Friart | Fribourg
21. Dezember 2024 – 2. März 2025

Sauvages
Laurence Kubski

Enquête photographique fribourgeoise

Ob überwacht, kontrolliert, beobachtet, gezählt, gejagt oder geschützt – die Tierwelt steht unter menschlichem Zwang. Mehrere Monate lang hat die Fotografin Laurence Kubski in der Schweiz die Zählung von Fledermäusen in der Nähe von Höhlen verfolgt, aber auch die Beringung von Zugvögeln oder den morgendlichen Drohnenflug über Wiesen, mit dem die von ihren Müttern versteckten Rehkitze an Mähtagen aufgespürt warden sollen... Indem sie dokumentarische Bilder und Inszenierungen geschickt verknüpft, stellt Laurence Kubski die Frage: Gibt es das Wilde noch?

Die 14. Ausgabe der Fotografischen Ermittlung zum Thema Freiburg ist ein Preisausschreiben des Amtes für Kultur des Staates Freiburg.

Monitorée, maîtrisée, épiée, comptabilisée, chassée ou protégée, la faune est sous contrainte humaine. Durant des mois, en Suisse, la photographe Laurence Kubski a suivi le baguage des oiseaux pendant leur migration, le recensement de chauves-souris aux abords de grottes, le survol des prés par des drones les matins des jours de fauche dans le but de repérer des faons cachés par leurs mères… En mêlant habilement images documentaires et mises en scène, Laurence Kubski s’interroge: le sauvage existe-t-il encore ?

La 14e édition de l’Enquête photographique fribourgeoise est un concours du Service de la culture de l’État de Fribourg.

Monitorata, controllata, osservata, contata, cacciata o protetta, la fauna selvatica è sottoposta alla pressione dell'uomo. Per diversi mesi, la fotografa Laurence Kubski ha seguito il conteggio dei pipistrelli nei pressi delle grotte in Svizzera, ma anche l'inanellamento degli uccelli migratori o il volo mattutino dei droni sui prati per rintracciare i cerbiatti nascosti dalle madri nei giorni di sfalcio... Combinando sapientemente immagini documentaristiche e scene messe in scena, Laurence Kubski pone la domanda: la natura selvaggia esiste ancora?

La 14a edizione dell'Indagine fotografica sul tema di Friburgo è un concorso organizzato dall'Ufficio della cultura dello Stato di Friburgo.

Monitored, controlled, observed, counted, hunted or protected, wildlife is under human pressure. Over several months in Switzerland, photographer Laurence Kubski witnessed bats being counted in the vicinity of caves, birds being ringed during their migration, drones flying over meadows on mowing days in order to spot fawns hidden by their mothers... By skillfully interweaving documentary images and staged scenes, Kubski asks: Does the wild still exist?

The 14th edition of the Fribourg photographic survey is a competition Service de la culture de l’État de Fribourg.

(Text: Friart, Fribourg)

L’Appartement | Vevey
27. November 2024 – 16. März 2025

Session 10
Sara de Brito Faustino, Debi Cornwall, Christian Patterson, Alberto Vieceli

Sara De Brito Faustino, Gewinnerin des Prix Images Vevey × ECAL 2023, rekonstruiert das Innere der Wohnung, in der sie aufgewachsen ist. Indem sie das vorhandene Mobiliar von L'Appartement umgestaltet und Gegenstände aus ihrem Alltag integriert, schafft sie eine intime und theatralische mise en abyme.

Christian Patterson zeigt in einer Reihe von Fotografien, die er über einen Zeitraum von 20 Jahren aufgenommen hat, das Innere eines bankrotten Familienladens im Süden der USA, in dem Lebensmittel, Funktionsartikel und Haushaltsgegenstände durcheinander in den Regalen verkauft wurden.

Alberto Vieceli sammelt für dieses Projekt über 300 Schallplattenhüllen, auf denen Künstler und Tiere, Haustiere und Wildtiere, Seite an Seite posieren. Diese erstaunlichen Porträts werden inmitten einer Installation präsentiert, die den besonderen Platz dieses Vintage-Objekts par excellence in unseren Haushalten aufzeigt.

Debi Cornwall greift Hollywood-Streifen und B-Movies der letzten 50 Jahre auf, die man sich zu Hause im Fernsehen ansieht. Sie kombiniert sie in einem experimentellen Kurzfilm, der eine andere Sicht auf die USA vermittelt und im Heimkino von L'Appartement gezeigt wird.

Lauréate du Prix Images Vevey × ECAL 2023, Sara De Brito Faustino reconstitue l’intérieur de l'appartement dans lequel elle a grandi. En transformant le mobilier existant de L'Appartement et en y intégrant des objets de son quotidien, elle crée une mise en abyme intime et théâtrale.

À travers une série de photographies prises pendant vingt ans, Christian Patterson dévoile l'intérieur d'une épicerie familiale du Sud des États-Unis qui a fait faillite, dans laquelle étaient vendus pêle-mêle sur les rayons produits alimentaires, articles fonctionnels et objets domestiques.

Alberto Vieceli collectionne pour ce projet plus de 300 pochettes de vinyles sur lesquelles posent côte à côte des artistes et des animaux, domestiques ou sauvages. Ces étonnants portraits sont présentés au cœur d'une installation qui révèle la place particulière dans nos foyers de cet objet vintage par excellence.

Debi Cornwall revisite les fictions hollywoodiennes et les films de série B des cinquante dernières années que l'on regarde chez soi, à la télévision. Elle les combine dans un court-métrage expérimental qui propose une autre vision des États-Unis, présenté dans le home cinema de L'Appartement.

Vincitrice del Prix Images Vevey × ECAL 2023, Sara De Brito Faustino ricostruisce gli interni dell'appartamento in cui è cresciuta. Trasformando i mobili esistenti de L'Appartement e integrando oggetti della sua vita quotidiana, crea una mise en abyme intima e teatrale.

Attraverso una serie di fotografie scattate nell'arco di vent'anni, Christian Patterson rivela l'interno di un negozio di alimentari di una famiglia in bancarotta nel sud degli Stati Uniti, dove generi alimentari, articoli funzionali e oggetti per la casa venivano venduti accatastati sugli scaffali.

Per questo progetto, Alberto Vieceli ha raccolto oltre 300 copertine di vinile su cui posano fianco a fianco artisti e animali, sia domestici che selvatici. Questi sorprendenti ritratti sono presentati al centro di un'installazione che rivela il posto speciale che occupa nelle nostre case questo oggetto vintage per eccellenza.

Debi Cornwall rivisita i drammi hollywoodiani e i film di serie B degli ultimi cinquant'anni che guardiamo a casa in televisione. Li combina in un cortometraggio sperimentale che offre una visione diversa degli Stati Uniti, presentati nell'home cinema de L'Appartement.

Winner of the Prix Images Vevey × ECAL 2023, Sara De Brito Faustino reconstructs the interior of the apartment in which she grew up. By transforming L'Appartement's existing furniture and integrating objects from her daily life, she creates an intimate, theatrical mise en abyme.

Through a series of photographs taken over a period of twenty years, Christian Patterson reveals the interior of a bankrupt family grocery store in the American South, where foodstuffs, functional items and household objects were sold jumbled together on the shelves.

For this project, Alberto Vieceli collected over three hundred vinyl sleeves featuring artists and animals, both domestic and wild, posing side by side. These astonishing portraits are presented at the heart of an installation that reveals the special place in our homes of this quintessential vintage object.

Debi Cornwall revisits the Hollywood fictions and B-movies of the last fifty years that we watch at home on television. She combines them in an experimental short film that offers a different vision of the United States, presented in L'Appartement's home cinema.

(Text: L’Appartement, Vevey)

Galerie - Librairie FOCALE | Nyon
14. November – 22. Dezember 2024

Baume
Loris Theurillat

Die Arbeit „Baume“ des Fotografen Loris Theurillat wurde von der Jury aufgrund ihrer Richtigkeit und bemerkenswerten Qualität einstimmig ausgewählt und ist der Gewinner des Prix Focale - Ville de Nyon 2024.

„An jenem Tag hast du mir ein paar Erinnerungsfetzen erzählt, bevor dein Gedächtnis müde wurde. Dann hast du, ohne mich anzusehen, gesagt: „Ich bin ein Wrack“. In diesem Moment, als du noch selbstständig zu Hause lebtest, wurde dir die Last deiner Unabhängigkeit bewusst.

Drei Monate später hast du dein Haus, dein Zimmer, deine Küche, deinen Garten, dein Dorf verlassen, um vier Ortschaften weiter in ein Pflegeheim zu ziehen.

„Baume“ ist ein intimer Blick auf den Verlust eines geliebten Menschen. Die Angst vor dem Verschwinden macht den fotografischen Akt zu einem Mittel, um einen Fingerabdruck zu erstellen, aber auch, um mit der Trauer umzugehen. In dieser Arbeit hinterfragt der Fotograf die Beziehungen, die wir zum Tod und zum Vergessen unterhalten, rohe Realitäten, die oft beiseite geschoben werden, und lädt uns zur Genese einer anderen Form der Existenz ein.

Choisi à l’unanimité par le jury pour sa justesse et sa qualité remarquable, le travail « Baume » du photographe Loris Theurillat est lauréat du Prix Focale – Ville de Nyon 2024.

« Ce jour-là, tu me racontais quelques bribes de souvenirs avant que ta mémoire fatigue. Puis, sans me regarder, tu as dit : « Je suis une épave ». À cet instant, alors que tu vivais encore chez toi de façon autonome, tu as pris conscience du poids de ton indépendance.

Trois mois plus tard, tu as quitté ta maison, ta chambre, ta cuisine, ton jardin, ton village, pour partir vivre dans une résidence médicalisée, quatre agglomérations plus loin ».

« Baume » pose un regard intime sur la perte d’un être cher. Habité par la peur de la disparition, l’acte photographique devient un moyen de construire une empreinte, mais également d’affronter le deuil. Dans ce travail, le photographe interroge les rapports que nous entretenons avec la mort et l’oubli, des réalités crues souvent écartées, et nous invite à la genèse d’une autre forme d’existence.

Scelta all'unanimità dalla giuria per l'accuratezza e la notevole qualità, l'opera “Baume” del fotografo Loris Theurillat è la vincitrice del Prix Focale - Ville de Nyon 2024.

“Quel giorno mi stavi raccontando qualche frammento di ricordi prima che la tua memoria si affaticasse. Poi, senza guardarmi, hai detto: 'Sono un disastro'. In quel momento, mentre vivevi ancora autonomamente a casa, ti sei reso conto del peso della tua indipendenza.

Tre mesi dopo, hai lasciato la tua casa, la tua camera da letto, la tua cucina, il tuo giardino, il tuo villaggio, per andare a vivere in una casa di riposo a quattro città di distanza.

“Baume” guarda in modo intimo alla perdita di una persona cara. Abitato dalla paura della scomparsa, l'atto fotografico diventa un mezzo per costruire un'impronta, ma anche per affrontare il lutto. In questo lavoro, il fotografo si interroga sul nostro rapporto con la morte e l'oblio, realtà crude spesso ignorate, e ci invita alla genesi di un'altra forma di esistenza.

Unanimously chosen by the jury for its accuracy and remarkable quality, photographer Loris Theurillat's work “Baume” is the winner of the Prix Focale - Ville de Nyon 2024.

“That day, you told me a few snippets of memories before your memory tired. Then, without looking at me, you said, 'I'm a wreck. At that moment, while you were still living independently at home, you realized the weight of your independence.

Three months later, you left your house, your bedroom, your kitchen, your garden, your village, to go and live in a nursing home four towns away.

“Baume” takes an intimate look at the loss of a loved one. Inhabited by the fear of disappearance, the photographic act becomes a means of constructing an imprint, but also of coping with grief. In this work, the photographer questions our relationship with death and oblivion, raw realities often dismissed, and invites us to the genesis of another form of existence.

(Text: Galerie - Librairie FOCALE | Nyon)

Photo Elysée | Lausanne
24. Oktober 2024 – 23. Februar 2025

Water is coming
Maya Rochat

In dem eigens für das Museum konzipierten Projekt hat die Schweizer Künstlerin vor allem Filmaufnahmen auf und unter Wasser gedreht, die sie zunächst in Video-Montagen überarbeitet und anschliessend projiziert und mit auf Leinwand, Tapete o. Ä. gedruckten Bildern überlagert hat.

So konfrontiert sie beispielsweise die gewaltige Dynamik von Wellen mit Kunststoffgewächsen in einem Aquarium, in dem der Wasserpegel allmählich ansteigt. Diese Spannung zwischen Schönheit und der Angst, die mit der wachsenden Zerstörung unseres Planeten einhergeht, bildet eine Konstante in Maya Rochats Werk.

Seit vielen Jahren arbeitet die Künstlerin mit einer Vielzahl von experimentellen Trägermedien. In ihrem multimedialen Werk wird das Bild zu einem Wandfresko, einem Leuchtkasten, einem bedruckten Teppich, einer gewebten Decke … Ihr künstlerischer Ansatz ist ein Spiel mit Materialität, mit Massstäben, mit Farben und Transparenz. Auf diese Weise verändert sie auch die Art, in der wir die Dinge betrachten und schenkt uns ein Erlebnis des Lebensraums Wasser an den Grenzen unserer Realität.

Durch die Unterlegung ihrer Bilder mit den musikalischen Klängen des Künstlers Blackout erschafft Maya Rochat eine Atmosphäre, die uns in eine Art Schwebezustand zu versetzen scheint. Water is coming wird zur Metapher unseres Erlebens der Welt. Wir sind eingeladen, uns die Zeit zu nehmen, inmitten dieses facettenreichen Raumes, in dem das Lebendige eine Metamorphose durchläuft und sublimiert wird, innezuhalten und uns unseren Gedanken und Empfindungen zu überlassen.

Im Aufeinandertreffen des Natürlichen auf das Künstliche entsteht ein Paradoxon, und hinter der vermeintlichen und von Melancholie erfüllten Ruhe verbirgt sich eine visuelle Reizüberflutung, der die Künstlerin uns aussetzt. Über diesen Umweg lädt Maya Rochat uns dazu ein, uns wieder mit den Energien zu verbinden, aus denen wir gemacht sind, und regt uns gleichzeitig dazu an, über die Zukunft unserer Ökosysteme und unseren Einfluss auf die Umwelt nachzudenken.

Dans ce projet spécialement conçu pour Photo Elysée, l’artiste suisse a notamment filmé des images sur et sous l’eau, qu’elle a ensuite retravaillées dans des montages vidéo, puis projetées et superposées à des images imprimées (toiles, papier peint…). Elle vient par exemple confronter l’immensité des vagues à des végétaux en plastiques dans un aquarium où l’eau monte progressivement. Cette tension entre la beauté et l’angoisse liée à la dégradation croissante de notre planète est une constante dans le travail de Maya Rochat.

Depuis de nombreuses années, son œuvre se déploie sur de multiples supports expérimentaux où l’image devient une fresque murale, un cadre lumineux polarisant, une moquette imprimée, une couverture tissée... Dans sa démarche artistique, Maya Rochat joue sur la matérialité, les rapports d’échelle, les couleurs ou encore la transparence. Elle change ainsi notre manière de regarder et nous offre une expérience du milieu aquatique en marge de notre réalité.

En associant ses images au travail sonore du musicien Blackout, Maya Rochat nous immerge dans une ambiance flottante. Water Is Coming devient une métaphore de notre expérience du monde, et nous invite à prendre le temps, à contempler et à méditer au cœur de cet espace aux multiples facettes, où le vivant est métamorphosé et sublimé. Par ce biais, l'artiste nous invite à réfléchir à l'avenir de l'eau, et souhaite nous reconnecter à cet élément précieux qui nous constitue.

In questo progetto, concepito specialmente per Photo Elysée, l’artista svizzera ha filmato immagini sopra e sott’acqua, per poi rielaborarle in montaggi video e quindi proiettarle e sovrapporle su immagini stampate (tele, carta da parati, …). Ha ad esempio messo a confronto l’immensità delle onde con le piante di plastica di un acquario in cui l’acqua sale gradualmente. La tensione fra la bellezza e l’angoscia legata al crescente degrado del nostro pianeta è un elemento costante nei lavori di Maya Rochat.

Da numerosi anni la sua opera si avvale di un’ampia gamma di supporti sperimentali, in cui l’immagine diventa un murale, una cornice luminosa polarizzante, una moquette stampata, una coperta tessuta e così via. Nel suo lavoro artistico, Maya Rochat gioca con la materialità, i rapporti di scala, i colori ma anche la trasparenza. Ne risulta un cambiamento del nostro modo di guardare e ci offre un’esperienza del mondo acquatico ai margini della nostra realtà.

Associando le sue immagini al lavoro sonoro del musicista Blackout, Maya Rochat ci immerge in un’atmosfera aleggiante. Water is coming diventa una metafora della nostra esperienza del mondo. Ci invita a prenderci del tempo, a contemplare e a meditare al centro di questo spazio multiforme, dove il vivo viene trasformato e sublimato.

Paradossalmente, il naturale incontra l’artificiale, e dietro all’apparente calma, intrisa di malinconia, l’artista ci mette in uno stato di iperstimolazione visiva. In questo modo ci propone di ricollegarci alle energie che ci rendono ciò che siamo, incoraggiandoci a riflettere sul futuro dei nostri ecosistemi e sul nostro impatto sull’ambiente.

The result is Water Is Coming, a complex, immersive installation – designed specifically for Photo Elysée – that draws us into a world of contrasts between the immensity of the waves and the artificial space of an aquarium where the water level slowly rises. This tension between the beauty of nature and climate anxiety is an ever-present theme in Rochat’s work.

Water Is Coming is a holistic, dreamlike experience that exists on the fringes of our reality. Inspired by the work of Masaru Emoto, who argued that human consciousness could affect the molecular structure of water, it features montages of footage filmed on and under water that are projected side by side and superimposed onto images printed on canvas and wallpaper.

Rochat has a long tradition of experimenting with media such as murals, polarized-film lightboxes, printed carpets and woven blankets. Through her artistic practice – which focuses on the materiality of images, relationships of scale, colors and transparency – the artist draws our gaze toward details in our environment such as the reflection of light, the shimmering effect produced by water or, indeed, the artifice of plastic plants.

Rochat’s images are set against a soundscape by the artist Blackout, creating a sense of weightlessness. This multifaceted space, where the living world is transformed and sublimated, calls on us to step back and reflect on our experience of the world around us. In this way, Rochat's art invites us to think about the future of water and to reconnect with this life-giving element that is a fundamental part of us.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

standard/deluxe | Lausanne
13. September – 6. Oktober 2024

UPON ONDA
Yvan Alvarez, Dylan Hausthor

Die Idee, die jüngsten Arbeiten des Genfer Künstlers Yvan Alvarez und des amerikanischen Fotografen Dylan Hausthor zusammenzubringen, entspringt eher einer Intuition, dem Wunsch, den Dialog zwischen ihnen zu entdecken und zu prüfen, ob die vermuteten Affinitäten zwischen ihren Vorgehensweisen sich verwirklichen lassen, als einer starren Zusammenstellung, die von einem feststehenden Thema oder einer Ästhetik geleitet wird.

Was sie zusammenbringt, scheint auf den ersten Blick sehr dünn zu sein. Natürlich ist es die Fotografie, ein Medium, das im Mittelpunkt ihrer jeweiligen Praxis steht und zu dem beide trotz ihrer häufigen Ausflüge in andere Ausdrucksformen, vom Text bis zur Installation und vom Video bis zur Skulptur, unermüdlich zurückzukehren scheinen. Es gibt auch einige Motive, wie ein verunglücktes Auto und Satellitenschüsseln, deren Wiederholung jedoch zufällig sein könnte.

Aber es gibt auch eine Art Widerwillen, zu viel zu sagen, sich zu deutlich in ein Thema oder einen Ansatz einschreiben zu lassen und die Bedeutung ihrer Werke zu verfestigen. Vielleicht eine Form des Rückzugs, eine Tendenz, einen Schritt zur Seite zu machen, wenn die Dinge zu klar werden. Der Wunsch nach einer fließenden Bedeutung, einem flinken Wechsel zwischen den Medien und Bildregimen. Sehr bewusste und präzise Entscheidungen, die jedoch absichtlich einen Eindruck von Leichtigkeit vermitteln und fast andeuten, dass jedes Werk im Grunde genommen vor allem das Ergebnis eines glücklichen Zufalls sein könnte.

Schließlich scheinen beide eine Vorliebe dafür zu haben, mit dem zu arbeiten, was vor ihnen liegt, um die auf der Straße gefundenen Trümmer oder die im Wald überraschten Tiere zu fotografieren. Beide Künstler arbeiten mit einer ausgeprägten Ökonomie der Mittel und legen den Schwerpunkt auf das Gefundene, dessen Status unsicher und vergänglich ist - und das daher noch alle Möglichkeiten in sich birgt. Es ist auch eine Art, auszuweichen, nur indirekt über sich selbst zu sprechen, Fiktion zu suggerieren, wenn es vor allem um eine intime Beziehung zur Welt geht.

Sie in einer Ausstellung zusammenzubringen, ermöglicht es uns, ohne ihre Arbeiten künstlich zu vermischen, flexible Übergänge zwischen ihren beiden Welten zu finden, wobei jeder die gemeinsamen Merkmale des anderen hervorhebt, die sich nicht auf den ersten Blick offenbaren.

