standard/deluxe | Lausanne
13. September – 6. Oktober 2024

UPON ONDA
Yvan Alvarez, Dylan Hausthor

Die Idee, die jüngsten Arbeiten des Genfer Künstlers Yvan Alvarez und des amerikanischen Fotografen Dylan Hausthor zusammenzubringen, entspringt eher einer Intuition, dem Wunsch, den Dialog zwischen ihnen zu entdecken und zu prüfen, ob die vermuteten Affinitäten zwischen ihren Vorgehensweisen sich verwirklichen lassen, als einer starren Zusammenstellung, die von einem feststehenden Thema oder einer Ästhetik geleitet wird.

Was sie zusammenbringt, scheint auf den ersten Blick sehr dünn zu sein. Natürlich ist es die Fotografie, ein Medium, das im Mittelpunkt ihrer jeweiligen Praxis steht und zu dem beide trotz ihrer häufigen Ausflüge in andere Ausdrucksformen, vom Text bis zur Installation und vom Video bis zur Skulptur, unermüdlich zurückzukehren scheinen. Es gibt auch einige Motive, wie ein verunglücktes Auto und Satellitenschüsseln, deren Wiederholung jedoch zufällig sein könnte.

Aber es gibt auch eine Art Widerwillen, zu viel zu sagen, sich zu deutlich in ein Thema oder einen Ansatz einschreiben zu lassen und die Bedeutung ihrer Werke zu verfestigen. Vielleicht eine Form des Rückzugs, eine Tendenz, einen Schritt zur Seite zu machen, wenn die Dinge zu klar werden. Der Wunsch nach einer fließenden Bedeutung, einem flinken Wechsel zwischen den Medien und Bildregimen. Sehr bewusste und präzise Entscheidungen, die jedoch absichtlich einen Eindruck von Leichtigkeit vermitteln und fast andeuten, dass jedes Werk im Grunde genommen vor allem das Ergebnis eines glücklichen Zufalls sein könnte.

Schließlich scheinen beide eine Vorliebe dafür zu haben, mit dem zu arbeiten, was vor ihnen liegt, um die auf der Straße gefundenen Trümmer oder die im Wald überraschten Tiere zu fotografieren. Beide Künstler arbeiten mit einer ausgeprägten Ökonomie der Mittel und legen den Schwerpunkt auf das Gefundene, dessen Status unsicher und vergänglich ist - und das daher noch alle Möglichkeiten in sich birgt. Es ist auch eine Art, auszuweichen, nur indirekt über sich selbst zu sprechen, Fiktion zu suggerieren, wenn es vor allem um eine intime Beziehung zur Welt geht.

Sie in einer Ausstellung zusammenzubringen, ermöglicht es uns, ohne ihre Arbeiten künstlich zu vermischen, flexible Übergänge zwischen ihren beiden Welten zu finden, wobei jeder die gemeinsamen Merkmale des anderen hervorhebt, die sich nicht auf den ersten Blick offenbaren.

L’idée de réunir des travaux récents de l’artiste genevois Yvan Alvarez et du photographe américain Dylan Hausthor relève plus d’une intuition, d’une envie de découvrir le dialogue qui pourrait s’instaurer entre eux, de vérifier si les affinités pressenties de leurs démarches pouvaient se réaliser, que d’un assemblage rigide et guidé par une thématique ou une esthétique fermement établie.

Ce qui les réunit apparaît au premier abord ténu. Il y a bien sûr la photographie, un médium au cœur de leurs pratiques respectives, auquel ils semblent tous deux revenir inlassablement malgré leurs incursions fréquentes dans d’autres formes d’expression, du texte à l’installation, et de la vidéo à la sculpture. Quelques motifs aussi, une voiture accidentée et des antennes paraboliques, mais dont la récurrence pourrait être fortuite.

Mais l’on trouve aussi chez eux une forme de réticence, à en dire trop, à se laisser inscrire trop clairement dans un propos ou une démarche, et à solidifier le sens de leurs œuvres. Une forme de retrait, peut-être, une tendance à faire un pas de côté lorsque les choses deviennent trop limpides. L’envie d’une fluidité de sens, d’un passage agile entre les médiums et les régimes d’images. Des choix très délibérés et précis, mais donnant volontairement une impression de légèreté, laissant presque sous-entendre que chaque œuvre pourrait être, au fond, surtout le fruit d’un hasard auspicieux.

Enfin, tous deux semblent partager un attachement à travailler avec ce qui se trouve devant eux, à saisir par la photographie des débris dénichés dans la rue ou des animaux surpris dans la forêt. Les deux artistes opèrent dans une économie de moyens affirmée, faisant la part belle à ce qui est trouvé, ce dont le statut est incertain et transitoire – et qui donc contient encore tous les possibles. Une manière aussi d’esquiver, de ne parler qu’indirectement de soi, de suggérer la fiction lorsqu’il est surtout question d’un rapport intime au monde.

Les réunir dans une exposition nous permet, sans amalgamer artificiellement leurs travaux, de trouver des passages souples entre leurs deux univers, chacun faisant saillir chez l’autre les caractéristiques communes qui tendent à ne pas se révéler au premier regard.

L'idea di riunire le opere recenti dell'artista ginevrino Yvan Alvarez e del fotografo americano Dylan Hausthor è stata più intuitiva di un assemblaggio rigido guidato da un tema o da un'estetica ben definiti. È stata più una questione di intuizione, di scoprire il dialogo che si sarebbe potuto sviluppare tra loro, di vedere se le affinità che hanno percepito tra i loro approcci potevano essere realizzate.

Ciò che li unisce sembra tenue a prima vista. C'è, naturalmente, la fotografia, un mezzo al centro delle loro rispettive pratiche, a cui entrambi sembrano tornare instancabilmente nonostante le loro frequenti incursioni in altre forme di espressione, dal testo all'installazione, dal video alla scultura. Ci sono anche alcuni motivi - un'auto incidentata e delle antenne paraboliche - la cui ricorrenza potrebbe essere fortuita.

Ma c'è anche una riluttanza da parte loro a dire troppo, a lasciarsi iscrivere troppo chiaramente in un soggetto o in un approccio, e a solidificare il significato delle loro opere. Una forma di ritiro, forse, una tendenza a farsi da parte quando le cose diventano troppo chiare. Un desiderio di fluidità di significato, un passaggio agile tra i media e i regimi di immagine. Le loro scelte sono molto deliberate e precise, ma danno volutamente un'impressione di leggerezza, quasi implicando che ogni opera potrebbe essere, in fondo, il frutto di un caso propizio.

Infine, entrambi sembrano condividere un attaccamento a lavorare con ciò che si trovano davanti, catturando nelle fotografie detriti raccolti per strada o animali sorpresi nella foresta. Entrambi gli artisti operano con un'assertiva economia di mezzi, dando un posto d'onore a ciò che viene trovato, a ciò che ha uno status incerto e transitorio - e che quindi contiene ancora tutte le possibilità. È anche un modo per eludere la questione, per parlare solo indirettamente di se stessi, per suggerire una finzione quando si tratta soprattutto di una relazione intima con il mondo.

Riunirli in una mostra ci permette, senza amalgamare artificialmente i loro lavori, di trovare passaggi flessibili tra i loro due universi, ognuno dei quali fa emergere nell'altro caratteristiche comuni che tendono a non essere rivelate a prima vista.

The idea of bringing together recent works by Geneva-based artist Yvan Alvarez and American photographer Dylan Hausthor was more intuitive - a desire to discover the dialogue that might emerge between them, to see if the affinities sensed in their approaches could be realized - than a rigid assembly guided by a firmly established theme or aesthetic.

What unites them appears tenuous at first glance. There is, of course, photography, a medium at the heart of their respective practices, to which they both seem to return tirelessly despite their frequent forays into other forms of expression, from text to installation, and from video to sculpture. There are also a few motifs - a wrecked car and satellite dishes - whose recurrence could be fortuitous.

But there's also a reluctance on their part to say too much, to allow themselves to be too clearly inscribed in a purpose or approach, and to solidify the meaning of their works. A form of withdrawal, perhaps, a tendency to step aside when things become too clear-cut. A desire for fluidity of meaning, a nimble passage between mediums and image regimes. Their choices are deliberate and precise, yet deliberately light-hearted, almost implying that each work may be the fruit of auspicious chance.

Finally, both seem to share an attachment to working with what's in front of them, capturing through photography debris picked up in the street or animals surprised in the forest. Both artists operate with an assertive economy of means, giving pride of place to what is found, to that which has an uncertain and transitory status - and which therefore still contains all possibilities. It's also a way of dodging, of speaking only indirectly of the self, of suggesting fiction when it's above all a question of an intimate relationship with the world.

Bringing them together in an exhibition allows us, without artificially amalgamating their work, to find flexible passages between their two universes, each bringing out in the other common characteristics that tend not to reveal themselves at first glance.

(Text: Danaé Panchaud)

Focale | Nyon
30. August – 10. November 2024

Maison de Dieu
Elsa Beaumont

Seit 38 Jahren beherbergt das Maison de Dieu in den Cevennen Menschen, die ein Dach über dem Kopf brauchen oder in Gemeinschaft leben möchten. Es wird keine Religion vorgeschrieben. Auf der Grundlage von Gastfreundschaft und Nicht-Urteilsvermögen beherbergt das Haus ungefähr 80 Bewohner unterschiedlichen Alters und Herkunft, die Mahlzeiten, Treffen, Ressourcen und Aufgaben teilen, die für ein gutes Funktionieren notwendig sind.

Durch die Aufnahme einer großen Vielfalt an Lebenswegen und Verletzungen wird dieser Ort zu einem Zufluchtsort, einem Raum der Freiheit, in dem sich jeder Zeit nehmen kann.

Die Bilder dieser Serie fangen Menschen ein, die trotz der Wechselfälle des Lebens in der Schwebe sind, und sind ein Beweis für die Existenz, die Stärke und die Ressourcen, die jeder Person innewohnen, der sie begegnet.

Die Fotografien zeigen diesen Ort in Resonanz mit der Entscheidung von Elsa Beaumont, die vor etwa zehn Jahren selbst in die Cevennen zog, um sich dort niederzulassen. Diese einzigartigen Lebensformen zu dokumentieren ist für die Fotografin ein poetischer und politischer Akt, der es ihr ermöglicht, in diesen Skizzen Antworten auf eine Gesellschaft zu sehen, die sich insgesamt in einer Krise befindet.

Depuis trente-huit ans, la Maison de Dieu dans les Cévennes accueille ceux qui ont besoin d’un toit ou souhaitent vivre en communauté. Aucune religion n’y est imposée. Fondée sur l’accueil et le non-jugement, elle abrite environ huitante résidents de divers âges et origines, partageant repas, réunions, ressources et tâches nécessaires au bon fonctionnement.

Accueillant une grande diversité de parcours de vie et de blessures portées, ce lieu devient un refuge, un espace de liberté où chacun peut prendre le temps.

Saisissant des êtres en suspension, entiers, malgré les vicissitudes de la vie, les images de cette série sont autant de preuves de l’existence, de la force et des ressources intrinsèques de chaque personne rencontrée.

Ces photographies donnent à voir ce lieu en résonance avec la décision d’Elsa Beaumont d’être venue, elle-même, s’installer dans les Cévennes il y a une dizaine d’années. Témoigner de ces formes de vies singulières est pour la photographe un acte poétique et politique permettant d’entrevoir dans ces esquisses des réponses à une société globalement en crise.

Da trentotto anni, la Maison de Dieu nelle Cévennes accoglie le persone che hanno bisogno di un tetto sopra la testa o che vogliono vivere in comunità. Non viene imposta alcuna religione. Fondata su un atteggiamento accogliente e non giudicante, ospita un'ottantina di residenti di età e provenienza diverse, che condividono i pasti, le riunioni, le risorse e i compiti necessari al buon funzionamento.

Accogliendo un'ampia varietà di percorsi di vita e di ferite, questo luogo diventa un rifugio, uno spazio di libertà dove ognuno può prendersi il suo tempo.

Catturando persone in sospensione, integre, nonostante le vicissitudini della vita, le immagini di questa serie sono la prova dell'esistenza, della forza e delle risorse intrinseche di ogni persona che incontriamo.

Queste fotografie mostrano un luogo che risuona con la decisione di Elsa Beaumont di trasferirsi nelle Cévennes dieci anni fa. Per la fotografa, testimoniare queste singolari forme di vita è un atto poetico e politico, che ci permette di intravedere in questi schizzi le risposte a una società in crisi.

For the past thirty-eight years, the Maison de Dieu in the Cévennes has been welcoming those in need of shelter or wishing to live in community. No religion is imposed. Founded on a welcoming, non-judgmental attitude, it is home to around eighty residents of various ages and backgrounds, sharing meals, meetings, resources and the tasks required to keep it running smoothly.

Welcoming a wide variety of life paths and wounds, this place becomes a refuge, a space of freedom where everyone can take their time.

Capturing people in suspension, whole, despite the vicissitudes of life, the images in this series are proof of the existence, strength and intrinsic resources of each person we meet.

These photographs show a place that resonates with Elsa Beaumont's own decision to move to the Cévennes ten years ago. For the photographer, bearing witness to these singular forms of life is a poetic and political act, allowing us to glimpse in these sketches responses to a society in global crisis.

(Text: Focal, Nyon)

Focale – Galerie – Librairie | Nyon
14. Juni – 25. August 2024

La Rada di Augusta
Sebastian Wells

Auf einem dreißig Kilometer langen Küstenstreifen im Südosten Siziliens reiht sich eine Ölraffinerie an die andere. Die petrochemische Industrie prägt diese Landschaft, ihre Bewohner und deren Leben seit über siebzig Jahren. Das Wasser, die Luft und der Boden sind verseucht. Die Krebs- und Fehlgeburtenraten sind alarmierend hoch. Statt zwanzigtausend Arbeitsplätzen, wie auf dem Höhepunkt der Ölindustrie in den 1980er Jahren, gibt es heute nur noch siebentausend. Die Korruption ist allgegenwärtig, ebenso wie das Misstrauen gegenüber Autoritätspersonen.

"La Rada di Augusta" (2019-2020) - die Bucht von Augusta - entspringt den zunehmend verwitterten Überresten des Turbokapitalismus, die sich mit den Überresten einer über zweitausend Jahre alten Zivilisation vermischen. Die Serie, die die Bewohner in ihrem normalen Leben begleitet, reflektiert über das Nord-Süd-Gefälle und den Preis des schnellen Fortschritts. Sie nutzt die fotografische Erzählung, um die Auswirkungen auf die alltäglichen Realitäten zu erforschen und zeigt, dass die Beziehung zwischen Umwelt und Industrie weit mehr ist als eine Frage von Politikern, Ingenieuren und Pipelines. Augusta könnte überall sonst sein.

Sur une bande côtière de trente kilomètres de long, au Sud-Est de la Sicile, les raffineries de pétrole s’alignent les unes après les autres. L’industrie pétrochimique marque ce paysage, ses habitants et leur vie depuis plus de septante ans. L’eau, l’air et le sol sont pollués. Les taux de cancer et de fausses couches sont alarmants. Au lieu de vingt mille emplois, comme à l’apogée de l’industrie pétrolière dans les années 1980, il n’y en a plus que sept mille aujourd’hui. La corruption est omniprésente à l’instar de la méfiance à l’égard des représentants de l’autorité.

« La Rada di Augusta » (2019-2020) - la baie d’Augusta - émane des vestiges de plus en plus altérés du turbo-capitalisme qui se confondent avec les restes d’une civilisation vieille de plus de deux mille ans. Accompagnant les habitants dans leur vie ordinaire, la série réfléchit à la fracture Nord-Sud et au prix du progrès rapide. Elle utilise le récit photographique pour explorer l’impact sur les réalités quotidiennes, montrant que la relation entre environnement et industrie est bien plus qu’une question de politiciens, d’ingénieurs et de pipelines. Augusta pourrait être n’importe où ailleurs.

Su una striscia di costa di trenta chilometri nella Sicilia sud-orientale, le raffinerie di petrolio si susseguono una dopo l'altra. L'industria petrolchimica ha lasciato il segno su questo paesaggio, sui suoi abitanti e sulle loro vite per più di settant'anni. L'acqua, l'aria e il suolo sono inquinati. I tassi di cancro e di aborto sono allarmanti. Invece di ventimila posti di lavoro all'apice dell'industria petrolifera negli anni Ottanta, oggi ce ne sono solo settemila. La corruzione è diffusa, così come la sfiducia nei confronti dei funzionari governativi.

"La Rada di Augusta" (2019-2020) emana dai resti sempre più alterati del turbocapitalismo, che si fondono con i resti di una civiltà vecchia di oltre duemila anni. Accompagnando gli abitanti nella loro vita ordinaria, la serie riflette sul divario Nord-Sud e sul prezzo del rapido progresso. Utilizza la narrazione fotografica per esplorare l'impatto sulla realtà quotidiana, dimostrando che il rapporto tra ambiente e industria è molto più che una questione di politici, ingegneri e oleodotti. Augusta potrebbe essere ovunque.

On a thirty-kilometer-long coastal strip in southeastern Sicily, oil refineries line up one after the other. The petrochemical industry has left its mark on this landscape, its inhabitants and their lives for over seventy years. Water, air and soil are polluted. Cancer and miscarriage rates are alarming. Instead of twenty thousand jobs at the height of the oil industry in the 1980s, there are only seven thousand today. Corruption is omnipresent, as is mistrust of authority figures.

"La Rada di Augusta" (2019-2020) - Augusta Bay - emanates from the increasingly weathered remnants of turbo-capitalism, which merge with the remains of a civilization over two thousand years old. Accompanying the inhabitants in their ordinary lives, the series reflects on the North-South divide and the price of rapid progress. It uses photographic narrative to explore the impact on everyday realities, showing that the relationship between environment and industry is much more than a matter of politicians, engineers and pipelines. Augusta could be anywhere else.

(Text: Focale – Galerie – Librairie, Nyon)

Centre de la photographie | Genève
12. Juni – 18. August 2024

Relever la nuit
Léonie Rose Marion

Relever la nuit hinterfragt die Lichtstrahlung, die der Fotografie zugrunde liegt, sowie die Auswirkungen unserer zeitgenössischen Lebensweise auf die Ökosysteme. In mondlosen Nächten belichtet der Künstler lichtempfindliches Papier für die gleiche Dauer und führt dabei Messungen der Lichtverschmutzung durch. Das Ergebnis sind monochromatische Bilder, deren unterschiedliche Grautöne von den Ausdünstungen künstlicher Lichter am Rande von Städten und Dörfern herrühren. In der Schweiz ist es nicht mehr möglich, die natürliche Dunkelheit der Nacht zu beobachten. Die Erhebungen des Künstlers sind ein Echo auf eine 2019 von der Universität Genf durchgeführte Studie über die Lichtverschmutzung im Genfer Becken anhand von nächtlichen Luftaufnahmen, die zu einer Kartografie des nächtlichen ökologischen Netzwerks der Region geführt hat. Die Künstlerin verbindet in diesem Projekt die Rolle der Fotografie als Hilfsmittel der Wissenschaft mit dem Begriff des Beweises und des Abdrucks, der üblicherweise mit der Fotografie verbunden wird. Sie dokumentiert das Verschwinden der Nacht mit verschiedenen fotografischen Registern und stellt fest, dass die Dunkelheit nicht mehr existiert und von einem endlosen Licht verdeckt wird. Die Nacht wird durch die Klarheit des lichtempfindlichen Papiers enthüllt, ein Paradoxon der Umkehrung, die dem fotografischen Prozess innewohnt.

Die Ausstellung vereint verschiedene Arten von Bildern, die teils dokumentarische, teils experimentellere Strategien erkunden. Mithilfe von Fotogrammen berichtet die Künstlerin von den künstlichen Lichtverhältnissen auf dem Genfer Gebiet. Sie erfasst mit diesen Bildern ohne Kamera und mit langen Belichtungszeiten (7 Minuten) eine experimentelle Bestandsaufnahme der Lichtverschmutzung, indem sie zu einem bestimmten Zeitpunkt Erhebungen erstellt. Parallel dazu hinterfragt diese Arbeit die wissenschaftliche Nutzung des fotografischen Bildes sowie das dem Projekt innewohnende Paradoxon: Je mehr Licht am Himmel ist, desto dunkler ist das Bild. Es ist also die Helligkeit, in der sich die Dunkelheit offenbart.

