Quai des Cigognes | Mulhouse
7. Oktober - 13. November 2024

10 ans / 10 photographes - Parcours photographique

Janine Bächle, Geert Goiris, Matthew Genitempo, Pascal Amoyel, Rebecca Topakian, Paul Gaffney, Michel François, Nathalie Wolff & Matthias Bumiller, Céline Clanet, Christophe Bourguedieu

Anlässlich des 10-jährigen Bestehens des BPM vereint diese Ausstellung im öffentlichen Raum 10 Fotografen, die seit 2013 an den verschiedenen Ausgaben des Festivals teilgenommen haben. Die Auswahl zeigt eine Vielfalt an fotografischen Ansätzen, doch alle Fotografen zeugen von einem sensiblen, zugleich poetischen und politischen Zugang zur zeitgenössischen Welt. Der rote Faden der ausgestellten Fotografien ist die Frage nach der Möglichkeit oder Unmöglichkeit, die durch menschliche Aktivitäten veränderte Welt zu bewohnen. Janine Bächle, Céline Clanet und Paul Gaffney fragen sich, wie man in Harmonie mit der Natur leben kann. Rebecca Topakian, Michel François, Christophe Bourguedieu, Nathalie Wolff & Matthias Bumiller hinterfragen die postkapitalistische Gesellschaft, ihre Grenzen und ihre Widersprüche. Die eher intimen Matthew Genitempo und Pascal Amoyel fotografieren ihre Angehörigen in einer Beziehung zum Lebensraum. Geert Goiris schließlich veranschaulicht eine grundlegende Spannung zwischen Mensch und Natur.

À l’occasion des 10 ans de la BPM, cette exposition dans l’espace public réunit 10 photographes ayant participé aux différentes éditions du festival depuis 2013. La sélection montre une diversité d’approches photographiques, mais tous les photographes témoignent d’une approche sensible, à la fois poétique et politique du monde contemporain. Le fil conducteur des photographies exposées est le questionnement sur la possibilité ou l’impossibilité d’habiter le monde transformé par l’activité humaine. Janine Bächle, Céline Clanet et Paul Gaffney se questionnent sur les moyens de vivre en harmonie avec la nature, Rebecca Topakian, Michel François, Christophe Bourguedieu, Nathalie Wolff & Matthias Bumiller interrogent la société post-capitaliste, ses frontières et ses contradictions. Plus intimistes, Matthew Genitempo et Pascal Amoyel photographient leurs proches dans une relation au territoire de vie. Enfin, Geert Goiris illustre une tension fondamentale entre l’humain et la nature.

In occasione del 10° anniversario del BPM, questa mostra nello spazio pubblico riunisce 10 fotografi che hanno partecipato alle varie edizioni del festival dal 2013. La selezione mostra una diversità di approcci fotografici, ma tutti i fotografi dimostrano un approccio sensibile al mondo contemporaneo, poetico e politico. Il filo conduttore delle fotografie in mostra è la messa in discussione della possibilità o dell'impossibilità di abitare un mondo trasformato dall'attività umana. Janine Bächle, Céline Clanet e Paul Gaffney si chiedono come si possa vivere in armonia con la natura, mentre Rebecca Topakian, Michel François, Christophe Bourguedieu, Nathalie Wolff & Matthias Bumiller si interrogano sulla società post-capitalista, sui suoi confini e sulle sue contraddizioni. Matthew Genitempo e Pascal Amoyel adottano un approccio più intimo, fotografando i loro cari in relazione al territorio in cui vivono. Infine, Geert Goiris illustra la tensione fondamentale tra uomo e natura.

To mark the 10th anniversary of the BPM, this exhibition in the public space brings together 10 photographers who have participated in the various editions of the festival since 2013. The selection shows a diversity of photographic approaches, but all the photographers testify to a sensitive, poetic and political approach to the contemporary world. The common thread running through the photographs on display is a questioning of the possibility or impossibility of inhabiting the world transformed by human activity. Janine Bächle, Céline Clanet and Paul Gaffney ask how we can live in harmony with nature, while Rebecca Topakian, Michel François, Christophe Bourguedieu, Nathalie Wolff & Matthias Bumiller question post-capitalist society, its boundaries and contradictions. More intimate, Matthew Genitempo and Pascal Amoyel photograph their loved ones in relation to the territory in which they live. Finally, Geert Goiris illustrates the fundamental tension between man and nature.

(Text: Biennale de la Photographie de Mulhouse)

Museum Rietberg | Zürich
29. Februar 2024 – 5. Februar 2025

Iran - Porträt eines Landes
Antoin Sevruguin

Unter dem Titel «Iran ­– Porträt eines Landes» zeigt das Museum Rietberg eine Ausstellung, die dem Fotografen Antoin Sevruguin (1851–1933) gewidmet ist. Als Sohn armenischer Eltern im Iran geboren und im georgischen Tiflis aufgewachsen, arbeitete er später als Berufsfotograf in Teheran – und verstand sich als Iraner. Dennoch gilt er heute, der berühmteste frühe Fotograf in Iran, den meisten Fachleuten in und ausserhalb des Irans als «Ausländer». Er fotografierte, so die Meinung, Land und Leute mit einem «fremden», einem «orientalistischen» Blick. Heisst das, dass Sevruguin nur «europäische» Bilder schuf? Ist es am Ende undenkbar, dass ein «Secondo» wie er einen «indigenen», einen «iranischen» Blick besass? Diese Fragen – die viel mit Vorurteilen und Kategorisierungen zu tun haben und heute aktueller sind denn je – stehen im Zentrum dieses «Porträts». Die Ausstellung zeigt 63 Fotografien aus dem Bestand des Museums Rietberg und wird von einer Broschüre in Deutsch, Französisch und Englisch begleitet.

Intitulée Iran – Portrait d'un pays, cette exposition du Musée Rietberg est consacrée au photographe Antoin Sevruguin (1851-1933). Né en Iran de parents arméniens et ayant grandi à Tbilissi en Géorgie, il a ensuite travaillé comme photographe professionnel à Téhéran. Même s'il se considérait comme iranien, et malgré le fait qu'il soit aujourd'hui le plus célèbre des premiers photographes iraniens, la plupart des spécialistes du pays et ailleurs le considèrent comme un «étranger». Selon eux, il photographiait le pays et ses habitants avec un regard «d'extérieur» et «orientaliste». Cela signifie-t-il que Sevruguin ne créait que des images «européennes»? Est-il impensable, en fin de compte, qu'un «étranger de la deuxième génération» comme lui ait eu un regard «indigène» et «iranien»? Ces questions liées aux préjugés et aux catégorisations sont plus que jamais d'actualité et se trouvent au centre de ce «portrait». L'exposition présente 63 photographies issues du fonds du Musée Rietberg et est accompagnée d'une brochure en allemand, français et anglais.

Con il titolo "Iran - Ritratto di un Paese", il Museo Rietberg presenta una mostra dedicata al fotografo Antoin Sevruguin (1851-1933). Nato in Iran da genitori armeni e cresciuto a Tbilisi, in Georgia, in seguito lavorò come fotografo professionista a Teheran - e si considerava iraniano. Tuttavia, oggi lui, il più famoso fotografo degli esordi in Iran, è considerato uno "straniero" dalla maggior parte degli esperti dentro e fuori l'Iran. Secondo loro, ha fotografato il Paese e la sua gente con un occhio "straniero", "orientalista". Questo significa che Sevruguin ha creato solo immagini "europee"? È in definitiva inconcepibile che un "secondo" come lui possedesse uno sguardo "indigeno", "iraniano"? Queste domande - che hanno molto a che fare con i pregiudizi e le categorizzazioni e che oggi sono più attuali che mai - sono al centro di questo "ritratto". La mostra presenta 63 fotografie della collezione del Museo Rietberg ed è accompagnata da una brochure in tedesco, francese e inglese.

Under the title "Iran – Portrait of a Country", the Museum Rietberg is showing an exhibition dedicated to the photographer Antoin Sevruguin (1851-1933). Born in Iran to Armenian parents and raised in Tbilisi, Georgia, Sevruguin later worked as a professional photographer in Tehran - and considered himself to be Iranian. Today, however, he is considered a "foreigner" by most experts in and outside Iran, despite being the most famous early photographer in Iran. In their opinion, he photographed the country and its people with a "foreign", "orientalist" eye. Does this mean that Sevruguin only created "European" images? Is it ultimately inconceivable that a "secondo" like him possessed an "indigenous", an "Iranian" gaze? These questions - which have a lot to do with prejudices and categorisations and are more topical today than ever - are at the heart of this "portrait". The exhibition shows 63 photographs from the Museum Rietberg's collection and is accompanied by a brochure in German, French and English.

(Text: Museum Rietberg, Zürich)

FOMU – Fotomuseum Antwerpen
29. März 2024 – 19. Januar 2025

Echtzeit
Dirk Braeckman

Dirk Braeckman (BE, 1958) erforscht seit über vierzig Jahren das Medium der Fotografie in dunklen und zurückhaltenden Bildern. Die Ausstellung "Echtzeit" präsentiert einen Dialog zwischen Braeckman und der Sammlung des FOMU. Sie zeigt sowohl die vom Künstler persönlich ausgewählten Museumsstücke als auch die von ihnen inspirierten neuen Arbeiten. Braeckman eignet sich die Stücke aus der Sammlung an und der Betrachter erlebt sie durch die Kamera, die Augen und die Hände des Künstlers.

Braeckman interessiert sich für Fotografien mit Unvollkommenheiten, für leere Innenräume, alltägliche Gegenstände, suggestive Orte oder Objekte, die viel der Fantasie überlassen. Er hat aus der FOMU-Sammlung funktionale Fotografien ausgewählt, die ohne künstlerische Ambitionen entstanden sind. In diesen atypischen Bildern hat er bestimmte Qualitäten und Gemeinsamkeiten mit seinem eigenen Werk erkannt.

Re-Fotografien und Experimente waren schon immer Teil von Braeckmans künstlerischer Praxis, auch wenn der Weg zum endgültigen Bild immer ein anderer ist. Für die FOMU-Ausstellung hat er zum ersten Mal mit einer bestehenden Fotosammlung gearbeitet. Braeckman fotografierte die ausgewählten Bilder und druckte sie aus. Anschließend übermalte er die Abzüge, verwischte sie oder schnitt Löcher hinein. Die Ergebnisse fotografierte er ab und bearbeitete sie in seiner analogen und digitalen Dunkelkammer weiter.

Die ursprüngliche Bedeutung der Fotografien wurde durch das Herausnehmen des Kontextes, die Veränderung des Formats und das Hinzufügen von Titeln verändert. Ein funktionales Dokument wird in ein Kunstwerk verwandelt, ein zeitloses visuelles Gedicht, das mehr Fragen aufwirft als es beantwortet.

Echtzeit" verweist auf Braeckmans Brückenschlag zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Gleichzeitig und in Echtzeit kommen drei Perspektiven zusammen: die des ursprünglichen Fotografen, die von Braeckman und die von uns, den Betrachtern.

Dirk Braeckman (BE, °1958) explore le médium de la photographie dans des images sombres et discrètes depuis plus de quarante ans. L'exposition "Echtzeit" présente un dialogue entre Braeckman et la collection de la FOMU. Elle montre les pièces du musée sélectionnées personnellement par l'artiste, ainsi que les nouvelles œuvres qu'elles ont inspirées. Braeckman s'approprie les pièces de la collection et le spectateur les découvre à travers l'appareil photo, les yeux et les mains de l'artiste.

Braeckman s'intéresse aux photographies présentant des imperfections, aux intérieurs vides, aux objets quotidiens, aux lieux évocateurs ou aux objets qui laissent une grande part à l'imagination. Il a choisi dans la collection FOMU des photographies fonctionnelles, réalisées sans ambition artistique. Il a reconnu dans ces images atypiques des qualités et des points communs avec son propre travail.

La rephotographie et l'expérimentation ont toujours fait partie de la pratique artistique de Braeckman, bien que la trajectoire vers l'image finale soit toujours différente. Pour l'exposition FOMU, il a travaillé pour la première fois avec une collection de photos existante. Braeckman a pris des photos des images choisies et les a imprimées. Il a ensuite repeint, barbouillé ou fait des trous dans les tirages. Il a photographié les résultats et les a traités dans sa chambre noire analogique et numérique.

La signification originale des photographies a été altérée par la suppression du contexte, le changement de format et l'ajout de titres. Un document fonctionnel est transformé en une œuvre d'art, un poème visuel intemporel qui soulève plus de questions qu'il n'apporte de réponses.

Echtzeit" fait référence au lien que Braeckman établit entre le passé et le présent. Simultanément et en temps réel, trois perspectives se rencontrent : celle du photographe original, celle de Braeckman et la nôtre, celle des spectateurs.

Dirk Braeckman (BE, 1958) ha esplorato il mezzo fotografico con immagini scure e sobrie per oltre quarant'anni. La mostra "Echtzeit" presenta un dialogo tra Braeckman e la collezione FOMU. Vengono presentati i pezzi del museo selezionati personalmente dall'artista, ma anche i nuovi lavori che li hanno ispirati. Braeckman si appropria dei pezzi della collezione e lo spettatore li vive attraverso la macchina fotografica, gli occhi e le mani dell'artista.

Braeckman è interessato alle fotografie con imperfezioni, agli interni vuoti, agli oggetti quotidiani, ai luoghi evocativi o agli oggetti che lasciano molto all'immaginazione. Ha scelto dalla collezione FOMU fotografie funzionali, realizzate senza ambizioni artistiche. In queste immagini atipiche ha riconosciuto alcune qualità e punti in comune con il proprio lavoro.

La rifotografia e la sperimentazione hanno sempre fatto parte della pratica artistica di Braeckman, anche se la traiettoria verso l'immagine finale è sempre diversa. Per la mostra FOMU ha lavorato per la prima volta con una collezione di foto già esistente. Braeckman ha fotografato le immagini scelte e le ha stampate. Poi ha sovradipinto, imbrattato o bucato le stampe. Ha fotografato i risultati e li ha elaborati ulteriormente nella sua camera oscura analogica e digitale.

Il significato originale delle fotografie è stato alterato attraverso la rimozione del contesto, il cambiamento di formato e l'aggiunta di titoli. Un documento funzionale viene trasformato in un'opera d'arte, un poema visivo senza tempo che solleva più domande che risposte.

Echtzeit" si riferisce al collegamento tra passato e presente operato da Braeckman. Simultaneamente e in tempo reale, si uniscono tre prospettive: quella del fotografo originale, quella di Braeckman e quella di noi spettatori.

Dirk Braeckman (BE, °1958) has explored the medium of photography in dark and understated images, for over forty years. The ‘Echtzeit’ exhibition presents a dialogue between Braeckman and the FOMU collection. It shows the museum pieces personally selected by the artist, and also the new work that these inspired. Braeckman appropriates the pieces from the collection and the viewer experiences them through the artist’s camera, eyes and hands.

Braeckman is interested in photographs with imperfections, in empty interiors, everyday objects, evocative places or objects that leave much to the imagination. He has chosen from the FOMU collection functional photographs, made without artistic ambition. He recognised certain qualities and commonalities with his own work in these atypical images.

Rephotography and experimentation have always formed part of Braeckman’s artistic practice, though the trajectory to the final image is always different. For the FOMU exhibition, he worked for the first time with an existing collection of photos. Braeckman took photos of the chosen images and printed them. He then over-painted, smeared or cut holes in the prints. He photographed the results and processed them further in his analogue and digital darkroom.

The original meaning of the photographs has been altered through the removal of context, the change in format and the addition of titles. A functional document is transformed into a piece of art, a timeless visual poem that raises more questions than it answers.

‘Echtzeit’ refers to Braeckman’s bridging of the past and present. Simultaneously and in real-time, three perspectives: of the original photographer, of Braeckman and of us, the viewers come together.

(Text: FOMU - Fotomuseum Antwerpen, Antwerpen)

Museum für Gestaltung | Zürich
12. April 2024– 5. Januar 2025

Oliviero Toscani: Fotografie und Provokation

Seine Bilder erregen Aufsehen, erschüttern und empören: Oliviero Toscani hat als Fotograf, Creative Director und Bildredaktor Geschichte geschrieben und die Werbekommunikation auf den Kopf gestellt. Berühmt wurde Toscani durch Kampagnen für das italienische Modehaus Benetton, die ebenso ikonisch wie umstritten sind. Nach seiner Ausbildung an der Zürcher Kunstgewerbeschule tauchte Toscani in New York in die «Street Photography» ein und wurde Teil der legendären Factory von Andy Warhol. In Europa etablierte er sich als Werbe- und Modefotograf, der die visuelle Provokation zu seinem Markenzeichen machte. Die Ausstellung umfasst Toscanis gesamtes Werk und gibt Anlass, gesellschaftliche Konventionen und aktuelle Themen wie Gender, Rassismus, Ethik und Ästhetik zu diskutieren.

Ses photographies font sensation, bouleversent et indignent : photographe, directeur créatif et rédacteur photo, Oliviero Toscani a écrit l’histoire et révolutionné la communication publicitaire. Il doit sa célébrité à ses campagnes pour la maison de mode italienne Benetton, qui sont tout aussi cultes que controversées. Après une formation à la Kunstgewerbeschule de Zurich (École d’arts appliqués), Toscani s’immerge dans la photographie de rue à New York et rejoint la légendaire Factory d’Andy Warhol. En Europe, il se fait un nom comme photographe de mode et de publicité. La provocation visuelle devient sa marque de fabrique. L’exposition, qui parcourt l’intégralité de l’œuvre de Toscani, donne l’occasion de discuter de conventions sociales et de sujets d’actualité, tels que le genre, le racisme, l’éthique et l’esthétique.

Le sue immagini suscitano scalpore, shock e indignazione: Oliviero Toscani ha fatto la storia come fotografo, direttore creativo e picture editor e ha stravolto la comunicazione pubblicitaria. Toscani è diventato famoso per le sue campagne per la casa di moda italiana Benetton, tanto iconiche quanto controverse. Dopo essersi formato alla Scuola di Arti Applicate di Zurigo, Toscani si è immerso nella fotografia di strada a New York ed è entrato a far parte della leggendaria Factory di Andy Warhol. In Europa si è affermato come fotografo pubblicitario e di moda che ha fatto della provocazione visiva il suo marchio di fabbrica. La mostra comprende l'intera opera di Toscani e offre l'opportunità di discutere le convenzioni sociali e le questioni attuali come il genere, il razzismo, l'etica e l'estetica.

His images are arresting, disturbing, outrageous. As a photographer, creative director, and image editor, Oliviero Toscani made history and revolutionized commercial communications. He first came to the public’s notice through his iconic and controversial campaigns for the Italian fashion brand Benetton. After training at the Kunstgewerbeschule Zürich, Toscani went first to New York, where he plunged into “street photography” and became part of Andy Warhol’s legendary “Factory.” Back in Europe, he established himself as a commercial and fashion photographer whose trademark was visual provocation. This exhibition covering Toscani’s entire oeuvre promises to prompt discussion of both social conventions and topical issues such as gender, racism, ethics, and aesthetics.

(Text: Museum für Gestaltung, Zürich)

Landesgalerie Niederösterreich | Krems
13. April 2024 – 16. Februar 2025

Elfriede Mejchar. Grenzgängerin der Fotografie

Elfriede Mejchar (1924-2020) gilt als Grande Dame der österreichischen Fotografie. Sie erfuhr erst im hohen Alter die gebührende öffentliche Anerkennung. Die große Jubiläumsausstellung würdigt die Künstlerin anlässlich ihres 100. Geburtstags.

Elfriede Mejchar war fast vierzig Jahre im Dienst des österreichischen Bundesdenkmalamtes tätig. Ihre Aufgabe lag in der fotografischen Dokumentation von Baudenkmälern und Kunstwerken. Neben dem reichen Fundus an Fotografien, die dem Anspruch und der Ästhetik des Dokumentarischen folgen, umfasst Mejchars Œuvre auch eine Vielzahl von reinen Atelierarbeiten, deren Motivik von Pflanzenstudien über skurrile Stillleben bis hin zu Collagen und Experimenten mit Sandwichtechnik reicht.

Mit 35 Werkgruppen präsentiert die Retrospektive das facettenreiche, zwischen Dokumentation und Inszenierung oszillierende Schaffen der Fotografin. Von sachlichen Architekturaufnahmen bis zu Mejchars experimentellen Arbeiten sie Einblick in das Lebenswerk der Künstlerin und stellt sie als Person und ihre Techniken in den Fokus.

Die Werke stammen fast zur Gänze aus den Landessammlungen Niederösterreich, die 2013 das Lebenswerk von Mejchar als Schenkung erhalten haben.

Kurator:innen: Alexandra Schantl, Edgar Lissel

Kooperation mit Wien und Salzburg

2024 widmen in Kooperation mit der Landesgalerie Niederösterreich auch das Wien Museum MUSA und das Museum der Moderne Salzburg der Fotografin Elfriede Mejchar Ausstellungen mit unterschiedlichen Schwerpunkten. In Zusammenarbeit der drei Museen erscheint ein Fotobuch, das die unterschiedlichen Facetten des Gesamtwerks von Elfriede Mejchar vorstellt.

Elfriede Mejchar (1924-2020) est considérée comme la grande dame de la photographie autrichienne. Ce n'est qu'à un âge avancé qu'elle a obtenu la reconnaissance publique qu'elle méritait. La grande exposition anniversaire rend hommage à l'artiste à l'occasion de son centième anniversaire.

Elfriede Mejchar a travaillé pendant près de quarante ans au service de l'Office fédéral autrichien des monuments historiques. Sa mission consistait à documenter par la photographie les monuments historiques et les œuvres d'art. Outre le riche fonds de photographies qui suivent l'exigence et l'esthétique du documentaire, l'œuvre de Mejchar comprend également un grand nombre de travaux purement d'atelier, dont les motifs vont des études de plantes aux collages et aux expériences avec la technique du sandwich, en passant par des natures mortes bizarres.

Avec 35 groupes d'œuvres, la rétrospective présente les multiples facettes de l'œuvre de la photographe, qui oscille entre documentation et mise en scène. Des photos d'architecture objectives aux travaux expérimentaux de Mejchar, elle donne un aperçu de l'œuvre de l'artiste et met l'accent sur la personne et ses techniques.

La quasi-totalité des œuvres provient des collections du Land de Basse-Autriche, qui ont reçu l'œuvre de Mejchar en donation en 2013.

Les commissaires d'exposition : Alexandra Schantl, Edgar Lissel

Coopération avec Vienne et Salzbourg

En 2024, le Wien Museum MUSA et le Museum der Moderne Salzburg consacreront, en coopération avec la Landesgalerie Niederösterreich, des expositions à la photographe Elfriede Mejchar, avec différents points forts. Un livre de photos présentant les différentes facettes de l'ensemble de l'œuvre d'Elfriede Mejchar est publié en collaboration entre les trois musées.

Elfriede Mejchar (1924-2020) è considerata la grande dama della fotografia austriaca. Ha ricevuto il riconoscimento pubblico che meritava solo in età avanzata. Questa grande mostra celebrativa rende omaggio all'artista in occasione del suo centesimo compleanno.

Elfriede Mejchar ha lavorato per l'Ufficio federale austriaco per i monumenti per quasi quarant'anni. Il suo compito era la documentazione fotografica di monumenti architettonici e opere d'arte. Oltre al ricco fondo di fotografie che seguono le esigenze e l'estetica del documentario, l'opera di Mejchar comprende anche un gran numero di lavori di puro studio i cui motivi spaziano da studi di piante e nature morte stravaganti a collage ed esperimenti con la tecnica del sandwich.

Con 35 gruppi di opere, la retrospettiva presenta l'opera poliedrica del fotografo, che oscilla tra documentazione e messa in scena. Dalle fotografie architettoniche concrete alle opere sperimentali di Mejchar, la mostra offre uno sguardo sul lavoro di una vita dell'artista e si concentra su di lei come persona e sulle sue tecniche.

Quasi tutte le opere provengono dalle Collezioni Provinciali della Bassa Austria, che hanno ricevuto in donazione l'opera di Mejchar nel 2013.

Curatori: Alexandra Schantl, Edgar Lissel

Cooperazione con Vienna e Salisburgo

Nel 2024, anche il Museo MUSA di Vienna e il Museum der Moderne di Salisburgo dedicheranno delle mostre alla fotografa Elfriede Mejchar in collaborazione con la Landesgalerie Niederösterreich. I tre musei collaborano alla pubblicazione di un libro fotografico che presenta le varie sfaccettature dell'opera di Elfriede Mejchar.

Elfriede Mejchar (1924-2020) is considered the grande dame of Austrian photography. She only received the public recognition she deserved in old age. This major anniversary exhibition honors the artist on the occasion of her 100th birthday.

Elfriede Mejchar worked for the Austrian Federal Monuments Office for almost forty years. Her task was the photographic documentation of architectural monuments and works of art. In addition to the rich fund of photographs that follow the demands and aesthetics of the documentary, Mejchar's oeuvre also includes a large number of pure studio works, whose motifs range from plant studies and whimsical still lifes to collages and experiments with the sandwich technique.

With 35 groups of works, the retrospective presents the photographer's multifaceted oeuvre, which oscillates between documentation and staging. From factual architectural photographs to Mejchar's experimental works, it provides an insight into the artist's life's work and focuses on her as a person and her techniques.

Almost all of the works come from the Provincial Collections of Lower Austria, which received Mejchar's life's work as a donation in 2013.

Curators: Alexandra Schantl, Edgar Lissel

Cooperation with Vienna and Salzburg

In 2024, the Vienna Museum MUSA and the Museum der Moderne Salzburg are also dedicating exhibitions to the photographer Elfriede Mejchar with different focal points in cooperation with the Landesgalerie Niederösterreich. The three museums are collaborating to publish a photo book that presents the various facets of Elfriede Mejchar's oeuvre.

(Text: Landesgalerie Niederösterreich, Krems)

Pavillon Le Corbusier | Zürich
3. Mai – 24. November 2024

Lucien Hervé: Gebautes Licht

Der Fotograf Lucien Hervé (1910–2007) vermittelt Architektur in Bildern. Seine Fotografien lassen Gebäude in meisterhaftem Gleichgewicht von Licht und Schatten neu aufleben. Hervés minimalistische Ansichten von bestimmten Details oder den Materialien eines Raums setzen die Ideen von Architekten kraftvoll in Szene und verdichten sie zu abstrakten Kompositionen. Le Corbusier war fasziniert von der einzigartigen Bildsprache Lucien Hervés und attestierte ihm eine «Architektenseele». Aus einem ersten Treffen 1949 entstand zwischen den beiden eine Zusammenarbeit, die über 15 Jahre andauerte. In der Ausstellung treffen Hervés Bilder von den Werken zahlreicher Baumeister auf das von ihm umfassend dokumentierte Œuvre von Le Corbusier.

Dans ses photographies, Lucien Hervé (1910-2007) communique l’architecture en images. L’équilibre magistral entre ombre et lumière donne une nouvelle vie aux bâtiments. Les vues minimalistes du photographe sur certains détails ou sur le matériau d’un espace mettent puissamment en scène les idées des architectes et les condensent en compositions abstraites. Le vocabulaire visuel unique de Lucien Hervé fascine Le Corbusier qui reconnaît en lui une « âme d’architecte ». Leur rencontre en 1949 débouche sur une collaboration de plus de 15 ans. Dans l’exposition, les photographies d’ouvrages de nombreux architectes prises par Hervé dialoguent avec l’œuvre de Le Corbusier, qu’il a largement documenté.

Il fotografo Lucien Hervé (1910-2007) trasmette l'architettura in immagini. Le sue fotografie danno vita agli edifici in un magistrale equilibrio di luci e ombre. Le vedute minimaliste di Hervé di dettagli specifici o dei materiali di una stanza sottolineano con forza le idee degli architetti e le condensano in composizioni astratte. Le Corbusier rimase affascinato dal linguaggio visivo unico di Lucien Hervé e lo definì "un'anima da architetto". Un primo incontro nel 1949 portò a una collaborazione tra i due che durò oltre 15 anni. Nella mostra, le immagini di Hervé che ritraggono le opere di numerosi maestri costruttori incontrano l'opera di Le Corbusier, da lui documentata in modo esaustivo.

The photographer Lucien Hervé (1910–2007) communicates the language of architectures through his captures. With their magisterial balance of shadows and light, his photographs bring buildings to new life. His minimalistic views of certain details or materials are visually powerful stagings of the architect’s ideas and translate them into abstract compositions. Le Corbusier was fascinated by this distinctive visual idiom and recognized the “architect’s soul” in Hervé. Their very first meeting in 1949 gave rise to a collaboration that was to last over 15 years. In this exhibition, Hervé’s images of the works of numerous master builders will be shown alongside the oeuvre of Le Corbusier.

(Text: Museum für Gestaltung, Zürich)

Thun-Panorama
11. Mai – 1. Dezember 2024

Ausser Sicht
Giacomo Santiago Rogado

Giacomo Santiago Rogado ist ein Schweizer Künstler mit italienisch-spanischen Wurzeln, der in seinen Arbeiten verschiedenste Traditionen des malerischen Mediums kombiniert und mithilfe neuer Werkzeuge, Techniken und Materialien intensiv die Möglichkeiten, Grenzen und Bedingungen zeitgenössischer Malerei auslotet. In seiner knapp 20-jährigen künstlerischen Tätigkeit als Maler hat Rogado ein umfangreiches Werk geschaffen, das bislang noch nie überblicksartig ausgestellt worden ist. Er ist ausserdem der erste Künstler, der beide Standorte, den Thunerhof und das Thun- Panorama, bespielt. Auf einer Fläche von insgesamt über 1000 m2 wird Rogado unmittelbar auf die spezifischen Herausforderungen der Ausstellungsorte reagieren. Im verglasten Ergänzungsbau des Thun-Panoramas arbeitet er mit dem Innen- wie auch mit dem Aussenraum, dem idyllischen Schadaupark. Eine raumgreifende Installation ermöglicht den Besuchenden ein Eintauchen in den Bildraum. Gleichzeitig erweitert sich das Werk im Dialog mit der Umgebung um eine weitere Dimension.

Kuratorin: Helen Hirsch, Direktorin Kunstmuseum Thun

Giacomo Santiago Rogado est un artiste suisse d'origine italo-espagnole qui combine dans son travail les traditions les plus diverses du médium pictural et explore intensément les possibilités, les limites et les conditions de la peinture contemporaine à l'aide de nouveaux outils, techniques et matériaux. En près de 20 ans d'activité artistique en tant que peintre, Rogado a créé une œuvre considérable qui n'a encore jamais été exposée de manière globale. Il est en outre le premier artiste à investir les deux sites, le Thunerhof et le Thun- Panorama. Sur une surface totale de plus de 1000 m2, Rogado réagira directement aux défis spécifiques des lieux d'exposition. Dans le bâtiment complémentaire vitré du panorama de Thoune, il travaille aussi bien avec l'espace intérieur qu'avec l'espace extérieur, le parc idyllique de Schadau. Une installation qui occupe tout l'espace permet aux visiteurs de s'immerger dans l'espace pictural. En même temps, l'œuvre s'élargit d'une autre dimension en dialoguant avec l'environnement.

Curatrice : Helen Hirsch, directrice du Kunstmuseum Thun

Giacomo Santiago Rogado è un artista svizzero con radici italo-spagnole che combina nelle sue opere le più diverse tradizioni del mezzo pittorico e utilizza nuovi strumenti, tecniche e materiali per esplorare intensamente le possibilità, i limiti e le condizioni della pittura contemporanea. Nei suoi quasi 20 anni di attività artistica come pittore, Rogado ha creato un ampio corpus di opere che non sono mai state esposte in una rassegna. È inoltre il primo artista a esporre in entrambe le sedi, il Thunerhof e il Thun Panorama. Su una superficie complessiva di oltre 1000 m2, Rogado risponderà direttamente alle sfide specifiche delle sedi espositive. Nell'estensione vetrata del Thun Panorama, Rogado lavorerà sia con lo spazio interno che con quello esterno, l'idilliaco Schadaupark. Un'ampia installazione permette ai visitatori di immergersi nello spazio pittorico. Allo stesso tempo, l'opera si espande in un'altra dimensione in dialogo con l'ambiente circostante.

Curatore: Helen Hirsch, Direttore del Kunstmuseum Thun

Giacomo Santiago Rogado is a Swiss artist with Italian-Spanish roots who combines the most diverse traditions of the painterly medium in his works and intensively explores the possibilities, limits and conditions of contemporary painting with the help of new tools, techniques and materials. In his almost 20 years of artistic activity as a painter, Rogado has created an extensive body of work that has never before been exhibited in an overview. He is also the first artist to exhibit at both locations, the Thunerhof and the Thun Panorama. On a total area of over 1000 m2, Rogado will respond directly to the specific challenges of the exhibition venues. In the glazed extension to the Thun Panorama, he works with both the interior and exterior space, the idyllic Schadaupark. An expansive installation allows visitors to immerse themselves in the pictorial space. At the same time, the work expands into another dimension in dialog with its surroundings.

Curator: Helen Hirsch, Director Kunstmuseum Thun

(Text: Kunstmuseum Thun)

Maison Caillebotte | Yerres
23. Mai – 17. November 2024

PRÉSENCES - Trésors photographiques de la collection Gilman et Gonzalez-Falla

Die Ausstellung "Présences" bietet den Besuchern des Maison Caillebotte 140 Meisterwerke der Fotografie aus der berühmten Sammlung Gilman und Gonzalez-Falla. Diese Sammlung zwingt zur Bescheidenheit.

Sie wurde vor fast einem halben Jahrhundert von Sondra Gilman ins Leben gerufen, nachdem sie bei einer vom Museum of Modern Art in New York organisierten Auktion drei Fotos von Eugène Atget entdeckt und gekauft hatte - eine Offenbarung für die Sammlerin, eine "Epiphanie", wie sie sagte!

Ab den 1980er Jahren konzentrierten Sondra und Celso ihre Sammlung auf Künstler der zeitgenössischen Szene.

Es ist eine anspruchsvolle Sammlung, was die Auswahl der Werke betrifft: Sie legen Wert auf die Kraft der Fotografien und nicht auf das Renommee der Künstler, obwohl die jungen Talente, die sie entdeckten, heute zu den wichtigsten Künstlern ihrer Generation geworden sind und die Sammlung die größten Namen des 19. und 20.

Eine Sammlung, die hohe Ansprüche an die Qualität der Werke stellt, da sie sich sowohl für analoge als auch für digitale Fotografien interessiert und nur Vintage-Abzüge kauft. Dieser Begriff, der einen Abzug definiert, der vom Autor zum Zeitpunkt der Aufnahme oder innerhalb von fünf Jahren hergestellt wurde, stellt den wichtigsten Aspekt des historischen Wertes eines Werkes dar, die Gewissheit der Verbindung zwischen dem Autor und dem fotografischen Objekt.

Heute können wir durch die Zusammenführung dieser Schätze erkennen, wie unterschiedlich ein und dasselbe Bild je nach Auflage sein kann und wie die vom Künstler getroffene Auswahl dem Foto seine eigene Handschrift, seinen eigenen Stil verleiht.

Sie treffen ihre Entscheidungen immer zu zweit, gemeinsam und mit einem Vetorecht (das jedoch nie ausgeübt wird!).

L’exposition « Présences » offre aux visiteurs de la Maison Caillebotte 140 chefs-d’oeuvre de la photographie de la célèbre collection Gilman et Gonzalez-Falla. Cette collection force à l’humilité.

Comptant près de 1500 photographies, c’est l’une des plus belles au monde, reconnue comme telle et initiée il y a près d’un demi-siècle par Sondra Gilman après qu’elle a découvert puis acheté, lors d’une vente organisée par le Museum of Modern Art de New York, trois photos d’Eugène Atget, une révélation pour la collectionneuse, une « épiphanie » confiait-elle !

À partir des années 1980, Sondra et Celso recentrent leur collection sur les artistes de la scène contemporaine.

C’est une collection exigeante quant au choix des oeuvres : ils privilégient la puissance des photographies et non la renommée des artistes alors même que les jeunes talents découverts sont devenus aujourd’hui les artistes majeurs de leur génération et que la collection rassemble les plus grands noms des XIXe et XXe siècles.

Une collection exigeante quant à la qualité des oeuvres car ils s’intéressent autant aux photographies réalisées à la chambre analogique qu’aux tirages numériques, ils n’achètent que des épreuves d’époque (vintage). Ce terme, qui définit un tirage réalisé par l’auteur au moment de la prise de vue ou dans les cinq ans, représente l’aspect le plus important dans la valeur historique de l’oeuvre, la certitude du lien entre l’auteur et l’objet photographique.

Aujourd’hui, la réunion de ces trésors nous permet d’apprécier combien, pour une même image, la photo peut être différente en fonction du tirage et comment le choix réalisé par l’artiste lui donne sa propre signature, son propre style.

Une collection exigeante enfin par leur manière de procéder : ils prennent eux-mêmes leurs décisions sans s’adjoindre de conseils, ils font toujours leur choix à deux, de concert et avec droit de veto (pourtant jamais exercé !).

I visitatori della Maison Caillebotte potranno ammirare 140 capolavori della fotografia provenienti dalla celebre collezione Gilman e Gonzalez-Falla. Si tratta di una collezione umiliante.

Con quasi 1.500 fotografie, è una delle più belle al mondo, riconosciuta come tale e iniziata quasi mezzo secolo fa da Sondra Gilman dopo aver scoperto e poi acquistato tre fotografie di Eugène Atget a una vendita organizzata dal Museo d'Arte Moderna di New York - una rivelazione per la collezionista, un'"epifania", come disse lei stessa!

A partire dagli anni Ottanta, Sondra e Celso concentrarono la loro collezione sugli artisti contemporanei.

Si trattava di una collezione impegnativa in termini di scelta delle opere: si concentravano sulla potenza delle fotografie piuttosto che sulla reputazione degli artisti, anche se i giovani talenti che avevano scoperto erano diventati i principali artisti della loro generazione, e la collezione comprendeva i più grandi nomi del XIX e XX secolo.

La collezione è esigente in termini di qualità delle opere, poiché è interessata sia alle fotografie analogiche che a quelle digitali e acquista solo stampe vintage. Questo termine, che definisce una stampa realizzata dal fotografo al momento dello scatto o negli ultimi cinque anni, rappresenta l'aspetto più importante del valore storico dell'opera, la certezza del legame tra il fotografo e l'oggetto fotografico.

Riunire oggi questi tesori ci permette di apprezzare quanto una stessa immagine possa essere diversa a seconda della stampa, e come la scelta fatta dall'artista le conferisca una propria firma, un proprio stile.

Si tratta di una collezione impegnativa anche per il modo in cui si muovono gli artisti: prendono le loro decisioni senza consultare nessun altro e le fanno sempre insieme, con il diritto di veto (anche se non viene mai esercitato!).

Visitors to the Maison Caillebotte will be treated to 140 masterpieces of photography from the renowned Gilman and Gonzalez-Falla collection. This is a humbling collection.

Comprising some 1,500 photographs, it is one of the finest in the world, recognized as such and initiated nearly half a century ago by Sondra Gilman, after she discovered and bought three photographs by Eugène Atget at a sale organized by the Museum of Modern Art in New York - a revelation for the collector, an "epiphany" she confided!

From the 1980s onwards, Sondra and Celso refocused their collection on contemporary artists.

It's a demanding collection in terms of the choice of works: they prioritize the power of the photographs rather than the renown of the artists, even though the young talents they discovered have today become the major artists of their generation, and the collection brings together the greatest names of the 19th and 20th centuries.

A demanding collection in terms of the quality of the works, since they are just as interested in photographs made using analog cameras as they are in digital prints, they only buy vintage prints. This term, which defines a print made by the author at the time of shooting or within five years, represents the most important aspect of the work's historical value, the certainty of the link between the author and the photographic object.

Today, the reunion of these treasures enables us to appreciate just how different the same image can be, depending on the print, and how the artist's choice gives it its own signature, its own style.

A demanding collection, finally, because of the way they proceed: they make their own decisions, without consulting anyone else; they always make their choices together, with the right of veto (though never exercised!).

(Text: Maison Caillebotte, Yerres)

Bally Foundation | Lugano
29. Mai 2024 – 12. Januar 2025

Arcadia

Yto Barrada, Vanessa Beecroft, Amélie Bertrand, Julius von Bismarck, Zuzanna Czebatul, Raphaël Emine, Hermann Hesse, Ittah Yoda, Mehdi-Georges Lahlou, Lisa Lurati, Marta Margnetti, Lou Masduraud, Adrien Missika, Gabriel Moraes Aquino, Amy O’Neill, Maxime Rossi, Mario Schifano, Julia Steiner, Batia Suter

Arcadia ist in der kollektiven Vorstellung ebenjene idyllische Region in Griechenland, die unter anderem von Vergil in seiner Bucolica im Jahr 40 v. Chr. als ein Ort der Ruhe, den Freuden der Natur und des Gesangs verewigt wurde. Die Berge, die blühende Natur, das Mikroklima und die Lebensqualität haben diesen Ort in ein Synonym für ein ideales Leben verwandelt, in dem die Pracht und Harmonie einer reichen Natur die Intimität und Poesie des Gartens im Maßstab der gesamten Landschaft eröffnen.

Die Ausstellung «Arcadia» verwendet als Basis die Nachbildung des Gebiets der schweizerisch-italienischen Region Tessin aus dem vergangenen Jahrhundert und erforscht diverse Ansätze, die ein Glücksstreben verfolgen welches die Verbindung und die Entfaltung in der Natur einbezieht.

Mit der Demokratisierung des Autos in den 1930er Jahren wurde das Tessin durch die Gotthardstraße schneller und direkter mit der Deutschschweiz verbunden und erhielt den Beinamen «Sonnenstube». Diese sonnige und gastfreundliche Region wurde zum Anziehungspunkt für Künstler und Berühmtheiten, während exotische Gärten en vouge waren. Von Morcote über Montagnola bis hin zu Lugano, vom Park der Villa Heleneum und den Gärten von Persönlichkeiten wie Hermann Hesse oder bedeutender Kunstsammlern wie Hermann Arthur Scherrer oder Peter Smithers, dem früheren MI6-Agenten, entwickelten sich die Ziergärten in exotische Oasen, die Reiseandenken und Romantik zusammenführen.

Die Gestaltung dieser Grünanlagen, die oft mit exotischen Pflanzen bestückt sind, führt zu einem Transformationsprozess, der über den Rahmen des privaten Gartens sprengt und eine mediterrane Ader entlang der Seeufer der Region schafft. Ein Segment des präalpinen Raums wandelt sich nach und nach zu einer Art «Riviera», wo die Grenzen zwischen dem privaten Grün und der weitläufigen Landschaft verschwimmen: Die fremdländische Flora der Gärten bestehend aus chinesische Mandarinenbäumen, japanische Palmen, zentralamerikanische Cycas revoluta, australischen Eukalypten oder seltenen Glyzinien und weitere Arten breiten sich bis zum Horizont. Wie der waadtländische Botaniker Henry Correvon, ein Pionier der alpinen Flora, zu Beginn des 20. Jahrhunderts schrieb: «Im Tessin nimmt die Vegetation so mannigfaltige, so üppige Formen an, dass sie allerorts Bewunderung erregt. Es ist schon Italien und doch stets die Schweiz [...]. Es ist unsere «Riviera», unser «Midi», wie friedvoll und pittoresk!1» Diese Gestaltungen beinhalten oft künstliche Ruinen, Kolonnaden entlang der Seen, Nachbildungen antiker Skulpturen oder sogar nachgestellte Höhlen und verleihen diesen Gartenlandschaften eine bemerkenswerte malerische Dimension. Es ist durch diese Kombination von Elementen, dass eine erzählerische Geographie entsteht, die das Bild eines idyllischen Südens verkörpert, mit der Palme als ikonischem Symbol. Vom Exotismus bis zur Ästhetik des Verfalls, von den Tessiner Palmen bis zu den in den 1930er Jahren eingeführten kalifornischen Exemplaren, die Südkalifornien in ein «mediterranes Küstengebiet Amerikas» nach dem Vorbild der französischen Riviera umgestalten2 – die kollektive Ausstellung «Arcadia» hinterfragt, wie zeitgenössische Künstler neue Architekturen und emotionale Ökosysteme gestalten und ins Leben rufen. Wie sie, indem sie mit den Grenzen zwischen Natur und Künstlichkeit, Fiktion und Wirklichkeit verwischen, die Utopie eines fiktiven und zeitlosen Erbes erschaffen?

L’Arcadie représente dans l’imaginaire collectif cette région idyllique située en Grèce, décrite entre autres, par Virgile dans ses Bucoliques en 40 av. J.C. comme un lieu de quiétude, consacrée aux plaisirs de la nature et du chant. Les montagnes, la nature prospère, le microclimat et la douceur de vivre ont transformé le lieu en un synonyme d’idéal de vie, où la splendeur et l’harmonie d’une nature abondante ouvrent l’intimité et la poésie du jardin à l’échelle du paysage tout entier.

L’exposition «Arcadia» prend pour point de départ le modelage du territoire de la région suisseitalienne du Tessin au cours du siècle dernier, explorant différents axes visant un idéal de bonheur qui intègre et développe le rapport à la nature.

Avec la démocratisation de l’automobile dans les années 1930, le Tessin est enfin connecté de manière plus directe et rapide à la Suisse allemande par la route du Gothard, recevant le surnom de «Sonnenstube», la place au soleil. Cette région ensoleillée et accueillante attire désormais artistes et personnalités à l’époque où les jardins exotiques deviennent à la mode. De Morcote à Montagnola en passant par Lugano, du parc de la Villa Heleneum à ceux d’écrivains comme Hermann Hesse ou de grands collectionneurs d’art comme Hermann Arthur Scherrer ou encore de Peter Smithers, ancien agent secret du MI6, les jardins d’agrément se métamorphosent en oasis exotiques, mêlant souvenirs de voyage et romantisme.

Le façonnage de ces espaces verts, souvent peuplés de plantes tropicales, engendre un processus de transformation qui dépasse le cadre du jardin privé, générant une sorte de ruban méditerranéen le long des rivages des lacs de la région. Une portion de l’espace préalpin devient peu à peu une sorte de «Riviera», où les frontières entre le jardin privé et le paysage lointain disparaissent : la flore exotique des jardins accueillant mandariniers de Chine, palmiers du Japon, Cycas revoluta d’Amérique centrale, eucalyptus d’Australie ou encore des glycines rares et autres espèces, s’étend à perte de vue. Comme l’écrit au début du XXe siècle le botaniste suisse Henry Correvon, grand spécialiste de la flore alpine, «dans le Tessin la végétation y revêt des formes si variées, si multiples, elle y est d’une exubérance si extraordinaire qu’elle nous arrache partout des cris d’admiration. C’est déjà l’Italie et pourtant encore la Suisse […]. C’est notre “Riviera”, notre Midi à nous, et combien paisible et plus pittoresque!1» Ces aménagements intègrent souvent des faux vestiges, des colonnades le long des lacs, des reproductions de sculptures antiques ou encore des grottes artificielles, conférant à ces jardins-paysages une dimension pittoresque remarquable. C’est à travers cette juxtaposition d’éléments que se dessine une géographie narrative incarnant l’image d’un Sud idyllique, dont le palmier devient l’emblème. De l’exotisme à l’esthétique de la ruine, des palmiers tessinois aux palmiers californiens importés dans les années 1930 pour transformer le sud de la Californie en «littoral méditerranéen de l’Amérique» inspiré de la French Riviera2 - l’exposition collective «Arcadia» interroge la manière dont les artistes contemporains composent et font émerger de nouvelles architectures, des écosystèmes émotionnels. Comment ces derniers, jouant des frontières entre nature et artifice, chimère et réalité, construisent l’utopie d’un patrimoine fictif et immémorial.

L‘Arcadia rappresenta nell‘immaginario collettivo quella regione idilliaca situata in Grecia, descritta, tra gli altri, da Virgilio nelle Bucoliche del 40 a.C. come un luogo di quiete, dedito ai piaceri della natura e del canto. Le montagne, la natura rigogliosa, il microclima e la dolcezza della vita hanno trasformato il luogo in un sinonimo di ideale di vita, dove lo splendore e l‘armonia di una natura abbondante estendono l‘intimità e la poesia del giardino all‘intero paesaggio.

La mostra “Arcadia” prende come punto di partenza la modellazione del territorio della regione svizzero-italiana del Ticino nel corso del secolo scorso, esplorando diversi approcci, mirando a un ideale di felicità che integra e sviluppa il rapporto con la natura.

Con la democratizzazione dell‘automobile negli anni‚ 30, il Ticino è finalmente collegato in modo più diretto e veloce alla Svizzera tedesca attraverso la strada del San Gottardo, ricevendo il soprannome di “Sonnenstube”, il posto al sole. Questa regione soleggiata e accogliente attira allora artisti e personalità nel momento in cui i giardini esotici diventano di moda. Da Morcote a Montagnola passando per Lugano, dal parco della Villa Heleneum a quelli di scrittori come Hermann Hesse o grandi collezionisti d‘arte come Hermann Arthur Scherrer, o ancora dell’ex-agente segreto del MI6, Peter Smithers, i giardini ornamentali si trasformano in oasi esotiche, mescolando ricordi di viaggio e romanticismo.

La creazione di questi spazi verdi, spesso popolati da piante tropicali, genera un processo di trasformazione che va oltre il contesto del giardino privato, creando una sorta di nastro mediterraneo lungo le rive dei laghi della regione. Una porzione dello spazio prealpino diventa pian piano una sorta di “Riviera francese”, dove i confini tra giardino privato e paesaggio lontano svaniscono: la flora esotica dei giardini, che comprende alberi di mandarino cinese, palme del Giappone, cycas revoluta dell’America centrale, eucalipti dell‘Australia e rare glicini e altre specie, si estende a perdita d’occhio. Come scriveva all‘inizio del XX secolo il botanico svizzero Henry Correvon, grande esperto della flora alpina, „Nel Ticino la vegetazione assume forme così varie e molteplici, ed è così straordinariamente esuberante da suscitare ovunque grida di ammirazione. È già Italia eppure è ancora Svizzera [...]. È la nostra “Riviera”, il nostro “Midi”, ma molto più tranquillo e pittoresco!1” Queste composizioni vegetali integrano spesso finti ruderi, colonnati lungo i laghi, riproduzioni di sculture antiche o anche grotte artificiali, conferendo al giardino paesaggistico una notevole dimensione pittoresca. È attraverso questa giustapposizione di elementi che si delinea una geografia narrativa che incarna l’immagine di un Sud idilliaco, di cui la palma diventa l’emblema. Dall’esotismo all’estetica del rudere, dalle palme ticinesi alle palme californiane importate negli anni ‘30 per trasformare il sud della California in «litorale mediterraneo dell’America» ispirato alla French Riviera-2 la mostra collettiva “Arcadia” interroga il modo in cui gli artisti contemporanei compongono e fanno emergere nuove architetture, ecosistemi emotivi. Giocando con i confini tra natura e artificio, chimera e realtà, essi costruiscono l’utopia di un patrimonio immaginario e immemore.

In our collective imagination, Arcadia represents that idyllic region located in Greece, described, among others, by Virgil in his Bucolics in 40 B.C. as a place of tranquility, devoted to the pleasures of nature and song. The mountains, the flourishing nature, the microclimate, and the sweetness of life have transformed the place into a synonym for an ideal life, where the splendour and harmony of abundant nature open the intimacy and poetry of the garden to the entire landscape.

The «Arcadia» exhibition takes as its starting point the shaping of the territory of the Swiss-Italian region of Ticino over the past century, exploring different axes aiming at an ideal of happiness that embraces and develops the relationship with nature.

With the democratization of the automobile in the 1930s, Ticino is finally connected more directly and quickly to German-speaking Switzerland by the Gotthard Road, thereby acquiring the nickname «Sonnenstube,» the sunspot. This sunny and welcoming region became attractive to artists and celebrities at a time when exotic gardens are becoming fashionable. From Morcote to Montagnola via Lugano, from the park of Villa Heleneum to those of writers like Hermann Hesse or great art collectors like Hermann Arthur Sherrer or even Peter Smithers, former MI6 secret agent, pleasure gardens are transformed into exotic oases, combining memories of travel and romanticism.

The shaping of these green spaces, often populated with tropical plants, engenders a transforming process that goes beyond the scope of the private garden, creating a sort of Mediterranean ribbon along the shores of the region’s lakes. A portion of the pre-Alpine space gradually becomes a kind of «French Riviera,» where the boundaries between the private garden and the distant landscape disappear: the exotic flora of the gardens welcoming mandarin trees from China, palm trees from Japan, Cycas revoluta from Central America, eucalyptus from Australia, or rare wisterias and other species, extends as far as the eye can see. As the Swiss botanist and great specialist in alpine flora, Henry Correvon, wrote at the beginning of the 20th century, «in Ticino the vegetation takes on forms so varied, so multiple, it is of such extraordinary exuberance that it elicits admiration everywhere. It is already Italy and yet still Switzerland [...]. It is our ‘Riviera’, our “Midi”, and how peaceful and more picturesque!1 ” These arrangements often include fake ruins, colonnades along the lakes, reproductions of ancient sculptures or even artificial grottos, giving these garden landscapes a remarkable picturesque dimension. It is through this juxtaposition of elements that a narrative geography emerges, embodying the image of an idyllic South, with the palm tree becoming the emblem. From exoticism to the aesthetics of ruin, from Ticino palm trees to Californian ones imported in the 1930s to transform the region into the «Mediterranean coastline of America» inspired by the French Riviera2 - the collective exhibition «Arcadia» questions how contemporary artists compose and bring forth new architectures and emotional ecosystems. Playing with the boundaries between nature and artifice, chimera and reality, they create the utopia of a fictional and immemorial heritage.

(Text: Bally Foundation, Lugano)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
1. Juni 2024 – 26. Januar 2025

Paare / Couples

Paare sind allgegenwärtig in der Fotografie. Zwei Personen stellen sich auf, schauen in die Kamera, nehmen eine bestimmte Haltung ein und kontrollieren ihre Mimik. Indem sie sich so fotografieren lassen, geben sie zu erkennen, wie sie als Paar wahrgenommen werden möchten. Spannender als diese idealisierenden Bilder sind Aufnahmen, in denen Paare nicht in die Kamera blicken. Sie scheinen ganz bei sich, auf eigenartige Weise entrückt: spielend und werbend, verliebt und berauscht, verzweifelt und haltsuchend. Ob sie einverstanden sind, fotografiert zu werden, ist nicht mehr so klar. Solche Aufnahmen sind entweder heimlich gemacht, oder der Mensch hinter der Kamera ist dem Paar derart vertraut, dass es ihn wie selbstverständlich gewähren lässt.

2015 begann der Filmemacher Iwan Schumacher, Fotografien von Paaren zu sammeln, die nicht in die Kamera schauen. Peter Pfrunder, Direktor der Fotostiftung Schweiz, plante  seit langem eine Ausstellung mit Paar-Bildern aus den Archiven und Sammlungen der Fotostiftung. Gemeinsam entwickelten sie das Projekt Paare /Couples . Es vereint unterschiedlichste Aufnahmen, in denen etwas zwischen zwei Menschen geschieht. Jedes einzelne Bild ist ein Ausschnitt aus einer Geschichte, die immer rätselhaft bleibt und zu Spekulationen oder Projektionen verführt. Die Ausstellung ist eine spielerische, assoziative Präsentation, bei der sich die vielen Momentaufnahmen zu einer neuen Geschichte zusammenfügen.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation in Zusammenarbeit mit Edition Patrick Frey.

Les couples sont omniprésents dans la photographie. Deux personnes se mettent en place, regardent l’appareil photo, adoptent une certaine posture et contrôlent leurs expressions faciales. En se laissant photographier ainsi, ils indiquent comment ils souhaitent être perçus en tant que couple. Bien plus captivantes que ces images presque toujours idéalisées sont les photos dans lesquelles les couples ne regardent pas directement l’appareil. Ils semblent être tout à fait eux-mêmes, étrangement détachés : en train de jouer et de se faire la cour, amoureux et enivrés, désespérés et cherchant à s’accrocher. On ne sait plus très bien s’ils sont d’accord pour être photographiés. De telles clichés sont soit pris en cachette, soit la personne derrière l’appareil photo est si familière au couple qu’une autorisation à être photographié se fait tout naturellement.

En 2015, le cinéaste Iwan Schumacher a commencé à rassembler des photographies de couples qui ne regardent pas la caméra. Peter Pfrunder, directeur de la Fotostiftung Schweiz, planifiait depuis longtemps une exposition d’images de couples issues des archives et des collections de l’institution. Ensemble, ils ont développé le projet Couples. Il réunit des photos très différentes dans lesquelles il se passe quelque chose entre deux personnes. Chaque image est un extrait d’une histoire qui reste toujours mystérieuse et qui incite à la spéculation ou à la projection. Cette exposition est une présentation ludique et associative dans laquelle les nombreux instantanés s’assemblent pour former une nouvelle histoire.

L’exposition est accompagnée d’une publication en collaboration avec les Éditions Patrick Frey.

In fotografia le coppie sono onnipresenti. Due persone si mettono in posa, guardano verso l’obiettivo, assumono un determinato atteggiamento e controllano la mimica. Facendosi fotografare in questo modo, permettono di capire come vogliono essere considerate in quanto coppia. Più interessanti di queste immagini quasi sempre idealizzate, sono gli scatti in cui le coppie non guardano direttamente verso l’obiettivo. Qui, sembrano essere sé stesse e stranamente distanti: giocose e impegnate a corteggiarsi, innamorate ed ebbre, disperate e smarrite. Se siano d’accordo sul fatto di essere fotografate non è più molto chiaro. Queste immagini vengono scattate o di nascosto oppure quando la coppia conosce così bene la persona dietro all’obiettivo da concederle implicitamente il permesso di fotografare.

Nel 2015 il regista Iwan Schumacher iniziò a collezionare fotografie di coppie distolte dall’obiettivo. Da molto tempo Peter Pfrunder, direttore della Fotostiftung Schweiz progettava una mostra con immagini di coppie tratte dagli archivi e dalle collezioni della Fotostiftung. Assieme hanno quindi sviluppato il progetto dal titolo «Coppie», che riunisce una varietà di immagini in cui avviene qualcosa tra due persone. Ogni singola immagine è uno spezzone tratto da una storia che rimane sempre enigmatica e invita a fare supposizioni o proiezioni. La mostra è una presentazione ludica fatta di associazioni, nella quale gli scorci istantanei diventano una nuova storia.

Ad accompagnare la mostra uscirà una pubblicazione realizzata in collaborazione con Edition Patrick Frey.

Couples are omnipresent in photography. Two people arrange themselves, look into the camera, adopt a certain pose and control their facial expressions. By having themselves photographed in this way, they reveal how they wish to be perceived as a couple. Compared to these idealised images, photographs in which couples do not look into the camera are more fascinating. Here, the couples seem to be genuinely themselves, and strangely detached: playing and courting, enamoured and besotted, desperate and clinging. Whether they consent to being photographed is no longer clear. Such photographs are either taken secretly, or the couple is so well acquainted with the person behind the camera that they allow him or her to photograph them as a matter of course.

