Villa Garbald | Castasegna
29. Juni 2024 – 21. Juni 2025

Focus. Alex Hanimann präsentiert Fotografien aus dem Bildarchiv der ETH Zürich

Seit 2005 nutzt das Bündner Kunstmuseum die Villa Garbald in Castasegna als Aussenstelle. Die Räumlichkeiten dienen nicht als Galerie, vielmehr sollen mit Kunst Impulse im "Denklabor Villa Garbald" gesetzt werden.

Aus Anlass des Jubiläums «20 Jahre Seminarzentrum Villa Garbald» haben wir den Fokus der Kunsteinrichtung in Castasegna verschoben: Wir gehen diesmal nicht vom Werk eines Künstlers oder einer Künstlerin aus, sondern wollen Einblick geben ins unermessliche Bildarchiv wissenschaftlicher Fotografien der ETH Zürich. Niemand kann sich der Faszination dieses Reichtums entziehen. Daraus aber eine Auswahl zu treffen und diese in der Villa Garbald und im Neubau des Roccolo zu präsentieren, stellt eine besondere Herausforderung dar. Wir konnten dafür Alex Hanimann (*1955) gewinnen, der in seinem künstlerischen Werk immer wieder mit vorgefundenen Bildern arbeitet und uns daher für diese Aufgabe prädestiniert schien. Er setzt die von ihm aufgegriffenen Bilder meist in Zeichnung, Malerei oder Skulptur um oder bearbeitet sie durch Vergrösserung, Ausschnitte oder Raster. Für die Kunsteinrichtung in der Villa Garbald hat er fotografische Aufnahmen von Pflanzen aus dem Bildarchiv der ETH Zürich ausgewählt, präsentiert sie aber nüchtern und ohne weitere Verfremdung. Er interessiert sich vielmehr für die Schnittstellen und Brüche in den einzelnen Aufnahmen: Begeistert von der besonderen Bildqualität lässt er sich dabei einerseits von der Ästhetik leiten, von der Schönheit der Wachstumsformen und ihrer Erscheinung im fotografischen Bild. Andererseits erkennt er die wissenschaftlichen Ansprüche, die in fast jedem Bild zum Tragen kommen. Und letztlich interessieren ihn als Künstler die Formen der Inszenierung, an denen die Naturwissenschaftler ebenso teilhaben wie die Forscher des fotografischen Instituts. Alle haben sie ihre Methoden und ihre eigenen Praktiken, um den Bildern eine Form und einen Wert zu geben. Alex Hanimann eröffnet neue Perspektiven: Indem er die Aufnahmen aus ihrem klaren Kontext herauslöst, verleiht er ihnen eine überraschende Vielschichtigkeit und wir sehen nicht mehr nur die eine oder andere Pflanze, sondern zauberhafte Fotografien, in denen sich die Wissenschaft in der Kunst spiegelt und die Kunst in der Wissenschaft.

Depuis 2005, le Bündner Kunstmuseum utilise la Villa Garbald à Castasegna comme antenne. Les locaux ne servent pas de galerie, mais l'art doit plutôt donner des impulsions au "laboratoire de réflexion Villa Garbald".

A l'occasion du jubilé des "20 ans du centre de séminaires Villa Garbald", nous avons déplacé le centre d'intérêt de l'institution artistique de Castasegna : Cette fois-ci, nous ne partons pas de l'œuvre d'un artiste, mais nous voulons donner un aperçu des immenses archives d'images de photographies scientifiques de l'ETH Zurich. Personne ne peut se soustraire à la fascination de cette richesse. Mais en faire une sélection et la présenter dans la Villa Garbald et dans le nouveau bâtiment du Roccolo représente un défi particulier. Nous avons pu faire appel à Alex Hanimann (*1955), qui travaille toujours avec des visuels trouvés dans son œuvre artistique et qui nous semblait donc prédestiné à cette tâche. Il transpose généralement les visuels qu'il a repris en dessin, peinture ou sculpture, ou les retravaille en les agrandissant, en les découpant ou en les quadrillant. Pour l'installation artistique de la Villa Garbald, il a sélectionné des prises de vue photographiques de plantes provenant des archives photographiques de l'EPF de Zurich, mais il les présente de manière sobre, sans les détourner davantage. Il s'intéresse plutôt aux interfaces et aux ruptures dans les différentes prises de vue : Enthousiasmé par la qualité particulière des images, il se laisse ainsi guider d'une part par l'esthétique, par la beauté des formes de croissance et de leur apparition dans le visuel photographique. D'autre part, il reconnaît les exigences scientifiques qui interviennent dans presque chaque visuel. Et finalement, en tant qu'artiste, il s'intéresse aux formes de mise en scène auxquelles participent les scientifiques tout comme les chercheurs de l'institut photographique. Tous ont leurs méthodes et leurs propres pratiques pour donner une forme et une valeur aux visuels. Alex Hanimann ouvre de nouvelles perspectives : En sortant les prises de vue de leur contexte bien défini, il leur confère une complexité surprenante et nous ne voyons plus seulement l'une ou l'autre plante, mais des photographies magiques dans lesquelles la science se reflète dans l'art et l'art dans la science.

Dal 2005 il Bündner Kunstmuseum utilizza Villa Garbald a Castasegna come avamposto. La sede non funge da galleria, ma piuttosto da luogo in cui l'arte può dare impulso al "Villa Garbald Thinking Lab".

In occasione del 20° anniversario del centro seminariale di Villa Garbald, abbiamo spostato il focus dell'installazione artistica a Castasegna: Questa volta non partiamo dal lavoro di un artista, ma vogliamo offrire una visione dell'immenso archivio di fotografie scientifiche del Politecnico di Zurigo. Nessuno può sottrarsi al fascino di questa ricchezza. Ma farne una selezione e presentarla nella Villa Garbald e nel nuovo edificio del Roccolo è una sfida speciale. Siamo riusciti a convincere Alex Hanimann (*1955), che lavora ripetutamente con immagini trovate nel suo lavoro artistico e che quindi sembrava predestinato a questo compito. Di solito trasforma le immagini raccolte in disegni, dipinti o sculture, oppure ci lavora sopra ingrandendole, ritagliandole o utilizzando griglie. Per l'installazione artistica a Villa Garbald, ha selezionato immagini fotografiche di piante dall'archivio di immagini del Politecnico di Zurigo, ma le presenta in modo sobrio e senza ulteriore alienazione. È più interessato alle interfacce e alle interruzioni delle singole fotografie: Ispirato dalla particolare qualità dell'immagine, è guidato da un lato dall'estetica, dalla bellezza delle forme di crescita e dal loro aspetto nell'immagine fotografica. Dall'altro, riconosce le esigenze scientifiche che si manifestano in quasi tutte le immagini. E infine, come artista, è interessato alle forme di messa in scena a cui partecipano tanto gli scienziati naturali quanto i ricercatori dell'istituto fotografico. Tutti hanno i loro metodi e le loro pratiche per dare alle immagini una forma e un valore. Alex Hanimann apre nuove prospettive: Togliendo le fotografie dal loro contesto chiaro, conferisce loro una complessità sorprendente e non vediamo più solo una pianta o un'altra, ma fotografie incantevoli in cui la scienza si riflette nell'arte e l'arte nella scienza.

Since 2005, the Bündner Kunstmuseum has been using the Villa Garbald in Castasegna as an outpost. The premises do not serve as a gallery, but rather as a place where art can provide impetus in the "Villa Garbald Thinking Lab".

To mark the 20th anniversary of the Villa Garbald seminar center, we have shifted the focus of the art installation in Castasegna: This time we are not starting from the work of an artist, but want to give an insight into the immeasurable image archive of scientific photographs at ETH Zurich. No one can escape the fascination of this wealth. But making a selection from it and presenting it in the Villa Garbald and in the new Roccolo building is a special challenge. We were able to win over Alex Hanimann (*1955), who repeatedly works with found visuals in his artistic work and therefore seemed predestined for this task. He usually transforms the visuals he takes up into drawings, paintings or sculptures or works on them by enlarging them, cutting them out or using grids. For the art installation at Villa Garbald, he has selected photographic images of plants from the ETH Zurich image archive, but presents them soberly and without further alienation. He is more interested in the interfaces and breaks in the individual photographs: Enthused by the special image quality, he is guided on the one hand by aesthetics, by the beauty of the growth forms and their appearance in the photographic image. On the other hand, he recognizes the scientific claims that come to bear in almost every visual. And ultimately, as an artist, he is interested in the forms of staging in which the natural scientists participate just as much as the researchers at the photographic institute. They all have their own methods and their own practices to give the visuals a form and a value. Alex Hanimann opens up new perspectives: By removing the photographs from their clear context, he gives them a surprising complexity and we no longer see just one plant or another, but enchanting photographs in which science is reflected in art and art in science.

(Text: Bündner Kunstmuseum)

Alpines Museum der Schweiz
25. Oktober 2024 – 16. August 2026

Grönland. Alles wird anders

Eine neue filmische Ausstellung über Klimawandel und Dekolonialisierung, Overtourism, die Jagd nach Bodenschätzen, Wege zu einer neuen Landwirtschaft, die Zukunft der Jugend und die lebendige grönländische Musikszene.

Rasant schmelzende Eismassen, boomender Tourismus, drei neue Flughäfen im Bau, wachsende Müllberge, globale Investoren auf der Suche nach Bodenschätzen und ein selbstbewusstes Grönland auf dem Weg zu einer indigenen Identität und Unabhängigkeit. Grönlands Wandel ist heftig, ungestüm und widersprüchlich. Doch wie sehen das die Menschen dort? Und was lernen wir daraus über die Welt, in der wir leben? Wie gehen wir mit Dilemmas und Widersprüchen um? Was macht Angst, und wo liegen Chancen? Eine bewegende Filminstallation mit original Grönland-Soundtrack.

Une nouvelle exposition cinématographique sur le changement climatique et la décolonisation, l'overtourism, la chasse aux ressources minières, les voies vers une nouvelle agriculture, l'avenir des jeunes et la scène musicale vivante du Groenland.

Des masses de glace qui fondent à toute vitesse, un tourisme en plein essor, trois nouveaux aéroports en construction, des montagnes de déchets qui ne cessent de croître, des investisseurs mondiaux à la recherche de ressources naturelles et un Groenland sûr de lui, en route vers une identité indigène et l'indépendance. Les changements au Groenland sont violents, impétueux et contradictoires. Mais comment les habitants le perçoivent-ils ? Et qu'est-ce que cela nous apprend sur le monde dans lequel nous vivons ? Comment gérons-nous les dilemmes et les contradictions ? Qu'est-ce qui fait peur et où se trouvent les opportunités ? Une installation cinématographique émouvante avec une bande-son originale du Groenland.

Una nuova rassegna cinematografica sui cambiamenti climatici e la decolonizzazione, l'overtourism, la caccia alle risorse naturali, i percorsi verso una nuova agricoltura, il futuro dei giovani e la vivace scena musicale groenlandese.

Il rapido scioglimento delle masse di ghiaccio, il boom del turismo, tre nuovi aeroporti in costruzione, montagne di rifiuti in crescita, investitori globali alla ricerca di risorse naturali e una Groenlandia sicura di sé, in cammino verso un'identità e un'indipendenza autoctone. Il cambiamento della Groenlandia è violento, impetuoso e contraddittorio. Ma come lo vede la gente del posto? E cosa possiamo imparare da questo sul mondo in cui viviamo? Come affrontiamo i dilemmi e le contraddizioni? Cosa ci spaventa e dove sono le opportunità? Un'installazione cinematografica in movimento con una colonna sonora originale della Groenlandia.

A new cinematic exhibition about climate change and decolonization, overtourism, the race for natural resources, paths to a new agriculture, the future of young people and the vibrant Greenlandic music scene.

Rapidly melting ice masses, booming tourism, three new airports under construction, growing mountains of garbage, global investors looking for natural resources and a self-confident Greenland on the path to an indigenous identity and independence. Greenland's transformation is intense, impetuous and contradictory. But how do the people there see it? And what can we learn about the world we live in? How do we deal with dilemmas and contradictions? What causes fear and where do we see opportunities? A moving film installation with an original Greenlandic soundtrack.

(Text: Alpines Museum der Schweiz, Bern)

Museum im Bellpark | Kriens
1. Februar – 6. Juli 2025

Fred Waldvogel - Pilz Fotografie

Fred Waldvogel (1922-1997), Pilzkenner und Fotograf, holte sich vierzig Jahre lang Pilze aller Art vor seine Linse und fotografierte diese in weltweit einmaliger Qualität. Hinterlassen hat er ein Werk von über 1000 Aufnahmen, die in der Pilzfotografie neue Massstäbe setzten. Wir präsentieren ab Februar 2025 eine Auswahl des aussergewöhnlichen Schaffens von Waldvogel in einer Kabinettausstellung im zweiten Obergeschoss des Museums, parallel zur Ausstellung „One Million Bears“ der konzeptuellen Malerin Tina Braegger.

Fred Waldvogels Darstellungsweise reicht weit über eine wissenschaftliche Aufarbeitung der Pilze hinaus. Seine Einzel- und Gruppenportraits, mit teils landschaftlichem Charakter, die er als Pilz-Tableaus auf seinem Reprotisch im Studio sorgfältig arrangierte, machen ein erstaunliches und wundersames Paralleluniversum sichtbar. Aus den Bildern spricht nicht nur sein unbändiges Interesse, die Welt der Pilze besser zu verstehen, sondern auch seine sehr respektvolle und wertschätzende Haltung gegenüber diesen Lebewesen. Die Komposition und Inszenierung des Fotografen zeugen von beeindruckendem Sachverstand und enormen ästhetischem Bewusstsein. In einem Interview erwähnte Waldvogel einmal, dass ihn vor allem die Vielfalt der Pilze beeindrucke und begeistere. Tatsächlich gelang ihm immer wieder, das einzigartige Wesen und den individuellen Charme seiner „Modelle“ auf berührende und amüsante Weise herauszuarbeiten.

Die Ausstellung gewährt nun erstmals einen repräsentativen Einblick in das Pilzarchiv des Fotografen, das heute an der Universitätsbibliothek Zürich, Bereich Pflanzenwissenschaft aufbewahrt wird. In Zusammenarbeit mit Martin Stollenwerk, Leiter Fotografie am Schweizerischen Institut für Kunstwissenschaft SIK-ISEA, sowie Andreas Hertach, freier Kurator, haben wir den Fotobestand von über tausend Diapositiven gesichtet und daraus eine prägnante Auswahl für eine Inszenierung in unseren Ausstellungsräumen herausgelöst.

In Zusammenarbeit von Museum im Bellpark und Zeughaus Teufen entsteht ein Fotobuch über Fred Waldvogels Pilzfotografie, das von Bänziger Hug gestaltet und bei Jungle Books erscheinen wird. Das Buch wird im Verlauf der Ausstellung anlässlich einer Buchpräsentation im Wald, nahe dem Ort von Fred Waldvogels Fotostudio, der interessierten Öffentlichkeit vorgestellt. Termingerecht zur Herbstsaison werden die Myzelien dieser Pilzausstellung wundersam von Kriens nach Teufen im Appenzellerland ausgreifen: Im Zeughaus Teufen wird ab September ebenfalls eine Auswahl aus dem Bestand von Fred Waldvogel aufscheinen.

Fred Waldvogel (1922-1997), mycologue et photographe, a photographié pendant quarante ans des champignons de toutes sortes avec une qualité unique au monde. Il a laissé derrière lui une œuvre de plus de 1000 clichés qui ont posé de nouveaux jalons dans la photographie de champignons. À partir de février 2025, nous présenterons une sélection de l'œuvre exceptionnelle de Waldvogel dans une exposition de cabinet au deuxième étage du musée, parallèlement à l'exposition « One Million Bears » de la peintre conceptuelle Tina Braegger.

Le mode de représentation de Fred Waldvogel va bien au-delà d'un traitement scientifique des champignons. Ses portraits individuels et de groupe, parfois à caractère paysager, qu'il a soigneusement arrangés comme des tableaux de champignons sur sa table de reproduction dans son studio, rendent visible un univers parallèle étonnant et miraculeux. Ce qui ressort de ces images, c'est non seulement son intérêt irrépressible à mieux comprendre le monde des champignons, mais aussi son attitude très respectueuse et valorisante envers ces êtres vivants. La composition et la mise en scène du photographe témoignent d'une expertise impressionnante et d'une énorme conscience esthétique. Dans une interview, Waldvogel a mentionné un jour que c'était surtout la diversité des champignons qui l'impressionnait et l'enthousiasmait. En effet, il a toujours réussi à faire ressortir la nature unique et le charme individuel de ses « modèles » de manière touchante et amusante.

L'exposition donne pour la première fois un aperçu représentatif des archives du photographe sur les champignons, aujourd'hui conservées à la bibliothèque universitaire de Zurich, domaine des sciences végétales. En collaboration avec Martin Stollenwerk, directeur de la photographie à l'Institut suisse pour l'étude de l'art SIK-ISEA, et Andreas Hertach, commissaire d'exposition indépendant, nous avons examiné le fonds photographique de plus de mille diapositives et en avons extrait une sélection concise pour une mise en scène dans nos salles d'exposition.

Un livre de photos sur la photographie de champignons de Fred Waldvogel, conçu par Bänziger Hug et publié par Jungle Books, est né de la collaboration entre le Museum im Bellpark et l'arsenal de Teufen. Le livre sera présenté au public intéressé au cours de l'exposition, à l'occasion d'une présentation du livre dans la forêt, à proximité du lieu du studio photo de Fred Waldvogel. A l'approche de l'automne, le mycélium de cette exposition de champignons s'étendra miraculeusement de Kriens à Teufen, dans le pays d'Appenzell : A l'arsenal de Teufen, une sélection de champignons provenant du stock de Fred Waldvogel sera également exposée à partir de septembre.

Fred Waldvogel (1922-1997), conoscitore e fotografo di funghi, ha trascorso quarant'anni a fotografare funghi di ogni tipo davanti al suo obiettivo, catturandoli con una qualità ineguagliabile. Ha lasciato un'opera di oltre 1000 fotografie che hanno stabilito nuovi standard nella fotografia dei funghi. A partire da febbraio 2025, presenteremo una selezione della straordinaria opera di Waldvogel in un'esposizione in vetrina al primo piano del museo, accanto alla mostra “Un milione di orsi” della pittrice concettuale Tina Braegger.

Lo stile di rappresentazione di Fred Waldvogel va ben oltre l'analisi scientifica dei funghi. I suoi ritratti individuali e di gruppo, alcuni dei quali di carattere paesaggistico, disposti con cura come tableaux di funghi sul suo tavolo di riproduzione in studio, rivelano un universo parallelo sorprendente e meraviglioso. Le immagini riflettono non solo il suo irrefrenabile interesse per una migliore comprensione del mondo dei funghi, ma anche il suo atteggiamento di grande rispetto e apprezzamento nei confronti di queste creature. La composizione e la messa in scena del fotografo testimoniano la sua impressionante competenza e la sua enorme consapevolezza estetica. In un'intervista, Waldvogel ha detto di essere particolarmente colpito e ispirato dalla diversità dei funghi. In effetti, è sempre riuscito a sottolineare la natura unica e il fascino individuale dei suoi “modelli” in modo toccante e divertente.

La mostra offre ora la prima visione rappresentativa dell'archivio di funghi del fotografo, ora conservato presso la Biblioteca Universitaria di Zurigo, Dipartimento di Scienze Vegetali. In collaborazione con Martin Stollenwerk, responsabile della fotografia presso l'Istituto Svizzero per la Ricerca Artistica SIK-ISEA, e Andreas Hertach, curatore freelance, abbiamo passato al setaccio la collezione fotografica di oltre mille diapositive e ne abbiamo fatto una selezione concisa da presentare nelle nostre sale espositive.

Il Museum im Bellpark e Zeughaus Teufen stanno collaborando alla realizzazione di un libro fotografico sulla fotografia di funghi di Fred Waldvogel, che sarà progettato da Bänziger Hug e pubblicato da Jungle Books. Il libro sarà presentato al pubblico interessato durante la mostra, in occasione del lancio del libro nella foresta, vicino alla sede dello studio fotografico di Fred Waldvogel. Giusto in tempo per la stagione autunnale, i miceli di questa mostra di funghi si diffonderanno miracolosamente da Kriens a Teufen in Appenzello: Una selezione della collezione di Fred Waldvogel sarà esposta anche nella Zeughaus Teufen a partire da settembre.

For forty years, mycologist and photographer Fred Waldvogel (1922-1997) captured mushrooms of all kinds on film, producing images of unparalleled quality. He left behind a body of work comprising over 1000 photographs that set new standards in the field of fungus photography. From February 2025, we will be presenting a selection of Waldvogel's extraordinary work in a cabinet exhibition on the second floor of the museum, parallel to the exhibition ‘One Million Bears’ by conceptual painter Tina Braegger.

Fred Waldvogel's approach goes far beyond a scientific study of mushrooms. His individual and group portraits, some of which have a landscape-like character, carefully arranged as mushroom tableaux on his studio table, reveal a wondrous and wondrous parallel universe. The images not only reflect his overwhelming interest in better understanding the world of fungi, but also his great respect and appreciation for these creatures. The photographer's composition and staging testify to his impressive expertise and enormous aesthetic awareness. In an interview, Waldvogel once mentioned that it was above all the diversity of fungi that impressed and inspired him. And indeed, he repeatedly succeeded in bringing out the unique essence and individual charm of his ‘models’ in a touching and amusing way.

The exhibition now provides a representative insight into the photographer's fungus archive, which is now kept at the University of Zurich's Botanical Science Department. In collaboration with Martin Stollenwerk, head of photography at the Swiss Institute for Art Research SIK-ISEA, and Andreas Hertach, freelance curator, we have sifted through the photographic collection of over a thousand slides and selected a concise selection for a staging in our exhibition spaces.

A photo book about Fred Waldvogel's mushroom photography is being created in collaboration with the Museum im Bellpark and the Zeughaus Teufen. The book will be designed by Bänziger Hug and published by Jungle Books. The book will be presented to the public during the exhibition at a book presentation in the forest near the location of Fred Waldvogel's photo studio. Just in time for the autumn season, the mycelia of this mushroom exhibition will miraculously spread from Kriens to Teufen in the Appenzell region: a selection from Fred Waldvogel's collection will also be on display at the Zeughaus Teufen from September.

(Text: Museum im Bellpark, Kriens)

Amerikahaus | München
1. Februar - 31. Juli 2025

Mode, Kunst und Kriegsberichte: Die vielen Leben der Lee Miller

Das Amerikahaus München zeigt bis zum 31. Juli 2025 Aufnahmen aus den unterschiedlichsten Schaffensphasen der US-Amerikanerin Lee Miller, eine der herausragenden Fotografinnen des 20. Jahrhunderts. Einige der beeindruckendsten Fotoaufnahmen, die vor rund 80 Jahren in Deutschland am Ende des Zweiten Weltkrieges gemacht wurden, stammen von Lee Miller (1907-1977). Miller hat unerschrocken US-amerikanische Soldaten bei ihrem Vormarsch in Europa begleitet und unter anderem Aufnahmen von der Befreiung der Konzentrationslager Buchenwald und Dachau und von Städten wie München in Trümmern angefertigt; ihre Kriegsfotografien spiegeln den amerikanischen Blick auf das Ende des Krieges in Europa wider.

Das Amerikahaus zeigt in Kooperation mit Lee Miller Archives und dem Elisabeth Sandmann Verlag knapp 100 von Millers Schwarz-Weiß-Aufnahmen aus ihren verschiedenen künstlerischen Schaffensphasen; neben Bildern aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs und der sogenannten Stunde Null auch Aufnahmen aus ihrer Zeit in Paris, New York, Ägypten und England.

Miller war viele Jahre als Fotografin für die britische und amerikanische Vogue tätig, war in der Kunstszene gut vernetzt und arbeitete mit bekannten Künstlern wie Pablo Picasso und Man Ray zusammen, mit denen sie eng befreundet war und die sie auch fotografierte. Berühmtheit erlangte sie vor allem durch das Foto, welches am 30. April 1945 von ihr geschossen wurde: Lee Miller begleitete einen Trupp USSoldaten, der an dem Tag, an dem Adolf Hitler Selbstmord beging, in die verlassene Münchner Wohnung des „Führers“ eindrang. Miller stieg in Hitlers Badewanne, ihre vom Konzentrationslager Dachau schmutzigen Stiefel auf der Badematte davor abgestreift und abgestellt, und ließ sich so inszeniert von ihrem Freund und Kollegen David E. Scherman mit ihrer eigenen Kamera ablichten.

Fotomodell und erste Begegnungen mit der Fotografie
Millers erste Karriere begann vor der Kamera: Als 19-Jährige wurde Miller in New York von Condé Nast, Verleger der Modezeitschrift Vogue, vor einem heranpreschenden Auto gerettet und als Fotomodell entdeckt. Regelmäßig wurde sie für Modezeitschriften fotografiert und interessierte sich für die Technik des Fotografierens. Edward Steichen, eine Schlüsselfigur der modernen Fotografie im 20. Jahrhundert, war zu der Zeit Cheffotograf der Vogue und ermunterte Lee Miller, selbst zu fotografieren. Steichen war es auch, der ihr ein persönliches Empfehlungsschreiben für den bekannten surrealistischen Künstler Man Ray ausstellte, als Millers Modelkarriere mit Mitte 20 endete und sie Schülerin von Man Ray werden wollte. Sie war als Model das Gesicht einer landesweiten Werbekampagne für Damenbinden geworden, was für Empörung sorgte und weshalb niemand mehr mit ihr werben wollte. Miller entschied sich für ein Leben hinter der Kamera, was ihr ganz recht war, da sie laut eigener Aussage lieber Bilder machen wollte als ein Bild zu sein – ihre Karriere als Künstlerin begann.

Surrealistische Künstlerin, Modefotografin, Kriegsreporterin und Köchin
1929 ging sie nach Paris, wo sie bereits Jahre zuvor einige Monate verbracht hatte und wo der Amerikaner und Avantgarde-Fotograf Man Ray lebte. Man Ray unterstützte und förderte Miller; die beiden waren Schülerin und Lehrer, Modell und Künstler, Liebespaar und langjährige Freunde. Zusammen entdeckten sie die Technik der sogenannten „Solarisation“, bei der die Hell- und Dunkelwerte von Fotos verfremdet werden. So entwickelte Miller ihren eigenen surrealistischfotografischen Stil, der auch spätere Aufnahmen von ihr zeichnet. Zahlreiche Fotos, bei der Miller diese Solarisationstechnik verwendet hat, sind in der Ausstellung im Amerikahaus zu sehen.

Nach einer kurzen Rückkehr nach New York, wo Miller ein eigenes Fotostudio eröffnete, heiratete sie den ägyptischen Geschäftsmann Aziz Eloui Bey und zog nach Kairo. Die Ehe war nicht von Dauer und sie kehrte nach Paris zurück. Dort lernte sie den britischen Surrealisten Roland Penrose kennen und zog zu Beginn des Zweiten Weltkriegs zu ihm nach London. Als Amerikanerin erhielt sie keine Arbeitserlaubnis und arbeitete freiberuflich als Modefotografin für die Vogue. Sie ließ sich als zivile Kriegsberichterstatterin akkreditieren und konnte innerhalb einer USMilitäreinheit am Vormarsch der Alliierten in Europa von 1944 bis 1945 teilnehmen.

La Maison de l'Amérique de Munich présente jusqu'au 31 juillet 2025 des clichés des différentes phases de l'œuvre de l'Américaine Lee Miller, l'une des photographes les plus remarquables du 20e siècle. Certaines des photos les plus impressionnantes prises en Allemagne à la fin de la Seconde Guerre mondiale, il y a environ 80 ans, ont été prises par Lee Miller (1907-1977). Miller a accompagné intrépidement des soldats américains lors de leur avancée en Europe et a notamment pris des photos de la libération des camps de concentration de Buchenwald et Dachau et de villes comme Munich en ruines ; ses photographies de guerre reflètent le regard américain sur la fin de la guerre en Europe.

En coopération avec Lee Miller Archives et les éditions Elisabeth Sandmann, la Maison de l'Amérique présente près de 100 clichés en noir et blanc de Miller, issus de ses différentes phases de création artistique ; outre des visuels de l'époque de la Seconde Guerre mondiale et de ce que l'on appelle l'heure zéro, des clichés de sa période à Paris, New York, en Égypte et en Angleterre.

Miller a travaillé pendant de nombreuses années comme photographe pour le Vogue britannique et américain, elle avait un bon réseau dans le milieu artistique et a collaboré avec des artistes connus comme Pablo Picasso et Man Ray, avec lesquels elle était très amie et qu'elle a également photographiés. Elle est surtout devenue célèbre grâce à la photo qu'elle a prise le 30 avril 1945 : Lee Miller accompagnait un groupe de soldats américains qui pénétraient dans l'appartement abandonné du « Führer » à Munich le jour où Adolf Hitler s'est suicidé. Miller est entrée dans la baignoire d'Hitler, ses bottes sales du camp de concentration de Dachau retirées et posées sur le tapis de bain devant elle, et s'est fait photographier avec son propre appareil photo, mise en scène par son ami et collègue David E. Scherman.

Mannequin et premières rencontres avec la photographie
La première carrière de Miller a commencé devant l'objectif : à 19 ans, Miller a été sauvée d'une voiture qui fonçait sur elle à New York par Condé Nast, éditeur du magazine de mode Vogue, qui l'a découverte comme mannequin. Régulièrement photographiée pour des magazines de mode, elle s'est intéressée à la technique de la prise de vue. Edward Steichen, une figure clé de la photographie moderne au 20e siècle, était à l'époque le photographe en chef de Vogue et a encouragé Lee Miller à prendre elle-même des photos. C'est également Steichen qui lui a délivré une lettre de recommandation personnelle pour le célèbre artiste surréaliste Man Ray, alors que la carrière de mannequin de Miller s'arrêtait au milieu de la vingtaine et qu'elle voulait devenir l'élève de Man Ray. En tant que mannequin, elle était devenue le visage d'une campagne publicitaire nationale pour des serviettes hygiéniques, ce qui avait suscité l'indignation et c'est pourquoi plus personne ne voulait faire de la publicité avec elle. Miller a décidé de passer sa vie derrière la caméra, ce qui lui convenait parfaitement puisque, selon ses propres dires, elle préférait faire des visuels plutôt que d'être un visuel - sa carrière d'artiste a commencé.

Artiste surréaliste, photographe de mode, reporter de guerre et cuisinière
En 1929, elle se rendit à Paris, où elle avait déjà passé quelques mois des années auparavant et où vivait l'Américain et photographe d'avant-garde Man Ray. Man Ray soutenait et encourageait Miller ; tous deux étaient à la fois élève et professeur, modèle et artiste, couple d'amoureux et amis de longue date. Ensemble, ils ont découvert la technique dite de la « solarisation », qui consiste à altérer les valeurs de clarté et d'obscurité des photos. Miller a ainsi développé son propre style de photographie surréaliste, qui caractérise également les clichés qu'elle a pris par la suite. De nombreuses photos dans lesquelles Miller a utilisé cette technique de solarisation sont présentées dans l'exposition de la Maison de l'Amérique.

Après un bref retour à New York, où Miller a ouvert son propre studio photo, elle a épousé l'homme d'affaires égyptien Aziz Eloui Bey et s'est installée au Caire. Le mariage ne dura pas et elle retourna à Paris. C'est là qu'elle a fait la connaissance du surréaliste britannique Roland Penrose et qu'elle l'a rejoint à Londres au début de la Seconde Guerre mondiale. En tant qu'Américaine, elle n'obtint pas de permis de travail et travailla en free-lance comme photographe de mode pour le magazine Vogue. Elle s'est fait accréditer comme correspondante de guerre civile et a pu participer à l'avancée des Alliés en Europe de 1944 à 1945 au sein d'une unité militaire américaine.

Fino al 31 luglio 2025, l'Amerikahaus München espone le fotografie delle varie fasi creative dell'americana Lee Miller, una delle più importanti fotografe donne del XX secolo. Alcune delle fotografie più impressionanti scattate circa 80 anni fa in Germania alla fine della Seconda guerra mondiale sono state realizzate da Lee Miller (1907-1977). La Miller accompagnò senza timore i soldati americani nella loro avanzata in Europa e scattò foto della liberazione dei campi di concentramento di Buchenwald e Dachau e di città come Monaco di Baviera in rovina; le sue fotografie di guerra riflettono la visione americana della fine della guerra in Europa.

In collaborazione con l'Archivio Lee Miller e l'Elisabeth Sandmann Verlag, l'Amerikahaus espone quasi 100 fotografie in bianco e nero della Miller, appartenenti alle sue diverse fasi artistiche; oltre alle immagini della Seconda guerra mondiale e della cosiddetta ora zero, sono presenti anche fotografie del periodo trascorso a Parigi, New York, in Egitto e in Inghilterra.

La Miller ha lavorato per molti anni come fotografa per Vogue britannico e americano, era ben inserita nella scena artistica e ha lavorato con artisti famosi come Pablo Picasso e Man Ray, con i quali era molto amica e che ha anche fotografato. Divenne famosa soprattutto per la foto che scattò il 30 aprile 1945: Lee Miller accompagnò una squadra di soldati statunitensi che entrarono nell'appartamento abbandonato del “Führer” a Monaco il giorno in cui Adolf Hitler si suicidò. La Miller entrò nella vasca da bagno di Hitler, con gli stivali sporchi del campo di concentramento di Dachau puliti e appoggiati sul tappetino davanti alla vasca, e si fece fotografare con la sua macchina fotografica dall'amico e collega David E. Scherman.

Modella e primi incontri con la fotografia
La prima carriera della Miller inizia davanti all'obiettivo: a 19 anni, viene salvata da un'auto in corsa a New York da Condé Nast, editore della rivista di moda Vogue, e scoperta come modella. Viene fotografata regolarmente per le riviste di moda e si interessa alla tecnica fotografica. Edward Steichen, figura chiave della fotografia moderna del XX secolo, era all'epoca il capo fotografo di Vogue e incoraggiò Lee Miller a scattare fotografie da sola. Fu sempre Steichen a fornirle una lettera di raccomandazione personale per il famoso artista surrealista Man Ray quando la carriera di modella della Miller finì a metà dei suoi vent'anni e lei voleva diventare una studentessa di Man Ray. Come modella, era diventata il volto di una campagna pubblicitaria nazionale per gli assorbenti igienici, che aveva suscitato indignazione e aveva fatto sì che nessuno volesse più fare pubblicità con lei. La Miller optò per una vita dietro la macchina fotografica, cosa che le andava benissimo, visto che diceva di preferire fare immagini piuttosto che essere un'immagine: iniziò così la sua carriera di artista.

Artista surrealista, fotografa di moda, reporter di guerra e cuoca
Nel 1929 si recò a Parigi, dove aveva già trascorso alcuni mesi e dove viveva il fotografo americano e d'avanguardia Man Ray. Man Ray sostenne e incoraggiò la Miller; i due furono studente e insegnante, modella e artista, amanti e amici di lunga data. Insieme scoprirono la tecnica della “solarizzazione”, in cui i valori chiari e scuri delle foto vengono distorti. La Miller sviluppò così il suo stile fotografico surrealista, che caratterizza anche le sue fotografie successive. Numerose foto in cui la Miller utilizza questa tecnica di solarizzazione sono visibili nella mostra all'Amerikahaus.

Dopo un breve ritorno a New York, dove Miller aprì un proprio studio fotografico, sposò l'uomo d'affari egiziano Aziz Eloui Bey e si trasferì al Cairo. Il matrimonio non dura e lei torna a Parigi. Qui incontra il surrealista britannico Roland Penrose e si trasferisce a Londra per vivere con lui all'inizio della Seconda guerra mondiale. In quanto americana, non le fu concesso un permesso di lavoro e lavorò come fotografa di moda freelance per Vogue. Accreditata come corrispondente di guerra civile, poté partecipare all'avanzata degli Alleati in Europa dal 1944 al 1945 come membro di un'unità militare statunitense.

Until 31 July 2025, the Amerikahaus München is showing photographs from the most diverse creative phases of the American Lee Miller, one of the outstanding photographers of the 20th century. Some of the most impressive photographs taken in Germany at the end of the Second World War around 80 years ago were taken by Lee Miller (1907-1977). Miller fearlessly accompanied U.S. soldiers as they advanced in Europe, taking pictures of the liberation of the Buchenwald and Dachau concentration camps and of cities such as Munich in ruins, among other things. Her war photographs reflect the American view of the end of the war in Europe.

The Amerikahaus, in cooperation with the Lee Miller Archives and Elisabeth Sandmann Verlag, is showing nearly 100 of Miller's black-and-white photographs from her various artistic periods, including visuals from the Second World War and the so-called Stunde Null (zero hour), as well as photographs from her time in Paris, New York, Egypt, and England.

Miller worked as a photographer for British and American Vogue for many years, was well connected in the art scene and worked with well-known artists such as Pablo Picasso and Man Ray, with whom she was close friends and whom she also photographed. She achieved fame mainly through the photo she took on 30 April 1945: Lee Miller was accompanying a group of US soldiers who broke into the ‘Führer's’ abandoned Munich apartment on the day Adolf Hitler committed suicide. Miller got into Hitler's bathtub, her boots, dirty from Dachau concentration camp, were placed on the bath mat in front of it, and she had herself photographed by her friend and colleague David E. Scherman, who staged the scene with her own camera.

Photo model and first encounters with photography
Miller's first career began in front of the camera: at the age of nineteen, Miller was discovered as a photo model by Condé Nast, publisher of the fashion magazine Vogue, after being saved from a crashing car in New York. She was regularly photographed for fashion magazines and became interested in the technique of photography. Edward Steichen, a key figure in 20th-century modern photography, was head photographer at Vogue at the time and encouraged Lee Miller to take photographs herself. It was also Steichen who wrote her a personal letter of recommendation for the well-known surrealist artist Man Ray when Miller's modelling career came to an end in her mid-20s and she wanted to become Man Ray's student. She had become the face of a nationwide advertising campaign for sanitary napkins, which caused outrage and is why no one wanted to advertise with her anymore. Miller decided to live behind the camera, which suited her just fine, because, as she said, she wanted to make pictures rather than be a picture – and so her career as an artist began.

Surrealist artist, fashion photographer, war reporter and cook
In 1929, she went to Paris, where she had already spent a few months years earlier and where the American avant-garde photographer Man Ray lived. Man Ray supported and encouraged Miller; the two were teacher and student, model and artist, lovers and long-time friends. Together they discovered the technique of so-called ‘solarisation’, in which the light and dark values of photos are distorted. This is how Miller developed her own surrealistic photographic style, which also characterises her later photographs. Numerous photos in which Miller used this solarisation technique can be seen in the exhibition at the Amerikahaus.

After a brief return to New York, where Miller opened her own photography studio, she married the Egyptian businessman Aziz Eloui Bey and moved to Cairo. The marriage was short-lived and she returned to Paris. There she met the British surrealist Roland Penrose and moved to London at the beginning of the Second World War to be with him. As an American, she was unable to obtain a work permit and worked as a freelance fashion photographer for Vogue. She was accredited as a civilian war correspondent and was able to participate in the advance of the Allies in Europe from 1944 to 1945 as part of a US military unit.

(Text: Amerikahaus, München)

Ruhr Museum | Essen
10. Februar – 24. August 2025

Bilder im Auftrag. Fotografien von Ruth Hallensleben 1931–1973

Die Fotografin Ruth Hallensleben (1898 -1977, geb. und gestorben in Köln) war vor allem in den Bereichen Landschaft, Architektur, Industrie, Porträt, Reise und Werbung aktiv. Die zunächst in Köln, später in Wiehl und Wuppertal lebende Hallensleben war bekannt für ihre idealisierten Darstellungen und ihre präzisen Inszenierungen. Bislang ist Ruth Hallensleben vorrangig als Industriefotografin ausgestellt worden; nun werden zum ersten Mal Bilder aus allen ihren Arbeitsfeldern gezeigt.

Ruth Hallensleben kam erst spät zur Fotografie. Nach fast 15-jähriger Tätigkeit in Sozial- und Verwaltungsberufen begann sie 1930 eine Lehre im Foto-Atelier der renommierten Kölner Porträtfotografin Elsbeth Gropp. Bereits ein Jahr später hatte Hallensleben ihre erste Veröffentlichung in der Zeitschrift der Vereinigten Stahlwerke „Das Werk“. Von 1934 bis 1973 übernahm sie als selbständige Fotografin zahlreiche Aufträge im gesamten damaligen Deutschen Reich sowie in der späteren Bundesrepublik und war somit in zwei unterschiedlichen politischen Systemen tätig.

La photographe Ruth Hallensleben (1898-1977, née et décédée à Cologne) était principalement active dans les domaines du paysage, de l'architecture, de l'industrie, du portrait, du voyage et de la publicité. Ayant d'abord vécu à Cologne, puis à Wiehl et Wuppertal, Hallensleben était connue pour ses représentations idéalisées et ses mises en scène précises. Jusqu'à présent, Ruth Hallensleben a surtout été exposée en tant que photographe industrielle ; aujourd'hui, des visuels issus de tous ses domaines de travail sont présentés pour la première fois.

Ruth Hallensleben s'est lancée tardivement dans la photographie. Après avoir travaillé pendant près de 15 ans dans le domaine social et administratif, elle a commencé en 1930 un apprentissage dans l'atelier photo de la célèbre photographe portraitiste Elsbeth Gropp à Cologne. Un an plus tard, Hallensleben publiait déjà son premier travail dans le magazine « Das Werk » des Vereinigte Stahlwerke. De 1934 à 1973, elle a travaillé comme photographe indépendante et a réalisé de nombreuses commandes dans tout l'ancien Reich allemand, puis dans la République fédérale, travaillant ainsi sous deux régimes politiques différents.

La fotografa Ruth Hallensleben (1898-1977, nata e morta a Colonia) era attiva soprattutto nei settori del paesaggio, dell'architettura, dell'industria, del ritratto, dei viaggi e della pubblicità. Hallensleben, che visse inizialmente a Colonia e successivamente a Wiehl e Wuppertal, era nota per le sue rappresentazioni idealizzate e le sue messe in scena precise. Finora Ruth Hallensleben è stata esposta principalmente come fotografa industriale; ora, per la prima volta, vengono presentate immagini provenienti da tutti i suoi campi di attività.

Ruth Hallensleben si avvicinò alla fotografia in età avanzata. Dopo quasi 15 anni di attività in ambito sociale e amministrativo, nel 1930 iniziò un apprendistato presso lo studio fotografico della rinomata fotografa ritrattista di Colonia Elsbeth Gropp. Già un anno dopo, Hallensleben ha pubblicato il suo primo lavoro sulla rivista delle Vereinigte Stahlwerke “Das Werk”. Dal 1934 al 1973 ha lavorato come fotografa indipendente, ricevendo numerosi incarichi in tutto l'allora Reich tedesco e nella successiva Repubblica Federale Tedesca, operando così in due sistemi politici diversi.

The photographer Ruth Hallensleben (1898–1977, born and died in Cologne) was primarily active in the fields of landscape, architecture, industry, portraiture, travel and advertising. Hallensleben, who initially lived in Cologne and later in Wiehl and Wuppertal, was known for her idealised depictions and precise staging. Until now, Ruth Hallensleben has primarily been exhibited as an industrial photographer; now, for the first time, visuals from all of her fields of work are being shown.

Ruth Hallensleben came to photography late in life. After working in social and administrative professions for almost 15 years, she began an apprenticeship in 1930 at the photo studio of renowned Cologne portrait photographer Elsbeth Gropp. Just one year later, Hallensleben had her first publication in the magazine of the Vereinigte Stahlwerke (United Steelworks), Das Werk. From 1934 to 1973, she worked as a freelance photographer, taking on numerous commissions throughout the former German Reich and later the Federal Republic of Germany, thus working in two different political systems.

(Text: Ruhr Museum, Essen)

Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean
14. Februar – 24. August 2025

Lisa Oppenheim: Monsieur Steichen

Die Ausstellung findet im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie Luxemburg statt.

Das Mudam Luxembourg präsentiert die Ausstellung "Monsieur Steichen" von Lisa Oppenheim. Oppenheim zeichnet ein überraschendes Porträt von Edward Steichen, indem sie sich auf seine unbekannteren Leidenschaften konzentriert: Blumen, Textildesigns und Farbfotografie.

Die Ausstellung erweckt unter anderem eine ausgestorbene Schwertlilienart namens "Monsieur Steichen" durch eine Kombination aus Steichens Dye-Transfer-Technik und künstlicher Intelligenz wieder zum Leben. Zudem entwickelte Oppenheim eine neue Stoffkollektion in Zusammenarbeit mit Zoe Latta, basierend auf Steichens unverwendeten Textilmotiven. Paravents mit diesen Stoffen zeigen auf der Rückseite Fotografien von Steichens Ehefrauen und seiner Mutter.

Weitere Werke sind Oppenheims "Steichen Studies" und die sich verändernde florale Komposition "Bouquet of Flowers (a photographic score) 1940/2025". Im Außenbereich des Mudam entsteht zudem "Eduard’s Garden", eine Rittersporn-Installation, die Steichens botanische Leidenschaft widerspiegelt und während der Ausstellung wachsen wird.

"Monsieur Steichen" lädt dazu ein, die Transformationsmöglichkeiten des Bildes zu erkunden und Steichens Arbeitsweise neu zu interpretieren.

Le Mudam Luxembourg présente l'exposition "Monsieur Steichen" de Lisa Oppenheim (14.02. – 24.08.2025). Oppenheim y dresse un portrait surprenant d'Edward Steichen, en se concentrant sur ses passions moins connues : les fleurs, les créations textiles et la photographie couleur.

L'exposition ressuscite notamment une espèce d'iris éteinte appelée "Monsieur Steichen" grâce à une combinaison de la technique de Dye-Transfer de Steichen et de l'intelligence artificielle. Oppenheim a également conçu une nouvelle collection de tissus en collaboration avec Zoe Latta, basée sur des motifs textiles non utilisés par Steichen. Des paravents recouverts de ces tissus présentent au dos des photographies des épouses et de la mère de Steichen.

D'autres œuvres incluent les "Steichen Studies" d'Oppenheim et la composition florale évolutive "Bouquet of Flowers (a photographic score) 1940/2025". À l'extérieur du Mudam, "Eduard’s Garden", une installation de delphiniums, reflétera la passion botanique de Steichen et grandira pendant l'exposition.

"Monsieur Steichen" invite à explorer les possibilités de transformation de l'image et à réinterpréter l'approche artistique de Steichen.

Il Mudam Luxembourg presenta la mostra "Monsieur Steichen" di Lisa Oppenheim (14.02. – 24.08.2025). Oppenheim traccia un sorprendente ritratto di Edward Steichen, concentrandosi sulle sue passioni meno note: i fiori, i design tessili e la fotografia a colori.

L'esposizione riporta in vita una specie estinta di iris chiamata "Monsieur Steichen" attraverso una combinazione della tecnica Dye-Transfer di Steichen e dell'intelligenza artificiale. Inoltre, Oppenheim ha creato una nuova collezione di tessuti in collaborazione con Zoe Latta, basata su motivi tessili inutilizzati da Steichen. I paraventi rivestiti con questi tessuti mostrano sul retro fotografie delle mogli e della madre di Steichen.

Altre opere includono gli "Steichen Studies" di Oppenheim e la composizione floreale in evoluzione "Bouquet of Flowers (a photographic score) 1940/2025". All'esterno del Mudam, "Eduard’s Garden", un'installazione di delphinium, rifletterà la passione botanica di Steichen e crescerà durante la mostra.

"Monsieur Steichen" invita a esplorare le possibilità di trasformazione dell'immagine e a reinterpretare l'approccio artistico di Steichen.

The Mudam Luxembourg presents "Monsieur Steichen", an exhibition by American artist Lisa Oppenheim (14.02. – 24.08.2025). Oppenheim offers a surprising portrait of Edward Steichen, focusing on his lesser-known passions: flowers, textile designs, and color photography.

The exhibition, among other things, revives an extinct iris species named "Monsieur Steichen" by combining Steichen's Dye-Transfer technique with artificial intelligence. Oppenheim also designed a new textile collection in collaboration with Zoe Latta, based on Steichen's unused textile motifs. Screens covered with these fabrics feature photographs of Steichen's wives and mother on their reverse sides.

Further works include Oppenheim's "Steichen Studies" and the evolving floral composition "Bouquet of Flowers (a photographic score) 1940/2025". Outside the Mudam, "Eduard’s Garden", a delphinium installation, will reflect Steichen's botanical passion and grow during the exhibition.

"Monsieur Steichen" invites viewers to explore the transformative possibilities of the image and reinterpret Steichen's artistic approach.

Huis Marseille - Museum for Photography | Amsterdam
15. Februar – 22. Juni 2025

Revoir Paris - Paris through the lens of the Séeberger brothers (1900-1907)

Das Huis Marseille, Museum für Fotografie (Amsterdam), zeigt in der Ausstellung „Revoir Paris. Paris durch die Linse der Brüder Séeberger (1900-1907)“ eine Auswahl von 72 großformatigen Originalabzügen der Brüder Séeberger, erfolgreicher französischer Amateurfotografen. Die Fotos der Brüder wurden im Rahmen von vier Fotowettbewerben aufgenommen, die die Stadt Paris zu Beginn des 20. Jahrhunderts veranstaltete, und befinden sich heute im Besitz des Musée Carnavalet, dem Museum für die Geschichte von Paris. Sie stellen eine frühe Form der Straßenfotografie dar und wurden noch nie in diesem Umfang ausgestellt. Von den 72 im Huis Marseille gezeigten Abzügen wurden 16 im Jahr 2017 auf dem Dachboden des Pariser Museums wiederentdeckt.

Reise durch das Paris der Belle Époque
Die Brüder Séeberger waren Jules (1872–1932) und seine beiden jüngeren Brüder Henri (1876–1956) und Louis (1874–1946). Ihre Fotos zeigen die bekanntesten Orte der Stadt, wie Montmartre, aber auch weniger bekannte Orte, wie den Fluss Bièvre. Jeder Ort wird durch die Anwesenheit von Pariser Männern und Frauen belebt. Die Ausstellung bietet eine chronologische und thematische Reise durch das Paris der Belle Epoque, gesehen durch die Linse der Brüder Séeberger, die wie kein anderer die Atmosphäre der Hauptstadt am Vorabend des Ersten Weltkriegs einfingen.

Amateurfotografiewettbewerbe
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden Kameras immer benutzerfreundlicher und die Fotografie zog immer mehr Liebhaber an. Der Pariser Stadtrat reagierte darauf mit der Organisation von Amateur-Dokumentarfotografiewettbewerben, die in einer Ausstellung gipfelten. Zwischen 1904 und 1907 fanden vier solcher Wettbewerbe statt, an denen die Brüder Séeberger alle vier teilnahmen. Die Stadt gab die Themen vor und konzentrierte sich dabei auf historische Orte oder Stätten, die von Veränderungen bedroht waren oder sogar verschwinden könnten, wie den Jardin du Luxembourg, den Jardin des Plantes, die Ufer der Seine, das historische Montmartre, die großen Hôtels (Privatvillen) im Marais-Viertel und die Bièvre. Die eingesandten Fotos wurden von einer Jury bewertet und im Petit Palais ausgestellt. Die Gewinner erhielten eine Medaille und die Stadtverwaltung erwarb die Siegerfotos für die Sammlung des Musée Carnavalet. Diese vier Ausstellungen boten den Séeberger-Brüdern die Möglichkeit, auf ihre Arbeit aufmerksam zu machen, und legten den Grundstein für ihre Karriere, die sich später auf Postkarten und Fotos von schön gekleideten Frauen auf der Straße konzentrierte.

Großformatige Drucke
Die Brüder unterschieden sich von anderen Fotografen durch den Druck im Großformat und die Belebung ihrer Stadtlandschaften mit menschlichen Figuren. Obwohl die meisten dieser Bilder aufgrund der langen Belichtungszeiten gestellt werden mussten, erwecken die Posen der menschlichen Figuren den Eindruck, dass die Bilder spontan aufgenommen wurden, und die Fotos erinnern sofort an Schnappschüsse. Diese Eigenschaften sind auch heute noch auffällig, insbesondere wenn man bedenkt, dass Vergrößerungen zu dieser Zeit selten waren und die Brüder mit Glasplatten im Format 13 x 18 cm und sogar 18 x 24 cm arbeiteten.

Eine bemerkenswerte Entdeckung
Das Musée Carnavalet besitzt eine außergewöhnliche Sammlung von 423 Drucken, die alle Teil der vier Fotowettbewerbe waren, und ist das einzige Museum, das großformatige Drucke dieser Fotos der Brüder Séeberger besitzt. Im Jahr 2017 machte das Museum eine bemerkenswerte Entdeckung: Bei den Vorbereitungen für den Umzug aller Sammlungen, um Renovierungsarbeiten durchzuführen, wurden auf dem Dachboden fünfzig großformatige Drucke auf grauem Karton von Jules Séeberger gefunden. Sie waren für die zweite Ausstellung (über das alte Montmartre, Privatgärten und die Bièvre) angefertigt worden. 16 dieser wiederentdeckten Drucke werden im Huis Marseille ausgestellt. Dieser jüngste Fund bildete die Grundlage für neue Forschungen, die die vor 120 Jahren entstandenen Drucke der Brüder Séeberger im Lichte der Zeit und des Kontextes, in dem sie entstanden sind, neu bewerten.

Huis Marseille, Musée de la photographie (Amsterdam) présentera une sélection de 72 tirages originaux grand format des frères Séeberger, photographes amateurs français à succès, dans le cadre de l'exposition Revoir Paris. Paris à travers l'objectif des frères Séeberger (1900-1907). Les photos des frères ont été réalisées dans le cadre de quatre concours photographiques organisés par la ville de Paris au début du XXe siècle. Elles sont aujourd'hui conservées au musée Carnavalet, le musée de l'histoire de Paris. Elles représentent une forme précoce de la photographie de rue et n'ont jamais été exposées à cette échelle auparavant. Sur les 72 tirages exposés à l'Huis Marseille, seize ont été redécouverts en 2017 dans les combles du musée parisien.

Voyage dans le Paris de la belle époque
Les frères Séeberger étaient Jules (1872-1932) et ses deux frères cadets, Henri (1876-1956) et Louis (1874-1946). Leurs photos montrent les lieux les plus emblématiques de la ville, comme Montmartre, mais aussi des endroits moins connus, comme la Bièvre. Chaque lieu est animé par la présence d'hommes et de femmes parisiens. L'exposition propose un voyage chronologique et thématique dans le Paris de la belle époque vu à travers l'objectif des frères Séeberger, qui ont su capter mieux que quiconque l'atmosphère de la capitale à la veille de la Première Guerre mondiale.

Concours de photographie amateur
Au début du XXe siècle, les appareils photo deviennent de plus en plus faciles à utiliser et la photographie commence à attirer un nombre croissant d'amateurs. La mairie de Paris réagit en organisant des concours de photographie documentaire amateur qui se terminent par une exposition. Entre 1904 et 1907, quatre concours sont organisés et les frères Séeberger participent à chacun d'entre eux. Les thèmes sont définis par la ville et portent sur des lieux historiques ou menacés de modification, voire de disparition, comme le jardin du Luxembourg, le jardin des Plantes, les bords de Seine, le Montmartre historique, les grands hôtels du Marais ou la Bièvre. Les photos envoyées ont été évaluées par un jury et exposées au Petit Palais. Les lauréats reçoivent une médaille et la mairie acquiert les photographies primées pour la collection du musée Carnavalet. Ces quatre expositions offrent aux frères Séeberger l'occasion de faire connaître leur travail et lancent leur carrière, qui se concentre ensuite sur les cartes postales et les photographies de femmes joliment vêtues dans la rue.

Tirages grand format
Les frères se distinguent des autres photographes en réalisant des tirages de grand format et en agrémentant leurs paysages urbains de figures humaines. Bien que les longs temps de pose aient obligé à mettre en scène la plupart de ces images, les postures de ces figures humaines donnent l'impression que les images ont été prises spontanément, et les photos font immédiatement penser à des instantanés. Ces qualités sont encore frappantes aujourd'hui, surtout si l'on se souvient que les agrandissements étaient rares à l'époque et que les frères travaillaient avec des plaques de verre de 13 x 18 cm et même de 18 x 24 cm.

Une découverte remarquable
Le musée Carnavalet possède une collection exceptionnelle de 423 tirages, tous issus des quatre concours de photographie, et il est le seul musée à posséder des tirages grand format de ces photos des frères Séeberger. En 2017, le musée a fait une découverte remarquable : en préparant le déménagement de toutes les collections pour permettre des travaux de rénovation, cinquante tirages grand format sur carton gris de Jules Séeberger ont été retrouvés dans le grenier. Elles avaient été réalisées pour la deuxième exposition (sur le vieux Montmartre, les jardins privés et la Bièvre). Seize de ces estampes redécouvertes seront exposées à l'Huis Marseille. Cette découverte récente est à la base d'une nouvelle recherche qui réévalue les estampes des frères Séeberger, réalisées il y a 120 ans, à la lumière de l'époque et du contexte dans lequel elles ont été réalisées.

Huis Marseille, Museo della Fotografia (Amsterdam) esporrà una selezione di 72 stampe originali di grande formato dei fratelli Séeberger, fotografi amatoriali francesi di successo, nella mostra Revoir Paris. Parigi attraverso l'obiettivo dei fratelli Séeberger (1900-1907). Le foto dei fratelli sono state realizzate nel corso di quattro concorsi fotografici organizzati dalla città di Parigi all'inizio del XX secolo e sono oggi conservate al Musée Carnavalet, il museo della storia di Parigi. Rappresentano una prima forma di fotografia di strada e non sono mai state esposte su questa scala. Delle 72 stampe esposte a Huis Marseille, sedici sono state riscoperte nel 2017 nella soffitta del museo parigino.

