Museum Rietberg | Zürich
29. Februar 2024 – 5. Februar 2025

Iran - Porträt eines Landes
Antoin Sevruguin

Unter dem Titel «Iran ­– Porträt eines Landes» zeigt das Museum Rietberg eine Ausstellung, die dem Fotografen Antoin Sevruguin (1851–1933) gewidmet ist. Als Sohn armenischer Eltern im Iran geboren und im georgischen Tiflis aufgewachsen, arbeitete er später als Berufsfotograf in Teheran – und verstand sich als Iraner. Dennoch gilt er heute, der berühmteste frühe Fotograf in Iran, den meisten Fachleuten in und ausserhalb des Irans als «Ausländer». Er fotografierte, so die Meinung, Land und Leute mit einem «fremden», einem «orientalistischen» Blick. Heisst das, dass Sevruguin nur «europäische» Bilder schuf? Ist es am Ende undenkbar, dass ein «Secondo» wie er einen «indigenen», einen «iranischen» Blick besass? Diese Fragen – die viel mit Vorurteilen und Kategorisierungen zu tun haben und heute aktueller sind denn je – stehen im Zentrum dieses «Porträts». Die Ausstellung zeigt 63 Fotografien aus dem Bestand des Museums Rietberg und wird von einer Broschüre in Deutsch, Französisch und Englisch begleitet.

Intitulée Iran – Portrait d'un pays, cette exposition du Musée Rietberg est consacrée au photographe Antoin Sevruguin (1851-1933). Né en Iran de parents arméniens et ayant grandi à Tbilissi en Géorgie, il a ensuite travaillé comme photographe professionnel à Téhéran. Même s'il se considérait comme iranien, et malgré le fait qu'il soit aujourd'hui le plus célèbre des premiers photographes iraniens, la plupart des spécialistes du pays et ailleurs le considèrent comme un «étranger». Selon eux, il photographiait le pays et ses habitants avec un regard «d'extérieur» et «orientaliste». Cela signifie-t-il que Sevruguin ne créait que des images «européennes»? Est-il impensable, en fin de compte, qu'un «étranger de la deuxième génération» comme lui ait eu un regard «indigène» et «iranien»? Ces questions liées aux préjugés et aux catégorisations sont plus que jamais d'actualité et se trouvent au centre de ce «portrait». L'exposition présente 63 photographies issues du fonds du Musée Rietberg et est accompagnée d'une brochure en allemand, français et anglais.

Con il titolo "Iran - Ritratto di un Paese", il Museo Rietberg presenta una mostra dedicata al fotografo Antoin Sevruguin (1851-1933). Nato in Iran da genitori armeni e cresciuto a Tbilisi, in Georgia, in seguito lavorò come fotografo professionista a Teheran - e si considerava iraniano. Tuttavia, oggi lui, il più famoso fotografo degli esordi in Iran, è considerato uno "straniero" dalla maggior parte degli esperti dentro e fuori l'Iran. Secondo loro, ha fotografato il Paese e la sua gente con un occhio "straniero", "orientalista". Questo significa che Sevruguin ha creato solo immagini "europee"? È in definitiva inconcepibile che un "secondo" come lui possedesse uno sguardo "indigeno", "iraniano"? Queste domande - che hanno molto a che fare con i pregiudizi e le categorizzazioni e che oggi sono più attuali che mai - sono al centro di questo "ritratto". La mostra presenta 63 fotografie della collezione del Museo Rietberg ed è accompagnata da una brochure in tedesco, francese e inglese.

Under the title "Iran – Portrait of a Country", the Museum Rietberg is showing an exhibition dedicated to the photographer Antoin Sevruguin (1851-1933). Born in Iran to Armenian parents and raised in Tbilisi, Georgia, Sevruguin later worked as a professional photographer in Tehran - and considered himself to be Iranian. Today, however, he is considered a "foreigner" by most experts in and outside Iran, despite being the most famous early photographer in Iran. In their opinion, he photographed the country and its people with a "foreign", "orientalist" eye. Does this mean that Sevruguin only created "European" images? Is it ultimately inconceivable that a "secondo" like him possessed an "indigenous", an "Iranian" gaze? These questions - which have a lot to do with prejudices and categorisations and are more topical today than ever - are at the heart of this "portrait". The exhibition shows 63 photographs from the Museum Rietberg's collection and is accompanied by a brochure in German, French and English.

(Text: Museum Rietberg, Zürich)

FOMU – Fotomuseum Antwerpen
29. März 2024 – 19. Januar 2025

Echtzeit
Dirk Braeckman

Dirk Braeckman (BE, 1958) erforscht seit über vierzig Jahren das Medium der Fotografie in dunklen und zurückhaltenden Bildern. Die Ausstellung "Echtzeit" präsentiert einen Dialog zwischen Braeckman und der Sammlung des FOMU. Sie zeigt sowohl die vom Künstler persönlich ausgewählten Museumsstücke als auch die von ihnen inspirierten neuen Arbeiten. Braeckman eignet sich die Stücke aus der Sammlung an und der Betrachter erlebt sie durch die Kamera, die Augen und die Hände des Künstlers.

Braeckman interessiert sich für Fotografien mit Unvollkommenheiten, für leere Innenräume, alltägliche Gegenstände, suggestive Orte oder Objekte, die viel der Fantasie überlassen. Er hat aus der FOMU-Sammlung funktionale Fotografien ausgewählt, die ohne künstlerische Ambitionen entstanden sind. In diesen atypischen Bildern hat er bestimmte Qualitäten und Gemeinsamkeiten mit seinem eigenen Werk erkannt.

Re-Fotografien und Experimente waren schon immer Teil von Braeckmans künstlerischer Praxis, auch wenn der Weg zum endgültigen Bild immer ein anderer ist. Für die FOMU-Ausstellung hat er zum ersten Mal mit einer bestehenden Fotosammlung gearbeitet. Braeckman fotografierte die ausgewählten Bilder und druckte sie aus. Anschließend übermalte er die Abzüge, verwischte sie oder schnitt Löcher hinein. Die Ergebnisse fotografierte er ab und bearbeitete sie in seiner analogen und digitalen Dunkelkammer weiter.

Die ursprüngliche Bedeutung der Fotografien wurde durch das Herausnehmen des Kontextes, die Veränderung des Formats und das Hinzufügen von Titeln verändert. Ein funktionales Dokument wird in ein Kunstwerk verwandelt, ein zeitloses visuelles Gedicht, das mehr Fragen aufwirft als es beantwortet.

Echtzeit" verweist auf Braeckmans Brückenschlag zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Gleichzeitig und in Echtzeit kommen drei Perspektiven zusammen: die des ursprünglichen Fotografen, die von Braeckman und die von uns, den Betrachtern.

Dirk Braeckman (BE, °1958) explore le médium de la photographie dans des images sombres et discrètes depuis plus de quarante ans. L'exposition "Echtzeit" présente un dialogue entre Braeckman et la collection de la FOMU. Elle montre les pièces du musée sélectionnées personnellement par l'artiste, ainsi que les nouvelles œuvres qu'elles ont inspirées. Braeckman s'approprie les pièces de la collection et le spectateur les découvre à travers l'appareil photo, les yeux et les mains de l'artiste.

Braeckman s'intéresse aux photographies présentant des imperfections, aux intérieurs vides, aux objets quotidiens, aux lieux évocateurs ou aux objets qui laissent une grande part à l'imagination. Il a choisi dans la collection FOMU des photographies fonctionnelles, réalisées sans ambition artistique. Il a reconnu dans ces images atypiques des qualités et des points communs avec son propre travail.

La rephotographie et l'expérimentation ont toujours fait partie de la pratique artistique de Braeckman, bien que la trajectoire vers l'image finale soit toujours différente. Pour l'exposition FOMU, il a travaillé pour la première fois avec une collection de photos existante. Braeckman a pris des photos des images choisies et les a imprimées. Il a ensuite repeint, barbouillé ou fait des trous dans les tirages. Il a photographié les résultats et les a traités dans sa chambre noire analogique et numérique.

La signification originale des photographies a été altérée par la suppression du contexte, le changement de format et l'ajout de titres. Un document fonctionnel est transformé en une œuvre d'art, un poème visuel intemporel qui soulève plus de questions qu'il n'apporte de réponses.

Echtzeit" fait référence au lien que Braeckman établit entre le passé et le présent. Simultanément et en temps réel, trois perspectives se rencontrent : celle du photographe original, celle de Braeckman et la nôtre, celle des spectateurs.

Dirk Braeckman (BE, 1958) ha esplorato il mezzo fotografico con immagini scure e sobrie per oltre quarant'anni. La mostra "Echtzeit" presenta un dialogo tra Braeckman e la collezione FOMU. Vengono presentati i pezzi del museo selezionati personalmente dall'artista, ma anche i nuovi lavori che li hanno ispirati. Braeckman si appropria dei pezzi della collezione e lo spettatore li vive attraverso la macchina fotografica, gli occhi e le mani dell'artista.

Braeckman è interessato alle fotografie con imperfezioni, agli interni vuoti, agli oggetti quotidiani, ai luoghi evocativi o agli oggetti che lasciano molto all'immaginazione. Ha scelto dalla collezione FOMU fotografie funzionali, realizzate senza ambizioni artistiche. In queste immagini atipiche ha riconosciuto alcune qualità e punti in comune con il proprio lavoro.

La rifotografia e la sperimentazione hanno sempre fatto parte della pratica artistica di Braeckman, anche se la traiettoria verso l'immagine finale è sempre diversa. Per la mostra FOMU ha lavorato per la prima volta con una collezione di foto già esistente. Braeckman ha fotografato le immagini scelte e le ha stampate. Poi ha sovradipinto, imbrattato o bucato le stampe. Ha fotografato i risultati e li ha elaborati ulteriormente nella sua camera oscura analogica e digitale.

Il significato originale delle fotografie è stato alterato attraverso la rimozione del contesto, il cambiamento di formato e l'aggiunta di titoli. Un documento funzionale viene trasformato in un'opera d'arte, un poema visivo senza tempo che solleva più domande che risposte.

Echtzeit" si riferisce al collegamento tra passato e presente operato da Braeckman. Simultaneamente e in tempo reale, si uniscono tre prospettive: quella del fotografo originale, quella di Braeckman e quella di noi spettatori.

Dirk Braeckman (BE, °1958) has explored the medium of photography in dark and understated images, for over forty years. The ‘Echtzeit’ exhibition presents a dialogue between Braeckman and the FOMU collection. It shows the museum pieces personally selected by the artist, and also the new work that these inspired. Braeckman appropriates the pieces from the collection and the viewer experiences them through the artist’s camera, eyes and hands.

Braeckman is interested in photographs with imperfections, in empty interiors, everyday objects, evocative places or objects that leave much to the imagination. He has chosen from the FOMU collection functional photographs, made without artistic ambition. He recognised certain qualities and commonalities with his own work in these atypical images.

Rephotography and experimentation have always formed part of Braeckman’s artistic practice, though the trajectory to the final image is always different. For the FOMU exhibition, he worked for the first time with an existing collection of photos. Braeckman took photos of the chosen images and printed them. He then over-painted, smeared or cut holes in the prints. He photographed the results and processed them further in his analogue and digital darkroom.

The original meaning of the photographs has been altered through the removal of context, the change in format and the addition of titles. A functional document is transformed into a piece of art, a timeless visual poem that raises more questions than it answers.

‘Echtzeit’ refers to Braeckman’s bridging of the past and present. Simultaneously and in real-time, three perspectives: of the original photographer, of Braeckman and of us, the viewers come together.

(Text: FOMU - Fotomuseum Antwerpen, Antwerpen)

Museum für Gestaltung | Zürich
12. April 2024– 5. Januar 2025

Oliviero Toscani: Fotografie und Provokation

Seine Bilder erregen Aufsehen, erschüttern und empören: Oliviero Toscani hat als Fotograf, Creative Director und Bildredaktor Geschichte geschrieben und die Werbekommunikation auf den Kopf gestellt. Berühmt wurde Toscani durch Kampagnen für das italienische Modehaus Benetton, die ebenso ikonisch wie umstritten sind. Nach seiner Ausbildung an der Zürcher Kunstgewerbeschule tauchte Toscani in New York in die «Street Photography» ein und wurde Teil der legendären Factory von Andy Warhol. In Europa etablierte er sich als Werbe- und Modefotograf, der die visuelle Provokation zu seinem Markenzeichen machte. Die Ausstellung umfasst Toscanis gesamtes Werk und gibt Anlass, gesellschaftliche Konventionen und aktuelle Themen wie Gender, Rassismus, Ethik und Ästhetik zu diskutieren.

Ses photographies font sensation, bouleversent et indignent : photographe, directeur créatif et rédacteur photo, Oliviero Toscani a écrit l’histoire et révolutionné la communication publicitaire. Il doit sa célébrité à ses campagnes pour la maison de mode italienne Benetton, qui sont tout aussi cultes que controversées. Après une formation à la Kunstgewerbeschule de Zurich (École d’arts appliqués), Toscani s’immerge dans la photographie de rue à New York et rejoint la légendaire Factory d’Andy Warhol. En Europe, il se fait un nom comme photographe de mode et de publicité. La provocation visuelle devient sa marque de fabrique. L’exposition, qui parcourt l’intégralité de l’œuvre de Toscani, donne l’occasion de discuter de conventions sociales et de sujets d’actualité, tels que le genre, le racisme, l’éthique et l’esthétique.

Le sue immagini suscitano scalpore, shock e indignazione: Oliviero Toscani ha fatto la storia come fotografo, direttore creativo e picture editor e ha stravolto la comunicazione pubblicitaria. Toscani è diventato famoso per le sue campagne per la casa di moda italiana Benetton, tanto iconiche quanto controverse. Dopo essersi formato alla Scuola di Arti Applicate di Zurigo, Toscani si è immerso nella fotografia di strada a New York ed è entrato a far parte della leggendaria Factory di Andy Warhol. In Europa si è affermato come fotografo pubblicitario e di moda che ha fatto della provocazione visiva il suo marchio di fabbrica. La mostra comprende l'intera opera di Toscani e offre l'opportunità di discutere le convenzioni sociali e le questioni attuali come il genere, il razzismo, l'etica e l'estetica.

His images are arresting, disturbing, outrageous. As a photographer, creative director, and image editor, Oliviero Toscani made history and revolutionized commercial communications. He first came to the public’s notice through his iconic and controversial campaigns for the Italian fashion brand Benetton. After training at the Kunstgewerbeschule Zürich, Toscani went first to New York, where he plunged into “street photography” and became part of Andy Warhol’s legendary “Factory.” Back in Europe, he established himself as a commercial and fashion photographer whose trademark was visual provocation. This exhibition covering Toscani’s entire oeuvre promises to prompt discussion of both social conventions and topical issues such as gender, racism, ethics, and aesthetics.

(Text: Museum für Gestaltung, Zürich)

Landesgalerie Niederösterreich | Krems
13. April 2024 – 16. Februar 2025

Elfriede Mejchar. Grenzgängerin der Fotografie

Elfriede Mejchar (1924-2020) gilt als Grande Dame der österreichischen Fotografie. Sie erfuhr erst im hohen Alter die gebührende öffentliche Anerkennung. Die große Jubiläumsausstellung würdigt die Künstlerin anlässlich ihres 100. Geburtstags.

Elfriede Mejchar war fast vierzig Jahre im Dienst des österreichischen Bundesdenkmalamtes tätig. Ihre Aufgabe lag in der fotografischen Dokumentation von Baudenkmälern und Kunstwerken. Neben dem reichen Fundus an Fotografien, die dem Anspruch und der Ästhetik des Dokumentarischen folgen, umfasst Mejchars Œuvre auch eine Vielzahl von reinen Atelierarbeiten, deren Motivik von Pflanzenstudien über skurrile Stillleben bis hin zu Collagen und Experimenten mit Sandwichtechnik reicht.

Mit 35 Werkgruppen präsentiert die Retrospektive das facettenreiche, zwischen Dokumentation und Inszenierung oszillierende Schaffen der Fotografin. Von sachlichen Architekturaufnahmen bis zu Mejchars experimentellen Arbeiten sie Einblick in das Lebenswerk der Künstlerin und stellt sie als Person und ihre Techniken in den Fokus.

Die Werke stammen fast zur Gänze aus den Landessammlungen Niederösterreich, die 2013 das Lebenswerk von Mejchar als Schenkung erhalten haben.

Kurator:innen: Alexandra Schantl, Edgar Lissel

Kooperation mit Wien und Salzburg

2024 widmen in Kooperation mit der Landesgalerie Niederösterreich auch das Wien Museum MUSA und das Museum der Moderne Salzburg der Fotografin Elfriede Mejchar Ausstellungen mit unterschiedlichen Schwerpunkten. In Zusammenarbeit der drei Museen erscheint ein Fotobuch, das die unterschiedlichen Facetten des Gesamtwerks von Elfriede Mejchar vorstellt.

Elfriede Mejchar (1924-2020) est considérée comme la grande dame de la photographie autrichienne. Ce n'est qu'à un âge avancé qu'elle a obtenu la reconnaissance publique qu'elle méritait. La grande exposition anniversaire rend hommage à l'artiste à l'occasion de son centième anniversaire.

Elfriede Mejchar a travaillé pendant près de quarante ans au service de l'Office fédéral autrichien des monuments historiques. Sa mission consistait à documenter par la photographie les monuments historiques et les œuvres d'art. Outre le riche fonds de photographies qui suivent l'exigence et l'esthétique du documentaire, l'œuvre de Mejchar comprend également un grand nombre de travaux purement d'atelier, dont les motifs vont des études de plantes aux collages et aux expériences avec la technique du sandwich, en passant par des natures mortes bizarres.

Avec 35 groupes d'œuvres, la rétrospective présente les multiples facettes de l'œuvre de la photographe, qui oscille entre documentation et mise en scène. Des photos d'architecture objectives aux travaux expérimentaux de Mejchar, elle donne un aperçu de l'œuvre de l'artiste et met l'accent sur la personne et ses techniques.

La quasi-totalité des œuvres provient des collections du Land de Basse-Autriche, qui ont reçu l'œuvre de Mejchar en donation en 2013.

Les commissaires d'exposition : Alexandra Schantl, Edgar Lissel

Coopération avec Vienne et Salzbourg

En 2024, le Wien Museum MUSA et le Museum der Moderne Salzburg consacreront, en coopération avec la Landesgalerie Niederösterreich, des expositions à la photographe Elfriede Mejchar, avec différents points forts. Un livre de photos présentant les différentes facettes de l'ensemble de l'œuvre d'Elfriede Mejchar est publié en collaboration entre les trois musées.

Elfriede Mejchar (1924-2020) è considerata la grande dama della fotografia austriaca. Ha ricevuto il riconoscimento pubblico che meritava solo in età avanzata. Questa grande mostra celebrativa rende omaggio all'artista in occasione del suo centesimo compleanno.

Elfriede Mejchar ha lavorato per l'Ufficio federale austriaco per i monumenti per quasi quarant'anni. Il suo compito era la documentazione fotografica di monumenti architettonici e opere d'arte. Oltre al ricco fondo di fotografie che seguono le esigenze e l'estetica del documentario, l'opera di Mejchar comprende anche un gran numero di lavori di puro studio i cui motivi spaziano da studi di piante e nature morte stravaganti a collage ed esperimenti con la tecnica del sandwich.

Con 35 gruppi di opere, la retrospettiva presenta l'opera poliedrica del fotografo, che oscilla tra documentazione e messa in scena. Dalle fotografie architettoniche concrete alle opere sperimentali di Mejchar, la mostra offre uno sguardo sul lavoro di una vita dell'artista e si concentra su di lei come persona e sulle sue tecniche.

Quasi tutte le opere provengono dalle Collezioni Provinciali della Bassa Austria, che hanno ricevuto in donazione l'opera di Mejchar nel 2013.

Curatori: Alexandra Schantl, Edgar Lissel

Cooperazione con Vienna e Salisburgo

Nel 2024, anche il Museo MUSA di Vienna e il Museum der Moderne di Salisburgo dedicheranno delle mostre alla fotografa Elfriede Mejchar in collaborazione con la Landesgalerie Niederösterreich. I tre musei collaborano alla pubblicazione di un libro fotografico che presenta le varie sfaccettature dell'opera di Elfriede Mejchar.

Elfriede Mejchar (1924-2020) is considered the grande dame of Austrian photography. She only received the public recognition she deserved in old age. This major anniversary exhibition honors the artist on the occasion of her 100th birthday.

Elfriede Mejchar worked for the Austrian Federal Monuments Office for almost forty years. Her task was the photographic documentation of architectural monuments and works of art. In addition to the rich fund of photographs that follow the demands and aesthetics of the documentary, Mejchar's oeuvre also includes a large number of pure studio works, whose motifs range from plant studies and whimsical still lifes to collages and experiments with the sandwich technique.

With 35 groups of works, the retrospective presents the photographer's multifaceted oeuvre, which oscillates between documentation and staging. From factual architectural photographs to Mejchar's experimental works, it provides an insight into the artist's life's work and focuses on her as a person and her techniques.

Almost all of the works come from the Provincial Collections of Lower Austria, which received Mejchar's life's work as a donation in 2013.

Curators: Alexandra Schantl, Edgar Lissel

Cooperation with Vienna and Salzburg

In 2024, the Vienna Museum MUSA and the Museum der Moderne Salzburg are also dedicating exhibitions to the photographer Elfriede Mejchar with different focal points in cooperation with the Landesgalerie Niederösterreich. The three museums are collaborating to publish a photo book that presents the various facets of Elfriede Mejchar's oeuvre.

(Text: Landesgalerie Niederösterreich, Krems)

Bally Foundation | Lugano
29. Mai 2024 – 12. Januar 2025

Arcadia

Yto Barrada, Vanessa Beecroft, Amélie Bertrand, Julius von Bismarck, Zuzanna Czebatul, Raphaël Emine, Hermann Hesse, Ittah Yoda, Mehdi-Georges Lahlou, Lisa Lurati, Marta Margnetti, Lou Masduraud, Adrien Missika, Gabriel Moraes Aquino, Amy O’Neill, Maxime Rossi, Mario Schifano, Julia Steiner, Batia Suter

Arcadia ist in der kollektiven Vorstellung ebenjene idyllische Region in Griechenland, die unter anderem von Vergil in seiner Bucolica im Jahr 40 v. Chr. als ein Ort der Ruhe, den Freuden der Natur und des Gesangs verewigt wurde. Die Berge, die blühende Natur, das Mikroklima und die Lebensqualität haben diesen Ort in ein Synonym für ein ideales Leben verwandelt, in dem die Pracht und Harmonie einer reichen Natur die Intimität und Poesie des Gartens im Maßstab der gesamten Landschaft eröffnen.

Die Ausstellung «Arcadia» verwendet als Basis die Nachbildung des Gebiets der schweizerisch-italienischen Region Tessin aus dem vergangenen Jahrhundert und erforscht diverse Ansätze, die ein Glücksstreben verfolgen welches die Verbindung und die Entfaltung in der Natur einbezieht.

Mit der Demokratisierung des Autos in den 1930er Jahren wurde das Tessin durch die Gotthardstraße schneller und direkter mit der Deutschschweiz verbunden und erhielt den Beinamen «Sonnenstube». Diese sonnige und gastfreundliche Region wurde zum Anziehungspunkt für Künstler und Berühmtheiten, während exotische Gärten en vouge waren. Von Morcote über Montagnola bis hin zu Lugano, vom Park der Villa Heleneum und den Gärten von Persönlichkeiten wie Hermann Hesse oder bedeutender Kunstsammlern wie Hermann Arthur Scherrer oder Peter Smithers, dem früheren MI6-Agenten, entwickelten sich die Ziergärten in exotische Oasen, die Reiseandenken und Romantik zusammenführen.

Die Gestaltung dieser Grünanlagen, die oft mit exotischen Pflanzen bestückt sind, führt zu einem Transformationsprozess, der über den Rahmen des privaten Gartens sprengt und eine mediterrane Ader entlang der Seeufer der Region schafft. Ein Segment des präalpinen Raums wandelt sich nach und nach zu einer Art «Riviera», wo die Grenzen zwischen dem privaten Grün und der weitläufigen Landschaft verschwimmen: Die fremdländische Flora der Gärten bestehend aus chinesische Mandarinenbäumen, japanische Palmen, zentralamerikanische Cycas revoluta, australischen Eukalypten oder seltenen Glyzinien und weitere Arten breiten sich bis zum Horizont. Wie der waadtländische Botaniker Henry Correvon, ein Pionier der alpinen Flora, zu Beginn des 20. Jahrhunderts schrieb: «Im Tessin nimmt die Vegetation so mannigfaltige, so üppige Formen an, dass sie allerorts Bewunderung erregt. Es ist schon Italien und doch stets die Schweiz [...]. Es ist unsere «Riviera», unser «Midi», wie friedvoll und pittoresk!1» Diese Gestaltungen beinhalten oft künstliche Ruinen, Kolonnaden entlang der Seen, Nachbildungen antiker Skulpturen oder sogar nachgestellte Höhlen und verleihen diesen Gartenlandschaften eine bemerkenswerte malerische Dimension. Es ist durch diese Kombination von Elementen, dass eine erzählerische Geographie entsteht, die das Bild eines idyllischen Südens verkörpert, mit der Palme als ikonischem Symbol. Vom Exotismus bis zur Ästhetik des Verfalls, von den Tessiner Palmen bis zu den in den 1930er Jahren eingeführten kalifornischen Exemplaren, die Südkalifornien in ein «mediterranes Küstengebiet Amerikas» nach dem Vorbild der französischen Riviera umgestalten2 – die kollektive Ausstellung «Arcadia» hinterfragt, wie zeitgenössische Künstler neue Architekturen und emotionale Ökosysteme gestalten und ins Leben rufen. Wie sie, indem sie mit den Grenzen zwischen Natur und Künstlichkeit, Fiktion und Wirklichkeit verwischen, die Utopie eines fiktiven und zeitlosen Erbes erschaffen?

L’Arcadie représente dans l’imaginaire collectif cette région idyllique située en Grèce, décrite entre autres, par Virgile dans ses Bucoliques en 40 av. J.C. comme un lieu de quiétude, consacrée aux plaisirs de la nature et du chant. Les montagnes, la nature prospère, le microclimat et la douceur de vivre ont transformé le lieu en un synonyme d’idéal de vie, où la splendeur et l’harmonie d’une nature abondante ouvrent l’intimité et la poésie du jardin à l’échelle du paysage tout entier.

L’exposition «Arcadia» prend pour point de départ le modelage du territoire de la région suisseitalienne du Tessin au cours du siècle dernier, explorant différents axes visant un idéal de bonheur qui intègre et développe le rapport à la nature.

Avec la démocratisation de l’automobile dans les années 1930, le Tessin est enfin connecté de manière plus directe et rapide à la Suisse allemande par la route du Gothard, recevant le surnom de «Sonnenstube», la place au soleil. Cette région ensoleillée et accueillante attire désormais artistes et personnalités à l’époque où les jardins exotiques deviennent à la mode. De Morcote à Montagnola en passant par Lugano, du parc de la Villa Heleneum à ceux d’écrivains comme Hermann Hesse ou de grands collectionneurs d’art comme Hermann Arthur Scherrer ou encore de Peter Smithers, ancien agent secret du MI6, les jardins d’agrément se métamorphosent en oasis exotiques, mêlant souvenirs de voyage et romantisme.

Le façonnage de ces espaces verts, souvent peuplés de plantes tropicales, engendre un processus de transformation qui dépasse le cadre du jardin privé, générant une sorte de ruban méditerranéen le long des rivages des lacs de la région. Une portion de l’espace préalpin devient peu à peu une sorte de «Riviera», où les frontières entre le jardin privé et le paysage lointain disparaissent : la flore exotique des jardins accueillant mandariniers de Chine, palmiers du Japon, Cycas revoluta d’Amérique centrale, eucalyptus d’Australie ou encore des glycines rares et autres espèces, s’étend à perte de vue. Comme l’écrit au début du XXe siècle le botaniste suisse Henry Correvon, grand spécialiste de la flore alpine, «dans le Tessin la végétation y revêt des formes si variées, si multiples, elle y est d’une exubérance si extraordinaire qu’elle nous arrache partout des cris d’admiration. C’est déjà l’Italie et pourtant encore la Suisse […]. C’est notre “Riviera”, notre Midi à nous, et combien paisible et plus pittoresque!1» Ces aménagements intègrent souvent des faux vestiges, des colonnades le long des lacs, des reproductions de sculptures antiques ou encore des grottes artificielles, conférant à ces jardins-paysages une dimension pittoresque remarquable. C’est à travers cette juxtaposition d’éléments que se dessine une géographie narrative incarnant l’image d’un Sud idyllique, dont le palmier devient l’emblème. De l’exotisme à l’esthétique de la ruine, des palmiers tessinois aux palmiers californiens importés dans les années 1930 pour transformer le sud de la Californie en «littoral méditerranéen de l’Amérique» inspiré de la French Riviera2 - l’exposition collective «Arcadia» interroge la manière dont les artistes contemporains composent et font émerger de nouvelles architectures, des écosystèmes émotionnels. Comment ces derniers, jouant des frontières entre nature et artifice, chimère et réalité, construisent l’utopie d’un patrimoine fictif et immémorial.

L‘Arcadia rappresenta nell‘immaginario collettivo quella regione idilliaca situata in Grecia, descritta, tra gli altri, da Virgilio nelle Bucoliche del 40 a.C. come un luogo di quiete, dedito ai piaceri della natura e del canto. Le montagne, la natura rigogliosa, il microclima e la dolcezza della vita hanno trasformato il luogo in un sinonimo di ideale di vita, dove lo splendore e l‘armonia di una natura abbondante estendono l‘intimità e la poesia del giardino all‘intero paesaggio.

La mostra “Arcadia” prende come punto di partenza la modellazione del territorio della regione svizzero-italiana del Ticino nel corso del secolo scorso, esplorando diversi approcci, mirando a un ideale di felicità che integra e sviluppa il rapporto con la natura.

Con la democratizzazione dell‘automobile negli anni‚ 30, il Ticino è finalmente collegato in modo più diretto e veloce alla Svizzera tedesca attraverso la strada del San Gottardo, ricevendo il soprannome di “Sonnenstube”, il posto al sole. Questa regione soleggiata e accogliente attira allora artisti e personalità nel momento in cui i giardini esotici diventano di moda. Da Morcote a Montagnola passando per Lugano, dal parco della Villa Heleneum a quelli di scrittori come Hermann Hesse o grandi collezionisti d‘arte come Hermann Arthur Scherrer, o ancora dell’ex-agente segreto del MI6, Peter Smithers, i giardini ornamentali si trasformano in oasi esotiche, mescolando ricordi di viaggio e romanticismo.

La creazione di questi spazi verdi, spesso popolati da piante tropicali, genera un processo di trasformazione che va oltre il contesto del giardino privato, creando una sorta di nastro mediterraneo lungo le rive dei laghi della regione. Una porzione dello spazio prealpino diventa pian piano una sorta di “Riviera francese”, dove i confini tra giardino privato e paesaggio lontano svaniscono: la flora esotica dei giardini, che comprende alberi di mandarino cinese, palme del Giappone, cycas revoluta dell’America centrale, eucalipti dell‘Australia e rare glicini e altre specie, si estende a perdita d’occhio. Come scriveva all‘inizio del XX secolo il botanico svizzero Henry Correvon, grande esperto della flora alpina, „Nel Ticino la vegetazione assume forme così varie e molteplici, ed è così straordinariamente esuberante da suscitare ovunque grida di ammirazione. È già Italia eppure è ancora Svizzera [...]. È la nostra “Riviera”, il nostro “Midi”, ma molto più tranquillo e pittoresco!1” Queste composizioni vegetali integrano spesso finti ruderi, colonnati lungo i laghi, riproduzioni di sculture antiche o anche grotte artificiali, conferendo al giardino paesaggistico una notevole dimensione pittoresca. È attraverso questa giustapposizione di elementi che si delinea una geografia narrativa che incarna l’immagine di un Sud idilliaco, di cui la palma diventa l’emblema. Dall’esotismo all’estetica del rudere, dalle palme ticinesi alle palme californiane importate negli anni ‘30 per trasformare il sud della California in «litorale mediterraneo dell’America» ispirato alla French Riviera-2 la mostra collettiva “Arcadia” interroga il modo in cui gli artisti contemporanei compongono e fanno emergere nuove architetture, ecosistemi emotivi. Giocando con i confini tra natura e artificio, chimera e realtà, essi costruiscono l’utopia di un patrimonio immaginario e immemore.

In our collective imagination, Arcadia represents that idyllic region located in Greece, described, among others, by Virgil in his Bucolics in 40 B.C. as a place of tranquility, devoted to the pleasures of nature and song. The mountains, the flourishing nature, the microclimate, and the sweetness of life have transformed the place into a synonym for an ideal life, where the splendour and harmony of abundant nature open the intimacy and poetry of the garden to the entire landscape.

The «Arcadia» exhibition takes as its starting point the shaping of the territory of the Swiss-Italian region of Ticino over the past century, exploring different axes aiming at an ideal of happiness that embraces and develops the relationship with nature.

With the democratization of the automobile in the 1930s, Ticino is finally connected more directly and quickly to German-speaking Switzerland by the Gotthard Road, thereby acquiring the nickname «Sonnenstube,» the sunspot. This sunny and welcoming region became attractive to artists and celebrities at a time when exotic gardens are becoming fashionable. From Morcote to Montagnola via Lugano, from the park of Villa Heleneum to those of writers like Hermann Hesse or great art collectors like Hermann Arthur Sherrer or even Peter Smithers, former MI6 secret agent, pleasure gardens are transformed into exotic oases, combining memories of travel and romanticism.

The shaping of these green spaces, often populated with tropical plants, engenders a transforming process that goes beyond the scope of the private garden, creating a sort of Mediterranean ribbon along the shores of the region’s lakes. A portion of the pre-Alpine space gradually becomes a kind of «French Riviera,» where the boundaries between the private garden and the distant landscape disappear: the exotic flora of the gardens welcoming mandarin trees from China, palm trees from Japan, Cycas revoluta from Central America, eucalyptus from Australia, or rare wisterias and other species, extends as far as the eye can see. As the Swiss botanist and great specialist in alpine flora, Henry Correvon, wrote at the beginning of the 20th century, «in Ticino the vegetation takes on forms so varied, so multiple, it is of such extraordinary exuberance that it elicits admiration everywhere. It is already Italy and yet still Switzerland [...]. It is our ‘Riviera’, our “Midi”, and how peaceful and more picturesque!1 ” These arrangements often include fake ruins, colonnades along the lakes, reproductions of ancient sculptures or even artificial grottos, giving these garden landscapes a remarkable picturesque dimension. It is through this juxtaposition of elements that a narrative geography emerges, embodying the image of an idyllic South, with the palm tree becoming the emblem. From exoticism to the aesthetics of ruin, from Ticino palm trees to Californian ones imported in the 1930s to transform the region into the «Mediterranean coastline of America» inspired by the French Riviera2 - the collective exhibition «Arcadia» questions how contemporary artists compose and bring forth new architectures and emotional ecosystems. Playing with the boundaries between nature and artifice, chimera and reality, they create the utopia of a fictional and immemorial heritage.

(Text: Bally Foundation, Lugano)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
1. Juni 2024 – 26. Januar 2025

Paare / Couples

Paare sind allgegenwärtig in der Fotografie. Zwei Personen stellen sich auf, schauen in die Kamera, nehmen eine bestimmte Haltung ein und kontrollieren ihre Mimik. Indem sie sich so fotografieren lassen, geben sie zu erkennen, wie sie als Paar wahrgenommen werden möchten. Spannender als diese idealisierenden Bilder sind Aufnahmen, in denen Paare nicht in die Kamera blicken. Sie scheinen ganz bei sich, auf eigenartige Weise entrückt: spielend und werbend, verliebt und berauscht, verzweifelt und haltsuchend. Ob sie einverstanden sind, fotografiert zu werden, ist nicht mehr so klar. Solche Aufnahmen sind entweder heimlich gemacht, oder der Mensch hinter der Kamera ist dem Paar derart vertraut, dass es ihn wie selbstverständlich gewähren lässt.

2015 begann der Filmemacher Iwan Schumacher, Fotografien von Paaren zu sammeln, die nicht in die Kamera schauen. Peter Pfrunder, Direktor der Fotostiftung Schweiz, plante  seit langem eine Ausstellung mit Paar-Bildern aus den Archiven und Sammlungen der Fotostiftung. Gemeinsam entwickelten sie das Projekt Paare /Couples . Es vereint unterschiedlichste Aufnahmen, in denen etwas zwischen zwei Menschen geschieht. Jedes einzelne Bild ist ein Ausschnitt aus einer Geschichte, die immer rätselhaft bleibt und zu Spekulationen oder Projektionen verführt. Die Ausstellung ist eine spielerische, assoziative Präsentation, bei der sich die vielen Momentaufnahmen zu einer neuen Geschichte zusammenfügen.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation in Zusammenarbeit mit Edition Patrick Frey.

Les couples sont omniprésents dans la photographie. Deux personnes se mettent en place, regardent l’appareil photo, adoptent une certaine posture et contrôlent leurs expressions faciales. En se laissant photographier ainsi, ils indiquent comment ils souhaitent être perçus en tant que couple. Bien plus captivantes que ces images presque toujours idéalisées sont les photos dans lesquelles les couples ne regardent pas directement l’appareil. Ils semblent être tout à fait eux-mêmes, étrangement détachés : en train de jouer et de se faire la cour, amoureux et enivrés, désespérés et cherchant à s’accrocher. On ne sait plus très bien s’ils sont d’accord pour être photographiés. De telles clichés sont soit pris en cachette, soit la personne derrière l’appareil photo est si familière au couple qu’une autorisation à être photographié se fait tout naturellement.

En 2015, le cinéaste Iwan Schumacher a commencé à rassembler des photographies de couples qui ne regardent pas la caméra. Peter Pfrunder, directeur de la Fotostiftung Schweiz, planifiait depuis longtemps une exposition d’images de couples issues des archives et des collections de l’institution. Ensemble, ils ont développé le projet Couples. Il réunit des photos très différentes dans lesquelles il se passe quelque chose entre deux personnes. Chaque image est un extrait d’une histoire qui reste toujours mystérieuse et qui incite à la spéculation ou à la projection. Cette exposition est une présentation ludique et associative dans laquelle les nombreux instantanés s’assemblent pour former une nouvelle histoire.

L’exposition est accompagnée d’une publication en collaboration avec les Éditions Patrick Frey.

In fotografia le coppie sono onnipresenti. Due persone si mettono in posa, guardano verso l’obiettivo, assumono un determinato atteggiamento e controllano la mimica. Facendosi fotografare in questo modo, permettono di capire come vogliono essere considerate in quanto coppia. Più interessanti di queste immagini quasi sempre idealizzate, sono gli scatti in cui le coppie non guardano direttamente verso l’obiettivo. Qui, sembrano essere sé stesse e stranamente distanti: giocose e impegnate a corteggiarsi, innamorate ed ebbre, disperate e smarrite. Se siano d’accordo sul fatto di essere fotografate non è più molto chiaro. Queste immagini vengono scattate o di nascosto oppure quando la coppia conosce così bene la persona dietro all’obiettivo da concederle implicitamente il permesso di fotografare.

Nel 2015 il regista Iwan Schumacher iniziò a collezionare fotografie di coppie distolte dall’obiettivo. Da molto tempo Peter Pfrunder, direttore della Fotostiftung Schweiz progettava una mostra con immagini di coppie tratte dagli archivi e dalle collezioni della Fotostiftung. Assieme hanno quindi sviluppato il progetto dal titolo «Coppie», che riunisce una varietà di immagini in cui avviene qualcosa tra due persone. Ogni singola immagine è uno spezzone tratto da una storia che rimane sempre enigmatica e invita a fare supposizioni o proiezioni. La mostra è una presentazione ludica fatta di associazioni, nella quale gli scorci istantanei diventano una nuova storia.

Ad accompagnare la mostra uscirà una pubblicazione realizzata in collaborazione con Edition Patrick Frey.

Couples are omnipresent in photography. Two people arrange themselves, look into the camera, adopt a certain pose and control their facial expressions. By having themselves photographed in this way, they reveal how they wish to be perceived as a couple. Compared to these idealised images, photographs in which couples do not look into the camera are more fascinating. Here, the couples seem to be genuinely themselves, and strangely detached: playing and courting, enamoured and besotted, desperate and clinging. Whether they consent to being photographed is no longer clear. Such photographs are either taken secretly, or the couple is so well acquainted with the person behind the camera that they allow him or her to photograph them as a matter of course.

In 2015, filmmaker Iwan Schumacher began collecting photographs of couples who are not looking into the camera. Peter Pfrunder, director of Fotostiftung Schweiz, had long been planning an exhibition of couple pictures from the institution’s archives and collections. Together, they developed the project Paare /Couples . It brings together a very wide variety of photographs, in which something happens between two people. Each individual image is an excerpt from a story that always remains enigmatic and leads to speculation or projection. This exhibition is a playful associative presentation, in which the single moments combine to form a new narrative.

In cooperation with Edition Patrick Frey, a publication is being released to accompany the exhibition.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Helmut Newton Stiftung | Berlin
7. Juni 2024 – 16. Februar 2025

Berlin, Berlin - 20 Jahre Helmut Newton Stiftung

Helmut Newton, Yva, Jewgeni Chaldej, Hein Gorny, Arwed Messmer / Fritz Tiedemann, Will McBride, Arno Fischer, Arwed Messmer / Annett Gröschner, Wim Wenders, F.C. Gundlach, Günter Zint, Maria Sewcz, Michael Schmidt, Thomas Florschuetz, Ulrich Wüst, Barbara Klemm, Harf Zimmermann

Mit der Gruppenausstellung „Berlin, Berlin“ feiert die Helmut Newton Stiftung im Juni 2024 ihr 20jähriges Jubiläum; zugleich ist es eine Hommage an Newtons Geburtsstadt. Im Herbst 2003 hatte sich der Fotograf entschieden, Teile seines Archivs nach Berlin zu überführen, nachdem er die nach ihm benannte Stiftung gegründet hatte, die im ehemaligen Landwehrkasino am Bahnhof Zoologischer Garten untergebracht und im Juni 2004 eröffnet wurde. Von jenem Bahnhof verließ Helmut Neustädter, als Jude ständig von der Deportation bedroht, Anfang Dezember 1938 überstürzt Berlin und kehrte 65 Jahre später als weltberühmter Fotograf Helmut Newton zurück. Seitdem bespielt die Helmut Newton Stiftung gemeinsam mit der Kunstbibliothek das historische Gebäude unter dem Namen „Museum für Fotografie“. Nach dem Tod von June Newton (alias Alice Springs) im April 2021 ist das Gesamtwerk von Helmut Newton und Alice Springs sowie alle Archivalien im Stiftungsarchiv untergebracht.

Helmut Newton absolvierte von 1936 bis 1938 in Berlin-Charlottenburg eine Ausbildung bei der legendären Fotografin Yva, der er in seinem späteren Werk in den drei Genres Mode, Porträt und Akt folgte. Nach Stationen in Singapur und Melbourne begann Newtons eigentliche Karriere in Paris Anfang der 1960er-Jahre; in dieser Zeit kehrte er auch regelmäßig nach Berlin zurück, um hier insbesondere für Modemagazine zu fotografieren, darunter für die Constanze, für Adam oder die Vogue Europe. Wir begegnen in der Ausstellung Newtons Modellen am Brandenburger Tor, noch vor dem Mauerbau, und 1963 realisierte er rund um die Berliner Mauer eine „Mata-Hari-Spionage-Story“ mit Brigitte Schilling als Modebildstrecke, die für einiges Aufsehen sorgte. 1979 wurde er von der deutschen Vogue beauftragt, die gerade wieder auf den Zeitschriftenmarkt zurückkehrte, den Spuren seiner Kindheit und Jugend in West-Berlin zu folgen und aktuelle Mode zu visualisieren; so entstand damals ein mehrseitiges Portfolio unter dem Titel „Berlin, Berlin!“, der für diese Jubiläumsausstellung übernommen wurde. Später entstanden Cover-Stories für das Condé Nast Traveler Magazin (1987), das Zeit-Magazin (1990), die Männer Vogue (1991) oder das Magazin der Süddeutschen Zeitung (2001).

Newtons ikonische und unbekanntere Berlin-Bilder, die zwischen den 1930er und Nullerjahren entstanden, werden in den anderen Ausstellungsräumen neu kontextualisiert, von vintage prints von Yva bis hin zur journalistisch-politischen Fotografie von Barbara Klemm. So wird der inhaltliche Bogen von den „goldenen Zwanzigern“, in die Newton hineingeboren wurde, über die Kriegszerstörung, den Wiederaufbau, den Mauerbau und -fall bis ins frühe 21. Jahrhundert geschlagen.

Jewgeni Chaldei, ein russisch-ukrainischer Fotograf, schuf ikonische Bilder vom Häuserkampf rund um den Reichstag in den letzten Kriegswochen im Frühjahr 1945, während Hein Gorny im folgenden Herbst gemeinsam mit Adolph C. Byers über die Stadt flog und ihren ruinösen Zustand nach Kriegsende in einer Serie spektakulärer Luftaufnahmen dokumentierte. In den späten 1950er-Jahren normalisierte sich langsam die lange Zeit so prekäre Situation in Berlin, wie wir anhand der Aufnahmen von Arno Fischer, Will McBride und F.C. Gundlach sehen können, die seinerzeit noch abwechselnd im Ost- und im Westteil der Stadt fotografieren konnten. Der Mauerbau im August 1961 veränderte erneut nahezu alles, im Westteil begannen ab 1966 die Studentenunruhen und die APO-Zeit, festgehalten unter anderem von Günter Zint sowie in einer Archivarbeit von Arwed Messmer, zusammengestellt aus historischen Aufnahmen der West-Berliner Polizei und durch die künstlerische Aneignung neu erlebbar. Messmer interpretierte kongenial auch die Fotografien von Fritz Tiedemann neu, der ab 1949 im Auftrag des Ost-Berliner Magistrats die noch teilweise in Trümmern darniederliegende Stadt systematisch dokumentierte. Die Bildfolgen bestimmter Gebäude, Plätze und Straßenzüge bildeten Panoramen, die von Tiedemann als Kontaktkopien auf Kartons geklebt wurden. Erst durch die Intervention von Arwed Messmer, der die unikatäre Qualität dieser Stadt-Dokumentation erkannte, im Auftrag der Berlinischen Galerie sichtete, rekonstruierte und in riesigen, digitalen Ausbelichtungen materialisierte, können wir Berlin und seine Leere um 1950 völlig neu entdecken.

Die Berliner Mauer taucht in der Ausstellung immer wieder auf, insbesondere in den 12 Folianten von Arwed Messmer und Annett Gröschner, in denen die Besucher den Zustand der gesamten Mauer Mitte der 1960er-Jahre studieren können, ebenso wie Bilder aus der geteilten Stadt, die jenseits des Brandenburger Tores oder des Reichstages entstanden sind und zusammengenommen den Mythos Berlins und seine Visualisierung ausmachen. So sind es bestimmte Projekte, die Foto- oder Filmgeschichte geschrieben haben, die hier spannungsvoll miteinander interagieren, etwa Maria Sewcz‘ Serie „inter esse“ neben Michael Schmidts „Waffenruhe“ und film stills aus Wim Wenders‘ „Himmel über Berlin“; alle stammen aus den späten 1980er-Jahren, noch vor dem Mauerfall.

Der Fall der Mauer, die Wiedervereinigung und die Fotografien, die dazu und danach entstanden sind, bilden schließlich das letzte Kapitel dieser Übersichtsausstellung. Dafür stehen exemplarisch Ulrich Wüsts Leporellos sowie Thomas Florschuetz und Harf Zimmermann mit ihren großformatigen Farbarbeiten, die unter anderem im ehemaligen Palast der Republik entstanden und den Fernsehturm am Alexanderplatz respektive das Schinkel’sche Erbe in Berlins Mitte spannungsvoll neu verorten. Es sind Bilder einer Stadt, die dazu verdammt ist, „immerfort zu werden und niemals zu sein“ (Karl Scheffler).

So wird Newtons Blick auf seine Heimatstadt, in Form von etwa 100 Fotografien, von ebenso vielen Bildern und unterschiedlichen Ansätzen der Kollegen und Kolleginnen in den hinteren Räumen begleitet, kommentiert, ergänzt und gespiegelt. Eine solche Gegenüberstellung mit wechselseitigen Bezügen gab es in der Stiftung bereits 2022 mit der Gruppenausstellung „Hollywood“, einem anderen bekannten Ort der Newton’schen Bildproduktion.

Avec l'exposition de groupe "Berlin, Berlin", la Fondation Helmut Newton fêtera en juin 2024 son 20e anniversaire ; c'est aussi un hommage à la ville natale de Newton. A l'automne 2003, le photographe avait décidé de transférer une partie de ses archives à Berlin, après avoir créé la fondation qui porte son nom, installée dans l'ancien Landwehrkasino de la gare Zoologischer Garten et inaugurée en juin 2004. C'est de cette gare qu'Helmut Neustädter, juif et constamment menacé de déportation, a quitté précipitamment Berlin début décembre 1938 pour y revenir 65 ans plus tard sous le nom de Helmut Newton, photographe de renommée mondiale. Depuis, la fondation Helmut Newton occupe le bâtiment historique en collaboration avec la bibliothèque d'art sous le nom de "Museum für Fotografie". Après le décès de June Newton (alias Alice Springs) en avril 2021, l'ensemble de l'œuvre d'Helmut Newton et d'Alice Springs ainsi que tous les documents d'archives sont conservés dans les archives de la fondation.

Helmut Newton a suivi une formation à Berlin-Charlottenburg de 1936 à 1938 auprès de la légendaire photographe Yva, qu'il a suivie dans son œuvre ultérieure dans les trois genres de la mode, du portrait et du nu. Après des étapes à Singapour et Melbourne, la véritable carrière de Newton a commencé à Paris au début des années 1960 ; c'est à cette époque qu'il est revenu régulièrement à Berlin pour y photographier notamment pour des magazines de mode, dont Constanze, Adam ou Vogue Europe. Nous rencontrons dans l'exposition les modèles de Newton à la porte de Brandebourg, avant même la construction du mur, et en 1963, il réalise autour du mur de Berlin une "histoire d'espionnage de Mata Hari" avec Brigitte Schilling en tant que parcours d'images de mode, qui a fait grand bruit. En 1979, le magazine allemand Vogue, qui venait de revenir sur le marché des magazines, lui a demandé de suivre les traces de son enfance et de sa jeunesse à Berlin-Ouest et de visualiser la mode actuelle ; c'est ainsi qu'il a réalisé à l'époque un portfolio de plusieurs pages sous le titre "Berlin, Berlin !", qui a été repris pour cette exposition anniversaire. Plus tard, des histoires de couverture ont été réalisées pour le magazine Condé Nast Traveler (1987), le magazine Zeit (1990), le magazine Männer Vogue (1991) ou le magazine de la Süddeutsche Zeitung (2001).

Les visuels berlinois iconiques et moins connus de Newton, réalisés entre les années 1930 et les années zéro, sont recontextualisés dans les autres salles d'exposition, des tirages vintage d'Yva à la photographie journalistique et politique de Barbara Klemm. Le contenu s'étend ainsi des "golden twenties", dans lesquelles Newton est né, jusqu'au début du 21e siècle, en passant par les destructions de la guerre, la reconstruction, la construction et la chute du mur.

Evgeni Chaldei, un photographe russo-ukrainien, a réalisé des visuels iconiques de la bataille des maisons autour du Reichstag pendant les dernières semaines de la guerre au printemps 1945, tandis que Hein Gorny a survolé la ville l'automne suivant en compagnie d'Adolph C. Byers et a documenté son état de ruine à la fin de la guerre dans une série de photos aériennes spectaculaires. A la fin des années 1950, la situation longtemps si précaire de Berlin se normalisa lentement, comme nous pouvons le voir à travers les clichés d'Arno Fischer, Will McBride et F.C. Gundlach qui, à l'époque, pouvaient encore photographier alternativement la partie est et la partie ouest de la ville. La construction du mur en août 1961 changea à nouveau presque tout, dans la partie ouest commencèrent à partir de 1966 les troubles estudiantins et la période APO, immortalisés entre autres par Günter Zint ainsi que dans un travail d'archives d'Arwed Messmer, composé de photos historiques de la police de Berlin-Ouest et revivifié par l'appropriation artistique. Messmer a également réinterprété de manière congéniale les photographies de Fritz Tiedemann qui, à partir de 1949, a systématiquement documenté la ville, encore partiellement en ruines, à la demande de la municipalité de Berlin-Est. Les séquences visuelles de certains bâtiments, places et rues constituaient des panoramas que Tiedemann collait sur des cartons sous forme de copies de contact. Ce n'est que grâce à l'intervention d'Arwed Messmer, qui a reconnu la qualité unique de cette documentation urbaine, l'a visionnée et reconstruite pour le compte de la Berlinische Galerie et l'a matérialisée sous forme d'immenses tirages numériques, que nous pouvons redécouvrir entièrement Berlin et son vide vers 1950.

Le mur de Berlin apparaît à plusieurs reprises dans l'exposition, notamment dans les 12 folios d'Arwed Messmer et d'Annett Gröschner, dans lesquels les visiteurs peuvent étudier l'état de l'ensemble du mur au milieu des années 1960, ainsi que des visuels de la ville divisée, réalisés au-delà de la porte de Brandebourg ou du Reichstag, qui, ensemble, constituent le mythe de Berlin et sa visualisation. Ce sont ainsi certains projets qui ont écrit l'histoire de la photographie ou du cinéma qui interagissent ici de manière passionnante, comme la série "inter esse" de Maria Sewcz à côté de "Waffenruhe" de Michael Schmidt et de films stills tirés de "Himmel über Berlin" de Wim Wenders ; tous datent de la fin des années 1980, avant même la chute du mur.

La chute du mur, la réunification et les photographies qui ont été prises à cette occasion et après constituent le dernier chapitre de cette exposition générale. Les leporellos d'Ulrich Wüst ainsi que les travaux en couleur grand format de Thomas Florschuetz et Harf Zimmermann, réalisés entre autres dans l'ancien Palais de la République, en sont des exemples et permettent de replacer de manière captivante la tour de télévision sur l'Alexanderplatz et l'héritage de Schinkel dans le centre de Berlin. Ce sont des visuels d'une ville qui est condamnée à "devenir sans cesse et à ne jamais être" (Karl Scheffler).

Ainsi, le regard de Newton sur sa ville natale, sous la forme d'une centaine de photographies, est accompagné, commenté, complété et reflété par autant de visuels et d'approches différentes de ses collègues dans les salles du fond. Une telle confrontation avec des références réciproques a déjà eu lieu à la fondation en 2022 avec l'exposition de groupe "Hollywood", un autre lieu connu de la production d'images de Newton.

La Fondazione Helmut Newton festeggia il suo 20° anniversario nel giugno 2024 con la mostra collettiva "Berlino, Berlino", che rende omaggio anche alla città natale di Newton. Nell'autunno del 2003, il fotografo decise di trasferire parte del suo archivio a Berlino dopo aver istituito la fondazione che porta il suo nome, ospitata nell'ex Landwehrkasino della stazione Zoologischer Garten e inaugurata nel giugno 2004. Da quella stazione, Helmut Neustädter, in quanto ebreo costantemente minacciato di deportazione, lasciò Berlino in fretta e furia all'inizio del dicembre 1938 e tornò 65 anni dopo come il fotografo di fama mondiale Helmut Newton. Da allora, la Fondazione Helmut Newton, insieme alla Biblioteca d'Arte, gestisce lo storico edificio con il nome di "Museo della Fotografia". Dopo la morte di June Newton (alias Alice Springs) nell'aprile 2021, le opere complete di Helmut Newton e Alice Springs e tutto il materiale d'archivio sono conservati nell'archivio della fondazione.

Helmut Newton si è formato a Berlino-Charlottenburg dal 1936 al 1938 con il leggendario fotografo Yva, che ha seguito nel suo lavoro successivo nei tre generi della moda, del ritratto e del nudo. Dopo aver soggiornato a Singapore e a Melbourne, la vera carriera di Newton inizia a Parigi nei primi anni Sessanta; in questo periodo torna regolarmente a Berlino per fotografare soprattutto per le riviste di moda, tra cui Constanze, Adam e Vogue Europe. Nella mostra, incontriamo le modelle di Newton alla Porta di Brandeburgo, ancora prima della costruzione del Muro, e nel 1963 realizzò una "Mata Hari spy story" intorno al Muro di Berlino con Brigitte Schilling come serie di immagini di moda, che fece scalpore. Nel 1979 fu incaricato da Vogue tedesco, appena tornato sul mercato delle riviste, di seguire le tracce della sua infanzia e giovinezza a Berlino Ovest e di visualizzare la moda attuale; il risultato fu un portfolio di più pagine intitolato "Berlino, Berlino!", adottato per la mostra dell'anniversario. Le copertine successive sono state create per la rivista Condé Nast Traveler (1987), la rivista Zeit (1990), Männer Vogue (1991) e la rivista Süddeutsche Zeitung (2001).

Le immagini iconiche e meno note di Newton a Berlino, scattate tra gli anni Trenta e gli anni Duemila, sono ricontestualizzate nelle altre sale della mostra, dalle stampe vintage di Yva alla fotografia giornalistico-politica di Barbara Klemm. In questo modo, l'arco tematico viene tracciato dai "Golden Twenties", in cui Newton è nato, attraverso le distruzioni della guerra, la ricostruzione, la costruzione e la caduta del Muro di Berlino e fino all'inizio del XXI secolo.

Yevgeny Chaldei, fotografo russo-ucraino, creò immagini iconiche della battaglia delle case intorno al Reichstag nelle ultime settimane di guerra nella primavera del 1945, mentre Hein Gorny sorvolò la città nell'autunno successivo insieme ad Adolph C. Byers e documentò il suo stato di rovina dopo la fine della guerra in una serie di spettacolari fotografie aeree. Alla fine degli anni Cinquanta, la situazione a lungo precaria di Berlino si normalizzò lentamente, come si può vedere dalle fotografie di Arno Fischer, Will McBride e F.C. Gundlach, che all'epoca potevano ancora fotografare alternativamente nella parte orientale e occidentale della città. La costruzione del Muro nell'agosto del 1961 cambiò di nuovo quasi tutto, mentre le agitazioni studentesche e il periodo dell'APO iniziarono nella parte occidentale della città nel 1966, immortalate da Günter Zint e altri, così come in un lavoro d'archivio di Arwed Messmer, compilato da fotografie storiche della polizia di Berlino Ovest e riportato in vita attraverso l'appropriazione artistica. Messmer ha anche reinterpretato in modo congeniale le fotografie di Fritz Tiedemann, che a partire dal 1949 fu incaricato dal magistrato di Berlino Est di documentare sistematicamente la città, ancora parzialmente in rovina. Le sequenze di immagini di alcuni edifici, piazze e strade formavano dei panorami che Tiedemann incollava su cartone come stampe a contatto. Solo grazie all'intervento di Arwed Messmer, che ha riconosciuto la qualità unica di questa documentazione della città, l'ha visionata per conto della Berlinische Galerie, l'ha ricostruita e materializzata in enormi esposizioni digitali, siamo in grado di riscoprire Berlino e il suo vuoto intorno al 1950.

Il Muro di Berlino compare ripetutamente nella mostra, soprattutto nei 12 fogli di Arwed Messmer e Annett Gröschner, in cui il visitatore può studiare lo stato dell'intero Muro a metà degli anni Sessanta, oltre alle immagini della città divisa che sono state create al di là della Porta di Brandeburgo o del Reichstag e che insieme costituiscono il mito di Berlino e la sua visualizzazione. Alcuni progetti che hanno scritto la storia della fotografia o del cinema interagiscono qui in modo stimolante, come la serie "inter esse" di Maria Sewcz accanto a "Waffenruhe" di Michael Schmidt e ai fotogrammi del film "Himmel über Berlin" di Wim Wenders; tutti risalgono alla fine degli anni Ottanta, prima della caduta del Muro.

La caduta del Muro, la riunificazione e le fotografie scattate durante e dopo di essa costituiscono il capitolo finale di questa mostra panoramica. I leporelli di Ulrich Wüst e le opere a colori di grande formato di Thomas Florschuetz e Harf Zimmermann, realizzate tra l'altro nell'ex Palast der Republik e che riposizionano in modo emozionante rispettivamente la torre della televisione in Alexanderplatz e l'eredità di Schinkel nel centro di Berlino, ne sono un esempio. Sono immagini di una città condannata a "diventare sempre e non essere mai" (Karl Scheffler).

La visione di Newton della sua città natale, sotto forma di circa 100 fotografie, è accompagnata, commentata, integrata e rispecchiata da altrettante immagini e approcci diversi dei suoi colleghi nelle sale posteriori. Una simile giustapposizione con riferimenti reciproci si era già verificata alla fondazione nel 2022 con la mostra collettiva "Hollywood", altro luogo noto della produzione di immagini di Newton.

The Helmut Newton Foundation is celebrating its 20th anniversary in June 2024 with the group exhibition "Berlin, Berlin", which also pays homage to the city of Newton's birth. In the fall of 2003, the photographer decided to transfer parts of his archive to Berlin after establishing the foundation named after him, which was housed in the former Landwehrkasino at Zoologischer Garten station and opened in June 2004. From that station, Helmut Neustädter, as a Jew constantly threatened with deportation, left Berlin in a hurry at the beginning of December 1938 and returned 65 years later as the world-famous photographer Helmut Newton. Since then, the Helmut Newton Foundation, together with the Art Library, has occupied the historic building under the name "Museum of Photography". Following the death of June Newton (aka Alice Springs) in April 2021, the complete works of Helmut Newton and Alice Springs as well as all archival materials are housed in the foundation's archive.

Helmut Newton trained in Berlin-Charlottenburg from 1936 to 1938 with the legendary photographer Yva, whom he followed in his later work in the three genres of fashion, portrait and nude. After stints in Singapore and Melbourne, Newton's real career began in Paris in the early 1960s; during this time he also returned regularly to Berlin to photograph for fashion magazines in particular, including Constanze, Adam and Vogue Europe. In the exhibition, we encounter Newton's models at the Brandenburg Gate, even before the Wall was built, and in 1963 he realized a "Mata Hari spy story" around the Berlin Wall with Brigitte Schilling as a fashion picture series, which caused quite a stir. In 1979, he was commissioned by German Vogue, which had just returned to the magazine market, to follow in the footsteps of his childhood and youth in West Berlin and visualize current fashion; the result was a multi-page portfolio entitled "Berlin, Berlin!", which was adopted for this anniversary exhibition. Later cover stories were created for Condé Nast Traveler magazine (1987), Zeit magazine (1990), Männer Vogue (1991) and the Süddeutsche Zeitung magazine (2001).