In 2015, filmmaker Iwan Schumacher began collecting photographs of couples who are not looking into the camera. Peter Pfrunder, director of Fotostiftung Schweiz, had long been planning an exhibition of couple pictures from the institution’s archives and collections. Together, they developed the project Paare /Couples . It brings together a very wide variety of photographs, in which something happens between two people. Each individual image is an excerpt from a story that always remains enigmatic and leads to speculation or projection. This exhibition is a playful associative presentation, in which the single moments combine to form a new narrative.

In cooperation with Edition Patrick Frey, a publication is being released to accompany the exhibition.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Helmut Newton Stiftung | Berlin
7. Juni 2024 – 16. Februar 2025

Berlin, Berlin - 20 Jahre Helmut Newton Stiftung

Helmut Newton, Yva, Jewgeni Chaldej, Hein Gorny, Arwed Messmer / Fritz Tiedemann, Will McBride, Arno Fischer, Arwed Messmer / Annett Gröschner, Wim Wenders, F.C. Gundlach, Günter Zint, Maria Sewcz, Michael Schmidt, Thomas Florschuetz, Ulrich Wüst, Barbara Klemm, Harf Zimmermann

Mit der Gruppenausstellung „Berlin, Berlin“ feiert die Helmut Newton Stiftung im Juni 2024 ihr 20jähriges Jubiläum; zugleich ist es eine Hommage an Newtons Geburtsstadt. Im Herbst 2003 hatte sich der Fotograf entschieden, Teile seines Archivs nach Berlin zu überführen, nachdem er die nach ihm benannte Stiftung gegründet hatte, die im ehemaligen Landwehrkasino am Bahnhof Zoologischer Garten untergebracht und im Juni 2004 eröffnet wurde. Von jenem Bahnhof verließ Helmut Neustädter, als Jude ständig von der Deportation bedroht, Anfang Dezember 1938 überstürzt Berlin und kehrte 65 Jahre später als weltberühmter Fotograf Helmut Newton zurück. Seitdem bespielt die Helmut Newton Stiftung gemeinsam mit der Kunstbibliothek das historische Gebäude unter dem Namen „Museum für Fotografie“. Nach dem Tod von June Newton (alias Alice Springs) im April 2021 ist das Gesamtwerk von Helmut Newton und Alice Springs sowie alle Archivalien im Stiftungsarchiv untergebracht.

Helmut Newton absolvierte von 1936 bis 1938 in Berlin-Charlottenburg eine Ausbildung bei der legendären Fotografin Yva, der er in seinem späteren Werk in den drei Genres Mode, Porträt und Akt folgte. Nach Stationen in Singapur und Melbourne begann Newtons eigentliche Karriere in Paris Anfang der 1960er-Jahre; in dieser Zeit kehrte er auch regelmäßig nach Berlin zurück, um hier insbesondere für Modemagazine zu fotografieren, darunter für die Constanze, für Adam oder die Vogue Europe. Wir begegnen in der Ausstellung Newtons Modellen am Brandenburger Tor, noch vor dem Mauerbau, und 1963 realisierte er rund um die Berliner Mauer eine „Mata-Hari-Spionage-Story“ mit Brigitte Schilling als Modebildstrecke, die für einiges Aufsehen sorgte. 1979 wurde er von der deutschen Vogue beauftragt, die gerade wieder auf den Zeitschriftenmarkt zurückkehrte, den Spuren seiner Kindheit und Jugend in West-Berlin zu folgen und aktuelle Mode zu visualisieren; so entstand damals ein mehrseitiges Portfolio unter dem Titel „Berlin, Berlin!“, der für diese Jubiläumsausstellung übernommen wurde. Später entstanden Cover-Stories für das Condé Nast Traveler Magazin (1987), das Zeit-Magazin (1990), die Männer Vogue (1991) oder das Magazin der Süddeutschen Zeitung (2001).

Newtons ikonische und unbekanntere Berlin-Bilder, die zwischen den 1930er und Nullerjahren entstanden, werden in den anderen Ausstellungsräumen neu kontextualisiert, von vintage prints von Yva bis hin zur journalistisch-politischen Fotografie von Barbara Klemm. So wird der inhaltliche Bogen von den „goldenen Zwanzigern“, in die Newton hineingeboren wurde, über die Kriegszerstörung, den Wiederaufbau, den Mauerbau und -fall bis ins frühe 21. Jahrhundert geschlagen.

Jewgeni Chaldei, ein russisch-ukrainischer Fotograf, schuf ikonische Bilder vom Häuserkampf rund um den Reichstag in den letzten Kriegswochen im Frühjahr 1945, während Hein Gorny im folgenden Herbst gemeinsam mit Adolph C. Byers über die Stadt flog und ihren ruinösen Zustand nach Kriegsende in einer Serie spektakulärer Luftaufnahmen dokumentierte. In den späten 1950er-Jahren normalisierte sich langsam die lange Zeit so prekäre Situation in Berlin, wie wir anhand der Aufnahmen von Arno Fischer, Will McBride und F.C. Gundlach sehen können, die seinerzeit noch abwechselnd im Ost- und im Westteil der Stadt fotografieren konnten. Der Mauerbau im August 1961 veränderte erneut nahezu alles, im Westteil begannen ab 1966 die Studentenunruhen und die APO-Zeit, festgehalten unter anderem von Günter Zint sowie in einer Archivarbeit von Arwed Messmer, zusammengestellt aus historischen Aufnahmen der West-Berliner Polizei und durch die künstlerische Aneignung neu erlebbar. Messmer interpretierte kongenial auch die Fotografien von Fritz Tiedemann neu, der ab 1949 im Auftrag des Ost-Berliner Magistrats die noch teilweise in Trümmern darniederliegende Stadt systematisch dokumentierte. Die Bildfolgen bestimmter Gebäude, Plätze und Straßenzüge bildeten Panoramen, die von Tiedemann als Kontaktkopien auf Kartons geklebt wurden. Erst durch die Intervention von Arwed Messmer, der die unikatäre Qualität dieser Stadt-Dokumentation erkannte, im Auftrag der Berlinischen Galerie sichtete, rekonstruierte und in riesigen, digitalen Ausbelichtungen materialisierte, können wir Berlin und seine Leere um 1950 völlig neu entdecken.

Die Berliner Mauer taucht in der Ausstellung immer wieder auf, insbesondere in den 12 Folianten von Arwed Messmer und Annett Gröschner, in denen die Besucher den Zustand der gesamten Mauer Mitte der 1960er-Jahre studieren können, ebenso wie Bilder aus der geteilten Stadt, die jenseits des Brandenburger Tores oder des Reichstages entstanden sind und zusammengenommen den Mythos Berlins und seine Visualisierung ausmachen. So sind es bestimmte Projekte, die Foto- oder Filmgeschichte geschrieben haben, die hier spannungsvoll miteinander interagieren, etwa Maria Sewcz‘ Serie „inter esse“ neben Michael Schmidts „Waffenruhe“ und film stills aus Wim Wenders‘ „Himmel über Berlin“; alle stammen aus den späten 1980er-Jahren, noch vor dem Mauerfall.

Der Fall der Mauer, die Wiedervereinigung und die Fotografien, die dazu und danach entstanden sind, bilden schließlich das letzte Kapitel dieser Übersichtsausstellung. Dafür stehen exemplarisch Ulrich Wüsts Leporellos sowie Thomas Florschuetz und Harf Zimmermann mit ihren großformatigen Farbarbeiten, die unter anderem im ehemaligen Palast der Republik entstanden und den Fernsehturm am Alexanderplatz respektive das Schinkel’sche Erbe in Berlins Mitte spannungsvoll neu verorten. Es sind Bilder einer Stadt, die dazu verdammt ist, „immerfort zu werden und niemals zu sein“ (Karl Scheffler).

So wird Newtons Blick auf seine Heimatstadt, in Form von etwa 100 Fotografien, von ebenso vielen Bildern und unterschiedlichen Ansätzen der Kollegen und Kolleginnen in den hinteren Räumen begleitet, kommentiert, ergänzt und gespiegelt. Eine solche Gegenüberstellung mit wechselseitigen Bezügen gab es in der Stiftung bereits 2022 mit der Gruppenausstellung „Hollywood“, einem anderen bekannten Ort der Newton’schen Bildproduktion.

Avec l'exposition de groupe "Berlin, Berlin", la Fondation Helmut Newton fêtera en juin 2024 son 20e anniversaire ; c'est aussi un hommage à la ville natale de Newton. A l'automne 2003, le photographe avait décidé de transférer une partie de ses archives à Berlin, après avoir créé la fondation qui porte son nom, installée dans l'ancien Landwehrkasino de la gare Zoologischer Garten et inaugurée en juin 2004. C'est de cette gare qu'Helmut Neustädter, juif et constamment menacé de déportation, a quitté précipitamment Berlin début décembre 1938 pour y revenir 65 ans plus tard sous le nom de Helmut Newton, photographe de renommée mondiale. Depuis, la fondation Helmut Newton occupe le bâtiment historique en collaboration avec la bibliothèque d'art sous le nom de "Museum für Fotografie". Après le décès de June Newton (alias Alice Springs) en avril 2021, l'ensemble de l'œuvre d'Helmut Newton et d'Alice Springs ainsi que tous les documents d'archives sont conservés dans les archives de la fondation.

Helmut Newton a suivi une formation à Berlin-Charlottenburg de 1936 à 1938 auprès de la légendaire photographe Yva, qu'il a suivie dans son œuvre ultérieure dans les trois genres de la mode, du portrait et du nu. Après des étapes à Singapour et Melbourne, la véritable carrière de Newton a commencé à Paris au début des années 1960 ; c'est à cette époque qu'il est revenu régulièrement à Berlin pour y photographier notamment pour des magazines de mode, dont Constanze, Adam ou Vogue Europe. Nous rencontrons dans l'exposition les modèles de Newton à la porte de Brandebourg, avant même la construction du mur, et en 1963, il réalise autour du mur de Berlin une "histoire d'espionnage de Mata Hari" avec Brigitte Schilling en tant que parcours d'images de mode, qui a fait grand bruit. En 1979, le magazine allemand Vogue, qui venait de revenir sur le marché des magazines, lui a demandé de suivre les traces de son enfance et de sa jeunesse à Berlin-Ouest et de visualiser la mode actuelle ; c'est ainsi qu'il a réalisé à l'époque un portfolio de plusieurs pages sous le titre "Berlin, Berlin !", qui a été repris pour cette exposition anniversaire. Plus tard, des histoires de couverture ont été réalisées pour le magazine Condé Nast Traveler (1987), le magazine Zeit (1990), le magazine Männer Vogue (1991) ou le magazine de la Süddeutsche Zeitung (2001).

Les visuels berlinois iconiques et moins connus de Newton, réalisés entre les années 1930 et les années zéro, sont recontextualisés dans les autres salles d'exposition, des tirages vintage d'Yva à la photographie journalistique et politique de Barbara Klemm. Le contenu s'étend ainsi des "golden twenties", dans lesquelles Newton est né, jusqu'au début du 21e siècle, en passant par les destructions de la guerre, la reconstruction, la construction et la chute du mur.

Evgeni Chaldei, un photographe russo-ukrainien, a réalisé des visuels iconiques de la bataille des maisons autour du Reichstag pendant les dernières semaines de la guerre au printemps 1945, tandis que Hein Gorny a survolé la ville l'automne suivant en compagnie d'Adolph C. Byers et a documenté son état de ruine à la fin de la guerre dans une série de photos aériennes spectaculaires. A la fin des années 1950, la situation longtemps si précaire de Berlin se normalisa lentement, comme nous pouvons le voir à travers les clichés d'Arno Fischer, Will McBride et F.C. Gundlach qui, à l'époque, pouvaient encore photographier alternativement la partie est et la partie ouest de la ville. La construction du mur en août 1961 changea à nouveau presque tout, dans la partie ouest commencèrent à partir de 1966 les troubles estudiantins et la période APO, immortalisés entre autres par Günter Zint ainsi que dans un travail d'archives d'Arwed Messmer, composé de photos historiques de la police de Berlin-Ouest et revivifié par l'appropriation artistique. Messmer a également réinterprété de manière congéniale les photographies de Fritz Tiedemann qui, à partir de 1949, a systématiquement documenté la ville, encore partiellement en ruines, à la demande de la municipalité de Berlin-Est. Les séquences visuelles de certains bâtiments, places et rues constituaient des panoramas que Tiedemann collait sur des cartons sous forme de copies de contact. Ce n'est que grâce à l'intervention d'Arwed Messmer, qui a reconnu la qualité unique de cette documentation urbaine, l'a visionnée et reconstruite pour le compte de la Berlinische Galerie et l'a matérialisée sous forme d'immenses tirages numériques, que nous pouvons redécouvrir entièrement Berlin et son vide vers 1950.

Le mur de Berlin apparaît à plusieurs reprises dans l'exposition, notamment dans les 12 folios d'Arwed Messmer et d'Annett Gröschner, dans lesquels les visiteurs peuvent étudier l'état de l'ensemble du mur au milieu des années 1960, ainsi que des visuels de la ville divisée, réalisés au-delà de la porte de Brandebourg ou du Reichstag, qui, ensemble, constituent le mythe de Berlin et sa visualisation. Ce sont ainsi certains projets qui ont écrit l'histoire de la photographie ou du cinéma qui interagissent ici de manière passionnante, comme la série "inter esse" de Maria Sewcz à côté de "Waffenruhe" de Michael Schmidt et de films stills tirés de "Himmel über Berlin" de Wim Wenders ; tous datent de la fin des années 1980, avant même la chute du mur.

La chute du mur, la réunification et les photographies qui ont été prises à cette occasion et après constituent le dernier chapitre de cette exposition générale. Les leporellos d'Ulrich Wüst ainsi que les travaux en couleur grand format de Thomas Florschuetz et Harf Zimmermann, réalisés entre autres dans l'ancien Palais de la République, en sont des exemples et permettent de replacer de manière captivante la tour de télévision sur l'Alexanderplatz et l'héritage de Schinkel dans le centre de Berlin. Ce sont des visuels d'une ville qui est condamnée à "devenir sans cesse et à ne jamais être" (Karl Scheffler).

Ainsi, le regard de Newton sur sa ville natale, sous la forme d'une centaine de photographies, est accompagné, commenté, complété et reflété par autant de visuels et d'approches différentes de ses collègues dans les salles du fond. Une telle confrontation avec des références réciproques a déjà eu lieu à la fondation en 2022 avec l'exposition de groupe "Hollywood", un autre lieu connu de la production d'images de Newton.

La Fondazione Helmut Newton festeggia il suo 20° anniversario nel giugno 2024 con la mostra collettiva "Berlino, Berlino", che rende omaggio anche alla città natale di Newton. Nell'autunno del 2003, il fotografo decise di trasferire parte del suo archivio a Berlino dopo aver istituito la fondazione che porta il suo nome, ospitata nell'ex Landwehrkasino della stazione Zoologischer Garten e inaugurata nel giugno 2004. Da quella stazione, Helmut Neustädter, in quanto ebreo costantemente minacciato di deportazione, lasciò Berlino in fretta e furia all'inizio del dicembre 1938 e tornò 65 anni dopo come il fotografo di fama mondiale Helmut Newton. Da allora, la Fondazione Helmut Newton, insieme alla Biblioteca d'Arte, gestisce lo storico edificio con il nome di "Museo della Fotografia". Dopo la morte di June Newton (alias Alice Springs) nell'aprile 2021, le opere complete di Helmut Newton e Alice Springs e tutto il materiale d'archivio sono conservati nell'archivio della fondazione.

Helmut Newton si è formato a Berlino-Charlottenburg dal 1936 al 1938 con il leggendario fotografo Yva, che ha seguito nel suo lavoro successivo nei tre generi della moda, del ritratto e del nudo. Dopo aver soggiornato a Singapore e a Melbourne, la vera carriera di Newton inizia a Parigi nei primi anni Sessanta; in questo periodo torna regolarmente a Berlino per fotografare soprattutto per le riviste di moda, tra cui Constanze, Adam e Vogue Europe. Nella mostra, incontriamo le modelle di Newton alla Porta di Brandeburgo, ancora prima della costruzione del Muro, e nel 1963 realizzò una "Mata Hari spy story" intorno al Muro di Berlino con Brigitte Schilling come serie di immagini di moda, che fece scalpore. Nel 1979 fu incaricato da Vogue tedesco, appena tornato sul mercato delle riviste, di seguire le tracce della sua infanzia e giovinezza a Berlino Ovest e di visualizzare la moda attuale; il risultato fu un portfolio di più pagine intitolato "Berlino, Berlino!", adottato per la mostra dell'anniversario. Le copertine successive sono state create per la rivista Condé Nast Traveler (1987), la rivista Zeit (1990), Männer Vogue (1991) e la rivista Süddeutsche Zeitung (2001).

Le immagini iconiche e meno note di Newton a Berlino, scattate tra gli anni Trenta e gli anni Duemila, sono ricontestualizzate nelle altre sale della mostra, dalle stampe vintage di Yva alla fotografia giornalistico-politica di Barbara Klemm. In questo modo, l'arco tematico viene tracciato dai "Golden Twenties", in cui Newton è nato, attraverso le distruzioni della guerra, la ricostruzione, la costruzione e la caduta del Muro di Berlino e fino all'inizio del XXI secolo.

Yevgeny Chaldei, fotografo russo-ucraino, creò immagini iconiche della battaglia delle case intorno al Reichstag nelle ultime settimane di guerra nella primavera del 1945, mentre Hein Gorny sorvolò la città nell'autunno successivo insieme ad Adolph C. Byers e documentò il suo stato di rovina dopo la fine della guerra in una serie di spettacolari fotografie aeree. Alla fine degli anni Cinquanta, la situazione a lungo precaria di Berlino si normalizzò lentamente, come si può vedere dalle fotografie di Arno Fischer, Will McBride e F.C. Gundlach, che all'epoca potevano ancora fotografare alternativamente nella parte orientale e occidentale della città. La costruzione del Muro nell'agosto del 1961 cambiò di nuovo quasi tutto, mentre le agitazioni studentesche e il periodo dell'APO iniziarono nella parte occidentale della città nel 1966, immortalate da Günter Zint e altri, così come in un lavoro d'archivio di Arwed Messmer, compilato da fotografie storiche della polizia di Berlino Ovest e riportato in vita attraverso l'appropriazione artistica. Messmer ha anche reinterpretato in modo congeniale le fotografie di Fritz Tiedemann, che a partire dal 1949 fu incaricato dal magistrato di Berlino Est di documentare sistematicamente la città, ancora parzialmente in rovina. Le sequenze di immagini di alcuni edifici, piazze e strade formavano dei panorami che Tiedemann incollava su cartone come stampe a contatto. Solo grazie all'intervento di Arwed Messmer, che ha riconosciuto la qualità unica di questa documentazione della città, l'ha visionata per conto della Berlinische Galerie, l'ha ricostruita e materializzata in enormi esposizioni digitali, siamo in grado di riscoprire Berlino e il suo vuoto intorno al 1950.

Il Muro di Berlino compare ripetutamente nella mostra, soprattutto nei 12 fogli di Arwed Messmer e Annett Gröschner, in cui il visitatore può studiare lo stato dell'intero Muro a metà degli anni Sessanta, oltre alle immagini della città divisa che sono state create al di là della Porta di Brandeburgo o del Reichstag e che insieme costituiscono il mito di Berlino e la sua visualizzazione. Alcuni progetti che hanno scritto la storia della fotografia o del cinema interagiscono qui in modo stimolante, come la serie "inter esse" di Maria Sewcz accanto a "Waffenruhe" di Michael Schmidt e ai fotogrammi del film "Himmel über Berlin" di Wim Wenders; tutti risalgono alla fine degli anni Ottanta, prima della caduta del Muro.

La caduta del Muro, la riunificazione e le fotografie scattate durante e dopo di essa costituiscono il capitolo finale di questa mostra panoramica. I leporelli di Ulrich Wüst e le opere a colori di grande formato di Thomas Florschuetz e Harf Zimmermann, realizzate tra l'altro nell'ex Palast der Republik e che riposizionano in modo emozionante rispettivamente la torre della televisione in Alexanderplatz e l'eredità di Schinkel nel centro di Berlino, ne sono un esempio. Sono immagini di una città condannata a "diventare sempre e non essere mai" (Karl Scheffler).

La visione di Newton della sua città natale, sotto forma di circa 100 fotografie, è accompagnata, commentata, integrata e rispecchiata da altrettante immagini e approcci diversi dei suoi colleghi nelle sale posteriori. Una simile giustapposizione con riferimenti reciproci si era già verificata alla fondazione nel 2022 con la mostra collettiva "Hollywood", altro luogo noto della produzione di immagini di Newton.

The Helmut Newton Foundation is celebrating its 20th anniversary in June 2024 with the group exhibition "Berlin, Berlin", which also pays homage to the city of Newton's birth. In the fall of 2003, the photographer decided to transfer parts of his archive to Berlin after establishing the foundation named after him, which was housed in the former Landwehrkasino at Zoologischer Garten station and opened in June 2004. From that station, Helmut Neustädter, as a Jew constantly threatened with deportation, left Berlin in a hurry at the beginning of December 1938 and returned 65 years later as the world-famous photographer Helmut Newton. Since then, the Helmut Newton Foundation, together with the Art Library, has occupied the historic building under the name "Museum of Photography". Following the death of June Newton (aka Alice Springs) in April 2021, the complete works of Helmut Newton and Alice Springs as well as all archival materials are housed in the foundation's archive.

Helmut Newton trained in Berlin-Charlottenburg from 1936 to 1938 with the legendary photographer Yva, whom he followed in his later work in the three genres of fashion, portrait and nude. After stints in Singapore and Melbourne, Newton's real career began in Paris in the early 1960s; during this time he also returned regularly to Berlin to photograph for fashion magazines in particular, including Constanze, Adam and Vogue Europe. In the exhibition, we encounter Newton's models at the Brandenburg Gate, even before the Wall was built, and in 1963 he realized a "Mata Hari spy story" around the Berlin Wall with Brigitte Schilling as a fashion picture series, which caused quite a stir. In 1979, he was commissioned by German Vogue, which had just returned to the magazine market, to follow in the footsteps of his childhood and youth in West Berlin and visualize current fashion; the result was a multi-page portfolio entitled "Berlin, Berlin!", which was adopted for this anniversary exhibition. Later cover stories were created for Condé Nast Traveler magazine (1987), Zeit magazine (1990), Männer Vogue (1991) and the Süddeutsche Zeitung magazine (2001).

Newton's iconic and lesser-known Berlin visuals, taken between the 1930s and the noughties, are re-contextualized in the other exhibition rooms, from vintage prints by Yva to journalistic-political photography by Barbara Klemm. The thematic arc is thus drawn from the "golden twenties", into which Newton was born, through the destruction of the war, reconstruction, the building and fall of the Berlin Wall and into the early 21st century.

Yevgeny Chaldei, a Russian-Ukrainian photographer, created iconic visuals of the battle of the houses around the Reichstag in the last weeks of the war in the spring of 1945, while Hein Gorny flew over the city the following fall with Adolph C. Byers and documented its ruinous state after the end of the war in a series of spectacular aerial photographs. In the late 1950s, the situation in Berlin, which had long been so precarious, slowly returned to normal, as we can see from the photographs of Arno Fischer, Will McBride and F.C. Gundlach, who at the time were still able to alternate between photographing the eastern and western parts of the city. The construction of the Berlin Wall in August 1961 changed almost everything again, while the student unrest and the APO period began in the western part of the city in 1966, captured by Günter Zint, among others, and in an archive work by Arwed Messmer, compiled from historical photographs of the West Berlin police and brought to life anew through artistic appropriation. Messmer also congenially reinterpreted the photographs of Fritz Tiedemann, who systematically documented the city, still partly in ruins, on behalf of the East Berlin magistrate from 1949 onwards. The visual sequences of certain buildings, squares and streets formed panoramas, which Tiedemann pasted onto cardboard as contact prints. It was only through the intervention of Arwed Messmer, who recognized the unique quality of this documentation of the city, viewed it on behalf of the Berlinische Galerie, reconstructed it and materialized it in huge, digital exposures, that we can completely rediscover Berlin and its emptiness around 1950.

The Berlin Wall appears again and again in the exhibition, especially in the 12 folios by Arwed Messmer and Annett Gröschner, in which visitors can study the state of the entire Wall in the mid-1960s, as well as visuals from the divided city taken beyond the Brandenburg Gate or the Reichstag, which together make up the myth of Berlin and its visualization. Certain projects that have written photographic or film history interact with each other here in an exciting way, such as Maria Sewcz's series "inter esse" alongside Michael Schmidt's "Waffenruhe" and film stills from Wim Wenders' "Himmel über Berlin"; all date from the late 1980s, before the fall of the Wall.

The fall of the Wall, reunification and the photographs that were taken before and after it form the final chapter of this overview exhibition. Ulrich Wüst's leporellos and Thomas Florschuetz and Harf Zimmermann's large-format color works, which were created in the former Palace of the Republic, among other places, and excitingly reposition the television tower on Alexanderplatz and Schinkel's legacy in the center of Berlin, respectively, are exemplary of this. They are visuals of a city that is condemned to "always become and never be" (Karl Scheffler).

Newton's view of his hometown, in the form of around 100 photographs, is accompanied, commented on, supplemented and mirrored by just as many visuals and different approaches by his colleagues in the rear rooms. Such a juxtaposition with reciprocal references already took place at the foundation in 2022 with the group exhibition "Hollywood", another well-known place of Newton's image production.

(Text: Helmut Newton Stiftung, Berlin)

MUSEC Museo delle Culture | Lugano
8. Juni 2024 – 19. Januar 2025

L'immagine dell'empresente. FOSCO MARAINI. Una retrospettiva

Das MUSEC in Lugano feiert die Fotografie von Fosco Maraini zwanzig Jahre nach seinem Tod mit der größten Retrospektive, die ihm je gewidmet wurde. Sie ist das Ergebnis eines Forschungsprojekts, das vor zwei Jahren gestartet wurde und an dem die wichtigsten Institutionen beteiligt waren, die sein Werk von Anfang an bewahrt und gefördert haben. Auf diese Weise ist es möglich, Maraini endgültig die ihm gebührende Rolle in der Geschichte der Fotografie zuzuweisen und gleichzeitig auf mehreren Ebenen über die grundlegenden Werte einer Kunstform nachzudenken, die heute, angesichts der neuen Grenzen der Technologie, ihre Substanz in Frage stellt. Eine Überlegung, die darauf abzielt, zu unterstreichen, dass jede Darstellung der Realität, sei sie konkret oder abstrakt, nur dann einen Sinn hat, wenn sie in der Lage ist, ein geistiges Universum und eine ursprüngliche Vision der Welt wiederherzustellen.

Die Ausstellung in der Villa Malpensata in Lugano zeigt 223 zum Teil unveröffentlichte Fotografien, die zwischen 1928 und 1971 in Europa und Asien aufgenommen wurden. Die Auswahl der Fotografien ist das Ergebnis einer eingehenden Untersuchung des Fotoarchivs von Maraini, angefangen bei den Hunderten von illustrierten Publikationen, die es erst ermöglichten, die Kapitel zu definieren, mit denen das Projekt strukturiert werden sollte, bis hin zu den Tausenden von Negativen, die im Gabinetto Vieusseux in Florenz aufbewahrt werden. Unter Berücksichtigung der laufenden "Entdeckungen", der fehlenden oder unbrauchbaren Negative und der vergleichenden Auswahl, die notwendig war, um Harmonie und visuelle Kohärenz zu gewährleisten, nahm die Auswahl so Gestalt an. Die von Francesco Paolo Campione, dem Direktor des MUSEC, kuratierte Ausstellung bringt die Facetten der Fotografie Marainis wieder zum Vorschein: eine Fotografie von Menschen und Kulturen; von Landschaften, die sich ins Unendliche öffnen; von Innenarchitekturen, in denen die geheimen Geometrien der inneren Welt widerhallen; von Details, die sich inmitten der Handlung einer Realität offenbaren, die mit seltener Intelligenz interpretiert und mit einer kultivierten und äußerst feinen Ästhetik beschrieben wird. Es sind Bilder, die "all'empresente ergriffen" sind, wie Maraini mit einem ihrer überraschenden Neologismen zu sagen pflegte. Bilder also, die in jenem unwiederholbaren Moment eingefangen wurden, in dem das Auge die Bewegungen des Herzens und der Seele wahrnimmt.

Le MUSEC de Lugano célèbre la photographie de Fosco Maraini, vingt ans après sa mort, avec la plus grande rétrospective qui lui ait jamais été consacrée, fruit d'un projet de recherche lancé il y a deux ans et auquel ont participé les principales institutions qui conservent et valorisent son œuvre depuis le début. Il est donc possible d'attribuer définitivement à Maraini le rôle qu'il mérite dans l'histoire de la photographie et, en même temps, de réfléchir à plusieurs niveaux sur les valeurs fondamentales d'un art qui, aujourd'hui, face aux nouvelles frontières de la technologie, s'interroge sur sa substance même. Une réflexion qui vise à souligner que toute représentation de la réalité, qu'elle soit concrète ou abstraite, n'a de sens dans le temps que si elle est en mesure de restituer un univers spirituel et une vision originale du monde.

L'exposition à la Villa Malpensata de Lugano présente 223 photographies, dont certaines inédites, prises entre 1928 et 1971 en Europe et en Asie. Le choix des photographies est le résultat d'une exploration approfondie des archives photographiques de Maraini, depuis les centaines de publications illustrées qui ont d'abord permis de définir les chapitres avec lesquels structurer le projet, jusqu'aux milliers de négatifs conservés au Gabinetto Vieusseux de Florence. En tenant compte des "découvertes" en cours, des négatifs manquants ou inutilisables et des choix comparatifs nécessaires pour garantir l'harmonie et la cohérence visuelle, la sélection a ainsi pris forme. Le parcours de l'exposition organisée par Francesco Paolo Campione, directeur du MUSEC, restitue les facettes de la photographie de Maraini : une photographie d'hommes et de cultures ; de paysages qui s'ouvrent sur l'infini ; d'architectures intérieures dans lesquelles se répercutent les géométries secrètes du monde intérieur ; de détails qui se révèlent au milieu des intrigues d'une réalité interprétée avec une rare intelligence et décrite avec une esthétique cultivée et d'une grande finesse. Ce sont des images "saisies all'empresente", comme Maraini aimait à le dire avec l'un de ses surprenants néologismes. Des images, donc, saisies dans ce moment unique où l'œil se donne à percevoir les mouvements du cœur et de l'âme.

Il MUSEC di Lugano celebra la fotografia di Fosco Maraini, a vent'anni dalla scomparsa, con la più ampia retrospettiva che gli sia mai stata dedicata, frutto di una ricerca avviata due anni fa che ha coinvolto sin dall’inizio le principali istituzioni che ne conservano e valorizzano l’opera. È così possibile assegnare definitivamente a Maraini il ruolo che gli spetta nella storia della fotografia e, al contempo, riflettere a più livelli sui valori portanti di una forma d’arte che oggi, di fronte alle nuove frontiere della tecnologia, s’interroga sulla sua stessa sostanza. Una riflessione volta a sottolineare come ogni rappresentazione della realtà, concreta o astratta che sia, ha senso nel tempo soltanto se è in grado di restituire un universo spirituale e un’originale visione del mondo.

L’esposizione allestita a Villa Malpensata a Lugano, presenta 223 fotografie, alcune delle quali inedite, realizzate fra il 1928 e il 1971 in Europa e in Asia. La scelta delle fotografie è frutto di una approfondita esplorazione degli archivi fotografici di Maraini, dalle centinaia di pubblicazioni illustrate che hanno permesso dapprima di definire i capitoli con cui strutturare il progetto, fino alle  migliaia di negativi conservati dal Gabinetto Vieusseux di Firenze: tenuto conto delle «scoperte» in corso d’opera, dei negativi mancanti o inutilizzabili e delle scelte comparative, necessarie a garantire armonia e coerenza visiva, la selezione ha così preso corpo. Il percorso dell’esposizione curata da Francesco Paolo Campione, direttore del MUSEC, restituisce le sfaccettature della fotografia di Maraini: una fotografia di uomini e culture; di paesaggi che si aprono sull’infinito; di architetture d’interni in cui si riverberano le geometrie segrete del mondo interiore; di particolari che si svelano fra le trame di una realtà interpretata con intelligenza rara e descritta con una colta e finissima estetica. Sono immagini «carpite all’empresente», come Maraini amava dire con uno dei suoi sorprendenti neologismi. Immagini, cioè, colte in quell’attimo irripetibile in cui all’occhio è dato percepire le movenze del cuore e dell’anima.

The MUSEC in Lugano celebrates the photography of Fosco Maraini, twenty years after his death, with the largest retrospective that has ever been dedicated to him, the result of a research project launched two years ago that has involved the main institutions that preserve and enhance his work from the very beginning. It is thus possible to definitively assign to Maraini the role he deserves in the history of photography and, at the same time, to reflect on several levels on the fundamental values of an art form that today, faced with the new frontiers of technology, questions its very substance. A reflection aimed at underlining how every representation of reality, be it concrete or abstract, only makes sense in time if it is able to restore a spiritual universe and an original vision of the world.

The exhibition at Villa Malpensata in Lugano presents 223 photographs, some of them previously unpublished, taken between 1928 and 1971 in Europe and Asia. The choice of the photographs is the result of an in-depth exploration of Maraini's photographic archives, from the hundreds of illustrated publications that first made it possible to define the chapters with which to structure the project, to the thousands of negatives conserved at the Gabinetto Vieusseux in Florence. Taking into account the ‘discoveries’ in progress, the missing or unusable negatives and the comparative choices necessary to guarantee harmony and visual coherence, the selection thus took shape. The itinerary of the exhibition curated by Francesco Paolo Campione, director of MUSEC, restores the facets of Maraini's photography: a photography of men and cultures; of landscapes that open onto infinity; of interior architectures in which the secret geometries of the inner world reverberate; of details that are revealed amidst the plots of a reality interpreted with rare intelligence and described with a cultured and extremely fine aesthetic. They are images ‘seized all'empresente’, as Maraini liked to say with one of her surprising neologisms. Images, that is, caught in that unrepeatable moment in which the eye is given to perceiving the movements of the heart and soul.

(Text: MUSEC Museo delle Culture, Lugano)

Museum Alpin Pontresina
10. Juni - 26. Oktober 2024 / 16. Dezember 2024 - 19. April 2025

Im Auge des Lichts
Guido Baselgia

Saisonpause: 27. Oktober - 15. Dezember 2024

Baselgia selbst, der als einer der herausragenden Fotografen der Schweiz gilt, hat die eindrückliche Ausstellung konzipiert und kuratiert.

Gezeigt werden Arbeiten aus den Zyklen «Lungo Guardo» und «Camera Obscura - Lichteinfälle» im Kontext der astro-physikalischen Phänomene, die der Künstler in seinem Werk thematisiert und studiert. «Für mich malt das Licht», hat Baselgia einmal festgestellt und man sollte ihn deshalb einen «Lichtbildner» nennen. «Guido Baselgia - Im Auge des Lichts» konzentriert sich in den beiden Ausstellungsräumen des Museums Alpin auf die Werk-Zyklen «Lungo Guardo» (Raum 1/Hauptraum) und «Camera Obscura-Lichteinfälle» (Raum 2), die beide Teil sind des jüngsten Werk-Zyklus von Guido Baselgia «Lichtstoff und Luftfarben».

Baselgia lui-même, considéré comme l'un des photographes les plus remarquables de Suisse, a conçu et organisé cette exposition impressionnante.

Sont présentés des travaux issus des cycles "Lungo Guardo" et "Camera Obscura - Lichteinfälle" dans le contexte des phénomènes astro-physiques que l'artiste thématise et étudie dans son œuvre. "Pour moi, c'est la lumière qui peint", a constaté un jour Baselgia, et c'est pourquoi on devrait l'appeler un "photographe de lumière". "Guido Baselgia - Dans l'œil de la lumière" se concentre, dans les deux salles d'exposition du Musée Alpin, sur les cycles d'œuvres "Lungo Guardo" (salle 1/pièce principale) et "Camera Obscura-Lichteinfälle" (salle 2), qui font tous deux partie du cycle d'œuvres le plus récent de Guido Baselgia "Lichtstoff und Luftfarben".

Lo stesso Baselgia, considerato uno dei più importanti fotografi svizzeri, ha ideato e curato questa imponente mostra.

Sono esposte opere dei cicli "Lungo Guardo" e "Camera Obscura - Lichteinfälle" nel contesto dei fenomeni astrofisici che l'artista tematizza e studia nel suo lavoro. "Per me la luce dipinge", ha detto una volta Baselgia, che dovrebbe quindi essere definito un "pittore della luce". Nelle due sale espositive del Museo Alpin, "Guido Baselgia - In the Eye of Light" si concentra sui cicli di opere "Lungo Guardo" (sala 1/principale) e "Camera Obscura-Lichteinfälle" (sala 2), entrambi facenti parte del più recente ciclo di opere di Guido Baselgia "Lichtstoff und Luftfarben".

Baselgia himself, who is considered one of Switzerland's outstanding photographers, conceived and curated the impressive exhibition.

On display are works from the "Lungo Guardo" and "Camera Obscura - Lichteinfälle" cycles in the context of the astrophysical phenomena that the artist explores and studies in his work. "For me, light paints", Baselgia once said, and he should therefore be called a "light painter". "Guido Baselgia - In the Eye of Light" in the two exhibition rooms of the Museum Alpin focuses on the work cycles "Lungo Guardo" (room 1/main room) and "Camera Obscura-Lichteinfälle" (room 2), both of which are part of Guido Baselgia's most recent work cycle "Lichtstoff und Luftfarben".

(Text: Museum Alpin Pontresina)

Museo Picasso Málaga
15. Juni – 15. Dezember 2024

Joël Meyerowitz. Europa

1966, im Alter von achtundzwanzig Jahren und kurz nachdem er seinen Job in einer New Yorker Werbeagentur aufgegeben hatte, um sich der Fotografie zu widmen, begab sich Meyerowitz auf eine Reise, die ihn ein ganzes Jahr lang durch Europa führen sollte. Dabei legte er mehr als 30.000 km durch zehn Länder zurück und machte rund 25.000 Fotos. Während dieser Zeit ließ sich der Fotograf für sechs Monate in Málaga nieder und freundete sich mit den Escalonas an, einer traditionellen flämischen Familie in der Stadt. Während seines Aufenthalts in Málaga schoss Meyerowitz 8.500 Fotos und machte unzählige qualitativ hochwertige Aufnahmen von den Flamenco-Shows, die er besuchte.

Diese einzigartige Erfahrung, die zu einer außergewöhnlichen fotografischen Aufzeichnung Spaniens inmitten der Franco-Diktatur führte, hatte einen enormen Einfluss auf Meyerowitz und prägte seinen charakteristischen fotografischen Stil nachhaltig. Heute gilt Meyerowitz als einer der bedeutendsten Fotografen seiner Generation, der die Art und Weise, wie man die Realität mit der Kamera einfängt und vermittelt, neu definiert hat. Nach seiner Rückkehr nach New York hatte er 1968 seine erste Einzelausstellung im MoMA, die vierzig Fotografien umfasste, die er auf einer Europareise aus dem Fenster seines Autos aufgenommen hatte.

Die aktuelle Ausstellung mit großformatigen Vintage Prints in Farbe und Schwarzweiß bietet einen umfassenden Überblick über Meyerowitz' Reisen durch England, Wales, Irland, Schottland, Frankreich, Spanien, Deutschland, die Türkei, Griechenland und Italien, wobei die Bedeutung seines längeren Aufenthalts in Malaga im Vordergrund steht.

Die Ausstellung zeichnet Meyerowitz' künstlerische Entwicklung während seiner Zeit in Europa nach und zeigt Porträts lokaler Persönlichkeiten, einzigartige Momente in alltäglichen Straßenszenen, Stadt- und Naturlandschaften sowie Fotografien aus dem Inneren seines fahrenden Autos. Die Ausstellung zeigt auch eine Auswahl von Originalabzügen aus seiner ersten Einzelausstellung im MoMA im Jahr 1968.

Die Ausstellung wird von Miguel López-Remiro, dem künstlerischen Leiter des Museo Picasso Málaga, in Zusammenarbeit mit Joel Meyerowitz organisiert.

En 1966, à l'âge de 28 ans et peu après avoir quitté son emploi dans une agence de publicité à New York pour se consacrer à la photographie, Meyerowitz entreprend un voyage qui le mènera à travers l'Europe pendant une année entière. Il parcourt plus de 30 000 km à travers dix pays et prend quelque 25 000 photographies. Pendant cette période, le photographe s'installe à Malaga pour six mois et se lie d'amitié avec les Escalonas, l'une des familles flamandes traditionnelles de la ville. Pendant son séjour à Malaga, Meyerowitz a pris 8 500 photographies et réalisé d'innombrables enregistrements de haute qualité des spectacles de flamenco auxquels il a assisté.

Cette expérience unique, qui a donné lieu à un extraordinaire témoignage photographique de l'Espagne en pleine dictature franquiste, a eu une influence considérable sur Meyerowitz et a marqué durablement son style photographique caractéristique. Aujourd'hui, Meyerowitz est reconnu comme l'un des plus grands photographes de sa génération, qui a redéfini la manière de capturer et de communiquer la réalité avec un appareil photo. Après son retour à New York, il a présenté sa première exposition personnelle au MoMA en 1968, qui comprenait quarante photographies prises depuis la fenêtre de sa voiture lors d'un voyage en Europe.

La présente exposition, qui comprend des tirages vintage grand format en couleur et en noir et blanc, offre un large aperçu des voyages de Meyerowitz en Angleterre, au Pays de Galles, en Irlande, en Écosse, en France, en Espagne, en Allemagne, en Turquie, en Grèce et en Italie, en mettant l'accent sur l'importance de son séjour prolongé à Malaga.

Retraçant l'évolution artistique de Meyerowitz pendant son séjour en Europe, l'exposition présentera des portraits de personnages locaux, des moments uniques capturés dans des scènes de rue quotidiennes, des paysages urbains et naturels, ainsi que des photographies prises à l'intérieur de sa voiture en mouvement. L'exposition présentera également une sélection de tirages originaux de sa première exposition personnelle au MoMA en 1968.

L'exposition est organisée par Miguel López-Remiro, directeur artistique du Museo Picasso Málaga, en collaboration avec Joel Meyerowitz.

Nel 1966, all'età di ventotto anni e poco dopo aver lasciato il lavoro in un'agenzia pubblicitaria di New York per dedicarsi alla fotografia, Meyerowitz intraprende un viaggio in auto che lo porterà in giro per l'Europa per un anno intero. Percorse più di 30.000 km attraverso dieci Paesi e scattò circa 25.000 fotografie. Durante questo periodo, il fotografo si stabilì a Malaga per sei mesi e fece amicizia con gli Escalonas, una delle famiglie tradizionali fiamminghe della città. Durante il suo soggiorno a Malaga, Meyerowitz scattò 8.500 fotografie e fece innumerevoli registrazioni di alta qualità degli spettacoli di flamenco a cui assisteva.

Questa esperienza unica, che ha dato vita a una straordinaria documentazione fotografica della Spagna nel pieno della dittatura franchista, ha esercitato un'enorme influenza su Meyerowitz e ha avuto un impatto duraturo sul suo caratteristico stile fotografico. Oggi Meyerowitz è riconosciuto come uno dei fotografi più importanti della sua generazione, che ha ridefinito il modo di catturare e comunicare la realtà con la macchina fotografica. Dopo il suo ritorno a New York, nel 1968 ha tenuto la sua prima mostra personale al MoMA, che comprendeva quaranta fotografie scattate dal finestrino della sua auto durante un viaggio in Europa.

La presente mostra, che comprende stampe vintage di grande formato a colori e in bianco e nero, offre un'ampia panoramica dei viaggi di Meyerowitz attraverso Inghilterra, Galles, Irlanda, Scozia, Francia, Spagna, Germania, Turchia, Grecia e Italia, concentrandosi sull'importanza del suo lungo soggiorno a Malaga.

Tracciando l'evoluzione artistica di Meyerowitz durante il suo soggiorno in Europa, la mostra presenterà ritratti di personaggi locali, momenti unici catturati in scene di strada quotidiane, paesaggi urbani e naturali e fotografie scattate dall'interno della sua auto in movimento. La mostra presenterà anche una selezione di stampe originali della sua prima mostra personale al MoMA nel 1968.

La mostra è organizzata da Miguel López-Remiro, direttore artistico del Museo Picasso di Malaga, in collaborazione con Joel Meyerowitz.

In 1966, at the age of 28 and shortly after leaving his advertising job in New York to pursue photography, Meyerowitz embarked on a year-long road trip around Europe. He drove 20,000 miles through 10 countries and took 25,000 photographs. During this period, Meyerowitz settled in Málaga for six months, where he befriended the Escalona family, one of the traditional flamenco families in the city. While in Málaga, Meyerowitz took 8,500 photographs and captured hours of high-quality sound recordings of live flamenco.

This unique experience, which resulted in an extraordinary photographic record of Spain during the height of the Francoist dictatorship, was hugely influential for Meyerowitz and had a long-lasting impact on his signature style of photography. Meyerowitz is now recognised as one of the leading photographers of his generation who redefined how reality can be captured and communicated with a camera. After returning to New York, Meyerowitz had his first ever solo exhibition at MoMA in 1968, featuring 40 photographs taken from the window of his moving car while in Europe.

Featuring vintage and large-format prints in colour and black and white, the exhibition will present an in-depth account of Meyerowitz’s travels through England, Wales, Ireland, Scotland, France, Spain, Germany, Turkey, Greece and Italy, centring on the significance of his extended stay in Málaga.

Tracing Meyerowitz’s artistic evolution during his time in Europe, the exhibition will feature portraits of local people, unique moments captured in everyday street scenes, urban and natural landscapes, and photographs taken from inside his moving car. The exhibition will also feature a selection of original prints from his first solo exhibition at MoMA in 1968.

The exhibition is organized by Miguel López-Remiro, Artistic Director of the Museo Picasso Málaga, in collaboration with Joel Meyerowitz.

En 1966, a la edad de veintiocho años y poco después de dejar su trabajo en una agencia de publicidad en Nueva York para dedicarse a la fotografía, Meyerowitz se embarcó en un viaje por carretera que le llevaría a recorrer Europa durante todo un año. Recorrió más de 30.000 km a través de diez países e hizo unas 25.000 fotografías. Durante este periodo, el fotógrafo se instaló en Málaga por espacio de seis meses y entabló amistad con los Escalona, una de las familias flamencas tradicionales de la ciudad. A lo largo de su estancia en Málaga, Meyerowitz hizo 8.500 fotografías e infinidad de grabaciones de alta calidad de espectáculos de flamenco a los que asistía.

Esta experiencia única, que dio como resultado un extraordinario registro fotográfico de España en plena dictadura franquista, fue una enorme influencia para Meyerowitz y tuvo un impacto duradero en su característico estilo fotográfico. En la actualidad, Meyerowitz es reconocido como uno de los fotógrafos más destacados de su generación que redefinió la forma de captar y comunicar la realidad con una cámara. Tras regresar a Nueva York, realizó su primera exposición individual en el MoMA en 1968, que incluyó cuarenta fotografías tomadas desde la ventanilla de su coche durante su viaje por Europa.

La presente exposición que incluye copias de época de gran formato, en color y en blanco y negro, ofrece una amplia muestra de los viajes de Meyerowitz por Inglaterra, Gales, Irlanda, Escocia, Francia, España, Alemania, Turquía, Grecia e Italia, centrándose en la importancia de su prolongada estancia en Málaga.

Siguiendo la evolución artística de Meyerowitz durante el tiempo que pasó en Europa, la exposición mostrará retratos de personajes locales, momentos únicos captados en escenas cotidianas en la calle, paisajes urbanos y naturales, y fotografías tomadas desde el interior de su coche en movimiento. La exposición contará también con una selección de copias originales de su primera exposición individual en el MoMA en 1968.

La exposición está organizada por Miguel López-Remiro, Director Artístico del Museo Picasso Málaga, en colaboración con Joel Meyerowitz.

(Text: Museo Picasso Málaga)

Photo Elysée | Lausanne
22. Juni 2024 – 12. Januar 2025

Sabine Weiss × Nathalie Boutté. Hommage

Anlässlich des hundertsten Geburtstags von Sabine Weiss zeigt Photo Elysée eine Ausstellung zu Ehren der 2021 verstorbenen Fotografin und lädt die bildende Künstlerin Nathalie Boutté (Frankreich, 1967) ein, in einen künstlerischen Dialog mit ihren Fotografien zu treten. Ob mit ihren Porträt- oder Modeaufnahmen, mit der Werbe- oder Strassenfotografie oder als Fotoreporterin für zahlreiche internationale Zeitschriften – über 60 Jahre lang hat Sabine Weiss alle Möglichkeiten ihres Berufs erforscht und durchlebt. Neben Robert Doisneau, Willy Ronis, Edouard Boubat, Brassaï oder Izis hat sie die Strömung der humanistischen Fotografie in Frankreich massgeblich geprägt und gehörte zu den wenigen weiblichen Fotografen, die seit den 1950er-Jahren von ihrer künstlerischen Arbeit leben konnten. Sie selbst schrieb: „Ein Foto ist dann stark und eindrucksvoll, wenn es einen Aspekt des Menschseins vermittelt, wenn es uns die Emotionen spüren lässt, die der Fotograf  vor seinem Motiv empfunden hat.“

Während Sabine Weiss sich bei ihren Arbeiten auf die Strassenfotografie konzentrierte sowie Auftragsarbeiten in ihrem Studio ausführte, fotografiert Nathalie Boutté nicht, sondern schneidet in minutiöser Kleinarbeit Papierstreifen aus, die sie mit Texten bedruckt. Anschliessend setzt sie die Bilder, die ihr als Inspiration dienten, wieder zusammen, indem sie die Papierstreifen aneinanderfügt und so ein ganz neues Kunstwerk schafft – mit neuer Textur und neu entstandenem Volumen. Wenn Text mit im Spiel ist – hier sind es Zitate von Sabine Weiss –, zeigen diese aus Papierstreifen entstandenen Bilder unterschiedliche Graustufen und erschliessen sich in ihrer Gesamtheit erst, wenn man sich weiter von ihnen entfernt.

Die Ausstellung präsentiert eine Auswahl der ikonischen Werke der Fotografi n und off enbart auch einige Schätze unter den zahlreichen Negativen, Abzügen und Kontaktbögen, die ihr Nachlass umfasst. Im Bewusstsein, dass die Erhaltung ihrer Arbeit wichtig sein würde, entschied sich Sabine Weiss 2017 dafür, Photo Elysée die Bewahrung ihres Nachlasses zu übergeben, welcher Anfang 2024 im Kunstquartier Plateforme 10 eintraf.

Photo Elysée présente une exposition en hommage  à la photographe décédée en 2021 et invite  l’artiste plasticienne Nathalie Boutté (France, 1967) à dialoguer avec ses photographies. Tour à tour portraitiste, photographe de mode, de publicité ou de rue, mais aussi photoreporter pour de nombreuses revues internationales, Sabine Weiss a exploré tous les aspects de son métier pendant plus de soixante ans. Aux côtés de Robert Doisneau, Willy Ronis, Edouard Boubat, Brassaï ou Izis, elle a contribué au courant de la photographie humaniste française et fut l'une des rares femmes photographes à vivre de son art dès les années 1950. « Pour être forte, une photographie doit nous parler d'un aspect de la condition humaine, nous faire ressentir l'émotion que le photographe a ressentie devant son sujet », écrivait-elle.

Alors que Sabine Weiss a construit son œuvre en photographiant la rue ou répondant aux commandes en travaillant dans son studio, Nathalie Boutté ne photographie pas mais découpe minutieusement des bandes de papier sur lesquelles elle imprime un texte. Elle recompose ensuite les images dont elle s’est inspirée en assemblant les languettes de papier recréant ainsi l’œuvre en volume. Les images, faites de bandelettes qui permettent de créer des dégradés de gris lorsqu’il y a du texte – ici les citations de Sabine Weiss, se dévoilent au fur et à mesure que l’on s’en éloigne.

L’exposition présente une sélection d'œuvres iconiques de la photographe et dévoile quelques trésors parmi les nombreux négatifs, tirages et planches-contact qui composent ses archives. En 2017, consciente de l’importance de préserver son travail, Sabine Weiss choisit Photo Elysée pour conserver son fonds d’archives, arrivé dans les dépôts du musée à Plateforme 10 au début de l’année 2024.

Photo Elysée presenta una mostra in omaggio alla fotografa deceduta nel 2021 ed invita l’artista Nathalie Boutté (Francia, 1967) a dialogare con le sue fotografie. Alternativamente ritrattista, fotografa di moda, di pubblicità o di strada, ma anche fotoreporter per numerose riviste internazionali, Sabine Weiss ha esplorato tutti gli aspetti del suo mestiere per oltre sessant'anni. Assieme a Robert Doisneau, Willy Ronis, Edouard Boubat, Brassaï o Izis, ha contribuito alla corrente della fotografia umanista francese ed è stata una delle rare donne fotografe a poter mantenersi col proprio lavoro sin gli anni 50. " Per colpirci, una fotografia deve parlarci di un aspetto della condizione umana, farci provare l'emozione che il fotografo stesso ha provato di fronte al suo soggetto ", scriveva la fotografa.

Mentre Sabine Weiss ha costruito la sua opera col fotografare la strada o col lavorare nel suo studio per eseguire gli ordini, Nathalie Boutté non scatta foto ma ritaglia accuratamente strisce di carta su cui stampa un testo. In seguito ricompone le immagini di cui si è ispirata assemblado le linguette di carta e dà in questo modo volume all'opera. Le immagini, costituite di strisce di carta che consentono di creare sfumati di grigi quando c'è un testo  – qui, le citazioni di Sabine Weiss – , si svelano man mano che vi si allontana.

La mostra presenta una selezione di opere iconiche della fotografa e svela alcuni tesori tra i numerosi negativi, stampe e provini a contatto che compongono i suoi archivi. Nel 2017, consapevole dell'importanza di preservare il proprio lavoro, Sabine Weiss sceglie Photo Elysée per conservare il suo archivio, arrivato nei depositi del museo a Plateforme 10 all'inizio di quest'anno.

Photo Elysée is presenting an exhibition in homage to the photographer who died in 2021, and has invited artist Nathalie Boutté (France, 1967) to create a dialogue with her photographs. Sabine Weiss explored every aspect of her profession over more than sixty years, working in turn as a portrait, fashion, advertising and street photographer as well as a photojournalist for numerous international magazines. Along with Robert Doisneau, Willy Ronis, Edouard Boubat, Brassaï and Izis, Weiss contributed to the French humanist photography movement and was one of the few female photographers to make a living from her art from the 1950s onwards. “To be powerful, a photograph must speak to us about some aspect of the human condition, making us feel the emotion the photographer experienced in front of his or her subject” she wrote.

Unlike Sabine Weiss who built up her body of work by photographing the street or fulfilling orders in her studio, Nathalie Boutté does not take photographs but meticulously cuts strips of paper on which she prints a text. She then recomposes the images from which she drew her inspiration by assembling the strips of paper to recreate the work in volume. The images, made of strips that create shades of grey when there is text – in this case quotations from Sabine Weiss – gradually come into focus as you move away from them.

The show presents a selection of the photographer’s iconic works and reveals various treasures among the countless negatives, prints and contact sheets that make up her archives. In 2017, conscious of the importance of preserving her work, Weiss chose Photo Elysée to conserve her archive collection, which was transferred to the museum's Plateforme 10 repository in early 2024.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Villa Garbald | Castasegna
29. Juni 2024 – 21. Juni 2025

Focus. Alex Hanimann präsentiert Fotografien aus dem Bildarchiv der ETH Zürich

Seit 2005 nutzt das Bündner Kunstmuseum die Villa Garbald in Castasegna als Aussenstelle. Die Räumlichkeiten dienen nicht als Galerie, vielmehr sollen mit Kunst Impulse im "Denklabor Villa Garbald" gesetzt werden.

Aus Anlass des Jubiläums «20 Jahre Seminarzentrum Villa Garbald» haben wir den Fokus der Kunsteinrichtung in Castasegna verschoben: Wir gehen diesmal nicht vom Werk eines Künstlers oder einer Künstlerin aus, sondern wollen Einblick geben ins unermessliche Bildarchiv wissenschaftlicher Fotografien der ETH Zürich. Niemand kann sich der Faszination dieses Reichtums entziehen. Daraus aber eine Auswahl zu treffen und diese in der Villa Garbald und im Neubau des Roccolo zu präsentieren, stellt eine besondere Herausforderung dar. Wir konnten dafür Alex Hanimann (*1955) gewinnen, der in seinem künstlerischen Werk immer wieder mit vorgefundenen Bildern arbeitet und uns daher für diese Aufgabe prädestiniert schien. Er setzt die von ihm aufgegriffenen Bilder meist in Zeichnung, Malerei oder Skulptur um oder bearbeitet sie durch Vergrösserung, Ausschnitte oder Raster. Für die Kunsteinrichtung in der Villa Garbald hat er fotografische Aufnahmen von Pflanzen aus dem Bildarchiv der ETH Zürich ausgewählt, präsentiert sie aber nüchtern und ohne weitere Verfremdung. Er interessiert sich vielmehr für die Schnittstellen und Brüche in den einzelnen Aufnahmen: Begeistert von der besonderen Bildqualität lässt er sich dabei einerseits von der Ästhetik leiten, von der Schönheit der Wachstumsformen und ihrer Erscheinung im fotografischen Bild. Andererseits erkennt er die wissenschaftlichen Ansprüche, die in fast jedem Bild zum Tragen kommen. Und letztlich interessieren ihn als Künstler die Formen der Inszenierung, an denen die Naturwissenschaftler ebenso teilhaben wie die Forscher des fotografischen Instituts. Alle haben sie ihre Methoden und ihre eigenen Praktiken, um den Bildern eine Form und einen Wert zu geben. Alex Hanimann eröffnet neue Perspektiven: Indem er die Aufnahmen aus ihrem klaren Kontext herauslöst, verleiht er ihnen eine überraschende Vielschichtigkeit und wir sehen nicht mehr nur die eine oder andere Pflanze, sondern zauberhafte Fotografien, in denen sich die Wissenschaft in der Kunst spiegelt und die Kunst in der Wissenschaft.

Depuis 2005, le Bündner Kunstmuseum utilise la Villa Garbald à Castasegna comme antenne. Les locaux ne servent pas de galerie, mais l'art doit plutôt donner des impulsions au "laboratoire de réflexion Villa Garbald".