Viaggio nella Parigi della belle époque
I fratelli Séeberger erano Jules (1872-1932) e i suoi due fratelli minori, Henri (1876-1956) e Louis (1874-1946). Le loro foto mostrano i luoghi più iconici della città, come Montmartre, ma anche luoghi meno conosciuti, come il fiume Bièvre. Ogni luogo è animato dalla presenza di uomini e donne parigini. La mostra offre un viaggio cronologico e tematico nella Parigi della belle époque vista attraverso l'obiettivo dei fratelli Séeberger, che hanno catturato meglio di chiunque altro l'atmosfera della capitale alla vigilia della Prima Guerra Mondiale.

I concorsi fotografici amatoriali
All'inizio del XX secolo le macchine fotografiche diventavano sempre più facili da usare e la fotografia cominciava ad attirare un numero crescente di appassionati. Il Comune di Parigi rispose organizzando concorsi amatoriali di fotografia documentaria che culminavano in una mostra. Tra il 1904 e il 1907 furono indetti quattro concorsi di questo tipo e i fratelli Séeberger parteciparono a tutti e quattro. La città specificò i temi, concentrandosi su luoghi storici o minacciati di cambiamento o addirittura di scomparsa, come il Jardin du Luxembourg, il Jardin des Plantes, le rive della Senna, la storica Montmartre, i grand hôtels (palazzi privati) del Marais e la Bièvre. Le foto inviate sono state valutate da una giuria ed esposte al Petit Palais. I vincitori ricevevano una medaglia e il Comune acquisiva le fotografie vincitrici per la collezione del Musée Carnavalet. Queste quattro esposizioni offrirono ai fratelli Séeberger l'opportunità di far conoscere il loro lavoro e diedero il via alla loro carriera, che in seguito si concentrò su cartoline e fotografie di donne ben vestite per strada.

Stampe di grande formato
I fratelli si distinsero dagli altri fotografi stampando in grande formato e animando i loro paesaggi urbani con figure umane. Sebbene i lunghi tempi di esposizione rendessero necessaria la messa in scena della maggior parte di queste immagini, le posture di queste figure umane danno l'impressione che le immagini siano state catturate spontaneamente e le foto fanno immediatamente pensare alle istantanee. Queste qualità colpiscono ancora oggi, soprattutto se ricordiamo che all'epoca gli ingrandimenti erano rari e che i fratelli lavoravano con lastre di vetro di 13 x 18 cm e addirittura 18 x 24 cm.

Una scoperta straordinaria
Il Musée Carnavalet possiede una collezione eccezionale di 423 stampe, tutte partecipanti ai quattro concorsi fotografici, ed è l'unico museo a possedere stampe di grande formato di queste foto dei fratelli Séeberger. Nel 2017 il museo ha fatto una scoperta straordinaria: durante i preparativi per lo spostamento di tutte le collezioni per consentire i lavori di ristrutturazione, sono state ritrovate in soffitta cinquanta stampe di grande formato su cartone grigio di Jules Séeberger. Erano state realizzate per la seconda mostra (sulla vecchia Montmartre, sui giardini privati e sulla Bièvre). Sedici di queste stampe ritrovate saranno esposte all'Huis Marseille. Questo recente ritrovamento ha costituito la base di una nuova ricerca che rivaluta le stampe dei fratelli Séeberger, realizzate 120 anni fa, alla luce dell'epoca e del contesto in cui furono realizzate.

Huis Marseille, Museum for Photography (Amsterdam) will be showing a selection of 72 original, large-format prints by the Séeberger brothers, successful French amateur photographers, in the exhibition Revoir Paris. Paris through the lens of the Séeberger brothers (1900-1907). The brothers’ photos were made in the course of four photographic competitions organised by the city of Paris in the early 20th century, and are now held by Musée Carnavalet, the museum of the history of Paris itself. They represent an early form of street photography, and have never been exhibited on this scale before. Of the 72 prints on show in Huis Marseille, sixteen were rediscovered in 2017 in the attic of the Paris museum.

Travel through the Paris of the belle époque
The Séeberger brothers were Jules (1872-1932) and his two younger brothers, Henri (1876-1956) and Louis (1874-1946). Their photos show the city’s most iconic locations, such as Montmartre, but also less well-known spots, like the Bièvre river. Every location is enlivened by the presence of Parisian men and women. The exhibition offers a chronological and thematic journey through the Paris of the belle époque as seen through the lens of the Séeberger brothers – who captured, better than anyone, the atmosphere of the capital on the eve of the First World War.

Amateur photography competitions
At the beginning of the 20th century cameras were becoming increasingly user-friendly, and photography began to attract a growing number of enthusiasts. The Paris city council responded by organising amateur documentary photography competitions which culminated in an exhibition. Between 1904 and 1907 four such competitions were held, and the Séeberger brothers took part in all four. The city specified the themes, focusing on historic locations or sites threatened by change or even disappearance, such as the Jardin du Luxembourg, the Jardin des Plantes, the banks of the Seine, the historic Montmartre, the grand hôtels (private mansions) in the Marais district, and the Bièvre. The photos sent in were judged by a jury and exhibited in the Petit Palais. The winners received a medal and the city council acquired the winning photographs for the Musée Carnavalet collection. These four exhibitions offered the Séeberger brothers an opportunity for their work to be noticed, and it launched their career, which later concentrated on postcards and photographs of beautifully-dressed women in the street.

Large-format prints
The brothers distinguished themselves from other photographers by printing in large format and by enlivening their urban landscapes with human figures. Although lengthy exposure times meant that most of these images had to be staged, the postures of these human figures gives the impression that the images were spontaneously captured, and the photos immediately make one think of snapshots. These qualities are still striking today, especially when we remember that enlargements were rare at the time and that the brothers worked with 13 x 18 cm and even 18 x 24 cm glass plates.

A remarkable discovery
Musée Carnavalet possesses an exceptional collection of 423 prints, all of which had been part of the four photography competitions, and it is the only museum that holds large-format prints of these photos by the Séeberger brothers. In 2017 the museum made a remarkable discovery: while preparing to move all the collections so that renovation work could be carried out, fifty large-format prints on grey cardboard by Jules Séeberger were found in the attic. They had been made for the second exhibition (on old Montmartre, private gardens, and the Bièvre). Sixteen of these rediscovered prints will be on display in Huis Marseille. This recent find formed the basis of new research which reevaluates the Séeberger brothers’ prints, made 120 years ago, in the light of the time and context in which they were made.

Revoir Paris. Parijs door de lens van de gebroeders Séeberger (1900-1907) toont een selectie van 72 originele afdrukken op groot formaat van de succesvolle Franse amateurfotografen de gebroeders Séeberger (Séeberger frères). De foto’s werden gemaakt ter gelegenheid van de vier fotografiewedstrijden die begin 20ste eeuw werden georganiseerd door de stad Parijs en zijn afkomstig uit het Musée Carnavalet – het museum van de geschiedenis van Parijs. Ze laten een vroege vorm van straatfotografie zien en zijn niet eerder in deze omvang tentoongesteld geweest. Zestien afdrukken die naar Huis Marseille afreizen, werden in 2017 herontdekt op de zolder van het Parijse museum.

Reis door het Parijs van de belle époque
De gebroeders Séeberger waren Jules (1872-1932) en zijn twee jongere broers Henri (1876-1956) en Louis (1874-1946). De foto’s tonen iconische locaties in Parijs, zoals Montmartre, maar ook minder bekende plekken, zoals de rivier de Bièvre. Elke locatie wordt steevast tot leven gewekt door de aanwezigheid van Parijzenaars en Parisiennes. De tentoonstelling biedt een chronologisch-thematische reis door het Parijs van de belle époque, gezien door de lens van de gebroeders Séeberger. Als geen ander wisten zij de sfeer van de stad aan de vooravond van de Eerste Wereldoorlog in beeld te vangen.

Amateurfotografiewedstrijden
Aan het begin van de 20ste eeuw werden camera’s steeds gebruiksvriendelijker en trok fotograferen een groeiend aantal liefhebbers. Het stadsbestuur van Parijs haakte daarop in door amateurfotografiewedstrijden voor documentaire fotografie te organiseren die uitmondden in een tentoonstelling. Tussen 1904 en 1907 werd vier keer zo’n wedstrijd georganiseerd, en de gebroeders Séeberger namen deel aan alle vier de edities. Het stadsbestuur droeg de thema’s voor de wedstrijden aan, waarbij het ging om historische locaties of plekken die dreigden te veranderen of zelfs uit het straatbeeld te verdwijnen, zoals de Jardin du Luxembourg, de Jardin des Plantes, de oevers van de Seine, het oude Montmartre, de herenhuizen (‘hôtels’) in de Marais en de rivier de Bièvre. De ingezonden foto’s werden beoordeeld door een jury en tentoongesteld in het Petit Palais. De winnaars ontvingen een medaille en de gemeente nam de winnende foto’s op in de collectie van het Musée Carnavalet. De tentoonstellingen boden de gebroeders Séeberger de kans om op te vallen en vormden het begin van hun carrière waarin ze zich later gingen toeleggen op ansichtkaarten en het fotograferen van mooi geklede dames op straat.

Afdrukken op groot formaat
De broers onderscheidden zich van andere amateurfotografen door afdrukken op groot formaat aan te bieden en hun stadslandschappen te verlevendigen met figuranten. Hoewel de meeste beelden vanwege de lange belichtingstijd in scène zijn gezet, wekken de houdingen van de figuranten de indruk dat ze spontaan zijn vastgelegd en doen de foto’s onwillekeurig aan een snapshot denken. Het zijn kwaliteiten die vandaag de dag nog steeds opvallen, vooral als we bijvoorbeeld weten dat vergrotingen destijds bijvoorbeeld nog zeldzaam waren en dat ze werkten met 13 x 18 cm of zelfs 18 x 24 cm glasplaten.

Opvallende ontdekking
Het Musée Carnavalet bezit een uitzonderlijke verzameling van 423 afdrukken die werden ingezonden voor de vier fotografiewedstrijden en is het enige museum dat over grootformaatafdrukken van deze foto’s van de broers Séeberger beschikt. In 2017 deed het museum een opvallende ontdekking: tijdens de voorbereiding van de verhuizing van alle collecties voor renovatiewerkzaamheden werden op de museumzolder per toeval 50 grote afdrukken van Jules Séeberger op grijs karton aangetroffen die waren gemaakt voor de tweede tentoonstelling (over het oude Montmartre, privétuinen en de Bièvre). Van deze herontdekte afdrukken worden er zestien in Huis Marseille getoond. De recente vondst vormde de aanleiding voor nieuw onderzoek, waardoor we de afdrukken die 120 jaar geleden door de gebroeders Séeberger zijn gemaakt, vandaag de dag opnieuw kunnen waarderen, in het licht van de tijd en de context waarin ze werden gemaakt.

(Text: Huis Marseille, Amsterdam)

MASI Lugano
16. Februar – 20. Juli 2025

Many Moons
Louisa Gagliardi

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Schweiz) ist heute eine der interessantesten Stimmen in der zeitgenössischen Kunstszene der Schweiz. In ihren Arbeiten, in denen sich traditionelle Maltechniken mit digitaler Technologie verbinden, untersucht sie Themen wie die Identität, den sozialen Wandel und die Beziehung zwischen dem Individuum und seinem Umfeld. In ihrer Einzelausstellung im MASI Lugano, der ersten in einem Schweizer Museum, stellt sie eine Serie mit neuen Werken – Malerei und Skulpturen – in einem in einem für das Untergeschoss des LAC maßgeschneiderten Parcours vor.

Kuratiert von Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Suisse) s'est imposée comme l'une des artistes les plus intéressantes de la scène suisse contemporaine. Dans ses œuvres, où elle combine les techniques de peinture traditionnelles et la technologie numérique, elle explore des thèmes tels que l'identité, les transformations sociales et la relation entre l'individu et son environnement. Pour son exposition personnelle au MASI Lugano - la première dans un musée suisse - l'artiste présente une série de nouvelles productions, peintures et sculptures, dans un parcours taillé sur mesure pour l'espace en sous-sol du LAC.

Sous la direction de Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Svizzera) si è affermata come una delle voci più interessanti della scena svizzera contemporanea. Nei suoi lavori, in cui unisce tecniche pittoriche tradizionali e tecnologia digitale, esplora temi come l’identità, le trasformazioni sociali e il rapporto tra l’individuo e il suo ambiente. Per la sua personale al MASI – la prima in un museo svizzero – l’artista presenta una serie di nuove produzioni, dipinti e sculture in un percorso sviluppato su misura per lo spazio ipogeo del LAC.

A cura di Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Switzerland) has established herself as one of the most interesting voices on the Swiss contemporary art scene. In her works, which combine traditional painting techniques and digital technology, she explores themes such as identity, how society is changing, and the relationship between the individual and their environment. For her solo exhibition at MASI Lugano – the first in a Swiss museum – the artist will be showing a series of new works, paintings and sculptures in a site-specific presentation designed for the LAC's lower ground floor.

Curated by Francesca Benini

(Text: MASI Lugano)

Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg
28. Februar – 12. Oktober 2025

Glitzer

Glitzer funkelt und flirrt, fasziniert und empört. Es ist auf Bühnen ebenso zu finden wie auf Protestplakaten und in Kinderzimmern. Glitzer ist omnipräsent – und doch ist das Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) weltweit das erste Haus, das diesem Material eine Ausstellung widmet. Der Schwerpunkt der Ausstellung liegt auf Glitzer in aktuellen politischen Kontexten und kollektiven Bewegungen, als Material und Metapher für Sichtbarkeit, Zugehörigkeit und Selbstbestimmung. Rund 40 internationale Positionen aus Kunst und Gestaltung werden zusammengebracht. Sie widmen sich Glitzer als Mittel des Protests, der Performance und Popkultur, als Symbol der Sichtbarmachung marginalisierter Gruppen und des Widerstands gegen Körperdiskriminierung. Gezeigt werden unter anderem ein glitzerndes Jugendzimmer der Hamburger Künstlerin Jenny Schäfer, Fotografien von Sara Shakeel und Quil Lemons, Skateboards von Mickalene Thomas, GIFs von Molly Soda, Show-Perücken der Hamburger Wig-Designer Karl Gadzali und Mohamad Barakat für Olivia Jones und ein Bühnenoutfit von Bill Kaulitz. Ab Juni 2025 wird die Ausstellung mit der Rauminstallation „Puff Out“ des türkisch-belgischen Duos :mentalKLINIK um 300 Quadratmeter fuchsiafarbenen Glitzer erweitert.

Les paillettes scintillent et scintillent, fascinent et révoltent. On les trouve aussi bien sur les scènes que sur les affiches de protestation et dans les chambres d'enfants. Les paillettes sont omniprésentes - et pourtant, le Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) est le premier établissement au monde à consacrer une exposition à ce matériau. L'exposition met l'accent sur les paillettes dans les contextes politiques actuels et les mouvements collectifs, en tant que matériau et métaphore de la visibilité, de l'appartenance et de l'autodétermination. Une quarantaine de positions internationales issues de l'art et du design sont réunies. Elles se consacrent aux paillettes comme moyen de protestation, de performance et de culture pop, comme symbole de la visibilité des groupes marginalisés et de la résistance à la discrimination corporelle. On y verra notamment une chambre d'adolescent scintillante de l'artiste hambourgeoise Jenny Schäfer, des photographies de Sara Shakeel et Quil Lemons, des skateboards de Mickalene Thomas, des GIF de Molly Soda, des perruques de spectacle des designers de wigs hambourgeois Karl Gadzali et Mohamad Barakat pour Olivia Jones et une tenue de scène de Bill Kaulitz. À partir de juin 2025, l'exposition s'enrichira de 300 mètres carrés de paillettes fuchsia avec l'installation spatiale « Puff Out » du duo turco-belge :mentalKLINIK.

Il glitter scintilla e sfarfalla, affascina e indigna. Si trova sui palcoscenici, sui manifesti di protesta e nelle camerette dei bambini. Il glitter è onnipresente, eppure il Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) è il primo museo al mondo a dedicare una mostra a questo materiale. La mostra si concentra sul glitter nei contesti politici attuali e nei movimenti collettivi, come materiale e metafora di visibilità, appartenenza e autodeterminazione. Saranno riunite circa 40 posizioni internazionali dell'arte e del design. Sono dedicate al glitter come mezzo di protesta, performance e cultura pop, come simbolo della visualizzazione di gruppi emarginati e della resistenza contro la discriminazione del corpo. La mostra comprende una scintillante stanza dei giovani dell'artista amburghese Jenny Schäfer, fotografie di Sara Shakeel e Quil Lemons, skateboard di Mickalene Thomas, GIF di Molly Soda, parrucche da spettacolo degli stilisti amburghesi Karl Gadzali e Mohamad Barakat per Olivia Jones e un abito di scena di Bill Kaulitz. Dal giugno 2025, la mostra sarà ampliata da 300 metri quadrati di glitter color fucsia con l'installazione spaziale “Puff Out” del duo turco-belga :mentalKLINIK.

Glitter sparkles and shimmers, fascinates and outrages. It can be found on the stage as well as on protest posters and in children’s rooms. Glitter is omnipresent – and yet the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) is the first museum in the world to dedicate an exhibition to this material. The show will focus on glitter in current political contexts and collective movements, both as a material and a metaphor for visibility, affiliation and self-determination. Around 40 international examples from the worlds of art and design are brought together here – works that make use of glitter as a means of protest or as an element of performance or pop culture, as a symbol of drawing attention to marginalised groups and of resistance against body shaming. The exhibits include a glittering teen bedroom designed by Hamburg artist Jenny Schäfer, photographs by Sara Shakeel and Quil Lemons, skateboards by Mickalene Thomas, GIFs by Molly Soda, show wigs designed by Hamburg wig wizards Karl Gadzali and Mohamad Barakat for Olivia Jones, and a stage outfit worn by Bill Kaulitz. Starting in June 2025, the exhibition will add 300 square metres of fuchsia glitter with the spatial installation “Puff Out” by the Turkish-Belgian duo :mentalKLINIK.

(Text: Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg)

FOMU - Fotomuseum Antwerpen
28. Februar – 22. Februar 2026

No longer not yet – Katja Mater & The FOMU Collection

Auf Einladung des FOMU erkundet die bildende Künstlerin Katja Mater (NL, geb. 1979) die Sammlung des Museums und erstellt eine bemerkenswerte Auswahl zum Thema Zeit. Mater entwirft ungewöhnliche Rahmen für die Sammlungsstücke und schafft daraus Rauminstallationen.

Die Ausstellung „No Longer Not Yet“ ermöglicht es Ihnen, „Zeit“ auf vielfältige Weise zu erleben: von der Sonnenzeit und dem Rhythmus des Körpers bis hin zu Zeiten der Erinnerung und asynchroner, kosmischer oder sogar unsichtbarer Zeit.

Mater rahmt die Werke, ihre (anonymen) Schöpfer und die in den Fotografien dargestellten Themen mit Sorgfalt und Präzision ein. Mater weist auf Elemente hin, die oft übersehen oder vergessen werden, wie z. B. eine auf die Rückseite eines Fotos geschriebene Nachricht. Inzwischen schafft Mater auch neue Werke, die von Objekten aus der Sammlung des Museums inspiriert sind, darunter eines der Highlights der FOMU-Sammlung: das restaurierte Kaiserpanorama.

Speziell für das Kaiserpanorama erstellt Mater 50 neue Stereofotografien, die mit Sprache, Räumlichkeit und Wahrnehmung spielen. Das Kaiserpanorama ist ein stereoskopischer Betrachtungsschrank aus dem Jahr 1905, der einem Massenpublikum ein fotografisches 3D-Spektakel vorstellte. Bis zu 25 Personen können auf Hockern rund um den Betrachtungsschrank Platz nehmen, um die Magie dreidimensionaler Bilder zu erleben.

Das Kaiserpanorama wird jeden ersten Sonntag im Monat in Betrieb genommen.

Sammlungsausstellung mit Werken von: Viele anonyme Schöpfer und Alphonse Giroux et Cie., Alphonse Van Besten, Amelia Bergner, Antoine Hoorens, August Sander, Cassils, Charles Jean Swolfs, Dominique Somers, Frans Van de Poel, Geert Goiris, George Filleul, Guillaume Weber-Chapuis, Harold Eugene Edgerton, Henry Draper, Jaques Messin, Joseph-Maurice Bourot, Katja Mater, Laure Winants, Lebohang Kganye, Marie-Françoise Plissart, Nick Geboers, Paul Sano, Rik Selleslags, Suzy Embo, Underwood & Underwood und Warren De la Rue.

Über Katja Mater: Katja Mater ist eine bildende Künstlerin, Filmemacherin, Redakteurin und Lehrerin, die zwischen Amsterdam und Brüssel arbeitet. Maters künstlerische Praxis konzentriert sich auf die Grenzen optischer Medien und verbindet verschiedene Disziplinen wie Fotografie, Film, Zeichnung, Performance und Installation. Mater untersucht Aspekte, die oft jenseits der Grenzen des menschlichen Sehvermögens liegen, und bietet so eine andere Sicht auf die Welt, indem sie zeigt, wie Fotografie und Film beispielsweise Dinge anders einfangen als das menschliche Auge. Mater spielt mit den Begriffen Zeit, Raum und Wahrnehmung.

Zu ihren jüngsten Ausstellungen gehören „Circulate - Photography Beyond Frames“ im Stedelijk Museum Amsterdam (2024) und „When Things Fall Apart, Manifold Books, Amsterdam (2024)“. Neben ihrer Tätigkeit als bildende Künstlerin ist Katja Mater an verschiedenen Gemeinschaftsprojekten beteiligt. Seit 2014 ist sie Herausgeberin des Girls Like Us Magazine und eine der Gründerinnen von Mothers & Daughters, einer lesbischen* und trans* Bar.

À l’invitation du FOMU, l’artiste Katja Mater (NL° 1979) a exploré la collection du musée dans laquelle elle a sélectionné une série spéciale d’œuvres sur le thème du « temps ». Mater crée des cadres idiosyncrasiques pour les pièces de la collection afin de les transformer en installations spatiales.

L’exposition No Longer Not Yet  nous propose d’expérimenter le « temps » de différentes façons : du cycle solaire et du rythme de nos corps au temps du souvenir, au temps asynchrone, au temps cosmique et au temps invisible. On y voit des objets datant d’avant l’invention de la photographie et d’autres très actuels.

Avec soin et précision, Mater encadre les œuvres, leurs auteurs souvent anonymes et les sujets photographiés. Mater attire l’attention sur des détails qui passent souvent inaperçus ou qu’on oublie, tel qu’une inscription au dos d’une photo. Par ailleurs, Mater crée de nouvelles œuvres inspirées par des objets de la collection permanente, notamment le Kaiserpanorama, un chef-d’œuvre de la collection FOMU.

Spécialement pour le Kaiserpanorama, Mater a réalisé 50 nouvelles photos stéréoscopiques qui jouent avec le langage, l’espace et la perception. Le Kaiserpanorama est un carrousel de visionnage stéréoscopique fabriqué en 1905 permettant à un public de masse d’assister à un spectacle photographique en 3D. Pas moins de 25 personnes peuvent prendre place simultanément sur des tabourets disposés autour de cette structure pour découvrir la magie des images en trois dimensions.

Le premier dimanche de chaque mois, le Kaiserpanorama est mis en mouvement

Exposition de la collection avec des œuvres de: De nombreux créateurs anonymes et Alphonse Giroux et Cie., Alphonse Van Besten, Amelia Bergner, Antoine Hoorens, August Sander, Cassils, Charles Jean Swolfs, Dominique Somers, Frans Van de Poel, Geert Goiris, George Filleul, Guillaume Weber-Chapuis, Harold Eugene Edgerton, Henry Draper, Jaques Messin, Joseph-Maurice Bourot, Katja Mater, Laure Winants, Lebohang Kganye, Marie-Françoise Plissart, Nick Geboers, Paul Sano, Rik Selleslags, Suzy Embo, Underwood & Underwood en Warren De la Rue.

À propos de Katja Mater: L’artiste, cinéaste, rédactrice et enseignante Katja Mater vit et travaille entre Amsterdam et Bruxelles. Combinant différentes disciplines telles que la photographie, le cinéma, le dessin, les performances et les installations, la pratique artistique de Mater s’intéresse aux limites des médias optiques. L’artiste étudie des aspects qui se trouvent souvent en dehors de notre champ de vision, proposant ainsi un autre regard sur le monde en montrant par exemple comment la photographie et le film captent les choses autrement que l’œil humain. Mater joue avec les concepts de temps, d’espace et de perception

Parmi ses expositions récentes, citons Circulate – Photography Beyond Frames au Stedelijk Museum Amsterdam (2024) et When Things Fall Apart, Manifold Books, Amsterdam (2024).

Au-delà de sa pratique artistique en solo, Katja Mater est impliquée dans différents projets collaboratifs, est rédactrice de Girls Like Us Magazine depuis 2014 et cofondatrice du bar lesbien* et trans* Mothers & Daughters.

Su invito del FOMU, l'artista visiva Katja Mater (NL, nata nel 1979) esplora la collezione del museo e crea una straordinaria selezione intorno al tema del tempo. Mater progetta strutture insolite per gli oggetti della collezione e crea installazioni spaziali con essi.

La mostra No Longer Not Yet permette di sperimentare il “tempo” in vari modi: dal tempo solare e dal ritmo del corpo ai tempi del ricordo e al tempo asincrono, cosmico o addirittura invisibile.

Mater inquadra con cura e precisione le opere, i loro autori (anonimi) e i soggetti ritratti nelle fotografie. Mater sottolinea elementi spesso trascurati o dimenticati, come un messaggio scritto sul retro di una fotografia. Nel frattempo Mater crea anche nuove opere ispirate agli oggetti della collezione del museo, tra cui uno dei pezzi forti della collezione FOMU: il Kaiserpanorama restaurato.

In particolare, per il Kaiserpanorama Mater crea 50 nuove fotografie stereo che giocano con il linguaggio, la spazialità e la percezione. Il Kaiserpanorama è una cabina stereoscopica del 1905 che ha introdotto il pubblico di massa allo spettacolo fotografico in 3D. Fino a 25 persone possono sedersi su sgabelli intorno alla vetrina per sperimentare la magia delle immagini tridimensionali.

Il Kaiserpanorama è in funzione ogni prima domenica del mese.

Mostra della collezione con opere di: Molti creatori anonimi e Alphonse Giroux et Cie, Alphonse Van Besten, Amelia Bergner, Antoine Hoorens, August Sander, Cassils, Charles Jean Swolfs, Dominique Somers, Frans Van de Poel, Geert Goiris, George Filleul, Guillaume Weber-Chapuis, Harold Eugene Edgerton, Henry Draper, Jaques Messin, Joseph-Maurice Bourot, Katja Mater, Laure Winants, Lebohang Kganye, Marie-Françoise Plissart, Nick Geboers, Paul Sano, Rik Selleslags, Suzy Embo, Underwood & Underwood en Warren De la Rue.

Informazioni su Katja Mater:  Katja Mater è un'artista visiva, regista, editrice e insegnante che lavora tra Amsterdam e Bruxelles. La pratica artistica di Mater si concentra sui confini dei media ottici e combina varie discipline come fotografia, film, disegno, performance e installazione. Mater indaga aspetti che spesso sono al di là dei limiti della vista umana, offrendo così un'altra visione del mondo, mostrando come la fotografia e il cinema, ad esempio, catturino le cose in modo diverso dall'occhio umano. Mater gioca sulle nozioni di tempo, spazio e percezione.

Tra le mostre recenti si ricordano Circulate - Photography Beyond Frames allo Stedelijk Museum di Amsterdam (2024) e When Things Fall Apart, Manifold Books, Amsterdam (2024); oltre alla pratica personale come artista visiva, Katja Mater è coinvolta in vari progetti di collaborazione, è redattrice della rivista Girls Like Us dal 2014 e una delle fondatrici di Mothers & Daughters, un bar lesbico* e trans*.

Upon FOMU’s invitation, visual artist Katja Mater (NL, b. 1979) explores the museum’s collection and creates a remarkable selection around the theme of time. Mater designs unusual frameworks for the collection items and creates spatial installations with them.

The exhibition No Longer Not Yet allows you to experience ‘time’ in a variety of ways: from solar time and the rhythm of the body to times of remembrance and asynchronous, cosmic, or even invisible time.

Mater frames the works, their (anonymous) makers, and the subjects depicted in the photographs with care and precision. Mater points to elements that are often overlooked or forgotten, such as a message written on the back of a photograph. Meanwhile Mater also creates new works inspired by objects from the museum’s collection, including one of the FOMU collection’s highlights: the restored Kaiserpanorama.

Specifically, for the Kaiserpanorama Mater creates 50 new stereo photographs that play with language, spatiality and perception. The Kaiserpanorama is a stereoscopic viewing cabinet from 1905 that introduced mass audiences to a photographic 3D spectacle. Up to 25 persons can take a seat on stools around the viewing cabinet to experience the magic of three-dimensional images.

The Kaiserpanorama is set in motion every first Sunday of the month.

Collection exhibition with works by: Many anonymous creators and Alphonse Giroux et Cie., Alphonse Van Besten, Amelia Bergner, Antoine Hoorens, August Sander, Cassils, Charles Jean Swolfs, Dominique Somers, Frans Van de Poel, Geert Goiris, George Filleul, Guillaume Weber-Chapuis, Harold Eugene Edgerton, Henry Draper, Jaques Messin, Joseph-Maurice Bourot, Katja Mater, Laure Winants, Lebohang Kganye, Marie-Françoise Plissart, Nick Geboers, Paul Sano, Rik Selleslags, Suzy Embo, Underwood & Underwood en Warren De la Rue.

About Katja Mater:  Katja Mater is a visual artist, filmmaker, editor and teacher working between Amsterdam and Brussels. Mater’s artistic practice is focused on the boundaries of optical media and combines various disciplines such as photography, film, drawing, performance and installation. Mater investigates aspects that are often beyond the limits of human eyesight, thus offering another view of the world by showing how photography and film, for example, capture things differently from the human eye. Mater plays on notions of time, space and perception.

Recent exhibitions include Circulate - Photography Beyond Frames at the Stedelijk Museum Amsterdam (2024) and When Things Fall Apart, Manifold Books, Amsterdam (2024); in addition to a solo practice as visual artist, Katja Mater is involved in various collaborative projects, Mater is editor of Girls Like Us Magazine since 2014, and one of the founders of Mothers & Daughters, a lesbian* and trans* bar.

(Text: FOMU – Fotomuseum Antwerpen)

CHAUSSEE 36 Photography | Berlin
1. März – 28. Juni 2025

METAMORPHOSIS: Heinz Hajek-Halke´s Photomontages & New Image-Makers

Matthieu Bourel, Rebecca Fontaine-Wolf, Heinz Hajek-Halke, Mayumi Hosokura, Noé Sendas, Eva Stenram, Miriam Tölke, K YOUNG

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Zum 100. Jubiläum der ersten Fotomontagen von Heinz Hajek-Halke feiert die Gruppenausstellung „Metamorphosis“ das Frühwerk (1925 - 1935) des Berliner Künstlers, entdeckt es neu und bringt es in eine Zusammenstellung mit den Werken einer Reihe diverser zeitgenössischer Fotomontage- und Collagekünstler*innen.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) ist ein bedeutender Fotokünstler des 20. Jahrhunderts. Während er in seinen abstrakten kameralosen Werken der 1950er und 1960er Jahre die Grenzen des fotografischen Mediums völlig neu auslotete, fallen seine fotografischen Experimente mit dem Beginn seiner Karriere zusammen.

1924, einige Jahre nachdem er sein Kunst- und Grafikstudium in Berlin abgeschlossen hatte, brachte er sich autodidaktisch das Fotografieren bei. Von diesem Zeitpunkt an arbeitete er als Pressefotograf für verschiedene Agenturen und begeisterte sich vor allem für die experimentelle Arbeit in der Dunkelkammer. Zwischen 1925 und 1931 spezialisierte er sich auf die Fotomontage. Inspiriert von der Ästhetik und den Spezialeffekten des Stummfilms machte sich Hajek-Halke auf die Suche nach neuen visuellen Formen und erforschte in dieser Zeit des intensiven Experimentierens komplexe Techniken, wie das Fixieren einer Bewegungsablfolge auf einer Platte, die Mehrfachbelichtung von mehreren Negativen im Vergrößerer oder in der Kamera und die Fotocollage. Durch das Zusammenfügen von Bildern aus unterschiedlichen Kontexten gelang es ihm, dynamische Kompositionen mit neuer Bedeutung zu schaffen, die an die Montagen der surrealistischen Avantgarde anknüpften.

Aus dieser Zeit stammen seine ikonischen Fotomontagen, die er frei gestaltete oder in der illustrierten Presse und als Teil von Werbeanzeigen veröffentlichte. Eine Auswahl von Vintage-Abzügen aus den Jahren 1925 bis 1935, berühmte und seltene Werke aus der Heinz Hajek-Halke Collection, sind in der Ausstellung zu entdecken. Diese irrealen Bilder, die für die Zeitschriften besonders attraktiv waren, weil sie originell und unterhaltsam waren, machten Hajek-Halke zu einem der gefragtesten „Trickfotografen“ im Berlin der Weimarer Republik. Seine beiden bevorzugten Motive, das Porträt und der weibliche Akt, bilden die Grundlage für überraschende Experimente: Ganze Gesichter und abgeschnittene Körper verlieren ihre Identität, wenn sie mit verschiedenen Motiven wie Straßenszenen, verfallenen Häuserfassaden, Kabarettszenen oder grafischen Mustern überlagert werden. Die Metamorphose funktioniert durch dieses Spiel mit traumhaften Assoziationen auf wunderbare Weise. In seinen Aktmontagen, die zwischen 1930 und 1932 seine Spezialität waren, übertraf sich Hajek-Halke selbst und erfand neue Techniken wie den Spiegeleffekt im Schwarz-Weiß-Akt, ein Bild, das in die Annalen der Fotografie einging, kurz bevor das Dritte Reich seine künstlerische Karriere unterbrach.

Die Fotomontagen aus dieser Zeit, die bereits zu seinen Lebzeiten vielfach veröffentlicht wurden, inspirierten spätere Künstlergenerationen. Im 19. Jahrhundert erfunden hat diese Technik die Kunst und die Populärkultur von den historischen Avantgarden des letzten Jahrhunderts bis hin zur Werbung immer weiter durchdrungen. Mit der zunehmenden Verbreitung von Online-Bildern und digitalen Hybridisierungswerkzeugen ist die Montage ein Zeichen unserer Zeit geblieben. Das zusammengesetzte Bild und seine vielfältigen Techniken der fotografischen Manipulation - Fotokollage, Überlagerung, digitale Montage und Retusche, automatische Bilderzeugung durch KI - stehen im Mittelpunkt der zeitgenössischen künstlerischen Praxis. Die aus zwei verschiedenen Teilen bestehende Ausstellung „Metamorphosis“ bietet eine Wiederentdeckung von Hajek-Halkes Frühwerk und untersucht die Verbindungen zwischen seinen Fotomontagen von Porträts und weiblichem Akt mit dem zeitgenössischen Kunstschaffen.

Die gezeigten Arbeiten variieren zwischen Collagen aus Magazinbildern und Vintage-Fotos (Matthieu Bourel, Miriam Tölke und K YOUNG), digitalen Montagen (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) und Fotomontagen, die aus Mischtechniken bestehen (Rebecca Fontaine-Wolf und Noé Sendas). Die Aneignung externer Bildquellen ist eine Praxis, die fast allen diesen Künstler*innen gemein ist: Teilweise gelöscht oder von anderen Elementen verdeckt, vervielfacht, fragmentiert oder verzerrt, werden die Gesichter und Körper der Originalbilder manipuliert und einer neuen Lesart zugeführt. Poetische Assemblagen, die Erforschung von Fragen zu Identität, Geschlecht und sozialen Konventionen oder die Hinterfragung unserer eigenen Sicht und Wahrnehmung - die Metamorphose der Bilder hört nicht auf, uns zu verzaubern und zu hinterfragen.

À l'occasion du centenaire des premiers photomontages de Heinz Hajek-Halke, l'exposition de groupe « Metamorphosis » célèbre l'œuvre de jeunesse (1925 - 1935) de l'artiste berlinois, la redécouvre et l'associe aux œuvres d'une série de divers artistes contemporains spécialisés dans le photomontage et le collage*.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) est un artiste photographe important du 20e siècle. Alors qu'il a totalement exploré les limites du médium photographique dans ses œuvres abstraites sans caméra des années 1950 et 1960, ses expérimentations photographiques coïncident avec le début de sa carrière.

En 1924, quelques années après avoir terminé ses études d'art et de graphisme à Berlin, il a appris à photographier en autodidacte. À partir de ce moment, il travaille comme photographe de presse pour différentes agences et se passionne surtout pour le travail expérimental en chambre noire. Entre 1925 et 1931, il se spécialise dans le photomontage. Inspiré par l'esthétique et les effets spéciaux du cinéma muet, Hajek-Halke se mit en quête de nouvelles formes visuelles et explora, durant cette période d'expérimentation intensive, des techniques complexes telles que la fixation d'une séquence de mouvements sur une plaque, l'exposition multiple de plusieurs négatifs à l'agrandisseur ou à la caméra et le photocollage. En assemblant des images issues de contextes différents, il parvenait à créer des compositions dynamiques dotées d'une nouvelle signification, qui faisaient écho aux montages de l'avant-garde surréaliste.

C'est de cette époque que datent ses photomontages iconiques, qu'il créait librement ou qu'il publiait dans la presse illustrée et dans le cadre d'annonces publicitaires. Une sélection de tirages vintage des années 1925 à 1935, des œuvres célèbres et rares de la Heinz Hajek-Halke Collection, sont à découvrir dans l'exposition. Ces images irréelles, particulièrement attrayantes pour les magazines parce qu'elles étaient originales et amusantes, ont fait de Hajek-Halke l'un des « photographes de trucage » les plus demandés dans le Berlin de la République de Weimar. Ses deux motifs de prédilection, le portrait et le nu féminin, constituent la base d'expériences surprenantes : des visages entiers et des corps coupés perdent leur identité lorsqu'ils sont superposés à différents motifs tels que des scènes de rue, des façades de maisons délabrées, des scènes de cabaret ou des motifs graphiques. La métamorphose fonctionne à merveille grâce à ce jeu d'associations oniriques. Dans ses montages de nus, qui furent sa spécialité entre 1930 et 1932, Hajek-Halke se surpassa et inventa de nouvelles techniques comme l'effet de miroir dans le nu en noir et blanc, une image qui entra dans les annales de la photographie juste avant que le Troisième Reich n'interrompe sa carrière artistique.

Les photomontages de cette époque, qui ont fait l'objet de nombreuses publications de son vivant, ont inspiré les générations d'artistes suivantes. Inventée au 19e siècle, cette technique n'a cessé d'imprégner l'art et la culture populaire, depuis les avant-gardes historiques du siècle dernier jusqu'à la publicité. Avec la prolifération des images en ligne et des outils d'hybridation numérique, le montage est resté un signe de notre époque. L'image composite et ses multiples techniques de manipulation photographique - photocollage, superposition, montage et retouche numérique, création automatique d'images par IA - sont au cœur des pratiques artistiques contemporaines. Composée de deux parties distinctes, l'exposition « Metamorphosis » propose une redécouverte des premières œuvres de Hajek-Halke et explore les liens entre ses photomontages de portraits et de nus féminins et la création artistique contemporaine.

Les œuvres présentées varient entre des collages d'images de magazines et de photos vintage (Matthieu Bourel, Miriam Tölke et K YOUNG), des montages numériques (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) et des photomontages réalisés à partir de techniques mixtes (Rebecca Fontaine-Wolf et Noé Sendas). L'appropriation de sources d'images externes est une pratique commune à presque tous ces artistes* : partiellement effacés ou masqués par d'autres éléments, multipliés, fragmentés ou déformés, les visages et les corps des images originales sont manipulés et soumis à une nouvelle lecture. Assemblages poétiques, exploration de questions sur l'identité, le genre et les conventions sociales ou remise en question de notre propre vision et perception, la métamorphose des images ne cesse de nous enchanter et de nous interroger.

In occasione del centenario dei primi fotomontaggi di Heinz Hajek-Halke, la mostra collettiva “Metamorphosis” celebra i primi lavori (1925 - 1935) dell'artista berlinese, li riscopre e li accosta alle opere di una serie di vari artisti contemporanei di fotomontaggio e collage.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) è un importante artista fotografico del XX secolo. Mentre esplorava i confini del mezzo fotografico in modo completamente nuovo nelle sue opere astratte e senza macchina fotografica degli anni '50 e '60, i suoi esperimenti fotografici coincidevano con l'inizio della sua carriera.

Nel 1924, pochi anni dopo aver completato gli studi di arte e grafica a Berlino, si auto-apprende la fotografia. Da questo momento in poi, lavora come fotografo per la stampa per diverse agenzie e si dedica con particolare entusiasmo al lavoro sperimentale in camera oscura. Tra il 1925 e il 1931 si specializza nel fotomontaggio. Ispirato dall'estetica e dagli effetti speciali del cinema muto, Hajek-Halke si mise alla ricerca di nuove forme visive e, durante questo periodo di intensa sperimentazione, esplorò tecniche complesse come il fissaggio di una sequenza di movimenti su una lastra, l'esposizione multipla di più negativi nell'ingranditore o nella macchina fotografica e il collage fotografico. Combinando immagini provenienti da contesti diversi, fu in grado di creare composizioni dinamiche con un nuovo significato che riecheggiava i montaggi dell'avanguardia surrealista.

A questo periodo risalgono i suoi iconici fotomontaggi, creati liberamente o pubblicati sulla stampa illustrata e come parte di pubblicità. La mostra presenta una selezione di stampe d'epoca degli anni 1925-1935, opere famose e rare della Collezione Heinz Hajek-Halke. Queste immagini irreali, particolarmente attraenti per le riviste perché originali e divertenti, fecero di Hajek-Halke uno dei “fotografi truccatori” più richiesti a Berlino durante la Repubblica di Weimar. I suoi due motivi preferiti, il ritratto e il nudo femminile, costituiscono la base per esperimenti sorprendenti: volti interi e corpi ritagliati perdono la loro identità quando vengono sovrapposti a vari motivi come scene di strada, facciate di case fatiscenti, scene di cabaret o motivi grafici. La metamorfosi funziona meravigliosamente attraverso questo gioco di associazioni oniriche. Nei montaggi di nudo, che furono la sua specialità tra il 1930 e il 1932, Hajek-Halke superò se stesso e inventò nuove tecniche come l'effetto specchio nel nudo in bianco e nero, un'immagine che entrò negli annali della fotografia poco prima che il Terzo Reich interrompesse la sua carriera artistica.

I fotomontaggi di questo periodo, molti dei quali pubblicati durante la sua vita, hanno ispirato le generazioni di artisti successive. Inventata nel XIX secolo, questa tecnica ha continuato a permeare l'arte e la cultura popolare, dalle avanguardie storiche del secolo scorso alla pubblicità. Con la proliferazione delle immagini online e degli strumenti di ibridazione digitale, il montaggio è rimasto un segno dei nostri tempi. L'immagine composita e le sue diverse tecniche di manipolazione fotografica - fotocollage, sovrapposizione, montaggio e ritocco digitale, generazione automatica di immagini attraverso l'IA - sono al centro della pratica artistica contemporanea. La mostra “Metamorphosis”, composta da due parti diverse, propone una riscoperta dei primi lavori di Hajek-Halke ed esamina le connessioni tra i suoi fotomontaggi di ritratti e nudi femminili e l'arte contemporanea.

Le opere esposte variano tra collage di immagini di riviste e foto d'epoca (Matthieu Bourel, Miriam Tölke e K YOUNG), montaggi digitali (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) e fotomontaggi a tecnica mista (Rebecca Fontaine-Wolf e Noé Sendas). L'appropriazione di fonti d'immagine esterne è una pratica comune a quasi tutti questi artisti: parzialmente cancellati o coperti da altri elementi, moltiplicati, frammentati o distorti, i volti e i corpi delle immagini originali vengono manipolati e interpretati in modo nuovo. Assemblaggi poetici, esplorazione di questioni di identità, genere e convenzioni sociali o messa in discussione dei nostri punti di vista e delle nostre percezioni: la metamorfosi delle immagini non smette mai di incantarci e di interrogarci.

To mark the 100th anniversary of Heinz Hajek-Halke's first photomontages, the group exhibition “Metamorphosis” celebrates the Berlin artist's early work (1925 - 1935), rediscovers it and brings it together with works from a range of contemporary photomontage and collage artists.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) is an important photographic artist of the 20th century. While he explored the boundaries of the photographic medium in a completely new way in his abstract, camera-less works of the 1950s and 1960s, his photographic experiments coincided with the beginning of his career.

In 1924, a few years after completing his art and graphics studies in Berlin, he taught himself photography. From this point onwards, he worked as a press photographer for various agencies and was especially enthusiastic about experimental work in the darkroom. Between 1925 and 1931, he specialised in photomontage. Inspired by the aesthetics and special effects of silent film, Hajek-Halke set out in search of new visual forms and, during this period of intensive experimentation, explored complex techniques such as capturing a sequence of movements on a plate, the multiple exposure of several negatives in the enlarger or in the camera as well as the photo collage. By combining images from different contexts, he succeeded in creating dynamic compositions with a new meaning that drew on the montages of the surrealist avant-garde.

His iconic photomontages, which he designed freely or published in the illustrated press and as part of adverts, date from this period. A selection of vintage prints from the years 1925 to 1935, famous and rare works from the Heinz Hajek-Halke Collection, can be discovered in the exhibition. These unreal images, which were particularly attractive to magazines because they were original and entertaining, made Hajek-Halke one of the most sought-after “special effects photographers” in Berlin during the Weimar Republic. His two favourite motifs, the portrait and the female nude, form the basis for surprising experiments: whole faces and cropped bodies lose their identity when they are superimposed with various motifs such as street scenes, dilapidated house facades, cabaret scenes or graphic patterns. The metamorphosis works marvellously through this play with dreamlike associations. In his nude montages, which were his speciality between 1930 and 1932, Hajek-Halke surpassed himself and invented new techniques such as the mirror effect in the Black-and-white Nude, an image that went down in the annals of photography shortly before the Third Reich interrupted his artistic career.

The photomontages from this period, many of which were published during his lifetime, inspired later generations of artists. Invented in the 19th century, this technique has continued to permeate art and popular culture from the historical avant-gardes of the last century to advertising. With the proliferation of online images and digital hybridisation tools, montage has remained a sign of our times. The composite image and its diverse techniques of photographic manipulation - photocollage, superimposition, digital montage and retouching, automatic image generation using AI - are at the centre of contemporary artistic practice. The exhibition “Metamorphosis”, consisting of two different parts, offers a rediscovery of Hajek-Halke's early work and examines the connections between his photomontages of portraits and female nudes with contemporary art.

The exhibited works vary between collages of magazine images and vintage photos (Matthieu Bourel, Miriam Tölke and K YOUNG), digital montages (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) and photomontages consisting of mixed media (Rebecca Fontaine-Wolf and Noé Sendas). The appropriation of external image sources is a practice common to almost all of these artists: partially erased or covered by other elements, multiplied, fragmented or distorted, the faces and bodies of the original images are manipulated and given a new interpretation. Poetic assemblages, the exploration of questions of identity, gender and social conventions or the questioning of our own views and perceptions - the metamorphosis of the images never ceases to enchant and challenge us.

(Text: CHAUSSEE 36 Photography, Berlin)

Galerie Springer | Berlin
4. März – 19. Juli 2025

Ute Mahler, Werner Mahler, Ludwig Schirmer

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography statt.

In der Ausstellung FARBENRAUSCH zum EMOP Berlin - European Month of Photography 2025 zeigt die Galerie Springer Berlin Werke des Fotografen Ludwig Schirmer, seiner Tochter Ute Mahler und ihres Mannes Werner Mahler. Sowohl Ute Mahlers als auch Werner Mahlers Farbarbeiten waren bisher selten in Ausstellungen zu sehen. Auch von dem bisher weniger bekannten Ludwig Schirmer, der einer der wichtigen Werbefotografen der DDR war, wurden bisher vor allem schwarzweiß Arbeiten gezeigt. In dieser einzigartigen »Familienausstellung« werden Bilder von bemerkenswerter Qualität und Kraft zu sehen sein. Von Ludwig Schirmer werden Arbeiten aus den Jahren 1958 bis 2000 präsentiert. Seine Bilder zeichnen sich durch die Nähe zum Menschen, die präzisen Bildkompositionen und den subtilen Humor aus. Werner Mahler experimentierte für seine Landschaftsfotografien, die zwischen 2000 und 2005 entstanden, mit verschieden Techniken und schuf atmosphärische, überraschende Bilder.

Von 1998 bis 2008 arbeitete Ute Mahler an einer Serie über das Leben großer Persönlichkeiten und suchte dafür Orte auf, an denen diese gelebt und gewirkt haben. In der Serie »Spurensuche« kombiniert die Fotografin die konkreten Stätten mit ihren eigenen subjektiven und intuitiven Bildern. Die erzählerischen Kombinationen ergänzt Ute Mahler mit Modefotografien aus den frühen 1990er Jahren und fügt sie zu einem neuen erzählerischen Strang zusammen. Die poetischen Bilder hinterfragen die Genregrenzen der Fotografie. Eine grundsätzliche Auseinandersetzung, der sich Ute Mahler und Werner Mahler in der Ausstellung stellen, auch in Bezug auf das Werk von Ludwig Schirmer.

Dans le cadre de l'exposition FARBENRAUSCH organisée à l'occasion de l'EMOP Berlin - European Month of Photography 2025, la galerie Springer Berlin présente des œuvres du photographe Ludwig Schirmer, de sa fille Ute Mahler et de son mari Werner Mahler. Les travaux en couleur d'Ute Mahler et de Werner Mahler ont rarement été exposés jusqu'à présent. De même, Ludwig Schirmer, moins connu jusqu'à présent et qui fut l'un des principaux photographes publicitaires de la RDA, a surtout été exposé en noir et blanc. Cette « exposition familiale » unique en son genre permettra de découvrir des visuels d'une qualité et d'une puissance remarquables. Des travaux de Ludwig Schirmer datant de 1958 à 2000 seront présentés. Ses visuels se distinguent par leur proximité avec les gens, leurs compositions visuelles précises et leur humour subtil. Werner Mahler a expérimenté différentes techniques pour ses photographies de paysages, réalisées entre 2000 et 2005, et a créé des visuels atmosphériques et surprenants.

De 1998 à 2008, Ute Mahler a travaillé sur une série consacrée à la vie de grandes personnalités et s'est rendue sur les lieux où elles ont vécu et travaillé. Dans la série « Spurensuche », la photographe combine les sites concrets avec ses propres visuels subjectifs et intuitifs. Ute Mahler complète ces combinaisons narratives avec des photographies de mode du début des années 1990 et les assemble en un nouvel écheveau narratif. Ces visuels poétiques remettent en question les limites de genre de la photographie. Une confrontation fondamentale à laquelle Ute Mahler et Werner Mahler se transmettent dans l'exposition, également en relation avec l'œuvre de Ludwig Schirmer.

Nella mostra FARBENRAUSCH per EMOP Berlin - European Month of Photography 2025, la Galerie Springer Berlin espone opere del fotografo Ludwig Schirmer, di sua figlia Ute Mahler e di suo marito Werner Mahler. Sia le opere a colori di Ute Mahler che quelle di Werner Mahler sono state raramente esposte in mostre fino ad oggi. Anche il meno conosciuto Ludwig Schirmer, che è stato uno dei più importanti fotografi pubblicitari della DDR, ha esposto finora soprattutto opere in bianco e nero. In questa “mostra di famiglia”, unica nel suo genere, saranno esposte immagini di notevole qualità e potenza. Saranno presentate opere di Ludwig Schirmer realizzate tra il 1958 e il 2000. Le sue immagini si caratterizzano per la vicinanza alle persone, le composizioni precise e il sottile umorismo. Werner Mahler ha sperimentato varie tecniche per le sue fotografie di paesaggio, scattate tra il 2000 e il 2005, creando immagini atmosferiche e sorprendenti.

Dal 1998 al 2008, Ute Mahler ha lavorato a una serie sulla vita di grandi personalità, visitando i luoghi in cui hanno vissuto e lavorato. Nella serie “Searching for Traces”, la fotografa combina i luoghi concreti con le proprie immagini soggettive e intuitive. Ute Mahler integra le combinazioni narrative con fotografie di moda dei primi anni '90 e le unisce per creare un nuovo filone narrativo. Le immagini poetiche mettono in discussione i confini di genere della fotografia. Ute Mahler e Werner Mahler intraprendono un dialogo fondamentale nella mostra, anche in relazione al lavoro di Ludwig Schirmer.

In the exhibition FARBENRAUSCH (Colour Rush) at EMOP Berlin - European Month of Photography 2025, Galerie Springer Berlin is showing works by the photographer Ludwig Schirmer, his daughter Ute Mahler and her husband Werner Mahler. Both Ute Mahler's and Werner Mahler's colour works have rarely been shown in exhibitions so far. And of the lesser-known Ludwig Schirmer, who was one of the most important commercial photographers in the GDR, only black-and-white works have been shown to date. This unique ‘family exhibition’ will showcase images of remarkable quality and power. Works by Ludwig Schirmer from the years 1958 to 2000 will be presented. His images are characterised by their closeness to people, precise compositions and subtle humour. Werner Mahler experimented with different techniques for his landscape photographs, which were taken between 2000 and 2005, creating atmospheric, surprising images.

From 1998 to 2008, Ute Mahler worked on a series about the lives of great personalities, visiting the places where they lived and worked. In the series ‘Spurensuche’ (search for clues), the photographer combines the specific sites with her own subjective and intuitive images. Ute Mahler supplements these narrative combinations with fashion photographs from the early 1990s, weaving them into a new narrative thread. These poetic images question the genre boundaries of photography. This fundamental examination is something that Ute Mahler and Werner Mahler confront in the exhibition, also in relation to the work of Ludwig Schirmer.

(Text: Galerie Springer, Berlin)

Museum der Moderne – Mönchsberg | Salzburg
7. März – 14. September 2025

Jacqueline Mesmaeker

Das außergewöhnliche Werk der belgischen Künstlerin Jacqueline Mesmaeker (1929–2023, Brüssel, BE) verbindet poetische Sensibilität mit konzeptuellem Denken. Ihr OEuvre umfasst Skulpturen und skulpturale Interventionen ebenso wie Malerei und Zeichnung, Fotografie, Film und Video sowie Sprache und Text. Ein wesentliches Merkmal ihrer Werke ist das feinfühlige Bewusstsein für die existenziellen Prozesse des Erinnerns und Vergessens sowie für die psychische, politische und ästhetische Bedeutung des Subtilen und Verborgenen. Mesmaeker experimentierte mit verschiedenen Raum-, Zeit- und Bildebenen sowie Zeichen- und Symbolsprachen und schuf dabei neue, überraschende Querverbindungen. In ihren Werken finden sich immer wieder ausgewählte literarische Bezüge sowie Auseinandersetzungen mit politischen und historischen Zusammenhängen.

Mesmaeker lehrte viele Jahre an renommierten belgischen Kunstuniversitäten. In den letzten Jahren hat ihr Werk, das sie über fünf Jahrzehnte konsequent verfolgt hat, eine außerordentliche Anerkennung erfahren. Mesmaeker gilt heute neben Marcel Broodthaers und Joëlle Tuerlinckx als zentrale Figur der belgischen Kunstszene. Die von der Sammlung Generali Foundation – Dauerleihgabe am Museum der Moderne Salzburg konzipierte Personale ist die erste Retrospektive zum Werk der Künstlerin außerhalb Belgiens. Die Grundlagen der Ausstellung wurden noch in Zusammenarbeit mit der Ende 2023 verstorbenen Künstlerin festgelegt. Präsentiert werden Hauptwerke von Jacqueline Mesmaeker aus allen Bereichen ihres künstlerischen Schaffens.

Kurator: Jürgen Tabor

L'œuvre exceptionnelle de l'artiste belge Jacqueline Mesmaeker (1929-2023, Bruxelles, BE) allie une sensibilité poétique à une pensée conceptuelle. Son œuvre comprend des sculptures et des interventions sculpturales ainsi que de la peinture et du dessin, de la photographie, du film et de la vidéo ainsi que du langage et du texte. Une caractéristique essentielle de ses œuvres est la conscience sensible des processus existentiels de la mémoire et de l'oubli ainsi que de la signification psychique, politique et esthétique du subtil et du caché. Mesmaeker a expérimenté différents niveaux d'espace, de temps et d'image ainsi que des langages de signes et de symboles, créant ainsi de nouveaux liens transversaux surprenants. Dans ses œuvres, on trouve toujours des références littéraires choisies ainsi que des réflexions sur des contextes politiques et historiques.

Mesmaeker a enseigné pendant de nombreuses années dans des universités d'art belges renommées. Ces dernières années, son œuvre, qu'elle a poursuivie de manière conséquente pendant cinq décennies, a connu une reconnaissance extraordinaire. Mesmaeker est aujourd'hui considérée comme une figure centrale de la scène artistique belge, aux côtés de Marcel Broodthaers et Joëlle Tuerlinckx. L'exposition personnelle conçue par la Collection Generali Foundation - prêt permanent au Museum der Moderne Salzburg est la première rétrospective de l'œuvre de l'artiste en dehors de la Belgique. Les bases de l'exposition ont été définies en collaboration avec l'artiste, décédée fin 2023. Les œuvres principales de Jacqueline Mesmaeker seront présentées dans tous les domaines de sa création artistique.