L’idée de réunir des travaux récents de l’artiste genevois Yvan Alvarez et du photographe américain Dylan Hausthor relève plus d’une intuition, d’une envie de découvrir le dialogue qui pourrait s’instaurer entre eux, de vérifier si les affinités pressenties de leurs démarches pouvaient se réaliser, que d’un assemblage rigide et guidé par une thématique ou une esthétique fermement établie.

Ce qui les réunit apparaît au premier abord ténu. Il y a bien sûr la photographie, un médium au cœur de leurs pratiques respectives, auquel ils semblent tous deux revenir inlassablement malgré leurs incursions fréquentes dans d’autres formes d’expression, du texte à l’installation, et de la vidéo à la sculpture. Quelques motifs aussi, une voiture accidentée et des antennes paraboliques, mais dont la récurrence pourrait être fortuite.

Mais l’on trouve aussi chez eux une forme de réticence, à en dire trop, à se laisser inscrire trop clairement dans un propos ou une démarche, et à solidifier le sens de leurs œuvres. Une forme de retrait, peut-être, une tendance à faire un pas de côté lorsque les choses deviennent trop limpides. L’envie d’une fluidité de sens, d’un passage agile entre les médiums et les régimes d’images. Des choix très délibérés et précis, mais donnant volontairement une impression de légèreté, laissant presque sous-entendre que chaque œuvre pourrait être, au fond, surtout le fruit d’un hasard auspicieux.

Enfin, tous deux semblent partager un attachement à travailler avec ce qui se trouve devant eux, à saisir par la photographie des débris dénichés dans la rue ou des animaux surpris dans la forêt. Les deux artistes opèrent dans une économie de moyens affirmée, faisant la part belle à ce qui est trouvé, ce dont le statut est incertain et transitoire – et qui donc contient encore tous les possibles. Une manière aussi d’esquiver, de ne parler qu’indirectement de soi, de suggérer la fiction lorsqu’il est surtout question d’un rapport intime au monde.

Les réunir dans une exposition nous permet, sans amalgamer artificiellement leurs travaux, de trouver des passages souples entre leurs deux univers, chacun faisant saillir chez l’autre les caractéristiques communes qui tendent à ne pas se révéler au premier regard.

L'idea di riunire le opere recenti dell'artista ginevrino Yvan Alvarez e del fotografo americano Dylan Hausthor è stata più intuitiva di un assemblaggio rigido guidato da un tema o da un'estetica ben definiti. È stata più una questione di intuizione, di scoprire il dialogo che si sarebbe potuto sviluppare tra loro, di vedere se le affinità che hanno percepito tra i loro approcci potevano essere realizzate.

Ciò che li unisce sembra tenue a prima vista. C'è, naturalmente, la fotografia, un mezzo al centro delle loro rispettive pratiche, a cui entrambi sembrano tornare instancabilmente nonostante le loro frequenti incursioni in altre forme di espressione, dal testo all'installazione, dal video alla scultura. Ci sono anche alcuni motivi - un'auto incidentata e delle antenne paraboliche - la cui ricorrenza potrebbe essere fortuita.

Ma c'è anche una riluttanza da parte loro a dire troppo, a lasciarsi iscrivere troppo chiaramente in un soggetto o in un approccio, e a solidificare il significato delle loro opere. Una forma di ritiro, forse, una tendenza a farsi da parte quando le cose diventano troppo chiare. Un desiderio di fluidità di significato, un passaggio agile tra i media e i regimi di immagine. Le loro scelte sono molto deliberate e precise, ma danno volutamente un'impressione di leggerezza, quasi implicando che ogni opera potrebbe essere, in fondo, il frutto di un caso propizio.

Infine, entrambi sembrano condividere un attaccamento a lavorare con ciò che si trovano davanti, catturando nelle fotografie detriti raccolti per strada o animali sorpresi nella foresta. Entrambi gli artisti operano con un'assertiva economia di mezzi, dando un posto d'onore a ciò che viene trovato, a ciò che ha uno status incerto e transitorio - e che quindi contiene ancora tutte le possibilità. È anche un modo per eludere la questione, per parlare solo indirettamente di se stessi, per suggerire una finzione quando si tratta soprattutto di una relazione intima con il mondo.

Riunirli in una mostra ci permette, senza amalgamare artificialmente i loro lavori, di trovare passaggi flessibili tra i loro due universi, ognuno dei quali fa emergere nell'altro caratteristiche comuni che tendono a non essere rivelate a prima vista.

The idea of bringing together recent works by Geneva-based artist Yvan Alvarez and American photographer Dylan Hausthor was more intuitive - a desire to discover the dialogue that might emerge between them, to see if the affinities sensed in their approaches could be realized - than a rigid assembly guided by a firmly established theme or aesthetic.

What unites them appears tenuous at first glance. There is, of course, photography, a medium at the heart of their respective practices, to which they both seem to return tirelessly despite their frequent forays into other forms of expression, from text to installation, and from video to sculpture. There are also a few motifs - a wrecked car and satellite dishes - whose recurrence could be fortuitous.

But there's also a reluctance on their part to say too much, to allow themselves to be too clearly inscribed in a purpose or approach, and to solidify the meaning of their works. A form of withdrawal, perhaps, a tendency to step aside when things become too clear-cut. A desire for fluidity of meaning, a nimble passage between mediums and image regimes. Their choices are deliberate and precise, yet deliberately light-hearted, almost implying that each work may be the fruit of auspicious chance.

Finally, both seem to share an attachment to working with what's in front of them, capturing through photography debris picked up in the street or animals surprised in the forest. Both artists operate with an assertive economy of means, giving pride of place to what is found, to that which has an uncertain and transitory status - and which therefore still contains all possibilities. It's also a way of dodging, of speaking only indirectly of the self, of suggesting fiction when it's above all a question of an intimate relationship with the world.

Bringing them together in an exhibition allows us, without artificially amalgamating their work, to find flexible passages between their two universes, each bringing out in the other common characteristics that tend not to reveal themselves at first glance.

(Text: Danaé Panchaud)

Musée suisse de l’appareil photographique | Vevey
7. September 2024 - 19. Januar 2025

Philippe Halsman - A Photographer’s Life
Henry Leutwyler

1979 entdeckte der 17-jährige Henry Leutwyler die Arbeit von Philippe Halsman im International Center of Photography (ICP) in New York, einen Monat nach dem Tod dieser wichtigen Figur der Fotografie des 20. Jahrhunderts. Achtunddreißig Jahre später, im Jahr 2017, taucht Leutwyler tief in Halsmans Archiv ein, zu dem er durch ein Treffen mit Philippe Halsmans Tochter Irene einige Jahre zuvor Zugang erhalten hatte. Er verbrachte mehrere Monate damit, seine unzähligen persönlichen Dinge in Szene zu setzen, um anhand der Objekte eine Biografie des berühmten Fotografen zu erschaffen. Daraus entstand das unveröffentlichte Projekt Philippe Halsman. A Photographer's Life, das in Zusammenarbeit mit "The Halsman Archive" entstand und in eine Installation umgesetzt wurde, die im Rahmen der Biennale Images Vevey 2024 präsentiert wurde. Eine Brille, Stative, verschiedene Pässe, Reiseseifen: Die fotografierten Objekte zeugen von der produktiven Karriere eines der einflussreichsten Künstler seiner Generation und Autor von 101 Titelseiten des LIFE-Magazins. Die Bilderserie offenbart auch Halsmans fast zwanghafte Praxis, alles aufzubewahren. Indem er einen Fotografen durch seine Objekte porträtiert, erweist Leutwyler dem von ihm bewunderten Künstler und der Geschichte der Fotografie eine einzigartige Hommage und erinnert gleichzeitig an die Ära der analogen Bilder im Zeitalter der digitalen Medien.

Kuratiert von: Stefano Stoll und Images Vevey, in einem originellen Bühnenbild von Images Vevey und dem Künstler.

In Zusammenarbeit mit The Halsman Archive

Eine Produktion von Images Vevey in Zusammenarbeit mit dem Schweizerischen Kameramuseum

En 1979, Henry Leutwyler découvre à 17 ans le travail de Philippe Halsman à l’International Center of Photography (ICP) à New York, un mois après le décès de cette figure majeure de la photographie du XXe siècle. Trente-huit ans plus tard, en 2017, Leutwyler plonge au coeur des archives d’Halsman, auxquelles il a eu accès grâce à une rencontre avec la fille de Philippe Halsman, Irene, quelques années auparavant. Il passe plusieurs mois à mettre en scène ses innombrables affaires personnelles pour créer une biographie du célèbre photographe au travers de ses objets. En ressort le projet inédit Philippe Halsman. A Photographer’s Life, réalisé en collaboration avec « The Halsman Archive » et décliné en une installation présentée dans le cadre de la Biennale Images Vevey 2024. Une paire de lunettes, des trépieds, divers passeports, des savonnettes de voyage : les objets photographiés témoignent de la carrière prolifique de l’un des artistes les plus influents de sa génération et auteur de 101 couvertures du magazine LIFE. Cette série d’images révèle aussi la pratique presque obsessionnelle d’Halsman à tout conserver. En réalisant le portrait d’un photographe à travers ses objets, Leutwyler rend un hommage unique à cet artiste qu’il admire et à l’histoire de la photographie, tout en évoquant l’époque de l’image argentique à l’ère du tout numérique.

Commissariat : Stefano Stoll et Images Vevey, dans une scénographie originale de Images Vevey et de l’artiste

En collaboration avec The Halsman Archive

Une production de Images Vevey avec la collaboration du Musée suisse de l’appareil photographique

Nel 1979, il diciassettenne Henry Leutwyler scoprì il lavoro di Philippe Halsman all'International Centre of Photography (ICP) di New York, un mese dopo la morte di questa importante figura della fotografia del XX secolo. Trentotto anni dopo, nel 2017, Leutwyler scava in profondità nell'archivio di Halsman, al quale aveva avuto accesso grazie ad un incontro con la figlia di Philippe Halsman, Irene, qualche anno prima. Ha trascorso diversi mesi a mettere in scena i suoi innumerevoli effetti personali per creare una biografia del famoso fotografo basata sugli oggetti. Ne è nato il progetto inedito Philippe Halsman. A Photographer's Life, creato in collaborazione con “The Halsman Archive” e trasformato in un'installazione presentata nell'ambito della Biennale Images Vevey 2024. Occhiali, treppiedi, vari passaporti, saponi da viaggio: Gli oggetti fotografati testimoniano la prolifica carriera di uno degli artisti più influenti della sua generazione e autore di 101 copertine della rivista LIFE. La serie rivela anche la pratica quasi ossessiva di Halsman di conservare tutto. Ritraendo un fotografo attraverso i suoi oggetti, Leutwyler rende un omaggio unico all'artista che ammira e alla storia della fotografia, ricordando l'epoca delle immagini analogiche nell'era dei media digitali.

A cura di: Stefano Stoll e Images Vevey, in una scenografia originale di Images Vevey e dell'artista.

In collaborazione con l'Archivio Halsman

In 1979, at the age of 17, Henry Leutwyler discovered Philippe Halsman's work at the International Center of Photography (ICP) in New York, a month after the death of this major figure in twentieth-century photography. Thirty-eight years later, in 2017, Leutwyler dives deep into Halsman's archives, to which he gained access thanks to a meeting with Philippe Halsman's daughter Irene a few years earlier. He spent several months staging his countless personal belongings to create a biography of the famous photographer through his objects. The result is Philippe Halsman. A Photographer's Life, produced in collaboration with The Halsman Archive and presented as an installation as part of the Biennale Images Vevey 2024. A pair of spectacles, tripods, various passports, travel soaps: the objects photographed bear witness to the prolific career of one of the most influential artists of his generation, and author of 101 covers for LIFE magazine. This series of images also reveals Halsman's almost obsessive practice of keeping everything. By creating a portrait of a photographer through his objects, Leutwyler pays a unique tribute to the artist he admires and to the history of photography, while evoking the era of the silver image in the digital age.

Curator: Stefano Stoll and Images Vevey, in an original scenography by Images Vevey and the artist

In collaboration with The Halsman Archive

Produced by Images Vevey in collaboration with the Swiss Camera Museum

(Text: Musée Suisse de l'appareil photographique, Vevey)

Photo Elysée | Lausanne
6. September 2024 – 23. Februar 2025

Daido Moriyama - Rétrospective

Photo Elysée präsentiert eine umfassende Ausstellung, die einem der bekanntesten japanischen Fotografen gewidmet ist. Die vom Instituto Moreira Salles (Sao Paolo, Brasilien) organisierte Retrospektive macht nach Berlin und London nun auch in der Schweiz Halt.

Daido Moriyama (geb. 1938 in Osaka) hat im Laufe seiner 60-jährigen Karriere die Art und Weise, wie wir Fotografie sehen, massgeblich verändert. Mit seiner Kamera hat er nicht nur seine direkte Umgebung dokumentiert und eine visuelle Gesellschaftsanalyse des Japans der Nachkriegszeit geschaffen, er hat auch das fotografische Medium an sich hinterfragt. 

Seine unvergleichliche Bildsprache erfährt ebenso viel Anerkennung wie seine zahlreichen Publikationen, die in seinem Werk einen zentralen Stellenwert einnehmen. 

Daido Moriyamas fotografische Themen haben Betrachter:innen seit jeher in ihren Bann gezogen, egal ob es sich um Massenmedien und Werbung, gesellschaftliche Tabus oder die Theatralik des Alltags handelt. Er hat das Aufeinanderprallen von japanischer Tradition und beschleunigter Verwestlichung festgehalten, das auf die amerikanische Militärbesetzung Japans nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs folgte. Inspiriert durch US-amerikanische Künstler wie Andy Warhol oder William Klein hat der Fotograf die aufkommende japanische Konsumgesellschaft lebendig werden lassen und sich mit der Reproduzierbarkeit von Bildern, ihrer Verbreitung und ihrem Konsum beschäftigt. Immer wieder hat Moriyama auch sein eigenes Bildarchiv in neue Kontexte gesetzt und mit Vergröerungen, Ausschnitten und der Bildauflösung experimentiert. Bis heute gelten sein künstlerischer Pioniergeist und seine visuelle Intensität als wegweisend und innovativ.

Photo Elysée présente une exposition majeure dédiée à l’un des plus grands photographes japonais. La rétrospective, produite par l’Instituto Moreira Salles (Sao Paulo, Brésil), fait escale en Suisse après Berlin et Londres.

Au cours de ses soixante années de carrière, Daido Moriyama (né en 1938 à Osaka) a modifié de manière décisive notre perception de la photographie. Il a utilisé son appareil photo pour documenter son environnement immédiat et pour explorer visuellement la société japonaise d'après-guerre. Mais il a également remis en question la nature même de la photographie. 

Son langage visuel incomparable est aussi loué que ses innombrables publications, qui sont au cœur de son travail. 

Les sujets photographiques de Moriyama ont captivé les spectateurs dès le début, qu'il s'agisse des médias de masse et des publicités, des tabous de la société ou de la théâtralité de la vie quotidienne. Il a saisi le choc entre la tradition japonaise et l'occidentalisation accélérée qui a suivi l'occupation militaire du Japon par les États-Unis après la fin de la Seconde Guerre mondiale. Inspiré par des artistes américains tels qu'Andy Warhol et William Klein, le photographe a donné vie à la société de consommation naissante au Japon. Il a exploré la reproductibilité des images, leur diffusion et leur consommation. À maintes reprises, Moriyama a placé ses archives d'images dans de nouveaux contextes, jouant avec les agrandissements, les recadrages et la résolution de l'image. Aujourd'hui encore, son esprit artistique pionnier et son intensité visuelle restent novateurs.

Photo Elysée presenta una mostra importante dedicata ad uno dei più grandi fotografi giapponesi. La retrospettiva, prodotta dall’Instituto Moreira Salles (São Paulo, Brasile), fa scalo in Svizzera dopo Berlino e Londra.  

Nel corso dei suoi sessant’anni di carriera, Daido Moriyama (nato nel 1938 a Osaka) ha modificato in modo decisivo la nostra percezione della fotografia. Ha utilizzato la sua fotocamera per documentare il proprio ambiente circostante e per esplorare dal punto di vista visivo la società giapponese del dopoguerra. Ma ha altresì rimesso in discussione la natura stessa della fotografia. 

Il suo linguaggio visivo impareggiabile è tanto lodato quanto le sue tantissime pubblicazioni che sono nel cuore del suo lavoro. 

I soggetti fotografici di Moriyama hanno appassionato gli spettatori sin dall’inizio, che si tratti dei mass media e delle pubblicità, dei tabù della società o della teatralità della vita quotidiana. Il fotografo ha colto lo shock tra la tradizione giapponese e l'occidentalizzazione accelerata che ha seguito l'occupazione militare del Giappone dagli Stati Uniti dopo la fine della seconda guerra mondiale. Ispirato da artisti americani quali Andy Warhol e William Klein, il fotografo ha dato la luce alla società di consumo nascente in Giappone. Ha esplorato la riproducibilità delle immagini, la loro diffusione ed il loro consumo. A più riprese, Moriyama ha ambientato i suoi archivi di immagini in nuovi contesti, giocando con gli ingrandimenti, le reinquadrature e la risoluzione dell'immagine. Ancora oggi, il suo spirito artistico pioniere e la sua intensità visiva rimangono innovativi.

Photo Elysée is presenting a major exhibition devoted to one of Japan’s greatest photographers. This retrospective, produced by the Instituto Moreira Salles (Sao Paulo, Brazil), will be making a stopover in Switzerland after showing in Berlin and London.

During the sixty years of his career, Daido Moriyama (born in Osaka in 1938) definitively altered our perception of photography. He used his camera to document his immediate surroundings and to visually explore post-war society in Japan. But he also challenged the very nature of photography itself. 

His incomparable visual language is as highly acclaimed as his numerous publications, which are at the heart of his work.

Right from the start, viewers have been captivated by Moriyama’s photographic subjects, from the mass media and advertising to society's taboos and the theatricality of everyday life. He captured the clash between Japanese tradition and the accelerated westernisation that followed the US military occupation of Japan after the end of the Second World War. Inspired by American artists such as Andy Warhol and William Klein, the photographer brought Japan's nascent consumer society to life. He explored the reproducibility of images, their dissemination and their consumption. Moriyama repeatedly positioned his archive of images in new contexts, playing with enlargements, cropping and image resolution. Even today, his pioneering artistic spirit and visual intensity remain innovative.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Photo Elysée | Lausanne
6. September 2024 – 23. Februar 2025

The Anonymous Project, Home & Away
Lee Shulman

"Für mich war das Zuhause immer ein Ort der Erfüllung. Ein Ort, an dem man wirklich man selbst sein kann, weit weg von der Außenwelt. Hier fühle ich mich sicher.

Das Zuhause ist wie ein Zufluchtsort, ein Ort, an dem jeder Gegenstand und jede Ecke eine vertraute Geschichte erzählt. Hier verflechten sich meine Erinnerungen mit den täglichen Abläufen und schaffen ein Gewebe aus Sicherheit und Gelassenheit. Die vertrauten Wände des Hauses sind eine ständige Erinnerung an unsere Wurzeln und unsere Identität, die in der Vergangenheit und der Gegenwart verwurzelt sind.

Dennoch ist die Idee des Urlaubs eine der Flucht und der Erkundung. Es ist eine Gelegenheit, die Vertrautheit der Heimat hinter sich zu lassen und ins Unbekannte einzutauchen, neue Orte und Kulturen zu entdecken und in bereichernde Erfahrungen einzutauchen. Urlaub bietet frischen Wind, eine Pause vom Alltag und die Freiheit, sich zu verlieren und sich in anderen Landschaften und Horizonten wiederzufinden.

Heimat und Fremde sind zwei sich ergänzende Facetten unseres Lebens, die jeweils ihr eigenes Gleichgewicht in unser Dasein bringen. Sie erinnern uns daran, dass das Zuhause mehr als nur ein physischer Raum ist, sondern ein Zustand, in dem wir Trost und Sicherheit finden, während der Urlaub ein frischer Wind ist, der unsere Neugierde und unseren Wunsch, die Welt jenseits unserer vier Wände zu entdecken, nährt.

Doch trotz ihrer offensichtlichen Unterschiede haben Heimat und Urlaub eine tiefe Verbindung: eine emotionale Resonanz und persönliche Bedeutung. Während die Heimat uns an unsere Wurzeln bindet und uns daran erinnert, wer wir sind, fordert der Urlaub uns heraus, die Welt aus einem neuen Blickwinkel zu sehen und unsere Perspektiven zu erweitern.

Home is where the heart is."

"Pour moi, la maison a toujours été un lieu de plénitude. Un endroit où l'on peut vraiment être soi-même, à l'abri des regards du monde extérieur. C'est là où je me sens en sécurité.

La maison est comme un refuge, un havre où chaque objet et chaque recoin racontent une histoire familière. C'est là où mes souvenirs s'entrelacent avec les routines quotidiennes, créant un tissu de sécurité et de sérénité. Les murs de chez soi, imprégnés de familiarité, sont un rappel constant de nos racines et de notre identité ancrée dans le passé et le présent.

Néanmoins, l'idée des vacances évoque l'évasion et l'exploration. C'est l'occasion de quitter la familiarité de chez soi pour plonger dans l'inconnu, découvrir de nouveaux lieux et cultures, et s'immerger dans des expériences enrichissantes. Les vacances offrent un souffle d'air frais, une pause dans le quotidien, et la liberté de se perdre et de se retrouver dans des paysages et des horizons différents.