Newton's iconic and lesser-known Berlin visuals, taken between the 1930s and the noughties, are re-contextualized in the other exhibition rooms, from vintage prints by Yva to journalistic-political photography by Barbara Klemm. The thematic arc is thus drawn from the "golden twenties", into which Newton was born, through the destruction of the war, reconstruction, the building and fall of the Berlin Wall and into the early 21st century.

Yevgeny Chaldei, a Russian-Ukrainian photographer, created iconic visuals of the battle of the houses around the Reichstag in the last weeks of the war in the spring of 1945, while Hein Gorny flew over the city the following fall with Adolph C. Byers and documented its ruinous state after the end of the war in a series of spectacular aerial photographs. In the late 1950s, the situation in Berlin, which had long been so precarious, slowly returned to normal, as we can see from the photographs of Arno Fischer, Will McBride and F.C. Gundlach, who at the time were still able to alternate between photographing the eastern and western parts of the city. The construction of the Berlin Wall in August 1961 changed almost everything again, while the student unrest and the APO period began in the western part of the city in 1966, captured by Günter Zint, among others, and in an archive work by Arwed Messmer, compiled from historical photographs of the West Berlin police and brought to life anew through artistic appropriation. Messmer also congenially reinterpreted the photographs of Fritz Tiedemann, who systematically documented the city, still partly in ruins, on behalf of the East Berlin magistrate from 1949 onwards. The visual sequences of certain buildings, squares and streets formed panoramas, which Tiedemann pasted onto cardboard as contact prints. It was only through the intervention of Arwed Messmer, who recognized the unique quality of this documentation of the city, viewed it on behalf of the Berlinische Galerie, reconstructed it and materialized it in huge, digital exposures, that we can completely rediscover Berlin and its emptiness around 1950.

The Berlin Wall appears again and again in the exhibition, especially in the 12 folios by Arwed Messmer and Annett Gröschner, in which visitors can study the state of the entire Wall in the mid-1960s, as well as visuals from the divided city taken beyond the Brandenburg Gate or the Reichstag, which together make up the myth of Berlin and its visualization. Certain projects that have written photographic or film history interact with each other here in an exciting way, such as Maria Sewcz's series "inter esse" alongside Michael Schmidt's "Waffenruhe" and film stills from Wim Wenders' "Himmel über Berlin"; all date from the late 1980s, before the fall of the Wall.

The fall of the Wall, reunification and the photographs that were taken before and after it form the final chapter of this overview exhibition. Ulrich Wüst's leporellos and Thomas Florschuetz and Harf Zimmermann's large-format color works, which were created in the former Palace of the Republic, among other places, and excitingly reposition the television tower on Alexanderplatz and Schinkel's legacy in the center of Berlin, respectively, are exemplary of this. They are visuals of a city that is condemned to "always become and never be" (Karl Scheffler).

Newton's view of his hometown, in the form of around 100 photographs, is accompanied, commented on, supplemented and mirrored by just as many visuals and different approaches by his colleagues in the rear rooms. Such a juxtaposition with reciprocal references already took place at the foundation in 2022 with the group exhibition "Hollywood", another well-known place of Newton's image production.

(Text: Helmut Newton Stiftung, Berlin)

MUSEC Museo delle Culture | Lugano
8. Juni 2024 – 19. Januar 2025

L'immagine dell'empresente. FOSCO MARAINI. Una retrospettiva

Das MUSEC in Lugano feiert die Fotografie von Fosco Maraini zwanzig Jahre nach seinem Tod mit der größten Retrospektive, die ihm je gewidmet wurde. Sie ist das Ergebnis eines Forschungsprojekts, das vor zwei Jahren gestartet wurde und an dem die wichtigsten Institutionen beteiligt waren, die sein Werk von Anfang an bewahrt und gefördert haben. Auf diese Weise ist es möglich, Maraini endgültig die ihm gebührende Rolle in der Geschichte der Fotografie zuzuweisen und gleichzeitig auf mehreren Ebenen über die grundlegenden Werte einer Kunstform nachzudenken, die heute, angesichts der neuen Grenzen der Technologie, ihre Substanz in Frage stellt. Eine Überlegung, die darauf abzielt, zu unterstreichen, dass jede Darstellung der Realität, sei sie konkret oder abstrakt, nur dann einen Sinn hat, wenn sie in der Lage ist, ein geistiges Universum und eine ursprüngliche Vision der Welt wiederherzustellen.

Die Ausstellung in der Villa Malpensata in Lugano zeigt 223 zum Teil unveröffentlichte Fotografien, die zwischen 1928 und 1971 in Europa und Asien aufgenommen wurden. Die Auswahl der Fotografien ist das Ergebnis einer eingehenden Untersuchung des Fotoarchivs von Maraini, angefangen bei den Hunderten von illustrierten Publikationen, die es erst ermöglichten, die Kapitel zu definieren, mit denen das Projekt strukturiert werden sollte, bis hin zu den Tausenden von Negativen, die im Gabinetto Vieusseux in Florenz aufbewahrt werden. Unter Berücksichtigung der laufenden "Entdeckungen", der fehlenden oder unbrauchbaren Negative und der vergleichenden Auswahl, die notwendig war, um Harmonie und visuelle Kohärenz zu gewährleisten, nahm die Auswahl so Gestalt an. Die von Francesco Paolo Campione, dem Direktor des MUSEC, kuratierte Ausstellung bringt die Facetten der Fotografie Marainis wieder zum Vorschein: eine Fotografie von Menschen und Kulturen; von Landschaften, die sich ins Unendliche öffnen; von Innenarchitekturen, in denen die geheimen Geometrien der inneren Welt widerhallen; von Details, die sich inmitten der Handlung einer Realität offenbaren, die mit seltener Intelligenz interpretiert und mit einer kultivierten und äußerst feinen Ästhetik beschrieben wird. Es sind Bilder, die "all'empresente ergriffen" sind, wie Maraini mit einem ihrer überraschenden Neologismen zu sagen pflegte. Bilder also, die in jenem unwiederholbaren Moment eingefangen wurden, in dem das Auge die Bewegungen des Herzens und der Seele wahrnimmt.

Le MUSEC de Lugano célèbre la photographie de Fosco Maraini, vingt ans après sa mort, avec la plus grande rétrospective qui lui ait jamais été consacrée, fruit d'un projet de recherche lancé il y a deux ans et auquel ont participé les principales institutions qui conservent et valorisent son œuvre depuis le début. Il est donc possible d'attribuer définitivement à Maraini le rôle qu'il mérite dans l'histoire de la photographie et, en même temps, de réfléchir à plusieurs niveaux sur les valeurs fondamentales d'un art qui, aujourd'hui, face aux nouvelles frontières de la technologie, s'interroge sur sa substance même. Une réflexion qui vise à souligner que toute représentation de la réalité, qu'elle soit concrète ou abstraite, n'a de sens dans le temps que si elle est en mesure de restituer un univers spirituel et une vision originale du monde.

L'exposition à la Villa Malpensata de Lugano présente 223 photographies, dont certaines inédites, prises entre 1928 et 1971 en Europe et en Asie. Le choix des photographies est le résultat d'une exploration approfondie des archives photographiques de Maraini, depuis les centaines de publications illustrées qui ont d'abord permis de définir les chapitres avec lesquels structurer le projet, jusqu'aux milliers de négatifs conservés au Gabinetto Vieusseux de Florence. En tenant compte des "découvertes" en cours, des négatifs manquants ou inutilisables et des choix comparatifs nécessaires pour garantir l'harmonie et la cohérence visuelle, la sélection a ainsi pris forme. Le parcours de l'exposition organisée par Francesco Paolo Campione, directeur du MUSEC, restitue les facettes de la photographie de Maraini : une photographie d'hommes et de cultures ; de paysages qui s'ouvrent sur l'infini ; d'architectures intérieures dans lesquelles se répercutent les géométries secrètes du monde intérieur ; de détails qui se révèlent au milieu des intrigues d'une réalité interprétée avec une rare intelligence et décrite avec une esthétique cultivée et d'une grande finesse. Ce sont des images "saisies all'empresente", comme Maraini aimait à le dire avec l'un de ses surprenants néologismes. Des images, donc, saisies dans ce moment unique où l'œil se donne à percevoir les mouvements du cœur et de l'âme.

Il MUSEC di Lugano celebra la fotografia di Fosco Maraini, a vent'anni dalla scomparsa, con la più ampia retrospettiva che gli sia mai stata dedicata, frutto di una ricerca avviata due anni fa che ha coinvolto sin dall’inizio le principali istituzioni che ne conservano e valorizzano l’opera. È così possibile assegnare definitivamente a Maraini il ruolo che gli spetta nella storia della fotografia e, al contempo, riflettere a più livelli sui valori portanti di una forma d’arte che oggi, di fronte alle nuove frontiere della tecnologia, s’interroga sulla sua stessa sostanza. Una riflessione volta a sottolineare come ogni rappresentazione della realtà, concreta o astratta che sia, ha senso nel tempo soltanto se è in grado di restituire un universo spirituale e un’originale visione del mondo.

L’esposizione allestita a Villa Malpensata a Lugano, presenta 223 fotografie, alcune delle quali inedite, realizzate fra il 1928 e il 1971 in Europa e in Asia. La scelta delle fotografie è frutto di una approfondita esplorazione degli archivi fotografici di Maraini, dalle centinaia di pubblicazioni illustrate che hanno permesso dapprima di definire i capitoli con cui strutturare il progetto, fino alle  migliaia di negativi conservati dal Gabinetto Vieusseux di Firenze: tenuto conto delle «scoperte» in corso d’opera, dei negativi mancanti o inutilizzabili e delle scelte comparative, necessarie a garantire armonia e coerenza visiva, la selezione ha così preso corpo. Il percorso dell’esposizione curata da Francesco Paolo Campione, direttore del MUSEC, restituisce le sfaccettature della fotografia di Maraini: una fotografia di uomini e culture; di paesaggi che si aprono sull’infinito; di architetture d’interni in cui si riverberano le geometrie segrete del mondo interiore; di particolari che si svelano fra le trame di una realtà interpretata con intelligenza rara e descritta con una colta e finissima estetica. Sono immagini «carpite all’empresente», come Maraini amava dire con uno dei suoi sorprendenti neologismi. Immagini, cioè, colte in quell’attimo irripetibile in cui all’occhio è dato percepire le movenze del cuore e dell’anima.

The MUSEC in Lugano celebrates the photography of Fosco Maraini, twenty years after his death, with the largest retrospective that has ever been dedicated to him, the result of a research project launched two years ago that has involved the main institutions that preserve and enhance his work from the very beginning. It is thus possible to definitively assign to Maraini the role he deserves in the history of photography and, at the same time, to reflect on several levels on the fundamental values of an art form that today, faced with the new frontiers of technology, questions its very substance. A reflection aimed at underlining how every representation of reality, be it concrete or abstract, only makes sense in time if it is able to restore a spiritual universe and an original vision of the world.

The exhibition at Villa Malpensata in Lugano presents 223 photographs, some of them previously unpublished, taken between 1928 and 1971 in Europe and Asia. The choice of the photographs is the result of an in-depth exploration of Maraini's photographic archives, from the hundreds of illustrated publications that first made it possible to define the chapters with which to structure the project, to the thousands of negatives conserved at the Gabinetto Vieusseux in Florence. Taking into account the ‘discoveries’ in progress, the missing or unusable negatives and the comparative choices necessary to guarantee harmony and visual coherence, the selection thus took shape. The itinerary of the exhibition curated by Francesco Paolo Campione, director of MUSEC, restores the facets of Maraini's photography: a photography of men and cultures; of landscapes that open onto infinity; of interior architectures in which the secret geometries of the inner world reverberate; of details that are revealed amidst the plots of a reality interpreted with rare intelligence and described with a cultured and extremely fine aesthetic. They are images ‘seized all'empresente’, as Maraini liked to say with one of her surprising neologisms. Images, that is, caught in that unrepeatable moment in which the eye is given to perceiving the movements of the heart and soul.

(Text: MUSEC Museo delle Culture, Lugano)

Museum Alpin Pontresina
10. Juni - 26. Oktober 2024 / 16. Dezember 2024 - 19. April 2025

Im Auge des Lichts
Guido Baselgia

Saisonpause: 27. Oktober - 15. Dezember 2024

Baselgia selbst, der als einer der herausragenden Fotografen der Schweiz gilt, hat die eindrückliche Ausstellung konzipiert und kuratiert.

Gezeigt werden Arbeiten aus den Zyklen «Lungo Guardo» und «Camera Obscura - Lichteinfälle» im Kontext der astro-physikalischen Phänomene, die der Künstler in seinem Werk thematisiert und studiert. «Für mich malt das Licht», hat Baselgia einmal festgestellt und man sollte ihn deshalb einen «Lichtbildner» nennen. «Guido Baselgia - Im Auge des Lichts» konzentriert sich in den beiden Ausstellungsräumen des Museums Alpin auf die Werk-Zyklen «Lungo Guardo» (Raum 1/Hauptraum) und «Camera Obscura-Lichteinfälle» (Raum 2), die beide Teil sind des jüngsten Werk-Zyklus von Guido Baselgia «Lichtstoff und Luftfarben».

Baselgia lui-même, considéré comme l'un des photographes les plus remarquables de Suisse, a conçu et organisé cette exposition impressionnante.

Sont présentés des travaux issus des cycles "Lungo Guardo" et "Camera Obscura - Lichteinfälle" dans le contexte des phénomènes astro-physiques que l'artiste thématise et étudie dans son œuvre. "Pour moi, c'est la lumière qui peint", a constaté un jour Baselgia, et c'est pourquoi on devrait l'appeler un "photographe de lumière". "Guido Baselgia - Dans l'œil de la lumière" se concentre, dans les deux salles d'exposition du Musée Alpin, sur les cycles d'œuvres "Lungo Guardo" (salle 1/pièce principale) et "Camera Obscura-Lichteinfälle" (salle 2), qui font tous deux partie du cycle d'œuvres le plus récent de Guido Baselgia "Lichtstoff und Luftfarben".

Lo stesso Baselgia, considerato uno dei più importanti fotografi svizzeri, ha ideato e curato questa imponente mostra.

Sono esposte opere dei cicli "Lungo Guardo" e "Camera Obscura - Lichteinfälle" nel contesto dei fenomeni astrofisici che l'artista tematizza e studia nel suo lavoro. "Per me la luce dipinge", ha detto una volta Baselgia, che dovrebbe quindi essere definito un "pittore della luce". Nelle due sale espositive del Museo Alpin, "Guido Baselgia - In the Eye of Light" si concentra sui cicli di opere "Lungo Guardo" (sala 1/principale) e "Camera Obscura-Lichteinfälle" (sala 2), entrambi facenti parte del più recente ciclo di opere di Guido Baselgia "Lichtstoff und Luftfarben".

Baselgia himself, who is considered one of Switzerland's outstanding photographers, conceived and curated the impressive exhibition.

On display are works from the "Lungo Guardo" and "Camera Obscura - Lichteinfälle" cycles in the context of the astrophysical phenomena that the artist explores and studies in his work. "For me, light paints", Baselgia once said, and he should therefore be called a "light painter". "Guido Baselgia - In the Eye of Light" in the two exhibition rooms of the Museum Alpin focuses on the work cycles "Lungo Guardo" (room 1/main room) and "Camera Obscura-Lichteinfälle" (room 2), both of which are part of Guido Baselgia's most recent work cycle "Lichtstoff und Luftfarben".

(Text: Museum Alpin Pontresina)

Photo Elysée | Lausanne
22. Juni 2024 – 12. Januar 2025

Sabine Weiss × Nathalie Boutté. Hommage

Anlässlich des hundertsten Geburtstags von Sabine Weiss zeigt Photo Elysée eine Ausstellung zu Ehren der 2021 verstorbenen Fotografin und lädt die bildende Künstlerin Nathalie Boutté (Frankreich, 1967) ein, in einen künstlerischen Dialog mit ihren Fotografien zu treten. Ob mit ihren Porträt- oder Modeaufnahmen, mit der Werbe- oder Strassenfotografie oder als Fotoreporterin für zahlreiche internationale Zeitschriften – über 60 Jahre lang hat Sabine Weiss alle Möglichkeiten ihres Berufs erforscht und durchlebt. Neben Robert Doisneau, Willy Ronis, Edouard Boubat, Brassaï oder Izis hat sie die Strömung der humanistischen Fotografie in Frankreich massgeblich geprägt und gehörte zu den wenigen weiblichen Fotografen, die seit den 1950er-Jahren von ihrer künstlerischen Arbeit leben konnten. Sie selbst schrieb: „Ein Foto ist dann stark und eindrucksvoll, wenn es einen Aspekt des Menschseins vermittelt, wenn es uns die Emotionen spüren lässt, die der Fotograf  vor seinem Motiv empfunden hat.“

Während Sabine Weiss sich bei ihren Arbeiten auf die Strassenfotografie konzentrierte sowie Auftragsarbeiten in ihrem Studio ausführte, fotografiert Nathalie Boutté nicht, sondern schneidet in minutiöser Kleinarbeit Papierstreifen aus, die sie mit Texten bedruckt. Anschliessend setzt sie die Bilder, die ihr als Inspiration dienten, wieder zusammen, indem sie die Papierstreifen aneinanderfügt und so ein ganz neues Kunstwerk schafft – mit neuer Textur und neu entstandenem Volumen. Wenn Text mit im Spiel ist – hier sind es Zitate von Sabine Weiss –, zeigen diese aus Papierstreifen entstandenen Bilder unterschiedliche Graustufen und erschliessen sich in ihrer Gesamtheit erst, wenn man sich weiter von ihnen entfernt.

Die Ausstellung präsentiert eine Auswahl der ikonischen Werke der Fotografi n und off enbart auch einige Schätze unter den zahlreichen Negativen, Abzügen und Kontaktbögen, die ihr Nachlass umfasst. Im Bewusstsein, dass die Erhaltung ihrer Arbeit wichtig sein würde, entschied sich Sabine Weiss 2017 dafür, Photo Elysée die Bewahrung ihres Nachlasses zu übergeben, welcher Anfang 2024 im Kunstquartier Plateforme 10 eintraf.

Photo Elysée présente une exposition en hommage  à la photographe décédée en 2021 et invite  l’artiste plasticienne Nathalie Boutté (France, 1967) à dialoguer avec ses photographies. Tour à tour portraitiste, photographe de mode, de publicité ou de rue, mais aussi photoreporter pour de nombreuses revues internationales, Sabine Weiss a exploré tous les aspects de son métier pendant plus de soixante ans. Aux côtés de Robert Doisneau, Willy Ronis, Edouard Boubat, Brassaï ou Izis, elle a contribué au courant de la photographie humaniste française et fut l'une des rares femmes photographes à vivre de son art dès les années 1950. « Pour être forte, une photographie doit nous parler d'un aspect de la condition humaine, nous faire ressentir l'émotion que le photographe a ressentie devant son sujet », écrivait-elle.

Alors que Sabine Weiss a construit son œuvre en photographiant la rue ou répondant aux commandes en travaillant dans son studio, Nathalie Boutté ne photographie pas mais découpe minutieusement des bandes de papier sur lesquelles elle imprime un texte. Elle recompose ensuite les images dont elle s’est inspirée en assemblant les languettes de papier recréant ainsi l’œuvre en volume. Les images, faites de bandelettes qui permettent de créer des dégradés de gris lorsqu’il y a du texte – ici les citations de Sabine Weiss, se dévoilent au fur et à mesure que l’on s’en éloigne.

L’exposition présente une sélection d'œuvres iconiques de la photographe et dévoile quelques trésors parmi les nombreux négatifs, tirages et planches-contact qui composent ses archives. En 2017, consciente de l’importance de préserver son travail, Sabine Weiss choisit Photo Elysée pour conserver son fonds d’archives, arrivé dans les dépôts du musée à Plateforme 10 au début de l’année 2024.

Photo Elysée presenta una mostra in omaggio alla fotografa deceduta nel 2021 ed invita l’artista Nathalie Boutté (Francia, 1967) a dialogare con le sue fotografie. Alternativamente ritrattista, fotografa di moda, di pubblicità o di strada, ma anche fotoreporter per numerose riviste internazionali, Sabine Weiss ha esplorato tutti gli aspetti del suo mestiere per oltre sessant'anni. Assieme a Robert Doisneau, Willy Ronis, Edouard Boubat, Brassaï o Izis, ha contribuito alla corrente della fotografia umanista francese ed è stata una delle rare donne fotografe a poter mantenersi col proprio lavoro sin gli anni 50. " Per colpirci, una fotografia deve parlarci di un aspetto della condizione umana, farci provare l'emozione che il fotografo stesso ha provato di fronte al suo soggetto ", scriveva la fotografa.

Mentre Sabine Weiss ha costruito la sua opera col fotografare la strada o col lavorare nel suo studio per eseguire gli ordini, Nathalie Boutté non scatta foto ma ritaglia accuratamente strisce di carta su cui stampa un testo. In seguito ricompone le immagini di cui si è ispirata assemblado le linguette di carta e dà in questo modo volume all'opera. Le immagini, costituite di strisce di carta che consentono di creare sfumati di grigi quando c'è un testo  – qui, le citazioni di Sabine Weiss – , si svelano man mano che vi si allontana.

La mostra presenta una selezione di opere iconiche della fotografa e svela alcuni tesori tra i numerosi negativi, stampe e provini a contatto che compongono i suoi archivi. Nel 2017, consapevole dell'importanza di preservare il proprio lavoro, Sabine Weiss sceglie Photo Elysée per conservare il suo archivio, arrivato nei depositi del museo a Plateforme 10 all'inizio di quest'anno.

Photo Elysée is presenting an exhibition in homage to the photographer who died in 2021, and has invited artist Nathalie Boutté (France, 1967) to create a dialogue with her photographs. Sabine Weiss explored every aspect of her profession over more than sixty years, working in turn as a portrait, fashion, advertising and street photographer as well as a photojournalist for numerous international magazines. Along with Robert Doisneau, Willy Ronis, Edouard Boubat, Brassaï and Izis, Weiss contributed to the French humanist photography movement and was one of the few female photographers to make a living from her art from the 1950s onwards. “To be powerful, a photograph must speak to us about some aspect of the human condition, making us feel the emotion the photographer experienced in front of his or her subject” she wrote.

Unlike Sabine Weiss who built up her body of work by photographing the street or fulfilling orders in her studio, Nathalie Boutté does not take photographs but meticulously cuts strips of paper on which she prints a text. She then recomposes the images from which she drew her inspiration by assembling the strips of paper to recreate the work in volume. The images, made of strips that create shades of grey when there is text – in this case quotations from Sabine Weiss – gradually come into focus as you move away from them.

The show presents a selection of the photographer’s iconic works and reveals various treasures among the countless negatives, prints and contact sheets that make up her archives. In 2017, conscious of the importance of preserving her work, Weiss chose Photo Elysée to conserve her archive collection, which was transferred to the museum's Plateforme 10 repository in early 2024.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Musée d’art contemporain | Montélimar
29. Juni 2024 – 6. Januar 2025

PLAY PLAY PLAY
William Klein

Das Museum für zeitgenössische Kunst in Montélimar zeigt vom 29. Juni 2024 bis zum 6. Januar 2025 eine William Klein (New York 1926 - Paris 2022) gewidmete retrospektive Ausstellung, die zum ersten Mal in Frankreich seit dem Tod des Künstlers zu sehen ist.

Unter dem Titel PLAY PLAY PLAY vereint sie mehr als 150 Werke: Zeitgenössische Abzüge, großformatige Drucke, Archivmaterial, Bücher, Filmausschnitte - sie präsentiert William Klein als Maler, Fotografen und Filmemacher. Die Ausstellung lädt dazu ein, dem Künstler auf die künstlerischen, medialen und politischen Felder zu folgen, die er über fünfzig Jahre lang betreten hat und auf denen er nicht aufgehört hat, die Darstellungsweisen in Frage zu stellen.

Der Rundgang lässt den heutigen Betrachter durch die Bewegungen und Blicke der römischen und tokiotischen Kinder oder des Riesen Ali ein Jahrhundert (wieder-)erleben, das - im Guten wie im Schlechten - von der Macht der Medienbilder geprägt wurde, und lädt dazu ein, die zeitgenössische Resonanz des hinterlassenen Werks zu würdigen.

Die Präsentation einer retrospektiven Ausstellung, eineinhalb Jahre nach seinem Tod und 40 Jahre nach seiner ersten Begegnung mit der Region, ist eine neue Geschichte, die sich zwischen seinem Werk, der Drôme Provençale und Montélimar abzeichnet.

Kuratierung der Ausstellung: Raphaëlle Stopin

Le Musée d’art contemporain de Montélimar présente, pour la première fois en France depuis la disparition de l’artiste, une exposition rétrospective dédiée à William Klein (New York 1926 – Paris 2022) du 29 juin 2024 au 6 janvier 2025.

Intitulée PLAY PLAY PLAY, elle réunit plus de cent cinquante oeuvres : tirages d’époque, impressions grand format, documents d’archives, livres, extraits de films, elle présente William Klein peintre, photographe et cinéaste. Cette exposition invite à suivre l’artiste sur les terrains artistiques, médiatiques, politiques qu’il a arpentés pendant plus de cinquante ans et sur lesquels il n’a cessé de remettre en jeu les modes de représentations.

Le parcours engage le spectateur d’aujourd’hui à (re)vivre, au gré des mouvements et regards des enfants romains et tokyoïtes ou du géant Ali, un siècle marqué -pour le meilleur et pour le pire- par l’emprise de l’image médiatique, et invite à apprécier la résonance contemporaine de l’oeuvre léguée.

La présentation d’une exposition rétrospective, un an et demi après son décès et 40 ans après sa première rencontre avec le territoire, est une nouvelle histoire qui se dessine entre son oeuvre, la Drôme Provençale et Montélimar.

Commissariat d’exposition : Raphaëlle Stopin

Per la prima volta in Francia dalla morte dell'artista, il Musée d'art contemporain de Montélimar presenta una retrospettiva dedicata a William Klein (New York 1926 - Parigi 2022) dal 29 giugno 2024 al 6 gennaio 2025.

Intitolata PLAY PLAY PLAY, la mostra riunisce oltre centocinquanta opere, tra cui stampe d'epoca, stampe di grande formato, documenti d'archivio, libri ed estratti di film, e presenta William Klein come pittore, fotografo e cineasta. La mostra invita i visitatori a seguire l'artista attraverso il terreno artistico, mediatico e politico che ha esplorato in più di cinquant'anni e nel quale ha costantemente sfidato le modalità di rappresentazione.

La mostra invita gli spettatori di oggi a (ri)vivere, attraverso i movimenti e gli sguardi dei bambini di Roma e Tokyo o del gigante Alì, un secolo segnato - nel bene e nel male - dalla presa dell'immagine mediatica, e ci invita ad apprezzare la risonanza contemporanea dell'opera lasciataci in eredità.

La presentazione di una mostra retrospettiva, a un anno e mezzo dalla sua morte e a 40 anni dal suo primo incontro con la regione, segna l'inizio di un nuovo rapporto tra la sua opera, la Drôme Provençale e Montélimar.

Curatore della mostra: Raphaëlle Stopin

The Musée d'art contemporain de Montélimar presents, for the first time in France since the artist's death, a retrospective exhibition dedicated to William Klein (New York 1926 - Paris 2022) from June 29, 2024 to January 6, 2025.

Entitled PLAY PLAY PLAY, it brings together over one hundred and fifty works: vintage prints, large-format prints, archival documents, books and film extracts, it presents William Klein as painter, photographer and filmmaker. The exhibition invites visitors to follow the artist through the artistic, media and political terrain he has explored over the past fifty years, constantly challenging modes of representation.

The exhibition invites today's viewers to (re)experience a century marked - for better or for worse - by the influence of the media image, through the movements and gazes of Roman and Tokyo children or the giant Ali, and to appreciate the contemporary resonance of the work bequeathed to us.

The presentation of a retrospective exhibition, a year and a half after his death and 40 years after his first encounter with the region, marks the beginning of a new relationship between his work, the Drôme Provençale and Montélimar.

Exhibition curator: Raphaëlle Stopin

(Text: Musée d’art contemporain, Montélimar)

Villa Garbald | Castasegna
29. Juni 2024 – 21. Juni 2025

Focus. Alex Hanimann präsentiert Fotografien aus dem Bildarchiv der ETH Zürich

Seit 2005 nutzt das Bündner Kunstmuseum die Villa Garbald in Castasegna als Aussenstelle. Die Räumlichkeiten dienen nicht als Galerie, vielmehr sollen mit Kunst Impulse im "Denklabor Villa Garbald" gesetzt werden.

Aus Anlass des Jubiläums «20 Jahre Seminarzentrum Villa Garbald» haben wir den Fokus der Kunsteinrichtung in Castasegna verschoben: Wir gehen diesmal nicht vom Werk eines Künstlers oder einer Künstlerin aus, sondern wollen Einblick geben ins unermessliche Bildarchiv wissenschaftlicher Fotografien der ETH Zürich. Niemand kann sich der Faszination dieses Reichtums entziehen. Daraus aber eine Auswahl zu treffen und diese in der Villa Garbald und im Neubau des Roccolo zu präsentieren, stellt eine besondere Herausforderung dar. Wir konnten dafür Alex Hanimann (*1955) gewinnen, der in seinem künstlerischen Werk immer wieder mit vorgefundenen Bildern arbeitet und uns daher für diese Aufgabe prädestiniert schien. Er setzt die von ihm aufgegriffenen Bilder meist in Zeichnung, Malerei oder Skulptur um oder bearbeitet sie durch Vergrösserung, Ausschnitte oder Raster. Für die Kunsteinrichtung in der Villa Garbald hat er fotografische Aufnahmen von Pflanzen aus dem Bildarchiv der ETH Zürich ausgewählt, präsentiert sie aber nüchtern und ohne weitere Verfremdung. Er interessiert sich vielmehr für die Schnittstellen und Brüche in den einzelnen Aufnahmen: Begeistert von der besonderen Bildqualität lässt er sich dabei einerseits von der Ästhetik leiten, von der Schönheit der Wachstumsformen und ihrer Erscheinung im fotografischen Bild. Andererseits erkennt er die wissenschaftlichen Ansprüche, die in fast jedem Bild zum Tragen kommen. Und letztlich interessieren ihn als Künstler die Formen der Inszenierung, an denen die Naturwissenschaftler ebenso teilhaben wie die Forscher des fotografischen Instituts. Alle haben sie ihre Methoden und ihre eigenen Praktiken, um den Bildern eine Form und einen Wert zu geben. Alex Hanimann eröffnet neue Perspektiven: Indem er die Aufnahmen aus ihrem klaren Kontext herauslöst, verleiht er ihnen eine überraschende Vielschichtigkeit und wir sehen nicht mehr nur die eine oder andere Pflanze, sondern zauberhafte Fotografien, in denen sich die Wissenschaft in der Kunst spiegelt und die Kunst in der Wissenschaft.

Depuis 2005, le Bündner Kunstmuseum utilise la Villa Garbald à Castasegna comme antenne. Les locaux ne servent pas de galerie, mais l'art doit plutôt donner des impulsions au "laboratoire de réflexion Villa Garbald".

A l'occasion du jubilé des "20 ans du centre de séminaires Villa Garbald", nous avons déplacé le centre d'intérêt de l'institution artistique de Castasegna : Cette fois-ci, nous ne partons pas de l'œuvre d'un artiste, mais nous voulons donner un aperçu des immenses archives d'images de photographies scientifiques de l'ETH Zurich. Personne ne peut se soustraire à la fascination de cette richesse. Mais en faire une sélection et la présenter dans la Villa Garbald et dans le nouveau bâtiment du Roccolo représente un défi particulier. Nous avons pu faire appel à Alex Hanimann (*1955), qui travaille toujours avec des visuels trouvés dans son œuvre artistique et qui nous semblait donc prédestiné à cette tâche. Il transpose généralement les visuels qu'il a repris en dessin, peinture ou sculpture, ou les retravaille en les agrandissant, en les découpant ou en les quadrillant. Pour l'installation artistique de la Villa Garbald, il a sélectionné des prises de vue photographiques de plantes provenant des archives photographiques de l'EPF de Zurich, mais il les présente de manière sobre, sans les détourner davantage. Il s'intéresse plutôt aux interfaces et aux ruptures dans les différentes prises de vue : Enthousiasmé par la qualité particulière des images, il se laisse ainsi guider d'une part par l'esthétique, par la beauté des formes de croissance et de leur apparition dans le visuel photographique. D'autre part, il reconnaît les exigences scientifiques qui interviennent dans presque chaque visuel. Et finalement, en tant qu'artiste, il s'intéresse aux formes de mise en scène auxquelles participent les scientifiques tout comme les chercheurs de l'institut photographique. Tous ont leurs méthodes et leurs propres pratiques pour donner une forme et une valeur aux visuels. Alex Hanimann ouvre de nouvelles perspectives : En sortant les prises de vue de leur contexte bien défini, il leur confère une complexité surprenante et nous ne voyons plus seulement l'une ou l'autre plante, mais des photographies magiques dans lesquelles la science se reflète dans l'art et l'art dans la science.

Dal 2005 il Bündner Kunstmuseum utilizza Villa Garbald a Castasegna come avamposto. La sede non funge da galleria, ma piuttosto da luogo in cui l'arte può dare impulso al "Villa Garbald Thinking Lab".

In occasione del 20° anniversario del centro seminariale di Villa Garbald, abbiamo spostato il focus dell'installazione artistica a Castasegna: Questa volta non partiamo dal lavoro di un artista, ma vogliamo offrire una visione dell'immenso archivio di fotografie scientifiche del Politecnico di Zurigo. Nessuno può sottrarsi al fascino di questa ricchezza. Ma farne una selezione e presentarla nella Villa Garbald e nel nuovo edificio del Roccolo è una sfida speciale. Siamo riusciti a convincere Alex Hanimann (*1955), che lavora ripetutamente con immagini trovate nel suo lavoro artistico e che quindi sembrava predestinato a questo compito. Di solito trasforma le immagini raccolte in disegni, dipinti o sculture, oppure ci lavora sopra ingrandendole, ritagliandole o utilizzando griglie. Per l'installazione artistica a Villa Garbald, ha selezionato immagini fotografiche di piante dall'archivio di immagini del Politecnico di Zurigo, ma le presenta in modo sobrio e senza ulteriore alienazione. È più interessato alle interfacce e alle interruzioni delle singole fotografie: Ispirato dalla particolare qualità dell'immagine, è guidato da un lato dall'estetica, dalla bellezza delle forme di crescita e dal loro aspetto nell'immagine fotografica. Dall'altro, riconosce le esigenze scientifiche che si manifestano in quasi tutte le immagini. E infine, come artista, è interessato alle forme di messa in scena a cui partecipano tanto gli scienziati naturali quanto i ricercatori dell'istituto fotografico. Tutti hanno i loro metodi e le loro pratiche per dare alle immagini una forma e un valore. Alex Hanimann apre nuove prospettive: Togliendo le fotografie dal loro contesto chiaro, conferisce loro una complessità sorprendente e non vediamo più solo una pianta o un'altra, ma fotografie incantevoli in cui la scienza si riflette nell'arte e l'arte nella scienza.

Since 2005, the Bündner Kunstmuseum has been using the Villa Garbald in Castasegna as an outpost. The premises do not serve as a gallery, but rather as a place where art can provide impetus in the "Villa Garbald Thinking Lab".

To mark the 20th anniversary of the Villa Garbald seminar center, we have shifted the focus of the art installation in Castasegna: This time we are not starting from the work of an artist, but want to give an insight into the immeasurable image archive of scientific photographs at ETH Zurich. No one can escape the fascination of this wealth. But making a selection from it and presenting it in the Villa Garbald and in the new Roccolo building is a special challenge. We were able to win over Alex Hanimann (*1955), who repeatedly works with found visuals in his artistic work and therefore seemed predestined for this task. He usually transforms the visuals he takes up into drawings, paintings or sculptures or works on them by enlarging them, cutting them out or using grids. For the art installation at Villa Garbald, he has selected photographic images of plants from the ETH Zurich image archive, but presents them soberly and without further alienation. He is more interested in the interfaces and breaks in the individual photographs: Enthused by the special image quality, he is guided on the one hand by aesthetics, by the beauty of the growth forms and their appearance in the photographic image. On the other hand, he recognizes the scientific claims that come to bear in almost every visual. And ultimately, as an artist, he is interested in the forms of staging in which the natural scientists participate just as much as the researchers at the photographic institute. They all have their own methods and their own practices to give the visuals a form and a value. Alex Hanimann opens up new perspectives: By removing the photographs from their clear context, he gives them a surprising complexity and we no longer see just one plant or another, but enchanting photographs in which science is reflected in art and art in science.

(Text: Bündner Kunstmuseum)

Cularta | Laax
29. Juni 2024 – 12. Januar 2025

Lian.Laax
Jules Spinatsch

In Laax am See setzt Jules Spinatsch auf kühne Weise zwei Welten zusammen, die auf den ersten Blick wenig gemeinsam zu haben scheinen. Doch wie uns nicht nur die Esoterik, sondern auch der Sahara-Staub diesen Frühling erneut gelehrt hat, sind alle Dinge – über mehr oder weniger Umwege – miteinander verbunden. Und wenn man nur ein wenig sucht, findet man überall Verbindungen – materielle, spirituelle, mediale, technologische und vielleicht sogar nur imaginäre.

Die Dorfplätze von Lianzhou in China und von Murschetg in Laax wurden beide mit derselben halbautomatischen Fotografietechnik aufgenommen, die Spinatsch in über zwanzig verschiedenen Projekten entwickelt und weltweit ausgestellt hat – von Zürich, Toulouse, New York über Curitiba und Phnom Penh bis Warschau und zurück nach Davos. Die beiden Panoramaaufnahmen wurden mit genau derselben Programmierung erstellt: Über zwei Stunden nahm die Kamera total 992 Bilder auf – alle acht Sekunden ein Bild – und drehte sich dabei um 360 Grad. Anschliessend wurden diese zu einem Panoramabild zusammengefügt. Das Ergebnis ist ein räumlich kontinuierliches Bild, das aus 992 Momenten zusammengesetzt ist.

Diese Panoramen sind ein Hybrid aus Kontrolle und Zufall. Sobald der Künstler die Kamera programmiert und ausgelöst hat, läuft die Aufnahme selbständig ab. Während der Künstler den Ausschnitt und Zeitpunkt der Aufnahme plant, ist das, was sich zum Zeitpunkt der Auslösung im Bildfeld selbst ereignet, vollkommen zufällig. Die Konsequenzen sind tiefgreifend: Der Künstler delegiert der Maschine einen Teil seiner Arbeit, er tritt als Autor zurück und relativiert die Idee des künstlerischen Genies. Denn die Maschine ignoriert seine Absichten oder gegebene Hierarchien. Für die Kamera ist alles gleich wichtig. Je nach Perspektive und Absicht der Anwendung ermöglicht sie sowohl Tourismuswerbung als auch Überwachung.

Doch es entsteht auch eine neue Freiheit, besonders für die Betrachtenden. Der Künstler überlässt ein Teil der Arbeit der Maschine und teilt die Interpretation mit den Betrachtenden. Die Interpretation wird Teil des Werks oder anders formuliert, sie wird partizipativ. Diese Freiheit appelliert gleichzeitig auch an die kritische Vernunft, und an die individuelle Verantwortung. Sehen ist nicht unschuldig.

Jules Spinatschs Panoramabilder von Laax und Lianzhou sind eine künstlerische Erforschung der Vielschichtigkeit und Labilität von Bildern, wenn sie im Hinblick auf politische Systeme und Ideologien betrachtet werden. Durch seine einzigartige Perspektive und Herangehensweise lädt Spinatsch uns ein, allgemein Bilder dahingehend zu untersuchen, wie sie die Komplexität politischer Macht und Strukturen offenbaren oder eben verschleiern. Seine Werke sind nicht nur konstruierte Fenster zur vorgestellten Welt, sondern auch ein Blick in den Spiegel, der jedem und jeder vorführt, wieviel an eigener Interpretation wir unserer visuellen Wahrnehmung anschliessen, und wieviel unbewusst übernommen wird.

«Die Bilder reden nicht von allein, meint Dr. Jules.»

Im Erdgeschoss empfangen uns zwei Gruppen von – auf den ersten Blick möglicherweise zusammenhangslosen – Bildern. Es ist eine manuelle Vor-Auswahl von Einzelbildern der Panoramen, die uns im ersten Stock erwarten. Die Reihenfolge liess der Künstler nach einem willkürlichen Kriterium bestimmen: Von der Filegrösse im komprimierten Zustand.

Die Ausstellung wird subversiv ergänzt, durch Bilder von Hongkong und Davos. Die Aufnahme aus Hongkong entstand 1997, ein Jahr vor der Rückgabe Hongkongs von England an China: Sie erfolgte mit dem Versprechen, dass Hongkong demokratisch regiert bleibt. Die Formel hiess: One Country, two Systems. Für Peking und Hongkong gilt nun wie für Laax und Lianzhou ebenfalls: Two Cities – One Programm.

À Laax, au bord du lac, Jules Spinatsch assemble de manière audacieuse deux mondes qui, à première vue, semblent avoir peu de choses en commun. Mais comme l'ésotérisme, mais aussi la poussière du Sahara nous l'ont à nouveau appris ce printemps, toutes les choses sont reliées entre elles - par des détours plus ou moins longs. Et si l'on cherche un peu, on trouve partout des liens - matériels, spirituels, médiatiques, technologiques et peut-être même seulement imaginaires.

Les places de village de Lianzhou en Chine et de Murschetg à Laax ont toutes deux été prises avec la même technique de photographie semi-automatique que Spinatsch a développée dans plus de vingt projets différents et exposée dans le monde entier - de Zurich, Toulouse, New York à Varsovie en passant par Curitiba et Phnom Penh, avant de revenir à Davos. Les deux photos panoramiques ont été réalisées exactement avec la même programmation : Pendant deux heures, la caméra a pris un total de 992 photos - un visuel toutes les huit secondes - en tournant sur 360 degrés. Elles ont ensuite été assemblées pour former une image panoramique. Le résultat est un visuel continu dans l'espace, composé de 992 moments.

Ces panoramas sont un hybride de contrôle et de hasard. Dès que l'artiste a programmé et déclenché l'appareil photo, la prise de vue se déroule de manière autonome. Alors que l'artiste planifie le cadrage et le moment de la prise de vue, ce qui se passe dans le champ de l'image elle-même au moment du déclenchement est totalement aléatoire. Les conséquences sont profondes : l'artiste délègue à la machine une partie de son travail, il s'efface en tant qu'auteur et relativise l'idée de génie artistique. Car la machine ignore ses intentions ou les hiérarchies données. Pour l'appareil, tout a la même importance. Selon la perspective et l'intention de l'application, elle permet aussi bien la promotion touristique que la surveillance.

Mais il en résulte aussi une nouvelle liberté, en particulier pour ceux qui regardent. L'artiste confie une partie de son travail à la machine et partage l'interprétation avec les spectateurs. L'interprétation devient partie intégrante de l'œuvre ou, pour le dire autrement, elle devient participative. Cette liberté fait également appel à la raison critique et à la responsabilité individuelle. Voir n'est pas innocent.

Les panoramas de Laax et de Lianzhou de Jules Spinatsch sont une exploration artistique de la complexité et de la labilité des visuels lorsqu'ils sont considérés à la lumière des systèmes politiques et des idéologies. Par sa perspective et son approche uniques, Spinatsch nous invite à examiner les visuels en général pour voir comment ils révèlent ou masquent la complexité du pouvoir et des structures politiques. Ses œuvres ne sont pas seulement des fenêtres construites sur le monde imaginé, mais aussi un regard dans le miroir qui montre à chacun et à chacune combien d'interprétations personnelles nous associons à notre perception visuelle, et combien sont inconsciemment reprises.

« Les visuels ne parlent pas tout seuls, estime le Dr Jules ».

Au rez-de-chaussée, deux groupes de visuels - peut-être sans lien entre eux à première vue - nous accueillent. Il s'agit d'une présélection manuelle d'images individuelles des panoramas qui nous attendent au premier étage. L'artiste a fait déterminer l'ordre selon un critère arbitraire : De la taille du fichier à l'état compressé.

L'exposition est complétée de manière subversive par des visuels de Hong Kong et de Davos. La photo de Hong Kong a été prise en 1997, un an avant la rétrocession de Hong Kong de l'Angleterre à la Chine : elle a été prise avec la promesse que Hong Kong resterait gouvernée démocratiquement. La formule était la suivante : One Country, two Systems. Pour Pékin et Hong Kong, la règle est désormais la même que pour Laax et Lianzhou : Two Cities - One Programm.

A Laax am See, Jules Spinatsch unisce audacemente due mondi che a prima vista sembrano avere poco in comune. Tuttavia, come ci ha insegnato questa primavera non solo l'esoterismo ma anche la polvere del Sahara, tutte le cose sono collegate, più o meno indirettamente. E se si guarda un po', si trovano connessioni ovunque: materiali, spirituali, mediali, tecnologiche e forse anche immaginarie.

Le piazze dei villaggi di Lianzhou in Cina e di Murschetg a Laax sono state fotografate con la stessa tecnica di fotografia semiautomatica che Spinatsch ha sviluppato in oltre venti progetti diversi ed esposto in tutto il mondo, da Zurigo, Tolosa, New York, Curitiba e Phnom Penh a Varsavia e di nuovo a Davos. I due scatti panoramici sono stati realizzati utilizzando esattamente la stessa programmazione: Nell'arco di due ore, la fotocamera ha scattato un totale di 992 immagini, una ogni otto secondi, ruotando di 360 gradi. Queste sono state poi unite per creare un'immagine panoramica. Il risultato è un'immagine spazialmente continua composta da 992 momenti.

Questi panorami sono un ibrido di controllo e casualità. Non appena l'artista ha programmato e attivato la fotocamera, l'immagine viene scattata automaticamente. Mentre l'artista pianifica l'inquadratura e i tempi dello scatto, ciò che accade nel campo dell'immagine nel momento in cui l'otturatore viene rilasciato è completamente casuale. Le conseguenze sono profonde: l'artista delega parte del suo lavoro alla macchina, fa un passo indietro come autore e relativizza l'idea di genio artistico. Perché la macchina ignora le sue intenzioni o le gerarchie date. Per la macchina fotografica tutto è ugualmente importante. A seconda della prospettiva e dell'intenzione dell'applicazione, consente sia la pubblicità turistica che la sorveglianza.

Ma crea anche una nuova libertà, soprattutto per lo spettatore. L'artista lascia parte del lavoro alla macchina e condivide l'interpretazione con lo spettatore. L'interpretazione diventa parte dell'opera o, per dirla in altro modo, diventa partecipativa. Questa libertà fa appello anche alla ragione critica e alla responsabilità individuale. Vedere non è innocente.

Le immagini panoramiche di Laax e Lianzhou di Jules Spinatsch sono un'esplorazione artistica della complessità e dell'instabilità delle immagini quando vengono viste in relazione a sistemi politici e ideologie. Attraverso la sua prospettiva e il suo approccio unici, Spinatsch ci invita a esaminare le immagini in generale in termini di come rivelano o oscurano la complessità del potere e delle strutture politiche. Le sue opere non sono solo finestre costruite sul mondo immaginario, ma anche uno sguardo allo specchio che mostra a tutti quanto della nostra interpretazione attribuiamo alla nostra percezione visiva e quanto invece viene adottato inconsciamente.

“Le immagini non parlano da sole, dice il dottor Jules”.

Al piano terra, siamo accolti da due gruppi di immagini, a prima vista forse non correlate. Si tratta di una preselezione manuale di singole immagini dai panorami che ci attendono al primo piano. L'artista ha fatto determinare la sequenza secondo un criterio arbitrario: Dalla dimensione del file in stato compresso.

La mostra è completata in modo sovversivo da immagini di Hong Kong e Davos. La fotografia di Hong Kong è stata scattata nel 1997, un anno prima che Hong Kong fosse restituita alla Cina dall'Inghilterra: è stata scattata con la promessa che Hong Kong sarebbe rimasta governata democraticamente. La formula era: un Paese, due sistemi. Per Pechino e Hong Kong, come per Laax e Lianzhou, è ora: due città - un programma.

In Laax am See, Jules Spinatsch boldly brings together two worlds that at first glance seem to have little in common. But as not only esotericism but also the Sahara dust taught us again this spring, all things are connected – more or less indirectly. And if you look hard enough, you can find connections everywhere – material, spiritual, media-related, technological and perhaps even just imaginary ones.

The village squares of Lianzhou in China and Murschetg in Laax were both photographed using the same semi-automatic photography technique that Spinatsch has developed in over twenty different projects and exhibited worldwide – from Zurich, Toulouse and New York to Curitiba and Phnom Penh, Warsaw and back to Davos. The two panoramic shots were created using exactly the same programming: the camera took up a total of 992 images over a period of two hours – one image every eight seconds – and rotated 360 degrees in the process. These were then stitched together to create a panoramic image. The result is a spatially continuous image composed of 992 moments.

These panoramas are a hybrid of control and chance. As soon as the artist has programmed the camera and released the shutter, the recording runs independently. While the artist plans the section and time of the recording, what actually happens in the image field at the moment of release is completely random. The consequences are profound: the artist delegates part of his work to the machine, resigns as author and relativizes the idea of artistic genius. The machine ignores his intentions or given hierarchies. For the camera, everything is equally important. Depending on the perspective and the intention of the application, it can be used for tourism advertising or surveillance.

But it also creates a new freedom, especially for the viewer. The artist leaves part of the work to the machine and shares the interpretation with the viewer. The interpretation becomes part of the work, or in other words, it becomes participatory. This freedom also appeals to critical reason and to individual responsibility. Seeing is not innocent.

Jules Spinatsch's panoramic images of Laax and Lianzhou are an artistic exploration of the complexity and instability of images when viewed in terms of political systems and ideologies. Through his unique perspective and approach, Spinatsch invites us to examine images in general in terms of how they reveal or obscure the complexity of political power and structures. His works are not only constructed windows onto an imagined world, but also a look into the mirror that shows each and every one of us how much of our own interpretation we attach to our visual perception, and how much is unconsciously adopted.

"The images don't speak for themselves, says Dr. Jules.”

On the ground floor, two groups of images – which at first glance may appear to be unrelated – greet us. These are a manual pre-selection of individual images from the panoramas that await us on the first floor. The order in which they are displayed was determined by an arbitrary criterion: the size of the compressed files.

The exhibition is subversively supplemented by visuals of Hong Kong and Davos. The shot of Hong Kong was taken in 1997, one year before the handover of Hong Kong from England to China: It took place with the promise that Hong Kong would remain democratically governed. The formula was: One Country, two Systems. For Beijing and Hong Kong, as for Laax and Lianzhou, the same applies: Two Cities – One Program.

A Laax, sper il Lag Grond, cumbinescha Jules Spinatsch a moda temeraria dus munds che paran a prema vesta d’haver pauc communabel. Denton sco buc mo l'esoterica, mobein era la puorla dalla Sahara ha mussau questa primavera, ein tuttas caussas colligiadas ina cun l’autra. E sch'ins enquera mo in tec, anfl’ins dapertut colligiaziuns: materialas, spirtalas, medialas, tecnologicas e forsa schizun mo colligiaziuns imaginaras.

Las plazzas cadruvi da Lianzhou en China e da Murschetg a Laax ein vegnidas fotografadas cun la medema tecnica miez automatica che Spinatsch ha sviluppau duront varga vegn projects sigl entir mund – da Turitg, a Toulouse, a New York sur Curitiba e Phnom Penh tochen Varsovia ed anavos a Tavau. Las duas registraziuns panoramicas ein vegnidas fatgas cun la medema programaziun: varga duas uras ha la camera registrau 992 maletgs – mintga otg secundas in maletg – ed ei sevulvida duront quei temps per 360 grads. Silsuenter ein ils maletgs vegni mess ensemen ad in maletg panoramic. Il resultat ei in maletg che secumpona da 992 muments.

Quels panoramas ein in hibrid da controlla e casualitad. Schegleiti ch’igl artist ha programau la camera, sesplegia la registraziun automaticamein. Daferton ch’igl artist planisescha il tagl ed il termin dalla registraziun, ei quei che capeta sco maletg totalmein casual. Las consequenzas ein radicalas: igl artist deleghescha alla maschina ina part da sia lavur, el seretila sco autur e relativescha l'idea dil scheni artistic: la maschina ignorescha siu intent e las hierarchias dadas. Per la camera ei tut tuttina impurtont. Tut tenor perspectiva possibilitescha la camera el medem mument reclama turistica sco era survigilonza totala.

Mo ei dat era ina nova libertad, en special per las contempladras ed ils contempladers. Igl artist surlai ina part da sia lavur alla maschina e parta l'interpretaziun culs contempladers. L'interpretaziun daventa aschia ina part dall'ovra ni formulau auter, l’ovra vegn participativa. Quella libertad appellescha il medem mument era alla raschun critica ed alla responsabladad individuala. Veser e mirar ei buca innocent.

Ils maletgs panoramics da Jules Spinatsch da Laax e da Lianzhou perscuteschan la cumplexitad e labilitad da maletgs, sch'els vegnan contemplai en vesta a sistems politics ed ideologias. Tras sia perspectiva envida Spinatsch d'intercurir co maletgs reveleschan ni zuppan pussonza e structuras politicas. Sias ovras ein buc mo finiastras construidas viers in mund imaginar, mobein era in sguard el spieghel che muossa a mintginA co nus secolligein cun noss’atgna interpretaziun e con da quei che nus surprendin a moda nuncunscienta.

«Ils maletgs tschontschan buc persuls», manegia dr. Jules.

El plaunterren retscheivan nus duas gruppas da maletgs che han a prima vista negin connex in cun l’auter. Igl ei ina pre-selecziun da maletgs singuls dils dus panoramas ch’ein exponi ell’emprema alzada. La successiun ha igl artist determinau tenor criteris arbitrars: dalla grondezia dalla datoteca el stadi comprimiu.

L'exposiziun vegn cumplettada a moda subversiva, cun purtrets da Hongkong e da Tavau. La foto da Hongkong datescha da 1997, in onn avon che l’Engheltiara ha returnau Hongkong alla China: La surdada ei succedida cun l'empermischun che Hongkong resta ina democrazia. La fuormla senumnava: One Country, two Systems. Per Peking e per Hongkong vala ussa sco per Laax e Lianzhou medemamein: Two Cities – One Programm.

(Text: Cularta, Laax)

Museum der Moderne | Salzburg
5. Juli 2024 – 2. Februar 2025

Memory Theatre
Rose English

Das Museum der Moderne Salzburg präsentiert die erste umfassende Werkschau der britischen Künstlerin Rose English im deutschsprachigen Raum. Inmitten der Konzeptkunst, der Tanzszene und der feministischen Szene entwickelt English (geb. 1950 Hereford, GB) in den 1970er-Jahren in Großbritannien ihre einzigartige Arbeitsweise. Heute zählt sie zu den einflussreichsten Performance-Künstlerinnen. In ihrem außergewöhnlichen interdisziplinären Werk verbindet sie Elemente von Theater, Zirkus und Oper, um die Themen Geschlechterpolitik und die Präsenz von Performer:innen zu erforschen.

Die Ausstellung gibt anhand von multimedialen Installationen einen Einblick in ihre einzigartige Praxis. Aus ihrer frühen Beschäftigung mit Ballett und Dressur und ihren gemeinsamen Wurzeln im Barock entwickelt die Künstlerin ihre berühmte feministische Tanzperformance Quadrille (1975) und ihre Bühnenperformance mit einem Pferd My Mathematics (1992). Drei ihrer großen Theaterproduktionen werden in Form einer neuen ortsspezifischen Installation zum ersten Mal öffentlich gezeigt.

Ein in Auftrag gegebenes Performance-Programm begleitet die Ausstellung mit vier Performances von jüngeren internationalen Künstler:innen, deren Arbeiten mit der künstlerischen Praxis von Englisch in Verbindung stehen.

Zur Ausstellung erscheint eine zweisprachige Publikation.

Kuratorinnen (Ausstellung und Performance-Programm): Marijana Schneider, Kuratorin, Museum der Moderne Salzburg, Lisa Moravec, Gastkuratorin

Le Museum der Moderne Salzburg présente la première exposition complète de l'œuvre de l'artiste britannique Rose English dans l'espace germanophone. Au milieu de l'art conceptuel, de la scène de la danse et de la scène féministe, English (née en 1950 à Hereford, Royaume-Uni) développe sa méthode de travail unique dans les années 1970 en Grande-Bretagne. Aujourd'hui, elle compte parmi les artistes de performance les plus influents. Dans son œuvre interdisciplinaire exceptionnelle, elle combine des éléments de théâtre, de cirque et d'opéra pour explorer les thèmes de la politique de genre et de la présence des performeurs/performeuses.

L'exposition donne un aperçu de sa pratique unique à travers des installations multimédias. De son intérêt précoce pour le ballet et le dressage et de leurs racines communes dans le baroque, l'artiste développe son célèbre spectacle de danse féministe Quadrille (1975) et sa performance scénique avec un cheval My Mathematics (1992). Trois de ses grandes productions théâtrales sont présentées pour la première fois au public sous la forme d'une nouvelle installation spécifique au lieu.

Un programme de performances commandé accompagne l'exposition avec quatre performances de jeunes artistes internationaux dont le travail est lié à la pratique artistique de l'anglais.

Une publication bilingue est éditée à l'occasion de l'exposition.

Commissaires (exposition et programme de performances) : Marijana Schneider, conservatrice, Museum der Moderne Salzburg, Lisa Moravec, conservatrice invitée

Il Museum der Moderne Salzburg presenta la prima mostra completa di opere dell'artista britannica Rose English nel mondo di lingua tedesca. Nel mezzo dell'arte concettuale, della scena della danza e della scena femminista, la English (nata nel 1950 a Hereford, Regno Unito) ha sviluppato il suo modo unico di lavorare in Gran Bretagna negli anni Settanta. Oggi è una delle più influenti artiste performative. Nel suo straordinario lavoro interdisciplinare, combina elementi di teatro, circo e opera per esplorare i temi della politica di genere e della presenza dei performer.

La mostra offre una panoramica della sua pratica unica attraverso installazioni multimediali. Dal suo primo coinvolgimento con il balletto e il dressage e le loro radici comuni nel Barocco, l'artista ha sviluppato la sua famosa performance di danza femminista Quadrille (1975) e la sua performance teatrale con un cavallo My Mathematics (1992). Tre delle sue principali produzioni teatrali saranno presentate per la prima volta al pubblico sotto forma di una nuova installazione site-specific.

Un programma di performance commissionato accompagna la mostra con quattro spettacoli di giovani artisti internazionali il cui lavoro è legato alla pratica artistica dell'inglese.

Una pubblicazione bilingue accompagnerà la mostra.

Curatori (mostra e programma di performance): Marijana Schneider, curatrice, Museum der Moderne Salzburg, Lisa Moravec, curatrice ospite

The Museum der Moderne Salzburg is presenting the first comprehensive exhibition of works by British artist Rose English in the German-speaking world. In the midst of conceptual art, the dance scene and the feminist scene, English (born 1950 in Hereford, UK) developed her unique way of working in Great Britain in the 1970s. Today she is one of the most influential performance artists. In her extraordinary interdisciplinary work, she combines elements of theater, circus and opera to explore the themes of gender politics and the presence of performers.

The exhibition provides an insight into her unique practice through multimedia installations. From her early involvement with ballet and dressage and their common roots in the Baroque, the artist developed her famous feminist dance performance Quadrille (1975) and her stage performance with a horse My Mathematics (1992). Three of her major theater productions will be shown publicly for the first time in the form of a new site-specific installation.

A commissioned performance program accompanies the exhibition with four performances by younger international artists whose work is related to the artistic practice of English.

A bilingual publication will accompany the exhibition.

Curators (exhibition and performance program): Marijana Schneider, curator, Museum der Moderne Salzburg, Lisa Moravec, guest curator

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Museum Folkwang | Essen
23. August 2024 – 5. Januar 2025

Robert Frank. Be happy

Im Jahr 2024 wäre Robert Frank 100 Jahre alt geworden. Anlässlich dieses Geburtstags zeigt das Museum Folkwang vom 23. August 2024 bis zum 5. Januar 2025 in der Präsentation Be Happy 34 Fotografien sowie ausgewählte Dokumente zur Sammlungs- und Ausstellungsgeschichte. Seit den 1980er Jahren ist Robert Frank bereits mit seinen Werken und zahlreichen Ausstellungen im Museum Folkwang vertreten. In der Reihe Sammlungsgeschichten erfährt der international renommierte Fotograf und bedeutende Vertreter des amerikanischen Avantgarde-Films eine weitere Würdigung im Museum Folkwang.

Robert Frank (1924 – 2019) wird als Sohn jüdisch-schweizer Eltern in Zürich geboren. Nach seiner Ausbildung zum Fotografen im Zürcher Studio von Michael Wolgensinger und ersten eigenen Arbeiten wandert er 1947 in die USA aus. Während der ersten Jahre reist er zwischen den Kontinenten hin und her. Er wohnt ab 1950 dauerhaft in New York und ab 1970 lebt er abwechselnd in der Metropole und dem abgeschiedenen Ort Mabou (Nova Scotia) in Kanada. In New York entsteht 1958 auch seine Fotoreihe From the Bus. Diese Fotoserie, aufgenommen aus einem fahrenden Bus, spielt eine zentrale Rolle in seinem Gesamtwerk und markiert den Übergang zum Bewegtbild. Frank selbst beschreibt die Serie als Reise „thru the city“ (durch die Stadt). Dieser Aspekt des „thru“, sich zwischen etwas befinden, spiegelt sich in verschiedenen Bereichen seines Lebens wider. So wechselt er zwischen Fotografie und Film sowie einem Leben zwischen Stadt und Land. 2010 wird die Reihe From the Bus für die Fotografische Sammlung des Museum Folkwang erworben.

