Quai des Cigognes | Mulhouse
7. Oktober - 13. November 2024

10 ans / 10 photographes - Parcours photographique

Janine Bächle, Geert Goiris, Matthew Genitempo, Pascal Amoyel, Rebecca Topakian, Paul Gaffney, Michel François, Nathalie Wolff & Matthias Bumiller, Céline Clanet, Christophe Bourguedieu

Anlässlich des 10-jährigen Bestehens des BPM vereint diese Ausstellung im öffentlichen Raum 10 Fotografen, die seit 2013 an den verschiedenen Ausgaben des Festivals teilgenommen haben. Die Auswahl zeigt eine Vielfalt an fotografischen Ansätzen, doch alle Fotografen zeugen von einem sensiblen, zugleich poetischen und politischen Zugang zur zeitgenössischen Welt. Der rote Faden der ausgestellten Fotografien ist die Frage nach der Möglichkeit oder Unmöglichkeit, die durch menschliche Aktivitäten veränderte Welt zu bewohnen. Janine Bächle, Céline Clanet und Paul Gaffney fragen sich, wie man in Harmonie mit der Natur leben kann. Rebecca Topakian, Michel François, Christophe Bourguedieu, Nathalie Wolff & Matthias Bumiller hinterfragen die postkapitalistische Gesellschaft, ihre Grenzen und ihre Widersprüche. Die eher intimen Matthew Genitempo und Pascal Amoyel fotografieren ihre Angehörigen in einer Beziehung zum Lebensraum. Geert Goiris schließlich veranschaulicht eine grundlegende Spannung zwischen Mensch und Natur.

À l’occasion des 10 ans de la BPM, cette exposition dans l’espace public réunit 10 photographes ayant participé aux différentes éditions du festival depuis 2013. La sélection montre une diversité d’approches photographiques, mais tous les photographes témoignent d’une approche sensible, à la fois poétique et politique du monde contemporain. Le fil conducteur des photographies exposées est le questionnement sur la possibilité ou l’impossibilité d’habiter le monde transformé par l’activité humaine. Janine Bächle, Céline Clanet et Paul Gaffney se questionnent sur les moyens de vivre en harmonie avec la nature, Rebecca Topakian, Michel François, Christophe Bourguedieu, Nathalie Wolff & Matthias Bumiller interrogent la société post-capitaliste, ses frontières et ses contradictions. Plus intimistes, Matthew Genitempo et Pascal Amoyel photographient leurs proches dans une relation au territoire de vie. Enfin, Geert Goiris illustre une tension fondamentale entre l’humain et la nature.

In occasione del 10° anniversario del BPM, questa mostra nello spazio pubblico riunisce 10 fotografi che hanno partecipato alle varie edizioni del festival dal 2013. La selezione mostra una diversità di approcci fotografici, ma tutti i fotografi dimostrano un approccio sensibile al mondo contemporaneo, poetico e politico. Il filo conduttore delle fotografie in mostra è la messa in discussione della possibilità o dell'impossibilità di abitare un mondo trasformato dall'attività umana. Janine Bächle, Céline Clanet e Paul Gaffney si chiedono come si possa vivere in armonia con la natura, mentre Rebecca Topakian, Michel François, Christophe Bourguedieu, Nathalie Wolff & Matthias Bumiller si interrogano sulla società post-capitalista, sui suoi confini e sulle sue contraddizioni. Matthew Genitempo e Pascal Amoyel adottano un approccio più intimo, fotografando i loro cari in relazione al territorio in cui vivono. Infine, Geert Goiris illustra la tensione fondamentale tra uomo e natura.

To mark the 10th anniversary of the BPM, this exhibition in the public space brings together 10 photographers who have participated in the various editions of the festival since 2013. The selection shows a diversity of photographic approaches, but all the photographers testify to a sensitive, poetic and political approach to the contemporary world. The common thread running through the photographs on display is a questioning of the possibility or impossibility of inhabiting the world transformed by human activity. Janine Bächle, Céline Clanet and Paul Gaffney ask how we can live in harmony with nature, while Rebecca Topakian, Michel François, Christophe Bourguedieu, Nathalie Wolff & Matthias Bumiller question post-capitalist society, its boundaries and contradictions. More intimate, Matthew Genitempo and Pascal Amoyel photograph their loved ones in relation to the territory in which they live. Finally, Geert Goiris illustrates the fundamental tension between man and nature.

(Text: Biennale de la Photographie de Mulhouse)

Rotkreuz- und Rothalbmondmuseum | Genève
19. Oktober 2023 – 25. August 2024

Human.Kind

Die Ausstellung Human.Kind umfasst Werke von 30 Fotografinnen und Fotografen aus 24 Ländern: 15 Männer und 15 Frauen. Alle haben an einem der bisher zehn Zyklen des Prix Pictet teilgenommen. Seit die Auszeichnung im Jahr 2008 geschaffen wurde, widmet sich der Prix Pictet der nachhaltigen Entwicklung. So ist ein Netzwerk aus nahezu 3000 Fotografinnen und Fotografen entstanden, die mitten im Geschehen arbeiten. Ein idealer Fundus also, um einen etwas anderen Blick auf die grossen Herausforderungen der heutigen humanitären Arbeit zu werfen und diese Perspektive hervorzuheben. William A. Ewing, Autor, Redner, ehemaliger Direktor des Musée de l’Élysée und Co-Kurator der Ausstellung, erklärt: «Obwohl man es nicht immer zugeben mag, entsteht ein bedeutender Teil der zeitgenössischen Fotografie aus humanitärem Antrieb. Während der letzten zehn Jahre bildeten das Interesse an den Mitmenschen, die Akzeptanz ihrer häufig tragischen Situation und das daraus entstehende Mitgefühl den Ausgangspunkt für die Ansätze zahlreicher Bewerberinnen und Bewerber des Prix Pictet. Für die Ausstellung hatten wir das Privileg, aus dieser Gruppe von Fotografinnen und Fotografen 30 Portfolios auszuwählen, die mit viel Engagement die grundlegenden Anliegen unserer Zeit erforschen.»

Anhand von fast 300 Aufnahmen widmet sich Human.Kind vielfältigen Themen, vom Ausbruch des Vulkans Taal auf den Philippinen im Jahr 2022 über die bewaffneten Gruppen in der Sahelzone und die Lebensbedingungen der Frauen in den sibirischen Gefängnissen bis hin zum Ausbruch von Covid-19 in Italien. Durch ihren einfühlsamen Ansatz heben die Fotografinnen und Fotografen die Würde der Menschen hervor und laden uns dadurch ein, über unsere gemeinsame Menschlichkeit nachzudenken. Elisa Rusca, Leiterin Sammlungen und Ausstellungen des Museums und Co-Kuratorin der Ausstellung, meint dazu: «Human.Kind präsentiert eine grosse Vielfalt an Blickwinkeln auf die heutige Welt und konzentriert sich auf die Würde und die Fürsorge. Dadurch werden die Fragestellungen und die Werte der humanitären Arbeit auf eine persönliche Ebene gehoben, in der die Gemeinschaft im Zentrum steht.»

Die Ausstellung widmet sich der zeitgenössischen Fotografie und vervollständigt damit den Erforschungsprozess, den das Museum anhand des aussergewöhnlichen fotografischen Erbes der Internationalen Rotkreuz- und Rothalbmondbewegung durchgeführt hat. Ein erster Meilenstein dieses Prozesses bildete 2021 die Ausstellung Eine Welt zum Heilen, die gemeinsam mit den Rencontres internationales de la photographie d’Arles konzipiert wurde und sich aktuell auf Reisen befindet. Für Pascal Hufschmid, Museumsdirektor und Initiator der beiden Ausstellungen, gilt es, die Bilder des aktuellen Geschehens kritisch zu betrachten: «Human.Kind hinterfragt die visuellen Codes der Bilder von humanitärer Arbeit, um unseren Blick angesichts der täglichen Medienflut zu schärfen. Die Ausstellung zeigt auch, wie uns Kunst ermöglichen kann, die Welt, in der wir leben, besser zu verstehen.»

L'exposition Human.Kind comprend les œuvres de 30 photographes de 24 pays : 15 hommes et 15 femmes. Tous ont participé à l'un des dix cycles du Prix Pictet jusqu'à présent. Depuis sa création en 2008, le Prix Pictet se consacre au développement durable. Un réseau de près de 3000 photographes travaillant au cœur de l'action a ainsi vu le jour. Un vivier idéal, donc, pour porter un regard différent sur les grands défis de l'humanitaire d'aujourd'hui et mettre en valeur cette perspective. William A. Ewing, auteur, conférencier, ancien directeur du Musée de l'Élysée et co-commissaire de l'exposition, explique : "Bien qu'on ne l'admette pas toujours, une part importante de la photographie contemporaine est issue d'une démarche humanitaire. Au cours des dix dernières années, l'intérêt pour nos semblables, l'acceptation de leur situation souvent tragique et la compassion qui en découle ont constitué le point de départ des démarches de nombreux candidats au Prix Pictet. Pour l'exposition, nous avons eu le privilège de sélectionner, parmi ce groupe de photographes, 30 portfolios qui explorent avec engagement les préoccupations fondamentales de notre époque".

À travers près de 300 clichés, Human.Kind aborde des thèmes variés, de l'éruption du volcan Taal aux Philippines en 2022 à l'éruption du Covid-19 en Italie, en passant par les groupes armés au Sahel et les conditions de vie des femmes dans les prisons sibériennes. Par leur approche sensible, les photographes mettent en valeur la dignité des personnes et nous invitent ainsi à réfléchir à notre humanité commune. Elisa Rusca, directrice des collections et des expositions du musée et co-commissaire de l'exposition, déclare à ce sujet : "Human.Kind présente une grande diversité de points de vue sur le monde actuel et se concentre sur la dignité et le soin. Cela permet d'élever les questions et les valeurs de l'action humanitaire à un niveau personnel, où la communauté est au centre".

L'exposition est consacrée à la photographie contemporaine, complétant ainsi le processus d'exploration que le musée a mené à partir de l'extraordinaire patrimoine photographique du Mouvement international de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge. Un premier jalon de ce processus a été posé en 2021 avec l'exposition Un monde à guérir, conçue en collaboration avec les Rencontres internationales de la photographie d'Arles et actuellement en voyage. Pour Pascal Hufschmid, directeur du musée et initiateur des deux expositions, il s'agit de porter un regard critique sur les visuels de l'actualité : "Human.Kind interroge les codes visuels des images de l'humanitaire pour aiguiser notre regard face au déferlement médiatique quotidien. L'exposition montre aussi comment l'art peut nous permettre de mieux comprendre le monde dans lequel nous vivons".

La mostra Human.Kind comprende le opere di 30 fotografi provenienti da 24 Paesi: 15 uomini e 15 donne. Tutti hanno partecipato a uno dei dieci cicli del Prix Pictet. Dalla creazione del premio nel 2008, il Prix Pictet si è dedicato allo sviluppo sostenibile. Questo ha creato una rete di quasi 3000 fotografi che lavorano nel mezzo dell'azione. Si tratta quindi di una risorsa ideale per gettare uno sguardo un po' diverso sulle principali sfide che il lavoro umanitario deve affrontare oggi e per mettere in luce questa prospettiva. William A. Ewing, autore, conferenziere, ex direttore del Musée de l'Élysée e co-curatore della mostra, spiega: "Anche se non lo si ammette sempre, una parte significativa della fotografia contemporanea nasce da un impulso umanitario. Nell'ultimo decennio, l'interesse per gli esseri umani, l'accettazione della loro situazione spesso tragica e la compassione che ne deriva sono stati il punto di partenza per gli approcci di molti candidati al Prix Pictet. Per la mostra abbiamo avuto il privilegio di selezionare 30 portfolio di questo gruppo di fotografi che esplorano con grande impegno le preoccupazioni fondamentali del nostro tempo".

Attraverso quasi 300 fotografie, Human.Kind affronta temi diversi, dall'eruzione del vulcano Taal nelle Filippine nel 2022 ai gruppi armati nel Sahel, dalle condizioni di vita delle donne nelle prigioni siberiane all'epidemia di Covid-19 in Italia. Attraverso il loro approccio sensibile, i fotografi evidenziano la dignità degli esseri umani e ci invitano a riflettere sulla nostra comune umanità. Elisa Rusca, responsabile delle collezioni e delle mostre del museo e co-curatrice della mostra, afferma: "Human.Kind presenta un'ampia varietà di prospettive sul mondo di oggi, concentrandosi sulla dignità e sulla cura. Questo eleva i temi e i valori del lavoro umanitario a un livello personale in cui la comunità è al centro".

La mostra è dedicata alla fotografia contemporanea e completa il percorso di ricerca che il Museo ha intrapreso attraverso lo straordinario patrimonio fotografico del Movimento Internazionale della Croce Rossa e della Mezzaluna Rossa. Una prima pietra miliare di questo processo è stata la mostra del 2021 A World to Heal, concepita in collaborazione con i Rencontres internationales de la photographie d'Arles e attualmente in tournée. Per Pascal Hufschmid, direttore del museo e iniziatore delle due mostre, è importante guardare con occhio critico alle immagini degli eventi attuali: "Human.Kind mette in discussione i codici visivi delle immagini del lavoro umanitario per affinare la nostra visione di fronte al diluvio quotidiano dei media. La mostra mostra anche come l'arte può permetterci di capire meglio il mondo in cui viviamo".

The exhibition Human.Kind includes works by 30 photographers from 24 countries: 15 men and 15 women. All have participated in one of the Prix Pictet's ten cycles to date. Since the award was created in 2008, the Prix Pictet has been dedicated to sustainable development. This has created a network of nearly 3000 photographers working in the midst of the action. An ideal resource, then, to take a slightly different look at the major challenges facing humanitarian work today and to highlight this perspective. William A. Ewing, author, speaker, former director of the Musée de l'Élysée and co-curator of the exhibition, explains, "Although people may not always admit it, a significant portion of contemporary photography is born of humanitarian impulse. Over the past decade, an interest in fellow human beings, an acceptance of their often tragic situation, and the compassion that results, have been the starting point for the approaches of many Prix Pictet contenders. For the exhibition, we had the privilege of selecting 30 portfolios from this group of photographers who explore with great commitment the fundamental concerns of our time."

Through nearly 300 photographs, Human.Kind addresses diverse topics, from the 2022 eruption of the Taal volcano in the Philippines, to armed groups in the Sahel, to the living conditions of women in Siberian prisons, to the Covid-19 outbreak in Italy. Through their sensitive approach, the photographers highlight the dignity of human beings and, in doing so, invite us to reflect on our common humanity. Elisa Rusca, Head of Collections and Exhibitions at the Museum and co-curator of the exhibition, says, "Human.Kind presents a wide variety of perspectives on today's world, focusing on dignity and care. This elevates the issues and values of humanitarian work to a personal level where community is at the center."

The exhibition is dedicated to contemporary photography, completing the process of exploration that the Museum has undertaken through the extraordinary photographic heritage of the International Red Cross and Red Crescent Movement. A first milestone of this process was the exhibition A World to Heal in 2021, conceived together with the Rencontres internationales de la photographie d'Arles and currently on tour. For Pascal Hufschmid, museum director and initiator of the two exhibitions, it is important to take a critical look at the visuals of current events: "Human.Kind questions the visual codes of images of humanitarian work in order to sharpen our view in the face of the daily flood of media. The exhibition also shows how art can enable us to better understand the world we live in."

(Text: Rotkreuz- und Rothalbmondmuseum, Genève)

Bally Foundation | Lugano
27. Oktober 2023 – 28. April 2024

Sometimes we are eternal
Sarah Brahim

Die Ausstellung vereint zehn neue Installationen, die eigens für diese Gelegenheit geschaffen wurden und trotz ihrer Eigenständigkeit die Konturen einer intimen Landschaft nachzeichnen. Welche Spuren hinterlässt die Erinnerung in den Materialen? Wie unterscheiden wir zwischen Erinnerung und Vorstellungskraft? Auf zwei Etagen, in einem Raum, der an ein Tanzstudio erinnert, bieten Video- und Klanginstallationen, Fotografien und Skulpturen eine Partitur, in der Gesten und Klänge unsere Präsenz in der Welt, unsere eigene Körperlichkeit, hinterfragen.

Sometimes we are eternal entlehnt seinen Titel den Worten von Alain Badiou, um das Gefühl der Ewigkeit zu beschreiben, das uns manchmal ergreift, eine Nahtstelle zwischen dem Endlichen und dem Unendlichen, die die Künstlerin in ihren Werken erfahrbar macht. Der Körper selbst wird zur Spur der Innerlichkeit mitten in der Begrenztheit des Menschlichen. In ihren Forschungen lässt sich die Künstlerin auch von Künstlern und Denkern wie Lawrence und Anna Halprin, Pauline Oliveros oder Aldo Rossi inspirieren sowie von Philosophen und Praktikern wie Moshe Feldenkrais oder Philippe Descola, die die Kunst als eine gesteigerte Erfahrung des Lebens betrachtet haben, als die Suche nach der Verschmelzung von Körper, Bewusstsein und Umwelt.

Während die Eröffnungsausstellung Un lac inconnu, an der 22 internationale Künstler beteiligt waren, einen privilegierten Dialog mit der Landschaft rund um die Villa Heleneum ermöglichte, ist Sarah Brahim's Vorschlag um ein intimes Landschaftsbild herum aufgebaut: ein widerstandsfähiger, leuchtender und poetischer mentaler Raum, eine Art zeitlicher Abstand, der die Ausstellung von einem Ereignis trennt, das das Leben der Künstlerin verändert hat - der Verlust einer geliebten Person - und gleichzeitig einen Wendepunkt und vor allem einen Neuanfang markiert. Als Tänzerin ausgebildet, nehmen Sarah Brahim's Werke die Form eines Pas de Deux an, eines intimen Gesprächs zwischen dem Körper und seiner Andersartigkeit, bei dem sich die Form des Austauschs mit seiner Kontur verschmilzt: ein Dialog der Innerlichkeit, der darauf abzielt, sich von der Fleischlichkeit und Schwere des physischen Körpers zum "Intrakörper", zum Unwahrnehmbaren, zum Spirituellen, zum Entfernten zu bewegen. Schwebende Körper, Atmen, Spuren, Rhythmen und Rituale vermischen sich in mehreren Installationen, die die Bewegung erweitern.

L'exposition réunit dix nouvelles installations créées pour l'occasion et qui, malgré leur autonomie, dessinent les contours d'un paysage intime. Quelles traces la mémoire laisse-t-elle dans les matériaux ? Comment faisons-nous la différence entre le souvenir et l'imagination ? Sur deux étages, dans un espace qui évoque un studio de danse, des installations vidéo et sonores, des photographies et des sculptures offrent une partition où les gestes et les sons interrogent notre présence au monde, notre propre corporéité.

Sometimes we are eternal emprunte son titre aux mots d'Alain Badiou pour décrire le sentiment d'éternité qui nous saisit parfois, un point de jonction entre le fini et l'infini que l'artiste rend perceptible dans ses œuvres. Le corps lui-même devient une trace d'intériorité au milieu des limites de l'humain. Dans ses recherches, l'artiste s'inspire également d'artistes et de penseurs comme Lawrence et Anna Halprin, Pauline Oliveros ou Aldo Rossi, ainsi que de philosophes et de praticiens comme Moshe Feldenkrais ou Philippe Descola, qui ont considéré l'art comme une expérience accrue de la vie, comme la recherche d'une fusion entre le corps, la conscience et l'environnement.

Alors que l'exposition inaugurale Un lac inconnu, à laquelle 22 artistes internationaux ont participé, a permis un dialogue privilégié avec le paysage autour de la Villa Heleneum, la proposition de Sarah Brahim s'articule autour d'un paysage intime : un espace mental résistant, lumineux et poétique, une sorte de distance temporelle qui sépare l'exposition d'un événement qui a bouleversé la vie de l'artiste - la perte d'un être cher - tout en marquant un tournant et, surtout, un nouveau départ. Formée à la danse, les œuvres de Sarah Brahim prennent la forme d'un pas de deux, d'une conversation intime entre le corps et son altérité, où la forme de l'échange se confond avec son contour : un dialogue d'intériorité qui vise à passer de la chair et de la pesanteur du corps physique à "l'intracorps", à l'imperceptible, au spirituel, au lointain. Corps flottants, respirations, traces, rythmes et rituels se mêlent dans plusieurs installations qui élargissent le mouvement.

La mostra riunisce dieci nuove installazioni create appositamente per questa occasione che, nonostante la loro autonomia, tracciano i contorni di un paesaggio intimo. Quali tracce lascia la memoria nei materiali? Come distinguere tra memoria e immaginazione? Su due piani, in uno spazio che ricorda uno studio di danza, installazioni video e sonore, fotografie e sculture offrono una partitura in cui gesti e suoni interrogano la nostra presenza nel mondo, la nostra stessa fisicità.

Sometimes we are eternal prende in prestito il titolo dalle parole di Alain Badiou per descrivere la sensazione di eternità che a volte ci attanaglia, una cucitura tra il finito e l'infinito che l'artista rende tangibile nelle sue opere. Il corpo stesso diventa una traccia di interiorità in mezzo ai limiti della condizione umana. Nella sua ricerca, l'artista si ispira anche ad artisti e pensatori come Lawrence e Anna Halprin, Pauline Oliveros o Aldo Rossi, nonché a filosofi e operatori come Moshe Feldenkrais o Philippe Descola, che hanno visto l'arte come un'esperienza potenziata della vita, come la ricerca della fusione tra corpo, coscienza e ambiente.

Se la mostra inaugurale Un lac inconnu, che ha coinvolto 22 artisti internazionali, ha permesso un dialogo privilegiato con il paesaggio che circonda Villa Heleneum, la proposta di Sarah Brahim è costruita attorno a un'immagine paesaggistica intima: uno spazio mentale resistente, luminoso e poetico, una sorta di distanza temporale che separa la mostra da un evento che ha cambiato la vita dell'artista - la perdita di una persona cara - e che allo stesso tempo segna una svolta e, soprattutto, un nuovo inizio. Formatasi come danzatrice, le opere di Sarah Brahim assumono la forma di un pas de deux, una conversazione intima tra il corpo e la sua alterità, dove la forma dello scambio si fonde con il suo contorno: un dialogo di interiorità che mira a passare dalla carnalità e dalla pesantezza del corpo fisico all'"intra-corpo", all'impercettibile, allo spirituale, al lontano. Corpi fluttuanti, respiri, tracce, ritmi e rituali si mescolano in diverse installazioni che espandono il movimento.

The exhibition brings together ten new installations created specifically for this occasion, which, despite their autonomy, trace the contours of an intimate landscape. What traces does memory leave in the materials? How do we distinguish between memory and imagination? On two floors, in a space reminiscent of a dance studio, video and sound installations, photographs and sculptures offer a score in which gestures and sounds question our presence in the world, our own physicality.

Sometimes we are eternal borrows its title from the words of Alain Badiou to describe the sense of eternity that sometimes grips us, a seam between the finite and the infinite that the artist makes tangible in her works. The body itself becomes a trace of inwardness in the midst of the limitedness of the human. In her research, the artist also draws inspiration from artists and thinkers such as Lawrence and Anna Halprin, Pauline Oliveros, and Aldo Rossi, as well as philosophers and practitioners such as Moshe Feldenkrais and Philippe Descola, who have viewed art as a heightened experience of life, as the search for the fusion of body, consciousness, and environment.

While the inaugural exhibition Un lac inconnu, involving 22 international artists, allowed for a privileged dialogue with the landscape surrounding Villa Heleneum, Sarah Brahim's proposal is built around an intimate landscape image: a resilient, luminous and poetic mental space, a kind of temporal distance that separates the exhibition from an event that changed the artist's life - the loss of a loved one - and at the same time marks a turning point and, above all, a new beginning. Trained as a dancer, Sarah Brahim's works take the form of a pas de deux, an intimate conversation between the body and its otherness, where the form of the exchange merges with its contour: a dialogue of interiority that aims to move from the carnality and heaviness of the physical body to the "intrabody," to the imperceptible, to the spiritual, to the distant. Floating bodies, breathing, traces, rhythms and rituals intermingle in several installations that extend the movement.

(Text: Bally Foundation, Lugano)

Museum der Arbeit | Hamburg
17. November 2023 – 1. Mai 2024

MAN & MINING
Unknown Fields, Danny Franzreb, Johnny Haglund, Pieter Hugo, Lu Guang, Andrea Mancini, Lisa Rave, Sebastião Salgado, Gabriella Torres-Ferrer

Der Abbau von mineralischen Rohstoffen führt angesichts einer schnell wachsenden Weltbevölkerung und deren steigenden Konsumbedürfnissen zu immer größeren ökologischen, ökonomischen, politischen und sozialen Problemen mit globalen Auswirkungen. Vor allem nicht nachhaltige Abbaupraktiken haben massive Belastungen zur Folge, die heutige und zukünftige Generationen vor enorme Herausforderungen stellen. Die Ausstellung „MAN & MINING“, die vom Weltkulturerbe Völklinger Hütte in Kooperation mit dem Museum der Arbeit erarbeitet wurde, zeigt anhand von verschiedenen künstlerischen Positionen die Bedingungen gegenwärtiger Ressourcenextraktion und deren Folgen für die vor allem im Globalen Süden im Bergbau tätigen Menschen. Kunstinstallationen, Foto- und Videoarbeiten von dem Künstlerkollektiv Unknown Fields, Danny Franzreb, Johnny Haglund, Pieter Hugo, Lu Guang, Andrea Mancini, Lisa Rave, Sebastião Salgado und Gabriella Torres-Ferrer lassen ein weltweites Panorama von historischen Tiefenbohrungen bis zu utopischen Gedanken für die Zukunft entstehen. Ziel der Ausstellung ist es, die Asymmetrien des weltweiten Rohstoffabbaus und die konkreten Folgen für die Menschen im Globalen Süden mit einer Diskussion unseres Konsumverhaltens zu verbinden.

Face à la croissance rapide de la population mondiale et à l'augmentation de ses besoins de consommation, l'exploitation des matières premières minérales entraîne des problèmes écologiques, économiques, politiques et sociaux de plus en plus importants avec des répercussions globales. Les pratiques d'extraction non durables, en particulier, entraînent des nuisances massives qui posent d'énormes défis aux générations actuelles et futures. L'exposition "MAN & MINING", élaborée par le Patrimoine Culturel Mondial Völklinger Hütte en coopération avec le Museum der Arbeit, montre, à l'aide de différentes positions artistiques, les conditions de l'extraction actuelle des ressources et ses conséquences pour les personnes travaillant dans l'industrie minière, surtout dans le Sud mondial. Des installations artistiques, des travaux photographiques et vidéo du collectif d'artistes Unknown Fields, Danny Franzreb, Johnny Haglund, Pieter Hugo, Lu Guang, Andrea Mancini, Lisa Rave, Sebastião Salgado et Gabriella Torres-Ferrer font apparaître un panorama mondial allant des forages profonds historiques aux pensées utopiques pour l'avenir. L'objectif de l'exposition est de relier les asymétries de l'exploitation mondiale des matières premières et les conséquences concrètes pour les habitants du Sud mondial à une discussion sur nos habitudes de consommation.

Alla luce della rapida crescita della popolazione mondiale e delle sue crescenti esigenze di consumo, l'estrazione di materie prime minerarie sta portando a problemi ecologici, economici, politici e sociali sempre più gravi con conseguenze globali. Le pratiche minerarie non sostenibili, in particolare, comportano oneri enormi che pongono sfide enormi alle generazioni attuali e future. La mostra "MAN & MINING", realizzata dal sito del patrimonio culturale mondiale Völklinger Hütte in collaborazione con il Museum der Arbeit, utilizza diverse posizioni artistiche per mostrare le condizioni dell'attuale estrazione di risorse e le sue conseguenze per le persone che lavorano nelle miniere, soprattutto nel Sud del mondo. Installazioni d'arte, opere fotografiche e video del collettivo di artisti Unknown Fields, Danny Franzreb, Johnny Haglund, Pieter Hugo, Lu Guang, Andrea Mancini, Lisa Rave, Sebastião Salgado e Gabriella Torres-Ferrer creano un panorama mondiale che spazia dalle storiche trivellazioni profonde alle idee utopiche per il futuro. L'obiettivo della mostra è quello di combinare le asimmetrie dell'estrazione globale delle risorse e le conseguenze concrete per le popolazioni del Sud del mondo con una discussione sul nostro comportamento di consumatori.

In view of a rapidly growing world population and its increasing consumption needs, the extraction of mineral raw materials is leading to ever greater ecological, economic, political and social problems with global implications. Above all, unsustainable mining practices result in massive burdens that pose enormous challenges to present and future generations. The exhibition “MAN & MINING”, developed by the Völklinger Hütte in cooperation with the Museum der Arbeit, uses various artistic positions to show the conditions of current resource extraction and its consequences

for people working in mining, especially in the Global South. Art installations, photographic and video works by the artists’ collective Unknown Fields, Danny Franzreb, Johnny Haglund, Pieter Hugo, Lu Guang, Andrea Mancini, Lisa Rave, Sebastião Salgado and Gabriella Torres-Ferrer, create a worldwide panorama ranging from historical deep drilling to utopian thoughts for the future. The aim of the exhibition is to connect the asymmetries of global resource extraction and the concrete consequences for people in the Global South with a discussion of our consumer behavior.

(Text: Museum der Arbeit, Hamburg)

Museum fünf Kontinente | München
24. November 2023 – 5. Mai 2024

Witches in Exile. Fotografien Ann-Christine Woehrl
Installation Senam Okudzeto

Immer wieder werden Menschen von Gemeinschaften für ein vermeintliches Gemeinwohl stigmatisiert und ausgegrenzt. Am Beispiel der abgeschiedenen Northern Region im Norden Ghanas widmet sich diese Ausstellung dem Glauben an Hexerei, der vornehmlich Frauen zu Sündenböcken werden lässt. Solche Vorstellungen existieren in vielen Weltregionen und beschränken sich keineswegs auf ländliche oder bildungsbenachteiligte Kreise. Noch heute finden in mehr als 40 Ländern Hexenverfolgungen statt.

Auf einer gemeinsamen Reise durch Ghana bis Burkina Faso im Jahr 2005 setzten sich die Künstlerinnen Ann-Christine Woehrl und Senam Okudzeto mit der zeitgenössischen Hexenverfolgung auseinander.

Im Mittelpunkt von Witches in Exile stehen Frauen, die der Hexerei bezichtigt wurden. Neid und Missgunst sowie der Vorwurf, für Krankheiten, Todesfälle, Dürren und andere Katastrophen verantwortlich zu sein, haben diese Frauen zu geächteten Außenseiterinnen gemacht. Oft in Todesgefahr, wurden sie in sogenannte »witch camps« exiliert. Diese Lager, von denen es in Ghana heute acht gibt, befinden sich in sehr abgelegenen Gebieten, weit entfernt von der Hauptstadt Accra. Aus diesem Grund waren sich nur wenige Menschen zur damaligen Zeit in Ghana ihrer Existenz bewusst. Ann-Christine Woehrl zeigt diese Frauen in einer eindringlichen konzeptionellen Porträtserie in ihrer ganzen Würde und Verletzlichkeit – und mit all ihrem Stolz.
Den allgemeineren Kontext der Hexendörfer und der Porträts illustriert Senam Okudzeto in einer Multimedia-Installation – bestehend aus Fotografien aus dem erweiterten Archiv von Ann-Christine Woehrl sowie aus ihren eigenen Fotos, Zeichnungen und Malereien, die speziell für diese Ausstellung angefertigt wurden. Senam Okudzeto erzählt von der gemeinsamen Reise durch Ghana in die Northern Region, wo sie und Ann-Christine Woehrl zwei sehr unterschiedliche »witch camps« besucht haben – Kukuo und Gambaga. Die Arbeiten von Okudzeto und Woehrl veranschaulichen das soziale und wirtschaftliche Gefälle, welches zum damaligen Zeitpunkt zwischen den vom Volta-Stausee abgeschnittenen nördlichen Gebieten und dem sich rasch entwickelnden Zentrum Ghanas sowie seinen Küstenregionen mit seiner Hauptstadt Accra bestand. Dadurch wird versucht, die Porträtserie, die zwischen 2009 und 2013 in den Dörfern Gambaga und Gushiegu entstanden ist, in einen komplexeren geografischen, zeitlichen, sozialen, politischen, religiösen und auch wirtschaftlichen Kontext einzubetten.

Das Museum Fünf Kontinente nimmt die aktuell politische Brisanz des Themas in Ghana und den dortigen kritischen Diskurs über Hexenverfolgung und die Schließung der Hexendörfer zum Anlass, Witches in Exile zum jetzigen Zeitpunkt zu zeigen. Die ghanaische Historikerin Gertrude Nkrumah widmet sich hierfür den soziopolitischen Fragen der aktuellen Debatte.

Des personnes sont régulièrement stigmatisées et exclues par des communautés pour un prétendu bien commun. En prenant l'exemple de la région isolée du Nord du Ghana, cette exposition est consacrée à la croyance en la sorcellerie, qui fait des femmes les boucs émissaires privilégiés. De telles croyances existent dans de nombreuses régions du monde et ne se limitent en aucun cas aux milieux ruraux ou défavorisés en matière d'éducation. Aujourd'hui encore, des chasses aux sorcières ont lieu dans plus de 40 pays.

Lors d'un voyage commun à travers le Ghana et le Burkina Faso en 2005, les artistes Ann-Christine Woehrl et Senam Okudzeto se sont penchées sur la chasse aux sorcières contemporaine.

Les femmes accusées de sorcellerie sont au centre de Witches in Exile. La jalousie et l'envie, ainsi que l'accusation d'être responsables de maladies, de décès, de sécheresses et d'autres catastrophes, ont fait de ces femmes des marginales mises au ban de la société. Souvent en danger de mort, elles ont été exilées dans des camps dits "witch". Ces camps, dont il existe aujourd'hui huit au Ghana, se trouvent dans des régions très reculées, loin de la capitale Accra. Pour cette raison, peu de personnes étaient conscientes de leur existence à l'époque au Ghana. Ann-Christine Woehrl montre ces femmes dans toute leur dignité et leur vulnérabilité - et avec toute leur fierté - dans une série de portraits conceptuels saisissants.

Le contexte plus général des villages de sorcières et des portraits est illustré par Senam Okudzeto dans une installation multimédia - composée de photographies issues des archives élargies d'Ann-Christine Woehrl ainsi que de ses propres photos, dessins et peintures, réalisés spécialement pour cette exposition. Senam Okudzeto raconte leur voyage commun à travers le Ghana, dans la région du Nord, où Ann-Christine Woehrl et elle-même ont visité deux "witch camps" très différents - Kukuo et Gambaga. Les travaux d'Okudzeto et de Woehrl illustrent les disparités sociales et économiques qui existaient à l'époque entre les régions septentrionales, coupées du barrage de la Volta, et le centre du Ghana, qui se développait rapidement, ainsi que ses régions côtières avec sa capitale Accra. L'exposition tente ainsi de replacer la série de portraits, réalisée entre 2009 et 2013 dans les villages de Gambaga et Gushiegu, dans un contexte géographique, temporel, social, politique, religieux et économique plus complexe.

Le Museum Fünf Kontinente saisit l'occasion de l'actualité politique brûlante de ce thème au Ghana et du discours critique qui y est tenu sur la chasse aux sorcières et la fermeture des villages de sorcières pour montrer Witches in Exile à ce moment précis. L'historienne ghanéenne Gertrude Nkrumah se consacre pour cela aux questions sociopolitiques du débat actuel.

Ogni volta le comunità stigmatizzano ed emarginano le persone per un presunto bene comune. Utilizzando l'esempio della remota Regione del Nord, nel Ghana settentrionale, questa mostra è dedicata alla credenza nella stregoneria, che fa principalmente delle donne dei capri espiatori. Tali credenze esistono in molte regioni del mondo e non sono affatto limitate agli ambienti rurali o svantaggiati dal punto di vista dell'istruzione. Ancora oggi, la caccia alle streghe ha luogo in più di 40 Paesi.

Nel 2005, durante un viaggio congiunto attraverso il Ghana e il Burkina Faso, gli artisti Ann-Christine Woehrl e Senam Okudzeto si sono occupati della caccia alle streghe contemporanea.

Witches in Exile si concentra sulle donne accusate di stregoneria. L'invidia e il risentimento, così come le accuse di essere responsabili di malattie, morti, siccità e altri disastri, hanno trasformato queste donne in emarginate ostracizzate. Spesso in pericolo di vita, venivano esiliate nei cosiddetti "campi delle streghe". Questi campi, che oggi sono otto in Ghana, sono situati in aree molto remote, lontano dalla capitale Accra. Per questo motivo, all'epoca poche persone in Ghana erano a conoscenza della loro esistenza. Ann-Christine Woehrl mostra queste donne, in una serie di ritratti concettuali, in tutta la loro dignità e vulnerabilità - e con tutto il loro orgoglio.

Il contesto più ampio dei villaggi delle streghe e dei ritratti è illustrato da Senam Okudzeto in un'installazione multimediale - composta da fotografie provenienti dall'ampio archivio di Ann-Christine Woehrl e da fotografie, disegni e dipinti realizzati appositamente per questa mostra. Senam Okudzeto racconta il loro viaggio comune attraverso il Ghana nella Regione del Nord, dove lei e Ann-Christine Woehrl hanno visitato due "campi di streghe" molto diversi tra loro: Kukuo e Gambaga. Le opere di Okudzeto e Woehrl illustrano la disparità sociale ed economica che esisteva all'epoca tra le aree settentrionali isolate dal bacino idrico del Volta e il centro del Ghana in rapido sviluppo e le sue regioni costiere con la capitale Accra. In questo modo si cerca di collocare la serie di ritratti, realizzati tra il 2009 e il 2013 nei villaggi di Gambaga e Gushiegu, in un contesto geografico, temporale, sociale, politico, religioso e anche economico più complesso.

Il Museum Fünf Kontinente coglie l'attuale esplosività politica del tema in Ghana e il discorso critico sulla caccia alle streghe e sulla chiusura dei villaggi delle streghe come un'opportunità per mostrare Streghe in Esilio in questo momento. La storica ghanese Gertrude Nkrumah affronta le questioni socio-politiche del dibattito attuale.

Again and again, people are stigmatized and marginalized by communities for a supposed common good. Using the isolated Northern Region in northern Ghana as an example, this exhibition is dedicated to the belief in witchcraft, which primarily makes women scapegoats. Such beliefs exist in many regions of the world and are by no means limited to rural or educationally disadvantaged circles. Even today, witch hunts take place in more than 40 countries.

On a joint journey through Ghana to Burkina Faso in 2005, the artists Ann-Christine Woehrl and Senam Okudzeto dealt with contemporary witch hunts.

Witches in Exile focuses on women who have been accused of witchcraft. Envy and resentment, as well as accusations of being responsible for disease, deaths, droughts, and other disasters, turned these women into ostracized outsiders. Often in danger of death, they were exiled to so-called "witch camps." These camps, of which there are eight in Ghana today, are located in very remote areas, far from the capital Accra. For this reason, few people in Ghana at the time were aware of their existence. Ann-Christine Woehrl shows these women in a haunting conceptual portrait series in all their dignity and vulnerability - and with all their pride.

Senam Okudzeto illustrates the broader context of the witch villages and the portraits in a multimedia installation - consisting of photographs from Ann-Christine Woehrl's extended archive as well as her own photographs, drawings and paintings made especially for this exhibition. Senam Okudzeto talks about their joint journey through Ghana to the Northern Region, where she and Ann-Christine Woehrl visited two very different "witch camps" - Kukuo and Gambaga. Okudzeto and Woehrl's work illustrates the social and economic disparity that existed at the time between the northern areas cut off by the Volta Reservoir and the rapidly developing center of Ghana and its coastal regions with its capital, Accra. This attempts to place the series of portraits, made between 2009 and 2013 in the villages of Gambaga and Gushiegu, in a more complex geographical, temporal, social, political, religious and also economic context.

Museum Five Continents takes the current political explosiveness of the topic in Ghana and the critical discourse there about witch hunts and the closure of witch villages as an opportunity to show Witches in Exile at this time. The Ghanaian historian Gertrude Nkrumah addresses the socio-political questions of the current debate.

(Text: Museum fünf Kontinente, München)

Musée gruérien | Bulle
26. November 2023 – 26. Mai 2024

Esprits de la montagne
Daniel Pittet

Hat die Natur ein einziges Gesicht oder ist sie eine ständige Metamorphose, veränderlich und schwer fassbar? Der Fotograf Daniel Pittet gibt eine Antwort mit seinen Berggeistern, die den Landschaften ihre Züge verleihen, indem sie sich die Eigenschaften der Symmetrie zunutze machen.

Die Arbeit des Künstlers ist eine wahre Hymne an die Schönheit der Welt und regt uns dazu an, die tiefere Natur der Dinge, die uns umgeben, zu erforschen und in sie einzutauchen. Von seiner Intuition geleitet, begab sich der Fotograf mit Freiburger Wurzeln auf eine leidenschaftliche Suche nach diesen Berggeistern.

Manchmal fiel es ihm leicht, manchmal musste er stundenlang warten und suchen, bis sich die Geister offenbarten. Doch das Ergebnis kann sich sehen lassen: Auf rund 50 Bildern sehen wir, wie diese symmetrischen Formen vor unseren Augen erscheinen.

Die ersten Geister, die Daniel Pittet mit seinem Objektiv einfing, befanden sich am Fuße des Basodino-Gletschers im Tessin, doch inzwischen hat sich die Familie der Berggeister vergrößert.

Einige der Fotos wurden zuerst im Tal des Gletschers aufgenommen, dann in den Voralpen des Greyerzerlandes, in den Bündner und Walliser Alpen, in Island und sogar im Himalaya, was die universelle Dimension des Projekts unterstreicht.

Dank der Cello-Noten von Sara Oswald wird die Ausstellung in eine bezaubernde Klangatmosphäre getaucht. Das Ganze ist eine Einladung, die Welt um uns herum mit anderen Augen zu sehen, in der Natur nach Symmetrie zu suchen und nach Gesichtern Ausschau zu halten, die in Fels oder Eis gemeißelt sind.

Die Fotografien dieser Ausstellung werden in einem Buch veröffentlicht, das 2024 im Slatkine-Verlag erscheinen wird.

La nature revêt-elle un visage unique ou alors est-elle une métamorphose constante, changeante et insaisissable? Le photographe Daniel Pittet apporte une réponse via ses Esprits de la montagne qui prêtent leurs traits aux paysages en exploitant les propriétés delà symétrie.

Véritable hymne à la beauté du monde, le travail de l’artiste nous pousse à chercher la nature profonde de ce qui nous entoure et à nous en imprégner. Guidé par son intuition, le photographe d’origine fribourgeoise s’est lancé dans une quête passionnée à la rencontre de ces esprits de montagne.

Ces présences se révélèrent à lui, parfois facilement, parfois au prix de longues heures d'attente et de recherche. Mais le résultat est là: à travers une cinquantaine de clichés, nous voyons ces formes symétriques apparaître sous nos yeux.

Si les premiers esprits capturés par l’objectif de Daniel Pittet se situaient aux pieds du glacier du Basodino au Tessin, la famille des esprits de la montagne s’est depuis agrandie.

Certaines photographies ont d’abord été prises dans la vallé e où s’é coulent les eaux du mê me glacier et ensuite dans les Pré alpes de la Gruyère, dans les Alpes grisonnes et valaisannes, en Islande et même en Himalaya, affirmant ainsi la dimension universelle du projet.

Grâce aux notes de violoncelle de Sara Oswald, l’exposition est plongée dans une ambiance sonore envoûtante. Le tout forme alors une invitation à porter un regard différent sur le monde qui nous entoure, à chercher la symétrie dans la nature, à être à l’affût de visages gravés dans la roche ou dans la glace.

Les photographies de cette exposition seront publiées dans un livre à paraître en 2024 aux éditions Slatkine.

La natura ha un unico volto o è una metamorfosi costante, mutevole e sfuggente? Il fotografo Daniel Pittet fornisce una risposta con i suoi Esprits de la montagne, che conferiscono le loro caratteristiche ai paesaggi sfruttando le proprietà della simmetria.

Vero e proprio inno alla bellezza del mondo, l'opera dell'artista ci incoraggia a ricercare la natura profonda di ciò che ci circonda e a immergerci in essa. Guidato dalla sua intuizione, il fotografo friburghese ha intrapreso una ricerca appassionata per incontrare questi spiriti della montagna.

Queste presenze gli si sono rivelate, a volte facilmente, a volte a costo di lunghe ore di attesa e di ricerca. Ma il risultato è lì: attraverso una cinquantina di fotografie, vediamo apparire queste forme simmetriche davanti ai nostri occhi.

Se i primi spiriti catturati dall'obiettivo di Daniel Pittet si trovavano ai piedi del ghiacciaio del Basodino, in Ticino, da allora la famiglia degli spiriti di montagna si è allargata.

Alcune fotografie sono state scattate dapprima nella valle dove scorrono le acque dello stesso ghiacciaio, poi nelle Prealpi della Gruyère, nelle Alpi grigionesi e vallesane, in Islanda e persino sull'Himalaya, a conferma della dimensione universale del progetto.

Il violoncello di Sara Oswald aggiunge un'incantevole colonna sonora alla mostra. Il risultato è un invito a guardare in modo diverso il mondo che ci circonda, a cercare la simmetria nella natura, a essere alla ricerca di volti incisi nella roccia o nel ghiaccio.

Le fotografie di questa mostra saranno pubblicate in un libro che sarà edito nel 2024 da Slatkine.

Does nature have a single face, or is it a constant, changing, elusive metamorphosis? Photographer Daniel Pittet provides an answer with his Esprits de la montagne, which lend their features to landscapes by exploiting the properties of symmetry.

A veritable hymn to the beauty of the world, the artist's work encourages us to seek out and immerse ourselves in the profound nature of what surrounds us. Guided by his intuition, the Fribourg-born photographer embarked on a passionate quest to meet these mountain spirits.

These presences revealed themselves to him, sometimes easily, sometimes at the cost of long hours of waiting and searching. But the result is there: through some fifty photographs, we see these symmetrical forms appear before our very eyes.

While the first spirits captured by Daniel Pittet's lens were at the foot of the Basodino glacier in Ticino, the family of mountain spirits has since expanded.

Some of the photographs were first taken in the valley where the waters of the same glacier flow, and then in the Pre-Alps of Gruyère, in the Graubünden and Valais Alps, in Iceland and even in the Himalayas, thus affirming the universal dimension of the project.

Thanks to Sara Oswald's cello notes, the exhibition is immersed in an enchanting soundscape. The whole is an invitation to take a different look at the world around us, to search for symmetry in nature, to be on the lookout for faces etched in rock or ice.

The photographs from this exhibition will be published in a book due out in 2024 by Editions Slatkine.

(Text: Musée gruérien, Bulle)

Lumen Museum | Brunico
3. Dezember 2023 – 31. Oktober 2024

The Quiet
Lukas Schäfer

Wind.

Wolken,

Sonne,

Mond.

Sterne.

Wasser.

Leben.

Stille.

le vent.

Nuageux,

soleil,

la lune.

Les étoiles.

De l'eau.

La vie.

Le silence.

Vento.

Nubi,

sole,

luna.

Stelle.

Acqua.

Vita.

Silenzio.

Wind.

The clouds,

the sun,

the moon.

The stars.

Water.

Life.

The quiet.

Foto Colectania | Barcelona
18. Januar – 2. Juni 2024

El curso de los acontecimientos. Un atlas de la colección Foto Colectania

Eine Geschichte der modernen Fotografie in Spanien und Portugal

Die Sammlung Foto Colectania umfasst eine Sammlung von mehr als 3 000 Fotografien katalanischer, spanischer und portugiesischer Fotografen. Sie ist zweifellos die private Sammlung mit der umfassendsten Darstellung der Geschichte der Fotografie, die in der zweiten Hälfte des 20. Ihre Bilder zeugen von einem doppelten Modernisierungsprozess, dem des fotografischen Mediums selbst und dem der südeuropäischen Gesellschaften.

Modernisierung wurde jedoch oft gleichbedeutend mit Ikonisierung, Reduktion und Synthese der Realität durch ein emblematisches Bild. Es waren die Fotografien, die die Ereignisse prägten. Auch wenn jedes Ereignis viele weitere Versionen des Geschehens hätte hervorbringen können, erlangte nur eine den Status eines ikonischen Bildes. Eines, bei dem eine stillschweigende Zustimmung ausreicht, um es zu erkennen.

Vor dem Hintergrund dieser Bilder, deren Macht niemand bestreitet, bewahrt die Fotografie unzählige Momente und Sequenzen. Der halb entstellte Mann auf dem Foto von Xavier Miserachs mit dem Titel Carrer Pelai, Barcelona (1962) behält seine Ikonizität in Abhängigkeit von der Menge, der er angehört; das Porträt von General Franco, das Ramón Masats 1964 aufnahm, beruht auf einem Bild der Autorität, das mit dem Caudillismo, der in der einzelnen Figur konzentrierten Macht, verbunden ist.

Aber es gibt auch andere Arten von Ereignissen, kollektive Momente wie Demonstrationen, Prozessionen, Riten und ganz allgemein Menschenmengen, die den im Wesentlichen prozesshaften und quantitativen Charakter der Fotografie hervorrufen. Diese Momente erfordern mehr als nur ein Bild. Trotz der natürlichen Beschränkungen durch den Ausstellungsraum umfasst die Auswahl fast 160 Werke.

Une histoire de la photographie moderne en Espagne et au Portugal

La collection Foto Colectania rassemble plus de 3 000 photographies de photographes catalans, espagnols et portugais. Il s'agit sans aucun doute de la collection privée qui représente de la manière la plus exhaustive l'histoire de la photographie produite au cours de la seconde moitié du XXe siècle dans la péninsule ibérique. Ses images témoignent d'un double processus de modernisation, celui du médium photographique lui-même et celui des sociétés du sud de l'Europe.

Cependant, moderniser devient souvent synonyme d'iconiser, de réduire et de synthétiser la réalité par une image emblématique. Ce sont ces photographies qui ont façonné les événements. Même si chaque événement aurait pu donner lieu à de nombreuses autres versions de ce qui s'est passé, une seule a acquis le statut d'image emblématique. Celle à laquelle il suffit d'un accord tacite pour la reconnaître.

Face à ces images dont personne ne conteste le pouvoir, la photographie conserve d'innombrables instants et séquences. L'homme semi-défiguré de la photographie de Xavier Miserachs intitulée Carrer Pelai, Barcelone (1962) conserve son iconicité en fonction de la foule à laquelle il appartient ; le portrait du général Franco réalisé par Ramón Masats en 1964 repose sur une image d'autorité liée au caudillismo, au pouvoir concentré dans la figure individuelle.

Mais il existe d'autres types d'événements, des moments collectifs tels que les manifestations, les processions, les rites et, en général, les foules qui évoquent le caractère essentiellement processuel et quantitatif de la photographie. Ces moments nécessitent plus d'une image. Ainsi, malgré les limites naturelles imposées par l'espace d'exposition, la sélection rassemble près de 160 œuvres.

Una storia della fotografia moderna in Spagna e Portogallo

La Collezione Foto Colectania riunisce una raccolta di oltre 3.000 fotografie di fotografi catalani, spagnoli e portoghesi. Si tratta senza dubbio della collezione privata con la rappresentazione più esaustiva della storia della fotografia prodotta nella seconda metà del XX secolo nella penisola iberica. Le sue immagini testimoniano un duplice processo di modernizzazione, quello del mezzo fotografico stesso e quello delle società dell'Europa meridionale.

Tuttavia, modernizzare divenne spesso sinonimo di iconizzare, ridurre e sintetizzare la realtà con un'immagine emblematica. Sono state le fotografie a dare forma agli eventi. Anche se ogni evento avrebbe potuto dare origine a molte altre versioni di ciò che è accaduto, solo una ha acquisito lo status di immagine iconica. Un'immagine per la quale è sufficiente un tacito accordo per riconoscerla.

Sullo sfondo di quelle immagini di cui nessuno contesta il potere, la fotografia conserva innumerevoli istanti e sequenze. L'uomo semi-sfigurato nella fotografia di Xavier Miserachs intitolata Carrer Pelai, Barcellona (1962) mantiene la sua iconicità in funzione della folla a cui appartiene; il ritratto del generale Franco scattato da Ramón Masats nel 1964 si basa su un'immagine di autorità legata al caudillismo, al potere concentrato nella singola figura.

Ma ci sono altri tipi di eventi, momenti collettivi come manifestazioni, processioni, riti e, in generale, folle che evocano la natura essenzialmente processuale e quantitativa della fotografia. Questi momenti richiedono più di un'immagine. Così, nonostante le limitazioni naturali imposte dallo spazio espositivo, la selezione riunisce quasi 160 opere.

A history of modern photography in Spain and Portugal

The Foto Colectania Collection holds over 3.000 photographs by Catalan, Spanish and Portuguese authors. It is, undoubtedly, the most comprehensive private collection representing the history of photography during the second half of the 20th century in the Iberian Peninsula. Its images bear witness to a dual process of modernization, both within the photographic medium itself and that of southern European societies.

However, modernising often became a synonym for iconising, reducing and synthesising reality into an emblematic image. Those were the photographs that shaped the events. Although each event would have spawned many more versions of what happened, only one image acquired the iconic status. An image that is recognized with just a tacit agreement.

Contrary to these images whose power is undisputed, photography preserves countless moments and sequences. The semi-disfigured man in Xavier Miserachs’ photograph entitled Carrer Pelai, Barcelona (1962) maintains its iconicity in terms of the crowd to which he belongs; the portrait of General Franco taken by Ramon Masats in 1964 relies on an image of authority linked to autocracy, to power concentrated in the individual figure.

There are, though, other types of collective events–such as demonstrations, processions, rituals, crowds in general–that evoke the essentially processual and quantitative nature of photography. These moments require more than just one image. Hence, despite the natural limitations of the exhibition space, the selection brings together around 160 works.

Una historia de la fotografía moderna en España y Portugal

La Colección Foto Colectania reúne un fondo de más de 3.000 fotografías de autores catalanes, españoles y portugueses. Es, sin duda, la colección privada con una representación más exhaustiva de la historia de la fotografía realizada durante la segunda mitad del siglo XX en la península ibérica. Sus imágenes dan fe de un doble proceso de modernización, el del propio medio fotográfico y el de las sociedades del sur de Europa.

Sin embargo, modernizar a menudo se convirtió en sinónimo de iconizar, reducir y sintetizar la realidad con una imagen emblemática. Esas fueron las fotografías que dieron forma a los acontecimientos. Aunque cada hecho hubiera deparado muchas más versiones de lo ocurrido solo una adquiría el estatuto de la imagen icónica. Una a la que basta un acuerdo tácito para reconocerla.

A contrapelo de esas imágenes cuya potencia nadie discute, la fotografía preserva innumerables instantes y secuencias. El hombre semidesfigurado de la foto de Xavier Miserachs titulada Carrer Pelai, Barcelona (1962) mantiene su iconicidad en función de la multitud a la que pertenece; el retrato del general Franco realizado por Ramón Masats en 1964 se apoya en una imagen de la autoridad ligada al caudillismo, al poder concentrado en la figura individual.

Pero existen otro tipo de acontecimientos, momentos colectivos tales como las manifestaciones, procesiones, ritos y, en general, multitudes que evocan el carácter esencialmente procesual y cuantitativo de la fotografía. Esos instantes requieren más de una imagen. Así que a pesar de las limitaciones naturales que impone el espacio de la exposición, la selección reúne cerca de 160 obras.

(Text: Foto Colectania, Barcelona)

Kunstmuseum Solothurn
21. Januar – 12. Mai 2024

Zur Zeitlichkeit im Eis
Daniel Schwartz

Die Ausstellung gibt Einblicke in eine grosszügige Künstlerschenkung, die das Kunstmuseum 2022 entgegennehmen durfte.

Das ewige Eis ist nicht dauerhaft. Wer vor einen Gletscher tritt, erkennt in dessen heutiger Agonie auch die Spuren unseres Fortschritts und die Signale des Menschenzeitalters, des Anthropozäns. Seit den 1990er-Jahren beschäftigt sich Daniel Schwartz (*1955), der zu den international bekanntesten Fotografen seiner Generation zählt, mit der Klimakrise. In einem umfangreichen historischgeografischen Rechercheprojekt befasste er sich u. a. mit Gletschern als dynamische Systeme, an denen klimatische Veränderungen deutlich ablesbar sind. Entstanden sind eindrückliche Fotografien, Wort- und Kartenbilder an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft. Vor 20’000 Jahren überdeckte der Walliser Eisstrom auch die Landschaft um Solothurn. In seiner Heimat am Jurasüdfuss begann Daniel Schwartz seine Reise zu schmelzenden Gletschern auf vier Kontinenten. Teil dieses Projekts – 2017 publiziert unter dem Titel While the Fires Burn. A Glacier Odyssey – ist die 49-teilige Serie Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), die das Kunstmuseum Solothurn 2022 als Schenkung entgegennehmen durfte und die nun in einer Auswahl präsentiert wird. Die Werke von Daniel Schwartz zeigen den Gletscher als Speicher persönlicher Erinnerung, als archäologischen Fundort und als ungebremst schwindendes klimageschichtliches Archiv. In der glazialen Verschränkung von geologischer Tiefen- und individueller Lebenszeit stellen sich existentielle Fragen zu unserer Gegenwart und Zukunft.

L'exposition donne un aperçu d'une généreuse donation d'artiste que le Kunstmuseum a eu le plaisir de recevoir en 2022.

Les glaces éternelles ne sont pas permanentes. Celui qui s'avance devant un glacier reconnaît aussi dans son agonie actuelle les traces de notre progrès et les signaux de l'ère humaine, de l'anthropocène. Depuis les années 1990, Daniel Schwartz (*1955), qui compte parmi les photographes les plus connus de sa génération au niveau international, s'intéresse à la crise climatique. Dans le cadre d'un vaste projet de recherche historique et géographique, il s'est notamment intéressé aux glaciers en tant que systèmes dynamiques, sur lesquels les changements climatiques sont clairement visibles. Il en résulte des photographies, des images verbales et cartographiques impressionnantes, à la croisée de l'art et de la science. Il y a 20 000 ans, le courant glaciaire valaisan a également recouvert le paysage autour de Soleure. C'est dans son pays natal, au pied du Jura, que Daniel Schwartz a commencé son voyage à la découverte des glaciers en train de fondre sur quatre continents. Une partie de ce projet - publié en 2017 sous le titre While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - est la série de 49 épisodes Ice Age Our Age / L'âge de glace - le temps présent. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), que le Kunstmuseum Solothurn a eu le plaisir de recevoir en donation en 2022 et dont une sélection est maintenant présentée. Les œuvres de Daniel Schwartz montrent le glacier comme un réservoir de souvenirs personnels, comme un lieu de découverte archéologique et comme des archives de l'histoire du climat qui disparaissent sans aucun frein. Dans l'imbrication glaciaire des profondeurs géologiques et du temps de vie individuel se transmettent des questions existentielles sur notre présent et notre avenir.

La mostra offre una panoramica sul generoso dono di un artista che il Kunstmuseum ha ricevuto nel 2022.

Il ghiaccio eterno non è permanente. Chiunque passi davanti a un ghiacciaio riconoscerà le tracce del nostro progresso e i segnali dell'era umana, l'Antropocene, nella sua agonia attuale. Daniel Schwartz (*1955), uno dei fotografi più riconosciuti a livello internazionale della sua generazione, si occupa di crisi climatica fin dagli anni '90. In un ampio progetto di ricerca storico-geografica, si è concentrato sui ghiacciai come sistemi dinamici in cui i cambiamenti climatici sono chiaramente visibili. Il risultato sono fotografie, immagini e mappe di grande effetto, all'interfaccia tra arte e scienza. 20.000 anni fa, la colata di ghiaccio del Vallese ricopriva anche il paesaggio intorno a Soletta. Daniel Schwartz ha iniziato il suo viaggio verso lo scioglimento dei ghiacciai di quattro continenti dalla sua casa ai piedi del Giura. Parte di questo progetto - pubblicato nel 2017 con il titolo While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - è la serie in 49 parti Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), che il Kunstmuseum Solothurn ha ricevuto in donazione nel 2022 e che ora viene presentata in una selezione. Le opere di Daniel Schwartz mostrano il ghiacciaio come deposito di memoria personale, come sito archeologico e come archivio della storia del clima che sta scomparendo a un ritmo inarrestabile. L'intreccio glaciale tra profondità geologica e vite individuali solleva domande esistenziali sul nostro presente e futuro.

The exhibition provides insights into a generous gift from an artist that the Kunstmuseum received in 2022.

The eternal ice is not permanent. Anyone who steps in front of a glacier will recognize in its present-day agony the traces of our progress and the signals of the human age, the Anthropocene. Daniel Schwartz (*1955), who is one of the most internationally renowned photographers of his generation, has been working on the climate crisis since the 1990s. In an extensive historical-geographical research project, he focused on glaciers, among other things, as dynamic systems in which climatic changes are clearly visible. The result is impressive photographs, word pictures and maps at the interface between art and science. 20,000 years ago, the Valais ice flow also covered the landscape around Solothurn. Daniel Schwartz began his journey to melting glaciers on four continents from his home at the southern foot of the Jura. Part of this project - published in 2017 under the title While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - is the 49-part series Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), which was donated to the Kunstmuseum Solothurn in 2022 and is now being presented in a selection. Daniel Schwartz's works show the glacier as a repository of personal memory, as an archaeological site and as an archive of climate history that is disappearing at an unstoppable rate. The glacial interweaving of geological depth and individual lifetimes raises existential questions about our present and future.

(Text: Kunstmuseum Solothurn)

Foam | Amsterdam
25. Januar – 1. Mai 2024

Felipe Romero Beltrán - winner of the Foam Paul Huf Award 2023

Im Jahr 2023 gewann Felipe Romero Beltrán die 17. Ausgabe des Foam Paul Huf Award. Nun ist Foam stolz darauf, seine Einzelausstellung Dialekt anzukündigen. Die Ausstellung zeigt die Reise einer Gruppe junger marokkanischer Männer nach ihrer Ankunft von einer gefährlichen Reise über das Meer nach Spanien. Romero Beltrán entwirft eine multimediale Erzählung über die Jungen, die zu jungen Männern werden und sich in Spanien durch eine Zeit der rechtlichen Ungewissheit bewegen. Durch seine Arbeit beleuchtet Romero Beltrán Themen wie Entfremdung und soziale Ungleichheit von Migranten in der heutigen Gesellschaft.

Der in Kolumbien geborene Romero Beltrán konzentriert sich in seiner Arbeit häufig auf gesellschaftliche Themen, die er über mehrere Jahre hinweg verfolgt. Für Dialect hat er das Leben dieser jungen Erwachsenen drei Jahre lang dokumentiert - der Zeitraum, der nötig ist, um das legale Verfahren zur Erlangung der Staatsbürgerschaft zu durchlaufen. Nach einer gefahrvollen Reise, bei der sie die Straße von Gibraltar, die Seegrenze zwischen Marokko und Spanien, überquert haben, haben sich die jungen Männer in Sevilla niedergelassen. Während ihr rechtlicher Status geprüft wird, befinden sich diese jungen Männer in einer Leere: entfremdet von der Vertrautheit ihres Heimatlandes und getrennt von einer neuen Gesellschaft, an der sie nicht teilhaben können. Selbst wenn es ihnen gelingt, aus dem rechtlichen Vakuum herauszutreten, bleiben sie "die Anderen" und fühlen sich in ihrer neuen Wahlheimat entfremdet.

Romero Beltrán setzt in seinem Werk auf eine starke, fast filmische Rahmung. Er kombiniert Dokumentarfotografie mit Elementen der Performance und Choreografie. Neben seinen Fotografien werden in der Ausstellung auch Videoarbeiten und eine Installation zu sehen sein, die eine Antwort auf den unzugänglichen Papierkram darstellen, den dieser rechtliche Prozess mit sich bringt. Felipe Romero Beltrán zeigt in seiner Praxis eine kraftvolle, menschliche Art: Thema und Methode seiner Arbeit sind untrennbar mit ihm als Person und Künstler verbunden. Sein eigener Hintergrund als Migrant aus Kolumbien und seine aufrichtige Zuneigung zu seinen Themen leiten seine Vision und Perspektive.

