Landesgalerie Niederösterreich | Krems
13. April 2024 – 16. Februar 2025

Elfriede Mejchar. Grenzgängerin der Fotografie

Elfriede Mejchar (1924-2020) gilt als Grande Dame der österreichischen Fotografie. Sie erfuhr erst im hohen Alter die gebührende öffentliche Anerkennung. Die große Jubiläumsausstellung würdigt die Künstlerin anlässlich ihres 100. Geburtstags.

Elfriede Mejchar war fast vierzig Jahre im Dienst des österreichischen Bundesdenkmalamtes tätig. Ihre Aufgabe lag in der fotografischen Dokumentation von Baudenkmälern und Kunstwerken. Neben dem reichen Fundus an Fotografien, die dem Anspruch und der Ästhetik des Dokumentarischen folgen, umfasst Mejchars Œuvre auch eine Vielzahl von reinen Atelierarbeiten, deren Motivik von Pflanzenstudien über skurrile Stillleben bis hin zu Collagen und Experimenten mit Sandwichtechnik reicht.

Mit 35 Werkgruppen präsentiert die Retrospektive das facettenreiche, zwischen Dokumentation und Inszenierung oszillierende Schaffen der Fotografin. Von sachlichen Architekturaufnahmen bis zu Mejchars experimentellen Arbeiten sie Einblick in das Lebenswerk der Künstlerin und stellt sie als Person und ihre Techniken in den Fokus.

Die Werke stammen fast zur Gänze aus den Landessammlungen Niederösterreich, die 2013 das Lebenswerk von Mejchar als Schenkung erhalten haben.

Kurator:innen: Alexandra Schantl, Edgar Lissel

Kooperation mit Wien und Salzburg

2024 widmen in Kooperation mit der Landesgalerie Niederösterreich auch das Wien Museum MUSA und das Museum der Moderne Salzburg der Fotografin Elfriede Mejchar Ausstellungen mit unterschiedlichen Schwerpunkten. In Zusammenarbeit der drei Museen erscheint ein Fotobuch, das die unterschiedlichen Facetten des Gesamtwerks von Elfriede Mejchar vorstellt.

Elfriede Mejchar (1924-2020) est considérée comme la grande dame de la photographie autrichienne. Ce n'est qu'à un âge avancé qu'elle a obtenu la reconnaissance publique qu'elle méritait. La grande exposition anniversaire rend hommage à l'artiste à l'occasion de son centième anniversaire.

Elfriede Mejchar a travaillé pendant près de quarante ans au service de l'Office fédéral autrichien des monuments historiques. Sa mission consistait à documenter par la photographie les monuments historiques et les œuvres d'art. Outre le riche fonds de photographies qui suivent l'exigence et l'esthétique du documentaire, l'œuvre de Mejchar comprend également un grand nombre de travaux purement d'atelier, dont les motifs vont des études de plantes aux collages et aux expériences avec la technique du sandwich, en passant par des natures mortes bizarres.

Avec 35 groupes d'œuvres, la rétrospective présente les multiples facettes de l'œuvre de la photographe, qui oscille entre documentation et mise en scène. Des photos d'architecture objectives aux travaux expérimentaux de Mejchar, elle donne un aperçu de l'œuvre de l'artiste et met l'accent sur la personne et ses techniques.

La quasi-totalité des œuvres provient des collections du Land de Basse-Autriche, qui ont reçu l'œuvre de Mejchar en donation en 2013.

Les commissaires d'exposition : Alexandra Schantl, Edgar Lissel

Coopération avec Vienne et Salzbourg

En 2024, le Wien Museum MUSA et le Museum der Moderne Salzburg consacreront, en coopération avec la Landesgalerie Niederösterreich, des expositions à la photographe Elfriede Mejchar, avec différents points forts. Un livre de photos présentant les différentes facettes de l'ensemble de l'œuvre d'Elfriede Mejchar est publié en collaboration entre les trois musées.

Elfriede Mejchar (1924-2020) è considerata la grande dama della fotografia austriaca. Ha ricevuto il riconoscimento pubblico che meritava solo in età avanzata. Questa grande mostra celebrativa rende omaggio all'artista in occasione del suo centesimo compleanno.

Elfriede Mejchar ha lavorato per l'Ufficio federale austriaco per i monumenti per quasi quarant'anni. Il suo compito era la documentazione fotografica di monumenti architettonici e opere d'arte. Oltre al ricco fondo di fotografie che seguono le esigenze e l'estetica del documentario, l'opera di Mejchar comprende anche un gran numero di lavori di puro studio i cui motivi spaziano da studi di piante e nature morte stravaganti a collage ed esperimenti con la tecnica del sandwich.

Con 35 gruppi di opere, la retrospettiva presenta l'opera poliedrica del fotografo, che oscilla tra documentazione e messa in scena. Dalle fotografie architettoniche concrete alle opere sperimentali di Mejchar, la mostra offre uno sguardo sul lavoro di una vita dell'artista e si concentra su di lei come persona e sulle sue tecniche.

Quasi tutte le opere provengono dalle Collezioni Provinciali della Bassa Austria, che hanno ricevuto in donazione l'opera di Mejchar nel 2013.

Curatori: Alexandra Schantl, Edgar Lissel

Cooperazione con Vienna e Salisburgo

Nel 2024, anche il Museo MUSA di Vienna e il Museum der Moderne di Salisburgo dedicheranno delle mostre alla fotografa Elfriede Mejchar in collaborazione con la Landesgalerie Niederösterreich. I tre musei collaborano alla pubblicazione di un libro fotografico che presenta le varie sfaccettature dell'opera di Elfriede Mejchar.

Elfriede Mejchar (1924-2020) is considered the grande dame of Austrian photography. She only received the public recognition she deserved in old age. This major anniversary exhibition honors the artist on the occasion of her 100th birthday.

Elfriede Mejchar worked for the Austrian Federal Monuments Office for almost forty years. Her task was the photographic documentation of architectural monuments and works of art. In addition to the rich fund of photographs that follow the demands and aesthetics of the documentary, Mejchar's oeuvre also includes a large number of pure studio works, whose motifs range from plant studies and whimsical still lifes to collages and experiments with the sandwich technique.

With 35 groups of works, the retrospective presents the photographer's multifaceted oeuvre, which oscillates between documentation and staging. From factual architectural photographs to Mejchar's experimental works, it provides an insight into the artist's life's work and focuses on her as a person and her techniques.

Almost all of the works come from the Provincial Collections of Lower Austria, which received Mejchar's life's work as a donation in 2013.

Curators: Alexandra Schantl, Edgar Lissel

Cooperation with Vienna and Salzburg

In 2024, the Vienna Museum MUSA and the Museum der Moderne Salzburg are also dedicating exhibitions to the photographer Elfriede Mejchar with different focal points in cooperation with the Landesgalerie Niederösterreich. The three museums are collaborating to publish a photo book that presents the various facets of Elfriede Mejchar's oeuvre.

(Text: Landesgalerie Niederösterreich, Krems)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
1. Juni 2024 – 26. Januar 2025

Paare / Couples

Paare sind allgegenwärtig in der Fotografie. Zwei Personen stellen sich auf, schauen in die Kamera, nehmen eine bestimmte Haltung ein und kontrollieren ihre Mimik. Indem sie sich so fotografieren lassen, geben sie zu erkennen, wie sie als Paar wahrgenommen werden möchten. Spannender als diese idealisierenden Bilder sind Aufnahmen, in denen Paare nicht in die Kamera blicken. Sie scheinen ganz bei sich, auf eigenartige Weise entrückt: spielend und werbend, verliebt und berauscht, verzweifelt und haltsuchend. Ob sie einverstanden sind, fotografiert zu werden, ist nicht mehr so klar. Solche Aufnahmen sind entweder heimlich gemacht, oder der Mensch hinter der Kamera ist dem Paar derart vertraut, dass es ihn wie selbstverständlich gewähren lässt.

2015 begann der Filmemacher Iwan Schumacher, Fotografien von Paaren zu sammeln, die nicht in die Kamera schauen. Peter Pfrunder, Direktor der Fotostiftung Schweiz, plante  seit langem eine Ausstellung mit Paar-Bildern aus den Archiven und Sammlungen der Fotostiftung. Gemeinsam entwickelten sie das Projekt Paare /Couples . Es vereint unterschiedlichste Aufnahmen, in denen etwas zwischen zwei Menschen geschieht. Jedes einzelne Bild ist ein Ausschnitt aus einer Geschichte, die immer rätselhaft bleibt und zu Spekulationen oder Projektionen verführt. Die Ausstellung ist eine spielerische, assoziative Präsentation, bei der sich die vielen Momentaufnahmen zu einer neuen Geschichte zusammenfügen.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation in Zusammenarbeit mit Edition Patrick Frey.

Les couples sont omniprésents dans la photographie. Deux personnes se mettent en place, regardent l’appareil photo, adoptent une certaine posture et contrôlent leurs expressions faciales. En se laissant photographier ainsi, ils indiquent comment ils souhaitent être perçus en tant que couple. Bien plus captivantes que ces images presque toujours idéalisées sont les photos dans lesquelles les couples ne regardent pas directement l’appareil. Ils semblent être tout à fait eux-mêmes, étrangement détachés : en train de jouer et de se faire la cour, amoureux et enivrés, désespérés et cherchant à s’accrocher. On ne sait plus très bien s’ils sont d’accord pour être photographiés. De telles clichés sont soit pris en cachette, soit la personne derrière l’appareil photo est si familière au couple qu’une autorisation à être photographié se fait tout naturellement.

En 2015, le cinéaste Iwan Schumacher a commencé à rassembler des photographies de couples qui ne regardent pas la caméra. Peter Pfrunder, directeur de la Fotostiftung Schweiz, planifiait depuis longtemps une exposition d’images de couples issues des archives et des collections de l’institution. Ensemble, ils ont développé le projet Couples. Il réunit des photos très différentes dans lesquelles il se passe quelque chose entre deux personnes. Chaque image est un extrait d’une histoire qui reste toujours mystérieuse et qui incite à la spéculation ou à la projection. Cette exposition est une présentation ludique et associative dans laquelle les nombreux instantanés s’assemblent pour former une nouvelle histoire.

L’exposition est accompagnée d’une publication en collaboration avec les Éditions Patrick Frey.

In fotografia le coppie sono onnipresenti. Due persone si mettono in posa, guardano verso l’obiettivo, assumono un determinato atteggiamento e controllano la mimica. Facendosi fotografare in questo modo, permettono di capire come vogliono essere considerate in quanto coppia. Più interessanti di queste immagini quasi sempre idealizzate, sono gli scatti in cui le coppie non guardano direttamente verso l’obiettivo. Qui, sembrano essere sé stesse e stranamente distanti: giocose e impegnate a corteggiarsi, innamorate ed ebbre, disperate e smarrite. Se siano d’accordo sul fatto di essere fotografate non è più molto chiaro. Queste immagini vengono scattate o di nascosto oppure quando la coppia conosce così bene la persona dietro all’obiettivo da concederle implicitamente il permesso di fotografare.

Nel 2015 il regista Iwan Schumacher iniziò a collezionare fotografie di coppie distolte dall’obiettivo. Da molto tempo Peter Pfrunder, direttore della Fotostiftung Schweiz progettava una mostra con immagini di coppie tratte dagli archivi e dalle collezioni della Fotostiftung. Assieme hanno quindi sviluppato il progetto dal titolo «Coppie», che riunisce una varietà di immagini in cui avviene qualcosa tra due persone. Ogni singola immagine è uno spezzone tratto da una storia che rimane sempre enigmatica e invita a fare supposizioni o proiezioni. La mostra è una presentazione ludica fatta di associazioni, nella quale gli scorci istantanei diventano una nuova storia.

Ad accompagnare la mostra uscirà una pubblicazione realizzata in collaborazione con Edition Patrick Frey.

Couples are omnipresent in photography. Two people arrange themselves, look into the camera, adopt a certain pose and control their facial expressions. By having themselves photographed in this way, they reveal how they wish to be perceived as a couple. Compared to these idealised images, photographs in which couples do not look into the camera are more fascinating. Here, the couples seem to be genuinely themselves, and strangely detached: playing and courting, enamoured and besotted, desperate and clinging. Whether they consent to being photographed is no longer clear. Such photographs are either taken secretly, or the couple is so well acquainted with the person behind the camera that they allow him or her to photograph them as a matter of course.

In 2015, filmmaker Iwan Schumacher began collecting photographs of couples who are not looking into the camera. Peter Pfrunder, director of Fotostiftung Schweiz, had long been planning an exhibition of couple pictures from the institution’s archives and collections. Together, they developed the project Paare /Couples . It brings together a very wide variety of photographs, in which something happens between two people. Each individual image is an excerpt from a story that always remains enigmatic and leads to speculation or projection. This exhibition is a playful associative presentation, in which the single moments combine to form a new narrative.

In cooperation with Edition Patrick Frey, a publication is being released to accompany the exhibition.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Helmut Newton Stiftung | Berlin
7. Juni 2024 – 16. Februar 2025

Berlin, Berlin - 20 Jahre Helmut Newton Stiftung

Helmut Newton, Yva, Jewgeni Chaldej, Hein Gorny, Arwed Messmer / Fritz Tiedemann, Will McBride, Arno Fischer, Arwed Messmer / Annett Gröschner, Wim Wenders, F.C. Gundlach, Günter Zint, Maria Sewcz, Michael Schmidt, Thomas Florschuetz, Ulrich Wüst, Barbara Klemm, Harf Zimmermann

Mit der Gruppenausstellung „Berlin, Berlin“ feiert die Helmut Newton Stiftung im Juni 2024 ihr 20jähriges Jubiläum; zugleich ist es eine Hommage an Newtons Geburtsstadt. Im Herbst 2003 hatte sich der Fotograf entschieden, Teile seines Archivs nach Berlin zu überführen, nachdem er die nach ihm benannte Stiftung gegründet hatte, die im ehemaligen Landwehrkasino am Bahnhof Zoologischer Garten untergebracht und im Juni 2004 eröffnet wurde. Von jenem Bahnhof verließ Helmut Neustädter, als Jude ständig von der Deportation bedroht, Anfang Dezember 1938 überstürzt Berlin und kehrte 65 Jahre später als weltberühmter Fotograf Helmut Newton zurück. Seitdem bespielt die Helmut Newton Stiftung gemeinsam mit der Kunstbibliothek das historische Gebäude unter dem Namen „Museum für Fotografie“. Nach dem Tod von June Newton (alias Alice Springs) im April 2021 ist das Gesamtwerk von Helmut Newton und Alice Springs sowie alle Archivalien im Stiftungsarchiv untergebracht.

Helmut Newton absolvierte von 1936 bis 1938 in Berlin-Charlottenburg eine Ausbildung bei der legendären Fotografin Yva, der er in seinem späteren Werk in den drei Genres Mode, Porträt und Akt folgte. Nach Stationen in Singapur und Melbourne begann Newtons eigentliche Karriere in Paris Anfang der 1960er-Jahre; in dieser Zeit kehrte er auch regelmäßig nach Berlin zurück, um hier insbesondere für Modemagazine zu fotografieren, darunter für die Constanze, für Adam oder die Vogue Europe. Wir begegnen in der Ausstellung Newtons Modellen am Brandenburger Tor, noch vor dem Mauerbau, und 1963 realisierte er rund um die Berliner Mauer eine „Mata-Hari-Spionage-Story“ mit Brigitte Schilling als Modebildstrecke, die für einiges Aufsehen sorgte. 1979 wurde er von der deutschen Vogue beauftragt, die gerade wieder auf den Zeitschriftenmarkt zurückkehrte, den Spuren seiner Kindheit und Jugend in West-Berlin zu folgen und aktuelle Mode zu visualisieren; so entstand damals ein mehrseitiges Portfolio unter dem Titel „Berlin, Berlin!“, der für diese Jubiläumsausstellung übernommen wurde. Später entstanden Cover-Stories für das Condé Nast Traveler Magazin (1987), das Zeit-Magazin (1990), die Männer Vogue (1991) oder das Magazin der Süddeutschen Zeitung (2001).

Newtons ikonische und unbekanntere Berlin-Bilder, die zwischen den 1930er und Nullerjahren entstanden, werden in den anderen Ausstellungsräumen neu kontextualisiert, von vintage prints von Yva bis hin zur journalistisch-politischen Fotografie von Barbara Klemm. So wird der inhaltliche Bogen von den „goldenen Zwanzigern“, in die Newton hineingeboren wurde, über die Kriegszerstörung, den Wiederaufbau, den Mauerbau und -fall bis ins frühe 21. Jahrhundert geschlagen.

Jewgeni Chaldei, ein russisch-ukrainischer Fotograf, schuf ikonische Bilder vom Häuserkampf rund um den Reichstag in den letzten Kriegswochen im Frühjahr 1945, während Hein Gorny im folgenden Herbst gemeinsam mit Adolph C. Byers über die Stadt flog und ihren ruinösen Zustand nach Kriegsende in einer Serie spektakulärer Luftaufnahmen dokumentierte. In den späten 1950er-Jahren normalisierte sich langsam die lange Zeit so prekäre Situation in Berlin, wie wir anhand der Aufnahmen von Arno Fischer, Will McBride und F.C. Gundlach sehen können, die seinerzeit noch abwechselnd im Ost- und im Westteil der Stadt fotografieren konnten. Der Mauerbau im August 1961 veränderte erneut nahezu alles, im Westteil begannen ab 1966 die Studentenunruhen und die APO-Zeit, festgehalten unter anderem von Günter Zint sowie in einer Archivarbeit von Arwed Messmer, zusammengestellt aus historischen Aufnahmen der West-Berliner Polizei und durch die künstlerische Aneignung neu erlebbar. Messmer interpretierte kongenial auch die Fotografien von Fritz Tiedemann neu, der ab 1949 im Auftrag des Ost-Berliner Magistrats die noch teilweise in Trümmern darniederliegende Stadt systematisch dokumentierte. Die Bildfolgen bestimmter Gebäude, Plätze und Straßenzüge bildeten Panoramen, die von Tiedemann als Kontaktkopien auf Kartons geklebt wurden. Erst durch die Intervention von Arwed Messmer, der die unikatäre Qualität dieser Stadt-Dokumentation erkannte, im Auftrag der Berlinischen Galerie sichtete, rekonstruierte und in riesigen, digitalen Ausbelichtungen materialisierte, können wir Berlin und seine Leere um 1950 völlig neu entdecken.

Die Berliner Mauer taucht in der Ausstellung immer wieder auf, insbesondere in den 12 Folianten von Arwed Messmer und Annett Gröschner, in denen die Besucher den Zustand der gesamten Mauer Mitte der 1960er-Jahre studieren können, ebenso wie Bilder aus der geteilten Stadt, die jenseits des Brandenburger Tores oder des Reichstages entstanden sind und zusammengenommen den Mythos Berlins und seine Visualisierung ausmachen. So sind es bestimmte Projekte, die Foto- oder Filmgeschichte geschrieben haben, die hier spannungsvoll miteinander interagieren, etwa Maria Sewcz‘ Serie „inter esse“ neben Michael Schmidts „Waffenruhe“ und film stills aus Wim Wenders‘ „Himmel über Berlin“; alle stammen aus den späten 1980er-Jahren, noch vor dem Mauerfall.

Der Fall der Mauer, die Wiedervereinigung und die Fotografien, die dazu und danach entstanden sind, bilden schließlich das letzte Kapitel dieser Übersichtsausstellung. Dafür stehen exemplarisch Ulrich Wüsts Leporellos sowie Thomas Florschuetz und Harf Zimmermann mit ihren großformatigen Farbarbeiten, die unter anderem im ehemaligen Palast der Republik entstanden und den Fernsehturm am Alexanderplatz respektive das Schinkel’sche Erbe in Berlins Mitte spannungsvoll neu verorten. Es sind Bilder einer Stadt, die dazu verdammt ist, „immerfort zu werden und niemals zu sein“ (Karl Scheffler).

So wird Newtons Blick auf seine Heimatstadt, in Form von etwa 100 Fotografien, von ebenso vielen Bildern und unterschiedlichen Ansätzen der Kollegen und Kolleginnen in den hinteren Räumen begleitet, kommentiert, ergänzt und gespiegelt. Eine solche Gegenüberstellung mit wechselseitigen Bezügen gab es in der Stiftung bereits 2022 mit der Gruppenausstellung „Hollywood“, einem anderen bekannten Ort der Newton’schen Bildproduktion.

Avec l'exposition de groupe "Berlin, Berlin", la Fondation Helmut Newton fêtera en juin 2024 son 20e anniversaire ; c'est aussi un hommage à la ville natale de Newton. A l'automne 2003, le photographe avait décidé de transférer une partie de ses archives à Berlin, après avoir créé la fondation qui porte son nom, installée dans l'ancien Landwehrkasino de la gare Zoologischer Garten et inaugurée en juin 2004. C'est de cette gare qu'Helmut Neustädter, juif et constamment menacé de déportation, a quitté précipitamment Berlin début décembre 1938 pour y revenir 65 ans plus tard sous le nom de Helmut Newton, photographe de renommée mondiale. Depuis, la fondation Helmut Newton occupe le bâtiment historique en collaboration avec la bibliothèque d'art sous le nom de "Museum für Fotografie". Après le décès de June Newton (alias Alice Springs) en avril 2021, l'ensemble de l'œuvre d'Helmut Newton et d'Alice Springs ainsi que tous les documents d'archives sont conservés dans les archives de la fondation.

Helmut Newton a suivi une formation à Berlin-Charlottenburg de 1936 à 1938 auprès de la légendaire photographe Yva, qu'il a suivie dans son œuvre ultérieure dans les trois genres de la mode, du portrait et du nu. Après des étapes à Singapour et Melbourne, la véritable carrière de Newton a commencé à Paris au début des années 1960 ; c'est à cette époque qu'il est revenu régulièrement à Berlin pour y photographier notamment pour des magazines de mode, dont Constanze, Adam ou Vogue Europe. Nous rencontrons dans l'exposition les modèles de Newton à la porte de Brandebourg, avant même la construction du mur, et en 1963, il réalise autour du mur de Berlin une "histoire d'espionnage de Mata Hari" avec Brigitte Schilling en tant que parcours d'images de mode, qui a fait grand bruit. En 1979, le magazine allemand Vogue, qui venait de revenir sur le marché des magazines, lui a demandé de suivre les traces de son enfance et de sa jeunesse à Berlin-Ouest et de visualiser la mode actuelle ; c'est ainsi qu'il a réalisé à l'époque un portfolio de plusieurs pages sous le titre "Berlin, Berlin !", qui a été repris pour cette exposition anniversaire. Plus tard, des histoires de couverture ont été réalisées pour le magazine Condé Nast Traveler (1987), le magazine Zeit (1990), le magazine Männer Vogue (1991) ou le magazine de la Süddeutsche Zeitung (2001).

Les visuels berlinois iconiques et moins connus de Newton, réalisés entre les années 1930 et les années zéro, sont recontextualisés dans les autres salles d'exposition, des tirages vintage d'Yva à la photographie journalistique et politique de Barbara Klemm. Le contenu s'étend ainsi des "golden twenties", dans lesquelles Newton est né, jusqu'au début du 21e siècle, en passant par les destructions de la guerre, la reconstruction, la construction et la chute du mur.

Evgeni Chaldei, un photographe russo-ukrainien, a réalisé des visuels iconiques de la bataille des maisons autour du Reichstag pendant les dernières semaines de la guerre au printemps 1945, tandis que Hein Gorny a survolé la ville l'automne suivant en compagnie d'Adolph C. Byers et a documenté son état de ruine à la fin de la guerre dans une série de photos aériennes spectaculaires. A la fin des années 1950, la situation longtemps si précaire de Berlin se normalisa lentement, comme nous pouvons le voir à travers les clichés d'Arno Fischer, Will McBride et F.C. Gundlach qui, à l'époque, pouvaient encore photographier alternativement la partie est et la partie ouest de la ville. La construction du mur en août 1961 changea à nouveau presque tout, dans la partie ouest commencèrent à partir de 1966 les troubles estudiantins et la période APO, immortalisés entre autres par Günter Zint ainsi que dans un travail d'archives d'Arwed Messmer, composé de photos historiques de la police de Berlin-Ouest et revivifié par l'appropriation artistique. Messmer a également réinterprété de manière congéniale les photographies de Fritz Tiedemann qui, à partir de 1949, a systématiquement documenté la ville, encore partiellement en ruines, à la demande de la municipalité de Berlin-Est. Les séquences visuelles de certains bâtiments, places et rues constituaient des panoramas que Tiedemann collait sur des cartons sous forme de copies de contact. Ce n'est que grâce à l'intervention d'Arwed Messmer, qui a reconnu la qualité unique de cette documentation urbaine, l'a visionnée et reconstruite pour le compte de la Berlinische Galerie et l'a matérialisée sous forme d'immenses tirages numériques, que nous pouvons redécouvrir entièrement Berlin et son vide vers 1950.

Le mur de Berlin apparaît à plusieurs reprises dans l'exposition, notamment dans les 12 folios d'Arwed Messmer et d'Annett Gröschner, dans lesquels les visiteurs peuvent étudier l'état de l'ensemble du mur au milieu des années 1960, ainsi que des visuels de la ville divisée, réalisés au-delà de la porte de Brandebourg ou du Reichstag, qui, ensemble, constituent le mythe de Berlin et sa visualisation. Ce sont ainsi certains projets qui ont écrit l'histoire de la photographie ou du cinéma qui interagissent ici de manière passionnante, comme la série "inter esse" de Maria Sewcz à côté de "Waffenruhe" de Michael Schmidt et de films stills tirés de "Himmel über Berlin" de Wim Wenders ; tous datent de la fin des années 1980, avant même la chute du mur.

La chute du mur, la réunification et les photographies qui ont été prises à cette occasion et après constituent le dernier chapitre de cette exposition générale. Les leporellos d'Ulrich Wüst ainsi que les travaux en couleur grand format de Thomas Florschuetz et Harf Zimmermann, réalisés entre autres dans l'ancien Palais de la République, en sont des exemples et permettent de replacer de manière captivante la tour de télévision sur l'Alexanderplatz et l'héritage de Schinkel dans le centre de Berlin. Ce sont des visuels d'une ville qui est condamnée à "devenir sans cesse et à ne jamais être" (Karl Scheffler).

Ainsi, le regard de Newton sur sa ville natale, sous la forme d'une centaine de photographies, est accompagné, commenté, complété et reflété par autant de visuels et d'approches différentes de ses collègues dans les salles du fond. Une telle confrontation avec des références réciproques a déjà eu lieu à la fondation en 2022 avec l'exposition de groupe "Hollywood", un autre lieu connu de la production d'images de Newton.

La Fondazione Helmut Newton festeggia il suo 20° anniversario nel giugno 2024 con la mostra collettiva "Berlino, Berlino", che rende omaggio anche alla città natale di Newton. Nell'autunno del 2003, il fotografo decise di trasferire parte del suo archivio a Berlino dopo aver istituito la fondazione che porta il suo nome, ospitata nell'ex Landwehrkasino della stazione Zoologischer Garten e inaugurata nel giugno 2004. Da quella stazione, Helmut Neustädter, in quanto ebreo costantemente minacciato di deportazione, lasciò Berlino in fretta e furia all'inizio del dicembre 1938 e tornò 65 anni dopo come il fotografo di fama mondiale Helmut Newton. Da allora, la Fondazione Helmut Newton, insieme alla Biblioteca d'Arte, gestisce lo storico edificio con il nome di "Museo della Fotografia". Dopo la morte di June Newton (alias Alice Springs) nell'aprile 2021, le opere complete di Helmut Newton e Alice Springs e tutto il materiale d'archivio sono conservati nell'archivio della fondazione.

Helmut Newton si è formato a Berlino-Charlottenburg dal 1936 al 1938 con il leggendario fotografo Yva, che ha seguito nel suo lavoro successivo nei tre generi della moda, del ritratto e del nudo. Dopo aver soggiornato a Singapore e a Melbourne, la vera carriera di Newton inizia a Parigi nei primi anni Sessanta; in questo periodo torna regolarmente a Berlino per fotografare soprattutto per le riviste di moda, tra cui Constanze, Adam e Vogue Europe. Nella mostra, incontriamo le modelle di Newton alla Porta di Brandeburgo, ancora prima della costruzione del Muro, e nel 1963 realizzò una "Mata Hari spy story" intorno al Muro di Berlino con Brigitte Schilling come serie di immagini di moda, che fece scalpore. Nel 1979 fu incaricato da Vogue tedesco, appena tornato sul mercato delle riviste, di seguire le tracce della sua infanzia e giovinezza a Berlino Ovest e di visualizzare la moda attuale; il risultato fu un portfolio di più pagine intitolato "Berlino, Berlino!", adottato per la mostra dell'anniversario. Le copertine successive sono state create per la rivista Condé Nast Traveler (1987), la rivista Zeit (1990), Männer Vogue (1991) e la rivista Süddeutsche Zeitung (2001).

Le immagini iconiche e meno note di Newton a Berlino, scattate tra gli anni Trenta e gli anni Duemila, sono ricontestualizzate nelle altre sale della mostra, dalle stampe vintage di Yva alla fotografia giornalistico-politica di Barbara Klemm. In questo modo, l'arco tematico viene tracciato dai "Golden Twenties", in cui Newton è nato, attraverso le distruzioni della guerra, la ricostruzione, la costruzione e la caduta del Muro di Berlino e fino all'inizio del XXI secolo.

Yevgeny Chaldei, fotografo russo-ucraino, creò immagini iconiche della battaglia delle case intorno al Reichstag nelle ultime settimane di guerra nella primavera del 1945, mentre Hein Gorny sorvolò la città nell'autunno successivo insieme ad Adolph C. Byers e documentò il suo stato di rovina dopo la fine della guerra in una serie di spettacolari fotografie aeree. Alla fine degli anni Cinquanta, la situazione a lungo precaria di Berlino si normalizzò lentamente, come si può vedere dalle fotografie di Arno Fischer, Will McBride e F.C. Gundlach, che all'epoca potevano ancora fotografare alternativamente nella parte orientale e occidentale della città. La costruzione del Muro nell'agosto del 1961 cambiò di nuovo quasi tutto, mentre le agitazioni studentesche e il periodo dell'APO iniziarono nella parte occidentale della città nel 1966, immortalate da Günter Zint e altri, così come in un lavoro d'archivio di Arwed Messmer, compilato da fotografie storiche della polizia di Berlino Ovest e riportato in vita attraverso l'appropriazione artistica. Messmer ha anche reinterpretato in modo congeniale le fotografie di Fritz Tiedemann, che a partire dal 1949 fu incaricato dal magistrato di Berlino Est di documentare sistematicamente la città, ancora parzialmente in rovina. Le sequenze di immagini di alcuni edifici, piazze e strade formavano dei panorami che Tiedemann incollava su cartone come stampe a contatto. Solo grazie all'intervento di Arwed Messmer, che ha riconosciuto la qualità unica di questa documentazione della città, l'ha visionata per conto della Berlinische Galerie, l'ha ricostruita e materializzata in enormi esposizioni digitali, siamo in grado di riscoprire Berlino e il suo vuoto intorno al 1950.

Il Muro di Berlino compare ripetutamente nella mostra, soprattutto nei 12 fogli di Arwed Messmer e Annett Gröschner, in cui il visitatore può studiare lo stato dell'intero Muro a metà degli anni Sessanta, oltre alle immagini della città divisa che sono state create al di là della Porta di Brandeburgo o del Reichstag e che insieme costituiscono il mito di Berlino e la sua visualizzazione. Alcuni progetti che hanno scritto la storia della fotografia o del cinema interagiscono qui in modo stimolante, come la serie "inter esse" di Maria Sewcz accanto a "Waffenruhe" di Michael Schmidt e ai fotogrammi del film "Himmel über Berlin" di Wim Wenders; tutti risalgono alla fine degli anni Ottanta, prima della caduta del Muro.

La caduta del Muro, la riunificazione e le fotografie scattate durante e dopo di essa costituiscono il capitolo finale di questa mostra panoramica. I leporelli di Ulrich Wüst e le opere a colori di grande formato di Thomas Florschuetz e Harf Zimmermann, realizzate tra l'altro nell'ex Palast der Republik e che riposizionano in modo emozionante rispettivamente la torre della televisione in Alexanderplatz e l'eredità di Schinkel nel centro di Berlino, ne sono un esempio. Sono immagini di una città condannata a "diventare sempre e non essere mai" (Karl Scheffler).

La visione di Newton della sua città natale, sotto forma di circa 100 fotografie, è accompagnata, commentata, integrata e rispecchiata da altrettante immagini e approcci diversi dei suoi colleghi nelle sale posteriori. Una simile giustapposizione con riferimenti reciproci si era già verificata alla fondazione nel 2022 con la mostra collettiva "Hollywood", altro luogo noto della produzione di immagini di Newton.

The Helmut Newton Foundation is celebrating its 20th anniversary in June 2024 with the group exhibition "Berlin, Berlin", which also pays homage to the city of Newton's birth. In the fall of 2003, the photographer decided to transfer parts of his archive to Berlin after establishing the foundation named after him, which was housed in the former Landwehrkasino at Zoologischer Garten station and opened in June 2004. From that station, Helmut Neustädter, as a Jew constantly threatened with deportation, left Berlin in a hurry at the beginning of December 1938 and returned 65 years later as the world-famous photographer Helmut Newton. Since then, the Helmut Newton Foundation, together with the Art Library, has occupied the historic building under the name "Museum of Photography". Following the death of June Newton (aka Alice Springs) in April 2021, the complete works of Helmut Newton and Alice Springs as well as all archival materials are housed in the foundation's archive.

Helmut Newton trained in Berlin-Charlottenburg from 1936 to 1938 with the legendary photographer Yva, whom he followed in his later work in the three genres of fashion, portrait and nude. After stints in Singapore and Melbourne, Newton's real career began in Paris in the early 1960s; during this time he also returned regularly to Berlin to photograph for fashion magazines in particular, including Constanze, Adam and Vogue Europe. In the exhibition, we encounter Newton's models at the Brandenburg Gate, even before the Wall was built, and in 1963 he realized a "Mata Hari spy story" around the Berlin Wall with Brigitte Schilling as a fashion picture series, which caused quite a stir. In 1979, he was commissioned by German Vogue, which had just returned to the magazine market, to follow in the footsteps of his childhood and youth in West Berlin and visualize current fashion; the result was a multi-page portfolio entitled "Berlin, Berlin!", which was adopted for this anniversary exhibition. Later cover stories were created for Condé Nast Traveler magazine (1987), Zeit magazine (1990), Männer Vogue (1991) and the Süddeutsche Zeitung magazine (2001).

Newton's iconic and lesser-known Berlin visuals, taken between the 1930s and the noughties, are re-contextualized in the other exhibition rooms, from vintage prints by Yva to journalistic-political photography by Barbara Klemm. The thematic arc is thus drawn from the "golden twenties", into which Newton was born, through the destruction of the war, reconstruction, the building and fall of the Berlin Wall and into the early 21st century.

Yevgeny Chaldei, a Russian-Ukrainian photographer, created iconic visuals of the battle of the houses around the Reichstag in the last weeks of the war in the spring of 1945, while Hein Gorny flew over the city the following fall with Adolph C. Byers and documented its ruinous state after the end of the war in a series of spectacular aerial photographs. In the late 1950s, the situation in Berlin, which had long been so precarious, slowly returned to normal, as we can see from the photographs of Arno Fischer, Will McBride and F.C. Gundlach, who at the time were still able to alternate between photographing the eastern and western parts of the city. The construction of the Berlin Wall in August 1961 changed almost everything again, while the student unrest and the APO period began in the western part of the city in 1966, captured by Günter Zint, among others, and in an archive work by Arwed Messmer, compiled from historical photographs of the West Berlin police and brought to life anew through artistic appropriation. Messmer also congenially reinterpreted the photographs of Fritz Tiedemann, who systematically documented the city, still partly in ruins, on behalf of the East Berlin magistrate from 1949 onwards. The visual sequences of certain buildings, squares and streets formed panoramas, which Tiedemann pasted onto cardboard as contact prints. It was only through the intervention of Arwed Messmer, who recognized the unique quality of this documentation of the city, viewed it on behalf of the Berlinische Galerie, reconstructed it and materialized it in huge, digital exposures, that we can completely rediscover Berlin and its emptiness around 1950.

The Berlin Wall appears again and again in the exhibition, especially in the 12 folios by Arwed Messmer and Annett Gröschner, in which visitors can study the state of the entire Wall in the mid-1960s, as well as visuals from the divided city taken beyond the Brandenburg Gate or the Reichstag, which together make up the myth of Berlin and its visualization. Certain projects that have written photographic or film history interact with each other here in an exciting way, such as Maria Sewcz's series "inter esse" alongside Michael Schmidt's "Waffenruhe" and film stills from Wim Wenders' "Himmel über Berlin"; all date from the late 1980s, before the fall of the Wall.

The fall of the Wall, reunification and the photographs that were taken before and after it form the final chapter of this overview exhibition. Ulrich Wüst's leporellos and Thomas Florschuetz and Harf Zimmermann's large-format color works, which were created in the former Palace of the Republic, among other places, and excitingly reposition the television tower on Alexanderplatz and Schinkel's legacy in the center of Berlin, respectively, are exemplary of this. They are visuals of a city that is condemned to "always become and never be" (Karl Scheffler).

Newton's view of his hometown, in the form of around 100 photographs, is accompanied, commented on, supplemented and mirrored by just as many visuals and different approaches by his colleagues in the rear rooms. Such a juxtaposition with reciprocal references already took place at the foundation in 2022 with the group exhibition "Hollywood", another well-known place of Newton's image production.

(Text: Helmut Newton Stiftung, Berlin)

Museum Alpin Pontresina
10. Juni - 26. Oktober 2024 / 16. Dezember 2024 - 19. April 2025

Im Auge des Lichts
Guido Baselgia

Saisonpause: 27. Oktober - 15. Dezember 2024

Baselgia selbst, der als einer der herausragenden Fotografen der Schweiz gilt, hat die eindrückliche Ausstellung konzipiert und kuratiert.

Gezeigt werden Arbeiten aus den Zyklen «Lungo Guardo» und «Camera Obscura - Lichteinfälle» im Kontext der astro-physikalischen Phänomene, die der Künstler in seinem Werk thematisiert und studiert. «Für mich malt das Licht», hat Baselgia einmal festgestellt und man sollte ihn deshalb einen «Lichtbildner» nennen. «Guido Baselgia - Im Auge des Lichts» konzentriert sich in den beiden Ausstellungsräumen des Museums Alpin auf die Werk-Zyklen «Lungo Guardo» (Raum 1/Hauptraum) und «Camera Obscura-Lichteinfälle» (Raum 2), die beide Teil sind des jüngsten Werk-Zyklus von Guido Baselgia «Lichtstoff und Luftfarben».

Baselgia lui-même, considéré comme l'un des photographes les plus remarquables de Suisse, a conçu et organisé cette exposition impressionnante.

Sont présentés des travaux issus des cycles "Lungo Guardo" et "Camera Obscura - Lichteinfälle" dans le contexte des phénomènes astro-physiques que l'artiste thématise et étudie dans son œuvre. "Pour moi, c'est la lumière qui peint", a constaté un jour Baselgia, et c'est pourquoi on devrait l'appeler un "photographe de lumière". "Guido Baselgia - Dans l'œil de la lumière" se concentre, dans les deux salles d'exposition du Musée Alpin, sur les cycles d'œuvres "Lungo Guardo" (salle 1/pièce principale) et "Camera Obscura-Lichteinfälle" (salle 2), qui font tous deux partie du cycle d'œuvres le plus récent de Guido Baselgia "Lichtstoff und Luftfarben".

Lo stesso Baselgia, considerato uno dei più importanti fotografi svizzeri, ha ideato e curato questa imponente mostra.

Sono esposte opere dei cicli "Lungo Guardo" e "Camera Obscura - Lichteinfälle" nel contesto dei fenomeni astrofisici che l'artista tematizza e studia nel suo lavoro. "Per me la luce dipinge", ha detto una volta Baselgia, che dovrebbe quindi essere definito un "pittore della luce". Nelle due sale espositive del Museo Alpin, "Guido Baselgia - In the Eye of Light" si concentra sui cicli di opere "Lungo Guardo" (sala 1/principale) e "Camera Obscura-Lichteinfälle" (sala 2), entrambi facenti parte del più recente ciclo di opere di Guido Baselgia "Lichtstoff und Luftfarben".

Baselgia himself, who is considered one of Switzerland's outstanding photographers, conceived and curated the impressive exhibition.

On display are works from the "Lungo Guardo" and "Camera Obscura - Lichteinfälle" cycles in the context of the astrophysical phenomena that the artist explores and studies in his work. "For me, light paints", Baselgia once said, and he should therefore be called a "light painter". "Guido Baselgia - In the Eye of Light" in the two exhibition rooms of the Museum Alpin focuses on the work cycles "Lungo Guardo" (room 1/main room) and "Camera Obscura-Lichteinfälle" (room 2), both of which are part of Guido Baselgia's most recent work cycle "Lichtstoff und Luftfarben".

(Text: Museum Alpin Pontresina)

Villa Garbald | Castasegna
29. Juni 2024 – 21. Juni 2025

Focus. Alex Hanimann präsentiert Fotografien aus dem Bildarchiv der ETH Zürich

Seit 2005 nutzt das Bündner Kunstmuseum die Villa Garbald in Castasegna als Aussenstelle. Die Räumlichkeiten dienen nicht als Galerie, vielmehr sollen mit Kunst Impulse im "Denklabor Villa Garbald" gesetzt werden.

Aus Anlass des Jubiläums «20 Jahre Seminarzentrum Villa Garbald» haben wir den Fokus der Kunsteinrichtung in Castasegna verschoben: Wir gehen diesmal nicht vom Werk eines Künstlers oder einer Künstlerin aus, sondern wollen Einblick geben ins unermessliche Bildarchiv wissenschaftlicher Fotografien der ETH Zürich. Niemand kann sich der Faszination dieses Reichtums entziehen. Daraus aber eine Auswahl zu treffen und diese in der Villa Garbald und im Neubau des Roccolo zu präsentieren, stellt eine besondere Herausforderung dar. Wir konnten dafür Alex Hanimann (*1955) gewinnen, der in seinem künstlerischen Werk immer wieder mit vorgefundenen Bildern arbeitet und uns daher für diese Aufgabe prädestiniert schien. Er setzt die von ihm aufgegriffenen Bilder meist in Zeichnung, Malerei oder Skulptur um oder bearbeitet sie durch Vergrösserung, Ausschnitte oder Raster. Für die Kunsteinrichtung in der Villa Garbald hat er fotografische Aufnahmen von Pflanzen aus dem Bildarchiv der ETH Zürich ausgewählt, präsentiert sie aber nüchtern und ohne weitere Verfremdung. Er interessiert sich vielmehr für die Schnittstellen und Brüche in den einzelnen Aufnahmen: Begeistert von der besonderen Bildqualität lässt er sich dabei einerseits von der Ästhetik leiten, von der Schönheit der Wachstumsformen und ihrer Erscheinung im fotografischen Bild. Andererseits erkennt er die wissenschaftlichen Ansprüche, die in fast jedem Bild zum Tragen kommen. Und letztlich interessieren ihn als Künstler die Formen der Inszenierung, an denen die Naturwissenschaftler ebenso teilhaben wie die Forscher des fotografischen Instituts. Alle haben sie ihre Methoden und ihre eigenen Praktiken, um den Bildern eine Form und einen Wert zu geben. Alex Hanimann eröffnet neue Perspektiven: Indem er die Aufnahmen aus ihrem klaren Kontext herauslöst, verleiht er ihnen eine überraschende Vielschichtigkeit und wir sehen nicht mehr nur die eine oder andere Pflanze, sondern zauberhafte Fotografien, in denen sich die Wissenschaft in der Kunst spiegelt und die Kunst in der Wissenschaft.

Depuis 2005, le Bündner Kunstmuseum utilise la Villa Garbald à Castasegna comme antenne. Les locaux ne servent pas de galerie, mais l'art doit plutôt donner des impulsions au "laboratoire de réflexion Villa Garbald".

A l'occasion du jubilé des "20 ans du centre de séminaires Villa Garbald", nous avons déplacé le centre d'intérêt de l'institution artistique de Castasegna : Cette fois-ci, nous ne partons pas de l'œuvre d'un artiste, mais nous voulons donner un aperçu des immenses archives d'images de photographies scientifiques de l'ETH Zurich. Personne ne peut se soustraire à la fascination de cette richesse. Mais en faire une sélection et la présenter dans la Villa Garbald et dans le nouveau bâtiment du Roccolo représente un défi particulier. Nous avons pu faire appel à Alex Hanimann (*1955), qui travaille toujours avec des visuels trouvés dans son œuvre artistique et qui nous semblait donc prédestiné à cette tâche. Il transpose généralement les visuels qu'il a repris en dessin, peinture ou sculpture, ou les retravaille en les agrandissant, en les découpant ou en les quadrillant. Pour l'installation artistique de la Villa Garbald, il a sélectionné des prises de vue photographiques de plantes provenant des archives photographiques de l'EPF de Zurich, mais il les présente de manière sobre, sans les détourner davantage. Il s'intéresse plutôt aux interfaces et aux ruptures dans les différentes prises de vue : Enthousiasmé par la qualité particulière des images, il se laisse ainsi guider d'une part par l'esthétique, par la beauté des formes de croissance et de leur apparition dans le visuel photographique. D'autre part, il reconnaît les exigences scientifiques qui interviennent dans presque chaque visuel. Et finalement, en tant qu'artiste, il s'intéresse aux formes de mise en scène auxquelles participent les scientifiques tout comme les chercheurs de l'institut photographique. Tous ont leurs méthodes et leurs propres pratiques pour donner une forme et une valeur aux visuels. Alex Hanimann ouvre de nouvelles perspectives : En sortant les prises de vue de leur contexte bien défini, il leur confère une complexité surprenante et nous ne voyons plus seulement l'une ou l'autre plante, mais des photographies magiques dans lesquelles la science se reflète dans l'art et l'art dans la science.

Dal 2005 il Bündner Kunstmuseum utilizza Villa Garbald a Castasegna come avamposto. La sede non funge da galleria, ma piuttosto da luogo in cui l'arte può dare impulso al "Villa Garbald Thinking Lab".

In occasione del 20° anniversario del centro seminariale di Villa Garbald, abbiamo spostato il focus dell'installazione artistica a Castasegna: Questa volta non partiamo dal lavoro di un artista, ma vogliamo offrire una visione dell'immenso archivio di fotografie scientifiche del Politecnico di Zurigo. Nessuno può sottrarsi al fascino di questa ricchezza. Ma farne una selezione e presentarla nella Villa Garbald e nel nuovo edificio del Roccolo è una sfida speciale. Siamo riusciti a convincere Alex Hanimann (*1955), che lavora ripetutamente con immagini trovate nel suo lavoro artistico e che quindi sembrava predestinato a questo compito. Di solito trasforma le immagini raccolte in disegni, dipinti o sculture, oppure ci lavora sopra ingrandendole, ritagliandole o utilizzando griglie. Per l'installazione artistica a Villa Garbald, ha selezionato immagini fotografiche di piante dall'archivio di immagini del Politecnico di Zurigo, ma le presenta in modo sobrio e senza ulteriore alienazione. È più interessato alle interfacce e alle interruzioni delle singole fotografie: Ispirato dalla particolare qualità dell'immagine, è guidato da un lato dall'estetica, dalla bellezza delle forme di crescita e dal loro aspetto nell'immagine fotografica. Dall'altro, riconosce le esigenze scientifiche che si manifestano in quasi tutte le immagini. E infine, come artista, è interessato alle forme di messa in scena a cui partecipano tanto gli scienziati naturali quanto i ricercatori dell'istituto fotografico. Tutti hanno i loro metodi e le loro pratiche per dare alle immagini una forma e un valore. Alex Hanimann apre nuove prospettive: Togliendo le fotografie dal loro contesto chiaro, conferisce loro una complessità sorprendente e non vediamo più solo una pianta o un'altra, ma fotografie incantevoli in cui la scienza si riflette nell'arte e l'arte nella scienza.

Since 2005, the Bündner Kunstmuseum has been using the Villa Garbald in Castasegna as an outpost. The premises do not serve as a gallery, but rather as a place where art can provide impetus in the "Villa Garbald Thinking Lab".

To mark the 20th anniversary of the Villa Garbald seminar center, we have shifted the focus of the art installation in Castasegna: This time we are not starting from the work of an artist, but want to give an insight into the immeasurable image archive of scientific photographs at ETH Zurich. No one can escape the fascination of this wealth. But making a selection from it and presenting it in the Villa Garbald and in the new Roccolo building is a special challenge. We were able to win over Alex Hanimann (*1955), who repeatedly works with found visuals in his artistic work and therefore seemed predestined for this task. He usually transforms the visuals he takes up into drawings, paintings or sculptures or works on them by enlarging them, cutting them out or using grids. For the art installation at Villa Garbald, he has selected photographic images of plants from the ETH Zurich image archive, but presents them soberly and without further alienation. He is more interested in the interfaces and breaks in the individual photographs: Enthused by the special image quality, he is guided on the one hand by aesthetics, by the beauty of the growth forms and their appearance in the photographic image. On the other hand, he recognizes the scientific claims that come to bear in almost every visual. And ultimately, as an artist, he is interested in the forms of staging in which the natural scientists participate just as much as the researchers at the photographic institute. They all have their own methods and their own practices to give the visuals a form and a value. Alex Hanimann opens up new perspectives: By removing the photographs from their clear context, he gives them a surprising complexity and we no longer see just one plant or another, but enchanting photographs in which science is reflected in art and art in science.

(Text: Bündner Kunstmuseum)

Museum der Moderne | Salzburg
5. Juli 2024 – 2. Februar 2025

Memory Theatre
Rose English

Das Museum der Moderne Salzburg präsentiert die erste umfassende Werkschau der britischen Künstlerin Rose English im deutschsprachigen Raum. Inmitten der Konzeptkunst, der Tanzszene und der feministischen Szene entwickelt English (geb. 1950 Hereford, GB) in den 1970er-Jahren in Großbritannien ihre einzigartige Arbeitsweise. Heute zählt sie zu den einflussreichsten Performance-Künstlerinnen. In ihrem außergewöhnlichen interdisziplinären Werk verbindet sie Elemente von Theater, Zirkus und Oper, um die Themen Geschlechterpolitik und die Präsenz von Performer:innen zu erforschen.

Die Ausstellung gibt anhand von multimedialen Installationen einen Einblick in ihre einzigartige Praxis. Aus ihrer frühen Beschäftigung mit Ballett und Dressur und ihren gemeinsamen Wurzeln im Barock entwickelt die Künstlerin ihre berühmte feministische Tanzperformance Quadrille (1975) und ihre Bühnenperformance mit einem Pferd My Mathematics (1992). Drei ihrer großen Theaterproduktionen werden in Form einer neuen ortsspezifischen Installation zum ersten Mal öffentlich gezeigt.

Ein in Auftrag gegebenes Performance-Programm begleitet die Ausstellung mit vier Performances von jüngeren internationalen Künstler:innen, deren Arbeiten mit der künstlerischen Praxis von Englisch in Verbindung stehen.

Zur Ausstellung erscheint eine zweisprachige Publikation.

Kuratorinnen (Ausstellung und Performance-Programm): Marijana Schneider, Kuratorin, Museum der Moderne Salzburg, Lisa Moravec, Gastkuratorin

Le Museum der Moderne Salzburg présente la première exposition complète de l'œuvre de l'artiste britannique Rose English dans l'espace germanophone. Au milieu de l'art conceptuel, de la scène de la danse et de la scène féministe, English (née en 1950 à Hereford, Royaume-Uni) développe sa méthode de travail unique dans les années 1970 en Grande-Bretagne. Aujourd'hui, elle compte parmi les artistes de performance les plus influents. Dans son œuvre interdisciplinaire exceptionnelle, elle combine des éléments de théâtre, de cirque et d'opéra pour explorer les thèmes de la politique de genre et de la présence des performeurs/performeuses.

L'exposition donne un aperçu de sa pratique unique à travers des installations multimédias. De son intérêt précoce pour le ballet et le dressage et de leurs racines communes dans le baroque, l'artiste développe son célèbre spectacle de danse féministe Quadrille (1975) et sa performance scénique avec un cheval My Mathematics (1992). Trois de ses grandes productions théâtrales sont présentées pour la première fois au public sous la forme d'une nouvelle installation spécifique au lieu.

Un programme de performances commandé accompagne l'exposition avec quatre performances de jeunes artistes internationaux dont le travail est lié à la pratique artistique de l'anglais.

Une publication bilingue est éditée à l'occasion de l'exposition.

Commissaires (exposition et programme de performances) : Marijana Schneider, conservatrice, Museum der Moderne Salzburg, Lisa Moravec, conservatrice invitée

Il Museum der Moderne Salzburg presenta la prima mostra completa di opere dell'artista britannica Rose English nel mondo di lingua tedesca. Nel mezzo dell'arte concettuale, della scena della danza e della scena femminista, la English (nata nel 1950 a Hereford, Regno Unito) ha sviluppato il suo modo unico di lavorare in Gran Bretagna negli anni Settanta. Oggi è una delle più influenti artiste performative. Nel suo straordinario lavoro interdisciplinare, combina elementi di teatro, circo e opera per esplorare i temi della politica di genere e della presenza dei performer.

La mostra offre una panoramica della sua pratica unica attraverso installazioni multimediali. Dal suo primo coinvolgimento con il balletto e il dressage e le loro radici comuni nel Barocco, l'artista ha sviluppato la sua famosa performance di danza femminista Quadrille (1975) e la sua performance teatrale con un cavallo My Mathematics (1992). Tre delle sue principali produzioni teatrali saranno presentate per la prima volta al pubblico sotto forma di una nuova installazione site-specific.

Un programma di performance commissionato accompagna la mostra con quattro spettacoli di giovani artisti internazionali il cui lavoro è legato alla pratica artistica dell'inglese.

Una pubblicazione bilingue accompagnerà la mostra.

Curatori (mostra e programma di performance): Marijana Schneider, curatrice, Museum der Moderne Salzburg, Lisa Moravec, curatrice ospite

The Museum der Moderne Salzburg is presenting the first comprehensive exhibition of works by British artist Rose English in the German-speaking world. In the midst of conceptual art, the dance scene and the feminist scene, English (born 1950 in Hereford, UK) developed her unique way of working in Great Britain in the 1970s. Today she is one of the most influential performance artists. In her extraordinary interdisciplinary work, she combines elements of theater, circus and opera to explore the themes of gender politics and the presence of performers.

The exhibition provides an insight into her unique practice through multimedia installations. From her early involvement with ballet and dressage and their common roots in the Baroque, the artist developed her famous feminist dance performance Quadrille (1975) and her stage performance with a horse My Mathematics (1992). Three of her major theater productions will be shown publicly for the first time in the form of a new site-specific installation.

A commissioned performance program accompanies the exhibition with four performances by younger international artists whose work is related to the artistic practice of English.

A bilingual publication will accompany the exhibition.

Curators (exhibition and performance program): Marijana Schneider, curator, Museum der Moderne Salzburg, Lisa Moravec, guest curator

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Photo Elysée | Lausanne
6. September 2024 – 23. Februar 2025

The Anonymous Project, Home & Away
Lee Shulman

"Für mich war das Zuhause immer ein Ort der Erfüllung. Ein Ort, an dem man wirklich man selbst sein kann, weit weg von der Außenwelt. Hier fühle ich mich sicher.

Das Zuhause ist wie ein Zufluchtsort, ein Ort, an dem jeder Gegenstand und jede Ecke eine vertraute Geschichte erzählt. Hier verflechten sich meine Erinnerungen mit den täglichen Abläufen und schaffen ein Gewebe aus Sicherheit und Gelassenheit. Die vertrauten Wände des Hauses sind eine ständige Erinnerung an unsere Wurzeln und unsere Identität, die in der Vergangenheit und der Gegenwart verwurzelt sind.

Dennoch ist die Idee des Urlaubs eine der Flucht und der Erkundung. Es ist eine Gelegenheit, die Vertrautheit der Heimat hinter sich zu lassen und ins Unbekannte einzutauchen, neue Orte und Kulturen zu entdecken und in bereichernde Erfahrungen einzutauchen. Urlaub bietet frischen Wind, eine Pause vom Alltag und die Freiheit, sich zu verlieren und sich in anderen Landschaften und Horizonten wiederzufinden.

Heimat und Fremde sind zwei sich ergänzende Facetten unseres Lebens, die jeweils ihr eigenes Gleichgewicht in unser Dasein bringen. Sie erinnern uns daran, dass das Zuhause mehr als nur ein physischer Raum ist, sondern ein Zustand, in dem wir Trost und Sicherheit finden, während der Urlaub ein frischer Wind ist, der unsere Neugierde und unseren Wunsch, die Welt jenseits unserer vier Wände zu entdecken, nährt.

Doch trotz ihrer offensichtlichen Unterschiede haben Heimat und Urlaub eine tiefe Verbindung: eine emotionale Resonanz und persönliche Bedeutung. Während die Heimat uns an unsere Wurzeln bindet und uns daran erinnert, wer wir sind, fordert der Urlaub uns heraus, die Welt aus einem neuen Blickwinkel zu sehen und unsere Perspektiven zu erweitern.

Home is where the heart is."

"Pour moi, la maison a toujours été un lieu de plénitude. Un endroit où l'on peut vraiment être soi-même, à l'abri des regards du monde extérieur. C'est là où je me sens en sécurité.

La maison est comme un refuge, un havre où chaque objet et chaque recoin racontent une histoire familière. C'est là où mes souvenirs s'entrelacent avec les routines quotidiennes, créant un tissu de sécurité et de sérénité. Les murs de chez soi, imprégnés de familiarité, sont un rappel constant de nos racines et de notre identité ancrée dans le passé et le présent.

Néanmoins, l'idée des vacances évoque l'évasion et l'exploration. C'est l'occasion de quitter la familiarité de chez soi pour plonger dans l'inconnu, découvrir de nouveaux lieux et cultures, et s'immerger dans des expériences enrichissantes. Les vacances offrent un souffle d'air frais, une pause dans le quotidien, et la liberté de se perdre et de se retrouver dans des paysages et des horizons différents.

Chez moi ou ailleurs sont deux facettes complémentaires de notre vie, chacune apportant son propre équilibre à notre existence. Ils nous rappellent que la maison est plus qu'un simple espace physique ; c'est un état d'esprit où nous trouvons confort et sécurité, tandis que les vacances sont une bouffée d'air frais qui nourrit notre curiosité et notre désir de découvrir le monde au-delà de nos quatre murs.

Pourtant, malgré leurs différences apparentes, la maison et les vacances partagent un lien profond : celui de la résonance émotionnelle et de la signification personnelle. Tandis que chez soi nous ancre dans nos racines et nous rappelle qui nous sommes, les vacances nous défient de voir le monde sous un nouvel angle et d'élargir nos perspectives.

Home is where the heart is."

"Per me la casa è sempre stata un luogo di realizzazione. Un luogo dove puoi essere veramente te stesso, lontano dal mondo esterno. È il luogo in cui mi sento al sicuro.