Chez moi ou ailleurs sont deux facettes complémentaires de notre vie, chacune apportant son propre équilibre à notre existence. Ils nous rappellent que la maison est plus qu'un simple espace physique ; c'est un état d'esprit où nous trouvons confort et sécurité, tandis que les vacances sont une bouffée d'air frais qui nourrit notre curiosité et notre désir de découvrir le monde au-delà de nos quatre murs.

Pourtant, malgré leurs différences apparentes, la maison et les vacances partagent un lien profond : celui de la résonance émotionnelle et de la signification personnelle. Tandis que chez soi nous ancre dans nos racines et nous rappelle qui nous sommes, les vacances nous défient de voir le monde sous un nouvel angle et d'élargir nos perspectives.

Home is where the heart is."

"Per me la casa è sempre stata un luogo di realizzazione. Un luogo dove puoi essere veramente te stesso, lontano dal mondo esterno. È il luogo in cui mi sento al sicuro.

La casa è come un rifugio, un'oasi dove ogni oggetto e ogni angolo raccontano una storia familiare. È il luogo in cui i miei ricordi si intrecciano con la routine quotidiana, creando un tessuto di sicurezza e serenità. Le pareti di casa, impregnate di familiarità, sono un richiamo costante alle nostre radici e alla nostra identità ancorata al passato e al presente.

Tuttavia, l'idea di vacanza è un'idea di fuga e di esplorazione. È un'occasione per lasciarsi alle spalle la familiarità della casa per immergersi nell'ignoto, scoprire nuovi luoghi e culture e immergersi in esperienze arricchenti. Le vacanze offrono una boccata d'aria fresca, una pausa dal tran tran quotidiano e la libertà di perdersi e ritrovarsi in paesaggi e orizzonti diversi.

La casa e la vacanza sono due aspetti complementari della nostra vita, ognuno dei quali apporta il proprio equilibrio alla nostra esistenza. Ci ricordano che la casa è più di un semplice spazio fisico; è uno stato d'animo in cui troviamo conforto e sicurezza, mentre la vacanza è una boccata d'aria fresca che alimenta la nostra curiosità e il nostro desiderio di scoprire il mondo oltre le nostre quattro mura.

Eppure, nonostante le loro apparenti differenze, casa e vacanze condividono un legame profondo: quello della risonanza emotiva e del significato personale. Mentre la casa ci riporta alle nostre radici e ci ricorda chi siamo, le vacanze ci sfidano a vedere il mondo sotto una nuova luce e ad ampliare le nostre prospettive.

Home is where the heart is."

"For me, home has always been a place of fulfillment. A place where you can really be yourself, away from the outside world. It's where I feel safe.

Home is like a refuge, a haven where every object and every corner tells a familiar story. It's where my memories intertwine with daily routines, creating a fabric of security and serenity. The walls of home, imbued with familiarity, are a constant reminder of our roots and identity rooted in the past and present.

Nevertheless, the idea of a vacation is one of escape and exploration. It's an opportunity to leave the familiarity of home behind to plunge into the unknown, discover new places and cultures, and immerse oneself in enriching experiences. Vacations offer a breath of fresh air, a break from the daily grind, and the freedom to lose oneself and find oneself in different landscapes and horizons.

Home and away are two complementary facets of our lives, each bringing its own balance to our existence. They remind us that home is more than just a physical space; it's a state of mind where we find comfort and security, while vacations are a breath of fresh air that nourish our curiosity and desire to discover the world beyond our four walls.

Yet despite their apparent differences, home and vacation share a deep bond: one of emotional resonance and personal meaning. While home anchors us to our roots and reminds us of who we are, vacations challenge us to see the world from a new angle and broaden our perspectives.

Home is where the heart is."

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Centre de la photographie Genève
4. September – 15. Dezember 2024

Palonegro
Luis Carlos Tovar

Palonegro ist das jüngste Projekt des kolumbianischen Künstlers Luis Carlos Tovar (*1979). Es ist das Ergebnis einer mehrjährigen Recherche zwischen Kolumbien, der Schweiz und Frankreich und wird zum ersten Mal im Centre de la photographie Genève gezeigt. Palonegro erforscht ein spezifisches Kapitel der Geschichte der Gewalt in Kolumbien, den Tausend-Tage-Krieg (1899-1902) und die blutige Schlacht von Palonegro (11.-25. Mai 1900). Dabei handelte es sich um den neunten und größten Bürgerkrieg des Landes, dessen gesamte Geschichte von zahlreichen Gewaltepisoden geprägt ist. Über dieses besondere Kapitel der Geschichte seines Landes hinaus befasst sich dieses Forschungsprojekt von Luis Carlos Tovar mit der Geschichtsschreibung, der Memorialisierung und Weitergabe der Geschichte der Gewalt sowie mit möglichen Heilungsprozessen von individuellen und kollektiven Traumata, die mit politischer Gewalt verbunden sind. Sie schenkt den aus der offiziellen nationalen Geschichte ausgeklammerten Erzählungen und den vielen Stimmen, die sie ausmachen, große Aufmerksamkeit. Die Arbeit beleuchtet auch die wichtigen und wenig bekannten Verbindungen zwischen der Schweiz und Kolumbien bei der Zusammenstellung und Bewahrung der kolumbianischen Geschichte.

Luis Carlos Tovar beschäftigt sich in seiner Arbeit seit vielen Jahren mit persönlichen und öffentlichen Archiven, die mit der gewalttätigen und dramatischen Geschichte Kolumbiens in Verbindung stehen. Er interessiert sich insbesondere für das Konzept des Postmemory, das 1992 von der Theoretikerin Marianne Hirsch entwickelt und als Übung in imaginativer Rekonstruktion und kreativer Beteiligung definiert wurde. Für Palonegro untersucht die Künstlerin anhand von Dokumentarfotografien, Karten und Dokumenten von bestimmten Ereignissen aus dem 19. und 20. Jahrhundert verschiedene Arten der Darstellung von Gewalt sowie deren Ursprung. Ein wichtiger Aspekt ihrer Praxis besteht auch darin, die Orte, an denen diese Ereignisse stattgefunden haben, zu besuchen und neu zu fotografieren und sich mit den Objekten zu beschäftigen, die physisch mit ihnen verbunden sind.

Der Künstler führte seine Recherchen insbesondere in Bucaramanga (Kolumbien) durch, dem Ort einer wichtigen Schlacht zu Beginn des Tausend-Tage-Kriegs (11.-13. November 1899), sowie in der Schweiz, wo wichtige Archive im Zusammenhang mit der kolumbianischen Geschichte aufbewahrt werden. Insbesondere studierte und fotografierte er in der Genfer Bibliothek die kolumbianischen Karten aus La Nouvelle Géographie Universelle von Élisée Reclus (Katalog Perron-XLI Südamerika). Der französische Geograf und Anarchist Élisée Reclus (1830-1905) verfasste im Schweizer Exil dieses wichtige, 19 Bände umfassende Werk, dessen Karten unter anderem von Charles Perron (1837-1909), einem Schweizer Kartografen und Anarchisten, angefertigt wurden. Da die Karten bisher noch nie digitalisiert wurden, möchte der Künstler mit diesem Projekt die Karten einem breiteren Publikum zugänglich machen, darunter auch dem kolumbianischen Publikum, für das sie bisher praktisch unzugänglich sind.

Der Künstler recherchierte auch in der Fotothek des Schweizerischen Roten Kreuzes und in der Sammlung des Rotkreuz- und Rothalbmondmuseums in Genf. Beide bewahren wichtiges, aber wenig erforschtes Bildmaterial auf, das mit der Geschichte des Krieges in Kolumbien und der humanitären Arbeit in dem Land verbunden ist, die unter der Inspiration des Roten Kreuzes im 19. und 20. Jahrhundert geleistet wurde. Die humanitäre Hilfe des Roten Kreuzes in Kolumbien begann genau genommen mit der Schlacht von Palonegro. Seitdem war das Rote Kreuz ein aktiver Zeuge der Geschichte der Gewalt in Kolumbien, und seine Archive ermöglichen es, einige ihrer Episoden im Detail nachzuvollziehen.

Luis Carlos Tovar hat auch in verschiedenen privaten und öffentlichen kolumbianischen Archiven recherchiert. (Archivo de la Congregación de las Hermanas de la Caridad Dominicas de la Presentación, Cruz Roja Colombiana, Archivo Nacional), sowie Feldarbeit in Bogotá, Bucaramanga und im Chicamocha Canyon in Kolumbien, dem Ort, an dem die Schlacht von Palonegro (11. bis 25. Mai 1900) stattfand. Die Ausstellung umfasst eine dekommissionierte Akte des Kriegsministeriums, die aus den Wehrdienstbescheinigungen von 21 Soldaten besteht, die am Tausend-Tage-Krieg, dem letzten Bürgerkrieg des 19. Sie bildet die Grundlage, auf der diese ehemaligen Soldaten die ihnen zustehende Rente beantragten, und zeichnet auf ergreifende Weise ihr Leben vor und nach diesem Krieg nach. Diese Akten bilden die visuelle Grundlage für eines der Werke in der Ausstellung.

Der Prozess und das Ergebnis dieser Recherchen werden einen performativen visuellen Versuch beinhalten, der Strategien der Aneignung durch Collage, Super-8-Film und eine experimentelle Technik der Fotogravur verwendet. Das Ziel dieser Recherchen ist die Wiederaneignung und Resignifizierung dieser Fotoarchive, die der Künstler als zu heilende Körper betrachtet. Mit diesem Ansatz hofft er, im weiteren Sinne die Möglichkeit in Betracht ziehen zu können, das individuelle und kollektive Gedächtnis der Traumata und Verletzungen der kolumbianischen Geschichte zu heilen. Seine Arbeit wirft auch die Frage auf, wer die Geschichte verwahrt, wer sie schreibt und für wen, und wer die Fähigkeiten besitzt, sie zu reaktivieren und ihr einen Sinn zu geben, mit dem Ziel der Beruhigung, der Versöhnung und der symbolischen Wiedergutmachung.

Palonegro est le projet le plus récent de l’artiste colombien Luis Carlos Tovar (*1979). Fruit de plusieurs années de recherche entre la Colombie, la Suisse et la France, il sera présenté pour la première fois au Centre de la photographie Genève. Palonegro explore un chapitre spécifique de l’histoire de la violence en Colombie, la guerre des Mille Jours (1899-1902) et la sanglante bataille de Palonegro (11-25 mai 1900). Il s’agit de la neuvième et plus importante guerre civile de ce pays, dont l’histoire entière est marquée par de nombreux épisodes de violence. Au-delà de ce chapitre particulier de l’histoire de son pays, ce projet de recherche de Luis Carlos Tovar porte sur l’écriture de l’histoire, la mémorialisation et la transmission de l’histoire de la violence, et les processus possibles de guérison des traumas individuels et collectifs liés à la violence politique. Il prête une grande attention aux récits écartés des histoires officielles nationales, et aux multiples voix qui les constituent. Ce travail met aussi en lumière les liens importants, et peu connus, entre la Suisse et la Colombie dans la constitution et la conservation de l’histoire colombienne.

Le travail de Luis Carlos Tovar porte depuis de nombreuses années sur les archives personnelles et publiques liées à l’histoire violente et dramatique de la Colombie. Il s’intéresse notamment au concept de postmémoire, développé par la théoricienne Marianne Hirsch en 1992, et défini comme un exercice de reconstruction imaginative et de participation créative. Pour Palonegro, l’artiste investigue différents modes de représentation de la violence tout comme son origine, sur la base de photographies documentaires, de cartes et de documents issus d’événements spécifiques survenus au cours des 19e et 20e siècles. Un aspect important de sa pratique consiste également à visiter et à rephotographier les lieux où ces événements ont eu lieu et à s’intéresser aux objets qui y sont physiquement liés.

L’artiste a mené ses recherches en particulier à Bucaramanga, en Colombie, lieu d’une bataille importante au début de la guerre des Mille Jours (11-13 novembre 1899), et en Suisse où sont conservées des archives importantes liées à l’histoire colombienne. Il a notamment étudié, puis photographié, à la Bibliothèque de Genève les cartes colombiennes de La Nouvelle Géographie Universelle d’Élisée Reclus (Catalogue Perron-XLI Amérique du Sud). Le géographe et anarchiste français Élisée Reclus (1830-1905) a rédigé en exil en Suisse cet important ouvrage de 19 tomes dont les cartes ont notamment été réalisées par Charles Perron (1837-1909), cartographe et anarchiste suisse. Ces dernières n’ayant encore jamais été digitalisées, l’artiste ambitionne à terme avec ce projet de les faire connaître à un plus large public, dont le public colombien pour lequel elles sont à ce jour pratiquement inaccessibles.

L’artiste a également mené des recherches dans la photothèque de la Croix-Rouge suisse et dans la collection du Musée de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge à Genève. Toutes deux conservent du matériel visuel important, mais peu étudié lié à l’histoire de la guerre en Colombie et au travail humanitaire effectué dans le pays sous l’inspiration de la Croix-Rouge tout au long des 19e et 20e siècles. L’aide humanitaire de la Croix-Rouge en Colombie a précisément débuté lors de la bataille de Palonegro. Depuis ce moment, la Croix-Rouge a été un témoin actif de l’histoire de la violence en Colombie, et ses archives permettent de retracer en creux certains de ses épisodes.

Luis Carlos Tovar a également mené des recherches dans différentes archives colombiennes, privées et publiques. (Archivo de la Congregación de las Hermanas de la Caridad Dominicas de la Presentación, Cruz Roja Colombiana, Archivo Nacional), et des travaux sur le terrain à Bogota, Bucaramanga et dans le canyon de Chicamocha en Colombie, site où s’est déroulée la bataille de Palonegro (11-25 mai 1900). Cette exposition inclut un dossier décommissionné du ministère de la Guerre, composé des états de service militaire de 21 soldats ayant participé à la Guerre des mille jours, la dernière guerre civile du 19e siècle. Il constitue la base sur laquelle ces anciens soldats ont demandé à toucher la pension à laquelle ils avaient droit, et retrace de manière poignante leur vie avant et après cette guerre. Ces dossiers constituent une base visuelle pour l’une des oeuvres de l’exposition.

Le processus et le résultat de ces recherches comporteront un essai visuel performatif utilisant des stratégies d’appropriation à travers le collage, le film super 8 et une technique expérimentale de photogravure. Le but de ces recherches est la réappropriation et la resignification de ces archives photographiques, que l’artiste considère comme des corps à guérir. Avec cette approche, il espère pouvoir envisager par extension la possibilité de guérir la mémoire individuelle et collective des traumatismes et des blessures de l’histoire colombienne. Son travail pose également les questions de qui est dépositaire de l’histoire, de qui l’écrit et pour qui, et de qui détient les capacités à la réactiver et en faire sens, dans un but d’apaisement, de réconciliation et de réparation symbolique.

Palonegro è il progetto più recente dell'artista colombiano Luis Carlos Tovar (*1979). Frutto di diversi anni di ricerca tra Colombia, Svizzera e Francia, sarà presentato per la prima volta al Centre de la photographie Genève. Palonegro esplora un capitolo specifico della storia della violenza in Colombia, la Guerra dei Mille Giorni (1899-1902) e la sanguinosa Battaglia di Palonegro (11-25 maggio 1900). Si trattò della nona e più importante guerra civile del Paese, la cui intera storia è segnata da numerosi episodi di violenza. Guardando oltre questo particolare capitolo della storia del Paese, il progetto di ricerca di Luis Carlos Tovar si concentra sulla scrittura della storia, sulla memorizzazione e sulla trasmissione della storia della violenza e sui possibili processi di guarigione dei traumi individuali e collettivi legati alla violenza politica. Presta particolare attenzione alle narrazioni escluse dalle storie nazionali ufficiali e alle molteplici voci che le compongono. Questo lavoro evidenzia anche gli importanti e poco conosciuti legami tra la Svizzera e la Colombia nella creazione e conservazione della storia colombiana.

Luis Carlos Tovar lavora da molti anni su archivi personali e pubblici legati alla storia violenta e drammatica della Colombia. È particolarmente interessato al concetto di postmemoria, sviluppato dalla teorica Marianne Hirsch nel 1992 e definito come un esercizio di ricostruzione immaginativa e partecipazione creativa. In Palonegro, l'artista indaga diversi modi di rappresentare la violenza, nonché le sue origini, utilizzando fotografie documentarie, mappe e documenti di eventi specifici del XIX e XX secolo. Un aspetto importante della sua pratica consiste anche nel visitare e rifotografare i luoghi in cui questi eventi hanno avuto luogo e nell'osservare gli oggetti che sono fisicamente legati ad essi.

L'artista ha svolto la sua ricerca in particolare a Bucaramanga, in Colombia, luogo di una grande battaglia all'inizio della Guerra dei Mille Giorni (11-13 novembre 1899), e in Svizzera, dove sono conservati importanti archivi relativi alla storia colombiana. In particolare, ha studiato e poi fotografato le mappe colombiane de La Nouvelle Géographie Universelle di Élisée Reclus presso la Bibliothèque de Genève (Catalogue Perron-XLI Amérique du Sud). Il geografo e anarchico francese Élisée Reclus (1830-1905) scrisse questa importante opera in 19 volumi in esilio in Svizzera. Le mappe furono realizzate da Charles Perron (1837-1909), cartografo e anarchico svizzero. Poiché le mappe non sono mai state digitalizzate prima d'ora, l'obiettivo finale dell'artista con questo progetto è quello di farle conoscere a un pubblico più ampio, compreso quello colombiano, per il quale sono attualmente praticamente inaccessibili.

L'artista ha anche svolto ricerche nella fototeca della Croce Rossa Svizzera e nella collezione del Museo della Croce Rossa e della Mezzaluna Rossa di Ginevra. Entrambi conservano materiale visivo importante ma poco studiato sulla storia della guerra in Colombia e sul lavoro umanitario svolto nel Paese sotto l'ispirazione della Croce Rossa nel corso del XIX e XX secolo. L'aiuto umanitario della Croce Rossa in Colombia è iniziato proprio durante la battaglia di Palonegro. Da allora, la Croce Rossa è stata testimone attiva della storia della violenza in Colombia e i suoi archivi ci permettono di ripercorrerne alcuni episodi.

Luis Carlos Tovar ha anche svolto ricerche in diversi archivi colombiani, sia privati che pubblici. (Archivo de la Congregación de las Hermanas de la Caridad Dominicas de la Presentación, Cruz Roja Colombiana, Archivo Nacional), e ricerche sul campo a Bogotà, Bucaramanga e nel Canyon di Chicamocha in Colombia, luogo della battaglia di Palonegro (11-25 maggio 1900). La mostra comprende un fascicolo dismesso del Ministero della Guerra, costituito dai registri di servizio militare di 21 soldati che parteciparono alla Guerra dei Mille Giorni, l'ultima guerra civile del XIX secolo. Il fascicolo costituisce la base su cui questi ex soldati hanno presentato domanda per ottenere la pensione a cui avevano diritto e fornisce un resoconto toccante della loro vita prima e dopo la guerra. Questi documenti costituiscono la base visiva di una delle opere della mostra.

Il processo e il risultato di questa ricerca comporteranno un saggio visivo performativo che utilizza strategie di appropriazione attraverso il collage, la pellicola super 8 e una tecnica sperimentale di fotoincisione. Lo scopo di questa ricerca è quello di riappropriarsi e risignificare questi archivi fotografici, che l'artista vede come corpi che hanno bisogno di essere curati. Con questo approccio, spera di poter immaginare, per estensione, la possibilità di guarire la memoria individuale e collettiva dei traumi e delle ferite della storia colombiana. Il suo lavoro solleva anche la questione di chi sia il depositario della storia, chi la scriva e per chi, e chi abbia la capacità di riattivarla e darle un senso, con l'obiettivo di placare, riconciliare e riparare simbolicamente.

Palonegro is the most recent project by Colombian artist Luis Carlos Tovar (*1979). The fruit of several years of research between Colombia, Switzerland and France, it will be presented for the first time at the Centre de la photographie Genève in autumn 2024. Palonegro explores a specific chapter in the history of violence in Colombia, the Thousand Days War (1899-1902) and the bloody Battle of Palonegro (11-25 May 1900). It was the ninth and most important civil war in the country, whose entire history is marked by episodes of violence. Looking beyond this particular chapter in his country’s history, Luis Carlos Tovar’s research project focuses on the writing of history, the memorialisation and transmission of the history of violence, and possible processes for healing the individual and collective traumas linked to political violence. It pays close attention to the narratives excluded from official national histories, and to the multiple voices that make them up. This work also highlights the important and little-known links between Switzerland and Colombia in the creation and preservation of Colombian history.

Luis Carlos Tovar has been working for many years with personal and public archives linked to Colombia’s violent and dramatic history. He is particularly interested in the concept of postmemory, developed by theorist Marianne Hirsch in 1992, and defined as an exercise in imaginative reconstruction and creative participation. For Palonegro, the artist investigates the concept of violence, not only as an act but also through its diverse representions, using documentary photography, maps and documents from specific events in the 19th and 20th centuries. An important aspect of his process also involves visiting and rephotographing the places where these events took place and engaging with the objects physically connected to them.