Der Dialekt ist ein starkes Stück Widerstand gegen die komplexe und beschwerliche Reise der Vertriebenen. Eine Gruppe von Menschen, die von Jahr zu Jahr größer wird.

En 2023, Felipe Romero Beltrán a remporté la 17e édition du Foam Paul Huf Award. Aujourd'hui, Foam est fier d'annoncer son exposition personnelle Dialect. L'exposition retrace le parcours d'un groupe de jeunes Marocains après leur dangereuse traversée de la mer vers l'Espagne. Romero Beltrán crée un récit multimédia dans lequel les garçons deviennent de jeunes hommes, naviguant dans une période de vide juridique en Espagne. Par son travail, Romero Beltrán met en lumière des questions telles que l'aliénation et l'inégalité sociale des migrants dans la société d'aujourd'hui.

Né en Colombie, Romero Beltrán se concentre souvent dans sa pratique sur des questions sociétales où il suit ses sujets pendant plusieurs années. Pour Dialect, il a documenté la vie de ces jeunes adultes pendant trois ans - la période nécessaire pour passer par le processus légal d'obtention de la citoyenneté. Après un voyage périlleux au cours duquel ils ont traversé le détroit de Gibraltar, la frontière maritime entre le Maroc et l'Espagne, ces jeunes hommes se sont installés à Séville. Alors que leur statut juridique est en cours d'examen, ces jeunes hommes se retrouvent dans le vide : éloignés de la familiarité de leur pays d'origine et séparés d'une nouvelle société à laquelle ils ne peuvent prendre part. Même lorsqu'ils parviennent à sortir du vide juridique, ils restent "les autres" et éprouvent un sentiment d'aliénation dans ce nouveau pays d'adoption.

Romero Beltrán s'appuie sur un cadrage fort, presque cinématographique, dans son travail. Il combine la photographie documentaire avec des éléments de performance et de chorégraphie. Parallèlement à ses photographies, l'exposition présentera des travaux vidéo et comprendra une installation en réponse à l'inaccessibilité de la paperasserie qu'entraîne ce processus juridique. Felipe Romero Beltrán fait preuve d'une grande humanité dans sa pratique : le sujet et la méthode de son travail sont intrinsèquement liés à la personne et à l'artiste qu'il est. Son propre passé de migrant colombien et son affection sincère pour ses sujets guident sa vision et sa perspective.

Le dialecte est une pièce de résistance puissante contre le parcours complexe et ardu des personnes déplacées. Un groupe de personnes qui s'agrandit d'année en année.

Nel 2023 Felipe Romero Beltrán ha vinto la 17a edizione del Premio Foam Paul Huf. Ora Foam è orgoglioso di annunciare la sua mostra personale Dialect. L'esposizione riprende il viaggio di un gruppo di giovani marocchini dopo il loro arrivo da un pericoloso viaggio attraverso il mare verso la Spagna. Romero Beltrán crea una narrazione multimediale dei ragazzi che diventano giovani uomini, attraversando un periodo di limbo legale in Spagna. Attraverso il suo lavoro, Romero Beltrán fa luce su questioni quali l'alienazione e l'iniquità sociale dei migranti nella società odierna.

Nato in Colombia, Romero Beltrán si concentra spesso su questioni sociali, seguendo i suoi soggetti per diversi anni. Per Dialect ha documentato le vite di questi giovani adulti per tre anni, il periodo necessario per affrontare il processo legale per ottenere la cittadinanza. Dopo un viaggio pericoloso in cui hanno attraversato lo Stretto di Gibilterra, il confine marittimo tra Marocco e Spagna, questi giovani si sono stabiliti a Siviglia. Mentre il loro status legale viene esaminato, questi giovani si trovano in un vuoto: estranei alla familiarità del loro paese d'origine e separati da una nuova società a cui non possono partecipare. Anche quando riescono a uscire dal vuoto giuridico, rimangono "gli altri", sperimentando un senso di alienazione in questo nuovo Paese di adozione.

Romero Beltrán si affida a un'inquadratura forte, quasi cinematografica, nel suo lavoro. Combina la fotografia documentaria con elementi di performance e coreografia. Accanto alle sue fotografie, la mostra presenterà lavori video e includerà un'installazione come risposta all'inaccessibilità delle pratiche legali. Felipe Romero Beltrán mostra una forte umanità nella sua pratica: il soggetto e il metodo del suo lavoro sono intrinsecamente legati a lui come persona e artista. Il suo background di migrante colombiano e il suo sincero affetto verso i soggetti guidano la sua visione e la sua prospettiva.

Dialect è una potente pièce de resistance contro il complesso e arduo viaggio di coloro che sono stati sfollati. Un gruppo di persone che cresce di anno in anno.

In 2023, Felipe Romero Beltrán won the 17th edition of the Foam Paul Huf Award. Now Foam is proud to announce his solo exhibition Dialect. The exhibition captures the journey of a group of young Moroccan men after their arrival from a dangerous journey crossing the sea to Spain. Romero Beltrán creates a multimedia narrative of the boys becoming young men, navigating a period of legal limbo in Spain. Through his work, Romero Beltrán sheds light on issues such as alienation and social inequity of migrants in today’s society.

Born in Colombia, Romero Beltrán often focuses in his practice on societal issues where he follows his subjects for several years. For Dialect he documented the lives of these young adults for three years –the period it takes to go through the legal process of obtaining citizenship. After a perilous journey where they have crossed the Strait of Gibraltar; the maritime border between Morocco and Spain, these young men settled in Seville. While their legal status is being reviewed, these young men find themselves in a void: estranged from the familiarity of their home country and separated from a new society they can’t take part in. Even when they manage to step out of the legal vacuum, they remain ‘the others’ , experiencing a sense of alienation in this newly adopted country.

Romero Beltrán relies on a strong, almost cinematic framing in his work. He combines documentary photography with elements of performance and choreography. Alongside his photography, the exhibition will showcase videowork and include an installation as a response to the inaccessible paperwork this legal process brings along. Felipe Romero Beltrán displays a powerful humane manner in his practice: the subject and method of his work are intrinsically connected to him as a person and artist. His own background as a migrant from Colombia and his sincere affection towards his subjects guide his vision and perspective.

Dialect is a powerful pièce the resistance against the complex and arduous journey of those who have been displaced. A group of people that is growing with each passing year.

(Text: Foam, Amsterdam)

Neue Nationalgalerie | Berlin
26. Januar – 24. April 2024

Josephine Baker. Icon in Motion

1925/26 trat Josephine Baker (1906-1975) zum ersten Mal mit der „Revue Nègre“ im Nelson Theater am Kurfürstendamm Berlin auf; Anlässlich des bevorstehenden 100-jährigen Jubiläums hat die Neue Nationalgalerie Berlin eine Ausstellung über Josephine Bakers Schaffen in Tanz, Musik, Film und anderen Disziplinen sowie ihre inspirierende Rolle nicht nur als Künstlerin, sondern auch als Widerstandskämpferin, Bürgerrechtlerin und kulturelle Leitfigur konzipiert.

Die Neue Nationalgalerie hatte bereits vor zwei Jahren Pläne für eine kleine, fokussierte Ausstellung zu Josephine Baker angekündigt und die Kuratorin der letztjährigen Josephine-Baker-Ausstellung in der Bundeskunsthalle Bonn, Dr. Mona Horncastle, eingeladen, ihre biografische Ausstellung als eine der Grundlagen für die Berliner Präsentation zu nutzen. Darüber hinaus hat die Neue Nationalgalerie die Filmwissenschaftlerin Dr. Terri Francis eingeladen, die Rolle und den Einfluss von Josephine Baker als „Icon in Motion“, als filmische Pionierin, die das bewegte Bild für immer verändert hat, und ihren Einfluss auf die zeitgenössische künstlerische Praxis zu untersuchen. Klaus Biesenbach lud die Künstlerin Kandis Williams und die Design Agentur Any Studio ein, eine einheitliche Form für die Zusammenführung dieser beiden unterschiedlichen Quellen zu entwickeln.

Die kleine Berliner Ausstellung fügte nicht nur einen Schwerpunkt auf den Film und Bakers künstlerisches Schaffen hinzu, sondern auch Beiträge zeitgenössischer Künstler*innen, um die anhaltende Inspiration zu visualisieren, die Josephine Baker bis heute ausübt. Die Ausstellung reflektiert darüber hinaus die veränderte Rolle der afro-amerikanischen Künstlerin in unserem zeitgenössischen Diskurs und die Art und Weise, wie wir historische und gegenwärtige Menschen und öffentliche Persönlichkeiten beschreiben und über sie sprechen.

Kuratorisches Team
Die Form der Berliner Ausstellung wurde von Klaus Biesenbach mit der Künstlerin Kandis Williams entwickelt. Dr. Terri Francis, Professorin für Filmkunst an der University of Miami, steuerte die Erweiterung auf das filmische Schaffen und den andauernden Einfluss auf die zeitgenössische Kunst hinzu. Dr. Mona Horncastle, Kuratorin der Ausstellung „Josephine Baker. Freiheit - Gleichheit - Menschlichkeit“ in der Bundeskunsthalle in Bonn, steuerte die biographischen Aspekte der Ausstellung bei.

Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin in Zusammenarbeit mit der Bundeskunsthalle in Bonn

En 1925/26, Joséphine Baker (1906-1975) s'est produite pour la première fois avec la "Revue Nègre" au Nelson Theater am Kurfürstendamm de Berlin ; à l'occasion de son prochain centenaire, la Neue Nationalgalerie de Berlin a conçu une exposition sur l'œuvre de Joséphine Baker dans la danse, la musique, le cinéma et d'autres disciplines ainsi que sur son rôle inspirant non seulement en tant qu'artiste, mais aussi en tant que résistante, militante des droits civiques et figure de proue de la culture.

La Neue Nationalgalerie avait déjà annoncé il y a deux ans des plans pour une petite exposition ciblée sur Joséphine Baker et avait invité la conservatrice de l'exposition Joséphine Baker de l'année dernière à la Bundeskunsthalle de Bonn, Dr. Mona Horncastle, à utiliser son exposition biographique comme l'une des bases de la présentation berlinoise. En outre, la Neue Nationalgalerie a invité le Dr Terri Francis, spécialiste du cinéma, à étudier le rôle et l'influence de Joséphine Baker en tant qu'"icône en mouvement", pionnière cinématographique qui a changé à jamais le visuel en mouvement, et son influence sur la pratique artistique contemporaine. Klaus Biesenbach a invité l'artiste Kandis Williams et l'agence de design Any Studio à développer une forme unique pour réunir ces deux sources différentes.

La petite exposition berlinoise a non seulement ajouté un accent sur le film et la création artistique de Baker, mais aussi des contributions d'artistes contemporains* afin de visualiser l'inspiration continue que Joséphine Baker exerce encore aujourd'hui. L'exposition réfléchit en outre à l'évolution du rôle de l'artiste afro-américaine dans notre discours contemporain et à la manière dont nous décrivons et parlons des personnes historiques et contemporaines et des personnalités publiques.

Équipe de commissaires d'exposition
La forme de l'exposition berlinoise a été développée par Klaus Biesenbach avec l'artiste Kandis Williams. Dr Terri Francis, professeur de cinéma à l'université de Miami, a ajouté l'élargissement à la création cinématographique et l'influence continue sur l'art contemporain. Mona Horncastle, commissaire de l'exposition "Joséphine Baker. Freiheit - Gleichheit - Menschlichkeit" à la Bundeskunsthalle de Bonn, a apporté sa contribution aux aspects biographiques de l'exposition.

Une exposition temporaire de la Nationalgalerie - Staatliche Museen zu Berlin en collaboration avec la Bundeskunsthalle de Bonn.

Nel 1925/26, Josephine Baker (1906-1975) si esibì per la prima volta con la "Revue Nègre" al Teatro Nelson di Kurfürstendamm a Berlino; in occasione dell'imminente centenario, la Neue Nationalgalerie di Berlino ha concepito una mostra sul lavoro di Josephine Baker nella danza, nella musica, nel cinema e in altre discipline, nonché sul suo ruolo ispiratore non solo come artista, ma anche come combattente della resistenza, attivista per i diritti civili e leader culturale.

La Neue Nationalgalerie aveva già annunciato due anni fa l'intenzione di allestire una piccola mostra su Josephine Baker e aveva invitato la curatrice della mostra su Josephine Baker allestita l'anno scorso alla Bundeskunsthalle di Bonn, Mona Horncastle, a utilizzare la sua mostra biografica come base per la presentazione berlinese. Inoltre, la Neue Nationalgalerie ha invitato la dottoressa Terri Francis, studiosa di cinema, a esaminare il ruolo e l'influenza di Josephine Baker come "icona in movimento", una pioniera del cinema che ha cambiato per sempre l'immagine in movimento, e la sua influenza sulla pratica artistica contemporanea. Klaus Biesenbach ha invitato l'artista Kandis Williams e l'agenzia di design Any Studio a sviluppare una forma unitaria per riunire queste due diverse fonti.

La piccola mostra berlinese ha aggiunto non solo un focus sul cinema e sulla pratica artistica della Baker, ma anche contributi di artisti contemporanei per visualizzare l'ispirazione duratura che Josephine Baker continua a esercitare oggi. La mostra riflette anche sul ruolo mutevole dell'artista afroamericana nel nostro discorso contemporaneo e sul modo in cui descriviamo e parliamo di persone e personaggi pubblici storici e contemporanei.

Il team curatoriale
La forma della mostra di Berlino è stata sviluppata da Klaus Biesenbach con l'artista Kandis Williams. La dott.ssa Terri Francis, docente di Arti Cinematografiche presso l'Università di Miami, ha contribuito all'estensione della creazione cinematografica e all'influenza continua sull'arte contemporanea. Mona Horncastle, curatrice della mostra "Josephine Baker. Freedom - Equality - Humanity" alla Bundeskunsthalle di Bonn, ha contribuito agli aspetti biografici della mostra.

Una mostra speciale della Nationalgalerie - Staatliche Museen zu Berlin in collaborazione con la Bundeskunsthalle di Bonn.

In 1925/26 Josephine Baker (1906-1975) appeared for the first time with the Revue Nègre at the Nelson Theater on Kurfürstendamm Berlin; reflecting on this upcoming centennial and therefore on the history of the 20th century, Neue Nationalgalerie Berlin created an exhibition about Josephine Baker’s work in dance, music, film, amongst other disciplines, and her inspirational role not only as an artist but also as a resistance fighter, civil rights activist, and inspirational cultural figure.

Neue Nationalgalerie announced plans for a small, focused Josephine Baker exhibition about two years ago and invited the curator of last year’s Bundeskunsthalle Bonn Josephine Baker exhibition, Dr. Mona Horncastle to use her biographical exhibition as one basis of the Berlin presentation. In addition, Neue Nationalgalerie invited film scholar Dr. Terri Francis to look at Josephine Baker’s role and influence as “Icon in Motion” as a cinematic pioneer that forever changed the moving picture and her impact in contemporary artistic practice. In order to put together these two sources, Klaus Biesenbach invited the artist Kandis Williams and the design agency Any Studio to develop a cohesive form for this blending of sources.

The modestly sized Berlin exhibition added not only a focus on film, but also a contribution of contemporary artists to visualize the lasting inspiration that the figure of Josephine Baker maintains to this day. The exhibition further reflects on the changed role of the African-American artist in our contemporary discourse and how we describe and talk about historical and present-day persons/personae.

Curators
The Exhibition form for Berlin is conceived by Klaus Biesenbach and Kandis Williams. Icon in Motion: film and contemporary impact are curated by Dr. Terri Francis, Professor of Film Art at the University of Miami, and biographical presentation is curated by Dr. Mona Horncastle, based on her exhibition “Josephine Baker. Freedom - Equality - Humanity” at the Bundeskunsthalle in Bonn.

A special exhibition of the Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin in collaboration with the Bundeskunsthalle in Bonn

(Text: Neue Nationalgalerie, Berlin)

Museum der Moderne | Salzburg
26. Januar – 16. Juni 2024

QUEENDOM. Navigating Future Codes
Ilit Azoulay

Ilit Azoulay (1972 Jaffa, IL – Berlin, DE) ist eine israelische Künstlerin mit marokkanischen Wurzeln. In ihrer interdisziplinären Kunstpraxis bricht sie mit der traditionellen einlinsigen Perspektive der Fotokamera und setzt Bilder auf der Grundlage umfangreicher Forschungsdaten neu zusammen. Sie stellt Fragen zu den Mechanismen von Geschichtsschreibung, kultureller Aneignung und Praktiken der Empathie.

Ilit Azoulay überwindet Beschränkungen nationaler und männlicher Repräsentationen und öffnet Wege in einen vernetzten Nahen Osten, wo Identitäten fließend sind und Komplexität geschätzt wird. Das Queendom (engl. Königinnenreich), das von der Kunst regiert wird, scheint aus einem totalen Systemabsturz hervorgegangen zu sein. Es ist ein tief verwurzeltes Reich aus der Zukunft, in dem Geschichten aus unterschiedlichen Zeiten und Ursprüngen zusammengewachsen sind. Die Künstlerin visualisiert mit digitalem Kunsthandwerk das Nachleben von Bildern und ihre Verwandlungen, wobei sie die Geschichte der Aneignung und die fehlenden Glieder in ihren Wissensgeografien hervorhebt. Die zehn Paneele von QUEENDOM werden erstmals unter Einbeziehung des Archivs von David Storm Rice, eines Forschers für mittelalterliche Metallgefäße der islamischen Kunst, und dem daraus entwickelten Archiv der Künstlerin selbst ergänzt.

Kuratorin: Tina Teufel

Ilit Azoulay (1972 Jaffa, IL - Berlin, DE) est une artiste israélienne d'origine marocaine. Dans sa pratique artistique interdisciplinaire, elle rompt avec la perspective traditionnelle unidirectionnelle de l'appareil photo et recompose des images sur la base de données de recherche étendues. Elle s'interroge sur les mécanismes d'écriture de l'histoire, l'appropriation culturelle et les pratiques d'empathie.

Ilit Azoulay dépasse les restrictions des représentations nationales et masculines et ouvre des voies vers un Moyen-Orient interconnecté, où les identités sont fluides et où la complexité est appréciée. Le Queendom (royaume des reines en anglais), gouverné par l'art, semble être né d'un effondrement total du système. C'est un royaume profondément enraciné dans le futur, dans lequel des histoires de différentes époques et origines ont fusionné. L'artiste utilise l'artisanat numérique pour visualiser la rémanence des images et leurs transformations, en mettant en évidence l'histoire de l'appropriation et les chaînons manquants dans ses géographies du savoir. Les dix panneaux de QUEENDOM sont complétés pour la première fois en intégrant les archives de David Storm Rice, un chercheur en vases métalliques médiévaux de l'art islamique, et les archives de l'artiste elle-même qui en découlent.

Commissaire d'exposition : Tina Teufel

Ilit Azoulay (1972 Jaffa, IL - Berlino, DE) è un'artista israeliana con radici marocchine. Nella sua pratica artistica interdisciplinare, rompe con la tradizionale prospettiva a obiettivo singolo della macchina fotografica e riassembla le immagini sulla base di ampi dati di ricerca. Si interroga sui meccanismi della storiografia, sull'appropriazione culturale e sulle pratiche di empatia.

Ilit Azoulay supera i limiti delle rappresentazioni nazionali e maschili e apre la strada a un Medio Oriente in rete, dove le identità sono fluide e la complessità è valorizzata. Il Queendom, governato dall'arte, sembra essere emerso da un totale collasso sistemico. È un regno profondamente radicato nel futuro, in cui sono cresciute insieme storie di epoche e origini diverse. L'artista utilizza l'artigianato digitale per visualizzare l'aldilà delle immagini e le loro trasformazioni, evidenziando la storia dell'appropriazione e gli anelli mancanti nelle loro geografie della conoscenza. I dieci pannelli di QUEENDOM sono integrati per la prima volta con l'inclusione dell'archivio di David Storm Rice, ricercatore di vasi metallici medievali dell'arte islamica, e dell'archivio sviluppato dall'artista stessa.

Curatore: Tina Teufel

Ilit Azoulay (1972 Jaffa, IL - Berlin, DE) is an Israeli artist with Moroccan roots. In her interdisciplinary art practice, she breaks with the traditional single-lens perspective of the photographic camera and reassembles images on the basis of extensive research data. She poses questions about the mechanisms of historiography, cultural appropriation and practices of empathy.

Ilit Azoulay overcomes the limitations of national and masculine representations and opens up pathways to a networked Middle East where identities are fluid and complexity is valued. The Queendom, ruled by art, seems to have emerged from a total systemic collapse. It is a deeply rooted realm from the future, in which stories from different times and origins have grown together. The artist uses digital craftsmanship to visualize the afterlife of images and their transformations, highlighting the history of appropriation and the missing links in their geographies of knowledge. The ten panels of QUEENDOM are supplemented for the first time by incorporating the archive of David Storm Rice, a researcher of medieval metal vessels of Islamic art, and the artist's own archive developed from it.

Curator: Tina Teufel

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

C/O Berlin
27. Januar – 23. Mai 2024

Bannkörbe . C/O Berlin Talent Award 2023
Aladin Borioli

Auf den ersten Blick ist ein bizarres, in Holz geschnitztes Gesicht zu erkennen. Die schmale Öffnung, die den Mund darstellt, ist jedoch weitaus mehr: Sie ist der Eingang in die faszinierende Welt der Bienen. Was wir sehen ist einer von nur wenigen erhaltenen Bannkörben – ein Bienenstock, hergestellt aus organischen Materialien wie Holz, Stroh und Kuhdung, nach der norddeutschen Kunstwerkstradition. Neben der Beheimatung von Bienen diente der Korb mit seiner charakteristischen Maske auch der Abwehr vor dem ‚bösen Blick‘ und Honigdieben. Aladin Borioli (*1988, Schweiz), Gewinner des C/O Berlin Talent Award 2023 – Artist, untersucht in seinem recherchebasierten Projekt Bannkörbe anhand von Fotografien, archivarischem Material und teilnehmender Beobachtung das Zusammenleben von Menschen und Bienen sowie alternative Methoden der Imkerei. Mit Beharrlichkeit, Einfallsreichtum und der Methodik der ‚visuellen Anthropologie‘ bewegt sich Borioli in seiner kollaborativen Praxis zwischen Kunst und Wissenschaft, Fotografie, Philosophie und Feldforschung. C/O Berlin präsentiert seine erste institutionelle Einzelausstellung. Eine ausstellungsbegleitende Publikation erscheint bei Spector Books. Sie enthält neben einem Interview mit dem Künstler auch einen Essay von Bas Blaasse, Gewinner des C/O Berlin Talent Award 2023 in der Position Theorist.

Seit 2020 wird der C/O Berlin Talent Award durch die Alexander Tutsek-Stiftung ermöglicht.

Au premier coup d'œil, on distingue un visage bizarre sculpté dans le bois. Mais l'ouverture étroite qui représente la bouche est bien plus que cela : c'est l'entrée dans le monde fascinant des abeilles. Ce que nous voyons est l'une des rares ruches banales conservées - une ruche fabriquée à partir de matériaux organiques comme le bois, la paille et la bouse de vache, selon la tradition des œuvres d'art du nord de l'Allemagne. Outre le fait d'abriter des abeilles, la corbeille avec son masque caractéristique servait également à se défendre contre le 'mauvais œil' et les voleurs de miel. Aladin Borioli (*1988, Suisse), lauréat du C/O Berlin Talent Award 2023 - Artist, étudie dans son projet Bannkörbe, basé sur des recherches, la cohabitation entre les hommes et les abeilles ainsi que les méthodes alternatives d'apiculture à l'aide de photographies, de matériel d'archives et d'observations participantes. Avec persévérance, ingéniosité et la méthodologie de l''anthropologie visuelle', Borioli évolue dans sa pratique collaborative entre art et science, photographie, philosophie et recherche sur le terrain. C/O Berlin présente sa première exposition individuelle institutionnelle. Une publication accompagnant l'exposition est publiée par Spector Books. Outre une interview de l'artiste, elle contient un essai de Bas Blaasse, lauréat du C/O Berlin Talent Award 2023 dans la position de théoricien.

Depuis 2020, le C/O Berlin Talent Award est rendu possible grâce à la fondation Alexander Tutsek.

A prima vista si riconosce un bizzarro volto scolpito nel legno. Tuttavia, la stretta apertura che rappresenta la bocca è molto di più: è l'ingresso all'affascinante mondo delle api. Quello che vediamo è uno dei pochi alveari sopravvissuti - un alveare realizzato con materiali organici come legno, paglia e sterco di mucca, secondo la tradizione artistica della Germania settentrionale. Oltre a ospitare le api, il cesto con la sua caratteristica maschera serviva anche a difendersi dal "malocchio" e dai ladri di miele. Nel suo progetto Bannkörbe, basato sulla ricerca, Aladin Borioli (*1988, Svizzera), vincitore del C/O Berlin Talent Award 2023 - Artist, utilizza fotografie, materiale d'archivio e l'osservazione dei partecipanti per indagare sulla coesistenza di uomini e api e sui metodi alternativi di apicoltura. Con perseveranza, ingegno e la metodologia dell'"antropologia visiva", la pratica collaborativa di Borioli si muove tra arte e scienza, fotografia, filosofia e ricerca sul campo. C/O Berlin presenta la sua prima mostra personale istituzionale. Una pubblicazione che accompagna la mostra sarà edita da Spector Books. Oltre a un'intervista con l'artista, contiene anche un saggio di Bas Blaasse, vincitore del C/O Berlin Talent Award 2023 nella posizione Theorist.

Dal 2020, il C/O Berlin Talent Award è reso possibile dalla Alexander Tutsek-Stiftung.

At first glance, you see a bizarre face carved into wood. However, the narrow “mouth” is also the entryway to a fascinating world of bees. This is one of only a few preserved beehives made from organic materials such as wood, straw, and cow dung in the northern German artisanal tradition. In addition to sheltering bees, the container with its characteristic face also serves as protection against the “evil eye” and honey thieves. Aladin Borioli (b. 1988, Switzerland) is the winner of the C/O Berlin Talent Award 2023 – Artist. In his research-based project, Bannkörbe, he uses photographs, archival material, and participatory observation to investigate the coexistence of humans and bees as well as alternative methods of beekeeping. With perseverance, ingenuity, and a visual anthropology approach, Borioli’s collaborative practice moves between art and science, photography, philosophy, and field research. C/O Berlin presents his first solo institutional exhibition. A publication accompanying the exhibition will be published by Spector Books. In addition to an interview with the artist, it also contains an essay by Bas Blaasse, who won the C/O Berlin Talent Award 2023 in the Theorist category.

Since 2020, the C/O Berlin Talent Award has been made possible by the Alexander Tutsek-Stiftung.

(Text: C/O Berlin)

C/O Berlin
27. Januar – 23. Mai 2024

VALIE EXPORT – Retrospektive

Die Ausstellung präsentiert das facettenreiche Schaffen einer der bedeutendsten Medien- und Performancekünstler:innen des 20. Jahrhunderts. VALIE EXPORT (*1940, Österreich) gilt international als wegweisende Künstlerin, die mit ihrer medienreflexiven Praxis und feministischen Kritik gesellschaftliche Normen und Rollenbilder herausfordert. Von ihren frühen provokanten Expanded-Cinema-Aktionen über ihre symbolhaften Performances bis hin zu ihren urbanen Interventionen, führt die Ausstellung durch ihre vielseitige künstlerische Entwicklung. EXPORTs intensive Auseinandersetzung mit Medien, wie Video, Zeichnung und Installation wird in verschiedenen Phasen ihres Werks deutlich, insbesondere in ihrer experimentellen Herangehensweise an die Fotografie, auf der ein besonderer Schwerpunkt der Ausstellung liegt. Ihre radikalen Performances und ihre kritische Analyse von Massenmedien beleuchten unter anderem die Rolle der Frau und ihre gesellschaftliche Marginalisierung in einer patriarchalen Gesellschaft.

Die Ausstellung wurde von der Albertina, Wien in Kooperation mit C/O Berlin organisiert. Ermöglicht durch den Hauptstadtkulturfonds.

L'exposition présente les multiples facettes de l'œuvre de l'une des artistes les plus importantes du 20e siècle dans le domaine des médias et de la performance. VALIE EXPORT (*1940, Autriche) est considérée au niveau international comme une artiste pionnière qui défie les normes et les rôles sociaux par sa pratique réflexive des médias et sa critique féministe. De ses premières actions provocatrices d'Expanded Cinema à ses interventions urbaines, en passant par ses performances symboliques, l'exposition nous guide à travers son développement artistique varié. L'exploration intensive par EXPORT de médias tels que la vidéo, le dessin et l'installation apparaît clairement à différentes étapes de son œuvre, notamment dans son approche expérimentale de la photographie, sur laquelle l'exposition se concentre tout particulièrement. Ses performances radicales et son analyse critique des médias de masse mettent en lumière, entre autres, le rôle de la femme et sa marginalisation sociale dans une société patriarcale.

L'exposition a été organisée par l'Albertina, Vienne, en coopération avec C/O Berlin. Permis par le Hauptstadtkulturfonds.

La mostra presenta il lavoro multiforme di una delle più importanti artiste mediatiche e performative del XX secolo. VALIE EXPORT (*1940, Austria) è riconosciuta a livello internazionale come un'artista pionieristica che sfida le norme sociali e i modelli di ruolo con la sua pratica riflessiva sui media e la sua critica femminista. Dalle prime provocatorie azioni di Expanded Cinema alle performance simboliche e agli interventi urbani, la mostra guida i visitatori attraverso il suo multiforme sviluppo artistico. L'intensa esplorazione da parte di EXPORT di media come il video, il disegno e l'installazione è evidente in varie fasi del suo lavoro, in particolare nel suo approccio sperimentale alla fotografia, che è un punto focale della mostra. Le sue performance radicali e la sua analisi critica dei mass media mettono in evidenza, tra l'altro, il ruolo delle donne e la loro emarginazione sociale in una società patriarcale.

La mostra è stata organizzata dall'Albertina di Vienna in collaborazione con C/O Berlin. È stata resa possibile dall'Hauptstadtkulturfonds.

The exhibition presents the multifaceted oeuvre of one of the most important media and performance artists of the twentieth century. VALIE EXPORT (b. 1940, Austria) is internationally recognized as a trailblazing artist who challenges social norms and role models with her media-reflective practice and feminist criticism. This exhibition presents her eclectic artistic development, ranging from her early, provocative expanded cinema” actions to her symbolic performances and urban interventions. EXPORT’s in-depth examination of media such as video, drawing, and installation is apparent in the different phases of her career, especially in her experimental approach to photography, which is a special focus of this exhibition. Her radical performances and critical analysis of mass media highlight, among other things, the role of women and their social marginalization in a patriarchal society.

The exhibition was organized by Albertina, Vienna in cooperation with C/O Berlin. Made possible by the Hauptstadtkulturfonds.

(Text: C/O Berlin)

C/O Berlin
27. Januar – 23. Mai 2024

On Rape – And Institutional Failure
Laia Abril

In einer Assemblage aus eigenen und gefundenen Fotografien, Berichten, Zitaten, Videos und Artefakten widmet sich die katalanische Künstlerin Laia Abril (*1986) in ihrer umfassenden Recherchearbeit dem Thema der strukturell ermöglichten Vergewaltigung. Über verschiedene Zeithorizonte, Kulturpraktiken und Medien hinweg, zeichnet sie die Normalisierung misogyner Denk- und Handlungsweisen in Gesellschaft und Politik nach, ohne dabei auf explizite Darstellungen sexueller Gewalt zurückzugreifen. Im Fokus stehen vielmehr tradierte Vorstellungen, Gesetze und institutionalisiertes Versagen, die Machtdynamiken und Abhängigkeitsverhältnisse aufrechterhalten und somit Vergewaltigung ermöglichen. Es ist das zweite Kapitel ihres Langzeitprojekts A History of Misogyny, in dem Abril auf die vielfältigen Formen systemischer Gewalt gegen Frauen reagiert. Der bei dieser Thematik häufig empfundenen Sprachlosigkeit setzt sie eine bewegende wie politische Erzählung entgegen und appelliert sogleich an die gesamtgesellschaftliche Verantwortung.

C/O Berlin präsentiert die erste institutionelle Einzelausstellung der Künstlerin in Deutschland.

Dans un assemblage de photographies personnelles et trouvées, de rapports, de citations, de vidéos et d'artefacts, l'artiste catalane Laia Abril (*1986) consacre son vaste travail de recherche au thème du viol structurellement rendu possible. À travers différents horizons temporels, pratiques culturelles et médias, elle retrace la normalisation des modes de pensée et d'action misogynes dans la société et la politique, sans pour autant recourir à des représentations explicites de la violence sexuelle. Elle se concentre plutôt sur les représentations traditionnelles, les lois et les défaillances institutionnalisées qui perpétuent les dynamiques de pouvoir et les relations de dépendance et rendent ainsi le viol possible. Il s'agit du deuxième chapitre de son projet à long terme A History of Misogyny, dans lequel Abril réagit aux multiples formes de violence systémique envers les femmes. Elle oppose au mutisme souvent ressenti face à cette thématique un récit à la fois émouvant et politique et en appelle aussitôt à la responsabilité de la société dans son ensemble.

C/O Berlin présente la première exposition individuelle institutionnelle de l'artiste en Allemagne.

In un assemblaggio di fotografie proprie e ritrovate, relazioni, citazioni, video e manufatti, l'artista catalana Laia Abril (*1986) dedica il suo ampio lavoro di ricerca al tema dello stupro strutturalmente abilitato. Spaziando tra diversi orizzonti temporali, pratiche culturali e media, l'artista traccia la normalizzazione di modi di pensare e agire misogini nella società e nella politica, senza ricorrere a rappresentazioni esplicite della violenza sessuale. L'attenzione si concentra invece sulle idee tradizionali, sulle leggi e sui fallimenti istituzionalizzati che mantengono le dinamiche di potere e le relazioni di dipendenza, consentendo così lo stupro. È il secondo capitolo del suo progetto a lungo termine A History of Misogyny, in cui Abril reagisce alle varie forme di violenza sistemica contro le donne. L'artista contrasta l'assenza di parole che spesso si prova quando si affronta questo tema con una narrazione commovente e politica e fa immediatamente appello alla responsabilità della società nel suo complesso.

C/O Berlin presenta la prima mostra personale istituzionale dell'artista in Germania.

Catalan artist Laia Abril (b. 1986) dedicates her extensive research work to the topic of institutionally enabled rape using assemblages of found and original photographs, reports, quotations, videos, and artifacts. Working across time horizons, cultural practices, and media, she traces the normalization of misogynous ways of thinking and acting in society and politics without resorting to explicit depictions of sexual violence. Instead, the focus lies on the traditional ideas, laws, and institutionalized failures that maintain power dynamics and relationships of dependency that enable rape. The artist counters the speechlessness often felt around this topic with a moving and political narrative while simultaneously appealing to the responsibility of society as a whole. This is the second chapter of her long-term project, A History of Misogyny, in which Abril reacts to the various forms of systemic violence against women.

C/O Berlin presents the artist’s first institutional solo exhibition in Germany.

(Text: C/O Berlin)

CRP/ Centre régional de la photographie Hauts-de-France | Douchy-les-Mines
27. Januar – 19. Mai 2024

Le Parti pris des choses

Stefano Bianchi, Anna & Bernhard Blume, Ulla von Brandenburg, Thorsten Brinkmann, Robert Cumming, Elspeth Diederix, Alina Maria Frieske, Barbara Iweins, Baptiste Rabichon, Augustin Rebetez, Patrick Tosani

Als Francis Ponge 1942 Le Parti pris des choses veröffentlichte, herrschte ein schrecklicher, weltweiter Krieg. Während vom Himmel des europäischen Kontinents Bomben herabregnen, beginnt der Dichter, die gewöhnlichen Gegenstände seines Alltags zu untersuchen. Prosagedichte, die der Kiste, dem Brot oder der Kerze gewidmet sind, reihen sich in dieser zu einem literarischen Denkmal gewordenen Parteinahme für die Dinge aneinander. Der Autor erklärt: "Nur wenn man von unten beginnt, hat man eine gewisse Chance, aufzusteigen (...) Es handelt sich um eine Partei von Kopf zu Kopf, mit dem Effekt, dass man den Kopf verliert." In Wahrheit ist das, was der Autor von Le Savon und La Crevette dans tous ses états ernst nimmt, diese Sache, die Gegenstand all seiner Aufmerksamkeit ist und die er sein ganzes Leben lang verfolgen wird, die Sprache. In ihrem Atelier, in den Mauern ihres Wohnstudios, nehmen die hier versammelten Künstler Löffel, Kartoffeln, Zahnbürsten bis hin zum unverzichtbaren Mobiltelefon als Gegenstände: alles passend banale Dinge. Gemeinsam mit ihnen versuchen die Künstler, ihr Medium, sei es Fotografie oder Video, zu "entsublizieren".

Der Dichter erklärte: "Nichts ist erfreulicher als der ständige Aufstand der Dinge gegen die Bilder, die man ihnen aufzwingt. Die Dinge akzeptieren es nicht, brav wie Bilder zu bleiben". Der Künstler, wie auch der Schriftsteller, hat diesen wiederkehrenden Tagtraum: Er wählt ein Objekt aus, nähert sich ihm, umkreist es und scheitert doch daran, das porträtierte Objekt darzustellen, das sich ihm entzieht oder sogar rebelliert. Unnachgiebig kehrt er zurück, um den Dialog mit dem Gegenstand wieder aufzunehmen. Die Ausstellung zeigt diese geheimen Gespräche. Ob feierlich oder absurd, asketisch oder flussartig, sie alle formulieren den hartnäckigen Wunsch eines jeden, seine Art, in der Welt zu sein, zu finden.

Kuratorin: Raphaëlle Stopin, Direktorin des Centre Photographique Rouen Normandie

Quand Francis Ponge publie Le Parti pris des choses en 1942 la guerre est planétaire et terrible. Alors que des cieux du continent européen pleuvent les bombes, le poète entreprend de scruter les objets ordinaires de sa sphère quotidienne. Des poèmes en prose dédiés au cageot, au pain ou encore à la bougie se succèdent dans ce Parti pris des choses devenu monument littéraire. « C’est en partant d’en bas, explique l’auteur, qu’on a quelque chance de s’élever. (…) Il s’agit d’une parti en tête à tête, à l’effet d’en perdre la tête. » À vrai dire, ce que l’auteur du Savon et de La Crevette dans tous ses états prend au sérieux, cette chose, objet de toutes ses attentions, qu’il poursuivra sa vie durant, c’est la langue. Dans l’atelier, entre les murs de leur maison-studio, les artistes réunis ici prennent pour objets cuillères, patates, brosses à dents jusqu’à l’indispensable téléphone portable : toutes choses opportunément banales. En leur compagnie, les artistes entreprennent de « désaffubler » leur médium, qu’il soit photographie ou vidéo.

« Rien n’est plus réjouissant, déclarait encore le poète, que la constante insurrection des choses contre les images qu’on leur impose. Les choses n’acceptent pas de rester sages comme des images. » L’artiste, comme l’écrivain, fait ce rêve éveillé, récurrent : il choisit un objet, l’approche, tourne autour ; pourtant il échoue à représenter l’objet portraituré qui se dérobe, voire se révolte. Opiniâtre, il y revient pour reprendre le dialogue avec la chose. L’exposition figure ces conversations secrètes. Qu’elles soient solennelles ou absurdes, ascétiques ou fleuves, elles formulent toutes le désir tenace de chacun de trouver sa manière d’être au monde.

Commissariat: Raphaëlle Stopin, directrice du Centre photographique Rouen Normandie

Quando Francis Ponge pubblicò Le Parti pris des choses nel 1942, la guerra era globale e terribile. Mentre le bombe piovevano dai cieli d'Europa, il poeta si mise a esaminare gli oggetti ordinari della sua vita quotidiana. Poemi in prosa dedicati alla cassa, alla pagnotta o alla candela si susseguono in questo Parti pris des choses, che è diventato un monumento letterario. È partendo dal basso", spiega l'autore, "che abbiamo qualche possibilità di rialzarci (...) È una festa a tu per tu, fino a perdere la testa". In realtà, ciò che l'autore di Le Savon e La Crevette dans tous ses états prendeva sul serio, l'oggetto di tutta la sua attenzione, che ha perseguito per il resto della sua vita, era il linguaggio. Nell'atelier, tra le mura della loro casa-studio, gli artisti qui riuniti prendono come oggetti cucchiai, patate, spazzolini da denti e persino l'indispensabile telefono cellulare: tutte cose opportunamente banali. In loro compagnia, gli artisti si propongono di "disaffezionare" il loro mezzo, sia esso la fotografia o il video.

Come ha detto un poeta, "nulla è più gratificante della costante insurrezione delle cose contro le immagini che vengono loro imposte". Le cose non accettano di rimanere immobili come le immagini. L'artista, come lo scrittore, ha questo sogno ricorrente ad occhi aperti: sceglie un oggetto, gli si avvicina, gli gira intorno; ma non riesce a rappresentare l'oggetto ritratto, che gli sfugge, anzi si ribella. Ostinatamente, torna a riprendere il dialogo con l'oggetto. La mostra presenta queste conversazioni segrete. Che siano solenni o assurde, ascetiche o sconclusionate, tutte esprimono la tenace volontà di ogni artista di trovare il proprio modo di stare al mondo.

A cura di: Raphaëlle Stopin, Direttrice del Centre photographique Rouen Normandie

When Francis Ponge published Le Parti pris des choses in 1942, the war was global and terrible. As bombs rained down from the skies of the European continent, the poet set about scrutinizing the ordinary objects of his daily sphere. Prose poems dedicated to the crate, the loaf of bread and the candle follow one another in this Parti pris des choses, which has become a literary monument. It's by starting from the bottom," explains the author, "that we have any chance of rising (...) It's a one-on-one party, to the effect of losing one's head." In truth, what the author of Le Savon and La Crevette dans tous ses états takes seriously - the object of all his attention, which he will pursue for the rest of his life - is language. In the studio, between the walls of their home-studio, the artists gathered here take as their objects spoons, potatoes, toothbrushes and even the indispensable cell phone: all things opportunely banal. In their company, the artists undertake to "disaffect" their medium, be it photography or video.

As the poet once said, "Nothing is more gratifying than the constant insurrection of things against the images imposed on them. Things don't accept to remain wise as images." The artist, like the writer, has this waking, recurring dream: he chooses an object, approaches it, turns around it; yet he fails to represent the portrayed object, which evades him, even rebels. Stubbornly, he returns to resume the dialogue with the thing. The exhibition features these secret conversations. Whether they are solemn or absurd, ascetic or rambunctious, they all express the tenacious desire of each artist to find his or her own way of being in the world.

Curated by Raphaëlle Stopin, director of the Centre photographique Rouen Normandie.

(Text: Raphaëlle Stopin, director of the Centre photographique Rouen Normandie)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
30. Januar – 19. Mai 2024

Les aventures de Guille et Belinda
Alessandra Sanguinetti

Alessandra Sanguinetti (geb. 1968) wuchs in Argentinien auf und ging dort zur Schule. Im Jahr 1999 wird sie auf zwei ungewöhnliche Kinder aufmerksam: Guillermina Aranciaga und Belinda Stutz. Diese beiden Frauen, deren Schicksal sie seitdem verfolgt, werden zu Ikonen in den Zentren ihres Lebens und ihrer Werke. Mit der argentinischen Landschaft als Hintergrund, in einer vorwiegend männlichen Welt aus Gauchos und Bauern, durchlaufen die von ihr geschaffenen dokumentarischen Gemälde die Stadien des Lebens und hinterfragen die Unumkehrbarkeit der Zeit.

Mit der Hilfe dieser beiden Cousinen und unter Einsatz von Requisiten und Inszenierung lässt Alessandra Sanguinetti ihre Fotografien und Modelle in einem ausgesprochen fantasmagorischen Ensemble miteinander in Dialog treten. Wie Morpheus, der mit einer Hand einen Spiegel hält und mit der anderen die Macht der Träume anbietet, entführt sie uns paradoxerweise in die Illusion der Träume und in die Darstellung der eigentlichen Realität dieser Seelen, die am Anfang nur Punkte am Horizont waren.

Mit der Ausarbeitung dieser traumhaften und psychoanalytischen Bilder gibt Alessandra Sanguinetti eine sensible Antwort auf die immerwährende Frage nach der Beziehung der Künstler zu ihren Subjekten. Innerhalb und außerhalb dieser Serie bilden diese drei Frauen, Guillermina, Belinda und Alessandra, letztlich eine andere Familie.

The Adventures of Guille and Belinda verdient eine ständige Aktualisierung. Diese Serie, die 2006 bei den Rencontres de la Photographie d'Arles und 2011 im BAL in Paris ausgestellt wurde, wird vom 30. Januar bis 19. Mai 2024 in der Fondation Henri Cartier-Bresson in einer erweiterten und aktualisierten Zusammenstellung von 52 Fotografien und 3 Filmen gezeigt. Dieses Projekt ist reich an dem, was es ist und dem, was es sein wird: gestern, heute und morgen.

Kuratoren der Ausstellung: Clément Chéroux, Direktor, Fondation Henri Cartier-Bresson und Pierre Leyrat, Ausstellungsbeauftragter, Fondation Henri Cartier-Bresson

Alessandra Sanguinetti (née en 1968) grandit et fait ses études en Argentine. En 1999, elle remarque deux enfants singulières, Guillermina Aranciaga et Belinda Stutz. Ces deux femmes, dont elle suit le destin depuis, s’érigent en icônes aux centres de sa vie et de son oeuvre. Avec la campagne argentine en toile de fond, dans un univers essentiellement masculin fait de gauchos et de fermiers, les tableaux documentaires qu’elle crée traversent les stades de la vie et interrogent l’irréversibilité du temps.

Avec l’aide de ces deux cousines et en ayant recours à la mise en scène et à des accessoires, Alessandra Sanguinetti fait dialoguer ses photographies et ses modèles dans un ensemble résolument fantasmagorique. Telle Morphée tenant un miroir d’une main et offrant le pouvoir des rêves de l’autre, elle nous transporte paradoxalement dans l’illusion des rêves et dans la représentation de la réalité propre de ces âmes qui n’étaient, au commencement, que des points dans l’horizon.

Avec l’élaboration de ces tableaux oniriques et psychanalytiques, Alessandra Sanguinetti apporte une réponse sensible au questionnement perpétuel de la relation des artistes à leurs sujets. Au sein et en dehors de cette série, ces trois femmes, Guillermina, Belinda et Alessandra, forment en définitive une autre famille.

The Adventures of Guille and Belinda mérite une mise à jour constante. Cette série exposée aux Rencontres de la Photographie d’Arles en 2006, puis au BAL à Paris en 2011, est présentée du 30 janvier au 19 mai 2024 à la Fondation Henri Cartier-Bresson, dans un ensemble augmenté et actualisé de 52 photographies et de 3 films. Ce projet est riche de ce qu’il est et de ce qu’il sera : hier, aujourd’hui et demain.

Commissaires de l’exposition: Clément Chéroux, Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson et Pierre Leyrat, Chargé des expositions, Fondation Henri Cartier-Bresson

Alessandra Sanguinetti (nata nel 1968) è cresciuta e ha studiato in Argentina. Nel 1999 si accorge di due figli singolari, Guillermina Aranciaga e Belinda Stutz. Queste due donne, di cui ha seguito il destino da allora, sono diventate icone al centro della sua vita e del suo lavoro. Sullo sfondo della campagna argentina, in un mondo essenzialmente maschile di gauchos e contadini, le immagini documentarie che crea attraversano le fasi della vita e si interrogano sull'irreversibilità del tempo.

Con l'aiuto dei suoi due cugini e l'uso di allestimenti e oggetti di scena, Alessandra Sanguinetti crea un dialogo tra le sue fotografie e i suoi modelli in un insieme decisamente fantasmagorico. Come Morfeo che tiene uno specchio in una mano e offre il potere dei sogni nell'altra, ci trasporta paradossalmente nell'illusione dei sogni e nella rappresentazione della realtà di queste anime che, all'inizio, non erano altro che punti all'orizzonte.

Creando questi dipinti onirici e psicoanalitici, Alessandra Sanguinetti fornisce una risposta sensibile al continuo interrogarsi sul rapporto tra gli artisti e i loro soggetti. All'interno e all'esterno di questa serie, queste tre donne - Guillermina, Belinda e Alessandra - formano in definitiva un'altra famiglia.

Le avventure di Guille e Belinda meritano un aggiornamento costante. Questa serie, esposta ai Rencontres de la Photographie d'Arles nel 2006 e poi al BAL di Parigi nel 2011, sarà presentata dal 30 gennaio al 19 maggio 2024 alla Fondation Henri Cartier-Bresson, in un insieme ampliato e aggiornato di 52 fotografie e 3 film. Questo progetto è ricco di ciò che è e di ciò che sarà: ieri, oggi e domani.

Curatori della mostra: Clément Chéroux, Direttore della Fondation Henri Cartier-Bresson e Pierre Leyrat, Responsabile delle mostre della Fondation Henri Cartier-Bresson.

Alessandra Sanguinetti (b. 1968) grew up and studied in Argentina. In 1999, she noticed two singular children, Guillermina Aranciaga and Belinda Stutz. These two women, whose destinies she has followed ever since, have become icons at the center of her life and work. Set against the backdrop of the Argentine countryside, in an essentially male-dominated world of gauchos and farmers, the documentary pictures she creates traverse the stages of life and question the irreversibility of time.

With the help of her two cousins and the use of staging and props, Alessandra Sanguinetti creates a dialogue between her photographs and her models in a resolutely phantasmagorical whole. Like Morpheus holding a mirror in one hand and offering the power of dreams in the other, she paradoxically transports us into the illusion of dreams and the representation of the very reality of these souls who were, in the beginning, no more than points on the horizon.

In creating these dreamlike, psychoanalytical paintings, Alessandra Sanguinetti provides a sensitive response to the perpetual questioning of the relationship between artists and their subjects. Within and outside this series, these three women - Guillermina, Belinda and Alessandra - ultimately form another family.

The Adventures of Guille and Belinda deserves constant updating. This series, exhibited at the Rencontres de la Photographie d'Arles in 2006, then at the BAL in Paris in 2011, is presented from January 30 to May 19, 2024 at the Fondation Henri Cartier-Bresson, in an expanded and updated set of 52 photographs and 3 films. This project is rich in what it is and what it will be: yesterday, today and tomorrow.

Exhibition curators: Clément Chéroux, Director, Fondation Henri Cartier-Bresson and Pierre Leyrat, Head of Exhibitions, Fondation Henri Cartier-Bresson

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
30. Januar – 19. Mai 2024

Autopsie du Spectacle
Weegee

Es gibt ein Rätsel um Weegee. Die Karriere des amerikanischen Fotografen scheint zweigeteilt zu sein. Zuerst die Schockbilder, die in der nordamerikanischen Boulevardpresse erschienen: in ihrem Blut liegende Leichen von Ganoven, eingekerkerte Leichen in aufgefahrenen Fahrzeugen, kleine Gangster mit atibularer Miene hinter den Gittern des Gefängnistransporters, alte, vom Feuer verzehrte Hütten und einige andere ergreifende Dokumente über das Leben der Ärmsten in New York zwischen 1935 und 1945. Dann gibt es Bilder von festlichen Anlässen - gesellschaftliche Abende, Auftritte von Gauklern, jubelnde Menschenmengen, Vernissagen und Premieren -, zu denen noch ein überbordender Korpus von Porträts öffentlicher Personen hinzukommt, die der Fotograf zwischen 1948 und 1951 mithilfe einer sehr reichen Palette von Tricks verzerrte und bis zu seinem Lebensende fortsetzte. Wie konnten diese beiden so diametral entgegengesetzten Korpora in ein und demselben fotografischen Werk koexistieren? Exegeten haben den Gegensatz zwischen diesen beiden Perioden gerne verstärkt, die erste in den Himmel gelobt und die zweite gehasst. Die Ausstellung Autopsie du Spectacle soll die beiden Weegees versöhnen, indem sie zeigt, dass das Vorgehen des Fotografen über die Unterschiede in den Formen hinaus auf einer echten kritischen Kohärenz beruht.

Die Frage des Spektakels ist in Weegees Werk allgegenwärtig. Im ersten Teil seiner Karriere, der historisch gesehen mit dem Aufschwung der Boulevardpresse zusammenfällt, war er an der Umwandlung von Tatsachenberichten in Spektakel beteiligt. Um dies deutlich zu machen, bezieht er häufig Zuschauer oder andere Fotografen in den Vordergrund seiner Bilder mit ein. In der zweiten Hälfte seiner Karriere macht sich Weegee über das Hollywood-Spektakel lustig: über seinen kurzlebigen Ruhm, die Menschenmassen, die sie anbeten, und die Gesellschaft, die sie umgibt. Einige Jahre vor der Situationistischen Internationale bietet er durch seine Fotografien eine prägnante Kritik an der Gesellschaft des Spektakels. Autopsie du Spectacle ist eine neue Interpretation von Weegees Werk und zeigt Ikonen des Fotografen neben weniger bekannten Bildern, die noch nie in Frankreich gezeigt wurden.

Kurator der Ausstellung: Clément Chéroux, Direktor, Fondation Henri Cartier-Bresson

Il y a une énigme Weegee. La carrière du photographe américain semble être scindée en deux. Tout d’abord, les clichés chocs parus dans la presse tabloïde nord-américaine : cadavres de truands gisant dans leur sang, corps incarcérés dans des véhicules emboutis, petits caïds à la mine atibulaire derrière les grilles du fourgon carcéral, taudis vétustes dévorés par le feu et quelques autres documents poignants sur la vie des plus démunis à New York entre 1935 et 1945. Ensuite, ce sont des images festives – soirées mondaines, spectacles de saltimbanques, foules en liesse, vernissages et premières –, auxquelles il faut ajouter un corpus pléthorique de portraits de personnalités publiques que le photographe s’est amusé à déformer par l’entremise d’une très riche palette de trucages entre 1948 et 1951, et qu’il poursuit jusqu’à la fin de sa vie. Comment ces deux corpus, aussi diamétralement opposés, peuvent-ils coexister au sein d’une même oeuvre photographique ? Les exégètes se sont plu à renforcer l’opposition entre ces deux périodes, à encenser la première et à détester la seconde. L’exposition Autopsie du Spectacle a pour ambition de réconcilier les deux Weegee en montrant qu’au-delà des différences de formes, la démarche du photographe repose sur une réelle cohérence critique.

La question du spectacle est omniprésente dans l’œuvre de Weegee. Dans la première partie de sa carrière, qui correspond historiquement à l’essor de la presse tabloïde, il participe à la transformation du fait-divers en spectacle. Pour bien le montrer, il inclut souvent des spectateurs ou d’autres photographes au premier plan de ses images. Dans la seconde moitié de sa carrière, Weegee se moque du spectaculaire hollywoodien : de ses gloires éphémères, des foules qui les adulent et des mondanités qui les entourent. Quelques années avant l’Internationale Situationniste, il offre à travers ses photographies une critique incisive de la Société du Spectacle. Nouvelle lecture de l’oeuvre de Weegee, Autopsie du Spectacle présente des icônes du photographe aux côtés d’images moins connues et jamais montrées en France.

Commissaire de l’exposition: Clément Chéroux, Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson

C'è un enigma Weegee. La carriera del fotografo americano sembra essersi divisa in due. In primo luogo, le immagini scioccanti apparse sulla stampa scandalistica nordamericana: cadaveri di teppisti che giacciono nel loro stesso sangue, corpi incarcerati in veicoli distrutti, piccoli delinquenti con le loro facce atipiche dietro i cancelli del furgone della prigione, casupole fatiscenti divorate dal fuoco e alcuni altri documenti toccanti della vita dei più indigenti a New York tra il 1935 e il 1945. Poi ci sono le immagini di festa - serate mondane, spettacoli acrobatici, folle festanti, inaugurazioni e prime - a cui va aggiunto un corpus pletorico di ritratti di personaggi pubblici che il fotografo si è divertito a distorcere attraverso una ricca tavolozza di trucchi tra il 1948 e il 1951, e che ha portato avanti fino alla fine della sua vita. Come possono questi due corpi di lavoro, così diametralmente opposti, coesistere all'interno della stessa opera fotografica? Gli esegeti si sono divertiti a rafforzare l'opposizione tra questi due periodi, lodando il primo e detestando il secondo. La mostra Autopsy of the Spectacle si propone di riconciliare i due Weegee mostrando che, al di là delle differenze formali, l'approccio del fotografo si basa su un'autentica coerenza critica.

La questione dello spettacolo è onnipresente nel lavoro di Weegee. Nella prima parte della sua carriera, che corrisponde storicamente all'ascesa della stampa scandalistica, ha partecipato alla trasformazione della notizia in spettacolo. Per rendere evidente questo aspetto, spesso includeva spettatori o altri fotografi in primo piano nelle sue immagini. Nella seconda metà della sua carriera, Weegee prende in giro lo spettacolo hollywoodiano: le sue glorie effimere, le folle che le adorano e le banalità che le circondano. Qualche anno prima dell'Internazionale Situazionista, le sue fotografie offrivano una critica incisiva alla Società dello Spettacolo. Una nuova lettura dell'opera di Weegee, Autopsie du Spectacle presenta alcune delle icone del fotografo accanto a immagini meno conosciute, mai esposte prima in Francia.

Curatore della mostra: Clément Chéroux, Direttore della Fondazione Henri Cartier-Bresson.

There's a Weegee enigma. The American photographer's career seems to be split in two. First, there are the shocking shots that appeared in the North American tabloid press: corpses of hoodlums lying in their own blood, bodies incarcerated in smashed-up vehicles, atibular-faced small-time crooks behind the gates of the prison van, dilapidated hovels devoured by fire and a few other poignant documents of life for the most destitute in New York between 1935 and 1945. Then there are the festive images - social evenings, acrobats' shows, jubilant crowds, openings and premieres - to which must be added a plethoric corpus of portraits of public figures that the photographer enjoyed distorting through a rich palette of tricks between 1948 and 1951, and which he continued until the end of his life. How can these two diametrically opposed bodies of work coexist within the same photographic oeuvre? Exegetes have taken great pleasure in reinforcing the opposition between these two periods, praising the former and detesting the latter. The Autopsy of the Spectacle exhibition aims to reconcile the two Weegees, showing that beyond the differences in form, the photographer's approach is based on a genuine critical coherence.

The question of the spectacle is omnipresent in Weegee's work. In the first part of his career, which corresponds historically to the rise of the tabloid press, he participated in the transformation of the news item into a spectacle. To demonstrate this, he often included spectators or other photographers in the foreground of his images. In the second half of his career, Weegee mocked the Hollywood spectacular: its ephemeral glories, the crowds that adored them and the mundanities that surrounded them. A few years before the Situationist International, his photographs offer an incisive critique of the Society of the Spectacle. A new reading of Weegee's work, Autopsie du Spectacle presents some of the photographer's icons alongside lesser-known images never before shown in France.

Exhibition curator: Clément Chéroux, Director, Fondation Henri Cartier-Bresson

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris)

Kunstpalast | Düsseldorf
1. Februar – 20. Mai 2024

SIZE MATTERS – Grösse in der Fotografie

Alles verändert sich, wenn in Bildwelten am Größenregler gedreht wird: Dinge werden hervorgehoben, aus dem Zusammenhang gerissen, überhöht und umgedeutet. Sie rücken nah heran, werden studierbar, oder verschwimmen vor den Augen.

Die Ausstellung beleuchtet den erheblichen und oft unbemerkten Bedeutungswandel, der mit Größenverschiebungen in der Fotografie einhergeht. Von allen Medien vermag sie am einfachsten ihren Umfang zu ändern, kann leichtfüßig zum Großbild auf der Museumswand anwachsen aber auch zum Thumbnail auf dem Handyscreen schrumpfen. Sie schafft Miniaturen der Welt, kann die Dinge aber ebenso lebens- und überlebensgroß zeigen und Unsichtbares sichtbar machen.

Die Schau demonstriert, dass gerade die dimensionale Beweglichkeit dem Medium Wirksamkeit in kulturellen, sozialen und politischen Kontexten verleiht. Werke vom späten 19. Jahrhundert bis in die Gegenwart werfen Fragen nach den Konsequenzen von Größe für die Wahrnehmung und den Umgang mit fotografischen Bildern auf. Ausgangspunkt ist die Sammlung des Kunstpalastes, nationale und internationale Leihgaben ergänzen die Werkauswahl.

Kuratorin: Linda Conze, Leitung Fotosammlung Kunstpalast

Tout change lorsque l'on tourne le curseur de la taille dans les mondes visuels : Les choses sont mises en évidence, sorties de leur contexte, surélevées et réinterprétées. Elles se rapprochent, deviennent étudiables ou s'estompent devant les yeux.

L'exposition met en lumière les changements de signification considérables et souvent inaperçus qui accompagnent les changements de taille dans la photographie. De tous les médias, c'est elle qui change le plus facilement d'échelle, elle peut facilement s'agrandir pour devenir une grande image sur le mur d'un musée ou se réduire à une vignette sur l'écran d'un téléphone portable. Elle crée des miniatures du monde, mais peut aussi montrer les choses plus grandes que nature et rendre visible l'invisible.

L'exposition démontre que c'est justement la mobilité dimensionnelle qui confère au média son efficacité dans des contextes culturels, sociaux et politiques. Des œuvres de la fin du 19e siècle à nos jours soulèvent des questions sur les conséquences de la taille sur la perception et l'utilisation des images photographiques. Le point de départ est la collection du Kunstpalast, des prêts nationaux et internationaux complètent la sélection d'œuvres.

Conservatrice : Linda Conze, direction de la collection de photos du Kunstpalast

Nei mondi visivi, tutto cambia quando si gira il regolatore delle dimensioni: Le cose vengono enfatizzate, estrapolate dal contesto, esagerate e reinterpretate. Si avvicinano, diventano studiabili o si confondono davanti agli occhi.

La mostra mette in luce il considerevole e spesso inosservato cambiamento di significato che va di pari passo con i cambiamenti di dimensione nella fotografia. Tra tutti i mezzi di comunicazione, è il più facile da modificare, può facilmente crescere fino a diventare una grande immagine sulla parete di un museo, ma può anche ridursi a una miniatura sullo schermo di un cellulare. Crea miniature del mondo, ma può anche mostrare cose a grandezza naturale e più che mai e rendere visibile l'invisibile.

La mostra dimostra che è proprio questa mobilità dimensionale a rendere il mezzo efficace in contesti culturali, sociali e politici. Opere dalla fine del XIX secolo ai giorni nostri sollevano questioni sulle conseguenze delle dimensioni per la percezione e la gestione delle immagini fotografiche. Il punto di partenza è la collezione del Kunstpalast, con prestiti nazionali e internazionali che completano la selezione delle opere.

Curatore: Linda Conze, responsabile della Collezione fotografica del Kunstpalast

Any tinkering with size in an image is bound to alter our perception of it completely: objects are accentuated, plucked out of context, magnified and reinterpreted. They draw closer, inviting scrutiny, or dissolve into a blur before our eyes. Size Matters: Scale in Photography illuminates the significant and often overlooked semantic shifts that accompany changes to scale in photography.

Of all media, photography is the most adept at adjusting its scale; it can effortlessly expand to become a large-size image on a museum wall but is equally capable of shrinking to a thumbnail on a smartphone screen. It creates miniatures of the world, depicting things both life-size and larger than life, making the invisible visible.

The exhibition shows how it is precisely this unique ability to navigate dimensions that explains the effectiveness of the medium in cultural, social and political contexts. Artworks from the late 19th century to the present encourage contemplation of the implications of size for how we perceive and interact with photographic images. The presentation draws on the Kunstpalast’s own collection and is enriched by national and international loans that complement the curated selection of works.