La casa è come un rifugio, un'oasi dove ogni oggetto e ogni angolo raccontano una storia familiare. È il luogo in cui i miei ricordi si intrecciano con la routine quotidiana, creando un tessuto di sicurezza e serenità. Le pareti di casa, impregnate di familiarità, sono un richiamo costante alle nostre radici e alla nostra identità ancorata al passato e al presente.

Tuttavia, l'idea di vacanza è un'idea di fuga e di esplorazione. È un'occasione per lasciarsi alle spalle la familiarità della casa per immergersi nell'ignoto, scoprire nuovi luoghi e culture e immergersi in esperienze arricchenti. Le vacanze offrono una boccata d'aria fresca, una pausa dal tran tran quotidiano e la libertà di perdersi e ritrovarsi in paesaggi e orizzonti diversi.

La casa e la vacanza sono due aspetti complementari della nostra vita, ognuno dei quali apporta il proprio equilibrio alla nostra esistenza. Ci ricordano che la casa è più di un semplice spazio fisico; è uno stato d'animo in cui troviamo conforto e sicurezza, mentre la vacanza è una boccata d'aria fresca che alimenta la nostra curiosità e il nostro desiderio di scoprire il mondo oltre le nostre quattro mura.

Eppure, nonostante le loro apparenti differenze, casa e vacanze condividono un legame profondo: quello della risonanza emotiva e del significato personale. Mentre la casa ci riporta alle nostre radici e ci ricorda chi siamo, le vacanze ci sfidano a vedere il mondo sotto una nuova luce e ad ampliare le nostre prospettive.

Home is where the heart is."

"For me, home has always been a place of fulfillment. A place where you can really be yourself, away from the outside world. It's where I feel safe.

Home is like a refuge, a haven where every object and every corner tells a familiar story. It's where my memories intertwine with daily routines, creating a fabric of security and serenity. The walls of home, imbued with familiarity, are a constant reminder of our roots and identity rooted in the past and present.

Nevertheless, the idea of a vacation is one of escape and exploration. It's an opportunity to leave the familiarity of home behind to plunge into the unknown, discover new places and cultures, and immerse oneself in enriching experiences. Vacations offer a breath of fresh air, a break from the daily grind, and the freedom to lose oneself and find oneself in different landscapes and horizons.

Home and away are two complementary facets of our lives, each bringing its own balance to our existence. They remind us that home is more than just a physical space; it's a state of mind where we find comfort and security, while vacations are a breath of fresh air that nourish our curiosity and desire to discover the world beyond our four walls.

Yet despite their apparent differences, home and vacation share a deep bond: one of emotional resonance and personal meaning. While home anchors us to our roots and reminds us of who we are, vacations challenge us to see the world from a new angle and broaden our perspectives.

Home is where the heart is."

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Photo Elysée | Lausanne
6. September 2024 – 23. Februar 2025

Daido Moriyama - Rétrospective

Photo Elysée präsentiert eine umfassende Ausstellung, die einem der bekanntesten japanischen Fotografen gewidmet ist. Die vom Instituto Moreira Salles (Sao Paolo, Brasilien) organisierte Retrospektive macht nach Berlin und London nun auch in der Schweiz Halt.

Daido Moriyama (geb. 1938 in Osaka) hat im Laufe seiner 60-jährigen Karriere die Art und Weise, wie wir Fotografie sehen, massgeblich verändert. Mit seiner Kamera hat er nicht nur seine direkte Umgebung dokumentiert und eine visuelle Gesellschaftsanalyse des Japans der Nachkriegszeit geschaffen, er hat auch das fotografische Medium an sich hinterfragt. 

Seine unvergleichliche Bildsprache erfährt ebenso viel Anerkennung wie seine zahlreichen Publikationen, die in seinem Werk einen zentralen Stellenwert einnehmen. 

Daido Moriyamas fotografische Themen haben Betrachter:innen seit jeher in ihren Bann gezogen, egal ob es sich um Massenmedien und Werbung, gesellschaftliche Tabus oder die Theatralik des Alltags handelt. Er hat das Aufeinanderprallen von japanischer Tradition und beschleunigter Verwestlichung festgehalten, das auf die amerikanische Militärbesetzung Japans nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs folgte. Inspiriert durch US-amerikanische Künstler wie Andy Warhol oder William Klein hat der Fotograf die aufkommende japanische Konsumgesellschaft lebendig werden lassen und sich mit der Reproduzierbarkeit von Bildern, ihrer Verbreitung und ihrem Konsum beschäftigt. Immer wieder hat Moriyama auch sein eigenes Bildarchiv in neue Kontexte gesetzt und mit Vergröerungen, Ausschnitten und der Bildauflösung experimentiert. Bis heute gelten sein künstlerischer Pioniergeist und seine visuelle Intensität als wegweisend und innovativ.

Photo Elysée présente une exposition majeure dédiée à l’un des plus grands photographes japonais. La rétrospective, produite par l’Instituto Moreira Salles (Sao Paulo, Brésil), fait escale en Suisse après Berlin et Londres.

Au cours de ses soixante années de carrière, Daido Moriyama (né en 1938 à Osaka) a modifié de manière décisive notre perception de la photographie. Il a utilisé son appareil photo pour documenter son environnement immédiat et pour explorer visuellement la société japonaise d'après-guerre. Mais il a également remis en question la nature même de la photographie. 

Son langage visuel incomparable est aussi loué que ses innombrables publications, qui sont au cœur de son travail. 

Les sujets photographiques de Moriyama ont captivé les spectateurs dès le début, qu'il s'agisse des médias de masse et des publicités, des tabous de la société ou de la théâtralité de la vie quotidienne. Il a saisi le choc entre la tradition japonaise et l'occidentalisation accélérée qui a suivi l'occupation militaire du Japon par les États-Unis après la fin de la Seconde Guerre mondiale. Inspiré par des artistes américains tels qu'Andy Warhol et William Klein, le photographe a donné vie à la société de consommation naissante au Japon. Il a exploré la reproductibilité des images, leur diffusion et leur consommation. À maintes reprises, Moriyama a placé ses archives d'images dans de nouveaux contextes, jouant avec les agrandissements, les recadrages et la résolution de l'image. Aujourd'hui encore, son esprit artistique pionnier et son intensité visuelle restent novateurs.

Photo Elysée presenta una mostra importante dedicata ad uno dei più grandi fotografi giapponesi. La retrospettiva, prodotta dall’Instituto Moreira Salles (São Paulo, Brasile), fa scalo in Svizzera dopo Berlino e Londra.  

Nel corso dei suoi sessant’anni di carriera, Daido Moriyama (nato nel 1938 a Osaka) ha modificato in modo decisivo la nostra percezione della fotografia. Ha utilizzato la sua fotocamera per documentare il proprio ambiente circostante e per esplorare dal punto di vista visivo la società giapponese del dopoguerra. Ma ha altresì rimesso in discussione la natura stessa della fotografia. 

Il suo linguaggio visivo impareggiabile è tanto lodato quanto le sue tantissime pubblicazioni che sono nel cuore del suo lavoro. 

I soggetti fotografici di Moriyama hanno appassionato gli spettatori sin dall’inizio, che si tratti dei mass media e delle pubblicità, dei tabù della società o della teatralità della vita quotidiana. Il fotografo ha colto lo shock tra la tradizione giapponese e l'occidentalizzazione accelerata che ha seguito l'occupazione militare del Giappone dagli Stati Uniti dopo la fine della seconda guerra mondiale. Ispirato da artisti americani quali Andy Warhol e William Klein, il fotografo ha dato la luce alla società di consumo nascente in Giappone. Ha esplorato la riproducibilità delle immagini, la loro diffusione ed il loro consumo. A più riprese, Moriyama ha ambientato i suoi archivi di immagini in nuovi contesti, giocando con gli ingrandimenti, le reinquadrature e la risoluzione dell'immagine. Ancora oggi, il suo spirito artistico pioniere e la sua intensità visiva rimangono innovativi.

Photo Elysée is presenting a major exhibition devoted to one of Japan’s greatest photographers. This retrospective, produced by the Instituto Moreira Salles (Sao Paulo, Brazil), will be making a stopover in Switzerland after showing in Berlin and London.

During the sixty years of his career, Daido Moriyama (born in Osaka in 1938) definitively altered our perception of photography. He used his camera to document his immediate surroundings and to visually explore post-war society in Japan. But he also challenged the very nature of photography itself. 

His incomparable visual language is as highly acclaimed as his numerous publications, which are at the heart of his work.

Right from the start, viewers have been captivated by Moriyama’s photographic subjects, from the mass media and advertising to society's taboos and the theatricality of everyday life. He captured the clash between Japanese tradition and the accelerated westernisation that followed the US military occupation of Japan after the end of the Second World War. Inspired by American artists such as Andy Warhol and William Klein, the photographer brought Japan's nascent consumer society to life. He explored the reproducibility of images, their dissemination and their consumption. Moriyama repeatedly positioned his archive of images in new contexts, playing with enlargements, cropping and image resolution. Even today, his pioneering artistic spirit and visual intensity remain innovative.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Photographischen Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
6. September 2024 – 2. Februar 2025

Karl Blossfeldt – Photographie im Licht der Kunst

Mit 271 Originalabzügen wird das Œuvre von Karl Blossfeldt (1865–1932) erstmals seit zwei Jahrzehnten in diesem Umfang präsentiert. Eindrucksvoll entfaltet sich ein photographisches Werk, das im Kontext der Kunstausbildung entstand und erst wenige Jahre vor Blossfeldts Tod als eigenständige künstlerische Haltung entdeckt wurde. Heute zählt es zu den Klassikern der Photographiegeschichte und wird in einem Atemzug mit etwa August Sander und Albert Renger-Patzsch genannt. In der Rezeption gelten Blossfeldts Photographien vor allem als prototypisch für die Neue Sachlichkeit und das Neuen Sehen.

Die Ausstellung basiert auf den Beständen der Universität der Künste Berlin, an deren Vorgängerschule Blossfeldt selbst als Bildhauer ausgebildet wurde, und wo er ab 1899 drei Jahrzehnte lang das Fach „Modellieren nach Pflanzen“ unterrichtete. Dort erarbeitete er seine Pflanzenphotographien, die er als Vorlagen verwendete, um seinen Studierenden die Formenvielfalt und Details der botanischen Welt nahezubringen. Die genaue Beobachtung und die künstlerische Umsetzung der vegetabilen Formen sollten als Anregungen für Entwürfe im Bereich der angewandten Kunst und Architektur gelten. Außerdem fertigte Blossfeldt – allerdings in geringerer Anzahl – plastische Bronzeabgüsse von Pflanzenformen an und setzte sie im Unterricht ein. Exemplarische Stücke sind in die Präsentation einbezogen wie handschriftliche Briefe, die Einblicke in schulische Abläufe geben und Aussagen zum Verhältnis von Natur- und Kunstformen enthalten.

Die Photographie war für Karl Blossfeldt ein elementares Ausdrucksmittel, das er gezielt für seine Zwecke einsetzte. Das teils stark bearbeitete Pflanzenmaterial lichtet er in vielfacher Vergrößerung und vor neutralem hell- oder dunkeltonigem Hintergrund ab. Die Aufnahmen sind von großer formaler Kraft und formulieren über ihre Funktion als Lehrstücke hinaus eine vom Gegenständlichen ausgehende, in die Abstraktion führende Bildsprache. Insbesondere die noch zu Lebzeiten Blossfeldts erschienenen Publikationen „Urformen der Kunst“, 1928, und „Wundergarten der Natur“, 1932, zeigen, wie intensiv er sein Themenfeld erforschte und wie sehr er die ästhetischen Ausdrucksmöglichkeiten der Pflanze wie ihre rätselhaft magische Ausstrahlung wertschätzte.

Es erscheint ein umfangreicher, den Berliner Blossfeldt-Bestand vorstellender Katalog. Publikation und Ausstellung basieren auf der langjährigen Kooperation der Universität der Künste, Berlin mit der Photographischen Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln.

Avec 271 tirages originaux, l'œuvre de Karl Blossfeldt (1865-1932) est présentée pour la première fois depuis deux décennies dans cette ampleur. Une œuvre photographique impressionnante se déploie, née dans le contexte de l'enseignement artistique et découverte en tant qu'attitude artistique autonome seulement quelques années avant la mort de Blossfeldt. Aujourd'hui, elle compte parmi les classiques de l'histoire de la photographie et est citée au même titre qu'August Sander et Albert Renger-Patzsch. Les photographies de Blossfeldt sont considérées comme le prototype de la Nouvelle Objectivité et de la Nouvelle Vision.

L'exposition s'appuie sur les fonds de l'Université des Arts de Berlin, où Blossfeldt a lui-même suivi une formation de sculpteur et où il a enseigné pendant trois décennies, à partir de 1899, le « modelage d'après les plantes ». C'est là qu'il élabora ses photographies de plantes, qu'il utilisa comme modèles pour faire découvrir à ses étudiants la diversité des formes et des détails du monde botanique. L'observation précise et la transposition artistique des formes végétales devaient servir d'inspiration pour des projets dans le domaine des arts appliqués et de l'architecture. En outre, Blossfeldt a réalisé des moulages plastiques en bronze de formes végétales - certes en plus petit nombre - et les a utilisés dans ses cours. Des pièces exemplaires sont incluses dans la présentation, tout comme des lettres manuscrites qui donnent un aperçu des processus scolaires et contiennent des déclarations sur la relation entre les formes naturelles et artistiques.

La photographie était pour Karl Blossfeldt un moyen d'expression élémentaire qu'il utilisait de manière ciblée à ses propres fins. Il photographiait le matériel végétal, parfois très travaillé, en l'agrandissant de nombreuses fois et devant un arrière-plan neutre aux tons clairs ou foncés. Les clichés sont d'une grande force formelle et, au-delà de leur fonction pédagogique, ils formulent un langage visuel qui part du figuratif pour aller vers l'abstraction. Les publications « Urformen der Kunst » (Formes originales de l'art), 1928, et « Wundergarten der Natur » (Jardin merveilleux de la nature), 1932, parues du vivant de Blossfeldt, montrent notamment à quel point il a exploré son champ thématique et à quel point il appréciait les possibilités d'expression esthétique de la plante ainsi que son rayonnement magique et énigmatique.

Un catalogue complet présentant le fonds Blossfeldt de Berlin est publié. La publication et l'exposition sont le fruit d'une coopération de longue date entre l'Université des Arts de Berlin et la Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur de Cologne.

Con 271 stampe originali, l'opera di Karl Blossfeldt (1865-1932) viene presentata in questa veste per la prima volta dopo due decenni. Viene presentata un'impressionante opera fotografica, creata nel contesto dell'educazione artistica e scoperta come approccio artistico indipendente solo pochi anni prima della morte di Blossfeldt. Oggi si colloca tra i classici della storia della fotografia e viene citato alla stregua di August Sander e Albert Renger-Patzsch. In termini di ricezione, le fotografie di Blossfeldt sono considerate soprattutto come prototipo della Nuova Oggettività e della Nuova Visione.

La mostra si basa sui fondi dell'Università delle Arti di Berlino, presso la cui scuola predecessore Blossfeldt si è formato come scultore e dove ha insegnato la materia “Modellazione dalle piante” per tre decenni a partire dal 1899. Fu lì che sviluppò le sue fotografie di piante, che utilizzò come modelli per familiarizzare i suoi studenti con la varietà di forme e dettagli del mondo botanico. L'osservazione precisa e la realizzazione artistica delle forme vegetali servirono da ispirazione per i disegni nel campo dell'arte applicata e dell'architettura. Blossfeldt realizzò anche calchi in bronzo di forme vegetali - anche se in numero minore - e li utilizzò nelle sue lezioni. Pezzi esemplari sono inclusi nella presentazione, così come lettere scritte a mano che forniscono approfondimenti sulle procedure scolastiche e contengono dichiarazioni sul rapporto tra forme naturali e artistiche.

La fotografia era un mezzo di espressione elementare per Karl Blossfeldt, che usava specificamente per i suoi scopi. Fotografava il materiale vegetale, in parte pesantemente elaborato, in ingrandimenti multipli e su uno sfondo neutro di colori chiari o scuri. Le fotografie sono di grande potenza formale e, al di là della loro funzione didattica, formulano un linguaggio pittorico che si allontana dalla rappresentazione e conduce all'astrazione. In particolare, le pubblicazioni di Blossfeldt “Urformen der Kunst” (1928) e “Wundergarten der Natur” (1932), apparse durante la sua vita, mostrano quanto intensamente esplorasse la sua area tematica e quanto apprezzasse le possibilità espressive estetiche delle piante e la loro aura enigmatica e magica.

Verrà pubblicato un catalogo completo che presenta la collezione Blossfeldt di Berlino. La pubblicazione e la mostra si basano sulla cooperazione di lunga data tra l'Università delle Arti di Berlino e la Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Colonia.

For the first time in two decades, Karl Blossfeldt's (1865–1932) oeuvre is being presented in this scope, featuring 271 original prints. This impressive exhibition unfolds a photographic body of work that was developed in the context of art education and only discovered as an independent artistic approach a few years before Blossfeldt's death. Today, his work is considered a classic in the history of photography, often mentioned alongside August Sander and Albert Renger-Patzsch. Blossfeldt's photographs are primarily regarded as prototypical for the New Objectivity and New Vision movements.

The exhibition is based on the collection of the Berlin University of the Arts, where Blossfeldt was trained as a sculptor at its predecessor school, and where he taught "Modeling from Plants" for three decades starting in 1899. It was there that he developed his plant photographs, which he used as teaching materials to showcase the diversity and intricate details of the botanical world to his students. The close observation and artistic representation of plant forms were intended as inspiration for designs in the fields of applied arts and architecture. Additionally, Blossfeldt created a smaller number of bronze casts of plant forms, which he also used in his teaching. Exemplary pieces, along with handwritten letters offering insights into the school's operations and discussing the relationship between natural and artistic forms, are included in the presentation.

"Photography was an essential means of expression for Karl Blossfeldt, which he used deliberately for his purposes. He photographed heavily edited plant materials in multiple enlargements against neutral light or dark-toned backgrounds. These images are of great formal strength, and beyond their function as teaching tools, they convey a visual language that, while starting from the representational, leads into abstraction. Particularly in the publications that appeared during Blossfeldt's lifetime – "Urformen der Kunst" (1928) and "Wundergarten der Natur" (1932) – it becomes evident how deeply he explored his subject matter and how much he appreciated both the aesthetic possibilities of plants and their enigmatic, magical aura."

A comprehensive catalog introducing the Berlin Blossfeldt collection will be published. Both the publication and exhibition are the result of a long-term collaboration between the Berlin University of the Arts and Die Photographische Sammliung/SK Stiftung Kultur in Cologne.

(Text: Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
06. September 2024 - 2. Februar 2025

August Sander-Preis 2024

Johanna Langenhoff – Ich oder so

Die von der Jury ausgewählte und prämierte Serie trägt den Titel „Ich oder so“ und ist 2023–2024 entstanden. Johanna Langenhoff (*2000) studiert seit 2021 an der HAW Hamburg und hat die Serie vor dem Hintergrund existenzieller Fragen der Identitätsfindung und Geschlechterzugehörigkeit entwickelt.

„Viele Gefühle, die sich schwer in Worte fassen lassen, sind für mich visuell einfacher darstellbar. […] Gleichzeitig öffnen die Photographien einen Gesprächsraum, in dem ich über mich – meinen Prozess, meine Gefühle des Nicht-Dazugehörens, die Momente des Verständnisses, die Unsicherheit, das Gefühl, mich definieren zu müssen oder die fehlende Endgültigkeit dieser Definition ‚non-binary‘ – sprechen kann“, so Johanna Langenhoff zur Intention der farbphotographischen Serie. Sehnsucht, Erinnerung und gegenwärtige Wahrnehmung sind für Johanna Langenhoff zentrale Momente einer prozesshaften Selbstbefragung, geprägt von der Suche nach individueller Verortung und individuellem Ausdruck. Die aufgenommenen Motive changieren entsprechend passend zwischen (Selbst-) Porträts und Körperdarstellungen, zwischen Landschafts- und Raumausschnitten, zwischen konkreten und abstrakten Formstudien. Licht und Schatten sind darüber hinaus vielfach bildgestalterische wie atmosphärische Elemente. Die Serie „Ich oder so“ ist vergleichbar einem Kaleidoskop unterschiedlicher emotionaler Befindlichkeiten und Erfahrungen. Sie lässt Raum für Assoziationen und Gedanken, die den Bildern, der Künstler*in und grundlegend der menschlichen Entwicklung gelten.

Der August-Sander-Preis wird seit 2018 alle zwei Jahre ausgelobt, gestiftet von Ulla Bartenbach und Prof. Dr. Kurt Bartenbach. Auch auf die nun vierte Ausschreibung ist die Resonanz erfreulich groß gewesen, mehr als 120 Einsendungen aus dem In- und Ausland waren eingegangen.

Zur Jury gehörten Dr. Anja Bartenbach, Stifterfamilie, Gabriele Conrath-Scholl, Leiterin, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, Künstler, Düsseldorf und Prof. Dr. Martin Hochleitner, Salzburg Museum.

La série sélectionnée et récompensée par le jury s'intitule « Ich oder so » et a été réalisée entre 2023 et 2024. Johanna Langenhoff (*2000) étudie à la HAW de Hambourg depuis 2021 et a développé la série avec en toile de fond des questions existentielles sur la recherche d'identité et l'appartenance à un genre.

« De nombreux sentiments difficiles à exprimer avec des mots sont plus faciles à représenter visuellement pour moi. [...] En même temps, les photographies ouvrent un espace de conversation dans lequel je peux parler de moi - de mon processus, de mes sentiments de non-appartenance, des moments de compréhension, de l'incertitude, du sentiment de devoir me définir ou de l'absence de caractère définitif de cette définition 'non-binaire' », explique Johanna Langenhoff à propos de l'intention de la série de photographies en couleur. La nostalgie, le souvenir et la perception actuelle sont pour Johanna Langenhoff les moments centraux d'un processus d'interrogation de soi, marqué par la recherche d'une localisation et d'une expression individuelles. Les motifs pris oscillent de manière appropriée entre les (auto-)portraits et les représentations du corps, entre les paysages et les fragments d'espace, entre les études de formes concrètes et abstraites. La lumière et l'ombre sont en outre souvent des éléments créateurs d'images et d'atmosphère. La série « Moi ou ça » est comparable à un kaléidoscope de différents états d'âme et expériences émotionnelles. Elle laisse place à des associations d'idées et à des réflexions sur les visuels, sur l'artiste et sur le développement humain en général.

Le prix August Sander, fondé par Ulla Bartenbach et le professeur Kurt Bartenbach, est décerné tous les deux ans depuis 2018. La quatrième édition du prix a suscité un grand intérêt, avec plus de 120 candidatures venues d'Allemagne et de l'étranger.

Anja Bartenbach, famille fondatrice, Gabriele Conrath-Scholl, directrice de Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, artiste, Düsseldorf et le professeur Martin Hochleitner, Salzburg Museum.

La serie selezionata e premiata dalla giuria si intitola “Ich oder so” ed è stata creata nel 2023-2024. Johanna Langenhoff (*2000) studia alla HAW di Amburgo dal 2021 e ha sviluppato la serie sullo sfondo delle domande esistenziali sull'identità e sull'appartenenza di genere.

“Molti sentimenti che sono difficili da esprimere a parole, per me sono più facili da rappresentare visivamente. [...] Allo stesso tempo, le fotografie aprono uno spazio di conversazione in cui posso parlare di me stessa - il mio processo, le mie sensazioni di non appartenenza, i momenti di comprensione, l'incertezza, la sensazione di dovermi definire o la mancanza di finalità di questa definizione 'non binaria'”, dice Johanna Langenhoff sull'intenzione della serie fotografica a colori. Per Johanna Langenhoff, il desiderio, la memoria e la percezione del presente sono momenti centrali di un'auto-interrogazione processuale, caratterizzata dalla ricerca di una localizzazione e di un'espressione individuale. I motivi che cattura si alternano in modo appropriato tra (auto)ritratti e rappresentazioni del corpo, tra paesaggi e dettagli spaziali, tra studi concreti e astratti della forma. Anche la luce e l'ombra sono utilizzate frequentemente come elementi di design pittorico e di atmosfera. La serie “Ich oder so” è paragonabile a un caleidoscopio di diversi stati emotivi ed esperienze. Lascia spazio ad associazioni e pensieri che riguardano le immagini, l'artista e, fondamentalmente, lo sviluppo umano.

Il Premio August Sander viene assegnato ogni due anni dal 2018, sponsorizzato da Ulla Bartenbach e dal Prof. Dr. Kurt Bartenbach. Anche la risposta al quarto bando di concorso è stata piacevolmente alta, con oltre 120 candidature provenienti dalla Germania e dall'estero.

La giuria era composta dalla Dott.ssa Anja Bartenbach, famiglia donatrice, Gabriele Conrath-Scholl, Direttrice, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, artista, Düsseldorf e il Prof. Dr. Martin Hochleitner, Museo di Salisburgo.

The series selected and awarded by the jury is entitled "Me or so" and was created in 2023-2024. Johanna Langenhoff (*2000) has been studying at HAW Hamburg since 2021 and developed the series against the backdrop of existential questions of identity and gender affiliation.

"Many feelings that are difficult to put into words are easier for me to depict visually. [...] At the same time, the photographs open up a space for conversation in which I can talk about myself - my process, my feelings of not belonging, the moments of understanding, the uncertainty, the feeling of having to define myself or the lack of finality of this definition 'non-binary'," says Johanna Langenhoff about the intention of the color photographic series. For Johanna Langenhoff, longing, memory and present perception are central moments of a processual self-questioning, characterized by the search for individual localization and individual expression. The motifs she captures alternate appropriately between (self-)portraits and depictions of the body, between landscape and spatial details, between concrete and abstract studies of form. Light and shadow are also frequently used as elements of pictorial design and atmosphere. The series "Me or so" is comparable to a kaleidoscope of different emotional states and experiences. It leaves room for associations and thoughts that apply to the pictures, the artist and, fundamentally, human development.

The August Sander Prize has been awarded every two years since 2018, sponsored by Ulla Bartenbach and Prof. Dr. Kurt Bartenbach. The response to the fourth call for entries was also pleasingly high, with more than 120 submissions from Germany and abroad.

The jury included Dr. Anja Bartenbach, donor family, Gabriele Conrath-Scholl, Director, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, artist, Düsseldorf and Prof. Dr. Martin Hochleitner, Salzburg Museum.

(Text: Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Deichtorhallen | Hamburg
7. September 2023 – 26. Januar 2025

Tactics & Mythologies
Andrea Orejarena & Caleb Stein

Diese erste europäische Einzelausstellung des New Yorker Duos Andrea Orejarena (*1994, Kolumbien) und Caleb Stein (*1994, UK) präsentiert fotografische und filmische Arbeiten, die sich mit Praktiken der Simulation und Narrativen der Desinformation auseinandersetzen.

Das Künstlerduo Andrea Orejarena, Kognitionswissenschaftlerin und Fotografin, und Caleb Stein, Dokumentarfotograf, ist bekannt für ihre konzeptuell-dokumentarischen Projekte, zu individueller Wahrnehmung und kollektiver Wirklichkeitskonstruktion. Ihre Arbeiten werden u.a. in den New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia, und Wallpaper* publiziert.

Da ein wachsendes Misstrauen in die Unterscheidung von Realität und Fiktion unsere Gegenwart prägt, begab sich das Duo seit 2020 auf Social Media und fotografisch auf Erkundungstour. Entstanden ist ein erstes Archiv mit über 1.500 Fotografien und aktuellen Bildformen, das den Einfluss von Verschwörungsnarrativen auf die amerikanische Gesellschaft und die individuelle Wahrnehmung manifestiert.

Dieses Archiv fotografischer Formen von »alternative facts« tritt in der Installation American Glitch in Dialog mit den Landschaftsaufnahmen von Orejarena & Stein, die vermeintlichen Schauplätze von verschwörungstheoretischen Ereignissen dokumentieren und decodieren. Durch ihr Aufgreifen von Traditionen wie Roadtrips und Street Photography verwebt American Glitch Kontinuitäten aus der amerikanischen Fotogeschichte mit den neuen Phänomenen zeitgenössischer Online-Kultur.

Bereits seit ihrem Projekt Long Time No See (2018-2020) arbeitet das Duo an der drängenden Frage, welche Rolle die Fotografie für das Wechselverhältnis von Wahrnehmung und Imagination heute spielen kann. Long Time No See entstand zusammen mit jungen vietnamesischen Künstler*innen sowie Veteranen in Hanoi und zeichnet die künstlerische Auseinandersetzung mit den heutigen Erinnerungen und Folgen des Vietnamkrieges nach. In poetischen Porträts und Landschaftsansichten zeigt Long Time No See eine visuelle Spurensuche nach den Zwischentönen dissonanter Geschichtsschreibungen und Bildformen zwischen Dokumentation und subjektiver Wahrnehmung.

Die neue Ausstellungsreihe VIRAL HALLUCINATIONS adressiert das Spannungsfeld dokumentarischer Strategien in einer global vernetzten »Post-Wahrheit-Ära«.

Kuratorin: Nadine Isabelle Henrich, Kuratorin Haus der Photographie

Cette première exposition individuelle européenne du duo new-yorkais Andrea Orejarena (*1994, Colombie) et Caleb Stein (*1994, Royaume-Uni) présente des travaux photographiques et cinématographiques qui explorent les pratiques de simulation et les récits de désinformation.

Le duo d'artistes Andrea Orejarena, spécialiste des sciences cognitives et photographe, et Caleb Stein, photographe documentaire, est connu pour ses projets conceptuels et documentaires, sur la perception individuelle et la construction collective de la réalité. Leurs travaux sont publiés entre autres dans le New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia et Wallpaper*.

Comme une méfiance croissante à l'égard de la distinction entre réalité et fiction caractérise notre présent, le duo s'est lancé depuis 2020 dans une exploration des médias sociaux et de la photographie. Il en résulte une première archive de plus de 1 500 photographies et formes d'images actuelles qui manifestent l'influence des récits de conspiration sur la société américaine et la perception individuelle.

Dans l'installation American Glitch, ces archives de formes photographiques de "faits alternatifs" entrent en dialogue avec les photos de paysages d'Orejarena & Stein, qui documentent et décodent les lieux supposés d'événements conspirationnistes. En s'inspirant de traditions telles que les road-trips et la street photography, American Glitch entrelace les continuités de l'histoire de la photographie américaine avec les nouveaux phénomènes de la culture en ligne contemporaine.

Depuis leur projet Long Time No See (2018-2020), le duo travaille sur la question urgente du rôle que la photographie peut jouer aujourd'hui dans l'interaction entre la perception et l'imagination. Long Time No See a été réalisé en collaboration avec de jeunes artistes vietnamiens* ainsi que des vétérans à Hanoi et retrace la confrontation artistique avec les souvenirs et les conséquences actuelles de la guerre du Vietnam. À travers des portraits poétiques et des vues de paysages, Long Time No See montre une recherche visuelle des nuances d'écritures historiques dissonantes et de formes d'images entre documentation et perception subjective.

La nouvelle série d'expositions VIRAL HALLUCINATIONS aborde le champ de tension des stratégies documentaires dans une "ère post-vérité" globalement interconnectée.

Commissaire d'exposition : Nadine Isabelle Henrich, conservatrice Haus der Photographie

La prima mostra personale europea del duo newyorkese Andrea Orejarena (*1994, Colombia) e Caleb Stein (*1994, Regno Unito) presenta opere fotografiche e cinematografiche che affrontano pratiche di simulazione e narrazioni di disinformazione.

Il duo di artisti Andrea Orejarena, scienziata cognitiva e fotografa, e Caleb Stein, fotografo documentarista, sono noti per i loro progetti di documentari concettuali sulla percezione individuale e la costruzione collettiva della realtà. Il loro lavoro è stato pubblicato, tra gli altri, da New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia e Wallpaper*.

Poiché il nostro presente è caratterizzato da una crescente sfiducia nella distinzione tra realtà e finzione, dal 2020 il duo esplora i social media e la fotografia. Il risultato è un primo archivio di oltre 1.500 fotografie e forme di immagine attuali che manifestano l'influenza delle narrazioni cospirative sulla società americana e sulla percezione individuale.

Nell'installazione American Glitch, questo archivio di forme fotografiche di "fatti alternativi" entra in dialogo con le fotografie di paesaggio di Orejarena & Stein, che documentano e decodificano i presunti luoghi degli eventi della teoria del complotto. Riprendendo tradizioni come i viaggi su strada e la street photography, American Glitch intreccia le continuità della storia fotografica americana con i nuovi fenomeni della cultura online contemporanea.

A partire dal progetto Long Time No See (2018-2020), il duo lavora sulla pressante questione del ruolo che la fotografia può svolgere oggi nell'interazione tra percezione e immaginazione. Long Time No See è stato realizzato insieme a giovani artisti e veterani vietnamiti ad Hanoi e traccia un esame artistico dei ricordi e delle conseguenze odierne della guerra del Vietnam. Attraverso ritratti poetici e vedute paesaggistiche, Long Time No See mostra una ricerca visiva delle sfumature di storiografie e forme visive dissonanti tra documentazione e percezione soggettiva.

La nuova serie di mostre VIRAL HALLUCINATIONS affronta il campo di tensione delle strategie documentarie in una "era della post-verità" in rete a livello globale.

Curatore: Nadine Isabelle Henrich, curatore Haus der Photographie

This first European solo exhibition by New York-based duo Andrea Orejarena (*1994, Colombia) and Caleb Stein (*1994, UK) presents photographic and filmic works that explore practices of simulation and narratives of disinformation.

The artist duo Andrea Orejarena, cognitive scientist and photographer, and Caleb Stein, documentary photographer, are known for their conceptual-documentary projects on individual perception and the collective construction of reality. Their work has been published in the New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia, and Wallpaper*, among others.

As a growing distrust in the distinction between reality and fiction characterizes our present, the duo has been exploring social media and photography since 2020. The result is a first archive of over 1,500 photographs and current image forms that manifest the influence of conspiracy narratives on American society and individual perception.

In the installation American Glitch, this archive of photographic forms of "alternative facts" enters into a dialog with the landscape photographs by Orejarena & Stein, which document and decode the supposed locations of conspiracy theory events. By taking up traditions such as road trips and street photography, American Glitch interweaves continuities from American photographic history with the new phenomena of contemporary online culture.

Since their project Long Time No See (2018-2020), the duo has been working on the pressing question of what role photography can play in the interplay between perception and imagination today. Long Time No See was created together with young Vietnamese artists and veterans in Hanoi and traces the artistic examination of today's memories and consequences of the Vietnam War. In poetic portraits and landscape views, Long Time No See shows a visual search for traces of the nuances of dissonant historiographies and image forms between documentation and subjective perception.

The new exhibition series VIRAL HALLUCINATIONS addresses the field of tension of documentary strategies in a globally networked "post-truth era".

Curator: Nadine Isabelle Henrich, Curator Haus der Photographie

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

MASI Lugano
8. September 2024 – 26. Januar 2025

Luigi Ghirri - Il viaggio - Fotografie 1970-1991

Etwas mehr als 30 Jahre nach seinem frühen Tod erinnert das MASI Lugano in einer neuen Ausstellung an den italienischen Fotografen Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia,1992).

Als Pionier und einflussreicher Vordenker, der sich intensiv mit der Fotografie und deren Rolle in der modernen Kultur auseinandergesetzt hat, schuf Ghirri in den 1970er und 1980er Jahren ein im damaligen Europa einzigartiges Werk – ein spielerisches, poetisches und tiefgründiges Nachdenken über die populäre Fotografie.

Mit mehr als 100 Originalabzügen erzählt der Ausstellungsparcours im MASI von der grossen Anziehungskraft, die das reale und imaginäre Reisen auf Luigi Ghirri ausübte. Er fotografierte vor allem sein Heimatland Italien und besuchte dort Touristen-Hotspots – von den Dolomiten und den norditalienischen Seen über die Badeorte an den Küsten des Mittelmeers bis zu den Sehenswürdigkeiten aus der Antike und den Themenparks. Darüber hinaus befasste er sich mit dem Konzept des Reisens und fotografierte Landkarten, Werbebilder und Postkarten, die überall in der Ausstellung zu sehen sind. Aus diesen Arbeiten ergibt sich eine Reflexion über die Art und Weise, wie die Fotografie die Erfahrung des Ortes im modernen Leben abbildet.

Kuratiert von James Lingwood

Koordination im MASI: Ludovica Introini

Le MASI Lugano consacre une nouvelle exposition majeure au photographe italien Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992), un peu plus de trente ans après sa mort prématurée.

Figure pionnière, penseur influent de la photographie et de son rôle dans la culture moderne, Ghirri a créé dans les années 1970 et 1980 une œuvre sans précédent dans l’Europe de son époque – une réflexion ludique, poétique et profonde sur le médium de la photographie populaire.

L’exposition au MASI retrace, à travers quelque 150 tirages originaux, la véritable fascination de Ghirri pour les voyages, à la fois réels et imaginaires. Ghirri a photographié avant tout son Italie, dans des lieux fréquentés par les touristes : des Dolomites aux lacs du Nord, des stations balnéaires de l’Adriatique et la Méditerranée aux musées, ruines classiques et parcs à thème. Hormis ces destinations, l’attention de Ghirri porte également sur l’idée du voyage, les photographies de cartes, atlas, images publicitaires et cartes postales, qui reviennent tout au long de l’exposition. Ces œuvres font ainsi émerger une réflexion sur la manière dont la photographie marque l’expérience du lieu dans la vie moderne.

Commissariat d'exposition James Lingwood

coordination pour le MASI Ludovica Introini

A poco più di trent’anni dalla sua prematura scomparsa, il MASI Lugano dedica una nuova importante mostra al fotografo italiano Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992).

Figura pionieristica e influente pensatore della fotografia e del suo ruolo nella cultura moderna, negli anni '70 e '80 Ghirri ha creato un corpus di opere senza eguali nell'Europa del suo tempo; una riflessione giocosa, poetica e profonda sul popolare mezzo fotografico.

Il percorso espositivo al MASI racconta, attraverso circa 150 stampe originali, la profonda fascinazione di Ghirri per il viaggio, sia reale che immaginario. Ghirri ha fotografato soprattutto la sua Italia, viaggiando in luoghi frequentati dai turisti: dalle Dolomiti ai laghi dell'Italia settentrionale, dalle località balneari lungo le coste dell'Adriatico e del Mediterraneo ai musei, alle rovine classiche e ai parchi a tema. Accanto a queste mete, l'attenzione di Ghirri si rivolge anche all'idea del viaggio e alle fotografie di mappe, atlanti, immagini pubblicitarie e cartoline, che ricorrono in tutta la mostra. Dai lavori emerge così anche una riflessione sul modo in cui la fotografia inquadra l’esperienza del luogo nella vita moderna.

a cura di James Lingwood

coordinamento per il MASI Ludovica Introini

Just over thirty years after his premature death, MASI Lugano is dedicating a major new exhibition to the Italian photographer Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992).

A pioneering figure and influential thinker on photography and its role in modern culture, in the 1970s and 1980s Ghirri created a body of work unparalleled in the Europe of his time; a playful, poetic and profound reflection on the popular medium of photography.

The exhibition at MASI recounts Ghirri's profound fascination with travel, both real and imaginary, through around 150 original prints. Ghirri mainly photographed his Italy, travelling to places frequented by tourists: from the Dolomites to the lakes of northern Italy, from seaside resorts along the Adriatic and Mediterranean coasts to museums, classical ruins and theme parks. Alongside these destinations, Ghirri's attention also turns to the idea of travel and the photographs of maps, atlases, advertising images and postcards, which recur throughout the exhibition. Thus, a reflection on the way photography frames the experience of place in modern life also emerges from the works.

Curated by James Lingwood

Exhibition coordination at MASI Ludovica Introini

(Text: MASI Lugano)

C/O Berlin
14. September 2024 – 23. Januar 2025

BERLIN – DIE 90ER JAHRE
OSTKREUZ – Agentur der Fotografen

Berlin in den 90ern: Nach dem Fall der Mauer 1989 befindet sich die Stadt im Übergang, in einem Transitraum zwischen Vergangenheit und Zukunft. Aufbruchstimmung wie Verlustängste liegen nah beieinander und bilden den Grundton dieser Zeit. Einzigartige Möglichkeitsräume eröffnen sich und führen zur Blüte kreativer Zwischennutzungen. Berlin wird zur Metropole der Subkulturen – gleichzeitig beginnt jedoch auch ein Ringen um die Gestaltung der neuen Hauptstadt und ihres Zentrums. Die Potenziale und Utopien der 90er Jahre haben sich nachhaltig in das Bild dieser Stadt eingeschrieben und prägen es bis heute.

Inmitten dieser Umbruchstimmung gründet im Jahr 1990 eine Gruppe von Fotograf: innen aus der ehemaligen DDR die Agentur OSTKREUZ mit Sitz in Ost-Berlin. Diese hat sich seitdem international als eine der wichtigsten Fotoagenturen Deutschlands etabliert. C/O Berlin zeigt in der Ausstellung Arbeiten von neun Mitgliedern der Agentur OSTKREUZ, darunter der Co-Gründer:innen Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler und Werner Mahler sowie von Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting und Maurice Weiss. Diese Fotograf:innen beobachten mit genauem Blick die gesellschaftlichen Veränderungen und die Herausforderungen des Zusammenwachsens der ehemaligen Mauerstadt.

Die Ausstellung Träum Weiter — Berlin, die 90er präsentiert 35 Jahre nach der Gründung der Agentur OSTKREUZ und im Jubiläumsjahr des Mauerfalls rund 200 Arbeiten. Neben einigen Klassikern sind viele noch unveröffentlichte Bilder aus dem Archiv der OSTKREUZ-Fotograf:innen zu sehen. Diese bekommen mit dem Blick von heute eine ganz neue Relevanz und dienen als Material für ein Stimmungsbild dieser prägenden Dekade. Sie spiegeln eine Stadt im Wandel mit all ihren Ambivalenzen wider – beginnend mit dem Mauerfall über den Tanz in den Ruinen der aufblühenden Technoszene bis hin zu den sozialen und wirtschaftlichen Veränderungen sowie der Transformation Berlins zur neuen Hauptstadt. Sie reflektieren die unterschiedlichen Perspektiven der OSTKREUZ-Fotograf:innen und zeigen die komplexen Beziehungen zwischen Mensch und Stadtraum auf.

In einer Zeit, in der globale Veränderungen und politische Umbrüche allgegenwärtig sind, bietet Träum Weiter — Berlin, die 90er wertvolle Einblicke in die Mechanismen und Auswirkungen des gesellschaftlichen Wandels. Zudem würdigt die gemeinsame Ausstellung die jahrelange, enge Zusammenarbeit zwischen C/O Berlin und der Agentur OSTKREUZ.

Träum Weiter — Berlin, die 90er wird von Annette Hauschild (OSTKREUZ), und Boaz Levin (C/O Berlin Foundation) kuratiert. Zur Ausstellung erscheint eine gleichnamige Publikation bei Spector Books.

Berlin dans les années 90 : après la chute du mur en 1989, la ville est en transition, dans un espace de transit entre passé et avenir. L'atmosphère de renouveau et la peur de la perte sont proches l'une de l'autre et constituent le ton général de cette période. Des espaces de possibilités uniques s'ouvrent et conduisent à la floraison d'utilisations intermédiaires créatives. Berlin devient la métropole des sous-cultures - mais en même temps commence une lutte pour l'aménagement de la nouvelle capitale et de son centre. Les potentiels et les utopies des années 90 se sont inscrits durablement dans le visuel de cette ville et l'influencent encore aujourd'hui.

Au milieu de cette atmosphère de changement, un groupe de photographes de l'ex-RDA fonde en 1990 l'agence OSTKREUZ, basée à Berlin-Est. Depuis, cette agence s'est imposée au niveau international comme l'une des plus importantes agences photographiques d'Allemagne. L'exposition de C/O Berlin présente les travaux de neuf membres de l'agence OSTKREUZ, dont les co-fondateurs Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler et Werner Mahler, ainsi que Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting et Maurice Weiss. Ces photographes observent avec un regard attentif les changements sociaux et les défis de la fusion de l'ancienne ville du Mur.

L'exposition Träum Weiter - Berlin, les années 90 présente environ 200 travaux, 35 ans après la création de l'agence OSTKREUZ et en cette année d'anniversaire de la chute du mur. Outre quelques classiques, on peut y voir de nombreux visuels inédits issus des archives des photographes d'OSTKREUZ. Avec le regard d'aujourd'hui, elles acquièrent une toute nouvelle pertinence et servent de matériau pour une image d'ambiance de cette décennie marquante. Elles reflètent une ville en mutation avec toutes ses ambivalences - de la chute du mur de Berlin aux changements sociaux et économiques, en passant par la danse dans les ruines de la scène techno en plein essor et la transformation de Berlin en nouvelle capitale. Elles reflètent les différentes perspectives des photographes d'OSTKREUZ et mettent en évidence les relations complexes entre l'homme et l'espace urbain.

À une époque où les changements globaux et les bouleversements politiques sont omniprésents, Träum Weiter - Berlin, die 90er offre un aperçu précieux des mécanismes et des effets du changement social. De plus, cette exposition commune rend hommage à l'étroite collaboration entre C/O Berlin et l'agence OSTKREUZ qui dure depuis des années.

Träum Weiter - Berlin, les années 90 est organisée par Annette Hauschild (OSTKREUZ), et Boaz Levin (C/O Berlin Foundation). L'exposition sera accompagnée d'une publication du même nom éditée par Spector Books.

Berlino negli anni '90: dopo la caduta del Muro nel 1989, la città è in transizione, in uno spazio di transito tra passato e futuro. Lo spirito di ottimismo e la paura della perdita sono vicini e formano il tono di base di questo periodo. Si aprono spazi unici di opportunità che portano alla fioritura di usi creativi intermedi. Berlino diventa una metropoli di sottoculture - ma allo stesso tempo inizia una lotta per la progettazione della nuova capitale e del suo centro. I potenziali e le utopie degli anni '90 hanno lasciato un segno duraturo nell'immagine di questa città e continuano a caratterizzarla ancora oggi.

Nel bel mezzo di questo clima di sconvolgimento, un gruppo di fotografi dell'ex DDR ha fondato l'agenzia OSTKREUZ a Berlino Est nel 1990. Da allora, si è affermata a livello internazionale come una delle agenzie fotografiche più importanti della Germania. Nella mostra, C/O Berlin presenta le opere di nove membri dell'agenzia OSTKREUZ, tra cui i co-fondatori Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler e Werner Mahler, nonché Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting e Maurice Weiss. Questi fotografi osservano da vicino i cambiamenti sociali e le sfide della crescita comune nell'ex città del Muro.

La mostra Träum Weiter - Berlin, die 90er presenta circa 200 opere a 35 anni dalla fondazione dell'agenzia OSTKREUZ e nell'anno dell'anniversario della caduta del Muro di Berlino. Oltre ad alcuni classici, sono esposte molte immagini ancora inedite provenienti dall'archivio dei fotografi di OSTKREUZ. Esse assumono una rilevanza del tutto nuova se viste dalla prospettiva odierna e servono come materiale per un'immagine suggestiva di questo decennio formativo. Riflettono una città in transizione con tutte le sue ambivalenze - dalla caduta del Muro di Berlino e i balli tra le rovine della fiorente scena techno ai cambiamenti sociali ed economici e alla trasformazione di Berlino nella nuova capitale. Riflettono le diverse prospettive dei fotografi di OSTKREUZ e mostrano le complesse relazioni tra le persone e lo spazio urbano.

In un momento in cui il cambiamento globale e gli sconvolgimenti politici sono onnipresenti, Träum Weiter - Berlin, die 90er offre preziose intuizioni sui meccanismi e sugli effetti del cambiamento sociale. La mostra congiunta onora anche i molti anni di stretta collaborazione tra C/O Berlin e l'agenzia OSTKREUZ.

Träum Weiter - Berlin, die 90er è curata da Annette Hauschild (OSTKREUZ) e Boaz Levin (Fondazione C/O Berlin). La mostra sarà accompagnata da una pubblicazione omonima edita da Spector Books.

Berlin in the 90s: The city found itself in flux after the fall of the Berlin Wall in 1989, caught between past and future. A spirit of optimism battled with fears of loss and defined the mood of this era. Extraordinary new opportunities led to a flourishing of temporary initiatives. Berlin became the city of subcultures, even as controversies raged over the development of the new German capital and its center. The potential futures and utopias of the 1990s left a lasting mark on Berlin’s image and continue to define the city to this day.

A group of photographers from former East Germany founded the photo agency OSTKREUZ in East Berlin during this tumultuous era, in 1990. Today, they are recognized internationally as one of Germany’s most important photo agencies. C/O Berlin shows works by nine OSTKREUZ members, including co-founders Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler, and Werner Mahler, as well as Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting, and Maurice Weiss. These photographers turned their sharp gaze to societal transformations and the challenges of reunification in a city formerly divided by the Berlin Wall.

With over 200 works, the exhibition Dream On—Berlin, the 90s opens 35 years after OSTKREUZ was founded, in the anniversary year of the fall of the Berlin Wall. Many previously unpublished photographs from the OSTKREUZ photographers’ archive are shown alongside well-known images. Seen today, they take on a wholly new relevance and serve to convey the mood of this defining decade. They reflect a city in flux with all its attendant ambivalences, beginning with the fall of the Wall and dancing in the ruins to the burgeoning techno scene, social and economic changes, and Berlin’s transformation into the new German capital. These images reflect the OSTKREUZ photographers’ unique perspectives, revealing the complex relationship between individuals and urban space.

At a moment when global changes and political upheavals are omnipresent, Dream On—Berlin, the 90s offers valuable insights into the mechanisms and effects of societal transformation. The exhibition also serves to mark the long-standing and close cooperation between C/O Berlin and OSTKREUZ.

Dream On—Berlin, the 90s is curated by Annette Hauschild (OSTKREUZ) and Boaz Levin (C/O Berlin Foundation). The exhibition will be accompanied by a publication of the same name, published by Spector Books.

(Text: C/O Berlin)

Galerie Springer | Berlin
17. September 2024 – 1. Februar 2025

LOOKS LIKE ABSTRACTION

Edward Burtynsky, Janos Frecot, Maria Jauregui Ponte, Ingar Krauss, Natsoumi, Loredana Nemes, Peter Ruehle, Stefanie Seufert, Anna Szprynger

LOOKS LIKE ABSTRACTION geht der Frage nach, ab wann eine Fotografie als abstrakt wahrgenommen wird. War dies von Anfang an die Absicht des Künstlers? Ist nicht jede Fotografie zunächst konkret, um durch den Bildausschnitt zu etwas anderem, beispielsweise zu einem abstrakten Bild, zu werden? Der Rundgang durch die Ausstellung beantwortet einige dieser Fragen, lässt aber auch viel Raum für den freien Flug der Gedanken und Emotionen.

Die Präsentation gliedert sich in zwei Bereiche. Im ersten Bereich werden Fotografien gezeigt, die der Architektur entsprungen sind, im zweiten Teil bietet die Natur Grundlage für die präsentierten Werke. Der zeitliche Bogen spannt sich von den 1960er Jahren bis ins jetzige 2024.

Gastkünstlerin ist die japanische Fotografin Natsoumi, die an der Université de Paris Kunstgeschichte studierte und heute mit ihrer Familie in Miyagi, Japan lebt. Ihre in der Ausstellung gezeigten Arbeiten sind in diesem Jahr entstanden.

Ebenfalls zu Gast ist die Künstlerin Stefanie Seufert. Sie lebt und arbeitet in Berlin. Ihre Werke wurden in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen gezeigt (Berlinsche Galerie, Eskenazi Museum of Art Bloomington, Louisville, Penumbra Foundation NYC u.v.a.). Die skulpturalen Arbeiten in der Ausstellung entstanden 2016.

Janos Frecot ist Fotohistoriker, Autor und war von 1978 bis 2002 Kurator und Leiter der Fotografischen Sammlung am Landesmuseum Berlinische Galerie. Als Fotograf schuf er in den 1960er Jahren eine Berliner Serie, aus der wir eine kleine Auswahl an Werken zeigen.

Der Künstler Peter Ruehle ist mit auf Fotografie basierenden Werken aus seiner Serie Colorland vertreten.

Aus dem Galerie-Programm werden neue Arbeiten von Maria Jauregui Ponte, Loredana Nemes und Anna Szprynger sowie Fotografien von Ingar Krauss und Edward Burtynsky gezeigt.

LOOKS LIKE ABSTRACTION se penche sur la question de savoir à partir de quand une photographie est perçue comme abstraite. Est-ce là l'intention de l'artiste dès le départ ? Toute photographie n'est-elle pas d'abord concrète avant de devenir autre chose, par exemple un visuel abstrait, grâce au cadrage ? Le parcours de l'exposition répond à certaines de ces questions, mais laisse aussi beaucoup de place à la libre envolée des pensées et des émotions.

La présentation se divise en deux parties. Dans la première, les photographies sont issues de l'architecture, dans la seconde, c'est la nature qui sert de base aux œuvres présentées. L'arc temporel s'étend des années 1960 à l'année 2024.

L'artiste invitée est la photographe japonaise Natsoumi, qui a étudié l'histoire de l'art à l'Université de Paris et vit aujourd'hui avec sa famille à Miyagi, au Japon. Les travaux qu'elle présente dans l'exposition ont été réalisés cette année.

L'artiste Stefanie Seufert est également invitée. Elle vit et travaille à Berlin. Ses œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions nationales et internationales (Berlinsche Galerie, Eskenazi Museum of Art Bloomington, Louisville, Penumbra Foundation NYC et bien d'autres). Les œuvres sculpturales de l'exposition ont été réalisées en 2016.

Janos Frecot est historien de la photographie et auteur. De 1978 à 2002, il a été conservateur et directeur de la collection photographique au Landesmuseum Berlinische Galerie. En tant que photographe, il a créé une série berlinoise dans les années 1960, dont nous présentons une petite sélection d'œuvres.

L'artiste Peter Ruehle est représenté par des œuvres basées sur la photographie et issues de sa série Colorland.

De nouveaux travaux de Maria Jauregui Ponte, Loredana Nemes et Anna Szprynger ainsi que des photographies d'Ingar Krauss et d'Edward Burtynsky seront présentés dans le cadre du programme de la galerie.

LOOKS LIKE ABSTRACTION esplora la questione di quando una fotografia viene percepita come astratta. Era questa l'intenzione dell'artista fin dall'inizio? Non è forse vero che ogni fotografia è inizialmente concreta, per poi diventare qualcos'altro, ad esempio un'immagine astratta, attraverso il ritaglio dell'immagine? Il percorso della mostra risponde ad alcune di queste domande, ma lascia anche ampio spazio al libero pensiero e all'emozione.

La presentazione è divisa in due sezioni. Nella prima sezione sono esposte fotografie che hanno origine dall'architettura, mentre nella seconda la natura è alla base delle opere presentate. L'arco cronologico va dagli anni '60 ai giorni nostri, nel 2024.

L'artista ospite è la fotografa giapponese Natsoumi, che ha studiato storia dell'arte all'Università di Parigi e ora vive con la sua famiglia a Miyagi, in Giappone. Le sue opere esposte in mostra sono state realizzate quest'anno.

Un'altra ospite è l'artista Stefanie Seufert. Vive e lavora a Berlino. Le sue opere sono state esposte in numerose mostre nazionali e internazionali (Berlinsche Galerie, Eskenazi Museum of Art Bloomington, Louisville, Penumbra Foundation NYC e molte altre). Le opere scultoree in mostra sono state realizzate nel 2016.

Janos Frecot è uno storico della fotografia, autore ed è stato curatore e responsabile della collezione di fotografia presso il Landesmuseum Berlinische Galerie dal 1978 al 2002. Come fotografo, negli anni Sessanta ha creato una serie berlinese, di cui presentiamo una piccola selezione di opere.

L'artista Peter Ruehle è rappresentato con opere basate sulla fotografia della sua serie Colorland.

Saranno esposte nuove opere di Maria Jauregui Ponte, Loredana Nemes e Anna Szprynger, oltre a fotografie di Ingar Krauss e Edward Burtynsky.

LOOKS LIKE ABSTRACTION explores the question of when a photograph is perceived as abstract. Was this the intention of the artist from the outset? Isn't every photograph initially concrete, only to become something else through the image detail, for example, an abstract image? The tour through the exhibition answers some of these questions, but also leaves plenty of room for the free flight of thoughts and emotions.

The presentation is divided into two sections. In the first section, photographs are shown that originated in architecture, while in the second section, nature provides the basis for the works presented. The temporal arc spans from the 1960s to the present in 2024.

The guest artist is the Japanese photographer Natsoumi, who studied art history at the Université de Paris and now lives with her family in Miyagi, Japan. The works shown in the exhibition were created this year.

Artist Stefanie Seufert is also a guest. She lives and works in Berlin. Her works have been shown in numerous national and international exhibitions (Berlinsche Galerie, Eskenazi Museum of Art Bloomington, Louisville, Penumbra Foundation NYC, among others). The sculptural works in the exhibition were created in 2016.

Janos Frecot is a photo historian and author, and was curator and head of the photographic collection at the Berlinische Galerie state museum from 1978 to 2002. As a photographer, he created a series on Berlin in the 1960s, from which we are showing a small selection of works.

The artist Peter Ruehle is represented with photography-based works from his series Colorland.

New works by Maria Jauregui Ponte, Loredana Nemes and Anna Szprynger, as well as photographs by Ingar Krauss and Edward Burtynsky, will be shown from the gallery program.

Mudam Luxembourg
20. September 2024 – 2. Februar 2025

Radical Software - Women, Art & Computing 1960–1991

Radical Software: Women, Art & Computing 1960-1991 beleuchtet die Geschichte der digitalen Kunst aus einer feministischen Perspektive. Im Fokus stehen Frauen, die sich mit dem Computer als Werkzeug oder Thema beschäftigten, sowie Künstler, deren Arbeitsweise inhärent computerbasiert war.

Die Ausstellung umfasst mehr als 100 Werke von fünfzig Künstler aus vierzehn Ländern und spannt einen Bogen von den Anfängen der integrierten Schaltkreise in den 1960er Jahren bis hin zur „Mikrocomputer-Revolution“, die in den 1980er Jahren zur Entwicklung des Heimcomputers führte. In diesen drei Jahrzehnten fand der Computer seinen Weg aus dem Labor in die privaten Haushalte. Die Werke, die in dieser hauptsächlich analogen Ausstellung über digitale Kunst zu sehen sind, gehen dem Aufstieg des World Wide Web und der digitalen Verbreitung von Informationen und Bildern voraus und haben die Arbeitsweise von Künstlerbis in unsere Tage dramatisch geprägt. Diese Periode wird auch als zweite Welle des Feminismus bezeichnet, in der die Idee der (bis heute unvollendeten) Gleichberechtigung der Geschlechter vorangetrieben wurde.

In den 1960er und 1970er Jahren experimentierten Künstler:innen, Musiker:innen, Dichter:innen, Schriftsteller:innen und Filmemacher:innen mit Computertechnologie. Gemeinsam mit Mathematiker:innen, Informatiker:innen und Ingenieur:innen ließen sie die ersten computergenerierten Bilder, Musikstücke und Texte entstehen. In den späten 1970er Jahren wurde Computertechnologie auf vielfältige Weise in der Kunst eingesetzt – von Zeichnungen über Malerei bis hin zu Filmen und Performancekunst – und beeinflusste die zeitgenössische Kunst über die verschiedenen künstlerischen Strömungen hinweg.