In seinen Bildern von Insekten erinnert der Künstler an die Sterblichkeit, die mit künstlicher Beleuchtung einhergeht. Eine in Deutschland durchgeführte Studie schätzt, dass in jeder Sommernacht 150 Insekten pro Straßenlaterne getötet werden. Für seine Fotografien verwendet der Künstler Licht, das kurzwellige Wellenlängen (Blau und UV) enthält, die sich am stärksten auf die biologische Vielfalt auswirken.

Der Künstler dokumentiert auch die Unterschiede in der Farbtemperatur der künstlichen Beleuchtung (gemessen in Grad Kelvin). Die Farbtemperaturen von LED-Beleuchtungen entsprechen nicht unbedingt den Wellenlängen (Nanometer) der Glühbirnen. Wie bei Insekten, die durch künstliche Lichtquellen verwirrt werden, können bestimmte Wellenlängen zu einer Beeinträchtigung des Pflanzenwachstums führen.

Mit diesem Projekt, das von der Stadt Genf das Stipendium 2022 für ein fotografisches Projekt mit dokumentarischem Charakter erhalten hat, enthüllt Léonie Rose Marion die vielfältigen Auswirkungen unserer Lebensweise auf die Umwelt und hinterfragt gleichzeitig die Eigenschaften des Mediums Fotografie.

Relever la nuit interroge le rayonnement lumineux, au fondement de la photographie, ainsi que l’impact de nos modes de vie contemporains sur les écosystèmes. Les nuits sans lune, l’artiste expose des papiers photosensibles pendant une durée identique, effectuant des relevés de la pollution lumineuse. Il en résulte des images monochromatiques, dont les différentes nuances de gris proviennent des émanations des lumières artificielles en périphérie des villes et villages. En Suisse, il n’est en effet plus possible d’observer l’obscurité nocturne naturelle. Les relevés de l’artiste font écho à une étude menée en 2019 par l’Université de Genève sur la pollution lumineuse du bassin genevois à partir de photographies aériennes nocturnes, ayant abouti à une cartographie du réseau écologique nocturne de la région. L’artiste conjugue dans ce projet le rôle de la photographie comme auxiliaire de la science, la notion de preuve et d’empreinte usuellement associée à la photographie. Elle documente la disparition de la nuit avec différents registres photographiques, relevant que l’obscurité n’existe plus, masquée par une lumière sans fin. C’est par la clarté des papiers photosensibles que la nuit se révèle, paradoxe de l’inversion inhérente au procédé photographique.

L’exposition regroupe plusieurs types d’images, explorant des stratégies tantôt documentaires, tantôt plus expérimentales. À l’aide de photogrammes, l’artiste rend compte des conditions de luminosité artificielle sur le territoire genevois. Elle capte, à l’aide de ces images sans appareil photographique, avec des temps d’exposition longs (7 minutes), un état des lieux expérimental de la pollution lumineuse en créant des relevés à un moment donné. En parallèle, ce travail interroge les usages scientifiques de l’image photographique, ainsi que le paradoxe inhérent au projet : plus il y a de lumière dans le ciel, et plus l’image est foncée. C’est donc dans la clarté que se révèle l’obscurité.

Dans ses images d’insectes, l’artiste évoque la mortalité liée à l’éclairage artificiel. Une étude réalisée en Allemagne estime à 150 le nombre d’insectes tués par lampadaire, chaque nuit en d’été. Pour réaliser ces photographies, l’artiste utilise de l’éclairage contenant des longueurs d’ondes courtes (bleu et UV), qui sont les plus impactantes pour la biodiversité.

L’artiste documente également les différences de température de couleur de l’éclairage artificiel (mesurée en degré Kelvin). Les températures de couleur des éclairages LED ne correspondent pas forcément aux longueurs d’onde (nanomètre) des ampoules. Comme pour les insectes qui sont désorientés par les sources de lumière artificielle, certaines longueurs d’onde peuvent provoquer une altération de la croissance des végétaux.

Avec ce projet qui a reçu la Bourse 2022 pour un projet photographique à caractère documentaire de la Ville de Genève, Léonie Rose Marion dévoile les conséquences multiples de nos modes de vie sur l’environnement, tout en interrogeant les caractéristiques du médium photographique.

Relever la nuit esamina la radiazione luminosa, la base della fotografia e l'impatto del nostro stile di vita contemporaneo sugli ecosistemi. Nelle notti senza luna, l'artista espone la carta fotosensibile per lo stesso periodo di tempo, rilevando l'inquinamento luminoso. Il risultato sono immagini monocromatiche, con diverse tonalità di grigio che derivano dalle emanazioni della luce artificiale nelle periferie delle città e dei villaggi. In Svizzera non è più possibile osservare il buio naturale della notte. L'opera dell'artista fa eco a uno studio che sarà realizzato nel 2019 dall'Università di Ginevra sull'inquinamento luminoso nel bacino ginevrino, basato su fotografie aeree scattate di notte e che porterà a una mappa della rete ecologica notturna della regione. In questo progetto, l'artista combina il ruolo della fotografia come ausilio alla scienza con la nozione di prova e impronta solitamente associata alla fotografia. Documenta la scomparsa della notte utilizzando diversi registri fotografici, notando che l'oscurità non esiste più, mascherata da una luce infinita. È attraverso la chiarezza della carta fotosensibile che la notte si rivela, un paradosso dell'inversione insita nel processo fotografico.

La mostra riunisce diversi tipi di immagini, esplorando strategie a volte documentarie e altre più sperimentali. Utilizzando i fotogrammi, l'artista registra le condizioni della luce artificiale a Ginevra. Con queste immagini, scattate senza macchina fotografica e con lunghi tempi di esposizione (7 minuti), l'artista fa un inventario sperimentale dell'inquinamento luminoso creando istantanee in un determinato momento. Allo stesso tempo, questo lavoro mette in discussione gli usi scientifici dell'immagine fotografica, nonché il paradosso insito nel progetto: più luce c'è nel cielo, più scura è l'immagine. È quindi nella luce che si rivela l'oscurità.

Nelle sue immagini di insetti, l'artista evoca la mortalità legata all'illuminazione artificiale. Secondo uno studio condotto in Germania, ogni notte d'estate vengono uccisi 150 insetti per ogni lampione. Per realizzare queste fotografie, l'artista utilizza un'illuminazione con lunghezze d'onda corte (blu e UV), che hanno il maggiore impatto sulla biodiversità.

L'artista documenta anche le differenze di temperatura di colore dell'illuminazione artificiale (misurata in gradi Kelvin). Le temperature di colore dell'illuminazione a LED non corrispondono necessariamente alle lunghezze d'onda (nanometri) delle lampadine. Come nel caso degli insetti, che vengono disorientati dalle fonti di luce artificiale, alcune lunghezze d'onda possono influenzare la crescita delle piante.

Con questo progetto, che ha ricevuto la Sovvenzione 2022 per un progetto fotografico documentario dalla Città di Ginevra, Léonie Rose Marion rivela le molteplici conseguenze del nostro stile di vita sull'ambiente, mettendo in discussione le caratteristiche del mezzo fotografico.

Relever la nuit [Surveying the Night] examines the light that forms the basis of photography, and the impact of our contemporary lifestyles on ecosystems. On moonless nights, the artist exposes photosensitive paper for the same length of time, taking readings of light pollution. The result are monochromatic images, with different shades of grey resulting from the emanations of artificial light on the outskirts of towns and villages. In Switzerland, it is no longer possible to observe the natural darkness of the night. The artist’s work echoes a study carried out in 2019 by the University of Geneva on light pollution in the Geneva basin, based on aerial photographs taken at night, which led to a map of the region’s nocturnal ecological network. In this project, the artist combines the role of photography as an aid to science with the notion of proof and imprint usually associated with photography. She records the disappearance of night, noting that darkness no longer exists, masked by endless light, and that it is through the clarity of the image that night is revealed, a paradox of the inversion inherent in the photographic process.

The exhibition brings together several types of image, exploring both documentary and more experimental strategies. Using photograms, the artist records the conditions of artificial light in Geneva. Using these images, taken without a camera and with long exposure times (7 minutes), she takes an experimental inventory of light pollution by creating snapshots at a given moment. At the same time, this work questions the scientific uses of the photographic image, as well as the paradox inherent in the project: the more light there is in the sky, the darker the image. So it is in the light that the darkness is revealed.

In her images of insects, made from animals collected by an acquaintance, the artist documents the mortality linked to artificial lighting. A study carried out in Germany estimates that 150 insects are killed per streetlight every night in summer.

The artist also documents the differences in colour temperature of artificial lighting (measured in degrees Kelvin). The colour temperatures of LED lighting do not necessarily correspond to the wavelengths (nanometres) of the bulbs. As with insects, which are disorientated by artificial light sources, certain wavelengths can affect plant growth.

With this project, which was awarded the 2022 Grant for a Documentary Photographic Project by the City of Geneva, Léonie Rose Marion reveals the multiple consequences of our lifestyles on the environment, while questioning the characteristics of the photographic medium.

(Text: Centre de la photographie, Genève)

Musée suisse de l’appareil photographique | Vevey
23. Mai – 18. August 2024

La guerre sur verre
Edward Kaprov

Zum ersten Mal in der Schweiz zeigt das Schweizer Kameramuseum die Arbeit des Fotografen Edward Kaprov. 2022 begab er sich an die Front des Ukraine-Konflikts, um einen für ihn "undenkbaren und sinnlosen" Krieg zu fotografieren. Sein Ansatz ist einzigartig und beeindruckend: Mit der historischen Technik des nassen Kollodiums - für die man sein Labor und zerbrechliche Glasplatten mit sich herumtragen muss - reiste er durch den Donbass, um Soldaten und Zivilisten zu treffen und zu fotografieren, die an vorderster Front von dem Konflikt betroffen sind. Ein Lieferwagen voller Ausrüstung, eine große Fotokammer und Zeiten von 15 Minuten für Vorbereitung, Aufnahme und Entwicklung: eine ganz besondere Wahl, um den Krieg zu fotografieren, der von vornherein die Schnelligkeit und Leichtigkeit der Kamera erfordert. Die Wahl der Technik - das nasse Kollodium - ist nicht unbedeutend. Ihre Langsamkeit, die das Gegenteil der klassischen Kriegsfotografie ist, bedeutet, dem anderen zu begegnen, sich Zeit und Abstand zu nehmen, für einige Minuten ruhig und unbeweglich zu bleiben - trotz der Bombardierungen - und in die Realität eines vom Krieg geschundenen Landes einzutreten, das dennoch lebendig und reich an alltäglichen Szenen ist. "Ich glaube nicht, dass die Fotografie den Krieg beenden kann, aber sie gibt mir einen Grund, meine Arbeit weiter zu machen. Mit meinem Leid und meinem Mitgefühl das zu tun, was ich am besten kann", erklärt der Fotograf.

Die Verwendung des feuchten Kollodiums stellt außerdem eine wichtige historische Verbindung her. Im Jahr 1855 machte sich der Engländer Roger Fenton auf den Weg, um den Krieg auf der Krim mit dieser Technik zu fotografieren, die damals innovativ war, da sie viel genauer war als die bis dahin verwendete Kalotypie - ein Negativ auf Papier. Kaprov steht somit in der Tradition eines der ersten Kriegsfotografen des 19. Jahrhunderts und erzählt im Wesentlichen von der Beständigkeit des Horrors des Krieges trotz des Wandels der Geschichte. "Ich habe versucht, die Vergangenheit und die Gegenwart nebeneinander zu stellen. Ich versuche bewusst, den Betrachter zu verwirren, damit er genauer hinschaut", erklärt er.

Neben den Fotografien von Edward Kaprov zeigt die Ausstellung Originalabzüge von bedeutenden Fotografen, die sich mit dem Thema Krieg mithilfe des nassen Kollodiums auseinandergesetzt haben: Roger Fenton im 19. Jahrhundert und Sally Mann in der Gegenwart. Gemeinsam regen diese Künstler uns dazu an, über die wesentliche Rolle der Fototechnik bei der Konstruktion der Bildaussage nachzudenken. Durch seine technische Wahl erzwingt Kaprov eine historische Tiefe und einen zeitlichen Abstand zum Thema Fotografie und Krieg.

Pour la première fois en Suisse, le Musée suisse de l’appareil photographique présente le travail du photographe Edward Kaprov. En 2022, il s’est rendu sur le front du conflit ukrainien pour photographier une guerre pour lui « impensable et insensée ». Son approche est unique et saisissante : s’emparant de la technique historique du collodion humide – qui nécessite de déplacer avec soi son laboratoire et des plaques de verre fragiles –, il a sillonné le Donbass pour rencontrer et photographier les soldats et les civils touchés en première ligne par le conflit. Une camionnette pleine de matériel, une grande chambre photographique et des temps de 15 minutes pour la préparation, la prise de vue et le développement : un choix très particulier pour photographier la guerre, qui requiert a priori la rapidité et la légèreté de l’appareil.

Le choix de la technique – le collodion humide – n’est pas anodin. Sa lenteur, aux antipodes de la photographie de guerre classique, implique de rencontrer l’autre, de prendre du temps et du recul, de rester calme et immobile pendant quelques minutes – malgré les bombardements – et d’entrer dans la réalité d’un pays meurtri par la guerre et pourtant vivant et riche de ses scènes quotidiennes. « Je ne crois pas que la photographie puisse mettre fin à la guerre, mais elle me donne une raison de continuer à faire mon travail. De faire ce que je fais de mieux avec ma souffrance et ma compassion », explique le photographe. En outre, l’usage du collodion humide tisse un lien historique important. En 1855, l’Anglais Roger Fenton partait photographier la guerre en Crimée avec cette technique, à l’époque novatrice car beaucoup plus précise que le calotype – un négatif sur papier – pratiqué jusqu’alors. Kaprov s’inscrit ainsi dans la lignée de l’un des premiers photographes de guerre du 19ème siècle et raconte, en substance, la permanence de l’horreur de la guerre malgré l’évolution de l’histoire. « J’ai essayé de juxtaposer le passé et le présent. J’essaie délibérément de confondre le spectateur pour qu’il regarde plus attentivement », précise-t-il.

Aux côtés des photographies d’Edward Kaprov, l’exposition présente des tirages originaux de photographes majeurs ayant traité de la guerre par le collodion humide : Roger Fenton au 19e siècle et Sally Mann pour l’époque contemporaine. Ensemble, ces artistes nous poussent à réfléchir au rôle essentiel de la technique photographique dans la construction du message de l’image. Par son choix technique, Kaprov impose une profondeur historique et un temps de recul sur la photographie et la guerre.

Per la prima volta in Svizzera, il Museo Svizzero della Fotografia espone il lavoro del fotografo Edward Kaprov, che nel 2022 si è recato in prima linea nel conflitto ucraino per fotografare quella che considerava una guerra "impensabile e insensata". Il suo approccio è unico e impressionante: utilizzando la storica tecnica del collodio umido - che richiede il trasporto del laboratorio e delle fragili lastre di vetro - ha viaggiato attraverso il Donbass per incontrare e fotografare i soldati e i civili colpiti dal conflitto in prima linea. Un furgone pieno di attrezzature, una grande camera fotografica e tempi di 15 minuti per preparare, scattare e sviluppare: una scelta molto particolare per fotografare la guerra, che richiede la velocità e la leggerezza della macchina fotografica fin dall'inizio. La scelta della tecnica - il collodio umido - non è trascurabile. La sua lentezza, che è l'opposto della classica fotografia di guerra, significa incontrare l'altro, prendere tempo e distanza, rimanere fermi e immobili per qualche minuto - nonostante i bombardamenti - ed entrare nella realtà di un Paese devastato dalla guerra, che tuttavia è vivo e ricco di scene quotidiane. "Non credo che la fotografia possa porre fine alla guerra, ma mi dà una ragione per continuare il mio lavoro. Per fare ciò che so fare meglio con la mia sofferenza e la mia compassione", spiega il fotografo.

L'uso del collodio umido stabilisce anche un'importante connessione storica. Nel 1855, l'inglese Roger Fenton si mise a fotografare la guerra in Crimea utilizzando questa tecnica, all'epoca innovativa perché molto più accurata del calotipo - un negativo su carta - utilizzato fino ad allora. Kaprov si inserisce così nella tradizione di uno dei primi fotografi di guerra del XIX secolo e racconta essenzialmente la resistenza dell'orrore della guerra nonostante i cambiamenti della storia. "Ho cercato di giustapporre il passato e il presente. Cerco deliberatamente di confondere lo spettatore in modo che guardi più da vicino", spiega.

Oltre alle fotografie di Edward Kaprov, la mostra presenta stampe originali di importanti fotografi che hanno esplorato il tema della guerra utilizzando il collodio umido: Roger Fenton nel XIX secolo e Sally Mann ai giorni nostri. Insieme, questi artisti ci spingono a riflettere sul ruolo essenziale della tecnica fotografica nella costruzione del messaggio dell'immagine. Attraverso le sue scelte tecniche, Kaprov impone una profondità storica e una distanza temporale al tema della fotografia e della guerra.

For the first time in Switzerland, the Musée suisse de l'appareil photographique is presenting the work of photographer Edward Kaprov, who travelled to the frontlines of the Ukrainian conflict in 2022 to photograph a war that for him was "unthinkable and senseless". His approach is unique and striking: using the historic technique of wet collodion - which requires you to take your laboratory and fragile glass plates with you - he travelled around the Donbass to meet and photograph the soldiers and civilians affected on the frontline by the conflict. A van full of equipment, a large view camera and 15 minutes to prepare, shoot and develop: a very particular choice for photographing war, which ideally requires a quick and light camera. The choice of technique - wet collodion – is important. Its slowness, the antithesis of traditional war photography, means that you have to meet people, take time and step back, remain calm and still for a few minutes - despite the bombardments - and enter into the reality of a country scarred by war yet alive and rich with its everyday scenes. "I don't believe that photography can put an end to war, but it gives me a reason to carry on doing my job. To do what I do best with my suffering and my compassion", explains the photographer.

The use of wet collodion also has an important historical significance. In 1855, the Englishman Roger Fenton set out to photograph the war in the Crimea using this technique, which was innovative at the time because it was much more accurate than the calotype - a negative on paper - that had been used until then. In this way, Kaprov follows in the footsteps of one of the first war photographers of the 19th century and, in essence, recounts the enduring horror of war despite the evolution of history. "I have tried to juxtapose the past and the present. I deliberately try to confuse the viewer so that they look more closely," he explains.

Alongside photographs by Edward Kaprov, the exhibition features original prints by major photographers who have dealt with war using wet collodion: Roger Fenton in the 19th century and Sally Mann in the contemporary period. Together, these artists encourage us to reflect on the essential role of photographic technique in the construction of the image's message. Through his choice of technique, Kaprov imposes a historical depth and a sense of perspective on photography and war.

(Text: Musée suisse de l’appareil photographique, Vevey)

Kunsthalle Friart Fribourg
18. Mai – 28. Juli 2024

one in a hundred years
Sid Iandovka / Anya Tsyrlina with Leslie Thornton & Thomas Zummer

Eine gemeinsame Ausstellung der Kunsthalle Friart Fribourg und des Lumiar Cité, Lissabon

Sid Iandovka und Anya Tsyrlina (beide in Novosibirsk geboren, UdSSR) arbeiten seit über zwanzig Jahren zusammen und haben dabei einen einzigartig unabhängigen Produktionsansatz für ihre medienübergreifende Arbeit entwickelt. Ihre Praxis findet in einem Zustand der Staatenlosigkeit statt, getrennt von Gemeinschaft, Identität und bekanntem Kontext. Sie schaffen einmalige filmische und akustische Objekte, in denen hauntologische Losgelöstheit auf ungebundene Proto-Punk-Sensibilität trifft.

In ihrer ersten institutionellen Ausstellung once in a hundred years arbeiten Iandovka und Tsyrlina mit den amerikanischen Künstler:innen Leslie Thornton und Thomas Zummer zusammen.

Die Installation in Friart ist als imaginäres Brachland des Kinos nach der künstlichen Intelligenz konzipiert. once in a hundred years beschwört einen neu gedachten „Geschichtenraum“ herauf, in dem die erzählerische Form in ephemere Lieder aufbricht, eine Lobrede der lebendigen Gegenwart.

Une exposition combinée entre la Kunsthalle Friart Fribourg et Lumiar Cité, Lisbonne

Sid Iandovka et Anya Tsyrlina (né·e·s à Novosibirsk, URSS) collaborent ensemble depuis plus de vingt ans. Intégrant un large spectre de médias, leur approche indépendante se développe sans relation déterminante à une communauté, une identité ou un contexte. Libéré de contraintes d’appartenance, le duo crée des objets filmiques et sonores singuliers dans lesquels une sensibilité punk rencontre un style hantologique détaché.

Pour leur première exposition institutionnelle once in a hundred years, Iandovka et Tsyrlina collaborent avec Leslie Thornton et Thomas Zummer, figures tutélaires de la scène artistique new-yorkaise.

L’installation à Friart est conçue comme un cinéma en friche d’après l’intelligence artificielle. once in a hundred yearsimagine un espace narratif où la forme se fragmente en chansons éphémères, en oraisons du présent vivant.

Una mostra congiunta della Kunsthalle Friart Fribourg e della Lumiar Cité, Lisbona

Sid Iandovka e Anya Tsyrlina (entrambi nati a Novosibirsk, URSS) lavorano insieme da oltre vent'anni, sviluppando un approccio produttivo unico e indipendente al loro lavoro crossmediale. La loro pratica si svolge in uno stato di apolidia, separata dalla comunità, dall'identità e dal contesto familiare. Creano oggetti filmici e sonori unici in cui il distacco hauntologico incontra la sensibilità proto-punk.

Nella loro prima mostra istituzionale dopo cento anni, Iandovka e Tsyrlina collaborano con gli artisti americani Leslie Thornton e Thomas Zummer.

L'installazione al Friart è concepita come un'immaginaria terra desolata del cinema dopo l'intelligenza artificiale. Once in a hundred years evoca uno "spazio narrativo" reimmaginato in cui la forma narrativa si rompe in canzoni effimere, un inno al presente vivente.

A combined exhibition between Kunsthalle Friart Fribourg and Lumiar Cité, Lisbon

Sid Iandovka and Anya Tsyrlina (both born in Novosibirsk, USSR) have collaborated together for over twenty years, developing a uniquely independent production approach to their work across different media. Theirs is a practice that occurs within a condition of statelessness, separate from community, identity and known context. They create singular filmic and sonic objects in which hauntological detachment meets unbound proto-punk sensibility.

Iandovka and Tsyrlina have come together with maverick American artists, Leslie Thornton and Thomas Zummer, for their first institutional show once in a hundred years.

At Friart, the installation is conceived as a cinematic wasteland in the wake of artificial intelligence. With an instability in the guise of story-telling, it conjures a reimagined ‘story-space’ in which narrative form breaks into ephemeral song, a eulogy for the living present.

(Text: Kunsthalle Friart Fribourg)

FOCALE galerie – librairie | Nyon
14. April – 9. Juni 2024

SIEMPRE QUE ESTEMOS VIVOS NOS VEREMOS
Celine Croze

"Siempre que estemos vivos nos veremos", das war der letzte Satz, den Yair zu mir sagte. Wir standen auf dem Azotea (Dach) von Block 11, der Nebel hüllte Caracas ein und das verrückte Gerücht der Stadt klang wie ein Trauergesang.

Es war ein Schuss in mein Herz. Das Bewusstsein des eigenen Endes hatte etwas Schreckliches und Erhabenes zugleich. Es war alles gesagt. Die Dringlichkeit des Lebens, die Faszination des Todes, der Zusammenbruch des Landes. Die extreme Gewalt und die Absurdität der Situation vermittelten den Eindruck, dass das Leben nur ein Spiel war.

Ich erinnerte mich zwei Tage zuvor an die Gallina (Arena für Hahnenkämpfe). Der Geruch von Blut, vermischt mit Rum und Schweiß, die Schreie der Wut, die Erregung jedes einzelnen Mannes. Eine ungreifbare Trance berauschte die Arena. Als ob wir alle verrückt wären. Als ob Blut, Tod und Macht einen lebendiger machen würden. Die chaotische Energie der Stadt hallte in jedem Kampf wider, wie ein Tanz, der sich entfaltet, bleibt und hilflos weint.

Einen Monat später wurde Yair erschossen. Er war 27 Jahre alt.

Meine Wanderungen durch Lateinamerika waren von weiteren überwältigenden Begegnungen durchzogen. Wie diese Kampfhähne sah ich Wesen, die tanzten und sich an die Unordnung klammerten. Ich fand jedes Mal dieselbe unverschämte Sinnlichkeit, wie eine wütende Provokation, wie der Schrei eines Jugendlichen, der sich über die Gefahr amüsiert, verurteilt und frei ist.

« Siempre que estemos vivos nos veremos », c’est la dernière phrase que m’a dite Yair. Nous étions sur l’azotea (toit) du bloc 11, la brume enveloppait Caracas, la rumeur folle de la ville ressemblait à un chant funèbre.

C’était une balle dans mon coeur. La conscience de sa propre fin avait quelque chose de terrible et sublime à la fois. Tout était dit. L’urgence de la vie, la fascination pour la mort, l’effondrement du pays. L’extrême violence et l’absurdité de la situation donnait l’impression que la vie n’était qu’un jeu.

Je me rappelais deux jours plus tôt la gallina (arène pour combats de coqs). L’odeur du sang mélangée au rhum et à la sueur, les cris de rage, l’excitation de chaque homme. Une transe impalpable enivrait l’arène. Comme si nous étions tous fous. Comme si le sang, la mort et le pouvoir rendaient plus vivant. L’énergie chaotique de la ville résonnait dans chaque combat, telle une danse qui se déploie, qui reste et pleure, impuissante.

Un mois plus tard, Yair fut abattu. Il avait 27 ans.

Mes errances en Amérique Latine furent traversées par d’autres rencontres saisissantes. Comme ces coqs de combats, je voyais des êtres danser et s’accrocher au désordre. J’y retrouvais à chaque fois cette même sensualité insolente, comme une furieuse provocation, comme un cri d’adolescent amusé par le danger, condamné et libre.

"Siempre que estemos vivos nos veremos" fu l'ultima frase che mi disse Yair. Eravamo sull'azotea (tetto) dell'isolato 11, la nebbia che avvolgeva Caracas, il folle ronzio della città come una nenia funebre.

Era una pallottola nel mio cuore. C'era qualcosa di terribile e sublime allo stesso tempo nell'essere consapevoli della propria fine. Diceva tutto. L'urgenza della vita, il fascino della morte, il collasso del Paese. L'estrema violenza e l'assurdità della situazione davano l'impressione che la vita fosse solo un gioco.

Due giorni prima, mi sono ricordato della gallina (arena per i combattimenti di galli). L'odore del sangue misto a rum e sudore, le grida di rabbia, l'eccitazione di ogni uomo. Una trance impalpabile intossicava l'arena. Come se fossimo tutti pazzi. Come se il sangue, la morte e il potere ci rendessero più vivi. L'energia caotica della città risuonava in ogni combattimento, come una danza che si svolge, che rimane e piange, impotente.

Un mese dopo, Yair fu ucciso con un colpo di pistola. Aveva 27 anni.

Le mie peregrinazioni in America Latina sono state intervallate da altri incontri eclatanti. Come quei galli da combattimento, ho visto persone ballare e aggrapparsi al disordine. Ogni volta ritrovavo la stessa sensualità insolente, come una provocazione furiosa, come il grido di un adolescente divertito dal pericolo, condannato e libero.

"Siempre que estemos vivos nos veremos" was the last sentence Yair said to me. We were standing on the azotea (roof) of Block 11, the mist enveloping Caracas, the mad hum of the city like a funeral dirge.

It was a bullet in my heart. There was something both terrible and sublime about the awareness of one's own demise. It said it all. The urgency of life, the fascination with death, the collapse of the country. The extreme violence and absurdity of the situation gave the impression that life was just a game.

Two days earlier, I remembered the gallina (cockfighting arena). The smell of blood mixed with rum and sweat, the cries of rage, the excitement of each man. An impalpable trance intoxicated the arena. As if we were all mad. As if blood, death and power made us more alive. The city's chaotic energy resonated in every fight, like a dance that unfolds, stays and weeps, powerless.

A month later, Yair was shot dead. He was 27 years old.

My wanderings in Latin America were interspersed with other striking encounters. Like those fighting cocks, I saw people dancing and clinging to disorder. Each time, I found the same insolent sensuality, like a furious provocation, like the cry of an adolescent amused by danger, condemned and free.

(Text: Celine Croze)

Photo Elysée | Lausanne
29. März – 4. August 2024

LIBÉRER LA PHOTOGRAPHIE
Man Ray

"Völlig frei von der Malerei und ihren ästhetischen Implikationen zu sein" – so lautete das erste erklärte Ziel von Man Ray (USA, 1890–1976), der seine Karriere als Maler begann. Die Fotografie stellte eine wichtige Neuerung in der modernen Kunst dar. Sie führte dazu, dass das Konzept der Darstellung wieder in Frage gestellt wurde. In den 1920er- und 1930er-Jahren etablierte sich das Medium Fotografie in der Avantgarde, und Man Ray machte schon bald durch seine Virtuosität auf sich aufmerksam. Als Studioporträtist und Modefotograf, aber auch als experimenteller Künstler, der die Möglichkeiten der Fotografie mit Menschen aus seinem Umfeld erforschte, zeigte sich Man Ray als eine sehr vielschichtige Figur. Er gilt heute als einer der wichtigsten Künstler des 20. Jahrhunderts, stand Dada und später dem Surrealismus nahe, und fotografierte den Kreis der Künstler:innen, die in der Zeit zwischen den beiden Weltkriegen in Paris zu finden waren.

Die auf Grundlage einer Privatsammlung zusammengestellte Ausstellung beleuchtet die vielfältigen Lebensumstände des Künstlers und zeigt einige seiner ikonischsten Werke. Die Arbeiten präsentieren nicht nur ein schillerndes Who-is-Who der Pariser Avantgarde, sondern unterstreichen auch die fototechnischen Innovationen, die Man Ray im Paris der 1920er- und 1930er-Jahre entwickelte.

Die Ausstellung wird unterstützt von der Loterie Romande, der Fondation Le Cèdre, der Fondation ARPE, Le Cercle de Photo Elysée und dem Bundensamt für Kultur (BAK).

"Etre totalement libéré de la peinture et de ses implications esthétiques", tel fut le premier but avoué de Man Ray qui débuta sa carrière en tant que peintre. La photographie constituait une des ouvertures importantes de l’art moderne. Elle suscitait alors une remise en question des notions de représentation. C’est dans les années 1920 et 1930 que le médium photographique s’imposa dans les avant-gardes et que Man Ray se fit rapidement remarquer par sa virtuosité. Portraitiste de studio, photographe de mode, mais aussi artiste expérimental ayant exploré les potentiels de la photographie avec les figures de son entourage, Man Ray apparaît comme une figure aux facettes multiples. Considéré comme l’un des artistes majeurs du XXe siècle, proche de Dada, puis du surréalisme, il photographie le cercle artistique présent à Paris dans l’entre-deux-guerres.

Réalisée à partir d’une collection privée, l’exposition explore les sociabilités multiples de l’artiste, tout en présentant certaines de ces œuvres les plus emblématiques. En plus de présenter un éblouissant who’s who de l’avant-garde parisienne, les œuvres mettent également en évidence les innovations en matière de photographie que Man Ray a réalisées à Paris dans les années 1920 et 1930.

L'exposition est soutenue par la Loterie Romande, la Fondation Le Cèdre, la Fondation ARPE, Le Cercle de Photo Elysée et l'Office fédéral de la culture (OFC).

"Essere totalemente liberato dalla pittura e dalle sue implicazioni estetiche", ecco cosa fu il primo obiettivo confessato da Man Ray che esordì in quanto pittore. La fotografia costituiva una delle aperture importanti dell’arte moderna. Provocava una messa in discussione dei concetti della rappresentazione. Fu negli anni 1920 e 1930 che il medium fotografico si impose nelle avanguardie e che Man Ray si fece notare subito con la sua maestria. Ritrattista di studio, fotografo di moda, ma altresì artista sperimentale che ha esplorato i potenziali della fotografia con figure della propria cerchia, Man Ray appare come una figura dalle molteplici sfaccettature. Considerato uno dei maggiori artisti del Novecento, vicino al dadaismo, poi al surrealismo, fotografa tutta la cerchia artistica presente a Parigi nel periodo interbellico.

Realizzata a partire da una collezione privata, la mostra esplora le tante conoscenze dell'artista e presenta alcune delle sue opere più emblematiche. Oltre a presentare un affascinante who's who dell’avanguardia parigina, le opere evidenziano altresì le innovazioni in materia di fotografia realizzate da Man Ray nella Parigi degli anni 1920 e 1930.

L'esposizione è supportata dalla Loterie Romande, dalla Fondation Le Cèdre, dalla Fondation ARPE, dal Le Cercle de Photo Elysée e dall'Ufficio federale della cultura (UFC).

“To be totally liberated from painting and its aesthetic implications” was the first avowed aim of Man Ray (United States, 1890-1976), who began his career as a painter. Photography was one of the major breakthroughs of modern art and led to a rethinking of notions of representation. In the 1920s and 30s, the photographic medium came to the forefront of the avant-garde movement, and Man Ray soon made a name for himself with his virtuosity. As a studio portraitist and fashion photographer, but also as an experimental artist who explored the potential of photography with the people around him, Man Ray was a multi-faceted figure. Considered one of the 20th century’s major artists, close to Dada and then Surrealism, he photographed Paris’ artistic milieu between the wars.

Curated from a private collection, the exhibition explores the artist’s extensive social contacts while presenting some of his most iconic works. In addition to providing a dazzling who’s who of the Parisian avant-garde, the works also highlight the innovations in photography made by Man Ray in Paris in the 1920s and 30s.

The exhibition is supported by the Loterie Romande, the Fondation Le Cèdre, the Fondation ARPE, Le Cercle of Photo Elysée and the Office fédéral de la culture (OFC).

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Photo Elysée | Lausanne
29. März – 4. August 2024

Cindy Sherman

Cindy Sherman gilt als eine der bedeutendsten amerikanischen Künstlerinnen ihrer Generation. Seit mehr als vierzig Jahren hinterfragt sie mit ihren bahnbrechenden Fotografien das Konzept der Darstellung und der Identität in den zeitgenössischen Medien.

In dieser neuen Bilderserie setzt die Künstlerin Teile ihres eigenen Gesichts als Collage zu neuen Bildern zusammen und erschafft so neue Identitäten verschiedener Figuren. Dazu nutzt sie digitale Bildbearbeitung, um die vielschichtigen Aspekte und die Plastizität des Selbst zu betonen. Sherman verzichtet dabei auf szenische Hintergründe oder Kulissen – das Gesicht selbst steht im Mittelpunkt.

Sie kombiniert eine digitale Collagetechnik, bei der sie Schwarzweiss- und Farbfotografien verwendet, mit anderen traditionelleren Verwandlungsformen wie Make-up, Perücken und Kostümen. Das Ergebnis ist eine Reihe verstörender und verzerrter Gestalten, die vor der Kamera lachen, sich verrenken, die Augen zusammenkneifen oder Grimassen schneiden. Zur Schaffung dieser fragmentierten Figuren hat Sherman einzelne Partien ihres Körpers aufgenommen – ihre Augen, ihre Lippen, ihre Haut, ihre Haare, ihre Ohren –, die Aufnahmen anschliessend neu zusammengesetzt und diese dann in einem Verfahren von Konstruktion, Dekonstruktion und abschliessender Rekonstruktion zu neuen Gesichtern zusammengefügt.

Zur Ausstellung erscheint ein von Hauser & Wirth Publishers herausgegebener Katalog.

Cindy Sherman est considérée comme l'une des artistes américaines les plus importantes de sa génération. Depuis plus de quarante ans, ses photographies révolutionnaires interrogent les thèmes de la représentation et de l'identité dans les médias contemporains.

Dans ce nouveau corpus d'œuvres, l'artiste colle des parties de son propre visage pour construire les identités de divers personnages, en utilisant la manipulation numérique pour accentuer les aspects stratifiés et la plasticité du moi.

Sherman a supprimé toute toile de fond ou mise en scène – le visage est au centre de cette série. Elle combine une technique de collage numérique utilisant des photographies en noir et blanc et en couleur avec d'autres modes de transformation traditionnels, tels que le maquillage, les perruques et les costumes, pour créer une série de personnages troublants qui rient, se tordent, plissent les yeux et grimacent devant l'appareil photo. Pour créer ces personnages fracturés, Sherman a photographié des parties isolées de son corps – ses yeux, son nez, ses lèvres, sa peau, ses cheveux, ses oreilles qu'elle coupe, colle et étire sur une image de base, pour finalement construire, déconstruire et reconstruire un nouveau visage.

L'exposition est accompagnée d'un catalogue publié par Hauser & Wirth Publishers.

Cindy Sherman è considerata una delle artiste americane più importanti della sua generazione. Da oltre quarant’anni, le sue fotografie rivoluzionarie interrogano i temi della rappresentazione e dell’identità nei media contemporanei.

In questo nuovo corpus di opere, l'artista incolla parti del proprio viso per costruire le identità di vari personaggi e utilizza la manipolazione digitale per accentuare gli aspetti stratificati e la plasticità dell’ego.

Sherman ha eliminato ogni sfondo o allestimento – il viso è al centro di questa serie. L’artista abbina una tecnica di incollaggio digitale con fotografie in bianco e nero e a colori, ad altri modi di trasformazione tradizionali, quali il trucco, le parrucche e i vestiti, in modo da creare una serie di personaggi sconcertanti che ridono, si contorcono, socchiudono gli occhi e fanno delle smorfie davanti alla macchina fotografica. Per creare questi personaggi fratturati, Sherman ha fotografato delle parti singole del proprio corpo – gli occhi, il naso, le labbra, la pelle, i capelli, le orecchie, che ha tagliato, incollato e stirato sopra un’immagine di base, per finalmente costruire, decostruire e ricostruire un nuovo viso.

La mostra è accompagnata da un catalogo pubblicato da Hauser & Wirth Publishers.

Cindy Sherman is considered to be one of the most important American artists of her generation. Her ground-breaking photographs have interrogated themes around representation and identity in contemporary media for over four decades.

In this new body of work, the artist collages parts of her own face to construct the identities of various characters, using digital manipulation to accent the layered aspects and plasticity of the self. Sherman has removed any scenic backdrops or mise-en-scène–the focus of this series is the face. She combines a digital collaging technique using black and white and color photographs with other traditional modes of transformation, such as make-up, wigs and costumes, to create a series of unsettling characters who laugh, twist, squint and grimace in front of the camera. To create the fractured characters, Sherman has photographed isolated parts of her body–her eyes, nose, lips, skin, hair, ears–which she cuts, pastes and stretches onto a foundational image, ultimately constructing, deconstructing and then reconstructing a new face.

The exhibition is accompanied by a catalogue by Hauser & Wirth Publishers.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Musée des Beaux-Arts | Le Locle
23. März – 15. September 2024

La scia del monte ou les utopistes magnétiques

Als Antwort auf die dystopischen Szenarien, mit denen unsere heutige Gesellschaft konfrontiert ist, beschliesst das MBAL, die Utopie in Form des Erbes des mythischen Monte Verità zu feiern, der in der ganzen Welt verehrten helvetischen Wiege der Avantgarde. Diese magnetische Oase auf dem Monescia-Hügel im Tessin bot um die Wende zum 20. Jahrhundert der ersten alternativen, naturistischen, feministischen und vegetarischen Siedlung Platz, die als Vorläufer der späteren Gegenkultur-Bewegungen gilt und wo im Lauf der Jahre eine Vielzahl von Anarchisten, Denkern und Künstlern ein und aus gingen. Gefeiert durch die Ausstellung des Visionärs Harald Szeemann, Monte Verità. Le mammelle della verità (‘Die Brüste der Wahrheit‘, 1978), ist der Hügel auch heute noch ein Pilgerort, der aufrüttelt, erhellt und tröstet.

Doch was bleibt von den Utopien, die sich um dieses "Bermudadreieck des Geistes" rantken? Die in Zusammenarbeit mit der Fondazione Monte Verità entstandene Ausstellung la scia del monte (die Spur des Berges) oder die magnetischen Utopist*innen, lädt 26 zeitgenössische Künstler*innen, deren Schaffen vom Monte Verità und der ihn umgebenden Aura inspiriert wurde, ein, mit dem Geist des Ortes und seinen weiblichen Figuren in Resonanz zu treten. Der Rundgang bietet einen eklektischen und faszinierenden Dialog zwischen Natur, Kunst und Geist und hinterfragt das Konzept der "Lebensreform", das die Pioniere anstrebten. Die Ausstellung erkundet alle Medien und Techniken, von der Videokunst über Installationen, Skulpturen, Malerei, Fotografie, Gravur, Ton oder Stoff bis hin zur künstlichen Intelligenz, und unterstreicht damit unterschwellig die Bedeutung der Schweiz als Heimat für freie und radikale Geister.

En réponse aux scénarios dystopiques auxquels est confrontée notre société contemporaine, le MBAL choisit de célébrer l’utopie à travers l’héritage du mythique Monte Verità, berceau helvète d’avant-gardes, vénéré dans le monde entier. Cette oasis magnétique, située au Tessin sur la colline de Monescia, accueille au tournant du 20ème siècle la première colonie alternative, naturiste, féministe et végétarienne, précurseur des mouvements de contre-culture qui suivront, et voit défiler au fil des ans une succession d'anarchistes, de penseur·euse·x·s et d'artistes. Consacrée par l'exposition du visionnaire Harald Szeemann, Monte Verità. Le mammelle della verità (1978), la colline est encore aujourd'hui un lieu de pèlerinage qui éveille, illumine et console.

Mais que reste-t-il de ces utopies qui ont gravité autour de ce « triangle des Bermudes de l'esprit » ? Créée en collaboration avec la Fondazione Monte Verità, l’exposition la scia del monte (la trace du mont) ou les utopistes magnétiques invite 26 artistes contemporain·e·x·s, dont les créations ont été inspirées par le Monte Verità et son aura environnante, à entrer en résonnance avec le génie du lieu et ses figures féminines. Le parcours propose un dialogue éclectique et captivant entre nature, art et esprit, interrogeant la notion de « réforme de la vie » souhaitée par les précurseurs. Explorant tous les médiums et techniques, de l’art vidéo à l’intelligence artificielle en passant par l’installation, la sculpture, la peinture, la photographie, la gravure, le son ou le tissu, l’exposition souligne en creux l’importance du territoire helvète comme terre d’accueil des esprits libres et iconoclastes.

In risposta agli scenari distopici che la nostra società contemporanea si trova ad affrontare, MBAL ha scelto di celebrare l'utopia attraverso l'eredità del mitico Monte Verità, la culla svizzera delle avanguardie, venerata in tutto il mondo. All'inizio del XX secolo, quest'oasi magnetica sulla collina della Monescia, in Ticino, ha ospitato la prima colonia alternativa, naturista, femminista e vegetariana, precursore dei movimenti di controcultura che sarebbero seguiti, e nel corso degli anni ha visto passare dalle sue porte una serie di anarchici, pensatori e artisti. È stata consacrata dalla mostra del visionario Harald Szeemann Monte Verità. Le mammelle della verità (1978), la collina è ancora oggi un luogo di pellegrinaggio che risveglia, illumina e consola.

Ma cosa resta delle utopie che gravitavano intorno a questo "triangolo delle Bermuda della mente"? Realizzata in collaborazione con la Fondazione Monte Verità, la mostra La scia del monte o le utopie magnetiche invita 26 artisti contemporanei, le cui creazioni sono state ispirate dal Monte Verità e dall'aura che lo circonda, a entrare in risonanza con il genio del luogo e delle sue figure femminili. La mostra propone un dialogo eclettico e accattivante tra natura, arte e spirito, mettendo in discussione la nozione di "riforma della vita" auspicata dai precursori. Esplorando tutti i media e le tecniche, dalla videoarte all'intelligenza artificiale, all'installazione, alla scultura, alla pittura, alla fotografia, all'incisione, al suono e al tessuto, la mostra sottolinea l'importanza della Svizzera come patria di spiriti liberi e iconoclasti.

In response to the dystopian scenarios confronting our contemporary society, the MBAL has chosen to celebrate utopia through the legacy of the mythical Monte Verità, the Swiss cradle of the avant-garde, revered worldwide. This magnetic oasis on the Monescia hill in Ticino was home to the first alternative, naturist, feminist and vegetarian colony in the early 20th century, a precursor of the counter-culture movements that followed, and has seen a succession of anarchists, thinkers and artists pass through its doors over the years. Consecrated by visionary curator Harald Szeemann, with his exhibition Monte Verità. Le mammelle della verità (1978), the hill is still today a place of pilgrimage that awakens, enlightens and consoles. But what remains of the utopias that gravitated around this "Bermuda triangle of the spirit"?

Created in collaboration with the Fondazione Monte Verità, the exhibition la scia del monte (the trace of the mountain) ou les utopistes magnétiques (or the magnetic utopians) brings together 26 contemporary artists, whose creations have been inspired by Monte Verità and its surrounding aura, to resonate with the genius of the place and its female figures. The exhibition offers an eclectic and captivating dialogue between nature, art and spirit, questioning the notion of the "reform of life" desired by the precursors. Exploring all media and techniques, from video art to artificial intelligence, installation, sculpture, painting, photography, engraving, sound and fabric, the exhibition highlights the importance of Switzerland as a land of refuge for free spirits and iconoclasts.

(Text: Federica Chiocchetti, Director, Museum of Fine Arts Le Locle (MBAL), and Nicoletta Mongini, Cultural Director, Fondazione Monte Verità)

Musée jurassien des Arts | Moutier
17. März – 26. Mai 2024

Bernd Nicolaisen, Amedeo Baumgartner

Die Natur steht im Mittelpunkt des Schaffens von Bernd Nicolaisen und Amedeo Baumgartner. Die Ausstellung zeigt den einzigartigen Ansatz jedes dieser Berner Künstler, um sich mit diesem Thema zu befassen, das im Kontext der aktuellen Umweltkrisen von zentraler Bedeutung ist. Sie betont aber auch ihre Konvergenzen insbesondere die Aufmerksamkeit für die Nahaufnahme als Mikrokosmos in einem Dialog zwischen Nicolaisens Werken, die auf Fotografie basieren, und Baumgartners Gemälden.

Einzigartikeit
In der alten Villa, die das Museum beherbergt, wird den Künstler n je eine Etage zur Verfügung gestellt , wo man die Einzigartigkeit von Nicolaisens auf Fotografie basierenden Arbeiten und Baumgartners malerischen Forschungen vertiefen kann.

Bernd Nicolaisen nimmt grundlegende Elemente, Eis, tausendjähriges Holz oder Fels auf , oder reflektiert einen Kometen . Er arbeitet bei seinen Aufnahmen mit langen Verschlusszeiten und achtet besonders auf die natürliche Lichtverteilung, ohne auf künstliche Beleuchtung oder Retusche zurückzugreifen . In Werken wie seinen Stratagram s versucht er jedoch , über die dokumentarische Spiegelung hinauszugehen, indem er vor Ort gefundene Mineralien und Pigmente verwendet, als Echo auf das, was sich in den Tiefen der Erde verbirgt.

Amedeo Baumgartner schöpft die Motive für seinen umfangreichen Zyklus Ex Natura aus seinen Wanderungen in der Natur. Er fotografiert einen Farn, einen Ast oder einen Felsen und verwendet diese Bilder dann als Vorbereitungsskizze n , die auf die Leinwand übertragen w erden. Er baut seine Bilder dann in einem komplexen Prozess malerisch auf , indem er Schichten von feinsten Pinselstrichen und Firnissen überlagert, wodurch die Farben von selbst Tiefe gewinnen. Seine Werke bewegen sich zwischen Hyperrealismus und poetischer Interpretation.

Der Künstler zeigt auch Werke aus seinem anderen Zyklus, Ex Cinema , die von Filmszenen inspiriert sind.

Konvergenzen
Der große Saal des Musée jurassien des Arts legt den Schwerpunkt auf die Konvergenzen zwischen den beiden Künstlern in Form eines Dialogs zwischen ihren Werken Das lebendige Wasser der Bäche, gemalt von Amedeo Baumgartner, antwortet auf das uralte Eis, fotografiert von Bernd Nicolaisen. Auf überraschende Weise harmoniert eine Blumenwiese oder ein Waldpfad des Ersteren mit Nahaufnahmen der tausendjährigen Bergpinienrinde des Letzteren.

Abgesehen von diesen formalen und thematischen Anklängen konvergieren beide Künstler durch ihren bedeutungsvollen Bildausschnitt. Weit entfernt von einem breiten Blickwinkel, der zur Ansicht einer Landschaft tendieren würde, konzentrieren sie sich auf das Detail . Jeder betrachtet diese Fragmente zudem als einen Mikrokosmos, der die Quintessenz der natürlichen Welt zusammenfasst, und hofft, auf diese Weise beim Betrachter Fragen über sein e Beziehung zur Natur zu wecken.

Schließlich spielt die Zeitlichkeit eine Rolle im Ansatz beide r Künstler .

Bernd Nicolaisen verbindet und konfrontiert Erdzyklen mit fotografischer Dauer. In seinen Aufnahmen verdichtet er die zeitliche Dimension von Überresten natürlicher Elemente die manchmal Zehntausende von Jahren alt sind. Auf diese Weise untersucht er die Vergänglichkeit der menschlichen Existenz vor dem Hintergrund des Ausmaßes der Erdgeschichte.

Amedeo Baumgartner seinerseits integriert ebenfalls die Dimension der Zeit, indem er seine Gemälde als Ergebnis einer Verkettung von Erfahrungen und Ideen versteht, die er auf seiner Suche nach Motiven in der Natur erlebt. Ein Mosaik dieser Momente, die sich allmählich zusammenfügen, bildet das endgültige Bild.

La nature est au coeur des oeuvres de Bernd Nicolaisen, basées sur la photographie, et des toiles d’Amedeo Baumgartner. L'exposition présente l'approche singulière avec laquelle chacun de ces artistes bernois aborde ce thème crucial, à l'ère des enjeux écologiques actuels. Mais elle souligne aussi les convergences qui existent entre les démarches des deux créateurs, notamment leur attention au gros plan en tant que microcosme.

Singularités
Dans l’ancienne villa qui abrite le musée, un étage réservé à chacun permet d’approfondir la singularité des travaux de Nicolaisen, basée sur la photographie, et celle des recherches picturales de Baumgartner.

Bernd Nicolaisen capte des éléments fondamentaux et ancestraux, bois, glace ou roche millénaires, ou reflète librement une comète. Il travaille ses prises de vue avec de longs temps de pause et porte une attention particulière à la distribution naturelle de la lumière, n’ayant jamais recours à un éclairage artificiel ou à la retouche. Pourtant, dans des oeuvres telles que ses Stratagrams, il cherche à dépasser le reflet documentaire en utilisant des minéraux et des pigments trouvés sur place, en écho à ce qui se cache dans les profondeurs de la terre.

De son côté, Amedeo Baumgartner puise les motifs de son vaste cycle Ex Natura lors de ses randonnées dans la nature. Il photographie une fougère, un branchage, un rocher et utilise ensuite ces images comme esquisses préparatoires. Il construit ensuite ses images picturalement au fil d’un processus complexe. Il superpose des strates de coups de pinceau très fin et de vernis, afin que les couleurs acquièrent une profondeur par elles-mêmes. Ses oeuvres oscillent entre hyperréalisme et interprétation poétique.

L’artiste présente également des oeuvres de son autre cycle, Ex Cinema, inspirées par des scènes de films.

Convergences
La grande salle du musée met l’accent sur les convergences entre les deux artistes, sous la forme d’un dialogue entre leurs oeuvres. L’eau vive des ruisseaux peinte par Amedeo Baumgartner répond à la glace ancestrale photographiée par Bernd Nicolaisen. Un pré fleuri ou un sentier forestier du premier s’accorde de manière surprenante avec certains gros plans d’écorce de pins millénaires du second.

Au-delà de ces échos thématiques et formels, les deux artistes se rejoignent par leurs cadrages porteurs de sens. Loin d’un large point de vue qui tendrait vers le paysage, ils se concentrent sur le détail. Chacun considère en outre ces fragments comme un microcosme, synthétisant la quintessence

du monde naturel, et espère par ce biais éveiller un questionnement du spectateur sur le plan de son rapport à la nature.

Enfin, la temporalité traverse l’approche des deux artistes.

Bernd Nicolaisen associe et confronte cycles terrestres et durée photographique. Il condense dans ses prises de vue la dimension temporelle de vestiges d’éléments naturels – qui remontent parfois à des dizaines de milliers d’année. Il interroge ainsi le caractère éphémère de l’existence humaine à l’aune de l’étendue de l’histoire terrestre.

De son côté, Amedeo Baumgartner intègre également la dimension du temps en concevant ses peintures comme le résultat d’un enchaînement d’expériences et d’idées, vécues au fil de sa quête de motifs dans la nature. Le tableau final est fait d’une mosaïque de ces moments qui s’assemblent progressivement.

La natura è al centro del lavoro di Bernd Nicolaisen e Amedeo Baumgartner. La mostra mostra l'approccio unico di ciascuno di questi artisti bernesi a questo tema, di importanza centrale nel contesto delle attuali crisi ambientali. Ma evidenzia anche le loro convergenze, in particolare l'attenzione al primo piano come microcosmo in un dialogo tra le opere di Nicolaisen basate sulla fotografia e i dipinti di Baumgartner.

Unicità
Nell'antica villa che ospita il museo, gli artisti hanno a disposizione un piano per esplorare l'unicità delle opere di Nicolaisen basate sulla fotografia e della ricerca pittorica di Baumgartner.

Bernd Nicolaisen cattura elementi fondamentali, ghiaccio, legno o roccia millenaria, o riflette una cometa. Lavora con tempi di posa lenti e presta particolare attenzione alla distribuzione naturale della luce, senza ricorrere all'illuminazione artificiale o al ritocco. In opere come i suoi stratagrammi, tuttavia, cerca di andare oltre la riflessione documentaria utilizzando minerali e pigmenti trovati sul posto come eco di ciò che si nasconde nelle profondità della terra.

Amedeo Baumgartner trae i motivi del suo ampio ciclo Ex Natura dalle sue passeggiate nella natura. Fotografa una felce, un ramo o una roccia e utilizza queste immagini come schizzi preparatori da trasferire sulla tela. Poi costruisce i suoi quadri con un complesso processo pittorico, sovrapponendo strati di pennellate e vernici finissime, in modo che i colori acquistino profondità da soli. Le sue opere si muovono tra iperrealismo e interpretazione poetica.

L'artista espone anche opere del suo altro ciclo, Ex Cinema, ispirate a scene di film.

Convergenze
La grande sala del Musée jurassien des Arts si concentra sulle convergenze tra i due artisti sotto forma di dialogo tra le loro opere L'acqua viva dei ruscelli, dipinta da Amedeo Baumgartner, risponde al ghiaccio antico, fotografato da Bernd Nicolaisen. In modo sorprendente, un prato fiorito o un sentiero forestale del primo si armonizza con i primi piani della corteccia millenaria di pino mugo del secondo.

Oltre a questi echi formali e tematici, entrambi gli artisti convergono attraverso la loro significativa inquadratura. Lontani da una prospettiva ampia che tenderebbe a una visione paesaggistica, si concentrano sul dettaglio. Ognuno di loro vede questi frammenti come un microcosmo che riassume la quintessenza del mondo naturale, sperando in questo modo di risvegliare nello spettatore domande sul proprio rapporto con la natura.

Infine, la temporalità gioca un ruolo importante nell'approccio di entrambi gli artisti.

Bernd Nicolaisen combina e confronta i cicli della terra con la durata fotografica. Nelle sue fotografie condensa la dimensione temporale di resti di elementi naturali che a volte hanno decine di migliaia di anni. In questo modo, esamina la transitorietà dell'esistenza umana sullo sfondo della scala della storia della Terra.

Anche Amedeo Baumgartner, da parte sua, integra la dimensione del tempo intendendo i suoi dipinti come il risultato di una concatenazione di esperienze e idee che sperimenta nella sua ricerca di motivi nella natura. Un mosaico di questi momenti, che si uniscono gradualmente, forma l'immagine finale.

Nature is at the heart of the work of Bernd Nicolaisen and Amedeo Baumgartner. The exhibition demonstrates the unique approach of each of these Bernese artists to this theme, which is central in the context of current environmental crises. But it also emphasizes their convergences in particular the attention to the close-up as a microcosm in a dialogue between Nicolaisen's works based on photography and Baumgartner's paintings.

Uniqueness
In the old villa that houses the museum, the artists are each given a floor to explore the uniqueness of Nicolaisen's photography-based works and Baumgartner's painterly research.

Bernd Nicolaisen takes up basic elements, ice, millennial wood or rock, or reflects a comet . He works with slow shutter speeds and pays particular attention to the natural distribution of light, without resorting to artificial lighting or retouching. In works such as his Stratagram s, however, he tries to go beyond documentary reflection by using minerals and pigments found on site as an echo of what is hidden in the depths of the earth.

Amedeo Baumgartner draws the motifs for his extensive Ex Natura cycle from his walks in nature. He photographs a fern, a branch or a rock and then uses these images as preparatory sketches w hich are transferred to the canvas. He then builds up his visuals in a complex painterly process by superimposing layers of the finest brushstrokes and varnishes, allowing the colors to gain depth on their own. His works move between hyperrealism and poetic interpretation.

The artist is also showing works from his other cycle, Ex Cinema , which are inspired by film scenes.

Convergences
The large room of the Musée jurassien des Arts focuses on the convergences between the two artists in the form of a dialog between their works The living water of the streams, painted by Amedeo Baumgartner, responds to the ancient ice, photographed by Bernd Nicolaisen. In a surprising way, a flower meadow or a forest path by the former harmonizes with close-ups of the thousand-year-old mountain pine bark by the latter.

Apart from these formal and thematic echoes, both artists converge through their meaningful framing. Far from a broad perspective that would tend towards a view of a landscape, they focus on the detail . Each also sees these fragments as a microcosm that summarizes the quintessence of the natural world, hoping in this way to awaken questions in the viewer about their relationship with nature.

Finally, temporality plays a role in the approach of both artists.

Bernd Nicolaisen combines and confronts earth cycles with photographic duration. In his photographs, he condenses the temporal dimension of the remains of natural elements that are sometimes tens of thousands of years old. In this way, he examines the transience of human existence against the backdrop of the scale of the earth's history.

Amedeo Baumgartner, for his part, also integrates the dimension of time by understanding his paintings as the result of a concatenation of experiences and ideas that he encounters in his search for motifs in nature. A mosaic of these moments, which gradually come together, forms the final visual.

(Text: Musée jurassien des Arts, Moutier)

Kunsthalle Friart | Fribourg
2. März – 28. April 2024

Our Ailing Senses
Sky Hopinka

Sky Hopinka (1984) ist ein experimenteller Filmemacher, Fotograf und Dichter und gehört der Ho-Chunk Nation an, einem Native American Tribe in Wisconsin. Der Künstler stellt das Weitergeben von Geschichten, Traditionen und Kämpfen der amerikanischen Ureinwohner:innen in den Mittelpunkt seiner Arbeit. Durch die Verflechtung von intimen Zeugnissen, Ausflügen auf dem Land der Vorfahren und Archivmaterial komponiert er lyrische und engagierte Chroniken, in denen die Grenze zwischen dem Persönlichen und dem Kollektiven verschwimmt. Landschaften, Texturen, Musik und Schrift bilden Schichten, aus denen ethnopoetische und neomythologische Beschwörungen hervorgehen, wie der Künstler sie gerne definiert.

Seine Ausstellung Our Ailing Senses in der Kunsthalle Friart zeigt Gedichten und Fotografien und eine grosse Auswahl an Filmen, die zwischen 2014 und 2023 entstanden sind. Die Begegnung der Sprache mit den Bildern der Erde eröffnet dort einen Raum von wiederherstellender Schönheit.

Sky Hopinka (1984) est un cinéaste expérimental, photographe et poète, membre de la Nation Ho-Chunk, une tribu amérindienne du Wisconsin. L’artiste inscrit la transmission des récits, traditions et luttes des peuples natifs d’Amériques au coeur de sa pratique. Entrelaçant témoignages intimes, dérives sur les terres ancestrales et documents d’archives, il compose des chroniques lyriques et engagées dans lesquelles la frontière entre le personnel et le collectif s’estompe. Paysages, textures, musiques, écriture forment autant de couches à partir desquelles émergent des évocations ethnopoétiques et néo-mythologiques, comme aime à les définir l’artiste.

Our Ailing Senses, son exposition à la Kunsthalle Friart, présente une large sélection de films, des poèmes et des photographies réalisés entre 2014 et 2023. La rencontre de la langue et des images de la terre y ouvre un espace d’une beauté qui restaure.

Sky Hopinka (1984) è un regista sperimentale, fotografo e poeta, membro della Ho-Chunk Nation, una tribù di nativi americani del Wisconsin. L'artista pone al centro del suo lavoro la trasmissione di storie, tradizioni e lotte dei nativi americani. Intrecciando testimonianze intime, escursioni nelle terre ancestrali e materiale d'archivio, compone cronache liriche e coinvolgenti che sfumano il confine tra personale e collettivo. Paesaggi, texture, musica e scrittura formano strati da cui emergono evocazioni etnopoetiche e neomitologiche, come ama definirle l'artista.

La sua mostra Our Ailing Senses alla Kunsthalle Friart presenta poesie e fotografie e un'ampia selezione di film realizzati tra il 2014 e il 2023. L'incontro tra il linguaggio e le immagini della terra apre uno spazio di bellezza ristoratrice.

Sky Hopinka (1984) is an experimental filmmaker, photographer and poet. He is a member of the Ho-Chunk Nation, a Native American Tribe from Wisconsin. The transmission of accounts, traditions and struggles of indigenous American peoples is at the heart of his work. Interweaving personal testimony, narratives on ancestral lands and archival material, he composes lyrical pieces in which a spiritual determination blurs the boundary between the individual and the collective. Landscapes, textures, music and writing all make up the different layers of a practice the artist refers to as ethnopoetic and neomythological.

Our Ailing Senses, his exhibition at the Kunsthalle Friart, presents poems, photos and a broad selection of films produced between 2014 and 2023, in which the encounter between language and images of the earth open onto a space of restorative beauty.

(Text: Kunsthalle Friart, Fribourg)

Focale galerie – librairie | Nyon
1. März – 7. April 2024

Power and energy - Hommage à Luca Zanier

Hommage à Luca Zanier ist eine Ausstellung zu Ehren des Fotografen, dessen Arbeit SPACE AND ENERGY 2015 bei FOCALE ausgestellt wurde und der uns leider im vergangenen Jahr verlassen hat. Es handelt sich um einen Rückblick auf seine bemerkenswerten Arbeiten rund um die Hochburgen der Macht und die Kehrseite der Energieindustrie: SPACE AND ENERGY, CORRIDORS OF POWER und PAPERWORLD/CYBERWORLD.

Luca Zanier gelingt es, den Blick des Betrachters zu fesseln, indem er ihn an unbekannte oder sogar vertrauliche Orte führt, an denen keine Menschen anwesend sind. So gelang es ihm, die rätselhaften und ungewöhnlichen Aspekte dieser von und für Menschen geschaffenen Welten in seinen Bildern wiederzugeben und jeden Betrachter zu magnetisieren bzw. anzusprechen.

"Meine Absicht ist es, [diese Orte der Macht] auf künstlerische Weise sichtbar zu machen. In diesem Prozess tritt die Information als solche in den Hintergrund. Es geht vielmehr darum, Perspektiven, Farben und Formen zu fotografieren. Was ich anstrebe, ist die Auflösung der Technik in der Ästhetik. Der Betrachter sieht sich mit einem ultrakomplexen System konfrontiert, von dem unser modernes Leben abhängt, einem System, das uns gleichzeitig fasziniert und Angst macht". Luca Zanier

Hommage à Luca Zanier est une exposition en l’honneur du photographe, dont le travail SPACE AND ENERGY avait été exposé à FOCALE en 2015 et qui nous a malheureusement quitté l’année dernière. Il s’agit d’un retour sur ses travaux remarquables autour des hauts lieux du pouvoir et l’envers de l’industrie énergétique : SPACE AND ENERGY, CORRIDORS OF POWER et PAPERWORLD/CYBERWORLD.

Au travers de ses images, Luca Zanier a su captiver notre regard en l’entraînant dans des lieux méconnus voire confidentiels tous dépourvus de présence humaine. Il est ainsi parvenu à restituer dans ses prises de vues les aspects énigmatiques et insolites de ces univers créés par et pour l’être humain et à magnétiser respectivement interpeller tout spectateur.

« Mon intention est de rendre visible, d’une manière artistique, [ces lieux de pouvoir]. Dans ce processus, l’information en tant que telle passe au second plan. Il s’agit plutôt de photographier des perspectives, des couleurs et des formes. Ce que je cherche, c’est la dissolution de la technique dans l’esthétique. Le spectateur se trouve confronté à un système ultracomplexe duquel dépend notre vie moderne, un système qui, en même temps, nous fascine et nous fait peur ». Luca Zanier

Hommage à Luca Zanier è una mostra in onore del fotografo, il cui lavoro SPACE AND ENERGY è stato esposto alla FOCALE nel 2015 e che purtroppo è scomparso lo scorso anno. Si tratta di un ritorno al suo notevole lavoro sugli alti luoghi del potere e sull'altra faccia dell'industria energetica: SPACE AND ENERGY, CORRIDORS OF POWER e PAPERWORLD/CYBERWORLD.

Attraverso le sue immagini, Luca Zanier è riuscito a catturare il nostro sguardo portandoci in luoghi poco conosciuti o addirittura riservati, tutti privi di qualsiasi presenza umana. Nei suoi scatti è riuscito a cogliere gli aspetti enigmatici e insoliti di questi mondi creati dall'uomo e per l'uomo e a magnetizzare e coinvolgere lo spettatore.

"La mia intenzione è quella di rendere visibili [questi luoghi di potere] in modo artistico. In questo processo, l'informazione in quanto tale passa in secondo piano. Si tratta piuttosto di fotografare prospettive, colori e forme. Quello che cerco è la dissoluzione della tecnica nell'estetica. Lo spettatore si trova di fronte a un sistema ultracomplesso da cui dipende la nostra vita moderna, un sistema che ci affascina e ci spaventa allo stesso tempo. Luca Zanier

Hommage à Luca Zanier is an exhibition in honor of the photographer, whose work SPACE AND ENERGY was exhibited at FOCALE in 2015 and who sadly passed away last year. It's a look back at his remarkable work on the upper reaches of power and the other side of the energy industry: SPACE AND ENERGY, CORRIDORS OF POWER and PAPERWORLD/CYBERWORLD.

Through his images, Luca Zanier captivates the eye by taking us into little-known or even confidential places, all devoid of human presence. His images capture the enigmatic and unusual aspects of these universes created by and for man, magnetizing and engaging the viewer.

"My intention is to make [these places of power] visible in an artistic way. In this process, information as such takes a back seat. It's more a question of photographing perspectives, colors and shapes. What I'm looking for is the dissolution of technique into aesthetics. The viewer is confronted with an ultra-complex system on which our modern lives depend, a system that both fascinates and frightens us. Luca Zanier

(Text: Focale galerie – librairie, Nyon)

Centre de la photographie Genève
28. Februar – 28. April 2024

MAKING LIGHT OF EVERY THING

Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Jessica Backhaus, Emma Bedos, Mathieu Bernard-Reymond, Sara de Brito Faustino, Charlie Engman, Alina Frieske, Peter Hauser, Moritz Jekat, Leigh Merrill, Taiyo Onorato & Nico Krebs, Martin Widmer

Das Intime ist ein Begriff, der oft schwer zu definieren, unantastbar und schwer fassbar ist. Sie kann in einer Kindheitserinnerung, im Inneren des eigenen Hauses oder der eigenen Nachbarschaft, in den Gesten, die man mit seinen Angehörigen austauscht, in der Vertrautheit eines Bildes oder auch in der Verbundenheit mit einem Gegenstand, einem Material oder einer Textur liegen.

Wie kann die Fotografie, ohne direkt Situationen zu zeigen, die unmittelbar als intim identifiziert werden können, eine Beziehung zu diesem Gefühl, seine Flüchtigkeit und Ungreifbarkeit ausdrücken? Wie kann sie das Verhältnis zum zwangsläufig fehlbaren Gedächtnis, die oft komplexen und wechselhaften Bindungen zu geliebten Menschen oder auch die Beziehung zu einem Zuhause, dessen Vertrautheit jederzeit ins Fremde umschlagen kann, ins Bild setzen?

Während das hergestellte oder manipulierte Bild oft mit dem Missbrauch der öffentlichen Meinung oder der Darstellung fiktionaler Welten in Verbindung gebracht wird, wird es hier wegen seines Potenzials, unsere Subjektivität, unsere Beziehung zu den Dingen zu enthüllen, erforscht. Wie können wir unsere Erinnerungen erzählen, die Verbindung zu geliebten Menschen übersetzen oder unsere Sensibilität greifbar machen?

Durch ausgeklügelte Verfahren der Bildmanipulation ermöglichen es die in dieser Ausstellung versammelten Künstler, eine Form der Intimität sichtbar zu machen, zu erfassen oder festzuhalten - vom persönlichsten Ausdruck einer Emotion bis hin zur maschinellen Interpretation menschlicher Beziehungen. Ob mit farbigem Papier hergestellt, durch künstliche Intelligenz erzeugt, vollständig im Fotolabor entstanden oder das Ergebnis einer sorgfältigen Fotomontage - die für diese Ausstellung zusammengestellten Bilder spiegeln das hartnäckige Experimentieren ihrer Autoren wider und vermitteln sowohl frivole als auch überwältigende Emotionen. Ihr explizit hergestellter Charakter - wobei hier keine Hierarchie zwischen Papierschnitt und den ausgefeiltesten Werkzeugen zur Bilderzeugung gemacht wird - hebt die manchmal seltsame Dimension dessen hervor, was uns am vertrautesten ist. Durch ihre Erkundungsprozesse und ihre komplexe Architektur machen die Künstler die komplexen Mechanismen der Welterfassung spürbar und zeugen auf subtile und delikate Weise von der Manifestation unserer individuellen Subjektivitäten.

Die Arbeiten von Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond und Sara De Brito Faustino untersuchen die Verbindungen zwischen hergestellten Bildern und dem Gedächtnis. Adu-Sanyah und Bernard-Reymond verwenden künstliche Intelligenzen, um Erinnerungen nachzubilden oder zu visualisieren, und achten dabei besonders auf die Materialität der entstehenden Bilder, während De Brito Faustino die Orte ihrer Kindheit in Modellen nachstellt, die sie dann erneut fotografiert. Ihre Werke beleuchten den prägenden, aber manchmal auch fehlbaren, seltsamen und rekonstruierten Charakter von Erinnerungen.

Emma Bedos, Alina Frieske und Moritz Jekat setzen visuelle Technologien wie Photogrammetrie, Fotomontage und Videospiele ein, um intime, familiäre und Liebesbeziehungen zu erforschen. Die Orte, die mit einer Liebesbeziehung in Verbindung gebracht werden, die geografische Distanz zu den Angehörigen und die digitalen Schnittstellen, mit denen diese Distanz überbrückt werden kann, oder auch die private und öffentliche Zirkulation persönlicher Bilder werden in Projekten behandelt, in denen das Bild experimentelle und unerwartete Formen annimmt.

Leigh Merrill, das Duo Taiyo Onorato & Nico Krebs und Martin Widmer teilen eine Herangehensweise an den Raum, der mithilfe verschiedener Collage- und Überlagerungstechniken minutiös konstruiert und rekonstruiert wird. Sowohl Onorato & Krebs als auch Widmer arbeiten selbstreflexiv, indem sie ihre eigenen Bilder als Ausgangspunkt verwenden, während Merrill vertraute urbane Räume durch Collagen neu gestaltet.

Das Intime manifestiert sich somit bei einigen der Künstler in der Ausstellung in einer sehr starken Beziehung zu ihrer eigenen Produktion. Bei Jessica Backhaus und Peter Hauser spiegelt die Verbindung zur eigentlichen Herstellung des Bildes durch analoge Verfahren - die Arbeit mit farbigem Papier bei Backhaus und im analogen Labor bei Hauser - eine Intimität der eigentlichen Praxis wider, ein feinfühliges Experimentieren mit Formen, Texturen und Materialien. Bei Charlie Engman schließlich entsteht eine Form von Verletzlichkeit aus den visuellen Experimenten mit künstlicher Intelligenz und ihrem Versagen, Darstellungen körperlicher Intimität, insbesondere der Umarmung, zu reproduzieren, und hallt auf seltsame Weise mit persönlichen Fotografien wider.

Kuratiert von: Claus Gunti & Danaé Panchaud

L’intime est une notion souvent difficile à définir, intangible et insaisissable. Il peut se situer dans un souvenir d’enfance, à l’intérieur de sa maison ou de son quartier, dans les gestes échangés avec ses proches, dans la familiarité d’une image, ou encore dans l’attachement à un objet, à une matière, ou à une texture.

Sans montrer directement des situations immédiatement identifiables comme intimes, comment la photographie peut-elle exprimer un rapport à ce sentiment, son caractère fugace et impalpable ? Comment peut-elle mettre en image les rapports à la mémoire, forcément faillible, les liens souvent complexes et changeants aux personnes chères, ou encore la relation à un chez-soi dont la familiarité peut tourner à l’étrange à tout moment ?

Si l’image fabriquée ou manipulée est souvent associée au détournement de l’opinion publique ou à la représentation d’univers fictionnels, elle est ici explorée pour son potentiel à révéler notre subjectivité, notre rapport aux choses. Comment pouvons-nous raconter nos souvenirs, traduire le lien à des êtres aimés ou rendre tangible notre sensibilité ?

Par des processus élaborés de manipulation d’image, les artistes réunis dans cette exposition permettent de rendre visible, de saisir ou de fixer une forme d’intimité, de l’expression la plus personnelle d’une émotion à l’interprétation machinique des rapports humains. Qu’elles soient fabriquées à l’aide de papiers colorés, générées par intelligence artificielle, créées entièrement dans le laboratoire photographique ou résultant d’un photomontage minutieux, les images réunies pour cette exposition traduisent l’expérimentation opiniâtre de leur auteur, traduisant des émotions tant frivoles qu’écrasantes. Leur caractère explicitement fabriqué – sans qu’une hiérarchie ne soit faite ici entre le papier découpé et les outils les plus sophistiqués de génération d’images – met en avant la dimension parfois étrange de ce qui nous est le plus familier. Par leurs processus exploratoires, leur architecture complexe, les artistes rendent sensible les mécanismes complexes d’appréhension du monde, témoignant de manière subtile et délicate de la manifestation de nos subjectivités individuelles.

Les travaux d’Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond et Sara De Brito Faustino investiguent les liens entre les images fabriquées et la mémoire. Adu-Sanyah et Bernard-Reymond utilisent des intelligences artificielles pour recréer des souvenirs ou les visualiser, prêtant une attention particulière à la matérialité des images qui en résultent, alors que De Brito Faustino reconstitue les lieux de son enfance en maquette qu’elle rephotographie. Leurs oeuvres mettent en lumière le caractère marquant, mais aussi parfois faillible, étrange et reconstruit, des souvenirs.

Emma Bedos, Alina Frieske et Moritz Jekat ont recours à des technologies visuelles comme la photogrammétrie, le photomontage et le jeu vidéo, afin d’investiguer des liens intimes, familiaux et amoureux. Les lieux associés à une relation amoureuse, la distance géographique avec ses proches et les interfaces digitales permettant d’y pallier, ou encore les circulations privées et publiques d’images personnelles, sont abordés dans des projets où l’image prend des formes expérimentales et inattendues.

Leigh Merrill, le duo Taiyo Onorato & Nico Krebs, et Martin Widmer partagent une approche de l’espace, minutieusement construit et reconstruit au moyen de différentes techniques de collage et de superposition. Onorato & Krebs comme Widmer mènent un travail autoréflexif en utilisant leurs propres images comme point de départ, alors que Merrill refaçonne par collage des espaces urbains familiers.

L’intime se manifeste ainsi chez certains des artistes de l’exposition dans un rapport très fort avec leur propre production. Chez Jessica Backhaus et Peter Hauser, le lien à la fabrication même de l’image par des procédés analogiques — le travail avec des papiers colorés pour Backhaus et dans le laboratoire analogique pour Hauser — reflète une intimité de la pratique même, une expérimentation délicate avec des formes, des textures et des matériaux. Enfin, chez Charlie Engman, une forme de vulnérabilité émerge des expérimentations visuelles réalisées avec l’intelligence artificielle et de leur échec à reproduire des représentations de l’intimité corporelle, en particulier le hug, et résonne étrangement avec des photographies personnelles.

Commissariat : Claus Gunti & Danaé Panchaud

L'intimità è un concetto spesso difficile da definire, intangibile e sfuggente. Si può trovare in un ricordo d'infanzia, nell'interno della propria casa o del proprio quartiere, nei gesti scambiati con i propri cari, nella familiarità di un'immagine, o anche nell'attaccamento a un oggetto, a un materiale o a una texture.

Senza mostrare direttamente situazioni immediatamente identificabili come intime, come può la fotografia esprimere il rapporto con questo sentimento, la sua natura fugace e impalpabile? Come può ritrarre il rapporto con la memoria, che è inevitabilmente fallibile, i legami spesso complessi e mutevoli con i propri cari, o il rapporto con una casa la cui familiarità può diventare strana in qualsiasi momento?

Se le immagini fabbricate o manipolate sono spesso associate all'appropriazione indebita dell'opinione pubblica o alla rappresentazione di universi fittizi, qui vengono esplorate per il loro potenziale di rivelazione della nostra soggettività e del nostro rapporto con le cose. Come possiamo raccontare i nostri ricordi, esprimere il nostro legame con le persone care o rendere tangibile la nostra sensibilità?

Attraverso elaborati processi di manipolazione dell'immagine, gli artisti di questa mostra rendono visibile, catturano o fissano una forma di intimità, dall'espressione più personale dell'emozione all'interpretazione macchinosa delle relazioni umane. Realizzate con carta colorata, generate dall'intelligenza artificiale, create interamente nel laboratorio fotografico o frutto di un meticoloso fotomontaggio, le immagini riunite in questa mostra riflettono l'ostinata sperimentazione dei loro autori, trasmettendo emozioni tanto frivole quanto travolgenti. La loro natura esplicitamente artificiale - senza che qui si tracci una gerarchia tra la carta ritagliata e i più sofisticati strumenti di generazione di immagini - mette in evidenza la dimensione a volte strana di ciò che ci è più familiare. Attraverso i loro processi esplorativi e la loro complessa architettura, gli artisti rivelano i complessi meccanismi con cui percepiamo il mondo, testimoniando in modo sottile e delicato la manifestazione delle nostre soggettività individuali.

Il lavoro di Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond e Sara De Brito Faustino indaga i legami tra immagini fabbricate e memoria. Adu-Sanyah e Bernard-Reymond utilizzano l'intelligenza artificiale per ricreare o visualizzare i ricordi, prestando particolare attenzione alla materialità delle immagini risultanti, mentre De Brito Faustino ricostruisce i luoghi della sua infanzia in modelli in scala che poi rifotografa. Le loro opere evidenziano la natura saliente ma talvolta fallibile, strana e ricostruita dei ricordi.

Emma Bedos, Alina Frieske e Moritz Jekat utilizzano tecnologie visive come la fotogrammetria, il fotomontaggio e i videogiochi per indagare le relazioni intime, familiari e amorose. I luoghi associati a una relazione sentimentale, la distanza geografica dai propri cari e le interfacce digitali che la compensano, la circolazione privata e pubblica delle immagini personali sono tutti temi affrontati in progetti in cui l'immagine assume forme sperimentali e inaspettate.

Leigh Merrill, il duo Taiyo Onorato & Nico Krebs e Martin Widmer condividono un approccio allo spazio, meticolosamente costruito e ricostruito con diverse tecniche di collage e sovrapposizione. Sia Onorato & Krebs che Widmer lavorano in modo autoriflessivo, utilizzando le proprie immagini come punto di partenza, mentre Merrill usa il collage per rimodellare spazi urbani familiari.

Per alcuni degli artisti in mostra, l'intimità si manifesta in un rapporto molto forte con la propria produzione. Per Jessica Backhaus e Peter Hauser, il legame con la realizzazione stessa dell'immagine attraverso processi analogici - lavorando con carta colorata per Backhaus e nel laboratorio analogico per Hauser - riflette un'intimità della pratica stessa, una delicata sperimentazione con forme, texture e materiali. Infine, nel lavoro di Charlie Engman, una forma di vulnerabilità emerge dagli esperimenti visivi condotti con l'intelligenza artificiale e dal loro fallimento nel riprodurre le rappresentazioni dell'intimità corporea, in particolare l'abbraccio, e risuona stranamente con le fotografie personali.

A cura di Claus Gunti & Danaé Panchaud

Intimacy is a concept that is often difficult to define, intangible and elusive. It can be found in a childhood memory, in the interior of one’s home or neighbourhood, in the gestures exchanged with loved ones, but also in the familiarity with an image, or in the attachment to an object, a material or a texture.

Without directly showing situations that are immediately identifiable as intimate, how can photography express a relationship with this feeling, its fleeting and impalpable nature? How can it portray the relationship with memory, which is inevitably fallible, the often complex and changing links with loved ones, or the relationship with a home whose familiarity can turn strange at any moment?

While fabricated or manipulated images are often associated with the misappropriation of public opinion or the representation of fictional universes, they are here explored for their potential to reveal our subjectivity and our relationship with reality. How can we recount our memories, express our connection to loved ones, or make our sensibilities tangible?

Through elaborate processes of image manipulation, the artists in this exhibition make visible, capture or fix a form of intimacy, from the most personal expression of an emotion to the automated interpretation of human relationships by a machine. Whether made with coloured paper, generated by artificial intelligence, created entirely in the photographic laboratory or the result of meticulous photomontage, the images brought together for this exhibition reflect their author’s tenacious experi-mentation, conveying emotions that are sometimes frivolous, sometimes profound. Their explicitly fabricated nature - without any hierarchy being drawn here between cut-out paper and the most sophisticated image-generating tools - highlights the sometimes strange dimension of what is most familiar to us. Through their exploratory processes and complex architecture, the artists reveal the complex mechanisms by which we apprehend the world, bearing subtle and delicate witness to the manifestation of our individual subjectivities.

The work of Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond and Sara De Brito Faustino investigates the links between fabricated images and memory. Adu-Sanyah and Bernard-Reymond use artificial intelligence to recreate or visualise memories, paying particular attention to the materiality of the resulting photographs, while De Brito Faustino reconstructs her childhood homes with models that she then rephotographs. Their works highlight the salient but sometimes fallible, strange and reconstructed nature of memories.

Emma Bedos, Alina Frieske and Moritz Jekat use visual technologies such as photogrammetry, photomontage and video games to investigate intimate, family and love relationships. The places associated with a romantic relationship, the geographical distance from loved ones and the digital interfaces that bridge it, or the private and public circulations of personal images are all addressed in projects where the image takes on experimental and unexpected forms.

Leigh Merrill, the duo Taiyo Onorato & Nico Krebs, and Martin Widmer share a certain approach, meticulously constructing and reconstructing spaces with different techniques of collage and superposition. Both Onorato & Krebs and Widmer work in a self-reflexive way, using their own images as a starting point, while Merrill uses collage to reshape familiar urban spaces.

In some of the artists in the exhibition, the intimate manifests itself in a strong relationship with their own work. For Jessica Backhaus and Peter Hauser, the link to the very making of the image through analogue processes – working with coloured papers for Backhaus and in the analogue laboratory for Hauser – reflects an intimacy of practice itself, in delicate experimentations with shapes, textures and materials. Finally, in Charlie Engman’s work, a form of vulnerability emerges from the visual experiments carried out with artificial intelligence and their failure to reproduce representations of bodily intimacy, in particular hugs, which furthermore resonates strangely with personal photographs.

Curators: Claus Gunti & Danaé Panchaud

(Text: Centre de la photographie Genève)

Galerie du Crochetan | Monthey
27. Januar – 5. April 2024

Raffinerie – La fin d'une ère
David Bard, Bernard Dubuis, Lea Lund & Erik K, Jean-Marc Yersin

An der Schwelle zum dritten Jahrtausend sieht sich unsere Welt mit Veränderungen von ungeahntem Ausmaß konfrontiert. Diese Veränderungen zeigen sich direkt vor unserer Haustür, in der Landschaft, die uns umgibt, bis hin zu der Ebene, in der wir wohnen. In ihrem Zentrum steht eine Raffinerie, deren monumentale Präsenz den Horizont beherrscht - und die bald verschwinden wird.

Abwechselnd als Symbol der Moderne oder als Ärgernis betrachtet, war diese Fabrik eine Säule unseres Wohlstands. Als Ergebnis unserer Zivilisation hätte sie in ferner Zukunft den Status eines historischen Monuments erlangen können, das wie ein antikes oder mittelalterliches Relikt die Neugierde weckt. Doch dazu kam es nicht. Die Zeiten ändern sich, sie verschwindet und mit ihr die Erinnerung an die Menschen, die mühsam und teilweise mit hingebungsvoller Leidenschaft daran gearbeitet haben.

Angesichts dieses Ereignisses wollten zwei Fotografen, ein Architekt und ein Künstlerpaar die Erinnerung daran bewahren. Auch wenn es sich dabei um eine Dokumentation handelt, ist sie nicht darauf beschränkt. Eine solche Kulisse bietet eine beachtliche Vielfalt an Ansätzen; sie regt dazu an, sich über die bevorstehenden Umwälzungen Gedanken zu machen oder einfach die Schönheit und Ästhetik des Ortes zu genießen.

Ein Projekt dieser Größenordnung muss geteilt werden, insbesondere mit der lokalen Bevölkerung, die daran gewöhnt ist, täglich zu leben, zu arbeiten und die Veränderung ihrer Landschaft zu beobachten. Die Galerie du Crochetan ist der ideale Ort für diese Initiative, indem sie diese Bilder ausstellt, um sie der Öffentlichkeit zu präsentieren und ihr einen intimen Blick auf das Innere dieser industriellen "Festung" zu gewähren.

Au seuil du troisième millénaire, notre monde est confronté à des mutations d’une ampleur insoupçonnée. Ces transformations se manifestent à notre porte, dans le paysage qui nous entoure, jusqu’à la plaine où nous résidons. En son centre se dresse une raffinerie, dont la monumentale présence domine l’horizon... bientôt destinée à disparaître.

Tour à tour considérée comme un symbole de la modernité ou comme une nuisance, cette usine a été un pilier de notre prospérité. À la fois inquiétante et esthétique, fruit du génie de notre civilisation, elle aurait pu, dans un futur lointain, revêtir le statut de monument historique, suscitant la curiosité tel un vestige antique ou médiéval. Cependant, il n’en sera rien ; les temps évoluent, elle s’éclipse, emportant avec elle le souvenir de ceux qui y ont laborieusement travaillé, certains avec une passion dévouée.

Face à cet événement, deux photographes, un architecte et un couple d’artistes ont souhaité en préserver la mémoire. Si cette démarche relève du documentaire, elle ne s’y limite pas. Un tel décor offre une diversité d’approches considérable ; il incite à s’interroger sur les bouleversements à venir ou simplement à apprécier la beauté et l’esthétique du lieu.

Un projet de cette envergure se doit d’être partagé, particulièrement auprès de la population locale, habituée à vivre, travailler et observer quotidiennement la transformation de son paysage. La Galerie du Crochetan représente l’espace idéal pour cette initiative, en y exposant ces images afin de les dévoiler au public et lui offrir un regard intime sur l’intérieur de cette « forteresse » industrielle.

Alle soglie del terzo millennio, il nostro mondo sta affrontando cambiamenti di portata insospettabile. Questi cambiamenti si stanno manifestando alle nostre porte, nel paesaggio che ci circonda, fino alla pianura in cui viviamo. Al centro si trova una raffineria, la cui presenza monumentale domina l'orizzonte... presto scomparirà.

Considerata alternativamente un simbolo di modernità o un fastidio, questa pianta è stata un pilastro della nostra prosperità. Inquietante ed estetica al tempo stesso, frutto del genio della nostra civiltà, avrebbe potuto assumere, in un lontano futuro, lo status di monumento storico, suscitando curiosità come una reliquia antica o medievale. Ma non è stato così: i tempi sono cambiati ed è scomparso, portando con sé la memoria di coloro che vi hanno lavorato con tanta fatica, alcuni con tanta passione.

Di fronte a questo evento, due fotografi, un architetto e una coppia di artisti hanno voluto preservarne la memoria. Il loro approccio, pur essendo di natura documentaristica, non si limita a questo. Un'ambientazione di questo tipo offre una notevole diversità di approcci; ci spinge a interrogarci sugli sconvolgimenti futuri o semplicemente ad apprezzare la bellezza e l'estetica del luogo.

Un progetto di questa portata deve essere condiviso, soprattutto con la popolazione locale, abituata a vivere, lavorare e osservare quotidianamente la trasformazione del proprio paesaggio. La Galerie du Crochetan è la sede ideale per questa iniziativa, in quanto espone queste immagini al pubblico e offre uno sguardo intimo all'interno di questa "fortezza" industriale.

On the threshold of the third millennium, our world is facing changes on an unimaginable scale. These transformations are manifesting themselves on our doorstep, in the landscape that surrounds us, right down to the plain where we live. At its center stands a refinery, its monumental presence dominating the horizon... soon to disappear.

Alternately considered a symbol of modernity or a nuisance, this plant has been a pillar of our prosperity. At once disquieting and aesthetic, the fruit of the genius of our civilization, it could, in the distant future, have assumed the status of a historic monument, arousing curiosity like an ancient or medieval relic. Times change, it disappears, taking with it the memory of those who worked so laboriously on it, some with devoted passion.

Faced with this event, two photographers, an architect and a couple of artists set out to preserve its memory. While their approach is documentary in nature, it's not limited to that. Such a setting offers a considerable diversity of approaches; it encourages us to wonder about the upheavals to come, or simply to appreciate the beauty and aesthetics of the place.

A project of this scale needs to be shared, particularly with the local population, who are used to living, working and observing the transformation of their landscape on a daily basis. The Galerie du Crochetan is the ideal venue for this initiative, displaying these images for public viewing and offering an intimate look inside this industrial "fortress".

(Text: Galerie du Crochetan, Monthey)

Musée Rath | Genève
7. Dezember 2023 – 21. April 2024

Ella Maillart, Anne-Julie Raccoursier, Pauline Julier

Die Ausstellung erstreckt sich über die drei Räume im Erdgeschoss des Rath Museums. Das mittlere Feld ist Ella Maillart gewidmet, der linke Seitenraum Pauline Julier und der rechte Seitenraum Anne-Julie Raccoursier. Das Rath-Gebäude wird so in einen immersiven Ort mit drei verschiedenen Bereichen verwandelt: Sie können sich in drei verschiedenen Welten bewegen, die nebeneinander liegen, aber nicht miteinander verschmelzen.

Zunächst werden die Besucherinnen und Besucher in den zentralen Raum geführt, wo sie das Leben und Werk von Ella Maillart anhand ihrer Archive entdecken, die in Vitrinen und in Form einer zwölf Meter langen Zeitleiste ausgestellt sind. Ein Spaziergang mit Fotografien, Texten und überraschenden Dokumenten, die größtenteils aus dem Photo Elysée stammen, das Ella Maillarts Fotoarchiv aufbewahrt. Diese von der Reisenden geduldig gesammelten Stücke zeigen ihren Alltag ebenso wie ihr schriftstellerisches Talent, ihren Erfahrungsschatz, ihre Liebe zu großen Räumen, ihre sportlichen Fähigkeiten, ihren Sinn für Humor und ihre Vorliebe für die Weitergabe von Wissen. An den Wänden werden eine Auswahl an Landschaftsbildern und eine Auswahl an großformatigen Texten Fenster zu den von Ella Maillart bereisten Gebieten öffnen.

In einem der beiden Seitenflügel sind die poetischen und kompromisslosen Werke von Anne-Julie Raccoursier und Pauline Julier ausgestellt. Die beiden Künstlerinnen, deren Persönlichkeiten sehr unterschiedlich sind, wurden eingeladen, die Räume des Musée Rath zu teilen. Ihre zwischen Realität und Fiktion schwankenden Werke eröffnen neue Perspektiven und betrachten den Menschen heute in seiner individuellen und kollektiven Komplexität.

Partnerschaften und Zusammenarbeit: Association Les amis d'Ella Maillart, Photo Elysée

L’exposition se déploie sur les trois espaces du rez-de-chaussée du Musée Rath. La travée centrale est dédiée à Ella Maillart, l’espace latéral gauche à Pauline Julier et l’espace latéral droit à Anne-Julie Raccoursier. Le Rath est ainsi transformé en un lieu immersif en trois volets distincts : de quoi circuler dans trois univers différents qui se côtoient sans se confondre.

Guidé.e.s d’abord vers l’espace central, les visiteurs.euses découvriront la vie et l’oeuvre d’Ella Maillart à travers ses archives déployées en vitrine et sous forme d’une ligne de temps longue de douze mètres. Une promenade faite de photographies, de textes et de documents surprenants, provenant pour la plupart de Photo Elysée qui conserve le fonds d’archives photographiques d’Ella Maillart. Autant de pièces patiemment rassemblées par la voyageuse et qui révèlent son quotidien autant que ses talents d'écrivaine, la richesse de ses expériences, son amour des grands espaces, ses qualités sportives, sans oublier son sens de l’humour et son goût pour la transmission. Sur les murs, une sélection de paysages et un choix de textes grands formats ouvriront des fenêtres vers les contrées arpentées par Ella Maillart.

L’une et l’autre des deux travées latérales sont occupées par les oeuvres, poétiques et sans concession, d’Anne-Julie Raccoursier et de Pauline Julier. Les deux artistes aux personnalités bien distinctes ont ainsi été invitées à partager les espaces du musée Rath. Oscillant entre réalité et fiction, leurs oeuvres ouvrent d’autres perspectives et envisagent aujourd’hui l’humain dans sa complexité individuelle autant que collective.

Partenariats et collaborations: L’Association Les amis d’Ella Maillart, Photo Elysée

La mostra si sviluppa nei tre spazi al piano terra del Musée Rath. La campata centrale è dedicata a Ella Maillart, lo spazio a sinistra a Pauline Julier e quello a destra a Anne-Julie Raccoursier. In questo modo, il Rath si trasforma in uno spazio immersivo con tre sezioni distinte, consentendo ai visitatori di muoversi attraverso tre mondi diversi che esistono l'uno accanto all'altro ma non si fondono.

I visitatori saranno guidati prima nello spazio centrale, dove scopriranno la vita e l'opera di Ella Maillart attraverso i suoi archivi, esposti in una vetrina e sotto forma di una linea del tempo lunga dodici metri. È una passeggiata tra fotografie, testi e documenti sorprendenti, la maggior parte dei quali proviene da Photo Elysée, che custodisce gli archivi fotografici di Ella Maillart. Tutti questi oggetti, raccolti pazientemente dalla viaggiatrice, rivelano la sua vita quotidiana, ma anche il suo talento di scrittrice, la ricchezza delle sue esperienze, il suo amore per la vita all'aria aperta, le sue qualità sportive, senza dimenticare il suo senso dell'umorismo e il gusto di trasmettere il suo lavoro. Alle pareti, una selezione di paesaggi e una scelta di testi di grande formato apriranno finestre sulle terre percorse da Ella Maillart.

Le due campate laterali sono occupate dalle opere poetiche e senza compromessi di Anne-Julie Raccoursier e Pauline Julier. Le due artiste, che hanno personalità ben distinte, sono state invitate a condividere lo spazio del Musée Rath. Oscillando tra realtà e finzione, le loro opere aprono nuove prospettive e considerano la complessità dell'essere umano individuale e collettivo di oggi.

Partenariati e collaborazioni: Associazione Les amis d'Ella Maillart, Foto Elysée

The exhibition is spread over the three spaces on the first floor of the Musée Rath. The central bay is dedicated to Ella Maillart, the left side to Pauline Julier and the right side to Anne-Julie Raccoursier. The Rath is thus transformed into an immersive space in three distinct sections, allowing visitors to move through three different universes, side by side without merging.

Guided first to the central space, visitors will discover the life and work of Ella Maillart through her archives, displayed in showcases and in the form of a twelve-metre-long timeline. A walk through photographs, texts and surprising documents, most of which come from Photo Elysée, which holds Ella Maillart's photographic archive. All of these items, patiently collected by the traveller, reveal her daily life as much as her talents as a writer, the wealth of her experiences, her love of wide open spaces, her sporting qualities, not forgetting her sense of humour and her taste for passing on her work. On the walls, a selection of landscapes and a choice of large-format texts will open windows onto the lands surveyed by Ella Maillart.

The two side bays are occupied by the poetic, uncompromising works of Anne-Julie Raccoursier and Pauline Julier. The two artists, with their very distinct personalities, have been invited to share the spaces of the Musée Rath. Oscillating between reality and fiction, their works open up new perspectives and consider the human being in its individual and collective complexity.

Partnerships and collaborations: Association Les amis d'Ella Maillart, Photo Elysée

(Text: Musée Rath, Genève)

L’Appartement | Vevey
6. Dezember 2023 – 14. April 2024

Dark Waters
Kristine Potter

In ihrem neuen Buch Dark Waters beschäftigt sich die Fotografin Kristine Potter mit der Gewalt, die das Territorium und die Populärkultur der USA durchdringt. Sie stellt eine Reihe von Frauenporträts bukolisch anmutenden Landschaften gegenüber, bei denen es sich in Wirklichkeit um Orte mit schmutzigen Namen wie Murder Creek, Bloody River oder Rape Pond handelt, die an die häusliche Gewalt erinnern, die in der Vergangenheit in diesen Landschaften stattgefunden hat. In Anlehnung an das Musikgenre der Murder Ballads aus dem 19. und 20. Jahrhundert verweist Potter in seiner Serie auf die beiläufige und populäre Verherrlichung von Gewalt gegen Frauen, die in der heutigen Kulturlandschaft immer noch vorherrschend ist.

Dans son nouveau livre Dark Waters la photographe Kristine Potter traite de la violence qui imprègne le territoire et la culture populaire des États-Unis. Elle juxtapose une série de portraits féminins à des pay­sages à l’apparence bucolique : il s’agit en réalité de lieux-dits portant des appellations sordides telles que Murder Creek, Bloody River ou Rape Pond, évoquant les violences domestiques dont ces paysages ont été le théâtre par le passé. En s’appuyant sur le genre musical des murder ballads des XIXe et XXe siècles, Potter évoque dans sa série la glorification désinvolte et populaire de la violence à l’égard des femmes qui reste prédominante dans le paysage culturel d’aujourd’hui.