Curator: Linda Conze, Head of the Photography Collection, Kunstpalast Düsseldorf

(Text: Kunstpalast, Düsseldorf)

Haus am Waldsee | Berlin
2. Februar – 5. Mai 2024

Jenna Bliss

Jenna Bliss setzt in ihrer künstlerischen Arbeit Recherche und intuitive Assoziationen ein, um persönliche wie kollektive Erinnerungen zu durchforsten, gängige Annahmen zu hinterfragen und etablierte Erzählungen zu erweitern. Ihr Blick richtet sich dabei oft auf historisch randständige Themen, die von Sucht und der Pharmaindustrie bis hin zu den Auswirkungen des 11. September und der globalen Wirtschaftskrise reichen. Ihre langformatigen Filme, Fotografien, Kurzvideos und Skulpturen sind motiviert durch Eindrücke, Begegnungen und Beobachtungen in ihrem täglichen Leben und deren weitreichende Verknüpfungen mit gesellschaftlichen Konventionen und historischen Kontexten. Für ihre erste institutionelle Ausstellung in Deutschland zeigt Bliss Arbeiten ihrer fortlaufenden Serie über die jüngere Geschichte der Wall Street, die sie um ein neues Kapitel über die globale Wirtschaftskrise von 2008 erweitert. Der neue Film True Entertainment (2023) spielt im Jahr 2007 auf der renommiertesten Kunstmesse der Welt. Die Kunstwelt boomt in den drei weißen Wänden des Messestandes, nichts ahnend von dem baldigen Finanzcrash. Der Film lehnt sich an ein neues kulturelles Format der späten 00er Jahre an: die gescriptete “Reality”-Show. Das Genre prägt den Film nicht nur stilistisch, sondern sorgt auch für eine gleichzeitig verführerische und verfremdende Wirkung, die zwischen Drama und Satire schwankt. Der Film wird zusammen mit einer Konstellation älterer Werke gezeigt, die sich mit dem Erbe des 11. Septembers auseinandersetzen.

Immer wieder auch auf anachronistische Weise, entleiht  Bliss Ästhetiken und Technologien aus den Zeiträumen ihrer Recherchen. Durch die Montage von selbstgedrehtem, gefundenem und Archiv-Footage, in Form von Text als auch Bild, entlockt Bliss dem Material innewohnende Ideologien und legt historische Verkettungen offen.

Jenna Bliss (geb. 1984 in New York, USA) ist Künstlerin, Filmemacherin und Video-Editorin. Sie lebt in New York, USA.

Dans son travail artistique, Jenna Bliss utilise la recherche et les associations intuitives pour fouiller les souvenirs personnels et collectifs, remettre en question les hypothèses courantes et élargir les récits établis. Son regard se porte souvent sur des sujets historiquement marginaux, allant de l'addiction et de l'industrie pharmaceutique aux conséquences du 11 septembre et de la crise économique mondiale. Ses films de long format, ses photographies, ses courtes vidéos et ses sculptures sont motivés par des impressions, des rencontres et des observations dans sa vie quotidienne et leurs vastes liens avec les conventions sociales et les contextes historiques. Pour sa première exposition institutionnelle en Allemagne, Bliss présente des œuvres de sa série continue sur l'histoire récente de Wall Street, à laquelle elle ajoute un nouveau chapitre sur la crise économique mondiale de 2008. Le nouveau film True Entertainment (2023) se déroule en 2007 dans la foire d'art la plus prestigieuse du monde. Le monde de l'art est en plein essor sur les trois murs blancs du stand, sans se douter de l'imminence du crash financier. Le film s'inspire d'un nouveau format culturel de la fin des années 00 : le "reality" show scénarisé. Le genre ne marque pas seulement le film de son empreinte stylistique, mais lui confère également un effet à la fois séduisant et aliénant, oscillant entre drame et satire. Le film est présenté avec une constellation d'œuvres plus anciennes qui traitent de l'héritage du 11 septembre.

Toujours de manière anachronique, Bliss emprunte des esthétiques et des technologies aux périodes de ses recherches. En assemblant des séquences tournées par ses soins, des séquences trouvées et des séquences d'archives, sous forme de texte et de visuel, Bliss extrait des idéologies inhérentes au matériel et met à jour des enchaînements historiques.

Jenna Bliss (née en 1984 à New York, États-Unis) est artiste, réalisatrice et monteuse vidéo. Elle vit à New York, États-Unis.

Jenna Bliss utilizza la ricerca e le associazioni intuitive nel suo lavoro artistico per setacciare le memorie personali e collettive, mettere in discussione le ipotesi comuni ed espandere le narrazioni consolidate. La sua attenzione si concentra spesso su argomenti storicamente marginali, che vanno dalle dipendenze e dall'industria farmaceutica agli effetti dell'11 settembre e della crisi economica globale. I suoi film di lungo formato, le sue fotografie, i suoi brevi video e le sue sculture sono motivati da impressioni, incontri e osservazioni della sua vita quotidiana e dai loro legami di vasta portata con le convenzioni sociali e i contesti storici. Per la sua prima mostra istituzionale in Germania, Bliss presenta opere della sua serie in corso sulla storia recente di Wall Street, che sta ampliando per includere un nuovo capitolo sulla crisi economica globale del 2008. Il nuovo film True Entertainment (2023) è ambientato nel 2007 alla più prestigiosa fiera d'arte del mondo. Il mondo dell'arte è in piena espansione tra le tre mura bianche dello stand della fiera, ignaro dell'imminente crollo finanziario. Il film si basa su un nuovo formato culturale della fine degli anni '00: il "reality" sceneggiato. Il genere non solo modella il film dal punto di vista stilistico, ma crea anche un effetto contemporaneamente seducente e alienante che oscilla tra dramma e satira. Il film sarà presentato insieme a una costellazione di opere più vecchie che trattano l'eredità dell'11 settembre.

Sempre in modo anacronistico, Bliss prende in prestito estetica e tecnologie dai periodi della sua ricerca. Attraverso il montaggio di filmati auto-filmati, trovati e d'archivio, sotto forma di testo e di immagini, Bliss ricava ideologie intrinseche dal materiale e rivela collegamenti storici.

Jenna Bliss (nata nel 1984 a New York, USA) è un'artista, regista e montatrice video. Vive a New York, negli Stati Uniti.

Jenna Bliss uses research and intuitive associations in her artistic work to sift through personal and collective memories, question common assumptions and expand established narratives. Her focus is often on historically marginalized topics, ranging from addiction and the pharmaceutical industry to the consequences of 9/11 and the global economic crisis. Her long-format films, photographs, short videos and sculptures are motivated by impressions, encounters and observations in her daily life and their far-reaching associations with social conventions and historical contexts. For her first institutional exhibition in Germany, Bliss is showing works from her ongoing series on the recent history of Wall Street, to which she has added a new chapter on the global economic crisis of 2008. The new film, True Entertainment (2023), is set in 2007 at the world’s most prestigious art fair. The art world booms within the three white walls of the fair booth, ignorant of the financial crash that is soon to come. The film takes its cues from a new cultural contribution of the later 00s: the scripted “reality” show. The genre not only informs the film stylistically, but also provides a simultaneously seductive and alienating effect, teetering between drama and satire. The film is shown alongside a constellation of older works that explore the legacy of 9/11.

Though at times anachronous, Bliss borrows aesthetics and technologies from the time periods of her research. Through the montage of found, archival and original footage, both in terms of text and image, Bliss elicits the material’s inherent ideologies and exposes historical connections.

Jenna Bliss (b. 1984 New York, USA) is an artist, filmmaker and video editor. She lives in New York, USA.

(Text: Haus am Waldsee, Berlin)

Anzenberger Gallery | Wien
2. Februar – 30. April 2024

The secret service of flowers

Denis Brudna, F & D Cartier, Jutta Fischel, Natalie Strohmaier, Heather F. Wetzel, Yelena Zhavoronkova, Regina Anzenberger

In einer Zeit von Krisen und Kriegen liefern Blumen einen Schimmer von Hoffnung und strahlen durch ihre Schönheit Ruhe und Frieden aus. Die Dienste, die sie uns durch ihre Farben und Formen vor allem auch in der düsteren Winterzeit bieten, haben Wissenschaftler längst ausgiebig erforscht. Und das nicht nur als echte Exemplare in der Vase oder im Topf, sondern auch als Bilder an der Wand.

Die Anzenberger Gallery zeigt dazu sieben Positionen von österreichischen und internationalen Künstler:innen, die sich dem Thema Blumen gewidmet haben. Mit unterschiedlichsten Fotografie-basierten Techniken entstanden Werke voller Ästhetik, Humor, Fantasie, Perfektion und Poesie.

Dans une période de crises et de guerres, les fleurs apportent une lueur d'espoir et rayonnent de calme et de paix par leur beauté. Les services qu'elles nous rendent par leurs couleurs et leurs formes, surtout pendant la sombre période hivernale, ont depuis longtemps fait l'objet de recherches approfondies de la part des scientifiques. Et pas seulement en tant que véritables spécimens dans un vase ou un pot, mais aussi en tant que visuels sur les murs.

La Anzenberger Gallery présente sept positions d'artistes autrichiens et internationaux qui se sont consacrés au thème des fleurs. Les techniques photographiques les plus diverses ont donné naissance à des œuvres pleines d'esthétique, d'humour, de fantaisie, de perfection et de poésie.

In un periodo di crisi e di guerra, i fiori offrono un barlume di speranza e irradiano pace e tranquillità attraverso la loro bellezza. Gli scienziati hanno da tempo studiato a fondo i servizi che ci offrono attraverso i loro colori e le loro forme, soprattutto nei cupi mesi invernali. E non solo come esemplari veri e propri in un vaso o in una cassetta, ma anche come quadri appesi alle pareti.

La Galleria Anzenberger espone sette opere di artisti austriaci e internazionali che si sono dedicati al tema dei fiori. Utilizzando un'ampia varietà di tecniche fotografiche, hanno creato opere piene di estetica, umorismo, fantasia, perfezione e poesia.

In a time of crisis and war, flowers provide a glimmer of hope and radiate peace and tranquillity through their beauty. Scientists have long since extensively researched the services they offer us through their colors and shapes, especially in the gloomy winter months. And not only as real specimens in a vase or pot, but also as visuals on the wall.

The Anzenberger Gallery is showing seven works by Austrian and international artists who have dedicated themselves to the theme of flowers. Using a wide variety of photography-based techniques, they have created works full of aesthetics, humor, fantasy, perfection and poetry.

(Text: Anzenberger Gallery, Wien)

Deichtorhallen | Hamburg
9. Februar – 11. August 2024

The End of the World
Claudia Andujar

Für Claudia Andujar ist die Fotografie ein Mittel, um mit der Welt zu kommunizieren, ein Medium, durch das man so viel lernt, wie man gibt. Ihre Arbeiten zeugen vom langjährigen Engagement der Fotografin für den Schutz der Yanomami, einer der größten indigenen Gemeinschaften im brasilianischen Amazonasgebiet. Seit den 1970er Jahren hat Andujar mehrfach mit dieser Community im Amazonasbecken gelebt. Diese Region wird bis heute aufgrund ihrer Bodenschätze laufend ausgebeutet.

Claudia Andujar versteht Fotografie als künstlerisches und politisches Werkzeug. Ihr Werk ist geprägt von dem starken Verantwortungsgefühl, mit dem sich die Künstlerin in der Pro-Yanomami-Kommission (CCPY) für geschützte Gebiete entlang der brasilianisch-venezolanischen Grenze einsetzt.

Claudia Andujar wurde 1931 in Neuchâtel, Schweiz, geboren und lebt und arbeitet in São Paulo. Nach dem Zweiten Weltkrieg emigrierte sie in die Vereinigten Staaten und 1955 nach Brasilien. In den 1970er Jahren erhielt Andujar Stipendien von der John Simon Guggenheim Foundation und der Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP], um die Kultur der Yanomami zu fotografieren und zu studieren. Von 1978 bis 2000 arbeitete sie für die Pro-Yanomami-Kommission (CCPY) und koordinierte die Kampagne für die Abgrenzung des Yanomami-Territoriums im Amazonasgebiet (TIY), das 1992 von der brasilianischen Regierung eingerichtet wurde. In Anerkennung ihrer Arbeit als Verfechterin der Menschenrechte erhielt Andujar im Jahr 2000 den Annual Cultural Freedom Award der Lannan Foundation, New Mexico. Im Jahr 2003 erhielt sie den Severo-Gomes-Preis der Menschenrechtskommission Teotônio Vilela, São Paulo. 2008 wurde sie vom brasilianischen Kulturministerium mit dem Orden für kulturelle Verdienste ausgezeichnet. 2010 erhielt sie den Kasseler Fotobuchpreis für Marcados, erschienen bei Cosac Naify, und 2018 wurde sie mit der Goethe-Medaille geehrt. 2015 wurde im Instituto Inhotim in Brumadinho, Minas Gerais, Brasilien, der ständige Pavillon Galeria Claudia Andujar mit dreihundert von der Künstlerin geschaffenen Werken über die Yanomami eröffnet.

Kurator: Viktor Hois

Pour Claudia Andujar, la photographie est un moyen de communiquer avec le monde, un média par lequel on apprend autant qu'on donne. Son travail témoigne de l'engagement de longue date de la photographe pour la protection des Yanomami, l'une des plus grandes communautés indigènes d'Amazonie brésilienne. Depuis les années 1970, Andujar a vécu à plusieurs reprises avec cette communauté dans le bassin amazonien. Aujourd'hui encore, cette région est continuellement exploitée pour ses ressources minières.

Claudia Andujar considère la photographie comme un outil artistique et politique. Son œuvre est marquée par le fort sentiment de responsabilité avec lequel l'artiste s'engage au sein de la commission pro-yanomami (CCPY) pour les zones protégées le long de la frontière brésilienne et vénézuélienne.

Claudia Andujar est née en 1931 à Neuchâtel, en Suisse, et vit et travaille à São Paulo. Après la Seconde Guerre mondiale, elle a émigré aux États-Unis, puis au Brésil en 1955. Dans les années 1970, Andujar a reçu des bourses de la John Simon Guggenheim Foundation et de la Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP] pour photographier et étudier la culture des Yanomami. De 1978 à 2000, elle a travaillé pour la Commission pro-yanomami (CCPY) et a coordonné la campagne pour la délimitation du territoire yanomami en Amazonie (TIY), créée par le gouvernement brésilien en 1992. En reconnaissance de son travail en tant que défenseur des droits de l'homme, Andujar a reçu en 2000 le prix annuel de la liberté culturelle de la Fondation Lannan, Nouveau Mexique. En 2003, elle a reçu le prix Severo Gomes de la Commission des droits de l'homme Teotônio Vilela, São Paulo. En 2008, elle a été décorée de l'Ordre du mérite culturel par le ministère brésilien de la Culture. En 2010, elle a reçu le prix du livre de photographie de Kassel pour Marcados, publié par Cosac Naify, et en 2018, elle a été honorée de la médaille Goethe. En 2015, le pavillon permanent Galeria Claudia Andujar a été inauguré à l'Instituto Inhotim de Brumadinho, Minas Gerais, Brésil, avec trois cents œuvres sur les Yanomami créées par l'artiste.

Curateur : Viktor Hois

Per Claudia Andujar la fotografia è un mezzo per comunicare con il mondo, un mezzo attraverso il quale si impara tanto quanto si dà. Il suo lavoro testimonia l'impegno di lunga data della fotografa per la protezione degli Yanomami, una delle più grandi comunità indigene dell'Amazzonia brasiliana. Andujar ha vissuto più volte con questa comunità nel bacino amazzonico a partire dagli anni Settanta. Ancora oggi, questa regione viene costantemente sfruttata per le sue risorse minerarie.

Per Claudia Andujar la fotografia è uno strumento artistico e politico. Il suo lavoro è caratterizzato dal forte senso di responsabilità con cui l'artista si batte per le aree protette lungo il confine tra Brasile e Venezuela nella Commissione Pro-Yanomami (CCPY).

Claudia Andujar è nata a Neuchâtel, in Svizzera, nel 1931 e vive e lavora a San Paolo. Dopo la seconda guerra mondiale è emigrata negli Stati Uniti e poi in Brasile nel 1955. Negli anni Settanta, Andujar ha ricevuto borse di studio dalla Fondazione John Simon Guggenheim e dalla Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP] per fotografare e studiare la cultura Yanomami. Dal 1978 al 2000 ha lavorato per la Commissione Pro-Yanomami (CCPY) e ha coordinato la campagna per la demarcazione del territorio Yanomami in Amazzonia (TIY), istituita dal governo brasiliano nel 1992. Nel 2000, Andujar ha ricevuto il Premio annuale per la libertà culturale dalla Lannan Foundation, New Mexico, in riconoscimento del suo lavoro di sostenitrice dei diritti umani. Nel 2003 ha ricevuto il Premio Severo Gomes dalla Commissione per i diritti umani Teotônio Vilela di San Paolo e nel 2008 è stata insignita dell'Ordine al merito culturale dal Ministero della Cultura brasiliano. Nel 2010 ha ricevuto il Premio Kassel per il libro fotografico Marcados, pubblicato da Cosac Naify, e nel 2018 è stata insignita della Medaglia Goethe. Nel 2015 è stato inaugurato il padiglione permanente Galeria Claudia Andujar presso l'Instituto Inhotim di Brumadinho, Minas Gerais, Brasile, con trecento opere sugli Yanomami realizzate dall'artista.

Curatore: Viktor Hois

For Claudia Andujar, photography is a way of communicating with the world, a medium through which one learns as much as one gives. Her works testify to the photographer's longstanding commitment to the commitment to the protection of the Yanomami, one of the largest indigenous communities in the communities in the Brazilian Amazon. Since the 1970s Andujar has lived with this community in the Amazon basin on several occasions. To this day, this region is constantly exploited for its mineral resources.

Claudia Andujar sees photography as an artistic and political tool. Her work is characterized by the strong sense of responsibility, with which the artist is involved in the Pro-Yanomami Commission (CCPY) for the protected areas along the Brazilian-Venezuelan border.

Claudia Andujar was born in Neuchâtel, Switzerland, in 1931 and lives and works in São Paulo. After World War II, she immigrated to the United States and, in 1955, to Brazil. During the 1970s, Andujar received grants from the John Simon Guggenheim Foundation and Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP] to photograph and study the culture of the Yanomami people. From 1978 to 2000, she

worked for the Pro-Yanomami Commission (CCPY) and coordinated the campaign for the demarcation of the Yanomami territory in the Amazon (TIY), created by the Brazilian government in 1992. In recognition of her work as an advocate of human rights, Andujar received the Annual Cultural Freedom Award from the Lannan Foundation, New Mexico, in 2000. In 2003, she received the Severo Gomes Award from the Teotônio Vilela Human Rights Commission, São Paulo, and in 2008 was honored by the Ministry of Culture of Brazil with the Order of Cultural Merit. In 2010 she received the Kassel Photobook Award for Marcados, published by Cosac Naify, and she was honored with the Goethe-Medaille in 2018. In 2015, the permanent pavilion Galeria Claudia Andujar opened at Instituto Inhotim in Brumadinho, Minas Gerais, Brazil, with three hundred works created by the artist about the Yanomami.

Curator: Victor Hois

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

Fotomuseum Winterthur
10. Februar – 20. Mai 2024

Der Sammlung zugeneigt – Konstellation 1

Vito Acconci, Stefan Burger, Forensic Architecture, Lee Friedlander, Matthias Gabi, Nan Goldin, Roc Herms, Jacob Holdt, Margret Hoppe, Graciela Iturbide, Zoe Leonard, Marc Lee, Sherrie Levine, Clunie Reid, Anika Schwarzlose, Shirana Shahbazi, Cindy Sherman, Lorna Simpson, Garry Winogrand

Das Fotomuseum Winterthur nimmt die 30-jährige Institutionsgeschichte zum Anlass, die eigene Sammlung zu beleuchten: Exemplarische Werke aus der Sammlung geben einen Einblick in die Sammlungstätigkeit des Museums. Es werden die Arbeiten von insgesamt 19 unterschiedlichen Fotograf_innen und Kunstschaffenden gezeigt – darunter bekannte Namen wie auch Neuentdeckungen.

Im Fokus der Ausstellung stehen die Eigen- und Besonderheiten der Sammlung sowie deren Schwerpunkte, aber auch Fragestellungen zur musealen Sammlungspraxis an und für sich. Zudem sind die Lücken und Leerstellen, welche sich durch die kritische Betrachtung der eigenen Sammlung offenbaren, sowie Werke, die das Museum vor Herausforderungen stellen, Bestandteil der Auseinandersetzung.

Die nicht-lineare Präsentation der Ausstellung zeigt auf, dass eine Vielzahl unterschiedlicher Faktoren die (Weiter-)Entwicklung einer Sammlung beeinflussen. Dazu gehören das Ausstellungsprogramm, inhaltliche Schwerpunkte und kuratorische Interessen, gesellschaftliche Fragestellungen aber auch die Entwicklung fotografischer Medien und Praktiken.

Sowohl im Ausstellungsraum als auch über ein vielfältiges Veranstaltungsprogramm gibt das Fotomuseum Winterthur Einblicke in Aspekte wie den Entstehungsprozess oder die Pflege der eigenen Sammlung. Der Sammlung zugeneigt bietet eine Alternative zur klassischen Sammlungsausstellung und bringt nicht zuletzt eine institutionelle Haltung zum Ausdruck: Das Fotomuseum Winterthur ist durchaus (selbst-)kritisch – und dennoch der eigenen Sammlung zugeneigt.

Konstellation 1 bildet den Auftakt einer Serie von Sammlungspräsentationen, die aufeinander aufbauen und für unterschiedliche internationale Gastorte konzipiert werden.

Le Fotomuseum Winterthur profite de ses 30 ans d'histoire institutionnelle pour mettre en lumière sa propre collection : Des œuvres exemplaires de la collection donnent un aperçu de l'activité de collection du musée. Les travaux d'un total de 19 photographes et artistes différents sont présentés - parmi eux des noms connus ainsi que des découvertes.

L'exposition met l'accent sur les particularités et les spécificités de la collection ainsi que sur ses points forts, mais aussi sur des questions relatives à la pratique muséale de la collection en soi et pour soi. En outre, les lacunes et les vides révélés par l'examen critique de la propre collection, ainsi que les œuvres qui transmettent des défis au musée, font partie intégrante de la réflexion.

La présentation non linéaire de l'exposition montre qu'une multitude de facteurs différents influencent le développement (continu) d'une collection. En font partie le programme d'exposition, les priorités en matière de contenu et les intérêts des conservateurs, les questions de société, mais aussi l'évolution des médias et des pratiques photographiques.

Tant dans l'espace d'exposition que par le biais d'un programme varié de manifestations, le Fotomuseum Winterthur donne un aperçu d'aspects tels que le processus de création ou l'entretien de sa propre collection. La collection offre une alternative à l'exposition classique des collections et exprime notamment une attitude institutionnelle : le Fotomuseum Winterthur est tout à fait (auto)critique - et néanmoins attaché à sa propre collection.

Constellation 1 marque le début d'une série de présentations de la collection qui se suivent et sont conçues pour différents lieux d'accueil internationaux.

Il Fotomuseum Winterthur coglie l'occasione dei 30 anni di storia dell'istituzione per far luce sulla propria collezione: Opere esemplari della collezione offrono una panoramica sulle attività collezionistiche del museo. Sono esposte le opere di un totale di 19 diversi fotografi e artisti, tra cui nomi noti e nuove scoperte.

La mostra si concentra sulle caratteristiche uniche e speciali della collezione e sui suoi punti focali, nonché sulle questioni relative alla pratica del collezionismo museale in sé e per sé. Inoltre, le lacune e i vuoti che si rivelano attraverso un esame critico della collezione del museo, così come le opere che rappresentano una sfida per il museo, sono parte della discussione.

La presentazione non lineare della mostra dimostra che una serie di fattori diversi influenzano lo sviluppo (ulteriore) di una collezione. Tra questi, il programma espositivo, le tematiche e gli interessi curatoriali, le questioni sociali, ma anche lo sviluppo dei media e delle pratiche fotografiche.

Sia nello spazio espositivo che attraverso un variegato programma di eventi, il Fotomuseum Winterthur fornisce approfondimenti su aspetti quali il processo di creazione o la cura della propria collezione. La mostra "La collezione è nostra" offre un'alternativa alla classica esposizione di collezioni e, non da ultimo, esprime un atteggiamento istituzionale: il Fotomuseum Winterthur è assolutamente (auto)critico - e tuttavia devoto alla propria collezione.

Constellation 1 segna l'inizio di una serie di presentazioni della collezione che si sviluppano l'una sull'altra e sono concepite per diverse sedi internazionali.

Fotomuseum Winterthur is taking the opportunity presented by the institution’s thirtieth anniversary to examine its own collection, with a selection of artworks providing an insight into the museum’s collecting activities. On display are works by a total of 19 different photographers and artists, a mix of well-known names and new discoveries.

The exhibition homes in on the collection’s idiosyncrasies, distinctive qualities and thematic focuses, while also scrutinising museum collecting practices per se. This probing of the collection also looks at gaps and lacunae that are made apparent by the museum’s critical self-assessment and at works that are institutionally challenging.

The non-linear way in which the exhibition is presented highlights the fact that the (progressive) development of a collection is influenced by a variety of different factors. These include the exhibition programme, thematic focuses, curatorial interests, social issues and photography’s own process of evolution as a medium and body of practices.

Both in the exhibition space and through a varied programme of events, the museum provides insights into, among other things, its own origins and the way it cares for its collection. A Show of Affection offers an alternative to the classical collection exhibition and is, not least, an expression of an institutional approach: Fotomuseum Winterthur is eminently (self-)critical – and yet still has a sense of affection for its own collection.

Collection Constellation 1 marks the beginning of a series of collection presentations that build on one another and are conceived for different international venues.

(Text: Fotomuseum Winterthur)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
10. Februar – 20. Mai 2024

Die 4 Jahreszeiten
Jakob Tuggener

Das Werk von Jakob Tuggener (1904-1988) behauptet seinen Platz in der Fotografie des 20. Jahrhunderts. Seine ausdrucksstarken Aufnahmen von rauschenden Ballnächten sind legendär, und das Buch Fabrik von 1943 gilt als ein Meilenstein in der Geschichte des Fotobuchs. Doch noch ein drittes grosses Thema liess Tuggener nicht los: das einfache Leben auf dem Land.

Unzählige sensibel beobachtete, atmosphärisch aufgeladene, aber nie pittoreske Darstellungen des bäuerlichen Alltags widerspiegeln den Zyklus der Natur und sind zugleich eine Reflexion über das Leben und dessen Vergänglichkeit. 1973/74 stellte Tuggener unter dem Titel Die 4 Jahreszeiten vier individuelle Buchmaquetten zusammen – selbst gestaltete, druckfertige Buch-Unikate.

Die Ausstellung präsentiert neben den Buchmaquetten weitere Fotografien von Jakob Tuggener, die vor Augen führen, wie intensiv sich dieser herausragende Fotograf mehr als 30 Jahre lang dem Landleben widmete.

Parallel zur Ausstellung werden Die 4 Jahreszeiten auch in einem Buch vorgestellt. Damit gibt die Fotostiftung Schweiz in enger Zusammenarbeit mit der Jakob Tuggener-Stiftung und dem Steidl Verlag einen neuen Einblick in die Reihe der rund 70 Bücher, die Jakob Tuggener selbst als Herzstück seines Schaffens betrachtete, obschon sie zu seinen Lebzeiten unveröffentlicht blieben.

L’oeuvre de Jakob Tuggener (1904-1988) affirme sa place dans la photographie du 20e siècle. Ses photos expressives de somptueuses soirées de bal sont légendaires et le livre Fabrik (Usine) de 1943 est considéré comme un jalon dans l’histoire du livre de photos. Mais il y avait encore un troisième thème qui ne lâchait pas Tuggener : la vie simple à la campagne.

Ses innombrables représentations du quotidien paysan, observées avec sensibilité et chargées d’atmosphère, mais jamais pittoresques, reflètent le cycle de la nature et sont en même temps une réflexion sur la vie et son caractère éphémère. En 1973/74, Tuggener composa quatre maquettes de livres individuelles sous le titre Die 4 Jahreszeiten (Les 4 saisons) – des livres uniques conçus par lui-même et prêts à être imprimés.

Outre ces maquettes de livres, l’exposition montre d’autres photographies de Jakob Tuggener qui illustrent à quel point ce photographe hors pair se consacra à la vie rurale pendant plus de 30 ans

En parallèle à l’exposition, Die 4 Jahreszeiten seront également présentées sous forme d’un livre. La Fotostiftung Schweiz, en étroite collaboration avec la Fondation Jakob Tuggener et les Éditions Steidl, donne ainsi un nouvel aperçu de la série des quelque 70 livres que Jakob Tuggener considérait lui-même comme le coeur de son oeuvre, bien qu’ils soient restés inédits de son vivant.

L’opera di Jakob Tuggener (1904–1988) si è affermata nella fotografia del ventesimo secolo. Le sue immagini di spumeggianti balli notturni sono leggendarie e il libro «Fabrik», uscito nel 1943, è considerato una pietra miliare nella storia dell’editoria fotografica. Ma Tuggener si dedicò assiduamente anche a un terzo, vasto argomento: la vita modesta di campagna.

Innumerevoli scene di vita rurale quotidiana osservate con sensibilità, cariche di atmosfera ma mai pittoresche, rispecchiano i cicli naturali e rappresentano, al contempo, una riflessione sulla vita e la sua caducità. Nel 1973/74, Tuggener realizzò delle maquette per quattro libri intitolati «Die 4 Jahreszeiten» (Le 4 stagioni) – copie uniche pronte per la stampa, interamente progettate da lui.

Oltre alle maquette dei libri, la mostra propone ulteriori fotografie di Jakob Tuggener in grado di mostrare con quanta intensità questo straordinario fotografo si sia dedicato alla vita contadina, per oltre 30 anni.

Parallelamente alla mostra, «Le 4 stagioni» vengono presentate anche in un libro. La Fotostiftung Schweiz, in stretta collaborazione con la fondazione Jakob Tuggener e la casa editrice Steidl, offre così un nuovo sguardo su una serie di libri composta da circa 70 volumi, considerata dallo stesso Jakob Tuggener il corpo centrale del suo lavoro, anche se non è mai stata pubblicata mentre era in vita.

The work of Jakob Tuggener (1904-1988) is well positioned within 20th-century photography. His expressive photographs of glittering ball nights are legendary and his 1943 book Fabrik (Factory) is seen as a milestone in the history of the photo book. However, Tuggener was also captivated by a third subject: simple life in the countryside.

His countless sensitively observed, atmospherically charged, but never picturesque depictions of everyday farming life reflect the cycle of nature, while simultaneously contemplating life and its transience. In 1973/74, Tuggener compiled four individual book maquettes under the title Die 4 Jahreszeiten (The 4 Seasons): unique ready-to-print books, which he designed himself.

In addition to those book maquettes, this exhibition displays other photographs by Jakob Tuggener, which demonstrate how intensively this outstanding photographer devoted himself to the theme of country life for more than 30 years. In parallel to the exhibition, The 4 Seasons will also be presented in a book. In close collaboration with the Jakob Tuggener Foundation and Steidl Verlag, Fotostiftung Schweiz is thus providing new insight into the series of around 70 books that Jakob Tuggener himself considered the centrepiece of his oeuvre, even though they remained unpublished during his lifetime.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Kunstsammlungen Chemnitz
11. Februar – 9. Juni 2024

Vier Frauen. Vier Lebensläufe Fotografieren in der DDR
Christine Stephan-Brosch, Evelyn Krull, Gerdi Sippel, May Voigt

Mit Vier Frauen. Vier Lebensläufe - Fotografieren in der DDR widmen sich die Kunstsammlungen am Theaterplatz Werken der sächsischen Fotografinnen Christine Stephan-Brosch, Evelyn Krull, Gerdi Sippel und May Voigt. Die Ausstellung präsentiert deren Leben und Arbeit in der DDR-Zeit und damit einem oft vernachlässigten Kapitel der Fotografiegeschichte. Es werden etwa 80 Fotografien präsentiert, die bis zur politischen Wende 1989 entstanden sind - darunter auch die im vergangenen Jahr durch die Kunstsammlungen Chemnitz erworbenen Künstlerporträts von Christine Stephan-Brosch. Die Kunstsammlungen Chemnitz greifen für das Projekt sowohl auf den eigenen Bestand zurück als auch auf Arbeiten, die direkt von den Fotografinnen geliehen sind.

Eng verbunden mit der sächsischen Kulturszene ist Christine Stephan-Brosch, die seit den 1960er Jahren eine Vielzahl an Künstler:innen porträtiert hat. Mit ihren Fotografien geht sie stets auf Spurensuche nach dem Natürlichen, das sie sowohl in den Menschen als auch in ihrer eigenen unmittelbaren Umgebung findet. Evelyn Krull überzeugt mit ihrer Sicht auf das Körperliche. Bereits in den 1970er-Jahren beginnt sie Akte zu fotografieren. In ihrer künstlerischen Fotografie werden in klarer Bildsprache universale menschliche Themen durch die Aktdarstellungen kommuniziert. Über die Arbeit mit dem Menschen und dem Körper werden Fragen aufgeworfen, Emotionen erzeugt sowie Körperlichkeit und oft auch Sinnlichkeit verhandelt. Gerdi Sippels Fotografien zeichnen sich besonders durch das Darstellen von menschlicher Arbeit und deren schöpferischer Kraft aus. Der Fokus liegt jedoch weniger auf dem Arbeiten als Handlung, als auf dem Ergebnis, das sich in den alltäglichsten Dingen und in Arbeitsspuren zeigt. Dunkel gehaltene Momentaufnahmen, in denen das Licht eine entscheidende Rolle spielt, prägen die Arbeiten von May Voigt. Ihre Bilder sind oft als verschlüsselte Metaphern zu verstehen. In dieser Form geben die Fotografien auf eindrucksvolle und sensible Weise das tiefste Innere der Künstlerin wieder. Die Bilder spiegeln Ängste, Einsamkeit, Schwermütigkeit und gleichzeitig Hoffnung sowie die Suche nach dem Sinn wider.

"Hautnah und ganz persönlich begegnen uns die vier Fotografinnen in der Ausstellung, die damit den Blick auf eine vergangene Zeit ermöglichen." Johanna Gerling, Kuratorin.

Die Ausstellung verfolgt das Ziel, die unterschiedlichen Positionen im Kontext ihrer Entstehung zu verorten und die künstlerische Entwicklung der vier Fotografinnen darzustellen. Dafür werden die Lebensläufe und Werke der einzelnen Künstlerinnen, die aus unterschiedlichen Generationen stammen, näher beleuchtet. Diese stehen stellvertretend für eine Vielzahl an Fotografinnen, von denen einige beinahe in Vergessenheit geraten sind.

Avec Vier Frauen. Vier Lebensläufe - Fotografieren in der DDR, les Kunstsammlungen am Theaterplatz se consacrent aux œuvres des photographes saxonnes Christine Stephan-Brosch, Evelyn Krull, Gerdi Sippel et May Voigt. L'exposition présente leur vie et leur travail à l'époque de la RDA et donc un chapitre souvent négligé de l'histoire de la photographie. Environ 80 photographies réalisées jusqu'au tournant politique de 1989 sont présentées - dont les portraits d'artistes de Christine Stephan-Brosch, acquis l'année dernière par les collections d'art de Chemnitz. Pour ce projet, les collections d'art de Chemnitz ont recours à leur propre fonds ainsi qu'à des œuvres directement empruntées aux photographes.

Christine Stephan-Brosch est étroitement liée à la scène culturelle saxonne. Depuis les années 1960, elle a fait le portrait d'un grand nombre d'artistes. Avec ses photographies, elle part toujours à la recherche du naturel, qu'elle trouve aussi bien chez les gens que dans son propre environnement immédiat. Evelyn Krull convainc par sa vision du physique. Dès les années 1970, elle commence à photographier des nus. Dans sa photographie artistique, des thèmes humains universels sont communiqués dans un langage visuel clair à travers les représentations de nus. Le travail avec l'homme et le corps soulève des questions, génère des émotions et négocie la corporalité et souvent la sensualité. Les photographies de Gerdi Sippel se distinguent particulièrement par la représentation du travail humain et de sa force créatrice. L'accent est cependant moins mis sur le travail en tant qu'action que sur le résultat, qui se manifeste dans les objets les plus quotidiens et dans les traces de travail. Les travaux de May Voigt se caractérisent par des instantanés sombres dans lesquels la lumière joue un rôle décisif. Ses visuels sont souvent à comprendre comme des métaphores codées. Sous cette forme, les photographies restituent de manière impressionnante et sensible l'intérieur le plus profond de l'artiste. Les visuels reflètent l'angoisse, la solitude, la mélancolie mais aussi l'espoir et la quête de sens.

"C'est à fleur de peau et de manière très personnelle que nous rencontrons les quatre photographes de l'exposition, qui nous permettent ainsi de jeter un regard sur une époque révolue". Johanna Gerling, commissaire d'exposition.

L'exposition a pour objectif de situer les différentes positions dans le contexte de leur création et de présenter l'évolution artistique des quatre photographes. Pour ce faire, les parcours de vie et les œuvres de chacune des artistes, issues de générations différentes, sont examinés de plus près. Elles sont représentatives d'une multitude de femmes photographes, dont certaines sont presque tombées dans l'oubli.

Con Quattro donne. Vier Lebensläufe - Fotografieren in der DDR, le Kunstsammlungen am Theaterplatz si dedicano alle opere delle fotografe sassoni Christine Stephan-Brosch, Evelyn Krull, Gerdi Sippel e May Voigt. La mostra presenta la loro vita e il loro lavoro durante l'epoca della DDR e quindi un capitolo spesso trascurato della storia della fotografia. Sono presentate circa 80 fotografie scattate fino al cambiamento politico del 1989, tra cui i ritratti d'artista di Christine Stephan-Brosch acquisiti dalla Kunstsammlungen Chemnitz lo scorso anno. Per il progetto, la Kunstsammlungen Chemnitz attinge al proprio patrimonio e alle opere prestate direttamente dai fotografi.

Christine Stephan-Brosch è strettamente legata alla scena culturale sassone e ha ritratto un gran numero di artisti fin dagli anni Sessanta. Nelle sue fotografie è sempre alla ricerca di tracce di natura, che trova sia nelle persone che nell'ambiente circostante. Evelyn Krull colpisce per la sua visione del fisico. Ha iniziato a fotografare nudi già negli anni Settanta. Nella sua fotografia artistica, i temi umani universali sono comunicati attraverso i nudi in un chiaro linguaggio visivo. Lavorando con le persone e il corpo, solleva domande, genera emozioni e negozia la fisicità e spesso la sensualità. Le fotografie di Gerdi Sippel sono caratterizzate in particolare dalla rappresentazione del lavoro umano e del suo potere creativo. Tuttavia, l'attenzione non è tanto sul lavoro in quanto azione, quanto sul risultato, che può essere visto nelle cose più quotidiane e nelle tracce del lavoro. Le opere di May Voigt sono caratterizzate da istantanee scure in cui la luce gioca un ruolo decisivo. Le sue immagini sono spesso da intendersi come metafore codificate. In questa forma, le fotografie riflettono in modo impressionante e sensibile l'interiorità più profonda dell'artista. Le immagini riflettono paure, solitudine, malinconia e, allo stesso tempo, speranza e ricerca di significato.

"Incontriamo i quattro fotografi in mostra da vicino, permettendoci di gettare uno sguardo su un'epoca passata". Johanna Gerling, curatrice.

L'obiettivo della mostra è collocare le diverse posizioni nel contesto della loro creazione e mostrare lo sviluppo artistico dei quattro fotografi. A tal fine, le biografie e le opere dei singoli artisti, che appartengono a generazioni diverse, saranno esaminate in dettaglio. Esse sono rappresentative di un gran numero di fotografe donne, alcune delle quali sono state quasi dimenticate.

With Four Women. Vier Lebensläufe - Fotografieren in der DDR, the Kunstsammlungen am Theaterplatz are devoting themselves to works by the Saxon photographers Christine Stephan-Brosch, Evelyn Krull, Gerdi Sippel and May Voigt. The exhibition presents their lives and work during the GDR era and thus an often neglected chapter in the history of photography. Around 80 photographs are presented that were taken up to the political change in 1989 - including the artist portraits by Christine Stephan-Brosch acquired by the Kunstsammlungen Chemnitz last year. For the project, the Kunstsammlungen Chemnitz is drawing on its own holdings as well as works lent directly by the photographers.

Christine Stephan-Brosch is closely associated with the Saxon cultural scene and has portrayed a large number of artists since the 1960s. In her photographs, she is always on the lookout for traces of the natural, which she finds both in people and in her own immediate surroundings. Evelyn Krull impresses with her view of the physical. She began photographing nudes as early as the 1970s. In her artistic photography, universal human themes are communicated through the nudes in a clear visual language. By working with people and the body, she raises questions, generates emotions and negotiates physicality and often sensuality. Gerdi Sippel's photographs are characterized in particular by the depiction of human work and its creative power. However, the focus is less on the work as an action than on the result, which can be seen in the most everyday things and in traces of work. May Voigt's works are characterized by dark snapshots in which light plays a decisive role. Her visuals are often to be understood as coded metaphors. In this form, the photographs reflect the artist's deepest inner self in an impressive and sensitive way. The visuals reflect fears, loneliness, melancholy and at the same time hope and the search for meaning.

"We encounter the four photographers in the exhibition up close and personal, allowing us to take a look at a bygone era." Johanna Gerling, curator.

The aim of the exhibition is to place the different positions in the context of their creation and to show the artistic development of the four photographers. To this end, the biographies and works of the individual artists, who come from different generations, will be examined in more detail. They are representative of a large number of female photographers, some of whom have almost been forgotten.

(Text: Kunstsammlungen Chemnitz)

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
14. Februar – 2. Juni 2024

Robert Capa e Gerda Taro: la fotografia, l’amore, la guerra

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia präsentiert die Ausstellung Robert Capa e Gerda Taro: la fotografia, l'amore, la guerra in den Ausstellungsräumen der Via delle Rosine in Turin vom 14. Februar bis 2. Juni 2024.

Eine weitere große Ausstellung nach den Dorothea Lange und André Kertész gewidmeten Einzelausstellungen mit etwa 120 Fotografien, die einen der entscheidenden Momente in der Geschichte der Fotografie des 20. Jahrhunderts wiedergeben: die berufliche und emotionale Beziehung zwischen Robert Capa und Gerda Taro, die durch den Tod von Taro in Spanien 1937 tragisch beendet wurde. In Wirklichkeit hießen sie Gerta Pohorylle und Endre - später in André umbenannt - Friedmann. Sie floh aus Nazi-Deutschland, er emigrierte aus Ungarn, und sie lernten sich 1934 in Paris kennen. Im folgenden Jahr verliebten sie sich ineinander und gingen eine künstlerische und emotionale Partnerschaft ein, die sie dazu brachte, die Cafés des Quartier Latin zu besuchen und sich mit Fotografie und politischem Engagement zu beschäftigen. In einem Paris, in dem es gärt und das von Intellektuellen und Künstlern aus ganz Europa überschwemmt wird, wird es jedoch immer schwieriger, Aufträge zu bekommen. Um Verleger anzulocken, erfand Gerta die Figur des Robert Capa, eines reichen und berühmten amerikanischen Fotografen, der gerade auf dem Kontinent angekommen war, ein Alter Ego, mit dem sich André für den Rest seines Lebens identifizieren sollte. Sie änderte auch ihren Namen in Gerda Taro.

Das entscheidende Jahr für beide war 1936: Im August zogen sie nach Spanien, um den anhaltenden Bürgerkrieg zwischen Republikanern und Faschisten zu dokumentieren. Im darauffolgenden Monat machte Robert Capa die legendäre Aufnahme Der fallende Soldat, während Gerda Taro sein ikonischstes Bild schoss: eine Milizionärin im Training, mit gezogenem Gewehr und Schuhen mit Absätzen, ein noch nie dagewesener Blick auf den Krieg, der von Frauen gemacht und dargestellt wurde. Neben diesen beiden Ikonen machten die Fotografen viele weitere Aufnahmen, die von einer intensiven Teilnahme am Geschehen zeugen, sowohl aus der Sicht der Kriegsberichterstattung als auch aus dem täglichen Leben der Soldaten, der Soldatinnen und der Bevölkerung, die von dem Konflikt dramatisch betroffen war. In jenen Jahren war Spanien in der Tat ein Land, das viele Intellektuelle, Schriftsteller und Filmemacher aus der ganzen Welt anzog. Ernest Hemingway, der auf einem Capa-Foto festgehalten wurde, verarbeitete seine Erfahrungen mit dem Spanischen Bürgerkrieg in seinem Meisterwerk For Whom the Bell Tolls (Wem die Stunde schlägt), während George Orwell eine Hommage an Katalonien schreiben sollte.

Ihre Fotografien werden in den wichtigsten Zeitungen der damaligen Zeit veröffentlicht, von Vu bis Regards to Life. Dies verschafft den beiden, die oft mit einer einzigen Initiale signieren, ohne den Autor des Bildes zu nennen, einen guten Ruf und zahlreiche Anfragen für Arbeiten. In den Jahren 1936 und 1937 pendeln die beiden zwischen Paris und Spanien und dokumentieren die Streiks in der französischen Hauptstadt sowie die Wahlen von 1937, die mit dem Sieg der antifaschistischen Volksfront enden. Sie fotografierten auch Persönlichkeiten wie André Malraux, Ilja Ehrenburg, Tristan Tzara und Anna Seghers auf dem Internationalen Kongress der antifaschistischen Schriftsteller in Valencia.

Kurz nach dem Sieg der Volksfront wurde Gerda Taro jedoch am 24. Juli 1937 während der Schlacht von Brunete in Spanien versehentlich von einem Panzer überrollt und getötet. Diese Tragödie beendete das Leben der ersten weiblichen Kriegsberichterstatterin. Im folgenden Jahr veröffentlichte Robert Capa Death in the Making, ein epochales Buch, das seiner Gefährtin gewidmet ist und viele der in der Ausstellung gezeigten Bilder beider Fotografen enthält.

Die von Walter Guadagnini und Monica Poggi kuratierte Ausstellung erzählt die intensive Zeit der Fotografie, des Krieges und der Liebe dieser beiden außergewöhnlichen Persönlichkeiten anhand von Fotografien und der Reproduktion einiger Abzüge aus dem berühmten "mexikanischen Koffer", der 4 500 Negative enthält, die von den beiden Fotografen und ihrem Kameraden David Seymour, genannt "Chim", in Spanien aufgenommen wurden. Die Spur des Koffers verliert sich 1939, als Capa ihn einem Freund anvertraut, um zu verhindern, dass die Materialien von den deutschen Truppen beschlagnahmt und zerstört werden. Er wurde erst Ende der 1990er Jahre in Mexiko-Stadt wiedergefunden und ermöglichte die korrekte Zuordnung einer Reihe von Bildern, deren Urheber unklar war.

Die Ausstellung wird von einem Katalog begleitet, der von Dario Cimorelli Editore herausgegeben wird und Texte von den Kuratoren enthält.

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia présente l'exposition Robert Capa e Gerda Taro : la fotografia, l'amore, la guerra dans les salles d'exposition de Via delle Rosine à Turin du 14 février au 2 juin 2024.

Après les expositions personnelles consacrées à Dorothea Lange et André Kertész, une autre exposition majeure avec environ 120 photographies retrace l'un des moments les plus marquants de l'histoire de la photographie du XXe siècle : la relation professionnelle et émotionnelle entre Robert Capa et Gerda Taro, tragiquement interrompue par la mort de Taro en Espagne en 1937. Leurs vrais noms étaient Gerta Pohorylle et Endre - plus tard changé en André - Friedmann. Elle a fui l'Allemagne nazie, lui a émigré de Hongrie, et ils se sont rencontrés à Paris en 1934. L'année suivante, ils tombent amoureux et forment un couple artistique et affectif qui les amène à fréquenter les cafés du Quartier latin et à s'engager dans la photographie et l'activisme politique. Cependant, dans un Paris en pleine effervescence, mais envahi par des intellectuels et des artistes venus de toute l'Europe, il est de plus en plus difficile de trouver des commandes. Pour attirer les éditeurs, Gerta invente le personnage de Robert Capa, un riche et célèbre photographe américain récemment arrivé sur le continent, alter ego auquel André s'identifiera toute sa vie. Elle change également de nom pour s'appeler Gerda Taro.

L'année 1936 est une année charnière pour tous les deux : en août, ils s'installent en Espagne pour documenter la guerre civile en cours entre les républicains et les fascistes. Le mois suivant, Robert Capa prend le légendaire cliché The Falling Soldier, tandis que Gerda Taro réalise son image la plus emblématique, une milicienne à l'entraînement, fusil dégainé et chaussures à talons, dans une vision sans précédent de la guerre faite et représentée par des femmes. Outre ces deux icônes, les photographes ont pris de nombreux autres clichés qui témoignent d'une participation intense à l'événement, tant du point de vue du reportage de guerre que de la vie quotidienne des soldats, des femmes soldats et de la population dramatiquement touchée par le conflit. Dans ces années-là, l'Espagne est en effet un pays qui attire de nombreux intellectuels, écrivains et cinéastes du monde entier. Ernest Hemingway, photographié par Capa, racontera son expérience de la guerre civile espagnole dans son chef-d'œuvre "Pour qui sonne le glas", tandis que George Orwell écrira "Hommage à la Catalogne".

Leurs photographies sont publiées dans les principaux journaux de l'époque, de Vu à Regards en passant par Life. Il en résulte une solide réputation et de nombreuses demandes de travail pour le couple, qui signe souvent d'une seule initiale sans distinguer l'auteur de la prise de vue. En 1936 et 1937, ils voyagent entre Paris et l'Espagne, documentant les grèves dans la capitale française et les élections de 1937, qui se soldent par la victoire du Front populaire antifasciste. Ils photographient également des personnages tels qu'André Malraux, Ilya Ehrenburg, Tristan Tzara et Anna Seghers lors du Congrès international des écrivains antifascistes à Valence.

Mais peu après la victoire du Front populaire, Gerda Taro est accidentellement écrasée et tuée par un char d'assaut lors de la bataille de Brunete, en Espagne, le 24 juillet 1937. Cette tragédie met fin à la vie de la première femme correspondante de guerre. L'année suivante, Robert Capa publiera Death in the Making, un livre historique dédié à sa compagne et contenant de nombreuses images des deux photographes présentées dans l'exposition.

L'exposition, organisée par Walter Guadagnini et Monica Poggi, retrace la période intense de photographie, de guerre et d'amour de ces deux personnalités extraordinaires à travers des photographies et la reproduction de certaines épreuves de la fameuse "valise mexicaine", qui contient 4 500 négatifs pris en Espagne par les deux photographes et leur camarade David Seymour, connu sous le nom de "Chim". Les traces de la valise ont été perdues en 1939 lorsque Capa l'a confiée à un ami pour éviter que le matériel ne soit réquisitionné et détruit par les troupes allemandes. Elle n'a été retrouvée qu'à la fin des années 1990 à Mexico, permettant l'attribution correcte d'une série d'images dont l'auteur n'était pas clair.

L'exposition sera accompagnée d'un catalogue publié par Dario Cimorelli Editore avec des textes des commissaires.

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia presenta la mostra Robert Capa e Gerda Taro: la fotografia, l'amore, la guerra nelle sale espositive di Via delle Rosine a Torino dal 14 febbraio al 2 giugno 2024.

Un'altra grande mostra, dopo le personali dedicate a Dorothea Lange e André Kertész, con circa 120 fotografie che raccontano uno dei momenti salienti della storia della fotografia del XX secolo: il rapporto professionale e sentimentale tra Robert Capa e Gerda Taro, tragicamente interrotto dalla morte della Taro in Spagna nel 1937. I loro veri nomi erano Gerta Pohorylle e Endre - poi cambiato in André - Friedmann. Lei fuggì dalla Germania nazista, lui emigrò dall'Ungheria e si incontrarono a Parigi nel 1934. L'anno successivo si innamorarono, formando un sodalizio artistico e sentimentale che li portò a frequentare i caffè del Quartiere Latino e a dedicarsi alla fotografia e all'attivismo politico. Tuttavia, in una Parigi in fermento, ma invasa da intellettuali e artisti provenienti da tutta Europa, era sempre più difficile trovare commissioni. Per attirare gli editori, fu Gerta a inventare il personaggio di Robert Capa, un ricco e famoso fotografo americano da poco arrivato sul continente, un alter ego con cui André si identificherà per il resto della sua vita. Cambiò anche il suo nome in Gerda Taro.

L'anno cruciale per entrambi fu il 1936: in agosto si trasferirono in Spagna per documentare la guerra civile in corso tra repubblicani e fascisti. Il mese successivo, Robert Capa realizzerà il leggendario scatto Il soldato che cade, mentre Gerda Taro scatterà la sua immagine più iconica, una miliziana in addestramento, con la pistola spianata e le scarpe col tacco, in una visione inedita della guerra fatta e rappresentata dalle donne. Oltre a queste due icone, i fotografi realizzarono molti altri scatti che testimoniano un'intensa partecipazione all'evento, sia dal punto di vista del reportage di guerra che della vita quotidiana dei soldati, delle soldatesse e della popolazione drammaticamente colpita dal conflitto. In quegli anni, la Spagna era infatti un Paese che attirava molti intellettuali, scrittori e cineasti da tutto il mondo. Ernest Hemingway, immortalato in una fotografia di Capa, avrebbe raccontato la sua esperienza della guerra civile spagnola nel capolavoro Per chi suona la campana, mentre George Orwell avrebbe scritto Omaggio alla Catalogna.

Le loro fotografie vengono pubblicate sui principali giornali dell'epoca, da Vu a Regards a Life. Ne consegue una solida reputazione e molte richieste di lavoro per la coppia, che spesso si firma con una sola iniziale senza distinguere l'autore dello scatto. Nel 1936 e 1937, i due viaggiano tra Parigi e la Spagna, documentando gli scioperi nella capitale francese e le elezioni del 1937, che si concludono con la vittoria del Fronte Popolare antifascista. Fotografarono anche personaggi come André Malraux, Ilya Ehrenburg, Tristan Tzara e Anna Seghers al Congresso internazionale degli scrittori antifascisti a Valencia.

Poco dopo la vittoria del Fronte Popolare, tuttavia, Gerda Taro fu accidentalmente investita e uccisa da un carro armato durante la battaglia di Brunete, in Spagna, il 24 luglio 1937. Questa tragedia pose fine alla vita della prima corrispondente di guerra donna. L'anno successivo Robert Capa avrebbe pubblicato Death in the Making, un libro epocale dedicato alla sua compagna e contenente molte delle immagini esposte in mostra, realizzate da entrambi i fotografi.

La mostra, curata da Walter Guadagnini e Monica Poggi, racconta l'intenso periodo di fotografia, guerra e amore di queste due straordinarie personalità attraverso le fotografie e la riproduzione di alcune prove della famosa "valigia messicana", che contiene 4.500 negativi scattati in Spagna dai due fotografi e dal loro compagno David Seymour, detto "Chim". Della valigia si persero le tracce nel 1939, quando Capa la affidò a un amico per evitare che il materiale fosse requisito e distrutto dalle truppe tedesche. È stata ritrovata solo alla fine degli anni Novanta a Città del Messico, consentendo la corretta attribuzione di una serie di immagini il cui autore non era chiaro.

La mostra sarà accompagnata da un catalogo pubblicato da Dario Cimorelli Editore con testi dei curatori.

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia presents the exhibition Robert Capa e Gerda Taro: la fotografia, l'amore, la guerra in the exhibition halls of Via delle Rosine in Turin from February 14th to June 2nd 2024.

Another major exhibition after the solo shows dedicated to Dorothea Lange and André Kertész with about 120 photographs recounting one of the defining moments in the history of 20th-century photography: the professional and emotional relationship between Robert Capa and Gerda Taro, which was tragically cut short by Taro's death in Spain in 1937. Their real names were Gerta Pohorylle and Endre - later changed to André - Friedmann. She fled Nazi Germany, he emigrated from Hungary, and they met in Paris in 1934. The following year, they fell in love, forming an artistic and emotional partnership that led them to frequent the cafés of the Latin Quarter and engage in photography and political activism. However, in a Paris in ferment, but invaded by intellectuals and artists from all over Europe, it was increasingly difficult to find commissions. To attract publishers, it was Gerta who invented the character of Robert Capa, a rich and famous American photographer who had recently arrived on the continent, an alter ego with which André would identify for the rest of his life. She also changed her name to Gerda Taro.

The pivotal year for both was 1936: in August, they moved to Spain to document the ongoing civil war between Republicans and Fascists. The following month, Robert Capa would take the legendary shot The Falling Soldier, while Gerda Taro would shoot his most iconic image, a militia woman in training, gun drawn and shoes with heels, in an unprecedented view of war made and represented by women. In addition to these two icons, the photographers took many other shots that testify to an intense participation in the event, both from the point of view of war reportage and of the daily life of the soldiers, female soldiers and the population dramatically affected by the conflict. In those years, Spain was indeed a country that attracted many intellectuals, writers and filmmakers from all over the world. Ernest Hemingway, captured in a Capa photograph, would recount his experience of the Spanish Civil War in his masterpiece For Whom the Bell Tolls, while George Orwell would write Homage to Catalonia.

Their photographs are published in major newspapers of the time, from Vu to Regards to Life. This results in a solid reputation and many requests for work for the pair, who often signed with a single initial without distinguishing the author of the shot. In 1936 and 1937, the two traveled between Paris and Spain, documenting strikes in the French capital and the 1937 elections, which ended with the victory of the anti-fascist Popular Front. They also photographed characters like André Malraux, Ilya Ehrenburg, Tristan Tzara, and Anna Seghers at the International Congress of Antifascist Writers in Valencia.

Shortly after the Popular Front's victory, however, Gerda Taro was accidentally run over and killed by a tank during the battle of Brunete, Spain, on July 24, 1937. This tragedy ended the life of the first female war correspondent. The following year, Robert Capa would publish Death in the Making, an epochal book dedicated to his companion and containing many of the images on view in the exhibition, by both photographers.

The exhibition, curated by Walter Guadagnini and Monica Poggi, recounts the intense period of photography, war and love of these two extraordinary personalities through photographs and the reproduction of some of the proofs from the famous "Mexican suitcase", which contains 4,500 negatives taken in Spain by the two photographers and their comrade David Seymour, known as "Chim". Traces of the suitcase were lost in 1939 when Capa entrusted it to a friend to prevent the materials from being requisitioned and destroyed by German troops. It was not found again until the end of the 1990s in Mexico City, allowing for the proper attribution of a series of images whose author had been unclear.

The exhibition will be accompanied by a catalogue published by Dario Cimorelli Editore with texts by the curators.

(Text: CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

Helmut Newton Stiftung | Berlin
15. Februar – 20. Mai 2024

CHRONORAMA – Photographic Treasures of the 20th Century

Die Helmut Newton Stiftung und die Pinault Collection freuen sich, die kommende Ausstellung unter dem Titel CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century gemeinsam bekannt zu geben. Nach dem großen Publikumserfolg der ersten Station im Palazzo Grassi in Venedig wird diese hochkarätig besetzte Gruppenschau ab dem 15. Februar 2024 in der Berliner Helmut Newton Stiftung zu sehen sein. CHRONORAMA setzt die Kooperation zwischen der Helmut Newton Stiftung und bedeutenden internationalen Sammlungen fort, die 2018 mit der Ausstellung Between Art & Fashion begann. 223 Werke von 85 FotografInnen aus der Sammlung von Carla Sozzani, der früheren Chefredakteurin der italienischen Ausgaben der Modezeitschriften Elle und Vogue, konnten damals gezeigt werden.

Nun folgt die Präsentation der von François Pinault jüngst erworbenen Sammlung herausragender Fotografien der Genres Porträt, Mode, Stillleben, Architektur und Fotojournalismus, ergänzt durch frühe Illustrationen aus dem legendären Condé-Nast-Archiv. Knapp 250 Werke, entstanden zwischen 1910 und den späten 1970er-Jahren für die stilprägenden Condé-Nast-Titel und chronologisch geordnet, offenbaren exemplarisch die Entwicklung der Modegeschichte und die radikalen gesellschaftlichen Veränderungen in der westlichen Welt.

Auch Helmut Newtons Werk ist selbstverständlich Bestandteil dieser beachtlichen Sammlung, hat er doch seit den 1950er-Jahren für die unterschiedlichen Condé-Nast-Zeitschriften gearbeitet, vorwiegend für Vogue und Vanity Fair. Die Mehrzahl dieser Newton-Aufnahmen wird erstmals in der Berliner Stiftung zu sehen sein.

Ferner begegnen uns in der Ausstellung Helmut Newtons bekannteste und innovativste Zeitgenossen, darunter Diane Arbus, Cecil Beaton, David Bailey, John Deakin, Robert Frank, Evelyn Hofer, Horst P. Horst, Peter Hujar, William Klein, Lisette Model, Ugo Mulas, Irving Penn, Bert Stern, Deborah Turbeville oder Chris von Wangenheim.

CHRONORAMA ist ein atemberaubendes Kompendium aus wertvollen Vintage Prints, von denen viele seinerzeit als Druckvorlagen für die Magazine verwendet wurden. Wie auf einer fotografischen Zeitreise durch das 20. Jahrhundert erhalten die BesucherInnen einen Einblick in die Anfänge der fotografischen Inszenierung und in die Interpretation der damals zeitgenössischen Mode, aber auch in Bereiche wie Kultur, Lifestyle und das historische Weltgeschehen. Streng nach Dekaden geordnet, beginnt der Parcours im Jahr 1910, nachdem Condé Nast die Zeitschrift Vogue ein Jahr zuvor erworben und in der Folge zum führenden Medium für die Themen Mode, Stil und Schönheit transformiert hatte. In dieser Frühzeit waren Fotografien natürlich noch in der Unterzahl, insofern hängen hier auch zahlreiche gezeichnete Illustrationen aus den 1910er- und 20er-Jahren an den Ausstellungswänden, die für die Beiträge und vor allem die Magazincover von den damals berühmtesten Modezeichnern angefertigt wurden. Und diese Illustrationen waren im Gegensatz zur Fotografie jener Zeit farbig, für Condé Nast und seine Zeitschriften ein wichtiges Verkaufsargument. Doch das Verhältnis zwischen den Medien veränderte sich ab der nächsten Dekade. Die Fotografie wurde schließlich zum Leitmedium, nicht nur in den Magazinen Vogue und Vanity Fair, hier für Jahrzehnte fast ausschließlich in Schwarz-weiß. Entsprechend stammt auch das früheste Farbbild in der Ausstellung von 1952, aufgenommen von Irving Penn, der darüber hinaus für weit über 100 Vogue-Cover verantwortlich war.

Neben der Mode steht der Mensch im Mittelpunkt von CHRONORAMA, vor allem Porträts kreativer Geister aus den Bereichen Musik und Kunst, Sport und Politik, kurzum: Hier ist ein Who’s Who der Schönen und Reichen, der Berühmten und Bewunderten im 20. Jahrhundert zu sehen. Daneben schauen wir in luxuriöse Interieurs und Schönheitssalons, auf Stillleben und Foto-Experimente, sogar ins kriegszerstörte London oder auf das gerade errichtete Empire State Building in New York. All dies wurde in den Condé-Nast-Zeitschriften parallel publiziert – jetzt ist dieser einzigartige Bilderschatz in Berlin zu entdecken.

Zur Ausstellung ist ein Katalog erschienen: CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century, Abrams & Chronicle Books, New York, 2023, 432 Seiten, ISBN: 978-1-4197-6662-6.

Die Ausstellung wurde von der Pinault Collection – Palazzo Grassi (Venedig) produziert und dort im Jahr 2023 präsentiert. Vom 15. Februar bis zum 20. Mai 2024 ist sie, kuratiert von Matthieu Humery, dem Berater der Pinault Collection für Fotografie, und Matthias Harder, dem Direktor der Helmut Newton Stiftung, in Berlin zu sehen.

