Ausstellung | Intramontabili Eleganze. Dior a Venezia nell'archivio Cameraphoto | Villa Pisani Museo Nazionale | Stra
Apr
12
zu 3. Nov.

Ausstellung | Intramontabili Eleganze. Dior a Venezia nell'archivio Cameraphoto | Villa Pisani Museo Nazionale | Stra

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Villa Pisani Museo Nazionale
12. April - 3. November 2019

Intramontabili Eleganze. Dior a Venezia nell’archivio Cameraphoto


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1951, ein magisches Jahr für Venedig. Die faszinierendsten Ansichten der Stadt sind Co-Protagonisten der Landschaft, die auf der ganzen Welt die Vorschläge des beliebtesten Schneiders der Gegenwart verbreiten: Christian Dior. Und im selben Jahr, am 3. September, wird im Palazzo Labia, dem von Don Carlos de Beistegui y de Yturbe gewünschten Bal Oriental, der am 3. September den "Ball des Jahrhunderts" feiert, der von den 5 Kontinenten tausend Protagonisten des Jet-Sets anzog. Ein Maskenball, an dem Dior mit Dalì, dem sehr jungen Kardin, Nina Ricci und anderen als Schöpferin der Kostüme für die illustren Gäste beteiligt war. Ein Ereignis, das in der Welt die Pracht des venezianischen 18. Jahrhunderts widerspiegeln wird.

Stille Zeugen beider Ereignisse waren die Fotografen von Cameraphoto, der venezianischen Fotoagentur, die 46 von Dino Jarach gegründet wurde, der in jenen Jahren alles Besondere, was in Venedig und darüber hinaus geschah, "abdeckte" und dokumentierte.

Auf Wunsch von Vittorio Pavan, derzeitiger Kurator des beeindruckenden Archivs der Kamerafotografie (allein der historische Teil hat mehr als 300.000 Kartennegative) und Daniele Ferrara, Direktor des Polo Museale Veneto, werden die Bilder dieser beiden historischen Ereignisse der Öffentlichkeit präsentiert. Um sie wieder zum Vorschein zu bringen, wurde ein außergewöhnlicher Ort gewählt, die Villa Nazionale Pisani in Stra, der "Königin" der venezianischen Villen, die, und das ist kein Zufall, mit wunderbaren Fresken von Giambattista Tiepolo verziert ist. Künstler, der von den Decken des Palazzo Labia aus das denkwürdige Festival von 1951 dominierte.

Pavan hat für diese Ausstellung 40 Bilder aus der von Christian Dior in Venedig inszenierten Sammlung ausgewählt. In diesen Jahren präsentierte jede Modenschau knapp 200 Modelle, die sorgfältig zwischen leicht tragbarer und anspruchsvoller Kleidung abgestimmt waren. Dior war die Schutzgottheit der Nachkriegsmode. Seine Sammlungen wurden in der Welt erwartet und umstritten. Es wird geschätzt, dass nur zu sehen (und zu kaufen) seine Vorschläge über den Ozean flogen, jedes Jahr, 25 Tausend Menschen. Jeder Linienwechsel (und jede Saison eine) wurde mit Begeisterung und heftiger Kritik aufgenommen, je nachdem, ob er zu seinem "Clan" oder zu gegensätzlichen Interessen gehörte. Auf jeden Fall konnte keine Frau, die modisch sein wollte, das Diktat des Pariser Couturiers der Avenue Montaigne ignorieren, eines Hauses, das vor 5 Jahren geboren wurde und bereits über tausend Menschen beschäftigte. Ihr neuer Look entwickelte sich von Saison zu Saison. 1950 führte sie die Vertikale Linie ein, 1951 - wie die in der Villa Pisani gezeigten Bilder dokumentieren - konnte sich die Frau nur in Oval kleiden: abgerundete Schultern und Raglanärmel, Stoffe, die zu einer zweiten Haut geformt wurden. Eine unverzichtbare Ergänzung, der Hut, zu dem Dior in diesem Jahr inspiriert wurde, durch die Kopfbedeckung der Kulissen und damit durch den chinesischen Stil. Für den Herbst schuf er stattdessen die Linie "Princesse", in der das Leben die Illusion erweckte, sich bis unter die Brust zu erstrecken: In den Bildern von Cameraphoto kleideten sich die schönen Models als Dior-Duett mit Venedig. Kanäle, Kirchen, Paläste sind nie ein reiner Hintergrund, sondern Protagonisten auf Augenhöhe mit den Kreationen des großen Schneiders.

Der zweite Kern dieser faszinierenden Ausstellung ist dem Großen Ball des Palazzo Labia gewidmet, dem gesellschaftlichen Ereignis des Jahrhunderts. Für den mythischen 3. September in Venedig kam die ganze schöne Welt. Don Carlos' Einladung, im Volksmund bekannt als Il Conte di Montecristo, erreichte tausend Menschen. Dior, mit einer Gruppe junger Schneider und Dalì, war damit beschäftigt, die faszinierendsten Kleider zu kreieren, die alle an das achtzehnte Jahrhundert von Goldoni und Casanova erinnern. Kostüme für Menschen, aber auch für Windhunde und andere Hunde, die oft ihre Herren begleiteten. Die Fackeln, die in der mythischen Nacht die Herzöge von Windsor, die Großen von Spanien, den Aga Khan III, den König Faruq von Ägypten, Winston Churchill, viele gekrönten Häupter, Prinzen und Prinzessinnen, Legionen von Millionären, Künstler wie Fabrizio Clerici und Leonor Fini beleuchteten, Designer wie Balenciaga und Elsa Schiapparelli, Protagonisten des Jetsetsets wie Barbara Hutton, Diana Cooper, Orson Welles, Daisy Fellowes, Cecil Beaton (dessen von Life veröffentlichte Bilder die Welt zum Träumen brachten), Polignac und Rothschild. Um sie willkommen zu heißen, inmitten von Wolken von Tänzern und Harlekins, dominierte der Vermieter, der auf 40 Zentimeter hohen Plattformen als Sonnenkönig gekleidet ging. Er war der Erbe eines immensen Vermögens, das in Mexiko geschaffen wurde. Er lebte zwischen Paris, wo er ein von Le Courbusier entworfenes und von Salvador Dali dekoriertes Haus und ein Landschloss besaß. Er hatte den Palazzo Labia gekauft und restauriert und bot ihn nun seinen Freunden an.

Die Ausstellung soll daher zur Aufwertung des Fotoarchivs von Kamerafoto beitragen, das vom Ministerium für Kulturerbe und Aktivitäten als außerordentlich interessant erklärt wurde und ein unschätzbares Erbe für den Reichtum und die Vielfalt der Bilder, aus denen es besteht, darstellt. Zu diesem Zweck wurde der Kern der Fotografien ausgewählt, die die Kleidung eines der genialsten Designer darstellen.

Übersetzt mit www.DeepL.com/Translator


1951, un anno magico per Venezia. Gli scorci più intriganti della città sono coprotagonisti dalla campagna che in tutto il mondo diffondeva le proposte di quello che è il sarto più popolare del momento: Christian Dior. E, nello stesso anno, il 3 settembre si celebra a Palazzo Labia il “Ballo del Secolo”, quel Bal Oriental voluto da Don Carlos de Beistegui y de Yturbe, che richiamò dai 5 continenti un migliaio di protagonisti del jet set. Un ballo in maschera che impegnò Dior, con Dalì, il giovanissimo Cardin, Nina Ricci e altri, in veste di creatore dei costumi per gli illustrissimi ospiti. Un evento che riverberò nel mondo i fasti del Settecento Veneziano.  

Silenziosi testimoni di entrambi gli eventi furono i fotografi di Cameraphoto, l’agenzia fotografica veneziana fondata nel ’46 da Dino Jarach, che in quegli anni “copriva” e documentava tutto ciò che di speciale accadeva a Venezia e non solo. 

Per volontà di Vittorio Pavan, attuale conservatore dell’imponente Archivio di Cameraphoto (la sola parte storica vanta oltre 300 mila negativi schedati) e di Daniele Ferrara, Direttore del Polo Museale Veneto, le immagini di quei due storici avvenimenti vengono esposte al pubblico. Per farle riemergere si è scelta una location straordinaria, Villa Nazionale Pisani a Stra, la “Regina” delle Ville Venete, che, e non è un caso, è impreziosita da meravigliosi affreschi di Giambattista Tiepolo. Artista che dominò, dai soffitti di Palazzo Labia, la memorabile festa del 1951.  

Pavan, per questa mostra, ha selezionato 40 immagini della collezione messa in scena a Venezia da Christian Dior. In quegli anni, ogni sfilata presentava poco meno di 200 modelli, attentamente calibrati tra capi facilmente vestibili e altri più impegnativi. Dior era il nume tutelare della moda di quel dopoguerra. Le sue collezioni erano attese e contese nel mondo. Si valuta che solo per vedere (e acquistare) le sue proposte sorvolassero l’Oceano, ogni anno, 25 mila persone. Ogni suo cambiamento di linea (e ogni stagione ne imponeva uno) veniva accolto con entusiasmo e con critiche feroci, a seconda se si appartenesse al suo “clan” o ad intessi contrapposti. In ogni caso, nessuna donna che volesse essere alla moda poteva ignorare i dettami del couturier parigino di Avenue Montaigne, una Maison che, nata da appena 5 anni, impegnava già oltre un migliaio di collaboratori. Il suo New look si evolveva stagione dopo stagione. Nel 1950 aveva imposto la Linea Verticale, nel ’51 – come documentano le immagini esposte in Villa Pisani - la donna non poteva che vestire in Ovale: spalle arrotondate e maniche a raglan, tessuti modellati sino a diventare una seconda pelle. Complemento indispensabile, il cappellino, per cui Dior si ispirò, quell’anno, ai copricapi dei coolies, alla cinese quindi. Per l'autunno, creò invece la linea “Princesse” in cui la vita dava l’illusione di estendersi sino a sotto il seno.Nelle immagini di Cameraphoto le bellissime modelle vestite da Dior duettano con Venezia. Canali, chiese, palazzi non sono mai un puro sfondo ma protagonisti alla pari delle creazioni del grande sarto. 

Il secondo nucleo di questa affascinate mostra è dedicato al Gran Ballo di Palazzo Labia, l’evento mondano del secolo. Per quel mitico 3 settembre a Venezia giunse tutto il bel mondo. L’invito di don Carlos, popolarmente indicato come Il Conte di Montecristo, raggiunse mille persone. Dior, con una schiera di giovani sarti e con Dalì, venne impegnato a creare i più affascinanti abiti, tutti a richiamare il Settecento di Goldoni e Casanova. Costumi per persone ma anche per i levrieri e altri cani che spesso accompagnavano i loro padroni. Le torce quella mitica notte illuminarono  i Duchi di Windsor, i Grandi di Spagna, l’Aga Khan III, il Re Faruq d’Egitto, Winston Churchill, molte teste coronate, principi e principesse, schiere di milionari, artisti come Fabrizio Clerici e Leonor Fini, stilisti come Balenciaga e Elsa Schiapparelli, protagonisti del jet set come Barbara Hutton, Diana Cooper, Orson Welles, Daisy Fellowes, Cecil Beaton (le cui immagini, pubblicate da Life, fecero sognare il mondo), i Polignac, e Rothschild. Ad accoglierli, in mezzo a nuvole di ballerine e Arlecchini, il padrone di casa che, camminando su piattaforme alte 40 centimetri, dominava abbigliato da Re Sole. Lui era l’erede di una immensa fortuna creata in Messico. Viveva tra Parigi, dove possedeva una casa disegnata da Le Courbusier e decorata da Salvador Dalì, e un castello di campagna. Aveva acquistato e restaurato Palazzo Labia ed ora lo offriva ai suoi amici.

L’esposizione pertanto si prefigge l’obiettivo di contribuire alla valorizzazione dell’archivio fotografico Cameraphoto, dichiarato di eccezionale interesse culturale dal Ministero per i beni e le attività culturali, che costituisce un inestimabile patrimonio quanto a ricchezza e varietà delle immagini che lo costituiscono. A tal fine si è scelto il nucleo di fotografie che ritraggono gli abiti di uno degli stilisti più geniali e iconici del mondo della moda il quale, a sua volta, attraverso le sue creazioni, ha consentito di puntare il faro su un frammento della millenaria storia di Venezia, aiutandoci a ricostruire quella memoria collettiva sulla quale si fonda il nostro presente.

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Ausstellung | tutto sulle donne - all about women - Eve Arnold | Casa Museo Villa Bassi | Abano Terme
Mai
17
zu 8. Dez.

Ausstellung | tutto sulle donne - all about women - Eve Arnold | Casa Museo Villa Bassi | Abano Terme

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Casa Museo Villa Bassi | Abano Terme
17. Mai - 8. Dezember 2019

Tutto sulle donne – All about women
Eve Arnold


Marlene Dietrich at Columbia records studios, New York, USA, 1952 | © Eve Arnold / Magnum Photos

Marlene Dietrich at Columbia records studios, New York, USA, 1952 | © Eve Arnold / Magnum Photos


Ob die afroamerikanischen Frauen des Ghettos Harlem, die legendäre Marilyn Monroe, Marlene Dietrich oder die Frauen in Afghanistan von 1969, kleine Veränderungen. Die Intensität und Ausdruckskraft der Aufnahmen von Eve Arnold erreichen immer wieder außergewöhnliche Werte. Die amerikanische Fotografin hat ihre weibliche Sensibilität immer in den Dienst eines Jobs gestellt, der Frauen längst verschlossen ist und dem sie einen ganz persönlichen Mehrwert bieten konnte.

Diesem intensiven Interpreten der Fotokunst widmet das Haus-Museum Villa Bassi im Herzen von Abano Terme eine umfangreiche Retrospektive, die sich ganz auf seine berühmten und originellen Frauenportraits konzentriert. Die Retrospektive, die in der Villa Bassi von der Gemeinde Abano Terme - Department of Culture, von Suasez und Magnum Photos, kuratiert von Marco Minuz, präsentiert wird, ist die erste italienische Retrospektive zu diesem Thema, die dem großen amerikanischen Fotografen gewidmet ist.

Eve Arnold, geborene Cohen, die Tochter eines Rabbiners, der von Russland nach Amerika ausgewandert ist, konkurriert mit Inge Morath um den Vorrang der ersten Fotografin, die sich Magnum angeschlossen hat. Tatsächlich waren sie die ersten beiden Fotografen, die vollständig in die 1947 von Robert Capa gegründete Pariser Agentur aufgenommen wurden. Eine Agentur vor ihnen, die nur großen Männern wie Henri Cartier - Bresson oder Werner Bischof vorbehalten ist.

Und es ist ein Glücksfall, dass die ersten beiden Frauen von Magnum die Protagonistinnen von zwei parallelen Retrospektiven in Italien sind, die beide von Suazes gefördert werden: der Morath in Treviso, in der Casa dei Carraresi und jetzt der Arnold in Abano Terme in dieser Ausstellung.

1951 rief Henri Cartier-Bresson Eve Arnold in Magnum an und wurde von den New Yorker Aufnahmen des Fotografen überrascht. Das waren die Bilder von Modeschauen im afroamerikanischen Viertel Harlem, New York. Dieselben Bilder, die in Amerika als zu "skandalös" abgelehnt wurden, wurden von der englischen Zeitschrift Picture Post veröffentlicht.

1952 zog er mit der Familie Eve Arnold nach Long Island, wo er eine der bewegendsten Reportagen seiner Karriere machte: "Die ersten fünf Minuten eines Babys", die die Geschichte der ersten fünf Minuten des Lebens von Kindern erzählt, die im Mother Hospital in Port Jefferson geboren wurden. 1956 ging sie mit einem Psychologenfreund nach Haiti, um die Geheimnisse der Voodoo-Praktiken zu dokumentieren.

Berufen, um den Fotografen Ernst Haas für eine Reportage über Marlene Dietrich zu ersetzen, begann sie mit Hollywood-Berühmtheiten und dem amerikanischen Sternensystem. 1950 traf er Marilyn Monroe, den Beginn einer tiefen Partnerschaft, die nur durch den Tod der Schauspielerin unterbrochen wurde. Für ihren Zweck enthüllt Joan Crawford die Geheimnisse ihrer magischen Schönheit. 1960 dokumentierte sie die Dreharbeiten zum berühmten Film "The Misfits", "The Moved", mit Marilyn Monroe und Clark Gable unter der Regie von John Houston und das Drehbuch von Marilyns Mann Arthur Miller.

Eve Arnold, die 1962 nach London zieht, arbeitet weiterhin mit und für die Filmstars, widmet sich aber auch Reisereportagen: in vielen Ländern des Mittleren und Fernen Ostens, darunter Afghanistan, China und die Mongolei.

Zwischen 1969 und 1971 produzierte er das Projekt "Dietro al velo" (Behind the Veil), das auch zu einem Dokumentarfilm wurde, der den Zustand von Frauen im Nahen Osten bezeugt.

"Paradoxerweise denke ich, dass der Fotograf ein Amateur in seinem Herzen sein sollte, jemand, der das Handwerk liebt. Er muss eine gesunde Konstitution, einen starken Magen, einen ausgeprägten Willen, bereitwillige Reflexe und ein Gefühl für Abenteuer haben. Und seien Sie bereit, Risiken einzugehen. So definiert Eve Arnold die Figur des Fotografen. Obwohl ihre Arbeit von einem Kampf zeugt, der einschränkenden Definition einer "Fotografin" zu entkommen, war ihr Vermögen gerade das, Weiblichkeit als "Frau unter Frauen" interpretieren zu können.


Che si tratti delle donne afroamericane del ghetto di Harlem, dell’iconica Marilyn Monroe, di Marlene Dietrich o delle donne nell’Afghanistan del 1969, poco cambia. L’intensità e la potenza espressiva degli scatti di Eve Arnold raggiungono sempre livelli di straordinarietà. La fotografa americana ha sempre messo la sua sensibilità femminile al servizio di un mestiere troppo a lungo precluso alle donne e al quale ha saputo dare un valore aggiunto del tutto personale.

A questa intensa interprete dell’arte della fotografia, la Casa-Museo Villa Bassi, nel cuore di Abano Terme, dedica un’ampia retrospettiva, interamente centrata sui suoi celebri ed originali ritratti femminili. Quella proposta in Villa Bassi, dal Comune di Abano Terme – Assessorato alla cultura, da Suasez e da Magnum Photos, con la curatela di Marco Minuz, è la prima retrospettiva italiana su questo tema dedicata alla grande fotografa statunitense.

Eve Arnold, nata Cohen, figlia di un rabbino emigrato dalla Russia in America, contende ad Inge Morath il primato di prima fotografa donna ad essere entrata a far parte della Magnum. Furono infatti loro due le prime fotografe ad essere ammesse a pieno titolo nell’agenzia parigina fondata da Robert Capa nel 1947. Un’agenzia prima di loro, riservata solo ai grandi fotografi uomini come Henri Cartier – Bresson o Werner Bischof.

Ed è un caso fortunato che le due prime donne di Magnum siano protagoniste di altrettante retrospettive parallele in Italia entrambe promosse per iniziativa di Suazes: la Morath a Treviso, in Casa dei Carraresi, e ora la Arnold ad Abano Terme in questa mostra.

A chiamare Eve Arnold in Magnum fu, nel 1951, Henri Cartier -Bresson, colpito dagli scatti newyorkesi della fotografa. Erano le immagini di sfilate nel quartiere afroamericano di Harlem, a New York. Quelle stesse immagini, rifiutate in America per essere troppo “scandalose”, vennero pubblicate dalla rivista inglese Picture Post.

Nel 1952 insieme alla famiglia Eve Arnold si trasferisce a Long Island, dove realizza uno dei reportage più toccanti della sua carriera: “A baby’s first five minutes”, raccontando i primi cinque minuti di vita dei piccoli nati al Mother Hospital di Port Jefferson. Nel 1956 si reca con un’amica psicologa ad Haiti per documentare i segreti delle pratiche Voodoo.

Chiamata a sostituire il fotografo Ernst Haas per un reportage su Marlene Dietrich, inizia la frequentazione con le celebrities di Hollywood e con lo star system americano. Nel 1950 l’incontro con Marilyn Monroe, inizio di un profondo sodalizio che fu interrotto solo dalla morte dell’attrice. Per il suo obiettivo Joan Crawford svela i segreti della sua magica bellezza. Nel 1960 documenta le riprese del celebre film ”The Misfits”, “Gli spostati”, con Marilyn Monroe e Clark Gable, alla regia John Houston e alla sceneggiatura il marito dell’epoca di Marilyn, Arthur Miller.

Trasferitasi a Londra nel 1962, Eve Arnold continua a lavorare con e per le stelle del cinema, ma si dedica anche ai reportage di viaggio: in molti Paesi del Medio ed Estremo Oriente tra cui Afghanistan, Cina e Mongolia.

Fra il 1969 e il 1971 realizza il progetto “Dietro al velo”, che diventa anche un documentario, testimonianza della condizione della donna in Medio Oriente.

«Paradossalmente penso che il fotografo debba essere un dilettante nel cuore, qualcuno che ama il mestiere. Deve avere una costituzione sana, uno stomaco forte, una volontà distinta, riflessi pronti e un senso di avventura. Ed essere pronto a correre dei rischi». Così Eve Arnold definisce la figura del fotografo. Benché il suo lavoro sia testimonianza di una lotta per uscire dalla definizione limitante di “fotografa donna”, la sua fortuna fu proprio quella capacità di farsi interprete della femminilità, come “donna fra le donne”.


Whether it's the African-American women of the Harlem ghetto, the iconic Marilyn Monroe, Marlene Dietrich or the women in Afghanistan of 1969, little changes. The intensity and expressive power of Eve Arnold's shots always reach extraordinary levels. The American photographer has always put her feminine sensibility at the service of a job that has long been closed to women and to which she has been able to give a very personal added value.

To this intense interpreter of the art of photography, the House-Museum Villa Bassi, in the heart of Abano Terme, dedicates an extensive retrospective, entirely centered on his famous and original female portraits. The retrospective presented in Villa Bassi by the Municipality of Abano Terme - Department of Culture, by Suasez and Magnum Photos, curated by Marco Minuz, is the first Italian retrospective on this theme dedicated to the great American photographer.

Eve Arnold, born Cohen, the daughter of a rabbi who emigrated from Russia to America, is competing with Inge Morath for the primacy of the first female photographer to join Magnum. In fact, they were the first two photographers to be fully admitted to the Parisian agency founded by Robert Capa in 1947. An agency before them, reserved only for great men photographers such as Henri Cartier - Bresson or Werner Bischof.

And it is a lucky case that the first two women of Magnum are the protagonists of two parallel retrospectives in Italy, both promoted by Suazes: the Morath in Treviso, in the Casa dei Carraresi, and now the Arnold in Abano Terme in this exhibition.

In 1951, Henri Cartier-Bresson called Eve Arnold in Magnum and was struck by the photographer's New York shots. These were the images of fashion shows in the African-American district of Harlem, New York. Those same images, rejected in America for being too "scandalous", were published by the English magazine Picture Post.

In 1952, together with the Eve Arnold family, he moved to Long Island, where he made one of the most touching reportages of his career: "A baby's first five minutes", telling the story of the first five minutes of life of children born at the Mother Hospital in Port Jefferson. In 1956 she went with a psychologist friend to Haiti to document the secrets of Voodoo practices.

Called to replace photographer Ernst Haas for a reportage on Marlene Dietrich, she began dating Hollywood celebrities and the American star system. In 1950 he met Marilyn Monroe, the beginning of a profound partnership that was interrupted only by the actress's death. For her purpose, Joan Crawford reveals the secrets of her magical beauty. In 1960 she documented the filming of the famous film "The Misfits", "The Moved", with Marilyn Monroe and Clark Gable, directed by John Houston and the screenplay by Marilyn's husband, Arthur Miller.

Moving to London in 1962, Eve Arnold continues to work with and for the movie stars, but also dedicates herself to travel reportages: in many countries of the Middle and Far East including Afghanistan, China and Mongolia.

Between 1969 and 1971 he produced the project "Dietro al velo" (Behind the Veil), which also became a documentary, testifying to the condition of women in the Middle East.

"Paradoxically, I think that the photographer should be an amateur in his heart, someone who loves the trade. He must have a healthy constitution, a strong stomach, a distinct will, ready reflexes and a sense of adventure. And be ready to take risks. That's how Eve Arnold defines the figure of the photographer. Although her work bears witness to a struggle to escape the limiting definition of a "woman photographer", her fortune was precisely that of being able to interpret femininity as a "woman among women".

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Ausstellung | Lawrence Carroll Photographs | Rolla Foundation | Bruzella
Mai
18
zu 31. Mai

Ausstellung | Lawrence Carroll Photographs | Rolla Foundation | Bruzella


Rolla Foundation | Bruzella
18. Mai 2019 - 31. Mai 2020

Lawrence Carroll Photographs


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Lawrence Carroll Photographs ist die sechzehnte Ausstellung im ehemaligen Kindergarten von Bruzella, dem Sitz der Rolla Foundation.

Philip und Rosella Rolla sammeln seit Jahren Carrolls Bildwerke und präsentieren nun sein erstes fotografisches Projekt.

Lawrence Carroll gilt als einer der führenden Vertreter der zeitgenössischen Kunst. Sein Werk, oft an der Grenze zwischen Malerei und Skulptur, ist von einem poetischen Gefühl und einem autobiografischen Abdruck durchdrungen, der sich in seinem fotografischen Werk widerspiegelt.

Das Projekt entstand nach einer langen Reise durch die Vereinigten Staaten von Amerika in eine neue Stadt und ein neues Zuhause.


Lawrence Carroll Photographs è la sedicesima mostra ospitata nell’ex scuola d’infanzia di Bruzella, sede della Fondazione Rolla.

Philip e Rosella Rolla, che da anni collezionano l’opera pittorica di Carroll, ora presentano il suo primo progetto fotografico.

Lawrence Carroll è considerato un esponente di rilievo dell’arte contemporanea internazionale. Il suo lavoro, spesso al limite tra pittura e scultura, è pervaso da un sentimento poetico e un’impronta autobiografica che si riflette anche nel lavoro fotografico.

Il progetto nasce dopo un lungo viaggio attraverso gli Stati Uniti d’America verso una nuova città e una nuova casa.


Lawrence Carroll Photographs is the sixteenth exhibition held in the ex-kindergarten of Bruzella, home of the Rolla Foundation.

Philip and Rosella Rolla have been collecting Carroll’s pictorial work for years and now present his first photographic project.

Lawrence Carroll is considered a leading exponent of contemporary art. His work, often at the boundary between painting and sculpture, is pervaded by a poetic sentiment and an autobiographical imprint that is reflected in his photographic work.

The project was born after a long journey through the United States of America to a new city and a new home.

(Text: Rolla Foundation)

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Ausstellung | Traumbild Ägypten | Museum Rietberg | Zürich
Jun
20
zu 20. Okt.

Ausstellung | Traumbild Ägypten | Museum Rietberg | Zürich


Museum Rietberg | Zürich
20. Juni - 20. Oktober 2019

Traumbild Ägyten
Frühe Fotografien von Pascal Sebah und Émile Béchard


«Innenhof der Tulun-Moschee, Kairo». Émile Béchard. Albuminabzug. Ägypten, Kairo, um 1875. Museum Rietberg, Zürich | FRP 1-63

«Innenhof der Tulun-Moschee, Kairo». Émile Béchard. Albuminabzug. Ägypten, Kairo, um 1875. Museum Rietberg, Zürich | FRP 1-63


Die Ausstellung zeigt sechzig Originalabzüge aus den 1870er Jahren der in Kairo tätigen Fotografen Pascal Sebah und Émile Béchard.

Gekonnt erschufen sie für Touristen visuelle Wunschträume. Dennoch wurden die Bilder mit real existierenden Menschen und an wirklichen Orten geschaffen. «Traumbild Ägypten» zeichnet diese Mechanismen nach und zeigt, wie die Fotografen jene Traumwelt mit Hilfe von Schauspielern inszeniert und Bild für Bild zusammengesetzt haben.


L’exposition présente soixante tirages originaux de photos prises dans les années 1870 par Pascal Sebah et Émile Béchard, qui opéraient au Caire.

Avec talent, ces deux photographes créèrent des images telles qu’en rêvaient les touristes. Pourtant, elles représentent des personnages bien réels et des lieux existant vraiment. «Une Egypte imaginaire» retrace ce mécanisme et montre comment les photographes ont mis en scène ce monde fabuleux avec l’aide d’acteurs et l’ont composé en album, image après image


The exhibition presents sixty original prints from the 1870s by the photographers Pascal Sebah and Émile Béchard, who were based in Cairo.

With great skill they designed visual dreams for tourists, but relied on real people and real settings to create their images. ‘Egyptian dreamworld’ reveals how the photographers went about staging this dreamworld with actors and then pieced it together, shot by shot.

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Ausstellung | Salt Years - Sigalit Landau | Museum der Moderene | Salzburg
Jul
6
zu 17. Nov.

Ausstellung | Salt Years - Sigalit Landau | Museum der Moderene | Salzburg


Museum der Moderne | Salzburg
6. Juli - 17. November 2019

Salt Years
Sigalit Landau


Sigalit Landau Tutu, 2017, Stoff, Salzkristalle, Foto: Yotam From

Sigalit Landau Tutu, 2017, Stoff, Salzkristalle, Foto: Yotam From


In den letzten fünfzehn Jahren hat die israelische Bildhauerin und Video- und Installationskünstlerin Sigalit Landau (1969 Jerusalem, IL – Tel Aviv, IL) das Tote Meer immer wieder als eine Inspirationsquelle und Laboratorium genutzt. Es war der Schauplatz vieler ihrer Arbeiten – insbesondere mit verschiedenen alltäglichen Objekten, die sie "tauft", indem sie sie monatelang in das salzigste Meer der Welt eintaucht, bis diese, von Salzkristallen bedeckt, in hypnotisierende Objekte von eindringlicher Schönheit verwandelt werden. Landaus kraftvolle und vielschichtige Werke thematisieren oft Fragen der weiblichen Identität und körperlichen Erfahrung und untersuchen Themen wie die Schatten, die der Holocaust geworfen hat, die angespannte politische Situation in Israel und komplexe Fragen der Gerechtigkeit, der strukturellen Gewalt und der wirtschaftlichen Ausbeutung der Natur. Ihre tief bewegenden und ambivalenten Kreationen kombinieren eine poetische Aura mit auffallender Symbolik und zeugen von der transformativen, erhaltenden und heilenden Eigenschaft von Salz sowie seiner zerstörerischen Kraft.

Sigalit Landau ist eine der bedeutendsten zeitgenössischen Künstler_innen Israels. In den letzten Jahren wurden ihre Arbeiten an zahlreichen großen Veranstaltungsorten in Israel, den USA und Europa gezeigt, darunter bei der documenta und der Biennale di Venezia. Die aktuelle Ausstellung umfasst mehrere Readymades, die im Toten Meer eingetaucht wurden, sowie eine Auswahl ihrer wichtigsten Videoarbeiten.


For the past fifteen years, the sculptor and video and installation artist Sigalit Landau (b. 1969) has repeatedly revisited the Dead Sea as a source of inspiration and laboratory. It has been the setting of the gestation of many of her works—in particular, various mundane objects that she “baptizes” by immersing them in the world’s saltiest sea for months until, covered by salt crystals, they are transformed into objects of mesmerizing, haunting beauty. Landau’s powerful and multifaceted works often probe questions of female identity and bodily experience, and explore themes such as the shadows cast by the Holocaust; the tense political situation in Israel; and complex issues of justice, structural violence, and the economic exploitation of nature. Combining a poetic aura with striking symbolism, her deeply moving creations reveal, with profound ambivalence, the transformative, sustaining, and healing properties of salt, as well as its destructive power.

Sigalit Landau is one of Israel's foremost contemporary artists. In recent years, her work has been exhibited at numerous major venues in Israel, the United States, and Europe, including documenta and La Biennale di Venezia. The current exhibition includes several readymades that have been suspenden in the Dead Sea, and a selection of Landau's most important video works.

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

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Ausstellung | Retrospektive - Martin Parr | NRW-Forum | Düsseldorf
Jul
19
zu 10. Nov.

Ausstellung | Retrospektive - Martin Parr | NRW-Forum | Düsseldorf


NRW-Forum | Düsseldorf
19. Juli - 10. November 2019

Retrospektive
Martin Parr


Martin Parr: Knokke, Belgium 2001, © Martin Parr / Magnum Photos

Martin Parr: Knokke, Belgium 2001, © Martin Parr / Magnum Photos


„Wenn die Leute beim Betrachten meiner Bilder gleichzeitig weinen und lachen, dann ist das genau die Reaktion, die die Bilder auch bei mir hervorrufen. Die Dinge sind weder grundsätzlich gut noch schlecht. Ich bin immer daran interessiert, beide Extreme darzustellen.“

(Martin Parr)

Der englische Fotograf Martin Parr gilt als einer der wichtigsten Vertreter der zeitgenössischen Dokumentarfotografie und als Chronist unserer Zeit. Das NRW-Forum Düsseldorf präsentiert vom 19. Juli bis 10. November 2019 die bisher umfassendste Retrospektive des britischen Fotografen, der die Welt mit einem präzisen und liebevollen Blick abtastet und ihr gleichzeitig den Spiegel vorhält.

Martin Parrs Lieblingsmotiv ist der Mensch in seiner alltäglichen oder selbst gewählten Umgebung. Seine Aufnahmen wirken oft übertrieben, schrill, bunt, teilweise grotesk. In seinem Blick auf den Menschen liegt oft etwas Fassungsloses und Schonungsloses. Gepaart mit dem typisch englischen Humor lichtet er die Welt und die Menschen, die in ihr leben, in den schillerndsten Farben ab.

Die Ausstellung ist mit über 400 Werken die bisher umfassendste Retrospektive des britischen Magnum-Fotografen. Neben Arbeiten aus berühmten Serien wie The last Resort, Think of England, Luxury, Life’s a Beach und Common Sense umfasst die Ausstellung in Düsseldorf erstmals auch frühe Fotografien seiner Debüt-Serie Bad Weather. Die Martin Parr Retrospektive zeigt den Fotografen dabei nicht nur als Satiriker, sondern richtet den Fokus auf das fotografische Können und den zeitgenössischen Umgang mit dem Medium der Fotografie. Eigens für die Ausstellung im NRW-Forum entstand die Serie Kleingärtner, die Martin Parr im Großraum Düsseldorf fotografiert hat.