Commissaire d'exposition : Jürgen Tabor

Lo straordinario lavoro dell'artista belga Jacqueline Mesmaeker (1929-2023, Bruxelles, BE) combina sensibilità poetica e pensiero concettuale. La sua opera comprende sculture e interventi scultorei, oltre a pittura e disegno, fotografia, film e video, linguaggio e testo. Una caratteristica fondamentale del suo lavoro è la sensibile consapevolezza dei processi esistenziali del ricordo e dell'oblio, nonché del significato psicologico, politico ed estetico del sottile e del nascosto. Mesmaeker sperimenta diversi livelli spaziali, temporali e visivi, nonché linguaggi segnici e simbolici, creando nuove e sorprendenti connessioni incrociate. Le sue opere contengono ripetutamente riferimenti letterari selezionati e analisi di contesti politici e storici.

Mesmaeker ha insegnato per molti anni in rinomate università d'arte belghe. Negli ultimi anni, il suo lavoro, che ha portato avanti con costanza per cinque decenni, ha ricevuto uno straordinario riconoscimento. Insieme a Marcel Broodthaers e Joëlle Tuerlinckx, Mesmaeker è oggi considerata una figura centrale della scena artistica belga. Concepita dalla Collezione della Fondazione Generali in prestito permanente al Museum der Moderne di Salisburgo, questa mostra personale è la prima retrospettiva dell'artista al di fuori del Belgio. Le basi della mostra sono state gettate in collaborazione con l'artista, che è morta alla fine del 2023. Saranno presentate opere fondamentali di Jacqueline Mesmaeker, appartenenti a tutti i settori della sua opera artistica.

Curatore: Jürgen Tabor

The extraordinary work of the Belgian artist Jacqueline Mesmaeker (1929–2023, Brussels, BE) combines poetic sensibility with conceptual thinking. Her oeuvre encompasses sculptures and sculptural interventions as well as painting and drawing, photography, film and video, and language and text. A key feature of her works is a keen awareness of the existential processes of remembering and forgetting, as well as of the psychological, political and aesthetic significance of the subtle and hidden. Mesmaeker experimented with different spatial, temporal and pictorial levels, as well as languages of signs and symbols, creating new and surprising cross-connections. Her works repeatedly include selected literary references and explorations of political and historical contexts.

Mesmaeker taught for many years at renowned Belgian art universities. In recent years, her work, which she has consistently pursued for over five decades, has received extraordinary recognition. Alongside Marcel Broodthaers and Joëlle Tuerlinckx, Mesmaeker is considered a central figure in the Belgian art scene. The retrospective, organized by the Generali Foundation Collection and on permanent loan to the Museum der Moderne Salzburg, is the first exhibition of the artist's work outside Belgium. The foundations for the exhibition were laid in collaboration with the artist, who passed away at the end of 2023. The exhibition presents major works by Jacqueline Mesmaeker from all periods of her artistic career.

Curator: Jürgen Tabor

(Text: Museum der Moderne Salzburg)

Museum für Fotografie | Berlin
7. März - 27. Juli 2025

Polaroids

Das Polaroid-Verfahren hat die Fotografie revolutioniert. Wer diese Kamera jemals benutzt hat, wird den Geruch der Entwicklungsemulsion und die Faszination für das Sofortbild nicht vergessen. Auch Helmut Newton liebte es, mit der Polaroid-Kamera zu fotografieren. Er hat die Technik seit den 1970er Jahren intensiv genutzt, insbesondere während der Shootings für seine Modeaufträge. Dahinter stand, wie er es selbst einmal in einem Interview nannte, das ungeduldige Verlangen, sofort wissen zu wollen, wie die Situation als Bild aussieht.

Ein Polaroid entspricht in diesem Zusammenhang einer Ideenskizze und dient zugleich der Überprüfung der konkreten Lichtsituation und Bildkomposition. Gleichzeitig übten die Polaroid-Aufnahmen insbesondere aufgrund ihrer Objekthaftigkeit und der Möglichkeit, das Bild experimentell weiterzuverwenden, einen großen Reiz auf viele künstlerisch arbeitende Fotografen aus.

Und so werden die Polaroids von Helmut Newton durch die Werke zahlreicher Kolleg*innen ergänzt, beispielsweise von Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti und Hannah Villiger. Diese Gruppenausstellung vereint die unterschiedlich verwendeten Techniken des Polaroid-Verfahrens in den verschiedensten Formaten, jeweils als Werkgruppe der ausgewählten Fotograf*innen.

Le procédé Polaroid a révolutionné la photographie. Quiconque a déjà utilisé cet appareil n'oubliera jamais l'odeur de l'émulsion de développement et la fascination pour la photo instantanée. Helmut Newton aimait lui aussi prendre des photos avec un appareil Polaroid. Il a utilisé cette technique de manière intensive depuis les années 1970, notamment lors des shootings pour ses commandes de mode. Derrière cette pratique, il y avait, comme il l'a dit lui-même un jour dans une interview, l'envie impatiente de savoir immédiatement à quoi ressemblait la situation en tant que visuel.

Dans ce contexte, un polaroïd correspond à une esquisse d'idée et sert en même temps à vérifier la situation concrète de la lumière et la composition de l'image. Parallèlement, les Polaroïds ont exercé un grand attrait sur de nombreux photographes artistiques, notamment en raison de leur caractère d'objet et de la possibilité de réutiliser le visuel de manière expérimentale.

C'est ainsi que les polaroïds d'Helmut Newton sont complétés par les œuvres de nombreux collègues*, comme Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti et Hannah Villiger. Cette exposition de groupe réunit les différentes techniques utilisées du procédé Polaroid dans les formats les plus divers, à chaque fois en tant que groupe d'œuvres des photographes* sélectionnés.

Il processo Polaroid ha rivoluzionato la fotografia. Chiunque abbia usato questa macchina fotografica non dimenticherà mai l'odore dell'emulsione che si sviluppa e il fascino dell'immagine istantanea. Anche Helmut Newton amava fotografare con la Polaroid. Ha utilizzato questa tecnologia in modo intensivo a partire dagli anni Settanta, soprattutto durante i servizi fotografici per le sue commissioni di moda. Come lui stesso ha dichiarato in un'intervista, ciò era dovuto al desiderio impaziente di sapere immediatamente come sarebbe apparsa la situazione sotto forma di immagine.

In questo contesto, una Polaroid corrisponde a uno schizzo di un'idea e serve allo stesso tempo a verificare la situazione specifica di illuminazione e la composizione dell'immagine. Allo stesso tempo, le Polaroid esercitano un grande fascino su molti fotografi artistici, soprattutto per la loro qualità di oggetto e per la possibilità di utilizzare l'immagine in modo sperimentale.

Così alle Polaroid di Helmut Newton si affiancano le opere di numerosi colleghi, come Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti e Hannah Villiger. Questa mostra collettiva riunisce le varie tecniche utilizzate nel processo Polaroid in un'ampia gamma di formati, ciascuno come gruppo di opere dei fotografi selezionati.

The technology of the Polaroid camera revolutionised photography. Anybody who has ever used one of these cameras will never forget the smell of the developing emulsion and the fascination inspired by its instant photographs. Helmut Newton also loved taking photographs with a Polaroid. From the 1970s onwards, he used these devices extensively, particularly during his fashion shoots. As he once said in an interview, he was motivated by the impatient desire to immediately know how the scene looked as a picture.

In this sense, a Polaroid is a little like a conceptual sketch, and also helps to check the lighting and image composition. At the same time, Polaroid snapshots possessed significant allure for many artistic photographers, particularly because of their objecthood and the possibility of experimentally reusing the image.

So this exhibition does not just feature the Polaroids of Helmut Newton, but also works by numerous colleagues, such as Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti and Hannah Villiger. This group exhibition brings together the various techniques of working with the Polaroid camera in the most diverse formats, with each photographer represented with a group of works.

(Text: Museum für Fotografie, Berlin)

Palazzo Reali | Lugano
16. März – 12. Oktober 2025

Eugenio Schmidhauser. Über das Malcantone hinaus

Als erste museale Institution präsentiert das MASI Lugano eine Ausstellung mit Werken des Tessiner Fotografen Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astrano, 1952). Das in Zusammenarbeit mit dem Staatsarchiv des Kantons Tessin realisierte Ausstellungsprojekt ist eine gute Gelegenheit, um die Arbeiten dieses Fotografen wieder zu entdecken, der das Image des Tessin Anfang des 19. Jahrhundert gepägt und dazu beitagen hat, den Tourismus in der Region auf eine innovative Art und Weise zu fördern.

Kuratiert von Gianmarco Talamona und Ludovica Introini

Le MASI présente la première exposition consacrée par une institution muséale au photographe tessinois Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astano, 1952). Le projet d'exposition, réalisé en collaboration avec les Archives d'État du Canton du Tessin, est l'occasion de redécouvrir l'œuvre d'un photographe qui a façonné l'imagerie du Tessin au début du XXe siècle, en contribuant à promouvoir le tourisme dans la région de manière innovante.

Sous la direction de Gianmarco Talamona et Ludovica Introini

Il MASI presenta la prima mostra dedicata da un'istituzione museale al fotografo ticinese Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astano, 1952). Il progetto espositivo, realizzato in collaborazione con l’Archivio di Stato del Canton Ticino, è un’occasione per riscoprire il lavoro di un fotografo che ha modellato l’immaginario del Ticino di inizio secolo, contribuendo a promuovere il turismo della regione con modalità innovative.

A cura di Gianmarco Talamona e Ludovica Introini

MASI Lugano presents the first museum exhibition devoted to the Ticino photographer Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astano, 1952). The exhibition, in collaboration with the State Archive of the Canton of Ticino, is an opportunity to rediscover the work of a photographer who shaped the image of Ticino at the turn of the century, helping in innovative ways to promote tourism to the region.

Curated by Gianmarco Talamona and Ludovica Introini

(Text: MASI Lugano)

Gropius Bau | Berlin
21. März – 14. September 2025

Vaginal Davis - Fabelhaftes Produkt

20 Jahre nachdem die Künstlerin, Autorin und Performerin Vaginal Davis von Los Angeles nach Berlin zog, zeigt der Gropius Bau die erste umfassende Einzelausstellung ihres Werks in Deutschland. In ihrem wegweisenden Schaffen verbinden sich Punk und Glamour, queerer Aktivismus und Schwarze Gegenkultur sowie Widerstand und Begehren. Vaginal Davis: Fabelhaftes Produkt vereint großformatige Installationen, Malereien, Video- und Filmarbeiten, Zines, Texte, Musik sowie Performance und bietet einen umfassenden Überblick über Davis’ vielschichtige Praxis und ihre künstlerischen Zusammenarbeiten. Im Rahmen der Ausstellung zeigt das Kunstkollektiv CHEAP die Installation Choose Mutation mit Fotografien von Annette Frick. Fabelhaftes Produkt lädt in das Universum von Vaginal Davis ein, das von literarischen Heldinnen, mythischen Figuren und echten Ikonen bewohnt wird.

Initiiert vom Moderna Museet, Stockholm, in Zusammenarbeit mit dem Gropius Bau, Berlin, und MoMA PS1, New York

Vingt ans après que l'artiste, auteur et performeuse Vaginal Davis a quitté Los Angeles pour Berlin, le Gropius Bau présente la première exposition individuelle complète de son œuvre en Allemagne. Dans son travail précurseur, le punk et le glamour, l'activisme queer et la contre-culture noire ainsi que la résistance et le désir se rejoignent. Vaginal Davis : Fabelhaftes Produkt réunit des installations grand format, des peintures, des travaux vidéo et cinématographiques, des zines, des textes, de la musique et des performances et offre un aperçu complet de la pratique complexe de Davis et de ses collaborations artistiques. Dans le cadre de l'exposition, le collectif artistique CHEAP présente l'installation Choose Mutation avec des photographies d'Annette Frick. Fabelhaftes Produkt invite à pénétrer dans l'univers de Vaginal Davis, habité par des héroïnes littéraires, des figures mythiques et de véritables icônes.

Initié par le Moderna Museet, Stockholm, en collaboration avec le Gropius Bau, Berlin, et le MoMA PS1, New York

20 anni dopo il trasferimento dell'artista, autrice e performer Vaginal Davis da Los Angeles a Berlino, il Gropius Bau presenta la prima mostra personale completa del suo lavoro in Germania. Il suo lavoro innovativo combina punk e glamour, attivismo queer e controcultura nera, resistenza e desiderio. Vaginal Davis: Fabulous Product riunisce installazioni di grandi dimensioni, dipinti, opere video e cinematografiche, zine, testi, musica e performance e offre una panoramica completa della pratica multistrato della Davis e delle sue collaborazioni artistiche. Nell'ambito della mostra, il collettivo artistico CHEAP presenta l'installazione Choose Mutation con fotografie di Annette Frick. Fabulous Product vi invita a entrare nell'universo di Vaginal Davis, abitato da eroine letterarie, figure mitiche e icone reali.

Iniziata dal Moderna Museet di Stoccolma, in collaborazione con il Gropius Bau di Berlino e il MoMA PS1 di New York.

Marking twenty years since artist, writer and performer Vaginal Davis made Berlin her home, Gropius Bau presents the first comprehensive solo exhibition of her work in Germany. In her expansive oeuvre, punk meets glamour, queer activism meets Black counter-culture and resistance meets desire. Vaginal Davis: Fabelhaftes Produkt features large-scale installations, paintings, video and film works, zines, writing, music and performances, offering an overview of Davis’ practice and artistic collaborations. In the exhibition, the Berlin-based art collective CHEAP presents the installation Choose Mutation, with photographs by Annette Frick. Fabelhaftes Produkt invites you into the universe of Vaginal Davis, populated by literary heroines, mythical figures and real icons.

Initiated by Moderna Museet, Stockholm, in collaboration with Gropius Bau, Berlin, and MoMA PS1, New York

(Text: Gropius Bau, Berlin)

Staatsgalerie Stuttgart
22. März – 22. Juni 2025

STAND UP! Feministische Avantgarde. Werke aus der SAMMLUNG VERBUND, Wien

Im Frühjahr 2025 präsentiert die Staatsgalerie Stuttgart die renommierte SAMMLUNG VERBUND, Wien. Mit seinen Werken der feministischen Avantgarde nimmt der größte österreichische Energiekonzern VERBUND eine herausragende Stellung in der Fotografie der 1970er-Jahre ein. Seit Jahrzehnten etabliert Gründungsdirektorin Gabriele Schor die Begrifflichkeit der feministischen Avantgarde im kunsthistorischen Diskurs.

In THE GÄLLERY – Raum für Fotografie gibt die Ausstellung vielschichtige Einblicke in die Aufnahmen von Künstlerinnen der feministischen Avantgarde, die radikal die Rolle der Frau in Kunst und Gesellschaft in Frage stellen und damit aus weiblicher Sicht ein alternatives Bild der Frau etablieren wollen.

In der Ausstellung sind rund 140 Arbeiten von prominenten Fotografinnen der 1970er Jahre – wie VALIE EXPORT und Cindy Sherman – zu sehen. Weitere gezeigte Künstlerinnen sind etwa Martha Rosler, Judy Chicago, Birgit Jürgenssen, Karin Mack, Ulrike Rosenbach, Renate Bertlmann, und Penny Slinger. Alle haben gemeinsam, dass sie ihre, aus historischer Perspektive, noch junge emanzipierte Stimme gegen die Kunst und Gesellschaft erheben.

Besagte künstlerische Positionen verbildlichen jenen Wandel, der sich in den 1970er Jahren nicht nur in der Kunst, sondern auch im Bewusstsein der Frau und ihrer Rolle in der Gesellschaft vollzogen hat.

Au printemps 2025, la Staatsgalerie Stuttgart présentera la célèbre COLLECTION VERBUND, Vienne. Avec ses œuvres de l'avant-garde féministe, le plus grand groupe énergétique autrichien VERBUND occupe une place prépondérante dans la photographie des années 1970. Depuis des décennies, la directrice fondatrice Gabriele Schor établit la notion d'avant-garde féministe dans le discours sur l'histoire de l'art.

Dans THE GÄLLERY – Raum für Fotografie, l'exposition offre un aperçu complexe des clichés d'artistes féminines de l'avant-garde féministe qui remettent radicalement en question le rôle de la femme dans l'art et la société et souhaitent ainsi établir une image alternative de la femme d'un point de vue féminin.

L'exposition présente environ 140 œuvres de photographes féminines de premier plan des années 1970, telles que VALIE EXPORT et Cindy Sherman. Parmi les autres artistes exposées, citons Martha Rosler, Judy Chicago, Birgit Jürgenssen, Karin Mack, Ulrike Rosenbach, Renate Bertlmann et Penny Slinger. Toutes ont en commun d'avoir élevé leur voix, encore jeune d'un point de vue historique, contre l'art et la société.

Ces positions artistiques illustrent le changement qui s'est opéré dans les années 1970, non seulement dans l'art, mais aussi dans la conscience des femmes et leur rôle dans la société.

Nella primavera del 2025, la Staatsgalerie di Stoccarda presenterà la rinomata SAMMLUNG VERBUND di Vienna. Con le sue opere dell'avanguardia femminista, il più grande gruppo energetico austriaco VERBUND occupa una posizione di rilievo nella fotografia degli anni '70. Da decenni, la direttrice fondatrice Gabriele Schor ha consolidato il concetto di avanguardia femminista nel discorso storico-artistico.

In THE GÄLLERY – Raum für Fotografie, la mostra offre una visione complessa delle opere di artiste dell'avanguardia femminista che mettono radicalmente in discussione il ruolo della donna nell'arte e nella società, con l'obiettivo di affermare un'immagine alternativa della donna da una prospettiva femminile.

La mostra presenta circa 140 opere di fotografe di spicco degli anni '70, come VALIE EXPORT e Cindy Sherman. Tra le altre artiste esposte figurano Martha Rosler, Judy Chicago, Birgit Jürgenssen, Karin Mack, Ulrike Rosenbach, Renate Bertlmann e Penny Slinger. Tutte hanno in comune il fatto di aver alzato la loro voce emancipata, ancora giovane da un punto di vista storico, contro l'arte e la società.

Tali posizioni artistiche illustrano il cambiamento che ha avuto luogo negli anni '70 non solo nell'arte, ma anche nella coscienza delle donne e nel loro ruolo nella società.

In spring 2025, the Staatsgalerie Stuttgart will present the renowned SAMMLUNG VERBUND, Vienna. With its works by the feminist avant-garde, Austria's largest energy company VERBUND occupies a prominent position in 1970s photography. For decades, founding director Gabriele Schor has established the concept of the feminist avant-garde in art historical discourse.

In THE GÄLLERY – Raum für Fotografie, the exhibition offers multi-layered insights into the photographs of female artists of the feminist avant-garde who radically question the role of women in art and society and thus seek to establish an alternative visual of women from a female perspective.

The exhibition features around 140 works by prominent female photographers of the 1970s, such as VALIE EXPORT and Cindy Sherman. Other artists on display include Martha Rosler, Judy Chicago, Birgit Jürgenssen, Karin Mack, Ulrike Rosenbach, Renate Bertlmann, and Penny Slinger. What they all have in common is that they raise their voices, which from a historical perspective are still young and emancipated, against art and society.

These artistic positions illustrate the change that took place in the 1970s, not only in art, but also in women's consciousness and their role in society.

(Text: Staatsgalerie Stuttgart)

Kulturmuseum St. Gallen
22. März – 10. August 2025

St. Gallen – ein Jahrhundert in Fotografien. - Die Sammlung Foto Gross

Sonderausstellung und Publikation «St.Gallen – ein Jahrhundert in Fotografien. Die Sammlung Foto Gross»: Kooperation von Kulturmuseum und Stadtarchiven

Die Sammlung Foto Gross». Gleichzeitig erscheint eine Publikation, verfasst und herausgegeben durch das Stadtarchiv der Ortsbürger- und der Politischen Gemeinde St.Gallen. Buch und Ausstellung gewähren faszinierende Einblicke in ein Jahrhundert Ostschweizer Geschichte und beleuchten dabei die grossen gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Veränderungen der Region. Die Sammlung im Besitz der Stadtarchive umfasst Hunderttausende Fotografien, die von Alltagsszenen bis hin zu historischen Ereignissen reichen – eine visuelle Reise durch die Zeit. In Ausstellung und Buch wird eine breite Auswahl der Fotografien inszeniert. In mehreren Kapiteln laden sie zu einem Spaziergang durch hundert Jahre Geschichte ein.

Ein vielseitiger Blick auf den Wandel der Gesellschaft: Ein erster Themenblock in der Ausstellung ist den tiefgreifenden Veränderungen der Arbeitswelt und Ausbildung gewidmet. Von Klassenfotos, die ab den 1970er-Jahren einen gelockerten Zeitgeist widerspiegeln, bis hin zu den sich wandelnden Berufsbildern – die Aufnahmen zeigen den strukturellen und sozialen Wandel eindrucksvoll. Ein weiteres interessantes Thema ist der Konsum: Stand vor dem Zweiten Weltkrieg die Grundversorgung im Fokus, brachte das Wirtschaftswunder der Nachkriegszeit einen rasanten Anstieg der Kaufkraft und des Produkteangebots mit sich.

Die Besucherinnen und Besucher erhalten ebenfalls spannende Einblicke in die Freizeitgestaltung des 20. Jahrhunderts – von frühen Bergbahnen und Skiliften über das Aufkommen von Freizeitparks bis hin zur Omnipräsenz des Fernsehens. Auch die Mobilität wird beleuchtet: Historische Aufnahmen dokumentieren die Ablösung der Trams durch Trolleybusse, den Ausbau der Verkehrsinfrastruktur und die Veränderungen im Stadtbild St. Gallens.

Tradition, Architektur und die Stadt im Wandel: Ein weiterer Schwerpunkt liegt auf Bräuchen und Festen, die Foto Gross über Jahrzehnte hinweg festgehalten hat – von der OLMA und OFFA über Gewerbeumzüge bis hin zu traditionellen Prozessionen. Auch die Stadtentwicklung wird sichtbar: Durch wiederkehrende Blickwinkel der Fotografen lassen sich bauliche Veränderungen direkt vergleichen, von den Jugendstilvillen am Rosenberg bis zu den Sichtbeton-Bauten der Universität St.Gallen.

Exposition spéciale et publication « St.Gallen - ein Jahrhundert in Fotografien. La collection Foto Gross » : coopération entre le musée de la culture et les archives de la ville.

La collection Foto Gross ». Une publication, rédigée et éditée par les archives municipales de la bourgeoisie locale et de la commune politique de Saint-Gall, paraît simultanément. Le livre et l'exposition offrent un aperçu fascinant d'un siècle d'histoire de la Suisse orientale et mettent en lumière les grands changements sociaux et économiques de la région. La collection détenue par les archives de la ville comprend des centaines de milliers de photographies, allant de scènes quotidiennes à des événements historiques - un voyage visuel à travers le temps. L'exposition et le livre mettent en scène une large sélection de ces photographies. En plusieurs chapitres, elles invitent à une promenade à travers cent ans d'histoire.

Un regard multiple sur les changements de la société : un premier bloc thématique de l'exposition est consacré aux profonds changements du monde du travail et de la formation. Des photos de classe, qui reflètent un esprit du temps assoupli à partir des années 1970, aux profils professionnels en pleine mutation, les clichés illustrent de manière impressionnante les changements structurels et sociaux. La consommation est un autre thème intéressant : alors qu'avant la Seconde Guerre mondiale, l'accent était mis sur l'approvisionnement de base, le miracle économique de l'après-guerre a entraîné une augmentation fulgurante du pouvoir d'achat et de l'offre de produits.

Les visiteurs auront également un aperçu passionnant des loisirs du 20e siècle - des premiers téléphériques et téléskis à l'omniprésence de la télévision en passant par l'apparition des parcs de loisirs. La mobilité est également mise en lumière : Des photos historiques documentent le remplacement des trams par des trolleybus, l'extension de l'infrastructure de transport et les changements dans le paysage urbain de Saint-Gall.

Tradition, architecture et ville en mutation : l'accent est également mis sur les coutumes et les fêtes que Foto Gross a immortalisées au fil des décennies - de l'OLMA et de l'OFFA aux processions traditionnelles en passant par les défilés commerciaux. Le développement de la ville est également visible : les angles de vue récurrents des photographes permettent de comparer directement les changements architecturaux, des villas Art nouveau du Rosenberg aux bâtiments en béton apparent de l'Université de Saint-Gall.

Mostra speciale e pubblicazione “San Gallo - un secolo in fotografie. La collezione Foto Gross": collaborazione tra il Museo della Cultura e l'Archivio della Città.

La Collezione Foto Gross”. Contemporaneamente verrà pubblicata una pubblicazione scritta e curata dall'archivio cittadino dell'Ortsbürger- e Politische Gemeinde St.Gallen. Il libro e la mostra offrono un'affascinante visione di un secolo di storia della Svizzera orientale e fanno luce sui principali cambiamenti sociali ed economici della regione. La collezione dell'archivio comunale comprende centinaia di migliaia di fotografie, che spaziano da scene quotidiane a eventi storici - un viaggio visivo nel tempo. Un'ampia selezione di fotografie è presentata nella mostra e nel libro. In diversi capitoli, vi invitano a fare una passeggiata attraverso cento anni di storia.

Uno sguardo sfaccettato sulla trasformazione della società: un primo blocco tematico della mostra è dedicato ai profondi cambiamenti nel mondo del lavoro e dell'istruzione. Dalle foto di classe, che riflettono uno spirito più rilassato a partire dagli anni Settanta, al cambiamento dei profili professionali, le foto illustrano in modo impressionante i cambiamenti strutturali e sociali. Un altro tema interessante è quello dei consumi: se prima della Seconda guerra mondiale l'attenzione era rivolta ai beni di prima necessità, il miracolo economico del dopoguerra ha portato a un rapido aumento del potere d'acquisto e dell'offerta di prodotti.

Il visitatore potrà anche scoprire le attività del tempo libero del XX secolo, dalle prime ferrovie di montagna e dagli impianti di risalita fino alla nascita dei parchi di divertimento e all'onnipresenza della televisione. Anche la mobilità viene messa in evidenza: Le fotografie storiche documentano la sostituzione dei tram con i filobus, l'espansione delle infrastrutture di trasporto e i cambiamenti nel paesaggio urbano di San Gallo.

Tradizione, architettura e città che cambia: un altro punto focale è rappresentato dalle usanze e dalle feste che Foto Gross ha immortalato nel corso dei decenni, dall'OLMA e dall'OFFA alle sfilate commerciali e alle processioni tradizionali. Anche lo sviluppo urbano diventa visibile: le prospettive ricorrenti dei fotografi consentono un confronto diretto dei cambiamenti architettonici, dalle ville art nouveau sul Rosenberg agli edifici in cemento a vista dell'Università di San Gallo.

Special exhibition and publication ‘St.Gallen – a century in photographs. The Foto Gross Collection’: a collaboration between the Culture Museum and the City Archives

The Foto Gross Collection. At the same time, a publication is being written and edited by the City Archives of the Local Citizens' and Political Community of St.Gallen. The book and exhibition provide fascinating insights into a century of history in Eastern Switzerland, shedding light on the major social and economic changes in the region. The collection held by the city archives includes hundreds of thousands of photographs, ranging from scenes of everyday life to historical events – a visual journey through time. A broad selection of the photographs is presented in the exhibition and book. Divided into several chapters, they invite you to take a stroll through a hundred years of history.

A multifaceted view of social change: the first thematic block in the exhibition is dedicated to the profound changes in the world of work and education. From class photos, which reflect a more relaxed zeitgeist from the 1970s onwards, to changing job profiles – the photographs impressively demonstrate the structural and social transformation. Another interesting topic is consumption: before the Second World War, the focus was on basic supplies, but the economic miracle of the post-war period brought with it a rapid increase in purchasing power and the range of products available.

Visitors also get exciting insights into how people spent their leisure time in the 20th century – from early mountain railways and ski lifts to the advent of amusement parks and the omnipresence of television. Mobility is also highlighted: historical photographs document the replacement of trams by trolley buses, the expansion of the transport infrastructure and the changes in the cityscape of St. Gallen.

Tradition, architecture and the city in transition: another focus is on customs and festivals that Foto Gross has captured over decades – from the OLMA and OFFA to trade parades and traditional processions. The city's development is also visible: recurring perspectives of the photographers allow direct comparison of structural changes, from the Art Nouveau villas on the Rosenberg to the exposed concrete buildings of the University of St.Gallen.

(Text: Kulturmuseum St. Gallen)

Museo Villa Bassi Rathgeb | Abano Terme
22. März – 21. September 2025

WOMEN POWER - L'universo femminile nelle fotografie dell’agenzia MAGNUM dal dopoguerra a oggi

Das Museum Villa Bassi Rathgeb in Abano Terme präsentiert WOMEN POWER. Das weibliche Universum in den Fotografien der Agentur Magnum von der Nachkriegszeit bis heute, eine außergewöhnliche Fotoausstellung kuratiert von Walter Guadagnini und Monica Poggi, die anhand ikonischer Bilder der Agentur MAGNUM Photos die Rolle der Frau von der Nachkriegszeit bis heute und beleuchtet die Stärke und Komplexität des Weges der Frau zur Emanzipation und die sozialen Veränderungen, die die Situation der Frauen in den letzten siebzig Jahren geprägt haben.

Nach DONNA MUSA ARTISTA – der Ausstellung, die anhand von Porträts von Cesare Tallone die Rolle der Frauen in der italienischen Gesellschaft zwischen dem 19. und 20. Jahrhundert untersuchte – bietet WOMEN POWER einen zeitgenössischeren und internationaleren Blick auf das Thema und setzt aus fotografischer Sicht die vom Museum begonnene Reflexion über die sozialen und kulturellen Veränderungen der Welt der Frauen fort.

Die von CAMERA Centro Italiano per la Fotografia in Zusammenarbeit mit Magnum Photos produzierte und von der Gemeinde Abano Terme – Museo Villa Bassi Rathgeb in Zusammenarbeit mit CoopCulture geförderte Ausstellung WOMEN POWER konzentriert sich auf zwei komplementäre Aspekte: Fotografinnen, die die Realität mit einer einzigartigen Vision erzählen, und porträtierte Frauen, die durch die Linse von Magnum als Subjekte von großem Wert hervortreten, als Zeuginnen von Herausforderungen, Errungenschaften und Rollen in privaten und öffentlichen Kontexten.

Die Ausstellung gliedert sich in sechs thematische Bereiche, die den familiären Kontext, das Erwachsenwerden, die Identität, die Mythen von Schönheit und Ruhm, politische Kämpfe und den Krieg untersuchen. Jedes dieser Themen wird durch Werke einiger der bedeutendsten Magnum-Fotografinnen dargestellt, darunter Inge Morath, Eve Arnold, Olivia Arthur, Myriam Boulos, Bieke Depoorter, Nanna Heitmann, Susan Meiselas, Lúa Ribeira, Alessandra Sanguinetti, Marilyn Silverstone und Newsha Tavakolian. International renommierte Autorinnen neben jungen zeitgenössischen Fotografinnen, mit Reportagen, die aus historischer und geografischer Sicht in sehr unterschiedlichen Kontexten entstanden sind und von Porträts von Marilyn Monroe bis hin zu denen der FARC-Kämpferinnen in Kolumbien reichen.

Die Ausstellung zeigt einen Vergleich zwischen Stilen, Sprachen und Generationen, die einen beispiellosen Dialog von Stimmen und Blicken entstehen lassen, die nie konventionell sind. Die Fotografien, obwohl sehr unterschiedlich, sind durch Kämpfe, Emotionen und Erfahrungen verbunden, die durch ihre Präsenz und Haltungen zu Symbolen eines Emanzipationsweges werden, sowohl als Individuen als auch als Kollektiv.

Die Ausstellung WOMEN POWER feiert den Beitrag von Frauen zur Fotografie, zeigt aber auch Aufnahmen berühmter Fotografen wie Robert Capa, Bruce Davidson, Elliott Erwitt, Rafal Milach, Paolo Pellegrin und Ferdinando Scianna, die die Situation der Frauen und die Herausforderungen im Zusammenhang mit den Frauenrechten dokumentiert haben.

Die Ausstellung bietet auch Denkanstöße zur Beziehung zwischen dem weiblichen Körper und seiner Darstellung. Die Fotografien verewigen Frauen in Momenten der Intimität, aber auch in vollem öffentlichen Engagement, wo ihre Präsenz und ihre Körperhaltungen zu Symbolen eines Kampfes für die Emanzipation werden, nicht nur als Individuen, sondern als Kollektiv.

Der von Dario Cimorelli Editore herausgegebene Ausstellungskatalog begleitet den Besucher durch eine kritische Auseinandersetzung mit den ausgestellten Bildern, die von Walter Guadagnini und Monica Poggi verfasst wurden.

Gefördert von der Gemeinde Abano Terme – Museo Villa Bassi Rathgeb in Zusammenarbeit mit CoopCulture

Produziert von CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia in Zusammenarbeit mit Magnum Photos

Le musée Villa Bassi Rathgeb d'Abano Terme présente WOMEN POWER. L'univers féminin dans les photographies de l'agence Magnum de l'après-guerre à nos jours, une extraordinaire exposition photographique organisée par Walter Guadagnini et Monica Poggi, qui explore, à travers des images iconiques de l'agence MAGNUM Photos, le rôle de la femme de l'après-guerre à nos jours, en mettant en lumière la force et la complexité du cheminement des femmes vers l'émancipation et les transformations sociales qui ont marqué la condition des femmes au cours des soixante-dix dernières années.

Après DONNA MUSA ARTISTA, l'exposition qui, à travers les portraits de Cesare Tallone, explorait le rôle des femmes dans la société italienne entre le XIXe et le XXe siècle, WOMEN POWER offre un regard plus contemporain et international sur le sujet, poursuivant, du point de vue de la photographie, la réflexion entamée par le musée sur les changements sociaux et culturels du monde féminin.

Produite par CAMERA Centro Italiano per la Fotografia en collaboration avec Magnum Photos et promue par la municipalité d'Abano Terme - Museo Villa Bassi Rathgeb en collaboration avec CoopCulture, WOMEN POWER se concentre sur deux aspects complémentaires : les femmes photographes qui racontent la réalité avec une vision unique, et les femmes représentées qui émergent comme des sujets de grande valeur à travers l'objectif de Magnum, témoins de défis, conquêtes et rôles dans des contextes intimes et publics.

Le parcours de l'exposition s'articule autour de six thèmes principaux qui explorent le contexte familial, la croissance, l'identité, les mythes de la beauté et de la célébrité, les batailles politiques et la guerre. Chacun de ces thèmes est représenté par des œuvres réalisées par certaines des plus importantes auteures de Magnum Photos, dont Inge Morath, Eve Arnold, Olivia Arthur, Myriam Boulos, Bieke Depoorter, Nanna Heitmann, Susan Meiselas, Lúa Ribeira, Alessandra Sanguinetti, Marilyn Silverstone et Newsha Tavakolian. Des auteures de renommée internationale côtoient de jeunes photographes contemporaines, avec des reportages réalisés dans des contextes très différents d'un point de vue historique et géographique, allant des portraits de Marilyn Monroe à ceux des combattantes des FARC en Colombie.

L'exposition met en évidence une comparaison entre les styles, les langages et les générations, qui donnent vie à un dialogue inédit de voix et de regards jamais conventionnels. Les photographies, bien que très différentes les unes des autres, sont liées par des luttes, des émotions et des expériences qui, par leur présence et leurs postures, deviennent les symboles d'un chemin d'émancipation, tant en tant qu'individus qu'en tant que collectivité.

Tout en célébrant la contribution des femmes à la photographie, WOMEN POWER comprend également des clichés de photographes célèbres tels que Robert Capa, Bruce Davidson, Elliott Erwitt, Rafal Milach, Paolo Pellegrin et Ferdinando Scianna, qui ont su raconter la condition féminine en témoignant des défis liés aux droits des femmes.

L'exposition offre également une réflexion sur la relation entre le corps féminin et sa représentation. Les photographies immortalisent des femmes dans des moments d'intimité, mais aussi dans des engagements publics, où leur présence et leurs postures deviennent des symboles d'un combat pour l'émancipation, non seulement en tant qu'individus, mais aussi en tant que collectivité.

Le catalogue de l'exposition, publié par Dario Cimorelli Editore, accompagne le visiteur dans une analyse critique des images exposées, à travers des textes rédigés par Walter Guadagnini et Monica Poggi.

Promu par la municipalité d'Abano Terme - Musée Villa Bassi Rathgeb en collaboration avec CoopCulture

Produit par CAMERA - Centre italien pour la photographie en collaboration avec Magnum Photos

Il Museo Villa Bassi Rathgeb di Abano Terme presenta WOMEN POWER. L'universo femminile nelle fotografie dell'Agenzia Magnum dal dopoguerra a oggi, una straordinaria mostra fotografica a cura di Walter Guadagnini e Monica Poggi, che esplora, attraverso immagini iconiche dell’agenzia MAGNUM Photos, il ruolo della donna dal secondo dopoguerra a oggi, mettendo in luce la forza e la complessità del cammino femminile verso l’emancipazione e le trasformazioni sociali che hanno segnato la condizione delle donne negli ultimi settant’anni.

Dopo DONNA MUSA ARTISTA – la mostra che attraverso i ritratti di Cesare Tallone indagava il ruolo delle donne nella società italiana tra Ottocento e Novecento – WOMEN POWER offre uno sguardo più contemporaneo e internazionale sul tema, proseguendo, dal punto di vista della fotografia, la riflessione avviata dal Museo sui cambiamenti sociali e culturali del mondo femminile.

Prodotta da CAMERA Centro Italiano per la Fotografia in collaborazione con Magnum Photos e promossa da Comune di Abano Terme – Museo Villa Bassi Rathgeb in collaborazione con CoopCulture, WOMEN POWER si concentra su due aspetti complementari, le donne fotografe che raccontano la realtà con una visione unica, e le donne ritratte che emergono come soggetti di grande valore dalle lenti di Magnum, testimoni di sfide, conquiste e ruoli in contesti intimi e pubblici.

Il percorso della mostra si articola in sei nuclei tematici che esplorano il contesto familiare, la crescita, l’identità, i miti della bellezza e della fama, le battaglie politiche e la guerra. Ognuno di questi temi è rappresentato da lavori realizzati da alcune delle più importanti autrici di Magnum Photos, tra cui Inge Morath, Eve Arnold, Olivia Arthur, Myriam Boulos, Bieke Depoorter, Nanna Heitmann, Susan Meiselas, Lúa Ribeira, Alessandra Sanguinetti, Marilyn Silverstone e Newsha Tavakolian. Autrici di fama internazionale accanto a giovani fotografe contemporanee, con reportage realizzati in contesti molto diversi da un punto di vista storico e geografico, che spaziano dai ritratti di Marilyn Monroe a quelli delle combattenti delle FARC in Colombia.

La mostra fa emergere un confronto fra stili, linguaggi e generazioni, che danno vita a un inedito dialogo di voci e sguardi mai convenzionali. Le fotografie, pur diversissime tra loro, sono legate da lotte, emozioni ed esperienze che, attraverso la loro presenza e le posture, diventano simboli di un cammino di emancipazione, sia come individui che come collettività.

Pur celebrando il contributo femminile alla fotografia, WOMEN POWER include anche scatti di celebri fotografi come Robert Capa, Bruce Davidson, Elliott Erwitt, Rafal Milach, Paolo Pellegrin e Ferdinando Scianna, che hanno saputo raccontare la condizione femminile testimoniando le sfide legate ai diritti delle donne.

La mostra offre anche uno spunto di riflessione sul rapporto tra il corpo femminile e la sua rappresentazione. Le fotografie immortalano donne in momenti di intimità, ma anche nel pieno impegno pubblico, dove la loro presenza e le posture diventano simboli di una lotta verso l’emancipazione, non solo come individui, ma come collettività.

Il catalogo della mostra, edito da Dario Cimorelli Editore, accompagna il visitatore in un approfondimento critico sulle immagini esposte, attraverso testi curati da Walter Guadagnini e Monica Poggi.

Promossa da Comune di Abano Terme – Museo Villa Bassi Rathgeb in collaborazione con CoopCulture

Prodotta da CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia in collaborazione con Magnum Photos

The Villa Bassi Rathgeb Museum in Abano Terme presents WOMEN POWER. The female universe in the photographs of the Magnum Agency from the post-war period to today, an extraordinary photographic exhibition curated by Walter Guadagnini and Monica Poggi, which explores, through iconic images from the MAGNUM Photos agency, the role of women from the second post-war period to today, highlighting the strength and complexity of the female journey towards emancipation and the social transformations that have marked the condition of women over the last seventy years.

After DONNA MUSA ARTISTA – the exhibition that used portraits by Cesare Tallone to investigate the role of women in Italian society between the 19th and 20th centuries – WOMEN POWER offers a more contemporary and international perspective on the subject, continuing, from the point of view of photography, the reflection started by the Museum on the social and cultural changes of the female world.

Produced by CAMERA, the Italian Centre for Photography, in collaboration with Magnum Photos and promoted by the Municipality of Abano Terme – Villa Bassi Rathgeb Museum in collaboration with CoopCulture, WOMEN POWER focuses on two complementary aspects: women photographers who depict reality through a unique vision, and the women portrayed who emerge as subjects of great value through the lenses of Magnum, witnesses of challenges, achievements and roles in both private and public contexts.

The exhibition is divided into six thematic sections that explore the family context, growth, identity, the myths of beauty and fame, political battles and war. Each of these themes is represented by works created by some of the most important Magnum Photos photographers, including Inge Morath, Eve Arnold, Olivia Arthur, Myriam Boulos, Bieke Depoorter, Nanna Heitmann, Susan Meiselas, Lúa Ribeira, Alessandra Sanguinetti, Marilyn Silverstone and Newsha Tavakolian. Internationally renowned authors alongside young contemporary photographers, with reportages created in quite different contexts from a historical and geographical point of view, ranging from portraits of Marilyn Monroe to those of FARC fighters in Colombia.

The exhibition highlights a comparison between styles, languages and generations, giving life to an unprecedented dialogue of unconventional voices and perspectives. Although quite different from each other, the photographs are linked by struggles, emotions and experiences that, through their presence and postures, become symbols of a journey of emancipation, both as individuals and as a collective.

While celebrating the contribution of women to photography, WOMEN POWER also includes shots by famous photographers such as Robert Capa, Bruce Davidson, Elliott Erwitt, Rafal Milach, Paolo Pellegrin and Ferdinando Scianna, who have been able to depict the female condition, bearing witness to the challenges related to women's rights.

The exhibition also offers food for thought on the relationship between the female body and its representation. The photographs immortalise women in moments of intimacy, but also in full public engagement, where their presence and postures become symbols of a struggle towards emancipation, not only as individuals, but as a collective.

The exhibition catalogue, published by Dario Cimorelli Editore, accompanies the visitor in a critical analysis of the images on display, through texts edited by Walter Guadagnini and Monica Poggi.

Promoted by the Municipality of Abano Terme - Villa Bassi Rathgeb Museum in collaboration with CoopCulture.

Produced by CAMERA - Italian Centre for Photography in collaboration with Magnum Photos

(Text: Museo Villa Bassi Rathgeb, Abano Terme)

Tuch + Technik Museum Neumünster
28. März – 28. September 2025

F.C. Gundlach fotografiert MARIS

Das Tuch + Technik Museum Neumünster zeigt eine Ausstellung, in der Kunst und Stadtgeschichte aufeinandertreffen. Im Mittelpunkt stehen Schwarz-Weiß- und Farbfotografien von F.C. Gundlach (1926–2021), die Modelle der einst in Neumünster ansässigen Bekleidungsfirma MARIS inszenieren. Kuratiert wird die Ausstellung von der Stiftung F.C. Gundlach.

F.C. Gundlach verstand sich zeitlebens als Fotograf im Auftrag. Für große Zeitschriften wie Film und Frau (1952–1966) und Brigitte (1963–1986) sowie für zahlreiche Modeunternehmen schuf er ikonische Bildwelten – darunter auch für die Konfektionsfirma MARIS. Mit dem Unternehmen verband ihn eine langjährige, enge Zusammenarbeit. Seine Fotos prägten über Jahrzehnte hinweg das Erscheinungsbild der Marke – etwa in aufwendig gestalteten Prospekten, Katalogen und Werbekampagnen.

Zwischen 1956 und den 1970er Jahren entstanden so zahlreiche Aufnahmen, die die stilvolle, hochwertige MARIS-Mode ins rechte Licht rückten. Die fotografischen Serien reichen von Werksaufnahmen über Studiofotografie bis hin zu aufwendigen On-Location-Produktionen. Auffallend oft finden sich darunter besonders attraktive Bildkompositionen vor Verkehrsmitteln wie Schiffen, Autos und Flugzeugen. Dieser stark architektonisch anmutende Bildaufbau ist zum einen typisch für das Gesamtwerk F.C. Gundlachs, zum anderen attestiert er den MARIS-Modellen Weltläufigkeit und assoziiert sie mit dem Zeitgeist des Jet Age.

Die ausgestellten Fotografien stammen aus dem Archiv der Stiftung F.C. Gundlach. Viele der bisher unveröffentlichten Motive wurden eigens für die Ausstellung neu von Original-Negativen abgezogen. Ergänzt wird die Schau durch vielfältige zeitgeschichtliche Dokumente – darunter Originalkataloge, Ausgaben des unternehmensinternen „MARIS-Boten“ sowie Making-of-Fotografien der damaligen Produktionen.

Le musée Tuch + Technik de Neumünster présente une exposition où l'art et l'histoire de la ville se rencontrent. Elle met à l'honneur des photographies en noir et blanc et en couleur de F.C. Gundlach (1926-2021), qui mettent en scène des mannequins de l'ancienne entreprise de confection MARIS, autrefois implantée à Neumünster. L'exposition est organisée par la fondation F.C. Gundlach.

Tout au long de sa vie, F.C. Gundlach s'est considéré comme un photographe de commande. Il a créé des images iconiques pour de grands magazines tels que Film und Frau (1952-1966) et Brigitte (1963-1986), ainsi que pour de nombreuses entreprises de mode, dont la société de confection MARIS. Il entretenait une collaboration étroite et de longue date avec cette entreprise. Ses photos ont marqué l'image de la marque pendant des décennies, notamment dans des brochures, des catalogues et des campagnes publicitaires élaborés.

Entre 1956 et les années 1970, il a ainsi réalisé de nombreux clichés qui ont mis en valeur l'élégance et la qualité des vêtements MARIS. Les séries photographiques vont des photos d'usine à la photographie de studio, en passant par des productions élaborées sur site. On remarque souvent des compositions particulièrement attrayantes devant des moyens de transport tels que des bateaux, des voitures et des avions. Cette composition très architecturale est d'une part typique de l'œuvre de F.C. Gundlach, d'autre part, elle confère aux modèles MARIS une touche cosmopolite et les associe à l'esprit de l'ère du jet.

Les photographies exposées proviennent des archives de la Fondation F.C. Gundlach. Bon nombre des motifs inédits ont été spécialement tirés à partir des négatifs originaux pour l'exposition. L'exposition est complétée par divers documents historiques, notamment des catalogues originaux, des éditions du magazine interne « MARIS-Boten » et des photographies des coulisses des productions de l'époque.

Il Museo del Tessuto e della Tecnologia di Neumünster presenta una mostra in cui arte e storia della città si incontrano. Al centro dell'attenzione vi sono le fotografie in bianco e nero e a colori di F.C. Gundlach (1926-2021), che ritraggono modelli dell'azienda di abbigliamento MARIS, un tempo con sede a Neumünster. La mostra è curata dalla Fondazione F.C. Gundlach.

F.C. Gundlach si è sempre considerato un fotografo su commissione. Ha creato immagini iconiche per grandi riviste come Film und Frau (1952-1966) e Brigitte (1963-1986) e per numerose aziende di moda, tra cui l'azienda di abbigliamento MARIS. Con quest'ultima lo legava una collaborazione stretta e di lunga data. Le sue foto hanno caratterizzato per decenni l'immagine del marchio, ad esempio in opuscoli, cataloghi e campagne pubblicitarie dal design elaborato.

Tra il 1956 e gli anni '70 sono state realizzate numerose fotografie che hanno messo in risalto l'eleganza e l'alta qualità della moda MARIS. Le serie fotografiche spaziano dalle immagini di fabbrica alla fotografia in studio, fino a elaborate produzioni in esterni. Tra queste spiccano spesso composizioni particolarmente attraenti con mezzi di trasporto come navi, automobili e aerei. Questa composizione fortemente architettonica è tipica dell'opera complessiva di F.C. Gundlach e, d'altra parte, attesta la cosmopolitismo dei modelli MARIS e li associa allo spirito del tempo dell'era dei jet.

Le fotografie esposte provengono dall'archivio della Fondazione F.C. Gundlach. Molti dei motivi finora inediti sono stati riprodotti appositamente per la mostra dai negativi originali. La mostra è completata da una vasta gamma di documenti storici, tra cui cataloghi originali, edizioni del “MARIS-Boten” interno all'azienda e fotografie del making of delle produzioni dell'epoca.

The Tuch + Technik Museum Neumünster is hosting an exhibition that brings together art and city history. The focus is on black-and-white and colour photographs by F.C. Gundlach (1926–2021) depicting models wearing clothes made by MARIS, a clothing company that was once based in Neumünster. The exhibition is curated by the F.C. Gundlach Foundation.

Throughout his life, F.C. Gundlach saw himself as a photographer on commission. He created iconic images for major magazines such as Film und Frau (1952–1966) and Brigitte (1963–1986) as well as for numerous fashion companies, including the clothing manufacturer MARIS. He had a long and close working relationship with the company. His photos shaped the brand's image for decades, appearing in elaborately designed brochures, catalogues and advertising campaigns.

Between 1956 and the 1970s, he took numerous photographs that showcased the stylish, high-quality MARIS fashion in the best possible light. The photographic series range from factory shots and studio photography to elaborate on-location productions. There are a striking number of particularly attractive compositions featuring modes of transport such as ships, cars and aeroplanes. This strongly architectural image composition is typical of F.C. Gundlach's oeuvre as a whole, while also lending the MARIS models a cosmopolitan air and associating them with the zeitgeist of the Jet Age.

The photographs on display come from the F.C. Gundlach Foundation archive. Many of the previously unpublished motifs have been reprinted from original negatives especially for the exhibition. The show is complemented by a wide range of contemporary documents, including original catalogues, issues of the company's in-house magazine ‘MARIS-Bote’ and behind-the-scenes photographs of the productions at the time.

(Text. Stiftung F.C. Gundlach)

Photo Elysée | Lausanne
28. März – 17. August 2025

Le sport à l'épreuve – Collections du Musée Olympique et de Photo Elysée

Seit über einem Jahrhundert werden wichtige Sportveranstaltungen von Bildern begleitet. Mit dem Aufkommen der Amateurfotografie Ende des 19. Jahrhunderts, die mit den ersten modernen Olympischen Spielen 1896 zusammenfiel, haben sich Fotografie und Sport in vielerlei Hinsicht gemeinsam weiterentwickelt. Die Ausstellung Sport im Fokus enthüllt die umfangreichen fotografischen Sammlungen des Olympischen Museums und des Photo Elysée. Mit der Erkundung eines weitgehend unveröffentlichten fotografischen Erbes bietet die Ausstellung, die im Rahmen der Rencontres d’Arles zu den Olympischen Spielen 2024 in Paris eröffnet wurde, eine Perspektive, die neues Licht auf die Sportfotografie wirft.

Die Sichtbarkeit von Sportveranstaltungen wird zwangsläufig durch das fotografische Bild vermittelt. Der Sport ist ein Leistungssport, bei dem Anstrengung und Gestik miteinander verbunden sind. Die Ausübung des Sports unterliegt genauen Regeln und wird zur Schau gestellt, wenn sie im Hinblick auf einen Wettkampf erfolgt. Die Inszenierung des Sports wird von den Fotografen weitergegeben, die rund um das Stadion Platz nehmen.

Die Ausstellung zeigt die visuelle Grammatik der Sportfotografie anhand verschiedener Themen auf: die Medienpräsenz, die 1896 in Athen begann; die Technik, die versucht, Bewegung durch Standbilder einzufangen; die Komposition, die die visuelle Erzählung beeinflusst und die Feier des Sports aufbaut; die Figuren im Stadion, wo die Athleten einer emotionalen Menge gegenüberstehen; und die Fotografen, die die Sportfotografie als reine Dokumentation der Leistung und andere als künstlerisches Mittel einsetzen. Die zahlreichen Fokussierungen bieten uns eine Erzählung, die die Fotografie des Sports und der Olympischen Spiele im Besonderen beleuchtet.

Depuis plus d’un siècle, les grands événements sportifs sont accompagnés d’images. Avec l’essor de la photographie amateur à la fin du XIXe siècle, qui coïncide avec les premiers Jeux Olympiques modernes en 1896, la photographie et le sport ont, à bien des égards, évolué de concert. Cette exposition lève le voile sur les vastes collections photographiques du Musée Olympique et de Photo Elysée. En parcourant un patrimoine photographique largement inédit, l’exposition, dévoilée aux Rencontres d'Arles pour les Jeux de Paris 2024, nous offre un récit qui met en lumière la photographie du sport.

La visibilité donnée aux manifestations sportives passe nécessairement par l’image photographique. Recherche de la performance, alliant l’effort à la gestuelle, la pratique du sport répond à des règles précises et se donne en spectacle lorsqu’elle est réalisée en vue d’une compétition. La mise en scène du sport est relayée par les photographes qui prennent place autour du stade.

En parcourant un patrimoine photographique largement inédit, l’exposition dévoile la grammaire visuelle de la photographie de sport à travers plusieurs thèmes : la médiatisation qui débute à Athènes en 1896 ; la technique qui cherche à capturer le mouvement par des arrêts sur image ; la composition qui influence la narration visuelle et construit la célébration du sport ; les figures qui prennent place dans le stade où les athlètes font face à une foule emprise avec des émotions ; et les photographes qui utilisent la photographie de sport comme documentation pure de l’exploit et d’autres comme moyen artistique. Les nombreux focus nous offrent un récit qui met en lumière la photographie du sport et des Jeux Olympiques en particulier.

Da oltre un secolo, i grandi eventi sportivi sono corredati da immagini. Con lo sviluppo della fotografia amatoriale a fine Ottocento, che coincide con le prime Olimpiadi moderne nel  1896, la fotografia e lo sport sono, sotto vari aspetti, evoluti di pari passo. Questa mostra alza il velo sulle vaste collezioni fotografiche del Musée Olympique e di Photo Elysée. Nel percorrere un patrimonio fotografico ampiamente inedito, la mostra, presentata in anteprima alle Rencontres d'Arles per le Olimpiadi di Parigi 2024, ci offre un racconto che mette in luce la fotografia sportiva.

Per oltre un secolo, i principali eventi sportivi sono stati accompagnati da immagini. Con la nascita della fotografia amatoriale alla fine del XIX secolo, in concomitanza con i primi Giochi Olimpici moderni nel 1896, la fotografia e lo sport si sono evoluti per molti versi insieme. La visibilità data agli eventi sportivi coinvolge necessariamente l'immagine fotografica. Ricerca della prestazione, combinazione di sforzo e movimento, lo sport è regolato da regole precise e si trasforma in spettacolo quando viene praticato in vista di una competizione. La messa in scena dello sport è trasmessa dai fotografi che prendono posizione intorno allo stadio.

Esplorando un patrimonio fotografico in gran parte inedito, la mostra rivela la grammatica visiva della fotografia sportiva attraverso una serie di temi: la copertura mediatica iniziata ad Atene nel 1896; la tecnica che cerca di catturare il movimento attraverso il fermo immagine; la composizione che influenza la narrazione visiva e costruisce la celebrazione dello sport; le figure che si svolgono nello stadio, dove gli atleti si trovano di fronte a una folla emozionata; i fotografi che usano la fotografia sportiva come pura documentazione dell'impresa e altri come mezzo artistico. I numerosi focus forniscono una narrazione che fa luce sulla fotografia dello sport e dei Giochi Olimpici in particolare.

For over a century, major sporting events have been accompanied by images. With the boom in amateur photography in the late 19th century, coinciding with the first modern Olympic Games in 1896, photography and sport have, in many ways, evolved together. This exhibition reveals the vast photographic collections of the Olympic Museum and Photo Elysée. The exhibition, which was unveiled at the Rencontres d'Arles for the Paris 2024 Games, explores a largely untold photographic heritage, offering us a narrative that shines the spotlight on sports photography.

The visibility given to sports events necessarily involves photographic imagery. Pursuing performance, combining effort with gesture, the practice of sports follows precise rules and is showcased when performed for competition. The staging of sports is relayed by photographers who position themselves around the stadium.