La Fondation Helmut Newton et la Pinault Collection ont le plaisir d'annoncer la prochaine exposition intitulée CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century, sont annoncées conjointement. Après le grand succès public de la première étape au Palazzo Grassi de Venise, cette exposition collective de haut niveau sera présentée à la Fondation Helmut Newton de Berlin à partir du 15 février 2024. CHRONORAMA poursuit la coopération entre la Fondation Helmut Newton et d'importantes collections internationales, qui a débuté en 2018 avec l'exposition Between Art & Fashion. 223 œuvres de 85 photographes issues de la collection de Carla Sozzani, ancienne rédactrice en chef des éditions italiennes des magazines de mode Elle et Vogue, avaient alors pu être présentées.

La collection récemment acquise par François Pinault de photographies exceptionnelles de portraits, de mode, de natures mortes, d'architecture et de photojournalisme, complétée par des illustrations anciennes provenant des légendaires archives Condé Nast, est maintenant présentée. Près de 250 œuvres, réalisées entre 1910 et la fin des années 1970 pour les titres de Condé Nast qui ont marqué le style de l'entreprise et classées par ordre chronologique, révèlent de manière exemplaire l'évolution de l'histoire de la mode et les changements sociaux radicaux dans le monde occidental.

L'œuvre d'Helmut Newton fait bien entendu partie de cette remarquable collection, puisqu'il a travaillé depuis les années 1950 pour les différents magazines Condé Nast, principalement pour Vogue et Vanity Fair. La plupart de ces photos de Newton seront présentées pour la première fois à la Fondation de Berlin.

L'exposition présente également les contemporains les plus connus et les plus innovants d'Helmut Newton, comme Diane Arbus, Cecil Beaton, David Bailey, John Deakin, Robert Frank, Evelyn Hofer, Horst P. Horst, Peter Hujar, William Klein, Lisette Model, Ugo Mulas, Irving Penn, Bert Stern, Deborah Turbeville ou Chris von Wangenheim.

CHRONORAMA est un compendium époustouflant de précieux tirages vintage, dont beaucoup ont été utilisés à l'époque comme modèles d'impression pour les magazines. Comme dans un voyage photographique à travers le 20e siècle, les visiteurs ont un aperçu des débuts de la mise en scène photographique et de l'interprétation de la mode contemporaine de l'époque, mais aussi de domaines tels que la culture, le style de vie et l'actualité historique mondiale. Strictement organisé par décennie, le parcours commence en 1910, après que Condé Nast ait acquis le magazine Vogue un an plus tôt et l'ait transformé par la suite en un média de premier plan pour les thèmes de la mode, du style et de la beauté. A cette époque précoce, les photographies étaient bien sûr encore en nombre insuffisant, c'est pourquoi de nombreuses illustrations dessinées des années 1910 et 20, réalisées pour les articles et surtout les couvertures de magazine par les plus célèbres dessinateurs de mode de l'époque, sont accrochées aux murs de l'exposition. Et ces illustrations, contrairement à la photographie de l'époque, étaient en couleur, un argument de vente important pour Condé Nast et ses magazines. Mais la relation entre les médias a changé à partir de la décennie suivante. La photographie devint finalement le média principal, et pas seulement dans les magazines Vogue et Vanity Fair, ici presque exclusivement en noir et blanc pendant des décennies. En conséquence, la première photo en couleur de l'exposition date de 1952 et a été prise par Irving Penn, qui a par ailleurs réalisé plus de 100 couvertures de Vogue.

Outre la mode, l'homme est au centre de CHRONORAMA, avec notamment des portraits d'esprits créatifs dans les domaines de la musique et de l'art, du sport et de la politique, en bref : on y voit un who's who du beau et du riche, des célébrités et des admirateurs du 20e siècle. En outre, nous jetons un coup d'œil aux intérieurs luxueux et aux salons de beauté, aux natures mortes et aux expériences photographiques, et même à Londres, dévastée par la guerre, ou à l'Empire State Building de New York, tout juste érigé. Tout cela a été publié en parallèle dans les magazines Condé-Nast - ce trésor d'images unique est désormais à découvrir à Berlin.

Un catalogue a été publié à l'occasion de l'exposition : CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century, Abrams & Chronicle Books, New York, 2023, 432 pages, ISBN : 978-1-4197-6662-6.

L'exposition a été produite par la Pinault Collection - Palazzo Grassi (Venise) et y sera présentée en 2023. Du 15 février au 20 mai 2024, elle sera présentée à Berlin, sous le commissariat de Matthieu Humery, conseiller de la Pinault Collection pour la photographie, et de Matthias Harder, directeur de la Fondation Helmut Newton.

La Fondazione Helmut Newton e la Collezione Pinault sono liete di annunciare la prossima mostra CHRONORAMA. Tesori fotografici del XX secolo. Dopo il grande successo di pubblico della prima tappa a Palazzo Grassi a Venezia, questa collettiva di altissimo livello sarà esposta alla Helmut Newton Foundation di Berlino dal 15 febbraio 2024. CHRONORAMA prosegue la collaborazione tra la Helmut Newton Foundation e le principali collezioni internazionali, iniziata nel 2018 con la mostra Between Art & Fashion. In quell'occasione sono state esposte 223 opere di 85 fotografi provenienti dalla collezione di Carla Sozzani, ex direttrice delle edizioni italiane delle riviste di moda Elle e Vogue.

Ora viene presentata la collezione di François Pinault, recentemente acquisita, di fotografie eccezionali nei generi del ritratto, della moda, dello still life, dell'architettura e del fotogiornalismo, completata dalle prime illustrazioni del leggendario archivio Condé Nast. Quasi 250 opere, realizzate tra il 1910 e la fine degli anni Settanta per le testate Condé Nast che definiscono lo stile e organizzate cronologicamente, rivelano in modo esemplare lo sviluppo della storia della moda e i radicali cambiamenti sociali del mondo occidentale.

Anche il lavoro di Helmut Newton fa parte di questa straordinaria collezione, poiché ha lavorato per le varie riviste Condé Nast a partire dagli anni Cinquanta, soprattutto per Vogue e Vanity Fair. La maggior parte di queste fotografie di Newton sarà esposta per la prima volta alla Fondazione di Berlino.

La mostra presenta anche i contemporanei più noti e innovativi di Helmut Newton, tra cui Diane Arbus, Cecil Beaton, David Bailey, John Deakin, Robert Frank, Evelyn Hofer, Horst P. Horst, Peter Hujar, William Klein, Lisette Model, Ugo Mulas, Irving Penn, Bert Stern, Deborah Turbeville e Chris von Wangenheim.

CHRONORAMA è un compendio mozzafiato di preziose stampe d'epoca, molte delle quali sono state utilizzate come artwork per le riviste dell'epoca. Come in un viaggio fotografico attraverso il XX secolo, i visitatori hanno la possibilità di conoscere gli albori della messa in scena fotografica e l'interpretazione della moda contemporanea dell'epoca, ma anche settori come la cultura, lo stile di vita e gli eventi storici mondiali. Organizzato rigorosamente per decennio, il tour inizia nel 1910, dopo che Condé Nast aveva acquisito la rivista Vogue un anno prima e l'aveva trasformata nel principale mezzo di comunicazione per la moda, lo stile e la bellezza. In questi primi tempi, le fotografie erano ovviamente ancora in minoranza, ed è per questo che sulle pareti della mostra sono appese numerose illustrazioni disegnate degli anni '10 e '20, realizzate per gli articoli e soprattutto per le copertine delle riviste dai più famosi illustratori di moda dell'epoca. A differenza della fotografia dell'epoca, queste illustrazioni erano a colori, un importante punto di forza per Condé Nast e le sue riviste. Tuttavia, il rapporto tra i media cambiò nel decennio successivo. La fotografia divenne finalmente il mezzo principale, non solo nelle riviste Vogue e Vanity Fair, qui quasi esclusivamente in bianco e nero per decenni. Di conseguenza, la prima immagine a colori della mostra è stata scattata nel 1952 da Irving Penn, responsabile anche di oltre 100 copertine di Vogue.

Oltre alla moda, CHRONORAMA si concentra sulle persone, soprattutto sui ritratti dei creativi della musica e dell'arte, dello sport e della politica: in breve, un who's who dei ricchi e dei belli, dei famosi e degli ammirati del XX secolo. Inoltre, vengono ritratti interni lussuosi e saloni di bellezza, nature morte ed esperimenti fotografici, persino la Londra devastata dalla guerra o l'Empire State Building di New York, appena eretto. Tutto questo è stato pubblicato parallelamente nelle riviste Condé Nast - ora questo tesoro unico di immagini può essere scoperto a Berlino.

La mostra è accompagnata da un catalogo: CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century, Abrams & Chronicle Books, New York, 2023, 432 pagine, ISBN: 978-1-4197-6662-6.

La mostra è stata prodotta dalla Collezione Pinault - Palazzo Grassi (Venezia) e presentata nel 2023. Sarà esposta a Berlino dal 15 febbraio al 20 maggio 2024, a cura di Matthieu Humery, consulente per la fotografia della Collezione Pinault, e Matthias Harder, direttore della Fondazione Helmut Newton.

The Helmut Newton Foundation and Pinault Collection proudly present CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century. Following its highly successful premiere at Palazzo Grassi in Venice, the collaborative project will be shown at the Helmut Newton Foundation in Berlin starting 15 February 2024. CHRONORAMA marks the latest partnership between the Helmut Newton Foundation in Berlin and leading international collections. In 2018, it hosted Between Art & Fashion, with 223 works by 85 photographers from the collection of Carla Sozzani, former editor-in-chief of the Italian Elle and Vogue.

Now, the foundation unveils François Pinault’s recently acquired collection of exceptional photographs, including portraits, fashion, still lifes, architecture, photojournalism, as well as early illustrations from the legendary Condé Nast Archive. Showcasing nearly 250 works created between 1910 and the late-1970s for Condé Nast’s style-defining magazines, this chronological presentation traces the evolution of the fashion industry against the backdrop of radical changes in western culture, spanning subjects from the sophisticated to the sublime.

Naturally, Helmut Newton’s works are also part of this remarkable collection, as he contributed extensively to Condé Nast magazines like Vogue and Vanity Fair from the 1950s onward. Most of Newton’s fashion photographs featured in this show have not been previously exhibited in Berlin.

Furthermore, the exhibition brings together an impressive array of Helmut Newton’s contemporaries and predecessors, including trailblazing photographers like Diane Arbus, Cecil Beaton, David Bailey, John Deakin, Robert Frank, Evelyn Hofer, Horst P. Horst, Peter Hujar, William Klein, Lisette Model, Ugo Mulas, Irving Penn, Bert Stern, Deborah Turbeville, and Chris von Wangenheim.

CHRONORAMA comprises a breathtaking compendium of valuable vintage prints, many of which served as the basis for high-quality images in the magazines of their time. These photographic treasures transport today’s viewers through the history of the 20th century, offering insight into fashion staging and the evolving interpretation of fashion trends as well as culture, lifestyle, and world events. Organized by decade, the immersive tour begins in 1910, one year after Condé Nast acquired Vogue magazine, transforming it into a leading platform for fashion, style, and beauty. In those early days, photographs were still relatively rare, so abundant drawings by renowned fashion illustrators of the era also adorn the exhibition walls. Unlike the photography back then, the illustrations gracing the magazine’s pages and covers were in color – an important selling point for Condé Nast and its magazines. The dynamics between the two mediums underwent a seismic shift as photography rose to prominence in the ensuing decade in Vogue and Vanity Fair and other leading publications. Black-and-white photography long remained the standard, so the earliest color image on display dates to 1952, shot by Irving Penn, who also created over 100 Vogue covers.

Besides fashion, CHRONORAMA places people at the heart of its captivating chronicle, with numerous portraits of luminaries from the realms of music, art, sports, and politics – a veritable Who’s Who of the 20th century’s most celebrated figures. The exhibition also surveys lavish interiors, beauty salons, artistic still lifes, photographic experiments, and examples of journalistic photography, capturing war-torn London and the newly erected Empire State Building in New York. All these facets were published concurrently across Condé Nast’s magazines – and now this extraordinary treasure trove of images awaits discovery in Berlin.

The exhibition is accompanied by the publication CHRONORAMA: Photographic Treasures of the 20th Century, Abrams & Chronicle Books, New York, 2023, 432 pages, ISBN 978-1-4197-6662-6

The exhibition, produced and presented at Pinault Collection – Palazzo Grassi (Venice) in 2023, is now shown at the Helmut Newton Foundation under the joint curatorship of Matthieu Humery, Advisor for photography at Pinault Collection and Matthias Harder, Director of the foundation.

(Text: Helmut Newton Stiftung, Berlin)

Musée du Pavillon de Vendôme | Aix-en-Provence
17. Februar – 28. April 2024

Ni tout à fait la même, ni tout à fait un autre
Édith Laplane, Michaël Serfaty

Édith Laplane und Michaël Serfaty haben beide ihre eigene künstlerische Praxis.

Edith ist bildende Künstlerin; sie kreiert, gestaltet und arrangiert Werke aus wiederverwendeten Materialien (Stoffe, Spitzen, Papier, Antiquitäten...) rund um ein Hauptthema: die Weiblichkeit und insbesondere das weibliche Geschlecht. Unter Verwendung traditionell weiblicher Techniken wie Nähen und Sticken erinnern seine zarten Werke an die zerbrechlichen Reliquien von Kuriositätenkabinetten.

Michaël ist Fotograf. Die Bilder, die er einfängt, konfrontieren uns mit den Sinnen und den Spuren, die in den Körpern der Frauen eingeschrieben sind. "Materie, Rauheit und Unfälle prägen seine Fotografien [...] wie ein geduldiger Archäologe des Menschlichen." Olivier Bourgoin - Agentur révélateur.

Dieses Künstlerpaar teilt sich das gleiche Atelier, aber jeder arbeitet separat. Die Ausstellung im Musée du Pavillon de Vendôme bringt sie zum ersten Mal zusammen, um ein gemeinsames Werk zu schaffen, das in Resonanz, im Dialog und in Ergänzung zu ihrem Lebensthema, der Frau, steht.

Édith Laplane et Michaël Serfaty, ont chacun leur propre pratique artistique.

Édith est plasticienne ; elle crée, façonne, agence des œuvres à partir de matériaux récupérés (tissus, dentelles, papiers, objets chinés...) autour d’une thématique principale : la féminité et en particulier le sexe féminin. Utilisant des techniques traditionnellement féminines telle que la couture et la broderie, ses œuvres délicates évoquent les reliques fragiles des cabinets de curiosité.

Michaël est photographe, les images qu’il saisit nous confrontent aux sens et aux traces inscrites dans le corps des femmes. « Matières, rugosités, accidents impriment ses photographies […] tel un patient archéologue de l’humain. » Olivier Bourgoin - agence révélateur.

Ce couple d’artistes partage le même atelier mais chacun œuvre distinctement. L’exposition du Musée du Pavillon de Vendôme les réunit pour la première fois pour faire œuvre commune en résonance, en dialogue, en complémentarité sur leur thématique de vie, la Femme.

Édith Laplane e Michaël Serfaty hanno ciascuno una propria pratica artistica.

Édith è un'artista visiva che crea, modella e dispone opere con materiali riciclati (tessuti, pizzi, carta, oggetti di seconda mano, ecc.) attorno a un tema principale: la femminilità, e in particolare il sesso femminile. Utilizzando tecniche tradizionalmente femminili come il cucito e il ricamo, le sue opere delicate evocano le fragili reliquie dei gabinetti delle curiosità.

Michaël è un fotografo e le immagini che cattura ci mettono a confronto con i sensi e le tracce inscritte nei corpi delle donne. "La materia, le asperità e gli incidenti lasciano il segno sulle sue fotografie [...] come un paziente archeologo dell'essere umano". Olivier Bourgoin - agence révélateur.

Questa coppia di artisti condivide lo stesso studio, ma lavora separatamente. La mostra al Musée du Pavillon de Vendôme li riunisce per la prima volta per lavorare insieme in risonanza, dialogo e complementarità sul tema della loro vita, la donna.

Édith Laplane and Michaël Serfaty each have their own artistic practice.

Édith is a visual artist, creating, shaping and arranging works from recycled materials (fabric, lace, paper, mismatched objects, etc.) around one main theme: femininity, and particularly the female sex. Using traditionally feminine techniques such as sewing and embroidery, her delicate works evoke the fragile relics of curiosity cabinets.

Michaël is a photographer, and the images he captures confront us with the senses and traces inscribed in women's bodies. "Matter, roughness, accidents imprint his photographs [...] like a patient archaeologist of the human." Olivier Bourgoin - agence révélateur.

These two artists share the same studio, but each works separately. The exhibition at the Musée du Pavillon de Vendôme brings them together for the first time to work together in resonance, dialogue and complementarity on their life's theme, Woman.

(Text: Christel Pélissier-Roy Directrice des musées d’art et d’histoire de la ville d’Aix et responsable du musée du Pavillon de Vendôme.)

MASI Lugano
18. Februar – 21. Juli 2024

Faccia a faccia - Omaggio a Ernst Scheidegger

Mit Werken von Cuno Amiet, Hans Arp, Max Bill, Serge Brignoni, Marc Chagall, Eduardo Chillida, Salvador Dalí, Max Ernst, Alberto Giacometti, Fritz Glarner, Oskar Kokoschka, František Kupka, Henri Laurens, Le Corbusier, Fernand Léger, Verena Loewensberg, Richard Paul Lohse, Marino Marini, Joan Miró, Henry Moore, Ernst Morgenthaler, Germaine Richier, Sophie Taeuber-Arp, Georges Vantongerloo

Als Fotoreporter und Mitarbeiter der renommierten Agentur Magnum Photos gehörte Scheidegger gleichzeitig zum engen Kreis der Pariser Kunst-Avantgarde und machte sich international mit seinen Porträts von Künstlerinnen und Künstlern einen Namen, wie etwa mit den ikonischen Aufnahmen von seinem langjährigen Freund Alberto Giacometti. Als vielseitige und facettenreiche Persönlichkeit war Scheidegger auch Maler, Grafiker und Regisseur sowie, zu einem späteren Zeitpunkt, Galerist und Verleger.

Die Ausstellung im MASI Lugano dokumentiert das Schaffen dieses aussergewöhnlichen Fotografen mit mehr als 100 Bildern. Sie zeigt eine grosse Auswahl unveröffentlichter Aufnahmen aus dem Zeitraum 1945 bis 1955, wie auch die bekannten Porträts von Künstlerinnen und Künstlern, die ab Mitte der 1950er Jahre entstanden sind. In die zweiten Ausstellungsbereich treten Scheideggers fotografische Porträts in einen Dialog mit ausgewählten Arbeiten der abgebildeten Künstlerinnen und Künstler.

Kuratiert von Tobia Bezzola und Taisse Grandi Venturi

In Zusammenarbeit mit dem Kunsthaus Zürich und der Stiftung Ernst Scheidegger-Archiv

Avec des œuvres de Cuno Amiet, Hans Arp, Max Bill, Serge Brignoni, Marc Chagall, Eduardo Chillida, Salvador Dalí, Max Ernst, Alberto Giacometti, Fritz Glarner, Oskar Kokoschka, František Kupka, Henri Laurens, Le Corbusier, Fernand Léger, Verena Loewensberg, Richard Paul Lohse, Marino Marini, Joan Miró, Henry Moore, Ernst Morgenthaler, Germaine Richier, Sophie Taeuber-Arp, Georges Vantongerloo

Actif en tant que photo-reporter et collaborateur de la célèbre agence de presse Magnum Photos, Scheidegger est internationalement connu pour ses portraits d'artistes. Personnalité aux multiples facettes, Scheidegger a également été peintre, graphiste, cinéaste et, plus tard, galeriste et éditeur.

L'exposition au MASI retrace la production de ce photographe extraordinaire à travers un ensemble de plus d'une centaine d'images comprenant une large sélection de photos de jeunesse inédites datant de la décennie 1945-1955 et les célèbres portraits d'artistes, commandés à partir du milieu des années 1950. Dans le deuxième partie de l’exposition, les portraits photographiques dialoguent avec une sélection d’œuvres des artistes immortalisés dans chaque cas.

Sous la direction de Tobia Bezzola et Taisse Grandi Venturi

En collaboration avec le Kunsthaus Zürich et la Stiftung Ernst Scheidegger-Archiv

Con opere di Cuno Amiet, Hans Arp, Max Bill, Serge Brignoni, Marc Chagall, Eduardo Chillida, Salvador Dalí, Max Ernst, Alberto Giacometti, Fritz Glarner, Oskar Kokoschka, František Kupka, Henri Laurens, Le Corbusier, Fernand Léger, Verena Loewensberg, Richard Paul Lohse, Marino Marini, Joan Miró, Henry Moore, Ernst Morgenthaler, Germaine Richier, Sophie Taeuber-Arp, Georges Vantongerloo

Attivo come fotoreporter e collaboratore dell’agenzia Magnum Photos, Scheidegger è noto a livello internazionale per i ritratti d’artista. Personalità sfaccettata e multiforme, Scheidegger è stato anche pittore, grafico, regista e, in seguito, gallerista ed editore.

La mostra al MASI ripercorre la produzione di questo straordinario fotografo attraverso un nucleo di oltre cento immagini composto da un’ampia scelta di scatti giovanili inediti del decennio 1945 - 1955 e dai celebri ritratti d’artista. Nella seconda sezione della mostra i ritratti fotografici dialogano con una selezione di opere delle artiste e degli artisti di volta in volta immortalati.

A cura di Tobia Bezzola e Taisse Grandi Venturi

In collaborazione con il Kunsthaus Zürich e la Stiftung Ernst Scheidegger-Archiv

With works by Cuno Amiet, Hans Arp, Max Bill, Serge Brignoni, Marc Chagall, Eduardo Chillida, Salvador Dalí, Max Ernst, Alberto Giacometti, Fritz Glarner, Oskar Kokoschka, František Kupka, Henri Laurens, Le Corbusier, Fernand Léger, Verena Loewensberg, Richard Paul Lohse, Marino Marini, Joan Miró, Henry Moore, Ernst Morgenthaler, Germaine Richier, Sophie Taeuber-Arp, Georges Vantongerloo

A photojournalist who worked for the renowned agency Magnum Photos, Scheidegger is internationally renowned for his artist portraits. A multifaceted and multilayered figure, Scheidegger was also a painter, graphic designer, filmmaker and later a gallery owner and publisher.

The exhibition in MASI traces the career of this extraordinary figure, presenting more than one hundred images. These include a numerous selection of previously unpublished early shots, dated 1945 - 1955, and his famous artist portraits, commissioned from the mid-1950s onwards. In the second section of the exhibition, the photographic portraits are presented alongside a selection of works by the artists themselves.

Curated by Tobia Bezzola and Taisse Grandi Venturi

In collaboration with Kunsthaus Zürich and the Stiftung Ernst Scheidegger-Archiv

(Text: MASI Lugano)

Palazzo Reale | Milano
23. Februar – 2. Juni 2024

BRASSAÏ. L’occhio di Parigi

Palazzo Reale präsentiert die Ausstellung "Brassaï. Das Auge von Paris", gefördert von Comune di Milano - Cultura und produziert von Palazzo Reale und Silvana Editoriale, in Zusammenarbeit mit Estate Brassaï Succession.

Die Retrospektive wird von Philippe Ribeyrolles kuratiert, einem Gelehrten und Enkel des Fotografen, der eine unschätzbare Sammlung von Brassaïs Drucken und eine umfangreiche Dokumentation seiner künstlerischen Arbeit besitzt.

Die Ausstellung zeigt mehr als 200 alte Abzüge sowie Skulpturen, Dokumente und Gegenstände aus dem Besitz des Fotografen, die einen tiefen und noch nie dagewesenen Einblick in das Werk von Brassaï geben, wobei der Schwerpunkt auf den berühmten Bildern liegt, die der französischen Hauptstadt und ihrem Leben gewidmet sind.

Seine Fotografien, die dem Leben der Ville Lumière gewidmet sind - von den Arbeitervierteln bis zu den großen ikonischen Monumenten, von der Mode bis zu den Porträts befreundeter Künstler, von Graffiti bis zum Nachtleben - sind heute ikonische Bilder, die das Gesicht von Paris in der kollektiven Vorstellung sofort identifizieren.

Der gebürtige Ungar - sein richtiger Name ist Gyula Halász, den er zu Ehren seiner Heimatstadt Brassó durch das Pseudonym Brassaï ersetzte - und Wahl-Pariser war eine der führenden Persönlichkeiten der Fotografie des 20. Jahrhunderts und wurde von seinem Freund Henry Miller als "das lebende Auge" der Fotografie bezeichnet.

In engem Kontakt mit Künstlern wie Picasso, Dalí und Matisse und im Umfeld der surrealistischen Bewegung war er ab 1924 Teil des großen kulturellen Aufbruchs, der in jenen Jahren in Paris stattfand.

Brassaï gehörte zu den ersten Fotografen, die die nächtliche Atmosphäre des damaligen Paris und seiner Bewohner einfangen konnten: Arbeiter, Prostituierte, Clochards, Künstler, einsame Wanderer.

Bei seinen Spaziergängen beschränkte sich der Fotograf nicht darauf, die Landschaft oder architektonische Ansichten abzubilden, sondern wagte sich auch in intimere und engere Innenräume, wo sich die Gesellschaft traf und vergnügte.

Sein Band Paris de Nuit (Paris bei Nacht), ein bahnbrechendes Werk in der Geschichte der französischen Fotografie, stammt aus dem Jahr 1933.

Seine Fotografien wurden auch in der surrealistischen Zeitschrift "Minotaure" veröffentlicht, deren Mitarbeiter Brassaï wurde und durch die er surrealistische Schriftsteller und Dichter wie Breton, Éluard, Desnos, Benjamin Péret und Man Ray kennen lernte.

"Brassaï heute auszustellen, bedeutet", so Philippe Ribeyrolles, Kurator der Ausstellung, "dieses wunderbare Werk in jeder Hinsicht neu zu entdecken, die Vielfalt der behandelten Themen zu erfassen, künstlerische und dokumentarische Ansätze zu vermischen; es bedeutet, in die Atmosphäre von Montparnasse einzutauchen, wo sich zwischen den beiden Kriegen zahlreiche Künstler und Schriftsteller trafen, viele von ihnen aus Osteuropa, wie sein Landsmann André Kertész. Letzterer übte einen erheblichen Einfluss auf die Fotografen in seinem Umfeld aus, darunter Brassaï selbst und Robert Doisneau."

Brassaï gehört zu jener französischen "Schule" der Fotografie, die aufgrund der großen Aufmerksamkeit, die der Künstler den Protagonisten der meisten seiner Aufnahmen schenkte, als "humanistisch" bezeichnet wurde.  In Wirklichkeit ging Brassaïs Kunst weit über die "Subjektfotografie" hinaus: Seine Erkundung der Pariser Mauern und ihrer zahllosen Graffiti zum Beispiel zeugt von seiner Verbundenheit mit den Grenzkünsten und der Art brut von Jean Dubuffet.

Im Laufe seiner Karriere wurde Edward Steichen auf sein originelles Werk aufmerksam und lud ihn ein, 1956 im Museum of Modern Art (MoMA) in New York auszustellen: die Ausstellung "Language of the Wall. Pariser Graffiti, fotografiert von Brassaï" war ein großer Erfolg.

Brassaïs Verbindung zu Amerika zeigt sich auch in einer intensiven Zusammenarbeit mit der Zeitschrift Harper's Bazaar", deren revolutionärer Art Director Aleksej Brodovič von 1934 bis 1958 war. Für "Harper's Bazaar" porträtierte der Fotograf zahlreiche Protagonisten des französischen Kunst- und Literaturlebens, mit denen er häufig verkehrte. Die bei dieser Gelegenheit porträtierten Personen wurden 1982, zwei Jahre vor seinem Tod, in dem Band Les artistes de ma vie veröffentlicht.

Brassaï starb am 7. Juli 1984, kurz nach der Fertigstellung eines Buches über Proust, dem er mehrere Jahre seines Lebens gewidmet hatte.

Er ist auf dem Friedhof von Montparnasse begraben, im Herzen des Paris, das er ein halbes Jahrhundert lang gefeiert hat.

Die Ausstellung wird von einem Katalog begleitet, der von Silvana Editoriale veröffentlicht und von Philippe Ribeyrolles selbst herausgegeben wird, mit einem Einführungstext von Silvia Paoli.

Palazzo Reale présente l'exposition "Brassaï. L'œil de Paris", promue par la Comune di Milano - Cultura et produite par le Palazzo Reale et Silvana Editoriale, en collaboration avec Estate Brassaï Succession.

La rétrospective est organisée par Philippe Ribeyrolles, érudit et petit-fils du photographe, qui possède une collection inestimable de tirages de Brassaï et une vaste documentation sur son travail en tant qu'artiste.

L'exposition présentera plus de 200 tirages anciens, ainsi que des sculptures, des documents et des objets ayant appartenu au photographe, pour un regard approfondi et inédit sur l'œuvre de Brassaï, avec un accent particulier sur les célèbres images consacrées à la capitale française et à sa vie.

Ses photographies consacrées à la vie de la Ville Lumière - des quartiers populaires aux grands monuments emblématiques, de la mode aux portraits d'amis artistes, du graffiti à la vie nocturne - sont aujourd'hui des images iconiques qui identifient immédiatement le visage de Paris dans l'imaginaire collectif.

Hongrois de naissance - son vrai nom est Gyula Halász, remplacé par le pseudonyme Brassaï en l'honneur de Brassó, sa ville natale - mais parisien d'adoption, Brassaï a été l'une des figures de proue de la photographie du XXe siècle, défini par son ami Henry Miller comme "l'œil vivant" de la photographie.

En contact étroit avec des artistes tels que Picasso, Dalí et Matisse, et proche du mouvement surréaliste, il a participé, à partir de 1924, à la grande effervescence culturelle qui a traversé Paris au cours de ces années.

Brassaï est l'un des premiers photographes à avoir su capter l'atmosphère nocturne du Paris de l'époque et de ses habitants : ouvriers, prostituées, clochards, artistes, vagabonds solitaires.

Dans ses promenades, le photographe ne se contente pas de représenter le paysage ou les vues architecturales, mais s'aventure dans des espaces intérieurs plus intimes et confinés où la société se rencontre et s'amuse.

Son volume Paris de Nuit, ouvrage fondateur de l'histoire de la photographie française, date de 1933.

Ses photographies sont également publiées dans la revue surréaliste Minotaure, à laquelle Brassaï collabore et grâce à laquelle il fait la connaissance d'écrivains et de poètes surréalistes tels que Breton, Éluard, Desnos, Benjamin Péret et Man Ray.

"Exposer Brassaï aujourd'hui, c'est, selon Philippe Ribeyrolles, commissaire de l'exposition, "revisiter dans tous les sens cette œuvre merveilleuse, prendre la mesure de la diversité des sujets abordés, mêler les approches artistiques et documentaires ; c'est se plonger dans l'atmosphère de Montparnasse, où se rencontraient entre les deux guerres de nombreux artistes et écrivains, souvent originaires d'Europe de l'Est, comme son compatriote André Kertész. Ce dernier a exercé une influence considérable sur les photographes qui l'entouraient, dont Brassaï lui-même et Robert Doisneau".

Brassaï appartient à cette "école" française de la photographie que l'on définissait comme "humaniste", en raison de la grande attention que l'artiste portait aux protagonistes de la plupart de ses clichés.  En réalité, l'art de Brassaï va bien au-delà du "sujet photographique" : son exploration des murs de Paris et de leurs innombrables graffitis, par exemple, témoigne de son lien avec les arts marginaux et l'art brut de Jean Dubuffet.

Au cours de sa carrière, son travail original est remarqué par Edward Steichen, qui l'invite à exposer au Museum of Modern Art (MoMA) de New York en 1956 : l'exposition "Language of the Wall. Les graffitis parisiens photographiés par Brassaï" connaît un grand succès.

Les liens de Brassaï avec l'Amérique se sont également concrétisés par une collaboration assidue avec le magazine 'Harper's Bazaar', dont Aleksej Brodovič fut le révolutionnaire directeur artistique de 1934 à 1958. Pour 'Harper's Bazaar', le photographe a fait le portrait de nombreux protagonistes de la vie artistique et littéraire française, qu'il avait l'habitude de fréquenter. Les sujets photographiés à cette occasion ont été publiés en 1982 dans l'ouvrage Les artistes de ma vie, deux ans avant sa mort.

Brassaï meurt le 7 juillet 1984, peu après avoir terminé un livre sur Proust auquel il avait consacré plusieurs années de sa vie.

Il est enterré au cimetière du Montparnasse, au cœur du Paris qu'il a célébré pendant un demi-siècle.

L'exposition sera accompagnée d'un catalogue publié par Silvana Editoriale et édité par Philippe Ribeyrolles lui-même, avec un texte introductif de Silvia Paoli.

Palazzo Reale presenta la mostra “Brassaï. L’occhio di Parigi”, promossa da Comune di Milano – Cultura e prodotta da Palazzo Reale e Silvana Editoriale, realizzata in collaborazione con l’Estate Brassaï Succession.

La retrospettiva è curata da Philippe Ribeyrolles, studioso e nipote del fotografo che detiene un’inestimabile collezione di stampe di Brassaï e un’estesa documentazione relativa al suo lavoro di artista.

La mostra presenterà più di 200 stampe d’epoca, oltre a sculture, documenti e oggetti appartenuti al fotografo, per un approfondito e inedito sguardo sull’opera di Brassaï, con particolare attenzione alle celebri immagini dedicate alla capitale francese e alla sua vita.

Le sue fotografie dedicate alla vita della Ville Lumière – dai quartieri operai ai grandi monumenti simbolo, dalla moda ai ritratti degli amici artisti, fino ai graffiti e alla vita notturna – sono oggi immagini iconiche che nell’immaginario collettivo identificano immediatamente il volto di Parigi.

Ungherese di nascita – il suo vero nome è Gyula Halász, sostituito dallo pseudonimo Brassaï in onore di Brassó, la sua città natale -, ma parigino d’adozione, Brassaï è stato uno dei protagonisti della fotografia del XX secolo, definito dall’amico Henry Miller “l’occhio vivo” della fotografia.

In stretta relazione con artisti quali Picasso, Dalí e Matisse, e vicino al movimento surrealista, a partire dal 1924 fu partecipe del grande fermento culturale che investì Parigi in quegli anni.

Brassaï è stato tra i primi fotografi, in grado di catturare l’atmosfera notturna della Parigi dell’epoca e il suo popolo: lavoratori, prostitute, clochard, artisti, girovaghi solitari.

Nelle sue passeggiate, il fotografo non si limitava alla rappresentazione del paesaggio o alle vedute architettoniche, ma si avventurava anche in spazi interni più intimi e confinati, dove la società si incontrava e si divertiva.

È del 1933 il suo volume Paris de Nuit (Parigi di notte), un’opera fondamentale nella storia della fotografia francese.

Le sue fotografie furono anche pubblicate sulla rivista surrealista “Minotaure”, di cui Brassaï divenne collaboratore e attraverso la quale conobbe scrittori e poeti surrealisti come Breton, Éluard, Desnos, Benjamin Péret e Man Ray.

“Esporre oggi Brassaï significa – afferma Philippe Ribeyrolles, curatore della mostra – rivisitare quest’opera meravigliosa in ogni senso, fare il punto sulla diversità dei soggetti affrontati, mescolando approcci artistici e documentaristici; significa immergersi nell’atmosfera di Montparnasse, dove tra le due guerre si incontravano numerosi artisti e scrittori, molti dei quali provenienti dall’Europa dell’Est, come il suo connazionale André Kertész. Quest’ultimo esercitò una notevole influenza sui fotografi che lo circondavano, tra cui lo stesso Brassaï e Robert Doisneau.”

Brassaï appartiene a quella “scuola” francese di fotografia che fu definita “umanista”, per la grande attenzione che l’artista riservò ai protagonisti di gran parte dei suoi scatti.  In realtà, l’arte di Brassaï andò ben oltre la “fotografia di soggetto”: la sua esplorazione dei muri di Parigi e dei loro innumerevoli graffiti, ad esempio, testimonia il suo legame con le arti marginali e l’art brut di Jean Dubuffet.

Nel corso della sua carriera il suo originale lavoro viene notato da Edward Steichen, che lo invita a esporre al Museum of Modern Art (MoMA) di New York nel 1956: la mostra “Language of the Wall. Parisian Graffiti Photographed by Brassaï” riscuote un enorme successo.

I legami di Brassaï con l’America si concretizzano anche in una assidua collaborazione con la rivista “Harper’s Bazaar”, di cui Aleksej Brodovič fu il rivoluzionario direttore artistico dal 1934 al 1958. Per “Harper’s Bazaar” il fotografo ritrae molti protagonisti della vita artistica e letteraria francese, con i quali era solito socializzare. I soggetti ritratti in quest’occasione saranno pubblicati nel volume Les artistes de ma vie, del 1982, due anni prima della sua morte.

Brassaï scompare il 7 luglio 1984, subito dopo aver terminato la redazione di un libro su Proust al quale aveva dedicato diversi anni della sua vita.

È sepolto nel cimitero di Montparnasse, nel cuore della Parigi che ha celebrato per mezzo secolo.

La mostra sarà accompagnata da un catalogo edito da Silvana Editoriale e curato dallo stesso Philippe Ribeyrolles, con un testo introduttivo di Silvia Paoli.

Palazzo Reale presents the exhibition "Brassaï. The Eye of Paris," promoted by Comune di Milano - Cultura and produced by Palazzo Reale and Silvana Editoriale, held in collaboration with Estate Brassaï Succession.

The retrospective is curated by Philippe Ribeyrolles, a scholar and grandson of the photographer who holds a priceless collection of Brassaï's prints and extensive documentation related to his work as an artist.

The exhibition will feature more than 200 vintage prints, as well as sculptures, documents and objects that belonged to the photographer, for an in-depth, never-before-seen look at Brassaï's work, with a focus on the famous images devoted to the French capital and its life.

His photographs devoted to the life of the Ville Lumière - from working-class neighborhoods to the great iconic monuments, from fashion to portraits of artist friends, to graffiti and nightlife - are now iconic images that in the collective imagination immediately identify the face of Paris.

A Hungarian by birth-his real name is Gyula Halász, replaced by the pseudonym Brassaï in honor of Brassó, his hometown-but a Parisian by adoption, Brassaï was one of the leading figures in 20th-century photography, described by his friend Henry Miller as "the living eye" of photography.

In close relationship with artists such as Picasso, Dalí and Matisse, and close to the Surrealist movement, from 1924 he was a participant in the great cultural ferment that swept Paris in those years.

Brassaï was among the first photographers, able to capture the nocturnal atmosphere of Paris at the time and its people: workers, prostitutes, clochards, artists, and lonely wanderers.

In his walks, the photographer did not limit himself to the depiction of the landscape or architectural views, but also ventured into more intimate and confined interior spaces where society met and enjoyed itself.

His volume Paris de Nuit (Paris by Night), a seminal work in the history of French photography, dates from 1933.

His photographs were also published in the Surrealist magazine "Minotaure," of which Brassaï became a contributor and through which he got to know Surrealist writers and poets such as Breton, Éluard, Desnos, Benjamin Péret and Man Ray.

"Exhibiting Brassaï today means," says Philippe Ribeyrolles, curator of the exhibition, "revisiting this marvelous work in every sense, taking stock of the diversity of subjects tackled, mixing artistic and documentary approaches; it means immersing oneself in the atmosphere of Montparnasse, where numerous artists and writers met between the wars, many of them from Eastern Europe, such as his compatriot André Kertész. The latter exerted considerable influence on the photographers around him, including Brassaï himself and Robert Doisneau."

Brassaï belongs to that French "school" of photography that was called "humanist," because of the artist's close attention to the protagonists in most of his shots.  In fact, Brassaï's art went far beyond "subject photography": his exploration of the walls of Paris and their innumerable graffiti, for example, testifies to his connection with the marginal arts and Jean Dubuffet's art brut.

Later in his career, his original work was noticed by Edward Steichen, who invited him to exhibit at the Museum of Modern Art (MoMA) in New York in 1956: the exhibition "Language of the Wall. Parisian Graffiti Photographed by Brassaï" was a huge success.

Brassaï's ties with America also materialized in an assiduous collaboration with "Harper's Bazaar" magazine, of which Aleksej Brodovič was the revolutionary art director from 1934 to 1958. For "Harper's Bazaar," the photographer portrayed many leading figures of French artistic and literary life, with whom he used to socialize. The subjects portrayed here would be published in the 1982 volume Les artistes de ma vie, two years before his death.

Brassaï passed away on July 7, 1984, just after finishing editing a book on Proust to which he had devoted several years of his life.

He is buried in Montparnasse Cemetery, in the heart of the Paris he celebrated for half a century.

The exhibition will be accompanied by a catalog published by Silvana Editoriale and edited by Philippe Ribeyrolles himself, with an introductory text by Silvia Paoli.

(Text: Palazzo Reale, Milano)

Foam | Amsterdam
23. Februar – 22. Mai 2024

Foam Talent 2024 – 2025

Aaryan Sinha, Akshay Mahajan, Amin Yousefi, Andrea Orejarena & Caleb Stein, André Ramos-Woodard, Cansu Yıldıran, Cristóbal Ascencio, Eleonora Agostini, Florian Braakman, Issam Larkat, Jaclyn Wright, Marisol Mendez, MAryam Touzani, Rehab Eldalil, Ricardo Nagaoka, Sander Coers, Sheung Yiu, Shwe Wutt Hmon, Thero Makepe, Xin Li

Im Mittelpunkt der Ausstellung steht die Erkundung dringender gesellschaftlicher Fragen, wobei die Künstler sich selbst und die Welt unter die Lupe nehmen. Die Themen reichen von der Migration bis zu den Gefahren von Internet-Algorithmen und von der Hinterfragung der Geschlechterrollen bis zu einer Reflexion über die Auswirkungen des Kolonialismus. Auf der Suche nach einer Erweiterung des Mediums Fotografie präsentieren uns die diesjährigen Talente innovative Ansätze, von Stickereien auf Fotos über den Einsatz von Photogrammetrie bis hin zum Einsatz von Künstlicher Intelligenz. Die Auswahl würdigt Fotografen, die es wagen, die Grenzen des kreativen Ausdrucks zu erweitern.

Zusätzlich zur physischen Ausstellung wird Foam Talent 2024-2025 von einer digitalen Ausstellung begleitet, die auf der Online-Plattform Foam Explore kuratiert wurde, sowie vom Foam Magazine #65 TALENT, das sich ganz dieser neuen Generation von Talenten widmet. Im Jahr 2025 wird die Ausstellung auf eine internationale Reise gehen. Im Rahmen des Talent-Programms werden die ausgewählten Künstler zu verschiedenen Networking-Aktivitäten und Mentoring eingeladen und haben die Möglichkeit, mit ihren Arbeiten in die renommierte Sammlung der Deutsche Börse Photography Foundation aufgenommen zu werden.

Au cœur de l'exposition se trouve l'exploration de questions sociétales urgentes, où les artistes se livrent à un examen introspectif d'eux-mêmes et du monde. Les thèmes abordés vont de la migration au danger des algorithmes sur l'internet, de la remise en question des rôles de genre à une réflexion sur l'impact du colonialisme. Cherchant à élargir le champ de la photographie, les talents de cette année nous présentent des approches innovantes, des broderies sur les photos à l'utilisation de la photogrammétrie en passant par l'utilisation de l'intelligence artificielle. La sélection célèbre les photographes qui osent repousser les limites de l'expression créative.

En plus de l'exposition physique, Foam Talent 2024-2025 s'accompagne d'une exposition numérique réalisée sur la plateforme en ligne Foam Explore, ainsi que du magazine Foam #65 TALENT qui sera entièrement consacré à cette nouvelle génération de talents. En 2025, l'exposition voyagera à l'échelle internationale. Dans le cadre du programme Talent, les artistes sélectionnés sont invités à participer à diverses activités de mise en réseau, de mentorat, avec l'opportunité de voir leur travail ajouté à la prestigieuse collection de la Deutsche Börse Photography Foundation.

Il cuore della mostra è l'esplorazione di questioni sociali urgenti, in cui gli artisti esaminano introspettivamente se stessi e il mondo. I temi di interesse spaziano dalla migrazione al pericolo degli algoritmi di Internet, dalla messa in discussione dei ruoli di genere alla riflessione sull'impatto del colonialismo. Cercando di ampliare il mezzo fotografico, i talenti di quest'anno ci presentano approcci innovativi, dai ricami sulle foto all'uso della fotogrammetria e dell'intelligenza artificiale. La selezione celebra i fotografi che osano spingersi oltre i confini dell'espressione creativa.

Oltre alla mostra fisica, Foam Talent 2024-2025 è accompagnata da una mostra digitale curata sulla piattaforma online Foam Explore, nonché dalla rivista Foam Magazine #65 TALENT che sarà interamente dedicata a questa nuova generazione di talenti. Nel 2025, la mostra viaggerà a livello internazionale. Nell'ambito del programma Talent, gli artisti selezionati sono invitati a partecipare a varie attività di networking e di mentoring, con l'opportunità di aggiungere le loro opere alla prestigiosa collezione della Deutsche Börse Photography Foundation.

At the heart of the exhibition lies the exploration of urgent societal issues, where artists introspectively examine both themselves and the world. The topics of interest range from migration to the danger of internet algorithms, and from questioning gender roles to a reflection on the impact of colonialism. Looking to broaden the medium of photography, this year’s talents present us with innovative approaches, from embroideries on photos and the use of photogrammetry to the use of Artificial Intelligence. The selection celebrates photographers who dare to push the boundaries of creative expression.

In addition to the physical exhibition, Foam Talent 2024-2025 is accompanied by a digital exhibition that has been curated on the online platform Foam Explore, as well as Foam Magazine #65 TALENT which will be entirely devoted to this new generation of talents. In 2025, the exhibition will travel internationally. As part of the Talent program, the selected artists are invited to participate in various networking activities, mentoring, with the opportunity to have their work added to the prestigious collection of the Deutsche Börse Photography Foundation.

(Text: Foam, Amsterdam)

Kunstmuseum Bern
23. Februar – 11. August 2024

Shooting Down Babylon
Tracey Rose

Das Kunstmuseum Bern präsentiert die bisher grösste Retrospektive des Werks von Tracey Rose. Die südafrikanische Künstlerin ist seit Mitte der 1990er-Jahre eine radikale Stimme in der internationalen Kunst. Im Zentrum ihrer Arbeiten stehen die Kraft der Performance und der Körper als Ort des Widerstands und des Diskurses.

Mit mehr als hundert Arbeiten zeigt das Kunstmuseum Bern die bisher grösste Retrospektive des Werks der südafrikanischen Performancekünstlerin Tracey Rose (*1974). In ihren Arbeiten setzt sie sich mit Themen wie Postkolonialismus, Geschlecht, Sexualität, Rassismus und Apartheid auseinander. Im Zentrum stehen dabei die Kraft der Performancekunst und des Körpers, der für Tracey Rose ein Ort des Protests, der Empörung, des Widerstands, des Diskurses aber auch der Heilung ist.

Ihre aufsehenerregende performative Praxis setzt die Künstlerin in verschiedenen Medien wie Video, Skulptur, Fotografie, Installation und Zeichnung um, wobei sie insbesondere zentrale Erfahrungen im Übergang zu einer postkolonialen Welt beleuchtet und kritisch kommentiert. Oft wird Roses Werk als absurd, anarchisch und karnevalesk beschrieben.

Shooting Down Babylon
Die Ausstellung im Kunstmuseum Bern verfolgt Roses Weg vom frühen Interesse an Identitätsfragen hin zur Ästhetik der Gewalt und einer Auseinandersetzung mit Heilungsprozessen und Ritualen. Sie zeigt Arbeiten aus den Jahren 1990 bis 2021. Darunter das Werk T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) aus der Sammlung des Kunstmuseum Bern, in der die Künstlerin seit 2001 vertreten ist.

Der Ausstellungstitel Shooting Down Babylon stammt von der gleichnamigen Installation, welche 2016 als Reaktion auf den Wahlsieg Donald Trumps entstand. Rose unterzog sich dabei Reinigungsritualen, die sie filmte und in einer physisch eindringlichen Videoskulptur wiedergibt. Als Auftakt der Ausstellung verdeutlicht dieses Werk, wie verwurzelt Tracey Roses Schaffen im Körperlichen, in der Wut und in der Suche nach Spiritualität ist.

Speziell für die aktuelle Ausstellung entstanden zehn neue Auftragsarbeiten, die Teil der fortlaufenden Serie der Mandela Balls sind. Basierend auf dem Gedicht Dream Deferred von Langston Hughes baut die Künstlerin dem Freiheitskämpfer Nelson Mandela insgesamt 95 Denkmäler – eines für jedes Lebensjahr. Mit diesen fragilen und zum Teil skurrilen Objekten fragt sie nach dem Vermächtnis, das von seinem hoffnungsvollen Aufbruch übriggeblieben ist.

Le Kunstmuseum de Berne présente la plus grande rétrospective de l'œuvre de Tracey Rose à ce jour. Depuis le milieu des années 1990, l'artiste sud-africaine est une voix radicale dans l'art international. La force de la performance et le corps comme lieu de résistance et de discours sont au cœur de son travail.

Avec plus d'une centaine d'œuvres, le Kunstmuseum de Berne présente la plus grande rétrospective à ce jour de l'œuvre de l'artiste de performance sud-africaine Tracey Rose (*1974). Dans ses travaux, elle aborde des thèmes tels que le postcolonialisme, le genre, la sexualité, le racisme et l'apartheid. La force de l'art de la performance et du corps, qui est pour Tracey Rose un lieu de protestation, d'indignation, de résistance, de discours mais aussi de guérison, est au centre de ses préoccupations.

L'artiste transpose sa pratique performative sensationnelle dans différents médias tels que la vidéo, la sculpture, la photographie, l'installation et le dessin, en mettant notamment en lumière et en commentant de manière critique les expériences centrales de la transition vers un monde postcolonial. L'œuvre de Rose est souvent décrite comme absurde, anarchique et carnavalesque.

Shooting Down Babylon

L'exposition du Kunstmuseum de Berne suit le parcours de Rose, de son intérêt précoce pour les questions d'identité à l'esthétique de la violence et à une réflexion sur les processus de guérison et les rituels. Elle présente des travaux datant de 1990 à 2021, dont l'œuvre T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) issue de la collection du Kunstmuseum de Berne, dans laquelle l'artiste est représentée depuis 2001.

Le titre de l'exposition Shooting Down Babylon provient de l'installation du même nom, créée en 2016 en réaction à la victoire électorale de Donald Trump. Rose s'est alors soumise à des rituels de purification qu'elle a filmés et reproduits dans une sculpture vidéo physiquement saisissante. En guise de prélude à l'exposition, cette œuvre illustre à quel point l'œuvre de Tracey Rose est enracinée dans le physique, la colère et la quête de spiritualité.

Dix nouvelles œuvres de commande, qui font partie de la série continue des Mandela Balls, ont été créées spécialement pour l'exposition actuelle. En se basant sur le poème Dream Deferred de Langston Hughes, l'artiste construit au total 95 monuments au combattant de la liberté Nelson Mandela - un pour chaque année de sa vie. Avec ces objets fragiles et parfois bizarres, elle s'interroge sur l'héritage qui subsiste de son départ plein d'espoir. 

Il Kunstmuseum di Berna presenta la più grande retrospettiva finora realizzata di Tracey Rose. L'artista sudafricana è una voce radicale dell'arte internazionale dalla metà degli anni Novanta. Il suo lavoro è incentrato sul potere della performance e sul corpo come sito di resistenza e discorso.

Con oltre cento opere, il Kunstmuseum di Berna presenta la più grande retrospettiva finora realizzata sull'opera della performance artist sudafricana Tracey Rose (*1974). Nelle sue opere l'artista esplora temi come il post-colonialismo, il genere, la sessualità, il razzismo e l'apartheid. Al centro di tutto ciò ci sono il potere della performance art e il corpo, che per Tracey Rose è un luogo di protesta, indignazione, resistenza, discorso e guarigione.

L'artista realizza la sua sensazionale pratica performativa in vari media come il video, la scultura, la fotografia, l'installazione e il disegno, con cui illumina e commenta criticamente in particolare le esperienze centrali nella transizione verso un mondo post-coloniale. Il lavoro di Rose è spesso descritto come assurdo, anarchico e carnevalesco.

Abbattere Babilonia
La mostra al Kunstmuseum di Berna ripercorre il percorso di Rose da un iniziale interesse per le questioni di identità all'estetica della violenza e all'esame dei processi e dei rituali di guarigione. Sono esposte opere dal 1990 al 2021, tra cui l'opera T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) della collezione del Kunstmuseum Bern, dove l'artista è rappresentato dal 2001.

Il titolo della mostra Shooting Down Babylon deriva dall'omonima installazione realizzata nel 2016 in risposta alla vittoria elettorale di Donald Trump. Rose si è sottoposta a rituali di purificazione, che ha filmato e riprodotto in una scultura video fisicamente ossessionante. Come preludio alla mostra, quest'opera illustra quanto il lavoro di Tracey Rose sia radicato nel fisico, nella rabbia e nella ricerca della spiritualità.

Dieci nuove opere commissionate sono state create appositamente per la mostra in corso e fanno parte della serie Mandela Balls. Basandosi sulla poesia Dream Deferred di Langston Hughes, l'artista ha costruito un totale di 95 monumenti al combattente per la libertà Nelson Mandela, uno per ogni anno della sua vita. Con questi oggetti fragili e talvolta bizzarri, l'artista si interroga sull'eredità che rimane della sua partenza piena di speranza.

The Kunstmuseum Bern is presenting the largest retrospective of Tracey Rose's work to date. The South African artist has been a radical voice in international art since the mid-1990s. Her works focus on the power of performance and the body as a site of resistance and discourse.

With more than one hundred works, the Kunstmuseum Bern is showing the largest retrospective to date of the work of South African performance artist Tracey Rose (*1974). In her works, she explores themes such as post-colonialism, gender, sexuality, racism and apartheid. The focus is on the power of performance art and the body, which for Tracey Rose is a place of protest, outrage, resistance, discourse and healing.

The artist realizes her sensational performative practice in various media such as video, sculpture, photography, installation and drawing, whereby she particularly illuminates and critically comments on central experiences in the transition to a post-colonial world. Rose's work is often described as absurd, anarchic and carnivalesque.

Shooting Down Babylon
The exhibition at the Kunstmuseum Bern traces Rose's path from an early interest in questions of identity to the aesthetics of violence and an examination of healing processes and rituals. It shows works from the years 1990 to 2021, including the work T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) from the collection of the Kunstmuseum Bern, where the artist has been represented since 2001.

The exhibition title Shooting Down Babylon comes from the installation of the same name, which was created in 2016 in response to Donald Trump's election victory. Rose underwent cleansing rituals, which she filmed and reproduced in a physically haunting video sculpture. As a prelude to the exhibition, this work illustrates how rooted Tracey Rose's work is in the physical, in anger and in the search for spirituality.

Ten new commissioned works were created especially for the current exhibition and form part of the ongoing Mandela Balls series. Based on the poem Dream Deferred by Langston Hughes, the artist has built a total of 95 monuments to the freedom fighter Nelson Mandela - one for each year of his life. With these fragile and sometimes bizarre objects, she questions the legacy that remains of his hopeful departure.

(Text: Kunstmuseum Bern)

Willy-Brandt-Haus | Berlin
23. Februar – 28. April 2024

Innere Angelegenheiten - Fotografien 1975 - 89
Dietmar Riemann

Der Freundeskreis Willy-Brandt-Haus zeigt vom 23. Februar bis 28. April 2024 Fotografien von Dietmar Riemann, die in den 1970er und 1980er Jahren in der DDR aufgenommen wurden. Die sozialdokumentarischen Aufnahmen zeigen verschiedenste Facetten des alltäglichen Lebens. Riemanns reicher Bilderfundus spiegelt dabei nicht nur das persönliche Befinden in einer schwierigen politischen Situation wider, sondern auch allgemeine gesellschaftliche Belange.

In der Ausstellung geben ausgewählte Fotografien aus sechs Serien Einblicke in Bereiche, die in der DDR sonst eher unbeachtet blieben: Ein Wohnheim für Menschen mit geistiger Behinderung, ein Altersheim in Ostberlin, Szenen auf einer Trabrennbahn, aber auch menschenleere Berliner Hinterhöfe sowie Mauern, Zäune und Schaufenster. Die Existenz dieser Aufnahmen ist im Kontext ihrer Entstehungsbedingungen nicht selbstverständlich und gibt zudem Aufschluss über die politische Haltung des Fotografen. Riemann thematisiert in seinen sozialdokumentarischen Aufnahmen Themen wie Freiheit, zwischenmenschliche Beziehungen sowie Krankheit und Tod. Seine Form der Bildsprache war von der Regierung nicht gern gesehen und führte für Riemann schließlich zum Ausstellungsverbot.

Als Sohn einer Fotografenfamilie wuchs Riemann in Sachsen auf. Nach der Fotografenlehre arbeitete er zunächst als Werks- und Architekturfotograf und studierte anschließend an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Danach verdiente er hauptsächlich freiberuflich seinen Lebensunterhalt. Nachdem sein Ausreiseantrag 1986 immer wieder abgelehnt wurde, widmete er sich eigenen Projekten. Bis zur Bewilligung seiner Ausreise in die Bundesrepublik Deutschland im Jahr 1989, drei Monate vor dem Zusammenbruch der DDR, lebte Riemann hauptsächlich in Ostberlin. Bis heute fotografiert Riemann mit einem sozialkritischen Blick auf den Alltag weiter. Er lebt mit seiner Familie in der Nähe von Heidelberg.

Die Ausstellung ist ein Kooperationsprojekt mit der Stiftung Situation Kunst.

Du 23 février au 28 avril 2024, le cercle d'amis de la Maison Willy Brandt présente des photographies de Dietmar Riemann prises dans les années 1970 et 1980 en RDA. Ces clichés socio-documentaires montrent les facettes les plus diverses de la vie quotidienne. La riche collection d'images de Riemann ne reflète pas seulement l'état d'esprit personnel dans une situation politique difficile, mais aussi des préoccupations sociales générales.

Dans l'exposition, des photographies sélectionnées parmi six séries donnent un aperçu de domaines qui sont habituellement passés inaperçus en RDA : Un foyer pour personnes handicapées mentales, une maison de retraite à Berlin-Est, des scènes sur une piste de trot, mais aussi des arrière-cours berlinoises désertes ainsi que des murs, des clôtures et des vitrines. Dans le contexte de leurs conditions de réalisation, l'existence de ces clichés ne va pas de soi et renseigne en outre sur la position politique du photographe. Dans ses clichés socio-documentaires, Riemann aborde des thèmes tels que la liberté, les relations interpersonnelles ainsi que la maladie et la mort. Sa forme de langage visuel n'était pas appréciée par le gouvernement et a finalement conduit à l'interdiction d'exposition de Riemann.

Fils d'une famille de photographes, Riemann a grandi en Saxe. Après son apprentissage de photographe, il a d'abord travaillé comme photographe d'usine et d'architecture, puis a étudié à la Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leipzig. Il a ensuite principalement gagné sa vie en tant que freelance. Après que sa demande de sortie du territoire ait été rejetée à plusieurs reprises en 1986, il s'est consacré à ses propres projets. Jusqu'à l'autorisation de son départ pour la République fédérale d'Allemagne en 1989, trois mois avant l'effondrement de la RDA, Riemann a principalement vécu à Berlin-Est. Jusqu'à aujourd'hui, Riemann continue de photographier avec un regard sociocritique sur le quotidien. Il vit avec sa famille dans les environs de Heidelberg.

L'exposition est un projet de coopération avec la fondation Situation Kunst.

Dal 23 febbraio al 28 aprile 2024, la Freundeskreis Willy-Brandt-Haus espone le fotografie di Dietmar Riemann, scattate nella DDR negli anni Settanta e Ottanta. Le fotografie di documentazione sociale mostrano le più diverse sfaccettature della vita quotidiana. La ricca collezione di immagini di Riemann non riflette solo lo stato d'animo personale in una situazione politica difficile, ma anche questioni sociali generali.

Nella mostra, alcune fotografie selezionate da sei serie offrono una visione di aree che altrimenti tendevano a passare inosservate nella DDR: Una casa di riposo per disabili mentali, una casa di riposo a Berlino Est, scene in una pista da corsa, ma anche cortili berlinesi deserti, muri, recinzioni e vetrine di negozi. L'esistenza di queste fotografie non è evidente nel contesto delle condizioni in cui sono state scattate e getta luce anche sulla posizione politica del fotografo. Nelle sue fotografie di documentazione sociale, Riemann tematizza temi come la libertà, le relazioni interpersonali, la malattia e la morte. La sua forma di linguaggio visivo non fu accolta con favore dal governo e alla fine gli fu vietato di esporre le sue opere.

Figlio di una famiglia di fotografi, Riemann è cresciuto in Sassonia. Dopo aver completato l'apprendistato come fotografo, lavora inizialmente come fotografo di fabbrica e di architettura, per poi studiare all'Accademia di Arti Visive di Lipsia. In seguito si è guadagnato da vivere principalmente come libero professionista. Dopo che nel 1986 la sua richiesta di lasciare il Paese è stata ripetutamente respinta, si è dedicato a progetti personali. Riemann ha vissuto principalmente a Berlino Est fino a quando la sua richiesta di lasciare il Paese è stata approvata nel 1989, tre mesi prima del crollo della DDR. Ancora oggi, Riemann continua a fotografare con una visione socialmente critica della vita quotidiana. Vive con la sua famiglia vicino a Heidelberg.

La mostra è un progetto di cooperazione con la Fondazione Situation Kunst.

From February 23 to April 28, 2024, the Freundeskreis Willy-Brandt-Haus is showing photographs by Dietmar Riemann that were taken up in the GDR in the 1970s and 1980s. The social documentary photographs show various facets of everyday life. Riemann's rich trove of images not only reflects his personal feelings in a difficult political situation, but also general social issues.

In the exhibition, selected photographs from six series provide insights into areas that otherwise tended to go unnoticed in the GDR: A residential home for people with mental disabilities, an old people's home in East Berlin, scenes at a harness racing track, but also deserted Berlin backyards as well as walls, fences and shop windows. The existence of these photographs is not self-evident in the context of the conditions under which they were taken and also sheds light on the photographer's political stance. Riemann's social documentary photographs take up themes such as freedom, interpersonal relationships, illness and death. His form of visual language was not pleased by the government and ultimately led to Riemann being banned from exhibiting his work.

The son of a family of photographers, Riemann grew up in Saxony. After training as a photographer, he first worked as a factory and architectural photographer and then studied at the Academy of Visual Arts in Leipzig. He then earned his living mainly as a freelancer. After his application to leave the country was repeatedly rejected in 1986, he devoted himself to his own projects. Riemann lived mainly in East Berlin until he was granted permission to leave for the Federal Republic of Germany in 1989, three months before the collapse of the GDR. To this day, Riemann continues to photograph with a socially critical view of everyday life. He lives with his family near Heidelberg.

The exhibition is a cooperation project with the Situation Kunst Foundation.

(Text: Willy-Brandt-Haus, Berlin)

IPFO Haus der Fotografie | Olten
24. Februar – 19. Mai 2024

Anthology
Vivian Maier

Die legendäre amerikanische Strassenfotografin Vivian Maier kommt in die Schweiz. Ab 24. Februar 2024 zeigt das Haus der Fotografie die Ausstellung «Vivian Maier – Anthology», die 140 Fotografien aus insgesamt vier Jahrzehnten umfasst. Maiers Arbeiten zeigen das städtische Leben und die Menschen in Chicago und New York, aber auch in anderen Ortschaften, die sie auf ihren zahlreichen Reisen durchkreuzte. Organisiert und gestaltet wurde die Ausstellung von Anne Morin von DiChroma Photography auf der Grundlage von Fotos aus dem Archiv der Maloof Collection sowie der Howard Greenberg Gallery in New York.

Das Haus der Fotografie zeigt erstmals eine beeindruckende Auswahl an Werken der weltberühmten amerikanischen Fotografin Vivian Maier. Die Künstlerin fokussierte sich bei ihrer Arbeit hauptsächlich auf Strassenfotografien, die meist spontan entstanden, sich aber gleichzeitig durch eine enorme Präzision auszeichnen. Sie schaffte es wie kaum sonst jemand, ihre Modelle in den Mittelpunkt zu stellen ohne die Geschichte des Umfeldes ausser Acht zu lassen.