Radical Software: Women, Art & Computing 1960–1991 zeigt Werke von Künstler:innen, die unter den ersten waren, die Computer – Großrechner wie Minicomputer – als Werkzeug für ihre Kunst verwendeten. Parallel sind Künstler:innen zu sehen, die den Computer zu ihrem Thema gemacht haben oder computergestützt arbeiteten. Die Ausstellung spannt einen Bogen von den ersten Werken, die in akademischen oder industriellen Computerlabors entstanden, bis hin zu Arbeiten auf den ersten Heimcomputern in den letzten Jahren vor der Einführung des Internets. Die Ausstellung ist einer Zeit gewidmet, die auch von der zweiten feministischen Welle geprägt war, und dokumentiert eine weniger bekannte Geschichte der Anfänge der digitalen Kunst, indem sie sich entgegen der konventionellen Narrative über Kunst und Technologie ganz auf die weiblichen Protagonistinnen konzentriert.

Radical Software: Women, Art & Computing 1960-1991 revisite l'histoire de l'art numérique en adoptant une perspective féministe. Elle réunit les œuvres d'artistes femmes qui ont travaillé avec l'ordinateur, se sont inspirées des nouvelles technologies en tant que sujet, ainsi que d'autres qui ont appliqué des principes mathématiques, inhérents à l'informatique, dans leur pratique.

Comprenant plus de 100 œuvres de cinquante artistes originaires de quatorze pays, l'exposition couvre une période allant des premières années du circuit intégré dans les années 1960 à la « révolution du microprocesseur », qui a conduit à la naissance de l'ordinateur personnel dans les années 1980. Au cours de ces trois décennies, l'ordinateur a migré du laboratoire à l'espace privé, domestique. Exposition principalement analogique sur l'art numérique, Radical Software présente des œuvres qui ont précédé l'essor du World Wide Web et la prolifération d'informations et d'images numériques qu'il a suscitées, influençant de manière décisive la production artistique des décennies suivantes – jusqu'à aujourd'hui. Cette même période est également marquée par la deuxième vague féministe, une ère qui a popularisé une certaine idée de l'égalité des sexes (toutefois incomplète).

Au cours des années 1960 et 1970, artistes, musicien·ne·s, poètes, écrivain·e·s et cinéastes ont commencé à expérimenter avec l’informatique. Œuvrant en collaboration avec des mathématicien·ne·s, des chercheur·euse·s et des ingénieur·e·s, ils·elles réalisent les premiers textes, images et musiques générés par ordinateur. À la fin des années 1970, l’informatique a dès lors été utilisée dans des contextes artistiques variés allant de la production de dessin ou de peinture à la réalisation de films et de performances. Son influence sur l’art contemporain a été considérable et traverse différents mouvements artistiques.

Radical Software: Women, Art & Computing 1960–1991 présente des œuvres d’artistes qui furent parmi les premières à utiliser l’ordinateur – central ou mini-ordinateur –, comme outil de création artistique. Elles sont accompagnées d’artistes qui se sont inspirées de l’ordinateur en tant que sujet ou d’autres qui ont appliqué des principes mathématiques, inhérents à l’informatique, dans leur pratique. L’exposition débute avec des œuvres réalisées en laboratoires informatiques universitaires ou industriels et s’achève sur d’autres, créées sur les premiers ordinateurs personnels dans les années qui ont précédé l’Internet, accessible au grand public dès 1991 par la mise en ligne du World Wide Web. Prenant pour cadre une période qui fut également marquée par la deuxième vague féministe, l’exposition retrace une histoire peu connue des débuts de l’art numérique. En se concentrant exclusivement sur la pratique de femmes artistes, elle cherche à contrer les récits traditionnels sur l’art et la technologie.

Radical Software: Women, Art & Computing 1960-1991 esamina la storia dell'arte digitale da una prospettiva femminista. L'attenzione si concentra sulle donne che hanno lavorato con il computer come strumento o soggetto, nonché sulle artiste i cui metodi di lavoro erano intrinsecamente basati sul computer.

La mostra comprende più di 100 opere di cinquanta artiste provenienti da quattordici Paesi e copre un arco temporale che va dagli esordi dei circuiti integrati negli anni Sessanta alla “rivoluzione dei microcomputer” che ha portato allo sviluppo dell'home computer negli anni Ottanta. Durante questi tre decenni, il computer è uscito dai laboratori per entrare nelle case private. Le opere esposte in questa mostra d'arte digitale, prevalentemente analogica, precedono l'avvento del World Wide Web e la diffusione digitale di informazioni e immagini, e hanno plasmato in modo radicale il modo di lavorare degli artisti fino ai giorni nostri. Questo periodo è noto anche come la seconda ondata del femminismo, in cui è stata promossa l'idea della parità di genere (ancora oggi incompiuta).

Negli anni '60 e '70, artisti, musicisti, poeti, scrittori e registi sperimentarono la tecnologia informatica. Insieme a matematici, informatici e ingegneri, crearono le prime immagini, brani musicali e testi generati al computer. Alla fine degli anni Settanta, la tecnologia informatica è stata utilizzata in vari modi nell'arte - da disegni e dipinti a film e performance artistiche - e ha influenzato l'arte contemporanea attraverso diversi movimenti artistici.

Radical Software: Women, Art & Computing 1960-1991 presenta opere di artiste che sono state tra le prime a utilizzare i computer - mainframe e minicomputer - come strumento per la loro arte. Allo stesso tempo, sono esposti anche artisti che hanno fatto del computer il loro soggetto o che hanno lavorato con l'ausilio di computer. La mostra abbraccia un arco di tempo che va dalle prime opere create nei laboratori informatici accademici o industriali ai lavori sui primi computer domestici negli ultimi anni prima dell'introduzione di Internet. La mostra è dedicata a un periodo caratterizzato anche dalla seconda ondata femminista e documenta una storia meno conosciuta degli inizi dell'arte digitale, concentrandosi interamente sulle protagoniste femminili, contrariamente alle narrazioni convenzionali su arte e tecnologia.

Radical Software: Women, Art & Computing 1960-1991 surveys the history of digital art from a feminist perspective, focusing on women who worked with computers as a tool or subject and artists who worked in an inherently computational way. 

Comprising more than 100 works by fifty artists from fourteen countries, it spans a period from the first years of integrated circuit computing in the 1960s to the "microcomputer revolution," which led to the birth of home computing in the 1980s. During these three decades, the computer migrated from the laboratory to private, domestic space. A principally analogue exhibition about digital art, the works on display precede the rise of the World Wide Web and the proliferation of digital information and images that ensued and dramatically reshaped the way artists work to this day. This same period is also referred to as the second wave of feminism, an era that popularised an (albeit incomplete) idea of gender equality.

During the 1960s and 1970s, artists, musicians, poets, writers and filmmakers experimented with computer technology. Working in collaboration with mathematicians, computer scientists and engineers, they produced the first computer-generated images, music and texts. By the end of the 1970s, computer technology had been applied in a diverse range of artistic contexts, from the production of drawing and painting to filmmaking and performance. Its influence on contemporary art has been far-reaching, spanning several different artistic movements.

Radical Software: Women, Art & Computing 1960–1991 presents work by artists who were amongst the first to use the computer – mainframe and minicomputers – as a tool for artmaking. They are accompanied by other artists who made the computer their subject or worked in a computational way. The exhibition begins with works made in academic or industrial computer labs and ends with others made on the first personal computers in the last years before the internet became public in 1991. Set within a period that was also marked by the second wave of feminism, it documents a lesser-known history of the inception of digital art, countering conventional narratives on art and technology by focusing entirely on female figures.

(Text: Mudam Luxembourg)

Maison Doisneau | Gentilly
20. September 2024 – 16. Februar 2025

Terre des Hommes un magazine taïwanais 1985 - 1989
Guan Xiao-Rong, Juan I-Jong, Liang Kuo-Lung, Liao Chia-Chan, Tsai Ming-Te et Yen Shing-Chu

Die Zeitschrift Terre des Hommes (Ren Jian), deren 47 monatliche Ausgaben zwischen November 1985 und September 1989 erschienen, wurde von dem militanten Schriftsteller Chen Ying-Zhen gegründet, der ein Team von Journalisten, renommierten Schriftstellern, Fotoreportern und Unterstützern politischer und sozialer Anliegen um sich versammelte. Es entstand während der Phase der allmählichen politischen Demokratisierung in den 1980er Jahren, die auf das autoritäre Regime folgte, das Chiang Kai-Shek 1949 auf der tropischen Insel errichtet hatte. Als „Reportagemagazin, in dem mit Bildern und Worten entdeckt, dokumentiert, bezeugt und kritisiert wird“ (Leitartikel des Magazins Nr. 1), will Terre des Hommes bewusst Schriftsteller und Fotoreporter zusammenbringen, um die dringend notwendigen Veränderungen in der sklerotischen taiwanischen Gesellschaft zu unterstützen und „dazu zu zwingen, sich wieder umeinander zu kümmern“.

Die Fotografie spielte bei dieser Bewusstseinsbildung eine wichtige Rolle, aktiviert durch junge, „aufstrebende“ Fotografen, die nach einer langen Zeit der Text- und Bildzensur die Möglichkeit finden, sich frei auszudrücken.

Fotografen und Schriftsteller erforschen gemeinsam bislang ignorierte oder verborgene soziale Realitäten, um die Ungerechtigkeiten und sozialen Ungleichgewichte anzuprangern, die die in der Strenge und Blindheit des politischen Regimes erstarrte Gesellschaft untergraben. Vor Ort decken sie die Misshandlungen und die soziale Ausbeutung, die Armut, die Diskriminierung indigener Völker und die Vernachlässigung behinderter Kinder auf. Sie berichten über die Umweltverschmutzung durch die Industrie und die Übernutzung des Regenwaldes, aber auch über Traditionen und Unterhaltungsangebote, die die taiwanesische Gesellschaft zusammenhalten.

Auf 128 bis 192 Seiten enthält jede Ausgabe mehr als zehn Reportagen, die jeweils mit zahlreichen Schwarz-Weiß- und Farbfotografien illustriert sind. Das Layout legt Wert auf die Kontinuität einer Bildergeschichte und das grafische Spiel mit chinesischen Ideogrammen. Die stets dunklen Titelseiten zeigen deutlich die Thematik.

Die sechs Fotografen, die für diese Präsentation ausgewählt wurden, zeigen ein aufrichtiges Einfühlungsvermögen und eine große Nähe zu den Menschen, mit denen sie eine Zeit lang das Leben teilen. Ihr besonders effektiver Stil bemüht sich, eine wohlwollende oder kritische Aussage deutlich zu machen, für das breite Publikum des Magazins Terre des Hommes, das das wahre Gesicht der taiwanesischen Gesellschaft zeigen wollte.

Le magazine Terre des Hommes (Ren Jian), dont les quarante-sept numéros mensuels sont publiés entre novembre 1985 et septembre 1989, a été fondé par l’écrivain militant Chen Ying-Zhen, qui a rassemblé autour de lui une équipe de journalistes, écrivains renommés, photoreporters et partisans des causes politiques et sociales. Il émerge pendant la phase de démocratisation politique progressive des années 1980 qui fait suite au régime autoritaire imposé dans l’île tropicale par Tchang Kaï-Chek en 1949. « Magazine de reportages où l’on découvre, documente, témoigne et critique par les images et par les mots » (éditorial du magazine n°1), Terre des Hommes veut délibérément associer des écrivains et des photoreporters pour soutenir les changements indispensables de la société taïwanaise sclérosée, et « obliger à se soucier à nouveau les uns des autres ».

La photographie a joué un rôle important dans cette prise de conscience, activée par des jeunes photographes « émergents » qui trouvent ainsi l’occasion de s’exprimer librement après une longue période de censure des textes et des images.

Photographes et écrivains explorent ensemble des réalités sociales jusque-là ignorées ou cachées, afin de dénoncer les injustices et les déséquilibres sociaux qui minent la société figée dans la rigueur et la cécité du régime politique. Sur le terrain, ils mettent à jour les méfaits de la maltraitance et de l’exploitation sociale, la pauvreté, la discrimination des peuples indigènes, le délaissement des enfants handicapés. Ils traquent la pollution industrielle, la surexploitation de la forêt tropicale, tout en rendant compte aussi des traditions ou des divertissements qui cimentent la société taïwanaise.

Sur 128 à 192 pages, chaque numéro contient plus de dix reportages, chacun d’eux abondamment illustré de photographies en noir et blanc ou en couleurs. La mise en page privilégie la continuité d’un récit en images et le jeu graphique des idéogrammes chinois. Les couvertures, toujours sombres, affichent clairement la thématique engagée.

Les six photographes retenus pour cette présentation font preuve d’une sincère empathie, et d’une grande proximité avec les personnes dont ils partagent la vie quelque temps. Leur style particulièrement efficace s’applique à rendre clair un propos bienveillant ou critique, pour le large public du magazine Terre des Hommes qui a voulu montrer le visage réel de la société taïwanaise.

La rivista Terre des Hommes (Ren Jian), con i suoi quarantasette numeri mensili pubblicati tra il novembre 1985 e il settembre 1989, è stata fondata dallo scrittore attivista Chen Ying-Zhen, che ha raccolto intorno a sé un team di giornalisti, scrittori di fama, fotoreporter e sostenitori di cause politiche e sociali. È emersa durante la graduale fase di democratizzazione politica degli anni '80, dopo il regime autoritario imposto sull'isola tropicale da Chiang Kai-shek nel 1949. Come “rivista di reportage in cui scopriamo, documentiamo, testimoniamo e critichiamo attraverso le immagini e le parole” (editoriale del n. 1 della rivista), Terre des Hommes ha deliberatamente voluto riunire scrittori e fotogiornalisti per sostenere i cambiamenti necessari nella società sclerotica di Taiwan e “costringere le persone a preoccuparsi di nuovo gli uni degli altri”.

La fotografia ha svolto un ruolo importante in questa sensibilizzazione, attivata da giovani fotografi “emergenti” che hanno trovato l'opportunità di esprimersi liberamente dopo un lungo periodo di censura di testi e immagini.

Insieme, fotografi e scrittori esplorano realtà sociali prima ignorate o nascoste, per denunciare le ingiustizie e gli squilibri sociali che minano una società congelata nel rigore e nella cecità del regime politico. Sul campo, scoprono i mali dell'abuso e dello sfruttamento sociale, la povertà, la discriminazione delle popolazioni indigene e l'abbandono dei bambini disabili. Rintracciano l'inquinamento industriale e l'eccessivo sfruttamento delle foreste tropicali, raccontando anche le tradizioni e i divertimenti che tengono insieme la società taiwanese.

Con un numero compreso tra 128 e 192 pagine, ogni numero contiene più di dieci reportage, ciascuno dei quali è riccamente illustrato con fotografie in bianco e nero o a colori. L'impaginazione enfatizza la continuità di una narrazione pittorica e il gioco grafico degli ideogrammi cinesi. Le copertine, sempre scure, mostrano chiaramente i temi trattati.

I sei fotografi scelti per questa presentazione dimostrano una sincera empatia e una stretta relazione con le persone di cui condividono per un certo periodo la vita. Il loro stile particolarmente efficace è pensato per rendere evidente un messaggio simpatico o critico, per il vasto pubblico della rivista Terre des Hommes, che ha voluto mostrare il vero volto della società taiwanese.

Terre des Hommes (Ren Jian) magazine, whose forty-seven monthly issues were published between November 1985 and September 1989, was founded by activist writer Chen Ying-Zhen, who gathered around him a team of journalists, renowned writers, photojournalists and supporters of political and social causes. It emerged during the gradual phase of political democratization in the 1980s, following the authoritarian regime imposed on the tropical island by Chiang Kai-shek in 1949. As a “magazine of reportage where we discover, document, bear witness and criticize through images and words” (magazine editorial no. 1), Terre des Hommes deliberately wants to bring together writers and photojournalists to support the much-needed changes in Taiwan's sclerotic society, and “force people to care about each other again”.

Photography has played an important role in this awareness-raising process, activated by young “emerging” photographers who find the opportunity to express themselves freely after a long period of censorship of texts and images.

Together, photographers and writers explore hitherto ignored or hidden social realities, denouncing the injustices and social imbalances that undermine a society frozen in the rigor and blindness of the political regime. In the field, they uncover the evils of social abuse and exploitation, poverty, discrimination against indigenous peoples and the neglect of disabled children. They track down industrial pollution and over-exploitation of the rainforest, while also reporting on the traditions and entertainment that cement Taiwanese society.

Over 128 to 192 pages, each issue contains more than ten reports, each lavishly illustrated with black & white or color photographs. The layout favors the continuity of a pictorial narrative and the graphic interplay of Chinese ideograms. The covers, always dark, clearly display the themes involved.

The six photographers chosen for this presentation demonstrate a sincere empathy and closeness to the people whose lives they share for a time. Their particularly effective style is designed to make clear both a sympathetic and a critical message, for the wide audience of Terre des Hommes magazine, which wanted to show the real face of Taiwanese society.

(Text: Michel Frizot, Ying-Lung Su)

Reiss-Engelhorn-Museen | Mannheim
22. September 2024 – 27. April 2025

SACHLICH NEU - Fotografien von August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser

2025 jährt sich die legendäre Mannheimer Ausstellung „Die Neue Sachlichkeit“ zum 100. Mal. Aus diesem Anlass präsentieren die Reiss-Engelhorn-Museen mit dem Forum Internationale Photographie die Sonderausstellung „SACHLICH NEU. Fotografien von August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser“.

Als wichtigste Fotografen der Neuen Sachlichkeit gelten August Sander (1876 – 1964) und Albert Renger-Patzsch (1897 – 1966). Erstmalig bringt die Schau ihre Inkunabeln der 1920er- und 30er Jahre in einen spannenden Dialog mit Foto-Ikonen des renommierten Fotografen Robert Häusser (1924 – 2013).

Häussers Arbeiten im Stile des „Magischen Realismus“ und der „Subjektiven Fotografie“ treten dabei in eine faszinierende Korrespondenzen mit den neusachlichen Meisterwerken. Der Fokus der Ausstellung liegt auf den Themen „Porträt und Menschendarstellungen“, „Industrie und Menschen bei der Arbeit“ sowie „Landschaftsräume“. Die ausgewählten Arbeiten reflektieren die Umbruchszeit zwischen Fortschrittsglauben und -skepsis nach den beiden Weltkriegen, die Zäsur und den Neuanfang sowie die Brüchigkeit unseres Seins in seiner Schönheit und Abgründigkeit.

„SACHLICH NEU“ ist ein Beitrag zum Jubiläumsjahr „Neue Sachlichkeit“ und flankiert eine große Sonderausstellung in der Kunsthalle Mannheim. Zugleich feiern die Reiss-Engelhorn-Museen den 100. Geburtstag von Robert Häusser.

2025 marquera le 100e anniversaire de la légendaire exposition de Mannheim « Die Neue Sachlichkeit ». A cette occasion, les musées Reiss-Engelhorn et le Forum Internationale Photographie présentent l'exposition temporaire « SACHLICH NEU. Photographies d'August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser ».

August Sander (1876 - 1964) et Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) sont considérés comme les photographes les plus importants de la Nouvelle Objectivité. Pour la première fois, l'exposition met en scène leurs incunables des années 1920 et 1930 dans un dialogue passionnant avec des icônes photographiques du célèbre photographe Robert Häusser (1924 - 2013).

Les travaux de Häusser dans le style du « réalisme magique » et de la « photographie subjective » entrent ainsi en correspondance fascinante avec les chefs-d'œuvre néo-scientifiques. L'exposition se concentre sur les thèmes « Portraits et représentations humaines », « Industrie et personnes au travail » ainsi que « Paysages ». Les œuvres sélectionnées reflètent la période de transition entre la foi et le scepticisme dans le progrès après les deux guerres mondiales, la césure et le nouveau départ ainsi que la fragilité de notre être dans sa beauté et son abîme.

« SACHLICH NEU » est une contribution à l'année anniversaire de la “Neue Sachlichkeit” et accompagne une grande exposition spéciale à la Kunsthalle de Mannheim. Parallèlement, les musées Reiss-Engelhorn fêtent le centenaire de la naissance de Robert Häusser.

Nel 2025 ricorre il centesimo anniversario della leggendaria mostra di Mannheim “La nuova oggettività”. Per l'occasione, il Reiss-Engelhorn-Museen e il Forum Internationale Photographie presentano la mostra speciale “SACHLICH NEU. Fotografie di August Sander, Albert Renger-Patzsch e Robert Häusser”.

August Sander (1876 - 1964) e Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) sono considerati i più importanti fotografi del movimento della Nuova Oggettività. Per la prima volta, la mostra mette in dialogo i loro incunaboli degli anni Venti e Trenta con le icone fotografiche del celebre fotografo Robert Häusser (1924-2013).

Le opere di Häusser nello stile del “Realismo magico” e della “Fotografia soggettiva” entrano in un dialogo affascinante con i capolavori della Nuova Oggettività. La mostra si concentra sui temi “Ritratti e rappresentazioni di persone”, “Industria e persone al lavoro” e “Paesaggi”. Le opere selezionate riflettono il periodo di sconvolgimento tra la fede nel progresso e lo scetticismo dopo le due guerre mondiali, la cesura e il nuovo inizio, nonché la fragilità della nostra esistenza nella sua bellezza e nella sua natura abissale.

“SACHLICH NEU” è un contributo all'anniversario della ‘Nuova Oggettività’ e accompagna una grande mostra speciale alla Kunsthalle di Mannheim. Contemporaneamente, i Reiss-Engelhorn-Museen celebrano il centesimo compleanno di Robert Häusser.

2025 is the year of the 100th anniversary of the legendary Mannheim exhibition "New Objectivity". To mark the occasion, the Reiss-Engelhorn Museums and the Forum Internationale Photographie are presenting the special exhibition "SACHLICH NEU. Photographs by August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser".

August Sander (1876 - 1964) and Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) are considered the most important photographers of the German New Objectivity movement. For the first time, the exhibition juxtaposes their incunabula of the 1920s and 30s with photographic icons by renowned photographer Robert Häusser (1924 - 2013) opening up unexpected and enriching perspectives.

Häusser's post-war works in the style of "Magical Realism" and "Subjective Photography" enter into a fascinating dialogue with the New Objectivity masterpieces. The exhibition focuses on the themes "Portraits and representations of people", "Industrial context and people at work" and "Landscapes". The selected works by Häusser reflect the period of upheaval between belief in progress and skepticism after two world wars, the rupture and the new beginning as well as the fragility of our existence in its beauty and abysmal nature.

"SACHLICH NEU" is a photographic contribution to the "New Objectivity" anniversary year and accompanies a major special exhibition at the Kunsthalle Mannheim. Both coincide with the Reiss-Engelhorn-Museen celebrating the 100th birthday of Robert Häusser.

(Text: Reiss-Engelhorn-Museen, Mannheim)

ESPACE MVG | Paris
27. September 2024 – 1. März 2025

OUR TOWN
Michael von Graffenried

Seit fast 20 Jahren fängt Michael von Graffenried den Alltag in der amerikanischen Kleinstadt New Bern in North Carolina ein. Die daraus entstandene Serie OUR TOWN stellt die Menschen der Stadt in den Mittelpunkt und zeigt ihr Leben, ihre Kultur, ihre Erfolge und Schwierigkeiten. Die Fotografien sind direkt und schonungslos und offenbaren die kulturellen und wirtschaftlichen Unterschiede der Gemeinde. OUR TOWN zeigt eine polarisierende Realität, die nicht immer von allen Bewohnern der Stadt begrüsst wird. Die Bilder zeigen Ausschnitte der Kleinstadt mit den Augen eines Aussenstehenden und hinterfragen ihre soziale Dynamik.

Graffenried begann 2005, die von seinem Vorfahren Christoph von Graffenried 1710 gegründete Stadt zu fotografieren. Die Fotografien, die 2006 erstmals in New Bern gezeigt wurden, fanden jedoch keine Begeisterung bei den Bewohnerinnen. Die Aufnahmen würden ihre Stadt nicht richtig präsentieren und nicht alle Facetten kämen zum Vorschein, lautete die Kritik. Von Graffenried verfolgte das Projekt gleichwohl weiter. Vor einem Jahr unternahm er einen zweiten Ausstellungsversuch in New Bern. Im Herbst 2023 wurde «Our Town» mit gleich zwei Ausstellungen gezeigt: eine Auswahl an Arbeiten war in einer Galerie zu sehen und weitere konnten in einer Freilichtausstellung betrachtet werden. Wie bereits bei ihrer ersten Präsentation stiessen die Fotografien auf Kritik und wurden in der lokalen wie auch internationalen Presse diskutiert. Doch weshalb polarisieren die Aufnahmen in New Bern so stark? Sind die Fotografien von Michael von Graffenried zu plakativ, zu direkt, zu schonungslos? Sie zeigen die Realität, welche nicht gerne gesehen und ausgeblendet wird. Es handelt sich um Momentaufnahmen, die einzelne Situationen zeigen und dadurch zweifellos lückenhaft sind. Die Betrachtenden projizieren in diese Leerstellen eigene Erfahrungen und Ängste mit hinein, wodurch die Wirkung und Interpretation der Fotografien beeinflusst werden. «Our Town» bietet die Basis für einen interkulturellen Auseinandersetzung, ob innerhalb von New Bern oder über die Stadtgrenzen hinaus: Wo würden wir uns positionierten, wenn unser Alltag kritisch porträtiert wird? Wie wird unsere Gemeinde von Aussenstehenden gesehen? Was versuchen wir nicht wahrzunehmen?

Neben den Fotografien aus der Serie OUR TOWN zeigt die Ausstellung auch einen Sektor, der Robert Frank (1924-2019) gewidmet ist. Michael von Graffenried lernte Robert Frank 1996 in Paris kennen. Während fast zwanzig Jahren besuchte Michael von Graffenried Robert Frank regelmässig in New York und begleitete ihn bei seinen Besuchen in der Schweiz. Im Jahr 2014 fotografierten Robert Frank und Michael von Graffenried gemeinsam die Strassen von Brooklyn und Zürich. Das Ergebnis ist eine Serie von Polaroid-Fotografien, die neben einer Auswahl alter Fotografien von Robert Frank zu sehen ist.

OUR TOWN wurde von Alessa Widmer kuratiert.

Depuis près de 20 ans, Michael von Graffenried capture le quotidien de la petite ville américaine de New Bern en Caroline du Nord. La série OUR TOWN qui en résulte transmet les habitants de la ville au centre de l'attention et montre leur vie, leur culture, leurs succès et leurs difficultés. Les photographies sont directes et impitoyables et révèlent les différences culturelles et économiques de la communauté. OUR TOWN montre une réalité polarisante qui n'est pas toujours bien accueillie par tous les habitants de la ville. Les visuels montrent des fragments de la petite ville avec les yeux d'une personne extérieure et interrogent sa dynamique sociale.

Graffenried a commencé en 2005 à photographier la ville fondée par son ancêtre Christoph von Graffenried en 1710. Les photographies, présentées pour la première fois en 2006 à New Bern, n'ont toutefois pas suscité l'enthousiasme des habitantes. Les prises de vue ne présenteraient pas correctement leur ville et toutes les facettes n'apparaîtraient pas, selon les critiques. Von Graffenried a néanmoins poursuivi le projet. Il y a un an, il a tenté une deuxième exposition à New Bern. En automne 2023, « Our Town » a fait l'objet de deux expositions : une sélection d'œuvres a été présentée dans une galerie et d'autres ont pu être admirées dans une exposition en plein air. Comme lors de leur première présentation, les photographies ont suscité des critiques et ont été discutées dans la presse locale et internationale. Mais pourquoi les photos de New Bern sont-elles si polarisées ? Les photographies de Michael von Graffenried sont-elles trop frappantes, trop directes, trop impitoyables ? Vous montrez une réalité que l'on n'aime pas voir et que l'on occulte. Il s'agit d'instantanés qui montrent des situations isolées et qui sont donc sans aucun doute lacunaires. Les observateurs projettent dans ces espaces vides leurs propres expériences et peurs, ce qui influence l'effet et l'interprétation des photographies. « Our Town » offre la base d'un débat interculturel, que ce soit au sein de New Bern ou au-delà des frontières de la ville : où nous positionnerions-nous si notre quotidien était dépeint de manière critique ? Comment notre commune est-elle perçue par les personnes extérieures ? Qu'essayons-nous de ne pas percevoir ?

Outre les photographies de la série OUR TOWN, l'exposition présente également un secteur consacré à Robert Frank (1924-2019). Michael von Graffenried a fait la connaissance de Robert Frank à Paris en 1996. Pendant près de vingt ans, Michael von Graffenried a régulièrement rendu visite à Robert Frank à New York et l'a accompagné lors de ses visites en Suisse. En 2014, Robert Frank et Michael von Graffenried ont photographié ensemble les rues de Brooklyn et de Zurich. Le résultat est une série de polaroïds que l'on peut voir à côté d'une sélection d'anciennes photographies de Robert Frank.

OUR TOWN a été organisée par Alessa Widmer.

Per quasi 20 anni, Michael von Graffenried ha immortalato la vita quotidiana della piccola città americana di New Bern, nella Carolina del Nord. La serie che ne è scaturita, OUR TOWN, si concentra sugli abitanti della città e mostra le loro vite, la loro cultura, i loro successi e le loro difficoltà. Le fotografie sono dirette e senza peli sulla lingua e rivelano le differenze culturali ed economiche della comunità. OUR TOWN mostra una realtà polarizzante che non sempre viene accolta con favore da tutti gli abitanti della città. Le immagini mostrano sezioni della piccola città attraverso gli occhi di un estraneo e ne esaminano le dinamiche sociali.

Graffenried ha iniziato a fotografare la città fondata dal suo antenato Christoph von Graffenried nel 1710 nel 2005. Tuttavia, le fotografie, esposte per la prima volta a New Bern nel 2006, non sono state accolte con entusiasmo dai residenti. Sono state criticate per non aver presentato correttamente la città e per non averne mostrato tutte le sfaccettature. Ciononostante, von Graffenried ha continuato a portare avanti il progetto. Un anno fa ha tentato una seconda mostra a New Bern. Nell'autunno del 2023, “Our Town” è stata presentata in due mostre: una selezione di opere è stata esposta in una galleria e altre potevano essere viste in una mostra all'aperto. Come per la prima presentazione, le fotografie hanno suscitato critiche e sono state discusse dalla stampa locale e internazionale. Ma perché le fotografie di New Bern sono così polarizzate? Le fotografie di Michael von Graffenried sono troppo audaci, troppo dirette, troppo crude? Mostrano una realtà che la gente non ama vedere e che tende a ignorare. Sono istantanee che mostrano situazioni individuali e sono quindi indubbiamente incomplete. Gli spettatori proiettano in queste lacune le proprie esperienze e paure, influenzando l'effetto e l'interpretazione delle fotografie. “Our Town” fornisce la base per un dialogo interculturale, sia all'interno di New Bern che al di fuori dei confini della città: dove ci collocheremmo se la nostra vita quotidiana fosse ritratta in modo critico? Come viene vista la nostra comunità dagli esterni? Cosa cerchiamo di non riconoscere?

Oltre alle fotografie della serie OUR TOWN, la mostra presenta anche una sezione dedicata a Robert Frank (1924-2019). Michael von Graffenried ha incontrato Robert Frank a Parigi nel 1996. Per quasi vent'anni, Michael von Graffenried ha visitato regolarmente Robert Frank a New York e lo ha accompagnato nelle sue visite in Svizzera. Nel 2014, Robert Frank e Michael von Graffenried hanno fotografato insieme le strade di Brooklyn e Zurigo. Il risultato è una serie di fotografie Polaroid che possono essere ammirate insieme a una selezione di vecchie fotografie di Robert Frank.

OUR TOWN è stata curata da Alessa Widmer.

For almost 20 years, photographer Michael von Graffenried (*1957) has been capturing the every-day life in the small US town of New Bern in North Carolina. The series "Our Town" focuses on the people of the town and shows their lives, their culture, their successes and difficulties. The photographs are direct and blunt, revealing the ethnic and economic differences of the community. "Our Town” presents a reality that polarizes and is not welcomed by all of the city's residents.

The whole world is currently watching the USA. Every day, the news is dominated by headlines about the American presidential campaign. The lively coverage of the Republican and Democrats is revealing the significant split within the country. The American reality is being scrutinized without embellishment and the USA has long ceased to be seen as the "Land of Dreams and Opportunity" from a political and social perspective. This impression is shared by the photographs of "Our Town." The photographs show the perception of the small town through the eyes of an outsider and question its social dynamics.

In 2005, Michael von Graffenried photographing the city founded by his ancestor Christoph von Graffenried in 1710. However, the photographs were not met with enthusiasm by the visitors, when they were first shown in New Bern in 2006. Critics argued that the photographs did not present their city properly and that not all its facets were revealed. Nevertheless, von Graffenried continued to pursue the project. A year ago, he made a second attempt at an exhibition in New Bern. In the fall of 2023, "Our Town" was displayed in two exhibitions: a selection of works was shown in a gallery and others could be viewed in an open-air exhibition. As with their first presentation, the photographs were met with criticism and were discussed in the local and international press. But why do the photos in New Bern polarize so strongly? Are Michael von Graffenried's photographs too striking, too direct, too unsparing? They portray a reality that people don't like to see and which they tend to ignore. They are snapshots that show individual situations and are therefore undoubtedly incomplete. Viewers project their own experiences and fears into these blank spaces, which influence the effect and interpretation of the photographs. "Our Town" provides the basis for an intercultural debate, whether within New Bern or beyond the city limits: where would we position ourselves if our everyday lives were critically portrayed? How is our community seen by outsiders? What do we try not to perceive?

In addition to the series "OUR TOWN", the exhibition consists of two other sectors: A selection of Photographsof Washington DC during the inauguration of President Donald Trump in 2017, the Women's March on Washington with Kamala Harris in 2017 and the day of the presidential election in November 2020, as well as original photographs by ROBERT FRANK (1924–2019), a friend of Graffenried.

The exhibition is curated by Alessa Widmer and is accompanied by the book "Our Town" published by Steidl, Göttingen, 2021.

Palazzo Roverella | Rovigo
28. September 2024 – 26. Januar 2025

Henri Cartier-Bresson e l’Italia

Die von der Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo mit der Gemeinde Rovigo und der Accademia dei Concordi, Concordi, mit Unterstützung von Intesa Sanpaolo geförderte Ausstellung wird in Zusammenarbeit mit der Fondation Henri Cartier-Bresson in Paris und der Fondazione CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia in Turin unter der Leitung von Clément Chéroux und Walter Guadagnini, den Direktoren der jeweiligen Stiftungen, realisiert.

Zum ersten Mal wird die Beziehung zwischen dem Mann, der als „das Auge des Jahrhunderts“ bezeichnet wurde, und Italien umfassend und detailliert dokumentiert. Anhand von rund 200 Fotografien und zahlreichen Dokumenten - Zeitungen, Zeitschriften, Bände, Briefe - zeichnet die Ausstellung die Etappen einer Beziehung nach, die schon in den 1930er Jahren begann und bis zu dem Zeitpunkt andauerte, als Cartier-Bresson in den 1970er Jahren die Fotografie aufgab.

Die Ausstellung ist chronologisch aufgebaut und beginnt mit der ersten Italienreise des jungen Cartier-Bresson (Jahrgang 1908), der gerade die Malerei zugunsten der Fotografie aufgegeben hatte, in Begleitung seines Freundes André Pieyre de Mandiargues, eines jungen Dichters und Schriftstellers, und seiner Begleiterin, der Malerin Leonor Fini, Anfang der 1930er Jahre. Auf dieser Vergnügungsreise machte der Fotograf einige seiner berühmtesten Bilder, die alle in der Eröffnungssektion der Ausstellung zu sehen sind.

Die zweite Reise, die nicht weniger bedeutsam ist, findet Anfang der 1950er Jahre statt und betrifft die Abruzzen und Lukanien, damals kulturell, soziologisch und auch fotografisch hochinteressante Gebiete, Sinnbilder jenes Südens, in dem sich Tradition und Moderne, Armut und sozialer Wandel gegenüberstanden. Eine zentrale Figur in der Konstruktion des Bildes des Südens und insbesondere dieser Regionen ist der Schriftsteller und Maler Carlo Levi, ein grundlegender Bezugspunkt für die vielen italienischen und ausländischen Fotografen, die zwischen Matera und den Städten der Region pendelten, darunter Scanno bei L'Aquila, das dank der Aufnahmen von Cartier-Bresson und später Giacomelli berühmt wurde. Besonders interessant, auch aus historischer Sicht, sind die Bilder von der Landverteilung, einem entscheidenden Moment in der jüngsten Geschichte des Landes.

Cartier-Bresson, der inzwischen zu einer lebenden Legende der Fotografie geworden war, kehrte zwischen den 1950er und 1960er Jahren mehrmals nach Italien zurück und produzierte Reportagen für die großen illustrierten Zeitschriften jener Zeit, darunter „Holiday“ und „Harper's Bazaar“, die sich vor allem Rom, Neapel und Venedig widmeten, den großen Städten, die das Interesse ausländischer Leser weckten, sowie Ischia und Sardinien, Stationen, die es dem Fotografen ermöglichten, seinen Blick auf die Sitten und Gebräuche des Landes und seiner Bewohner zu richten. Vor allem die verschiedenen Aufnahmen aus Rom geben das Klima jener Jahre und die Besonderheit eines Landes wieder, das noch nicht an die vorherrschende Kultur aus Übersee angepasst war. Einige dieser Bilder fließen nicht zufällig in eines der bekanntesten Bücher des Fotografen ein, „Les Européens“ (1955), in dem er das neue Europa in seiner vollen Entwicklung nach der Tragödie des Zweiten Weltkriegs beschreibt.

Die Ausstellung hat ihre letzten Entwicklungen und ihren Abschluss mit den Bildern der frühen 1970er Jahre, die noch Matera gewidmet sind, eine echte Rückkehr zu den zwanzig Jahre zuvor besuchten Orten, in denen es leicht ist, Kontinuität und Diskontinuität der Zeit, das Vordringen der Moderne und das Fortbestehen lokaler Identitäten zu lesen, und mit jenen, die der Welt der industriellen Arbeit gewidmet sind, zwischen Olivetti und Alfa Romeo, die stattdessen den Fokus speziell auf die neuen Lebensformen der Zeit verschieben.

Die Ausstellung besteht aus alten Werken der Fondation Cartier-Bresson und wird von erläuternden Texten in jedem Saal und einem von Dario Cimorelli Editore herausgegebenen Katalog begleitet, der alle ausgestellten Werke sowie die Essays der beiden Kuratoren und von Carmela Biscaglia enthält, wobei letzterer den Ereignissen und Persönlichkeiten gewidmet ist, die Cartier-Bressons Beziehung zur Basilikata einzigartig machten.

Ausstellung kuratiert von Clément Chéroux und Walter Guadagnini

L'exposition, promue par la Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo avec la Municipalité de Rovigo et l'Accademia dei Concordi, Concordi, avec le soutien d'Intesa Sanpaolo, est réalisée en collaboration avec la Fondation Henri Cartier-Bresson à Paris et la Fondazione CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia à Turin, sous le commissariat de Clément Chéroux et Walter Guadagnini, directeurs des Fondations respectives.

Pour la première fois, la relation entre celui qui a été défini comme « l'œil du siècle » et l'Italie est documentée de manière exhaustive et approfondie. À travers environ 200 photographies et de nombreux documents - journaux, revues, volumes, lettres - l'exposition retrace les étapes d'une relation qui a commencé très tôt, dès les années 1930, et qui s'est poursuivie jusqu'au moment où Cartier-Bresson a abandonné la photographie dans les années 1970.

Organisée de manière chronologique, l'exposition commence par le premier voyage en Italie, au début des années 1930, du tout jeune Cartier-Bresson (né en 1908), qui vient d'abandonner définitivement la peinture pour la photographie, en compagnie de son ami André Pieyre de Mandiargues, jeune poète et écrivain, et de sa compagne, la peintre Leonor Fini. De ce voyage d'agrément, le photographe a tiré quelques-unes de ses images les plus célèbres, toutes visibles dans la section d'ouverture de l'exposition.

Le second voyage, non moins important, se déroule au début des années 1950 et concerne les Abruzzes et la Lucanie, terres alors d'un grand intérêt culturel, sociologique et même photographique, emblèmes de ce Sud où se confrontent tradition et modernité, pauvreté et mutations sociales. Une figure centrale dans la construction de l'image du Sud et en particulier de ces régions est l'écrivain et peintre Carlo Levi, point de référence fondamental pour les nombreux photographes, italiens et étrangers, qui se déplaçaient entre Matera et les villes de la région, dont Scanno près de L'Aquila, devenue célèbre grâce aux clichés de Cartier-Bresson et, plus tard, de Giacomelli. Les images de la distribution des terres, moment crucial de l'histoire récente du pays, sont particulièrement intéressantes, y compris d'un point de vue historique.

Devenu une légende vivante de la photographie, Cartier-Bresson retourne à plusieurs reprises en Italie entre les années 1950 et 1960, réalisant des reportages pour les grands magazines illustrés de l'époque, dont « Holiday » et « Harper's Bazaar », consacrés surtout à Rome, Naples et Venise, les grandes villes qui suscitent l'intérêt des lecteurs étrangers, et à Ischia et la Sardaigne, des étapes qui permettent au photographe d'exercer son regard sur les coutumes et les habitudes du pays et de ses habitants. En particulier, les différents clichés pris à Rome restituent pleinement le climat de ces années-là et la spécificité d'un pays non encore homologué à la culture dominante d'outre-mer. Certaines de ces images se retrouvent, non par hasard, dans l'un des livres les plus connus du photographe, « Les Européens » (1955), dans lequel il raconte la nouvelle Europe en plein développement après la tragédie de la Seconde Guerre mondiale.

L'exposition connaît ses derniers développements et sa clôture avec les images du début des années 1970 encore consacrées à Matera, véritable retour aux lieux fréquentés vingt ans plus tôt, dans lesquelles il est facile de lire la continuité et la discontinuité du temps, l'avancée de la modernité et la persistance des identités locales, et avec celles consacrées au monde du travail industriel, entre Olivetti et Alfa Romeo, qui, au contraire, mettent spécifiquement l'accent sur les nouveaux modes de vie de l'époque.

L'exposition est composée d'œuvres anciennes de la Fondation Cartier-Bresson et est accompagnée de textes explicatifs dans chaque salle et d'un catalogue, publié par Dario Cimorelli Editore, qui comprend toutes les œuvres exposées, les essais des deux commissaires et de Carmela Biscaglia, ce dernier étant consacré aux événements et aux personnalités qui ont rendu unique la relation de Cartier-Bresson avec la Basilicate.

Exposition organisée par Clément Chéroux et Walter Guadagnini.

La mostra, promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo con il Comune di Rovigo e l’Accademia dei Concordi, Concordi, con il sostegno di Intesa Sanpaolo, è realizzata in collaborazione con la Fondation Henri Cartier-Bresson di Parigi e la Fondazione CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia di Torino, con la curatela di Clément Chéroux, e Walter Guadagnini, direttori delle rispettive Fondazioni.

Per la prima volta viene documentato in maniera esaustiva e approfondita il rapporto tra colui che è stato definito “l’occhio del secolo” e l’Italia. Attraverso circa 200 fotografie e numerosi documenti – giornali, riviste, volumi, lettere -, la mostra ripercorre le tappe di un rapporto iniziato prestissimo, già negli anni Trenta, e proseguito sino al momento in cui Cartier-Bresson ha abbandonato la fotografia, negli anni Settanta.

Scandita cronologicamente, la mostra inizia con il primo viaggio italiano avvenuto all’inizio degli anni Trenta da un giovanissimo Cartier-Bresson (nato nel 1908), che aveva appena abbandonato definitivamente la pittura per la fotografia, in compagnia dell’amico André Pieyre de Mandiargues, giovane poeta e scrittore, e della sua compagna, la pittrice Leonor Fini. Da questo viaggio di piacere, il fotografo scatta alcune delle sue immagini più famose, tutte presenti nella sezione di apertura della mostra.

Il secondo viaggio, non meno significativo, avviene all’inizio degli anni Cinquanta e tocca l’Abruzzo e la Lucania, allora terre di grande interesse culturale, sociologico e per l’appunto fotografico, emblema di quel Sud in cui si affrontavano tradizione e modernità, povertà e cambiamenti sociali. Figura centrale nella costruzione dell’immagine del Sud e in particolare di queste regioni è lo scrittore e pittore Carlo Levi, riferimento fondamentale per i tanti fotografi, italiani e stranieri, che si muovono tra Matera e i paesi del territorio, tra cui Scanno nei pressi di L’Aquila, divenuta celebre proprio grazie agli scatti di Cartier-Bresson e più tardi di Giacomelli. Particolarmente interessanti, anche dal punto di vista storico, sono le immagini della distribuzione delle terre, un momento cruciale nella storia recente del Paese.

Divenuto ormai una leggenda vivente della fotografia, Cartier-Bresson ritorna a più riprese in Italia tra gli anni Cinquanta e Sessanta realizzando servizi per le grandi riviste illustrate dell’epoca, tra cui “Holiday” e “Harper’s Bazaar”, dedicati soprattutto a Roma, Napoli, Venezia, le grandi città che suscitano l’interesse dei lettori stranieri, e a Ischia e alla Sardegna, tappe che permettono al fotografo di esercitare il suo sguardo sugli usi e i costumi del paese e dei suoi abitanti. In particolare, i diversi scatti realizzati a Roma restituiscono appieno il clima di quegli anni e la specificità di un paese non ancora omologato alla dominante cultura proveniente da oltreoceano. Alcune di queste immagini confluiscono non a caso in uno dei libri più noti del fotografo, “Les Européens” (1955), nel quale si racconta la nuova Europa che è ormai in pieno sviluppo dopo la tragedia della Seconda Guerra Mondiale.

La mostra ha i suoi ultimi sviluppi e la sua chiusura con le immagini dei primi anni Settanta dedicate ancora a Matera, un vero e proprio ritorno sui luoghi frequentati vent’anni prima, in cui è facile leggere continuità e discontinuità del tempo, l’avanzare della modernità e la persistenza delle identità locali, e con quelle dedicate al mondo del lavoro industriale, tra Olivetti e Alfa Romeo, che spostano invece l’attenzione specificamente sulle nuove modalità di vita del periodo.

La mostra è composta di opere vintage provenienti dalla Fondation Cartier-Bresson, ed è accompagnata da testi esplicativi in ogni sala e da un catalogo, edito da Dario Cimorelli Editore, che riporta tutte le opere esposte, i saggi dei due curatori e di Carmela Biscaglia, quest’ultimo dedicato alle vicende e ai personaggi che hanno reso unico il rapporto di Cartier-Bresson con la Basilicata.

Mostra a cura di Clément Chéroux e Walter Guadagnini

The exhibition, promoted by the Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo with the Municipality of Rovigo and the Accademia dei Concordi, Concordi, with the support of Intesa Sanpaolo, is organized in collaboration with the Fondation Henri Cartier-Bresson in Paris and the Fondazione CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia in Turin, with the curatorship of Clément Chéroux, and Walter Guadagnini, directors of the respective Foundations.

For the first time, the relationship between the man who has been called “the eye of the century” and Italy is documented in a comprehensive and in-depth manner. Through about 200 photographs and numerous documents-newspapers, magazines, volumes, letters-the exhibition traces the stages of a relationship that began very early, as early as the 1930s, and continued until the moment Cartier-Bresson abandoned photography in the 1970s.

Scanned chronologically, the exhibition begins with the first Italian trip that took place in the early 1930s by a very young Cartier-Bresson (born in 1908), who had just definitively abandoned painting for photography, in the company of his friend André Pieyre de Mandiargues, a young poet and writer, and his companion, the painter Leonor Fini. From this pleasure trip, the photographer took some of his most famous images, all of which are featured in the opening section of the exhibition.

The second trip, no less significant, takes place in the early 1950s and touches on Abruzzo and Lucania, then lands of great cultural, sociological and, indeed, photographic interest, emblems of that South where tradition and modernity, poverty and social change were confronted. A central figure in the construction of the image of the South and in particular of these regions was the writer and painter Carlo Levi, a fundamental reference for the many photographers, both Italian and foreign, who moved between Matera and the towns in the area, including Scanno near L'Aquila, which became famous precisely thanks to the shots of Cartier-Bresson and later Giacomelli. Particularly interesting, also from a historical point of view, are the images of land distribution, a crucial moment in the country's recent history.

Having now become a living legend of photography, Cartier-Bresson returned to Italy on several occasions between the 1950s and 1960s, producing reports for the great illustrated magazines of the time, including “Holiday” and “Harper's Bazaar,” dedicated mainly to Rome, Naples, Venice, the great cities that arouse the interest of foreign readers, and to Ischia and Sardinia, stops that allowed the photographer to exercise his gaze on the customs and habits of the country and its inhabitants. In particular, the various shots taken in Rome fully restore the climate of those years and the specificity of a country not yet homologated to the dominant culture coming from overseas. Some of these images flow, not surprisingly, into one of the photographer's best-known books, “Les Européens” (1955), in which he recounts the new Europe that is now in full swing after the tragedy of World War II.

The exhibition has its last developments and its closing with the images from the early 1970s still dedicated to Matera, a real return to the places frequented twenty years earlier, in which it is easy to read continuity and discontinuity of time, the advance of modernity and the persistence of local identities, and with those dedicated to the world of industrial work, between Olivetti and Alfa Romeo, which instead shift the focus specifically to the new ways of life of the period.

The exhibition is composed of vintage works from the Fondation Cartier-Bresson, and is accompanied by explanatory texts in each room and a catalog, published by Dario Cimorelli Editore, which includes all the works on display, essays by the two curators and by Carmela Biscaglia, the latter dedicated to the events and characters that made Cartier-Bresson's relationship with Basilicata unique.

Exhibition curated by Clément Chéroux and Walter Guadagnini

(Text: Palazzo Roverella, Rovigo)

FOMU - Fotomuseum Antwerpen
28. September 2024 – 2. Februar 2025

Anti-Fashion
Cindy Sherman

Das FOMU präsentiert die erste große Einzelausstellung der amerikanischen Künstlerin Cindy Sherman in Belgien. Mit über 100 Werken aus der Zeit von den 1970er Jahren bis heute zeichnet die Ausstellung die Arbeit dieser führenden zeitgenössischen Künstlerin nach.

Anti-Fashion
Auf mehreren Etagen zeigt die Ausstellung Anti-Fashion Werke aus fünf Jahrzehnten, die Cindy Shermans Faszination für die Mode sowie die Wechselwirkungen zwischen ihrer freien Arbeit und den Aufträgen der Modeindustrie veranschaulichen. Seit den 1980er Jahren arbeitet sie regelmäßig mit renommierten Modemarken wie Comme des Garçons, John Galliano und Balenciaga sowie mit Magazinen wie Vogue, Interview und Harper's Bazaar zusammen. Weit entfernt von glamourösen Modefotos macht sie provokante Aufnahmen von Personen, die man kaum als schön bezeichnen kann, und stellt damit den etablierten Schönheitskanon in Frage.

Cindy Sherman - Anti-Fashion ist eine Produktion der Staatsgalerie Stuttgart in Zusammenarbeit mit Cindy Shermans Studio in New York und ihrer Galerie Hauser & Wirth.

Le FOMU présente la première grande exposition solo en Belgique de l’artiste américaine Cindy Sherman. Avec plus de 100 œuvres couvrant la période des années 1970 à aujourd’hui, l’exposition retrace le travail de cette artiste contemporaine de premier plan.

Anti-Fashion
Sur plusieurs étages, l’exposition Anti-Fashion présente des œuvres s’étalant sur cinq décennies qui illustrent la fascination de Cindy Sherman pour la mode ainsi que les interactions entre son travail libre et les commandes de l’industrie de la mode. Depuis les années 1980, elle collabore régulièrement avec des marques de mode réputées telles que Comme des Garçons, John Galliano et Balenciaga, ainsi qu’avec des magazines comme Vogue, Interview et Harper’s Bazaar. Loin des photos de mode glamour, elle réalise des clichés provocants de personnages qu’on peut difficilement qualifier de beaux, remettant ainsi en question les canons de beauté établis.

Cindy Sherman - Anti-Fashion est une réalisation de la Staatsgalerie Stuttgart en collaboration avec le studio de Cindy Sherman à New York et sa galerie Hauser & Wirth.

La FOMU presenta la prima grande mostra personale in Belgio dell'artista americana Cindy Sherman. Con oltre 100 opere che coprono un arco temporale che va dagli anni Settanta a oggi, la mostra ripercorre il lavoro di questa importante artista contemporanea.

Anti-moda
Distribuita su più piani, Anti-Fashion presenta opere che abbracciano cinque decenni e che illustrano il fascino di Cindy Sherman per la moda e l'interazione tra il suo lavoro libero e le commissioni dell'industria della moda. Dagli anni Ottanta, l'artista collabora regolarmente con noti marchi di moda come Comme des Garçons, John Galliano e Balenciaga, nonché con riviste come Vogue, Interview e Harper's Bazaar. Lontana dalla fotografia di moda glamour, l'artista realizza scatti provocatori di persone che difficilmente possono essere definite belle, sfidando i canoni di bellezza consolidati.

Cindy Sherman - Anti-Fashion è stata prodotta dalla Staatsgalerie di Stoccarda in collaborazione con lo studio di Cindy Sherman a New York e la galleria Hauser & Wirth.

FOMU presents Belgium’s first major solo of the American artist Cindy Sherman. Featuring more than 100 works from the 1970s to the present, the exhibition offers an exciting overview of this leading contemporary artist’s work.

Anti-Fashion
Spanning five decades of work divided over multiple floors, the exhibition Anti-Fashion dives deeper into Sherman’s fascination for fashion and the nexus between her independent work and commissions in the fashion industry. Since the 1980s she has worked regularly with leading fashion houses including Comme des Garçons, John Galliano and Balenciaga and fashion magazines such as Vogue, Interview and Harper’s Bazaar. With no interest in glamorous fashion shoots, she creates provocative photos featuring figures that could hardly be called beautiful, thus calling established ideals of beauty into question.

Cindy Sherman - Anti-Fashion is realised by the Staatsgalerie Stuttgart in cooperation with Cindy Sherman’s studio in New York and her gallery Hauser & Wirth.

FOMU presenteert de eerste grote solotentoonstelling van de Amerikaanse kunstenaar Cindy Sherman in België. Met meer dan 100 werken van de jaren 1970 tot nu geeft de tentoonstelling een uitgebreid overzicht van haar werk als toonaangevende hedendaagse kunstenaar.

Anti-Fashion
Met werk uit ruim vijf decennia, verdeeld over meerdere verdiepingen, gaat de tentoonstelling Anti-Fashion dieper in op Shermans fascinatie voor mode en de wisselwerking tussen haar vrije werk en opdrachten uit de modesector. Sinds de jaren tachtig werkt ze regelmatig samen met beroemde modehuizen als Comme des Garçons, John Galliano en Balenciaga en tijdschriften als Vogue, Interview en Harper’s Bazaar. Zonder belangstelling voor glamoureuze modefotografie, maakt ze provocerende foto’s van personages die nauwelijks mooi te noemen zijn. Zo stelt ze gevestigde schoonheidsidealen ter discussie.

Cindy Sherman - Anti-Fashion is gerealiseerd door de Staatsgalerie Stuttgart in samenwerking met Cindy Shermans studio in New York en haar galerij Hauser & Wirth.

(Text: FOMU – Fotomuseum Antwerpen)

Galleria Modernissimo | Bologna
1. Oktober -2024 – 9. Februar 2025

TUTTI DE SICA - regista & interprete

Zu sehen sind einzigartige Bilder am und vom Drehort, Kultobjekte, persönliche Dokumente: Der Erinnerungskoffer der Kinder Emi, Manuel und Christian De Sica wird in den renovierten Räumlichkeiten der Galleria Modernissimo ausgestellt, um das Leben und die Kunst eines der Meister des 20. Jahrhunderts neu zu lesen.

Die von der Cineteca di Bologna konzipierte Ausstellung umfasst etwa zwanzig Originalplakate, Hunderte von Fotos aus den Privatarchiven des Künstlers, seiner Kinder und Giuditta Rissone, Videos, Kostüme, wertvolle Briefe mit den großen Künstlern der Zeit, die Begegnung mit Chaplin, die Zusammenarbeit mit Zavattini, die Oscars, die seine Filme besiegelten, das berühmteste Fahrrad der Filmgeschichte. Objekte, die von Vittorio De Sica als Regisseur und Schauspieler, aber auch als Sänger und Schausteller erzählen, aber auch von dem privaten De Sica, seinen beiden Familien, der Liebe zu seiner ersten Frau Giuditta Rissone und der zu seiner zweiten, Maria Mercader.

Die Reise beginnt mit der theatralischen Gavetta, der zunehmenden Bestätigung auf den italienischen Bühnen, dem Erfolg mit Mario Mattoli und seiner Za Bum-Showtruppe, der Beziehung zu Pirandello, der Popularität von Schallplattenaufnahmen; das Doppelleben in den 1930er Jahren zwischen Theater und Kino, wo De Sica die Neuheit darstellt, der junge Schauspieler, der auch singen kann, in einem italienischen Kino, das mit dem Soundtrack nach neuen Stars und neuen Stimmen sucht; die mutige Entscheidung, kein schwarzes Hemd zu tragen, hinter die Kamera zu gehen und ein persönliches Kino zu machen, und dann die Kraft, sich weltweit durchzusetzen als Vater, zusammen mit seinem Freund Rossellini, eines neuen Kinos, des Neorealismus mit den vier Meisterwerken Sciuscià, Ladri di biciclette, Miracolo a Milano, Umberto D; die Probleme mit Unterstaatssekretär Andreotti in einem Italien, das zu Beginn der 1950er Jahre in den Kalten Krieg eintrat; das komplexe Privatleben zwischen zwei Familien, die Partnerschaft mit Sophia Loren, die außergewöhnliche Galerie der von ihm geschaffenen Charaktere bis hin zum letzten Abschnitt, in dem eine Reflexion über sein immenses künstlerisches Erbe präsentiert wird. Ein Pirandell'sches Kaleidoskop, eine schwindelerregende Ausstellung, in der der Besucher die italienische Geschichte des 20. Jahrhunderts kennenlernt, und zwar durch alle De Sicas, die dieser unermessliche und produktive Künstler geschaffen hat, und auch entdeckt, dass sie alle De Sica sind.

Images uniques sur et en dehors du plateau, objets cultes, documents personnels : la malle aux souvenirs des enfants Emi, Manuel et Christian De Sica est exposée dans les locaux rénovés de la Galleria Modernissimo pour relire la vie et l'art d'un des maîtres du XXe siècle.