By exploring a largely unpublished photographic heritage, the exhibition reveals the visual grammar of sports photography through several themes: the mediatization that began in Athens in 1896; the technique that seeks to capture movement through freeze frames; the composition that influences visual narration and constructs the celebration of sports; the figures that take place in the stadium where athletes face a crowd gripped with emotions; and the photographers who use sports photography as pure documentation of achievement and others as an artistic means. The numerous focuses offer us a narrative that highlights sports photography and the Olympic Games in particular.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Photo Elysée | Lausanne
28. März – 17. August 2025

Wish this was real – Tyler Mitchell

Der amerikanische Fotograf Tyler Mitchell träumt von einem Paradies vor dem Hintergrund der Geschichte. Seit seinem Aufstieg in der Modewelt hat Mitchell eine visuelle Erzählung über Schönheit, Stil, Utopie und Landschaft entwickelt, die die Visionen des schwarzen Lebens erweitert. Photo Elysée präsentiert Mitchells erste Einzelausstellung in der Schweiz, die neue Perspektiven auf seine langjährigen Themen der Selbstbestimmung und der aussergewöhnlichen Aura des Alltäglichen eröffnet und zeigt, wie Fotografie in der Vergangenheit verwurzelt sein und gleichzeitig eine imaginäre Zukunft heraufbeschwören kann.

Wish This Was Real erkundet Mitchells Werk von seinen frühen Porträts und Videos, die Träume von Freizeit und Selbstdarstellung verfolgen, bis hin zu seinen aufwendigen Landschaftsaufnahmen, die in Visionen vom Paradies schwelgen und die von der Komplexität der Geschichte und der sozialen Identität der Vereinigten Staaten unterstrichen werden. Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen Fotografien und Mixed-Media-Skulpturen von Künstlern, deren Werk eng mit Mitchells kreativem Schaffen verbunden ist, darunter Rashid Johnson, Gordon Parks und Carrie Mae Weems - ein einzigartiger Dialog zwischen den Generationen, der Mitchells Fotografie in ein breites Spektrum visueller Experimente und intellektueller Hinterlassenschaften einbettet.

 Wish This Was Real wird von Brendan Embser und Sophia Greiff kuratiert und von der C/O Berlin Foundation produziert.

Le photographe américain Tyler Mitchell est animé par des rêves de paradis sur fond d'histoire. Depuis son ascension dans le monde de la mode, il a constitué un récit visuel de la beauté, du style, de l'utopie et du paysage qui élargit les visions de l'expérience noire. Photo Elysée présente sa première exposition personnelle en Suisse, offrant de nouvelles perspectives sur ses thèmes de prédilection, comme l’autodétermination et l'extraordinaire éclat du quotidien, et montrant comment la photographie peut être enracinée dans le passé tout en évoquant des futurs hypothétiques.

 Intitulée Wish This Was Real, l’exposition parcourt l’ensemble de l’œuvre de Mitchell, de ses premiers portraits et vidéos qui dépeignent des rêves de loisirs et d'expression personnelle, jusqu'à ses paysages minutieusement élaborés qui se délectent de visions paradisiaques contrastées par la complexité de l'histoire et de l'identité sociale américaine. S’y ajoute une présentation de photographies et de sculptures mixtes d'artistes dont le travail entre en résonance avec sa propre ligne créative, tels que Rashid Johnson, Gordon Parks et Carrie Mae Weems. Wish This Was Real devient alors le point de départ d’un dialogue intergénérationnel unique, plaçant la photographie de Mitchell au cœur d'un vaste spectre d'expérimentations visuelles et d'héritage intellectuel.

 Le commissariat de Wish This Was Real est assuré par Brendan Embser et Sophia Greiff et l’exposition produite par la C/O Berlin Foundation.

Il fotografo americano Tyler Mitchell è mosso da sogni di paradiso sullo sfondo della sua storia. Dalla sua ascesione nel mondo della moda, ha costruito una narrazione visiva di bellezza, stile, utopia e paesaggio che va oltre le tradizionali visioni della vita della communità nera. Photo Elysée presenta la sua prima mostra personale in Svizzera, offrendo nuove prospettive sui temi a lui più cari, come l'autodeterminazione e la straordinaria brillantezza del quotidiano, e mostrando come la fotografia possa essere radicata nel passato e, al contempo, evocare ipotetici futuri.

Intitolata Wish This Was Real, la mostra ripercorre l'intera opera di Mitchell, dai primi ritratti e video che ritraggono sogni di svago e di autoespressione, ai paesaggi meticolosamente realizzati che rivelano visioni paradisiache in contrasto con le complessità della storia e dell'identità sociale americana. A ciò si aggiunge una presentazione di fotografie e sculture a tecnica mista di artisti il cui lavoro risuona con la sua linea creativa, come Rashid Johnson, Gordon Parks e Carrie Mae Weems. Wish This Was Real diventa così il punto di partenza di un dialogo intergenerazionale senza precedenti, mettendo la fotografia di Mitchell al centro di un ampio spettro di sperimentazione visiva e di eredità intellettuale. 

Wish This Was Real è curata da Brendan Embser e Sophia Greiff e prodotta dalla Fondazione C/O Berlin.

American photographer Tyler Mitchell is driven by dreams of paradise against the backdrop of history. Since his rise to prominence in the world of fashion, Mitchell has propelled a visual narrative of beauty, style, utopia, and the landscape that expands visions of Black life. Photo Elysée presents Mitchell’s first solo exhibition in Switzerland, offering new perspectives on his longstanding themes of self-determination and the extraordinary radiance of the everyday, and showing how photography can be rooted in the past while evoking imagined futures.

Wish This Was Real explores Mitchell’s work, from his early portraits and videos that pursue dreams of leisure and self-expression to his elaborate landscapes that revel in visions of paradise underscored by the complexities of history and social identity in the United States. Central to the exhibition is a display featuring photography and mixed-media sculptures by artists whose work deeply resonates with Mitchell’s own creative lineage, such as Rashid Johnson, Gordon Parks, and Carrie Mae Weems, a unique intergenerational dialogue that sets Mitchell’s photography within a wide spectrum of visual experimentation and intellectual heritage.

Wish This Was Real is curated by Brendan Embser and Sophia Greiff and is produced by the C/O Berlin Foundation.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Institut du monde arabe | Paris
3. April 2025 - 4. Januar 2026

Photographier le patrimoine du Liban, 1864-1970

Das IMA-Museum erneuert die fotografische Ausstellung am Eingang seines Rundgangs (Ebene 7): Parallel zur Ausstellung „Gerettete Schätze aus Gaza. 5000 Jahre Geschichte“ eine reiche Auswahl alter Fotografien aus dem Bestand der Orientalischen Bibliothek der Universität Saint-Joseph in Beirut, die den Stätten und Denkmälern des Libanon gewidmet sind, die durch die Bombardierungen der israelischen Armee stark gefährdet sind und zum ersten Mal in Frankreich gezeigt werden.

Ergänzend dazu stellt das Museum zum ersten Mal Li Bayrut aus, eine große Bronze von Chaouki Choukini, die am Tag nach der Explosion im Hafen von Beirut entstanden ist.

Die Universität Saint-Joseph (USJ) wurde 1875 gegründet, die Orientalische Fakultät innerhalb der Universität 1902. Die Fakultät gab den Jesuiten in Beirut, die sich frühzeitig für die Archäologie des Libanon und der angrenzenden Länder interessierten, einen institutionellen Rahmen. Ihre theologische und klassische Ausbildung prädestinierte sie zwar für das Studium des griechisch-römischen Altertums sowie der alten Sprachen und Religionen, doch diese Gelehrten leisteten auch Pionierarbeit in der prähistorischen Forschung im Libanon.

Zur Illustration ihrer Vorlesungen und Artikel, die sie ab 1906 in den Mélanges de la Faculté Orientale veröffentlichten, die 1929 in die Mélanges de l'USJ umgewandelt wurden, bereisten sie die Fundstätten im Libanon und trugen eine umfangreiche Dokumentation mit mehreren zehntausend Bildern zusammen, die durch zeitgenössische und neuere Erwerbungen ergänzt wurde. Diese Aufnahmen werden derzeit mit Unterstützung der Boghossian-Stiftung, des Institut national du patrimoine und der französischen Nationalarchive digitalisiert und indexiert.

Die Ausstellung besteht aus einer Installation von Bildern in verschiedenen Formaten. Sie lädt die Besucher dazu ein, ein Dutzend Orte - Byblos, Baalbek, Tyrus, Saida ... - und Regionen - Hermel, Beqaa, Chouf, Metn, Kesrouan ... - anhand von Landschaftsaufnahmen, Denkmälern, aber auch Szenen aus dem sozialen und wirtschaftlichen Leben zu erkunden.

Le musée de l’IMA renouvelle l’accrochage photographique à l’entrée de son parcours (niveau 7) : parallèlement à l’exposition « Trésors sauvés de Gaza. 5000 ans d'histoire », il propose une riche sélection de photographies anciennes, issues du fonds de la Bibliothèque orientale de l’Université Saint-Joseph à Beyrouth, consacrées aux sites et monuments du Liban – grandement mis en péril par les bombardements de l’armée israélienne – et pour la première fois montrées en France.

En complément, le musée expose pour la première fois Li Bayrut, un grand bronze de Chaouki Choukini réalisé au lendemain de l’explosion dans le port de Beyrouth.

L’Université Saint-Joseph (USJ) est fondée en 1875 et la Faculté Orientale, au sein de l’université, l’est en 1902. La faculté a donné un cadre institutionnel aux jésuites de Beyrouth qui se sont précocement intéressés à l’archéologie du Liban et des pays limitrophes. Si leur formation théologique et classique les prédisposait à l’étude de l’antiquité gréco-romaine ainsi que des langues et des religions anciennes, ces savants ont aussi été pionniers dans la recherche préhistorique au Liban.

Afin d’illustrer les cours qu’ils donnaient et les articles qu’ils publiaient dans les Mélanges de la Faculté Orientale à partir de 1906, devenus en 1929 les Mélangesde l’USJ, ces savants ont sillonné les sites du Liban, réunissant une vaste documentation de plusieurs dizaines de milliers de clichés, complémentée par des acquisitions d’époque et d’autres plus récentes. Ces clichés sont actuellement en cours de numérisation et d’indexation, avec le soutien de la Fondation Boghossian, de l’Institut national du patrimoine et des archives nationales de France.

L’exposition consiste en une installation d’images de différents formats. Elle convie les visiteurs à explorer une douzaine de sites – Byblos, Baalbek, Tyr, Saida… - et de régions – le Hermel, la Beqaa, le Chouf, le Metn, le Kesrouan … - à travers des photographies de paysages, de monuments mais également des scènes de la vie sociale et économique.

Il museo IMA rinnova l'allestimento fotografico all'ingresso del suo percorso (livello 7): accanto alla mostra “Tesori salvati da Gaza. 5000 anni di storia”, propone una ricca selezione di fotografie d'epoca provenienti dalla collezione della Biblioteca Orientale dell'Università Saint-Joseph di Beirut, dedicate ai siti e ai monumenti del Libano - fortemente minacciati dai bombardamenti dell'esercito israeliano - e presentate per la prima volta in Francia.

Inoltre, il museo espone per la prima volta Li Bayrut, un grande bronzo di Chaouki Choukini realizzato all'indomani dell'esplosione del porto di Beirut.

L'Université Saint-Joseph (USJ) è stata fondata nel 1875 e la Faculté Orientale, all'interno dell'università, nel 1902. La Facoltà fornì un quadro istituzionale per i gesuiti di Beirut, che si interessarono precocemente all'archeologia del Libano e dei Paesi vicini. Mentre la loro formazione teologica e classica li predisponeva allo studio dell'antichità greco-romana e delle lingue e religioni antiche, questi studiosi furono anche pionieri della ricerca preistorica in Libano.

Per illustrare le lezioni tenute e gli articoli pubblicati nei Mélanges de la Faculté Orientale a partire dal 1906, divenuti Mélanges de l'USJ nel 1929, questi studiosi hanno attraversato i siti del Libano, compilando una vasta documentazione di diverse decine di migliaia di fotografie, integrate da acquisizioni d'epoca e più recenti. Queste fotografie sono attualmente in fase di digitalizzazione e indicizzazione, con il supporto della Fondazione Boghossian, dell'Institut national du patrimoine e degli archivi nazionali francesi.

La mostra consiste in un'installazione di immagini in diversi formati. I visitatori sono invitati a esplorare una dozzina di siti - Byblos, Baalbek, Tiro, Saida, ecc. - e regioni - Hermel, Beqaa, Chouf, Metn, Kesrouan, ecc. - attraverso fotografie di paesaggi e monumenti, nonché di scene di vita sociale ed economica.

The IMA museum has renewed the photographic display at the entrance to its exhibition (level 7): alongside the exhibition ‘Treasures saved from Gaza. 5000 years of history’, it is presenting a rich selection of old photographs from the collection of the Oriental Library of Saint Joseph University in Beirut, devoted to the sites and monuments of Lebanon - greatly endangered by the bombings of the Israeli army - and shown for the first time in France.

In addition, the museum is exhibiting Li Bayrut, a large bronze by Chaouki Choukini, for the first time, created in the aftermath of the explosion in the port of Beirut.

Saint Joseph University (USJ) was founded in 1875 and the Faculty of Oriental Studies within the university in 1902. The faculty provided an institutional framework for the Jesuits of Beirut, who took an early interest in the archaeology of Lebanon and neighbouring countries. While their theological and classical training predisposed them to the study of Greco-Roman antiquity as well as ancient languages and religions, these scholars were also pioneers in prehistoric research in Lebanon.

In order to illustrate the courses they gave and the articles they published in the Mélanges de la Faculté Orientale from 1906, which became the Mélanges de l'USJ in 1929, these scholars travelled the length and breadth of Lebanon, gathering vast documentation of tens of thousands of photographs, supplemented by period and other more recent acquisitions. These photographs are currently being digitised and indexed, with the support of the Boghossian Foundation, the Institut national du patrimoine and the French national archives.

The exhibition consists of an installation of images in different formats. It invites visitors to explore a dozen sites – Byblos, Baalbek, Tyre, Saida, etc. – and regions – Hermel, the Beqaa, the Chouf, the Metn, Kesrouan, etc. – through photographs of landscapes and monuments, as well as scenes of social and economic life.

(Text: Institut du monde arabe, Paris)

Kunsthaus Zürich
4. April – 17. August 2025

Roman Signer – Landschaft

Unerwartete Begegnungen, spielerische Experimente und die Kräfte der Natur – in Roman Signers Kunst entfaltet sich eine Welt voller Energie und Transformation. Der grosse Ausstellungssaal im Kunsthaus Zürich wird zu einer offenen Landschaft, in der Zeit, Bewegung und Material auf überraschende Weise miteinander in Dialog treten.

Ein neuer Blick auf die Welt
Roman Signer ist ein Meister der Transformation. Seit über fünf Jahrzehnten lotet er mit einfachsten Mitteln die Möglichkeiten von Zeit, Raum und Energie aus. Alltägliche Gegenstände wie Eimer, Flaschen oder Kajaks werden in seiner Kunst zu Trägern überraschender, poetischer Ereignisse. Mit Neugier und Experimentierfreude stellt er die Ordnung der Welt auf den Kopf und lädt dazu ein, ihre Schönheit und Kraft aus neuen Perspektiven zu betrachten.

Inspiriert vom Leben selbst, war Signer nie ein Atelierkünstler. Seine Werke entstehen oft in freier Natur oder in urbanen Räumen. Bereits in den 1970er-Jahren, während eines Studienaufenthalts in Warschau, wurde die Strasse zu seiner «Akademie». Dieser spielerische, offene Zugang prägt sein Schaffen bis heute.

Rencontres inattendues, expériences ludiques et forces naturelles—l’art de Roman Signer dévoile un monde où l’énergie et la transformation prennent vie. La grande salle d’exposition du Kunsthaus Zürich se transformera en un paysage ouvert où le temps, le mouvement et la matière dialoguent de façon surprenante.

Un nouveau regard sur le monde
Roman Signer est un maître de la transformation. Depuis plus de cinq décennies, il explore les possibilités du temps, de l’espace et de l’énergie avec des matériaux des plus simples. Des objets du quotidien, comme des seaux, des bouteilles ou des kayaks, deviennent dans son art les vecteurs d’événements poétiques et surprenants. Avec curiosité et esprit d’expérimentation, Signer défie l’ordre du monde et nous invite à redécouvrir sa beauté et sa force sous un angle nouveau.

Inspiré par la vie elle-même, Signer n’a jamais été un artiste d’atelier. Ses œuvres naissent souvent en plein air ou dans des espaces urbains. Lors d’un séjour d’études à Varsovie dans les années 1970, les rues devinrent son « cadémie». Cet esprit ludique et ouvert imprègne son travail depuis lors.

Incontri inaspettati, esperimenti ludici e forze della natura: un mondo pieno di energia e trasformazione si dispiega nell'arte di Roman Signer. La grande sala espositiva del Kunsthaus Zürich diventa un paesaggio aperto in cui tempo, movimento e materia entrano in un sorprendente dialogo reciproco.

Una nuova visione del mondo
Roman Signer è un maestro della trasformazione. Da oltre cinque decenni esplora le possibilità del tempo, dello spazio e dell'energia con i mezzi più semplici. Nella sua arte, oggetti quotidiani come secchi, bottiglie o kayak diventano portatori di eventi sorprendenti e poetici. Con curiosità e amore per la sperimentazione, capovolge l'ordine del mondo e ci invita a vedere la sua bellezza e il suo potere da nuove prospettive.

Ispirato dalla vita stessa, Signer non è mai stato un artista da studio. Le sue opere sono spesso create all'aperto o in spazi urbani. Già negli anni Settanta, durante un soggiorno di studio a Varsavia, la strada è diventata la sua “accademia”. Questo approccio aperto e giocoso caratterizza tuttora il suo lavoro.

Unexpected encounters, playful experiments, and the forces of nature Roman Signer’s art reveals a world full of energy and transformation. The large exhibition gallery at the Kunsthaus Zürich will become an open landscape where time, movement, and material come together in surprising ways.

A New Perspective on the World
Roman Signer is a master of transformation. For over five decades, he has explored the possibilities of time, space, and energy using the simplest of materials. Everyday objects such as buckets, bottles, or kayaks become carriers of surprising, poetic events in his art. With curiosity and a sense of experimentation, Signer challenges the order of the world and invites us to rediscover its beauty and power from new perspectives.

Inspired by life itself, Signer has never been a studio artist. His works often emerge in the open air or urban spaces. During a study stay in Warsaw in the 1970s, the streets became his "academy." This playful and open approach has shaped his artistic practice ever since.

(Text: Kunsthaus Zürich)

Albertina | Wien
4. April - 6. Juli 2025

Francesca Woodman. Werke der SAMMLUNG VERBUND, Wien

Die ALBERTINA präsentiert die erste Museumsausstellung der amerikanischen Künstlerin Francesca Woodman in Österreich mit den Werken der SAMMLUNG VERBUND. Seit ihrer Gründung im Jahr 2004 erwarb die SAMMLUNG VERBUND kontinuierlich Fotografien von Woodman. Alle in der Ausstellung zu sehenden 82 Werke, darunter 20 von der Künstlerin selbst entwickelte Fotografien, sind aus der SAMMLUNG VERBUND. Damit verfügt die Sammlung – abgesehen vom Nachlass – über den umfassendsten Bestand dieser außergewöhnlichen Künstlerin.

Francesca Woodman (3. April 1958 – 19. Jänner 1981) kreierte ihr OEuvre in einer 9-jährigen Schaffensphase von 1972 bis 1981. Ihr Werk ist von einer leidenschaftlichen Selbstinszenierung sowie von der kreativen Positionierung des weiblichen Körpers im Raum gekennzeichnet, im Kontext konzeptueller Fotografie und Performance. Die meisten Fotografien haben ein kleines, quadratisches Format, sind schwarz-weiß und wurden mit einer Mittelformatkamera aufgenommen. Die Künstlerin setzt ihren Körper, wie viele Künstlerinnen der Feministischen Avantgarde, oft nackt und auf überraschend unkonventionelle Art und Weise wie ein Werkzeug ein. In ihren ungewöhnlichen Atelierräumen, in den aufgelassenen Fabrikhallen, erforscht sie damit ihre Neugier auf das weibliche Selbst.

Die flüchtige Erscheinung des weiblichen Körpers wird oft als eine ästhetische Vorwegnahme ihres Suizids im Alter von 22 Jahren gedeutet. Die Ausstellung will hingegen ihr Werk nicht vom Ende ihrer Schaffenszeit, sondern vom Anfang an interpretieren. Schon in frühen Jahren, während ihrer Studienzeit in den USA und in Italien gelingt es der Künstlerin virtuos und einzigartig den weiblichen Körper im Raum zu inszenieren. Ihre Verwendung von Requisiten wie Spiegel, Handschuhe, Tapeten, Mehl, Muscheln, Fliesen oder Aale ebenso wie ihr gekonnter formaler Einsatz von Licht und Schatten, lassen Genie und Meister:innenschaft erkennen. Ihre subtile Anwendung der genannten Requisiten schafft eine poetische Metaphorik. Ihre Fotografien stellen Fragen, deuten Antworten an und reflektieren eine spezifische Ambivalenz, was es bedeutet, Frau zu sein.

Woodmans Werk fand erst nach ihrem Tod in den frühen 1980ern internationale Anerkennung und wird heute umfassend rezipiert. Die Themen ihrer Arbeiten kreisen um Weiblichkeit, Verletzlichkeit und die kreative Selbstinszenierung des weiblichen Körpers. Die Künstlerin hinterlässt ein eindrucksvolles Werk, das auch vier Jahrzehnte nach ihrem Tod einzigartig und visionär bleibt.

L'ALBERTINA présente la première exposition muséale de l'artiste américaine Francesca Woodman en Autriche avec les œuvres de la COLLECTION VERBUND. Depuis sa création en 2004, la COLLECTION VERBUND a continuellement acquis des photographies de Woodman. Les 82 œuvres exposées, dont 20 photographies développées par l'artiste elle-même, proviennent toutes de la COLLECTION VERBUND. La collection dispose ainsi, à l'exception de la succession, du fonds le plus complet de cette artiste exceptionnelle.

Francesca Woodman (3 avril 1958 – 19 janvier 1981) a créé son œuvre au cours d'une période créative de 9 ans, de 1972 à 1981. Son travail se caractérise par une mise en scène passionnée d'elle-même et par le positionnement créatif du corps féminin dans l'espace, dans le contexte de la photographie conceptuelle et de la performance. La plupart des photographies sont de petit format carré, en noir et blanc, et ont été prises avec un appareil photo moyen format. Comme beaucoup d'artistes féminines de l'avant-garde féministe, l'artiste utilise souvent son corps nu de manière surprenante et non conventionnelle, comme un outil. Dans ses studios inhabituels, des halls d'usine abandonnés, elle explore ainsi sa curiosité pour la féminité.

L'apparence éphémère du corps féminin est souvent interprétée comme une anticipation esthétique de son suicide à l'âge de 22 ans. L'exposition ne cherche toutefois pas à interpréter son œuvre à partir de la fin de sa carrière, mais plutôt à partir de ses débuts. Dès ses premières années, pendant ses études aux États-Unis et en Italie, l'artiste réussit avec brio et originalité à mettre en scène le corps féminin dans l'espace. Son utilisation d'accessoires tels que miroirs, gants, papier peint, farine, coquillages, carreaux ou anguilles, ainsi que son utilisation habile de la lumière et de l'ombre, révèlent son génie et sa maîtrise. L'utilisation subtile des accessoires mentionnés crée une métaphore poétique. Ses photographies transmettent des questions, suggèrent des réponses et reflètent une ambivalence spécifique sur ce que signifie être une femme.

L'œuvre de Woodman n'a été reconnue internationalement qu'après sa mort, au début des années 1980, et est aujourd'hui largement appréciée. Les thèmes de son travail tournent autour de la féminité, de la vulnérabilité et de la mise en scène créative du corps féminin. L'artiste laisse derrière elle une œuvre impressionnante qui, quatre décennies après sa mort, reste unique et visionnaire.

L'ALBERTINA presenta la prima mostra museale in Austria dell'artista americana Francesca Woodman con le opere della SAMMLUNG VERBUND. Sin dalla sua fondazione nel 2004, la SAMMLUNG VERBUND ha acquisito costantemente fotografie di Woodman. Tutte le 82 opere esposte nella mostra, tra cui 20 fotografie sviluppate dall'artista stessa, provengono dalla SAMMLUNG VERBUND. La collezione dispone quindi, a parte il lascito, del più completo patrimonio di questa straordinaria artista.

Francesca Woodman (3 aprile 1958 - 19 gennaio 1981) ha creato la sua opera in un periodo creativo di 9 anni, dal 1972 al 1981. Il suo lavoro è caratterizzato da un'appassionata messa in scena di sé stessa e dal posizionamento creativo del corpo femminile nello spazio, nel contesto della fotografia concettuale e della performance. La maggior parte delle fotografie hanno un formato piccolo e quadrato, sono in bianco e nero e sono state scattate con una fotocamera di medio formato. Come molte artiste dell'avanguardia femminista, l'artista utilizza spesso il proprio corpo nudo in modo sorprendentemente non convenzionale, come uno strumento. Nei suoi insoliti studi, in capannoni industriali abbandonati, esplora la sua curiosità per il sé femminile.

L'aspetto fugace del corpo femminile è spesso interpretato come un'anticipazione estetica del suo suicidio all'età di 22 anni. La mostra, invece, non intende interpretare il suo lavoro dalla fine della sua carriera, ma dall'inizio. Già nei suoi primi anni, durante i suoi studi negli Stati Uniti e in Italia, l'artista è riuscita a mettere in scena il corpo femminile nello spazio in modo virtuoso e unico. L'uso di oggetti di scena come specchi, guanti, carta da parati, farina, conchiglie, piastrelle o anguille, così come il sapiente impiego formale di luci e ombre, rivelano il suo genio e la sua maestria. L'uso sottile di questi oggetti di scena crea un linguaggio poetico e metaforico. Le sue fotografie pongono domande, suggeriscono risposte e riflettono una specifica ambivalenza sul significato dell'essere donna.

L'opera di Woodman ha ottenuto il riconoscimento internazionale solo dopo la sua morte, all'inizio degli anni '80, ed è oggi ampiamente apprezzata. I temi del suo lavoro ruotano attorno alla femminilità, alla vulnerabilità e all'auto-rappresentazione creativa del corpo femminile. L'artista lascia un'opera impressionante che, a quattro decenni dalla sua morte, rimane unica e visionaria.

The ALBERTINA presents the first museum exhibition in Austria of the American artist Francesca Woodman, featuring works from the SAMMLUNG VERBUND. Since its inception in 2004, the SAMMLUNG VERBUND has continuously acquired photographs by Woodman. All 82 works on display in the exhibition, including 20 photographs developed by the artist herself, are from the SAMMLUNG VERBUND. This means that the collection now has the most comprehensive collection of works by this extraordinary artist, apart from her estate.

Francesca Woodman (3 April 1958 – 19 January 1981) created her oeuvre during a nine-year creative phase from 1972 to 1981. Her work is characterised by passionate self-staging and the creative positioning of the female body in space, in the context of conceptual photography and performance. Most of the photographs are small and square in format, black and white, and were taken with a medium-format camera. Like many female artists of the feminist avant-garde, the artist often used her body, naked and in surprisingly unconventional ways, as a tool. In her unusual studio spaces, abandoned factory halls, she explored her curiosity about the female self.

The fleeting appearance of the female body is often interpreted as an aesthetic foreshadowing of her suicide at the age of 22. The exhibition, however, seeks to interpret her work not from the end of her creative period, but from the beginning. Even in her early years, during her studies in the USA and Italy, the artist succeeded in staging the female body in space in a virtuoso and unique manner. Her use of props such as mirrors, gloves, wallpaper, flour, shells, tiles and eels, as well as her skilful formal use of light and shadow, reveal her genius and mastery. Her subtle application of these props creates a poetic imagery. Her photographs ask questions, suggest answers and reflect a specific ambivalence about what it means to be a woman.

Woodman's work only gained international recognition after her death in the early 1980s and is now widely acclaimed. The themes of her work revolve around femininity, vulnerability and the creative self-presentation of the female body. The artist leaves behind an impressive body of work that remains unique and visionary even four decades after her death.

(Text: Albertina, Wien)

Fondazione Rolla – Kindergarten | Bruzella
5. April – 14. September 2025

Phytostopia
Pino Musi

Die 24. von der Rolla-Stiftung präsentierte Ausstellung ist Pino Musi gewidmet, einem Autor, der den Sammlern Philip und Rosella Rolla sehr am Herzen liegt. Ihre Verbindung geht auf das Jahr 2002 zurück, als sie gemeinsam die Giuseppe Terragni gewidmete Ausstellung in den Räumen von Borgovico33, der entweihten Kirche Santa Caterina in Como, organisierten. Von da an wurden sie zu häufigen Besuchern und mehrere Werke von Musi kamen in ihre Sammlung.

Für diese Ausstellung baten die Eheleute Rolla ihn, ein unveröffentlichtes Projekt auszustellen, das Pino Musi in dem zu diesem Anlass herausgegebenen Katalog wie folgt vorstellt: „Im Jahr 2021, während der Zeit der Covid-19-Pandemie, fotografierte ich in Frankreich, Belgien und Italien einige ‚Vegetationsmauern‘, die nicht gepflegt wurden, sowie eine Reihe von Situationen, die in ihrer Form ebenso bizarr wie beunruhigend sind und in denen die Vegetation ein scheinbares Gleichgewicht zwischen Natur, Kultur und Lebensraum verändert hat...“

Die elf ausgestellten Fotografien stammen aus dem Archiv von Pino Musi und aus der Privatsammlung von Philip und Rosella Rolla.

Der Katalog, der kostenlos an die Besucher verteilt wird, enthält auch einen Text des Landschaftshistorikers und -theoretikers Michael Jakob, der zum Nachdenken über das schwierige Verhältnis zwischen Natur und Stadt anregt.

La 24e exposition présentée par la Fondation Rolla est consacrée à Pino Musi, un auteur cher aux collectionneurs Philip et Rosella Rolla. Leur lien remonte à 2002, lorsqu'ils ont monté ensemble l'exposition consacrée à Giuseppe Terragni dans les espaces de Borgovico33, l'église déconsacrée de Santa Caterina à Côme. Dès lors, ils sont devenus des visiteurs assidus et plusieurs œuvres de Musi sont entrées dans leur collection.

For this exhibition, Mr and Mrs Rolla asked him to exhibit an unpublished project, which Pino Musi presents in the catalogue published for the occasion as follows: « In 2021, during the period of the Covid-19 pandemic, I photographed in France, Belgium and Italy some “vegetation walls” that had not been maintained, and a series of situations just as bizarre in their form as they are disturbing, where vegetation has altered an apparent balance between nature, culture and habitat... »

Les onze photographies exposées proviennent des archives de Pino Musi et de la collection privée de Philip et Rosella Rolla.

Le catalogue, distribué gratuitement aux visiteurs, contient également un texte écrit par l'historien et théoricien du paysage Michael Jakob qui nous invite à réfléchir sur la relation difficile entre la nature et la ville.

La ventiquattresima mostra presentata dalla Fondazione Rolla, è dedicata a Pino Musi, un autore caro ai collezionisti Philip e Rosella Rolla. Il loro legame risale al 2002, quando hanno allestito insieme l’esposizione dedicata a Giuseppe Terragni ospitata negli spazi di Borgovico33, la chiesa sconsacrata di Santa Caterina a Como. Da quel momento in poi le frequentazioni sono diventate assidue e diverse opere di Musi sono entrate nella loro collezione.

Per questa mostra i coniugi Rolla gli hanno chiesto di esporre un progetto inedito che, nel catalogo pubblicato per l’occasione, Pino Musi presenta così: “Nel 2021, durante il periodo della pandemia Covid-19, ho fotografato in Francia, Belgio e Italia alcuni ‘muri vegetali’ che non avevano ricevuto manutenzione, ed una serie di situazioni altrettanto-bizzarre nella loro forma, quanto inquietanti, dove la vegetazione ha modificato un apparente equilibrio fra natura, cultura e habitat…”

Le undici fotografie esposte provengono dall’archivio di Pino Musi e dalla collezione privata di Philip e Rosella Rolla.

Nel catalogo, che viene distribuito gratuitamente ai visitatori, è presente anche un testo scritto dallo storico e teorico del paesaggio Michael Jakob che ci invita a riflettere sul difficile rapporto tra natura e città.

The twenty-fourth exhibition presented by the Rolla Foundation is dedicated to Pino Musi,

an author dear to collectors Philip and Rosella Rolla. Their connection dates back to 2002, when they set up together the exhibition dedicated to Giuseppe Terragni hosted in the spaces of Borgovico33, the deconsecrated church of Santa Caterina in Como. From that moment on, the meetings have become assiduous and works by Musi have entered their collection.

For this exhibition, the Rolla’s asked him to exhibit an unreleased project that, in the catalog published for the occasion, Pino Musi presents as follows: “In 2021, during the Covid-19 pandemic, in France, Belgium, and Italy I photographed a number of ‘living walls’ that had not been tended to. I also took pictures of a series of situations that were bizarre in terms of their shape, as well as disturbing, where the plant life had altered the apparent equilibrium between nature, culture and habitat…”

The eleven photographs on display come from the archives of Pino Musi and the private collection of Philip and Rosella Rolla.

The catalog, which is free to visitors, also features a text written by landscape historian and theorist Michael Jakob that invites us to reflect on the difficult relationship between nature and the city.

(Text: Fondazione Rolla, Bruzella)

Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen | Monschau
6. April - 22. Juni 2025

Fotokunst im Exil. 1928-1949

Das Fotografie-Forum widmet sich einem besonderen Kapitel der europäischen Geschichte: Zehn künstlerische Positionen zeigen, wie Fotograf_innen im Exil weiterhin tätig waren, nachdem die politischen Verhältnisse in den 1930er Jahre sie dazu zwangen, ihre Heimat zu verlassen. Die ausgewählten Presse- und Reportageaufnahmen sowie künstlerischen Fotografien zeigen unterschiedliche Strategien, sich der neuen Umgebung anzupassen. Sie demonstrieren gleichzeitig, wie entscheidend das Medium der Fotografie in den jeweiligen Exilländern von emigrierten Personen geprägt wurde. Die von der Leitung des Fotografie-Forums Dr. Nina Mika-Helfmeier kuratierte Ausstellung fußt auf umfangreichen Recherchen in historischen Archiven in Berlin, Paris, Salzburg und New Hampshire sowie auf zahlreichen Gesprächen mit Historiker_innen und Kunstsammler_innen.

„Für die Ausstellung galt es zunächst mehrere tausend Fotos aus den 20er und 30er Jahren des vergangenen Jahrhunderts zu sichten. Jener Zeit in der die Fotografie stark von der ‚Neuen Sachlichkeit‘ und dem Bauhaus beeinflusst wurde.“ (Kuratorin & Leiterin des Fotografie-Forums Dr. Nina Mika-Helfmeier)

Als Ausgangspunkt lassen sich die gezeigten Arbeiten Martin Munkácsis verstehen, bei denen er 1933 die Machtübergabe Paul von Hindenburgs an Adolf Hitler für die Nachwelt dokumentiert. Im Auftrag der Berliner Illustrirte Zeitung hielt der jüdisch-ungarische Fotograf diesen für die Geschichte Europas denkwürdigen Tag fest. Die Machtergreifung der Nationalsozialisten lässt sich für die avantgardistische Kunstszene als Zäsur begreifen. Insbesondere für jüdische Künstler_innen bedeutete sie Ausgrenzung und Berufsverbote, aber auch Angst vor Inhaftierungen oder gar um das eigene Leben. Viele flohen vor dieser unmittelbaren Bedrohung ins Exil.

Lotte und Ruth Jacobi emigrierten nach New York und mussten ihr gemeinsam betriebenes Fotostudio in Berlin zurücklassen. Im Exil porträtiert Lotte Jacobi zunächst berühmte Deutsche, die ebenfalls flüchten mussten. So verdanken wir der Fotografin ikonische Porträts von Albert Einstein oder Thomas Mann. Später war es ihr möglich, in New York wieder ein eigenes Atelier zu eröffnen und sich experimentellen Verfahren, wie den Photogenics, zuzuwenden.

Gerti Deutschs bewegte Biografie bezeugt, dass für den Start in den Exilländern zuweilen ein besonderes Geschick für die eigene Vermarktung notwendig war. Ihr eröffnetes Fotostudio in der Londoner Bond Street firmierte unter dem Slogan „Gerti Deutsch of Vienna“. Mithilfe sogenannter Musterbücher, die eine Auswahl aus ihrem Portfolio wiedergaben, bewarb sie sich bei Londoner Redaktionen um Aufträge. Als eine der wenigen Frauen wurde sie damals Reporterin bei der Picture Post, für die sie unmittelbar nach dem Krieg in ihre Heimatstadt Wien zurückkehrte. Eine der für das Magazin entstandene Reportage widmete sich der Ankunft von Kriegsheimkehrern. Besonders bemerkenswert erscheint hierbei, dass es Deutsch gelingt, die hoffnungsvollen Nuancen und die Freude am Wiedersehen festzuhalten.

Als einer der bedeutendsten Kriegsfotografen gilt heute Robert Capa. Der jüdische Fotograf floh 1933 von Deutschland zunächst nach Paris und emigrierte 1939 in die USA. Als Fotoreporter hält er ab 1936 das Kriegsgeschehen in Spanien fest. Aus nächster Nähe zeigt er die erbitterten Kämpfe zwischen den aufständischen nationalistischen Truppen Francisco Francos und den Internationalen Brigaden in Katalonien. An der Grenze zu Frankreich begleitet er die Ströme von Zivilist_innen, die versuchen, den Grausamkeiten des Krieges zu entkommen. Mit seinem Credo „Wenn deine Bilder nicht gut genug sind, warst du nicht nah genug dran.“ revolutionierte Capa die fotografische Berichterstattung nachhaltig.

Der zweite Teil der Ausstellung widmet sich der unmittelbaren Zeit nach Ende des Zweiten Weltkrieges. Hoffnung und Zuversicht paaren sich in den versammelten Aufnahmen mit dem Bild von Zerstörung und Leid. David Seymour dokumentierte 1948 beispielsweise im Auftrag des 1946 gegründeten Kinderhilfswerks UNICEF die Situation von Kindern in fünf vom Krieg verwüsteten europäischen Ländern: Österreich, Griechenland, Ungarn, Italien und Polen. „Als Fotograf spreche ich die Sprache der Bilder. Ich sehe mich um und versuche aufzunehmen, was ich sehe. Und in den letzten sechs Monaten habe ich eine Menge gesehen…“, sagte Seymour im UNESCO-Magazin über seine Dokumentation. Die Fotos der Reportage berühren bis heute und erscheinen vor dem Hintergrund politischer Entwicklungen wieder erschreckend aktuell.

„Fotokunst im Exil“ bietet einen umfassenden Einblick in ein besonderes Kapitel der europäischen Geschichte und zeigt zugleich, welche weitreichenden Folgen dieses für das Leben und die künstlerische Karriere von einzelnen Fotograf_innen hatte. Die präsentierten Aufnahmen, von denen einige zum ersten Mal in Deutschland gezeigt werden, könnten dabei nicht unterschiedlicher sein. Sie alle eint, dass sie ambivalente Emotionen offenbaren: Trauer angesichts des Verlustes der alten Heimat, aber auch Hoffnung auf eine friedliche, bessere Zukunft.

Le Forum de la photographie se consacre à un chapitre particulier de l'histoire européenne : dix positions artistiques montrent comment les photographes en exil ont continué à travailler après que les conditions politiques des années 1930 les ont contraints à quitter leur pays. Les photos de presse et de reportage ainsi que les photographies artistiques sélectionnées montrent différentes stratégies pour s'adapter au nouvel environnement. Elles démontrent en même temps à quel point le médium photographique a été marqué de manière décisive par les personnes émigrées dans les différents pays d'exil. L'exposition organisée par la directrice du Fotografie-Forum, Dr. Nina Mika-Helfmeier, repose sur des recherches approfondies dans des archives historiques à Berlin, Paris, Salzbourg et dans le New Hampshire ainsi que sur de nombreux entretiens avec des historiens et des collectionneurs d'art.

« Pour l'exposition, il a d'abord fallu passer en revue plusieurs milliers de photos des années 20 et 30 du siècle dernier. Une époque où la photographie était fortement influencée par la 'Neue Sachlichkeit' et le Bauhaus ». (Curatrice & directrice du Fotografie-Forum Dr. Nina Mika-Helfmeier)

Les travaux de Martin Munkácsis présentés ici, dans lesquels il documente pour la postérité la passation de pouvoir de Paul von Hindenburg à Adolf Hitler en 1933, peuvent être considérés comme un point de départ. Le photographe juif hongrois a immortalisé ce jour mémorable pour l'histoire de l'Europe à la demande de l'Illustrirte Zeitung de Berlin. L'arrivée au pouvoir des nationaux-socialistes peut être considérée comme un tournant pour la scène artistique d'avant-garde. Pour les artistes juifs en particulier, elle a été synonyme d'exclusion et d'interdictions professionnelles, mais aussi de peur d'être emprisonnés, voire de perdre la vie. Beaucoup ont fui cette menace immédiate et se sont exilés.

Lotte et Ruth Jacobi ont émigré à New York et ont dû laisser derrière elles le studio de photographie qu'elles exploitaient ensemble à Berlin. En exil, Lotte Jacobi a d'abord fait le portrait d'Allemands célèbres qui avaient également dû fuir. Nous devons ainsi à la photographe des portraits iconiques d'Albert Einstein ou de Thomas Mann. Plus tard, elle a pu rouvrir son propre studio à New York et se tourner vers des procédés expérimentaux comme les photogéniques.

La biographie mouvementée de Gerti Deutsch témoigne du fait que pour démarrer dans les pays d'exil, il fallait parfois faire preuve d'une habileté particulière pour sa propre commercialisation. Le studio de photographie qu'elle a ouvert dans Bond Street à Londres était connu sous le slogan « Gerti Deutsch of Vienna ». A l'aide de « livres d'échantillons », qui présentaient une sélection de son portfolio, elle sollicitait des commandes auprès des rédactions londoniennes. Elle fut l'une des rares femmes à devenir reporter pour le Picture Post, pour lequel elle retourna dans sa ville natale de Vienne juste après la guerre. L'un des reportages réalisés pour le magazine était consacré à l'arrivée de personnes revenant de la guerre. Ce qui semble particulièrement remarquable ici, c'est que Deutsch parvient à saisir les nuances pleines d'espoir et la joie des retrouvailles.

Robert Capa est aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands photographes de guerre. Le photographe juif a d'abord fui l'Allemagne en 1933 pour se réfugier à Paris, puis a émigré aux États-Unis en 1939. En tant que photoreporter, il immortalise dès 1936 les événements de la guerre en Espagne. Il montre de très près les combats acharnés entre les troupes nationalistes insurgées de Francisco Franco et les Brigades internationales en Catalogne. A la frontière avec la France, il accompagne les flots de civils qui tentent d'échapper aux atrocités de la guerre. Avec son credo « Si vos visuels ne sont pas assez bons, c'est que vous n'étiez pas assez près ». Capa a durablement révolutionné le reportage photographique.

La deuxième partie de l'exposition est consacrée à la période qui suit immédiatement la fin de la Seconde Guerre mondiale. Dans les clichés rassemblés, l'espoir et la confiance s'associent au visuel de la destruction et de la souffrance. En 1948, David Seymour a par exemple documenté la situation des enfants dans cinq pays européens dévastés par la guerre pour le compte de l'UNICEF, le fonds d'aide aux enfants fondé en 1946 : Autriche, Grèce, Hongrie, Italie et Pologne. « En tant que photographe, je parle le langage des visuels. Je regarde autour de moi et j'essaie d'enregistrer ce que je vois. Et au cours des six derniers mois, j'ai vu beaucoup de choses... », a déclaré Seymour au magazine de l'UNESCO à propos de son documentaire. Les photos du reportage touchent encore aujourd'hui et semblent à nouveau terriblement actuelles dans le contexte des évolutions politiques.

« L'art photographique en exil » offre un aperçu complet d'un chapitre particulier de l'histoire européenne et montre en même temps les conséquences importantes que cela a eu sur la vie et la carrière artistique de certains photographes. Les photos présentées, dont certaines sont exposées pour la première fois en Allemagne, ne pourraient pas être plus différentes les unes des autres. Ce qui les unit tous, c'est qu'ils révèlent des émotions ambivalentes : La tristesse face à la perte de l'ancienne patrie, mais aussi l'espoir d'un avenir pacifique et meilleur.

Il Forum della Fotografia è dedicato a un capitolo speciale della storia europea: dieci posizioni artistiche mostrano come i fotografi abbiano continuato a lavorare in esilio dopo che le circostanze politiche degli anni Trenta li avevano costretti a lasciare la loro patria. Le fotografie di stampa e di reportage selezionate, così come le fotografie artistiche, mostrano diverse strategie di adattamento al nuovo ambiente. Allo stesso tempo, dimostrano come il mezzo fotografico sia stato caratterizzato in modo decisivo dagli emigranti nei rispettivi Paesi di esilio. La mostra, curata dalla dott.ssa Nina Mika-Helfmeier, direttrice del Forum di Fotografia, si basa su un'ampia ricerca negli archivi storici di Berlino, Parigi, Salisburgo e New Hampshire e su numerosi colloqui con storici e collezionisti d'arte.

“Per la mostra abbiamo dovuto passare al setaccio diverse migliaia di foto degli anni Venti e Trenta. Un periodo in cui la fotografia era fortemente influenzata dalla 'Nuova Oggettività' e dal Bauhaus”. (Curatrice e direttrice del Forum di Fotografia, Nina Mika-Helfmeier)

Le opere in mostra di Martin Munkácsi, che ha documentato per i posteri il passaggio di potere di Paul von Hindenburg ad Adolf Hitler nel 1933, possono essere considerate un punto di partenza. Su commissione della Berliner Illustrirte Zeitung, il fotografo ebreo-ungherese ha immortalato questo giorno memorabile della storia d'Europa. La presa del potere da parte dei nazionalsocialisti può essere intesa come una cesura per la scena artistica d'avanguardia. Per gli artisti ebrei, in particolare, significò emarginazione e divieti professionali, ma anche paura di essere imprigionati o addirittura temere per la propria vita. Molti fuggirono da questa minaccia immediata verso l'esilio.

Lotte e Ruth Jacobi emigrarono a New York e dovettero abbandonare lo studio fotografico che gestivano insieme a Berlino. In esilio, Lotte Jacobi scattò inizialmente ritratti di tedeschi famosi, anch'essi costretti a fuggire. Dobbiamo ringraziare la fotografa per i ritratti iconici di Albert Einstein e Thomas Mann. In seguito fu in grado di riaprire il suo studio a New York e di dedicarsi a tecniche sperimentali come la fotogenia.

La movimentata biografia di Gerti Deutsch testimonia che a volte era necessario possedere particolari capacità di marketing quando si iniziava a lavorare nei Paesi in esilio. Lo studio fotografico che aprì in Bond Street a Londra operava con lo slogan “Gerti Deutsch of Vienna”. Con l'aiuto dei cosiddetti campionari, che presentavano una selezione del suo portfolio, chiese commissioni alle redazioni londinesi. Fu una delle poche donne a diventare reporter del Picture Post, per il quale tornò nella sua città natale, Vienna, subito dopo la guerra. Uno dei servizi che scrisse per la rivista era dedicato all'arrivo dei rimpatriati dalla guerra. Ciò che sembra particolarmente notevole in questo caso è che la Deutsch riesce a catturare le sfumature di speranza e la gioia del ricongiungimento.

Robert Capa è considerato oggi uno dei più importanti fotografi di guerra. Il fotografo ebreo fuggì dalla Germania nel 1933, inizialmente a Parigi, prima di emigrare negli Stati Uniti nel 1939. Come fotoreporter, ha immortalato gli eventi della guerra in Spagna a partire dal 1936. Mostra da vicino le feroci battaglie tra le truppe nazionaliste insurrezionali di Francisco Franco e le Brigate Internazionali in Catalogna. Al confine con la Francia, accompagna i flussi di civili che cercano di sfuggire alle atrocità della guerra. Con il suo credo “Se le tue foto non sono abbastanza buone, non eri abbastanza vicino”. Capa ha rivoluzionato definitivamente il reportage fotografico.

La seconda parte della mostra è dedicata al periodo immediatamente successivo alla fine della Seconda guerra mondiale. Nelle fotografie raccolte, la speranza e la fiducia sono abbinate a immagini di distruzione e sofferenza. Nel 1948, ad esempio, David Seymour documentò la situazione dei bambini in cinque Paesi europei devastati dalla guerra per conto dell'UNICEF, l'organizzazione di soccorso all'infanzia fondata nel 1946: Austria, Grecia, Ungheria, Italia e Polonia. “Come fotografo, parlo il linguaggio delle immagini. Mi guardo intorno e cerco di registrare ciò che vedo. E negli ultimi sei mesi ho visto molto...”, ha dichiarato Seymour nella rivista dell'UNESCO a proposito del suo documentario. Le foto del reportage sono ancora oggi commoventi e sembrano spaventosamente attuali sullo sfondo degli sviluppi politici.

“Photographic Art in Exile” offre una visione completa di un capitolo particolare della storia europea e allo stesso tempo mostra le conseguenze di vasta portata che questo ha avuto sulle vite e sulle carriere artistiche dei singoli fotografi. Le fotografie presentate, alcune delle quali sono esposte per la prima volta in Germania, non potrebbero essere più diverse. Ciò che hanno in comune è che rivelano emozioni ambivalenti: tristezza di fronte alla perdita della loro vecchia patria, ma anche speranza in un futuro pacifico e migliore.

The Photography Forum is dedicated to a special chapter of European history: ten artistic positions show how photographers continued to work in exile after the political situation in the 1930s forced them to leave their homeland. The selected press and reportage photographs, as well as artistic photographs, show different strategies for adapting to the new environment. At the same time, they demonstrate how decisively the medium of photography was shaped by emigrants in the respective exile countries. The exhibition, curated by the director of the Fotografie-Forum Dr. Nina Mika-Helfmeier, is based on extensive research in historical archives in Berlin, Paris, Salzburg and New Hampshire, as well as on numerous discussions with historians and art collectors.

‘For the exhibition, several thousand photos from the 1920s and 1930s had to be sifted through first. That was a time when photography was heavily influenced by the ‘New Objectivity’ and the Bauhaus.’ (Curator and Director of the Photography Forum Dr. Nina Mika-Helfmeier)

Martin Munkácsi's works, in which he documented the transfer of power from Paul von Hindenburg to Adolf Hitler in 1933 for posterity, can be seen as a starting point. The Jewish-Hungarian photographer captured this memorable day for the history of Europe on behalf of the Berliner Illustrirte Zeitung. The seizure of power by the National Socialists can be seen as a turning point for the avant-garde art scene. For Jewish artists in particular, it meant ostracism and professional bans, but also fear of imprisonment or even for one's life. Many fled into exile from this imminent threat.

Lotte and Ruth Jacobi emigrated to New York and had to leave behind their jointly operated photography studio in Berlin. In exile, Lotte Jacobi initially portrayed famous Germans who had also been forced to flee. We therefore have the photographer to thank for iconic portraits of Albert Einstein and Thomas Mann. Later, she was able to open her own studio in New York and turn to experimental processes such as photogenics.

Gerti Deutsch's eventful biography testifies to the fact that a special talent for marketing oneself was sometimes necessary to get started in the countries of exile. Her photo studio on London's Bond Street operated under the slogan ‘Gerti Deutsch of Vienna’. With the help of so-called sample books, which showed a selection from her portfolio, she applied to London editorial offices for assignments. She was one of the few women to become a reporter at the Picture Post, for which she returned to her hometown of Vienna immediately after the war. One of the reports she produced for the magazine was about the arrival of those returning from the war. It is particularly noteworthy that Deutsch manages to capture the hopeful nuances and the joy of reunion.

Robert Capa is considered one of the most important war photographers today. The Jewish photographer fled from Germany in 1933, first to Paris and then emigrated to the United States in 1939. As a photojournalist, he documented the war in Spain from 1936. He captured the bitter fighting between the rebel nationalist troops of Francisco Franco and the International Brigades in Catalonia at close range. On the border with France, he accompanied the streams of civilians trying to escape the atrocities of war. With his credo ‘If your pictures aren't good enough, you weren't close enough,’ Capa revolutionised photographic reporting in the long term.

The second part of the exhibition is dedicated to the immediate post-war period. The collected images combine hope and optimism with scenes of destruction and suffering. In 1948, for example, David Seymour documented the situation of children in five war-ravaged European countries – Austria, Greece, Hungary, Italy and Poland – on behalf of the children's aid organisation UNICEF, which was founded in 1946. ‘As a photographer, I speak the language of images. I look around and try to take up what I see. And in the last six months, I have seen a lot...‘, Seymour said in the UNESCO magazine about his documentation. The photos of the report are still touching today and, against the background of political developments, seem frighteningly topical again.

’Photographic Art in Exile’ offers a comprehensive insight into a special chapter of European history and at the same time shows the far-reaching consequences this had for the lives and artistic careers of individual photographers. The photographs presented, some of which are being shown in Germany for the first time, could not be more diverse. What they all have in common is that they reveal ambivalent emotions: grief at the loss of the old homeland, but also hope for a peaceful, better future.

(Text: Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen)

Stadtmuseum Schleswig
8. April – 14. September 2025

Tankstellen in Georgien
Klaus Andrews

Das Stadtmuseum Schleswig zeigt mit „Tankstellen in Georgien“ eine Ausstellung, die weit über das Sichtbare hinausgeht. Der Fotograf Klaus Andrews macht die Tankstelle zum Spiegel einer zerrissenen Gesellschaft – und entwirft ein vielschichtiges Porträt eines Landes im Umbruch.

Eine Tankstelle ist gewöhnlich ein Ort des Transits – funktional, oft gesichtslos. Nicht so in Georgien. Dort, wo Europa und Asien aufeinandertreffen, ist die Tankstelle mehr als Infrastruktur: Sie wird zur Chiffre einer Gesellschaft im Spannungsfeld von politischer Zerrissenheit, wirtschaftlicher Fragilität und westlichem Aufbruch. Der Fotograf Klaus Andrews hat sich auf eine 2’600 Kilometer lange Reise durch das kleine Kaukasusland begeben – und seine Entdeckungen in ausdrucksstarken Bildern festgehalten.

Die Ausstellung im Stadtmuseum Schleswig, in Kooperation mit der Sparkassenstiftung Schleswig-Holstein realisiert, trägt den lakonischen Titel „Tankstellen in Georgien“. Was nach nüchterner Dokumentation klingt, entpuppt sich als visuell-poetische Reflexion über gesellschaftliche Bruchlinien. Andrews zeigt Tankstellen in allen Aggregatzuständen: futuristisch, verfallen, improvisiert. Mal strahlen sie in grellen Farben, mal rotten sie still vor sich hin – zweckentfremdet als Viehstall, Kiosk oder Müllhalde.

Doch es sind nicht nur die architektonischen Kontraste, die seine Arbeiten auszeichnen. Immer wieder richtet Andrews seine Kamera auf jene Menschen, die diesen Orten Leben einhauchen: Tankwarte, die stumm auf Kundschaft warten. Jugendliche, die ihre alten Limousinen stolz betanken. Eine Frau, die aus einem verlassenen Kassenhäuschen heraus Zigaretten verkauft. Diese Momentaufnahmen verdichten sich zu einem feinen gesellschaftlichen Panoptikum.

Georgien, so wird rasch klar, ist ein Land auf der Kippe: zwischen Westorientierung und russischem Einfluss, zwischen urbanem Fortschritt und ländlicher Stagnation. Das Auto wird hier zum Symbol der Mobilität – und damit der Freiheit. Dass das Tankstellennetz mit über 30 konkurrierenden Marken so dicht ist wie kaum anderswo, wirkt in diesem Kontext fast logisch.

Die Ausstellung läuft bis zum 14. September 2025 im Palais des Stadtmuseums Schleswig – und lohnt nicht nur für Fotografie-Interessierte den Besuch. Sie ist ein stilles, aber prägnantes Zeugnis davon, wie das Alltägliche zur Linse für das Grosse Ganze werden kann.

Le Stadtmuseum de Schleswig propose, avec l’exposition « Stations-service en Géorgie », bien plus qu’un simple compte rendu visuel. Le photographe Klaus Andrews fait de la station-service le miroir d’une société fracturée – et brosse le portrait nuancé d’un pays en mutation.

Une station-service est, en règle générale, un lieu transitoire – fonctionnel, souvent anonyme. En Géorgie, cependant, où l’Europe côtoie l’Asie, elle devient un véritable symbole : infrastructure certes, mais aussi reflet d’une société en tension, tiraillée entre ouverture à l’Ouest et influence russe persistante. Durant un périple de 2 600 kilomètres, Klaus Andrews a su capter l’essence visuelle de ces lieux a priori banals – révélant leur charge esthétique, sociale et politique.

Ses clichés dévoilent une diversité architecturale surprenante, allant du design audacieux à l’abandon délabré, de la structure flambant neuve au bricolage de fortune. Certains sites vivent une seconde vie : transformés en buvettes, en étables ou simplement en dépotoirs. Mais plus que les constructions, ce sont les figures humaines qui imprègnent ces images : pompistes immobiles, clients silencieux, visages marqués par l’attente ou la résignation.

La Géorgie que dessine Andrews est celle d’un pays en équilibre instable, où la voiture devient l’incarnation du progrès et de la liberté. Le foisonnement de marques de carburant – plus de trente opérateurs se partagent un marché concurrentiel – est ici moins un fait économique qu’un symptôme sociétal.

L’exposition s’impose ainsi comme un voyage à travers un territoire en transition, à travers son histoire, ses fractures géopolitiques et ses réalités quotidiennes. Elle souligne combien un lieu aussi ordinaire qu’une station-service peut devenir le reflet d’un monde en mouvement.