Vivian Maiers Fotografien waren enorm vielseitig und bieten einen einzigartigen Einblick in das städtische Leben und die sozialen Strukturen ihrer Zeit. «Es stellt sich die Frage: Wer war diese Frau, die ein Leben lang unterwegs war, an unzähligen Orten wohnte, sich niemals festlegen und festsetzen wollte und kaum jemanden an ihrer Leidenschaft teilhaben liess? Dieser Frage geht diese Ausstellung nach, beleuchtet die Person Vivian Maier, die der Fotowelt eine unglaubliche Fülle an verblüffendem Material aus vier Jahrzehnten überlassen hat und stellt sie für einmal in den Vordergrund», sagt Isabelle Bitterli, Leiterin Haus der Fotografie.

Vivian Maier (1. Februar 1926 – 21. April 2009) war eine amerikanische Strassenfotografin, die während ihres Lebens weitgehend unbekannt blieb. Erst nach ihrem Tod gelangten ihre beeindruckenden Fotografien an die Öffentlichkeit und erlangten posthum große Anerkennung. Sie gilt heute als eine der bedeutendsten Straßenfotografinnen des 20. Jahrhunderts.

Vivian Maier wurde am 1. Februar 1926 in New York City geboren. Über ihre frühen Jahre ist wenig bekannt, aber es wird angenommen, dass sie einen Teil ihrer Jugend mit ihrer französischen Mutter in Frankreich verbrachte.

Maier kehrte 1951 in die USA zurück und begann in New York als Kindermädchen zu arbeiten. Gleichzeitig widmete sie sich intensiv der Fotografie. Mit einer Rolleiflex-Kamera dokumentierte sie das städtische Leben, Porträts von Menschen auf der Straße, stimmungsvolle Straßenszenen und Alltagssituationen.

Als Maier 1956 in Chicago eine neue Stelle als Kindermädchen begann, genoss sie den Luxus einer Dunkelkammer und eines eigenen Badezimmers. Dies ermöglichte ihr, ihre Abzüge zu entwickeln und ihre eigenen Rollen Schwarzweißfilm zu entwickeln. Als die Kinder erwachsen wurden, zwang das Ende von Maiers Anstellung bei dieser ersten Familie in Chicago in den frühen siebziger Jahren sie dazu, die Entwicklung ihres eigenen Films aufzugeben.

Als sie von Familie zu Familie zog, sammelten sich ihre Rollen mit unentwickelten, nicht gedruckten Arbeiten an. Zu dieser Zeit beschloss Maier, zur Farbfotografie überzugehen. Finanzieller Stress und mangelnde Stabilität führten dazu, dass sich die unentwickelten Farbrollen zu stapeln begannen. Irgendwann zwischen den späten 1990er Jahren und den ersten Jahren des neuen Jahrtausends legte Vivian ihre Kamera weg und lagerte ihr Hab und Gut ein, während sie versuchte, sich über Wasser zu halten.

Angesichts der spärlichen Mittel wurden die gelagerten Fotos zu verlorenen Erinnerungen, bis sie 2007 wegen ausbleibender Mietzahlungen verkauft wurden. Die Negative wurden von der Lagerfirma an RPN Sales versteigert, die die Kisten in einer viel größeren Auktion an mehrere Käufer, darunter John Maloof, verteilte. Noch während dem Maloof begann, ihr gesamtes Werk zu kaufen, katalogisieren und in Teilen der Öffentlichkeit zugänglich zu machen, wurde Maier in ein Pflegeheim in Chicago eingeliefert, wo sie am 21. April 2009 im Alter von 83 Jahren verstarb.

Maloofs Arbeit führte zu einer posthumen Anerkennung und einem wachsenden Interesse an Maiers Person und ihrem Werk. Ihr Vermächtnis lebt in ihren faszinierenden Bildern weiter, die einen einzigartigen Einblick in das amerikanische Leben der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts bieten.

La légendaire photographe de rue américaine Vivian Maier vient en Suisse. À partir du 24 février 2024, la Maison de la photographie présentera l'exposition "Vivian Maier - Anthology", qui comprend 140 photographies sur un total de quatre décennies. Les travaux de Maier montrent la vie urbaine et les habitants de Chicago et de New York, mais aussi d'autres localités qu'elle a traversées lors de ses nombreux voyages. L'exposition a été organisée et conçue par Anne Morin de DiChroma Photography sur la base de photos provenant des archives de la Maloof Collection ainsi que de la Howard Greenberg Gallery à New York.

La Haus der Fotografie présente pour la première fois une sélection impressionnante d'œuvres de la photographe américaine de renommée mondiale Vivian Maier. Dans son travail, l'artiste s'est principalement concentrée sur les photographies de rue, qui ont généralement été prises spontanément, mais qui se distinguent en même temps par une énorme précision. Elle a réussi comme personne à placer ses modèles au centre de l'attention sans négliger l'histoire de leur environnement.

Les photographies de Vivian Maier étaient énormément variées et offrent un aperçu unique de la vie urbaine et des structures sociales de son époque. "On peut se demander qui était cette femme qui a passé sa vie à voyager, à vivre dans d'innombrables endroits, qui n'a jamais voulu se fixer ni se fixer et qui n'a pratiquement laissé personne partager sa passion ? C'est cette question que cette exposition aborde, en mettant en lumière la personne de Vivian Maier, qui a laissé au monde de la photographie une quantité incroyable de matériel étonnant sur quatre décennies, et en la plaçant pour une fois sur le devant de la scène", explique Isabelle Bitterli, directrice de la Maison de la Photographie.

Vivian Maier (1er février 1926 - 21 avril 2009) était une photographe de rue américaine qui est restée largement inconnue tout au long de sa vie. Ce n'est qu'après sa mort que ses impressionnantes photographies ont été rendues publiques et ont obtenu une grande reconnaissance posthume. Elle est aujourd'hui considérée comme l'une des plus grandes photographes de rue du 20e siècle.

Vivian Maier est née le 1er février 1926 à New York. On sait peu de choses sur ses premières années, mais on pense qu'elle a passé une partie de sa jeunesse en France avec sa mère française.

Maier est retournée aux États-Unis en 1951 et a commencé à travailler comme nounou à New York. Parallèlement, elle se consacre intensément à la photographie. Avec un appareil Rolleiflex, elle documente la vie urbaine, des portraits de personnes dans la rue, des scènes de rue évocatrices et des situations quotidiennes.

Lorsque Maier a commencé un nouveau travail de nounou à Chicago en 1956, elle a profité du luxe d'une chambre noire et d'une salle de bain privée. Cela lui permit de développer ses tirages et ses propres rouleaux de film noir et blanc. Lorsque les enfants ont grandi, la fin de l'emploi de Maier dans cette première famille de Chicago au début des années 1970 l'a contrainte à abandonner le développement de son propre film.

Alors qu'elle passait de famille en famille, ses bobines d'œuvres non développées et non imprimées se sont accumulées. C'est à cette époque que Maier a décidé de passer à la photographie couleur. Le stress financier et le manque de stabilité ont fait que les rouleaux de couleur non développés ont commencé à s'accumuler. Quelque part entre la fin des années 1990 et les premières années du nouveau millénaire, Vivian a rangé son appareil photo et entreposé ses biens tout en essayant de garder la tête hors de l'eau.

Vu le peu de moyens dont elle disposait, les photos stockées sont devenues des souvenirs perdus, jusqu'à ce qu'elles soient vendues en 2007, faute de paiement des loyers. Les négatifs ont été vendus aux enchères par la société de stockage à RPN Sales, qui a distribué les boîtes à plusieurs acheteurs, dont John Maloof, lors d'une vente aux enchères beaucoup plus importante. Alors même que Maloof commençait à acheter, cataloguer et rendre accessible au public une partie de son œuvre complète, Maier a été admise dans une maison de retraite à Chicago, où elle est décédée le 21 avril 2009 à l'âge de 83 ans.

Le travail de Maloof a conduit à une reconnaissance posthume et à un intérêt croissant pour la personne et l'œuvre de Maier. Son héritage continue de vivre à travers ses images fascinantes, qui offrent un aperçu unique de la vie américaine de la seconde moitié du 20e siècle.

La leggendaria fotografa di strada americana Vivian Maier arriva in Svizzera. Dal 24 febbraio 2024, la Haus der Fotografie esporrà la mostra "Vivian Maier - Anthology", che comprende 140 fotografie di un totale di quattro decenni. Le opere della Maier mostrano la vita urbana e le persone di Chicago e New York, ma anche di altri luoghi che ha visitato durante i suoi numerosi viaggi. La mostra è stata organizzata e progettata da Anne Morin della DiChroma Photography sulla base di fotografie provenienti dagli archivi della Maloof Collection e della Howard Greenberg Gallery di New York.

Per la prima volta, la Haus der Fotografie presenta un'impressionante selezione di opere della fotografa americana di fama mondiale Vivian Maier. Nel suo lavoro, l'artista si è concentrata soprattutto sulla fotografia di strada, scattata per lo più in modo spontaneo, ma allo stesso tempo caratterizzata da un'enorme precisione. Riusciva a mettere i suoi modelli al centro dell'attenzione come nessun altro, senza trascurare la storia dell'ambiente circostante.

Le fotografie di Vivian Maier erano estremamente varie e offrono uno sguardo unico sulla vita urbana e sulle strutture sociali del suo tempo. "La domanda sorge spontanea: chi era questa donna che ha viaggiato per tutta la vita, ha vissuto in innumerevoli luoghi, non ha mai voluto stabilirsi e non ha permesso a quasi nessuno di condividere la sua passione? Questa mostra esplora questa domanda, fa luce sulla persona Vivian Maier, che ha lasciato al mondo della fotografia un'incredibile quantità di materiale sorprendente di quattro decenni, e la mette per una volta in primo piano", afferma Isabelle Bitterli, direttrice della Haus der Fotografie.

Vivian Maier (1 febbraio 1926 - 21 aprile 2009) è stata una fotografa di strada americana, rimasta in gran parte sconosciuta durante la sua vita. Solo dopo la sua morte le sue impressionanti fotografie sono state portate all'attenzione del pubblico e hanno ottenuto un grande riconoscimento postumo. Oggi è riconosciuta come una delle più importanti fotografe di strada del XX secolo.

Vivian Maier è nata il 1° febbraio 1926 a New York. Si sa poco dei suoi primi anni di vita, ma si presume che abbia trascorso parte della sua giovinezza con la madre francese in Francia.

Tornata negli Stati Uniti nel 1951, Maier inizia a lavorare come tata a New York. Contemporaneamente si dedica intensamente alla fotografia. Utilizzando una fotocamera Rolleiflex, documenta la vita urbana, i ritratti di persone per strada, le suggestive scene di strada e le situazioni quotidiane.

Quando nel 1956 Maier iniziò un nuovo lavoro come tata a Chicago, poté godere del lusso di una camera oscura e di un bagno privato. Questo le permise di sviluppare le sue stampe e di creare i suoi rullini di pellicola in bianco e nero. Con la crescita dei figli, la fine del rapporto di lavoro con la prima famiglia di Chicago, all'inizio degli anni Settanta, costrinse la Maier a rinunciare allo sviluppo delle pellicole.

Passando da una famiglia all'altra, le bobine di lavoro non sviluppate e non stampate si accumulavano. È in questo periodo che Maier decide di passare alla fotografia a colori. Lo stress finanziario e la mancanza di stabilità fanno sì che i rullini a colori non sviluppati comincino ad accumularsi. Tra la fine degli anni Novanta e i primi anni del nuovo millennio, Vivian mette da parte la macchina fotografica e archivia i suoi averi mentre cerca di mantenersi in vita.

Di fronte alle scarse risorse a disposizione, le foto conservate sono diventate ricordi perduti fino a quando, nel 2007, sono state vendute a causa del mancato pagamento dell'affitto. I negativi sono stati venduti all'asta dalla società di stoccaggio alla RPN Sales, che ha distribuito le scatole a diversi acquirenti, tra cui John Maloof, in un'asta molto più ampia. Mentre Maloof iniziava ad acquistare e catalogare tutte le sue opere e a renderne disponibili alcune al pubblico, la Maier fu ricoverata in una casa di cura a Chicago, dove morì il 21 aprile 2009 all'età di 83 anni.

Il lavoro di Maloof ha portato a un riconoscimento postumo e a un crescente interesse per la persona e il lavoro della Maier. La sua eredità vive nelle sue affascinanti immagini, che offrono uno sguardo unico sulla vita americana della seconda metà del XX secolo.

The legendary American street photographer Vivian Maier is coming to Switzerland. From February 24, 2024, the Haus der Fotografie will be showing the exhibition "Vivian Maier - Anthology", which comprises 140 photographs from a total of four decades. Maier's works depict urban life and people in Chicago and New York, but also in other places she has criss-crossed on her numerous travels. The exhibition was organized and designed by Anne Morin of DiChroma Photography on the basis of photographs from the archives of the Maloof Collection and the Howard Greenberg Gallery in New York.

For the first time, the Haus der Fotografie is showing an impressive selection of works by the world-famous American photographer Vivian Maier. In her work, the artist focused mainly on street photography, which was mostly taken spontaneously, but at the same time is characterized by enormous precision. She managed to place her models at the center of attention like hardly anyone else, without disregarding the history of their surroundings.

Vivian Maier's photographs were enormously diverse and offer a unique insight into urban life and the social structures of her time. "The question arises: Who was this woman who spent a lifetime on the road, lived in countless places, never wanted to settle down and let hardly anyone share her passion? This exhibition explores this question, sheds light on the person Vivian Maier, who has left the world of photography an incredible wealth of astonishing material from four decades, and puts her in the foreground for once," says Isabelle Bitterli, Director of Haus der Fotografie.

Vivian Maier (February 1, 1926 - April 21, 2009) was an American street photographer who remained largely unknown during her lifetime. It was only after her death that her impressive photographs came to the public's attention and gained great recognition posthumously. Today, she is considered one of the most important street photographers of the 20th century.

Vivian Maier was born on February 1, 1926 in New York City. Little is known about her early years, but it is assumed that she spent part of her youth with her French mother in France.

Maier returned to the USA in 1951 and began working as a nanny in New York. At the same time, she devoted herself intensively to photography. Using a Rolleiflex camera, she documented urban life, portraits of people on the street, atmospheric street scenes and everyday situations.

When Maier started a new job as a nanny in Chicago in 1956, she enjoyed the luxury of a darkroom and her own bathroom. This enabled her to develop her prints and make her own rolls of black and white film. As the children grew up, the end of Maier's employment with that first family in Chicago in the early 1970s forced her to give up developing her own film.

As she moved from family to family, her reels of undeveloped, unprinted work piled up. It was at this time that Maier decided to switch to color photography. Financial stress and a lack of stability meant that the undeveloped rolls of color began to pile up. Sometime between the late 1990s and the early years of the new millennium, Vivian put her camera away and stored her belongings while she tried to keep her head above water.

Faced with meager resources, the stored photos became lost memories until they were sold in 2007 due to non-payment of rent. The negatives were auctioned off by the storage company to RPN Sales, who distributed the boxes to several buyers, including John Maloof, in a much larger auction. Even as Maloof began to purchase and catalog her entire body of work and make parts of it available to the public, Maier was admitted to a Chicago nursing home, where she died on April 21, 2009, at the age of 83.

Maloof's work led to posthumous recognition and a growing interest in Maier's person and her work. Her legacy lives on in her fascinating images, which offer a unique insight into American life in the second half of the 20th century.

(Text: IPFO Haus der Fotografie, Olten)

Kunstmuseum Luzern
24. Februar – 16. Juni 2024

Subjective Evidence
Barbara Probst

Der Ausstellungstitel Subjective Evidence (subjektiver Beweis) verweist bereits aufs Grundthema: Wo stehst du? Was siehst du? Aus welcher Richtung kommst du? Wohin blickst du? Barbara Probst (*1964) zeigt nie eine einzelne Fotografie, sondern stets multiperspektivische Serien. Ihre kleinsten Werkgruppen bestehen aus zwei Bildern. In Doppelporträts zeigt die Künstlerin in zwei Fotografien jeweils zwei Personen. Beiläufig betrachtet könnten die Fotografien fast als identisch durchgehen, aber falsch: Auf dem linken Bild blickt die eine Person in die Kamera, die andere an der Kamera vorbei; auf dem rechten Bild verhält es sich genau umgekehrt. Diese minimale Verschiebung irritiert, lässt innehalten und macht das Sehen als bewussten Vorgang erlebbar.

In thematischen Kapiteln wie «Performance», «Landschaft», «Stillleben» oder «Mode» zeigt Barbara Probst Werkgruppen aus über 20 Jahren. Zahlreiche Arbeiten sind in Luzern das erste Mal zu sehen. In den leeren Ausstellungsräumen des Kunstmuseums Luzern realisierte die Künstlerin zudem ein neues Werk.

Kuratiert von Fanni Fetzer

In Kooperation mit Sprengel Museum, Hannover, und FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

Le titre de l'exposition, Subjective Evidence (preuve subjective), renvoie déjà au thème de base : où te situes-tu ? Que vois-tu ? De quelle direction viens-tu ? Où regardes-tu ? Barbara Probst (*1964) ne montre jamais une seule photographie, mais toujours des séries multiperspectives. Ses plus petits groupes d'œuvres se composent de deux visuels. Dans des portraits doubles, l'artiste montre deux personnes dans deux photographies. En les regardant avec désinvolture, les photographies pourraient presque passer pour identiques, mais fausses : sur le visuel de gauche, l'une des personnes regarde l'appareil photo, l'autre passe devant ; sur le visuel de droite, c'est exactement l'inverse. Ce décalage minime irrite, fait marquer un temps d'arrêt et permet de vivre la vision comme un processus conscient.

Dans des chapitres thématiques comme "Performance", "Paysage", "Nature morte" ou "Mode", Barbara Probst présente des groupes d'œuvres de plus de 20 ans. De nombreux travaux sont présentés pour la première fois à Lucerne. L'artiste a en outre réalisé une nouvelle œuvre dans les salles d'exposition vides du Kunstmuseum Luzern.

Organisé par Fanni Fetzer

En coopération avec le Sprengel Museum, Hanovre, et FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

Il titolo della mostra Subjective Evidence fa già riferimento al tema di base: Where do you stand? Cosa vedi? Da quale direzione provieni? Dove stai guardando? Barbara Probst (*1964) non espone mai una sola fotografia, ma sempre serie multiprospettiche. I suoi gruppi di opere più piccoli sono composti da due immagini. Nei doppi ritratti, l'artista mostra due persone in due fotografie. Osservate casualmente, le fotografie potrebbero quasi passare per identiche, ma in modo errato: nell'immagine di sinistra, una persona guarda verso la macchina fotografica, l'altra oltre la macchina fotografica; nell'immagine di destra, è il contrario. Questo minimo spostamento è sconcertante, ci fa soffermare e ci permette di sperimentare la visione come un processo consapevole.

In capitoli tematici come "Performance", "Paesaggio", "Natura morta" o "Moda", Barbara Probst presenta gruppi di opere di oltre 20 anni. Numerose opere vengono esposte per la prima volta a Lucerna. L'artista ha inoltre realizzato un nuovo lavoro nelle sale espositive vuote del Kunstmuseum Luzern.

A cura di Fanni Fetzer

In collaborazione con lo Sprengel Museum di Hannover e FotoFocus del Contemporary Arts Center di Cincinnati.

The exhibition title Subjective Evidence already points to the basic theme: Where do you stand? What do you see? Where are you coming from? What are you looking at? Barbara Probst (*1964) never

shows a single photograph, but always multi-perspectival series. Her smallest work groups consist of two images. In her double portraits the artist shows two people each in two photographs. Looked at casually, the photographs could be regarded as identical. But this is not so: in the left image, one person looks at the camera, the other looks past it; in the right image, the persons behave the other way round. This minimal shift intrigues us, causing us to pause for thought and making us aware of sight as a conscious process.

In thematic chapters entitled “Performance”, “Landscape”, “Still Life” or “Fashion”, Barbara Probst shows work groups from over 20 years. Many photographs are being shown in Lucerne for the first time. What is more, the artist realises a new work in the empty exhibition rooms of the Kunstmuseum Luzern.

Curated by Fanni Fetzer

In cooperation with Sprengel Museum, Hannover, und FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Stadthaus Ulm
25. Februar – 16. Juni 2024

Maziar Moradi: Ich werde deutsch

„Wie gelingt Integration?“ In Zeiten einer anhaltend hohen Fluchtmigration ist diese Frage zum Politikum geraten, die in einem Spannungsfeld von Willkommenskultur und Abschottung diskutiert wird. Dabei ist Migration kein neues Phänomen, sondern spätestens seit den Jahren des Wirtschaftswunders ein fester Bestandteil der deutschen DNA. Trotzdem klammern die aktuellen Debatten oft die Erfahrungen der Migrantinnen und Migranten aus, die längst hier leben. Die Fotoserie „Ich werde deutsch“ von Maziar Moradi beschäftigt sich genau damit.

In großformatigen Bildern reinszeniert Moradi die Erlebnisse von Menschen, die ihr Heimatland verlassen haben, um in Deutschland ein neues Leben zu beginnen, oder hier als Kinder von Einwandererfamilien geboren wurden und schon lange Teil der deutschen Gesellschaft sind. In opulenten Szenen visualisiert er Momente und Episoden ihres „Deutsch-werdens“ und zeigt so die Widrigkeiten, die persönlichen Leistungen und die Meilensteine eines langen Prozesses, von dem niemand genau weiß, wann er abgeschlossen ist. Moradi arbeitet dabei nicht dokumentarisch, sondern konzeptionell. Seine Aufnahmen wirken wie Standbilder eines Films, die aus dem Fluss der Zeit herausgerissen wurden. Was genau passiert ist, erläutern in manchen Fällen Texte, die von den Protagonistinnen und Protagonisten der Geschichten selbst verfasst wurden, während es in anderen Fällen den Betrachterinnen und Betrachtern überlassen bleibt, das Dargestellte zu deuten.

Diesen rätselhaften Szenen steht eine Serie von Bildern gegenüber, welche die harte Realität von Migrationserfahrungen zeigt. „Ich werde deutsch – der Anfang“ dokumentiert die Orte, an denen das Leben in Deutschland für viele Migrantinnen und Migranten beginnt. Maziar Moradi fotografierte in den Jahren 2015/16 die unterschiedlichen Gebäude und Unterkünfte, in denen Geflüchtete nach ihrer Ankunft untergebracht werden. Die ungewohnt sachliche Bildsprache der Aufnahmen betont die Behelfsmäßigkeit und Isoliertheit dieser Orte, die eine Art Pufferzone zwischen altem und neuem Leben darstellen. Sie befinden sich zwar überall in Deutschland, sind aber trotzdem nicht Teil des täglichen Lebens hier. Sie stehen synonym für eine existenzielle Ausnahmesituation, die dem Prozess der Integration vorangeht und sich unweigerlich auf diesen auswirkt.

"Comment réussir l'intégration ?" En ces temps de forte migration de fuite persistante, cette question est devenue un sujet politique qui fait l'objet de discussions entre culture de l'accueil et isolement. Pourtant, la migration n'est pas un phénomène nouveau, elle fait partie intégrante de l'ADN allemand, au moins depuis les années du miracle économique. Malgré cela, les débats actuels mettent souvent entre parenthèses les expériences des migrants qui vivent ici depuis longtemps. La série de photos "Ich werde deutsch" de Maziar Moradi se penche précisément sur ce sujet.

Dans des visuels grand format, Moradi met en scène les expériences de personnes qui ont quitté leur pays d'origine pour commencer une nouvelle vie en Allemagne, ou qui sont nées ici dans des familles d'immigrés et font partie depuis longtemps de la société allemande. Dans des scènes opulentes, il visualise des moments et des épisodes de leur "devenir-allemand" et montre ainsi l'adversité, les réalisations personnelles et les étapes d'un long processus dont personne ne sait exactement quand il sera terminé. Moradi ne travaille pas de manière documentaire, mais conceptuelle. Ses prises de vue ressemblent à des images fixes d'un film, arrachées au flux du temps. Dans certains cas, des textes rédigés par les protagonistes des histoires expliquent ce qui s'est exactement passé, tandis que dans d'autres cas, c'est au spectateur d'interpréter ce qui est représenté.

A ces scènes énigmatiques s'oppose une série de visuels qui montrent la dure réalité de l'expérience migratoire. "Ich werde deutsch - der Anfang" documente les lieux où la vie en Allemagne commence pour de nombreux migrants. En 2015/16, Maziar Moradi a photographié les différents bâtiments et logements dans lesquels les personnes en fuite sont hébergées à leur arrivée. Le langage visuel inhabituellement sobre des prises de vue souligne le caractère de fortune et l'isolement de ces lieux, qui constituent une sorte de zone tampon entre l'ancienne et la nouvelle vie. Bien qu'ils se trouvent partout en Allemagne, ils ne font pas pour autant partie de la vie quotidienne ici. Vous êtes synonyme d'une situation d'exception existentielle qui précède le processus d'intégration et qui se répercute inévitablement sur celui-ci.

"Come può l'integrazione avere successo?". In tempi di livelli persistentemente elevati di migrazione di rifugiati, questa domanda è diventata una questione politica che viene discussa in un ambito di tensione tra cultura dell'accoglienza e isolamento. La migrazione non è un fenomeno nuovo, ma è parte integrante del DNA della Germania al più tardi dagli anni del miracolo economico. Tuttavia, i dibattiti attuali spesso ignorano le esperienze dei migranti che vivono qui da molto tempo. La serie fotografica "Ich werde deutsch" di Maziar Moradi affronta proprio questo tema.

In immagini di grande formato, Moradi rievoca le esperienze di persone che hanno lasciato il loro Paese d'origine per iniziare una nuova vita in Germania, o che sono nate qui come figli di famiglie di immigrati e fanno parte da tempo della società tedesca. In scene sfarzose, egli visualizza momenti ed episodi del loro "diventare tedeschi", mostrando così le avversità, le conquiste personali e le pietre miliari di un lungo processo che nessuno sa esattamente quando si concluderà. Il lavoro di Moradi non è documentario, ma concettuale. I suoi scatti sembrano fotogrammi di un film strappati al flusso del tempo. In alcuni casi, i testi scritti dagli stessi protagonisti delle storie spiegano cosa è successo esattamente, mentre in altri casi è lasciato allo spettatore il compito di interpretare ciò che viene mostrato.

Queste scene enigmatiche sono accostate a una serie di immagini che mostrano la dura realtà delle esperienze di migrazione. "Ich werde deutsch - der Anfang" documenta i luoghi in cui inizia la vita in Germania per molti migranti. Nel 2015/16, Maziar Moradi ha fotografato i vari edifici e centri di accoglienza dove i rifugiati vengono ospitati dopo il loro arrivo. L'immagine insolitamente materica delle fotografie enfatizza la natura improvvisata e l'isolamento di questi luoghi, che rappresentano una sorta di zona cuscinetto tra la vecchia e la nuova vita. Sebbene si trovino in tutta la Germania, non fanno parte della vita quotidiana. Sono sinonimo di una situazione esistenziale eccezionale che precede il processo di integrazione e che inevitabilmente ha un impatto su di esso.

"How can integration succeed?" In times of persistently high levels of refugee migration, this question has become a political issue that is being discussed in a field of tension between welcome culture and isolation. Migration is not a new phenomenon, but has been an integral part of German DNA since the years of the economic miracle at the latest. Nevertheless, current debates often ignore the experiences of migrants who have been living here for a long time. The photo series "Ich werde deutsch" by Maziar Moradi deals with precisely this.

In large-format visuals, Moradi restages the experiences of people who have left their home country to start a new life in Germany, or who were born here as children of immigrant families and have long been part of German society. In opulent scenes, he visualizes moments and episodes of their "becoming German" and thus shows the adversities, personal achievements and milestones of a long process that no one knows exactly when it will be completed. Moradi's work is not documentary, but conceptual. His shots look like stills from a movie that have been torn out of the flow of time. In some cases, texts written by the protagonists of the stories themselves explain exactly what happened, while in other cases it is left to the viewer to interpret what is shown.

These enigmatic scenes are juxtaposed with a series of visuals that show the harsh reality of migration experiences. "Ich werde deutsch - der Anfang" documents the places where life in Germany begins for many migrants. In 2015/16, Maziar Moradi photographed the various buildings and accommodations where refugees are housed after their arrival. The unusually matter-of-fact imagery of the photographs emphasizes the makeshift nature and isolation of these places, which represent a kind of buffer zone between old and new life. Although they are located all over Germany, they are not part of everyday life here. They are synonymous with an exceptional existential situation that precedes the process of integration and inevitably has an impact on it.

(Text: Stadthaus Ulm)

MEP Maison Européenne de la Photographie | Paris
28. Februar – 26. Mai 2024

Lisa Fonssagrives-Penn. Icône de mode

Die MEP ist stolz darauf, eine besondere und einzigartige Sammlung zeitgenössischer Abzüge aus 20 Jahren Modefotografie von 1935 bis 1958 zu präsentieren. Diese außergewöhnliche Sammlung gehörte Lisa Fonssagrives-Penn, einem der emblematischsten Models des 20. Jahrhunderts, die hier zum ersten Mal der Öffentlichkeit präsentiert wird. Viele der Bilder sind bisher unveröffentlicht und bieten einen Einblick in das goldene Zeitalter der Modefotografie.

Lisa Fonssagrives-Penn (1911-1992), Tänzerin, Model, Fotografin, Designerin und Bildhauerin, gilt als das erste "Topmodel" der Geschichte. 20 Jahre lang wurde sie häufig in Harper's Bazaar und Vogue veröffentlicht. Sie ziert etwa 200 Titelseiten der grössten Modemagazine der Zeit. Auf dem Höhepunkt ihrer Karriere im Jahr 1949 erschien sie im Alter von 38 Jahren auf dem Titelblatt des Time Magazine.

Als gefragtes Model arbeitete sie mit den bekanntesten Modefotografen zusammen: Fernand Fonssagrives, ihrem ersten Ehemann, Horst P. Horst, dessen Lieblingsmodel sie war, George Hoyningen-Huene, Georges Platt Lynes, Erwin Blumenfeld, der sie in einem Kleid von Lucien Lelong am Eiffelturm hängend verewigte, Louise Dahl-Wolfe, deren ausgesprochen moderner Stil perfekt zu Lisa Fonssagrives-Penn passte, Irving Penn, den sie 1950 heiratete und der sie zu seiner Partnerin für seine größten Fotografien machte, Richard Avedon, ihre Freundin Frances McLaughlin-Gill, die erste weibliche Fotografin, die bei der Vogue unter Vertrag genommen wurde, und viele andere: Kathryn Abbe, James Abbe Jr. , Gene Fenn, Otto Fenn, Toni Frissell, Harold Halma, Genevieve Naylor, John Rawlings und Lillian Bassman.

Lisa Fonssagrives-Penn war mehr als nur ein Modell, sie war voll und ganz an der Entstehung der Fotografien beteiligt, für die sie Modell stand. Die meisten wurden im Studio aufgenommen, was stundenlange Vorbereitungen und eine echte Komplizenschaft zwischen dem Fotografen und seinem Modell erforderte.

Tom Penn, der Sohn von Lisa Fonssagrives-Penn und Irving Penn, schlug der MEP dieses Ausstellungsprojekt vor. Großzügigerweise schenkte er einen Teil dieses bemerkenswerten Ensembles der Sammlung des MEP.

Anlässlich dieser Ausstellung wird von SKIRA ein zweisprachiger französisch/englischer Katalog mit Texten von Simon Baker, Vince Aletti und Laurence Benaïm herausgegeben.

Kuratoren: Pascal Hoël und Frédérique Dolivet.

Die MEP fühlt sich geehrt, als Verwahrer dieses einzigartigen Nachlasses ausgewählt worden zu sein, und drückt Tom Penn und seiner Familie, Mia Fonssagrives Solow und dem Team der Irving Penn Foundation ihre tiefe Dankbarkeit für ihr fortgesetztes Engagement aus.

La MEP est fière de présenter une collection particulière et unique de tirages d’époque couvrant 20 ans de photographie de mode, de 1935 à 1958. Cet ensemble exceptionnel a appartenu à Lisa Fonssagrives-Penn, l’une des mannequins les plus emblématiques du 20e siècle présentées au public pour la première fois. Beaucoup de ces images sont inédites et offrent une plongée dans l’âge d’or de la photographie de mode.

Lisa Fonssagrives-Penn (1911-1992), danseuse, mannequin, photographe, styliste et sculptrice, est considérée comme le premier « top model » de l’histoire. Pendant 20 ans, elle est fréquemment publiée dans Harper's Bazaar et Vogue. Elle fait environ 200 couvertures pour les plus grands magazines de mode d'époque. Au sommet de sa carrière en 1949, elle fait la couverture du magazine Time à l’âge de 38 ans.

Mannequin très demandée, elle a collaboré avec les plus grands photographes de mode : Fernand Fonssagrives, son premier mari, Horst P. Horst, dont elle fut la mannequin favorite, George Hoyningen-Huene, Georges Platt Lynes, Erwin Blumenfeld, qui l’immortalisa suspendue à la tour Eiffel, vêtue d’une robe de Lucien Lelong, Louise Dahl-Wolfe, dont le style résolument moderne convenait parfaitement à Lisa Fonssagrives-Penn, Irving Penn, qu’elle épouse en 1950, et qui en fit sa partenaire pour ses plus grandes photographies, Richard Avedon, son amie Frances McLaughlin-Gill, première femme photographe en contrat avec Vogue, et beaucoup d’autres : Kathryn Abbe, James Abbe Jr., Gene Fenn, Otto Fenn, Toni Frissell, Harold Halma, Genevieve Naylor, John Rawlings and Lillian Bassman.

Plus qu’un modèle, Lisa Fonssagrives-Penn participait pleinement à l’élaboration des photographies pour lesquelles elle posait. La plupart ont été réalisées en studio, ce qui nécessitait des heures de préparation et une véritable complicité entre le photographe et son modèle.

Tom Penn, fils de Lisa Fonssagrives-Penn et d'Irving Penn, a proposé ce projet d'exposition à la MEP. Il a généreusement fait don d'une partie de cet ensemble remarquable à la collection du MEP.

À l'occasion de cette exposition, un catalogue bilingue français/anglais est édité par SKIRA avec des textes de Simon Baker, Vince Aletti et Laurence Benaïm.

Commissaires : Pascal Hoël et Frédérique Dolivet

La MEP est honorée d’avoir été choisie comme dépositaire de ce fonds unique et exprime sa profonde gratitude à Tom Penn et à sa famille, à Mia Fonssagrives Solow, et à l'équipe de la Fondation Irving Penn pour leur engagement continu.

Il MEP è orgoglioso di presentare una collezione unica e privata di stampe d'epoca che copre 20 anni di fotografia di moda, dal 1935 al 1958. Questa eccezionale collezione, appartenuta a Lisa Fonssagrives-Penn, una delle modelle più emblematiche del XX secolo, viene presentata al pubblico per la prima volta. Molte di queste immagini non sono mai state viste prima e offrono uno sguardo sull'epoca d'oro della fotografia di moda.

Lisa Fonssagrives-Penn (1911-1992), ballerina, modella, fotografa, stilista e scultrice, è considerata la prima "top model" della storia. Per 20 anni è stata spesso pubblicata su Harper's Bazaar e Vogue. Ha realizzato circa 200 copertine per le più importanti riviste di moda dell'epoca. All'apice della sua carriera, nel 1949, apparve sulla copertina della rivista Time all'età di 38 anni.

Modella molto ricercata, ha lavorato con i più grandi fotografi di moda: Fernand Fonssagrives, il suo primo marito, Horst P. Horst, di cui era la modella preferita, George Hoyningen-Huene, Georges Platt Lynes, Erwin Blumenfeld, che la immortalò appesa alla Torre Eiffel con un abito di Lucien Lelong, Louise Dahl-Wolfe, il cui stile decisamente moderno si adattava perfettamente a Lisa Fonssagrives-Penn, Irving Penn, che sposò nel 1950 e che fece di lei la sua partner per le sue più grandi fotografie; Richard Avedon; la sua amica Frances McLaughlin-Gill, la prima donna fotografa sotto contratto con Vogue; e molti altri: Kathryn Abbe, James Abbe Jr. , Gene Fenn, Otto Fenn, Toni Frissell, Harold Halma, Genevieve Naylor, John Rawlings e Lillian Bassman.

Più che una modella, Lisa Fonssagrives-Penn ha partecipato pienamente alla creazione delle fotografie per cui ha posato. La maggior parte di esse sono state scattate in studio, richiedendo ore di preparazione e un vero e proprio legame tra fotografo e modella.

Tom Penn, figlio di Lisa Fonssagrives-Penn e Irving Penn, ha proposto questo progetto espositivo al MEP. Egli ha generosamente donato al MEP parte di questa notevole collezione.

In occasione della mostra, SKIRA ha pubblicato un catalogo bilingue francese/inglese con testi di Simon Baker, Vince Aletti e Laurence Benaïm.

Curatori: Pascal Hoël e Frédérique Dolivet

Il MEP è onorato di essere stato scelto come custode di questa collezione unica ed esprime la sua profonda gratitudine a Tom Penn e alla sua famiglia, a Mia Fonssagrives Solow e al team della Irving Penn Foundation per il loro costante impegno.

The MEP is proud to present a unique collection of vintage prints spanning two decades of fashion photography, from 1935 to 1955. This extraordinary collection that once belonged to Lisa Fonssagrives-Penn, one of the most iconic models of the 20th century, is presented here for the first time. Many of the works to be shown are previously unpublished and offer a glimpse into the golden age of fashion photography.

Lisa Fonssagrives-Penn (1911-1992), dancer, model, photographer, stylist and sculptor, is considered to be the first 'supermodel' in history. For 20 years, she was frequently featured in Harper's Bazaar and Vogue, appearing on around 200 covers of the leading fashion magazines of her time. In 1949, at the age of 38, she was at the height of her career, and appeared on the cover of Time magazine.

Photographers of the period: Fernand Fonssagrives, her first husband; Horst P. Horst, whose favourite model she was; George Hoyningen-Huene, Georges Platt Lynes, Erwin Blumenfeld, who famously photographed her hanging from the Eiffel Tower in a dress by Lucien Lelong; Louise Dahl-Wolfe, whose resolutely modern style suited Lisa perfectly; Irving Penn, whom she married in 1950, and who made her his partner in his greatest photographs, Richard Avedon, her friend Frances McLaughlin-Gill, the first woman photographer to be signed by Vogue; and many others, including Kathryn Abbe, James Abbe Jr., Gene Fenn, Otto Fenn, Toni Frissell, Harold Halma, Genevieve Naylor, John Rawlings and Lillian Bassman.

More than just a model, Lisa Fonssagrives-Penn contributed extensively to the creative process. Most of the photographs were taken in the studio and required long hours of preparation and a real connection between photographer and model.

Tom Penn, son of Lisa Fonssagrives-Penn and Irving Penn, brought this exhibition project to the MEP. He has generously donated part of this remarkable ensemble to the MEP collection.

For this exhibition, the MEP is publishing with Skira a bilingual French/English catalogue with texts by Simon Baker, Vince Aletti and Laurence Benaïm.

Curators: Pascal Hoël and Frédérique Dolivet

The MEP is honored to have been chosen as the custodian of this unique body of work, and express its profound gratitude to Tom Penn and his family, to Mia Fonssagrives Solow, and to the team at The Irving Penn Foundation, for their ongoing commitment.

(Text: MEP Maison Européenne de la Photographie, Paris)

MEP Maison Européenne de la Photographie | Paris
28. Februar – 26. Mai 2024

Extérieurs — Annie Ernaux et la Photographie

Extérieurs - Annie Ernaux et la Photographie feiert die enge Beziehung zwischen Fotografie und Schreiben von Annie Ernaux, die 2022 den Nobelpreis für Literatur erhalten wird, mit Texten aus ihrem Buch Journal du dehors (1993) und Fotografien aus der Sammlung der MEP. Die Ausstellung ist das Ergebnis einer Residenz, die die Kuratorin und Schriftstellerin Lou Stoppard im Mai 2022 leitete. Einen Monat lang nutzte sie die Sammlung der MEP für eine Recherche, die Fotografie und Literatur miteinander verband.

Die Ausstellung kombiniert Texte aus Annie Ernaux' Buch Journal du dehors, 1993 - eine Niederschrift von Alltagsszenen in den Straßen, Zügen und Geschäften zwischen Cergy-Pontoise und Paris aus den Jahren 1985 und 1992 - mit Werken aus der Sammlung der MEP. Die Auswahl von 150 Abzügen von 29 Fotografen, darunter Harry Callahan, Claude Dityvon, Dolorès Marat, Daido Moriyama, Janine Niepce, Issei Suda, Henry Wessel und Bernard Pierre Wolff, deckt den Zeitraum von 1940 bis 2010 ab. Die Ausstellung geht über den geografischen Rahmen des Buches hinaus und vereint die Fotografien, die größtenteils in Frankreich, aber auch in England, Japan, den USA und anderen Ländern aufgenommen wurden.

Annie Ernaux interessiert sich seit langem für Fotografie und in ihren Werken tauchen immer wieder Verweise auf Fotos aus ihrer Kindheit auf. In Journal du dehors spricht sie über den Versuch, so zu schreiben, als würde sie Bilder machen: "Ich habe versucht, eine Art fotografisches Schreiben des Realen zu praktizieren, in dem die gekreuzten Existenzen ihre Undurchsichtigkeit und ihr Rätsel bewahren würden." Die MEP würdigt Ernaux' Vision, indem sie ihre Schriften wie fotografische Abzüge an den Wänden anbringt. Die Bilder und Schriften enthüllen, wie gewöhnliche, scheinbar unbedeutende Ereignisse, die in der Stadt beobachtet werden, uns auf umfassendere soziale Ungleichheiten und Stereotypen hinweisen. Die Ausstellung dreht sich um zentrale Themen des Buches - unsere täglichen Rituale der Fortbewegung und des Konsums, unsere Klassen- und Geschlechterperformanz, die die Gesellschaft hierarchisiert, aber auch die Gefühle von Angst und Einsamkeit, die unsere modernen Städte auslösen können.

Die Ausstellung ist das Ergebnis einer Residenz, die die Kuratorin und Schriftstellerin Lou Stoppard im Mai 2022 durchführte. Einen Monat lang nutzte sie die Sammlung des MEP für eine Recherche, die Fotografie und Literatur miteinander verband.

Anlässlich dieser Ausstellung wird ein Katalog in französischer und englischer Sprache bei Éditions MACK in Partnerschaft mit der MEP veröffentlicht.

Kurator: Lou Stoppard

Kuratorin für das MEP: Victoria Aresheva

Extérieurs — Annie Ernaux et la Photographie célèbre la relation étroite entre la photographie et l’écriture d’Annie Ernaux, lauréate du prix Nobel de littérature en 2022, à travers des textes tirés de son livre Journal du dehors (1993) et des photographies issues de la collection de la MEP. L'exposition est le fruit d'une résidence menée par la commissaire et écrivaine Lou Stoppard en mai 2022. Pendant un mois, elle s'est appuyée sur la collection de la MEP pour une recherche liant photographie et littérature.

L’exposition associe des textes tirés du livre d’Annie Ernaux Journal du dehors, 1993 – une retranscription de scènes de vie quotidienne dans les rues, les trains, les magasins entre Cergy-Pontoise et Paris de 1985 et 1992 – à des œuvres de la collection de la MEP. La sélection de 150 tirages réalisés par 29 photographes parmi lesquel·les Harry Callahan, Claude Dityvon, Dolorès Marat, Daido Moriyama, Janine Niepce, Issei Suda, Henry Wessel et Bernard Pierre Wolff, couvre la période de 1940 à 2010. Dépassant le cadre géographique du livre, l’exposition réunit les photographies pour la plupart prises en France mais également en Angleterre, au Japon, aux États-Unis et d’autres pays.

Annie Ernaux s’intéresse depuis longtemps à la photographie et des références à des photos d’enfance apparaissent dans son travail. Dans Journal du dehors, elle évoque la tentative d’écrire comme si elle faisait des images : « J’ai cherché à pratiquer une sorte d’écriture photographique du réel, dans laquelle les existences croisées conserveraient leur opacité et leur énigme. » La MEP rend hommage à la vision d’Ernaux en affichant ses écrits sur les murs comme des tirages photographiques. Les images et les écrits dévoilent comment les événements ordinaires, en apparence insignifiants, observés dans la ville, nous renvoient à des inégalités et des stéréotypes sociaux plus larges. L’exposition s’articule autour de thèmes centraux du livre – nos rituels quotidiens de déplacement et de consommation, notre performance de classe et de genre qui hiérarchise la société, mais aussi les sentiments de peur et de solitude que peuvent provoquer nos villes modernes.

L'exposition est le fruit d'une résidence menée par la commissaire et écrivaine Lou Stoppard en mai 2022. Pendant un mois, elle s'est appuyée sur la collection de la MEP pour une recherche liant photographie et littérature.

À l'occasion de cette exposition, un catalogue est publié en français et en anglais aux Éditions MACK en partenariat avec la MEP.

Commissaire : Lou Stoppard

Commissaire pour la MEP : Victoria Aresheva

Extérieurs - Annie Ernaux et la Photographie celebra lo stretto rapporto tra la fotografia e la scrittura di Annie Ernaux, vincitrice del Premio Nobel per la Letteratura nel 2022, attraverso testi tratti dal suo libro Journal du dehors (1993) e fotografie della collezione del MEP. La mostra è il risultato di una residenza condotta dalla curatrice e scrittrice Lou Stoppard nel maggio 2022. Per un mese, la curatrice ha attinto alla collezione del MEP per condurre una ricerca che mette in relazione fotografia e letteratura.

La mostra combina i testi del libro di Annie Ernaux Journal du dehors, 1993 - una trascrizione di scene di vita quotidiana nelle strade, nei treni e nei negozi tra Cergy-Pontoise e Parigi tra il 1985 e il 1992 - con le opere della collezione del MEP. La selezione di 150 stampe di 29 fotografi, tra cui Harry Callahan, Claude Dityvon, Dolorès Marat, Daido Moriyama, Janine Niepce, Issei Suda, Henry Wessel e Bernard Pierre Wolff, copre il periodo dal 1940 al 2010. Superando l'ambito geografico del libro, la mostra riunisce fotografie scattate per lo più in Francia, ma anche in Inghilterra, Giappone, Stati Uniti e altri Paesi.

Annie Ernaux è da tempo interessata alla fotografia e nel suo lavoro compaiono riferimenti alle foto dell'infanzia. In Journal du dehors, descrive il suo tentativo di scrivere come se stesse realizzando immagini: "Ho cercato di praticare una sorta di scrittura fotografica del reale, in cui le esistenze che si intersecano conservassero la loro opacità e il loro enigma". Il MEP rende omaggio alla visione della Ernaux esponendo i suoi scritti sulle pareti come stampe fotografiche. Le immagini e gli scritti rivelano come eventi ordinari e apparentemente insignificanti osservati in città riflettano disuguaglianze sociali e stereotipi più ampi. La mostra è strutturata intorno ai temi centrali del libro: i nostri rituali quotidiani di viaggio e consumo, la nostra rappresentazione di classe e di genere che gerarchizza la società, ma anche i sentimenti di paura e solitudine che le nostre città moderne possono provocare.

La mostra è il risultato di una residenza condotta dalla curatrice e scrittrice Lou Stoppard nel maggio 2022. Per un mese, la curatrice ha attinto alla collezione del MEP per condurre una ricerca che collegasse fotografia e letteratura.

In concomitanza con la mostra, verrà pubblicato un catalogo in francese e inglese dalle Éditions MACK in collaborazione con il MEP.

Curatore: Lou Stoppard

Curatore per il MEP: Victoria Aresheva

Exteriors — Annie Ernaux and Photography celebrates the close relationship between photography and the writing of Annie Ernaux, winner of the Nobel Prize for Literature in 2022, through texts from her book Exteriors (Journal du dehors), 1993, and photographs from the MEP collection. The exhibition is the product of a residency conducted by the curator and writer Lou Stoppard in April 2022, which focused on using the MEP collection as a catalyst for new research and for linking photography to other mediums.

Exteriors — Annie Ernaux and Photography celebrates the dynamic relationship between photography and the writing of Annie Ernaux. Winner of the Nobel Prize of Literature, Annie Ernaux is known for her social and feminist commitment, particularly to the younger generation, and for her ability to explore universal themes such as memory, identity and the human condition. Her precise style and emotional analysis have made her a major figure in contemporary literature. It combines texts from Ernaux’s book Exteriors (Journal du dehors), 1993 – a record of happenings on trains, shops and streets in-and-around Cergy-Pontoise between 1985 and 1992 – with more than one hundred and fifty images from the MEP collection by major photographers such as Harry Callahan, Claude Dityvon, Dolorès Marat, Daido Moriyama, Janine Niepce, Issei Suda, Henry Wessel and Bernard Pierre Wolff, amongst others. The image selection covers the second half of 20th century and includes photographs mostly taken in France but also in England, Japan, USA and other countries.

Photography has long been an interest of Annie Ernaux’s and references to childhood photographs appear across her work. In Exteriors she takes a new approach, by directly attempting to write as if making images: “To describe reality as through the eyes of a photographer and to preserve the mystery and opacity of the lives I encountered.” The exhibition pays homage to Annie Ernaux's objective, by treating her words as photographs, displaying them on the walls of the museum. The diverse photographs that appear alongside her texts reveal a shared interest in the role of place and space in how modern life unfolds. Both images and texts unveil how ordinary and insignificant events we observe in the city reflects back at us broader societal inequalities and stereotypes. The exhibition is grouped around themes that underpin Ernaux’s observations – from the daily rituals of travel and consumption, to the performances of class and gender performance that underpin society’s hierarchies. Also considered are the feelings of fear and loneliness prevalent in the modern city, and the fine lines between what is public and private, shared and separate.

The exhibition is the product of a residency conducted by the curator and writer Lou Stoppard in April 2022, which focused on using the MEP collection as a catalyst for new research and for linking photography to other mediums.

To coincide with the exhibition, a catalogue will be published in French and in English by Éditions MACK in partnership with the MEP.

Curator: Lou Stoppard

Curator for the MEP: Victoria Aresheva

(Text: MEP Maison Européenne de la Photographie, Paris)

Centre de la photographie Genève
28. Februar – 28. April 2024

MAKING LIGHT OF EVERY THING

Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Jessica Backhaus, Emma Bedos, Mathieu Bernard-Reymond, Sara de Brito Faustino, Charlie Engman, Alina Frieske, Peter Hauser, Moritz Jekat, Leigh Merrill, Taiyo Onorato & Nico Krebs, Martin Widmer

Das Intime ist ein Begriff, der oft schwer zu definieren, unantastbar und schwer fassbar ist. Sie kann in einer Kindheitserinnerung, im Inneren des eigenen Hauses oder der eigenen Nachbarschaft, in den Gesten, die man mit seinen Angehörigen austauscht, in der Vertrautheit eines Bildes oder auch in der Verbundenheit mit einem Gegenstand, einem Material oder einer Textur liegen.

Wie kann die Fotografie, ohne direkt Situationen zu zeigen, die unmittelbar als intim identifiziert werden können, eine Beziehung zu diesem Gefühl, seine Flüchtigkeit und Ungreifbarkeit ausdrücken? Wie kann sie das Verhältnis zum zwangsläufig fehlbaren Gedächtnis, die oft komplexen und wechselhaften Bindungen zu geliebten Menschen oder auch die Beziehung zu einem Zuhause, dessen Vertrautheit jederzeit ins Fremde umschlagen kann, ins Bild setzen?

Während das hergestellte oder manipulierte Bild oft mit dem Missbrauch der öffentlichen Meinung oder der Darstellung fiktionaler Welten in Verbindung gebracht wird, wird es hier wegen seines Potenzials, unsere Subjektivität, unsere Beziehung zu den Dingen zu enthüllen, erforscht. Wie können wir unsere Erinnerungen erzählen, die Verbindung zu geliebten Menschen übersetzen oder unsere Sensibilität greifbar machen?

Durch ausgeklügelte Verfahren der Bildmanipulation ermöglichen es die in dieser Ausstellung versammelten Künstler, eine Form der Intimität sichtbar zu machen, zu erfassen oder festzuhalten - vom persönlichsten Ausdruck einer Emotion bis hin zur maschinellen Interpretation menschlicher Beziehungen. Ob mit farbigem Papier hergestellt, durch künstliche Intelligenz erzeugt, vollständig im Fotolabor entstanden oder das Ergebnis einer sorgfältigen Fotomontage - die für diese Ausstellung zusammengestellten Bilder spiegeln das hartnäckige Experimentieren ihrer Autoren wider und vermitteln sowohl frivole als auch überwältigende Emotionen. Ihr explizit hergestellter Charakter - wobei hier keine Hierarchie zwischen Papierschnitt und den ausgefeiltesten Werkzeugen zur Bilderzeugung gemacht wird - hebt die manchmal seltsame Dimension dessen hervor, was uns am vertrautesten ist. Durch ihre Erkundungsprozesse und ihre komplexe Architektur machen die Künstler die komplexen Mechanismen der Welterfassung spürbar und zeugen auf subtile und delikate Weise von der Manifestation unserer individuellen Subjektivitäten.

Die Arbeiten von Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond und Sara De Brito Faustino untersuchen die Verbindungen zwischen hergestellten Bildern und dem Gedächtnis. Adu-Sanyah und Bernard-Reymond verwenden künstliche Intelligenzen, um Erinnerungen nachzubilden oder zu visualisieren, und achten dabei besonders auf die Materialität der entstehenden Bilder, während De Brito Faustino die Orte ihrer Kindheit in Modellen nachstellt, die sie dann erneut fotografiert. Ihre Werke beleuchten den prägenden, aber manchmal auch fehlbaren, seltsamen und rekonstruierten Charakter von Erinnerungen.

Emma Bedos, Alina Frieske und Moritz Jekat setzen visuelle Technologien wie Photogrammetrie, Fotomontage und Videospiele ein, um intime, familiäre und Liebesbeziehungen zu erforschen. Die Orte, die mit einer Liebesbeziehung in Verbindung gebracht werden, die geografische Distanz zu den Angehörigen und die digitalen Schnittstellen, mit denen diese Distanz überbrückt werden kann, oder auch die private und öffentliche Zirkulation persönlicher Bilder werden in Projekten behandelt, in denen das Bild experimentelle und unerwartete Formen annimmt.

Leigh Merrill, das Duo Taiyo Onorato & Nico Krebs und Martin Widmer teilen eine Herangehensweise an den Raum, der mithilfe verschiedener Collage- und Überlagerungstechniken minutiös konstruiert und rekonstruiert wird. Sowohl Onorato & Krebs als auch Widmer arbeiten selbstreflexiv, indem sie ihre eigenen Bilder als Ausgangspunkt verwenden, während Merrill vertraute urbane Räume durch Collagen neu gestaltet.

Das Intime manifestiert sich somit bei einigen der Künstler in der Ausstellung in einer sehr starken Beziehung zu ihrer eigenen Produktion. Bei Jessica Backhaus und Peter Hauser spiegelt die Verbindung zur eigentlichen Herstellung des Bildes durch analoge Verfahren - die Arbeit mit farbigem Papier bei Backhaus und im analogen Labor bei Hauser - eine Intimität der eigentlichen Praxis wider, ein feinfühliges Experimentieren mit Formen, Texturen und Materialien. Bei Charlie Engman schließlich entsteht eine Form von Verletzlichkeit aus den visuellen Experimenten mit künstlicher Intelligenz und ihrem Versagen, Darstellungen körperlicher Intimität, insbesondere der Umarmung, zu reproduzieren, und hallt auf seltsame Weise mit persönlichen Fotografien wider.

Kuratiert von: Claus Gunti & Danaé Panchaud

L’intime est une notion souvent difficile à définir, intangible et insaisissable. Il peut se situer dans un souvenir d’enfance, à l’intérieur de sa maison ou de son quartier, dans les gestes échangés avec ses proches, dans la familiarité d’une image, ou encore dans l’attachement à un objet, à une matière, ou à une texture.

Sans montrer directement des situations immédiatement identifiables comme intimes, comment la photographie peut-elle exprimer un rapport à ce sentiment, son caractère fugace et impalpable ? Comment peut-elle mettre en image les rapports à la mémoire, forcément faillible, les liens souvent complexes et changeants aux personnes chères, ou encore la relation à un chez-soi dont la familiarité peut tourner à l’étrange à tout moment ?

Si l’image fabriquée ou manipulée est souvent associée au détournement de l’opinion publique ou à la représentation d’univers fictionnels, elle est ici explorée pour son potentiel à révéler notre subjectivité, notre rapport aux choses. Comment pouvons-nous raconter nos souvenirs, traduire le lien à des êtres aimés ou rendre tangible notre sensibilité ?

Par des processus élaborés de manipulation d’image, les artistes réunis dans cette exposition permettent de rendre visible, de saisir ou de fixer une forme d’intimité, de l’expression la plus personnelle d’une émotion à l’interprétation machinique des rapports humains. Qu’elles soient fabriquées à l’aide de papiers colorés, générées par intelligence artificielle, créées entièrement dans le laboratoire photographique ou résultant d’un photomontage minutieux, les images réunies pour cette exposition traduisent l’expérimentation opiniâtre de leur auteur, traduisant des émotions tant frivoles qu’écrasantes. Leur caractère explicitement fabriqué – sans qu’une hiérarchie ne soit faite ici entre le papier découpé et les outils les plus sophistiqués de génération d’images – met en avant la dimension parfois étrange de ce qui nous est le plus familier. Par leurs processus exploratoires, leur architecture complexe, les artistes rendent sensible les mécanismes complexes d’appréhension du monde, témoignant de manière subtile et délicate de la manifestation de nos subjectivités individuelles.

Les travaux d’Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond et Sara De Brito Faustino investiguent les liens entre les images fabriquées et la mémoire. Adu-Sanyah et Bernard-Reymond utilisent des intelligences artificielles pour recréer des souvenirs ou les visualiser, prêtant une attention particulière à la matérialité des images qui en résultent, alors que De Brito Faustino reconstitue les lieux de son enfance en maquette qu’elle rephotographie. Leurs oeuvres mettent en lumière le caractère marquant, mais aussi parfois faillible, étrange et reconstruit, des souvenirs.

Emma Bedos, Alina Frieske et Moritz Jekat ont recours à des technologies visuelles comme la photogrammétrie, le photomontage et le jeu vidéo, afin d’investiguer des liens intimes, familiaux et amoureux. Les lieux associés à une relation amoureuse, la distance géographique avec ses proches et les interfaces digitales permettant d’y pallier, ou encore les circulations privées et publiques d’images personnelles, sont abordés dans des projets où l’image prend des formes expérimentales et inattendues.

Leigh Merrill, le duo Taiyo Onorato & Nico Krebs, et Martin Widmer partagent une approche de l’espace, minutieusement construit et reconstruit au moyen de différentes techniques de collage et de superposition. Onorato & Krebs comme Widmer mènent un travail autoréflexif en utilisant leurs propres images comme point de départ, alors que Merrill refaçonne par collage des espaces urbains familiers.

L’intime se manifeste ainsi chez certains des artistes de l’exposition dans un rapport très fort avec leur propre production. Chez Jessica Backhaus et Peter Hauser, le lien à la fabrication même de l’image par des procédés analogiques — le travail avec des papiers colorés pour Backhaus et dans le laboratoire analogique pour Hauser — reflète une intimité de la pratique même, une expérimentation délicate avec des formes, des textures et des matériaux. Enfin, chez Charlie Engman, une forme de vulnérabilité émerge des expérimentations visuelles réalisées avec l’intelligence artificielle et de leur échec à reproduire des représentations de l’intimité corporelle, en particulier le hug, et résonne étrangement avec des photographies personnelles.

Commissariat : Claus Gunti & Danaé Panchaud

L'intimità è un concetto spesso difficile da definire, intangibile e sfuggente. Si può trovare in un ricordo d'infanzia, nell'interno della propria casa o del proprio quartiere, nei gesti scambiati con i propri cari, nella familiarità di un'immagine, o anche nell'attaccamento a un oggetto, a un materiale o a una texture.

Senza mostrare direttamente situazioni immediatamente identificabili come intime, come può la fotografia esprimere il rapporto con questo sentimento, la sua natura fugace e impalpabile? Come può ritrarre il rapporto con la memoria, che è inevitabilmente fallibile, i legami spesso complessi e mutevoli con i propri cari, o il rapporto con una casa la cui familiarità può diventare strana in qualsiasi momento?

Se le immagini fabbricate o manipolate sono spesso associate all'appropriazione indebita dell'opinione pubblica o alla rappresentazione di universi fittizi, qui vengono esplorate per il loro potenziale di rivelazione della nostra soggettività e del nostro rapporto con le cose. Come possiamo raccontare i nostri ricordi, esprimere il nostro legame con le persone care o rendere tangibile la nostra sensibilità?

Attraverso elaborati processi di manipolazione dell'immagine, gli artisti di questa mostra rendono visibile, catturano o fissano una forma di intimità, dall'espressione più personale dell'emozione all'interpretazione macchinosa delle relazioni umane. Realizzate con carta colorata, generate dall'intelligenza artificiale, create interamente nel laboratorio fotografico o frutto di un meticoloso fotomontaggio, le immagini riunite in questa mostra riflettono l'ostinata sperimentazione dei loro autori, trasmettendo emozioni tanto frivole quanto travolgenti. La loro natura esplicitamente artificiale - senza che qui si tracci una gerarchia tra la carta ritagliata e i più sofisticati strumenti di generazione di immagini - mette in evidenza la dimensione a volte strana di ciò che ci è più familiare. Attraverso i loro processi esplorativi e la loro complessa architettura, gli artisti rivelano i complessi meccanismi con cui percepiamo il mondo, testimoniando in modo sottile e delicato la manifestazione delle nostre soggettività individuali.

Il lavoro di Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond e Sara De Brito Faustino indaga i legami tra immagini fabbricate e memoria. Adu-Sanyah e Bernard-Reymond utilizzano l'intelligenza artificiale per ricreare o visualizzare i ricordi, prestando particolare attenzione alla materialità delle immagini risultanti, mentre De Brito Faustino ricostruisce i luoghi della sua infanzia in modelli in scala che poi rifotografa. Le loro opere evidenziano la natura saliente ma talvolta fallibile, strana e ricostruita dei ricordi.

Emma Bedos, Alina Frieske e Moritz Jekat utilizzano tecnologie visive come la fotogrammetria, il fotomontaggio e i videogiochi per indagare le relazioni intime, familiari e amorose. I luoghi associati a una relazione sentimentale, la distanza geografica dai propri cari e le interfacce digitali che la compensano, la circolazione privata e pubblica delle immagini personali sono tutti temi affrontati in progetti in cui l'immagine assume forme sperimentali e inaspettate.

Leigh Merrill, il duo Taiyo Onorato & Nico Krebs e Martin Widmer condividono un approccio allo spazio, meticolosamente costruito e ricostruito con diverse tecniche di collage e sovrapposizione. Sia Onorato & Krebs che Widmer lavorano in modo autoriflessivo, utilizzando le proprie immagini come punto di partenza, mentre Merrill usa il collage per rimodellare spazi urbani familiari.

Per alcuni degli artisti in mostra, l'intimità si manifesta in un rapporto molto forte con la propria produzione. Per Jessica Backhaus e Peter Hauser, il legame con la realizzazione stessa dell'immagine attraverso processi analogici - lavorando con carta colorata per Backhaus e nel laboratorio analogico per Hauser - riflette un'intimità della pratica stessa, una delicata sperimentazione con forme, texture e materiali. Infine, nel lavoro di Charlie Engman, una forma di vulnerabilità emerge dagli esperimenti visivi condotti con l'intelligenza artificiale e dal loro fallimento nel riprodurre le rappresentazioni dell'intimità corporea, in particolare l'abbraccio, e risuona stranamente con le fotografie personali.