Robert Frank ist dem Museum Folkwang zeitlebens eng verbunden: Mit Ute Eskildsen, der Leiterin der Fotografischen Sammlung von 1979 bis 2012, verbindet den Fotografen ein kontinuierlicher Austausch und eine daraus resultierende Freundschaft. Zwischen 1987 und 2008 werden im Rahmen dieser engen Zusammenarbeit drei große Ausstellungen zu Robert Franks Werk in Essen gezeigt. 1989 entsteht der Experimentalfilm Hunter, in welchem der in New York lebende Künstler seine eigene Perspektive auf das Ruhrgebiet einnimmt. Die letzte Robert Frank-Schau im Museum Folkwang, Books and Films, 1947–2014, findet 2015 statt. Vier Jahre später stirbt Frank im Alter von 94 Jahren. Nun werden Teile seines Lebenswerks mit der Sammlungspräsentation Be Happy erneut in Essen ausgestellt. Zu sehen sind Fotografien aus dem Bestand der Fotografischen Sammlung, Briefe und Dokumente zu Franks Ausstellungsgeschichte im Museum Folkwang sowie sein erster Videofilm Home Improvements (1985). Mit Werken aus Schlüsselserien wie The Americans (1958), der vollständigen Reihe From the Bus (1958) und weiteren, teilweise sehr persönlichen, Fotografien, Montagen und Collagen nimmt der Ausstellungsraum Franks komplexes und vielfältiges Œuvre in den Blick.

En 2024, Robert Frank aurait eu 100 ans. À l'occasion de cet anniversaire, le musée Folkwang présentera du 23 août 2024 au 5 janvier 2025, dans la présentation Be Happy, 34 photographies ainsi que des documents sélectionnés sur l'histoire de la collection et de l'exposition. Depuis les années 1980, Robert Frank est déjà présent au musée Folkwang avec ses œuvres et de nombreuses expositions. Dans la série Histoires de collections, le photographe de renommée internationale et représentant important du cinéma d'avant-garde américain reçoit un nouvel hommage au musée Folkwang.

Robert Frank (1924 - 2019) est né à Zurich de parents juifs suisses. Après sa formation de photographe dans le studio zurichois de Michael Wolgensinger et ses premiers travaux personnels, il émigre aux États-Unis en 1947. Pendant les premières années, il voyage entre les continents. Il réside en permanence à New York à partir de 1950 et, à partir de 1970, il alterne entre la métropole et la localité isolée de Mabou (Nouvelle-Écosse) au Canada. C'est également à New York qu'il réalise en 1958 sa série de photos From the Bus. Cette série de photos, prises depuis un bus en marche, joue un rôle central dans l'ensemble de son œuvre et marque le passage à l'image animée. Frank décrit lui-même la série comme un voyage « thru the city » (à travers la ville). Cet aspect du « thru », se trouver entre quelque chose, se reflète dans différents domaines de sa vie. Il alterne ainsi entre la photographie et le cinéma ainsi qu'une vie entre la ville et la campagne. En 2010, la série From the Bus est acquise pour la collection photographique du musée Folkwang.

Robert Frank est resté toute sa vie étroitement lié au musée Folkwang : Le photographe entretient avec Ute Eskildsen, directrice de la collection photographique de 1979 à 2012, un échange continu et une amitié qui en découle. Entre 1987 et 2008, trois grandes expositions consacrées à l'œuvre de Robert Frank sont présentées à Essen dans le cadre de cette étroite collaboration. En 1989, le film expérimental Hunter est réalisé, dans lequel l'artiste, qui vit à New York, adopte sa propre perspective sur la région de la Ruhr. La dernière exposition Robert Frank au musée Folkwang, Books and Films, 1947-2014, a lieu en 2015. Quatre ans plus tard, Frank décède à l'âge de 94 ans. Aujourd'hui, des parties de l'œuvre de sa vie sont à nouveau exposées à Essen avec la présentation de la collection Be Happy. On peut y voir des photographies issues du fonds de la collection photographique, des lettres et des documents relatifs à l'histoire des expositions de Frank au musée Folkwang, ainsi que son premier film vidéo Home Improvements (1985). Avec des œuvres issues de séries clés comme The Americans (1958), la série complète From the Bus (1958) et d'autres photographies, montages et collages, parfois très personnels, l'espace d'exposition met en perspective l'œuvre complexe et variée de Frank.

Robert Frank avrebbe compiuto 100 anni nel 2024. Per celebrare questo compleanno, il Museum Folkwang espone 34 fotografie e documenti selezionati sulla storia della collezione e della mostra nella presentazione Be Happy, dal 23 agosto 2024 al 5 gennaio 2025. Robert Frank è stato rappresentato al Museum Folkwang con le sue opere e numerose mostre a partire dagli anni Ottanta. Nell'ambito della serie Collection Histories, il fotografo di fama internazionale e importante rappresentante dell'avanguardia cinematografica americana sarà nuovamente omaggiato al Museum Folkwang.

Robert Frank (1924 - 2019) è nato a Zurigo da genitori ebrei-svizzeri. Dopo essersi formato come fotografo nello studio zurighese di Michael Wolgensinger e aver prodotto le sue prime opere, emigrò negli Stati Uniti nel 1947. Durante i primi anni, viaggia avanti e indietro tra i continenti. Dal 1950 vive stabilmente a New York e dal 1970 si alterna tra la metropoli e la remota cittadina di Mabou (Nuova Scozia) in Canada. Anche la serie fotografica From the Bus è stata realizzata a New York nel 1958. Questa serie di fotografie, scattate da un autobus in movimento, ha un ruolo centrale nella sua opera e segna il passaggio alle immagini in movimento. Frank stesso descrive la serie come un viaggio “attraverso la città”. Questo aspetto del “attraverso”, l'essere in mezzo a qualcosa, si riflette in vari ambiti della sua vita. Si alterna tra fotografia e cinema, così come la sua vita si svolge tra città e campagna. Nel 2010, la serie From the Bus è stata acquisita per la collezione fotografica del Museo Folkwang.

Robert Frank è stato strettamente legato al Museum Folkwang per tutta la sua vita: Con Ute Eskildsen, direttore della Collezione fotografica dal 1979 al 2012, il fotografo è stato legato da uno scambio continuo e da una conseguente amicizia. Tra il 1987 e il 2008, nell'ambito di questa stretta collaborazione, sono state presentate a Essen tre grandi mostre sull'opera di Robert Frank. Nel 1989 è stato realizzato il film sperimentale Hunter, in cui l'artista newyorkese adotta la propria prospettiva sulla regione della Ruhr. L'ultima mostra di Robert Frank al Museum Folkwang, Books and Films, 1947-2014, si è svolta nel 2015. Frank morì quattro anni dopo, all'età di 94 anni. Ora parte del lavoro della sua vita viene esposto nuovamente a Essen con la presentazione della collezione Be Happy. Sono esposte fotografie della Collezione fotografica, lettere e documenti relativi alla storia espositiva di Frank al Museum Folkwang e il suo primo film video Home Improvements (1985). Con opere tratte da serie fondamentali come The Americans (1958), la serie completa From the Bus (1958) e altre fotografie, talvolta molto personali, montaggi e collage, lo spazio espositivo si concentra sulla complessa e variegata opera di Frank.

Robert Frank would have turned 100 years old in 2024. To mark this birthday, Museum Folkwang is showing 34 photographs and selected documents on the history of the collection and exhibitions in the presentation Be Happy from 23 August 2024 to 5 January 2025. Robert Frank has been represented at Museum Folkwang with his works and numerous exhibitions since the 1980s. In the series Histories of a Collection IV (Sammlungsgeschichten IV) the internationally renowned photographer and important representative of American avant-garde film is being honoured once more at Museum Folkwang.

Robert Frank (1924 – 2019) was born in Zurich to Jewish-Swiss parents. After training as a photographer in Michael Wolgensinger's Zurich studio and producing his first works, he emigrated to the USA in 1947. During the first few years, he travelled back and forth between the continents. From 1950 he lived permanently in New York and from 1970 he alternated between the metropolis and the remote town of Mabou (Nova Scotia) in Canada. His photo series From the Bus was also taken in New York in 1958. This series of photographs, shot from a moving bus, plays a central role in his oeuvre and marks the transition to moving images. Frank himself describes the series as a journey "thru the city". This aspect of "thru", being in between something, is reflected in various areas of his life. He alternates between photography and film as well as a life between city and country. In 2010, the series From the Bus was acquired for the Museum Folkwang's Department of Photography.

Robert Frank was closely bound to Museum Folkwang throughout his life: The photographer and Ute Eskildsen, Head of the Department of Photography from 1979 to 2012, enjoyed a continuous exchange and a resulting friendship. Between 1987 and 2008, three major exhibitions of Robert Frank's work were shown in Essen as part of this close partnership. In 1989, the experimental film Hunter was shot, in which the New York-based artist captures his perspective on the Ruhr region. The last Robert Frank exhibition at Museum Folkwang, Books and Films, 1947-2014, took place in 2015. Four years later, Frank died at the age of 94. Nine years after his last exhibition in Essen, parts of his life's work are presented again with the collection presentation Be Happy. On display are photographs from the Department of Photography, letters and documents relating to Frank's exhibition history at Museum Folkwang as well as his first video film Home Improvementss (1985). With works from key series such as The Americans (1958), the complete series From the Bus (1958) and other, partly very personal, photographs, montages and collages, the exhibition space focuses on Frank's complex and multifaceted oeuvre.

(Text: Museum Folkwang, Essen)

Museum im Bellpark | Kriens
24. August 2024 – 5. Januar 2025

L’OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografinnen und Fotografen aus dem Pressearchiv «Heim und Leben»

Seit ihrer Erfindung hat sich die Fotografie zu einem visuellen Kulturerbe entwickelt, das vergangene Welten sichtbar und erfahrbar macht. Das Museum im Bellpark stellt mit der Ausstellung „L’OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografinnen und Fotografen aus dem Pressearchiv ‚Heim und Leben‘» einen Bildbestand vor, der den gesellschaftlichen Wandel der Schweiz im Übergang zur Modernisierung der Lebensverhältnisse während und nach dem Zweiten Weltkrieg dokumentiert. Die Ausstellung hinterlässt zugleich einen Eindruck von der Schau- und Bilderlust einer Zeit, in der die illustrierten Zeitschriften das wichtigste Bildmedium überhaupt darstellten.

Die gezeigten Abzüge stammen aus dem Bildarchiv des Luzerner Verlags C.J. Bucher, aus dem in den 30er bis 60er Jahren national bekannte Publikumszeitschriften wie «Heim und Leben», «Der Familienfreund» oder «L’Abeille» bedient wurden. Die Bildredaktion des Verlags pflegte damals – über die Sprachgrenzen der Schweiz hinweg – einen regen Austausch mit den Bildproduzent:innen und trug so zur Vernetzung der verschiedenen Fotoszenen des Landes bei. Die Zeitschriften des C.J. Bucher Verlags wurden so schnell zu bedeutenden Foren der Schweizer Reportagefotografie.

Das umfangreiche Bildarchiv von über 11‘000 Abzügen aus der Blütezeit der Reportagefotografie gelangte später in die Zuständigkeit des Museum im Bellpark und konnte mit Unterstützung des Vereins Memoriav gesichert und aufgearbeitet werden. Die Ausstellung im Museum im Bellpark zeigt nun einen vertieften Einblick in dieses bemerkenswerte Pressearchiv. Besonders wertvoll macht den Bestand, dass er grösstenteils Originalabzüge (Vintage prints) umfasst, die von den Fotografinnen und Fotografen selbst hergestellt und in der Bildredaktion des Verlags abgegeben wurden.

Für die aktuelle Präsentation im Museum haben wir die thematische Ordnung des Archivs aufgebrochen und Arbeiten der bedeutendsten und spannendsten Fotografinnen und Fotografen ausgesucht, die es vermögen, Emotionen zu wecken und uns Geschichten der damaligen Schweiz näher zu bringen. Die Auswahl enthält Positionen aus der Deutschschweiz, der Romandie sowie der italienischen Schweiz.

Einerseits begegnen wir in der Ausstellung renommierten Schweizer Reportagefotograf:innen wie Theo Frey, Gotthard Schuh, Sabine Weiss, Paul Senn und Hans Baumgartner. Es gibt aber auch überraschende Trouvaillen von Herbert Matter, Arnold Odermatt, Ernst Brunner und frühe Arbeiten von Georg Gerster zu entdecken. Für die Spätphase der Zeitschrift waren Reportagen der jüngeren Generation massgeblich: Fotografinnen und Fotografen wie Rob Gnant, Monique Jacot, Yvan Dalain, Claude Huber, Fred Mayer und Jean Mohr etablierten in den 1960er Jahren eine neue Bildsprache, welche auch das Erscheinungsbild der Zeitschriften veränderte. Mit Clemens Schildknecht, Max. A. Wyss, Lisa Meyerlist, Mondo Annoni und Lorenz Fischer sind auch die bedeutendsten Positionen der Luzerner Fotoszene vertreten. Und sehr interessant sind auch jene Positionen, welchen bisher die nötige Aufmerksamkeit versagt blieb: Entdeckungen wie Erika Faul-Symmer, Hedy Bumbacher, Erwin Liechti, Simone Mohr und Françoise Rapin vermögen das Reservoir der Schweizer Fotografie auf spannende Weise zu erweitern.

Die Ausstellung zeigt ein faszinierendes Panoptikum der Schweizer Fotografie von den 1930er bis in die 1960er Jahre, eine Phase, die gemeinhin als Blütezeit der Schweizer Pressefotografie verstanden wird. Das Nebeneinander der Fotoszenen der verschiedenen Sprachregionen unseres Landes – darunter auch aufregende Neuentdeckungen – verhelfen zu einer differenzierten Sicht und Erweiterung der etablierten Schweizer Pressefotografie.

Depuis son invention, la photographie est devenue un patrimoine visuel qui permet de voir et d'expérimenter des mondes passés. Avec l'exposition « L'OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografen und Fotografen aus dem Pressearchiv 'Heim und Leben' » présente un ensemble d'images qui témoigne de la transformation de la société suisse lors de la transition vers la modernisation des conditions de vie pendant et après la Seconde Guerre mondiale. L'exposition donne également une idée de la soif d'images et de spectacle d'une époque où les magazines illustrés constituaient le principal support visuel.

Les tirages présentés proviennent des archives photographiques de la maison d'édition lucernoise C.J. Bucher, qui a produit des magazines grand public de renommée nationale tels que « Heim und Leben », « Der Familienfreund » ou « L'Abeille » dans les années 30 à 60. La rédaction photo de la maison d'édition entretenait à l'époque - par-delà les frontières linguistiques de la Suisse - de nombreux échanges avec les producteurs d'images et contribuait ainsi à la mise en réseau des différentes scènes photographiques du pays. Les magazines de la maison d'édition C.J. Bucher sont ainsi rapidement devenus des forums importants de la photographie de reportage suisse.

Les vastes archives photographiques de plus de 11 000 tirages datant de l'âge d'or de la photographie de reportage sont ensuite passées sous la responsabilité du Museum im Bellpark et ont pu être sauvegardées et traitées avec le soutien de l'association Memoriav. L'exposition au musée du Bellpark donne un aperçu approfondi de ces remarquables archives de presse. Ce qui rend ce fonds particulièrement précieux, c'est qu'il comprend en grande partie des tirages originaux (vintage prints), réalisés par les photographes eux-mêmes et remis à la rédaction photographique de la maison d'édition.

Pour la présentation actuelle au musée, nous avons rompu l'ordre thématique des archives et sélectionné les travaux des photographes les plus importants et les plus passionnants, capables de susciter des émotions et de nous faire découvrir des histoires de la Suisse d'alors. La sélection comprend des positions de la Suisse alémanique, de la Suisse romande et de la Suisse italienne.

D'une part, nous rencontrons dans l'exposition des photographes suisses de reportage renommés comme Theo Frey, Gotthard Schuh, Sabine Weiss, Paul Senn et Hans Baumgartner. Mais on y découvre aussi des trouvailles surprenantes de Herbert Matter, Arnold Odermatt, Ernst Brunner et les premiers travaux de Georg Gerster. Les reportages de la jeune génération ont joué un rôle déterminant dans la phase tardive du magazine : des photographes comme Rob Gnant, Monique Jacot, Yvan Dalain, Claude Huber, Fred Mayer et Jean Mohr ont établi dans les années 1960 un nouveau langage visuel qui a également modifié l'image du magazine. Avec Clemens Schildknecht, Max. A. Wyss, Lisa Meyerlist, Mondo Annoni et Lorenz Fischer, les positions les plus importantes de la scène photographique lucernoise sont également représentées. Et les positions qui n'ont pas encore reçu l'attention nécessaire sont également très intéressantes : des découvertes comme Erika Faul-Symmer, Hedy Bumbacher, Erwin Liechti, Simone Mohr et Françoise Rapin sont capables d'élargir le réservoir de la photographie suisse de manière passionnante.

L'exposition présente un fascinant panoptique de la photographie suisse des années 1930 aux années 1960, une période généralement considérée comme l'âge d'or de la photographie de presse suisse. La juxtaposition de scènes photographiques des différentes régions linguistiques de notre pays - parmi lesquelles de nouvelles découvertes passionnantes - contribue à une vision différenciée et à un élargissement de la photographie de presse suisse établie.

Dalla sua invenzione, la fotografia si è trasformata in un patrimonio culturale visivo che rende visibili e tangibili i mondi passati. Con la mostra “L'OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografininnen und Fotografen aus dem Pressearchiv 'Heim und Leben'”, il Museum im Bellpark presenta una collezione di immagini che documentano il cambiamento sociale in Svizzera durante la transizione verso la modernizzazione delle condizioni di vita durante e dopo la Seconda Guerra Mondiale. Allo stesso tempo, la mostra dà l'impressione del piacere della visualizzazione e delle immagini di un'epoca in cui le riviste illustrate erano il mezzo visivo più importante in assoluto.

Le stampe in mostra provengono dall'archivio fotografico della casa editrice lucernese C.J. Bucher, che ha fornito riviste popolari di fama nazionale come “Heim und Leben”, “Der Familienfreund” e “L'Abeille” dagli anni '30 agli anni '60. All'epoca, la casa editrice di Lucerna forniva riviste di moda come “Heim und Leben”, “Der Familienfreund” e “L'Abeille”. All'epoca, i redattori di immagini della casa editrice coltivavano un vivace scambio con i produttori di immagini - al di là dei confini linguistici della Svizzera - e contribuivano così a mettere in rete le varie scene fotografiche del Paese. Le riviste pubblicate da C.J. Bucher Verlag sono diventate rapidamente dei forum importanti per la fotografia di reportage svizzera.

L'ampio archivio di immagini di oltre 11.000 stampe del periodo d'oro della fotografia di reportage passò in seguito sotto la responsabilità del Museum im Bellpark e fu messo al sicuro ed elaborato con il supporto dell'associazione Memoriav. La mostra al Museum im Bellpark offre ora una visione approfondita di questo notevole archivio di stampa. Ciò che rende la collezione particolarmente preziosa è che comprende in gran parte stampe originali (stampe d'epoca) prodotte dagli stessi fotografi e consegnate ai redattori dell'editore.

Per l'attuale presentazione al museo, abbiamo spezzato l'organizzazione tematica dell'archivio e abbiamo selezionato le opere dei fotografi più importanti ed emozionanti, in grado di evocare emozioni e di avvicinarci alle storie della Svizzera dell'epoca. La selezione comprende posizioni della Svizzera tedesca, della Svizzera francese e della Svizzera italiana.

Da un lato, nella mostra incontriamo rinomati fotografi di reportage svizzeri come Theo Frey, Gotthard Schuh, Sabine Weiss, Paul Senn e Hans Baumgartner. Ma ci sono anche sorprendenti trouvailles di Herbert Matter, Arnold Odermatt, Ernst Brunner e i primi lavori di Georg Gerster da scoprire. I reportage della generazione più giovane furono decisivi per la fase finale della rivista: fotografi come Rob Gnant, Monique Jacot, Yvan Dalain, Claude Huber, Fred Mayer e Jean Mohr stabilirono un nuovo linguaggio visivo negli anni '60, che cambiò anche l'aspetto delle riviste. Con Clemens Schildknecht, Max. A. Wyss, Lisa Meyerlist, Mondo Annoni e Lorenz Fischer, sono rappresentate anche le posizioni più importanti della scena fotografica lucernese. Molto interessanti sono anche le posizioni che finora non hanno ricevuto la necessaria attenzione: scoperte come Erika Faul-Symmer, Hedy Bumbacher, Erwin Liechti, Simone Mohr e Françoise Rapin sono in grado di ampliare il serbatoio della fotografia svizzera in modo entusiasmante.

La mostra presenta un affascinante panopticon della fotografia svizzera dagli anni '30 agli anni '60, un periodo che viene generalmente considerato come il periodo d'oro della fotografia giornalistica svizzera. La giustapposizione di scene fotografiche provenienti dalle varie regioni linguistiche del nostro Paese - comprese nuove emozionanti scoperte - contribuisce a fornire una visione differenziata e un'espansione della fotografia giornalistica svizzera consolidata.

Since its invention, photography has developed into a visual cultural heritage that makes past worlds visible and tangible. With the exhibition “L'OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografininnen und Fotografen aus dem Pressearchiv 'Heim und Leben'”, the Museum im Bellpark presents a collection of images that document the social change in Switzerland in the transition to modernization of living conditions during and after the Second World War. At the same time, the exhibition gives an impression of the pleasure in display and images of a time when illustrated magazines were the most important visual medium of all.

The prints on display come from the picture archive of the Lucerne publishing house C.J. Bucher, which supplied nationally renowned popular magazines such as “Heim und Leben”, “Der Familienfreund” and “L'Abeille” from the 1930s to the 1960s. At the time, the publishing house's picture editors maintained a lively exchange with picture producers - across Switzerland's language borders - and thus contributed to the networking of the country's various photo scenes. The magazines published by C.J. Bucher Verlag quickly became important forums for Swiss reportage photography.

The extensive image archive of over 11,000 prints from the heyday of reportage photography later came under the responsibility of the Museum im Bellpark and was secured and processed with the support of the Memoriav association. The exhibition at the Museum im Bellpark now provides an in-depth insight into this remarkable press archive. What makes the collection particularly valuable is that it largely comprises original prints (vintage prints) that were produced by the photographers themselves and handed in to the publisher's picture editors.

For the current presentation in the museum, we have broken up the thematic order of the archive and selected works by the most important and exciting photographers who are able to evoke emotions and bring us closer to the stories of Switzerland at the time. The selection includes positions from German-speaking Switzerland, French-speaking Switzerland and Italian-speaking Switzerland.

On the one hand, the exhibition features renowned Swiss reportage photographers such as Theo Frey, Gotthard Schuh, Sabine Weiss, Paul Senn and Hans Baumgartner. But there are also surprising trouvailles by Herbert Matter, Arnold Odermatt, Ernst Brunner and early works by Georg Gerster to discover. Reportages by the younger generation were decisive for the late phase of the magazine: photographers such as Rob Gnant, Monique Jacot, Yvan Dalain, Claude Huber, Fred Mayer and Jean Mohr established a new visual language in the 1960s, which also changed the appearance of the magazines. With Clemens Schildknecht, Max. A. Wyss, Lisa Meyerlist, Mondo Annoni and Lorenz Fischer, the most important positions of the Lucerne photography scene are also represented. And very interesting are also those positions that have so far been denied the necessary attention: discoveries such as Erika Faul-Symmer, Hedy Bumbacher, Erwin Liechti, Simone Mohr and Françoise Rapin are able to expand the reservoir of Swiss photography in an exciting way.

The exhibition presents a fascinating panopticon of Swiss photography from the 1930s to the 1960s, a period that is generally regarded as the heyday of Swiss press photography. The juxtaposition of photographic scenes from the various language regions of our country - including exciting new discoveries - helps to provide a differentiated view and expansion of established Swiss press photography.

(Text: Museum im Bellpark, Kriens)

Photo Elysée | Lausanne
6. September 2024 – 23. Februar 2025

The Anonymous Project, Home & Away
Lee Shulman

"Für mich war das Zuhause immer ein Ort der Erfüllung. Ein Ort, an dem man wirklich man selbst sein kann, weit weg von der Außenwelt. Hier fühle ich mich sicher.

Das Zuhause ist wie ein Zufluchtsort, ein Ort, an dem jeder Gegenstand und jede Ecke eine vertraute Geschichte erzählt. Hier verflechten sich meine Erinnerungen mit den täglichen Abläufen und schaffen ein Gewebe aus Sicherheit und Gelassenheit. Die vertrauten Wände des Hauses sind eine ständige Erinnerung an unsere Wurzeln und unsere Identität, die in der Vergangenheit und der Gegenwart verwurzelt sind.

Dennoch ist die Idee des Urlaubs eine der Flucht und der Erkundung. Es ist eine Gelegenheit, die Vertrautheit der Heimat hinter sich zu lassen und ins Unbekannte einzutauchen, neue Orte und Kulturen zu entdecken und in bereichernde Erfahrungen einzutauchen. Urlaub bietet frischen Wind, eine Pause vom Alltag und die Freiheit, sich zu verlieren und sich in anderen Landschaften und Horizonten wiederzufinden.

Heimat und Fremde sind zwei sich ergänzende Facetten unseres Lebens, die jeweils ihr eigenes Gleichgewicht in unser Dasein bringen. Sie erinnern uns daran, dass das Zuhause mehr als nur ein physischer Raum ist, sondern ein Zustand, in dem wir Trost und Sicherheit finden, während der Urlaub ein frischer Wind ist, der unsere Neugierde und unseren Wunsch, die Welt jenseits unserer vier Wände zu entdecken, nährt.

Doch trotz ihrer offensichtlichen Unterschiede haben Heimat und Urlaub eine tiefe Verbindung: eine emotionale Resonanz und persönliche Bedeutung. Während die Heimat uns an unsere Wurzeln bindet und uns daran erinnert, wer wir sind, fordert der Urlaub uns heraus, die Welt aus einem neuen Blickwinkel zu sehen und unsere Perspektiven zu erweitern.

Home is where the heart is."

"Pour moi, la maison a toujours été un lieu de plénitude. Un endroit où l'on peut vraiment être soi-même, à l'abri des regards du monde extérieur. C'est là où je me sens en sécurité.

La maison est comme un refuge, un havre où chaque objet et chaque recoin racontent une histoire familière. C'est là où mes souvenirs s'entrelacent avec les routines quotidiennes, créant un tissu de sécurité et de sérénité. Les murs de chez soi, imprégnés de familiarité, sont un rappel constant de nos racines et de notre identité ancrée dans le passé et le présent.

Néanmoins, l'idée des vacances évoque l'évasion et l'exploration. C'est l'occasion de quitter la familiarité de chez soi pour plonger dans l'inconnu, découvrir de nouveaux lieux et cultures, et s'immerger dans des expériences enrichissantes. Les vacances offrent un souffle d'air frais, une pause dans le quotidien, et la liberté de se perdre et de se retrouver dans des paysages et des horizons différents.

Chez moi ou ailleurs sont deux facettes complémentaires de notre vie, chacune apportant son propre équilibre à notre existence. Ils nous rappellent que la maison est plus qu'un simple espace physique ; c'est un état d'esprit où nous trouvons confort et sécurité, tandis que les vacances sont une bouffée d'air frais qui nourrit notre curiosité et notre désir de découvrir le monde au-delà de nos quatre murs.

Pourtant, malgré leurs différences apparentes, la maison et les vacances partagent un lien profond : celui de la résonance émotionnelle et de la signification personnelle. Tandis que chez soi nous ancre dans nos racines et nous rappelle qui nous sommes, les vacances nous défient de voir le monde sous un nouvel angle et d'élargir nos perspectives.

Home is where the heart is."

"Per me la casa è sempre stata un luogo di realizzazione. Un luogo dove puoi essere veramente te stesso, lontano dal mondo esterno. È il luogo in cui mi sento al sicuro.

La casa è come un rifugio, un'oasi dove ogni oggetto e ogni angolo raccontano una storia familiare. È il luogo in cui i miei ricordi si intrecciano con la routine quotidiana, creando un tessuto di sicurezza e serenità. Le pareti di casa, impregnate di familiarità, sono un richiamo costante alle nostre radici e alla nostra identità ancorata al passato e al presente.

Tuttavia, l'idea di vacanza è un'idea di fuga e di esplorazione. È un'occasione per lasciarsi alle spalle la familiarità della casa per immergersi nell'ignoto, scoprire nuovi luoghi e culture e immergersi in esperienze arricchenti. Le vacanze offrono una boccata d'aria fresca, una pausa dal tran tran quotidiano e la libertà di perdersi e ritrovarsi in paesaggi e orizzonti diversi.

La casa e la vacanza sono due aspetti complementari della nostra vita, ognuno dei quali apporta il proprio equilibrio alla nostra esistenza. Ci ricordano che la casa è più di un semplice spazio fisico; è uno stato d'animo in cui troviamo conforto e sicurezza, mentre la vacanza è una boccata d'aria fresca che alimenta la nostra curiosità e il nostro desiderio di scoprire il mondo oltre le nostre quattro mura.

Eppure, nonostante le loro apparenti differenze, casa e vacanze condividono un legame profondo: quello della risonanza emotiva e del significato personale. Mentre la casa ci riporta alle nostre radici e ci ricorda chi siamo, le vacanze ci sfidano a vedere il mondo sotto una nuova luce e ad ampliare le nostre prospettive.

Home is where the heart is."

"For me, home has always been a place of fulfillment. A place where you can really be yourself, away from the outside world. It's where I feel safe.

Home is like a refuge, a haven where every object and every corner tells a familiar story. It's where my memories intertwine with daily routines, creating a fabric of security and serenity. The walls of home, imbued with familiarity, are a constant reminder of our roots and identity rooted in the past and present.

Nevertheless, the idea of a vacation is one of escape and exploration. It's an opportunity to leave the familiarity of home behind to plunge into the unknown, discover new places and cultures, and immerse oneself in enriching experiences. Vacations offer a breath of fresh air, a break from the daily grind, and the freedom to lose oneself and find oneself in different landscapes and horizons.

Home and away are two complementary facets of our lives, each bringing its own balance to our existence. They remind us that home is more than just a physical space; it's a state of mind where we find comfort and security, while vacations are a breath of fresh air that nourish our curiosity and desire to discover the world beyond our four walls.

Yet despite their apparent differences, home and vacation share a deep bond: one of emotional resonance and personal meaning. While home anchors us to our roots and reminds us of who we are, vacations challenge us to see the world from a new angle and broaden our perspectives.

Home is where the heart is."

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Photo Elysée | Lausanne
6. September 2024 – 23. Februar 2025

Daido Moriyama - Rétrospective

Photo Elysée präsentiert eine umfassende Ausstellung, die einem der bekanntesten japanischen Fotografen gewidmet ist. Die vom Instituto Moreira Salles (Sao Paolo, Brasilien) organisierte Retrospektive macht nach Berlin und London nun auch in der Schweiz Halt.

Daido Moriyama (geb. 1938 in Osaka) hat im Laufe seiner 60-jährigen Karriere die Art und Weise, wie wir Fotografie sehen, massgeblich verändert. Mit seiner Kamera hat er nicht nur seine direkte Umgebung dokumentiert und eine visuelle Gesellschaftsanalyse des Japans der Nachkriegszeit geschaffen, er hat auch das fotografische Medium an sich hinterfragt. 

Seine unvergleichliche Bildsprache erfährt ebenso viel Anerkennung wie seine zahlreichen Publikationen, die in seinem Werk einen zentralen Stellenwert einnehmen. 

Daido Moriyamas fotografische Themen haben Betrachter:innen seit jeher in ihren Bann gezogen, egal ob es sich um Massenmedien und Werbung, gesellschaftliche Tabus oder die Theatralik des Alltags handelt. Er hat das Aufeinanderprallen von japanischer Tradition und beschleunigter Verwestlichung festgehalten, das auf die amerikanische Militärbesetzung Japans nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs folgte. Inspiriert durch US-amerikanische Künstler wie Andy Warhol oder William Klein hat der Fotograf die aufkommende japanische Konsumgesellschaft lebendig werden lassen und sich mit der Reproduzierbarkeit von Bildern, ihrer Verbreitung und ihrem Konsum beschäftigt. Immer wieder hat Moriyama auch sein eigenes Bildarchiv in neue Kontexte gesetzt und mit Vergröerungen, Ausschnitten und der Bildauflösung experimentiert. Bis heute gelten sein künstlerischer Pioniergeist und seine visuelle Intensität als wegweisend und innovativ.

Photo Elysée présente une exposition majeure dédiée à l’un des plus grands photographes japonais. La rétrospective, produite par l’Instituto Moreira Salles (Sao Paulo, Brésil), fait escale en Suisse après Berlin et Londres.

Au cours de ses soixante années de carrière, Daido Moriyama (né en 1938 à Osaka) a modifié de manière décisive notre perception de la photographie. Il a utilisé son appareil photo pour documenter son environnement immédiat et pour explorer visuellement la société japonaise d'après-guerre. Mais il a également remis en question la nature même de la photographie. 

Son langage visuel incomparable est aussi loué que ses innombrables publications, qui sont au cœur de son travail. 

Les sujets photographiques de Moriyama ont captivé les spectateurs dès le début, qu'il s'agisse des médias de masse et des publicités, des tabous de la société ou de la théâtralité de la vie quotidienne. Il a saisi le choc entre la tradition japonaise et l'occidentalisation accélérée qui a suivi l'occupation militaire du Japon par les États-Unis après la fin de la Seconde Guerre mondiale. Inspiré par des artistes américains tels qu'Andy Warhol et William Klein, le photographe a donné vie à la société de consommation naissante au Japon. Il a exploré la reproductibilité des images, leur diffusion et leur consommation. À maintes reprises, Moriyama a placé ses archives d'images dans de nouveaux contextes, jouant avec les agrandissements, les recadrages et la résolution de l'image. Aujourd'hui encore, son esprit artistique pionnier et son intensité visuelle restent novateurs.

Photo Elysée presenta una mostra importante dedicata ad uno dei più grandi fotografi giapponesi. La retrospettiva, prodotta dall’Instituto Moreira Salles (São Paulo, Brasile), fa scalo in Svizzera dopo Berlino e Londra.  

Nel corso dei suoi sessant’anni di carriera, Daido Moriyama (nato nel 1938 a Osaka) ha modificato in modo decisivo la nostra percezione della fotografia. Ha utilizzato la sua fotocamera per documentare il proprio ambiente circostante e per esplorare dal punto di vista visivo la società giapponese del dopoguerra. Ma ha altresì rimesso in discussione la natura stessa della fotografia. 

Il suo linguaggio visivo impareggiabile è tanto lodato quanto le sue tantissime pubblicazioni che sono nel cuore del suo lavoro. 

I soggetti fotografici di Moriyama hanno appassionato gli spettatori sin dall’inizio, che si tratti dei mass media e delle pubblicità, dei tabù della società o della teatralità della vita quotidiana. Il fotografo ha colto lo shock tra la tradizione giapponese e l'occidentalizzazione accelerata che ha seguito l'occupazione militare del Giappone dagli Stati Uniti dopo la fine della seconda guerra mondiale. Ispirato da artisti americani quali Andy Warhol e William Klein, il fotografo ha dato la luce alla società di consumo nascente in Giappone. Ha esplorato la riproducibilità delle immagini, la loro diffusione ed il loro consumo. A più riprese, Moriyama ha ambientato i suoi archivi di immagini in nuovi contesti, giocando con gli ingrandimenti, le reinquadrature e la risoluzione dell'immagine. Ancora oggi, il suo spirito artistico pioniere e la sua intensità visiva rimangono innovativi.

Photo Elysée is presenting a major exhibition devoted to one of Japan’s greatest photographers. This retrospective, produced by the Instituto Moreira Salles (Sao Paulo, Brazil), will be making a stopover in Switzerland after showing in Berlin and London.

During the sixty years of his career, Daido Moriyama (born in Osaka in 1938) definitively altered our perception of photography. He used his camera to document his immediate surroundings and to visually explore post-war society in Japan. But he also challenged the very nature of photography itself. 

His incomparable visual language is as highly acclaimed as his numerous publications, which are at the heart of his work.

Right from the start, viewers have been captivated by Moriyama’s photographic subjects, from the mass media and advertising to society's taboos and the theatricality of everyday life. He captured the clash between Japanese tradition and the accelerated westernisation that followed the US military occupation of Japan after the end of the Second World War. Inspired by American artists such as Andy Warhol and William Klein, the photographer brought Japan's nascent consumer society to life. He explored the reproducibility of images, their dissemination and their consumption. Moriyama repeatedly positioned his archive of images in new contexts, playing with enlargements, cropping and image resolution. Even today, his pioneering artistic spirit and visual intensity remain innovative.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Photographischen Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
6. September 2024 – 2. Februar 2025

Karl Blossfeldt – Photographie im Licht der Kunst

Mit 271 Originalabzügen wird das Œuvre von Karl Blossfeldt (1865–1932) erstmals seit zwei Jahrzehnten in diesem Umfang präsentiert. Eindrucksvoll entfaltet sich ein photographisches Werk, das im Kontext der Kunstausbildung entstand und erst wenige Jahre vor Blossfeldts Tod als eigenständige künstlerische Haltung entdeckt wurde. Heute zählt es zu den Klassikern der Photographiegeschichte und wird in einem Atemzug mit etwa August Sander und Albert Renger-Patzsch genannt. In der Rezeption gelten Blossfeldts Photographien vor allem als prototypisch für die Neue Sachlichkeit und das Neuen Sehen.

Die Ausstellung basiert auf den Beständen der Universität der Künste Berlin, an deren Vorgängerschule Blossfeldt selbst als Bildhauer ausgebildet wurde, und wo er ab 1899 drei Jahrzehnte lang das Fach „Modellieren nach Pflanzen“ unterrichtete. Dort erarbeitete er seine Pflanzenphotographien, die er als Vorlagen verwendete, um seinen Studierenden die Formenvielfalt und Details der botanischen Welt nahezubringen. Die genaue Beobachtung und die künstlerische Umsetzung der vegetabilen Formen sollten als Anregungen für Entwürfe im Bereich der angewandten Kunst und Architektur gelten. Außerdem fertigte Blossfeldt – allerdings in geringerer Anzahl – plastische Bronzeabgüsse von Pflanzenformen an und setzte sie im Unterricht ein. Exemplarische Stücke sind in die Präsentation einbezogen wie handschriftliche Briefe, die Einblicke in schulische Abläufe geben und Aussagen zum Verhältnis von Natur- und Kunstformen enthalten.

Die Photographie war für Karl Blossfeldt ein elementares Ausdrucksmittel, das er gezielt für seine Zwecke einsetzte. Das teils stark bearbeitete Pflanzenmaterial lichtet er in vielfacher Vergrößerung und vor neutralem hell- oder dunkeltonigem Hintergrund ab. Die Aufnahmen sind von großer formaler Kraft und formulieren über ihre Funktion als Lehrstücke hinaus eine vom Gegenständlichen ausgehende, in die Abstraktion führende Bildsprache. Insbesondere die noch zu Lebzeiten Blossfeldts erschienenen Publikationen „Urformen der Kunst“, 1928, und „Wundergarten der Natur“, 1932, zeigen, wie intensiv er sein Themenfeld erforschte und wie sehr er die ästhetischen Ausdrucksmöglichkeiten der Pflanze wie ihre rätselhaft magische Ausstrahlung wertschätzte.

Es erscheint ein umfangreicher, den Berliner Blossfeldt-Bestand vorstellender Katalog. Publikation und Ausstellung basieren auf der langjährigen Kooperation der Universität der Künste, Berlin mit der Photographischen Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln.

Avec 271 tirages originaux, l'œuvre de Karl Blossfeldt (1865-1932) est présentée pour la première fois depuis deux décennies dans cette ampleur. Une œuvre photographique impressionnante se déploie, née dans le contexte de l'enseignement artistique et découverte en tant qu'attitude artistique autonome seulement quelques années avant la mort de Blossfeldt. Aujourd'hui, elle compte parmi les classiques de l'histoire de la photographie et est citée au même titre qu'August Sander et Albert Renger-Patzsch. Les photographies de Blossfeldt sont considérées comme le prototype de la Nouvelle Objectivité et de la Nouvelle Vision.

L'exposition s'appuie sur les fonds de l'Université des Arts de Berlin, où Blossfeldt a lui-même suivi une formation de sculpteur et où il a enseigné pendant trois décennies, à partir de 1899, le « modelage d'après les plantes ». C'est là qu'il élabora ses photographies de plantes, qu'il utilisa comme modèles pour faire découvrir à ses étudiants la diversité des formes et des détails du monde botanique. L'observation précise et la transposition artistique des formes végétales devaient servir d'inspiration pour des projets dans le domaine des arts appliqués et de l'architecture. En outre, Blossfeldt a réalisé des moulages plastiques en bronze de formes végétales - certes en plus petit nombre - et les a utilisés dans ses cours. Des pièces exemplaires sont incluses dans la présentation, tout comme des lettres manuscrites qui donnent un aperçu des processus scolaires et contiennent des déclarations sur la relation entre les formes naturelles et artistiques.

La photographie était pour Karl Blossfeldt un moyen d'expression élémentaire qu'il utilisait de manière ciblée à ses propres fins. Il photographiait le matériel végétal, parfois très travaillé, en l'agrandissant de nombreuses fois et devant un arrière-plan neutre aux tons clairs ou foncés. Les clichés sont d'une grande force formelle et, au-delà de leur fonction pédagogique, ils formulent un langage visuel qui part du figuratif pour aller vers l'abstraction. Les publications « Urformen der Kunst » (Formes originales de l'art), 1928, et « Wundergarten der Natur » (Jardin merveilleux de la nature), 1932, parues du vivant de Blossfeldt, montrent notamment à quel point il a exploré son champ thématique et à quel point il appréciait les possibilités d'expression esthétique de la plante ainsi que son rayonnement magique et énigmatique.

Un catalogue complet présentant le fonds Blossfeldt de Berlin est publié. La publication et l'exposition sont le fruit d'une coopération de longue date entre l'Université des Arts de Berlin et la Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur de Cologne.

Con 271 stampe originali, l'opera di Karl Blossfeldt (1865-1932) viene presentata in questa veste per la prima volta dopo due decenni. Viene presentata un'impressionante opera fotografica, creata nel contesto dell'educazione artistica e scoperta come approccio artistico indipendente solo pochi anni prima della morte di Blossfeldt. Oggi si colloca tra i classici della storia della fotografia e viene citato alla stregua di August Sander e Albert Renger-Patzsch. In termini di ricezione, le fotografie di Blossfeldt sono considerate soprattutto come prototipo della Nuova Oggettività e della Nuova Visione.

La mostra si basa sui fondi dell'Università delle Arti di Berlino, presso la cui scuola predecessore Blossfeldt si è formato come scultore e dove ha insegnato la materia “Modellazione dalle piante” per tre decenni a partire dal 1899. Fu lì che sviluppò le sue fotografie di piante, che utilizzò come modelli per familiarizzare i suoi studenti con la varietà di forme e dettagli del mondo botanico. L'osservazione precisa e la realizzazione artistica delle forme vegetali servirono da ispirazione per i disegni nel campo dell'arte applicata e dell'architettura. Blossfeldt realizzò anche calchi in bronzo di forme vegetali - anche se in numero minore - e li utilizzò nelle sue lezioni. Pezzi esemplari sono inclusi nella presentazione, così come lettere scritte a mano che forniscono approfondimenti sulle procedure scolastiche e contengono dichiarazioni sul rapporto tra forme naturali e artistiche.

La fotografia era un mezzo di espressione elementare per Karl Blossfeldt, che usava specificamente per i suoi scopi. Fotografava il materiale vegetale, in parte pesantemente elaborato, in ingrandimenti multipli e su uno sfondo neutro di colori chiari o scuri. Le fotografie sono di grande potenza formale e, al di là della loro funzione didattica, formulano un linguaggio pittorico che si allontana dalla rappresentazione e conduce all'astrazione. In particolare, le pubblicazioni di Blossfeldt “Urformen der Kunst” (1928) e “Wundergarten der Natur” (1932), apparse durante la sua vita, mostrano quanto intensamente esplorasse la sua area tematica e quanto apprezzasse le possibilità espressive estetiche delle piante e la loro aura enigmatica e magica.

Verrà pubblicato un catalogo completo che presenta la collezione Blossfeldt di Berlino. La pubblicazione e la mostra si basano sulla cooperazione di lunga data tra l'Università delle Arti di Berlino e la Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Colonia.

For the first time in two decades, Karl Blossfeldt's (1865–1932) oeuvre is being presented in this scope, featuring 271 original prints. This impressive exhibition unfolds a photographic body of work that was developed in the context of art education and only discovered as an independent artistic approach a few years before Blossfeldt's death. Today, his work is considered a classic in the history of photography, often mentioned alongside August Sander and Albert Renger-Patzsch. Blossfeldt's photographs are primarily regarded as prototypical for the New Objectivity and New Vision movements.

The exhibition is based on the collection of the Berlin University of the Arts, where Blossfeldt was trained as a sculptor at its predecessor school, and where he taught "Modeling from Plants" for three decades starting in 1899. It was there that he developed his plant photographs, which he used as teaching materials to showcase the diversity and intricate details of the botanical world to his students. The close observation and artistic representation of plant forms were intended as inspiration for designs in the fields of applied arts and architecture. Additionally, Blossfeldt created a smaller number of bronze casts of plant forms, which he also used in his teaching. Exemplary pieces, along with handwritten letters offering insights into the school's operations and discussing the relationship between natural and artistic forms, are included in the presentation.

"Photography was an essential means of expression for Karl Blossfeldt, which he used deliberately for his purposes. He photographed heavily edited plant materials in multiple enlargements against neutral light or dark-toned backgrounds. These images are of great formal strength, and beyond their function as teaching tools, they convey a visual language that, while starting from the representational, leads into abstraction. Particularly in the publications that appeared during Blossfeldt's lifetime – "Urformen der Kunst" (1928) and "Wundergarten der Natur" (1932) – it becomes evident how deeply he explored his subject matter and how much he appreciated both the aesthetic possibilities of plants and their enigmatic, magical aura."

A comprehensive catalog introducing the Berlin Blossfeldt collection will be published. Both the publication and exhibition are the result of a long-term collaboration between the Berlin University of the Arts and Die Photographische Sammliung/SK Stiftung Kultur in Cologne.

(Text: Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
06. September 2024 - 2. Februar 2025

August Sander-Preis 2024

Johanna Langenhoff – Ich oder so

Die von der Jury ausgewählte und prämierte Serie trägt den Titel „Ich oder so“ und ist 2023–2024 entstanden. Johanna Langenhoff (*2000) studiert seit 2021 an der HAW Hamburg und hat die Serie vor dem Hintergrund existenzieller Fragen der Identitätsfindung und Geschlechterzugehörigkeit entwickelt.

„Viele Gefühle, die sich schwer in Worte fassen lassen, sind für mich visuell einfacher darstellbar. […] Gleichzeitig öffnen die Photographien einen Gesprächsraum, in dem ich über mich – meinen Prozess, meine Gefühle des Nicht-Dazugehörens, die Momente des Verständnisses, die Unsicherheit, das Gefühl, mich definieren zu müssen oder die fehlende Endgültigkeit dieser Definition ‚non-binary‘ – sprechen kann“, so Johanna Langenhoff zur Intention der farbphotographischen Serie. Sehnsucht, Erinnerung und gegenwärtige Wahrnehmung sind für Johanna Langenhoff zentrale Momente einer prozesshaften Selbstbefragung, geprägt von der Suche nach individueller Verortung und individuellem Ausdruck. Die aufgenommenen Motive changieren entsprechend passend zwischen (Selbst-) Porträts und Körperdarstellungen, zwischen Landschafts- und Raumausschnitten, zwischen konkreten und abstrakten Formstudien. Licht und Schatten sind darüber hinaus vielfach bildgestalterische wie atmosphärische Elemente. Die Serie „Ich oder so“ ist vergleichbar einem Kaleidoskop unterschiedlicher emotionaler Befindlichkeiten und Erfahrungen. Sie lässt Raum für Assoziationen und Gedanken, die den Bildern, der Künstler*in und grundlegend der menschlichen Entwicklung gelten.

Der August-Sander-Preis wird seit 2018 alle zwei Jahre ausgelobt, gestiftet von Ulla Bartenbach und Prof. Dr. Kurt Bartenbach. Auch auf die nun vierte Ausschreibung ist die Resonanz erfreulich groß gewesen, mehr als 120 Einsendungen aus dem In- und Ausland waren eingegangen.

Zur Jury gehörten Dr. Anja Bartenbach, Stifterfamilie, Gabriele Conrath-Scholl, Leiterin, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, Künstler, Düsseldorf und Prof. Dr. Martin Hochleitner, Salzburg Museum.

La série sélectionnée et récompensée par le jury s'intitule « Ich oder so » et a été réalisée entre 2023 et 2024. Johanna Langenhoff (*2000) étudie à la HAW de Hambourg depuis 2021 et a développé la série avec en toile de fond des questions existentielles sur la recherche d'identité et l'appartenance à un genre.

« De nombreux sentiments difficiles à exprimer avec des mots sont plus faciles à représenter visuellement pour moi. [...] En même temps, les photographies ouvrent un espace de conversation dans lequel je peux parler de moi - de mon processus, de mes sentiments de non-appartenance, des moments de compréhension, de l'incertitude, du sentiment de devoir me définir ou de l'absence de caractère définitif de cette définition 'non-binaire' », explique Johanna Langenhoff à propos de l'intention de la série de photographies en couleur. La nostalgie, le souvenir et la perception actuelle sont pour Johanna Langenhoff les moments centraux d'un processus d'interrogation de soi, marqué par la recherche d'une localisation et d'une expression individuelles. Les motifs pris oscillent de manière appropriée entre les (auto-)portraits et les représentations du corps, entre les paysages et les fragments d'espace, entre les études de formes concrètes et abstraites. La lumière et l'ombre sont en outre souvent des éléments créateurs d'images et d'atmosphère. La série « Moi ou ça » est comparable à un kaléidoscope de différents états d'âme et expériences émotionnelles. Elle laisse place à des associations d'idées et à des réflexions sur les visuels, sur l'artiste et sur le développement humain en général.

Le prix August Sander, fondé par Ulla Bartenbach et le professeur Kurt Bartenbach, est décerné tous les deux ans depuis 2018. La quatrième édition du prix a suscité un grand intérêt, avec plus de 120 candidatures venues d'Allemagne et de l'étranger.

Anja Bartenbach, famille fondatrice, Gabriele Conrath-Scholl, directrice de Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, artiste, Düsseldorf et le professeur Martin Hochleitner, Salzburg Museum.

La serie selezionata e premiata dalla giuria si intitola “Ich oder so” ed è stata creata nel 2023-2024. Johanna Langenhoff (*2000) studia alla HAW di Amburgo dal 2021 e ha sviluppato la serie sullo sfondo delle domande esistenziali sull'identità e sull'appartenenza di genere.

“Molti sentimenti che sono difficili da esprimere a parole, per me sono più facili da rappresentare visivamente. [...] Allo stesso tempo, le fotografie aprono uno spazio di conversazione in cui posso parlare di me stessa - il mio processo, le mie sensazioni di non appartenenza, i momenti di comprensione, l'incertezza, la sensazione di dovermi definire o la mancanza di finalità di questa definizione 'non binaria'”, dice Johanna Langenhoff sull'intenzione della serie fotografica a colori. Per Johanna Langenhoff, il desiderio, la memoria e la percezione del presente sono momenti centrali di un'auto-interrogazione processuale, caratterizzata dalla ricerca di una localizzazione e di un'espressione individuale. I motivi che cattura si alternano in modo appropriato tra (auto)ritratti e rappresentazioni del corpo, tra paesaggi e dettagli spaziali, tra studi concreti e astratti della forma. Anche la luce e l'ombra sono utilizzate frequentemente come elementi di design pittorico e di atmosfera. La serie “Ich oder so” è paragonabile a un caleidoscopio di diversi stati emotivi ed esperienze. Lascia spazio ad associazioni e pensieri che riguardano le immagini, l'artista e, fondamentalmente, lo sviluppo umano.

Il Premio August Sander viene assegnato ogni due anni dal 2018, sponsorizzato da Ulla Bartenbach e dal Prof. Dr. Kurt Bartenbach. Anche la risposta al quarto bando di concorso è stata piacevolmente alta, con oltre 120 candidature provenienti dalla Germania e dall'estero.

La giuria era composta dalla Dott.ssa Anja Bartenbach, famiglia donatrice, Gabriele Conrath-Scholl, Direttrice, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, artista, Düsseldorf e il Prof. Dr. Martin Hochleitner, Museo di Salisburgo.

The series selected and awarded by the jury is entitled "Me or so" and was created in 2023-2024. Johanna Langenhoff (*2000) has been studying at HAW Hamburg since 2021 and developed the series against the backdrop of existential questions of identity and gender affiliation.

"Many feelings that are difficult to put into words are easier for me to depict visually. [...] At the same time, the photographs open up a space for conversation in which I can talk about myself - my process, my feelings of not belonging, the moments of understanding, the uncertainty, the feeling of having to define myself or the lack of finality of this definition 'non-binary'," says Johanna Langenhoff about the intention of the color photographic series. For Johanna Langenhoff, longing, memory and present perception are central moments of a processual self-questioning, characterized by the search for individual localization and individual expression. The motifs she captures alternate appropriately between (self-)portraits and depictions of the body, between landscape and spatial details, between concrete and abstract studies of form. Light and shadow are also frequently used as elements of pictorial design and atmosphere. The series "Me or so" is comparable to a kaleidoscope of different emotional states and experiences. It leaves room for associations and thoughts that apply to the pictures, the artist and, fundamentally, human development.

The August Sander Prize has been awarded every two years since 2018, sponsored by Ulla Bartenbach and Prof. Dr. Kurt Bartenbach. The response to the fourth call for entries was also pleasingly high, with more than 120 submissions from Germany and abroad.

The jury included Dr. Anja Bartenbach, donor family, Gabriele Conrath-Scholl, Director, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, artist, Düsseldorf and Prof. Dr. Martin Hochleitner, Salzburg Museum.

(Text: Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Deichtorhallen | Hamburg
7. September 2023 – 26. Januar 2025

Tactics & Mythologies
Andrea Orejarena & Caleb Stein

Diese erste europäische Einzelausstellung des New Yorker Duos Andrea Orejarena (*1994, Kolumbien) und Caleb Stein (*1994, UK) präsentiert fotografische und filmische Arbeiten, die sich mit Praktiken der Simulation und Narrativen der Desinformation auseinandersetzen.

Das Künstlerduo Andrea Orejarena, Kognitionswissenschaftlerin und Fotografin, und Caleb Stein, Dokumentarfotograf, ist bekannt für ihre konzeptuell-dokumentarischen Projekte, zu individueller Wahrnehmung und kollektiver Wirklichkeitskonstruktion. Ihre Arbeiten werden u.a. in den New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia, und Wallpaper* publiziert.

Da ein wachsendes Misstrauen in die Unterscheidung von Realität und Fiktion unsere Gegenwart prägt, begab sich das Duo seit 2020 auf Social Media und fotografisch auf Erkundungstour. Entstanden ist ein erstes Archiv mit über 1.500 Fotografien und aktuellen Bildformen, das den Einfluss von Verschwörungsnarrativen auf die amerikanische Gesellschaft und die individuelle Wahrnehmung manifestiert.

Dieses Archiv fotografischer Formen von »alternative facts« tritt in der Installation American Glitch in Dialog mit den Landschaftsaufnahmen von Orejarena & Stein, die vermeintlichen Schauplätze von verschwörungstheoretischen Ereignissen dokumentieren und decodieren. Durch ihr Aufgreifen von Traditionen wie Roadtrips und Street Photography verwebt American Glitch Kontinuitäten aus der amerikanischen Fotogeschichte mit den neuen Phänomenen zeitgenössischer Online-Kultur.

Bereits seit ihrem Projekt Long Time No See (2018-2020) arbeitet das Duo an der drängenden Frage, welche Rolle die Fotografie für das Wechselverhältnis von Wahrnehmung und Imagination heute spielen kann. Long Time No See entstand zusammen mit jungen vietnamesischen Künstler*innen sowie Veteranen in Hanoi und zeichnet die künstlerische Auseinandersetzung mit den heutigen Erinnerungen und Folgen des Vietnamkrieges nach. In poetischen Porträts und Landschaftsansichten zeigt Long Time No See eine visuelle Spurensuche nach den Zwischentönen dissonanter Geschichtsschreibungen und Bildformen zwischen Dokumentation und subjektiver Wahrnehmung.

Die neue Ausstellungsreihe VIRAL HALLUCINATIONS adressiert das Spannungsfeld dokumentarischer Strategien in einer global vernetzten »Post-Wahrheit-Ära«.

Kuratorin: Nadine Isabelle Henrich, Kuratorin Haus der Photographie

Cette première exposition individuelle européenne du duo new-yorkais Andrea Orejarena (*1994, Colombie) et Caleb Stein (*1994, Royaume-Uni) présente des travaux photographiques et cinématographiques qui explorent les pratiques de simulation et les récits de désinformation.

Le duo d'artistes Andrea Orejarena, spécialiste des sciences cognitives et photographe, et Caleb Stein, photographe documentaire, est connu pour ses projets conceptuels et documentaires, sur la perception individuelle et la construction collective de la réalité. Leurs travaux sont publiés entre autres dans le New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia et Wallpaper*.

Comme une méfiance croissante à l'égard de la distinction entre réalité et fiction caractérise notre présent, le duo s'est lancé depuis 2020 dans une exploration des médias sociaux et de la photographie. Il en résulte une première archive de plus de 1 500 photographies et formes d'images actuelles qui manifestent l'influence des récits de conspiration sur la société américaine et la perception individuelle.

Dans l'installation American Glitch, ces archives de formes photographiques de "faits alternatifs" entrent en dialogue avec les photos de paysages d'Orejarena & Stein, qui documentent et décodent les lieux supposés d'événements conspirationnistes. En s'inspirant de traditions telles que les road-trips et la street photography, American Glitch entrelace les continuités de l'histoire de la photographie américaine avec les nouveaux phénomènes de la culture en ligne contemporaine.

Depuis leur projet Long Time No See (2018-2020), le duo travaille sur la question urgente du rôle que la photographie peut jouer aujourd'hui dans l'interaction entre la perception et l'imagination. Long Time No See a été réalisé en collaboration avec de jeunes artistes vietnamiens* ainsi que des vétérans à Hanoi et retrace la confrontation artistique avec les souvenirs et les conséquences actuelles de la guerre du Vietnam. À travers des portraits poétiques et des vues de paysages, Long Time No See montre une recherche visuelle des nuances d'écritures historiques dissonantes et de formes d'images entre documentation et perception subjective.

La nouvelle série d'expositions VIRAL HALLUCINATIONS aborde le champ de tension des stratégies documentaires dans une "ère post-vérité" globalement interconnectée.

Commissaire d'exposition : Nadine Isabelle Henrich, conservatrice Haus der Photographie

La prima mostra personale europea del duo newyorkese Andrea Orejarena (*1994, Colombia) e Caleb Stein (*1994, Regno Unito) presenta opere fotografiche e cinematografiche che affrontano pratiche di simulazione e narrazioni di disinformazione.

Il duo di artisti Andrea Orejarena, scienziata cognitiva e fotografa, e Caleb Stein, fotografo documentarista, sono noti per i loro progetti di documentari concettuali sulla percezione individuale e la costruzione collettiva della realtà. Il loro lavoro è stato pubblicato, tra gli altri, da New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia e Wallpaper*.

Poiché il nostro presente è caratterizzato da una crescente sfiducia nella distinzione tra realtà e finzione, dal 2020 il duo esplora i social media e la fotografia. Il risultato è un primo archivio di oltre 1.500 fotografie e forme di immagine attuali che manifestano l'influenza delle narrazioni cospirative sulla società americana e sulla percezione individuale.

Nell'installazione American Glitch, questo archivio di forme fotografiche di "fatti alternativi" entra in dialogo con le fotografie di paesaggio di Orejarena & Stein, che documentano e decodificano i presunti luoghi degli eventi della teoria del complotto. Riprendendo tradizioni come i viaggi su strada e la street photography, American Glitch intreccia le continuità della storia fotografica americana con i nuovi fenomeni della cultura online contemporanea.

A partire dal progetto Long Time No See (2018-2020), il duo lavora sulla pressante questione del ruolo che la fotografia può svolgere oggi nell'interazione tra percezione e immaginazione. Long Time No See è stato realizzato insieme a giovani artisti e veterani vietnamiti ad Hanoi e traccia un esame artistico dei ricordi e delle conseguenze odierne della guerra del Vietnam. Attraverso ritratti poetici e vedute paesaggistiche, Long Time No See mostra una ricerca visiva delle sfumature di storiografie e forme visive dissonanti tra documentazione e percezione soggettiva.

La nuova serie di mostre VIRAL HALLUCINATIONS affronta il campo di tensione delle strategie documentarie in una "era della post-verità" in rete a livello globale.

Curatore: Nadine Isabelle Henrich, curatore Haus der Photographie

This first European solo exhibition by New York-based duo Andrea Orejarena (*1994, Colombia) and Caleb Stein (*1994, UK) presents photographic and filmic works that explore practices of simulation and narratives of disinformation.

The artist duo Andrea Orejarena, cognitive scientist and photographer, and Caleb Stein, documentary photographer, are known for their conceptual-documentary projects on individual perception and the collective construction of reality. Their work has been published in the New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia, and Wallpaper*, among others.

As a growing distrust in the distinction between reality and fiction characterizes our present, the duo has been exploring social media and photography since 2020. The result is a first archive of over 1,500 photographs and current image forms that manifest the influence of conspiracy narratives on American society and individual perception.

In the installation American Glitch, this archive of photographic forms of "alternative facts" enters into a dialog with the landscape photographs by Orejarena & Stein, which document and decode the supposed locations of conspiracy theory events. By taking up traditions such as road trips and street photography, American Glitch interweaves continuities from American photographic history with the new phenomena of contemporary online culture.

Since their project Long Time No See (2018-2020), the duo has been working on the pressing question of what role photography can play in the interplay between perception and imagination today. Long Time No See was created together with young Vietnamese artists and veterans in Hanoi and traces the artistic examination of today's memories and consequences of the Vietnam War. In poetic portraits and landscape views, Long Time No See shows a visual search for traces of the nuances of dissonant historiographies and image forms between documentation and subjective perception.

The new exhibition series VIRAL HALLUCINATIONS addresses the field of tension of documentary strategies in a globally networked "post-truth era".