L'exposition, réalisée par la Cineteca di Bologna, comprend une vingtaine d'affiches originales, des centaines de photographies provenant des archives privées de l'artiste, de ses enfants et de Giuditta Rissone, des vidéos, des costumes, de précieuses lettres avec les grands artistes de l'époque, la rencontre avec Chaplin, la collaboration avec Zavattini, les Oscars qui ont scellé ses films, la bicyclette la plus célèbre de l'histoire du cinéma. Des objets qui racontent Vittorio De Sica comme réalisateur et acteur, mais aussi comme chanteur et homme de spectacle, ainsi que le De Sica privé, ses deux familles, son amour pour sa première femme Giuditta Rissone et celui pour sa seconde, Maria Mercader.

Le voyage commence avec la gavetta théâtrale, l'affirmation croissante sur les scènes italiennes, le succès obtenu avec Mario Mattoli et sa compagnie de spectacle Za Bum, la relation avec Pirandello, la popularité des enregistrements ; la double vie, dans les années 30, entre théâtre et cinéma où De Sica représente la nouveauté, le jeune acteur qui peut aussi chanter dans un cinéma italien qui, avec la bande sonore, cherche de nouvelles stars et de nouvelles voix ; le choix courageux de ne pas porter la chemise noire, de passer derrière la caméra pour faire un cinéma personnel et ensuite la force de s'imposer dans le monde entier comme le père, avec son ami Rossellini, d'un nouveau cinéma, du néo-réalisme avec les quatre chefs-d'œuvre Sciuscià, Ladri di biciclette, Miracolo a Milano, Umberto D.. ; les problèmes avec le sous-secrétaire Andreotti dans une Italie qui, au tournant des années 1950, entrait dans la guerre froide ; la vie privée complexe entre deux familles, le partenariat avec Sophia Loren, l'extraordinaire galerie de personnages qu'il a créés, jusqu'à la dernière partie où est présentée une réflexion sur son immense héritage artistique. Un kaléidoscope pirandellien, une exposition vertigineuse où les spectateurs rencontreront l'histoire italienne du XXe siècle, à travers Tous les De Sica que cet immense et prolifique artiste a créés, et découvriront aussi qu'ils sont Tous les De Sica.

In mostra immagini uniche sul e fuori dal set, oggetti di culto, documenti personali: il baule dei ricordi dei figli Emi, Manuel e Christian De Sica vengono esposti nei rinnovati locali della Galleria Modernissimo per rileggere la vita e l’arte di uno dei Maestri del ‘900.

La mostra, prodotta dalla Cineteca di Bologna, comprende una ventina di manifesti originali, centinaia di fotografie provenienti dagli archivi privati dell’artista, dei figli e di Giuditta Rissone, video, costumi, preziose lettere con i grandi artisti dell’epoca, l’incontro con Chaplin, la collaborazione con Zavattini, gli Oscar che hanno suggellato i suoi film, la bicicletta più famosa della storia del cinema. Oggetti che raccontano il Vittorio De Sica regista e attore, ma anche cantante e uomo di spettacolo, così come il De Sica privato, le sue due famiglie, l’amore per la prima moglie Giuditta Rissone e quello per la seconda, Maria Mercader.

Il percorso prende avvio con la gavetta teatrale, la crescente affermazione sui palcoscenici italiani, il successo raggiunto con Mario Mattoli e la sua impresa di spettacoli Za Bum, la relazione con Pirandello, la popolarità delle incisioni discografiche; la doppia vita, negli anni Trenta, tra teatro e cinema dove De Sica rappresenta la novità, l’attore giovane che può anche cantare in un cinema italiano che, con il sonoro, cerca nuovi divi e nuove voci; la scelta coraggiosa di non vestire la camicia nera, di passare dietro la macchina da presa facendo un cinema personale e poi la forza di imporsi in tutto il mondo come il padre, assieme all’amico Rossellini, di un cinema nuovo, del neorealismo con i quattro capolavori Sciuscià, Ladri di biciclette, Miracolo a Milano, Umberto D; i problemi con il Sottosegretario Andreotti in un’Italia che, a cavallo degli anni Cinquanta, entrava nella guerra fredda; la complessa vita privata tra due famiglie, il sodalizio con Sophia Loren, la galleria straordinaria dei personaggi da lui creati, fino all’ultima sezione dove trova spazio una riflessione sulla sua immensa eredità artistica. Un caleidoscopio pirandelliano, una mostra vertiginosa, dove gli spettatori incontreranno la Storia italiana del 900, attraverso Tutti i De Sica che questo artista immenso e prolifico ha creato e scopriranno anche di essere Tutti De Sica.

The trunk of memories belonging to his children, Emi, Manuel, and Christian De Sica, opens to reveal a collection of unique images, on-and-off-set photos, cult objects, and personal effects, now on display in the newly renovated exhibition space at Galleria Modernissimo. This exhibition, produced by the Cineteca di Bologna, honours the life and art of a true innovator, Vittorio De Sica. It features twenty original posters, around 400 photographs, videos, costumes, personal documents, the Oscars that crowned his films, and even the most famous bicycle in Italian cinema.

The collection tells the story of De Sica not just as a director and actor, but as a singer, showman, and private individual. The journey begins with his early success in Mario Mattoli’s Za Bum show business, followed by his rise to fame through his recordings. It traces his transition from theatre to cinema in the 1930s and explores his establishment as the father of Italian neo-realism in the 1940s with masterpieces such as Sciuscià, Ladri di biciclette, Miracolo a Milano, and Umberto D.

The exhibition also delves into his relationship with politics, particularly his ties to Andreotti in postwar Italy during the 1950s. It highlights his collaborations with Cesare Zavattini and Sophia Loren, weaving through his life and career, and culminates with a reflection on De Sica’s profound artistic legacy.

(Text: Galleria Modernissimo, Bologna)

Museum der Moderne | Salzburg
4. Oktober 2024 – 23. Februar 2025

Sophie Thun

Das fotografische Werk von Sophie Thun (geb. 1985 Frankfurt am Main, DE) gleicht einem Bilderstrom von Orten und Räumen, in denen die Künstlerin gearbeitet und ausgestellt hat. Dabei ist sie stets als Autorin ihrer analogen Fotografien im Bild präsent: Mal blickt sie mit dem Auslöser in der Hand selbstbewusst in die Kamera, mal wird sie durch ihre fotografischen Apparate repräsentiert. Ihren Körper benützt Thun dabei stets als Instrument, um etablierte Darstellungen von (weiblicher) Repräsentation zu hinterfragen. Durch Methoden wie Zerschneiden, Aufspalten und Multiplizieren stellt sie Identität prozesshaft und veränderlich dar. Ihre eindrucksvollen Rauminstallationen spielen mit unserer Wahrnehmung von Realität und Abbild. Die Ausstellung im Museum der Moderne Salzburg ist Thuns erste museale Einzelausstellung.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation.

Kuratorin: Marijana Schneider

L'œuvre photographique de Sophie Thun (née en 1985 à Francfort-sur-le-Main, DE) ressemble à un flux d'images de lieux et d'espaces dans lesquels l'artiste a travaillé et exposé. Elle est toujours présente dans l'image en tant qu'auteur de ses photographies analogiques : tantôt elle regarde l'appareil photo avec assurance, le déclencheur à la main, tantôt elle est représentée par ses appareils photographiques. Thun se sert toujours de son corps comme d'un instrument pour remettre en question les représentations établies de la représentation (féminine). Grâce à des méthodes telles que la découpe, le dédoublement et la multiplication, elle représente l'identité sous forme de processus et de changement. Ses installations spatiales impressionnantes jouent avec notre perception de la réalité et de la représentation. L'exposition au Museum der Moderne de Salzbourg est la première exposition individuelle de Thun dans un musée.

Une publication paraît à l'occasion de l'exposition.

Commissaire d'exposition : Marijana Schneider

Il lavoro fotografico di Sophie Thun (nata nel 1985 a Francoforte sul Meno, DE) assomiglia a un flusso di immagini di luoghi e spazi in cui l'artista ha lavorato ed esposto. L'artista è sempre presente nell'immagine come autrice delle sue fotografie analogiche: a volte guarda con fiducia nella macchina fotografica con il pulsante di scatto in mano, altre volte è rappresentata dalla sua attrezzatura fotografica. Thun usa sempre il suo corpo come strumento per mettere in discussione le rappresentazioni consolidate della rappresentazione (femminile). Utilizzando metodi come il taglio, la divisione e la moltiplicazione, ritrae l'identità in modo processuale e mutevole. Le sue imponenti installazioni spaziali giocano con la nostra percezione della realtà e della rappresentazione. La mostra al Museum der Moderne Salzburg è la prima personale di Thun in un museo.

Una pubblicazione accompagnerà la mostra.

Curatore: Marijana Schneider

The photographic work of Sophie Thun (b. 1985 Frankfurt am Main, DE) resembles a stream of images of places and spaces in which the artist has worked and exhibited. She is always present in the image as the author of her analog photographs: sometimes she looks confidently into the camera with the shutter release in her hand, sometimes she is represented by her photographic equipment. Thun always uses her body as an instrument to question established representations of (female) representation. Using methods such as cutting, splitting and multiplying, she presents identity in a processual and changeable way. Her impressive spatial installations play with our perception of reality and representation. The exhibition at the Museum der Moderne Salzburg is Thun's first solo museum exhibition.

A publication will accompany the exhibition.

Curator: Marijana Schneider

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

The Cube | Eschborn
10. Oktober 2024 – 9. März 2025

Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse

Sabiha Çimen, Lynne Cohen, Philip-Lorca diCorcia, Mitch Epstein, Lucas Foglia, Samuel Fosso, Paul Graham, Marvel Harris, Candida Höfer, Lebohang Kganye, Hsu-Pin Lee, Helen Levitt, Dana Lixenberg, Daniel Jack Lyons, Sabelo Mlangeni, Gordon Parks, Inge Rambow, Thomas Ruff, Aida Silvestri, Chi Yin Sim, Vanessa Winship und Tobias Zielony

Besuch im Rahmen von Führungen mit vorheriger Anmeldung über die Homepage sowie am Open Saturday am 30. November zwischen 11 und 16 Uhr

Die Deutsche Börse Photography Foundation präsentiert die Ausstellung «Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse». Die 1999 ins Leben gerufene Sammlung zeitgenössischer Fotografie umfasst heute über 2.300 Werke von rund 160 Künstler*innen aus 35 Nationen. «Look at Us» zeigt Neuerwerbungen der letzten zwei Jahre und veranschaulicht, wie diese den Sammlungskörper bereichern und in den Dialog mit bereits vorhandenen Werkgruppen treten. Anknüpfend an die Leitgedanken des Jubiläumsjahres – Kooperation, Dialog und Vielfalt – vereint die Ausstellung facettenreiche Bildsprachen und Narrative junger sowie etablierter Künstler*innen. Die gezeigten Werkgruppen befassen sich auf vielfältige Weise mit dem zentralen Thema der Art Collection Deutsche Börse, der «conditio humana» – dem Ausloten der Bedingungen des menschlichen Daseins und seiner Verortung in der Welt. Im Rahmen dieser Auseinandersetzung erkunden die Künstler*innen das vielschichtige Verhältnis von Fotografie zu Fragen nach Identität und Gemeinschaft – von persönlichen Erfahrungen über kulturelle und historische Zusammenhänge bis hin zu Fragen von Zugehörigkeit und sozialer Ungleichheit. Darüber hinaus widmen sie sich der komplexen Beziehung zwischen Mensch und Natur, sei es in Form menschlicher Eingriffe in natürliche Lebensräume oder in der wechselseitigen Wirkung urbaner Landschaften auf das Individuum und die Gemeinschaft.

La Deutsche Börse Photography Foundation présente l'exposition « Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse ». Créée en 1999, la collection de photographie contemporaine comprend aujourd'hui plus de 2.300 œuvres d'environ 160 artistes* de 35 nationalités différentes. « Look at Us » présente les nouvelles acquisitions des deux dernières années et illustre comment celles-ci enrichissent le corps de la collection et entrent en dialogue avec des groupes d'œuvres déjà existants. S'appuyant sur les idées directrices de l'année anniversaire - coopération, dialogue et diversité - l'exposition réunit des langages visuels et des récits aux multiples facettes de jeunes artistes* ainsi que d'artistes établis. Les groupes d'œuvres présentés traitent de manière variée du thème central de l'Art Collection Deutsche Börse, la « condition humaine » - la mise à l'épreuve des conditions de l'existence humaine et de son positionnement dans le monde. Dans le cadre de cette confrontation, les artistes* explorent le rapport complexe de la photographie aux questions d'identité et de communauté - des expériences personnelles aux questions d'appartenance et d'inégalité sociale en passant par les contextes culturels et historiques. En outre, ils se consacrent à la relation complexe entre l'homme et la nature, que ce soit sous la forme d'interventions humaines dans des habitats naturels ou dans l'effet réciproque des paysages urbains sur l'individu et la communauté.

La Fondazione Fotografia Deutsche Börse presenta la mostra “Guardateci. 25 anni di collezione d'arte Deutsche Börse”. Istituita nel 1999, la collezione di fotografia contemporanea comprende oggi oltre 2.300 opere di circa 160 artisti provenienti da 35 nazioni. “Look at Us” presenta le nuove acquisizioni degli ultimi due anni e illustra come esse arricchiscano il corpus della collezione ed entrino in dialogo con i gruppi di opere esistenti. Seguendo i principi guida dell'anno dell'anniversario - cooperazione, dialogo e diversità - la mostra riunisce linguaggi visivi e narrazioni multiformi di artisti giovani e affermati. I gruppi di opere in mostra affrontano il tema centrale della Collezione d'Arte Deutsche Börse, la “conditio humana” - l'esplorazione delle condizioni dell'esistenza umana e del suo posto nel mondo. Nell'ambito di questo dialogo, gli artisti esplorano la complessa relazione tra la fotografia e le questioni di identità e comunità - dalle esperienze personali e dai contesti culturali e storici alle questioni di appartenenza e disuguaglianza sociale. Si concentrano inoltre sul complesso rapporto tra uomo e natura, sia sotto forma di interventi umani negli habitat naturali che di impatto reciproco dei paesaggi urbani sull'individuo e sulla comunità.

The Deutsche Börse Photography Foundation presents the exhibition “Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse”. Launched in 1999, the contemporary photography collection now comprises over 2,300 works by around 160 artists from 35 nations. ‘Look at Us’ showcases new acquisitions from the last two years and illustrates how they enrich the collection and enter into dialogue with existing groups of works. In keeping with the guiding principles of the anniversary year – cooperation, dialog and diversity – the exhibition brings together the multifaceted visual languages and narratives of both young and established artists. The groups of works on display address the central theme of the Art Collection Deutsche Börse, the “human condition”, in a variety of ways – exploring the conditions of human existence and its place in the world. In the context of this examination, the artists explore the complex relationship between photography and questions of identity and community – from personal experiences to cultural and historical contexts, to questions of belonging and social inequality. They also address the complex relationship between humans and nature, whether in the form of human intervention in natural habitats or in the reciprocal effect of urban landscapes on the individual and the community.

(Text: Deutsche Börse Photography Foundation)

Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse
11. Oktober 2024 – 18. Mai 2025

Ouvrir les yeux

Zum ersten Mal bieten die Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse und die Galerie Le Château d'Eau dem Publikum eine Reise durch ein reiches, noch wenig bekanntes fotografisches Erbe. Die Ausstellung zeigt eine große Auswahl an fotografischen Werken aus den Sammlungen der beiden öffentlichen Einrichtungen, die jeweils die großen Perioden in der Geschichte der Fotografie und ihrer Künstler seit dem Beginn des 20.

Seit ihrer Gründung wurden die öffentlichen Sammlungen dieser beiden Institutionen entsprechend ihrer jeweiligen künstlerischen Ausrichtung erweitert, wobei die eine - eine im Jahr 2000 gegründete Einrichtung, die ein Museum und einen Regionalfonds für zeitgenössische Kunst vereint - sich der modernen und zeitgenössischen Kunst widmet, während die andere - 1974 von dem Fotografen Jean Dieuzaide gegründet - ein Symbol für moderne und zeitgenössische Fotografie in der Stadt Toulouse ist.

Diese Ausstellung, die in den Abattoirs gezeigt wird, bietet einen neuartigen Dialog, der ein breites Panorama der Fotografie des 20. und 21. Jahrhunderts bietet und sowohl die größten Namen als auch Künstler wie Hans Bellmer, die es zu entdecken oder wiederzuentdecken gilt, miteinander in Dialog bringt, Claude Batho, Gaël Bonnefon, Mohamed Bourouissa, Brassaï, Sophie Calle, Denis Darzacq, Jean Dieuzaide, Robert Doisneau, Ralph Gibson, Laura Henno, Ouka Leele, Robert Mapplethorpe, Gina Pane, Agnès Varda, Gisèle Vienne, Sabine Weiss, etc.

Die verschiedenen Blickwinkel zeigen auch die Vielfalt der Herangehensweisen an das Medium und die Vielzahl der ästhetischen Vorschläge zwischen Dokumentarfotografie, intimen Blicken, Archiven, Installationen und Fotojournalismus, in denen die Position des Betrachters neu definiert wird.

Die Fotografien, ergänzt durch Installationen und eine Auswahl an Künstlerbüchern und seltenen Werken aus den umfangreichen Bibliotheken der beiden Einrichtungen, bilden den Rahmen für einen thematischen Rundgang, der die Berührungspunkte zwischen den beiden Sammlungen aufzeigen und gleichzeitig mit den Eigenheiten der beiden Sammlungen spielen soll.

Von Schnappschüssen bis zu Inszenierungen, von grafischen bis abstrakten Untersuchungen bis zu Reflexionen über den Körper oder den Raum, von Fragen der Identität bis zur Bestätigung der Subjektivität oder der Erforschung der erzählerischen Möglichkeiten, diese reiche Sammlung von fast 300 Werken entwickelt letztendlich eine Reflexion über die Natur und die Möglichkeiten der Fotografie.

Eine Sonderausgabe von Connaissance des Arts wird zur Ausstellung veröffentlicht.

Pour la première fois les Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse et la Galerie Le Château d’Eau offrent aux publics un voyage au sein d’un riche patrimoine photographique encore peu connu. L'exposition présente une large sélection d’œuvres photographiques des collections des deux établissements publics qui, chacune, témoignent des grandes périodes de l'histoire de la photographie et de ses artistes depuis le début du XXe siècle tout en faisant émerger deux histoires de collections.

Depuis leur création, les collections publiques de ces deux institutions se sont enrichies selon des axes artistiques propres à leurs natures respectives, l'un - établissement créé en 2000 réunissant un musée et un Fonds régional d'art contemporain - dédié à l’art moderne et contemporain, l’autre - fondée en 1974 par le photographe Jean Dieuzaide - pôle emblématique de la photographie moderne et contemporaine de la ville de Toulouse.

Cette exposition, présentée aux Abattoirs, propose un dialogue inédit à même d’offrir un large panorama de la photographie des XXe et XXIe siècles et fait dialoguer aussi bien les plus grands noms que des artistes à découvrir ou redécouvrir comme Hans Bellmer, Claude Batho, Gaël Bonnefon, Mohamed Bourouissa, Brassaï, Sophie Calle, Denis Darzacq, Jean Dieuzaide, Robert Doisneau, Ralph Gibson, Laura Henno, Ouka Leele, Robert Mapplethorpe, Gina Pane, Agnès Varda, Gisèle Vienne, Sabine Weiss, etc.

Ces regards croisés mettent également en avant la diversité des approches du médium et la multiplicité des propositions esthétiques, entre photographie documentaire, regards sur l'intime, archives, installations ou encore photojournalisme, au sein desquelles se joue un renouvellement de la place du spectateur.

Les photographies, complétées d’installations et d’une sélection de livres d’artistes et d’ouvrages rares issue des riches bibliothèques des deux établissements, jalonneront un parcours construit autour de différentes thématiques, imaginé pour faire à la fois émerger les points de rencontre entre les deux collections tout en jouant sur les singularités de chacune.

De l’instantané à la mise en scène, des recherches graphiques voire abstraites aux réflexions sur le corps ou l’espace, des questionnements d’identité aux affirmations de la subjectivité ou à l’exploration des possibilités narratives, ce riche ensemble de près de 300 œuvres finit par développer une réflexion sur la nature et les possibles de la photographie.

Un hors-série Connaissance des Arts est publié pour accompagner l'exposition.

Per la prima volta, gli Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse e la Galerie Le Château d'Eau offrono ai visitatori un viaggio attraverso un patrimonio fotografico ricco e poco conosciuto. La mostra presenta un'ampia selezione di opere fotografiche provenienti dalle collezioni delle due istituzioni pubbliche, ognuna delle quali riflette i principali periodi della storia della fotografia e dei suoi artisti dall'inizio del XX secolo, evidenziando allo stesso tempo due storie di collezioni.

Fin dalla loro creazione, le collezioni pubbliche di queste due istituzioni sono state arricchite secondo linee artistiche specifiche per le loro rispettive nature, una - un'istituzione creata nel 2000 che riunisce un museo e un Fonds régional d'art contemporain - dedicata all'arte moderna e contemporanea, l'altra - fondata nel 1974 dal fotografo Jean Dieuzaide - un centro emblematico per la fotografia moderna e contemporanea nella città di Tolosa.

Questa mostra, presentata a Les Abattoirs, offre un dialogo senza precedenti che fornisce un ampio panorama della fotografia del XX e XXI secolo, e riunisce alcuni dei nomi più importanti e artisti da scoprire o riscoprire, come Hans Bellmer, Claude Batho, Gaël Bonnefon, Mohamed Bourouissa, Brassaï, Sophie Calle, Denis Darzacq, Jean Dieuzaide, Robert Doisneau, Ralph Gibson, Laura Henno, Ouka Leele, Robert Mapplethorpe, Gina Pane, Agnès Varda, Gisèle Vienne, Sabine Weiss e altri.

Queste prospettive intersecate evidenziano anche la diversità degli approcci al mezzo e la molteplicità delle proposte estetiche, che vanno dalla fotografia documentaria alle vedute intime, agli archivi, alle installazioni e al fotogiornalismo, tutti elementi che giocano un ruolo nel rinnovare il ruolo dello spettatore.

Le fotografie, insieme alle installazioni e ad una selezione di libri d'artista e di opere rare provenienti dalle ricche biblioteche delle due istituzioni, tracceranno un percorso costruito intorno a temi diversi, pensato per far emergere i punti di convergenza tra le due collezioni, giocando al contempo sulle singolarità di ciascuna.

Dall'istantaneo alla messa in scena, dalla ricerca grafica o addirittura astratta alle riflessioni sul corpo o sullo spazio, dalle domande sull'identità alle affermazioni di soggettività o all'esplorazione delle possibilità narrative, questo ricco insieme di quasi 300 opere finisce per sviluppare una riflessione sulla natura e sulle possibilità della fotografia.

Per accompagnare la mostra è stato pubblicato un numero speciale di Connaissance des Arts.

For the first time, Les Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse and Galerie Le Château d'Eau are offering visitors a journey through a rich and little-known photographic heritage. The exhibition presents a wide selection of photographic works from the collections of the two public institutions, each of which bears witness to the major periods in the history of photography and its artists since the early 20th century, while at the same time highlighting two collection histories.

Since their creation, the public collections of these two institutions have been enriched along artistic lines specific to their respective natures, one - an establishment created in 2000 bringing together a museum and a Fonds régional d'art contemporain - dedicated to modern and contemporary art, the other - founded in 1974 by photographer Jean Dieuzaide - an emblematic pole of modern and contemporary photography in the city of Toulouse.

This exhibition, presented at Les Abattoirs, offers an unprecedented dialogue capable of providing a broad panorama of photography from the 20th and 21st centuries, and brings together the greatest names as well as artists to be discovered or rediscovered, such as Hans Bellmer, Claude Batho, Gaël Bonnefon, Mohamed Bourouissa, Brassaï, Sophie Calle, Denis Darzacq, Jean Dieuzaide, Robert Doisneau, Ralph Gibson, Laura Henno, Ouka Leele, Robert Mapplethorpe, Gina Pane, Agnès Varda, Gisèle Vienne, Sabine Weiss and more.

These cross-views also highlight the diversity of approaches to the medium and the multiplicity of aesthetic proposals, from documentary photography to intimate views, archives, installations and photojournalism, all of which play a part in renewing the viewer's place.

The photographs, complemented by installations and a selection of artists' books and rare works from the rich libraries of the two establishments, will mark out an itinerary built around different themes, designed to bring out the points of encounter between the two collections, while playing on the singularities of each.

From the instantaneous to the staged, from graphic or even abstract research to reflections on the body or space, from questions of identity to assertions of subjectivity or the exploration of narrative possibilities, this rich ensemble of nearly 300 works ultimately develops a reflection on the nature and possibilities of photography.

A special Connaissance des Arts issue has been published to accompany the exhibition.

(Text: Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse)

Kunsthalle Krems
12. Oktober 2024 – 23. März 2025

Gabriele Engelhardt. Kremser Berge

Gabriele Engelhardt (geb. 1967) greift in ihrer Kunst menschliche Eingriffe in die Natur als Skulpturen oder Installationen auf. In ihren Landschaften zeigt sie etwa Schrottberge in Industriezonen oder Sprungschanzen.

Die Künstlerin arbeitet mit dem Medium der Fotografie, wobei sie ihre Aufnahmen digital nachbearbeitet und mehrere Fotos eines Motivs zusammenfügt. Die Werke sind demnach keine Dokumentationen der Realität. In ihren „Berge“-Serien begreift sie Berge nicht als Gebirge im eigentlichen Sinn, sondern als Anhäufungen von Material wie Metallabfall oder Baurohstoffe. Die Arbeiten erinnern an Claude Monets Heuhaufen-Impressionen, aber auch an Bernd und Hilla Bechers Typologien der Wassertürme als Zeichen des industriellen Niedergangs.

Gabriele Engelhardt studierte auf der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart Bildhauerei und an der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe Fotografie und Szenografie. 2022 war sie im Rahmen von AIR – ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich zu Gast in Krems. Hier, im industriellen Umfeld des Donauhafens an der Stadteinfahrt, ist das Kremser Berge-Projekt entstanden.

AIR – ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich ist ein internationales Stipendienprogramm. Es ermöglicht bildenden Künstler:innen, Architekt:innen, Musiker:innen und Schriftsteller:innen temporär in Niederösterreich zu wohnen, zu arbeiten und die Vielfalt der heimischen Kulturlandschaft kennenzulernen. Im Gegenzug organisiert AIR für niederösterreichische Künstler:innen im Rahmen eines institutionellen Austausches Auslandsaufenthalte in Europa und Übersee.

Kurator: Florian Steininger

Gabriele Engelhardt (née en 1967) reprend dans son art les interventions humaines dans la nature sous forme de sculptures ou d'installations. Dans ses paysages, elle montre par exemple des montagnes de ferraille dans des zones industrielles ou des tremplins.

L'artiste travaille avec le médium de la photographie, en retravaillant numériquement ses prises de vue et en assemblant plusieurs photos d'un même motif. Les œuvres ne sont donc pas des documentations de la réalité. Dans ses séries "Montagnes", elle ne conçoit pas les montagnes comme des montagnes au sens propre du terme, mais comme des accumulations de matériaux tels que des déchets métalliques ou des matériaux de construction. Ces œuvres rappellent les impressions de meules de foin de Claude Monet, mais aussi les typologies de châteaux d'eau de Bernd et Hilla Becher, signes du déclin industriel.

Gabriele Engelhardt a étudié la sculpture à la Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart et la photographie et la scénographie à la Hochschule für Gestaltung Karlsruhe. En 2022, elle a été invitée à Krems dans le cadre de AIR - ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich. C'est ici, dans l'environnement industriel du port du Danube à l'entrée de la ville, qu'est né le projet Kremser Berge.

AIR - ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich est un programme de bourses international. Il permet à des artistes plasticiens, des architectes, des musiciens et des écrivains de vivre et de travailler temporairement en Basse-Autriche et de découvrir la diversité du paysage culturel local. En contrepartie, AIR organise pour les artistes de Basse-Autriche des séjours en Europe et outre-mer dans le cadre d'un échange institutionnel.

Curateur : Florian Steininger

Nella sua arte, Gabriele Engelhardt (nata nel 1967) riprende gli interventi umani nella natura come sculture o installazioni. Nei suoi paesaggi, ad esempio, mostra cumuli di rottami in zone industriali o piste da sci.

L'artista lavora con il mezzo fotografico, rielaborando digitalmente le sue immagini e combinando diverse foto di uno stesso motivo. Le opere non sono quindi documentazioni della realtà. Nella serie "Mountains", l'artista non intende le montagne nel vero senso della parola, ma come accumuli di materiale, come rifiuti metallici o materiali da costruzione. Le opere ricordano le impressioni dei pagliai di Claude Monet, ma anche le tipologie di torri d'acqua di Bernd e Hilla Becher come segno di declino industriale.

Gabriele Engelhardt ha studiato scultura all'Accademia di Stato di Stoccarda e fotografia e scenografia all'Università di Arti e Design di Karlsruhe. Nel 2022 è stata ospite a Krems nell'ambito di AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria. Qui, nell'ambiente industriale del porto del Danubio all'ingresso della città, è stato creato il progetto Kremser Berge.

AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria è un programma internazionale di borse di studio. Consente ad artisti visivi, architetti, musicisti e scrittori di vivere e lavorare temporaneamente in Bassa Austria e di familiarizzare con la diversità del paesaggio culturale locale. In cambio, AIR organizza soggiorni all'estero in Europa e all'estero per gli artisti della Bassa Austria nell'ambito di uno scambio istituzionale.

Curatore: Florian Steininger

In her art, Gabriele Engelhardt (born 1967) takes up human interventions in nature as sculptures or installations. In her landscapes, for example, she shows scrap heaps in industrial zones or ski jumps.

The artist works with the medium of photography, digitally reworking her images and combining several photos of a single motif. The works are therefore not documentations of reality. In her "Mountains" series, she does not understand mountains as mountains in the true sense of the word, but as accumulations of material such as metal waste or building materials. The works are reminiscent of Claude Monet's haystack impressions, but also of Bernd and Hilla Becher's typologies of water towers as a sign of industrial decline.

Gabriele Engelhardt studied sculpture at the Stuttgart State Academy of Fine Arts and photography and scenography at the Karlsruhe University of Arts and Design. In 2022, she was a guest in Krems as part of AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria. Here, in the industrial environment of the Danube port at the entrance to the city, the Kremser Berge project was created.

AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria is an international scholarship program. It enables visual artists, architects, musicians and writers to live and work temporarily in Lower Austria and get to know the diversity of the local cultural landscape. In return, AIR organizes stays abroad in Europe and overseas for Lower Austrian artists as part of an institutional exchange.

Curator: Florian Steininger

(Text: Kunsthalle Krems)

Kunsthalle Krems
12. Oktober 2024 – 23. März 2025

Anna und Bernhard Blume. Ver-rückte Welt

Das deutsche Künstlerpaar Anna und Bernhard Blume (1936 – 2020 und 1937 – 2011) ist international für seine Schwarzweißfotografien bekannt.

Das Paar inszenierte performative Aktionen und hielt diese per Kamera fest. Es sind meist häusliche Szenen, skurril arrangiert. Dabei sind die beiden Künstler:innen selbst die Performer, sie schlüpfen in eine bürgerliche Staffage – sie mit Dauerwelle, Perücke und adrettem Kleidchen, er im kleinkarierten Anzug und mit Hut. Geschlechtermuster, Rollen und Klischees sowie Verhaltenskodexe des Bürgerlichen werden von den Blumes ironisch und durchaus komisch konterkariert. Da fliegen Kartoffeln durch die Luft, Scherben zerbrochener Teller bedecken den Küchenfußboden, Möbelkonstrukte brechen zusammen und Personen mit verzerrten Gesichtern hantieren mit allerlei Alltagsgegenständen. Was die Menschen auf den Bildern tun, ist alles andere als Regelkonform, es ist im besten Sinn ver–rückt.

Von der Bildkomposition über die Aufnahme bis zur Entwicklung und Vergrößerung der Fotos im Labor führten Anna und Bernhard Blume jeden Schritt des künstlerischen Prozesses selbst durch. Sie erweiterten die künstlerische Fotografie durch die performative Inszenierung. Mit ihren Fotoserien persiflieren sie die kleinbürgerliche Welt der 1970er- und 1980er-Jahre. Inspiriert wurde das Paar dabei maßgeblich vom Aktionismus der 1960er-Jahre.

Anna und Bernhard Blume lernten sich als Student:innen der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf kennen, wo beide von 1960 bis 1965 studierten. Das Paar lebte und arbeitete in Köln. Ihre Arbeiten wurden bislang in internationalen Museen wie dem Museum of Modern Art in New York oder im Centre Pompidou in Paris gezeigt.

Die Ausstellung in der Kunsthalle Krems zeigt groß- und mittelformatige Serien von Schwarzweißfotografien, ergänzt durch eine kleine Auswahl an farbigen Polaroids.

Kurator: Andreas Hoffer

Le couple d'artistes allemands Anna et Bernhard Blume (1936 - 2020 et 1937 - 2011) est connu internationalement pour ses photographies en noir et blanc.

Le couple mettait en scène des actions performatives et les enregistrait à l'aide d'un appareil photo. Il s'agit le plus souvent de scènes domestiques, arrangées de manière bizarre. Les deux artistes sont eux-mêmes les interprètes, ils se glissent dans un décor bourgeois - elle avec une permanente, une perruque et une jolie petite robe, lui avec un costume à petits carreaux et un chapeau. Les modèles de genre, les rôles et les clichés ainsi que les codes de comportement du bourgeois sont contrecarrés par les Blume de manière ironique et tout à fait comique. Des pommes de terre volent dans les airs, des morceaux d'assiettes cassées recouvrent le sol de la cuisine, des constructions de meubles s'effondrent et des personnes aux visages déformés manipulent toutes sortes d'objets du quotidien. Ce que font les personnes sur les photos est tout sauf conforme aux règles, c'est fou dans le meilleur sens du terme.

De la composition de l'image au développement et à l'agrandissement des photos en laboratoire, en passant par la prise de vue, Anna et Bernhard Blume ont réalisé eux-mêmes chaque étape du processus artistique. Ils ont élargi la photographie artistique à la mise en scène performative. Avec leurs séries de photos, ils satirisent le monde petit-bourgeois des années 1970 et 1980. Le couple s'est largement inspiré de l'actionnisme des années 1960.

Anna et Bernhard Blume se sont rencontrés alors qu'ils étaient étudiants à la Staatliche Kunstakademie de Düsseldorf, où ils ont tous deux étudié de 1960 à 1965. Le couple a vécu et travaillé à Cologne. Jusqu'à présent, leurs travaux ont été exposés dans des musées internationaux comme le Museum of Modern Art de New York ou le Centre Pompidou de Paris.

L'exposition à la Kunsthalle Krems présente des séries de photographies en noir et blanc de grand et moyen format, complétées par une petite sélection de polaroïds en couleur.

Commissaire d'exposition : Andreas Hoffer

La coppia di artisti tedeschi Anna e Bernhard Blume (1936-2020 e 1937-2011) è riconosciuta a livello internazionale per le sue fotografie in bianco e nero.

La coppia mette in scena azioni performative e le riprende con la macchina fotografica. Si tratta per lo più di scene domestiche, organizzate in modo stravagante. I due artisti stessi sono gli interpreti e si calano in uno staffage borghese: lei con la permanente, la parrucca e un vestito elegante, lui con un piccolo abito a quadri e un cappello. I modelli di genere, i ruoli e i cliché, così come i codici di comportamento borghesi, sono ironicamente e comicamente contrastati dai Blume. Le patate volano in aria, i cocci dei piatti rotti ricoprono il pavimento della cucina, le costruzioni dei mobili crollano e le persone con i volti distorti maneggiano ogni tipo di oggetto quotidiano. Quello che fanno le persone nelle immagini è tutt'altro che conforme alle regole, è folle nel senso migliore del termine.

Anna e Bernhard Blume hanno eseguito in prima persona tutte le fasi del processo artistico, dalla composizione delle immagini allo scatto delle foto, allo sviluppo e all'ingrandimento in laboratorio. Hanno ampliato la fotografia artistica attraverso la messa in scena performativa. Con le loro serie fotografiche, fanno satira sul mondo piccolo borghese degli anni Settanta e Ottanta. La coppia si ispira in larga misura all'azionismo degli anni Sessanta.

Anna e Bernhard Blume si sono conosciuti come studenti della Staatliche Kunstakademie Düsseldorf, dove hanno studiato entrambi dal 1960 al 1965. La coppia ha vissuto e lavorato a Colonia. Le loro opere sono state esposte in musei internazionali come il Museum of Modern Art di New York e il Centre Pompidou di Parigi.

La mostra alla Kunsthalle Krems presenta serie di fotografie in bianco e nero di grande e medio formato, integrate da una piccola selezione di Polaroid a colori.

Curatore: Andreas Hoffer

The German artist couple Anna and Bernhard Blume (1936 - 2020 and 1937 - 2011) are internationally renowned for their black and white photographs.

The couple staged performative actions and captured them on camera. They are mostly domestic scenes, whimsically arranged. The two artists themselves are the performers, they slip into a bourgeois staffage - she with a perm, wig and smart dress, he in a small checked suit and hat. Gender patterns, roles and clichés as well as codes of bourgeois behavior are ironically and quite comically counteracted by the Blumes. Potatoes fly through the air, shards of broken plates cover the kitchen floor, furniture structures collapse and people with distorted faces handle all kinds of everyday objects. What the people in the pictures are doing is anything but conforming to the rules, it is crazy in the best sense of the word.

Anna and Bernhard Blume carried out every step of the artistic process themselves, from composing and taking the pictures to developing and enlarging the photos in the laboratory. They expanded artistic photography through performative staging. With their photo series, they satirize the petit bourgeois world of the 1970s and 1980s. The couple were largely inspired by the actionism of the 1960s.

Anna and Bernhard Blume met as students at the Staatliche Kunstakademie Düsseldorf, where they both studied from 1960 to 1965. The couple lived and worked in Cologne. Their works have been shown in international museums such as the Museum of Modern Art in New York and the Center Pompidou in Paris.

The exhibition at the Kunsthalle Krems shows large and medium format series of black and white photographs, complemented by a small selection of color Polaroids.

Curator: Andreas Hoffer

(Text: Kunsthalle Krems)

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
16. Oktober 2024 – 2. Februar 2025

Oasi
Mimmo Jodice

Bis zum 2. Februar 2025 wird im Projektraum von CAMERA die Ausstellung Mimmo Jodice. Oasi, eine Ausstellung in Zusammenarbeit mit der Fondazione Zegna.

Die von Walter Guadagnini in Zusammenarbeit mit Barbara Bergaglio kuratierte Ausstellung zeigt zum ersten Mal 40 Bilder aus der Serie, die der neapolitanische Fotograf zwischen Frühjahr und Winter 2008 im Auftrag der Stiftung erstellt hat. Ein außergewöhnlicher Korpus, in dem sich die gesamte Poetik von Jodice wiederfindet, seine Fähigkeit, die Elemente der Realität, ob natürlich oder künstlich, Landschaften oder Innenräume, Pflanzen oder Industriemaschinen, in metaphysische Visionen zu verwandeln, die in Zeit und Raum schweben.

Anlässlich der FAI-Tage werden am 12. Oktober in der Lanificio Ermenegildo Zegna und Casa Zegna in Trivero (Biella) vier großformatige Drucke des Künstlers aus der gleichen Serie präsentiert. Zu diesem Anlass hält Walter Guadagnini um 16 Uhr einen Vortrag mit dem Titel La trama e la neve. Mimmo Jodice in Trivero.

Die Ausstellung wird von einem Katalog begleitet, der von Dario Cimorelli Editore herausgegeben wird. Er enthält eine Einführung von Anna Zegna, der Präsidentin der Fondazione Zegna, einen Essay des Kurators Walter Guadagnini, einen Text von Ilaria Bonacossa und die Reproduktion der kompletten Serie, die aus über 60 Werken besteht.

Jusqu'au 2 février 2025, la Project Room de CAMERA accueille Mimmo Jodice. Oasi, une exposition en collaboration avec la Fondazione Zegna.

Organisée par Walter Guadagnini avec la collaboration de Barbara Bergaglio, l'exposition présente pour la première fois 40 images appartenant à la série réalisée par le photographe napolitain entre le printemps et l'hiver 2008, dans le cadre d'une commande reçue par la Fondation. Un corpus extraordinaire dans lequel il est possible de retrouver toute la poétique de Jodice, sa capacité à transformer les éléments de la réalité, naturels ou artificiels, paysages ou intérieurs, plantes ou machines industrielles, en visions métaphysiques, suspendues dans le temps et l'espace.

En avant-première, à l'occasion des journées FAI, le 12 octobre au Lanificio Ermenegildo Zegna et à la Casa Zegna de Trivero (Biella), quatre grands tirages de l'artiste issus de la même série seront présentés. À cette occasion, Walter Guadagnini tiendra à 16 heures une conférence intitulée La trama e la neve. Mimmo Jodice in Trivero.

L'exposition est accompagnée d'un catalogue, publié par Dario Cimorelli Editore, introduit par un témoignage d'Anna Zegna, présidente de la Fondazione Zegna, avec un essai du commissaire Walter Guadagnini, un texte d'Ilaria Bonacossa et la reproduction de la série complète, composée de plus de 60 œuvres.

Fino al 2 febbraio 2025, la Project Room di CAMERA ospiterà Mimmo Jodice. Oasi, mostra in collaborazione con Fondazione Zegna.

Curata da Walter Guadagnini con la collaborazione di Barbara Bergaglio, la mostra presenta per la prima volta 40 immagini appartenenti alla serie realizzata dal fotografo napoletano tra la primavera e l’inverno del 2008, per una committenza ricevuta dalla Fondazione. Uno straordinario corpus all’interno del quale è possibile ritrovare tutta la poetica di Jodice, la sua capacità di trasformare gli elementi della realtà, naturali o artificiali, paesaggi o interni, piante o macchinari industriali, in visioni metafisiche, sospese nel tempo e nello spazio.

In anteprima, in occasione delle giornate FAI, il 12 ottobre presso il Lanificio Ermenegildo Zegna e Casa Zegna di Trivero (Biella), verranno presentate quattro stampe di grandi dimensioni dell’artista della stessa serie. Per l’occasione, Walter Guadagnini terrà un talk alle ore 16.00 dal titolo La trama e la neve. Mimmo Jodice a Trivero.

La mostra è accompagnata da un catalogo, edito da Dario Cimorelli Editore, introdotto da una testimonianza di Anna Zegna, presidente di Fondazione Zegna, con un saggio del curatore Walter Guadagnini, un testo di Ilaria Bonacossa e la riproduzione della serie completa, composta da oltre 60 opere.

Through Feb. 2, 2025, CAMERA's Project Room will host Mimmo Jodice. Oasis, an exhibition in collaboration with Fondazione Zegna.

Curated by Walter Guadagnini with the collaboration of Barbara Bergaglio, the exhibition presents for the first time 40 images belonging to the series made by the Neapolitan photographer between the spring and winter of 2008, for a commission received by the Foundation. An extraordinary corpus within which it is possible to find all of Jodice's poetics, his ability to transform the elements of reality, natural or artificial, landscapes or interiors, plants or industrial machinery, into metaphysical visions, suspended in time and space.

As a preview, on the occasion of the FAI days, on Oct. 12 at Lanificio Ermenegildo Zegna and Casa Zegna in Trivero (Biella), four large prints by the artist from the same series will be presented. For the occasion, Walter Guadagnini will give a talk at 4 p.m. entitled La trama e la neve. Mimmo Jodice in Trivero.

The exhibition is accompanied by a catalog, published by Dario Cimorelli Editore, introduced by a testimonial by Anna Zegna, president of Fondazione Zegna, with an essay by curator Walter Guadagnini, a text by Ilaria Bonacossa and a reproduction of the complete series, consisting of more than 60 works.

(Text: CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
16. Oktober 2024 – 2. Februar 2025

L'opera
Tina Modotti

Ab dem 16. Oktober 2024 wird in den Räumen des Zentrums die Ausstellung Tina Modotti zu sehen sein. Das von Riccardo Costantini kuratierte Werk - gefördert von der Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo und realisiert in Zusammenarbeit mit Cinemazero - ist einer der bedeutendsten Persönlichkeiten der Fotografie des 20. Jahrhunderts gewidmet.

Die Ausstellung widmet sich dem abenteuerlichen Leben der Fotografin, die in einer bescheidenen Familie in Udine geboren wurde, dann in die Vereinigten Staaten und später nach Mexiko auswanderte, von wo aus sie ins Exil ging und nach Deutschland, Russland und Spanien wanderte, bevor sie nach Mexiko zurückkehrte, wo sie im Alter von nur 46 Jahren starb.

Die 300 Werke, die in Turin zu sehen sind, erzählen von Modottis Vielseitigkeit, ihren künstlerischen Eigenheiten und ihrer neugierigen, partizipatorischen und freien Art. Während ihrer kurzen, aber intensiven Karriere gelang es ihr, die Intensität und die Kontraste der Welten, die sie durchquerte, einzufangen, was sich in Porträts des Alltagslebens ausdrückte, aber auch und vor allem, indem sie von Ungerechtigkeit, Arbeit, politischem Aktivismus, Armut und den Widersprüchen des Fortschritts und des Übergangs zur Moderne erzählte.

Die Ausstellung von CAMERA hat auch eine dokumentarische Bedeutung, da sie verschiedene unveröffentlichte Materialien, Videos, Zeitschriften, Dokumente, Zeitungsausschnitte, Porträts der Künstlerin sowie Fotografien aus der Zeit der ersten und einzigen Ausstellung von Tina Modotti im Jahr 1929 versammelt, die von der Kunst der Fotografin zeugen und ihr gerecht werden.

Die Ausstellung wird von einem umfangreichen Katalog begleitet, der von Dario Cimorelli Editore herausgegeben wurde.

Du 16 octobre 2024, les espaces du Centre accueilleront l'exposition Tina Modotti. L'œuvre, organisée par Riccardo Costantini, promue par la Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo et réalisée en collaboration avec Cinemazero, est consacrée à l'une des figures les plus importantes de la photographie du XXe siècle.

L'exposition retrace la vie aventureuse de la photographe, née dans une famille modeste d'Udine, qui a émigré aux États-Unis puis au Mexique, d'où elle s'est exilée, émigrant en Allemagne, en Russie et en Espagne, avant de retourner au Mexique, où elle est morte à l'âge de 46 ans seulement.

Les 300 œuvres exposées à Turin témoignent de la polyvalence de Modotti, de ses particularités artistiques, de sa curiosité, de sa participation et de sa liberté. Au cours de sa courte mais intense carrière, elle a su capter l'intensité et les contrastes des mondes qu'elle a traversés, exprimés à travers des portraits de la vie quotidienne, mais aussi et surtout en racontant l'injustice, le travail, l'activisme politique, la pauvreté et les contradictions du progrès et de la transition vers la modernité.

L'exposition de CAMERA a également une pertinence documentaire, car elle rassemble divers matériaux inédits, des vidéos, des magazines, des documents, des coupures de presse, des portraits de l'artiste, ainsi que des photographies datant de la première et unique exposition de Tina Modotti en 1929, qui témoignent de l'art de la photographe et lui rendent justice.

L'exposition est accompagnée d'un riche catalogue publié par Dario Cimorelli Editore.

Dal 16 ottobre 2024 gli spazi del Centro accolgono la mostra Tina Modotti. L’opera, a cura di Riccardo Costantini – promossa da Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo e realizzata in collaborazione con Cinemazero – dedicata a una delle figure più rilevanti della fotografia del XX secolo.

Il percorso espositivo si snoda intorno all’avventurosa vita della fotografa, nata da un’umile famiglia di Udine, poi emigrata negli Stati Uniti e successivamente in Messico, da dove è stata esiliata, migrando in Germania, Russia, Spagna, per poi ritornare in Messico, dove si è spenta a soli 46 anni.

Le 300 opere esposte a Torino raccontano la poliedricità, le peculiarità artistiche, l’indole curiosa, partecipe e libera di Modotti, che durante la sua breve ma intensa carriera è riuscita a catturare l’intensità e i contrasti dei mondi che ha attraversato, espressi con ritratti di vita quotidiana, ma anche e soprattutto raccontando l’ingiustizia, il lavoro, l’attivismo politico, la povertà, le contraddizioni del progresso e del passaggio alla modernità.

La mostra di CAMERA ha inoltre una rilevanza dal punto di vista documentale, in quanto raccoglie diversi materiali inediti, video, riviste, documenti, ritagli di quotidiani, ritratti dell’artista, nonché fotografie che risalgono alla prima e unica esposizione che realizzò Tina Modotti nel 1929 e che testimoniano e rendono giustizia all’arte della fotografa.

La mostra è accompagnata da un ricco catalogo edito da Dario Cimorelli Editore.

From October 16, 2024, the Center's spaces will host the exhibition Tina Modotti. The Work, curated by Riccardo Costantini-promoted by Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo and realized in collaboration with Cinemazero-dedicated to one of the most relevant figures in 20th-century photography.

The exhibition unfolds around the adventurous life of the photographer, who was born to a humble family in Udine, then emigrated to the United States and later to Mexico, from where she was exiled, migrating to Germany, Russia, Spain, and then back to Mexico, where she passed away at the age of only 46.

The 300 works on display in Turin tell the story of Modotti's multifaceted nature, artistic peculiarities, and curious, participatory and free-spirited nature, which during her short but intense career managed to capture the intensity and contrasts of the worlds she traversed, expressed through portraits of everyday life, but also and above all by recounting injustice, labor, political activism, poverty, and the contradictions of progress and the transition to modernity.

CAMERA's exhibition also has relevance from a documentary point of view, as it brings together various unpublished materials, videos, magazines, documents, newspaper clippings, portraits of the artist, as well as photographs dating back to the first and only exhibition that Tina Modotti made in 1929, which testify and do justice to the photographer's art.

The exhibition is accompanied by a rich catalog published by Dario Cimorelli Editore.

(Text: CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

Haus der Fotografeie Husum
19. Oktober 2024 – 9. Februar 2025

Humanoid Vegetalis Stories
Laetitia Heisler

"Humanoid Vegetalis Stories" ist eine analoge Fotoserie, die 2022 begann und durch Doppelbelichtungen die tiefe Verbindung zwischen Mensch und Natur erforscht. Inspiriert von Meditation und einer spirituellen Reise nach Indien, kombiniert die Serie menschliche Porträts mit natürlichen Elementen wie Bäumen, Blumen und Wasser. Der Prozess beginnt mit der Aufnahme von Landschaften in einem meditativen Zustand, gefolgt von der Überlagerung menschlicher Porträts auf demselben Film, oft Monate oder Jahre später. Diese traumähnlichen Bilder spiegeln eine verborgene Realität wider, die über die Grenzen von Sprache und Rationalität hinausgeht. Durch die handgemachten Dunkelkammerdrucke erforscht Laetitia Heisler nicht nur die Verbindung zur Natur, sondern auch seine eigene Einsamkeit und die Vielschichtigkeit der Realität.

« Humanoid Vegetalis Stories » est une série de photos analogiques qui a débuté en 2022 et qui explore le lien profond entre l'homme et la nature grâce à des doubles expositions. Inspirée par la méditation et un voyage spirituel en Inde, la série combine des portraits humains avec des éléments naturels tels que des arbres, des fleurs et de l'eau. Le processus commence par la prise de vue de paysages dans un état méditatif, suivie par la superposition de portraits humains sur le même film, souvent des mois ou des années plus tard. Ces images semblables à des rêves reflètent une réalité cachée qui dépasse les limites du langage et de la rationalité. À travers les tirages réalisés à la main en chambre noire, Laetitia Heisler explore non seulement le lien avec la nature, mais aussi sa propre solitude et la complexité de la réalité.

“Humanoid Vegetalis Stories” è una serie fotografica analogica iniziata nel 2022 che esplora la profonda connessione tra esseri umani e natura attraverso doppie esposizioni. Ispirata dalla meditazione e da un viaggio spirituale in India, la serie combina ritratti umani con elementi naturali come alberi, fiori e acqua. Il processo inizia con la cattura di paesaggi in uno stato meditativo, seguita dalla sovrapposizione di ritratti umani sulla stessa pellicola, spesso mesi o anni dopo. Queste immagini oniriche riflettono una realtà nascosta che trascende i confini del linguaggio e della razionalità. Attraverso le stampe fatte a mano in camera oscura, Laetitia Heisler esplora non solo il legame con la natura, ma anche la propria solitudine e la complessità della realtà.

“Humanoid Vegetalis Stories” is an analog photography series that began in 2022 and explores the deep connection between humans and nature through double exposures. Inspired by meditation and a spiritual journey to India, the series combines human portraits with natural elements such as trees, flowers and water. The process begins with shooting landscapes in a meditative state, followed by the overlay of human portraits on the same film, often months or years later. These dream-like images reflect a hidden reality that goes beyond the limitations of language and rationality. Through the handmade darkroom prints, Laetitia Heisler not only explores the connection to nature, but also her own loneliness and the complexity of reality.

(Text: Haus der Fotografie Husum)

Huis Marseille - Museum for Photography | Amsterdam
19. Oktober 2024 – 16. Februar 2025

Shadow Self - Portal to a Parallel World
Shuang Li, Charmaine Poh, Heesoo Kwon, Xiaopeng Yuan, Diane Severin Nguyen

„Wo beginnt ein Bild und wo endet es?“ Eine Frage - und eine Verantwortung - für zeitgenössische Künstler, die sich neuer Medien und Technologien wie der generativen KI bedienen. In Shadow Self untersuchen fünf Künstler diese entscheidende Frage aus einer persönlichen Perspektive.

Shadow Self wählt fünf Künstler aus, deren Arbeiten Parallelwelten aus einem persönlichen oder sogar autobiografischen Blickwinkel untersuchen. Das 'Schattenselbst', das in diesen Parallelwelten existiert, ist kein schwarzer Schatten, der der Geisterwelt eines Fantasy-Romans entkommen ist, sondern eine Öffnung in die Vorstellungskraft, ein Portal zu einer Welt, die von den Geistern der menschlichen Kreativität bevölkert wird. Das Bild weist den Weg in eine andere Dimension. Wie ist es, wenn man im Internet dauerhaft als das 12-jährige Kind existiert, das man einmal war, wie es der Künstlerin Charmaine Poh passiert ist? Was passiert, wenn die Geister der weiblichen Vorfahren plötzlich im täglichen Leben auftauchen, wie in der Arbeit von Heesoo Kwon? Dies sind nur zwei der Themen, die in der Ausstellung Shadow Self behandelt werden.

Physisch abwesend, virtuell anwesend
Ein Computerbildschirm war für die chinesische Künstlerin Shuang Li (1990) der einzige Zugang zur Welt außerhalb der kleinen Industriestadt in den Wuyi-Bergen, in der sie aufwuchs. Ihr Leben änderte sich, als sie die amerikanische Pop-Punk/Emo-Band My Chemical Romance entdeckte, deren Texte ihre Gefühle perfekt auszudrücken schienen. Shuang Li lernte Englisch durch ihre Aktivitäten in einem Internet-Fanforum. Die Subkultur des „Fandoms“ bildet auch weiterhin die Grundlage ihrer Arbeit, die Performance, Skulpturen, Videos und eine interaktive Website umfasst. Im Jahr 2022, als die Covid-Reisebeschränkungen sie in Europa hielten, schickte sie zwanzig Performer als ihre Avatare zu einer Galerieeröffnung in Shanghai. Sie waren identisch gekleidet: ein My Chemical Romance-T-Shirt über einem weißen Hemd, ein schwarzer Blazer, ein karierter Rock, schwarze Stiefel, Stulpen und ein silberfarbener Rucksack. Bei der Eröffnung lasen sie eine persönliche Nachricht von Li an ihre Freunde vor, und ihre Aktionen wurden mit einer The Matrix-ähnlichen Spionage-Cam-Brille aufgenommen. Das Video Déja Vu, das aus dieser Performance hervorging, reflektiert Lis fließende Existenz zwischen verschiedenen Städten, während Abriegelungen und Grenzschließungen, als Computerbildschirme ihr trotz ihrer physischen Abwesenheit eine virtuelle Präsenz verliehen. Im zweiten Video der Ausstellung, My Way Home Is through You (2023), verbindet Shuang Li Erinnerungen an ihre Jugend in China mit dem Cover eines Familienalbums und dem darin enthaltenen Bild eines Schweizer Schlosses, von dem sie später erfuhr, dass es eigentlich ein Jugendgefängnis war. Themen wie Gefangenschaft und die Allgegenwart von Archivbildern werden mit der Erforschung von Nostalgie, Heimweh, Gefühlen der Beengtheit und der Verwischung der Unterschiede zwischen Zeit und Entfernung kombiniert.

Zurück zur Kindheit im Werk von Charmaine Poh, Heesoo Kwon und Chino Otsuka
Es ist bemerkenswert, wie viele zeitgenössische Künstler in ihren Werken ihre Kindheit quasi wieder aufleben lassen. In den frühen 2000er Jahren war die in Singapur geborene Charmaine Poh (1990) ein Kinderstar in der Fernsehserie We Are R.E.M. Diese Erfahrung bildet die Grundlage für ihr Video GOOD MORNING YOUNG BODY (2023), in dem die ewig 12-jährige Figur E-Ching ein Deepfake ist, das aus im Internet gefundenem Filmmaterial von Pohs jüngerem Ich stammt. In dem Video reagiert E-Ching auf die öffentlichen Kommentare und die Kritik, der sie zu dieser Zeit ausgesetzt war. Charmaine Poh nutzt Film, Fotografie und Performance, um sich mit den vielen Fragen rund um den virtuellen Besitz auseinanderzusetzen. Das Projekt überschneidet sich auch mit ihrer Doktorarbeit über den queeren asiatischen Körper und seine digitale Darstellung.

Aus Frustration über die patriarchalische koreanische Kultur und den Katholizismus, in dem ihre Mutter, Großmutter und Urgroßmütter lebten, schuf die koreanische Künstlerin Heesoo Kwon (1990) 'Leymusoom', eine autobiografische feministische Religion. Indem sie eine Verbindung zu Schlangen herstellte, die ihre alte Haut abstreifen, visualisierte sie Leymusoom als eine fließende Einheit zwischen Schlange und Frau. Wie ein Reptil häuten sie sich in einem Prozess der Metamorphose und werden als queere Körper wiedergeboren, ohne die Last früherer Leben und des Patriarchats. In Lentikulardrucken, die Kwons Familienfotos aus ihrer Kindheit nachbilden, sehen wir Avatare ihrer weiblichen Vorfahren und Leymusoom, die als Schutzgötter erscheinen und wieder verschwinden. Kwon verwendet diese Avatare in ihren Videoarbeiten, um die Grenzen zwischen Zeit und Raum zu verwischen. Sie historisiert ihre matriarchalischen Abstammungslinien und schafft gleichzeitig eine gemeinschaftliche digitale Welt der Selbstbeobachtung für das Publikum, den Avatar und sich selbst. Über die Linsenrasterbildserie hinaus erweitert Kwon die Körperlichkeit ihrer eigenen Kindheitsfotos und hinterfragt deren Wahrheitsgehalt, indem sie Kompositionstechniken in Photoshop und das generative KI-Tool Adobe Firefly einsetzt. Firefly fungiert als Kollaborateur und Therapeut, der der Künstlerin hilft, ganzheitliche Rekonstruktionen des Hauses ihrer Kindheit zu schaffen. Dabei erweitert sie den ursprünglichen Blickwinkel der Kindheitsfotos, fügt Möbel aus der Umgebung hinzu und verzerrt die Körperteile der abgebildeten Familienmitglieder. Indem sie introspektive Fantasiewelten erschafft, die die koreanische Geschichte und das Familienarchiv re-historisieren, beleuchtet Kwon das Unsichtbare und ermöglicht es der Künstlerin, die Befreiung ihrer Vorfahren und ihres Selbst von der historischen Unterdrückung, die im Patriarchat wurzelt, zu verwirklichen.