A cura di Claus Gunti & Danaé Panchaud

Intimacy is a concept that is often difficult to define, intangible and elusive. It can be found in a childhood memory, in the interior of one’s home or neighbourhood, in the gestures exchanged with loved ones, but also in the familiarity with an image, or in the attachment to an object, a material or a texture.

Without directly showing situations that are immediately identifiable as intimate, how can photography express a relationship with this feeling, its fleeting and impalpable nature? How can it portray the relationship with memory, which is inevitably fallible, the often complex and changing links with loved ones, or the relationship with a home whose familiarity can turn strange at any moment?

While fabricated or manipulated images are often associated with the misappropriation of public opinion or the representation of fictional universes, they are here explored for their potential to reveal our subjectivity and our relationship with reality. How can we recount our memories, express our connection to loved ones, or make our sensibilities tangible?

Through elaborate processes of image manipulation, the artists in this exhibition make visible, capture or fix a form of intimacy, from the most personal expression of an emotion to the automated interpretation of human relationships by a machine. Whether made with coloured paper, generated by artificial intelligence, created entirely in the photographic laboratory or the result of meticulous photomontage, the images brought together for this exhibition reflect their author’s tenacious experi-mentation, conveying emotions that are sometimes frivolous, sometimes profound. Their explicitly fabricated nature - without any hierarchy being drawn here between cut-out paper and the most sophisticated image-generating tools - highlights the sometimes strange dimension of what is most familiar to us. Through their exploratory processes and complex architecture, the artists reveal the complex mechanisms by which we apprehend the world, bearing subtle and delicate witness to the manifestation of our individual subjectivities.

The work of Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond and Sara De Brito Faustino investigates the links between fabricated images and memory. Adu-Sanyah and Bernard-Reymond use artificial intelligence to recreate or visualise memories, paying particular attention to the materiality of the resulting photographs, while De Brito Faustino reconstructs her childhood homes with models that she then rephotographs. Their works highlight the salient but sometimes fallible, strange and reconstructed nature of memories.

Emma Bedos, Alina Frieske and Moritz Jekat use visual technologies such as photogrammetry, photomontage and video games to investigate intimate, family and love relationships. The places associated with a romantic relationship, the geographical distance from loved ones and the digital interfaces that bridge it, or the private and public circulations of personal images are all addressed in projects where the image takes on experimental and unexpected forms.

Leigh Merrill, the duo Taiyo Onorato & Nico Krebs, and Martin Widmer share a certain approach, meticulously constructing and reconstructing spaces with different techniques of collage and superposition. Both Onorato & Krebs and Widmer work in a self-reflexive way, using their own images as a starting point, while Merrill uses collage to reshape familiar urban spaces.

In some of the artists in the exhibition, the intimate manifests itself in a strong relationship with their own work. For Jessica Backhaus and Peter Hauser, the link to the very making of the image through analogue processes – working with coloured papers for Backhaus and in the analogue laboratory for Hauser – reflects an intimacy of practice itself, in delicate experimentations with shapes, textures and materials. Finally, in Charlie Engman’s work, a form of vulnerability emerges from the visual experiments carried out with artificial intelligence and their failure to reproduce representations of bodily intimacy, in particular hugs, which furthermore resonates strangely with personal photographs.

Curators: Claus Gunti & Danaé Panchaud

(Text: Centre de la photographie Genève)

Museum Rietberg | Zürich
29. Februar – 4. August 2024

Iran - Porträt eines Landes
Antoin Sevruguin

Unter dem Titel «Iran ­– Porträt eines Landes» zeigt das Museum Rietberg eine Ausstellung, die dem Fotografen Antoin Sevruguin (1851–1933) gewidmet ist. Als Sohn armenischer Eltern im Iran geboren und im georgischen Tiflis aufgewachsen, arbeitete er später als Berufsfotograf in Teheran – und verstand sich als Iraner. Dennoch gilt er heute, der berühmteste frühe Fotograf in Iran, den meisten Fachleuten in und ausserhalb des Irans als «Ausländer». Er fotografierte, so die Meinung, Land und Leute mit einem «fremden», einem «orientalistischen» Blick. Heisst das, dass Sevruguin nur «europäische» Bilder schuf? Ist es am Ende undenkbar, dass ein «Secondo» wie er einen «indigenen», einen «iranischen» Blick besass? Diese Fragen – die viel mit Vorurteilen und Kategorisierungen zu tun haben und heute aktueller sind denn je – stehen im Zentrum dieses «Porträts». Die Ausstellung zeigt 63 Fotografien aus dem Bestand des Museums Rietberg und wird von einer Broschüre in Deutsch, Französisch und Englisch begleitet.

Intitulée Iran – Portrait d'un pays, cette exposition du Musée Rietberg est consacrée au photographe Antoin Sevruguin (1851-1933). Né en Iran de parents arméniens et ayant grandi à Tbilissi en Géorgie, il a ensuite travaillé comme photographe professionnel à Téhéran. Même s'il se considérait comme iranien, et malgré le fait qu'il soit aujourd'hui le plus célèbre des premiers photographes iraniens, la plupart des spécialistes du pays et ailleurs le considèrent comme un «étranger». Selon eux, il photographiait le pays et ses habitants avec un regard «d'extérieur» et «orientaliste». Cela signifie-t-il que Sevruguin ne créait que des images «européennes»? Est-il impensable, en fin de compte, qu'un «étranger de la deuxième génération» comme lui ait eu un regard «indigène» et «iranien»? Ces questions liées aux préjugés et aux catégorisations sont plus que jamais d'actualité et se trouvent au centre de ce «portrait». L'exposition présente 63 photographies issues du fonds du Musée Rietberg et est accompagnée d'une brochure en allemand, français et anglais.

Con il titolo "Iran - Ritratto di un Paese", il Museo Rietberg presenta una mostra dedicata al fotografo Antoin Sevruguin (1851-1933). Nato in Iran da genitori armeni e cresciuto a Tbilisi, in Georgia, in seguito lavorò come fotografo professionista a Teheran - e si considerava iraniano. Tuttavia, oggi lui, il più famoso fotografo degli esordi in Iran, è considerato uno "straniero" dalla maggior parte degli esperti dentro e fuori l'Iran. Secondo loro, ha fotografato il Paese e la sua gente con un occhio "straniero", "orientalista". Questo significa che Sevruguin ha creato solo immagini "europee"? È in definitiva inconcepibile che un "secondo" come lui possedesse uno sguardo "indigeno", "iraniano"? Queste domande - che hanno molto a che fare con i pregiudizi e le categorizzazioni e che oggi sono più attuali che mai - sono al centro di questo "ritratto". La mostra presenta 63 fotografie della collezione del Museo Rietberg ed è accompagnata da una brochure in tedesco, francese e inglese.

Under the title "Iran – Portrait of a Country", the Museum Rietberg is showing an exhibition dedicated to the photographer Antoin Sevruguin (1851-1933). Born in Iran to Armenian parents and raised in Tbilisi, Georgia, Sevruguin later worked as a professional photographer in Tehran - and considered himself to be Iranian. Today, however, he is considered a "foreigner" by most experts in and outside Iran, despite being the most famous early photographer in Iran. In their opinion, he photographed the country and its people with a "foreign", "orientalist" eye. Does this mean that Sevruguin only created "European" images? Is it ultimately inconceivable that a "secondo" like him possessed an "indigenous", an "Iranian" gaze? These questions - which have a lot to do with prejudices and categorisations and are more topical today than ever - are at the heart of this "portrait". The exhibition shows 63 photographs from the Museum Rietberg's collection and is accompanied by a brochure in German, French and English.

(Text: Museum Rietberg, Zürich)

Bildhalle | Zürich
29. Februar – 30. April 2024

Terra incognita
Ilona Langbroek

Die Bildhalle Zürich freut sich, die erste Einzelausstellung der international erfolgreichen holländischen Fotografin Ilona Langbroek zu präsentieren.

TERRA INCOGNITA basiert auf Langbroeks familiären Geschichte, die eng verbunden ist mit der kolonialen Vergangenheit ihres Landes und der Geschichte von Niederländisch-Ostindien. Es geht um die Entwurzelung und die gespaltene Identität von Menschen, die gezwungen waren, ihr Heimatland überstürzt zu verlassen – so wie Ilonas Langbroeks indonesische Grossmutter, die durch ihre Ehe mit einem holländischen Soldaten nach der Unabhängigkeit Indonesiens in ihrem eigenen Land nicht mehr willkommen war.

Die Künstlerin versetzt sich in ihrer Arbeit in die Lebenswelt ihrer Grosseltern, versucht aber auch, über intensive Recherche und das Studium von historischen Bildern und Literatur, das kollektive Trauma einer ganzen Generation zu verstehen und in metaphorisch-poetische Bilder zu übersetzen. In ihren Stillleben und inszenierten Porträts arbeitet sie mit Objekten und Stoffen, die – ob historisch oder durch sie selbst entworfen – die alte und neue Heimat ihrer Grossmutter verbinden und visuell manifestieren.

Ilona Langbroek bedient sich der Ästhetik des «Chiaroscuro», der starken Kontraste von Hell und Dunkel, wie man sie auf den Gemälden des Barocks und der Spätrenaissance findet – insbesondere auch in der holländischen Malerei jener Zeit. Durch Licht und Schatten schafft die Künstlerin eine Atmosphäre des Übergangs, symbolisch für jene Zwischenwelt, in der sich Menschen befinden, die vertrautes Terrain zurücklassen und sich an einem neuen unbekannten Ort – Terra Incognita – nicht zuhause fühlen.

Zelda Cheatle, eine renommierte britische Kuratorin für Fotografie, bezeichnete Langbroek 2021 als die „Entdeckung des Jahres“. Dass Ilona Langbroek nicht nur in den Niederlanden, sondern auch international Erfolge feiert, ist sicher auch dem Umstand zu verdanken, dass sie ihre persönliche Geschichte zwischen den Zeilen erzählt. Für die Betrachter:in bleibt Raum, die unerzählten Geschichten hinter den Bildern zu enträtseln und mit eigenen Erinnerungen in Verbindung zu bringen.

La Bildhalle de Zurich a le plaisir de présenter la première exposition individuelle de la photographe hollandaise Ilona Langbroek, qui connaît un succès international.

TERRA INCOGNITA est basée sur l'histoire familiale de Langbroek, qui est étroitement liée au passé colonial de son pays et à l'histoire des Indes orientales néerlandaises. Il s'agit du déracinement et de l'identité divisée de personnes qui ont été contraintes de quitter précipitamment leur pays d'origine - comme la grand-mère indonésienne d'Ilonas Langbroek, qui n'était plus la bienvenue dans son propre pays suite à son mariage avec un soldat hollandais après l'indépendance de l'Indonésie.

Dans son travail, l'artiste se transpose dans l'univers de ses grands-parents, mais elle tente également, par le biais de recherches intensives et de l'étude d'images et de littérature historiques, de comprendre le traumatisme collectif de toute une génération et de le traduire en visuels métaphoriques et poétiques. Dans ses natures mortes et ses portraits mis en scène, elle travaille avec des objets et des tissus qui - qu'ils soient historiques ou conçus par elle-même - relient et manifestent visuellement l'ancienne et la nouvelle patrie de sa grand-mère.

Ilona Langbroek utilise l'esthétique du "clair-obscur", les forts contrastes de clair et d'obscur que l'on retrouve dans les tableaux de l'époque baroque et de la fin de la Renaissance - notamment aussi dans la peinture hollandaise de cette époque. Par la lumière et l'ombre, l'artiste crée une atmosphère de transition, symbolique de ce monde intermédiaire dans lequel se trouvent les personnes qui laissent derrière elles un terrain familier et ne se sentent pas chez elles dans un nouveau lieu inconnu - Terra Incognita.

Zelda Cheatle, une conservatrice britannique de renom spécialisée dans la photographie, a qualifié Langbroek de "découverte de l'année" en 2021. Si Ilona Langbroek connaît un succès non seulement aux Pays-Bas, mais aussi à l'international, c'est certainement parce qu'elle raconte son histoire personnelle entre les lignes. Les spectateurs ont ainsi la possibilité de décrypter les histoires non racontées qui se cachent derrière les visuels et de les mettre en relation avec leurs propres souvenirs.

La Bildhalle Zürich è lieta di presentare la prima mostra personale della fotografa olandese di successo internazionale Ilona Langbroek.

TERRA INCOGNITA si basa sulla storia della famiglia della Langbroek, strettamente legata al passato coloniale del suo Paese e alla storia delle Indie Orientali Olandesi. Si tratta dello sradicamento e della scissione dell'identità di persone che sono state costrette a lasciare la loro patria in fretta e furia, come la nonna indonesiana di Ilonas Langbroek, che dopo l'indipendenza dell'Indonesia non era più gradita nel suo Paese a causa del suo matrimonio con un soldato olandese.

Nel suo lavoro, l'artista si colloca nel mondo dei suoi nonni, ma cerca anche di comprendere il trauma collettivo di un'intera generazione attraverso un'intensa ricerca e lo studio di immagini storiche e letteratura, e di tradurlo in immagini metaforiche e poetiche. Nelle sue nature morte e nei suoi ritratti in scena, l'artista lavora con oggetti e tessuti che - siano essi storici o di sua creazione - collegano e manifestano visivamente la vecchia e la nuova patria di sua nonna.

Ilona Langbroek utilizza l'estetica del "chiaroscuro", i forti contrasti di luce e buio presenti nei dipinti barocchi e del tardo Rinascimento, soprattutto nella pittura olandese dell'epoca. L'artista usa la luce e l'ombra per creare un'atmosfera di transizione, simboleggiando il mondo intermedio in cui si trovano le persone quando si lasciano alle spalle il territorio familiare e non si sentono a casa in un luogo nuovo e sconosciuto - terra incognita.

Zelda Cheatle, rinomata curatrice britannica di fotografia, ha definito Langbroek la "scoperta dell'anno" nel 2021. Il successo di Ilona Langbroek non solo nei Paesi Bassi, ma anche a livello internazionale, è certamente dovuto anche al fatto che racconta la sua storia personale tra le righe. Gli spettatori hanno la possibilità di svelare le storie non raccontate che si celano dietro le immagini e di collegarle ai propri ricordi.

Bildhalle Zürich is pleased to present the first solo exhibition of the internationally successful Dutch photographer Ilona Langbroek.

TERRA INCOGNITA is based on Langbroek's family history, which is closely linked to her country's colonial past and the history of the Dutch East Indies. It is about the uprootedness and split identity of people who were forced to leave their homeland in a hurry - like Ilonas Langbroek's Indonesian grandmother, who was no longer welcome in her own country after Indonesia's independence due to her marriage to a Dutch soldier.

In her work, the artist places herself in the world of her grandparents, but also attempts to understand the collective trauma of an entire generation through intensive research and the study of historical images and literature, and to translate it into metaphorical and poetic visuals. In her still lifes and staged portraits, she works with objects and fabrics that - whether historical or of her own design - connect and visually manifest her grandmother's old and new homeland.

Ilona Langbroek uses the aesthetics of "chiaroscuro", the strong contrasts of light and dark found in Baroque and late Renaissance paintings - especially in Dutch painting of the time. Through light and shadow, the artist creates an atmosphere of transition, symbolic of that in-between world in which people find themselves when they leave familiar terrain behind and do not feel at home in a new unknown place - terra incognita.

Zelda Cheatle, a renowned British curator of photography, described Langbroek as the "discovery of the year" in 2021. Ilona Langbroek's success not only in the Netherlands, but also internationally, is of course also due to the fact that she tells her personal story between the lines. There is room for viewers to unravel the untold stories behind the visuals and connect them to their own memories.

(Text: Bildhalle, Zürich/Amsterdam)

Baugeschichtliches Archiv - Haus am Rech | Zürich
1. März – 31. Mai 2024

Fotoateliers in Zürich

Im Oktober 1839 – nur gerade zwei Monate nachdem Louis Daguerre in Paris der Welt sein fotografisches Verfahren vorgestellt hatte – fand in Zürich die erste Foto-Ausstellung statt.

Der Durchbruch für das neue Medium ging Hand in Hand mit der Entstehung von Fotoateliers: Ab Mitte des 19. Jahrhunderts wurden erste Fotograf*innen in Zürich sesshaft. Die Ateliers waren meist (Glas-)Aufbauten auf Gebäuden und wurden vor allem für Personen- und Porträtaufnahmen genutzt.

Im Baugeschichtlichen Archiv finden sich vielfältige Spuren zur Fotografiegeschichte der Stadt: Historische Zeitzeugen wie Innen- und Aussenaufnahmen und Baupläne der prägnanten Fotoateliers auf den Dächern, sowie zahlreiche Stadtansichten, Gruppenaufnahmen und Porträts der Fotopionier*innen nehmen die Besuchenden mit auf eine Reise zu den Anfängen der Fotografie.

Nun präsentiert das Archiv die schönsten Bilder aus mehreren Nachlässen historischer Fotoateliers in einer Ausstellung im Haus zum Rech. Besucher*innen tauchen in die Pionierzeit der Fotografie ein und lernen die bekanntesten Studios der Epoche kennen. Zu sehen sind auch einige neu erschlossene Teil-Bestände, die erstmals einem breiten Publikum gezeigt werden: So gelangte erst kürzlich der Nachlass der Foto-Dynastie der Familie Schucht, die ab 1880 über mehrere Generationen hinweg an der Kasernenstrasse tätig war, ins Baugeschichtliche Archiv.

En octobre 1839, deux mois à peine après que Louis Daguerre eut présenté son procédé photographique au monde à Paris, la première exposition de photos eut lieu à Zurich.

La percée de ce nouveau média est allée de pair avec la création d'ateliers de photographie : dès le milieu du 19e siècle, les premiers photographes se sont installés à Zurich. Les ateliers étaient le plus souvent des structures (en verre) sur des bâtiments et étaient surtout utilisés pour des prises de vue de personnes et de portraits.

Les archives de l'histoire de l'architecture contiennent de nombreuses traces de l'histoire de la photographie de la ville : des témoins historiques tels que des photos d'intérieur et d'extérieur et des plans de construction des ateliers photographiques marquants sur les toits, ainsi que de nombreuses vues de la ville, des photos de groupe et des portraits des pionniers de la photographie* emmènent les visiteurs dans un voyage vers les débuts de la photographie.

Les archives présentent maintenant les plus belles photos de plusieurs fonds d'ateliers photographiques historiques dans une exposition à la Haus zum Rech. Les visiteurs* se plongent dans l'époque pionnière de la photographie et font la connaissance des studios les plus connus de l'époque. On peut également y voir quelques fonds partiels récemment mis en valeur et présentés pour la première fois au grand public : Ainsi, le fonds de la dynastie de photographes de la famille Schucht, qui a travaillé à partir de 1880 et pendant plusieurs générations à la Kasernenstrasse, est arrivé récemment aux archives de l'histoire de l'architecture.

Nell'ottobre del 1839 - appena due mesi dopo che Louis Daguerre aveva presentato al mondo il suo processo fotografico a Parigi - si tenne a Zurigo la prima mostra fotografica.

L'affermazione del nuovo mezzo è andata di pari passo con la nascita degli studi fotografici: a partire dalla metà del XIX secolo, i primi fotografi si stabilirono a Zurigo. Gli studi erano per lo più strutture (in vetro) su edifici e venivano utilizzati principalmente per fotografare persone e ritratti.

L'Archivio Storico Architettonico contiene molte tracce della storia fotografica della città: testimonianze storiche come fotografie di interni ed esterni e piani di costruzione dei suggestivi studi fotografici sui tetti, oltre a numerose vedute della città, scatti di gruppo e ritratti dei pionieri della fotografia, accompagnano i visitatori in un viaggio agli albori della fotografia.

L'archivio presenta ora le immagini più belle di diverse proprietà di studi fotografici storici in una mostra presso la Haus zum Rech. I visitatori possono immergersi nei giorni pionieristici della fotografia e conoscere gli studi più famosi dell'epoca. Sono esposte anche alcune parti della collezione catalogate di recente, che vengono mostrate al pubblico per la prima volta: Ad esempio, la proprietà della dinastia fotografica della famiglia Schucht, attiva nella Kasernenstrasse per diverse generazioni a partire dal 1880, è stata recentemente trasferita all'Archivio di Storia dell'Architettura.

In October 1839 - just two months after Louis Daguerre presented his photographic process to the world in Paris - the first photo exhibition was held in Zurich.

The breakthrough for the new medium went hand in hand with the emergence of photo studios: from the middle of the 19th century, the first photographers settled in Zurich. The studios were mostly (glass) structures on buildings and were mainly used for taking photos of people and portraits.

The Architectural History Archive contains many traces of the city's photographic history: historical witnesses such as interior and exterior photographs and construction plans of the striking photo studios on the roofs, as well as numerous city views, group shots and portraits of the photography pioneers take visitors on a journey to the beginnings of photography.

The archive is now presenting the most beautiful images from several estates of historical photo studios in an exhibition at Haus zum Rech. Visitors can immerse themselves in the pioneering days of photography and get to know the most famous studios of the era. On display are also some newly acquired parts of the collection, which are being shown to the general public for the first time: For example, the estate of the Schucht family's photographic dynasty, which was active on Kasernenstrasse for several generations from 1880 onwards, was recently transferred to the Architectural History Archive.

(Text: Baugeschichtliches Archiv - Haus am Rech, Zürich)

Foto Forum Zug
1. März – 30. April 2024

Malen mit Licht
Thomas Gretener

Thomas Gretener aus Cham fotografiert seit rund 50 Jahren. Auf der Suche nach neuen Ausdrucksformen stiess er vor zehn Jahren auf das Prinzip der «camera obscura»: Fotografieren ohne Linse, dafür mit einem Aufsatz, der wenig Licht auf den Datenträger lässt. Die Digitalkamera wird zur Lochkamera. Die Brennweite: unspektakuläre 45 mm. Die Blende: lichtschwache f / 180, da braucht es viel Licht oder ein Stativ. Die Technik wird zweitranig, dafür kommt dem Beobachten grössere Bedeutung zu. Die Fotografie wendet sich einem minimalistischen Prinzip zu. Linien und Formen bestimmen das Bildmotiv. Die Farben verschwimmen und die Fotografie wird zum Bild: Malen mit Licht. Die Abbildungsqualität ist bescheiden: Die Bilder werden als unscharf empfunden, Überstrahlungen und Farbfehler verfremden sie und sich bewegende Objekte verfliessen. Dafür weisen die Fotos eine anmutige Ästhetik mit schöner Tonalität auf. Sie stehen in starkem Kontrast zu den heute gängigen scharfen Bildern moderner Kameras.

Thomas Gretener, de Cham, pratique la photographie depuis environ 50 ans. A la recherche de nouvelles formes d'expression, il a découvert il y a dix ans le principe de la "camera obscura" : photographier sans lentille, mais avec un embout qui laisse passer peu de lumière sur le support de données. L'appareil photo numérique devient un sténopé. La distance focale : un 45 mm peu spectaculaire. L'ouverture : faible f / 180, il faut beaucoup de lumière ou un trépied. La technique devient secondaire, mais l'observation revêt une plus grande importance. La photographie se tourne vers un principe minimaliste. Les lignes et les formes déterminent le sujet de l'image. Les couleurs s'estompent et la photographie devient un visuel : peindre avec la lumière. La qualité de l'image est modeste : Les visuels sont perçus comme flous, les surimpressions et les erreurs de couleur les dénaturent et les objets en mouvement s'écoulent. En revanche, les photos présentent une esthétique gracieuse avec une belle tonalité. Elles contrastent fortement avec les visuels actuels des appareils photo modernes.

Thomas Gretener, di Cham, fotografa da circa 50 anni. Dieci anni fa, nella sua ricerca di nuove forme di espressione, si è imbattuto nel principio della "camera oscura": la fotografia senza obiettivo, ma con un attacco che lascia passare poca luce sul supporto dati. La fotocamera digitale diventa una macchina fotografica a foro stenopeico. La lunghezza focale: un non spettacolare 45 mm. L'apertura del diaframma: basso f/180, quindi è necessaria molta luce o un treppiede. La tecnica diventa secondaria, ma l'osservazione diventa più importante. La fotografia si orienta verso un principio minimalista. Linee e forme determinano il motivo. I colori si confondono e la fotografia diventa un quadro: una pittura con la luce. La qualità dell'immagine è modesta: Le immagini sono percepite come sfocate, la sovraesposizione e gli errori di colore le allontanano e gli oggetti in movimento scorrono. D'altra parte, le foto hanno un'estetica aggraziata con una bella tonalità. Sono in netto contrasto con le immagini nitide delle moderne fotocamere.

Thomas Gretener from Cham has been taking photographs for around 50 years. Ten years ago, in his search for new forms of expression, he came across the principle of the "camera obscura": photography without a lens, but with an attachment that lets little light onto the data carrier. The digital camera becomes a pinhole camera. The focal length: an unspectacular 45 mm. The aperture: low f / 180, so you need a lot of light or a tripod. The technique becomes secondary, but observation becomes more important. Photography turns to a minimalist principle. Lines and shapes determine the motif. The colors become blurred and the photograph becomes a visual: painting with light. The image quality is modest: The visuals are perceived as blurred, overexposure and color errors alienate them and moving objects flow. On the other hand, the photos have a graceful aesthetic with a beautiful tonality. They stand in stark contrast to the sharp visuals of today's modern cameras.

(Text: Thomas Gretener)

Camera Austria | Graz
2. März – 12. Mai 2024

Prospect
Alexandra Leykauf

Alexandra Leykauf arbeitet mit fotografischen Bildgebungsverfahren wie Direktbelichtungen auf fotosensitive Oberflächen, um die unmittelbare Beziehung zwischen Bild und Betrachtenden zu untersuchen. Ihre Arbeiten spielen mit dem Übergang vom Körper eines Objekts zur Oberfläche des Bildes und zurück zur räumlichen Erfahrung. Sie analysiert die vielfältigen Implikationen sich ändernder Bildkonventionen und Betrachtungsweisen, Fragen von Herkunft und Urheberschaft(en) und letztlich unsere Position gegenüber den widersprüchlichen Wahrheiten zirkulierender Bilder.

Aufbauend auf länger angelegten Bildrecherchen entwickelt Alexandra Leykauf ortsbezogene Ausstellungskonzepte, die spezifische (kunst-)historische Kontexte von Städten zum Ausgangspunkt nehmen, um Fragen des Blicks, Blickbeziehungen und ihrer körperlichen Verortung nachzugehen. Für Prospect, ihre erste institutionelle Einzelausstellung in Österreich, greift Leykauf auf eine Recherche in den Gemäldesammlungen verschiedener Grazer Museen zurück.

Alexandra Leykauf travaille avec des procédés d'imagerie photographique tels que l'exposition directe sur des surfaces photosensibles afin d'explorer la relation directe entre le visuel et le spectateur. Son travail joue sur le passage du corps d'un objet à la surface du visuel et retour à l'expérience spatiale. Elle analyse les multiples implications de l'évolution des conventions visuelles et des modes d'observation, les questions d'origine et de paternité(s) et, en fin de compte, notre position face aux vérités contradictoires des visuels en circulation.

En s'appuyant sur des recherches iconographiques à long terme, Alexandra Leykauf développe des concepts d'exposition en fonction des lieux, qui prennent pour point de départ des contextes (artistiques) historiques spécifiques des villes, afin d'explorer les questions du regard, des relations entre les regards et de leur localisation physique. Pour Prospect, sa première exposition individuelle institutionnelle en Autriche, Leykauf s'appuie sur une recherche dans les collections de peintures de différents musées de Graz.

Alexandra Leykauf lavora con tecniche di imaging fotografico, come l'esposizione diretta su superfici fotosensibili, per indagare il rapporto immediato tra immagine e spettatore. Le sue opere giocano con il passaggio dal corpo di un oggetto alla superficie dell'immagine e di nuovo all'esperienza spaziale. L'artista analizza le molteplici implicazioni del cambiamento delle convenzioni e dei modi di vedere le immagini, le questioni relative alla provenienza e alla paternità e, in ultima analisi, la nostra posizione rispetto alle verità contraddittorie delle immagini in circolazione.

Basandosi su una ricerca a lungo termine sull'immagine, Alexandra Leykauf sviluppa concetti espositivi site-specific che prendono come punto di partenza specifici contesti storici (artistici) di città per esplorare le questioni dello sguardo, delle relazioni visive e della loro localizzazione fisica. Per Prospect, la sua prima mostra personale istituzionale in Austria, Leykauf si basa sulla ricerca nelle collezioni di pittura di vari musei di Graz.

Alexandra Leykauf works with photographic imaging processes, such as direct exposure on photosensitive surfaces, in order to probe the immediate relationship between image and beholder. Her works play with the transition from the body of an object to the surface of the image, then moving back to the experience of space. She analyzes the many-faceted implications of ever-changing pictorial conventions and points of view, as well as questions related to origin and authorship, but also, ultimately, our position in the face of the contradictory truths found in circulating images.

Based on extensive research into imagery, Alexandra Leykauf develops site-specific exhibition concepts, taking as her point of departure the particular (art-)historical contexts of cities in order to trace questions related to the gaze, visual relationships, and their physical localization. For Prospect, her first solo exhibition in an Austrian venue, Leykauf draws on research into the painting collections of several Graz museums.

(Text: Camera Austria, Graz)

Stephen Bulger Gallery | Toronto
2. März – 27. April 2024

silent, waiting, moving, LOUD
Shelley Niro

Die Stephen Bulger Gallery freut sich, mit "silent, waiting, moving, LOUD" die erste Einzelausstellung von Shelley Niro (geb. 1954, Niagara Falls, New York, USA) zu präsentieren. Niro ist Mitglied des Turtle Clans der Kanien'kehaka (Mohawk) Nation aus dem Gebiet der Six Nations of the Grand River. Diese Ausstellung findet zeitgleich mit ihrer großen Retrospektive statt, die von der Art Gallery of Hamilton (zu sehen vom 10. Februar bis 26. Mai 2024) in Zusammenarbeit mit dem Smithsonian's National Museum of the American Indian, New York, und der National Gallery of Canada, Ottawa, organisiert wird; diese Wanderausstellung wird auch in der Vancouver Art Gallery und dem Remai Modern, Saskatoon, zu sehen sein.

Niro studierte zunächst darstellende Kunst am Cambrian College Sudbury und schloss 1990 sein Studium am Ontario College of Art ab. Nach ihrem MFA-Abschluss an der University of Western Ontario im Jahr 1997 nahm Niro an dem Programm Women In The Director's Chair. Ein Programm im Bereich Film am Banff Centre for the Arts. Ihre multidisziplinäre Praxis umfasst Fotografie, Film, Malerei, Skulptur und Installationskunst. Niro erforscht die mündlich überlieferte Geschichte des Volkes der Haudenosaunee im Allgemeinen und die Diaspora der Mohawks im Besonderen. In vielen ihrer Serien arbeitet Niro mit sich selbst, ihrer Familie und ihren Freunden. Dabei bezieht sie oft Humor und popkulturelle Anspielungen ein, um einen einzigartigen Blick auf die sozialen, kulturellen und persönlichen Werte zu werfen, die über Generationen hinweg weitergegeben wurden. Niro trägt zur langen Geschichte des indigenen Geschichtenerzählens bei, indem sie Objekte der Schönheit und des Staunens herstellt, die von Betrachtern aus allen Schichten geschätzt werden.

Unsere Ausstellung umfasst mehrere Serien, die nicht in der Retrospektive des AGH zu sehen sind, darunter Beispiele aus Niros malerischem Schaffen sowie ihre multimedialen skulpturalen Objekte, zu denen auch ihre Perlenarbeiten gehören. Die fotografischen Komponenten umfassen das Genre des Porträts und der Landschaft und wurden mit analogen Methoden und digitalen Werkzeugen erstellt. Ihre Motive umfassen Mondbeobachtungen, Fossilien und angeeignete Bilder. Die einzelnen Serien, die sowohl als Einzelbilder als auch als Diptychen und Triptychen präsentiert werden, bieten in ihrer Gesamtheit Einblicke in Niros indigenes Erbe sowie in die Sorgen und Faszinationen, die sie mit den heutigen Bürgern des Planeten Erde teilt.

Niros visuelle Kunst und Filme wurden in ganz Kanada und international gezeigt. Im Jahr 2009 wurde ihr erster Spielfilm Kissed by Lightning auf dem imagineNATIVE Film + Media Arts Festival in Toronto uraufgeführt und gewann auf dem Santa Fe Film Festival 2009 den Milagro Award für den besten indigenen Film. Ihr Kurzfilm The Shirt wurde 2003 auf der Biennale von Venedig und 2004 auf dem Sundance Film Festival gezeigt. Zu ihren Filmen gehören Honey Moccasin, It Starts with a Whisper, The Incredible 25th Year of Mitzi Bearclaw und der kürzlich erschienene Café Daughter. Cafe Daughter gewann den People's Choice Award beim ImagineNative Film Festival 2023.

Niro war 2012 die erste Empfängerin des vom Ontario Arts Council verliehenen Aboriginal Arts Award. Im Jahr 2017 erhielt sie sowohl den Governor General's Award in Visual and Media Arts als auch den Scotiabank Photography Award, zwei herausragende Preise für zeitgenössische Kunst in Kanada. Im Jahr 2017 erhielt Niro außerdem den REVEAL Indigenous Artist Award der Hnatyshyn Foundation und den Arts and Culture Award der Dreamcatcher Charitable Foundation. Im Jahr 2019 erhielt Niro die Ehrendoktorwürde des Ontario College of Art and Design, außerdem war sie 2019 Preisträgerin des Paul de Hueck and Norman Walford Career Achievement Award for Photography. Im Jahr 2023 wurde Niro die Ehrendoktorwürde der Rechtswissenschaften der University of Western Ontario verliehen.

La galerie Stephen Bulger a le plaisir de présenter "silent, waiting, moving, LOUD", la première exposition personnelle de Shelley Niro (née en 1954 à Niagara Falls, New York, États-Unis). Niro est membre du clan de la Tortue de la nation Kanien'kehaka (Mohawk), du territoire des Six Nations de la rivière Grand. Cette exposition est concomitante à sa grande rétrospective organisée et mise en circulation par l'Art Gallery of Hamilton (du 10 février au 26 mai 2024) avec le Smithsonian's National Museum of the American Indian, New York, et le Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa ; cette exposition itinérante sera également présentée à la Vancouver Art Gallery et au Remai Modern, Saskatoon.

Initialement formé aux arts du spectacle au Cambrian College de Sudbury, M. Niro est diplômé de l'Ontario College of Art en 1990. Après avoir obtenu une maîtrise en beaux-arts de l'Université de Western Ontario en 1997, elle a participé au programme Women In The Director's Chair. Un programme conçu pour le cinéma au Banff Centre for the Arts. Sa pratique multidisciplinaire comprend la photographie, le film, la peinture, la sculpture et l'installation. Niro explore l'histoire orale du peuple Haudenosaunee en général et de la diaspora du peuple Mohawk en particulier. Utilisant sa propre personne, sa famille et ses amis dans nombre de ses séries, Niro incorpore souvent des références à l'humour et à la culture pop pour offrir une perspective unique sur les valeurs sociales, culturelles et personnelles transmises de génération en génération. Niro contribue à la longue histoire de la narration indigène en créant des objets de beauté et d'émerveillement qui sont appréciés par des spectateurs de tous horizons.

Notre exposition comprend plusieurs séries qui ne sont pas incluses dans la rétrospective de l'AGH, y compris des exemples de la pratique de la peinture de Niro, ainsi que ses objets sculpturaux multimédias, y compris son travail de perles. Les éléments photographiques comprennent le genre du portrait et du paysage, créés à l'aide de méthodes analogiques et d'outils numériques. Ses sujets comprennent des observations de la lune, des fossiles et des images appropriées. Présentées sous forme de panneaux individuels, de diptyques et de triptyques, les séries individuelles, considérées dans leur ensemble, donnent un aperçu de l'héritage indigène de Niro, ainsi que des préoccupations et des fascinations partagées par les citoyens contemporains de la planète Terre.

Les œuvres d'art visuel et les films de Mme Niro ont été présentés dans tout le Canada et à l'étranger. En 2009, son premier long métrage, Kissed by Lightning, a été présenté en première au festival imagineNATIVE Film + Media Arts de Toronto et a remporté le prix Milagro 2009 du meilleur film autochtone au festival du film de Santa Fe. Son court métrage The Shirt a été présenté à la Biennale de Venise en 2003 et au Festival du film de Sundance en 2004. Parmi ses films, citons Honey Moccasin, It Starts with a Whisper, The Incredible 25th Year of Mitzi Bearclaw et Café Daughter, qui vient de sortir. Café Daughter a remporté le People's Choice Award au ImagineNative Film Festival 2023.

Mme Niro a été la première lauréate du Prix des arts autochtones décerné par le Conseil des arts de l'Ontario en 2012. En 2017, elle a reçu le Prix du Gouverneur général en arts visuels et médiatiques et le Prix de la Banque Scotia pour la photographie, deux prix d'art contemporain de premier plan au Canada. En 2017, elle a également reçu le prix REVEAL Indigenous Artist Award de la Hnatyshyn Foundation et le prix Arts and Culture Award de la Dreamcatcher Charitable Foundation. En 2019, Niro a reçu un doctorat honorifique de l'Ontario College of Art and Design, elle a également été lauréate en 2019 du Paul de Hueck and Norman Walford Career Achievement Award for Photography. En 2023, Mme Niro a reçu un doctorat honorifique en droit de l'Université de Western Ontario.

La Stephen Bulger Gallery è lieta di presentare "silent, waiting, moving, LOUD", la prima mostra personale di Shelley Niro (nata nel 1954 a Niagara Falls, New York, USA). Niro è un membro del Turtle Clan della Nazione Kanien'kehaka (Mohawk), del territorio delle Sei Nazioni del Grand River. Questa mostra è in concomitanza con la sua grande retrospettiva organizzata e diffusa dall'Art Gallery di Hamilton (in programma dal 10 febbraio al 26 maggio 2024) con lo Smithsonian's National Museum of the American Indian di New York e la National Gallery of Canada di Ottawa; questa mostra itinerante sarà presente anche alla Vancouver Art Gallery e al Remai Modern di Saskatoon.

Formatosi inizialmente nelle arti dello spettacolo al Cambrian College di Sudbury, Niro si è laureato all'Ontario College of Art nel 1990. Dopo aver conseguito un MFA presso la University of Western Ontario nel 1997, Niro ha partecipato al Women In The Director's Chair. Un programma progettato in ambito cinematografico presso il Banff Centre for the Arts. La sua pratica multidisciplinare comprende fotografia, film, pittura, scultura e installazioni. Niro esplora la storia orale del popolo Haudenosaunee in generale e la diaspora del popolo Mohawk in particolare. Utilizzando se stessa, la famiglia e gli amici in molte delle sue serie, Niro incorpora spesso riferimenti all'umorismo e alla cultura pop per una prospettiva unica sui valori sociali, culturali e personali tramandati da generazioni. Niro contribuisce alla lunga storia della narrazione indigena creando oggetti di bellezza e meraviglia che vengono apprezzati da spettatori di ogni provenienza.

La nostra mostra comprende diverse serie non incluse nella retrospettiva dell'AGH, tra cui esempi della pratica pittorica di Niro e oggetti scultorei multimediali, con la sua lavorazione delle perline. Le componenti fotografiche includono i generi del ritratto e del paesaggio, creati con metodi analogici e strumenti digitali. I suoi soggetti includono osservazioni della luna, fossili e immagini di cui si è appropriata. Presentate come pannelli singoli, dittici e trittici, le singole serie, viste nel loro insieme, offrono spunti di riflessione sull'eredità indigena di Niro, nonché sulle preoccupazioni e le suggestioni condivise dai cittadini contemporanei del pianeta Terra.

L'arte visiva e i film di Niro sono stati presentati in tutto il Canada e a livello internazionale. Nel 2009, il suo primo lungometraggio, Kissed by Lightning, è stato presentato in anteprima all'imagineNATIVE Film + Media Arts Festival di Toronto e ha vinto il Milagro Award 2009 del Santa Fe Film Festival come miglior film indigeno. Il suo cortometraggio The Shirt è stato presentato alla Biennale di Venezia del 2003 e al Sundance Film Festival del 2004. Tra i suoi film: Honey Moccasin, It Starts with a Whisper, The Incredible 25th Year of Mitzi Bearclaw e il recente Café Daughter. Café Daughter ha vinto il People's Choice Award all'ImagineNative Film Festival 2023.

Niro è stata la prima a ricevere l'Aboriginal Arts Award, assegnato dall'Ontario Arts Council nel 2012. Nel 2017 ha ricevuto sia il Governor General's Award in Visual and Media Arts che lo Scotiabank Photography Award, due premi d'arte contemporanea di primaria importanza in Canada. Nel 2017, Niro ha ricevuto anche il premio Hnatyshyn Foundation REVEAL Indigenous Artist Award e l'Arts and Culture Award della Dreamcatcher Charitable Foundation. Nel 2019 Niro ha ricevuto un dottorato onorario dall'Ontario College of Art and Design, ed è stata anche premiata nel 2019 con il Paul de Hueck and Norman Walford Career Achievement Award for Photography. Nel 2023 Niro ha ricevuto un dottorato onorario in legge dalla University of Western Ontario.

Stephen Bulger Gallery is pleased to present “silent, waiting, moving, LOUD,” our first solo exhibition of work by Shelley Niro (b. 1954, Niagara Falls, New York, USA). Niro is a member of the Turtle Clan of the Kanien’kehaka (Mohawk) Nation, from the Six Nations of the Grand River territory. This exhibition is concurrent with her major retrospective organized and circulated by the Art Gallery of Hamilton (on view from February 10 until May 26, 2024) with the Smithsonian’s National Museum of the American Indian, New York, and the National Gallery of Canada, Ottawa; this travelling exhibition will also appear at the Vancouver Art Gallery and the Remai Modern, Saskatoon.

Initially trained in performing arts from Cambrian College Sudbury, Niro graduated from the Ontario College of Art in 1990. After receiving an MFA from the University of Western Ontario in 1997, Niro participated in the Women In The Director’s Chair. A program designed in film at Banff Centre for the Arts. Her multi-disciplinary practice includes photography, film, painting, sculpture, and installation art. Niro explores the oral history of the Haudenosaunee people in general and the diaspora of Mohawk people in particular. Using herself, family, and friends in many of her series, Niro often incorporates humour and pop culture references for a unique perspective on the social, cultural, and personal values passed down from generations. Niro contributes to the long history of Indigenous storytelling by making objects of beauty and wonder that are appreciated by viewers from all backgrounds.

Our exhibition is comprised of multiple series that are not included in the AGH’s retrospective, including examples of Niro’s painting practice, as well as her multi-media sculptural objects, featuring her beadwork. The photographic components include the genre of portraiture and landscape, created with analogue methods and digital tools. Her subject matter incorporates observations of the moon, fossils, and appropriated images. Presented as single panels, as well as diptychs and triptychs, the individual series seen together offer insights into Niro’s Indigenous heritage, as well as the concerns and fascinations shared with contemporary citizens of planet Earth.

Niro’s visual art and films have been featured across Canada and internationally. In 2009, her first feature film, Kissed by Lightning, premiered at Toronto’s imagineNATIVE Film + Media Arts Festival and won the Santa Fe Film Festival’s 2009 Milagro Award for Best Indigenous Film. Her short film The Shirt was presented at the 2003 Venice Biennale and the 2004 Sundance Film Festival. Films include; Honey Moccasin, It Starts with a Whisper, The Incredible 25th Year of Mitzi Bearclaw and the recently released Café Daughter. Cafe Daughter won the People’s Choice Award at the ImagineNative Film Festival 2023.

Niro was the inaugural recipient of the Aboriginal Arts Award presented through the Ontario Arts Council in 2012. In 2017, she received both the Governor General’s Award in Visual and Media Arts and the Scotiabank Photography Award, two preeminent contemporary art awards in Canada. In 2017, Niro also received the Hnatyshyn Foundation REVEAL Indigenous Artist Award, and the Arts and Culture Award from the Dreamcatcher Charitable Foundation. In 2019, Niro received an honorary doctorate from the Ontario College of Art and Design, she was also the 2019 Laureate of the Paul de Hueck and Norman Walford Career Achievement Award for Photography. In 2023 Niro was awarded an honorary doctorate degree of law from the University of Western Ontario.

(Text: Stephen Bulger Gallery, Toronto)

Kunsthalle Friart | Fribourg
2. März – 28. April 2024

Our Ailing Senses
Sky Hopinka

Sky Hopinka (1984) ist ein experimenteller Filmemacher, Fotograf und Dichter und gehört der Ho-Chunk Nation an, einem Native American Tribe in Wisconsin. Der Künstler stellt das Weitergeben von Geschichten, Traditionen und Kämpfen der amerikanischen Ureinwohner:innen in den Mittelpunkt seiner Arbeit. Durch die Verflechtung von intimen Zeugnissen, Ausflügen auf dem Land der Vorfahren und Archivmaterial komponiert er lyrische und engagierte Chroniken, in denen die Grenze zwischen dem Persönlichen und dem Kollektiven verschwimmt. Landschaften, Texturen, Musik und Schrift bilden Schichten, aus denen ethnopoetische und neomythologische Beschwörungen hervorgehen, wie der Künstler sie gerne definiert.

Seine Ausstellung Our Ailing Senses in der Kunsthalle Friart zeigt Gedichten und Fotografien und eine grosse Auswahl an Filmen, die zwischen 2014 und 2023 entstanden sind. Die Begegnung der Sprache mit den Bildern der Erde eröffnet dort einen Raum von wiederherstellender Schönheit.

Sky Hopinka (1984) est un cinéaste expérimental, photographe et poète, membre de la Nation Ho-Chunk, une tribu amérindienne du Wisconsin. L’artiste inscrit la transmission des récits, traditions et luttes des peuples natifs d’Amériques au coeur de sa pratique. Entrelaçant témoignages intimes, dérives sur les terres ancestrales et documents d’archives, il compose des chroniques lyriques et engagées dans lesquelles la frontière entre le personnel et le collectif s’estompe. Paysages, textures, musiques, écriture forment autant de couches à partir desquelles émergent des évocations ethnopoétiques et néo-mythologiques, comme aime à les définir l’artiste.

Our Ailing Senses, son exposition à la Kunsthalle Friart, présente une large sélection de films, des poèmes et des photographies réalisés entre 2014 et 2023. La rencontre de la langue et des images de la terre y ouvre un espace d’une beauté qui restaure.

Sky Hopinka (1984) è un regista sperimentale, fotografo e poeta, membro della Ho-Chunk Nation, una tribù di nativi americani del Wisconsin. L'artista pone al centro del suo lavoro la trasmissione di storie, tradizioni e lotte dei nativi americani. Intrecciando testimonianze intime, escursioni nelle terre ancestrali e materiale d'archivio, compone cronache liriche e coinvolgenti che sfumano il confine tra personale e collettivo. Paesaggi, texture, musica e scrittura formano strati da cui emergono evocazioni etnopoetiche e neomitologiche, come ama definirle l'artista.

La sua mostra Our Ailing Senses alla Kunsthalle Friart presenta poesie e fotografie e un'ampia selezione di film realizzati tra il 2014 e il 2023. L'incontro tra il linguaggio e le immagini della terra apre uno spazio di bellezza ristoratrice.

Sky Hopinka (1984) is an experimental filmmaker, photographer and poet. He is a member of the Ho-Chunk Nation, a Native American Tribe from Wisconsin. The transmission of accounts, traditions and struggles of indigenous American peoples is at the heart of his work. Interweaving personal testimony, narratives on ancestral lands and archival material, he composes lyrical pieces in which a spiritual determination blurs the boundary between the individual and the collective. Landscapes, textures, music and writing all make up the different layers of a practice the artist refers to as ethnopoetic and neomythological.

Our Ailing Senses, his exhibition at the Kunsthalle Friart, presents poems, photos and a broad selection of films produced between 2014 and 2023, in which the encounter between language and images of the earth open onto a space of restorative beauty.

(Text: Kunsthalle Friart, Fribourg)

Kunsthalle Erfurt
3. März – 26. Mai 2024

Ute Mahler & Werner Mahler & Ludwig Schirmer

Ute und Werner Mahler gehören zu den renommiertesten deutschen Fotokünstlern. Heute wie damals überzeugen ihre Arbeiten durch eine humanistische Sicht auf die Welt. Sie sind Gründungsmitglieder der berühmten Fotografenkooperative Ostkreuz. Seit 2008 entstehen gemeinsame Projekte, die neben den eigenen Werkgruppen gezeigt werden. Einen Schwerpunkt der Ausstellung bilden ihre Fotografien vom thüringischen Berka, wo beide zu unterschiedlichen Zeiten fotografiert haben. Aufnahmen von Ludwig Schirmer, autodidaktischer Fotograf und Vater von Ute Mahler, ergänzen die Präsentation.

Ute et Werner Mahler font partie des artistes photographes allemands les plus renommés. Aujourd'hui comme hier, leur travail convainc par une vision humaniste du monde. Ils sont membres fondateurs de la célèbre coopérative de photographes Ostkreuz. Depuis 2008, des projets communs voient le jour et sont présentés aux côtés de leurs propres groupes d'œuvres. L'exposition met l'accent sur leurs photographies de Berka, en Thuringe, où ils ont tous deux photographié à différentes époques. Des clichés de Ludwig Schirmer, photographe autodidacte et père d'Ute Mahler, complètent la présentation.

Ute e Werner Mahler sono tra i più rinomati artisti fotografici tedeschi. Oggi come ieri, il loro lavoro è caratterizzato da una visione umanistica del mondo. Sono membri fondatori della famosa cooperativa di fotografi Ostkreuz. Dal 2008 creano progetti comuni che vengono esposti accanto ai loro gruppi di opere. La mostra è incentrata sulle fotografie di Berka, in Turingia, dove entrambi hanno fotografato in tempi diversi. Le fotografie di Ludwig Schirmer, fotografo autodidatta e padre di Ute Mahler, completano la presentazione.

Ute and Werner Mahler are among the most renowned German photo artists. Today, as in the past, their work impresses with its humanistic view of the world. They are founding members of the famous Ostkreuz photographers' cooperative. Since 2008, they have been creating joint projects that are shown alongside their own groups of works. One focus of the exhibition is their photographs of Berka in Thuringia, where they both photographed at different times. Photographs by Ludwig Schirmer, a self-taught photographer and father of Ute Mahler, complete the presentation.

(Text: Kunsthalle Erfurt)

Kunsthaus Glarus
3. März – 30. Juni 2024

Stimmung
Emanuel Rossetti

Emanuel Rossetti (*1987 in Basel, lebt und arbeitet in Basel) untersucht in seiner künstlerischen Arbeit das Verhältnis von räumlichen Fragestellungen und Zuschreibungen von Bildern. Für seine fotografischen Serien, Objekte und Sound-Projekte nutzt der Künstler architektonische Strukturen und Landschaften, die er in fotografischen oder installativen Prozessen weiter analysiert. Das Prinzip der Komposition wird in der Wahrnehmung seiner Werke zum zentralen Element. Die meist seriell angelegten Fotografien von Landschaften entstehen an Orten, die an Rändern der Stadt oder in der Natur lokalisiert sind. Auf Spaziergängen entstehen Bilder, die die Antithese zwischen Stadt und Land kritisieren und mit der Erarbeitung neuer Bildkompositionen ihre Aufhebung untersuchen.

Für seine Ausstellung Stimmung hat Emanuel Rossetti im Kunsthaus Glarus grossformatige fotografische Serien entwickelt, die an unterschiedlichen Orten über einen Zeitraum von zwei Jahren entstanden sind. Die Fotos wurden mit einem Fischaugenobjektiv aufgenommen. Mit dieser Technik bildet sich die Aufnahme der Landschaft als kreisrundes Bild mit einem schwarzen Umfeld ab. Die Ränder der Abbildungen sind gebogen und unterstreichen eine gewisse Komplexität, die zudem von der Komposition der Landschaften als Serie unterstrichen wird. Der von Emanuel Rossetti erweiterte Begriff von Landschaft erscheint so als eine Art Schnittstelle von einem Raum in einen anderen.

In einer weiteren Werkserie arbeitet Rossetti mit Mitteln der Stereoskopie, einer Art Nebenerscheinung der Fotografie-Geschichte. Es entstehen Objekte mit stereoskopischen Fotografien, bei deren Betrachtung man sich beim Sehen selbst «zuschauen» kann und dabei zwei unterschiedliche Situationen gleichzeitig räumlich wahrnimmt.

Im Deutschen hat das Wort «Stimmung» mehrere Bedeutungen. Es könnte sich um eine innere Stimmung handeln oder aber auch auf die Stimmung der Landschaft verweisen. Darin enthalten ist etwas Schwellenartiges, bei dem der Übergang zwischen der Wahrnehmung des Inneren und des Gesehenen nicht ganz klar verläuft und beides ineinander übergeht. Gleichzeitig beschreibt Stimmung auch das Tuning von Klang. In einem weiteren Projekt entsteht gemeinsam mit Stefan Tcherepnin, mit dem Rossetti das Projekt Staged Worlds betreibt, im Ausstellungsraum eine Aufführung mit offener Probe am 10. und 11. Mai, die sich zur Teilnahme an alle richtet und eine anschliessende Aufführung vorsieht.

Emanuel Rossetti (*1987 à Bâle, vit et travaille à Bâle) explore dans son travail artistique la relation entre les questions spatiales et les attributions d'images. Pour ses séries photographiques, ses objets et ses projets sonores, l'artiste utilise des structures architecturales et des paysages qu'il analyse ensuite dans des processus photographiques ou d'installation. Le principe de composition devient un élément central dans la perception de ses œuvres. Les photographies de paysages, le plus souvent en série, sont prises dans des lieux localisés en bordure de la ville ou dans la nature. Au cours de promenades, il crée des images qui critiquent l'antithèse entre la ville et la campagne et examine sa suppression en élaborant de nouvelles compositions d'images.

Pour son exposition Stimmung, Emanuel Rossetti a développé au Kunsthaus de Glaris des séries photographiques grand format réalisées dans différents lieux sur une période de deux ans. Les photos ont été prises avec un objectif fisheye. Grâce à cette technique, la prise de vue du paysage se présente comme une image circulaire avec un environnement noir. Les bords des illustrations sont courbés et soulignent une certaine complexité, qui est en outre soulignée par la composition des paysages en tant que série. La notion de paysage, élargie par Emanuel Rossetti, apparaît ainsi comme une sorte d'interface d'un espace à un autre.

Dans une autre série d'œuvres, Rossetti travaille avec les moyens de la stéréoscopie, une sorte de phénomène secondaire de l'histoire de la photographie. Il crée des objets avec des photographies stéréoscopiques, dont l'observation permet de "se regarder" en train de voir, tout en percevant simultanément deux situations différentes dans l'espace.

En allemand, le mot "Stimmung" a plusieurs significations. Il pourrait s'agir d'une humeur intérieure ou faire référence à l'humeur du paysage. Il contient quelque chose de l'ordre du seuil, dans lequel la transition entre la perception de l'intérieur et celle de ce qui est vu n'est pas tout à fait claire et où les deux se confondent. En même temps, l'ambiance décrit aussi l'accordage du son. Dans le cadre d'un autre projet, Stefan Tcherepnin, avec qui Rossetti mène le projet Staged Worlds, réalisera dans la salle d'exposition une représentation avec répétition ouverte les 10 et 11 mai, qui s'adresse à tous et prévoit une représentation ultérieure.

Nel suo lavoro artistico, Emanuel Rossetti (*1987 a Basilea, vive e lavora a Basilea) esplora la relazione tra le questioni spaziali e l'attribuzione delle immagini. Per le sue serie fotografiche, gli oggetti e i progetti sonori, l'artista utilizza strutture architettoniche e paesaggi, che analizza ulteriormente in processi fotografici o installativi. Il principio della composizione diventa un elemento centrale nella percezione delle sue opere. Le fotografie di paesaggi, per lo più seriali, sono realizzate in luoghi localizzati ai margini della città o nella natura. Durante le passeggiate, crea immagini che criticano l'antitesi tra città e campagna e ne indagano l'abolizione sviluppando nuove composizioni pittoriche.

Per la sua mostra Stimmung, Emanuel Rossetti ha sviluppato serie fotografiche di grande formato al Kunsthaus Glarus, scattate in vari luoghi nell'arco di due anni. Le foto sono state scattate con un obiettivo fisheye. Con questa tecnica, il paesaggio viene rappresentato come un'immagine circolare con uno sfondo nero. I bordi delle immagini sono curvi e sottolineano una certa complessità, sottolineata anche dalla composizione dei paesaggi in serie. Il concetto ampliato di paesaggio di Emanuel Rossetti appare quindi come una sorta di interfaccia tra uno spazio e l'altro.

In un'altra serie di opere, Rossetti lavora con i mezzi della stereoscopia, una sorta di sottoprodotto della storia della fotografia. Crea oggetti con fotografie stereoscopiche che permettono allo spettatore di "guardarsi" e di percepire contemporaneamente due situazioni diverse dal punto di vista spaziale.

In tedesco, la parola "Stimmung" ha diversi significati. Può riferirsi a uno stato d'animo interiore o all'umore del paesaggio. Contiene qualcosa di simile a una soglia, in cui la transizione tra la percezione dell'interno e quella dell'osservato non è del tutto chiara e i due si fondono l'uno nell'altro. Allo stesso tempo, l'umore descrive anche la sintonia del suono. In un ulteriore progetto, insieme a Stefan Tcherepnin, con il quale Rossetti dirige il progetto Staged Worlds, il 10 e l'11 maggio verrà realizzata nello spazio espositivo una performance con prova aperta, aperta a tutti e seguita da uno spettacolo.

In his artistic work, Emanuel Rossetti (*1987 in Basel, lives and works in Basel) explores the relationship between spatial issues and the attribution of images. For his photographic series, objects and sound projects, the artist uses architectural structures and landscapes, which he further analyzes in photographic or installation processes. The principle of composition becomes a central element in the perception of his works. The mostly serial photographs of landscapes are created in places located on the outskirts of the city or in nature. On walks, he creates images that criticize the antithesis between the city and the countryside and investigate its abolition by developing new pictorial compositions.

For his exhibition Stimmung, Emanuel Rossetti has developed large-format photographic series at the Kunsthaus Glarus, which were taken at various locations over a period of two years. The photos were taken with a fisheye lens. Using this technique, the landscape is depicted as a circular image with a black background. The edges of the images are curved and emphasize a certain complexity, which is also underlined by the composition of the landscapes as a series. Emanuel Rossetti's expanded concept of landscape thus appears as a kind of interface between one space and another.

In another series of works, Rossetti works with the means of stereoscopy, a kind of by-product of the history of photography. He creates objects with stereoscopic photographs that allow the viewer to "watch" themselves see and perceive two different situations spatially at the same time.

In German, the word "Stimmung" has several meanings. It could refer to an inner mood or to the mood of the landscape. It contains something threshold-like, in which the transition between the perception of what is inside and what is seen is not entirely clear and the two merge into one another. At the same time, mood also describes the tuning of sound. In a further project, together with Stefan Tcherepnin, with whom Rossetti runs the Staged Worlds project, a performance with an open rehearsal will take place in the exhibition space on May 10 and 11, which is open to everyone and will be followed by a performance.

(Text: Kunsthaus Glarus)

Christophe Guye Galerie | Zürich
7. März – 1. Juni 2024

Tokyo Whispers
Yoshinori Mizutani

Die Ausstellung zeigt 15 Werke aus vier verschiedenen Serien - 'Kawau', 'Sakura', 'Tokyo Parrots' und 'Yusurika' - und erkundet, wie der Künstler die Natur in der urbanen Umgebung mit seiner eigenen, unverwechselbaren fotografischen Sprache einfängt. Seine Fotografien zeigen ein tief verwurzeltes Verständnis dafür, wie Formen, Farben, Texturen und Tiefe auf die Bildebene übertragen werden. Er arbeitet mit einem visuellen Vokabular, das sich durch die Arbeit vieler zeitgenössischer Fotografen etabliert hat. Mizutanis Arbeiten sind Ausdruck der visuellen Tropen und fotografischen Stile, die unter jungen Fotografen in Japan weit verbreitet sind.

Yoshinori Mizutani lebt und arbeitet in Tokio. Er schloss 2012 das Tokyo College of Photography ab. Seitdem hat er zahlreiche renommierte Auszeichnungen gewonnen untern anderem 2013 den Japan Photo Award, 2014 wurde er zudem als FOAM Talent und unter die Lens Culture Emerging Talents Top 50 gewählt. Seit 2012 hat er in vielen internationalen Institutionen in Japan, China, Belgien, Grossbritannien, Italien und der Schweiz ausgestellt und u.a. die Bücher ‘Tokyo Parrots’, ‘Colors’, ‘Yusurika’ und ‘Hanon’ veröffentlicht.

L'exposition présente 15 œuvres issues de quatre séries différentes - 'Kawau', 'Sakura', 'Tokyo Parrots' et 'Yusurika' - et explore la manière dont l'artiste capture la nature dans l'environnement urbain avec son propre langage photographique distinctif. Ses photographies révèlent une compréhension profondément enracinée de la manière dont les formes, les couleurs, les textures et la profondeur sont transposées au niveau de l'image. Il travaille avec un vocabulaire visuel qui s'est établi à travers le travail de nombreux photographes contemporains. Le travail de Mizutani est l'expression des tropismes visuels et des styles photographiques largement répandus parmi les jeunes photographes au Japon.

Yoshinori Mizutani vit et travaille à Tokyo. Il est diplômé du Tokyo College of Photography en 2012. Depuis, il a remporté de nombreux prix prestigieux, dont le Japan Photo Award en 2013, et a également été élu Talent FOAM et parmi les 50 meilleurs talents émergents de Lens Culture en 2014. Depuis 2012, il a exposé dans de nombreuses institutions internationales au Japon, en Chine, en Belgique, en Grande-Bretagne, en Italie et en Suisse, et a publié entre autres les livres 'Tokyo Parrots', 'Colors', 'Yusurika' et 'Hanon'.

La mostra presenta 15 opere di quattro serie diverse - "Kawau", "Sakura", "Tokyo Parrots" e "Yusurika" - ed esplora il modo in cui l'artista cattura la natura nell'ambiente urbano con il suo caratteristico linguaggio fotografico. Le sue fotografie mostrano una profonda comprensione di come forme, colori, texture e profondità si traducono sul piano dell'immagine. Lavora con un vocabolario visivo che è stato stabilito dal lavoro di molti fotografi contemporanei. Il lavoro di Mizutani è espressione dei tropi visivi e degli stili fotografici prevalenti tra i giovani fotografi giapponesi.

Yoshinori Mizutani vive e lavora a Tokyo. Si è laureato al Tokyo College of Photography nel 2012. Da allora ha vinto numerosi premi prestigiosi, tra cui il Japan Photo Award nel 2013, e nel 2014 è stato anche selezionato come FOAM Talent e uno dei Lens Culture Emerging Talents Top 50. Dal 2012 ha esposto in numerose istituzioni internazionali in Giappone, Cina, Belgio, Regno Unito, Italia e Svizzera e ha pubblicato, tra gli altri, i libri "Tokyo Parrots", "Colors", "Yusurika" e "Hanon".

The exhibition features 15 works from four different series - 'Kawau', 'Sakura', 'Tokyo Parrots' and 'Yusurika' - and explores how the artist captures nature in the urban environment with his own distinctive photographic language. His photographs show a deep-rooted understanding of how shapes, colors, textures and depth translate to the picture plane. He works with a visual vocabulary that has been established by the work of many contemporary photographers. Mizutani's work is an expression of the visual tropes and photographic styles prevalent among young photographers in Japan.

Yoshinori Mizutani lives and works in Tokyo. He graduated from the Tokyo College of Photography in 2012. Since then, he has won numerous prestigious awards, including the Japan Photo Award in 2013, and in 2014 he was also selected as a FOAM Talent and one of the Lens Culture Emerging Talents Top 50. Since 2012, he has exhibited in many international institutions in Japan, China, Belgium, the UK, Italy and Switzerland and has published the books 'Tokyo Parrots', 'Colors', 'Yusurika' and 'Hanon', among others.