Curator: Nadine Isabelle Henrich, Curator Haus der Photographie

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

Musée suisse de l’appareil photographique | Vevey
7. September 2024 - 19. Januar 2025

Philippe Halsman - A Photographer’s Life
Henry Leutwyler

1979 entdeckte der 17-jährige Henry Leutwyler die Arbeit von Philippe Halsman im International Center of Photography (ICP) in New York, einen Monat nach dem Tod dieser wichtigen Figur der Fotografie des 20. Jahrhunderts. Achtunddreißig Jahre später, im Jahr 2017, taucht Leutwyler tief in Halsmans Archiv ein, zu dem er durch ein Treffen mit Philippe Halsmans Tochter Irene einige Jahre zuvor Zugang erhalten hatte. Er verbrachte mehrere Monate damit, seine unzähligen persönlichen Dinge in Szene zu setzen, um anhand der Objekte eine Biografie des berühmten Fotografen zu erschaffen. Daraus entstand das unveröffentlichte Projekt Philippe Halsman. A Photographer's Life, das in Zusammenarbeit mit "The Halsman Archive" entstand und in eine Installation umgesetzt wurde, die im Rahmen der Biennale Images Vevey 2024 präsentiert wurde. Eine Brille, Stative, verschiedene Pässe, Reiseseifen: Die fotografierten Objekte zeugen von der produktiven Karriere eines der einflussreichsten Künstler seiner Generation und Autor von 101 Titelseiten des LIFE-Magazins. Die Bilderserie offenbart auch Halsmans fast zwanghafte Praxis, alles aufzubewahren. Indem er einen Fotografen durch seine Objekte porträtiert, erweist Leutwyler dem von ihm bewunderten Künstler und der Geschichte der Fotografie eine einzigartige Hommage und erinnert gleichzeitig an die Ära der analogen Bilder im Zeitalter der digitalen Medien.

Kuratiert von: Stefano Stoll und Images Vevey, in einem originellen Bühnenbild von Images Vevey und dem Künstler.

In Zusammenarbeit mit The Halsman Archive

Eine Produktion von Images Vevey in Zusammenarbeit mit dem Schweizerischen Kameramuseum

En 1979, Henry Leutwyler découvre à 17 ans le travail de Philippe Halsman à l’International Center of Photography (ICP) à New York, un mois après le décès de cette figure majeure de la photographie du XXe siècle. Trente-huit ans plus tard, en 2017, Leutwyler plonge au coeur des archives d’Halsman, auxquelles il a eu accès grâce à une rencontre avec la fille de Philippe Halsman, Irene, quelques années auparavant. Il passe plusieurs mois à mettre en scène ses innombrables affaires personnelles pour créer une biographie du célèbre photographe au travers de ses objets. En ressort le projet inédit Philippe Halsman. A Photographer’s Life, réalisé en collaboration avec « The Halsman Archive » et décliné en une installation présentée dans le cadre de la Biennale Images Vevey 2024. Une paire de lunettes, des trépieds, divers passeports, des savonnettes de voyage : les objets photographiés témoignent de la carrière prolifique de l’un des artistes les plus influents de sa génération et auteur de 101 couvertures du magazine LIFE. Cette série d’images révèle aussi la pratique presque obsessionnelle d’Halsman à tout conserver. En réalisant le portrait d’un photographe à travers ses objets, Leutwyler rend un hommage unique à cet artiste qu’il admire et à l’histoire de la photographie, tout en évoquant l’époque de l’image argentique à l’ère du tout numérique.

Commissariat : Stefano Stoll et Images Vevey, dans une scénographie originale de Images Vevey et de l’artiste

En collaboration avec The Halsman Archive

Une production de Images Vevey avec la collaboration du Musée suisse de l’appareil photographique

Nel 1979, il diciassettenne Henry Leutwyler scoprì il lavoro di Philippe Halsman all'International Centre of Photography (ICP) di New York, un mese dopo la morte di questa importante figura della fotografia del XX secolo. Trentotto anni dopo, nel 2017, Leutwyler scava in profondità nell'archivio di Halsman, al quale aveva avuto accesso grazie ad un incontro con la figlia di Philippe Halsman, Irene, qualche anno prima. Ha trascorso diversi mesi a mettere in scena i suoi innumerevoli effetti personali per creare una biografia del famoso fotografo basata sugli oggetti. Ne è nato il progetto inedito Philippe Halsman. A Photographer's Life, creato in collaborazione con “The Halsman Archive” e trasformato in un'installazione presentata nell'ambito della Biennale Images Vevey 2024. Occhiali, treppiedi, vari passaporti, saponi da viaggio: Gli oggetti fotografati testimoniano la prolifica carriera di uno degli artisti più influenti della sua generazione e autore di 101 copertine della rivista LIFE. La serie rivela anche la pratica quasi ossessiva di Halsman di conservare tutto. Ritraendo un fotografo attraverso i suoi oggetti, Leutwyler rende un omaggio unico all'artista che ammira e alla storia della fotografia, ricordando l'epoca delle immagini analogiche nell'era dei media digitali.

A cura di: Stefano Stoll e Images Vevey, in una scenografia originale di Images Vevey e dell'artista.

In collaborazione con l'Archivio Halsman

In 1979, at the age of 17, Henry Leutwyler discovered Philippe Halsman's work at the International Center of Photography (ICP) in New York, a month after the death of this major figure in twentieth-century photography. Thirty-eight years later, in 2017, Leutwyler dives deep into Halsman's archives, to which he gained access thanks to a meeting with Philippe Halsman's daughter Irene a few years earlier. He spent several months staging his countless personal belongings to create a biography of the famous photographer through his objects. The result is Philippe Halsman. A Photographer's Life, produced in collaboration with The Halsman Archive and presented as an installation as part of the Biennale Images Vevey 2024. A pair of spectacles, tripods, various passports, travel soaps: the objects photographed bear witness to the prolific career of one of the most influential artists of his generation, and author of 101 covers for LIFE magazine. This series of images also reveals Halsman's almost obsessive practice of keeping everything. By creating a portrait of a photographer through his objects, Leutwyler pays a unique tribute to the artist he admires and to the history of photography, while evoking the era of the silver image in the digital age.

Curator: Stefano Stoll and Images Vevey, in an original scenography by Images Vevey and the artist

In collaboration with The Halsman Archive

Produced by Images Vevey in collaboration with the Swiss Camera Museum

(Text: Musée Suisse de l'appareil photographique, Vevey)

MASI Lugano
8. September 2024 – 26. Januar 2025

Luigi Ghirri - Il viaggio - Fotografie 1970-1991

Etwas mehr als 30 Jahre nach seinem frühen Tod erinnert das MASI Lugano in einer neuen Ausstellung an den italienischen Fotografen Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia,1992).

Als Pionier und einflussreicher Vordenker, der sich intensiv mit der Fotografie und deren Rolle in der modernen Kultur auseinandergesetzt hat, schuf Ghirri in den 1970er und 1980er Jahren ein im damaligen Europa einzigartiges Werk – ein spielerisches, poetisches und tiefgründiges Nachdenken über die populäre Fotografie.

Mit mehr als 100 Originalabzügen erzählt der Ausstellungsparcours im MASI von der grossen Anziehungskraft, die das reale und imaginäre Reisen auf Luigi Ghirri ausübte. Er fotografierte vor allem sein Heimatland Italien und besuchte dort Touristen-Hotspots – von den Dolomiten und den norditalienischen Seen über die Badeorte an den Küsten des Mittelmeers bis zu den Sehenswürdigkeiten aus der Antike und den Themenparks. Darüber hinaus befasste er sich mit dem Konzept des Reisens und fotografierte Landkarten, Werbebilder und Postkarten, die überall in der Ausstellung zu sehen sind. Aus diesen Arbeiten ergibt sich eine Reflexion über die Art und Weise, wie die Fotografie die Erfahrung des Ortes im modernen Leben abbildet.

Kuratiert von James Lingwood

Koordination im MASI: Ludovica Introini

Le MASI Lugano consacre une nouvelle exposition majeure au photographe italien Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992), un peu plus de trente ans après sa mort prématurée.

Figure pionnière, penseur influent de la photographie et de son rôle dans la culture moderne, Ghirri a créé dans les années 1970 et 1980 une œuvre sans précédent dans l’Europe de son époque – une réflexion ludique, poétique et profonde sur le médium de la photographie populaire.

L’exposition au MASI retrace, à travers quelque 150 tirages originaux, la véritable fascination de Ghirri pour les voyages, à la fois réels et imaginaires. Ghirri a photographié avant tout son Italie, dans des lieux fréquentés par les touristes : des Dolomites aux lacs du Nord, des stations balnéaires de l’Adriatique et la Méditerranée aux musées, ruines classiques et parcs à thème. Hormis ces destinations, l’attention de Ghirri porte également sur l’idée du voyage, les photographies de cartes, atlas, images publicitaires et cartes postales, qui reviennent tout au long de l’exposition. Ces œuvres font ainsi émerger une réflexion sur la manière dont la photographie marque l’expérience du lieu dans la vie moderne.

Commissariat d'exposition James Lingwood

coordination pour le MASI Ludovica Introini

A poco più di trent’anni dalla sua prematura scomparsa, il MASI Lugano dedica una nuova importante mostra al fotografo italiano Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992).

Figura pionieristica e influente pensatore della fotografia e del suo ruolo nella cultura moderna, negli anni '70 e '80 Ghirri ha creato un corpus di opere senza eguali nell'Europa del suo tempo; una riflessione giocosa, poetica e profonda sul popolare mezzo fotografico.

Il percorso espositivo al MASI racconta, attraverso circa 150 stampe originali, la profonda fascinazione di Ghirri per il viaggio, sia reale che immaginario. Ghirri ha fotografato soprattutto la sua Italia, viaggiando in luoghi frequentati dai turisti: dalle Dolomiti ai laghi dell'Italia settentrionale, dalle località balneari lungo le coste dell'Adriatico e del Mediterraneo ai musei, alle rovine classiche e ai parchi a tema. Accanto a queste mete, l'attenzione di Ghirri si rivolge anche all'idea del viaggio e alle fotografie di mappe, atlanti, immagini pubblicitarie e cartoline, che ricorrono in tutta la mostra. Dai lavori emerge così anche una riflessione sul modo in cui la fotografia inquadra l’esperienza del luogo nella vita moderna.

a cura di James Lingwood

coordinamento per il MASI Ludovica Introini

Just over thirty years after his premature death, MASI Lugano is dedicating a major new exhibition to the Italian photographer Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992).

A pioneering figure and influential thinker on photography and its role in modern culture, in the 1970s and 1980s Ghirri created a body of work unparalleled in the Europe of his time; a playful, poetic and profound reflection on the popular medium of photography.

The exhibition at MASI recounts Ghirri's profound fascination with travel, both real and imaginary, through around 150 original prints. Ghirri mainly photographed his Italy, travelling to places frequented by tourists: from the Dolomites to the lakes of northern Italy, from seaside resorts along the Adriatic and Mediterranean coasts to museums, classical ruins and theme parks. Alongside these destinations, Ghirri's attention also turns to the idea of travel and the photographs of maps, atlases, advertising images and postcards, which recur throughout the exhibition. Thus, a reflection on the way photography frames the experience of place in modern life also emerges from the works.

Curated by James Lingwood

Exhibition coordination at MASI Ludovica Introini

(Text: MASI Lugano)

Gropius Bau | Berlin
12. September 2024 – 12. Januar 2025

Rirkrit Tiravanija: DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG

untitled 1995 (bon voyage monsieur ackermann), 1995 © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler

Seit mehr als drei Jahrzehnten erweitert Rirkrit Tiravanija die Vorstellung davon, was in Ausstellungen möglich ist. Als Teil seiner Praxis schafft der Künstler Situationen, in denen gegessen und getrunken, gespielt und geruht werden kann. Dabei entstehen Räume für zufällige Begegnungen, soziale Beziehungen und deren Scheitern – kurz gesagt: für das Leben.

Ab dem 12. September 2024 zeigt der Gropius Bau in DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG über 80 Werke des Künstlers, die zwischen 1987 und 2024 entstanden sind. Tiravanija, der unter anderem in Berlin lebt und arbeitet, verweist in diesen Arbeiten immer wieder auf kulturelle Klischees und die politischen Verhältnisse in Deutschland. Der Titel der Ausstellung ist Rainer Werner Fassbinders gesellschaftskritischem Film Angst essen Seele auf (1974) entlehnt, der einen wichtigen Bezugspunkt für Tiravanija darstellt.

DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG spannt den Bogen von frühen Installationen über experimentelle 8-mm-Filme und Fotografien bis hin zu regelmäßigen Aktivierungen der partizipativen Arbeiten, mit denen Tiravanija bekannt wurde. So lädt die Installation untitled غداً هو السؤال) 2024 ) (tomorrow is the question) (morgen ist die frage) (jutro jest pytaniem) (завтра это вопрос) (yarindir soru) (Завтра питання) (ngày mai là câu hỏi) mit acht Tischtennisplatten dazu ein, im kostenlos zugänglichen Lichthof des Gropius Bau zu spielen. Mit der spiralförmigen Bühne untitled 2024 (demo station no. 8), die täglich Raum für öffentliche Vorführungen bietet, wird der Lichthof zu einem Ort, an dem Menschen zusammenkommen und gemeinsam Zeit verbringen können.

Kuratiert von Jenny Schlenzka, Direktorin, Gropius Bau, Yasmil Raymond, Freie Kuratorin, und Christopher Wierling, Assistenzkurator, Gropius Bau

Skip The Bruising Of The Eskimos To The Exquisite Words VS If I Give You A Penny Will You Give Me A Pair Of Scissors, 2017 © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler

Depuis plus de trois décennies, Rirkrit Tiravanija élargit la notion de ce qui est possible dans les expositions. Dans le cadre de sa pratique, l'artiste crée des situations dans lesquelles on peut manger et boire, jouer et se reposer. Il en résulte des espaces pour des rencontres fortuites, des relations sociales et leurs échecs - en bref, pour la vie.

À partir du 12 septembre 2024, le Gropius Bau exposera dans DAS GLÜCK IST NT IMMER LUSTIG plus de 80 œuvres de l'artiste, réalisées entre 1987 et 2024. Dans ces œuvres, Tiravanija, qui vit et travaille notamment à Berlin, fait constamment référence aux clichés culturels et à la situation politique en Allemagne. Le titre de l'exposition est emprunté au film de critique sociale Angst essen Seele auf (1974) de Rainer Werner Fassbinder, qui constitue un point de référence important pour Tiravanija.

LE BONHEUR N'EST PAS TOUJOURS LUMIÈRE s'étend des premières installations aux films expérimentaux en 8 mm et aux photographies, jusqu'aux activations régulières des travaux participatifs qui ont fait connaître Tiravanija. Ainsi, l'installation untitled غداً هو السؤال) 2024 ) (tomorrow is the question) (demain est la question) (jutro jest pytaniem) (завтра это вопрос) (yarindir soru) (Завтра питання) (ngày mai là câu hỏi) avec huit tables de ping-pong invite à jouer dans l'atrium du Gropius Bau, accessible gratuitement. Avec la scène en spirale untitled 2024 (demo station no. 8), qui offre un espace quotidien pour des projections publiques, l'atrium devient un lieu où les gens peuvent se réunir et passer du temps ensemble.

Organisé par Jenny Schlenzka, directrice, Gropius Bau, Yasmil Raymond, conservatrice indépendante, et Christopher Wierling, conservateur adjoint, Gropius Bau

mai mee chue 2004 (pad thai), 1990/2004, Installationsansicht, Nothing: A Retrospective, Chiang Mai University Art Museum, 2004 © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler

Per oltre tre decenni, Rirkrit Tiravanija ha ampliato l'idea di ciò che è possibile fare nelle mostre. Come parte della sua pratica, l'artista crea situazioni in cui le persone possono mangiare e bere, giocare e riposare. Questo crea spazi per gli incontri casuali, per le relazioni sociali e per i loro fallimenti - in breve: per la vita.

Dal 12 settembre 2024, il Gropius Bau esporrà oltre 80 opere dell'artista, create tra il 1987 e il 2024, in THE HAPPINESS IS NOT ALWAYS FUNNY. In queste opere, Tiravanija, che vive e lavora a Berlino e altrove, fa ripetutamente riferimento ai cliché culturali e alla situazione politica della Germania. Il titolo della mostra è preso in prestito dal film socio-critico di Rainer Werner Fassbinder Angst essen Seele auf (1974), che è un importante punto di riferimento per Tiravanija.

DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG abbraccia un arco di tempo che va dalle prime installazioni ai film sperimentali in 8 mm e alle fotografie, fino alle regolari attivazioni delle opere partecipative con cui Tiravanija è diventato famoso. L'installazione senza titolo غداً هو السؤال) 2024 ) (domani è la domanda) (morgen ist die Frage) (jutro jest pytaniem) (завтра это вопрос) (yarindir soru) (Завтра питання) (ngày mai là câu hỏi) con otto tavoli da ping pong invita i visitatori a giocare nell'atrio del Gropius Bau, accessibile gratuitamente. Con il palcoscenico a forma di spirale senza titolo 2024 (stazione demo n. 8), che offre spazio per esibizioni pubbliche ogni giorno, l'atrio diventa un luogo in cui le persone possono incontrarsi e trascorrere del tempo insieme.

A cura di Jenny Schlenzka, Direttrice, Gropius Bau, Yasmil Raymond, Curatore indipendente, e Christopher Wierling, Assistente Curatore, Gropius Bau

untitled 2010 (angst essen seele auf, frankfurter allgemeine, september 22, 2008) © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler / neugerriemschneider, Foto: Jens Ziehe

For more than three decades, Rirkrit Tiravanija has been expanding the possibilities of what can happen in an exhibition space. As part of his practice, the artist creates situations that offer space to eat and drink, play and rest. They encourage chance encounters, relationships and their failure – in other words: life.

Starting 12 September 2024, DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG (Happiness is not always fun) presents more than 80 of the artist’s works created between 1987 and 2024. Throughout his work, Tiravanija, who lives and works partly in Berlin, has often referred to cultural clichés and politics in Germany. In this vein, the exhibition takes its title from the opening sequence of Rainer Werner Fassbinder’s film Ali: Fear Eats the Soul (1974), an important point of reference for Tiravanija.

DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG brings together early installations, experimental 8mm films and photographs as well as regular activations of participatory works.

The installation untitled غداً هو السؤال) 2024 ) (tomorrow is the question) (morgen ist die frage) (jutro jest pytaniem) (завтра это вопрос) (yarindir soru) (Завтра питання) (ngày mai là câu hỏi), consisting of eight ping-pong tables, invites visitors to play in the freely accessible atrium of the Gropius Bau. With the spiral-shaped stage untitled 2024 (demo station no. 8), offering space for daily public performances, the atrium becomes a place where people can come together and spend time with friends and strangers.

Curated by Jenny Schlenzka, Director, Gropius Bau, Yasmil Raymond, Independent Curator, and Christopher Wierling, Assistant Curator, Gropius Bau

(Text: Gropius Bau, Berlin)

Fotografie Forum Frankfurt
13. September 2024 – 5. Januar 2025

MARTIN PARR. EARLY WORKS

Mit der Ausstellung MARTIN PARR. EARLY WORKS zeigt das Fotografie Forum Frankfurt (FFF) einen weiteren Höhepunkt im Jubiläumsjahr 40 JAHRE FFF. Als Beobachter des Lebens ist der ironische und sozialkritische Blick des MAGNUM-Fotografen Martin Parr (*1953, Epsom, Surrey, GB) zu einem festen Bestandteil der Fotografiegeschichte geworden. Erstmals in Deutschland werden Bilder des britischen Fotografen präsentiert, die zwischen 1970 und 1985 entstanden sind.

Vogelclub-Aktivitäten im englischen Surrey, Pilgerfahrten zum Papst in Irland, Ferienorte und Dorfbankette sind nur einige der gesellschaftlichen Aktivitäten, die Martin Parrs erstes Interesse weckten. Mit einer Auswahl von mehr als fünfzig selten gezeigten Schwarz-Weiß-Fotografien konzentriert sich die Ausstellung im FFF auf die Feinheiten der unbemerkten Episoden des Alltags: Ob es sich um die von lokalen Traditionen geprägten Gemeinschaften, das Straßenleben oder das unvergesslich wechselhafte Inselwetter handelt, Parr lässt uns immer zweimal hinschauen, um die humorvollen Seiten des Lebens zu würdigen.

Dazu gehören auch einige von Parrs eindrucksvollen Ansichten, wie die Szene am Buffet in »Mayor of Todmorden’s inaugural banquet« aus dem Jahr 1977, an dem sich hungrige Gäste Schulter an Schulter drängen, um die beste Speise nicht zu verpassen; oder zwei gläubige Katholiken, die 1979 in Dublin auf der Küchenleiter einen Blick auf Papst Johannes Paul II. erhaschen wollen; sowie tierische Protagonisten, wie eine Kuh, die wie ein Ausflügler am Hang von Glastonbury Tor posiert.

MARTIN PARR. EARLY WORKS wurde kuratiert von Celina Lunsford in enger Zusammenarbeit mit dem Fotografen und der Martin Parr Foundation.

Avec l'exposition MARTIN PARR. EARLY WORKS, le Fotografie Forum Frankfurt (FFF) présente un autre temps fort de l'année anniversaire des 40 ans du FFF. En tant qu'observateur de la vie, le regard ironique et sociocritique du photographe de MAGNUM Martin Parr (*1953, Epsom, Surrey, GB) est devenu un élément incontournable de l'histoire de la photographie. Pour la première fois en Allemagne, des visuels du photographe britannique, réalisés entre 1970 et 1985, seront présentés.

Les activités des clubs d'oiseaux dans le Surrey anglais, les pèlerinages au pape en Irlande, les lieux de vacances et les banquets de village ne sont que quelques-unes des activités sociales qui ont suscité le premier intérêt de Martin Parr. Avec une sélection de plus de cinquante photographies en noir et blanc rarement montrées, l'exposition du FFF se concentre sur les subtilités des épisodes inaperçus de la vie quotidienne : qu'il s'agisse des communautés marquées par les traditions locales, de la vie dans la rue ou du temps changeant et inoubliable des îles, Parr nous fait toujours y regarder à deux fois pour apprécier les aspects humoristiques de la vie.

Cela inclut certaines vues impressionnantes de Parr, comme la scène du buffet dans « Mayor of Todmorden's inaugural banquet » de 1977, où des invités affamés se pressent épaule contre épaule pour ne pas manquer le meilleur plat ; ou deux catholiques fervents qui tentent d'apercevoir le pape Jean-Paul II sur l'échelle de cuisine à Dublin en 1979 ; ainsi que des protagonistes animaux, comme une vache qui pose comme un excursionniste sur la pente de Glastonbury Tor.

MARTIN PARR. EARLY WORKS a été organisé par Celina Lunsford en étroite collaboration avec le photographe et la Martin Parr Foundation.

Con la mostra MARTIN PARR. EARLY WORKS, il Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presenta un altro evento di spicco nell'anno del 40° anniversario del FFF. Come osservatore della vita, lo sguardo ironico e socialmente critico del fotografo MAGNUM Martin Parr (*1953, Epsom, Surrey, Regno Unito) è diventato parte integrante della storia della fotografia. Per la prima volta in Germania, saranno presentate immagini del fotografo britannico scattate tra il 1970 e il 1985.

Le attività del club degli uccelli nel Surrey, in Inghilterra, i pellegrinaggi dal Papa in Irlanda, i luoghi di villeggiatura e i banchetti nei villaggi sono solo alcune delle attività sociali che hanno suscitato l'interesse di Martin Parr. Con una selezione di oltre cinquanta fotografie in bianco e nero raramente esposte, la mostra al FFF si concentra sulle sottigliezze degli episodi inosservati della vita quotidiana: che si tratti delle comunità plasmate dalle tradizioni locali, della vita di strada o del clima indimenticabilmente mutevole dell'isola, Parr ci fa sempre guardare due volte per apprezzare il lato umoristico della vita.

Tra questi, alcuni degli scorci più suggestivi di Parr, come la scena del buffet del banchetto inaugurale del sindaco di Todmorden nel 1977, in cui i commensali affamati si accalcano per non perdere il cibo migliore; o due devoti cattolici che cercano di intravedere Papa Giovanni Paolo II sulla scala della cucina a Dublino nel 1979; e anche i protagonisti animali, come una mucca che si atteggia a gitante sulla collina di Glastonbury Tor.

MARTIN PARR. EARLY WORKS è stata curata da Celina Lunsford in stretta collaborazione con il fotografo e la Martin Parr Foundation.

With the exhibition MARTIN PARR. EARLY WORKS, the Fotografie Forum Frankfurt (FFF) is presenting another highlight in the anniversary year of 40 YEARS OF FFF. As an observer of life, the ironic and socially critical eye of MAGNUM photographer Martin Parr (born 1953 in Epsom, Surrey, GB) has become an integral part of the history of photography. For the first time in Germany, the British photographer's images, taken between 1970 and 1985, are being presented.

Bird club activities in Surrey, England, pilgrimages to the Pope in Ireland, holiday resorts and village banquets are just some of the social activities that sparked Martin Parr's initial interest. With a selection of more than fifty rarely shown black-and-white photographs, the exhibition at the FFF focuses on the subtleties of unnoticed episodes of everyday life: whether it's communities shaped by local traditions, street life, or the unforgettably changeable island weather, Parr always makes us look twice to appreciate the humorous sides of life.

These include some of Parr's most striking images, such as the scene at the buffet in “Mayor of Todmorden's inaugural banquet” from 1977, where hungry guests crowd shoulder to shoulder to get the best food; or two devout Catholics on a kitchen ladder in Dublin in 1979, trying to catch a glimpse of Pope John Paul II; and animal protagonists, such as a cow posing like a hiker on the hillside of Glastonbury Tor.

MARTIN PARR. EARLY WORKS was curated by Celina Lunsford in close collaboration with the photographer and the Martin Parr Foundation.

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

Hangar | Brussels
13. September – 21. Dezember 2024

Atelier
Stephan Vanfleteren

Stephan Vanfleteren gleicht allen Werken, die in dieser Ausstellung ATELIER versammelt sind: schnörkellos, falsch beiläufig, scheinbar düster, aber mit stiller Ausstrahlung... Das Atelier ist er. Es ist seine Inspiration, sein Blick, sein Talent, seine Emotionen, es ist das, was er gibt. Heute gibt er uns im Hangar die Gelegenheit, ihn kennenzulernen. Er lüftet den Schleier. Wenn Sie seine Höhle betreten, müssen Sie übrigens einen schweren Schleier heben. Wie ein dicker Theatervorhang aus rotem Samt. Nur dass er grau ist. Und aus einem natürlichen Material. Man betritt die Bühne - sein Atelier hat die Größe und Form einer Theaterbühne -, und das Sonnenlicht fällt auf sein Modell wie die Beleuchtung einer Show: im Gegenlicht, seitlich, aus der Untersicht... Das Kreischen der Möwen - die Nordsee ist nicht weit entfernt - verstärkt die dramaturgische Note des Ortes, der abwechselnd ein Sterbehaus, eine Bank und eine Sporthalle war.

Stephan Vanfleteren wollte seine gesamte Arbeit, die in der Intimität dieses Ateliers entstanden ist, in einem Buch zusammenstellen: ATELIER nait en novembre 2023, 1,6 kg Papier, das 12 Jahre Schaffen vereint ... Es ist ein Korpus von Werken, deren Einzigartigkeit, wenn man die Gelegenheit hat, sie alle zusammen zu betrachten, die Merkmale seines Ästhetizismus trägt: Die Besessenheit vom Licht, die Suche nach dem „magischen Moment“, die Tiefe der Graustufen, die Thematik des Lebens und des Todes... Von den Majoretten des ersten Shootings bis zu den toten Tieren der letzten Aufnahmen umfasst ATELIER einen Ausschnitt aus dem Leben eines Künstlers, der aus inspirierenden Begegnungen und einsamer Arbeit besteht...

Bei der Gestaltung des Bühnenbildes haben wir uns von der Erzählung des Buches leiten lassen. Diese streift auf subtile Weise Themen, die ebenso viele Lebenszustände darstellen: Kind, Erwachsener, Leben und Tod ... Man geht von einem zum anderen über, in einem Rhythmus, der uns durch die Schrift von Stephan Vanfleteren vorgegeben wird. Er ist der Regisseur, wie in seinem Atelier. Mit Nüchternheit nimmt er uns mit in seine Welt, deren Räder er perfekt beherrscht. In der Tat ist Stephan Vanfleteren heute ein Fotograf, der seine Kunst perfekt beherrscht.

Aber mehr noch als die Seele des Künstlerateliers nehmen wir heute im Hangar die Innerlichkeit des Menschen wahr. Die allgegenwärtigen Lichtstrahlen transzendieren das Ganze. Sind wir in einem Atelier oder bereits in einer anderen Welt?

Stephan Vanfleteren ressemble à toutes les oeuvres réunies dans cette exposition ATELIER : sans fioriture, faussement désinvolte, sombre en apparence mais au rayonnement silencieux… L’Atelier c’est lui. C’est son inspiration, son regard, son talent, son émotion, c’est ce qu’il donne. Il nous donne aujourd’hui au Hangar l’occasion de le connaître. Il lève le voile. Lorsque vous pénétrez dans son antre, il faut d’ailleurs soulever un voile, lourd. Comme un épais rideau de théâtre en velours rouge. Sauf qu’il est gris. Et dans une matière naturelle. On entre sur scène - son atelier a la taille et la forme d’une scène de théâtre - la lumière du soleil tape sur son modèle comme un éclairage de spectacle : à contre-jour, latéralement, en contre-plongée… Le cri des mouettes et des goélands – la mer du Nord n’est pas loin – renforce la touche dramaturgique de l’endroit, qui fut tour à tour un mouroir, une banque, une salle de sport.

Stephan Vanfleteren a souhaité compiler l’ensemble de son travail réalisé dans l’intimité de cet atelier dans un livre : ATELIER nait en novembre 2023, 1,6kg de papier qui réunit 12 ans de création… C’est un corpus d’oeuvres dont la singularité, lorsqu’on a cette opportunité de les regarder toutes ensemble, porte les caractéristiques de son esthétisme : obsession de la lumière, recherche de « l’instant magique », profondeur des niveaux de gris, thématique de la vie et de la mort… Des majorettes du premier shooting, aux animaux morts des dernières prises de vue, ATELIER balaie une tranche de vie d’artiste, faite de rencontres inspirantes ou de travail solitaire …

Pour la scénographie, nous nous sommes laissés guider par la narration du livre. Laquelle balaie subtilement des sujets qui sont autant d’états de vie : enfant, adulte, vie et mort… On passe de l’un à l’autre, à un rythme qui nous est donné par l’écriture de Stephan Vanfleteren. C’est lui le metteur en scène, comme dans son atelier. Avec sobriété, il nous emmène dans son univers dont il maitrise parfaitement les rouages. En effet, Stephan Vanfleteren est aujourd’hui un photographe parfaitement maître de son art.

Mais, plus que l’âme de l’atelier de l’artiste, nous percevons aujourd’hui au Hangar, l’intériorité de l’homme. Les rais de lumière, omni présents, transcendent l’ensemble. Sommes-nous dans un atelier ou déjà dans un autre monde ?

Stephan Vanfleteren assomiglia a tutte le opere di questa mostra ATELIER: disadorno, ingannevolmente disinvolto, scuro in apparenza ma con una silenziosa luminosità... L'Atelier è lui. È la sua ispirazione, la sua visione, il suo talento, la sua emozione, è ciò che dà. Oggi, a Le Hangar, ci dà la possibilità di conoscerlo. Solleva il velo. Quando si entra nella sua tana, bisogna sollevare un velo pesante. Come uno spesso sipario teatrale di velluto rosso. Solo che è grigio. E in un materiale naturale. Si sale sul palcoscenico - il suo studio ha le dimensioni e la forma di un palcoscenico teatrale - e la luce del sole colpisce il suo modello come le luci di un palcoscenico: in controluce, di lato, con un angolo basso... Il grido dei gabbiani - il Mare del Nord non è lontano - rafforza il tocco drammatico del luogo, che è stato a sua volta un ospedale, una banca e un palazzetto dello sport.

Stephan Vanfleteren ha voluto raccogliere in un libro tutti i suoi lavori realizzati nell'intimità di questo studio: ATELIER nasce nel novembre 2023, 1,6 kg di carta che raccoglie 12 anni di creazione... È un corpus di lavori la cui singolarità, quando si ha l'opportunità di guardarli tutti insieme, porta i segni del suo estetismo: L'ossessione per la luce, la ricerca del “momento magico”, la profondità dei grigi, il tema della vita e della morte... Dalle majorette del primo servizio agli animali morti dell'ultimo, ATELIER attraversa uno spaccato di vita d'artista, fatto di incontri stimolanti e di lavoro solitario...

Per la scenografia, ci siamo lasciati guidare dalla narrazione del libro. Si spazia sottilmente attraverso temi che sono altrettanti stati della vita: l'infanzia, l'età adulta, la vita e la morte... Ci muoviamo dall'uno all'altro, al ritmo che ci viene dato dalla scrittura di Stephan Vanfleteren. È lui il regista, come se fosse nel suo studio. Con sobrietà, ci porta nel suo mondo, di cui padroneggia perfettamente il funzionamento. Stephan Vanfleteren è oggi un fotografo che padroneggia la sua arte.

Ma più che l'anima dello studio dell'artista, a Le Hangar vediamo il funzionamento interiore dell'uomo stesso. Gli immancabili raggi di luce trascendono l'insieme. Siamo in uno studio o già in un altro mondo?

Stephan Vanfleteren resembles the works collected here for this exhibition: unpolished, slightly mysterious, dusky looks and an introspective mood. The atelier, it is he. It’s his inspiration, his presence, his talent, his emotion. At Hangar he is giving us the opportunity to get to know him. Here he lifts the veil. When you enter his ‘sanctuary’ you have to push aside a heavy cloth, like a red velvet theatre curtain – except here it is grey. We enter the atelier which is shaped like a theatre stage, with the light from the sun entering the space like a spotlight: illuminated from the back, sideways, from a low angle. The call of seagulls – the North Sea is close at hand – reinforces the dramaturgical spirit of the place, which in the past has been a mortuary, a bank, a sports hall.

Stephan Vanfleteren brought together all of the work that he has made in the intimacy of this atelier in a book. ATELIER was born in November 2023, 1.6 kilogrammes of paper culminating from 12 years of creation. From the first pictures of majorettes to the last shots of dead animals, Vanfleteren’s oeuvre bears his specific signature: an obsession with daylight, a pursuit of the “magical moment”, the richly toned nuances of grey, the recurring theme of life and death. ATELIER documents a part of the life of the artist that consists of inspiring encounters and free work made in self-imposed isolation.

For the scenography, we are guided by the story of the book, which subtly criss-crosses all stages of life: childhood, adulthood and death. We move from image to image with a subdued rhythm informed by Vanfleteren’s aesthetics. In his atelier he takes us along into his world, in which he tries to control the effect of the ever-present daylight but is constantly in a state of wonder over its elusive mystery.

Here at Hangar we see not only the soul of the artist’s atelier, but also of the being of the man. This exhibition becomes a kind of self-portrait, in which light overpowers reality and unveils the darkness. Are we present in his atelier or already in another world?

Stephan Vanfleteren lijkt op alle werken die in deze tentoonstelling werden samengebracht: geen verfraaiing, ietwat geheimzinnig, donker van uiterlijk en met een diepe uitstraling. Het atelier is hij. Het is zijn inspiratie, zijn uiterlijk, zijn talent, zijn emotie. In Hangar geeft hij ons de gelegenheid om hem te leren kennen. Hier licht hij de sluier op.Wanneer je zijn ‘heiligdom’ binnenkomt, moet je een zwaar doek opzijschuiven, als een roodfluwelen theatergordijn – behalve dat het hier grijs is. We betreden het atelier in de vorm van een theaterpodium waar het licht van de zon als een spot in de ruimte binnenvalt: van achteren verlicht, zijdelings, vanuit een lage hoek. De roep van meeuwen – de Noordzee is niet ver weg – versterkt de dramaturgische geest van de plek, die achtereenvolgens een sterfhuis, een bank en een turnzaal was.

Stephan Vanfleteren bracht al zijn werk dat hij in de intimiteit van deze studio maakte samen in een boek. ATELIER werd geboren in november 2023, 1,6 kilo papier die 12 jaar creatie samenbrengt. Van de eerste beelden van majorettes tot de laatste opnames van dode dieren draagt Vanfleterens oeuvre zijn specifieke signatuur: een obsessie met daglicht, een zoektocht naar het ‘magische moment’, nuances van grijstinten, het terugkerende thema van leven en dood. ATELIER documenteert een stuk van het leven van de kunstenaar, bestaande uit inspirerende ontmoetingen en vrij werk in zelfgekozen isolement.

Voor de scenografie laten we ons leiden door het relaas van het boek, dat op subtiele wijze alle stadia van het leven doorkruist: kindertijd, volwassenheid en dood. We gaan van het ene beeld naar het andere, met een ingetogen ritme dat ons wordt ingegeven door Vanfleterens esthetiek. In zijn atelier neemt hij ons mee naar zijn wereld, waarin hij de werking van het alomtegenwoordige daglicht probeert te beheersen maar blijvend verwonderd is door dat ongrijpbare mysterie.

We zien hier in Hangar niet alleen de ziel van het atelier van de kunstenaar, maar ook van het wezen van de man. Zo wordt deze tentoonstelling een soort zelfportret, waarbij het licht de realiteit overmeestert en het duister ontsluiert. Vertoeven we in zijn atelier of al in een andere wereld?

(Text: Delphine Dumont)

C/O Berlin
14. September 2024 – 23. Januar 2025

BERLIN – DIE 90ER JAHRE
OSTKREUZ – Agentur der Fotografen

Berlin in den 90ern: Nach dem Fall der Mauer 1989 befindet sich die Stadt im Übergang, in einem Transitraum zwischen Vergangenheit und Zukunft. Aufbruchstimmung wie Verlustängste liegen nah beieinander und bilden den Grundton dieser Zeit. Einzigartige Möglichkeitsräume eröffnen sich und führen zur Blüte kreativer Zwischennutzungen. Berlin wird zur Metropole der Subkulturen – gleichzeitig beginnt jedoch auch ein Ringen um die Gestaltung der neuen Hauptstadt und ihres Zentrums. Die Potenziale und Utopien der 90er Jahre haben sich nachhaltig in das Bild dieser Stadt eingeschrieben und prägen es bis heute.

Inmitten dieser Umbruchstimmung gründet im Jahr 1990 eine Gruppe von Fotograf: innen aus der ehemaligen DDR die Agentur OSTKREUZ mit Sitz in Ost-Berlin. Diese hat sich seitdem international als eine der wichtigsten Fotoagenturen Deutschlands etabliert. C/O Berlin zeigt in der Ausstellung Arbeiten von neun Mitgliedern der Agentur OSTKREUZ, darunter der Co-Gründer:innen Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler und Werner Mahler sowie von Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting und Maurice Weiss. Diese Fotograf:innen beobachten mit genauem Blick die gesellschaftlichen Veränderungen und die Herausforderungen des Zusammenwachsens der ehemaligen Mauerstadt.

Die Ausstellung Träum Weiter — Berlin, die 90er präsentiert 35 Jahre nach der Gründung der Agentur OSTKREUZ und im Jubiläumsjahr des Mauerfalls rund 200 Arbeiten. Neben einigen Klassikern sind viele noch unveröffentlichte Bilder aus dem Archiv der OSTKREUZ-Fotograf:innen zu sehen. Diese bekommen mit dem Blick von heute eine ganz neue Relevanz und dienen als Material für ein Stimmungsbild dieser prägenden Dekade. Sie spiegeln eine Stadt im Wandel mit all ihren Ambivalenzen wider – beginnend mit dem Mauerfall über den Tanz in den Ruinen der aufblühenden Technoszene bis hin zu den sozialen und wirtschaftlichen Veränderungen sowie der Transformation Berlins zur neuen Hauptstadt. Sie reflektieren die unterschiedlichen Perspektiven der OSTKREUZ-Fotograf:innen und zeigen die komplexen Beziehungen zwischen Mensch und Stadtraum auf.

In einer Zeit, in der globale Veränderungen und politische Umbrüche allgegenwärtig sind, bietet Träum Weiter — Berlin, die 90er wertvolle Einblicke in die Mechanismen und Auswirkungen des gesellschaftlichen Wandels. Zudem würdigt die gemeinsame Ausstellung die jahrelange, enge Zusammenarbeit zwischen C/O Berlin und der Agentur OSTKREUZ.

Träum Weiter — Berlin, die 90er wird von Annette Hauschild (OSTKREUZ), und Boaz Levin (C/O Berlin Foundation) kuratiert. Zur Ausstellung erscheint eine gleichnamige Publikation bei Spector Books.

Berlin dans les années 90 : après la chute du mur en 1989, la ville est en transition, dans un espace de transit entre passé et avenir. L'atmosphère de renouveau et la peur de la perte sont proches l'une de l'autre et constituent le ton général de cette période. Des espaces de possibilités uniques s'ouvrent et conduisent à la floraison d'utilisations intermédiaires créatives. Berlin devient la métropole des sous-cultures - mais en même temps commence une lutte pour l'aménagement de la nouvelle capitale et de son centre. Les potentiels et les utopies des années 90 se sont inscrits durablement dans le visuel de cette ville et l'influencent encore aujourd'hui.

Au milieu de cette atmosphère de changement, un groupe de photographes de l'ex-RDA fonde en 1990 l'agence OSTKREUZ, basée à Berlin-Est. Depuis, cette agence s'est imposée au niveau international comme l'une des plus importantes agences photographiques d'Allemagne. L'exposition de C/O Berlin présente les travaux de neuf membres de l'agence OSTKREUZ, dont les co-fondateurs Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler et Werner Mahler, ainsi que Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting et Maurice Weiss. Ces photographes observent avec un regard attentif les changements sociaux et les défis de la fusion de l'ancienne ville du Mur.

L'exposition Träum Weiter - Berlin, les années 90 présente environ 200 travaux, 35 ans après la création de l'agence OSTKREUZ et en cette année d'anniversaire de la chute du mur. Outre quelques classiques, on peut y voir de nombreux visuels inédits issus des archives des photographes d'OSTKREUZ. Avec le regard d'aujourd'hui, elles acquièrent une toute nouvelle pertinence et servent de matériau pour une image d'ambiance de cette décennie marquante. Elles reflètent une ville en mutation avec toutes ses ambivalences - de la chute du mur de Berlin aux changements sociaux et économiques, en passant par la danse dans les ruines de la scène techno en plein essor et la transformation de Berlin en nouvelle capitale. Elles reflètent les différentes perspectives des photographes d'OSTKREUZ et mettent en évidence les relations complexes entre l'homme et l'espace urbain.

À une époque où les changements globaux et les bouleversements politiques sont omniprésents, Träum Weiter - Berlin, die 90er offre un aperçu précieux des mécanismes et des effets du changement social. De plus, cette exposition commune rend hommage à l'étroite collaboration entre C/O Berlin et l'agence OSTKREUZ qui dure depuis des années.

Träum Weiter - Berlin, les années 90 est organisée par Annette Hauschild (OSTKREUZ), et Boaz Levin (C/O Berlin Foundation). L'exposition sera accompagnée d'une publication du même nom éditée par Spector Books.

Berlino negli anni '90: dopo la caduta del Muro nel 1989, la città è in transizione, in uno spazio di transito tra passato e futuro. Lo spirito di ottimismo e la paura della perdita sono vicini e formano il tono di base di questo periodo. Si aprono spazi unici di opportunità che portano alla fioritura di usi creativi intermedi. Berlino diventa una metropoli di sottoculture - ma allo stesso tempo inizia una lotta per la progettazione della nuova capitale e del suo centro. I potenziali e le utopie degli anni '90 hanno lasciato un segno duraturo nell'immagine di questa città e continuano a caratterizzarla ancora oggi.

Nel bel mezzo di questo clima di sconvolgimento, un gruppo di fotografi dell'ex DDR ha fondato l'agenzia OSTKREUZ a Berlino Est nel 1990. Da allora, si è affermata a livello internazionale come una delle agenzie fotografiche più importanti della Germania. Nella mostra, C/O Berlin presenta le opere di nove membri dell'agenzia OSTKREUZ, tra cui i co-fondatori Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler e Werner Mahler, nonché Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting e Maurice Weiss. Questi fotografi osservano da vicino i cambiamenti sociali e le sfide della crescita comune nell'ex città del Muro.

La mostra Träum Weiter - Berlin, die 90er presenta circa 200 opere a 35 anni dalla fondazione dell'agenzia OSTKREUZ e nell'anno dell'anniversario della caduta del Muro di Berlino. Oltre ad alcuni classici, sono esposte molte immagini ancora inedite provenienti dall'archivio dei fotografi di OSTKREUZ. Esse assumono una rilevanza del tutto nuova se viste dalla prospettiva odierna e servono come materiale per un'immagine suggestiva di questo decennio formativo. Riflettono una città in transizione con tutte le sue ambivalenze - dalla caduta del Muro di Berlino e i balli tra le rovine della fiorente scena techno ai cambiamenti sociali ed economici e alla trasformazione di Berlino nella nuova capitale. Riflettono le diverse prospettive dei fotografi di OSTKREUZ e mostrano le complesse relazioni tra le persone e lo spazio urbano.

In un momento in cui il cambiamento globale e gli sconvolgimenti politici sono onnipresenti, Träum Weiter - Berlin, die 90er offre preziose intuizioni sui meccanismi e sugli effetti del cambiamento sociale. La mostra congiunta onora anche i molti anni di stretta collaborazione tra C/O Berlin e l'agenzia OSTKREUZ.

Träum Weiter - Berlin, die 90er è curata da Annette Hauschild (OSTKREUZ) e Boaz Levin (Fondazione C/O Berlin). La mostra sarà accompagnata da una pubblicazione omonima edita da Spector Books.

Berlin in the 90s: The city found itself in flux after the fall of the Berlin Wall in 1989, caught between past and future. A spirit of optimism battled with fears of loss and defined the mood of this era. Extraordinary new opportunities led to a flourishing of temporary initiatives. Berlin became the city of subcultures, even as controversies raged over the development of the new German capital and its center. The potential futures and utopias of the 1990s left a lasting mark on Berlin’s image and continue to define the city to this day.

A group of photographers from former East Germany founded the photo agency OSTKREUZ in East Berlin during this tumultuous era, in 1990. Today, they are recognized internationally as one of Germany’s most important photo agencies. C/O Berlin shows works by nine OSTKREUZ members, including co-founders Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler, and Werner Mahler, as well as Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting, and Maurice Weiss. These photographers turned their sharp gaze to societal transformations and the challenges of reunification in a city formerly divided by the Berlin Wall.

With over 200 works, the exhibition Dream On—Berlin, the 90s opens 35 years after OSTKREUZ was founded, in the anniversary year of the fall of the Berlin Wall. Many previously unpublished photographs from the OSTKREUZ photographers’ archive are shown alongside well-known images. Seen today, they take on a wholly new relevance and serve to convey the mood of this defining decade. They reflect a city in flux with all its attendant ambivalences, beginning with the fall of the Wall and dancing in the ruins to the burgeoning techno scene, social and economic changes, and Berlin’s transformation into the new German capital. These images reflect the OSTKREUZ photographers’ unique perspectives, revealing the complex relationship between individuals and urban space.

At a moment when global changes and political upheavals are omnipresent, Dream On—Berlin, the 90s offers valuable insights into the mechanisms and effects of societal transformation. The exhibition also serves to mark the long-standing and close cooperation between C/O Berlin and OSTKREUZ.

Dream On—Berlin, the 90s is curated by Annette Hauschild (OSTKREUZ) and Boaz Levin (C/O Berlin Foundation). The exhibition will be accompanied by a publication of the same name, published by Spector Books.

(Text: C/O Berlin)

Galerie Springer | Berlin
17. September 2024 – 1. Februar 2025

LOOKS LIKE ABSTRACTION

Edward Burtynsky, Janos Frecot, Maria Jauregui Ponte, Ingar Krauss, Natsoumi, Loredana Nemes, Peter Ruehle, Stefanie Seufert, Anna Szprynger

LOOKS LIKE ABSTRACTION geht der Frage nach, ab wann eine Fotografie als abstrakt wahrgenommen wird. War dies von Anfang an die Absicht des Künstlers? Ist nicht jede Fotografie zunächst konkret, um durch den Bildausschnitt zu etwas anderem, beispielsweise zu einem abstrakten Bild, zu werden? Der Rundgang durch die Ausstellung beantwortet einige dieser Fragen, lässt aber auch viel Raum für den freien Flug der Gedanken und Emotionen.

Die Präsentation gliedert sich in zwei Bereiche. Im ersten Bereich werden Fotografien gezeigt, die der Architektur entsprungen sind, im zweiten Teil bietet die Natur Grundlage für die präsentierten Werke. Der zeitliche Bogen spannt sich von den 1960er Jahren bis ins jetzige 2024.

Gastkünstlerin ist die japanische Fotografin Natsoumi, die an der Université de Paris Kunstgeschichte studierte und heute mit ihrer Familie in Miyagi, Japan lebt. Ihre in der Ausstellung gezeigten Arbeiten sind in diesem Jahr entstanden.

Ebenfalls zu Gast ist die Künstlerin Stefanie Seufert. Sie lebt und arbeitet in Berlin. Ihre Werke wurden in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen gezeigt (Berlinsche Galerie, Eskenazi Museum of Art Bloomington, Louisville, Penumbra Foundation NYC u.v.a.). Die skulpturalen Arbeiten in der Ausstellung entstanden 2016.

Janos Frecot ist Fotohistoriker, Autor und war von 1978 bis 2002 Kurator und Leiter der Fotografischen Sammlung am Landesmuseum Berlinische Galerie. Als Fotograf schuf er in den 1960er Jahren eine Berliner Serie, aus der wir eine kleine Auswahl an Werken zeigen.

Der Künstler Peter Ruehle ist mit auf Fotografie basierenden Werken aus seiner Serie Colorland vertreten.

Aus dem Galerie-Programm werden neue Arbeiten von Maria Jauregui Ponte, Loredana Nemes und Anna Szprynger sowie Fotografien von Ingar Krauss und Edward Burtynsky gezeigt.

LOOKS LIKE ABSTRACTION se penche sur la question de savoir à partir de quand une photographie est perçue comme abstraite. Est-ce là l'intention de l'artiste dès le départ ? Toute photographie n'est-elle pas d'abord concrète avant de devenir autre chose, par exemple un visuel abstrait, grâce au cadrage ? Le parcours de l'exposition répond à certaines de ces questions, mais laisse aussi beaucoup de place à la libre envolée des pensées et des émotions.

La présentation se divise en deux parties. Dans la première, les photographies sont issues de l'architecture, dans la seconde, c'est la nature qui sert de base aux œuvres présentées. L'arc temporel s'étend des années 1960 à l'année 2024.

L'artiste invitée est la photographe japonaise Natsoumi, qui a étudié l'histoire de l'art à l'Université de Paris et vit aujourd'hui avec sa famille à Miyagi, au Japon. Les travaux qu'elle présente dans l'exposition ont été réalisés cette année.

L'artiste Stefanie Seufert est également invitée. Elle vit et travaille à Berlin. Ses œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions nationales et internationales (Berlinsche Galerie, Eskenazi Museum of Art Bloomington, Louisville, Penumbra Foundation NYC et bien d'autres). Les œuvres sculpturales de l'exposition ont été réalisées en 2016.

Janos Frecot est historien de la photographie et auteur. De 1978 à 2002, il a été conservateur et directeur de la collection photographique au Landesmuseum Berlinische Galerie. En tant que photographe, il a créé une série berlinoise dans les années 1960, dont nous présentons une petite sélection d'œuvres.

L'artiste Peter Ruehle est représenté par des œuvres basées sur la photographie et issues de sa série Colorland.

De nouveaux travaux de Maria Jauregui Ponte, Loredana Nemes et Anna Szprynger ainsi que des photographies d'Ingar Krauss et d'Edward Burtynsky seront présentés dans le cadre du programme de la galerie.

LOOKS LIKE ABSTRACTION esplora la questione di quando una fotografia viene percepita come astratta. Era questa l'intenzione dell'artista fin dall'inizio? Non è forse vero che ogni fotografia è inizialmente concreta, per poi diventare qualcos'altro, ad esempio un'immagine astratta, attraverso il ritaglio dell'immagine? Il percorso della mostra risponde ad alcune di queste domande, ma lascia anche ampio spazio al libero pensiero e all'emozione.

La presentazione è divisa in due sezioni. Nella prima sezione sono esposte fotografie che hanno origine dall'architettura, mentre nella seconda la natura è alla base delle opere presentate. L'arco cronologico va dagli anni '60 ai giorni nostri, nel 2024.

L'artista ospite è la fotografa giapponese Natsoumi, che ha studiato storia dell'arte all'Università di Parigi e ora vive con la sua famiglia a Miyagi, in Giappone. Le sue opere esposte in mostra sono state realizzate quest'anno.

Un'altra ospite è l'artista Stefanie Seufert. Vive e lavora a Berlino. Le sue opere sono state esposte in numerose mostre nazionali e internazionali (Berlinsche Galerie, Eskenazi Museum of Art Bloomington, Louisville, Penumbra Foundation NYC e molte altre). Le opere scultoree in mostra sono state realizzate nel 2016.

Janos Frecot è uno storico della fotografia, autore ed è stato curatore e responsabile della collezione di fotografia presso il Landesmuseum Berlinische Galerie dal 1978 al 2002. Come fotografo, negli anni Sessanta ha creato una serie berlinese, di cui presentiamo una piccola selezione di opere.

L'artista Peter Ruehle è rappresentato con opere basate sulla fotografia della sua serie Colorland.

Saranno esposte nuove opere di Maria Jauregui Ponte, Loredana Nemes e Anna Szprynger, oltre a fotografie di Ingar Krauss e Edward Burtynsky.

LOOKS LIKE ABSTRACTION explores the question of when a photograph is perceived as abstract. Was this the intention of the artist from the outset? Isn't every photograph initially concrete, only to become something else through the image detail, for example, an abstract image? The tour through the exhibition answers some of these questions, but also leaves plenty of room for the free flight of thoughts and emotions.

The presentation is divided into two sections. In the first section, photographs are shown that originated in architecture, while in the second section, nature provides the basis for the works presented. The temporal arc spans from the 1960s to the present in 2024.

The guest artist is the Japanese photographer Natsoumi, who studied art history at the Université de Paris and now lives with her family in Miyagi, Japan. The works shown in the exhibition were created this year.

Artist Stefanie Seufert is also a guest. She lives and works in Berlin. Her works have been shown in numerous national and international exhibitions (Berlinsche Galerie, Eskenazi Museum of Art Bloomington, Louisville, Penumbra Foundation NYC, among others). The sculptural works in the exhibition were created in 2016.

Janos Frecot is a photo historian and author, and was curator and head of the photographic collection at the Berlinische Galerie state museum from 1978 to 2002. As a photographer, he created a series on Berlin in the 1960s, from which we are showing a small selection of works.

The artist Peter Ruehle is represented with photography-based works from his series Colorland.

New works by Maria Jauregui Ponte, Loredana Nemes and Anna Szprynger, as well as photographs by Ingar Krauss and Edward Burtynsky, will be shown from the gallery program.

Mudam Luxembourg
20. September 2024 – 2. Februar 2025

Radical Software - Women, Art & Computing 1960–1991

Radical Software: Women, Art & Computing 1960-1991 beleuchtet die Geschichte der digitalen Kunst aus einer feministischen Perspektive. Im Fokus stehen Frauen, die sich mit dem Computer als Werkzeug oder Thema beschäftigten, sowie Künstler, deren Arbeitsweise inhärent computerbasiert war.

Die Ausstellung umfasst mehr als 100 Werke von fünfzig Künstler aus vierzehn Ländern und spannt einen Bogen von den Anfängen der integrierten Schaltkreise in den 1960er Jahren bis hin zur „Mikrocomputer-Revolution“, die in den 1980er Jahren zur Entwicklung des Heimcomputers führte. In diesen drei Jahrzehnten fand der Computer seinen Weg aus dem Labor in die privaten Haushalte. Die Werke, die in dieser hauptsächlich analogen Ausstellung über digitale Kunst zu sehen sind, gehen dem Aufstieg des World Wide Web und der digitalen Verbreitung von Informationen und Bildern voraus und haben die Arbeitsweise von Künstlerbis in unsere Tage dramatisch geprägt. Diese Periode wird auch als zweite Welle des Feminismus bezeichnet, in der die Idee der (bis heute unvollendeten) Gleichberechtigung der Geschlechter vorangetrieben wurde.

In den 1960er und 1970er Jahren experimentierten Künstler:innen, Musiker:innen, Dichter:innen, Schriftsteller:innen und Filmemacher:innen mit Computertechnologie. Gemeinsam mit Mathematiker:innen, Informatiker:innen und Ingenieur:innen ließen sie die ersten computergenerierten Bilder, Musikstücke und Texte entstehen. In den späten 1970er Jahren wurde Computertechnologie auf vielfältige Weise in der Kunst eingesetzt – von Zeichnungen über Malerei bis hin zu Filmen und Performancekunst – und beeinflusste die zeitgenössische Kunst über die verschiedenen künstlerischen Strömungen hinweg.

Radical Software: Women, Art & Computing 1960–1991 zeigt Werke von Künstler:innen, die unter den ersten waren, die Computer – Großrechner wie Minicomputer – als Werkzeug für ihre Kunst verwendeten. Parallel sind Künstler:innen zu sehen, die den Computer zu ihrem Thema gemacht haben oder computergestützt arbeiteten. Die Ausstellung spannt einen Bogen von den ersten Werken, die in akademischen oder industriellen Computerlabors entstanden, bis hin zu Arbeiten auf den ersten Heimcomputern in den letzten Jahren vor der Einführung des Internets. Die Ausstellung ist einer Zeit gewidmet, die auch von der zweiten feministischen Welle geprägt war, und dokumentiert eine weniger bekannte Geschichte der Anfänge der digitalen Kunst, indem sie sich entgegen der konventionellen Narrative über Kunst und Technologie ganz auf die weiblichen Protagonistinnen konzentriert.

Radical Software: Women, Art & Computing 1960-1991 revisite l'histoire de l'art numérique en adoptant une perspective féministe. Elle réunit les œuvres d'artistes femmes qui ont travaillé avec l'ordinateur, se sont inspirées des nouvelles technologies en tant que sujet, ainsi que d'autres qui ont appliqué des principes mathématiques, inhérents à l'informatique, dans leur pratique.

Comprenant plus de 100 œuvres de cinquante artistes originaires de quatorze pays, l'exposition couvre une période allant des premières années du circuit intégré dans les années 1960 à la « révolution du microprocesseur », qui a conduit à la naissance de l'ordinateur personnel dans les années 1980. Au cours de ces trois décennies, l'ordinateur a migré du laboratoire à l'espace privé, domestique. Exposition principalement analogique sur l'art numérique, Radical Software présente des œuvres qui ont précédé l'essor du World Wide Web et la prolifération d'informations et d'images numériques qu'il a suscitées, influençant de manière décisive la production artistique des décennies suivantes – jusqu'à aujourd'hui. Cette même période est également marquée par la deuxième vague féministe, une ère qui a popularisé une certaine idée de l'égalité des sexes (toutefois incomplète).

Au cours des années 1960 et 1970, artistes, musicien·ne·s, poètes, écrivain·e·s et cinéastes ont commencé à expérimenter avec l’informatique. Œuvrant en collaboration avec des mathématicien·ne·s, des chercheur·euse·s et des ingénieur·e·s, ils·elles réalisent les premiers textes, images et musiques générés par ordinateur. À la fin des années 1970, l’informatique a dès lors été utilisée dans des contextes artistiques variés allant de la production de dessin ou de peinture à la réalisation de films et de performances. Son influence sur l’art contemporain a été considérable et traverse différents mouvements artistiques.

Radical Software: Women, Art & Computing 1960–1991 présente des œuvres d’artistes qui furent parmi les premières à utiliser l’ordinateur – central ou mini-ordinateur –, comme outil de création artistique. Elles sont accompagnées d’artistes qui se sont inspirées de l’ordinateur en tant que sujet ou d’autres qui ont appliqué des principes mathématiques, inhérents à l’informatique, dans leur pratique. L’exposition débute avec des œuvres réalisées en laboratoires informatiques universitaires ou industriels et s’achève sur d’autres, créées sur les premiers ordinateurs personnels dans les années qui ont précédé l’Internet, accessible au grand public dès 1991 par la mise en ligne du World Wide Web. Prenant pour cadre une période qui fut également marquée par la deuxième vague féministe, l’exposition retrace une histoire peu connue des débuts de l’art numérique. En se concentrant exclusivement sur la pratique de femmes artistes, elle cherche à contrer les récits traditionnels sur l’art et la technologie.

Radical Software: Women, Art & Computing 1960-1991 esamina la storia dell'arte digitale da una prospettiva femminista. L'attenzione si concentra sulle donne che hanno lavorato con il computer come strumento o soggetto, nonché sulle artiste i cui metodi di lavoro erano intrinsecamente basati sul computer.

La mostra comprende più di 100 opere di cinquanta artiste provenienti da quattordici Paesi e copre un arco temporale che va dagli esordi dei circuiti integrati negli anni Sessanta alla “rivoluzione dei microcomputer” che ha portato allo sviluppo dell'home computer negli anni Ottanta. Durante questi tre decenni, il computer è uscito dai laboratori per entrare nelle case private. Le opere esposte in questa mostra d'arte digitale, prevalentemente analogica, precedono l'avvento del World Wide Web e la diffusione digitale di informazioni e immagini, e hanno plasmato in modo radicale il modo di lavorare degli artisti fino ai giorni nostri. Questo periodo è noto anche come la seconda ondata del femminismo, in cui è stata promossa l'idea della parità di genere (ancora oggi incompiuta).

Negli anni '60 e '70, artisti, musicisti, poeti, scrittori e registi sperimentarono la tecnologia informatica. Insieme a matematici, informatici e ingegneri, crearono le prime immagini, brani musicali e testi generati al computer. Alla fine degli anni Settanta, la tecnologia informatica è stata utilizzata in vari modi nell'arte - da disegni e dipinti a film e performance artistiche - e ha influenzato l'arte contemporanea attraverso diversi movimenti artistici.

Radical Software: Women, Art & Computing 1960-1991 presenta opere di artiste che sono state tra le prime a utilizzare i computer - mainframe e minicomputer - come strumento per la loro arte. Allo stesso tempo, sono esposti anche artisti che hanno fatto del computer il loro soggetto o che hanno lavorato con l'ausilio di computer. La mostra abbraccia un arco di tempo che va dalle prime opere create nei laboratori informatici accademici o industriali ai lavori sui primi computer domestici negli ultimi anni prima dell'introduzione di Internet. La mostra è dedicata a un periodo caratterizzato anche dalla seconda ondata femminista e documenta una storia meno conosciuta degli inizi dell'arte digitale, concentrandosi interamente sulle protagoniste femminili, contrariamente alle narrazioni convenzionali su arte e tecnologia.

Radical Software: Women, Art & Computing 1960-1991 surveys the history of digital art from a feminist perspective, focusing on women who worked with computers as a tool or subject and artists who worked in an inherently computational way. 