Nel suo nuovo libro Dark Waters, la fotografa Kristine Potter esplora la violenza che permea la terra e la cultura popolare degli Stati Uniti. L'autrice giustappone una serie di ritratti femminili a paesaggi che sembrano bucolici, ma che in realtà sono luoghi dai nomi sordidi come Murder Creek, Bloody River o Rape Pond, evocando la violenza domestica di cui questi paesaggi sono stati testimoni in passato. Attingendo al genere musicale delle murder ballads del XIX e XX secolo, la serie di Potter evoca la glorificazione casuale e popolare della violenza contro le donne che rimane così prevalente nel panorama culturale odierno.

Kristine Potter’s latest photobook, Dark Waters, focuses on the violence that permeates the territory and popular culture of the USA. She contrasts a series of portraits of women with scenery that appears serene but is in fact views of places with sordid names, such as Murder Creek, Bloody River, and Rape Pond, evoking the domestic violence that allegedly took place there in the past. Drawing on the musical genre of murder ballads from the 19th and 20th centuries, Kristine Potter alludes to the flippant popular glorification of violence towards women that still pervades today’s cultural landscape.

(Text: L’Appartement, Vevey)

L’Appartement | Vevey
6. Dezember 2023 – 14. April 2024

Christmas Nightmare
Jean-Marie Donat

In der kollektiven Vorstellungswelt, die mithilfe von Marketingkampagnen gepflegt wird, wird der Weihnachtsmann immer hell erleuchtet dargestellt, mit einem buschigen weißen Bart, einem makellosen roten Anzug, korpulent, lächelnd und liebevoll. Aber wie sieht es in der "Realität" aus? Der Sammler Jean-Marie Donat hat Flohmärkte in ganz Europa besucht, um diese außergewöhnliche Sammlung von Fotografien aus den 1930er bis 1970er Jahren zusammenzutragen, auf denen man sieht, wie aus dem wohlwollenden Mythos ein Albtraum aus Banalitäten und Ungeschicklichkeiten wird. Mit Humor scheint diese Serie vor allem unsere kindlichen Verdächtigungen zu bestätigen: Ist der Weihnachtsmann nicht ein Mann wie alle anderen?

Dans l’imaginaire collectif, entretenu à grand coup de campagnes marketing, le Père Noël est toujours représenté de manière lumineuse, barbe blanche touffue, costume rouge impeccable, corpulent, souriant et affectueux. Mais qu’en est-il en « réalité » ? Le collectionneur Jean-Marie Donat a parcouru les marchés aux puces de toute l’Europe pour rassembler cette collection extraordinaire de photographies allant des années 30 aux années 70, dans lesquelles on voit le mythe bienveillant devenir un cauchemar de banalités et de maladresses. Avec humour, cette série semble surtout confirmer nos soupçons enfantins : le Père Noël ne serait-il pas un homme comme les autres ?

Nell'immaginario collettivo, alimentato dalle campagne di marketing, Babbo Natale è sempre rappresentato come una figura luminosa, con una folta barba bianca e un vestito rosso, corpulento, sorridente e affettuoso. Ma qual è la realtà? Il collezionista Jean-Marie Donat ha setacciato i mercatini delle pulci di tutta Europa per mettere insieme questa straordinaria raccolta di fotografie dagli anni Trenta agli anni Settanta, in cui vediamo il mito benevolo trasformarsi in un incubo di banalità e goffaggini. Soprattutto, questa serie umoristica sembra confermare i nostri sospetti infantili sul fatto che Babbo Natale sia un uomo come tutti gli altri.

Advertisements generally encourage us to picture Santa Claus as a cheerful chubby man with a bushy white beard and a smart red suit, always smiling and huggable. But what’s he really like? Collector Jean-Marie Donat scoured flea markets all over Europe to compile this extraordinary collection of photographs from the 1930s to the 1970s, in which we see the beloved myth become a nightmare of triviality and awkward clumsiness. This witty series seems most likely to confirm our childhood suspicions: Is Santa Claus just an ordinary man, after all?

(Text: L’Appartement, Vevey)

L’Appartement | Vevey
6. Dezember 2023 – 14. April 2024

Family Trilogy
Christopher Anderson

Christopher Anderson begann nach der Geburt seines Sohnes Atlas im Jahr 2008, seine Familie auf fast organische Weise zu fotografieren. Bei der Geburt seiner Tochter Pia setzte er diese Suche nach einem Vater fort, der versucht, die Zeit anzuhalten und keinen Moment seines neuen Lebens entgehen zu lassen. Marion ist in diesen Alben sowohl als Ehefrau, Mutter und Partnerin allgegenwärtig. Als Dokumentarfotograf hatte Anderson diese persönlichen Fotos nie als echte "Serie" betrachtet, bis der Kriegsfotograf Tim Hetherington zu ihm sagte: "Es geht um die Zeit, die vergeht". Anderson begann, seine persönlichen Bilder in einem neuen Licht zu sehen und glaubte schließlich, dass diese Fotografien sein Lebenswerk seien. Pia, Son und Marion wurden in drei separaten Büchern veröffentlicht und bilden eine einzigartige, zärtliche und intime Familientrilogie.

Christopher Anderson a commencé à photographier sa famille de manière quasiment organique dès la naissance de son fils Atlas en 2008. À la naissance de sa fille Pia il poursuit cette quête d’un père essayant d’arrêter le temps, de ne laisser fuir aucun instant de sa nouvelle vie. Marion est omniprésente dans ces albums à la fois comme femme, mère et partenaire. En tant que photographe documentaire, Anderson n’avait jamais considéré ces photos personnelles comme une véritable « série », jusqu’à ce que le photographe de guerre Tim Hetherington lui dise : « Il s’agit du temps qui passe ». Anderson a commencé à voir ses images personnelles sous un nouveau jour et a fini par penser que ces photographies étaient l’oeuvre de sa vie. Pia, Son et Marion ont été publiés en trois livres distincts, formant une trilogie familiale unique, tendre et intime.

Christopher Anderson ha iniziato a fotografare la sua famiglia quasi organicamente quando è nato suo figlio Atlas nel 2008. Con la nascita di sua figlia Pia, ha continuato questa ricerca di un padre che cerca di fermare il tempo, per non lasciarsi sfuggire nessun momento della sua nuova vita. Marion è onnipresente in questi album come moglie, madre e compagna. Come fotografo documentarista, Anderson non aveva mai considerato queste foto personali come una vera e propria "serie", fino a quando il fotografo di guerra Tim Hetherington gli disse: "Si tratta del passaggio del tempo". Anderson iniziò a vedere le sue immagini personali sotto una nuova luce e arrivò a credere che queste fotografie fossero il lavoro della sua vita. Pia, Son e Marion sono stati pubblicati come tre libri separati, formando una trilogia familiare unica, tenera e intima.

Christopher Anderson naturally began photographing his family after his son Atlas came into the world in 2008. When his daughter Pia was born, he continued the fatherly attempt to stop time and not let a single moment of this new life slip away. Marion features throughout these albums, as a woman, mother, and partner. As a documentary photographer, Christopher Anderson had never considered these personal photos as a ‘series’, but his opinion changed when war photographer Tim Hetherington pointed out that “They’re all about the passage of time.” Christopher Anderson began seeing his family pictures in a new light and realised that they may well be his best work. Pia, Son and Marion were published as three separate books, forming a unique and moving intimate family trilogy.

(Text: L’Appartement, Vevey)

Centre de la photographie Genève
6. Dezember 2023 – 11. Februar 2024

A phantom ride of the sunda plate
Riar Rizaldi

Ist das Kapital die primitivste Form des Animismus? Das Centre de la photographie Genève präsentiert die erste Einzelausstellung von Riar Rizaldi, einem aufstrebenden indonesischen Künstler und Filmemacher. Seine Arbeit konstruiert Erzählungen, die Fiktion und Realität vermischen und von der Ästhetik des Science-Fiction-Kinos und der zeitgenössischen visuellen Kultur genährt werden. Darin hinterfragt er die Beziehung zwischen Kapital und Technologie aus der Perspektive des Globalen Südens. Die vier für diese Ausstellung ausgewählten Filme Kasiterit (2019), Tellurian Drama (2020), Becquerel (2021) und Pyroclasts Are Eloquent Storytellers (2022) bieten eine Einführung in ein einzigartiges und fesselndes Universum. Dieses Filmerlebnis ermöglicht es, Indonesien in seiner oft übersehenen oder unterschätzten Position als Wirtschaftsmacht auf dem Weltmarkt neu zu kontextualisieren und lädt uns dazu ein, unsere Beziehung zur Natur zu hinterfragen. Jeder Film stellt eine kurze Erzählung dar, eine theoretische Fiktion, die von der Geschichte und Mythologie Indonesiens inspiriert ist, deren Reichweite sich jedoch schnell erweitert, um die Interaktionen und Implikationen eines globalisierten Systems aufzudecken. Rizaldis Filme kritisieren auf subtile Weise die "Fortschritts"-Mentalität und die daraus resultierenden hemmungslosen, unhaltbaren und zerstörerischen Konsummuster. Sie verbinden Wissenschaft und Magie und laden uns ein, aktuelle soziale, politische und ökologische Fragen zu verstehen, während sie auf poetische Weise die Möglichkeit einer anderen Art des Sehens andeuten.

Kuratiert von: Holly Roussell, Danaé Panchaud und Claus Gunti

Le capital est-il la forme la plus primitive de l’animisme ? Le Centre de la photographie Genève présente la première exposition personnelle de Riar Rizaldi, artiste et cinéaste indonésien émergeant. Son travail construit des récits mêlant fiction et réalité, nourris par l’esthétique du cinéma de science-fiction et par la culture visuelle contemporaine. Il y interroge la relation entre capital et technologie du point de vue du Sud Global. Les quatre films sélectionnés pour cette exposition, Kasiterit (2019), Tellurian Drama (2020), Becquerel (2021) et Pyroclasts Are Eloquent Storytellers (2022), constituent une introduction à un univers unique et captivant. Cette expérience cinématographique permet de recontextualiser l’Indonésie dans sa position souvent négligée ou sous-estimée de puissance économique sur le marché mondial et nous invite à interroger notre relation à la nature. Chaque film constitue un court récit, une fiction théorique, qui s’inspire de l’histoire et de la mythologie de l’Indonésie, mais dont la portée s’étend rapidement pour révéler les interactions et les implications d’un système globalisé. Les films de Rizaldi critiquent subtilement la mentalité de « progrès » et les modes de consommation effrénés, insoutenables et destructeurs, qui en résultent. Ils articulent la science et la magie - nous invitant à appréhender des questions sociales, politiques et écologiques d’actualité - tout en suggérant poétiquement la possibilité d’une autre manière de voir.

Commissariat : Holly Roussell, Danaé Panchaud et Claus Gunti

Il capitale è la forma più primitiva di animismo? Il Centre de la photographie Genève presenta la prima mostra personale di Riar Rizaldi, artista e regista indonesiano emergente. Il suo lavoro costruisce narrazioni che mescolano finzione e realtà, alimentate dall'estetica del cinema di fantascienza e dalla cultura visiva contemporanea. Esamina il rapporto tra capitale e tecnologia dalla prospettiva del Sud globale. I quattro film selezionati per questa mostra, Kasiterit (2019), Tellurian Drama (2020), Becquerel (2021) e Pyroclasts Are Eloquent Storytellers (2022), forniscono un'introduzione a un universo unico e accattivante. Questa esperienza cinematografica ricontestualizza l'Indonesia nella sua posizione spesso trascurata o sottovalutata di potenza economica nel mercato globale e ci invita a interrogarci sul nostro rapporto con la natura. Ogni film è una breve narrazione, una finzione teorica che attinge alla storia e alla mitologia indonesiana, ma la cui portata si espande rapidamente per rivelare le interazioni e le implicazioni di un sistema globalizzato. I film di Rizaldi sono sottilmente critici nei confronti della mentalità del "progresso" e dei modelli di consumo sfrenato, insostenibile e distruttivo che ne derivano. Articolano scienza e magia - invitandoci a confrontarci con questioni sociali, politiche ed ecologiche di grande attualità - e suggeriscono poeticamente la possibilità di un altro modo di vedere.

Curatori: Holly Roussell, Danaé Panchaud e Claus Gunti

Is capital the most primitive form of animism? The Centre pour la photographie Genève, presents the first institutionnal solo exhibition of Riar Rizaldi, emerging Indonesian artist and filmmaker. Rizaldi’s work forms narratives between fact and fiction, informed by the aesthetics of sci-fi cinema and contemporary visual culture to address the relationship between capital and technology from the perspective of the Global South. The four films selected for this exhibition, Kasiterit (2019), Tellurian Drama (2020), Becquerel (2021) and Pyroclasts Are Eloquent Storytellers (2022), give an introduction to Rizaldi’s unique and seductive universe — a cinematic experience mixing documentary with fictional elements to re-contextualising Indonesia within its often overlooked or understated position of global market significance and inviting us to meditate upon our relationships to the natural world. Each film is a short narrative, a theoretical fiction, drawing from the history and mythology of Indonesia, but quickly expanding in scope to reveal interactions and implications in the global world system. The work subtly critiques mentalities of “progress” for their resulting unsustainable and destructive loops of consumption. Rizaldi’s films position the scientific in the face of the magical – inviting us to contemplate timely social, political, and ecological issues — all while poetically suggesting the possibility of an alternative way of seeing.

Curated by Holly Roussell, Danaé Panchaud & Claus Gunti

(Text: Centre de la photographie Genève)

Musée gruérien | Bulle
26. November 2023 – 26. Mai 2024

Esprits de la montagne
Daniel Pittet

Hat die Natur ein einziges Gesicht oder ist sie eine ständige Metamorphose, veränderlich und schwer fassbar? Der Fotograf Daniel Pittet gibt eine Antwort mit seinen Berggeistern, die den Landschaften ihre Züge verleihen, indem sie sich die Eigenschaften der Symmetrie zunutze machen.

Die Arbeit des Künstlers ist eine wahre Hymne an die Schönheit der Welt und regt uns dazu an, die tiefere Natur der Dinge, die uns umgeben, zu erforschen und in sie einzutauchen. Von seiner Intuition geleitet, begab sich der Fotograf mit Freiburger Wurzeln auf eine leidenschaftliche Suche nach diesen Berggeistern.

Manchmal fiel es ihm leicht, manchmal musste er stundenlang warten und suchen, bis sich die Geister offenbarten. Doch das Ergebnis kann sich sehen lassen: Auf rund 50 Bildern sehen wir, wie diese symmetrischen Formen vor unseren Augen erscheinen.

Die ersten Geister, die Daniel Pittet mit seinem Objektiv einfing, befanden sich am Fuße des Basodino-Gletschers im Tessin, doch inzwischen hat sich die Familie der Berggeister vergrößert.

Einige der Fotos wurden zuerst im Tal des Gletschers aufgenommen, dann in den Voralpen des Greyerzerlandes, in den Bündner und Walliser Alpen, in Island und sogar im Himalaya, was die universelle Dimension des Projekts unterstreicht.

Dank der Cello-Noten von Sara Oswald wird die Ausstellung in eine bezaubernde Klangatmosphäre getaucht. Das Ganze ist eine Einladung, die Welt um uns herum mit anderen Augen zu sehen, in der Natur nach Symmetrie zu suchen und nach Gesichtern Ausschau zu halten, die in Fels oder Eis gemeißelt sind.

Die Fotografien dieser Ausstellung werden in einem Buch veröffentlicht, das 2024 im Slatkine-Verlag erscheinen wird.

La nature revêt-elle un visage unique ou alors est-elle une métamorphose constante, changeante et insaisissable? Le photographe Daniel Pittet apporte une réponse via ses Esprits de la montagne qui prêtent leurs traits aux paysages en exploitant les propriétés delà symétrie.

Véritable hymne à la beauté du monde, le travail de l’artiste nous pousse à chercher la nature profonde de ce qui nous entoure et à nous en imprégner. Guidé par son intuition, le photographe d’origine fribourgeoise s’est lancé dans une quête passionnée à la rencontre de ces esprits de montagne.

Ces présences se révélèrent à lui, parfois facilement, parfois au prix de longues heures d'attente et de recherche. Mais le résultat est là: à travers une cinquantaine de clichés, nous voyons ces formes symétriques apparaître sous nos yeux.

Si les premiers esprits capturés par l’objectif de Daniel Pittet se situaient aux pieds du glacier du Basodino au Tessin, la famille des esprits de la montagne s’est depuis agrandie.

Certaines photographies ont d’abord été prises dans la vallé e où s’é coulent les eaux du mê me glacier et ensuite dans les Pré alpes de la Gruyère, dans les Alpes grisonnes et valaisannes, en Islande et même en Himalaya, affirmant ainsi la dimension universelle du projet.

Grâce aux notes de violoncelle de Sara Oswald, l’exposition est plongée dans une ambiance sonore envoûtante. Le tout forme alors une invitation à porter un regard différent sur le monde qui nous entoure, à chercher la symétrie dans la nature, à être à l’affût de visages gravés dans la roche ou dans la glace.

Les photographies de cette exposition seront publiées dans un livre à paraître en 2024 aux éditions Slatkine.

La natura ha un unico volto o è una metamorfosi costante, mutevole e sfuggente? Il fotografo Daniel Pittet fornisce una risposta con i suoi Esprits de la montagne, che conferiscono le loro caratteristiche ai paesaggi sfruttando le proprietà della simmetria.

Vero e proprio inno alla bellezza del mondo, l'opera dell'artista ci incoraggia a ricercare la natura profonda di ciò che ci circonda e a immergerci in essa. Guidato dalla sua intuizione, il fotografo friburghese ha intrapreso una ricerca appassionata per incontrare questi spiriti della montagna.

Queste presenze gli si sono rivelate, a volte facilmente, a volte a costo di lunghe ore di attesa e di ricerca. Ma il risultato è lì: attraverso una cinquantina di fotografie, vediamo apparire queste forme simmetriche davanti ai nostri occhi.

Se i primi spiriti catturati dall'obiettivo di Daniel Pittet si trovavano ai piedi del ghiacciaio del Basodino, in Ticino, da allora la famiglia degli spiriti di montagna si è allargata.

Alcune fotografie sono state scattate dapprima nella valle dove scorrono le acque dello stesso ghiacciaio, poi nelle Prealpi della Gruyère, nelle Alpi grigionesi e vallesane, in Islanda e persino sull'Himalaya, a conferma della dimensione universale del progetto.

Il violoncello di Sara Oswald aggiunge un'incantevole colonna sonora alla mostra. Il risultato è un invito a guardare in modo diverso il mondo che ci circonda, a cercare la simmetria nella natura, a essere alla ricerca di volti incisi nella roccia o nel ghiaccio.

Le fotografie di questa mostra saranno pubblicate in un libro che sarà edito nel 2024 da Slatkine.

Does nature have a single face, or is it a constant, changing, elusive metamorphosis? Photographer Daniel Pittet provides an answer with his Esprits de la montagne, which lend their features to landscapes by exploiting the properties of symmetry.

A veritable hymn to the beauty of the world, the artist's work encourages us to seek out and immerse ourselves in the profound nature of what surrounds us. Guided by his intuition, the Fribourg-born photographer embarked on a passionate quest to meet these mountain spirits.

These presences revealed themselves to him, sometimes easily, sometimes at the cost of long hours of waiting and searching. But the result is there: through some fifty photographs, we see these symmetrical forms appear before our very eyes.

While the first spirits captured by Daniel Pittet's lens were at the foot of the Basodino glacier in Ticino, the family of mountain spirits has since expanded.

Some of the photographs were first taken in the valley where the waters of the same glacier flow, and then in the Pre-Alps of Gruyère, in the Graubünden and Valais Alps, in Iceland and even in the Himalayas, thus affirming the universal dimension of the project.

Thanks to Sara Oswald's cello notes, the exhibition is immersed in an enchanting soundscape. The whole is an invitation to take a different look at the world around us, to search for symmetry in nature, to be on the lookout for faces etched in rock or ice.

The photographs from this exhibition will be published in a book due out in 2024 by Editions Slatkine.