The artist conducted his research in Bucaramanga, Colombia, the site of a major battle at the start of the Thousand Days War (11-13 November 1899), and in Switzerland, where important archives relating to Colombian history are preserved. In particular, he studied and photographed the Colombian maps in La Nouvelle Géographie Universelle (by Élisée Reclus) at the Bibliothèque de Genève (Catalogue Perron-XLI Amérique du Sud). The French geographer and anarchist Élisée Reclus (1830-1905) wrote this important 19-volume work in exile in Switzerland. The maps were produced by Charles Perron (1837-1909), a Swiss cartographer and anarchist. As the maps have never been digitised before, the artist’s ultimate aim with this project is to bring them to a wider audience, including the Colombian public, for whom they are currently virtually inaccessible.

The artist also carried out research in the Swiss Red Cross photo library and in the collection of the Red Cross and Red Crescent Museum in Geneva. Both hold important but little-studied visual material relating to the history of the war in Colombia and the humanitarian work carried out in the country under the inspiration of the Red Cross throughout the 19th and 20th centuries. Red Cross humanitarian aid in Colombia began precisely at the time of the Battle of Palonegro. Since then, the Red Cross has been an active witness to the history of violence in Colombia, and its archives make it possible to retrace some of its episodes.

Finally, Luis Carlos Tovar undertook research in several private and public Colombian archives (Archivo de la Congregación de las Hermanas de la Caridad Dominicas de la Presentación, Cruz Roja Colombiana, Archivo Nacional), and fieldwork in Bogotá, Bucaramanga and Chicamocha Canyon in Colombia, the site where the battle of Palonegro took place (11-25 May 1900). The exhibition will include a decommissioned file from the Ministry of War, comprising the military service records of 21 soldiers who took part in the last civial war of the 19th century, including material on the Thousand Days War. These files form the basis on which these former soldiers applied for the pension to which they were entitled, and provide a poignant account of their lives before and after the war. They form a visual basis for one of the artist’s works in the exhibition.

The process and outcome of this research involve a performative visual essay using strategies of appropriation through collage, super 8 film and experimental photoengraving. The aim of this research is to reappropriate and re-signify these photographic archives, which the artist sees as bodies to be healed. With this approach, he hopes to be able to envisage, by extension, the possibility of healing the individual and collective memory of the traumas and wounds of Colombian history. His work also raises the questions of who is the repository of history, who writes it and for whom, and who has the capacity to reactivate it and make sense of it, with the aim of appeasement, reconciliation and symbolic reparation.

(Text: Centre de la photographie Genève)

Focale | Nyon
30. August – 10. November 2024

Maison de Dieu
Elsa Beaumont

Seit 38 Jahren beherbergt das Maison de Dieu in den Cevennen Menschen, die ein Dach über dem Kopf brauchen oder in Gemeinschaft leben möchten. Es wird keine Religion vorgeschrieben. Auf der Grundlage von Gastfreundschaft und Nicht-Urteilsvermögen beherbergt das Haus ungefähr 80 Bewohner unterschiedlichen Alters und Herkunft, die Mahlzeiten, Treffen, Ressourcen und Aufgaben teilen, die für ein gutes Funktionieren notwendig sind.

Durch die Aufnahme einer großen Vielfalt an Lebenswegen und Verletzungen wird dieser Ort zu einem Zufluchtsort, einem Raum der Freiheit, in dem sich jeder Zeit nehmen kann.

Die Bilder dieser Serie fangen Menschen ein, die trotz der Wechselfälle des Lebens in der Schwebe sind, und sind ein Beweis für die Existenz, die Stärke und die Ressourcen, die jeder Person innewohnen, der sie begegnet.

Die Fotografien zeigen diesen Ort in Resonanz mit der Entscheidung von Elsa Beaumont, die vor etwa zehn Jahren selbst in die Cevennen zog, um sich dort niederzulassen. Diese einzigartigen Lebensformen zu dokumentieren ist für die Fotografin ein poetischer und politischer Akt, der es ihr ermöglicht, in diesen Skizzen Antworten auf eine Gesellschaft zu sehen, die sich insgesamt in einer Krise befindet.

Depuis trente-huit ans, la Maison de Dieu dans les Cévennes accueille ceux qui ont besoin d’un toit ou souhaitent vivre en communauté. Aucune religion n’y est imposée. Fondée sur l’accueil et le non-jugement, elle abrite environ huitante résidents de divers âges et origines, partageant repas, réunions, ressources et tâches nécessaires au bon fonctionnement.

Accueillant une grande diversité de parcours de vie et de blessures portées, ce lieu devient un refuge, un espace de liberté où chacun peut prendre le temps.

Saisissant des êtres en suspension, entiers, malgré les vicissitudes de la vie, les images de cette série sont autant de preuves de l’existence, de la force et des ressources intrinsèques de chaque personne rencontrée.

Ces photographies donnent à voir ce lieu en résonance avec la décision d’Elsa Beaumont d’être venue, elle-même, s’installer dans les Cévennes il y a une dizaine d’années. Témoigner de ces formes de vies singulières est pour la photographe un acte poétique et politique permettant d’entrevoir dans ces esquisses des réponses à une société globalement en crise.

Da trentotto anni, la Maison de Dieu nelle Cévennes accoglie le persone che hanno bisogno di un tetto sopra la testa o che vogliono vivere in comunità. Non viene imposta alcuna religione. Fondata su un atteggiamento accogliente e non giudicante, ospita un'ottantina di residenti di età e provenienza diverse, che condividono i pasti, le riunioni, le risorse e i compiti necessari al buon funzionamento.

Accogliendo un'ampia varietà di percorsi di vita e di ferite, questo luogo diventa un rifugio, uno spazio di libertà dove ognuno può prendersi il suo tempo.

Catturando persone in sospensione, integre, nonostante le vicissitudini della vita, le immagini di questa serie sono la prova dell'esistenza, della forza e delle risorse intrinseche di ogni persona che incontriamo.

Queste fotografie mostrano un luogo che risuona con la decisione di Elsa Beaumont di trasferirsi nelle Cévennes dieci anni fa. Per la fotografa, testimoniare queste singolari forme di vita è un atto poetico e politico, che ci permette di intravedere in questi schizzi le risposte a una società in crisi.

For the past thirty-eight years, the Maison de Dieu in the Cévennes has been welcoming those in need of shelter or wishing to live in community. No religion is imposed. Founded on a welcoming, non-judgmental attitude, it is home to around eighty residents of various ages and backgrounds, sharing meals, meetings, resources and the tasks required to keep it running smoothly.

Welcoming a wide variety of life paths and wounds, this place becomes a refuge, a space of freedom where everyone can take their time.

Capturing people in suspension, whole, despite the vicissitudes of life, the images in this series are proof of the existence, strength and intrinsic resources of each person we meet.

These photographs show a place that resonates with Elsa Beaumont's own decision to move to the Cévennes ten years ago. For the photographer, bearing witness to these singular forms of life is a poetic and political act, allowing us to glimpse in these sketches responses to a society in global crisis.

(Text: Focal, Nyon)

Photo Elysée | Lausanne
22. Juni 2024 – 12. Januar 2025

Sabine Weiss × Nathalie Boutté. Hommage

Anlässlich des hundertsten Geburtstags von Sabine Weiss zeigt Photo Elysée eine Ausstellung zu Ehren der 2021 verstorbenen Fotografin und lädt die bildende Künstlerin Nathalie Boutté (Frankreich, 1967) ein, in einen künstlerischen Dialog mit ihren Fotografien zu treten. Ob mit ihren Porträt- oder Modeaufnahmen, mit der Werbe- oder Strassenfotografie oder als Fotoreporterin für zahlreiche internationale Zeitschriften – über 60 Jahre lang hat Sabine Weiss alle Möglichkeiten ihres Berufs erforscht und durchlebt. Neben Robert Doisneau, Willy Ronis, Edouard Boubat, Brassaï oder Izis hat sie die Strömung der humanistischen Fotografie in Frankreich massgeblich geprägt und gehörte zu den wenigen weiblichen Fotografen, die seit den 1950er-Jahren von ihrer künstlerischen Arbeit leben konnten. Sie selbst schrieb: „Ein Foto ist dann stark und eindrucksvoll, wenn es einen Aspekt des Menschseins vermittelt, wenn es uns die Emotionen spüren lässt, die der Fotograf  vor seinem Motiv empfunden hat.“

Während Sabine Weiss sich bei ihren Arbeiten auf die Strassenfotografie konzentrierte sowie Auftragsarbeiten in ihrem Studio ausführte, fotografiert Nathalie Boutté nicht, sondern schneidet in minutiöser Kleinarbeit Papierstreifen aus, die sie mit Texten bedruckt. Anschliessend setzt sie die Bilder, die ihr als Inspiration dienten, wieder zusammen, indem sie die Papierstreifen aneinanderfügt und so ein ganz neues Kunstwerk schafft – mit neuer Textur und neu entstandenem Volumen. Wenn Text mit im Spiel ist – hier sind es Zitate von Sabine Weiss –, zeigen diese aus Papierstreifen entstandenen Bilder unterschiedliche Graustufen und erschliessen sich in ihrer Gesamtheit erst, wenn man sich weiter von ihnen entfernt.

Die Ausstellung präsentiert eine Auswahl der ikonischen Werke der Fotografi n und off enbart auch einige Schätze unter den zahlreichen Negativen, Abzügen und Kontaktbögen, die ihr Nachlass umfasst. Im Bewusstsein, dass die Erhaltung ihrer Arbeit wichtig sein würde, entschied sich Sabine Weiss 2017 dafür, Photo Elysée die Bewahrung ihres Nachlasses zu übergeben, welcher Anfang 2024 im Kunstquartier Plateforme 10 eintraf.

Photo Elysée présente une exposition en hommage  à la photographe décédée en 2021 et invite  l’artiste plasticienne Nathalie Boutté (France, 1967) à dialoguer avec ses photographies. Tour à tour portraitiste, photographe de mode, de publicité ou de rue, mais aussi photoreporter pour de nombreuses revues internationales, Sabine Weiss a exploré tous les aspects de son métier pendant plus de soixante ans. Aux côtés de Robert Doisneau, Willy Ronis, Edouard Boubat, Brassaï ou Izis, elle a contribué au courant de la photographie humaniste française et fut l'une des rares femmes photographes à vivre de son art dès les années 1950. « Pour être forte, une photographie doit nous parler d'un aspect de la condition humaine, nous faire ressentir l'émotion que le photographe a ressentie devant son sujet », écrivait-elle.

Alors que Sabine Weiss a construit son œuvre en photographiant la rue ou répondant aux commandes en travaillant dans son studio, Nathalie Boutté ne photographie pas mais découpe minutieusement des bandes de papier sur lesquelles elle imprime un texte. Elle recompose ensuite les images dont elle s’est inspirée en assemblant les languettes de papier recréant ainsi l’œuvre en volume. Les images, faites de bandelettes qui permettent de créer des dégradés de gris lorsqu’il y a du texte – ici les citations de Sabine Weiss, se dévoilent au fur et à mesure que l’on s’en éloigne.

L’exposition présente une sélection d'œuvres iconiques de la photographe et dévoile quelques trésors parmi les nombreux négatifs, tirages et planches-contact qui composent ses archives. En 2017, consciente de l’importance de préserver son travail, Sabine Weiss choisit Photo Elysée pour conserver son fonds d’archives, arrivé dans les dépôts du musée à Plateforme 10 au début de l’année 2024.

Photo Elysée presenta una mostra in omaggio alla fotografa deceduta nel 2021 ed invita l’artista Nathalie Boutté (Francia, 1967) a dialogare con le sue fotografie. Alternativamente ritrattista, fotografa di moda, di pubblicità o di strada, ma anche fotoreporter per numerose riviste internazionali, Sabine Weiss ha esplorato tutti gli aspetti del suo mestiere per oltre sessant'anni. Assieme a Robert Doisneau, Willy Ronis, Edouard Boubat, Brassaï o Izis, ha contribuito alla corrente della fotografia umanista francese ed è stata una delle rare donne fotografe a poter mantenersi col proprio lavoro sin gli anni 50. " Per colpirci, una fotografia deve parlarci di un aspetto della condizione umana, farci provare l'emozione che il fotografo stesso ha provato di fronte al suo soggetto ", scriveva la fotografa.

Mentre Sabine Weiss ha costruito la sua opera col fotografare la strada o col lavorare nel suo studio per eseguire gli ordini, Nathalie Boutté non scatta foto ma ritaglia accuratamente strisce di carta su cui stampa un testo. In seguito ricompone le immagini di cui si è ispirata assemblado le linguette di carta e dà in questo modo volume all'opera. Le immagini, costituite di strisce di carta che consentono di creare sfumati di grigi quando c'è un testo  – qui, le citazioni di Sabine Weiss – , si svelano man mano che vi si allontana.

La mostra presenta una selezione di opere iconiche della fotografa e svela alcuni tesori tra i numerosi negativi, stampe e provini a contatto che compongono i suoi archivi. Nel 2017, consapevole dell'importanza di preservare il proprio lavoro, Sabine Weiss sceglie Photo Elysée per conservare il suo archivio, arrivato nei depositi del museo a Plateforme 10 all'inizio di quest'anno.

Photo Elysée is presenting an exhibition in homage to the photographer who died in 2021, and has invited artist Nathalie Boutté (France, 1967) to create a dialogue with her photographs. Sabine Weiss explored every aspect of her profession over more than sixty years, working in turn as a portrait, fashion, advertising and street photographer as well as a photojournalist for numerous international magazines. Along with Robert Doisneau, Willy Ronis, Edouard Boubat, Brassaï and Izis, Weiss contributed to the French humanist photography movement and was one of the few female photographers to make a living from her art from the 1950s onwards. “To be powerful, a photograph must speak to us about some aspect of the human condition, making us feel the emotion the photographer experienced in front of his or her subject” she wrote.

Unlike Sabine Weiss who built up her body of work by photographing the street or fulfilling orders in her studio, Nathalie Boutté does not take photographs but meticulously cuts strips of paper on which she prints a text. She then recomposes the images from which she drew her inspiration by assembling the strips of paper to recreate the work in volume. The images, made of strips that create shades of grey when there is text – in this case quotations from Sabine Weiss – gradually come into focus as you move away from them.

The show presents a selection of the photographer’s iconic works and reveals various treasures among the countless negatives, prints and contact sheets that make up her archives. In 2017, conscious of the importance of preserving her work, Weiss chose Photo Elysée to conserve her archive collection, which was transferred to the museum's Plateforme 10 repository in early 2024.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Focale – Galerie – Librairie | Nyon
14. Juni – 25. August 2024

La Rada di Augusta
Sebastian Wells

Auf einem dreißig Kilometer langen Küstenstreifen im Südosten Siziliens reiht sich eine Ölraffinerie an die andere. Die petrochemische Industrie prägt diese Landschaft, ihre Bewohner und deren Leben seit über siebzig Jahren. Das Wasser, die Luft und der Boden sind verseucht. Die Krebs- und Fehlgeburtenraten sind alarmierend hoch. Statt zwanzigtausend Arbeitsplätzen, wie auf dem Höhepunkt der Ölindustrie in den 1980er Jahren, gibt es heute nur noch siebentausend. Die Korruption ist allgegenwärtig, ebenso wie das Misstrauen gegenüber Autoritätspersonen.

"La Rada di Augusta" (2019-2020) - die Bucht von Augusta - entspringt den zunehmend verwitterten Überresten des Turbokapitalismus, die sich mit den Überresten einer über zweitausend Jahre alten Zivilisation vermischen. Die Serie, die die Bewohner in ihrem normalen Leben begleitet, reflektiert über das Nord-Süd-Gefälle und den Preis des schnellen Fortschritts. Sie nutzt die fotografische Erzählung, um die Auswirkungen auf die alltäglichen Realitäten zu erforschen und zeigt, dass die Beziehung zwischen Umwelt und Industrie weit mehr ist als eine Frage von Politikern, Ingenieuren und Pipelines. Augusta könnte überall sonst sein.

Sur une bande côtière de trente kilomètres de long, au Sud-Est de la Sicile, les raffineries de pétrole s’alignent les unes après les autres. L’industrie pétrochimique marque ce paysage, ses habitants et leur vie depuis plus de septante ans. L’eau, l’air et le sol sont pollués. Les taux de cancer et de fausses couches sont alarmants. Au lieu de vingt mille emplois, comme à l’apogée de l’industrie pétrolière dans les années 1980, il n’y en a plus que sept mille aujourd’hui. La corruption est omniprésente à l’instar de la méfiance à l’égard des représentants de l’autorité.

« La Rada di Augusta » (2019-2020) - la baie d’Augusta - émane des vestiges de plus en plus altérés du turbo-capitalisme qui se confondent avec les restes d’une civilisation vieille de plus de deux mille ans. Accompagnant les habitants dans leur vie ordinaire, la série réfléchit à la fracture Nord-Sud et au prix du progrès rapide. Elle utilise le récit photographique pour explorer l’impact sur les réalités quotidiennes, montrant que la relation entre environnement et industrie est bien plus qu’une question de politiciens, d’ingénieurs et de pipelines. Augusta pourrait être n’importe où ailleurs.

Su una striscia di costa di trenta chilometri nella Sicilia sud-orientale, le raffinerie di petrolio si susseguono una dopo l'altra. L'industria petrolchimica ha lasciato il segno su questo paesaggio, sui suoi abitanti e sulle loro vite per più di settant'anni. L'acqua, l'aria e il suolo sono inquinati. I tassi di cancro e di aborto sono allarmanti. Invece di ventimila posti di lavoro all'apice dell'industria petrolifera negli anni Ottanta, oggi ce ne sono solo settemila. La corruzione è diffusa, così come la sfiducia nei confronti dei funzionari governativi.

"La Rada di Augusta" (2019-2020) emana dai resti sempre più alterati del turbocapitalismo, che si fondono con i resti di una civiltà vecchia di oltre duemila anni. Accompagnando gli abitanti nella loro vita ordinaria, la serie riflette sul divario Nord-Sud e sul prezzo del rapido progresso. Utilizza la narrazione fotografica per esplorare l'impatto sulla realtà quotidiana, dimostrando che il rapporto tra ambiente e industria è molto più che una questione di politici, ingegneri e oleodotti. Augusta potrebbe essere ovunque.

On a thirty-kilometer-long coastal strip in southeastern Sicily, oil refineries line up one after the other. The petrochemical industry has left its mark on this landscape, its inhabitants and their lives for over seventy years. Water, air and soil are polluted. Cancer and miscarriage rates are alarming. Instead of twenty thousand jobs at the height of the oil industry in the 1980s, there are only seven thousand today. Corruption is omnipresent, as is mistrust of authority figures.

"La Rada di Augusta" (2019-2020) - Augusta Bay - emanates from the increasingly weathered remnants of turbo-capitalism, which merge with the remains of a civilization over two thousand years old. Accompanying the inhabitants in their ordinary lives, the series reflects on the North-South divide and the price of rapid progress. It uses photographic narrative to explore the impact on everyday realities, showing that the relationship between environment and industry is much more than a matter of politicians, engineers and pipelines. Augusta could be anywhere else.

(Text: Focale – Galerie – Librairie, Nyon)

Centre de la photographie | Genève
12. Juni – 18. August 2024

Relever la nuit
Léonie Rose Marion

Relever la nuit hinterfragt die Lichtstrahlung, die der Fotografie zugrunde liegt, sowie die Auswirkungen unserer zeitgenössischen Lebensweise auf die Ökosysteme. In mondlosen Nächten belichtet der Künstler lichtempfindliches Papier für die gleiche Dauer und führt dabei Messungen der Lichtverschmutzung durch. Das Ergebnis sind monochromatische Bilder, deren unterschiedliche Grautöne von den Ausdünstungen künstlicher Lichter am Rande von Städten und Dörfern herrühren. In der Schweiz ist es nicht mehr möglich, die natürliche Dunkelheit der Nacht zu beobachten. Die Erhebungen des Künstlers sind ein Echo auf eine 2019 von der Universität Genf durchgeführte Studie über die Lichtverschmutzung im Genfer Becken anhand von nächtlichen Luftaufnahmen, die zu einer Kartografie des nächtlichen ökologischen Netzwerks der Region geführt hat. Die Künstlerin verbindet in diesem Projekt die Rolle der Fotografie als Hilfsmittel der Wissenschaft mit dem Begriff des Beweises und des Abdrucks, der üblicherweise mit der Fotografie verbunden wird. Sie dokumentiert das Verschwinden der Nacht mit verschiedenen fotografischen Registern und stellt fest, dass die Dunkelheit nicht mehr existiert und von einem endlosen Licht verdeckt wird. Die Nacht wird durch die Klarheit des lichtempfindlichen Papiers enthüllt, ein Paradoxon der Umkehrung, die dem fotografischen Prozess innewohnt.

Die Ausstellung vereint verschiedene Arten von Bildern, die teils dokumentarische, teils experimentellere Strategien erkunden. Mithilfe von Fotogrammen berichtet die Künstlerin von den künstlichen Lichtverhältnissen auf dem Genfer Gebiet. Sie erfasst mit diesen Bildern ohne Kamera und mit langen Belichtungszeiten (7 Minuten) eine experimentelle Bestandsaufnahme der Lichtverschmutzung, indem sie zu einem bestimmten Zeitpunkt Erhebungen erstellt. Parallel dazu hinterfragt diese Arbeit die wissenschaftliche Nutzung des fotografischen Bildes sowie das dem Projekt innewohnende Paradoxon: Je mehr Licht am Himmel ist, desto dunkler ist das Bild. Es ist also die Helligkeit, in der sich die Dunkelheit offenbart.