Für seine Aufnahmen begibt sich Martin Parr, der seit 1994 der Agentur Magnum Photo angehört, an die Lieblingsorte der Menschen: den Strand, Sehenswürdigkeiten, Ausflugsziele. Er sucht Orte mit Extremen und ist ein Meister der Aufdeckung von Beziehungsgeflechten und gesellschaftlichen Strukturen. Mit dem Stilmittel der Übertreibung arbeitet er Klischees heraus und führt gerne die oft obszöne Selbstpräsentation oder das Konsumverhalten von Menschen vor Augen. Zu Beginn seiner Laufbahn in den 1970er Jahren dokumentierte er die nähere Umgebung seiner Heimat in kontrastreichen Schwarz-Weiß-Aufnahmen. Anfang der 1980er Jahre verwendete er zunehmend Farbe, änderte seinen Stil und wechselte von einer 35mm Kleinbildkamera zu der neunen Plaubel 6x7 Mittelformatkamera. Sein 1982 begonnenes und 1986 erstmals veröffentlichtes Projekt The Last Resort, mit dem er das britische Strandleben in New Brighton dokumentierte, gilt heute als Meilenstein der Fotografie und machte ihn international bekannt. Die berührenden wie oft verstörenden Aufnahmen zeigen den Alltag des britischen Seebads auf eine völlig neue Art und Weise. Sie hinterfragen den Begriff der Schönheit und untersuchen das Schöne im Hässlichen und das Hässliche im Schönen, stilistisch unterstützt durch das für Martin Parr typische Blitzlicht bei Tageslicht.

Entwickelt und kuratiert wird die Ausstellung von Ralph Goertz, Leiter des IKS – Institut für Kunstdokumentation, der im NRW-Forum bereits mit den Ausstellungen Joel Meyerowitz Retrospective oder Lindbergh/Winogrand: Women on Street vertreten war.

(Text: NRW-Forum Düsseldorf)

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Ausstellung | Greenpace Photo Award | f3 - freiraum für fotografie | Berlin
Aug
28
zu 3. Nov.

Ausstellung | Greenpace Photo Award | f3 - freiraum für fotografie | Berlin

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f3 - freiraum für fotografie | Berlin
28. August - 3. November 2019

Greenpeace Photo Award
Ian Willms, Pablo E. Piovano


© Ian Willms 2019, aus As Long as the Sun Shines, GREENPEACE PHOTO AWARD.

© Ian Willms 2019, aus As Long as the Sun Shines, GREENPEACE PHOTO AWARD.


Der Kanadier Ian Willms und der Argentinier Pablo E. Piovano sind die Gewinner des Greenpeace Photo Award. Der Award unterstützt die Realisierung von Foto-Dokumentationen zu relevanten Umweltproblemen und wird seit 2014 alle zwei Jahre von Greenpeace Schweiz und Greenpeace Deutschland vergeben. In ihren Langzeitprojekten befassen sich die beiden ausgezeichneten Fotografen mit den aktuellen Themen Landrechte, Klimawandel und den Auswirkungen der Ölausbeutung auf indigene Gemeinschaften.

Pablo E. Piovano dokumentiert die seit Jahrzehnten andauernden Landkonflikte in Patagonien. In der Region Araucanía in Chile verteidigen die Mapuche ihr Landrecht als gebürtige Ureinwohner*innen – auch gegen die Regierung, die sie als Terrorist*innen anklagt. Sie kämpfen gegen die Zerstörung ihrer Lebensgrundlagen und fordern das Recht ein, ihre jahrhundertealten Traditionen zu leben. In seinen Bildern kontrastiert Piovano die einzigartige Schönheit, den Artenreichtum und die kulturelle Vielfalt Patagoniens mit dem brutalen Kampf um seine Zukunft.

In seinem Projekt As Long as the Sun Shines zeigt der Fotograf Ian Willms (*1985) die Folgen der Ölsandausbeutung im kanadischen Alberta. Vor der Kulisse der Rocky Mountains reißen enorme Rodungsflächen tiefe Wunden ins Land. Mit massivem Wasser-, Energie und Chemikalienaufwand wird das Öl aus den Teersanden gewaschen – eine „Ökokatastrophe von höchster Brisanz“ (Lars Lindemann, Bildredakteur Magazin GEO). Über acht Jahre fotografierte Ian Willms einfühlsam die Zusammenhänge von wirtschaftlichem Aufschwung, globalem Klimawandel und sozialer Ungerechtigkeit gegenüber Ureinwohner*innen.


Le Canadien Ian Willms et l'Argentin Pablo E. Piovano sont les lauréats du Prix photo de Greenpeace. Ce prix soutient la réalisation de documentaires photographiques sur des problèmes environnementaux importants et est décerné tous les deux ans depuis 2014 par Greenpeace Suisse et Greenpeace Allemagne. Dans leurs projets à long terme, les deux photographes primés traitent de sujets d'actualité tels que les droits fonciers, les changements climatiques et les effets de l'exploitation pétrolière sur les communautés autochtones.

Pablo E. Piovano documente les conflits fonciers qui se déroulent en Patagonie depuis des décennies. Dans la région d'Araucanía au Chili, les Mapuches défendent leurs droits fonciers en tant que peuples autochtones autochtones* - également contre le gouvernement, qui les accuse d'être des terroristes*. Ils luttent contre la destruction de leurs moyens de subsistance et revendiquent le droit de vivre leurs traditions séculaires. Dans ses tableaux, Piovano met en contraste la beauté unique, la biodiversité et la diversité culturelle de la Patagonie avec la lutte brutale pour son avenir.

Dans son projet As Long as the Sun Shines, le photographe Ian Willms (*1985) montre les conséquences de l'exploitation des sables bitumineux en Alberta, Canada. Sur fond de montagnes Rocheuses, d'énormes zones de déforestation déchirent profondément le pays. Le pétrole est lavé des sables bitumineux à l'aide de quantités massives d'eau, d'énergie et de produits chimiques - une "éco-catastrophe de la plus haute magnitude" (Lars Lindemann, éditeur photo du magazine GEO). Pendant plus de huit ans, Ian Willms a photographié avec sensibilité les liens entre la reprise économique, les changements climatiques mondiaux et l'injustice sociale envers les peuples autochtones*.


Canadian Ian Willms and Argentinian Pablo E. Piovano are the winners of the Greenpeace Photo Award. The award supports the realisation of photo documentaries on relevant environmental problems and has been awarded every two years since 2014 by Greenpeace Switzerland and Greenpeace Germany. In their long-term projects, the two award-winning photographers deal with current topics such as land rights, climate change and the effects of oil exploitation on indigenous communities.

Pablo E. Piovano documents the land conflicts that have been going on in Patagonia for decades. In the Araucanía region in Chile, the Mapuche defend their land rights as native indigenous peoples* - also against the government, which accuses them of being terrorists*. They fight against the destruction of their livelihoods and demand the right to live their centuries-old traditions. In his pictures, Piovano contrasts the unique beauty, biodiversity and cultural diversity of Patagonia with the brutal struggle for its future.

In his project As Long as the Sun Shines, photographer Ian Willms (*1985) shows the consequences of oil sands exploitation in Alberta, Canada. Against the backdrop of the Rocky Mountains, enormous areas of deforestation tear deep wounds into the country. The oil is washed out of the tar sands using massive amounts of water, energy and chemicals - an "eco-catastrophe of the highest magnitude" (Lars Lindemann, picture editor of GEO magazine). For over eight years, Ian Willms sensitively photographed the connections between economic upswing, global climate change and social injustice towards indigenous peoples*.

In Kooperation mit Greenpeace e.V.

(Text: Freiraum hoch3, Berlin)

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Ausstellung | Landed - Emma Summerton | Christophe Guye Galerie | Zürich
Aug
30
zu 23. Nov.

Ausstellung | Landed - Emma Summerton | Christophe Guye Galerie | Zürich

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Christophe Guye Galerie | Zürich
30. August - 23. November 2019

Landed
Emma Summerton


Miami Blue, 1999

Miami Blue, 1999

Im Mittelpunkt der Weltpremiere stehen die Polaroidarbeiten der Künstlerin, die Teil eines Projekts sind, das ursprünglich aus einer Reihe von privaten visuellen Liebesbriefen in einer Fernbeziehung entstanden ist. Die Polaroids leiteten auch ihre Karriere in die Wege – und ermöglichten ihr sozusagen eine Art Landung in der Fotografie. Neben einer grossen Auswahl ihrer ausdrucksstärksten und stark vergrösserten Polaroids werden eine Super-8-Filmprojektion sowie ein Schaukasten mit Utensilien aus dem Entstehungsprozess der Werke zu sehen sein.

Emma Summerton (*1970, Australien) absolvierte die National Art School in Sydney, wo sie Bildende Kunst mit dem Schwerpunkt Fotografie studierte. 1998 zog Summerton nach London, um als Assistentin der Künstlerin Fiona Banner zu arbeiten. Zugleich startete sie ihre Karriere als Fotografin.

Der Durchbruch als professionelle Fotografin gelang ihr mit der Zusammenarbeit mit Terry de Havilland 2004/2005, aus der die Ausstellung eine grosse Auswahl der wichtigsten Werke zeigt, und die jetzt erstmals zugänglich gemacht werden. Seitdem hat sich Summerton als eine der talentiertesten Fotografinnen etabliert, die Mitte der 2000er Jahre hervorgingen. Ihr fundiertes technisches Wissen gepaart mit ihrem Blick für Details und ihrer Liebe zur Mode haben ihre Bilder nicht nur einzigartig, sondern auch unverwechselbar gemacht und heben sie deutlich von anderen Fotografen ab, die heute in dieser Branche arbeiten. 

Summertons Werk dreht sich um die Themen Mode, Liebe, Begehren und Intimität. Ihre Polaroidarbeiten sind Teil eines Projekts, das Summerton im Jahr 1999 als Serie von Selbstporträts begann, zunächst als visuelle Liebesbriefe an ihren damaligen Partner und auch in der Absicht, ihre Sprache durch Fotografie neu zu entdecken. ‚Meine Mutter war Modeschöpferin, und für die Schule fertigte sie mir Kleider an auf der Grundlage meiner Zeichnungen, die ich zu Tanzveranstaltungen trug‘, sagt sie. Damals waren Kostüme ein Ausgangspunkt, um Summertons Fantasie zu entfesseln. In ihren ‚Polaroid-Experimenten‘, wie sie sie nennt, wurden Kostüme wieder zu einem Vehikel für sie, um ihr Innenleben auszudrücken. 

‚Sie haben vielleicht Geschichten gelesen oder Ausstellungen von Frauen gesehen, die Fotos von sich selbst machen, und Sie denken an die grossen Künstlerinnen, die das Selbstporträt erforscht haben: Cindy Sherman, Nan Goldin, sogar Sarah Lucas; Frauen, die Selbstbehauptung porträtierten, Neuerfindung, Frauen, wie sie von Männern angestarrt werden, Sex und Substitute für den menschlichen Körper. Aber was ist mit der Liebe? Hier setzt die in Australien geborene Kunst- und Modefotografin Emma Summerton an. Ihre Leidenschaft für die Selbstdokumentation durch Polaroids war nicht nur eine Möglichkeit, ihren kreativen Ausdruck als Künstlerin zu nutzen, um mit ihrem Geliebten während ihrer Fernbeziehung zu kommunizieren, sondern gab ihr auch ein Gefühl von Individualität als Modefotografin.‘

Njide Ugboma

Emma Summerton Werke wurden bereits in der ArtisTree in Hongkong an der von Nathalie Herschdorfer kuratierten Ausstellung ‚Beyond Fashion‘ zusammen mit u.a. Paolo Roversi, Jürgen Teller und Bruce Weber gezeigt sowie im Victoria & Albert Museum in London an der ‚Christian Dior: Designer of Dreams‘ Ausstellung. Zurzeit ist sie zusammen mit Peter Lindbergh, Nick Knight sowie weiteren Künstlern im National Museum of Scotland in der Ausstellung ‚Body Beautiful‘ zu sehen.

(Text: Christophe Guye Galerie, Zürich)

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Ausstellung | Das Auge der Welt - Henri Cartier-Bresson | Rossart | Zürich
Aug
30
zu 26. Okt.

Ausstellung | Das Auge der Welt - Henri Cartier-Bresson | Rossart | Zürich


Rossart | Zürich
30. August - 26. Oktober 2019

Das Auge der Welt
Henri Cartier-Bresson


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Das Auge der Welt

Wenn man in der Photographie eine Analogie zu den großen Malern des 20. Jahrhundert, ihrer vitalen Kreativität und ihrer spontanen Fähigkeit auf Gesehenes zu reagieren suchte, würde man sicherlich in einem ersten Atemzug Henri Cartier-Bresson nennen. Kaum jemand hat das photographische Sehen im 20 Jahrhundert mehr geprägt, als der 1908 geborene Franzose.

Nun bereitet die Züricher Photographie Galerie RossArt eine Cartier-Bresson Show vor, die nicht nur bekannte ikonographische Werke des herausragenden Jahrhundert Talents zeigt, sondern auch reizvolle Motive und Portraits die auf den zahlreichen, weltumspannenden Reisen Cartier-Bressons entstanden sind. Das rastlose Bedürfnis die zahlreichen Schauplätze der Geschichte und ihre Akteure einzufangen führte ihn bereits mit 23 Jahren an die Elfenbeinküste, wenig später nach New York. Mit 29 photographierte er die Krönung George des VI in London und nur wenige Monate später wurde im spanischen Bürgerkrieg gesichtet. Als treuer Begleiter an seiner Seite stets die Leica Kleinbildkamera, gefüllt mit schwarz-weiss Filmmaterial. Noch heute erstaunt uns wie Cartier-Bresson mit dieser, vergleichsweise bescheidenen Ausrüstung Bilder von einer so intensiv ästhetischen Dichte schaffen konnte. Wie kein Zweiter prägte er stilistisch ganze Generationen von Photographen, zog Museumsleute, Sammler und Betrachter in seinen Bann.

Das Werk Henri Cartier-Bresson spiegelt fast ein ganzes Jahrhundert wieder. Mit dem Blick auf ein ebenso abenteuerliches wie schaffensreiches Leben hat man für die intime und feine Ausstellung deshalb Bilder gewählt, die zum einem Cartier-Bressons interessierten Blick auf die zahlreich bereisten Orte, etwa Indien, Mexico, Amerika oder die Türkei widerspiegeln. Im Dialog dazu gibt es jene Bilder-Ikonen wie etwa Giacometti im Regen, den berühmten Sonntag an der Marne, einen brilliantes Jean-Paul Satre Portrait oder den Duke of Windsor. So ensteht ein lebhafes, spannendes Miteinander der Bilder, die man ganz diskret aus einer renommierten Privatsammlung übernehmen konnte.

Ohne unbescheiden zu sein darf man Cartier-Bresson wohl zurecht 'das Auge der Welt' nennen. Die perfekte Komposition, auch unter Zeitdruck und in unkomfortablen Situationen war immer sein Anspruch. Mit welch wunderbaren Bildern er diesen Anspruch eingelöst hat, dass kann man vom 29. August diesen Jahres an in der RossArt Galerie betrachten. Die Züricher Galeristin Svetlana Minati hat für die Show eine Selektion zusammengestellt die ganz wunderbar Gelegenheit bietet museale Exponate in Original zu erleben, wie auch den Blick auf jene Photographien zu richten, welche den Blick des weit herumgekommenen und vielgereisten Cartier-Bresson dokumentieren.

(Text: Hans Irrek)

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Ausstellung | Bricolage // Wild - Exotic - Different | Historisches und Völkerkundemuseum | St. Gallen
Aug
31
zu 1. März

Ausstellung | Bricolage // Wild - Exotic - Different | Historisches und Völkerkundemuseum | St. Gallen

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Historisches und Völkerkundemuseum | St. Gallen
31. August - 1. März 2019

Bricolage // Wild - Exotic - Different
Brigit Edel­mann, Stefan Rohner, Andy Storchen­egger


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Die Kunstschaffenden Brigit Edel­mann, Stefan Rohner und Andy Storchen­egger befassen sich in der Aus­stellung «wild exotic different» mit der Dialektik von Kunst und Ethno­logie in verschiedenen Kulturen. Fragen nach Zusammen­hängen von Kultur und Natur, dem Aus­loten von Grenzen, Heimat und Identität oder der Suche nach dem Wilden in verschiedenen Gesell­schaften werden gestellt. Die Ausstellung wird durch eine Publikation, eine Web­seite sowie eine Ausstellung im Gaso­meter in Triesen FL begleitet.

(Text: Historisches und Völkerkundemuseum, St. Gallen)

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Ausstellung | Lagrange's Streets | The Lumiere Brothers Center for Photography | Moscow
Sep
5
zu 7. Nov.

Ausstellung | Lagrange's Streets | The Lumiere Brothers Center for Photography | Moscow

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The Lumiere Brothers Center for Photography | Moscow
5. September - 7. November 2019

Lagrange’s Streets


Young ballet dancers | Vladimir Lagrange, 1962

Young ballet dancers | Vladimir Lagrange, 1962


Das Lumiere Brothers Center for Photography eröffnet eine neue Ausstellungssaison mit einer Jubiläumsretrospektive von Vladimir Lagrange, dessen Werk zum Bild des "Tauwetters" der 1960er Jahre geworden ist. Der überwältigende Wunsch des Fotografen, die Welt zu beobachten, seine Aufmerksamkeit für den Menschen und das erstaunliche Gespür für den Geist der Zeit haben uns ein umfangreiches Archiv zur Verfügung gestellt. Lagranges Werke wurden zu einem anerkannten Klassiker der sowjetischen Kunst, während sie im Einklang mit dem standen, was mit der Fotografie in der Welt geschah - dem Aufstieg der humanistischen Bewegung, dem Werk der jungen Fotoagentur Magnum.

Mehr als hundert von Lagranges Werken, von den 60er bis zu den 90er Jahren, werden es dem Betrachter ermöglichen, die Stimmungsänderungen in den verschiedenen Perioden der Geschichte zu sehen. Die Retrospektive umfasst klassische und bekannte Fotografien - Oma (1961), Torwart (1961), Friedenstauben (1962), Junge Ballerinas (1962) sowie weniger bekannte Werke. Die Ausstellung umfasst rund vierzig Jahre Lagranges Schaffen und spiegelt sein Wachstum als Künstler sowie den Einfluss der Zeit auf seinen Stil, seine Präsentation und seine Themen wider.

Natalia Grigorieva-Litvinskaya, Chefkuratorin des Zentrums für Fotografie, notiert: "Wir arbeiten seit fast 15 Jahren mit dem Lagrange Archive zusammen, und ich kann sagen, dass es unmöglich ist, ihn mit jemand anderem zu vergleichen oder ihn in eine Kategorie, ein Genre oder eine Bewegung einzuordnen. Seine Fotografien zeichnen sich durch eine unverwechselbare Ästhetik aus, die alle seine Werke durchdringt. Es dauerte sehr lange, bis wir uns für einen Namen für die Ausstellung entschieden hatten, aber je weiter wir gingen und je mehr wir seine Arbeit studierten, desto mehr verstanden wir, dass es sein Ziel war, ein aufmerksamer Teilnehmer auf jeder "Straße" zu sein, auf die ihn das Leben führte. Es gibt sehr viele dieser Straßen, darunter die gleichnamige "les rues Lagrange" in seiner historischen Heimat, in Frankreich".

Schon früh war Lagrange von der Fotografie fasziniert - im Urlaub fotografierte er seine Mitschüler und die Landschaften der Krim. Es war keine Überraschung, dass er, nachdem er 1959 als Lehrling zur TASS Photo Chronicle gekommen war, ziemlich schnell zum Vollzeitfotografen wurde. Seine Fotografien wurden in den Zeitungen Pravda, Literaturnaya Gazeta, der Freien Welt, der Zeitschrift Soviet Photo und der Zeitschrift Soviet Union veröffentlicht, wo er mehr als 20 Jahre lang arbeitete.

Lagrange verweigert inszenierte, "eingefrorene" Fotografien und schafft ein Porträt der Epoche - mit einer Atmosphäre der Freiheit, der Romantik der Jugend und der Nachlässigkeit der Kindheit.

"Meine Aufgabe war es, den Leser mit der Arbeit von Metallurgen, Piloten, Bergleuten, Ärzten, Getreidebauern bekannt zu machen.... mit ihrem Leben, und zwar sehr wahrheitsgemäß", schrieb er. Das ehrliche, aufrichtige Auge von Lagrange lehnte die Propaganda der sowjetischen Lebensweise ab, lobte aber das tägliche Leben des "kleinen Mannes" und enthüllte die Lyrik des Alltags mit der neuen Fotosprache.

Dem Blick des Fotografen durch die Jahrzehnte folgend, wird der Betrachter Veränderungen im sowjetischen und dann im russischen Leben miterleben. Aber unabhängig von den Stimmungen der Epochen betrachtete Lagrange seine Themen auch in schwierigen Jahren immer mit Zuneigung und Verständnis und fasste die Poesie des Lebens ein.


The Lumiere Brothers Center for Photography opens a new exhibition season with a jubilee retrospective of Vladimir Lagrange, whose work has become the very image of the “thaw” of the 1960s. The photographer’s overwhelming desire to observe the world, his attention towards people, and the amazing sense of the spirit of the era have provided us with an extensive archive. Lagrange’s works became a recognized classic of Soviet art, while remaining in consonance with what was happening with photography in the world—the rise of the humanistic movement, the work of the young photographic agency Magnum.

More than a hundred of Lagrange’s works, from the 60s to the 90s, will allow the viewer to see the changes in the moods of successive periods of history. The retrospective will include classic and well-known photographs—Granny (1961), Goalkeeper (1961), Doves of Peace (1962), Young Ballerinas (1962), as well as lesser known works. The exhibition will cover about forty years of Lagrange’s creative work and reflect his growth as an artist and also the influence of time on his style, presentation and themes.

Natalia Grigorieva-Litvinskaya, chief curator of the Center for Photography, notes: “We have been working with the Lagrange Archive for almost 15 years, and I can say that it is impossible to compare him to anyone else or put him into any category, genre or movement. His photographs are characterized by a distinctive aestheticism, permeating all his works. It took us a very long time to decide on a name for the exhibition, but the further we went and the more we studied his work, the more we understood that his goal was to be an observant participant on every “street” where life took him. There are a great many of these streets, including the eponymous "les rues Lagrange" in his historical homeland, in France”.

Lagrange was fascinated by photography from an early age—he took photographs of his schoolmates and the landscapes of the Crimea while on holiday. It was no surprise that, after joining the TASS Photo Chronicle in 1959 as an apprentice, he rather quickly became a full-time photographer. His photographs were published in the newspapers Pravda, Literaturnaya Gazeta, the German Die Freie Welt, the magazine Soviet Photo and the magazine Soviet Union, where he worked for more than 20 years.

Refusing staged, "frozen" photographs, Lagrange creates a portrait of the era—with an atmosphere of freedom, the romance of youth and the carelessness of childhood.

“My task was to acquaint the reader with the work of metallurgists, pilots, miners, doctors, grain growers ... with their lives, and very truthfully,” he wrote. The honest, sincere eye of Lagrange rejected the propaganda of the Soviet way of life, but praised the daily life of the "little man" and revealed the lyricism of everyday life, using the new photographic language.

Following the photographer’s gaze through the decades, the viewer will witness changes in Soviet and then Russian life. But, regardless of the moods of the eras, Lagrange always looked at his subjects with affection and understanding, even in difficult years, capturing the poetry of life.

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Ausstellung | Regard incertain - Sophie Calle | Kunstmuseum Thun
Sep
6
zu 1. Dez.

Ausstellung | Regard incertain - Sophie Calle | Kunstmuseum Thun


Kunstmuseum Thun
6. September - 1. Dezember 2019

Regard incertain
Sophie Calle


#7 | Sophie Calle |  Infarctus silencieux , 2017 (série des  Histoires vraies ) | © Sophie Calle / ADAGP, Paris 2019 | Courtesy the Artist & Perrotin

#7 | Sophie Calle | Infarctus silencieux, 2017 (série des Histoires vraies) | © Sophie Calle / ADAGP, Paris 2019 | Courtesy the Artist & Perrotin


Als eine der wichtigsten Künstlerinnen der Gegenwart befasst sich Sophie Calle (*1953) mit dem Themendreieck Leben, Liebe und Tod. In minuziös dokumentierten Spurensuchen reflektiert sie häufig die Bedingungen der künstlerischen Selbsterkenntnis und die Selbstdarstellung am Ende des 20. Jahrhunderts. Die private Leidenschaft, der Exhibitionismus und der Zwang zur Beobachtung erhielten in den letzten Jahren verstärkt eine soziale Färbung, ohne dass die Aktionen an sich deshalb ihre Nähe eingebüsst hätten. Die Fotografie ist für sie Medium und Werkzeug zugleich, sie erzählt Geschichten in Bildern – wobei auch das geschriebene Wort eine zentrale Rolle einnimmt.

Das Fotomuseum Winterthur und das Kunstmuseum Thun präsentieren in Zusammenarbeit das erste Mal in der Schweiz Sophie Calles umfangreiches Schaffen in einer zweiteiligen Ausstellung.


Sophie Calle (*1953), l'une des artistes contemporaines les plus importantes, aborde le triangle thématique de la vie, de l'amour et de la mort. Dans ses recherches méticuleusement documentées de traces, elle réfléchit souvent sur les conditions de la connaissance de soi artistique et de l'autoreprésentation à la fin du XXe siècle. Ces dernières années, la passion privée, l'exhibitionnisme et la contrainte d'observer ont de plus en plus reçu une coloration sociale, sans que les actions elles-mêmes aient perdu de leur proximité en conséquence. Pour elle, la photographie est à la fois un médium et un outil, racontant des histoires en images - l'écrit jouant également un rôle central.

Le Fotomuseum Winterthur et le Kunstmuseum Thun collaborent pour la première fois en Suisse pour présenter l'œuvre de Sophie Calles dans une exposition en deux parties.


As one of the most important contemporary artists, Sophie Calle (*1953) deals with the thematic triangle of life, love and death. In minutely documented quests she often reflects the conditions of artistic self-realisation and self-portrayal at the end of the 20th century. In recent years, the private passion, exhibitionism and compulsion to observe increasingly got a social colouring, without the actions themselves losing any of their closeness. For her, photography is simultaneously a medium and a tool; she tells stories in images, while the written word also plays a central role.

For the first time in Switzerland, Fotomuseum Winterthur and Kunstmuseum Thun together present Sophie Calle’s comprehensive work in a two-part exhibition.

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Ausstellung | Light from within - Todd Hido | Galerie Les Filles du Calvaire | Paris
Sep
6
zu 19. Okt.

Ausstellung | Light from within - Todd Hido | Galerie Les Filles du Calvaire | Paris

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Galerie Les Filles du Calvaire | Paris
6. September - 19. Oktober 2019

Light from within
Todd Hido


Todd Hido, #11506-3940, 2014

Todd Hido, #11506-3940, 2014

Zur Eröffnung der neuen Nachsommersaison im September freut sich die Galerie Les Filles du Calvaire, die Einzelausstellung des amerikanischen Fotografen Todd Hido anzukündigen: Licht von innen. Die Galerie wird eine außergewöhnliche Auswahl an Bildern aus der Houses at Night Serie zeigen, die Hido berühmt gemacht haben. Bright Black World, das sich mit anhaltender Kraft und Schönheit der tragischen Frage widmet, dass sich unsere Landschaften im Wandel befinden, ergänzt diese Gruppe. Und einige seiner emblematischen Porträts sind in diesem Panorama verteilt. Parallel zur Ausstellung wird das Buch House Hunting bei Nazraeli Press neu aufgelegt.

House Hunting ist das perfekte Bild von Todd Hidos künstlerischer und körperlicher Wanderung; der Künstler reiste mit dem Auto durch Amerika, um sein Geheimnis festzuhalten. Das Thema ist klar, ohne Schnickschnack betitelt: Häuser, die nachts gesehen werden. Und doch führt die Behandlung des so erkennbaren Bildes den Betrachter zu einer romantischeren Symbolik, die von einer gewissen Nostalgie geprägt ist. Sein künstlerischer Filter ist verschwommen wie der Geist. Um unsere Vorstellungskraft fruchtbarer zu machen und unsere Projektionen zu stimulieren, ist die Anwesenheit des Menschen nur implizit. Keine Schattenpuppe Silhouette. Diese Abwesenheit verstärkt die mysteriöse Ladung des Werkes und nur durch das schwache Leuchten, das von diesen Häusern ausgeht, vermuten wir, dass sie bewohnt sind.

Mit Bright Black World verlässt Todd Hido die amerikanischen Vororte, um die trostlosen Landschaften Nordeuropas zu erkunden. Die psychologische Geographie und Interpretation sind etwas ganz anderes: Obwohl er immer noch mit der ästhetischen Dualität spielt, die sein Werk charakterisiert, zwischen Fremdheit und dem Erhabenen, Licht und Schatten, ist der Planet, den er beschreibt, heute ein unbekanntes, postapokalyptisches Gebiet. Die in House Hunting vorgeschlagene Menschlichkeit ist in der Dunkelheit verschwunden, verurteilt durch ihre eigenen Fehler.

« Es steht außer Frage, dass es bei dieser Arbeit um die Physik des Klimawandels geht, die jetzt stattfindet. Wenn man nicht in völliger Verleugnung ist, wie es leider viele Menschen tun, kommen diese Veränderungen viel schneller als erwartet....". Todd Hido.


Todd Hido, #11789-6928, 2017. From the series Bright Black World

Todd Hido, #11789-6928, 2017. From the series Bright Black World


Pour cette rentrée de septembre, la galerie Les filles du calvaire a le plaisir d’annoncer l’exposition personnelle du photographe américain Todd Hido : Light from within. L’artiste propose à la galerie un exceptionnel ensemble de la série Houses at Night qui l’a rendu célèbre. S’ajoute à ce corpus la série Bright Black World qui aborde toujours avec force et beauté la tragique question de nos paysages en mutation. Quelques portraits emblématiques de son travail ponctuent ce panorama. Parallèlement, l’ouvrage de House Hunting est réédité chez Nazraeli Press.

House Hunting est l’image parfaite de l’errance artistique et physique de Todd Hido qui a sillonné l’Amérique en voiture pour en saisir le mystère. Le sujet est clair, titré sans fioritures : des maisons vues de nuit. Pourtant le traitement de l’image, si reconnaissable, conduit le spectateur vers une symbolique plus romantique, teintée d’une nostalgie certaine. Son filtre artistique est brumeux comme l’esprit. Pour rendre plus fécond notre imaginaire et stimuler nos projections, la présence de l’homme est uniquement implicite. Aucune silhouette en ombre chinoise. Cette absence renforce la charge mystérieuse de l’œuvre et on devine à la seule lueur qui s’en échappe que ces maisons sont habitées.

Avec Bright Black World, Todd Hido sort des banlieues américaines pour explorer des paysages désolés du nord de l’Europe. La géographie psychologique et l’interprétation sont tout autre : s’il joue ici encore avec la dualité esthétique qui le caractérise entre étrangeté et sublime, lumière et ombre, la planète qu’il décrit est désormais un territoire inconnu post-apocalyptique. L’humanité suggérée dans House Hunting, a disparu dans l’obscurité, condamnée par ses propres erreurs.

« Il ne fait aucun doute que ce travail porte sur le caractère physique du changement climatique qui se produit actuellement. Bien que beaucoup de gens soient dans le déni total de cette mutation, elle se produit bien plus rapidement que prévu. » Todd Hido.


Todd Hido, #11797-3252, 2017. From the series Bright Black World

Todd Hido, #11797-3252, 2017. From the series Bright Black World


To launch the new post-summer season in September, Galerie Les Filles du Calvaire has the pleasure of announcing the solo exhibition of American photographer Todd Hido: Light from within. The gallery will host an exceptional set of images from the Houses at Night series, which made Hido famous. Bright Black World, which tackles, with continued force and beauty, the tragic question of our landscapes undergoing change, complements this group. And a few of his emblematic portraits are spread throughout this panorama. Parallel to the exhibition, the book House Hunting will be republished by Nazraeli Press.

House Hunting is the perfect image of Todd Hido’s artistic and physical wandering; the artist travelled through America by car in order to capture its mystery. The subject is clear, titled without frills: houses seen at night. And yet, the treatment of the image, so recognisable, leads spectators towards a more romantic symbolism, tinged with a certain nostalgia. Its artistic filter is hazy like the mind. To make our imagination more fecund and to stimulate our projections, the presence of mankind is merely implicit. No shadow puppet silhouette. This absence reinforces the work’s mysterious charge and only by the faint glow that emanates from these houses do we guess that they’re inhabited.

With Bright Black World, Todd Hido exits from the American suburbs to explore the desolate landscapes of northern Europe. The psychological geography and interpretation are something else altogether: although he still plays with the aesthetic duality which characterises his work, between strangeness and the sublime, light and shadow, the planet which he describes is now an unfamiliar, post-apocalyptic territory. The humanity suggested in House Hunting has disappeared into the darkness, condemned by its own errors.

« There is no question that this work is about the physicality of climate change that is occurring now. Unless you are in full-blown denial, as unfortunately many people are, these changes are coming far quicker than anybody expected…». Todd Hido.

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Ausstellung | Mit F. C. Gundlach um die Welt | Photobastei | Zürich
Sep
6
zu 27. Okt.

Ausstellung | Mit F. C. Gundlach um die Welt | Photobastei | Zürich


Photobastei | Zürich
6. September - 27. Oktober 2019

Mit F.C. Gundlach um die Welt


F.C. Gundlach | "Odaliske" | Lizzy Schaper für Triumph | Tanger, Marokko 1964

F.C. Gundlach | "Odaliske" | Lizzy Schaper für Triumph | Tanger, Marokko 1964


Der Grandseigneur der Modefotografie in der Photobastei!

In mehr als vier Jahrzehnten aktiver Tätigkeit avancierte er zu einem der bekanntesten Modefotografen des 20. Jahrhunderts. Seine zeitlosen Modeaufnahmen sind vielfach zu Ikonen geworden und haben das visuelle Gedächtnis ganzer Generationen geprägt. Neben F.C. Gundlachs prägnanter Formen- und Bildsprache, basiert ein essentieller Teil seines Erfolges auf seiner frühen und ausgeprägten Reisetätigkeit, die ihn wie keinen anderen Modefotografen der deutschen Nachkriegsära um den gesamten Globus führte. 500.000 Meilen reiste F.C. Gundlach von Location zu Location um die Welt.

Die Ausstellung 500.000 Meilen – mit F.C. Gundlach um die Welt zeigt mit mehr als 100 Exponaten in schwarz-weiss und Farbe einen repräsentativen Ausschnitt über die klare Bildsprache sowie die ästhetische Haltung des Fotografen. Sie bietet Einblick in seine kulturellen Interessen sowie die bisweilen abenteuerlichen Umstände, unter denen seine Bilder überall auf der Welt entstanden.

Zu sehen sind bekannte Ikone ebenso wie noch nie gezeigte Motive als Vintages und grossformatige Neu-Abzüge.

Eine Ausstellung der Stiftung F.C. Gundlach Hamburg kuratiert von Natalja Aljasova und Jasmin Seck


Le grand seigneur de la photographie de mode dans le Photobastei !

En plus de quarante ans d'activité, il est devenu l'un des photographes de mode les plus célèbres du XXe siècle. Ses photographies de mode intemporelles sont souvent devenues des icônes et ont façonné la mémoire visuelle de générations entières. Outre le langage formel et visuel concis de F.C. Gundlach, une partie essentielle de son succès est basée sur son activité de voyage précoce et prononcée, qui l'a mené autour du monde comme aucun autre photographe de mode de l'après-guerre allemand. F.C. Gundlach a parcouru 500 000 milles d'un endroit à l'autre dans le monde.