Visible jusqu’au 14 septembre 2025 au Stadtmuseum Schleswig, dans le Palais, aux horaires habituels.

Con la mostra «Stazioni di servizio in Georgia», lo Stadtmuseum di Schleswig propone una narrazione visiva che va ben oltre la semplice documentazione fotografica. Il fotografo Klaus Andrews trasforma la stazione di servizio in uno specchio fedele di una società divisa – e traccia un ritratto sfaccettato di un Paese in trasformazione.

Una stazione di servizio, di solito, è un luogo di passaggio, anonimo e funzionale. Ma in Georgia – dove l’Europa incontra l’Asia – essa diventa un potente simbolo. Lungo un itinerario di 2.600 chilometri, Klaus Andrews ha immortalato stazioni che raccontano molto più di quanto appaia: geometrie architettoniche, dettagli fatiscenti, ma anche storie di vita quotidiana, silenzi e attese.

Le sue fotografie mostrano un panorama sorprendente: strutture ultramoderne accanto a edifici decadenti, installazioni improvvisate accanto a progetti architettonici ambiziosi. Alcune di queste stazioni, oggi fuori uso, sopravvivono come stalle, chioschi o discariche. Ma ciò che davvero colpisce è l’umanità che popola queste scene: benzinai che aspettano clienti senza sosta, automobilisti che trattano l’auto come status symbol, venditrici solitarie dietro vetrine impolverate.

La Georgia emerge come un Paese in bilico tra aspirazioni europee e nostalgie russofile. In questo scenario, l’auto assume un valore simbolico, diventando emblema di libertà e modernità. Non stupisce che esistano oltre trenta marchi di distributori di benzina in competizione – in una corsa alla presenza visiva e simbolica sul territorio.

La mostra è molto più di una raccolta di scatti: è un viaggio visivo attraverso un Paese che muta, che cerca una direzione tra passato e futuro, tra tensioni geopolitiche e realtà quotidiane. E dimostra come anche un luogo apparentemente banale possa riflettere profondamente la società in cui esiste.

Visitabile fino al 14 settembre 2025 presso il Palais dello Stadtmuseum Schleswig, durante gli orari di apertura regolari.

With the exhibition “Petrol Stations in Georgia”, the Stadtmuseum Schleswig presents a body of work that transcends conventional documentary photography. Klaus Andrews transforms the ordinary petrol station into a lens through which a fractured society is observed – offering a nuanced portrait of a nation in flux.

Ordinarily, a petrol station is little more than a waypoint – utilitarian and faceless. Yet in Georgia – situated between Europe and Asia – it becomes something far more symbolically charged. Across a 2,600-kilometre journey, photographer Klaus Andrews has documented this unlikely landscape with clarity and poetic depth, uncovering the socio-political tensions embedded in these ostensibly mundane places.

His images reveal an astonishing architectural variety: sleek, futuristic forecourts stand beside derelict structures and makeshift sheds. Many no longer fulfil their original function, having been repurposed as barns, kiosks or dumping grounds. But beyond these physical contrasts, it is the human presence that animates Andrews’ work: attendants enduring long, uneventful shifts; drivers proudly refuelling aging saloons; women selling cigarettes from forgotten kiosks.

What emerges is a country delicately poised between opposing currents – young generations looking westward towards the EU, while political power remains aligned with pro-Russian interests. In this landscape, the motorcar becomes more than a means of transport: it is a symbol of aspiration, mobility and personal freedom. That more than thirty fuel brands compete for market share across Georgia speaks volumes about this struggle for identity and influence.

“Petrol Stations in Georgia” is more than a visual inventory – it is a reflective journey through a nation’s history, its geopolitical edges, and its everyday realities. The exhibition compellingly demonstrates how even the most banal of spaces can serve as mirrors of societal change.

On view until 14 September 2025 at the Stadtmuseum Schleswig, Palais wing, during regular opening hours.

Musée Carnavalet – Histoire de Paris
9. April – 24. August 2025

Le Paris d’Agnès Varda, de-ci, de-là

Die Ausstellung „Le Paris d'Agnès Varda, de-ci, de-là“ (Das Paris von Agnès Varda, hier und dort) beleuchtet das Werk von Agnès Varda (1928–2019) aus einer neuen Perspektive. Sie hebt das noch wenig bekannte fotografische Werk der Künstlerin hervor und offenbart die zentrale Bedeutung des Ateliers in der Rue Daguerre (Paris 14e), ihrem Lebens- und Schaffensort von 1951 bis 2019. Ganz allgemein zeigt sie die Bedeutung von Paris in einem freien und reichhaltigen Werk, das niemals in Einfachheit verfällt und Dokumentarisches und Fiktionales auf wunderbare Weise miteinander in Dialog bringt.

Die Ausstellung ist das Ergebnis einer mehr als zweijährigen Forschungsarbeit und stützt sich im Wesentlichen auf den fotografischen Nachlass von Agnès Varda und die Archive von Ciné-Tamaris. Sie stellt das Werk der Fotografin dem der Filmemacherin gegenüber und zeigt 130 Abzüge, darunter viele bisher unveröffentlichte, sowie Ausschnitte aus Filmen, die ganz oder teilweise in Paris gedreht wurden. Außerdem werden Publikationen, Dokumente, Gegenstände aus dem Besitz der Künstlerin, Plakate, Fotos von Dreharbeiten sowie eine Skulptur ihrer Katze Nini präsentiert.

Nachdem die ersten Schritte von Agnès Varda als Fotografin beleuchtet wurden, bietet die Ausstellung einen ersten Einblick in den Hof-Atelier, der damals sowohl als Fotostudio, Entwicklungs- und Drucklabor als auch als Ort ihrer ersten Einzelausstellung im Jahr 1954 diente.

Der gleiche Innenhof wird in den 1960er Jahren wieder aufgegriffen, als Agnès Varda ihn mit dem Filmemacher Jacques Demy teilte und er von Persönlichkeiten aus der Filmwelt frequentiert wurde, nachdem er zuvor ein Treffpunkt für Theaterleute gewesen war.

Die Ausstellung zeigt anschließend eine Reihe von Fotografien, die den ungewöhnlichen, von Humor und Fremdartigkeit geprägten Blick der Künstlerin auf die Menschen und Straßen der Hauptstadt unterstreichen. Agnès Varda hat zahlreiche Aufträge ausgeführt, darunter Porträts, aber auch Reportagen, die sie auf ihre eigene originelle Weise umgesetzt hat.

Der Blick der Filmemacherin auf Paris wird in einem chronologisch-thematischen Rundgang gezeigt, der die vollständig in Paris gedrehten Filme hervorhebt, beginnend mit Cléo de 5 à 7 (1962). Die Stadt wird so gefilmt, dass sie mit den Gefühlen der jungen Frau im Einklang steht. Dieser Teil der Ausstellung erinnert an zwei weitere Filme, in denen Paris dazu dient, die Emotionen der Figuren zu beschreiben: ein Ausschnitt aus dem Kurzfilm Les fiancés du pont MacDonald (1962) und Fotos von den Dreharbeiten zu Loin du Vietnam (1967). Anhand einer Auswahl von Ausschnitten aus Spiel- und Kurzfilmen, von denen einige unveröffentlicht oder unvollendet sind, hinterfragt die Ausstellung auch die Art und Weise, wie Agnès Varda mit ihrer Kamera die Stadt erkundet und ihre Leidenschaft für urbane Details zeigt, die für eilige Blicke unsichtbar bleiben.

Die Ausstellung setzt sich mit Themen fort, die der Künstlerin am Herzen lagen, wie ihre Aufmerksamkeit für Menschen, insbesondere für Frauen und Randgruppen, wobei sie jedes Mal Verbindungen zwischen dem Werk der Fotografin und der Filmemacherin herstellt. Für den Film L'une chante l'autre pas (1977), der von der Emanzipation zweier Frauen erzählt, die Freiheit und Wahrheit erlangen, hat Agnès Varda das Atelier eines Pariser Fotografen nachgebaut. Dazu schuf sie eine Serie von Frauenporträts, von denen zwölf ausnahmsweise in der Ausstellung zu sehen sind. Die Ausstellung präsentiert auch das Fotobuchprojekt L'opéra-Mouffe, das Lieder über das Mouffetard-Viertel illustriert und 1958 zu einem Kurzfilm wurde, der die widersprüchlichen Gefühle einer schwangeren Frau in einem der ärmsten Viertel von Paris untersucht. Außerdem präsentiert sie Daguerréotypes (1975), einen Dokumentarfilm, der entlang der Rue Daguerre gedreht wurde und in dem Agnès Varda eine Reihe von Porträts ihrer Nachbarn, die dort als Händler tätig sind, realisiert hat.

Die Ausstellung endet mit Porträts der Künstlerin, die in ihrem Atelierhof, der zu einem Gartenhof umgestaltet wurde, fotografiert und gefilmt wurde. Von hier aus hat sie ihr Werk verbreitet und gleichzeitig eine schillernde Persönlichkeit entwickelt.

Ein Buch mit Essays der Kuratoren und Mitglieder des wissenschaftlichen Komitees ist im Verlag Éditions Paris Musées erschienen.

L’exposition Le Paris d’Agnès Varda, de-ci, de-là aborde l’œuvre d’Agnès Varda (1928-2019) sous un angle inédit. Elle met en valeur l’oeuvre photographique encore méconnue de l’artiste et révèle la place primordiale de la cour-atelier de la rue Daguerre (Paris 14e), lieu de vie et de création, de 1951 à 2019. Plus généralement, elle montre l’importance de Paris dans une œuvre libre et foisonnante qui ne cède jamais à la facilité et fait merveilleusement dialoguer documentaire et fiction.

Fruit d’un travail de recherche de plus de deux ans, l’exposition s’appuie essentiellement sur le fonds photographique d’Agnès Varda et les archives de Ciné-Tamaris. Elle met en regard l’œuvre de la photographe avec celle de la cinéaste à travers un ensemble de 130 tirages, dont de nombreux inédits, et des extraits de films entièrement ou en partie tournés à Paris. Elle présente également des publications, des documents, des objets ayant appartenu à l’artiste, des affiches, des photographies de tournage ainsi qu’une sculpture de sa chatte Nini.

Après avoir révélé les premiers pas d’Agnès Varda comme photographe, le parcours propose une première immersion dans la cour-atelier, à l’époque où elle est à la fois un studio de prise de vue, un laboratoire de développement et de tirages et le lieu de sa première exposition personnelle en 1954.

La même cour est revisitée dans les années 1960, à l’époque où Agnès Varda la partage avec le cinéaste Jacques Demy, quand elle est fréquentée par des personnalités du cinéma après avoir accueilli des gens de théâtre.

L’exposition propose ensuite un ensemble de photographies qui soulignent le regard décalé, teinté d’humour et d’étrangeté que l’artiste porte sur les gens et les rues de la capitale. Agnès Varda a en effet répondu à de nombreuses commandes, notamment de portraits mais aussi de reportages, traités à sa façon, avec originalité.

Le regard de la cinéaste sur Paris est évoqué dans un parcours chrono-thématique mettant en valeur les films tournés entièrement à Paris à commencer par Cléo de 5 à 7 (1962). La ville y est filmée pour être à l’unisson des sentiments traversés par la jeune femme. Cette partie de l’exposition évoque deux autres films où Paris sert à décrire les émotions des personnages avec : un extrait du court-métrage Les fiancés du pont MacDonald (1962) et des photographies de tournage de Loin du Vietnam (1967). À travers une sélection d’extraits de longs et courts métrages, certains inédits ou inachevés, l’exposition interroge également la façon dont la caméra d’Agnès Varda explore la ville et montre sa passion pour les détails urbains, invisibles pour des yeux pressés.

L’exposition se poursuit avec des thématiques chères à l’artiste comme son attention aux gens et plus particulièrement aux femmes et à ceux qui vivent en marge en tissant à chaque fois des liens entre l’œuvre de la photographe et de la cinéaste. Pour le film L’une chante l’autre pas (1977), qui raconte l’émancipation de deux femmes qui gagnent en liberté et vérité, Agnès Varda a reconstitué la boutique d’un photographe parisien. Pour ce faire, elle a réalisé une série de portraits féminins dont 12 seront exceptionnellement remis en scène dans le parcours. L’exposition dévoile aussi le projet de livre photographique L’opéra-Mouffe, illustrant des chansons sur le quartier Mouffetard, devenu en 1958 un court-métrage explorant les sentiments contradictoires qui traversent une femme enceinte dans un des quartiers les plus pauvres de Paris. Elle présente également Daguerréotypes (1975), documentaire tourné le long de la rue Daguerre dans lequel Agnès Varda réalise un ensemble de portraits de ses voisins commerçants.

L’exposition s’achève autour de portraits de l’artiste photographiée et filmée dans sa cour-atelier devenue cour-jardin, à partir de laquelle elle a fait rayonner son œuvre tout en cultivant un personnage haut en couleur.

Un ouvrage comprenant les essais des commissaires et des membres du comité scientifique est publié aux Éditions Paris Musées.

La mostra Le Paris d'Agnès Varda, de-ci, de-là (La Parigi di Agnès Varda, qua e là) affronta l'opera di Agnès Varda (1928-2019) da una prospettiva inedita. Mette in risalto l'opera fotografica ancora poco conosciuta dell'artista e rivela il ruolo fondamentale della corte-atelier di rue Daguerre (Parigi, quattordicesimo arrondissement), luogo di vita e di creazione dal 1951 al 2019. Più in generale, mostra l'importanza di Parigi in un'opera libera e ricca che non cede mai alla facilità e crea un meraviglioso dialogo tra documentario e finzione.

Frutto di un lavoro di ricerca durato più di due anni, la mostra si basa essenzialmente sul fondo fotografico di Agnès Varda e sugli archivi di Ciné-Tamaris. Mette a confronto l'opera della fotografa con quella della regista attraverso un insieme di 130 stampe, molte delle quali inedite, ed estratti di film girati interamente o in parte a Parigi. Presenta inoltre pubblicazioni, documenti, oggetti appartenuti all'artista, manifesti, fotografie di set e una scultura della sua gatta Nini.

Dopo aver rivelato i primi passi di Agnès Varda come fotografa, il percorso offre una prima immersione nel cortile-laboratorio, all'epoca studio fotografico, laboratorio di sviluppo e stampa e sede della sua prima mostra personale nel 1954.

Lo stesso cortile viene rivisitato negli anni '60, quando Agnès Varda lo condivide con il regista Jacques Demy e viene frequentato da personalità del cinema dopo aver ospitato personaggi del teatro.

La mostra propone poi una serie di fotografie che sottolineano lo sguardo insolito, venato di umorismo e stranezza, che l'artista rivolge alle persone e alle strade della capitale. Agnès Varda ha infatti realizzato numerosi lavori su commissione, in particolare ritratti ma anche reportage, trattati a modo suo, con originalità.

Lo sguardo della regista su Parigi è evocato in un percorso cronologico-tematico che mette in risalto i film girati interamente a Parigi, a partire da Cléo dalle 5 alle 7 (1962). La città è filmata in modo da essere in sintonia con i sentimenti provati dalla giovane donna. Questa parte della mostra evoca altri due film in cui Parigi serve a descrivere le emozioni dei personaggi con: un estratto del cortometraggio Les fiancés du pont MacDonald (1962) e fotografie delle riprese di Loin du Vietnam (1967). Attraverso una selezione di estratti di lungometraggi e cortometraggi, alcuni inediti o incompiuti, la mostra interroga anche il modo in cui la macchina da presa di Agnès Varda esplora la città e mostra la sua passione per i dettagli urbani, invisibili agli occhi frettolosi.

La mostra prosegue con temi cari all'artista, come la sua attenzione alle persone, in particolare alle donne e a coloro che vivono ai margini, tessendo ogni volta legami tra l'opera della fotografa e quella della regista. Per il film L'une chante l'autre pas (1977), che racconta l'emancipazione di due donne che conquistano libertà e verità, Agnès Varda ha ricostruito il negozio di un fotografo parigino. Per farlo, ha realizzato una serie di ritratti femminili, 12 dei quali saranno eccezionalmente riproposti nel percorso espositivo. La mostra svela anche il progetto del libro fotografico L'opéra-Mouffe, che illustra canzoni sul quartiere Mouffetard, diventato nel 1958 un cortometraggio che esplora i sentimenti contraddittori che attraversano una donna incinta in uno dei quartieri più poveri di Parigi. Presenta inoltre Daguerréotypes (1975), documentario girato lungo rue Daguerre in cui Agnès Varda realizza una serie di ritratti dei suoi vicini commercianti.

La mostra si conclude con i ritratti dell'artista fotografata e filmata nel suo cortile-laboratorio diventato cortile-giardino, da cui ha diffuso la sua opera coltivando un personaggio pittoresco.

Un volume che raccoglie i saggi dei curatori e dei membri del comitato scientifico è pubblicato dalle Éditions Paris Musées.

The exhibition Le Paris d'Agnès Varda, de-ci, de-là (Agnès Varda's Paris, here and there) takes a unique look at the work of Agnès Varda (1928-2019). It highlights the artist's little-known photographic work and reveals the central role played by the courtyard studio on Rue Daguerre (Paris's 14th arrondissement), her home and creative hub from 1951 to 2019. More broadly, it shows the importance of Paris in a free and prolific body of work that never takes the easy route and creates a wonderful dialogue between documentary and fiction.

The result of more than two years of research, the exhibition is based primarily on Agnès Varda's photographic collection and the Ciné-Tamaris archives. It juxtaposes the photographer's work with that of the filmmaker through a collection of 130 prints, many of which have never been seen before, and excerpts from films shot entirely or partly in Paris. It also presents publications, documents, objects that belonged to the artist, posters, photographs from the sets and a sculpture of her cat Nini.

After revealing Agnès Varda's first steps as a photographer, the exhibition offers an initial immersion into the courtyard-studio, at a time when it was both a photography studio, a developing and printing laboratory, and the venue for her first solo exhibition in 1954.

The same courtyard is revisited in the 1960s, when Agnès Varda shared it with filmmaker Jacques Demy and it was frequented by cinema personalities after having welcomed theatre people.

The exhibition then presents a series of photographs that highlight the artist's offbeat, humorous and strange view of the people and streets of the capital. Agnès Varda responded to numerous commissions, notably for portraits but also for reportages, which she treated in her own original way.

The filmmaker's view of Paris is evoked in a chronological and thematic journey highlighting films shot entirely in Paris, starting with Cléo de 5 à 7 (1962). The city is filmed to reflect the feelings experienced by the young woman. This part of the exhibition evokes two other films in which Paris is used to describe the emotions of the characters, with an excerpt from the short film Les fiancés du pont MacDonald (1962) and photographs from the set of Loin du Vietnam (1967). Through a selection of excerpts from feature films and short films, some of which are unpublished or unfinished, the exhibition also questions the way in which Agnès Varda's camera explores the city and shows her passion for urban details that are invisible to the hurried eye.

The exhibition continues with themes dear to the artist, such as her attention to people, particularly women and those living on the margins, weaving links between the photographer's and filmmaker's work. For the film L'une chante l'autre pas (1977), which tells the story of the emancipation of two women who gain freedom and truth, Agnès Varda recreated a Parisian photographer's studio. To do this, she produced a series of female portraits, 12 of which will be exceptionally re-staged in the exhibition. The exhibition also unveils the photographic book project L'opéra-Mouffe, illustrating songs about the Mouffetard district, which in 1958 became a short film exploring the contradictory feelings of a pregnant woman in one of the poorest districts of Paris. It also presents Daguerréotypes (1975), a documentary filmed along Rue Daguerre in which Agnès Varda creates a series of portraits of her neighbours who are shopkeepers.

The exhibition ends with portraits of the artist photographed and filmed in her courtyard-studio, which became a courtyard-garden, from where she spread her work while cultivating a colourful personality.

A book featuring essays by the curators and members of the scientific committee is published by Éditions Paris Musées.

(Text: Musée Carnavalet, Paris)

L’Appartement – Espace Images Vevey
9. April – 20. Juli 2025

SESSION 11
James Barnor & Nico Krijno

In seiner 11. Ausstellungsreihe bringt L'Appartement James Barnor und Nico Krijno zusammen: zwei Künstler vom afrikanischen Kontinent mit komplementären Visionen, zwei Länder, zwei Generationen, zwei Arten, sich der Realität durch Bilder zu nähern. Auf der einen Seite zeigt James Barnor (geboren 1929 in Ghana) eine Reihe von Bildern, die den soziokulturellen Wandel in Ghana und im Vereinigten Königreich von den 1950er Jahren bis heute dokumentieren. Auf der anderen Seite dekonstruiert Nico Krijno (geboren 1981 in Südafrika) die Codes der traditionellen Fotografie durch einen experimentellen Ansatz, der digitale Collagen, abstrakte Kompositionen und leuchtende Farben miteinander verbindet. Zwischen Erinnerung und Neuerfindung konfrontiert diese Ausstellung Barnors historische und dokumentarische Erzählung mit Krijnos experimentellem Ansatz. Sie beleuchtet die Art und Weise, wie diese beiden Künstler, jeder auf seine Weise, an der Neudefinition des Bildes des Kontinents mitwirken.

Pour sa 11e session d’expositions, L’Appartement réunit James Barnor et Nico Krijno : deux artistes issus du continent africain aux visions complémentaires, deux pays, deux générations, deux façons d’aborder le réel à travers l’image. D’un côté, James Barnor (né en 1929 au Ghana) expose une série d’images documentant les mutations socioculturelles du Ghana et du Royaume-Uni, des années 1950 à aujourd’hui. De l’autre, Nico Krijno (né en 1981 en Afrique du Sud) déconstruit les codes de la photographie traditionnelle à travers une approche expérimentale, mêlant collages numériques, compositions abstraites et couleurs vives. Entre mémoire et réinvention, cette exposition confronte la narration historique et documentaire de Barnor à la démarche expérimentale de Krijno. Elle met en lumière la manière dont ces deux artistes, chacun à sa manière, participent à la redéfinition de l’image du continent.

Per la sua undicesima serie di mostre, L'Appartement riunisce James Barnor e Nico Krijno: due artisti del continente africano con visioni complementari, due Paesi, due generazioni, due modi di affrontare la realtà attraverso le immagini. Da un lato, James Barnor (nato in Ghana nel 1929) espone una serie di immagini che documentano i cambiamenti socioculturali in Ghana e nel Regno Unito dagli anni Cinquanta a oggi. Dall'altro, Nico Krijno (nato nel 1981 in Sudafrica) decostruisce i codici della fotografia tradizionale attraverso un approccio sperimentale, combinando collage digitali, composizioni astratte e colori vivaci. Tra memoria e reinvenzione, questa mostra mette a confronto la narrazione storica e documentaria di Barnor con l'approccio sperimentale di Krijno. L'esposizione mette in evidenza il modo in cui questi due artisti, ciascuno a suo modo, contribuiscono a ridefinire l'immagine del continente.

For its 11th exhibition session, L’Appartement brings together James Barnor and Nico Krijno: two artists from the African continent with complementary visions, two countries, two generations, two ways of approaching reality through images. On one side, James Barnor (born in 1929, Ghana) presents a series of images documenting the sociocultural transformations of Ghana and the United Kingdom from the 1950s to today. On the other, Nico Krijno (born in 1981, South Africa) deconstructs traditional photography through an experimental approach, blending digital collages, abstract compositions, and vibrant colors. Between memory and reinvention, this exhibition confronts Barnor’s historical and documentary narration with Krijno’s experimental approach. It highlights how these two artists, each in their own way, contribute to redefining the image of the continent.

(Text: L’Appartement – Espace Images Vevey)

Bildhalle | Zürich
10. April -  30. Juni 2025

BLOOMING - Der Künstler Arne Quinze im Dialog mit 12 Fotografinnen und Fotografen

Albarrán Cabrera, Laurent Champoussin, Paul Cupido, Sandro Diener, René Goebli, François Halard, Cig Harvey, Thomas Hoepker, Simone Kappeler, Philipp Keel, Ilona Langbroek, Thirza Schaap, Arne Quinze

Nach zwei Jahren Vorbereitung freut sich das Team der Bildhalle, die grosse Gruppenausstellung BLOOMING zu eröffnen. Sie erstreckt sich über beide Räumlichkeiten in Zürich und kombiniert Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen des renommierten belgischen Künstlers Arne Quinze mit Werken von 12 Fotografinnen und Fotografen rund um das Thema «Blooming».

Arne Quinze ist buchstäblich besessen von Blumen und der Pflanzenwelt. Er kultiviert Blumen zu Tausenden im Garten seines Ateliers und malt sie mit einer Leidenschaft und Beharrlichkeit, die der von Monet in seinem Garten in Giverny gleichkommt. Wie Botaniker:innen versuchen, neue Stecklinge zu setzen, zu veredeln und zu hybridisieren, so keimt und blüht auch die Ausstellung auf, in der Werke mit unterschiedlichen Medien und Bildsprachen zusammengebracht werden: Ihre Techniken mögen variieren, aber das, was die Künstler:innen in ihrer jeweiligen Ausdrucksweise einzufangen versuchen, vereint sie: eine vergängliche Schönheit, die festzuhalten, fixieren zu wollen, fast unmöglich erscheint.

Arne Quinze, der für seine monumentalen Gemälde und Installationen international bekannt ist, antwortet mit eigens für diese Ausstellung geschaffenen Zeichnungen auf die Werke von

Albarrán Cabrera, setzt seine Skulpturen in einen Dialog mit Thirza Schaap und kreiert Diptychen mit den Arbeiten von Paul Cupido und Sandro Diener.

Arne Quinze’s florale Bildsprache trifft auf die blumigen Elemente in den Werken von Simone Kappeler, Cig Harvey, Philipp Keel, Ilona Langbroek, Thomas Hoepker und René Groebli. Zwei spannende Vertreter der französischen Fotoszene, François Halard und Laurent Champoussin, ergänzen die Arbeiten der zehn Fotografinnen und Fotografen aus der Bildhalle.

Man sagt, der Frühling bringe Liebe, Lebensfreude und Neubeginn – BLOOMING ist all dies zugleich und eine Ode an das Leben und die Schönheit der pflanzlichen Welt.

BLOOMING - L'artiste Arne Quinze en dialogue avec 12 photographes

Après deux ans de préparation, l'équipe de la Bildhalle est heureuse d'inaugurer la grande exposition de groupe BLOOMING. Elle s'étend sur les deux espaces de Zurich et combine des peintures, des dessins et des sculptures du célèbre artiste belge Arne Quinze avec les œuvres de 12 photographes autour du thème « Blooming ».

Arne Quinze est littéralement obsédé par les fleurs et le monde végétal. Il cultive des fleurs par milliers dans le jardin de son atelier et les peint avec une passion et une persévérance comparables à celles de Monet dans son jardin de Giverny. Tout comme les botanistes tentent de faire de nouvelles boutures, de les greffer et de les hybrider, l'exposition germe et fleurit, réunissant des œuvres aux médias et aux langages visuels différents : Leurs techniques peuvent varier, mais ce que les artistes tentent de capturer dans leur mode d'expression respectif les réunit : une beauté éphémère qu'il semble presque impossible de retenir, de fixer.

Arne Quinze, connu internationalement pour ses peintures et installations monumentales, répond aux œuvres d'Arbara Cabrera avec des dessins créés spécialement pour cette exposition.

Albarrán Cabrera, fait dialoguer ses sculptures avec Thirza Schaap et crée des diptyques avec les travaux de Paul Cupido et Sandro Diener.

Le langage visuel floral d'Arne Quinze rencontre les éléments floraux des œuvres de Simone Kappeler, Cig Harvey, Philipp Keel, Ilona Langbroek, Thomas Hoepker et René Groebli. Deux représentants passionnants de la scène photographique française, François Halard et Laurent Champoussin, complètent les travaux des dix photographes de la Bildhalle.

On dit que le printemps apporte l'amour, la joie de vivre et un nouveau départ - BLOOMING est tout cela à la fois et une ode à la vie et à la beauté du monde végétal.

BLOOMING - L'artista Arne Quinze in dialogo con 12 fotografi

Dopo due anni di preparazione, il team della Bildhalle è lieto di inaugurare la grande mostra collettiva BLOOMING. L'esposizione si estende su entrambi gli spazi di Zurigo e combina dipinti, disegni e sculture del rinomato artista belga Arne Quinze con opere di 12 fotografi sul tema della “fioritura”.

Arne Quinze è letteralmente ossessionato dai fiori e dal mondo vegetale. Coltiva migliaia di fiori nel giardino del suo studio e li dipinge con una passione e una tenacia che rivaleggia con quella di Monet nel suo giardino di Giverny. Proprio come i botanici cercano di piantare nuove talee, innestare e ibridare, così la mostra germoglia e fiorisce, riunendo opere con media e linguaggi visivi diversi: Le tecniche possono variare, ma ciò che gli artisti cercano di catturare nelle rispettive modalità espressive li accomuna: una bellezza effimera che sembra quasi impossibile da catturare, da voler fissare.

Arne Quinze, riconosciuto a livello internazionale per i suoi dipinti e installazioni monumentali, risponde alle opere di Albarrán Cabrera con disegni creati appositamente per questa mostra.

Albarrán Cabrera pone le sue sculture in dialogo con Thirza Schaap e crea dittici con le opere di Paul Cupido e Sandro Diener.

Il linguaggio visivo floreale di Arne Quinze incontra gli elementi floreali nelle opere di Simone Kappeler, Cig Harvey, Philipp Keel, Ilona Langbroek, Thomas Hoepker e René Groebli. Due interessanti rappresentanti della scena fotografica francese, François Halard e Laurent Champoussin, completano le opere dei dieci fotografi della Bildhalle.

Si dice che la primavera porti amore, gioia di vivere e nuovi inizi: BLOOMING è tutto questo allo stesso tempo e un'ode alla vita e alla bellezza del mondo vegetale.

BLOOMING - The artist Arne Quinze in dialogue with 12 photographers

After two years of preparation, the Bildhalle team is pleased to announce the opening of the group exhibition BLOOMING. It extends over both premises in Zurich and combines paintings, drawings and sculptures by the renowned Belgian artist Arne Quinze with works by 12 photographers on the theme of ‘Blooming’.

Arne Quinze is literally obsessed with flowers and the plant world. He cultivates thousands of flowers in the garden of his studio and paints them with a passion and persistence that matches Monet's in his garden at Giverny. Just as botanists attempt to plant, graft and hybridise new cuttings, the exhibition also comes to life and blossoms, bringing together works in a range of different media and visual languages: Their techniques may vary, but what the artists are trying to capture in their respective modes of expression unites them: an ephemeral beauty that seems almost impossible to hold on to, to capture.

Arne Quinze, who is internationally known for his monumental paintings and installations, responds to the works of

Cabrera, places his sculptures in dialogue with Thirza Schaap and creates diptychs with the works of Paul Cupido and Sandro Diener.

Arne Quinze's floral imagery meets the flowery elements in the works of Simone Kappeler, Cig Harvey, Philipp Keel, Ilona Langbroek, Thomas Hoepker and René Groebli. Two exciting representatives of the French photography scene, François Halard and Laurent Champoussin, complement the works of the ten photographers from the Bildhalle.

It is said that spring brings love, joie de vivre and new beginnings – BLOOMING is all of this at once and an ode to life and the beauty of the plant world.

(Text: Bildhalle, Zürich)

Gropius Bau | Berlin
11. April – 31. August 2025

YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND

Ab Frühjahr 2025 würdigt die umfassende Einzelausstellung YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND das wegweisende Schaffen der Künstlerin und Aktivistin Yoko Ono. Die Ausstellung präsentiert Arbeiten aus sieben Jahrzehnten und zeichnet die Entwicklung ihres innovativen, multidisziplinären Werks und dessen bis heute anhaltenden Einfluss nach. Mit mehr als 200 Arbeiten, darunter Instruktionen und Partituren, Installationen, Filme, Musik und Fotografien, beleuchtet MUSIC OF THE MIND Onos radikalen Ansatz in Bezug auf Sprache, Kunst und Partizipation, der bis in die Gegenwart hineinwirkt.

Organisiert von Tate Modern, London, in Zusammenarbeit mit dem Gropius Bau, Berlin, und der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

Kuratiert von Patrizia Dander, stellvertretende kuratorische Direktorin, Gropius Bau und Juliet Bingham, Kuratorin, International Art, Tate Modern, mit Sonja Borstner, Assistenzkuratorin, Gropius Bau und Andrew de Brún, Assistenzkurator, International Art, Tate Modern

À partir du printemps 2025, la vaste exposition individuelle YOKO ONO : MUSIC OF THE MIND rendra hommage à l'œuvre pionnière de l'artiste et activiste Yoko Ono. L'exposition présente des travaux couvrant sept décennies et retrace l'évolution de son œuvre innovante et multidisciplinaire ainsi que son influence qui perdure encore aujourd'hui. Avec plus de 200 œuvres, dont des instructions et des partitions, des installations, des films, de la musique et des photographies, MUSIC OF THE MIND met en lumière l'approche radicale d'Ono en matière de langage, d'art et de participation, dont l'influence se fait sentir jusqu'à nos jours.

Organisé par la Tate Modern, Londres, en collaboration avec le Gropius Bau, Berlin, et la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf.

Organisé par Patrizia Dander, directrice adjointe de la conservation, Gropius Bau et Juliet Bingham, conservatrice, International Art, Tate Modern, avec Sonja Borstner, conservatrice adjointe, Gropius Bau et Andrew de Brún, conservateur adjoint, International Art, Tate Modern

Dalla primavera del 2025, la mostra personale YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND renderà omaggio al lavoro innovativo dell'artista e attivista Yoko Ono. La mostra presenta opere che abbracciano sette decenni e ripercorre lo sviluppo della sua opera innovativa e multidisciplinare e la sua influenza duratura fino ai giorni nostri. Con oltre 200 opere, tra cui istruzioni e partiture, installazioni, film, musica e fotografie, MUSIC OF THE MIND mette in luce l'approccio radicale di Ono al linguaggio, all'arte e alla partecipazione, che continua ad avere un impatto ancora oggi.

Organizzata dalla Tate Modern di Londra, in collaborazione con il Gropius Bau di Berlino e la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen di Düsseldorf.

A cura di Patrizia Dander, vicedirettore curatoriale del Gropius Bau e Juliet Bingham, curatrice dell'arte internazionale della Tate Modern, con Sonja Borstner, assistente curatore del Gropius Bau e Andrew de Brún, assistente curatore dell'arte internazionale della Tate Modern.

From spring 2025, the Gropius Bau will present a comprehensive solo exhibition celebrating the groundbreaking and influential work of artist and activist Yoko Ono. Spanning seven decades of the artist’s powerful, multidisciplinary practice from the mid-1950s to now, YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND will trace the development of her innovative work and its enduring impact on contemporary culture. The exhibition brings together over 200 works including instruction pieces and scores, installations, films, music and photography, revealing a radical approach to language, art and participation that continues to speak to the present moment.

Organised by Tate Modern, London, in collaboration with Gropius Bau, Berlin, and Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

Curated by Patrizia Dander, Deputy Director of Curatorial Affairs, Gropius Bau and Juliet Bingham, Curator, International Art, Tate Modern; with Sonja Borstner, Assistant Curator, Gropius Bau and Andrew de Brún, Assistant Curator, International Art, Tate Modern

(Text: Gropius Bau, Berlin)

Leica Galerie Salzburg
11. April – 12. Juli 2025

Der Moment macht das Bild

Sigrid Bathke, Anton Stefan, Harald Wiesleitner, "The Eye" / Ralf Marterer, Sebastian Riepp, Mario Dullinger, Olaf Honzak, Bengt Beier, Karl Heinz Fessl, Florian Wurzinger

Das Jahr 2025 markiert gleich zwei besondere Jubiläen: 100 Jahre Leica, seit der Einführung der legendären Leica I, und 10 Jahre Leica Galerie Salzburg am neuen Standort in Parsch.

Zu diesem Anlass präsentiert die Galerie eine hochkarätige Ausstellungsreihe mit Werken internationaler und österreichischer Leica-Fotografinnen und -Fotografen. Die Ausstellung „Der Moment macht das Bild“ ist die zweite von insgesamt vier Jubiläumsausstellungen in diesem besonderen Jahr.

Nach der Schau des isländischen Fotografen Ragnar Axelsson folgt nun eine vielfältige Gruppenausstellung. Seit 2020 bietet die Ausstellungsreihe "Der Moment macht das Bild" eine Plattform für kreative Fotografie – ohne thematische Einschränkungen, aber mit einem klaren Anspruch: Bilder, die überraschen, berühren und inspirieren.

Zum diesjährigen Jubiläum präsentieren wir eine Auswahl von zehn herausragenden Fotografinnen und Fotografen, die sich aus 95 Bewerbungen durchgesetzt haben – eine spannende Mischung aus etablierten Profis und aufstrebenden Talenten. Ihre Arbeiten zeigen ein breites Spektrum an fotografischen Stilen und Perspektiven: von eindrucksvollen Reportagen über Architektur- und Porträtfotografie bis hin zu experimentellen Ansätzen.

Während der gesamten Ausstellungsdauer werden die teilnehmenden Künstlerinnen und Künstler aktiv von der Galerie vertreten. Darüber hinaus veranstalten wir exklusive Events, darunter Künstlergespräche, geführte Rundgänge und Special-Events, die tiefere Einblicke in die Werke und deren Entstehungsgeschichten bieten.

L'année 2025 marque deux anniversaires particuliers : les 100 ans de Leica, depuis le lancement du légendaire Leica I, et les 10 ans de la Leica Galerie Salzburg dans son nouveau site de Parsch.

À cette occasion, la galerie présente une série d'expositions de haut niveau avec des œuvres de photographes internationaux et autrichiens de Leica. L'exposition « Le moment fait le visuel » est la deuxième des quatre expositions anniversaires de cette année particulière.

Après l'exposition du photographe islandais Ragnar Axelsson, c'est au tour d'une exposition de groupe diversifiée. Depuis 2020, la série d'expositions « Le moment fait le tableau » offre une plateforme pour la photographie créative - sans restrictions thématiques, mais avec une ambition claire : des visuels qui surprennent, touchent et inspirent.

Pour l'anniversaire de cette année, nous présentons une sélection de dix photographes exceptionnels qui se sont imposés parmi 95 candidatures - un mélange passionnant de professionnels établis et de talents émergents. Leur travail présente un large éventail de styles et de perspectives photographiques : des reportages impressionnants aux approches expérimentales en passant par la photographie d'architecture et de portrait.

Pendant toute la durée de l'exposition, les artistes participants sont activement représentés par la galerie. Nous organisons également des événements exclusifs, notamment des discussions avec les artistes, des visites guidées et des événements spéciaux qui offrent un aperçu plus approfondi des œuvres et de leurs histoires de création.

L'anno 2025 segna due anniversari speciali: i 100 anni di Leica, dal lancio della leggendaria Leica I, e i 10 anni della Leica Gallery Salzburg nella sua nuova sede di Parsch.

Per celebrare l'occasione, la galleria presenta una serie di mostre di alto livello con opere di fotografi Leica internazionali e austriaci. La mostra “Il momento fa l'immagine” è la seconda di un totale di quattro mostre per l'anniversario in questo anno speciale.

La mostra del fotografo islandese Ragnar Axelsson è seguita da un'altra mostra collettiva. Dal 2020, la serie di mostre “The Moment Makes the Picture” ha offerto una piattaforma per la fotografia creativa - senza restrizioni tematiche, ma con un chiaro obiettivo: immagini che sorprendono, toccano e ispirano.

Per l'anniversario di quest'anno, presentiamo una selezione di dieci eccezionali fotografi che hanno superato le 95 candidature - un mix entusiasmante di professionisti affermati e talenti emergenti. Le loro opere mostrano un ampio spettro di stili e prospettive fotografiche: da impressionanti reportage a fotografie di architettura e ritratti, fino ad approcci sperimentali.

Gli artisti partecipanti saranno attivamente rappresentati dalla galleria per tutta la durata della mostra. Organizziamo anche eventi esclusivi, tra cui colloqui con gli artisti, visite guidate ed eventi speciali che offrono approfondimenti sulle opere e sulle storie che stanno dietro alla loro creazione.

The year 2025 marks two special anniversaries: 100 years of Leica, since the introduction of the legendary Leica I, and 10 years of the Leica Gallery Salzburg at its new location in Parsch.

To mark the occasion, the gallery is presenting a series of high-profile exhibitions with works by international and Austrian Leica photographers. The exhibition ‘The Moment Captures the Visual’ is the second of a total of four anniversary exhibitions in this special year.

The show by Icelandic photographer Ragnar Axelsson will now be followed by a diverse group exhibition. Since 2020, the ‘The Moment Captures the Image’ exhibition series has provided a platform for creative photography – without thematic restrictions, but with a clear aspiration: visuals that surprise, touch and inspire.

For this year's anniversary, we are presenting a selection of ten outstanding photographers who have been chosen from 95 applicants – an exciting mix of established professionals and emerging talents. Their works show a wide range of photographic styles and perspectives: from impressive reportages to architecture and portrait photography, and experimental approaches.

The participating artists will be actively represented by the gallery throughout the exhibition. In addition, we will be hosting exclusive events, including artist talks, guided tours and special events, which will offer deeper insights into the works and their genesis.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

Leica Galerie Konstanz
12. April – 12. Juli 2025

Milena Schilling – O R I G I O

Drei Jahre lang fotografierte Milena Schilling 45 Menschen aus Konstanz nackt im Bodensee. Menschen aller Körperformen und Hintergründe im Alter von 18 bis 73 Jahren tauchten vor ihrer Kamera ab.

Der Antrieb zu dieser Fotoserie entspringt einer atemberaubenden Begegnung mit der Natur im offenen Meer und der Erkenntnis: Bestehen wir zwar selbst aus 60–70 % Wasser, bleibt uns dieses Element doch unzähmbar überlegen und zugleich lebensnotwendig. Obwohl 71 % der Erdoberfläche von Wasser bedeckt sind, kann der Mensch darin nicht leben. In der scheinbar unendlichen blauen Weite zu schwimmen, prägte die Fotografin tief und wurde der Beginn einer fotografischen Reise zum Wasser als Ursprungselement allen Lebens: O R I G I O.

Für das daraus entstehende Projekt entwickelte die junge Fotografin ein präzises Konzept und sprang damit schließlich erneut buchstäblich ins kalte Wasser – diesmal vor der eigenen Haustür in den Bodensee. Zunächst suchte sie Unterwasserspots in Ufernähe, weitete ihre Ortswahl jedoch rasch aus und entschloss sich schließlich, einen Segelschein zu machen. So brachte sie ihre Gruppe mit dem Segelboot ins tiefere Wasser, um die geplanten Szenerien unter der Oberfläche zu formieren.

Jede Komposition reifte in der Theorie, wurde an Land geprobt und schließlich im Wasser modelliert und fotografisch eingefangen. Doch dabei spielte die Natur regelmäßig all ihre Willkür aus: Wassertemperatur, Windstärke, Witterungsverhältnisse der Vortage, Pflanzen – nichts war planbar, verlässlich oder gar wiederholbar. Erst bei Wassertemperaturen unterhalb von 12 Grad war eine klare Sicht möglich. Die Tauchenden konnten deshalb nur wenige Minuten im kalten Bodensee verharren, und die Fotografin konnte pro Tauchgang nur eine einzige Aufnahme auslösen. Erst später am Bildschirm zeigte sich die Qualität der Bilder, die dem Projekt seine analogähnliche Echtheit verleihen. Entstanden ist ein uns gleichermaßen alltäglicher und in dieser Form doch unbekannter, malerischer Blick auf eine Welt im nassen Element.

Die mystische Ästhetik der Bilder wurde inspiriert von Gemälden und Skulpturen der Renaissance. Die Trübungen des Sees und das sanfte Licht des bewölkten Himmels erzeugen einen zeitlosen Charakter der Fotografien und wecken Erinnerungen an unseren Ursprung: Jedes menschliche Leben wächst umschlossen von Fruchtwasser heran. Beinahe schwerelos, frei von Besitztümern, getragen von einem Element, das keine Grenzen, Sprachbarrieren oder Hierarchien kennt.

Milena Schillings Fotografien öffnen unseren Blick und nähren unsere Sehnsucht nach ursprünglicher Verbundenheit – sowohl mit unserer eigenen Spezies als auch mit dem Wasser, das unseren Lebensraum von allen anderen bekannten Planeten unterscheidet. Die Serie zeigt auch, wie vielfältig schön der menschliche Körper ist.

Und das Werk O R I G I O steht erst am Anfang: Derzeit bereitet sich Milena Schilling darauf vor, eines Tages zu den gigantischen Meeressäugern zu segeln, um Wale im respektvollen Wechselspiel mit dem puren, winzigen Menschen zu fotografieren. O R I G I O ist eine Hommage an das Leben, daran, wie facettenreich und von Schönheit erfüllt es ist. Ein demütiger Blick auf das Element Wasser, dem wir Menschen alle gleichermaßen unsere Existenz auf der Erde verdanken, sowie eine Erinnerung daran, dass wir alle aus dem gleichen Wasser geformt sind und darüber miteinander verbunden.

Pendant trois ans, Milena Schilling a photographié 45 personnes de Constance nues dans le lac de Constance. Des personnes de toutes les morphologies et de tous les horizons, âgées de 18 à 73 ans, ont plongé devant son appareil photo.

L'impulsion pour cette série de photos provient d'une rencontre époustouflante avec la nature en pleine mer et de la prise de conscience suivante : si nous sommes nous-mêmes composés de 60 à 70 % d'eau, cet élément nous est à la fois indomptablement supérieur et indispensable à la vie. Bien que 71 % de la surface de la Terre soit recouverte d'eau, l'homme ne peut pas y vivre. Nager dans cette étendue bleue apparemment infinie a profondément marqué la photographe et a été le début d'un voyage photographique vers l'eau en tant qu'élément d'origine de toute vie : O R I G I O.

La jeune photographe a développé un concept précis pour le projet qui en a résulté et s'est littéralement jetée à l'eau, cette fois devant sa porte, dans le lac de Constance. Elle a d'abord cherché des spots sous-marins près de la rive, mais a rapidement élargi son choix de lieu et a finalement décidé de passer un brevet de voile. Elle a donc emmené son groupe en voilier dans les eaux plus profondes pour former les décors prévus sous la surface.

Chaque composition a mûri en théorie, a été répétée sur la terre ferme et a finalement été modelée et photographiée dans l'eau. Mais la nature a régulièrement fait preuve d'arbitraire : La température de l'eau, la force du vent, les conditions météorologiques des jours précédents, les plantes - rien ne pouvait être planifié, fiable ou même répété. Ce n'est que lorsque la température de l'eau était inférieure à 12 degrés qu'une vision claire était possible. Les plongeurs ne pouvaient donc rester que quelques minutes dans le lac de Constance froid, et la photographe ne pouvait déclencher qu'une seule prise de vue par plongée. Ce n'est que plus tard, sur l'écran, que la qualité des images s'est révélée, conférant au projet une authenticité proche de l'analogique. Il en résulte une vision picturale d'un monde dans l'élément humide qui nous est à la fois familier et inconnu sous cette forme.

L'esthétique mystique des images s'inspire des peintures et des sculptures de la Renaissance. La turbidité du lac et la douce lumière du ciel nuageux créent un caractère intemporel des photographies et évoquent des souvenirs de nos origines : toute vie humaine grandit entourée de liquide amniotique. Presque en apesanteur, libre de toute possession, portée par un élément qui ne connaît ni frontières, ni barrières linguistiques, ni hiérarchies.

Les photographies de Milena Schilling ouvrent notre regard et nourrissent notre désir de lien originel - tant avec notre propre espèce qu'avec l'eau, qui distingue notre espace vital de toutes les autres planètes connues. La série montre également à quel point le corps humain est d'une beauté variée.

Et l'œuvre O R I G I O n'en est qu'à ses débuts : actuellement, Milena Schilling se prépare à naviguer un jour vers les gigantesques mammifères marins afin de photographier les baleines dans une interaction respectueuse avec le pur et minuscule être humain. O R I G I O est un hommage à la vie, à ses multiples facettes et à sa beauté. Un regard humble sur l'élément eau, auquel nous devons tous notre existence sur terre, et un rappel que nous sommes tous formés de la même eau et reliés par elle.

Per tre anni, Milena Schilling ha fotografato 45 persone di Costanza nude nel lago di Costanza. Persone di ogni corporatura e provenienza, di età compresa tra i 18 e i 73 anni, si sono tuffate davanti alla sua macchina fotografica.

L'impulso per questa serie fotografica è nato da un incontro mozzafiato con la natura in mare aperto e dalla consapevolezza che, sebbene noi stessi siamo costituiti per il 60-70% da acqua, questo elemento rimane indomito e superiore a noi e allo stesso tempo vitale. Sebbene il 71% della superficie terrestre sia coperto dall'acqua, l'uomo non può viverci dentro. Nuotare in quella distesa blu apparentemente infinita ha colpito profondamente il fotografo ed è stato l'inizio di un viaggio fotografico verso l'acqua come elemento originario di tutta la vita: l'O R I G I O.

La giovane fotografa ha sviluppato un concetto preciso per il progetto che ne è scaturito e poi si è letteralmente rituffata nell'acqua, questa volta nel lago di Costanza, sulla soglia di casa sua. Inizialmente ha cercato luoghi subacquei vicino alla riva, ma ha rapidamente ampliato la scelta dei luoghi e ha infine deciso di prendere la patente nautica. Così ha portato il suo gruppo in barca a vela in acque più profonde per realizzare le scene previste sotto la superficie.

Ogni composizione è maturata in teoria, è stata provata a terra e infine modellata in acqua e catturata fotograficamente. Tuttavia, la natura ha regolarmente messo in atto tutta la sua arbitrarietà: La temperatura dell'acqua, la forza del vento, le condizioni meteorologiche dei giorni precedenti, le piante... nulla poteva essere pianificato, né affidato, né tantomeno ripetuto. La visibilità era possibile solo quando la temperatura dell'acqua era inferiore a 12 gradi. I subacquei hanno quindi potuto rimanere nel freddo lago di Costanza solo per pochi minuti e il fotografo ha potuto scattare solo una foto per immersione. La qualità delle immagini, che conferisce al progetto un'autenticità analogica, è emersa solo successivamente sullo schermo. Il risultato è una visione pittoresca di un mondo bagnato, quotidiano e allo stesso tempo sconosciuto in questa forma.

L'estetica mistica delle immagini è stata ispirata da dipinti e sculture rinascimentali. La torbidità del lago e la luce soffusa del cielo nuvoloso creano un carattere senza tempo nelle fotografie ed evocano ricordi delle nostre origini: ogni vita umana cresce circondata dal liquido amniotico. Quasi senza peso, priva di beni, trasportata da un elemento che non conosce confini, barriere linguistiche o gerarchie.

Le fotografie di Milena Schilling ci aprono gli occhi e alimentano il nostro desiderio di una connessione primordiale, sia con la nostra specie che con l'acqua che distingue il nostro habitat da tutti gli altri pianeti conosciuti. La serie mostra anche quanto sia vario e bello il corpo umano.

E il lavoro di O R I G I O è solo all'inizio: Milena Schilling si sta preparando a navigare un giorno verso i giganteschi mammiferi marini per fotografare le balene in un'interazione rispettosa con i puri, minuscoli esseri umani. O R I G I O è un omaggio alla vita, a quanto sia sfaccettata e piena di bellezza. Uno sguardo umile sull'elemento dell'acqua, a cui tutti noi esseri umani dobbiamo in egual misura la nostra esistenza sulla terra, nonché un promemoria del fatto che siamo tutti formati dalla stessa acqua e collegati gli uni agli altri attraverso di essa.

For three years, Milena Schilling photographed 45 naked people from Konstanz in Lake Constance. People of all body types and backgrounds, aged 18 to 73, submerged in front of her camera.

The impetus for this photo series arose from a breathtaking encounter with nature in the open sea and the realisation that although we ourselves consist of 60–70% water, this element remains both indomitably superior to us and, at the same time, essential to life. Although 71% of the earth's surface is covered by water, humans cannot live in it. Swimming in the seemingly endless blue expanse had a profound effect on the photographer and became the beginning of a photographic journey to the water as the original element of all life: O R I G I O.

For the resulting project, the young photographer developed a precise concept and finally literally jumped into the cold water again – this time in Lake Constance, right on her doorstep. Initially, she looked for underwater spots near the shore, but she quickly expanded her choice of location and finally decided to get her sailing licence. She took her group out in the deeper water in the sailing boat to form the planned scenes under the surface.

Each composition was developed in theory, rehearsed on land and then modelled and photographed in the water. However, nature regularly played out all its whims: water temperature, wind strength, weather conditions of the previous days, plants – nothing could be planned, relied on or even repeated. Visibility was only good at water temperatures below 12 degrees. The divers could therefore only remain in the cold Lake Constance for a few minutes, and the photographer could only take a single shot per dive. The quality of the images, which give the project its analogue-like authenticity, only became apparent on the screen later. The result is a view of a world in the wet element that is both mundane and yet unknown in this form, and picturesque.

The mystical aesthetic of the images was inspired by paintings and sculptures from the Renaissance. The murkiness of the lake and the soft light of the cloudy sky create a timeless character in the photographs and evoke memories of our origins: every human life begins enclosed in amniotic fluid. Almost weightless, free of possessions, carried by an element that knows no borders, language barriers or hierarchies.

Milena Schilling's photographs open our eyes and nourish our longing for a primordial connection – both with our own species and with the water that distinguishes our habitat from all other known planets. The series also shows the diverse beauty of the human body.

And the O R I G I O project is just beginning: Milena Schilling is currently preparing to one day sail to the gigantic marine mammals to photograph whales in respectful interaction with the pure, tiny human. O R I G I O is a tribute to life, to how multifaceted and full of beauty it is. A humble look at the element of water, to which we all owe our existence on earth, and a reminder that we are all made of the same water and are connected through it.

(Text: Leica Galerie Konstanz)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
30. April – 12. Oktober 2025

In the American West
Richard Avedon

Anlässlich des 40. Jubiläums von Richard Avedons ikonischem Werk In the American West präsentiert die Fondation Henri Cartier-Bresson in Zusammenarbeit mit der Richard Avedon Foundation eine außergewöhnliche Ausstellung, die ganz dieser emblematischen Serie gewidmet ist.

Zwischen 1979 und 1984 reiste Richard Avedon im Auftrag des Amon Carter Museum of American Art in Fort Worth, Texas, durch den amerikanischen Westen und fotografierte mehr als 1.000 seiner Bewohner. Fünf Jahre lang ließ Avedon Bergarbeiter, Viehtreiber, Schausteller, Verkäufer, Passanten und andere Menschen mit einer reichen Geschichte allein oder in kleinen Gruppen vor der Linse seiner Fotokamera vorbeiziehen, vor einem weißen Hintergrund, der ihre Gesichtszüge, Körperhaltungen und Ausdrücke sublimierte. Auf diese Weise zeichnet er ein eindringliches Porträt dieser Region und ihrer Bewohner, das den traditionellen Darstellungen und Verherrlichungen des Mythos des amerikanischen Westens entgegengesetzt ist. Die große Kraft der 103 Werke, die die finale Serie und das gleichnamige Buch bilden, machen In the American West zu einem Wendepunkt in Avedons Werk und zu einem wichtigen Meilenstein in der Geschichte der Porträtfotografie.

Die Ausstellung der Fondation Henri Cartier-Bresson vom 30. April bis zum 12. Oktober 2025 zeigt zum allerersten Mal in Europa alle Bilder, die im Originalwerk enthalten sind. Die Stiftung lädt das Publikum ein, das Ensemble zu entdecken, aber auch die Etappen seiner Produktion und Rezeption zu verfolgen. Sie zeigt eine vollständige Auswahl der Abzüge der Graveure, die als Referenz für die Ausstellung und für den Druck des Originalbuchs von 1985 dienten, neben bisher unveröffentlichten Dokumenten: vorbereitende Polaroids, Testabzüge mit Anmerkungen von der Hand des Fotografen, Briefwechsel zwischen dem Künstler und seinen Modellen.

Anlässlich des Jubiläums bringt Abrams, der Herausgeber des Originalwerks, das lange vergriffene Buch neu heraus.

Kurator der Ausstellung: Clément Chéroux, Direktor, Fondation Henri Cartier-Bresson

À l’occasion du 40e anniversaire de l’ouvrage iconique de Richard Avedon, In the American West, la Fondation Henri Cartier-Bresson présente, en collaboration avec la Richard Avedon Foundation, une exposition exceptionnelle entièrement dédiée à cette série emblématique.

Entre 1979 et 1984, à la demande de l’Amon Carter Museum of American Art de Fort Worth au Texas, Richard Avedon sillonne l’Ouest américain et photographie plus de 1,000 de ses habitants. Pendant cinq années, Avedon fait défiler, devant l’objectif de sa chambre photographique, mineurs, bouviers, forains, vendeurs et passants, parmi d’autres personnes à l’histoire riche, seuls ou en petits groupes, sur un fond blanc qui sublime leurs traits, leurs postures et leurs expressions. Il dresse ainsi un portrait saisissant de cette région et de ses résidents, à rebours des représentations traditionnelles et glorifications du mythe de l’Ouest américain. La grande force des 103 oeuvres qui composent la série finale et l’ouvrage du même nom font d’In the American West un moment charnière dans l’oeuvre d’Avedon et un jalon majeur dans l’histoire du portrait photographique.

L’exposition de la Fondation Henri Cartier-Bresson du 30 avril au 12 octobre 2025 présente pour la toute première fois en Europe l’intégralité des images qui figurent dans l’ouvrage original. Invitant le public à découvrir l’ensemble mais aussi à suivre des étapes de sa production et de sa réception, la Fondation présente une sélection complète des tirages des graveurs ayant servi de référence pour l’exposition et pour l’impression du livre original de 1985 aux côtés de documents inédits : polaroids préparatoires, tirages tests annotés de la main du photographe, échanges épistolaires entre l’artiste et ses modèles.