A l'occasion du jubilé des "20 ans du centre de séminaires Villa Garbald", nous avons déplacé le centre d'intérêt de l'institution artistique de Castasegna : Cette fois-ci, nous ne partons pas de l'œuvre d'un artiste, mais nous voulons donner un aperçu des immenses archives d'images de photographies scientifiques de l'ETH Zurich. Personne ne peut se soustraire à la fascination de cette richesse. Mais en faire une sélection et la présenter dans la Villa Garbald et dans le nouveau bâtiment du Roccolo représente un défi particulier. Nous avons pu faire appel à Alex Hanimann (*1955), qui travaille toujours avec des visuels trouvés dans son œuvre artistique et qui nous semblait donc prédestiné à cette tâche. Il transpose généralement les visuels qu'il a repris en dessin, peinture ou sculpture, ou les retravaille en les agrandissant, en les découpant ou en les quadrillant. Pour l'installation artistique de la Villa Garbald, il a sélectionné des prises de vue photographiques de plantes provenant des archives photographiques de l'EPF de Zurich, mais il les présente de manière sobre, sans les détourner davantage. Il s'intéresse plutôt aux interfaces et aux ruptures dans les différentes prises de vue : Enthousiasmé par la qualité particulière des images, il se laisse ainsi guider d'une part par l'esthétique, par la beauté des formes de croissance et de leur apparition dans le visuel photographique. D'autre part, il reconnaît les exigences scientifiques qui interviennent dans presque chaque visuel. Et finalement, en tant qu'artiste, il s'intéresse aux formes de mise en scène auxquelles participent les scientifiques tout comme les chercheurs de l'institut photographique. Tous ont leurs méthodes et leurs propres pratiques pour donner une forme et une valeur aux visuels. Alex Hanimann ouvre de nouvelles perspectives : En sortant les prises de vue de leur contexte bien défini, il leur confère une complexité surprenante et nous ne voyons plus seulement l'une ou l'autre plante, mais des photographies magiques dans lesquelles la science se reflète dans l'art et l'art dans la science.

Dal 2005 il Bündner Kunstmuseum utilizza Villa Garbald a Castasegna come avamposto. La sede non funge da galleria, ma piuttosto da luogo in cui l'arte può dare impulso al "Villa Garbald Thinking Lab".

In occasione del 20° anniversario del centro seminariale di Villa Garbald, abbiamo spostato il focus dell'installazione artistica a Castasegna: Questa volta non partiamo dal lavoro di un artista, ma vogliamo offrire una visione dell'immenso archivio di fotografie scientifiche del Politecnico di Zurigo. Nessuno può sottrarsi al fascino di questa ricchezza. Ma farne una selezione e presentarla nella Villa Garbald e nel nuovo edificio del Roccolo è una sfida speciale. Siamo riusciti a convincere Alex Hanimann (*1955), che lavora ripetutamente con immagini trovate nel suo lavoro artistico e che quindi sembrava predestinato a questo compito. Di solito trasforma le immagini raccolte in disegni, dipinti o sculture, oppure ci lavora sopra ingrandendole, ritagliandole o utilizzando griglie. Per l'installazione artistica a Villa Garbald, ha selezionato immagini fotografiche di piante dall'archivio di immagini del Politecnico di Zurigo, ma le presenta in modo sobrio e senza ulteriore alienazione. È più interessato alle interfacce e alle interruzioni delle singole fotografie: Ispirato dalla particolare qualità dell'immagine, è guidato da un lato dall'estetica, dalla bellezza delle forme di crescita e dal loro aspetto nell'immagine fotografica. Dall'altro, riconosce le esigenze scientifiche che si manifestano in quasi tutte le immagini. E infine, come artista, è interessato alle forme di messa in scena a cui partecipano tanto gli scienziati naturali quanto i ricercatori dell'istituto fotografico. Tutti hanno i loro metodi e le loro pratiche per dare alle immagini una forma e un valore. Alex Hanimann apre nuove prospettive: Togliendo le fotografie dal loro contesto chiaro, conferisce loro una complessità sorprendente e non vediamo più solo una pianta o un'altra, ma fotografie incantevoli in cui la scienza si riflette nell'arte e l'arte nella scienza.

Since 2005, the Bündner Kunstmuseum has been using the Villa Garbald in Castasegna as an outpost. The premises do not serve as a gallery, but rather as a place where art can provide impetus in the "Villa Garbald Thinking Lab".

To mark the 20th anniversary of the Villa Garbald seminar center, we have shifted the focus of the art installation in Castasegna: This time we are not starting from the work of an artist, but want to give an insight into the immeasurable image archive of scientific photographs at ETH Zurich. No one can escape the fascination of this wealth. But making a selection from it and presenting it in the Villa Garbald and in the new Roccolo building is a special challenge. We were able to win over Alex Hanimann (*1955), who repeatedly works with found visuals in his artistic work and therefore seemed predestined for this task. He usually transforms the visuals he takes up into drawings, paintings or sculptures or works on them by enlarging them, cutting them out or using grids. For the art installation at Villa Garbald, he has selected photographic images of plants from the ETH Zurich image archive, but presents them soberly and without further alienation. He is more interested in the interfaces and breaks in the individual photographs: Enthused by the special image quality, he is guided on the one hand by aesthetics, by the beauty of the growth forms and their appearance in the photographic image. On the other hand, he recognizes the scientific claims that come to bear in almost every visual. And ultimately, as an artist, he is interested in the forms of staging in which the natural scientists participate just as much as the researchers at the photographic institute. They all have their own methods and their own practices to give the visuals a form and a value. Alex Hanimann opens up new perspectives: By removing the photographs from their clear context, he gives them a surprising complexity and we no longer see just one plant or another, but enchanting photographs in which science is reflected in art and art in science.

(Text: Bündner Kunstmuseum)

Museum der Moderne | Salzburg
5. Juli 2024 – 2. Februar 2025

Memory Theatre
Rose English

Das Museum der Moderne Salzburg präsentiert die erste umfassende Werkschau der britischen Künstlerin Rose English im deutschsprachigen Raum. Inmitten der Konzeptkunst, der Tanzszene und der feministischen Szene entwickelt English (geb. 1950 Hereford, GB) in den 1970er-Jahren in Großbritannien ihre einzigartige Arbeitsweise. Heute zählt sie zu den einflussreichsten Performance-Künstlerinnen. In ihrem außergewöhnlichen interdisziplinären Werk verbindet sie Elemente von Theater, Zirkus und Oper, um die Themen Geschlechterpolitik und die Präsenz von Performer:innen zu erforschen.

Die Ausstellung gibt anhand von multimedialen Installationen einen Einblick in ihre einzigartige Praxis. Aus ihrer frühen Beschäftigung mit Ballett und Dressur und ihren gemeinsamen Wurzeln im Barock entwickelt die Künstlerin ihre berühmte feministische Tanzperformance Quadrille (1975) und ihre Bühnenperformance mit einem Pferd My Mathematics (1992). Drei ihrer großen Theaterproduktionen werden in Form einer neuen ortsspezifischen Installation zum ersten Mal öffentlich gezeigt.

Ein in Auftrag gegebenes Performance-Programm begleitet die Ausstellung mit vier Performances von jüngeren internationalen Künstler:innen, deren Arbeiten mit der künstlerischen Praxis von Englisch in Verbindung stehen.

Zur Ausstellung erscheint eine zweisprachige Publikation.

Kuratorinnen (Ausstellung und Performance-Programm): Marijana Schneider, Kuratorin, Museum der Moderne Salzburg, Lisa Moravec, Gastkuratorin

Le Museum der Moderne Salzburg présente la première exposition complète de l'œuvre de l'artiste britannique Rose English dans l'espace germanophone. Au milieu de l'art conceptuel, de la scène de la danse et de la scène féministe, English (née en 1950 à Hereford, Royaume-Uni) développe sa méthode de travail unique dans les années 1970 en Grande-Bretagne. Aujourd'hui, elle compte parmi les artistes de performance les plus influents. Dans son œuvre interdisciplinaire exceptionnelle, elle combine des éléments de théâtre, de cirque et d'opéra pour explorer les thèmes de la politique de genre et de la présence des performeurs/performeuses.

L'exposition donne un aperçu de sa pratique unique à travers des installations multimédias. De son intérêt précoce pour le ballet et le dressage et de leurs racines communes dans le baroque, l'artiste développe son célèbre spectacle de danse féministe Quadrille (1975) et sa performance scénique avec un cheval My Mathematics (1992). Trois de ses grandes productions théâtrales sont présentées pour la première fois au public sous la forme d'une nouvelle installation spécifique au lieu.

Un programme de performances commandé accompagne l'exposition avec quatre performances de jeunes artistes internationaux dont le travail est lié à la pratique artistique de l'anglais.

Une publication bilingue est éditée à l'occasion de l'exposition.

Commissaires (exposition et programme de performances) : Marijana Schneider, conservatrice, Museum der Moderne Salzburg, Lisa Moravec, conservatrice invitée

Il Museum der Moderne Salzburg presenta la prima mostra completa di opere dell'artista britannica Rose English nel mondo di lingua tedesca. Nel mezzo dell'arte concettuale, della scena della danza e della scena femminista, la English (nata nel 1950 a Hereford, Regno Unito) ha sviluppato il suo modo unico di lavorare in Gran Bretagna negli anni Settanta. Oggi è una delle più influenti artiste performative. Nel suo straordinario lavoro interdisciplinare, combina elementi di teatro, circo e opera per esplorare i temi della politica di genere e della presenza dei performer.

La mostra offre una panoramica della sua pratica unica attraverso installazioni multimediali. Dal suo primo coinvolgimento con il balletto e il dressage e le loro radici comuni nel Barocco, l'artista ha sviluppato la sua famosa performance di danza femminista Quadrille (1975) e la sua performance teatrale con un cavallo My Mathematics (1992). Tre delle sue principali produzioni teatrali saranno presentate per la prima volta al pubblico sotto forma di una nuova installazione site-specific.

Un programma di performance commissionato accompagna la mostra con quattro spettacoli di giovani artisti internazionali il cui lavoro è legato alla pratica artistica dell'inglese.

Una pubblicazione bilingue accompagnerà la mostra.

Curatori (mostra e programma di performance): Marijana Schneider, curatrice, Museum der Moderne Salzburg, Lisa Moravec, curatrice ospite

The Museum der Moderne Salzburg is presenting the first comprehensive exhibition of works by British artist Rose English in the German-speaking world. In the midst of conceptual art, the dance scene and the feminist scene, English (born 1950 in Hereford, UK) developed her unique way of working in Great Britain in the 1970s. Today she is one of the most influential performance artists. In her extraordinary interdisciplinary work, she combines elements of theater, circus and opera to explore the themes of gender politics and the presence of performers.

The exhibition provides an insight into her unique practice through multimedia installations. From her early involvement with ballet and dressage and their common roots in the Baroque, the artist developed her famous feminist dance performance Quadrille (1975) and her stage performance with a horse My Mathematics (1992). Three of her major theater productions will be shown publicly for the first time in the form of a new site-specific installation.

A commissioned performance program accompanies the exhibition with four performances by younger international artists whose work is related to the artistic practice of English.

A bilingual publication will accompany the exhibition.

Curators (exhibition and performance program): Marijana Schneider, curator, Museum der Moderne Salzburg, Lisa Moravec, guest curator

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Museum Folkwang | Essen
23. August 2024 – 5. Januar 2025

Robert Frank. Be happy

Im Jahr 2024 wäre Robert Frank 100 Jahre alt geworden. Anlässlich dieses Geburtstags zeigt das Museum Folkwang vom 23. August 2024 bis zum 5. Januar 2025 in der Präsentation Be Happy 34 Fotografien sowie ausgewählte Dokumente zur Sammlungs- und Ausstellungsgeschichte. Seit den 1980er Jahren ist Robert Frank bereits mit seinen Werken und zahlreichen Ausstellungen im Museum Folkwang vertreten. In der Reihe Sammlungsgeschichten erfährt der international renommierte Fotograf und bedeutende Vertreter des amerikanischen Avantgarde-Films eine weitere Würdigung im Museum Folkwang.

Robert Frank (1924 – 2019) wird als Sohn jüdisch-schweizer Eltern in Zürich geboren. Nach seiner Ausbildung zum Fotografen im Zürcher Studio von Michael Wolgensinger und ersten eigenen Arbeiten wandert er 1947 in die USA aus. Während der ersten Jahre reist er zwischen den Kontinenten hin und her. Er wohnt ab 1950 dauerhaft in New York und ab 1970 lebt er abwechselnd in der Metropole und dem abgeschiedenen Ort Mabou (Nova Scotia) in Kanada. In New York entsteht 1958 auch seine Fotoreihe From the Bus. Diese Fotoserie, aufgenommen aus einem fahrenden Bus, spielt eine zentrale Rolle in seinem Gesamtwerk und markiert den Übergang zum Bewegtbild. Frank selbst beschreibt die Serie als Reise „thru the city“ (durch die Stadt). Dieser Aspekt des „thru“, sich zwischen etwas befinden, spiegelt sich in verschiedenen Bereichen seines Lebens wider. So wechselt er zwischen Fotografie und Film sowie einem Leben zwischen Stadt und Land. 2010 wird die Reihe From the Bus für die Fotografische Sammlung des Museum Folkwang erworben.

Robert Frank ist dem Museum Folkwang zeitlebens eng verbunden: Mit Ute Eskildsen, der Leiterin der Fotografischen Sammlung von 1979 bis 2012, verbindet den Fotografen ein kontinuierlicher Austausch und eine daraus resultierende Freundschaft. Zwischen 1987 und 2008 werden im Rahmen dieser engen Zusammenarbeit drei große Ausstellungen zu Robert Franks Werk in Essen gezeigt. 1989 entsteht der Experimentalfilm Hunter, in welchem der in New York lebende Künstler seine eigene Perspektive auf das Ruhrgebiet einnimmt. Die letzte Robert Frank-Schau im Museum Folkwang, Books and Films, 1947–2014, findet 2015 statt. Vier Jahre später stirbt Frank im Alter von 94 Jahren. Nun werden Teile seines Lebenswerks mit der Sammlungspräsentation Be Happy erneut in Essen ausgestellt. Zu sehen sind Fotografien aus dem Bestand der Fotografischen Sammlung, Briefe und Dokumente zu Franks Ausstellungsgeschichte im Museum Folkwang sowie sein erster Videofilm Home Improvements (1985). Mit Werken aus Schlüsselserien wie The Americans (1958), der vollständigen Reihe From the Bus (1958) und weiteren, teilweise sehr persönlichen, Fotografien, Montagen und Collagen nimmt der Ausstellungsraum Franks komplexes und vielfältiges Œuvre in den Blick.

En 2024, Robert Frank aurait eu 100 ans. À l'occasion de cet anniversaire, le musée Folkwang présentera du 23 août 2024 au 5 janvier 2025, dans la présentation Be Happy, 34 photographies ainsi que des documents sélectionnés sur l'histoire de la collection et de l'exposition. Depuis les années 1980, Robert Frank est déjà présent au musée Folkwang avec ses œuvres et de nombreuses expositions. Dans la série Histoires de collections, le photographe de renommée internationale et représentant important du cinéma d'avant-garde américain reçoit un nouvel hommage au musée Folkwang.

Robert Frank (1924 - 2019) est né à Zurich de parents juifs suisses. Après sa formation de photographe dans le studio zurichois de Michael Wolgensinger et ses premiers travaux personnels, il émigre aux États-Unis en 1947. Pendant les premières années, il voyage entre les continents. Il réside en permanence à New York à partir de 1950 et, à partir de 1970, il alterne entre la métropole et la localité isolée de Mabou (Nouvelle-Écosse) au Canada. C'est également à New York qu'il réalise en 1958 sa série de photos From the Bus. Cette série de photos, prises depuis un bus en marche, joue un rôle central dans l'ensemble de son œuvre et marque le passage à l'image animée. Frank décrit lui-même la série comme un voyage « thru the city » (à travers la ville). Cet aspect du « thru », se trouver entre quelque chose, se reflète dans différents domaines de sa vie. Il alterne ainsi entre la photographie et le cinéma ainsi qu'une vie entre la ville et la campagne. En 2010, la série From the Bus est acquise pour la collection photographique du musée Folkwang.

Robert Frank est resté toute sa vie étroitement lié au musée Folkwang : Le photographe entretient avec Ute Eskildsen, directrice de la collection photographique de 1979 à 2012, un échange continu et une amitié qui en découle. Entre 1987 et 2008, trois grandes expositions consacrées à l'œuvre de Robert Frank sont présentées à Essen dans le cadre de cette étroite collaboration. En 1989, le film expérimental Hunter est réalisé, dans lequel l'artiste, qui vit à New York, adopte sa propre perspective sur la région de la Ruhr. La dernière exposition Robert Frank au musée Folkwang, Books and Films, 1947-2014, a lieu en 2015. Quatre ans plus tard, Frank décède à l'âge de 94 ans. Aujourd'hui, des parties de l'œuvre de sa vie sont à nouveau exposées à Essen avec la présentation de la collection Be Happy. On peut y voir des photographies issues du fonds de la collection photographique, des lettres et des documents relatifs à l'histoire des expositions de Frank au musée Folkwang, ainsi que son premier film vidéo Home Improvements (1985). Avec des œuvres issues de séries clés comme The Americans (1958), la série complète From the Bus (1958) et d'autres photographies, montages et collages, parfois très personnels, l'espace d'exposition met en perspective l'œuvre complexe et variée de Frank.

Robert Frank avrebbe compiuto 100 anni nel 2024. Per celebrare questo compleanno, il Museum Folkwang espone 34 fotografie e documenti selezionati sulla storia della collezione e della mostra nella presentazione Be Happy, dal 23 agosto 2024 al 5 gennaio 2025. Robert Frank è stato rappresentato al Museum Folkwang con le sue opere e numerose mostre a partire dagli anni Ottanta. Nell'ambito della serie Collection Histories, il fotografo di fama internazionale e importante rappresentante dell'avanguardia cinematografica americana sarà nuovamente omaggiato al Museum Folkwang.

Robert Frank (1924 - 2019) è nato a Zurigo da genitori ebrei-svizzeri. Dopo essersi formato come fotografo nello studio zurighese di Michael Wolgensinger e aver prodotto le sue prime opere, emigrò negli Stati Uniti nel 1947. Durante i primi anni, viaggia avanti e indietro tra i continenti. Dal 1950 vive stabilmente a New York e dal 1970 si alterna tra la metropoli e la remota cittadina di Mabou (Nuova Scozia) in Canada. Anche la serie fotografica From the Bus è stata realizzata a New York nel 1958. Questa serie di fotografie, scattate da un autobus in movimento, ha un ruolo centrale nella sua opera e segna il passaggio alle immagini in movimento. Frank stesso descrive la serie come un viaggio “attraverso la città”. Questo aspetto del “attraverso”, l'essere in mezzo a qualcosa, si riflette in vari ambiti della sua vita. Si alterna tra fotografia e cinema, così come la sua vita si svolge tra città e campagna. Nel 2010, la serie From the Bus è stata acquisita per la collezione fotografica del Museo Folkwang.

Robert Frank è stato strettamente legato al Museum Folkwang per tutta la sua vita: Con Ute Eskildsen, direttore della Collezione fotografica dal 1979 al 2012, il fotografo è stato legato da uno scambio continuo e da una conseguente amicizia. Tra il 1987 e il 2008, nell'ambito di questa stretta collaborazione, sono state presentate a Essen tre grandi mostre sull'opera di Robert Frank. Nel 1989 è stato realizzato il film sperimentale Hunter, in cui l'artista newyorkese adotta la propria prospettiva sulla regione della Ruhr. L'ultima mostra di Robert Frank al Museum Folkwang, Books and Films, 1947-2014, si è svolta nel 2015. Frank morì quattro anni dopo, all'età di 94 anni. Ora parte del lavoro della sua vita viene esposto nuovamente a Essen con la presentazione della collezione Be Happy. Sono esposte fotografie della Collezione fotografica, lettere e documenti relativi alla storia espositiva di Frank al Museum Folkwang e il suo primo film video Home Improvements (1985). Con opere tratte da serie fondamentali come The Americans (1958), la serie completa From the Bus (1958) e altre fotografie, talvolta molto personali, montaggi e collage, lo spazio espositivo si concentra sulla complessa e variegata opera di Frank.

Robert Frank would have turned 100 years old in 2024. To mark this birthday, Museum Folkwang is showing 34 photographs and selected documents on the history of the collection and exhibitions in the presentation Be Happy from 23 August 2024 to 5 January 2025. Robert Frank has been represented at Museum Folkwang with his works and numerous exhibitions since the 1980s. In the series Histories of a Collection IV (Sammlungsgeschichten IV) the internationally renowned photographer and important representative of American avant-garde film is being honoured once more at Museum Folkwang.

Robert Frank (1924 – 2019) was born in Zurich to Jewish-Swiss parents. After training as a photographer in Michael Wolgensinger's Zurich studio and producing his first works, he emigrated to the USA in 1947. During the first few years, he travelled back and forth between the continents. From 1950 he lived permanently in New York and from 1970 he alternated between the metropolis and the remote town of Mabou (Nova Scotia) in Canada. His photo series From the Bus was also taken in New York in 1958. This series of photographs, shot from a moving bus, plays a central role in his oeuvre and marks the transition to moving images. Frank himself describes the series as a journey "thru the city". This aspect of "thru", being in between something, is reflected in various areas of his life. He alternates between photography and film as well as a life between city and country. In 2010, the series From the Bus was acquired for the Museum Folkwang's Department of Photography.

Robert Frank was closely bound to Museum Folkwang throughout his life: The photographer and Ute Eskildsen, Head of the Department of Photography from 1979 to 2012, enjoyed a continuous exchange and a resulting friendship. Between 1987 and 2008, three major exhibitions of Robert Frank's work were shown in Essen as part of this close partnership. In 1989, the experimental film Hunter was shot, in which the New York-based artist captures his perspective on the Ruhr region. The last Robert Frank exhibition at Museum Folkwang, Books and Films, 1947-2014, took place in 2015. Four years later, Frank died at the age of 94. Nine years after his last exhibition in Essen, parts of his life's work are presented again with the collection presentation Be Happy. On display are photographs from the Department of Photography, letters and documents relating to Frank's exhibition history at Museum Folkwang as well as his first video film Home Improvementss (1985). With works from key series such as The Americans (1958), the complete series From the Bus (1958) and other, partly very personal, photographs, montages and collages, the exhibition space focuses on Frank's complex and multifaceted oeuvre.

(Text: Museum Folkwang, Essen)

Museum im Bellpark | Kriens
24. August – 8. Dezember 204

L’OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografinnen und Fotografen aus dem Pressearchiv «Heim und Leben»

Seit ihrer Erfindung hat sich die Fotografie zu einem visuellen Kulturerbe entwickelt, das vergangene Welten sichtbar und erfahrbar macht. Das Museum im Bellpark stellt mit der Ausstellung „L’OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografinnen und Fotografen aus dem Pressearchiv ‚Heim und Leben‘» einen Bildbestand vor, der den gesellschaftlichen Wandel der Schweiz im Übergang zur Modernisierung der Lebensverhältnisse während und nach dem Zweiten Weltkrieg dokumentiert. Die Ausstellung hinterlässt zugleich einen Eindruck von der Schau- und Bilderlust einer Zeit, in der die illustrierten Zeitschriften das wichtigste Bildmedium überhaupt darstellten.

Die gezeigten Abzüge stammen aus dem Bildarchiv des Luzerner Verlags C.J. Bucher, aus dem in den 30er bis 60er Jahren national bekannte Publikumszeitschriften wie «Heim und Leben», «Der Familienfreund» oder «L’Abeille» bedient wurden. Die Bildredaktion des Verlags pflegte damals – über die Sprachgrenzen der Schweiz hinweg – einen regen Austausch mit den Bildproduzent:innen und trug so zur Vernetzung der verschiedenen Fotoszenen des Landes bei. Die Zeitschriften des C.J. Bucher Verlags wurden so schnell zu bedeutenden Foren der Schweizer Reportagefotografie.

Das umfangreiche Bildarchiv von über 11‘000 Abzügen aus der Blütezeit der Reportagefotografie gelangte später in die Zuständigkeit des Museum im Bellpark und konnte mit Unterstützung des Vereins Memoriav gesichert und aufgearbeitet werden. Die Ausstellung im Museum im Bellpark zeigt nun einen vertieften Einblick in dieses bemerkenswerte Pressearchiv. Besonders wertvoll macht den Bestand, dass er grösstenteils Originalabzüge (Vintage prints) umfasst, die von den Fotografinnen und Fotografen selbst hergestellt und in der Bildredaktion des Verlags abgegeben wurden.

Für die aktuelle Präsentation im Museum haben wir die thematische Ordnung des Archivs aufgebrochen und Arbeiten der bedeutendsten und spannendsten Fotografinnen und Fotografen ausgesucht, die es vermögen, Emotionen zu wecken und uns Geschichten der damaligen Schweiz näher zu bringen. Die Auswahl enthält Positionen aus der Deutschschweiz, der Romandie sowie der italienischen Schweiz.

Einerseits begegnen wir in der Ausstellung renommierten Schweizer Reportagefotograf:innen wie Theo Frey, Gotthard Schuh, Sabine Weiss, Paul Senn und Hans Baumgartner. Es gibt aber auch überraschende Trouvaillen von Herbert Matter, Arnold Odermatt, Ernst Brunner und frühe Arbeiten von Georg Gerster zu entdecken. Für die Spätphase der Zeitschrift waren Reportagen der jüngeren Generation massgeblich: Fotografinnen und Fotografen wie Rob Gnant, Monique Jacot, Yvan Dalain, Claude Huber, Fred Mayer und Jean Mohr etablierten in den 1960er Jahren eine neue Bildsprache, welche auch das Erscheinungsbild der Zeitschriften veränderte. Mit Clemens Schildknecht, Max. A. Wyss, Lisa Meyerlist, Mondo Annoni und Lorenz Fischer sind auch die bedeutendsten Positionen der Luzerner Fotoszene vertreten. Und sehr interessant sind auch jene Positionen, welchen bisher die nötige Aufmerksamkeit versagt blieb: Entdeckungen wie Erika Faul-Symmer, Hedy Bumbacher, Erwin Liechti, Simone Mohr und Françoise Rapin vermögen das Reservoir der Schweizer Fotografie auf spannende Weise zu erweitern.

Die Ausstellung zeigt ein faszinierendes Panoptikum der Schweizer Fotografie von den 1930er bis in die 1960er Jahre, eine Phase, die gemeinhin als Blütezeit der Schweizer Pressefotografie verstanden wird. Das Nebeneinander der Fotoszenen der verschiedenen Sprachregionen unseres Landes – darunter auch aufregende Neuentdeckungen – verhelfen zu einer differenzierten Sicht und Erweiterung der etablierten Schweizer Pressefotografie.

Depuis son invention, la photographie est devenue un patrimoine visuel qui permet de voir et d'expérimenter des mondes passés. Avec l'exposition « L'OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografen und Fotografen aus dem Pressearchiv 'Heim und Leben' » présente un ensemble d'images qui témoigne de la transformation de la société suisse lors de la transition vers la modernisation des conditions de vie pendant et après la Seconde Guerre mondiale. L'exposition donne également une idée de la soif d'images et de spectacle d'une époque où les magazines illustrés constituaient le principal support visuel.

Les tirages présentés proviennent des archives photographiques de la maison d'édition lucernoise C.J. Bucher, qui a produit des magazines grand public de renommée nationale tels que « Heim und Leben », « Der Familienfreund » ou « L'Abeille » dans les années 30 à 60. La rédaction photo de la maison d'édition entretenait à l'époque - par-delà les frontières linguistiques de la Suisse - de nombreux échanges avec les producteurs d'images et contribuait ainsi à la mise en réseau des différentes scènes photographiques du pays. Les magazines de la maison d'édition C.J. Bucher sont ainsi rapidement devenus des forums importants de la photographie de reportage suisse.

Les vastes archives photographiques de plus de 11 000 tirages datant de l'âge d'or de la photographie de reportage sont ensuite passées sous la responsabilité du Museum im Bellpark et ont pu être sauvegardées et traitées avec le soutien de l'association Memoriav. L'exposition au musée du Bellpark donne un aperçu approfondi de ces remarquables archives de presse. Ce qui rend ce fonds particulièrement précieux, c'est qu'il comprend en grande partie des tirages originaux (vintage prints), réalisés par les photographes eux-mêmes et remis à la rédaction photographique de la maison d'édition.

Pour la présentation actuelle au musée, nous avons rompu l'ordre thématique des archives et sélectionné les travaux des photographes les plus importants et les plus passionnants, capables de susciter des émotions et de nous faire découvrir des histoires de la Suisse d'alors. La sélection comprend des positions de la Suisse alémanique, de la Suisse romande et de la Suisse italienne.

D'une part, nous rencontrons dans l'exposition des photographes suisses de reportage renommés comme Theo Frey, Gotthard Schuh, Sabine Weiss, Paul Senn et Hans Baumgartner. Mais on y découvre aussi des trouvailles surprenantes de Herbert Matter, Arnold Odermatt, Ernst Brunner et les premiers travaux de Georg Gerster. Les reportages de la jeune génération ont joué un rôle déterminant dans la phase tardive du magazine : des photographes comme Rob Gnant, Monique Jacot, Yvan Dalain, Claude Huber, Fred Mayer et Jean Mohr ont établi dans les années 1960 un nouveau langage visuel qui a également modifié l'image du magazine. Avec Clemens Schildknecht, Max. A. Wyss, Lisa Meyerlist, Mondo Annoni et Lorenz Fischer, les positions les plus importantes de la scène photographique lucernoise sont également représentées. Et les positions qui n'ont pas encore reçu l'attention nécessaire sont également très intéressantes : des découvertes comme Erika Faul-Symmer, Hedy Bumbacher, Erwin Liechti, Simone Mohr et Françoise Rapin sont capables d'élargir le réservoir de la photographie suisse de manière passionnante.

L'exposition présente un fascinant panoptique de la photographie suisse des années 1930 aux années 1960, une période généralement considérée comme l'âge d'or de la photographie de presse suisse. La juxtaposition de scènes photographiques des différentes régions linguistiques de notre pays - parmi lesquelles de nouvelles découvertes passionnantes - contribue à une vision différenciée et à un élargissement de la photographie de presse suisse établie.

Dalla sua invenzione, la fotografia si è trasformata in un patrimonio culturale visivo che rende visibili e tangibili i mondi passati. Con la mostra “L'OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografininnen und Fotografen aus dem Pressearchiv 'Heim und Leben'”, il Museum im Bellpark presenta una collezione di immagini che documentano il cambiamento sociale in Svizzera durante la transizione verso la modernizzazione delle condizioni di vita durante e dopo la Seconda Guerra Mondiale. Allo stesso tempo, la mostra dà l'impressione del piacere della visualizzazione e delle immagini di un'epoca in cui le riviste illustrate erano il mezzo visivo più importante in assoluto.

Le stampe in mostra provengono dall'archivio fotografico della casa editrice lucernese C.J. Bucher, che ha fornito riviste popolari di fama nazionale come “Heim und Leben”, “Der Familienfreund” e “L'Abeille” dagli anni '30 agli anni '60. All'epoca, la casa editrice di Lucerna forniva riviste di moda come “Heim und Leben”, “Der Familienfreund” e “L'Abeille”. All'epoca, i redattori di immagini della casa editrice coltivavano un vivace scambio con i produttori di immagini - al di là dei confini linguistici della Svizzera - e contribuivano così a mettere in rete le varie scene fotografiche del Paese. Le riviste pubblicate da C.J. Bucher Verlag sono diventate rapidamente dei forum importanti per la fotografia di reportage svizzera.

L'ampio archivio di immagini di oltre 11.000 stampe del periodo d'oro della fotografia di reportage passò in seguito sotto la responsabilità del Museum im Bellpark e fu messo al sicuro ed elaborato con il supporto dell'associazione Memoriav. La mostra al Museum im Bellpark offre ora una visione approfondita di questo notevole archivio di stampa. Ciò che rende la collezione particolarmente preziosa è che comprende in gran parte stampe originali (stampe d'epoca) prodotte dagli stessi fotografi e consegnate ai redattori dell'editore.

Per l'attuale presentazione al museo, abbiamo spezzato l'organizzazione tematica dell'archivio e abbiamo selezionato le opere dei fotografi più importanti ed emozionanti, in grado di evocare emozioni e di avvicinarci alle storie della Svizzera dell'epoca. La selezione comprende posizioni della Svizzera tedesca, della Svizzera francese e della Svizzera italiana.

Da un lato, nella mostra incontriamo rinomati fotografi di reportage svizzeri come Theo Frey, Gotthard Schuh, Sabine Weiss, Paul Senn e Hans Baumgartner. Ma ci sono anche sorprendenti trouvailles di Herbert Matter, Arnold Odermatt, Ernst Brunner e i primi lavori di Georg Gerster da scoprire. I reportage della generazione più giovane furono decisivi per la fase finale della rivista: fotografi come Rob Gnant, Monique Jacot, Yvan Dalain, Claude Huber, Fred Mayer e Jean Mohr stabilirono un nuovo linguaggio visivo negli anni '60, che cambiò anche l'aspetto delle riviste. Con Clemens Schildknecht, Max. A. Wyss, Lisa Meyerlist, Mondo Annoni e Lorenz Fischer, sono rappresentate anche le posizioni più importanti della scena fotografica lucernese. Molto interessanti sono anche le posizioni che finora non hanno ricevuto la necessaria attenzione: scoperte come Erika Faul-Symmer, Hedy Bumbacher, Erwin Liechti, Simone Mohr e Françoise Rapin sono in grado di ampliare il serbatoio della fotografia svizzera in modo entusiasmante.

La mostra presenta un affascinante panopticon della fotografia svizzera dagli anni '30 agli anni '60, un periodo che viene generalmente considerato come il periodo d'oro della fotografia giornalistica svizzera. La giustapposizione di scene fotografiche provenienti dalle varie regioni linguistiche del nostro Paese - comprese nuove emozionanti scoperte - contribuisce a fornire una visione differenziata e un'espansione della fotografia giornalistica svizzera consolidata.

Since its invention, photography has developed into a visual cultural heritage that makes past worlds visible and tangible. With the exhibition “L'OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografininnen und Fotografen aus dem Pressearchiv 'Heim und Leben'”, the Museum im Bellpark presents a collection of images that document the social change in Switzerland in the transition to modernization of living conditions during and after the Second World War. At the same time, the exhibition gives an impression of the pleasure in display and images of a time when illustrated magazines were the most important visual medium of all.

The prints on display come from the picture archive of the Lucerne publishing house C.J. Bucher, which supplied nationally renowned popular magazines such as “Heim und Leben”, “Der Familienfreund” and “L'Abeille” from the 1930s to the 1960s. At the time, the publishing house's picture editors maintained a lively exchange with picture producers - across Switzerland's language borders - and thus contributed to the networking of the country's various photo scenes. The magazines published by C.J. Bucher Verlag quickly became important forums for Swiss reportage photography.

The extensive image archive of over 11,000 prints from the heyday of reportage photography later came under the responsibility of the Museum im Bellpark and was secured and processed with the support of the Memoriav association. The exhibition at the Museum im Bellpark now provides an in-depth insight into this remarkable press archive. What makes the collection particularly valuable is that it largely comprises original prints (vintage prints) that were produced by the photographers themselves and handed in to the publisher's picture editors.

For the current presentation in the museum, we have broken up the thematic order of the archive and selected works by the most important and exciting photographers who are able to evoke emotions and bring us closer to the stories of Switzerland at the time. The selection includes positions from German-speaking Switzerland, French-speaking Switzerland and Italian-speaking Switzerland.

On the one hand, the exhibition features renowned Swiss reportage photographers such as Theo Frey, Gotthard Schuh, Sabine Weiss, Paul Senn and Hans Baumgartner. But there are also surprising trouvailles by Herbert Matter, Arnold Odermatt, Ernst Brunner and early works by Georg Gerster to discover. Reportages by the younger generation were decisive for the late phase of the magazine: photographers such as Rob Gnant, Monique Jacot, Yvan Dalain, Claude Huber, Fred Mayer and Jean Mohr established a new visual language in the 1960s, which also changed the appearance of the magazines. With Clemens Schildknecht, Max. A. Wyss, Lisa Meyerlist, Mondo Annoni and Lorenz Fischer, the most important positions of the Lucerne photography scene are also represented. And very interesting are also those positions that have so far been denied the necessary attention: discoveries such as Erika Faul-Symmer, Hedy Bumbacher, Erwin Liechti, Simone Mohr and Françoise Rapin are able to expand the reservoir of Swiss photography in an exciting way.

The exhibition presents a fascinating panopticon of Swiss photography from the 1930s to the 1960s, a period that is generally regarded as the heyday of Swiss press photography. The juxtaposition of photographic scenes from the various language regions of our country - including exciting new discoveries - helps to provide a differentiated view and expansion of established Swiss press photography.

(Text: Museum im Bellpark, Kriens)

Focale | Nyon
30. August – 10. November 2024

Maison de Dieu
Elsa Beaumont

Seit 38 Jahren beherbergt das Maison de Dieu in den Cevennen Menschen, die ein Dach über dem Kopf brauchen oder in Gemeinschaft leben möchten. Es wird keine Religion vorgeschrieben. Auf der Grundlage von Gastfreundschaft und Nicht-Urteilsvermögen beherbergt das Haus ungefähr 80 Bewohner unterschiedlichen Alters und Herkunft, die Mahlzeiten, Treffen, Ressourcen und Aufgaben teilen, die für ein gutes Funktionieren notwendig sind.

Durch die Aufnahme einer großen Vielfalt an Lebenswegen und Verletzungen wird dieser Ort zu einem Zufluchtsort, einem Raum der Freiheit, in dem sich jeder Zeit nehmen kann.

Die Bilder dieser Serie fangen Menschen ein, die trotz der Wechselfälle des Lebens in der Schwebe sind, und sind ein Beweis für die Existenz, die Stärke und die Ressourcen, die jeder Person innewohnen, der sie begegnet.

Die Fotografien zeigen diesen Ort in Resonanz mit der Entscheidung von Elsa Beaumont, die vor etwa zehn Jahren selbst in die Cevennen zog, um sich dort niederzulassen. Diese einzigartigen Lebensformen zu dokumentieren ist für die Fotografin ein poetischer und politischer Akt, der es ihr ermöglicht, in diesen Skizzen Antworten auf eine Gesellschaft zu sehen, die sich insgesamt in einer Krise befindet.

Depuis trente-huit ans, la Maison de Dieu dans les Cévennes accueille ceux qui ont besoin d’un toit ou souhaitent vivre en communauté. Aucune religion n’y est imposée. Fondée sur l’accueil et le non-jugement, elle abrite environ huitante résidents de divers âges et origines, partageant repas, réunions, ressources et tâches nécessaires au bon fonctionnement.

Accueillant une grande diversité de parcours de vie et de blessures portées, ce lieu devient un refuge, un espace de liberté où chacun peut prendre le temps.

Saisissant des êtres en suspension, entiers, malgré les vicissitudes de la vie, les images de cette série sont autant de preuves de l’existence, de la force et des ressources intrinsèques de chaque personne rencontrée.

Ces photographies donnent à voir ce lieu en résonance avec la décision d’Elsa Beaumont d’être venue, elle-même, s’installer dans les Cévennes il y a une dizaine d’années. Témoigner de ces formes de vies singulières est pour la photographe un acte poétique et politique permettant d’entrevoir dans ces esquisses des réponses à une société globalement en crise.

Da trentotto anni, la Maison de Dieu nelle Cévennes accoglie le persone che hanno bisogno di un tetto sopra la testa o che vogliono vivere in comunità. Non viene imposta alcuna religione. Fondata su un atteggiamento accogliente e non giudicante, ospita un'ottantina di residenti di età e provenienza diverse, che condividono i pasti, le riunioni, le risorse e i compiti necessari al buon funzionamento.

Accogliendo un'ampia varietà di percorsi di vita e di ferite, questo luogo diventa un rifugio, uno spazio di libertà dove ognuno può prendersi il suo tempo.

Catturando persone in sospensione, integre, nonostante le vicissitudini della vita, le immagini di questa serie sono la prova dell'esistenza, della forza e delle risorse intrinseche di ogni persona che incontriamo.

Queste fotografie mostrano un luogo che risuona con la decisione di Elsa Beaumont di trasferirsi nelle Cévennes dieci anni fa. Per la fotografa, testimoniare queste singolari forme di vita è un atto poetico e politico, che ci permette di intravedere in questi schizzi le risposte a una società in crisi.

For the past thirty-eight years, the Maison de Dieu in the Cévennes has been welcoming those in need of shelter or wishing to live in community. No religion is imposed. Founded on a welcoming, non-judgmental attitude, it is home to around eighty residents of various ages and backgrounds, sharing meals, meetings, resources and the tasks required to keep it running smoothly.

Welcoming a wide variety of life paths and wounds, this place becomes a refuge, a space of freedom where everyone can take their time.

Capturing people in suspension, whole, despite the vicissitudes of life, the images in this series are proof of the existence, strength and intrinsic resources of each person we meet.

These photographs show a place that resonates with Elsa Beaumont's own decision to move to the Cévennes ten years ago. For the photographer, bearing witness to these singular forms of life is a poetic and political act, allowing us to glimpse in these sketches responses to a society in global crisis.

(Text: Focal, Nyon)

Kunsthalle Erfurt
1. September - 10. November 2024

Herlinde Koelbl

Herlinde Koelbl zählt zu den bekanntesten Fotokünstlerinnen in Deutschland. Ihr Interesse gilt dem Menschen in seinem kulturellen Umfeld, seinem Alltag, seiner Körperlichkeit und Individualität. Mit klug konzeptionierten fotografischen Langzeitstudien wie „Das deutsche Wohnzimmer“, „Männer“, „Starke Frauen“, „Jüdische Porträts“ und „Spuren der Macht – Die Verwandlung des Menschen durch das Amt“ zeigt sie sich als wichtige Chronistin unserer Zeit.

Herlinde Koelbl compte parmi les artistes photographes les plus connus d'Allemagne. Elle s'intéresse à l'être humain dans son environnement culturel, son quotidien, sa corporalité et son individualité. Avec des études photographiques à long terme intelligemment conçues comme "Das deutsche Wohnzimmer", "Männer", "Starke Frauen", "Jüdische Porträts" et "Spuren der Macht - Die Verwandlung des Menschen durch das Amt", elle se révèle être une chroniqueuse importante de notre époque.

Herlinde Koelbl è una delle artiste fotografiche più conosciute in Germania. Si interessa alle persone nel loro ambiente culturale, alla loro vita quotidiana, alla loro fisicità e individualità. Con studi fotografici a lungo termine sapientemente concepiti, come "Il salotto tedesco", "Uomini", "Donne forti", "Ritratti ebraici" e "Tracce di potere - La trasformazione dell'uomo attraverso l'ufficio", si dimostra un'importante cronista dei nostri tempi.

Herlinde Koelbl is one of the best-known photo artists in Germany. She is interested in people in their cultural environment, their everyday lives, their physicality and individuality. With cleverly conceived long-term photographic studies such as "The German Living Room", "Men", "Strong Women", "Jewish Portraits" and "Traces of Power - The Transformation of Man through the Office", she proves herself to be an important chronicler of our times.

(Text: Kunsthalle Erfurt)

Centre de la photographie Genève
4. September – 15. Dezember 2024

Palonegro
Luis Carlos Tovar

Palonegro ist das jüngste Projekt des kolumbianischen Künstlers Luis Carlos Tovar (*1979). Es ist das Ergebnis einer mehrjährigen Recherche zwischen Kolumbien, der Schweiz und Frankreich und wird zum ersten Mal im Centre de la photographie Genève gezeigt. Palonegro erforscht ein spezifisches Kapitel der Geschichte der Gewalt in Kolumbien, den Tausend-Tage-Krieg (1899-1902) und die blutige Schlacht von Palonegro (11.-25. Mai 1900). Dabei handelte es sich um den neunten und größten Bürgerkrieg des Landes, dessen gesamte Geschichte von zahlreichen Gewaltepisoden geprägt ist. Über dieses besondere Kapitel der Geschichte seines Landes hinaus befasst sich dieses Forschungsprojekt von Luis Carlos Tovar mit der Geschichtsschreibung, der Memorialisierung und Weitergabe der Geschichte der Gewalt sowie mit möglichen Heilungsprozessen von individuellen und kollektiven Traumata, die mit politischer Gewalt verbunden sind. Sie schenkt den aus der offiziellen nationalen Geschichte ausgeklammerten Erzählungen und den vielen Stimmen, die sie ausmachen, große Aufmerksamkeit. Die Arbeit beleuchtet auch die wichtigen und wenig bekannten Verbindungen zwischen der Schweiz und Kolumbien bei der Zusammenstellung und Bewahrung der kolumbianischen Geschichte.

Luis Carlos Tovar beschäftigt sich in seiner Arbeit seit vielen Jahren mit persönlichen und öffentlichen Archiven, die mit der gewalttätigen und dramatischen Geschichte Kolumbiens in Verbindung stehen. Er interessiert sich insbesondere für das Konzept des Postmemory, das 1992 von der Theoretikerin Marianne Hirsch entwickelt und als Übung in imaginativer Rekonstruktion und kreativer Beteiligung definiert wurde. Für Palonegro untersucht die Künstlerin anhand von Dokumentarfotografien, Karten und Dokumenten von bestimmten Ereignissen aus dem 19. und 20. Jahrhundert verschiedene Arten der Darstellung von Gewalt sowie deren Ursprung. Ein wichtiger Aspekt ihrer Praxis besteht auch darin, die Orte, an denen diese Ereignisse stattgefunden haben, zu besuchen und neu zu fotografieren und sich mit den Objekten zu beschäftigen, die physisch mit ihnen verbunden sind.

Der Künstler führte seine Recherchen insbesondere in Bucaramanga (Kolumbien) durch, dem Ort einer wichtigen Schlacht zu Beginn des Tausend-Tage-Kriegs (11.-13. November 1899), sowie in der Schweiz, wo wichtige Archive im Zusammenhang mit der kolumbianischen Geschichte aufbewahrt werden. Insbesondere studierte und fotografierte er in der Genfer Bibliothek die kolumbianischen Karten aus La Nouvelle Géographie Universelle von Élisée Reclus (Katalog Perron-XLI Südamerika). Der französische Geograf und Anarchist Élisée Reclus (1830-1905) verfasste im Schweizer Exil dieses wichtige, 19 Bände umfassende Werk, dessen Karten unter anderem von Charles Perron (1837-1909), einem Schweizer Kartografen und Anarchisten, angefertigt wurden. Da die Karten bisher noch nie digitalisiert wurden, möchte der Künstler mit diesem Projekt die Karten einem breiteren Publikum zugänglich machen, darunter auch dem kolumbianischen Publikum, für das sie bisher praktisch unzugänglich sind.

Der Künstler recherchierte auch in der Fotothek des Schweizerischen Roten Kreuzes und in der Sammlung des Rotkreuz- und Rothalbmondmuseums in Genf. Beide bewahren wichtiges, aber wenig erforschtes Bildmaterial auf, das mit der Geschichte des Krieges in Kolumbien und der humanitären Arbeit in dem Land verbunden ist, die unter der Inspiration des Roten Kreuzes im 19. und 20. Jahrhundert geleistet wurde. Die humanitäre Hilfe des Roten Kreuzes in Kolumbien begann genau genommen mit der Schlacht von Palonegro. Seitdem war das Rote Kreuz ein aktiver Zeuge der Geschichte der Gewalt in Kolumbien, und seine Archive ermöglichen es, einige ihrer Episoden im Detail nachzuvollziehen.

Luis Carlos Tovar hat auch in verschiedenen privaten und öffentlichen kolumbianischen Archiven recherchiert. (Archivo de la Congregación de las Hermanas de la Caridad Dominicas de la Presentación, Cruz Roja Colombiana, Archivo Nacional), sowie Feldarbeit in Bogotá, Bucaramanga und im Chicamocha Canyon in Kolumbien, dem Ort, an dem die Schlacht von Palonegro (11. bis 25. Mai 1900) stattfand. Die Ausstellung umfasst eine dekommissionierte Akte des Kriegsministeriums, die aus den Wehrdienstbescheinigungen von 21 Soldaten besteht, die am Tausend-Tage-Krieg, dem letzten Bürgerkrieg des 19. Sie bildet die Grundlage, auf der diese ehemaligen Soldaten die ihnen zustehende Rente beantragten, und zeichnet auf ergreifende Weise ihr Leben vor und nach diesem Krieg nach. Diese Akten bilden die visuelle Grundlage für eines der Werke in der Ausstellung.

Der Prozess und das Ergebnis dieser Recherchen werden einen performativen visuellen Versuch beinhalten, der Strategien der Aneignung durch Collage, Super-8-Film und eine experimentelle Technik der Fotogravur verwendet. Das Ziel dieser Recherchen ist die Wiederaneignung und Resignifizierung dieser Fotoarchive, die der Künstler als zu heilende Körper betrachtet. Mit diesem Ansatz hofft er, im weiteren Sinne die Möglichkeit in Betracht ziehen zu können, das individuelle und kollektive Gedächtnis der Traumata und Verletzungen der kolumbianischen Geschichte zu heilen. Seine Arbeit wirft auch die Frage auf, wer die Geschichte verwahrt, wer sie schreibt und für wen, und wer die Fähigkeiten besitzt, sie zu reaktivieren und ihr einen Sinn zu geben, mit dem Ziel der Beruhigung, der Versöhnung und der symbolischen Wiedergutmachung.

Palonegro est le projet le plus récent de l’artiste colombien Luis Carlos Tovar (*1979). Fruit de plusieurs années de recherche entre la Colombie, la Suisse et la France, il sera présenté pour la première fois au Centre de la photographie Genève. Palonegro explore un chapitre spécifique de l’histoire de la violence en Colombie, la guerre des Mille Jours (1899-1902) et la sanglante bataille de Palonegro (11-25 mai 1900). Il s’agit de la neuvième et plus importante guerre civile de ce pays, dont l’histoire entière est marquée par de nombreux épisodes de violence. Au-delà de ce chapitre particulier de l’histoire de son pays, ce projet de recherche de Luis Carlos Tovar porte sur l’écriture de l’histoire, la mémorialisation et la transmission de l’histoire de la violence, et les processus possibles de guérison des traumas individuels et collectifs liés à la violence politique. Il prête une grande attention aux récits écartés des histoires officielles nationales, et aux multiples voix qui les constituent. Ce travail met aussi en lumière les liens importants, et peu connus, entre la Suisse et la Colombie dans la constitution et la conservation de l’histoire colombienne.

Le travail de Luis Carlos Tovar porte depuis de nombreuses années sur les archives personnelles et publiques liées à l’histoire violente et dramatique de la Colombie. Il s’intéresse notamment au concept de postmémoire, développé par la théoricienne Marianne Hirsch en 1992, et défini comme un exercice de reconstruction imaginative et de participation créative. Pour Palonegro, l’artiste investigue différents modes de représentation de la violence tout comme son origine, sur la base de photographies documentaires, de cartes et de documents issus d’événements spécifiques survenus au cours des 19e et 20e siècles. Un aspect important de sa pratique consiste également à visiter et à rephotographier les lieux où ces événements ont eu lieu et à s’intéresser aux objets qui y sont physiquement liés.

L’artiste a mené ses recherches en particulier à Bucaramanga, en Colombie, lieu d’une bataille importante au début de la guerre des Mille Jours (11-13 novembre 1899), et en Suisse où sont conservées des archives importantes liées à l’histoire colombienne. Il a notamment étudié, puis photographié, à la Bibliothèque de Genève les cartes colombiennes de La Nouvelle Géographie Universelle d’Élisée Reclus (Catalogue Perron-XLI Amérique du Sud). Le géographe et anarchiste français Élisée Reclus (1830-1905) a rédigé en exil en Suisse cet important ouvrage de 19 tomes dont les cartes ont notamment été réalisées par Charles Perron (1837-1909), cartographe et anarchiste suisse. Ces dernières n’ayant encore jamais été digitalisées, l’artiste ambitionne à terme avec ce projet de les faire connaître à un plus large public, dont le public colombien pour lequel elles sont à ce jour pratiquement inaccessibles.

L’artiste a également mené des recherches dans la photothèque de la Croix-Rouge suisse et dans la collection du Musée de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge à Genève. Toutes deux conservent du matériel visuel important, mais peu étudié lié à l’histoire de la guerre en Colombie et au travail humanitaire effectué dans le pays sous l’inspiration de la Croix-Rouge tout au long des 19e et 20e siècles. L’aide humanitaire de la Croix-Rouge en Colombie a précisément débuté lors de la bataille de Palonegro. Depuis ce moment, la Croix-Rouge a été un témoin actif de l’histoire de la violence en Colombie, et ses archives permettent de retracer en creux certains de ses épisodes.

Luis Carlos Tovar a également mené des recherches dans différentes archives colombiennes, privées et publiques. (Archivo de la Congregación de las Hermanas de la Caridad Dominicas de la Presentación, Cruz Roja Colombiana, Archivo Nacional), et des travaux sur le terrain à Bogota, Bucaramanga et dans le canyon de Chicamocha en Colombie, site où s’est déroulée la bataille de Palonegro (11-25 mai 1900). Cette exposition inclut un dossier décommissionné du ministère de la Guerre, composé des états de service militaire de 21 soldats ayant participé à la Guerre des mille jours, la dernière guerre civile du 19e siècle. Il constitue la base sur laquelle ces anciens soldats ont demandé à toucher la pension à laquelle ils avaient droit, et retrace de manière poignante leur vie avant et après cette guerre. Ces dossiers constituent une base visuelle pour l’une des oeuvres de l’exposition.

Le processus et le résultat de ces recherches comporteront un essai visuel performatif utilisant des stratégies d’appropriation à travers le collage, le film super 8 et une technique expérimentale de photogravure. Le but de ces recherches est la réappropriation et la resignification de ces archives photographiques, que l’artiste considère comme des corps à guérir. Avec cette approche, il espère pouvoir envisager par extension la possibilité de guérir la mémoire individuelle et collective des traumatismes et des blessures de l’histoire colombienne. Son travail pose également les questions de qui est dépositaire de l’histoire, de qui l’écrit et pour qui, et de qui détient les capacités à la réactiver et en faire sens, dans un but d’apaisement, de réconciliation et de réparation symbolique.

Palonegro è il progetto più recente dell'artista colombiano Luis Carlos Tovar (*1979). Frutto di diversi anni di ricerca tra Colombia, Svizzera e Francia, sarà presentato per la prima volta al Centre de la photographie Genève. Palonegro esplora un capitolo specifico della storia della violenza in Colombia, la Guerra dei Mille Giorni (1899-1902) e la sanguinosa Battaglia di Palonegro (11-25 maggio 1900). Si trattò della nona e più importante guerra civile del Paese, la cui intera storia è segnata da numerosi episodi di violenza. Guardando oltre questo particolare capitolo della storia del Paese, il progetto di ricerca di Luis Carlos Tovar si concentra sulla scrittura della storia, sulla memorizzazione e sulla trasmissione della storia della violenza e sui possibili processi di guarigione dei traumi individuali e collettivi legati alla violenza politica. Presta particolare attenzione alle narrazioni escluse dalle storie nazionali ufficiali e alle molteplici voci che le compongono. Questo lavoro evidenzia anche gli importanti e poco conosciuti legami tra la Svizzera e la Colombia nella creazione e conservazione della storia colombiana.

Luis Carlos Tovar lavora da molti anni su archivi personali e pubblici legati alla storia violenta e drammatica della Colombia. È particolarmente interessato al concetto di postmemoria, sviluppato dalla teorica Marianne Hirsch nel 1992 e definito come un esercizio di ricostruzione immaginativa e partecipazione creativa. In Palonegro, l'artista indaga diversi modi di rappresentare la violenza, nonché le sue origini, utilizzando fotografie documentarie, mappe e documenti di eventi specifici del XIX e XX secolo. Un aspetto importante della sua pratica consiste anche nel visitare e rifotografare i luoghi in cui questi eventi hanno avuto luogo e nell'osservare gli oggetti che sono fisicamente legati ad essi.

L'artista ha svolto la sua ricerca in particolare a Bucaramanga, in Colombia, luogo di una grande battaglia all'inizio della Guerra dei Mille Giorni (11-13 novembre 1899), e in Svizzera, dove sono conservati importanti archivi relativi alla storia colombiana. In particolare, ha studiato e poi fotografato le mappe colombiane de La Nouvelle Géographie Universelle di Élisée Reclus presso la Bibliothèque de Genève (Catalogue Perron-XLI Amérique du Sud). Il geografo e anarchico francese Élisée Reclus (1830-1905) scrisse questa importante opera in 19 volumi in esilio in Svizzera. Le mappe furono realizzate da Charles Perron (1837-1909), cartografo e anarchico svizzero. Poiché le mappe non sono mai state digitalizzate prima d'ora, l'obiettivo finale dell'artista con questo progetto è quello di farle conoscere a un pubblico più ampio, compreso quello colombiano, per il quale sono attualmente praticamente inaccessibili.

L'artista ha anche svolto ricerche nella fototeca della Croce Rossa Svizzera e nella collezione del Museo della Croce Rossa e della Mezzaluna Rossa di Ginevra. Entrambi conservano materiale visivo importante ma poco studiato sulla storia della guerra in Colombia e sul lavoro umanitario svolto nel Paese sotto l'ispirazione della Croce Rossa nel corso del XIX e XX secolo. L'aiuto umanitario della Croce Rossa in Colombia è iniziato proprio durante la battaglia di Palonegro. Da allora, la Croce Rossa è stata testimone attiva della storia della violenza in Colombia e i suoi archivi ci permettono di ripercorrerne alcuni episodi.

Luis Carlos Tovar ha anche svolto ricerche in diversi archivi colombiani, sia privati che pubblici. (Archivo de la Congregación de las Hermanas de la Caridad Dominicas de la Presentación, Cruz Roja Colombiana, Archivo Nacional), e ricerche sul campo a Bogotà, Bucaramanga e nel Canyon di Chicamocha in Colombia, luogo della battaglia di Palonegro (11-25 maggio 1900). La mostra comprende un fascicolo dismesso del Ministero della Guerra, costituito dai registri di servizio militare di 21 soldati che parteciparono alla Guerra dei Mille Giorni, l'ultima guerra civile del XIX secolo. Il fascicolo costituisce la base su cui questi ex soldati hanno presentato domanda per ottenere la pensione a cui avevano diritto e fornisce un resoconto toccante della loro vita prima e dopo la guerra. Questi documenti costituiscono la base visiva di una delle opere della mostra.

Il processo e il risultato di questa ricerca comporteranno un saggio visivo performativo che utilizza strategie di appropriazione attraverso il collage, la pellicola super 8 e una tecnica sperimentale di fotoincisione. Lo scopo di questa ricerca è quello di riappropriarsi e risignificare questi archivi fotografici, che l'artista vede come corpi che hanno bisogno di essere curati. Con questo approccio, spera di poter immaginare, per estensione, la possibilità di guarire la memoria individuale e collettiva dei traumi e delle ferite della storia colombiana. Il suo lavoro solleva anche la questione di chi sia il depositario della storia, chi la scriva e per chi, e chi abbia la capacità di riattivarla e darle un senso, con l'obiettivo di placare, riconciliare e riparare simbolicamente.