Comprising more than 100 works by fifty artists from fourteen countries, it spans a period from the first years of integrated circuit computing in the 1960s to the "microcomputer revolution," which led to the birth of home computing in the 1980s. During these three decades, the computer migrated from the laboratory to private, domestic space. A principally analogue exhibition about digital art, the works on display precede the rise of the World Wide Web and the proliferation of digital information and images that ensued and dramatically reshaped the way artists work to this day. This same period is also referred to as the second wave of feminism, an era that popularised an (albeit incomplete) idea of gender equality.

During the 1960s and 1970s, artists, musicians, poets, writers and filmmakers experimented with computer technology. Working in collaboration with mathematicians, computer scientists and engineers, they produced the first computer-generated images, music and texts. By the end of the 1970s, computer technology had been applied in a diverse range of artistic contexts, from the production of drawing and painting to filmmaking and performance. Its influence on contemporary art has been far-reaching, spanning several different artistic movements.

Radical Software: Women, Art & Computing 1960–1991 presents work by artists who were amongst the first to use the computer – mainframe and minicomputers – as a tool for artmaking. They are accompanied by other artists who made the computer their subject or worked in a computational way. The exhibition begins with works made in academic or industrial computer labs and ends with others made on the first personal computers in the last years before the internet became public in 1991. Set within a period that was also marked by the second wave of feminism, it documents a lesser-known history of the inception of digital art, countering conventional narratives on art and technology by focusing entirely on female figures.

(Text: Mudam Luxembourg)

Maison Doisneau | Gentilly
20. September 2024 – 16. Februar 2025

Terre des Hommes un magazine taïwanais 1985 - 1989
Guan Xiao-Rong, Juan I-Jong, Liang Kuo-Lung, Liao Chia-Chan, Tsai Ming-Te et Yen Shing-Chu

Die Zeitschrift Terre des Hommes (Ren Jian), deren 47 monatliche Ausgaben zwischen November 1985 und September 1989 erschienen, wurde von dem militanten Schriftsteller Chen Ying-Zhen gegründet, der ein Team von Journalisten, renommierten Schriftstellern, Fotoreportern und Unterstützern politischer und sozialer Anliegen um sich versammelte. Es entstand während der Phase der allmählichen politischen Demokratisierung in den 1980er Jahren, die auf das autoritäre Regime folgte, das Chiang Kai-Shek 1949 auf der tropischen Insel errichtet hatte. Als „Reportagemagazin, in dem mit Bildern und Worten entdeckt, dokumentiert, bezeugt und kritisiert wird“ (Leitartikel des Magazins Nr. 1), will Terre des Hommes bewusst Schriftsteller und Fotoreporter zusammenbringen, um die dringend notwendigen Veränderungen in der sklerotischen taiwanischen Gesellschaft zu unterstützen und „dazu zu zwingen, sich wieder umeinander zu kümmern“.

Die Fotografie spielte bei dieser Bewusstseinsbildung eine wichtige Rolle, aktiviert durch junge, „aufstrebende“ Fotografen, die nach einer langen Zeit der Text- und Bildzensur die Möglichkeit finden, sich frei auszudrücken.

Fotografen und Schriftsteller erforschen gemeinsam bislang ignorierte oder verborgene soziale Realitäten, um die Ungerechtigkeiten und sozialen Ungleichgewichte anzuprangern, die die in der Strenge und Blindheit des politischen Regimes erstarrte Gesellschaft untergraben. Vor Ort decken sie die Misshandlungen und die soziale Ausbeutung, die Armut, die Diskriminierung indigener Völker und die Vernachlässigung behinderter Kinder auf. Sie berichten über die Umweltverschmutzung durch die Industrie und die Übernutzung des Regenwaldes, aber auch über Traditionen und Unterhaltungsangebote, die die taiwanesische Gesellschaft zusammenhalten.

Auf 128 bis 192 Seiten enthält jede Ausgabe mehr als zehn Reportagen, die jeweils mit zahlreichen Schwarz-Weiß- und Farbfotografien illustriert sind. Das Layout legt Wert auf die Kontinuität einer Bildergeschichte und das grafische Spiel mit chinesischen Ideogrammen. Die stets dunklen Titelseiten zeigen deutlich die Thematik.

Die sechs Fotografen, die für diese Präsentation ausgewählt wurden, zeigen ein aufrichtiges Einfühlungsvermögen und eine große Nähe zu den Menschen, mit denen sie eine Zeit lang das Leben teilen. Ihr besonders effektiver Stil bemüht sich, eine wohlwollende oder kritische Aussage deutlich zu machen, für das breite Publikum des Magazins Terre des Hommes, das das wahre Gesicht der taiwanesischen Gesellschaft zeigen wollte.

Le magazine Terre des Hommes (Ren Jian), dont les quarante-sept numéros mensuels sont publiés entre novembre 1985 et septembre 1989, a été fondé par l’écrivain militant Chen Ying-Zhen, qui a rassemblé autour de lui une équipe de journalistes, écrivains renommés, photoreporters et partisans des causes politiques et sociales. Il émerge pendant la phase de démocratisation politique progressive des années 1980 qui fait suite au régime autoritaire imposé dans l’île tropicale par Tchang Kaï-Chek en 1949. « Magazine de reportages où l’on découvre, documente, témoigne et critique par les images et par les mots » (éditorial du magazine n°1), Terre des Hommes veut délibérément associer des écrivains et des photoreporters pour soutenir les changements indispensables de la société taïwanaise sclérosée, et « obliger à se soucier à nouveau les uns des autres ».

La photographie a joué un rôle important dans cette prise de conscience, activée par des jeunes photographes « émergents » qui trouvent ainsi l’occasion de s’exprimer librement après une longue période de censure des textes et des images.

Photographes et écrivains explorent ensemble des réalités sociales jusque-là ignorées ou cachées, afin de dénoncer les injustices et les déséquilibres sociaux qui minent la société figée dans la rigueur et la cécité du régime politique. Sur le terrain, ils mettent à jour les méfaits de la maltraitance et de l’exploitation sociale, la pauvreté, la discrimination des peuples indigènes, le délaissement des enfants handicapés. Ils traquent la pollution industrielle, la surexploitation de la forêt tropicale, tout en rendant compte aussi des traditions ou des divertissements qui cimentent la société taïwanaise.

Sur 128 à 192 pages, chaque numéro contient plus de dix reportages, chacun d’eux abondamment illustré de photographies en noir et blanc ou en couleurs. La mise en page privilégie la continuité d’un récit en images et le jeu graphique des idéogrammes chinois. Les couvertures, toujours sombres, affichent clairement la thématique engagée.

Les six photographes retenus pour cette présentation font preuve d’une sincère empathie, et d’une grande proximité avec les personnes dont ils partagent la vie quelque temps. Leur style particulièrement efficace s’applique à rendre clair un propos bienveillant ou critique, pour le large public du magazine Terre des Hommes qui a voulu montrer le visage réel de la société taïwanaise.

La rivista Terre des Hommes (Ren Jian), con i suoi quarantasette numeri mensili pubblicati tra il novembre 1985 e il settembre 1989, è stata fondata dallo scrittore attivista Chen Ying-Zhen, che ha raccolto intorno a sé un team di giornalisti, scrittori di fama, fotoreporter e sostenitori di cause politiche e sociali. È emersa durante la graduale fase di democratizzazione politica degli anni '80, dopo il regime autoritario imposto sull'isola tropicale da Chiang Kai-shek nel 1949. Come “rivista di reportage in cui scopriamo, documentiamo, testimoniamo e critichiamo attraverso le immagini e le parole” (editoriale del n. 1 della rivista), Terre des Hommes ha deliberatamente voluto riunire scrittori e fotogiornalisti per sostenere i cambiamenti necessari nella società sclerotica di Taiwan e “costringere le persone a preoccuparsi di nuovo gli uni degli altri”.

La fotografia ha svolto un ruolo importante in questa sensibilizzazione, attivata da giovani fotografi “emergenti” che hanno trovato l'opportunità di esprimersi liberamente dopo un lungo periodo di censura di testi e immagini.

Insieme, fotografi e scrittori esplorano realtà sociali prima ignorate o nascoste, per denunciare le ingiustizie e gli squilibri sociali che minano una società congelata nel rigore e nella cecità del regime politico. Sul campo, scoprono i mali dell'abuso e dello sfruttamento sociale, la povertà, la discriminazione delle popolazioni indigene e l'abbandono dei bambini disabili. Rintracciano l'inquinamento industriale e l'eccessivo sfruttamento delle foreste tropicali, raccontando anche le tradizioni e i divertimenti che tengono insieme la società taiwanese.

Con un numero compreso tra 128 e 192 pagine, ogni numero contiene più di dieci reportage, ciascuno dei quali è riccamente illustrato con fotografie in bianco e nero o a colori. L'impaginazione enfatizza la continuità di una narrazione pittorica e il gioco grafico degli ideogrammi cinesi. Le copertine, sempre scure, mostrano chiaramente i temi trattati.

I sei fotografi scelti per questa presentazione dimostrano una sincera empatia e una stretta relazione con le persone di cui condividono per un certo periodo la vita. Il loro stile particolarmente efficace è pensato per rendere evidente un messaggio simpatico o critico, per il vasto pubblico della rivista Terre des Hommes, che ha voluto mostrare il vero volto della società taiwanese.

Terre des Hommes (Ren Jian) magazine, whose forty-seven monthly issues were published between November 1985 and September 1989, was founded by activist writer Chen Ying-Zhen, who gathered around him a team of journalists, renowned writers, photojournalists and supporters of political and social causes. It emerged during the gradual phase of political democratization in the 1980s, following the authoritarian regime imposed on the tropical island by Chiang Kai-shek in 1949. As a “magazine of reportage where we discover, document, bear witness and criticize through images and words” (magazine editorial no. 1), Terre des Hommes deliberately wants to bring together writers and photojournalists to support the much-needed changes in Taiwan's sclerotic society, and “force people to care about each other again”.

Photography has played an important role in this awareness-raising process, activated by young “emerging” photographers who find the opportunity to express themselves freely after a long period of censorship of texts and images.

Together, photographers and writers explore hitherto ignored or hidden social realities, denouncing the injustices and social imbalances that undermine a society frozen in the rigor and blindness of the political regime. In the field, they uncover the evils of social abuse and exploitation, poverty, discrimination against indigenous peoples and the neglect of disabled children. They track down industrial pollution and over-exploitation of the rainforest, while also reporting on the traditions and entertainment that cement Taiwanese society.

Over 128 to 192 pages, each issue contains more than ten reports, each lavishly illustrated with black & white or color photographs. The layout favors the continuity of a pictorial narrative and the graphic interplay of Chinese ideograms. The covers, always dark, clearly display the themes involved.

The six photographers chosen for this presentation demonstrate a sincere empathy and closeness to the people whose lives they share for a time. Their particularly effective style is designed to make clear both a sympathetic and a critical message, for the wide audience of Terre des Hommes magazine, which wanted to show the real face of Taiwanese society.

(Text: Michel Frizot, Ying-Lung Su)

Foam | Amsterdam
21. September 2024 – 12. Januar 2025

PHOSPHOR: Art & Fashion
Viviane Sassen

Die Ausstellung PHOSPHOR: Art & Fashion umfasst mehr als 200 Werke der niederländischen Modefotografin und Künstlerin Viviane Sassen. Es handelt sich um die erste groß angelegte Retrospektive der niederländischen Modefotografin in den Niederlanden, die über dreißig Jahre ihrer facettenreichen Karriere offenbart und Fotografie, Collage, Malerei und Video zusammenbringt.

Die niederländische zeitgenössische Künstlerin Viviane Sassen erlangte schnell weltweite Anerkennung, sowohl in der Modebranche als auch in der Welt der Fotografie. Ihr unverwechselbares und vielseitiges visuelles Werk füllt fast das gesamte Gebäude von Foam. Diese Ausstellung beleuchtet Sassens kreativen Prozess, indem sie sich auf zwei Hauptthemen konzentriert: die unaufhörliche Suche nach neuen fotografischen Formen und die Bedeutung der Intimität in ihrer Arbeit.

Sassens Werk erforscht sowohl die Tiefen menschlicher Emotionen als auch die Grenzen des künstlerischen Ausdrucks. Tod, Sexualität, Verlangen und die Verbindung zu anderen sind alles Motive, die ihre Arbeit strukturieren. Bekannt für ihren geschickten Einsatz gesättigter Farben, ihre Beherrschung von Licht und Schatten und ihre unverwechselbaren Darstellungen des menschlichen Körpers, ist Sassens Werk ein Zeugnis ihrer künstlerischen Sprache. Für Sassen ist die Fotografie ein magisches Medium. Für sie ist die Fotografie wie ein Spiegel, der das widerspiegelt, was bereits in uns ist, und gleichzeitig ein Portal zu einem anderen Universum mit unendlichen Möglichkeiten.

L'exposition PHOSPHOR : Art & Fashion comprend plus de 200 œuvres de la photographe de mode et artiste néerlandaise Viviane Sassen. Il s'agit de la première rétrospective à grande échelle de la photographe de mode néerlandaise aux Pays-Bas, qui révèle plus de trente ans de sa carrière aux multiples facettes et rassemble des photographies, des collages, des peintures et des vidéos.

L'artiste contemporaine néerlandaise Viviane Sassen a rapidement acquis une reconnaissance mondiale, tant dans l'industrie de la mode que dans le monde de la photographie. Son œuvre visuelle distincte et éclectique occupe la quasi-totalité du bâtiment de Foam. Cette exposition met en lumière le processus créatif de Sassen en se concentrant sur deux thèmes principaux : la recherche incessante de nouvelles formes photographiques et l'importance de l'intimité dans son travail.

L'œuvre de Sassen explore à la fois les profondeurs de l'émotion humaine et les limites de l'expression artistique. La mort, la sexualité, le désir et la connexion avec les autres sont autant de motifs qui structurent son travail. Réputée pour son utilisation adroite de couleurs saturées, sa maîtrise de l'ombre et de la lumière et ses représentations distinctives du corps humain, l'œuvre de Sassen est un témoignage de son langage artistique. Pour Mme Sassen, la photographie est un médium magique. Pour elle, la photographie est comme un miroir qui reflète ce qui est déjà en nous, et comme un portail vers un autre univers aux possibilités infinies.

La mostra PHOSPHOR: Art & Fashion comprende oltre 200 opere della fotografa di moda e artista olandese Viviane Sassen. Si tratta della prima retrospettiva su larga scala della fotografa di moda olandese nei Paesi Bassi, che rivela oltre trent'anni della sua poliedrica carriera e riunisce fotografia, collage, pittura e video.

L'artista contemporanea olandese Viviane Sassen si è rapidamente fatta conoscere in tutto il mondo, sia nell'industria della moda che nel mondo della fotografia. La sua distintiva ed eclettica opera visiva riempie quasi l'intero edificio del Foam. Questa mostra fa luce sul processo creativo di Sassen concentrandosi su due temi principali: l'incessante ricerca di nuove forme fotografiche e l'importanza dell'intimità nel suo lavoro.

L'opera di Sassen esplora sia la profondità delle emozioni umane sia i confini dell'espressione artistica. La morte, la sessualità, il desiderio e la connessione con gli altri sono tutti motivi che strutturano il suo lavoro. Rinomata per l'uso sapiente di colori saturi, la padronanza della luce e dell'ombra e le rappresentazioni distintive del corpo umano, l'opera di Sassen è una testimonianza del suo linguaggio artistico. Per Sassen la fotografia è un mezzo magico. Per lei la fotografia è come uno specchio che riflette ciò che è già dentro di noi, e allo stesso modo un portale verso un altro universo dalle infinite possibilità.

The exhibition PHOSPHOR: Art & Fashion comprises more than 200 works of the Dutch fashion photographer and artist Viviane Sassen. It is the first large-scale retrospective of the Dutch fashion photographer in the Netherlands, revealing over thirty years of her multifaceted career and bringing together photography, collage, painting and video.

The Dutch contemporary artist Viviane Sassen rapidly gained worldwide recognition, both in the fashion industry and in the photography world. Her distinctive and eclectic visual oeuvre fills almost the entire building of Foam. This exhibition sheds light on Sassen’s creative process by focusing on two main themes: the incessant search for new photographic forms and the importance of intimacy in her work.

Sassen's oeuvre explores both the depths of human emotion and the boundaries of artistic expression. Death, sexuality, desire and connection with others are all motifs that structure her work. Renowned for her adept use of saturated colours, mastery of light and shadow, and distinctive depictions of the human body, Sassen's work is a testament to her artistic language. For Sassen, photography is a magical medium. For her, photography is like a mirror that reflects what is already inside us, and likewise a portal to another universe with infinite possibilities.

(Text: Foam, Amsterdam)

Reiss-Engelhorn-Museen | Mannheim
22. September 2024 – 27. April 2025

SACHLICH NEU - Fotografien von August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser

2025 jährt sich die legendäre Mannheimer Ausstellung „Die Neue Sachlichkeit“ zum 100. Mal. Aus diesem Anlass präsentieren die Reiss-Engelhorn-Museen mit dem Forum Internationale Photographie die Sonderausstellung „SACHLICH NEU. Fotografien von August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser“.

Als wichtigste Fotografen der Neuen Sachlichkeit gelten August Sander (1876 – 1964) und Albert Renger-Patzsch (1897 – 1966). Erstmalig bringt die Schau ihre Inkunabeln der 1920er- und 30er Jahre in einen spannenden Dialog mit Foto-Ikonen des renommierten Fotografen Robert Häusser (1924 – 2013).

Häussers Arbeiten im Stile des „Magischen Realismus“ und der „Subjektiven Fotografie“ treten dabei in eine faszinierende Korrespondenzen mit den neusachlichen Meisterwerken. Der Fokus der Ausstellung liegt auf den Themen „Porträt und Menschendarstellungen“, „Industrie und Menschen bei der Arbeit“ sowie „Landschaftsräume“. Die ausgewählten Arbeiten reflektieren die Umbruchszeit zwischen Fortschrittsglauben und -skepsis nach den beiden Weltkriegen, die Zäsur und den Neuanfang sowie die Brüchigkeit unseres Seins in seiner Schönheit und Abgründigkeit.

„SACHLICH NEU“ ist ein Beitrag zum Jubiläumsjahr „Neue Sachlichkeit“ und flankiert eine große Sonderausstellung in der Kunsthalle Mannheim. Zugleich feiern die Reiss-Engelhorn-Museen den 100. Geburtstag von Robert Häusser.

2025 marquera le 100e anniversaire de la légendaire exposition de Mannheim « Die Neue Sachlichkeit ». A cette occasion, les musées Reiss-Engelhorn et le Forum Internationale Photographie présentent l'exposition temporaire « SACHLICH NEU. Photographies d'August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser ».

August Sander (1876 - 1964) et Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) sont considérés comme les photographes les plus importants de la Nouvelle Objectivité. Pour la première fois, l'exposition met en scène leurs incunables des années 1920 et 1930 dans un dialogue passionnant avec des icônes photographiques du célèbre photographe Robert Häusser (1924 - 2013).

Les travaux de Häusser dans le style du « réalisme magique » et de la « photographie subjective » entrent ainsi en correspondance fascinante avec les chefs-d'œuvre néo-scientifiques. L'exposition se concentre sur les thèmes « Portraits et représentations humaines », « Industrie et personnes au travail » ainsi que « Paysages ». Les œuvres sélectionnées reflètent la période de transition entre la foi et le scepticisme dans le progrès après les deux guerres mondiales, la césure et le nouveau départ ainsi que la fragilité de notre être dans sa beauté et son abîme.

« SACHLICH NEU » est une contribution à l'année anniversaire de la “Neue Sachlichkeit” et accompagne une grande exposition spéciale à la Kunsthalle de Mannheim. Parallèlement, les musées Reiss-Engelhorn fêtent le centenaire de la naissance de Robert Häusser.

Nel 2025 ricorre il centesimo anniversario della leggendaria mostra di Mannheim “La nuova oggettività”. Per l'occasione, il Reiss-Engelhorn-Museen e il Forum Internationale Photographie presentano la mostra speciale “SACHLICH NEU. Fotografie di August Sander, Albert Renger-Patzsch e Robert Häusser”.

August Sander (1876 - 1964) e Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) sono considerati i più importanti fotografi del movimento della Nuova Oggettività. Per la prima volta, la mostra mette in dialogo i loro incunaboli degli anni Venti e Trenta con le icone fotografiche del celebre fotografo Robert Häusser (1924-2013).

Le opere di Häusser nello stile del “Realismo magico” e della “Fotografia soggettiva” entrano in un dialogo affascinante con i capolavori della Nuova Oggettività. La mostra si concentra sui temi “Ritratti e rappresentazioni di persone”, “Industria e persone al lavoro” e “Paesaggi”. Le opere selezionate riflettono il periodo di sconvolgimento tra la fede nel progresso e lo scetticismo dopo le due guerre mondiali, la cesura e il nuovo inizio, nonché la fragilità della nostra esistenza nella sua bellezza e nella sua natura abissale.

“SACHLICH NEU” è un contributo all'anniversario della ‘Nuova Oggettività’ e accompagna una grande mostra speciale alla Kunsthalle di Mannheim. Contemporaneamente, i Reiss-Engelhorn-Museen celebrano il centesimo compleanno di Robert Häusser.

2025 is the year of the 100th anniversary of the legendary Mannheim exhibition "New Objectivity". To mark the occasion, the Reiss-Engelhorn Museums and the Forum Internationale Photographie are presenting the special exhibition "SACHLICH NEU. Photographs by August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser".

August Sander (1876 - 1964) and Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) are considered the most important photographers of the German New Objectivity movement. For the first time, the exhibition juxtaposes their incunabula of the 1920s and 30s with photographic icons by renowned photographer Robert Häusser (1924 - 2013) opening up unexpected and enriching perspectives.

Häusser's post-war works in the style of "Magical Realism" and "Subjective Photography" enter into a fascinating dialogue with the New Objectivity masterpieces. The exhibition focuses on the themes "Portraits and representations of people", "Industrial context and people at work" and "Landscapes". The selected works by Häusser reflect the period of upheaval between belief in progress and skepticism after two world wars, the rupture and the new beginning as well as the fragility of our existence in its beauty and abysmal nature.

"SACHLICH NEU" is a photographic contribution to the "New Objectivity" anniversary year and accompanies a major special exhibition at the Kunsthalle Mannheim. Both coincide with the Reiss-Engelhorn-Museen celebrating the 100th birthday of Robert Häusser.

(Text: Reiss-Engelhorn-Museen, Mannheim)

ESPACE MVG | Paris
27. September 2024 – 1. März 2025

OUR TOWN
Michael von Graffenried

Seit fast 20 Jahren fängt Michael von Graffenried den Alltag in der amerikanischen Kleinstadt New Bern in North Carolina ein. Die daraus entstandene Serie OUR TOWN stellt die Menschen der Stadt in den Mittelpunkt und zeigt ihr Leben, ihre Kultur, ihre Erfolge und Schwierigkeiten. Die Fotografien sind direkt und schonungslos und offenbaren die kulturellen und wirtschaftlichen Unterschiede der Gemeinde. OUR TOWN zeigt eine polarisierende Realität, die nicht immer von allen Bewohnern der Stadt begrüsst wird. Die Bilder zeigen Ausschnitte der Kleinstadt mit den Augen eines Aussenstehenden und hinterfragen ihre soziale Dynamik.

Graffenried begann 2005, die von seinem Vorfahren Christoph von Graffenried 1710 gegründete Stadt zu fotografieren. Die Fotografien, die 2006 erstmals in New Bern gezeigt wurden, fanden jedoch keine Begeisterung bei den Bewohnerinnen. Die Aufnahmen würden ihre Stadt nicht richtig präsentieren und nicht alle Facetten kämen zum Vorschein, lautete die Kritik. Von Graffenried verfolgte das Projekt gleichwohl weiter. Vor einem Jahr unternahm er einen zweiten Ausstellungsversuch in New Bern. Im Herbst 2023 wurde «Our Town» mit gleich zwei Ausstellungen gezeigt: eine Auswahl an Arbeiten war in einer Galerie zu sehen und weitere konnten in einer Freilichtausstellung betrachtet werden. Wie bereits bei ihrer ersten Präsentation stiessen die Fotografien auf Kritik und wurden in der lokalen wie auch internationalen Presse diskutiert. Doch weshalb polarisieren die Aufnahmen in New Bern so stark? Sind die Fotografien von Michael von Graffenried zu plakativ, zu direkt, zu schonungslos? Sie zeigen die Realität, welche nicht gerne gesehen und ausgeblendet wird. Es handelt sich um Momentaufnahmen, die einzelne Situationen zeigen und dadurch zweifellos lückenhaft sind. Die Betrachtenden projizieren in diese Leerstellen eigene Erfahrungen und Ängste mit hinein, wodurch die Wirkung und Interpretation der Fotografien beeinflusst werden. «Our Town» bietet die Basis für einen interkulturellen Auseinandersetzung, ob innerhalb von New Bern oder über die Stadtgrenzen hinaus: Wo würden wir uns positionierten, wenn unser Alltag kritisch porträtiert wird? Wie wird unsere Gemeinde von Aussenstehenden gesehen? Was versuchen wir nicht wahrzunehmen?

Neben den Fotografien aus der Serie OUR TOWN zeigt die Ausstellung auch einen Sektor, der Robert Frank (1924-2019) gewidmet ist. Michael von Graffenried lernte Robert Frank 1996 in Paris kennen. Während fast zwanzig Jahren besuchte Michael von Graffenried Robert Frank regelmässig in New York und begleitete ihn bei seinen Besuchen in der Schweiz. Im Jahr 2014 fotografierten Robert Frank und Michael von Graffenried gemeinsam die Strassen von Brooklyn und Zürich. Das Ergebnis ist eine Serie von Polaroid-Fotografien, die neben einer Auswahl alter Fotografien von Robert Frank zu sehen ist.

OUR TOWN wurde von Alessa Widmer kuratiert.

Depuis près de 20 ans, Michael von Graffenried capture le quotidien de la petite ville américaine de New Bern en Caroline du Nord. La série OUR TOWN qui en résulte transmet les habitants de la ville au centre de l'attention et montre leur vie, leur culture, leurs succès et leurs difficultés. Les photographies sont directes et impitoyables et révèlent les différences culturelles et économiques de la communauté. OUR TOWN montre une réalité polarisante qui n'est pas toujours bien accueillie par tous les habitants de la ville. Les visuels montrent des fragments de la petite ville avec les yeux d'une personne extérieure et interrogent sa dynamique sociale.

Graffenried a commencé en 2005 à photographier la ville fondée par son ancêtre Christoph von Graffenried en 1710. Les photographies, présentées pour la première fois en 2006 à New Bern, n'ont toutefois pas suscité l'enthousiasme des habitantes. Les prises de vue ne présenteraient pas correctement leur ville et toutes les facettes n'apparaîtraient pas, selon les critiques. Von Graffenried a néanmoins poursuivi le projet. Il y a un an, il a tenté une deuxième exposition à New Bern. En automne 2023, « Our Town » a fait l'objet de deux expositions : une sélection d'œuvres a été présentée dans une galerie et d'autres ont pu être admirées dans une exposition en plein air. Comme lors de leur première présentation, les photographies ont suscité des critiques et ont été discutées dans la presse locale et internationale. Mais pourquoi les photos de New Bern sont-elles si polarisées ? Les photographies de Michael von Graffenried sont-elles trop frappantes, trop directes, trop impitoyables ? Vous montrez une réalité que l'on n'aime pas voir et que l'on occulte. Il s'agit d'instantanés qui montrent des situations isolées et qui sont donc sans aucun doute lacunaires. Les observateurs projettent dans ces espaces vides leurs propres expériences et peurs, ce qui influence l'effet et l'interprétation des photographies. « Our Town » offre la base d'un débat interculturel, que ce soit au sein de New Bern ou au-delà des frontières de la ville : où nous positionnerions-nous si notre quotidien était dépeint de manière critique ? Comment notre commune est-elle perçue par les personnes extérieures ? Qu'essayons-nous de ne pas percevoir ?

Outre les photographies de la série OUR TOWN, l'exposition présente également un secteur consacré à Robert Frank (1924-2019). Michael von Graffenried a fait la connaissance de Robert Frank à Paris en 1996. Pendant près de vingt ans, Michael von Graffenried a régulièrement rendu visite à Robert Frank à New York et l'a accompagné lors de ses visites en Suisse. En 2014, Robert Frank et Michael von Graffenried ont photographié ensemble les rues de Brooklyn et de Zurich. Le résultat est une série de polaroïds que l'on peut voir à côté d'une sélection d'anciennes photographies de Robert Frank.

OUR TOWN a été organisée par Alessa Widmer.

Per quasi 20 anni, Michael von Graffenried ha immortalato la vita quotidiana della piccola città americana di New Bern, nella Carolina del Nord. La serie che ne è scaturita, OUR TOWN, si concentra sugli abitanti della città e mostra le loro vite, la loro cultura, i loro successi e le loro difficoltà. Le fotografie sono dirette e senza peli sulla lingua e rivelano le differenze culturali ed economiche della comunità. OUR TOWN mostra una realtà polarizzante che non sempre viene accolta con favore da tutti gli abitanti della città. Le immagini mostrano sezioni della piccola città attraverso gli occhi di un estraneo e ne esaminano le dinamiche sociali.

Graffenried ha iniziato a fotografare la città fondata dal suo antenato Christoph von Graffenried nel 1710 nel 2005. Tuttavia, le fotografie, esposte per la prima volta a New Bern nel 2006, non sono state accolte con entusiasmo dai residenti. Sono state criticate per non aver presentato correttamente la città e per non averne mostrato tutte le sfaccettature. Ciononostante, von Graffenried ha continuato a portare avanti il progetto. Un anno fa ha tentato una seconda mostra a New Bern. Nell'autunno del 2023, “Our Town” è stata presentata in due mostre: una selezione di opere è stata esposta in una galleria e altre potevano essere viste in una mostra all'aperto. Come per la prima presentazione, le fotografie hanno suscitato critiche e sono state discusse dalla stampa locale e internazionale. Ma perché le fotografie di New Bern sono così polarizzate? Le fotografie di Michael von Graffenried sono troppo audaci, troppo dirette, troppo crude? Mostrano una realtà che la gente non ama vedere e che tende a ignorare. Sono istantanee che mostrano situazioni individuali e sono quindi indubbiamente incomplete. Gli spettatori proiettano in queste lacune le proprie esperienze e paure, influenzando l'effetto e l'interpretazione delle fotografie. “Our Town” fornisce la base per un dialogo interculturale, sia all'interno di New Bern che al di fuori dei confini della città: dove ci collocheremmo se la nostra vita quotidiana fosse ritratta in modo critico? Come viene vista la nostra comunità dagli esterni? Cosa cerchiamo di non riconoscere?

Oltre alle fotografie della serie OUR TOWN, la mostra presenta anche una sezione dedicata a Robert Frank (1924-2019). Michael von Graffenried ha incontrato Robert Frank a Parigi nel 1996. Per quasi vent'anni, Michael von Graffenried ha visitato regolarmente Robert Frank a New York e lo ha accompagnato nelle sue visite in Svizzera. Nel 2014, Robert Frank e Michael von Graffenried hanno fotografato insieme le strade di Brooklyn e Zurigo. Il risultato è una serie di fotografie Polaroid che possono essere ammirate insieme a una selezione di vecchie fotografie di Robert Frank.

OUR TOWN è stata curata da Alessa Widmer.

For almost 20 years, photographer Michael von Graffenried (*1957) has been capturing the every-day life in the small US town of New Bern in North Carolina. The series "Our Town" focuses on the people of the town and shows their lives, their culture, their successes and difficulties. The photographs are direct and blunt, revealing the ethnic and economic differences of the community. "Our Town” presents a reality that polarizes and is not welcomed by all of the city's residents.

The whole world is currently watching the USA. Every day, the news is dominated by headlines about the American presidential campaign. The lively coverage of the Republican and Democrats is revealing the significant split within the country. The American reality is being scrutinized without embellishment and the USA has long ceased to be seen as the "Land of Dreams and Opportunity" from a political and social perspective. This impression is shared by the photographs of "Our Town." The photographs show the perception of the small town through the eyes of an outsider and question its social dynamics.

In 2005, Michael von Graffenried photographing the city founded by his ancestor Christoph von Graffenried in 1710. However, the photographs were not met with enthusiasm by the visitors, when they were first shown in New Bern in 2006. Critics argued that the photographs did not present their city properly and that not all its facets were revealed. Nevertheless, von Graffenried continued to pursue the project. A year ago, he made a second attempt at an exhibition in New Bern. In the fall of 2023, "Our Town" was displayed in two exhibitions: a selection of works was shown in a gallery and others could be viewed in an open-air exhibition. As with their first presentation, the photographs were met with criticism and were discussed in the local and international press. But why do the photos in New Bern polarize so strongly? Are Michael von Graffenried's photographs too striking, too direct, too unsparing? They portray a reality that people don't like to see and which they tend to ignore. They are snapshots that show individual situations and are therefore undoubtedly incomplete. Viewers project their own experiences and fears into these blank spaces, which influence the effect and interpretation of the photographs. "Our Town" provides the basis for an intercultural debate, whether within New Bern or beyond the city limits: where would we position ourselves if our everyday lives were critically portrayed? How is our community seen by outsiders? What do we try not to perceive?

In addition to the series "OUR TOWN", the exhibition consists of two other sectors: A selection of Photographsof Washington DC during the inauguration of President Donald Trump in 2017, the Women's March on Washington with Kamala Harris in 2017 and the day of the presidential election in November 2020, as well as original photographs by ROBERT FRANK (1924–2019), a friend of Graffenried.

The exhibition is curated by Alessa Widmer and is accompanied by the book "Our Town" published by Steidl, Göttingen, 2021.

Palazzo Roverella | Rovigo
28. September 2024 – 26. Januar 2025

Henri Cartier-Bresson e l’Italia

Die von der Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo mit der Gemeinde Rovigo und der Accademia dei Concordi, Concordi, mit Unterstützung von Intesa Sanpaolo geförderte Ausstellung wird in Zusammenarbeit mit der Fondation Henri Cartier-Bresson in Paris und der Fondazione CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia in Turin unter der Leitung von Clément Chéroux und Walter Guadagnini, den Direktoren der jeweiligen Stiftungen, realisiert.

Zum ersten Mal wird die Beziehung zwischen dem Mann, der als „das Auge des Jahrhunderts“ bezeichnet wurde, und Italien umfassend und detailliert dokumentiert. Anhand von rund 200 Fotografien und zahlreichen Dokumenten - Zeitungen, Zeitschriften, Bände, Briefe - zeichnet die Ausstellung die Etappen einer Beziehung nach, die schon in den 1930er Jahren begann und bis zu dem Zeitpunkt andauerte, als Cartier-Bresson in den 1970er Jahren die Fotografie aufgab.

Die Ausstellung ist chronologisch aufgebaut und beginnt mit der ersten Italienreise des jungen Cartier-Bresson (Jahrgang 1908), der gerade die Malerei zugunsten der Fotografie aufgegeben hatte, in Begleitung seines Freundes André Pieyre de Mandiargues, eines jungen Dichters und Schriftstellers, und seiner Begleiterin, der Malerin Leonor Fini, Anfang der 1930er Jahre. Auf dieser Vergnügungsreise machte der Fotograf einige seiner berühmtesten Bilder, die alle in der Eröffnungssektion der Ausstellung zu sehen sind.

Die zweite Reise, die nicht weniger bedeutsam ist, findet Anfang der 1950er Jahre statt und betrifft die Abruzzen und Lukanien, damals kulturell, soziologisch und auch fotografisch hochinteressante Gebiete, Sinnbilder jenes Südens, in dem sich Tradition und Moderne, Armut und sozialer Wandel gegenüberstanden. Eine zentrale Figur in der Konstruktion des Bildes des Südens und insbesondere dieser Regionen ist der Schriftsteller und Maler Carlo Levi, ein grundlegender Bezugspunkt für die vielen italienischen und ausländischen Fotografen, die zwischen Matera und den Städten der Region pendelten, darunter Scanno bei L'Aquila, das dank der Aufnahmen von Cartier-Bresson und später Giacomelli berühmt wurde. Besonders interessant, auch aus historischer Sicht, sind die Bilder von der Landverteilung, einem entscheidenden Moment in der jüngsten Geschichte des Landes.

Cartier-Bresson, der inzwischen zu einer lebenden Legende der Fotografie geworden war, kehrte zwischen den 1950er und 1960er Jahren mehrmals nach Italien zurück und produzierte Reportagen für die großen illustrierten Zeitschriften jener Zeit, darunter „Holiday“ und „Harper's Bazaar“, die sich vor allem Rom, Neapel und Venedig widmeten, den großen Städten, die das Interesse ausländischer Leser weckten, sowie Ischia und Sardinien, Stationen, die es dem Fotografen ermöglichten, seinen Blick auf die Sitten und Gebräuche des Landes und seiner Bewohner zu richten. Vor allem die verschiedenen Aufnahmen aus Rom geben das Klima jener Jahre und die Besonderheit eines Landes wieder, das noch nicht an die vorherrschende Kultur aus Übersee angepasst war. Einige dieser Bilder fließen nicht zufällig in eines der bekanntesten Bücher des Fotografen ein, „Les Européens“ (1955), in dem er das neue Europa in seiner vollen Entwicklung nach der Tragödie des Zweiten Weltkriegs beschreibt.

Die Ausstellung hat ihre letzten Entwicklungen und ihren Abschluss mit den Bildern der frühen 1970er Jahre, die noch Matera gewidmet sind, eine echte Rückkehr zu den zwanzig Jahre zuvor besuchten Orten, in denen es leicht ist, Kontinuität und Diskontinuität der Zeit, das Vordringen der Moderne und das Fortbestehen lokaler Identitäten zu lesen, und mit jenen, die der Welt der industriellen Arbeit gewidmet sind, zwischen Olivetti und Alfa Romeo, die stattdessen den Fokus speziell auf die neuen Lebensformen der Zeit verschieben.

Die Ausstellung besteht aus alten Werken der Fondation Cartier-Bresson und wird von erläuternden Texten in jedem Saal und einem von Dario Cimorelli Editore herausgegebenen Katalog begleitet, der alle ausgestellten Werke sowie die Essays der beiden Kuratoren und von Carmela Biscaglia enthält, wobei letzterer den Ereignissen und Persönlichkeiten gewidmet ist, die Cartier-Bressons Beziehung zur Basilikata einzigartig machten.

Ausstellung kuratiert von Clément Chéroux und Walter Guadagnini

L'exposition, promue par la Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo avec la Municipalité de Rovigo et l'Accademia dei Concordi, Concordi, avec le soutien d'Intesa Sanpaolo, est réalisée en collaboration avec la Fondation Henri Cartier-Bresson à Paris et la Fondazione CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia à Turin, sous le commissariat de Clément Chéroux et Walter Guadagnini, directeurs des Fondations respectives.

Pour la première fois, la relation entre celui qui a été défini comme « l'œil du siècle » et l'Italie est documentée de manière exhaustive et approfondie. À travers environ 200 photographies et de nombreux documents - journaux, revues, volumes, lettres - l'exposition retrace les étapes d'une relation qui a commencé très tôt, dès les années 1930, et qui s'est poursuivie jusqu'au moment où Cartier-Bresson a abandonné la photographie dans les années 1970.

Organisée de manière chronologique, l'exposition commence par le premier voyage en Italie, au début des années 1930, du tout jeune Cartier-Bresson (né en 1908), qui vient d'abandonner définitivement la peinture pour la photographie, en compagnie de son ami André Pieyre de Mandiargues, jeune poète et écrivain, et de sa compagne, la peintre Leonor Fini. De ce voyage d'agrément, le photographe a tiré quelques-unes de ses images les plus célèbres, toutes visibles dans la section d'ouverture de l'exposition.

Le second voyage, non moins important, se déroule au début des années 1950 et concerne les Abruzzes et la Lucanie, terres alors d'un grand intérêt culturel, sociologique et même photographique, emblèmes de ce Sud où se confrontent tradition et modernité, pauvreté et mutations sociales. Une figure centrale dans la construction de l'image du Sud et en particulier de ces régions est l'écrivain et peintre Carlo Levi, point de référence fondamental pour les nombreux photographes, italiens et étrangers, qui se déplaçaient entre Matera et les villes de la région, dont Scanno près de L'Aquila, devenue célèbre grâce aux clichés de Cartier-Bresson et, plus tard, de Giacomelli. Les images de la distribution des terres, moment crucial de l'histoire récente du pays, sont particulièrement intéressantes, y compris d'un point de vue historique.

Devenu une légende vivante de la photographie, Cartier-Bresson retourne à plusieurs reprises en Italie entre les années 1950 et 1960, réalisant des reportages pour les grands magazines illustrés de l'époque, dont « Holiday » et « Harper's Bazaar », consacrés surtout à Rome, Naples et Venise, les grandes villes qui suscitent l'intérêt des lecteurs étrangers, et à Ischia et la Sardaigne, des étapes qui permettent au photographe d'exercer son regard sur les coutumes et les habitudes du pays et de ses habitants. En particulier, les différents clichés pris à Rome restituent pleinement le climat de ces années-là et la spécificité d'un pays non encore homologué à la culture dominante d'outre-mer. Certaines de ces images se retrouvent, non par hasard, dans l'un des livres les plus connus du photographe, « Les Européens » (1955), dans lequel il raconte la nouvelle Europe en plein développement après la tragédie de la Seconde Guerre mondiale.

L'exposition connaît ses derniers développements et sa clôture avec les images du début des années 1970 encore consacrées à Matera, véritable retour aux lieux fréquentés vingt ans plus tôt, dans lesquelles il est facile de lire la continuité et la discontinuité du temps, l'avancée de la modernité et la persistance des identités locales, et avec celles consacrées au monde du travail industriel, entre Olivetti et Alfa Romeo, qui, au contraire, mettent spécifiquement l'accent sur les nouveaux modes de vie de l'époque.

L'exposition est composée d'œuvres anciennes de la Fondation Cartier-Bresson et est accompagnée de textes explicatifs dans chaque salle et d'un catalogue, publié par Dario Cimorelli Editore, qui comprend toutes les œuvres exposées, les essais des deux commissaires et de Carmela Biscaglia, ce dernier étant consacré aux événements et aux personnalités qui ont rendu unique la relation de Cartier-Bresson avec la Basilicate.

Exposition organisée par Clément Chéroux et Walter Guadagnini.

La mostra, promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo con il Comune di Rovigo e l’Accademia dei Concordi, Concordi, con il sostegno di Intesa Sanpaolo, è realizzata in collaborazione con la Fondation Henri Cartier-Bresson di Parigi e la Fondazione CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia di Torino, con la curatela di Clément Chéroux, e Walter Guadagnini, direttori delle rispettive Fondazioni.

Per la prima volta viene documentato in maniera esaustiva e approfondita il rapporto tra colui che è stato definito “l’occhio del secolo” e l’Italia. Attraverso circa 200 fotografie e numerosi documenti – giornali, riviste, volumi, lettere -, la mostra ripercorre le tappe di un rapporto iniziato prestissimo, già negli anni Trenta, e proseguito sino al momento in cui Cartier-Bresson ha abbandonato la fotografia, negli anni Settanta.

Scandita cronologicamente, la mostra inizia con il primo viaggio italiano avvenuto all’inizio degli anni Trenta da un giovanissimo Cartier-Bresson (nato nel 1908), che aveva appena abbandonato definitivamente la pittura per la fotografia, in compagnia dell’amico André Pieyre de Mandiargues, giovane poeta e scrittore, e della sua compagna, la pittrice Leonor Fini. Da questo viaggio di piacere, il fotografo scatta alcune delle sue immagini più famose, tutte presenti nella sezione di apertura della mostra.

Il secondo viaggio, non meno significativo, avviene all’inizio degli anni Cinquanta e tocca l’Abruzzo e la Lucania, allora terre di grande interesse culturale, sociologico e per l’appunto fotografico, emblema di quel Sud in cui si affrontavano tradizione e modernità, povertà e cambiamenti sociali. Figura centrale nella costruzione dell’immagine del Sud e in particolare di queste regioni è lo scrittore e pittore Carlo Levi, riferimento fondamentale per i tanti fotografi, italiani e stranieri, che si muovono tra Matera e i paesi del territorio, tra cui Scanno nei pressi di L’Aquila, divenuta celebre proprio grazie agli scatti di Cartier-Bresson e più tardi di Giacomelli. Particolarmente interessanti, anche dal punto di vista storico, sono le immagini della distribuzione delle terre, un momento cruciale nella storia recente del Paese.

Divenuto ormai una leggenda vivente della fotografia, Cartier-Bresson ritorna a più riprese in Italia tra gli anni Cinquanta e Sessanta realizzando servizi per le grandi riviste illustrate dell’epoca, tra cui “Holiday” e “Harper’s Bazaar”, dedicati soprattutto a Roma, Napoli, Venezia, le grandi città che suscitano l’interesse dei lettori stranieri, e a Ischia e alla Sardegna, tappe che permettono al fotografo di esercitare il suo sguardo sugli usi e i costumi del paese e dei suoi abitanti. In particolare, i diversi scatti realizzati a Roma restituiscono appieno il clima di quegli anni e la specificità di un paese non ancora omologato alla dominante cultura proveniente da oltreoceano. Alcune di queste immagini confluiscono non a caso in uno dei libri più noti del fotografo, “Les Européens” (1955), nel quale si racconta la nuova Europa che è ormai in pieno sviluppo dopo la tragedia della Seconda Guerra Mondiale.

La mostra ha i suoi ultimi sviluppi e la sua chiusura con le immagini dei primi anni Settanta dedicate ancora a Matera, un vero e proprio ritorno sui luoghi frequentati vent’anni prima, in cui è facile leggere continuità e discontinuità del tempo, l’avanzare della modernità e la persistenza delle identità locali, e con quelle dedicate al mondo del lavoro industriale, tra Olivetti e Alfa Romeo, che spostano invece l’attenzione specificamente sulle nuove modalità di vita del periodo.

La mostra è composta di opere vintage provenienti dalla Fondation Cartier-Bresson, ed è accompagnata da testi esplicativi in ogni sala e da un catalogo, edito da Dario Cimorelli Editore, che riporta tutte le opere esposte, i saggi dei due curatori e di Carmela Biscaglia, quest’ultimo dedicato alle vicende e ai personaggi che hanno reso unico il rapporto di Cartier-Bresson con la Basilicata.

Mostra a cura di Clément Chéroux e Walter Guadagnini

The exhibition, promoted by the Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo with the Municipality of Rovigo and the Accademia dei Concordi, Concordi, with the support of Intesa Sanpaolo, is organized in collaboration with the Fondation Henri Cartier-Bresson in Paris and the Fondazione CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia in Turin, with the curatorship of Clément Chéroux, and Walter Guadagnini, directors of the respective Foundations.

For the first time, the relationship between the man who has been called “the eye of the century” and Italy is documented in a comprehensive and in-depth manner. Through about 200 photographs and numerous documents-newspapers, magazines, volumes, letters-the exhibition traces the stages of a relationship that began very early, as early as the 1930s, and continued until the moment Cartier-Bresson abandoned photography in the 1970s.

Scanned chronologically, the exhibition begins with the first Italian trip that took place in the early 1930s by a very young Cartier-Bresson (born in 1908), who had just definitively abandoned painting for photography, in the company of his friend André Pieyre de Mandiargues, a young poet and writer, and his companion, the painter Leonor Fini. From this pleasure trip, the photographer took some of his most famous images, all of which are featured in the opening section of the exhibition.

The second trip, no less significant, takes place in the early 1950s and touches on Abruzzo and Lucania, then lands of great cultural, sociological and, indeed, photographic interest, emblems of that South where tradition and modernity, poverty and social change were confronted. A central figure in the construction of the image of the South and in particular of these regions was the writer and painter Carlo Levi, a fundamental reference for the many photographers, both Italian and foreign, who moved between Matera and the towns in the area, including Scanno near L'Aquila, which became famous precisely thanks to the shots of Cartier-Bresson and later Giacomelli. Particularly interesting, also from a historical point of view, are the images of land distribution, a crucial moment in the country's recent history.

Having now become a living legend of photography, Cartier-Bresson returned to Italy on several occasions between the 1950s and 1960s, producing reports for the great illustrated magazines of the time, including “Holiday” and “Harper's Bazaar,” dedicated mainly to Rome, Naples, Venice, the great cities that arouse the interest of foreign readers, and to Ischia and Sardinia, stops that allowed the photographer to exercise his gaze on the customs and habits of the country and its inhabitants. In particular, the various shots taken in Rome fully restore the climate of those years and the specificity of a country not yet homologated to the dominant culture coming from overseas. Some of these images flow, not surprisingly, into one of the photographer's best-known books, “Les Européens” (1955), in which he recounts the new Europe that is now in full swing after the tragedy of World War II.

The exhibition has its last developments and its closing with the images from the early 1970s still dedicated to Matera, a real return to the places frequented twenty years earlier, in which it is easy to read continuity and discontinuity of time, the advance of modernity and the persistence of local identities, and with those dedicated to the world of industrial work, between Olivetti and Alfa Romeo, which instead shift the focus specifically to the new ways of life of the period.

The exhibition is composed of vintage works from the Fondation Cartier-Bresson, and is accompanied by explanatory texts in each room and a catalog, published by Dario Cimorelli Editore, which includes all the works on display, essays by the two curators and by Carmela Biscaglia, the latter dedicated to the events and characters that made Cartier-Bresson's relationship with Basilicata unique.

Exhibition curated by Clément Chéroux and Walter Guadagnini

(Text: Palazzo Roverella, Rovigo)

FOMU - Fotomuseum Antwerpen
28. September 2024 – 2. Februar 2025

Anti-Fashion
Cindy Sherman

Das FOMU präsentiert die erste große Einzelausstellung der amerikanischen Künstlerin Cindy Sherman in Belgien. Mit über 100 Werken aus der Zeit von den 1970er Jahren bis heute zeichnet die Ausstellung die Arbeit dieser führenden zeitgenössischen Künstlerin nach.

Anti-Fashion
Auf mehreren Etagen zeigt die Ausstellung Anti-Fashion Werke aus fünf Jahrzehnten, die Cindy Shermans Faszination für die Mode sowie die Wechselwirkungen zwischen ihrer freien Arbeit und den Aufträgen der Modeindustrie veranschaulichen. Seit den 1980er Jahren arbeitet sie regelmäßig mit renommierten Modemarken wie Comme des Garçons, John Galliano und Balenciaga sowie mit Magazinen wie Vogue, Interview und Harper's Bazaar zusammen. Weit entfernt von glamourösen Modefotos macht sie provokante Aufnahmen von Personen, die man kaum als schön bezeichnen kann, und stellt damit den etablierten Schönheitskanon in Frage.

Cindy Sherman - Anti-Fashion ist eine Produktion der Staatsgalerie Stuttgart in Zusammenarbeit mit Cindy Shermans Studio in New York und ihrer Galerie Hauser & Wirth.

Le FOMU présente la première grande exposition solo en Belgique de l’artiste américaine Cindy Sherman. Avec plus de 100 œuvres couvrant la période des années 1970 à aujourd’hui, l’exposition retrace le travail de cette artiste contemporaine de premier plan.

Anti-Fashion
Sur plusieurs étages, l’exposition Anti-Fashion présente des œuvres s’étalant sur cinq décennies qui illustrent la fascination de Cindy Sherman pour la mode ainsi que les interactions entre son travail libre et les commandes de l’industrie de la mode. Depuis les années 1980, elle collabore régulièrement avec des marques de mode réputées telles que Comme des Garçons, John Galliano et Balenciaga, ainsi qu’avec des magazines comme Vogue, Interview et Harper’s Bazaar. Loin des photos de mode glamour, elle réalise des clichés provocants de personnages qu’on peut difficilement qualifier de beaux, remettant ainsi en question les canons de beauté établis.

Cindy Sherman - Anti-Fashion est une réalisation de la Staatsgalerie Stuttgart en collaboration avec le studio de Cindy Sherman à New York et sa galerie Hauser & Wirth.

La FOMU presenta la prima grande mostra personale in Belgio dell'artista americana Cindy Sherman. Con oltre 100 opere che coprono un arco temporale che va dagli anni Settanta a oggi, la mostra ripercorre il lavoro di questa importante artista contemporanea.

Anti-moda
Distribuita su più piani, Anti-Fashion presenta opere che abbracciano cinque decenni e che illustrano il fascino di Cindy Sherman per la moda e l'interazione tra il suo lavoro libero e le commissioni dell'industria della moda. Dagli anni Ottanta, l'artista collabora regolarmente con noti marchi di moda come Comme des Garçons, John Galliano e Balenciaga, nonché con riviste come Vogue, Interview e Harper's Bazaar. Lontana dalla fotografia di moda glamour, l'artista realizza scatti provocatori di persone che difficilmente possono essere definite belle, sfidando i canoni di bellezza consolidati.

Cindy Sherman - Anti-Fashion è stata prodotta dalla Staatsgalerie di Stoccarda in collaborazione con lo studio di Cindy Sherman a New York e la galleria Hauser & Wirth.

FOMU presents Belgium’s first major solo of the American artist Cindy Sherman. Featuring more than 100 works from the 1970s to the present, the exhibition offers an exciting overview of this leading contemporary artist’s work.

Anti-Fashion
Spanning five decades of work divided over multiple floors, the exhibition Anti-Fashion dives deeper into Sherman’s fascination for fashion and the nexus between her independent work and commissions in the fashion industry. Since the 1980s she has worked regularly with leading fashion houses including Comme des Garçons, John Galliano and Balenciaga and fashion magazines such as Vogue, Interview and Harper’s Bazaar. With no interest in glamorous fashion shoots, she creates provocative photos featuring figures that could hardly be called beautiful, thus calling established ideals of beauty into question.

Cindy Sherman - Anti-Fashion is realised by the Staatsgalerie Stuttgart in cooperation with Cindy Sherman’s studio in New York and her gallery Hauser & Wirth.

FOMU presenteert de eerste grote solotentoonstelling van de Amerikaanse kunstenaar Cindy Sherman in België. Met meer dan 100 werken van de jaren 1970 tot nu geeft de tentoonstelling een uitgebreid overzicht van haar werk als toonaangevende hedendaagse kunstenaar.

Anti-Fashion
Met werk uit ruim vijf decennia, verdeeld over meerdere verdiepingen, gaat de tentoonstelling Anti-Fashion dieper in op Shermans fascinatie voor mode en de wisselwerking tussen haar vrije werk en opdrachten uit de modesector. Sinds de jaren tachtig werkt ze regelmatig samen met beroemde modehuizen als Comme des Garçons, John Galliano en Balenciaga en tijdschriften als Vogue, Interview en Harper’s Bazaar. Zonder belangstelling voor glamoureuze modefotografie, maakt ze provocerende foto’s van personages die nauwelijks mooi te noemen zijn. Zo stelt ze gevestigde schoonheidsidealen ter discussie.

Cindy Sherman - Anti-Fashion is gerealiseerd door de Staatsgalerie Stuttgart in samenwerking met Cindy Shermans studio in New York en haar galerij Hauser & Wirth.

(Text: FOMU – Fotomuseum Antwerpen)

Museum der Moderne | Salzburg
4. Oktober 2024 – 23. Februar 2025

Sophie Thun

Das fotografische Werk von Sophie Thun (geb. 1985 Frankfurt am Main, DE) gleicht einem Bilderstrom von Orten und Räumen, in denen die Künstlerin gearbeitet und ausgestellt hat. Dabei ist sie stets als Autorin ihrer analogen Fotografien im Bild präsent: Mal blickt sie mit dem Auslöser in der Hand selbstbewusst in die Kamera, mal wird sie durch ihre fotografischen Apparate repräsentiert. Ihren Körper benützt Thun dabei stets als Instrument, um etablierte Darstellungen von (weiblicher) Repräsentation zu hinterfragen. Durch Methoden wie Zerschneiden, Aufspalten und Multiplizieren stellt sie Identität prozesshaft und veränderlich dar. Ihre eindrucksvollen Rauminstallationen spielen mit unserer Wahrnehmung von Realität und Abbild. Die Ausstellung im Museum der Moderne Salzburg ist Thuns erste museale Einzelausstellung.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation.

Kuratorin: Marijana Schneider

L'œuvre photographique de Sophie Thun (née en 1985 à Francfort-sur-le-Main, DE) ressemble à un flux d'images de lieux et d'espaces dans lesquels l'artiste a travaillé et exposé. Elle est toujours présente dans l'image en tant qu'auteur de ses photographies analogiques : tantôt elle regarde l'appareil photo avec assurance, le déclencheur à la main, tantôt elle est représentée par ses appareils photographiques. Thun se sert toujours de son corps comme d'un instrument pour remettre en question les représentations établies de la représentation (féminine). Grâce à des méthodes telles que la découpe, le dédoublement et la multiplication, elle représente l'identité sous forme de processus et de changement. Ses installations spatiales impressionnantes jouent avec notre perception de la réalité et de la représentation. L'exposition au Museum der Moderne de Salzbourg est la première exposition individuelle de Thun dans un musée.

Une publication paraît à l'occasion de l'exposition.

Commissaire d'exposition : Marijana Schneider

Il lavoro fotografico di Sophie Thun (nata nel 1985 a Francoforte sul Meno, DE) assomiglia a un flusso di immagini di luoghi e spazi in cui l'artista ha lavorato ed esposto. L'artista è sempre presente nell'immagine come autrice delle sue fotografie analogiche: a volte guarda con fiducia nella macchina fotografica con il pulsante di scatto in mano, altre volte è rappresentata dalla sua attrezzatura fotografica. Thun usa sempre il suo corpo come strumento per mettere in discussione le rappresentazioni consolidate della rappresentazione (femminile). Utilizzando metodi come il taglio, la divisione e la moltiplicazione, ritrae l'identità in modo processuale e mutevole. Le sue imponenti installazioni spaziali giocano con la nostra percezione della realtà e della rappresentazione. La mostra al Museum der Moderne Salzburg è la prima personale di Thun in un museo.

Una pubblicazione accompagnerà la mostra.

Curatore: Marijana Schneider

The photographic work of Sophie Thun (b. 1985 Frankfurt am Main, DE) resembles a stream of images of places and spaces in which the artist has worked and exhibited. She is always present in the image as the author of her analog photographs: sometimes she looks confidently into the camera with the shutter release in her hand, sometimes she is represented by her photographic equipment. Thun always uses her body as an instrument to question established representations of (female) representation. Using methods such as cutting, splitting and multiplying, she presents identity in a processual and changeable way. Her impressive spatial installations play with our perception of reality and representation. The exhibition at the Museum der Moderne Salzburg is Thun's first solo museum exhibition.

A publication will accompany the exhibition.

Curator: Marijana Schneider

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
9. Oktober 2024 – 5. Januar 2025

The Inhabitants
Raymond Meeks

Der amerikanische Fotograf Raymond Meeks, Preisträger des Immersionsprogramms der Fondation d'entreprise Hermès, hielt sich im Jahr 2022 für längere Zeit in Frankreich auf. Er fotografierte im Süden an der Grenze zu Spanien und an der Küste des Nordens in Richtung Calais, zwei Geografien, die gemeinsam haben, dass sie Durchgangsstationen für Asylbewerber auf dem Weg nach England sind. Er entschied sich dafür, nicht die Gesichter derjenigen zu fotografieren, die ihre Heimat auf der Suche nach einer besseren Zukunft verlassen haben, sondern vielmehr die Orte und Spuren ihrer Wanderschaft. Da ist ein Schuh in der Erde, eine zusammengerollte Decke auf dem Boden, eine Jacke, die in den Zweigen hängt. Der Fotograf interessierte sich besonders für die unwirtlichen Räume, die die Migranten vorübergehend bewohnen: Gräben, Erdwälle, Seitenstreifen von Autobahnachsen, Flussufer, Brachland und andere Nicht-Orte. Selbst wenn sie nicht direkt sichtbar sind, sind Flüsse in diesen Bildern besonders präsent. Als ob der Fluss der Migration metaphorisch durch diese Wasserläufe repräsentiert wird. Aber es gibt auch viele Hindernisse - steinige Böschungen, Betonblöcke, ein Gewirr von Brombeeren oder Stacheldraht - von denen man sich vorstellen kann, dass sie im Vergleich zu den Hindernissen, die die Flüchtlinge täglich überwinden müssen, nicht viel sind. Als Zeugnis dieser anderen mörderischen Geschichte des 100-jährigen Krieges erscheinen in der Serie auch die Bürger von Calais, wie sie von Auguste Rodin geformt wurden.

Das Projekt wird von einem Text des amerikanischen Schriftstellers George Weld begleitet, der mit den Fotografien von Meeks einen ähnlichen, von Scham und Empathie geleiteten Ansatz teilt.

Kurator der Ausstellung: Clément Chéroux, Direktor, Fondation Henri Cartier-Bresson

Lauréat du programme Immersion de la Fondation d’entreprise Hermès, le photographe américain Raymond Meeks a longuement séjourné en France au cours de l’année 2022. Il a photographié dans le Sud, à la frontière avec l’Espagne et sur les côtes du Nord vers Calais, deux géographies qui ont en commun d’être des points de passages pour les demandeurs d’asile en route vers l’Angleterre. Il a choisi de ne pas photographier les visages de ceux qui sont partis de chez eux à la recherche d’un avenir meilleur, mais plutôt les lieux et les traces de leur itinérance. Il y a là une chaussure dans la terre, une couverture roulée au sol, une veste accrochée aux branchages. Le photographe s’est particulièrement intéressé aux espaces inhospitaliers que les migrants habitent provisoirement : les fossés, les remblais, les bas-côtés des axes autoroutiers, les bords des rivières, les terrains vagues et autres non-lieux. Même lorsqu’elles ne sont pas directement visibles, les rivières sont particulièrement présentes dans ces images. Comme si le flux de la migration était métaphoriquement représenté par ces cours d’eau. Mais il y a aussi beaucoup d’obstacles – talus pierreux, bloc de béton, enchevêtrement de ronces ou de barbelés – dont on imagine qu’ils ne sont pas grand-chose par rapport à ceux que les réfugiés doivent surmonter au quotidien. Témoignage de cette autre histoire meurtrière que fut la Guerre de 100 ans, les Bourgeois de Calais, tel qu’ils ont été sculptés par Auguste Rodin, apparaissent aussi dans la série.

Le projet est accompagné d’un texte de l’écrivain américain George Weld qui partage avec les photographies de Meeks une semblable approche guidée par la pudeur et l’empathie.