À l’occasion de cet anniversaire, Abrams, éditeur de l’ouvrage original, réédite le livre depuis longtemps épuisé.

Commissaire de l’exposition: Clément Chéroux, Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson

In occasione del 40° anniversario dell'iconica opera di Richard Avedon In the American West, la Fondation Henri Cartier-Bresson, in collaborazione con la Richard Avedon Foundation, presenta un'eccezionale mostra interamente dedicata a questa serie emblematica.

Tra il 1979 e il 1984, su richiesta dell'Amon Carter Museum of American Art di Fort Worth, Texas, Richard Avedon ha attraversato l'Ovest americano, fotografando più di 1.000 abitanti. Nell'arco di cinque anni, Avedon ha portato davanti all'obiettivo del suo banco ottico minatori, mandriani, uomini di spettacolo, venditori e passanti, insieme ad altre persone dalla storia ricca, da soli o in piccoli gruppi, su uno sfondo bianco che ne sublimava i tratti, le posture e le espressioni. In questo modo, dipinge un ritratto sorprendente di questa regione e dei suoi abitanti, in netto contrasto con le tradizionali rappresentazioni e glorificazioni del mito del West americano. La grande forza delle 103 opere che compongono la serie finale e il libro omonimo fanno di In the American West un momento cruciale nel lavoro di Avedon e una pietra miliare nella storia del ritratto fotografico.

La mostra alla Fondation Henri Cartier-Bresson dal 30 aprile al 12 ottobre 2025 presenta, per la prima volta in Europa, tutte le immagini contenute nel libro originale. Invitando il pubblico a scoprire l'opera nel suo complesso, ma anche a seguire le fasi della sua produzione e ricezione, la Fondazione presenta una selezione completa delle stampe degli incisori che sono servite da riferimento per la mostra e per la stampa del libro originale del 1985, insieme a documenti inediti: polaroid preparatorie, stampe di prova annotate a mano dal fotografo e scambi epistolari tra l'artista e le sue modelle.

In occasione di questo anniversario, Abrams, editore dell'opera originale, ripubblica il libro, da tempo fuori catalogo.

Curatore della mostra: Clément Chéroux, Direttore della Fondazione Henri Cartier-Bresson.

To mark the 40th anniversary of Richard Avedon's iconic work, In the American West, the Fondation Henri Cartier-Bresson, in collaboration with the Richard Avedon Foundation, is presenting an exceptional exhibition entirely dedicated to this emblematic series.

Between 1979 and 1984, at the request of the Amon Carter Museum of American Art in Fort Worth, Texas, Richard Avedon travelled across the American West and photographed more than 1,000 of its inhabitants. For five years, Avedon photographed miners, cowboys, fairground workers, salesmen and passers-by, among other people with a rich history, alone or in small groups, in front of the lens of his camera, against a white background that emphasises their features, postures and expressions. He thus paints a striking portrait of this region and its residents, in contrast to the traditional representations and glorifications of the myth of the American West. The great strength of the 103 works that make up the final series and the book of the same name make In the American West a pivotal moment in Avedon's work and a major milestone in the history of photographic portraiture.

The exhibition at the Fondation Henri Cartier-Bresson from 30 April to 12 October 2025 presents for the very first time in Europe all the images that appear in the original book. Inviting the public to discover the whole collection but also to follow the stages of its production and reception, the Foundation presents a complete selection of the prints by the engravers that served as a reference for the exhibition and for the printing of the original 1985 book alongside previously unpublished documents: preparatory Polaroids, test prints annotated by the photographer's hand, exchanges of letters between the artist and his models.

To mark this anniversary, Abrams, the publisher of the original work, is reissuing the book, which has been out of print for a long time.

Exhibition curator: Clément Chéroux, Director, Fondation Henri Cartier-Bresson

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris)

Belvedere della Reggia di Monza
1. Mai – 27. Juli 2025

Una finestra punteggiata di gocce di pioggia
Saul Leiter

Vertigo Syndrome präsentiert in Zusammenarbeit mit diChroma photography und unter der Kuratierung von Anne Morin im Belvedere der Reggia di Monza die erste große italienische Ausstellung, die Saul Leiter gewidmet ist. Die Ausstellung mit dem Titel „Saul Leiter. Ein Fenster mit Regentropfen“ umfasst 126 Schwarz-Weiß-Fotografien, 40 Farbfotografien, 42 Gemälde und seltenes Archivmaterial wie Originalzeitschriften und ein Filmdokument.

Die Ausstellung, die sowohl Vintage- als auch moderne Abzüge, frühe experimentelle Arbeiten und Modefotografien aus seiner Zusammenarbeit mit Harper's Bazaar umfasst, zeigt deutlich, was Saul Leiter von seinen Zeitgenossen unterscheidet und warum sein Werk die Fotografie bis heute beeinflusst.

NEW YORK IN EINER GESTE, EINEM DETAIL, FAST NICHTS
Während seine Zeitgenossen versuchten, die Größe und Modernität New Yorks einzufangen, schlug Leiter einen radikal anderen Weg ein. Er verwandelte alltägliche Momente in lyrische, intime Kompositionen und fand Poesie im Dampf, der aus Kanaldeckeln aufsteigt, in Regenschirmen im Regen und in den Reflexionen von Schaufenstern – ein märchenhafter Realismus, der sich aus Menschen, Gegenständen, Straßen, Regen, Schnee und Elementen zusammensetzt, die eher erahnt als beobachtet werden. Seine unverwechselbare Vision lehnte den populären Dokumentarstil seiner Zeit ab und schuf stattdessen etwas, das man als „fotografische Haikus“ bezeichnen könnte – intime Einblicke in das Leben, die Realität und Abstraktion miteinander verschmelzen.

„Leiter hatte Spaß an dem, was er sah. Er interessierte sich nicht für den hegemonialen Charakter New Yorks oder seine monströse Modernität“, erklärt die Kuratorin Anne Morin. ‚Er erfand optische Spiele, Verflechtungen von Formen und Ebenen, die verbergen und offenbaren, was in den Zwischenräumen, in der Nähe, an den unsichtbaren Rändern liegt.‘

WARUM DIESE AUSSTELLUNG BESONDERS IST
Im Gegensatz zu seinen Kollegen, die Wert auf Schärfe legten, begrüßte Leiter die Unschärfe und fotografierte durch beschlagene Fenster, Stoffe und bei Wetterbedingungen, die andere Fotografen mieden. Diese Elemente wurden zu einem integralen Bestandteil seines Kompositionsstils und schufen vielschichtige Bilder, die eher wie Gemälde als wie Fotografien wirken.

Sein wegweisender Einsatz von Farbe, der um 1948 begann, war der Akzeptanz der Farbfotografie in der Kunst um Jahrzehnte voraus. Während andere Farbe als vulgär oder kommerziell empfanden, setzte Leiter sie als Ausdrucksmittel ein und sättigte seine Bilder mit kräftigen Farbtönen, die gewöhnliche Straßenszenen in abstrakte Kompositionen verwandelten.

Dies unterschied ihn von den Künstlern der zeitgenössischen New York School und zog die Aufmerksamkeit der Modewelt auf sich, mit der er begann, zusammenzuarbeiten, indem er für Esquire, Harper's Bazaar und in den folgenden zwanzig Jahren für Show, Elle, British Vogue, Queen und Nova fotografierte.

EIN SCHÜCHTRER MALER MIT DER LEICA
Die Ausstellung hebt auf einzigartige Weise Leiters doppelte Identität als Maler und Fotograf hervor und zeigt, wie seine malerische Sensibilität seine fotografische Arbeit beeinflusst hat. Seine Ausbildung in der Malerei führte ihn dazu, sich der Farbfotografie mit einer beispiellosen Raffinesse zu nähern und jedes Bild wie eine Leinwand zu behandeln.

„Ich habe keine Philosophie. Ich habe eine Kamera“, sagte Leiter. “Ich schaue durch die Kamera und mache Fotos. Meine Fotos sind nur ein winziger Teil dessen, was ich sehe und fotografieren könnte. Sie sind Fragmente unendlicher Möglichkeiten.“ Diese unprätentiöse Herangehensweise ermöglichte es ihm, Momente der Anmut im Alltag einzufangen, die andere Fotografen, belastet durch Kunsttheorie, oft übersehen. Seine Arbeit suggeriert, dass Schönheit nicht in großen Momenten existiert, sondern in den stillen Zwischenräumen des Alltags.

Leiter, der sich dem Ruhm verschloss und konsequent Fotobände veröffentlichte und an bedeutenden Monografien in den Vereinigten Staaten und Europa teilnahm, veröffentlichte im Laufe seiner Karriere nur einen Teil seiner Arbeiten in der Presse und ließ den größten Teil als Negative zurück, als wolle er den intimsten und rein künstlerischen Aspekt seines Schaffens verbergen. So sehr, dass 2018, fünf Jahre nach seinem Tod, ein wenig bekanntes Werk des Künstlers auftauchte: Schwarz-Weiß-Aktfotos, die hauptsächlich zwischen Ende der 1940er und Anfang der 1960er Jahre entstanden sind und das Ergebnis der Zusammenarbeit zwischen Leiter und den Frauen seines Lebens sind.

Es gibt eine verborgene Ordnung in Saul Leiters Werk, die schwer zu erklären ist, und das ist wahrscheinlich das, was ihn zu einem wahren Poeten macht.

SAUL LEITER NACH ANNE MORIN
"Leiters Bilder dauern nur einen Wimpernschlag, sie stehen am Rande von etwas. Es sind Momentaufnahmen, kurze, fragmentierte Formen, wie Notizen, Aussagen über die Realität, die mit einer Meisterschaft und einer Metrik geschaffen wurden, die an Haikus erinnern. Leiters Geste ist die eines Kalligraphen, wenn er schnell, präzise und ohne Ausreden fotografiert.“

Vertigo Syndrome, en collaboration avec diChroma photography et sous le commissariat d'Anne Morin, présente au Belvédère de la Reggia di Monza la première grande exposition italienne consacrée à Saul Leiter. L'exposition, intitulée « Saul Leiter. Une fenêtre parsemée de gouttes de pluie », se compose de 126 photographies en noir et blanc, 40 photographies en couleur, 42 peintures et des documents d'archives rares, tels que des magazines d'époque originaux et un document filmé.

L'exposition, qui comprend à la fois des tirages vintage et modernes, des premières œuvres expérimentales et des photographies de mode réalisées lors de ses collaborations avec Harper's Bazaar, révèle clairement ce qui distingue Saul Leiter de ses contemporains et pourquoi son œuvre continue d'influencer la photographie d'aujourd'hui.

NEW YORK DANS UN GESTE, UN DÉTAIL, PRESQUE RIEN
Alors que ses contemporains cherchaient à capturer la grandeur et la modernité de New York, Leiter a emprunté une voie radicalement différente. Il a transformé des moments quotidiens en compositions lyriques et intimistes, trouvant de la poésie dans la vapeur qui s'échappe des égouts, dans les parapluies sous la pluie et dans les reflets des vitrines, un réalisme féérique composé de personnes, d'objets, de rues, de pluie, de neige, d'éléments plus observés qu'observés. Sa vision distinctive a rejeté le style documentaire populaire de son époque, créant à la place ce que l'on pourrait appeler des « haïkus photographiques » - des aperçus intimes de la vie qui mêlent réalité et abstraction.

« Leiter s'amusait avec ce qu'il voyait. Il ne s'intéressait pas au caractère hégémonique de New York ni à sa modernité monstrueuse », explique la conservatrice Anne Morin. Il inventait des jeux optiques, des entrelacements de formes et de plans qui cachent et révèlent ce qui se trouve dans les interstices, à proximité, dans les marges invisibles. »

POURQUOI CETTE EXPOSITION EST EXTRAORDINAIRE
Contrairement à ses collègues qui mettaient l'accent sur la netteté, Leiter a embrassé l'obstruction en photographiant à travers des fenêtres embuées, des tissus et des conditions météorologiques que d'autres photographes évitaient. Ces éléments sont devenus partie intégrante de son style de composition, créant des images multicouches qui ressemblent davantage à des peintures qu'à des photographies.

Son utilisation pionnière de la couleur, qui a débuté vers 1948, a devancé de plusieurs décennies l'acceptation de la photographie en couleurs dans l'art. Alors que d'autres considéraient la couleur comme vulgaire ou commerciale, Leiter l'a utilisée comme un élément expressif, saturant ses images de teintes audacieuses qui transforment des scènes de rue ordinaires en compositions abstraites.

Cela le distinguait des artistes contemporains de l'École de New York et attirait l'attention du monde de la mode, avec lequel il a commencé à collaborer en photographiant pour Esquire, Harper's Bazaar et, au cours des vingt années suivantes, pour Show, Elle, British Vogue, Queen et Nova.

UN PEINTRE TIMIDE AVEC UN LEICA
L'exposition met en évidence de manière unique la double identité de Leiter en tant que peintre et photographe, démontrant comment sa sensibilité picturale a influencé son travail photographique. Sa formation en peinture l'a amené à aborder la photographie couleur avec une sophistication sans précédent, traitant chaque image comme une toile.

« Je n'ai pas de philosophie. J'ai un appareil photo, disait Leiter. Je regarde à travers l'appareil et je prends des photos. Mes photographies ne sont qu'une infime partie de ce que je vois et qui pourrait être photographié. Ce sont des fragments de possibilités infinies ». Cette approche sans prétention lui a permis de capturer des moments de grâce dans la vie quotidienne que d'autres photographes, alourdis par la théorie artistique, ne voyaient souvent pas. Son travail suggère que la beauté n'existe pas dans les grands moments, mais dans les intervalles silencieux de la vie quotidienne.

Anti-divo et réfractaire à la célébrité, Leiter - qui publie régulièrement des livres de photographie et participe à d'importantes monographies aux États-Unis et en Europe - n'a publié qu'une partie de son travail au cours de sa carrière, laissant la plupart de ses clichés sur négatif, comme pour cacher l'aspect le plus intime et purement artistique de sa production. À tel point qu'en 2018, cinq ans après sa mort, un corpus d'œuvres peu connues de l'artiste a vu le jour : des nus en noir et blanc, pris principalement entre la fin des années 40 et le début des années 60, fruit de collaborations entre Leiter et les femmes de sa vie.

Il y a un ordre caché dans le travail de Saul Leiter qui est difficile à expliquer, et c'est probablement ce qui fait de lui un véritable poète.

SAUL LEITER SELON ANNE MORIN
« Les images de Leiter durent le temps d'un battement de cil, placées à la lisière de quelque chose. Ce sont des instantanés, des formes brèves, fragmentées, comme des annotations, des déclarations de réalité, réalisées avec une maîtrise et une métrique qui rappellent le haïku. Le geste de Leiter est celui d'un calligraphe lorsqu'il photographie rapidement, avec précision, sans excuse ».

Vertigo Syndrome in collaborazione con diChroma photography e con la curatela di Anne Morin, presenta al Belvedere della Reggia di Monza la prima grande mostra italiana dedicata a Saul Leiter. L’esposizione, dal titolo “Saul Leiter. Una finestra punteggiata di gocce di pioggia”, si compone di 126 fotografie in bianco e nero, 40 fotografie a colori, 42 dipinti e rari materiali d’archivio, come riviste d’epoca originali e un documento filmico.

La mostra, che include sia stampe vintage che moderne, primi lavori sperimentali e fotografie di moda realizzate durante le sue collaborazioni con Harper's Bazaar, rivela con evidenza cosa distingue nettamente Saul Leiter dai suoi contemporanei e perché la sua opera continui a influenzare la fotografia di oggi.

NEW YORK IN UN GESTO, UN DETTAGLIO, QUASI NULLA
Mentre i suoi contemporanei cercavano di catturare la grandezza e la modernità di New York, Leiter ha intrapreso una strada radicalmente diversa. Ha trasformato i momenti quotidiani in composizioni liriche e intimiste, trovando poesia nel vapore che sale dai tombini, negli ombrelli sotto la pioggia e nei riflessi delle vetrine, un realismo fiabesco composto da persone, oggetti, strade, pioggia, neve, elementi più sbirciati che osservati. La sua visione distintiva ha rifiutato lo stile documentaristico popolare della sua epoca, creando invece quello che potremmo chiamare "haiku fotografici" - scorci intimi della vita che fondono realtà e astrazione.

"Leiter si divertiva con ciò che vedeva. Non era interessato al carattere egemonico di New York o alla sua mostruosa modernità - spiega la curatrice Anne Morin. Inventava giochi ottici, intrecci di forme e piani che nascondono e rivelano ciò che giace negli intervalli, nelle vicinanze, nei margini invisibili.”

PERCHÉ QUESTA MOSTRA È STRAORDINARIA
A differenza dei suoi colleghi che enfatizzavano la nitidezza, Leiter ha abbracciato l'ostruzione  fotografando attraverso finestre appannate, tessuti e condizioni meteorologiche che altri fotografi evitavano. Questi elementi sono diventati parte integrante del suo stile compositivo, creando immagini multistrato che sembrano più dipinti che fotografie.

Il suo uso pionieristico del colore, iniziato attorno al 1948, ha anticipato di decenni l'accettazione della fotografia a colori nell'arte. Mentre altri consideravano il colore volgare o commerciale, Leiter lo ha impiegato come elemento espressivo, saturando le sue immagini con tonalità audaci che trasformano le ordinarie scene di strada in composizioni astratte.

Questo lo distingueva dagli artisti della contemporanea Scuola di New York attirando le attenzioni del mondo della moda, con il quale iniziò a collaborare scattando per Esquire, Harper’s Bazaar e, nei successivi venti anni, per Show, Elle, British Vogue, Queen e Nova.

UN TIMIDO PITTORE CON LA LEICA
La mostra evidenzia in modo unico la doppia identità di Leiter come pittore e fotografo, dimostrando come la sua sensibilità pittorica abbia influenzato il suo lavoro fotografico. La sua formazione nella pittura lo ha portato ad approcciarsi alla fotografia a colori con una sofisticazione senza precedenti, trattando ogni fotogramma come una tela.

"Non ho una filosofia. Ho una macchina fotografica - diceva Leiter. Guardo attraverso la macchina fotografica e scatto foto. Le mie fotografie sono la minima parte di ciò che vedo che potrebbe essere fotografato. Sono frammenti di possibilità infinite”. Questo approccio senza pretese gli ha permesso di catturare momenti di grazia nella vita quotidiana che altri fotografi, appesantiti dalla teoria artistica, spesso non vedevano. Il suo lavoro suggerisce che la bellezza non esiste nei grandi momenti, ma negli intervalli silenziosi della vita di tutti i giorni.

Antidivo e refrattario alla fama, Leiter - che pubblica con costanza volumi fotografici e prende parte a importanti monografiche negli Stati Uniti e in Europa - nel corso della sua carriera darà alla stampa solo una parte dei suoi lavori, lasciandone la maggior parte in negativo, come a celare l’aspetto più intimo e puramente artistico della sua produzione. Tanto che nel 2018, cinque anni dopo la sua morte, emerse un corpo di opere dell’artista poco conosciuto: nudi in bianco e nero, scattati principalmente tra la fine degli anni ‘40 e i primi anni ‘60, frutto delle collaborazioni tra Leiter e le donne della sua vita.

C'è un ordine nascosto nel lavoro di Saul Leiter che è difficile da spiegare, e questo è probabilmente ciò che lo rende un vero poeta.

SAUL LEITER SECONDO ANNE MORIN
“Le immagini di Leiter durano quanto il battito di un ciglio, posizionate sul bordo di qualcosa. Sono istantanee, forme brevi, frammentate, come annotazioni, dichiarazioni di realtà, realizzate con una maestria e una metrica che ricorda gli haiku. Il gesto di Leiter è quello di un calligrafo quando fotografa veloce, preciso, senza scuse”.

Vertigo Syndrome, in collaboration with diChroma photography and curated by Anne Morin, presents the first major Italian exhibition dedicated to Saul Leiter at the Belvedere of the Royal Palace of Monza. The exhibition, entitled ‘Saul Leiter. A window dotted with raindrops’, consists of 126 black-and-white photographs, 40 colour photographs, 42 paintings and rare archival materials, such as original vintage magazines and a film document.

The exhibition, which includes both vintage and modern prints, early experimental works and fashion photographs taken during his collaborations with Harper's Bazaar, clearly reveals what sets Saul Leiter apart from his contemporaries and why his work continues to influence photography today.

NEW YORK IN A GESTURE, A DETAIL, ALMOST NOTHING
While his contemporaries sought to capture the grandeur and modernity of New York, Leiter took a radically different path. He transformed everyday moments into lyrical, intimate compositions, finding poetry in steam rising from manholes, umbrellas in the rain and reflections in shop windows, a fairy-tale realism composed of people, objects, streets, rain and snow, elements that are glimpsed rather than observed. His distinctive vision rejected the popular documentary style of his era, creating instead what we might call ‘photographic haikus’ - intimate glimpses of life that blend reality and abstraction.

‘Leiter enjoyed what he saw. He wasn't interested in the hegemonic character of New York or its monstrous modernity,’ explains curator Anne Morin. “He invented optical games, interweaving shapes and planes that hide and reveal what lies in the intervals, in the vicinity, in the invisible margins.”

WHY THIS EXHIBITION IS EXTRAORDINARY
Unlike his colleagues who emphasised sharpness, Leiter embraced obstruction, photographing through fogged windows, fabrics and weather conditions that other photographers avoided. These elements became an integral part of his compositional style, creating multi-layered images that look more like paintings than photographs.

His pioneering use of colour, which began around 1948, anticipated the acceptance of colour photography in art by decades. While others considered colour vulgar or commercial, Leiter employed it as an expressive element, saturating his images with bold hues that transform ordinary street scenes into abstract compositions.

This set him apart from the artists of the contemporary New York School and attracted the attention of the fashion world, with which he began collaborating by shooting for Esquire, Harper's Bazaar and, over the next twenty years, Show, Elle, British Vogue, Queen and Nova.

A SHY PAINTER WITH A LEICA
The exhibition uniquely highlights Leiter's dual identity as a painter and photographer, demonstrating how his painterly sensibility influenced his photographic work. His training in painting led him to approach colour photography with unprecedented sophistication, treating each frame as a canvas.

‘I don't have a philosophy. I have a camera,’ Leiter said. ’I look through the camera and take pictures. My photographs are the smallest part of what I see that could be photographed. They are fragments of infinite possibilities.’ This unpretentious approach allowed him to capture moments of grace in everyday life that other photographers, weighed down by artistic theory, often failed to see. His work suggests that beauty does not exist in grand moments, but in the quiet intervals of everyday life.

Anti-celebrity and averse to fame, Leiter – who regularly published photographic volumes and took part in important monographic exhibitions in the United States and Europe – only released a fraction of his work to the press during his career, leaving most of it in negative, as if to conceal the most intimate and purely artistic aspect of his production. So much so that in 2018, five years after his death, a body of work by the little-known artist emerged: black-and-white nudes, taken mainly between the late 1940s and early 1960s, the result of collaborations between Leiter and the women in his life.

There is a hidden order in Saul Leiter's work that is difficult to explain, and this is probably what makes him a true poet.

SAUL LEITER ACCORDING TO ANNE MORIN
"Leiter's images last as long as the blink of an eye, positioned on the edge of something. They are snapshots, short, fragmented forms, like notes, statements of reality, executed with a mastery and meter reminiscent of haiku. Leiter's gesture is that of a calligrapher when he photographs quickly, precisely, without apology.’

(Text: Belvedere della Reggia di Monza)

Foam | Amsterdam
2. Mai – 2. Oktober 2025

The Underground Camera

Kahlenberg und Van Renterghem, die treibenden Kräfte hinter der Operation, leiteten eine Gruppe von Fotografen von ihrem Hauptstandort in der Michelangelostraat 36 in Amsterdam-Süd aus, von wo aus sie ihre Widerstandsaktivitäten überwachten. Viele der Fotografen von The Underground Camera sollten später international bekannt werden. Sie versteckten ihre Kameras in Handtaschen und Jacken, um unbemerkt fotografieren zu können. Viele benutzten Rolleiflex-Kameras, die oben einen Sucher hatten, sodass sie die Bilder leichter aus Hüfthöhe aufnehmen konnten. Da die Gefahr bestand, in den organisierten Widerstand verwickelt zu werden, wussten die Fotografen nicht, wer noch Teil des Kollektivs war, und arbeiteten unter neutralen Namen wie „Niederländisches Archiv“ („Nederlands Archief“) und „Zentrales Bildarchiv“ („Centraal Beeldarchief“). Nur wenige Wochen nach der Befreiung, Anfang Juni 1945, wurde eine Auswahl der Arbeiten in der Ausstellung „The Underground Camera“ im Studio des Fotografen Marius Meijboom an der Keizersgracht in Amsterdam gezeigt. Die Ausstellung brachte der Arbeit von „The Underground Camera“ nationale Anerkennung ein, was die Gruppe dazu veranlasste, diesen Namen offiziell anzunehmen. Jetzt, 80 Jahre später, kehrt ihr Vermächtnis in einer neuen Ausstellung entlang desselben Kanals zurück. 

Die Underground Camera bestand aus Tonny van Renterghem (1919–2009), Fritz Kahlenberg (1916–1996), Emmy Andriesse (1914–1953), Carel Blazer (1911–1980), Charles Breijer (1914-2011), Cornelis Holtzapffel (1916-1984), Ingeborg Kahlenberg-Wallheimer (1920-1996), Boris Kowadlo (1912-1959), Frits Lemaire (1921-2005), Marius Meijboom (1911-1998), Margreet Meijboom-van Konijnenburg (1910-unbekannt), Cas Oorthuys (1908-1975), Hans Sibbelee (1915-2003), Ben Steenkamp (1917-1967), Ad Windig (1912-1996) und Krijn Taconis (1918-1979). Taconis war der erste Niederländer, der Mitglied des renommierten internationalen Fotografenkollektivs Magnum wurde.

Kahlenberg et Van Renterghem, les moteurs de l'opération, ont donné des instructions à un groupe de photographes à partir de leur lieu principal, la Michelangelostraat 36 à Amsterdam Sud, d'où ils ont supervisé leurs activités de résistance. Bon nombre des photographes de la Caméra clandestine deviendront par la suite des célébrités internationales. Ils dissimulaient leurs appareils dans des sacs à main et des vestes afin de pouvoir prendre des photos sans se faire remarquer. Beaucoup utilisaient des appareils Rolleiflex dont le viseur était placé sur le dessus, ce qui facilitait la prise de vue à hauteur de hanche. Étant donné le risque d'être impliqués dans une résistance organisée, les photographes ne savaient pas qui faisait partie du collectif et travaillaient sous des noms neutres tels que « Netherlands Archive » (« Nederlands Archief ») et « Central Imagery Archive » (« Centraal Beeldarchief »). Quelques semaines seulement après la libération, au début du mois de juin 1945, une sélection de travaux a été présentée dans le cadre de l'exposition The Underground Camera, qui s'est tenue dans le studio du photographe Marius Meijboom au Keizersgracht à Amsterdam. L'exposition a apporté une reconnaissance nationale au travail de The Underground Camera, ce qui a conduit le groupe à adopter officiellement ce nom. Aujourd'hui, 80 ans plus tard, leur héritage revient dans une nouvelle exposition le long du même canal. 

L'Underground Camera était composé de Tonny van Renterghem (1919-2009), Fritz Kahlenberg (1916-1996), Emmy Andriesse (1914-1953), Carel Blazer (1911-1980), Charles Breijer (1914-2011), Cornelis Holtzapffel (1916-1984), Ingeborg Kahlenberg-Wallheimer (1920-1996), Boris Kowadlo (1912-1959), Frits Lemaire (1921-2005), Marius Meijboom (1911-1998), Margreet Meijboom-van Konijnenburg (1910-onbekend), Cas Oorthuys (1908-1975), Hans Sibbelee (1915-2003), Ben Steenkamp (1917-1967), Ad Windig (1912-1996) et Krijn Taconis (1918-1979). Taconis a été le premier Néerlandais à devenir membre du célèbre collectif international de photographes Magnum.

Kahlenberg e Van Renterghem, le forze trainanti dell'operazione, istruirono un gruppo di fotografi dalla loro sede principale in Michelangelostraat 36 ad Amsterdam Sud, da dove supervisionarono le attività di resistenza. Molti dei fotografi di The Underground Camera sarebbero poi diventati famosi a livello internazionale. Nascondevano le loro macchine fotografiche nelle borse e nelle giacche, per poter scattare le foto senza essere notati. Molti usavano fotocamere Rolleiflex che avevano un mirino sulla parte superiore, rendendo più facile scattare foto dall'altezza dei fianchi. Dato il pericolo di essere coinvolti nella resistenza organizzata, i fotografi non sapevano chi altro facesse parte del collettivo e lavoravano con nomi neutri come 'Archivio olandese' ('Nederlands Archief') e 'Archivio centrale delle immagini' ('Centraal Beeldarchief'). Poche settimane dopo la liberazione, all'inizio di giugno del 1945, una selezione di lavori fu esposta nella mostra The Underground Camera, situata nello studio del fotografo Marius Meijboom al Keizersgracht di Amsterdam. La mostra portò al riconoscimento nazionale del lavoro di The Underground Camera, portando il gruppo ad adottare ufficialmente questo nome. Ora, 80 anni dopo, la loro eredità ritorna in una nuova mostra lungo lo stesso canale. 

La Underground Camera era composta da Tonny van Renterghem (1919-2009), Fritz Kahlenberg (1916-1996), Emmy Andriesse (1914-1953), Carel Blazer (1911-1980), Charles Breijer (1914-2011), Cornelis Holtzapffel (1916-1984), Ingeborg Kahlenberg-Wallheimer (1920-1996), Boris Kowadlo (1912-1959), Frits Lemaire (1921-2005), Marius Meijboom (1911-1998), Margreet Meijboom-van Konijnenburg (1910-onbekend), Cas Oorthuys (1908-1975), Hans Sibbelee (1915-2003), Ben Steenkamp (1917-1967), Ad Windig (1912-1996) e Krijn Taconis (1918-1979). Taconis è stato il primo olandese a diventare membro del famoso collettivo fotografico internazionale Magnum.

Kahlenberg and Van Renterghem, the driving forces behind the operation, instructed a group of photographers from their main location at the Michelangelostraat 36 in Amsterdam South from where they oversaw their resistance activities. Many of the The Underground Camera photographers would later become internationally renowned. They concealed their cameras in handbags and jackets in order for them to take the pictures unnoticed. Many used Rolleiflex cameras which had a viewfinder on top, making it easier to take pictures from hip height. Given the danger of being involved in organized resistance, the photographers did not know who else was part of the collective and worked under neutral names such as ‘Netherlands Archive’ (‘Nederlands Archief’) and ‘Central Imagery Archive’ (‘Centraal Beeldarchief’). Just a few weeks after the liberation, in early June 1945, a selection of work was showcased in the exhibition The Underground Camera located in the studio of the photographer Marius Meijboom at the Keizersgracht in Amsterdam. The exhibition brought national recognition for The Underground Camera’s work, leading the group to officially adopt this name. Now, 80 years later, their legacy returns in a new exhibition along the same canal. 

The Underground Camera consisted of Tonny van Renterghem (1919-2009), Fritz Kahlenberg (1916-1996), Emmy Andriesse (1914-1953), Carel Blazer (1911-1980), Charles Breijer (1914-2011), Cornelis Holtzapffel (1916-1984), Ingeborg Kahlenberg-Wallheimer (1920-1996), Boris Kowadlo (1912-1959), Frits Lemaire (1921-2005), Marius Meijboom (1911-1998), Margreet Meijboom-van Konijnenburg (1910-onbekend), Cas Oorthuys (1908-1975), Hans Sibbelee (1915-2003), Ben Steenkamp (1917-1967), Ad Windig (1912-1996) and Krijn Taconis (1918-1979). Taconis was the first Dutch person to become a member of renowned international photography collective Magnum.

(Text: Foam, Amsterdam)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
3. Mai – 31. August 2025

Olvidamos cómo contemplar la madre tierra?
Naara Bahler

Die Ausstellung findet im Rahmen der Bieler Fototage statt.

Das Photoforum Pasquart freut sich, im Rahmen der Bieler Fototage 2025 die Einzelausstellung von Naara Bahler zu präsentieren. Die diesjährige Ausgabe des Festivals steht unter dem Thema Horizons und befasst sich mit der Frage, wie Landschaften wahrgenommen, genutzt und dargestellt werden.

Ob Stadt, Wald oder Industrie – Landschaft ist nicht nur ein physischer Raum, sondern auch ein kulturelles und emotionales Konstrukt. Sie wird beschrieben, kartiert, fotografiert und interpretiert. Die Bieler Fototage 2025 erkunden neue Horizonte der Landschaftsdarstellung und stellen künstlerische Positionen vor, die alternative Perspektiven auf unser Verhältnis zur Umwelt aufzeigen.

Mit ihrer Arbeit setzt sich Naara Bahler auf poetische und experimentelle Weise mit der Verbindung zwischen Mensch und Natur auseinander. Ihre Werke stehen in einem spannungsvollen Dialog mit dem Festivalthema, indem sie eine persönliche, sinnliche Annäherung an Landschaften und deren Darstellung ermöglichen. Die Ausstellung wird über die Bieler Fototage hinaus verlängert und durch eine künstlerische Erweiterung ergänzt.

Haben wir vergessen, wie man Mutter Erde betrachtet? Diese Frage stellt sich Naara Bahler in ihrer Arbeit und lädt die Betrachter:innen dazu ein, innezuhalten und ihre Verbindung zur Natur neu zu überdenken. Inspiriert von Kindheitserinnerungen an stundenlanges Beobachten der Natur, sucht sie in ihrer künstlerischen Praxis nach einer Form der Kontemplation – einem Moment der Stille, in dem Raum für Reflexion und Vorstellungskraft entsteht.

Bahler kombiniert analoge, cyanotypische und digitale fotografische Techniken, um Bilder zu schaffen, die zeitgenössische Elemente mit der Natur verschmelzen lassen. Blumen, Blätter und menschliche Spuren treten in Dialog miteinander und erschaffen Kompositionen, die eine stille Mystik ausstrahlen und teils imaginäre Wesen hervorrufen. Ihre Werke thematisieren die Spannung zwischen Beständigkeit und Vergänglichkeit, indem sie der schnellen, immateriellen digitalen Fotografie einen bewussten, langsamen Schaffensprozess entgegensetzt.

Mit ihrer monatelangen, experimentellen Arbeitsweise lädt Bahler die Betrachter:innen dazu ein, sich auf eine tiefere Auseinandersetzung mit ihrer Umwelt einzulassen. Ihre Werke bieten eine Gelegenheit zur bewussten Betrachtung – eine Einladung, innezuhalten und die eigene Verbindung zur Erde neu zu entdecken.

Le Photoforum Pasquart est heureux de présenter une exposition individuelle de Naara Bahler dans le cadre des Journées photographiques de Bienne 2025. Cette édition du festival est dédiée au thème Horizons, qui explore comment les paysages sont perçus, utilisés et représentés.

Qu’ils soient urbains, forestiers ou industriels, les paysages ne sont pas seulement des espaces physiques, mais aussi des constructions culturelles et émotionnelles. Ils sont décrits, cartographiés, photographiés et interprétés. Les Journées photographiques de Bienne 2025 explorent de nouveaux horizons de la représentation du paysage, mettant en avant des perspectives artistiques qui interrogent notre relation à l’environnement.

À travers une approche poétique et expérimentale, Naara Bahler examine la relation entre l’humain et la nature. Son travail entre en résonance avec le thème du festival en proposant une exploration sensorielle et personnelle des paysages et de leur représentation. L’exposition se poursuivra après les Journées photographiques de Bienne et sera enrichie d’une intervention artistique spécifique au site.

Avons-nous oublié comment regarder la Terre-Mère ? Cette question est au cœur du travail de Naara Bahler, qui invite les visiteur·x·e·s à s’arrêter un instant et à reconsidérer leur relation avec la nature. Inspirée par des souvenirs d’enfance passés à observer son environnement, Bahler cherche à créer, dans sa pratique artistique, des moments de contemplation—des espaces de calme où la réflexion et l’imagination peuvent se déployer.

Bahler associe des techniques photographiques analogiques, cyanotypiques et numériques pour créer des images qui fusionnent des éléments contemporains et le monde naturel. Fleurs, feuilles et traces humaines entrent en dialogue pour former des compositions empreintes de mysticisme, évoquant parfois des êtres imaginaires. Son travail explore la tension entre permanence et éphémérité, en opposant à la rapidité et l’immatérialité de la photographie numérique un processus de création lent et intentionnel.

À travers une méthode de travail expérimentale et prolongée, Bahler encourage les visiteur·x·e·s à approfondir leur relation avec leur environnement. Ses œuvres invitent à une contemplation consciente—une occasion de ralentir et de redécouvrir notre lien à la Terre.

Il Photoforum Pasquart è lieto di presentare la mostra personale di Naara Bahler nell'ambito dei Biel/Bienne Photo Days 2025. Il tema dell'edizione di quest'anno del festival è Orizzonti e affronta la questione di come i paesaggi vengono percepiti, utilizzati e rappresentati.

Che si tratti di città, foreste o industrie, il paesaggio non è solo uno spazio fisico, ma anche un costrutto culturale ed emotivo. Viene descritto, mappato, fotografato e interpretato. Le Giornate fotografiche di Biel/Bienne 2025 esplorano nuovi orizzonti della rappresentazione del paesaggio e presentano posizioni artistiche che mostrano prospettive alternative sul nostro rapporto con l'ambiente.

Nel suo lavoro, Naara Bahler esplora la connessione tra uomo e natura in modo poetico e sperimentale. Le sue opere instaurano un dialogo emozionante con il tema del festival, consentendo un approccio personale e sensuale al paesaggio e alla sua rappresentazione. La mostra sarà estesa oltre il Festival della Fotografia di Biel/Bienne e completata da un'estensione artistica.

Abbiamo dimenticato come guardare la Madre Terra? Naara Bahler pone questa domanda nel suo lavoro e invita gli spettatori a fermarsi e a ripensare il loro legame con la natura. Ispirata dai ricordi d'infanzia delle ore trascorse a osservare la natura, cerca una forma di contemplazione nella sua pratica artistica - un momento di quiete che crea spazio per la riflessione e l'immaginazione.

Bahler combina tecniche fotografiche analogiche, cianotipiche e digitali per creare immagini che fondono elementi contemporanei con la natura. Fiori, foglie e tracce umane entrano in dialogo tra loro, creando composizioni che emanano un tranquillo misticismo e talvolta evocano esseri immaginari. Le sue opere tematizzano la tensione tra permanenza e transitorietà, contrapponendo la fotografia digitale veloce e immateriale a un processo creativo lento e consapevole.

Con il suo approccio sperimentale, che dura da mesi, Bahler invita gli spettatori a impegnarsi in un esame più profondo del loro ambiente. Le sue opere offrono un'opportunità di contemplazione consapevole, un invito a fermarsi e a riscoprire il proprio legame con la terra.

The Photoforum Pasquart is delighted to present a solo exhibition by Naara Bahler as part of Bieler Fototage 2025. This year’s edition of the festival is dedicated to the theme Horizons, exploring how landscapes are perceived, used, and represented.

Whether urban, forested, or industrial, landscapes are not just physical spaces but also cultural and emotional constructs. They are described, mapped, photographed, and interpreted. Bieler Fototage 2025 explores new horizons in landscape representation, showcasing artistic perspectives that challenge and redefine our relationship with the environment.

Through a poetic and experimental approach, Naara Bahler examines the relationship between humans and nature. Her work resonates with the festival theme by offering a personal and sensory exploration of landscapes and their depiction. The exhibition will continue beyond Biel/Bienne Festival of photography and will be expanded with a site-specific addition.

Have We Forgotten How to Look at Mother Earth? This question is at the heart of Naara Bahler’s work, inviting viewers to pause and reconsider their connection with nature. Inspired by childhood memories of spending hours observing her surroundings, Bahler’s artistic practice seeks to create moments of contemplation—spaces of stillness where reflection and imagination can unfold.

Bahler combines analog, cyanotype, and digital photographic techniques to create images that merge contemporary elements with the natural world. Flowers, leaves, and human traces interact to form compositions that radiate a quiet mysticism and conjure almost imaginary beings. Her work explores the tension between permanence and transience, countering the rapid, immaterial nature of digital photography with a slow, intentional creative process.

Through her long and experimental working methods, Bahler encourages viewers to engage deeply with their environment. Her images invite a mindful way of seeing—an opportunity to pause and rediscover one’s connection to the Earth.

(Text: Amelie Schüle, Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Museum für Photographie Braunschweig
3. Mai – 29. Juni 2025

Erinnerung im Jetzt – 80 Jahre später
Vom Krieg damals und heute

Boris Becker, Gertrud Bergmann, Robert Capa, Hein Gorny, Heinrich Gramann, Margret Hoppe, Mykyta Manuilov, Lee Miller, Gerhard Richter, Ruprecht Rieger, Yvonne Salzmann, Hans Steffens, Tony Vaccaro, Marcel van Eeden, Michael Wesely

Am 8.5.1945 endete der 2. Weltkrieg. Anlässlich des 80. Jahrestages dieses einschneidenden Ereignisses, das auch als Tag der Befreiung vom Nationalsozialismus gefeiert wird, erinnert die Ausstellung an die Auswirkungen des Krieges und Aspekte der gesellschaftlichen Realitäten, die bis heute Auswirkungen haben.

Neben historischen Bildzeugnissen aus dem Stadtarchiv Braunschweig und der Museumssammlung sowie weiteren Leihgaben, die als Dokumentationen entstanden, sind künstlerische Arbeiten zu sehen, die sich der Kriegsthematik und damit verbundenen Aspekten in einer bildnerischen Auseinandersetzung widmen. Hierbei werden auch künstlerische Projekte einbezogen, die den aktuellen Krieg in der Ukraine zum Gegenstand haben.

Eine Teilkooperation mit dem Stadtarchiv Braunschweig

Kuratiert von Barbara Hofmann-Johnson

Le 8 mai 1945, la Seconde Guerre mondiale prenait fin. À l'occasion du 80e anniversaire de cet événement décisif, également célébré comme le jour de la libération du nazisme, l'exposition rappelle les effets de la guerre et les aspects des réalités sociales qui ont encore des répercussions aujourd'hui.

Outre des témoignages visuels historiques provenant des archives de la ville de Braunschweig et de la collection du musée, ainsi que d'autres objets prêtés à titre de documentation, on peut voir des travaux artistiques qui se consacrent à la thématique de la guerre et aux aspects qui y sont liés dans le cadre d'une confrontation plastique. Des projets artistiques portant sur la guerre actuelle en Ukraine seront également présentés.

Une coopération partielle avec les archives de la ville de Braunschweig.

Commissariat d'exposition de Barbara Hofmann-Johnson

La Seconda Guerra Mondiale terminò l'8 maggio 1945. In occasione dell'80° anniversario di questo evento decisivo, che viene celebrato anche come il giorno della liberazione dal nazionalsocialismo, la mostra ricorda gli effetti della guerra e gli aspetti della realtà sociale che hanno un impatto ancora oggi.

Oltre alle immagini storiche dell'Archivio della città di Braunschweig e della collezione del museo, oltre ad altri oggetti in prestito creati come documentazione, sono esposte opere artistiche dedicate al tema della guerra e agli aspetti correlati in un esame pittorico. Questo include anche progetti artistici che riguardano l'attuale guerra in Ucraina.

Una cooperazione parziale con l'Archivio della Città di Braunschweig

A cura di Barbara Hofmann-Johnson

The Second World War ended on 8 May 1945. On the occasion of the 80th anniversary of this momentous event, which is also celebrated as the day of liberation from National Socialism, the exhibition commemorates the effects of the war and aspects of social realities that continue to have an impact today.

In addition to historical visual evidence from the Braunschweig City Archives and the museum collection, as well as other loans that were created as documentation, artistic works can be seen that are dedicated to the theme of war and related aspects in a visual exploration. This also includes artistic projects that deal with the current war in Ukraine.

A partial cooperation with the Braunschweig City Archives

Curated by Barbara Hofmann-Johnson

(Text: Museum für Photographie Braunschweig)

Kunsthalle Lüneburg
4. Mai – 27. Juli 2025

Karin Székessy – Zeitspuren einer Ikone der Fotografie

Manchmal genügt ein einziges Bild, um eine ganze Welt zu öffnen.
Wer einmal in die Werke von Karin Székessy eingetaucht ist, wird sie nicht vergessen. Ihre Fotografien berühren mit einer stillen Kraft, mit einem feinen Gespür für Licht, Schatten und Emotionen. Sie sind mehr als Momentaufnahmen – sie erzählen von Schönheit, Intimität und Würde, ohne sich aufzudrängen. In ihren Bildern begegnen wir nicht nur ihren Modellen, sondern auch ihr selbst: einer Künstlerin, die ihren eigenen Blick nie verleugnete, die mit Respekt und Empathie fotografierte und die bis heute Maßstäbe setzt.

Ihre Fotografien sind Zeitspuren – Spuren einer Künstlerin, die die Fotografie geprägt und ihr eine neue Tiefe gegeben hat.
Die Kunsthalle der KulturBäckerei widmet Karin Székessy eine große Retrospektive unter dem Titel Zeitspuren einer Ikone der Fotografie. Ihr Werk, geprägt von Sensibilität, Poesie und einer kompromisslosen Bildsprache, hat die Kunstfotografie des 20. Jahrhunderts wesentlich mitgestaltet. Die Ausstellung bietet die Gelegenheit, ihre einzigartige Bildwelt neu zu entdecken und in die Atmosphäre ihrer Fotografien einzutauchen. Sie hat mit ihrer Kunst wichtige Spuren in der Zeit hinterlassen – nicht nur in der Geschichte der Fotografie, sondern auch im kollektiven Gedächtnis der Menschen, die ihre Werke berühren.

Székessys Bilder sind mehr als Fotografien – sie sind Erzählungen über das Menschliche, über Nähe, Würde und den Zauber des Moments. „Ich bin eine Frau, doch meine Perspektive ist nicht weiblich. Wer das meint, versteht mich nicht“, sagte sie einst. Ihre Akte sind weit mehr als bloße Darstellungen des Körpers – sie sind von einer Selbstverständlichkeit und Ehrlichkeit geprägt, die bis heute berühren. Ihre Fotografien zeigen Frauen nackt, aber niemals entblößt. Immer bewahrte sie ihre Modelle vor dem distanzierten Blick – ihre Nähe war echt, nicht inszeniert.

Die Retrospektive in der Kunsthalle der KulturBäckerei vereint die vielen Facetten ihres Schaffens: ikonische Künstlerporträts von Joseph Beuys, Horst Janssen und Meret Oppenheim, intime Stillleben, poetische Landschaftsaufnahmen und natürlich ihre unverwechselbaren Akte.

Erstmals wird zudem ein umfassender Einblick in ihre frühe Reportage- und Straßenfotografie in London, Paris und Rom gegeben. Besonders bemerkenswert ist, dass Karin Székessy bis heute als Fotografin aktiv ist. Die Ausstellung zeigt daher nicht nur ihre bedeutenden historischen Werke, sondern auch aktuelle Arbeiten, die ihre ungebrochene Schaffenskraft und ihre kontinuierliche künstlerische Entwicklung dokumentieren.

Ein Leben für die Fotografie
Karin Székessys Weg war nicht immer leicht. In den 1960er-Jahren behauptete sie sich in einer von Männern dominierten Kunstwelt – nicht mit lauten Worten, sondern mit ihrer Arbeit. Ihre erste Dunkelkammer war eine kleine Küche in Hamburg, in der sie nachts arbeitete, wenn ihre Kinder schliefen. Kunst war für sie immer auch Überleben. Und doch durchdringt ihr Werk eine tiefe Liebe zum Schönen, eine Sehnsucht nach Ausdruck und Echtheit.

„Székessy steht in der Fotogeschichte des 20. Jahrhunderts dafür, dass Frauen andere Frauen fotografieren – mit Respekt, mit Empathie, mit Verständnis“, beschreibt es die Autorin Daniele Muscionico. Ihr Blick war nicht distanziert, sondern mitfühlend. Ihre Modelle waren keine Objekte, sondern Teil einer künstlerischen Begegnung. Diese Bilder sind Momente der Vertrautheit, eingefangen mit der stillen Intensität einer Fotografin, die wusste, wann sie unsichtbar sein musste.

Die Retrospektive ist chronologisch aufgebaut und macht Székessys künstlerische Entwicklung über die Jahrzehnte hinweg erlebbar – von ihren frühen experimentellen Arbeiten über ikonische Werke der 1970er- und 1980er-Jahre bis hin zu ihren neuesten Fotografien.

Eine enge Verbindung zu Lüneburg
Diese Ausstellung hat für Lüneburg eine besondere Bedeutung. Es war Székessys Wunsch, einen großen Teil ihres künstlerischen Vorlasses dem Kunstarchiv der Sparkassenstiftung Lüneburg anzuvertrauen – ein Zeichen des Vertrauens, das zugleich eine Verpflichtung ist. Ihr Werk soll nicht nur bewahrt, sondern auch erforscht und weitergegeben werden. Die Retrospektive bildet den Auftakt für diese Auseinandersetzung.

Begleitend zur Ausstellung erscheint ein umfangreiches Buch, das nicht nur ihre Werke dokumentiert, sondern auch Gespräche mit ihr, Texte von Wegbegleiter*innen und bislang unveröffentlichte Fotografien enthält. Ein sehr persönlicher Blick auf eine Künstlerin, die ihr ganzes Leben in Bildern erzählt hat.

Parfois, un seul visuel suffit pour ouvrir tout un monde.
Quiconque s'est déjà plongé dans l'œuvre de Karin Székessy ne l'oubliera jamais. Ses photographies touchent par leur force tranquille, leur sens aigu de la lumière, des ombres et des émotions. Plus que de simples instantanés, elles racontent la beauté, l'intimité et la dignité sans s'imposer. Dans ses visuels, nous ne rencontrons pas seulement ses modèles, mais aussi elle-même : une artiste qui n'a jamais renié son propre regard, qui photographiait avec respect et empathie et qui continue aujourd'hui encore de poser des jalons.

Ses photographies sont des traces du temps, les traces d'une artiste qui a marqué la photographie et lui a donné une nouvelle profondeur.
La Kunsthalle der KulturBäckerei consacre à Karin Székessy une grande rétrospective intitulée « Traces d'une icône de la photographie ». Son œuvre, empreinte de sensibilité, de poésie et d'un langage visuel sans compromis, a profondément marqué la photographie artistique du XXe siècle. L'exposition offre l'occasion de redécouvrir son univers visuel unique et de s'immerger dans l'atmosphère de ses photographies. Avec son art, elle a laissé une empreinte importante dans le temps, non seulement dans l'histoire de la photographie, mais aussi dans la mémoire collective des personnes touchées par ses œuvres.

Les visuels de Székessy sont plus que des photographies, ce sont des récits sur l'humain, sur la proximité, la dignité et la magie de l'instant. « Je suis une femme, mais ma perspective n'est pas féminine. Ceux qui pensent cela ne me comprennent pas », a-t-elle déclaré un jour. Ses nus sont bien plus que de simples représentations du corps : ils sont empreints d'une évidence et d'une honnêteté qui touchent encore aujourd'hui. Ses photographies montrent des femmes nues, mais jamais exposées. Elle a toujours préservé ses modèles du regard distant : leur proximité était authentique, non mise en scène.

La rétrospective présentée à la Kunsthalle der KulturBäckerei rassemble les nombreuses facettes de son œuvre : portraits iconiques d'artistes tels que Joseph Beuys, Horst Janssen et Meret Oppenheim, natures mortes intimes, photographies poétiques de paysages et, bien sûr, ses nus incomparables.

Pour la première fois, cette exposition offre également un aperçu complet de ses premiers reportages et de ses photographies de rue à Londres, Paris et Rome. Il est particulièrement remarquable que Karin Székessy soit toujours active en tant que photographe. L'exposition présente donc non seulement ses œuvres historiques importantes, mais aussi ses travaux actuels, qui témoignent de sa créativité intacte et de son évolution artistique continue.

Une vie consacrée à la photographie
Le parcours de Karin Székessy n'a pas toujours été facile. Dans les années 1960, elle s'est imposée dans un monde artistique dominé par les hommes, non pas avec des mots forts, mais avec son travail. Sa première chambre noire était une petite cuisine à Hambourg, où elle travaillait la nuit, une fois ses enfants endormis. Pour elle, l'art a toujours été une question de survie. Et pourtant, son œuvre est imprégnée d'un amour profond pour la beauté, d'un désir d'expression et d'authenticité.

« Dans l'histoire de la photographie du XXe siècle, Székessy incarne le fait que les femmes photographient d'autres femmes – avec respect, empathie et compréhension », explique l'auteure Daniele Muscionico. Son regard n'était pas distant, mais compatissant. Ses modèles n'étaient pas des objets, mais faisaient partie d'une rencontre artistique. Ces visuels sont des moments d'intimité, capturés avec l'intensité silencieuse d'une photographe qui savait quand elle devait être invisible.

La rétrospective est structurée chronologiquement et permet de découvrir l'évolution artistique de Székessy au fil des décennies, depuis ses premières œuvres expérimentales jusqu'à ses photographies les plus récentes, en passant par ses œuvres emblématiques des années 1970 et 1980.

Un lien étroit avec Lunebourg
Cette exposition revêt une importance particulière pour Lunebourg. Székessy avait souhaité léguer une grande partie de son héritage artistique aux archives d'art de la Sparkassenstiftung Lüneburg, un signe de confiance qui est aussi un engagement. Son œuvre doit non seulement être préservée, mais aussi étudiée et transmise. La rétrospective marque le début de cette réflexion.

Un livre complet accompagne l'exposition. Il documente non seulement ses œuvres, mais contient également des entretiens avec elle, des textes de ses compagnons de route et des photographies inédites. Un regard très personnel sur une artiste qui a raconté toute sa vie à travers ses visuels.

A volte basta una sola immagine per aprire un mondo intero.
Chiunque si sia immerso nelle opere di Karin Székessy non le dimenticherà mai. Le sue fotografie colpiscono con una forza silenziosa, con una sensibilità raffinata per la luce, le ombre e le emozioni. Sono più che semplici istantanee: raccontano di bellezza, intimità e dignità, senza imporsi. Nelle sue immagini non incontriamo solo i suoi modelli, ma anche lei stessa: un'artista che non ha mai rinnegato il proprio sguardo, che ha fotografato con rispetto ed empatia e che ancora oggi detta gli standard.

Le sue fotografie sono tracce del tempo, tracce di un'artista che ha plasmato la fotografia e le ha dato una nuova profondità.
La Kunsthalle della KulturBäckerei dedica a Karin Székessy una grande retrospettiva dal titolo Zeitspuren einer Ikone der Fotografie (Tracce temporali di un'icona della fotografia). Il suo lavoro, caratterizzato da sensibilità, poesia e un linguaggio visivo senza compromessi, ha contribuito in modo significativo a plasmare la fotografia artistica del XX secolo. La mostra offre l'opportunità di riscoprire il suo mondo visivo unico e di immergersi nell'atmosfera delle sue fotografie. Con la sua arte ha lasciato un'impronta importante nel tempo, non solo nella storia della fotografia, ma anche nella memoria collettiva delle persone che sono state toccate dalle sue opere.

Le immagini di Székessy sono più che semplici fotografie: sono racconti sull'umanità, sulla vicinanza, sulla dignità e sulla magia del momento. “Sono una donna, ma la mia prospettiva non è femminile. Chi la pensa così non mi capisce”, ha affermato una volta. I suoi nudi sono molto più che semplici rappresentazioni del corpo: sono caratterizzati da una naturalezza e un'onestà che ancora oggi commuovono. Le sue fotografie mostrano donne nude, ma mai esposte. Ha sempre protetto le sue modelle da sguardi distaccati: la loro vicinanza era autentica, non messa in scena.

La retrospettiva alla Kunsthalle della KulturBäckerei riunisce le molteplici sfaccettature della sua opera: ritratti iconici di artisti come Joseph Beuys, Horst Janssen e Meret Oppenheim, nature morte intime, poetici paesaggi e, naturalmente, i suoi nudi inconfondibili.

Per la prima volta viene inoltre offerta una panoramica completa dei suoi primi reportage e della sua fotografia di strada a Londra, Parigi e Roma. Particolarmente degno di nota è il fatto che Karin Székessy sia ancora attiva come fotografa. La mostra non presenta quindi solo le sue importanti opere storiche, ma anche lavori attuali che documentano la sua ininterrotta creatività e il suo continuo sviluppo artistico.

Una vita per la fotografia
Il percorso di Karin Székessy non è stato sempre facile. Negli anni '60 si è affermata in un mondo artistico dominato dagli uomini, non con parole forti, ma con il suo lavoro. La sua prima camera oscura era una piccola cucina ad Amburgo, dove lavorava di notte, quando i suoi figli dormivano. L'arte è sempre stata per lei anche una questione di sopravvivenza. Eppure, la sua opera è permeata da un profondo amore per il bello, da un desiderio di espressione e autenticità.

“Nella storia della fotografia del XX secolo, Székessy rappresenta le donne che fotografano altre donne con rispetto, empatia e comprensione”, la descrive l'autrice Daniele Muscionico. Il suo sguardo non era distaccato, ma compassionevole. Le sue modelle non erano oggetti, ma parte di un incontro artistico. Queste immagini sono momenti di intimità, catturati con la silenziosa intensità di una fotografa che sapeva quando doveva rendersi invisibile.