Ein Pionier dieser Art von virtueller Zeitreise ist der japanische Künstler Chino Otsuka (1972), von dem einige seiner Fotografien in der Sammlung des Huis Marseille zu sehen sind. Otsuka hatte eine ungewöhnliche Kindheit, denn sie unternahm viele Reisen zusammen mit ihren Eltern. Im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts besuchte sie als Erwachsene erneut die Orte, die ihre Eltern 25 Jahre zuvor als Kind fotografiert hatten, und schuf neue fotografische Arbeiten, die ihr jüngeres und älteres Ich in einem einzigen Bild vereinen.

Das Bild als Portal
Ein Bild, das nicht virtuell ist, sondern mit einer analogen oder digitalen Kamera erstellt wurde, kann auch als Portal zu einem unbekannten Universum fungieren, das den Eindruck erweckt, als läge es hinter der sichtbaren Welt verborgen. Im Rahmen kommerzieller Fotoshootings schafft der chinesische Künstler Xiaopeng Yuan (1987) neue und unerwartete Geschichten durch die Manipulation von Körpern und Objekten im Raum und in unwahrscheinlichen Kombinationen. Die reine, saubere Sprache seiner Modefotografie steigert die Suggestivität seiner Bilder, denn Yuans ungewöhnliche Kombinationen regen zum Nachdenken über die Welt außerhalb des Fotorahmens an.

Die vietnamesisch-amerikanische Künstlerin Diane Severin Nguyen (1990) spricht von den „Wunden“ und „Brüchen“ im Bild, die sie für die Kamera mit ungewöhnlichen oder beunruhigenden Materialien, mit leuchtenden, feurigen Farben und in sinnliches Licht getaucht schafft. Die Kamera nimmt das Bild auf, und der Akt beinhaltet ein gewisses Maß an Gewalt. Der in der Ausstellung gezeigte Film Tyrant Star ist voller gesättigter Bilder, die ein mysteriöses, paralleles Leben zu verbergen scheinen, das ein Schnitt offenbaren würde.

« Où commence et où finit une image ? Une question - et une responsabilité - pour les artistes contemporains qui utilisent les nouveaux médias et les technologies telles que l'IA générative. Dans Shadow Self, cinq artistes examinent cette question cruciale d'un point de vue personnel.

Shadow Self choisit cinq artistes dont le travail explore des mondes parallèles d'un point de vue personnel, voire autobiographique. L'« ombre de soi » qui existe dans ces mondes parallèles n'est pas une ombre noire échappée du monde fantomatique d'un roman fantastique, mais une ouverture sur l'imagination, un portail vers un monde peuplé par les esprits de la créativité humaine. L'image indique le chemin vers une autre dimension. Qu'est-ce que cela signifie d'exister en permanence sur l'internet comme l'enfant de 12 ans que vous avez été, comme cela est arrivé à l'artiste Charmaine Poh ? Que se passe-t-il lorsque les fantômes d'ancêtres féminins apparaissent soudainement dans la vie quotidienne, comme dans l'œuvre de Heesoo Kwon ? Ce ne sont là que deux des thèmes explorés dans l'exposition Shadow Self.

Absence physique, présence virtuelle
Pour l'artiste chinoise Shuang Li (1990), l'écran d'ordinateur était le seul moyen d'accéder au monde extérieur à la petite ville industrielle des montagnes de Wuyi où elle a grandi. Sa vie a changé lorsqu'elle a découvert le groupe américain pop-punk/emo My Chemical Romance, dont les paroles semblaient exprimer parfaitement ses sentiments. Shuang Li a appris l'anglais grâce à ses activités sur un forum de fans sur Internet, et la sous-culture du « fandom » continue de former la base de son travail, qui englobe la performance, la sculpture, la vidéo et un site web interactif. En 2022, alors que les restrictions de voyage de Covid la retenaient en Europe, elle a envoyé vingt performeurs comme avatars à l'ouverture d'une galerie à Shanghai. Ils étaient vêtus à l'identique, d'un t-shirt My Chemical Romance sur une chemise blanche, d'un blazer noir, d'une jupe à carreaux, de bottes noires, de jambières et d'un sac à dos argenté. Lors de l'ouverture, ils ont lu un message personnel de Li à ses amis, et leurs actions ont été enregistrées à l'aide de lunettes espionnes semblables à celles de The Matrix. La vidéo qui a résulté de cette performance, Déja Vu, reflète l'existence fluide de Li entre différentes villes, pendant les périodes de bouclage et de fermeture des frontières, lorsque les écrans d'ordinateur lui donnaient une présence virtuelle en dépit de son absence physique. Dans la deuxième vidéo de l'exposition, My Way Home Is through You (2023), Shuang Li relie les souvenirs de sa jeunesse en Chine à la couverture d'un album de photos de famille et à l'image d'un château suisse, dont elle a découvert plus tard qu'il s'agissait en fait d'une prison pour mineurs. Des thèmes tels que l'emprisonnement et l'omniprésence des images d'archives sont associés à des recherches sur la nostalgie, le mal du pays, le sentiment d'enfermement et l'estompement des distinctions entre le temps et la distance.

Retour à l'enfance dans les œuvres de Charmaine Poh, Heesoo Kwon et Chino Otsuka
Il est remarquable de constater que de nombreux artistes contemporains ressuscitent virtuellement leur enfance dans leur travail. Au début des années 2000, Charmaine Poh (1990), née à Singapour, a été un enfant acteur dans la série télévisée We Are R.E.M. Cette expérience est à la base de sa vidéo GOOD MORNING YOUNG BODY (2023), dans laquelle le personnage E-Ching, éternellement âgé de 12 ans, est un deepfake dérivé de séquences du jeune moi de Poh trouvées sur Internet. Dans la vidéo, E-Ching répond aux commentaires du public et à l'examen minutieux dont elle a fait l'objet à l'époque. Charmaine Poh utilise le cinéma, la photographie et la performance pour aborder les nombreuses questions liées à la propriété virtuelle. Cela recoupe également ses recherches de doctorat sur le corps asiatique queer et sa représentation numérique.

Frustrée par la culture patriarcale coréenne et le catholicisme dans lesquels vivaient sa mère, sa grand-mère et ses arrière-grands-mères, l'artiste coréenne Heesoo Kwon (1990) a créé « Leymusoom », une religion féministe autobiographique. Faisant le lien avec les serpents qui se débarrassent de leur vieille peau, elle a imaginé Leymusoom comme une entité fluide entre le serpent et la femme. Comme un reptile, elles perdent leur peau dans un processus de métamorphose, renaissant en tant que corps queer sans le fardeau des vies antérieures et du patriarcat. Dans les impressions lenticulaires qui réimaginent les photographies de famille de l'enfance de Kwon, nous voyons des avatars de ses ancêtres féminines et de Leymusoom, qui apparaissent et disparaissent comme des dieux protecteurs. Kwon utilise ces avatars dans ses œuvres vidéo pour brouiller les frontières entre le temps et l'espace, historicisant ses lignées matriarcales tout en créant un monde numérique commun d'introspection pour le public, l'avatar et soi-même. Au-delà de la série d'images lenticulaires, Kwon élargit la physicalité et remet en question la véracité de la mémoire de ses propres photos d'enfance en utilisant des techniques composites dans Photoshop et l'outil d'IA générative Adobe Firefly. Firefly agit comme un collaborateur et un thérapeute, aidant l'artiste à créer des reconstructions holistiques de la maison de son enfance - en étendant le point de vue original des photos d'enfance, en ajoutant les meubles environnants et en déformant les parties du corps des membres de la famille représentés. En créant des mondes fantastiques introspectifs qui réhistoricisent l'histoire coréenne et les archives familiales, Kwon illumine l'invisible, permettant à l'artiste d'actualiser la libération de ses ancêtres et de sa propre personne de l'oppression historique enracinée dans le patriarcat.

L'artiste japonais Chino Otsuka (1972), dont certaines photographies font partie de la collection de l'Huis Marseille, est un pionnier de ce type de voyage virtuel dans le temps. Otsuka a eu une enfance inhabituelle, en raison des nombreux voyages qu'elle a effectués avec ses parents. Au cours de la première décennie du XXIe siècle, elle a revisité, en tant qu'adulte, les endroits où ses parents l'avaient photographiée enfant, 25 ans plus tôt, et a créé de nouvelles œuvres photographiques qui réunissent en une seule image son moi jeune et son moi plus âgé.

L'image comme portail
Une image qui n'est pas virtuelle, mais qui a été créée à l'aide d'un appareil photo analogique ou numérique, peut également fonctionner comme un portail vers un univers inconnu qui donne l'impression de se cacher derrière le monde visible. Dans le contexte des séances de photos commerciales, l'artiste chinois Xiaopeng Yuan (1987) crée des histoires nouvelles et inattendues en manipulant des corps et des objets dans l'espace et dans des combinaisons improbables. Le langage pur et épuré de ses photographies de mode augmente en fait le caractère suggestif de ses images, car les combinaisons inhabituelles de Yuan nous font réfléchir au monde qui se trouve en dehors du cadre de la photo.

L'artiste vietnamienne-américaine Diane Severin Nguyen (1990) parle de « blessures » et de « ruptures » dans l'image qu'elle crée pour l'appareil photo en utilisant des matériaux inhabituels ou déconcertants, des couleurs vives et ardentes et une lumière sensuelle. La caméra enregistre l'image et l'acte comporte un certain degré de violence. Le film Tyrant Star présenté dans l'exposition est rempli d'images saturées qui semblent cacher une vie parallèle et mystérieuse, qu'une incision révélerait.

“Dove inizia e dove finisce un'immagine?”. Una domanda - e una responsabilità - per gli artisti contemporanei che fanno uso di nuovi media e tecnologie come l'AI generativa. In Shadow Self cinque artisti esaminano questa questione cruciale da una prospettiva personale.

Shadow Self sceglie cinque artisti il cui lavoro indaga mondi paralleli da un punto di vista personale o addirittura autobiografico. Il 'sé ombra' che esiste in questi mondi paralleli non è un'ombra nera sfuggita dal mondo spettrale di un romanzo fantasy, ma un'apertura nell'immaginazione, un portale verso un mondo popolato dagli spiriti della creatività umana. L'immagine indica la strada verso un'altra dimensione. Cosa significa esistere in modo permanente su Internet come la bambina di 12 anni che si era una volta, come è successo all'artista Charmaine Poh? Cosa succede quando i fantasmi degli antenati femminili appaiono improvvisamente nella vita quotidiana, come nel lavoro di Heesoo Kwon? Questi sono solo due dei temi esplorati nella mostra Shadow Self.

Fisicamente assente, virtualmente presente
Lo schermo di un computer ha offerto all'artista cinese Shuang Li (1990) il suo unico accesso al mondo al di fuori della piccola città industriale sulle Montagne Wuyi dove è cresciuta. La sua vita è cambiata quando ha scoperto il gruppo pop-punk/emo americano My Chemical Romance, i cui testi sembravano esprimere perfettamente i suoi sentimenti. Shuang Li ha imparato l'inglese grazie alle sue attività in un forum di fan su Internet, e la sottocultura 'fandom' continua a costituire la base del suo lavoro, che comprende performance, sculture, video e un sito web interattivo. Nel 2022, quando le restrizioni di viaggio Covid la trattenevano in Europa, ha inviato venti performer come suoi avatar all'inaugurazione di una galleria a Shanghai. Erano vestiti in modo identico, con una maglietta dei My Chemical Romance sopra una camicia bianca, un blazer nero, una gonna a scacchi, stivali neri, scaldamuscoli e uno zaino color argento. All'apertura hanno letto un messaggio personale di Li ai suoi amici, e le loro azioni sono state registrate con occhiali spy-cam simili a quelli di The Matrix. Il video che è nato da questa performance, Déja Vu, riflette sull'esistenza fluida di Li tra diverse città, durante le serrate e i periodi di chiusura dei confini, quando gli schermi dei computer le davano una presenza virtuale nonostante la sua assenza fisica. Nel secondo video della mostra, My Way Home Is through You (2023), Shuang Li collega i ricordi della sua giovinezza in Cina alla copertina di un album fotografico di famiglia e alla sua immagine di repertorio di un castello svizzero, che poi ha scoperto essere in realtà un carcere minorile. Temi come la prigionia e l'ubiquità delle immagini di repertorio sono combinati con la ricerca sulla nostalgia, la nostalgia di casa, i sentimenti di confinamento e l'offuscamento delle distinzioni tra tempo e distanza.

Ritorno all'infanzia nel lavoro di Charmaine Poh, Heesoo Kwon e Chino Otsuka
È notevole come molti artisti contemporanei stiano virtualmente resuscitando la loro infanzia nelle loro opere. All'inizio degli anni 2000, Charmaine Poh (1990), nata a Singapore, è stata un'attrice bambina nella serie televisiva We Are R.E.M. L'esperienza costituisce la base del suo video GOOD MORNING YOUNG BODY (2023), in cui il personaggio E-Ching, eternamente dodicenne, è un deepfake derivato da filmati dell'io più giovane di Poh trovati su Internet. Nel video E-Ching risponde ai commenti e agli sguardi del pubblico a cui era esposta all'epoca. Charmaine Poh utilizza il cinema, la fotografia e la performance per affrontare le numerose questioni che circondano la proprietà virtuale. Si sovrappone anche alla sua ricerca di dottorato sul corpo asiatico queer e la sua rappresentazione digitale.

Frustrata dalla cultura patriarcale coreana e dal cattolicesimo in cui vivevano sua madre, sua nonna e le sue bisnonne, l'artista coreana Heesoo Kwon (1990) ha creato 'Leymusoom', una religione femminista autobiografica. Tracciando un collegamento con i serpenti che si liberano della loro vecchia pelle, ha visualizzato Leymusoom come un'entità fluida tra serpente e donna. Come un rettile, si liberano della pelle in un processo di metamorfosi, rinascendo come corpi queer senza il peso delle vite precedenti e del patriarcato. Nelle stampe lenticolari che reimmaginano le fotografie di famiglia dell'infanzia di Kwon, vediamo gli avatar delle sue antenate e di Leymusoom, che appaiono e scompaiono come divinità protettrici. Kwon utilizza questi avatar nelle sue opere video per confondere i confini tra tempo e spazio, storicizzando i suoi lignaggi matriarcali e creando al contempo un mondo digitale comune di introspezione per il pubblico, l'avatar e il sé. Al di là della serie di immagini lenticolari, Kwon espande la fisicità e mette in discussione la veridicità della memoria all'interno delle sue foto d'infanzia, utilizzando tecniche composite in Photoshop e lo strumento di AI generativa Adobe Firefly. Firefly agisce come un collaboratore e un terapeuta, aiutando l'artista a creare ricostruzioni olistiche della sua casa d'infanzia - estendendo il punto di vista originale delle fotografie d'infanzia, aggiungendo mobili circostanti e distorcendo le parti del corpo dei membri della famiglia ritratti. Creando mondi fantastici introspettivi che ri-storicizzano la storia coreana e l'archivio familiare, Kwon illumina l'invisibile, permettendo all'artista di realizzare la liberazione dei suoi antenati e di se stessa dall'oppressione storica radicata nel patriarcato.

Un pioniere di questo tipo di viaggio virtuale nel tempo è l'artista giapponese Chino Otsuka (1972), alcune delle cui fotografie sono incluse nella collezione di Huis Marseille. Otsuka ha avuto un'infanzia insolita, a causa dei numerosi viaggi che ha fatto insieme ai suoi genitori. Nel primo decennio del XXI secolo ha rivisitato da adulta i luoghi che erano stati fotografati da bambina dai suoi genitori 25 anni prima, e ha creato nuove opere fotografiche che uniscono il suo io più giovane e quello più anziano in un'unica immagine.

L'immagine come portale
Un'immagine che non è virtuale, ma che è stata creata con una fotocamera analogica o digitale, può anche funzionare come un portale verso un universo sconosciuto che dà l'impressione di essere nascosto dietro il mondo visibile. Nel contesto dei servizi fotografici commerciali, l'artista cinese Xiaopeng Yuan (1987) crea storie nuove e inaspettate attraverso la manipolazione di corpi e oggetti nello spazio e in combinazioni improbabili. Il linguaggio puro e pulito della sua fotografia di moda aumenta in realtà la suggestività delle sue immagini, in quanto le combinazioni insolite di Yuan fanno pensare al mondo al di fuori della cornice della foto.

L'artista vietnamita-americana Diane Severin Nguyen (1990) parla di 'ferite' e 'rotture' nell'immagine che crea per la macchina fotografica utilizzando materiali insoliti o sconcertanti, con colori brillanti e infuocati e inondati di luce sensuale. La telecamera registra l'immagine e l'atto comporta un certo grado di violenza. Il film Tyrant Star presentato in mostra è ricco di immagini sature che sembrano nascondere una vita misteriosa e parallela, che un'incisione rivelerebbe.

“Where does an image begin and where does it end?” A question – and a responsibility – for contemporary artists who make use of new media and technologies such as generative AI. In Shadow Self five artists examine this crucial issue from a personal perspective.

Shadow Self chooses five artists whose work investigates parallel worlds from a personal or even autobiographical standpoint. The ‘shadow self’ that exists in these parallel worlds is not a black shadow escaped from the ghostly world of a fantasy novel, but an opening into imagination, a portal to a world populated by the spirits of human creativity. The image points the way to another dimension. What is it like to exist permanently on the internet as the 12-year-old child you once were, as happened to the artist Charmaine Poh? What happens when the ghosts of female ancestors suddenly appear in daily life, as in work by Heesoo Kwon? These are just two of the topics explored in the exhibition Shadow Self.

Physically absent, virtually present
A computer screen offered the Chinese artist Shuang Li (1990) her only access to the world outside the small industrial town in the Wuyi Mountains where she grew up. Her life changed when she discovered the American pop-punk/emo band My Chemical Romance, whose lyrics seemed to express her feelings perfectly. Shuang Li learned English through her activities on an internet fan forum, and ‘fandom’ subculture continues to form the base of her work, encompassing performance, sculpture, video, and an interactive website. In 2022, when Covid travel restrictions kept her in Europe, she sent twenty performers as her avatars to a gallery opening in Shanghai. They were dressed identically, in a My Chemical Romance t-shirt over a white shirt, a black blazer, a checkered skirt, black boots, legwarmers, and a silver-coloured backpack. At the opening they read out a personal message from Li to her friends, and their actions were recorded with The Matrix-like spy-cam glasses. The video that resulted from this performance, Déja Vu, reflects on Li’s fluid existence between different towns, during lockdowns and closed-border periods, when computer screens gave her a virtual presence despite her physical absence. In the second video in the exhibition, My Way Home Is through You (2023), Shuang Li links memories of her youth in China to the cover of a family photo album and its stock image of a Swiss castle, which she later discovered was actually a juvenile prison. Themes such as imprisonment and the ubiquity of stock images are combined with research into nostalgia, homesickness, feelings of confinement, and the blurring of distinctions between time and distance.

Back to childhood in the work of Charmaine Poh, Heesoo Kwon, and Chino Otsuka
It is remarkable how many contemporary artists are virtually resurrecting their childhoods in their work. In the early 2000s the Singapore-born Charmaine Poh (1990) was a child star actor in the television series We Are R.E.M. The experience forms the basis of her video GOOD MORNING YOUNG BODY (2023), in which the eternally 12-year-old character E-Ching is a deepfake derived from footage of Poh’s younger self found on the internet. In the video E-Ching responds to the public comments and scrutiny she was exposed to at the time. Charmaine Poh uses film, photography and performance to address the many issues surrounding virtual ownership. It also overlaps with her PhD research into the queer Asian body and its digital depiction.

Frustrated with the patriarchal Korean culture and Catholicism under which her mother, grandmother, and great-grandmothers lived, Korean artist Heesoo Kwon (1990) created ‘Leymusoom’, an autobiographical feminist religion. Drawing a connection to snakes shedding their old skin, she visualized Leymusoom as a fluid entity between snake and woman. Like a reptile, they shed their skin in a process of metamorphosis, reborn as queer bodies without the burden of previous lives and patriarchy. In lenticular prints that reimagine Kwon’s childhood family photographs, we see avatars of her female ancestors and Leymusoom, appear and disappear as patron gods. Kwon uses these avatars in her video works to blur boundaries between time and space, historicizing her matriarchal lineages while creating a communal digital world of introspection for the audience, avatar, and self. Beyond the lenticular image series, Kwon expands the physicality of and questions the veracity of memory within her own childhood photos by using composite techniques in Photoshop and the generative AI tool Adobe Firefly. Firefly acts as a collaborator and a therapist, helping the artist create holistic reconstructions of her childhood home — extending the original viewpoint of childhood photographs, adding surrounding furniture, and distorting the body parts of the pictured family members. In creating introspective fantasy worlds that re-historicize Korean history and the family archive, Kwon illuminates the invisible, allowing the artist to actualize the liberation of her ancestors and self from historical oppression rooted in patriarchy.

A pioneer in this sort of virtual time travel is the Japanese artist Chino Otsuka (1972), some of whose photographs are included in Huis Marseille’s own collection. Otsuka had an unusual childhood, because of the many journeys she made together with her parents. In the first decade of the 21st century she revisited as an adult the places she had been photographed as a child by her parents 25 years earlier, and created new photographic works that united her younger and older self in a single image.

The image as a portal
An image that is not virtual, but which has been created using an analogue or digital camera, may also function as a portal to an unfamiliar universe that gives the impression that it lies hidden behind the visible world. Within the context of commercial photoshoots the Chinese artist Xiaopeng Yuan (1987) creates new and unexpected stories through the manipulation of bodies and objects in space and in unlikely combinations. The pure, clean language of his fashion photography actually increases the suggestiveness of his images, as Yuan’s unusual combinations makes one think about the world outside the frame of the photo.

The Vietnamese-American artist Diane Severin Nguyen (1990) speaks of the ‘wounds’ and ‘ruptures’ in the image that she creates for the camera using unusual or disconcerting materials, with bright, fiery colours, and doused in sensual light. The camera records the image, and the act involves a certain degree of violence. The film Tyrant Star shown in the exhibition is full of saturated images that appear to conceal a mysterious, parallel life, one which an incision would reveal.

Dit najaar toont Huis Marseille Shadow Self – Portal to a Parallel World, met werk van Shuang Li (1990), Charmaine Poh (1990), Heesoo Kwon (1990), Xiaopeng Yuan (1987) en Diane Severin Nguyen (1990). ‘Waar begint een beeld en waar houdt het op?’ Dat is een vraag aan – en ook een verantwoordelijkheid van – hedendaagse kunstenaars die van nieuwe media en technologieën zoals generatieve AI gebruikmaken. In Shadow Self onderzoeken vijf kunstenaars deze essentiële vraag vanuit een persoonlijk perspectief.

Voor Shadow Self werden vijf kunstenaars uitgenodigd die vanuit een persoonlijke of zelfs autobiografische benadering parallelle werelden onderzoeken. Het ‘schaduwzelf’ dat zich in die parallelle wereld ophoudt, is hier geen zwarte schaduw die is ontsnapt uit het schimmenrijk van een fantasyroman, maar een opening naar de verbeelding, naar een wereld bevolkt door de geesten van de creativiteit. Het beeld wijst de weg naar een andere dimensie. Hoe is het om op internet eeuwig te blijven voortbestaan als het twaalfjarige kind dat je ooit was, zoals kunstenaar Charmaine Poh overkwam? Wat gebeurt er als de schimmen van vrouwelijke voorouders opeens opduiken in het dagelijks leven, zoals in het werk van Heesoo Kwon? Dit zijn slechts een paar van de onderwerpen die in de tentoonstelling Shadow Self aan de orde komen.

Fysiek afwezig maar virtueel aanwezig
Het computerbeeldscherm bood de Chinese kunstenaar Shuang Li (1990) de enige toegang tot de wereld buiten het kleine, industriële stadje in het Wuyi-berggebied waar ze opgroeide. Haar leven veranderde toen ze de Amerikaanse pop-punk/emoband My Chemical Romance ontdekte, die in hun songteksten haar gevoelens ultiem tot uitdrukking leken te brengen. Shuang Li leerde Engels via haar activiteiten op een forum voor fans op internet, en het fenomeen ‘fandom’ (ofwel: een subcultuur van fans) vormt nog steeds de basis van haar werk, dat performance, beeldhouwwerk, video en een interactieve website omvat. In 2022, toen ze vanwege Covid-reisbeperkingen in Europa moest blijven, stuurde ze twintig performers als haar avatars naar een galerieopening in Shanghai. Ze waren identiek gekleed in een My Chemical Romance-T-shirt over een wit hemd, met een zwarte blazer, een geruit rokje, zwarte laarzen, beenwarmers en een zilverkleurige rugzak. Op de opening moesten ze een persoonlijk bericht van Li aan haar vrienden voorlezen en hun acties werden met The Matrix-achtige spycambrillen vastgelegd. In de uit deze performance voortgekomen video Déja Vu wordt gereflecteerd op Li’s fluïde bestaan tussen steden, tijdens lockdowns en periodes van gesloten grenzen, wanneer beeldschermen haar ondanks fysieke afwezigheid virtueel aanwezig maken. In de tweede video die op de tentoonstelling te zien is, My Way Home Is through You (2023), verbindt Shuang Li herinneringen aan haar jeugd in China aan het omslag van een familiefotoalbum met een stockafbeelding van een Zwitsers kasteel, waarvan ze later ontdekte dat het in werkelijkheid een jeugdgevangenis is. Thema’s als gevangenzitten en de alomtegenwoordigheid van stockafbeeldingen vermengen zich met een onderzoek naar nostalgie, heimwee, het gevoel opgesloten te zijn en het vervagen van grenzen tussen tijd en afstand.

Terug naar de kindertijd in het werk Charmaine Poh, Heesoo Kwon en Chino Otsuka
Het is opvallend hoeveel hedendaagse kunstenaars hun kindertijd virtueel in hun werk laten herleven. De in Singapore geboren Charmaine Poh (1990) acteerde in de vroege jaren 2000 als kindsterretje in de televisieserie We Are R.E.M. Op deze ervaring baseerde ze haar video GOOD MORNING YOUNG BODY (2023), waarin het eeuwig twaalfjarige personage E-Ching als deepfake is ontstaan uit footage van Pohs jongere zelf die op internet rondzwierf. In de video reageert E-Ching op de publieke commentaren en kritiek waaraan ze in die tijd blootstond. Charmaine Poh richt zich met film, fotografie en performance op de veelheid aan kwesties rond virtueel eigenaarschap. Dit overlapt met haar promotieonderzoek naar het Aziatische queer lichaam en de digitale weergave hiervan.

Om uiting te geven aan haar frustratie over de patriarchale Koreaanse cultuur en het katholicisme waaronder haar moeder, grootmoeder en overgrootmoeders gebukt gingen, creëerde de Zuid-Koreaanse kunstenaar Heesoo Kwon (1990) een autobiografische feministische religie: Leymusoom. Naar analogie van de slang die haar oude huid afwerpt verbeeldde zij Leymusoom als een fluïde entiteit tussen slang en vrouw. In dit proces van metamorfose wordt het reptiel herboren als een queer lichaam, onbezwaard door vorige levens en het patriarchaat. In lenticulaire prints van Kwons familiefoto’s wordt haar kindertijd opnieuw verbeeld en zien we avatars van haar vrouwelijke voorouders en Leymusoom als beschermgoden verschijnen en weer verdwijnen. Kwon gebruikt deze avatars in haar videowerken om de grenzen tussen tijd en ruimte te vervagen, haar matriarchale afstamming te historiseren en tegelijkertijd een gemeenschappelijke digitale wereld van introspectie te creëren voor de kijker, de avatar en zichzelf. Naast deze lenticulaire druktechniek maakt Kwon ook gebruik van compositietechnieken in Photoshop en de generatieve AI-tool Adobe Firefly om in haar jeugdfoto’s de tastbaarheid van herinneringen te vergroten en de betrouwbaarheid van het geheugen te onderzoeken. Firefly fungeert daarbij als medewerker en therapeut en helpt de kunstenaar holistische reconstructies van haar kindertijd te maken door het oorspronkelijke gezichtspunt van de jeugdfoto’s uit te breiden, meubels toe te voegen en de lichaamsdelen van de afgebeelde familieleden te vervormen. Door introspectieve fantasiewerelden te creëren en aldus de Koreaanse geschiedenis en het familiearchief in een nieuw historisch perspectief te plaatsen, belicht Kwon het onzichtbare en kan zij haar voorouders en zichzelf bevrijden van de in het patriarchaat gewortelde onderdrukking.

Een voorloper is de Japanse kunstenaar Chino Otsuka (1972), van wie Huis Marseille foto’s in de collectie heeft. Otsuka beleefde een ongebruikelijke jeugd door de vele reizen die ze met haar ouders maakte. In het eerste decennium van de 21e eeuw bezocht ze als volwassene de plekken waar ze als kind zo’n 25 jaar eerder door haar ouders was gefotografeerd en maakte ze een nieuw fotowerk waarin haar jongere en oudere zelf op één beeld zijn samengebracht.

Het beeld als poort
Ook een beeld dat niet virtueel, maar met een analoge of digitale camera wordt gemaakt, kan fungeren als een portaal naar een onbekend universum waarvan de suggestie wordt gewekt dat het zich achter het zichtbare verschuilt. De Chinese kunstenaar Xiaopeng Yuan (1987) creëert binnen de context van commerciële fotoshoots nieuwe, onverwachte verhalen door de bijzondere manier waarop hij modellen en objecten bij elkaar brengt. De pure, cleane taal van zijn modefotografie draagt juist bij aan de suggestiviteit van het beeld, doordat Yuans ongebruikelijke combinaties de geest aan het denken zetten over zaken buiten het frame van de foto.

De Vietnamees-Amerikaanse kunstenaar Diane Severin Nguyen (1990) spreekt van ‘wonden’ en ‘breuken’ in het beeld dat ze voor de camera creëert met ongebruikelijke of vervreemdende materialen, met levendige, vurige kleuren en gedrenkt in sensueel licht. De camera legt de beelden vast en in die actie schuilt al een zekere mate van geweld. De film Tyrant Star die in de tentoonstelling getoond wordt, zit vol verzadigde beelden die een mysterieus, parallel leven in zich lijken te bergen dat zich via een snede zou kunnen openbaren.

(Text: Benjamin vanGaalen, Huis Marseille - Museum for Photography, Amsterdam)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
19. Oktober 2024 – 26. Januar 2025

Bilder und Fragmente
Binia Bill

Ambitioniert und selbstbewusst wandte sich Binia Bill (19041988) der Fotografie zu: Nach ihrer Ausbildung zur Konzertcellistin besuchte sie 1930 die Fotoklasse von Lucia Moholy an der Berliner Itten-Schule und arbeitete zurück in Zürich als freie Fotografin. 1931 heiratete sie den Architekten und Künstler Max Bill. Für den gemeinsamen Lebensunterhalt gestaltete das Ehepaar Werbeaufträge, für die sie das Bildmaterial produzierte und er Typografie und Layout entwarf. In den darauffolgenden Jahren schuf Binia Bill ein beachtliches fotografisches Werk: Ihre Porträtaufnahmen und Stillleben zeichnen sich durch eine klare Bildsprache aus, die mit der Ästhetik des «Neuen Sehens» verwandt ist. Das Interesse für Perspektiven und Oberflächen, für das Spiel mit Licht und Schatten verband Binia Bill jedoch mit einer ganz eigenen Sensibilität, die ihren Blick auf Objekte, Pflanzen, Tiere und Menschen prägte.

Als sie 1942 Mutter wurde, gab Binia Bill die Fotografie auf – ihr Werk geriet in Vergessenheit. Was davon erhalten ist, zeugt nicht nur von einer aussergewöhnlichen Schaffenskraft, sondern weist ihr auch einen wichtigen Platz in der Fotogeschichte zu. Sie gehört zu den wenigen Frauen in der Schweiz, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts professionell und künstlerisch mit der Kamera tätig waren. Genau zwei Jahrzehnte nach der ersten und bisher einzigen Retrospektive im Aargauer Kunsthaus ist es höchste Zeit, ihr Schaffen mit Einbezug unveröffentlichter Arbeiten neu zu würdigen.

C’est avec ambition et assurance que Binia Bill (1904–1988) se tourna vers la photographie. Après sa formation de violoncelliste, elle suivit en 1930 la classe de photographie de Lucia Moholy à l’école Itten de Berlin et travailla ensuite, de retour à Zurich, comme photographe indépendante. En 1931, elle épousa l’architecte et artiste Max Bill. Pour subvenir ensemble à leurs besoins, le couple réalisait des commandes publicitaires pour lesquelles elle produisait le matériel photographique, alors que lui concevait la typographie et la mise en page. Dans les années qui suivirent, Binia Bill créa une oeuvre photographique considérable : ses portraits et ses natures mortes se caractérisent par un langage visuel clair qui s’apparente à l’esthétique du mouvement de la « Neues Sehen ». L’intérêt de Binia Bill pour les perspectives et les surfaces, pour les jeux d’ombre et de lumière, était cependant accompagné d’une sensibilité toute particulière qui marqua son regard sur les objets, les plantes, les animaux et les hommes.

Lorsqu’elle devint mère en 1942, Binia Bill abandonna la photographie, et son œuvre tomba dans l’oubli. Ce qui en reste témoigne non seulement d’une force créatrice exceptionnelle, mais lui confère également une place importante dans l’histoire de la photographie. Elle fait partie des rares femmes en Suisse qui utilisèrent l’appareil photo de manière professionnelle et artistique durant la première moitié du XXe siècle. Exactement deux décennies après la première et jusqu’à présent unique rétrospective à l’Aargauer Kunsthaus, il est grand temps de rendre un nouvel hommage à son oeuvre en y incluant des travaux inédits.

Binia Bill (1904–1988) si accostò alla fotografia con ambizione e fiducia nei propri mezzi: dopo una formazione da violoncellista concertista, nel 1930 frequentò la sezione di fotografia alla Itten-Schule di Berlino, diretta da Lucia Moholy. Tornata a Zurigo, lavorò come fotografa indipendente. Nel 1931 sposò l’architetto e artista Max Bill. Per il sostentamento comune, la coppia lavorava a commissioni pubblicitarie: lei produceva le immagini mentre lui progettava la parte tipografica e l’impaginazione. Negli anni seguenti Binia Bill realizzò una notevole opera fotografica: i suoi ritratti e le nature morte sono caratterizzate da un chiaro linguaggio visivo, associabile all’estetica del «Neuen Sehen», la Nuova Visione. L’interesse di Binia Bill per la prospettiva e le superfici, per i giochi di luci e ombre si accompagna però a una sensibilità del tutto particolare che influenzò il suo sguardo su oggetti, piante, animali e persone.

Quando nel 1942 diventò madre, rinunciò alla fotografia – la sua opera venne quindi dimenticata. Ciò che ne è rimasto dimostra non solo la sua notevole forza creativa ma le conferisce anche un posto di rilievo nella storia della fotografia. Fa parte delle poche donne in Svizzera che nella prima metà del ventesimo secolo svolgevano un’attività professionale e artistica con la macchina fotografica. Esattamente due decenni dopo la prima e finora unica retrospettiva all’Aargauer Kunsthaus, è davvero arrivato il momento di onorare nuovamente il suo lavoro, includendo opere ancora inedite.

Binia Bill (19041988) turned to photography with ambition and confidence. After training as a concert cellist, she attended the photography class given by Lucia Moholy at Berlin’s Itten School in 1930 and worked as a freelance photographer when back in Zurich. In 1931, she married the architect and artist Max Bill. To earn a living, the couple worked together on advertising commissions, for which she produced the images while he designed the typography and layout. In the years that followed, Binia Bill created a remarkable photographic oeuvre: Her portraits and still lifes are characterised by a clear visual language that is related to the aesthetics of the ‘Neues Sehen’ movement. Binia Bill’s interest in perspectives and surfaces, in playing with light and shadow, was combined with a very distinct sensitivity though, which influenced her view of objects, plants, animals and people.

When she became a mother in 1942, Binia Bill gave up photography – her oeuvre fell into oblivion. What remains of it not only bears witness to her extraordinary creativity, but also gives her an important place in the history of photography. She was one of the few women in Switzerland to have worked professionally and artistically with a camera in the first half of the 20th century. Exactly two decades after her first and so far only retrospective, at Aargauer Kunsthaus, it is high time to honour her oeuvre anew, including her unpublished works.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Haus der Fotografie Husum
22. Oktober 2024 – 1. März 2025

Esben Fog

Esben Fog schloss 1979 sein Architekturstudium an der Königlich Dänischen Kunstakademie in Kopenhagen ab. Neben seiner Karriere als Architekt widmet er sich seiner Leidenschaft für Fotokunst und präsentierte seine Arbeiten im Laufe der Jahre in zahlreichen Ausstellungen. So präsentierte er dieses Jahr beispielsweise ein 15 m² großes Foto auf der internationalen Kunstausstellung NordArt in Rendsburg. Für diejenigen, die es verpasst haben, ist im Haus der Fotografie eine kleinere Version des Werks ausgestellt, die speziell für diese Ausstellung geschaffen wurde.

Im Jahr 2023 veröffentlichte Esben ein Fotobuch mit dem Titel Photographic Short Stories, das in der Ausstellung erhältlich ist.

Seine Arbeit ist stark von den Fotomeistern des 19. Jahrhunderts und der Kunst der Malerei inspiriert und verfolgt einen narrativen Ansatz in der Fotografie. Anstatt die physische Welt einfach nur zu dokumentieren oder zu interpretieren, schafft Esben fantasievolle, in sich geschlossene Universen, in denen sich neue Geschichten entfalten – Geschichten, die unseren Sinn für Wunder ansprechen.

In der Ausstellung werden Sie eine Mischung aus Ernsthaftigkeit und Humor erleben, mit Themen rund um Leben und Tod, menschliche Eitelkeit und sogar skurrilen Szenen wie Barbiepuppen, die vom Klimawandel betroffen sind, und einer Mutter, die ihr Baby wie durch Zauberhand aus einem Hut zieht. Puppen und Spielzeuge in gefährlichen Situationen und Fotos, die von griechischen Mythen inspiriert sind.

Viele der Figuren in Esbens Werken erscheinen unbekleidet. Seiner Ansicht nach verwurzelt Kleidung eine Figur in einem bestimmten zeitlichen und kulturellen Kontext und begrenzt die Vorstellungskraft des Betrachters. Durch das Entfernen dieses Kontexts transzendieren die Figuren sowohl Zeit als auch Ort und ermöglichen so ein tieferes Gefühl von Mysteriösität.

Die Ausstellung zeigt eine Kombination aus analoger und digitaler Fotografie sowie Werke, die beide Techniken vermischen.

Esben Fog a obtenu son diplôme d'architecture à l'Académie royale des arts danois de Copenhague en 1979. Parallèlement à sa carrière d'architecte, il se consacre à sa passion pour l'art photographique et a présenté son travail dans de nombreuses expositions au fil des ans. Cette année, il a par exemple présenté une photo de 15 m² à l'exposition artistique internationale NordArt de Rendsburg. Pour ceux qui l'auraient manquée, une version plus petite de l'œuvre, créée spécialement pour cette exposition, est exposée à la Maison de la photographie.

En 2023, Esben a publié un livre de photos intitulé Photographic Short Stories, qui est disponible à l'exposition.

Son travail s'inspire fortement des maîtres de la photographie du 19e siècle et de l'art de la peinture, et adopte une approche narrative de la photographie. Plutôt que de simplement documenter ou interpréter le monde physique, Esben crée des univers imaginatifs et fermés dans lesquels se déploient de nouvelles histoires - des histoires qui font appel à notre sens du merveilleux.

Dans l'exposition, vous découvrirez un mélange de sérieux et d'humour, avec des thèmes autour de la vie et de la mort, de la vanité humaine et même des scènes bizarres comme des poupées Barbie touchées par le changement climatique et une mère qui sort son bébé d'un chapeau comme par magie. Des poupées et des jouets dans des situations dangereuses et des photos inspirées des mythes grecs.

De nombreux personnages des œuvres d'Esben apparaissent dévêtus. Selon lui, les vêtements enracinent un personnage dans un contexte temporel et culturel donné et limitent l'imagination du spectateur. En enlevant ce contexte, les personnages transcendent à la fois le temps et le lieu, permettant ainsi un sentiment de mystère plus profond.

L'exposition présente une combinaison de photographies analogiques et numériques, ainsi que des œuvres qui mélangent les deux techniques.

Esben Fog si è laureato in architettura presso la Royal Danish Academy of Fine Arts di Copenhagen nel 1979. Oltre alla carriera di architetto, è appassionato di arte fotografica e nel corso degli anni ha presentato le sue opere in numerose mostre. Quest'anno, ad esempio, ha presentato una fotografia di 15 m² alla mostra internazionale d'arte NordArt di Rendsburg. Per chi se la fosse persa, una versione più piccola dell'opera, creata appositamente per questa mostra, è esposta alla Haus der Fotografie.

Nel 2023 Esben ha pubblicato un libro fotografico intitolato Photographic Short Stories, disponibile presso la mostra.

Il suo lavoro si ispira fortemente ai maestri della fotografia del XIX secolo e all'arte della pittura, adottando un approccio narrativo alla fotografia. Anziché limitarsi a documentare o interpretare il mondo fisico, Esben crea universi immaginifici e autosufficienti in cui si sviluppano nuove storie, che fanno appello al nostro senso di meraviglia.

La mostra presenta un misto di serietà e umorismo, con temi che riguardano la vita e la morte, la vanità umana e persino scene stravaganti come le bambole Barbie colpite dal cambiamento climatico e una madre che estrae magicamente il suo bambino da un cappello. Bambole e giocattoli in situazioni di pericolo e foto ispirate ai miti greci.

Molte delle figure nelle opere di Esben non sono vestite. A suo avviso, l'abbigliamento radica una figura in un particolare contesto temporale e culturale e limita l'immaginazione dello spettatore. Eliminando questo contesto, le figure trascendono sia il tempo che il luogo, consentendo un senso di mistero più profondo.

La mostra presenta una combinazione di fotografia analogica e digitale, nonché opere che fondono entrambe le tecniche.

Esben Fog graduated from the Royal Danish Academy of Fine Arts in Copenhagen with a degree in architecture in 1979. Alongside his career as an architect, he has pursued a passion for photographic art, showcasing his work in numerous exhibitions over the years. For instance, this year he presented a 15 m² photograph at the international art exhibition NordArt in Rendsburg. For those who missed it, a smaller version of the work is on display at Haus Der Fotografie, created specifically for this exhibition.

In 2023, Esben published a photobook titled Photographic Short Stories, which is available at the exhibition.

His work is deeply inspired by the photographic masters of the 19th century and the art of painting, adopting a narrative approach to photography. Rather than simply documenting or interpreting the physical world, Esben creates imaginative, self-contained universes where new stories unfold—stories that appeal to our sense of wonder.

At the exhibition, you’ll encounter a mix of gravity and humor, with themes touching on life and death, human vanity, and even whimsical scenes such as Barbie dolls affected by climate change and a mother magically pulling her baby from a hat.  Dolls and toys in perilous situations and photos inspired of Greek myths.

Many of the figures in Esben's work appear unclothed. Clothing, in his view, roots a figure in a specific time and cultural context, limiting the viewer’s imagination. By removing this context, the figures transcend both time and place, allowing for a deeper sense of mystery.

The exhibition features a combination of both analogue and digital photography, as well as works blending the two techniques.

(Text: Haus der Fotografie Husum)

Photo Elysée | Lausanne
24. Oktober 2024 – 23. Februar 2025

Water is coming
Maya Rochat

In dem eigens für das Museum konzipierten Projekt hat die Schweizer Künstlerin vor allem Filmaufnahmen auf und unter Wasser gedreht, die sie zunächst in Video-Montagen überarbeitet und anschliessend projiziert und mit auf Leinwand, Tapete o. Ä. gedruckten Bildern überlagert hat.

So konfrontiert sie beispielsweise die gewaltige Dynamik von Wellen mit Kunststoffgewächsen in einem Aquarium, in dem der Wasserpegel allmählich ansteigt. Diese Spannung zwischen Schönheit und der Angst, die mit der wachsenden Zerstörung unseres Planeten einhergeht, bildet eine Konstante in Maya Rochats Werk.

Seit vielen Jahren arbeitet die Künstlerin mit einer Vielzahl von experimentellen Trägermedien. In ihrem multimedialen Werk wird das Bild zu einem Wandfresko, einem Leuchtkasten, einem bedruckten Teppich, einer gewebten Decke … Ihr künstlerischer Ansatz ist ein Spiel mit Materialität, mit Massstäben, mit Farben und Transparenz. Auf diese Weise verändert sie auch die Art, in der wir die Dinge betrachten und schenkt uns ein Erlebnis des Lebensraums Wasser an den Grenzen unserer Realität.

Durch die Unterlegung ihrer Bilder mit den musikalischen Klängen des Künstlers Blackout erschafft Maya Rochat eine Atmosphäre, die uns in eine Art Schwebezustand zu versetzen scheint. Water is coming wird zur Metapher unseres Erlebens der Welt. Wir sind eingeladen, uns die Zeit zu nehmen, inmitten dieses facettenreichen Raumes, in dem das Lebendige eine Metamorphose durchläuft und sublimiert wird, innezuhalten und uns unseren Gedanken und Empfindungen zu überlassen.

Im Aufeinandertreffen des Natürlichen auf das Künstliche entsteht ein Paradoxon, und hinter der vermeintlichen und von Melancholie erfüllten Ruhe verbirgt sich eine visuelle Reizüberflutung, der die Künstlerin uns aussetzt. Über diesen Umweg lädt Maya Rochat uns dazu ein, uns wieder mit den Energien zu verbinden, aus denen wir gemacht sind, und regt uns gleichzeitig dazu an, über die Zukunft unserer Ökosysteme und unseren Einfluss auf die Umwelt nachzudenken.

Dans ce projet spécialement conçu pour Photo Elysée, l’artiste suisse a notamment filmé des images sur et sous l’eau, qu’elle a ensuite retravaillées dans des montages vidéo, puis projetées et superposées à des images imprimées (toiles, papier peint…). Elle vient par exemple confronter l’immensité des vagues à des végétaux en plastiques dans un aquarium où l’eau monte progressivement. Cette tension entre la beauté et l’angoisse liée à la dégradation croissante de notre planète est une constante dans le travail de Maya Rochat.

Depuis de nombreuses années, son œuvre se déploie sur de multiples supports expérimentaux où l’image devient une fresque murale, un cadre lumineux polarisant, une moquette imprimée, une couverture tissée... Dans sa démarche artistique, Maya Rochat joue sur la matérialité, les rapports d’échelle, les couleurs ou encore la transparence. Elle change ainsi notre manière de regarder et nous offre une expérience du milieu aquatique en marge de notre réalité.

En associant ses images au travail sonore du musicien Blackout, Maya Rochat nous immerge dans une ambiance flottante. Water Is Coming devient une métaphore de notre expérience du monde, et nous invite à prendre le temps, à contempler et à méditer au cœur de cet espace aux multiples facettes, où le vivant est métamorphosé et sublimé. Par ce biais, l'artiste nous invite à réfléchir à l'avenir de l'eau, et souhaite nous reconnecter à cet élément précieux qui nous constitue.

In questo progetto, concepito specialmente per Photo Elysée, l’artista svizzera ha filmato immagini sopra e sott’acqua, per poi rielaborarle in montaggi video e quindi proiettarle e sovrapporle su immagini stampate (tele, carta da parati, …). Ha ad esempio messo a confronto l’immensità delle onde con le piante di plastica di un acquario in cui l’acqua sale gradualmente. La tensione fra la bellezza e l’angoscia legata al crescente degrado del nostro pianeta è un elemento costante nei lavori di Maya Rochat.

Da numerosi anni la sua opera si avvale di un’ampia gamma di supporti sperimentali, in cui l’immagine diventa un murale, una cornice luminosa polarizzante, una moquette stampata, una coperta tessuta e così via. Nel suo lavoro artistico, Maya Rochat gioca con la materialità, i rapporti di scala, i colori ma anche la trasparenza. Ne risulta un cambiamento del nostro modo di guardare e ci offre un’esperienza del mondo acquatico ai margini della nostra realtà.

Associando le sue immagini al lavoro sonoro del musicista Blackout, Maya Rochat ci immerge in un’atmosfera aleggiante. Water is coming diventa una metafora della nostra esperienza del mondo. Ci invita a prenderci del tempo, a contemplare e a meditare al centro di questo spazio multiforme, dove il vivo viene trasformato e sublimato.

Paradossalmente, il naturale incontra l’artificiale, e dietro all’apparente calma, intrisa di malinconia, l’artista ci mette in uno stato di iperstimolazione visiva. In questo modo ci propone di ricollegarci alle energie che ci rendono ciò che siamo, incoraggiandoci a riflettere sul futuro dei nostri ecosistemi e sul nostro impatto sull’ambiente.

The result is Water Is Coming, a complex, immersive installation – designed specifically for Photo Elysée – that draws us into a world of contrasts between the immensity of the waves and the artificial space of an aquarium where the water level slowly rises. This tension between the beauty of nature and climate anxiety is an ever-present theme in Rochat’s work.

Water Is Coming is a holistic, dreamlike experience that exists on the fringes of our reality. Inspired by the work of Masaru Emoto, who argued that human consciousness could affect the molecular structure of water, it features montages of footage filmed on and under water that are projected side by side and superimposed onto images printed on canvas and wallpaper.

Rochat has a long tradition of experimenting with media such as murals, polarized-film lightboxes, printed carpets and woven blankets. Through her artistic practice – which focuses on the materiality of images, relationships of scale, colors and transparency – the artist draws our gaze toward details in our environment such as the reflection of light, the shimmering effect produced by water or, indeed, the artifice of plastic plants.

Rochat’s images are set against a soundscape by the artist Blackout, creating a sense of weightlessness. This multifaceted space, where the living world is transformed and sublimated, calls on us to step back and reflect on our experience of the world around us. In this way, Rochat's art invites us to think about the future of water and to reconnect with this life-giving element that is a fundamental part of us.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

MUSEC Museo delle Culture Lugano
24. Oktober 2024 – 9. März 2025

Unpublished Photo 2024
Amirhosein Esparham, Gabriele D'Agostino, Claudy Woods, Navonil Dutta

Die Fondazione culture e musei (FCM) und das Museo delle Culture di Lugano (MUSEC) geben die Gewinner der Ausgabe 2024 von Unpublished Photo (UP) bekannt, einem internationalen Wettbewerb, der ins Leben gerufen wurde, um neue Trends in der Kunstfotografie unter jungen Talenten aus der ganzen Welt zu fördern. Die ursprünglich von der Mailänder Galerie 29 ARTS IN PROGRESS konzipierte Initiative ist heute ein wichtiges Ereignis in der internationalen Kunstszene, das von 2020 an vom FCM und MUSEC konsolidiert wurde, um seinen institutionellen Rahmen und seine mittel- bis langfristige Entwicklungsperspektive zu gewährleisten.

Der UP-Wettbewerb zielt darauf ab, die wichtigsten aufkommenden Trends in der zeitgenössischen Kunstfotografie zu identifizieren und hervorzuheben. Mit jeder Ausgabe beabsichtigt MUSEC, seine Sammlungen mit neuen Werken zu bereichern und so zur Schaffung eines Archivs zeitgenössischer Fotografie beizutragen, das bereits über 40.000 Werke vom 19. Jahrhundert bis heute umfasst.

An der Ausgabe 2024 von UP nahmen über zweihundert junge Fotografen aus fünfunddreißig Ländern teil, wobei der Iran, Italien, Indien und Russland stark vertreten waren. Die Kandidaten im Alter zwischen 18 und 30 Jahren reichten ihre Projekte ein, die aus 10 Bildern zu einem freien Thema bestanden, die in Stil und Inhalt einheitlich waren.

Die vier Gewinner wurden von einer internationalen Jury unter dem Vorsitz von Marco Bischof ausgewählt, die in Venedig am Hauptsitz des Istituto veneto di Scienze, Lettere ed Arti, einem Partner des Projekts, tagte.

Der UP24-Wettbewerb verlieh Amirhosein Esparham, dem ersten Zweitplatzierten, einen Geldpreis in Höhe von 3.500 CHF, während die Zweit- bis Viertplatzierten jeweils einen Preis in Höhe von 500 CHF erhielten.

Die vier Gewinner erhalten außerdem einen Katalog (Edizioni FCM) mit allen für den Wettbewerb eingereichten Fotos sowie eine temporäre Ausstellung. Die Kosten für diese Aktivitäten belaufen sich auf 50.000 CHF und werden vollständig vom FCM übernommen.

Die Gewinner der Ausgabe 2024 und die Begründung der Jury:

Amirhosein Esparham (Iran, 1996) beeindruckte die Jury mit „Together, Alone“, einem Projekt, das sich mit der Verbreitung von Einsamkeit in seinem Heimatland befasst. Die Bilder, die mit einem meisterhaften Umgang mit Licht und Inszenierung realisiert wurden, porträtieren Freunde und Bekannte in einer Abfolge von Aufnahmen, die ihre Ängste und Schwächen offenbaren und das Thema Einsamkeit universell machen.

Gabriele D'Agostino (Italien, 1995), ursprünglich aus Palermo stammend und jetzt in Mailand lebend, präsentierte „Cuore Nero-Metrò“, eine intime und feinfühlige Reportage, die mit einem Mobiltelefon in der Mailänder U-Bahn aufgenommen wurde. Seine Bilder, die die Menschheit in einem unpersönlichen und hektischen Kontext erforschen, überzeugten die Jury durch ihre Fähigkeit, authentische Emotionen zu vermitteln.

Claudy Woods (England, 2003) bot mit ihrem Projekt „Every saint has a past“ eine eindrucksvolle Reflexion über Weiblichkeit und Spiritualität. Mit Selbstporträts, die zehn Heilige neu interpretieren, erforscht Woods Geschlechterdynamiken und religiöse Vorurteile und beweist eine für ihr Alter seltene künstlerische Reife.

Navonil Dutta (Indien, 1999) dokumentierte mit seinem Portfolio „Nature's drama“ die grausame Schönheit der wilden Natur und konzentrierte sich dabei auf die Beziehung zwischen Raubtier und Beute. Die Sequenz eines Lagersfalken in Aktion überzeugte die Jury durch ihre Genauigkeit und Intensität.

La Fondazione culture e musei (FCM) et le Museo delle Culture di Lugano (MUSEC) annoncent les lauréats de l'édition 2024 de Unpublished Photo (UP), un concours international créé pour promouvoir les nouvelles tendances de la photographie d'art parmi les jeunes talents du monde entier. L'initiative, conçue à l'origine par la galerie milanaise 29 ARTS IN PROGRESS, est désormais un événement majeur de la scène artistique internationale, consolidé par la FCM et MUSEC à partir de 2020 pour assurer son cadre institutionnel et sa perspective de développement à moyen-long terme.

Le concours UP vise à identifier et à mettre en lumière les principales tendances émergentes de la photographie d'art contemporaine. À chaque édition, MUSEC entend enrichir ses collections de nouvelles œuvres, contribuant ainsi à la constitution d'un fonds d'archives de la photographie contemporaine qui compte déjà plus de 40 000 œuvres, du XIXe siècle à nos jours.

L'édition 2024 de l'UP a vu la participation de plus de deux cents jeunes photographes issus de trente-cinq pays, avec une forte représentation de l'Iran, de l'Italie, de l'Inde et de la Russie. Les candidats, âgés de 18 à 30 ans, ont soumis leurs projets composés de 10 images à thème libre, cohérentes dans leur style et leur contenu.

Les quatre lauréats ont été sélectionnés par un jury international présidé par Marco Bischof, qui s'est réuni à Venise au siège de l'Istituto veneto di Scienze, Lettere ed Arti, partenaire du projet.

Le concours UP24 a décerné à Amirhosein Esparham, premier lauréat, un prix monétaire de 3 500 francs suisses, tandis que les deuxième à quatrième lauréats ont reçu chacun un prix de 500 francs suisses.

Les quatre lauréats sont également récompensés par la publication d'un catalogue (Edizioni FCM) contenant toutes les photographies soumises au concours, ainsi que par une exposition temporaire. Les coûts de ces activités de valorisation s'élèvent à 50 000 CHF et sont entièrement pris en charge par la FCM.

Les lauréats de l'édition 2024 et les motivations du jury :

Amirhosein Esparham (Iran, 1996) a impressionné le jury avec Together, Alone, un projet traitant de la propagation de la solitude dans son pays d'origine. Les images, réalisées avec une maîtrise de la lumière et de la mise en scène, présentent des amis et des connaissances dans une séquence de plans qui révèlent leurs peurs et leurs faiblesses, rendant ainsi le thème de la solitude universel.

Gabriele D'Agostino (Italie, 1995), originaire de Palerme et vivant aujourd'hui à Milan, a présenté Cuore Nero-Metrò, un reportage intime et délicat réalisé avec un téléphone portable dans le métro milanais. Ses images, qui explorent l'humanité dans un contexte impersonnel et frénétique, ont séduit le jury par leur capacité à transmettre des émotions authentiques.

Claudy Woods (Angleterre, 2003) a proposé une réflexion puissante sur la féminité et la spiritualité avec son projet Every saint has a past. À travers des autoportraits réinterprétant dix figures de saints, Woods explore les dynamiques de genre et les préconceptions religieuses, faisant preuve d'une maturité artistique rare pour son âge.

Navonil Dutta (Inde, 1999), avec son portfolio Nature's drama, a documenté la beauté cruelle de la nature sauvage, en se concentrant sur la relation entre le prédateur et la proie. La séquence d'un faucon laggar en action a convaincu le jury par sa précision et son intensité.

La Fondazione culture e musei (FCM) e il Museo delle Culture di Lugano (MUSEC) annunciano i vincitori dell'edizione 2024 di Unpublished Photo (UP), concorso internazionale nato per promuovere le nuove tendenze della fotografia d'arte tra i giovani talenti di tutto il mondo. L'iniziativa, originariamente concepita dalla galleria milanese 29 ARTS IN PROGRESS, è oggi un evento di rilievo nel panorama artistico internazionale, consolidato dalla FCM e dal MUSEC a partire dal 2020 per garantirne la cornice istituzionale e la prospettiva di sviluppo a medio-lungo termine.

Il concorso UP si propone di individuare e mettere in luce le principali tendenze emergenti della fotografia d'arte contemporanea. Ad ogni edizione, il MUSEC intende arricchire le proprie collezioni con nuove opere, contribuendo così alla creazione di un archivio di fotografia contemporanea che conta già oltre 40.000 opere, dal XIX secolo ai giorni nostri.

L'edizione 2024 di UP ha visto la partecipazione di oltre duecento giovani fotografi provenienti da trentacinque Paesi, con una forte rappresentanza di Iran, Italia, India e Russia. I candidati, di età compresa tra i 18 e i 30 anni, hanno presentato i loro progetti composti da 10 immagini a tema libero, coerenti per stile e contenuto.