Commissaire de l’exposition: Clément Chéroux, Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson

Vincitore del programma Immersion gestito dalla Fondation d'entreprise Hermès, il fotografo americano Raymond Meeks ha trascorso un lungo periodo in Francia nel 2022. Ha fotografato nel sud, al confine con la Spagna, e sulla costa settentrionale verso Calais, due aree geografiche che hanno in comune il fatto di essere punti di passaggio per i richiedenti asilo diretti in Inghilterra. Ha scelto di non fotografare i volti di coloro che hanno lasciato le loro case in cerca di un futuro migliore, ma piuttosto i luoghi e le tracce del loro itinerario. C'è una scarpa nel terreno, una coperta arrotolata a terra, una giacca appesa ai rami. Il fotografo è particolarmente interessato agli spazi inospitali che i migranti abitano temporaneamente: fossi, argini, bordi autostradali, rive dei fiumi, terreni incolti e altri non-luoghi. Anche quando non sono direttamente visibili, i fiumi sono particolarmente presenti in queste immagini. È come se il flusso migratorio fosse metaforicamente rappresentato da questi corsi d'acqua. Ma ci sono anche molti ostacoli - argini sassosi, blocchi di cemento, grovigli di rovi o filo spinato - che immaginiamo non siano nulla in confronto a quelli che i rifugiati devono superare quotidianamente. Anche i Bourgeois de Calais, scolpiti da Auguste Rodin, appaiono nella serie, testimoni di un'altra storia assassina, la Guerra dei 100 anni.

Il progetto è accompagnato da un testo dello scrittore americano George Weld, che condivide con le fotografie di Meeks un approccio simile, guidato da modestia ed empatia.

Curatore della mostra: Clément Chéroux, Direttore, Fondation Henri Cartier-Bresson

Winner of the Immersion program of the Fondation d'entreprise Hermès, American photographer Raymond Meeks spent a long time in France during 2022. He photographed in the south, on the border with Spain, and on the northern coast towards Calais, two geographies that have in common the fact of being crossing points for asylum seekers on their way to England. He has chosen not to photograph the faces of those who have left their homes in search of a better future, but rather the places and traces of their itinerancy. There's a shoe in the dirt, a blanket rolled up on the ground, a jacket hanging from the branches. The photographer is particularly interested in the inhospitable spaces that migrants temporarily inhabit: ditches, embankments, motorway verges, river banks, wastelands and other non-places. Even when not directly visible, rivers are particularly present in these images. It's as if the flow of migration were metaphorically represented by these waterways. But there are also many obstacles - stony embankments, concrete blocks, tangles of brambles or barbed wire - which we imagine to be nothing compared to those the refugees have to overcome on a daily basis. The Bourgeois de Calais, as sculpted by Auguste Rodin, also appear in the series, bearing witness to the murderous history of the 100 Years' War.

The project is accompanied by a text by American writer George Weld, who shares with Meeks' photographs a similar approach guided by modesty and empathy.

Exhibition curator: Clément Chéroux, Director, Fondation Henri Cartier-Bresson

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
9. Oktober 2024 – 5. Januar 2025

Remember to Forget
Mame-Diarra Niang

Der schwarze Körper steht im Mittelpunkt der neuen Serien der französischen Künstlerin Mame-Diarra Niang. Sie möchte ihn weder definieren noch erzählen. Im Gegenteil, sie möchte ihn von den Darstellungen befreien, die durch Jahrhunderte westlicher Erzählung auferlegt wurden. Sie versucht daher, ihn durch Formen von Nicht-Porträts, wie sie es nennt, zu abstrahieren.

Jedes der Bilder in dieser Tetralogie kann als eine Reminiszenz an die Künstlerin selbst betrachtet werden. "Was macht mich zu mir?", fragt sie sich. Ihre Persönlichkeit kann nicht auf eine feste, zugewiesene oder unterworfene Identität reduziert werden. Sie besteht aus Erfahrungen, Erinnerungen und Vergessen. Sie ist daher in ständiger Entwicklung. Diesen Fluss, dieses sich ständig neu konfigurierende Gebiet, erforscht sie. In diesem Projekt, das sie während einer langen Zeit der Isolation begann, indem sie Bildschirme neu fotografierte, spielt Mame-Diarra Niang gerne mit den charakteristischen Fehlern der traditionellen Fotografie, wie Unschärfe, Verzerrungen oder Halos. Wie ein Psychologe, der die Tintenflecken eines Rorschach-Tests verwendet, um das Unbewusste zu enthüllen, nutzt sie diese Verzerrungen der zeitgenössischen Bilder als Projektionsflächen. "Ich bin diese Unschärfe", sagt sie.

Kurator der Ausstellung: Clément Chéroux, Direktor, Fondation Henri Cartier-Bresson

Le corps noir est au coeur des nouvelles séries de l’artiste française Mame-Diarra Niang. Elle ne souhaite ni le définir, ni le raconter. Elle veut au contraire le libérer des représentations imposées par des siècles de narration occidentale. Elle cherche donc à l’abstraire, à travers ce qu’elle appelle des formes de non-portraits.

Chacune des images de cette tétralogie peut être envisagée comme une évocation de l’artiste elle-même. « Qu’est-ce qui fait que je suis moi ? », se demande-t-elle. Sa personnalité ne peut être réduite à une identité fixe, assignée ou assujettie. Elle est constituée d’expériences, de mémoires et d’oublis. Elle est de ce fait en perpétuelle évolution. C’est ce flux, ce territoire en permanente reconfiguration, qu’elle explore. À travers ce projet, entamé lors d’une période de long confinement, en rephotographiant des écrans, Mame-Diarra Niang joue volontiers avec ces défauts caractérisés de la photographie traditionnelle que sont le flou, les distorsions ou les halos. À la manière d’une psychologue ayant recours aux taches d’encre d’un test de Rorschach pour révéler l’inconscient, elle utilise ces disjonctions de l’imagerie contemporaine comme autant de surfaces de projection. « Je suis ce flou », dit-elle.

Commissaire de l’exposition: Clément Chéroux, Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson

Il corpo nero è al centro della nuova serie dell'artista francese Mame-Diarra Niang. Il suo obiettivo non è né definirlo né raccontarne la storia. Al contrario, vuole liberarlo dalle rappresentazioni imposte da secoli di narrativa occidentale. Quindi cerca di astrarla, attraverso quelle che lei chiama forme di non-ritratto.

Ciascuna delle immagini di questa tetralogia può essere vista come un'evocazione dell'artista stessa. "Cosa mi rende me stessa?", si chiede. La sua personalità non può essere ridotta a un'identità fissa, assegnata o sottomessa. È fatta di esperienze, ricordi e dimenticanze. Di conseguenza, è in continua evoluzione. È questo flusso, questo territorio in costante riconfigurazione, che lei sta esplorando. In questo progetto, che ha iniziato durante un lungo periodo di reclusione rifotografando schermi, Mame-Diarra Niang gioca con i difetti caratteristici della fotografia tradizionale, come la sfocatura, la distorsione e gli aloni. Come uno psicologo che usa le macchie di inchiostro di un test di Rorschach per rivelare l'inconscio, lei utilizza queste disgiunzioni nell'immagine contemporanea come superfici di proiezione. "Io sono questa sfocatura", dice.

Curatore della mostra: Clément Chéroux, Direttore, Fondation Henri Cartier-Bresson

The black body is at the heart of French artist Mame-Diarra Niang's new series. She doesn't want to define it, or tell its story. On the contrary, she wants to free it from the representations imposed by centuries of Western narrative. She therefore seeks to abstract it, through what she calls forms of non-portrait.

Each of the images in this tetralogy can be seen as an evocation of the artist herself. "What makes me me?" she asks herself. Her personality cannot be reduced to a fixed, assigned or subjugated identity. It is made up of experience, memory and forgetting. As such, it is in perpetual flux. It is this flux, this constantly reconfiguring territory, that she explores. In this project, which began during a long period of confinement by re-photographing screens, Mame-Diarra Niang plays with the characteristic defects of traditional photography, such as blurring, distortion and halos. Like a psychologist using the ink blots of a Rorschach test to reveal the unconscious, she uses these disjunctions in contemporary imagery as projection surfaces. "I am this blur," she says.

Exhibition curator: Clément Chéroux, Director, Fondation Henri Cartier-Bresson

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson)

The Cube | Eschborn
10. Oktober 2024 – 9. März 2025

Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse

Sabiha Çimen, Lynne Cohen, Philip-Lorca diCorcia, Mitch Epstein, Lucas Foglia, Samuel Fosso, Paul Graham, Marvel Harris, Candida Höfer, Lebohang Kganye, Hsu-Pin Lee, Helen Levitt, Dana Lixenberg, Daniel Jack Lyons, Sabelo Mlangeni, Gordon Parks, Inge Rambow, Thomas Ruff, Aida Silvestri, Chi Yin Sim, Vanessa Winship und Tobias Zielony

Besuch im Rahmen von Führungen mit vorheriger Anmeldung über die Homepage sowie am Open Saturday am 30. November zwischen 11 und 16 Uhr

Die Deutsche Börse Photography Foundation präsentiert die Ausstellung «Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse». Die 1999 ins Leben gerufene Sammlung zeitgenössischer Fotografie umfasst heute über 2.300 Werke von rund 160 Künstler*innen aus 35 Nationen. «Look at Us» zeigt Neuerwerbungen der letzten zwei Jahre und veranschaulicht, wie diese den Sammlungskörper bereichern und in den Dialog mit bereits vorhandenen Werkgruppen treten. Anknüpfend an die Leitgedanken des Jubiläumsjahres – Kooperation, Dialog und Vielfalt – vereint die Ausstellung facettenreiche Bildsprachen und Narrative junger sowie etablierter Künstler*innen. Die gezeigten Werkgruppen befassen sich auf vielfältige Weise mit dem zentralen Thema der Art Collection Deutsche Börse, der «conditio humana» – dem Ausloten der Bedingungen des menschlichen Daseins und seiner Verortung in der Welt. Im Rahmen dieser Auseinandersetzung erkunden die Künstler*innen das vielschichtige Verhältnis von Fotografie zu Fragen nach Identität und Gemeinschaft – von persönlichen Erfahrungen über kulturelle und historische Zusammenhänge bis hin zu Fragen von Zugehörigkeit und sozialer Ungleichheit. Darüber hinaus widmen sie sich der komplexen Beziehung zwischen Mensch und Natur, sei es in Form menschlicher Eingriffe in natürliche Lebensräume oder in der wechselseitigen Wirkung urbaner Landschaften auf das Individuum und die Gemeinschaft.

La Deutsche Börse Photography Foundation présente l'exposition « Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse ». Créée en 1999, la collection de photographie contemporaine comprend aujourd'hui plus de 2.300 œuvres d'environ 160 artistes* de 35 nationalités différentes. « Look at Us » présente les nouvelles acquisitions des deux dernières années et illustre comment celles-ci enrichissent le corps de la collection et entrent en dialogue avec des groupes d'œuvres déjà existants. S'appuyant sur les idées directrices de l'année anniversaire - coopération, dialogue et diversité - l'exposition réunit des langages visuels et des récits aux multiples facettes de jeunes artistes* ainsi que d'artistes établis. Les groupes d'œuvres présentés traitent de manière variée du thème central de l'Art Collection Deutsche Börse, la « condition humaine » - la mise à l'épreuve des conditions de l'existence humaine et de son positionnement dans le monde. Dans le cadre de cette confrontation, les artistes* explorent le rapport complexe de la photographie aux questions d'identité et de communauté - des expériences personnelles aux questions d'appartenance et d'inégalité sociale en passant par les contextes culturels et historiques. En outre, ils se consacrent à la relation complexe entre l'homme et la nature, que ce soit sous la forme d'interventions humaines dans des habitats naturels ou dans l'effet réciproque des paysages urbains sur l'individu et la communauté.

La Fondazione Fotografia Deutsche Börse presenta la mostra “Guardateci. 25 anni di collezione d'arte Deutsche Börse”. Istituita nel 1999, la collezione di fotografia contemporanea comprende oggi oltre 2.300 opere di circa 160 artisti provenienti da 35 nazioni. “Look at Us” presenta le nuove acquisizioni degli ultimi due anni e illustra come esse arricchiscano il corpus della collezione ed entrino in dialogo con i gruppi di opere esistenti. Seguendo i principi guida dell'anno dell'anniversario - cooperazione, dialogo e diversità - la mostra riunisce linguaggi visivi e narrazioni multiformi di artisti giovani e affermati. I gruppi di opere in mostra affrontano il tema centrale della Collezione d'Arte Deutsche Börse, la “conditio humana” - l'esplorazione delle condizioni dell'esistenza umana e del suo posto nel mondo. Nell'ambito di questo dialogo, gli artisti esplorano la complessa relazione tra la fotografia e le questioni di identità e comunità - dalle esperienze personali e dai contesti culturali e storici alle questioni di appartenenza e disuguaglianza sociale. Si concentrano inoltre sul complesso rapporto tra uomo e natura, sia sotto forma di interventi umani negli habitat naturali che di impatto reciproco dei paesaggi urbani sull'individuo e sulla comunità.

The Deutsche Börse Photography Foundation presents the exhibition “Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse”. Launched in 1999, the contemporary photography collection now comprises over 2,300 works by around 160 artists from 35 nations. ‘Look at Us’ showcases new acquisitions from the last two years and illustrates how they enrich the collection and enter into dialogue with existing groups of works. In keeping with the guiding principles of the anniversary year – cooperation, dialog and diversity – the exhibition brings together the multifaceted visual languages and narratives of both young and established artists. The groups of works on display address the central theme of the Art Collection Deutsche Börse, the “human condition”, in a variety of ways – exploring the conditions of human existence and its place in the world. In the context of this examination, the artists explore the complex relationship between photography and questions of identity and community – from personal experiences to cultural and historical contexts, to questions of belonging and social inequality. They also address the complex relationship between humans and nature, whether in the form of human intervention in natural habitats or in the reciprocal effect of urban landscapes on the individual and the community.

(Text: Deutsche Börse Photography Foundation)

Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse
11. Oktober 2024 – 18. Mai 2025

Ouvrir les yeux

Zum ersten Mal bieten die Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse und die Galerie Le Château d'Eau dem Publikum eine Reise durch ein reiches, noch wenig bekanntes fotografisches Erbe. Die Ausstellung zeigt eine große Auswahl an fotografischen Werken aus den Sammlungen der beiden öffentlichen Einrichtungen, die jeweils die großen Perioden in der Geschichte der Fotografie und ihrer Künstler seit dem Beginn des 20.

Seit ihrer Gründung wurden die öffentlichen Sammlungen dieser beiden Institutionen entsprechend ihrer jeweiligen künstlerischen Ausrichtung erweitert, wobei die eine - eine im Jahr 2000 gegründete Einrichtung, die ein Museum und einen Regionalfonds für zeitgenössische Kunst vereint - sich der modernen und zeitgenössischen Kunst widmet, während die andere - 1974 von dem Fotografen Jean Dieuzaide gegründet - ein Symbol für moderne und zeitgenössische Fotografie in der Stadt Toulouse ist.

Diese Ausstellung, die in den Abattoirs gezeigt wird, bietet einen neuartigen Dialog, der ein breites Panorama der Fotografie des 20. und 21. Jahrhunderts bietet und sowohl die größten Namen als auch Künstler wie Hans Bellmer, die es zu entdecken oder wiederzuentdecken gilt, miteinander in Dialog bringt, Claude Batho, Gaël Bonnefon, Mohamed Bourouissa, Brassaï, Sophie Calle, Denis Darzacq, Jean Dieuzaide, Robert Doisneau, Ralph Gibson, Laura Henno, Ouka Leele, Robert Mapplethorpe, Gina Pane, Agnès Varda, Gisèle Vienne, Sabine Weiss, etc.

Die verschiedenen Blickwinkel zeigen auch die Vielfalt der Herangehensweisen an das Medium und die Vielzahl der ästhetischen Vorschläge zwischen Dokumentarfotografie, intimen Blicken, Archiven, Installationen und Fotojournalismus, in denen die Position des Betrachters neu definiert wird.

Die Fotografien, ergänzt durch Installationen und eine Auswahl an Künstlerbüchern und seltenen Werken aus den umfangreichen Bibliotheken der beiden Einrichtungen, bilden den Rahmen für einen thematischen Rundgang, der die Berührungspunkte zwischen den beiden Sammlungen aufzeigen und gleichzeitig mit den Eigenheiten der beiden Sammlungen spielen soll.

Von Schnappschüssen bis zu Inszenierungen, von grafischen bis abstrakten Untersuchungen bis zu Reflexionen über den Körper oder den Raum, von Fragen der Identität bis zur Bestätigung der Subjektivität oder der Erforschung der erzählerischen Möglichkeiten, diese reiche Sammlung von fast 300 Werken entwickelt letztendlich eine Reflexion über die Natur und die Möglichkeiten der Fotografie.

Eine Sonderausgabe von Connaissance des Arts wird zur Ausstellung veröffentlicht.

Pour la première fois les Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse et la Galerie Le Château d’Eau offrent aux publics un voyage au sein d’un riche patrimoine photographique encore peu connu. L'exposition présente une large sélection d’œuvres photographiques des collections des deux établissements publics qui, chacune, témoignent des grandes périodes de l'histoire de la photographie et de ses artistes depuis le début du XXe siècle tout en faisant émerger deux histoires de collections.

Depuis leur création, les collections publiques de ces deux institutions se sont enrichies selon des axes artistiques propres à leurs natures respectives, l'un - établissement créé en 2000 réunissant un musée et un Fonds régional d'art contemporain - dédié à l’art moderne et contemporain, l’autre - fondée en 1974 par le photographe Jean Dieuzaide - pôle emblématique de la photographie moderne et contemporaine de la ville de Toulouse.

Cette exposition, présentée aux Abattoirs, propose un dialogue inédit à même d’offrir un large panorama de la photographie des XXe et XXIe siècles et fait dialoguer aussi bien les plus grands noms que des artistes à découvrir ou redécouvrir comme Hans Bellmer, Claude Batho, Gaël Bonnefon, Mohamed Bourouissa, Brassaï, Sophie Calle, Denis Darzacq, Jean Dieuzaide, Robert Doisneau, Ralph Gibson, Laura Henno, Ouka Leele, Robert Mapplethorpe, Gina Pane, Agnès Varda, Gisèle Vienne, Sabine Weiss, etc.

Ces regards croisés mettent également en avant la diversité des approches du médium et la multiplicité des propositions esthétiques, entre photographie documentaire, regards sur l'intime, archives, installations ou encore photojournalisme, au sein desquelles se joue un renouvellement de la place du spectateur.

Les photographies, complétées d’installations et d’une sélection de livres d’artistes et d’ouvrages rares issue des riches bibliothèques des deux établissements, jalonneront un parcours construit autour de différentes thématiques, imaginé pour faire à la fois émerger les points de rencontre entre les deux collections tout en jouant sur les singularités de chacune.

De l’instantané à la mise en scène, des recherches graphiques voire abstraites aux réflexions sur le corps ou l’espace, des questionnements d’identité aux affirmations de la subjectivité ou à l’exploration des possibilités narratives, ce riche ensemble de près de 300 œuvres finit par développer une réflexion sur la nature et les possibles de la photographie.

Un hors-série Connaissance des Arts est publié pour accompagner l'exposition.

Per la prima volta, gli Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse e la Galerie Le Château d'Eau offrono ai visitatori un viaggio attraverso un patrimonio fotografico ricco e poco conosciuto. La mostra presenta un'ampia selezione di opere fotografiche provenienti dalle collezioni delle due istituzioni pubbliche, ognuna delle quali riflette i principali periodi della storia della fotografia e dei suoi artisti dall'inizio del XX secolo, evidenziando allo stesso tempo due storie di collezioni.

Fin dalla loro creazione, le collezioni pubbliche di queste due istituzioni sono state arricchite secondo linee artistiche specifiche per le loro rispettive nature, una - un'istituzione creata nel 2000 che riunisce un museo e un Fonds régional d'art contemporain - dedicata all'arte moderna e contemporanea, l'altra - fondata nel 1974 dal fotografo Jean Dieuzaide - un centro emblematico per la fotografia moderna e contemporanea nella città di Tolosa.

Questa mostra, presentata a Les Abattoirs, offre un dialogo senza precedenti che fornisce un ampio panorama della fotografia del XX e XXI secolo, e riunisce alcuni dei nomi più importanti e artisti da scoprire o riscoprire, come Hans Bellmer, Claude Batho, Gaël Bonnefon, Mohamed Bourouissa, Brassaï, Sophie Calle, Denis Darzacq, Jean Dieuzaide, Robert Doisneau, Ralph Gibson, Laura Henno, Ouka Leele, Robert Mapplethorpe, Gina Pane, Agnès Varda, Gisèle Vienne, Sabine Weiss e altri.

Queste prospettive intersecate evidenziano anche la diversità degli approcci al mezzo e la molteplicità delle proposte estetiche, che vanno dalla fotografia documentaria alle vedute intime, agli archivi, alle installazioni e al fotogiornalismo, tutti elementi che giocano un ruolo nel rinnovare il ruolo dello spettatore.

Le fotografie, insieme alle installazioni e ad una selezione di libri d'artista e di opere rare provenienti dalle ricche biblioteche delle due istituzioni, tracceranno un percorso costruito intorno a temi diversi, pensato per far emergere i punti di convergenza tra le due collezioni, giocando al contempo sulle singolarità di ciascuna.

Dall'istantaneo alla messa in scena, dalla ricerca grafica o addirittura astratta alle riflessioni sul corpo o sullo spazio, dalle domande sull'identità alle affermazioni di soggettività o all'esplorazione delle possibilità narrative, questo ricco insieme di quasi 300 opere finisce per sviluppare una riflessione sulla natura e sulle possibilità della fotografia.

Per accompagnare la mostra è stato pubblicato un numero speciale di Connaissance des Arts.

For the first time, Les Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse and Galerie Le Château d'Eau are offering visitors a journey through a rich and little-known photographic heritage. The exhibition presents a wide selection of photographic works from the collections of the two public institutions, each of which bears witness to the major periods in the history of photography and its artists since the early 20th century, while at the same time highlighting two collection histories.

Since their creation, the public collections of these two institutions have been enriched along artistic lines specific to their respective natures, one - an establishment created in 2000 bringing together a museum and a Fonds régional d'art contemporain - dedicated to modern and contemporary art, the other - founded in 1974 by photographer Jean Dieuzaide - an emblematic pole of modern and contemporary photography in the city of Toulouse.

This exhibition, presented at Les Abattoirs, offers an unprecedented dialogue capable of providing a broad panorama of photography from the 20th and 21st centuries, and brings together the greatest names as well as artists to be discovered or rediscovered, such as Hans Bellmer, Claude Batho, Gaël Bonnefon, Mohamed Bourouissa, Brassaï, Sophie Calle, Denis Darzacq, Jean Dieuzaide, Robert Doisneau, Ralph Gibson, Laura Henno, Ouka Leele, Robert Mapplethorpe, Gina Pane, Agnès Varda, Gisèle Vienne, Sabine Weiss and more.

These cross-views also highlight the diversity of approaches to the medium and the multiplicity of aesthetic proposals, from documentary photography to intimate views, archives, installations and photojournalism, all of which play a part in renewing the viewer's place.

The photographs, complemented by installations and a selection of artists' books and rare works from the rich libraries of the two establishments, will mark out an itinerary built around different themes, designed to bring out the points of encounter between the two collections, while playing on the singularities of each.

From the instantaneous to the staged, from graphic or even abstract research to reflections on the body or space, from questions of identity to assertions of subjectivity or the exploration of narrative possibilities, this rich ensemble of nearly 300 works ultimately develops a reflection on the nature and possibilities of photography.

A special Connaissance des Arts issue has been published to accompany the exhibition.

(Text: Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse)

Kunsthalle Krems
12. Oktober 2024 – 23. März 2025

Gabriele Engelhardt. Kremser Berge

Gabriele Engelhardt (geb. 1967) greift in ihrer Kunst menschliche Eingriffe in die Natur als Skulpturen oder Installationen auf. In ihren Landschaften zeigt sie etwa Schrottberge in Industriezonen oder Sprungschanzen.

Die Künstlerin arbeitet mit dem Medium der Fotografie, wobei sie ihre Aufnahmen digital nachbearbeitet und mehrere Fotos eines Motivs zusammenfügt. Die Werke sind demnach keine Dokumentationen der Realität. In ihren „Berge“-Serien begreift sie Berge nicht als Gebirge im eigentlichen Sinn, sondern als Anhäufungen von Material wie Metallabfall oder Baurohstoffe. Die Arbeiten erinnern an Claude Monets Heuhaufen-Impressionen, aber auch an Bernd und Hilla Bechers Typologien der Wassertürme als Zeichen des industriellen Niedergangs.

Gabriele Engelhardt studierte auf der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart Bildhauerei und an der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe Fotografie und Szenografie. 2022 war sie im Rahmen von AIR – ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich zu Gast in Krems. Hier, im industriellen Umfeld des Donauhafens an der Stadteinfahrt, ist das Kremser Berge-Projekt entstanden.

AIR – ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich ist ein internationales Stipendienprogramm. Es ermöglicht bildenden Künstler:innen, Architekt:innen, Musiker:innen und Schriftsteller:innen temporär in Niederösterreich zu wohnen, zu arbeiten und die Vielfalt der heimischen Kulturlandschaft kennenzulernen. Im Gegenzug organisiert AIR für niederösterreichische Künstler:innen im Rahmen eines institutionellen Austausches Auslandsaufenthalte in Europa und Übersee.

Kurator: Florian Steininger

Gabriele Engelhardt (née en 1967) reprend dans son art les interventions humaines dans la nature sous forme de sculptures ou d'installations. Dans ses paysages, elle montre par exemple des montagnes de ferraille dans des zones industrielles ou des tremplins.

L'artiste travaille avec le médium de la photographie, en retravaillant numériquement ses prises de vue et en assemblant plusieurs photos d'un même motif. Les œuvres ne sont donc pas des documentations de la réalité. Dans ses séries "Montagnes", elle ne conçoit pas les montagnes comme des montagnes au sens propre du terme, mais comme des accumulations de matériaux tels que des déchets métalliques ou des matériaux de construction. Ces œuvres rappellent les impressions de meules de foin de Claude Monet, mais aussi les typologies de châteaux d'eau de Bernd et Hilla Becher, signes du déclin industriel.

Gabriele Engelhardt a étudié la sculpture à la Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart et la photographie et la scénographie à la Hochschule für Gestaltung Karlsruhe. En 2022, elle a été invitée à Krems dans le cadre de AIR - ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich. C'est ici, dans l'environnement industriel du port du Danube à l'entrée de la ville, qu'est né le projet Kremser Berge.

AIR - ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich est un programme de bourses international. Il permet à des artistes plasticiens, des architectes, des musiciens et des écrivains de vivre et de travailler temporairement en Basse-Autriche et de découvrir la diversité du paysage culturel local. En contrepartie, AIR organise pour les artistes de Basse-Autriche des séjours en Europe et outre-mer dans le cadre d'un échange institutionnel.

Curateur : Florian Steininger

Nella sua arte, Gabriele Engelhardt (nata nel 1967) riprende gli interventi umani nella natura come sculture o installazioni. Nei suoi paesaggi, ad esempio, mostra cumuli di rottami in zone industriali o piste da sci.

L'artista lavora con il mezzo fotografico, rielaborando digitalmente le sue immagini e combinando diverse foto di uno stesso motivo. Le opere non sono quindi documentazioni della realtà. Nella serie "Mountains", l'artista non intende le montagne nel vero senso della parola, ma come accumuli di materiale, come rifiuti metallici o materiali da costruzione. Le opere ricordano le impressioni dei pagliai di Claude Monet, ma anche le tipologie di torri d'acqua di Bernd e Hilla Becher come segno di declino industriale.

Gabriele Engelhardt ha studiato scultura all'Accademia di Stato di Stoccarda e fotografia e scenografia all'Università di Arti e Design di Karlsruhe. Nel 2022 è stata ospite a Krems nell'ambito di AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria. Qui, nell'ambiente industriale del porto del Danubio all'ingresso della città, è stato creato il progetto Kremser Berge.

AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria è un programma internazionale di borse di studio. Consente ad artisti visivi, architetti, musicisti e scrittori di vivere e lavorare temporaneamente in Bassa Austria e di familiarizzare con la diversità del paesaggio culturale locale. In cambio, AIR organizza soggiorni all'estero in Europa e all'estero per gli artisti della Bassa Austria nell'ambito di uno scambio istituzionale.

Curatore: Florian Steininger

In her art, Gabriele Engelhardt (born 1967) takes up human interventions in nature as sculptures or installations. In her landscapes, for example, she shows scrap heaps in industrial zones or ski jumps.

The artist works with the medium of photography, digitally reworking her images and combining several photos of a single motif. The works are therefore not documentations of reality. In her "Mountains" series, she does not understand mountains as mountains in the true sense of the word, but as accumulations of material such as metal waste or building materials. The works are reminiscent of Claude Monet's haystack impressions, but also of Bernd and Hilla Becher's typologies of water towers as a sign of industrial decline.

Gabriele Engelhardt studied sculpture at the Stuttgart State Academy of Fine Arts and photography and scenography at the Karlsruhe University of Arts and Design. In 2022, she was a guest in Krems as part of AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria. Here, in the industrial environment of the Danube port at the entrance to the city, the Kremser Berge project was created.

AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria is an international scholarship program. It enables visual artists, architects, musicians and writers to live and work temporarily in Lower Austria and get to know the diversity of the local cultural landscape. In return, AIR organizes stays abroad in Europe and overseas for Lower Austrian artists as part of an institutional exchange.

Curator: Florian Steininger

(Text: Kunsthalle Krems)

Kunsthalle Krems
12. Oktober 2024 – 23. März 2025

Anna und Bernhard Blume. Ver-rückte Welt

Das deutsche Künstlerpaar Anna und Bernhard Blume (1936 – 2020 und 1937 – 2011) ist international für seine Schwarzweißfotografien bekannt.

Das Paar inszenierte performative Aktionen und hielt diese per Kamera fest. Es sind meist häusliche Szenen, skurril arrangiert. Dabei sind die beiden Künstler:innen selbst die Performer, sie schlüpfen in eine bürgerliche Staffage – sie mit Dauerwelle, Perücke und adrettem Kleidchen, er im kleinkarierten Anzug und mit Hut. Geschlechtermuster, Rollen und Klischees sowie Verhaltenskodexe des Bürgerlichen werden von den Blumes ironisch und durchaus komisch konterkariert. Da fliegen Kartoffeln durch die Luft, Scherben zerbrochener Teller bedecken den Küchenfußboden, Möbelkonstrukte brechen zusammen und Personen mit verzerrten Gesichtern hantieren mit allerlei Alltagsgegenständen. Was die Menschen auf den Bildern tun, ist alles andere als Regelkonform, es ist im besten Sinn ver–rückt.

Von der Bildkomposition über die Aufnahme bis zur Entwicklung und Vergrößerung der Fotos im Labor führten Anna und Bernhard Blume jeden Schritt des künstlerischen Prozesses selbst durch. Sie erweiterten die künstlerische Fotografie durch die performative Inszenierung. Mit ihren Fotoserien persiflieren sie die kleinbürgerliche Welt der 1970er- und 1980er-Jahre. Inspiriert wurde das Paar dabei maßgeblich vom Aktionismus der 1960er-Jahre.

Anna und Bernhard Blume lernten sich als Student:innen der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf kennen, wo beide von 1960 bis 1965 studierten. Das Paar lebte und arbeitete in Köln. Ihre Arbeiten wurden bislang in internationalen Museen wie dem Museum of Modern Art in New York oder im Centre Pompidou in Paris gezeigt.

Die Ausstellung in der Kunsthalle Krems zeigt groß- und mittelformatige Serien von Schwarzweißfotografien, ergänzt durch eine kleine Auswahl an farbigen Polaroids.

Kurator: Andreas Hoffer

Le couple d'artistes allemands Anna et Bernhard Blume (1936 - 2020 et 1937 - 2011) est connu internationalement pour ses photographies en noir et blanc.

Le couple mettait en scène des actions performatives et les enregistrait à l'aide d'un appareil photo. Il s'agit le plus souvent de scènes domestiques, arrangées de manière bizarre. Les deux artistes sont eux-mêmes les interprètes, ils se glissent dans un décor bourgeois - elle avec une permanente, une perruque et une jolie petite robe, lui avec un costume à petits carreaux et un chapeau. Les modèles de genre, les rôles et les clichés ainsi que les codes de comportement du bourgeois sont contrecarrés par les Blume de manière ironique et tout à fait comique. Des pommes de terre volent dans les airs, des morceaux d'assiettes cassées recouvrent le sol de la cuisine, des constructions de meubles s'effondrent et des personnes aux visages déformés manipulent toutes sortes d'objets du quotidien. Ce que font les personnes sur les photos est tout sauf conforme aux règles, c'est fou dans le meilleur sens du terme.

De la composition de l'image au développement et à l'agrandissement des photos en laboratoire, en passant par la prise de vue, Anna et Bernhard Blume ont réalisé eux-mêmes chaque étape du processus artistique. Ils ont élargi la photographie artistique à la mise en scène performative. Avec leurs séries de photos, ils satirisent le monde petit-bourgeois des années 1970 et 1980. Le couple s'est largement inspiré de l'actionnisme des années 1960.

Anna et Bernhard Blume se sont rencontrés alors qu'ils étaient étudiants à la Staatliche Kunstakademie de Düsseldorf, où ils ont tous deux étudié de 1960 à 1965. Le couple a vécu et travaillé à Cologne. Jusqu'à présent, leurs travaux ont été exposés dans des musées internationaux comme le Museum of Modern Art de New York ou le Centre Pompidou de Paris.

L'exposition à la Kunsthalle Krems présente des séries de photographies en noir et blanc de grand et moyen format, complétées par une petite sélection de polaroïds en couleur.

Commissaire d'exposition : Andreas Hoffer

La coppia di artisti tedeschi Anna e Bernhard Blume (1936-2020 e 1937-2011) è riconosciuta a livello internazionale per le sue fotografie in bianco e nero.

La coppia mette in scena azioni performative e le riprende con la macchina fotografica. Si tratta per lo più di scene domestiche, organizzate in modo stravagante. I due artisti stessi sono gli interpreti e si calano in uno staffage borghese: lei con la permanente, la parrucca e un vestito elegante, lui con un piccolo abito a quadri e un cappello. I modelli di genere, i ruoli e i cliché, così come i codici di comportamento borghesi, sono ironicamente e comicamente contrastati dai Blume. Le patate volano in aria, i cocci dei piatti rotti ricoprono il pavimento della cucina, le costruzioni dei mobili crollano e le persone con i volti distorti maneggiano ogni tipo di oggetto quotidiano. Quello che fanno le persone nelle immagini è tutt'altro che conforme alle regole, è folle nel senso migliore del termine.

Anna e Bernhard Blume hanno eseguito in prima persona tutte le fasi del processo artistico, dalla composizione delle immagini allo scatto delle foto, allo sviluppo e all'ingrandimento in laboratorio. Hanno ampliato la fotografia artistica attraverso la messa in scena performativa. Con le loro serie fotografiche, fanno satira sul mondo piccolo borghese degli anni Settanta e Ottanta. La coppia si ispira in larga misura all'azionismo degli anni Sessanta.

Anna e Bernhard Blume si sono conosciuti come studenti della Staatliche Kunstakademie Düsseldorf, dove hanno studiato entrambi dal 1960 al 1965. La coppia ha vissuto e lavorato a Colonia. Le loro opere sono state esposte in musei internazionali come il Museum of Modern Art di New York e il Centre Pompidou di Parigi.

La mostra alla Kunsthalle Krems presenta serie di fotografie in bianco e nero di grande e medio formato, integrate da una piccola selezione di Polaroid a colori.

Curatore: Andreas Hoffer

The German artist couple Anna and Bernhard Blume (1936 - 2020 and 1937 - 2011) are internationally renowned for their black and white photographs.

The couple staged performative actions and captured them on camera. They are mostly domestic scenes, whimsically arranged. The two artists themselves are the performers, they slip into a bourgeois staffage - she with a perm, wig and smart dress, he in a small checked suit and hat. Gender patterns, roles and clichés as well as codes of bourgeois behavior are ironically and quite comically counteracted by the Blumes. Potatoes fly through the air, shards of broken plates cover the kitchen floor, furniture structures collapse and people with distorted faces handle all kinds of everyday objects. What the people in the pictures are doing is anything but conforming to the rules, it is crazy in the best sense of the word.

Anna and Bernhard Blume carried out every step of the artistic process themselves, from composing and taking the pictures to developing and enlarging the photos in the laboratory. They expanded artistic photography through performative staging. With their photo series, they satirize the petit bourgeois world of the 1970s and 1980s. The couple were largely inspired by the actionism of the 1960s.

Anna and Bernhard Blume met as students at the Staatliche Kunstakademie Düsseldorf, where they both studied from 1960 to 1965. The couple lived and worked in Cologne. Their works have been shown in international museums such as the Museum of Modern Art in New York and the Center Pompidou in Paris.

The exhibition at the Kunsthalle Krems shows large and medium format series of black and white photographs, complemented by a small selection of color Polaroids.

Curator: Andreas Hoffer

(Text: Kunsthalle Krems)

Centre Photographique Marseille | Marseille
12. Oktober 2024 – 18. Januar 2025

PERFORMANCE

Laurence Aëgerter, Nestor Benedini, Yassine Boussaadoune, Suzanne Hetzel, Mana Kikuta, Samir Laghoutai-Rashwan, Lila Neutre, Céleste Rogosin, Assaf Shoshan, Robin Tutenges

In der Kontinuität der großen staatlichen Aufträge im Bereich der Fotografie soll der Auftrag PERFORMANCE die Vitalität des zeitgenössischen Schaffens im Bereich der Fotografie auf der französischen Kunstszene anerkennen und fördern.

Anlässlich der Kulturolympiade hat das Kulturministerium dem Centre national des arts plastiques (Cnap) in Partnerschaft mit dem Musée régional d'art contemporain d'Occitanie und dem Centre Photographique Marseille für das Jahr 2022 ein Auftragsprogramm mit dem Titel PERFORMANCE anvertraut. Praktiker aus dem gesamten Spektrum der Bildnutzung - von Reportagen und dokumentarischen Formen bis hin zur bildenden Kunst - wurden eingeladen, dieses breite Erfahrungsfeld zu erforschen und neue Werke zu schaffen, die in die Sammlung des Cnap aufgenommen werden. Die produzierten Werke werden ab 2024 von seinen Partnern präsentiert, zunächst im Mrac Occitanie vom 06. April bis 22. September, dann im Centre Photographique Marseille (CPM) vom 12. Oktober bis 18. Januar 2025 und im Centre Claude Cahun in Nantes vom 5. Februar bis 30. März 2025. Parallel dazu berichtet eine Publikation in Ko-Edition Poursuite / Cnap über den Auftrag.

Die dynamischen Beziehungen zwischen Bild und Sport sind mit der Entwicklung des Leistungsbegriffs an allen Orten der Gesellschaft verbunden. Wie können die Imperative des Wettbewerbs und der Spitzenleistungen, die Werte des Universalismus, die von dem weltweiten Ereignis der Olympischen und Paralympischen Spiele getragen werden, heute bildlich dargestellt werden?

Sport anders darzustellen, jenseits der üblichen Schemata, die mit seiner medialen Übertragung verbunden sind, ist eine immer wieder neue Herausforderung. Für die Fotografie, die keine Regeln kennt, ist dies auch ein Ort, an dem sich Ästhetiken überschneiden, von der visuellen Kommunikation bis zur Kunst, von der Reportage bis zum Gemälde, von der Mode bis zu den neuen urbanen Kulturen. Dieses Auftragsprogramm hat somit die Produktion neuer Bilder initiiert, die die Verbreitung eines Leistungsanspruchs im sozialen Gefüge durch die Ästhetik des Sports hinterfragen. Mithilfe der Vorstellungskraft und der plastischen Erfindungsgabe der Künstler der Ausstellung PERFORMANCE können wir den Sport als Spiel und Ort der Beziehung, der Verhandlung und des Dialogs zwischen den Menschen auf andere Weise angehen.

Dans la continuité des grandes commandes de l’État dans le domaine de la photographie, la commande PERFORMANCE a pour but de reconnaître et d’encourager la vitalité de la création contemporaine dans le champ de la photographie sur la scène artistique française.

À l’occasion de l’Olympiade culturelle, le ministère de la Culture a confié en 2022 au Centre national des arts plastiques (Cnap), en partenariat avec le Musée régional d’art contemporain d’Occitanie et le Centre Photographique Marseille, un programme de commandes intitulé PERFORMANCE. Des praticiens appartenant à tout l’éventail des usages de l’image – du reportage et des formes documentaires jusqu’aux arts plastiques–, ont été invités à explorer ce vaste champ d’expérience et à créer des oeuvres inédites qui viennent rejoindre la collection du Cnap. Les oeuvres produites sont présentées dès 2024 par ses partenaires, d’abord au Mrac Occitanie du 06 avril au 22 septembre, puis au Centre Photographique Marseille (CPM) du 12 octobre au 18 janvier 2025 et au Centre Claude Cahun, à Nantes du 5 février au 30 mars 2025. Parallèlement, une publication en co-édition Poursuite / Cnap rend compte de la commande.

Les relations dynamiques entre image et sport sont liées au développement de la notion de performance, en tous lieux de la société. Comment les impératifs de compétition et d’excellence, les valeurs d’universalisme portées par l’événement mondial des Jeux olympiques et paralympiques peuvent-ils être figurés aujourd’hui ?

Représenter le sport autrement, au-delà des schèmes habituellement liés à sa retransmission médiatique, est un enjeu toujours renouvelé. Pour la photographie,qui ne connaît pas de règles, c’est aussi un lieu d’entrecroisement d’esthétiques, de la communication visuelle à l’art, du reportage au tableau, de la mode aux nouvelles cultures urbaines. Ce programme de commandes a ainsi initié la production d’images nouvelles interrogeant la diffusion dans le tissu social d’une exigence de performance à travers l’esthétique du sport. À travers les ressources d’imagination et d’invention plastique des artistes de l’exposition PERFORMANCE, nous pouvons aborder autrement le sport comme jeu et lieu de relation, de négociation, de dialogue entre les êtres.

Proseguendo la tradizione delle grandi commissioni governative nel campo della fotografia, la commissione PERFORMANCE intende riconoscere e incoraggiare la vitalità della creazione contemporanea nel campo della fotografia sulla scena artistica francese.

In occasione delle Olimpiadi della Cultura del 2022, il Ministero della Cultura ha affidato al Centre national des arts plastiques (CNAP), in collaborazione con il Musée régional d'art contemporain d'Occitanie e il Centre Photographique Marseille, un programma di commissioni intitolato PERFORMANCE. Professionisti provenienti da tutti gli usi dell'immagine - dal reportage e dalle forme documentarie alle arti visive - sono stati invitati a esplorare questo vasto campo di esperienza e a creare nuove opere che entreranno a far parte della collezione del Cnap. Le opere prodotte saranno presentate a partire dal 2024 dai suoi partner, prima al Mrac Occitanie dal 6 aprile al 22 settembre, poi al Centre Photographique Marseille (CPM) dal 12 ottobre al 18 gennaio 2025 e al Centre Claude Cahun di Nantes dal 5 febbraio al 30 marzo 2025. Contemporaneamente, una pubblicazione congiunta Poursuite/Cnap riferirà sulla commissione.

Il rapporto dinamico tra immagine e sport è legato allo sviluppo della nozione di performance in tutti i settori della società. Come rappresentare oggi gli imperativi della competizione e dell'eccellenza e i valori dell'universalismo veicolati dall'evento globale dei Giochi Olimpici e Paralimpici?

Rappresentare lo sport in modo diverso, andando oltre i modi tradizionali in cui viene trasmesso dai media, è una sfida sempre nuova. Per la fotografia, che non conosce regole, è anche un luogo di intersezione di estetiche, dalla comunicazione visiva all'arte, dal reportage alla pittura, dalla moda alle nuove culture urbane. Questo programma di commissioni ha avviato la produzione di nuove immagini che esaminano la diffusione di una domanda di performance nel tessuto sociale attraverso l'estetica dello sport. Attraverso le risorse plastiche immaginative e inventive degli artisti della mostra PERFORMANCE, possiamo gettare uno sguardo nuovo sullo sport come gioco e luogo di relazione, negoziazione e dialogo tra le persone.

Continuing the tradition of major government commissions in the field of photography, the PERFORMANCE commission aims to recognize and encourage the vitality of contemporary creation in the field of photography on the French art scene.

To coincide with the Cultural Olympiad in 2022, the French Ministry of Culture has entrusted the Centre national des arts plastiques (Cnap), in partnership with the Musée régional d'art contemporain d'Occitanie and the Centre Photographique Marseille, with a commissioning program entitled PERFORMANCE. Practitioners from across the spectrum of image use - from reportage and documentary forms to the visual arts - have been invited to explore this vast field of experience and create new works to join the Cnap collection. The works produced will be presented from 2024 onwards by its partners, first at the Mrac Occitanie from April 06 to September 22, then at the Centre Photographique Marseille (CPM) from October 12 to January 18, 2025 and at the Centre Claude Cahun, in Nantes from February 5 to March 30, 2025. At the same time, a joint Poursuite / Cnap publication will report on the commission.

The dynamic relationship between image and sport is linked to the development of the notion of performance in all areas of society. How can the imperatives of competition and excellence, and the values of universalism conveyed by the global event of the Olympic and Paralympic Games, be represented today?

Representing sport in a different way, over and above the patterns usually associated with media coverage, is an ever-renewed challenge. For photography, which knows no rules, it's also a place where aesthetics intersect, from visual communication to art, from reportage to painting, from fashion to new urban cultures. This program of commissions has thus initiated the production of new images questioning the diffusion in the social fabric of a demand for performance through the aesthetics of sport. Through the imaginative and inventive plastic resources of the artists in the PERFORMANCE exhibition, we can take a fresh look at sport as a game and a place for relationships, negotiation and dialogue between people.

(Text: Centre Photographique Marseille)

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
16. Oktober 2024 – 2. Februar 2025

Oasi
Mimmo Jodice

Bis zum 2. Februar 2025 wird im Projektraum von CAMERA die Ausstellung Mimmo Jodice. Oasi, eine Ausstellung in Zusammenarbeit mit der Fondazione Zegna.

Die von Walter Guadagnini in Zusammenarbeit mit Barbara Bergaglio kuratierte Ausstellung zeigt zum ersten Mal 40 Bilder aus der Serie, die der neapolitanische Fotograf zwischen Frühjahr und Winter 2008 im Auftrag der Stiftung erstellt hat. Ein außergewöhnlicher Korpus, in dem sich die gesamte Poetik von Jodice wiederfindet, seine Fähigkeit, die Elemente der Realität, ob natürlich oder künstlich, Landschaften oder Innenräume, Pflanzen oder Industriemaschinen, in metaphysische Visionen zu verwandeln, die in Zeit und Raum schweben.

Anlässlich der FAI-Tage werden am 12. Oktober in der Lanificio Ermenegildo Zegna und Casa Zegna in Trivero (Biella) vier großformatige Drucke des Künstlers aus der gleichen Serie präsentiert. Zu diesem Anlass hält Walter Guadagnini um 16 Uhr einen Vortrag mit dem Titel La trama e la neve. Mimmo Jodice in Trivero.

Die Ausstellung wird von einem Katalog begleitet, der von Dario Cimorelli Editore herausgegeben wird. Er enthält eine Einführung von Anna Zegna, der Präsidentin der Fondazione Zegna, einen Essay des Kurators Walter Guadagnini, einen Text von Ilaria Bonacossa und die Reproduktion der kompletten Serie, die aus über 60 Werken besteht.

Jusqu'au 2 février 2025, la Project Room de CAMERA accueille Mimmo Jodice. Oasi, une exposition en collaboration avec la Fondazione Zegna.

Organisée par Walter Guadagnini avec la collaboration de Barbara Bergaglio, l'exposition présente pour la première fois 40 images appartenant à la série réalisée par le photographe napolitain entre le printemps et l'hiver 2008, dans le cadre d'une commande reçue par la Fondation. Un corpus extraordinaire dans lequel il est possible de retrouver toute la poétique de Jodice, sa capacité à transformer les éléments de la réalité, naturels ou artificiels, paysages ou intérieurs, plantes ou machines industrielles, en visions métaphysiques, suspendues dans le temps et l'espace.

En avant-première, à l'occasion des journées FAI, le 12 octobre au Lanificio Ermenegildo Zegna et à la Casa Zegna de Trivero (Biella), quatre grands tirages de l'artiste issus de la même série seront présentés. À cette occasion, Walter Guadagnini tiendra à 16 heures une conférence intitulée La trama e la neve. Mimmo Jodice in Trivero.

L'exposition est accompagnée d'un catalogue, publié par Dario Cimorelli Editore, introduit par un témoignage d'Anna Zegna, présidente de la Fondazione Zegna, avec un essai du commissaire Walter Guadagnini, un texte d'Ilaria Bonacossa et la reproduction de la série complète, composée de plus de 60 œuvres.

Fino al 2 febbraio 2025, la Project Room di CAMERA ospiterà Mimmo Jodice. Oasi, mostra in collaborazione con Fondazione Zegna.

Curata da Walter Guadagnini con la collaborazione di Barbara Bergaglio, la mostra presenta per la prima volta 40 immagini appartenenti alla serie realizzata dal fotografo napoletano tra la primavera e l’inverno del 2008, per una committenza ricevuta dalla Fondazione. Uno straordinario corpus all’interno del quale è possibile ritrovare tutta la poetica di Jodice, la sua capacità di trasformare gli elementi della realtà, naturali o artificiali, paesaggi o interni, piante o macchinari industriali, in visioni metafisiche, sospese nel tempo e nello spazio.

In anteprima, in occasione delle giornate FAI, il 12 ottobre presso il Lanificio Ermenegildo Zegna e Casa Zegna di Trivero (Biella), verranno presentate quattro stampe di grandi dimensioni dell’artista della stessa serie. Per l’occasione, Walter Guadagnini terrà un talk alle ore 16.00 dal titolo La trama e la neve. Mimmo Jodice a Trivero.

La mostra è accompagnata da un catalogo, edito da Dario Cimorelli Editore, introdotto da una testimonianza di Anna Zegna, presidente di Fondazione Zegna, con un saggio del curatore Walter Guadagnini, un testo di Ilaria Bonacossa e la riproduzione della serie completa, composta da oltre 60 opere.

Through Feb. 2, 2025, CAMERA's Project Room will host Mimmo Jodice. Oasis, an exhibition in collaboration with Fondazione Zegna.

Curated by Walter Guadagnini with the collaboration of Barbara Bergaglio, the exhibition presents for the first time 40 images belonging to the series made by the Neapolitan photographer between the spring and winter of 2008, for a commission received by the Foundation. An extraordinary corpus within which it is possible to find all of Jodice's poetics, his ability to transform the elements of reality, natural or artificial, landscapes or interiors, plants or industrial machinery, into metaphysical visions, suspended in time and space.

As a preview, on the occasion of the FAI days, on Oct. 12 at Lanificio Ermenegildo Zegna and Casa Zegna in Trivero (Biella), four large prints by the artist from the same series will be presented. For the occasion, Walter Guadagnini will give a talk at 4 p.m. entitled La trama e la neve. Mimmo Jodice in Trivero.

The exhibition is accompanied by a catalog, published by Dario Cimorelli Editore, introduced by a testimonial by Anna Zegna, president of Fondazione Zegna, with an essay by curator Walter Guadagnini, a text by Ilaria Bonacossa and a reproduction of the complete series, consisting of more than 60 works.

(Text: CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

MEP Maison Européenne de la Photographie | Paris
16. Oktober 2024 ‒ 19. Januar 2025

Science/Fiction - Une non-histoire des Plantes

Die Ausstellung Science/Fiction - Eine Nicht-Geschichte der Pflanzen, die 2020 ins Leben gerufen wurde, verfolgt eine visuelle Geschichte der Pflanzen, die Kunst, Technologie und Wissenschaft vom 19. Jahrhundert bis heute verbindet. Die Ausstellung vereint mehr als 40 Künstler aus verschiedenen Epochen und Ländern und stellt historische fotografische Werke wie die Cyanotypien von Anna Atkins, das Inventar der Pflanzenformen von Karl Blossfeldt oder die Mikroskop-Experimente von Laure Albin Guillot den Kreationen zeitgenössischer Künstler wie Jochen Lempert, Pierre Joseph, Angelica Mesiti, Agnieszka Polska oder Sam Falls gegenüber.

Die Ausstellung ist in sechs Kapitel gegliedert und ähnelt in ihrem Aufbau einem Science-Fiction-Roman: Beginnend mit der Idee einer stabilen und identifizierbaren Welt, taucht sie nach und nach in ungewisse und unerwartete Landschaften ein. Die ersten beiden Kapitel mit den Titeln "Die Agentivität der Pflanzen" und "Symbiose & Kontamination" befassen sich mit sogenannten objektiven Ansätzen, die mit der Wissenschaft verbunden sind. Die anderen vier Kapitel mit den Titeln "Jenseits der Realität", "Pflanzen beobachten Sie", "Pflanzen und politische Fiktionen" und "Spekulative Fiktionen" befassen sich mit den Verbindungen zwischen Wissenschaft und Science-Fiction, zwei Bereichen, die die Pflanzenwelt zu einem Experimentierfeld gemacht haben. Die Künstlerinnen und Künstler in dieser Ausstellung überwinden die normative Trennung zwischen Fiktion und Realität, Wissenschaft und Kunst und befreien sich von starren Kategorien, um die Komplexität des Pflanzenlebens und unsere Beziehung zu Pflanzenwesen einzufangen.

Diese Ausstellung bietet die Gelegenheit, tief in die besondere Beziehung zwischen Fotografie und Videografie und Pflanzen einzutauchen, zwei Techniken der Bilderfassung, die ursprünglich für die wissenschaftliche Forschung verwendet wurden. Paradoxerweise haben diese fotografischen und filmischen Verfahren, während sie sich zwischen uns und die natürliche Welt stellten, anstatt eine Distanz zu schaffen, die Subjektivität, die Intelligenz und die Ausdrucksfähigkeit der Pflanzen hervorgehoben und unsere "anthropozentrische Kurzsichtigkeit" behoben.

Indem sie die menschlichen Projektionen und Vorstellungen von Pflanzen hinterfragt, integriert diese Ausstellung Erzählungen aus der Wissenschaft und der Science Fiction als Mittel zur Herstellung neuer Vorstellungswelten. Die vorgeschlagenen Erzählungen, die nicht auf die Idee des Fortschritts und der Modernität ausgerichtet sind, denken mit den planetaren Grenzen. Diese emanzipatorischen Geschichten, die eine anthropozentrische Sicht der Welt überwinden, geben den Pflanzen einen Platz und eine Stimme. Sie werden so zu einem Raum, in dem wir unsere Verbindung zur Pflanzenwelt reparieren können. Um den ökologischen Wandel zu denken, ist es notwendig, die politische Macht des Imaginären zu berücksichtigen, unsere Hoffnungen zu akzeptieren und unsere intimsten Ängste zu erforschen, damit wir gemeinsam das Schreiben einer gemeinsamen Zukunft fortsetzen können.

Initiée en 2020, l’exposition Science/Fiction - Une non-histoire des Plantes propose de retracer une histoire visuelle des plantes reliant l’art, la technologie et la science du XIXe siècle à nos jours. Réunissant plus de 40 artistes de différentes époques et nationalités, cette exposition met en regard des oeuvres photographiques historiques telles que les cyanotypes d’Anna Atkins, l’inventaire des formes végétales de Karl Blossfeldt ou encore les expérimentations au microscope de Laure Albin Guillot avec des créations d’artistes contemporain·es comme Jochen Lempert, Pierre Joseph, Angelica Mesiti, Agnieszka Polska ou encore Sam Falls.

Conçue en six chapitres, cette exposition emprunte sa construction au roman de science-fiction : débutant sur l’idée d’un monde stable et identifiable, elle plonge progressivement dans des paysages incertains et inattendus. Les deux premiers chapitres intitulés respectivement « L’agentivité des plantes » et « Symbiose & contamination » sont consacrés à des approches dites objectives, liées à la science. Les quatre autres chapitres, dénommés « Au-delà du réel », « Les plantes vous observent », « Plantes et fictions politiques » et « Fictions spéculatives » abordent les accointances entre la science et la science-fiction, deux domaines qui ont fait de la flore un terrain d’expérimentation. Dépassant les clivages normatifs entre fiction et réalité, science et art, les artistes présent·es dans cette exposition s’affranchissent des catégories figées afin de capturer la complexité de la vie des plantes et de nos rapports aux êtres végétaux.

Cette exposition est l’occasion de plonger au coeur de la relation privilégiée qu’entretiennent la photographie et la vidéographie avec les plantes, deux techniques de captation de l’image dont l'utilisation première fut mise au service de la recherche scientifique. Paradoxalement, tout en s'interposant entre nous et le monde naturel, ces procédés photographiques et cinématographiques, au lieu de créer une distance, ont mis en lumière la subjectivité, l'intelligence et les capacités expressives des plantes, en palliant notre « myopie anthropocentriste ».

En interrogeant les projections et les représentations humaines des plantes, cette exposition intègre des narrations issues de la science et de la sciencefiction comme un moyen de fabriquer de nouveaux imaginaires. Les récits proposés, non centrés sur l’idée de progrès et de modernité, pensent avec les limites planétaires. Ces histoires émancipatrices, dépassant une vision anthropocentrique du monde, donnent aux plantes une place et une voix. Elles deviennent ainsi un espace de réparation de notre lien au monde végétal. Pour penser les mutations écologiques, il est nécessaire de prendre en considération le pouvoir politique de l’imaginaire, d’accepter nos espoirs et d’explorer nos peurs les plus intimes, afin de poursuivre ensemble l’écriture d’un futur commun.

Lanciata nel 2020, Science/Fiction - A Non-History of Plants traccia una storia visiva delle piante che collega arte, tecnologia e scienza dal XIX secolo a oggi. Riunendo oltre 40 artisti di diverse epoche e nazionalità, la mostra mette a confronto opere fotografiche storiche come i cianotipi di Anna Atkins, l'inventario delle forme vegetali di Karl Blossfeldt e gli esperimenti al microscopio di Laure Albin Guillot con opere di artisti contemporanei come Jochen Lempert, Pierre Joseph, Angelica Mesiti, Agnieszka Polska e Sam Falls.

Suddivisa in sei capitoli, la mostra prende in prestito la sua struttura dal romanzo di fantascienza, partendo dall'idea di un mondo stabile e identificabile e immergendosi gradualmente in paesaggi incerti e inaspettati. I primi due capitoli, intitolati rispettivamente "L'agentività delle piante" e "Simbiosi e contaminazione", sono dedicati ai cosiddetti approcci oggettivi, legati alla scienza. Gli altri quattro capitoli, intitolati "Oltre la realtà", "Le piante ti guardano", "Piante e narrativa politica" e "Narrativa speculativa", esaminano i legami tra scienza e fantascienza, due campi che hanno utilizzato la flora come terreno di sperimentazione. Superando i confini normativi tra finzione e realtà, scienza e arte, gli artisti di questa mostra si liberano da categorie fisse per catturare la complessità della vita vegetale e il nostro rapporto con gli esseri vegetali.

Questa mostra è un'occasione per approfondire il rapporto speciale che la fotografia e la videografia hanno con le piante, due tecniche di cattura delle immagini che sono state utilizzate per la prima volta per la ricerca scientifica. Paradossalmente, invece di creare una distanza tra noi e il mondo naturale, questi processi fotografici e cinematografici hanno evidenziato la soggettività, l'intelligenza e le capacità espressive delle piante, compensando la nostra "miopia antropocentrica".

Mettendo in discussione le proiezioni e le rappresentazioni umane delle piante, questa mostra integra le narrazioni della scienza e della fantascienza come mezzo per creare nuovi mondi immaginari. Le narrazioni proposte, che non sono incentrate sull'idea di progresso e modernità, pensano in termini di limiti del pianeta. Queste storie emancipatrici, che vanno oltre una visione antropocentrica del mondo, danno spazio e voce alle piante. Diventano così uno spazio per riparare il nostro legame con il mondo vegetale. Per pensare al cambiamento ecologico, dobbiamo considerare il potere politico dell'immaginazione, accettare le nostre speranze ed esplorare le nostre paure più intime, in modo da poter continuare a scrivere insieme un futuro comune.

Initiated in 2020, Science/Fiction - Une non-histoire des Plantes traces a visual history of plants linking art, technology and science from the 19th century to the present day. Bringing together over 40 artists from different eras and nationalities, the exhibition compares historic photographic works such as Anna Atkins' cyanotypes, Karl Blossfeldt's inventory of plant forms and Laure Albin Guillot's microscope experiments, with works by contemporary artists such as Jochen Lempert, Pierre Joseph, Angelica Mesiti, Agnieszka Polska and Sam Falls.

Conceived in six chapters, this exhibition borrows its construction from the science-fiction novel: beginning with the idea of a stable, identifiable world, it plunges progressively into uncertain and unexpected landscapes. The first two chapters, entitled "Plant Agentivity" and "Symbiosis & Contamination" respectively, are devoted to so-called objective, science-based approaches. The other four chapters, entitled "Beyond reality", "Plants are watching you", "Plants and political fictions" and "Speculative fictions", deal with the close ties between science and science fiction, two fields that have made flora a field for experimentation. Overcoming the normative divides between fiction and reality, science and art, the artists in this exhibition free themselves from fixed categories to capture the complexity of plant life and our relationship with plant beings.

This exhibition is an opportunity to delve into the privileged relationship between photography and videography and plants, two image-capture techniques first used in scientific research. Paradoxically, instead of creating distance between us and the natural world, these photographic and cinematographic processes have highlighted the subjectivity, intelligence and expressive capacities of plants, compensating for our "anthropocentric myopia".

By questioning human projections and representations of plants, this exhibition integrates narratives from science and science fiction as a means of fabricating new imaginaries. The narratives proposed, not centered on the idea of progress and modernity, think with planetary limits. These emancipatory stories, going beyond an anthropocentric vision of the world, give plants a place and a voice. They thus become a space for repairing our link to the plant world. To think about ecological change, we need to consider the political power of the imaginary, to accept our hopes and explore our innermost fears, so that together we can continue to write a common future.

(Text: MEP Maison Européenne de la Photographie, Paris)

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
16. Oktober 2024 – 2. Februar 2025

L'opera
Tina Modotti

Ab dem 16. Oktober 2024 wird in den Räumen des Zentrums die Ausstellung Tina Modotti zu sehen sein. Das von Riccardo Costantini kuratierte Werk - gefördert von der Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo und realisiert in Zusammenarbeit mit Cinemazero - ist einer der bedeutendsten Persönlichkeiten der Fotografie des 20. Jahrhunderts gewidmet.

Die Ausstellung widmet sich dem abenteuerlichen Leben der Fotografin, die in einer bescheidenen Familie in Udine geboren wurde, dann in die Vereinigten Staaten und später nach Mexiko auswanderte, von wo aus sie ins Exil ging und nach Deutschland, Russland und Spanien wanderte, bevor sie nach Mexiko zurückkehrte, wo sie im Alter von nur 46 Jahren starb.