L'exposition 500'000 Miles - Around the World avec F.C. Gundlach présente avec plus de 100 expositions en noir et blanc et en couleur un extrait représentatif du langage visuel clair du photographe et de son attitude esthétique. Il offre un aperçu de ses intérêts culturels et des circonstances parfois aventureuses dans lesquelles ses photos ont été prises dans le monde entier.

Des icônes bien connues sont exposées, ainsi que des motifs inédits tels que des millésimes et de nouvelles estampes grand format.

Une exposition de la fondation F.C. Gundlach Hambourg organisée par Natalja Aljasova et Jasmin Seck.


Il grande signore della fotografia di moda nel Photobastei!

In oltre quattro decenni di attività attiva, è diventato uno dei più famosi fotografi di moda del XX secolo. Le sue fotografie di moda senza tempo sono spesso diventate icone e hanno plasmato la memoria visiva di intere generazioni. Oltre al conciso linguaggio formale e visivo di F.C. Gundlach, una parte essenziale del suo successo si basa sulla sua precoce e pronunciata attività di viaggi, che lo ha portato in giro per il mondo come nessun altro fotografo di moda del dopoguerra tedesco. F.C. C. Gundlach ha percorso 500.000 miglia da una località all'altra in tutto il mondo.

La mostra 500.000 Miles - Around the World con F.C. Gundlach presenta, con oltre 100 opere in bianco e nero e a colori, un estratto rappresentativo del chiaro linguaggio visivo e dell'atteggiamento estetico del fotografo. Offre una visione dei suoi interessi culturali e delle circostanze talvolta avventurose in cui le sue foto sono state scattate in tutto il mondo.

In mostra icone note e motivi inediti come le annate e le nuove stampe di grande formato.

Una mostra della fondazione F.C. Gundlach Hamburg a cura di Natalja Aljasova e Jasmin Seck.


The grand seigneur of fashion photography in the Photobastei!

In more than four decades of active activity, he became one of the most famous fashion photographers of the 20th century. His timeless fashion photographs have often become icons and have shaped the visual memory of entire generations. In addition to F.C. Gundlach's concise formal and visual language, an essential part of his success is based on his early and pronounced travel activity, which led him around the globe like no other fashion photographer of the German post-war era. F.C. Gundlach traveled 500,000 miles from location to location around the world.

The exhibition 500,000 Miles - Around the World with F.C. Gundlach shows with more than 100 exhibits in black and white and color a representative excerpt of the photographer's clear visual language and aesthetic attitude. It offers an insight into his cultural interests and the sometimes adventurous circumstances under which his pictures were taken all over the world.

On display are well-known icons as well as never-before-seen motifs as vintages and large-format new prints.

An exhibition of the foundation F.C. Gundlach Hamburg curated by Natalja Aljasova and Jasmin Seck.

(Text: Photobastei, Zürich)

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Ausstellung | Nosso Brazil - Claudia Jaguaribe | hangar art center - gallery | Brussels
Sep
6
zu 26. Okt.

Ausstellung | Nosso Brazil - Claudia Jaguaribe | hangar art center - gallery | Brussels

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hangar art center - gallery | Brussels
6. September - 26. Oktober 2019

Nosso Brazil
Claudia Jaguaribe


Claudia+Jaguaribe,+Iguacu,+80+x+120+cm.jpg

Die Natur der Dinge ist eine Installation, die die Macht der Natur angesichts ihrer Zerstörung, die dem wirtschaftlichen Fortschritt innewohnt, in Frage stellt. Das Konzept dieser Ausstellung entstand aus dem Wunsch heraus, ein visuelles Verständnis der Extreme der Brasilianer in ihrer natürlichen oder urbanen Umgebung zu vermitteln. Tatsächlich hat Brasilien große von Menschen verursachte Umweltkatastrophen erlebt, einschließlich der Entwicklung von Städten, die sich scheinbar bis ins Unendliche ausbreiten. Die Spannungen und Folgen dieser spezifischen Situation haben Claudia Jaguaribe seit langem interessiert und sind Gegenstand ständiger Forschung, aus der die verschiedenen im Hangar ausgestellten Fotoserien abgeleitet sind. Durch die Auseinandersetzung mit den Themen Stadtlandschaft und Umweltfragen schafft Claudia Jaguaribe verschiedene Ebenen des Verständnisses und der Erzählung. Die ersten Bilder stammen aus dem Jahr 2009 und die letzten wurden in diesem Jahr speziell für die Ausstellung produziert. Claudia Jaguaribe ist eine Künstlerin, die die zeitgenössische Fotografie auf lebendige und verankerte Weise verkörpert: Sie erforscht das Medium ständig, bis es sich zu Formen und Räumen "dehnt", die für sie sehr persönlich sind. Im Hangar stimuliert Claudia Jaguaribe die Wahrnehmung der Realität und bietet dem Betrachter die Vision von "ihrem Brasilien".


La nature des choses est une installation qui interroge le pouvoir même de la nature face à sa destruction, inhérente au progrès économique. Le concept de cette exposition est né du désir d’apporter une compréhension visuelle des extrêmes auxquels sont confrontés les brésiliens, dans leur environnement, naturel ou urbain. En effet, le Brésil a connu de grandes catastrophes environnementales causées par l’homme, notamment le développement de villes qui semblent s’étendre à l’infini. Les tensions et les conséquences de cette situation spécifique intéressent Claudia Jaguaribe depuis longtemps et font l’objet d’une recherche incessante dont découlent les différentes séries photographiques exposées au Hangar. En explorant les thèmes du paysage urbain et des problèmes environnementaux, Claudia Jaguaribe crée différentes couches de compréhension et de récit. Les premières images datent de 2009 et les dernières ont été produites cette année spécialement pour l’exposition. Claudia Jaguaribe est une artiste qui incarne la photographie contemporaine de manière vivante et ancrée: elle explore sans cesse le medium jusqu’à son « étirement » vers des mises en forme et en espace qui lui sont très personnelles. Au Hangar, Claudia Jaguaribe stimule la perception du réel et offre au spectateur la vision de « son Brésil ».


The Nature of Things is an installation that questions the very power of nature over its destruction, inherent in economic progress. The concept of this exhibition was born from the desire to provide a visual understanding of the extremes facing Brazilians in their natural or urban environment. Indeed, Brazil has experienced major man-made environmental disasters, including the development of cities that seem to grow endlessly. The tensions and the consequences of this specific situation have been of interest to Claudia Jaguaribe for a long time and are the subject of researches from which the various photographic series exhibited at Hangar are derived. By exploring the themes of the urban landscape and environmental issues, Claudia Jaguaribe creates different layers of understanding and narrative. The first images are from 2009 and the last ones were produced this year especially for the exhibition. Claudia Jaguaribe is an artist who embodies contemporary photography in a lively and ingrained way: she constantly explores the medium until it is «expanded» into very personal forms and spaces. At Hangar, Claudia stimulates the perception of reality and offers the viewer the vision of «her Brazil».


De natuur der dingen is een installatie die vragen stelt over de kracht zelf van de natuur tegenover haar vernietiging, die inherent is aan economische vooruitgang. Het concept van deze tentoonstelling ontstond uit het verlangen de uitersten waarmee de Brazilianen in hun natuurlijk of stedelijk milieu geconfronteerd worden, op een visuele manier begrijpelijk te maken. Brazilië werd namelijk getroffen door grote milieurampen die door de mens veroorzaakt werden, met name de ontwikkeling van de steden die tot in het oneindige lijken uit te deinen. De spanningen en gevolgen van deze specifieke situatie wekken reeds lang de belangstelling van Claudia Jaguaribe en vormen het onderwerp van een onophoudelijke zoektocht waarvan de verschillende in de Hangar tentoongestelde fotoreeksen het resultaat zijn. Bij het bestuderen van de thema's als het stedelijk landschap en de milieuproblematiek schept Claudia Jaguaribe verschillende begrips- en verhaallagen. De eerste beelden dateren van 2009 en de laatste werden dit jaar speciaal voor de tentoonstelling gemaakt. Als kunstenares incarneert Claudia Jaguaribe de eigentijdse fotografie op een levendige en diepgaande manier: zij tast onophoudelijk de mogelijkheden van het medium af totdat het als het ware "uitgerekt wordt" tot een manier van vormgeving en in een ruimte die voor haar erg persoonlijk zijn. In de Hangar stimuleert Claudia Jaguaribe de perceptie van de werkelijkheid en biedt zij aan de toeschouwer de visie van "haar Brazilië".

(Text: hangar art center gallery)


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Ausstellung | Last Summer - Philipp Keel | Bildhalle | Zürich
Sep
6
zu 19. Okt.

Ausstellung | Last Summer - Philipp Keel | Bildhalle | Zürich


Bildhalle | Zürich
6. September - 19. Oktober 2019

Last Summer
Philipp Keel


© Philipp Keel, Julie, 2014, Color Print on Arches Water Color Rough 650g, Edition 3 of 5 & 2 AP, 153 x 102.8 cm (print)

© Philipp Keel, Julie, 2014, Color Print on Arches Water Color Rough 650g, Edition 3 of 5 & 2 AP, 153 x 102.8 cm (print)


«Die schönsten Sommer sind oft auch die schmerzlichsten. Weil wir uns selten lebendiger fühlen. Und an ihrem Ende umso stärker daran erinnert werden, dass alles einmal vorbeigeht.

Betrachtet man Philipp Keels neue Arbeiten für ‹Last Summer›, fällt einem – abgesehen von einem Akt – die Abwesenheit von Menschen auf. Stattdessen finden sich neben Stillleben vor allem Bilder von zunächst kühl und sommerlich anmutenden Palmen, Pools, Drinks, immer wieder auch kurze Momentaufnahmen und verspielte Augenwinkelpoesie. Alle Bilder eint der Blick ihres Künstlers für besondere Details und Stimmungen, doch beim genaueren Hin-sehen wird die Melancholie spürbar, die viele der Werke durchzieht. Nicht selten ist der Moment bereits vergangen oder nur noch unscharf an den Rändern des Bewusstseins zu sehen. Zurück bleibt ein Gefühl von Vergänglichkeit, vielleicht sogar ein Hauch Einsamkeit.

Eine der grossen Stärken dieser Arbeiten ist, dass die Bilder subtil und zurückhaltend bleiben. Der Betrachter findet in ihnen, was er finden möchte. Mal ist die Melancholie unbeschwert und nur wie ein sanftes, nicht unangenehmes Zupfen an einer gespannten Saite tief in uns. Manchmal steckt aber auch mehr dahinter. ‹Last Summer› führt uns an eine Schwelle. Der Abend ist angebrochen, man steht allein mit einem Drink auf der Veranda und blickt hinaus, hört das Gelächter von Freunden im Hintergrund, sieht das letzte Licht des Tages schwinden. Im Kopf laufen wieder die mal flirrenden, mal klaren Bilder eines Tages ab, der viel zu schnell vorüberging. Vielleicht wird man dann kurz wehmütig, vielleicht dreht man sich aber auch um und geht zurück zu den anderen.» 

(Text: Benedict Wells, Juli 2019)

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Ausstellung | "Kiki Kogelnik 1969 New York und andere Portraits" - Michael Horowitz | Anzenberger Gallery | Wien
Sep
6
zu 31. Okt.

Ausstellung | "Kiki Kogelnik 1969 New York und andere Portraits" - Michael Horowitz | Anzenberger Gallery | Wien


Anzenberger Gallery | Wien
6. September - 31. Oktober 2019

“Kiki Kogelnik 1969 New York und andere Portraits”
Michael Horowitz


Kiki Kogelnik, New York, 1969

Kiki Kogelnik, New York, 1969



Vor 50 Jahren besuchte der junge Fotograf Michael Horowitz die aufstrebende Pop-Art-Ikone Kiki Kogelnik in New York. Der 26-jährige Künstler stammt aus Bleiburg, einem Dorf im Jauntal von Kärnten mit 4000 Einwohnern, und eroberte New York im Sturm. Sie stand am Anfang einer vielversprechenden Karriere. Die kommunikative junge Frau hatte den Weg in die New Yorker Kunstszene gefunden, zu der Andy Warhol, Claes Oldenburg und Roy Lichtenstein gehörten, die die Pop Art als Kontrapunkt zum abstrakten Expressionismus etablierten. Damals schuf die extravagante Performerin Raumkunstbilder und hängende Skulpturen aus Körperumrissen in Vinyl, die sie an Kleiderhaken aufhängte - Werke, die heute sicherlich zu ihren bedeutendsten zählen.

1969 begleitete Michael Horowitz Kiki Kogelnik durch ihr New York. Die beiden erkundeten drei Tage lang Museen, führten schräge Handlungen auf Baustellen durch und zogen sich dann, leicht erschöpft, in Kikis Wohnung zurück, wo sie auch das Leben der Superin durch Fotos dokumentierten. Diese einzigartige Frau hatte ein außergewöhnliches Lebensmotto: "Künstlerin zu sein ist kein Beruf, sondern eine Existenzform - eine leidenschaftliche Art, Mensch zu sein". Die Fotografien des Wiener Fotografen Michael Horowitz aus dieser Zeit in New York vor 50 Jahren sind eine außergewöhnlich unkonventionelle Manifestation dieses Mottos.


50 years ago, the young photographer Michael Horowitz visited the rising pop art icon Kiki Kogelnik in New York. Originally from Bleiburg, a village in the Jauntal valley of Carinthia with a population of 4000 residents, the 26-year-old artist was taking New York by storm. She was at the beginning of a promising career. The communicative young woman had found her way into the New York art scene, which included Andy Warhol, Claes Oldenburg, and Roy Lichtenstein, who were establishing pop art as a counterpoint to abstract expressionism. At the time, the flamboyant performer was creating space art images and hanging sculptures made from body outlines in vinyl, which she would hang on coat hooks - works that now surely count as among her most significant ones.

In 1969, Michael Horowitz accompanied Kiki Kogelnik through her New York. The two explored museums over a period of three days, performing quirky acts on construction sites, then retreating, slightly exhausted, to Kiki's apartment, where they would also document the superwoman's life through photographs. This unique woman had an extraordinary motto for life: "Being an artist is not a profession, rather a form of existence – a passionate way of being human." Viennese photographer Michael Horowitz’s photos of this time in New York 50 years ago are an exceptionally unconventional manifestation of this motto.

(Text: Anzenberger Gallery, Wien)

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Ausstellung | Open Equations - Laura J. Padgett | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Sep
7
zu 19. Okt.

Ausstellung | Open Equations - Laura J. Padgett | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main


Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
7. September - 19. Oktober 2019

Open Equations
Laura J. Padgett


Laura J. Padgett, Turbulence, 2019. Archival Pigment Print on Hahnemühle Etching 360 gsm, 96 x 66 cm, Ed. 3 + 1 AP

Laura J. Padgett, Turbulence, 2019. Archival Pigment Print on Hahnemühle Etching 360 gsm, 96 x 66 cm, Ed. 3 + 1 AP


In ihren neuesten Arbeiten setzt Laura J. Padgett ihre Untersuchungen des öffentlichen und privaten Raums und der Orte dazwischen fort. Wie wir Räume gestalten und unsere Welt strukturieren, ist immer ein Ausdruck unseres Verhältnisses zur Gesellschaft und gleichzeitig zum Visuellen. Hierbei ersetzt der Zugang durch den Blick häufig die physische Möglichkeit, einen Ort zu begehen.

Hauptthema bleibt die Fotografie in ihrer Fähigkeit, Dinge abzubilden und gleichzeitig eine abstrakte Gedankenwelt zu erzeugen, die durch die Wahrnehmung erfahrbar wird.

Wie verstehen wir Oberflächen und den Raum? Wie bewegen wir uns bewusst durch diese komplexen Verhältnisse? Das Sichtbare, Farben, Linien und Strukturen drücken auch die Beziehung des Einzelnen zu den ihn umgebenden Lebensverhältnissen aus. Laura J. Padgetts Fotografien öffnen den Raum und machen ihn navigierbar. 

Laura J. Padgett, geb. 1958 in Cambridge, USA, erhielt ihren Bachelor of Fine Arts in Malerei am Pratt Institute in Brooklyn, New York. Zwischen 1983 und 1985 setzte sie ihr Studium in Film und Fotografie bei Peter Kubelka und Herbert Schwöbel an der Städelschule fort und erhielt 1994 ihren Magister Artium in Kunstgeschichte und Ästhetik an der Johann-Wolfgang-Goethe-Universität in Frankfurt am Main.

Seit den 1990er Jahren stellt Laura J. Padgett vielfach aus, ihre Werke und Filme wurden weltweit gezeigt. Neben ihren Ausstellungsaktivitäten schreibt Laura J. Padgett regelmäßig über Film, Kunst und ästhetische Theorie.

Seit 1990 lehrte sie an verschiedenen Universitäten, darunter die Bauhaus-Universität in Weimar, die Hochschule für Gestaltung in Offenbach, die Universität Paderborn und die Hochschule-Rhein-Main in Wiesbaden. Zuletzt lehrte sie an der German Jordanian University in Amman. Laura Padgett lebt und arbeitet in Frankfurt am Main.

Ihre Arbeiten befinden sich in verschiedenen öffentlichen und privaten Sammlungen, darunter das Städel Museum, Graphische Sammlung, Frankfurt am Main, Huis Marseille, Amsterdam, Fotomuseum Winterthur, DZ BANK Kunstsammlung, Frankfurt am Main, Museion, Bozen, Sir John Soane Museum, London, Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg, Dommuseum, Mainz, Museum Simeonstift, Trier, Museum Wiesbaden, Land Rheinland Pfalz, Land Hessen und Stadt Frankfurt am Main. 

Friederike Fast, geb. 1975, studierte Fotografie, Kultur-, Kommunikations- und Medienwissenschaften in Dortmund und Leipzig. Sie ist als Ausstellungsmacherin des Museums Marta Herford tätig, kuratierte zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland und hat diverse Texte zur zeitgenössischen Kunst veröffentlicht. 

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit Fotografien von Laura J. Padgett sowie Texten von Friederike Fast und Robert Egert.


In her most recent work, Laura J. Padgett continues her exploration into public and private space and the places in between. The way in which we structure and delineate our environment is always an expression of our relationship to society and is coincident to the visual. In many situations the gaze replaces our physical ability to enter a particular location.

The artist’s main theme remains photography’s ability to depict things while fostering conceptual narratives that can be experienced by means of perception.

How do we understand surfaces and space? How do we consciously negotiate these complex conditions? The visible, lines, colors, shapes and structures also express peoples’ relationships to their immediate surroundings and living conditions. The photographs open up these spaces, making them navigable.

The films and photographs shown in the exhibition have been produced during the last two years and thematise the relationship between the still and the moving image as well as between public and private space. The shifts between image and depiction, the notion of presence, in addition to questions regarding perception, are ongoing themes in Padgett’s work and address our relationship towards the visual and the narrative.

Laura J. Padgett (b. 1958 in Cambridge, USA) received her BFA in painting from Pratt Institute in Brooklyn, New York. She continued her studies in film and photography with Peter Kubelka and Herbert Schwöbel at the Städelschule from 1983 to1985 and received her MA in Art History and Aesthetics in 1994 from the Johann-Wolfgang-Goethe University, both in Frankfurt am Main. Since the 1990s Laura J. Padgett has produced a complex body of work. She exhibits widely, while also participating in international film screenings. In addition to her exhibiting activities, the artist regularly writes on film, art and aesthetic theory. Since 1990 she has taught and lectured at various universities, among them Bauhaus-University in Weimar, Hochschule für Gestaltung in Offenbach, Paderborn University and the Hochschule-Rhein-Main in Wiesbaden. Most recently she lectured at the German Jordanian University in Amman. Laura J. Padgett lives and works in Frankfurt am Main.
Her work is held in various major public and private collections, including Städel Museum, Graphics Collection, Frankfurt am Main, Huis Marseille, Amsterdam, Fotomuseum Winterthur, DZ BANK Art Collection, Frankfurt am Main, Museion, Bozen, The Sir John Soane Museum, London, Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg, Dommuseum, Mainz, Museum Simeonstift, Trier, and Museum Wiesbaden.

Friederike Fast, b. 1975, is a curator at the Marta Herford Museum and has curated numerous exhibitions in Germany and abroad. She publishes widely on contemporary art.

The exhibition will be accompanied by a catalogue with photographs by Laura J. Padgett and texts by Friederike Fast and Robert Egert.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Ausstellung | néo japonisme - Mario A. | Raum für Kunst - Heuberg 24 | Basel
Sep
7
zu 2. Nov.

Ausstellung | néo japonisme - Mario A. | Raum für Kunst - Heuberg 24 | Basel


Raum für Kunst - Heuberg 24 | Basel
7. September - 2. November 2019

néo japonisme
Mario A.


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In “néo japonisme” liegt das Geheimnis eines Geheimnisses. Japonismus bedeutet für mich die künstlerische Umsetzung des fotografischen Mediums, als eine Art der kommunikativen Erfahrung mit der Kultur Japans, verwoben mit seiner femininen Seite.

1996 beschloss ich, eine Werkgruppe zu schaffen, die als (privates) nostalgisches Erlebnis für die Zukunft gedacht ist. Über 23 Jahre hinweg versuchte ich via Kulisse, Kleidung, (erotisch-stimulierendes) Ambiente, Kulinarisches, Literatur, Populärkultur und Underground, Habitat, Architektur einen originären Japonismus zu kreieren. Die 82 Bilder der Werkgruppe “néo japonisme” sind bezeichnend für die letzten Atemzüge einer klassischen Schwarzweissfotografie-Ära, die mit intelligenter Komposition und raffiniertem Lichteinfall während der Aufnahme, verwoben mit komplexer, manueller Laborarbeit, künstlerische Unikate schuf. In wenigen Wochen dankt der Tenno, der japanische Kaiser ab. Damit geht die Japan-spezifische Zeitrechnung “Heisei” am 30. April zu Ende. Zeitgleich wird meine Werkgruppe “néo japonisme”, die auch vier seltene - im Kaiser-Palast entstandene - Bilder beinhaltet, abgeschlossen sein.

Die aussergewöhnliche Theaterschauspielerin Sachiko Hara, mit der ich 1999 “néo japonisme théâtral” und die Werkgruppe “ma poupée japonaise” (2001) schuf, symbolisiert für mich zeitgenössischen Japonismus. Sachiko verkörpert eine lebendige Metamorphose, die uns zeigt, wie soziale Identität notwendigerweise mit einer Maskerade des Ichs verbunden ist, das eine geheime Botschaft trägt, die es - im Blick zurück - zu entschlüsseln gilt.

(Text: Mario A.)

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Ausstellung | Color Mania – Materialität Farbe in Fotografie und Film | Fotomuseum | Winterthur
Sep
7
zu 24. Nov.

Ausstellung | Color Mania – Materialität Farbe in Fotografie und Film | Fotomuseum | Winterthur


Fotomuseum | Winterthur
7. September - 24. November 2019

Color Mania - Materialität Farbe in Fotografie und Film


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Film ist seit Beginn der Kinematografie ein farbiges Medium und eine bunte Kunstform. Im Laufe der Filmgeschichte entstanden mehr als 230 Farbfilmverfahren, nicht wenige in enger Verflechtung mit der Fotografie. Beispielsweise wurde das Rasterverfahren Dufaycolor zunächst im Rahmen der still photography entwickelt, bevor es in den 1930er-Jahren auch im Film Anwendung fand. Die Ausstellung beleuchtet die historische Verbindung des Materials Farbe in Fotografie und Film und präsentiert zudem die Anwendung historischer Farbverfahren und Techniken im Schaffen zeitgenössischer Fotograf_innen und Künstler_innen. Gezeigt werden nebst kanonisierten Werken auch unbekannte Exponate, die im Rahmen von Forschungsprojekten zu diesem Thema entdeckt wurden, und Arbeiten von Künstler_innen, die teilweise speziell für die Ausstellung entstehen. Zu den zeitgenössischen Kunstschaffenden gehören Dunja Evers, Raphael Hefti, Barbara Kasten und Alexandra Navratil.

Die Ausstellung wird realisiert in Kooperation mit dem SNF als Agora-Projekt der Universität Zürich, den Forschungsprojekten ERC Advanced Grant: FilmColors. Bridging the Gap between Technology and Aesthetics und SNF Filmfarben. Technologien, Kulturen, Institutionen von Prof. Dr. Barbara Flückiger. Kuratiert von Nadine Wietlisbach und Gastkuratorin Dr. Eva Hielscher.

Mit Unterstützung von: Schweizerischer Nationalfonds, Volkart Stiftung, Stiftung Temperatio und Pro Helvetia

Fernand Léger und Dudley Murphy, Le Ballet Mécanique, 1923. Sammlung Eye Filmmuseum. Foto: Olivia Kristina Stutz. © 2019, Pro Litteris, Zürich

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Ausstellung | Vandalism - John Divola  | Robert Morat Galerie | Berlin
Sep
7
zu 19. Okt.

Ausstellung | Vandalism - John Divola | Robert Morat Galerie | Berlin


Robert Morat Galerie | Berlin
7. September - 19. Oktober 2019

Vandalism
John Divola


Vandalism Series, 1973-1975, 64 x 61,5 cm, Gelatin Silver Print.jpg

Der kalifornische Fotograf John Divola war einer der Ersten, der Anfang der 70er Jahre die Grenzen seines Mediums in Frage stellte und sich mit Konzepten von Skulptur, Installation, Performance und Intervention beschäftigte. Seine Serie „Vandalism“ (1973-1975) wurde stilprägend. Die Robert Morat Galerie freut sich sehr, diese kunst- und fotohistorisch so wichtige Arbeit in Berlin zeigen zu können.

Zwischen 1973 und 1975 fuhr der amerikanische Fotograf John Divola – damals Mitte zwanzig und ohne eigenes Studio – quer durch Los Angeles, auf der Suche nach verlassenen Häusern, in denen er fotografieren konnte. Mit einer Kamera, Sprühfarbe, Schnur und Pappe bewaffnet, schuf der Künstler dort mit „Vandalism“ eine seiner wichtigsten fotografischen Serien. In dieser intuitiven, spontan aus dem Moment heraus entstandenen Schwarz-Weiß-Bildserie verwüstet Divola leer stehende Häuser mit abstrakten Konstellationen von graffiti-artigen Zeichen und rituellen „Gestaltungen“ durch an Schnüren befestigte Stifte – das Projekt verband den dokumentarischen Ansatz mit inszenierten Interventionen, Performance, Skulptur und Installationskunst. John Divolas unverwechselbare fotografische Bildsprache, die mit diesem Projekt begründet wurde, hinterfragte die Grenzen zwischen dokumentarischen und künstlerischen Praktiken zu einer Zeit, zu der die „Wahrhaftigkeit“ der Fotografie grundsätzlich diskutiert wurde.

John Divola (Amerikaner, geb. 1949), einer der angesehensten bildenden Künstler seiner Generation, erwarb einen BA an der California State University in Northridge (1971) und einen MA an der University of California in Los Angeles (1973). Seine Bilder hinterfragen die Grenzen zwischen Fiktion und Realität sowie die Grenzen der Möglichkeiten der Kunst, das Leben zu beschreiben. Vandalism (1974-1975) ist eine der ersten Serien John Divolas, entstanden noch vor Zuma (1979), As Far as I Could Get (1997) und Dogs Chasing My Car in the Desert (2004). Seine Arbeiten werden international ausgestellt und finden sich in den wichtigen öffentlichen Sammlungen wie dem Museum of Modern Art in New York, dem Centre Pompidou in Paris, dem Getty Museum in LA, dem Victoria & Albert Museum in London oder dem Whitney Museum in New York.


In the early 1970s, Californian photographer John Divola was one of the first to question the limits of his medium, exploring concepts of sculpture, installation, performance and intervention in his iconic, formative series “Vandalism” (1973 - 1975). Robert Morat Gallery is thrilled to be able to show this important body of work in Berlin.

Between 1973 and 1975, the American photographer John Divola – then in his mid twenties and without a studio of his own – travelled across Los Angeles in search of dilapidated properties in which to make photographs. Armed with a camera, spray paint, string and cardboard, the artist would produce one of his most significant photographic projects entitled Vandalism. In this visceral, black and white series of images Divola vandalised vacant homes with abstract constellations of graffiti-like marks, ritualistic configurations of string hooked to pins, and torn arrangements of card, before cataloguing the results. The project vigorously merged the documentary approach with staged interventions echoing performance, sculpture and installation art. Serving as a conceptual sabotaging of the delineations between such documentary and artistic practices, at a time when the 'truthfulness' of photography was being called into question, Vandalism helped to establish Divolas's highly distinctive photographic language.

John Divola (American, b. 1949), one of the most distiguished visual artists of his generation, earned a BA from California State University, Northridge (1971) and an MA from University of California, Los Angeles (1973). His images challenge the boundaries between fiction and reality, as well as the limitations of art to describe life. Vandalism (1974-1975) is one of Divola's earliest series, predating Zuma (1979), As Far as I Could Get (1997) and Dogs Chasing My Car in the Desert (2004). His work exhibeted internationally and found in important public collections such as the Museum of Modern Art, NY, the Centre Pompidou, Paris, the Getty Museum in LA, the V&A in London or the Whitney Museum in New York.

(Text: Robert Morat Galerie, Berlin)

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Ausstellung | Bulgarie - Pays palimpseste - Vladimir Vasilev | Focale | Nyon
Sep
8
zu 10. Nov.

Ausstellung | Bulgarie - Pays palimpseste - Vladimir Vasilev | Focale | Nyon

  • Focale - galerie – librairie (Karte)
  • Google Kalender ICS

Focale | Nyon
8. September - 10. November 2019

Bulgarie - Pays palimpseste
Vladimir Vasilev


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Im Januar 2007 trat Bulgarien der Europäischen Union bei. Ein alter Traum wird wahr. Dennoch haben 45 Jahre Kommunismus das Land nachhaltig geprägt: Die Vergangenheit ist allgegenwärtig und scheint jede Zukunft zu verhindern. Wir müssen die Zukunft neu erfinden, indem wir mit den vielen Unsicherheiten und Absurditäten jonglieren, die sie mit sich bringt. Heute scheint die Zeit stehen geblieben zu sein. Die Sehnsucht nach der Vergangenheit drängt sich in die Leere links. Wünsche sind surreal. Die gegenwärtige Armut und die Hoffnung auf eine erfolgreiche Zukunft koexistieren also anekdotisch und vermischen sich in der bulgarischen Landschaft. Wie in einer Fiktion bleibt die Realität irreführend. Verschwindet die Grenze zwischen Realität und Vorstellung vor unseren Augen?

Die Idee des Projekts, eine dokumentarische Arbeit über Bulgarien, begann erst, nachdem ich mein Land verlassen hatte. Was bleibt heute von Bulgarien übrig? Seit zehn Jahren fotografiere ich in Farbe die schnellen und brutalen Veränderungen in einem Land, das ich schwer zu erkennen finde. Auf jeder meiner Reisen finde ich dieses bulgarische Chaos unaufhörlich und unverständlich. Diese Veränderungen spiegeln die Zeit wider, die vergangen ist, vom Fall der UdSSR bis zum Beitritt Bulgariens zur Europäischen Gemeinschaft. Geteilt zwischen dem Westen, der von Europa und den Vereinigten Staaten verkörpert wird (die dem Land Bilder über das Fernsehen und die Werbung liefern) und den Stigmata von 45 Jahren Diktatur, steht das Land an einem Scheideweg. Dieses Projekt ist persönlich. Diese Menschen, die die Bilder bevölkern, können meine Familie, meine Nachbarn, die Freunde meiner Freunde, Fremde sein. Ich erzähle von diesem Land sowohl als bulgarischer Bürger als auch als europäischer Bürger. Diese doppelte Kultur ist die Herausforderung des neuen Bulgariens, das versucht, den Weg aus den Leuchttürmen der Vergangenheit, im Zuge Westeuropas, zu finden und gleichzeitig seine Identität zu bewahren.

Vladimir Vasilev, ein professioneller Fotograf, wurde in Stara Zagora, Bulgarien, geboren. Er begann im Alter von 15 Jahren mit dem Fotografieren. 1998 beschloss er, sich ganz der Fotografie zu widmen und verließ sein Land nach Frankreich. Seine Arbeit wurde mehrfach ausgezeichnet und ist Teil des Projekts La France vue d'ici, das vom Festival Images Singulières und in Zusammenarbeit mit Mediapart gegründet wurde. Derzeit ist er vier Jahre lang im Rahmen des Auf- und Umbaus von La Samaritaine, dessen künstlerischer Leiter Christian Caujolle ist, inhaftiert.


En Janvier 2007, la Bulgarie entre dans l’Union européenne. Un vieux rêve se réalise. Néanmoins, quarante-cinq années de communisme ont marqué le pays durablement : le passé est omniprésent et semble empêcher tout avenir. Il faut réinventer le futur en jonglant avec les nombreuses incertitudes et absurdités dont il est porteur. Aujourd’hui, le temps semble s’être arrêté. La nostalgie du passé s’engouffre dans le vide laissé. Les désirs sont surréalistes. La pauvreté actuelle et l’espoir d’un avenir prospère se côtoient ainsi de façon anecdotique et se mélangent dans le paysage bulgare. Comme dans une fiction, la réalité reste trompeuse. La frontière entre réel et imaginaire disparaît-elle sous nos yeux ?

L’idée du projet, travail documentaire sur la Bulgarie, n’a commencé qu’après avoir quitté mon pays. Que reste-il aujourd’hui de la Bulgarie ? Depuis maintenant dix ans, je photographie en couleur les mutations rapides et brutales d’un pays que j’ai du mal à reconnaître. A chacun de mes voyages, je retrouve ce chaos propre à la Bulgarie, incessant et incompréhensible. Ces changements témoignent du temps passé, depuis la chute de l’URSS jusqu’à l’entrée de la Bulgarie dans la Communauté européenne. Partagé entre l’Occident incarné par l’Europe et les Etats-Unis (qui abreuvent le pays d’images via la télévision et la publicité) et les stigmates de 45 ans de dictature, le pays est à un carrefour. Ce projet est personnel. Ces gens qui peuplent les images peuvent être ma famille, mes voisins, les amis de mes amis, des inconnus. Je raconte ce pays à la fois en tant que citoyen Bulgare et citoyen Européen. Cette double culture est le défi de la nouvelle Bulgarie qui tente de se frayer un chemin hors des balises du passé, dans le sillon d’une Europe occidentale tout en essayant de préserver son identité. 

Photographe professionnel, Vladimir Vasilev est né à Stara Zagora en Bulgarie. Il commence la photographie, dès l’âge de 15 ans. En 1998, il décide de se consacrer entièrement à la photographie et quitte son pays pour la France. Son travail reçoit différents prix prestigieux et fait partie du projet La France vue d’ici, fondé par le festival Images Singulières et en partenariat avec Mediapart. Il est actuellement en résidence pour une durée de quatre ans dans le cadre de la construction et la restauration de La Samaritaine, dont le directeur artistique est Christian Caujolle.