I quattro vincitori sono stati selezionati da una giuria internazionale presieduta da Marco Bischof, riunitasi a Venezia presso la sede dell'Istituto veneto di Scienze, Lettere ed Arti, partner del progetto.

Il concorso UP24 ha assegnato ad Amirhosein Esparham, primo classificato, un premio in denaro di 3.500 franchi svizzeri, mentre i secondi e i quarti classificati hanno ricevuto ciascuno un premio di 500 franchi svizzeri.

I quattro vincitori sono stati premiati anche con la pubblicazione di un catalogo (Edizioni FCM) contenente tutte le fotografie presentate al concorso e con una mostra temporanea. I costi di queste attività di valorizzazione ammontano a 50.000 franchi svizzeri e sono interamente coperti dalla FCM.

I vincitori dell'edizione 2024 e le motivazioni della giuria:

Amirhosein Esparham (Iran, 1996) ha colpito la giuria con Together, Alone, un progetto che tratta della diffusione della solitudine nel suo Paese. Le immagini, realizzate con una magistrale gestione della luce e della messa in scena, ritraggono amici e conoscenti in una sequenza di scatti che ne rivelano paure e debolezze, rendendo universale il tema della solitudine.

Gabriele D'Agostino (Italia, 1995), originario di Palermo e residente a Milano, ha presentato Cuore Nero-Metrò, un reportage intimo e delicato realizzato con un cellulare all'interno della metropolitana di Milano. Le sue immagini, che esplorano l'umanità in un contesto impersonale e frenetico, hanno conquistato la giuria per la capacità di trasmettere emozioni autentiche.

Claudy Woods (Inghilterra, 2003) ha offerto una potente riflessione sulla femminilità e sulla spiritualità con il suo progetto Every saint has a past. Attraverso autoritratti che reinterpretano dieci figure di sante, Woods esplora le dinamiche di genere e i preconcetti religiosi, dimostrando una maturità artistica rara per la sua età.

Navonil Dutta (India, 1999), con il suo portfolio Nature's drama, ha documentato la crudele bellezza della natura selvaggia, concentrandosi sul rapporto tra predatore e preda. La sequenza di un falco laggar ritratto in azione ha convinto la giuria per la sua accuratezza e intensità.

The Fondazione culture e musei (FCM) and the Museo delle Culture di Lugano (MUSEC) announce the winners of the 2024 edition of Unpublished Photo (UP), an international competition created to promote new trends in art photography among young talents from around the world. The initiative, originally conceived by the Milanese gallery 29 ARTS IN PROGRESS, is now a major event on the international art scene, consolidated by the FCM and MUSEC from 2020 to ensure its institutional framework and medium-to-long-term development perspective.

The UP contest aims to identify and highlight the main emerging trends in contemporary art photography. With each edition, MUSEC intends to enrich its collections with new works, thus contributing to the creation of an archive of contemporary photography that already numbers over 40,000 works, from the 19th century to the present day.

The 2024 edition of UP saw the participation of over two hundred young photographers from thirty-five countries, with a strong representation from Iran, Italy, India and Russia. The candidates, aged between 18 and 30, submitted their projects composed of 10 free-themed images, consistent in style and content.

The four winners were selected by an international jury chaired by Marco Bischof, which met in Venice at the headquarters of the Istituto veneto di Scienze, Lettere ed Arti a partner in the project.

The UP24 contest awarded Amirhosein Esparham, the first runner-up, a monetary prize of CHF 3,500; while the second to fourth runners-up each received a prize of CHF 500.

The four winners are also rewarded with the publication of a catalogue (Edizioni FCM) containing all the photographs submitted to the competition, and a temporary exhibition. The costs of these enhancement activities amount to CHF 50,000 and are covered entirely by the FCM.

The winners of the 2024 edition and the jury's motivations:

Amirhosein Esparham (Iran, 1996) impressed the jury with Together, Alone, a project dealing with the spread of loneliness in his home country. The images, realised with a masterful handling of light and staging, portray friends and acquaintances in a sequence of shots that reveal their fears and weaknesses, making the theme of loneliness universal.

Gabriele D'Agostino (Italy, 1995), originally from Palermo and now living in Milan, presented Cuore Nero-Metrò, an intimate and delicate reportage taken with a mobile phone inside the Milan metro. His images, which explore humanity in an impersonal and frenetic context, won over the jury for their ability to convey authentic emotions.

Claudy Woods (England, 2003) offered a powerful reflection on femininity and spirituality with her project Every saint has a past. Through self-portraits reinterpreting ten figures of saints, Woods explores gender dynamics and religious preconceptions, demonstrating an artistic maturity rare for her age.

Navonil Dutta (India, 1999), with his portfolio Nature's drama, documented the cruel beauty of wild nature, focusing on the relationship between predator and prey. The sequence of a laggar falcon portrayed in action convinced the jury with its accuracy and intensity.

(Text: MUSEC Museo delle Culture Lugano)

Bildhalle | Amsterdam
24. Oktober 2024 – 1. Februar 2025

CHAMPIONS
Bastiaan Woudt

Das Projekt „CHAMPIONS“ von Bastiaan Woudt besteht aus einer Reihe eindrucksvoller Bilder aus Sambia, die in Zusammenarbeit mit Orange Babies entstanden sind, einer Organisation, die sich für HIV-infizierte Schwangere und ihre Kinder in Entwicklungsländern wie Namibia, Südafrika und Sambia einsetzt.

Das Herzstück des Projekts liegt in Sambia, wo Bastiaan Woudt eine Gruppe junger Erwachsener fotografiert hat, die in ihren Gemeinden als „Champions“ auftreten. Diese jungen, starken Persönlichkeiten spielen eine entscheidende Rolle bei der Aufklärung über HIV und der Schaffung sicherer Räume für Gleichaltrige, um über wichtige Themen wie sexuelle Aufklärung zu diskutieren.

Bastiaan Woudt hat diese jungen Erwachsenen nicht nur als Fürsprecher in ihrer Gemeinschaft, sondern auch als Symbole für Stärke und Würde festgehalten. Durch seine Linse wollte er diese jungen Menschen in Helden, Krieger, Könige und Königinnen verwandeln, um ihre unverzichtbare Rolle im Kampf gegen HIV und AIDS visuell darzustellen.

Dank der Großzügigkeit unserer Unterstützer haben wir bereits über 200.000 Euro gesammelt, um Orange Babies bei der Fortsetzung ihrer wichtigen Arbeit zu helfen. Darüber hinaus werden 10 % aller Einnahmen aus der Ausstellung direkt an Orange Babies gespendet. Lassen Sie uns auf dieser Dynamik aufbauen, während wir uns für eine Zukunft ohne HIV einsetzen.

Le projet CHAMPIONS de Bastiaan Woudt est une série d'images fortes de Zambie, réalisées en collaboration avec Orange Babies, une organisation dévouée qui apporte son soutien aux femmes enceintes infectées par le VIH et à leurs enfants dans les pays en développement tels que la Namibie, l'Afrique du Sud et la Zambie.

Le cœur du projet se trouve en Zambie, où Bastiaan Woudt a photographié un groupe de jeunes adultes qui agissent comme des « champions » dans leurs communautés. Ces jeunes individus puissants jouent un rôle essentiel dans la sensibilisation au VIH et dans la création d'espaces sûrs permettant à leurs pairs de discuter de sujets essentiels tels que l'éducation sexuelle.

Bastiaan Woudt a choisi de photographier ces jeunes adultes non seulement comme des défenseurs de leur communauté, mais aussi comme des symboles de force et de dignité. À travers son objectif, il a voulu transformer ces jeunes en héros, en guerriers, en rois et en reines, une représentation visuelle de leur rôle indispensable dans la lutte contre le VIH et le sida.

Grâce à la générosité de nos supporters, nous avons déjà récolté plus de 200 000 euros pour aider Orange Babies à poursuivre son travail vital. En outre, 10 % de toutes les ventes de l'exposition seront directement reversés à Orange Babies. Continuons sur notre lancée et œuvrons pour un avenir sans VIH.

Il progetto CHAMPIONS di Bastiaan Woudt è una serie di immagini potenti dallo Zambia, realizzate in collaborazione con Orange Babies, un'organizzazione dedicata che fornisce supporto alle donne incinte infettate dall'HIV e ai loro bambini nei Paesi in via di sviluppo come Namibia, Sudafrica e Zambia.

Il cuore del progetto si trova in Zambia, dove Bastiaan Woudt ha fotografato un gruppo di giovani adulti che agiscono come 'campioni' nelle loro comunità. Queste persone giovani e potenti svolgono un ruolo fondamentale nel diffondere la consapevolezza sull'HIV e nel creare spazi sicuri per i coetanei per discutere di argomenti essenziali come l'educazione sessuale.

Bastiaan Woudt ha scelto di immortalare questi giovani adulti non solo come sostenitori della loro comunità, ma anche come simboli di forza e dignità. Attraverso il suo obiettivo, ha voluto trasformare questi giovani in eroi, guerrieri, re e regine, una rappresentazione visiva del loro ruolo indispensabile nella lotta contro l'HIV e l'AIDS.

Grazie alla generosità dei nostri sostenitori, abbiamo già raccolto oltre 200.000 euro per aiutare Orange Babies a continuare il suo lavoro vitale. Inoltre, il 10% di tutte le vendite della mostra sarà donato direttamente a Orange Babies. Continuiamo a costruire su questo slancio, mentre ci impegniamo per un futuro libero dall'HIV.

Bastiaan Woudt‘s CHAMPIONS project is a series of powerful images from Zambia, realized in collaboration with Orange Babies, a dedicated organization providing support to HIV-infected pregnant women and their children in developing countries such as Namibia, South Africa, and Zambia.

The heart of the project lies in Zambia, where Bastiaan Woudt has photographed a group of young adults who act as “champions” in their communities. These young, powerful individuals play a vital role in spreading awareness about HIV and creating safe spaces for peers to discuss essential topics such as sexual education.

Bastiaan Woudt chose to capture these young adults not only as advocates in their community but also as symbols of strength and dignity. Through his lens, he aimed to transform these young people into heroes, warriors, kings, and queens, a visual representation of their indispensable role in the fight against HIV and AIDS.

Thanks to the generosity of our supporters, we’ve already raised over €200,000 to help Orange Babies continue their vital work. Additionally, 10% of all sales from the exhibition will be donated directly to Orange Babies. Let’s keep building on that momentum as we strive for a future free of HIV.

Het CHAMPIONS-project van Bastiaan Woudt is een serie krachtige beelden uit Zambia, gerealiseerd in samenwerking met Orange Babies, een organisatie die ondersteuning biedt aan HIV-geïnfecteerde zwangere vrouwen en hun kinderen in ontwikkelingslanden als Namibië, Zuid-Afrika en Zambia.

Het hart van het project ligt in Zambia, waar Bastiaan Woudt een groep jongvolwassenen heeft gefotografeerd die als ‘kampioenen’ optreden in hun gemeenschap. Deze jonge, krachtige individuen spelen een cruciale rol bij het verspreiden van het bewustzijn over HIV en het creëren van veilige ruimtes voor leeftijdsgenoten om essentiële onderwerpen zoals seksuele voorlichting te bespreken.

Bastiaan Woudt koos ervoor om deze jongvolwassenen niet alleen vast te leggen als pleitbezorgers in hun gemeenschap, maar ook als symbolen van kracht en waardigheid. Door zijn lens wilde hij deze jonge mensen transformeren in helden, krijgers, koningen en koninginnen, een visuele weergave van hun onmisbare rol in de strijd tegen HIV en AIDS.

Dankzij de vrijgevigheid van onze supporters hebben we al meer dan € 200.000 ingezameld om Orange Babies te helpen hun cruciale werk voort te zetten. Daarnaast wordt 10% van alle omzet van de tentoonstelling rechtstreeks gedoneerd aan Orange Babies. Laten we op dat momentum blijven voortbouwen terwijl we streven naar een toekomst zonder hiv.

(Text: Bildhalle, Zürich + Amsterdam)

Museum Thalwil
24. Oktober 2024 – 1. März 2025

Autofokus
Gina Folly

Die Ausstellung «Autofokus» bespricht zwei Werkserien zum Thema «Gebrauchtwerden – In Gebrauch sein» und ist im Zusammenhang des Manor-Kunstpreis 2023 im Kunstmuseum Basel erstmals gezeigt worden. Gina Folly hat mit dem Verein Quasitutto von Thalwil zusammen gearbeitet - ein Betrieb von vorwiegend pensionierten Personen, die allerlei Dienstleistungen anbieten und sich nicht an die ungeschriebenen Regeln des Ruhestands, sondern sich in Eigeninitiative und im Kollektiv Möglichkeiten für erfüllende Tätigkeiten schaffen.

Gina Folly begleitet die Mitglieder mit ihrer Analogkamera bei ihren Einsätzen und beleuchtet dabei die Fragen nach dem Verhältnis von individuellem Nutzen und gesellschaftlicher Nützlichkeit.

L'exposition « Autofokus » aborde deux séries d'œuvres sur le thème « Devenir usagé - être utilisé » et a été présentée pour la première fois au Kunstmuseum de Bâle dans le cadre du prix d'art Manor 2023. Gina Folly a collaboré avec l'association Quasitutto de Thalwil - une entreprise composée essentiellement de personnes retraitées qui proposent toutes sortes de services et ne respectent pas les règles non écrites de la retraite, mais se créent des possibilités d'activités épanouissantes de leur propre initiative et collectivement.

Gina Folly accompagne les membres dans leurs interventions avec sa caméra analogique et met ainsi en lumière les questions relatives au rapport entre l'utilité individuelle et l'utilité sociale.

La mostra “Autofokus” riguarda due serie di opere sul tema “Gebrauchtwerden - In Gebrauch sein” ed è stata esposta per la prima volta al Kunstmuseum Basel nell'ambito del Manor Art Prize 2023. Gina Folly ha collaborato con l'associazione Quasitutto di Thalwil, una società di pensionati che offre servizi di ogni tipo e che non si attiene alle regole non scritte della pensione, ma crea opportunità di attività soddisfacenti di propria iniziativa e collettivamente.

Gina Folly accompagna i membri nei loro incarichi con la sua macchina fotografica analogica, facendo luce sul rapporto tra beneficio individuale e utilità sociale.

The exhibition “Autofokus” discusses two series of works on the theme of “Being Used – Being in Use” and was shown for the first time at the Kunstmuseum Basel in connection with the 2023 Manor Art Prize. Gina Folly has been working with the Quasitutto association in Thalwil – a company of mainly retired people who offer a range of services and who, rather than following the unwritten rules of retirement, create opportunities for fulfilling activities on their own initiative and collectively.

Gina Folly accompanies the members with her analog camera during their assignments, thereby shedding light on the question of the relationship between individual benefit and social usefulness.

(Text: Museum Thlawil)

Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg
25. Oktober 2024 – 27. April 2025

Pinar Öğrenci / Nuri Musluoğlu. Fotografie neu ordnen: Protestbilder

Im Rahmen der Ausstellungsreihe „Fotografie neu ordnen“ im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) treffen zwei Generationen mit Migrationserfahrung aufeinander: Die kurdische Künstlerin Pınar Öğrenci wurde eingeladen, sich mit den Protestbildern des deutsch-türkischen Amateurfotografen Nuri Musluoğlu zu beschäftigen. In ihrer eigens für das Museum entwickelten multimedialen Installation, die auf dem Foto-, Video- und Tonarchiv von Nuri Musluoğlu basiert, reflektiert Pınar Öğrenci die Arbeiter*innenbewegung und Migrationsgesellschaft in der Bundesrepublik der 1970er und 1980er Jahre aus heutiger Perspektive. Darüber hinaus vertiefen ausgewählte Bildstrecken und Artikel aus der 1973 in Hamburg gegründeten politischen Zeitschrift „Arbeiterfotografie“ den historischen Kontext der Ausstellung und geben Einblicke in ein Leben im Exil, in Wohn- und Arbeitsverhältnisse, Frauenarbeit, die Friedensbewegung und ungleiche Bildungschancen von Migrant*innen in den 1980er Jahren.

Pinar Öğrenci: Migration und ihre Darstellung stehen im Zentrum des künstlerischen Schaffens von Pınar Öğrenci (* 1973 in Van, Türkei), die oftmals mit Archivmaterial arbeitet. Ihr multimedialer Zugang zu historischem und zeitgenössischem Material sowie der Fokus auf persönliche Biografien ermöglichen dabei eine kritische Betrachtung migrationspolitischer Umstände und Entscheidungen. In ihrer aktuellen Arbeit für das MK&G untersucht die Künstlerin Musluoğlus Archivmaterial des deutsch-türkisch-kurdischen Zusammenlebens von 1975 bis 1988 – darunter Aufnahmen von Protestaktionen, Friedensmärschen, Sommerfesten, Musikaufführungen und Sportveranstaltungen sowie das Leben der eigenen Familie. Sie interpretiert die Protestkultur in der Türkei anhand der Fotografien und Super 8-Filme Musluoğlus neu und stellt sie in den Kontext von Praktiken des Widerstands und der Solidarität.

Pınar Öğrenci studierte Architektur und Restaurierung an der Yıldız Technical University in Istanbul und emigrierte 2018 nach Deutschland. Ihre erste Einzelausstellung zeigte sie am Kunsthaus Wien (2017), darüber hinaus waren ihre Werke auf der Documenta fifteen (2022), in der Berlinischen Galerie (2023), der Venedig Biennale (2024) und im Frac Bretagne (2024) vertreten. Zudem wurde Öğrenci mehrfach ausgezeichnet, 2022 war sie für den Preis der Böttcherstraße nominiert und 2023 erhielt sie den Villa Romana Preis. Pınar Öğrenci lebt in Berlin.

Nuri Musluoğlu: 1965 folgte Nuri Musluoğlu (* 1951 in Istanbul, Türkei) seinen Eltern in die BRD und absolvierte eine Lehre als Werkzeugmacher, später arbeitete er als Sozialarbeiter bei der Arbeiterwohlfahrt. Parallel war er politisch aktiv, unter anderem in den Gewerkschaften IG Metall und Verdi sowie der Friedensbewegung. Gemeinsam mit anderen Akteur*innen gründete er ein deutsch-türkisches Kulturzentrum in Heilbronn. Neben seinen Protestbildern, die auf über 100 Demonstrationen entstanden sind, dokumentiert Musluoğlu deutsch-türkisches Zusammenleben sowie die Fremdenfeindlichkeit im öffentlichen Raum und Lebensbedingungen in Asylunterkünften auch in Super 8-Filmen und Tonaufnahmen. Seit 1985 veröffentlicht Musluoğlu Fotos unter verschiedenen Pseudonymen in der linksgerichteten in Deutschland erscheinenden Wochenzeitung für Arbeiter*innen und politisch Schutzsuchende „Türkiye Postası“. Zeitweilig produziert er auch eine Fernsehsendung, die er auf VHS-Kassetten in Umlauf bringt. Nuri Musluoğlu lebt in Heilbronn und Bodrum, Türkei.

Dans le cadre de la série d'expositions « Réorganiser la photographie » au Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G), deux générations ayant une expérience de l'immigration se rencontrent : l'artiste kurde Pınar Öğrenci a été invitée à se pencher sur les images de protestation du photographe amateur germano-turc Nuri Musluoğlu. Dans son installation multimédia spécialement conçue pour le musée et basée sur les archives photographiques, vidéo et sonores de Nuri Musluoğlu, Pınar Öğrenci réfléchit au mouvement ouvrier* et à la société d'immigration en République fédérale d'Allemagne dans les années 1970 et 1980 dans une perspective contemporaine. En outre, une sélection de séries d'images et d'articles tirés de la revue politique « Arbeiterfotografie », fondée en 1973 à Hambourg, approfondissent le contexte historique de l'exposition et donnent un aperçu de la vie en exil, des conditions de logement et de travail, du travail des femmes, du mouvement pour la paix et des inégalités dans les chances de formation des migrants* dans les années 1980.

Pinar Öğrenci : la migration et sa représentation sont au cœur de la création artistique de Pınar Öğrenci (née en 1973 à Van, Turquie), qui travaille souvent avec des documents d'archives. Son approche multimédia du matériel historique et contemporain, ainsi que l'accent mis sur les biographies personnelles, lui permettent de porter un regard critique sur les circonstances et les décisions en matière de politique migratoire. Dans son travail actuel pour le MK&G, l'artiste examine les archives de Musluoğlu sur la cohabitation germano-turque-kurde de 1975 à 1988 - notamment des enregistrements d'actions de protestation, de marches pour la paix, de festivals d'été, de spectacles musicaux et d'événements sportifs ainsi que la vie de sa propre famille. Elle réinterprète la culture de la protestation en Turquie à partir des photographies et des films super 8 de Musluoğlu et les replace dans le contexte des pratiques de résistance et de solidarité.

Pınar Öğrenci a étudié l'architecture et la restauration à l'université technique de Yıldız à Istanbul et a émigré en Allemagne en 2018. Elle a présenté sa première exposition individuelle au Kunsthaus Wien (2017), et ses œuvres ont en outre été exposées à la Documenta fifteen (2022), à la Berlinische Galerie (2023), à la Biennale de Venise (2024) et au Frac Bretagne (2024). En outre, Öğrenci a été récompensée à plusieurs reprises, en 2022 elle a été nominée pour le prix de la Böttcherstraße et en 2023 elle a reçu le prix Villa Romana. Pınar Öğrenci vit à Berlin.

Nuri Musluoğlu : en 1965, Nuri Musluoğlu (né en 1951 à Istanbul, Turquie) a suivi ses parents en RFA et a effectué un apprentissage d'outilleur, puis a travaillé comme travailleur social pour l'Arbeiterwohlfahrt. Parallèlement, il a été actif en politique, notamment dans les syndicats IG Metall et Verdi ainsi que dans le mouvement pour la paix. Avec d'autres acteurs*, il a fondé un centre culturel germano-turc à Heilbronn. En plus de ses images de protestation réalisées lors de plus de 100 manifestations, Musluoğlu documente la cohabitation germano-turque ainsi que la xénophobie dans l'espace public et les conditions de vie dans les centres d'asile, également dans des films Super 8 et des enregistrements sonores. Depuis 1985, Musluoğlu publie des photos sous différents pseudonymes dans l'hebdomadaire de gauche « Türkiye Postası », publié en Allemagne et destiné aux travailleurs et aux personnes en quête de protection politique. De temps en temps, il produit également une émission de télévision qu'il fait circuler sur des cassettes VHS. Nuri Musluoğlu vit à Heilbronn et à Bodrum, en Turquie.

Nell'ambito della serie di mostre “Reorganising Photography” al Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G), due generazioni con esperienza di migrazione si incontrano: l'artista curda Pınar Öğrenci è stata invitata a confrontarsi con le immagini di protesta del fotografo amatoriale turco-tedesco Nuri Musluoğlu. Nella sua installazione multimediale sviluppata appositamente per il museo, che si basa sull'archivio fotografico, video e sonoro di Nuri Musluoğlu, Pınar Öğrenci riflette sul movimento operaio e sulla società della migrazione nella Repubblica Federale Tedesca degli anni '70 e '80 dalla prospettiva di oggi. Inoltre, serie fotografiche selezionate e articoli tratti dalla rivista politica “Arbeiterfotografie”, fondata ad Amburgo nel 1973, approfondiscono il contesto storico della mostra e forniscono approfondimenti sulla vita in esilio, sulle condizioni di vita e di lavoro, sul lavoro femminile, sul movimento per la pace e sulle diseguali opportunità di istruzione per i migranti negli anni Ottanta.

Pinar Öğrenci: La migrazione e la sua rappresentazione sono al centro del lavoro artistico di Pınar Öğrenci (* 1973 a Van, Turchia), che lavora spesso con materiale d'archivio. Il suo approccio multimediale al materiale storico e contemporaneo e la sua attenzione alle biografie personali le permettono di guardare in modo critico alle circostanze e alle decisioni in materia di politica migratoria. Nel suo attuale lavoro per il MK&G, l'artista Musluoğlus esamina il materiale d'archivio della coesistenza tedesco-turco-curda dal 1975 al 1988 - comprese le registrazioni di azioni di protesta, marce per la pace, festival estivi, spettacoli musicali ed eventi sportivi, nonché la vita della sua famiglia. L'autrice reinterpreta la cultura della protesta in Turchia utilizzando le fotografie e i filmati Super 8 di Musluoğlu e li colloca nel contesto delle pratiche di resistenza e solidarietà.

Pınar Öğrenci ha studiato architettura e restauro presso l'Università Tecnica Yıldız di Istanbul ed è emigrata in Germania nel 2018. Ha tenuto la sua prima mostra personale alla Kunsthaus Wien (2017) e le sue opere sono state esposte anche a Documenta quindici (2022), Berlinische Galerie (2023), Biennale di Venezia (2024) e Frac Bretagne (2024). Öğrenci ha anche ricevuto diversi premi: nel 2022 è stata nominata per il Premio Böttcherstraße e nel 2023 ha ricevuto il Premio Villa Romana. Pınar Öğrenci vive a Berlino.

Nuri Musluoğlu: Nuri Musluoğlu (*1951 a Istanbul, Turchia) ha seguito i genitori in Germania nel 1965 e ha completato un apprendistato come attrezzista, lavorando poi come assistente sociale per l'Associazione dei lavoratori. Allo stesso tempo è stato attivo politicamente, anche nei sindacati IG Metall e Verdi e nel movimento per la pace. Insieme ad altri attivisti, ha fondato un centro culturale turco-tedesco a Heilbronn. Oltre alle sue immagini di protesta, scattate in oltre 100 manifestazioni, Musluoğlu documenta anche la coesistenza turco-tedesca, la xenofobia negli spazi pubblici e le condizioni di vita nei centri di accoglienza in filmati Super 8 e registrazioni sonore. Dal 1985, Musluoğlu pubblica foto sotto vari pseudonimi sul settimanale di sinistra per lavoratori e persone in cerca di protezione politica “Türkiye Postası”, pubblicato in Germania. A volte produce anche un programma televisivo che diffonde su cassette VHS. Nuri Musluoğlu vive a Heilbronn e a Bodrum, in Turchia.

As part of the exhibition series “Reconsidering Photography” at the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G), two generations with migration experience in Germany come together: Kurdish artist Pınar Öğrenci was invited to engage with the protest images of German-Turkish amateur photographer Nuri Musluoğlu. In her multimedia installation including materials from Nuri Musluoğlu's photography, video and sound archive, developed especially for the museum, Pınar Öğrenci reflects on the West German labour movement of the 1970s and 80s and on what a migration society means for Germany today. In addition, selected photo spreads and articles from the political journal Arbeiterfotografie, founded in Hamburg in 1973, introduce the historical background for the exhibition and provide insights into a life in exile, living and working conditions, women's work, the peace movement and unequal educational opportunities for migrants in the 1980s.

Pinar Öğrenci: Migration and its representation are at the centre of the artistic practice of Pınar Öğrenci (b. 1973 in Van, Turkey, lives in Berlin). She often works with archival materials and personal biographies, taking a multimedia approach to historical and contemporary materials in order to critically examine the circumstances behind and decisions made on migration policy. Pınar Öğrenci’s site-specific installation is based on documentary footage tracing German-Turkish-Kurdish community life and a number of demonstrations that Nuri Musluoğlu recorded from 1975 to 1988. The images show protest actions, strikes and peace marches, summer festivals, performances by musicians in exile, sport clubs, weddings, and other celebrations as well as life of Musluoğlu’s family and friends. Öğrenci reinterprets protest culture from Turkey by using Musluoğlu’s photos and Super 8 films and puts them in the context of practices of resistance and solidarity.

Pınar Öğrenci studied architecture and conservation at Yıldız Technical University in Istanbul and emigrated to Germany in 2018. She had her first solo show at Kunsthaus Wien (2017) and exhibited her work at venues such as documenta fifteen (2022), Berlinische Galerie (2023), the Venice Biennale (2024) and Frac Bretagne (2024). In 2023 she was awarded the Villa Romana Prize, Florence. Öğrenci was nominated for the Böttcherstrasse Prize in 2022.

Nuri Musluoğlu: Nuri Musluoğlu (b. 1951 in Istanbul, Turkey, lives in Heilbronn and Bodrum) followed his parents to Germany in 1965 and completed an apprenticeship as a toolmaker. Among others, he worked in parallel for the IG Metall and Verdi Trade Union and later as a social worker for the Workers’ Welfare Association. Committed to serving as a mouthpiece for people with a migration background, he co-founded a German-Turkish cultural centre in Heilbronn and was involved in the peace movement. Musluoğlu documented German-Turkish coexistence, xenophobia in public spaces and the conditions in asylum centres by photographing, filming and audio recording over 100 demonstrations in which he himself took part.

Since 1985, Musluoğlu has published his images under various pseudonyms in the left-wing weekly newspaper for workers and political asylum seekers called Türkiye Postası, which is published in Germany.

(Text: Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg)

Alpines Museum der Schweiz
25. Oktober 2024 – 16. August 2026

Grönland. Alles wird anders

Eine neue filmische Ausstellung über Klimawandel und Dekolonialisierung, Overtourism, die Jagd nach Bodenschätzen, Wege zu einer neuen Landwirtschaft, die Zukunft der Jugend und die lebendige grönländische Musikszene.

Rasant schmelzende Eismassen, boomender Tourismus, drei neue Flughäfen im Bau, wachsende Müllberge, globale Investoren auf der Suche nach Bodenschätzen und ein selbstbewusstes Grönland auf dem Weg zu einer indigenen Identität und Unabhängigkeit. Grönlands Wandel ist heftig, ungestüm und widersprüchlich. Doch wie sehen das die Menschen dort? Und was lernen wir daraus über die Welt, in der wir leben? Wie gehen wir mit Dilemmas und Widersprüchen um? Was macht Angst, und wo liegen Chancen? Eine bewegende Filminstallation mit original Grönland-Soundtrack.

Une nouvelle exposition cinématographique sur le changement climatique et la décolonisation, l'overtourism, la chasse aux ressources minières, les voies vers une nouvelle agriculture, l'avenir des jeunes et la scène musicale vivante du Groenland.

Des masses de glace qui fondent à toute vitesse, un tourisme en plein essor, trois nouveaux aéroports en construction, des montagnes de déchets qui ne cessent de croître, des investisseurs mondiaux à la recherche de ressources naturelles et un Groenland sûr de lui, en route vers une identité indigène et l'indépendance. Les changements au Groenland sont violents, impétueux et contradictoires. Mais comment les habitants le perçoivent-ils ? Et qu'est-ce que cela nous apprend sur le monde dans lequel nous vivons ? Comment gérons-nous les dilemmes et les contradictions ? Qu'est-ce qui fait peur et où se trouvent les opportunités ? Une installation cinématographique émouvante avec une bande-son originale du Groenland.

Una nuova rassegna cinematografica sui cambiamenti climatici e la decolonizzazione, l'overtourism, la caccia alle risorse naturali, i percorsi verso una nuova agricoltura, il futuro dei giovani e la vivace scena musicale groenlandese.

Il rapido scioglimento delle masse di ghiaccio, il boom del turismo, tre nuovi aeroporti in costruzione, montagne di rifiuti in crescita, investitori globali alla ricerca di risorse naturali e una Groenlandia sicura di sé, in cammino verso un'identità e un'indipendenza autoctone. Il cambiamento della Groenlandia è violento, impetuoso e contraddittorio. Ma come lo vede la gente del posto? E cosa possiamo imparare da questo sul mondo in cui viviamo? Come affrontiamo i dilemmi e le contraddizioni? Cosa ci spaventa e dove sono le opportunità? Un'installazione cinematografica in movimento con una colonna sonora originale della Groenlandia.

A new cinematic exhibition about climate change and decolonization, overtourism, the race for natural resources, paths to a new agriculture, the future of young people and the vibrant Greenlandic music scene.

Rapidly melting ice masses, booming tourism, three new airports under construction, growing mountains of garbage, global investors looking for natural resources and a self-confident Greenland on the path to an indigenous identity and independence. Greenland's transformation is intense, impetuous and contradictory. But how do the people there see it? And what can we learn about the world we live in? How do we deal with dilemmas and contradictions? What causes fear and where do we see opportunities? A moving film installation with an original Greenlandic soundtrack.

(Text: Alpines Museum der Schweiz, Bern)

Anzenberger Gallery | Wien
25. Oktober 2024 – 31. Januar 2025

The Meaning of Land
Daniela Köppl, Kurt Sorensen

Die Ausstellung findet im Rahmen des Rotlicht - Festivals für analoge Fotografie statt.

Die Anzenberger Gallery präsentiert den australischen Künstler Kurt Sorensen und die österreichische Künstlerin Daniela Koeppl mit Landschaftsfotografien ihrer Heimatländer. Welche Bedeutung hat Land in Zeiten von Klimakrise und Kriegen? Wie geht der Mensch mit dem Land um, kultiviert es und versucht es zu kontrollieren? Während Kurt Sorensen dem Ursprung der Landschaft vor der Besiedlung Australiens nachspürt, erkundet Daniela Köppl die kultivierte Landschaft in der Form von Kuppen. Die Unterschiede könnten nicht größer sein wie zwischen diesen beiden Ländern. Eine visuelle Annäherung.

Kurt Sorensen: Sorensens Bilder enthüllen die prekäre Beziehung, die zwischen den frühen europäischen Siedlern und den rauen australischen Landschaften herrschte; Die gefährliche Natur erinnert die schlecht beratenen Entdecker an ihr naives Gefühl der Überlegenheit. Von der Erde verschluckt, sind diejenigen, die in der Landschaft verschwunden sind und nie wieder gefunden werden, die Protagonisten von Sorensens Bildern, die am Rande von Geschichte und Anthropologie liegen. (Claire Monneraye, Australian Center for Photography)

Daniela Köppl: Im Gegensatz zur Naturlandschaft ist die Kulturlandschaft eine vom Menschen geprägte Landschaft. Sie wird durch charakteristische jahresrhythmische Nutzungen, wie Ackerbau, Mahd, Drusch, Viehtrieb, Heckenschnitt und (längerfristig) Waldbau regelmäßig verändert. Die kleinräumig parzellierte Agrarlandschaft vom 16. bis Mitte des 20. Jahrhunderts bewirkte ein starkes Anwachsen der Biodiversität mit höchsten Werten der Flora um 1850. Seitdem verarmten die Kulturlandschaften infolge von Agrarreform, Melioration, mineralischer Düngung, wirksamerer Geräte und Pflanzen- und Tierzucht stark- verstärkt mit der Industrialisierung der Landwirtschaft seit 1950. Die Folge ist eine starke Ausräumung der Kulturlandschaft.

La Anzenberger Gallery présente l'artiste australien Kurt Sorensen et l'artiste autrichienne Daniela Koeppl avec des photographies de paysages de leurs pays d'origine. Quelle est l'importance de la terre en période de crise climatique et de guerres ? Comment l'homme gère-t-il la terre, la cultive-t-il et tente-t-il de la contrôler ? Tandis que Kurt Sorensen retrace l'origine du paysage avant la colonisation de l'Australie, Daniela Köppl explore le paysage cultivé sous forme de croupes. Les différences ne pourraient pas être plus grandes qu'entre ces deux pays. Une approche visuelle.

Kurt Sorensen : Les visuels de Sorensen révèlent la relation précaire qui existait entre les premiers colons européens et les rudes paysages australiens ; la nature dangereuse rappelle aux explorateurs mal conseillés leur sentiment naïf de supériorité. Avalés par la terre, ceux qui ont disparu dans le paysage et ne seront jamais retrouvés sont les protagonistes des visuels de Sorensen, à la lisière de l'histoire et de l'anthropologie. (Claire Monneraye, Australian Center for Photography)

Daniela Köppl : Contrairement au paysage naturel, le paysage culturel est un paysage façonné par l'homme. Il est régulièrement modifié par des utilisations saisonnières caractéristiques, comme la culture, la fauche, le battage, la conduite du bétail, la taille des haies et (à plus long terme) la sylviculture. Le paysage agricole parcellisé à petite échelle du 16e au milieu du 20e siècle a entraîné une forte augmentation de la biodiversité, avec des valeurs maximales pour la flore vers 1850. Depuis, les paysages cultivés se sont fortement appauvris en raison de la réforme agraire, de l'amélioration foncière, de la fertilisation minérale, d'outils plus efficaces et de l'élevage de plantes et d'animaux - renforcé par l'industrialisation de l'agriculture depuis 1950. Il en résulte un fort appauvrissement du paysage cultivé.

La Galleria Anzenberger presenta l'artista australiano Kurt Sorensen e l'artista austriaca Daniela Koeppl con fotografie di paesaggi dei loro Paesi d'origine. Qual è il significato della terra in tempi di crisi climatica e di guerra? Come le persone si rapportano alla terra, la coltivano e cercano di controllarla? Mentre Kurt Sorensen traccia le origini del paesaggio prima della colonizzazione dell'Australia, Daniela Köppl esplora il paesaggio coltivato sotto forma di cime di collina. Le differenze non potrebbero essere maggiori tra questi due Paesi. Un approccio visivo.

Kurt Sorensen: le immagini di Sorensen rivelano il rapporto precario che esisteva tra i primi coloni europei e gli aspri paesaggi australiani; la natura pericolosa ricorda agli esploratori incauti il loro ingenuo senso di superiorità. Inghiottiti dalla terra, coloro che sono scomparsi nel paesaggio, per non essere mai più ritrovati, sono i protagonisti delle immagini di Sorensen, che si trovano ai margini della storia e dell'antropologia. (Claire Monneraye, Centro australiano di fotografia)

Daniela Köppl: A differenza del paesaggio naturale, il paesaggio culturale è un paesaggio creato dall'uomo. Viene regolarmente modificato dagli usi stagionali caratteristici, come la coltivazione dei seminativi, la falciatura, la trebbiatura, il pascolo del bestiame, il taglio delle siepi e (a lungo termine) la selvicoltura. Il paesaggio agricolo parcellizzato su piccola scala, dal XVI alla metà del XX secolo, ha portato a un forte aumento della biodiversità, con i valori floristici più elevati intorno al 1850. Da allora, i paesaggi culturali si sono impoveriti a causa della riforma agraria, dell'ammendamento, della concimazione minerale, di attrezzature più efficaci e dell'allevamento di piante e animali, intensificati dall'industrializzazione dell'agricoltura a partire dal 1950. Il risultato è un forte disboscamento del paesaggio culturale.

The Anzenberger Gallery presents the Australian artist Kurt Sorensen and the Austrian artist Daniela Koeppl with landscape photographs of their home countries. What is the significance of land in times of climate crisis and wars? How do humans treat the land, cultivate it and try to control it? While Kurt Sorensen traces the origin of the landscape before the colonization of Australia, Daniela Köppl explores the cultivated landscape in the form of hilltops. The differences could not be greater than between these two countries. A visual approach.

Kurt Sorensen: Sorensen's images reveal the precarious relationship that existed between the early European settlers and the harsh Australian landscapes; the dangerous nature reminds the ill-advised explorers of their naive sense of superiority. Swallowed up by the earth, those who have disappeared into the landscape and will never be found again are the protagonists of Sorensen's images, which lie on the edge of history and anthropology. (Claire Monneraye, Australian Center for Photography)

Daniela Köppl: In contrast to the natural landscape, the cultural landscape is a landscape shaped by humans. It is regularly transformed by characteristic annual uses, such as agriculture, mowing, threshing, cattle driving, hedge trimming and (in the longer term) forestry. The small-scale parceled agricultural landscape from the 16th to the mid-20th century caused a strong increase in biodiversity, with the highest values of flora around 1850. Since then, the cultural landscapes have become impoverished due to agricultural reform, land reclamation, mineral fertilization, more effective equipment and plant and animal breeding, which intensified with the industrialization of agriculture since 1950. The result is a strong eradication of the cultural landscape.

(Text: Regina Anzenberger, Anzenberger Gallery, Wien)

Centre de la photographie de Mougins
1. November 2024 – 9. Februar 2025

Au-delà des apparences
Bayeté Ross Smith

Was wir vor uns haben, ist sehr oft vorgeprägt. Die Vorstellungen vom anderen oder von den anderen lassen sich auf einige einfache und reduzierende Formeln reduzieren. Der gesunde Menschenverstand schreibt körperliche und Verhaltensmerkmale zu, die sich fortsetzen, ohne hinterfragt zu werden. Gesellschaften und Einzelpersonen stützen sich auf das Stereotyp, um die Realität zu reduzieren. Bayeté Ross Smith, ein afroamerikanischer Künstler, baut sein Werk auf der Stärke und Beständigkeit von Vorurteilen auf: auf dem, was man als das Vorgesehene bezeichnen könnte. In inszenierten Fotografien werden Personen aufgrund ihrer Haltung, ihres Aussehens und manchmal auch aufgrund ihrer Worte mit verschiedenen Persönlichkeiten ausgestattet. Es ist dann schwierig für uns, wirklich zu wissen, was die wahre „Natur“ dieser Personen ist. Die Gesellschaft, insbesondere die amerikanische, neigt dazu, zu essentialisieren, d. h. Menschen auf ein als bedeutsam erachtetes Merkmal zu reduzieren. Durch die Verallgemeinerung verzerren wir und machen so die Charakterisierung zur Definition unserer eigenen Identität, indem wir uns von anderen distanzieren.

Ce que nous avons en face de nous est bien souvent préconçu. Les représentations de l’autre ou des autres se réduisent à quelques formules simples et réductrices. Le sens commun attribue des caractéristiques physiques et comportementales qui se perpétuent sans être mises en cause. Les sociétés et les individus s’appuient sur le stéréotype pour réduire la réalité. Bayeté Ross Smith, artiste afro-américain, construit son œuvre sur la force et la constance des préjugés : sur ce qu’on pourrait appeler le prévu. Dans des photographies mises en scène, des personnages, en fonction de leur attitude, de leur apparence et parfois de leurs mots se trouvent dotés de différentes personnalités. Il nous est alors difficile de savoir réellement quelle est la vraie « nature » de ces individus. La société, particulièrement la société américaine, a tendance à essentialiser, c’est-à-dire à réduire les personnes à un trait considéré comme significatif. En généralisant nous déformons et faisons ainsi de la caractérisation la définition de notre propre identité par la mise à distance des autres.

Ciò che abbiamo davanti è molto spesso preconcetto. Le rappresentazioni dell'altro o degli altri sono ridotte ad alcune formule semplici e riduttive. Il senso comune attribuisce caratteristiche fisiche e comportamentali che vengono perpetuate senza essere messe in discussione. Le società e gli individui si affidano agli stereotipi per ridurre la realtà. Bayeté Ross Smith, artista afroamericano, costruisce il suo lavoro sulla forza e sulla costanza del pregiudizio: su quello che si potrebbe definire il previsto. Nelle sue fotografie inscenate, ai personaggi vengono attribuite personalità diverse a seconda del loro atteggiamento, del loro aspetto e talvolta delle loro parole. È quindi difficile sapere quale sia la vera “natura” di questi individui. La società, in particolare quella americana, ha la tendenza a essenzializzare, cioè a ridurre le persone a un tratto considerato significativo. Generalizzando, distorciamo e facciamo della caratterizzazione la definizione della nostra identità, allontanandoci dagli altri.

Often, what we see in front of us is preconceived. Representations of the other or others are reduced to a few simple and reductive formulas. Common sense attributes physical and behavioural characteristics that are perpetuated unchallenged. Societies and individuals rely on stereotypes to diminish reality. Bayeté Ross Smith, an African-American artist, bases his work on the strength and constancy of prejudice: on what could be called the pre-viewed. In his staged photographs, characters are given different personalities depending on their attitude, their appearance and occasionally their words. It becomes difficult to know what the true ‘nature’ of these individuals really is. Society, in particular American society, tends to essentialise, in other words to reduce people to a trait considered significant. By generalising, we distort and thereby turn characterisation into the definition of our own identity by distancing others from ourselves.

(Text: Centre de la photographie de Mougins)

Pavillon Populaire | Montpellier
6. November 2024 – 9. Februar 2025

Une écriture du regard
Gisèle Freund

Die Ausstellung Gisèle Freund, une écriture du regard (Gisèle Freund, eine Schrift des Blicks) beleuchtet einen oft ignorierten Teil des Werks dieser wichtigen Figur der Fotografie des 20. Jahrhunderts und präsentiert die dokumentarische Arbeit dieser Fotoreporterin mit einem einzigartigen Werdegang, in dem sich ein starkes politisches Engagement, ein soziologischer Ansatz, eine doppelte Exilerfahrung, eine Anziehungskraft für technologische Innovationen und eine echte Abenteuerlust miteinander verflechten.

Gisèle Freunds Werk wird allzu oft auf ihre beeindruckende Porträtgalerie von Persönlichkeiten aus der Welt der Kunst und der Literatur reduziert, obwohl sie eine viel reichere und komplexere Beziehung zur Fotografie hat, in deren Mittelpunkt das Schreiben steht. Gisèle Freund, eine ausgebildete Soziologin, die zur Fotohistorikerin wurde, und Autorin zahlreicher Bücher, darunter das unumgängliche Buch „Fotografie und Gesellschaft“, nimmt in der Welt der Fotografie eine Sonderstellung ein: Sie ist eine Bildschöpferin, die unermüdlich über ihre Bedeutung und ihren Einfluss auf die Art und Weise, wie wir die Welt wahrnehmen, nachgedacht hat.

Diese doppelte Tätigkeit, sowohl als Akteurin als auch als Denkerin der Fotografie, wird hier in einem dreiteiligen thematischen Rundgang erkundet, der sich auf ihr politisches Engagement und ihre Verbundenheit mit der Soziologie konzentriert. Er stellt ihre Schriften in einen Dialog mit ihren Bildern und ist gesäumt von Archivdokumenten, Publikationen, persönlichen Gegenständen, Filmausschnitten und natürlich einer großen Auswahl an Fotografien, die das Medium in seiner ganzen Materialität und Vielgestaltigkeit zeigen.

Mettant en lumière une partie souvent ignorée de l’oeuvre de cette figure majeure de la photographie du xxe siècle, l’exposition Gisèle Freund, une écriture du regard présente le travail documentaire de cette reporterphotographe à la trajectoire singulière, où s’entrelacent un fort engagement politique, une approche sociologique, une double expérience de l’exil, un attrait pour l’innovation technologique, et une véritable soif d’aventure.

Trop souvent réduite à son impressionnante galerie de portraits de personnalités du monde de l’art et de la littérature, l’oeuvre de Gisèle Freund entretient pourtant un rapport beaucoup plus riche et complexe à la photographie, au coeur duquel se trouve l’écriture. Sociologue de formation devenue historienne de la photographie, et autrice de nombreux ouvrages, dont l‘incontournable Photographie et Société, Gisèle Freund occupe en effet une position à part dans le monde de la photographie : celle d’une créatrice d’images qui n’a eu de cesse de réfléchir à leur sens et leur impact sur notre manière de percevoir le monde.

Cette double activité, à la fois d’actrice et de penseuse de la photographie, est ici explorée dans un parcours thématique en trois parties, centré sur son engagement politique et son attachement à la sociologie. Il mettra en dialogue ses écrits avec ses images, et sera jalonné de documents d’archives, de publications, d’objets personnels, d’extraits de films et, naturellement, d’une large sélection de photographies présentant le médium dans toute sa matérialité et son polymorphisme.

La mostra Gisèle Freund, une écriture du regard mette in luce una parte spesso trascurata dell'opera di questa importante figura della fotografia del XX secolo, presentando il lavoro documentario di questa reporter-fotografa dalla traiettoria singolare, in cui si intrecciano un forte impegno politico, un approccio sociologico, una doppia esperienza di esilio, l'attrazione per l'innovazione tecnologica e una genuina sete di avventura.

Troppo spesso ridotta alla sua impressionante galleria di ritratti di personalità del mondo dell'arte e della letteratura, l'opera di Gisèle Freund ha tuttavia un rapporto molto più ricco e complesso con la fotografia, al centro del quale c'è la scrittura. Di formazione sociologa e poi storica della fotografia, autrice di numerosi libri, tra cui il fondamentale Photographie et Société, Gisèle Freund occupa una posizione unica nel mondo della fotografia: quella di una creatrice di immagini che non ha mai smesso di riflettere sul loro significato e sul loro impatto sul modo in cui percepiamo il mondo.

Questa duplice attività, come attore e pensatore della fotografia, viene qui esplorata in un percorso tematico in tre parti, incentrato sul suo impegno politico e sul suo attaccamento alla sociologia. Il percorso sarà caratterizzato da un dialogo tra i suoi scritti e le sue immagini e sarà scandito da documenti d'archivio, pubblicazioni, oggetti personali, estratti di film e, naturalmente, da un'ampia selezione di fotografie che mostrano il mezzo in tutta la sua materialità e polimorfismo.

Highlighting an often overlooked part of the work of this major figure in 20th-century photography, the exhibition Gisèle Freund, une écriture du regard presents the documentary work of this reporter-photographer whose singular trajectory intertwines a strong political commitment, a sociological approach, a double experience of exile, an attraction for technological innovation, and a genuine thirst for adventure.

Too often reduced to her impressive gallery of portraits of personalities from the worlds of art and literature, Gisèle Freund's work nonetheless has a much richer and more complex relationship with photography, at the heart of which lies her writing. Trained as a sociologist turned historian of photography, and author of numerous books, including the indispensable Photographie et Société, Gisèle Freund occupies a unique position in the world of photography: that of a creator of images who has never ceased to reflect on their meaning and their impact on the way we perceive the world.

This dual activity, as both an actress and a thinker about photography, is explored here in a three-part thematic tour, focusing on her political commitment and her attachment to sociology. It will feature her writings in dialogue with her images, and will be punctuated by archival documents, publications, personal objects, film extracts and, of course, a wide selection of photographs presenting the medium in all its materiality and polymorphism.

(Text: Lorraine Audric, commissaire de l’exposition)

Berlinische Galerie
8. November 2024 – 10. Februar 2025

Still - Moving - Portraits 1992 – 2024
Rineke Dijkstra

Rineke Dijkstra (*1959) zählt zu den renommiertesten Foto- und Videokünstler*innen weltweit. Die Darstellung von Identität ist das zentrale Thema ihrer Porträts. Insbesondere faszinieren sie Lebensphasen und Momente, in denen diese sich formt – Kindheit und Jugend, aber auch prägende Ereignisse im Erwachsenenalter wie die Geburt eines Kindes. Die umfassende Retrospektive in der Berlinischen Galerie präsentiert acht Serien mit rund 80 Arbeiten von Anfang der 1990er Jahre bis heute – darunter einige Fotografien aus ihrem Archiv, die bisher nicht öffentlich zu sehen waren. Ihre auf das Wesentliche reduzierten Arbeiten sind zugleich von großer visueller Kraft und machen es Betrachter*innen leicht, eigene Zugänge zu finden. Sie bieten einen geradezu meditativen Raum und ermutigen, über Individualität, (Selbst-)Inszenierung und den Ausdruck von Persönlichkeit nachzudenken.

Dijkstra begreift die Kamera als Möglichkeit, sich intensiv mit Menschen auseinanderzusetzen. Behutsam nähert sie sich an, folgt langsam und konzentriert ihrem Konzept, schließt jedoch spontane Weiterentwicklungen oder Variationen nicht aus. Häufig baut sie eine langwährende und intensive Verbindung zu den Porträtierten auf. Diese empathische Vorgehensweise zeigt sich in ihren Fotografien durch eine besondere Sensibilität: Dijkstras Arbeiten fangen fragile Momente, subtile Gesten ein, die zwischen bewusster Pose und unbewusster Haltung liegen. Sie vermag es, die Würde ebenso wie die Unsicherheiten von Individuen herauszuarbeiten.

Die Künstlerin arbeitet mit einer 4x5-Zoll-Großformat-Plattenkamera, mit der sie ihre Motive frontal fotografiert. Das Ergebnis sind Bilder von außergewöhnlicher Detailtreue und Präzision, deren Komposition bis ins Detail durchdacht und umgesetzt ist. Da für jede Belichtung ein separates Filmblatt erforderlich ist, spielen Geduld, Zeit und Konzentration sowohl für die Fotografin als auch das Modell eine essenzielle Rolle. Gleichzeitig entspannen sich die Porträtierten während dieser Vorbereitungen undgewöhnen sich an die ungewohnte Situation.

Die Porträts reflektieren nicht nur, wie wir uns der Welt präsentieren, sondern auch, was es heißt, medial dokumentiert zu werden. Sie können geradezu als Studien des menschlichen Verhaltens vor der Kamera bezeichnet werden. Gerade vor dem Hintergrund der Allgegenwärtigkeit von Sozialen Medien bieten sie die Möglichkeit zur Auseinandersetzung mit Authentizitätsansprüchen von Bildern und sich wandelnden Strategien der (Selbst-)Inszenierung.

Rineke Dijkstra (*1959) compte parmi les artistes photo et vidéo* les plus renommés au monde. La représentation de l'identité est le thème central de ses portraits. Elle est particulièrement fascinée par les phases de la vie et les moments où celle-ci se forme - l'enfance et l'adolescence, mais aussi les événements marquants de l'âge adulte comme la naissance d'un enfant. La vaste rétrospective à la Berlinische Galerie présente huit séries avec environ 80 travaux du début des années 1990 à aujourd'hui - dont quelques photographies issues de ses archives qui n'avaient pas encore été montrées au public. Ses travaux, réduits à l'essentiel, sont en même temps d'une grande force visuelle et permettent aux spectateurs* de trouver facilement leurs propres approches. Ils offrent un espace quasi méditatif et encouragent à réfléchir sur l'individualité, la mise en scène (de soi) et l'expression de la personnalité.

Dijkstra conçoit l'appareil photo comme une possibilité de s'intéresser de près aux gens. Elle s'approche avec précaution, suit lentement et avec concentration son concept, mais n'exclut pas des développements ou des variations spontanés. Souvent, elle établit un lien durable et intense avec les sujets. Cette approche empathique se traduit dans ses photographies par une sensibilité particulière : les travaux de Dijkstra capturent des moments fragiles, des gestes subtils qui se situent entre la pose consciente et l'attitude inconsciente. Elle parvient à faire ressortir la dignité ainsi que les incertitudes des individus.

L'artiste travaille avec un appareil photo à plaque grand format de 4x5 pouces, avec lequel elle photographie ses sujets de face. Il en résulte des images d'une précision et d'un détail exceptionnels, dont la composition est pensée et réalisée jusque dans les moindres détails. Étant donné qu'une feuille de film séparée est nécessaire pour chaque exposition, la patience, le temps et la concentration jouent un rôle essentiel, tant pour la photographe que pour le modèle. En même temps, les sujets se détendent pendant ces préparatifs et s'habituent à cette situation inhabituelle.

Les portraits ne reflètent pas seulement la manière dont nous nous présentons au monde, mais aussi ce que signifie être documenté par les médias. Ils peuvent être qualifiés d'études du comportement humain devant la caméra. Dans le contexte de l'omniprésence des médias sociaux, ils offrent la possibilité d'aborder les exigences d'authenticité des images et les stratégies changeantes de mise en scène (de soi).

Rineke Dijkstra (*1959) è una delle artiste fotografiche e video più famose al mondo. La rappresentazione dell'identità è il tema centrale dei suoi ritratti. L'artista è particolarmente affascinata dalle fasi della vita e dai momenti in cui queste si formano: l'infanzia e la giovinezza, ma anche gli eventi formativi dell'età adulta, come la nascita di un figlio. La retrospettiva completa alla Berlinische Galerie presenta otto serie con circa 80 opere dai primi anni Novanta a oggi, comprese alcune fotografie del suo archivio che non sono mai state esposte al pubblico. Ridotte all'essenziale, le sue opere sono anche di grande potenza visiva e consentono allo spettatore di trovare facilmente un proprio approccio. Offrono uno spazio quasi meditativo e incoraggiano la riflessione sull'individualità, la (auto)messa in scena e l'espressione della personalità.

Dijkstra vede la macchina fotografica come un'opportunità per impegnarsi intensamente con le persone. Adotta un approccio cauto, seguendo il suo concetto lentamente e con concentrazione, ma non esclude sviluppi o variazioni spontanee. Spesso stabilisce un legame intenso e duraturo con le persone ritratte. Questo approccio empatico si riflette nelle sue fotografie attraverso una particolare sensibilità: le opere di Dijkstra catturano momenti fragili, gesti sottili che si collocano tra una posa consapevole e un atteggiamento inconsapevole. L'artista è in grado di sottolineare la dignità e le insicurezze degli individui.

L'artista lavora con una macchina fotografica a lastre di grande formato 4x5 pollici, che utilizza per fotografare i suoi soggetti frontalmente. Ne risultano immagini di straordinario dettaglio e precisione, la cui composizione è pensata e realizzata nei minimi particolari. Poiché è necessario un foglio di pellicola separato per ogni esposizione, la pazienza, il tempo e la concentrazione giocano un ruolo essenziale sia per il fotografo che per la modella. Allo stesso tempo, i soggetti si rilassano durante questi preparativi e si abituano alla situazione sconosciuta.

I ritratti non solo riflettono il modo in cui ci presentiamo al mondo, ma anche il significato di essere documentati dai media. Possono quasi essere descritti come studi sul comportamento umano di fronte alla macchina fotografica. Soprattutto sullo sfondo dell'onnipresenza dei social media, offrono l'opportunità di analizzare le pretese di autenticità delle immagini e le mutevoli strategie di (auto)messa in scena.

Rineke Dijkstra (*1959) is one of the most highly acclaimed photography and video artists in the world. The central theme of her portraits is the depiction of identity. She is particularly interested in those stages in life and those moments when identity is taking shape: childhood, youth, but also formative events in adulthood, such as the birth of a child. This major retrospective at the Berlinische Galerie presents eight series with about 80 works dating from the early 1990s to the present day, including some photographs never yet exhibited from the artist’s own archives. Pared down to essentials, her works are visually very powerful and easily accessible to a broad public. They create a space for meditation and invite reflections about individuality, representation and personal expression.

Dijkstra uses her camera as an opportunity to explore people in depth. She approaches them carefully, slowly but surely pursuing her concept, although without ruling out spontaneous tweaks and variations. She often builds a strong connection with her subjects over a long period. This empathetic approach comes across in a particular sensitivity that is reflected in her photographs: Dijkstra’s works capture fragile moments, subtle gestures midway between a conscious pose and an unconscious attitude. She has a gift for drawing out a person’s dignity, but also their insecurities.

The artist works with a large-format 4x5” plate camera, capturing her motifs from a frontal perspective. The resulting images are exceptionally precise and faithful to detail, their composition meticulously thought through and implemented. Every exposure requires its own sheet of film, making patience, time and concentration essential for both the photographer and the subject. While these preparations are underway, the people being portrayed have a chance to relax and adjust to the unfamiliar situation.

The portraits reflect not only how we present ourselves to the world but also what it means to be documented by the media. They might even be described as studies in how people behave in front of a camera. Today, when social media are all around us, they offer an opportunity to think about the image’s claim to authenticity and about evolving strategies of (self-)presentation.