Die 300 Werke, die in Turin zu sehen sind, erzählen von Modottis Vielseitigkeit, ihren künstlerischen Eigenheiten und ihrer neugierigen, partizipatorischen und freien Art. Während ihrer kurzen, aber intensiven Karriere gelang es ihr, die Intensität und die Kontraste der Welten, die sie durchquerte, einzufangen, was sich in Porträts des Alltagslebens ausdrückte, aber auch und vor allem, indem sie von Ungerechtigkeit, Arbeit, politischem Aktivismus, Armut und den Widersprüchen des Fortschritts und des Übergangs zur Moderne erzählte.

Die Ausstellung von CAMERA hat auch eine dokumentarische Bedeutung, da sie verschiedene unveröffentlichte Materialien, Videos, Zeitschriften, Dokumente, Zeitungsausschnitte, Porträts der Künstlerin sowie Fotografien aus der Zeit der ersten und einzigen Ausstellung von Tina Modotti im Jahr 1929 versammelt, die von der Kunst der Fotografin zeugen und ihr gerecht werden.

Die Ausstellung wird von einem umfangreichen Katalog begleitet, der von Dario Cimorelli Editore herausgegeben wurde.

Du 16 octobre 2024, les espaces du Centre accueilleront l'exposition Tina Modotti. L'œuvre, organisée par Riccardo Costantini, promue par la Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo et réalisée en collaboration avec Cinemazero, est consacrée à l'une des figures les plus importantes de la photographie du XXe siècle.

L'exposition retrace la vie aventureuse de la photographe, née dans une famille modeste d'Udine, qui a émigré aux États-Unis puis au Mexique, d'où elle s'est exilée, émigrant en Allemagne, en Russie et en Espagne, avant de retourner au Mexique, où elle est morte à l'âge de 46 ans seulement.

Les 300 œuvres exposées à Turin témoignent de la polyvalence de Modotti, de ses particularités artistiques, de sa curiosité, de sa participation et de sa liberté. Au cours de sa courte mais intense carrière, elle a su capter l'intensité et les contrastes des mondes qu'elle a traversés, exprimés à travers des portraits de la vie quotidienne, mais aussi et surtout en racontant l'injustice, le travail, l'activisme politique, la pauvreté et les contradictions du progrès et de la transition vers la modernité.

L'exposition de CAMERA a également une pertinence documentaire, car elle rassemble divers matériaux inédits, des vidéos, des magazines, des documents, des coupures de presse, des portraits de l'artiste, ainsi que des photographies datant de la première et unique exposition de Tina Modotti en 1929, qui témoignent de l'art de la photographe et lui rendent justice.

L'exposition est accompagnée d'un riche catalogue publié par Dario Cimorelli Editore.

Dal 16 ottobre 2024 gli spazi del Centro accolgono la mostra Tina Modotti. L’opera, a cura di Riccardo Costantini – promossa da Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo e realizzata in collaborazione con Cinemazero – dedicata a una delle figure più rilevanti della fotografia del XX secolo.

Il percorso espositivo si snoda intorno all’avventurosa vita della fotografa, nata da un’umile famiglia di Udine, poi emigrata negli Stati Uniti e successivamente in Messico, da dove è stata esiliata, migrando in Germania, Russia, Spagna, per poi ritornare in Messico, dove si è spenta a soli 46 anni.

Le 300 opere esposte a Torino raccontano la poliedricità, le peculiarità artistiche, l’indole curiosa, partecipe e libera di Modotti, che durante la sua breve ma intensa carriera è riuscita a catturare l’intensità e i contrasti dei mondi che ha attraversato, espressi con ritratti di vita quotidiana, ma anche e soprattutto raccontando l’ingiustizia, il lavoro, l’attivismo politico, la povertà, le contraddizioni del progresso e del passaggio alla modernità.

La mostra di CAMERA ha inoltre una rilevanza dal punto di vista documentale, in quanto raccoglie diversi materiali inediti, video, riviste, documenti, ritagli di quotidiani, ritratti dell’artista, nonché fotografie che risalgono alla prima e unica esposizione che realizzò Tina Modotti nel 1929 e che testimoniano e rendono giustizia all’arte della fotografa.

La mostra è accompagnata da un ricco catalogo edito da Dario Cimorelli Editore.

From October 16, 2024, the Center's spaces will host the exhibition Tina Modotti. The Work, curated by Riccardo Costantini-promoted by Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo and realized in collaboration with Cinemazero-dedicated to one of the most relevant figures in 20th-century photography.

The exhibition unfolds around the adventurous life of the photographer, who was born to a humble family in Udine, then emigrated to the United States and later to Mexico, from where she was exiled, migrating to Germany, Russia, Spain, and then back to Mexico, where she passed away at the age of only 46.

The 300 works on display in Turin tell the story of Modotti's multifaceted nature, artistic peculiarities, and curious, participatory and free-spirited nature, which during her short but intense career managed to capture the intensity and contrasts of the worlds she traversed, expressed through portraits of everyday life, but also and above all by recounting injustice, labor, political activism, poverty, and the contradictions of progress and the transition to modernity.

CAMERA's exhibition also has relevance from a documentary point of view, as it brings together various unpublished materials, videos, magazines, documents, newspaper clippings, portraits of the artist, as well as photographs dating back to the first and only exhibition that Tina Modotti made in 1929, which testify and do justice to the photographer's art.

The exhibition is accompanied by a rich catalog published by Dario Cimorelli Editore.

(Text: CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

Leica Galerie Konstanz
19. Oktober 2024 – 13. Januar 2025

Magie des Lichts – Fotografien von 1942 – 1987
Pan Walther

Portrait, Landschaft und Fotografik stehen im Mittelpunkt des jahrzehntelangen Schaffens von Pan Walther. Aufnahmen mit harten Schwarz-Weiß-Kontrasten, Gegenlicht, Unter- oder Aufsichten, Verfremdungseffekten sind charakteristisch für den Künstler, der sich Lichtbildner nannte und das Bilden mit Licht wörtlich nahm. Sein Umgang mit dem Medium ist erfinderisch, kreativ, experimentell, ja spielerisch. Ausgebildet in den Niederlanden und bei Franz Fiedler in seiner Heimatstadt Dresden sowie beeinflusst von der großen Portraitkunst Hugo Erfurths, entwickelt er in den 1940er Jahren eine eigene Methode, die sich keiner Stilrichtung eindeutig zuordnen lässt.

Für seine Portraits wählt Walther neutrale Hintergründe und meist enge Ausschnitte. Den Aufnahmen gehen Licht- und Perspektivstudien voraus. Bei Wilhelm Rudolph konzentriert er sich auf das Profil des Malers. Die raffinierte Lichtregie erforscht und betont die markanten Züge und sie erzeugt eine plastische Wirkung aus Höhen und Tiefen. Einfühlsam und ausdrucksstark ist auch das Halbporträt Josef Hegenbarths, eher eine Beobachtung aus dem Augenblick heraus, die den Maler in zeichnerischer Versunkenheit durchdringt.

1950 zieht Walther mit seiner Frau, der Fotografin Christine Bellmann, aus politischen Gründen von Dresden nach Münster und gründet mit ihr ein neues Atelier, das er bis 1985 betreibt. Neben den Bildnissen berühmter Zeitgenossen, darunter Otto Dix und Willy Brandt, rückt nun auch die Landschafts- und Reisefotografie in den Fokus. Besonders der Mittelmeerraum hat es ihm angetan. In der Türkei fängt er den Zauber antiker Kultstätten ein. Sein Hauptaugenmerk gilt aber weiterhin den Menschen. Wie im Atelier sucht er auch draußen die intensive und lebendige Begegnung mit den Protagonisten. Häufig reist er nach Saintes-Maries-de-la-Mer in der Carmargue, wo sich Sinti und Roma zur Wallfahrt einfinden. Ihre Lebensweise und ihr Temperament kommen dem Freigeist Walther sehr nahe. Als würde er an ihrem Leben teilhaben, erzählt er in atmosphärisch dichten, teils poetischen Bildern von ihren Bräuchen zu Ehren ihrer Schutzpatronin, der schwarzen Sara.

Bis zu seinem Weggang aus Dresden experimentiert Walther auch mit Edeldrucken. Die Kopierverfahren mit feinen Tonabstufungen und reizvollen Oberflächenstrukturen haben eine malerische Anmutung. An ihre Stelle treten formstrenge Bilder mit expressiven schwarzen und weißen Flächenaufteilungen. Die Arbeit in der Dunkelkammer bleibt essentiell, erst hier erhält das Bild durch den gekonnten Einsatz technischer Verfahren seine endgültige Form. In seinen Fotografiken reizt er die Wirkungskraft der künstlerischen Gestaltungsmittel bis zum Äußersten aus, wovon Landschaftsaufnahmen aus Kappadokien oder von der Insel Krk zeugen.

Bis etwa 1980 favorisiert Walther das Einzelbild und steht hinter der Kamera. Dann wechselt er die Seiten, wird sein eigenes Modell und inszeniert sich in verschiedenen Rollen. Mal steht er auf einem wackeligen Podest, entblößt bis auf ein paar Streifen lumpigen Tuchs, mal ist sein nackter Körper von Sonnenblumen und Kohl umhüllt. Die clownesken Auftritte wirken wie eine Ironie gegen sich selbst, können aber auch als eine Art hilfloser Protest gegen die Widrigkeiten des Lebens gelesen werden. Er selbst spricht von seinen Aktionen als liebenswerte Formen einer Abneigung gegen Strammstehen, Heldentum, Totschießenlassen und falsches Ehrgefühl.

Alle ausgestellten Fotografien stammen von der Aufnahme bis zum fertigen Abzug aus der Hand Walthers. Seine Prinzipien und seine Arbeitsweise hat er 1981 und 1986 in „Sehen, Empfinden, Gestalten“ und „Künstlerische Porträt-Fotografie“ in Bild und Text treffend dargestellt.

Le portrait, le paysage et la photographie sont au cœur de l'œuvre de Pan Walther, qui s'étend sur plusieurs décennies. Les prises de vue avec des contrastes durs en noir et blanc, des contre-jours, des contre-plongées ou des vues en plongée, des effets de distanciation sont caractéristiques de l'artiste qui se disait photographe de lumière et prenait au pied de la lettre la création d'images avec la lumière. Son utilisation du médium est inventive, créative, expérimentale, voire ludique. Formé aux Pays-Bas et auprès de Franz Fiedler dans sa ville natale de Dresde, et influencé par le grand art du portrait de Hugo Erfurth, il développe dans les années 1940 sa propre méthode, qui ne peut être clairement rattachée à aucun style.

Pour ses portraits, Walther choisit des arrière-plans neutres et des cadrages généralement serrés. Les prises de vue sont précédées d'études de lumière et de perspective. Dans le cas de Wilhelm Rudolph, il se concentre sur le profil du peintre. La mise en scène raffinée de la lumière explore et souligne les traits marquants et elle crée un effet plastique fait de hauteurs et de profondeurs. Le demi-portrait de Josef Hegenbarth est également sensible et expressif, il s'agit plutôt d'une observation de l'instant qui imprègne le peintre dans un état d'absorption par le dessin.

En 1950, Walther déménage de Dresde à Münster avec sa femme, la photographe Christine Bellmann, pour des raisons politiques, et fonde avec elle un nouvel atelier qu'il gère jusqu'en 1985. Outre les portraits de contemporains célèbres, dont Otto Dix et Willy Brandt, l'accent est désormais mis sur la photographie de paysages et de voyages. Il est particulièrement attiré par le bassin méditerranéen. En Turquie, il capture la magie des lieux de culte antiques. Mais son attention se porte toujours sur les gens. Comme dans son atelier, il cherche à rencontrer ses protagonistes à l'extérieur, de manière intense et vivante. Il se rend souvent aux Saintes-Maries-de-la-Mer, dans le Carmargue, où les Sinti et les Roms se retrouvent en pèlerinage. Leur mode de vie et leur tempérament sont très proches de l'esprit libre de Walther. Comme s'il participait à leur vie, il raconte leurs coutumes en l'honneur de leur patronne, Sara la noire, dans des visuels à l'atmosphère dense et parfois poétique.

Jusqu'à son départ de Dresde, Walther expérimente également des impressions nobles. Les procédés de copie avec de fines nuances de tons et de charmantes structures de surface ont un aspect pictural. Ils sont remplacés par des visuels aux formes strictes, avec des répartitions expressives de surfaces noires et blanches. Le travail en chambre noire reste essentiel, ce n'est qu'ici que le visuel prend sa forme définitive grâce à l'utilisation habile de procédés techniques. Dans ses photographies, il exploite à l'extrême la force d'impact des moyens de création artistique, comme en témoignent les paysages de Cappadoce ou de l'île de Krk.

Jusqu'en 1980 environ, Walther favorise la photo individuelle et se tient derrière l'appareil. Puis il change de camp, devient son propre modèle et se met en scène dans différents rôles. Tantôt il se tient sur un piédestal branlant, dénudé à l'exception de quelques bandes de tissu pouilleux, tantôt son corps nu est enveloppé de tournesols et de choux. Ses apparitions clownesques ressemblent à une ironie contre lui-même, mais peuvent aussi être lues comme une sorte de protestation impuissante contre l'adversité de la vie. Lui-même parle de ses actions comme des formes aimables d'aversion pour le garde-à-vous, l'héroïsme, le fait de se faire tuer et le faux sens de l'honneur.

Toutes les photographies exposées proviennent de la main de Walther, de la prise de vue jusqu'au tirage final. Il a exposé avec pertinence ses principes et sa méthode de travail en 1981 et 1986 dans « Sehen, Empfinden, Gestalten » et « Künstlerische Porträt-Fotografie », en images et en textes.

Ritratti, paesaggi e fotografie sono al centro dell'opera decennale di Pan Walther. Fotografie con aspri contrasti in bianco e nero, controluce, vedute dall'alto o dal basso ed effetti di straniamento sono caratteristiche dell'artista, che si definiva fotografo e prendeva alla lettera l'uso della luce. Il suo approccio al mezzo è inventivo, creativo, sperimentale, persino giocoso. Formatosi nei Paesi Bassi e con Franz Fiedler nella sua città natale, Dresda, e influenzato dalla grande ritrattistica di Hugo Erfurth, negli anni Quaranta sviluppò un proprio metodo che non può essere chiaramente classificato in uno stile particolare.

Per i suoi ritratti, Walther ha scelto sfondi neutri e soprattutto primi piani. Le fotografie sono precedute da studi sulla luce e sulla prospettiva. Nel caso di Wilhelm Rudolph, si concentra sul profilo del pittore. L'illuminazione sofisticata esplora ed enfatizza i tratti salienti e crea un effetto tridimensionale di altezze e profondità. Anche il mezzo ritratto di Josef Hegenbarth è sensibile ed espressivo, più che altro un'osservazione del momento che permea il disegno assorto del pittore.

Nel 1950, Walther si trasferisce da Dresda a Münster con la moglie, la fotografa Christine Bellmann, per motivi politici e fonda con lei un nuovo studio, che gestisce fino al 1985. Oltre ai ritratti di famosi contemporanei, tra cui Otto Dix e Willy Brandt, si dedicò alla fotografia di paesaggio e di viaggio. Era particolarmente appassionato della regione mediterranea. In Turchia ha catturato la magia degli antichi luoghi di culto. Tuttavia, la sua attenzione principale è ancora rivolta alle persone. Come in studio, cerca anche incontri intensi e vivaci con i protagonisti all'aperto. Si reca spesso a Saintes-Maries-de-la-Mer, nel Carmargue, dove Sinti e Rom si riuniscono in pellegrinaggio. Il loro stile di vita e il loro temperamento sono molto vicini allo spirito libero di Walther. Come se partecipasse alla loro vita, racconta le loro usanze in onore della loro patrona, Sara Nera, con immagini dense di atmosfera e talvolta poetiche.

Fino alla sua partenza da Dresda, Walther sperimenta anche la stampa fine. I processi di copiatura con sottili gradazioni tonali e attraenti strutture superficiali hanno un aspetto pittorico. Sono sostituite da immagini strettamente formali con aree espressive in bianco e nero. Il lavoro in camera oscura rimane essenziale; solo qui l'immagine assume la sua forma finale attraverso l'uso sapiente dei processi tecnici. Nelle sue fotografie ha spinto all'estremo la potenza del disegno artistico, come dimostrano le fotografie di paesaggi della Cappadocia o dell'isola di Krk.

Fino al 1980 circa, Walther prediligeva l'immagine singola e stava dietro la macchina fotografica. Poi ha cambiato faccia, è diventato il modello di se stesso e si è messo in scena in vari ruoli. A volte si trova su un piedistallo traballante, spogliato fino a qualche striscia di stoffa stracciata, altre volte il suo corpo nudo è ricoperto di girasoli e cavoli. Le performance clownesche sembrano un'ironia contro se stesso, ma possono anche essere lette come una sorta di protesta impotente contro le avversità della vita. Lui stesso parla delle sue azioni come di forme accattivanti di avversione allo stare sull'attenti, all'eroismo, alla fucilazione e a un falso senso dell'onore.

Tutte le fotografie esposte sono state realizzate da Walther dal momento in cui sono state scattate fino alla stampa finita. I suoi principi e metodi di lavoro sono stati descritti in modo appropriato nel 1981 e nel 1986 in “Sehen, Empfinden, Gestalten” e “Künstlerische Porträt-Fotografie”.

Portraits, landscapes and photography are the focus of Pan Walther's decades of work. Images with harsh black and white contrasts, backlighting, low-angle shots or high-angle shots, and alienation effects are characteristic of the artist, who called himself a “light shaper” and took the forming of light literally. His approach to the medium is inventive, creative, experimental, even playful. Trained in the Netherlands and by Franz Fiedler in his hometown of Dresden, and influenced by the great portraiture of Hugo Erfurth, he developed his own method in the 1940s that cannot be clearly assigned to any particular style.

For his portraits, Walther chooses neutral backgrounds and usually narrow sections. The photographs are preceded by light and perspective studies. In the case of Wilhelm Rudolph, he focuses on the painter's profile. The sophisticated lighting explores and emphasizes the striking features and creates a plastic effect of heights and depths. Josef Hegenbarth's half-length portrait is also empathetic and expressive, more of an observation of the moment, which penetrates the painter in graphic contemplation.

In 1950, Walther and his wife, the photographer Christine Bellmann, moved from Dresden to Münster for political reasons and set up a new studio with her, which he ran until 1985. In addition to portraits of famous contemporaries, including Otto Dix and Willy Brandt, he now also focused on landscape and travel photography. He was particularly taken with the Mediterranean region. In Turkey, he captures the magic of ancient places of worship. But his main focus continues to be on the people. As in his studio, he seeks out intense and lively encounters with the protagonists. He often travels to Saintes-Maries-de-la-Mer in the Carmargue, where Sinti and Roma gather for a pilgrimage. Their way of life and temperament are very close to the free spirit Walther. As if he were part of their lives, he tells of their customs in honor of their patron saint, Black Sara, in atmospherically dense, sometimes poetic images.

Until he left Dresden, Walther also experimented with noble prints. The copying processes with fine tonal gradations and charming surface structures have a painterly look. They are replaced by austere images with expressive black and white surface divisions. The work in the darkroom remains essential; it is only here that the image takes on its final form through the skillful use of technical processes. In his photographics, he pushes the effectiveness of the artistic means of design to the limit, as evidenced by landscape photographs from Cappadocia or the island of Krk.

Until around 1980, Walther favored the single image and stood behind the camera. Then he changed sides, becoming his own model and staging himself in various roles. Sometimes he stands on a wobbly pedestal, naked except for a few strips of ragged cloth; sometimes his naked body is wrapped in sunflowers and cabbages. The clownish performances seem ironic to themselves, but can also be read as a kind of helpless protest against the adversities of life. He himself speaks of his actions as an endearing form of aversion to standing at attention, heroism, being shot dead and false honor.

Walther was responsible for every step of the process from taking the photograph to producing the finished print. In 1981 and 1986, he aptly presented his principles and working methods in text and visual form in his books “Sehen, Empfinden, Gestalten” (Seeing, Feeling, Creating) and “Künstlerische Porträt-Fotografie” (Artistic Portrait Photography).

(Text: Dorothea Cremer-Schacht)

Huis Marseille - Museum for Photography | Amsterdam
19. Oktober 2024 – 16. Februar 2025

Shadow Self - Portal to a Parallel World
Shuang Li, Charmaine Poh, Heesoo Kwon, Xiaopeng Yuan, Diane Severin Nguyen

„Wo beginnt ein Bild und wo endet es?“ Eine Frage - und eine Verantwortung - für zeitgenössische Künstler, die sich neuer Medien und Technologien wie der generativen KI bedienen. In Shadow Self untersuchen fünf Künstler diese entscheidende Frage aus einer persönlichen Perspektive.

Shadow Self wählt fünf Künstler aus, deren Arbeiten Parallelwelten aus einem persönlichen oder sogar autobiografischen Blickwinkel untersuchen. Das 'Schattenselbst', das in diesen Parallelwelten existiert, ist kein schwarzer Schatten, der der Geisterwelt eines Fantasy-Romans entkommen ist, sondern eine Öffnung in die Vorstellungskraft, ein Portal zu einer Welt, die von den Geistern der menschlichen Kreativität bevölkert wird. Das Bild weist den Weg in eine andere Dimension. Wie ist es, wenn man im Internet dauerhaft als das 12-jährige Kind existiert, das man einmal war, wie es der Künstlerin Charmaine Poh passiert ist? Was passiert, wenn die Geister der weiblichen Vorfahren plötzlich im täglichen Leben auftauchen, wie in der Arbeit von Heesoo Kwon? Dies sind nur zwei der Themen, die in der Ausstellung Shadow Self behandelt werden.

Physisch abwesend, virtuell anwesend
Ein Computerbildschirm war für die chinesische Künstlerin Shuang Li (1990) der einzige Zugang zur Welt außerhalb der kleinen Industriestadt in den Wuyi-Bergen, in der sie aufwuchs. Ihr Leben änderte sich, als sie die amerikanische Pop-Punk/Emo-Band My Chemical Romance entdeckte, deren Texte ihre Gefühle perfekt auszudrücken schienen. Shuang Li lernte Englisch durch ihre Aktivitäten in einem Internet-Fanforum. Die Subkultur des „Fandoms“ bildet auch weiterhin die Grundlage ihrer Arbeit, die Performance, Skulpturen, Videos und eine interaktive Website umfasst. Im Jahr 2022, als die Covid-Reisebeschränkungen sie in Europa hielten, schickte sie zwanzig Performer als ihre Avatare zu einer Galerieeröffnung in Shanghai. Sie waren identisch gekleidet: ein My Chemical Romance-T-Shirt über einem weißen Hemd, ein schwarzer Blazer, ein karierter Rock, schwarze Stiefel, Stulpen und ein silberfarbener Rucksack. Bei der Eröffnung lasen sie eine persönliche Nachricht von Li an ihre Freunde vor, und ihre Aktionen wurden mit einer The Matrix-ähnlichen Spionage-Cam-Brille aufgenommen. Das Video Déja Vu, das aus dieser Performance hervorging, reflektiert Lis fließende Existenz zwischen verschiedenen Städten, während Abriegelungen und Grenzschließungen, als Computerbildschirme ihr trotz ihrer physischen Abwesenheit eine virtuelle Präsenz verliehen. Im zweiten Video der Ausstellung, My Way Home Is through You (2023), verbindet Shuang Li Erinnerungen an ihre Jugend in China mit dem Cover eines Familienalbums und dem darin enthaltenen Bild eines Schweizer Schlosses, von dem sie später erfuhr, dass es eigentlich ein Jugendgefängnis war. Themen wie Gefangenschaft und die Allgegenwart von Archivbildern werden mit der Erforschung von Nostalgie, Heimweh, Gefühlen der Beengtheit und der Verwischung der Unterschiede zwischen Zeit und Entfernung kombiniert.

Zurück zur Kindheit im Werk von Charmaine Poh, Heesoo Kwon und Chino Otsuka
Es ist bemerkenswert, wie viele zeitgenössische Künstler in ihren Werken ihre Kindheit quasi wieder aufleben lassen. In den frühen 2000er Jahren war die in Singapur geborene Charmaine Poh (1990) ein Kinderstar in der Fernsehserie We Are R.E.M. Diese Erfahrung bildet die Grundlage für ihr Video GOOD MORNING YOUNG BODY (2023), in dem die ewig 12-jährige Figur E-Ching ein Deepfake ist, das aus im Internet gefundenem Filmmaterial von Pohs jüngerem Ich stammt. In dem Video reagiert E-Ching auf die öffentlichen Kommentare und die Kritik, der sie zu dieser Zeit ausgesetzt war. Charmaine Poh nutzt Film, Fotografie und Performance, um sich mit den vielen Fragen rund um den virtuellen Besitz auseinanderzusetzen. Das Projekt überschneidet sich auch mit ihrer Doktorarbeit über den queeren asiatischen Körper und seine digitale Darstellung.

Aus Frustration über die patriarchalische koreanische Kultur und den Katholizismus, in dem ihre Mutter, Großmutter und Urgroßmütter lebten, schuf die koreanische Künstlerin Heesoo Kwon (1990) 'Leymusoom', eine autobiografische feministische Religion. Indem sie eine Verbindung zu Schlangen herstellte, die ihre alte Haut abstreifen, visualisierte sie Leymusoom als eine fließende Einheit zwischen Schlange und Frau. Wie ein Reptil häuten sie sich in einem Prozess der Metamorphose und werden als queere Körper wiedergeboren, ohne die Last früherer Leben und des Patriarchats. In Lentikulardrucken, die Kwons Familienfotos aus ihrer Kindheit nachbilden, sehen wir Avatare ihrer weiblichen Vorfahren und Leymusoom, die als Schutzgötter erscheinen und wieder verschwinden. Kwon verwendet diese Avatare in ihren Videoarbeiten, um die Grenzen zwischen Zeit und Raum zu verwischen. Sie historisiert ihre matriarchalischen Abstammungslinien und schafft gleichzeitig eine gemeinschaftliche digitale Welt der Selbstbeobachtung für das Publikum, den Avatar und sich selbst. Über die Linsenrasterbildserie hinaus erweitert Kwon die Körperlichkeit ihrer eigenen Kindheitsfotos und hinterfragt deren Wahrheitsgehalt, indem sie Kompositionstechniken in Photoshop und das generative KI-Tool Adobe Firefly einsetzt. Firefly fungiert als Kollaborateur und Therapeut, der der Künstlerin hilft, ganzheitliche Rekonstruktionen des Hauses ihrer Kindheit zu schaffen. Dabei erweitert sie den ursprünglichen Blickwinkel der Kindheitsfotos, fügt Möbel aus der Umgebung hinzu und verzerrt die Körperteile der abgebildeten Familienmitglieder. Indem sie introspektive Fantasiewelten erschafft, die die koreanische Geschichte und das Familienarchiv re-historisieren, beleuchtet Kwon das Unsichtbare und ermöglicht es der Künstlerin, die Befreiung ihrer Vorfahren und ihres Selbst von der historischen Unterdrückung, die im Patriarchat wurzelt, zu verwirklichen.

Ein Pionier dieser Art von virtueller Zeitreise ist der japanische Künstler Chino Otsuka (1972), von dem einige seiner Fotografien in der Sammlung des Huis Marseille zu sehen sind. Otsuka hatte eine ungewöhnliche Kindheit, denn sie unternahm viele Reisen zusammen mit ihren Eltern. Im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts besuchte sie als Erwachsene erneut die Orte, die ihre Eltern 25 Jahre zuvor als Kind fotografiert hatten, und schuf neue fotografische Arbeiten, die ihr jüngeres und älteres Ich in einem einzigen Bild vereinen.

Das Bild als Portal
Ein Bild, das nicht virtuell ist, sondern mit einer analogen oder digitalen Kamera erstellt wurde, kann auch als Portal zu einem unbekannten Universum fungieren, das den Eindruck erweckt, als läge es hinter der sichtbaren Welt verborgen. Im Rahmen kommerzieller Fotoshootings schafft der chinesische Künstler Xiaopeng Yuan (1987) neue und unerwartete Geschichten durch die Manipulation von Körpern und Objekten im Raum und in unwahrscheinlichen Kombinationen. Die reine, saubere Sprache seiner Modefotografie steigert die Suggestivität seiner Bilder, denn Yuans ungewöhnliche Kombinationen regen zum Nachdenken über die Welt außerhalb des Fotorahmens an.

Die vietnamesisch-amerikanische Künstlerin Diane Severin Nguyen (1990) spricht von den „Wunden“ und „Brüchen“ im Bild, die sie für die Kamera mit ungewöhnlichen oder beunruhigenden Materialien, mit leuchtenden, feurigen Farben und in sinnliches Licht getaucht schafft. Die Kamera nimmt das Bild auf, und der Akt beinhaltet ein gewisses Maß an Gewalt. Der in der Ausstellung gezeigte Film Tyrant Star ist voller gesättigter Bilder, die ein mysteriöses, paralleles Leben zu verbergen scheinen, das ein Schnitt offenbaren würde.

« Où commence et où finit une image ? Une question - et une responsabilité - pour les artistes contemporains qui utilisent les nouveaux médias et les technologies telles que l'IA générative. Dans Shadow Self, cinq artistes examinent cette question cruciale d'un point de vue personnel.

Shadow Self choisit cinq artistes dont le travail explore des mondes parallèles d'un point de vue personnel, voire autobiographique. L'« ombre de soi » qui existe dans ces mondes parallèles n'est pas une ombre noire échappée du monde fantomatique d'un roman fantastique, mais une ouverture sur l'imagination, un portail vers un monde peuplé par les esprits de la créativité humaine. L'image indique le chemin vers une autre dimension. Qu'est-ce que cela signifie d'exister en permanence sur l'internet comme l'enfant de 12 ans que vous avez été, comme cela est arrivé à l'artiste Charmaine Poh ? Que se passe-t-il lorsque les fantômes d'ancêtres féminins apparaissent soudainement dans la vie quotidienne, comme dans l'œuvre de Heesoo Kwon ? Ce ne sont là que deux des thèmes explorés dans l'exposition Shadow Self.

Absence physique, présence virtuelle
Pour l'artiste chinoise Shuang Li (1990), l'écran d'ordinateur était le seul moyen d'accéder au monde extérieur à la petite ville industrielle des montagnes de Wuyi où elle a grandi. Sa vie a changé lorsqu'elle a découvert le groupe américain pop-punk/emo My Chemical Romance, dont les paroles semblaient exprimer parfaitement ses sentiments. Shuang Li a appris l'anglais grâce à ses activités sur un forum de fans sur Internet, et la sous-culture du « fandom » continue de former la base de son travail, qui englobe la performance, la sculpture, la vidéo et un site web interactif. En 2022, alors que les restrictions de voyage de Covid la retenaient en Europe, elle a envoyé vingt performeurs comme avatars à l'ouverture d'une galerie à Shanghai. Ils étaient vêtus à l'identique, d'un t-shirt My Chemical Romance sur une chemise blanche, d'un blazer noir, d'une jupe à carreaux, de bottes noires, de jambières et d'un sac à dos argenté. Lors de l'ouverture, ils ont lu un message personnel de Li à ses amis, et leurs actions ont été enregistrées à l'aide de lunettes espionnes semblables à celles de The Matrix. La vidéo qui a résulté de cette performance, Déja Vu, reflète l'existence fluide de Li entre différentes villes, pendant les périodes de bouclage et de fermeture des frontières, lorsque les écrans d'ordinateur lui donnaient une présence virtuelle en dépit de son absence physique. Dans la deuxième vidéo de l'exposition, My Way Home Is through You (2023), Shuang Li relie les souvenirs de sa jeunesse en Chine à la couverture d'un album de photos de famille et à l'image d'un château suisse, dont elle a découvert plus tard qu'il s'agissait en fait d'une prison pour mineurs. Des thèmes tels que l'emprisonnement et l'omniprésence des images d'archives sont associés à des recherches sur la nostalgie, le mal du pays, le sentiment d'enfermement et l'estompement des distinctions entre le temps et la distance.

Retour à l'enfance dans les œuvres de Charmaine Poh, Heesoo Kwon et Chino Otsuka
Il est remarquable de constater que de nombreux artistes contemporains ressuscitent virtuellement leur enfance dans leur travail. Au début des années 2000, Charmaine Poh (1990), née à Singapour, a été un enfant acteur dans la série télévisée We Are R.E.M. Cette expérience est à la base de sa vidéo GOOD MORNING YOUNG BODY (2023), dans laquelle le personnage E-Ching, éternellement âgé de 12 ans, est un deepfake dérivé de séquences du jeune moi de Poh trouvées sur Internet. Dans la vidéo, E-Ching répond aux commentaires du public et à l'examen minutieux dont elle a fait l'objet à l'époque. Charmaine Poh utilise le cinéma, la photographie et la performance pour aborder les nombreuses questions liées à la propriété virtuelle. Cela recoupe également ses recherches de doctorat sur le corps asiatique queer et sa représentation numérique.

Frustrée par la culture patriarcale coréenne et le catholicisme dans lesquels vivaient sa mère, sa grand-mère et ses arrière-grands-mères, l'artiste coréenne Heesoo Kwon (1990) a créé « Leymusoom », une religion féministe autobiographique. Faisant le lien avec les serpents qui se débarrassent de leur vieille peau, elle a imaginé Leymusoom comme une entité fluide entre le serpent et la femme. Comme un reptile, elles perdent leur peau dans un processus de métamorphose, renaissant en tant que corps queer sans le fardeau des vies antérieures et du patriarcat. Dans les impressions lenticulaires qui réimaginent les photographies de famille de l'enfance de Kwon, nous voyons des avatars de ses ancêtres féminines et de Leymusoom, qui apparaissent et disparaissent comme des dieux protecteurs. Kwon utilise ces avatars dans ses œuvres vidéo pour brouiller les frontières entre le temps et l'espace, historicisant ses lignées matriarcales tout en créant un monde numérique commun d'introspection pour le public, l'avatar et soi-même. Au-delà de la série d'images lenticulaires, Kwon élargit la physicalité et remet en question la véracité de la mémoire de ses propres photos d'enfance en utilisant des techniques composites dans Photoshop et l'outil d'IA générative Adobe Firefly. Firefly agit comme un collaborateur et un thérapeute, aidant l'artiste à créer des reconstructions holistiques de la maison de son enfance - en étendant le point de vue original des photos d'enfance, en ajoutant les meubles environnants et en déformant les parties du corps des membres de la famille représentés. En créant des mondes fantastiques introspectifs qui réhistoricisent l'histoire coréenne et les archives familiales, Kwon illumine l'invisible, permettant à l'artiste d'actualiser la libération de ses ancêtres et de sa propre personne de l'oppression historique enracinée dans le patriarcat.

L'artiste japonais Chino Otsuka (1972), dont certaines photographies font partie de la collection de l'Huis Marseille, est un pionnier de ce type de voyage virtuel dans le temps. Otsuka a eu une enfance inhabituelle, en raison des nombreux voyages qu'elle a effectués avec ses parents. Au cours de la première décennie du XXIe siècle, elle a revisité, en tant qu'adulte, les endroits où ses parents l'avaient photographiée enfant, 25 ans plus tôt, et a créé de nouvelles œuvres photographiques qui réunissent en une seule image son moi jeune et son moi plus âgé.

L'image comme portail
Une image qui n'est pas virtuelle, mais qui a été créée à l'aide d'un appareil photo analogique ou numérique, peut également fonctionner comme un portail vers un univers inconnu qui donne l'impression de se cacher derrière le monde visible. Dans le contexte des séances de photos commerciales, l'artiste chinois Xiaopeng Yuan (1987) crée des histoires nouvelles et inattendues en manipulant des corps et des objets dans l'espace et dans des combinaisons improbables. Le langage pur et épuré de ses photographies de mode augmente en fait le caractère suggestif de ses images, car les combinaisons inhabituelles de Yuan nous font réfléchir au monde qui se trouve en dehors du cadre de la photo.

L'artiste vietnamienne-américaine Diane Severin Nguyen (1990) parle de « blessures » et de « ruptures » dans l'image qu'elle crée pour l'appareil photo en utilisant des matériaux inhabituels ou déconcertants, des couleurs vives et ardentes et une lumière sensuelle. La caméra enregistre l'image et l'acte comporte un certain degré de violence. Le film Tyrant Star présenté dans l'exposition est rempli d'images saturées qui semblent cacher une vie parallèle et mystérieuse, qu'une incision révélerait.

“Dove inizia e dove finisce un'immagine?”. Una domanda - e una responsabilità - per gli artisti contemporanei che fanno uso di nuovi media e tecnologie come l'AI generativa. In Shadow Self cinque artisti esaminano questa questione cruciale da una prospettiva personale.

Shadow Self sceglie cinque artisti il cui lavoro indaga mondi paralleli da un punto di vista personale o addirittura autobiografico. Il 'sé ombra' che esiste in questi mondi paralleli non è un'ombra nera sfuggita dal mondo spettrale di un romanzo fantasy, ma un'apertura nell'immaginazione, un portale verso un mondo popolato dagli spiriti della creatività umana. L'immagine indica la strada verso un'altra dimensione. Cosa significa esistere in modo permanente su Internet come la bambina di 12 anni che si era una volta, come è successo all'artista Charmaine Poh? Cosa succede quando i fantasmi degli antenati femminili appaiono improvvisamente nella vita quotidiana, come nel lavoro di Heesoo Kwon? Questi sono solo due dei temi esplorati nella mostra Shadow Self.

Fisicamente assente, virtualmente presente
Lo schermo di un computer ha offerto all'artista cinese Shuang Li (1990) il suo unico accesso al mondo al di fuori della piccola città industriale sulle Montagne Wuyi dove è cresciuta. La sua vita è cambiata quando ha scoperto il gruppo pop-punk/emo americano My Chemical Romance, i cui testi sembravano esprimere perfettamente i suoi sentimenti. Shuang Li ha imparato l'inglese grazie alle sue attività in un forum di fan su Internet, e la sottocultura 'fandom' continua a costituire la base del suo lavoro, che comprende performance, sculture, video e un sito web interattivo. Nel 2022, quando le restrizioni di viaggio Covid la trattenevano in Europa, ha inviato venti performer come suoi avatar all'inaugurazione di una galleria a Shanghai. Erano vestiti in modo identico, con una maglietta dei My Chemical Romance sopra una camicia bianca, un blazer nero, una gonna a scacchi, stivali neri, scaldamuscoli e uno zaino color argento. All'apertura hanno letto un messaggio personale di Li ai suoi amici, e le loro azioni sono state registrate con occhiali spy-cam simili a quelli di The Matrix. Il video che è nato da questa performance, Déja Vu, riflette sull'esistenza fluida di Li tra diverse città, durante le serrate e i periodi di chiusura dei confini, quando gli schermi dei computer le davano una presenza virtuale nonostante la sua assenza fisica. Nel secondo video della mostra, My Way Home Is through You (2023), Shuang Li collega i ricordi della sua giovinezza in Cina alla copertina di un album fotografico di famiglia e alla sua immagine di repertorio di un castello svizzero, che poi ha scoperto essere in realtà un carcere minorile. Temi come la prigionia e l'ubiquità delle immagini di repertorio sono combinati con la ricerca sulla nostalgia, la nostalgia di casa, i sentimenti di confinamento e l'offuscamento delle distinzioni tra tempo e distanza.

Ritorno all'infanzia nel lavoro di Charmaine Poh, Heesoo Kwon e Chino Otsuka
È notevole come molti artisti contemporanei stiano virtualmente resuscitando la loro infanzia nelle loro opere. All'inizio degli anni 2000, Charmaine Poh (1990), nata a Singapore, è stata un'attrice bambina nella serie televisiva We Are R.E.M. L'esperienza costituisce la base del suo video GOOD MORNING YOUNG BODY (2023), in cui il personaggio E-Ching, eternamente dodicenne, è un deepfake derivato da filmati dell'io più giovane di Poh trovati su Internet. Nel video E-Ching risponde ai commenti e agli sguardi del pubblico a cui era esposta all'epoca. Charmaine Poh utilizza il cinema, la fotografia e la performance per affrontare le numerose questioni che circondano la proprietà virtuale. Si sovrappone anche alla sua ricerca di dottorato sul corpo asiatico queer e la sua rappresentazione digitale.

Frustrata dalla cultura patriarcale coreana e dal cattolicesimo in cui vivevano sua madre, sua nonna e le sue bisnonne, l'artista coreana Heesoo Kwon (1990) ha creato 'Leymusoom', una religione femminista autobiografica. Tracciando un collegamento con i serpenti che si liberano della loro vecchia pelle, ha visualizzato Leymusoom come un'entità fluida tra serpente e donna. Come un rettile, si liberano della pelle in un processo di metamorfosi, rinascendo come corpi queer senza il peso delle vite precedenti e del patriarcato. Nelle stampe lenticolari che reimmaginano le fotografie di famiglia dell'infanzia di Kwon, vediamo gli avatar delle sue antenate e di Leymusoom, che appaiono e scompaiono come divinità protettrici. Kwon utilizza questi avatar nelle sue opere video per confondere i confini tra tempo e spazio, storicizzando i suoi lignaggi matriarcali e creando al contempo un mondo digitale comune di introspezione per il pubblico, l'avatar e il sé. Al di là della serie di immagini lenticolari, Kwon espande la fisicità e mette in discussione la veridicità della memoria all'interno delle sue foto d'infanzia, utilizzando tecniche composite in Photoshop e lo strumento di AI generativa Adobe Firefly. Firefly agisce come un collaboratore e un terapeuta, aiutando l'artista a creare ricostruzioni olistiche della sua casa d'infanzia - estendendo il punto di vista originale delle fotografie d'infanzia, aggiungendo mobili circostanti e distorcendo le parti del corpo dei membri della famiglia ritratti. Creando mondi fantastici introspettivi che ri-storicizzano la storia coreana e l'archivio familiare, Kwon illumina l'invisibile, permettendo all'artista di realizzare la liberazione dei suoi antenati e di se stessa dall'oppressione storica radicata nel patriarcato.

Un pioniere di questo tipo di viaggio virtuale nel tempo è l'artista giapponese Chino Otsuka (1972), alcune delle cui fotografie sono incluse nella collezione di Huis Marseille. Otsuka ha avuto un'infanzia insolita, a causa dei numerosi viaggi che ha fatto insieme ai suoi genitori. Nel primo decennio del XXI secolo ha rivisitato da adulta i luoghi che erano stati fotografati da bambina dai suoi genitori 25 anni prima, e ha creato nuove opere fotografiche che uniscono il suo io più giovane e quello più anziano in un'unica immagine.

L'immagine come portale
Un'immagine che non è virtuale, ma che è stata creata con una fotocamera analogica o digitale, può anche funzionare come un portale verso un universo sconosciuto che dà l'impressione di essere nascosto dietro il mondo visibile. Nel contesto dei servizi fotografici commerciali, l'artista cinese Xiaopeng Yuan (1987) crea storie nuove e inaspettate attraverso la manipolazione di corpi e oggetti nello spazio e in combinazioni improbabili. Il linguaggio puro e pulito della sua fotografia di moda aumenta in realtà la suggestività delle sue immagini, in quanto le combinazioni insolite di Yuan fanno pensare al mondo al di fuori della cornice della foto.

L'artista vietnamita-americana Diane Severin Nguyen (1990) parla di 'ferite' e 'rotture' nell'immagine che crea per la macchina fotografica utilizzando materiali insoliti o sconcertanti, con colori brillanti e infuocati e inondati di luce sensuale. La telecamera registra l'immagine e l'atto comporta un certo grado di violenza. Il film Tyrant Star presentato in mostra è ricco di immagini sature che sembrano nascondere una vita misteriosa e parallela, che un'incisione rivelerebbe.

“Where does an image begin and where does it end?” A question – and a responsibility – for contemporary artists who make use of new media and technologies such as generative AI. In Shadow Self five artists examine this crucial issue from a personal perspective.

Shadow Self chooses five artists whose work investigates parallel worlds from a personal or even autobiographical standpoint. The ‘shadow self’ that exists in these parallel worlds is not a black shadow escaped from the ghostly world of a fantasy novel, but an opening into imagination, a portal to a world populated by the spirits of human creativity. The image points the way to another dimension. What is it like to exist permanently on the internet as the 12-year-old child you once were, as happened to the artist Charmaine Poh? What happens when the ghosts of female ancestors suddenly appear in daily life, as in work by Heesoo Kwon? These are just two of the topics explored in the exhibition Shadow Self.

Physically absent, virtually present
A computer screen offered the Chinese artist Shuang Li (1990) her only access to the world outside the small industrial town in the Wuyi Mountains where she grew up. Her life changed when she discovered the American pop-punk/emo band My Chemical Romance, whose lyrics seemed to express her feelings perfectly. Shuang Li learned English through her activities on an internet fan forum, and ‘fandom’ subculture continues to form the base of her work, encompassing performance, sculpture, video, and an interactive website. In 2022, when Covid travel restrictions kept her in Europe, she sent twenty performers as her avatars to a gallery opening in Shanghai. They were dressed identically, in a My Chemical Romance t-shirt over a white shirt, a black blazer, a checkered skirt, black boots, legwarmers, and a silver-coloured backpack. At the opening they read out a personal message from Li to her friends, and their actions were recorded with The Matrix-like spy-cam glasses. The video that resulted from this performance, Déja Vu, reflects on Li’s fluid existence between different towns, during lockdowns and closed-border periods, when computer screens gave her a virtual presence despite her physical absence. In the second video in the exhibition, My Way Home Is through You (2023), Shuang Li links memories of her youth in China to the cover of a family photo album and its stock image of a Swiss castle, which she later discovered was actually a juvenile prison. Themes such as imprisonment and the ubiquity of stock images are combined with research into nostalgia, homesickness, feelings of confinement, and the blurring of distinctions between time and distance.

Back to childhood in the work of Charmaine Poh, Heesoo Kwon, and Chino Otsuka
It is remarkable how many contemporary artists are virtually resurrecting their childhoods in their work. In the early 2000s the Singapore-born Charmaine Poh (1990) was a child star actor in the television series We Are R.E.M. The experience forms the basis of her video GOOD MORNING YOUNG BODY (2023), in which the eternally 12-year-old character E-Ching is a deepfake derived from footage of Poh’s younger self found on the internet. In the video E-Ching responds to the public comments and scrutiny she was exposed to at the time. Charmaine Poh uses film, photography and performance to address the many issues surrounding virtual ownership. It also overlaps with her PhD research into the queer Asian body and its digital depiction.

Frustrated with the patriarchal Korean culture and Catholicism under which her mother, grandmother, and great-grandmothers lived, Korean artist Heesoo Kwon (1990) created ‘Leymusoom’, an autobiographical feminist religion. Drawing a connection to snakes shedding their old skin, she visualized Leymusoom as a fluid entity between snake and woman. Like a reptile, they shed their skin in a process of metamorphosis, reborn as queer bodies without the burden of previous lives and patriarchy. In lenticular prints that reimagine Kwon’s childhood family photographs, we see avatars of her female ancestors and Leymusoom, appear and disappear as patron gods. Kwon uses these avatars in her video works to blur boundaries between time and space, historicizing her matriarchal lineages while creating a communal digital world of introspection for the audience, avatar, and self. Beyond the lenticular image series, Kwon expands the physicality of and questions the veracity of memory within her own childhood photos by using composite techniques in Photoshop and the generative AI tool Adobe Firefly. Firefly acts as a collaborator and a therapist, helping the artist create holistic reconstructions of her childhood home — extending the original viewpoint of childhood photographs, adding surrounding furniture, and distorting the body parts of the pictured family members. In creating introspective fantasy worlds that re-historicize Korean history and the family archive, Kwon illuminates the invisible, allowing the artist to actualize the liberation of her ancestors and self from historical oppression rooted in patriarchy.

A pioneer in this sort of virtual time travel is the Japanese artist Chino Otsuka (1972), some of whose photographs are included in Huis Marseille’s own collection. Otsuka had an unusual childhood, because of the many journeys she made together with her parents. In the first decade of the 21st century she revisited as an adult the places she had been photographed as a child by her parents 25 years earlier, and created new photographic works that united her younger and older self in a single image.

The image as a portal
An image that is not virtual, but which has been created using an analogue or digital camera, may also function as a portal to an unfamiliar universe that gives the impression that it lies hidden behind the visible world. Within the context of commercial photoshoots the Chinese artist Xiaopeng Yuan (1987) creates new and unexpected stories through the manipulation of bodies and objects in space and in unlikely combinations. The pure, clean language of his fashion photography actually increases the suggestiveness of his images, as Yuan’s unusual combinations makes one think about the world outside the frame of the photo.

The Vietnamese-American artist Diane Severin Nguyen (1990) speaks of the ‘wounds’ and ‘ruptures’ in the image that she creates for the camera using unusual or disconcerting materials, with bright, fiery colours, and doused in sensual light. The camera records the image, and the act involves a certain degree of violence. The film Tyrant Star shown in the exhibition is full of saturated images that appear to conceal a mysterious, parallel life, one which an incision would reveal.

Dit najaar toont Huis Marseille Shadow Self – Portal to a Parallel World, met werk van Shuang Li (1990), Charmaine Poh (1990), Heesoo Kwon (1990), Xiaopeng Yuan (1987) en Diane Severin Nguyen (1990). ‘Waar begint een beeld en waar houdt het op?’ Dat is een vraag aan – en ook een verantwoordelijkheid van – hedendaagse kunstenaars die van nieuwe media en technologieën zoals generatieve AI gebruikmaken. In Shadow Self onderzoeken vijf kunstenaars deze essentiële vraag vanuit een persoonlijk perspectief.

Voor Shadow Self werden vijf kunstenaars uitgenodigd die vanuit een persoonlijke of zelfs autobiografische benadering parallelle werelden onderzoeken. Het ‘schaduwzelf’ dat zich in die parallelle wereld ophoudt, is hier geen zwarte schaduw die is ontsnapt uit het schimmenrijk van een fantasyroman, maar een opening naar de verbeelding, naar een wereld bevolkt door de geesten van de creativiteit. Het beeld wijst de weg naar een andere dimensie. Hoe is het om op internet eeuwig te blijven voortbestaan als het twaalfjarige kind dat je ooit was, zoals kunstenaar Charmaine Poh overkwam? Wat gebeurt er als de schimmen van vrouwelijke voorouders opeens opduiken in het dagelijks leven, zoals in het werk van Heesoo Kwon? Dit zijn slechts een paar van de onderwerpen die in de tentoonstelling Shadow Self aan de orde komen.

Fysiek afwezig maar virtueel aanwezig
Het computerbeeldscherm bood de Chinese kunstenaar Shuang Li (1990) de enige toegang tot de wereld buiten het kleine, industriële stadje in het Wuyi-berggebied waar ze opgroeide. Haar leven veranderde toen ze de Amerikaanse pop-punk/emoband My Chemical Romance ontdekte, die in hun songteksten haar gevoelens ultiem tot uitdrukking leken te brengen. Shuang Li leerde Engels via haar activiteiten op een forum voor fans op internet, en het fenomeen ‘fandom’ (ofwel: een subcultuur van fans) vormt nog steeds de basis van haar werk, dat performance, beeldhouwwerk, video en een interactieve website omvat. In 2022, toen ze vanwege Covid-reisbeperkingen in Europa moest blijven, stuurde ze twintig performers als haar avatars naar een galerieopening in Shanghai. Ze waren identiek gekleed in een My Chemical Romance-T-shirt over een wit hemd, met een zwarte blazer, een geruit rokje, zwarte laarzen, beenwarmers en een zilverkleurige rugzak. Op de opening moesten ze een persoonlijk bericht van Li aan haar vrienden voorlezen en hun acties werden met The Matrix-achtige spycambrillen vastgelegd. In de uit deze performance voortgekomen video Déja Vu wordt gereflecteerd op Li’s fluïde bestaan tussen steden, tijdens lockdowns en periodes van gesloten grenzen, wanneer beeldschermen haar ondanks fysieke afwezigheid virtueel aanwezig maken. In de tweede video die op de tentoonstelling te zien is, My Way Home Is through You (2023), verbindt Shuang Li herinneringen aan haar jeugd in China aan het omslag van een familiefotoalbum met een stockafbeelding van een Zwitsers kasteel, waarvan ze later ontdekte dat het in werkelijkheid een jeugdgevangenis is. Thema’s als gevangenzitten en de alomtegenwoordigheid van stockafbeeldingen vermengen zich met een onderzoek naar nostalgie, heimwee, het gevoel opgesloten te zijn en het vervagen van grenzen tussen tijd en afstand.

Terug naar de kindertijd in het werk Charmaine Poh, Heesoo Kwon en Chino Otsuka
Het is opvallend hoeveel hedendaagse kunstenaars hun kindertijd virtueel in hun werk laten herleven. De in Singapore geboren Charmaine Poh (1990) acteerde in de vroege jaren 2000 als kindsterretje in de televisieserie We Are R.E.M. Op deze ervaring baseerde ze haar video GOOD MORNING YOUNG BODY (2023), waarin het eeuwig twaalfjarige personage E-Ching als deepfake is ontstaan uit footage van Pohs jongere zelf die op internet rondzwierf. In de video reageert E-Ching op de publieke commentaren en kritiek waaraan ze in die tijd blootstond. Charmaine Poh richt zich met film, fotografie en performance op de veelheid aan kwesties rond virtueel eigenaarschap. Dit overlapt met haar promotieonderzoek naar het Aziatische queer lichaam en de digitale weergave hiervan.

Om uiting te geven aan haar frustratie over de patriarchale Koreaanse cultuur en het katholicisme waaronder haar moeder, grootmoeder en overgrootmoeders gebukt gingen, creëerde de Zuid-Koreaanse kunstenaar Heesoo Kwon (1990) een autobiografische feministische religie: Leymusoom. Naar analogie van de slang die haar oude huid afwerpt verbeeldde zij Leymusoom als een fluïde entiteit tussen slang en vrouw. In dit proces van metamorfose wordt het reptiel herboren als een queer lichaam, onbezwaard door vorige levens en het patriarchaat. In lenticulaire prints van Kwons familiefoto’s wordt haar kindertijd opnieuw verbeeld en zien we avatars van haar vrouwelijke voorouders en Leymusoom als beschermgoden verschijnen en weer verdwijnen. Kwon gebruikt deze avatars in haar videowerken om de grenzen tussen tijd en ruimte te vervagen, haar matriarchale afstamming te historiseren en tegelijkertijd een gemeenschappelijke digitale wereld van introspectie te creëren voor de kijker, de avatar en zichzelf. Naast deze lenticulaire druktechniek maakt Kwon ook gebruik van compositietechnieken in Photoshop en de generatieve AI-tool Adobe Firefly om in haar jeugdfoto’s de tastbaarheid van herinneringen te vergroten en de betrouwbaarheid van het geheugen te onderzoeken. Firefly fungeert daarbij als medewerker en therapeut en helpt de kunstenaar holistische reconstructies van haar kindertijd te maken door het oorspronkelijke gezichtspunt van de jeugdfoto’s uit te breiden, meubels toe te voegen en de lichaamsdelen van de afgebeelde familieleden te vervormen. Door introspectieve fantasiewerelden te creëren en aldus de Koreaanse geschiedenis en het familiearchief in een nieuw historisch perspectief te plaatsen, belicht Kwon het onzichtbare en kan zij haar voorouders en zichzelf bevrijden van de in het patriarchaat gewortelde onderdrukking.

Een voorloper is de Japanse kunstenaar Chino Otsuka (1972), van wie Huis Marseille foto’s in de collectie heeft. Otsuka beleefde een ongebruikelijke jeugd door de vele reizen die ze met haar ouders maakte. In het eerste decennium van de 21e eeuw bezocht ze als volwassene de plekken waar ze als kind zo’n 25 jaar eerder door haar ouders was gefotografeerd en maakte ze een nieuw fotowerk waarin haar jongere en oudere zelf op één beeld zijn samengebracht.

Het beeld als poort
Ook een beeld dat niet virtueel, maar met een analoge of digitale camera wordt gemaakt, kan fungeren als een portaal naar een onbekend universum waarvan de suggestie wordt gewekt dat het zich achter het zichtbare verschuilt. De Chinese kunstenaar Xiaopeng Yuan (1987) creëert binnen de context van commerciële fotoshoots nieuwe, onverwachte verhalen door de bijzondere manier waarop hij modellen en objecten bij elkaar brengt. De pure, cleane taal van zijn modefotografie draagt juist bij aan de suggestiviteit van het beeld, doordat Yuans ongebruikelijke combinaties de geest aan het denken zetten over zaken buiten het frame van de foto.

De Vietnamees-Amerikaanse kunstenaar Diane Severin Nguyen (1990) spreekt van ‘wonden’ en ‘breuken’ in het beeld dat ze voor de camera creëert met ongebruikelijke of vervreemdende materialen, met levendige, vurige kleuren en gedrenkt in sensueel licht. De camera legt de beelden vast en in die actie schuilt al een zekere mate van geweld. De film Tyrant Star die in de tentoonstelling getoond wordt, zit vol verzadigde beelden die een mysterieus, parallel leven in zich lijken te bergen dat zich via een snede zou kunnen openbaren.

(Text: Benjamin vanGaalen, Huis Marseille - Museum for Photography, Amsterdam)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
19. Oktober 2024 – 26. Januar 2025

Bilder und Fragmente
Binia Bill

Ambitioniert und selbstbewusst wandte sich Binia Bill (19041988) der Fotografie zu: Nach ihrer Ausbildung zur Konzertcellistin besuchte sie 1930 die Fotoklasse von Lucia Moholy an der Berliner Itten-Schule und arbeitete zurück in Zürich als freie Fotografin. 1931 heiratete sie den Architekten und Künstler Max Bill. Für den gemeinsamen Lebensunterhalt gestaltete das Ehepaar Werbeaufträge, für die sie das Bildmaterial produzierte und er Typografie und Layout entwarf. In den darauffolgenden Jahren schuf Binia Bill ein beachtliches fotografisches Werk: Ihre Porträtaufnahmen und Stillleben zeichnen sich durch eine klare Bildsprache aus, die mit der Ästhetik des «Neuen Sehens» verwandt ist. Das Interesse für Perspektiven und Oberflächen, für das Spiel mit Licht und Schatten verband Binia Bill jedoch mit einer ganz eigenen Sensibilität, die ihren Blick auf Objekte, Pflanzen, Tiere und Menschen prägte.

Als sie 1942 Mutter wurde, gab Binia Bill die Fotografie auf – ihr Werk geriet in Vergessenheit. Was davon erhalten ist, zeugt nicht nur von einer aussergewöhnlichen Schaffenskraft, sondern weist ihr auch einen wichtigen Platz in der Fotogeschichte zu. Sie gehört zu den wenigen Frauen in der Schweiz, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts professionell und künstlerisch mit der Kamera tätig waren. Genau zwei Jahrzehnte nach der ersten und bisher einzigen Retrospektive im Aargauer Kunsthaus ist es höchste Zeit, ihr Schaffen mit Einbezug unveröffentlichter Arbeiten neu zu würdigen.

C’est avec ambition et assurance que Binia Bill (1904–1988) se tourna vers la photographie. Après sa formation de violoncelliste, elle suivit en 1930 la classe de photographie de Lucia Moholy à l’école Itten de Berlin et travailla ensuite, de retour à Zurich, comme photographe indépendante. En 1931, elle épousa l’architecte et artiste Max Bill. Pour subvenir ensemble à leurs besoins, le couple réalisait des commandes publicitaires pour lesquelles elle produisait le matériel photographique, alors que lui concevait la typographie et la mise en page. Dans les années qui suivirent, Binia Bill créa une oeuvre photographique considérable : ses portraits et ses natures mortes se caractérisent par un langage visuel clair qui s’apparente à l’esthétique du mouvement de la « Neues Sehen ». L’intérêt de Binia Bill pour les perspectives et les surfaces, pour les jeux d’ombre et de lumière, était cependant accompagné d’une sensibilité toute particulière qui marqua son regard sur les objets, les plantes, les animaux et les hommes.

Lorsqu’elle devint mère en 1942, Binia Bill abandonna la photographie, et son œuvre tomba dans l’oubli. Ce qui en reste témoigne non seulement d’une force créatrice exceptionnelle, mais lui confère également une place importante dans l’histoire de la photographie. Elle fait partie des rares femmes en Suisse qui utilisèrent l’appareil photo de manière professionnelle et artistique durant la première moitié du XXe siècle. Exactement deux décennies après la première et jusqu’à présent unique rétrospective à l’Aargauer Kunsthaus, il est grand temps de rendre un nouvel hommage à son oeuvre en y incluant des travaux inédits.

Binia Bill (1904–1988) si accostò alla fotografia con ambizione e fiducia nei propri mezzi: dopo una formazione da violoncellista concertista, nel 1930 frequentò la sezione di fotografia alla Itten-Schule di Berlino, diretta da Lucia Moholy. Tornata a Zurigo, lavorò come fotografa indipendente. Nel 1931 sposò l’architetto e artista Max Bill. Per il sostentamento comune, la coppia lavorava a commissioni pubblicitarie: lei produceva le immagini mentre lui progettava la parte tipografica e l’impaginazione. Negli anni seguenti Binia Bill realizzò una notevole opera fotografica: i suoi ritratti e le nature morte sono caratterizzate da un chiaro linguaggio visivo, associabile all’estetica del «Neuen Sehen», la Nuova Visione. L’interesse di Binia Bill per la prospettiva e le superfici, per i giochi di luci e ombre si accompagna però a una sensibilità del tutto particolare che influenzò il suo sguardo su oggetti, piante, animali e persone.

Quando nel 1942 diventò madre, rinunciò alla fotografia – la sua opera venne quindi dimenticata. Ciò che ne è rimasto dimostra non solo la sua notevole forza creativa ma le conferisce anche un posto di rilievo nella storia della fotografia. Fa parte delle poche donne in Svizzera che nella prima metà del ventesimo secolo svolgevano un’attività professionale e artistica con la macchina fotografica. Esattamente due decenni dopo la prima e finora unica retrospettiva all’Aargauer Kunsthaus, è davvero arrivato il momento di onorare nuovamente il suo lavoro, includendo opere ancora inedite.

Binia Bill (19041988) turned to photography with ambition and confidence. After training as a concert cellist, she attended the photography class given by Lucia Moholy at Berlin’s Itten School in 1930 and worked as a freelance photographer when back in Zurich. In 1931, she married the architect and artist Max Bill. To earn a living, the couple worked together on advertising commissions, for which she produced the images while he designed the typography and layout. In the years that followed, Binia Bill created a remarkable photographic oeuvre: Her portraits and still lifes are characterised by a clear visual language that is related to the aesthetics of the ‘Neues Sehen’ movement. Binia Bill’s interest in perspectives and surfaces, in playing with light and shadow, was combined with a very distinct sensitivity though, which influenced her view of objects, plants, animals and people.