In seinen Bildern von Insekten erinnert der Künstler an die Sterblichkeit, die mit künstlicher Beleuchtung einhergeht. Eine in Deutschland durchgeführte Studie schätzt, dass in jeder Sommernacht 150 Insekten pro Straßenlaterne getötet werden. Für seine Fotografien verwendet der Künstler Licht, das kurzwellige Wellenlängen (Blau und UV) enthält, die sich am stärksten auf die biologische Vielfalt auswirken.

Der Künstler dokumentiert auch die Unterschiede in der Farbtemperatur der künstlichen Beleuchtung (gemessen in Grad Kelvin). Die Farbtemperaturen von LED-Beleuchtungen entsprechen nicht unbedingt den Wellenlängen (Nanometer) der Glühbirnen. Wie bei Insekten, die durch künstliche Lichtquellen verwirrt werden, können bestimmte Wellenlängen zu einer Beeinträchtigung des Pflanzenwachstums führen.

Mit diesem Projekt, das von der Stadt Genf das Stipendium 2022 für ein fotografisches Projekt mit dokumentarischem Charakter erhalten hat, enthüllt Léonie Rose Marion die vielfältigen Auswirkungen unserer Lebensweise auf die Umwelt und hinterfragt gleichzeitig die Eigenschaften des Mediums Fotografie.

Relever la nuit interroge le rayonnement lumineux, au fondement de la photographie, ainsi que l’impact de nos modes de vie contemporains sur les écosystèmes. Les nuits sans lune, l’artiste expose des papiers photosensibles pendant une durée identique, effectuant des relevés de la pollution lumineuse. Il en résulte des images monochromatiques, dont les différentes nuances de gris proviennent des émanations des lumières artificielles en périphérie des villes et villages. En Suisse, il n’est en effet plus possible d’observer l’obscurité nocturne naturelle. Les relevés de l’artiste font écho à une étude menée en 2019 par l’Université de Genève sur la pollution lumineuse du bassin genevois à partir de photographies aériennes nocturnes, ayant abouti à une cartographie du réseau écologique nocturne de la région. L’artiste conjugue dans ce projet le rôle de la photographie comme auxiliaire de la science, la notion de preuve et d’empreinte usuellement associée à la photographie. Elle documente la disparition de la nuit avec différents registres photographiques, relevant que l’obscurité n’existe plus, masquée par une lumière sans fin. C’est par la clarté des papiers photosensibles que la nuit se révèle, paradoxe de l’inversion inhérente au procédé photographique.

L’exposition regroupe plusieurs types d’images, explorant des stratégies tantôt documentaires, tantôt plus expérimentales. À l’aide de photogrammes, l’artiste rend compte des conditions de luminosité artificielle sur le territoire genevois. Elle capte, à l’aide de ces images sans appareil photographique, avec des temps d’exposition longs (7 minutes), un état des lieux expérimental de la pollution lumineuse en créant des relevés à un moment donné. En parallèle, ce travail interroge les usages scientifiques de l’image photographique, ainsi que le paradoxe inhérent au projet : plus il y a de lumière dans le ciel, et plus l’image est foncée. C’est donc dans la clarté que se révèle l’obscurité.

Dans ses images d’insectes, l’artiste évoque la mortalité liée à l’éclairage artificiel. Une étude réalisée en Allemagne estime à 150 le nombre d’insectes tués par lampadaire, chaque nuit en d’été. Pour réaliser ces photographies, l’artiste utilise de l’éclairage contenant des longueurs d’ondes courtes (bleu et UV), qui sont les plus impactantes pour la biodiversité.

L’artiste documente également les différences de température de couleur de l’éclairage artificiel (mesurée en degré Kelvin). Les températures de couleur des éclairages LED ne correspondent pas forcément aux longueurs d’onde (nanomètre) des ampoules. Comme pour les insectes qui sont désorientés par les sources de lumière artificielle, certaines longueurs d’onde peuvent provoquer une altération de la croissance des végétaux.

Avec ce projet qui a reçu la Bourse 2022 pour un projet photographique à caractère documentaire de la Ville de Genève, Léonie Rose Marion dévoile les conséquences multiples de nos modes de vie sur l’environnement, tout en interrogeant les caractéristiques du médium photographique.

Relever la nuit esamina la radiazione luminosa, la base della fotografia e l'impatto del nostro stile di vita contemporaneo sugli ecosistemi. Nelle notti senza luna, l'artista espone la carta fotosensibile per lo stesso periodo di tempo, rilevando l'inquinamento luminoso. Il risultato sono immagini monocromatiche, con diverse tonalità di grigio che derivano dalle emanazioni della luce artificiale nelle periferie delle città e dei villaggi. In Svizzera non è più possibile osservare il buio naturale della notte. L'opera dell'artista fa eco a uno studio che sarà realizzato nel 2019 dall'Università di Ginevra sull'inquinamento luminoso nel bacino ginevrino, basato su fotografie aeree scattate di notte e che porterà a una mappa della rete ecologica notturna della regione. In questo progetto, l'artista combina il ruolo della fotografia come ausilio alla scienza con la nozione di prova e impronta solitamente associata alla fotografia. Documenta la scomparsa della notte utilizzando diversi registri fotografici, notando che l'oscurità non esiste più, mascherata da una luce infinita. È attraverso la chiarezza della carta fotosensibile che la notte si rivela, un paradosso dell'inversione insita nel processo fotografico.

La mostra riunisce diversi tipi di immagini, esplorando strategie a volte documentarie e altre più sperimentali. Utilizzando i fotogrammi, l'artista registra le condizioni della luce artificiale a Ginevra. Con queste immagini, scattate senza macchina fotografica e con lunghi tempi di esposizione (7 minuti), l'artista fa un inventario sperimentale dell'inquinamento luminoso creando istantanee in un determinato momento. Allo stesso tempo, questo lavoro mette in discussione gli usi scientifici dell'immagine fotografica, nonché il paradosso insito nel progetto: più luce c'è nel cielo, più scura è l'immagine. È quindi nella luce che si rivela l'oscurità.

Nelle sue immagini di insetti, l'artista evoca la mortalità legata all'illuminazione artificiale. Secondo uno studio condotto in Germania, ogni notte d'estate vengono uccisi 150 insetti per ogni lampione. Per realizzare queste fotografie, l'artista utilizza un'illuminazione con lunghezze d'onda corte (blu e UV), che hanno il maggiore impatto sulla biodiversità.

L'artista documenta anche le differenze di temperatura di colore dell'illuminazione artificiale (misurata in gradi Kelvin). Le temperature di colore dell'illuminazione a LED non corrispondono necessariamente alle lunghezze d'onda (nanometri) delle lampadine. Come nel caso degli insetti, che vengono disorientati dalle fonti di luce artificiale, alcune lunghezze d'onda possono influenzare la crescita delle piante.

Con questo progetto, che ha ricevuto la Sovvenzione 2022 per un progetto fotografico documentario dalla Città di Ginevra, Léonie Rose Marion rivela le molteplici conseguenze del nostro stile di vita sull'ambiente, mettendo in discussione le caratteristiche del mezzo fotografico.

Relever la nuit [Surveying the Night] examines the light that forms the basis of photography, and the impact of our contemporary lifestyles on ecosystems. On moonless nights, the artist exposes photosensitive paper for the same length of time, taking readings of light pollution. The result are monochromatic images, with different shades of grey resulting from the emanations of artificial light on the outskirts of towns and villages. In Switzerland, it is no longer possible to observe the natural darkness of the night. The artist’s work echoes a study carried out in 2019 by the University of Geneva on light pollution in the Geneva basin, based on aerial photographs taken at night, which led to a map of the region’s nocturnal ecological network. In this project, the artist combines the role of photography as an aid to science with the notion of proof and imprint usually associated with photography. She records the disappearance of night, noting that darkness no longer exists, masked by endless light, and that it is through the clarity of the image that night is revealed, a paradox of the inversion inherent in the photographic process.

The exhibition brings together several types of image, exploring both documentary and more experimental strategies. Using photograms, the artist records the conditions of artificial light in Geneva. Using these images, taken without a camera and with long exposure times (7 minutes), she takes an experimental inventory of light pollution by creating snapshots at a given moment. At the same time, this work questions the scientific uses of the photographic image, as well as the paradox inherent in the project: the more light there is in the sky, the darker the image. So it is in the light that the darkness is revealed.

In her images of insects, made from animals collected by an acquaintance, the artist documents the mortality linked to artificial lighting. A study carried out in Germany estimates that 150 insects are killed per streetlight every night in summer.

The artist also documents the differences in colour temperature of artificial lighting (measured in degrees Kelvin). The colour temperatures of LED lighting do not necessarily correspond to the wavelengths (nanometres) of the bulbs. As with insects, which are disorientated by artificial light sources, certain wavelengths can affect plant growth.

With this project, which was awarded the 2022 Grant for a Documentary Photographic Project by the City of Geneva, Léonie Rose Marion reveals the multiple consequences of our lifestyles on the environment, while questioning the characteristics of the photographic medium.

(Text: Centre de la photographie, Genève)

Musée suisse de l’appareil photographique | Vevey
23. Mai – 18. August 2024

La guerre sur verre
Edward Kaprov

Zum ersten Mal in der Schweiz zeigt das Schweizer Kameramuseum die Arbeit des Fotografen Edward Kaprov. 2022 begab er sich an die Front des Ukraine-Konflikts, um einen für ihn "undenkbaren und sinnlosen" Krieg zu fotografieren. Sein Ansatz ist einzigartig und beeindruckend: Mit der historischen Technik des nassen Kollodiums - für die man sein Labor und zerbrechliche Glasplatten mit sich herumtragen muss - reiste er durch den Donbass, um Soldaten und Zivilisten zu treffen und zu fotografieren, die an vorderster Front von dem Konflikt betroffen sind. Ein Lieferwagen voller Ausrüstung, eine große Fotokammer und Zeiten von 15 Minuten für Vorbereitung, Aufnahme und Entwicklung: eine ganz besondere Wahl, um den Krieg zu fotografieren, der von vornherein die Schnelligkeit und Leichtigkeit der Kamera erfordert. Die Wahl der Technik - das nasse Kollodium - ist nicht unbedeutend. Ihre Langsamkeit, die das Gegenteil der klassischen Kriegsfotografie ist, bedeutet, dem anderen zu begegnen, sich Zeit und Abstand zu nehmen, für einige Minuten ruhig und unbeweglich zu bleiben - trotz der Bombardierungen - und in die Realität eines vom Krieg geschundenen Landes einzutreten, das dennoch lebendig und reich an alltäglichen Szenen ist. "Ich glaube nicht, dass die Fotografie den Krieg beenden kann, aber sie gibt mir einen Grund, meine Arbeit weiter zu machen. Mit meinem Leid und meinem Mitgefühl das zu tun, was ich am besten kann", erklärt der Fotograf.

Die Verwendung des feuchten Kollodiums stellt außerdem eine wichtige historische Verbindung her. Im Jahr 1855 machte sich der Engländer Roger Fenton auf den Weg, um den Krieg auf der Krim mit dieser Technik zu fotografieren, die damals innovativ war, da sie viel genauer war als die bis dahin verwendete Kalotypie - ein Negativ auf Papier. Kaprov steht somit in der Tradition eines der ersten Kriegsfotografen des 19. Jahrhunderts und erzählt im Wesentlichen von der Beständigkeit des Horrors des Krieges trotz des Wandels der Geschichte. "Ich habe versucht, die Vergangenheit und die Gegenwart nebeneinander zu stellen. Ich versuche bewusst, den Betrachter zu verwirren, damit er genauer hinschaut", erklärt er.

Neben den Fotografien von Edward Kaprov zeigt die Ausstellung Originalabzüge von bedeutenden Fotografen, die sich mit dem Thema Krieg mithilfe des nassen Kollodiums auseinandergesetzt haben: Roger Fenton im 19. Jahrhundert und Sally Mann in der Gegenwart. Gemeinsam regen diese Künstler uns dazu an, über die wesentliche Rolle der Fototechnik bei der Konstruktion der Bildaussage nachzudenken. Durch seine technische Wahl erzwingt Kaprov eine historische Tiefe und einen zeitlichen Abstand zum Thema Fotografie und Krieg.

Pour la première fois en Suisse, le Musée suisse de l’appareil photographique présente le travail du photographe Edward Kaprov. En 2022, il s’est rendu sur le front du conflit ukrainien pour photographier une guerre pour lui « impensable et insensée ». Son approche est unique et saisissante : s’emparant de la technique historique du collodion humide – qui nécessite de déplacer avec soi son laboratoire et des plaques de verre fragiles –, il a sillonné le Donbass pour rencontrer et photographier les soldats et les civils touchés en première ligne par le conflit. Une camionnette pleine de matériel, une grande chambre photographique et des temps de 15 minutes pour la préparation, la prise de vue et le développement : un choix très particulier pour photographier la guerre, qui requiert a priori la rapidité et la légèreté de l’appareil.

Le choix de la technique – le collodion humide – n’est pas anodin. Sa lenteur, aux antipodes de la photographie de guerre classique, implique de rencontrer l’autre, de prendre du temps et du recul, de rester calme et immobile pendant quelques minutes – malgré les bombardements – et d’entrer dans la réalité d’un pays meurtri par la guerre et pourtant vivant et riche de ses scènes quotidiennes. « Je ne crois pas que la photographie puisse mettre fin à la guerre, mais elle me donne une raison de continuer à faire mon travail. De faire ce que je fais de mieux avec ma souffrance et ma compassion », explique le photographe. En outre, l’usage du collodion humide tisse un lien historique important. En 1855, l’Anglais Roger Fenton partait photographier la guerre en Crimée avec cette technique, à l’époque novatrice car beaucoup plus précise que le calotype – un négatif sur papier – pratiqué jusqu’alors. Kaprov s’inscrit ainsi dans la lignée de l’un des premiers photographes de guerre du 19ème siècle et raconte, en substance, la permanence de l’horreur de la guerre malgré l’évolution de l’histoire. « J’ai essayé de juxtaposer le passé et le présent. J’essaie délibérément de confondre le spectateur pour qu’il regarde plus attentivement », précise-t-il.

Aux côtés des photographies d’Edward Kaprov, l’exposition présente des tirages originaux de photographes majeurs ayant traité de la guerre par le collodion humide : Roger Fenton au 19e siècle et Sally Mann pour l’époque contemporaine. Ensemble, ces artistes nous poussent à réfléchir au rôle essentiel de la technique photographique dans la construction du message de l’image. Par son choix technique, Kaprov impose une profondeur historique et un temps de recul sur la photographie et la guerre.

Per la prima volta in Svizzera, il Museo Svizzero della Fotografia espone il lavoro del fotografo Edward Kaprov, che nel 2022 si è recato in prima linea nel conflitto ucraino per fotografare quella che considerava una guerra "impensabile e insensata". Il suo approccio è unico e impressionante: utilizzando la storica tecnica del collodio umido - che richiede il trasporto del laboratorio e delle fragili lastre di vetro - ha viaggiato attraverso il Donbass per incontrare e fotografare i soldati e i civili colpiti dal conflitto in prima linea. Un furgone pieno di attrezzature, una grande camera fotografica e tempi di 15 minuti per preparare, scattare e sviluppare: una scelta molto particolare per fotografare la guerra, che richiede la velocità e la leggerezza della macchina fotografica fin dall'inizio. La scelta della tecnica - il collodio umido - non è trascurabile. La sua lentezza, che è l'opposto della classica fotografia di guerra, significa incontrare l'altro, prendere tempo e distanza, rimanere fermi e immobili per qualche minuto - nonostante i bombardamenti - ed entrare nella realtà di un Paese devastato dalla guerra, che tuttavia è vivo e ricco di scene quotidiane. "Non credo che la fotografia possa porre fine alla guerra, ma mi dà una ragione per continuare il mio lavoro. Per fare ciò che so fare meglio con la mia sofferenza e la mia compassione", spiega il fotografo.

L'uso del collodio umido stabilisce anche un'importante connessione storica. Nel 1855, l'inglese Roger Fenton si mise a fotografare la guerra in Crimea utilizzando questa tecnica, all'epoca innovativa perché molto più accurata del calotipo - un negativo su carta - utilizzato fino ad allora. Kaprov si inserisce così nella tradizione di uno dei primi fotografi di guerra del XIX secolo e racconta essenzialmente la resistenza dell'orrore della guerra nonostante i cambiamenti della storia. "Ho cercato di giustapporre il passato e il presente. Cerco deliberatamente di confondere lo spettatore in modo che guardi più da vicino", spiega.

Oltre alle fotografie di Edward Kaprov, la mostra presenta stampe originali di importanti fotografi che hanno esplorato il tema della guerra utilizzando il collodio umido: Roger Fenton nel XIX secolo e Sally Mann ai giorni nostri. Insieme, questi artisti ci spingono a riflettere sul ruolo essenziale della tecnica fotografica nella costruzione del messaggio dell'immagine. Attraverso le sue scelte tecniche, Kaprov impone una profondità storica e una distanza temporale al tema della fotografia e della guerra.

For the first time in Switzerland, the Musée suisse de l'appareil photographique is presenting the work of photographer Edward Kaprov, who travelled to the frontlines of the Ukrainian conflict in 2022 to photograph a war that for him was "unthinkable and senseless". His approach is unique and striking: using the historic technique of wet collodion - which requires you to take your laboratory and fragile glass plates with you - he travelled around the Donbass to meet and photograph the soldiers and civilians affected on the frontline by the conflict. A van full of equipment, a large view camera and 15 minutes to prepare, shoot and develop: a very particular choice for photographing war, which ideally requires a quick and light camera. The choice of technique - wet collodion – is important. Its slowness, the antithesis of traditional war photography, means that you have to meet people, take time and step back, remain calm and still for a few minutes - despite the bombardments - and enter into the reality of a country scarred by war yet alive and rich with its everyday scenes. "I don't believe that photography can put an end to war, but it gives me a reason to carry on doing my job. To do what I do best with my suffering and my compassion", explains the photographer.

The use of wet collodion also has an important historical significance. In 1855, the Englishman Roger Fenton set out to photograph the war in the Crimea using this technique, which was innovative at the time because it was much more accurate than the calotype - a negative on paper - that had been used until then. In this way, Kaprov follows in the footsteps of one of the first war photographers of the 19th century and, in essence, recounts the enduring horror of war despite the evolution of history. "I have tried to juxtapose the past and the present. I deliberately try to confuse the viewer so that they look more closely," he explains.

Alongside photographs by Edward Kaprov, the exhibition features original prints by major photographers who have dealt with war using wet collodion: Roger Fenton in the 19th century and Sally Mann in the contemporary period. Together, these artists encourage us to reflect on the essential role of photographic technique in the construction of the image's message. Through his choice of technique, Kaprov imposes a historical depth and a sense of perspective on photography and war.

(Text: Musée suisse de l’appareil photographique, Vevey)

Kunsthalle Friart Fribourg
18. Mai – 28. Juli 2024

one in a hundred years
Sid Iandovka / Anya Tsyrlina with Leslie Thornton & Thomas Zummer

Eine gemeinsame Ausstellung der Kunsthalle Friart Fribourg und des Lumiar Cité, Lissabon

Sid Iandovka und Anya Tsyrlina (beide in Novosibirsk geboren, UdSSR) arbeiten seit über zwanzig Jahren zusammen und haben dabei einen einzigartig unabhängigen Produktionsansatz für ihre medienübergreifende Arbeit entwickelt. Ihre Praxis findet in einem Zustand der Staatenlosigkeit statt, getrennt von Gemeinschaft, Identität und bekanntem Kontext. Sie schaffen einmalige filmische und akustische Objekte, in denen hauntologische Losgelöstheit auf ungebundene Proto-Punk-Sensibilität trifft.

In ihrer ersten institutionellen Ausstellung once in a hundred years arbeiten Iandovka und Tsyrlina mit den amerikanischen Künstler:innen Leslie Thornton und Thomas Zummer zusammen.

Die Installation in Friart ist als imaginäres Brachland des Kinos nach der künstlichen Intelligenz konzipiert. once in a hundred years beschwört einen neu gedachten „Geschichtenraum“ herauf, in dem die erzählerische Form in ephemere Lieder aufbricht, eine Lobrede der lebendigen Gegenwart.

Une exposition combinée entre la Kunsthalle Friart Fribourg et Lumiar Cité, Lisbonne

Sid Iandovka et Anya Tsyrlina (né·e·s à Novosibirsk, URSS) collaborent ensemble depuis plus de vingt ans. Intégrant un large spectre de médias, leur approche indépendante se développe sans relation déterminante à une communauté, une identité ou un contexte. Libéré de contraintes d’appartenance, le duo crée des objets filmiques et sonores singuliers dans lesquels une sensibilité punk rencontre un style hantologique détaché.

Pour leur première exposition institutionnelle once in a hundred years, Iandovka et Tsyrlina collaborent avec Leslie Thornton et Thomas Zummer, figures tutélaires de la scène artistique new-yorkaise.

L’installation à Friart est conçue comme un cinéma en friche d’après l’intelligence artificielle. once in a hundred yearsimagine un espace narratif où la forme se fragmente en chansons éphémères, en oraisons du présent vivant.

Una mostra congiunta della Kunsthalle Friart Fribourg e della Lumiar Cité, Lisbona

Sid Iandovka e Anya Tsyrlina (entrambi nati a Novosibirsk, URSS) lavorano insieme da oltre vent'anni, sviluppando un approccio produttivo unico e indipendente al loro lavoro crossmediale. La loro pratica si svolge in uno stato di apolidia, separata dalla comunità, dall'identità e dal contesto familiare. Creano oggetti filmici e sonori unici in cui il distacco hauntologico incontra la sensibilità proto-punk.

Nella loro prima mostra istituzionale dopo cento anni, Iandovka e Tsyrlina collaborano con gli artisti americani Leslie Thornton e Thomas Zummer.

L'installazione al Friart è concepita come un'immaginaria terra desolata del cinema dopo l'intelligenza artificiale. Once in a hundred years evoca uno "spazio narrativo" reimmaginato in cui la forma narrativa si rompe in canzoni effimere, un inno al presente vivente.

A combined exhibition between Kunsthalle Friart Fribourg and Lumiar Cité, Lisbon

Sid Iandovka and Anya Tsyrlina (both born in Novosibirsk, USSR) have collaborated together for over twenty years, developing a uniquely independent production approach to their work across different media. Theirs is a practice that occurs within a condition of statelessness, separate from community, identity and known context. They create singular filmic and sonic objects in which hauntological detachment meets unbound proto-punk sensibility.

Iandovka and Tsyrlina have come together with maverick American artists, Leslie Thornton and Thomas Zummer, for their first institutional show once in a hundred years.

At Friart, the installation is conceived as a cinematic wasteland in the wake of artificial intelligence. With an instability in the guise of story-telling, it conjures a reimagined ‘story-space’ in which narrative form breaks into ephemeral song, a eulogy for the living present.

(Text: Kunsthalle Friart Fribourg)

FOCALE galerie – librairie | Nyon
14. April – 9. Juni 2024

SIEMPRE QUE ESTEMOS VIVOS NOS VEREMOS
Celine Croze

"Siempre que estemos vivos nos veremos", das war der letzte Satz, den Yair zu mir sagte. Wir standen auf dem Azotea (Dach) von Block 11, der Nebel hüllte Caracas ein und das verrückte Gerücht der Stadt klang wie ein Trauergesang.

Es war ein Schuss in mein Herz. Das Bewusstsein des eigenen Endes hatte etwas Schreckliches und Erhabenes zugleich. Es war alles gesagt. Die Dringlichkeit des Lebens, die Faszination des Todes, der Zusammenbruch des Landes. Die extreme Gewalt und die Absurdität der Situation vermittelten den Eindruck, dass das Leben nur ein Spiel war.

Ich erinnerte mich zwei Tage zuvor an die Gallina (Arena für Hahnenkämpfe). Der Geruch von Blut, vermischt mit Rum und Schweiß, die Schreie der Wut, die Erregung jedes einzelnen Mannes. Eine ungreifbare Trance berauschte die Arena. Als ob wir alle verrückt wären. Als ob Blut, Tod und Macht einen lebendiger machen würden. Die chaotische Energie der Stadt hallte in jedem Kampf wider, wie ein Tanz, der sich entfaltet, bleibt und hilflos weint.

Einen Monat später wurde Yair erschossen. Er war 27 Jahre alt.

Meine Wanderungen durch Lateinamerika waren von weiteren überwältigenden Begegnungen durchzogen. Wie diese Kampfhähne sah ich Wesen, die tanzten und sich an die Unordnung klammerten. Ich fand jedes Mal dieselbe unverschämte Sinnlichkeit, wie eine wütende Provokation, wie der Schrei eines Jugendlichen, der sich über die Gefahr amüsiert, verurteilt und frei ist.

« Siempre que estemos vivos nos veremos », c’est la dernière phrase que m’a dite Yair. Nous étions sur l’azotea (toit) du bloc 11, la brume enveloppait Caracas, la rumeur folle de la ville ressemblait à un chant funèbre.

C’était une balle dans mon coeur. La conscience de sa propre fin avait quelque chose de terrible et sublime à la fois. Tout était dit. L’urgence de la vie, la fascination pour la mort, l’effondrement du pays. L’extrême violence et l’absurdité de la situation donnait l’impression que la vie n’était qu’un jeu.

Je me rappelais deux jours plus tôt la gallina (arène pour combats de coqs). L’odeur du sang mélangée au rhum et à la sueur, les cris de rage, l’excitation de chaque homme. Une transe impalpable enivrait l’arène. Comme si nous étions tous fous. Comme si le sang, la mort et le pouvoir rendaient plus vivant. L’énergie chaotique de la ville résonnait dans chaque combat, telle une danse qui se déploie, qui reste et pleure, impuissante.

Un mois plus tard, Yair fut abattu. Il avait 27 ans.

Mes errances en Amérique Latine furent traversées par d’autres rencontres saisissantes. Comme ces coqs de combats, je voyais des êtres danser et s’accrocher au désordre. J’y retrouvais à chaque fois cette même sensualité insolente, comme une furieuse provocation, comme un cri d’adolescent amusé par le danger, condamné et libre.

"Siempre que estemos vivos nos veremos" fu l'ultima frase che mi disse Yair. Eravamo sull'azotea (tetto) dell'isolato 11, la nebbia che avvolgeva Caracas, il folle ronzio della città come una nenia funebre.

Era una pallottola nel mio cuore. C'era qualcosa di terribile e sublime allo stesso tempo nell'essere consapevoli della propria fine. Diceva tutto. L'urgenza della vita, il fascino della morte, il collasso del Paese. L'estrema violenza e l'assurdità della situazione davano l'impressione che la vita fosse solo un gioco.

Due giorni prima, mi sono ricordato della gallina (arena per i combattimenti di galli). L'odore del sangue misto a rum e sudore, le grida di rabbia, l'eccitazione di ogni uomo. Una trance impalpabile intossicava l'arena. Come se fossimo tutti pazzi. Come se il sangue, la morte e il potere ci rendessero più vivi. L'energia caotica della città risuonava in ogni combattimento, come una danza che si svolge, che rimane e piange, impotente.

Un mese dopo, Yair fu ucciso con un colpo di pistola. Aveva 27 anni.

Le mie peregrinazioni in America Latina sono state intervallate da altri incontri eclatanti. Come quei galli da combattimento, ho visto persone ballare e aggrapparsi al disordine. Ogni volta ritrovavo la stessa sensualità insolente, come una provocazione furiosa, come il grido di un adolescente divertito dal pericolo, condannato e libero.

"Siempre que estemos vivos nos veremos" was the last sentence Yair said to me. We were standing on the azotea (roof) of Block 11, the mist enveloping Caracas, the mad hum of the city like a funeral dirge.

It was a bullet in my heart. There was something both terrible and sublime about the awareness of one's own demise. It said it all. The urgency of life, the fascination with death, the collapse of the country. The extreme violence and absurdity of the situation gave the impression that life was just a game.

Two days earlier, I remembered the gallina (cockfighting arena). The smell of blood mixed with rum and sweat, the cries of rage, the excitement of each man. An impalpable trance intoxicated the arena. As if we were all mad. As if blood, death and power made us more alive. The city's chaotic energy resonated in every fight, like a dance that unfolds, stays and weeps, powerless.

A month later, Yair was shot dead. He was 27 years old.

My wanderings in Latin America were interspersed with other striking encounters. Like those fighting cocks, I saw people dancing and clinging to disorder. Each time, I found the same insolent sensuality, like a furious provocation, like the cry of an adolescent amused by danger, condemned and free.

(Text: Celine Croze)

Photo Elysée | Lausanne
29. März – 4. August 2024

LIBÉRER LA PHOTOGRAPHIE
Man Ray

"Völlig frei von der Malerei und ihren ästhetischen Implikationen zu sein" – so lautete das erste erklärte Ziel von Man Ray (USA, 1890–1976), der seine Karriere als Maler begann. Die Fotografie stellte eine wichtige Neuerung in der modernen Kunst dar. Sie führte dazu, dass das Konzept der Darstellung wieder in Frage gestellt wurde. In den 1920er- und 1930er-Jahren etablierte sich das Medium Fotografie in der Avantgarde, und Man Ray machte schon bald durch seine Virtuosität auf sich aufmerksam. Als Studioporträtist und Modefotograf, aber auch als experimenteller Künstler, der die Möglichkeiten der Fotografie mit Menschen aus seinem Umfeld erforschte, zeigte sich Man Ray als eine sehr vielschichtige Figur. Er gilt heute als einer der wichtigsten Künstler des 20. Jahrhunderts, stand Dada und später dem Surrealismus nahe, und fotografierte den Kreis der Künstler:innen, die in der Zeit zwischen den beiden Weltkriegen in Paris zu finden waren.

Die auf Grundlage einer Privatsammlung zusammengestellte Ausstellung beleuchtet die vielfältigen Lebensumstände des Künstlers und zeigt einige seiner ikonischsten Werke. Die Arbeiten präsentieren nicht nur ein schillerndes Who-is-Who der Pariser Avantgarde, sondern unterstreichen auch die fototechnischen Innovationen, die Man Ray im Paris der 1920er- und 1930er-Jahre entwickelte.

Die Ausstellung wird unterstützt von der Loterie Romande, der Fondation Le Cèdre, der Fondation ARPE, Le Cercle de Photo Elysée und dem Bundensamt für Kultur (BAK).

"Etre totalement libéré de la peinture et de ses implications esthétiques", tel fut le premier but avoué de Man Ray qui débuta sa carrière en tant que peintre. La photographie constituait une des ouvertures importantes de l’art moderne. Elle suscitait alors une remise en question des notions de représentation. C’est dans les années 1920 et 1930 que le médium photographique s’imposa dans les avant-gardes et que Man Ray se fit rapidement remarquer par sa virtuosité. Portraitiste de studio, photographe de mode, mais aussi artiste expérimental ayant exploré les potentiels de la photographie avec les figures de son entourage, Man Ray apparaît comme une figure aux facettes multiples. Considéré comme l’un des artistes majeurs du XXe siècle, proche de Dada, puis du surréalisme, il photographie le cercle artistique présent à Paris dans l’entre-deux-guerres.

Réalisée à partir d’une collection privée, l’exposition explore les sociabilités multiples de l’artiste, tout en présentant certaines de ces œuvres les plus emblématiques. En plus de présenter un éblouissant who’s who de l’avant-garde parisienne, les œuvres mettent également en évidence les innovations en matière de photographie que Man Ray a réalisées à Paris dans les années 1920 et 1930.

L'exposition est soutenue par la Loterie Romande, la Fondation Le Cèdre, la Fondation ARPE, Le Cercle de Photo Elysée et l'Office fédéral de la culture (OFC).

"Essere totalemente liberato dalla pittura e dalle sue implicazioni estetiche", ecco cosa fu il primo obiettivo confessato da Man Ray che esordì in quanto pittore. La fotografia costituiva una delle aperture importanti dell’arte moderna. Provocava una messa in discussione dei concetti della rappresentazione. Fu negli anni 1920 e 1930 che il medium fotografico si impose nelle avanguardie e che Man Ray si fece notare subito con la sua maestria. Ritrattista di studio, fotografo di moda, ma altresì artista sperimentale che ha esplorato i potenziali della fotografia con figure della propria cerchia, Man Ray appare come una figura dalle molteplici sfaccettature. Considerato uno dei maggiori artisti del Novecento, vicino al dadaismo, poi al surrealismo, fotografa tutta la cerchia artistica presente a Parigi nel periodo interbellico.

Realizzata a partire da una collezione privata, la mostra esplora le tante conoscenze dell'artista e presenta alcune delle sue opere più emblematiche. Oltre a presentare un affascinante who's who dell’avanguardia parigina, le opere evidenziano altresì le innovazioni in materia di fotografia realizzate da Man Ray nella Parigi degli anni 1920 e 1930.

L'esposizione è supportata dalla Loterie Romande, dalla Fondation Le Cèdre, dalla Fondation ARPE, dal Le Cercle de Photo Elysée e dall'Ufficio federale della cultura (UFC).

“To be totally liberated from painting and its aesthetic implications” was the first avowed aim of Man Ray (United States, 1890-1976), who began his career as a painter. Photography was one of the major breakthroughs of modern art and led to a rethinking of notions of representation. In the 1920s and 30s, the photographic medium came to the forefront of the avant-garde movement, and Man Ray soon made a name for himself with his virtuosity. As a studio portraitist and fashion photographer, but also as an experimental artist who explored the potential of photography with the people around him, Man Ray was a multi-faceted figure. Considered one of the 20th century’s major artists, close to Dada and then Surrealism, he photographed Paris’ artistic milieu between the wars.

Curated from a private collection, the exhibition explores the artist’s extensive social contacts while presenting some of his most iconic works. In addition to providing a dazzling who’s who of the Parisian avant-garde, the works also highlight the innovations in photography made by Man Ray in Paris in the 1920s and 30s.

The exhibition is supported by the Loterie Romande, the Fondation Le Cèdre, the Fondation ARPE, Le Cercle of Photo Elysée and the Office fédéral de la culture (OFC).

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Photo Elysée | Lausanne
29. März – 4. August 2024

Cindy Sherman

Cindy Sherman gilt als eine der bedeutendsten amerikanischen Künstlerinnen ihrer Generation. Seit mehr als vierzig Jahren hinterfragt sie mit ihren bahnbrechenden Fotografien das Konzept der Darstellung und der Identität in den zeitgenössischen Medien.

In dieser neuen Bilderserie setzt die Künstlerin Teile ihres eigenen Gesichts als Collage zu neuen Bildern zusammen und erschafft so neue Identitäten verschiedener Figuren. Dazu nutzt sie digitale Bildbearbeitung, um die vielschichtigen Aspekte und die Plastizität des Selbst zu betonen. Sherman verzichtet dabei auf szenische Hintergründe oder Kulissen – das Gesicht selbst steht im Mittelpunkt.

Sie kombiniert eine digitale Collagetechnik, bei der sie Schwarzweiss- und Farbfotografien verwendet, mit anderen traditionelleren Verwandlungsformen wie Make-up, Perücken und Kostümen. Das Ergebnis ist eine Reihe verstörender und verzerrter Gestalten, die vor der Kamera lachen, sich verrenken, die Augen zusammenkneifen oder Grimassen schneiden. Zur Schaffung dieser fragmentierten Figuren hat Sherman einzelne Partien ihres Körpers aufgenommen – ihre Augen, ihre Lippen, ihre Haut, ihre Haare, ihre Ohren –, die Aufnahmen anschliessend neu zusammengesetzt und diese dann in einem Verfahren von Konstruktion, Dekonstruktion und abschliessender Rekonstruktion zu neuen Gesichtern zusammengefügt.

Zur Ausstellung erscheint ein von Hauser & Wirth Publishers herausgegebener Katalog.

Cindy Sherman est considérée comme l'une des artistes américaines les plus importantes de sa génération. Depuis plus de quarante ans, ses photographies révolutionnaires interrogent les thèmes de la représentation et de l'identité dans les médias contemporains.

Dans ce nouveau corpus d'œuvres, l'artiste colle des parties de son propre visage pour construire les identités de divers personnages, en utilisant la manipulation numérique pour accentuer les aspects stratifiés et la plasticité du moi.

Sherman a supprimé toute toile de fond ou mise en scène – le visage est au centre de cette série. Elle combine une technique de collage numérique utilisant des photographies en noir et blanc et en couleur avec d'autres modes de transformation traditionnels, tels que le maquillage, les perruques et les costumes, pour créer une série de personnages troublants qui rient, se tordent, plissent les yeux et grimacent devant l'appareil photo. Pour créer ces personnages fracturés, Sherman a photographié des parties isolées de son corps – ses yeux, son nez, ses lèvres, sa peau, ses cheveux, ses oreilles qu'elle coupe, colle et étire sur une image de base, pour finalement construire, déconstruire et reconstruire un nouveau visage.

L'exposition est accompagnée d'un catalogue publié par Hauser & Wirth Publishers.

Cindy Sherman è considerata una delle artiste americane più importanti della sua generazione. Da oltre quarant’anni, le sue fotografie rivoluzionarie interrogano i temi della rappresentazione e dell’identità nei media contemporanei.

In questo nuovo corpus di opere, l'artista incolla parti del proprio viso per costruire le identità di vari personaggi e utilizza la manipolazione digitale per accentuare gli aspetti stratificati e la plasticità dell’ego.

Sherman ha eliminato ogni sfondo o allestimento – il viso è al centro di questa serie. L’artista abbina una tecnica di incollaggio digitale con fotografie in bianco e nero e a colori, ad altri modi di trasformazione tradizionali, quali il trucco, le parrucche e i vestiti, in modo da creare una serie di personaggi sconcertanti che ridono, si contorcono, socchiudono gli occhi e fanno delle smorfie davanti alla macchina fotografica. Per creare questi personaggi fratturati, Sherman ha fotografato delle parti singole del proprio corpo – gli occhi, il naso, le labbra, la pelle, i capelli, le orecchie, che ha tagliato, incollato e stirato sopra un’immagine di base, per finalmente costruire, decostruire e ricostruire un nuovo viso.

La mostra è accompagnata da un catalogo pubblicato da Hauser & Wirth Publishers.

Cindy Sherman is considered to be one of the most important American artists of her generation. Her ground-breaking photographs have interrogated themes around representation and identity in contemporary media for over four decades.

In this new body of work, the artist collages parts of her own face to construct the identities of various characters, using digital manipulation to accent the layered aspects and plasticity of the self. Sherman has removed any scenic backdrops or mise-en-scène–the focus of this series is the face. She combines a digital collaging technique using black and white and color photographs with other traditional modes of transformation, such as make-up, wigs and costumes, to create a series of unsettling characters who laugh, twist, squint and grimace in front of the camera. To create the fractured characters, Sherman has photographed isolated parts of her body–her eyes, nose, lips, skin, hair, ears–which she cuts, pastes and stretches onto a foundational image, ultimately constructing, deconstructing and then reconstructing a new face.

The exhibition is accompanied by a catalogue by Hauser & Wirth Publishers.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Musée des Beaux-Arts | Le Locle
23. März – 15. September 2024

La scia del monte ou les utopistes magnétiques

Als Antwort auf die dystopischen Szenarien, mit denen unsere heutige Gesellschaft konfrontiert ist, beschliesst das MBAL, die Utopie in Form des Erbes des mythischen Monte Verità zu feiern, der in der ganzen Welt verehrten helvetischen Wiege der Avantgarde. Diese magnetische Oase auf dem Monescia-Hügel im Tessin bot um die Wende zum 20. Jahrhundert der ersten alternativen, naturistischen, feministischen und vegetarischen Siedlung Platz, die als Vorläufer der späteren Gegenkultur-Bewegungen gilt und wo im Lauf der Jahre eine Vielzahl von Anarchisten, Denkern und Künstlern ein und aus gingen. Gefeiert durch die Ausstellung des Visionärs Harald Szeemann, Monte Verità. Le mammelle della verità (‘Die Brüste der Wahrheit‘, 1978), ist der Hügel auch heute noch ein Pilgerort, der aufrüttelt, erhellt und tröstet.

Doch was bleibt von den Utopien, die sich um dieses "Bermudadreieck des Geistes" rantken? Die in Zusammenarbeit mit der Fondazione Monte Verità entstandene Ausstellung la scia del monte (die Spur des Berges) oder die magnetischen Utopist*innen, lädt 26 zeitgenössische Künstler*innen, deren Schaffen vom Monte Verità und der ihn umgebenden Aura inspiriert wurde, ein, mit dem Geist des Ortes und seinen weiblichen Figuren in Resonanz zu treten. Der Rundgang bietet einen eklektischen und faszinierenden Dialog zwischen Natur, Kunst und Geist und hinterfragt das Konzept der "Lebensreform", das die Pioniere anstrebten. Die Ausstellung erkundet alle Medien und Techniken, von der Videokunst über Installationen, Skulpturen, Malerei, Fotografie, Gravur, Ton oder Stoff bis hin zur künstlichen Intelligenz, und unterstreicht damit unterschwellig die Bedeutung der Schweiz als Heimat für freie und radikale Geister.

En réponse aux scénarios dystopiques auxquels est confrontée notre société contemporaine, le MBAL choisit de célébrer l’utopie à travers l’héritage du mythique Monte Verità, berceau helvète d’avant-gardes, vénéré dans le monde entier. Cette oasis magnétique, située au Tessin sur la colline de Monescia, accueille au tournant du 20ème siècle la première colonie alternative, naturiste, féministe et végétarienne, précurseur des mouvements de contre-culture qui suivront, et voit défiler au fil des ans une succession d'anarchistes, de penseur·euse·x·s et d'artistes. Consacrée par l'exposition du visionnaire Harald Szeemann, Monte Verità. Le mammelle della verità (1978), la colline est encore aujourd'hui un lieu de pèlerinage qui éveille, illumine et console.