Palonegro is the most recent project by Colombian artist Luis Carlos Tovar (*1979). The fruit of several years of research between Colombia, Switzerland and France, it will be presented for the first time at the Centre de la photographie Genève in autumn 2024. Palonegro explores a specific chapter in the history of violence in Colombia, the Thousand Days War (1899-1902) and the bloody Battle of Palonegro (11-25 May 1900). It was the ninth and most important civil war in the country, whose entire history is marked by episodes of violence. Looking beyond this particular chapter in his country’s history, Luis Carlos Tovar’s research project focuses on the writing of history, the memorialisation and transmission of the history of violence, and possible processes for healing the individual and collective traumas linked to political violence. It pays close attention to the narratives excluded from official national histories, and to the multiple voices that make them up. This work also highlights the important and little-known links between Switzerland and Colombia in the creation and preservation of Colombian history.

Luis Carlos Tovar has been working for many years with personal and public archives linked to Colombia’s violent and dramatic history. He is particularly interested in the concept of postmemory, developed by theorist Marianne Hirsch in 1992, and defined as an exercise in imaginative reconstruction and creative participation. For Palonegro, the artist investigates the concept of violence, not only as an act but also through its diverse representions, using documentary photography, maps and documents from specific events in the 19th and 20th centuries. An important aspect of his process also involves visiting and rephotographing the places where these events took place and engaging with the objects physically connected to them.

The artist conducted his research in Bucaramanga, Colombia, the site of a major battle at the start of the Thousand Days War (11-13 November 1899), and in Switzerland, where important archives relating to Colombian history are preserved. In particular, he studied and photographed the Colombian maps in La Nouvelle Géographie Universelle (by Élisée Reclus) at the Bibliothèque de Genève (Catalogue Perron-XLI Amérique du Sud). The French geographer and anarchist Élisée Reclus (1830-1905) wrote this important 19-volume work in exile in Switzerland. The maps were produced by Charles Perron (1837-1909), a Swiss cartographer and anarchist. As the maps have never been digitised before, the artist’s ultimate aim with this project is to bring them to a wider audience, including the Colombian public, for whom they are currently virtually inaccessible.

The artist also carried out research in the Swiss Red Cross photo library and in the collection of the Red Cross and Red Crescent Museum in Geneva. Both hold important but little-studied visual material relating to the history of the war in Colombia and the humanitarian work carried out in the country under the inspiration of the Red Cross throughout the 19th and 20th centuries. Red Cross humanitarian aid in Colombia began precisely at the time of the Battle of Palonegro. Since then, the Red Cross has been an active witness to the history of violence in Colombia, and its archives make it possible to retrace some of its episodes.

Finally, Luis Carlos Tovar undertook research in several private and public Colombian archives (Archivo de la Congregación de las Hermanas de la Caridad Dominicas de la Presentación, Cruz Roja Colombiana, Archivo Nacional), and fieldwork in Bogotá, Bucaramanga and Chicamocha Canyon in Colombia, the site where the battle of Palonegro took place (11-25 May 1900). The exhibition will include a decommissioned file from the Ministry of War, comprising the military service records of 21 soldiers who took part in the last civial war of the 19th century, including material on the Thousand Days War. These files form the basis on which these former soldiers applied for the pension to which they were entitled, and provide a poignant account of their lives before and after the war. They form a visual basis for one of the artist’s works in the exhibition.

The process and outcome of this research involve a performative visual essay using strategies of appropriation through collage, super 8 film and experimental photoengraving. The aim of this research is to reappropriate and re-signify these photographic archives, which the artist sees as bodies to be healed. With this approach, he hopes to be able to envisage, by extension, the possibility of healing the individual and collective memory of the traumas and wounds of Colombian history. His work also raises the questions of who is the repository of history, who writes it and for whom, and who has the capacity to reactivate it and make sense of it, with the aim of appeasement, reconciliation and symbolic reparation.

(Text: Centre de la photographie Genève)

Photo Elysée | Lausanne
6. September 2024 – 23. Februar 2025

Daido Moriyama - Rétrospective

Photo Elysée präsentiert eine umfassende Ausstellung, die einem der bekanntesten japanischen Fotografen gewidmet ist. Die vom Instituto Moreira Salles (Sao Paolo, Brasilien) organisierte Retrospektive macht nach Berlin und London nun auch in der Schweiz Halt.

Daido Moriyama (geb. 1938 in Osaka) hat im Laufe seiner 60-jährigen Karriere die Art und Weise, wie wir Fotografie sehen, massgeblich verändert. Mit seiner Kamera hat er nicht nur seine direkte Umgebung dokumentiert und eine visuelle Gesellschaftsanalyse des Japans der Nachkriegszeit geschaffen, er hat auch das fotografische Medium an sich hinterfragt. 

Seine unvergleichliche Bildsprache erfährt ebenso viel Anerkennung wie seine zahlreichen Publikationen, die in seinem Werk einen zentralen Stellenwert einnehmen. 

Daido Moriyamas fotografische Themen haben Betrachter:innen seit jeher in ihren Bann gezogen, egal ob es sich um Massenmedien und Werbung, gesellschaftliche Tabus oder die Theatralik des Alltags handelt. Er hat das Aufeinanderprallen von japanischer Tradition und beschleunigter Verwestlichung festgehalten, das auf die amerikanische Militärbesetzung Japans nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs folgte. Inspiriert durch US-amerikanische Künstler wie Andy Warhol oder William Klein hat der Fotograf die aufkommende japanische Konsumgesellschaft lebendig werden lassen und sich mit der Reproduzierbarkeit von Bildern, ihrer Verbreitung und ihrem Konsum beschäftigt. Immer wieder hat Moriyama auch sein eigenes Bildarchiv in neue Kontexte gesetzt und mit Vergröerungen, Ausschnitten und der Bildauflösung experimentiert. Bis heute gelten sein künstlerischer Pioniergeist und seine visuelle Intensität als wegweisend und innovativ.

Photo Elysée présente une exposition majeure dédiée à l’un des plus grands photographes japonais. La rétrospective, produite par l’Instituto Moreira Salles (Sao Paulo, Brésil), fait escale en Suisse après Berlin et Londres.

Au cours de ses soixante années de carrière, Daido Moriyama (né en 1938 à Osaka) a modifié de manière décisive notre perception de la photographie. Il a utilisé son appareil photo pour documenter son environnement immédiat et pour explorer visuellement la société japonaise d'après-guerre. Mais il a également remis en question la nature même de la photographie. 

Son langage visuel incomparable est aussi loué que ses innombrables publications, qui sont au cœur de son travail. 

Les sujets photographiques de Moriyama ont captivé les spectateurs dès le début, qu'il s'agisse des médias de masse et des publicités, des tabous de la société ou de la théâtralité de la vie quotidienne. Il a saisi le choc entre la tradition japonaise et l'occidentalisation accélérée qui a suivi l'occupation militaire du Japon par les États-Unis après la fin de la Seconde Guerre mondiale. Inspiré par des artistes américains tels qu'Andy Warhol et William Klein, le photographe a donné vie à la société de consommation naissante au Japon. Il a exploré la reproductibilité des images, leur diffusion et leur consommation. À maintes reprises, Moriyama a placé ses archives d'images dans de nouveaux contextes, jouant avec les agrandissements, les recadrages et la résolution de l'image. Aujourd'hui encore, son esprit artistique pionnier et son intensité visuelle restent novateurs.

Photo Elysée presenta una mostra importante dedicata ad uno dei più grandi fotografi giapponesi. La retrospettiva, prodotta dall’Instituto Moreira Salles (São Paulo, Brasile), fa scalo in Svizzera dopo Berlino e Londra.  

Nel corso dei suoi sessant’anni di carriera, Daido Moriyama (nato nel 1938 a Osaka) ha modificato in modo decisivo la nostra percezione della fotografia. Ha utilizzato la sua fotocamera per documentare il proprio ambiente circostante e per esplorare dal punto di vista visivo la società giapponese del dopoguerra. Ma ha altresì rimesso in discussione la natura stessa della fotografia. 

Il suo linguaggio visivo impareggiabile è tanto lodato quanto le sue tantissime pubblicazioni che sono nel cuore del suo lavoro. 

I soggetti fotografici di Moriyama hanno appassionato gli spettatori sin dall’inizio, che si tratti dei mass media e delle pubblicità, dei tabù della società o della teatralità della vita quotidiana. Il fotografo ha colto lo shock tra la tradizione giapponese e l'occidentalizzazione accelerata che ha seguito l'occupazione militare del Giappone dagli Stati Uniti dopo la fine della seconda guerra mondiale. Ispirato da artisti americani quali Andy Warhol e William Klein, il fotografo ha dato la luce alla società di consumo nascente in Giappone. Ha esplorato la riproducibilità delle immagini, la loro diffusione ed il loro consumo. A più riprese, Moriyama ha ambientato i suoi archivi di immagini in nuovi contesti, giocando con gli ingrandimenti, le reinquadrature e la risoluzione dell'immagine. Ancora oggi, il suo spirito artistico pioniere e la sua intensità visiva rimangono innovativi.

Photo Elysée is presenting a major exhibition devoted to one of Japan’s greatest photographers. This retrospective, produced by the Instituto Moreira Salles (Sao Paulo, Brazil), will be making a stopover in Switzerland after showing in Berlin and London.

During the sixty years of his career, Daido Moriyama (born in Osaka in 1938) definitively altered our perception of photography. He used his camera to document his immediate surroundings and to visually explore post-war society in Japan. But he also challenged the very nature of photography itself. 

His incomparable visual language is as highly acclaimed as his numerous publications, which are at the heart of his work.

Right from the start, viewers have been captivated by Moriyama’s photographic subjects, from the mass media and advertising to society's taboos and the theatricality of everyday life. He captured the clash between Japanese tradition and the accelerated westernisation that followed the US military occupation of Japan after the end of the Second World War. Inspired by American artists such as Andy Warhol and William Klein, the photographer brought Japan's nascent consumer society to life. He explored the reproducibility of images, their dissemination and their consumption. Moriyama repeatedly positioned his archive of images in new contexts, playing with enlargements, cropping and image resolution. Even today, his pioneering artistic spirit and visual intensity remain innovative.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
6. September – 24. November 2024

Sabine Weiss. A Photographer's Life

Sabine Weiss gehört zu den wichtigsten Repräsentant*innen der französischen humanistischen Fotografie des 20. Jahrhunderts. Ihre Karriere umspannt mehr als sieben Jahrzehnte. Die humanistische Fotografie, welche im Kern die Philosophie der Aufklärung mit sozialdokumentarischer Praxis verband, entstand nach dem Zweiten Weltkrieg. Fotografen wie Robert Doisneau, Willy Ronis und Brassaï waren berühmte Vertreter. Ob Reportage, Illustrationen, Mode, Werbung, Künstler*innenporträts oder persönliche Arbeiten: Sabine Weiss sah alle Bereiche der Fotografie als Herausforderung an, als Vorwand für Begegnungen und Reisen, als Mittel zum Leben und als Selbstausdruck.

Die Ausstellung Sabine Weiss. A Photographer's Life, an der die Autorin bis zu ihrem Tod mitgewirkt hat, berichtet von dieser lebenslangen Leidenschaft und beleuchtet die Schwerpunkte eines Werks, das sich rund um das menschliche Sein entwickelt. Anhand von Originalabzügen, Archivdokumenten und Filmen zeichnet sie das Porträt einer Fotografin, die von einer unstillbaren Neugier auf andere Menschen angetrieben wurde, sei es in Frankreich, wo sie sich 1946 niederließ, in den USA oder auf ihren unzähligen Reisen durch ganz Europa.

Im Jahr 2016 und 2018 wurde Sabine Weiss durch zwei Ausstellungen im Jeu de Paume Château de Tours und im Musée National d'Art Moderne im Centre Pompidou in Paris geehrt sowie im Rahmen einer vielbeachteten Retrospektive bei dem Fotofestival Rencontres d'Arles mit dem 2020 Women In Motion Award for photography, verliehen von Kering, ausgezeichnet. Aufgrund der vielfältigen und positiven Resonanz erklärte sie sich bereit ihr persönliches Archiv zu öffnen und ihr vielschichtiges Werk der Öffentlichkeit zugänglich zu machen.

Sabine Weiss (geb. Weber) wurde 1924 in Saint-Gingolph in der Schweiz geboren. Sie absolvierte eine Lehre als Fotografin im Studio des renommierten Fotografen Paul Boissonnas in Genf und ließ sich anschließend in Paris nieder, wo sie dem deutschen Modefotografen Willy Maywald assistierte. Ab 1949 arbeitete sie als freischaffende Fotografin. Ihre Aufnahmen wurden unter anderem in den Zeitschriften Esquire, Vogue, Paris Match, Life und Time publiziert. 1952 trat sie der Agentur Rapho bei. Weiss realisierte über 170 Einzelausstellungen und war mit ihren Fotografien in mehr als 80 Gruppenausstellungen vertreten, u.a. in Edward Steichens berühmter Ausstellungen The Family of Man im Museum of Modern Art in New York. Ihr Nachlass wird vom Photo Elysée in Lausanne betreut und umfasst rund 160.000 Negative, 7.000 Kontaktbögen, 8.000 Prints, 46.000 Diapositive und diverses Dokumentationsmaterial.

Kuratorin der Ausstellung ist die Fotohistorikerin Virginie Chardin. Die Ausstellung wird organisiert von f³ – freiraum für fotografie, produziert von Sabine Weiss Studio und Photo Elysée, mit der Unterstützung von Jeu de Paume, Les Rencontres d’Arles und Women In Motion, einem Programm von Kering zur Förderung von Frauen in Kunst und Kultur.

Sabine Weiss est l'une des plus importantes représentantes* de la photographie humaniste française du 20e siècle. Sa carrière s'étend sur plus de sept décennies. La photographie humaniste, qui allie la philosophie des Lumières et la pratique du documentaire social, est née après la Seconde Guerre mondiale. Des photographes comme Robert Doisneau, Willy Ronis et Brassaï en furent de célèbres représentants. Qu'il s'agisse de reportages, d'illustrations, de mode, de publicité, de portraits d'artistes* ou de travaux personnels : Sabine Weiss considérait tous les domaines de la photographie comme un défi, un prétexte aux rencontres et aux voyages, un moyen de vivre et de s'exprimer.

L'exposition Sabine Weiss. A Photographer's Life, à laquelle l'auteur a collaboré jusqu'à sa mort, rend compte de cette passion de toujours et met en lumière les points forts d'une œuvre qui se développe autour de l'être humain. À travers des tirages originaux, des documents d'archives et des films, elle dresse le portrait d'une photographe animée par une insatiable curiosité pour les autres, que ce soit en France, où elle s'est installée en 1946, aux États-Unis ou lors de ses innombrables voyages à travers l'Europe.

En 2016 et 2018, Sabine Weiss a été honorée par deux expositions au Jeu de Paume Château de Tours et au Musée National d'Art Moderne du Centre Pompidou à Paris, et a reçu le 2020 Women In Motion Award for photography, décerné par Kering, dans le cadre d'une rétrospective très remarquée lors du festival de photographie des Rencontres d'Arles. Suite à l'écho positif et varié, elle a accepté d'ouvrir ses archives personnelles et de rendre accessible au public son œuvre aux multiples facettes.

Sabine Weiss (née Weber) est née en 1924 à Saint-Gingolph en Suisse. Elle a suivi un apprentissage de photographe dans le studio du célèbre photographe Paul Boissonnas à Genève, puis s'est installée à Paris, où elle a assisté le photographe de mode allemand Willy Maywald. À partir de 1949, elle a travaillé comme photographe indépendante. Ses photos ont été publiées entre autres dans les magazines Esquire, Vogue, Paris Match, Life et Time. En 1952, elle a rejoint l'agence Rapho. Weiss a réalisé plus de 170 expositions individuelles et a été représentée avec ses photographies dans plus de 80 expositions de groupe, notamment dans la célèbre exposition The Family of Man d'Edward Steichen au Museum of Modern Art de New York. Son héritage est géré par Photo Elysée à Lausanne et comprend environ 160 000 négatifs, 7 000 planches contact, 8 000 tirages, 46 000 diapositives et divers matériels de documentation.

La commissaire de l'exposition est l'historienne de la photographie Virginie Chardin. L'exposition est organisée par f³ - freiraum für fotografie, produite par Sabine Weiss Studio et Photo Elysée, avec le soutien du Jeu de Paume, des Rencontres d'Arles et de Women In Motion, un programme de Kering visant à promouvoir les femmes dans les arts et la culture.

Sabine Weiss è una delle più importanti rappresentanti della fotografia umanista francese del XX secolo. La sua carriera abbraccia più di sette decenni. La fotografia umanista, che combina essenzialmente la filosofia dell'Illuminismo con la pratica del documentario sociale, è emersa dopo la Seconda Guerra Mondiale. Fotografi come Robert Doisneau, Willy Ronis e Brassaï ne furono famosi rappresentanti. Che si tratti di reportage, illustrazioni, moda, pubblicità, ritratti di artisti o opere personali: Sabine Weiss vedeva tutti i settori della fotografia come una sfida, come un pretesto per incontri e viaggi, come un mezzo per vivere ed esprimersi.

La mostra Sabine Weiss. A Photographer's Life, a cui l'autrice ha lavorato fino alla sua morte, racconta questa passione di una vita e illumina i punti focali di un'opera che si è sviluppata intorno alla condizione umana. Utilizzando stampe originali, documenti d'archivio e filmati, l'autrice dipinge il ritratto di una fotografa animata da un'insaziabile curiosità per le altre persone, sia in Francia, dove si stabilì nel 1946, sia negli Stati Uniti o nei suoi innumerevoli viaggi in tutta Europa.

Nel 2016 e nel 2018, Sabine Weiss è stata premiata con due mostre al Jeu de Paume Château de Tours e al Musée National d'Art Moderne del Centre Pompidou di Parigi, nonché con il premio Women In Motion 2020 per la fotografia, presentato da Kering, nell'ambito di un'acclamata retrospettiva al festival fotografico Rencontres d'Arles. A causa della risposta positiva e diversificata, l'artista ha accettato di aprire il suo archivio personale e di rendere accessibile al pubblico il suo lavoro stratificato.

Sabine Weiss (nata Weber) è nata nel 1924 a Saint-Gingolph, in Svizzera. Ha svolto un apprendistato come fotografa nello studio del celebre fotografo Paul Boissonnas a Ginevra e si è poi stabilita a Parigi, dove ha assistito il fotografo di moda tedesco Willy Maywald. Dal 1949 lavora come fotografa freelance. Le sue fotografie sono state pubblicate, tra l'altro, sulle riviste Esquire, Vogue, Paris Match, Life e Time. Nel 1952 entra a far parte dell'agenzia Rapho. Weiss ha realizzato oltre 170 mostre personali ed è stata rappresentata con le sue fotografie in più di 80 mostre collettive, tra cui la famosa mostra di Edward Steichen The Family of Man al Museum of Modern Art di New York. Il suo patrimonio è gestito dal Photo Elysée di Losanna e comprende circa 160.000 negativi, 7.000 fogli a contatto, 8.000 stampe, 46.000 diapositive e vario materiale documentario.

La mostra è curata dalla storica della fotografia Virginie Chardin. La mostra è organizzata da f³ - freiraum für fotografie, prodotta da Sabine Weiss Studio e Photo Elysée, con il sostegno di Jeu de Paume, Les Rencontres d'Arles e Women In Motion, un programma di Kering per promuovere le donne nell'arte e nella cultura.

Sabine Weiss is one of the most important representatives of French humanist photography of the 20th century, with a career spanning more than seven decades. Humanist photography, which essentially combined the philosophy of the Enlightenment with social documentary practice, emerged a‑er the Second World War. Photographers such as Robert Doisneau, Willy Ronis and Brassaï were famous representatives. Whether reportage, illustrations, fashion, advertising, portraits of artists or personal works: Sabine Weiss saw all areas of photography as a challenge, as a pretext for encounters and travel, as a means of living and self-expression.

The exhibition Sabine Weiss. A Photographer's Life, which the author worked on until her death, tells of this lifelong passion and sheds light on the focal points of a body of work that develops around the human condition. Using original prints, archive documents and films, the exhibition paints a portrait of a photographer who was driven by an insatiable curiosity about other people, whether in France, where she settled in 1946, in the USA or on her countless travels throughout Europe. In 2016 and 2018, Sabine Weiss was honored with two exhibitions at the Jeu de Paume Château de Tours and the Musée National d'Art Moderne at the Centre Pompidou in Paris. She was the winner of the 2020 Women In Motion Award for photography, presented to her by Kering and the Rencontres d'Arles, which was followed by a highly acclaimed retrospective as part of the photography festival in Arles, in 2021. Due to the diverse and positive response, she agreed to open her personal archive and make her multi-layered work accessible to the public.

Sabine Weiss (née Weber) was born in Saint-Gingolph, Switzerland, in 1924. She completed an apprenticeship as a photographer in the studio of the renowned photographer Paul Boissonnas in Geneva and then settled in Paris, where she assisted the German fashion photographer Willy Maywald.

From 1949, she worked as a freelance photographer. Her photographs were published in Esquire, Vogue, Paris Match, Life and Time magazines, among others. In 1952 she joined the Rapho agency. Weiss realized over 170 solo exhibitions and was represented with her photographs in more than 80 group exhibitions, including Edward Steichen's famous exhibition ­e Family of Man at the Museum of Modern Art in New York. Her estate is managed by Photo Elysée in Lausanne and comprises around 160,000 negatives, 7,000 contact sheets, 8,000 prints, 46,000 slides and various documentary materials.

The exhibition is curated by photo historian Virginie Chardin, organized by f³ – freiraum für fotografie, produced by Sabine Weiss Studio and Photo Elysée, with the support of Jeu de Paume, Les Rencontres d'Arles and Women In Motion, a Kering program to shine a light on women in the arts and culture.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

Photographischen Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
6. September 2024 – 2. Februar 2025

Karl Blossfeldt – Photographie im Licht der Kunst

Mit 271 Originalabzügen wird das Œuvre von Karl Blossfeldt (1865–1932) erstmals seit zwei Jahrzehnten in diesem Umfang präsentiert. Eindrucksvoll entfaltet sich ein photographisches Werk, das im Kontext der Kunstausbildung entstand und erst wenige Jahre vor Blossfeldts Tod als eigenständige künstlerische Haltung entdeckt wurde. Heute zählt es zu den Klassikern der Photographiegeschichte und wird in einem Atemzug mit etwa August Sander und Albert Renger-Patzsch genannt. In der Rezeption gelten Blossfeldts Photographien vor allem als prototypisch für die Neue Sachlichkeit und das Neuen Sehen.

Die Ausstellung basiert auf den Beständen der Universität der Künste Berlin, an deren Vorgängerschule Blossfeldt selbst als Bildhauer ausgebildet wurde, und wo er ab 1899 drei Jahrzehnte lang das Fach „Modellieren nach Pflanzen“ unterrichtete. Dort erarbeitete er seine Pflanzenphotographien, die er als Vorlagen verwendete, um seinen Studierenden die Formenvielfalt und Details der botanischen Welt nahezubringen. Die genaue Beobachtung und die künstlerische Umsetzung der vegetabilen Formen sollten als Anregungen für Entwürfe im Bereich der angewandten Kunst und Architektur gelten. Außerdem fertigte Blossfeldt – allerdings in geringerer Anzahl – plastische Bronzeabgüsse von Pflanzenformen an und setzte sie im Unterricht ein. Exemplarische Stücke sind in die Präsentation einbezogen wie handschriftliche Briefe, die Einblicke in schulische Abläufe geben und Aussagen zum Verhältnis von Natur- und Kunstformen enthalten.

Die Photographie war für Karl Blossfeldt ein elementares Ausdrucksmittel, das er gezielt für seine Zwecke einsetzte. Das teils stark bearbeitete Pflanzenmaterial lichtet er in vielfacher Vergrößerung und vor neutralem hell- oder dunkeltonigem Hintergrund ab. Die Aufnahmen sind von großer formaler Kraft und formulieren über ihre Funktion als Lehrstücke hinaus eine vom Gegenständlichen ausgehende, in die Abstraktion führende Bildsprache. Insbesondere die noch zu Lebzeiten Blossfeldts erschienenen Publikationen „Urformen der Kunst“, 1928, und „Wundergarten der Natur“, 1932, zeigen, wie intensiv er sein Themenfeld erforschte und wie sehr er die ästhetischen Ausdrucksmöglichkeiten der Pflanze wie ihre rätselhaft magische Ausstrahlung wertschätzte.

Es erscheint ein umfangreicher, den Berliner Blossfeldt-Bestand vorstellender Katalog. Publikation und Ausstellung basieren auf der langjährigen Kooperation der Universität der Künste, Berlin mit der Photographischen Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln.

Avec 271 tirages originaux, l'œuvre de Karl Blossfeldt (1865-1932) est présentée pour la première fois depuis deux décennies dans cette ampleur. Une œuvre photographique impressionnante se déploie, née dans le contexte de l'enseignement artistique et découverte en tant qu'attitude artistique autonome seulement quelques années avant la mort de Blossfeldt. Aujourd'hui, elle compte parmi les classiques de l'histoire de la photographie et est citée au même titre qu'August Sander et Albert Renger-Patzsch. Les photographies de Blossfeldt sont considérées comme le prototype de la Nouvelle Objectivité et de la Nouvelle Vision.

L'exposition s'appuie sur les fonds de l'Université des Arts de Berlin, où Blossfeldt a lui-même suivi une formation de sculpteur et où il a enseigné pendant trois décennies, à partir de 1899, le « modelage d'après les plantes ». C'est là qu'il élabora ses photographies de plantes, qu'il utilisa comme modèles pour faire découvrir à ses étudiants la diversité des formes et des détails du monde botanique. L'observation précise et la transposition artistique des formes végétales devaient servir d'inspiration pour des projets dans le domaine des arts appliqués et de l'architecture. En outre, Blossfeldt a réalisé des moulages plastiques en bronze de formes végétales - certes en plus petit nombre - et les a utilisés dans ses cours. Des pièces exemplaires sont incluses dans la présentation, tout comme des lettres manuscrites qui donnent un aperçu des processus scolaires et contiennent des déclarations sur la relation entre les formes naturelles et artistiques.

La photographie était pour Karl Blossfeldt un moyen d'expression élémentaire qu'il utilisait de manière ciblée à ses propres fins. Il photographiait le matériel végétal, parfois très travaillé, en l'agrandissant de nombreuses fois et devant un arrière-plan neutre aux tons clairs ou foncés. Les clichés sont d'une grande force formelle et, au-delà de leur fonction pédagogique, ils formulent un langage visuel qui part du figuratif pour aller vers l'abstraction. Les publications « Urformen der Kunst » (Formes originales de l'art), 1928, et « Wundergarten der Natur » (Jardin merveilleux de la nature), 1932, parues du vivant de Blossfeldt, montrent notamment à quel point il a exploré son champ thématique et à quel point il appréciait les possibilités d'expression esthétique de la plante ainsi que son rayonnement magique et énigmatique.

Un catalogue complet présentant le fonds Blossfeldt de Berlin est publié. La publication et l'exposition sont le fruit d'une coopération de longue date entre l'Université des Arts de Berlin et la Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur de Cologne.

Con 271 stampe originali, l'opera di Karl Blossfeldt (1865-1932) viene presentata in questa veste per la prima volta dopo due decenni. Viene presentata un'impressionante opera fotografica, creata nel contesto dell'educazione artistica e scoperta come approccio artistico indipendente solo pochi anni prima della morte di Blossfeldt. Oggi si colloca tra i classici della storia della fotografia e viene citato alla stregua di August Sander e Albert Renger-Patzsch. In termini di ricezione, le fotografie di Blossfeldt sono considerate soprattutto come prototipo della Nuova Oggettività e della Nuova Visione.

La mostra si basa sui fondi dell'Università delle Arti di Berlino, presso la cui scuola predecessore Blossfeldt si è formato come scultore e dove ha insegnato la materia “Modellazione dalle piante” per tre decenni a partire dal 1899. Fu lì che sviluppò le sue fotografie di piante, che utilizzò come modelli per familiarizzare i suoi studenti con la varietà di forme e dettagli del mondo botanico. L'osservazione precisa e la realizzazione artistica delle forme vegetali servirono da ispirazione per i disegni nel campo dell'arte applicata e dell'architettura. Blossfeldt realizzò anche calchi in bronzo di forme vegetali - anche se in numero minore - e li utilizzò nelle sue lezioni. Pezzi esemplari sono inclusi nella presentazione, così come lettere scritte a mano che forniscono approfondimenti sulle procedure scolastiche e contengono dichiarazioni sul rapporto tra forme naturali e artistiche.

La fotografia era un mezzo di espressione elementare per Karl Blossfeldt, che usava specificamente per i suoi scopi. Fotografava il materiale vegetale, in parte pesantemente elaborato, in ingrandimenti multipli e su uno sfondo neutro di colori chiari o scuri. Le fotografie sono di grande potenza formale e, al di là della loro funzione didattica, formulano un linguaggio pittorico che si allontana dalla rappresentazione e conduce all'astrazione. In particolare, le pubblicazioni di Blossfeldt “Urformen der Kunst” (1928) e “Wundergarten der Natur” (1932), apparse durante la sua vita, mostrano quanto intensamente esplorasse la sua area tematica e quanto apprezzasse le possibilità espressive estetiche delle piante e la loro aura enigmatica e magica.

Verrà pubblicato un catalogo completo che presenta la collezione Blossfeldt di Berlino. La pubblicazione e la mostra si basano sulla cooperazione di lunga data tra l'Università delle Arti di Berlino e la Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Colonia.

For the first time in two decades, Karl Blossfeldt's (1865–1932) oeuvre is being presented in this scope, featuring 271 original prints. This impressive exhibition unfolds a photographic body of work that was developed in the context of art education and only discovered as an independent artistic approach a few years before Blossfeldt's death. Today, his work is considered a classic in the history of photography, often mentioned alongside August Sander and Albert Renger-Patzsch. Blossfeldt's photographs are primarily regarded as prototypical for the New Objectivity and New Vision movements.

The exhibition is based on the collection of the Berlin University of the Arts, where Blossfeldt was trained as a sculptor at its predecessor school, and where he taught "Modeling from Plants" for three decades starting in 1899. It was there that he developed his plant photographs, which he used as teaching materials to showcase the diversity and intricate details of the botanical world to his students. The close observation and artistic representation of plant forms were intended as inspiration for designs in the fields of applied arts and architecture. Additionally, Blossfeldt created a smaller number of bronze casts of plant forms, which he also used in his teaching. Exemplary pieces, along with handwritten letters offering insights into the school's operations and discussing the relationship between natural and artistic forms, are included in the presentation.

"Photography was an essential means of expression for Karl Blossfeldt, which he used deliberately for his purposes. He photographed heavily edited plant materials in multiple enlargements against neutral light or dark-toned backgrounds. These images are of great formal strength, and beyond their function as teaching tools, they convey a visual language that, while starting from the representational, leads into abstraction. Particularly in the publications that appeared during Blossfeldt's lifetime – "Urformen der Kunst" (1928) and "Wundergarten der Natur" (1932) – it becomes evident how deeply he explored his subject matter and how much he appreciated both the aesthetic possibilities of plants and their enigmatic, magical aura."

A comprehensive catalog introducing the Berlin Blossfeldt collection will be published. Both the publication and exhibition are the result of a long-term collaboration between the Berlin University of the Arts and Die Photographische Sammliung/SK Stiftung Kultur in Cologne.

(Text: Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
06. September 2024 - 2. Februar 2025

August Sander-Preis 2024

Johanna Langenhoff – Ich oder so

Die von der Jury ausgewählte und prämierte Serie trägt den Titel „Ich oder so“ und ist 2023–2024 entstanden. Johanna Langenhoff (*2000) studiert seit 2021 an der HAW Hamburg und hat die Serie vor dem Hintergrund existenzieller Fragen der Identitätsfindung und Geschlechterzugehörigkeit entwickelt.

„Viele Gefühle, die sich schwer in Worte fassen lassen, sind für mich visuell einfacher darstellbar. […] Gleichzeitig öffnen die Photographien einen Gesprächsraum, in dem ich über mich – meinen Prozess, meine Gefühle des Nicht-Dazugehörens, die Momente des Verständnisses, die Unsicherheit, das Gefühl, mich definieren zu müssen oder die fehlende Endgültigkeit dieser Definition ‚non-binary‘ – sprechen kann“, so Johanna Langenhoff zur Intention der farbphotographischen Serie. Sehnsucht, Erinnerung und gegenwärtige Wahrnehmung sind für Johanna Langenhoff zentrale Momente einer prozesshaften Selbstbefragung, geprägt von der Suche nach individueller Verortung und individuellem Ausdruck. Die aufgenommenen Motive changieren entsprechend passend zwischen (Selbst-) Porträts und Körperdarstellungen, zwischen Landschafts- und Raumausschnitten, zwischen konkreten und abstrakten Formstudien. Licht und Schatten sind darüber hinaus vielfach bildgestalterische wie atmosphärische Elemente. Die Serie „Ich oder so“ ist vergleichbar einem Kaleidoskop unterschiedlicher emotionaler Befindlichkeiten und Erfahrungen. Sie lässt Raum für Assoziationen und Gedanken, die den Bildern, der Künstler*in und grundlegend der menschlichen Entwicklung gelten.

Der August-Sander-Preis wird seit 2018 alle zwei Jahre ausgelobt, gestiftet von Ulla Bartenbach und Prof. Dr. Kurt Bartenbach. Auch auf die nun vierte Ausschreibung ist die Resonanz erfreulich groß gewesen, mehr als 120 Einsendungen aus dem In- und Ausland waren eingegangen.

Zur Jury gehörten Dr. Anja Bartenbach, Stifterfamilie, Gabriele Conrath-Scholl, Leiterin, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, Künstler, Düsseldorf und Prof. Dr. Martin Hochleitner, Salzburg Museum.

La série sélectionnée et récompensée par le jury s'intitule « Ich oder so » et a été réalisée entre 2023 et 2024. Johanna Langenhoff (*2000) étudie à la HAW de Hambourg depuis 2021 et a développé la série avec en toile de fond des questions existentielles sur la recherche d'identité et l'appartenance à un genre.

« De nombreux sentiments difficiles à exprimer avec des mots sont plus faciles à représenter visuellement pour moi. [...] En même temps, les photographies ouvrent un espace de conversation dans lequel je peux parler de moi - de mon processus, de mes sentiments de non-appartenance, des moments de compréhension, de l'incertitude, du sentiment de devoir me définir ou de l'absence de caractère définitif de cette définition 'non-binaire' », explique Johanna Langenhoff à propos de l'intention de la série de photographies en couleur. La nostalgie, le souvenir et la perception actuelle sont pour Johanna Langenhoff les moments centraux d'un processus d'interrogation de soi, marqué par la recherche d'une localisation et d'une expression individuelles. Les motifs pris oscillent de manière appropriée entre les (auto-)portraits et les représentations du corps, entre les paysages et les fragments d'espace, entre les études de formes concrètes et abstraites. La lumière et l'ombre sont en outre souvent des éléments créateurs d'images et d'atmosphère. La série « Moi ou ça » est comparable à un kaléidoscope de différents états d'âme et expériences émotionnelles. Elle laisse place à des associations d'idées et à des réflexions sur les visuels, sur l'artiste et sur le développement humain en général.

Le prix August Sander, fondé par Ulla Bartenbach et le professeur Kurt Bartenbach, est décerné tous les deux ans depuis 2018. La quatrième édition du prix a suscité un grand intérêt, avec plus de 120 candidatures venues d'Allemagne et de l'étranger.

Anja Bartenbach, famille fondatrice, Gabriele Conrath-Scholl, directrice de Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, artiste, Düsseldorf et le professeur Martin Hochleitner, Salzburg Museum.

La serie selezionata e premiata dalla giuria si intitola “Ich oder so” ed è stata creata nel 2023-2024. Johanna Langenhoff (*2000) studia alla HAW di Amburgo dal 2021 e ha sviluppato la serie sullo sfondo delle domande esistenziali sull'identità e sull'appartenenza di genere.

“Molti sentimenti che sono difficili da esprimere a parole, per me sono più facili da rappresentare visivamente. [...] Allo stesso tempo, le fotografie aprono uno spazio di conversazione in cui posso parlare di me stessa - il mio processo, le mie sensazioni di non appartenenza, i momenti di comprensione, l'incertezza, la sensazione di dovermi definire o la mancanza di finalità di questa definizione 'non binaria'”, dice Johanna Langenhoff sull'intenzione della serie fotografica a colori. Per Johanna Langenhoff, il desiderio, la memoria e la percezione del presente sono momenti centrali di un'auto-interrogazione processuale, caratterizzata dalla ricerca di una localizzazione e di un'espressione individuale. I motivi che cattura si alternano in modo appropriato tra (auto)ritratti e rappresentazioni del corpo, tra paesaggi e dettagli spaziali, tra studi concreti e astratti della forma. Anche la luce e l'ombra sono utilizzate frequentemente come elementi di design pittorico e di atmosfera. La serie “Ich oder so” è paragonabile a un caleidoscopio di diversi stati emotivi ed esperienze. Lascia spazio ad associazioni e pensieri che riguardano le immagini, l'artista e, fondamentalmente, lo sviluppo umano.

Il Premio August Sander viene assegnato ogni due anni dal 2018, sponsorizzato da Ulla Bartenbach e dal Prof. Dr. Kurt Bartenbach. Anche la risposta al quarto bando di concorso è stata piacevolmente alta, con oltre 120 candidature provenienti dalla Germania e dall'estero.

La giuria era composta dalla Dott.ssa Anja Bartenbach, famiglia donatrice, Gabriele Conrath-Scholl, Direttrice, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, artista, Düsseldorf e il Prof. Dr. Martin Hochleitner, Museo di Salisburgo.

The series selected and awarded by the jury is entitled "Me or so" and was created in 2023-2024. Johanna Langenhoff (*2000) has been studying at HAW Hamburg since 2021 and developed the series against the backdrop of existential questions of identity and gender affiliation.

"Many feelings that are difficult to put into words are easier for me to depict visually. [...] At the same time, the photographs open up a space for conversation in which I can talk about myself - my process, my feelings of not belonging, the moments of understanding, the uncertainty, the feeling of having to define myself or the lack of finality of this definition 'non-binary'," says Johanna Langenhoff about the intention of the color photographic series. For Johanna Langenhoff, longing, memory and present perception are central moments of a processual self-questioning, characterized by the search for individual localization and individual expression. The motifs she captures alternate appropriately between (self-)portraits and depictions of the body, between landscape and spatial details, between concrete and abstract studies of form. Light and shadow are also frequently used as elements of pictorial design and atmosphere. The series "Me or so" is comparable to a kaleidoscope of different emotional states and experiences. It leaves room for associations and thoughts that apply to the pictures, the artist and, fundamentally, human development.

The August Sander Prize has been awarded every two years since 2018, sponsored by Ulla Bartenbach and Prof. Dr. Kurt Bartenbach. The response to the fourth call for entries was also pleasingly high, with more than 120 submissions from Germany and abroad.

The jury included Dr. Anja Bartenbach, donor family, Gabriele Conrath-Scholl, Director, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, artist, Düsseldorf and Prof. Dr. Martin Hochleitner, Salzburg Museum.

(Text: Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Deichtorhallen | Hamburg
7. September 2023 – 26. Januar 2025

Tactics & Mythologies
Andrea Orejarena & Caleb Stein

Diese erste europäische Einzelausstellung des New Yorker Duos Andrea Orejarena (*1994, Kolumbien) und Caleb Stein (*1994, UK) präsentiert fotografische und filmische Arbeiten, die sich mit Praktiken der Simulation und Narrativen der Desinformation auseinandersetzen.

Das Künstlerduo Andrea Orejarena, Kognitionswissenschaftlerin und Fotografin, und Caleb Stein, Dokumentarfotograf, ist bekannt für ihre konzeptuell-dokumentarischen Projekte, zu individueller Wahrnehmung und kollektiver Wirklichkeitskonstruktion. Ihre Arbeiten werden u.a. in den New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia, und Wallpaper* publiziert.

Da ein wachsendes Misstrauen in die Unterscheidung von Realität und Fiktion unsere Gegenwart prägt, begab sich das Duo seit 2020 auf Social Media und fotografisch auf Erkundungstour. Entstanden ist ein erstes Archiv mit über 1.500 Fotografien und aktuellen Bildformen, das den Einfluss von Verschwörungsnarrativen auf die amerikanische Gesellschaft und die individuelle Wahrnehmung manifestiert.

Dieses Archiv fotografischer Formen von »alternative facts« tritt in der Installation American Glitch in Dialog mit den Landschaftsaufnahmen von Orejarena & Stein, die vermeintlichen Schauplätze von verschwörungstheoretischen Ereignissen dokumentieren und decodieren. Durch ihr Aufgreifen von Traditionen wie Roadtrips und Street Photography verwebt American Glitch Kontinuitäten aus der amerikanischen Fotogeschichte mit den neuen Phänomenen zeitgenössischer Online-Kultur.

Bereits seit ihrem Projekt Long Time No See (2018-2020) arbeitet das Duo an der drängenden Frage, welche Rolle die Fotografie für das Wechselverhältnis von Wahrnehmung und Imagination heute spielen kann. Long Time No See entstand zusammen mit jungen vietnamesischen Künstler*innen sowie Veteranen in Hanoi und zeichnet die künstlerische Auseinandersetzung mit den heutigen Erinnerungen und Folgen des Vietnamkrieges nach. In poetischen Porträts und Landschaftsansichten zeigt Long Time No See eine visuelle Spurensuche nach den Zwischentönen dissonanter Geschichtsschreibungen und Bildformen zwischen Dokumentation und subjektiver Wahrnehmung.

Die neue Ausstellungsreihe VIRAL HALLUCINATIONS adressiert das Spannungsfeld dokumentarischer Strategien in einer global vernetzten »Post-Wahrheit-Ära«.

Kuratorin: Nadine Isabelle Henrich, Kuratorin Haus der Photographie

Cette première exposition individuelle européenne du duo new-yorkais Andrea Orejarena (*1994, Colombie) et Caleb Stein (*1994, Royaume-Uni) présente des travaux photographiques et cinématographiques qui explorent les pratiques de simulation et les récits de désinformation.

Le duo d'artistes Andrea Orejarena, spécialiste des sciences cognitives et photographe, et Caleb Stein, photographe documentaire, est connu pour ses projets conceptuels et documentaires, sur la perception individuelle et la construction collective de la réalité. Leurs travaux sont publiés entre autres dans le New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia et Wallpaper*.

Comme une méfiance croissante à l'égard de la distinction entre réalité et fiction caractérise notre présent, le duo s'est lancé depuis 2020 dans une exploration des médias sociaux et de la photographie. Il en résulte une première archive de plus de 1 500 photographies et formes d'images actuelles qui manifestent l'influence des récits de conspiration sur la société américaine et la perception individuelle.

Dans l'installation American Glitch, ces archives de formes photographiques de "faits alternatifs" entrent en dialogue avec les photos de paysages d'Orejarena & Stein, qui documentent et décodent les lieux supposés d'événements conspirationnistes. En s'inspirant de traditions telles que les road-trips et la street photography, American Glitch entrelace les continuités de l'histoire de la photographie américaine avec les nouveaux phénomènes de la culture en ligne contemporaine.

Depuis leur projet Long Time No See (2018-2020), le duo travaille sur la question urgente du rôle que la photographie peut jouer aujourd'hui dans l'interaction entre la perception et l'imagination. Long Time No See a été réalisé en collaboration avec de jeunes artistes vietnamiens* ainsi que des vétérans à Hanoi et retrace la confrontation artistique avec les souvenirs et les conséquences actuelles de la guerre du Vietnam. À travers des portraits poétiques et des vues de paysages, Long Time No See montre une recherche visuelle des nuances d'écritures historiques dissonantes et de formes d'images entre documentation et perception subjective.

La nouvelle série d'expositions VIRAL HALLUCINATIONS aborde le champ de tension des stratégies documentaires dans une "ère post-vérité" globalement interconnectée.

Commissaire d'exposition : Nadine Isabelle Henrich, conservatrice Haus der Photographie

La prima mostra personale europea del duo newyorkese Andrea Orejarena (*1994, Colombia) e Caleb Stein (*1994, Regno Unito) presenta opere fotografiche e cinematografiche che affrontano pratiche di simulazione e narrazioni di disinformazione.

Il duo di artisti Andrea Orejarena, scienziata cognitiva e fotografa, e Caleb Stein, fotografo documentarista, sono noti per i loro progetti di documentari concettuali sulla percezione individuale e la costruzione collettiva della realtà. Il loro lavoro è stato pubblicato, tra gli altri, da New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia e Wallpaper*.

Poiché il nostro presente è caratterizzato da una crescente sfiducia nella distinzione tra realtà e finzione, dal 2020 il duo esplora i social media e la fotografia. Il risultato è un primo archivio di oltre 1.500 fotografie e forme di immagine attuali che manifestano l'influenza delle narrazioni cospirative sulla società americana e sulla percezione individuale.

Nell'installazione American Glitch, questo archivio di forme fotografiche di "fatti alternativi" entra in dialogo con le fotografie di paesaggio di Orejarena & Stein, che documentano e decodificano i presunti luoghi degli eventi della teoria del complotto. Riprendendo tradizioni come i viaggi su strada e la street photography, American Glitch intreccia le continuità della storia fotografica americana con i nuovi fenomeni della cultura online contemporanea.

A partire dal progetto Long Time No See (2018-2020), il duo lavora sulla pressante questione del ruolo che la fotografia può svolgere oggi nell'interazione tra percezione e immaginazione. Long Time No See è stato realizzato insieme a giovani artisti e veterani vietnamiti ad Hanoi e traccia un esame artistico dei ricordi e delle conseguenze odierne della guerra del Vietnam. Attraverso ritratti poetici e vedute paesaggistiche, Long Time No See mostra una ricerca visiva delle sfumature di storiografie e forme visive dissonanti tra documentazione e percezione soggettiva.

La nuova serie di mostre VIRAL HALLUCINATIONS affronta il campo di tensione delle strategie documentarie in una "era della post-verità" in rete a livello globale.

Curatore: Nadine Isabelle Henrich, curatore Haus der Photographie

This first European solo exhibition by New York-based duo Andrea Orejarena (*1994, Colombia) and Caleb Stein (*1994, UK) presents photographic and filmic works that explore practices of simulation and narratives of disinformation.

The artist duo Andrea Orejarena, cognitive scientist and photographer, and Caleb Stein, documentary photographer, are known for their conceptual-documentary projects on individual perception and the collective construction of reality. Their work has been published in the New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia, and Wallpaper*, among others.

As a growing distrust in the distinction between reality and fiction characterizes our present, the duo has been exploring social media and photography since 2020. The result is a first archive of over 1,500 photographs and current image forms that manifest the influence of conspiracy narratives on American society and individual perception.

In the installation American Glitch, this archive of photographic forms of "alternative facts" enters into a dialog with the landscape photographs by Orejarena & Stein, which document and decode the supposed locations of conspiracy theory events. By taking up traditions such as road trips and street photography, American Glitch interweaves continuities from American photographic history with the new phenomena of contemporary online culture.

Since their project Long Time No See (2018-2020), the duo has been working on the pressing question of what role photography can play in the interplay between perception and imagination today. Long Time No See was created together with young Vietnamese artists and veterans in Hanoi and traces the artistic examination of today's memories and consequences of the Vietnam War. In poetic portraits and landscape views, Long Time No See shows a visual search for traces of the nuances of dissonant historiographies and image forms between documentation and subjective perception.

The new exhibition series VIRAL HALLUCINATIONS addresses the field of tension of documentary strategies in a globally networked "post-truth era".

Curator: Nadine Isabelle Henrich, Curator Haus der Photographie

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

Musée suisse de l’appareil photographique | Vevey
7. September 2024 - 19. Januar 2025

Philippe Halsman - A Photographer’s Life
Henry Leutwyler

1979 entdeckte der 17-jährige Henry Leutwyler die Arbeit von Philippe Halsman im International Center of Photography (ICP) in New York, einen Monat nach dem Tod dieser wichtigen Figur der Fotografie des 20. Jahrhunderts. Achtunddreißig Jahre später, im Jahr 2017, taucht Leutwyler tief in Halsmans Archiv ein, zu dem er durch ein Treffen mit Philippe Halsmans Tochter Irene einige Jahre zuvor Zugang erhalten hatte. Er verbrachte mehrere Monate damit, seine unzähligen persönlichen Dinge in Szene zu setzen, um anhand der Objekte eine Biografie des berühmten Fotografen zu erschaffen. Daraus entstand das unveröffentlichte Projekt Philippe Halsman. A Photographer's Life, das in Zusammenarbeit mit "The Halsman Archive" entstand und in eine Installation umgesetzt wurde, die im Rahmen der Biennale Images Vevey 2024 präsentiert wurde. Eine Brille, Stative, verschiedene Pässe, Reiseseifen: Die fotografierten Objekte zeugen von der produktiven Karriere eines der einflussreichsten Künstler seiner Generation und Autor von 101 Titelseiten des LIFE-Magazins. Die Bilderserie offenbart auch Halsmans fast zwanghafte Praxis, alles aufzubewahren. Indem er einen Fotografen durch seine Objekte porträtiert, erweist Leutwyler dem von ihm bewunderten Künstler und der Geschichte der Fotografie eine einzigartige Hommage und erinnert gleichzeitig an die Ära der analogen Bilder im Zeitalter der digitalen Medien.

Kuratiert von: Stefano Stoll und Images Vevey, in einem originellen Bühnenbild von Images Vevey und dem Künstler.

In Zusammenarbeit mit The Halsman Archive

Eine Produktion von Images Vevey in Zusammenarbeit mit dem Schweizerischen Kameramuseum

En 1979, Henry Leutwyler découvre à 17 ans le travail de Philippe Halsman à l’International Center of Photography (ICP) à New York, un mois après le décès de cette figure majeure de la photographie du XXe siècle. Trente-huit ans plus tard, en 2017, Leutwyler plonge au coeur des archives d’Halsman, auxquelles il a eu accès grâce à une rencontre avec la fille de Philippe Halsman, Irene, quelques années auparavant. Il passe plusieurs mois à mettre en scène ses innombrables affaires personnelles pour créer une biographie du célèbre photographe au travers de ses objets. En ressort le projet inédit Philippe Halsman. A Photographer’s Life, réalisé en collaboration avec « The Halsman Archive » et décliné en une installation présentée dans le cadre de la Biennale Images Vevey 2024. Une paire de lunettes, des trépieds, divers passeports, des savonnettes de voyage : les objets photographiés témoignent de la carrière prolifique de l’un des artistes les plus influents de sa génération et auteur de 101 couvertures du magazine LIFE. Cette série d’images révèle aussi la pratique presque obsessionnelle d’Halsman à tout conserver. En réalisant le portrait d’un photographe à travers ses objets, Leutwyler rend un hommage unique à cet artiste qu’il admire et à l’histoire de la photographie, tout en évoquant l’époque de l’image argentique à l’ère du tout numérique.

Commissariat : Stefano Stoll et Images Vevey, dans une scénographie originale de Images Vevey et de l’artiste

En collaboration avec The Halsman Archive

Une production de Images Vevey avec la collaboration du Musée suisse de l’appareil photographique

Nel 1979, il diciassettenne Henry Leutwyler scoprì il lavoro di Philippe Halsman all'International Centre of Photography (ICP) di New York, un mese dopo la morte di questa importante figura della fotografia del XX secolo. Trentotto anni dopo, nel 2017, Leutwyler scava in profondità nell'archivio di Halsman, al quale aveva avuto accesso grazie ad un incontro con la figlia di Philippe Halsman, Irene, qualche anno prima. Ha trascorso diversi mesi a mettere in scena i suoi innumerevoli effetti personali per creare una biografia del famoso fotografo basata sugli oggetti. Ne è nato il progetto inedito Philippe Halsman. A Photographer's Life, creato in collaborazione con “The Halsman Archive” e trasformato in un'installazione presentata nell'ambito della Biennale Images Vevey 2024. Occhiali, treppiedi, vari passaporti, saponi da viaggio: Gli oggetti fotografati testimoniano la prolifica carriera di uno degli artisti più influenti della sua generazione e autore di 101 copertine della rivista LIFE. La serie rivela anche la pratica quasi ossessiva di Halsman di conservare tutto. Ritraendo un fotografo attraverso i suoi oggetti, Leutwyler rende un omaggio unico all'artista che ammira e alla storia della fotografia, ricordando l'epoca delle immagini analogiche nell'era dei media digitali.

A cura di: Stefano Stoll e Images Vevey, in una scenografia originale di Images Vevey e dell'artista.

In collaborazione con l'Archivio Halsman

In 1979, at the age of 17, Henry Leutwyler discovered Philippe Halsman's work at the International Center of Photography (ICP) in New York, a month after the death of this major figure in twentieth-century photography. Thirty-eight years later, in 2017, Leutwyler dives deep into Halsman's archives, to which he gained access thanks to a meeting with Philippe Halsman's daughter Irene a few years earlier. He spent several months staging his countless personal belongings to create a biography of the famous photographer through his objects. The result is Philippe Halsman. A Photographer's Life, produced in collaboration with The Halsman Archive and presented as an installation as part of the Biennale Images Vevey 2024. A pair of spectacles, tripods, various passports, travel soaps: the objects photographed bear witness to the prolific career of one of the most influential artists of his generation, and author of 101 covers for LIFE magazine. This series of images also reveals Halsman's almost obsessive practice of keeping everything. By creating a portrait of a photographer through his objects, Leutwyler pays a unique tribute to the artist he admires and to the history of photography, while evoking the era of the silver image in the digital age.

Curator: Stefano Stoll and Images Vevey, in an original scenography by Images Vevey and the artist

In collaboration with The Halsman Archive

Produced by Images Vevey in collaboration with the Swiss Camera Museum

(Text: Musée Suisse de l'appareil photographique, Vevey)

MASI Lugano
8. September 2024 – 26. Januar 2025

Luigi Ghirri - Il viaggio - Fotografie 1970-1991

Etwas mehr als 30 Jahre nach seinem frühen Tod erinnert das MASI Lugano in einer neuen Ausstellung an den italienischen Fotografen Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia,1992).

Als Pionier und einflussreicher Vordenker, der sich intensiv mit der Fotografie und deren Rolle in der modernen Kultur auseinandergesetzt hat, schuf Ghirri in den 1970er und 1980er Jahren ein im damaligen Europa einzigartiges Werk – ein spielerisches, poetisches und tiefgründiges Nachdenken über die populäre Fotografie.

Mit mehr als 100 Originalabzügen erzählt der Ausstellungsparcours im MASI von der grossen Anziehungskraft, die das reale und imaginäre Reisen auf Luigi Ghirri ausübte. Er fotografierte vor allem sein Heimatland Italien und besuchte dort Touristen-Hotspots – von den Dolomiten und den norditalienischen Seen über die Badeorte an den Küsten des Mittelmeers bis zu den Sehenswürdigkeiten aus der Antike und den Themenparks. Darüber hinaus befasste er sich mit dem Konzept des Reisens und fotografierte Landkarten, Werbebilder und Postkarten, die überall in der Ausstellung zu sehen sind. Aus diesen Arbeiten ergibt sich eine Reflexion über die Art und Weise, wie die Fotografie die Erfahrung des Ortes im modernen Leben abbildet.

Kuratiert von James Lingwood

Koordination im MASI: Ludovica Introini

Le MASI Lugano consacre une nouvelle exposition majeure au photographe italien Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992), un peu plus de trente ans après sa mort prématurée.

Figure pionnière, penseur influent de la photographie et de son rôle dans la culture moderne, Ghirri a créé dans les années 1970 et 1980 une œuvre sans précédent dans l’Europe de son époque – une réflexion ludique, poétique et profonde sur le médium de la photographie populaire.

L’exposition au MASI retrace, à travers quelque 150 tirages originaux, la véritable fascination de Ghirri pour les voyages, à la fois réels et imaginaires. Ghirri a photographié avant tout son Italie, dans des lieux fréquentés par les touristes : des Dolomites aux lacs du Nord, des stations balnéaires de l’Adriatique et la Méditerranée aux musées, ruines classiques et parcs à thème. Hormis ces destinations, l’attention de Ghirri porte également sur l’idée du voyage, les photographies de cartes, atlas, images publicitaires et cartes postales, qui reviennent tout au long de l’exposition. Ces œuvres font ainsi émerger une réflexion sur la manière dont la photographie marque l’expérience du lieu dans la vie moderne.

Commissariat d'exposition James Lingwood

coordination pour le MASI Ludovica Introini

A poco più di trent’anni dalla sua prematura scomparsa, il MASI Lugano dedica una nuova importante mostra al fotografo italiano Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992).

Figura pionieristica e influente pensatore della fotografia e del suo ruolo nella cultura moderna, negli anni '70 e '80 Ghirri ha creato un corpus di opere senza eguali nell'Europa del suo tempo; una riflessione giocosa, poetica e profonda sul popolare mezzo fotografico.

Il percorso espositivo al MASI racconta, attraverso circa 150 stampe originali, la profonda fascinazione di Ghirri per il viaggio, sia reale che immaginario. Ghirri ha fotografato soprattutto la sua Italia, viaggiando in luoghi frequentati dai turisti: dalle Dolomiti ai laghi dell'Italia settentrionale, dalle località balneari lungo le coste dell'Adriatico e del Mediterraneo ai musei, alle rovine classiche e ai parchi a tema. Accanto a queste mete, l'attenzione di Ghirri si rivolge anche all'idea del viaggio e alle fotografie di mappe, atlanti, immagini pubblicitarie e cartoline, che ricorrono in tutta la mostra. Dai lavori emerge così anche una riflessione sul modo in cui la fotografia inquadra l’esperienza del luogo nella vita moderna.

a cura di James Lingwood

coordinamento per il MASI Ludovica Introini

Just over thirty years after his premature death, MASI Lugano is dedicating a major new exhibition to the Italian photographer Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992).

A pioneering figure and influential thinker on photography and its role in modern culture, in the 1970s and 1980s Ghirri created a body of work unparalleled in the Europe of his time; a playful, poetic and profound reflection on the popular medium of photography.

The exhibition at MASI recounts Ghirri's profound fascination with travel, both real and imaginary, through around 150 original prints. Ghirri mainly photographed his Italy, travelling to places frequented by tourists: from the Dolomites to the lakes of northern Italy, from seaside resorts along the Adriatic and Mediterranean coasts to museums, classical ruins and theme parks. Alongside these destinations, Ghirri's attention also turns to the idea of travel and the photographs of maps, atlases, advertising images and postcards, which recur throughout the exhibition. Thus, a reflection on the way photography frames the experience of place in modern life also emerges from the works.