La retrospettiva è strutturata cronologicamente e permette di seguire l'evoluzione artistica di Székessy nel corso dei decenni, dai suoi primi lavori sperimentali alle opere iconiche degli anni '70 e '80, fino alle sue fotografie più recenti.

Uno stretto legame con Lüneburg
Questa mostra ha un significato particolare per Lüneburg. È stato desiderio di Székessy affidare gran parte del suo lascito artistico all'archivio d'arte della Sparkassenstiftung Lüneburg, un segno di fiducia che è anche un impegno. La sua opera non deve solo essere conservata, ma anche studiata e tramandata. La retrospettiva costituisce l'inizio di questo percorso.

A corredo della mostra è stato pubblicato un volume che non solo documenta le sue opere, ma contiene anche interviste all'artista, testi di compagni di viaggio e fotografie inedite. Uno sguardo molto personale su un'artista che ha raccontato tutta la sua vita attraverso le immagini.

Sometimes a single visual is enough to open up a whole world.
Once you have immersed yourself in the works of Karin Székessy, you will never forget them. Her photographs touch us with a quiet power, with a fine sense of light, shadow and emotion. They are more than snapshots – they tell of beauty, intimacy and dignity without imposing themselves. In her visuals, we encounter not only her models, but also herself: an artist who never denied her own perspective, who photographed with respect and empathy, and who continues to set standards to this day.

Her photographs are traces of time – traces of an artist who shaped photography and gave it a new depth.
The Kunsthalle der KulturBäckerei is dedicating a major retrospective to Karin Székessy entitled Traces of Time by an Icon of Photography. Her work, characterised by sensitivity, poetry and an uncompromising visual language, has had a significant influence on 20th-century art photography. The exhibition offers an opportunity to rediscover her unique visual world and immerse oneself in the atmosphere of her photographs. With her art, she has left an important mark on her time – not only in the history of photography, but also in the collective memory of the people who are touched by her works.

Székessy's images are more than photographs – they are narratives about humanity, about closeness, dignity and the magic of the moment. ‘I am a woman, but my perspective is not female. Anyone who thinks that doesn't understand me,’ she once said. Her nudes are far more than mere representations of the body – they are characterised by a naturalness and honesty that still move us today. Her photographs show women naked, but never exposed. She always protected her models from a distanced gaze – their closeness was genuine, not staged.

The retrospective at the Kunsthalle der KulturBäckerei brings together the many facets of her work: iconic artist portraits of Joseph Beuys, Horst Janssen and Meret Oppenheim, intimate still lifes, poetic landscape photographs and, of course, her unmistakable nudes.

For the first time, the exhibition also provides a comprehensive insight into her early reportage and street photography in London, Paris and Rome. It is particularly remarkable that Karin Székessy is still active as a photographer today. The exhibition therefore not only shows her important historical works, but also current works that document her unbroken creative power and continuous artistic development.

A life dedicated to photography
Karin Székessy's path was not always easy. In the 1960s, she asserted herself in a male-dominated art world – not with loud words, but with her work. Her first darkroom was a small kitchen in Hamburg, where she worked at night when her children were asleep. For her, art was always a means of survival. And yet her work is imbued with a deep love of beauty, a longing for expression and authenticity.

‘In the history of 20th-century photography, Székessy stands for women photographing other women – with respect, empathy and understanding,’ writes author Daniele Muscionico. Her gaze was not distant, but compassionate. Her models were not objects, but part of an artistic encounter. These visuals are moments of intimacy, captured with the quiet intensity of a photographer who knew when to be invisible.

The retrospective is structured chronologically and brings Székessy's artistic development over the decades to life – from her early experimental works to iconic pieces from the 1970s and 1980s to her most recent photographs.

A close connection to Lüneburg
This exhibition has a special significance for Lüneburg. It was Székessy's wish to entrust a large part of her artistic legacy to the art archive of the Sparkassenstiftung Lüneburg – a sign of trust that is also a commitment. Her work should not only be preserved, but also researched and passed on. The retrospective marks the beginning of this endeavour.

Accompanying the exhibition is a comprehensive book that not only documents her works, but also includes conversations with her, texts by companions and previously unpublished photographs. It is a very personal look at an artist who told her whole life story in visuals.

(Text: Kunsthalle Lüneburg)

Haus der Fotografie Husum
4. Mai – 3. August 2025

Retrospect / Nachhinein
Rüdiger Beckmann

Die Ausstellung im Haus der Fotografie in Husum ist eine Retrospektive/Werkschau. Sie zeigt neben klassischen und aktuellen Giclée-Prints auch viele Original-Cyanotypien.

Abgerundet wird das Spektrum durch Experimente mit verschiedenen Lomo-Kameras und Dunkelkammer-Missgeschicken.

Rüdiger Beckmann fotografiert seit über 25 Jahren in Hamburg-St. Pauli Portraits im analogen Mittelformat. Hierbei ist der Schaffensprozess mindestens genauso wichtig wie die dabei entstehenden Bilder.

Viele seiner Foto-Begegnungen finden über Jahre hinweg statt. Dabei realisieren Fotograf und auch Modell immer wieder behutsam, was jede/r zu suchen und finden vermag. In diesen Begegnungen geht es um das Ablichten des persönlichen Wachstums, um Akzeptanz, ein schlüssiges Selbstbild und auch Female Empowerment.

Seine Arbeit gibt einen ehrlichen, unglaublich intimen und auch zerbrechlichen Einblick in die Schönheit des weiblichen (Akt-)Portraits und der dahinter stehenden Charaktere.

Eigenbild und Fremdbild – eine Reise zwischen Male und Female Gaze, Schönheitsbegriffen und Körperbildern, um authentische Portraits von Personen zu finden. Dabei sind die eigenen Bedürfnisse immer im Abgleich mit der fluiden medialen Außenwelt. Was kann ich, was muss ich? Wer darf ich sein?

L'exposition à la Maison de la photographie à Husum est une rétrospective/exposition de son œuvre. Elle présente, outre des tirages giclés classiques et actuels, de nombreux cyanotypes originaux.

Des expériences avec différents appareils Lomo et des accidents de chambre noire complètent le tableau.

Rüdiger Beckmann photographie depuis plus de 25 ans à Hambourg-St. Pauli des portraits en format moyen analogique. Le processus de création est ici au moins aussi important que les visuels qui en résultent.

Beaucoup de ses rencontres photographiques s'étendent sur plusieurs années. Le photographe et le modèle réalisent ainsi peu à peu ce que chacun peut chercher et trouver. Ces rencontres ont pour but de photographier la croissance personnelle, l'acceptation, une image cohérente de soi et l'émancipation féminine.

Son travail offre un aperçu honnête, incroyablement intime et fragile de la beauté du portrait féminin (nu) et des personnages qui se cachent derrière.

Image de soi et image de l'autre – un voyage entre le regard masculin et féminin, les concepts de beauté et les images corporelles afin de trouver des portraits authentiques de personnes. Ce faisant, les besoins personnels sont toujours en équilibre avec le monde médiatique fluide qui nous entoure. Que puis-je faire, que dois-je faire ? Qui suis-je autorisé à être ?

La mostra alla Haus der Fotografie di Husum è una retrospettiva/rassegna. Oltre alle classiche stampe giclée e a quelle attuali, espone anche molte cianotipie originali.

A completare il panorama vi sono esperimenti con diverse fotocamere Lomo e incidenti di camera oscura.

Rüdiger Beckmann fotografa da oltre 25 anni a Amburgo-St. Pauli ritratti in formato analogico medio. In questo contesto, il processo creativo è importante almeno quanto le immagini che ne derivano.

Molti dei suoi incontri fotografici si svolgono nel corso di anni. In questo modo, il fotografo e il modello realizzano con delicatezza ciò che ciascuno di loro cerca e riesce a trovare. Questi incontri riguardano la fotografia della crescita personale, l'accettazione, un'immagine coerente di sé e anche l'empowerment femminile.

Il suo lavoro offre uno sguardo onesto, incredibilmente intimo e anche fragile sulla bellezza del ritratto femminile (nudo) e dei personaggi che vi stanno dietro.

Immagine di sé e immagine altrui: un viaggio tra lo sguardo maschile e femminile, i concetti di bellezza e le immagini del corpo, alla ricerca di ritratti autentici delle persone. Le esigenze personali sono sempre in equilibrio con il fluido mondo mediatico esterno. Cosa posso fare, cosa devo fare? Chi posso essere?

The exhibition at the House of Photography in Husum is a retrospective/retrospective exhibition. In addition to classic and contemporary giclée prints, it also features many original cyanotypes.

The spectrum is rounded off by experiments with various Lomo cameras and darkroom mishaps.

Rüdiger Beckmann has been taking analogue medium-format portraits in Hamburg-St. Pauli for over 25 years. The creative process is at least as important to him as the resulting visuals.

Many of his photographic encounters take place over a period of years. In the process, both photographer and model gently realise what each of them is looking for and able to find. These encounters are about capturing personal growth, acceptance, a coherent self-image and also female empowerment.

His work provides an honest, incredibly intimate and also fragile insight into the beauty of female (nude) portraits and the characters behind them.

Self-image and external image – a journey between the male and female gaze, concepts of beauty and body images in order to find authentic portraits of people. In the process, one's own needs are always balanced against the fluid external media world. What can I do, what must I do? Who am I allowed to be?

(Text: Rüdiger Beckmann, Hamburg)

Le Bicolore-Maison du Danemark | Paris
7. Mai – 31. Juli 2025

Double Miroir
Peter Funch & Klaus Thymann

Das Bicolore-Maison du Danemark präsentiert die Ausstellung „Double Miroir“, die einen ästhetischen Dialog zwischen zwei dänischen Fotografen bietet: Peter Funch und Klaus Thymann. Diese Ausstellung von Project Pressure zeigt anhand einer Auswahl moderner Abzüge zwei Reflexionen zum gleichen Thema – den Rückgang der Gletscher und seinen Zusammenhang mit dem Klimawandel –, beide mit vergleichbaren Bildern, jedoch aus zwei unterschiedlichen Blickwinkeln.

Peter Funch und Klaus Thymann nutzen Gletscher, um den Klimawandel zu veranschaulichen, wobei jeder seinen eigenen Ansatz verfolgt. Ihre beiden Ansätze stehen im Einklang mit der Mission von Project Pressure, das visuelle Erzählungen einsetzt, um das Bewusstsein für die Klimakrise zu schärfen. Die Verschmelzung von Kunst und Wissenschaft im Ansatz der beiden Schöpfer geht über den persönlichen Beitrag hinaus und zeigt, wie interdisziplinäre Zusammenarbeit eine kraftvolle Erzählung hervorbringen kann, die im Rahmen dieser Ausstellung erstmals präsentiert wird.

Double Miroir bezieht sich auf die wissenschaftliche Analogie des Doppelspiegels, ein Konzept aus der Physik, Optik und sogar der Psychologie, wonach ein Doppelspiegel Reflexionen erzeugt, die miteinander interagieren. Hier umfasst dieses Konzept jedoch auch eine Dualität der Herangehensweisen an Umweltfragen.

Double Miroir untersucht die Verflechtung der Dynamiken des Klimawandels, die sich in zwei gegensätzlichen, aber miteinander verbundenen Zielen ausdrückt. Der Titel der Ausstellung dient als Metapher für das Phänomen, dass Treibhausgase (THG) eine doppelte Barriere bilden, die die Wärme in der Erdatmosphäre zurückhält, ähnlich wie ein Doppelspiegel das Licht reflektiert. Die Sonnenstrahlung durchdringt die erste Schicht und erreicht die Erdoberfläche, wo sie absorbiert und als Wärme wieder abgegeben wird. Der zweite Spiegel, gebildet durch die Schicht der Treibhausgase, reflektiert diese Wärme und verstärkt so den Erwärmungseffekt.

In seiner Arbeit stellt Peter Funch Postkarten und Archivfotos neben neue Fotografien, die dieselben Orte zeigen. Er spielt mit der Technik der RGB-Trennung und hält Landschaften mit roten, grünen und blauen Belichtungen fest, die nach der Rekombination Umweltveränderungen wie das Abschmelzen von Gletschern und den Lauf der Zeit sichtbar machen. Diese Methode schafft einen aussagekräftigen visuellen Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Auch Klaus Thymann arbeitet mit vergleichenden Bildern, indem er Luftbilder von Grönland aus den 1930er Jahren nachstellt. Er greift alte topografische Vermessungen auf, um Küstengletscher aus denselben Blickwinkeln mit modernen kartografischen Techniken zu fotografieren. Seine Bilder zeigen die spektakulären Veränderungen der Landschaften und bieten einen hochauflösenden Kontrast zwischen Vergangenheit und Gegenwart, der die Schwere der aktuellen Umweltkrise unterstreicht.

Beide Künstler bedienen sich der vergleichenden Bildgebung: Funches Technik der Trennung der RGB-Ebenen verschmilzt Vergangenheit und Gegenwart und evoziert so den Lauf der Zeit, während Thymanns präzise Nachbildungen alter Fotos den Kontrast zwischen der Welt, wie wir sie kannten, und der heutigen Realität hervorheben. Zusammen präsentiert von Project Pressure, zeigen ihre Ansätze die Gletscherschmelze und die erheblichen Auswirkungen des Klimawandels in ihrer ganzen Facettenvielfalt.

Le Bicolore-Maison du Danemark présente l’exposition Double Miroir, qui propose un dialogue esthétique entre deux photographes danois : Peter Funch et Klaus Thymann. Cette exposition de Project Pressure dévoile, à travers une sélection de tirages modernes, deux réflexions sur un même sujet – le recul des glaciers et son lien avec le changement climatique – tous deux avec une imagerie comparative mais en suivant deux approches différentes.

Peter Funch et Klaus Thymann font appel aux glaciers pour illustrer le changement climatique, tout en suivant chacun une démarche qui leur est propre. Leurs deux approches concordent avec la mission que s’est donnée Project Pressure, qui recourt à la narration visuelle pour sensibiliser à l’urgence climatique. La fusion des arts et des sciences dans la démarche des deux créateurs dépasse la contribution personnelle et montre combien la collaboration interdisciplinaire est à même de produire un récit puissant, présenté pour la première fois dans le cadre de cette exposition.

Double Miroir fait référence à l’analogie scientifique du miroir double, concept en physique, en optique, voire en psychologie selon lequel un miroir double crée des reflets qui interagissent, mais ici ce concept englobe aussi une dualité des approches concernant les questions environnementales.

Double Miroir examine l’intrication des dynamiques du changement climatique, laquelle s’exprime à travers deux objectifs opposés mais interconnectés. Le titre de l’exposition sert de métaphore au phénomène par lequel les gaz à effet de serre (GES) forment une double barrière qui retient la chaleur dans l’atmosphère de la Terre à la manière dont un miroir double réfléchit la lumière. Le rayonnement solaire traverse la première couche et atteint la surface de la Terre, où il est absorbé puis réémis sous forme de chaleur. Le second miroir, formé par la couche des GES, renvoie cette chaleur, intensifiant ainsi l’effet de réchauffement.

Dans son travail, Peter Funch juxtapose des cartes postales et photos d’archives et des photographies nouvelles montrant les mêmes lieux. Jouant sur la technique de la séparation RVB, il saisit des paysages avec des expositions rouge, vert et bleu qui, une fois recombinées, mettent en évidence les changements environnementaux tels que la fonte des glaciers et l’écoulement du temps. Cette méthode crée entre passé et présent un dialogue visuel très parlant.

Klaus Thymann travaille lui aussi sur une imagerie comparative en recréant des photos aériennes du Groenland datant des années 1930. Il reprend des levés topographiques anciens pour photographier des glaciers côtiers à partir des mêmes points de vue, à l’aide de techniques cartographiques modernes. Ses images révèlent les spectaculaires transformations des paysages et offrent un contraste haute-définition entre passé et présent qui souligne la gravité de la crise environnementale actuelle.

Les deux artistes recourent à l’imagerie comparative : la technique de séparation des couches RVB de Funch fusionne le passé et le présent pour évoquer le temps qui passe, tandis que les recréations précises de photos anciennes par Thymann mettent en exergue le contraste entre le monde tel que nous l’avons connu et la réalité actuelle. Présentées ensemble par Project Pressure, leurs approches donnent à voir sous de multiples facettes le recul des glaciers et les répercussions considérables du changement climatique.

Il Bicolore-Maison du Danemark presenta la mostra Double Miroir, che propone un dialogo estetico tra due fotografi danesi: Peter Funch e Klaus Thymann. Questa mostra di Project Pressure svela, attraverso una selezione di stampe moderne, due riflessioni sullo stesso tema – il ritiro dei ghiacciai e il suo legame con il cambiamento climatico – entrambe con immagini comparative ma seguendo due approcci diversi.

Peter Funch e Klaus Thymann utilizzano i ghiacciai per illustrare il cambiamento climatico, seguendo ciascuno un approccio proprio. I loro due approcci sono in linea con la missione di Project Pressure, che utilizza la narrazione visiva per sensibilizzare l'opinione pubblica sull'emergenza climatica. La fusione tra arte e scienza nell'approccio dei due creatori va oltre il contributo personale e dimostra quanto la collaborazione interdisciplinare sia in grado di produrre una narrazione potente, presentata per la prima volta in questa mostra.

Double Miroir fa riferimento all'analogia scientifica del doppio specchio, un concetto utilizzato in fisica, ottica e persino in psicologia, secondo cui un doppio specchio crea riflessi che interagiscono tra loro, ma qui il concetto abbraccia anche una dualità di approcci alle questioni ambientali.

Double Miroir esamina l'intreccio delle dinamiche del cambiamento climatico, che si esprime attraverso due obiettivi opposti ma interconnessi. Il titolo della mostra funge da metafora del fenomeno per cui i gas serra (GHG) formano una doppia barriera che trattiene il calore nell'atmosfera terrestre, proprio come un doppio specchio riflette la luce. La radiazione solare attraversa il primo strato e raggiunge la superficie terrestre, dove viene assorbita e poi riemessa sotto forma di calore. Il secondo specchio, formato dallo strato di GES, riflette questo calore, intensificando così l'effetto di riscaldamento.

Nel suo lavoro, Peter Funch giustappone cartoline e foto d'archivio a nuove fotografie che ritraggono gli stessi luoghi. Giocando con la tecnica della separazione RGB, cattura paesaggi con esposizioni rosse, verdi e blu che, una volta ricombinate, mettono in evidenza i cambiamenti ambientali come lo scioglimento dei ghiacciai e lo scorrere del tempo. Questo metodo crea un dialogo visivo molto eloquente tra passato e presente.

Anche Klaus Thymann lavora su immagini comparative ricreando foto aeree della Groenlandia risalenti agli anni '30. Riprende vecchie rilevazioni topografiche per fotografare i ghiacciai costieri dagli stessi punti di vista, utilizzando tecniche cartografiche moderne. Le sue immagini rivelano le spettacolari trasformazioni del paesaggio e offrono un contrasto ad alta definizione tra passato e presente che sottolinea la gravità dell'attuale crisi ambientale.

Entrambi gli artisti utilizzano immagini comparative: la tecnica di separazione dei livelli RGB di Funch fonde passato e presente per evocare il tempo che passa, mentre le accurate ricostruzioni di foto antiche di Thymann mettono in evidenza il contrasto tra il mondo che abbiamo conosciuto e la realtà attuale. Presentati insieme da Project Pressure, i loro approcci offrono una visione multiforme del ritiro dei ghiacciai e delle notevoli ripercussioni del cambiamento climatico.

The Bicolore-Maison du Danemark presents the exhibition Double Mirror, which offers an aesthetic dialogue between two Danish photographers: Peter Funch and Klaus Thymann. This Project Pressure exhibition reveals, through a selection of modern prints, two reflections on the same subject – the retreat of glaciers and its link to climate change – both using comparative imagery but following two different approaches.

Peter Funch and Klaus Thymann use glaciers to illustrate climate change, each following their own unique approach. Their two approaches are in line with Project Pressure's mission to use visual storytelling to raise awareness of the climate emergency. The fusion of arts and science in the two creators' approach goes beyond their individual contributions and shows how interdisciplinary collaboration can produce a powerful narrative, presented for the first time in this exhibition.

Double Mirror refers to the scientific analogy of the double mirror, a concept in physics, optics and even psychology whereby a double mirror creates reflections that interact with each other, but here the concept also encompasses a duality of approaches to environmental issues.

Double Mirror examines the intertwining dynamics of climate change, which are expressed through two opposing but interconnected objectives. The title of the exhibition serves as a metaphor for the phenomenon whereby greenhouse gases (GHGs) form a double barrier that traps heat in the Earth's atmosphere in the same way that a double mirror reflects light. Solar radiation passes through the first layer and reaches the Earth's surface, where it is absorbed and then re-emitted as heat. The second mirror, formed by the GHG layer, reflects this heat back, intensifying the warming effect.

In his work, Peter Funch juxtaposes postcards and archival photos with new photographs showing the same places. Using the RGB separation technique, he captures landscapes with red, green and blue exposures which, when recombined, highlight environmental changes such as melting glaciers and the passage of time. This method creates a highly evocative visual dialogue between past and present.

Klaus Thymann also works with comparative imagery, recreating aerial photographs of Greenland from the 1930s. He uses old topographical surveys to photograph coastal glaciers from the same vantage points, employing modern cartographic techniques. His images reveal the spectacular transformations of the landscape and offer a high-definition contrast between past and present that highlights the gravity of the current environmental crisis.

Both artists use comparative imagery: Funch's technique of separating RGB layers merges the past and the present to evoke the passage of time, while Thymann's precise recreations of old photos highlight the contrast between the world as we once knew it and the reality of today. Presented together by Project Pressure, their approaches offer a multifaceted view of glacier retreat and the far-reaching repercussions of climate change.

(Text: Le Bicolore-Maison du Danemark, Paris)

Landesmuseum Zürich
9. Mai – 29. Juni 2025

Das Weltgeschehen im Fokus

Jeweils im Frühling zeigt das Landesmuseum Zürich die besten Pressefotografien der Schweiz und der Welt. Auch 2025 ermöglichen die beiden Ausstellungen «Swiss Press Photo 25» und «World Press Photo 2025» einen beeindruckenden Rückblick auf das vergangene Kalenderjahr. Die Bilder zeigen aktuelles Zeitgeschehen aus oft unbekannten Perspektiven und nehmen die Besucherinnen und Besucher mit auf Reisen. Etwa nach Kampala (Uganda), wo der Bodybuilder Tamale Safalu landesweit als erster Athlet mit Behinderung gegen nicht behinderte Sportler antritt. Das im Rahmen von «World Press Photo» prämierte Bild von Marijn Fidder zeigt Safalu beim Training und inspiriert durch dessen Stärke und Entschlossenheit.

Eine Fotoserie in der Ausstellung «Swiss Press Photo» führt zu vier heruntergekommenen Wohnblocks in der Nähe des Hauptbahnhofs. Sie gehören der SBB und wurden 1965 für unverheiratete Gastarbeiter gebaut. Eigentlich als Provisorien geplant, stehen die «Junggesellenheime» bis heute. Annick Ramp porträtiert mit ihrer Serie zwei Arbeiter aus Portugal und Ostdeutschland, die in den an Plattenbauten erinnernden Häusern wohnen.

In der Ausstellung «Swiss Press Photo» werden rund 150 Bilder in den Kategorien Aktualität, Alltag, Schweizer Geschichten, Porträt, Sport und Ausland gezeigt. Die Gewinnerinnen und Gewinner der verschiedenen Kategorien sind alle mit ihren eindrücklichen Werken im Landesmuseum vertreten. Bei «World Press Photo» sind rund 160 Bilder zu sehen. Sie decken alle Kontinente ab und werden danach in über 80 weiteren Städten auf der ganzen Welt gezeigt. Die beiden Ausstellungen werden ab Mitte November 2025 auch im Château de Prangins zu sehen sein.

Die World Press Photo Foundation wird unterstützt von ihren strategischen Partnern, der Dutch Postcode Lottery, PwC und der FUJIFILM Corporation.

Chaque printemps, le Musée national Zurich présente les meilleures photographies de presse de la Suisse et du monde. En 2025 également, les deux expositions «Swiss Press Photo 25» et «World Press Photo 2025» constituent une rétrospective impressionnante de l’année écoulée. En plus de montrer l’actualité récente sous un angle souvent inédit, ces images embarquent les visiteurs et visiteuses dans des voyages qui les mènent par exemple à Kampala (Ouganda), où Tamale Safalu est devenu le premier culturiste en situation de handicap de son pays à se mesurer à des athlètes valides. Le cliché de Marijn Fidder, récompensé dans le cadre du concours «World Press Photo», montre Safalu à l’entraînement et inspire par sa force et sa détermination.

Une série de clichés de l’exposition «Swiss Press Photo» mène à quatre immeubles d’habitation délabrés près de la gare centrale de Zurich. Ils appartiennent aux CFF et ont été construits en 1965 à destination des travailleurs immigrés non mariés. Ces «foyers de célibataires», qui devaient à l’origine être provisoires, existent encore aujourd’hui. La série d’Annick Ramp représente deux travailleurs, originaires du Portugal et d’Allemagne de l’Est, qui habitent dans ces maisons rappelant des immeubles préfabriqués.

L’exposition «Swiss Press Photo» dévoile près de 150 images dans les catégories Actualité, Vie quotidienne, Reportages suisses, Portrait, Sports et Étranger. Les gagnants et gagnantes des différentes catégories sont tous représentés au Musée national Zurich au travers de leurs œuvres impressionnantes. L’exposition «World Press Photo» compte quelque 160 images qui couvrent tous les continents et seront ensuite présentées dans plus de 80 autres villes à travers le monde. Les deux expositions seront également à découvrir au Château de Prangins à partir de la mi-novembre 2025.

La fondation World Press Photo est soutenue par ses partenaires stratégiques, à savoir la Dutch Postcode Lottery, PwC et la FUJIFILM Corporation.

Ogni primavera il Museo nazionale Zurigo espone le migliori fotografie giornalistiche della Svizzera e del mondo. Anche nel 2025, le mostre «Swiss Press Photo 25» e «World Press Photo 2025» permettono di gettare uno sguardo retrospettivo sull’anno trascorso ricco di scoperte. Oltre a trattare molti temi di attualità da prospettive spesso inedite, le immagini sono un invito al viaggio rivolto ai visitatori. Per esempio a Kampala (Uganda), dove il culturista Tamale Safalu è il primo atleta con disabilità del Paese a gareggiare contro atleti non disabili. La foto di Marijn Fidder, premiata nell’ambito di «World Press Photo», mostra Safalu mentre si allena e con la sua forza e determinazione è fonte di ispirazione.

Una serie di foto della mostra «Swiss Press Photo» ci porta in quattro fatiscenti palazzine vicino alla stazione ferroviaria. Appartengono alle FFS e furono costruiti nel 1965 per i lavoratori stranieri non sposati. Originariamente progettate come alloggi temporanei, le «case degli scapoli» sono abitate ancora oggi. Nella sua serie, Annick Ramp ritrae due lavoratori provenienti dal Portogallo e dalla Germania dell'Est che vivono nelle case che ricordano i caseggiati popolari oltre la cortina di ferro.

La mostra «Swiss Press Photo» presenta circa 150 fotografie nelle categorie attualità, vita quotidiana, storie svizzere, ritratti, sport ed estero. Il Museo nazionale Zurigo espone tutte le opere dei vincitori delle diverse categorie. Nella categoria «World Press Photo» sono esposte circa 160 fotografie scattate in tutti i continenti e che saranno successivamente esposte in oltre 80 città di tutto il mondo. Da metà novembre 2025 le due mostre potranno essere viste anche al Castello di Prangins.

La Fondazione World Press Photo è sostenuta dai suoi partner commerciali, Dutch Postcode Lottery, PwC e FUJIFILM Corporation.

Each spring, the National Museum Zurich presents a selection of the best photojournalism from Switzerland and around the world. Once again in 2025, the exhibitions ‘Swiss Press Photo 25’ and ‘World Press Photo 2025’ take a look back at some striking images from the previous calendar year. As well as showing current events, frequently from fresh perspectives, the photos take visitors on a journey. For example, to Kampala, where Tamale Safalu became the first disabled bodybuilder in Uganda to compete against able-bodied athletes. The photo by Marijn Fidder, which picked up an award in the ‘World Press Photo’ competition, shows Safalu training with a strength and determination that serves as an inspiration to others.

One series of photos in the ‘Swiss Press Photo’ exhibition takes viewers to four run-down apartment blocks near Zurich’s main station. They are owned by the Swiss Federal Railways (SBB) and were built in 1965 to house unmarried migrant workers. Intended as nothing more than a temporary solution, these ‘bachelor pads’ are still standing today. Annick Ramp’s photo spread portrays two workers, one from Portugal and one from eastern Germany, who live in the buildings, which are similar in style to the prefabricated housing typically found throughout the former Soviet bloc.

In the ‘Swiss Press Photo’ exhibition, some 150 pictures will be exhibited in the categories News, Daily Life, Swiss Stories, People, Sports and World. Impressive works by the winners in each of the various categories will be on show at the National Museum Zurich. Meanwhile, the ‘World Press Photo’ exhibition comprises some 160 photos, covering all continents, which will subsequently tour to more than 80 cities around the world. Both exhibitions will also be shown at the Château de Prangins from mid-November 2025.

The World Press Photo Foundation is supported by its strategic partners, the Dutch Postcode Lottery, PwC and FUJIFILM Corporation.

(Text: Landesmuseum Zürich)

Galerie 94 | Baden
9. Mai - 28. Juni 2025

Zehn Jahre Kunst und Kreativität

Die Galerie 94 feiert ihr zehnjähriges Bestehen – ein Jahrzehnt voller bemerkenswerter Ausstellungen, inspirierender Künstler und unvergesslicher Momente. Seit ihrer Gründung hat die Galerie 94 nicht nur als Plattform für etablierte Künstler gedient, sondern auch aufstrebenden Talenten eine Bühne geboten und sich als wichtiger Akteur in der Kunstszene etabliert. In den letzten zehn Jahren hat Galerie 94 insgesamt 50 Ausstellungen präsentiert, die eine breite Palette von Kunststilen und -medien abdecken. Von Malerei und Skulptur über Fotografie bis hin zu digitalen Kunstformen – die Galerie hat stets ein vielfältiges und spannendes Programm angeboten. Jede Ausstellung war eine sorgfältig kuratierte Erfahrung, die das Publikum dazu einlud, Kunst aus neuen Perspektiven zu betrachten und sich mit den Werken intensiv auseinanderzusetzen.

La Galerie 94 célèbre son dixième anniversaire, une décennie marquée par des expositions remarquables, des artistes inspirants et des moments inoubliables. Depuis sa création, la Galerie 94 n'a pas seulement servi de plateforme aux artistes établis, elle a également offert une scène aux talents émergents et s'est imposée comme un acteur important de la scène artistique. Au cours des dix dernières années, la Galerie 94 a présenté un total de 50 expositions couvrant un large éventail de styles et de médias artistiques. De la peinture et la sculpture à la photographie et aux formes d'art numérique, la galerie a toujours proposé un programme varié et passionnant. Chaque exposition était une expérience soigneusement commissariée qui invitait le public à découvrir l'art sous un nouveau jour et à s'immerger dans les œuvres.

La Galerie 94 festeggia il suo decimo anniversario: un decennio ricco di mostre straordinarie, artisti stimolanti e momenti indimenticabili. Sin dalla sua fondazione, la Galerie 94 non è stata solo una piattaforma per artisti affermati, ma ha anche offerto un palcoscenico a talenti emergenti, affermandosi come attore di primo piano nella scena artistica. Negli ultimi dieci anni, la Galleria 94 ha presentato un totale di 50 mostre che coprono un'ampia gamma di stili e mezzi artistici. Dalla pittura e scultura alla fotografia e alle forme d'arte digitale, la galleria ha sempre offerto un programma variegato e stimolante. Ogni mostra è stata un'esperienza accuratamente curata, che ha invitato il pubblico a guardare l'arte da nuove prospettive e a confrontarsi intensamente con le opere.

Galerie 94 is celebrating its tenth anniversary - a decade full of remarkable exhibitions, inspiring artists and unforgettable moments. Since its inception, Galerie 94 has not only served as a platform for established artists, but has also provided a stage for emerging talents and established itself as an important player in the art scene. Over the past ten years, Galerie 94 has presented a total of 50 exhibitions covering a wide range of art styles and media. From painting and sculpture to photography and digital art forms, the gallery has always offered a diverse and exciting program. Each exhibition has been a carefully curated experience, inviting audiences to view art from new perspectives and engage with the works in depth.

(Text: Galerie 94, Baden)

Landesgalerie Niederösterreich | Krems an der Donau
10. Mai – 9. November 2025

Heidi Harsieber. Quer durch. Ein Leben mit der Fotografie

Heidi Harsieber (*1948) ist eine der wichtigsten österreichischen Fotografinnen der letzten Jahrzehnte und eine bedeutende Vertreterin der österreichischen feministischen Avantgarde. 2023 wurde Harsieber mit dem Würdigungspreis des Landes Niederösterreich in der Sparte Künstlerische Fotografie ausgezeichnet. Die Vielfalt und Verschiedenheit ihrer dokumentierten Themen sind Ausdruck ihrer offenen Grundhaltung.

Facettenreiches Oeuvre Heidi Harsieber liebt es, Werke zu schaffen, die nicht alltäglich und rätselhaft sind. Durch die Wahl von besonderen Bildausschnitten oder Verfremdungseffekten beim Entwickeln der Fotos entstehen Bilder, deren Inhalte sich nicht immer sofort erschließen. Ihr vielfältiges Werk ist von ihrem humorvollen und neugierigen Blick auf die Welt geprägt, den sie mit ihrem großen fotografischen Fachwissen verbindet. Dabei schreckt sie auch vor Tabuthemen oder dem vermeintlich Unschönen nicht zurück. Auf Reisen hält sie Plätze, Gebäude und Situationen fest. Mit ihren Sportfotografien richtet sie den Blick auf das Scheitern als Teil des menschlichen Lebens.

Die Ausstellung versammelt eine feine Auswahl ihrer vielfältigen thematischen Werkserien unter anderem zu Architektur, Mode und Portraits. Zu sehen sind Aufnahmen von Krankenhäusern, vom Life Ball in Wien sowie von großen industriellen Maschinen.

Der eigene Körper im Fokus Kompromisslos und konsequent stellt die Künstlerin auch immer wieder ihren eigenen Körper ins Zentrum ihres fotografischen Schaffens, indem sie alle Lebensphasen ungeschönt ins Blickfeld rückt und im richtigen Moment den Auslöser abdrückt. Ohne Scheu sieht sie genau hin, auch gegen gesellschaftliche Erwartungen und Bildvorstellungen. Sie ist damit ein vielbeachtetes Vorbild für eine Generation junger Fotograf:innen. Schmerz und Verletzlichkeit sind in ihren Arbeiten spürbar.

Werdegang Nach einer Lehre als Fotografin besucht Harsieber 1968/69 die Meisterklasse Fotografie an der Höheren Graphischen Bundes-Lehr- und Versuchsanstalt Wien. Der Blick durch die Kamera begleitet sie ihr ganzes Leben. 1970 ist sie die jüngste selbstständige Berufsfotografin in Österreich. Zunächst arbeitet sie für die Mode- und Geschirrbranche. In den 1960er- und frühen 1970er-Jahren beginnt sie, ein eigenständiges, künstlerisches Werk zu entwickeln. Von 1977 bis 1985 leitet sie die Fotozentralwerkstätte an der Universität für angewandte Kunst in Wien. 2004 erhält Harsieber ein Auslandsstipendium des Bundeskanzleramts in London und 2015 die Auszeichnung mit dem Staatsstipendium für künstlerische Fotografie. Ihre Werke werden international und innerhalb Österreichs in renommierten Galerien und Museen gezeigt, unter anderem in der Österreichischen Galerie Belvedere Wien, Galerie FOTOHOF Salzburg, im 21er Haus, im Lentos Kunstmuseum Linz. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Gloggnitz (NÖ) und Wien.

Heidi Harsieber (*1948) est l'une des plus importantes photographes autrichiennes des dernières décennies et une représentante majeure de l'avant-garde féministe autrichienne. En 2023, Harsieber a reçu le prix d'appréciation du Land de Basse-Autriche dans le domaine de la photographie artistique. La diversité et la variété des thèmes qu'elle a documentés sont l'expression de son attitude ouverte.

Une œuvre aux multiples facettes Heidi Harsieber aime créer des œuvres qui sortent de l'ordinaire et qui sont énigmatiques. En choisissant des cadrages particuliers ou des effets de distanciation lors du développement des photos, elle crée des images dont le contenu n'est pas toujours immédiatement compréhensible. Son œuvre variée est marquée par son regard humoristique et curieux sur le monde, qu'elle associe à sa grande expertise photographique. Elle n'hésite pas à aborder des sujets tabous ou ce qu'elle considère comme inesthétique. En voyage, elle immortalise des lieux, des bâtiments et des situations. Avec ses photographies de sport, elle porte son regard sur l'échec comme partie intégrante de la vie humaine.

L'exposition rassemble une fine sélection de ses séries d'œuvres thématiques variées, notamment sur l'architecture, la mode et les portraits. On peut y voir des photos d'hôpitaux, du Life Ball à Vienne ainsi que de grandes machines industrielles.

Son propre corps au centre de l'attention Sans compromis et de manière conséquente, l'artiste place toujours son propre corps au centre de son travail photographique, en mettant en avant toutes les phases de la vie sans les édulcorer et en appuyant sur le déclencheur au bon moment. Elle n'hésite pas à regarder de près, même à l'encontre des attentes sociales et des idées sur l'image. Elle est ainsi un modèle très respecté pour une génération de jeunes photographes. La douleur et la vulnérabilité sont perceptibles dans son travail.

Parcours Après un apprentissage de photographe, Harsieber suit en 1968/69 la classe de maître en photographie à la Höhere Graphische Bundes-Lehr- und Versuchsanstalt de Vienne. Le regard à travers l'appareil photo l'accompagne toute sa vie. En 1970, elle est la plus jeune photographe professionnelle indépendante d'Autriche. Elle travaille d'abord pour le secteur de la mode et de la vaisselle. Dans les années 1960 et au début des années 1970, elle commence à développer une œuvre artistique indépendante. De 1977 à 1985, elle dirige l'atelier central de photographie à l'université des arts appliqués de Vienne. En 2004, Harsieber obtient une bourse d'études à l'étranger de la Chancellerie fédérale à Londres et en 2015, elle est récompensée par une bourse d'État pour la photographie artistique. Ses œuvres sont exposées au niveau international et en Autriche dans des galeries et des musées renommés, notamment à la Galerie autrichienne du Belvédère à Vienne, à la Galerie FOTOHOF à Salzbourg, au 21er Haus, au Lentos Kunstmuseum à Linz. L'artiste vit et travaille à Gloggnitz (Basse-Autriche) et à Vienne.

Heidi Harsieber (*1948) è una delle più importanti fotografe austriache degli ultimi decenni e un'importante rappresentante dell'avanguardia femminista austriaca. Nel 2023, Harsieber è stata premiata con il Würdigungspreis des Landes Niederösterreich nella categoria fotografia artistica. La varietà e la diversità dei temi documentati sono espressione del suo atteggiamento di apertura mentale.

Un'opera poliedrica Heidi Harsieber ama creare lavori insoliti ed enigmatici. Scegliendo particolari dettagli dell'immagine o effetti di straniamento durante lo sviluppo delle foto, crea immagini il cui contenuto non è sempre immediatamente evidente. Il suo lavoro diversificato è caratterizzato da una visione umoristica e curiosa del mondo, che combina con la sua vasta esperienza fotografica. Non si sottrae a soggetti tabù o apparentemente poco attraenti. Quando viaggia, cattura luoghi, edifici e situazioni. Con le sue fotografie sportive, si concentra sul fallimento come parte della vita umana.

La mostra riunisce una bella selezione delle sue diverse serie tematiche, tra cui architettura, moda e ritratti. Sono esposte fotografie di ospedali, del Life Ball di Vienna e di grandi macchine industriali.

L'artista pone il proprio corpo al centro del suo lavoro fotografico senza compromessi e con coerenza, mettendo a fuoco tutte le fasi della vita senza abbellimenti e facendo scattare l'otturatore al momento giusto. Non ha paura di guardare da vicino, anche contro le aspettative sociali e i concetti di immagine. Questo la rende un modello di riferimento molto rispettato per una generazione di giovani fotografi. Il dolore e la vulnerabilità sono palpabili nel suo lavoro.

Carriera Dopo un apprendistato come fotografa, nel 1968/69 Harsieber frequenta la masterclass di fotografia presso la Höhere Graphische Bundes-Lehr- und Versuchsanstalt di Vienna. La visione attraverso la macchina fotografica l'ha accompagnata per tutta la vita. Nel 1970 è diventata la più giovane fotografa professionista autonoma dell'Austria. Inizialmente ha lavorato per l'industria della moda e delle stoviglie. Negli anni '60 e nei primi anni '70 ha iniziato a sviluppare il proprio lavoro artistico indipendente. Dal 1977 al 1985 ha diretto il centro di fotografia dell'Università di Arti Applicate di Vienna. Nel 2004, Harsieber ha ricevuto una borsa di studio dalla Cancelleria federale di Londra e nel 2015 ha ottenuto la borsa di studio statale per la fotografia artistica. Le sue opere sono state esposte a livello internazionale e in Austria in rinomate gallerie e musei, tra cui la Österreichische Galerie Belvedere Vienna, la Galerie FOTOHOF Salzburg, la 21er Haus e il Lentos Kunstmuseum Linz. L'artista vive e lavora a Gloggnitz (Bassa Austria) e a Vienna.

Heidi Harsieber (b. 1948) is one of the most important Austrian photographers of recent decades and an important representative of the Austrian feminist avant-garde. In 2023, Harsieber was awarded the Würdigungspreis des Landes Niederösterreich in the category of artistic photography. The diversity and variety of her documented topics are an expression of her open-mindedness.

Multifaceted oeuvre Heidi Harsieber loves to create works that are not ordinary and enigmatic. By choosing special image details or using alienation effects when developing the photos, images are created whose content is not always immediately apparent. Her diverse work is characterized by her humorous and curious view of the world, which she combines with her extensive photographic expertise. She does not shy away from taboo subjects or the unattractive. When traveling, she captures places, buildings and situations. With her sports photographs, she focuses on failure as part of human life.

The exhibition brings together a fine selection of her diverse thematic series, including architecture, fashion and portraits. On display are photographs of hospitals, the Life Ball in Vienna, and large industrial machines.

A Focus on Her Own Body Uncompromisingly and consistently, the artist also repeatedly places her own body at the center of her photographic work by focusing on all phases of life, unadorned, and releasing the shutter at just the right moment. She looks closely without shyness, also against social expectations and preconceived notions. She is a highly regarded role model for a generation of young photographers. Pain and vulnerability are palpable in her work.

Career After an apprenticeship as a photographer, Harsieber attended the master class in photography at the Höhere Graphische Bundes-Lehr- und Versuchsanstalt in Vienna in 1968/69. The view through the camera accompanied her throughout her life. In 1970, she became the youngest self-employed professional photographer in Austria. Initially, she worked for the fashion and tableware industries. In the 1960s and early 1970s, she began to develop an independent artistic oeuvre. From 1977 to 1985, she headed the Fotozentralwerkstätte at the University of Applied Arts in Vienna. In 2004, Harsieber received a foreign scholarship from the Austrian Federal Chancellery in London and in 2015 she was awarded the State Scholarship for Artistic Photography. Her works are shown internationally and in Austria in renowned galleries and museums, including the Austrian Gallery Belvedere Vienna, Galerie FOTOHOF Salzburg, 21er Haus, Lentos Kunstmuseum Linz. The artist lives and works in Gloggnitz (Lower Austria) and Vienna.

(Text: Landesgalerie Niederösterreich, Krems an der Donau)

Stephen Bulger Gallery | Toronto
10. Mai – 5. Juli 2025

Christina Leslie. Pinhole Portraits and Places

Die Stephen Bulger Gallery freut sich, „Pinhole Portraits and Places“ zu präsentieren, die erste Einzelausstellung von Christina Leslie (kanadisch-jamaikanisch, geb. 1983). „Pinhole Portraits and Places“ vereint mehrere Werkgruppen, darunter ‚Pinhole Remix‘ (2017–2020), ‚Pinhole Places‘ (2022–2025) und ‚Pinhole Parishes‘ (2023–2025). „Pinhole Portraits and Places“ erweitert Leslies wiederkehrende Themen Dekolonisierung, Identität, Migration, Marginalisierung und Kulturerbe und kombiniert dabei historische fotografische Techniken mit zeitgenössischen Methoden.

Als Reaktion auf die ständigen und rasanten Fortschritte in der digitalen Fotografie begann Leslie 2016, sich mit historischen fotografischen Techniken zu beschäftigen. Ihr Wunsch, über die Wurzeln der analogen Fotografie nachzudenken und sich wieder mit ihnen auseinanderzusetzen, führte zu einer Reihe von Arbeiten, die frühe fotografische Praktiken, insbesondere die Lochkamera, in den Vordergrund stellten. Nach umfangreichen Experimenten und mehreren erfolglosen Versuchen gelang es ihr Anfang 2017, ihre DSLR in eine funktionsfähige Lochkamera umzubauen.

Pinhole Remix, die erste Serie, die mit ihrer umgebauten Kamera entstand, entstand, nachdem ihr die eklatante Abwesenheit schwarzer Menschen in der historischen europäischen Kunst aufgefallen war, wo Darstellungen oft eine koloniale, von Weißen dominierte Perspektive widerspiegelten. Ihre Lochkamera-Porträts von Mitgliedern der schwarzen Community hinterfragen diese Ausgrenzung und geben der frühen Kunstgeschichte und Fotografie einen neuen Rahmen. Durch lange Belichtungszeiten erinnern ihre Arbeiten an die Pracht von Auftragsgemälden. Die daraus resultierenden Bilder mit ihren satten Farben und ihrer warmen Beleuchtung sind von Techniken der Renaissance und Rembrandts Stil inspiriert. Durch die Übernahme von Praktiken, die traditionell der Darstellung von Adel und Hierarchien vorbehalten waren, regt Pinhole Remix Diskussionen über Rasse, Repräsentation und die in der Kunstgeschichte verankerten Narrative an.

Die Bildsprache von Pinhole Places entstand aus Leslies Wunsch, die Spontaneität der Straßenfotografie mit dem Fokus auf das Medium Fotografie selbst zu verbinden. Inspiriert von Uta Barth, deren ätherische Arbeiten sich mit Wahrnehmung, Licht und dem Akt des Sehens auseinandersetzen, fängt Leslie Räume auf eindrucksvolle und unkonventionelle Weise ein. Mit provisorischen Lochblenden, die sie aus vor Ort gefundenen Materialien bastelte, fotografierte sie eine Vielzahl von Orten – sowohl ikonische als auch unbekannte –, die den Betrachter dazu einladen, über ihr eigenes Gefühl der Vertrautheit, Erinnerung und Wahrnehmung von Orten nachzudenken.

Pinhole Parishes konzentriert sich auf mehrere Gemeinden in Jamaika, inspiriert von Leslies Familiengeschichten vor der Einwanderung nach Kanada. Sie erinnert sich mit tiefer Zuneigung an die Geschichten ihrer Verwandten aus den späten 1960er und frühen 1970er Jahren – einer Zeit, die geprägt war vom Optimismus nach der Unabhängigkeit Jamaikas, dem Aufkommen von Reggae und Ska sowie rasanten technologischen und kulturellen Veränderungen. Damals hatten nur sehr wenige Menschen Zugang zur Fotografie; nur wenige besaßen eine Kamera, und zum Entwickeln der Filme musste man oft nach Kingston fahren. Daher sind ihre Erinnerungen vor allem durch mündliche Überlieferungen erhalten geblieben, wodurch eine ergreifende Mischung aus Präsenz und Abwesenheit entsteht. Um die Kluft zwischen dieser Zeit und ihrer eigenen Erfahrung zu überbrücken, entwickelte Leslie eine Lochkamera, mit der sie Fotos schuf, die die Ästhetik der Gegend widerspiegeln (sie baute eine Lochblende aus einem Teebeutel, Klebeband und Gaze), und griff dabei auf Orte aus ihren eigenen Erfahrungen zurück, die sie bei ihren Besuchen in Jamaika und im Kontakt mit den Menschen dort gemacht hatte.

La Stephen Bulger Gallery a le plaisir de présenter Pinhole Portraits and Places, notre première exposition solo consacrée à Christina Leslie (Canadienne d'origine jamaïcaine, née en 1983). Pinhole Portraits and Places rassemble plusieurs séries d'œuvres réalisées à partir de Pinhole Remix (2017-2020), Pinhole Places (2022-2025) et Pinhole Parishes (2023-2025). Pinhole Portraits and Places développe les thèmes récurrents de Leslie, à savoir la décolonisation, l'identité, la migration, la marginalisation et le patrimoine, tout en combinant des techniques photographiques historiques et des méthodologies contemporaines.

En réponse aux progrès constants et rapides de la photographie numérique, Leslie a commencé à explorer les techniques photographiques historiques en 2016. Son désir de réfléchir et de renouer avec les racines de la photographie analogique a donné naissance à un ensemble d'œuvres qui mettent en valeur les premières pratiques photographiques, en particulier l'appareil photo à sténopé. Après de nombreuses expérimentations et plusieurs tentatives infructueuses, elle a réussi à transformer son appareil photo reflex numérique en un appareil photo à sténopé fonctionnel au début de l'année 2017.

Pinhole Remix, la première série réalisée avec son appareil photo adapté, a vu le jour après avoir remarqué l'absence flagrante de représentation des Noirs dans l'art européen historique, où les représentations reflétaient souvent une perspective coloniale et dominée par les Blancs. Ses portraits à sténopé de membres de la communauté noire remettent en question cette exclusion et redéfinissent l'histoire de l'art et de la photographie. Grâce à de longues expositions, son travail évoque la grandeur des peintures de commande. Les images qui en résultent, avec leurs couleurs riches et leur éclairage chaleureux, s'inspirent des techniques de la Renaissance et du style de Rembrandt. En adoptant des pratiques traditionnellement réservées à la représentation de la noblesse et de la hiérarchie, Pinhole Remix suscite des conversations sur la race, la représentation et les récits ancrés dans l'histoire de l'art.

Le langage visuel de Pinhole Places est né du désir de Leslie de relier la spontanéité de la photographie de rue et de se concentrer sur le médium photographique lui-même. Inspirée par Uta Barth, dont le travail éthéré explore la perception, la lumière et l'acte de voir, Leslie capture les espaces d'une manière évocatrice et non conventionnelle. À l'aide d'objectifs à sténopé improvisés fabriqués à partir de matériaux trouvés sur place, elle a photographié divers endroits, tantôt emblématiques, tantôt obscurs, invitant les spectateurs à réfléchir à leur propre sentiment de familiarité, à leurs souvenirs et à leur perception des lieux.

Pinhole Parishes se concentre sur plusieurs paroisses de la Jamaïque, inspirées par les histoires familiales de Leslie avant son immigration au Canada. Elle se souvient avec beaucoup d'émotion des histoires de ses proches à la fin des années 1960 et au début des années 1970, une période marquée par l'optimisme qui a suivi l'indépendance de la Jamaïque, l'essor du reggae et du ska, ainsi que par des changements technologiques et culturels en plein essor. À l'époque, très peu de gens avaient accès à la photographie ; rares étaient ceux qui possédaient un appareil photo et il fallait souvent se rendre à Kingston pour développer les pellicules. Par conséquent, leurs souvenirs sont principalement préservés grâce à la transmission orale, créant un mélange poignant de présence et d'absence. Afin de combler le fossé entre le temps et sa propre expérience, Leslie a conçu un appareil photo à sténopé pour créer des photographies qui font écho à l'esthétique de la région (en fabriquant un objectif à sténopé à partir d'un sachet de thé, de ruban adhésif et de gaze), tout en s'inspirant de lieux qu'elle a visités lors de ses voyages en Jamaïque et de ses rencontres avec ses habitants.

La Stephen Bulger Gallery è lieta di presentare Pinhole Portraits and Places, la prima mostra personale di Christina Leslie (canadese-giamaicana, nata nel 1983). Pinhole Portraits and Places riunisce diverse opere realizzate tra cui Pinhole Remix (2017-2020), Pinhole Places (2022-2025) e Pinhole Parishes (2023-2025). Pinhole Portraits and Places amplia i temi ricorrenti nell'opera di Leslie, quali la decolonizzazione, l'identità, la migrazione, l'emarginazione e il patrimonio culturale, combinando tecniche fotografiche storiche e metodologie contemporanee.

In risposta ai costanti e rapidi progressi della fotografia digitale, Leslie ha iniziato a esplorare le tecniche fotografiche storiche nel 2016. Il suo desiderio di riflettere e riavvicinarsi alle radici della fotografia analogica ha dato vita a una serie di lavori che mettono in risalto le prime pratiche fotografiche, in particolare la fotocamera stenopeica. Dopo lunghi esperimenti e diversi tentativi falliti, all'inizio del 2017 è riuscita a trasformare la sua reflex digitale in una fotocamera stenopeica funzionante.

Pinhole Remix, la prima serie realizzata con la sua fotocamera adattata, è nata dopo aver notato la palese assenza della rappresentazione dei neri nell'arte storica europea, dove le raffigurazioni riflettevano spesso una prospettiva coloniale e dominata dai bianchi. I suoi ritratti stenopeici dei membri della comunità nera sfidano questa esclusione e ridefiniscono la storia dell'arte e della fotografia delle origini. Utilizzando lunghe esposizioni, il suo lavoro evoca la grandiosità dei dipinti su commissione. Le immagini risultanti, con i loro colori ricchi e l'illuminazione calda, traggono ispirazione dalle tecniche rinascimentali e dallo stile di Rembrandt. Adottando pratiche tradizionalmente riservate alla rappresentazione della nobiltà e della gerarchia, Pinhole Remix stimola il dibattito sulla razza, la rappresentazione e le narrazioni insite nella storia dell'arte.

Il linguaggio visivo di Pinhole Places nasce dal desiderio di Leslie di collegare la spontaneità della fotografia di strada e concentrarsi sul mezzo fotografico stesso. Ispirata da Uta Barth, il cui lavoro etereo esplora la percezione, la luce e l'atto del vedere, Leslie cattura gli spazi in modo evocativo e non convenzionale. Utilizzando lenti stenopeiche improvvisate realizzate con materiali trovati in ogni luogo, ha fotografato una varietà di luoghi, sia iconici che sconosciuti, invitando gli spettatori a riflettere sul proprio senso di familiarità, memoria e percezione del luogo.

Pinhole Parishes si concentra su diverse parrocchie della Giamaica, ispirandosi alle storie della famiglia di Leslie prima dell'immigrazione in Canada. Le storie dei suoi parenti della fine degli anni '60 e dei primi anni '70 sono state ricordate con profondo affetto: un periodo segnato dall'ottimismo post-indipendenza della Giamaica, dall'ascesa del reggae e dello ska, insieme a rapidi cambiamenti tecnologici e culturali. All'epoca, pochissimi avevano accesso alla fotografia; pochi possedevano una macchina fotografica e per sviluppare le pellicole spesso era necessario recarsi a Kingston. Di conseguenza, i loro ricordi sono conservati principalmente attraverso la narrazione orale, creando un mix struggente di presenza e assenza. Per colmare il divario tra il tempo e la sua esperienza personale, Leslie ha ideato una macchina fotografica stenopeica per creare fotografie che riecheggiano l'estetica della zona (costruendo un obiettivo stenopeico con una bustina di tè, nastro adesivo e garza), attingendo ai luoghi visitati durante i suoi viaggi in Giamaica e ai legami instaurati con la popolazione locale.

Stephen Bulger Gallery is pleased to present Pinhole Portraits and Places, our first solo exhibition of work by Christina Leslie (Canadian-Jamaican, b. 1983). Pinhole Portraits and Places brings together several bodies of work produced from including Pinhole Remix (2017–2020), Pinhole Places (2022–2025), and Pinhole Parishes (2023–2025). Pinhole Portraits and Places expands on Leslie’s recurring themes of decolonization, identity, migration, marginalization, and heritage, while combining historical photographic techniques and contemporary methodologies.

As a response to the constant and rapid advancements of digital photography, Leslie began exploring historical photographic techniques in 2016. Her desire to reflect on and re-engage with the roots of analog photography, produced a body of work that highlighted early photographic practices, particularly the pinhole camera. After extensive experimentation, and several unsuccessful attempts, she successfully transformed her DSLR into a functional pinhole camera in early 2017.

Pinhole Remix, the first series using her adapted camera, came to fruition after noticing the glaring absence of Black representation in historical European art, where depictions often reflected a colonial, whitedominant perspective. Her pinhole portraits of Black community members challenge this exclusion and reframe early art history and photography. Utilizing long exposures, her work evokes the grandeur of commissioned paintings. The resulting images, with their rich colour and warm lighting, draw inspiration from Renaissance and Rembrandt-style techniques. By adopting practices traditionally reserved for portraying nobility and hierarchy, Pinhole Remix provokes conversations about race, representation, and the narratives embedded in art history.

The visual language of Pinhole Places emerged from Leslie’s desire to connect the spontaneity of street photography and focus on the medium of photography itself. Inspired by Uta Barth, whose ethereal work explores perception, light and the act of seeing, Leslie captures spaces in an evocative and unconventional way. Using makeshift pinhole lenses crafted out of materials found at each location, she photographed a variety of places – both iconic and obscure, inviting viewers to reflect on their own sense of familiarity, memory and perception of place.