Mais que reste-t-il de ces utopies qui ont gravité autour de ce « triangle des Bermudes de l'esprit » ? Créée en collaboration avec la Fondazione Monte Verità, l’exposition la scia del monte (la trace du mont) ou les utopistes magnétiques invite 26 artistes contemporain·e·x·s, dont les créations ont été inspirées par le Monte Verità et son aura environnante, à entrer en résonnance avec le génie du lieu et ses figures féminines. Le parcours propose un dialogue éclectique et captivant entre nature, art et esprit, interrogeant la notion de « réforme de la vie » souhaitée par les précurseurs. Explorant tous les médiums et techniques, de l’art vidéo à l’intelligence artificielle en passant par l’installation, la sculpture, la peinture, la photographie, la gravure, le son ou le tissu, l’exposition souligne en creux l’importance du territoire helvète comme terre d’accueil des esprits libres et iconoclastes.

In risposta agli scenari distopici che la nostra società contemporanea si trova ad affrontare, MBAL ha scelto di celebrare l'utopia attraverso l'eredità del mitico Monte Verità, la culla svizzera delle avanguardie, venerata in tutto il mondo. All'inizio del XX secolo, quest'oasi magnetica sulla collina della Monescia, in Ticino, ha ospitato la prima colonia alternativa, naturista, femminista e vegetariana, precursore dei movimenti di controcultura che sarebbero seguiti, e nel corso degli anni ha visto passare dalle sue porte una serie di anarchici, pensatori e artisti. È stata consacrata dalla mostra del visionario Harald Szeemann Monte Verità. Le mammelle della verità (1978), la collina è ancora oggi un luogo di pellegrinaggio che risveglia, illumina e consola.

Ma cosa resta delle utopie che gravitavano intorno a questo "triangolo delle Bermuda della mente"? Realizzata in collaborazione con la Fondazione Monte Verità, la mostra La scia del monte o le utopie magnetiche invita 26 artisti contemporanei, le cui creazioni sono state ispirate dal Monte Verità e dall'aura che lo circonda, a entrare in risonanza con il genio del luogo e delle sue figure femminili. La mostra propone un dialogo eclettico e accattivante tra natura, arte e spirito, mettendo in discussione la nozione di "riforma della vita" auspicata dai precursori. Esplorando tutti i media e le tecniche, dalla videoarte all'intelligenza artificiale, all'installazione, alla scultura, alla pittura, alla fotografia, all'incisione, al suono e al tessuto, la mostra sottolinea l'importanza della Svizzera come patria di spiriti liberi e iconoclasti.

In response to the dystopian scenarios confronting our contemporary society, the MBAL has chosen to celebrate utopia through the legacy of the mythical Monte Verità, the Swiss cradle of the avant-garde, revered worldwide. This magnetic oasis on the Monescia hill in Ticino was home to the first alternative, naturist, feminist and vegetarian colony in the early 20th century, a precursor of the counter-culture movements that followed, and has seen a succession of anarchists, thinkers and artists pass through its doors over the years. Consecrated by visionary curator Harald Szeemann, with his exhibition Monte Verità. Le mammelle della verità (1978), the hill is still today a place of pilgrimage that awakens, enlightens and consoles. But what remains of the utopias that gravitated around this "Bermuda triangle of the spirit"?

Created in collaboration with the Fondazione Monte Verità, the exhibition la scia del monte (the trace of the mountain) ou les utopistes magnétiques (or the magnetic utopians) brings together 26 contemporary artists, whose creations have been inspired by Monte Verità and its surrounding aura, to resonate with the genius of the place and its female figures. The exhibition offers an eclectic and captivating dialogue between nature, art and spirit, questioning the notion of the "reform of life" desired by the precursors. Exploring all media and techniques, from video art to artificial intelligence, installation, sculpture, painting, photography, engraving, sound and fabric, the exhibition highlights the importance of Switzerland as a land of refuge for free spirits and iconoclasts.

(Text: Federica Chiocchetti, Director, Museum of Fine Arts Le Locle (MBAL), and Nicoletta Mongini, Cultural Director, Fondazione Monte Verità)

Musée jurassien des Arts | Moutier
17. März – 26. Mai 2024

Bernd Nicolaisen, Amedeo Baumgartner

Die Natur steht im Mittelpunkt des Schaffens von Bernd Nicolaisen und Amedeo Baumgartner. Die Ausstellung zeigt den einzigartigen Ansatz jedes dieser Berner Künstler, um sich mit diesem Thema zu befassen, das im Kontext der aktuellen Umweltkrisen von zentraler Bedeutung ist. Sie betont aber auch ihre Konvergenzen insbesondere die Aufmerksamkeit für die Nahaufnahme als Mikrokosmos in einem Dialog zwischen Nicolaisens Werken, die auf Fotografie basieren, und Baumgartners Gemälden.

Einzigartikeit
In der alten Villa, die das Museum beherbergt, wird den Künstler n je eine Etage zur Verfügung gestellt , wo man die Einzigartigkeit von Nicolaisens auf Fotografie basierenden Arbeiten und Baumgartners malerischen Forschungen vertiefen kann.

Bernd Nicolaisen nimmt grundlegende Elemente, Eis, tausendjähriges Holz oder Fels auf , oder reflektiert einen Kometen . Er arbeitet bei seinen Aufnahmen mit langen Verschlusszeiten und achtet besonders auf die natürliche Lichtverteilung, ohne auf künstliche Beleuchtung oder Retusche zurückzugreifen . In Werken wie seinen Stratagram s versucht er jedoch , über die dokumentarische Spiegelung hinauszugehen, indem er vor Ort gefundene Mineralien und Pigmente verwendet, als Echo auf das, was sich in den Tiefen der Erde verbirgt.

Amedeo Baumgartner schöpft die Motive für seinen umfangreichen Zyklus Ex Natura aus seinen Wanderungen in der Natur. Er fotografiert einen Farn, einen Ast oder einen Felsen und verwendet diese Bilder dann als Vorbereitungsskizze n , die auf die Leinwand übertragen w erden. Er baut seine Bilder dann in einem komplexen Prozess malerisch auf , indem er Schichten von feinsten Pinselstrichen und Firnissen überlagert, wodurch die Farben von selbst Tiefe gewinnen. Seine Werke bewegen sich zwischen Hyperrealismus und poetischer Interpretation.

Der Künstler zeigt auch Werke aus seinem anderen Zyklus, Ex Cinema , die von Filmszenen inspiriert sind.

Konvergenzen
Der große Saal des Musée jurassien des Arts legt den Schwerpunkt auf die Konvergenzen zwischen den beiden Künstlern in Form eines Dialogs zwischen ihren Werken Das lebendige Wasser der Bäche, gemalt von Amedeo Baumgartner, antwortet auf das uralte Eis, fotografiert von Bernd Nicolaisen. Auf überraschende Weise harmoniert eine Blumenwiese oder ein Waldpfad des Ersteren mit Nahaufnahmen der tausendjährigen Bergpinienrinde des Letzteren.

Abgesehen von diesen formalen und thematischen Anklängen konvergieren beide Künstler durch ihren bedeutungsvollen Bildausschnitt. Weit entfernt von einem breiten Blickwinkel, der zur Ansicht einer Landschaft tendieren würde, konzentrieren sie sich auf das Detail . Jeder betrachtet diese Fragmente zudem als einen Mikrokosmos, der die Quintessenz der natürlichen Welt zusammenfasst, und hofft, auf diese Weise beim Betrachter Fragen über sein e Beziehung zur Natur zu wecken.

Schließlich spielt die Zeitlichkeit eine Rolle im Ansatz beide r Künstler .

Bernd Nicolaisen verbindet und konfrontiert Erdzyklen mit fotografischer Dauer. In seinen Aufnahmen verdichtet er die zeitliche Dimension von Überresten natürlicher Elemente die manchmal Zehntausende von Jahren alt sind. Auf diese Weise untersucht er die Vergänglichkeit der menschlichen Existenz vor dem Hintergrund des Ausmaßes der Erdgeschichte.

Amedeo Baumgartner seinerseits integriert ebenfalls die Dimension der Zeit, indem er seine Gemälde als Ergebnis einer Verkettung von Erfahrungen und Ideen versteht, die er auf seiner Suche nach Motiven in der Natur erlebt. Ein Mosaik dieser Momente, die sich allmählich zusammenfügen, bildet das endgültige Bild.

La nature est au coeur des oeuvres de Bernd Nicolaisen, basées sur la photographie, et des toiles d’Amedeo Baumgartner. L'exposition présente l'approche singulière avec laquelle chacun de ces artistes bernois aborde ce thème crucial, à l'ère des enjeux écologiques actuels. Mais elle souligne aussi les convergences qui existent entre les démarches des deux créateurs, notamment leur attention au gros plan en tant que microcosme.

Singularités
Dans l’ancienne villa qui abrite le musée, un étage réservé à chacun permet d’approfondir la singularité des travaux de Nicolaisen, basée sur la photographie, et celle des recherches picturales de Baumgartner.

Bernd Nicolaisen capte des éléments fondamentaux et ancestraux, bois, glace ou roche millénaires, ou reflète librement une comète. Il travaille ses prises de vue avec de longs temps de pause et porte une attention particulière à la distribution naturelle de la lumière, n’ayant jamais recours à un éclairage artificiel ou à la retouche. Pourtant, dans des oeuvres telles que ses Stratagrams, il cherche à dépasser le reflet documentaire en utilisant des minéraux et des pigments trouvés sur place, en écho à ce qui se cache dans les profondeurs de la terre.

De son côté, Amedeo Baumgartner puise les motifs de son vaste cycle Ex Natura lors de ses randonnées dans la nature. Il photographie une fougère, un branchage, un rocher et utilise ensuite ces images comme esquisses préparatoires. Il construit ensuite ses images picturalement au fil d’un processus complexe. Il superpose des strates de coups de pinceau très fin et de vernis, afin que les couleurs acquièrent une profondeur par elles-mêmes. Ses oeuvres oscillent entre hyperréalisme et interprétation poétique.

L’artiste présente également des oeuvres de son autre cycle, Ex Cinema, inspirées par des scènes de films.

Convergences
La grande salle du musée met l’accent sur les convergences entre les deux artistes, sous la forme d’un dialogue entre leurs oeuvres. L’eau vive des ruisseaux peinte par Amedeo Baumgartner répond à la glace ancestrale photographiée par Bernd Nicolaisen. Un pré fleuri ou un sentier forestier du premier s’accorde de manière surprenante avec certains gros plans d’écorce de pins millénaires du second.

Au-delà de ces échos thématiques et formels, les deux artistes se rejoignent par leurs cadrages porteurs de sens. Loin d’un large point de vue qui tendrait vers le paysage, ils se concentrent sur le détail. Chacun considère en outre ces fragments comme un microcosme, synthétisant la quintessence

du monde naturel, et espère par ce biais éveiller un questionnement du spectateur sur le plan de son rapport à la nature.

Enfin, la temporalité traverse l’approche des deux artistes.

Bernd Nicolaisen associe et confronte cycles terrestres et durée photographique. Il condense dans ses prises de vue la dimension temporelle de vestiges d’éléments naturels – qui remontent parfois à des dizaines de milliers d’année. Il interroge ainsi le caractère éphémère de l’existence humaine à l’aune de l’étendue de l’histoire terrestre.

De son côté, Amedeo Baumgartner intègre également la dimension du temps en concevant ses peintures comme le résultat d’un enchaînement d’expériences et d’idées, vécues au fil de sa quête de motifs dans la nature. Le tableau final est fait d’une mosaïque de ces moments qui s’assemblent progressivement.

La natura è al centro del lavoro di Bernd Nicolaisen e Amedeo Baumgartner. La mostra mostra l'approccio unico di ciascuno di questi artisti bernesi a questo tema, di importanza centrale nel contesto delle attuali crisi ambientali. Ma evidenzia anche le loro convergenze, in particolare l'attenzione al primo piano come microcosmo in un dialogo tra le opere di Nicolaisen basate sulla fotografia e i dipinti di Baumgartner.

Unicità
Nell'antica villa che ospita il museo, gli artisti hanno a disposizione un piano per esplorare l'unicità delle opere di Nicolaisen basate sulla fotografia e della ricerca pittorica di Baumgartner.

Bernd Nicolaisen cattura elementi fondamentali, ghiaccio, legno o roccia millenaria, o riflette una cometa. Lavora con tempi di posa lenti e presta particolare attenzione alla distribuzione naturale della luce, senza ricorrere all'illuminazione artificiale o al ritocco. In opere come i suoi stratagrammi, tuttavia, cerca di andare oltre la riflessione documentaria utilizzando minerali e pigmenti trovati sul posto come eco di ciò che si nasconde nelle profondità della terra.

Amedeo Baumgartner trae i motivi del suo ampio ciclo Ex Natura dalle sue passeggiate nella natura. Fotografa una felce, un ramo o una roccia e utilizza queste immagini come schizzi preparatori da trasferire sulla tela. Poi costruisce i suoi quadri con un complesso processo pittorico, sovrapponendo strati di pennellate e vernici finissime, in modo che i colori acquistino profondità da soli. Le sue opere si muovono tra iperrealismo e interpretazione poetica.

L'artista espone anche opere del suo altro ciclo, Ex Cinema, ispirate a scene di film.

Convergenze
La grande sala del Musée jurassien des Arts si concentra sulle convergenze tra i due artisti sotto forma di dialogo tra le loro opere L'acqua viva dei ruscelli, dipinta da Amedeo Baumgartner, risponde al ghiaccio antico, fotografato da Bernd Nicolaisen. In modo sorprendente, un prato fiorito o un sentiero forestale del primo si armonizza con i primi piani della corteccia millenaria di pino mugo del secondo.

Oltre a questi echi formali e tematici, entrambi gli artisti convergono attraverso la loro significativa inquadratura. Lontani da una prospettiva ampia che tenderebbe a una visione paesaggistica, si concentrano sul dettaglio. Ognuno di loro vede questi frammenti come un microcosmo che riassume la quintessenza del mondo naturale, sperando in questo modo di risvegliare nello spettatore domande sul proprio rapporto con la natura.

Infine, la temporalità gioca un ruolo importante nell'approccio di entrambi gli artisti.

Bernd Nicolaisen combina e confronta i cicli della terra con la durata fotografica. Nelle sue fotografie condensa la dimensione temporale di resti di elementi naturali che a volte hanno decine di migliaia di anni. In questo modo, esamina la transitorietà dell'esistenza umana sullo sfondo della scala della storia della Terra.

Anche Amedeo Baumgartner, da parte sua, integra la dimensione del tempo intendendo i suoi dipinti come il risultato di una concatenazione di esperienze e idee che sperimenta nella sua ricerca di motivi nella natura. Un mosaico di questi momenti, che si uniscono gradualmente, forma l'immagine finale.

Nature is at the heart of the work of Bernd Nicolaisen and Amedeo Baumgartner. The exhibition demonstrates the unique approach of each of these Bernese artists to this theme, which is central in the context of current environmental crises. But it also emphasizes their convergences in particular the attention to the close-up as a microcosm in a dialogue between Nicolaisen's works based on photography and Baumgartner's paintings.

Uniqueness
In the old villa that houses the museum, the artists are each given a floor to explore the uniqueness of Nicolaisen's photography-based works and Baumgartner's painterly research.

Bernd Nicolaisen takes up basic elements, ice, millennial wood or rock, or reflects a comet . He works with slow shutter speeds and pays particular attention to the natural distribution of light, without resorting to artificial lighting or retouching. In works such as his Stratagram s, however, he tries to go beyond documentary reflection by using minerals and pigments found on site as an echo of what is hidden in the depths of the earth.

Amedeo Baumgartner draws the motifs for his extensive Ex Natura cycle from his walks in nature. He photographs a fern, a branch or a rock and then uses these images as preparatory sketches w hich are transferred to the canvas. He then builds up his visuals in a complex painterly process by superimposing layers of the finest brushstrokes and varnishes, allowing the colors to gain depth on their own. His works move between hyperrealism and poetic interpretation.

The artist is also showing works from his other cycle, Ex Cinema , which are inspired by film scenes.

Convergences
The large room of the Musée jurassien des Arts focuses on the convergences between the two artists in the form of a dialog between their works The living water of the streams, painted by Amedeo Baumgartner, responds to the ancient ice, photographed by Bernd Nicolaisen. In a surprising way, a flower meadow or a forest path by the former harmonizes with close-ups of the thousand-year-old mountain pine bark by the latter.

Apart from these formal and thematic echoes, both artists converge through their meaningful framing. Far from a broad perspective that would tend towards a view of a landscape, they focus on the detail . Each also sees these fragments as a microcosm that summarizes the quintessence of the natural world, hoping in this way to awaken questions in the viewer about their relationship with nature.

Finally, temporality plays a role in the approach of both artists.

Bernd Nicolaisen combines and confronts earth cycles with photographic duration. In his photographs, he condenses the temporal dimension of the remains of natural elements that are sometimes tens of thousands of years old. In this way, he examines the transience of human existence against the backdrop of the scale of the earth's history.

Amedeo Baumgartner, for his part, also integrates the dimension of time by understanding his paintings as the result of a concatenation of experiences and ideas that he encounters in his search for motifs in nature. A mosaic of these moments, which gradually come together, forms the final visual.

(Text: Musée jurassien des Arts, Moutier)

Kunsthalle Friart | Fribourg
2. März – 28. April 2024

Our Ailing Senses
Sky Hopinka

Sky Hopinka (1984) ist ein experimenteller Filmemacher, Fotograf und Dichter und gehört der Ho-Chunk Nation an, einem Native American Tribe in Wisconsin. Der Künstler stellt das Weitergeben von Geschichten, Traditionen und Kämpfen der amerikanischen Ureinwohner:innen in den Mittelpunkt seiner Arbeit. Durch die Verflechtung von intimen Zeugnissen, Ausflügen auf dem Land der Vorfahren und Archivmaterial komponiert er lyrische und engagierte Chroniken, in denen die Grenze zwischen dem Persönlichen und dem Kollektiven verschwimmt. Landschaften, Texturen, Musik und Schrift bilden Schichten, aus denen ethnopoetische und neomythologische Beschwörungen hervorgehen, wie der Künstler sie gerne definiert.

Seine Ausstellung Our Ailing Senses in der Kunsthalle Friart zeigt Gedichten und Fotografien und eine grosse Auswahl an Filmen, die zwischen 2014 und 2023 entstanden sind. Die Begegnung der Sprache mit den Bildern der Erde eröffnet dort einen Raum von wiederherstellender Schönheit.

Sky Hopinka (1984) est un cinéaste expérimental, photographe et poète, membre de la Nation Ho-Chunk, une tribu amérindienne du Wisconsin. L’artiste inscrit la transmission des récits, traditions et luttes des peuples natifs d’Amériques au coeur de sa pratique. Entrelaçant témoignages intimes, dérives sur les terres ancestrales et documents d’archives, il compose des chroniques lyriques et engagées dans lesquelles la frontière entre le personnel et le collectif s’estompe. Paysages, textures, musiques, écriture forment autant de couches à partir desquelles émergent des évocations ethnopoétiques et néo-mythologiques, comme aime à les définir l’artiste.

Our Ailing Senses, son exposition à la Kunsthalle Friart, présente une large sélection de films, des poèmes et des photographies réalisés entre 2014 et 2023. La rencontre de la langue et des images de la terre y ouvre un espace d’une beauté qui restaure.

Sky Hopinka (1984) è un regista sperimentale, fotografo e poeta, membro della Ho-Chunk Nation, una tribù di nativi americani del Wisconsin. L'artista pone al centro del suo lavoro la trasmissione di storie, tradizioni e lotte dei nativi americani. Intrecciando testimonianze intime, escursioni nelle terre ancestrali e materiale d'archivio, compone cronache liriche e coinvolgenti che sfumano il confine tra personale e collettivo. Paesaggi, texture, musica e scrittura formano strati da cui emergono evocazioni etnopoetiche e neomitologiche, come ama definirle l'artista.

La sua mostra Our Ailing Senses alla Kunsthalle Friart presenta poesie e fotografie e un'ampia selezione di film realizzati tra il 2014 e il 2023. L'incontro tra il linguaggio e le immagini della terra apre uno spazio di bellezza ristoratrice.

Sky Hopinka (1984) is an experimental filmmaker, photographer and poet. He is a member of the Ho-Chunk Nation, a Native American Tribe from Wisconsin. The transmission of accounts, traditions and struggles of indigenous American peoples is at the heart of his work. Interweaving personal testimony, narratives on ancestral lands and archival material, he composes lyrical pieces in which a spiritual determination blurs the boundary between the individual and the collective. Landscapes, textures, music and writing all make up the different layers of a practice the artist refers to as ethnopoetic and neomythological.

Our Ailing Senses, his exhibition at the Kunsthalle Friart, presents poems, photos and a broad selection of films produced between 2014 and 2023, in which the encounter between language and images of the earth open onto a space of restorative beauty.

(Text: Kunsthalle Friart, Fribourg)

Focale galerie – librairie | Nyon
1. März – 7. April 2024

Power and energy - Hommage à Luca Zanier

Hommage à Luca Zanier ist eine Ausstellung zu Ehren des Fotografen, dessen Arbeit SPACE AND ENERGY 2015 bei FOCALE ausgestellt wurde und der uns leider im vergangenen Jahr verlassen hat. Es handelt sich um einen Rückblick auf seine bemerkenswerten Arbeiten rund um die Hochburgen der Macht und die Kehrseite der Energieindustrie: SPACE AND ENERGY, CORRIDORS OF POWER und PAPERWORLD/CYBERWORLD.

Luca Zanier gelingt es, den Blick des Betrachters zu fesseln, indem er ihn an unbekannte oder sogar vertrauliche Orte führt, an denen keine Menschen anwesend sind. So gelang es ihm, die rätselhaften und ungewöhnlichen Aspekte dieser von und für Menschen geschaffenen Welten in seinen Bildern wiederzugeben und jeden Betrachter zu magnetisieren bzw. anzusprechen.

"Meine Absicht ist es, [diese Orte der Macht] auf künstlerische Weise sichtbar zu machen. In diesem Prozess tritt die Information als solche in den Hintergrund. Es geht vielmehr darum, Perspektiven, Farben und Formen zu fotografieren. Was ich anstrebe, ist die Auflösung der Technik in der Ästhetik. Der Betrachter sieht sich mit einem ultrakomplexen System konfrontiert, von dem unser modernes Leben abhängt, einem System, das uns gleichzeitig fasziniert und Angst macht". Luca Zanier

Hommage à Luca Zanier est une exposition en l’honneur du photographe, dont le travail SPACE AND ENERGY avait été exposé à FOCALE en 2015 et qui nous a malheureusement quitté l’année dernière. Il s’agit d’un retour sur ses travaux remarquables autour des hauts lieux du pouvoir et l’envers de l’industrie énergétique : SPACE AND ENERGY, CORRIDORS OF POWER et PAPERWORLD/CYBERWORLD.

Au travers de ses images, Luca Zanier a su captiver notre regard en l’entraînant dans des lieux méconnus voire confidentiels tous dépourvus de présence humaine. Il est ainsi parvenu à restituer dans ses prises de vues les aspects énigmatiques et insolites de ces univers créés par et pour l’être humain et à magnétiser respectivement interpeller tout spectateur.

« Mon intention est de rendre visible, d’une manière artistique, [ces lieux de pouvoir]. Dans ce processus, l’information en tant que telle passe au second plan. Il s’agit plutôt de photographier des perspectives, des couleurs et des formes. Ce que je cherche, c’est la dissolution de la technique dans l’esthétique. Le spectateur se trouve confronté à un système ultracomplexe duquel dépend notre vie moderne, un système qui, en même temps, nous fascine et nous fait peur ». Luca Zanier

Hommage à Luca Zanier è una mostra in onore del fotografo, il cui lavoro SPACE AND ENERGY è stato esposto alla FOCALE nel 2015 e che purtroppo è scomparso lo scorso anno. Si tratta di un ritorno al suo notevole lavoro sugli alti luoghi del potere e sull'altra faccia dell'industria energetica: SPACE AND ENERGY, CORRIDORS OF POWER e PAPERWORLD/CYBERWORLD.

Attraverso le sue immagini, Luca Zanier è riuscito a catturare il nostro sguardo portandoci in luoghi poco conosciuti o addirittura riservati, tutti privi di qualsiasi presenza umana. Nei suoi scatti è riuscito a cogliere gli aspetti enigmatici e insoliti di questi mondi creati dall'uomo e per l'uomo e a magnetizzare e coinvolgere lo spettatore.

"La mia intenzione è quella di rendere visibili [questi luoghi di potere] in modo artistico. In questo processo, l'informazione in quanto tale passa in secondo piano. Si tratta piuttosto di fotografare prospettive, colori e forme. Quello che cerco è la dissoluzione della tecnica nell'estetica. Lo spettatore si trova di fronte a un sistema ultracomplesso da cui dipende la nostra vita moderna, un sistema che ci affascina e ci spaventa allo stesso tempo. Luca Zanier

Hommage à Luca Zanier is an exhibition in honor of the photographer, whose work SPACE AND ENERGY was exhibited at FOCALE in 2015 and who sadly passed away last year. It's a look back at his remarkable work on the upper reaches of power and the other side of the energy industry: SPACE AND ENERGY, CORRIDORS OF POWER and PAPERWORLD/CYBERWORLD.

Through his images, Luca Zanier captivates the eye by taking us into little-known or even confidential places, all devoid of human presence. His images capture the enigmatic and unusual aspects of these universes created by and for man, magnetizing and engaging the viewer.

"My intention is to make [these places of power] visible in an artistic way. In this process, information as such takes a back seat. It's more a question of photographing perspectives, colors and shapes. What I'm looking for is the dissolution of technique into aesthetics. The viewer is confronted with an ultra-complex system on which our modern lives depend, a system that both fascinates and frightens us. Luca Zanier

(Text: Focale galerie – librairie, Nyon)

Centre de la photographie Genève
28. Februar – 28. April 2024

MAKING LIGHT OF EVERY THING

Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Jessica Backhaus, Emma Bedos, Mathieu Bernard-Reymond, Sara de Brito Faustino, Charlie Engman, Alina Frieske, Peter Hauser, Moritz Jekat, Leigh Merrill, Taiyo Onorato & Nico Krebs, Martin Widmer

Das Intime ist ein Begriff, der oft schwer zu definieren, unantastbar und schwer fassbar ist. Sie kann in einer Kindheitserinnerung, im Inneren des eigenen Hauses oder der eigenen Nachbarschaft, in den Gesten, die man mit seinen Angehörigen austauscht, in der Vertrautheit eines Bildes oder auch in der Verbundenheit mit einem Gegenstand, einem Material oder einer Textur liegen.

Wie kann die Fotografie, ohne direkt Situationen zu zeigen, die unmittelbar als intim identifiziert werden können, eine Beziehung zu diesem Gefühl, seine Flüchtigkeit und Ungreifbarkeit ausdrücken? Wie kann sie das Verhältnis zum zwangsläufig fehlbaren Gedächtnis, die oft komplexen und wechselhaften Bindungen zu geliebten Menschen oder auch die Beziehung zu einem Zuhause, dessen Vertrautheit jederzeit ins Fremde umschlagen kann, ins Bild setzen?

Während das hergestellte oder manipulierte Bild oft mit dem Missbrauch der öffentlichen Meinung oder der Darstellung fiktionaler Welten in Verbindung gebracht wird, wird es hier wegen seines Potenzials, unsere Subjektivität, unsere Beziehung zu den Dingen zu enthüllen, erforscht. Wie können wir unsere Erinnerungen erzählen, die Verbindung zu geliebten Menschen übersetzen oder unsere Sensibilität greifbar machen?

Durch ausgeklügelte Verfahren der Bildmanipulation ermöglichen es die in dieser Ausstellung versammelten Künstler, eine Form der Intimität sichtbar zu machen, zu erfassen oder festzuhalten - vom persönlichsten Ausdruck einer Emotion bis hin zur maschinellen Interpretation menschlicher Beziehungen. Ob mit farbigem Papier hergestellt, durch künstliche Intelligenz erzeugt, vollständig im Fotolabor entstanden oder das Ergebnis einer sorgfältigen Fotomontage - die für diese Ausstellung zusammengestellten Bilder spiegeln das hartnäckige Experimentieren ihrer Autoren wider und vermitteln sowohl frivole als auch überwältigende Emotionen. Ihr explizit hergestellter Charakter - wobei hier keine Hierarchie zwischen Papierschnitt und den ausgefeiltesten Werkzeugen zur Bilderzeugung gemacht wird - hebt die manchmal seltsame Dimension dessen hervor, was uns am vertrautesten ist. Durch ihre Erkundungsprozesse und ihre komplexe Architektur machen die Künstler die komplexen Mechanismen der Welterfassung spürbar und zeugen auf subtile und delikate Weise von der Manifestation unserer individuellen Subjektivitäten.

Die Arbeiten von Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond und Sara De Brito Faustino untersuchen die Verbindungen zwischen hergestellten Bildern und dem Gedächtnis. Adu-Sanyah und Bernard-Reymond verwenden künstliche Intelligenzen, um Erinnerungen nachzubilden oder zu visualisieren, und achten dabei besonders auf die Materialität der entstehenden Bilder, während De Brito Faustino die Orte ihrer Kindheit in Modellen nachstellt, die sie dann erneut fotografiert. Ihre Werke beleuchten den prägenden, aber manchmal auch fehlbaren, seltsamen und rekonstruierten Charakter von Erinnerungen.

Emma Bedos, Alina Frieske und Moritz Jekat setzen visuelle Technologien wie Photogrammetrie, Fotomontage und Videospiele ein, um intime, familiäre und Liebesbeziehungen zu erforschen. Die Orte, die mit einer Liebesbeziehung in Verbindung gebracht werden, die geografische Distanz zu den Angehörigen und die digitalen Schnittstellen, mit denen diese Distanz überbrückt werden kann, oder auch die private und öffentliche Zirkulation persönlicher Bilder werden in Projekten behandelt, in denen das Bild experimentelle und unerwartete Formen annimmt.

Leigh Merrill, das Duo Taiyo Onorato & Nico Krebs und Martin Widmer teilen eine Herangehensweise an den Raum, der mithilfe verschiedener Collage- und Überlagerungstechniken minutiös konstruiert und rekonstruiert wird. Sowohl Onorato & Krebs als auch Widmer arbeiten selbstreflexiv, indem sie ihre eigenen Bilder als Ausgangspunkt verwenden, während Merrill vertraute urbane Räume durch Collagen neu gestaltet.

Das Intime manifestiert sich somit bei einigen der Künstler in der Ausstellung in einer sehr starken Beziehung zu ihrer eigenen Produktion. Bei Jessica Backhaus und Peter Hauser spiegelt die Verbindung zur eigentlichen Herstellung des Bildes durch analoge Verfahren - die Arbeit mit farbigem Papier bei Backhaus und im analogen Labor bei Hauser - eine Intimität der eigentlichen Praxis wider, ein feinfühliges Experimentieren mit Formen, Texturen und Materialien. Bei Charlie Engman schließlich entsteht eine Form von Verletzlichkeit aus den visuellen Experimenten mit künstlicher Intelligenz und ihrem Versagen, Darstellungen körperlicher Intimität, insbesondere der Umarmung, zu reproduzieren, und hallt auf seltsame Weise mit persönlichen Fotografien wider.

Kuratiert von: Claus Gunti & Danaé Panchaud

L’intime est une notion souvent difficile à définir, intangible et insaisissable. Il peut se situer dans un souvenir d’enfance, à l’intérieur de sa maison ou de son quartier, dans les gestes échangés avec ses proches, dans la familiarité d’une image, ou encore dans l’attachement à un objet, à une matière, ou à une texture.

Sans montrer directement des situations immédiatement identifiables comme intimes, comment la photographie peut-elle exprimer un rapport à ce sentiment, son caractère fugace et impalpable ? Comment peut-elle mettre en image les rapports à la mémoire, forcément faillible, les liens souvent complexes et changeants aux personnes chères, ou encore la relation à un chez-soi dont la familiarité peut tourner à l’étrange à tout moment ?

Si l’image fabriquée ou manipulée est souvent associée au détournement de l’opinion publique ou à la représentation d’univers fictionnels, elle est ici explorée pour son potentiel à révéler notre subjectivité, notre rapport aux choses. Comment pouvons-nous raconter nos souvenirs, traduire le lien à des êtres aimés ou rendre tangible notre sensibilité ?

Par des processus élaborés de manipulation d’image, les artistes réunis dans cette exposition permettent de rendre visible, de saisir ou de fixer une forme d’intimité, de l’expression la plus personnelle d’une émotion à l’interprétation machinique des rapports humains. Qu’elles soient fabriquées à l’aide de papiers colorés, générées par intelligence artificielle, créées entièrement dans le laboratoire photographique ou résultant d’un photomontage minutieux, les images réunies pour cette exposition traduisent l’expérimentation opiniâtre de leur auteur, traduisant des émotions tant frivoles qu’écrasantes. Leur caractère explicitement fabriqué – sans qu’une hiérarchie ne soit faite ici entre le papier découpé et les outils les plus sophistiqués de génération d’images – met en avant la dimension parfois étrange de ce qui nous est le plus familier. Par leurs processus exploratoires, leur architecture complexe, les artistes rendent sensible les mécanismes complexes d’appréhension du monde, témoignant de manière subtile et délicate de la manifestation de nos subjectivités individuelles.

Les travaux d’Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond et Sara De Brito Faustino investiguent les liens entre les images fabriquées et la mémoire. Adu-Sanyah et Bernard-Reymond utilisent des intelligences artificielles pour recréer des souvenirs ou les visualiser, prêtant une attention particulière à la matérialité des images qui en résultent, alors que De Brito Faustino reconstitue les lieux de son enfance en maquette qu’elle rephotographie. Leurs oeuvres mettent en lumière le caractère marquant, mais aussi parfois faillible, étrange et reconstruit, des souvenirs.

Emma Bedos, Alina Frieske et Moritz Jekat ont recours à des technologies visuelles comme la photogrammétrie, le photomontage et le jeu vidéo, afin d’investiguer des liens intimes, familiaux et amoureux. Les lieux associés à une relation amoureuse, la distance géographique avec ses proches et les interfaces digitales permettant d’y pallier, ou encore les circulations privées et publiques d’images personnelles, sont abordés dans des projets où l’image prend des formes expérimentales et inattendues.

Leigh Merrill, le duo Taiyo Onorato & Nico Krebs, et Martin Widmer partagent une approche de l’espace, minutieusement construit et reconstruit au moyen de différentes techniques de collage et de superposition. Onorato & Krebs comme Widmer mènent un travail autoréflexif en utilisant leurs propres images comme point de départ, alors que Merrill refaçonne par collage des espaces urbains familiers.

L’intime se manifeste ainsi chez certains des artistes de l’exposition dans un rapport très fort avec leur propre production. Chez Jessica Backhaus et Peter Hauser, le lien à la fabrication même de l’image par des procédés analogiques — le travail avec des papiers colorés pour Backhaus et dans le laboratoire analogique pour Hauser — reflète une intimité de la pratique même, une expérimentation délicate avec des formes, des textures et des matériaux. Enfin, chez Charlie Engman, une forme de vulnérabilité émerge des expérimentations visuelles réalisées avec l’intelligence artificielle et de leur échec à reproduire des représentations de l’intimité corporelle, en particulier le hug, et résonne étrangement avec des photographies personnelles.

Commissariat : Claus Gunti & Danaé Panchaud

L'intimità è un concetto spesso difficile da definire, intangibile e sfuggente. Si può trovare in un ricordo d'infanzia, nell'interno della propria casa o del proprio quartiere, nei gesti scambiati con i propri cari, nella familiarità di un'immagine, o anche nell'attaccamento a un oggetto, a un materiale o a una texture.

Senza mostrare direttamente situazioni immediatamente identificabili come intime, come può la fotografia esprimere il rapporto con questo sentimento, la sua natura fugace e impalpabile? Come può ritrarre il rapporto con la memoria, che è inevitabilmente fallibile, i legami spesso complessi e mutevoli con i propri cari, o il rapporto con una casa la cui familiarità può diventare strana in qualsiasi momento?

Se le immagini fabbricate o manipolate sono spesso associate all'appropriazione indebita dell'opinione pubblica o alla rappresentazione di universi fittizi, qui vengono esplorate per il loro potenziale di rivelazione della nostra soggettività e del nostro rapporto con le cose. Come possiamo raccontare i nostri ricordi, esprimere il nostro legame con le persone care o rendere tangibile la nostra sensibilità?

Attraverso elaborati processi di manipolazione dell'immagine, gli artisti di questa mostra rendono visibile, catturano o fissano una forma di intimità, dall'espressione più personale dell'emozione all'interpretazione macchinosa delle relazioni umane. Realizzate con carta colorata, generate dall'intelligenza artificiale, create interamente nel laboratorio fotografico o frutto di un meticoloso fotomontaggio, le immagini riunite in questa mostra riflettono l'ostinata sperimentazione dei loro autori, trasmettendo emozioni tanto frivole quanto travolgenti. La loro natura esplicitamente artificiale - senza che qui si tracci una gerarchia tra la carta ritagliata e i più sofisticati strumenti di generazione di immagini - mette in evidenza la dimensione a volte strana di ciò che ci è più familiare. Attraverso i loro processi esplorativi e la loro complessa architettura, gli artisti rivelano i complessi meccanismi con cui percepiamo il mondo, testimoniando in modo sottile e delicato la manifestazione delle nostre soggettività individuali.

Il lavoro di Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond e Sara De Brito Faustino indaga i legami tra immagini fabbricate e memoria. Adu-Sanyah e Bernard-Reymond utilizzano l'intelligenza artificiale per ricreare o visualizzare i ricordi, prestando particolare attenzione alla materialità delle immagini risultanti, mentre De Brito Faustino ricostruisce i luoghi della sua infanzia in modelli in scala che poi rifotografa. Le loro opere evidenziano la natura saliente ma talvolta fallibile, strana e ricostruita dei ricordi.

Emma Bedos, Alina Frieske e Moritz Jekat utilizzano tecnologie visive come la fotogrammetria, il fotomontaggio e i videogiochi per indagare le relazioni intime, familiari e amorose. I luoghi associati a una relazione sentimentale, la distanza geografica dai propri cari e le interfacce digitali che la compensano, la circolazione privata e pubblica delle immagini personali sono tutti temi affrontati in progetti in cui l'immagine assume forme sperimentali e inaspettate.

Leigh Merrill, il duo Taiyo Onorato & Nico Krebs e Martin Widmer condividono un approccio allo spazio, meticolosamente costruito e ricostruito con diverse tecniche di collage e sovrapposizione. Sia Onorato & Krebs che Widmer lavorano in modo autoriflessivo, utilizzando le proprie immagini come punto di partenza, mentre Merrill usa il collage per rimodellare spazi urbani familiari.

Per alcuni degli artisti in mostra, l'intimità si manifesta in un rapporto molto forte con la propria produzione. Per Jessica Backhaus e Peter Hauser, il legame con la realizzazione stessa dell'immagine attraverso processi analogici - lavorando con carta colorata per Backhaus e nel laboratorio analogico per Hauser - riflette un'intimità della pratica stessa, una delicata sperimentazione con forme, texture e materiali. Infine, nel lavoro di Charlie Engman, una forma di vulnerabilità emerge dagli esperimenti visivi condotti con l'intelligenza artificiale e dal loro fallimento nel riprodurre le rappresentazioni dell'intimità corporea, in particolare l'abbraccio, e risuona stranamente con le fotografie personali.

A cura di Claus Gunti & Danaé Panchaud

Intimacy is a concept that is often difficult to define, intangible and elusive. It can be found in a childhood memory, in the interior of one’s home or neighbourhood, in the gestures exchanged with loved ones, but also in the familiarity with an image, or in the attachment to an object, a material or a texture.

Without directly showing situations that are immediately identifiable as intimate, how can photography express a relationship with this feeling, its fleeting and impalpable nature? How can it portray the relationship with memory, which is inevitably fallible, the often complex and changing links with loved ones, or the relationship with a home whose familiarity can turn strange at any moment?

While fabricated or manipulated images are often associated with the misappropriation of public opinion or the representation of fictional universes, they are here explored for their potential to reveal our subjectivity and our relationship with reality. How can we recount our memories, express our connection to loved ones, or make our sensibilities tangible?

Through elaborate processes of image manipulation, the artists in this exhibition make visible, capture or fix a form of intimacy, from the most personal expression of an emotion to the automated interpretation of human relationships by a machine. Whether made with coloured paper, generated by artificial intelligence, created entirely in the photographic laboratory or the result of meticulous photomontage, the images brought together for this exhibition reflect their author’s tenacious experi-mentation, conveying emotions that are sometimes frivolous, sometimes profound. Their explicitly fabricated nature - without any hierarchy being drawn here between cut-out paper and the most sophisticated image-generating tools - highlights the sometimes strange dimension of what is most familiar to us. Through their exploratory processes and complex architecture, the artists reveal the complex mechanisms by which we apprehend the world, bearing subtle and delicate witness to the manifestation of our individual subjectivities.

The work of Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond and Sara De Brito Faustino investigates the links between fabricated images and memory. Adu-Sanyah and Bernard-Reymond use artificial intelligence to recreate or visualise memories, paying particular attention to the materiality of the resulting photographs, while De Brito Faustino reconstructs her childhood homes with models that she then rephotographs. Their works highlight the salient but sometimes fallible, strange and reconstructed nature of memories.

Emma Bedos, Alina Frieske and Moritz Jekat use visual technologies such as photogrammetry, photomontage and video games to investigate intimate, family and love relationships. The places associated with a romantic relationship, the geographical distance from loved ones and the digital interfaces that bridge it, or the private and public circulations of personal images are all addressed in projects where the image takes on experimental and unexpected forms.

Leigh Merrill, the duo Taiyo Onorato & Nico Krebs, and Martin Widmer share a certain approach, meticulously constructing and reconstructing spaces with different techniques of collage and superposition. Both Onorato & Krebs and Widmer work in a self-reflexive way, using their own images as a starting point, while Merrill uses collage to reshape familiar urban spaces.

In some of the artists in the exhibition, the intimate manifests itself in a strong relationship with their own work. For Jessica Backhaus and Peter Hauser, the link to the very making of the image through analogue processes – working with coloured papers for Backhaus and in the analogue laboratory for Hauser – reflects an intimacy of practice itself, in delicate experimentations with shapes, textures and materials. Finally, in Charlie Engman’s work, a form of vulnerability emerges from the visual experiments carried out with artificial intelligence and their failure to reproduce representations of bodily intimacy, in particular hugs, which furthermore resonates strangely with personal photographs.

Curators: Claus Gunti & Danaé Panchaud

(Text: Centre de la photographie Genève)