(Text: Berlinische Galerie)

FLATZ Museum – Zentrum für Photographie | Dornbirn
8. November 2024 – 1. März 2025

American Stories
Christian Anwander

Die Ausstellung bietet einen faszinierenden Einblick in Anwanders vielseitiges Werk: Neben seinen kommerziellen Auftragsarbeiten, die die glamouröse Welt amerikanischer Prominenter abbilden, präsentiert er auch persönliche Arbeiten. Diese umfassen Landschaftsbilder, Aufnahmen verschiedener Milieus sowie intime Porträts von Menschen am Rande der Gesellschaft. Die Werke erzählen Geschichten, die den Eindruck von aufeinanderprallenden Welten vermitteln, die gegensätzlicher nicht sein könnten, und dennoch eine harmonische Einheit bilden. Es entsteht ein spannendes Wechselspiel zwischen Schein und Sein.

L'exposition offre un aperçu fascinant de l'œuvre variée d'Anwander : outre ses travaux de commande commerciaux, qui représentent le monde glamour des célébrités américaines, il présente également des travaux personnels. Ceux-ci comprennent des paysages, des prises de vue de différents milieux ainsi que des portraits intimes de personnes en marge de la société. Les œuvres racontent des histoires qui donnent l'impression de mondes qui s'entrechoquent et qui ne pourraient pas être plus opposés, tout en formant une unité harmonieuse. Il en résulte une interaction passionnante entre l'apparence et la réalité.

La mostra offre uno sguardo affascinante sul lavoro poliedrico di Anwander: oltre alle commissioni commerciali, che ritraggono il mondo glamour delle celebrità americane, l'artista presenta anche opere personali. Queste includono paesaggi, immagini di ambienti diversi e ritratti intimi di persone ai margini della società. Le opere raccontano storie che trasmettono l'impressione di mondi contrastanti che non potrebbero essere più contraddittori e che tuttavia formano un insieme armonioso. Il risultato è un'emozionante interazione tra apparenza e realtà.

The exhibition offers a fascinating insight into Anwander's diverse work: alongside his commercial work, which depicts the glamorous world of American celebrities, he also presents personal work. These include landscapes, shots taken in a variety of settings, and intimate portraits of people on the fringes of society. The works tell stories that create the impression of clashing worlds that could not be more different, yet form a harmonious unity. An exciting interplay between appearance and reality emerges.

(Text: FLATZ Museum – Zentrum für Photographie, Dornbirn)

Kulturforum | Berlin
15. November 2024 – 16. März 2025

Rico Puhlmann – Berlin / New York - Mode – Beauty – Porträts

Rico Puhlmann (1934-1996) zählte international zu den renommiertesten Modefotograf*innen; er prägte das Modebild seiner Zeit.

Gestartet als gefragter Kinderdarsteller beim Film, fand Puhlmann seinen Einstieg in die Branche der Modemagazine als Illustrator, bevor er erst in Berlin, dann von New York aus Covermotive und Editorials für die weltweit auflagenstärksten Modejournale schuf. Ein tödlicher Flugzeugabsturz beendete abrupt seine Karriere.

Seine Fotografien dokumentieren über vier Dekaden zentrale Themen der Modegeschichte: Modetrends wie der legendäre Berliner Chic der Nachkriegszeit oder die New Yorker Sports- und Streetwear der 70er und sich damit ändernde Dresscodes, die Entwicklung im Selbstverständnis des Model-Berufs, ein sich wandelndes Frauen- und Männerbild, die Verbreitung von Schönheitsidealen, welche Diversität nicht repräsentierten, sowie Akteur*innen und Selektionsmechanismen, die bei der Aufnahme der Bilder in auflagenstarke Magazine und damit ins kollektive Gedächtnis federführend waren.

Rico Puhlmann (1934-1996) comptait parmi les photographes de mode les plus renommés au niveau international ; il a marqué l'image de la mode de son époque.

Après avoir débuté comme enfant acteur très demandé au cinéma, Puhlmann a fait ses débuts dans le secteur des magazines de mode en tant qu'illustrateur, avant de créer, d'abord à Berlin, puis depuis New York, des motifs de couverture et des éditoriaux pour les journaux de mode aux plus forts tirages du monde. Un accident d'avion mortel a mis brutalement fin à sa carrière.

Ses photographies documentent sur quatre décennies des thèmes centraux de l'histoire de la mode : les tendances de la mode comme le légendaire chic berlinois de l'après-guerre ou le sport et le streetwear new-yorkais des années 70 et les codes vestimentaires qui en découlent, l'évolution de l'image de soi du métier de mannequin, l'image changeante de la femme et de l'homme, la diffusion d'idéaux de beauté qui ne représentent pas la diversité, ainsi que les acteurs et les mécanismes de sélection qui ont joué un rôle prépondérant dans la reprise des visuels dans les magazines à grand tirage et donc dans la mémoire collective.

Rico Puhlmann (1934-1996) è stato uno dei fotografi di moda più rinomati a livello internazionale e ha plasmato l'immagine della moda del suo tempo.

Partito come ricercato attore bambino nel cinema, Puhlmann è entrato nel settore delle riviste di moda come illustratore prima di creare motivi di copertina ed editoriali per le riviste di moda a più alta tiratura del mondo, prima a Berlino e poi a New York. Un incidente aereo fatale ha posto fine alla sua carriera.

Le sue fotografie documentano temi centrali della storia della moda nell'arco di quattro decenni: le tendenze della moda, come il leggendario chic berlinese del dopoguerra o lo sport e lo streetwear newyorkese degli anni Settanta e i conseguenti cambiamenti nei codici di abbigliamento, l'evoluzione dell'immagine di sé della professione di modella, il cambiamento dell'immagine di donne e uomini, la diffusione di ideali di bellezza che non rappresentavano la diversità, nonché gli attori e i meccanismi di selezione che hanno svolto un ruolo di primo piano nell'inserimento delle immagini nelle riviste ad alta tiratura e quindi nella memoria collettiva.

Rico Puhlmann (1934–96) was one of the most internationally renowned fashion photographers of his time, heavily influencing our image of fashion in his era.

Having started out as a successful child actor in films, Puhlmann got his first chance in the field of fashion magazines as an illustrator, before moving onto cover shoots and editorial work for the world’s biggest fashion periodicals, first in Berlin, and later in New York. A fatal plane crash put an abrupt end to his career. His photographs document some of the central themes in the industry across four decades of fashion history: trends like the legendary Berlin chic of the post-war years, or the New York sports- and streetwear of the ’70s and the changes in dress codes that went along with it, the evolution of modelling as a career, constantly shifting images of femininity and masculinity, the spread of beauty ideals that did not represent diversity, as well as protagonists and prevailing selection mechanisms when it came to choosing pictures for major magazines, ensuring they would enter the collective consciousness.

(Text: Kulturforum, Berlin)

Museum für Fotografie | Berlin
15. November 2024 – 16. Februar 2025

Hotel Bogota
Aino Kannisto, Karen Stuke

Die legendäre Berliner Fotografin Yva hatte dort vor 100 Jahren ihr großzügiges Fotoatelier, und Helmut Newton war an diesem Ort zwischen 1936 und 1938 ihr Lehrling; später wurde er zum Hotel Bogota. Dessen letzter Hotelmanager Joachim Rissmann beließ Yvas Fotostudio wie es ursprünglich war, als Hommage an diese legendäre Fotografin sowie an die Fotografie als Medium. Er erwarb zudem später zahlreiche vintage prints von Yva, von denen einige parallel zu dieser Ausstellung im Projektraum als Leihgabe in der Ausstellung „Berlin, Berlin“ im ersten Stock der Helmut Newton Stiftung hängen. Die meisten dieser Modebilder von Yva sind in ihrem Studio in der Schlüterstrasse Anfang der 1930er Jahre aufgenommen worden, dem späteren Hotel Bogota. Die beiden Selbstporträts von Helmut Newton entstanden ebenfalls dort 1936; eines im Laborkittel, das andere mit Hut und Mantel, wie der „rasende Reporter“ Egon Erwin Kisch, den Newton als Teenager bewunderte; diese Porträts hängen ebenfalls in der Ausstellung „Berlin, Berlin“.

Auch für spätere Fotografen und Fotografinnen wurde dieser geradezu mythische Ort – das ehemalige Atelier von Yva, später das Hotel Bogota – zu einem Sehnsuchts- und Aufnahmeort, dazu gehören Aino Kannisto und Karen Stuke, die kurz vor der Schließung des Hotels in den Jahren 2012 und 2013 dort zwei sehr individuelle Selbstporträt-Serien realisierten. Beide fotografierten sich in den unterschiedlichsten Räumen des Hotels: Kannisto schlüpft in verschiedene Rollen, trägt immer wieder neue Kleider, manches wirkt etwas mysteriös, beinahe wie eine Filmszene, mitunter mit einer kontemplativ oder melancholisch dreinblickenden Darstellerin. Durch die Inszenierung und das Rollenspiel wird die Fotografin zu einer fiktiven Erzählerin mit großer visueller Präsenz, zur Protagonistin und Regisseurin in Personalunion; insofern handelt es sich bei diesen inszenierten Alltagssituationen nicht um Selbstporträts im eigentlichen Sinn. Ihre Bogota-Bildserie entstand über den Zeitraum eines Jahres, auf mehreren ein- bis zweiwöchigen Berlin-Reisen, auf Einladung von Joachim Rissmann. So hatte Aino Kannisto Zugang zu allen Räumen des Hotels und eignete sich jeden dieser besonderen Orte an. Erst die intensive Beschäftigung mit dem Ort selbst führt in ihrem Werk zu einer Konkretisierung der fiktiven, aber dem Alltag abgeschauten Situationen; erst dann entscheidet sie sich für eine bestimmte Garderobe und Frisur, für Requisiten und den Blickwinkel. Sie scheint völlig allein im Hotel Bogota gewesen zu sein, manchmal sind wir gar an Stanley Kubricks „The Shining“ erinnert, denn irgendetwas Unerwartetes könnte im nächsten Moment geschehen. Es gäbe noch andere Bezüge und Assoziationen zur Kunst-, Film- und Fotogeschichte, gleichwohl ist ihr Werk in seiner subtilen Intensität sehr eigenständig.

Karen Stuke hingegen bleibt in ihren Selbstporträts beinahe unsichtbar. Mit einer selbstkonstruierten Camera Obscura respektive gleich mehreren solcher einfachen Lochbildkameras, ihrem Hauptwerkzeug, fotografierte sie sich während des nächtlichen Schlafes, mit stundenlangen Belichtungszeiten. Der Schlaf der Künstlerin bestimmte also die Länge der Negativbelichtung, mal waren es nur zwei Stunden, in der Regel sieben; nach dem Aufwachen, meist ohne Wecker, schloss oder bedeckte sie die simple Lochblende der Kamera, und insofern ist der gesamte Zeitraum den Fotografien gleichsam als sich überlagernde Zeitschichten eingeschrieben. Stuke führte mit diesem Projekt im Hotel Bogota eine frühere Bildserie mit dem Titel „Sleeping Sister“ fort, mit der sie sich auf den Erfolgsroman „Schlafes Bruder“ von Robert Schneider bezog. Das Buch wiederum nimmt Bezug auf die griechische Mythologie, auf Hypnos, den Gott des Schlafes, und dessen Bruder Thanatos, den Gott des Todes. In ihrer Bogota-Serie bezieht sich Stuke vor diesem Hintergrund auf die wechselvolle Geschichte des Hauses in der Charlottenburger Schlüterstrasse – von Yvas Studio über die nationalsozialistische Reichskulturkammer und nach 1945 als Ort der Entnazifizierung der deutschen Kulturschaffenden bis hin zum Hotel Bogota. Die Berliner Fotografin belegte, ebenfalls auf Einladung von Joachim Rissmann, der im Erdgeschoß auch die legendäre Ausstellungsplattform „Fotoplatz“ schuf, nacheinander, Nacht für Nacht, beinahe alle Zimmer des Hotels. In einer installativen Hängung zeigt sie nun hier 24 Ergebnisse ihrer Nachtruhe, stets ein Zimmer, ein Interieur mit einem Bett, in dem sich ein Mensch, nämlich sie selbst, mehrfach herumgedreht haben muss, wie die Bewegungsspuren der Langzeitbelichtung belegen. Daneben hängt Stuke, als rechten Teil der individuellen Diptychen, die originalen Rettungswegschilder aus diesem Raum, die sie kurz vor der Schließung des Hotels abschrauben durfte. Im Hotel selbst waren einige Räume auch mit Originalbildern ausgestattet, so gab es beispielsweise ein René Burri Zimmer und das Zimmer 418 mit Werken von Helmut Newton. Beide Räume sind Teil des Bildtableaus, das von der Künstlerin immer wieder neu ortsspezifisch arrangiert wird. Davor liegen Teppiche aus dem ehemaligen Hotel Bogota.

So schließt sich mit dieser Präsentation gleich mehrfach ein Kreis, mit dem Bezug zu Yva und Newton – und der großen Gruppenausstellung im ersten Stock des Museums. Schließlich begegnen wir auch Helmut Newton selbst im Hotel Bogota, aufgenommen von Joachim Rissmann, an der legendären Treppe in Yvas ehemaligem Studio, wo auch zahlreiche Modebilder von Yva entstanden waren. Newton war damals ja Zeitzeuge und hat in seinem Werk später ebenfalls Mode- und Aktbilder auf solchen Treppen fotografiert, er hat Yvas Werk kongenial ins Zeitgenössische weitergeführt.

Il y a 100 ans, la légendaire photographe berlinoise Yva y avait son vaste studio de photographie, et Helmut Newton y fut son apprenti entre 1936 et 1938 ; plus tard, il devint l'hôtel Bogota. Le dernier directeur de l'hôtel, Joachim Rissmann, a laissé le studio photo d'Yva tel qu'il était à l'origine, en hommage à cette photographe légendaire et à la photographie en tant que média. Il a également acquis par la suite de nombreux tirages vintage d'Yva, dont certains ont été prêtés parallèlement à cette exposition dans l'espace de projet, dans le cadre de l'exposition « Berlin, Berlin » au premier étage de la fondation Helmut Newton. La plupart de ces photos de mode d'Yva ont été prises dans son studio de la Schlüterstrasse au début des années 1930, qui deviendra plus tard l'hôtel Bogota. Les deux autoportraits d'Helmut Newton y ont également été réalisés en 1936 ; l'un en blouse de laboratoire, l'autre avec un chapeau et un manteau, comme le « reporter enragé » Egon Erwin Kisch, que Newton admirait lorsqu'il était adolescent ; ces portraits sont également accrochés à l'exposition « Berlin, Berlin ».

Ce lieu quasi mythique - l'ancien atelier d'Yva, puis l'hôtel Bogota - est également devenu un lieu de nostalgie et de prise de vue pour des photographes ultérieurs, dont Aino Kannisto et Karen Stuke, qui y ont réalisé deux séries d'autoportraits très individuels peu avant la fermeture de l'hôtel en 2012 et 2013. Toutes deux se sont photographiées dans les pièces les plus diverses de l'hôtel : Kannisto se glisse dans différents rôles, porte sans cesse de nouveaux vêtements, certains semblent un peu mystérieux, presque comme une scène de film, avec parfois une actrice à l'air contemplatif ou mélancolique. Grâce à la mise en scène et au jeu de rôles, la photographe devient une narratrice fictive dotée d'une grande présence visuelle, à la fois protagoniste et réalisatrice ; en ce sens, ces situations quotidiennes mises en scène ne sont pas des autoportraits à proprement parler. Sa série d'images de Bogota a été réalisée sur une période d'un an, lors de plusieurs voyages d'une à deux semaines à Berlin, à l'invitation de Joachim Rissmann. Aino Kannisto a ainsi eu accès à toutes les pièces de l'hôtel et s'est approprié chacun de ces lieux particuliers. Ce n'est qu'en s'intéressant de près au lieu lui-même qu'elle concrétise dans son œuvre des situations fictives, mais copiées sur la vie quotidienne ; ce n'est qu'alors qu'elle décide d'une garde-robe et d'une coiffure particulières, d'accessoires et d'un point de vue. Elle semble avoir été complètement seule à l'hôtel Bogota, parfois même nous rappelons « The Shining » de Stanley Kubrick, car quelque chose d'inattendu pourrait se produire l'instant d'après. Il y aurait encore d'autres références et associations à l'histoire de l'art, du cinéma et de la photographie, néanmoins son œuvre est très singulière dans sa subtile intensité.

Karen Stuke, en revanche, reste presque invisible dans ses autoportraits. Avec une camera obscura qu'elle a elle-même construite ou plusieurs de ces simples appareils à sténopé, son outil principal, elle s'est photographiée pendant son sommeil nocturne, avec des temps d'exposition de plusieurs heures. Le sommeil de l'artiste déterminait donc la durée de l'exposition du négatif, parfois deux heures seulement, en général sept ; au réveil, le plus souvent sans réveil, elle fermait ou couvrait le simple sténopé de l'appareil photo, et dans cette mesure, l'ensemble de la période est pour ainsi dire inscrit dans les photographies comme des couches de temps qui se superposent. Avec ce projet à l'hôtel Bogota, Stuke a poursuivi une série d'images antérieure intitulée « Sleeping Sister », dans laquelle elle faisait référence au roman à succès « Schlafes Bruder » de Robert Schneider. Le livre fait lui-même référence à la mythologie grecque, à Hypnos, le dieu du sommeil, et à son frère Thanatos, le dieu de la mort. Dans sa série sur Bogota, Stuke se réfère dans ce contexte à l'histoire mouvementée de l'établissement de la Schlüterstrasse à Charlottenburg - du studio d'Yva à l'hôtel Bogota, en passant par la Reichskulturkammer nazie et, après 1945, comme lieu de dénazification des créateurs culturels allemands. Toujours à l'invitation de Joachim Rissmann, qui a également créé la légendaire plateforme d'exposition « Fotoplatz » au rez-de-chaussée, la photographe berlinoise a occupé successivement, nuit après nuit, presque toutes les chambres de l'hôtel. Dans une installation suspendue, elle montre ici 24 résultats de ses nuits de sommeil, toujours une chambre, un intérieur avec un lit dans lequel une personne, à savoir elle-même, a dû se retourner plusieurs fois, comme le prouvent les traces de mouvement de l'exposition à long terme. À côté, Stuke accroche, en tant que partie droite des diptyques individuels, les panneaux originaux des voies de secours de cette chambre, qu'elle a pu dévisser juste avant la fermeture de l'hôtel. Dans l'hôtel lui-même, certaines pièces étaient également équipées de tableaux originaux, il y avait par exemple une chambre René Burri et la chambre 418 avec des œuvres d'Helmut Newton. Ces deux pièces font partie du tableau d'images que l'artiste réorganise sans cesse en fonction du lieu. Devant elles se trouvent des tapis de l'ancien hôtel Bogota.

Ainsi, avec cette présentation, la boucle est bouclée à plusieurs reprises, avec la référence à Yva et Newton - et la grande exposition de groupe au premier étage du musée. Enfin, nous rencontrons également Helmut Newton lui-même à l'hôtel Bogota, photographié par Joachim Rissmann, dans l'escalier légendaire de l'ancien studio d'Yva, où de nombreuses photos de mode d'Yva ont été réalisées. Newton était à l'époque un témoin de l'époque et a également photographié plus tard dans son œuvre des photos de mode et de nus dans de tels escaliers, il a poursuivi de manière congéniale l'œuvre d'Yva dans le monde contemporain.

100 anni fa la leggendaria fotografa berlinese Yva aveva qui il suo ampio studio fotografico e Helmut Newton fu suo apprendista tra il 1936 e il 1938; in seguito divenne l'Hotel Bogotà. L'ultimo direttore dell'hotel, Joachim Rissmann, ha lasciato lo studio fotografico di Yva così com'era in origine, come tributo a questa leggendaria fotografa e alla fotografia come medium. In seguito ha anche acquistato numerose stampe vintage di Yva, alcune delle quali sono state prestate alla mostra “Berlino, Berlino” della Helmut Newton Foundation al primo piano, parallelamente a questa mostra nel project space. La maggior parte di queste foto di moda di Yva sono state scattate nel suo studio di Schlüterstrasse nei primi anni Trenta, che in seguito è diventato l'Hotel Bogota. Anche i due autoritratti di Helmut Newton sono stati scattati lì nel 1936; uno in camice, l'altro con cappello e cappotto, come il “reporter itinerante” Egon Erwin Kisch, che Newton ammirava da adolescente; anche questi ritratti sono esposti nella mostra “Berlino, Berlino”.

Questo luogo quasi mitico - l'ex studio di Yva, poi Hotel Bogota - è diventato anche un luogo di nostalgia e un posto dove scattare foto per i fotografi successivi, tra cui Aino Kannisto e Karen Stuke, che vi hanno realizzato due serie di autoritratti molto individuali poco prima della chiusura dell'hotel nel 2012 e nel 2013. Entrambe si sono fotografate in diverse stanze dell'hotel: Kannisto si cala in ruoli diversi, indossa sempre nuovi abiti, alcuni dei quali appaiono un po' misteriosi, quasi come una scena di un film, a volte con un'attrice dallo sguardo contemplativo o malinconico. Attraverso la messa in scena e il gioco di ruoli, la fotografa diventa un narratore fittizio con una grande presenza visiva, un protagonista e un regista in uno; in questo senso, queste situazioni quotidiane messe in scena non sono autoritratti nel vero senso della parola. La serie di Bogotà è stata realizzata nel corso di un anno, durante diversi viaggi di una o due settimane a Berlino, su invito di Joachim Rissmann. Aino Kannisto ha così avuto accesso a tutte le stanze dell'hotel e si è appropriata di ognuno di questi luoghi speciali. Nel suo lavoro, è solo l'intensa occupazione del luogo stesso che porta alla concretizzazione delle situazioni di finzione, che sono copiate dalla vita quotidiana; solo allora decide un particolare guardaroba e acconciatura, oggetti di scena e punto di vista. Sembra che sia stata completamente sola nell'Hotel Bogota, a volte ci viene in mente “Shining” di Stanley Kubrick, perché qualcosa di inaspettato potrebbe accadere nel momento successivo. Ci sono altri riferimenti e associazioni alla storia dell'arte, del cinema e della fotografia, ma il suo lavoro è comunque molto indipendente nella sua sottile intensità.

Karen Stuke, invece, rimane quasi invisibile nei suoi autoritratti. Utilizzando una camera oscura autocostruita, o meglio diverse semplici macchine fotografiche a foro stenopeico, il suo strumento principale, si fotografa durante il sonno notturno, con tempi di esposizione che durano ore. Il sonno dell'artista determinava così la durata dell'esposizione negativa, che a volte era di sole due ore, di solito di sette; dopo il risveglio, di solito senza sveglia, chiudeva o copriva il semplice foro stenopeico della macchina fotografica, e in questo modo l'intero periodo è inscritto nelle fotografie come strati sovrapposti di tempo, per così dire. Con questo progetto all'Hotel Bogota, la Stuke ha proseguito una serie precedente di immagini intitolata “Sleeping Sister”, in cui faceva riferimento al romanzo di successo “Schlafes Bruder” di Robert Schneider. Il libro fa a sua volta riferimento alla mitologia greca, a Hypnos, il dio del sonno, e a suo fratello Thanatos, il dio della morte. Nella serie Bogota, la Stuke fa riferimento alla movimentata storia dell'edificio nella Schlüterstrasse di Charlottenburg: da studio di Yva a Camera della Cultura del Reich nazionalsocialista e, dopo il 1945, da luogo di denazificazione degli operatori culturali tedeschi a Hotel Bogota. Sempre su invito di Joachim Rissmann, che creò anche la leggendaria piattaforma espositiva “Fotoplatz” al piano terra, la fotografa berlinese occupò quasi tutte le stanze dell'hotel, una dopo l'altra, notte dopo notte. In un'installazione appesa, mostra ora 24 risultati del suo sonno notturno, sempre una stanza, un interno con un letto in cui una persona, cioè lei stessa, deve essersi girata più volte, come dimostrano le tracce di movimento dell'esposizione a lungo termine. Accanto ad essa, come parte destra dei singoli dittici, Stuke appende i cartelli originali delle vie di fuga di questa stanza, che le fu permesso di svitare poco prima della chiusura dell'hotel. Nell'hotel stesso, alcune stanze erano arredate con dipinti originali, come ad esempio la stanza René Burri e la stanza 418 con opere di Helmut Newton. Entrambe le stanze fanno parte del tableau d'été, che l'artista riorganizza costantemente per adattarsi al luogo specifico. Davanti a loro ci sono i tappeti dell'ex Hotel Bogotà.

Questa presentazione chiude quindi un cerchio sotto diversi aspetti, con il riferimento a Yva e Newton - e alla grande mostra collettiva al primo piano del museo. Infine, incontriamo anche Helmut Newton stesso nell'Hotel Bogota, fotografato da Joachim Rissmann, sulla leggendaria scala dell'ex studio di Yva, dove sono state create anche numerose immagini di moda di Yva. Newton era all'epoca un testimone contemporaneo e in seguito ha fotografato anche immagini di moda e di nudo su queste scale nel suo lavoro, continuando congenialmente l'opera di Yva nel contemporaneo.

One hundred years ago, the legendary Berlin photographer Yva had her spacious photography studio there, and Helmut Newton was her apprentice at this location between 1936 and 1938; it later became the Hotel Bogota. Its last manager, Joachim Rissmann, left Yva's studio as it originally was, as a tribute to this legendary photographer and to photography as a medium. He later acquired numerous vintage prints by Yva, some of which are on loan to the exhibition “Berlin, Berlin” on the first floor of the Helmut Newton Foundation, running parallel to this exhibition in the project room. Most of Yva's fashion images were taken up in her studio on Schlüterstrasse in the early 1930s, which later became the Hotel Bogota. The two self-portraits by Helmut Newton were also taken there in 1936; one in a lab coat, the other in a hat and coat, like the “roving reporter” Egon Erwin Kisch, whom Newton admired as a teenager; these portraits are also on display in the “Berlin, Berlin” exhibition.

This almost mythical place – Yva's former studio, later the Hotel Bogota – also became a place of longing and work for later photographers, including Aino Kannisto and Karen Stuke, who created two very individual self-portrait series there shortly before the hotel closed in 2012 and 2013. Both photographed themselves in the most diverse rooms of the hotel: Kannisto slips into different roles, always wearing new clothes, some of which seem a bit mysterious, almost like a film scene, sometimes with a contemplative or melancholy-looking actress. Through the staging and role-playing, the photographer becomes a fictional narrator with a great visual presence, a protagonist and director in personal union; in this respect, these staged everyday situations are not self-portraits in the strict sense. Her Bogota photo series was created over the course of a year, during several one- to two-week trips to Berlin at the invitation of Joachim Rissmann. This gave Aino Kannisto access to all the rooms in the hotel, where she appropriated each of these special places. It is only through her intensive engagement with the place itself that the fictional situations, but modeled on everyday life, take on a more concrete form in her work; only then does she decide on a particular wardrobe and hairstyle, on props and the angle. She seems to have been completely alone in the Hotel Bogota; at times we are even reminded of Stanley Kubrick's “The Shining”, because something unexpected could happen at any moment. There are other references and associations with art, film and photographic history, but her work is very independent in its subtle intensity.

Karen Stuke, on the other hand, remains almost invisible in her self-portraits. Using a self-constructed camera obscura, or rather several of these simple pinhole cameras, her main tool, she photographed herself during her nightly sleep, with exposure times lasting hours. The length of the negative exposure was determined by the length of the artist's sleep: sometimes it was only two hours, but usually seven. After waking up – she usually did not use an alarm clock – she closed or covered the camera's simple pinhole aperture, and so the entire period of time is inscribed in the photographs as overlapping layers of time, so to speak. With this project at the Hotel Bogota, Stuke continued an earlier series of images entitled “Sleeping Sister”, with which she referred to the successful novel “Brother of Sleep” by Robert Schneider. The book, in turn, refers to Greek mythology, to Hypnos, the god of sleep, and his brother Thanatos, the god of death. In her Bogota series, Stuke draws on the eventful history of the building in Schlüterstrasse in Berlin's Charlottenburg district – from Yva's studio to the Nazi Reich Chamber of Culture and, after 1945, as a place of denazification for German cultural workers, to become the Hotel Bogota. The Berlin photographer, also invited by Joachim Rissmann, who also created the legendary exhibition platform “Fotoplatz” on the ground floor, occupied almost all of the hotel's rooms, one after the other, night after night. In an installation-like hanging, she now displays 24 results of her night's rest here, always one room, one interior with a bed in which a person, namely herself, must have turned around several times, as evidenced by the traces of movement in the long exposure. Next to it, as the right part of the individual diptych, hangs the original escape route signs from this room, which she was allowed to unscrew shortly before the hotel closed. In the hotel itself, some rooms were also furnished with original pictures; for example, there was a René Burri Room and Room 418 with works by Helmut Newton. Both rooms are part of the tableau of images that the artist repeatedly rearranges in a site-specific way. In front of them are carpets from the former Hotel Bogota.

Thus, this presentation comes full circle in several ways, with the reference to Yva and Newton – and the large group exhibition on the first floor of the museum. Finally, we also encounter Helmut Newton himself in the Hotel Bogota, taken up by Joachim Rissmann, at the legendary staircase in Yva's former studio, where numerous fashion images by Yva were also created. Newton was a contemporary witness at the time and later also photographed fashion and nude images on such stairs in his work. He congenially continued Yva's work into the contemporary.

(Text: Museum für Fotografie, Berlin)

Leica Galerie Salzburg
15. November 2024 – 28. Februar 2025

Kunst der Stille: Porträts und Stillleben von Vera Mercer

Im Rahmen unseres Jahresthemas „THROUGH HER LENS – All Eyes on Women Photographers“ präsentieren wir seit Februar ausschließlich weibliche Fotografinnen. Zum Abschluss des Jahres freuen wir uns, mit der Ausstellung „Kunst der Stille: Porträts und Stillleben von Vera Mercer“ eine visuelle Pracht voller Blumen, Früchte und mystischer Arrangements präsentieren zu können. Die Vernissage findet am 14. November um 18.30 Uhr statt.

Vera Mercer, die in den 1960er Jahren zur Pariser Künstleravantgarde gehörte, wurde durch ihre eindrücklichen Fotografien von Künstlern wie Jean Tinguely, Eva Aeppli, Marcel Duchamp, Niki de Saint-Phalle und Daniel Spoerri bekannt. Neben diesen eindrücklichen Porträts entwickelte sie eine Faszination für Stillleben, inspiriert von alten Pariser Markthallen. Dieses Interesse an Früchten, Gemüse, Fleisch und Fisch in ihrer frischesten und unverarbeiteten Form prägt ihr künstlerisches Schaffen bis heute.

Mercers Werk zeichnet sich durch opulente, neobarocke Farbstillleben aus, die klassische Vanitas-Motive neu interpretieren. Ihre Werke sind reich an Farben und Details, oft in mystisches Licht getaucht und kunstvoll arrangiert. Krebse, Fischleiber, Wild und Geflügel kombiniert sie mit Blumen, Kerzen und antiken Accessoires zu einem visuellen Fest, das Lebensfreude und Vergänglichkeit gleichermaßen zelebriert. Die großformatigen Arbeiten bestechen durch ihre Sinnlichkeit und Ästhetik und schaffen eine einzigartige Atmosphäre, die den Betrachter in eine Welt voller Schönheit und Nachdenklichkeit entführt.

Dans le cadre de notre thème annuel « THROUGH HER LENS - All Eyes on Women Photographers », nous présentons depuis février exclusivement des femmes photographes. Pour clore l'année, nous sommes heureux de pouvoir présenter l'exposition « L'art du silence : portraits et natures mortes de Vera Mercer », une splendeur visuelle pleine de fleurs, de fruits et d'arrangements mystiques. Le vernissage aura lieu le 14 novembre à 18h30.

Vera Mercer, qui faisait partie de l'avant-garde artistique parisienne dans les années 1960, s'est fait connaître par ses impressionnantes photographies d'artistes tels que Jean Tinguely, Eva Aeppli, Marcel Duchamp, Niki de Saint-Phalle et Daniel Spoerri. Outre ces portraits impressionnants, elle a développé une fascination pour les natures mortes, inspirée par les anciens marchés couverts parisiens. Cet intérêt pour les fruits, les légumes, la viande et le poisson dans leur forme la plus fraîche et non transformée marque encore aujourd'hui sa création artistique.

L'œuvre de Mercer se caractérise par des natures mortes opulentes aux couleurs néo-baroques, qui réinterprètent les motifs classiques de vanitas. Ses œuvres sont riches en couleurs et en détails, souvent plongées dans une lumière mystique et disposées avec art. Elle combine des écrevisses, des foies de poissons, du gibier et de la volaille avec des fleurs, des bougies et des accessoires anciens pour créer une fête visuelle qui célèbre à la fois la joie de vivre et l'éphémère. Les œuvres de grand format séduisent par leur sensualité et leur esthétique et créent une atmosphère unique qui transporte le spectateur dans un monde de beauté et de réflexion.

Nell'ambito del nostro tema annuale “THROUGH HER LENS - All Eyes on Women Photographers”, da febbraio presentiamo esclusivamente fotografe donne. Per concludere l'anno, siamo lieti di presentare la mostra “Art of Silence: Portraits and Still Lifes by Vera Mercer”, uno splendore visivo pieno di fiori, frutta e composizioni mistiche. Il vernissage si terrà il 14 novembre alle 18.30.

Vera Mercer, che ha fatto parte dell'avanguardia artistica parigina degli anni Sessanta, è diventata famosa per le sue impressionanti fotografie di artisti come Jean Tinguely, Eva Aeppli, Marcel Duchamp, Niki de Saint-Phalle e Daniel Spoerri. Oltre a questi impressionanti ritratti, sviluppò un fascino per le nature morte, ispirandosi alle vecchie sale del mercato parigino. Questo interesse per la frutta, la verdura, la carne e il pesce nella loro forma più fresca e non lavorata caratterizza ancora oggi il suo lavoro artistico.

Il lavoro di Mercer è caratterizzato da nature morte opulente e neobarocche che reinterpretano i motivi classici della vanitas. Le sue opere sono ricche di colori e dettagli, spesso immerse in una luce mistica e disposte ad arte. L'artista combina granchi, carcasse di pesce, selvaggina e pollame con fiori, candele e accessori antichi per creare una festa visiva che celebra in egual misura la gioia di vivere e la caducità. Le opere di grande formato affascinano per la loro sensualità ed estetica e creano un'atmosfera unica che trasporta lo spettatore in un mondo pieno di bellezza e contemplazione.

As part of our annual theme “THROUGH HER LENS – All Eyes on Women Photographers”, we have been presenting exclusively female photographers since February. To mark the end of the year, we are pleased to be able to present a visual splendor full of flowers, fruits and mystical arrangements with the exhibition “The Art of Silence: Portraits and Still Lifes by Vera Mercer”. The vernissage will take place on November 14 at 6:30 p.m.

Vera Mercer, who was part of the Parisian artistic avant-garde of the 1960s, became known for her striking photographs of artists such as Jean Tinguely, Eva Aeppli, Marcel Duchamp, Niki de Saint-Phalle and Daniel Spoerri. Alongside these impressive portraits, she developed a fascination for still lifes, inspired by the old Parisian market halls. This interest in fruits, vegetables, meat and fish in their freshest and most unprocessed form continues to shape her artistic work to this day.

Mercer's work is characterized by opulent, neo-baroque color still lifes that reinterpret classic vanitas motifs. Her works are rich in colors and details, often bathed in mystical light and artfully arranged. She combines crabs, fish carcasses, game and poultry with flowers, candles and antique accessories to create a visual feast that celebrates both joie de vivre and transience. The large-format works captivate with their sensuality and aesthetics, creating a unique atmosphere that transports the viewer to a world full of beauty and contemplation.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
16. November 2024– 26. Januar 2025

GRADwanderung - Die LUNAX-Fotograf:innen erzählen ihre Geschichten zum Klimawandel

Sabina Bobst, Annette Boutellier, Mattia Coda, Raisa Durandi, Caroline Krajcir, Yoshiko Kusano, Benjamin Manser, Caroline Minjolle, Clara Neugebauer, Marion Nitsch, Saskja Rosset, Fridolin Walcher, Marco Zanoni, Rahel Zuber

Die Agentur LUNAX freut sich, im BelleVue – Ort für Fotografie ihre neue Gemeinschaftsarbeit zum Thema Klimawandel zu präsentieren. GRADwanderung umfasst 14 fotografische Positionen, die alle im vergangenen Jahr entstanden sind. LUNAX beschäftigt sich seit Jahren intensiv fotografisch mit der Klimaerwärmung und ist heute die führende Agentur zu diesem Thema.

Für die BelleVue-Ausstellung haben sich 14 Fotograf:innen künstlerisch mit der Klimaerwärmung auseinandergesetzt. Sie haben recherchiert, diskutiert und sich der herausfordernden Frage gestellt, welche Aspekte des Klimawandels sie besonders verstören oder interessieren – und was sichtbar gemacht werden sollte. Dabei haben sie Fotografie gezielt als Medium zur Vermittlung eingesetzt.

Die Herangehensweisen sind so vielfältig wie das Kollektiv selbst. Neben Darstellungen schmelzender Gletscher, erodierender Landschaften sowie den Themen Upcycling und Konsum gibt es auch radikal subjektive Arbeiten, die persönliche Unzulänglichkeiten im Umgang mit dem Klimawandel erforschen. Es gibt einen ungewöhnlichen Blick auf die Recyclingstation Hagenholz, der den Betrachter:innen eine neue Perspektive auf den Umgang mit Abfällen eröffnet. Ebenso faszinierend ist eine Text-Bild-Arbeit, die unsere Autobahnraststätten in den Fokus rückt. Und schliesslich wird die Frage aufgeworfen: Was hat eigentlich die Bauernlobby mit der Klimaerwärmung zu tun?

Die Ausstellung präsentiert sich als eine Art Collage und bietet ein ebenso reichhaltiges wie überraschendes Spektrum an Sichtweisen, das dieses komplexe Thema auf kreative Weise interpretiert. Bereits 2022 entstanden 13 fotografische Arbeiten, die sehr unterschiedliche Aspekte des Klimawandels aufgriffen und unter dem Titel «Und jetzt? LUNAX im Klimawandel» zusammenführten. Diese Kollektivarbeit wurde unter anderem im Rahmen des Fotofestivals Lenzburg im Stadtmuseum Aarau ausgestellt und fand viel Beachtung.

Die intensive Auseinandersetzung mit dem Thema bewirkte, dass LUNAX nach Abschluss von «Und jetzt?» mit noch mehr Engagement, Wissen und Sensibilität an der Thematik festgehalten und eine weitere beeindruckende Kollektivarbeit zum Klimawandel geschaffen hat.

L'agence LUNAX a le plaisir de présenter au BelleVue - lieu de la photographie son nouveau travail collectif sur le thème du changement climatique. GRADwanderung comprend 14 positions photographiques qui ont toutes été réalisées l'année dernière. LUNAX s'occupe depuis des années de manière intensive de la photographie du réchauffement climatique et est aujourd'hui l'agence leader sur ce thème.

Pour l'exposition BelleVue, 14 photographes se sont penchés de manière artistique sur le réchauffement climatique. Ils ont fait des recherches, discuté et se sont transmis la question exigeante de savoir quels aspects du changement climatique les troublaient ou les intéressaient particulièrement - et ce qui devait être rendu visible. Ce faisant, ils ont utilisé la photographie de manière ciblée comme moyen de médiation.

Les approches sont aussi variées que le collectif lui-même. Outre les représentations de glaciers en fonte, de paysages en érosion ainsi que les thèmes de l'upcycling et de la consommation, il y a aussi des travaux radicalement subjectifs qui explorent les insuffisances personnelles face au changement climatique. Il y a un regard inhabituel sur la station de recyclage de Hagenholz, qui ouvre aux spectateurs une nouvelle perspective sur le traitement des déchets. Tout aussi fascinant est un travail visuel et textuel qui met l'accent sur nos aires d'autoroute. Enfin, la question est soulevée : Quel est le rapport entre le lobby des agriculteurs et le réchauffement climatique ?

L'exposition se présente comme une sorte de collage et offre un éventail de points de vue aussi riche que surprenant, qui interprète ce thème complexe de manière créative. Dès 2022, 13 travaux photographiques ont été réalisés, abordant des aspects très différents du changement climatique et réunis sous le titre « Et maintenant ? LUNAX face au changement climatique ». Ce travail collectif a notamment été exposé au musée municipal d'Aarau dans le cadre du festival de photographie de Lenzbourg et a suscité beaucoup d'intérêt.

La confrontation intensive avec le thème a eu pour effet que LUNAX, une fois « Und jetzt ? » terminé, s'est accroché à la thématique avec encore plus d'engagement, de connaissances et de sensibilité et a créé un autre travail collectif impressionnant sur le changement climatique.

L'agenzia LUNAX è lieta di presentare il suo nuovo lavoro di collaborazione sul tema del cambiamento climatico a BelleVue - Ort für Fotografie. GRADwanderung comprende 14 posizioni fotografiche, tutte realizzate nell'ultimo anno. LUNAX lavora intensamente da anni sul tema del riscaldamento globale ed è oggi l'agenzia leader su questo argomento.

Per la mostra BelleVue, 14 fotografi hanno adottato un approccio artistico al riscaldamento globale. Hanno ricercato, discusso e affrontato la difficile questione di quali aspetti del cambiamento climatico li disturbino o li interessino in modo particolare, e quali debbano essere resi visibili. Nel farlo, hanno utilizzato la fotografia come mezzo di comunicazione.

Gli approcci sono diversi come il collettivo stesso. Oltre alle rappresentazioni dello scioglimento dei ghiacciai, dei paesaggi in erosione e dei temi dell'upcycling e del consumo, ci sono anche opere radicalmente soggettive che esplorano le inadeguatezze personali nell'affrontare il cambiamento climatico. C'è una vista insolita del centro di riciclaggio di Hagenholz, che offre agli spettatori una nuova prospettiva sulla gestione dei rifiuti. Altrettanto affascinante è un lavoro testo-immagine che si concentra sulle nostre stazioni di servizio autostradali. Infine, viene posta una domanda: Cosa c'entra la lobby degli agricoltori con il riscaldamento globale?

La mostra si presenta come una sorta di collage e offre uno spettro ricco e sorprendente di prospettive che interpretano in modo creativo questo tema complesso. Già nel 2022 sono state realizzate 13 opere fotografiche che riprendono aspetti molto diversi del cambiamento climatico e li riuniscono sotto il titolo “E adesso? LUNAX nel cambiamento climatico”. Questo lavoro collettivo è stato esposto al Museo della Città di Aarau nell'ambito del Festival fotografico di Lenzburg e ha suscitato grande attenzione.

L'intensa esplorazione del tema ha fatto sì che, dopo il completamento di “E adesso?”, LUNAX abbia continuato ad affrontare l'argomento con ancora più impegno, conoscenza e sensibilità, creando un'altra imponente opera collettiva sul cambiamento climatico.

The LUNAX agency is pleased to present its new joint project on climate change at the BelleVue – a place for photography. GRADwanderung comprises 14 photographic positions, all of which were created last year. LUNAX has been dealing intensively with global warming in photography for years and is now the leading agency on this topic.

For the Bellevue exhibition, 14 photographers have artistically explored the issue of global warming. They have researched, discussed and faced the challenging question of which aspects of climate change particularly disturb or interest them – and what should be made visible. In doing so, they have deliberately used photography as a medium for communication.

The approaches are as diverse as the collective itself. In addition to depictions of melting glaciers, eroding landscapes, and the topics of upcycling and consumption, there are also radically subjective works that explore personal inadequacies in dealing with climate change. There is an unusual view of the Hagenholz recycling center that offers viewers a new perspective on how we handle waste. Equally fascinating is a text-and-visual work that focuses on our highway rest stops. And finally, the question is raised: What does the farmers' lobby have to do with global warming?

The exhibition is presented as a kind of collage and offers a spectrum of perspectives that is as rich as it is surprising, interpreting this complex topic in a creative way. As early as 2022, 13 photographic works were created that took up very different aspects of climate change and brought them together under the title “And now? LUNAX on climate change”. This collective work was exhibited at the Lenzburg Photo Festival in the Aarau City Museum, among other places, and attracted a great deal of attention.

The intensive examination of the topic meant that LUNAX continued to work on the topic with even more commitment, knowledge and sensitivity after completing “And now?” and created another impressive collective work on climate change.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

Bildhalle | Zürich
22. November 2024 – 25. Januar 2025

Hommage an Thomas Hoepker

Am 10. Juli 2024 ist der weltbekannte Fotograf Thomas Hoepker im Beisein seiner Familie friedlich eingeschlafen. Während der letzten 10 Jahre war die Bildhalle Thomas Hoepker eng verbunden und hat seine ikonischen Bilder in mehreren Einzelausstellungen in Zürich und Amsterdam gezeigt. Wir laden Sie herzlich ein, seinGesamtwerk, seine Lebensgeschichte und warmherzige Persönlichkeit mit dieser Retrospektive zu würdigen.

1936 in München geboren, zählte Thomas Hoepker zu den bedeutendsten Fotografen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Als ruheloser und leidenschaftlicher Fotojournalist hat er das – nach den 1920er und 30er Jahren – zweite goldene Zeitalter des Fotojournalismus nicht nur erlebt, er hat es mitgeprägt. Als Bildjournalist für Zeitschriften wie Stern, Geo, Kristall oder die Münchner Illustrierte, als Art Director, Buchautor, Filmemacher hat Hoepker Fotogeschichte geschrieben. Nicht wenige seiner Reportagen in Schwarzweiss und Farbe zählen zu den Höhepunkten des neueren Fotojournalismus.

1964 bekam er als Fotoreporter für den Stern die Möglichkeit, den Boxer Muhammad Ali während 10 Jahren in regelmässigen Abständen zu porträtieren. 1966 reiste er nach London und Chicago und begleitete die Boxerlegende zusammen mit seiner damaligen Frau und Stern-Journalistin Eva Windmöller. 1970 dokumentierte Hoepker, wie sich Ali nach einigen Jahren des Rückzugs auf den «Jahrhundertkampf» gegen Joe Frazier vorbereitete. Viele dieser Bilder gingen um die Welt und wurden zu fotografischen Ikonen. Sie wurden in Museen ausgestellt und sind Bestandteil vieler Sammlungen.

1976 zog Thomas Hoepker als Korrespondent für den Stern nach New York und war bis 1981 Fotodirektor der amerikanischen Ausgabe des GEO. 1987 bis 1989 folgten dann Jahre als Art Director für den Stern in Hamburg. 1989 wurde Thomas Hoepker das erste deutsche Vollmitglied bei der renommierten Fotografenagentur Magnum und war deren Präsident von 2003 bis 2006. Er war mit der deutschen Filmemacherin Christine Kruchen verheiratet.

Im Jahr 2017 wurde bei Thomas Hoepker Alzheimer diagnostiziert. Sein Traum war es, ein letztes Mal die USA zu bereisen, wie er es in den frühen 1960er Jahren für sein Projekt «Heartland» gemacht hat. Ein Filmteam begleitete ihn und seine Frau Christine dabei. Daraus entstanden ist «Dear Memories», ein bildstarker und berührender Dokumentarfilm über einen Fotografen, der ein Leben lang kulturelle und historische Erinnerungsbilder geschaffen hat und für den am Ende diese Bilder eine Art «ausgelagertes» Gedächtnis wurden.

«In Thomas Hoepker’s Bildern herrscht ausgelassene Lebendigkeit. Nicht, dass er vor den Misslichkeiten der Welt die Augen verschliesst, aber er erlag nie der Versuchung jenes Bildjournalismus, der sich durch die Darstellung des Schreckens hervortut. Der zynischen Analyse, dass Reporterglück oft das Unglück anderer sei, setzte er mit seinen Bildern die Behauptung entgegen, das Unglück anderer sei immer zugleich das Unglück aller. So liess er nichts ungenutzt, die Kamera als Waffe im Kampf für eine gerechtere Welt einzusetzen.

Lange bevor Charterflüge Reisen erschwinglich machten, addierten sich seine Aufnahmen beim Betrachter zu einem Gesamteindruck, in dem ebenso Raum war für das Gewusel der Grossstadt wie für die Weite leerer Landstriche. Am Ende aber spielten immer die Menschen mit ihren Sorgen, Schrullen und Spleens die wichtigste Rolle. Dabei verband Hoepker seine kompositorische Sicherheit stets mit einem tief empfundenen Humanismus.

Nie hat er den eigentlichen Auftrag jedes Berichterstatters vergessen: Stellvertreter zu sein für jene, die nie dorthin kommen werden, wovon er erzählt.»

Le 10 juillet 2024, le photographe de renommée mondiale Thomas Hoepker s'est endormi paisiblement en présence de sa famille. Au cours des dix dernières années, la Bildhalle a été étroitement liée à Thomas Hoepker et a présenté ses visuels emblématiques dans plusieurs expositions individuelles à Zurich et Amsterdam. Nous vous invitons à rendre hommage à l'ensemble de son œuvre, à l'histoire de sa vie et à sa personnalité chaleureuse à travers cette rétrospective.

Né en 1936 à Munich, Thomas Hoepker comptait parmi les photographes les plus importants de la seconde moitié du 20e siècle. Photojournaliste agité et passionné, il n'a pas seulement vécu le deuxième âge d'or du photojournalisme - après les années 1920 et 1930 - mais il l'a également marqué de son empreinte. En tant que photojournaliste pour des magazines comme Stern, Geo, Kristall ou la Münchner Illustrierte, en tant que directeur artistique, auteur de livres et réalisateur de films, Hoepker a écrit l'histoire de la photographie. Un grand nombre de ses reportages en noir et blanc et en couleur comptent parmi les points forts du photojournalisme moderne.

En 1964, il a eu l'occasion, en tant que photoreporter pour le Stern, de faire le portrait du boxeur Muhammad Ali à intervalles réguliers pendant 10 ans. En 1966, il s'est rendu à Londres et à Chicago et a accompagné la légende de la boxe avec sa femme de l'époque, Eva Windmöller, journaliste au Stern. En 1970, Hoepker a documenté la manière dont Ali, après quelques années de retraite, se préparait au « combat du siècle » contre Joe Frazier. Nombre de ces visuels ont fait le tour du monde et sont devenus des icônes photographiques. Elles ont été exposées dans des musées et font partie de nombreuses collections.

En 1976, Thomas Hoepker s'installa à New York en tant que correspondant pour le Stern et fut directeur photo de l'édition américaine de GEO jusqu'en 1981. De 1987 à 1989, il a ensuite travaillé comme directeur artistique pour le Stern à Hambourg. En 1989, Thomas Hoepker est devenu le premier membre allemand à part entière de la célèbre agence de photographie Magnum, dont il a été le président de 2003 à 2006. Il était marié à la cinéaste allemande Christine Kruchen.

En 2017, la maladie d'Alzheimer a été diagnostiquée chez Thomas Hoepker. Son rêve était de parcourir une dernière fois les États-Unis, comme il l'avait fait au début des années 1960 pour son projet « Heartland ». Une équipe de tournage l'a accompagné dans cette aventure avec sa femme Christine. Il en est résulté « Dear Memories », un documentaire riche en images et touchant sur un photographe qui a passé sa vie à créer des images souvenirs culturelles et historiques et pour qui ces visuels sont finalement devenus une sorte de mémoire « délocalisée ».

« Il règne dans les visuels de Thomas Hoepker une vivacité exubérante. Non pas qu'il ferme les yeux sur les malheurs du monde, mais il n'a jamais cédé à la tentation de ce photojournalisme qui excelle dans la représentation de l'horreur. A l'analyse cynique selon laquelle le bonheur des reporters est souvent le malheur des autres, il opposait par ses visuels l'affirmation selon laquelle le malheur des autres est toujours en même temps le malheur de tous. Il n'a donc pas hésité à utiliser sa caméra comme une arme dans la lutte pour un monde plus juste.

Bien avant que les vols charters ne rendent les voyages abordables, ses clichés s'additionnaient pour donner au spectateur une impression d'ensemble, dans laquelle il y avait autant de place pour l'agitation de la grande ville que pour l'immensité des campagnes vides. Mais au final, ce sont toujours les gens qui jouent le rôle le plus important, avec leurs soucis, leurs bizarreries et leurs spleens. Hoepker a toujours associé son assurance dans la composition à un humanisme profondément ressenti.

Il n'a jamais oublié la véritable mission de tout chroniqueur : être le représentant de ceux qui n'arriveront jamais là où il raconte ».

Il 10 luglio 2024, il fotografo di fama mondiale Thomas Hoepker si è spento serenamente in presenza della sua famiglia. Negli ultimi 10 anni, la Bildhalle è stata strettamente legata a Thomas Hoepker e ha esposto le sue immagini iconiche in diverse mostre personali a Zurigo e Amsterdam. Vi invitiamo cordialmente a onorare la sua opera, la sua storia di vita e la sua calorosa personalità con questa retrospettiva.

Nato a Monaco nel 1936, Thomas Hoepker è stato uno dei fotografi più importanti della seconda metà del XX secolo. Come fotoreporter inquieto e appassionato, non solo ha vissuto la seconda età dell'oro del fotogiornalismo - dopo gli anni '20 e '30 - ma ha anche contribuito a plasmarla. Come fotoreporter per riviste come Stern, Geo, Kristall o Münchner Illustrierte, come direttore artistico, autore di libri e regista, Hoepker ha scritto la storia della fotografia. Molti dei suoi reportage in bianco e nero e a colori sono tra i punti salienti del fotogiornalismo moderno.

Nel 1964, come fotoreporter per la rivista Stern, ebbe l'opportunità di ritrarre il pugile Muhammad Ali a intervalli regolari per 10 anni. Nel 1966, si reca a Londra e a Chicago e accompagna la leggenda del pugilato insieme all'allora moglie e giornalista di Stern Eva Windmöller. Nel 1970, Hoepker ha documentato come Ali si sia preparato per il “combattimento del secolo” contro Joe Frazier dopo diversi anni di ritiro. Molte di queste immagini hanno fatto il giro del mondo e sono diventate icone fotografiche. Sono state esposte nei musei e fanno parte di molte collezioni.

Nel 1976, Thomas Hoepker si trasferì a New York come corrispondente della rivista Stern e fu direttore fotografico dell'edizione americana di GEO fino al 1981. In seguito, dal 1987 al 1989, è stato direttore artistico di Stern ad Amburgo. Nel 1989, Thomas Hoepker è diventato il primo membro tedesco a pieno titolo della rinomata agenzia fotografica Magnum, di cui è stato presidente dal 2003 al 2006. È stato sposato con la regista tedesca Christine Kruchen.

Nel 2017 a Thomas Hoepker è stato diagnosticato il morbo di Alzheimer. Il suo sogno era quello di viaggiare per l'ultima volta negli Stati Uniti, come aveva fatto all'inizio degli anni '60 per il suo progetto “Heartland”. Un team cinematografico ha accompagnato lui e sua moglie Christine. Il risultato è “Dear Memories”, un film documentario visivamente potente e toccante su un fotografo che ha trascorso una vita a creare memorie culturali e storiche e per il quale queste immagini sono diventate in ultima analisi una sorta di memoria “esternalizzata”.

“Le immagini di Thomas Hoepker sono piene di esuberante vitalità. Non che abbia chiuso un occhio sui mali del mondo, ma non ha mai ceduto alla tentazione del fotogiornalismo, che eccelle nella rappresentazione dell'orrore. Ha usato le sue immagini per contrastare l'analisi cinica secondo cui la felicità dei reporter è spesso la disgrazia degli altri con l'affermazione che la disgrazia degli altri è sempre la disgrazia di tutti. Non ha lasciato nulla di intentato per usare la macchina fotografica come arma nella lotta per un mondo più giusto.

Molto tempo prima che i voli charter rendessero accessibili i viaggi, le sue fotografie davano un'impressione generale all'osservatore, in cui c'era tanto spazio per il trambusto della grande città quanto per la vastità delle distese vuote. Alla fine, però, sono sempre le persone con le loro preoccupazioni, le loro stranezze e le loro idiosincrasie a giocare il ruolo più importante. Hoepker ha sempre combinato la sua sicurezza compositiva con un umanesimo profondamente sentito.

Non ha mai dimenticato la vera missione di ogni reporter: essere un rappresentante di coloro che non arriveranno mai dove lui sta raccontando la storia”.

On July 10, 2024, world-renowned photographer Thomas Hoepker passed away peacefully in the presence of his family. For the past 10 years, Bildhalle Thomas Hoepker has been closely associated with him and has shown his iconic images in several solo exhibitions in Zurich and Amsterdam. We warmly invite you to honor his life's work, his life story and warm personality with this retrospective.

Born in Munich in 1936, Thomas Hoepker is considered one of the most important photographers of the second half of the 20th century. As a restless and passionate photojournalist, he not only experienced the second golden age of photojournalism after the 1920s and 30s, he helped shape it. Hoepker has made photographic history as a photojournalist for magazines such as Stern, Geo, Kristall and Münchner Illustrierte, as an art director, book author and filmmaker. Many of his photojournalistic reports in black and white and color are among the highlights of modern photojournalism.

In 1964, he had the opportunity to portray boxer Muhammad Ali at regular intervals over a period of ten years as a photojournalist for Stern magazine. In 1966, he traveled to London and Chicago with the boxer's then-wife and Stern journalist Eva Windmöller. In 1970, Hoepker documented how Ali prepared for the “fight of the century” against Joe Frazier after several years of retirement. Many of these images went around the world and became photographic icons. They have been exhibited in museums and are part of many collections.

In 1976, Thomas Hoepker moved to New York as a correspondent for Stern magazine and was photo director of the American edition of GEO magazine until 1981. From 1987 to 1989, he worked as art director for Stern magazine in Hamburg. In 1989, Thomas Hoepker became the first German full member of the renowned photographers' agency Magnum Photos and was its president from 2003 to 2006. He was married to German filmmaker Christine Kruchen.

In 2017, Thomas Hoepker was diagnosed with Alzheimer's. His dream was to travel across the United States one last time, as he had done in the early 1960s for his project “Heartland”. A film crew accompanied him and his wife Christine on the trip. The result is “Dear Memories”, a visually stunning and touching documentary about a photographer who has spent a lifetime creating cultural and historical images and for whom, in the end, these images became a kind of “outsourced” memory.

“Thomas Hoepker's images are full of exuberant liveliness. Not that he closes his eyes to the world's misfortunes, but he never succumbed to the temptation of photojournalism that excels in depicting horror. He countered the cynical analysis that a reporter's luck is often someone else's misfortune with his images, asserting that the misfortune of others is always everyone's misfortune. He left no stone unturned in his use of the camera as a weapon in the fight for a fairer world.

Long before charter flights made travel affordable, his pictures added up to an overall impression for the viewer, with room for the hustle and bustle of the big city as well as the expanse of empty landscapes. But in the end, it was always the people with their worries, quirks and idiosyncrasies who played the most important role. In doing so, Hoepker always combined his compositional confidence with a deeply felt humanism.

He never forgot the real mission of every reporter: to be a representative for those who will never get to where he is telling the story.”