(Text: Christophe Guye Galerie, Zürich)

Fotografiska Berlin
8. März – 9. Juni 2024

The Fury
Shirin Neshat

Fotografiska Berlin präsentiert The Fury, die neueste Videoarbeit der renommierten iranischen Künstlerin und Filmemacherin Shirin Neshat. Darin konzentriert sich Neshat auf die nuancierte Komplexität der sexuellen Ausbeutung weiblicher politischer Gefangener und stellt ihren Fokus in den Kontext der Islamischen Republik Iran.

Während ihrer gesamten künstlerischen Laufbahn hat sich die in New York lebende Künstlerin immer wieder mit den Feinheiten des weiblichen Körpers in islamischen Kulturen auseinandergesetzt. Ihr Werk ist ein umkämpfter Raum, in dem Themen wie Sünde, Scham, Gewalt, Unterdrückung, Rebellion, Macht und Protest eine Rolle spielen.

The Fury ist eine raffinierte Kombination aus einer 2-Kanal-Videoinstallation und einer Serie von Schwarz-Weiß-Fotografien mit von Hand aufgetragenen Kalligrafien von Gedichten der iranischen Dichterin Forough Farrokhzad. Diese nuancierten Arbeiten spiegeln Neshats einschneidende künstlerische Praxis wider, die den weiblichen Körper sowohl als Schlachtfeld für Ideologie als auch als Kraftreservoir in den Mittelpunkt stellt. Indem sie die Dynamik zwischen dem Männlichen und dem Weiblichen, dem Individuum und dem Kollektiv erforschen, setzen sich diese aufgeladenen Bilder mit Fragen der Macht in patriarchalen Gesellschaften auseinander.

Die Künstlerin erläutert ihre künstlerische Perspektive: "Ich sehe alles in der Form der Dualität. Visuell und konzeptionell basiert alles auf einer Vorstellung von Gegensätzen". Ihre überwiegend in Schwarz-Weiß gehaltenen Arbeiten sind stilistisch von magischem Realismus, Surrealismus und Träumen beeinflusst. Thematisch sind die Erzählungen durchweg politisch aufgeladen und bieten eine ergreifende Mischung aus Verstörung und Emotion, Poesie und Schönheit.

Die Videoinstallation im Rahmen von The Fury befasst sich mit der stark fiktionalisierten und stilisierten Darstellung der sexuellen Übergriffe, denen weibliche politische Gefangene ausgesetzt waren, die schwer gefoltert und sogar vergewaltigt wurden. In Anbetracht derbleibenden emotionalen Narben nach der Entlassung zeichnet die Ausstellung die psychologische und emotionale Reise einer jungen iranischen Frau nach, die jetzt in den Vereinigten Staaten lebt und von den Erinnerungen an ihre Gefangenschaft verfolgt wird. Ergänzt wird diese Erzählung durch eine Fotoserie, die sich direkt mit dem weiblichen Körper als Objekt der Begierde und der Gewalt auseinandersetzt.

Vor dem Hintergrund des Frühlings 2022, der der Revolution "Frau, Leben, Freiheit" vorausging, sind diese ergreifenden Serien von bemerkenswerter Aktualität, da zahlreiche iranische Männer und Frauen als politische Gefangene weiterleben. Anlässlich des Internationalen Frauentags zeigt Fotografiska Berlin diese Ausstellung nach der Präsentation bei Fotografiska Stockholm. Die von Marina Paulenka kuratierte Ausstellung bietet eine nuancierte Erkundung der Schnittmenge zwischen Kunst, Politik und menschlicher Erfahrung.

Fotografiska Berlin présente The Fury, la dernière œuvre vidéo de l'artiste et cinéaste iranienne de renom Shirin Neshat. Neshat s'y concentre sur la complexité nuancée de l'exploitation sexuelle des prisonnières politiques et transmet son point de vue dans le contexte de la République islamique d'Iran.

Tout au long de sa carrière artistique, l'artiste, qui vit à New York, n'a cessé d'explorer les subtilités du corps féminin dans les cultures islamiques. Son œuvre est un espace contesté dans lequel des thèmes tels que le péché, la honte, la violence, l'oppression, la rébellion, le pouvoir et la protestation jouent un rôle.

The Fury est une combinaison raffinée d'une installation vidéo à deux canaux et d'une série de photographies en noir et blanc avec des calligraphies appliquées à la main de poèmes de la poétesse iranienne Forough Farrokhzad. Ces œuvres nuancées reflètent la pratique artistique incisive de Neshat, qui transmet le corps féminin à la fois comme champ de bataille pour l'idéologie et comme réservoir de force. En explorant la dynamique entre le masculin et le féminin, l'individuel et le collectif, ces visuels chargés abordent les questions de pouvoir dans les sociétés patriarcales.

L'artiste explique sa perspective artistique : "Je vois tout sous la forme de la dualité. Visuellement et conceptuellement, tout est basé sur une idée d'opposition". Ses travaux, principalement en noir et blanc, sont stylistiquement influencés par le réalisme magique, le surréalisme et les rêves. Sur le plan thématique, les récits sont tous chargés de politique et offrent un mélange saisissant de perturbation et d'émotion, de poésie et de beauté.

L'installation vidéo dans le cadre de The Fury s'intéresse à la représentation fortement fictionnalisée et stylisée des agressions sexuelles subies par les prisonnières politiques, qui ont été sévèrement torturées et même violées. Compte tenu des cicatrices émotionnelles qui subsistent après la libération, l'exposition retrace le parcours psychologique et émotionnel d'une jeune femme iranienne qui vit désormais aux États-Unis et qui est hantée par les souvenirs de sa captivité. Ce récit est complété par une série de photos qui s'intéressent directement au corps féminin en tant qu'objet de désir et de violence.

Dans le contexte du printemps 2022, qui a précédé la révolution "Femme, vie, liberté", ces séries poignantes sont d'une remarquable actualité, puisque de nombreux hommes et femmes iraniens continuent de vivre en tant que prisonniers politiques. À l'occasion de la Journée internationale de la femme, Fotografiska Berlin présente cette exposition après sa présentation à Fotografiska Stockholm. L'exposition, organisée par Marina Paulenka, propose une exploration nuancée de l'intersection entre l'art, la politique et l'expérience humaine.

Fotografiska Berlin presenta The Fury, l'ultima opera video della famosa artista e regista iraniana Shirin Neshat. In questo lavoro, Neshat si concentra sulla complessità delle sfumature dello sfruttamento sessuale delle donne prigioniere politiche, collocando la sua attenzione nel contesto della Repubblica Islamica dell'Iran.

Nel corso della sua carriera artistica, l'artista newyorkese ha ripetutamente esplorato le complessità del corpo femminile nelle culture islamiche. Il suo lavoro è uno spazio contestato in cui i temi del peccato, della vergogna, della violenza, dell'oppressione, della ribellione, del potere e della protesta giocano un ruolo importante.

The Fury è una sofisticata combinazione di un'installazione video a due canali e di una serie di fotografie in bianco e nero con calligrafie applicate a mano di poesie del poeta iraniano Forough Farrokhzad. Queste opere ricche di sfumature riflettono l'incisiva pratica artistica di Neshat, incentrata sul corpo femminile come campo di battaglia dell'ideologia e serbatoio di potere. Esplorando le dinamiche tra il maschile e il femminile, l'individuo e il collettivo, queste immagini cariche di significato affrontano le questioni del potere nelle società patriarcali.

L'artista spiega la sua prospettiva artistica: "Vedo tutto in termini di dualità. Visivamente e concettualmente, tutto si basa sull'idea degli opposti". Le sue opere, prevalentemente in bianco e nero, sono influenzate stilisticamente dal realismo magico, dal surrealismo e dai sogni. Dal punto di vista tematico, le narrazioni hanno una forte carica politica e offrono una miscela struggente di turbamento ed emozione, poesia e bellezza.

L'installazione video all'interno di The Fury tratta la rappresentazione altamente romanzata e stilizzata delle violenze sessuali subite dalle donne prigioniere politiche, che sono state gravemente torturate e persino violentate. Considerando le cicatrici emotive che rimangono dopo il rilascio, la mostra traccia il viaggio psicologico ed emotivo di una giovane donna iraniana che ora vive negli Stati Uniti, perseguitata dai ricordi della sua prigionia. Questa narrazione è completata da una serie di fotografie che si confrontano direttamente con il corpo femminile come oggetto di desiderio e di violenza.

Sullo sfondo della primavera del 2022, che ha preceduto la rivoluzione "Donna, vita, libertà", queste serie toccanti sono straordinariamente attuali, poiché numerosi uomini e donne iraniani continuano a vivere come prigionieri politici. In occasione della Giornata internazionale della donna, Fotografiska Berlin presenta questa mostra dopo la presentazione a Fotografiska Stockholm. Curata da Marina Paulenka, la mostra offre un'esplorazione sfumata dell'intersezione tra arte, politica ed esperienza umana.

Fotografiska Berlin presents The Fury, the latest exhibition by acclaimed Iranian artist and filmmaker Shirin Neshat. Focused on the nuanced complexities surrounding the sexual exploitation of female political prisoners, Neshat places her focus within the context of the Islamic Republic of Iran.

Throughout her extensive artistic career, the New York-based artist has consistently grappled with the intricacies of the female body in Islamic cultures. Her work navigates this terrain as a contested space, encompassing themes of sin, shame, violence, repression, rebellion, power, and protest.

The Fury unfolds as a sophisticated amalgamation of a double-channel video installation and a series of black and white photographs featuring hand-inscribed calligraphy of poems by Iranian poet Forough Farrokhzad. These nuanced works echo Neshat's incisive artmaking practice, spotlighting the female body as both a battleground for ideology and a reservoir of strength. By probing the dynamics between the masculine and feminine, the individual and the collective, these charged images delve into issues of power within patriarchal societies.

Neshat elucidates her artistic perspective, stating, "I see everything in the form of duality. Visually and conceptually, everything is based on some notion of opposites." Shot predominantly in black and white, her work embraces the stylistic influences of magic realism, surrealism, and dreams. Thematically, the narratives are consistently politically charged, offering a poignant blend of disturbance and emotion, poetry, and beauty.

The video installation within The Fury delves into the highly fictionalized and stylized representation of the sexual assault endured by female political prisoners subjected to severe torture, including rape. Recognizing the lasting emotional scars post-release, the exhibition traces the psychological and emotional journey of a young Iranian woman, now residing in the United States, haunted by memories of her captivity. Complementing this narrative is a photographic series that directly confronts the female body as both an object of desire and violence.

Set against the backdrop of the Spring of 2022, predating the "Woman, Life, Freedom" Revolution, these poignant series remain remarkably relevant as numerous Iranian men and women persist as political prisoners. On the occasion of International Women's Day, Fotografiska Berlin is now showing this exhibition after its presentation at Fotografiska Stockholm and the Goodman Gallery in London. The exhibition, curated by Marina Paulenka, Director of Exhibitions, offers a nuanced exploration of the intersection between art, politics, and the human experience.

(Text: Fotografiska Berlin)

Il Meccanico - Grenze Arsenali Fotografici | Verona
9. März – 28. April 2024

Litorali
Marco Rapaccini

Marco Rapaccini (Rom, 1982) ist Fotograf und Lehrer, der sich seit 2006 hauptberuflich der Fotografie widmet. Er gehört zu den Gründern des Fotokollektivs Nove im Jahr 2008. Seine Fotografien wurden auf dem FotoGrafia Festival Internazionale (2007, 2008, 2010, 2012), Fotoleggendo (2008) und im Museo di Roma in Trastevere (2009), Ex Gil (2008), Casa del Jazz (2007) ausgestellt und in den Editionen Postcart und Punctum veröffentlicht. Seit 2012 ist er für die Bildungsaktivitäten von Officine Fotografiche verantwortlich. In den letzten Jahren hat er sich vor allem für die Erforschung der Landschaftsfotografie sowie analoge und alternative Drucktechniken interessiert.

Marco Rapaccini (Rome, 1982) est un photographe et un enseignant qui se consacre à plein temps à la photographie depuis 2006. Parmi les fondateurs du collectif photographique Nove en 2008, ses photographies ont été exposées au FotoGrafia Festival Internazionale (2007, 2008, 2010, 2012), à Fotoleggendo (2008) et au Museo di Roma in Trastevere (2009), Ex Gil (2008), Casa del Jazz (2007) et publiées dans les éditions Postcart et Punctum. Il est responsable des activités éducatives des Officine Fotografiche depuis 2012. Ces dernières années, il s'est principalement intéressé à la recherche sur la photographie de paysage et aux techniques d'impression analogiques et alternatives.

Marco Rapaccini (Roma, 1982) è fotografo e insegnante, si dedica a tempo pieno alla fotografia dal 2006. Tra i fondatori del collettivo fotografico Nove nel 2008, le sue fotografie sono state esposte a FotoGrafia Festival Internazionale (2007, 2008, 2010, 2012), Fotoleggendo (2008) e al Museo di Roma in Trastevere (2009), Ex Gil (2008), Casa del Jazz (2007) e pubblicate in edizioni Postcart e Punctum. È il responsabile delle attività didattiche di Officine Fotografiche dal 2012. Negli ultimi anni si interessa prevalentemente alla ricerca fotografica sul paesaggio e alle tecniche di stampa analogiche e alternative.

Marco Rapaccini (Rome, 1982) is a photographer and teacher, devoting himself full-time to photography since 2006. One of the founders of the photographic collective Nove in 2008, his photographs have been exhibited at FotoGrafia Festival Internazionale (2007, 2008, 2010, 2012), Fotoleggendo (2008) and Museo di Roma in Trastevere (2009), Ex Gil (2008), Casa del Jazz (2007) and published in Postcart and Punctum editions. He has been the head of the educational activities of Officine Fotografiche since 2012. In recent years he has been mainly interested in landscape photography research and analog and alternative printing techniques.

(Text: Grenze Arsenali Fotografici, Verona)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
9. März – 16. Juni 2024

Lichtblick - Fotografien politischer Bewegungen in den 1970ern und heute
Bilder bewegter Zeiten

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung

Die Ausstellung «Lichtblick» macht sichtbar, in welch unterschiedlicher Art politisch-gesellschaftliche Bewegungen der 1970er-Jahre und der Gegenwart in fotografischen Zeugnissen Niederschlag finden. Der Nachlass der Agentur Kurt Graf/fotolib Basel zeigt die vielfältigen Proteste und Bewegungen um 1975 aus deren Innensicht heraus. Im Dialog dazu präsentieren zeitgenössische Fotograf:innen ihre Bilder zu Themen wie Arbeit, Gleichberechtigung, Antimilitarismus, Wohnformen oder Energie/Umwelt.

Der Nachlass Kurt Graf/fotolib Basel ist eine visuelle Dokumentation jener politischen Bewegungen, Ereignisse und Ideen, die in der Schweiz der 1970er-Jahre eine ganze Generation prägten. Ab 1975 dokumentierten Kurt Graf, Heiner Vogelsanger und Marcel Geiger als Fotografen-Kollektiv Widerstand und Protest, Aufbruch und Utopien. Den Ausschlag hatte die Besetzung des AKW-Baugeländes in Kaiseraugst im April 1975 gegeben. Die analogen Schwarz-Weiss-Fotografien entstanden, um das Engagement festzuhalten und weitherum bekannt zu machen.

Historische und zeitgenössische Fotografie im Dialog
Was ist von diesem Aufbruch der 1970er-Jahre übriggeblieben, wie präsentieren sich die einstigen Bewegungen heute, welche Bilder prägen unsere Gegenwart? BelleVue hat verschiedene Fotograf:innen und Organisationen, mehrheitlich aus der Region Basel, gebeten, aktuelle Aufnahmen zu den Themen der Ausstellung beizutragen.

Wie ein Brainstorming von Gedanken sind die grösseren zeitgenössischen Fotografien in der Ausstellung platziert. Eigenständig, eher symbolisch im Ausdruck, beschreiben sie bestimmte Zustände unserer Gesellschaft. Dazugestellt werden kleinere, dokumentarische Bildformate, zu den Themen der Ausstellung passend: Aktionen, Demonstrationen, Projekte, Engagement der Menschen im Kleinen und Grossen für die Sache, die ihnen am Herzen liegt.

Die historischen Bilderreihen erzählen Geschichten und zeugen vom Aufbruch in den verschiedensten Lebensbereichen. In den Reportagen der Zentralwäscherei wird die Mühsal der Arbeit spürbar: Wäscheberge, Fliessbänder, viele Frauen, meist Migrantinnen, die Hand in Hand arbeiten. Dann der Streik und die Solidaritätsveranstaltungen, endlich soll es besser werden!

Der Vergleich von historischen und zeitgenössischen Fotografien zeigt neben Unterschieden auch Gemeinsamkeiten. Viele digital entstandene Aufnahmen von politischen Aktivitäten auf der Strasse beschreiben, wie sich Menschen zusammentun und mit Transparenten ihre Forderungen verkünden. Solche Protestbilder gibt es heute wie damals in schier unüberschaubarer Fülle. Die Fotografie der Gegenwart ist zwar farbig, zuweilen von distanziertem Ausdruck und gut komponiert. Doch immer wieder finden sich auch – wie in den 1970er-Jahren – schnelle Schnappschüsse, die bezeugen sollen: So ist es gewesen, wir waren auch dabei!

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung

L'exposition "Lichtblick" met en évidence les différentes manières dont les mouvements politico-sociaux des années 1970 et d'aujourd'hui se reflètent dans les témoignages photographiques. Le fonds de l'agence Kurt Graf/fotolib Bâle montre les multiples protestations et mouvements autour de 1975 de l'intérieur. Des photographes contemporains y présentent leurs visuels sur des thèmes tels que le travail, l'égalité des droits, l'antimilitarisme, les formes d'habitat ou l'énergie/l'environnement.

Le fonds Kurt Graf/fotolib Bâle est une documentation visuelle des mouvements politiques, des événements et des idées qui ont marqué toute une génération en Suisse dans les années 1970. Dès 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger et Marcel Geiger ont documenté, en tant que collectif de photographes, la résistance et la protestation, le renouveau et les utopies. L'occupation du site de construction de la centrale nucléaire de Kaiseraugst en avril 1975 a été le facteur décisif. Les photographies analogiques en noir et blanc ont été prises pour immortaliser cet engagement et le faire connaître loin à la ronde.

La photographie historique et contemporaine en dialogue
Que reste-t-il de ce renouveau des années 1970, comment les mouvements d'autrefois se présentent-ils aujourd'hui, quels visuels marquent notre présent ? BelleVue a demandé à différents photographes et organisations, pour la plupart de la région bâloise, de contribuer aux thèmes de l'exposition en prenant des photos actuelles.

Les grandes photographies contemporaines sont placées dans l'exposition comme un brainstorming de pensées. Indépendantes, plutôt symboliques dans leur expression, elles décrivent certains états de notre société. Elles sont accompagnées de petits formats d'images documentaires, en rapport avec les thèmes de l'exposition : actions, manifestations, projets, engagement des gens, à petite ou grande échelle, pour la cause qui leur tient à cœur.

Les séries d'images historiques racontent des histoires et témoignent du renouveau dans les domaines les plus divers de la vie. Dans les reportages de la blanchisserie centrale, la pénibilité du travail est palpable : des montagnes de linge, des chaînes de montage, de nombreuses femmes, pour la plupart des migrantes, qui travaillent main dans la main. Puis la grève et les manifestations de solidarité, les choses devraient enfin s'améliorer !

La comparaison entre les photographies historiques et contemporaines montre non seulement des différences, mais aussi des points communs. De nombreuses photos numériques d'activités politiques dans la rue décrivent comment les gens se rassemblent et annoncent leurs revendications avec des banderoles. De telles images de protestation existent aujourd'hui comme hier en quantité presque incalculable. La photographie contemporaine est certes colorée, parfois d'une expression distanciée et bien composée. Mais on trouve aussi régulièrement - comme dans les années 1970 - des instantanés rapides qui doivent témoigner : C'était comme ça, nous y étions aussi !

Une coopération de BelleVue - lieu pour la photographie et des Archives d'État de Bâle-Ville, à l'initiative de la Fondation Christoph Merian.

La mostra "Lichtblick" mostra i diversi modi in cui i movimenti politici e sociali degli anni Settanta e del presente si riflettono nelle testimonianze fotografiche. Il patrimonio dell'agenzia Kurt Graf/fotolib Basel mostra le diverse proteste e i movimenti intorno al 1975 dalla loro prospettiva interna. In dialogo con questi, fotografi contemporanei presentano le loro immagini su temi come il lavoro, la parità di diritti, l'antimilitarismo, le forme abitative e l'energia/ambiente.

Il patrimonio di Kurt Graf/fotolib Basel è una documentazione visiva dei movimenti politici, degli eventi e delle idee che hanno plasmato un'intera generazione in Svizzera negli anni Settanta. Dal 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger e Marcel Geiger hanno documentato la resistenza e la protesta, gli sconvolgimenti e le utopie come collettivo di fotografi. L'occupazione del cantiere della centrale nucleare di Kaiseraugst nell'aprile del 1975 fu il fattore decisivo. Le fotografie analogiche in bianco e nero sono state scattate per registrare l'occupazione e renderla nota a tutti.

Fotografia storica e contemporanea in dialogo
Cosa è rimasto di questo risveglio degli anni Settanta, come si presentano oggi i movimenti di un tempo, quali immagini caratterizzano il nostro presente? BelleVue ha chiesto a diversi fotografi e organizzazioni, soprattutto della regione di Basilea, di contribuire con fotografie attuali ai temi della mostra.

Le fotografie contemporanee più grandi sono disposte nella mostra come una sessione di brainstorming di idee. Indipendenti, dall'espressione piuttosto simbolica, descrivono alcune condizioni della nostra società. Sono accompagnate da immagini più piccole, di tipo documentario, che corrispondono ai temi della mostra: azioni, dimostrazioni, progetti, impegno delle persone su piccola e grande scala per la causa che sta loro a cuore.

Le serie storiche di immagini raccontano storie e testimoniano nuovi inizi nei più diversi ambiti della vita. Nei reportage sulla lavanderia centrale, la natura faticosa del lavoro diventa tangibile: montagne di biancheria, nastri trasportatori, molte donne, per lo più migranti, che lavorano mano nella mano. Poi lo sciopero e le manifestazioni di solidarietà, finalmente le cose dovrebbero migliorare!

Un confronto tra fotografie storiche e contemporanee rivela somiglianze e differenze. Molte immagini digitali di attività politiche in strada ritraggono persone che si riuniscono e proclamano le loro richieste con striscioni. Oggi come allora c'è un'abbondanza quasi ingestibile di immagini di protesta di questo tipo. La fotografia contemporanea è colorata, a volte con un'espressione distanziata e ben composta. Ma di tanto in tanto, come negli anni Settanta, ci sono anche istantanee veloci che vogliono essere una testimonianza: Così è stato, c'eravamo anche noi!

Una collaborazione tra BelleVue - Place for Photography e l'Archivio di Stato di Basilea Città, su iniziativa della Fondazione Christoph Merian.

The "Lichtblick" exhibition reveals the different ways in which political and social movements of the 1970s and the present are reflected in photographic evidence. The estate of the Kurt Graf/fotolib Basel agency shows the diverse protests and movements around 1975 from their internal perspective. In dialog with this, contemporary photographers present their visuals on topics such as work, equality, anti-militarism, forms of housing or energy/environment.

The Kurt Graf/fotolib Basel estate is a visual documentation of the political movements, events and ideas that shaped an entire generation in Switzerland in the 1970s. From 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger and Marcel Geiger documented resistance and protest, upheaval and utopias as a photographer collective. The occupation of the nuclear power plant construction site in Kaiseraugst in April 1975 was the decisive factor. The analog black-and-white photographs were taken to record the occupation and make it known far and wide.

Historical and contemporary photography in dialog
What remains of this 1970s awakening, how do the former movements present themselves today, what visuals shape our present? BelleVue asked various photographers and organizations, mostly from the Basel region, to contribute current photographs to the exhibition's themes.

The larger contemporary photographs are placed in the exhibition like a brainstorming session of ideas. Independent, rather symbolic in expression, they describe certain conditions in our society. They are accompanied by smaller, documentary image formats that match the themes of the exhibition: actions, demonstrations, projects, people's commitment on a small and large scale to the cause that is close to their hearts.

The historical series of pictures tell stories and bear witness to new beginnings in the most diverse areas of life. In the reports on the central laundry, the toil of the work becomes tangible: mountains of laundry, conveyor belts, many women, mostly migrants, working hand in hand. Then the strike and the solidarity events, finally things are supposed to get better!

A comparison of historical and contemporary photographs reveals similarities as well as differences. Many digitally produced images of political activities on the street describe people coming together and proclaiming their demands with banners. There is an almost unmanageable abundance of such protest images today as there was back then. Contemporary photography is colorful, sometimes with a distanced expression and well composed. But time and again - as in the 1970s - there are also quick snapshots that are intended to bear witness: That's how it was, we were there too!

A cooperation between BelleVue - Place for Photography and the Basel-Stadt State Archives, on the initiative of the Christoph Merian Foundation

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

Stadthaus Ulm
10. März – 16. Juni 2024

Fragile Träume - Fotografien aus dem Orient
Katharina Eglau

Im Nahen und Mittleren Osten liegen die Wurzeln von Judentum, Christentum und Islam. Durch das Zusammenleben der Menschen entwickelte sich ein faszinierendes Geflecht von Kulturen, religiöser Praxis und ethischen Maßstäben. Mittlerweile aber wurde der Orient mehr und mehr auch zu einer Quelle von Fanatismus, Engstirnigkeit und Gewalt im Namen von Religion und staatlicher Autokratie.

Die Fotografin Katharina Eglau und ihr Ehemann, der Nahost-Korrespondent Martin Gehlen, beschäftigten sich mit der Schönheit, aber auch mit den Krisen des Orients.

Katharina Eglau verstand sich selbst nie als Nachrichtenfotografin, sondern als Mittlerin zwischen den Menschen des Nahen Ostens oder Nordafrikas und denjenigen, die ihren Bildern in Medien und Ausstellungen der westlichen Welt begegnen. Mit ihrem persönlichen Blick hält sie den Ausdruck von Emotionen fest, die allen Menschen auf dem Erdball vertraut sind.

Kuratiert von Karla Nieraad und Katrin Stern

Le Proche et le Moyen-Orient sont le berceau du judaïsme, du christianisme et de l'islam. La cohabitation des hommes a donné naissance à un fascinant réseau de cultures, de pratiques religieuses et de normes éthiques. Mais entre-temps, l'Orient est aussi devenu de plus en plus une source de fanatisme, d'étroitesse d'esprit et de violence au nom de la religion et de l'autocratie étatique.

La photographe Katharina Eglau et son mari, le correspondant au Proche-Orient Martin Gehlen, se sont intéressés à la beauté, mais aussi aux crises de l'Orient.

Katharina Eglau ne s'est jamais considérée comme une photographe d'actualités, mais comme une intermédiaire entre les habitants du Proche-Orient ou d'Afrique du Nord et ceux qui rencontrent ses images dans les médias et les expositions du monde occidental. Avec son regard personnel, elle capture l'expression d'émotions familières à tous les habitants du globe.

Organisé par Karla Nieraad et Katrin Stern

Le radici dell'ebraismo, del cristianesimo e dell'islam affondano nel Vicino e Medio Oriente. Grazie alla convivenza tra i popoli, si è sviluppata un'affascinante rete di culture, pratiche religiose e norme etiche. Nel frattempo, però, l'Oriente è diventato sempre più una fonte di fanatismo, grettezza e violenza in nome della religione e dell'autocrazia statale.

La fotografa Katharina Eglau e suo marito, il corrispondente dal Medio Oriente Martin Gehlen, si sono concentrati sulla bellezza, ma anche sulle crisi dell'Oriente.

Katharina Eglau non si è mai vista come una fotografa di cronaca, ma come una mediatrice tra le popolazioni del Medio Oriente o del Nord Africa e coloro che incontrano le sue immagini nei media e nelle mostre del mondo occidentale. Con il suo sguardo personale, cattura l'espressione di emozioni che sono familiari a tutti in tutto il mondo.

A cura di Karla Nieraad e Katrin Stern

The roots of Judaism, Christianity and Islam lie in the Near and Middle East. As a result of people living together, a fascinating network of cultures, religious practices and ethical standards developed. In the meantime, however, the Orient has increasingly become a source of fanaticism, narrow-mindedness and violence in the name of religion and state autocracy.

The photographer Katharina Eglau and her husband, the Middle East correspondent Martin Gehlen, focused on the beauty, but also the crises of the Orient.

Katharina Eglau never saw herself as a news photographer, but as a mediator between the people of the Middle East or North Africa and those who encounter her images in the media and exhibitions of the Western world. With her personal gaze, she captures the expression of emotions that are familiar to everyone around the globe.

Curated by Karla Nieraad and Katrin Stern

(Text: Stadthaus Ulm)

Consarc Galleria | Chiasso
10. März – 5. Mai 2024

D’après
Daria Caverzasio

D'après bezeichnet eine Praxis, die auf der Interpretation von Werken anderer Künstler beruht, von Werken, in denen der Künstler einen grundlegenden Wert für die Kunstgeschichte und seine eigene Poetik, eine wichtige ästhetische Faszination, einen Ausgangspunkt für Denkprozesse oder auch nur einen Platz in seinem eigenen visuellen Gedächtnis erkennt.

Die D'après-Vorschläge bewegen sich zwischen Andeutungen, die mit der Geschichte der westlichen Malerei verbunden sind, und Interpretationen der Berg-Wasser-Malerei der chinesischen Tradition mit unter die Haut gehenden Passagen in den Werken zeitgenössischer Fotografen, in einem Spiel von visuellen und sprachlichen Verbindungen, die Andeutungen oder Echos in einem subjektiven Gedächtnis eines kollektiven kulturellen Erbes sind.

Auch in diesen fotografischen Bildern, die im Grunde eine Hommage an Heraklit und seine "intime Natur der Dinge, die sich gerne verstecken" sind, setzt der Künstler seine Erforschung des "Durchblicks" fort, objektiviert in Wasser, Glas und anderen abschirmenden oder reflektierenden Materialien, immer mit einer Arbeitsmethode, die eher instinktiv als programmiert ist. Auch in diesen Werken ist die zentrale Annahme die Reflexion über die Art und Weise, wie wir das Sichtbare und seine Darstellung durch die Fotografie wahrnehmen, in dem Bewusstsein, dass im kreativen Prozess das persönliche und kulturelle Gedächtnis, die physische und psychische Wahrnehmung von Raum und Zeit und die symbolische Aufladung, die wir Situationen und Objekten verleihen, abwechselnd jenen Schleier erzeugen und wegreißen, der zwischen uns und einer vollständigen Kenntnis der Realität steht.

D'après indique une pratique basée sur l'interprétation par un artiste d'œuvres d'autres artistes, œuvres auxquelles il reconnaît une valeur fondatrice pour l'histoire de l'art et pour sa propre poétique, une fascination esthétique importante, un point de départ pour des processus de réflexion ou même simplement une place dans sa propre mémoire visuelle.

Les D'après proposés oscillent entre des suggestions liées à l'histoire de la peinture occidentale et des interprétations de la peinture montagne-eau de la tradition chinoise avec des passages sous la peau dans les œuvres de photographes contemporains, dans un jeu de connexions visuelles et linguistiques qui sont autant d'indices ou d'échos dans une mémoire subjective d'un héritage culturel collectif.

Toujours dans ces images photographiques, qui sont au fond un hommage à Héraclite et à sa "nature intime des choses qui aime se cacher", l'artiste poursuit sa recherche sur le "voir à travers", objectivé dans l'eau, le verre et d'autres matériaux de protection ou de réflexion, toujours avec une méthode de travail plus instinctive que programmée. Dans ces œuvres aussi, l'hypothèse centrale est la réflexion sur la manière dont nous percevons le visible et sa représentation à travers la photographie, en étant conscients que, dans le processus créatif, la mémoire personnelle et culturelle, la perception physique et psychique de l'espace et du temps, et la charge symbolique que nous prêtons aux situations et aux objets, créent et déchirent tour à tour ce voile qui nous sépare d'une pleine connaissance de la réalité.

Con D’après si indica una pratica basata sull’interpretazione da parte di un artista di opere di altri artisti, opere alle quali egli riconosce un valore fondante per la storia dell’arte e per la propria poetica, una fascinazione estetica importante, un punto di partenza di processi di pensiero o anche semplicemente un posto nella propria memoria visiva.

I D’après proposti si muovono fra suggestioni legate alla storia della pittura occidentale e interpretazioni della pittura montagna-acqua della tradizione cinese con passaggi sotto pelle nelle opere di fotografi contemporanei, in un gioco di collegamenti visivi e linguistici che sono accenni o echi in una memoria soggettiva di un patrimonio culturale collettivo.

Anche in queste immagini fotografiche, che sono in fondo un omaggio a Eraclito e alla sua “natura intima delle cose che ama nascondersi”, l’artista continua la sua ricerca sul “vedere attraverso”, oggettivato in acqua, vetro e altri materiali schermanti o riflettenti, sempre con un metodo di lavoro più istintivo che programmato. Anche in questi lavori l’assunto centrale è la riflessione sulle modalità di percezione del visibile e sulla sua rappresentazione attraverso la fotografia, nella consapevolezza che nel processo creativo la memoria personale e culturale, la percezione fisica e psichica dello spazio e del tempo, la carica simbolica che prestiamo alle situazioni e agli oggetti, in alternanza creano e strappano quel velo che si frappone fra noi e una compiuta conoscenza del reale.

D'après indicates a practice based on an artist's interpretation of works by other artists, works to which he or she recognizes a foundational value for art history and for his or her own poetics, an important aesthetic fascination, a starting point for thought processes, or even simply a place in his or her own visual memory.

The proposed D'après move between suggestions related to the history of Western painting and interpretations of traditional Chinese mountain-water painting with passages under the skin in the works of contemporary photographers, in an interplay of visual and linguistic connections that are hints or echoes in a subjective memory of a collective cultural heritage.

Even in these photographic images, which are at bottom a tribute to Heraclitus and his "intimate nature of things that loves to hide," the artist continues his research on "seeing through," objectified in water, glass and other shielding or reflective materials, always with a working method that is more instinctive than programmed. In these works, too, the central assumption is a reflection on the modes of perception of the visible and its representation through photography, in the awareness that in the creative process, personal and cultural memory, the physical and psychic perception of space and time, the symbolic charge we lend to situations and objects, alternately create and tear away that veil that stands between us and an accomplished knowledge of reality.

(Text: Consarc Galleria, Chiasso)

Kunsthaus Interlaken
10. März – 12. Mai 2024

Schwanden – Santa Monica – Fotografische Künstlerporträts vom 19. Jahrhundert bis heute

Kurt Blum, René Burri, Alexander Egger, Bernhard Giger, René Groebli, Peter von Gunten, Vera Isler, Yoshiko Kusano, Jean-Luc Meyssonnier, Ernst Scheidegger, Paul Senn, Michel Sima

Die Erfindung der Fotografie im 19. Jahrhundert veränderte die Kunst sichtbar. Die Porträtfotografie löste die klassische Malerei bald ab und trug viel zur schnellen Verbreitung des neuen Mediums bei, das zunehmend auch Interesse bei Künstlerinnen und Künstlern fand.

Diese und ihre Ateliers rückten selbst bald in den Fokus der Fotografinnen und Fotografen und wurden zum Sujet. Die erhaltenen Aufnahmen geben uns spannende Einblicke in die Welt der Kunstwerkstätten und in die Arbeitsweise der Künstlerinnen und Künstler. Als einer der ersten hat der deutsche Fotograf Carl Teufel (1845−1912) systematisch Künstler und Künstlerinnen in ihren Ateliers fotografiert und insgesamt ab 1890 mehr als 300 Fotografien von Münchner Ateliers aufgenommen.

Vor und nach dem Zweiten Weltkrieg wurden Ateliers berühmter Künstlerinnen und Künstler zu wichtigen Motiven von Fotografinnen und Fotografen, die mit diesen Arbeiten eigenständige Kunst geschaffen und viel zur Anerkennung der Gattung als Kunstform beigetragen haben.

Die hohe Intensität dieser Werke, deren Sinnlichkeit und letztlich deren Qualität, entsprangen häufig einer engen Beziehung zwischen den Porträtierten und den Fotografinnen und Fotografen. Viele in dieser Ausstellung gezeigte Aufnahmen sind schöne Belege dafür.

Der französische Fotograf Michel Sima (1912−1987) etwa hatte eine sehr enge Verbindung zu Pablo Picasso, der ihn nach seiner Rückkehr aus dem Konzentrationslager Blechhammer nicht nur unterstützt hat, sondern ihn auch ermunterte, wieder zu fotografieren.

In der Folge fotografierte Michel Sima für Picasso sein Work in Progress.

Die aktuelle Ausstellung im Kunsthaus umfasst gegen 100 fotografische Porträts, meist schwarz-weiss Aufnahmen, aus den Ateliers von Künstlerinnen und Künstlern mit nationaler oder internationaler Bedeutung. Im Zentrum stehen Fotografien von Sima, der über mehrere Jahre fast alle wichtigen Künstler der Ecole de Paris in ihren Ateliers besucht und fotografiert hat. Von Sima sind Abzüge von Pablo Picasso und noch nie veröffentlichte Abzüge von Alberto Giacometti in Paris ausgestellt.

Der wiedergefundene Film Einundzwanzig (21 Schweizer Künstler, 1968) von Peter von Gunten

erweitert die Ausstellung hin zum gefilmten Künstlerporträt.

Schwanden−Santa Monica, der Titel der Ausstellung, ist sinnbildlich für die Vielfalt der Schau und nimmt Bezug auf die Aufnahmen von Paul Senn (1901−1953) im Atelier von Johann Peter Flück in Schwanden Anfang der 40er Jahre und auf jene von Kurt Blum (1922−2005) im Atelier von Sam Francis in Santa Monica im Jahr 1980.

Die Ausstellung verbindet Regionales mit Internationalem und umfasst Arbeiten von den Anfängen der Fotografie bis in die Gegenwart.

L'invention de la photographie au 19e siècle a visiblement changé l'art. La photographie de portrait a rapidement pris le relais de la peinture classique et a largement contribué à la diffusion rapide de ce nouveau média, qui a suscité un intérêt croissant chez les artistes.

Ces derniers et leurs ateliers se sont eux-mêmes rapidement retrouvés dans la ligne de mire des photographes et sont devenus des sujets. Les clichés conservés nous donnent un aperçu passionnant de l'univers des ateliers d'art et de la méthode de travail des artistes. Le photographe allemand Carl Teufel (1845-1912) a été l'un des premiers à photographier systématiquement les artistes dans leurs ateliers et a pris au total plus de 300 photographies d'ateliers munichois à partir de 1890.

Avant et après la Seconde Guerre mondiale, les ateliers d'artistes célèbres sont devenus des motifs importants pour les photographes qui, avec ces travaux, ont créé un art à part entière et ont largement contribué à la reconnaissance du genre en tant que forme d'art.

La grande intensité de ces œuvres, leur sensualité et, en fin de compte, leur qualité, sont souvent le fruit d'une relation étroite entre les sujets et les photographes. De nombreuses photos présentées dans cette exposition en sont de belles preuves.

Le photographe français Michel Sima (1912-1987), par exemple, avait une relation très étroite avec Pablo Picasso, qui non seulement l'a soutenu à son retour du camp de concentration de Blechhammer, mais l'a également encouragé à reprendre la photographie.

Par la suite, Michel Sima a photographié son Work in Progress pour Picasso.

L'exposition actuelle au Kunsthaus comprend près de 100 portraits photographiques, pour la plupart en noir et blanc, issus des ateliers d'artistes d'envergure nationale ou internationale. L'accent est mis sur les photographies de Sima qui, pendant plusieurs années, a rendu visite à presque tous les artistes importants de l'Ecole de Paris dans leurs ateliers et les a photographiés. Des tirages de Sima de Pablo Picasso et des tirages inédits d'Alberto Giacometti sont exposés à Paris.

Le film retrouvé de Peter von Gunten, Vingt-et-un (21 artistes suisses, 1968), permet d'élargir l'exposition.

Élargit l'exposition vers le portrait filmé d'artistes.

Schwanden-Santa Monica, le titre de l'exposition, est emblématique de la diversité de l'exposition et fait référence aux prises de vue de Paul Senn (1901-1953) dans l'atelier de Johann Peter Flück à Schwanden au début des années 40 et à celles de Kurt Blum (1922-2005) dans l'atelier de Sam Francis à Santa Monica en 1980.

L'exposition associe le régional et l'international et comprend des travaux allant des débuts de la photographie à nos jours.

L'invenzione della fotografia nel XIX secolo ha cambiato visibilmente l'arte. La fotografia di ritratto sostituì presto la pittura classica e contribuì notevolmente alla rapida diffusione del nuovo mezzo, che suscitò anche un crescente interesse da parte degli artisti.

Questi artisti e i loro studi divennero presto oggetto di attenzione da parte dei fotografi stessi e divennero soggetti. Le fotografie sopravvissute ci offrono un'affascinante visione del mondo degli studi artistici e dei metodi di lavoro degli artisti. Il fotografo tedesco Carl Teufel (1845-1912) fu uno dei primi a fotografare sistematicamente gli artisti nei loro studi e scattò più di 300 fotografie degli studi di Monaco a partire dal 1890.

Prima e dopo la Seconda guerra mondiale, gli studi di artisti famosi divennero motivi importanti per i fotografi, che con queste opere crearono un'arte indipendente e contribuirono notevolmente al riconoscimento del genere come forma d'arte.

L'alta intensità di queste opere, la loro sensualità e infine la loro qualità, erano spesso il risultato di una stretta relazione tra i soggetti e i fotografi. Molte delle fotografie esposte in questa mostra ne sono un ottimo esempio.

Il fotografo francese Michel Sima (1912-1987), ad esempio, ebbe un rapporto molto stretto con Pablo Picasso, che non solo lo sostenne dopo il suo ritorno dal campo di concentramento di Blechhammer, ma lo incoraggiò anche a riprendere a fotografare.

Michel Sima ha poi fotografato i suoi lavori in corso per Picasso.

L'attuale mostra al Kunsthaus comprende circa 100 ritratti fotografici, per lo più in bianco e nero, provenienti dagli studi di artisti di rilevanza nazionale o internazionale. Al centro ci sono le fotografie di Sima, che per diversi anni ha visitato e fotografato quasi tutti gli artisti importanti dell'Ecole de Paris nei loro studi. Le stampe di Sima di Pablo Picasso e le stampe mai pubblicate di Alberto Giacometti sono esposte a Parigi.

Il film riscoperto Einundzwanzig (21 artisti svizzeri, 1968) di Peter von Gunten

amplia la mostra con ritratti filmati di artisti.

Schwanden-Santa Monica, il titolo della mostra, simboleggia la diversità dell'esposizione e si riferisce alle fotografie scattate da Paul Senn (1901-1953) nello studio di Johann Peter Flück a Schwanden nei primi anni Quaranta e a quelle scattate da Kurt Blum (1922-2005) nello studio di Sam Francis a Santa Monica nel 1980.

La mostra combina il regionale con l'internazionale e comprende opere dagli inizi della fotografia fino ai giorni nostri.

The invention of photography in the 19th century visibly changed art. Portrait photography soon replaced classical painting and contributed greatly to the rapid spread of the new medium, which also attracted increasing interest from artists.

These artists and their studios soon became the focus of photographers themselves and became subjects. The surviving photographs give us exciting insights into the world of art workshops and the artists' working methods. The German photographer Carl Teufel (1845-1912) was one of the first to systematically photograph artists in their studios and took up more than 300 photographs of Munich studios from 1890 onwards.

Before and after the Second World War, the studios of famous artists became important motifs for photographers, who created independent art with these works and contributed greatly to the recognition of the genre as an art form.

The high intensity of these works, their sensuality and ultimately their quality, were often the result of a close relationship between the subjects and the photographers. Many of the photographs shown in this exhibition are fine examples of this.

The French photographer Michel Sima (1912-1987), for example, had a very close relationship with Pablo Picasso, who not only supported him after his return from the Blechhammer concentration camp, but also encouraged him to take photographs again.

Michel Sima subsequently photographed his work in progress for Picasso.

The current exhibition at the Kunsthaus comprises around 100 photographic portraits, mostly in black and white, from the studios of artists of national or international importance. The focus is on photographs by Sima, who visited and photographed almost all the important artists of the Ecole de Paris in their studios over several years. Sima's prints of Pablo Picasso and never before published prints of Alberto Giacometti are exhibited in Paris.

The rediscovered film Einundzwanzig (21 Swiss Artists, 1968) by Peter von Gunten

extends the exhibition to include filmed portraits of artists.

Schwanden-Santa Monica, the title of the exhibition, is emblematic of the diversity of the show and takes up the photographs taken by Paul Senn (1901-1953) in Johann Peter Flück's studio in Schwanden in the early 1940s and those taken by Kurt Blum (1922-2005) in Sam Francis' studio in Santa Monica in 1980.

The exhibition combines the regional with the international and includes works from the beginnings of photography to the present day.

(Text: Kunsthaus Interlaken)

L'ANGLE Photographies | Hendaye
14. März – 28. April 2024

MOOD
Stéphane Mahé

Stéphane Mahé betreibt eine intime und malerische fotografische Arbeit, die eine innere Reise offenbart, die gleichzeitig außerhalb von Zeit und Raum liegt. Seine 2018 enthüllte Serie Somewhere entfaltet ein traumhaftes und filmisches Universum, in dem das Umherirren wie eine fotografische Suche erscheint.

Heute schlägt Mood ein neues Kapitel auf ... wenn das Reale surreal wird, öffnet es die Tür zu diesem Feldweg, der aus einem Gemälde entsprungen ist, das in der Mitte des Familienwohnzimmers thronte ... und setzt mich in Bewegung, geleitet von meinem Instinkt, auf der Suche nach Emotionen, auf der Suche nach diesen kostbaren Momenten, einzigartig, kurz, flüchtig! Diese volle Verfügbarkeit für das, was mich umgibt, für die Harmonie, definiert sich dann als meine fotografischen Zeiten.

Mood ist ein Zeuge dieser flüchtigen Gelegenheiten und verleiht ihnen einen Hauch von Ewigkeit; Mood als eine universelle Erfahrung, in der Emotionen eine gemeinsame Sprache sind, eine Art Espe-ranto aus zeitlosen, mysteriösen und traumhaften Szenen, die voneinander unabhängig sind und doch zu einem kohärenten Ganzen gehören, das unsere Seelen beruhigt und poetisiert; eine Paren-these, die sich öffnet und wieder schließt und bei jedem neuen Besuch neue Emotionen bietet. Von Somewhere bis Mood...

Stéphane Mahé mène un travail photographique intime et pictural qui révèle un voyage intérieur à la fois hors du temps et de l’espace. Dévoilée en 2018, sa série Somewhere déploie un univers onirique et cinématographique puis-sant où l’errance apparaît comme une quête photographique.

Aujourd’hui, Mood ouvre un nouveau chapitre... quand le réel devient suréel, il ouvre la porte sur ce chemin de terre surgit d’un tableau qui trônait au milieu du salon familial... et me met en mouvement, guidé par l’instinct, en quête d’émotions, à la recherche de ces précieux instants, uniques, brefs, éphémères ! Cette disponibilité pleine et entière à ce qui m’entoure, à l’harmonie, se définissent alors comme mes temps photographiques.

Mood est un témoin de ces opportunités furtives en leur donnant un air d’éternité ; Mood comme une expérience universelle, dans laquelle l’émotion est un langage commun, une sorte d’espe-ranto composé de scènes intemporelles, mystérieuses et oniriques, indépendantes les unes des autres tout en appartenant à un ensemble cohérent qui apaise et poétise nos âmes ; une paren-thèse qui s’ouvre et se referme, offrant à chaque nouvelle visite des émotions renouvelées. From Somewhere to Mood...

Il lavoro fotografico di Stéphane Mahé è al tempo stesso intimo e pittorico, e rivela un viaggio interiore che è al tempo stesso senza tempo e spaziale. Presentata nel 2018, la serie Somewhere dispiega un universo onirico e cinematografico in cui il vagabondaggio appare come una ricerca fotografica.

Oggi, Mood apre un nuovo capitolo... quando il reale diventa surreale, apre la porta su quel sentiero sterrato che emergeva da un quadro appeso al centro del salotto di famiglia... e mi mette in movimento, guidato dall'istinto, alla ricerca di emozioni, alla ricerca di quei preziosi, unici, brevi, effimeri momenti! Questa piena e totale disponibilità all'ambiente circostante, all'armonia, è ciò che definisce il mio tempo fotografico.

Mood come testimone di queste occasioni furtive, dando loro un'aria di eternità; Mood come esperienza universale, in cui l'emozione è un linguaggio comune, una sorta di espe-ranto fatto di scene senza tempo, misteriose e oniriche, indipendenti l'una dall'altra eppure appartenenti a un insieme coerente che rasserena e poetizza la nostra anima; una paren-tesi che si apre e si chiude, offrendo nuove emozioni a ogni nuova visita. Da Somewhere to Mood...

Stéphane Mahé's photographic work is both intimate and painterly, revealing an inner journey that is both timeless and spatial.

Unveiled in 2018, his Somewhere series unfolds a dreamlike, cinematic universe where wandering appears as a photographic quest.

Today, Mood opens a new chapter... when the real becomes surreal, it opens the door onto that dirt track that emerged from a painting that used to hang in the middle of the family living room... and sets me in motion, guided by instinct, in search of emotions, in search of those precious, unique, brief, ephemeral moments! This full and total availability to my surroundings, to harmony, is what defines my photographic time.

Mood is a witness to these furtive opportunities, giving them an air of eternity; Mood as a universal experience, in which emotion is a common language, a kind of espe-ranto made up of timeless, mysterious and dreamlike scenes, independent of one another yet belonging to a coherent whole that soothes and poetises our souls; a paren-thesis that opens and closes, offering renewed emotions with each new visit. From Somewhere to Mood...

La obra fotográfica de Stéphane Mahé es a la vez íntima y pictórica, y revela un viaje interior atemporal y espacial.

Presentada en 2018, su serie Somewhere despliega un universo onírico y cinematográfico donde la errancia aparece como una búsqueda fotográfica.

Hoy, Mood abre un nuevo capítulo... cuando lo real se vuelve surrealista, abre la puerta a ese camino de tierra surgido de un cuadro que colgaba en medio del salón familiar... ¡y me pone en movimiento, guiado por el instinto, en busca de emociones, en busca de esos momentos preciosos, únicos, breves, efímeros! Esta disponibilidad plena y total al entorno, a la armonía, es lo que define mi tiempo fotográfico.

El estado de ánimo es testigo de estas oportunidades furtivas, dándoles un aire de eternidad; el estado de ánimo como experiencia universal, en la que la emoción es un lenguaje común, una especie de espe-ranto formado por escenas atemporales, misteriosas y oníricas, independientes entre sí pero pertenecientes a un todo coherente que alivia y poetiza nuestras almas; una paréntesis que se abre y se cierra, ofreciendo emociones renovadas con cada nueva visita. De Somewhere to Mood...

(Text: L'ANGLE Photographies, Hendaye)

Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg
15. März – 13. Oktober 2024

WATER PRESSURE - Gestaltung für die Zukunft

Seit Anbeginn der Geschichte ist Wasser eine der größten Herausforderungen der Menschen. Unser Umgang mit dieser lebenswichtigen Ressource wird die Zukunft der Menschheit und unseres Planeten bestimmen. Gegenwärtig sind wir mit einer vielschichtigen Wasserkrise konfrontiert, die weitestgehend auf unser Missmanagement zurückzuführen ist: 40 Prozent der Weltbevölkerung ist von Wasserknappheit betroffen und mehr als 90 Prozent der Katastrophen haben mit Wasser zu tun. Im Jahr 2022 erlebte Europa die schlimmste Dürre seit 500 Jahren.

Die Gruppenausstellung „Water Pressure. Gestaltung für die Zukunft“ im MK&G nimmt eine globale Perspektive auf die Wasserkrise ein: Gezeigt werden Gestaltungsideen, die das Potenzial haben, unsere Zukunft radikal zu ändern. Die innovativen Arbeiten aus den Bereichen Design, Architektur, Kunst und Wissenschaft gehen vielfach auf Prinzipien der Natur zurück und eröffnen so neue Wege aus der aktuellen Lage. In fünf Kapiteln werden inspirierende Lösungen für Probleme wie Wasserknappheit, Verschmutzung und gestörte Wasserkreisläufe vorgestellt. Die Ausstellung befasst sich auch mit der Hafenstadt Hamburg und den gegenwärtigen und zukünftigen Herausforderungen, denen sie sich stellen muss – von Überschwemmungen bis hin zum Wassermangel.

In der Ausstellung vertreten sind unter anderem City of 1000 Tanks, unter der Leitung der OOZE Architects (Indien); Isla Urbana (Mexiko), Eden in Irak (Irak); Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Dänemark); Cloudfisher, WasserStiftung (Marokko); und Colorifix (Großbritannien). Eigens für das MK&G gestalten die niederländischen Architekten OOZE Architects und das österreichische Design-Duos mischer'traxler neue Arbeiten. Die Gruppenschau wird von einem umfangreichen Rahmenprogramm begleitet.

Eine Ausstellung des MK&G in Zusammenarbeit mit Jane Withers Studio, London.

Mit freundlicher Unterstützung der Umweltstiftung Michael Otto, Hapag-Lloyd Stiftung und Martha Pulvermacher Stiftung.

Depuis le début de l'histoire, l'eau est l'un des plus grands défis auxquels l'homme est confronté. Notre gestion de cette ressource vitale déterminera l'avenir de l'humanité et de notre planète. Actuellement, nous sommes confrontés à une crise de l'eau à multiples facettes, largement due à notre mauvaise gestion : 40 % de la population mondiale est touchée par la pénurie d'eau et plus de 90 % des catastrophes sont liées à l'eau. En 2022, l'Europe a connu sa pire sécheresse depuis 500 ans.

L'exposition de groupe "Water Pressure. Conception pour l'avenir" au MK&G adopte une perspective globale sur la crise de l'eau : Elle présente des idées de conception qui ont le potentiel de changer radicalement notre avenir. Les travaux innovants issus des domaines du design, de l'architecture, de l'art et de la science s'inspirent souvent des principes de la nature et ouvrent ainsi de nouvelles voies pour sortir de la situation actuelle. Cinq chapitres présentent des solutions inspirantes à des problèmes tels que la pénurie d'eau, la pollution et les cycles de l'eau perturbés. L'exposition s'intéresse également à la ville portuaire de Hambourg et aux défis actuels et futurs qu'elle doit relever, des inondations à la pénurie d'eau.

L'exposition présente notamment City of 1000 Tanks, sous la direction de OOZE Architects (Inde) ; Isla Urbana (Mexique), Eden in Irak (Irak) ; Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Danemark) ; Cloudfisher, WaterStiftung (Maroc) ; et Colorifix (Royaume-Uni). Les architectes néerlandais OOZE Architects et le duo autrichien de designers mischer'traxler ont conçu de nouveaux travaux spécialement pour le MK&G. L'exposition collective s'accompagne d'un vaste programme d'accompagnement.

Une exposition du MK&G en collaboration avec Jane Withers Studio, Londres.

Avec l'aimable soutien de la Fondation pour l'environnement Michael Otto, de la Fondation Hapag-Lloyd et de la Fondation Martha Pulvermacher.

Fin dagli albori della storia, l'acqua è stata una delle maggiori sfide per l'umanità. Il nostro uso di questa risorsa vitale determinerà il futuro dell'umanità e del nostro pianeta. Attualmente stiamo affrontando una crisi idrica dalle molteplici sfaccettature, dovuta in gran parte alla nostra cattiva gestione: il 40% della popolazione mondiale è colpita dalla scarsità d'acqua e più del 90% dei disastri sono legati all'acqua. Nel 2022, l'Europa ha vissuto la peggiore siccità degli ultimi 500 anni.

La mostra collettiva "Water Pressure. Design for the Future" all'MK&G affronta la crisi idrica da una prospettiva globale: In mostra ci sono idee di design che hanno il potenziale per cambiare radicalmente il nostro futuro. Le opere innovative provenienti dai settori del design, dell'architettura, dell'arte e della scienza si basano spesso su principi naturali e aprono così nuove vie d'uscita dalla situazione attuale. In cinque capitoli vengono presentate soluzioni ispirate a problemi come la scarsità d'acqua, l'inquinamento e l'interruzione dei cicli idrici. La mostra analizza anche la città portuale di Amburgo e le sfide attuali e future che deve affrontare, dalle inondazioni alla carenza d'acqua.

La mostra comprende City of 1000 Tanks, realizzata da OOZE Architects (India); Isla Urbana (Messico), Eden in Iraq (Iraq); Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Danimarca); Cloudfisher, WaterFoundation (Marocco) e Colorifix (Regno Unito). Gli architetti olandesi OOZE Architects e il duo di designer austriaci mischer'traxler stanno creando nuove opere appositamente per il MK&G. La mostra collettiva sarà accompagnata da un ampio programma di supporto.

Una mostra MK&G in collaborazione con Jane Withers Studio, Londra.

Con il gentile sostegno della Michael Otto Environmental Foundation, della Hapag-Lloyd Foundation e della Martha Pulvermacher Foundation.

Since the dawn of history, water has been one of the most important human preoccupations. How we care for this vital resource is one of the factors that will define our future and that of our planet. Today, we are facing a multifaceted water crisis that is largely due to our mismanagement. Water scarcity affects 40 per cent of the world’s people, and more than 90 per cent of disasters are water-related. In 2022, Europe suffered its worst drought in 500 years.

The group exhibition “Water Pressure: Designing for the Future” at MK&G looks at the water crisis from a global perspective, displaying design ideas that illuminate the potential for radically changing our future. Innovative works from the fields of design, architecture, art and science – in many cases using nature-based systems to open up new routes to overcoming the current situation. Five chapters will present inspiring solutions to issues such as water scarcity, pollution and disrupted hydrological cycles. The exhibition also looks at the city of Hamburg and the present and future water challenges it faces – from flooding to scarcity.

Among the featured projects on display will be City of 1000 Tanks by a team led by OOZE architects (India); Isla Urbana (Mexico); Eden in Iraq (Iraq); Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Denmark); Cloudfisher, WaterFoundation (Morocco, South Africa); and Colorifix (UK). As a special highlight, the Dutch firm OOZE architects and the Austrian design duo Mischer’traxler are creating new works especially for the MK&G. The group show will be accompanied by an extensive supporting programme for the public.

An exhibition by MK&G in cooperation with Jane Withers Studio, London.

Kindly supported by the Umweltstiftung Michael Otto, Hapag-Lloyd Foundation and Martha Pulvermacher Foundation.

(Text: Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg)

Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin
15. März – 19. Mai 2024

Typ/Traube/Tross
Sebastian Wells

Der Ostkreuz-Fotograf Sebastian Wells untersucht in der Ausstellung „Typ/Traube/Tross“ das Identitätskonstrukt nationalistischer Bewegungen, hier exemplarisch in Flandern. Mit seinen Fotografien geht er der Frage nach, wie mittels sozialer Praktiken, Uniformen und Bildsymbolik eine Vorstellung von Gemeinschaft geschaffen wird, die an Nationalismen festhält und sich auf eine kollektiv imaginierte Geschichte stützt.

Mal mit, mal ohne Uniform: Zwei Porträtfolgen von Mitgliedern einer ultranationalistischen Studierendenverbindung in Flandern werden einander gegenübergestellt. Mit ihrer strengen Ästhetik schärfen die Fotografien den Blick für die Wirkung von Kleidung und die Hierarchien, die durch sie vermittelt werden. Darüber hinaus sind Eindrücke von Sebastian Wells‘ Reisen durch Flandern zu sehen. Eine überwucherte Mauer, Schützengräben, ein Stapel Zeitungen, Demonstrierende gegen Corona-Maßnahmen, die sich in die flämisch-nationalistische Flagge hüllen: Die Bilder weben ein komplexes Netz aus Spuren der Vergangenheit und Zeichen der Gegenwart. Sebastian Wells widmet sich auch der buchstäblichen Geschichtsschreibung: In der künstlerischen Überarbeitung einer historischen Publikation, die das „germanische Volksgesicht“ auszumachen suchte, deckt er rassistische Diskurse auf und reflektiert über die Macht von Text und Bild.

Mitten in Europa ist rechtsradikales Gedankengut weit verbreitet. Mit seinen Arbeiten zeigt Sebastian Wells auf, wie Vorstellungen von Identität und Geschichte visuell inszeniert und kommuniziert werden. Dabei sieht der Künstler seine Rolle als die eines Archäologen, der in der Gegenwart nach den Spuren von gestern sucht.

Sebastian Wells (geb. 1996 in Königs Wusterhausen) studierte Fotografie an der Ostkreuzschule in Berlin, der Hochschule Bielefeld und der KASK (Königlichen Akademie der Bildenden Künste) in Gent. Seit 2019 ist er Mitglied der Agentur Ostkreuz. Sebastian Wells ist außerdem Mitbegründer des ukrainisch-deutschen Kunstmagazins „soлomiya“, dessen dritte Ausgabe im Frühling 2024 erscheint. Er lebt und arbeitet in Berlin.

Dans l'exposition "Type/Traube/Tross", le photographe d'Ostkreuz Sebastian Wells examine la construction identitaire des mouvements nationalistes, ici de manière exemplaire en Flandre. Avec ses photographies, il s'interroge sur la manière dont, au moyen de pratiques sociales, d'uniformes et de symbolisme pictural, on crée une idée de communauté qui s'accroche aux nationalismes et s'appuie sur une histoire imaginée collectivement.

Tantôt avec, tantôt sans uniforme : deux séries de portraits de membres d'une association d'étudiants ultranationalistes en Flandre sont mises en parallèle. Avec leur esthétique austère, les photographies aiguisent le regard sur l'effet des vêtements et les hiérarchies qu'ils véhiculent. On y voit en outre des impressions des voyages de Sebastian Wells en Flandre. Un mur envahi par la végétation, des tranchées, une pile de journaux, des manifestants contre les mesures de Corona qui se drapent dans le drapeau nationaliste flamand : Les visuels tissent un réseau complexe de traces du passé et de signes du présent. Sebastian Wells se consacre également à l'écriture littérale de l'histoire : en retravaillant artistiquement une publication historique qui cherchait à repérer le "visage populaire germanique", il met à jour des discours racistes et réfléchit au pouvoir du texte et du visuel.

Au cœur de l'Europe, les idées d'extrême droite sont très répandues. Avec ses travaux, Sebastian Wells montre comment les idées d'identité et d'histoire sont mises en scène et communiquées visuellement. Ce faisant, l'artiste considère son rôle comme celui d'un archéologue qui cherche dans le présent les traces d'hier.

Sebastian Wells (né en 1996 à Königs Wusterhausen) a étudié la photographie à l'école Ostkreuz de Berlin, à l'université de Bielefeld et à la KASK (Académie royale des beaux-arts) de Gand. Depuis 2019, il est membre de l'agence Ostkreuz. Sebastian Wells est également cofondateur du magazine d'art ukrainien-allemand "soлomiya", dont le troisième numéro paraîtra au printemps 2024. Il vit et travaille à Berlin.

Nella mostra "Typ/Traube/Tross", il fotografo di Ostkreuz Sebastian Wells esamina la costruzione identitaria dei movimenti nazionalisti, qui esemplificati nelle Fiandre. Con le sue fotografie, esplora la questione di come le pratiche sociali, le uniformi e il simbolismo visivo siano utilizzati per creare un'idea di comunità che si aggrappa al nazionalismo e si basa su una storia immaginata collettivamente.

A volte con, a volte senza uniforme: vengono accostate due serie di ritratti di membri di una confraternita studentesca ultranazionalista delle Fiandre. Con la loro estetica austera, le fotografie acuiscono lo sguardo sull'effetto dell'abbigliamento e sulle gerarchie che esso trasmette. Sono esposte anche le impressioni dei viaggi di Sebastian Wells attraverso le Fiandre. Un muro incolto, trincee, una pila di giornali, manifestanti contro le misure corona avvolti nella bandiera nazionalista fiamminga: Le immagini tessono una complessa trama di tracce del passato e segni del presente. Sebastian Wells si dedica anche alla scrittura letterale della storia: nella revisione artistica di una pubblicazione storica che cercava di identificare il "volto germanico del popolo", scopre discorsi razzisti e riflette sul potere del testo e dell'immagine.

Le idee estremiste di destra sono diffuse nel centro dell'Europa. Con le sue opere, Sebastian Wells mostra come le idee di identità e di storia siano messe in scena e comunicate visivamente. L'artista vede il suo ruolo come quello di un archeologo alla ricerca di tracce di ieri nel presente.

Sebastian Wells (nato nel 1996 a Königs Wusterhausen) ha studiato fotografia alla Ostkreuzschule di Berlino, all'Università di Scienze Applicate di Bielefeld e alla KASK (Accademia Reale di Belle Arti) di Gand. Dal 2019 è membro dell'agenzia Ostkreuz. Sebastian Wells è anche cofondatore della rivista d'arte ucraino-tedesca "soлomiya", il cui terzo numero sarà pubblicato nella primavera del 2024. Vive e lavora a Berlino.

In the exhibition "Typ/Traube/Tross", Ostkreuz photographer Sebastian Wells examines the identity construct of nationalist movements, here exemplified in Flanders. With his photographs, he explores the question of how social practices, uniforms and visual symbolism are used to create an idea of community that clings to nationalisms and is based on a collectively imagined history.

Sometimes with, sometimes without uniform: two series of portraits of members of an ultra-nationalist student fraternity in Flanders are juxtaposed. With their austere aesthetics, the photographs sharpen the eye for the effect of clothing and the hierarchies it conveys. Impressions of Sebastian Wells' travels through Flanders are also on display. An overgrown wall, trenches, a pile of newspapers, demonstrators against corona measures wrapped in the Flemish nationalist flag: The visuals weave a complex web of traces of the past and signs of the present. Sebastian Wells also devotes himself to the literal writing of history: in the artistic revision of a historical publication that sought to identify the "Germanic face of the people", he uncovers racist discourses and reflects on the power of text and visuals.

Right-wing extremist ideas are widespread in the middle of Europe. With his works, Sebastian Wells shows how ideas of identity and history are visually staged and communicated. The artist sees his role as that of an archaeologist searching for traces of yesterday in the present.

Sebastian Wells (born 1996 in Königs Wusterhausen) studied photography at the Ostkreuzschule in Berlin, the Bielefeld University of Applied Sciences and the KASK (Royal Academy of Fine Arts) in Ghent. He has been a member of the Ostkreuz agency since 2019. Sebastian Wells is also co-founder of the Ukrainian-German art magazine "soлomiya", the third issue of which will be published in spring 2024. He lives and works in Berlin.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
15. März – 2. Juni 2024

A DAY OFF – Eine Ausstellung der Stiftung F.C. Gundlach

Diane Arbus, Katharina Bosse, Henri Cartier-Bresson, Elliott Erwitt, Arthur „Weegee“ Fellig, Bruce Gilden, Nan Goldin, F.C. Gundlach, Esther Haase, David Hockney, Thomas Höpker, Peter Keetman, Barry Key, Barbara Klemm, Lisette Model, Martin Munkácsi, Martin Parr, Joel Sternfeld, u.a.

Freizeitgestaltung ist ein Thema, das uns alle permanent beschäftigt. Einfach einmal nichts tun? Unmöglich! Nicht erst seit der Corona-Pandemie ist unser Leben hektischer und intensiver geworden. Überall werden wir mit immer aufregenderen, abenteuerlicheren und exotischeren Freizeitaktivitäten konfrontiert. Der Druck, mithalten zu können und vermeintlich zu müssen, ist enorm. Freizeit ist von der Erholungszeit nach getaner Arbeit zu einem durchgetakteten Massenphänomen geworden. Zu den Stoßzeiten nach Feierabend, am Wochenende und an Feiertagen platzen Strände, Schwimmbäder, Sportstudios, Kinos und Parks aus allen Nähten. Alle streben nach maximaler Entspannung, Selbstoptimierung und größtmöglichem Abstand vom Alltag.

A DAY OFF im f³ – freiraum für fotografie visualisiert mit einem Augenzwinkern die Erscheinungsformen unserer Freizeitkultur: Es wird geschlemmt, gebrutzelt, geraucht, geschwitzt und gepowert, was das Zeug hält. Manche Szenen sind heute nicht mehr denkbar. Andere gleichen sich, so wurde damals wie heute ausgiebigst Sonne getankt, der neueste Film im Kino angesehen, das Tanzbein geschwungen oder gemeinsam Bingo gespielt. Durch die Linse einiger der weltweit renommiertesten Fotograf*innen erhalten wir einen Einblick in den Wandel unseres Freizeitverhaltens der vergangenen hundert Jahre.

Die Sammlung F.C. Gundlach
Über viele Jahrzehnte hat F.C. Gundlach, selbst einer der wichtigsten Modefotografen der Bundesrepublik Deutschland, Fotografie gesammelt und eine der bedeutendsten privaten Fotografiesammlungen des Landes zusammengetragen. Im Zentrum steht das Bild des Menschen in der Fotografie. Unter diesem Titel fanden seit 2005 rund 9.000 fotografische Werke aus der Sammlung als Dauerleihgabe Einzug in das Haus der Photographie in der südlichen Deichtorhalle in Hamburg. Darüber hinaus waren und sind viele andere Arten und Gattungen der Fotografie Bestandteil der Sammlung F.C. Gundlach, die zum Teil als eigenständige Sammlungsthemen gesehen werden können. Auch über den Tod des Sammlers hinaus kommen weiterhin Großkonvolute einzelner Fotograf*innen und Bestände von Archiven hinzu, die in der Stiftung F.C. Gundlach bewahrt und bearbeitet werden.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Natalja Aljasova. Konzeption: Natalja Aljasova und Jasmin Seck.

Les loisirs sont un sujet qui nous préoccupe tous en permanence. Ne rien faire, tout simplement ? C'est impossible ! Notre vie est devenue plus frénétique et plus intense, et pas seulement depuis la pandémie de Corona. Partout, nous sommes confrontés à des activités de loisirs toujours plus passionnantes, aventureuses et exotiques. La pression pour pouvoir et prétendument devoir suivre le rythme est énorme. Les loisirs sont passés d'un temps de repos après le travail à un phénomène de masse rythmé. Aux heures de pointe après le travail, le week-end et les jours fériés, les plages, les piscines, les salles de sport, les cinémas et les parcs sont pleins à craquer. Tout le monde aspire à une détente maximale, à l'optimisation de soi et à la plus grande distance possible avec le quotidien.

A DAY OFF au f³ - freiraum für fotografie visualise avec un clin d'œil les manifestations de notre culture des loisirs : on se régale, on grignote, on fume, on transpire et on se défoule à tout va. Certaines scènes sont aujourd'hui impensables. D'autres se ressemblent : à l'époque comme aujourd'hui, on prenait largement le soleil, on allait voir le dernier film au cinéma, on se déhanchait ou on jouait au bingo ensemble. À travers l'objectif de quelques-uns des photographes* les plus renommés au monde, nous avons un aperçu de l'évolution de notre comportement en matière de loisirs au cours des cent dernières années.

La collection F.C. Gundlach
Pendant de nombreuses décennies, F.C. Gundlach, lui-même l'un des plus importants photographes de mode de la République fédérale d'Allemagne, a collectionné des photographies et a réuni l'une des plus importantes collections privées de photographies du pays. Au cœur de cette collection se trouve le visuel de l'homme dans la photographie. C'est sous ce titre que, depuis 2005, près de 9.000 œuvres photographiques de la collection ont fait leur entrée à la Haus der Photographie, dans le sud de la Deichtorhalle à Hambourg, sous forme de prêt permanent. En outre, de nombreux autres types et genres de photographie faisaient et font toujours partie de la collection F.C. Gundlach, qui peuvent en partie être considérés comme des thèmes de collection à part entière. Même après la mort du collectionneur, de gros volumes de photographes individuels* et des fonds d'archives continuent d'être conservés et traités par la fondation F.C. Gundlach.

L'exposition a été organisée par Natalja Aljasova. Conception : Natalja Aljasova et Jasmin Seck.

L'organizzazione del tempo libero è un tema che ci occupa costantemente. Non fare nulla per una volta? Impossibile! La nostra vita è diventata più frenetica e intensa, e non solo dopo la pandemia di coronavirus. Ovunque ci troviamo di fronte ad attività di svago sempre più eccitanti, avventurose ed esotiche. La pressione per stare al passo e presumibilmente doverlo fare è enorme. Il tempo libero si è trasformato da momento di relax dopo il lavoro in un fenomeno di massa con un programma serrato. Nei momenti di punta dopo il lavoro, nei fine settimana e nei giorni festivi, le spiagge, le piscine, gli impianti sportivi, i cinema e i parchi sono pieni zeppi. Tutti cercano il massimo relax, l'auto-ottimizzazione e la massima distanza possibile dalla vita quotidiana.

A DAY OFF a f³ - freiraum für fotografie visualizza le manifestazioni della nostra cultura del tempo libero con una strizzatina d'occhio: le persone banchettano, sfrigolano, fumano, sudano e si danno da fare. Alcune scene sono inimmaginabili oggi. Altre sono le stesse: allora come oggi, le persone prendevano il sole, guardavano l'ultimo film al cinema, ballavano tutta la notte o giocavano a bingo insieme. Attraverso l'obiettivo di alcuni tra i più famosi fotografi del mondo, possiamo capire come sono cambiati i nostri comportamenti nel tempo libero negli ultimi cento anni.

La collezione F.C. Gundlach
Nel corso di molti decenni, F.C. Gundlach, egli stesso uno dei più importanti fotografi di moda della Repubblica Federale Tedesca, ha collezionato fotografie e accumulato una delle più importanti collezioni fotografiche private del Paese. L'attenzione è rivolta all'immagine delle persone nella fotografia. A questo titolo, dal 2005 circa 9.000 opere fotografiche della collezione sono in prestito permanente alla Casa della Fotografia nella Deichtorhalle meridionale di Amburgo. Inoltre, molti altri tipi e generi di fotografia facevano e fanno parte della Collezione F.C. Gundlach, alcuni dei quali possono essere considerati come temi della collezione a sé stanti. Anche dopo la morte del collezionista, la Fondazione F.C. Gundlach continua a conservare ed elaborare grandi collezioni di singoli fotografi e archivi.

La mostra è stata curata da Natalja Aljasova. Ideazione: Natalja Aljasova e Jasmin Seck.

Leisure activities are a topic that constantly occupies us all. Just do nothing? Impossible! Our lives have become more hectic and intense, and not just since the coronavirus pandemic. We are confronted with ever more exciting, adventurous and exotic leisure activities everywhere. The pressure to keep up and supposedly have to is enormous. Leisure time has gone from being a time to relax after work to a mass phenomenon. At peak times after work, at weekends and on public holidays, beaches, swimming pools, sports studios, cinemas and parks are bursting at the seams. Everyone is striving for maximum relaxation, self-optimization and the greatest possible distance from everyday life.

A DAY OFF at f³ – freiraum für fotografie visualizes the manifestations of our leisure culture with a wink: people feast, sizzle, smoke, sweat and work out as much as they can. Some scenes are no longer conceivable today. Others are similar: then, as now, people soaked up the sun, watched the latest film in the cinema, danced or played bingo together. Through the lens of some of the world's most renowned photographers, we gain an insight into how our leisure behavior has changed over the past hundred years.

The F.C. Gundlach Collection
For many decades, F.C. Gundlach, himself one of the most important fashion photographers in the Federal Republic of Germany, collected photography and amassed one of the most important private photography collections in the country. The focus is the image of man in photography. Under this title, around 9,000 photographic works from the collection have been on permanent loan to the House of Photography in the southern Deichtorhalle in Hamburg since 2005. In addition, many other types and genres of photography were and are part of the F.C. Gundlach Collection, some of which can be seen as collection themes in their own right. Even after the collector's death, the F.C. Gundlach Foundation continues to add large collections of individual photographers and archives, which are preserved and processed.

The exhibition was curated by Natalja Aljasova. Concept: Natalja Aljasova and Jasmin Seck.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

Kunsthaus Zofingen
16. März – 26. Mai 2024

Hier! Jetzt!
Daniel Bracher, Christina Gähler, Susanne Lemberg, Samuel Peyer

Was geschieht in den Ateliers in und um Zofingen? Woran arbeiten die Künstler*innen? Bei der Ausstellung «Hier! Jetzt!» ist der Titel Programm: Die vier Kunstschaffenden Daniel Bracher (1971), Christina Gähler (1988), Susanne Lemberg (1962) und Samuel Peyer (1957) zeigen aktuelles Schaffen aus der Region. So unterschiedlich die vier Künstler*innen in ihrer kreativen Arbeit vorgehen, so viel Gemeinsamkeit, Harmonie aber auch Gegensätzlichkeit lassen sich in ihren Werken erkennen. Gezeigt wird ein breites Spektrum an Gemälden, Collagen, unterschiedlichste Drucktechniken, Fotografien, Installationen, Objekte und Skulpturen.

Kuratiert von Eva Bigler und Ursula Liebich

Que se passe-t-il dans les ateliers de Zofingen et des environs ? Sur quoi travaillent les artistes ? Dans l'exposition "Hier ! Jetzt !", le titre est tout un programme : les quatre artistes Daniel Bracher (1971), Christina Gähler (1988), Susanne Lemberg (1962) et Samuel Peyer (1957) présentent des créations actuelles de la région. Si les quatre artistes* ont des approches différentes dans leur travail créatif, leurs œuvres révèlent autant de points communs, d'harmonie mais aussi de contrastes. Un large éventail de peintures, collages, techniques d'impression les plus diverses, photographies, installations, objets et sculptures seront présentés.

Organisé par Eva Bigler et Ursula Liebich

Cosa succede negli atelier di Zofingen e dintorni? A cosa lavorano gli artisti? Nella mostra "Here! Now!", il titolo dice tutto: i quattro artisti Daniel Bracher (1971), Christina Gähler (1988), Susanne Lemberg (1962) e Samuel Peyer (1957) espongono opere attuali della regione. Per quanto i quattro artisti siano diversi nel loro approccio creativo, nelle loro opere si possono riconoscere molti punti in comune, armonia e contrasti. Sarà esposto un ampio spettro di dipinti, collage, varie tecniche di stampa, fotografie, installazioni, oggetti e sculture.

A cura di Eva Bigler e Ursula Liebich

What happens in the studios in and around Zofingen? What are the artists working on? The title of the exhibition "Here! Now!" says it all: the four artists Daniel Bracher (1971), Christina Gähler (1988), Susanne Lemberg (1962) and Samuel Peyer (1957) are showing current works from the region. As different as the four artists are in their creative approach, there is a lot of common ground, harmony and contrast in their works. A broad spectrum of paintings, collages, various printing techniques, photographs, installations, objects and sculptures will be on display.

Curated by Eva Bigler and Ursula Liebich

(Text: Kunsthaus Zofingen)

Musée jurassien des Arts | Moutier
17. März – 26. Mai 2024

Bernd Nicolaisen, Amedeo Baumgartner

Die Natur steht im Mittelpunkt des Schaffens von Bernd Nicolaisen und Amedeo Baumgartner. Die Ausstellung zeigt den einzigartigen Ansatz jedes dieser Berner Künstler, um sich mit diesem Thema zu befassen, das im Kontext der aktuellen Umweltkrisen von zentraler Bedeutung ist. Sie betont aber auch ihre Konvergenzen insbesondere die Aufmerksamkeit für die Nahaufnahme als Mikrokosmos in einem Dialog zwischen Nicolaisens Werken, die auf Fotografie basieren, und Baumgartners Gemälden.

Einzigartikeit
In der alten Villa, die das Museum beherbergt, wird den Künstler n je eine Etage zur Verfügung gestellt , wo man die Einzigartigkeit von Nicolaisens auf Fotografie basierenden Arbeiten und Baumgartners malerischen Forschungen vertiefen kann.

Bernd Nicolaisen nimmt grundlegende Elemente, Eis, tausendjähriges Holz oder Fels auf , oder reflektiert einen Kometen . Er arbeitet bei seinen Aufnahmen mit langen Verschlusszeiten und achtet besonders auf die natürliche Lichtverteilung, ohne auf künstliche Beleuchtung oder Retusche zurückzugreifen . In Werken wie seinen Stratagram s versucht er jedoch , über die dokumentarische Spiegelung hinauszugehen, indem er vor Ort gefundene Mineralien und Pigmente verwendet, als Echo auf das, was sich in den Tiefen der Erde verbirgt.

Amedeo Baumgartner schöpft die Motive für seinen umfangreichen Zyklus Ex Natura aus seinen Wanderungen in der Natur. Er fotografiert einen Farn, einen Ast oder einen Felsen und verwendet diese Bilder dann als Vorbereitungsskizze n , die auf die Leinwand übertragen w erden. Er baut seine Bilder dann in einem komplexen Prozess malerisch auf , indem er Schichten von feinsten Pinselstrichen und Firnissen überlagert, wodurch die Farben von selbst Tiefe gewinnen. Seine Werke bewegen sich zwischen Hyperrealismus und poetischer Interpretation.

Der Künstler zeigt auch Werke aus seinem anderen Zyklus, Ex Cinema , die von Filmszenen inspiriert sind.

Konvergenzen
Der große Saal des Musée jurassien des Arts legt den Schwerpunkt auf die Konvergenzen zwischen den beiden Künstlern in Form eines Dialogs zwischen ihren Werken Das lebendige Wasser der Bäche, gemalt von Amedeo Baumgartner, antwortet auf das uralte Eis, fotografiert von Bernd Nicolaisen. Auf überraschende Weise harmoniert eine Blumenwiese oder ein Waldpfad des Ersteren mit Nahaufnahmen der tausendjährigen Bergpinienrinde des Letzteren.

Abgesehen von diesen formalen und thematischen Anklängen konvergieren beide Künstler durch ihren bedeutungsvollen Bildausschnitt. Weit entfernt von einem breiten Blickwinkel, der zur Ansicht einer Landschaft tendieren würde, konzentrieren sie sich auf das Detail . Jeder betrachtet diese Fragmente zudem als einen Mikrokosmos, der die Quintessenz der natürlichen Welt zusammenfasst, und hofft, auf diese Weise beim Betrachter Fragen über sein e Beziehung zur Natur zu wecken.

Schließlich spielt die Zeitlichkeit eine Rolle im Ansatz beide r Künstler .

Bernd Nicolaisen verbindet und konfrontiert Erdzyklen mit fotografischer Dauer. In seinen Aufnahmen verdichtet er die zeitliche Dimension von Überresten natürlicher Elemente die manchmal Zehntausende von Jahren alt sind. Auf diese Weise untersucht er die Vergänglichkeit der menschlichen Existenz vor dem Hintergrund des Ausmaßes der Erdgeschichte.

Amedeo Baumgartner seinerseits integriert ebenfalls die Dimension der Zeit, indem er seine Gemälde als Ergebnis einer Verkettung von Erfahrungen und Ideen versteht, die er auf seiner Suche nach Motiven in der Natur erlebt. Ein Mosaik dieser Momente, die sich allmählich zusammenfügen, bildet das endgültige Bild.

La nature est au coeur des oeuvres de Bernd Nicolaisen, basées sur la photographie, et des toiles d’Amedeo Baumgartner. L'exposition présente l'approche singulière avec laquelle chacun de ces artistes bernois aborde ce thème crucial, à l'ère des enjeux écologiques actuels. Mais elle souligne aussi les convergences qui existent entre les démarches des deux créateurs, notamment leur attention au gros plan en tant que microcosme.

Singularités
Dans l’ancienne villa qui abrite le musée, un étage réservé à chacun permet d’approfondir la singularité des travaux de Nicolaisen, basée sur la photographie, et celle des recherches picturales de Baumgartner.

Bernd Nicolaisen capte des éléments fondamentaux et ancestraux, bois, glace ou roche millénaires, ou reflète librement une comète. Il travaille ses prises de vue avec de longs temps de pause et porte une attention particulière à la distribution naturelle de la lumière, n’ayant jamais recours à un éclairage artificiel ou à la retouche. Pourtant, dans des oeuvres telles que ses Stratagrams, il cherche à dépasser le reflet documentaire en utilisant des minéraux et des pigments trouvés sur place, en écho à ce qui se cache dans les profondeurs de la terre.

De son côté, Amedeo Baumgartner puise les motifs de son vaste cycle Ex Natura lors de ses randonnées dans la nature. Il photographie une fougère, un branchage, un rocher et utilise ensuite ces images comme esquisses préparatoires. Il construit ensuite ses images picturalement au fil d’un processus complexe. Il superpose des strates de coups de pinceau très fin et de vernis, afin que les couleurs acquièrent une profondeur par elles-mêmes. Ses oeuvres oscillent entre hyperréalisme et interprétation poétique.

L’artiste présente également des oeuvres de son autre cycle, Ex Cinema, inspirées par des scènes de films.

Convergences
La grande salle du musée met l’accent sur les convergences entre les deux artistes, sous la forme d’un dialogue entre leurs oeuvres. L’eau vive des ruisseaux peinte par Amedeo Baumgartner répond à la glace ancestrale photographiée par Bernd Nicolaisen. Un pré fleuri ou un sentier forestier du premier s’accorde de manière surprenante avec certains gros plans d’écorce de pins millénaires du second.

Au-delà de ces échos thématiques et formels, les deux artistes se rejoignent par leurs cadrages porteurs de sens. Loin d’un large point de vue qui tendrait vers le paysage, ils se concentrent sur le détail. Chacun considère en outre ces fragments comme un microcosme, synthétisant la quintessence

du monde naturel, et espère par ce biais éveiller un questionnement du spectateur sur le plan de son rapport à la nature.

Enfin, la temporalité traverse l’approche des deux artistes.

Bernd Nicolaisen associe et confronte cycles terrestres et durée photographique. Il condense dans ses prises de vue la dimension temporelle de vestiges d’éléments naturels – qui remontent parfois à des dizaines de milliers d’année. Il interroge ainsi le caractère éphémère de l’existence humaine à l’aune de l’étendue de l’histoire terrestre.

De son côté, Amedeo Baumgartner intègre également la dimension du temps en concevant ses peintures comme le résultat d’un enchaînement d’expériences et d’idées, vécues au fil de sa quête de motifs dans la nature. Le tableau final est fait d’une mosaïque de ces moments qui s’assemblent progressivement.

La natura è al centro del lavoro di Bernd Nicolaisen e Amedeo Baumgartner. La mostra mostra l'approccio unico di ciascuno di questi artisti bernesi a questo tema, di importanza centrale nel contesto delle attuali crisi ambientali. Ma evidenzia anche le loro convergenze, in particolare l'attenzione al primo piano come microcosmo in un dialogo tra le opere di Nicolaisen basate sulla fotografia e i dipinti di Baumgartner.

Unicità
Nell'antica villa che ospita il museo, gli artisti hanno a disposizione un piano per esplorare l'unicità delle opere di Nicolaisen basate sulla fotografia e della ricerca pittorica di Baumgartner.

Bernd Nicolaisen cattura elementi fondamentali, ghiaccio, legno o roccia millenaria, o riflette una cometa. Lavora con tempi di posa lenti e presta particolare attenzione alla distribuzione naturale della luce, senza ricorrere all'illuminazione artificiale o al ritocco. In opere come i suoi stratagrammi, tuttavia, cerca di andare oltre la riflessione documentaria utilizzando minerali e pigmenti trovati sul posto come eco di ciò che si nasconde nelle profondità della terra.

Amedeo Baumgartner trae i motivi del suo ampio ciclo Ex Natura dalle sue passeggiate nella natura. Fotografa una felce, un ramo o una roccia e utilizza queste immagini come schizzi preparatori da trasferire sulla tela. Poi costruisce i suoi quadri con un complesso processo pittorico, sovrapponendo strati di pennellate e vernici finissime, in modo che i colori acquistino profondità da soli. Le sue opere si muovono tra iperrealismo e interpretazione poetica.

L'artista espone anche opere del suo altro ciclo, Ex Cinema, ispirate a scene di film.

Convergenze
La grande sala del Musée jurassien des Arts si concentra sulle convergenze tra i due artisti sotto forma di dialogo tra le loro opere L'acqua viva dei ruscelli, dipinta da Amedeo Baumgartner, risponde al ghiaccio antico, fotografato da Bernd Nicolaisen. In modo sorprendente, un prato fiorito o un sentiero forestale del primo si armonizza con i primi piani della corteccia millenaria di pino mugo del secondo.

Oltre a questi echi formali e tematici, entrambi gli artisti convergono attraverso la loro significativa inquadratura. Lontani da una prospettiva ampia che tenderebbe a una visione paesaggistica, si concentrano sul dettaglio. Ognuno di loro vede questi frammenti come un microcosmo che riassume la quintessenza del mondo naturale, sperando in questo modo di risvegliare nello spettatore domande sul proprio rapporto con la natura.

Infine, la temporalità gioca un ruolo importante nell'approccio di entrambi gli artisti.

Bernd Nicolaisen combina e confronta i cicli della terra con la durata fotografica. Nelle sue fotografie condensa la dimensione temporale di resti di elementi naturali che a volte hanno decine di migliaia di anni. In questo modo, esamina la transitorietà dell'esistenza umana sullo sfondo della scala della storia della Terra.

Anche Amedeo Baumgartner, da parte sua, integra la dimensione del tempo intendendo i suoi dipinti come il risultato di una concatenazione di esperienze e idee che sperimenta nella sua ricerca di motivi nella natura. Un mosaico di questi momenti, che si uniscono gradualmente, forma l'immagine finale.

Nature is at the heart of the work of Bernd Nicolaisen and Amedeo Baumgartner. The exhibition demonstrates the unique approach of each of these Bernese artists to this theme, which is central in the context of current environmental crises. But it also emphasizes their convergences in particular the attention to the close-up as a microcosm in a dialogue between Nicolaisen's works based on photography and Baumgartner's paintings.

Uniqueness
In the old villa that houses the museum, the artists are each given a floor to explore the uniqueness of Nicolaisen's photography-based works and Baumgartner's painterly research.

Bernd Nicolaisen takes up basic elements, ice, millennial wood or rock, or reflects a comet . He works with slow shutter speeds and pays particular attention to the natural distribution of light, without resorting to artificial lighting or retouching. In works such as his Stratagram s, however, he tries to go beyond documentary reflection by using minerals and pigments found on site as an echo of what is hidden in the depths of the earth.

Amedeo Baumgartner draws the motifs for his extensive Ex Natura cycle from his walks in nature. He photographs a fern, a branch or a rock and then uses these images as preparatory sketches w hich are transferred to the canvas. He then builds up his visuals in a complex painterly process by superimposing layers of the finest brushstrokes and varnishes, allowing the colors to gain depth on their own. His works move between hyperrealism and poetic interpretation.

The artist is also showing works from his other cycle, Ex Cinema , which are inspired by film scenes.

Convergences
The large room of the Musée jurassien des Arts focuses on the convergences between the two artists in the form of a dialog between their works The living water of the streams, painted by Amedeo Baumgartner, responds to the ancient ice, photographed by Bernd Nicolaisen. In a surprising way, a flower meadow or a forest path by the former harmonizes with close-ups of the thousand-year-old mountain pine bark by the latter.

Apart from these formal and thematic echoes, both artists converge through their meaningful framing. Far from a broad perspective that would tend towards a view of a landscape, they focus on the detail . Each also sees these fragments as a microcosm that summarizes the quintessence of the natural world, hoping in this way to awaken questions in the viewer about their relationship with nature.

Finally, temporality plays a role in the approach of both artists.

Bernd Nicolaisen combines and confronts earth cycles with photographic duration. In his photographs, he condenses the temporal dimension of the remains of natural elements that are sometimes tens of thousands of years old. In this way, he examines the transience of human existence against the backdrop of the scale of the earth's history.

Amedeo Baumgartner, for his part, also integrates the dimension of time by understanding his paintings as the result of a concatenation of experiences and ideas that he encounters in his search for motifs in nature. A mosaic of these moments, which gradually come together, forms the final visual.

(Text: Musée jurassien des Arts, Moutier)

Museum für Kunst & Gewerbe | Hamburg
22. März – 29. September 2024

Fragile Schönheiten. Spitze in Mode und Fotografie

Spitze ist zart und fragil, sie legt sich wie ein Netz auf die Haut. Die feinteilige Struktur und die Balance zwischen freier und bearbeiteter Fläche fordert unser Auge, genau hinzuschauen – das gilt sowohl für das feine Gewebe als auch für seine fotografische Darstellung. Die Ausstellung „Fragile Schönheiten. Spitze in Mode und Fotografie“ im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) wirft ein Schlaglicht auf das Thema Spitze und zeigt beispielhaft Werke aus der Sammlung, darunter Arbeiten aus den 1910er und 1920er Jahren unter anderem von der herausragenden deutschen Klöppelkünstlerin Leni Matthaei und der bekannten Fotografin Madame d’Ora.

Die Ausstellung verfolgt einen assoziativen Ansatz, dieser findet sich auch im umfassenden Werk von Madame d’Ora (1881–1963) wieder: Als angesagte Modefotografin im Wien des beginnenden 20. Jahrhunderts lichtete sie Repräsentantinnen des ausgehenden Kaiserreichs Österreich-Ungarn in delikater Spitze ab. Motivisch vergleichbare Gewebe und Netzstrukturen entdeckte sie in den Pariser Schlachthöfen und nannte die Fotografien von tierischen Überresten fast zärtlich „La Dentelle“ – „die Spitze“. Von diesem visuellen Widerspruch ausgehend blickt die Ausstellung in die Schubladen der Sammlungen Textil und Fotografie des MK&G.

Mit seinen Ursprüngen, die bis ins 16. Jahrhundert zurückreichen, hat sich das Klöppelhandwerk in die Geschichte des Kunstgewerbes eingeschrieben und ein Vermächtnis voller Schönheit hinterlassen. Der Reiz geklöppelter Spitze liegt in ihren komplexen Mustern und zarten Motiven sowie der ausgefeilten Technik: Mit sorgfältig choreografiertem Drehen und Kreuzen der Klöppelnadeln werden Schläge in das Gewebe eingearbeitet. Von den eleganten Kurven floraler Muster bis zur geometrischen Präzision komplizierter Gitterwerke verweben sich die Fäden zu faszinierendem Garngeflecht. In einer Welt, die von Technologie und Massenproduktion dominiert wird, ist Klöppelspitze ein Sinnbild für die dauerhafte Kraft hochwertiger Handwerkskunst.

Eine der wenigen bekannten Spitzenentwerferinnen und Klöppelkünstlerinnen war Leni Matthaei (1873–1981). Ermutigt durch den Gründungsdirektor des Museums für Kunst und Gewerbe Hamburg Justus Brinckmann, dem sie ihre Entwürfe zeigte, erlernte sie um 1907 das Klöppelhandwerk an der Ecole de Dentelles et Broderie Paris. In der Sammlung des MK&G befinden sich rund 80 Arbeiten von Leni Matthaei. In der Zusammenschau der Klöppelkunst mit Fotografien des 19. bis Mitte des 20. Jahrhunderts aus der Sammlung – unter anderem von Imre von Santho (1895–1957), Constant Puyo (1857–1933), David Octavius Hill (1802–1870) und Arthur Benda (1885–1969) – wird Spitze als außergewöhnliches Kunsthandwerk und als Mittel der fotografischen Inszenierung vorgestellt. Häufig wird die Spitze in ihrer Zerbrechlichkeit als Sinnbild für die Verletzlichkeit des menschlichen Körpers eingesetzt.

La dentelle est délicate et fragile, elle se pose sur la peau comme un filet. La structure finement divisée et l'équilibre entre surface libre et surface travaillée demandent à notre œil de regarder attentivement - cela vaut aussi bien pour le tissu fin que pour sa représentation photographique. L'exposition "Fragile Schönheiten. La dentelle dans la mode et la photographie" au Museum für Kunst und Gewerbe de Hambourg (MK&G) met en lumière le thème de la dentelle et présente des œuvres exemplaires de la collection, dont des travaux des années 1910 et 1920, entre autres de l'éminente artiste dentellière allemande Leni Matthaei et de la célèbre photographe Madame d'Ora.

L'exposition suit une approche associative, que l'on retrouve également dans l'œuvre complète de Madame d'Ora (1881-1963) : en tant que photographe de mode en vogue dans la Vienne du début du 20e siècle, elle photographiait les représentantes de l'empire austro-hongrois finissant dans de délicates dentelles. Elle a découvert des tissus et des structures réticulaires aux motifs comparables dans les abattoirs parisiens et a appelé presque tendrement les photographies de restes d'animaux "La Dentelle" - "la dentelle". C'est à partir de cette contradiction visuelle que l'exposition regarde dans les tiroirs des collections de textile et de photographie du MK&G.

Avec ses origines qui remontent au XVIe siècle, la dentelle aux fuseaux s'est inscrite dans l'histoire des arts décoratifs et a laissé un héritage plein de beauté. Le charme de la dentelle aux fuseaux réside dans ses motifs complexes et délicats ainsi que dans sa technique sophistiquée : des coups sont incorporés dans le tissu grâce à une chorégraphie minutieuse de rotation et de croisement des aiguilles à fuseaux. Des courbes élégantes des motifs floraux à la précision géométrique des grillages compliqués, les fils s'entrelacent pour former des entrelacs de fils fascinants. Dans un monde dominé par la technologie et la production de masse, la dentelle aux fuseaux est un symbole de la force durable de l'artisanat de qualité.

Leni Matthaei (1873-1981) était l'une des rares créatrices de dentelle et artistes dentellières connues. Encouragée par le directeur fondateur du Musée des arts et métiers de Hambourg Justus Brinckmann, à qui elle montra ses créations, elle apprit vers 1907 le métier de dentellière à l'Ecole de Dentelles et Broderie de Paris. La collection du MK&G contient environ 80 œuvres de Leni Matthaei. La dentelle est présentée comme un artisanat d'art exceptionnel et comme un moyen de mise en scène photographique dans la réunion de l'art de la dentelle avec des photographies du 19e au milieu du 20e siècle de la collection - entre autres d'Imre von Santho (1895-1957), Constant Puyo (1857-1933), David Octavius Hill (1802-1870) et Arthur Benda (1885-1969). Souvent, la dentelle est utilisée dans sa fragilité comme symbole de la vulnérabilité du corps humain.

Il pizzo è delicato e fragile, copre la pelle come una rete. La struttura delicata e l'equilibrio tra superfici libere e lavorate richiedono che i nostri occhi guardino da vicino: questo vale sia per il tessuto pregiato che per la sua rappresentazione fotografica. La mostra "Fragile Beauties. Il merletto nella moda e nella fotografia" al Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) fa luce sul tema del merletto e presenta esempi di opere della collezione, tra cui pezzi degli anni Dieci e Venti dell'eccezionale artista tedesca del merletto Leni Matthaei e della nota fotografa Madame d'Ora.

La mostra persegue un approccio associativo, che si riflette anche nella vasta opera di Madame d'Ora (1881-1963): come fotografa di moda a Vienna all'inizio del XX secolo, fotografò i rappresentanti del defunto Impero austro-ungarico in delicati pizzi. Scoprì tessuti simili e strutture a rete nei mattatoi parigini e chiamò quasi con tenerezza le fotografie dei resti animali "La Dentelle" - "il pizzo". Partendo da questa contraddizione visiva, la mostra si addentra nei cassetti delle collezioni tessili e fotografiche dell'MK&G.

Con le sue origini risalenti al XVI secolo, la lavorazione del merletto si è iscritta nella storia delle arti e dei mestieri e ha lasciato un'eredità piena di bellezza. Il fascino del merletto a tombolo risiede nei suoi disegni complessi e nei suoi motivi delicati, oltre che nella sua tecnica sofisticata: gli aghi del tombolo vengono lavorati in modo accuratamente coreografico con torsioni e incroci nel tessuto. Dalle eleganti curve dei motivi floreali alla precisione geometrica degli intricati reticoli, i fili vengono intrecciati in affascinanti trame di filato. In un mondo dominato dalla tecnologia e dalla produzione di massa, il merletto a tombolo simboleggia il potere duraturo dell'artigianato di alta qualità.

Una delle poche designer di merletti e artiste di merletti a fuselli conosciute è Leni Matthaei (1873-1981). Incoraggiata dal direttore del Museum für Kunst und Gewerbe di Amburgo, Justus Brinckmann, al quale mostrò i suoi disegni, imparò l'arte del merletto all'Ecole de Dentelles et Broderie di Parigi intorno al 1907. La collezione MK&G contiene circa 80 opere di Leni Matthaei. Nella sinossi dell'arte del merletto con fotografie dal XIX alla metà del XX secolo della collezione - tra cui opere di Imre von Santho (1895-1957), Constant Puyo (1857-1933), David Octavius Hill (1802-1870) e Arthur Benda (1885-1969) - il merletto viene presentato come un mestiere straordinario e come mezzo di messa in scena fotografica. La fragilità del pizzo è spesso utilizzata per simboleggiare la vulnerabilità del corpo umano.

Lace is delicate and fragile, settling across the skin like a web. The delicate structure and the balance between open and worked surfaces challenge our eye to look more closely – both at the fine tissue itself and its photographic reproduction. The exhibition “Fragile Beauties: Lace in Fashion and Photography” at the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) showcases instances of lace found in exemplary works in the collection, some of them dating from the 1910s and 20s by, among others, the outstanding German lace artist Leni Matthaei and the well-known photographer Madame d’Ora.

The exhibition pursues an associative approach that is reflected in Madame d'Ora's (1881–1963) extensive oeuvre: As a popular fashion photographer in early-twentieth-century Vienna, she photographed representatives of the late Austro-Hungarian Empire decked out in exquisite lace garments. But similar tissues and web-like structures can also be found in the photographs Madame d’Ora took in the 1950s of animal remains at Parisian slaughterhouses, entitling the resulting images almost tenderly “La Dentelle”, or “lace”. Taking this visual contradiction as its point of departure, the show delves into the storage drawers of the MK&G’s textiles and photography collections.

Originating in the sixteenth century, bobbin lace became part of the history of decorative arts, leaving a legacy of fragile beauty. The appeal of this type of lace lies in its complex patterns and filigree motifs, as well as in the sophisticated technique used to make it. Through the carefully choreographed turning and crossing of the bobbin lace needles, different stitches are worked into the fabric. From the elegant curves of floral patterns to the geometric precision of intricate latticework, the threads weave themselves into a fascinating mesh. In a world dominated by technology and mass production, bobbin lace is a symbol of the enduring vitality of high-quality craftsmanship.

Leni Matthaei (1873–1981) was one of the few lace designers and bobbin lace artists to achieve name recognition. Encouraged by Justus Brinckmann, founding director of the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, to whom she showed her designs, she learned the craft of lace-making at the Ecole de Dentelles et Broderie in Paris around 1907. The MK&G collection has around 80 works by Leni Matthaei.

Through this juxtaposition of photographs from the nineteenth to the mid-twentieth century – including those by Imre von Santho (1895–1957), Constant Puyo (1857–1933), David Octavius Hill (1802–1870) and Arthur Benda (1885–1969) – and the art of bobbin lace, viewers can experience lace as an extraordinary craft and a compelling means of photographic staging in which the fragility of the lace often serves as a metaphor for the vulnerability of the human body.

(Text: Museum für Kunst & Gewerbe, Hamburg)

Foto Arsenal Wien
22. März – 23. Juni 2024

Beate Gütschow. Widerstand, Flut, Brand, Widerstand.

Dystopische Situationen, bei denen Menschen an einem Abgrund stehen, menschenleere Landschaften, ausgestorbene Dörfer – bei den Bildern von Beate Gütschow wird erst auf den zweiten Blick deutlich, dass es sich um protestierende Menschenansammlungen, Überreste von zivilisatorischen Eingriffen nach einer Flutkatastrophe oder Spuren von Bränden in Wäldern und Landschaften handelt. Alle gezeigten Ereignisse haben in den letzten Jahren nicht irgendwo auf dem Globus, sondern in Deutschland stattgefunden.

Erst Wochen nach den Ereignissen kommt Beate Gütschow an jene Orte. In fotografischen Langzeitstudien entwickelt sie Gegenbilder zu den üblichen medial verbreiteten Katastrophendarstellungen. Es sind stillere Bilder, die einen emotionalen und analytischen Zugang ermöglichen. Gleichzeitig ist Gütschow Teil der Klimagerechtigkeitsbewegung: Hier dokumentiert sie teilnehmend und aufzeichnend Aktionen, Besetzungen und Demonstrationen – eine Innenperspektive, die sich zu tagebuchartigen Aufzeichnungen transformiert, die einerseits von Erlebnissen und Begegnungen vor Ort berichten, andererseits die politischen Rahmenbedingungen und den psychologischen Umgang mit der Erderhitzung reflektieren.

FOTO ARSENAL WIEN zeigt die erste Soloausstellung von Beate Gütschow in Wien vom 22.3. bis 23.6.2024 mit rund 100 Arbeiten, die in Kooperation mit der Klima Biennale Wien (5.4. bis 14.6.2024) stattfindet und von Felix Hoffmann, Artistic Director Foto Arsenal Wien, kuratiert wird.

Des situations dystopiques où les gens se tiennent au bord d'un gouffre, des paysages déserts, des villages éteints - dans les visuels de Beate Gütschow, ce n'est qu'au deuxième coup d'œil que l'on se rend compte qu'il s'agit de rassemblements de personnes qui protestent, de vestiges d'interventions de la civilisation après une inondation catastrophique ou de traces d'incendies dans les forêts et les paysages. Tous les événements montrés n'ont pas eu lieu n'importe où sur le globe ces dernières années, mais en Allemagne.

Ce n'est que plusieurs semaines après les événements que Beate Gütschow se rend sur ces lieux. Dans des études photographiques à long terme, elle développe des contre-images aux représentations habituelles des catastrophes diffusées par les médias. Il s'agit de visuels plus silencieux, qui permettent une approche émotionnelle et analytique. Parallèlement, Gütschow fait partie du mouvement pour la justice climatique : Elle y documente des actions, des occupations et des manifestations en y participant et en les enregistrant - une perspective intérieure qui se transforme en enregistrements sous forme de journaux intimes qui, d'une part, relatent des expériences et des rencontres sur place et, d'autre part, reflètent les conditions politiques générales et l'approche psychologique du réchauffement de la planète.

FOTO ARSENAL WIEN présente la première exposition solo de Beate Gütschow à Vienne du 22.3 au 23.6.2024 avec une centaine d'œuvres, en coopération avec la Klima Biennale Wien (5.4 au 14.6.2024) et sous le commissariat de Felix Hoffmann, directeur artistique de Foto Arsenal Wien.

Situazioni distopiche in cui le persone si trovano su un precipizio, paesaggi deserti, villaggi estinti: nelle immagini di Beate Gütschow diventa chiaro solo a un secondo sguardo che si tratta di assembramenti di persone in protesta, resti di interventi della civiltà dopo un disastro alluvionale o tracce di incendi in foreste e paesaggi. Tutti gli eventi mostrati hanno avuto luogo negli ultimi anni, non in tutto il mondo, ma in Germania.

Beate Gütschow visita questi luoghi solo settimane dopo gli eventi. In studi fotografici a lungo termine, sviluppa controimmagini rispetto alle consuete rappresentazioni mediatiche delle catastrofi. Si tratta di immagini più tranquille che consentono un approccio emotivo e analitico. Allo stesso tempo, Gütschow fa parte del movimento per la giustizia climatica: Qui documenta la partecipazione e la registrazione di azioni, occupazioni e manifestazioni - una prospettiva interna che viene trasformata in registrazioni simili a diari, che da un lato riportano le esperienze e gli incontri sul posto, e dall'altro riflettono le condizioni politiche generali e la gestione psicologica del riscaldamento globale.

FOTO ARSENAL WIEN presenta la prima mostra personale di Beate Gütschow a Vienna, dal 22 marzo al 23 giugno 2024, con circa 100 opere, che si svolge in collaborazione con la Biennale del Clima di Vienna (5 aprile - 14 giugno 2024) ed è curata da Felix Hoffmann, direttore artistico di Foto Arsenal Wien.

Dystopian situations with people standing on the edge of an abyss, landscapes devoid of humans, and deserted villages—it takes a second look to realize that these photographs depict crowds of protesters, remains of civilization-related interventions after flood disasters, or traces of fires that have ravaged forests and landscapes. These events did not take place just anywhere on the globe in the past years; they all happened in Germany.

Within weeks of the events, Beate Gütschow visited these places. In long-term photographic studies, she develops antitheses that counter the conventional images of catastrophes spread by the media. Her images are quieter, encouraging an emotional and analytical response. Gütschow is also part of the climate justice movement, documenting activities such as occupations and demonstrations as a participant and chronicler—an insider’s perspective—and transforming them into diary-like entries that tell of experiences and encounters on site as well as reflect on the political context and the psychological impact of global warming.

FOTO ARSENAL WIEN presents Beate Gütschow’s first solo exhibition in Vienna from March 22 to June 23, 2024, including around one hundred works. The show, held in cooperation with the Klima Biennale Wien (April 5 to July 14, 2024), is curated by Felix Hoffmann, artistic director of FOTO ARSENAL WIEN.

(Text: Foto Arsenal Wien)

Foto Arsenal Wien
22. März – 23. Juni 2024

Laure Winants: From a Tongue We Are Losing

Wie filtert Licht, was wir wahrnehmen? Wie hören sich Eisberge an? Und wie sieht die chemische Zusammensetzung von Wasser gedruckt aus?

Für ihre umfangreichen Projekte begibt sich Laure Winants (* 1991) an Orte, die mit virulenten klimatischen Veränderungen zu kämpfen haben: schmelzende Gletscher, tauendes arktisches Eis oder sich verändernde Berggipfel. Mit fotografischen Mitteln setzt sie sich mit der Erfassung und Kartierung der Auswirkungen des Klimawandels auseinander. Für ihr Fotoprojekt From a Tongue We Are Losing begab sich die Künstlerin zusammen mit einem multidisziplinären Forscher:innen-Team auf eine viermonatige Expedition ins arktische Eis – eine weiße Wüste, in deren Weiten sich der Mensch winzig klein verliert.

Um die einzigartigen Lichtphänomene dieser außergewöhnlichen Weltregion hoch im Norden einzufangen, hat sie spezielle Techniken entwickelt. Damit macht sie abstrakte Daten greifbar und emotional erfassbar und macht uns die wechselseitige Abhängigkeit von Ökosystemen bewusst. In ihrer Herangehensweise eröffnet Laure Winants einen Dialog zwischen Kunst, Naturwissenschaften und Technik.

Die Ergebnisse ihrer Experimente sind ebenso vielfältig wie einzigartig: 1000 Jahre umspannende Zeitkapseln, Kompositionen aus Licht, akustische Flexionen von Eisbergen, gedruckte chemische Zusammensetzungen von Wasser oder Proben aus Permafrost. Die in diesen Zeitkapseln enthaltenen Daten krempeln unsere bisherigen Vorstellungen um.

Mit ihrer in der Ausstellung gezeigten experimentellen Serie Time Capsule erkundet Winants die Phänomene von Licht und Farbe in der Arktis. Diese Arbeiten sind Prints von Photogrammen, auf die aus Eis geschnittene Formen angebracht wurden. Sie enthüllen die Struktur der Kristalle, hinterlassen jedoch einen Schatten über bestimmten Elementen, die über Millionen von Jahren präsent waren.

FOTO ARSENAL WIEN zeigt Laure Winants erste Einzelausstellung in Österreich mit rund 25 Arbeiten im Rahmen der Klima Biennale. Während der Klima Biennale Wien verwandelt sich FOTO ARSENAL WIEN in ein eigenes Diskurszentrum in Kooperation mit ISTA zu aktuellen ökologischen Fragen. Die Ausstellung wurde von Felix Hoffmann, Artistic Director, kuratiert und findet im MQ Salon statt.

Comment la lumière filtre-t-elle ce que nous percevons ? Quel est le son des icebergs ? Et à quoi ressemble la composition chimique de l'eau imprimée ?

Pour ses projets de grande envergure, Laure Winants (* 1991) se rend dans des lieux confrontés à des changements climatiques virulents : glaciers qui fondent, glace arctique qui fond ou sommets de montagne qui se transforment. Avec des moyens photographiques, elle se penche sur le recensement et la cartographie des effets du changement climatique. Pour son projet photographique From a Tongue We Are Losing, l'artiste s'est lancée, avec une équipe pluridisciplinaire de chercheurs, dans une expédition de quatre mois dans la glace arctique, un désert blanc dans l'immensité duquel l'homme se perd, minuscule.

Elle a développé des techniques spéciales pour capturer les phénomènes lumineux uniques de cette région extraordinaire du monde située très au nord. Elle rend ainsi des données abstraites tangibles et émotionnellement saisissables et nous fait prendre conscience de l'interdépendance des écosystèmes. Dans son approche, Laure Winants ouvre un dialogue entre l'art, les sciences naturelles et la technique.

Les résultats de ses expériences sont aussi variés qu'uniques : capsules temporelles couvrant 1000 ans, compositions de lumière, inflexions acoustiques d'icebergs, compositions chimiques imprimées d'eau ou échantillons de permafrost. Les données contenues dans ces capsules temporelles bouleversent nos idées reçues.

Avec sa série expérimentale Time Capsule présentée dans l'exposition, Winants explore les phénomènes de lumière et de couleur dans l'Arctique. Ces travaux sont des impressions de photogrammes sur lesquels ont été appliquées des formes découpées dans la glace. Elles révèlent la structure des cristaux, mais laissent une ombre sur certains éléments qui ont été présents pendant des millions d'années.

FOTO ARSENAL WIEN présente la première exposition individuelle de Laure Winant en Autriche avec quelque 25 œuvres dans le cadre de la Klima Biennale. Pendant la Biennale climatique de Vienne, FOTO ARSENAL WIEN se transforme en un centre de discussion à part entière, en coopération avec l'ISTA, sur les questions écologiques actuelles. L'exposition a été organisée par Felix Hoffmann, directeur artistique, et se déroule au MQ Salon.

Come la luce filtra ciò che percepiamo? Che suono hanno gli iceberg? E come appare la composizione chimica dell'acqua stampata?

Per i suoi ampi progetti, Laure Winants (* 1991) viaggia in luoghi che stanno lottando con cambiamenti climatici virulenti: ghiacciai che si sciolgono, ghiaccio artico che si scongela o cime di montagna che cambiano. Utilizza mezzi fotografici per registrare e mappare gli effetti del cambiamento climatico. Per il suo progetto fotografico From a Tongue We Are Losing, l'artista e un team multidisciplinare di ricercatori hanno intrapreso una spedizione di quattro mesi tra i ghiacci dell'Artico, un deserto bianco nella cui vastità gli esseri umani si perdono in miniatura.

L'artista ha sviluppato tecniche speciali per catturare i fenomeni luminosi unici di questa straordinaria regione del mondo, in alto nel nord. In questo modo, rende tangibili ed emotivamente concreti i dati astratti e ci rende consapevoli dell'interdipendenza degli ecosistemi. Nel suo approccio, Laure Winants apre un dialogo tra arte, scienza e tecnologia.

I risultati dei suoi esperimenti sono tanto diversi quanto unici: capsule del tempo che abbracciano 1000 anni, composizioni di luce, inflessioni acustiche di iceberg, composizioni chimiche stampate dell'acqua o campioni di permafrost. I dati contenuti in queste capsule temporali stravolgono le nostre idee precedenti.

Winants esplora i fenomeni della luce e del colore nell'Artico con la sua serie sperimentale Time Capsule, esposta in mostra. Queste opere sono stampe di fotogrammi su cui sono state applicate forme tagliate dal ghiaccio. Esse rivelano la struttura dei cristalli, ma lasciano un'ombra su alcuni elementi presenti da milioni di anni.

FOTO ARSENAL WIEN presenta la prima mostra personale di Laure Winant in Austria con circa 25 opere nell'ambito della Biennale sul clima. Durante la Biennale sul clima di Vienna, FOTO ARSENAL VIENNA si trasformerà in un centro di discussione sulle attuali questioni ecologiche in collaborazione con l'ISTA. La mostra è stata curata da Felix Hoffmann, direttore artistico, e si svolge nel Salone MQ.

How does light filter our perception? What do icebergs sound like? What does a printout of the chemical composition of water look like?

For her photography project From a Tongue We Are Losing, which is being presented at the Klima Biennale Wien, the artist joined a team of multidisciplinary researchers embarking on a four-month expedition to the ice of the Arctic—a vast white desert in which humans make up only a minute part of the environment.

Winants has developed special techniques to capture the unique light phenomena of this special region. She makes the data tangible and emotionally perceptible, highlighting the interdependence of ecosystems.

In the experimental series Time Capsule, which is also presented in the exhibition, Winants explores the phenomena of light and color in the Arctic. These works are prints of photograms onto which forms cut out of ice were applied. While they reveal the structure of the crystals, they also cast a shadow on certain elements that have been present for millions of years.

FOTO ARSENAL WIEN is showing approximately twenty-five works by Laure Winants in a solo show at the MQ Salon.

(Text: Foto Arsenal Wien)

Galerie Clémentine de la Féronnière | Paris
22. März – 26. Mai 2024

Fashion faux Parr
Martin Parr

"Einige Bilder zeigen Models, andere Menschen, die auf der Straße gesichtet wurden, und man erkennt nicht immer den Unterschied. Manche Fotos gehen in Richtung Dokumentation, andere in Richtung Mode oder sogar Kunst. Es ist schwierig, zwischen ihnen zu unterscheiden, und genau das ist das Spannende daran. Die Grenzen, die diese Welten traditionell trennen, verschwimmen und ich liebe es, diese neuen Verschmelzungen zu erforschen".

Diese Worte von Martin Parr aus dem Vorwort des Fashion Magazine, das er 2005 anlässlich einer Veranstaltung in Le Bon Marché herausgab, fassen den Platz, den die Mode in seinem Werk einnimmt, perfekt zusammen. Zwanzig Jahre später sind es zwei Bücher und eine neue Veranstaltung im Bon Marché, die diese Ausstellung in der Galerie inspirieren.

Seit den 1980er Jahren haben sich zahlreiche Modemagazine und Modehäuser für den einzigartigen Stil des Künstlers interessiert. Martin Parr stellt die klassischen Codes der Werbefotografie auf den Kopf und nimmt gewöhnliche Szenen als Schauplatz, in denen Passanten und Models auf gleicher Ebene stehen. Die Ähnlichkeiten mit den extrem engen Bildausschnitten seiner Serie Common Sense oder den Kulissen der Badeorte in The Last Resort zeigen, dass der Künstler nicht zwischen seinen Aufträgen und seinen eigenen Produktionen unterscheidet. Die gewagten Perspektiven, Kompositionen und Farbpaletten sind Teil des kitschigen und ironischen Geistes, der sich durch Martin Parrs Werk zieht. Diese Bilder nehmen einen Realismus an, der der Ästhetik des Fotografen eigen ist, der die Gesellschaft und die Modewelt ungefiltert abbildet.

Von Gucci bis Jacquemus, von der kalifornischen Wüste bis Paris, von einer Tankstelle bis zum Laufsteg einer Modenschau - in dieser Ausstellung sind 25 Jahre Modefotografie von Martin Parr versammelt.

« Certains clichés montrent des mannequins, d’autres des gens repérés dans la rue, on ne voit pas toujours la différence. Certaines photos se rapprochent du documentaire, d’autres de la mode, voire même de l’art. Il est difficile de les différencier et c’est justement ce qui est passionnant. Les frontières qui séparent traditionnellement ces mondes deviennent floues et j’aime explorer ces fusions nouvelles ».

Ces quelques mots de Martin Parr, extraits de la préface du Fashion Magazine qu’il édite en 2005 à l’occasion d’un évènement au Bon Marché résume parfaitement la place que la mode occupe dans son oeuvre. Vingt ans plus tard, ce sont deux livres et un nouveau rendez-vous au Bon Marché qui inspirent cette exposition à la galerie.

Depuis les années 1980 de nombreux magazines de mode et maisons de couture se sont intéressés au style unique de l’artiste. Bouleversant les codes classiques de la photographie publicitaire, Martin Parr prend pour décor des scènes ordinaires mettant au même niveau les passants et les mannequins. Les similitudes avec les cadrages ultra-serrés de sa série Common Sense ou les décors des villes balnéaires de The Last Resort attestent de l’indistinction que fait l’artiste entre ses commandes et ses productions personnelles. L’audace des perspectives, des compositions et des gammes chromatiques participent de cet esprit kitsch et ironique qui traverse l’oeuvre de Martin Parr. Ces images assument un réalisme propre à l’esthétique du photographe qui dépeint sans filtre la société et le monde de la mode.

De Gucci à Jacquemus, du désert californien à Paris, d’une station essence à un catwalk de défilé, ce sont vingt-cinq années de photographies de mode signée Martin Parr qui sont réunies dans cette exposition.

"Alcune foto ritraggono modelli, altre persone avvistate per strada: non sempre si riesce a distinguere la differenza. Alcune foto sono più vicine al documentario, altre alla moda o addirittura all'arte. È difficile distinguerle, e questo è l'aspetto più eccitante. I confini che tradizionalmente separano questi mondi diventano più sfumati e io amo esplorare queste nuove fusioni".

Queste poche parole di Martin Parr, tratte dalla prefazione di Fashion Magazine, pubblicato nel 2005 in occasione di un evento presso Le Bon Marché, riassumono perfettamente il posto che la moda occupa nel suo lavoro. A vent'anni di distanza, due libri e un nuovo evento presso Le Bon Marché hanno ispirato questa mostra in galleria.

Dagli anni Ottanta, molte riviste e case di moda si sono interessate allo stile unico dell'artista. Sconvolgendo i codici classici della fotografia pubblicitaria, Martin Parr prende come sfondo scene ordinarie, mettendo sullo stesso piano passanti e modelle. Le analogie con le inquadrature strettissime della serie Common Sense o con le ambientazioni delle città di mare di The Last Resort testimoniano l'indistinzione dell'artista tra le sue commissioni e le sue produzioni personali. L'audacia delle prospettive, delle composizioni e delle gamme cromatiche fanno parte dello spirito kitsch e ironico che attraversa l'opera di Martin Parr. Queste immagini assumono un realismo caratteristico dell'estetica del fotografo, che ritrae la società e il mondo della moda senza filtri.

Da Gucci a Jacquemus, dal deserto californiano a Parigi, da una stazione di servizio a una passerella, questa mostra raccoglie venticinque anni di fotografie di moda di Martin Parr.

« Some of the shoots feature models, some are people who were cast in the street, sometimes you cannot tell the difference. Some shoots resemble documentary, some look more like fashion, they can even look like art. What is exciting is that it is difficult to tell the difference. The traditional boundaries of these worlds are slipping away and I am enjoying exploring these new fusions».

These words by Martin Parr, taken from the preface to Fashion Magazine, edited in 2005 to mark an event at Le Bon Marché, perfectly sums up fashion’s role in his work. Twenty years on, two books and a new rendez-vous at Le Bon Marché inspire this exhibition at the gallery.

Since the 1980s, numerous fashion magazine and couture houses have taken interest in the artist’s unique style. Overthrowing the classic codes of commercial photography, Parr takes ordinary scenes as his backdrop, placing models and bystanders on the same level. The similarities with the ultra-tight framing of his Common Sense series and with the beach-town setting of The Last Resort attest to the artist’s indistinction between commissioned work and personal productions. Bold perspectives, compositions and chromatic ranges contribute to the kitsch, ironic tone running through his work. Featuring the photographer’s own aesthetic realism, these images reveal an unfiltered portrayal of society and the fashion world.

From Gucci to Jacquemus, from the Californian desert to Paris, from a gas station to the catwalk, twenty-five years of fashion photography signed Martin Parr are presented in this exhibition.

(Text: Galerie Clémentine de la Féronnière, Paris)

Gropius Bau | Berlin
22. März – 21. Juli 2024

Nancy Holt: Circles of Light - Experimente mit Sound, Bild und Objekten 1966–1986

Über fünf Jahrzehnte hinweg beschäftigte sich Nancy Holt damit, wie wir unsere Umwelt wahrnehmen und unseren Platz auf der Oberfläche dieses Planeten zu verstehen versuchen. Mit Circles of Light zeigt der Gropius Bau ab März 2024 die bislang umfassendste Überblicksausstellung der Künstlerin in Deutschland. Die Ausstellung umfasst unter anderem Film, Video, Fotografie, Soundarbeiten, konkrete Poesie, Skulpturen und raumgreifende Installationen sowie Zeichnungen und Dokumentationen aus über 25 Jahren.

In ihrer Praxis dachte Nancy Holt ortsspezifische Installationen und die Arbeit mit natürlichem und künstlichem Licht neu. Sie thematisierte schon früh ökologische Aspekte und bezog die Erdrotation, Astronomie sowie Zeit und Ort in ihre Skulpturen ein – und forderte uns so immer wieder dazu auf, jenseits dessen zu blicken, was wir zu wissen glauben. Holts Arbeitsweise soll in der Ausstellung im Gropius Bau durch Texte und Aufnahmen der Künstlerin besondere Präsenz verliehen werden.

Kuratiert von Clara Meister und Lisa Le Feuvre

Pendant plus de cinq décennies, Nancy Holt s'est intéressée à la manière dont nous percevons notre environnement et essayons de comprendre notre place sur la surface de cette planète. Avec Circles of Light, le Gropius Bau présentera à partir de mars 2024 l'exposition d'ensemble la plus complète de l'artiste à ce jour en Allemagne. L'exposition comprendra entre autres des films, des vidéos, des photographies, des œuvres sonores, de la poésie concrète, des sculptures et des installations qui occupent tout l'espace, ainsi que des dessins et des documentaires couvrant plus de 25 ans.

Dans sa pratique, Nancy Holt a repensé les installations spécifiques au lieu et le travail avec la lumière naturelle et artificielle. Très tôt, elle a abordé les aspects écologiques et a intégré la rotation de la Terre, l'astronomie ainsi que le temps et le lieu dans ses sculptures - nous invitant ainsi toujours à regarder au-delà de ce que nous croyons savoir. Dans l'exposition du Gropius Bau, la méthode de travail de Holt sera mise en valeur par des textes et des enregistrements de l'artiste.

Organisé par Clara Meister et Lisa Le Feuvre

Da cinque decenni Nancy Holt esplora il modo in cui percepiamo l'ambiente e cerchiamo di capire il nostro posto sulla superficie del pianeta. Con Circles of Light, il Gropius Bau presenterà da marzo 2024 la mostra più completa dell'artista in Germania. La mostra comprende film, video, fotografie, opere sonore, poesie concrete, sculture e installazioni di grandi dimensioni, oltre a disegni e documentazione di oltre 25 anni.

Nella sua pratica, Nancy Holt ha ripensato le installazioni site-specific e il lavoro con la luce naturale e artificiale. Ha affrontato presto gli aspetti ecologici, incorporando la rotazione della Terra, l'astronomia, il tempo e il luogo nelle sue sculture - sfidandoci costantemente a guardare oltre ciò che pensiamo di conoscere. Il modo di lavorare della Holt sarà oggetto di una presenza speciale nella mostra al Gropius Bau attraverso testi e fotografie dell'artista.

A cura di Clara Meister e Lisa Le Feuvre

Over the course of five decades, Nancy Holt explored how we perceive our environment and how we attempt to understand our place on the surface of this planet. From March 2024, the Gropius Bau presents Circles of Light, the artist’s most comprehensive survey exhibition in Germany to date. It includes film, video, photography, sound works, concrete poetry, sculptures and expansive installations as well as drawings and documentation from over 25 years.

In her artistic practice, Nancy Holt reimagined site-specific installations and ways of working with natural and artificial light. She began focusing on ecological aspects at an early stage and incorporated the earth’s rotation, astronomy, time and space into her sculptures, constantly challenging us to look beyond what we think we know. Holt’s working process will have a particularly tangible presence in the exhibition at the Gropius Bau through texts and recordings by the artist.

Curated by Clara Meister and Lisa Le Feuvre

(Text: Gropius Bau, Berlin)