Pinhole Parishes focuses on several parishes in Jamaica, inspired by Leslie’s family stories before immigrating to Canada. Stories of her relatives from the late 1960s and early 1970s were recalled with deep fondness – a period marked by Jamaica’s post-independence optimism, the rise of reggae and ska, along with burgeoning technological and cultural shifts. At the time, very few had access to photography; few owned cameras and developing film often required travelling to Kingston. As a result, their memories are primarily preserved through oral storytelling, creating a poignant mix of presence and absence. To bridge the gap between time and her own experience, Leslie devised a pinhole camera to create photographs that echo the aesthetic of the area (building a pinhole lens from a tea bag, tape and gauze), while drawing on locations from her own experiences visiting Jamaica and connecting with its people.

(Stephen Bulger Gallery, Toronto)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
11. Mai - 22. Juni 2025

Unter uns – Erkundungen im Zwischenraum
Christian Flierl

In der Ausstellung untersucht Christian Flierl, Fotograf, Biologe und Mitbegründer des BelleVue, die Berührungsflächen zwischen dem scheinbaren Gegensatz «Kultur» und «Natur».

Die fünf Werkgruppen, entstanden zwischen 2007 und 2024, gewähren Einblicke in jene Bereiche des Übergangs, wo sich die Aneignung und die Rationalisierung der Natur durch den Menschen manifestieren; sie zeigen aber auch Spuren der Rückeroberung und die Rückverwandlungen menschlicher Zumutungen durch die Natur.

In «Unter uns» begegnen wir solchen Zwischenräumen exemplarisch, wenn Siedlungs- und Stadtlandschaften auf die Natur oder das, was wir darunter verstehen, treffen; denn längst ist die «wilde, freie Natur» zweckmässig nach unseren Bedürfnissen geformt. Andere Werkgruppen zeigen aber auch eine subtile Umkehr der Beziehung Mensch-Natur: Die Einritzungen auf Baumrinden sind im Laufe der Zeit vernarbt und bilden jetzt ein Aneinander geheimnisvoller Schriftzeichen; oder wir erkennen Formen und Relikte von Bauwerken in Küstennähe, die durch das ewige Anspülen des Wassers zurückverwandelt wurden in etwas Organisches, zum Meer Gehörendes. Und unweigerlich fragt man sich: Was ist natürlich, was vom Menschen gemacht?

Durch das schnelle Erfassen eines Moments oder das akribische, fotografische Erkunden eines Ortes erzeugt Christian Flierl – durchaus auch mit Humor und Ironie – einen Kontrast, in dem die problematischen Folgen des menschlichen Handelns offensichtlich werden.

Aber die Arbeiten verharren nicht in der Kritik. Sie verändern oder erweitern den Horizont, indem sie gewohnte Seh- und Denklinien hinterfragen und verschieben.

Flierls Fotografie will – ganz im Sinne des Dokumentarischen – aufklären und hilft uns, zu verstehen. Sie geht aber über das Dokumentarische hinaus, weil sie nicht nur zeigt, was ist, sondern uns berührt und es uns so ermöglicht, immer auch etwas Neues, Unerwartetes zu entdecken.

Dans cette exposition, Christian Flierl, photographe, biologiste et cofondateur de BelleVue, explore les points de contact entre les concepts apparemment opposés de « culture » et de « nature ».

Les cinq groupes d'œuvres, créés entre 2007 et 2024, offrent un aperçu des zones de transition où se manifestent l'appropriation et la rationalisation de la nature par l'homme ; mais ils montrent également les traces de la reconquête et de la transformation des exigences humaines par la nature.

Dans « Unter uns » (Parmi nous), nous rencontrons des exemples de ces espaces intermédiaires, lorsque les paysages urbains et ruraux rencontrent la nature ou ce que nous entendons par là, car la « nature sauvage et libre » a depuis longtemps été façonnée de manière fonctionnelle selon nos besoins. D'autres groupes d'œuvres montrent cependant un subtil renversement de la relation entre l'homme et la nature : les entailles sur l'écorce des arbres ont cicatrisé au fil du temps et forment désormais un ensemble de caractères mystérieux ; ou encore, nous reconnaissons des formes et des vestiges de constructions près de la côte, qui ont été reconvertis en quelque chose d'organique, appartenant à la mer, par le lavage incessant de l'eau. Et on se demande inévitablement : qu'est-ce qui est naturel, qu'est-ce qui est fait par l'homme ?

En saisissant rapidement un instant ou en explorant minutieusement un lieu à travers la photographie, Christian Flierl crée – avec humour et ironie – un contraste qui met en évidence les conséquences problématiques de l'action humaine.

Mais ses œuvres ne s'arrêtent pas à la critique. Elles modifient ou élargissent notre horizon en remettant en question et en déplaçant nos habitudes visuelles et intellectuelles.

La photographie de Flierl vise, dans l'esprit du documentaire, à éclairer et à nous aider à comprendre. Elle va toutefois au-delà du documentaire, car elle ne se contente pas de montrer ce qui est, mais nous touche et nous permet ainsi de toujours découvrir quelque chose de nouveau, d'inattendu.

Nella mostra, Christian Flierl, fotografo, biologo e cofondatore di BelleVue, esplora i punti di contatto tra l'apparente contrapposizione tra «cultura» e «natura».

I cinque gruppi di opere, realizzati tra il 2007 e il 2024, offrono uno sguardo su quelle zone di transizione in cui si manifestano l'appropriazione e la razionalizzazione della natura da parte dell'uomo, ma mostrano anche le tracce della riconquista e della trasformazione delle imposizioni umane da parte della natura.

In «Unter uns» (Tra noi) incontriamo esempi di questi spazi intermedi, dove i paesaggi urbani e residenziali incontrano la natura o ciò che intendiamo come tale, poiché la «natura selvaggia e libera» è stata da tempo modellata in base alle nostre esigenze. Altri gruppi di opere mostrano però anche un sottile ribaltamento del rapporto uomo-natura: le incisioni sulla corteccia degli alberi si sono cicatrizzate nel corso del tempo e ora formano una serie di misteriosi caratteri; oppure riconosciamo forme e resti di edifici vicino alla costa, che l'eterno risucchio dell'acqua ha trasformato in qualcosa di organico, appartenente al mare. E inevitabilmente ci si chiede: cosa è naturale, cosa è stato creato dall'uomo?

Cogliendo rapidamente un momento o esplorando meticolosamente un luogo con la fotografia, Christian Flierl crea – anche con umorismo e ironia – un contrasto che mette in evidenza le conseguenze problematiche dell'azione umana.

Ma le opere non si fermano alla critica. Esse modificano o ampliano l'orizzonte, mettendo in discussione e spostando le consuete linee visive e di pensiero.

La fotografia di Flierl vuole informare, in pieno stile documentaristico, e ci aiuta a comprendere. Tuttavia, va oltre il documentario perché non si limita a mostrare ciò che è, ma ci tocca e ci permette così di scoprire sempre qualcosa di nuovo e inaspettato.

In this exhibition, Christian Flierl, photographer, biologist and co-founder of BelleVue, explores the points of contact between the apparent opposites of ‘culture’ and ‘nature’.

The five groups of works, created between 2007 and 2024, provide insights into those areas of transition where the appropriation and rationalisation of nature by humans manifest themselves; but they also show traces of reconquest and the re-transformation of human impositions by nature.

In ‘Unter uns’ (Among Us), we encounter such interstices in an exemplary way when settlement and urban landscapes encounter nature, or what we understand by it, for ‘wild, free nature’ has long been shaped to suit our needs. Other groups of works, however, also show a subtle reversal of the relationship between humans and nature: The carvings on tree bark have scarred over time and now form a mysterious series of characters; or we recognise the shapes and relics of buildings near the coast that have been transformed back into something organic, belonging to the sea, by the eternal washing of the water. And inevitably we ask ourselves: what is natural, what is man-made?

By quickly capturing a moment or meticulously exploring a place photographically, Christian Flierl creates a contrast – often with humour and irony – that reveals the problematic consequences of human action.

But the works do not dwell on criticism. They change or expand our horizons by questioning and shifting familiar ways of seeing and thinking.

Flierl's photography aims to enlighten and help us understand, in keeping with the spirit of documentary photography. However, it goes beyond the documentary because it not only shows what is, but also touches us, enabling us to always discover something new and unexpected.

(Text: BelleVue – Ort der Fotografie, Basel)

Christophe Guye Galerie | Zürich
15. Mai – 28. August 2025

Fading into Fullness

Linus Bill, Anthony Friedkin, Stephen Gill, Erik Madigan Heck, John Yuyi, Syoin Kajii, Rinko Kawauchi, Jung Lee, Lieko Shiga, Emma Summerton, Risaku Suzuki, Miroslav Tichy, Albert Watson

Es gibt diese besonderen Momente zwischen Frühling und Sommer, wenn sich das Licht verändert, die Farben intensiver werden und die Welt einen anderen Rhythmus annimmt. Fading into Fullness widmet sich diesem saisonalen und emotionalen Übergang mit dem Medium der zeitgenössischen Fotografie. Die Ausstellung vereint dreizehn internationale Künstlerinnen und Künstler, deren mehr als 30 Arbeiten sich mit Wahrnehmung, Zeit, Wandel und Vergänglichkeit auseinandersetzen – inspiriert von japanischen Ästhetiken wie wabi-sabi und mono no aware.

Im Zentrum steht das Interesse an subtilen Transformationen: Wie sich Licht, Textur und Form mit dem Wechsel der Jahreszeit verändern – und wie sich diese Verschiebungen auch in uns selbst widerspiegeln. Die Arbeiten erforschen Zustände der Erwartungen und des Innehaltens: Momente, in denen die Wahrnehmung geschärft wird und innere Befindlichkeiten sichtbar werden.

Die delikaten Kompositionen von Rinko Kawauchi, die leuchtenden Kirschblüten von Risaku Suzuki und die meditativen Meereslandschaften von Syoin Kajii bieten visuelle Studien der natürlichen Vergänglichkeit. Lieko Shiga und Stephen Gill untersuchen Erinnerung, Ort und die Spuren des Erlebten, während Künstler wie Erik Madigan Heck, Emma Summerton und John Yuyi mit dem Körper, der Präsenz und der Performance arbeiten und Bilder konstruieren, die sowohl emotionale als auch ästhetische Aspekte widerspiegeln.

Von Jung Lees leuchtenden Neonskulpturen über die analogen Interventionen von Linus Bill bis hin zur stillen Monumentalität von Anthony Friedkins Surf-Bildern - Fading into Fullness bringt fotografische Praktiken zusammen, die formal unterschiedlich und doch konzeptionell aufeinander abgestimmt sind. Es ist eine Ausstellung über Grenzbereiche - zwischen Bild und Erinnerung, Kontrolle und Zufall, Natur und Figur, Sehen und Fühlen.

In einer Zeit, die oft von Beschleunigung und Überfluss geprägt ist, lädt Fading into Fullness dazu ein, sich der Stille und dem Übergang zu widmen – dem Reichtum eines Zustands, der gerade erst beginnt, sich zu entfalten.

Il existe ces moments particuliers entre le printemps et l'été où la lumière change, les couleurs s'intensifient et le monde prend un autre rythme. Fading into Fullness se consacre à cette transition saisonnière et émotionnelle à travers le médium de la photographie contemporaine. L'exposition réunit treize artistes internationaux dont plus de 30 œuvres explorent la perception, le temps, le changement et l'éphémère, inspirées par l'esthétique japonaise telle que le wabi-sabi et le mono no aware.

Au centre de l'exposition se trouve l'intérêt pour les transformations subtiles : comment la lumière, la texture et la forme changent avec le passage des saisons, et comment ces changements se reflètent également en nous. Les œuvres explorent des états d'attente et de pause : des moments où la perception s'affine et où les sensibilités intérieures deviennent visibles.

Les compositions délicates de Rinko Kawauchi, les fleurs de cerisier lumineuses de Risaku Suzuki et les paysages marins méditatifs de Syoin Kajii offrent des études visuelles de la nature éphémère. Lieko Shiga et Stephen Gill explorent la mémoire, le lieu et les traces de l'expérience, tandis que des artistes tels qu'Erik Madigan Heck, Emma Summerton et John Yuyi travaillent avec le corps, la présence et la performance, construisant des visuels qui reflètent à la fois des aspects émotionnels et esthétiques.

Des sculptures néon lumineuses de Jung Lee aux interventions analogiques de Linus Bill, en passant par la monumentalité silencieuse des images de surf d'Anthony Friedkin, Fading into Fullness rassemble des pratiques photographiques formellement différentes mais conceptuellement cohérentes. C'est une exposition sur les zones limites - entre image et mémoire, contrôle et hasard, nature et figure, vision et sensation.

À une époque souvent marquée par l'accélération et l'abondance, Fading into Fullness invite à se consacrer au silence et à la transition, à la richesse d'un état qui commence tout juste à s'épanouir.

Ci sono momenti speciali tra la primavera e l'estate, quando la luce cambia, i colori diventano più intensi e il mondo assume un ritmo diverso. Fading into Fullness è dedicata a questa transizione stagionale ed emotiva attraverso il mezzo della fotografia contemporanea. La mostra riunisce tredici artisti internazionali, le cui oltre 30 opere esplorano la percezione, il tempo, il cambiamento e la caducità, ispirandosi all'estetica giapponese del wabi-sabi e del mono no aware.

Al centro dell'attenzione c'è l'interesse per le trasformazioni sottili: come la luce, la consistenza e la forma cambiano con il mutare delle stagioni e come questi cambiamenti si riflettono anche in noi stessi. Le opere esplorano stati di attesa e di pausa: momenti in cui la percezione si acuisce e le sensazioni interiori diventano visibili.

Le delicate composizioni di Rinko Kawauchi, i luminosi fiori di ciliegio di Risaku Suzuki e i meditativi paesaggi marini di Syoin Kajii offrono studi visivi sulla caducità della natura. Lieko Shiga e Stephen Gill esplorano la memoria, il luogo e le tracce dell'esperienza, mentre artisti come Erik Madigan Heck, Emma Summerton e John Yuyi lavorano con il corpo, la presenza e la performance, costruendo immagini che riflettono aspetti sia emotivi che estetici.

Dalle scintillanti sculture al neon di Jung Lee agli interventi analogici di Linus Bill, fino alla silenziosa monumentalità delle immagini di surf di Anthony Friedkin, Fading into Fullness riunisce pratiche fotografiche formalmente diverse ma concettualmente affini. È una mostra sui confini: tra immagine e memoria, controllo e casualità, natura e figura, vedere e sentire.

In un'epoca spesso caratterizzata dall'accelerazione e dall'eccesso, Fading into Fullness invita a dedicarsi al silenzio e alla transizione, alla ricchezza di uno stato che sta appena iniziando a dispiegarsi.

There are those special moments between spring and summer when the light changes, colours become more intense and the world takes on a different rhythm. Fading into Fullness explores this seasonal and emotional transition through the medium of contemporary photography. The exhibition brings together thirteen international artists whose more than 30 works deal with perception, time, change and transience – inspired by Japanese aesthetics such as wabi-sabi and mono no aware.

At the centre is an interest in subtle transformations: how light, texture and form change with the changing seasons – and how these shifts are also reflected in ourselves. The works explore states of expectation and pause: moments when perception is heightened and inner sensitivities become visible.

Rinko Kawauchi's delicate compositions, Risaku Suzuki's luminous cherry blossoms and Syoin Kajii's meditative seascapes offer visual studies of natural transience. Lieko Shiga and Stephen Gill examine memory, place, and the traces of experience, while artists such as Erik Madigan Heck, Emma Summerton, and John Yuyi work with the body, presence, and performance, constructing visuals that reflect both emotional and aesthetic aspects.

From Jung Lee's luminous neon sculptures to Linus Bill's analogue interventions to the quiet monumentality of Anthony Friedkin's surf images, Fading into Fullness brings together photographic practices that are formally diverse yet conceptually aligned. It is an exhibition about liminal spaces—between image and memory, control and chance, nature and figure, seeing and feeling.

In a time often characterised by acceleration and excess, Fading into Fullness invites us to devote ourselves to silence and transition – to the richness of a state that is just beginning to unfold.

(Text: Christophe Guye Galerie)

Artur Ramon Art | Barcelona
15. Mai – 18. Juli 2025

El cos, la mirada, el record
Toni Catany

Die Fotografien von Toni Catany bieten eine nachdenkliche Betrachtung des menschlichen Körpers durch die Linse seiner Suche nach Schönheit. Sein Blick, geprägt von einem reichen kulturellen Hintergrund, fasziniert uns. Seine Wahrnehmung wird vom Erinnern an gelebte Erfahrungen, seiner Leidenschaft für Reisen, für Kunst und für sein geliebtes Mittelmeer genährt.

In dieser Ausstellung treten seine Fotografien in einen suggestiven Dialog mit Werken aus der Sammlung von Artur Ramon Art. Ein Dialog zwischen Epochen, Techniken und verwandten Empfindsamkeiten, der die Kunst in ihrer Zeitlosigkeit und Vielschichtigkeit zelebriert.

In Zusammenarbeit mit der Toni Catany Stiftung.

Les photographies de Toni Catany offrent une réflexion sur le corps humain à travers le prisme de sa quête de la beauté. Son regard, imprégné d'un riche bagage culturel, nous fascine. Sa perception est nourrie par le souvenir d'expériences vécues, sa passion pour les voyages, pour l'art et pour sa Méditerranée bien-aimée.

Dans cette exposition, ses photographies entrent en dialogue suggestif avec des œuvres de la collection Artur Ramon Art. Un dialogue entre les époques, les techniques et les sensibilités apparentées, qui célèbre l'art dans son intemporalité et sa complexité.

En collaboration avec la Fondation Toni Catany.

Le fotografie di Toni Catany offrono una riflessione profonda sul corpo umano attraverso la lente della sua ricerca della bellezza. Il suo sguardo, influenzato da un ricco background culturale, ci affascina. La sua percezione è alimentata dai ricordi delle esperienze vissute, dalla sua passione per i viaggi, per l'arte e per il suo amato Mediterraneo.

In questa mostra, le sue fotografie entrano in un suggestivo dialogo con le opere della collezione Artur Ramon Art. Un dialogo tra epoche, tecniche e sensibilità affini che celebra l'arte nella sua atemporalità e complessità.

In collaborazione con la Fondazione Toni Catany.

Toni Catany's photographs offer a thoughtful contemplation of the human body through the lens of his search for beauty. His gaze, shaped by a rich cultural background, fascinates us. His perception is nourished by memories of lived experiences, his passion for travel, for art and for his beloved Mediterranean.

In this exhibition, his photographs enter into a suggestive dialogue with works from the Artur Ramon Art collection. A dialogue between eras, techniques and related sensibilities that celebrates art in its timelessness and complexity.

In collaboration with the Toni Catany Foundation.

Les fotografies de Toni Catany ofereixen una mirada reflexiva sobre el cos humà a través de la lent de la seva cerca de la bellesa. La seva mirada, marcada per una rica experiència cultural, ens fascina. La seva percepció s'alimenta del record de les experiències viscudes, de la seva passió per viatjar, per l'art i pel seu estimat Mediterrani.

En aquesta exposició, les seves fotografies entren en un suggeridor diàleg amb obres de la col·lecció d'Artur Ramon Art. Un diàleg entre èpoques, tècniques i sensibilitats afins que celebra l'art en la seva intemporalitat i complexitat.

Amb la col·laboració de la Fundació Toni Catany.

(Text: Artur Ramon Art, Barcelona)

Museo Diocesano Carlo Maria Martini | Milano
15. Mai - 19. Oktober 2025

Dorothea Lange

Das Diözesanmuseum Carlo Maria Martini in Mailand präsentiert in Zusammenarbeit mit CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia in Turin die Ausstellung Dorothea Lange, kuratiert von Walter Guadagnini und Monica Poggi, die mit rund hundert Aufnahmen die amerikanische Fotografin 135 Jahre nach ihrer Geburt würdigt.

Eine Reise, die in den 1930er und 1940er Jahren beginnt, als Lange Zeugin einiger epochaler Ereignisse wird, die die wirtschaftliche und soziale Struktur der Vereinigten Staaten verändern sollten, allen voran der Zusammenbruch der Wall Street, und die sie dazu veranlassen, ihren Beruf als Porträtistin aufzugeben, um das Zeitgeschehen zu dokumentieren.

Dazu gehört auch die Reise, die sie 1935 mit dem Ökonomen Paul S. Taylor unternahm, den sie einige Jahre später heiratete, um über die dramatischen Lebensbedingungen der Landarbeiter in den zentralen Regionen des Landes zu berichten, die von 1931 bis 1939 von einer schweren Dürre, dem sogenannten Dust Bowl, heimgesucht wurden. den wiederholten Sandstürmen, die auch John Steinbeck in seinem Roman „Früchte des Zorns“ (1939) und in der Verfilmung von John Ford (1940) schilderte, der sich gerade von den Fotografien von Lange inspirieren ließ.

Die Teilnahme am Regierungsprogramm Farm Security Administration, das mit dem Ziel ins Leben gerufen wurde, die Politik des New Deal zu fördern, ermöglichte es Lange, durch die Vereinigten Staaten zu reisen und die Orte und Gesichter der Armut zu dokumentieren. Von den Erbsenplantagen Kaliforniens bis zu den Baumwollfeldern der Südstaaten, wo die Rassentrennung besonders erniedrigende Formen der Ausbeutung hervorbrachte, schoss Lange Tausende von Fotos und sammelte Geschichten und Erzählungen, die in den detaillierten Bildunterschriften zu den Werken festgehalten wurden. In diesem Kontext entstand „Migrant Mother“, das Porträt einer verzweifelten jungen Mutter, die mit ihren sieben Kindern in einem Lager aus Zelten und ausrangierten Autos lebt, ein Bild, das später zu einer Ikone werden sollte.

Ein weiterer wichtiger Teil der Ausstellung stammt aus den Jahren des Zweiten Weltkriegs, der für die Vereinigten Staaten 1941 mit dem japanischen Angriff auf Pearl Harbor begann, und ist der japanischstämmigen amerikanischen Bevölkerung gewidmet, die nach dem Kriegseintritt von der amerikanischen Regierung in Internierungslagern festgehalten wurde.

Auch in diesem Fall arbeitete Lange im Auftrag der Regierung, obwohl sie und ihr Mann öffentlich ihre Ablehnung zum Ausdruck gebracht hatten: Ihre Aufnahmen dokumentieren die Absurdität eines rassistischen und diskriminierenden Gesetzes und wie dieses das Leben Tausender Menschen, die gut in die Gesellschaft integriert waren, auf den Kopf stellte und sie zwang, ihre Häuser und ihre Arbeit aufzugeben.

Dank ihrer herausragenden Qualitäten als Reporterin und Porträtistin gelingt es Lange, komplexe und dramatische Kontexte zu bewältigen, indem sie die persönlichen Erfahrungen und Emotionen jedes Menschen, dem sie auf ihrem Weg begegnet, erzählt und gleichzeitig aufzeigt, wie politische Entscheidungen und Umweltbedingungen sich auf das Leben des Einzelnen auswirken und dessen Existenz drastisch verändern können. Damit liefert sie auch heute noch Denkanstöße zu Themen wie Armut, Klimakrise, Migration und Diskriminierung.

Le Musée diocésain Carlo Maria Martini de Milan, en collaboration avec CAMERA – Centre italien pour la photographie de Turin, présente l'exposition Dorothea Lange, organisée par Walter Guadagnini et Monica Poggi, qui célèbre la photographe américaine à travers une centaine de clichés, 135 ans après sa naissance.

Un parcours qui commence dans les années 1930-1940, lorsque Lange devient le témoin privilégié de certains événements historiques qui vont bouleverser l'ordre économique et social des États-Unis, notamment le krach de Wall Street, et qui la poussent à abandonner son métier de portraitiste pour documenter l'actualité.

Parmi ceux-ci, on peut citer le voyage qu'elle entreprend en 1935 avec l'économiste Paul S. Taylor, qu'elle épouse quelques années plus tard, pour raconter les conditions de vie dramatiques des travailleurs agricoles des régions centrales du pays, touchées de 1931 à 1939 par une sécheresse sévère, le phénomène du Dust Bowl, les tempêtes de sable répétées également décrites par John Steinbeck dans son roman Les Raisons du silence (1939) et dans son adaptation cinématographique par John Ford (1940), inspirée des photographies prises par Lange.

Son adhésion au programme gouvernemental Farm Security Administration, créé dans le but de promouvoir les politiques du New Deal, permet à Lange de voyager à travers les États-Unis et de raconter les lieux et les visages de la pauvreté. Des plantations de pois de Californie à celles de coton des États du Sud, où la ségrégation raciale engendre des formes d'exploitation particulièrement dégradantes, Lange réalise des milliers de clichés, recueillant des histoires et des récits rapportés dans les légendes détaillées qui accompagnent ses œuvres. C'est dans ce contexte que naît Migrant Mother, le portrait d'une jeune mère désespérée vivant avec ses sept enfants dans un campement de tentes et de voitures abandonnées, une image qui deviendra emblématique.

Une autre partie importante de l'exposition remonte à la Seconde Guerre mondiale, qui commence aux États-Unis en 1941 avec le bombardement japonais de Pearl Harbor, et est consacrée à la population américaine d'origine japonaise internée dans des camps de prisonniers par le gouvernement américain après l'entrée en guerre.

Dans ce cas également, Lange travaille pour le compte du gouvernement, bien qu'elle et son mari aient publiquement exprimé leur désaccord : ses clichés documentent l'absurdité d'une loi raciale et discriminatoire et la façon dont celle-ci a bouleversé la vie de milliers de personnes bien intégrées dans la société, les obligeant à abandonner leurs maisons et leurs activités.

Grâce à ses qualités exceptionnelles de reporter et de portraitiste, Lange parvient à aborder des contextes complexes et dramatiques, en racontant les expériences personnelles et les émotions de chaque personne rencontrée en chemin, tout en soulignant comment les choix politiques et les conditions environnementales peuvent avoir des répercussions sur la vie des individus et la changer radicalement, fournissant encore aujourd'hui matière à réflexion sur des thèmes tels que la pauvreté, la crise climatique, les migrations et les discriminations.

Il Museo Diocesano Carlo Maria Martini di Milano in collaborazione con CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia di Torino presenta la mostra Dorothea Lange, a cura di Walter Guadagnini e Monica Poggi, che attraverso un centinaio di scatti celebra la fotografa americana a 135 anni dalla nascita.

Un percorso che ha inizio tra gli anni Trenta e Quaranta del Novecento, quando la Lange si fa testimone cruciale di alcuni degli eventi epocali che avrebbero modificato l’assetto economico e sociale degli Stati Uniti, su tutti il crollo di Wall Street, e che la spingono ad abbandonare il mestiere di ritrattista per documentare l'attualità.

Tra questi c’è il viaggio che nel 1935 intraprende con l’economista Paul S. Taylor, che sposa alcuni anni dopo, per raccontare le drammatiche condizioni di vita in cui versano i lavoratori del settore agricolo delle aree centrali del Paese, colpito dal 1931 al 1939 da una dura siccità, il fenomeno delle Dust Bowl, le ripetute tempeste di sabbia raccontate anche da John Steinbeck nel romanzo Furore (1939) e nella sua versione cinematografica di John Ford (1940), ispiratosi proprio alle fotografie scattate da Lange.

L’adesione al programma governativo Farm Security Administration, nato con lo scopo di promuovere le politiche del New Deal, consente a Lange di viaggiare per gli Stati Uniti e raccontare i luoghi e i volti della povertà. Dalle piantagioni di piselli della California a quelle di cotone degli Stati del Sud, dove la segregazione razziale genera forme di sfruttamento particolarmente degradanti, Lange realizza migliaia di scatti, raccogliendo storie e racconti riportati nelle dettagliate didascalie che accompagnano le opere. È il contesto in cui nasce Migrant Mother, il ritratto di una giovane madre disperata che vive con i sette figli in un accampamento di tende e auto dismesse, immagine che diventerà poi iconica.

Un altro importante nucleo di scatti di cui si compone la mostra risale agli anni della Seconda Guerra Mondiale, che per gli Stati Uniti inizia nel 1941 con il bombardamento giapponese di Pearl Harbor, ed è dedicato proprio alla popolazione americana di origine giapponese internata in campi di prigionia dal governo americano a seguito dell’entrata in guerra.

Anche in questo caso Lange lavora su incarico del governo, nonostante lei e il marito abbiano espresso pubblicamente il proprio dissenso: i suoi scatti documentano l’assurdità di una legge razziale e discriminatoria e di come questa abbia stravolto la vita di migliaia di persone ben inserite nella società, costringendole ad abbandonare le proprie case e le proprie attività.

Attraverso le sue eccelse qualità di reporter e ritrattista, Lange riesce ad affrontare contesti complessi e drammatici, raccontando le esperienze personali e il vissuto emotivo di ogni persona incontrata lungo il percorso, evidenziando al tempo stesso come le scelte politiche e le condizioni ambientali possano ripercuotersi sulla vita dei singoli e cambiarne drasticamente le esistenze, fornendo ancora oggi spunti di riflessione su temi come la povertà, la crisi climatica, le migrazioni e le discriminazioni.

The Carlo Maria Martini Diocesan Museum in Milan, in collaboration with CAMERA – Italian Centre for Photography in Turin, presents the exhibition Dorothea Lange, curated by Walter Guadagnini and Monica Poggi, which celebrates the American photographer 135 years after her birth through a hundred photographs.

A journey that began in the 1930s and 1940s, when Lange became a crucial witness to some of the momentous events that would change the economic and social fabric of the United States, above all the Wall Street crash, prompting her to abandon her career as a portrait photographer to document current affairs.

Among these was the journey she undertook in 1935 with economist Paul S. Taylor, whom she married a few years later, to document the dramatic living conditions of agricultural workers in the central areas of the country, which were hit by a severe drought from 1931 to 1939, the phenomenon known as the Dust Bowl, the repeated sandstorms also described by John Steinbeck in his novel The Grapes of Wrath (1939) and in John Ford's film adaptation (1940), which was inspired by Lange's photographs.

Joining the Farm Security Administration government programme, set up to promote New Deal policies, allowed Lange to travel across the United States and document the places and faces of poverty. From the pea plantations of California to the cotton fields of the southern states, where racial segregation gave rise to particularly degrading forms of exploitation, Lange took thousands of photographs, collecting stories and accounts that she included in the detailed captions accompanying her works. It was in this context that Migrant Mother was born, the portrait of a desperate young mother living with her seven children in a camp of tents and abandoned cars, an image that would later become iconic.

Another important group of photographs in the exhibition dates back to the Second World War, which began in the United States in 1941 with the Japanese bombing of Pearl Harbor, and is dedicated to the American population of Japanese origin interned in prison camps by the American government following the country's entry into the war.

In this case too, Lange worked on behalf of the government, despite the fact that she and her husband had publicly expressed their dissent: her photographs document the absurdity of a racist and discriminatory law and how it disrupted the lives of thousands of people who were well integrated into society, forcing them to abandon their homes and businesses.

Through her outstanding qualities as a reporter and portraitist, Lange was able to tackle complex and dramatic contexts, recounting the personal experiences and emotional lives of everyone she met along the way, while highlighting how political choices and environmental conditions can affect the lives of individuals and drastically change their existence, still providing food for thought on issues such as poverty, the climate crisis, migration and discrimination.

(Text: Museo Diocesano Carlo Maria Martini, Milano)

Centre de la photographie Genève - Bibliothèque de Genève
16. Mai — 18. Oktober 2025

Bruissements végétaux

Mit Saskia Groneberg, Yann Gross, Yann Haeberlin, Felicity Hammond, Hilla Kurki, Yann Mingard, Lea Sblandano, Berit Schneidereit, Bernard Tullen, Magdalena Wysocka und Claudio Pogo, Konservatorium und Botanischer Garten Genf.

Die Ausstellung „Bruissements végétaux“ (Pflanzenrauschen) untersucht unsere oft paradoxen Beziehungen zur Pflanzenwelt und die Art und Weise, wie sie dank ihrer ästhetischen Qualitäten, als Zeichen und Symbol für Umweltveränderungen, als Verkörperung nachhaltigen Konsums oder durch ästhetische oder symbolische Funktionen zum Gegenstand der Zuneigung wird. Während beispielsweise die Monstera deliciosa, obwohl exotisch und eine direkte Folge der kolonialen Expansion, im Westen wegen ihres dekorativen Potenzials geschätzt wird, ist die Tessiner Palme innerhalb weniger Jahre zum Symbol für biologische Invasion und globale Erwärmung geworden. Während viele Pflanzen als unbedeutend, schädlich oder wenig fotogen gelten und daher verpönt sind, erobern andere den Handel, die Innenräume, die sozialen Netzwerke und ganz allgemein unsere visuelle Kultur.

Die Begriffe „Studie“ und „Typologie“ ziehen sich auch durch die gesamte Geschichte der Fotografie, insbesondere wenn sie im Dienste der Wissenschaft oder zu dokumentarischen Zwecken eingesetzt wird. Von den Cyanotypien von Algen der englischen Botanikerin Anna Atkins über die Detailvergrößerungen von Pflanzen des deutschen Künstlers Karl Blossfeldt bis hin zu den zeitgenössischen botanischen Illustrationen der britischen Fotografin Niki Simpson gibt es zahlreiche Studien und Typologien von Pflanzen. Seit den 1840er Jahren haben Fotografen somit einen wichtigen Beitrag zum Wissen über Pflanzen geleistet und unsere visuelle Kultur der Pflanzenwelt bereichert.

Zwischen intimer Erzählung, wissenschaftlicher Dokumentation, spekulativer Erforschung und alltäglicher Beobachtung präsentiert die Ausstellung eine Vielzahl zeitgenössischer botanischer Studien und möchte die komplexen Bedeutungen von Pflanzen im aktuellen kulturellen Kontext würdigen.

Diese Eröffnungsausstellung des neuen Raums des Centre de la photographie Genève knüpft an die Jugendstil-Blumenfriese des Espace Ami-Lullin an, einem 1905 eingeweihten Ausstellungsraum, und an dessen Lage im Herzen des Parc des Bastions. Dieser Park wurde 1817 auf Initiative des Genfer Botanikers Augustin Pyramus de Candolle zum ersten botanischen Garten Genfs. Letzterer war Autor einer der ersten botanischen Klassifikationen und unternahm umfangreiche Arbeiten, die zur Beschreibung von fast 60'000 Pflanzen führten. Schließlich soll diese Ausstellung auch mit dem neuen Rahmen des Centre de la photographie Genève in Resonanz treten: der Bibliothèque de Genève, einem Ort des Studiums und der Bewahrung von Wissen über die Welt.

Kurator: Claus Gunti & Danaé Panchaud

Avec Saskia Groneberg, Yann Gross, Yann Haeberlin, Felicity Hammond, Hilla Kurki, Yann Mingard, Lea Sblandano, Berit Schneidereit, Bernard Tullen, Magdalena Wysocka & Claudio Pogo, Conservatoire et Jardin botaniques de Genève.

L’exposition Bruissements végétaux explore nos rapports souvent paradoxaux au monde végétal, et les manières dont il se fait tour à tour objet d’affection grâce à ses qualités esthétiques, signal et symbole des bouleversements environnementaux, incarnation d’une consommation durable, ou investi de fonctions esthétiques ou symboliques. Par exemple, alors que la Monstera deliciosa, pourtant exotique et conséquence directe de l’expansion coloniale, est perçue en Occident pour son potentiel décoratif, le palmier du Tessin est quant à lui devenu en quelques années le symbole de l’invasion biologique et du réchauffement climatique. Alors que de nombreuses plantes sont déconsidérées, car insignifiantes, nuisibles ou peu photogéniques, d’autres envahissent les commerces, les intérieurs, les réseaux sociaux et, plus généralement, notre culture visuelle.

Les notions d’étude et de typologie traversent également toute l’histoire de la photographie, notamment lorsqu’elle est mobilisée au service des sciences ou à des fins documentaires. Des cyanotypes d’algues de la botaniste anglaise Anna Atkins aux agrandissements de détails de plantes de l’artiste allemand Karl Blossfeldt puis aux illustrations botaniques contemporaines de la photographe britannique Niki Simpson, les études et typologies de plantes abondent. Les photographes ont ainsi largement contribué depuis les années 1840 à l’élaboration des savoirs sur les plantes, et à nourrir notre culture visuelle du monde végétal.

Entre récit intime, documentation scientifique, exploration spéculative, ou observation quotidienne, l’exposition présente une multitude d’études botaniques contemporaines, et vise à prendre acte des significations complexes des plantes dans le contexte culturel actuel.

Cette exposition inaugurale du nouvel espace du Centre de la photographie Genève fait écho aux frises florales Art nouveau de l’Espace Ami-Lullin, salle d’exposition inaugurée en 1905, tout comme à sa localisation au coeur du parc des Bastions. En 1817, ce parc devint le premier jardin botanique de Genève, à l’initiative du botaniste genevois Augustin Pyramus de Candolle. Ce dernier fut l’auteur de l’une des premières classifications botaniques, et entreprit un vaste travail aboutissant à la description de près de 60’000 plantes. Enfin, cette exposition entend résonner avec le nouveau cadre du Centre de la photographie Genève: la Bibliothèque de Genève, lieu d’étude et de conservation de savoirs sur le monde.

Commissariat : Claus Gunti & Danaé Panchaud

Con Saskia Groneberg, Yann Gross, Yann Haeberlin, Felicity Hammond, Hilla Kurki, Yann Mingard, Lea Sblandano, Berit Schneidereit, Bernard Tullen, Magdalena Wysocka e Claudio Pogo, Conservatorio e Giardini Botanici di Ginevra.

La mostra Bruissements végétaux esplora il nostro rapporto spesso paradossale con il mondo vegetale e i modi in cui esso diventa oggetto di affetto grazie alle sue qualità estetiche, segnale e simbolo dei cambiamenti ambientali, incarnazione di un consumo sostenibile o investito di funzioni estetiche o simboliche. Ad esempio, mentre la Monstera deliciosa, pur essendo esotica e conseguenza diretta dell'espansione coloniale, è apprezzata in Occidente per il suo potenziale decorativo, la palma del Ticino è diventata in pochi anni il simbolo dell'invasione biologica e del riscaldamento globale. Mentre molte piante sono disprezzate perché insignificanti, nocive o poco fotogeniche, altre invadono i negozi, gli interni, i social network e, più in generale, la nostra cultura visiva.

I concetti di studio e tipologia attraversano anche tutta la storia della fotografia, in particolare quando è al servizio della scienza o a fini documentari. Dalle cianotipie di alghe della botanica inglese Anna Atkins agli ingrandimenti di dettagli di piante dell'artista tedesco Karl Blossfeldt, fino alle illustrazioni botaniche contemporanee della fotografa britannica Niki Simpson, gli studi e le tipologie di piante abbondano. Fin dal 1840, i fotografi hanno così contribuito in modo significativo allo sviluppo delle conoscenze sulle piante e ad arricchire la nostra cultura visiva del mondo vegetale.

Tra racconto intimo, documentazione scientifica, esplorazione speculativa e osservazione quotidiana, la mostra presenta una moltitudine di studi botanici contemporanei e mira a prendere atto dei significati complessi delle piante nel contesto culturale attuale.

Questa mostra inaugurale del nuovo spazio del Centre de la photographie Genève fa eco ai fregi floreali in stile Art Nouveau dell'Espace Ami-Lullin, sala espositiva inaugurata nel 1905, così come alla sua ubicazione nel cuore del Parc des Bastions. Nel 1817, questo parco divenne il primo giardino botanico di Ginevra, su iniziativa del botanico ginevrino Augustin Pyramus de Candolle. Quest'ultimo fu autore di una delle prime classificazioni botaniche e intraprese un vasto lavoro che portò alla descrizione di circa 60.000 piante. Infine, questa mostra intende richiamare la nuova cornice del Centre de la photographie Genève: la Bibliothèque de Genève, luogo di studio e conservazione del sapere sul mondo.

Curatori: Claus Gunti & Danaé Panchaud

With Saskia Groneberg, Yann Gross, Yann Haeberlin, Felicity Hammond, Hilla Kurki, Yann Mingard, Lea Sblandano, Berit Schneidereit, Bernard Tullen, Magdalena Wysocka & Claudio Pogo and Conservatoire et Jardin botaniques de Genève.

The exhibition Bruissements végétaux (Botanical Murmurs) explores our often paradoxical relationship with the plant world and the ways in which it becomes, in turn, an object of affection thanks to its aesthetic qualities, a sign and symbol of environmental upheaval, an embodiment of sustainable consumption, or invested with aesthetic or symbolic functions. For example, while the Monstera deliciosa, despite being exotic and a direct consequence of colonial expansion, is perceived in the West for its decorative potential, the Ticino palm tree has become, in just a few years, a symbol of biological invasion and global warming. While many plants are discredited because they are insignificant, harmful or unphotogenic, others are invading shops, interiors, social media and, more generally, our visual culture.

The concepts of study and typology also run through the history of photography, particularly when it is used for scientific or documentary purposes. From the cyanotype prints of algae by English botanist Anna Atkins to the enlarged details of plants by German artist Karl Blossfeldt and the contemporary botanical illustrations of British photographer Niki Simpson, studies and typologies of plants abound. Since the 1840s, photographers have thus contributed greatly to the development of knowledge about plants and to our visual culture of the plant world.

Between intimate narrative, scientific documentation, speculative exploration and everyday observation, the exhibition presents a multitude of contemporary botanical studies and aims to acknowledge the complex meanings of plants in today’s cultural context.

This inaugural exhibition in the new space at the Centre de la Photographie Genève echoes the Art Nouveau floral friezes of the Espace Ami-Lullin, an exhibition hall inaugurated in 1905, as well as its location in the heart of the Parc des Bastions. In 1817, this park became Geneva’s first botanical garden, on the initiative of the Genevan botanist Augustin Pyramus de Candolle. De Candolle was the author of one of the first botanical classifications and undertook a vast project that resulted in the description of nearly 60,000 plants. Finally, this exhibition aims to resonate with the new setting of the Centre de la Photographie Genève: the Bibliothèque de Genève, a place of study and conservation of knowledge about the world.

Curators: Claus Gunti & Danaé Panchaud

(Text: Centre de la photographie Genève)

Museum fünf Kontinente | München
16. Mai – 16. November 2025

Merci Maman. Straßenfotografie in Mali

Mittels zeitgenössischer Straßenfotografie lädt Merci Maman ein, in die farbenfrohe Welt der Sotramas von Bamako einzutauchen. Wie kein anderes Verkehrsmittel prägen die bunt bemalten Kleinbusse die pulsierende Hauptstadt von Mali in Westafrika. Benannt nach der Societé du Transport Mali, verkörpern sie ein faszinierendes kulturelles Phänomen.

Von Busmalern kunstvoll gestaltet, ist jeder Sotrama ein Unikat und erzählt seine eigene Geschichte. Bemalungen in satten Farben spiegeln aktuelle Trends und Haltungen in Mali. Porträts von Musikern, Politikern und religiösen Führern zieren die Fahrzeuge ebenso wie Symbole und Logos aus Pop, Politik, Sport und Religion. Auch Lebensweisheiten und Danksagungen (Merci Maman) sind auf den Karosserien zu finden.

Die Sotramas bilden eine Art rollende Kunstausstellung und Straßentheater und fungieren als Barometer für die gesellschaftliche Stimmung vor Ort. Sie sind aber auch ein Ort der Begegnung, an dem Menschen miteinander ins Gespräch kommen und sich solidarisieren.

Im Mittelpunkt von Merci Maman stehen circa sechzig eigens für die Ausstellung angefertigte Fotografien von Seydou Camara, Monique Dena, Abdoul Karim Diallo, Sidiki Haidara und Anna N’Diaye. Als Mitglieder des malischen Foto-Kollektivs Yamarou setzen sie sich seit Jahren mit dieser einzigartigen Kunstform auf Rädern auseinander. Ihre Arbeiten zeigen aber nicht nur die bemalten Busse im Stadtverkehr, sondern auch deren Fahrer und Fahrgäste.

Ziel des von Seydou Camara gegründeten Kollektivs Yamarou ist es, die Fotografie direkt in die Gemeinschaft zu tragen. Die Yamaristen begreifen sich als Verteidiger des gesellschaftlichen Zusammenhalts. Ihr Fokus liegt auf der Würde der Abgebildeten und der Darstellung einer unverfälschten Lebenswirklichkeit. Junge Menschen werden von ihnen ermutigt, ihre Umgebung bewusst wahrzunehmen und durch Fotografie zu kommunizieren.

Mit der Ausstellung will das Museum Fünf Kontinente die Vision des malischen Foto-Kollektivs mittragen, ein differenziertes Bild des westafrikanischen Landes zu vermitteln – gesehen durch die Linse seiner eigenen Bevölkerung.

Merci Maman wurde in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler und Journalisten Jonathan Fischer realisiert, der in München und Mali lebt.

À travers des photographies contemporaines prises dans la rue, Merci Maman vous invite à plonger dans l'univers coloré des Sotramas de Bamako. Ces minibus peints de couleurs vives marquent comme aucun autre moyen de transport la capitale animée du Mali, en Afrique de l'Ouest. Nommés d'après la Société du Transport Mali, ils incarnent un phénomène culturel fascinant.

Conçus avec art par des peintres de bus, chaque sotrama est unique et raconte sa propre histoire. Les peintures aux couleurs vives reflètent les tendances et les attitudes actuelles au Mali. Des portraits de musiciens, d'hommes politiques et de chefs religieux ornent les véhicules, tout comme des symboles et des logos issus de la culture pop, de la politique, du sport et de la religion. On trouve également des maximes et des remerciements (Merci Maman) sur les carrosseries.

Les sotramas constituent une sorte d'exposition d'art roulante et de théâtre de rue et font office de baromètre de l'humeur sociale locale. Mais ils sont également un lieu de rencontre où les gens peuvent discuter et se solidariser.

Au cœur de Merci Maman, on trouve une soixantaine de photographies réalisées spécialement pour l'exposition par Seydou Camara, Monique Dena, Abdoul Karim Diallo, Sidiki Haidara et Anna N'Diaye. Membres du collectif de photographes maliens Yamarou, ils s'intéressent depuis des années à cette forme d'art unique sur roues. Leurs travaux ne montrent pas seulement les bus peints dans la circulation urbaine, mais aussi leurs conducteurs et leurs passagers.

L'objectif du collectif Yamarou, fondé par Seydou Camara, est d'amener la photographie directement dans la communauté. Les Yamaristes se considèrent comme des défenseurs de la cohésion sociale. Ils mettent l'accent sur la dignité des personnes photographiées et sur la représentation d'une réalité authentique. Ils encouragent les jeunes à prendre conscience de leur environnement et à communiquer à travers la photographie.

Avec cette exposition, le Musée des Cinq Continents souhaite soutenir la vision du collectif de photographes maliens et transmettre une image nuancée de ce pays d'Afrique de l'Ouest, vu à travers l'objectif de sa propre population.

Merci Maman a été réalisée en étroite collaboration avec l'artiste et journaliste Jonathan Fischer, qui vit à Munich et au Mali.

Attraverso la fotografia di strada contemporanea, Merci Maman invita a immergersi nel colorato mondo dei sotrama di Bamako. Come nessun altro mezzo di trasporto, questi minibus dipinti a colori vivaci caratterizzano la vivace capitale del Mali, nell'Africa occidentale. Prendono il nome dalla Societé du Transport Mali e incarnano un affascinante fenomeno culturale.

Realizzati con grande maestria da pittori di autobus, ogni sotrama è unico e racconta la propria storia. Le pitture dai colori vivaci riflettono le tendenze e gli atteggiamenti attuali in Mali. Ritratti di musicisti, politici e leader religiosi adornano i veicoli insieme a simboli e loghi della cultura pop, della politica, dello sport e della religione. Sulle carrozzerie si trovano anche massime di saggezza e ringraziamenti (Merci Maman).

I sotrama costituiscono una sorta di mostra d'arte itinerante e teatro di strada e fungono da barometro dell'umore sociale locale. Sono anche un luogo di incontro dove le persone possono conversare e stringere legami di solidarietà.

Al centro di Merci Maman ci sono circa sessanta fotografie realizzate appositamente per la mostra da Seydou Camara, Monique Dena, Abdoul Karim Diallo, Sidiki Haidara e Anna N'Diaye. Come membri del collettivo fotografico maliano Yamarou, da anni si occupano di questa forma d'arte unica su ruote. I loro lavori non mostrano solo gli autobus dipinti nel traffico cittadino, ma anche i loro autisti e passeggeri.

L'obiettivo del collettivo Yamarou, fondato da Seydou Camara, è quello di portare la fotografia direttamente nella comunità. Gli yamaristi si considerano difensori della coesione sociale. Il loro focus è sulla dignità delle persone ritratte e sulla rappresentazione di una realtà di vita autentica. Incoraggiano i giovani a osservare consapevolmente l'ambiente che li circonda e a comunicare attraverso la fotografia.

Con questa mostra, il Museo dei Cinque Continenti intende sostenere la visione del collettivo fotografico maliano, trasmettendo un'immagine differenziata del Paese dell'Africa occidentale, vista attraverso l'obiettivo della sua stessa popolazione.

Merci Maman è stato realizzato in stretta collaborazione con l'artista e giornalista Jonathan Fischer, che vive a Monaco di Baviera e in Mali.

Using contemporary street photography, Merci Maman invites you to immerse yourself in the colourful world of the sotramas of Bamako. Like no other means of transport, the brightly painted minibuses are a dominant feature of the vibrant capital of Mali in West Africa. Named after the Societé du Transport Mali, they are the symbol of a fascinating cultural phenomenon.

Artistically created by bus painters, every sotrama bus is one of a kind and tells its own story. Paintings in rich colours reflect current trends and attitudes in Mali. Portraits of musicians, politicians and religious leaders as well as symbols and logos from the worlds of pop music, politics, sport and religion decorate the vehicles. And maxims and expressions of thanks (Merci Maman) are also on display.

The sotramas are a form of mobile art exhibition and street theatre and function as a barometer of the local mood. But they are also a place that enables people to meet and get talking and engenders a spirit of solidarity.

Merci Maman is based on around sixty photographs specially created for it by Seydou Camara, Monique Dena, Abdoul Karim Diallo, Sidiki Haidara and Anna N’Diaye. As members of the Yamarou Collective, they have been exploring this unique form of art on wheels for years. Their works however show not only the painted buses on the town’s roads but also their drivers and passengers.

The goal of the Yamarou collective founded by Seydou Camara is to take photography directly into the community. The Yamarists see themselves as defenders of social cohesiveness. They focus on the dignity of those portrayed and depiction of the stark realities of everyday life. Young people are encouraged by them to take conscious note of their surroundings and communicate this through photography.

With the exhibition the Museum Fünf Kontinente is endeavouring to support the Malian photography collective’s vision of communicating a differentiated picture of the West African country – as seen through the lens of its own population.

Merci Maman was put together in close cooperation with the artist and journalist Jonathan Fischer, who lives in Munich and Mali.

(Text: Museum fünf Kontinente, München)

Fotomuseum Winterthur
17. Mai – 12. Oktober 2025

The Lure of the Image – Wie Bilder im Netz verlocken

Zoé Aubry, Sara Bezovšek, Viktoria Binschtok, Sara Cwynar, Dina Kelberman, Michael Mandiberg, Joiri Minaya, Simone C. Niquille, Jenny Rova, Jon Rafman, Hito Steyerl, Timur Si-Qin, Noura Tafeche, Ellie Wyatt

The Lure of the Image erkundet die Anziehungs- und Verführungskraft von fotografischen Bildern im Internet. Die Ausstellung beleuchtet die Mechanismen der Verführung und untersucht, wie Verlockung und Begehren, Affekt und Trieb in die zeitgenössische visuelle Kultur eingebettet sind.

Süsse Katzenbilder und Videos tollpatschiger Welpen. Bitterböse Memes einer Netflixserie, die wir nicht ausstehen können aber gleichzeitig lieben, zu kritisieren. Politische Propaganda, die niedlich verpackt und irgendwie schlüssig daherkommt. Die Fotos eines vermeintlich stylischen Airbnb-Apartments, welches sich als fensterlose Falle entpuppt. Selfies und Thirst Traps auf Dating-Apps, die auf Bewunderung und Komplimente aus sind. Dem Sog der digitalen Bilderwelt können wir oft nur schwer widerstehen. Zu sehr entzücken uns die Aufnahmen, lassen uns endlos scrollen und verleiten uns zum immer weiter Klicken.

Wie locken oder betören uns Bilder, wie steuern, ködern oder täuschen sie uns? Welche digitalen und vernetzten Logiken liegen der Anziehungs- und Überzeugungskraft von Bildern zugrunde und welche neuen Formen der Verführung bringen sie hervor? Die  Ausstellung untersucht, wie Bilder Aufmerksamkeit auf sich ziehen, Gefühle hervorrufen, Begehren erzeugen und Werte schaffen. Dabei legt sie auch soziale, politische und wirtschaftliche Strukturen offen, die der Verführungskraft von Bildern zugrunde liegen. Ausgewählte Positionen von Künstler_innen und Fotograf_innen sowie eigens für die Ausstellung entwickelte Arbeiten setzen sich kritisch mit der Verführung durch Bilder auseinander, mitunter subversiv oder indem sie kreativ Widerstand leisten.

The Lure of the Image explore le pouvoir d'attraction et de séduction des images photographiques sur Internet. L'exposition met en lumière les mécanismes de la séduction et examine comment la tentation et le désir, l'affect et la pulsion sont intégrés dans la culture visuelle contemporaine.

Des images de chats mignons et des vidéos de chiots maladroits. Des mèmes amers d'une série Netflix que nous ne supportons pas mais que nous aimons en même temps critiquer. De la propagande politique emballée de manière mignonne et en quelque sorte cohérente. Les photos d'un appartement Airbnb soi-disant stylé qui s'avère être un piège sans fenêtre. Les selfies et les thirst traps sur les applications de rencontre, qui cherchent à susciter l'admiration et les compliments. Il est souvent difficile de résister à l'attraction du monde des images numériques. Les photos nous enchantent trop, nous font défiler sans fin et nous incitent à cliquer encore et encore.

Comment les images nous attirent-elles ou nous envoûtent-elles, comment nous contrôlent-elles, nous appâtent-elles ou nous trompent-elles ? Quelles sont les logiques numériques et en réseau qui sous-tendent le pouvoir d'attraction et de persuasion des images et quelles sont les nouvelles formes de séduction qu'elles engendrent ? L'exposition examine comment les images attirent l'attention, suscitent des sentiments, créent du désir et créent des valeurs. Ce faisant, elle met également à jour les structures sociales, politiques et économiques qui sous-tendent le pouvoir de séduction des images. Une sélection de positions d'artistes et de photographes ainsi que des travaux spécialement conçus pour l'exposition abordent de manière critique la séduction par les images, parfois de manière subversive ou en résistant de manière créative.

The Lure of the Image esplora il potere di attrazione e seduzione delle immagini fotografiche su Internet. La mostra fa luce sui meccanismi della seduzione ed esamina come la tentazione e il desiderio, l'affetto e la pulsione siano incorporati nella cultura visiva contemporanea.

Immagini di gatti carini e video di cuccioli maldestri. Memes amari di una serie Netflix che non sopportiamo ma che allo stesso tempo amiamo criticare. Propaganda politica in un pacchetto carino che in qualche modo risulta coerente. Foto di un appartamento Airbnb apparentemente elegante che si rivela una trappola senza finestre. Selfie e trappole per la sete sulle app di incontri che sono progettate per attirare ammirazione e complimenti. Spesso è difficile resistere all'attrazione del mondo digitale delle immagini. Siamo troppo affascinati dalle immagini, ci fanno scorrere all'infinito e ci invogliano a continuare a cliccare.

In che modo le immagini ci attirano o ci seducono, come ci controllano, ci attirano o ci ingannano? Quali logiche digitali e di rete sono alla base del potere di attrazione e persuasione delle immagini e quali nuove forme di seduzione producono? La mostra esamina come le immagini attirino l'attenzione, evochino sentimenti, generino desiderio e creino valori. Rivela inoltre le strutture sociali, politiche ed economiche che sono alla base del potere di seduzione delle immagini. Posizioni selezionate di artisti e fotografi e opere sviluppate appositamente per la mostra esaminano criticamente il potere seduttivo delle immagini, a volte in modo sovversivo o offrendo una resistenza creativa.

The Lure of the Image explores the seductive powers of photographic images online. The exhibition maps the mechanisms of the lure and investigates how seduction and desire, affect and drive are embedded in contemporary visual culture.

Yet another image of a cat that makes you go 🫶. That TV show you love to hate that keeps popping up as a meme on social media. A picture that baits your click, a thirst trap you can’t resist. Political propaganda embedded in cuteness and the unfulfilled promises of perfect bodies on your dating app. One last Airbnb photograph that tricked you into a windowless trap. It’s hard not to get sucked into the world of digital images, a world that’s so beguiling that we can’t stop scrolling and just keep clicking.

How do images entice or beguile us, how do they control, bait or deceive us? What digital and networked logics underpin the persuasive attraction of images and what new forms of seduction have they spawned? The exhibition explores how images attract attention, evoke feelings, create desire and generate value. It also examines the complex social, political and economic networks in which the lure of the image is ultimately embedded. Selected positions from artists and photographers alongside commissioned works critically investigate, creatively subvert and actively resist the lure(s) of the image.

(Text: Fotomuseum Winterthur)