Curated by James Lingwood

Exhibition coordination at MASI Ludovica Introini

(Text: MASI Lugano)

Galerie du jour agnès b. | Paris
12. September – 12. Dezember 2024

Memories of Jonas Mekas

"Ist Memory nicht das Wort, das Jonas Mekas am häufigsten ausspricht, in einem fröhlichen Tonfall, der das R genüsslich rollt? Lyrisch, liebevoll, leidenschaftlich, euphorisch, mit der Leichtigkeit einer Elfe stellt er sich ins Zentrum der Szene, deren Akteur und Zeuge er natürlich ist, und die Bilder seiner Filme, seiner Stills, die im wahrsten Sinne des Wortes essentiell sind, scheinen mir denen nahe zu sein, die das Gedächtnis in jedem von uns in mentalen Filmen festhält, wie Träume...". agnès b., September 1999

agnès b. lernte Jonas Mekas 1992 anlässlich seiner Ausstellung in der Galerie Nationale du Jeu de Paume kennen. Es begann eine enge Freundschaft und eine künstlerische Zusammenarbeit, die sich über drei Jahrzehnte erstreckte und von mehreren wichtigen Ausstellungen in der Galerie du Jour begleitet wurde. Auf den Wänden der Galerie zeigte Jonas Mekas 1996 zum ersten Mal seine heute berühmten Fotogramme. Da er mit seiner 16-mm-Bolex-Kamera immer in kurzen Sequenzen gefilmt hatte, kam er auf die Idee, Bilder aus seinen Filmen zu extrahieren und fotografische Abzüge davon zu machen. Diese sind der eigentliche Kern seiner Filme, die Grundeinheit, die mit den Versen eines Gedichts vergleichbar ist.

In dieser sehr dichten Arbeit wird eine ganze Welt wieder lebendig, eine Welt, die von Empfindungen, aber auch von einem dramatischen Geschichtsbewusstsein durchdrungen ist. Jonas Mekas wurde 1922 in Litauen geboren und musste 1944 nach der sowjetischen und der Nazi-Invasion sein Heimatland verlassen. Er erfand sich in New York neu, wo er 1949 ankam und zum wichtigsten Protagonisten des amerikanischen Experimentalfilms der 60er und 70er Jahre wurde. Er war auch einer der Mitbegründer des Anthology Film Archives, einer Kinemathek, in der er Hunderte von seltenen und unabhängigen Filmen förderte und aufbewahrte.

Er, der sich als Filmemacher geboren sah, nachdem ein russischer Soldat ihm seine Kamera aus der Hand gerissen und den Film zertrampelt hatte, entwickelte eine Ästhetik des Fragmentarischen, Diskontinuierlichen und Abstrakten, um eines der sensibelsten Werke seiner Zeit über innere Entwurzelung, Exil und den Lauf der Zeit zu schaffen.

Gleichzeitig intime Erzählung, Dokumentation und Gedicht, zeugt das leuchtende und radikale Werk des 2019 verstorbenen Jonas Mekas weiterhin von seiner Verbundenheit mit Menschen, Landschaften, der Natur und den Jahreszeiten. Anhand mehrerer ikonischer Serien bietet die Ausstellung Memories of Jonas Mekas die Möglichkeit, die intime und kraftvolle Arbeit dieses großen Poeten des 20. Jahrhunderts, der das Kino, die Kunst und das Leben liebte, zu entdecken oder wiederzuentdecken.

« Memory n’est-il pas le mot que Jonas Mekas prononçe le plus, d’un ton joyeux, roulant le R à plaisir ? Lyrique, aimant, passionné, euphorique, c’est avec la légèreté d’un elfe qu’il se place au cœur de la scène dont il est, bien sûr, acteur et témoin, et les images de ses films, de ses « stills », essentielles au sens propre, me semblent proches de celles que la mémoire fixe en chacun de nous en films mentaux, comme les rêves... » agnès b., septembre 1999

agnès b. rencontre Jonas Mekas en 1992 à l’occasion de son exposition à la Galerie Nationale du Jeu de Paume. Débute alors une grande amitié doublée d’une complicité artistique qui se déploie sur trois décennies, émaillée de plusieurs expositions importantes à la Galerie du Jour. C’est notamment sur les murs de la galerie que Jonas Mekas montre pour la première fois en 1996 ses photogrammes aujourd’hui devenus célèbres. Ayant toujours filmé par brèves séquences avec sa caméra Bolex 16mm, il a l’idée d’extraire des images de ses films et d’en faire des tirages photographiques. Ces derniers sont le véritable noyau de ses films, l’unité de base comparable aux vers de la poésie.

Dans ce travail d’une très grande densité, tout un monde revit, un monde pétri de sensations mais aussi d’une conscience dramatique de l’Histoire. Né en 1922 en Lituanie, Jonas Mekas est forcé de quitter sa terre natale en 1944 à la suite des invasions soviétique et nazie. Il se réinvente à New York où il arrive en 1949 et devient le principal protagoniste du cinéma expérimental américain des années 60 et 70. Il est également un des co-fondateurs de l’Anthology Film Archives, cinémathèque où il promeut et conserve des centaines de films rares et indépendants.

Celui qui considérait être né en tant que cinéaste après qu’un soldat russe lui a arraché son appareil des mains pour en piétiner la pellicule, développe une esthétique du fragment, du discontinu et de l’abstrait pour donner naissance à l’une des œuvres les plus sensibles de son temps sur le déracinement intérieur, l’exil et le passage du temps.

À la fois récit intime, documentaire et poème, l’œuvre lumineuse et radicale de Jonas Mekas, disparu en 2019, continue de témoigner de son attachement aux êtres, aux paysages, à la nature et aux saisons. A travers plusieurs séries iconiques, l’exposition Memories of Jonas Mekas permet de découvrir ou de redécouvrir le travail intime et puissant de ce grand poète du XXe siècle, amoureux du cinéma, de l’art et de la vie.

Non è forse "Memoria" la parola che Jonas Mekas pronuncia di più, in tono gioioso, roteando la R con piacere? Lirico, amoroso, appassionato, euforico, è con la leggerezza di un folletto che si pone al centro della scena di cui è, naturalmente, attore e testimone, e le immagini dei suoi film, i suoi "fotogrammi", essenziali in senso letterale, mi sembrano vicini a quelli che la memoria fissa in ognuno di noi come film mentali, come sogni...". agnès b., settembre 1999

agnès b. ha conosciuto Jonas Mekas nel 1992 in occasione della sua mostra alla Galerie Nationale du Jeu de Paume. È stato l'inizio di una stretta amicizia e di una collaborazione artistica che ha attraversato tre decenni, costellati da diverse grandi mostre alla Galerie du Jour. È sulle pareti della galleria che Jonas Mekas ha esposto per la prima volta i suoi ormai celebri fotogrammi nel 1996. Avendo sempre girato brevi sequenze con la sua cinepresa Bolex da 16 mm, gli venne l'idea di estrarre le immagini dai suoi film e di farne delle stampe fotografiche. Queste sono il vero nucleo dei suoi film, l'unità di base paragonabile ai versi della poesia.

In questo lavoro estremamente denso, prende vita un intero mondo, un mondo pieno di sensazioni ma anche di una drammatica consapevolezza della Storia. Nato in Lituania nel 1922, Jonas Mekas fu costretto a lasciare la sua patria nel 1944 a seguito dell'invasione sovietica e nazista. Si reinventa a New York, dove arriva nel 1949, e diventa il principale protagonista del cinema sperimentale americano degli anni '60 e '70. È stato anche uno dei co-fondatori dell'Anthology Film Archives, dove ha promosso e conservato centinaia di film rari e indipendenti.

L'uomo che si considerava nato come cineasta dopo che un soldato russo gli strappò di mano la cinepresa e calpestò la pellicola, sviluppò un'estetica del frammentario, del discontinuo e dell'astratto, dando vita a una delle opere più sensibili del suo tempo, sullo sradicamento interiore, l'esilio e il passare del tempo.

In parte narrazione intima, in parte documentario, in parte poema, l'opera luminosa e radicale di Jonas Mekas, scomparso nel 2019, continua a testimoniare il suo attaccamento alle persone, ai paesaggi, alla natura e alle stagioni. Attraverso una serie di serie iconiche, la mostra Memories of Jonas Mekas offre l'opportunità di scoprire o riscoprire l'opera intima e potente di questo grande poeta del XX secolo, amante del cinema, dell'arte e della vita.

“Isn't "Memory" the word Jonas Mekas utters the most, in a joyful tone, rolling the R with pleasure? Lyrical, loving, passionate, euphoric, it is with the lightness of an elf that he places himself at the heart of the scene in which he is, of course, both actor and witness, and the images in his films, his 'stills', essential in the literal sense, seem to me to be close to those that memory fixes in each of us as mental films, like dreams...". agnès b., September 1999

agnès b. met Jonas Mekas in 1992 during his exhibition at the Galerie Nationale du Jeu de Paume. This marked the beginning of a close friendship and artistic collaboration that spanned three decades, punctuated by several major exhibitions at the Galerie du Jour. It was on the walls of the gallery that Jonas Mekas first showed his now-famous photograms in 1996. Having always filmed short sequences with his 16mm Bolex camera, he came up with the idea of extracting images from his films and making photographic prints of them. These are the real core of his films, the basic unit comparable to the lines of poetry.

In this extremely dense work, a whole world comes to life, a world filled with sensations but also with a dramatic awareness of History. Born in Lithuania in 1922, Jonas Mekas was forced to leave his homeland in 1944 following the Soviet and Nazi invasions. He reinvented himself in New York, where he arrived in 1949 and became the main protagonist of American experimental cinema in the 60s and 70s. He was also one of the co-founders of the Anthology Film Archives, where he promoted and preserved hundreds of rare and independent films.

The man who considered himself to have been born as a filmmaker after a Russian soldier ripped his camera out of his hands and trampled on the film, developed an aesthetic of the fragmentary, the discontinuous and the abstract, giving rise to one of the most sensitive works of its time on inner uprooting, exile and the passage of time.

Part intimate narrative, part documentary, part poem, the luminous and radical work of Jonas Mekas, who died in 2019, continues to bear witness to his attachment to people, landscapes, nature and the seasons. Through a number of iconic series, the Memories of Jonas Mekas exhibition provides an opportunity to discover or rediscover the intimate and powerful work of this great 20th-century poet, lover of cinema, art and life.

(Text: Galerie du jour agnès b., Paris)

Gropius Bau | Berlin
12. September 2024 – 12. Januar 2025

Rirkrit Tiravanija: DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG

untitled 1995 (bon voyage monsieur ackermann), 1995 © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler

Seit mehr als drei Jahrzehnten erweitert Rirkrit Tiravanija die Vorstellung davon, was in Ausstellungen möglich ist. Als Teil seiner Praxis schafft der Künstler Situationen, in denen gegessen und getrunken, gespielt und geruht werden kann. Dabei entstehen Räume für zufällige Begegnungen, soziale Beziehungen und deren Scheitern – kurz gesagt: für das Leben.

Ab dem 12. September 2024 zeigt der Gropius Bau in DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG über 80 Werke des Künstlers, die zwischen 1987 und 2024 entstanden sind. Tiravanija, der unter anderem in Berlin lebt und arbeitet, verweist in diesen Arbeiten immer wieder auf kulturelle Klischees und die politischen Verhältnisse in Deutschland. Der Titel der Ausstellung ist Rainer Werner Fassbinders gesellschaftskritischem Film Angst essen Seele auf (1974) entlehnt, der einen wichtigen Bezugspunkt für Tiravanija darstellt.

DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG spannt den Bogen von frühen Installationen über experimentelle 8-mm-Filme und Fotografien bis hin zu regelmäßigen Aktivierungen der partizipativen Arbeiten, mit denen Tiravanija bekannt wurde. So lädt die Installation untitled غداً هو السؤال) 2024 ) (tomorrow is the question) (morgen ist die frage) (jutro jest pytaniem) (завтра это вопрос) (yarindir soru) (Завтра питання) (ngày mai là câu hỏi) mit acht Tischtennisplatten dazu ein, im kostenlos zugänglichen Lichthof des Gropius Bau zu spielen. Mit der spiralförmigen Bühne untitled 2024 (demo station no. 8), die täglich Raum für öffentliche Vorführungen bietet, wird der Lichthof zu einem Ort, an dem Menschen zusammenkommen und gemeinsam Zeit verbringen können.

Kuratiert von Jenny Schlenzka, Direktorin, Gropius Bau, Yasmil Raymond, Freie Kuratorin, und Christopher Wierling, Assistenzkurator, Gropius Bau

Skip The Bruising Of The Eskimos To The Exquisite Words VS If I Give You A Penny Will You Give Me A Pair Of Scissors, 2017 © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler

Depuis plus de trois décennies, Rirkrit Tiravanija élargit la notion de ce qui est possible dans les expositions. Dans le cadre de sa pratique, l'artiste crée des situations dans lesquelles on peut manger et boire, jouer et se reposer. Il en résulte des espaces pour des rencontres fortuites, des relations sociales et leurs échecs - en bref, pour la vie.

À partir du 12 septembre 2024, le Gropius Bau exposera dans DAS GLÜCK IST NT IMMER LUSTIG plus de 80 œuvres de l'artiste, réalisées entre 1987 et 2024. Dans ces œuvres, Tiravanija, qui vit et travaille notamment à Berlin, fait constamment référence aux clichés culturels et à la situation politique en Allemagne. Le titre de l'exposition est emprunté au film de critique sociale Angst essen Seele auf (1974) de Rainer Werner Fassbinder, qui constitue un point de référence important pour Tiravanija.

LE BONHEUR N'EST PAS TOUJOURS LUMIÈRE s'étend des premières installations aux films expérimentaux en 8 mm et aux photographies, jusqu'aux activations régulières des travaux participatifs qui ont fait connaître Tiravanija. Ainsi, l'installation untitled غداً هو السؤال) 2024 ) (tomorrow is the question) (demain est la question) (jutro jest pytaniem) (завтра это вопрос) (yarindir soru) (Завтра питання) (ngày mai là câu hỏi) avec huit tables de ping-pong invite à jouer dans l'atrium du Gropius Bau, accessible gratuitement. Avec la scène en spirale untitled 2024 (demo station no. 8), qui offre un espace quotidien pour des projections publiques, l'atrium devient un lieu où les gens peuvent se réunir et passer du temps ensemble.

Organisé par Jenny Schlenzka, directrice, Gropius Bau, Yasmil Raymond, conservatrice indépendante, et Christopher Wierling, conservateur adjoint, Gropius Bau

mai mee chue 2004 (pad thai), 1990/2004, Installationsansicht, Nothing: A Retrospective, Chiang Mai University Art Museum, 2004 © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler

Per oltre tre decenni, Rirkrit Tiravanija ha ampliato l'idea di ciò che è possibile fare nelle mostre. Come parte della sua pratica, l'artista crea situazioni in cui le persone possono mangiare e bere, giocare e riposare. Questo crea spazi per gli incontri casuali, per le relazioni sociali e per i loro fallimenti - in breve: per la vita.

Dal 12 settembre 2024, il Gropius Bau esporrà oltre 80 opere dell'artista, create tra il 1987 e il 2024, in THE HAPPINESS IS NOT ALWAYS FUNNY. In queste opere, Tiravanija, che vive e lavora a Berlino e altrove, fa ripetutamente riferimento ai cliché culturali e alla situazione politica della Germania. Il titolo della mostra è preso in prestito dal film socio-critico di Rainer Werner Fassbinder Angst essen Seele auf (1974), che è un importante punto di riferimento per Tiravanija.

DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG abbraccia un arco di tempo che va dalle prime installazioni ai film sperimentali in 8 mm e alle fotografie, fino alle regolari attivazioni delle opere partecipative con cui Tiravanija è diventato famoso. L'installazione senza titolo غداً هو السؤال) 2024 ) (domani è la domanda) (morgen ist die Frage) (jutro jest pytaniem) (завтра это вопрос) (yarindir soru) (Завтра питання) (ngày mai là câu hỏi) con otto tavoli da ping pong invita i visitatori a giocare nell'atrio del Gropius Bau, accessibile gratuitamente. Con il palcoscenico a forma di spirale senza titolo 2024 (stazione demo n. 8), che offre spazio per esibizioni pubbliche ogni giorno, l'atrio diventa un luogo in cui le persone possono incontrarsi e trascorrere del tempo insieme.

A cura di Jenny Schlenzka, Direttrice, Gropius Bau, Yasmil Raymond, Curatore indipendente, e Christopher Wierling, Assistente Curatore, Gropius Bau

untitled 2010 (angst essen seele auf, frankfurter allgemeine, september 22, 2008) © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler / neugerriemschneider, Foto: Jens Ziehe

For more than three decades, Rirkrit Tiravanija has been expanding the possibilities of what can happen in an exhibition space. As part of his practice, the artist creates situations that offer space to eat and drink, play and rest. They encourage chance encounters, relationships and their failure – in other words: life.

Starting 12 September 2024, DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG (Happiness is not always fun) presents more than 80 of the artist’s works created between 1987 and 2024. Throughout his work, Tiravanija, who lives and works partly in Berlin, has often referred to cultural clichés and politics in Germany. In this vein, the exhibition takes its title from the opening sequence of Rainer Werner Fassbinder’s film Ali: Fear Eats the Soul (1974), an important point of reference for Tiravanija.

DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG brings together early installations, experimental 8mm films and photographs as well as regular activations of participatory works.

The installation untitled غداً هو السؤال) 2024 ) (tomorrow is the question) (morgen ist die frage) (jutro jest pytaniem) (завтра это вопрос) (yarindir soru) (Завтра питання) (ngày mai là câu hỏi), consisting of eight ping-pong tables, invites visitors to play in the freely accessible atrium of the Gropius Bau. With the spiral-shaped stage untitled 2024 (demo station no. 8), offering space for daily public performances, the atrium becomes a place where people can come together and spend time with friends and strangers.

Curated by Jenny Schlenzka, Director, Gropius Bau, Yasmil Raymond, Independent Curator, and Christopher Wierling, Assistant Curator, Gropius Bau

(Text: Gropius Bau, Berlin)

Fotografie Forum Frankfurt
13. September 2024 – 5. Januar 2025

MARTIN PARR. EARLY WORKS

Mit der Ausstellung MARTIN PARR. EARLY WORKS zeigt das Fotografie Forum Frankfurt (FFF) einen weiteren Höhepunkt im Jubiläumsjahr 40 JAHRE FFF. Als Beobachter des Lebens ist der ironische und sozialkritische Blick des MAGNUM-Fotografen Martin Parr (*1953, Epsom, Surrey, GB) zu einem festen Bestandteil der Fotografiegeschichte geworden. Erstmals in Deutschland werden Bilder des britischen Fotografen präsentiert, die zwischen 1970 und 1985 entstanden sind.

Vogelclub-Aktivitäten im englischen Surrey, Pilgerfahrten zum Papst in Irland, Ferienorte und Dorfbankette sind nur einige der gesellschaftlichen Aktivitäten, die Martin Parrs erstes Interesse weckten. Mit einer Auswahl von mehr als fünfzig selten gezeigten Schwarz-Weiß-Fotografien konzentriert sich die Ausstellung im FFF auf die Feinheiten der unbemerkten Episoden des Alltags: Ob es sich um die von lokalen Traditionen geprägten Gemeinschaften, das Straßenleben oder das unvergesslich wechselhafte Inselwetter handelt, Parr lässt uns immer zweimal hinschauen, um die humorvollen Seiten des Lebens zu würdigen.

Dazu gehören auch einige von Parrs eindrucksvollen Ansichten, wie die Szene am Buffet in »Mayor of Todmorden’s inaugural banquet« aus dem Jahr 1977, an dem sich hungrige Gäste Schulter an Schulter drängen, um die beste Speise nicht zu verpassen; oder zwei gläubige Katholiken, die 1979 in Dublin auf der Küchenleiter einen Blick auf Papst Johannes Paul II. erhaschen wollen; sowie tierische Protagonisten, wie eine Kuh, die wie ein Ausflügler am Hang von Glastonbury Tor posiert.

MARTIN PARR. EARLY WORKS wurde kuratiert von Celina Lunsford in enger Zusammenarbeit mit dem Fotografen und der Martin Parr Foundation.

Avec l'exposition MARTIN PARR. EARLY WORKS, le Fotografie Forum Frankfurt (FFF) présente un autre temps fort de l'année anniversaire des 40 ans du FFF. En tant qu'observateur de la vie, le regard ironique et sociocritique du photographe de MAGNUM Martin Parr (*1953, Epsom, Surrey, GB) est devenu un élément incontournable de l'histoire de la photographie. Pour la première fois en Allemagne, des visuels du photographe britannique, réalisés entre 1970 et 1985, seront présentés.

Les activités des clubs d'oiseaux dans le Surrey anglais, les pèlerinages au pape en Irlande, les lieux de vacances et les banquets de village ne sont que quelques-unes des activités sociales qui ont suscité le premier intérêt de Martin Parr. Avec une sélection de plus de cinquante photographies en noir et blanc rarement montrées, l'exposition du FFF se concentre sur les subtilités des épisodes inaperçus de la vie quotidienne : qu'il s'agisse des communautés marquées par les traditions locales, de la vie dans la rue ou du temps changeant et inoubliable des îles, Parr nous fait toujours y regarder à deux fois pour apprécier les aspects humoristiques de la vie.

Cela inclut certaines vues impressionnantes de Parr, comme la scène du buffet dans « Mayor of Todmorden's inaugural banquet » de 1977, où des invités affamés se pressent épaule contre épaule pour ne pas manquer le meilleur plat ; ou deux catholiques fervents qui tentent d'apercevoir le pape Jean-Paul II sur l'échelle de cuisine à Dublin en 1979 ; ainsi que des protagonistes animaux, comme une vache qui pose comme un excursionniste sur la pente de Glastonbury Tor.

MARTIN PARR. EARLY WORKS a été organisé par Celina Lunsford en étroite collaboration avec le photographe et la Martin Parr Foundation.

Con la mostra MARTIN PARR. EARLY WORKS, il Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presenta un altro evento di spicco nell'anno del 40° anniversario del FFF. Come osservatore della vita, lo sguardo ironico e socialmente critico del fotografo MAGNUM Martin Parr (*1953, Epsom, Surrey, Regno Unito) è diventato parte integrante della storia della fotografia. Per la prima volta in Germania, saranno presentate immagini del fotografo britannico scattate tra il 1970 e il 1985.

Le attività del club degli uccelli nel Surrey, in Inghilterra, i pellegrinaggi dal Papa in Irlanda, i luoghi di villeggiatura e i banchetti nei villaggi sono solo alcune delle attività sociali che hanno suscitato l'interesse di Martin Parr. Con una selezione di oltre cinquanta fotografie in bianco e nero raramente esposte, la mostra al FFF si concentra sulle sottigliezze degli episodi inosservati della vita quotidiana: che si tratti delle comunità plasmate dalle tradizioni locali, della vita di strada o del clima indimenticabilmente mutevole dell'isola, Parr ci fa sempre guardare due volte per apprezzare il lato umoristico della vita.

Tra questi, alcuni degli scorci più suggestivi di Parr, come la scena del buffet del banchetto inaugurale del sindaco di Todmorden nel 1977, in cui i commensali affamati si accalcano per non perdere il cibo migliore; o due devoti cattolici che cercano di intravedere Papa Giovanni Paolo II sulla scala della cucina a Dublino nel 1979; e anche i protagonisti animali, come una mucca che si atteggia a gitante sulla collina di Glastonbury Tor.

MARTIN PARR. EARLY WORKS è stata curata da Celina Lunsford in stretta collaborazione con il fotografo e la Martin Parr Foundation.

With the exhibition MARTIN PARR. EARLY WORKS, the Fotografie Forum Frankfurt (FFF) is presenting another highlight in the anniversary year of 40 YEARS OF FFF. As an observer of life, the ironic and socially critical eye of MAGNUM photographer Martin Parr (born 1953 in Epsom, Surrey, GB) has become an integral part of the history of photography. For the first time in Germany, the British photographer's images, taken between 1970 and 1985, are being presented.

Bird club activities in Surrey, England, pilgrimages to the Pope in Ireland, holiday resorts and village banquets are just some of the social activities that sparked Martin Parr's initial interest. With a selection of more than fifty rarely shown black-and-white photographs, the exhibition at the FFF focuses on the subtleties of unnoticed episodes of everyday life: whether it's communities shaped by local traditions, street life, or the unforgettably changeable island weather, Parr always makes us look twice to appreciate the humorous sides of life.

These include some of Parr's most striking images, such as the scene at the buffet in “Mayor of Todmorden's inaugural banquet” from 1977, where hungry guests crowd shoulder to shoulder to get the best food; or two devout Catholics on a kitchen ladder in Dublin in 1979, trying to catch a glimpse of Pope John Paul II; and animal protagonists, such as a cow posing like a hiker on the hillside of Glastonbury Tor.

MARTIN PARR. EARLY WORKS was curated by Celina Lunsford in close collaboration with the photographer and the Martin Parr Foundation.

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

Hangar | Brussels
13. September – 21. Dezember 2024

Atelier
Stephan Vanfleteren

Stephan Vanfleteren gleicht allen Werken, die in dieser Ausstellung ATELIER versammelt sind: schnörkellos, falsch beiläufig, scheinbar düster, aber mit stiller Ausstrahlung... Das Atelier ist er. Es ist seine Inspiration, sein Blick, sein Talent, seine Emotionen, es ist das, was er gibt. Heute gibt er uns im Hangar die Gelegenheit, ihn kennenzulernen. Er lüftet den Schleier. Wenn Sie seine Höhle betreten, müssen Sie übrigens einen schweren Schleier heben. Wie ein dicker Theatervorhang aus rotem Samt. Nur dass er grau ist. Und aus einem natürlichen Material. Man betritt die Bühne - sein Atelier hat die Größe und Form einer Theaterbühne -, und das Sonnenlicht fällt auf sein Modell wie die Beleuchtung einer Show: im Gegenlicht, seitlich, aus der Untersicht... Das Kreischen der Möwen - die Nordsee ist nicht weit entfernt - verstärkt die dramaturgische Note des Ortes, der abwechselnd ein Sterbehaus, eine Bank und eine Sporthalle war.

Stephan Vanfleteren wollte seine gesamte Arbeit, die in der Intimität dieses Ateliers entstanden ist, in einem Buch zusammenstellen: ATELIER nait en novembre 2023, 1,6 kg Papier, das 12 Jahre Schaffen vereint ... Es ist ein Korpus von Werken, deren Einzigartigkeit, wenn man die Gelegenheit hat, sie alle zusammen zu betrachten, die Merkmale seines Ästhetizismus trägt: Die Besessenheit vom Licht, die Suche nach dem „magischen Moment“, die Tiefe der Graustufen, die Thematik des Lebens und des Todes... Von den Majoretten des ersten Shootings bis zu den toten Tieren der letzten Aufnahmen umfasst ATELIER einen Ausschnitt aus dem Leben eines Künstlers, der aus inspirierenden Begegnungen und einsamer Arbeit besteht...

Bei der Gestaltung des Bühnenbildes haben wir uns von der Erzählung des Buches leiten lassen. Diese streift auf subtile Weise Themen, die ebenso viele Lebenszustände darstellen: Kind, Erwachsener, Leben und Tod ... Man geht von einem zum anderen über, in einem Rhythmus, der uns durch die Schrift von Stephan Vanfleteren vorgegeben wird. Er ist der Regisseur, wie in seinem Atelier. Mit Nüchternheit nimmt er uns mit in seine Welt, deren Räder er perfekt beherrscht. In der Tat ist Stephan Vanfleteren heute ein Fotograf, der seine Kunst perfekt beherrscht.

Aber mehr noch als die Seele des Künstlerateliers nehmen wir heute im Hangar die Innerlichkeit des Menschen wahr. Die allgegenwärtigen Lichtstrahlen transzendieren das Ganze. Sind wir in einem Atelier oder bereits in einer anderen Welt?

Stephan Vanfleteren ressemble à toutes les oeuvres réunies dans cette exposition ATELIER : sans fioriture, faussement désinvolte, sombre en apparence mais au rayonnement silencieux… L’Atelier c’est lui. C’est son inspiration, son regard, son talent, son émotion, c’est ce qu’il donne. Il nous donne aujourd’hui au Hangar l’occasion de le connaître. Il lève le voile. Lorsque vous pénétrez dans son antre, il faut d’ailleurs soulever un voile, lourd. Comme un épais rideau de théâtre en velours rouge. Sauf qu’il est gris. Et dans une matière naturelle. On entre sur scène - son atelier a la taille et la forme d’une scène de théâtre - la lumière du soleil tape sur son modèle comme un éclairage de spectacle : à contre-jour, latéralement, en contre-plongée… Le cri des mouettes et des goélands – la mer du Nord n’est pas loin – renforce la touche dramaturgique de l’endroit, qui fut tour à tour un mouroir, une banque, une salle de sport.

Stephan Vanfleteren a souhaité compiler l’ensemble de son travail réalisé dans l’intimité de cet atelier dans un livre : ATELIER nait en novembre 2023, 1,6kg de papier qui réunit 12 ans de création… C’est un corpus d’oeuvres dont la singularité, lorsqu’on a cette opportunité de les regarder toutes ensemble, porte les caractéristiques de son esthétisme : obsession de la lumière, recherche de « l’instant magique », profondeur des niveaux de gris, thématique de la vie et de la mort… Des majorettes du premier shooting, aux animaux morts des dernières prises de vue, ATELIER balaie une tranche de vie d’artiste, faite de rencontres inspirantes ou de travail solitaire …

Pour la scénographie, nous nous sommes laissés guider par la narration du livre. Laquelle balaie subtilement des sujets qui sont autant d’états de vie : enfant, adulte, vie et mort… On passe de l’un à l’autre, à un rythme qui nous est donné par l’écriture de Stephan Vanfleteren. C’est lui le metteur en scène, comme dans son atelier. Avec sobriété, il nous emmène dans son univers dont il maitrise parfaitement les rouages. En effet, Stephan Vanfleteren est aujourd’hui un photographe parfaitement maître de son art.

Mais, plus que l’âme de l’atelier de l’artiste, nous percevons aujourd’hui au Hangar, l’intériorité de l’homme. Les rais de lumière, omni présents, transcendent l’ensemble. Sommes-nous dans un atelier ou déjà dans un autre monde ?

Stephan Vanfleteren assomiglia a tutte le opere di questa mostra ATELIER: disadorno, ingannevolmente disinvolto, scuro in apparenza ma con una silenziosa luminosità... L'Atelier è lui. È la sua ispirazione, la sua visione, il suo talento, la sua emozione, è ciò che dà. Oggi, a Le Hangar, ci dà la possibilità di conoscerlo. Solleva il velo. Quando si entra nella sua tana, bisogna sollevare un velo pesante. Come uno spesso sipario teatrale di velluto rosso. Solo che è grigio. E in un materiale naturale. Si sale sul palcoscenico - il suo studio ha le dimensioni e la forma di un palcoscenico teatrale - e la luce del sole colpisce il suo modello come le luci di un palcoscenico: in controluce, di lato, con un angolo basso... Il grido dei gabbiani - il Mare del Nord non è lontano - rafforza il tocco drammatico del luogo, che è stato a sua volta un ospedale, una banca e un palazzetto dello sport.

Stephan Vanfleteren ha voluto raccogliere in un libro tutti i suoi lavori realizzati nell'intimità di questo studio: ATELIER nasce nel novembre 2023, 1,6 kg di carta che raccoglie 12 anni di creazione... È un corpus di lavori la cui singolarità, quando si ha l'opportunità di guardarli tutti insieme, porta i segni del suo estetismo: L'ossessione per la luce, la ricerca del “momento magico”, la profondità dei grigi, il tema della vita e della morte... Dalle majorette del primo servizio agli animali morti dell'ultimo, ATELIER attraversa uno spaccato di vita d'artista, fatto di incontri stimolanti e di lavoro solitario...

Per la scenografia, ci siamo lasciati guidare dalla narrazione del libro. Si spazia sottilmente attraverso temi che sono altrettanti stati della vita: l'infanzia, l'età adulta, la vita e la morte... Ci muoviamo dall'uno all'altro, al ritmo che ci viene dato dalla scrittura di Stephan Vanfleteren. È lui il regista, come se fosse nel suo studio. Con sobrietà, ci porta nel suo mondo, di cui padroneggia perfettamente il funzionamento. Stephan Vanfleteren è oggi un fotografo che padroneggia la sua arte.

Ma più che l'anima dello studio dell'artista, a Le Hangar vediamo il funzionamento interiore dell'uomo stesso. Gli immancabili raggi di luce trascendono l'insieme. Siamo in uno studio o già in un altro mondo?

Stephan Vanfleteren resembles the works collected here for this exhibition: unpolished, slightly mysterious, dusky looks and an introspective mood. The atelier, it is he. It’s his inspiration, his presence, his talent, his emotion. At Hangar he is giving us the opportunity to get to know him. Here he lifts the veil. When you enter his ‘sanctuary’ you have to push aside a heavy cloth, like a red velvet theatre curtain – except here it is grey. We enter the atelier which is shaped like a theatre stage, with the light from the sun entering the space like a spotlight: illuminated from the back, sideways, from a low angle. The call of seagulls – the North Sea is close at hand – reinforces the dramaturgical spirit of the place, which in the past has been a mortuary, a bank, a sports hall.

Stephan Vanfleteren brought together all of the work that he has made in the intimacy of this atelier in a book. ATELIER was born in November 2023, 1.6 kilogrammes of paper culminating from 12 years of creation. From the first pictures of majorettes to the last shots of dead animals, Vanfleteren’s oeuvre bears his specific signature: an obsession with daylight, a pursuit of the “magical moment”, the richly toned nuances of grey, the recurring theme of life and death. ATELIER documents a part of the life of the artist that consists of inspiring encounters and free work made in self-imposed isolation.

For the scenography, we are guided by the story of the book, which subtly criss-crosses all stages of life: childhood, adulthood and death. We move from image to image with a subdued rhythm informed by Vanfleteren’s aesthetics. In his atelier he takes us along into his world, in which he tries to control the effect of the ever-present daylight but is constantly in a state of wonder over its elusive mystery.

Here at Hangar we see not only the soul of the artist’s atelier, but also of the being of the man. This exhibition becomes a kind of self-portrait, in which light overpowers reality and unveils the darkness. Are we present in his atelier or already in another world?

Stephan Vanfleteren lijkt op alle werken die in deze tentoonstelling werden samengebracht: geen verfraaiing, ietwat geheimzinnig, donker van uiterlijk en met een diepe uitstraling. Het atelier is hij. Het is zijn inspiratie, zijn uiterlijk, zijn talent, zijn emotie. In Hangar geeft hij ons de gelegenheid om hem te leren kennen. Hier licht hij de sluier op.Wanneer je zijn ‘heiligdom’ binnenkomt, moet je een zwaar doek opzijschuiven, als een roodfluwelen theatergordijn – behalve dat het hier grijs is. We betreden het atelier in de vorm van een theaterpodium waar het licht van de zon als een spot in de ruimte binnenvalt: van achteren verlicht, zijdelings, vanuit een lage hoek. De roep van meeuwen – de Noordzee is niet ver weg – versterkt de dramaturgische geest van de plek, die achtereenvolgens een sterfhuis, een bank en een turnzaal was.

Stephan Vanfleteren bracht al zijn werk dat hij in de intimiteit van deze studio maakte samen in een boek. ATELIER werd geboren in november 2023, 1,6 kilo papier die 12 jaar creatie samenbrengt. Van de eerste beelden van majorettes tot de laatste opnames van dode dieren draagt Vanfleterens oeuvre zijn specifieke signatuur: een obsessie met daglicht, een zoektocht naar het ‘magische moment’, nuances van grijstinten, het terugkerende thema van leven en dood. ATELIER documenteert een stuk van het leven van de kunstenaar, bestaande uit inspirerende ontmoetingen en vrij werk in zelfgekozen isolement.

Voor de scenografie laten we ons leiden door het relaas van het boek, dat op subtiele wijze alle stadia van het leven doorkruist: kindertijd, volwassenheid en dood. We gaan van het ene beeld naar het andere, met een ingetogen ritme dat ons wordt ingegeven door Vanfleterens esthetiek. In zijn atelier neemt hij ons mee naar zijn wereld, waarin hij de werking van het alomtegenwoordige daglicht probeert te beheersen maar blijvend verwonderd is door dat ongrijpbare mysterie.

We zien hier in Hangar niet alleen de ziel van het atelier van de kunstenaar, maar ook van het wezen van de man. Zo wordt deze tentoonstelling een soort zelfportret, waarbij het licht de realiteit overmeestert en het duister ontsluiert. Vertoeven we in zijn atelier of al in een andere wereld?

(Text: Delphine Dumont)

C/O Berlin
14. September 2024 – 23. Januar 2025

BERLIN – DIE 90ER JAHRE
OSTKREUZ – Agentur der Fotografen

Berlin in den 90ern: Nach dem Fall der Mauer 1989 befindet sich die Stadt im Übergang, in einem Transitraum zwischen Vergangenheit und Zukunft. Aufbruchstimmung wie Verlustängste liegen nah beieinander und bilden den Grundton dieser Zeit. Einzigartige Möglichkeitsräume eröffnen sich und führen zur Blüte kreativer Zwischennutzungen. Berlin wird zur Metropole der Subkulturen – gleichzeitig beginnt jedoch auch ein Ringen um die Gestaltung der neuen Hauptstadt und ihres Zentrums. Die Potenziale und Utopien der 90er Jahre haben sich nachhaltig in das Bild dieser Stadt eingeschrieben und prägen es bis heute.

Inmitten dieser Umbruchstimmung gründet im Jahr 1990 eine Gruppe von Fotograf: innen aus der ehemaligen DDR die Agentur OSTKREUZ mit Sitz in Ost-Berlin. Diese hat sich seitdem international als eine der wichtigsten Fotoagenturen Deutschlands etabliert. C/O Berlin zeigt in der Ausstellung Arbeiten von neun Mitgliedern der Agentur OSTKREUZ, darunter der Co-Gründer:innen Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler und Werner Mahler sowie von Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting und Maurice Weiss. Diese Fotograf:innen beobachten mit genauem Blick die gesellschaftlichen Veränderungen und die Herausforderungen des Zusammenwachsens der ehemaligen Mauerstadt.

Die Ausstellung Träum Weiter — Berlin, die 90er präsentiert 35 Jahre nach der Gründung der Agentur OSTKREUZ und im Jubiläumsjahr des Mauerfalls rund 200 Arbeiten. Neben einigen Klassikern sind viele noch unveröffentlichte Bilder aus dem Archiv der OSTKREUZ-Fotograf:innen zu sehen. Diese bekommen mit dem Blick von heute eine ganz neue Relevanz und dienen als Material für ein Stimmungsbild dieser prägenden Dekade. Sie spiegeln eine Stadt im Wandel mit all ihren Ambivalenzen wider – beginnend mit dem Mauerfall über den Tanz in den Ruinen der aufblühenden Technoszene bis hin zu den sozialen und wirtschaftlichen Veränderungen sowie der Transformation Berlins zur neuen Hauptstadt. Sie reflektieren die unterschiedlichen Perspektiven der OSTKREUZ-Fotograf:innen und zeigen die komplexen Beziehungen zwischen Mensch und Stadtraum auf.

In einer Zeit, in der globale Veränderungen und politische Umbrüche allgegenwärtig sind, bietet Träum Weiter — Berlin, die 90er wertvolle Einblicke in die Mechanismen und Auswirkungen des gesellschaftlichen Wandels. Zudem würdigt die gemeinsame Ausstellung die jahrelange, enge Zusammenarbeit zwischen C/O Berlin und der Agentur OSTKREUZ.

Träum Weiter — Berlin, die 90er wird von Annette Hauschild (OSTKREUZ), und Boaz Levin (C/O Berlin Foundation) kuratiert. Zur Ausstellung erscheint eine gleichnamige Publikation bei Spector Books.

Berlin dans les années 90 : après la chute du mur en 1989, la ville est en transition, dans un espace de transit entre passé et avenir. L'atmosphère de renouveau et la peur de la perte sont proches l'une de l'autre et constituent le ton général de cette période. Des espaces de possibilités uniques s'ouvrent et conduisent à la floraison d'utilisations intermédiaires créatives. Berlin devient la métropole des sous-cultures - mais en même temps commence une lutte pour l'aménagement de la nouvelle capitale et de son centre. Les potentiels et les utopies des années 90 se sont inscrits durablement dans le visuel de cette ville et l'influencent encore aujourd'hui.

Au milieu de cette atmosphère de changement, un groupe de photographes de l'ex-RDA fonde en 1990 l'agence OSTKREUZ, basée à Berlin-Est. Depuis, cette agence s'est imposée au niveau international comme l'une des plus importantes agences photographiques d'Allemagne. L'exposition de C/O Berlin présente les travaux de neuf membres de l'agence OSTKREUZ, dont les co-fondateurs Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler et Werner Mahler, ainsi que Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting et Maurice Weiss. Ces photographes observent avec un regard attentif les changements sociaux et les défis de la fusion de l'ancienne ville du Mur.

L'exposition Träum Weiter - Berlin, les années 90 présente environ 200 travaux, 35 ans après la création de l'agence OSTKREUZ et en cette année d'anniversaire de la chute du mur. Outre quelques classiques, on peut y voir de nombreux visuels inédits issus des archives des photographes d'OSTKREUZ. Avec le regard d'aujourd'hui, elles acquièrent une toute nouvelle pertinence et servent de matériau pour une image d'ambiance de cette décennie marquante. Elles reflètent une ville en mutation avec toutes ses ambivalences - de la chute du mur de Berlin aux changements sociaux et économiques, en passant par la danse dans les ruines de la scène techno en plein essor et la transformation de Berlin en nouvelle capitale. Elles reflètent les différentes perspectives des photographes d'OSTKREUZ et mettent en évidence les relations complexes entre l'homme et l'espace urbain.

À une époque où les changements globaux et les bouleversements politiques sont omniprésents, Träum Weiter - Berlin, die 90er offre un aperçu précieux des mécanismes et des effets du changement social. De plus, cette exposition commune rend hommage à l'étroite collaboration entre C/O Berlin et l'agence OSTKREUZ qui dure depuis des années.

Träum Weiter - Berlin, les années 90 est organisée par Annette Hauschild (OSTKREUZ), et Boaz Levin (C/O Berlin Foundation). L'exposition sera accompagnée d'une publication du même nom éditée par Spector Books.

Berlino negli anni '90: dopo la caduta del Muro nel 1989, la città è in transizione, in uno spazio di transito tra passato e futuro. Lo spirito di ottimismo e la paura della perdita sono vicini e formano il tono di base di questo periodo. Si aprono spazi unici di opportunità che portano alla fioritura di usi creativi intermedi. Berlino diventa una metropoli di sottoculture - ma allo stesso tempo inizia una lotta per la progettazione della nuova capitale e del suo centro. I potenziali e le utopie degli anni '90 hanno lasciato un segno duraturo nell'immagine di questa città e continuano a caratterizzarla ancora oggi.

Nel bel mezzo di questo clima di sconvolgimento, un gruppo di fotografi dell'ex DDR ha fondato l'agenzia OSTKREUZ a Berlino Est nel 1990. Da allora, si è affermata a livello internazionale come una delle agenzie fotografiche più importanti della Germania. Nella mostra, C/O Berlin presenta le opere di nove membri dell'agenzia OSTKREUZ, tra cui i co-fondatori Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler e Werner Mahler, nonché Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting e Maurice Weiss. Questi fotografi osservano da vicino i cambiamenti sociali e le sfide della crescita comune nell'ex città del Muro.

La mostra Träum Weiter - Berlin, die 90er presenta circa 200 opere a 35 anni dalla fondazione dell'agenzia OSTKREUZ e nell'anno dell'anniversario della caduta del Muro di Berlino. Oltre ad alcuni classici, sono esposte molte immagini ancora inedite provenienti dall'archivio dei fotografi di OSTKREUZ. Esse assumono una rilevanza del tutto nuova se viste dalla prospettiva odierna e servono come materiale per un'immagine suggestiva di questo decennio formativo. Riflettono una città in transizione con tutte le sue ambivalenze - dalla caduta del Muro di Berlino e i balli tra le rovine della fiorente scena techno ai cambiamenti sociali ed economici e alla trasformazione di Berlino nella nuova capitale. Riflettono le diverse prospettive dei fotografi di OSTKREUZ e mostrano le complesse relazioni tra le persone e lo spazio urbano.

In un momento in cui il cambiamento globale e gli sconvolgimenti politici sono onnipresenti, Träum Weiter - Berlin, die 90er offre preziose intuizioni sui meccanismi e sugli effetti del cambiamento sociale. La mostra congiunta onora anche i molti anni di stretta collaborazione tra C/O Berlin e l'agenzia OSTKREUZ.

Träum Weiter - Berlin, die 90er è curata da Annette Hauschild (OSTKREUZ) e Boaz Levin (Fondazione C/O Berlin). La mostra sarà accompagnata da una pubblicazione omonima edita da Spector Books.

Berlin in the 90s: The city found itself in flux after the fall of the Berlin Wall in 1989, caught between past and future. A spirit of optimism battled with fears of loss and defined the mood of this era. Extraordinary new opportunities led to a flourishing of temporary initiatives. Berlin became the city of subcultures, even as controversies raged over the development of the new German capital and its center. The potential futures and utopias of the 1990s left a lasting mark on Berlin’s image and continue to define the city to this day.

A group of photographers from former East Germany founded the photo agency OSTKREUZ in East Berlin during this tumultuous era, in 1990. Today, they are recognized internationally as one of Germany’s most important photo agencies. C/O Berlin shows works by nine OSTKREUZ members, including co-founders Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler, and Werner Mahler, as well as Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting, and Maurice Weiss. These photographers turned their sharp gaze to societal transformations and the challenges of reunification in a city formerly divided by the Berlin Wall.

With over 200 works, the exhibition Dream On—Berlin, the 90s opens 35 years after OSTKREUZ was founded, in the anniversary year of the fall of the Berlin Wall. Many previously unpublished photographs from the OSTKREUZ photographers’ archive are shown alongside well-known images. Seen today, they take on a wholly new relevance and serve to convey the mood of this defining decade. They reflect a city in flux with all its attendant ambivalences, beginning with the fall of the Wall and dancing in the ruins to the burgeoning techno scene, social and economic changes, and Berlin’s transformation into the new German capital. These images reflect the OSTKREUZ photographers’ unique perspectives, revealing the complex relationship between individuals and urban space.

At a moment when global changes and political upheavals are omnipresent, Dream On—Berlin, the 90s offers valuable insights into the mechanisms and effects of societal transformation. The exhibition also serves to mark the long-standing and close cooperation between C/O Berlin and OSTKREUZ.

Dream On—Berlin, the 90s is curated by Annette Hauschild (OSTKREUZ) and Boaz Levin (C/O Berlin Foundation). The exhibition will be accompanied by a publication of the same name, published by Spector Books.

(Text: C/O Berlin)

JAEGER ART | Berlin
14. September – 16. November 2024

Bastiaan Woudt: Rhythm

JAEGER ART freut sich, die erste Einzelausstellung des renommierten Fotokünstlers Bastiaan Woudt in Deutschland anzukündigen. Ab dem 14. September zeigt die Galerie unter dem Titel "Rhythm" verschiedene Werkgruppen, von denen einige noch nie zuvor öffentlich gezeigt worden sind.

Der 1987 in den Niederlanden geborene Bastiaan Woudt ist vor allem für seine ikonischen Porträts bekannt, die sich durch starke Kontraste und eine monochrome Unverwechselbarkeit auszeichnen und ihm innerhalb von nur 13 Jahren internationale Anerkennung verschafften.

Inspiriert von den Meistern der Fotografie des 20. Jahrhunderts, wie Irving Penn oder Richard Avedon, verbindet er deren Tradition der klassischen Fotografie mit innovativen und zeitgenössischen Elementen. Das Ergebnis sind zeitlose Fotografien mit einer Prise Zeitgenössischem", die durch ihre Klarheit und Raffinesse bestechen.

Woudt begann seine Karriere als autodidaktischer Fotograf und hat sich schnell zu einem Meister im Umgang mit Licht und Schatten entwickelt. Sein Werk zeichnet sich durch eine unverwechselbare Ästhetik aus, die sowohl von minimalistischen als auch surrealen Einflüssen geprägt ist. Diese faszinierende Kombination verleiht den skulptural wirkenden Porträtfotografien einen unverwechselbaren Wiedererkennungswert.

Seine Kunstwerke werden regelmäßig in renommierten Galerien, auf internationalen Kunstmessen und in führenden Auktionshäusern präsentiert und erzielten beachtliche Ergebnisse. Seine erste museale Einzelausstellung "Twist" wurde 2022 im Museum Kranenburgh in Bergen gezeigt.

In seinem aktuellen Projekt "Echo from Beyond" lotet Bastiaan Woudt die Grenzen von Kunst und Fotografie aus und setzt sich intensiv mit künstlicher Intelligenz und ihrer Rolle in der Kunst auseinander, wobei ihn vor allem die symbiotische Beziehung zwischen menschlicher Kreativität und maschinellem Lernen interessiert.

Er verschmilzt seine Fotografien mit den Möglichkeiten der künstlichen Intelligenz und erschafft dadurch ein Mixed-Media-Projekt. Es entstehen bisher unvorstellbare Bilder, die durch seine Gedanken, Erfahrungen und die von ihm konsumierten Medien angeregt werden. Diese Verschmelzung von Elementen schafft eine einzigartige Bildsprache, die über die traditionelle Fotografie hinausgeht und ein Fenster in eine Welt neuer Möglichkeiten und Entdeckungen öffnet.

Einige dieser Kunstwerke, die er als Unikate realisiert, werden erstmals in der Ausstellung "Rhythm" präsentiert.

JAEGER ART a le plaisir d'annoncer la première exposition individuelle en Allemagne du célèbre artiste photographe Bastiaan Woudt. À partir du 14 septembre, la galerie présentera, sous le titre « Rhythm », différents ensembles d'œuvres, dont certains n'ont jamais été montrés au public auparavant.

Né en 1987 aux Pays-Bas, Bastiaan Woudt est surtout connu pour ses portraits iconiques, caractérisés par de forts contrastes et une singularité monochrome, qui lui ont valu une reconnaissance internationale en seulement 13 ans.

Inspiré par les maîtres de la photographie du XXe siècle, comme Irving Penn ou Richard Avedon, il combine leur tradition de la photographie classique avec des éléments innovants et contemporains. Il en résulte des photographies intemporelles avec une touche de « contemporain » qui séduisent par leur clarté et leur sophistication.

Woudt a commencé sa carrière en tant que photographe autodidacte et est rapidement devenu un maître de l'ombre et de la lumière. Son travail se caractérise par une esthétique distinctive, marquée par des influences à la fois minimalistes et surréalistes. Cette combinaison fascinante confère à ses photographies de portraits à l'aspect sculptural un caractère reconnaissable entre tous.

Ses œuvres d'art sont régulièrement présentées dans des galeries renommées, des foires d'art internationales et des maisons de vente aux enchères de premier plan, et ont obtenu des résultats remarquables. Sa première exposition individuelle dans un musée, « Twist », a été présentée au musée Kranenburgh de Bergen en 2022.

Dans son projet actuel « Echo from Beyond », Bastiaan Woudt explore les frontières de l'art et de la photographie et s'intéresse de près à l'intelligence artificielle et à son rôle dans l'art, en s'intéressant particulièrement à la relation symbiotique entre la créativité humaine et l'apprentissage automatique.

Il fusionne ses photographies avec les possibilités de l'intelligence artificielle, créant ainsi un projet de médias mixtes. Il en résulte des visuels jusqu'alors inimaginables, stimulés par ses pensées, ses expériences et les médias qu'il consomme. Cette fusion d'éléments crée un langage visuel unique qui va au-delà de la photographie traditionnelle et ouvre une fenêtre sur un monde de nouvelles possibilités et de découvertes.

Certaines de ces œuvres d'art, qu'il réalise en tant que pièces uniques, sont présentées pour la première fois dans l'exposition « Rhythm ».

JAEGER ART è lieta di annunciare la prima mostra personale del rinomato artista fotografico Bastiaan Woudt in Germania. A partire dal 14 settembre, la galleria esporrà diversi gruppi di opere sotto il titolo “Rhythm”, alcune delle quali non sono mai state mostrate pubblicamente prima.

Nato nei Paesi Bassi nel 1987, Bastiaan Woudt è conosciuto soprattutto per i suoi ritratti iconici, caratterizzati da forti contrasti e da una distintività monocromatica, che gli hanno fatto guadagnare un riconoscimento internazionale in soli 13 anni.

Ispirandosi ai maestri della fotografia del XX secolo, come Irving Penn e Richard Avedon, combina la loro tradizione di fotografia classica con elementi innovativi e contemporanei. Il risultato sono fotografie senza tempo con un pizzico di “contemporaneità” che affascinano per la loro chiarezza e raffinatezza.

Woudt ha iniziato la sua carriera come fotografo autodidatta e si è rapidamente trasformato in un maestro nell'uso della luce e dell'ombra. Il suo lavoro è caratterizzato da un'estetica inconfondibile, plasmata da influenze sia minimaliste che surreali. Questa affascinante combinazione conferisce alle fotografie di ritratto dall'aspetto scultoreo un valore di riconoscimento inconfondibile.

Le sue opere sono presentate regolarmente in gallerie rinomate, in fiere d'arte internazionali e in case d'asta di primo piano e hanno ottenuto risultati notevoli. La sua prima mostra museale personale “Twist” è stata esposta al Museum Kranenburgh di Bergen nel 2022.

Nel suo attuale progetto “Echo from Beyond”, Bastiaan Woudt esplora i confini dell'arte e della fotografia e si occupa intensamente dell'intelligenza artificiale e del suo ruolo nell'arte, per cui è particolarmente interessato alla relazione simbiotica tra la creatività umana e l'apprendimento automatico.

Fonde le sue fotografie con le possibilità dell'intelligenza artificiale per creare un progetto mixed-media. Vengono create immagini precedentemente inimmaginabili, ispirate dai suoi pensieri, dalle sue esperienze e dai media che consuma. Questa fusione di elementi crea un linguaggio visivo unico che va oltre la fotografia tradizionale e apre una finestra su un mondo di nuove possibilità e scoperte.

Alcune di queste opere, che realizza come pezzi unici, sono presentate per la prima volta nella mostra “Rhythm”.

JAEGER ART is pleased to announce acclaimed fine art photographer Bastiaan Woudt's first solo exhibition in Germany. From September 14, the gallery will be showing various bodies of works in an exhibition named ‘Rhythm’, some of which have never been shown to the public before.

Bastiaan Woudt, born in the Netherlands in 1987, is best known for his iconic portraits, which are characterized by strong contrasts and a monochromatic distinctiveness that quickly brought him international recognition over the span of merely 13 years.

Inspired by the masters of 20th century photography, such as Irving Penn or Richard Avedon, he combines their tradition of classical photography with innovative and contemporary elements. This results in timeless photographs with a dash of 'contemporary' that captivate the eye with their clarity and sophistication.

Woudt began his career as a self-taught photographer and has quickly become a master in the use of light and shadow. His work is characterized by an unmistakable aesthetic that is shaped by both minimalist and surreal influences. This fascinating combination gives the sculptural-looking portrait photographs an unmistakable recognition value. His artworks are regularly presented in renowned

galleries, at international art fairs and at leading auction houses – sold for record-breaking amounts. His first solo museum exhibition “Twist” was shown at Museum Kranenburgh in Bergen in 2022. 

In his current project “Echo from Beyond”, Bastiaan Woudt explores the boundaries of art and photography and intensively investigates artificial intelligence and its role in art, whereby he is primarily interested in the symbiotic relationship between human creativity and machine learning.

He merges his photographs with the possibilities of artificial intelligence and turns this series into a mixed media project. Previously unimaginable images are created, fueled by his thoughts, experiences and the media he consumes. This fusion of elements creates a unique visual language that goes beyond traditional photography and opens a window into a world of new possibilities and discoveries.

For the first time, some of these artworks, which he creates as unique pieces, will be presented in the exhibition ‘Rhythm’.

(Text: JAEGER ART, Berlin)

Photoforum Pasquart | Biel
15. September – 24. November 2024

How like a leaf I am
Alexandra Baumgartner & Seed Carriers

Die Ausstellung findet im Rahmen des Swiss Photomonth statt.

Das Photoforum freut sich, die Ausstellung "How like a leaf I am" der Künstlerin Alexandra Baumgartner zu präsentieren. Diese tiefgründige und faszinierende Ausstellung wird vom 14. September bis zum 24. November 2024 im Kulturzentrum Pasquart in Biel zu sehen sein. Baumgartner, die bereits im Rahmen des Prix Photoforum gezeigt wurde, stellt nun den Abschluss ihres Langzeitprojektes vor.

„How like a leaf I am“ ist ein umfassendes Ausstellungsprojekt, das die komplexen Beziehungen zwischen Menschen und pflanzlichem Leben untersucht. Ziel ist es, die kollektive Verantwortung für den Schutz und die Bewahrung der Agrobiodiversität zu beleuchten. Die Ausstellung ist eine Zusammenarbeit zwischen Alexandra Baumgartner und dem Kollektiv Seed Carriers, bekannt für ihre interdisziplinären Ansätze und künstlerischen Interventionen.

Alexandra Baumgartner kombiniert eine dokumentarische Herangehensweise mit künstlerischen Interventionen, um einen reflektierenden und erforschenden Raum zu schaffen. Die Szenografie lädt die Besucher ein, die Verbindung zwischen Menschen und Pflanzen auf intuitive und sinnliche Weise zu erforschen. Jeder Raum beleuchtet spezifische Aspekte des Projekts, wie zum Beispiel „Seed-Keeper’s Hands“, das die Hände und Bewegungen derjenigen zeigt, die Saatgut pflegen und bewahren.

Das Begleitprogramm zur Ausstellung umfasst besondere Veranstaltungen und Partnerschaften, die das Thema der Ausstellung vertiefen und erweitern. Dazu gehört eine Intervention im Botanischen Garten Bern, die die beiden Ausstellungen verlinkt und das Bewusstsein für die Bedeutung der Agrobiodiversität stärkt.

„How like a leaf I am“ strebt danach, das Bewusstsein und die Wertschätzung für die Rolle von Pflanzen in unserem Ökosystem zu fördern und gleichzeitig die Bedeutung der Saatgutvielfalt als Schlüssel für nachhaltige Zukunftslösungen hervorzuheben. Die Ausstellung beleuchtet ein wichtiges Thema und stellt einen entscheidenden Moment in der künstlerischen Praxis von Alexandra Baumgartner dar.

Le Photoforum a le plaisir de présenter l'exposition "How like a leaf I am" de l'artiste Alexandra Baumgartner. Cette exposition profonde et fascinante sera visible du 14 septembre au 24 novembre 2024 au Centre culturel Pasquart à Bienne. Baumgartner, déjà présentée dans le cadre du Prix Photoforum, présente l'aboutissement de son projet à long terme.

« How like a leaf I am » est un projet d'exposition complet qui examine les relations complexes entre les humains et la vie végétale. Son objectif est de mettre en lumière notre responsabilité collective pour la protection et la préservation de l'agrobiodiversité. L'exposition est une collaboration entre Alexandra Baumgartner et le collectif Seed Carriers, connu pour ses approches interdisciplinaires et ses interventions artistiques.

Alexandra Baumgartner combine une approche documentaire avec des interventions artistiques pour créer un espace de réflexion et d'exploration. La scénographie invite les visiteur.euse.x.s à explorer intuitivement et sensuellement la connexion entre les humains et les plantes. Chaque salle met en lumière des aspects spécifiques du projet, comme « Seed-Keeper’s Hands », qui présente les mains et les mouvements de celleux qui s'occupent des graines et les préservent.

Le programme d'accompagnement comprend des événements spéciaux et des partenariats qui approfondissent et élargissent le thème de l'exposition. Cela inclut une intervention au Jardin botanique de Berne, reliant les deux expositions et sensibilisant à l'importance de l'agrobiodiversité.

« How like a leaf I am » vise à promouvoir la sensibilisation et l'appréciation du rôle des plantes dans notre écosystème tout en soulignant l'importance de la diversité des semences comme clé de solutions durables pour l'avenir. L'exposition éclaire un sujet important et marque un moment significatif dans la pratique artistique d'Alexandra Baumgartner.

Il Photoforum è lieto di presentare la mostra "How like a leaf I am" dell'artista Alexandra Baumgartner. Questa mostra profonda e affascinante sarà esposta presso il Centro culturale Pasquart di Bienne dal 14 settembre al 24 novembre 2024. La Baumgartner, già esposta nell'ambito del Prix Photoforum, presenta ora la conclusione del suo progetto a lungo termine.

"How like a leaf I am" è un progetto espositivo completo che esplora le complesse relazioni tra l'uomo e la vita vegetale. L'obiettivo è quello di far luce sulla responsabilità collettiva per la protezione e la conservazione dell'agrobiodiversità. La mostra nasce dalla collaborazione tra Alexandra Baumgartner e il collettivo Seed Carriers, noto per i suoi approcci interdisciplinari e interventi artistici.

Alexandra Baumgartner combina un approccio documentario con interventi artistici per creare uno spazio riflessivo ed esplorativo. La scenografia invita i visitatori a esplorare la connessione tra le persone e le piante in modo intuitivo e sensuale. Ogni sala mette in luce aspetti specifici del progetto, come "Seed-Keeper's Hands", che mostra le mani e i movimenti di chi cura e conserva i semi.

Il programma che accompagna la mostra prevede eventi speciali e collaborazioni che approfondiscono e ampliano il tema della mostra. Tra questi, un intervento nel Giardino Botanico di Berna, che collega le due mostre e sensibilizza sull'importanza dell'agrobiodiversità.

"Come una foglia" si propone di sensibilizzare e apprezzare il ruolo delle piante nel nostro ecosistema, sottolineando l'importanza della diversità dei semi come chiave per soluzioni sostenibili per il futuro. La mostra mette in luce un tema importante e rappresenta un momento cruciale nella pratica artistica di Alexandra Baumgartner.

The Photoforum Biel is pleased to present the exhibition "How like a leaf I am" by artist Alexandra Baumgartner. This profound and fascinating exhibition will be on display from September 14 to November 24, 2024, at the Pasquart Cultural Center in Biel. Baumgartner, previously featured as part of the Prix Photoforum, now presents the culmination of her long-term project.

“How like a leaf I am” is a comprehensive exhibition project that examines the complex relationships between humans and plant life. Its goal is to highlight our collective responsibility for the protection and preservation of agrobiodiversity. The exhibition is a collaboration between Alexandra Baumgartner and the Seed Carriers collective, known for their interdisciplinary approaches and artistic interventions.

Alexandra Baumgartner combines a documentary approach with artistic interventions to create a reflective and explorative space. The scenography invites visitors to intuitively and sensually explore the connection between humans and plants. Each room highlights specific aspects of the project, such as “Seed-Keeper’s Hands,” which showcases the hands and movements of those who care for and preserve seeds.

The accompanying program includes special events and partnerships that deepen and expand the exhibition's theme. This includes an intervention at the Botanical Garden of Bern, linking the two exhibitions and raising awareness of the importance of agrobiodiversity.

“How like a leaf I am” aims to promote awareness and appreciation for the role of plants in our ecosystem while highlighting the importance of seed diversity as a key to sustainable future solutions. The exhibition illuminates an important issue and marks a significant moment in Alexandra Baumgartner's artistic practice.

(Text: Amelie Schüle, Direktorin Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Foam | Amsterdam
21. September 2024 – 12. Januar 2025

PHOSPHOR: Art & Fashion
Viviane Sassen

Die Ausstellung PHOSPHOR: Art & Fashion umfasst mehr als 200 Werke der niederländischen Modefotografin und Künstlerin Viviane Sassen. Es handelt sich um die erste groß angelegte Retrospektive der niederländischen Modefotografin in den Niederlanden, die über dreißig Jahre ihrer facettenreichen Karriere offenbart und Fotografie, Collage, Malerei und Video zusammenbringt.

Die niederländische zeitgenössische Künstlerin Viviane Sassen erlangte schnell weltweite Anerkennung, sowohl in der Modebranche als auch in der Welt der Fotografie. Ihr unverwechselbares und vielseitiges visuelles Werk füllt fast das gesamte Gebäude von Foam. Diese Ausstellung beleuchtet Sassens kreativen Prozess, indem sie sich auf zwei Hauptthemen konzentriert: die unaufhörliche Suche nach neuen fotografischen Formen und die Bedeutung der Intimität in ihrer Arbeit.

Sassens Werk erforscht sowohl die Tiefen menschlicher Emotionen als auch die Grenzen des künstlerischen Ausdrucks. Tod, Sexualität, Verlangen und die Verbindung zu anderen sind alles Motive, die ihre Arbeit strukturieren. Bekannt für ihren geschickten Einsatz gesättigter Farben, ihre Beherrschung von Licht und Schatten und ihre unverwechselbaren Darstellungen des menschlichen Körpers, ist Sassens Werk ein Zeugnis ihrer künstlerischen Sprache. Für Sassen ist die Fotografie ein magisches Medium. Für sie ist die Fotografie wie ein Spiegel, der das widerspiegelt, was bereits in uns ist, und gleichzeitig ein Portal zu einem anderen Universum mit unendlichen Möglichkeiten.

L'exposition PHOSPHOR : Art & Fashion comprend plus de 200 œuvres de la photographe de mode et artiste néerlandaise Viviane Sassen. Il s'agit de la première rétrospective à grande échelle de la photographe de mode néerlandaise aux Pays-Bas, qui révèle plus de trente ans de sa carrière aux multiples facettes et rassemble des photographies, des collages, des peintures et des vidéos.

L'artiste contemporaine néerlandaise Viviane Sassen a rapidement acquis une reconnaissance mondiale, tant dans l'industrie de la mode que dans le monde de la photographie. Son œuvre visuelle distincte et éclectique occupe la quasi-totalité du bâtiment de Foam. Cette exposition met en lumière le processus créatif de Sassen en se concentrant sur deux thèmes principaux : la recherche incessante de nouvelles formes photographiques et l'importance de l'intimité dans son travail.

L'œuvre de Sassen explore à la fois les profondeurs de l'émotion humaine et les limites de l'expression artistique. La mort, la sexualité, le désir et la connexion avec les autres sont autant de motifs qui structurent son travail. Réputée pour son utilisation adroite de couleurs saturées, sa maîtrise de l'ombre et de la lumière et ses représentations distinctives du corps humain, l'œuvre de Sassen est un témoignage de son langage artistique. Pour Mme Sassen, la photographie est un médium magique. Pour elle, la photographie est comme un miroir qui reflète ce qui est déjà en nous, et comme un portail vers un autre univers aux possibilités infinies.

La mostra PHOSPHOR: Art & Fashion comprende oltre 200 opere della fotografa di moda e artista olandese Viviane Sassen. Si tratta della prima retrospettiva su larga scala della fotografa di moda olandese nei Paesi Bassi, che rivela oltre trent'anni della sua poliedrica carriera e riunisce fotografia, collage, pittura e video.

L'artista contemporanea olandese Viviane Sassen si è rapidamente fatta conoscere in tutto il mondo, sia nell'industria della moda che nel mondo della fotografia. La sua distintiva ed eclettica opera visiva riempie quasi l'intero edificio del Foam. Questa mostra fa luce sul processo creativo di Sassen concentrandosi su due temi principali: l'incessante ricerca di nuove forme fotografiche e l'importanza dell'intimità nel suo lavoro.

L'opera di Sassen esplora sia la profondità delle emozioni umane sia i confini dell'espressione artistica. La morte, la sessualità, il desiderio e la connessione con gli altri sono tutti motivi che strutturano il suo lavoro. Rinomata per l'uso sapiente di colori saturi, la padronanza della luce e dell'ombra e le rappresentazioni distintive del corpo umano, l'opera di Sassen è una testimonianza del suo linguaggio artistico. Per Sassen la fotografia è un mezzo magico. Per lei la fotografia è come uno specchio che riflette ciò che è già dentro di noi, e allo stesso modo un portale verso un altro universo dalle infinite possibilità.

The exhibition PHOSPHOR: Art & Fashion comprises more than 200 works of the Dutch fashion photographer and artist Viviane Sassen. It is the first large-scale retrospective of the Dutch fashion photographer in the Netherlands, revealing over thirty years of her multifaceted career and bringing together photography, collage, painting and video.

The Dutch contemporary artist Viviane Sassen rapidly gained worldwide recognition, both in the fashion industry and in the photography world. Her distinctive and eclectic visual oeuvre fills almost the entire building of Foam. This exhibition sheds light on Sassen’s creative process by focusing on two main themes: the incessant search for new photographic forms and the importance of intimacy in her work.

Sassen's oeuvre explores both the depths of human emotion and the boundaries of artistic expression. Death, sexuality, desire and connection with others are all motifs that structure her work. Renowned for her adept use of saturated colours, mastery of light and shadow, and distinctive depictions of the human body, Sassen's work is a testament to her artistic language. For Sassen, photography is a magical medium. For her, photography is like a mirror that reflects what is already inside us, and likewise a portal to another universe with infinite possibilities.

(Text: Foam, Amsterdam)

CONSARC/GALLERIA | Chiasso
22. September – 10. November 2024

La Poetica della Luce
Alberto Flammer

In der CONSARC/GALLERIA in Chiasso wird am Sonntag, 22. September 2024, ab 11 Uhr die Ausstellung DIE POETIK DES LICHTS eröffnet, die zwei Werkserien von Alberto Flammer aus den letzten Jahren präsentiert. In Zusammenarbeit mit dem Verein Alberto Flammer-Archiv würdigt CONSARC/GALLERIA mit dieser Ausstellung einen Grossen der Schweizer Fotografie.

Unsere Bekanntschaft mit Alberto Flammer begann in der ersten Hälfte der 1980er Jahre, als wir in der Galerie FotografiaOltre in Chiasso eine Reihe von Werken zeigten, die Flammer selbst als „Alchimie“ bezeichnet hatte, weil dort Körper, Holz und Steine miteinander verschmolzen und durcheinander gebracht wurden.

Seitdem haben wir uns oft getroffen, und jedes Mal war ich nach langen Diskussionen gezwungen, Alberto zuzustimmen. ER WAR EIN MEISTER.

Das letzte Treffen fand im Juli 2022 in Locarno statt.

Nach ein paar Tagen rief er uns an, um uns vorzuschlagen, sein neuestes Werk in der Galerie auszustellen, das - wie er sagte - fertig sei.

Leider war es uns nicht möglich, die Ausstellung vor seinem Tod am 10. November 2023 zu organisieren.

Nach einiger Zeit setzten wir uns mit Mattia Della Gana und Nicoletta Ferrazzini von der Associazione Archivio Alberto Flammer in Verbindung, weil wir Alberto ein Jahr nach diesem 10. November ehren wollten. Wir wollten dies mit der Ausstellung tun, die schon fertig zu sein schien, denn die gerahmten Werke fehlten nur noch, um an den Wänden der Galerie zu hängen.

Beim Stöbern im Archiv entdeckten Mattia und Nicoletta, dass sein letztes Ausstellungsprojekt tatsächlich fertig war, allerdings ohne die fotografischen Abzüge. Wenn Alberto eine Ausstellung plante, fertigte er zunächst Skizzen der zu fotografierenden Werke auf A4-Blättern an und begann dann mit den Fotoshootings. In diesem Fall waren also die Skizzen fertig, aber nicht die Fotos.

So beschlossen wir gemeinsam, zwei Serien von Arbeiten auszustellen, die wir Jahre zuvor gemacht hatten.

Die erste Gruppe besteht aus Bildern aus der Serie 'Aus dem Totenbuch der alten Ägypter', in der Details der Monumente abgebildet sind, die Flammer auf seiner Reise 1988 fotografiert hatte.

Wie Antonio Mariotti schreibt, will Flammer „eine räumlich und zeitlich entfernte Welt erkunden“. Und weiter: „Was Alberto Flammers Forschungen jedoch unweigerlich leitet, ist sein Wunsch, das Licht um jeden Preis zu ‚beherrschen‘ und es so gut wie möglich zu nutzen, um seine innerste Absicht zu verwirklichen: den Betrachter seiner Werke jedes Mal mit einem neuen Blickwinkel zu überraschen, einem neuen Kontrast zwischen Licht und Schatten, zwischen Schwarz und Weiß“.

Worte, die auch auf die zweite Gruppe von Bildern zutreffen, die aus der Serie „Röntgenbilder und Resonanzen“ stammen: Stillleben, die Vasen und Blumen aus medizinischen Platten zeigen, sowie ein besonderes Selbstporträt.

Anlässlich dieser Ausstellung wird eine Mappe mit 7 Abzügen in einer limitierten Auflage von 7 Exemplaren + 3 Exemplaren ohne Auflage präsentiert.

Die Idee für die Mappe entstand nach der Entdeckung einer Serie von analogen Silbersalzabzügen im Archiv, die Alberto Flammer 1988 für die Ausstellung der Schweizerischen Stiftung für Fotografie (damals im Kunsthaus Zürich) mit Bildern aus Ägypten gemacht hatte.

Die Mappe enthält daher einen „Vintage“-Silbersalzabzug, den Flammer selbst angefertigt hat, sowie zeitgenössische Tintenstrahldrucke, die Stefano Spinelli zu diesem Anlass von den beiden in der Galerie präsentierten Serien angefertigt hat.

Ergänzt wird die Mappe durch einen Präsentationstext von Antonio Mariotti, der Flammer während seiner langjährigen Zusammenarbeit mit dem Roberto Donetta Archiv kennengelernt hat.

Au CONSARC/GALLERIA de Chiasso, l'exposition THE POETICS OF LIGHT sera inaugurée le dimanche 22 septembre 2024, à partir de 11 heures, et présentera deux séries d'œuvres réalisées par Alberto Flammer au cours des dernières années. En collaboration avec l'Association des archives Alberto Flammer, CONSARC/GALLERIA rend hommage avec cette exposition à un grand de la photographie suisse.

Notre connaissance d'Alberto Flammer a commencé dans la première moitié des années 1980, lorsque nous avons accueilli à la galerie FotografiaOltre de Chiasso une série d'œuvres que Flammer lui-même avait appelées « Alchimie », parce que les corps, le bois et les pierres s'y confondaient et s'y confondaient.

Depuis lors, nous nous sommes souvent rencontrés et à chaque fois, après de longues discussions, j'ai été contraint de donner raison à Alberto. C'ÉTAIT UN MAÎTRE.

La dernière rencontre a eu lieu en juillet 2022, à Locarno.

Quelques jours plus tard, il nous a appelés au téléphone pour nous proposer d'exposer sa dernière œuvre dans la galerie, qui - disait-il - était prête.

Malheureusement, nous n'avons pas pu programmer l'exposition avant son décès le 10 novembre 2023.

Après un certain temps, nous avons contacté Mattia Della Gana et Nicoletta Ferrazzini de l'Associazione Archivio Alberto Flammer, car nous voulions rendre hommage à Alberto un an après ce 10 novembre. Nous voulions le faire avec l'exposition qui semblait prête, avec les œuvres encadrées qui manquaient juste d'être accrochées aux murs de la galerie.

En fouillant dans les archives, Mattia et Nicoletta ont découvert que son dernier projet d'exposition était effectivement prêt, mais sans les tirages photographiques. Lorsqu'Alberto planifiait une exposition, il préparait d'abord des croquis de ce qu'il allait photographier sur des feuilles A4 et procédait ensuite aux prises de vue. Dans ce cas, les esquisses étaient prêtes, mais pas les photographies.

Nous avons donc décidé ensemble d'exposer deux séries de travaux que nous avions réalisés des années auparavant.

Le premier groupe est constitué d'images de la série intitulée « Du livre des morts de l'Égypte ancienne », dans laquelle sont représentés des détails des monuments que Flammer avait photographiés lors de son voyage en 1988.

Comme l'écrit Antonio Mariotti, Flammer « cherche à explorer un monde éloigné dans l'espace et dans le temps ». Et encore : « Ce qui guide irrémédiablement la recherche d'Alberto Flammer, c'est son désir de “dominer” la lumière à tout prix, en l'utilisant au mieux pour réaliser son intention la plus profonde : surprendre l'observateur de ses œuvres avec un nouveau point de vue à chaque fois, un nouveau contraste entre l'ombre et la lumière, entre le noir et le blanc ».

Des mots qui s'appliquent également au deuxième groupe d'images, issues de la série « Radiographies et résonances » : des natures mortes représentant des vases et des fleurs réalisés à partir de plaques médicales, ainsi qu'un autoportrait spécial.

À l'occasion de cette exposition, un dossier contenant 7 tirages sera présenté dans une édition limitée à 7 exemplaires + 3 exemplaires hors édition.

L'idée de cette pochette est née de la découverte dans les archives d'une série de tirages analogiques aux sels d'argent qu'Alberto Flammer avait réalisés pour l'exposition que la Fondation suisse pour la photographie (alors au Kunsthaus de Zurich) avait organisée en 1988 et qui comprenait des images de l'Égypte.

Le dossier contiendra donc un tirage au sel d'argent « vintage » réalisé par Flammer lui-même, et des tirages jet d'encre contemporains réalisés pour l'occasion par Stefano Spinelli des deux séries présentées dans la galerie.

Le dossier est complété par un texte de présentation d'Antonio Mariotti, qui a connu Flammer au cours de ses années de collaboration avec les Archives Roberto Donetta.

Presso CONSARC/GALLERIA a Chiasso si apre domenica 22 settembre 2024, a partire dalle ore 11.00, l’esposizione LA POETICA DELLA LUCE, che presenta due serie di lavori realizzati da Alberto Flammer negli scorsi anni. In collaborazione con l’Associazione Archivio Alberto Flammer, la CONSARC/GALLERIA rende omaggio con questa esposizione ad un grande della fotografia svizzera.

La nostra frequentazione con Alberto Flammer inizia nella prima metà degli anni ’80, quando alla galleria FotografiaOltre, sempre a Chiasso, ospitammo la serie di opere che lo stesso Flammer aveva definito “Alchimie”, perché vi si fondono e confondono corpi, legno e pietre.

Da allora ci siamo incontrati spesso ed ogni volta, dopo lunghe discussioni, mi vedevo costretto a dar ragione ad Alberto. ERA UN MAESTRO.

L’ultimo incontro è avvenuto nel luglio del 2022, a Locarno.

Dopo qualche giorno, ci ha chiamati al telefono per proporci di esporre in Galleria il suo ultimo lavoro che – dice lui – è pronto.

Purtroppo non siamo riusciti a programmare la mostra prima della sua scomparsa avvenuta il 10 novembre 2023.

Dopo qualche tempo, abbiamo contattato Mattia Della Gana e Nicoletta Ferrazzini dell’Associazione Archivio Alberto Flammer, perché volevamo rendere omaggio ad Alberto ad un anno da quel 10 novembre. Volevamo farlo proprio con la mostra che sembrava pronta, con le opere incorniciate, a cui mancava solo di essere appese alle pareti della Galleria.

Immergendosi nell’archivio, Mattia e Nicoletta scoprono che il suo ultimo progetto espositivo era sì pronto, ma senza le stampe fotografiche. Alberto quando progettava una mostra prima preparava su fogli A4 gli schizzi di quello che avrebbe fotografato e poi procedeva con gli scatti fotografici. Dunque, in questo caso, erano pronti gli schizzi, ma non le fotografie.

Abbiamo così deciso assieme di esporre due serie di lavori realizzati anni prima.

Il primo gruppo è composto da immagini tratte dalla serie intitolata “Dal Libro dei Morti degli Antichi Egizi”, in cui sono raffigurati dettagli dei monumenti che Flammer aveva fotografato nel suo viaggio del 1988.

Come scrive Antonio Mariotti: Flammer “punta ad esplorare un mondo distante sia nello spazio che nel tempo”. Ed ancora: “Irrimediabilmente, però, ad orientare la ricerca di Alberto Flammer è il suo voler a tutti i costi «dominare» la luce, utilizzandola nel migliore dei modi per realizzare il suo intento più intimo: quello di sorprendere ogni volta chi osserva le sue opere con un nuovo punto di vista, un nuovo contrasto tra luce e ombra, tra bianco e nero”.

Parole che valgono anche per il secondo gruppo di immagini che sono immagini tratte dalla serie “Radiografie e Risonanze”: nature morte che raffigurano vasi e fiori realizzate con lastre mediche, a cui si aggiunge un Autoritratto speciale.

In occasione di questa mostra sarà presentata una cartella contenente 7 stampe in una edizione limitata a 7 copie + 3 copie fuori edizione.

L’idea della cartella è venuta dopo il ritrovamento in archivio di una serie di stampe analogiche ai sali d’argento che Alberto Flammer aveva realizzato in occasione della mostra del 1988 che la Fondazione Svizzera della Fotografia (allora nella sede del Kunsthaus di Zurigo) aveva allestito includendo le immagini dell’Egitto.

La cartella conterrà dunque una stampa “vintage“ ai sali d’argento realizzata dallo stesso Flammer, e stampe contemporanee prodotte per l’occasione a getto d’inchiostro da Stefano Spinelli delle due serie presentate in galleria.

A completare la cartella un testo di presentazione di Antonio Mariotti che ha conosciuto Flammer durante gli anni di collaborazione avuti per l’Archivio Roberto Donetta.

At CONSARC/GALLERIA in Chiasso opens on Sunday, September 22, 2024, starting at 11 a.m., the exhibition THE POETICS OF LIGHT, which presents two series of works made by Alberto Flammer in the past years. In collaboration with the Alberto Flammer Archive Association, CONSARC/GALLERY pays tribute to a great of Swiss photography with this exhibition.

Our acquaintance with Alberto Flammer began in the first half of the 1980s, when at the FotografiaOltre gallery, also in Chiasso, we hosted the series of works that Flammer himself had called “Alchemy,” because bodies, wood and stones blend and mingle there.

Since then we have met often, and each time, after long discussions, I was forced to agree with Alberto. HE WAS A MASTER.

The last meeting was in July 2022, in Locarno.

After a few days, he called us on the phone to propose that we exhibit his latest work in the Gallery, which-he says-is ready.

Unfortunately, we were unable to schedule the exhibition before his passing on November 10, 2023.

After some time, we contacted Mattia Della Gana and Nicoletta Ferrazzini of the Alberto Flammer Archive Association, because we wanted to pay tribute to Alberto one year after that November 10. We wanted to do just that with the exhibition looking ready, with the framed works just missing being hung on the walls of the Gallery.

Diving into the archive, Mattia and Nicoletta discovered that his latest exhibition project was, yes, ready, but without the photographic prints. Alberto when planning an exhibition first prepared on A4 sheets the sketches of what he would photograph and then proceeded with the photographic shots. So, in this case, the sketches were ready, but not the photographs.

So we decided together to exhibit two sets of works made years earlier.

The first group consists of images from the series entitled “From the Book of the Dead of the Ancient Egyptians,” in which details of the monuments Flammer had photographed on his 1988 trip are depicted.

As Antonio Mariotti writes: Flammer “aims to explore a world distant in both space and time.” And again, “Irremediably, however, what directs Alberto Flammer's research is his desire at all costs to ‘dominate’ light, using it in the best way possible to achieve his most intimate intent: that of surprising each time those who observe his works with a new point of view, a new contrast between light and shadow, between black and white.”

Words that also apply to the second group of images, which are images from the “Radiographs and Resonances” series: still lifes depicting vases and flowers made from medical plates, to which is added a special Self-Portrait.

On the occasion of this exhibition, a folder containing 7 prints in a limited edition of 7 copies + 3 copies out of edition will be presented.

The idea for the folder came after the discovery in the archives of a series of analog silver salt prints that Alberto Flammer had made on the occasion of the 1988 exhibition that the Swiss Foundation of Photography (then in the Kunsthaus Zurich) had mounted including images of Egypt.

The folder will thus contain a “vintage” silver salt print made by Flammer himself, and contemporary prints produced for the occasion in inkjet by Stefano Spinelli of the two series presented in the gallery.

Completing the folder is an introductory text by Antonio Mariotti, who got to know Flammer during the years of collaboration he had for the Roberto Donetta Archive.

(Text: CONSARC/GALLERY, Chiasso)

Reiss-Engelhorn-Museen | Mannheim
22. September 2024 – 27. April 2025

SACHLICH NEU - Fotografien von August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser

2025 jährt sich die legendäre Mannheimer Ausstellung „Die Neue Sachlichkeit“ zum 100. Mal. Aus diesem Anlass präsentieren die Reiss-Engelhorn-Museen mit dem Forum Internationale Photographie die Sonderausstellung „SACHLICH NEU. Fotografien von August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser“.

Als wichtigste Fotografen der Neuen Sachlichkeit gelten August Sander (1876 – 1964) und Albert Renger-Patzsch (1897 – 1966). Erstmalig bringt die Schau ihre Inkunabeln der 1920er- und 30er Jahre in einen spannenden Dialog mit Foto-Ikonen des renommierten Fotografen Robert Häusser (1924 – 2013).

Häussers Arbeiten im Stile des „Magischen Realismus“ und der „Subjektiven Fotografie“ treten dabei in eine faszinierende Korrespondenzen mit den neusachlichen Meisterwerken. Der Fokus der Ausstellung liegt auf den Themen „Porträt und Menschendarstellungen“, „Industrie und Menschen bei der Arbeit“ sowie „Landschaftsräume“. Die ausgewählten Arbeiten reflektieren die Umbruchszeit zwischen Fortschrittsglauben und -skepsis nach den beiden Weltkriegen, die Zäsur und den Neuanfang sowie die Brüchigkeit unseres Seins in seiner Schönheit und Abgründigkeit.

„SACHLICH NEU“ ist ein Beitrag zum Jubiläumsjahr „Neue Sachlichkeit“ und flankiert eine große Sonderausstellung in der Kunsthalle Mannheim. Zugleich feiern die Reiss-Engelhorn-Museen den 100. Geburtstag von Robert Häusser.

2025 marquera le 100e anniversaire de la légendaire exposition de Mannheim « Die Neue Sachlichkeit ». A cette occasion, les musées Reiss-Engelhorn et le Forum Internationale Photographie présentent l'exposition temporaire « SACHLICH NEU. Photographies d'August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser ».

August Sander (1876 - 1964) et Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) sont considérés comme les photographes les plus importants de la Nouvelle Objectivité. Pour la première fois, l'exposition met en scène leurs incunables des années 1920 et 1930 dans un dialogue passionnant avec des icônes photographiques du célèbre photographe Robert Häusser (1924 - 2013).

Les travaux de Häusser dans le style du « réalisme magique » et de la « photographie subjective » entrent ainsi en correspondance fascinante avec les chefs-d'œuvre néo-scientifiques. L'exposition se concentre sur les thèmes « Portraits et représentations humaines », « Industrie et personnes au travail » ainsi que « Paysages ». Les œuvres sélectionnées reflètent la période de transition entre la foi et le scepticisme dans le progrès après les deux guerres mondiales, la césure et le nouveau départ ainsi que la fragilité de notre être dans sa beauté et son abîme.

« SACHLICH NEU » est une contribution à l'année anniversaire de la “Neue Sachlichkeit” et accompagne une grande exposition spéciale à la Kunsthalle de Mannheim. Parallèlement, les musées Reiss-Engelhorn fêtent le centenaire de la naissance de Robert Häusser.

Nel 2025 ricorre il centesimo anniversario della leggendaria mostra di Mannheim “La nuova oggettività”. Per l'occasione, il Reiss-Engelhorn-Museen e il Forum Internationale Photographie presentano la mostra speciale “SACHLICH NEU. Fotografie di August Sander, Albert Renger-Patzsch e Robert Häusser”.

August Sander (1876 - 1964) e Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) sono considerati i più importanti fotografi del movimento della Nuova Oggettività. Per la prima volta, la mostra mette in dialogo i loro incunaboli degli anni Venti e Trenta con le icone fotografiche del celebre fotografo Robert Häusser (1924-2013).

Le opere di Häusser nello stile del “Realismo magico” e della “Fotografia soggettiva” entrano in un dialogo affascinante con i capolavori della Nuova Oggettività. La mostra si concentra sui temi “Ritratti e rappresentazioni di persone”, “Industria e persone al lavoro” e “Paesaggi”. Le opere selezionate riflettono il periodo di sconvolgimento tra la fede nel progresso e lo scetticismo dopo le due guerre mondiali, la cesura e il nuovo inizio, nonché la fragilità della nostra esistenza nella sua bellezza e nella sua natura abissale.

“SACHLICH NEU” è un contributo all'anniversario della ‘Nuova Oggettività’ e accompagna una grande mostra speciale alla Kunsthalle di Mannheim. Contemporaneamente, i Reiss-Engelhorn-Museen celebrano il centesimo compleanno di Robert Häusser.

2025 is the year of the 100th anniversary of the legendary Mannheim exhibition "New Objectivity". To mark the occasion, the Reiss-Engelhorn Museums and the Forum Internationale Photographie are presenting the special exhibition "SACHLICH NEU. Photographs by August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser".

August Sander (1876 - 1964) and Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) are considered the most important photographers of the German New Objectivity movement. For the first time, the exhibition juxtaposes their incunabula of the 1920s and 30s with photographic icons by renowned photographer Robert Häusser (1924 - 2013) opening up unexpected and enriching perspectives.

Häusser's post-war works in the style of "Magical Realism" and "Subjective Photography" enter into a fascinating dialogue with the New Objectivity masterpieces. The exhibition focuses on the themes "Portraits and representations of people", "Industrial context and people at work" and "Landscapes". The selected works by Häusser reflect the period of upheaval between belief in progress and skepticism after two world wars, the rupture and the new beginning as well as the fragility of our existence in its beauty and abysmal nature.

"SACHLICH NEU" is a photographic contribution to the "New Objectivity" anniversary year and accompanies a major special exhibition at the Kunsthalle Mannheim. Both coincide with the Reiss-Engelhorn-Museen celebrating the 100th birthday of Robert Häusser.

(Text: Reiss-Engelhorn-Museen, Mannheim)

FOMU - Fotomuseum Antwerpen
28. September 2024 – 2. Februar 2025

Anti-Fashion
Cindy Sherman

Das FOMU präsentiert die erste große Einzelausstellung der amerikanischen Künstlerin Cindy Sherman in Belgien. Mit über 100 Werken aus der Zeit von den 1970er Jahren bis heute zeichnet die Ausstellung die Arbeit dieser führenden zeitgenössischen Künstlerin nach.

Anti-Fashion
Auf mehreren Etagen zeigt die Ausstellung Anti-Fashion Werke aus fünf Jahrzehnten, die Cindy Shermans Faszination für die Mode sowie die Wechselwirkungen zwischen ihrer freien Arbeit und den Aufträgen der Modeindustrie veranschaulichen. Seit den 1980er Jahren arbeitet sie regelmäßig mit renommierten Modemarken wie Comme des Garçons, John Galliano und Balenciaga sowie mit Magazinen wie Vogue, Interview und Harper's Bazaar zusammen. Weit entfernt von glamourösen Modefotos macht sie provokante Aufnahmen von Personen, die man kaum als schön bezeichnen kann, und stellt damit den etablierten Schönheitskanon in Frage.

Cindy Sherman - Anti-Fashion ist eine Produktion der Staatsgalerie Stuttgart in Zusammenarbeit mit Cindy Shermans Studio in New York und ihrer Galerie Hauser & Wirth.

Le FOMU présente la première grande exposition solo en Belgique de l’artiste américaine Cindy Sherman. Avec plus de 100 œuvres couvrant la période des années 1970 à aujourd’hui, l’exposition retrace le travail de cette artiste contemporaine de premier plan.

Anti-Fashion
Sur plusieurs étages, l’exposition Anti-Fashion présente des œuvres s’étalant sur cinq décennies qui illustrent la fascination de Cindy Sherman pour la mode ainsi que les interactions entre son travail libre et les commandes de l’industrie de la mode. Depuis les années 1980, elle collabore régulièrement avec des marques de mode réputées telles que Comme des Garçons, John Galliano et Balenciaga, ainsi qu’avec des magazines comme Vogue, Interview et Harper’s Bazaar. Loin des photos de mode glamour, elle réalise des clichés provocants de personnages qu’on peut difficilement qualifier de beaux, remettant ainsi en question les canons de beauté établis.

Cindy Sherman - Anti-Fashion est une réalisation de la Staatsgalerie Stuttgart en collaboration avec le studio de Cindy Sherman à New York et sa galerie Hauser & Wirth.

La FOMU presenta la prima grande mostra personale in Belgio dell'artista americana Cindy Sherman. Con oltre 100 opere che coprono un arco temporale che va dagli anni Settanta a oggi, la mostra ripercorre il lavoro di questa importante artista contemporanea.

Anti-moda
Distribuita su più piani, Anti-Fashion presenta opere che abbracciano cinque decenni e che illustrano il fascino di Cindy Sherman per la moda e l'interazione tra il suo lavoro libero e le commissioni dell'industria della moda. Dagli anni Ottanta, l'artista collabora regolarmente con noti marchi di moda come Comme des Garçons, John Galliano e Balenciaga, nonché con riviste come Vogue, Interview e Harper's Bazaar. Lontana dalla fotografia di moda glamour, l'artista realizza scatti provocatori di persone che difficilmente possono essere definite belle, sfidando i canoni di bellezza consolidati.

Cindy Sherman - Anti-Fashion è stata prodotta dalla Staatsgalerie di Stoccarda in collaborazione con lo studio di Cindy Sherman a New York e la galleria Hauser & Wirth.

FOMU presents Belgium’s first major solo of the American artist Cindy Sherman. Featuring more than 100 works from the 1970s to the present, the exhibition offers an exciting overview of this leading contemporary artist’s work.

Anti-Fashion
Spanning five decades of work divided over multiple floors, the exhibition Anti-Fashion dives deeper into Sherman’s fascination for fashion and the nexus between her independent work and commissions in the fashion industry. Since the 1980s she has worked regularly with leading fashion houses including Comme des Garçons, John Galliano and Balenciaga and fashion magazines such as Vogue, Interview and Harper’s Bazaar. With no interest in glamorous fashion shoots, she creates provocative photos featuring figures that could hardly be called beautiful, thus calling established ideals of beauty into question.

Cindy Sherman - Anti-Fashion is realised by the Staatsgalerie Stuttgart in cooperation with Cindy Sherman’s studio in New York and her gallery Hauser & Wirth.

FOMU presenteert de eerste grote solotentoonstelling van de Amerikaanse kunstenaar Cindy Sherman in België. Met meer dan 100 werken van de jaren 1970 tot nu geeft de tentoonstelling een uitgebreid overzicht van haar werk als toonaangevende hedendaagse kunstenaar.

Anti-Fashion
Met werk uit ruim vijf decennia, verdeeld over meerdere verdiepingen, gaat de tentoonstelling Anti-Fashion dieper in op Shermans fascinatie voor mode en de wisselwerking tussen haar vrije werk en opdrachten uit de modesector. Sinds de jaren tachtig werkt ze regelmatig samen met beroemde modehuizen als Comme des Garçons, John Galliano en Balenciaga en tijdschriften als Vogue, Interview en Harper’s Bazaar. Zonder belangstelling voor glamoureuze modefotografie, maakt ze provocerende foto’s van personages die nauwelijks mooi te noemen zijn. Zo stelt ze gevestigde schoonheidsidealen ter discussie.

Cindy Sherman - Anti-Fashion is gerealiseerd door de Staatsgalerie Stuttgart in samenwerking met Cindy Shermans studio in New York en haar galerij Hauser & Wirth.

(Text: FOMU – Fotomuseum Antwerpen)

Museum der Moderne | Salzburg
4. Oktober 2024 – 23. Februar 2025

Sophie Thun

Das fotografische Werk von Sophie Thun (geb. 1985 Frankfurt am Main, DE) gleicht einem Bilderstrom von Orten und Räumen, in denen die Künstlerin gearbeitet und ausgestellt hat. Dabei ist sie stets als Autorin ihrer analogen Fotografien im Bild präsent: Mal blickt sie mit dem Auslöser in der Hand selbstbewusst in die Kamera, mal wird sie durch ihre fotografischen Apparate repräsentiert. Ihren Körper benützt Thun dabei stets als Instrument, um etablierte Darstellungen von (weiblicher) Repräsentation zu hinterfragen. Durch Methoden wie Zerschneiden, Aufspalten und Multiplizieren stellt sie Identität prozesshaft und veränderlich dar. Ihre eindrucksvollen Rauminstallationen spielen mit unserer Wahrnehmung von Realität und Abbild. Die Ausstellung im Museum der Moderne Salzburg ist Thuns erste museale Einzelausstellung.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation.

Kuratorin: Marijana Schneider

L'œuvre photographique de Sophie Thun (née en 1985 à Francfort-sur-le-Main, DE) ressemble à un flux d'images de lieux et d'espaces dans lesquels l'artiste a travaillé et exposé. Elle est toujours présente dans l'image en tant qu'auteur de ses photographies analogiques : tantôt elle regarde l'appareil photo avec assurance, le déclencheur à la main, tantôt elle est représentée par ses appareils photographiques. Thun se sert toujours de son corps comme d'un instrument pour remettre en question les représentations établies de la représentation (féminine). Grâce à des méthodes telles que la découpe, le dédoublement et la multiplication, elle représente l'identité sous forme de processus et de changement. Ses installations spatiales impressionnantes jouent avec notre perception de la réalité et de la représentation. L'exposition au Museum der Moderne de Salzbourg est la première exposition individuelle de Thun dans un musée.

Une publication paraît à l'occasion de l'exposition.

Commissaire d'exposition : Marijana Schneider

Il lavoro fotografico di Sophie Thun (nata nel 1985 a Francoforte sul Meno, DE) assomiglia a un flusso di immagini di luoghi e spazi in cui l'artista ha lavorato ed esposto. L'artista è sempre presente nell'immagine come autrice delle sue fotografie analogiche: a volte guarda con fiducia nella macchina fotografica con il pulsante di scatto in mano, altre volte è rappresentata dalla sua attrezzatura fotografica. Thun usa sempre il suo corpo come strumento per mettere in discussione le rappresentazioni consolidate della rappresentazione (femminile). Utilizzando metodi come il taglio, la divisione e la moltiplicazione, ritrae l'identità in modo processuale e mutevole. Le sue imponenti installazioni spaziali giocano con la nostra percezione della realtà e della rappresentazione. La mostra al Museum der Moderne Salzburg è la prima personale di Thun in un museo.

Una pubblicazione accompagnerà la mostra.

Curatore: Marijana Schneider

The photographic work of Sophie Thun (b. 1985 Frankfurt am Main, DE) resembles a stream of images of places and spaces in which the artist has worked and exhibited. She is always present in the image as the author of her analog photographs: sometimes she looks confidently into the camera with the shutter release in her hand, sometimes she is represented by her photographic equipment. Thun always uses her body as an instrument to question established representations of (female) representation. Using methods such as cutting, splitting and multiplying, she presents identity in a processual and changeable way. Her impressive spatial installations play with our perception of reality and representation. The exhibition at the Museum der Moderne Salzburg is Thun's first solo museum exhibition.

A publication will accompany the exhibition.

Curator: Marijana Schneider

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
8. Oktober – 29. November 2024

STONED
Joachim Brohm

Im Studio wird eine Schenkung von JOACHIM BROHM, *1955 in Dülken, lebt in Leipzig, an das FOTOHOF>ARCHIV präsentiert, die das berühmte Steinhaus am Ossiacher See von Günther Domenig in seiner frühen Entstehungsphase von 1989 bis 1994 zeigt. »STONED« ist eine umfangreiche Serie des ikonischen Bauwerks als gebaute Biografie seines Erschaffers. In Kooperation mit dem FOTOHOF>ARCHIV sichtete Brohm retrospektiv sein gesamtes Archivmaterial zum Steinhaus und entschied sich, eine Werkgruppe neu zu editieren und − im Gegensatz zu seiner langjährigen Praxis − ausschließlich in schwarz-weiß zu präsentieren. Die Betonskulptur des damaligen Rohbaus erfährt so eine weitere, bildliche Transformation.

Le studio présente une donation de JOACHIM BROHM, *1955 à Dülken, vivant à Leipzig, au FOTOHOF>ARCHIV, qui montre la célèbre maison en pierre sur le lac d'Ossiach de Günther Domenig dans sa première phase de création de 1989 à 1994. « STONED » est une vaste série de la construction iconique comme biographie construite de son créateur. En coopération avec FOTOHOF>ARCHIV, Brohm a examiné rétrospectivement toutes ses archives sur la maison en pierre et a décidé de rééditer un groupe d'œuvres et - contrairement à sa pratique de longue date - de les présenter exclusivement en noir et blanc. La sculpture en béton du gros œuvre de l'époque subit ainsi une nouvelle transformation picturale.

Una donazione di JOACHIM BROHM, *1955 a Dülken, vive a Lipsia, al FOTOHOF>ARCHIV sarà presentata in studio, mostrando la famosa casa in pietra sul lago di Ossiach di Günther Domenig nella sua prima fase di sviluppo dal 1989 al 1994. “STONED” è una serie estesa dell'edificio iconico come biografia costruita del suo creatore. In collaborazione con il FOTOHOF>ARCHIV, Brohm ha visionato retrospettivamente tutto il suo materiale d'archivio sulla Steinhaus e ha deciso di rieditare un gruppo di opere e - in contrasto con la sua pratica di lunga data - di presentarle esclusivamente in bianco e nero. La scultura in cemento dell'ex involucro dell'edificio subisce così un'ulteriore trasformazione visiva.

A donation by JOACHIM BROHM, *1955 in Dülken, lives in Leipzig, to the FOTOHOF>ARCHIV will be presented in the studio, showing the famous stone house on Lake Ossiach by Günther Domenig in its early development phase from 1989 to 1994. “STONED” is an extensive series of the iconic building as a built biography of its creator. In cooperation with the FOTOHOF>ARCHIV, Brohm retrospectively sifted through all his archive material on the Steinhaus and decided to re-edit a group of works and - in contrast to his long-standing practice - present them exclusively in black and white. The concrete sculpture of the former shell of the building thus undergoes a further visual transformation.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
8. Oktober – 29. November 2024

Werner Feiersinger, Lea Sonderegger

Werner Feiersinger, *1966 in Brixlegg, lebt in Wien, Bildhauer und Fotograf, zeigt unter dem Titel »KORZO« Fotografien von utopischen Projekten industrieller Architektur und Landschaftsgestaltung in Istrien. »Die vielen Industriebauten − Hochhäuser, Petrochemie, Schiffe, Kohlelager, Hafengebäude, Stahlkonstruktionen − erzählen von der Geschichte und Entwicklung dieser Orte, aber auch vom Scheitern politischer Ideologien und Utopien. Der dazugehörige politische Hintergrund schwingt als parallele Erzählung subtil mit.« (Feiersinger)

Im Gegensatz zu Feiersinger, der ausschließlich Außenräume zeigt, setzt sich die Fotografin Lea Sonderegger, *1995, lebt in Wien, in ihrer Werkgruppe »Norm« mit Innenräumen von Wiener Verwaltungseinrichtungen − Büroräumen, Eingangshallen, Wartebereichen, Kantinen etc. − auseinander. »In meiner fotografischen Arbeit dokumentiere ich eine gebaute Umgebung, die den Alltag eines großen Teils der Menschen bestimmt. (...) Die Fotos stehen nicht repräsentativ für das jeweils abgebildete Gebäude, sondern mir ging es darum, den spezifischen Typus von Verwaltungsräumen einzufangen.« (Sonderegger)

Werner Feiersinger, né en 1966 à Brixlegg et vivant à Vienne, sculpteur et photographe, présente sous le titre « KORZO » des photographies de projets utopiques d'architecture industrielle et d'aménagement paysager en Istrie. « Les nombreux bâtiments industriels - gratte-ciel, pétrochimie, bateaux, entrepôts de charbon, bâtiments portuaires, constructions en acier - racontent l'histoire et l'évolution de ces lieux, mais aussi l'échec des idéologies et des utopies politiques. Le contexte politique correspondant résonne subtilement comme un récit parallèle ». (Feiersinger)

Contrairement à Feiersinger, qui ne montre que des espaces extérieurs, la photographe Lea Sonderegger, *1995, qui vit à Vienne, s'intéresse dans son groupe d'œuvres « Norm » aux espaces intérieurs des institutions administratives viennoises - bureaux, halls d'entrée, salles d'attente, cantines, etc. - dans les bureaux. « Dans mon travail photographique, je documente un environnement construit qui détermine le quotidien d'une grande partie des gens. (...) Les photos ne sont pas représentatives du bâtiment représenté à chaque fois, mais il s'agissait pour moi de capturer le type spécifique de locaux administratifs ». (Sonderegger)

Werner Feiersinger, *1966 a Brixlegg, vive a Vienna, scultore e fotografo, mostra fotografie di progetti utopici di architettura industriale e di design del paesaggio in Istria con il titolo “KORZO”. “I numerosi edifici industriali - grattacieli, impianti petrolchimici, navi, depositi di carbone, edifici portuali, costruzioni in acciaio - raccontano la storia e lo sviluppo di questi luoghi, ma anche il fallimento di ideologie politiche e utopie. Lo sfondo politico associato risuona sottilmente come una narrazione parallela”. (Feiersinger)

A differenza di Feiersinger, che mostra solo spazi esterni, la fotografa Lea Sonderegger, *1995, vive a Vienna, si occupa degli interni delle strutture amministrative viennesi - uffici, ingressi, aree d'attesa, mense, eccetera - nel suo gruppo di lavori 'Norm'. - ecc. “Nel mio lavoro fotografico, documento un ambiente costruito che determina la vita quotidiana di una grande percentuale di persone. (...) Le foto non sono rappresentative dell'edificio ritratto in ogni caso, ma ero interessata a catturare il tipo specifico di spazio amministrativo”. (Sonderegger)

Werner Feiersinger, *1966 in Brixlegg, lives in Vienna, sculptor and photographer, shows photographs of utopian projects of industrial architecture and landscape design in Istria under the title “KORZO”. “The many industrial buildings - high-rise buildings, petrochemical plants, ships, coal storage facilities, port buildings, steel constructions - tell of the history and development of these places, but also of the failure of political ideologies and utopias. The associated political background subtly resonates as a parallel narrative.” (Feiersinger)

In contrast to Feiersinger, who only shows outdoor spaces, the photographer Lea Sonderegger, *1995, lives in Vienna, deals with the interiors of Viennese administrative facilities - offices, entrance halls, waiting areas, canteens, etc. - in her group of works “Norm”. - etc. “In my photographic work, I document a built environment that determines the everyday lives of a large proportion of people. (...) The photos are not representative of the building depicted in each case, but I was interested in capturing the specific type of administrative space.” (Sonderegger)

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
9. Oktober 2024 – 5. Januar 2025

The Inhabitants
Raymond Meeks

Der amerikanische Fotograf Raymond Meeks, Preisträger des Immersionsprogramms der Fondation d'entreprise Hermès, hielt sich im Jahr 2022 für längere Zeit in Frankreich auf. Er fotografierte im Süden an der Grenze zu Spanien und an der Küste des Nordens in Richtung Calais, zwei Geografien, die gemeinsam haben, dass sie Durchgangsstationen für Asylbewerber auf dem Weg nach England sind. Er entschied sich dafür, nicht die Gesichter derjenigen zu fotografieren, die ihre Heimat auf der Suche nach einer besseren Zukunft verlassen haben, sondern vielmehr die Orte und Spuren ihrer Wanderschaft. Da ist ein Schuh in der Erde, eine zusammengerollte Decke auf dem Boden, eine Jacke, die in den Zweigen hängt. Der Fotograf interessierte sich besonders für die unwirtlichen Räume, die die Migranten vorübergehend bewohnen: Gräben, Erdwälle, Seitenstreifen von Autobahnachsen, Flussufer, Brachland und andere Nicht-Orte. Selbst wenn sie nicht direkt sichtbar sind, sind Flüsse in diesen Bildern besonders präsent. Als ob der Fluss der Migration metaphorisch durch diese Wasserläufe repräsentiert wird. Aber es gibt auch viele Hindernisse - steinige Böschungen, Betonblöcke, ein Gewirr von Brombeeren oder Stacheldraht - von denen man sich vorstellen kann, dass sie im Vergleich zu den Hindernissen, die die Flüchtlinge täglich überwinden müssen, nicht viel sind. Als Zeugnis dieser anderen mörderischen Geschichte des 100-jährigen Krieges erscheinen in der Serie auch die Bürger von Calais, wie sie von Auguste Rodin geformt wurden.

Das Projekt wird von einem Text des amerikanischen Schriftstellers George Weld begleitet, der mit den Fotografien von Meeks einen ähnlichen, von Scham und Empathie geleiteten Ansatz teilt.

Kurator der Ausstellung: Clément Chéroux, Direktor, Fondation Henri Cartier-Bresson

Lauréat du programme Immersion de la Fondation d’entreprise Hermès, le photographe américain Raymond Meeks a longuement séjourné en France au cours de l’année 2022. Il a photographié dans le Sud, à la frontière avec l’Espagne et sur les côtes du Nord vers Calais, deux géographies qui ont en commun d’être des points de passages pour les demandeurs d’asile en route vers l’Angleterre. Il a choisi de ne pas photographier les visages de ceux qui sont partis de chez eux à la recherche d’un avenir meilleur, mais plutôt les lieux et les traces de leur itinérance. Il y a là une chaussure dans la terre, une couverture roulée au sol, une veste accrochée aux branchages. Le photographe s’est particulièrement intéressé aux espaces inhospitaliers que les migrants habitent provisoirement : les fossés, les remblais, les bas-côtés des axes autoroutiers, les bords des rivières, les terrains vagues et autres non-lieux. Même lorsqu’elles ne sont pas directement visibles, les rivières sont particulièrement présentes dans ces images. Comme si le flux de la migration était métaphoriquement représenté par ces cours d’eau. Mais il y a aussi beaucoup d’obstacles – talus pierreux, bloc de béton, enchevêtrement de ronces ou de barbelés – dont on imagine qu’ils ne sont pas grand-chose par rapport à ceux que les réfugiés doivent surmonter au quotidien. Témoignage de cette autre histoire meurtrière que fut la Guerre de 100 ans, les Bourgeois de Calais, tel qu’ils ont été sculptés par Auguste Rodin, apparaissent aussi dans la série.

Le projet est accompagné d’un texte de l’écrivain américain George Weld qui partage avec les photographies de Meeks une semblable approche guidée par la pudeur et l’empathie.

Commissaire de l’exposition: Clément Chéroux, Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson

Vincitore del programma Immersion gestito dalla Fondation d'entreprise Hermès, il fotografo americano Raymond Meeks ha trascorso un lungo periodo in Francia nel 2022. Ha fotografato nel sud, al confine con la Spagna, e sulla costa settentrionale verso Calais, due aree geografiche che hanno in comune il fatto di essere punti di passaggio per i richiedenti asilo diretti in Inghilterra. Ha scelto di non fotografare i volti di coloro che hanno lasciato le loro case in cerca di un futuro migliore, ma piuttosto i luoghi e le tracce del loro itinerario. C'è una scarpa nel terreno, una coperta arrotolata a terra, una giacca appesa ai rami. Il fotografo è particolarmente interessato agli spazi inospitali che i migranti abitano temporaneamente: fossi, argini, bordi autostradali, rive dei fiumi, terreni incolti e altri non-luoghi. Anche quando non sono direttamente visibili, i fiumi sono particolarmente presenti in queste immagini. È come se il flusso migratorio fosse metaforicamente rappresentato da questi corsi d'acqua. Ma ci sono anche molti ostacoli - argini sassosi, blocchi di cemento, grovigli di rovi o filo spinato - che immaginiamo non siano nulla in confronto a quelli che i rifugiati devono superare quotidianamente. Anche i Bourgeois de Calais, scolpiti da Auguste Rodin, appaiono nella serie, testimoni di un'altra storia assassina, la Guerra dei 100 anni.

Il progetto è accompagnato da un testo dello scrittore americano George Weld, che condivide con le fotografie di Meeks un approccio simile, guidato da modestia ed empatia.

Curatore della mostra: Clément Chéroux, Direttore, Fondation Henri Cartier-Bresson

Winner of the Immersion program of the Fondation d'entreprise Hermès, American photographer Raymond Meeks spent a long time in France during 2022. He photographed in the south, on the border with Spain, and on the northern coast towards Calais, two geographies that have in common the fact of being crossing points for asylum seekers on their way to England. He has chosen not to photograph the faces of those who have left their homes in search of a better future, but rather the places and traces of their itinerancy. There's a shoe in the dirt, a blanket rolled up on the ground, a jacket hanging from the branches. The photographer is particularly interested in the inhospitable spaces that migrants temporarily inhabit: ditches, embankments, motorway verges, river banks, wastelands and other non-places. Even when not directly visible, rivers are particularly present in these images. It's as if the flow of migration were metaphorically represented by these waterways. But there are also many obstacles - stony embankments, concrete blocks, tangles of brambles or barbed wire - which we imagine to be nothing compared to those the refugees have to overcome on a daily basis. The Bourgeois de Calais, as sculpted by Auguste Rodin, also appear in the series, bearing witness to the murderous history of the 100 Years' War.

The project is accompanied by a text by American writer George Weld, who shares with Meeks' photographs a similar approach guided by modesty and empathy.

Exhibition curator: Clément Chéroux, Director, Fondation Henri Cartier-Bresson

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
9. Oktober 2024 – 5. Januar 2025

Remember to Forget
Mame-Diarra Niang

Der schwarze Körper steht im Mittelpunkt der neuen Serien der französischen Künstlerin Mame-Diarra Niang. Sie möchte ihn weder definieren noch erzählen. Im Gegenteil, sie möchte ihn von den Darstellungen befreien, die durch Jahrhunderte westlicher Erzählung auferlegt wurden. Sie versucht daher, ihn durch Formen von Nicht-Porträts, wie sie es nennt, zu abstrahieren.

Jedes der Bilder in dieser Tetralogie kann als eine Reminiszenz an die Künstlerin selbst betrachtet werden. "Was macht mich zu mir?", fragt sie sich. Ihre Persönlichkeit kann nicht auf eine feste, zugewiesene oder unterworfene Identität reduziert werden. Sie besteht aus Erfahrungen, Erinnerungen und Vergessen. Sie ist daher in ständiger Entwicklung. Diesen Fluss, dieses sich ständig neu konfigurierende Gebiet, erforscht sie. In diesem Projekt, das sie während einer langen Zeit der Isolation begann, indem sie Bildschirme neu fotografierte, spielt Mame-Diarra Niang gerne mit den charakteristischen Fehlern der traditionellen Fotografie, wie Unschärfe, Verzerrungen oder Halos. Wie ein Psychologe, der die Tintenflecken eines Rorschach-Tests verwendet, um das Unbewusste zu enthüllen, nutzt sie diese Verzerrungen der zeitgenössischen Bilder als Projektionsflächen. "Ich bin diese Unschärfe", sagt sie.

Kurator der Ausstellung: Clément Chéroux, Direktor, Fondation Henri Cartier-Bresson

Le corps noir est au coeur des nouvelles séries de l’artiste française Mame-Diarra Niang. Elle ne souhaite ni le définir, ni le raconter. Elle veut au contraire le libérer des représentations imposées par des siècles de narration occidentale. Elle cherche donc à l’abstraire, à travers ce qu’elle appelle des formes de non-portraits.

Chacune des images de cette tétralogie peut être envisagée comme une évocation de l’artiste elle-même. « Qu’est-ce qui fait que je suis moi ? », se demande-t-elle. Sa personnalité ne peut être réduite à une identité fixe, assignée ou assujettie. Elle est constituée d’expériences, de mémoires et d’oublis. Elle est de ce fait en perpétuelle évolution. C’est ce flux, ce territoire en permanente reconfiguration, qu’elle explore. À travers ce projet, entamé lors d’une période de long confinement, en rephotographiant des écrans, Mame-Diarra Niang joue volontiers avec ces défauts caractérisés de la photographie traditionnelle que sont le flou, les distorsions ou les halos. À la manière d’une psychologue ayant recours aux taches d’encre d’un test de Rorschach pour révéler l’inconscient, elle utilise ces disjonctions de l’imagerie contemporaine comme autant de surfaces de projection. « Je suis ce flou », dit-elle.

Commissaire de l’exposition: Clément Chéroux, Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson

Il corpo nero è al centro della nuova serie dell'artista francese Mame-Diarra Niang. Il suo obiettivo non è né definirlo né raccontarne la storia. Al contrario, vuole liberarlo dalle rappresentazioni imposte da secoli di narrativa occidentale. Quindi cerca di astrarla, attraverso quelle che lei chiama forme di non-ritratto.

Ciascuna delle immagini di questa tetralogia può essere vista come un'evocazione dell'artista stessa. "Cosa mi rende me stessa?", si chiede. La sua personalità non può essere ridotta a un'identità fissa, assegnata o sottomessa. È fatta di esperienze, ricordi e dimenticanze. Di conseguenza, è in continua evoluzione. È questo flusso, questo territorio in costante riconfigurazione, che lei sta esplorando. In questo progetto, che ha iniziato durante un lungo periodo di reclusione rifotografando schermi, Mame-Diarra Niang gioca con i difetti caratteristici della fotografia tradizionale, come la sfocatura, la distorsione e gli aloni. Come uno psicologo che usa le macchie di inchiostro di un test di Rorschach per rivelare l'inconscio, lei utilizza queste disgiunzioni nell'immagine contemporanea come superfici di proiezione. "Io sono questa sfocatura", dice.

Curatore della mostra: Clément Chéroux, Direttore, Fondation Henri Cartier-Bresson

The black body is at the heart of French artist Mame-Diarra Niang's new series. She doesn't want to define it, or tell its story. On the contrary, she wants to free it from the representations imposed by centuries of Western narrative. She therefore seeks to abstract it, through what she calls forms of non-portrait.

Each of the images in this tetralogy can be seen as an evocation of the artist herself. "What makes me me?" she asks herself. Her personality cannot be reduced to a fixed, assigned or subjugated identity. It is made up of experience, memory and forgetting. As such, it is in perpetual flux. It is this flux, this constantly reconfiguring territory, that she explores. In this project, which began during a long period of confinement by re-photographing screens, Mame-Diarra Niang plays with the characteristic defects of traditional photography, such as blurring, distortion and halos. Like a psychologist using the ink blots of a Rorschach test to reveal the unconscious, she uses these disjunctions in contemporary imagery as projection surfaces. "I am this blur," she says.

Exhibition curator: Clément Chéroux, Director, Fondation Henri Cartier-Bresson

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson)

Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse
11. Oktober 2024 – 18. Mai 2025

Ouvrir les yeux

Zum ersten Mal bieten die Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse und die Galerie Le Château d'Eau dem Publikum eine Reise durch ein reiches, noch wenig bekanntes fotografisches Erbe. Die Ausstellung zeigt eine große Auswahl an fotografischen Werken aus den Sammlungen der beiden öffentlichen Einrichtungen, die jeweils die großen Perioden in der Geschichte der Fotografie und ihrer Künstler seit dem Beginn des 20.

Seit ihrer Gründung wurden die öffentlichen Sammlungen dieser beiden Institutionen entsprechend ihrer jeweiligen künstlerischen Ausrichtung erweitert, wobei die eine - eine im Jahr 2000 gegründete Einrichtung, die ein Museum und einen Regionalfonds für zeitgenössische Kunst vereint - sich der modernen und zeitgenössischen Kunst widmet, während die andere - 1974 von dem Fotografen Jean Dieuzaide gegründet - ein Symbol für moderne und zeitgenössische Fotografie in der Stadt Toulouse ist.

Diese Ausstellung, die in den Abattoirs gezeigt wird, bietet einen neuartigen Dialog, der ein breites Panorama der Fotografie des 20. und 21. Jahrhunderts bietet und sowohl die größten Namen als auch Künstler wie Hans Bellmer, die es zu entdecken oder wiederzuentdecken gilt, miteinander in Dialog bringt, Claude Batho, Gaël Bonnefon, Mohamed Bourouissa, Brassaï, Sophie Calle, Denis Darzacq, Jean Dieuzaide, Robert Doisneau, Ralph Gibson, Laura Henno, Ouka Leele, Robert Mapplethorpe, Gina Pane, Agnès Varda, Gisèle Vienne, Sabine Weiss, etc.

Die verschiedenen Blickwinkel zeigen auch die Vielfalt der Herangehensweisen an das Medium und die Vielzahl der ästhetischen Vorschläge zwischen Dokumentarfotografie, intimen Blicken, Archiven, Installationen und Fotojournalismus, in denen die Position des Betrachters neu definiert wird.

Die Fotografien, ergänzt durch Installationen und eine Auswahl an Künstlerbüchern und seltenen Werken aus den umfangreichen Bibliotheken der beiden Einrichtungen, bilden den Rahmen für einen thematischen Rundgang, der die Berührungspunkte zwischen den beiden Sammlungen aufzeigen und gleichzeitig mit den Eigenheiten der beiden Sammlungen spielen soll.

Von Schnappschüssen bis zu Inszenierungen, von grafischen bis abstrakten Untersuchungen bis zu Reflexionen über den Körper oder den Raum, von Fragen der Identität bis zur Bestätigung der Subjektivität oder der Erforschung der erzählerischen Möglichkeiten, diese reiche Sammlung von fast 300 Werken entwickelt letztendlich eine Reflexion über die Natur und die Möglichkeiten der Fotografie.

Eine Sonderausgabe von Connaissance des Arts wird zur Ausstellung veröffentlicht.

Pour la première fois les Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse et la Galerie Le Château d’Eau offrent aux publics un voyage au sein d’un riche patrimoine photographique encore peu connu. L'exposition présente une large sélection d’œuvres photographiques des collections des deux établissements publics qui, chacune, témoignent des grandes périodes de l'histoire de la photographie et de ses artistes depuis le début du XXe siècle tout en faisant émerger deux histoires de collections.

Depuis leur création, les collections publiques de ces deux institutions se sont enrichies selon des axes artistiques propres à leurs natures respectives, l'un - établissement créé en 2000 réunissant un musée et un Fonds régional d'art contemporain - dédié à l’art moderne et contemporain, l’autre - fondée en 1974 par le photographe Jean Dieuzaide - pôle emblématique de la photographie moderne et contemporaine de la ville de Toulouse.

Cette exposition, présentée aux Abattoirs, propose un dialogue inédit à même d’offrir un large panorama de la photographie des XXe et XXIe siècles et fait dialoguer aussi bien les plus grands noms que des artistes à découvrir ou redécouvrir comme Hans Bellmer, Claude Batho, Gaël Bonnefon, Mohamed Bourouissa, Brassaï, Sophie Calle, Denis Darzacq, Jean Dieuzaide, Robert Doisneau, Ralph Gibson, Laura Henno, Ouka Leele, Robert Mapplethorpe, Gina Pane, Agnès Varda, Gisèle Vienne, Sabine Weiss, etc.

Ces regards croisés mettent également en avant la diversité des approches du médium et la multiplicité des propositions esthétiques, entre photographie documentaire, regards sur l'intime, archives, installations ou encore photojournalisme, au sein desquelles se joue un renouvellement de la place du spectateur.

Les photographies, complétées d’installations et d’une sélection de livres d’artistes et d’ouvrages rares issue des riches bibliothèques des deux établissements, jalonneront un parcours construit autour de différentes thématiques, imaginé pour faire à la fois émerger les points de rencontre entre les deux collections tout en jouant sur les singularités de chacune.

De l’instantané à la mise en scène, des recherches graphiques voire abstraites aux réflexions sur le corps ou l’espace, des questionnements d’identité aux affirmations de la subjectivité ou à l’exploration des possibilités narratives, ce riche ensemble de près de 300 œuvres finit par développer une réflexion sur la nature et les possibles de la photographie.

Un hors-série Connaissance des Arts est publié pour accompagner l'exposition.

Per la prima volta, gli Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse e la Galerie Le Château d'Eau offrono ai visitatori un viaggio attraverso un patrimonio fotografico ricco e poco conosciuto. La mostra presenta un'ampia selezione di opere fotografiche provenienti dalle collezioni delle due istituzioni pubbliche, ognuna delle quali riflette i principali periodi della storia della fotografia e dei suoi artisti dall'inizio del XX secolo, evidenziando allo stesso tempo due storie di collezioni.

Fin dalla loro creazione, le collezioni pubbliche di queste due istituzioni sono state arricchite secondo linee artistiche specifiche per le loro rispettive nature, una - un'istituzione creata nel 2000 che riunisce un museo e un Fonds régional d'art contemporain - dedicata all'arte moderna e contemporanea, l'altra - fondata nel 1974 dal fotografo Jean Dieuzaide - un centro emblematico per la fotografia moderna e contemporanea nella città di Tolosa.

Questa mostra, presentata a Les Abattoirs, offre un dialogo senza precedenti che fornisce un ampio panorama della fotografia del XX e XXI secolo, e riunisce alcuni dei nomi più importanti e artisti da scoprire o riscoprire, come Hans Bellmer, Claude Batho, Gaël Bonnefon, Mohamed Bourouissa, Brassaï, Sophie Calle, Denis Darzacq, Jean Dieuzaide, Robert Doisneau, Ralph Gibson, Laura Henno, Ouka Leele, Robert Mapplethorpe, Gina Pane, Agnès Varda, Gisèle Vienne, Sabine Weiss e altri.

Queste prospettive intersecate evidenziano anche la diversità degli approcci al mezzo e la molteplicità delle proposte estetiche, che vanno dalla fotografia documentaria alle vedute intime, agli archivi, alle installazioni e al fotogiornalismo, tutti elementi che giocano un ruolo nel rinnovare il ruolo dello spettatore.

Le fotografie, insieme alle installazioni e ad una selezione di libri d'artista e di opere rare provenienti dalle ricche biblioteche delle due istituzioni, tracceranno un percorso costruito intorno a temi diversi, pensato per far emergere i punti di convergenza tra le due collezioni, giocando al contempo sulle singolarità di ciascuna.

Dall'istantaneo alla messa in scena, dalla ricerca grafica o addirittura astratta alle riflessioni sul corpo o sullo spazio, dalle domande sull'identità alle affermazioni di soggettività o all'esplorazione delle possibilità narrative, questo ricco insieme di quasi 300 opere finisce per sviluppare una riflessione sulla natura e sulle possibilità della fotografia.

Per accompagnare la mostra è stato pubblicato un numero speciale di Connaissance des Arts.

For the first time, Les Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse and Galerie Le Château d'Eau are offering visitors a journey through a rich and little-known photographic heritage. The exhibition presents a wide selection of photographic works from the collections of the two public institutions, each of which bears witness to the major periods in the history of photography and its artists since the early 20th century, while at the same time highlighting two collection histories.

Since their creation, the public collections of these two institutions have been enriched along artistic lines specific to their respective natures, one - an establishment created in 2000 bringing together a museum and a Fonds régional d'art contemporain - dedicated to modern and contemporary art, the other - founded in 1974 by photographer Jean Dieuzaide - an emblematic pole of modern and contemporary photography in the city of Toulouse.

This exhibition, presented at Les Abattoirs, offers an unprecedented dialogue capable of providing a broad panorama of photography from the 20th and 21st centuries, and brings together the greatest names as well as artists to be discovered or rediscovered, such as Hans Bellmer, Claude Batho, Gaël Bonnefon, Mohamed Bourouissa, Brassaï, Sophie Calle, Denis Darzacq, Jean Dieuzaide, Robert Doisneau, Ralph Gibson, Laura Henno, Ouka Leele, Robert Mapplethorpe, Gina Pane, Agnès Varda, Gisèle Vienne, Sabine Weiss and more.

These cross-views also highlight the diversity of approaches to the medium and the multiplicity of aesthetic proposals, from documentary photography to intimate views, archives, installations and photojournalism, all of which play a part in renewing the viewer's place.

The photographs, complemented by installations and a selection of artists' books and rare works from the rich libraries of the two establishments, will mark out an itinerary built around different themes, designed to bring out the points of encounter between the two collections, while playing on the singularities of each.

From the instantaneous to the staged, from graphic or even abstract research to reflections on the body or space, from questions of identity to assertions of subjectivity or the exploration of narrative possibilities, this rich ensemble of nearly 300 works ultimately develops a reflection on the nature and possibilities of photography.

A special Connaissance des Arts issue has been published to accompany the exhibition.

(Text: Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse)

Kunsthalle Krems
12. Oktober 2024 – 23. März 2025

Gabriele Engelhardt. Kremser Berge

Gabriele Engelhardt (geb. 1967) greift in ihrer Kunst menschliche Eingriffe in die Natur als Skulpturen oder Installationen auf. In ihren Landschaften zeigt sie etwa Schrottberge in Industriezonen oder Sprungschanzen.

Die Künstlerin arbeitet mit dem Medium der Fotografie, wobei sie ihre Aufnahmen digital nachbearbeitet und mehrere Fotos eines Motivs zusammenfügt. Die Werke sind demnach keine Dokumentationen der Realität. In ihren „Berge“-Serien begreift sie Berge nicht als Gebirge im eigentlichen Sinn, sondern als Anhäufungen von Material wie Metallabfall oder Baurohstoffe. Die Arbeiten erinnern an Claude Monets Heuhaufen-Impressionen, aber auch an Bernd und Hilla Bechers Typologien der Wassertürme als Zeichen des industriellen Niedergangs.

Gabriele Engelhardt studierte auf der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart Bildhauerei und an der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe Fotografie und Szenografie. 2022 war sie im Rahmen von AIR – ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich zu Gast in Krems. Hier, im industriellen Umfeld des Donauhafens an der Stadteinfahrt, ist das Kremser Berge-Projekt entstanden.

AIR – ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich ist ein internationales Stipendienprogramm. Es ermöglicht bildenden Künstler:innen, Architekt:innen, Musiker:innen und Schriftsteller:innen temporär in Niederösterreich zu wohnen, zu arbeiten und die Vielfalt der heimischen Kulturlandschaft kennenzulernen. Im Gegenzug organisiert AIR für niederösterreichische Künstler:innen im Rahmen eines institutionellen Austausches Auslandsaufenthalte in Europa und Übersee.

Kurator: Florian Steininger

Gabriele Engelhardt (née en 1967) reprend dans son art les interventions humaines dans la nature sous forme de sculptures ou d'installations. Dans ses paysages, elle montre par exemple des montagnes de ferraille dans des zones industrielles ou des tremplins.

L'artiste travaille avec le médium de la photographie, en retravaillant numériquement ses prises de vue et en assemblant plusieurs photos d'un même motif. Les œuvres ne sont donc pas des documentations de la réalité. Dans ses séries "Montagnes", elle ne conçoit pas les montagnes comme des montagnes au sens propre du terme, mais comme des accumulations de matériaux tels que des déchets métalliques ou des matériaux de construction. Ces œuvres rappellent les impressions de meules de foin de Claude Monet, mais aussi les typologies de châteaux d'eau de Bernd et Hilla Becher, signes du déclin industriel.

Gabriele Engelhardt a étudié la sculpture à la Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart et la photographie et la scénographie à la Hochschule für Gestaltung Karlsruhe. En 2022, elle a été invitée à Krems dans le cadre de AIR - ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich. C'est ici, dans l'environnement industriel du port du Danube à l'entrée de la ville, qu'est né le projet Kremser Berge.

AIR - ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich est un programme de bourses international. Il permet à des artistes plasticiens, des architectes, des musiciens et des écrivains de vivre et de travailler temporairement en Basse-Autriche et de découvrir la diversité du paysage culturel local. En contrepartie, AIR organise pour les artistes de Basse-Autriche des séjours en Europe et outre-mer dans le cadre d'un échange institutionnel.

Curateur : Florian Steininger

Nella sua arte, Gabriele Engelhardt (nata nel 1967) riprende gli interventi umani nella natura come sculture o installazioni. Nei suoi paesaggi, ad esempio, mostra cumuli di rottami in zone industriali o piste da sci.

L'artista lavora con il mezzo fotografico, rielaborando digitalmente le sue immagini e combinando diverse foto di uno stesso motivo. Le opere non sono quindi documentazioni della realtà. Nella serie "Mountains", l'artista non intende le montagne nel vero senso della parola, ma come accumuli di materiale, come rifiuti metallici o materiali da costruzione. Le opere ricordano le impressioni dei pagliai di Claude Monet, ma anche le tipologie di torri d'acqua di Bernd e Hilla Becher come segno di declino industriale.

Gabriele Engelhardt ha studiato scultura all'Accademia di Stato di Stoccarda e fotografia e scenografia all'Università di Arti e Design di Karlsruhe. Nel 2022 è stata ospite a Krems nell'ambito di AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria. Qui, nell'ambiente industriale del porto del Danubio all'ingresso della città, è stato creato il progetto Kremser Berge.

AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria è un programma internazionale di borse di studio. Consente ad artisti visivi, architetti, musicisti e scrittori di vivere e lavorare temporaneamente in Bassa Austria e di familiarizzare con la diversità del paesaggio culturale locale. In cambio, AIR organizza soggiorni all'estero in Europa e all'estero per gli artisti della Bassa Austria nell'ambito di uno scambio istituzionale.

Curatore: Florian Steininger

In her art, Gabriele Engelhardt (born 1967) takes up human interventions in nature as sculptures or installations. In her landscapes, for example, she shows scrap heaps in industrial zones or ski jumps.

The artist works with the medium of photography, digitally reworking her images and combining several photos of a single motif. The works are therefore not documentations of reality. In her "Mountains" series, she does not understand mountains as mountains in the true sense of the word, but as accumulations of material such as metal waste or building materials. The works are reminiscent of Claude Monet's haystack impressions, but also of Bernd and Hilla Becher's typologies of water towers as a sign of industrial decline.

Gabriele Engelhardt studied sculpture at the Stuttgart State Academy of Fine Arts and photography and scenography at the Karlsruhe University of Arts and Design. In 2022, she was a guest in Krems as part of AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria. Here, in the industrial environment of the Danube port at the entrance to the city, the Kremser Berge project was created.

AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria is an international scholarship program. It enables visual artists, architects, musicians and writers to live and work temporarily in Lower Austria and get to know the diversity of the local cultural landscape. In return, AIR organizes stays abroad in Europe and overseas for Lower Austrian artists as part of an institutional exchange.

Curator: Florian Steininger

(Text: Kunsthalle Krems)

Kunsthalle Krems
12. Oktober 2024 – 23. März 2025

Anna und Bernhard Blume. Ver-rückte Welt

Das deutsche Künstlerpaar Anna und Bernhard Blume (1936 – 2020 und 1937 – 2011) ist international für seine Schwarzweißfotografien bekannt.

Das Paar inszenierte performative Aktionen und hielt diese per Kamera fest. Es sind meist häusliche Szenen, skurril arrangiert. Dabei sind die beiden Künstler:innen selbst die Performer, sie schlüpfen in eine bürgerliche Staffage – sie mit Dauerwelle, Perücke und adrettem Kleidchen, er im kleinkarierten Anzug und mit Hut. Geschlechtermuster, Rollen und Klischees sowie Verhaltenskodexe des Bürgerlichen werden von den Blumes ironisch und durchaus komisch konterkariert. Da fliegen Kartoffeln durch die Luft, Scherben zerbrochener Teller bedecken den Küchenfußboden, Möbelkonstrukte brechen zusammen und Personen mit verzerrten Gesichtern hantieren mit allerlei Alltagsgegenständen. Was die Menschen auf den Bildern tun, ist alles andere als Regelkonform, es ist im besten Sinn ver–rückt.

Von der Bildkomposition über die Aufnahme bis zur Entwicklung und Vergrößerung der Fotos im Labor führten Anna und Bernhard Blume jeden Schritt des künstlerischen Prozesses selbst durch. Sie erweiterten die künstlerische Fotografie durch die performative Inszenierung. Mit ihren Fotoserien persiflieren sie die kleinbürgerliche Welt der 1970er- und 1980er-Jahre. Inspiriert wurde das Paar dabei maßgeblich vom Aktionismus der 1960er-Jahre.

Anna und Bernhard Blume lernten sich als Student:innen der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf kennen, wo beide von 1960 bis 1965 studierten. Das Paar lebte und arbeitete in Köln. Ihre Arbeiten wurden bislang in internationalen Museen wie dem Museum of Modern Art in New York oder im Centre Pompidou in Paris gezeigt.

Die Ausstellung in der Kunsthalle Krems zeigt groß- und mittelformatige Serien von Schwarzweißfotografien, ergänzt durch eine kleine Auswahl an farbigen Polaroids.

Kurator: Andreas Hoffer

Le couple d'artistes allemands Anna et Bernhard Blume (1936 - 2020 et 1937 - 2011) est connu internationalement pour ses photographies en noir et blanc.

Le couple mettait en scène des actions performatives et les enregistrait à l'aide d'un appareil photo. Il s'agit le plus souvent de scènes domestiques, arrangées de manière bizarre. Les deux artistes sont eux-mêmes les interprètes, ils se glissent dans un décor bourgeois - elle avec une permanente, une perruque et une jolie petite robe, lui avec un costume à petits carreaux et un chapeau. Les modèles de genre, les rôles et les clichés ainsi que les codes de comportement du bourgeois sont contrecarrés par les Blume de manière ironique et tout à fait comique. Des pommes de terre volent dans les airs, des morceaux d'assiettes cassées recouvrent le sol de la cuisine, des constructions de meubles s'effondrent et des personnes aux visages déformés manipulent toutes sortes d'objets du quotidien. Ce que font les personnes sur les photos est tout sauf conforme aux règles, c'est fou dans le meilleur sens du terme.

De la composition de l'image au développement et à l'agrandissement des photos en laboratoire, en passant par la prise de vue, Anna et Bernhard Blume ont réalisé eux-mêmes chaque étape du processus artistique. Ils ont élargi la photographie artistique à la mise en scène performative. Avec leurs séries de photos, ils satirisent le monde petit-bourgeois des années 1970 et 1980. Le couple s'est largement inspiré de l'actionnisme des années 1960.

Anna et Bernhard Blume se sont rencontrés alors qu'ils étaient étudiants à la Staatliche Kunstakademie de Düsseldorf, où ils ont tous deux étudié de 1960 à 1965. Le couple a vécu et travaillé à Cologne. Jusqu'à présent, leurs travaux ont été exposés dans des musées internationaux comme le Museum of Modern Art de New York ou le Centre Pompidou de Paris.

L'exposition à la Kunsthalle Krems présente des séries de photographies en noir et blanc de grand et moyen format, complétées par une petite sélection de polaroïds en couleur.

Commissaire d'exposition : Andreas Hoffer

La coppia di artisti tedeschi Anna e Bernhard Blume (1936-2020 e 1937-2011) è riconosciuta a livello internazionale per le sue fotografie in bianco e nero.

La coppia mette in scena azioni performative e le riprende con la macchina fotografica. Si tratta per lo più di scene domestiche, organizzate in modo stravagante. I due artisti stessi sono gli interpreti e si calano in uno staffage borghese: lei con la permanente, la parrucca e un vestito elegante, lui con un piccolo abito a quadri e un cappello. I modelli di genere, i ruoli e i cliché, così come i codici di comportamento borghesi, sono ironicamente e comicamente contrastati dai Blume. Le patate volano in aria, i cocci dei piatti rotti ricoprono il pavimento della cucina, le costruzioni dei mobili crollano e le persone con i volti distorti maneggiano ogni tipo di oggetto quotidiano. Quello che fanno le persone nelle immagini è tutt'altro che conforme alle regole, è folle nel senso migliore del termine.

Anna e Bernhard Blume hanno eseguito in prima persona tutte le fasi del processo artistico, dalla composizione delle immagini allo scatto delle foto, allo sviluppo e all'ingrandimento in laboratorio. Hanno ampliato la fotografia artistica attraverso la messa in scena performativa. Con le loro serie fotografiche, fanno satira sul mondo piccolo borghese degli anni Settanta e Ottanta. La coppia si ispira in larga misura all'azionismo degli anni Sessanta.

Anna e Bernhard Blume si sono conosciuti come studenti della Staatliche Kunstakademie Düsseldorf, dove hanno studiato entrambi dal 1960 al 1965. La coppia ha vissuto e lavorato a Colonia. Le loro opere sono state esposte in musei internazionali come il Museum of Modern Art di New York e il Centre Pompidou di Parigi.

La mostra alla Kunsthalle Krems presenta serie di fotografie in bianco e nero di grande e medio formato, integrate da una piccola selezione di Polaroid a colori.

Curatore: Andreas Hoffer

The German artist couple Anna and Bernhard Blume (1936 - 2020 and 1937 - 2011) are internationally renowned for their black and white photographs.

The couple staged performative actions and captured them on camera. They are mostly domestic scenes, whimsically arranged. The two artists themselves are the performers, they slip into a bourgeois staffage - she with a perm, wig and smart dress, he in a small checked suit and hat. Gender patterns, roles and clichés as well as codes of bourgeois behavior are ironically and quite comically counteracted by the Blumes. Potatoes fly through the air, shards of broken plates cover the kitchen floor, furniture structures collapse and people with distorted faces handle all kinds of everyday objects. What the people in the pictures are doing is anything but conforming to the rules, it is crazy in the best sense of the word.

Anna and Bernhard Blume carried out every step of the artistic process themselves, from composing and taking the pictures to developing and enlarging the photos in the laboratory. They expanded artistic photography through performative staging. With their photo series, they satirize the petit bourgeois world of the 1970s and 1980s. The couple were largely inspired by the actionism of the 1960s.

Anna and Bernhard Blume met as students at the Staatliche Kunstakademie Düsseldorf, where they both studied from 1960 to 1965. The couple lived and worked in Cologne. Their works have been shown in international museums such as the Museum of Modern Art in New York and the Center Pompidou in Paris.

The exhibition at the Kunsthalle Krems shows large and medium format series of black and white photographs, complemented by a small selection of color Polaroids.

Curator: Andreas Hoffer

(Text: Kunsthalle Krems)

Camera Work | Berlin
12. Oktober – 23. November 2024

David Yarrow

Die Galerie CAMERA WORK präsentiert eine Ausstellung mit 20 großformatigen Fotografien von David Yarrow. Ein überwiegender Teil dieser Werke ist 2024 entstanden und wird weltweit erstmals zu sehen sein. Ikonische Tierporträts des Künstlers und eine Fortentwicklung seiner von klassischen Hollywood-Filmen beeinflussten Arbeiten sind in der Ausstellung insbesondere vertreten.

Kompositionen, die an filmische Einstellungen erinnern, sind maßgeblich für David Yarrows Werk. Dies zeigt sich insbesondere in der Art und Weise, wie er Licht und Schatten nutzt, um Spannung zu erzeugen. Diese Techniken erinnern an die Bildsprache klassischer Hollywood-Filme und verstärken die dramatische Wirkung seiner Fotografien. Seine Tierporträts wirken o wie Standbilder aus einem epischen Abenteuerfilm, in dem die Natur die Hauptrolle spielt.

Darüber hinaus lassen sich in Yarrows Arbeiten Einflüsse von Filmregisseuren wie Sergio Leone oder Anthony Minghella erkennen. Die Monumentalität und Weite seiner Szenerien sowie der Einsatz von Perspektive und Nähe schaffen eine erzählerische Tiefe, die dem Betrachter das Gefühl gibt, Teil einer größeren Geschichte zu sein. Durch diese cineastischen Einflüsse gelingt es Yarrow, seine Fotografien aus dem rein dokumentarischen Rahmen zu lösen und sie zu ikonischen Kunstwerken mit emotionalem Ausdruck zu erheben.

La galerie CAMERA WORK présente une exposition de 20 photographies grand format de David Yarrow. Une grande partie de ces œuvres a été réalisée en 2024 et sera exposée pour la première fois au monde. Des portraits d'animaux iconiques de l'artiste et une évolution de son travail influencé par les films classiques hollywoodiens sont notamment représentés dans l'exposition.

Les compositions qui rappellent les plans cinématographiques sont déterminantes pour l'œuvre de David Yarrow. Cela se manifeste notamment dans la manière dont il utilise la lumière et les ombres pour créer de la tension. Ces techniques rappellent le langage visuel des films hollywoodiens classiques et renforcent l'effet dramatique de ses photographies. Ses portraits d'animaux ressemblent à des images fixes tirées d'un film d'aventure épique dans lequel la nature joue le rôle principal.

En outre, on peut reconnaître dans le travail de Yarrow des influences de réalisateurs de cinéma comme Sergio Leone ou Anthony Minghella. La monumentalité et l'étendue de ses décors ainsi que l'utilisation de la perspective et de la proximité créent une profondeur narrative qui donne au spectateur le sentiment de faire partie d'une histoire plus vaste. Grâce à ces influences cinématographiques, Yarrow parvient à sortir ses photographies du cadre purement documentaire et à les élever au rang d'œuvres d'art iconiques à l'expression émotionnelle.

La galleria CAMERA WORK presenta una mostra di 20 fotografie di grande formato di David Yarrow. La maggior parte di queste opere è stata creata nel 2024 e sarà esposta per la prima volta al mondo. La mostra presenta ritratti iconici di animali dell'artista e un ulteriore sviluppo delle sue opere influenzate dai film classici di Hollywood.

Le composizioni che ricordano le inquadrature dei film sono decisive per il lavoro di David Yarrow. Ciò è particolarmente evidente nel modo in cui utilizza la luce e l'ombra per creare tensione. Queste tecniche ricordano il linguaggio visivo dei film classici di Hollywood e aumentano l'effetto drammatico delle sue fotografie. I suoi ritratti di animali sembrano fotogrammi di un epico film d'avventura in cui la natura è protagonista.

Inoltre, il lavoro di Yarrow rivela l'influenza di registi come Sergio Leone e Anthony Minghella. La monumentalità e la vastità dei suoi scenari, così come l'uso della prospettiva e della prossimità, creano una profondità narrativa che dà allo spettatore la sensazione di essere parte di una storia più grande. Attraverso queste influenze cinematografiche, Yarrow riesce a staccare le sue fotografie dal quadro puramente documentaristico e a elevarle a opere d'arte iconiche con espressione emotiva.

The CAMERA WORK Gallery will present an exhibition of 20 large-format photographs by David Yarrow. The majority of these works were created in 2024 and will be on display worldwide for the first time. Iconic animal portraits by the artist and a further development of his works influenced by classic Hollywood films are particularly represented in the exhibition.

Composition reminiscent of cinematic shots are essential to David Yarrow's work. This is particularly evident in the way he uses light and shadow to create tension. These techniques are reminiscent of the visual language of classic Hollywood films and enhance the dramatic effect of his photographs. His animal portraits often look like stills from an epic adventure film in which nature plays the leading role.

In addition, Yarrow's work is influenced by film directors such as Sergio Leone and Anthony Minghella. The monumentality and vastness of his scenes, as well as the use of perspective and proximity, create a narrative depth that gives the viewer the feeling of being part of a larger story. Through these cinematic influences, Yarrow succeeds in detaching his photographs from a purely documentary framework and elevating them to iconic works of art with emotional expression.

(Text: Camera Work, Berlin)

29 Arts in Progress Gallery | Milano
15. Oktober – 20. Dezember 2024

DNA

Gian Paolo Barbieri, Hans Georg Berger, Sylvie Blum, Greg Gorman, Michel Haddi, Alain Laboile, Silvia Lelli, Toni Meneguzzo, Rankin

Eine faszinierende Reise in die künstlerischen Wurzeln der Galerie, bei der die tiefste Essenz ihres Weges und ihrer Identität erforscht wird.

Die Ausstellung bietet einen privilegierten Einblick in Werke, die zwar in Stil und Epoche unterschiedlich sind, aber die gleiche Matrix teilen: die Erforschung der Ästhetik als eine Form des Ausdrucks von Individualität und Anziehungskraft.

Die vertretenen Künstler rufen mit ihrer persönlichen Sprache eine Idee der Verführung hervor, die über den äußeren Schein hinausgeht und tief in der Fähigkeit verwurzelt ist, tiefe Emotionen hervorzurufen.

Jedes ausgestellte Werk ist ein Teil eines komplexen Mosaiks, das die Einflüsse und Inspirationen widerspiegelt, die die Galerie im Laufe der Zeit geprägt haben. DNA ist somit nicht nur eine Hommage an die vertretenen Künstler, sondern auch ein Manifest der kuratorischen Vision der Galerie, die ihren genetischen Code in der Schnittstelle von Ästhetik, Kultur und künstlerischer Sensibilität findet.

Der Besucher wird zu einer Reise eingeladen, die die Grenzen zwischen Kunst und Mode, zwischen Sinnlichkeit und formaler Strenge überschreitet, in einem Spiel der Perspektiven, das zum Nachdenken über Schönheit und ihre Kommunikationskraft anregt.

Un voyage fascinant dans les racines artistiques de la galerie, explorant l'essence la plus profonde de son parcours et de son identité.

L'exposition offre un aperçu privilégié d'œuvres qui, bien que différentes en termes de style et d'époque, partagent la même matrice : l'exploration de l'esthétique en tant que forme d'expression de l'individualité et de l'attrait.

Les artistes représentés, avec leur langage personnel, évoquent une idée de la séduction qui va au-delà des apparences, profondément enracinée dans la capacité à susciter des émotions profondes.

Chaque œuvre exposée est une pièce d'une mosaïque complexe, reflétant les influences et les inspirations qui ont façonné la galerie au fil du temps. L'ADN devient ainsi non seulement une célébration des artistes représentés, mais aussi un manifeste de la vision curatoriale de la galerie, qui trouve son code génétique dans l'intersection de l'esthétique, de la culture et de la sensibilité artistique.

Le visiteur est invité à s'embarquer dans un voyage qui franchit les frontières entre l'art et la mode, entre la sensualité et la rigueur formelle, dans un jeu de perspectives qui encourage la réflexion sur la beauté et son pouvoir de communication.

Un affascinante viaggio nelle radici artistiche della galleria, che esplora l'essenza più profonda del suo percorso e della sua identità.

La mostra offre uno sguardo privilegiato su opere che, pur diverse per stile ed epoca, condividono la stessa matrice: l'esplorazione dell'estetica come forma di espressione dell'individualità e del fascino.

Gli artisti rappresentati, con il loro linguaggio personale, evocano un'idea di seduzione che va oltre le apparenze, profondamente radicata nella capacità di suscitare emozioni profonde.

Ogni opera esposta è un tassello di un mosaico complesso, che riflette le influenze e le ispirazioni che hanno plasmato la galleria nel corso del tempo. DNA diventa così non solo una celebrazione degli artisti rappresentati, ma anche un manifesto della visione curatoriale della galleria, che trova il suo codice genetico nell'intersezione tra estetica, cultura e sensibilità artistica.

Il visitatore è invitato a intraprendere un viaggio che attraversa i confini tra arte e moda, tra sensualità e rigore formale, in un gioco di prospettive che incoraggia la riflessione sulla bellezza e sul suo potere di comunicare.

A fascinating journey into the artistic roots of the gallery, exploring the deepest essence of its path and identity.

The exhibition offers a privileged glimpse into works that, though diverse in style and era, share the same matrix: the exploration of aesthetics as a form of expression of individuality and allure.

The represented artists, with their personal language, evoke an idea of seduction that goes beyond appearances, deeply rooted in the ability to elicit profound emotions.

Each work on display is a piece of a complex mosaic, reflecting the influences and inspirations that have shaped the gallery over time. DNA thus becomes not only a celebration of the represented artists but also a manifesto of the gallery’s curatorial vision, which finds its genetic code in the intersection of aesthetics, culture, and artistic sensitivity.

The visitor is invited to embark on a journey that crosses the boundaries between art and fashion, between sensuality and formal rigor, in a play of perspectives that encourages reflection on beauty and its power to communicate.

(Text: 29 Arts in Progress Gallery, Milano)

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
16. Oktober 2024 – 2. Februar 2025

Oasi
Mimmo Jodice

Bis zum 2. Februar 2025 wird im Projektraum von CAMERA die Ausstellung Mimmo Jodice. Oasi, eine Ausstellung in Zusammenarbeit mit der Fondazione Zegna.

Die von Walter Guadagnini in Zusammenarbeit mit Barbara Bergaglio kuratierte Ausstellung zeigt zum ersten Mal 40 Bilder aus der Serie, die der neapolitanische Fotograf zwischen Frühjahr und Winter 2008 im Auftrag der Stiftung erstellt hat. Ein außergewöhnlicher Korpus, in dem sich die gesamte Poetik von Jodice wiederfindet, seine Fähigkeit, die Elemente der Realität, ob natürlich oder künstlich, Landschaften oder Innenräume, Pflanzen oder Industriemaschinen, in metaphysische Visionen zu verwandeln, die in Zeit und Raum schweben.

Anlässlich der FAI-Tage werden am 12. Oktober in der Lanificio Ermenegildo Zegna und Casa Zegna in Trivero (Biella) vier großformatige Drucke des Künstlers aus der gleichen Serie präsentiert. Zu diesem Anlass hält Walter Guadagnini um 16 Uhr einen Vortrag mit dem Titel La trama e la neve. Mimmo Jodice in Trivero.

Die Ausstellung wird von einem Katalog begleitet, der von Dario Cimorelli Editore herausgegeben wird. Er enthält eine Einführung von Anna Zegna, der Präsidentin der Fondazione Zegna, einen Essay des Kurators Walter Guadagnini, einen Text von Ilaria Bonacossa und die Reproduktion der kompletten Serie, die aus über 60 Werken besteht.

Jusqu'au 2 février 2025, la Project Room de CAMERA accueille Mimmo Jodice. Oasi, une exposition en collaboration avec la Fondazione Zegna.

Organisée par Walter Guadagnini avec la collaboration de Barbara Bergaglio, l'exposition présente pour la première fois 40 images appartenant à la série réalisée par le photographe napolitain entre le printemps et l'hiver 2008, dans le cadre d'une commande reçue par la Fondation. Un corpus extraordinaire dans lequel il est possible de retrouver toute la poétique de Jodice, sa capacité à transformer les éléments de la réalité, naturels ou artificiels, paysages ou intérieurs, plantes ou machines industrielles, en visions métaphysiques, suspendues dans le temps et l'espace.

En avant-première, à l'occasion des journées FAI, le 12 octobre au Lanificio Ermenegildo Zegna et à la Casa Zegna de Trivero (Biella), quatre grands tirages de l'artiste issus de la même série seront présentés. À cette occasion, Walter Guadagnini tiendra à 16 heures une conférence intitulée La trama e la neve. Mimmo Jodice in Trivero.

L'exposition est accompagnée d'un catalogue, publié par Dario Cimorelli Editore, introduit par un témoignage d'Anna Zegna, présidente de la Fondazione Zegna, avec un essai du commissaire Walter Guadagnini, un texte d'Ilaria Bonacossa et la reproduction de la série complète, composée de plus de 60 œuvres.

Fino al 2 febbraio 2025, la Project Room di CAMERA ospiterà Mimmo Jodice. Oasi, mostra in collaborazione con Fondazione Zegna.

Curata da Walter Guadagnini con la collaborazione di Barbara Bergaglio, la mostra presenta per la prima volta 40 immagini appartenenti alla serie realizzata dal fotografo napoletano tra la primavera e l’inverno del 2008, per una committenza ricevuta dalla Fondazione. Uno straordinario corpus all’interno del quale è possibile ritrovare tutta la poetica di Jodice, la sua capacità di trasformare gli elementi della realtà, naturali o artificiali, paesaggi o interni, piante o macchinari industriali, in visioni metafisiche, sospese nel tempo e nello spazio.

In anteprima, in occasione delle giornate FAI, il 12 ottobre presso il Lanificio Ermenegildo Zegna e Casa Zegna di Trivero (Biella), verranno presentate quattro stampe di grandi dimensioni dell’artista della stessa serie. Per l’occasione, Walter Guadagnini terrà un talk alle ore 16.00 dal titolo La trama e la neve. Mimmo Jodice a Trivero.

La mostra è accompagnata da un catalogo, edito da Dario Cimorelli Editore, introdotto da una testimonianza di Anna Zegna, presidente di Fondazione Zegna, con un saggio del curatore Walter Guadagnini, un testo di Ilaria Bonacossa e la riproduzione della serie completa, composta da oltre 60 opere.

Through Feb. 2, 2025, CAMERA's Project Room will host Mimmo Jodice. Oasis, an exhibition in collaboration with Fondazione Zegna.

Curated by Walter Guadagnini with the collaboration of Barbara Bergaglio, the exhibition presents for the first time 40 images belonging to the series made by the Neapolitan photographer between the spring and winter of 2008, for a commission received by the Foundation. An extraordinary corpus within which it is possible to find all of Jodice's poetics, his ability to transform the elements of reality, natural or artificial, landscapes or interiors, plants or industrial machinery, into metaphysical visions, suspended in time and space.

As a preview, on the occasion of the FAI days, on Oct. 12 at Lanificio Ermenegildo Zegna and Casa Zegna in Trivero (Biella), four large prints by the artist from the same series will be presented. For the occasion, Walter Guadagnini will give a talk at 4 p.m. entitled La trama e la neve. Mimmo Jodice in Trivero.

The exhibition is accompanied by a catalog, published by Dario Cimorelli Editore, introduced by a testimonial by Anna Zegna, president of Fondazione Zegna, with an essay by curator Walter Guadagnini, a text by Ilaria Bonacossa and a reproduction of the complete series, consisting of more than 60 works.

(Text: CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

MEP Maison Européenne de la Photographie | Paris
16. Oktober 2024 ‒ 19. Januar 2025

Science/Fiction - Une non-histoire des Plantes

Die Ausstellung Science/Fiction - Eine Nicht-Geschichte der Pflanzen, die 2020 ins Leben gerufen wurde, verfolgt eine visuelle Geschichte der Pflanzen, die Kunst, Technologie und Wissenschaft vom 19. Jahrhundert bis heute verbindet. Die Ausstellung vereint mehr als 40 Künstler aus verschiedenen Epochen und Ländern und stellt historische fotografische Werke wie die Cyanotypien von Anna Atkins, das Inventar der Pflanzenformen von Karl Blossfeldt oder die Mikroskop-Experimente von Laure Albin Guillot den Kreationen zeitgenössischer Künstler wie Jochen Lempert, Pierre Joseph, Angelica Mesiti, Agnieszka Polska oder Sam Falls gegenüber.

Die Ausstellung ist in sechs Kapitel gegliedert und ähnelt in ihrem Aufbau einem Science-Fiction-Roman: Beginnend mit der Idee einer stabilen und identifizierbaren Welt, taucht sie nach und nach in ungewisse und unerwartete Landschaften ein. Die ersten beiden Kapitel mit den Titeln "Die Agentivität der Pflanzen" und "Symbiose & Kontamination" befassen sich mit sogenannten objektiven Ansätzen, die mit der Wissenschaft verbunden sind. Die anderen vier Kapitel mit den Titeln "Jenseits der Realität", "Pflanzen beobachten Sie", "Pflanzen und politische Fiktionen" und "Spekulative Fiktionen" befassen sich mit den Verbindungen zwischen Wissenschaft und Science-Fiction, zwei Bereichen, die die Pflanzenwelt zu einem Experimentierfeld gemacht haben. Die Künstlerinnen und Künstler in dieser Ausstellung überwinden die normative Trennung zwischen Fiktion und Realität, Wissenschaft und Kunst und befreien sich von starren Kategorien, um die Komplexität des Pflanzenlebens und unsere Beziehung zu Pflanzenwesen einzufangen.

Diese Ausstellung bietet die Gelegenheit, tief in die besondere Beziehung zwischen Fotografie und Videografie und Pflanzen einzutauchen, zwei Techniken der Bilderfassung, die ursprünglich für die wissenschaftliche Forschung verwendet wurden. Paradoxerweise haben diese fotografischen und filmischen Verfahren, während sie sich zwischen uns und die natürliche Welt stellten, anstatt eine Distanz zu schaffen, die Subjektivität, die Intelligenz und die Ausdrucksfähigkeit der Pflanzen hervorgehoben und unsere "anthropozentrische Kurzsichtigkeit" behoben.

Indem sie die menschlichen Projektionen und Vorstellungen von Pflanzen hinterfragt, integriert diese Ausstellung Erzählungen aus der Wissenschaft und der Science Fiction als Mittel zur Herstellung neuer Vorstellungswelten. Die vorgeschlagenen Erzählungen, die nicht auf die Idee des Fortschritts und der Modernität ausgerichtet sind, denken mit den planetaren Grenzen. Diese emanzipatorischen Geschichten, die eine anthropozentrische Sicht der Welt überwinden, geben den Pflanzen einen Platz und eine Stimme. Sie werden so zu einem Raum, in dem wir unsere Verbindung zur Pflanzenwelt reparieren können. Um den ökologischen Wandel zu denken, ist es notwendig, die politische Macht des Imaginären zu berücksichtigen, unsere Hoffnungen zu akzeptieren und unsere intimsten Ängste zu erforschen, damit wir gemeinsam das Schreiben einer gemeinsamen Zukunft fortsetzen können.

Initiée en 2020, l’exposition Science/Fiction - Une non-histoire des Plantes propose de retracer une histoire visuelle des plantes reliant l’art, la technologie et la science du XIXe siècle à nos jours. Réunissant plus de 40 artistes de différentes époques et nationalités, cette exposition met en regard des oeuvres photographiques historiques telles que les cyanotypes d’Anna Atkins, l’inventaire des formes végétales de Karl Blossfeldt ou encore les expérimentations au microscope de Laure Albin Guillot avec des créations d’artistes contemporain·es comme Jochen Lempert, Pierre Joseph, Angelica Mesiti, Agnieszka Polska ou encore Sam Falls.

Conçue en six chapitres, cette exposition emprunte sa construction au roman de science-fiction : débutant sur l’idée d’un monde stable et identifiable, elle plonge progressivement dans des paysages incertains et inattendus. Les deux premiers chapitres intitulés respectivement « L’agentivité des plantes » et « Symbiose & contamination » sont consacrés à des approches dites objectives, liées à la science. Les quatre autres chapitres, dénommés « Au-delà du réel », « Les plantes vous observent », « Plantes et fictions politiques » et « Fictions spéculatives » abordent les accointances entre la science et la science-fiction, deux domaines qui ont fait de la flore un terrain d’expérimentation. Dépassant les clivages normatifs entre fiction et réalité, science et art, les artistes présent·es dans cette exposition s’affranchissent des catégories figées afin de capturer la complexité de la vie des plantes et de nos rapports aux êtres végétaux.

Cette exposition est l’occasion de plonger au coeur de la relation privilégiée qu’entretiennent la photographie et la vidéographie avec les plantes, deux techniques de captation de l’image dont l'utilisation première fut mise au service de la recherche scientifique. Paradoxalement, tout en s'interposant entre nous et le monde naturel, ces procédés photographiques et cinématographiques, au lieu de créer une distance, ont mis en lumière la subjectivité, l'intelligence et les capacités expressives des plantes, en palliant notre « myopie anthropocentriste ».

En interrogeant les projections et les représentations humaines des plantes, cette exposition intègre des narrations issues de la science et de la sciencefiction comme un moyen de fabriquer de nouveaux imaginaires. Les récits proposés, non centrés sur l’idée de progrès et de modernité, pensent avec les limites planétaires. Ces histoires émancipatrices, dépassant une vision anthropocentrique du monde, donnent aux plantes une place et une voix. Elles deviennent ainsi un espace de réparation de notre lien au monde végétal. Pour penser les mutations écologiques, il est nécessaire de prendre en considération le pouvoir politique de l’imaginaire, d’accepter nos espoirs et d’explorer nos peurs les plus intimes, afin de poursuivre ensemble l’écriture d’un futur commun.

Lanciata nel 2020, Science/Fiction - A Non-History of Plants traccia una storia visiva delle piante che collega arte, tecnologia e scienza dal XIX secolo a oggi. Riunendo oltre 40 artisti di diverse epoche e nazionalità, la mostra mette a confronto opere fotografiche storiche come i cianotipi di Anna Atkins, l'inventario delle forme vegetali di Karl Blossfeldt e gli esperimenti al microscopio di Laure Albin Guillot con opere di artisti contemporanei come Jochen Lempert, Pierre Joseph, Angelica Mesiti, Agnieszka Polska e Sam Falls.

Suddivisa in sei capitoli, la mostra prende in prestito la sua struttura dal romanzo di fantascienza, partendo dall'idea di un mondo stabile e identificabile e immergendosi gradualmente in paesaggi incerti e inaspettati. I primi due capitoli, intitolati rispettivamente "L'agentività delle piante" e "Simbiosi e contaminazione", sono dedicati ai cosiddetti approcci oggettivi, legati alla scienza. Gli altri quattro capitoli, intitolati "Oltre la realtà", "Le piante ti guardano", "Piante e narrativa politica" e "Narrativa speculativa", esaminano i legami tra scienza e fantascienza, due campi che hanno utilizzato la flora come terreno di sperimentazione. Superando i confini normativi tra finzione e realtà, scienza e arte, gli artisti di questa mostra si liberano da categorie fisse per catturare la complessità della vita vegetale e il nostro rapporto con gli esseri vegetali.

Questa mostra è un'occasione per approfondire il rapporto speciale che la fotografia e la videografia hanno con le piante, due tecniche di cattura delle immagini che sono state utilizzate per la prima volta per la ricerca scientifica. Paradossalmente, invece di creare una distanza tra noi e il mondo naturale, questi processi fotografici e cinematografici hanno evidenziato la soggettività, l'intelligenza e le capacità espressive delle piante, compensando la nostra "miopia antropocentrica".

Mettendo in discussione le proiezioni e le rappresentazioni umane delle piante, questa mostra integra le narrazioni della scienza e della fantascienza come mezzo per creare nuovi mondi immaginari. Le narrazioni proposte, che non sono incentrate sull'idea di progresso e modernità, pensano in termini di limiti del pianeta. Queste storie emancipatrici, che vanno oltre una visione antropocentrica del mondo, danno spazio e voce alle piante. Diventano così uno spazio per riparare il nostro legame con il mondo vegetale. Per pensare al cambiamento ecologico, dobbiamo considerare il potere politico dell'immaginazione, accettare le nostre speranze ed esplorare le nostre paure più intime, in modo da poter continuare a scrivere insieme un futuro comune.

Initiated in 2020, Science/Fiction - Une non-histoire des Plantes traces a visual history of plants linking art, technology and science from the 19th century to the present day. Bringing together over 40 artists from different eras and nationalities, the exhibition compares historic photographic works such as Anna Atkins' cyanotypes, Karl Blossfeldt's inventory of plant forms and Laure Albin Guillot's microscope experiments, with works by contemporary artists such as Jochen Lempert, Pierre Joseph, Angelica Mesiti, Agnieszka Polska and Sam Falls.

Conceived in six chapters, this exhibition borrows its construction from the science-fiction novel: beginning with the idea of a stable, identifiable world, it plunges progressively into uncertain and unexpected landscapes. The first two chapters, entitled "Plant Agentivity" and "Symbiosis & Contamination" respectively, are devoted to so-called objective, science-based approaches. The other four chapters, entitled "Beyond reality", "Plants are watching you", "Plants and political fictions" and "Speculative fictions", deal with the close ties between science and science fiction, two fields that have made flora a field for experimentation. Overcoming the normative divides between fiction and reality, science and art, the artists in this exhibition free themselves from fixed categories to capture the complexity of plant life and our relationship with plant beings.

This exhibition is an opportunity to delve into the privileged relationship between photography and videography and plants, two image-capture techniques first used in scientific research. Paradoxically, instead of creating distance between us and the natural world, these photographic and cinematographic processes have highlighted the subjectivity, intelligence and expressive capacities of plants, compensating for our "anthropocentric myopia".

By questioning human projections and representations of plants, this exhibition integrates narratives from science and science fiction as a means of fabricating new imaginaries. The narratives proposed, not centered on the idea of progress and modernity, think with planetary limits. These emancipatory stories, going beyond an anthropocentric vision of the world, give plants a place and a voice. They thus become a space for repairing our link to the plant world. To think about ecological change, we need to consider the political power of the imaginary, to accept our hopes and explore our innermost fears, so that together we can continue to write a common future.

(Text: MEP Maison Européenne de la Photographie, Paris)

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
16. Oktober 2024 – 2. Februar 2025

L'opera
Tina Modotti

Ab dem 16. Oktober 2024 wird in den Räumen des Zentrums die Ausstellung Tina Modotti zu sehen sein. Das von Riccardo Costantini kuratierte Werk - gefördert von der Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo und realisiert in Zusammenarbeit mit Cinemazero - ist einer der bedeutendsten Persönlichkeiten der Fotografie des 20. Jahrhunderts gewidmet.

Die Ausstellung widmet sich dem abenteuerlichen Leben der Fotografin, die in einer bescheidenen Familie in Udine geboren wurde, dann in die Vereinigten Staaten und später nach Mexiko auswanderte, von wo aus sie ins Exil ging und nach Deutschland, Russland und Spanien wanderte, bevor sie nach Mexiko zurückkehrte, wo sie im Alter von nur 46 Jahren starb.

Die 300 Werke, die in Turin zu sehen sind, erzählen von Modottis Vielseitigkeit, ihren künstlerischen Eigenheiten und ihrer neugierigen, partizipatorischen und freien Art. Während ihrer kurzen, aber intensiven Karriere gelang es ihr, die Intensität und die Kontraste der Welten, die sie durchquerte, einzufangen, was sich in Porträts des Alltagslebens ausdrückte, aber auch und vor allem, indem sie von Ungerechtigkeit, Arbeit, politischem Aktivismus, Armut und den Widersprüchen des Fortschritts und des Übergangs zur Moderne erzählte.

Die Ausstellung von CAMERA hat auch eine dokumentarische Bedeutung, da sie verschiedene unveröffentlichte Materialien, Videos, Zeitschriften, Dokumente, Zeitungsausschnitte, Porträts der Künstlerin sowie Fotografien aus der Zeit der ersten und einzigen Ausstellung von Tina Modotti im Jahr 1929 versammelt, die von der Kunst der Fotografin zeugen und ihr gerecht werden.

Die Ausstellung wird von einem umfangreichen Katalog begleitet, der von Dario Cimorelli Editore herausgegeben wurde.

Du 16 octobre 2024, les espaces du Centre accueilleront l'exposition Tina Modotti. L'œuvre, organisée par Riccardo Costantini, promue par la Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo et réalisée en collaboration avec Cinemazero, est consacrée à l'une des figures les plus importantes de la photographie du XXe siècle.

L'exposition retrace la vie aventureuse de la photographe, née dans une famille modeste d'Udine, qui a émigré aux États-Unis puis au Mexique, d'où elle s'est exilée, émigrant en Allemagne, en Russie et en Espagne, avant de retourner au Mexique, où elle est morte à l'âge de 46 ans seulement.

Les 300 œuvres exposées à Turin témoignent de la polyvalence de Modotti, de ses particularités artistiques, de sa curiosité, de sa participation et de sa liberté. Au cours de sa courte mais intense carrière, elle a su capter l'intensité et les contrastes des mondes qu'elle a traversés, exprimés à travers des portraits de la vie quotidienne, mais aussi et surtout en racontant l'injustice, le travail, l'activisme politique, la pauvreté et les contradictions du progrès et de la transition vers la modernité.

L'exposition de CAMERA a également une pertinence documentaire, car elle rassemble divers matériaux inédits, des vidéos, des magazines, des documents, des coupures de presse, des portraits de l'artiste, ainsi que des photographies datant de la première et unique exposition de Tina Modotti en 1929, qui témoignent de l'art de la photographe et lui rendent justice.

L'exposition est accompagnée d'un riche catalogue publié par Dario Cimorelli Editore.

Dal 16 ottobre 2024 gli spazi del Centro accolgono la mostra Tina Modotti. L’opera, a cura di Riccardo Costantini – promossa da Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo e realizzata in collaborazione con Cinemazero – dedicata a una delle figure più rilevanti della fotografia del XX secolo.

Il percorso espositivo si snoda intorno all’avventurosa vita della fotografa, nata da un’umile famiglia di Udine, poi emigrata negli Stati Uniti e successivamente in Messico, da dove è stata esiliata, migrando in Germania, Russia, Spagna, per poi ritornare in Messico, dove si è spenta a soli 46 anni.

Le 300 opere esposte a Torino raccontano la poliedricità, le peculiarità artistiche, l’indole curiosa, partecipe e libera di Modotti, che durante la sua breve ma intensa carriera è riuscita a catturare l’intensità e i contrasti dei mondi che ha attraversato, espressi con ritratti di vita quotidiana, ma anche e soprattutto raccontando l’ingiustizia, il lavoro, l’attivismo politico, la povertà, le contraddizioni del progresso e del passaggio alla modernità.

La mostra di CAMERA ha inoltre una rilevanza dal punto di vista documentale, in quanto raccoglie diversi materiali inediti, video, riviste, documenti, ritagli di quotidiani, ritratti dell’artista, nonché fotografie che risalgono alla prima e unica esposizione che realizzò Tina Modotti nel 1929 e che testimoniano e rendono giustizia all’arte della fotografa.

La mostra è accompagnata da un ricco catalogo edito da Dario Cimorelli Editore.

From October 16, 2024, the Center's spaces will host the exhibition Tina Modotti. The Work, curated by Riccardo Costantini-promoted by Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo and realized in collaboration with Cinemazero-dedicated to one of the most relevant figures in 20th-century photography.

The exhibition unfolds around the adventurous life of the photographer, who was born to a humble family in Udine, then emigrated to the United States and later to Mexico, from where she was exiled, migrating to Germany, Russia, Spain, and then back to Mexico, where she passed away at the age of only 46.

The 300 works on display in Turin tell the story of Modotti's multifaceted nature, artistic peculiarities, and curious, participatory and free-spirited nature, which during her short but intense career managed to capture the intensity and contrasts of the worlds she traversed, expressed through portraits of everyday life, but also and above all by recounting injustice, labor, political activism, poverty, and the contradictions of progress and the transition to modernity.

CAMERA's exhibition also has relevance from a documentary point of view, as it brings together various unpublished materials, videos, magazines, documents, newspaper clippings, portraits of the artist, as well as photographs dating back to the first and only exhibition that Tina Modotti made in 1929, which testify and do justice to the photographer's art.

The exhibition is accompanied by a rich catalog published by Dario Cimorelli Editore.

(Text: CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

Galerie noir blanche | Düsseldorf
18. Oktober – 30. November 2024

GOOD WIFE
Antonia Gruber

„Good wife, wise mother“ – so wurde die ideale Rolle der Frau in der westlichen Gesellschaft zur Mitte des letzten Jahrhunderts verstanden. Heute steht dieser stereotypen Vorstellung der behütenden Mutter und sich dem Ehemann unterordnenden Ehefrau die selbstbewusste und unabhängige Frau der Gegenwart gegenüber.

Die Ausstellung „GOOD WIFE“ von Antonia Gruber erforscht diese veränderte Rolle der Frau. Dabei entscheidet sich die in Köln lebende Konzept- und Medienkünstlerin für eine ironische Perspektive auf die gesellschaftlichen Erwartungen, die sowohl in vergangenen Zeiten prägend waren als auch noch heute an Frauen herangetragen werden.

In ihrer Serie „BLUE DAHLIA_“ verschmilzt Antonia mit Künstlicher Intelligenz (KI) ihr eigenes biometrisches Passbild mit Porträtfotografien von Frauen aus den 1950er- und 1960er-Jahren. Als Konglomerat aus Selbstbildnis und Fremdidentität verschließen sich diese Arbeiten dem Wesen des Porträts mit seinem Anspruch, die Identität der dargestellten Person sichtbar zu machen. Betont wird stattdessen die Oberflächlichkeit einer „überirdischen“ Schönheit, wie sie aus der Modefotografie bekannt ist.

Die Künstlerin behält jedoch bewusst die während der digitalen Bildmanipulation entstandenen Störungen (Glitches) bei, was die Künstlichkeit der so entstandenen Frauenbilder betont. Das digitale morphing des Quellenfotos erzeugt zudem einen „uncanny valley“-Effekt, d.h. die Bilder weisen einen derart hohen Grad an Realismus auf, dass sich beim Betrachten ein Unbehagen einstellt. Der Titel der Serie, BLUE DAHLIA_, lässt an den ungelösten Mord an der Hollywood-Schauspielerin Elizabeth Short im Jahr 1947, bekannt als „Black Dahlia Murder“, denken. Er weckt aber auch Assoziationen zum Motiv der blauen Blume in der deutschen Romantik, als Symbol für unerreichbare Schönheit; für das Unerreichbare grundsätzlich. Die Sehnsucht nach der blauen Blume wird hier zu einer Metapher für das Streben nach Emanzipation.

« Good wife, wise mother » - c'est ainsi que l'on concevait le rôle idéal de la femme dans la société occidentale au milieu du siècle dernier. Aujourd'hui, cette représentation stéréotypée de la mère protectrice et de l'épouse soumise à son mari s'oppose à la femme contemporaine, sûre d'elle et indépendante.

L'exposition « GOOD WIFE » d'Antonia Gruber explore ce rôle modifié de la femme. L'artiste conceptuelle et médiatique, qui vit à Cologne, opte pour une perspective ironique sur les attentes sociales qui ont marqué les époques passées et qui sont encore imposées aux femmes aujourd'hui.

Dans sa série « BLUE DAHLIA_ », Antonia utilise l'intelligence artificielle (IA) pour fusionner sa propre photo d'identité biométrique avec des photographies de portraits de femmes des années 1950 et 1960. Conglomérat d'autoportraits et d'identités étrangères, ces travaux se ferment à la nature du portrait et à sa prétention de rendre visible l'identité de la personne représentée. Au lieu de cela, l'accent est mis sur la superficialité d'une beauté « surnaturelle », telle qu'elle est connue dans la photographie de mode.