(Text: Freddy Langer)

Neue Nationalgalerie | Berlin
23. November 2024 – 23. Februar 2025

Nan Goldin. This Will Not End Well

Die Neue Nationalgalerie präsentiert in der oberen Halle Nan Goldin mit der Retrospektive „This Will Not End Well". Sechs Räume zeigen ihre Werke in Form von Diashows und Filmprojektionen, die mit Ton und Musik unterlegt sind. Goldins Werke erzählen Geschichten über Liebe, Intimität, Sucht und Verlust. Mit teils zärtlichen Momentaufnahmen von Intimität und Beziehungen, Alltag, wilden Partys und dem Kampf zwischen Sucht und Unabhängigkeit prägt Goldin die Wahrnehmung ihrer Zeit bis heute. Durch den Fokus auf Diashows und Videoinstallationen geht die Ausstellung zurück zu den Wurzeln von Goldins künstlerischer Praxis. Die Diashows versteht Goldin, die immer Filmemacherin sein wollte, als Filmstills. „This Will Not End Well" greift damit erstmals Goldins ursprüngliche Vision auf, wie Betrachter*innen ihre Kunst erleben sollten. Die Ausstellung tourt durch folgende Museen: Moderna Museet, Stockholm, Stedelijk Museum in Amsterdam, Neue Nationalgalerie in Berlin, Pirelli Hangar Bicocca, Mailand, Grand Palais, Paris.

La Neue Nationalgalerie présente Nan Goldin dans le hall supérieur avec la rétrospective "This Will Not End Well". Six salles présentent ses œuvres sous forme de diaporamas et de projections de films, accompagnés de son et de musique. Les œuvres de Goldin racontent des histoires d'amour, d'intimité, de dépendance et de perte. Avec des instantanés parfois tendres de l'intimité et des relations, du quotidien, des fêtes endiablées et de la lutte entre addiction et indépendance, Goldin marque encore aujourd'hui la perception de son époque. En se concentrant sur les diaporamas et les installations vidéo, l'exposition revient aux racines de la pratique artistique de Goldin. Goldin, qui a toujours voulu être cinéaste, considère les diaporamas comme des extraits de films. "This Will Not End Well" reprend ainsi pour la première fois la vision initiale de Goldin sur la manière dont les spectateurs* devraient vivre son art. L'exposition est en tournée dans les musées suivants : Moderna Museet, Stockholm, Stedelijk Museum à Amsterdam, Neue Nationalgalerie à Berlin, Pirelli Hangar Bicocca, Milan, Grand Palais, Paris.

La Neue Nationalgalerie presenta Nan Goldin con la retrospettiva "This Will Not End Well" nella sala superiore. In sei sale sono esposte le sue opere sotto forma di diapositive e proiezioni cinematografiche accompagnate da suoni e musica. Le opere di Goldin raccontano storie di amore, intimità, dipendenza e perdita. Con istantanee talvolta tenere dell'intimità e delle relazioni, della vita quotidiana, delle feste sfrenate e della lotta tra dipendenza e indipendenza, Goldin continua ancora oggi a plasmare la percezione del suo tempo. Concentrandosi su presentazioni e installazioni video, la mostra torna alle radici della pratica artistica di Goldin. Goldin, che ha sempre desiderato essere un regista, vede le diapositive come fotogrammi di film. "This Will Not End Well" riprende quindi la visione originale di Goldin su come gli spettatori dovrebbero sperimentare la sua arte per la prima volta. La mostra è in tournée nei seguenti musei: Moderna Museet di Stoccolma, Stedelijk Museum di Amsterdam, Neue Nationalgalerie di Berlino, Pirelli Hangar Bicocca di Milano, Grand Palais di Parigi.

The upper hall of the Neue Nationalgalerie will host a retrospective on the work of Nan Goldin titled This Will Not End Well. Across six rooms, Goldin’s work will be featured by way of slide shows and film projections accompanied by soundtracks and music. Goldin’s works tell stories about love, intimacy, addiction and loss. With her sometimes tender snapshots of intimacy and relationships, everyday life, wild parties and the struggle between autonomy and dependency, Goldin continues to shape our perception of our times. Through its focus on slide shows and video installations, the exhibition goes back to the roots of Goldin’s artistic practice. Goldin, who always wanted to be a filmmaker, conceives of her slide shows as film stills. This Will Not End Well thus ties in with Goldin’s original vision of how audiences should interact with her art. The exhibition will be travelling to the following museums: Moderna Museet, Stockholm, Stedelijk Museum in Amsterdam, Neue Nationalgalerie in Berlin, Pirelli Hangar Bicocca, Milan, and the Grand Palais, Paris.

(Text: Neue Nationalgalerie, Berlin)

L’Appartement | Vevey
27. November 2024 – 16. März 2025

Session 10
Sara de Brito Faustino, Debi Cornwall, Christian Patterson, Alberto Vieceli

Sara De Brito Faustino, Gewinnerin des Prix Images Vevey × ECAL 2023, rekonstruiert das Innere der Wohnung, in der sie aufgewachsen ist. Indem sie das vorhandene Mobiliar von L'Appartement umgestaltet und Gegenstände aus ihrem Alltag integriert, schafft sie eine intime und theatralische mise en abyme.

Christian Patterson zeigt in einer Reihe von Fotografien, die er über einen Zeitraum von 20 Jahren aufgenommen hat, das Innere eines bankrotten Familienladens im Süden der USA, in dem Lebensmittel, Funktionsartikel und Haushaltsgegenstände durcheinander in den Regalen verkauft wurden.

Alberto Vieceli sammelt für dieses Projekt über 300 Schallplattenhüllen, auf denen Künstler und Tiere, Haustiere und Wildtiere, Seite an Seite posieren. Diese erstaunlichen Porträts werden inmitten einer Installation präsentiert, die den besonderen Platz dieses Vintage-Objekts par excellence in unseren Haushalten aufzeigt.

Debi Cornwall greift Hollywood-Streifen und B-Movies der letzten 50 Jahre auf, die man sich zu Hause im Fernsehen ansieht. Sie kombiniert sie in einem experimentellen Kurzfilm, der eine andere Sicht auf die USA vermittelt und im Heimkino von L'Appartement gezeigt wird.

Lauréate du Prix Images Vevey × ECAL 2023, Sara De Brito Faustino reconstitue l’intérieur de l'appartement dans lequel elle a grandi. En transformant le mobilier existant de L'Appartement et en y intégrant des objets de son quotidien, elle crée une mise en abyme intime et théâtrale.

À travers une série de photographies prises pendant vingt ans, Christian Patterson dévoile l'intérieur d'une épicerie familiale du Sud des États-Unis qui a fait faillite, dans laquelle étaient vendus pêle-mêle sur les rayons produits alimentaires, articles fonctionnels et objets domestiques.

Alberto Vieceli collectionne pour ce projet plus de 300 pochettes de vinyles sur lesquelles posent côte à côte des artistes et des animaux, domestiques ou sauvages. Ces étonnants portraits sont présentés au cœur d'une installation qui révèle la place particulière dans nos foyers de cet objet vintage par excellence.

Debi Cornwall revisite les fictions hollywoodiennes et les films de série B des cinquante dernières années que l'on regarde chez soi, à la télévision. Elle les combine dans un court-métrage expérimental qui propose une autre vision des États-Unis, présenté dans le home cinema de L'Appartement.

Vincitrice del Prix Images Vevey × ECAL 2023, Sara De Brito Faustino ricostruisce gli interni dell'appartamento in cui è cresciuta. Trasformando i mobili esistenti de L'Appartement e integrando oggetti della sua vita quotidiana, crea una mise en abyme intima e teatrale.

Attraverso una serie di fotografie scattate nell'arco di vent'anni, Christian Patterson rivela l'interno di un negozio di alimentari di una famiglia in bancarotta nel sud degli Stati Uniti, dove generi alimentari, articoli funzionali e oggetti per la casa venivano venduti accatastati sugli scaffali.

Per questo progetto, Alberto Vieceli ha raccolto oltre 300 copertine di vinile su cui posano fianco a fianco artisti e animali, sia domestici che selvatici. Questi sorprendenti ritratti sono presentati al centro di un'installazione che rivela il posto speciale che occupa nelle nostre case questo oggetto vintage per eccellenza.

Debi Cornwall rivisita i drammi hollywoodiani e i film di serie B degli ultimi cinquant'anni che guardiamo a casa in televisione. Li combina in un cortometraggio sperimentale che offre una visione diversa degli Stati Uniti, presentati nell'home cinema de L'Appartement.

Winner of the Prix Images Vevey × ECAL 2023, Sara De Brito Faustino reconstructs the interior of the apartment in which she grew up. By transforming L'Appartement's existing furniture and integrating objects from her daily life, she creates an intimate, theatrical mise en abyme.

Through a series of photographs taken over a period of twenty years, Christian Patterson reveals the interior of a bankrupt family grocery store in the American South, where foodstuffs, functional items and household objects were sold jumbled together on the shelves.

For this project, Alberto Vieceli collected over three hundred vinyl sleeves featuring artists and animals, both domestic and wild, posing side by side. These astonishing portraits are presented at the heart of an installation that reveals the special place in our homes of this quintessential vintage object.

Debi Cornwall revisits the Hollywood fictions and B-movies of the last fifty years that we watch at home on television. She combines them in an experimental short film that offers a different vision of the United States, presented in L'Appartement's home cinema.

(Text: L’Appartement, Vevey)

Museum für Fotografie | Berlin
28. November 2024 – 25. Mai 2025

Polaroids

Das Polaroid-Verfahren hat die Fotografie revolutioniert. Wer diese Kamera jemals benutzt hat, wird den Geruch der Entwicklungsemulsion und die Faszination für das Sofortbild nicht vergessen. Auch Helmut Newton liebte es, mit der Polaroid-Kamera zu fotografieren. Er hat die Technik seit den 1970er Jahren intensiv genutzt, insbesondere während der Shootings für seine Modeaufträge. Dahinter stand, wie er es selbst einmal in einem Interview nannte, das ungeduldige Verlangen, sofort wissen zu wollen, wie die Situation als Bild aussieht.

Ein Polaroid entspricht in diesem Zusammenhang einer Ideenskizze und dient zugleich der Überprüfung der konkreten Lichtsituation und Bildkomposition. Gleichzeitig übten die Polaroid-Aufnahmen insbesondere aufgrund ihrer Objekthaftigkeit und der Möglichkeit, das Bild experimentell weiterzuverwenden, einen großen Reiz auf viele künstlerisch arbeitende Fotografen aus.

Und so werden die Polaroids von Helmut Newton durch die Werke zahlreicher Kolleg*innen ergänzt, beispielsweise von Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti und Hannah Villiger. Diese Gruppenausstellung vereint die unterschiedlich verwendeten Techniken des Polaroid-Verfahrens in den verschiedensten Formaten, jeweils als Werkgruppe der ausgewählten Fotograf*innen.

Le procédé Polaroid a révolutionné la photographie. Quiconque a déjà utilisé cet appareil n'oubliera jamais l'odeur de l'émulsion de développement et la fascination pour la photo instantanée. Helmut Newton aimait lui aussi prendre des photos avec un appareil Polaroid. Il a utilisé cette technique de manière intensive depuis les années 1970, notamment lors des shootings pour ses commandes de mode. Derrière cette pratique, il y avait, comme il l'a dit lui-même un jour dans une interview, l'envie impatiente de savoir immédiatement à quoi ressemblait la situation en tant que visuel.

Dans ce contexte, un polaroïd correspond à une esquisse d'idée et sert en même temps à vérifier la situation concrète de la lumière et la composition de l'image. Parallèlement, les Polaroïds ont exercé un grand attrait sur de nombreux photographes artistiques, notamment en raison de leur caractère d'objet et de la possibilité de réutiliser le visuel de manière expérimentale.

C'est ainsi que les polaroïds d'Helmut Newton sont complétés par les œuvres de nombreux collègues*, comme Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti et Hannah Villiger. Cette exposition de groupe réunit les différentes techniques utilisées du procédé Polaroid dans les formats les plus divers, à chaque fois en tant que groupe d'œuvres des photographes* sélectionnés.

Il processo Polaroid ha rivoluzionato la fotografia. Chiunque abbia usato questa macchina fotografica non dimenticherà mai l'odore dell'emulsione che si sviluppa e il fascino dell'immagine istantanea. Anche Helmut Newton amava fotografare con la Polaroid. Ha utilizzato questa tecnologia in modo intensivo a partire dagli anni Settanta, soprattutto durante i servizi fotografici per le sue commissioni di moda. Come lui stesso ha dichiarato in un'intervista, ciò era dovuto al desiderio impaziente di sapere immediatamente come sarebbe apparsa la situazione sotto forma di immagine.

In questo contesto, una Polaroid corrisponde a uno schizzo di un'idea e serve allo stesso tempo a verificare la situazione specifica di illuminazione e la composizione dell'immagine. Allo stesso tempo, le Polaroid esercitano un grande fascino su molti fotografi artistici, soprattutto per la loro qualità di oggetto e per la possibilità di utilizzare l'immagine in modo sperimentale.

Così alle Polaroid di Helmut Newton si affiancano le opere di numerosi colleghi, come Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti e Hannah Villiger. Questa mostra collettiva riunisce le varie tecniche utilizzate nel processo Polaroid in un'ampia gamma di formati, ciascuno come gruppo di opere dei fotografi selezionati.

The technology of the Polaroid camera revolutionised photography. Anybody who has ever used one of these cameras will never forget the smell of the developing emulsion and the fascination inspired by its instant photographs. Helmut Newton also loved taking photographs with a Polaroid. From the 1970s onwards, he used these devices extensively, particularly during his fashion shoots. As he once said in an interview, he was motivated by the impatient desire to immediately know how the scene looked as a picture.

In this sense, a Polaroid is a little like a conceptual sketch, and also helps to check the lighting and image composition. At the same time, Polaroid snapshots possessed significant allure for many artistic photographers, particularly because of their objecthood and the possibility of experimentally reusing the image.

So this exhibition does not just feature the Polaroids of Helmut Newton, but also works by numerous colleagues, such as Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti and Hannah Villiger. This group exhibition brings together the various techniques of working with the Polaroid camera in the most diverse formats, with each photographer represented with a group of works.

(Text: Museum für Fotografie, Berlin)

Paci contemporary gallery | Brescia
30. November 2024 – 30. März 2025

THINK WHILE YOU SHOOT
Martin Munkacsi

Das Projekt wurde für den Standort der Galerie in Brescia konzipiert, einem großen, der Fotografie gewidmeten Raum, und in Zusammenarbeit mit der Howard Greenberg Gallery in New York und dem Martin Munkacsi Estate (NY) realisiert.

Martin Munkacsi war einer der berühmtesten Fotografen der Welt. Seine dynamischen Fotografien von Sport, Berühmtheiten, Politik und Straßenleben in den späten 1920er und 1930er Jahren entstanden in einem neuen, freien Stil, der die Geschwindigkeit und Bewegung der modernen Ära einfing.

Als junger Fotojournalist fotografierte er vor allem Sportereignisse und arbeitete Ende der 1920er Jahre in Berlin mit László Moholy-Nagy und Ernő Friedmann (der später als Robert Capa berühmt wurde) für innovative Zeitschriften auf dem aufstrebenden deutschen Markt. Nach den Ereignissen von 1933 verließ er Deutschland.

Ein Vertrag mit Carmel Snow, der Herausgeberin von Harper's Bazaar, führte ihn nach New York, wo er vor allem mit Modefotografie zu Ruhm und Reichtum gelangte.

Sein dynamischer Stil inspirierte alle nachfolgenden Fotografen, darunter Richard Avedon, der sich schon früh als Bewunderer des ungarischen Fotografen bezeichnete: „Wir sind alle kleine Munkacsi“, sagte er, und Cartier-Bresson, der in seinen Fotos jenen spontan eingefangenen Moment sah, den auch er immer wieder einzufangen versuchte.

Gezeigt werden mehr als 80 Werke, berühmte und mehrfach veröffentlichte Aufnahmen, die hauptsächlich aus dem Nachlass von Martin Munkacsi stammen und die Ausstellung im Paci contemporary zu einer der größten europäischen Anthologie-Ausstellungen machen, die dem ungarischen Meister je gewidmet wurde.

Die Ausstellung wird von einem Sammelband begleitet, der von Dario Cimorelli Editore herausgegeben wird, mit einer Einführung von Howard Greenberg und kritischen Texten von Andrea Tinterri und Karoly Kinces.

Le projet a été conçu pour la galerie de Brescia, un grand espace dédié à la photographie, et réalisé en collaboration avec la Howard Greenberg Gallery de New York et la Martin Munkacsi Estate (NY).

Martin Munkacsi était l'un des photographes les plus célèbres au monde. Ses photographies dynamiques du sport, des célébrités, de la politique et de la vie de la rue à la fin des années 1920 et dans les années 1930 ont été réalisées dans un nouveau style libre qui capturait la vitesse et le mouvement de l'ère moderne.

En tant que jeune photojournaliste, il a principalement photographié des événements sportifs et, à la fin des années 1920, il a travaillé à Berlin avec László Moholy-Nagy et Ernő Friedmann (qui est devenu plus tard célèbre sous le nom de Robert Capa), pour des magazines novateurs sur le marché allemand en plein essor. Après les événements de 1933, il quitte l'Allemagne.

Un contrat avec Carmel Snow, l'éditeur de Harper's Bazaar, l'a conduit à New York, où il a acquis sa renommée et sa fortune principalement grâce à la photographie de mode.

Son style dynamique a inspiré tous les photographes à venir, y compris Richard Avedon, qui s'est déclaré très tôt admirateur du photographe hongrois : « Nous sommes tous des petits Munkacsi », disait-il, et Cartier-Bresson, qui voyait dans ses photographies cet instant saisi au vol qu'il essaierait toujours de capturer lui aussi.

Plus de 80 œuvres, clichés célèbres et multi-publiés, provenant principalement de la succession Martin Munkacsi, sont exposés, faisant de l'exposition à Paci contemporary l'une des plus grandes expositions anthologiques européennes jamais consacrées au maître hongrois.

L'exposition est accompagnée d'un volume anthologique publié par Dario Cimorelli Editore, avec une introduction de Howard Greenberg et des textes critiques d'Andrea Tinterri et de Karoly Kinces.

Il progetto è stato pensato per la sede bresciana della galleria, un grande spazio dedicato alla fotografia, e realizzata in collaborazione con la galleria Howard Greenberg di New York e con l’Estate Martin Munkacsi (NY).

Martin Munkacsi è stato uno dei fotografi più famosi al mondo. Le sue fotografie dinamiche di sport, personaggi dello spettacolo, politica e vita di strada tra la fine degli anni Venti e gli anni Trenta erano realizzate in un nuovo stile libero che catturava la velocità ed il movimento dell'era moderna.

Come giovane fotoreporter, fotografò soprattutto eventi sportivi e, alla fine degli anni Venti, lavorò a Berlino con László Moholy-Nagy ed Ernő Friedmann (che in seguito divenne famoso come Robert Capa), per riviste innovative del fiorente mercato tedesco. Dopo gli eventi del 1933 lasciò la Germania.

Un contratto da Carmel Snow, l'editore di Harper's Bazaar, lo condusse poi a New York, dove fece fama e fortuna soprattutto con la fotografia di moda.

Il suo stile dinamico fu di ispirazione per tutti i fotografi a divenire, tra cui Richard Avedon, che si dichiarò ammiratore del fotografo ungherese sin da ragazzo, “Siamo tutti dei piccoli Munkacsi” disse, e per Cartier-Bresson che vide nelle sue fotografie quell’attimo colto al volo che anche lui cercherà sempre di fermare.

In esposizione più di 80 opere, scatti celeberrimi e pluripubblicati, provenienti principalmente dall’Estate Martin Munkacsi, che fanno della mostra alla Paci contemporary una delle più grandi antologiche europee mai dedicate al maestro ungherese.

La mostra è accompagnata da un volume antologico edito da Dario Cimorelli Editore, con un’introduzione di Howard Greenberg e testi critici di Andrea Tinterri e Karoly Kinces.

The project was designed for the gallery's Brescia location, a large space dedicated to photography, and realized in collaboration with the Howard Greenberg Gallery in New York and the Martin Munkacsi Estate (NY).

Martin Munkacsi was one of the world's most famous photographers. His dynamic photographs of sports, entertainment figures, politics and street life in the late 1920s and 1930s were made in a new free style that captured the speed and movement of the modern era.

As a young photojournalist, he photographed mainly sporting events and, in the late 1920s, worked in Berlin with László Moholy-Nagy and Ernő Friedmann (who later became famous as Robert Capa), for innovative magazines in the burgeoning German market. After the events of 1933 he left Germany.

A contract from Carmel Snow, the publisher of Harper's Bazaar, then led him to New York, where he made his fame and fortune primarily with fashion photography.

His dynamic style was an inspiration to all the photographers to come, including Richard Avedon, who declared himself an admirer of the Hungarian photographer even as a boy, “We are all little Munkacsi,” he said, and to Cartier-Bresson, who saw in his photographs that moment caught on the fly that he, too, would always try to stop.

On display are more than 80 works, celebrated and multi-published shots mainly from the Martin Munkacsi Estate, making the exhibition at Paci contemporary one of the largest European anthological shows ever devoted to the Hungarian master.

The exhibition is accompanied by an anthology volume published by Dario Cimorelli Editore, with an introduction by Howard Greenberg and critical texts by Andrea Tinterri and Karoly Kinces.

(Text: Paci contemporary gallery, Brescia)

Christine König Galerie | Wien
5. Dezember 2024 – 8. Februar 2025

Dura broken Lex
Alwin Lay

Ein Espresso oder einen Spritz – mal heiß, mal kalt – aber immer im gleichen Glas. Jenem mittlerweile ikonischen Trinkglas „Picardie“ der Marke Duralex. Wir alle hatten es schon einmal in Händen – mal morgens, mal abends. Gebrauchsgegenstände des Alltags sind oft unsichtbar. Sie tun etwas mit uns und wir mit ihnen, ohne sie wirklich wahrzunehmen. Und oft ist genau das, was gutes Design ausmacht.

Alwin LAY hat sich mit diesen robusten und speziell gehärteten Gläsern auseinandergesetzt. Mittels analoger, linsenbasierter (und damit glasbasierter) Fotografie hat er sich im 70. Jubiläumsjahr dieser industriellen Revolution von 1954 visuell auseinandergesetzt. Alle fotografierten Glasobjekte in acht Größen wurden im Nachhinein mittels eines KI-Programms zerbrochen – „Dura broken Lex“ – so der Titel der Ausstellung. In einem winzigen Moment zerbersten die Gläser – nicht in die Krümel eines Sicherheitsglases, sondern in kalkulierte Scherben und Sprünge einer künstlichen Intelligenz.

Mit diesem „Bruch“ durch die KI thematisiert LAY die Schnittstelle zwischen Technik und Handwerk. Das generative Potenzial des maschinellen Lernens wird genutzt, um visuell auf die analoge Welt der Fotografie zu reagieren. Die Grenze zwischen Information, Bild und Objekt verschwimmt. Die Arbeit fordert uns heraus, das industrielle Zeitalter im Kontext der heutigen KI-Revolution zu betrachten und regt zu einem Gedankenspiel an, wie uns KI künftig in der Wahrnehmung und Gestaltung von Objekten beeinflussen könnte.

Auch in der Präsentation verzahnt LAY klassische Methoden wie der Ausbelichtung auf Barytpapier, einer Ästhetik der klassischen Schwarz-Weiß-Fotografie und den leicht skalierten Größenverhältnissen der acht Gläser, die der tatsächlichen Größe des Glasdesigns entsprechen, mit einer fiktionalen Ebene. Aus dem Lateinischen inspiriert – „Dura Lex, Sed Lex“ („Das Gesetz ist hart, aber es ist das Gesetz“) wird in der Auseinandersetzung mit Glas auch der Frage nach unserer Wirklichkeit (was immer diese sein mag) und deren Gesetzmäßigkeit nachgegangen. Und wie so oft wird darin die Frage nach dem Wahrheitsgehalt des Mediums Fotografie und gleichzeitig im Werk LAYs thematisiert – denn alles ist im Blick des Künstlers irgendwie Realität und gleichzeitig auch eine „Lüge“, die uns herausfordert. Fotografie wird so als eine Konstruktion von Realität und Teil dessen, wie wir uns ein Bild von unserer Welt machen, befragt und auch wie wir das Abgebildete formen und eben auch deren Zerbrechlichkeit im Zerbrechen sichtbar wird.

Un espresso ou un spritz, parfois chaud, parfois froid, mais toujours dans le même verre. Ce verre à boire désormais iconique « Picardie » de la marque Duralex. Nous l'avons tous déjà eu entre les mains, tantôt le matin, tantôt le soir. Les objets du quotidien sont souvent invisibles. Ils font quelque chose avec nous et nous avec eux, sans vraiment les percevoir. Et c'est souvent ce qui fait un bon design.

Alwin LAY s'est penché sur ces verres robustes et spécialement trempés. Au moyen d'une photographie analogique basée sur des lentilles (et donc sur le verre), il a abordé visuellement cette révolution industrielle de 1954 en cette année du 70e anniversaire. Tous les objets en verre photographiés, de huit tailles différentes, ont été brisés après coup à l'aide d'un programme d'intelligence artificielle - « Dura broken Lex » - c'est le titre de l'exposition. En un instant infime, les verres se brisent - non pas en miettes d'un verre de sécurité, mais en éclats et sauts calculés d'une intelligence artificielle.

Avec cette « rupture » due à l'IA, LAY thématise l'interface entre la technique et l'artisanat. Le potentiel générateur de l'apprentissage automatique est utilisé pour réagir visuellement au monde analogique de la photographie. La frontière entre information, image et objet s'estompe. Ce travail nous met au défi de considérer l'ère industrielle dans le contexte de la révolution actuelle de l'IA et nous incite à réfléchir à la manière dont l'IA pourrait nous influencer à l'avenir dans la perception et la conception des objets.

Dans sa présentation également, LAY imbrique des méthodes classiques telles que l'exposition sur papier baryté, une esthétique de photographie classique en noir et blanc et les rapports de taille légèrement gradués des huit verres, qui correspondent à la taille réelle du design du verre, avec un niveau fictionnel. Inspirée du latin - « Dura Lex, Sed Lex » (« La loi est dure, mais c'est la loi »), l'étude du verre explore également la question de notre réalité (quelle qu'elle soit) et de sa légalité. Et comme souvent, la question de la véracité du médium photographique y est thématisée, et en même temps dans l'œuvre de LAY - car tout est en quelque sorte une réalité dans le regard de l'artiste, et en même temps un « mensonge » qui nous interpelle. La photographie est ainsi interrogée en tant que construction de la réalité et partie intégrante de la manière dont nous nous faisons une image de notre monde, et aussi de la manière dont nous façonnons ce que nous représentons, et dont la fragilité est justement visible lorsqu'elle se brise.

Un espresso o uno spritz, a volte caldo, a volte freddo, ma sempre nello stesso bicchiere. L'ormai iconico bicchiere “Picardie” del marchio Duralex. Tutti noi lo abbiamo tenuto in mano prima o poi, a volte al mattino, a volte alla sera. Gli oggetti quotidiani sono spesso invisibili. Fanno qualcosa per noi e noi facciamo qualcosa per loro senza accorgercene. E spesso è proprio questo che fa un buon design.

Alwin LAY ha analizzato da vicino questi occhiali robusti e appositamente temprati. Utilizzando la fotografia analogica, basata sull'obiettivo (e quindi sul vetro), ha esplorato visivamente questa rivoluzione industriale del 1954 nell'anno del suo 70° anniversario. Tutti gli oggetti di vetro fotografati, in otto dimensioni, sono stati successivamente rotti con un programma di intelligenza artificiale: “Dura broken Lex” è il titolo della mostra. In un attimo, i bicchieri si frantumano, non in briciole come un vetro di sicurezza, ma in schegge e crepe calcolate da un'intelligenza artificiale.

Con questa “rottura” causata dall'intelligenza artificiale, LAY affronta l'interfaccia tra tecnologia e artigianato. Il potenziale generativo dell'apprendimento automatico viene utilizzato per reagire visivamente al mondo analogico della fotografia. Il confine tra informazione, immagine e oggetto diventa labile. L'opera ci sfida a considerare l'era industriale nel contesto dell'attuale rivoluzione dell'intelligenza artificiale e ci incoraggia a pensare a come l'intelligenza artificiale potrebbe influenzare la nostra percezione e il design degli oggetti in futuro.

La presentazione di LAY intreccia anche metodi classici come l'esposizione su carta baritata, un'estetica della fotografia classica in bianco e nero e le proporzioni leggermente ridimensionate degli otto bicchieri, che corrispondono alle dimensioni reali del design del vetro, con un livello di finzione. Ispirandosi al latino “Dura Lex, Sed Lex” (“La legge è dura, ma è la legge”), l'esame del vetro esplora anche la questione della nostra realtà (qualunque essa sia) e della sua regolarità. E come spesso accade, viene tematizzata la questione della veridicità del mezzo fotografico e allo stesso tempo del lavoro di LAY - perché, secondo l'artista, tutto è in qualche modo una realtà e allo stesso tempo una “bugia” che ci sfida. La fotografia viene così messa in discussione in quanto costruzione della realtà e parte del modo in cui ci formiamo un'immagine del nostro mondo, ma anche come diamo forma a ciò che è raffigurato e come la sua fragilità diventa visibile quando si rompe.

An espresso or a wine spritzer – sometimes hot, sometimes cold – but always in the same glass. Namely, the drinking glass “Picardie” made by Duralex, which in the meantime has become iconic. We’ve all had one in our hands – sometimes in the morning, sometimes in the evening. Objects of daily use are often invisible. They interact with us, and we with them, without our really perceiving them. And sometimes that is precisely what constitutes good design.

Alwin LAY has engaged with these robust and specially hardened glasses. By means of analogue, lens-based (and therefore glass-based) photography, he has visually dealt with these, in the 70th anniversary year of this industrial revolution of 1954. All of the photographed glass objects were retrospectively shattered, employing an AI programme – hence the title of the exhibition, “Dura broken Lex”. In a miniscule moment the glasses shatter – not into the crumbs of safety glass but into calculated splinters and fissures of artificial intelligence.

With this “rupture” caused by AI, LAY thematises the interface between technology and handicraft. The generative potential of machine learning is utilised in order to react visually to the analogue world of photography. The boundary between information, image, and object becomes blurred. The work challenges us to consider the industrial era in the context of today’s AI revolution, and prompts an intellectual game regarding to what extent AI could influence us in the future, in the perception and configuration of objects.

In the presentation as well, LAY interleaves classical methods such as the print on baryta paper, a hallmark of classical black-and-white photography, and the lightly scaled size proportions of the eight glasses, which correspond to the actual sizes of the glass design, with a fictional layer of meaning. Inspired by the Latin – “Dura Lex, Sed Lex” (“The law is hard, but it is the law”), in this confrontation with glass, the question regarding our reality (whatever this might be) and its legitimacy is also pursued. And, as is so often the case, the question of the verisimilitude of the medium of photography, and at the same time in LAY’s work, is thematised – since everything, in the view of the artist, is somehow reality and at the same time also a ‘lie’ that challenges us. Photography is thus interrogated as a construction of reality and part of how we perceive our environment and also how we form that which is depicted, and even also how its fragility becomes visible in the act of shattering.

(Felix Hoffmann, 2024, Artistic Director FOTO ARSENAL WIEN)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
6. Dezember 2024 – 2. März 2025

Kein schöner Land...
Dirk Reinartz

Dirk Reinartz (1947–2004) hat die Reportagefotografie und die fotografische Dokumentation in Deutschland geprägt wie wenige vor oder nach ihm. Aus seinem umfangreichen Schaffen zeigt Kein schöner Land... im f³ – freiraum für fotografie eine Bildauswahl aus den Archivbeständen der Stiftung F.C. Gundlach und der Deutschen Fotothek Dresden. Diese richtet den Fokus speziell auf die deutsche Identität mit all ihren Widersprüchen und historischen Verankerungen sowie ihre Neuorientierung nach 1989. Deutlich werden dabei, insbesondere nach den letzten Landtagswahlen im Osten Deutschlands, die zeitgeschichtlichen Kontinuitäten, die bis ins Hier und Heute führen.

Ein Großteil des fotografischen Oeuvres von Dirk Reinartz entstand im Auftrag: Mit zahlreichen Veröffentlichungen zwischen 1971 und 2004 in Zeitschriften und Magazinen wie Stern, Merian, ZEITmagazin und art sowie der Vertretung durch die Bildagentur VISUM, hatten Dirk Reinartz’ Fotografien eine heute kaum noch vorstellbare Reichweite. Hinzu kamen freie serielle Arbeiten, beginnend mit dem Buchprojekt Kein schöner Land (1978–1987), in welchem Reinartz aus seinem bisherigen Schaffen einen Abgesang auf den visuellen Niederschlag deutscher Geisteshaltung zusammenstellte. Dem Volkslied im Geiste von 1848 entlehnt, ironisch gebrochen für Buch und Serie durch Reinartz verwandt, bedient sich die Ausstellung nun abermals des umständlichen und doch so treffenden Titels. Als Lobpreisung Deutscher Lande kann ihn „zu dieser Zeit“ wohl niemand missverstehen.

In seinem Lebenswerk befasst sich Dirk Reinartz vor 1989 mit mentalen Zuständen und Befindlichkeiten, gesellschaftspolitischen Entwicklungen und kulturellen Eigenarten insbesondere an den Schnittstellen der beiden deutschen Staaten.

In einer Reportage für das ZEITmagazin unter dem Titel Besonderes Kennzeichen: Deutsch (1987), unternimmt Reinartz beispielsweise einen fotografischen Berufsvergleich, stellt je einen Busfahrer, einen Friseur und eine Facharbeiterin aus Jena und Erlangen einander gegenüber und thematisiert so die Teilung in Ost und West in ihren menschlichen Dimensionen. Die Reportage Das stille Ende (1983) erzählt von den Entwicklungen in Schnackenburg als Beispiel für die Geschichte eines Ortes, der einst mitten in Deutschland lag und nun in einem toten Winkel der Bundesrepublik verwelkt: „zwischen Gorleben und dem automatischen Todesschusszaun, der deutsch-deutschen Supergrenze, zwischen Atommüll und Minen“, wie der Journalist Wolfram Runkel es treffend beschrieb. Mit viel Raum für Zwischentöne begleitet Reinartz deutsch-deutsche Umsiedler in einer Doppelreportage Weg machen! Und was dann? (1984) und Go East – Neue Heimat Ost (1989). Nach der politischen Wende beobachtet Reinartz die Neuorientierung der nun gesamtdeutschen Gesellschaft. Mit großem Einfühlungsvermögen kreiert er Bildpaare aus Porträt und Ortsaufnahmen für die Reportage Was tun? zur Arbeitslosigkeit in Mecklenburg-Vorpommern. Mit Deutschstunde bei Gauck (1996) dokumentiert der Fotograf die Gauck-Behörde als Schicksalsort.

Dem Kult um Otto von Bismarck, der das Land bis heute in Form von Skulpturen und Plaketten überzieht, geht Dirk Reinartz in Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler (1991) nach. Die Reprise in Farbe folgt mit Bismarck in America (2000), als er den nach dem deutschen Reichskanzler benannten Ort in North Dakota als typisch amerikanische Kleinstadt porträtiert. Als bekannteste Werkserie von Reinartz gilt schließlich totenstill (1994), eine fotografische Annäherung an die ehemaligen nationalsozialistischen Konzentrationslager. Reinartz fotografierte die Orte des Genozids als stille und doch sprechende Architekturen, als menschenleere Stätten, die als solche das schmerzhaft Abwesende evozieren.

Die Ausstellung wird von einem autobiografischen Dia-Vortrag begleitet. Zudem werden die fotografischen Werke an der Wand durch Faksimiles der ursprünglichen Veröffentlichungen kommentiert.

Dirk Reinartz (1947-2004) a marqué la photographie de reportage et le documentaire photographique en Allemagne comme peu l'ont fait avant ou après lui. De sa vaste œuvre, Kein schöner Land... au f³ - freiraum für fotografie une sélection d'images provenant des archives de la fondation F.C. Gundlach et de la Deutsche Fotothek de Dresde. L'accent est mis sur l'identité allemande avec toutes ses contradictions et ses ancrages historiques, ainsi que sur sa réorientation après 1989. Les continuités historiques contemporaines qui mènent jusqu'ici et aujourd'hui sont clairement mises en évidence, en particulier après les dernières élections régionales en Allemagne de l'Est.

Une grande partie de l'œuvre photographique de Dirk Reinartz a été réalisée sur commande : avec de nombreuses publications entre 1971 et 2004 dans des revues et magazines tels que Stern, Merian, ZEITmagazin et art, ainsi que la représentation par l'agence photographique VISUM, les photographies de Dirk Reinartz ont eu une portée difficilement imaginable aujourd'hui. S'y sont ajoutés des travaux sériels libres, à commencer par le projet de livre Kein schöner Land (1978-1987), dans lequel Reinartz a compilé, à partir de son œuvre précédente, un chant de ralliement sur le reflet visuel de l'état d'esprit allemand. Emprunté à la chanson populaire dans l'esprit de 1848, ironiquement brisé pour le livre et la série par Reinartz, l'exposition se sert à nouveau de ce titre compliqué et pourtant si approprié. Personne ne peut se méprendre sur le fait qu'il s'agit d'un éloge du pays allemand « à cette époque ».

Dans l'œuvre de sa vie, Dirk Reinartz s'est intéressé avant 1989 aux états d'esprit et aux sensibilités, aux évolutions sociopolitiques et aux particularités culturelles, en particulier aux interfaces des deux États allemands.

Dans un reportage pour le magazine ZEIT intitulé Besonderes Kennzeichen : Deutsch (1987), Reinartz entreprend par exemple une comparaison photographique des métiers, transmettant un chauffeur de bus, un coiffeur et une ouvrière spécialisée d'Iéna et d'Erlangen, thématisant ainsi la division entre l'Est et l'Ouest dans ses dimensions humaines. Le reportage Das stille Ende (1983) raconte l'évolution de Schnackenburg comme exemple de l'histoire d'un lieu qui se trouvait autrefois au cœur de l'Allemagne et qui se fane désormais dans un angle mort de la République fédérale : « entre Gorleben et la barrière automatique de tirs mortels, la super frontière germano-allemande, entre les déchets nucléaires et les mines », comme l'a décrit avec justesse le journaliste Wolfram Runkel. Avec beaucoup de place pour les nuances, Reinartz accompagne des Allemands réinstallés dans un double reportage Weg machen ! Et puis quoi encore ? (1984) et Go East - Neue Heimat Ost (1989). Après la chute du mur, Reinartz observe la réorientation de la société allemande. Avec une grande sensibilité, il crée des paires d'images de portraits et de prises de vue locales pour le reportage Was tun ? sur le chômage dans le Mecklembourg-Poméranie occidentale. Avec Deutschstunde bei Gauck (1996), le photographe documente l'administration Gauck comme lieu de destin.

Le culte d'Otto von Bismarck, qui recouvre encore aujourd'hui le pays sous forme de sculptures et de plaques, est abordé par Dirk Reinartz dans Bismarck. De la trahison des monuments (1991). La reprise en couleur suit avec Bismarck in America (2000), lorsqu'il fait le portrait de la localité du Dakota du Nord portant le nom du chancelier allemand comme une petite ville américaine typique. Enfin, la série d'œuvres la plus connue de Reinartz est totenstill (1994), une approche photographique des anciens camps de concentration nazis. Reinartz a photographié les lieux du génocide comme des architectures silencieuses et pourtant parlantes, comme des sites déserts qui, en tant que tels, évoquent l'absence douloureuse.

L'exposition sera accompagnée d'un diaporama autobiographique. En outre, les œuvres photographiques accrochées au mur sont commentées par des fac-similés des publications originales.

Dirk Reinartz (1947-2004) ha plasmato la fotografia di reportage e la documentazione fotografica in Germania come pochi prima o dopo di lui. Dalla sua vasta opera, Kein schöner Land... al f³ - freiraum für fotografie presenta una selezione di immagini provenienti dagli archivi della Fondazione F.C. Gundlach e della Deutsche Fotothek Dresden. La mostra si concentra in particolare sull'identità tedesca, con tutte le sue contraddizioni e i suoi ancoraggi storici, e sul suo riorientamento dopo il 1989, evidenziando le continuità storiche che portano fino al presente, soprattutto dopo le ultime elezioni statali nella Germania dell'Est.

Gran parte dell'opera fotografica di Dirk Reinartz è stata commissionata: con numerose pubblicazioni tra il 1971 e il 2004 su riviste e giornali come Stern, Merian, ZEITmagazin e art, nonché con la rappresentanza da parte dell'agenzia fotografica VISUM, le fotografie di Dirk Reinartz hanno avuto una portata oggi quasi inimmaginabile. A ciò si aggiungono i lavori seriali gratuiti, a partire dal progetto di libro Kein schöner Land (1978-1987), in cui Reinartz compilò un canto del cigno all'espressione visiva della mentalità tedesca del suo lavoro precedente. Prendendo in prestito la canzone popolare nello spirito del 1848, ironicamente rifratta per il libro e la serie da Reinartz, la mostra utilizza ancora una volta il titolo goffo e tuttavia azzeccato. Nessuno può fraintendere “in questo momento” come un elogio alla Germania.

Nel suo lavoro di una vita, Dirk Reinartz si occupa di stati mentali e sensibilità, sviluppi socio-politici e idiosincrasie culturali, in particolare alle interfacce tra i due Stati tedeschi, prima del 1989.

In un reportage per lo ZEITmagazin intitolato Besonderes Kennzeichen: Deutsch (1987), ad esempio, Reinartz intraprende un confronto fotografico tra professioni, mettendo a confronto un autista di autobus, un parrucchiere e un operaio specializzato rispettivamente di Jena e di Erlangen, tematizzando così la divisione tra Est e Ovest nelle sue dimensioni umane. Il reportage Das stille Ende (1983) racconta gli sviluppi di Schnackenburg come esempio della storia di un luogo che un tempo si trovava al centro della Germania e che ora sta appassendo in un punto cieco della Repubblica Federale: “tra Gorleben e il recinto automatico, il superconfine tedesco-tedesco, tra scorie nucleari e miniere”, come lo ha giustamente descritto il giornalista Wolfram Runkel. Con ampio spazio per le sfumature, Reinartz accompagna i reinsediati tedesco-tedeschi in un doppio reportage intitolato Weg machen! E poi? (1984) e Go East - Neue Heimat Ost (1989). Dopo il cambiamento politico, Reinartz osserva il riorientamento della società ormai interamente tedesca. Con grande empatia, crea coppie di ritratti e scatti sul posto per il reportage Was tun? sulla disoccupazione nel Mecklenburg-Vorpommern. In Deutschstunde bei Gauck (1996), il fotografo documenta l'ufficio di Gauck come luogo del destino.

Dirk Reinartz esplora il culto di Otto von Bismarck, che ancora oggi ricopre lo Stato sotto forma di sculture e targhe, in Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler (1991). La ripresa a colori segue con Bismarck in America (2000), in cui Reinartz ritrae la città del North Dakota intitolata al cancelliere tedesco come una tipica cittadina americana. Infine, la serie di opere più nota di Reinartz è totenstill (1994), un approccio fotografico agli ex campi di concentramento nazisti. Reinartz ha fotografato i luoghi del genocidio come architetture silenziose eppure parlanti, come luoghi deserti che come tali evocano il dolore dell'assenza.

La mostra sarà accompagnata da una proiezione di diapositive autobiografiche. Inoltre, le opere fotografiche a parete saranno accompagnate da facsimili delle pubblicazioni originali.

Dirk Reinartz (1947–2004) shaped reportage photography and photographic documentation in Germany like few before or after him. From his extensive oeuvre, Kein schöner Land... (No fairer Land...) at f³ – freiraum für fotografie presents a selection of images from the archive holdings of the F.C. Gundlach Foundation and the Deutsche Fotothek Dresden. This focuses specifically on German identity with all its contradictions and historical anchoring as well as its reorientation after 1989. Particularly after the last state elections in East Germany, the historical continuities that lead up to the here and now become clear.

A large part of Dirk Reinartz's photographic oeuvre was commissioned: with numerous publications in journals and magazines such as Stern, Merian, ZEITmagazin and art between 1971 and 2004, as well as representation by the VISUM photo agency, Dirk Reinartz's photographs had a reach that is almost unimaginable today. In addition, there were free serial works, beginning with the book project Kein schöner Land (No fairer Land, 1978–1987), in which Reinartz compiled a swan song to the visual expression of the German spirit from his previous work. Borrowed from the folk song in the spirit of 1848, ironically refracted for the book and series by Reinartz, the exhibition once again makes use of the awkward and yet apt title. No one can misunderstand it as a praise of the German nation “at this time”.

In his life's work, Dirk Reinartz deals with mental states and sensitivities, socio-political developments and cultural idiosyncrasies before 1989, particularly at the interfaces of the “Two Germanies”.

In a reportage for ZEITmagazin entitled Besonderes Kennzeichen: Deutsch (Special Feature: German, 1987), for example, Reinartz undertakes a photographic comparison of professions and contrasts a bus driver, a hairdresser and a skilled worker from Jena and Erlangen respectively, thus thematizing the division in East and West in its human dimensions. The reportage Das stille Ende (The silent End, 1983) tells of the developments in Schnackenburg as an example of the history of a place that once lay in the middle of Germany and is now withering away in a blind spot of the Federal Republic: “between Gorleben and the automatic fence of death, the German-German super border, between nuclear waste and mines”, as the journalist Wolfram Runkel aptly described it. With plenty of room for nuances, Reinartz accompanies German-German resettlers in a double reportage entitled Weg machen! Und was dann? (Getting away and then what?, 1984) and Go East – Neue Heimat Ost (New Home East, 1989). After the political change of 1989, Reinartz observes the reorientation of the now all-German society. With great empathy, he creates pairs of portraits and location shots for the reportage Was tun? (What to do?) on unemployment in Mecklenburg-Vorpommern. In Deutschstunde bei Gauck (German Lesson with Gauck, 1996), the photographer documents the Gauck office as a place of destiny.

Dirk Reinartz explores the cult of Otto von Bismarck, which still covers the country today in the form of sculptures and plaques, in Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler (Bismarck. On the Betrayal of Monuments, 1991). The reprise in color follows with Bismarck in America (2000), when he portrays the town in North Dakota named after the German chancellor as a typical American small town. Reinartz's best-known series of works is totenstill (Deathly Still, 1994), a photographic approach to the former National Socialist concentration camps. Reinartz photographed the sites of genocide as silent and yet speaking architectures, as deserted places that as such evoke the painfully absent.

The exhibition is accompanied by an autobiographical slide show. In addition, the photographic works on the wall will be accompanied by facsimiles of the original publications.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

Camera Austria | Graz
7. Dezember 2024 – 9. Februar 2025

Fotografie zerstören

Laurel Chokoago, Elisa Goldammer, Maik Gräf, Almut Hilf, Maximilian Koppernock, Mitko Mitkov, Sophie Pölzl, Claudia Rohrauer, Caspar Sänger, Jenny Schäfer, Janine Schranz, Wiebke Schwarzhans, Dirk Stewen, Daniela Zeilinger und einem Text von Mira Anneli Naß

Das Arbeiten mit oder in der Fotografie bewegt sich immer wieder im Spannungsfeld zwischen dem Anspruch technischer Perfektion und dem Versuch, aus der Blickrichtung, dem Viereck, dem Material auszubrechen. Dabei sind die destruktiven Eigenschaften der Fotografie nicht nur inhaltlicher oder formaler Natur, sondern auch die Voraussetzungen fotografischer Prozesse basieren vielfach auf extraktiven und ausbeuterischen Verfahren. Die von Maik Gräf und Jenny Schäfer initiierte Ausstellung Fotografie zerstören, die Anfang 2024 in einer früheren Version im Hamburger Künstler*innenhaus Frise gezeigt wurde, versammelt künstlerische Arbeiten, die sich mit der Dekonstruktion technischer Vorgänge, der Abstraktion fotografischen Materials wie auch mit neuen Perspektiven des Gegenstands, der Abbildung und der Position auseinandersetzen. Für Camera Austria wird die Ausstellung um drei in Österreich lebende und von Daniela Zeilinger eingeladene Künstlerinnen – Sophie Pölzl, Claudia Rohrauer und Janine Schranz – erweitert.

Le travail avec ou dans la photographie évolue toujours dans le champ de tension entre l'exigence de perfection technique et la tentative d'échapper à la direction du regard, au quadrilatère, au matériau. Dans ce contexte, les propriétés destructrices de la photographie ne sont pas seulement de nature formelle ou de contenu, mais les conditions préalables des processus photographiques reposent également souvent sur des procédés extractifs et d'exploitation. L'exposition Fotografie zerstören, initiée par Maik Gräf et Jenny Schäfer et présentée début 2024 dans une version antérieure à la Maison des artistes Frise de Hambourg, rassemble des travaux artistiques qui se penchent sur la déconstruction des processus techniques, l'abstraction du matériel photographique ainsi que sur de nouvelles perspectives de l'objet, de la représentation et de la position. Pour Camera Austria, l'exposition est élargie à trois artistes vivant en Autriche et invités par Daniela Zeilinger - Sophie Pölzl, Claudia Rohrauer et Janine Schranz.

Lavorare con o nella fotografia è sempre in bilico tra le esigenze di perfezione tecnica e il tentativo di uscire dalla linea di visione, dal quadrato, dal materiale. Le caratteristiche distruttive della fotografia non sono solo di natura contenutistica o formale, ma anche i prerequisiti dei processi fotografici sono spesso basati su procedure estrattive e di sfruttamento. La mostra Destroying Photography, promossa da Maik Gräf e Jenny Schäfer e presentata in una prima versione alla Künstler*innenhaus Frise di Amburgo all'inizio del 2024, riunisce opere artistiche che trattano la decostruzione dei processi tecnici, l'astrazione del materiale fotografico e nuove prospettive sull'oggetto, l'immagine e la posizione. Per Camera Austria, la mostra sarà ampliata con tre artiste residenti in Austria e invitate da Daniela Zeilinger: Sophie Pölzl, Claudia Rohrauer e Janine Schranz.

Working with or in photography is always a balancing act between the pursuit of technical perfection and the attempt to break out of the perspective, the square, the material. In this context, the destructive properties of photography are not only substantive or formal in nature; the very conditions of photographic processes are often based on extractive and exploitative methods. The exhibition Destroy Photography, initiated by Maik Gräf and Jenny Schäfer, brings together artistic works that deal with the deconstruction of technical processes, the abstraction of photographic material, and new perspectives on the subject, the image, and the position. For Camera Austria, the exhibition is extended to include three artists living in Austria who have been invited by Daniela Zeilinger: Sophie Pölzl, Claudia Rohrauer, and Janine Schranz.

(Text: Camera Austria, Graz)

Galerie Les filles du calvaire | Paris
7. Dezember 2024 – 22. Februar 2025

Dans tes brumes

Dirk Braeckman, Julie Calbert, Katrien de Blauwer, Antoine de Winter, Renée Lorie, Stéphanie Roland, Dries Segers, Lore Stessel, Laure Winants

Es ist eine Ausstellung, die von der Energie einer Stadt, vom Verschwinden und Vergessen, vom Auftauchen und vom Unerwarteten handelt. Es ist eine Ausstellung über die Wetterbedingungen des Verschwindens: ein weißer, von Nebelschwaden durchzogener Raum, in dem die Besucher das Verschwinden spielen und von der Welt träumen können, die ohne sie weitergeht. Während wir ständig aufgefordert werden, verfügbar zu sein, ist dies eine Ausstellung, die uns unverfügbar macht.

Es ist eine Ausstellung, in der auch die Künstler damit spielen, von ihren Werken abwesend zu sein, indem sie den Zufall und den Unfall in ihren Schaffensprozess einbeziehen. Es ist eine Ausstellung über die Grenze zwischen den Künsten, über Fotografien, die wie Malerei aussehen, und Gemälde, die fast wie Fotografie sind, Fotografien auf Stein, Fotografien ohne Kamera, Fotomontagen mit Scheren von Körpern, die aus Zeitschriften gestohlen wurden. Es ist eine Ausstellung, in der eine Million Jahre alte Luftblasen als Linsen verwendet werden, in der die Brennweite weit geöffnet wird, um das Licht hereinzulassen, bis es den Film verbrennt.

Es ist eine Ausstellung, die sich fragt, was wir von den Landschaften, die wir betrachtet haben, mitnehmen, was wir von den Gesten derer, die wir geliebt haben, behalten, was von der Welt in uns bleibt, wenn wir die Augen schließen. Angesichts der Dringlichkeit der Klimakrise ist dies eine Ausstellung, die unseren Wunsch nach einer genauen Reproduktion des Bildes hinterfragt, während wir nicht in der Lage sind, seine Quelle zu bewahren. Es ist eine Ausstellung, die uns mit dem Gespenst unseres eigenen Verschwindens konfrontiert.

Es ist eine Ausstellung, in der die Wissenschaft mit der Science-Fiction flirtet, die uns in die Tiefen der Ozeane und Gletscher führt, wo das Eis sagenhafte Farbabstufungen erzeugt, wo Postkarten durch die Wärme unserer Hände entstehen, wo wir Geisterinseln und Gemeinden besuchen, die so klein sind, dass die menschlichen Beziehungen wie mit einer Lupe vergrößert erscheinen.

Es ist eine Ausstellung, die Lagerraum freigibt, die den Besuchern Platz lässt, um die Werke zu empfangen, die die Sinneserfahrung für Gerüche und Geräusche öffnet, die Regenbögen, holographische Bilder und andere Trugbilder erscheinen lässt. Es ist eine Ausstellung, bei der das Wetter bewölkt ist und die Temperaturen leicht über den jahreszeitlichen Normalwerten liegen. Und erstens: In Brüssel regnet es nicht.

C’est une exposition qui parle de l’énergie d’une ville, de l’effacement et de l’oubli, du surgissement et de l’inattendu. C’est une exposition sur les conditions météorologiques de la disparition : un espace blanc, envahi par la brume, au sein duquel les visiteurs peuvent jouer à disparaître et rêver au monde qui continue sans eux. Alors que l’on nous somme perpétuellement d’être disponibles, c’est une exposition qui nous rend indisponibles.

C’est une exposition où les artistes jouent eux aussi à s’absenter de leurs oeuvres en intégrant dans leur processus de création le hasard et l’accident. C’est une exposition sur la frontière entre les arts, sur des photographies qui ressemblent à de la peinture et des peintures qui sont presque de la photographie, des photographies sur pierre, des photographies sans appareil, des photomontages aux ciseaux de corps volés dans des magazines. C’est une exposition où l’on utilise pour lentilles des bulles d’air vieilles d’un million d’années, où l’on ouvre grand la focale pour laisser entrer la lumière jusqu’à brûler le film.

C’est une exposition qui se demande ce que nous emportons des paysages que nous avons regardés, ce que nous gardons des gestes de celles et ceux que nous avons aimés, ce qui demeure en nous du monde quand nous fermons les yeux. Face à l’urgence de la crise climatique, c’est une exposition qui interroge notre désir de reproduire l’image avec exactitude en étant incapables de préserver sa source. C’est une exposition qui nous confronte au spectre de notre propre disparition.

C’est une exposition où la science flirte avec la science-fiction, qui nous plonge au cœur des océans et des glaciers, où la glace crée des dégradés de couleurs fabuleux, où des cartes postales apparaissent à la chaleur de nos mains, où l’on visite des îles fantômes et des communautés si petites que les relations humaines y semblent grossies à la loupe.

C’est une exposition qui libère l’espace de stockage, qui laisse la place aux visiteurs pour recevoir les oeuvres, qui ouvre l’expérience sensorielle aux odeurs et aux sons, qui fait apparaître des arcs-en-ciel, des images holographiques et autres mirages. C’est une exposition où le temps est nuageux et les températures légèrement au-dessus des normales saisonnières. Et d’abord, à Bruxelles, il ne pleut pas.

È una mostra sull'energia di una città, sulla cancellazione e sull'oblio, sull'inatteso e sull'emergente. È una mostra sulle condizioni meteorologiche della scomparsa: uno spazio bianco, invaso dalla nebbia, in cui i visitatori possono giocare a scomparire e sognare il mondo che va avanti senza di loro. In un'epoca in cui ci viene costantemente detto di essere disponibili, questa è una mostra che ci rende indisponibili.

È una mostra in cui gli artisti stessi giocano ad essere assenti dal loro lavoro, incorporando il caso e l'incidente nel loro processo creativo. È una mostra sul confine tra le arti, su fotografie che sembrano dipinti e dipinti che sono quasi fotografie, fotografie su pietra, fotografie senza macchine fotografiche, fotomontaggi fatti con le forbici di corpi rubati dalle riviste. È una mostra in cui bolle d'aria vecchie di milioni di anni vengono usate come lenti, in cui la lunghezza focale viene spalancata per far entrare la luce fino a bruciare la pellicola.

È una mostra che ci chiede cosa portiamo con noi dai paesaggi che abbiamo visto, cosa conserviamo dei gesti di coloro che abbiamo amato e cosa rimane del mondo quando chiudiamo gli occhi. Di fronte all'urgenza della crisi climatica, questa mostra mette in discussione il nostro desiderio di riprodurre accuratamente l'immagine senza poterne preservare la fonte. È una mostra che ci mette di fronte allo spettro della nostra scomparsa.

È una mostra in cui la scienza flirta con la fantascienza, in cui siamo immersi nel cuore degli oceani e dei ghiacciai, in cui il ghiaccio crea favolose gradazioni di colore, in cui le cartoline appaiono nel calore delle nostre mani, in cui visitiamo isole fantasma e comunità così piccole che le relazioni umane sembrano amplificate.

È una mostra che libera spazi di stoccaggio, che lascia spazio ai visitatori per ricevere le opere, che apre l'esperienza sensoriale a odori e suoni, che evoca arcobaleni, immagini olografiche e altri miraggi. È una mostra in cui il tempo è nuvoloso e le temperature leggermente superiori alla norma stagionale. Prima di tutto, a Bruxelles non piove.

It's an exhibition that speaks of the energy of a city, of erasure and oblivion, of emergence and the unexpected. It's an exhibition about the meteorological conditions of disappearance: a white space, invaded by mist, in which visitors can play at disappearing and dream of the world that goes on without them. At a time when we're constantly told to be available, this is an exhibition that makes us unavailable.

It's an exhibition in which the artists themselves play at being absent from their work, integrating chance and accident into their creative process. It's an exhibition about the boundary between the arts, about photographs that look like paintings and paintings that are almost photography, photographs on stone, photographs without cameras, photomontages made with scissors of bodies stolen from magazines. It's an exhibition where million-year-old air bubbles are used as lenses, where the focal length is opened wide to let in light until the film burns.

It's an exhibition that asks what we take with us from the landscapes we've seen, what we retain from the gestures of those we've loved, what remains in us of the world when we close our eyes. Faced with the urgency of the climate crisis, this is an exhibition that questions our desire to reproduce the image exactly, while being unable to preserve its source. It's an exhibition that confronts us with the spectre of our own disappearance.

It's an exhibition where science flirts with science fiction, plunging us into the heart of oceans and glaciers, where ice creates fabulous gradations of color, where postcards appear in the warmth of our hands, where we visit ghost islands and communities so small that human relationships seem magnified.

It's an exhibition that frees up storage space, that leaves room for visitors to receive the works, that opens up the sensory experience to smells and sounds, that conjures up rainbows, holographic images and other mirages. It's an exhibition where the weather is cloudy and temperatures slightly above seasonal norms. First of all, it doesn't rain in Brussels.

(Text: Lise Bruyneel et Simon Hatab)