(Text: Musée gruérien, Bulle)

Galerie – Librairie Focale | Nyon
17. November 2023 - 25. Februar 2024

Nous avons tous rêvé d’Hollywood
Carlos Leal

In der Stadt der Engel reihen sich Mythen und Fantasien aneinander. Der amerikanische Traum überlebt dank seiner Netflix, Marvels und Disneys. Doch im Schatten der Kinoprojektoren spielt sich ein anderer Film ab, der Film der sozialen Verwahrlosung, der Vernichtung des Individuums und einer unwahrscheinlichen Armut. Eine Geschichte, die bei den Oscars nicht ausgezeichnet werden wird und die uns daran erinnert, dass die Realität manchmal die Fiktion übertrifft.

In Los Angeles gibt es fast 80.000 Obdachlose, von denen die meisten den Verstand verlieren und in die Drogensucht abrutschen. Orte wie "Skid Row", wo∙ das Elend genauso brutal ist wie in einigen Vierteln von Kalkutta. Diese Bürger haben ihre Identität verloren und das System der größten Nation der Welt hat sie buchstäblich vergessen. Dennoch: Handeln sie nicht wie wahre Helden? Bei dem Versuch, α abseits der sternenklaren Boulevards zu überleben, sind sie die Akteure in einem Stück, dessen Kampf beständig, dessen Kostüme einzigartig und dessen Poesie subtil ist. Schauspieler, die ihre Gesichter nicht zeigen, deren Herz aber hinter den Kulissen weiterschlägt.

Ja, wir alle haben von Hollywood geträumt...Aber dieses Szenario hier?

Dans la ville des Anges, les mythes et les fantaisies se succèdent. Le rêve américain survit grâce à ses Netflix, ses Marvels et ses Disney. Mais à l’ombre des projecteurs de cinéma se déroule un autre film, celui de l’abandon social, de l’annihilation de l’individu et d’une invraisemblable pauvreté. Une histoire que l’on ne primera pas aux Oscars et qui nous rappelle que parfois la réalité dépasse la fiction.

Los Angeles, c’est près de 80’000 sans abris dont la plupart perdent la raison et tombent dans la toxicomanie. Des lieux comme «Skid Row» où∙ la misère est tout aussi brutale que dans certains quartiers de Calcutta. Ces citoyens sont en perte d’identité et le système de la plus grande Nation du monde les a littéralement oubliés. Pourtant, n’agissent-ils pas comme de vrais héros ? Tentant de survivre α l’écart des boulevards étoilés, ils sont les acteurs d’une pièce dont le combat est constant, les costumes uniques et la poésie subtile. Des acteurs qui ne montrent pas leurs visages mais dont le coeur continue de battre dans l’envers du décor.

Oui, nous avons tous rêvé d’Hollywood…Mais ce scénario là ?

Nella Città degli Angeli, miti e fantasie si susseguono. Il sogno americano continua a vivere grazie a Netflix, Marvels e Disney. Ma all'ombra dei riflettori cinematografici si sta svolgendo un altro film, quello dell'abbandono sociale, dell'annientamento dell'individuo e dell'incredibile povertà. È una storia che non vincerà nessun Oscar, ma che ci ricorda che a volte la realtà è più della finzione.

A Los Angeles vivono circa 80.000 senzatetto, la maggior parte dei quali perde la testa e cade nella tossicodipendenza. Luoghi come "Skid Row" dove∙ la miseria è brutale come in alcune zone di Calcutta. Questi cittadini stanno perdendo la loro identità e il sistema della più grande nazione del mondo li ha letteralmente dimenticati. Eppure non si comportano da veri eroi? Cercando di sopravvivere lontano dai viali stellati, sono gli attori di una commedia la cui lotta è costante, i cui costumi sono unici e la cui poesia è sottile. Attori che non mostrano il loro volto, ma il cui cuore continua a battere dietro le quinte.

Sì, tutti abbiamo sognato Hollywood... Ma questo scenario?

In the City of Angels, myths and fantasies follow one another. The American dream lives on in Netflix, Marvels and Disney. But in the shadow of the cinema spotlight, another film is unfolding, one of social abandonment, annihilation of the individual and unbelievable poverty. It's a story that won't win any Oscars, but reminds us that reality sometimes surpasses fiction.

Los Angeles is home to some 80,000 homeless people, most of whom lose their minds and fall into drug addiction. Places like "Skid Row" where∙ the misery is just as brutal as in some Calcutta neighborhoods. These citizens are losing their identity, and the system of the world's greatest Nation has literally forgotten them. Yet aren't they acting like true heroes? Trying to survive α the star-studded boulevards, they are the actors in a play whose struggle is constant, whose costumes unique and whose poetry subtle. Actors who don't show their faces, but whose hearts continue to beat behind the scenes.

Yes, we've all dreamed of Hollywood...but this scenario?

(Text: Galerie – Librairie Focale, Nyon)

Kunsthalle Friart | Fribourg
5. November 2023 – 11. Februar 2024

Save as art?
Charlotte Johannesson

Diese Ausstellung folgt auf die jüngsten Retrospektiven der Künstlerin im Museum Reina Sofia in Madrid, den Nottingham Contemporary Galleries und auf ihre Teilnahme an der Biennale Ve­nedig 2022. Sie markiert die Wie­derentdeckung dieser autodidak­tischen Künstlerin, deren Karriere sich hauptsächlich am Rande des offiziellen Kunstsystems abspielte.

Charlotte Johannesson lebt und arbeitet in Skanör, Schweden. Ihr Werk erforscht die Verwandtschaf­ten zwischen der handwerklichen Technik des Webstuhls und der Technologie der Computerpro­grammierung. Nach ihrer Ausbil­dung zur Weberin entwickelte sie ihre künstlerische Textilpraxis in den 1970er Jahren im Zentrum der Counter-Culture-Bewegung in Malmö. 1981 gründete sie zu­sammen mit ihrem Partner Sture Johannesson ein experimentelles Studio für die Produktion digitaler Bilder, das Digital Theatre.

Die Ausstellung in Friart umfasst Werke aus den letzten 50 Jahren: Textilien, Plotterdrucke, digitale Diashows, Gemälde und Spitzen bilden eine Konstellation wieder­kehrender Motive. Die so geschaf­fenen Bilder rufen ihr Engagement in der Staatssatire in Erinnerung, in der Hippiekultur, im Punk, der cyber-culture bis zu einer kos­mischeren Vorstellungswelt. Die radikale Natur ihrer Werke macht sie zu einer Vorläuferin der heuti­gen postfeministischen digitalen Kunst.

Cette exposition fait suite à ses récentes rétrospectives au Musée Reina Sofia de Madrid, à Nottin­gham Contemporary et à sa parti­cipation à la Biennale de Venise de 2022. Elle marque la redécouverte d’une artiste autodidacte dont la carrière s’est déroulée principale­ment en marge du système de l’art officiel.

Charlotte Johannesson vit et travaille à Skanör, en Suède. Son oeuvre explore les affinités entre la technologie artisanale du métier à tisser et la technologie digitale de la programmation informatique. Suite à sa formation de tisse­rande, elle développe sa pratique artistique textile dans les années 1970 au coeur l’environnement contre-culturel de Malmö. En 1981, en compagnie de son partenaire Sture Johannesson, elle met en place un studio expérimental de production d’images digitales, le Digital Theatre (Théâtre digital).

L’exposition à Friart rassemble des oeuvres réalisées ces 50 dernières années: textiles, impressions au plotter, diaporamas digitaux, peintures, dentelles forment une constellation de motifs récur­rents. Les images créées évoquent son engagement dans la satire de l’État, de la culture hippie, au punk, à la cyberculture, vers un imaginaire plus cosmique. La nature radicale de son oeuvre fait d’elle une précurseuse de l’art digital post-féministe actuel.

Questa mostra segue le recenti retrospettive dell'artista al Museo Reina Sofia di Madrid, alla Nottingham Contemporary Galleries e la sua partecipazione alla Biennale di Ve¬nedig del 2022, e segna la riscoperta di questa artista autodidatta la cui carriera si è svolta principalmente ai margini del sistema artistico ufficiale.

Charlotte Johannesson vive e lavora a Skanör, in Svezia. Il suo lavoro esplora il rapporto tra l'artigianato del telaio e la tecnologia della programmazione informatica. Dopo essersi formata come tessitrice, ha sviluppato la sua pratica artistica tessile negli anni Settanta al centro del movimento di controcultura di Malmö. Nel 1981, insieme al suo partner Sture Johannesson, ha fondato uno studio sperimentale per la produzione di immagini digitali, il Digital Theatre.

La mostra a Friart comprende opere degli ultimi 50 anni: Tessuti, stampe con plotter, diapositive digitali, dipinti e pizzi formano una costellazione di motivi ricorrenti. Le immagini così create richiamano il suo coinvolgimento nella satira di stato, nella cultura hippie, nel punk, nella cyber-cultura fino a un immaginario più cosmico. La natura radicale del suo lavoro la rende un precursore dell'odierna arte digitale post-femminista.

This exhibition follows her recent retrospectives at the Reina Sofia Museum in Madrid and at Nottin­gham Contemporary, as well her participation at the 2022 Venice Biennale. It marks the redisco­very of a self-taught artist whose career took place mainly on official art system’s fringes.

Charlotte Johannesson lives and works in Skanör, Sweden. Her work explores the affinities between the craft technology of the loom and the digital technolo­gy of computer programming. Af­ter finishing her studies in applied textiles crafts, she developed her textile artistic practice in the 1970s within Malmö’s counterculture scene. In 1981, with her partner Sture Johannesson, she created an experimental digital arts labo­ratory, the Digital Theatre.

The exhibition at Friart brings together works produced over the last 50 years: textiles, plotter prints, digital slideshows, pain­tings and laces form a constel­lation of recurring patterns. The images created recall her involve­ment in state satire, hippie culture, punk, cyberculture, towards more cosmic visions. The radical nature of her work makes her a precursor to current post-feminist digital art.

(Text: Kunsthalle Friart, Fribourg)

Photo Élysée | Lausanne
3. November 2023 – 25. Februar 2024

Broken Spectre
Richard Mosse

Die Zerstörung des Amazonas-Regenwald und der dadurch bedingte Klimawandel entwickeln sich in einer Art und Weise, die zu massiv ist, um sie wirklich verstehen zu können, zu winzig, um sie zu sehen, und zu normalisiert, um sie wirklich zu begreifen. In einem Versuch, das Ausmass und die Dringlichkeit des weitreichenden drohenden Zusammenbruchs des Amazonas zu veranschaulichen, bedient sich Richard Mosse in seinem bislang spektakulärsten Werk einer schillernden Bandbreite an fotografischen Techniken.

Broken Spectre ist ein immersiver, 74-min-langer Film, der zwischen einer Vielzahl an ökologischen Narrativen wechselt, vom topografischen zum anthropozentrischen und hin zu einer aufmerksamen Auseinandersetzung mit Gewaltung nichtmenschlichem Überleben. Dazu haben Mosse und sein Team über Jahre hinweg die verschiedenen Fronten der Zerstörung, der Degradierung und der Umweltverbrechen im Amazonasbecken und in damit verbundenen Ökosystemen dokumentiert.

Broken Spectre operiert auf mehreren Ebenen : Dunkle, fluoreszierende Aufnahmen beschreiben mit wissenschaftlicher Genauigkeit die ineinandergreifende Komplexität des Amazonas-Bioms, während monochrome Infrarot-Filmszenen den illegalen Bergbau, Abholzung und Brandrodung, industrielle Landwirtschaft sowie Diebstahl von indigenem Land sichtbar machen. Gleichzeitig zeigen Luftaufnahmen mit einer Multispektralkamera riesige Flächen öden Landes, die in Kontrast zum üppigen Regenwald stehen und die gewaltigen Ausmasse und systematische Organisation der Zerstörung des Amazonas-gebiets deutlich machen.

Während der Klimawandel weiterhin unser Zeitalter und die Zukunft unseres Planeten bestimmt, wird Mosse Zeuge einer sich immer schneller anbahnenden Katastrophe : Jüngste wissenschaftliche Studien prognostizieren, dass der Amazonas sich einem Kipppunkt nähert, ab dem er nicht mehr in der Lage sein wird, Regenfälle zu produzieren. Dies hätte ein massives Waldsterben und eine Freisetzung von CO2 in verheerendem Ausmass zur Folge, was sich wiederum auf den Klimawandel, die Artenvielfalt sowie auf lokale und internationale Gemeinschaft auswirken würde. Mosse zeigt die beiden Seiten der Tragödie für die Menschen : von den indigenen Gemeinschaften der Yanomami und Munduruku, die um ihr Überleben kämpfen ; über illegale Goldgräber, die für eine Handvoll Gold ganze Flusssysteme vergiften und zerstören bis hin zu brasilianischen Cowboys, die ihre unberührte Umgebung mutwillig niederbrennen, um Weideflächen für ihre Rinder zu schaffen, die sie dann auf internationalen Fleischund Ledermärkten verkaufen.

Das von 2018 bis 2022 entstandene Werk Broken Spectre wurde im Vorfeld der bedeutenden Parlamentswahlen in Brasilien veröffentlicht, bei denen ein Sieg Jair Bolsonaros die Zerstörung des einzigartigen und unersetzlichen Amazonas-Regenwaldes für immer hätte besiegeln können.

La destruction de la forêt tropicale amazonienne et le changement climatique qui en découle peuvent se manifester de manières tellement diverses qu'ils sont difficiles à saisir, trop subtiles pour être perçus ou tellement normalisés qu’on ne les voit plus. Richard Mosse tente de rendre compte de l’échelle et de l’urgence de l’effondrement massif et imminent de l’Amazonie. Dans le cadre de ce travail, le plus ambitieux de sa carrière, l’artiste mobilise un éventail de techniques d'imagerie impressionnant.

Broken Spectre est un film immersif de 74 minutes qui évolue entre de nombreuses narrations écologiques, du topographique à l’anthropocentrique, et à un examen minutieux de la violence et de la survie non humaine. Richard Mosse et son équipe ont passé des années à documenter différents fronts de dégradation, de destruction et de crimes environnementaux dans le bassin de l’Amazonie et au sein de ses écosystèmes associés.

Broken Spectre se déploie sur plusieurs échelles : l’imagerie microscopique fluorescente décrit d’une manière scientifique détaillée les liens de dépendances complexes entre les espèces du biome (ensemble d’écosystèmes) amazonien, alors que les scènes monochromes en infrarouge suivent les traces des exploitations minières et forestières illégales, des incendies provoqués, de l’agriculture industrielle et de l’activisme des peuples autochtones.

Dans un même temps, des vues du ciel multispectrales rendent compte de manière saisissante de vastes étendues de terre vides qui contrastent avec la forêt luxuriante, montrant ainsi l’échelle considérable et l’organisation systématique de la destruction de l’Amazonie.

Alors que le changement climatique continue de définir notre ère et l’avenir de la planète, Mosse témoigne d’une catastrophe qui se déroule rapidement : de récentes études scientifiques prédisent que l’Amazonie est sur le point d’atteindre un point de basculement, où elle ne pourra plus générer de pluie. Cela déclenchera un dépérissement massif des forêts et la libération de carbone à des niveaux dévastateurs, qui auront une incidence sur les changements climatiques, la biodiversité et les collectivités locales et internationales. Mosse montre les deux côtés humains de la tragédie : des communautés autochtones Yanomami et Munduruku qui luttent pour leur survie, des mineurs d’or illégaux qui empoisonnent et détruisent des systèmes fluviaux entiers pour de minuscules poignées de minerai, aux côtés de cow-boys brésiliens brûlant volontairement la forêt vierge pour créer des pâturages à bovins qu'ils vendront sur les marchés internationaux pour leur viande et leur cuir.

Broken Spectre est un examen sans concession et total, visuel et sonore, de l'une des catastrophes environnementales les plus préoccupantes. Ce cri d’alarme invite les spectateurs à réfléchir à l'impact et à l'ampleur de ce problème mondial.

La distruzione della foresta amazzonica e il cambiamento climatico provocato da questa tendono a dispiegarsi in direzioni che sono sia troppo estese per capire, troppo limitate per sentire e troppo normalizzate per vedere. In un tentativo di tradurre l’entità e l’urgenza della sparizione estensiva ed imminente dell’Amazzonia, l’opera più ambiziosa di Richard Mosse al giorno d’oggi utilizza una gamma affascinante di tecniche fotografiche.

Broken Spectre è un film immersivo di 74 minuti che si muove tra una molteplicità di narrazioni ecologiche, sia topografiche che antropocentriche, e un’osservazione accurata della violenza non umana e della sopravvivenza. Mosse e la sua équipe hanno trascorso anni a documentare varie fonti di distruzione, degrado e reati ambientali nel bacino amazzonico e nei suoi ecosistemi correlati.

Broken Spectre opera su vari livelli : le immagini color inchiostro fluorescenti e microscopiche descrivono la complessità interdipendente del bioma amazzonico nei particolari scientifici, mentre le scene cinematiche monocromatiche ad infrarossi seguono le estrazioni illegali, il disboscamento e gli incendi, l’agricoltura intensiva e l’attivismo indigeno.

Nel frattempo, filmati multispettrali aerei mettono in luce vaste distese di aree vuote contrastanti con la foresta pluviale lussureggiante, mostrando l’entità e l’organizzazione sistematica della distruzione dell’Amazzonia.

Mentre il cambiamento climatico continua a definire la nostra epoca e il futuro del pianeta, Mosse testimonia il rapido evolversi della catastrofe : studi scientifici recenti prevedono che l’Amazzonia sta per raggiungere un punto di non ritorno, in cui non sarà più in grado di generare la pioggia, provocando un deperimento massiccio della foresta e un’emissione di carbonio a livelli devastanti, che incideranno sul cambiamento climatico, la biodiversità, nonché le comunità locali ed internazionali. Mosse dimostra ambedue i lati umani della tragedia : quella delle comunità degli indios Yanomami e Munduruku che lottano per la propria sopravvivenza ; quella dei cercatori illegali di oro che avvelenano e distruggono interi sistemi fluviali per poche manciate di oro, senza dimenticare i cowboys brasiliani che appiccano fuochi dolosi a superfici incontaminate per poterle trasformare in pascoli per il bestiame che venderanno sui mercati internazionali della carne e del cuoio.

Realizzato dal 2018 al 2022, Broken Spectre è pubblicato prima delle elezioni presidenziali in Brasile nel momento in cui una vittoria di Jair Bolsanaro poteva suggellare definitivamente la distruzione della foresta insostituibile dell’Amazzonia.

Devastation in the Amazon rainforest and the climate change it triggers tend to unfold in ways that are too vast to comprehend, too minute to perceive, and too normalised to see. In an attempt to render the scale and urgency of the Amazon’s extensive, impending collapse, Richard Mosse’s most ambitious work to date employs a dazzling array of photographic techniques.

Broken Spectre is an immersive, 74-minute film that shifts between a manifold of ecological narratives, from the topographic to the anthropocentric, and to a careful examination of nonhuman violence and survival. Mosse and his team spent years documenting different fronts of destruction, degradation and environmental crimes in the Amazon Basin and related eco-systems.

Broken Spectre operates on multiple scales : inky, fluorescent microscopic imagery describes the interdependent complexity of the Amazonian biome in scientific detail, while cinematic monochrome infrared scenes track illegal mining, logging and burning, industrial agriculture and indigenous activism.

Meanwhile, airborne multispectral footage starkly renders vast swathes of empty land in contrast to the lush rainforest, showing the vast scale and systematic organisation of the Amazon’s destruction.

As climate change continues to define our era and the future of the planet, Mosse bears witness to a rapidly unfolding catastrophe : recent scientific studies predict that the Amazon is close to reaching a tipping point, at which stage it will no longer be able to generate rain, triggering mass forest dieback and carbon release at devastating levels, impacting climate change, biodiversity, and local and international communities. Mosse shows both human sides of the tragedy : from the Yanomami and Munduruku Indigenous communities fighting for survival ; to illegal gold miners poisoning and destroying entire river systems for tiny handfuls of gold; alongside Brazilian cowboys wilfully burning their pristine surroundings to create pasture for cattle to sell on international meat and leather markets.

Created from 2018 to 2022, Broken Spectre is published ahead of gravely significant general elections in Brazil, in which Jair Bolsanaro’s victory may seal the destruction of the irreplaceable Amazon forever.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)