L'artiste conserve toutefois sciemment les perturbations (glitches) apparues pendant la manipulation numérique de l'image, ce qui souligne le caractère artificiel des images de femmes ainsi créées. Le morphing numérique de la photo source produit en outre un effet « uncanny valley », c'est-à-dire que les visuels présentent un tel degré de réalisme qu'un malaise s'installe lorsqu'on les regarde. Le titre de la série, BLUE DAHLIA_, évoque le meurtre non élucidé de l'actrice hollywoodienne Elizabeth Short en 1947, connu sous le nom de « Black Dahlia Murder ». Mais il éveille également des associations avec le motif de la fleur bleue dans le romantisme allemand, comme symbole de la beauté inaccessible ; de l'inaccessible par principe. La nostalgie de la fleur bleue devient ici une métaphore de la quête d'émancipation.

“Buona moglie, madre saggia": questo era il ruolo ideale della donna nella società occidentale a metà del secolo scorso. Oggi, questa immagine stereotipata di madre protettiva e moglie subordinata contrasta con la donna sicura di sé e indipendente dei giorni nostri.

La mostra “GOOD WIFE” di Antonia Gruber esplora questo mutato ruolo della donna. L'artista concettuale e mediatica di Colonia sceglie una prospettiva ironica sulle aspettative sociali che caratterizzavano le donne in passato e che vengono applicate ancora oggi.

Nella serie “BLUE DAHLIA_”, Antonia utilizza l'intelligenza artificiale (AI) per fondere la propria foto biometrica del passaporto con ritratti di donne degli anni Cinquanta e Sessanta. Come conglomerato di autoritratto e identità di outsider, queste opere rifiutano l'essenza del ritratto con la sua pretesa di visualizzare l'identità della persona ritratta. Esse enfatizzano invece la superficialità di una bellezza “soprannaturale”, come quella nota della fotografia di moda.

Tuttavia, l'artista conserva deliberatamente i difetti creati durante la manipolazione digitale dell'immagine, che enfatizzano l'artificialità delle immagini femminili risultanti. Il morphing digitale della foto di partenza crea anche un effetto “uncanny valley”, cioè le immagini hanno un grado di realismo così elevato da mettere a disagio lo spettatore. Il titolo della serie, BLUE DAHLIA_, ricorda l'omicidio irrisolto dell'attrice hollywoodiana Elizabeth Short nel 1947, noto come “Black Dahlia Murder”. Ma evoca anche associazioni con il motivo del fiore blu nel Romanticismo tedesco, come simbolo della bellezza irraggiungibile; dell'irraggiungibile in linea di principio. Il desiderio del fiore blu diventa una metafora della ricerca dell'emancipazione.

“Good wife, wise mother” – this was how the ideal role of women in Western society was understood in the middle of the last century. Today, this stereotypical image of the protective mother and submissive wife contrasts with the self-confident and independent woman of the present.

The exhibition “GOOD WIFE” by Antonia Gruber explores this changing role of women. The Cologne-based conceptual and media artist chooses an ironic perspective on the social expectations that were formative in times past and are still placed on women today.

In her series “BLUE DAHLIA_”, Antonia fuses her own biometric passport photo with portrait photographs of women from the 1950s and 1960s using artificial intelligence (AI). As a conglomeration of self-portrait and external identity, these works defy the essence of the portrait with its claim to make the identity of the person depicted visible. Instead, the superficiality of an “unearthly” beauty, as seen in fashion photography, is emphasized.

However, the artist deliberately retains the glitches that occurred during the digital image manipulation, which emphasizes the artificiality of the resulting images of women. The digital morphing of the source photo also creates an “uncanny valley” effect, i.e. the visuals display such a high degree of realism that a sense of unease arises when viewing them. The title of the series, BLUE DAHLIA_, recalls the unsolved murder of Hollywood actress Elizabeth Short in 1947, known as the “Black Dahlia Murder”. But it also evokes associations with the motif of the blue flower in German Romanticism, as a symbol of unattainable beauty; of the unattainable in general. Here, the longing for the blue flower becomes a metaphor for the pursuit of emancipation.

(Text: Galerie noir blanche, Düsseldorf)

Leica Galerie Konstanz
19. Oktober 2024 – 13. Januar 2025

Magie des Lichts – Fotografien von 1942 – 1987
Pan Walther

Portrait, Landschaft und Fotografik stehen im Mittelpunkt des jahrzehntelangen Schaffens von Pan Walther. Aufnahmen mit harten Schwarz-Weiß-Kontrasten, Gegenlicht, Unter- oder Aufsichten, Verfremdungseffekten sind charakteristisch für den Künstler, der sich Lichtbildner nannte und das Bilden mit Licht wörtlich nahm. Sein Umgang mit dem Medium ist erfinderisch, kreativ, experimentell, ja spielerisch. Ausgebildet in den Niederlanden und bei Franz Fiedler in seiner Heimatstadt Dresden sowie beeinflusst von der großen Portraitkunst Hugo Erfurths, entwickelt er in den 1940er Jahren eine eigene Methode, die sich keiner Stilrichtung eindeutig zuordnen lässt.

Für seine Portraits wählt Walther neutrale Hintergründe und meist enge Ausschnitte. Den Aufnahmen gehen Licht- und Perspektivstudien voraus. Bei Wilhelm Rudolph konzentriert er sich auf das Profil des Malers. Die raffinierte Lichtregie erforscht und betont die markanten Züge und sie erzeugt eine plastische Wirkung aus Höhen und Tiefen. Einfühlsam und ausdrucksstark ist auch das Halbporträt Josef Hegenbarths, eher eine Beobachtung aus dem Augenblick heraus, die den Maler in zeichnerischer Versunkenheit durchdringt.

1950 zieht Walther mit seiner Frau, der Fotografin Christine Bellmann, aus politischen Gründen von Dresden nach Münster und gründet mit ihr ein neues Atelier, das er bis 1985 betreibt. Neben den Bildnissen berühmter Zeitgenossen, darunter Otto Dix und Willy Brandt, rückt nun auch die Landschafts- und Reisefotografie in den Fokus. Besonders der Mittelmeerraum hat es ihm angetan. In der Türkei fängt er den Zauber antiker Kultstätten ein. Sein Hauptaugenmerk gilt aber weiterhin den Menschen. Wie im Atelier sucht er auch draußen die intensive und lebendige Begegnung mit den Protagonisten. Häufig reist er nach Saintes-Maries-de-la-Mer in der Carmargue, wo sich Sinti und Roma zur Wallfahrt einfinden. Ihre Lebensweise und ihr Temperament kommen dem Freigeist Walther sehr nahe. Als würde er an ihrem Leben teilhaben, erzählt er in atmosphärisch dichten, teils poetischen Bildern von ihren Bräuchen zu Ehren ihrer Schutzpatronin, der schwarzen Sara.

Bis zu seinem Weggang aus Dresden experimentiert Walther auch mit Edeldrucken. Die Kopierverfahren mit feinen Tonabstufungen und reizvollen Oberflächenstrukturen haben eine malerische Anmutung. An ihre Stelle treten formstrenge Bilder mit expressiven schwarzen und weißen Flächenaufteilungen. Die Arbeit in der Dunkelkammer bleibt essentiell, erst hier erhält das Bild durch den gekonnten Einsatz technischer Verfahren seine endgültige Form. In seinen Fotografiken reizt er die Wirkungskraft der künstlerischen Gestaltungsmittel bis zum Äußersten aus, wovon Landschaftsaufnahmen aus Kappadokien oder von der Insel Krk zeugen.

Bis etwa 1980 favorisiert Walther das Einzelbild und steht hinter der Kamera. Dann wechselt er die Seiten, wird sein eigenes Modell und inszeniert sich in verschiedenen Rollen. Mal steht er auf einem wackeligen Podest, entblößt bis auf ein paar Streifen lumpigen Tuchs, mal ist sein nackter Körper von Sonnenblumen und Kohl umhüllt. Die clownesken Auftritte wirken wie eine Ironie gegen sich selbst, können aber auch als eine Art hilfloser Protest gegen die Widrigkeiten des Lebens gelesen werden. Er selbst spricht von seinen Aktionen als liebenswerte Formen einer Abneigung gegen Strammstehen, Heldentum, Totschießenlassen und falsches Ehrgefühl.

Alle ausgestellten Fotografien stammen von der Aufnahme bis zum fertigen Abzug aus der Hand Walthers. Seine Prinzipien und seine Arbeitsweise hat er 1981 und 1986 in „Sehen, Empfinden, Gestalten“ und „Künstlerische Porträt-Fotografie“ in Bild und Text treffend dargestellt.

Le portrait, le paysage et la photographie sont au cœur de l'œuvre de Pan Walther, qui s'étend sur plusieurs décennies. Les prises de vue avec des contrastes durs en noir et blanc, des contre-jours, des contre-plongées ou des vues en plongée, des effets de distanciation sont caractéristiques de l'artiste qui se disait photographe de lumière et prenait au pied de la lettre la création d'images avec la lumière. Son utilisation du médium est inventive, créative, expérimentale, voire ludique. Formé aux Pays-Bas et auprès de Franz Fiedler dans sa ville natale de Dresde, et influencé par le grand art du portrait de Hugo Erfurth, il développe dans les années 1940 sa propre méthode, qui ne peut être clairement rattachée à aucun style.

Pour ses portraits, Walther choisit des arrière-plans neutres et des cadrages généralement serrés. Les prises de vue sont précédées d'études de lumière et de perspective. Dans le cas de Wilhelm Rudolph, il se concentre sur le profil du peintre. La mise en scène raffinée de la lumière explore et souligne les traits marquants et elle crée un effet plastique fait de hauteurs et de profondeurs. Le demi-portrait de Josef Hegenbarth est également sensible et expressif, il s'agit plutôt d'une observation de l'instant qui imprègne le peintre dans un état d'absorption par le dessin.

En 1950, Walther déménage de Dresde à Münster avec sa femme, la photographe Christine Bellmann, pour des raisons politiques, et fonde avec elle un nouvel atelier qu'il gère jusqu'en 1985. Outre les portraits de contemporains célèbres, dont Otto Dix et Willy Brandt, l'accent est désormais mis sur la photographie de paysages et de voyages. Il est particulièrement attiré par le bassin méditerranéen. En Turquie, il capture la magie des lieux de culte antiques. Mais son attention se porte toujours sur les gens. Comme dans son atelier, il cherche à rencontrer ses protagonistes à l'extérieur, de manière intense et vivante. Il se rend souvent aux Saintes-Maries-de-la-Mer, dans le Carmargue, où les Sinti et les Roms se retrouvent en pèlerinage. Leur mode de vie et leur tempérament sont très proches de l'esprit libre de Walther. Comme s'il participait à leur vie, il raconte leurs coutumes en l'honneur de leur patronne, Sara la noire, dans des visuels à l'atmosphère dense et parfois poétique.

Jusqu'à son départ de Dresde, Walther expérimente également des impressions nobles. Les procédés de copie avec de fines nuances de tons et de charmantes structures de surface ont un aspect pictural. Ils sont remplacés par des visuels aux formes strictes, avec des répartitions expressives de surfaces noires et blanches. Le travail en chambre noire reste essentiel, ce n'est qu'ici que le visuel prend sa forme définitive grâce à l'utilisation habile de procédés techniques. Dans ses photographies, il exploite à l'extrême la force d'impact des moyens de création artistique, comme en témoignent les paysages de Cappadoce ou de l'île de Krk.

Jusqu'en 1980 environ, Walther favorise la photo individuelle et se tient derrière l'appareil. Puis il change de camp, devient son propre modèle et se met en scène dans différents rôles. Tantôt il se tient sur un piédestal branlant, dénudé à l'exception de quelques bandes de tissu pouilleux, tantôt son corps nu est enveloppé de tournesols et de choux. Ses apparitions clownesques ressemblent à une ironie contre lui-même, mais peuvent aussi être lues comme une sorte de protestation impuissante contre l'adversité de la vie. Lui-même parle de ses actions comme des formes aimables d'aversion pour le garde-à-vous, l'héroïsme, le fait de se faire tuer et le faux sens de l'honneur.

Toutes les photographies exposées proviennent de la main de Walther, de la prise de vue jusqu'au tirage final. Il a exposé avec pertinence ses principes et sa méthode de travail en 1981 et 1986 dans « Sehen, Empfinden, Gestalten » et « Künstlerische Porträt-Fotografie », en images et en textes.

Ritratti, paesaggi e fotografie sono al centro dell'opera decennale di Pan Walther. Fotografie con aspri contrasti in bianco e nero, controluce, vedute dall'alto o dal basso ed effetti di straniamento sono caratteristiche dell'artista, che si definiva fotografo e prendeva alla lettera l'uso della luce. Il suo approccio al mezzo è inventivo, creativo, sperimentale, persino giocoso. Formatosi nei Paesi Bassi e con Franz Fiedler nella sua città natale, Dresda, e influenzato dalla grande ritrattistica di Hugo Erfurth, negli anni Quaranta sviluppò un proprio metodo che non può essere chiaramente classificato in uno stile particolare.

Per i suoi ritratti, Walther ha scelto sfondi neutri e soprattutto primi piani. Le fotografie sono precedute da studi sulla luce e sulla prospettiva. Nel caso di Wilhelm Rudolph, si concentra sul profilo del pittore. L'illuminazione sofisticata esplora ed enfatizza i tratti salienti e crea un effetto tridimensionale di altezze e profondità. Anche il mezzo ritratto di Josef Hegenbarth è sensibile ed espressivo, più che altro un'osservazione del momento che permea il disegno assorto del pittore.

Nel 1950, Walther si trasferisce da Dresda a Münster con la moglie, la fotografa Christine Bellmann, per motivi politici e fonda con lei un nuovo studio, che gestisce fino al 1985. Oltre ai ritratti di famosi contemporanei, tra cui Otto Dix e Willy Brandt, si dedicò alla fotografia di paesaggio e di viaggio. Era particolarmente appassionato della regione mediterranea. In Turchia ha catturato la magia degli antichi luoghi di culto. Tuttavia, la sua attenzione principale è ancora rivolta alle persone. Come in studio, cerca anche incontri intensi e vivaci con i protagonisti all'aperto. Si reca spesso a Saintes-Maries-de-la-Mer, nel Carmargue, dove Sinti e Rom si riuniscono in pellegrinaggio. Il loro stile di vita e il loro temperamento sono molto vicini allo spirito libero di Walther. Come se partecipasse alla loro vita, racconta le loro usanze in onore della loro patrona, Sara Nera, con immagini dense di atmosfera e talvolta poetiche.

Fino alla sua partenza da Dresda, Walther sperimenta anche la stampa fine. I processi di copiatura con sottili gradazioni tonali e attraenti strutture superficiali hanno un aspetto pittorico. Sono sostituite da immagini strettamente formali con aree espressive in bianco e nero. Il lavoro in camera oscura rimane essenziale; solo qui l'immagine assume la sua forma finale attraverso l'uso sapiente dei processi tecnici. Nelle sue fotografie ha spinto all'estremo la potenza del disegno artistico, come dimostrano le fotografie di paesaggi della Cappadocia o dell'isola di Krk.

Fino al 1980 circa, Walther prediligeva l'immagine singola e stava dietro la macchina fotografica. Poi ha cambiato faccia, è diventato il modello di se stesso e si è messo in scena in vari ruoli. A volte si trova su un piedistallo traballante, spogliato fino a qualche striscia di stoffa stracciata, altre volte il suo corpo nudo è ricoperto di girasoli e cavoli. Le performance clownesche sembrano un'ironia contro se stesso, ma possono anche essere lette come una sorta di protesta impotente contro le avversità della vita. Lui stesso parla delle sue azioni come di forme accattivanti di avversione allo stare sull'attenti, all'eroismo, alla fucilazione e a un falso senso dell'onore.

Tutte le fotografie esposte sono state realizzate da Walther dal momento in cui sono state scattate fino alla stampa finita. I suoi principi e metodi di lavoro sono stati descritti in modo appropriato nel 1981 e nel 1986 in “Sehen, Empfinden, Gestalten” e “Künstlerische Porträt-Fotografie”.

Portraits, landscapes and photography are the focus of Pan Walther's decades of work. Images with harsh black and white contrasts, backlighting, low-angle shots or high-angle shots, and alienation effects are characteristic of the artist, who called himself a “light shaper” and took the forming of light literally. His approach to the medium is inventive, creative, experimental, even playful. Trained in the Netherlands and by Franz Fiedler in his hometown of Dresden, and influenced by the great portraiture of Hugo Erfurth, he developed his own method in the 1940s that cannot be clearly assigned to any particular style.

For his portraits, Walther chooses neutral backgrounds and usually narrow sections. The photographs are preceded by light and perspective studies. In the case of Wilhelm Rudolph, he focuses on the painter's profile. The sophisticated lighting explores and emphasizes the striking features and creates a plastic effect of heights and depths. Josef Hegenbarth's half-length portrait is also empathetic and expressive, more of an observation of the moment, which penetrates the painter in graphic contemplation.

In 1950, Walther and his wife, the photographer Christine Bellmann, moved from Dresden to Münster for political reasons and set up a new studio with her, which he ran until 1985. In addition to portraits of famous contemporaries, including Otto Dix and Willy Brandt, he now also focused on landscape and travel photography. He was particularly taken with the Mediterranean region. In Turkey, he captures the magic of ancient places of worship. But his main focus continues to be on the people. As in his studio, he seeks out intense and lively encounters with the protagonists. He often travels to Saintes-Maries-de-la-Mer in the Carmargue, where Sinti and Roma gather for a pilgrimage. Their way of life and temperament are very close to the free spirit Walther. As if he were part of their lives, he tells of their customs in honor of their patron saint, Black Sara, in atmospherically dense, sometimes poetic images.

Until he left Dresden, Walther also experimented with noble prints. The copying processes with fine tonal gradations and charming surface structures have a painterly look. They are replaced by austere images with expressive black and white surface divisions. The work in the darkroom remains essential; it is only here that the image takes on its final form through the skillful use of technical processes. In his photographics, he pushes the effectiveness of the artistic means of design to the limit, as evidenced by landscape photographs from Cappadocia or the island of Krk.

Until around 1980, Walther favored the single image and stood behind the camera. Then he changed sides, becoming his own model and staging himself in various roles. Sometimes he stands on a wobbly pedestal, naked except for a few strips of ragged cloth; sometimes his naked body is wrapped in sunflowers and cabbages. The clownish performances seem ironic to themselves, but can also be read as a kind of helpless protest against the adversities of life. He himself speaks of his actions as an endearing form of aversion to standing at attention, heroism, being shot dead and false honor.

Walther was responsible for every step of the process from taking the photograph to producing the finished print. In 1981 and 1986, he aptly presented his principles and working methods in text and visual form in his books “Sehen, Empfinden, Gestalten” (Seeing, Feeling, Creating) and “Künstlerische Porträt-Fotografie” (Artistic Portrait Photography).

(Text: Dorothea Cremer-Schacht)

Huis Marseille - Museum for Photography | Amsterdam
19. Oktober 2024 – 16. Februar 2025

Shadow Self - Portal to a Parallel World
Shuang Li, Charmaine Poh, Heesoo Kwon, Xiaopeng Yuan, Diane Severin Nguyen

„Wo beginnt ein Bild und wo endet es?“ Eine Frage - und eine Verantwortung - für zeitgenössische Künstler, die sich neuer Medien und Technologien wie der generativen KI bedienen. In Shadow Self untersuchen fünf Künstler diese entscheidende Frage aus einer persönlichen Perspektive.

Shadow Self wählt fünf Künstler aus, deren Arbeiten Parallelwelten aus einem persönlichen oder sogar autobiografischen Blickwinkel untersuchen. Das 'Schattenselbst', das in diesen Parallelwelten existiert, ist kein schwarzer Schatten, der der Geisterwelt eines Fantasy-Romans entkommen ist, sondern eine Öffnung in die Vorstellungskraft, ein Portal zu einer Welt, die von den Geistern der menschlichen Kreativität bevölkert wird. Das Bild weist den Weg in eine andere Dimension. Wie ist es, wenn man im Internet dauerhaft als das 12-jährige Kind existiert, das man einmal war, wie es der Künstlerin Charmaine Poh passiert ist? Was passiert, wenn die Geister der weiblichen Vorfahren plötzlich im täglichen Leben auftauchen, wie in der Arbeit von Heesoo Kwon? Dies sind nur zwei der Themen, die in der Ausstellung Shadow Self behandelt werden.

Physisch abwesend, virtuell anwesend
Ein Computerbildschirm war für die chinesische Künstlerin Shuang Li (1990) der einzige Zugang zur Welt außerhalb der kleinen Industriestadt in den Wuyi-Bergen, in der sie aufwuchs. Ihr Leben änderte sich, als sie die amerikanische Pop-Punk/Emo-Band My Chemical Romance entdeckte, deren Texte ihre Gefühle perfekt auszudrücken schienen. Shuang Li lernte Englisch durch ihre Aktivitäten in einem Internet-Fanforum. Die Subkultur des „Fandoms“ bildet auch weiterhin die Grundlage ihrer Arbeit, die Performance, Skulpturen, Videos und eine interaktive Website umfasst. Im Jahr 2022, als die Covid-Reisebeschränkungen sie in Europa hielten, schickte sie zwanzig Performer als ihre Avatare zu einer Galerieeröffnung in Shanghai. Sie waren identisch gekleidet: ein My Chemical Romance-T-Shirt über einem weißen Hemd, ein schwarzer Blazer, ein karierter Rock, schwarze Stiefel, Stulpen und ein silberfarbener Rucksack. Bei der Eröffnung lasen sie eine persönliche Nachricht von Li an ihre Freunde vor, und ihre Aktionen wurden mit einer The Matrix-ähnlichen Spionage-Cam-Brille aufgenommen. Das Video Déja Vu, das aus dieser Performance hervorging, reflektiert Lis fließende Existenz zwischen verschiedenen Städten, während Abriegelungen und Grenzschließungen, als Computerbildschirme ihr trotz ihrer physischen Abwesenheit eine virtuelle Präsenz verliehen. Im zweiten Video der Ausstellung, My Way Home Is through You (2023), verbindet Shuang Li Erinnerungen an ihre Jugend in China mit dem Cover eines Familienalbums und dem darin enthaltenen Bild eines Schweizer Schlosses, von dem sie später erfuhr, dass es eigentlich ein Jugendgefängnis war. Themen wie Gefangenschaft und die Allgegenwart von Archivbildern werden mit der Erforschung von Nostalgie, Heimweh, Gefühlen der Beengtheit und der Verwischung der Unterschiede zwischen Zeit und Entfernung kombiniert.

Zurück zur Kindheit im Werk von Charmaine Poh, Heesoo Kwon und Chino Otsuka
Es ist bemerkenswert, wie viele zeitgenössische Künstler in ihren Werken ihre Kindheit quasi wieder aufleben lassen. In den frühen 2000er Jahren war die in Singapur geborene Charmaine Poh (1990) ein Kinderstar in der Fernsehserie We Are R.E.M. Diese Erfahrung bildet die Grundlage für ihr Video GOOD MORNING YOUNG BODY (2023), in dem die ewig 12-jährige Figur E-Ching ein Deepfake ist, das aus im Internet gefundenem Filmmaterial von Pohs jüngerem Ich stammt. In dem Video reagiert E-Ching auf die öffentlichen Kommentare und die Kritik, der sie zu dieser Zeit ausgesetzt war. Charmaine Poh nutzt Film, Fotografie und Performance, um sich mit den vielen Fragen rund um den virtuellen Besitz auseinanderzusetzen. Das Projekt überschneidet sich auch mit ihrer Doktorarbeit über den queeren asiatischen Körper und seine digitale Darstellung.

Aus Frustration über die patriarchalische koreanische Kultur und den Katholizismus, in dem ihre Mutter, Großmutter und Urgroßmütter lebten, schuf die koreanische Künstlerin Heesoo Kwon (1990) 'Leymusoom', eine autobiografische feministische Religion. Indem sie eine Verbindung zu Schlangen herstellte, die ihre alte Haut abstreifen, visualisierte sie Leymusoom als eine fließende Einheit zwischen Schlange und Frau. Wie ein Reptil häuten sie sich in einem Prozess der Metamorphose und werden als queere Körper wiedergeboren, ohne die Last früherer Leben und des Patriarchats. In Lentikulardrucken, die Kwons Familienfotos aus ihrer Kindheit nachbilden, sehen wir Avatare ihrer weiblichen Vorfahren und Leymusoom, die als Schutzgötter erscheinen und wieder verschwinden. Kwon verwendet diese Avatare in ihren Videoarbeiten, um die Grenzen zwischen Zeit und Raum zu verwischen. Sie historisiert ihre matriarchalischen Abstammungslinien und schafft gleichzeitig eine gemeinschaftliche digitale Welt der Selbstbeobachtung für das Publikum, den Avatar und sich selbst. Über die Linsenrasterbildserie hinaus erweitert Kwon die Körperlichkeit ihrer eigenen Kindheitsfotos und hinterfragt deren Wahrheitsgehalt, indem sie Kompositionstechniken in Photoshop und das generative KI-Tool Adobe Firefly einsetzt. Firefly fungiert als Kollaborateur und Therapeut, der der Künstlerin hilft, ganzheitliche Rekonstruktionen des Hauses ihrer Kindheit zu schaffen. Dabei erweitert sie den ursprünglichen Blickwinkel der Kindheitsfotos, fügt Möbel aus der Umgebung hinzu und verzerrt die Körperteile der abgebildeten Familienmitglieder. Indem sie introspektive Fantasiewelten erschafft, die die koreanische Geschichte und das Familienarchiv re-historisieren, beleuchtet Kwon das Unsichtbare und ermöglicht es der Künstlerin, die Befreiung ihrer Vorfahren und ihres Selbst von der historischen Unterdrückung, die im Patriarchat wurzelt, zu verwirklichen.

Ein Pionier dieser Art von virtueller Zeitreise ist der japanische Künstler Chino Otsuka (1972), von dem einige seiner Fotografien in der Sammlung des Huis Marseille zu sehen sind. Otsuka hatte eine ungewöhnliche Kindheit, denn sie unternahm viele Reisen zusammen mit ihren Eltern. Im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts besuchte sie als Erwachsene erneut die Orte, die ihre Eltern 25 Jahre zuvor als Kind fotografiert hatten, und schuf neue fotografische Arbeiten, die ihr jüngeres und älteres Ich in einem einzigen Bild vereinen.

Das Bild als Portal
Ein Bild, das nicht virtuell ist, sondern mit einer analogen oder digitalen Kamera erstellt wurde, kann auch als Portal zu einem unbekannten Universum fungieren, das den Eindruck erweckt, als läge es hinter der sichtbaren Welt verborgen. Im Rahmen kommerzieller Fotoshootings schafft der chinesische Künstler Xiaopeng Yuan (1987) neue und unerwartete Geschichten durch die Manipulation von Körpern und Objekten im Raum und in unwahrscheinlichen Kombinationen. Die reine, saubere Sprache seiner Modefotografie steigert die Suggestivität seiner Bilder, denn Yuans ungewöhnliche Kombinationen regen zum Nachdenken über die Welt außerhalb des Fotorahmens an.

Die vietnamesisch-amerikanische Künstlerin Diane Severin Nguyen (1990) spricht von den „Wunden“ und „Brüchen“ im Bild, die sie für die Kamera mit ungewöhnlichen oder beunruhigenden Materialien, mit leuchtenden, feurigen Farben und in sinnliches Licht getaucht schafft. Die Kamera nimmt das Bild auf, und der Akt beinhaltet ein gewisses Maß an Gewalt. Der in der Ausstellung gezeigte Film Tyrant Star ist voller gesättigter Bilder, die ein mysteriöses, paralleles Leben zu verbergen scheinen, das ein Schnitt offenbaren würde.

« Où commence et où finit une image ? Une question - et une responsabilité - pour les artistes contemporains qui utilisent les nouveaux médias et les technologies telles que l'IA générative. Dans Shadow Self, cinq artistes examinent cette question cruciale d'un point de vue personnel.

Shadow Self choisit cinq artistes dont le travail explore des mondes parallèles d'un point de vue personnel, voire autobiographique. L'« ombre de soi » qui existe dans ces mondes parallèles n'est pas une ombre noire échappée du monde fantomatique d'un roman fantastique, mais une ouverture sur l'imagination, un portail vers un monde peuplé par les esprits de la créativité humaine. L'image indique le chemin vers une autre dimension. Qu'est-ce que cela signifie d'exister en permanence sur l'internet comme l'enfant de 12 ans que vous avez été, comme cela est arrivé à l'artiste Charmaine Poh ? Que se passe-t-il lorsque les fantômes d'ancêtres féminins apparaissent soudainement dans la vie quotidienne, comme dans l'œuvre de Heesoo Kwon ? Ce ne sont là que deux des thèmes explorés dans l'exposition Shadow Self.

Absence physique, présence virtuelle
Pour l'artiste chinoise Shuang Li (1990), l'écran d'ordinateur était le seul moyen d'accéder au monde extérieur à la petite ville industrielle des montagnes de Wuyi où elle a grandi. Sa vie a changé lorsqu'elle a découvert le groupe américain pop-punk/emo My Chemical Romance, dont les paroles semblaient exprimer parfaitement ses sentiments. Shuang Li a appris l'anglais grâce à ses activités sur un forum de fans sur Internet, et la sous-culture du « fandom » continue de former la base de son travail, qui englobe la performance, la sculpture, la vidéo et un site web interactif. En 2022, alors que les restrictions de voyage de Covid la retenaient en Europe, elle a envoyé vingt performeurs comme avatars à l'ouverture d'une galerie à Shanghai. Ils étaient vêtus à l'identique, d'un t-shirt My Chemical Romance sur une chemise blanche, d'un blazer noir, d'une jupe à carreaux, de bottes noires, de jambières et d'un sac à dos argenté. Lors de l'ouverture, ils ont lu un message personnel de Li à ses amis, et leurs actions ont été enregistrées à l'aide de lunettes espionnes semblables à celles de The Matrix. La vidéo qui a résulté de cette performance, Déja Vu, reflète l'existence fluide de Li entre différentes villes, pendant les périodes de bouclage et de fermeture des frontières, lorsque les écrans d'ordinateur lui donnaient une présence virtuelle en dépit de son absence physique. Dans la deuxième vidéo de l'exposition, My Way Home Is through You (2023), Shuang Li relie les souvenirs de sa jeunesse en Chine à la couverture d'un album de photos de famille et à l'image d'un château suisse, dont elle a découvert plus tard qu'il s'agissait en fait d'une prison pour mineurs. Des thèmes tels que l'emprisonnement et l'omniprésence des images d'archives sont associés à des recherches sur la nostalgie, le mal du pays, le sentiment d'enfermement et l'estompement des distinctions entre le temps et la distance.

Retour à l'enfance dans les œuvres de Charmaine Poh, Heesoo Kwon et Chino Otsuka
Il est remarquable de constater que de nombreux artistes contemporains ressuscitent virtuellement leur enfance dans leur travail. Au début des années 2000, Charmaine Poh (1990), née à Singapour, a été un enfant acteur dans la série télévisée We Are R.E.M. Cette expérience est à la base de sa vidéo GOOD MORNING YOUNG BODY (2023), dans laquelle le personnage E-Ching, éternellement âgé de 12 ans, est un deepfake dérivé de séquences du jeune moi de Poh trouvées sur Internet. Dans la vidéo, E-Ching répond aux commentaires du public et à l'examen minutieux dont elle a fait l'objet à l'époque. Charmaine Poh utilise le cinéma, la photographie et la performance pour aborder les nombreuses questions liées à la propriété virtuelle. Cela recoupe également ses recherches de doctorat sur le corps asiatique queer et sa représentation numérique.

Frustrée par la culture patriarcale coréenne et le catholicisme dans lesquels vivaient sa mère, sa grand-mère et ses arrière-grands-mères, l'artiste coréenne Heesoo Kwon (1990) a créé « Leymusoom », une religion féministe autobiographique. Faisant le lien avec les serpents qui se débarrassent de leur vieille peau, elle a imaginé Leymusoom comme une entité fluide entre le serpent et la femme. Comme un reptile, elles perdent leur peau dans un processus de métamorphose, renaissant en tant que corps queer sans le fardeau des vies antérieures et du patriarcat. Dans les impressions lenticulaires qui réimaginent les photographies de famille de l'enfance de Kwon, nous voyons des avatars de ses ancêtres féminines et de Leymusoom, qui apparaissent et disparaissent comme des dieux protecteurs. Kwon utilise ces avatars dans ses œuvres vidéo pour brouiller les frontières entre le temps et l'espace, historicisant ses lignées matriarcales tout en créant un monde numérique commun d'introspection pour le public, l'avatar et soi-même. Au-delà de la série d'images lenticulaires, Kwon élargit la physicalité et remet en question la véracité de la mémoire de ses propres photos d'enfance en utilisant des techniques composites dans Photoshop et l'outil d'IA générative Adobe Firefly. Firefly agit comme un collaborateur et un thérapeute, aidant l'artiste à créer des reconstructions holistiques de la maison de son enfance - en étendant le point de vue original des photos d'enfance, en ajoutant les meubles environnants et en déformant les parties du corps des membres de la famille représentés. En créant des mondes fantastiques introspectifs qui réhistoricisent l'histoire coréenne et les archives familiales, Kwon illumine l'invisible, permettant à l'artiste d'actualiser la libération de ses ancêtres et de sa propre personne de l'oppression historique enracinée dans le patriarcat.

L'artiste japonais Chino Otsuka (1972), dont certaines photographies font partie de la collection de l'Huis Marseille, est un pionnier de ce type de voyage virtuel dans le temps. Otsuka a eu une enfance inhabituelle, en raison des nombreux voyages qu'elle a effectués avec ses parents. Au cours de la première décennie du XXIe siècle, elle a revisité, en tant qu'adulte, les endroits où ses parents l'avaient photographiée enfant, 25 ans plus tôt, et a créé de nouvelles œuvres photographiques qui réunissent en une seule image son moi jeune et son moi plus âgé.

L'image comme portail
Une image qui n'est pas virtuelle, mais qui a été créée à l'aide d'un appareil photo analogique ou numérique, peut également fonctionner comme un portail vers un univers inconnu qui donne l'impression de se cacher derrière le monde visible. Dans le contexte des séances de photos commerciales, l'artiste chinois Xiaopeng Yuan (1987) crée des histoires nouvelles et inattendues en manipulant des corps et des objets dans l'espace et dans des combinaisons improbables. Le langage pur et épuré de ses photographies de mode augmente en fait le caractère suggestif de ses images, car les combinaisons inhabituelles de Yuan nous font réfléchir au monde qui se trouve en dehors du cadre de la photo.

L'artiste vietnamienne-américaine Diane Severin Nguyen (1990) parle de « blessures » et de « ruptures » dans l'image qu'elle crée pour l'appareil photo en utilisant des matériaux inhabituels ou déconcertants, des couleurs vives et ardentes et une lumière sensuelle. La caméra enregistre l'image et l'acte comporte un certain degré de violence. Le film Tyrant Star présenté dans l'exposition est rempli d'images saturées qui semblent cacher une vie parallèle et mystérieuse, qu'une incision révélerait.

“Dove inizia e dove finisce un'immagine?”. Una domanda - e una responsabilità - per gli artisti contemporanei che fanno uso di nuovi media e tecnologie come l'AI generativa. In Shadow Self cinque artisti esaminano questa questione cruciale da una prospettiva personale.

Shadow Self sceglie cinque artisti il cui lavoro indaga mondi paralleli da un punto di vista personale o addirittura autobiografico. Il 'sé ombra' che esiste in questi mondi paralleli non è un'ombra nera sfuggita dal mondo spettrale di un romanzo fantasy, ma un'apertura nell'immaginazione, un portale verso un mondo popolato dagli spiriti della creatività umana. L'immagine indica la strada verso un'altra dimensione. Cosa significa esistere in modo permanente su Internet come la bambina di 12 anni che si era una volta, come è successo all'artista Charmaine Poh? Cosa succede quando i fantasmi degli antenati femminili appaiono improvvisamente nella vita quotidiana, come nel lavoro di Heesoo Kwon? Questi sono solo due dei temi esplorati nella mostra Shadow Self.

Fisicamente assente, virtualmente presente
Lo schermo di un computer ha offerto all'artista cinese Shuang Li (1990) il suo unico accesso al mondo al di fuori della piccola città industriale sulle Montagne Wuyi dove è cresciuta. La sua vita è cambiata quando ha scoperto il gruppo pop-punk/emo americano My Chemical Romance, i cui testi sembravano esprimere perfettamente i suoi sentimenti. Shuang Li ha imparato l'inglese grazie alle sue attività in un forum di fan su Internet, e la sottocultura 'fandom' continua a costituire la base del suo lavoro, che comprende performance, sculture, video e un sito web interattivo. Nel 2022, quando le restrizioni di viaggio Covid la trattenevano in Europa, ha inviato venti performer come suoi avatar all'inaugurazione di una galleria a Shanghai. Erano vestiti in modo identico, con una maglietta dei My Chemical Romance sopra una camicia bianca, un blazer nero, una gonna a scacchi, stivali neri, scaldamuscoli e uno zaino color argento. All'apertura hanno letto un messaggio personale di Li ai suoi amici, e le loro azioni sono state registrate con occhiali spy-cam simili a quelli di The Matrix. Il video che è nato da questa performance, Déja Vu, riflette sull'esistenza fluida di Li tra diverse città, durante le serrate e i periodi di chiusura dei confini, quando gli schermi dei computer le davano una presenza virtuale nonostante la sua assenza fisica. Nel secondo video della mostra, My Way Home Is through You (2023), Shuang Li collega i ricordi della sua giovinezza in Cina alla copertina di un album fotografico di famiglia e alla sua immagine di repertorio di un castello svizzero, che poi ha scoperto essere in realtà un carcere minorile. Temi come la prigionia e l'ubiquità delle immagini di repertorio sono combinati con la ricerca sulla nostalgia, la nostalgia di casa, i sentimenti di confinamento e l'offuscamento delle distinzioni tra tempo e distanza.

Ritorno all'infanzia nel lavoro di Charmaine Poh, Heesoo Kwon e Chino Otsuka
È notevole come molti artisti contemporanei stiano virtualmente resuscitando la loro infanzia nelle loro opere. All'inizio degli anni 2000, Charmaine Poh (1990), nata a Singapore, è stata un'attrice bambina nella serie televisiva We Are R.E.M. L'esperienza costituisce la base del suo video GOOD MORNING YOUNG BODY (2023), in cui il personaggio E-Ching, eternamente dodicenne, è un deepfake derivato da filmati dell'io più giovane di Poh trovati su Internet. Nel video E-Ching risponde ai commenti e agli sguardi del pubblico a cui era esposta all'epoca. Charmaine Poh utilizza il cinema, la fotografia e la performance per affrontare le numerose questioni che circondano la proprietà virtuale. Si sovrappone anche alla sua ricerca di dottorato sul corpo asiatico queer e la sua rappresentazione digitale.

Frustrata dalla cultura patriarcale coreana e dal cattolicesimo in cui vivevano sua madre, sua nonna e le sue bisnonne, l'artista coreana Heesoo Kwon (1990) ha creato 'Leymusoom', una religione femminista autobiografica. Tracciando un collegamento con i serpenti che si liberano della loro vecchia pelle, ha visualizzato Leymusoom come un'entità fluida tra serpente e donna. Come un rettile, si liberano della pelle in un processo di metamorfosi, rinascendo come corpi queer senza il peso delle vite precedenti e del patriarcato. Nelle stampe lenticolari che reimmaginano le fotografie di famiglia dell'infanzia di Kwon, vediamo gli avatar delle sue antenate e di Leymusoom, che appaiono e scompaiono come divinità protettrici. Kwon utilizza questi avatar nelle sue opere video per confondere i confini tra tempo e spazio, storicizzando i suoi lignaggi matriarcali e creando al contempo un mondo digitale comune di introspezione per il pubblico, l'avatar e il sé. Al di là della serie di immagini lenticolari, Kwon espande la fisicità e mette in discussione la veridicità della memoria all'interno delle sue foto d'infanzia, utilizzando tecniche composite in Photoshop e lo strumento di AI generativa Adobe Firefly. Firefly agisce come un collaboratore e un terapeuta, aiutando l'artista a creare ricostruzioni olistiche della sua casa d'infanzia - estendendo il punto di vista originale delle fotografie d'infanzia, aggiungendo mobili circostanti e distorcendo le parti del corpo dei membri della famiglia ritratti. Creando mondi fantastici introspettivi che ri-storicizzano la storia coreana e l'archivio familiare, Kwon illumina l'invisibile, permettendo all'artista di realizzare la liberazione dei suoi antenati e di se stessa dall'oppressione storica radicata nel patriarcato.

Un pioniere di questo tipo di viaggio virtuale nel tempo è l'artista giapponese Chino Otsuka (1972), alcune delle cui fotografie sono incluse nella collezione di Huis Marseille. Otsuka ha avuto un'infanzia insolita, a causa dei numerosi viaggi che ha fatto insieme ai suoi genitori. Nel primo decennio del XXI secolo ha rivisitato da adulta i luoghi che erano stati fotografati da bambina dai suoi genitori 25 anni prima, e ha creato nuove opere fotografiche che uniscono il suo io più giovane e quello più anziano in un'unica immagine.

L'immagine come portale
Un'immagine che non è virtuale, ma che è stata creata con una fotocamera analogica o digitale, può anche funzionare come un portale verso un universo sconosciuto che dà l'impressione di essere nascosto dietro il mondo visibile. Nel contesto dei servizi fotografici commerciali, l'artista cinese Xiaopeng Yuan (1987) crea storie nuove e inaspettate attraverso la manipolazione di corpi e oggetti nello spazio e in combinazioni improbabili. Il linguaggio puro e pulito della sua fotografia di moda aumenta in realtà la suggestività delle sue immagini, in quanto le combinazioni insolite di Yuan fanno pensare al mondo al di fuori della cornice della foto.

L'artista vietnamita-americana Diane Severin Nguyen (1990) parla di 'ferite' e 'rotture' nell'immagine che crea per la macchina fotografica utilizzando materiali insoliti o sconcertanti, con colori brillanti e infuocati e inondati di luce sensuale. La telecamera registra l'immagine e l'atto comporta un certo grado di violenza. Il film Tyrant Star presentato in mostra è ricco di immagini sature che sembrano nascondere una vita misteriosa e parallela, che un'incisione rivelerebbe.

“Where does an image begin and where does it end?” A question – and a responsibility – for contemporary artists who make use of new media and technologies such as generative AI. In Shadow Self five artists examine this crucial issue from a personal perspective.

Shadow Self chooses five artists whose work investigates parallel worlds from a personal or even autobiographical standpoint. The ‘shadow self’ that exists in these parallel worlds is not a black shadow escaped from the ghostly world of a fantasy novel, but an opening into imagination, a portal to a world populated by the spirits of human creativity. The image points the way to another dimension. What is it like to exist permanently on the internet as the 12-year-old child you once were, as happened to the artist Charmaine Poh? What happens when the ghosts of female ancestors suddenly appear in daily life, as in work by Heesoo Kwon? These are just two of the topics explored in the exhibition Shadow Self.

Physically absent, virtually present
A computer screen offered the Chinese artist Shuang Li (1990) her only access to the world outside the small industrial town in the Wuyi Mountains where she grew up. Her life changed when she discovered the American pop-punk/emo band My Chemical Romance, whose lyrics seemed to express her feelings perfectly. Shuang Li learned English through her activities on an internet fan forum, and ‘fandom’ subculture continues to form the base of her work, encompassing performance, sculpture, video, and an interactive website. In 2022, when Covid travel restrictions kept her in Europe, she sent twenty performers as her avatars to a gallery opening in Shanghai. They were dressed identically, in a My Chemical Romance t-shirt over a white shirt, a black blazer, a checkered skirt, black boots, legwarmers, and a silver-coloured backpack. At the opening they read out a personal message from Li to her friends, and their actions were recorded with The Matrix-like spy-cam glasses. The video that resulted from this performance, Déja Vu, reflects on Li’s fluid existence between different towns, during lockdowns and closed-border periods, when computer screens gave her a virtual presence despite her physical absence. In the second video in the exhibition, My Way Home Is through You (2023), Shuang Li links memories of her youth in China to the cover of a family photo album and its stock image of a Swiss castle, which she later discovered was actually a juvenile prison. Themes such as imprisonment and the ubiquity of stock images are combined with research into nostalgia, homesickness, feelings of confinement, and the blurring of distinctions between time and distance.

Back to childhood in the work of Charmaine Poh, Heesoo Kwon, and Chino Otsuka
It is remarkable how many contemporary artists are virtually resurrecting their childhoods in their work. In the early 2000s the Singapore-born Charmaine Poh (1990) was a child star actor in the television series We Are R.E.M. The experience forms the basis of her video GOOD MORNING YOUNG BODY (2023), in which the eternally 12-year-old character E-Ching is a deepfake derived from footage of Poh’s younger self found on the internet. In the video E-Ching responds to the public comments and scrutiny she was exposed to at the time. Charmaine Poh uses film, photography and performance to address the many issues surrounding virtual ownership. It also overlaps with her PhD research into the queer Asian body and its digital depiction.

Frustrated with the patriarchal Korean culture and Catholicism under which her mother, grandmother, and great-grandmothers lived, Korean artist Heesoo Kwon (1990) created ‘Leymusoom’, an autobiographical feminist religion. Drawing a connection to snakes shedding their old skin, she visualized Leymusoom as a fluid entity between snake and woman. Like a reptile, they shed their skin in a process of metamorphosis, reborn as queer bodies without the burden of previous lives and patriarchy. In lenticular prints that reimagine Kwon’s childhood family photographs, we see avatars of her female ancestors and Leymusoom, appear and disappear as patron gods. Kwon uses these avatars in her video works to blur boundaries between time and space, historicizing her matriarchal lineages while creating a communal digital world of introspection for the audience, avatar, and self. Beyond the lenticular image series, Kwon expands the physicality of and questions the veracity of memory within her own childhood photos by using composite techniques in Photoshop and the generative AI tool Adobe Firefly. Firefly acts as a collaborator and a therapist, helping the artist create holistic reconstructions of her childhood home — extending the original viewpoint of childhood photographs, adding surrounding furniture, and distorting the body parts of the pictured family members. In creating introspective fantasy worlds that re-historicize Korean history and the family archive, Kwon illuminates the invisible, allowing the artist to actualize the liberation of her ancestors and self from historical oppression rooted in patriarchy.

A pioneer in this sort of virtual time travel is the Japanese artist Chino Otsuka (1972), some of whose photographs are included in Huis Marseille’s own collection. Otsuka had an unusual childhood, because of the many journeys she made together with her parents. In the first decade of the 21st century she revisited as an adult the places she had been photographed as a child by her parents 25 years earlier, and created new photographic works that united her younger and older self in a single image.

The image as a portal
An image that is not virtual, but which has been created using an analogue or digital camera, may also function as a portal to an unfamiliar universe that gives the impression that it lies hidden behind the visible world. Within the context of commercial photoshoots the Chinese artist Xiaopeng Yuan (1987) creates new and unexpected stories through the manipulation of bodies and objects in space and in unlikely combinations. The pure, clean language of his fashion photography actually increases the suggestiveness of his images, as Yuan’s unusual combinations makes one think about the world outside the frame of the photo.

The Vietnamese-American artist Diane Severin Nguyen (1990) speaks of the ‘wounds’ and ‘ruptures’ in the image that she creates for the camera using unusual or disconcerting materials, with bright, fiery colours, and doused in sensual light. The camera records the image, and the act involves a certain degree of violence. The film Tyrant Star shown in the exhibition is full of saturated images that appear to conceal a mysterious, parallel life, one which an incision would reveal.

Dit najaar toont Huis Marseille Shadow Self – Portal to a Parallel World, met werk van Shuang Li (1990), Charmaine Poh (1990), Heesoo Kwon (1990), Xiaopeng Yuan (1987) en Diane Severin Nguyen (1990). ‘Waar begint een beeld en waar houdt het op?’ Dat is een vraag aan – en ook een verantwoordelijkheid van – hedendaagse kunstenaars die van nieuwe media en technologieën zoals generatieve AI gebruikmaken. In Shadow Self onderzoeken vijf kunstenaars deze essentiële vraag vanuit een persoonlijk perspectief.

Voor Shadow Self werden vijf kunstenaars uitgenodigd die vanuit een persoonlijke of zelfs autobiografische benadering parallelle werelden onderzoeken. Het ‘schaduwzelf’ dat zich in die parallelle wereld ophoudt, is hier geen zwarte schaduw die is ontsnapt uit het schimmenrijk van een fantasyroman, maar een opening naar de verbeelding, naar een wereld bevolkt door de geesten van de creativiteit. Het beeld wijst de weg naar een andere dimensie. Hoe is het om op internet eeuwig te blijven voortbestaan als het twaalfjarige kind dat je ooit was, zoals kunstenaar Charmaine Poh overkwam? Wat gebeurt er als de schimmen van vrouwelijke voorouders opeens opduiken in het dagelijks leven, zoals in het werk van Heesoo Kwon? Dit zijn slechts een paar van de onderwerpen die in de tentoonstelling Shadow Self aan de orde komen.

Fysiek afwezig maar virtueel aanwezig
Het computerbeeldscherm bood de Chinese kunstenaar Shuang Li (1990) de enige toegang tot de wereld buiten het kleine, industriële stadje in het Wuyi-berggebied waar ze opgroeide. Haar leven veranderde toen ze de Amerikaanse pop-punk/emoband My Chemical Romance ontdekte, die in hun songteksten haar gevoelens ultiem tot uitdrukking leken te brengen. Shuang Li leerde Engels via haar activiteiten op een forum voor fans op internet, en het fenomeen ‘fandom’ (ofwel: een subcultuur van fans) vormt nog steeds de basis van haar werk, dat performance, beeldhouwwerk, video en een interactieve website omvat. In 2022, toen ze vanwege Covid-reisbeperkingen in Europa moest blijven, stuurde ze twintig performers als haar avatars naar een galerieopening in Shanghai. Ze waren identiek gekleed in een My Chemical Romance-T-shirt over een wit hemd, met een zwarte blazer, een geruit rokje, zwarte laarzen, beenwarmers en een zilverkleurige rugzak. Op de opening moesten ze een persoonlijk bericht van Li aan haar vrienden voorlezen en hun acties werden met The Matrix-achtige spycambrillen vastgelegd. In de uit deze performance voortgekomen video Déja Vu wordt gereflecteerd op Li’s fluïde bestaan tussen steden, tijdens lockdowns en periodes van gesloten grenzen, wanneer beeldschermen haar ondanks fysieke afwezigheid virtueel aanwezig maken. In de tweede video die op de tentoonstelling te zien is, My Way Home Is through You (2023), verbindt Shuang Li herinneringen aan haar jeugd in China aan het omslag van een familiefotoalbum met een stockafbeelding van een Zwitsers kasteel, waarvan ze later ontdekte dat het in werkelijkheid een jeugdgevangenis is. Thema’s als gevangenzitten en de alomtegenwoordigheid van stockafbeeldingen vermengen zich met een onderzoek naar nostalgie, heimwee, het gevoel opgesloten te zijn en het vervagen van grenzen tussen tijd en afstand.

Terug naar de kindertijd in het werk Charmaine Poh, Heesoo Kwon en Chino Otsuka
Het is opvallend hoeveel hedendaagse kunstenaars hun kindertijd virtueel in hun werk laten herleven. De in Singapore geboren Charmaine Poh (1990) acteerde in de vroege jaren 2000 als kindsterretje in de televisieserie We Are R.E.M. Op deze ervaring baseerde ze haar video GOOD MORNING YOUNG BODY (2023), waarin het eeuwig twaalfjarige personage E-Ching als deepfake is ontstaan uit footage van Pohs jongere zelf die op internet rondzwierf. In de video reageert E-Ching op de publieke commentaren en kritiek waaraan ze in die tijd blootstond. Charmaine Poh richt zich met film, fotografie en performance op de veelheid aan kwesties rond virtueel eigenaarschap. Dit overlapt met haar promotieonderzoek naar het Aziatische queer lichaam en de digitale weergave hiervan.

Om uiting te geven aan haar frustratie over de patriarchale Koreaanse cultuur en het katholicisme waaronder haar moeder, grootmoeder en overgrootmoeders gebukt gingen, creëerde de Zuid-Koreaanse kunstenaar Heesoo Kwon (1990) een autobiografische feministische religie: Leymusoom. Naar analogie van de slang die haar oude huid afwerpt verbeeldde zij Leymusoom als een fluïde entiteit tussen slang en vrouw. In dit proces van metamorfose wordt het reptiel herboren als een queer lichaam, onbezwaard door vorige levens en het patriarchaat. In lenticulaire prints van Kwons familiefoto’s wordt haar kindertijd opnieuw verbeeld en zien we avatars van haar vrouwelijke voorouders en Leymusoom als beschermgoden verschijnen en weer verdwijnen. Kwon gebruikt deze avatars in haar videowerken om de grenzen tussen tijd en ruimte te vervagen, haar matriarchale afstamming te historiseren en tegelijkertijd een gemeenschappelijke digitale wereld van introspectie te creëren voor de kijker, de avatar en zichzelf. Naast deze lenticulaire druktechniek maakt Kwon ook gebruik van compositietechnieken in Photoshop en de generatieve AI-tool Adobe Firefly om in haar jeugdfoto’s de tastbaarheid van herinneringen te vergroten en de betrouwbaarheid van het geheugen te onderzoeken. Firefly fungeert daarbij als medewerker en therapeut en helpt de kunstenaar holistische reconstructies van haar kindertijd te maken door het oorspronkelijke gezichtspunt van de jeugdfoto’s uit te breiden, meubels toe te voegen en de lichaamsdelen van de afgebeelde familieleden te vervormen. Door introspectieve fantasiewerelden te creëren en aldus de Koreaanse geschiedenis en het familiearchief in een nieuw historisch perspectief te plaatsen, belicht Kwon het onzichtbare en kan zij haar voorouders en zichzelf bevrijden van de in het patriarchaat gewortelde onderdrukking.

Een voorloper is de Japanse kunstenaar Chino Otsuka (1972), van wie Huis Marseille foto’s in de collectie heeft. Otsuka beleefde een ongebruikelijke jeugd door de vele reizen die ze met haar ouders maakte. In het eerste decennium van de 21e eeuw bezocht ze als volwassene de plekken waar ze als kind zo’n 25 jaar eerder door haar ouders was gefotografeerd en maakte ze een nieuw fotowerk waarin haar jongere en oudere zelf op één beeld zijn samengebracht.

Het beeld als poort
Ook een beeld dat niet virtueel, maar met een analoge of digitale camera wordt gemaakt, kan fungeren als een portaal naar een onbekend universum waarvan de suggestie wordt gewekt dat het zich achter het zichtbare verschuilt. De Chinese kunstenaar Xiaopeng Yuan (1987) creëert binnen de context van commerciële fotoshoots nieuwe, onverwachte verhalen door de bijzondere manier waarop hij modellen en objecten bij elkaar brengt. De pure, cleane taal van zijn modefotografie draagt juist bij aan de suggestiviteit van het beeld, doordat Yuans ongebruikelijke combinaties de geest aan het denken zetten over zaken buiten het frame van de foto.

De Vietnamees-Amerikaanse kunstenaar Diane Severin Nguyen (1990) spreekt van ‘wonden’ en ‘breuken’ in het beeld dat ze voor de camera creëert met ongebruikelijke of vervreemdende materialen, met levendige, vurige kleuren en gedrenkt in sensueel licht. De camera legt de beelden vast en in die actie schuilt al een zekere mate van geweld. De film Tyrant Star die in de tentoonstelling getoond wordt, zit vol verzadigde beelden die een mysterieus, parallel leven in zich lijken te bergen dat zich via een snede zou kunnen openbaren.

(Text: Benjamin vanGaalen, Huis Marseille - Museum for Photography, Amsterdam)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
19. Oktober 2024 – 26. Januar 2025

Bilder und Fragmente
Binia Bill

Ambitioniert und selbstbewusst wandte sich Binia Bill (19041988) der Fotografie zu: Nach ihrer Ausbildung zur Konzertcellistin besuchte sie 1930 die Fotoklasse von Lucia Moholy an der Berliner Itten-Schule und arbeitete zurück in Zürich als freie Fotografin. 1931 heiratete sie den Architekten und Künstler Max Bill. Für den gemeinsamen Lebensunterhalt gestaltete das Ehepaar Werbeaufträge, für die sie das Bildmaterial produzierte und er Typografie und Layout entwarf. In den darauffolgenden Jahren schuf Binia Bill ein beachtliches fotografisches Werk: Ihre Porträtaufnahmen und Stillleben zeichnen sich durch eine klare Bildsprache aus, die mit der Ästhetik des «Neuen Sehens» verwandt ist. Das Interesse für Perspektiven und Oberflächen, für das Spiel mit Licht und Schatten verband Binia Bill jedoch mit einer ganz eigenen Sensibilität, die ihren Blick auf Objekte, Pflanzen, Tiere und Menschen prägte.

Als sie 1942 Mutter wurde, gab Binia Bill die Fotografie auf – ihr Werk geriet in Vergessenheit. Was davon erhalten ist, zeugt nicht nur von einer aussergewöhnlichen Schaffenskraft, sondern weist ihr auch einen wichtigen Platz in der Fotogeschichte zu. Sie gehört zu den wenigen Frauen in der Schweiz, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts professionell und künstlerisch mit der Kamera tätig waren. Genau zwei Jahrzehnte nach der ersten und bisher einzigen Retrospektive im Aargauer Kunsthaus ist es höchste Zeit, ihr Schaffen mit Einbezug unveröffentlichter Arbeiten neu zu würdigen.

C’est avec ambition et assurance que Binia Bill (1904–1988) se tourna vers la photographie. Après sa formation de violoncelliste, elle suivit en 1930 la classe de photographie de Lucia Moholy à l’école Itten de Berlin et travailla ensuite, de retour à Zurich, comme photographe indépendante. En 1931, elle épousa l’architecte et artiste Max Bill. Pour subvenir ensemble à leurs besoins, le couple réalisait des commandes publicitaires pour lesquelles elle produisait le matériel photographique, alors que lui concevait la typographie et la mise en page. Dans les années qui suivirent, Binia Bill créa une oeuvre photographique considérable : ses portraits et ses natures mortes se caractérisent par un langage visuel clair qui s’apparente à l’esthétique du mouvement de la « Neues Sehen ». L’intérêt de Binia Bill pour les perspectives et les surfaces, pour les jeux d’ombre et de lumière, était cependant accompagné d’une sensibilité toute particulière qui marqua son regard sur les objets, les plantes, les animaux et les hommes.

Lorsqu’elle devint mère en 1942, Binia Bill abandonna la photographie, et son œuvre tomba dans l’oubli. Ce qui en reste témoigne non seulement d’une force créatrice exceptionnelle, mais lui confère également une place importante dans l’histoire de la photographie. Elle fait partie des rares femmes en Suisse qui utilisèrent l’appareil photo de manière professionnelle et artistique durant la première moitié du XXe siècle. Exactement deux décennies après la première et jusqu’à présent unique rétrospective à l’Aargauer Kunsthaus, il est grand temps de rendre un nouvel hommage à son oeuvre en y incluant des travaux inédits.