(Text: Focale, Nyon)

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Ausstellung | Street. Life. Photography | Kunst Haus Wien
Sep
11
zu 16. Feb.

Ausstellung | Street. Life. Photography | Kunst Haus Wien


Kunst Haus Wien
11. September 2019 - 16. Februar 2020

Street. Life. Photography
Merry Alpern, Diane Arbus, Mohamed Bourouissa, Andrew Buurman, Harry Callahan, Yasmine Chatila, Maciej Dakowicz, Philip-Lorca diCorcia, Alex Dietrich, Natan Dvir, Melanie Einzig, Robert Frank, Lee Friedlander, Peter Funch, Bruce Gilden, Siegfried Hansen, Candida Höfer, William Klein, Erich Lessing, Leon Levinstein, Lies Maculan, Melanie Manchot, Jesse Marlow, Mirko Martin, Rudi Meisel, Lisette Model, Loredana Nemes, Arnold Odermatt, Harri Pälviranta, Martin Parr, Doug Rickard, Andrew Savulich, Axel Schön, Stephen Shore, Slinkachu, Wolfgang Tillmans, Dougie Wallace, Michael Wolf


Ohne Titel, 2010 | L. A. Crash, 2006-2011 | Mirko Martin

Ohne Titel, 2010 | L. A. Crash, 2006-2011 | Mirko Martin


Die Stadt ist eines der wohl schillerndsten Sujets in der Geschichte der Fotografie: Das KUNST HAUS WIEN präsentiert mit der Ausstellung Street. Life. Photography Ikonen der Street Photography aus sieben Jahrzehnten. Von Merry Alpern, Diane Arbus, Robert Frank bis zu Lee Friedlander oder Martin Parr – mit mehr als 35 fotografischen Positionen und über 200 Werken setzt sich die Ausstellung mit den Umbrüchen und ästhetischen Entwicklungen der Street Photography von den 1930er-Jahren bis in die Gegenwart auseinander.

Street Life, Crashes, Public Transfer, Anonymity und Alienation – In fünf kaleidoskopartig angelegten Kapiteln behandelt die Ausstellung die zentralen Themenfelder der Street Photography und zieht die BesucherInnen in unterschiedlichste, teils surreal erscheinende Bildwelten. Die analoge tritt neben die digitale Fotografie, die Kleinbildkamera neben die Großbildkamera, Schwarz-Weiß-Fotografie trifft auf Farbfotografie und vertraute Ikonen der Fotografiegeschichte.

Internationale Klassiker der Street Photography werden mit jungen, zeitgenössischen Positionen wie Mohamed Bourouissa, Harri Pälviranta oder österreichischen KünstlerInnen wie Alex Dietrich und Lies Maculan in Verbindung gebracht – und eröffnen einen neuen Blick auf die unterschiedlichen Räume der Stadt, die die Beobachtung der urbanen Umgebung früher und heute bietet. Street. Life. Photography beleuchtet die anhaltende Faszination, die dieses Thema auf die Fotografie des 20. und 21. Jahrhunderts ausgeübt und dabei ein eigenes Genre hervorgebracht hat.

Street. Life. Photography. Street Photography aus sieben Jahrzehnten ist eine Ausstellung des Hauses der Photographie/Deichtorhallen Hamburg u.a. mit Werken aus der Sammlung F.C: Gundlach, Hamburg, in Zusammenarbeit mit dem KUNST HAUS WIEN. Die Schau wurde von Sabine Schnakenberg (Deichtorhallen Hamburg) kuratiert und mit Verena Kaspar-Eisert (KUNST HAUS WIEN) für die Präsentation in Wien adaptiert.

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Ausstellung | No Photos on the Dance Floor! | C/O Berlin
Sep
13
zu 30. Nov.

Ausstellung | No Photos on the Dance Floor! | C/O Berlin


C/O Berlin
13. September - 30. November 2019

No Photos on the Dance Floor!


o.T. a.d.S. Konfettinacht, 2007 © Carolin Saage

o.T. a.d.S. Konfettinacht, 2007 © Carolin Saage

„Für mich ist ein Club eine große Abstraktionsmaschine, die ständig Bilder produziert. Die sind oft an der Grenze des Sichtbaren, wenn der Nebel kommt und man an die Decke schaut und die Lichter betrachtet. Da blitzen und schimmern ungreifbare Dinge auf.“

Wolfgang Tillmans

Kaum war 1989 die Mauer gefallen, füllten sich in Berlin leerstehende Gebäude, Fabriken und Flächen mit neuem Leben. Überall entstanden Clubs, Bars, Galerien, Ateliers und Studios. Diese junge Club- und Kulturszene entwickelte sich zum Motor für die Wiederbelebung der Stadt und die Neuausrichtung einer ganzen Generation junger Kreativer. Die Berliner Szene hat Techno zwar nicht erfunden, dennoch lässt sich das, was auf Veranstaltungen wie Tekknozid und in Clubs wie dem Ufo, Tresor und Planet ab 1989 geschah, rückblickend als Urknall und Wegbereitung für die bislang letzte große europäische Jugendkultur beschreiben. Mit visuellen und künstlerischen Ansätzen bewegte sich das Berliner Clubleben im Grenzbereich zwischen Video, Film, Projektion und Musik und bot vielen aufstrebenden Künstler*innen neue Perspektiven und Räume für Austausch, Begegnung und gemeinsames Feiern. Um die Jahrtausendwende lockte eine neue Generation von Clubs mit nie enden wollenden Partys Wochenende für Wochenende tausende von Technofans aus der ganzen Welt in die Hauptstadt und gab dem Sound der Stadt stetig neue Impulse – ein Prozess, der bis heute anhält. Mit dem Ausstellungsprojekt No Photos on the Dance Floor! Berlin 1989—Today wird die Berliner Clubszene seit dem Fall der Mauer historisch dokumentiert und in Clubnächten bei C/O Berlin „live“ erfahrbar gemacht.

Die Ausstellung wurde vom Gastkurator Heiko Hoffmann gemeinsam mit Felix Hoffmann, Hauptkurator bei C/O Berlin, kuratiert und zeigt Werke von Camille Blake, Tilman Brembs, Ben de Biel, Salvatore Di Gregorio, Martin Eberle, Matthias Fritsch, Dan Halter, Honey-Suckle Company, Erez Israeli, Romuald Karmakar, Steffen Köhn & Phillip Kaminiak, Anna-Lena Krause, Tilmann Künzel, Sven Marquardt & Marcel Dettmann, Marco Microbi, George Nebieridze, Alva Noto, Pfadfinderei, Daniel Pflumm, Mike Riemel Collection, Carolin Saage, Giovanna Silva, Wolfgang Tillmans, Lisa Wassmann und Michael Wesely.

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Ausstellung | unseen - Robert Frank | C/O Berlin
Sep
13
zu 30. Nov.

Ausstellung | unseen - Robert Frank | C/O Berlin

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C/O Berlin
13. September - 30. November 2019

unseen
Robert Frank


White Tower, New York 1948 © Robert Frank . Courtesy Sammlung Fotostiftung Schweiz, Winterthur

White Tower, New York 1948 © Robert Frank . Courtesy Sammlung Fotostiftung Schweiz, Winterthur

Tausende von Kilometern hatte Robert Frank (*1924 in Zürich) zwischen der amerikanischen Ost- und Westküste zurückgelegt und dabei fast 30.000 Aufnahmen angefertigt. Nur 83 Schwarzweißbilder aus dieser Mischung von Tagebuch, Gesellschaftsporträt und fotografischem Roadmovie haben Generationen von Fotograf*innen geprägt. Franks Buch The Americans erschien zunächst in Paris, bevor es mit einer Einleitung des Beat-Literaten Jack Kerouac 1959 in Amerika publiziert wurde. Schräge Einstellungen, angeschnittene Figuren und Bewegungsunschärfen kennzeichneten einen neuen fotografischen Stil, der die Nachkriegsfotografie nachhaltig verändern sollte. 1985 waren Franks Fotografien erstmalig in Deutschland zu sehen – im Amerika Haus in Berlin. Am selben Ort präsentiert C/O Berlin nun Kontaktbögen, Erstausgaben und Vintage-Prints aus dem Frühwerk des Fotografen. Seine Schweizer Zeit, Reisen durch Europa und Südamerika sowie unveröffentlichte Aufnahmen aus den USA der 1950er-Jahre werden zusammen mit berühmten Klassikern aus The Americans gezeigt. Robert Frank . Unseen stellt die erzählerische Kraft einer Bildsprache vor, die Frank entwickelte, lange bevor sie ihm internationale Anerkennung einbrachte.

(Text: C/O Berlin)

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Ausstellung | Turning 18 - Anne-Catherine Chevalier | hangar art center - gallery | Brussels
Sep
13
zu 26. Okt.

Ausstellung | Turning 18 - Anne-Catherine Chevalier | hangar art center - gallery | Brussels

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hangar art center - gallery
13. September - 26. Oktober 2019

Turning 18
Anne-Catherine Chevalier


emma.jpg

Hangar präsentiert Anne-Catherine Chevaliers neues Fotoprojekt Turning 18. Die Ausstellung fällt mit der Veröffentlichung der Publikation des Buches bei Prisme Editions zusammen. Als dritte Serie von Anne-Catherine Chevalier (nach Mütter & Töchter und Familie) ist Turning 18 das Ergebnis eines Wunders vor dem Hintergrund ihrer Kinder, die erwachsen werden und erwachsen werden, aber auch vor ihren eigenen Jugenderinnerungen. Zwei Jahre lang besuchte Anne-Catherine Chevalier junge Menschen in diesem ganz besonderen Moment ihres Lebens, als sie 18 Jahre alt wurden: am Ende der Schule, dem Moment der großen Entscheidungen, was für einige mit dem Alter der gesetzlichen Mehrheit entspricht. Jeder Erwachsene im Leben hat den Ort gewählt, an dem er fotografiert werden wollte, einen bedeutsamen Ort für ihn/sie. Hinter jedem Porträt verbergen sich Träume, Ängste, Reue und Talent. Turning 18 versammelt eine Serie von 50 Porträts, von denen eine Auswahl im Hangar ausgestellt ist.


Hangar présente le nouveau projet photographique d’Anne-Catherine Chevalier : Turning 18. L’exposition coïncide avec la parution du livre chez Prisme Editions. Troisième série d’Anne-Catherine Chevalier (après Mothers & Daughters et Family), Turning 18 est né d’un émerveillement devant ses enfants grandissant et devenant majeurs mais aussi face à ses propres souvenirs d’adolescente. Durant deux ans, Anne-Catherine Chevalier est allée à la rencontre de jeunes à ce moment si particulier de leur vie, leurs 18 ans : la fin de l’école, le moment des grands choix, qui correspondent pour certains à la majorité. Chaque adulte en devenir a choisi le lieu de sa photo, significatif à ses yeux. Derrière chaque portrait se cache des rêves, des peurs, des regrets et du talent. Turning 18 rassemble une série de 50 portraits dont une sélection est exposée au Hangar.


Hangar presents Anne-Catherine Chevalier’s new photographic project Turning 18. The exhibition coincides with the release of the publication of the book by Prisme Editions. As the third series of Anne-Catherine Chevalier (after Mothers & Daughters and Family), Turning 18 is the result of a wonder in front of her children growing up and becoming adults but also in front of her own teenage memories. For two years, Anne-Catherine Chevalier visited young people at this very special moment of their lives, when they turned 18: at the end of school, the moment of big choices, which corresponds for some with the age of legal majority. Every adult in life has chosen the place where he/she wanted to be photographed, a meaningful place to him/her. Behind each portrait lies dreams, fears, regrets and talent. Turning 18 brings together a series of 50 portraits of which a selection is exhibited at Hangar.


Hangar presenteert het nieuwe fotoproject van Anne-Catherine Chevalier: Turning 18. De tentoonstelling valt samen met de verschijning van het boek bij Prisme Editions. De derde reeks van Anne-Catherine Chevalier (na Mothers & Daughters en Family), Turning 18, is ontstaan uit het gevoel van verwondering dat zij ervaarde ten opzichte van haar opgroeiende kinderen en hun meerderjarigheid, maar ook ten aanzien van haar eigen herinneringen als tiener. Twee jaar lang had Anne-Catherine Chevalier ontmoetingen met jongeren op dat cruciale moment in hun leven wanneer zij 18 jaar worden: het einde van de school, het moment van de grote keuzes, die voor sommigen samenvallen met hun meerderjarigheid. Elke volwassene in wording koos zelf de locatie voor zijn of haar foto, die voor hem of haar zeer betekenisvol was. Achter elk portret gaan dromen, angsten, spijt en talent schuil. Turning 18 bestaat uit een reeks van 50 portretten, waarvan een selectie in de Hangar wordt tentoongesteld.

(Text: hangar art center - gallery, Brussels)

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Ausstellung | Rêves d’herbier | Galerie Parallax | Aix-en-Provence
Sep
15
zu 9. Nov.

Ausstellung | Rêves d’herbier | Galerie Parallax | Aix-en-Provence


Galerie Parallax | Aix-en-Provence
15. September - 9. November 2019

Rêves d’herbier
Bertrand Hugues, Florence Verrier


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Bertrand Hugues und Florence Verrier bewahren durch ihre Arbeiten das fotografierte Objekt vor seiner Vergänglichkeit. Die Fotografie wird dann zur Grenze zwischen lebender und toter Materie. Sie fangen die Essenz der Blume ein und ihr Traum von einem Herbarium nimmt Gestalt an.... Zart, sensibel, farbenfroh, laden uns beide in ihren imaginären Garten ein!

Hier kommen die Zeiten, in denen jede Blume verdunstet, sowie ein Weihrauchbrenner; Klänge und Parfums drehen sich in der Abendluft; melancholischer Walzer und träger Schwindel!. Jede Blume verdunstet und ein Räuchergefäß auch; Die Geige schaudert wie ein trauriges Herz; Melancholischer Walzer und träger Schwindel! Der Himmel ist traurig und schön wie eine große Raststätte.

Charles Baudelaire "Harmonie du soir" "Les fleurs du mal", 1857.


À travers leurs oeuvres, Bertrand Hugues et Florence Verrier préservent l’objet photographié de son éphémérité. La photographie devient alors une frontière entre la matière vivante et la matière morte. Captant l’essence de la fleur, leur rêve d’herbier prend forme..Délicat, sensible, coloré, tous deux nous invitent dans leur jardin imaginaire !

Voici venir les temps où vibrant sur sa tige Chaque fleur s'évapore ainsi qu'un encensoir ; Les sons et les parfums tournent dans l'air du soir ; Valse mélancolique et langoureux vertige. Chaque fleur s'évapore ainsi qu'un encensoir ; Le violon frémit comme un coeur qu'on afflige ; Valse mélancolique et langoureux vertige ! Le ciel est triste et beau comme un grand reposoir.

(Charles Baudelaire « Harmonie du soir » « Les fleurs du mal » , 1857.)

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Ausstellung | Jan Groover | Musée d'Elysée | Lausanne
Sep
18
zu 5. Jan.

Ausstellung | Jan Groover | Musée d'Elysée | Lausanne


Musée d’Elysée | Lausanne
18. September 2018 - 5. Januar 2020

Jan Groover


Jan Groover, Sans titre, vers 1987 © Musée de l’Elysée, Lausanne – Fonds Jan Groover

Jan Groover, Sans titre, vers 1987 © Musée de l’Elysée, Lausanne – Fonds Jan Groover

Die Ausstellung bietet den ersten Rückblick auf das Gesamtwerk der US-amerikanischen Fotografin Jan Groover (1943-2012), deren privater Nachlass 2017 in die Sammlung des Musée de l’Elysée kam. Anhand einer Auswahl von Archivstücken aus diesem Nachlass behandelt die Schau nicht nur die New Yorker Jahre der Künstlerin, sondern mit ihrer Zeit in Frankreich auch den wohl am wenigsten bekannten Abschnitt ihres Schaffens. Der Rundgang präsentiert die Ergebnisse umfassender Forschungsarbeiten des Museumsteams an diesem Bestand, die sowohl konservatorische Aspekte (eine genaue Untersuchung der fotografischen Verfahren und Trägermaterialien, restauratorische Behandlung) als auch historische Dokumentation (Groovers Werk im Kontext und seine Rezeption aufseiten von Institutionen und Kritik) beinhalteten.

„Die Formgebung ist entscheidend. “ In Anlehnung an diesen Leitsatz Jan Groovers rückt die Ausstellung den zutiefst gestalterischen Ansatz in den Vordergrund, der das Werk der Fotografin ihr Leben lang bestimmte. Ihre von unermüdlichem Experimentieren geprägte künstlerische Suche und der damit zusammenhängende Schaffensprozess werden in der Ausstellung nicht allein durch Originalabzüge, sondern auch anhand von Dokumenten, Aufzeichnungen und Skizzenbüchern anschaulich.

Anfang der 1970er Jahre machte sich Jan Groover die ihre ursprüngliche Berufung als Malerin aufgab mit ihren mehrteiligen, motivisch um Strassen, Autos und Stadtlandschaft kreisenden Fotografien einen Namen. Als Auftakt zu ihren formalen und ästhetischen Experimenten lassen sich an ihnen damals im Umfeld der Konzeptkunst angestossene Überlegungen (insbesondere zu den Begriffen der Serie und der Sequenz) reflektieren. Um 1978 nahm Jan Groover einen radikalen Themenwechsel hin zum Stillleben vor. Damit begann die Arbeit an einer Werkgruppe, die das Gros ihres Œuvres ausmacht und durch die sie bis heute in der zeitgenössischen Geschichte des Mediums als eine der Hauptvertreterinnen dieses Genres gilt. Ihre überwiegend im Atelier entstandenen Kompositionen sind in unterschiedlichen Techniken ausgeführt und sollten in den 1980er Jahren aktiv zur Anerkennung der Farbfotografie beitragen. Obwohl die Sachfotografie in ihrem Werk eindeutig überwiegt, gibt es in Jan Groovers Bildern immer wieder auch Landschaften, Körper und Porträts, die meist monochrom gehalten sind. Ihr ausgeprägtes Interesse galt dem Platin-Palladiumdruck, mit dem sie nach ihrem Umzug nach Frankreich zunehmend experimentierte und mehrere Serien in aussergewöhnlichem Querformat (Bankettkamera) schuf, die den Schlusspunkt der Ausstellung bilden.


Cette exposition revient pour la première fois sur l’ensemble de l’œuvre de Jan Groover (1943-2012), photographe d’origine américaine dont le fonds personnel a intégré les collections du Musée de l’Elysée en 2017. À travers une sélection d’archives issues de ce dernier, elle évoquera non seulement les années new-yorkaises de l’artiste, mais aussi françaises – pan méconnu de sa carrière. Le parcours présente les résultats d’un important travail de recherche mené par l’équipe du musée sur le fonds – à la fois du point de vue de la conservation (analyses approfondies sur les procédés et supports photographiques, traitements de restauration) et de la documentation historique (contextualisation de l’œuvre et de sa réception tant institutionnelle que critique).

« Le formalisme, c’est l’essentiel. » Empruntant pour ligne directrice l’assertion de Groover, l’exposition met en lumière le dessein éminemment plastique poursuivi tout au long de son travail par la photographe. Menée au gré d’une expérimentation constante, cette recherche et le processus créatif qu’elle implique sont mis en valeur non seulement par la présentation d’épreuves vintage, mais aussi par la présence de documents, notes et carnets préparatoires.

Au début des années 1970, Jan Groover – délaissant sa vocation première de peintre – est remarquée pour ses polyptyques photographiques, construits autour des motifs de la route, des voitures et de l’environnement urbain. Prémisses de ses explorations formelles et esthétiques, ils offrent la possibilité de réexaminer des réflexions amorcées par les artistes contemporains de l’époque (notamment les notions de sérialité et de séquence). Vers 1978, Jan Groover change radicalement de sujet pour se tourner vers la nature morte. Elle débute ainsi un corpus qui formera l’essentiel de son œuvre, et grâce auquel elle reste aujourd’hui encore l’une des figures éminentes du genre dans l’histoire contemporaine du médium. Pour la plupart réalisées en studio, ses compositions relèvent de procédés variés. Dans les années 1980, elles contribueront activement à la reconnaissance de la photographie en couleurs. Malgré une prééminence sans conteste de ses photographies d’objets, le travail de Jan Groover est également ponctué de paysages, corps et portraits, souvent en noir et blanc. Elle développe également un attachement pour la technique au platine et au palladium dont elle approfondira l’étude à son arrivée en France, avec plusieurs séries au format allongé très particulier (banquet camera), en conclusion de l’exposition.

(Text: Musée d’Elysée Lausanne)

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Ausstellung | La Mer - Frank Paul Kistner | Uno Art Space | Stuttgart
Sep
20
zu 22. Nov.

Ausstellung | La Mer - Frank Paul Kistner | Uno Art Space | Stuttgart


Uno Art Space | Stuttgart
21. September - 22. November 2019

La Mer
Frank Paul Kistner


La Mer_1.jpg

Frank Paul Kistner fotografiert das leere Meer für seine umfangreiche und teils großformatige Serie La Mer. Zwischen Himmel und Meer vermischen sich Blau, Grün und Türkis. Das Meer glitzert und funkelt, schäumt, tost, braust oder ist gänzlich ruhig und leise. Der Horizont sitzt tief und wirkt erhaben weit. Ein schier unendlicher, magischer Raum tut sich auf. Nicht nur malerisch ist er erkundbar, sondern auch in seiner psychologischen und philosophisch-transzendenten Dimension. Bildende und Darstellende Künstler, Literaten, Lyriker und Musiker haben sich seit Jahrtausenden mit dem Meer beschäftigt. Die Seestücke von Frank Paul Kistner verzaubern, verführen einen, den verborgenen, geheimnisvollen Raum unter der Meeresoberfläche mit seinen Sehnsüchten zu füllen. Auch das Unterbewusste fließt mit ein. Irdische Widrigkeiten verblassen. Erhabenes und Wohltuendes kann sich dann ausbreiten – zumindest für diesen Moment.

(Text: Uno Art Space, Stuttgart)

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Ausstellung | Lichtungen - Ingar Krauss | Soiz Galerie | Passau
Sep
21
zu 25. Okt.

Ausstellung | Lichtungen - Ingar Krauss | Soiz Galerie | Passau


Soiz Galerie | Passau
21. September - 25. Oktober 2019

Lichtungen
Ingar Krauss


Robinienzweige, Zechin 2016.

Robinienzweige, Zechin 2016.


Ingar Krauss arbeitet in bildnerischen Zyklen. Seine Genres sind die klassischen der Malerei: Porträt, Stillleben und Landschaft.

Mit den Stillleben ist der Fotograf der Malerei am nächsten. Krauss baut dafür bühnenartige Kästen, in denen er natürliches Licht so einfängt, dass es zum subtilen Akteur des stillen Schauspiels wird. Dabei geht es ihm nicht nur um eine spezielle ästhetische, sondern auch metaphorische Bildsprache, die die Vorstellung von der „Fotografie als zweiter Natur“ aus der Anfangszeit dieser Kunstform neu fasst. Die Abzüge bearbeitet er von Hand mit einer Lasur aus Ölfarbe.

Authentizität und Eigenständigkeit spielen in den Fotografien des Autodidakten Krauss in technischer wie auch inhaltlicher Hinsicht eine wesentliche Rolle. Mittels seiner analogen und vorwiegend schwarzweißen Arbeitsweise und dank seiner genauen Beobachtungsgabe schafft er Aufnahmen, die empathisch und zugleich intuitiv das Wesenhafte ihrer Akteure zum Ausdruck bringen.

Was Ingar Krauss’ Porträts so beeindruckend macht, ist die Unmittelbarkeit und Eindring­lichkeit von Zeit. Die Abgebildeten stehen wie Stillleben unbewegt und ruhig in ihrer Umgebung. Durch die präzise Reduktion auf wenige Attribute und Gesten liegt die Konzen­tration ganz auf ihren Körpern und ihren Blicken, die dieser ruhenden Pose so häufig widersprechen.

Seine Landschaften sind fast schon lapidare Beobachtungen über Menschenwerk in der Natur und knüpfen bei den amerikanischen New Topographics der 1970er Jahre an, wenn sie, wie Ulf Erdmann Ziegler schreibt, „alles einlösen, was man damals von einem Bild wollte, das Umkippen einer Beobachtung in eine irgendwie ‚höhere‘ Ordnung; die Monumentalisierung des Alltags nicht durch Rückgriff auf monumentalisierende Genres, sondern durch das Bestechende des Bildaufbaus“.

Die Ausstellung "Lichtungen" geht der Entwicklung und Wiederkehr des Naturthemas in Krauss' Werk nach – von den frühen Porträts über die Stillleben bis zu der jüngsten Serie „Hütten Hecken Haufen“, zu der 2019 eine gleichnamige Publikation bei Hartmann Books erschienen ist (ISBN 978-3-96070-038-8; 38 Euro).

(Text: Soiz Galerie, Passau)

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Ausstellung | Sibilla : Esprit de l'Escalier | Galerie l'Aberrante | Le Crès
Sep
21
zu 17. Okt.

Ausstellung | Sibilla : Esprit de l'Escalier | Galerie l'Aberrante | Le Crès


Galerie l’Aberrante | Le Crès
21. September - 17. Oktober 2019

Sibilla: Esprit de l’Escalier
Arianna Sanesi, Francesca Loprieno


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Esprit de l'escalier ist ein Team von bildenden Künstlern, Arianna Sanesi und Francesca Loprieno, deren gemeinsames Ziel es ist, die Prozesse der Fotografie und des Bildes im Allgemeinen durch die Prismen der künstlerischen Forschung, des Bildungsprozesses und der unabhängigen Veröffentlichung zu untersuchen.

Das Duo wurde 2016 während eines Künstleraufenthaltes in Apulien in Süditalien gegründet.

Ihre erste gemeinsame Arbeit, die derzeit abgeschlossen wird, heißt SIBILLA und zielt darauf ab, die suggestive Kraft des Mittelmeerraums zu erforschen, wie sie in Apulien (dem Heimatland von Loprieno), der Toskana (dem Heimatland von Sanesi) und Südfrankreich, wo die beiden Künstler ihren Sitz haben, zum Ausdruck kommt.


Esprit de l’escalier est un binôme d’artistes plasticiennes, Arianna Sanesi et Francesca Loprieno, dont l’objectif commun est d’étudier les processus de la photographie et de l’image en général par les prismes de la recherche artistique, du processus pédagogique et de l’édition indépendante.

Le duo s’est formé en 2016 à l’occasion d’une résidence d’artiste dans le Pouilles, dans le sud d’Italie.

Leur premier travail commun, en cours de finalisation, s’intitule SIBILLA et il se propose d’explorer la puissance évocatrice du territoire méditerranéen tel qu’il s’exprime dans les Pouilles (terre natale de Loprieno), en Toscane (terre natale de Sanesi) et dans le sud de la France, terre d’accueil des deux artistes.

(Text: Galerie l’Aberrante, Le Crès)

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Ausstellung | Kaleidoskop - Dorothee von Rechenberg | Galerie Monika Wertheimer
Sep
21
zu 19. Okt.

Ausstellung | Kaleidoskop - Dorothee von Rechenberg | Galerie Monika Wertheimer

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Galerie Monika Wertheimer | Oberwil
21. September - 19. Oktober 2019

Kaleidoskop
Dorothee von Rechenberg


Kaleidoskop.jpg

Fotografie spielt in der künstlerischen Arbeit von Dorothee von Rechenberg eine wichtige Rolle, mal als Nebendarstellerin, zunehmend aber als Hauptdarstellerin.

Dabei gilt ihr Interesse selten der naturgetreuen Wiedergabe eines Sujets, vielmehr interessiert sich Dorothee von Rechenberg für eine Bildsprache, die viel Spielraum lässt für die Phantasie der Betrachtenden. Nie steht das fotografische Handwerk im Mittelpunkt, sondern die Absicht, Gedankenräume zu öffnen, Vielschichtigkeit zu evozieren und Geschichten zu erzählen, die weitergesponnen werden können.

Das Spektrum reicht dabei von Polaroids bis hin zu wandfüllenden Arbeiten oder solchen, die eigens für einen speziellen Ort oder Raum konzipiert sind. 

In der aktuellen Ausstellung verbindet Dorothee von Rechenberg – wie es der Ausstellungstitel KALEIDOSKOP andeutet – neue Fotoarbeiten mit solchen aus früheren Werkgruppen in einer spielerischen Bilderfolge, die immer wieder neue Bezüge innerhalb ihrer künstlerischen Arbeit sichtbar machen.

Dazu gehört auch eine Edition zu Gedichten von Chiara Tassi.

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Ausstellung | Schaulust | Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
Sep
22
zu 24. Nov.

Ausstellung | Schaulust | Photoforum Pasquart | Biel/Bienne


Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
22. September - 24. November 2019

Schaulust
Sophie Calle, Hannah Collins, Marine Dias Daniel, Jake Elwes, Seiichi Furuya, Paul Graham, Gregory Eddi Jones, Andy Kassier, Andy King, Marianne Müller, Christof Nüssli, Annelies Štrba, Shengze Zhu


© Christpf Nüssli, Googly Eyes, 2019

© Christpf Nüssli, Googly Eyes, 2019


Die moderne Bildproduktion und der aktuelle Bildkonsum sind zunehmend darauf ausgelegt, unsere Sehnsüchte und Fantasien zu stillen, während sie sie gleichzeitig weiter schüren: live streams, food porn oder unboxing videos gehören zu den bildschirmbasierten Phänomenen aus dem Reich digitaler Begehren und Fetische, die die Grenzen des Obsessiven, Intimen, Triebhaften und Perversen ausloten. Sie florieren dank unserer Lust am Sehen und können uns das Gefühl von Zugehörigkeit, Teilhabe oder Abgrenzung geben. In der Ausstellung Schaulust wird anhand von künstlerischen und kulturellen Erscheinungsformen das Wechselspiel von Blick und Begehren, die Rolle des Bildes und die Legitimität des Blicks vor dem Hintergrund des zeitgenössischen, vernetzten Bildes thematisiert.

Schaulust soll in unterschiedlichen Subkategorien verhandelt werden. Das Thema Intimität lotet die Grenze vom voyeuristischen Interesse des Betrachters, dem fotografischen Eindringen in private Sphären und der freiwilligen Preisgabe von Privatsphäre aus. Anhand von Phänomenen wie food porn oder Selfies soll die Normalisierung des Blicks und die Standardisierung von Bildern behandelt werden. Des Weiteren soll untersucht werden, wie mittels Bildern ein Gefühl von Komfort, Zufriedenheit und Geborgenheit generiert werden kann. Als Gegenstück dazu sollen auch der durch Bilder ermöglichte soziale Rückzug, die Forcierung von suchtähnlichem Verhalten und das Bild als Stellvertreter für das reale Leben untersucht werden. Ebenfalls diskutiert werden die Kommerzialisierung des Bildes, Technophilie und die Erschaffung neuer Bilder durch künstliche Intelligenzen, die neue Möglichkeiten des Sehens und der Schaulust sowohl erwecken als auch befriedigen.

Mit Sophie Calle, Hannah Collins, Marine Dias Daniel, Jake Elwes, Seiichi Furuya, Paul Graham, Gregory Eddi Jones, Andy Kassier, Andy King, Marianne Müller, Christof Nüssli, Annelies Štrba, Shengze Zhu.

Kuratiert von Danaé Panchaud und Miriam Edmunds.

Schaulust ist eine Kooperation mit dem Fotomuseum Winterthur im Rahmen von SITUATIONS.


La production et la consommation actuelles d’images sont toujours de plus en plus conçues pour satisfaire nos désirs et nos fantasmes tout en les attisant. Ainsi, les live streams, le food porn ou les unboxing videos font partie de ces phénomènes, basés sur un visionnement d’images digitales diffusées sur internet qui sont liés au désir et à la fétichisation, et qui touchent aux limites de l’obsessionnel, de l’intime et du pervers. Ces phénomènes prolifèrent en raison de notre désir de regarder, mais aussi de leur capacité à nous donner un sentiment d’appartenance, de participation ou de démarcation. L’exposition Schaulust s’appuie sur des propositions artistiques aussi bien que des manifestations culturelles pour étudier ces interactions du regard et du désir, le rôle de l’image et la légitimité du regard, dans le contexte de l’image contemporaine en réseau.

Cette insatiabilité de voir est abordée dans l’exposition dans différentes catégories. Le thème de l’intimité explore les frontières entre la curiosité voyeuriste du spectateur, l’intrusion par la photographie et la vidéo dans les sphères privées, et l’abandon volontaire de la vie privée. Avec des phénomènes comme le food porn ou les selfies, l’exposition traite de la standardisation des images et de la normalisation du regard. Schaulust examine par ailleurs comment un sentiment de réconfort, de satisfaction et de sécurité peut être généré par le biais d’images. En contrepoint, l’exposition se penche sur le repli social facilité par les images, l’encouragement de comportements addictifs, et l’usage de l’image comme substitut (proxy) de la vie réelle. Enfin, les notions de technophilie, de commodification des images, et les contenus générés par intelligence artificielle, lesquels éveillent, satisfont ou ouvrent de nouvelles possibilités de voir, seront également évoqués.

Avec Sophie Calle, Hannah Collins, Marine Dias Daniel, Jake Elwes, Seiichi Furuya, Paul Graham, Gregory Eddi Jones, Andy Kassier, Andy King, Marianne Müller, Christof Nüssli, Annelies Štrba, Shengze Zhu.

Curatrices: Danaé Panchaud et Miriam Edmunds.

Schaulust est une coopération avec le Fotomuseum Winterthur dans le cadre de SITUATIONS.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

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Ausstellung | Landmark - Lynn Davis | Edwynn Houk Gallery | New York
Sep
28
zu 2. Nov.

Ausstellung | Landmark - Lynn Davis | Edwynn Houk Gallery | New York


Edwynn Houk Gallery | New York
28. September - 2. November 2019

Landmark
Lynn Davis


Evening Northumberland Strait X, 1994

Evening Northumberland Strait X, 1994


Davis unternahm 1986 ihre erste Reise nach Grönland und durchquert seither die Kontinente, um majestätische Formen in Wahrzeichen natürlicher und menschlicher Errungenschaften zu finden, von den monumentalen Eisformationen des Polarkreises und den größten Wasserfällen der Welt in Brasilien und Argentinien bis hin zu den alten Pyramiden von Gizeh und den architektonischen Relikten von Palmyra. Davis hat eine einzigartige Fähigkeit, die außergewöhnlichen Orte, die sie fotografiert, zu ihren wesentlichsten formalen Elementen zu destillieren, und diese minimalistische Sensibilität ist zu einem bestimmenden Merkmal geworden, das ihre Perspektive von jeder anderen Landschafts- oder Architekturfotografie unterscheidet. Mit ihrem Auge umrahmt, teilen sich diese geografisch und kulturell vielfältigen Orte ein einheitliches Bildvokabular, das sich aus beeindruckenden geometrischen Formen des positiven und negativen Raumes zusammensetzt. Konfrontiert mit einigen der spektakulärsten Schöpfungen der Erde und der Menschheit, lädt Davis uns ein, über die Gemeinsamkeiten der zugrunde liegenden Elemente, die unsere Welt ausmachen, nachzudenken. Ihre Arbeit beleuchtet die angeborene Anmut, Kraft und Universalität solcher Wahrzeichen.

Ohne Hinweise auf die Anwesenheit des Künstlers oder eine jüngere Aktivität existiert jedes zeitlose Bild außerhalb der Grenzen einer identifizierbaren Ära. Vielmehr, wenn die Fotografien gemeinsam ausgestellt werden, kann man die Jahrzehnte schätzen, in denen Davis diese Denkmäler auf der ganzen Welt sorgfältig ausgewählt und dokumentiert hat, die sowohl ihre Vision widerspiegeln als auch es uns ermöglichen, den sich ständig weiterentwickelnden Zustand der Welt zu betrachten. Die zarten, papierähnlichen Falten von Iceberg XV wurden über Jahrhunderte von Winden geformt und werden weiter wandern, schmelzen und sich verändern. Die Ruinen eines alten Tempels in Syrien erinnern an anhaltende Symbolkraft und materielle Vergänglichkeit. Wie Pico Iyer geschrieben hat: "Die Stücke, die Davis schafft, die Orte, die sie besucht, donʼt verschwenden Worte; sie fragen uns einfach, wer wir sind und was weʼre aus der Monumentalität machen wird....".

Lynn Davis (Amerikanerin, geb. 1944) erwarb 1970 ihren Bachelor of Fine Arts am San Francisco Art Institute, bevor sie bei Berenice Abbott in New York studierte. 1979 erhielt sie ihre erste große Ausstellung im International Center of Photography zusammen mit ihrem Freund Robert Mapplethorpe. Im Jahr 2005 erhielt sie als erste Fotografin einen Academy Award in Art von der American Academy of Arts and Letters. Veröffentlichungen ihrer Arbeit umfassen Monument (Arena Editions, 1999), Ice (Edwynn Houk Gallery Editions, 2001), Water (Edwynn Houk Gallery Editions, 2005) und Illumination (Melcher Media, 2007). Im Jahr 2017 war Davis gemeinsam mit dem Klimaexperten der Yale University, Tony Leiserowitz, Gegenstand des Dokumentarfilms Meltdown. Davis' Fotografien wurden seitdem international ausgestellt und erworben und befinden sich unter anderem in den Sammlungen des The Museum of Modern Art, New York, des Los Angeles County Museum of Art, des Museum of Contemporary Art, Chicago, des Museum of Fine Arts, Houston, und des J. Paul Getty Museum, Los Angeles. Der Künstler lebt und arbeitet in Hudson, New York.


Davis made her first voyage to Greenland in 1986, and has since traversed the continents seeking out majestic forms in landmarks of both natural and human achievement, from the Arctic Circle’s monumental ice formations and the world’s largest waterfalls in Brazil and Argentina, to the ancient pyramids of Giza and the architectural relics of Palmyra. Davis has a singular ability to distill the extraordinary sites she photographs to their most essential formal elements, and this minimalist sensibility has become a defining characteristic that distinguishes her perspective from any other landscape or architectural photography. Framed through her eye, these geographically and culturally diverse locations share consistent visual vocabulary composed of awe-inspiring geometric forms of positive and negative space. Confronted with some of the earth’s, and humankind’s, most spectacular creations, Davis invites us to reflect on the commonality of the underlying elements that make up our world. Her work illuminates the innate grace, power, and universality of such landmarks.

Devoid of indications of the artist’s presence or any recent activity, each timeless image exists outside of the constraints of any identifiable era. Rather when the photographs are exhibited together, one can appreciate the decades Davis spent on carefully selecting and documenting these monuments across the globe that both reflect her vision and allow us to consider the world’s infinitely evolving state. The delicate, paper-like pleats of Iceberg XV have been sculpted by winds over centuries—and will continue to migrate, melt, and change. The ruins of an ancient temple in Syria evoke enduring symbolic power as well as material transience. As Pico Iyer has written, “The pieces [Davis] creates, the places she visits, donʼt waste words; they simply ask us who we are and what weʼre going to make of the monumentality...” 

Lynn Davis (American, b. 1944) earned her Bachelor of Fine Arts from the San Francisco Art Institute in 1970, before training with Berenice Abbott in New York. In 1979, she received her first major exhibition at the International Center of Photography alongside her friend Robert Mapplethorpe. In 2005, she became the first photographer to receive an Academy Award in Art from the American Academy of Arts and Letters. Publications of her work include Monument (Arena Editions, 1999), Ice (Edwynn Houk Gallery Editions, 2001), Water (Edwynn Houk Gallery Editions, 2005), and Illumination (Melcher Media, 2007). In 2017, Davis was the subject of the documentary Meltdown, together with Yale University climate change expert Tony Leiserowitz. Davis’ photographs have since been exhibited and acquired internationally, and are in the collections of The Museum of Modern Art, New York; Los Angeles County Museum of Art; Museum of Contemporary Art, Chicago; Museum of Fine Arts, Houston; and the J. Paul Getty Museum, Los Angeles, among others. The artist lives and works in Hudson, New York.

(Text: Edwynn Houk Gallery, New York)

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Ausstellung | Expnades Photography 2002-2018 - Aitor Ortiz | Galerie Springer | Berlin
Sep
28
zu 11. Jan.

Ausstellung | Expnades Photography 2002-2018 - Aitor Ortiz | Galerie Springer | Berlin


Galerie Springer | Berlin
28. September 2019 - 11. Januar 2020

Expnaded Photography 2002 - 2018
Aitor Ortiz


Vicinay 004, 2018 Steel Plate 125 x 125 x 15 cm | Aitor Ortiz

Vicinay 004, 2018 Steel Plate 125 x 125 x 15 cm | Aitor Ortiz


Die Galerie Springer Berlin präsentiert in der Ausstellung »Expanded Photography 2002 – 2018« drei verschiedene Werkzyklen des baskischen Künstlers Aitor Ortiz, in denen auf überraschende und faszinierende Weise die Grenzen der klassischen Fotografie überschritten werden. Höhepunkt der Ausstellung ist die Präsentation von Werken aus den zusammengehörigen Serien »Vicinay« und »Link« (2018). Vicinay ist eine Kettenfabrik im ehemaligen Industriegebiet Zorrotzaurre in Bilbao. Die Produktionsstätte, die über einen Zeitraum von 60 Jahren insgesamt 10.000 km Schiffsketten produzierte, wurde aufgrund von Stadtentwicklungsmaßnahmen und Gentrifizierung an einen neuen Standort verlagert. Ortiz, der in der Nähe des Industriestandortes aufwuchs und seit vielen Jahren mit seinem Atelier dort verwurzelt ist, ließ Teile der stählernen Bodenplatten in der ehemaligen Produktionsstätte stückweise und unter großem Aufwand herausnehmen. Diese schweren Stahlplatten sind gezeichnet von Verformungen, Falten und Narben, die durch das Ziehen von kilometerlangen, tonnenschweren, heißen Ketten über die Jahrzehnte entstanden sind. Bei den Stahlplatten aus der Serie »Vicinay«, die in der Ausstellung im Original präsentiert werden (125 x 125 cm), handelt es sich also im erweiterten Sinne um Drucke oder Abdrucke.

Die dazugehörige Serie »Link« ist die fotografische Verarbeitung der Serie »Vicinay«. Mit großer Klarheit und markanter Schärfe kommen darin die jahrzehntelangen, den Stahlboden formenden bzw. verformenden Arbeitsprozesse und die dadurch verursachten Risse und „Verletzungen“ zum Ausdruck.

In den Serien »Espacio Latente« (2008/2018) und »Modular Mod« (2002) arbeitet Aitor Ortiz mit Raum, und Architektur als Ausgangselementen, um uns vor visuelle und kognitive Rätsel zu stellen. Seine Arbeiten, die er ausschließlich in Schwarzweiß präsentiert, gehen über die dokumentarische Architekturfotografie weit hinaus und betonen die mit der fotografischen Darstellung einhergehende Auflösung und Umwandlung des Realen. Ortiz hat ein fortwährendes Interesse daran, eine Reihe von Widersprüchlichkeiten zwischen der Darstellung und der Interpretation (Wahrnehmung) aufzuzeigen.

Über Aitor Ortiz: Der 1971 in Bilbao geborene Künstler gilt als einer der bekanntesten spanischen Fotografen. Er war bereits in zahlreichen großen Museen in Europa, Asien und Amerika mit Gruppen- und Einzelausstellungen vertreten. Zu den großen Soloausstellungen zählen: Museo Universidad de Navarra, 2018, Fotografiska Stockholm, 2012, Sala Canal de Isabel II, Madrid (2012), Museo Guggenheim, Bilbao (2011). Das im Jahr 2011 bei Hatje Cantz erschienene Buch ist eine wichtige Monografie über sein Werk, für das er von Kritikern gefeiert und mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet wurde. Seine Arbeiten sind in vielen verschiedenen Sammlungen vertreten, einschließlich: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Museo Guggenheim Bilbao, Fundación La Caixa, AXA. Belgium, IVAM. Instituto Valenciano de Arte Moderno, Norman Foster Collection und viele andere.


In the exhibition Expanded Photography 2002 – 2018 , Galerie Springer Berlin is showing three different work cycles by the Basque artist Aitor Ortiz in which traditional photographic boundaries are surpassed in surprising and fascinating ways. The highlight of the exhibition is the presentation of works from the related series Vicinay and Link (2018). Vicinay is a chain factory in the former industrial area of Zorrotzaurre in Bilbao. The manufacturing plant, which produced a total of 10,000km of ship-mooring chains over a 60-year period, was moved to a new location as a result of urban-development measures and gentrification. Ortiz, who grew up in the vicinity of the industrial site and has been based there via his studio for many years, had parts of the steel floor panels in the former manufacturing plant removed piece-bypiece, involving extensive effort. These heavy steel plates are characterised by distortions, folds and scars resulting from decades of pulling kilometres of extremely heavy, hot chains. The steel plates from Vicinay , which are being shown in the exhibition in the original (125 x 125 cm), are therefore prints or impressions in the wider sense of the words.

The related series Link is the photographic treatment of Vicinay . With great clarity and striking sharpness, the works give expression to the work processes that formed or deformed the steel plates over decades, and to the cracks and ‘injuries’ caused to them as a result.

In the series Espacio Latente (2008/2018) and Modular Mod (2002), Ortiz works with space and architecture as source elements in order to puzzle us both visually and cognitively. His works, which he presents only in back and white, go way beyond a documentary form of architectural photography and emphasise the dissolution and conversion of the real that is concomitant with the photographic representation. Ortiz has an unending interest in highlighting a series of contradictions between representation and interpretation (perception).

About Aitor Ortiz: Born in Bilbao in 1971, the artist is one of the best-known Spanish photographers. He has already exhibited in numerous major museums in Europe, Asia and America, in both group and solo exhibitions. His major solo exhibitions include Museo Universidad de Navarra (2018); Fotografiska Stockholm (2012); Sala Canal de Isabel II, Madrid (2012); and Museo Guggenheim, Bilbao (2011). The 2011 book published by Hatje Cantz is an important monograph on his work, which has been celebrated by critics and honoured with numerous awards. His works are featured in many different collections, including Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Museo Guggenheim Bilbao; Fundación La Caixa; AXA, Belgium; IVAM – Instituto Valenciano de Arte Moderno; the Norman Foster Collection and many others.

(Text: Galerie Springer, Berlin)

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Ausstellung | Zustand der Veränderung - Karen Irmer | Kunstverein Wolfenbüttel | Wolfenbüttel
Sep
29
zu 3. Nov.

Ausstellung | Zustand der Veränderung - Karen Irmer | Kunstverein Wolfenbüttel | Wolfenbüttel

  • Kunstverein Wolfenbüttel e.V. (Karte)
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Kunstverein Wolfenbüttel | Wolfenbüttel
29. September - 3. November 2019

Zustand der Veränderung
Karen Irmer


IRMER_Zustand-der-Veraenderung-2_foto_180x125.jpg

Wie lange schenken wir unsere ungeteilte Aufmerksamkeit Personen, Situationen und Bildern? Unser inzwischen geradezu scheinbar verkümmerndes Rezeptionsverhalten untersucht Karen Irmer (geb. 1974 in Friedberg, lebt und arbeitet in Augsburg) in ihren medienreflexiven Installationen, Filmen und Fotografien. Die Erforschung zeitlicher und räumlicher Aspekte unserer Wahrnehmung sind das Grundinteresse der Künstlerin, in deren Arbeiten sich langsam transformierende Bilder natürlich verändernder Landschaften im Zentrum stehen. Die BetrachterInnen werden zumeist in eine Stimmung des Nebulösen, des Mythischen ent- und verführt. Die meditative Stimmung, der Aspekt des sich selbst Zeit Schenkens, verweist auf eine Sehnsucht nach dem kostbaren Gut Zeit, dessen Fließen, Gerinnen oder Vergehen existentiell mit unserem eigenen natürlichen Dasein verbunden ist.

(Text: Stine Hollmann, Kunstverein Wolfenbüttel)

Die Künstlerin Karen Irmer (*1974) hat an der Kunstakademie München u.a. bei Sean Scully (Malerei) und Dieter Rehm (Fotografie) studiert. In internationalen Einzel- und Gruppenausstellungen bricht sie die Grenzen zwischen Film und Fotografie auf. Sie untersucht Orte, die wie der Horizont nicht begehbar sind und berührt damit unsere Sehnsucht nach dem Unbekannten. Zugleich löst Irmer mit ihren Arbeiten die Grenzen zwischen realer und imaginierter Welt auf und lädt Betrachter in ein unsicheres Terrain ein, auf dem seine Wahrnehmung infrage gestellt wird. 

Auf der Suche nach puren, reduzierten Bildern reist die Künstlerin nach Japan und Korea, ins arktische Island und auf entlegene Inseln. Sie erwandert unbewohnte und karge Gegenden, um dort Inspiration für ihre künstlerische Arbeit zu finden. Ihre jüngste Reise führte Karen Irmer in die Tundra Lapplands und an die Barentsee. 

Irmers Ausstellungsliste ist ebenso international. Neben Einzelpräsentationen in München – beispielsweise bei „Kino der Kunst“ oder dem Underdox Filmfestival im Filmmuseum, im Rahmen des Photo Weekend Düsseldorf und in Berlin, war sie auf der „Scope Basel“, der „Freshpaint Contemporary“ Tel Aviv, in Amsterdam sowie in den USA mit ihren Arbeiten vertreten. Im November 2017 wurde sie eingeladen, ein Projekt für die „FRAGMENTA Malta“ zu realisieren.

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Ausstellung | Choreography - Romeo Vendrame | Fabian & Claude Walter Galerie | Zürich
Okt
3
zu 2. Nov.

Ausstellung | Choreography - Romeo Vendrame | Fabian & Claude Walter Galerie | Zürich

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Fabian & Claude Walter Galerie | Zürich
3. Oktober - 2. November 2019

Choreography
Romeo Vendrame


Romeo Vendrame, Mappin T, 2014, from the series Choreography, Lambda Print between acrylic glass

Romeo Vendrame, Mappin T, 2014, from the series Choreography, Lambda Print between acrylic glass

London calling to the faraway towns
Now war is declared and battle come down
(The Clash, London Calling, 1979)

Mit diesen berühmten Zeilen besang die Punkband The Clash das magnetische und gleichzeitig bedrohliche London der 70er-Jahre. Zu dieser Zeit befand sich auch Romeo Vendrame in der Metropole und nutzte wie viele die Fotografie, um Szenen, Orte und Situationen, auf die er aufmerksam wurde, festzuhalten. Die Zeit verging und Vendrame entwickelte über die Jahre hinweg eine neue Auffassung von Fotografie. Die Fabian & Claude Walter Galerie präsentiert im Kabinett, parallel zur Ausstellung Carlo Borer | Beyond Fiction, eine Auswahl an Vendrames Werken der Serie Choreography.

Die von Romeo Vendrame in den 1970er-Jahren aufgenommenen analogen Fotografien sind der Ausgangspunkt seiner Serie Choreography. Bevor Vendrame seine künstlerische Tätigkeit begann, reiste er oft nach London, erkundete mit seiner Kamera die Strassen der Stadt und dokumentierte das nächtliche Soho, berühmte Bauten, moderne Architektur, urbane Schilder und Schriftzüge der Läden sowie alltägliche Strassenszenen von Brixton und des Piccadilly Circus. Hunderte Dias, die während der Londoner Aufenthalte entstanden, ruhten 40 Jahre im Atelier des Künstlers und gerieten über die Jahre hinweg in Vergessenheit. Erst 2014, angeregt durch den in London spielenden Spionageroman von Graham Greene Der menschliche Faktor (1978), der atmosphärische Erinnerungen an seine damaligen Streifzüge und die Zeit in dieser Metropole weckte, blickte Vendrame erneut auf seine Fotografien des Londons der 70er-Jahre.

In Choreography transformiert Vendrame die Aufnahmen aus der Vergangenheit in seine heutige, fotografische Sprache. Dies erreicht der Künstler auf „analogem“ Weg, nämlich durch das Projizieren der Dias durch lichtdurchlässige Materialien auf eine Folie, wodurch ein vielschichtiges, neues Bild entsteht. Diese Übersetzung wird schliesslich erneut abfotografiert. Romeo Vendrame definiert sich bei Choreography als Autor und Regisseur in einem. In den 1970er-Jahren nahm er die Fotografien auf, schrieb somit das fotografische Stück, und erst Jahrzehnte später inszenierte er es. Diesen Prozess bezeichnet der Fotograf als Choreografieren – Choreography. Die ursprünglichen Aufnahmen führen zurück in die 1970er-Jahre und die Transformation dieser Bilder kann als grosser Schritt in die Jetztzeit beschrieben werden. Die Fotografien der Serie sind Hybride aus verschiedenen Zeiten. Sie zeigen unterschiedliche Überlagerungen und präsentieren somit eine Vermischung der Bewusstseinszustände.

(Text: Fabian & Claude Walter Galerie, Zürich)

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Ausstellung | The House - Karin Borghouts | Cons Arc | Chiasso
Okt
5
zu 29. Nov.

Ausstellung | The House - Karin Borghouts | Cons Arc | Chiasso


Cons Arc | Chiasso
5. Oktober - 29. November 2019

Die Ausstellung findet im Rahmen der Bi Biennale dell’immagine statt

The House
Karin Borghouts


©KarinBorghouts-TheHouse16-Consarc.jpg.jpg

"The House" – zeigt wie ein Feuer das Elternhaus von Karin Borghouts zerstört hat. Trotz dem Gefühlschaos, der unwiderruflichen Zerstörung ist Karin Borghouts fasziniert von der eigenartigen Schönheit, die das Feuer zurückgelassen hat und hält die verkohlten Habseligkeiten und verschiedene Winkel im Haus fest. Die noch erkennbaren Objekte wecken Erinnerungen des Vergangenen in den Räumlichkeiten.


"The House" - montre comment un incendie a détruit la maison de Karin Borghouts. Malgré le chaos émotionnel, la destruction irréversible, Karin Borghouts est fascinée par la beauté étrange que le feu a laissée derrière elle et capture les biens carbonisés et les différents coins de la maison. Les objets encore reconnaissables réveillent dans les pièces des souvenirs du passé.


"The House" - mostra come un incendio ha distrutto la casa di Karin Borghouts. Nonostante il caos emotivo, la distruzione irreversibile, Karin Borghouts è affascinata dalla strana bellezza che il fuoco ha lasciato e cattura gli oggetti carbonizzati e i vari angoli della casa. Gli oggetti ancora riconoscibili risvegliano nelle stanze ricordi del passato.


"The House" - shows how a fire destroyed the home of Karin Borghouts. Despite the emotional chaos, the irreversible destruction, Karin Borghouts is fascinated by the strange beauty the fire has left behind and captures the charred belongings and various corners of the house. The still recognizable objects awaken memories of the past in the rooms.

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Ausstellung | Sguardo Lucido | Fotohof | Salzburg
Okt
8
zu 23. Nov.

Ausstellung | Sguardo Lucido | Fotohof | Salzburg


Fotohof | Salzburg
8. Oktober - 23. November 2019

Sguardo Lucido
Marina Caneve, Cesare Fabbri, Teresa Giannico, Francesco Neri


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Die Bergkulisse der Dolomiten ist Gegenstand der Fotografien von Marina Caneve (*1988); ihr Blick richtet sich jedoch nicht auf auf die Faszination der Naturschönheit, sondern auf die Instabilität der Berge und die Gefahren, welche von ihnen ausgehen. Ihre Arbeit "Are They Rocks or Clouds?" handelt von Naturkatastrophen in Beziehung zu den Menschen Norditaliens. Durch eigene Fotografien, Einbeziehung historischer Dokumente und Geschichten sowie wissenschaftlichen Erkenntnissen wird die Fragilität dieser Region sichtbar.

Cesare Fabbri (*1971) konzentriert sich in seiner zehnjährigen Langzeitstudie "The Flying Carpet" auf seine beiden Heimatregionen Emilia-Romagna und Sardinien. Seine Farb- und SW-Fotografien zeigen uns eine stille Welt, in der alltägliche Objekte durch seinen präzisen Blick und Ausschnitt der Wirklichkeit in magische Bilder verwandelt werden.

Teresa Giannico (*1985) hinterfragt den dokumentarischen Wert der Fotografie durch einen Prozess der Rekonstruktion der Realität. Für ihre fotografischen Werkgruppen "Rogoredo" und "Lay Out" sammelte sie Bilder von typischem italienischen Mobiliar und Innenräumen. In Dioramen neu arrangiert, fotografiert und in kleinen und großen Formaten gedruckt, schafft die neue Perspektive eine perfekte Raum-Illusion und zeigt eine prekäre und unausgewogene Welt.

Das umfangreiche Projekt "Trophy and Treasure" von Francesco Neri (*1982) beschäftigt sich mit seiner eigenen Familie, in der seit Generationen die Medizin und die Jagd eine zentrale Rolle spielen. Schauplatz seiner Fotografien ist das Haus seiner Großeltern in Faenza in der Emilia-Romagna. Die starken Bezüge des Menschen (und bei diesem Projekt speziell die seiner Familie) zu Landschaft und Natur sind die bestimmenden Elemente des Bild-Kosmos von Francesco Neri.

(Text: Fotohof, Salzburg)

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Ausstellung | Saudade - Olaf Heine | Neues Atelierhaus - Hof der Chaussee 36 | Berlin
Okt
11
zu 9. Nov.

Ausstellung | Saudade - Olaf Heine | Neues Atelierhaus - Hof der Chaussee 36 | Berlin


Neues Atelierhaus - Hof der Chaussee 36 | Berlin
11. Oktober - 9. November 2019

Saudade
Olaf Heine


Torso (Back), Rio de Janeiro, 2012 | Olaf Heine | copyright and courtesy the artist

Torso (Back), Rio de Janeiro, 2012 | Olaf Heine | copyright and courtesy the artist


'Saudade' (bras. Portugiesisch: Sehnsucht) zeigt rund 35, meist großformatige Arbeiten des renommierten Porträt- und Musikerfotografen. Seit 2010 spürt er - mit viel Feingefühl für Formen und Texturen - Seele Brasiliens nach und erfüllt er gleichzeitig Worte des legendären, brasilianischen Architekten Oscar Niemeyer mit Leben: „Das ganze Universum ist aus Kurven gemacht“. Kurven in der Architektur, in menschlichen Körpern und übertragen auch im Lebensgefühl. Und wenn alles aus Kurven gemacht ist, ist nichts gerade. Es geht dabei nicht nur um den Kurvenreichtum der Gebäude und der brasilianischen Frauen, sondern um eine Fortsetzung im Leben: Alles ist flexibel und in stetem Wandel. Von der Intensität der Sehnsucht bis zur Leichtigkeit der Formen zeigt Olaf Heine uns ein faszinierendes Land in all seiner Vielfalt und Schönheit. Die wirkt umso erstaunlicher, wenn man die Schlagzeilen der letzten Wochen und Monate verfolgt. Seit Präsident Jair Bolsonaro zu Beginn des Jahres das Amt von seinem

Vorgänger übernahm, wird das Land mit brutaler Macht geführt, Kriminelle auf offener Straße exekutiert, Homosexuelle eingesperrt und die Zerstörung der Natur und des brasilianischen Regenwaldes vorangetrieben. In seiner Fotografie zeichnet Heine dagegen gerade jenen Sehnsuchtsort, den die erste Generation der brasilianischen Modernisten in Architektur, Literatur und Musik Mitte des 20. Jahrhunderts als ästhetischen Ausdruck einer sich zum positiv wandelnden, sozialen, politischen und urbanen Gesellschaft gestaltet hat. Eine Wunschvorstellung und vermeintliche Utopie, der manch einer gerade im tagesaktuellen Kontext mit Sehnsucht hinterherblickt: Saudade!

(Text: Nadine Dinter PR, Berlin)

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Ausstellung | 23. vfg nachwuchsförderpreis | Galerie l’elac  |  Renens
Okt
11
zu 18. Okt.
Ausstellung | Stars - Silvio Maraini | Galerie Susanne Albrecht | Berlin
Okt
12
zu 30. Nov.

Ausstellung | Stars - Silvio Maraini | Galerie Susanne Albrecht | Berlin

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Galerie Susanne Albrecht | Berlin
12. Oktober - 30. November 2019

Stars
Silvio Maraini


bild 1.jpg

Silvio Maraini geht davon aus, dass wir mit den Augen nicht alles sehen, Geheimnisse bleiben verborgen. Mit der Kamera versucht er diese zu enthüllen. Im Projekt «Geflutete Kathedralen» 2009-2015 fotografiert er die Räume von Wasserspeichern gerade in dem kurzen Moment, da sie zur Inspektion entleert werden. Er findet hohe, von Stützen getragene Räume vor, Kathedralen gleich. Im Projekt «Sanatorium Agra» 2008-2009 dokumentiert er die Ruinen des ehemaligen Lungensanatoriums oberhalb von Lugano, die 2010 abgerissen wurden. Man sieht ihnen die spannungsreiche Geschichte nicht an: Einst eines der renommierten Häuser Europas wurde es von einem nazionalsozialismus-freundlichen Lungenspezialisten gegründet und geleitet, war aber dennoch ein bevorzugter Ort deutscher Linksintellektueller und Künstler.

Im jüngsten Portfolio «Stars», seiner bisher persönlichsten Arbeit, porträtiert Silvio Maraini berühmte Sport- und Showpferde, die für ihre Besitzer viel Geld verdienen, aber auch gewöhnliche Reit- und Freizeitpartner. Jedes der Tiere hat seine Geschichte. Sie werden unterschiedlich gehalten, ausgebildet und genutzt. Ob Olympiasieger, Weltmeister oder Freizeitpartner: das Palmarès sagt oft mehr über den Menschen aus als über das Pferd. Bereits in den Minnegesängen des Mittelalters werden die Pferde nicht minder gerühmt als die Ritter und sie werden ebenso reich gekleidet. Pferde haben Persönlichkeit, manchmal sind sie der einzige Begleiter des Menschen, die letzte Hilfe in der Not – «Ein Königreich für ein Pferd.»1. Der Mensch hat sie auf seine Bedürfnisse hin gezüchtet, er kann ihnen dennoch die Individualität nicht nehmen. Gerade diese fängt Silvio Maraini mit seinen Fotos ein: «Die Bilder entstehen unter studioähnlichen Bedingungen, die aber immer eine Portion Zufall zulassen.»2. Frei von jeder Ablenkung wie Zäumung oder Halfter konzentriert sich die Kamera auf das Pferd und seine Ausstrahlung. «Sie sind gleichwertige Geschöpfe, (…)»3 wollen uns die Fotos sagen. Wir müssen lernen, die Würde und Persönlichkeit eines Tieres zu sehen und zu respektieren.


Silvio Maraini assumes that we don’t see everything with our eyes; secrets remain hidden. He tries to reveal these with the camera. In the project Geflutete Kathedralen [Flooded Cathedrals] 2009-2015, he photographed the spaces of cisterns precisely in the short moment when they were emptied to be inspected. He discovers high spaces supported by pillars, reminiscent of cathedrals. In the project Sanatorium Agra 2008-2009, he documents the ruins of a former lung sanatorium above Lugano that were torn down in 2010. The ruins don’t show its charged history: Once it was one of the most renowned sanatoriums in Europe, established and directed by a lung specialist with Nazi affinities, and it was also a place favoured by German left-wing intellectuals and artists.

In his most recent portfolio Stars, to this day his most personal work, Silvio Maraini portrays famous race and show horses that make a lot of money for their owner, but also common riding and leisure-time horses. Each of the animals has its own history. They are kept in different ways, trained and used differently. Whether Olympic champions, world champions, or leisure-time partners: the Palmarès, i.e., the ranking, often says more about the people than the horse. In the medieval minnesongs, the horses are praised no less than the knights, and they are as richly dressed as their masters. Horses have a personality, sometimes they are a person’s only companion, the last aid when humans are in distress – «a kingdom for a horse»1. Man has bred horses for his requirements, but he cannot strip them of their individuality. This is precisely what Silvio Maraini captures in his photographs: «The photographs are made in studio-like conditions that however allow for an element of chance»2. Freed from any distraction like bridle or halter, the camera concentrates on the horse and its charisma. «They are equal creatures»3, the photographs want to tell us. We must learn to see and respect the dignity and personality of an animal.

(Text: Galerie Susanne Albrecht, Berlin)

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Ausstellung | Fotografie der Nachkriegsmoderne - Ludwig Windstosser | Museum für Fotografie | Berlin
Okt
12
zu 23. Feb.

Ausstellung | Fotografie der Nachkriegsmoderne - Ludwig Windstosser | Museum für Fotografie | Berlin

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Museum für Fotografie | Berlin
12. Oktober 2019 - 23. Februar 2020

Fotografie der Nachkriegsmoderne
Ludwig Windstosser


Ludwig Windstosser: Aral, Benzin-Raffinerie, 1967, Farbpapier, © Staatliche Museen zu Berlin, Kunstbibliothek / Ludwig Windstosser

Ludwig Windstosser: Aral, Benzin-Raffinerie, 1967, Farbpapier, © Staatliche Museen zu Berlin, Kunstbibliothek / Ludwig Windstosser


Mit rund 200 Aufnahmen präsentiert die Ausstellung eine Auswahl aus dem Nachlass des Stuttgarter Fotografen Ludwig Windstosser (1921-1983), den die Kunstbibliothek im Museum für Fotografie bewahrt. Durch seine Firmenporträts avancierte Windstosser zum führenden Industriefotografen der westdeutschen Nachkriegszeit und ist dennoch bis heute weitgehend unbekannt. Die Ausstellung ist der erste Versuch, einen umfassenden Einblick in Leben und Werk des Fotografen zu geben, der bislang noch in keiner Einzelausstellung gewürdigt wurde.

Tendenzen der Nachkriegsavantgarde
In den ersten Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg war Windstosser Mitglied der Gruppe fotoform und beteiligte sich an den Ausstellungen und Buchprojekten der "subjektiven Fotografie". In Anknüpfung an die fotografischen Tendenzen der 1920er und frühen 30er Jahre prägte vor allem fotoform die Bildsprache der fotokünstlerischen Nachkriegsavantgarde. Steile Perspektiven, ungewöhnliche Bildausschnitte und starke Kontraste finden sich auch in den Werbeaufnahmen, die er als Industriefotograf ab den frühen 1950er Jahren für viele Firmen – vom Stahlbau über Pharmahersteller bis hin zur Textilbranche – realisierte. So porträtierte er das Bergbauunternehmen Ruhrkohle AG, das für den Aufschwung der westdeutschen Wirtschaft eine maßgebliche Rolle spielte. In seinen Fotografien zeigt er den Produktionsablauf von den Schächten bis hin in die heimischen Öfen und entwickelt dabei ein Bild vom Bergbau, das auch heute noch im kollektiven Gedächtnis präsent ist.

Gegenüberstellungen von Großstadt und Natur
Auch für seine zahlreichen Buchprojekte fing Windstosser den nachkriegsdeutschen Zeitgeist mit seiner Kamera ein. Die Bildbände führen das Lebensgefühl in Großstädten wie Berlin oder Stuttgart einerseits sowie ein breites Spektrum an Landschaftsaufnahmen andererseits vor Augen. Der 1972 erschienene Bildband "Berlin: teils teils" ist ein Porträt West-Berlins, in einer von Wiederaufbau und Fortschritt aber auch dem Wunsch nach Normalität und Sicherheit geprägten Zeit. Dieses Spannungsfeld zieht sich durch geschickte Gegenüberstellungen durch das gesamte Farbfotobuch.

Begleitband zur Ausstellung
Der zur Ausstellung erscheinende 80-seitige Begleitband vertieft die drei Hauptaspekte im Schaffen Windstossers – künstlerische Fotografie, Industriefotografie, Stadt- und Landschaftsaufnahmen. Die Karriere Ludwig Windstossers steht exemplarisch für das Wirken vieler Fotografinnen und Fotografen in der Zeit des westdeutschen Wirtschaftswunders, seine Arbeit ist andererseits einzigartig in der Vielseitigkeit ihrer Bildsprache.

(Text: Museum für Fotografie, Berlin)

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Ausstellung | Walls Come Tumbling Down! | Chaussee 36 | Berlin
Okt
12
zu 30. Nov.

Ausstellung | Walls Come Tumbling Down! | Chaussee 36 | Berlin

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Parisian Salon - Seitenflügel im Hof links - Chaussee 36 | Berlin
12. Oktober - 30. November 2019

Walls Come Tumbling Down!
Renaud De Gambs, Fanny Duval, Leonard Freed, Daniel Müller Jansen, Wolfang Krolow, Will McBride, Max Scheler, Kai Wiedenhöfer und Günter Zint


Babys zeigen an der Mauer, 1961 | Will McBride | copyright und courtesy the artist

Babys zeigen an der Mauer, 1961 | Will McBride | copyright und courtesy the artist


Nach Fall der Berliner Mauer sowie der Abschaffung der Grenzkontrollen innerhalb Europas schien ein neues, mauerloses Zeitalter der Öffnung vor uns zu liegen. Doch im Zeitalter von Donald Trump und Co existieren weltweit mehr Mauern als 1989. Anlässlich des 30. Jubiläums des Berliner Mauerfalls widmet sich die Gruppenausstellung 'Walls Come Tumbling Down!' mit Arbeiten von Renaud De Gambs, Fanny Duval, Leonard Freed, Daniel Müller Jansen, Wolfang Krolow, Will McBride, Max Scheler, Kai Wiedenhöfer und Günter Zint diesem vergangenen und gleichzeitig brandaktuellem Thema. Neben Fotografien der Berliner Mauer stehen aktuelle Werke, die zeigen, dass die Spuren der Teilung bis heute im Stadtbild sichtbar sind. Mit Fotografien von Sperren und Abgrenzungen weltweit wird außerdem die Frage aufgeworfen, was all diese Mauern über den heutigen Zustand unserer Welt verraten.

(Text: Nadine Dinter PR, Berlin)

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Ausstellung | Chasing Dreams - Erwin Blumenfeld | Chaussee 36 | Berlin
Okt
12
zu 30. Nov.

Ausstellung | Chasing Dreams - Erwin Blumenfeld | Chaussee 36 | Berlin

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The Wisper - Hofkeller - Chaussee 36 | Berlin
12. Oktober - 30. November 2019

Chasing Dreams
Erwin Blumenfeld


Nude Under Grid, New York, 1950 | copyright 2019 The Estate of Erwin Blumenfeld | courtesy Howard Greenberg Gallery, NYC

Nude Under Grid, New York, 1950 | copyright 2019 The Estate of Erwin Blumenfeld | courtesy Howard Greenberg Gallery, NYC


Unter dem Titel 'Chasing Dreams' präsentiert Chaussee 36 einen der ganz großen Berliner Fotografen: Erwin Blumenfeld. In Zusammenarbeit mit dem Erwin Blumenfeld Estate und der legendären Howard Greenberg Gallery in New York werden ca. 40 fotografische wie experimentelle Darstellungen und Studien des weiblichen Körpers gezeigt; von seinen surrealistischen Akten aus der Pariser Zeit (1936 – 1941) bis hin zu seinen grafischen und illustrativen Arbeiten der 40er und 50er Jahre, nachdem der Künstler in die USA immigriert war. Die Einzelausstellung fächert somit das gesamte bildnerische Repertoire von Blumenfelds Vision des weiblichen Aktes auf und gibt gleichzeitig einen exquisiten Einblick in die technische Vielfalt eines der großen Fotografie-Ikonen.

(Text: Nadine Dinter PR, Berlin)

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Ausstellung | vis-à-vis | Lothringer13 Halle | München
Okt
16
zu 24. Nov.

Ausstellung | vis-à-vis | Lothringer13 Halle | München


Aus der Serie „Monsanto®: A Photographic Investigation“, 2012, © Mathieu Asselin

Aus der Serie „Monsanto®: A Photographic Investigation“, 2012, © Mathieu Asselin


Vis-à-vis beschreibt als Thema eine vermeintlich einfache und doch so komplexe Situation der Begegnung. Dies kann als Chance oder als Bürde wahrgenommen werden, kann starre oder veränderbare Positionen beschreiben und vielleicht auch als Anregung verstanden werden, sich seinem Gegenüber offen und verantwortungsvoll zu widmen. 

 „There is no such thing as a single-issue struggle, because we do not live single-issue lives“ schreibt die US-amerikanische Schriftstellerin und Aktivistin Audre Lorde und skizziert damit den gedanklichen Rahmen der diesjährigen Festivalausgabe.  

In unserer globalisierten, vernetzten und durchaus komplexen Welt haben wir es mit Auseinandersetzungen und Kämpfen auf den unterschiedlichsten Ebenen zu tun, die sowohl unser gesellschaftliches Miteinander, als auch unsere individuellen Wertevorstellungen und Lebensentwürfe berühren. 

Das Kurator*innenteam präsentiert eine beispielhafte und konzentrierte Auswahl von fotografischen Positionen, die ökonomische, soziale wie gesellschaftspolitische Machtverhältnisse beleuchten und vermeintliche „Wahrheiten“ in Frage stellen. Die Arbeiten der 15 eingeladenen Fotograf*innen aus Frankreich und der D-A-CH Region, erforschen Machenschaften von Großkonzernen, verfolgen Spuren, die postkoloniale, imperialistische und kapitalistische Strukturen zeichnen - sie erzählen von Politik und Tradition, von gesellschaftlichen Werten und Geschlechterzuordnungen. Die zeitgenössische dokumentarische Autorenfotografie macht - ihrer Tradition folgend - die Vielfalt im Denken und Handeln sowie individuelle Strategien der Selbstermächtigung sichtbar - in und weit über Europa hinaus. Die Arbeiten irritieren unsere Sehgewohnheiten und hinterfragen, ob und wie man die Dinge nicht auch ganz anders wahrnehmen und verstehen könnte.

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Ausstellung | wo_MAN RAY. Le seduzioni della fotografia | Camera - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
Okt
17
zu 19. Jan.

Ausstellung | wo_MAN RAY. Le seduzioni della fotografia | Camera - Centro Italiano per la Fotografia | Torino

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Camera - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
17. Oktober - 19. Januar 2019

wo_MAN RAY. Le seduzioni della fotografia


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Vom 17. Oktober 2019 bis 19. Januar 2020 würdigt das CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia den großen Meister mit der Ausstellung wo/MAN RAY. Die Verführungen der Fotografie, die etwa zweihundert Fotografien enthalten werden, die von den zwanziger Jahren bis zu seinem Tod (1976) entstanden sind und alle einem bestimmten Thema gewidmet sind, der Frau, der Hauptquelle der Inspiration seiner gesamten Poetik, in ihrer fotografischen Ablehnung.

Gezeigt werden einige der Bilder, die die Geschichte der Fotografie des 20. Jahrhunderts geschrieben haben und die dank der Fähigkeit von Man Ray, nicht nur die fotografische Sprache, sondern auch die Darstellung von Körper und Gesicht, die Genres Akt und Porträt, neu zu erfinden, in die kollektive Vorstellungskraft eingetreten sind. Durch seine Rayographien, Solarisationen und Doppelausstellungen ist der weibliche Körper einer kontinuierlichen Metamorphose von Formen und Bedeutungen unterworfen, die von Zeit zu Zeit zu einer abstrakten Form, einem Objekt der Verführung, einem klassischen Gedächtnis, einem realistischen Porträt wird, in einer außergewöhnlichen - spielerischen und raffinierten - Reflexion über die Zeit und über die Darstellungsweisen, fotografisch und anders.

Assistenten, inspirierende Musen, Komplizen in verschiedenen Phasen dieses Abenteuer des Lebens und Intellektuelle waren Figuren wie die von Lee Miller, Berenice Abbott, Dora Maar, mit der ständigen, unausweichlichen Gegenwart von Julia, der Begleiterin eines Lebens, dem die erstaunliche Mappe "The Fifty Faces of Juliet" (1943-1944) gewidmet ist, in der wir ihre außergewöhnliche Verwandlung in viele verschiedene Figuren sehen, in einem Spiel von Zuneigung und Verführung, Zitaten und Provokationen.

Aber diese Frauen waren wiederum große Künstlerinnen, und die Ausstellung wird sich auch auf diesen Aspekt konzentrieren und eine Reihe von Werken präsentieren, die sich insbesondere auf die dreißiger und vierziger Jahre beziehen, nämlich auf die ihrer direktesten Bekanntschaft mit Man Ray und dem Umfeld der dada- und Pariser surrealistischen Avantgarde.

Eine einzigartige Ausstellung, sowohl für die Qualität der ausgestellten Fotos als auch für den innovativen Schnitt in der Kombination von biographischen und künstlerischen Protagonisten dieser Veranstaltungen. Ein großes Repertoire an Bildern, die der Öffentlichkeit zugänglich sind, wurde durch die Zusammenarbeit mit zahlreichen nationalen und internationalen Institutionen und Galerien ermöglicht, vom CSAC von Parma bis zum ASAC von Venedig, vom Lee Miller Archive von Sussex über den Mast von Bologna bis zur Marconi Foundation von Mailand. Diese Realitäten haben sowohl mit Krediten als auch mit eigenen wissenschaftlichen Fähigkeiten dazu beigetragen, dass dieser Überblick über eine der innovativsten Epochen des 20. Jahrhunderts mit authentischen Meisterwerken der Fotokunst wie den Portfolios "Electricitè" (1931) und den sehr seltenen "Les Mannequins" so umfassend wie möglich ist. Resurrection des mannequins" (1938), einzigartiges Zeugnis eines der wichtigsten Ereignisse in der Geschichte des Surrealismus und der Ausstellungspraktiken des 20. Jahrhunderts, der Exposition Internationale du Surréalisme in Paris 1938.

Die von Walter Guadagnini und Giangavino Pazzola kuratierte Ausstellung wird von einem Katalog begleitet, der Reproduktionen der ausgestellten Werke, Aufsätze von Kuratoren und anderen Wissenschaftlern sowie wichtige bio-bibliographische Notizen enthält.


Dal 17 ottobre 2019 al 19 gennaio 2020, CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia rende omaggio al grande maestro con la mostra wo/MAN RAY. Le seduzioni della fotografia che racchiuderà circa duecento fotografie, realizzate a partire dagli anni Venti fino alla morte (avvenuta nel 1976), tutte dedicate a un preciso soggetto, la donna, fonte di ispirazione primaria dell’intera sua poetica, proprio nella sua declinazione fotografica. 

In mostra alcune delle immagini che hanno fatto la storia della fotografia del XX secolo e che sono entrate nell’immaginario collettivo grazie alla capacità di Man Ray di reinventare non solo il linguaggio fotografico, ma anche la rappresentazione del corpo e del volto, i generi stessi del nudo e del ritratto. Attraverso i suoi rayographs, le solarizzazioni, le doppie esposizioni, il corpo femminile è sottoposto a una continua metamorfosi di forme e significati, divenendo di volta in volta forma astratta, oggetto di seduzione, memoria classica, ritratto realista, in una straordinaria – giocosa e raffinatissima – riflessione sul tempo e sui modi della rappresentazione, fotografica e non solo. 

Assistenti, muse ispiratrici, complici in diversi passi di questa avventura di vita e intellettuale sono state figure come quelle di Lee Miller, Berenice Abbott, Dora Maar, con la costante, ineludibile presenza di Juliet, la compagna di una vita a cui è dedicato lo strepitoso portfolio “The Fifty Faces of Juliet” (1943-1944) dove si assiste alla sua straordinaria trasformazione in tante figure diverse, in un gioco di affetti e seduzioni, citazioni e provocazioni.

Ma queste donne sono state, a loro volta, grandi artiste, e la mostra si concentrerà anche su questo aspetto, presentando un corpus di opere, riferite in particolare agli anni Trenta e Quaranta, vale a dire quelli della loro più diretta frequentazione con Man Ray e con l’ambiente dell’avanguardia dada e surrealista parigina. 

Una mostra unica, dunque, sia per la qualità delle fotografie esposte, sia per il taglio innovativo nell’accostamento insieme biografico e artistico dei protagonisti di queste vicende. Un grande repertorio di immagini a disposizione del pubblico reso possibile grazie alla collaborazione con numerose istituzioni e gallerie nazionali e internazionali dallo CSAC di Parma all’ASAC di Venezia, dal Lee Miller Archive del Sussex al Mast di Bologna alla Fondazione Marconi di Milano. Realtà che hanno contribuito, tanto con i prestiti quanto con le proprie competenze scientifiche, a rendere il più esaustiva possibile tale ricognizione su uno dei periodi più innovativi del Novecento, con autentici capolavori dell’arte fotografica come i portfoli “Electricitè” (1931) e il rarissimo “Les mannequins. Résurrection des mannequins” (1938), testimonianza unica di uno degli eventi cruciali della storia del surrealismo e delle pratiche espositive del XX secolo, l’Exposition Internationale du Surréalisme di Parigi del 1938. 

Curata da Walter Guadagnini e Giangavino Pazzola, la mostra sarà accompagnata da un catalogo contenente la riproduzione delle opere esposte, i saggi dei curatori e di altri studiosi, nonché essenziali note bio-bibliografiche.


From 17 October 2019 to 19 January 2020, CAMERA – Centro Italiano per la Fotografiapays tribute to the great master with the exhibition wo/MAN RAY. Le seduzioni della fotografia, featuring around two hundred photographsproduced from the 1920s right up to his death (1976), all dedicated to a specific subject: the woman, primary source of inspiration of all his poetics, here in photographic form. 

The exhibition presents some of the images that wrote the history of 20th-century photography and which became part of the collective imagination thanks to Man Ray’s ability to reinvent not only the photographic language, but also the representation of the body and the face and even genres such as the nude and the portrait through his rayographs, solarisations and double exposures. The female body is subjected to a continuous metamorphosis of shapes and meanings, becoming from time to time an abstract form, object of seduction, a classic memory, a realist portrait, in an extraordinary – playful and highly refined – reflection on the time and forms of representation, through photography and not only. 

Assistants, inspirational muses and accomplices in various steps of this intellectual and life adventure, there were figures such as Lee Miller, Berenice Abbott, Meret Oppenheim and Dora Maar, with the constant, inescapable presence of Juliet: his lifelong companion who appears in some of the most amusing and significant images in the show. But in turn, these women were also great artists, and the exhibition will also focus on this aspect with works by them – mostly from the 1930s and ’40s: i.e. the period in which they were most directly in contact with Man Ray and with the Dadaist and Surrealist avant-garde environment of Paris. 

Thus a unique exhibition, thanks both to the quality of the photographs displayed and the innovative approach to the biographical and artistic coupling of the protagonists of these chapters. A wide repertory of images available to the public is made possible thanks to the collaboration with numerous

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Vernissage | Aeon - Marcel Rickli | Coalmine | Winterthur
Okt
17
zu 9. Nov.

Vernissage | Aeon - Marcel Rickli | Coalmine | Winterthur

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Coalmine | Winterthur
17. Oktober 2019

Aeon
Marcel Rickli



Strahlenkatze I, 2019. Aus dem Projekt «Aeon» © Marcel Rickli

Strahlenkatze I, 2019. Aus dem Projekt «Aeon» © Marcel Rickli

Wie schützt man künftige Generationen vor stark radioaktiven Abfällen, wie sie in unseren Kernkraftwerken anfallen? Diese stellen auch noch in Hunderttausenden von Jahren eine Lebensgefahr dar. Es bedarf daher nicht nur technischer Massnahmen für sichere Endlager, sondern auch kommunikativer Lösungen: Zukünftige Zivilisationen so fern, dass sie sich unserer Vorstellungskraft komplett entziehen, müssen vor der Bedrohung gewarnt werden, die von diesen Orten ausgeht. Dabei stellen sich grundsätzliche Fragen anthropologischer Natur – nach der Rolle von Sprache und Kultur bei der Weitergabe von Informationen über extrem lange Zeiträume, aber auch nach dem kaum beherrschbaren Risikofaktor Mensch. Der Schweizer Fotokünstler Marcel Rickli (*1986) reflektiert diese Fragen in Form eines visuellen experimentellen Forschungsprojekts im Spannungsfeld von Dokumentarfotografie und Kunst. Seine erstmals gezeigte, installative Ausstellung kontrastiert die Zeichenhaftigkeit der Atomsemiotik mit der Faktizität von Endlagern, wie sie heute geplant und gebaut werden.

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Vernissage | As Long As The Sun Shines - Ian Willms | Coalmine | Winterthur
Okt
17
6:30 nachm.18:30

Vernissage | As Long As The Sun Shines - Ian Willms | Coalmine | Winterthur

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Coalmine | Winterthur
17. Oktober 2019

As Long as the Sun Shines
Ian Willms


Die Aufbereitungsanlage der Firma Syncrude für Ölsande. Die Ölsandindustrie setzt jedes Jahr über 70 Megatonnen Treibhausgasemissionen frei.

Die Aufbereitungsanlage der Firma Syncrude für Ölsande. Die Ölsandindustrie setzt jedes Jahr über 70 Megatonnen Treibhausgasemissionen frei.

In der kanadischen Provinz Alberta, unter borealem Nadelwald von der Grösse Englands, liegt ein Drittel der weltweiten Ölsand-Vorkommen. Der Abbau verursacht hohe Umweltkosten und beeinträchtigt die Lebensgrundlage der indigenen Völker. Die Verwüstung an der Natur ist mittlerweile dermassen grossflächig, dass man sie selbst aus dem Weltraum sehen kann. Der Essay des kanadischen Fotografen Ian Willms (*1985) ist über ein Jahrzehnt hinweg entstanden. Dafür wurde er mit dem Jurypreis des Greenpeace Photo Award 2018 ausgezeichnet.

Die COALMINE präsentiert die Ausstellung in Zusammenarbeit mit Greenpeace und in Medienpartnerschaft mit GEO. «Ian Willms Arbeit über die Folgen der Ölsand-Extraktion im kanadischen Alberta beleuchtet facettenreich eine Ökokatastrophe von höchster Brisanz. Neben der herausragenden fotografischen Qualität besticht sein Projekt besonders durch die sensible Auseinandersetzung mit der widersprüchlichen Lebenswirklichkeit der indigenen Bevölkerung.» – Lars Lindemann, Jurymitglied des Greenpeace Photo Award 2018.

Kuratiert von Sascha Renner.

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Buchvernissage und Lesung | DRUFFÄ - Jonathan Liechti | Restaurant Dreigänger | Liebefeld
Okt
17
7:00 nachm.19:00

Buchvernissage und Lesung | DRUFFÄ - Jonathan Liechti | Restaurant Dreigänger | Liebefeld


Restaurant Dreigänger | Liebefeld
17. Oktober 2019

DRUFFÄ
Jonathan Liechti


Ansicht des Zimmers von Peter Reichen. Köniz, März 2017

Ansicht des Zimmers von Peter Reichen. Köniz, März 2017


Pit ist seit über 25 Jahren «druffä», das heisst süchtig nach harten Drogen. In Wort und Bild gibt der Porträtband «DRUFFÄ.» Einblick in sein Leben in einer betreuten WG in Köniz bei Bern; begleitet ihn zur kontrollierten Drogenabgabe, wo er sein Heroin bezieht; zeigt ihn bei der Arbeit, auf Besuch bei seinen Eltern, am Grab seiner Freundin – und auf der Gasse, auf der Suche nach einem Briefli Weissem… «DRUFFÄ.» dokumentiert ein Leben, wie es der öffentlichen Wahrnehmung in der Schweiz heute weitgehend entrückt ist, ein Leben in dauerhafter schwerer Sucht am sozialen Rand.

Der Fotograf Jonathan Liechti hat Pit über mehrere Jahre mit der Kamera begleitet. Seine Fotografien ergänzen Geschichten aus dem Suchtalltag, die Pit seinem Bruder erzählt hat, dem Schriftsteller Roland Reichen.

(Pressetext)

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Ausstellung | Aeon - Marcel Rickli | Coalmine | Winterthur
Okt
18
zu 9. Apr.

Ausstellung | Aeon - Marcel Rickli | Coalmine | Winterthur

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Coalmine | Winterthur
18. Oktober 2019 - 9. April 2020

Aeon
Marcel Rickli



Strahlenkatze I, 2019. Aus dem Projekt «Aeon» © Marcel Rickli

Strahlenkatze I, 2019. Aus dem Projekt «Aeon» © Marcel Rickli

Wie schützt man künftige Generationen vor stark radioaktiven Abfällen, wie sie in unseren Kernkraftwerken anfallen? Diese stellen auch noch in Hunderttausenden von Jahren eine Lebensgefahr dar. Es bedarf daher nicht nur technischer Massnahmen für sichere Endlager, sondern auch kommunikativer Lösungen: Zukünftige Zivilisationen so fern, dass sie sich unserer Vorstellungskraft komplett entziehen, müssen vor der Bedrohung gewarnt werden, die von diesen Orten ausgeht. Dabei stellen sich grundsätzliche Fragen anthropologischer Natur – nach der Rolle von Sprache und Kultur bei der Weitergabe von Informationen über extrem lange Zeiträume, aber auch nach dem kaum beherrschbaren Risikofaktor Mensch. Der Schweizer Fotokünstler Marcel Rickli (*1986) reflektiert diese Fragen in Form eines visuellen experimentellen Forschungsprojekts im Spannungsfeld von Dokumentarfotografie und Kunst. Seine erstmals gezeigte, installative Ausstellung kontrastiert die Zeichenhaftigkeit der Atomsemiotik mit der Faktizität von Endlagern, wie sie heute geplant und gebaut werden.

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Ausstellung | As Long As The Sun Shines - Ian Willms | Coalmine | Winterthur
Okt
18
zu 9. Apr.

Ausstellung | As Long As The Sun Shines - Ian Willms | Coalmine | Winterthur

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Coalmine | Winterthur
18. Oktober 2019 - 9. April 2020

As Long as the Sun Shines
Ian Willms


Die Aufbereitungsanlage der Firma Syncrude für Ölsande. Die Ölsandindustrie setzt jedes Jahr über 70 Megatonnen Treibhausgasemissionen frei.

Die Aufbereitungsanlage der Firma Syncrude für Ölsande. Die Ölsandindustrie setzt jedes Jahr über 70 Megatonnen Treibhausgasemissionen frei.

In der kanadischen Provinz Alberta, unter borealem Nadelwald von der Grösse Englands, liegt ein Drittel der weltweiten Ölsand-Vorkommen. Der Abbau verursacht hohe Umweltkosten und beeinträchtigt die Lebensgrundlage der indigenen Völker. Die Verwüstung an der Natur ist mittlerweile dermassen grossflächig, dass man sie selbst aus dem Weltraum sehen kann. Der Essay des kanadischen Fotografen Ian Willms (*1985) ist über ein Jahrzehnt hinweg entstanden. Dafür wurde er mit dem Jurypreis des Greenpeace Photo Award 2018 ausgezeichnet.

Die COALMINE präsentiert die Ausstellung in Zusammenarbeit mit Greenpeace und in Medienpartnerschaft mit GEO. «Ian Willms Arbeit über die Folgen der Ölsand-Extraktion im kanadischen Alberta beleuchtet facettenreich eine Ökokatastrophe von höchster Brisanz. Neben der herausragenden fotografischen Qualität besticht sein Projekt besonders durch die sensible Auseinandersetzung mit der widersprüchlichen Lebenswirklichkeit der indigenen Bevölkerung.» – Lars Lindemann, Jurymitglied des Greenpeace Photo Award 2018.

Kuratiert von Sascha Renner.

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Ausstellung |  From Portraiture to Fashion - Rankin | 29 ARTS IN PROGRESS gallery | Milano
Okt
18
zu 24. Feb.

Ausstellung | From Portraiture to Fashion - Rankin | 29 ARTS IN PROGRESS gallery | Milano

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29 ARTS IN PROGRESS gallery | Milano
18. Oktober 2019 - 24. Februar 2020

From Portraiture to Fashion
Rankin


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Der berühmte britische Fotograf präsentiert zum ersten Mal in Italien, in der Galerie 29 ARTS IN PROGRESS in Mailand, eine Einzelausstellung in ständiger Veränderung. Innerhalb von vier Monaten wird die Öffentlichkeit die Entwicklung eines eigens für diesen Anlass konzipierten Ausstellungsprojekts verfolgen können.

Einzigartig in seiner Art - drei Jahre nach der Präsentation von Outside In während der Mailänder Modewoche 2016 - ist die Ausstellung Rankin: From Portraiture to Fashion eines der ambitioniertesten und komplexesten Projekte, das jemals in Zusammenarbeit mit einer Galerie konzipiert wurde.

Rankin: From Portraiture to Fashion ist ein echter Rundgang durch das Archiv des Fotografen mit dem Ziel, nicht nur seine ikonischen Werke, sondern auch seine konzeptionellsten Werke sichtbar zu machen und so die zeitgenössische Natur des Künstlers einer neuen Generation von Sammlern zu präsentieren.

Der Ausstellungsvorschlag, der sich über vier Monate erstreckt, sieht Änderungen von Werken und ganzen Installationen vor, um einige der markanten Ereignisse des Mailänder Kalenders wie das Vogue Photo Festival, das Fashion Film Festival (beide im November) und die Mailänder Modewoche im Februar zu feiern und so eine einzigartige Gelegenheit für den Dialog zwischen dem Autor und den kulturellen Vorschlägen einer der Hauptstädte von Design und Mode in Europa zu schaffen.

"Ich bin kein Mensch, der vor Herausforderungen davonläuft, also ist dies eine großartige Gelegenheit für mich an unzähligen Fronten: einige meiner besten Arbeiten zu zeigen, an interessanten Veranstaltungen teilzunehmen und wirklich Teil des kulturellen Gefüges dieser Stadt zu werden. - RANKIN

RANKIN
1991 gründete er zusammen mit Jefferson Hack das Monatsmagazin Dazed & Confused: Seitdem hat er über 40 Bücher und Zeitschriften AnOther, AnOther Man und Hunger herausgegeben, ein Semester für Mode, Kunst, Musik, Lifestyle mit detaillierten Informationen zu Webinhalten.

Seine Werke werden überall veröffentlicht, von seinen eigenen Zeitschriften über Elle, Vogue, Esquire, GQ, Rolling Stone und Wonderland bis hin zu Galerien auf der ganzen Welt, darunter das MoMA in New York und das Victoria & Albert Museum in London.

Er lebt mit seiner Frau Tuuli und ihren Hunden in London.


Il celebre fotografo britannico presenta per la prima volta in Italia, presso la galleria 29 ARTS IN PROGRESS di Milano, una personale in continua trasformazione. Nell’arco di quattro mesi il pubblico potrà assistere all’evoluzione di un progetto espositivo ideato espressamente per l’occasione.

Unico nel suo genere – dopo tre anni dalla presentazione di Outside In durante la Fashion Week di Milano del 2016 –, lo show Rankin: From Portraiture to Fashion rappresenta uno dei progetti più ambiziosi e complessi mai concepiti in collaborazione con una galleria.

Rankin: From Portraiture to Fashion vuole essere un vero e proprio tour nell’archivio del fotografo con l’obiettivo di dare visibilità non solo ai suoi lavori più iconici, ma anche alle opere più concettuali, presentando così la contemporaneità dell’artista a una nuova generazione di collezionisti.
La proposta espositiva, rivelandosi compiutamente nell’arco di quattro mesi, prevede cambi di opere e di interi allestimenti al fine di celebrare alcuni degli eventi distintivi del calendario milanese come il Vogue Photo Festival, il Fashion Film Festival (entrambi a novembre) e la Milano Fashion Week di febbraio, creando così un’originale occasione di dialogo tra l’autore e le proposte culturali di una delle capitali del design e della moda in Europa.

«Non sono una persona che fugge di fronte alle sfide, quindi questa è per me una grande opportunità su innumerevoli fronti: mostrare alcuni tra i miei lavori migliori, partecipare a eventi interessanti e diventare davvero parte del tessuto culturale di questa città.» – RANKIN 

RANKIN
Nel 1991 insieme a Jefferson Hack fonda il mensile Dazed & Confused: da allora cura oltre 40 libri e le riviste AnOther, AnOther Man e Hunger, semestrale di moda, arte, musica, lifestyle con approfondimenti sui contenuti web.
I suoi lavori sono pubblicati ovunque, dalle proprie riviste fino a Elle, Vogue, Esquire, GQ, Rolling Stone e Wonderland, ed esposti nelle gallerie di tutto il mondo tra cui il MoMA di New York e il Victoria & Albert Museum di Londra.

Vive a Londra con sua moglie Tuuli e i loro cani.


Photographer Rankin launches four month evolving exhibition at 29 Arts in Progress, Milan.

In the first its kind, Rankin’s first solo exhibition in Milan since his 2016 Fashion Week project Outside In, Rankin: From Portraiture to Fashion allows the iconic photographer to experiment with one of his most complex gallery productions to date.

Showcasing Rankin’s picks of his favourite images – including those of his best known subjects and his more conceptual work. Rankin: From Portraiture to Fashion is an archival tour through Rankin’s best known work and introduces this industry-leading photographer to a new generation of photography collectors.
Taking place across four months this show will rotate work, constantly evolving in time with Milan’s cultural calendar – celebrating, amongst others, Vogue Photo Festival (November), Fashion Film Festival (November) and Women’s Fashion Week (February).
Allowing the photographer to explore not only his own work but the cultural appetites and changing moods of a leading European city.

«I’m not one to shy away from a challenge, so this is a great opportunity for me to showcase some of my best work, have some exciting events and really become part of the cultural fabric of a city. » – RANKIN

ABOUT RANKIN
Rankin co-founded the seminal magazine Dazed & Confused with Jefferson Hack in 1991, and has since published the likes of AnOther and AnOther Man, alongside over 40 books and the biannual fashion, culture and lifestyle print and digital platform, Hunger.
His photography has been published everywhere from his own publications to Elle, Vogue, Esquire, GQ, Rolling Stone, and Wonderland, and exhibited in galleries around the world, including MoMA, New York, and the Victoria & Albert Museum, London.

He lives in London with his wife Tuuli and their dogs.

(Text: 29 ARTS IN PROGRESS gallery, Milano)

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Vernissage | Als ob die Welt zu vermessen wäre - Guido Baselgia | Fotostiftung Schweiz | Winterthur
Okt
18
6:00 nachm.18:00

Vernissage | Als ob die Welt zu vermessen wäre - Guido Baselgia | Fotostiftung Schweiz | Winterthur


Fotostiftung Schweiz | Winterthur
18. Oktober 2019

Als ob die Welt zu vermessen wäre
Guido Baselgia


Templada I, 2018 © Guido Baselgia

Templada I, 2018 © Guido Baselgia


Der Fotograf als Forschungsreisender: In den vergangenen zwanzig Jahren bewegte sich Guido Baselgia mit seiner Kamera in geologischen Randzonen, tastete die karge Erdoberfläche ab und beobachtete Lichtphänomene in den Alpen, den Anden und im Norden Norwegens. Seine Studien übersetzte er in die Bildsprache einer langsamen, analogen Fotografie. So entstanden schwarzweisse Tableaus an der Grenze zur Abstraktion, ausgeführt als grossformatige Silbergelatineabzüge oder Heliogravüren, die sich durch ihre Detailliertheit und materielle Beschaffenheit auszeichnen. Die Ausstellung knüpft an die bekannten Werkzyklen – «Hochland», «Weltraum», «Silberschicht« und «Light Fall» – an und stellt erstmals Baselgias neuestes Projekt vor. Dieses führt ihn nach Ecuador und Peru, ins Amazonasbecken. Auf seinen Expeditionen setzt sich der Fotograf mit der Darstellbarkeit des tropischen Regenwaldes auseinander. Die flirrende Dichte und Vielfalt der Vegetation verwandelt er in Kompositionen grösster Ruhe und Konzentration. Porträts der indigenen Bewohner und Stillleben aus dem Umfeld der Siedlungen werden zu Reflexionen über die fotografische Repräsentation dieser bedrohten Lebenswelt. Wie ein Memento Mori würdigt Baselgias Arbeit diesen Landschaftsraum, dessen wirtschaftliche Ausbeutung sich längst auf das globale Klima auswirkt.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

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Artist Talk and Brunch | "Kiki Kogelnik 1969 New York und andere Portraits" - Michael Horowitz | Anzenberger Gallery | Wien
Okt
19
11:00 vorm.11:00

Artist Talk and Brunch | "Kiki Kogelnik 1969 New York und andere Portraits" - Michael Horowitz | Anzenberger Gallery | Wien


Anzenberger Gallery | Wien
19. Oktober 2019

“Kiki Kogelnik 1969 New York und andere Portraits”
Michael Horowitz


Kiki Kogelnik, New York, 1969

Kiki Kogelnik, New York, 1969



Vor 50 Jahren besuchte der junge Fotograf Michael Horowitz die aufstrebende Pop-Art-Ikone Kiki Kogelnik in New York. Der 26-jährige Künstler stammt aus Bleiburg, einem Dorf im Jauntal von Kärnten mit 4000 Einwohnern, und eroberte New York im Sturm. Sie stand am Anfang einer vielversprechenden Karriere. Die kommunikative junge Frau hatte den Weg in die New Yorker Kunstszene gefunden, zu der Andy Warhol, Claes Oldenburg und Roy Lichtenstein gehörten, die die Pop Art als Kontrapunkt zum abstrakten Expressionismus etablierten. Damals schuf die extravagante Performerin Raumkunstbilder und hängende Skulpturen aus Körperumrissen in Vinyl, die sie an Kleiderhaken aufhängte - Werke, die heute sicherlich zu ihren bedeutendsten zählen.

1969 begleitete Michael Horowitz Kiki Kogelnik durch ihr New York. Die beiden erkundeten drei Tage lang Museen, führten schräge Handlungen auf Baustellen durch und zogen sich dann, leicht erschöpft, in Kikis Wohnung zurück, wo sie auch das Leben der Superin durch Fotos dokumentierten. Diese einzigartige Frau hatte ein außergewöhnliches Lebensmotto: "Künstlerin zu sein ist kein Beruf, sondern eine Existenzform - eine leidenschaftliche Art, Mensch zu sein". Die Fotografien des Wiener Fotografen Michael Horowitz aus dieser Zeit in New York vor 50 Jahren sind eine außergewöhnlich unkonventionelle Manifestation dieses Mottos.


50 years ago, the young photographer Michael Horowitz visited the rising pop art icon Kiki Kogelnik in New York. Originally from Bleiburg, a village in the Jauntal valley of Carinthia with a population of 4000 residents, the 26-year-old artist was taking New York by storm. She was at the beginning of a promising career. The communicative young woman had found her way into the New York art scene, which included Andy Warhol, Claes Oldenburg, and Roy Lichtenstein, who were establishing pop art as a counterpoint to abstract expressionism. At the time, the flamboyant performer was creating space art images and hanging sculptures made from body outlines in vinyl, which she would hang on coat hooks - works that now surely count as among her most significant ones.

In 1969, Michael Horowitz accompanied Kiki Kogelnik through her New York. The two explored museums over a period of three days, performing quirky acts on construction sites, then retreating, slightly exhausted, to Kiki's apartment, where they would also document the superwoman's life through photographs. This unique woman had an extraordinary motto for life: "Being an artist is not a profession, rather a form of existence – a passionate way of being human." Viennese photographer Michael Horowitz’s photos of this time in New York 50 years ago are an exceptionally unconventional manifestation of this motto.

(Text: Anzenberger Gallery, Wien)

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Ausstellung | Als ob die Welt zu vermessen wäre - Guido Baselgia | Fotostiftung Schweiz | Winterthur
Okt
19
zu 16. Feb.

Ausstellung | Als ob die Welt zu vermessen wäre - Guido Baselgia | Fotostiftung Schweiz | Winterthur


Fotostiftung Schweiz | Winterthur
19. Oktober 2019 - 16. Februar 2020

Als ob die Welt zu vermessen wäre
Guido Baselgia


Templada I, 2018 © Guido Baselgia

Templada I, 2018 © Guido Baselgia


Der Fotograf als Forschungsreisender: In den vergangenen zwanzig Jahren bewegte sich Guido Baselgia mit seiner Kamera in geologischen Randzonen, tastete die karge Erdoberfläche ab und beobachtete Lichtphänomene in den Alpen, den Anden und im Norden Norwegens. Seine Studien übersetzte er in die Bildsprache einer langsamen, analogen Fotografie. So entstanden schwarzweisse Tableaus an der Grenze zur Abstraktion, ausgeführt als grossformatige Silbergelatineabzüge oder Heliogravüren, die sich durch ihre Detailliertheit und materielle Beschaffenheit auszeichnen. Die Ausstellung knüpft an die bekannten Werkzyklen – «Hochland», «Weltraum», «Silberschicht« und «Light Fall» – an und stellt erstmals Baselgias neuestes Projekt vor. Dieses führt ihn nach Ecuador und Peru, ins Amazonasbecken. Auf seinen Expeditionen setzt sich der Fotograf mit der Darstellbarkeit des tropischen Regenwaldes auseinander. Die flirrende Dichte und Vielfalt der Vegetation verwandelt er in Kompositionen grösster Ruhe und Konzentration. Porträts der indigenen Bewohner und Stillleben aus dem Umfeld der Siedlungen werden zu Reflexionen über die fotografische Repräsentation dieser bedrohten Lebenswelt. Wie ein Memento Mori würdigt Baselgias Arbeit diesen Landschaftsraum, dessen wirtschaftliche Ausbeutung sich längst auf das globale Klima auswirkt.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

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Artist Talk | néo japonisme - Mario A. | Raum für Kunst - Heuberg 24 | Basel
Okt
19
2:00 nachm.14:00

Artist Talk | néo japonisme - Mario A. | Raum für Kunst - Heuberg 24 | Basel


Raum für Kunst - Heuberg 24 | Basel
19. Oktober 2019

Konrad Muschg (Radio SRF) moderiert den Artist Talk

néo japonisme
Mario A.


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In “néo japonisme” liegt das Geheimnis eines Geheimnisses. Japonismus bedeutet für mich die künstlerische Umsetzung des fotografischen Mediums, als eine Art der kommunikativen Erfahrung mit der Kultur Japans, verwoben mit seiner femininen Seite.

1996 beschloss ich, eine Werkgruppe zu schaffen, die als (privates) nostalgisches Erlebnis für die Zukunft gedacht ist. Über 23 Jahre hinweg versuchte ich via Kulisse, Kleidung, (erotisch-stimulierendes) Ambiente, Kulinarisches, Literatur, Populärkultur und Underground, Habitat, Architektur einen originären Japonismus zu kreieren. Die 82 Bilder der Werkgruppe “néo japonisme” sind bezeichnend für die letzten Atemzüge einer klassischen Schwarzweissfotografie-Ära, die mit intelligenter Komposition und raffiniertem Lichteinfall während der Aufnahme, verwoben mit komplexer, manueller Laborarbeit, künstlerische Unikate schuf. In wenigen Wochen dankt der Tenno, der japanische Kaiser ab. Damit geht die Japan-spezifische Zeitrechnung “Heisei” am 30. April zu Ende. Zeitgleich wird meine Werkgruppe “néo japonisme”, die auch vier seltene - im Kaiser-Palast entstandene - Bilder beinhaltet, abgeschlossen sein.

Die aussergewöhnliche Theaterschauspielerin Sachiko Hara, mit der ich 1999 “néo japonisme théâtral” und die Werkgruppe “ma poupée japonaise” (2001) schuf, symbolisiert für mich zeitgenössischen Japonismus. Sachiko verkörpert eine lebendige Metamorphose, die uns zeigt, wie soziale Identität notwendigerweise mit einer Maskerade des Ichs verbunden ist, das eine geheime Botschaft trägt, die es - im Blick zurück - zu entschlüsseln gilt.

(Text: Mario A.)

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Artist Talk | Als ob die Welt zu vermessen wäre - Guido Baselgia | Fotostiftung Schweiz | Winterthur
Okt
20
11:30 vorm.11:30

Artist Talk | Als ob die Welt zu vermessen wäre - Guido Baselgia | Fotostiftung Schweiz | Winterthur


Fotostiftung Schweiz | Winterthur
20. Oktober 2019

Guido Baselgia im Gespräch mit Teresa Gruber (Kuratorin)

Als ob die Welt zu vermessen wäre
Guido Baselgia


Templada I, 2018 © Guido Baselgia

Templada I, 2018 © Guido Baselgia


Der Fotograf als Forschungsreisender: In den vergangenen zwanzig Jahren bewegte sich Guido Baselgia mit seiner Kamera in geologischen Randzonen, tastete die karge Erdoberfläche ab und beobachtete Lichtphänomene in den Alpen, den Anden und im Norden Norwegens. Seine Studien übersetzte er in die Bildsprache einer langsamen, analogen Fotografie. So entstanden schwarzweisse Tableaus an der Grenze zur Abstraktion, ausgeführt als grossformatige Silbergelatineabzüge oder Heliogravüren, die sich durch ihre Detailliertheit und materielle Beschaffenheit auszeichnen. Die Ausstellung knüpft an die bekannten Werkzyklen – «Hochland», «Weltraum», «Silberschicht« und «Light Fall» – an und stellt erstmals Baselgias neuestes Projekt vor. Dieses führt ihn nach Ecuador und Peru, ins Amazonasbecken. Auf seinen Expeditionen setzt sich der Fotograf mit der Darstellbarkeit des tropischen Regenwaldes auseinander. Die flirrende Dichte und Vielfalt der Vegetation verwandelt er in Kompositionen grösster Ruhe und Konzentration. Porträts der indigenen Bewohner und Stillleben aus dem Umfeld der Siedlungen werden zu Reflexionen über die fotografische Repräsentation dieser bedrohten Lebenswelt. Wie ein Memento Mori würdigt Baselgias Arbeit diesen Landschaftsraum, dessen wirtschaftliche Ausbeutung sich längst auf das globale Klima auswirkt.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

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Vernissage | Hotel Orient - Sissi Farassat | Bildhalle | Zürich
Okt
23
6:00 nachm.18:00

Vernissage | Hotel Orient - Sissi Farassat | Bildhalle | Zürich


Bildhalle | Zürich
23. Oktober 2019

Hotel Orient
Sissi Farassat


©Sissi Farassat Stitches 2018 65X81 C-print with Thread Unique piece

©Sissi Farassat Stitches 2018 65X81 C-print with Thread Unique piece


Die Bilder, die Sissi Farassat für ihre Werke wählt, sind meistens autobiografischer Herkunft, etwa Selbstporträts und Fotografien weiblicher Familienmitglieder. Die Fotografien transformiert sie in aufwendiger Arbeit mit Perlen, Kristallen, Pailletten und Fäden zu Einzelstücken. Diese spiegeln nicht nur die persönliche Geschichte der Künstlerin, sondern nehmen auch das Erbe der persischen Teppichknüpfkunst und Stickerei auf sowie die Tradition des Wiener Kunsthandwerks und Designs. Sissi Farassat gelingt damit eine eigenständige Verschmelzung: Sie verbindet Appropriation Art und Fotografie mit Handwerkskunst, reflektiert mit feministischem Zugriff den Blick durch das Kameraobjektiv auf Frauen sowie auf die mit Weiblichkeit verbundene Kunst des Stickens, Webens und Nähens. In der schnelllebigen Gegenwart hat diese zeitintensive Handarbeit etwas Anachronistisches. Sissi Farassat verbindet das Sticken mit der orientalischen Kultur, aus der sie stammt. Sie tut dies mit einer meditativ-konzentrierten, in Ruhe ausgeführten Tätigkeit, die Beharrlichkeit und den Wunsch verrät, eine zweite Schicht oder Ebene anzulegen. Eine Schicht, die das, was darunterliegt – den Überblick, den die Fotografie vermeintlich gewährt –, entweder verbirgt, betont oder überhöht, jedenfalls mit ungeahntem Glanz versieht. Die das Selbstporträt der Künstlerin und das Bild der Frauen ihrer Familie durch Verzierung überdeckt oder isoliert und heraushebt – und damit ihre Intimität und unseren Voyeurismus verbindet.

(Text: Nadine Olonetzky)

Die 1969 in Teheran (Iran) geborene Künstlerin, die seit 1978 in Wien lebt, reflektiert mit ihren bestickten Fotografien somit zum einen das Medium Fotografie selbst, zum anderen das Bild der Frau in der Fotografie und darüber hinaus auch ihre eigene Herkunft. Sissi Farassats Arbeiten wurden international ausgestellt und sind in einer Reihe bedeutender privater und institutioneller Sammlungen vertreten, wie zum Beispiel dem Fotomuseum Winterthur, dem Museum für Gestaltung Zürich, der Sammlung der Stadt Linz sowie der Sammlung der Stadt Wien.

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Ausstellung | Hotel Orient - Sissi Farassat | Bildhalle | Zürich
Okt
24
zu 24. Nov.

Ausstellung | Hotel Orient - Sissi Farassat | Bildhalle | Zürich


Bildhalle | Zürich
24. Oktober - 24. November 2019

Hotel Orient
Sissi Farassat


©Sissi Farassat Stitches 2018 65X81 C-print with Thread Unique piece

©Sissi Farassat Stitches 2018 65X81 C-print with Thread Unique piece


Die Bilder, die Sissi Farassat für ihre Werke wählt, sind meistens autobiografischer Herkunft, etwa Selbstporträts und Fotografien weiblicher Familienmitglieder. Die Fotografien transformiert sie in aufwendiger Arbeit mit Perlen, Kristallen, Pailletten und Fäden zu Einzelstücken. Diese spiegeln nicht nur die persönliche Geschichte der Künstlerin, sondern nehmen auch das Erbe der persischen Teppichknüpfkunst und Stickerei auf sowie die Tradition des Wiener Kunsthandwerks und Designs. Sissi Farassat gelingt damit eine eigenständige Verschmelzung: Sie verbindet Appropriation Art und Fotografie mit Handwerkskunst, reflektiert mit feministischem Zugriff den Blick durch das Kameraobjektiv auf Frauen sowie auf die mit Weiblichkeit verbundene Kunst des Stickens, Webens und Nähens. In der schnelllebigen Gegenwart hat diese zeitintensive Handarbeit etwas Anachronistisches. Sissi Farassat verbindet das Sticken mit der orientalischen Kultur, aus der sie stammt. Sie tut dies mit einer meditativ-konzentrierten, in Ruhe ausgeführten Tätigkeit, die Beharrlichkeit und den Wunsch verrät, eine zweite Schicht oder Ebene anzulegen. Eine Schicht, die das, was darunterliegt – den Überblick, den die Fotografie vermeintlich gewährt –, entweder verbirgt, betont oder überhöht, jedenfalls mit ungeahntem Glanz versieht. Die das Selbstporträt der Künstlerin und das Bild der Frauen ihrer Familie durch Verzierung überdeckt oder isoliert und heraushebt – und damit ihre Intimität und unseren Voyeurismus verbindet.

(Text: Nadine Olonetzky)

Die 1969 in Teheran (Iran) geborene Künstlerin, die seit 1978 in Wien lebt, reflektiert mit ihren bestickten Fotografien somit zum einen das Medium Fotografie selbst, zum anderen das Bild der Frau in der Fotografie und darüber hinaus auch ihre eigene Herkunft. Sissi Farassats Arbeiten wurden international ausgestellt und sind in einer Reihe bedeutender privater und institutioneller Sammlungen vertreten, wie zum Beispiel dem Fotomuseum Winterthur, dem Museum für Gestaltung Zürich, der Sammlung der Stadt Linz sowie der Sammlung der Stadt Wien.

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Ausstellung | 100 marchi – Berlino 2019 - Tommaso Bonaventura | Camera - Centro Italiano per la Fotografia| Torino
Okt
30
zu 6. Jan.

Ausstellung | 100 marchi – Berlino 2019 - Tommaso Bonaventura | Camera - Centro Italiano per la Fotografia| Torino

  • Camera - Centro Italiano per la Fotografia (Karte)
  • Google Kalender ICS

Camera - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
30. Oktober 2019 - 6. Januar 2020

100 marchi - Berlino 2019
Tommaso Bonaventura


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Tommaso Bonaventura - 100 marchi - Berlin 2019, ist ein künstlerisches Projekt des Fotografen Tommaso Bonaventura, das in Zusammenarbeit mit der Kuratorin Elisa Del Prete anlässlich des 30. Jahrestages des Falls der Berliner Mauer (9. November 1989) entwickelt wurde. Die Ausstellung zeigt die Geschichte des Begrüssungsgeldes, das die Bürger der DDR von 1970 bis Dezember 1989 bei ihrer ersten Einreise in die Bundesrepublik erhielten. Diese Veranstaltung bietet die Möglichkeit, einen epochalen Wandel in Frage zu stellen, ausgehend von einem Beobachtungspunkt, der private und familiäre Geschichten begünstigt, und sie durch eine doppelte Geschichte wiederzugeben: Fotografie und Video.

Die Ausstellung ist das Ergebnis einer Zusammenarbeit verschiedener Institutionen und gliedert sich in mehrere Orte: in Turin, im CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia und im Museo del Risparmio, in Trento, am Hauptsitz der Gallerie della Fondazione Museo storico del Trentino und in San Vito al Tagliamento in der Kirche San Lorenzo dank der Zusammenarbeit mit CRAF - Centro Ricerca e Archiviazione della Fotografia.

Die einfache Frage "Erinnern Sie sich, wie Sie Ihr Begrüssungsgeld verbracht haben", die einer Stichprobe von Deutschen der ehemaligen DDR verschiedener Generationen gestellt wurde, die in den Jahren 2018 und 2019 befragt wurden, war der Ausgangspunkt für eine Reise in die heute noch wenig geteilte Erinnerung an diese Menschen, die einen totalen Wandel erlebt haben, sowohl aus materieller Sicht, aus arbeitsrechtlicher, sozialer und wirtschaftlicher als auch aus politischer Sicht.

Wenn der Fall der Berliner Mauer den Grundstein für eine neue politische und geografische Weltordnung zum Ende des Kalten Krieges legte, ist die Wiedervereinigung zwischen Ost- und Westdeutschland auch heute noch ein komplexes Phänomen und wird in ihren tiefsten Aspekten wenig diskutiert. Das Überschreiten der physischen Grenze, die symbolisch mit dem Abriss der Mauer zusammenfällt, bringt zwangsläufig die Notwendigkeit mit sich, selbst eine ideologische Grenze zu überschreiten.

Am 9. November 1989 fiel nicht nur die Berliner Mauer, sondern ein ganzes Land veränderte sich: Der Teil, der sich mit seinen Ursprüngen wiedervereinigte, erlebte eine unvermeidliche Metamorphose, und eine Lebens-, Denk-, Verhaltens-, Kleidungs- und Ausgabenweise verschwand schnell. In kürzester Zeit ist die Deutsche Demokratische Republik aus der Phantasie und dem Gedächtnis verschwunden. Fast 17 Millionen Menschen befinden sich plötzlich in einer neuen Lebensweise, in der die bis dahin erlernten Regeln nicht mehr gelten. Die Verwandlung kommt plötzlich. Das neue Alphabet des Westens wird in der Regierungspolitik und im täglichen Leben der Menschen, seinen Farben, seinen Gerüchen, seiner Wirtschafts- und Sozialpolitik bestätigt, und diejenigen, die zwei verschiedene Gemeinschaften waren, leben zusammen.

Tommaso Bonaventura kommentiert: Ich war daran interessiert, einen Dialog mit Menschen aufzunehmen, oft aus meiner Generation, die plötzlich eine so radikale Veränderung ihres Lebens erlebten, die sich mit neuen Codes, neuen Regeln neu erfinden mussten, die oft gegen die Diktatur in ihrem Land gekämpft hatten, aber nicht dachten, sie würden über Nacht verschwinden.

Das Ergebnis der Recherche wird eine fotografische Geschichte sein, die in Verbindung mit der Erzählung dieser Biografien ein zeitgenössisches Berlin aus Gesichtern, Orten und Geschichten, die nicht selbstverständlich sind, wiedergeben will und Symbol für eines der bedeutendsten Ereignisse der jüngeren Geschichte blieb, das noch heute in der Stadt, im städtischen und sozialen Gefüge lebendig und präsent ist. Tatsächlich hat sich die Forschung auf Berlin als Symbol dieses Wandels konzentriert, aber auch auf Städte, in denen die physische und "mentale" Präsenz der Mauer, die die Erfahrung der Menschen so stark geprägt hat, irgendwie erhalten bleibt.

In diesem Sinne ist Tommaso Bonaventura - 100 Marken - Berlin 2019 - sagt Elisa Del Prete - ein Projekt, das auch einen Blick auf den aktuellen gesellschaftspolitischen Kontext mit dem Wechsel neuer Ideologien und der schwierigen Erprobung der Prozesse der Absorption und Integration zwischen Gemeinschaften eröffnet. Es geht hier nicht darum, Geschichte zu erzählen oder Schlussfolgerungen daraus zu ziehen, sondern sich zuerst zu positionieren, um in sie einzutauchen und zu versuchen, das Herausnehmbare wegzuwerfen. In diesem Sinne ist die Fotografie wertvoll, weil sie neue direkte Quellen für die Zeitgeschichte und insbesondere für jene materielle Geschichte, die am Rande der Großen Geschichte liegt, sagt und baut.

Tommaso Bonaventura (Rom 1969), Absolvent der Literaturwissenschaft, widmet sich seit 1992 der Fotografie. Seine Arbeiten erschienen in den wichtigsten internationalen Zeitungen und wurden mehrfach ausgezeichnet, darunter World Press Photo, Sony Award, Ponchielli Award. Im Jahr 2005 veröffentlichte er Le vie della fede (Hrsg. Gribaudo), das den großen Pilgerfahrten des Christentums in Europa gewidmet ist. Seit 2006 lebt er seit mehreren Jahren in China und produziert mehrere Projekte, darunter Beijing in and out, Real Woman Photo Shop und If I Were Mao. Seine Werke werden in verschiedenen Festivals und Museen ausgestellt, darunter Paris Photo, PAC, NoorDeerlicht Photofestival, Supermarket Art Fair, Zephir, Triennale Bovisa, Officine Fotografiche. Von 2011 bis 2015 arbeitete er am Projekt "Corpi di Reato, un'archcheologia visiva dei fenomeni mafiosi nell'Italia contemporanea", dessen Extrakt Immediate Surroundings ausgewählt und auf der Architekturbiennale 2014 in Venedig ausgestellt wird und ab 2016 Teil der permanenten Sammlung von MAXXI, Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Rom ist. Im Jahr 2017 wurde er zur Fotografia Europea eingeladen, wo er das Projekt Fondo ausstellte.

Elisa Del Prete (Bologna, 1978) arbeitet an der Produktion und Kuratierung von künstlerischen Projekten, die den öffentlichen Raum betreffen. Sie schloss ihr Studium der Kunstgeschichte mit einer Arbeit über den Einfluss von Aby Warburg in Italien ab (veröffentlicht in Aby Warburg and Italian Culture, 2009). Im Jahr 2006 eröffnete er in Bologna Nosadella.due (www.nosadelladue.com), einem Residenzprogramm für Künstler und Kuratoren (2012 veröffentlichte er einen Bericht im Journal 2007-2011). In den Jahren 2008 und 2011 kuratierte sie die Sektion Bildende Kunst des Gender Bender Festivals, 2012 zeigte sie ihre erste Einzelausstellung der südafrikanischen Künstlerin Bridget Baker im MAMbo, die sich der Erforschung der italienischen Kolonialgeschichte widmete, und 2014 und 2015 war sie Co-Direktorin von Archivio Aperto, einer Ausstellung, die sich dem Amateurkino widmet. Sie schreibt für doublezero.com, für das sie kürzlich einen Essay über William Kentridge veröffentlicht hat.


Tommaso Bonaventura – 100 marchi – Berlino 2019, è un progetto artistico del fotografo Tommaso Bonaventura, sviluppato in collaborazione con la curatrice Elisa Del Prete, in occasione dei 30 anni dalla caduta del muro di Berlino (9 novembre 1989). La mostra propone il racconto del Begrüssungsgeld, il denaro di benvenuto che dal 1970 al dicembre 1989 i cittadini della DDR ricevevano quando entravano nella Germania Ovest per la prima volta. Questa vicenda offre uno spunto per interrogarsi su un cambiamento epocale a partire da un punto di osservazione che privilegia le storie private e familiari, restituendole attraverso un duplice racconto: fotografico e video.

La mostra è frutto di una collaborazione tra diverse istituzioni e si articola in più sedi: a Torino, a CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia e al Museo del Risparmio, a Trento, nella sede Le Gallerie della Fondazione Museo storico del Trentino e a San Vito al Tagliamento nella chiesa di San Lorenzo grazie alla collaborazione con il CRAF – Centro Ricerca e Archiviazione della Fotografia.
La semplice domanda «Ricordi come hai speso il tuo Begrüssungsgeld?» posta a un campione di tedeschi della ex DDR di generazioni differenti, intervistati nel corso del 2018 e 2019, ha rappresentato il punto di partenza per un viaggio nella memoria, oggi ancora poco condivisa, di queste persone che hanno vissuto un cambiamento totale, sia da un punto di vista materiale, lavorativo, sociale ed economico, sia politico.

Se la caduta del muro di Berlino ha posto le basi per un nuovo assetto politico e geografico mondiale segnando la fine della Guerra Fredda, la riunificazione tra Germania Est e Germania Ovest rimane ancora oggi un fenomeno complesso e poco discusso nei suoi aspetti più profondi. Spesso risolto in modo semplicistico come il coronamento di uno scontato desiderio di libertà, il superamento del confine fisico che simbolicamente coincide con l’abbattimento del muro porta inevitabilmente con sé la necessità di superare anche un confine ideologico.

Il 9 novembre 1989 non cade soltanto il muro di Berlino ma cambia un intero paese: la parte che si ricongiunge alle sue origini subisce una inevitabile metamorfosi e svaniscono rapidamente un modo di vivere, di pensare, di comportarsi, di vestire, di spendere. In tempi brevissimi la Repubblica Democratica Tedesca è rimossa dall’immaginario e dalla memoria. Quasi 17 milioni di persone si trovano di colpo immerse in un nuovo stile di vita, dove non valgono più le regole apprese fino ad allora. La trasformazione è repentina. Nelle politiche governative e nella vita quotidiana delle persone si afferma il nuovo alfabeto dell’Ovest, i suoi colori, i suoi odori, le sue politiche economiche e sociali, e quelle che erano due comunità distinte si trovano a convivere.

Commenta Tommaso Bonaventura: Mi interessava aprire un dialogo con persone, spesso della mia generazione, che hanno vissuto all’improvviso una trasformazione cosi radicale delle loro vite, che hanno dovuto reinventarsi una nuova esistenza con nuovi codici, nuove regole, che avevano spesso lottato contro la dittatura nel loro paese, ma che non pensavano di vederlo scomparire da un giorno all’altro.

L’esito della ricerca sarà un racconto fotografico che, intrecciandosi alla narrazione di queste biografie, si propone di restituire una Berlino contemporanea fatta di volti, luoghi e storie non scontati, rimasta simbolo di uno degli eventi più significativi della storia recente, ancora viva e presente nel tessuto cittadino, urbano e sociale. La ricerca si è infatti focalizzata su Berlino quale emblema di questo cambiamento, ma anche città in cui la presenza fisica e “mentale” del muro, che ha segnato così fortemente l’esperienza delle persone, in qualche modo permane.

In tal senso Tommaso Bonaventura – 100 marchi – Berlino 2019 – afferma Elisa Del Prete – è un progetto che apre uno sguardo anche sul contesto sociopolitico attuale con l’avvicendarsi di nuove ideologie e il difficile collaudo dei processi di assorbimento e integrazione tra comunità. Non si tratta qui di raccontare la Storia o trarne conclusioni, ma di posizionarsi prima, anzi dentro, di restarvi immersi cercando di buttare fuori ciò che è estraibile. In tal senso la fotografia è preziosa perché va a dire e costruire nuove fonti dirette per la storia contemporanea e in particolare per quella storia materiale che si trova ai margini della Grande Storia.

Tommaso Bonaventura (Roma 1969), laureato in Lettere, si dedica alla fotografia dal 1992. Suoi lavori sono apparsi sulle maggiori testate internazionali e hanno ricevuto diversi premi tra i quali World Press Photo, Sony Award, Premio Ponchielli. Nel 2005 pubblica Le vie della fede (ed. Gribaudo) dedicato ai grandi pellegrinaggi del cristianesimo in Europa. Dal 2006 vive in Cina per alcuni anni producendo diversi progetti tra cui Beijing in and out, Real Woman Photo Shop e If I Were Mao. Suoi lavori sono esposti in diversi festival e musei tra cui Paris Photo, PAC, NoorDeerlicht Photofestival, Supermarket Art Fair, Zephir, Triennale Bovisa, Officine Fotografiche. Dal 2011 al 2015 lavora al progetto “Corpi di Reato, un’archeologia visiva dei fenomeni mafiosi nell’Italia contemporanea” il cui estratto Immediate Surroundings viene selezionato ed esposto alla Biennale di Architettura di Venezia 2014 e dal 2016 è parte della collezione permanente del MAXXI, Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Roma. Nel 2017 è invitato a Fotografia Europea dove espone il progetto Fondo.

Elisa Del Prete (Bologna, 1978) lavora nella produzione e curatela di progetti artistici che investono la sfera pubblica. Si laurea in Storia dell’Arte con una tesi sull’influenza di Aby Warburg in Italia, (pubblicata in Aby Warburg e la cultura italiana, 2009). Nel 2006 apre a Bologna Nosadella.due (www.nosadelladue.com), un programma di residenza per artisti e curatori (nel 2012 pubblica un resoconto nel Journal 2007-2011). Nel 2008 e 2011 cura la sezione arti visive del Gender Bender Festival, nel 2012 realizza al MAMbo la prima mostra personale dell’artista sudafricana Bridget Baker dedicandosi alla ricerca della storia coloniale italiana, nel 2014 e 2015 è co-direttrice di Archivio Aperto, rassegna dedicata al cinema amatoriale. Scrive per doppiozero.com, per cui ha recentemente pubblicato un saggio su William Kentridge.

(Pressetext: Studio Esseci, Padova)

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Ausstellung | Un'Antologia - Paolo Pellegrin | Deichtorhallen | Hamburg
Okt
31
zu 1. März

Ausstellung | Un'Antologia - Paolo Pellegrin | Deichtorhallen | Hamburg


Deichtorhallen | Hamburg
31. Oktober 2019 - 1. März 2020

Un’Antologia
Paolo Pellegrin


Rome. Italy, 2015 © Paolo Pellegrin/Magnum Photos

Rome. Italy, 2015 © Paolo Pellegrin/Magnum Photos


Paolo Pellegrin (geboren 1964 in Rom), zehnfacher Preisträger des World Press Photo Awards und zahlreicher weiterer Auszeichnungen, kombiniert in seinen Bildern seine Erfahrungen als Dokumentarfotograf in Krisengebieten und an Kriegschauplätzen mit der visuelle Intensität eines Künstlers. Die Ausstellung UN'ANTOLOGIA blickt zurück auf Pellegrins zwanzigjährige Karriere und wurde mehr als zwei Jahre intensiv in den Archiven des italienischen Magnum-Fotografen vorbereitet. Zu sehen sind mehr als 150 Bilder, viele davon unveröffentlicht, sowie Videoaufnahmen von 1998 bis 2017.

Städtische Armut, Krankheiten, Natur- oder Umweltkatastrophen und Konflikte in jedem Winkel der Welt – Pellegrin hat alles gesehen auf der Welt. Seine Bilder von der sich verändernden Schönheit der Antarktis zeigen Pellegrins visionären Ansatz in der Fotografie. »Ich bin nicht daran interessiert ein Foto zu stehlen. Ich interessiere mich stattdessen, so weit ich kann, für das Leben der Leuten, die ich fotografiere Ich verfolge einen anthropologischen Ansatz: Ich möchte Motive und Themen finden, um meine Geschichten zu erzählen.«

Die Schau gliedert sich in zwei große Teile: dem ersten über den Menschen und dem zweiten über die Natur. Anhand von Notizen, Notizbücher und Zeichnungen, die seine fotografischen Arbeiten zugrunde liegen, können Besucher*innen einen Blick hinter die Kulissen von Pellegrins kreativen Prozess werfen.

Die Ausstellung UN'ANTOLOGIA ist nicht nur eine Hommage an Pellegrins Werk, sondern zeigt, dass Reportagefotografie weit mehr sein kann, als nur ein Medium für Nachrichten und Informationen.


Paolo Pellegrin (né en 1964 à Rome), dix fois lauréat du World Press Photo Award et de nombreux autres prix, combine dans ses images son expérience de photographe documentaire dans les zones de crise et les théâtres de guerre avec l'intensité visuelle d'un artiste. L'exposition UN'ANTOLOGIA retrace les vingt ans de carrière de Pellegrin et a été intensivement préparée pendant plus de deux ans dans les archives du photographe italien Magnum. Plus de 150 images, dont plusieurs inédites, ainsi que des séquences vidéo de 1998 à 2017 sont exposées.

Pauvreté urbaine, maladies, catastrophes naturelles ou environnementales et conflits aux quatre coins du monde - Pellegrin a tout vu dans le monde. Ses images de la beauté changeante de l'Antarctique montrent l'approche visionnaire de Pellegrin envers la photographie. "Je ne suis pas intéressé à voler une photo. Je m'intéresse, autant que possible, à la vie des gens que je photographie et je suis une approche anthropologique : je veux trouver des motifs et des thèmes pour raconter mes histoires."

Le spectacle est divisé en deux grandes parties : la première sur les gens et la seconde sur la nature. A l'aide de notes, de carnets et de dessins sur lesquels s'appuient ses œuvres photographiques, le visiteur* peut jeter un coup d'œil dans les coulisses du processus créatif de Pellegrin.

L'exposition UN'ANTOLOGIA n'est pas seulement un hommage au travail de Pellegrin, elle montre aussi que la photographie de reportage peut être bien plus qu'un simple support d'information et de nouvelles.


Paolo Pellegrin (nato a Roma nel 1964), dieci volte vincitore del World Press Photo Award e di numerosi altri premi, unisce nelle sue immagini la sua esperienza di fotografo documentarista in aree di crisi e teatri di guerra con l'intensità visiva di un artista. La mostra UN'ANTOLOGIA ripercorre la ventennale carriera di Pellegrin ed è stata preparata intensamente per più di due anni negli archivi del fotografo italiano Magnum. Sono esposte più di 150 immagini, molte delle quali inedite, oltre a riprese video dal 1998 al 2017.

Povertà urbana, malattie, disastri naturali o ambientali e conflitti in ogni angolo del mondo - Pellegrin ha visto tutto nel mondo. Le sue immagini della mutevole bellezza dell'Antartide mostrano l'approccio visionario di Pellegrin alla fotografia. "Non mi interessa rubare una foto. Mi interessa, invece, per quanto posso, la vita delle persone che fotografo. Seguo un approccio antropologico: voglio trovare motivi e temi per raccontare le mie storie".

Lo spettacolo è diviso in due grandi parti: la prima sulle persone e la seconda sulla natura. Attraverso gli appunti, i quaderni e i disegni su cui si basano le sue opere fotografiche, i visitatori* possono dare uno sguardo dietro le quinte del processo creativo di Pellegrin.

La mostra UN'ANTOLOGIA non è solo un omaggio al lavoro di Pellegrin, ma dimostra anche che la fotografia di reportage può essere molto più di un semplice mezzo di informazione e informazione.


Paolo Pellegrin (born 1964 in Rome), ten-time winner of the World Press Photo Award and numerous other awards, combines in his pictures his experience as a documentary photographer in crisis areas and theatres of war with the visual intensity of an artist. The exhibition UN'ANTOLOGIA looks back on Pellegrin's twenty-year career and was intensively prepared for more than two years in the archives of the Italian Magnum photographer. On view are more than 150 images, many of them unpublished, as well as video footage from 1998 to 2017.

Urban poverty, disease, natural or environmental disasters and conflicts in every corner of the world - Pellegrin has seen everything in the world. His images of the changing beauty of Antarctica show Pellegrin's visionary approach to photography. "I'm not interested in stealing a photo. Instead, I'm interested, as far as I can, in the lives of the people I photograph. I follow an anthropological approach: I want to find motifs and themes to tell my stories."

The show is divided into two large parts: the first about people and the second about nature. Using the notes, notebooks and drawings on which his photographic works are based, visitors* can take a look behind the scenes at Pellegrin's creative process.

The exhibition UN'ANTOLOGIA is not only a tribute to Pellegrin's work, but also shows that reportage photography can be much more than just a medium for news and information.

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

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Vernissage | 23 Sichtweisen der Aktfotografie - nudeart.ch | Photobastei | Zürich
Okt
31
6:00 nachm.18:00

Vernissage | 23 Sichtweisen der Aktfotografie - nudeart.ch | Photobastei | Zürich



Bild: Stefanie Wagner

Bild: Stefanie Wagner


Aktfotografie wird oft als die Königsdisziplin der Fotografie bezeichnet. Aber es haftet ihr auch ein zweifelhaftes Image an. Viel Grenzwertiges und Pornografisches wird unter Aktfotografie publiziert.

Die Mitglieder von nudeART.ch haben sich zum Ziel gesetzt, die Aktfotografie als seriöse und ernstzunehmende Kunstform zu positionieren.

Aktfotografie ist äusserst vielseitig. Alle Fotografinnen und Fotografen von nudeART.ch haben einen eigenen Stil und pflegen ihn ganz bewusst. Akt in der Landschaft, Composings, puristische Studioaufnahmen digital und analog, um nur einige Stichworte zu nennen. Im Zentrum aber steht immer die Schönheit des menschlichen Körpers und das Bemühen um eine perfekte, ansprechende Darstellung.

nudeART.ch möchte sich mit diesen Visionen einer kunst- und fotografieinteressierten Öffentlichkeit vorstellen. Wenn nun 23 nudeART-Mitglieder ihre Sichtweise und ihre Vorstellung dieser Kunstform präsentieren, ergibt das einen bedeutenden Überblick über die ganze Bandbreite der Aktfotografie.

(Text: nudeArt.ch)

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Ausstellung | 23 Sichtweisen der Aktfotografie - nudeart.ch | Photobastei | Zürich
Nov
1
zu 24. Nov.

Ausstellung | 23 Sichtweisen der Aktfotografie - nudeart.ch | Photobastei | Zürich



Bild: Stefanie Wagner

Bild: Stefanie Wagner


Aktfotografie wird oft als die Königsdisziplin der Fotografie bezeichnet. Aber es haftet ihr auch ein zweifelhaftes Image an. Viel Grenzwertiges und Pornografisches wird unter Aktfotografie publiziert.

Die Mitglieder von nudeART.ch haben sich zum Ziel gesetzt, die Aktfotografie als seriöse und ernstzunehmende Kunstform zu positionieren.

Aktfotografie ist äusserst vielseitig. Alle Fotografinnen und Fotografen von nudeART.ch haben einen eigenen Stil und pflegen ihn ganz bewusst. Akt in der Landschaft, Composings, puristische Studioaufnahmen digital und analog, um nur einige Stichworte zu nennen. Im Zentrum aber steht immer die Schönheit des menschlichen Körpers und das Bemühen um eine perfekte, ansprechende Darstellung.

nudeART.ch möchte sich mit diesen Visionen einer kunst- und fotografieinteressierten Öffentlichkeit vorstellen. Wenn nun 23 nudeART-Mitglieder ihre Sichtweise und ihre Vorstellung dieser Kunstform präsentieren, ergibt das einen bedeutenden Überblick über die ganze Bandbreite der Aktfotografie.

(Text: nudeART.ch

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Fotonacht
Nov
1
zu 2. Nov.

Fotonacht

  • Google Kalender ICS
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digitalEVENT | Baden
Nov
2
9:00 vorm.09:00

digitalEVENT | Baden


digitalEVENT | Baden
2. November 2019


KeyVisual_digitalEVENT_Zukiman+Mohamad.jpg

Der digitalEVENT wird 2019 bereits zum 13. Mal (zum 11. Mal im Trafo Baden) durchgeführt. Der Anlass verkörpert beispielhaft die grosse, umfassende digitale Kompetenz des zB. Zentrum Bildung Baden und der CropFactory GmbH Bremgarten. Fotografie der Spitzenklasse für Amateure, Professionals und Foto-Interessierte.Der digitalEVENT wird 2019 bereits zum 13. Mal (zum 11. Mal im Trafo Baden) durchgeführt. Der Anlass verkörpert beispielhaft die grosse, umfassende digitale Kompetenz des zB. Zentrum Bildung Baden und der CropFactory GmbH Bremgarten. Fotografie der Spitzenklasse für Amateure, Professionals und Foto-Interessierte.

Keynotes
Matt Anderson - Inspired by Wild Experiences
Christian Anderl - Väter Portraits & Interviews
Sanne de Wilde - The Island of the Colorblind & Land of Ibeji
Jane Goodall Keynote & interview by Patrick Rohr

Workshops

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Vernissage | Ost/West Berlin - Nelly Rau-Häring | f3 - freiraum für fotografie | Berlin
Nov
7
7:00 nachm.19:00

Vernissage | Ost/West Berlin - Nelly Rau-Häring | f3 - freiraum für fotografie | Berlin


f3 - freiraum für fotografie | Berlin
7. November 2019

Begrüssung: Katharina Mouratidi, Künstlerische Leiterin f³ – freiraum für fotografie
Es sprechen: Carsten Otto, Geschäftsführer Stiftung Berliner Sparkasse und Nicola von Velsen, Verlagsleitung Hatje Cantz 

Ost/West Berlin
Nelly Rau-Häring


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Wie kaum eine andere oder ein anderer hat die Fotografin Nelly Rau-Häring das Leben in Berlin Ost und West von Mitte der 1960er- bis in die 2000er-Jahre dokumentiert. Dabei folgte sie ihren zwei großen Leiden- schaften: ihrer Begeisterung für Fotografie und ihrer Neugierde auf die Menschen Berlins. Zusammen mit ihrem virtuosen Blick für das ausdrucks-starke Detail macht das aus ihr eine Chronistin der besonderen Art.

Durch die Augen von Nelly Rau-Häring erleben wir Zeitgeschehen: Wir sind bei den politischen Protesten der späten 1960er-Jahre in West-Berlin mit dabei und beobachten die offiziellen Feierlichkeiten zum 1. und 8. Mai in Ost-Berlin, wir nehmen teil an populären Vergnügungen, wie den Pferderennen in Hoppegarten und Mariendorf. Wir sehen, wie Neuberlinerinnen der ersten Migrantinngeneration im Stadtbild erscheinen, wir begleiten Kriegerwitwen in die Cafés am Ku´damm und betrachten die Schaufensterauslagen in der DDR der 1980er-Jahre, wir fiebern im Fußballstadion mit den Fans von Hertha BSC, stehen in der Schlange der DDR-Bürger*innen, die auf das Begrüßungsgeld warten, durchqueren mit der S-Bahn den Westteil der Stadt und erleben, wie sich das abgeschottete Berlin nach dem Mauerfall verändert.

OST/WEST BERLIN ist jedoch weit mehr als das Abbild einer Stadt und ihrer Menschen im Wandel. Abseits des Faktischen konzentrieren sich die Fotografien auf Stimmungen und Gefühle, auf die Lebenslust und die Widersprüche der Nachkriegs- und Vorwendejahre, die Nelly Rau-Häring im geteilten und später wiedervereinigten Berlin wahrgenommen hat. Nicht um eine historische Betrachtung geht es, sondern um das Persönliche, das sich im Gesellschaftlichen zeigt.

(Text: f3 - freiraum für fotografie, Berlin)

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Ausstellung | Ost/West Berlin - Nelly Rau-Häring | f3 - freiraum für fotografie | Berlin
Nov
8
zu 19. Jan.

Ausstellung | Ost/West Berlin - Nelly Rau-Häring | f3 - freiraum für fotografie | Berlin

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f3 - freiraum für fotografie | Berlin
8. November 2019 - 19. Januar 2020

Ost/West Berlin
Nelly Rau-Häring


f3-OST-WEST-BERLIN_Press_09.jpg

Wie kaum eine andere oder ein anderer hat die Fotografin Nelly Rau-Häring das Leben in Berlin Ost und West von Mitte der 1960er- bis in die 2000er-Jahre dokumentiert. Dabei folgte sie ihren zwei großen Leiden- schaften: ihrer Begeisterung für Fotografie und ihrer Neugierde auf die Menschen Berlins. Zusammen mit ihrem virtuosen Blick für das ausdrucks-starke Detail macht das aus ihr eine Chronistin der besonderen Art.

Durch die Augen von Nelly Rau-Häring erleben wir Zeitgeschehen: Wir sind bei den politischen Protesten der späten 1960er-Jahre in West-Berlin mit dabei und beobachten die offiziellen Feierlichkeiten zum 1. und 8. Mai in Ost-Berlin, wir nehmen teil an populären Vergnügungen, wie den Pferderennen in Hoppegarten und Mariendorf. Wir sehen, wie Neuberlinerinnen der ersten Migrantinngeneration im Stadtbild erscheinen, wir begleiten Kriegerwitwen in die Cafés am Ku´damm und betrachten die Schaufensterauslagen in der DDR der 1980er-Jahre, wir fiebern im Fußballstadion mit den Fans von Hertha BSC, stehen in der Schlange der DDR-Bürger*innen, die auf das Begrüßungsgeld warten, durchqueren mit der S-Bahn den Westteil der Stadt und erleben, wie sich das abgeschottete Berlin nach dem Mauerfall verändert.

OST/WEST BERLIN ist jedoch weit mehr als das Abbild einer Stadt und ihrer Menschen im Wandel. Abseits des Faktischen konzentrieren sich die Fotografien auf Stimmungen und Gefühle, auf die Lebenslust und die Widersprüche der Nachkriegs- und Vorwendejahre, die Nelly Rau-Häring im geteilten und später wiedervereinigten Berlin wahrgenommen hat. Nicht um eine historische Betrachtung geht es, sondern um das Persönliche, das sich im Gesellschaftlichen zeigt.

(Text: f3 - freiraum für fotografie, Berlin)

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Buchvernissage und Sonderführung | Color Mania – Materialität Farbe in Fotografie und Film | Fotomuseum | Winterthur
Nov
9
2:00 nachm.14:00

Buchvernissage und Sonderführung | Color Mania – Materialität Farbe in Fotografie und Film | Fotomuseum | Winterthur


Fotomuseum | Winterthur
9. November 2019

Buchvernissage Color Mania
Sonderführung mit Dr. Barbara Flückiger, Professorin für Filmwissenschaft (Universität Zürich)

Color Mania - Materialität Farbe in Fotografie und Film


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Film ist seit Beginn der Kinematografie ein farbiges Medium und eine bunte Kunstform. Im Laufe der Filmgeschichte entstanden mehr als 230 Farbfilmverfahren, nicht wenige in enger Verflechtung mit der Fotografie. Beispielsweise wurde das Rasterverfahren Dufaycolor zunächst im Rahmen der still photography entwickelt, bevor es in den 1930er-Jahren auch im Film Anwendung fand. Die Ausstellung beleuchtet die historische Verbindung des Materials Farbe in Fotografie und Film und präsentiert zudem die Anwendung historischer Farbverfahren und Techniken im Schaffen zeitgenössischer Fotograf_innen und Künstler_innen. Gezeigt werden nebst kanonisierten Werken auch unbekannte Exponate, die im Rahmen von Forschungsprojekten zu diesem Thema entdeckt wurden, und Arbeiten von Künstler_innen, die teilweise speziell für die Ausstellung entstehen. Zu den zeitgenössischen Kunstschaffenden gehören Dunja Evers, Raphael Hefti, Barbara Kasten und Alexandra Navratil.

Die Ausstellung wird realisiert in Kooperation mit dem SNF als Agora-Projekt der Universität Zürich, den Forschungsprojekten ERC Advanced Grant: FilmColors. Bridging the Gap between Technology and Aesthetics und SNF Filmfarben. Technologien, Kulturen, Institutionen von Prof. Dr. Barbara Flückiger. Kuratiert von Nadine Wietlisbach und Gastkuratorin Dr. Eva Hielscher.

Mit Unterstützung von: Schweizerischer Nationalfonds, Volkart Stiftung, Stiftung Temperatio und Pro Helvetia

Fernand Léger und Dudley Murphy, Le Ballet Mécanique, 1923. Sammlung Eye Filmmuseum. Foto: Olivia Kristina Stutz. © 2019, Pro Litteris, Zürich

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Vernissage | "Light form Photogram" - Minyó Szert | Anzenberger Gallery | Wien
Nov
13
7:00 nachm.19:00

Vernissage | "Light form Photogram" - Minyó Szert | Anzenberger Gallery | Wien


Anzenberger Gallery | Wien
13. November 2019

“Light form Photogram”
Minyó Szert


7 Layer-20, 2018

7 Layer-20, 2018


Zum hundertjährigen Bestehen der Bauhausschule zeigt die AnzenbergerGalerie eine Ausstellung von Minyó Szert, einem ungarischen zeitgenössischen Künstler, dessen Werke auf geometrischen Elementen und Texturen, Bewegung und Konstruktion aufbauen. Minyós einzigartige Interpretation, die sich auf Suprematismus, Abstraktion und analoge Fotografie stützt, erweckt die Form am Rande des Figuralen zum Leben und lädt das Publikum ein, sein Verständnis von Raum und Zeit neu auszurichten.

Minyó begegnete der Bauhaus-Schule und ihren stilistischen Merkmalen erstmals in den 1960er Jahren in der ungarischen Botschaft in Neu-Delhi, wo er sofort von der kühlen Begegnung zwischen Metall und Textilien und den leichten Formen der Möbel fasziniert war. Seine Bilder enthalten malerische Gesten und Freihandfotografie in einer intensiven Montage von gebauten Bildern und Materialien; sein kreativer Prozess ist eine zeitlich begrenzte, analoge fotografische Performance in Anwesenheit eines Live-Publikums.


On the centenary of the Bauhaus School, the AnzenbergerGallery presents an exhibition by Minyó Szert, an Hungarian contemporary artist whose works build on geometric elements and textures, movement, and construction. Drawing from Suprematism, abstraction, and analogue photography, Minyó’s unique interpretation brings form to life at the margins of the figural, inviting the audience to refocus their understandings of space and time.

Minyó first encountered the Bauhaus school and its stylistic hallmarks in the 1960s in the Hungarian embassy in New Delhi, where he was immediately captivated by the cool encounter between metal and textiles, and the light-as-air forms of the furniture. His pictures incorporate painterly gestures and freehand photography in an intense montage of built images and materials; his creative process is a time-limited, analogue photographic performance in the presence of a live audience.

(Text: Anzenberger Gallery, Wien)

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Ausstellung | "Light form Photogram" - Minyó Szert | Anzenberger Gallery | Wien
Nov
14
zu 31. Jan.

Ausstellung | "Light form Photogram" - Minyó Szert | Anzenberger Gallery | Wien


Anzenberger Gallery | Wien
14. November - 31. Januar 2020

Vienna Art Week
12. - 22. November 2019

“Light form Photogram”
Minyó Szert


7 Layer-20, 2018

7 Layer-20, 2018


Zum hundertjährigen Bestehen der Bauhausschule zeigt die AnzenbergerGalerie eine Ausstellung von Minyó Szert, einem ungarischen zeitgenössischen Künstler, dessen Werke auf geometrischen Elementen und Texturen, Bewegung und Konstruktion aufbauen. Minyós einzigartige Interpretation, die sich auf Suprematismus, Abstraktion und analoge Fotografie stützt, erweckt die Form am Rande des Figuralen zum Leben und lädt das Publikum ein, sein Verständnis von Raum und Zeit neu auszurichten.

Minyó begegnete der Bauhaus-Schule und ihren stilistischen Merkmalen erstmals in den 1960er Jahren in der ungarischen Botschaft in Neu-Delhi, wo er sofort von der kühlen Begegnung zwischen Metall und Textilien und den leichten Formen der Möbel fasziniert war. Seine Bilder enthalten malerische Gesten und Freihandfotografie in einer intensiven Montage von gebauten Bildern und Materialien; sein kreativer Prozess ist eine zeitlich begrenzte, analoge fotografische Performance in Anwesenheit eines Live-Publikums.


On the centenary of the Bauhaus School, the AnzenbergerGallery presents an exhibition by Minyó Szert, an Hungarian contemporary artist whose works build on geometric elements and textures, movement, and construction. Drawing from Suprematism, abstraction, and analogue photography, Minyó’s unique interpretation brings form to life at the margins of the figural, inviting the audience to refocus their understandings of space and time.

Minyó first encountered the Bauhaus school and its stylistic hallmarks in the 1960s in the Hungarian embassy in New Delhi, where he was immediately captivated by the cool encounter between metal and textiles, and the light-as-air forms of the furniture. His pictures incorporate painterly gestures and freehand photography in an intense montage of built images and materials; his creative process is a time-limited, analogue photographic performance in the presence of a live audience.

(Text: Anzenberger Gallery, Wien)

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vfg Bildersoirée - Ute Mahler | Photobastei | Zürich
Nov
22
7:00 nachm.19:00

vfg Bildersoirée - Ute Mahler | Photobastei | Zürich


Photobastei | Zürich
22. November 2019

vfg Bildersoirée
Ute Mahler


Die seltsamen Tagen, 2013 | Ute & Werner Mahler

Die seltsamen Tagen, 2013 | Ute & Werner Mahler

Ute Mahler wird Bilder aus 40 Jahren professioneller Arbeit zeigen – sowohl Auftragsarbeiten wie auch freie Projekte. Serien aus der DDR, Serien nach 1990 und drei künstlerische Projekte, die sie in Zusammenarbeit mit ihrem Mann Werner Mahler realisierte: «Monalisen der Vorstädte», «Die seltsamen Tage» und «Kleinstadt».

Ute Mahler ist eine der wichtigsten Fotografinnen Deutschlands. 1949 in der ehemaligen DDR geboren, war sie Mitbegründerin der renommierten Agentur Ostkreuz und der gleichnamigen Schule für Fotografie in Berlin. Sie ist Professorin für Fotografie und lehrte an der Hochschule für Angewandte Wissenschaften in Hamburg. 2018 erschien das Buch «Kleinstadt», das sie zusammen mit ihrem Mann Werner Mahler realisierte.

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Ausstellung | Retrospektive - Albert Watson | Camera Work | Berlin
Nov
23
zu 18. Jan.

Ausstellung | Retrospektive - Albert Watson | Camera Work | Berlin


Camera Work | Berlin
23. November 2019 - 18. Januar 2020

Retrospektive
Albert Watson


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Die retrospektive Einzelausstellung umfasst Arbeiten aus mehr als drei Jahrzehnten, darunter zahlreiche weltbekannte Fotoikonen von Kate Moss, Christy Turlington und David Bowie. Darüber hinaus werden neue und nie zuvor ausgestellte Werke präsentiert und die konzeptuellen Serien "Dreamscape" und "Las Vegas" vorgestellt.

Albert Watson zählt seit 1970 zu den international erfolgreichsten und wichtigsten Fotokünstlern. Dank seines besonderen Verständnisses für die Zusammenführung verschiedener fotografischer Bereiche hat Watson Fotoikonen erschaffen, die weltweit bekannt sind. Von den legendären Beautyfotografien von Kate Moss, den inszenierten Porträts von David Bowie über zeitgenössischkonzeptuelle Serien wie "Dreamscape" und "Las Vegas" bis hin zu klassisch-skulpturalen Fashionfotografien mit Gigi Hadid: Es gelingt Watson seit fast 50 Jahren, die internationale Hoch- und Popkultur mit seinem eigenen, beispiellosen künstlerischen Ansatz abzubilden. Auch seine Reisen sowie die Kultur und Landschaft seiner Heimat Schottland haben Einfluss auf seine Bildsprache.

Albert Watsons außerordentliche Bildsprache unterliegt keinen formalen Regeln, sondern folgt seinen eigenen hohen qualitativen und distinktiven Ansprüchen. Mit einer sichtbaren Brillanz, einem aufwendigen Einsatz von Licht und dem Wirkungsmittel der Erhabenheit haben viele Werke eine meditative Atmosphäre inne. Sie zeichnen sich durch eine ergreifende Aura aus und halten den Betrachter zugleich auf eine ehrfürchtige Distanz. Diese Ambivalenz lässt eine hohe visuelle Kraft entstehen, die sich durch sein Gesamtwerk zieht. Dadurch bereichert er die Wahrnehmung und visuelle Erfahrung des Betrachters. Watsons besonderer Blick auf die "Dinge" erstreckt sich auf viele fotografischen Sujets. Jedes Werk besitzt genreübergreifend Watsons besondere, wiedererkennbare Stilistik. Auch aufgrund dieser konsequenten, kompromisslosen und aufrichtigen künstlerischen Arbeit wird er als einer der international einflussreichsten Fotokünstler hoch geschätzt.

Albert Watson  (*1942 in Edinburgh) studierte Grafikdesign am Duncan of Jordanstone College of Art and Design in Dundee und anschließend Film und Fernsehen am Royal College of Art in London. Obwohl Watson seit seiner Geburt auf einem Auge blind ist, belegt er Fotografiekurse. Im Jahr 1970 zieht er mit seiner Frau in die USA. Mit seinen ersten Veröffentlichungen werden Zeitschriften wie "Mademoiselle", "GQ" und "Harper's Bazaar" auf ihn aufmerksam, die seinen neuartigen, besonderen ästhetischen Stil schätzen. Mit seinen Porträts von Alfred Hitchcock begann Watson berühmte Persönlichkeiten zu porträtieren.

Nach dem Erhalt eines Grammy Awards und seiner ersten Zusammenarbeit mit der "Vogue" gelang ihm 1976 der internationale Durchbruch. Noch im selben Jahr zog er von Los Angeles nach New York. Bis heute hat er weit mehr als 100 Cover für die Zeitschrift fotografiert. Darüber hinaus sind seine Arbeiten in Zeitschriften wie "Rolling Stone" und "Harper's Bazaar" erschienen. Neben vielen Kooperationen mit Weltmarken hat Watson den Pirelli-Kalender 2019 fotografiert und zahlreiche Filmplakate kreiert, darunter u.a. für "Kill Bill" und "Die Geisha".

Watsons Fotografien werden weltweit in Museen ausgestellt und befinden sich in namhaften Sammlungen, darunter der National Portrait Gallery (London), des Metropolitan Museum of Art (New York), des Schottischen Parlaments, der Deichtorhallen (Hamburg), des Museums Folkwang (Essen) und des Multimedia Art Museum (Moskau). Einzel- und Gruppenausstellungen im Metroplitan Museum of Art (New York), Brooklyn Museum (New York), International Center of Photography (New York), Museum of Modern Art (Mailand), Kunst Haus Wien, City Art Centre (Edinburgh), NRW Forum (Düsseldorf), Museum Fotografiska (Stockholm), Multimedia Art Museum (Moskau), Museum of Kyoto, in den Deichtorhallen (Hamburg) sowie bei CAMERA WORK haben die Grundlage für Watsons Reputation im Kunstmarkt gelegt.

Albert Watson hat als Würdigung seiner fotografischen Lebensleistung mehrere Ehrungen und Auszeichnungen verliehen bekommen, u.a. den Order of the British Empire von Königin Elizabeth II, den Lifetime Achievement Award der Royal Photographic Society, den Cartier Lifetime Achievement Award, den Lucy Award, den Steiger Award und den Hasselblad Masters Award. Die Fachzeitschrift "Photo District News" führt Watson als einen der 20 einflussreichsten Fotografen in der Geschichte. Albert Watson lebt und arbeitet in New York.

(Text: CAMERA WORK, Berlin)

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Ausstellung | A Mind of Winter | Museum der Moderne | Salzburg
Nov
30
zu 19. Apr.

Ausstellung | A Mind of Winter | Museum der Moderne | Salzburg


Museum der Moderne | Salzburg
30. November 2019 - 19. April 2020

A Mind of Winter
Walter Martin & Paloma Muñoz


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Das Künstlerpaar Walter Martin (1953 Norfolk, VA, US – Milford, PA, US) und Paloma Muñoz (1965 Madrid, ES – Milford, PA, US) arbeitet seit 1994 zusammen und ist insbesondere durch seine Fotografien und Skulpturen bekannt geworden, welche surreale Landschaftsdioramen zeigen, in denen sich absurd-bizarre Szenen abspielen.

In den Schneekugeln der Serie Travelers wird mit großer Sorgfalt und viel Liebe zum Detail das Schicksal von Reisenden dokumentiert. Die Liliputwelten zeigen eine eisige Wildnis aus Schneebergen, Eisblöcken und abgestorbenen Bäumen, in denen verschiedene Personen in mehr oder weniger ausweglosen Situationen gestrandet sind. Die befremdlichen Interaktionen und sich anbahnenden oder bereits eingetretenen Katastrophen verweisen auf die Unsicherheit und Abgründe menschlicher Verhältnisse. Martin & Muñoz unterwandern mit ihren »lustigen Alpträumen« die Nostalgie und Sentimentalität, welche die Kulturgeschichte der Schneekugel gemeinhin begleiten. Zugleich machen sie sich die Traumwelt zunutze, die aus dem Zusammenspiel von Glaskugel, Wasser, Motiv und Schneegestöber entsteht, um schaurig-schöne Geschichten zu inszenieren. Ein kitschiges Souvenir wird so zum Mikrokosmos existentieller Winterstimmungen und zur Bühne eines sehr schwarzen Humors.

8/9 Vorschau Ausstellungen 2019/2020

Die Ausstellung bietet mit Skulpturen, Dioramen und Fotografien einen facettenreichen Einblick in den dystopischen Kosmos von Martin & Muñoz.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog in deutscher und englischer Sprache.

Kurator_innen: Thorsten Sadowsky, Direktor, mit Marijana Schneider, Kuratorische Assistentin, Museum der Moderne Salzburg

(Text: Museum der Moderne Salzburg)

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Christmas Brunch | "Light form Photogram" - Minyó Szert | Anzenberger Gallery | Wien
Nov
30
11:00 vorm.11:00

Christmas Brunch | "Light form Photogram" - Minyó Szert | Anzenberger Gallery | Wien


Anzenberger Gallery | Wien

Christmas Brunch
30. November 2019

“Light form Photogram”
Minyó Szert


7 Layer-20, 2018

7 Layer-20, 2018


Zum hundertjährigen Bestehen der Bauhausschule zeigt die AnzenbergerGalerie eine Ausstellung von Minyó Szert, einem ungarischen zeitgenössischen Künstler, dessen Werke auf geometrischen Elementen und Texturen, Bewegung und Konstruktion aufbauen. Minyós einzigartige Interpretation, die sich auf Suprematismus, Abstraktion und analoge Fotografie stützt, erweckt die Form am Rande des Figuralen zum Leben und lädt das Publikum ein, sein Verständnis von Raum und Zeit neu auszurichten.

Minyó begegnete der Bauhaus-Schule und ihren stilistischen Merkmalen erstmals in den 1960er Jahren in der ungarischen Botschaft in Neu-Delhi, wo er sofort von der kühlen Begegnung zwischen Metall und Textilien und den leichten Formen der Möbel fasziniert war. Seine Bilder enthalten malerische Gesten und Freihandfotografie in einer intensiven Montage von gebauten Bildern und Materialien; sein kreativer Prozess ist eine zeitlich begrenzte, analoge fotografische Performance in Anwesenheit eines Live-Publikums.


On the centenary of the Bauhaus School, the AnzenbergerGallery presents an exhibition by Minyó Szert, an Hungarian contemporary artist whose works build on geometric elements and textures, movement, and construction. Drawing from Suprematism, abstraction, and analogue photography, Minyó’s unique interpretation brings form to life at the margins of the figural, inviting the audience to refocus their understandings of space and time.

Minyó first encountered the Bauhaus school and its stylistic hallmarks in the 1960s in the Hungarian embassy in New Delhi, where he was immediately captivated by the cool encounter between metal and textiles, and the light-as-air forms of the furniture. His pictures incorporate painterly gestures and freehand photography in an intense montage of built images and materials; his creative process is a time-limited, analogue photographic performance in the presence of a live audience.

(Text: Anzenberger Gallery, Wien)

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Art Tour | Als ob die Welt zu vermessen wäre - Guido Baselgia | Fotostiftung Schweiz | Winterthur
Dez
1
11:30 vorm.11:30

Art Tour | Als ob die Welt zu vermessen wäre - Guido Baselgia | Fotostiftung Schweiz | Winterthur


Fotostiftung Schweiz | Winterthur
1. Dezember 2019

Teresa Gruber im Gespräch mit Dr. Michael Kessler, wissenschaftlicher Leiter des Botanischen Gartens der Universität Zürich und spezialisiert auf tropische Biodiversität und Waldgrenzforschung.

Als ob die Welt zu vermessen wäre
Guido Baselgia


Templada I, 2018 © Guido Baselgia

Templada I, 2018 © Guido Baselgia


Der Fotograf als Forschungsreisender: In den vergangenen zwanzig Jahren bewegte sich Guido Baselgia mit seiner Kamera in geologischen Randzonen, tastete die karge Erdoberfläche ab und beobachtete Lichtphänomene in den Alpen, den Anden und im Norden Norwegens. Seine Studien übersetzte er in die Bildsprache einer langsamen, analogen Fotografie. So entstanden schwarzweisse Tableaus an der Grenze zur Abstraktion, ausgeführt als grossformatige Silbergelatineabzüge oder Heliogravüren, die sich durch ihre Detailliertheit und materielle Beschaffenheit auszeichnen. Die Ausstellung knüpft an die bekannten Werkzyklen – «Hochland», «Weltraum», «Silberschicht« und «Light Fall» – an und stellt erstmals Baselgias neuestes Projekt vor. Dieses führt ihn nach Ecuador und Peru, ins Amazonasbecken. Auf seinen Expeditionen setzt sich der Fotograf mit der Darstellbarkeit des tropischen Regenwaldes auseinander. Die flirrende Dichte und Vielfalt der Vegetation verwandelt er in Kompositionen grösster Ruhe und Konzentration. Porträts der indigenen Bewohner und Stillleben aus dem Umfeld der Siedlungen werden zu Reflexionen über die fotografische Repräsentation dieser bedrohten Lebenswelt. Wie ein Memento Mori würdigt Baselgias Arbeit diesen Landschaftsraum, dessen wirtschaftliche Ausbeutung sich längst auf das globale Klima auswirkt.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

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Artist Talk | Als ob die Welt zu vermessen wäre - Guido Baselgia | Fotostiftung Schweiz | Winterthur
Jan
19
11:30 vorm.11:30

Artist Talk | Als ob die Welt zu vermessen wäre - Guido Baselgia | Fotostiftung Schweiz | Winterthur


Fotostiftung Schweiz | Winterthur
19. Januar 2020

Guido Baselgia im Gespräch mit Teresa Gruber (Kuratorin)

Als ob die Welt zu vermessen wäre
Guido Baselgia


Templada I, 2018 © Guido Baselgia

Templada I, 2018 © Guido Baselgia


Der Fotograf als Forschungsreisender: In den vergangenen zwanzig Jahren bewegte sich Guido Baselgia mit seiner Kamera in geologischen Randzonen, tastete die karge Erdoberfläche ab und beobachtete Lichtphänomene in den Alpen, den Anden und im Norden Norwegens. Seine Studien übersetzte er in die Bildsprache einer langsamen, analogen Fotografie. So entstanden schwarzweisse Tableaus an der Grenze zur Abstraktion, ausgeführt als grossformatige Silbergelatineabzüge oder Heliogravüren, die sich durch ihre Detailliertheit und materielle Beschaffenheit auszeichnen. Die Ausstellung knüpft an die bekannten Werkzyklen – «Hochland», «Weltraum», «Silberschicht« und «Light Fall» – an und stellt erstmals Baselgias neuestes Projekt vor. Dieses führt ihn nach Ecuador und Peru, ins Amazonasbecken. Auf seinen Expeditionen setzt sich der Fotograf mit der Darstellbarkeit des tropischen Regenwaldes auseinander. Die flirrende Dichte und Vielfalt der Vegetation verwandelt er in Kompositionen grösster Ruhe und Konzentration. Porträts der indigenen Bewohner und Stillleben aus dem Umfeld der Siedlungen werden zu Reflexionen über die fotografische Repräsentation dieser bedrohten Lebenswelt. Wie ein Memento Mori würdigt Baselgias Arbeit diesen Landschaftsraum, dessen wirtschaftliche Ausbeutung sich längst auf das globale Klima auswirkt.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

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Vernissage | Walls Come Tumbling Down! | Chaussee 36 | Berlin
Okt
11
1:00 nachm.13:00

Vernissage | Walls Come Tumbling Down! | Chaussee 36 | Berlin

  • Parisian Salon - Seitenflügel im Hof links (Karte)
  • Google Kalender ICS

Parisian Salon - Seitenflügel im Hof links - Chaussee 36 | Berlin
11. Oktober 2019

Walls Come Tumbling Down!
Renaud De Gambs, Fanny Duval, Leonard Freed, Daniel Müller Jansen, Wolfang Krolow, Will McBride, Max Scheler, Kai Wiedenhöfer und Günter Zint


Babys zeigen an der Mauer, 1961 | Will McBride | copyright und courtesy the artist

Babys zeigen an der Mauer, 1961 | Will McBride | copyright und courtesy the artist


Nach Fall der Berliner Mauer sowie der Abschaffung der Grenzkontrollen innerhalb Europas schien ein neues, mauerloses Zeitalter der Öffnung vor uns zu liegen. Doch im Zeitalter von Donald Trump und Co existieren weltweit mehr Mauern als 1989. Anlässlich des 30. Jubiläums des Berliner Mauerfalls widmet sich die Gruppenausstellung 'Walls Come Tumbling Down!' mit Arbeiten von Renaud De Gambs, Fanny Duval, Leonard Freed, Daniel Müller Jansen, Wolfang Krolow, Will McBride, Max Scheler, Kai Wiedenhöfer und Günter Zint diesem vergangenen und gleichzeitig brandaktuellem Thema. Neben Fotografien der Berliner Mauer stehen aktuelle Werke, die zeigen, dass die Spuren der Teilung bis heute im Stadtbild sichtbar sind. Mit Fotografien von Sperren und Abgrenzungen weltweit wird außerdem die Frage aufgeworfen, was all diese Mauern über den heutigen Zustand unserer Welt verraten.

(Text: Nadine Dinter PR, Berlin)

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Vernissage | Chasing Dreams - Erwin Blumenfeld | Chaussee 36 | Berlin
Okt
11
1:00 nachm.13:00

Vernissage | Chasing Dreams - Erwin Blumenfeld | Chaussee 36 | Berlin


The Wisper - Hofkeller - Chaussee 36 | Berlin
11. Oktober 2019

Chasing Dreams
Erwin Blumenfeld


Nude Under Grid, New York, 1950 | copyright 2019 The Estate of Erwin Blumenfeld | courtesy Howard Greenberg Gallery, NYC

Nude Under Grid, New York, 1950 | copyright 2019 The Estate of Erwin Blumenfeld | courtesy Howard Greenberg Gallery, NYC


Unter dem Titel 'Chasing Dreams' präsentiert Chaussee 36 einen der ganz großen Berliner Fotografen: Erwin Blumenfeld. In Zusammenarbeit mit dem Erwin Blumenfeld Estate und der legendären Howard Greenberg Gallery in New York werden ca. 40 fotografische wie experimentelle Darstellungen und Studien des weiblichen Körpers gezeigt; von seinen surrealistischen Akten aus der Pariser Zeit (1936 – 1941) bis hin zu seinen grafischen und illustrativen Arbeiten der 40er und 50er Jahre, nachdem der Künstler in die USA immigriert war. Die Einzelausstellung fächert somit das gesamte bildnerische Repertoire von Blumenfelds Vision des weiblichen Aktes auf und gibt gleichzeitig einen exquisiten Einblick in die technische Vielfalt eines der großen Fotografie-Ikonen.

(Text: Nadine Dinter PR, Berlin)

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Eröffnung Berlin Photo Week und Vernissage | Saudade - Olaf Heine | Neues Atelierhaus - Hof der Chaussee 36 | Berlin
Okt
10
7:00 nachm.19:00

Eröffnung Berlin Photo Week und Vernissage | Saudade - Olaf Heine | Neues Atelierhaus - Hof der Chaussee 36 | Berlin


Neues Atelierhaus - Hof der Chaussee 36 | Berlin
10. Oktober 2019

Eröffnung Berlin Photo Week

Saudade
Olaf Heine


Torso (Back), Rio de Janeiro, 2012 | Olaf Heine | copyright and courtesy the artist

Torso (Back), Rio de Janeiro, 2012 | Olaf Heine | copyright and courtesy the artist


'Saudade' (bras. Portugiesisch: Sehnsucht) zeigt rund 35, meist großformatige Arbeiten des renommierten Porträt- und Musikerfotografen. Seit 2010 spürt er - mit viel Feingefühl für Formen und Texturen - Seele Brasiliens nach und erfüllt er gleichzeitig Worte des legendären, brasilianischen Architekten Oscar Niemeyer mit Leben: „Das ganze Universum ist aus Kurven gemacht“. Kurven in der Architektur, in menschlichen Körpern und übertragen auch im Lebensgefühl. Und wenn alles aus Kurven gemacht ist, ist nichts gerade. Es geht dabei nicht nur um den Kurvenreichtum der Gebäude und der brasilianischen Frauen, sondern um eine Fortsetzung im Leben: Alles ist flexibel und in stetem Wandel. Von der Intensität der Sehnsucht bis zur Leichtigkeit der Formen zeigt Olaf Heine uns ein faszinierendes Land in all seiner Vielfalt und Schönheit. Die wirkt umso erstaunlicher, wenn man die Schlagzeilen der letzten Wochen und Monate verfolgt. Seit Präsident Jair Bolsonaro zu Beginn des Jahres das Amt von seinem

Vorgänger übernahm, wird das Land mit brutaler Macht geführt, Kriminelle auf offener Straße exekutiert, Homosexuelle eingesperrt und die Zerstörung der Natur und des brasilianischen Regenwaldes vorangetrieben. In seiner Fotografie zeichnet Heine dagegen gerade jenen Sehnsuchtsort, den die erste Generation der brasilianischen Modernisten in Architektur, Literatur und Musik Mitte des 20. Jahrhunderts als ästhetischen Ausdruck einer sich zum positiv wandelnden, sozialen, politischen und urbanen Gesellschaft gestaltet hat. Eine Wunschvorstellung und vermeintliche Utopie, der manch einer gerade im tagesaktuellen Kontext mit Sehnsucht hinterherblickt: Saudade!

(Text: Nadine Dinter PR, Berlin)

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