When she became a mother in 1942, Binia Bill gave up photography – her oeuvre fell into oblivion. What remains of it not only bears witness to her extraordinary creativity, but also gives her an important place in the history of photography. She was one of the few women in Switzerland to have worked professionally and artistically with a camera in the first half of the 20th century. Exactly two decades after her first and so far only retrospective, at Aargauer Kunsthaus, it is high time to honour her oeuvre anew, including her unpublished works.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Galerie Bene Taschen | Köln
19. Oktober 2024 – 4. Januar 2025

HIP HOP – Living a Dream
Gregory Bojorquez, Joseph Rodriguez, Jamel Shabazz

Die immersive Ausstellung HIP HOP – Living a Dream mit Werken der Chronisten Jamel Shabazz (*1960), Joseph Rodriguez (*1951) und Gregory Bojorquez (*1972) zu präsentieren. Von den frühen 1980er bis in die 2000er Jahren bieten die drei amerikanischen Fotografen die unterschiedlichsten Einblicke in die Entstehung und Verbreitung der amerikanischen Hip Hop-Kultur. HIP HOP spiegelt den Lebensstil wider, der in Verbindung mit Musik, Graffiti, Breakdance und Fashion zum globalen Phänomen weltweit wurde – von den Straßen New Yorks der 80er Jahre bis hin zu Los Angeles und den Süden der USA, über Europa in die ganze Welt, bis heute. Die Ausstellung wird von Musik, Interviews und Erinnerungsstücken begleitet.

Die Fotografien des in Brooklyn geborenen Fotografen Jamel Shabazz sind zugleich visuelles, persönliches Tagebuch und Zeitdokumente, denn sie erzählen von den Anfängen der Hip Hop-Bewegung in der pulsierenden Metropole New York. In Einzel-, Doppel- oder Gruppenporträts posieren junge Menschen mit den ikonisierten Markenkleidungen. Neben unbekannten Gesichtern sehen wir auch zahlreiche bekannte Protagonisten wie den Erfinder des Headspins Richard Colón oder den als 50 Cent bekannten Gangster Kelvin Martin. Der Zeitgeist New Yorks, den Shabazz in seinen Werken festhält, verkörpert eine bedeutende Ära, geprägt von Musik, Mode und Kunst. Shabazz Liebe für den Hip Hop begann bereits in den frühen 1970er Jahren in Brooklyn, lange noch, bevor dieser Begriff aufkam und bis dahin Rhyming & Mixing hieß.

Als der Hip Hop zum ersten Mal in Übersee auftauchte, war Jamel bei der US Army in Deutschland stationiert. Dort hörte er eine der ersten großen Hip-Hop-Gruppen, Positive Force, deren Debüt-Hit "We got the Funk" 1979 erschien, und kurz darauf wurde "Rappers Delight" von der Sugar Hill Gang veröffentlicht. Seine Liebe zu diesem Genre manifestierte sich in den Bildern, die er im Laufe der Jahrzehnte machte, wobei bewusster Hip Hop den Soundtrack zu vielen Bildern lieferte. Die ersten Hip-Hop-Künstler, die er fotografierte, waren LL Cool J und Public Enemy. Heutzutage werden die Hip Hop-Portraits von Jamel Shabazz mit der Hip Hop-Bewegung gleichgesetzt.

Der ebenfalls in Brooklyn geborene Fotograf Joseph Rodriguez zeigt in seinem dokumentarischen Werk East Side Stories – Gang Life in East L.A. die Gangkultur, deren Auslebung, Facetten, und Lebensrealitäten. Er selbst sagt über diese Zeit: “My interest in going to L.A. began in early 1992. I was strongly influenced by the hip hop coming out of the streets of Los Angeles and other cities across the country. These youth were rapping about the very important issues in their communities. Their music were like the newspapers of the streets.” Neben der Dokumentation von Hip Hop der West- und Ostküste Amerikas, zeigen auch Gruppen in Schweden die vielfältigen, internationalen Ausprägungen des Hip Hops. Von New York als Ursprungsort des Hip Hops ausgehend, kamen kurze Zeit später weitere Städte wie Los Angeles und New Orleans dazu. In New Orleans dokumentierte Rodriguez u.a. Master P und die No Limit Crew.

Die Hip Hop-Szene der 1990/2000er Jahre wird durch die Arbeiten des in Los Angeles geborenen Fotografen Gregory Bojorquez eingefangen. Seine Aufnahmen zeigen Hip Hop-Ikonen wie Snoop Dogg & Tha Dogg Pound (DPG), 50 Cent, Eminem, wie auch OutKast, DMX, Lil Wayne, Jay Z, Missy Elliott, Mos Def, Swizz Beatz und Ice Cube.

Wie der Hip Hop selbst haben auch die drei Fotografen Shabazz, Rodriguez und Bojorquez internationaler Anerkennung erlangt und erreichen ein großes Publikum jenseits der Vereinigten Staaten. Die Arbeiten von Jamel Shabazz befinden sich u.a. in internationalen Sammlungen wie die des Whitney Museum of American Art, der Deutschen Börse Photography Foundation, Frankfurt am Main, der National Gallery of Art, Washington D.C., im J. Paul Getty Museum, L.A. und in der Gordon Parks Foundation, NYC. Arbeiten von Gregory Bojorquez wurden im Vincent Price Art Museum (L.A.), und in internationalen Ausstellungen u.a. in Los Angeles, Köln, Berlin gezeigt. Die Arbeiten von Joseph Rodriguez wurden von Institutionen wie dem Los Angeles County Museum, dem International Center of Photography, NYC, dem Smithsonian American Art Museum, der National Gallery of Art, Washington D.C., dem Museum Ludwig, Köln und der Albertina in Wien in ihren Sammlungen aufgenommen.

Présenter l'exposition immersive HIP HOP - Living a Dream avec les œuvres des chroniqueurs Jamel Shabazz (*1960), Joseph Rodriguez (*1951) et Gregory Bojorquez (*1972). Du début des années 1980 jusqu'aux années 2000, les trois photographes américains offrent les regards les plus divers sur la naissance et la diffusion de la culture hip-hop américaine. Le HIP HOP reflète le style de vie qui, associé à la musique, au graffiti, à la breakdance et à la mode, est devenu un phénomène global dans le monde entier - des rues de New York des années 1980 à Los Angeles et au sud des États-Unis, en passant par l'Europe et le monde entier, jusqu'à aujourd'hui. L'exposition est accompagnée de musique, d'interviews et de souvenirs.

Les photographies du photographe Jamel Shabazz, né à Brooklyn, sont à la fois un journal personnel visuel et des documents d'époque, car elles racontent les débuts du mouvement hip-hop dans la métropole vibrante de New York. Dans des portraits individuels, doubles ou de groupe, des jeunes gens posent avec les vêtements iconiques de la marque. Outre des visages inconnus, nous voyons également de nombreux protagonistes connus comme l'inventeur du headspin Richard Colón ou le gangster Kelvin Martin, connu sous le nom de 50 Cent. L'esprit de l'époque de New York, que Shabazz capture dans ses œuvres, incarne une époque importante, marquée par la musique, la mode et l'art. L'amour de Shabazz pour le hip-hop a commencé dès le début des années 1970 à Brooklyn, bien avant l'apparition de ce terme qui s'appelait jusqu'alors Rhyming & Mixing.

Lorsque le hip-hop est apparu pour la première fois outre-Atlantique, Jamel était stationné dans l'armée américaine en Allemagne. C'est là qu'il a écouté l'un des premiers grands groupes de hip-hop, Positive Force, dont le premier tube « We got the Funk » est sorti en 1979, suivi peu après par « Rappers Delight » du Sugar Hill Gang. Son amour pour le genre s'est manifesté dans les visuels qu'il a réalisés au fil des décennies, le hip-hop conscient fournissant la bande-son de nombreux visuels. Les premiers artistes hip-hop qu'il a photographiés étaient LL Cool J et Public Enemy. De nos jours, les portraits hip-hop de Jamel Shabazz sont assimilés au mouvement hip-hop.

Dans son œuvre documentaire East Side Stories - Gang Life in East L.A., le photographe Joseph Rodriguez, également né à Brooklyn, montre la culture des gangs, son expression, ses facettes, et les réalités de la vie. Il dit lui-même à propos de cette période : « Mon intérêt pour aller à L.A. a commencé tôt en 1992. J'ai été fortement influencé par le hip hop qui sortait des rues de Los Angeles et d'autres villes à travers le pays. Ces jeunes rappaient sur les questions très importantes de leurs communautés. Leur musique était comme les journaux de la rue ». Outre la documentation sur le hip-hop des côtes ouest et est de l'Amérique, des groupes en Suède montrent également les diverses expressions internationales du hip-hop. Partant de New York comme lieu d'origine du hip-hop, d'autres villes comme Los Angeles et la Nouvelle-Orléans sont venues s'y ajouter peu de temps après. A la Nouvelle-Orléans, Rodriguez a documenté entre autres Master P et le No Limit Crew.

La scène hip-hop des années 1990/2000 est capturée par les travaux du photographe Gregory Bojorquez, né à Los Angeles. Ses photos montrent des icônes du hip-hop comme Snoop Dogg & Tha Dogg Pound (DPG), 50 Cent, Eminem, ainsi qu'OutKast, DMX, Lil Wayne, Jay Z, Missy Elliott, Mos Def, Swizz Beatz et Ice Cube.

Tout comme le hip-hop lui-même, les trois photographes Shabazz, Rodriguez et Bojorquez ont acquis une reconnaissance internationale et touchent un large public au-delà des États-Unis. Les travaux de Jamel Shabazz font partie de collections internationales telles que celles du Whitney Museum of American Art, de la Deutsche Börse Photography Foundation, Francfort-sur-le-Main, de la National Gallery of Art, Washington D.C., du J. Paul Getty Museum, L.A. et de la Gordon Parks Foundation, NYC. Les travaux de Gregory Bojorquez ont été présentés au Vincent Price Art Museum (L.A.), et dans des expositions internationales, notamment à Los Angeles, Cologne et Berlin. Les travaux de Joseph Rodriguez ont été intégrés dans les collections d'institutions telles que le Los Angeles County Museum, l'International Center of Photography, NYC, le Smithsonian American Art Museum, la National Gallery of Art, Washington D.C., le Museum Ludwig, Cologne et l'Albertina de Vienne.

Presenta la mostra immersiva HIP HOP - Living a Dream con opere dei cronisti Jamel Shabazz (*1960), Joseph Rodriguez (*1951) e Gregory Bojorquez (*1972). Dall'inizio degli anni Ottanta agli anni Duemila, i tre fotografi americani offrono un'ampia varietà di spunti sulla nascita e la diffusione della cultura hip hop americana. HIP HOP riflette lo stile di vita che, in combinazione con la musica, i graffiti, la breakdance e la moda, è diventato un fenomeno globale in tutto il mondo - dalle strade di New York negli anni '80 a Los Angeles e al sud degli Stati Uniti, passando per l'Europa e il mondo intero, fino ai giorni nostri. La mostra è accompagnata da musica, interviste e memorabilia.

Le fotografie del fotografo Jamel Shabazz, nato a Brooklyn, sono al tempo stesso un diario visivo e personale e documenti contemporanei che raccontano gli inizi del movimento hip hop nella vibrante metropoli di New York. In ritratti singoli, doppi o di gruppo, i giovani posano indossando gli abiti del marchio iconizzato. Oltre a volti sconosciuti, vediamo anche numerosi protagonisti noti come l'inventore dell'headspin Richard Colón o il gangster Kelvin Martin, noto come 50 Cent. Lo zeitgeist di New York, che Shabazz cattura nelle sue opere, incarna un'epoca importante caratterizzata da musica, moda e arte. L'amore di Shabazz per l'hip hop nasce a Brooklyn nei primi anni Settanta, molto prima che il termine fosse coniato e fosse conosciuto come Rhyming & Mixing.

Quando l'hip hop emerse per la prima volta oltreoceano, Jamel era di stanza in Germania con l'esercito americano. Fu lì che ascoltò uno dei primi grandi gruppi hip hop, i Positive Force, il cui successo di debutto “We got the Funk” fu pubblicato nel 1979, e poco dopo “Rappers Delight” fu pubblicato dalla Sugar Hill Gang. Il suo amore per il genere si è manifestato nelle immagini che ha realizzato nel corso dei decenni, con l'hip hop consapevole a fare da colonna sonora a molte delle immagini. I primi artisti hip-hop che ha fotografato sono stati LL Cool J e Public Enemy. Oggi i ritratti hip hop di Jamel Shabazz sono equiparati al movimento hip hop.

Nel suo lavoro documentario East Side Stories - Gang Life in East L.A., il fotografo Joseph Rodriguez, anch'egli nato a Brooklyn, mostra la cultura delle gang, le sue espressioni, le sfaccettature e le realtà della vita. Lui stesso racconta di questo periodo: “Il mio interesse per L.A. è iniziato all'inizio del 1992, fortemente influenzato dall'hip hop che usciva dalle strade di Los Angeles e di altre città del Paese. Questi giovani rappavano su questioni molto importanti delle loro comunità. Le loro musiche erano come i giornali di strada”. Oltre alla documentazione dell'hip hop sulle coste occidentali e orientali dell'America, i gruppi svedesi mostrano anche le diverse forme internazionali di hip hop. Partendo da New York come luogo di nascita dell'hip hop, poco dopo si sono aggiunte altre città come Los Angeles e New Orleans. A New Orleans, Rodriguez ha documentato Master P e la No Limit Crew, tra gli altri.

La scena hip hop degli anni 1990/2000 è catturata dal lavoro del fotografo Gregory Bojorquez, nato a Los Angeles. Le sue fotografie mostrano icone dell'hip hop come Snoop Dogg & Tha Dogg Pound (DPG), 50 Cent, Eminem, ma anche OutKast, DMX, Lil Wayne, Jay Z, Missy Elliott, Mos Def, Swizz Beatz e Ice Cube.

Come l'hip hop stesso, i tre fotografi Shabazz, Rodriguez e Bojorquez hanno ottenuto un riconoscimento internazionale e raggiungono un vasto pubblico oltre gli Stati Uniti. Le opere di Jamel Shabazz si trovano in collezioni internazionali come il Whitney Museum of American Art, la Deutsche Börse Photography Foundation di Francoforte sul Meno, la National Gallery of Art di Washington D.C., il J. Paul Getty Museum di Los Angeles e la Gordon Parks Foundation di New York. Le opere di Gregory Bojorquez sono state esposte al Vincent Price Art Museum (Los Angeles) e in mostre internazionali a Los Angeles, Colonia, Berlino e altrove. Le opere di Joseph Rodriguez sono state incluse nelle collezioni di istituzioni come il Los Angeles County Museum, l'International Center of Photography di New York, lo Smithsonian American Art Museum, la National Gallery of Art di Washington D.C., il Museum Ludwig di Colonia e l'Albertina di Vienna.

The immersive exhibition HIP HOP – Living a Dream presents works by the chroniclers Jamel Shabazz (b. 1960), Joseph Rodriguez (b. 1951), and Gregory Bojorquez (b. 1972). From the early 1980s to the 2000s, the three American photographers offer a wide range of insights into the emergence and spread of American hip hop culture. HIP HOP reflects the lifestyle that has become a global phenomenon worldwide in connection with music, graffiti, breakdancing and fashion – from the streets of New York in the 1980s to Los Angeles and the southern United States, across Europe and around the world, to the present day. The exhibition is accompanied by music, interviews and memorabilia.

The photographs of the Brooklyn-born photographer Jamel Shabazz are both a visual, personal diary and a contemporary document, telling of the beginnings of the hip hop movement in the pulsating metropolis of New York. In single, double or group portraits, young people pose with the iconic brand-name clothing. Alongside unfamiliar faces, we also see numerous well-known protagonists such as the inventor of the headspin, Richard Colón, or the gangster Kelvin Martin, better known as 50 Cent. The spirit of New York, which Shabazz captures in his works, embodies an important era, shaped by music, fashion and art. Shabazz's love for hip hop began in the early 1970s in Brooklyn, long before the term was coined and until then rhyming and mixing was called.

When hip hop first appeared overseas, Jamel was stationed in Germany with the US Army. There he heard one of the first big hip hop groups, Positive Force, whose debut hit “We got the Funk” was released in 1979, and shortly after that “Rappers Delight” by the Sugar Hill Gang was released. His love for the genre manifested itself in the visuals he created over the decades, with hip hop consciously providing the soundtrack to many of them. The first hip hop artists he photographed were LL Cool J and Public Enemy. Today, Jamel Shabazz's hip hop portraits are equated with the hip hop movement itself.

In his documentary work East Side Stories – Gang Life in East L.A., photographer Joseph Rodriguez, who was also born in Brooklyn, shows the gang culture, its facets and realities of life. He himself says about this time: “My interest in going to L.A. began in early 1992. I was strongly influenced by the hip hop coming out of the streets of Los Angeles and other cities across the country. These youth were rapping about the very important issues in their communities. Their music were like the newspapers of the streets.” In addition to the documentation of hip hop on the east and west coasts of the United States, groups in Sweden also show the diverse, international forms that hip hop has taken. Starting from New York as the place of origin of hip hop, other cities such as Los Angeles and New Orleans were added shortly afterwards. In New Orleans, Rodriguez documented Master P and the No Limit crew, among others.

The hip hop scene of the 1990s and 2000s is captured in the work of Los Angeles-born photographer Gregory Bojorquez. His photographs show hip hop icons such as Snoop Dogg & Tha Dogg Pound (DPG), 50 Cent, Eminem, as well as OutKast, DMX, Lil Wayne, Jay Z, Missy Elliott, Mos Def, Swizz Beatz and Ice Cube.

Like hip hop itself, the three photographers Shabazz, Rodriguez and Bojorquez have gained international recognition and reach a large audience beyond the United States. Jamel Shabazz's work is included in international collections such as the Whitney Museum of American Art, the Deutsche Börse Photography Foundation, Frankfurt am Main, the National Gallery of Art, Washington D.C., the J. Paul Getty Museum, L.A. and the Gordon Parks Foundation, NYC. Works by Gregory Bojorquez have been shown at the Vincent Price Art Museum (L.A.) and in international exhibitions in Los Angeles, Cologne, Berlin, among other places. The work of Joseph Rodriguez has been taken up into the collections of institutions such as the Los Angeles County Museum, the International Center of Photography, NYC, the Smithsonian American Art Museum, the National Gallery of Art, Washington D.C., the Museum Ludwig, Cologne and the Albertina in Vienna.

(Text: Galerie Bene Taschen, Köln)

Photo Elysée | Lausanne
24. Oktober 2024 – 23. Februar 2025

Water is coming
Maya Rochat

In dem eigens für das Museum konzipierten Projekt hat die Schweizer Künstlerin vor allem Filmaufnahmen auf und unter Wasser gedreht, die sie zunächst in Video-Montagen überarbeitet und anschliessend projiziert und mit auf Leinwand, Tapete o. Ä. gedruckten Bildern überlagert hat.

So konfrontiert sie beispielsweise die gewaltige Dynamik von Wellen mit Kunststoffgewächsen in einem Aquarium, in dem der Wasserpegel allmählich ansteigt. Diese Spannung zwischen Schönheit und der Angst, die mit der wachsenden Zerstörung unseres Planeten einhergeht, bildet eine Konstante in Maya Rochats Werk.

Seit vielen Jahren arbeitet die Künstlerin mit einer Vielzahl von experimentellen Trägermedien. In ihrem multimedialen Werk wird das Bild zu einem Wandfresko, einem Leuchtkasten, einem bedruckten Teppich, einer gewebten Decke … Ihr künstlerischer Ansatz ist ein Spiel mit Materialität, mit Massstäben, mit Farben und Transparenz. Auf diese Weise verändert sie auch die Art, in der wir die Dinge betrachten und schenkt uns ein Erlebnis des Lebensraums Wasser an den Grenzen unserer Realität.

Durch die Unterlegung ihrer Bilder mit den musikalischen Klängen des Künstlers Blackout erschafft Maya Rochat eine Atmosphäre, die uns in eine Art Schwebezustand zu versetzen scheint. Water is coming wird zur Metapher unseres Erlebens der Welt. Wir sind eingeladen, uns die Zeit zu nehmen, inmitten dieses facettenreichen Raumes, in dem das Lebendige eine Metamorphose durchläuft und sublimiert wird, innezuhalten und uns unseren Gedanken und Empfindungen zu überlassen.

Im Aufeinandertreffen des Natürlichen auf das Künstliche entsteht ein Paradoxon, und hinter der vermeintlichen und von Melancholie erfüllten Ruhe verbirgt sich eine visuelle Reizüberflutung, der die Künstlerin uns aussetzt. Über diesen Umweg lädt Maya Rochat uns dazu ein, uns wieder mit den Energien zu verbinden, aus denen wir gemacht sind, und regt uns gleichzeitig dazu an, über die Zukunft unserer Ökosysteme und unseren Einfluss auf die Umwelt nachzudenken.

Dans ce projet spécialement conçu pour Photo Elysée, l’artiste suisse a notamment filmé des images sur et sous l’eau, qu’elle a ensuite retravaillées dans des montages vidéo, puis projetées et superposées à des images imprimées (toiles, papier peint…). Elle vient par exemple confronter l’immensité des vagues à des végétaux en plastiques dans un aquarium où l’eau monte progressivement. Cette tension entre la beauté et l’angoisse liée à la dégradation croissante de notre planète est une constante dans le travail de Maya Rochat.

Depuis de nombreuses années, son œuvre se déploie sur de multiples supports expérimentaux où l’image devient une fresque murale, un cadre lumineux polarisant, une moquette imprimée, une couverture tissée... Dans sa démarche artistique, Maya Rochat joue sur la matérialité, les rapports d’échelle, les couleurs ou encore la transparence. Elle change ainsi notre manière de regarder et nous offre une expérience du milieu aquatique en marge de notre réalité.

En associant ses images au travail sonore du musicien Blackout, Maya Rochat nous immerge dans une ambiance flottante. Water Is Coming devient une métaphore de notre expérience du monde, et nous invite à prendre le temps, à contempler et à méditer au cœur de cet espace aux multiples facettes, où le vivant est métamorphosé et sublimé. Par ce biais, l'artiste nous invite à réfléchir à l'avenir de l'eau, et souhaite nous reconnecter à cet élément précieux qui nous constitue.

In questo progetto, concepito specialmente per Photo Elysée, l’artista svizzera ha filmato immagini sopra e sott’acqua, per poi rielaborarle in montaggi video e quindi proiettarle e sovrapporle su immagini stampate (tele, carta da parati, …). Ha ad esempio messo a confronto l’immensità delle onde con le piante di plastica di un acquario in cui l’acqua sale gradualmente. La tensione fra la bellezza e l’angoscia legata al crescente degrado del nostro pianeta è un elemento costante nei lavori di Maya Rochat.

Da numerosi anni la sua opera si avvale di un’ampia gamma di supporti sperimentali, in cui l’immagine diventa un murale, una cornice luminosa polarizzante, una moquette stampata, una coperta tessuta e così via. Nel suo lavoro artistico, Maya Rochat gioca con la materialità, i rapporti di scala, i colori ma anche la trasparenza. Ne risulta un cambiamento del nostro modo di guardare e ci offre un’esperienza del mondo acquatico ai margini della nostra realtà.

Associando le sue immagini al lavoro sonoro del musicista Blackout, Maya Rochat ci immerge in un’atmosfera aleggiante. Water is coming diventa una metafora della nostra esperienza del mondo. Ci invita a prenderci del tempo, a contemplare e a meditare al centro di questo spazio multiforme, dove il vivo viene trasformato e sublimato.

Paradossalmente, il naturale incontra l’artificiale, e dietro all’apparente calma, intrisa di malinconia, l’artista ci mette in uno stato di iperstimolazione visiva. In questo modo ci propone di ricollegarci alle energie che ci rendono ciò che siamo, incoraggiandoci a riflettere sul futuro dei nostri ecosistemi e sul nostro impatto sull’ambiente.

The result is Water Is Coming, a complex, immersive installation – designed specifically for Photo Elysée – that draws us into a world of contrasts between the immensity of the waves and the artificial space of an aquarium where the water level slowly rises. This tension between the beauty of nature and climate anxiety is an ever-present theme in Rochat’s work.

Water Is Coming is a holistic, dreamlike experience that exists on the fringes of our reality. Inspired by the work of Masaru Emoto, who argued that human consciousness could affect the molecular structure of water, it features montages of footage filmed on and under water that are projected side by side and superimposed onto images printed on canvas and wallpaper.

Rochat has a long tradition of experimenting with media such as murals, polarized-film lightboxes, printed carpets and woven blankets. Through her artistic practice – which focuses on the materiality of images, relationships of scale, colors and transparency – the artist draws our gaze toward details in our environment such as the reflection of light, the shimmering effect produced by water or, indeed, the artifice of plastic plants.

Rochat’s images are set against a soundscape by the artist Blackout, creating a sense of weightlessness. This multifaceted space, where the living world is transformed and sublimated, calls on us to step back and reflect on our experience of the world around us. In this way, Rochat's art invites us to think about the future of water and to reconnect with this life-giving element that is a fundamental part of us.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

MUSEC Museo delle Culture Lugano
24. Oktober 2024 – 9. März 2025

Unpublished Photo 2024
Amirhosein Esparham, Gabriele D'Agostino, Claudy Woods, Navonil Dutta

Die Fondazione culture e musei (FCM) und das Museo delle Culture di Lugano (MUSEC) geben die Gewinner der Ausgabe 2024 von Unpublished Photo (UP) bekannt, einem internationalen Wettbewerb, der ins Leben gerufen wurde, um neue Trends in der Kunstfotografie unter jungen Talenten aus der ganzen Welt zu fördern. Die ursprünglich von der Mailänder Galerie 29 ARTS IN PROGRESS konzipierte Initiative ist heute ein wichtiges Ereignis in der internationalen Kunstszene, das von 2020 an vom FCM und MUSEC konsolidiert wurde, um seinen institutionellen Rahmen und seine mittel- bis langfristige Entwicklungsperspektive zu gewährleisten.

Der UP-Wettbewerb zielt darauf ab, die wichtigsten aufkommenden Trends in der zeitgenössischen Kunstfotografie zu identifizieren und hervorzuheben. Mit jeder Ausgabe beabsichtigt MUSEC, seine Sammlungen mit neuen Werken zu bereichern und so zur Schaffung eines Archivs zeitgenössischer Fotografie beizutragen, das bereits über 40.000 Werke vom 19. Jahrhundert bis heute umfasst.

An der Ausgabe 2024 von UP nahmen über zweihundert junge Fotografen aus fünfunddreißig Ländern teil, wobei der Iran, Italien, Indien und Russland stark vertreten waren. Die Kandidaten im Alter zwischen 18 und 30 Jahren reichten ihre Projekte ein, die aus 10 Bildern zu einem freien Thema bestanden, die in Stil und Inhalt einheitlich waren.

Die vier Gewinner wurden von einer internationalen Jury unter dem Vorsitz von Marco Bischof ausgewählt, die in Venedig am Hauptsitz des Istituto veneto di Scienze, Lettere ed Arti, einem Partner des Projekts, tagte.

Der UP24-Wettbewerb verlieh Amirhosein Esparham, dem ersten Zweitplatzierten, einen Geldpreis in Höhe von 3.500 CHF, während die Zweit- bis Viertplatzierten jeweils einen Preis in Höhe von 500 CHF erhielten.

Die vier Gewinner erhalten außerdem einen Katalog (Edizioni FCM) mit allen für den Wettbewerb eingereichten Fotos sowie eine temporäre Ausstellung. Die Kosten für diese Aktivitäten belaufen sich auf 50.000 CHF und werden vollständig vom FCM übernommen.

Die Gewinner der Ausgabe 2024 und die Begründung der Jury:

Amirhosein Esparham (Iran, 1996) beeindruckte die Jury mit „Together, Alone“, einem Projekt, das sich mit der Verbreitung von Einsamkeit in seinem Heimatland befasst. Die Bilder, die mit einem meisterhaften Umgang mit Licht und Inszenierung realisiert wurden, porträtieren Freunde und Bekannte in einer Abfolge von Aufnahmen, die ihre Ängste und Schwächen offenbaren und das Thema Einsamkeit universell machen.

Gabriele D'Agostino (Italien, 1995), ursprünglich aus Palermo stammend und jetzt in Mailand lebend, präsentierte „Cuore Nero-Metrò“, eine intime und feinfühlige Reportage, die mit einem Mobiltelefon in der Mailänder U-Bahn aufgenommen wurde. Seine Bilder, die die Menschheit in einem unpersönlichen und hektischen Kontext erforschen, überzeugten die Jury durch ihre Fähigkeit, authentische Emotionen zu vermitteln.

Claudy Woods (England, 2003) bot mit ihrem Projekt „Every saint has a past“ eine eindrucksvolle Reflexion über Weiblichkeit und Spiritualität. Mit Selbstporträts, die zehn Heilige neu interpretieren, erforscht Woods Geschlechterdynamiken und religiöse Vorurteile und beweist eine für ihr Alter seltene künstlerische Reife.

Navonil Dutta (Indien, 1999) dokumentierte mit seinem Portfolio „Nature's drama“ die grausame Schönheit der wilden Natur und konzentrierte sich dabei auf die Beziehung zwischen Raubtier und Beute. Die Sequenz eines Lagersfalken in Aktion überzeugte die Jury durch ihre Genauigkeit und Intensität.

La Fondazione culture e musei (FCM) et le Museo delle Culture di Lugano (MUSEC) annoncent les lauréats de l'édition 2024 de Unpublished Photo (UP), un concours international créé pour promouvoir les nouvelles tendances de la photographie d'art parmi les jeunes talents du monde entier. L'initiative, conçue à l'origine par la galerie milanaise 29 ARTS IN PROGRESS, est désormais un événement majeur de la scène artistique internationale, consolidé par la FCM et MUSEC à partir de 2020 pour assurer son cadre institutionnel et sa perspective de développement à moyen-long terme.

Le concours UP vise à identifier et à mettre en lumière les principales tendances émergentes de la photographie d'art contemporaine. À chaque édition, MUSEC entend enrichir ses collections de nouvelles œuvres, contribuant ainsi à la constitution d'un fonds d'archives de la photographie contemporaine qui compte déjà plus de 40 000 œuvres, du XIXe siècle à nos jours.

L'édition 2024 de l'UP a vu la participation de plus de deux cents jeunes photographes issus de trente-cinq pays, avec une forte représentation de l'Iran, de l'Italie, de l'Inde et de la Russie. Les candidats, âgés de 18 à 30 ans, ont soumis leurs projets composés de 10 images à thème libre, cohérentes dans leur style et leur contenu.

Les quatre lauréats ont été sélectionnés par un jury international présidé par Marco Bischof, qui s'est réuni à Venise au siège de l'Istituto veneto di Scienze, Lettere ed Arti, partenaire du projet.

Le concours UP24 a décerné à Amirhosein Esparham, premier lauréat, un prix monétaire de 3 500 francs suisses, tandis que les deuxième à quatrième lauréats ont reçu chacun un prix de 500 francs suisses.

Les quatre lauréats sont également récompensés par la publication d'un catalogue (Edizioni FCM) contenant toutes les photographies soumises au concours, ainsi que par une exposition temporaire. Les coûts de ces activités de valorisation s'élèvent à 50 000 CHF et sont entièrement pris en charge par la FCM.

Les lauréats de l'édition 2024 et les motivations du jury :

Amirhosein Esparham (Iran, 1996) a impressionné le jury avec Together, Alone, un projet traitant de la propagation de la solitude dans son pays d'origine. Les images, réalisées avec une maîtrise de la lumière et de la mise en scène, présentent des amis et des connaissances dans une séquence de plans qui révèlent leurs peurs et leurs faiblesses, rendant ainsi le thème de la solitude universel.

Gabriele D'Agostino (Italie, 1995), originaire de Palerme et vivant aujourd'hui à Milan, a présenté Cuore Nero-Metrò, un reportage intime et délicat réalisé avec un téléphone portable dans le métro milanais. Ses images, qui explorent l'humanité dans un contexte impersonnel et frénétique, ont séduit le jury par leur capacité à transmettre des émotions authentiques.

Claudy Woods (Angleterre, 2003) a proposé une réflexion puissante sur la féminité et la spiritualité avec son projet Every saint has a past. À travers des autoportraits réinterprétant dix figures de saints, Woods explore les dynamiques de genre et les préconceptions religieuses, faisant preuve d'une maturité artistique rare pour son âge.

Navonil Dutta (Inde, 1999), avec son portfolio Nature's drama, a documenté la beauté cruelle de la nature sauvage, en se concentrant sur la relation entre le prédateur et la proie. La séquence d'un faucon laggar en action a convaincu le jury par sa précision et son intensité.

La Fondazione culture e musei (FCM) e il Museo delle Culture di Lugano (MUSEC) annunciano i vincitori dell'edizione 2024 di Unpublished Photo (UP), concorso internazionale nato per promuovere le nuove tendenze della fotografia d'arte tra i giovani talenti di tutto il mondo. L'iniziativa, originariamente concepita dalla galleria milanese 29 ARTS IN PROGRESS, è oggi un evento di rilievo nel panorama artistico internazionale, consolidato dalla FCM e dal MUSEC a partire dal 2020 per garantirne la cornice istituzionale e la prospettiva di sviluppo a medio-lungo termine.

Il concorso UP si propone di individuare e mettere in luce le principali tendenze emergenti della fotografia d'arte contemporanea. Ad ogni edizione, il MUSEC intende arricchire le proprie collezioni con nuove opere, contribuendo così alla creazione di un archivio di fotografia contemporanea che conta già oltre 40.000 opere, dal XIX secolo ai giorni nostri.

L'edizione 2024 di UP ha visto la partecipazione di oltre duecento giovani fotografi provenienti da trentacinque Paesi, con una forte rappresentanza di Iran, Italia, India e Russia. I candidati, di età compresa tra i 18 e i 30 anni, hanno presentato i loro progetti composti da 10 immagini a tema libero, coerenti per stile e contenuto.

I quattro vincitori sono stati selezionati da una giuria internazionale presieduta da Marco Bischof, riunitasi a Venezia presso la sede dell'Istituto veneto di Scienze, Lettere ed Arti, partner del progetto.

Il concorso UP24 ha assegnato ad Amirhosein Esparham, primo classificato, un premio in denaro di 3.500 franchi svizzeri, mentre i secondi e i quarti classificati hanno ricevuto ciascuno un premio di 500 franchi svizzeri.

I quattro vincitori sono stati premiati anche con la pubblicazione di un catalogo (Edizioni FCM) contenente tutte le fotografie presentate al concorso e con una mostra temporanea. I costi di queste attività di valorizzazione ammontano a 50.000 franchi svizzeri e sono interamente coperti dalla FCM.

I vincitori dell'edizione 2024 e le motivazioni della giuria:

Amirhosein Esparham (Iran, 1996) ha colpito la giuria con Together, Alone, un progetto che tratta della diffusione della solitudine nel suo Paese. Le immagini, realizzate con una magistrale gestione della luce e della messa in scena, ritraggono amici e conoscenti in una sequenza di scatti che ne rivelano paure e debolezze, rendendo universale il tema della solitudine.

Gabriele D'Agostino (Italia, 1995), originario di Palermo e residente a Milano, ha presentato Cuore Nero-Metrò, un reportage intimo e delicato realizzato con un cellulare all'interno della metropolitana di Milano. Le sue immagini, che esplorano l'umanità in un contesto impersonale e frenetico, hanno conquistato la giuria per la capacità di trasmettere emozioni autentiche.

Claudy Woods (Inghilterra, 2003) ha offerto una potente riflessione sulla femminilità e sulla spiritualità con il suo progetto Every saint has a past. Attraverso autoritratti che reinterpretano dieci figure di sante, Woods esplora le dinamiche di genere e i preconcetti religiosi, dimostrando una maturità artistica rara per la sua età.

Navonil Dutta (India, 1999), con il suo portfolio Nature's drama, ha documentato la crudele bellezza della natura selvaggia, concentrandosi sul rapporto tra predatore e preda. La sequenza di un falco laggar ritratto in azione ha convinto la giuria per la sua accuratezza e intensità.

The Fondazione culture e musei (FCM) and the Museo delle Culture di Lugano (MUSEC) announce the winners of the 2024 edition of Unpublished Photo (UP), an international competition created to promote new trends in art photography among young talents from around the world. The initiative, originally conceived by the Milanese gallery 29 ARTS IN PROGRESS, is now a major event on the international art scene, consolidated by the FCM and MUSEC from 2020 to ensure its institutional framework and medium-to-long-term development perspective.

The UP contest aims to identify and highlight the main emerging trends in contemporary art photography. With each edition, MUSEC intends to enrich its collections with new works, thus contributing to the creation of an archive of contemporary photography that already numbers over 40,000 works, from the 19th century to the present day.

The 2024 edition of UP saw the participation of over two hundred young photographers from thirty-five countries, with a strong representation from Iran, Italy, India and Russia. The candidates, aged between 18 and 30, submitted their projects composed of 10 free-themed images, consistent in style and content.

The four winners were selected by an international jury chaired by Marco Bischof, which met in Venice at the headquarters of the Istituto veneto di Scienze, Lettere ed Arti a partner in the project.

The UP24 contest awarded Amirhosein Esparham, the first runner-up, a monetary prize of CHF 3,500; while the second to fourth runners-up each received a prize of CHF 500.

The four winners are also rewarded with the publication of a catalogue (Edizioni FCM) containing all the photographs submitted to the competition, and a temporary exhibition. The costs of these enhancement activities amount to CHF 50,000 and are covered entirely by the FCM.

The winners of the 2024 edition and the jury's motivations:

Amirhosein Esparham (Iran, 1996) impressed the jury with Together, Alone, a project dealing with the spread of loneliness in his home country. The images, realised with a masterful handling of light and staging, portray friends and acquaintances in a sequence of shots that reveal their fears and weaknesses, making the theme of loneliness universal.

Gabriele D'Agostino (Italy, 1995), originally from Palermo and now living in Milan, presented Cuore Nero-Metrò, an intimate and delicate reportage taken with a mobile phone inside the Milan metro. His images, which explore humanity in an impersonal and frenetic context, won over the jury for their ability to convey authentic emotions.

Claudy Woods (England, 2003) offered a powerful reflection on femininity and spirituality with her project Every saint has a past. Through self-portraits reinterpreting ten figures of saints, Woods explores gender dynamics and religious preconceptions, demonstrating an artistic maturity rare for her age.

Navonil Dutta (India, 1999), with his portfolio Nature's drama, documented the cruel beauty of wild nature, focusing on the relationship between predator and prey. The sequence of a laggar falcon portrayed in action convinced the jury with its accuracy and intensity.

(Text: MUSEC Museo delle Culture Lugano)

Bildhalle | Amsterdam
24. Oktober 2024 – 1. Februar 2025

CHAMPIONS
Bastiaan Woudt

Das Projekt „CHAMPIONS“ von Bastiaan Woudt besteht aus einer Reihe eindrucksvoller Bilder aus Sambia, die in Zusammenarbeit mit Orange Babies entstanden sind, einer Organisation, die sich für HIV-infizierte Schwangere und ihre Kinder in Entwicklungsländern wie Namibia, Südafrika und Sambia einsetzt.

Das Herzstück des Projekts liegt in Sambia, wo Bastiaan Woudt eine Gruppe junger Erwachsener fotografiert hat, die in ihren Gemeinden als „Champions“ auftreten. Diese jungen, starken Persönlichkeiten spielen eine entscheidende Rolle bei der Aufklärung über HIV und der Schaffung sicherer Räume für Gleichaltrige, um über wichtige Themen wie sexuelle Aufklärung zu diskutieren.

Bastiaan Woudt hat diese jungen Erwachsenen nicht nur als Fürsprecher in ihrer Gemeinschaft, sondern auch als Symbole für Stärke und Würde festgehalten. Durch seine Linse wollte er diese jungen Menschen in Helden, Krieger, Könige und Königinnen verwandeln, um ihre unverzichtbare Rolle im Kampf gegen HIV und AIDS visuell darzustellen.

Dank der Großzügigkeit unserer Unterstützer haben wir bereits über 200.000 Euro gesammelt, um Orange Babies bei der Fortsetzung ihrer wichtigen Arbeit zu helfen. Darüber hinaus werden 10 % aller Einnahmen aus der Ausstellung direkt an Orange Babies gespendet. Lassen Sie uns auf dieser Dynamik aufbauen, während wir uns für eine Zukunft ohne HIV einsetzen.

Le projet CHAMPIONS de Bastiaan Woudt est une série d'images fortes de Zambie, réalisées en collaboration avec Orange Babies, une organisation dévouée qui apporte son soutien aux femmes enceintes infectées par le VIH et à leurs enfants dans les pays en développement tels que la Namibie, l'Afrique du Sud et la Zambie.

Le cœur du projet se trouve en Zambie, où Bastiaan Woudt a photographié un groupe de jeunes adultes qui agissent comme des « champions » dans leurs communautés. Ces jeunes individus puissants jouent un rôle essentiel dans la sensibilisation au VIH et dans la création d'espaces sûrs permettant à leurs pairs de discuter de sujets essentiels tels que l'éducation sexuelle.

Bastiaan Woudt a choisi de photographier ces jeunes adultes non seulement comme des défenseurs de leur communauté, mais aussi comme des symboles de force et de dignité. À travers son objectif, il a voulu transformer ces jeunes en héros, en guerriers, en rois et en reines, une représentation visuelle de leur rôle indispensable dans la lutte contre le VIH et le sida.

Grâce à la générosité de nos supporters, nous avons déjà récolté plus de 200 000 euros pour aider Orange Babies à poursuivre son travail vital. En outre, 10 % de toutes les ventes de l'exposition seront directement reversés à Orange Babies. Continuons sur notre lancée et œuvrons pour un avenir sans VIH.

Il progetto CHAMPIONS di Bastiaan Woudt è una serie di immagini potenti dallo Zambia, realizzate in collaborazione con Orange Babies, un'organizzazione dedicata che fornisce supporto alle donne incinte infettate dall'HIV e ai loro bambini nei Paesi in via di sviluppo come Namibia, Sudafrica e Zambia.

Il cuore del progetto si trova in Zambia, dove Bastiaan Woudt ha fotografato un gruppo di giovani adulti che agiscono come 'campioni' nelle loro comunità. Queste persone giovani e potenti svolgono un ruolo fondamentale nel diffondere la consapevolezza sull'HIV e nel creare spazi sicuri per i coetanei per discutere di argomenti essenziali come l'educazione sessuale.

Bastiaan Woudt ha scelto di immortalare questi giovani adulti non solo come sostenitori della loro comunità, ma anche come simboli di forza e dignità. Attraverso il suo obiettivo, ha voluto trasformare questi giovani in eroi, guerrieri, re e regine, una rappresentazione visiva del loro ruolo indispensabile nella lotta contro l'HIV e l'AIDS.

Grazie alla generosità dei nostri sostenitori, abbiamo già raccolto oltre 200.000 euro per aiutare Orange Babies a continuare il suo lavoro vitale. Inoltre, il 10% di tutte le vendite della mostra sarà donato direttamente a Orange Babies. Continuiamo a costruire su questo slancio, mentre ci impegniamo per un futuro libero dall'HIV.

Bastiaan Woudt‘s CHAMPIONS project is a series of powerful images from Zambia, realized in collaboration with Orange Babies, a dedicated organization providing support to HIV-infected pregnant women and their children in developing countries such as Namibia, South Africa, and Zambia.

The heart of the project lies in Zambia, where Bastiaan Woudt has photographed a group of young adults who act as “champions” in their communities. These young, powerful individuals play a vital role in spreading awareness about HIV and creating safe spaces for peers to discuss essential topics such as sexual education.

Bastiaan Woudt chose to capture these young adults not only as advocates in their community but also as symbols of strength and dignity. Through his lens, he aimed to transform these young people into heroes, warriors, kings, and queens, a visual representation of their indispensable role in the fight against HIV and AIDS.

Thanks to the generosity of our supporters, we’ve already raised over €200,000 to help Orange Babies continue their vital work. Additionally, 10% of all sales from the exhibition will be donated directly to Orange Babies. Let’s keep building on that momentum as we strive for a future free of HIV.

Het CHAMPIONS-project van Bastiaan Woudt is een serie krachtige beelden uit Zambia, gerealiseerd in samenwerking met Orange Babies, een organisatie die ondersteuning biedt aan HIV-geïnfecteerde zwangere vrouwen en hun kinderen in ontwikkelingslanden als Namibië, Zuid-Afrika en Zambia.

Het hart van het project ligt in Zambia, waar Bastiaan Woudt een groep jongvolwassenen heeft gefotografeerd die als ‘kampioenen’ optreden in hun gemeenschap. Deze jonge, krachtige individuen spelen een cruciale rol bij het verspreiden van het bewustzijn over HIV en het creëren van veilige ruimtes voor leeftijdsgenoten om essentiële onderwerpen zoals seksuele voorlichting te bespreken.

Bastiaan Woudt koos ervoor om deze jongvolwassenen niet alleen vast te leggen als pleitbezorgers in hun gemeenschap, maar ook als symbolen van kracht en waardigheid. Door zijn lens wilde hij deze jonge mensen transformeren in helden, krijgers, koningen en koninginnen, een visuele weergave van hun onmisbare rol in de strijd tegen HIV en AIDS.

Dankzij de vrijgevigheid van onze supporters hebben we al meer dan € 200.000 ingezameld om Orange Babies te helpen hun cruciale werk voort te zetten. Daarnaast wordt 10% van alle omzet van de tentoonstelling rechtstreeks gedoneerd aan Orange Babies. Laten we op dat momentum blijven voortbouwen terwijl we streven naar een toekomst zonder hiv.

(Text: Bildhalle, Zürich + Amsterdam)

Museum Thalwil
24. Oktober 2024 – 1. März 2025

Autofokus
Gina Folly

Die Ausstellung «Autofokus» bespricht zwei Werkserien zum Thema «Gebrauchtwerden – In Gebrauch sein» und ist im Zusammenhang des Manor-Kunstpreis 2023 im Kunstmuseum Basel erstmals gezeigt worden. Gina Folly hat mit dem Verein Quasitutto von Thalwil zusammen gearbeitet - ein Betrieb von vorwiegend pensionierten Personen, die allerlei Dienstleistungen anbieten und sich nicht an die ungeschriebenen Regeln des Ruhestands, sondern sich in Eigeninitiative und im Kollektiv Möglichkeiten für erfüllende Tätigkeiten schaffen.

Gina Folly begleitet die Mitglieder mit ihrer Analogkamera bei ihren Einsätzen und beleuchtet dabei die Fragen nach dem Verhältnis von individuellem Nutzen und gesellschaftlicher Nützlichkeit.

L'exposition « Autofokus » aborde deux séries d'œuvres sur le thème « Devenir usagé - être utilisé » et a été présentée pour la première fois au Kunstmuseum de Bâle dans le cadre du prix d'art Manor 2023. Gina Folly a collaboré avec l'association Quasitutto de Thalwil - une entreprise composée essentiellement de personnes retraitées qui proposent toutes sortes de services et ne respectent pas les règles non écrites de la retraite, mais se créent des possibilités d'activités épanouissantes de leur propre initiative et collectivement.

Gina Folly accompagne les membres dans leurs interventions avec sa caméra analogique et met ainsi en lumière les questions relatives au rapport entre l'utilité individuelle et l'utilité sociale.

La mostra “Autofokus” riguarda due serie di opere sul tema “Gebrauchtwerden - In Gebrauch sein” ed è stata esposta per la prima volta al Kunstmuseum Basel nell'ambito del Manor Art Prize 2023. Gina Folly ha collaborato con l'associazione Quasitutto di Thalwil, una società di pensionati che offre servizi di ogni tipo e che non si attiene alle regole non scritte della pensione, ma crea opportunità di attività soddisfacenti di propria iniziativa e collettivamente.

Gina Folly accompagna i membri nei loro incarichi con la sua macchina fotografica analogica, facendo luce sul rapporto tra beneficio individuale e utilità sociale.

The exhibition “Autofokus” discusses two series of works on the theme of “Being Used – Being in Use” and was shown for the first time at the Kunstmuseum Basel in connection with the 2023 Manor Art Prize. Gina Folly has been working with the Quasitutto association in Thalwil – a company of mainly retired people who offer a range of services and who, rather than following the unwritten rules of retirement, create opportunities for fulfilling activities on their own initiative and collectively.

Gina Folly accompanies the members with her analog camera during their assignments, thereby shedding light on the question of the relationship between individual benefit and social usefulness.

(Text: Museum Thlawil)

Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg
25. Oktober 2024 – 27. April 2025

Pinar Öğrenci / Nuri Musluoğlu. Fotografie neu ordnen: Protestbilder

Im Rahmen der Ausstellungsreihe „Fotografie neu ordnen“ im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) treffen zwei Generationen mit Migrationserfahrung aufeinander: Die kurdische Künstlerin Pınar Öğrenci wurde eingeladen, sich mit den Protestbildern des deutsch-türkischen Amateurfotografen Nuri Musluoğlu zu beschäftigen. In ihrer eigens für das Museum entwickelten multimedialen Installation, die auf dem Foto-, Video- und Tonarchiv von Nuri Musluoğlu basiert, reflektiert Pınar Öğrenci die Arbeiter*innenbewegung und Migrationsgesellschaft in der Bundesrepublik der 1970er und 1980er Jahre aus heutiger Perspektive. Darüber hinaus vertiefen ausgewählte Bildstrecken und Artikel aus der 1973 in Hamburg gegründeten politischen Zeitschrift „Arbeiterfotografie“ den historischen Kontext der Ausstellung und geben Einblicke in ein Leben im Exil, in Wohn- und Arbeitsverhältnisse, Frauenarbeit, die Friedensbewegung und ungleiche Bildungschancen von Migrant*innen in den 1980er Jahren.

Pinar Öğrenci: Migration und ihre Darstellung stehen im Zentrum des künstlerischen Schaffens von Pınar Öğrenci (* 1973 in Van, Türkei), die oftmals mit Archivmaterial arbeitet. Ihr multimedialer Zugang zu historischem und zeitgenössischem Material sowie der Fokus auf persönliche Biografien ermöglichen dabei eine kritische Betrachtung migrationspolitischer Umstände und Entscheidungen. In ihrer aktuellen Arbeit für das MK&G untersucht die Künstlerin Musluoğlus Archivmaterial des deutsch-türkisch-kurdischen Zusammenlebens von 1975 bis 1988 – darunter Aufnahmen von Protestaktionen, Friedensmärschen, Sommerfesten, Musikaufführungen und Sportveranstaltungen sowie das Leben der eigenen Familie. Sie interpretiert die Protestkultur in der Türkei anhand der Fotografien und Super 8-Filme Musluoğlus neu und stellt sie in den Kontext von Praktiken des Widerstands und der Solidarität.

Pınar Öğrenci studierte Architektur und Restaurierung an der Yıldız Technical University in Istanbul und emigrierte 2018 nach Deutschland. Ihre erste Einzelausstellung zeigte sie am Kunsthaus Wien (2017), darüber hinaus waren ihre Werke auf der Documenta fifteen (2022), in der Berlinischen Galerie (2023), der Venedig Biennale (2024) und im Frac Bretagne (2024) vertreten. Zudem wurde Öğrenci mehrfach ausgezeichnet, 2022 war sie für den Preis der Böttcherstraße nominiert und 2023 erhielt sie den Villa Romana Preis. Pınar Öğrenci lebt in Berlin.

Nuri Musluoğlu: 1965 folgte Nuri Musluoğlu (* 1951 in Istanbul, Türkei) seinen Eltern in die BRD und absolvierte eine Lehre als Werkzeugmacher, später arbeitete er als Sozialarbeiter bei der Arbeiterwohlfahrt. Parallel war er politisch aktiv, unter anderem in den Gewerkschaften IG Metall und Verdi sowie der Friedensbewegung. Gemeinsam mit anderen Akteur*innen gründete er ein deutsch-türkisches Kulturzentrum in Heilbronn. Neben seinen Protestbildern, die auf über 100 Demonstrationen entstanden sind, dokumentiert Musluoğlu deutsch-türkisches Zusammenleben sowie die Fremdenfeindlichkeit im öffentlichen Raum und Lebensbedingungen in Asylunterkünften auch in Super 8-Filmen und Tonaufnahmen. Seit 1985 veröffentlicht Musluoğlu Fotos unter verschiedenen Pseudonymen in der linksgerichteten in Deutschland erscheinenden Wochenzeitung für Arbeiter*innen und politisch Schutzsuchende „Türkiye Postası“. Zeitweilig produziert er auch eine Fernsehsendung, die er auf VHS-Kassetten in Umlauf bringt. Nuri Musluoğlu lebt in Heilbronn und Bodrum, Türkei.

Dans le cadre de la série d'expositions « Réorganiser la photographie » au Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G), deux générations ayant une expérience de l'immigration se rencontrent : l'artiste kurde Pınar Öğrenci a été invitée à se pencher sur les images de protestation du photographe amateur germano-turc Nuri Musluoğlu. Dans son installation multimédia spécialement conçue pour le musée et basée sur les archives photographiques, vidéo et sonores de Nuri Musluoğlu, Pınar Öğrenci réfléchit au mouvement ouvrier* et à la société d'immigration en République fédérale d'Allemagne dans les années 1970 et 1980 dans une perspective contemporaine. En outre, une sélection de séries d'images et d'articles tirés de la revue politique « Arbeiterfotografie », fondée en 1973 à Hambourg, approfondissent le contexte historique de l'exposition et donnent un aperçu de la vie en exil, des conditions de logement et de travail, du travail des femmes, du mouvement pour la paix et des inégalités dans les chances de formation des migrants* dans les années 1980.

Pinar Öğrenci : la migration et sa représentation sont au cœur de la création artistique de Pınar Öğrenci (née en 1973 à Van, Turquie), qui travaille souvent avec des documents d'archives. Son approche multimédia du matériel historique et contemporain, ainsi que l'accent mis sur les biographies personnelles, lui permettent de porter un regard critique sur les circonstances et les décisions en matière de politique migratoire. Dans son travail actuel pour le MK&G, l'artiste examine les archives de Musluoğlu sur la cohabitation germano-turque-kurde de 1975 à 1988 - notamment des enregistrements d'actions de protestation, de marches pour la paix, de festivals d'été, de spectacles musicaux et d'événements sportifs ainsi que la vie de sa propre famille. Elle réinterprète la culture de la protestation en Turquie à partir des photographies et des films super 8 de Musluoğlu et les replace dans le contexte des pratiques de résistance et de solidarité.

Pınar Öğrenci a étudié l'architecture et la restauration à l'université technique de Yıldız à Istanbul et a émigré en Allemagne en 2018. Elle a présenté sa première exposition individuelle au Kunsthaus Wien (2017), et ses œuvres ont en outre été exposées à la Documenta fifteen (2022), à la Berlinische Galerie (2023), à la Biennale de Venise (2024) et au Frac Bretagne (2024). En outre, Öğrenci a été récompensée à plusieurs reprises, en 2022 elle a été nominée pour le prix de la Böttcherstraße et en 2023 elle a reçu le prix Villa Romana. Pınar Öğrenci vit à Berlin.

Nuri Musluoğlu : en 1965, Nuri Musluoğlu (né en 1951 à Istanbul, Turquie) a suivi ses parents en RFA et a effectué un apprentissage d'outilleur, puis a travaillé comme travailleur social pour l'Arbeiterwohlfahrt. Parallèlement, il a été actif en politique, notamment dans les syndicats IG Metall et Verdi ainsi que dans le mouvement pour la paix. Avec d'autres acteurs*, il a fondé un centre culturel germano-turc à Heilbronn. En plus de ses images de protestation réalisées lors de plus de 100 manifestations, Musluoğlu documente la cohabitation germano-turque ainsi que la xénophobie dans l'espace public et les conditions de vie dans les centres d'asile, également dans des films Super 8 et des enregistrements sonores. Depuis 1985, Musluoğlu publie des photos sous différents pseudonymes dans l'hebdomadaire de gauche « Türkiye Postası », publié en Allemagne et destiné aux travailleurs et aux personnes en quête de protection politique. De temps en temps, il produit également une émission de télévision qu'il fait circuler sur des cassettes VHS. Nuri Musluoğlu vit à Heilbronn et à Bodrum, en Turquie.

Nell'ambito della serie di mostre “Reorganising Photography” al Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G), due generazioni con esperienza di migrazione si incontrano: l'artista curda Pınar Öğrenci è stata invitata a confrontarsi con le immagini di protesta del fotografo amatoriale turco-tedesco Nuri Musluoğlu. Nella sua installazione multimediale sviluppata appositamente per il museo, che si basa sull'archivio fotografico, video e sonoro di Nuri Musluoğlu, Pınar Öğrenci riflette sul movimento operaio e sulla società della migrazione nella Repubblica Federale Tedesca degli anni '70 e '80 dalla prospettiva di oggi. Inoltre, serie fotografiche selezionate e articoli tratti dalla rivista politica “Arbeiterfotografie”, fondata ad Amburgo nel 1973, approfondiscono il contesto storico della mostra e forniscono approfondimenti sulla vita in esilio, sulle condizioni di vita e di lavoro, sul lavoro femminile, sul movimento per la pace e sulle diseguali opportunità di istruzione per i migranti negli anni Ottanta.

Pinar Öğrenci: La migrazione e la sua rappresentazione sono al centro del lavoro artistico di Pınar Öğrenci (* 1973 a Van, Turchia), che lavora spesso con materiale d'archivio. Il suo approccio multimediale al materiale storico e contemporaneo e la sua attenzione alle biografie personali le permettono di guardare in modo critico alle circostanze e alle decisioni in materia di politica migratoria. Nel suo attuale lavoro per il MK&G, l'artista Musluoğlus esamina il materiale d'archivio della coesistenza tedesco-turco-curda dal 1975 al 1988 - comprese le registrazioni di azioni di protesta, marce per la pace, festival estivi, spettacoli musicali ed eventi sportivi, nonché la vita della sua famiglia. L'autrice reinterpreta la cultura della protesta in Turchia utilizzando le fotografie e i filmati Super 8 di Musluoğlu e li colloca nel contesto delle pratiche di resistenza e solidarietà.

Pınar Öğrenci ha studiato architettura e restauro presso l'Università Tecnica Yıldız di Istanbul ed è emigrata in Germania nel 2018. Ha tenuto la sua prima mostra personale alla Kunsthaus Wien (2017) e le sue opere sono state esposte anche a Documenta quindici (2022), Berlinische Galerie (2023), Biennale di Venezia (2024) e Frac Bretagne (2024). Öğrenci ha anche ricevuto diversi premi: nel 2022 è stata nominata per il Premio Böttcherstraße e nel 2023 ha ricevuto il Premio Villa Romana. Pınar Öğrenci vive a Berlino.

Nuri Musluoğlu: Nuri Musluoğlu (*1951 a Istanbul, Turchia) ha seguito i genitori in Germania nel 1965 e ha completato un apprendistato come attrezzista, lavorando poi come assistente sociale per l'Associazione dei lavoratori. Allo stesso tempo è stato attivo politicamente, anche nei sindacati IG Metall e Verdi e nel movimento per la pace. Insieme ad altri attivisti, ha fondato un centro culturale turco-tedesco a Heilbronn. Oltre alle sue immagini di protesta, scattate in oltre 100 manifestazioni, Musluoğlu documenta anche la coesistenza turco-tedesca, la xenofobia negli spazi pubblici e le condizioni di vita nei centri di accoglienza in filmati Super 8 e registrazioni sonore. Dal 1985, Musluoğlu pubblica foto sotto vari pseudonimi sul settimanale di sinistra per lavoratori e persone in cerca di protezione politica “Türkiye Postası”, pubblicato in Germania. A volte produce anche un programma televisivo che diffonde su cassette VHS. Nuri Musluoğlu vive a Heilbronn e a Bodrum, in Turchia.

As part of the exhibition series “Reconsidering Photography” at the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G), two generations with migration experience in Germany come together: Kurdish artist Pınar Öğrenci was invited to engage with the protest images of German-Turkish amateur photographer Nuri Musluoğlu. In her multimedia installation including materials from Nuri Musluoğlu's photography, video and sound archive, developed especially for the museum, Pınar Öğrenci reflects on the West German labour movement of the 1970s and 80s and on what a migration society means for Germany today. In addition, selected photo spreads and articles from the political journal Arbeiterfotografie, founded in Hamburg in 1973, introduce the historical background for the exhibition and provide insights into a life in exile, living and working conditions, women's work, the peace movement and unequal educational opportunities for migrants in the 1980s.

Pinar Öğrenci: Migration and its representation are at the centre of the artistic practice of Pınar Öğrenci (b. 1973 in Van, Turkey, lives in Berlin). She often works with archival materials and personal biographies, taking a multimedia approach to historical and contemporary materials in order to critically examine the circumstances behind and decisions made on migration policy. Pınar Öğrenci’s site-specific installation is based on documentary footage tracing German-Turkish-Kurdish community life and a number of demonstrations that Nuri Musluoğlu recorded from 1975 to 1988. The images show protest actions, strikes and peace marches, summer festivals, performances by musicians in exile, sport clubs, weddings, and other celebrations as well as life of Musluoğlu’s family and friends. Öğrenci reinterprets protest culture from Turkey by using Musluoğlu’s photos and Super 8 films and puts them in the context of practices of resistance and solidarity.

Pınar Öğrenci studied architecture and conservation at Yıldız Technical University in Istanbul and emigrated to Germany in 2018. She had her first solo show at Kunsthaus Wien (2017) and exhibited her work at venues such as documenta fifteen (2022), Berlinische Galerie (2023), the Venice Biennale (2024) and Frac Bretagne (2024). In 2023 she was awarded the Villa Romana Prize, Florence. Öğrenci was nominated for the Böttcherstrasse Prize in 2022.

Nuri Musluoğlu: Nuri Musluoğlu (b. 1951 in Istanbul, Turkey, lives in Heilbronn and Bodrum) followed his parents to Germany in 1965 and completed an apprenticeship as a toolmaker. Among others, he worked in parallel for the IG Metall and Verdi Trade Union and later as a social worker for the Workers’ Welfare Association. Committed to serving as a mouthpiece for people with a migration background, he co-founded a German-Turkish cultural centre in Heilbronn and was involved in the peace movement. Musluoğlu documented German-Turkish coexistence, xenophobia in public spaces and the conditions in asylum centres by photographing, filming and audio recording over 100 demonstrations in which he himself took part.

Since 1985, Musluoğlu has published his images under various pseudonyms in the left-wing weekly newspaper for workers and political asylum seekers called Türkiye Postası, which is published in Germany.

(Text: Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg)