Centre internacional de Fotografia Toni Catany | Llucmajor
19. April – 29. September 2024

un pas al costat
Jacques Henri Lartigue, André Kertész

Das Centre Internacional de Fotografia Toni Catany präsentiert in einer großen Ausstellung das Werk von zwei Pionieren der modernen Fotografie: Jacques Henri Lartigue und André Kertész. Zwei Autoren, die Toni Catany sehr bewunderte, da er Fotografien von Kertész in seiner Sammlung und eine umfangreiche bibliografische Darstellung beider in seiner Bibliothek hatte.

Diese internationale Ausstellung, die 2023 zum ersten Mal im Espace Richaud (Versailles, Paris) gezeigt wird, besteht aus fast 150 Fotografien, die in dreizehn Abschnitte unterteilt sind: "Jacques Henri Lartigue (1894-1986): die Anfänge", "André Kertész ( 1894-1985): der wandernde Fotograf", "Lartigue, erster Akt (1920-1940)", "Rendez-vous im MoMA (1963): Die Anerkennung", "Kertész und die Avantgarde (1925-1936)", "Verabredung im MoMA (1964): Jeder an der Reihe", "Kertész in New York", "Der professionelle Lartigue", "Der befreite Kertész", "Der zeitgenössische Lartigue", "Sequenzen", "Dialoge" und "Die letzten Jahre".

Die von Marion Perceval von der Stiftung Lartigue und Matthieu Rivallin von der Mediathèque du Patrimoine et de la Photographie des französischen Kulturministeriums kuratierte Ausstellung wird vom Consell de Mallorca und in Zusammenarbeit mit DiChroma Photography, der Zeitung Ara Balears und der Universitat de les Illes Balears (UIB) unterstützt.

Jacques Henri Lartigue (1894-1986) gilt als großer Meister des Schnappschusses und André Kertész (1894-1985), Erfinder des Fotojournalismus und Vertreter der reflexiven Fotografie. Ihr Werk erstreckt sich über das gesamte 20. Jahrhundert, und ihre aufeinanderfolgenden Ausstellungen im Museum of Modern Art (MoMA) in New York in den Jahren 1963 und 1964 waren für ihre Karrieren von entscheidender Bedeutung. Diese Ausstellungen waren von entscheidender Bedeutung: Für Lartigue, der als früher Amateur galt, bedeuteten sie den Beginn der internationalen und institutionellen Anerkennung, für Kertész die Wiederentdeckung nach zwei Jahrzehnten des Vergessens. Sie festigten auch die Praxis der beiden Fotografen in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts und stuften sie als Vorreiter der visuellen Moderne ein.

"Der Schritt zur Seite ist ein Schritt, der von der direkten Linie abweicht, eine Kurve, die die gerade Linie zwischen zwei Punkten ersetzt (...)". Weder Lartigue noch Kertész haben jemals den direktesten Weg zur Anerkennung gewählt. Sie konstruierten ihre Werke mit größter Freiheit, weit entfernt von den großen künstlerischen Bewegungen. Seit den 1970er Jahren wurden diese beiden unabhängigen Persönlichkeiten als Referenzen ohne Schule wahrgenommen.

Die Gegenüberstellung der Fotografien des einen mit denen des anderen ermöglicht es, die Gemeinsamkeiten und Unterschiede in ihrem Leben und ihrer Sichtweise aufzuzeigen.

Le Centre Internacional de Fotografia Toni Catany présente une grande exposition de l'œuvre de deux pionniers de la photographie moderne : Jacques Henri Lartigue et André Kertész. Deux auteurs profondément admirés par Toni Catany, qui possédait des photographies de Kertész dans sa collection et une vaste représentation bibliographique des deux dans sa bibliothèque.

Cette exposition internationale, présentée pour la première fois à l'Espace Richaud (Versailles, Paris) en 2023, comprend près de 150 photographies réparties en treize sections : "Jacques Henri Lartigue (1894-1986) : les débuts", "André Kertész ( 1894-1985) : le photographe errant", "Lartigue, premier acte (1920-1940)", "Rendez-vous au MoMA (1963) : La reconnaissance", "Kertész et l'avant-garde (1925-1936)", "Rendez-vous au MoMA (1964) : chacun son tour", "Kertész à New York", "Le Lartigue professionnel", "Le Kertész libéré", "Le Lartigue contemporain", "Séquences", "Dialogues" et "Les dernières années".

Organisée par Marion Perceval de la Donation Lartigue et Matthieu Rivallin de la Médiathèque du Patrimoine et de la Photographie du ministère français de la Culture, elle bénéficie du soutien du Consell de Mallorca et de la collaboration de DiChroma Photography, du journal Ara Balears et de l'Universitat de les Illes Balears (UIB).

Jacques Henri Lartigue (1894-1986) est considéré comme un grand maître de l'instantané et André Kertész (1894-1985), inventeur du photojournalisme et représentant de la photographie réflexive. Leur œuvre couvre tout le XXe siècle et leurs expositions successives au Museum of Modern Art (MoMA) de New York en 1963 et 1964 ont été déterminantes pour leur carrière. Ces expositions sont cruciales : pour Lartigue, considéré comme un amateur de la première heure, elles marquent le début d'une reconnaissance internationale et institutionnelle, et pour Kertész, la redécouverte après deux décennies d'oubli. Elles ont également consolidé la pratique des deux photographes dans la première moitié du XXe siècle, les classant comme précurseurs de la modernité visuelle.

"Le pas de côté est un pas qui s'écarte de la ligne directe, une courbe qui remplace la ligne droite entre deux points (...)". Ni Lartigue ni Kertész n'ont emprunté le chemin le plus direct vers la reconnaissance. Ils ont construit leur œuvre dans la plus grande liberté, loin des grands mouvements artistiques. Dès les années 1970, ces deux personnalités indépendantes sont perçues comme des références sans école.

La mise en regard des photographies de l'un et de l'autre permet de montrer les confluences et les divergences de leurs vies et de leurs points de vue.

Il Centre Internacional de Fotografia Toni Catany presenta una grande mostra sull'opera di due pionieri della fotografia moderna: Jacques Henri Lartigue e André Kertész. Due autori profondamente ammirati da Toni Catany, che aveva fotografie di Kertész nella sua collezione e un'ampia rappresentazione bibliografica di entrambi nella sua biblioteca.

Questa mostra internazionale, presentata per la prima volta all'Espace Richaud (Versailles, Parigi) nel 2023, è composta da quasi 150 fotografie suddivise in tredici sezioni: "Jacques Henri Lartigue (1894-1986): gli inizi", "André Kertész ( 1894-1985): il fotografo errante", "Lartigue, primo atto (1920-1940)", "Rendez-vous al MoMA (1963): Il riconoscimento", "Kertész e l'Avanguardia (1925-1936)", "Appuntamento al MoMA (1964): ognuno a turno", "Kertész a New York", "Il Lartigue professionista", "Il Kertész liberato", "Il Lartigue contemporaneo", "Sequenze", "Dialoghi" e "Gli ultimi anni".

Curata da Marion Perceval della Donazione Lartigue e da Matthieu Rivallin della Mediathèque du Patrimoine et de la Photographie del Ministero della Cultura francese, si avvale del sostegno del Consell de Mallorca e della collaborazione di DiChroma Photography, del quotidiano Ara Balears e dell'Universitat de les Illes Balears (UIB).

Jacques Henri Lartigue (1894-1986) è considerato un grande maestro dell'istantanea e André Kertész (1894-1985), inventore del fotogiornalismo ed esponente della fotografia riflessiva. Il loro lavoro ha attraversato tutto il XX secolo e le mostre successive al Museum of Modern Art (MoMA) di New York nel 1963 e nel 1964 sono state fondamentali per le loro carriere. Queste mostre furono cruciali: per Lartigue, considerato un dilettante agli inizi, segnarono l'inizio del riconoscimento internazionale e istituzionale, e per Kertész la riscoperta dopo due decenni di oblio. Inoltre, hanno consolidato la pratica dei due fotografi nella prima metà del XX secolo, classificandoli come precursori della modernità visiva.

"Il passo laterale è un passo che devia dalla linea diretta, una curva che sostituisce la linea retta tra due punti (...)". Né Lartigue né Kertész hanno mai preso la strada più diretta per il riconoscimento. Hanno costruito il loro lavoro con la massima libertà, lontano dai grandi movimenti artistici. A partire dagli anni Settanta, queste due personalità indipendenti sono state percepite come riferimenti senza scuola.

Accostare le fotografie dell'uno a quelle dell'altro permette di mostrare le confluenze e le divergenze nelle loro vite e nei loro punti di vista.

The Centre Internacional de Fotografia Toni Catany presents in a large exhibition the work of two pioneers of modern photography: Jacques Henri Lartigue and André Kertész. Two authors deeply admired by Toni Catany, who had photographs by Kertész in his collection and a wide bibliographic representation of both in his library.

This international exhibition, presented for the first time at the Espace Richaud (Versailles, Paris) in 2023, consists of nearly 150 photographs distributed in thirteen areas: "Jacques Henri Lartigue (1894-1986): the beginnings", "André Kertész ( 1894-1985): the wandering photographer", "Lartigue, first act (1920-1940)", "Appointment at MoMA (1963): The recognition", "Kertész and the avant-garde (1925-1936)", "Appointment at MoMA (1964): each in turn", "Kertész in New York", "The professional Lartigue", "The liberated Kertész", "The contemporary Lartigue", "Sequences", "Dialogues" and "The last years".

Curated by Marion Perceval of the Donation Lartigue and Matthieu Rivallin of the Mediathèque du Patrimoine et de la Photographie of the French Ministry of Culture, it has the support of the Consell de Mallorca and the collaboration of DiChroma Photography, the Ara Balears newspaper and the Universitat de les Illes Balears (UIB).

Jacques Henri Lartigue (1894-1986) is considered a great master of the snapshot and André Kertész (1894-1985), inventor of photojournalism and exponent of reflective photography. Their work spans the entire 20th century and the successive exhibitions at the Museum of Modern Art (MoMA) in New York in 1963 and 1964 are key to their careers. These exhibitions were primordial: for Lartigue, considered a primitive amateur, they marked the beginning of international and institutional recognition, and for Kertész, the rediscovery after two decades of oblivion. They also consolidated the practice of the two photographers in the first half of the 20th century, classifying them as precursors of visual modernity.

"'The step to the side' is a step that deviates from the direct trace, a curve that replaces the straight line between two points (...)". Neither Lartigue nor Kertész ever took the most direct path to recognition. They built their work with the utmost freedom, far from the great artistic movements. From the 1970s onwards, these two independent personalities were perceived as referents without a school.

Placing the photographs of one next to those of the other makes it possible to show the confluences and divergences in their lives and points of view.

El Centre Internacional de Fotografia Toni Catany presenta en una gran exposición la obra de dos pioneros de la fotografía moderna: Jacques Henri Lartigue y André Kertész. Dos autores profundamente admirados por Toni Catany, que contaba con fotografías de Kertész en su colección y con una amplia representación bibliográfica tanto de uno como de otro en su biblioteca.

Esta muestra internacional, presentada por primera vez en el Espace Richaud (Versalles, París) en 2023, consta de cerca de 150 fotografías distribuidas en trece ámbitos: “Jacques Henri Lartigue (1894-1986): los inicios”, “André Kertész ( 1894-1985): el fotógrafo errante”, “Lartigue, primer acto (1920-1940)”, “Cita en el MoMA (1963): el reconocimiento”, “Kertész y las vanguardias (1925-1936)”, “Cita en el MoMA (1964): cada uno a su vez”, “Kertész en Nueva York”, “El Lartigue profesional”, “El Kertész liberado”, “El Lartigue contemporáneo”, “Secuencias”, “Diálogos” y “Los últimos años”.

Comisariada por Marion Perceval de la Donation Lartigue y por Matthieu Rivallin de la Mediathèque du Patrimoine et de la Photographie del Ministerio de Cultura francés, cuenta con el apoyo del Consell de Mallorca y la colaboración de DiChroma Photography, el diario Ara Balears y la Universitat de les Illes Balears (UIB).

Jacques Henri Lartigue (1894-1986) es considerado un gran maestro de la instantánea y André Kertész (1894-1985), inventor del fotoperiodismo y exponente de la fotografía reflexiva. Su obra atraviesa todo el siglo XX y son claves en sus trayectorias las exposiciones sucesivas en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York en los años 1963 y 1964. Estas exposiciones fueron primordiales: para Lartigue, considerado un aficionado primitivo, marcaron el inicio del reconocimiento internacional e institucional, y para Kertész, el redescubrimiento después de dos décadas de olvido. También consolidaron la práctica de los dos fotógrafos en la primera mitad del siglo XX, clasificándolos como precursores de la modernidad visual.

"El paso al lado” es un paso que se desvía del trazado directo, una curva que sustituye a la recta entre dos puntos (...)". Ni Lartigue ni Kertész tomaron nunca el camino más directo hacia el reconocimiento. Construyeron su obra con la máxima libertad, alejados de los grandes movimientos artísticos. A partir de los años 70, estas dos personalidades independientes eran percibidas como referentes sin escuela.

Poner las fotografías de uno junto a las del otro permite mostrar las confluencias y divergencias en su vida y puntos de vista.

(TExt: Centre internacional de Fotografia Toni Catany, Llucmajor)

FotoNostrum | Barcelona
26. Januar – 24 März 2024

Becoming Marilyn & Becoming Elvis
André de Dienes, Alfred Wertheimer

MUUS Collection freut sich, eine Doppelausstellung mit Werken von André de Dienes und Alfred Wertheimer in Zusammenarbeit mit FotoNostrum in Barcelona, Spanien, ankündigen zu können. Becoming Marilyn & Becoming Elvis erforscht den Aufstieg von Marilyn Monroe und Elvis Presley, wie er von André de Dienes bzw. Alfred Wertheimer dokumentiert wurde, den beiden Fotografen, die die beiden Stars kennenlernten, als sie an der Schwelle zum Ruhm standen. Obwohl sich Elvis und Marilyn angeblich nur ein einziges Mal trafen, wurden sie zu den größten Sexsymbolen des 20. Jahrhunderts, mit einem so ungebrochenen öffentlichen Interesse, dass beide kürzlich Gegenstand großer biografischer Filme waren. Becoming Marilyn & Becoming Elvis zeigt den kulturellen Einfluss der beiden Stars anhand von Fotografien, die Marilyns Leben im Rampenlicht von ihren ersten Model-Shootings an dokumentieren, und Fotos von Elvis im zarten Alter von 21 Jahren, als er sich auf die Show vorbereitet, die seine Karriere für immer verändern sollte. Die Ausstellung umfasst fast einhundert Fotografien der beiden Künstler.

Das MUUS setzt seine Mission fort, diese außergewöhnlichen Archive einem neuen Publikum auf der ganzen Welt zugänglich zu machen. Wir freuen uns, bei dieser Ausstellung mit FotoNostrum zusammenzuarbeiten, einer Organisation, die sich der Förderung des kulturellen Bewusstseins für Fotografie durch Ausstellungen und Publikationen verschrieben hat. Becoming Marilyn & Becoming Elvis wird kuratiert von Leonor Fernandes, Exhibition Manager bei FotoNostrum, mit der kuratorischen Unterstützung von Lucrezia di Martino, Director of Partnerships bei MUUS Collection.

La Collection MUUS est fière d'annoncer une double exposition d'œuvres d'André de Dienes et d'Alfred Wertheimer en collaboration avec FotoNostrum à Barcelone, Espagne. Becoming Marilyn & Becoming Elvis explore l'ascension de Marilyn Monroe et d'Elvis Presley vers la célébrité, telle qu'elle a été documentée par André de Dienes et Alfred Wertheimer respectivement, les deux photographes qui se sont intimement familiarisés avec les stars lorsqu'elles étaient au seuil de la célébrité. Bien qu'Elvis et Marilyn ne se soient, selon la rumeur, rencontrés qu'une seule fois, ils sont devenus les plus grands sex-symbols du XXe siècle, suscitant un tel intérêt de la part du public qu'ils ont tous deux fait récemment l'objet de films biographiques importants. Becoming Marilyn & Becoming Elvis démontre l'impact culturel des deux stars à travers des photographies documentant la vie de Marilyn sous les feux de la rampe depuis ses premières séances de mannequinat et des photos d'Elvis à l'âge tendre de 21 ans, se préparant pour le spectacle qui allait changer sa carrière à jamais. L'exposition comprend près d'une centaine de photographies des deux artistes.

Alors que MUUS poursuit sa mission de faire connaître ces archives extraordinaires à de nouveaux publics dans le monde entier, nous sommes heureux de nous associer à FotoNostrum pour cette exposition, une organisation qui se consacre à la sensibilisation culturelle à la photographie par le biais d'expositions et de publications. Becoming Marilyn & Becoming Elvis est organisée par Leonor Fernandes, responsable des expositions à FotoNostrum, avec l'aide de Lucrezia di Martino, directrice des partenariats à la Collection MUUS.

MUUS Collection è orgogliosa di annunciare una doppia mostra di opere di André de Dienes e Alfred Wertheimer in collaborazione con FotoNostrum a Barcellona, Spagna. Becoming Marilyn & Becoming Elvis esplora l'ascesa alla celebrità di Marilyn Monroe ed Elvis Presley, documentata rispettivamente da André de Dienes e Alfred Wertheimer, i due fotografi che hanno conosciuto intimamente le star quando erano all'apice della fama. Anche se si dice che Elvis e Marilyn si siano incontrati una sola volta, sono diventati i più grandi sex symbol del XX secolo, con un interesse pubblico così forte che entrambi sono stati recentemente oggetto di importanti film biografici. Becoming Marilyn & Becoming Elvis mostra l'impatto culturale delle due star attraverso fotografie che documentano la vita di Marilyn sotto i riflettori, dai primi servizi come modella in poi, e le foto di Elvis alla tenera età di 21 anni, mentre si prepara per lo spettacolo che avrebbe cambiato per sempre la sua carriera. La mostra comprende quasi cento fotografie dei due artisti.

Il MUUS continua la sua missione di portare questi straordinari archivi a un nuovo pubblico in tutto il mondo e per questa mostra è lieto di collaborare con FotoNostrum, un'organizzazione dedicata alla sensibilizzazione culturale sulla fotografia attraverso mostre e pubblicazioni. Becoming Marilyn & Becoming Elvis è curata da Leonor Fernandes, Exhibition Manager di FotoNostrum, con l'assistenza curatoriale di Lucrezia di Martino, Direttore delle partnership della MUUS Collection.

MUUS Collection is proud to announce a double exhibition of works by André de Dienes and Alfred Wertheimer in collaboration with FotoNostrum in Barcelona, Spain. Becoming Marilyn & Becoming Elvis explores the rise to stardom of Marilyn Monroe and Elvis Presley, as documented by André de Dienes and Alfred Wertheimer respectively, the two photographers who became intimately acquainted with the stars when they were on the cusp of fame. Though Elvis and Marilyn were rumored to have met only once, they became the biggest sex symbols of the 20th century, with a public interest so unrelenting that both were recently the subjects of major biographical films. Becoming Marilyn & Becoming Elvis demonstrates the cultural impact of the two stars through photographs documenting Marilyn’s life in the spotlight from her earliest modeling shoots onward and photos of Elvis at the tender age of 21, preparing for the show that would change his career forever. The exhibition comprises nearly one hundred photographs by the two artists.

As MUUS continues our mission to bring these extraordinary archives to new audiences around the world, we are pleased to partner with FotoNostrum for this exhibition, an organization dedicated to raising the cultural awareness about photography through exhibitions and publications. Becoming Marilyn & Becoming Elvis is curated by Leonor Fernandes, Exhibition Manager at FotoNostrum, with the curatorial assistance of Lucrezia di Martino, Director of Partnerships at MUUS Collection.

(Text: MUUS Collection)

Foto Colectania | Barcelona
18. Januar – 2. Juni 2024

El curso de los acontecimientos. Un atlas de la colección Foto Colectania

Eine Geschichte der modernen Fotografie in Spanien und Portugal

Die Sammlung Foto Colectania umfasst eine Sammlung von mehr als 3 000 Fotografien katalanischer, spanischer und portugiesischer Fotografen. Sie ist zweifellos die private Sammlung mit der umfassendsten Darstellung der Geschichte der Fotografie, die in der zweiten Hälfte des 20. Ihre Bilder zeugen von einem doppelten Modernisierungsprozess, dem des fotografischen Mediums selbst und dem der südeuropäischen Gesellschaften.

Modernisierung wurde jedoch oft gleichbedeutend mit Ikonisierung, Reduktion und Synthese der Realität durch ein emblematisches Bild. Es waren die Fotografien, die die Ereignisse prägten. Auch wenn jedes Ereignis viele weitere Versionen des Geschehens hätte hervorbringen können, erlangte nur eine den Status eines ikonischen Bildes. Eines, bei dem eine stillschweigende Zustimmung ausreicht, um es zu erkennen.

Vor dem Hintergrund dieser Bilder, deren Macht niemand bestreitet, bewahrt die Fotografie unzählige Momente und Sequenzen. Der halb entstellte Mann auf dem Foto von Xavier Miserachs mit dem Titel Carrer Pelai, Barcelona (1962) behält seine Ikonizität in Abhängigkeit von der Menge, der er angehört; das Porträt von General Franco, das Ramón Masats 1964 aufnahm, beruht auf einem Bild der Autorität, das mit dem Caudillismo, der in der einzelnen Figur konzentrierten Macht, verbunden ist.

Aber es gibt auch andere Arten von Ereignissen, kollektive Momente wie Demonstrationen, Prozessionen, Riten und ganz allgemein Menschenmengen, die den im Wesentlichen prozesshaften und quantitativen Charakter der Fotografie hervorrufen. Diese Momente erfordern mehr als nur ein Bild. Trotz der natürlichen Beschränkungen durch den Ausstellungsraum umfasst die Auswahl fast 160 Werke.

Une histoire de la photographie moderne en Espagne et au Portugal

La collection Foto Colectania rassemble plus de 3 000 photographies de photographes catalans, espagnols et portugais. Il s'agit sans aucun doute de la collection privée qui représente de la manière la plus exhaustive l'histoire de la photographie produite au cours de la seconde moitié du XXe siècle dans la péninsule ibérique. Ses images témoignent d'un double processus de modernisation, celui du médium photographique lui-même et celui des sociétés du sud de l'Europe.

Cependant, moderniser devient souvent synonyme d'iconiser, de réduire et de synthétiser la réalité par une image emblématique. Ce sont ces photographies qui ont façonné les événements. Même si chaque événement aurait pu donner lieu à de nombreuses autres versions de ce qui s'est passé, une seule a acquis le statut d'image emblématique. Celle à laquelle il suffit d'un accord tacite pour la reconnaître.

Face à ces images dont personne ne conteste le pouvoir, la photographie conserve d'innombrables instants et séquences. L'homme semi-défiguré de la photographie de Xavier Miserachs intitulée Carrer Pelai, Barcelone (1962) conserve son iconicité en fonction de la foule à laquelle il appartient ; le portrait du général Franco réalisé par Ramón Masats en 1964 repose sur une image d'autorité liée au caudillismo, au pouvoir concentré dans la figure individuelle.

Mais il existe d'autres types d'événements, des moments collectifs tels que les manifestations, les processions, les rites et, en général, les foules qui évoquent le caractère essentiellement processuel et quantitatif de la photographie. Ces moments nécessitent plus d'une image. Ainsi, malgré les limites naturelles imposées par l'espace d'exposition, la sélection rassemble près de 160 œuvres.

Una storia della fotografia moderna in Spagna e Portogallo

La Collezione Foto Colectania riunisce una raccolta di oltre 3.000 fotografie di fotografi catalani, spagnoli e portoghesi. Si tratta senza dubbio della collezione privata con la rappresentazione più esaustiva della storia della fotografia prodotta nella seconda metà del XX secolo nella penisola iberica. Le sue immagini testimoniano un duplice processo di modernizzazione, quello del mezzo fotografico stesso e quello delle società dell'Europa meridionale.

Tuttavia, modernizzare divenne spesso sinonimo di iconizzare, ridurre e sintetizzare la realtà con un'immagine emblematica. Sono state le fotografie a dare forma agli eventi. Anche se ogni evento avrebbe potuto dare origine a molte altre versioni di ciò che è accaduto, solo una ha acquisito lo status di immagine iconica. Un'immagine per la quale è sufficiente un tacito accordo per riconoscerla.

Sullo sfondo di quelle immagini di cui nessuno contesta il potere, la fotografia conserva innumerevoli istanti e sequenze. L'uomo semi-sfigurato nella fotografia di Xavier Miserachs intitolata Carrer Pelai, Barcellona (1962) mantiene la sua iconicità in funzione della folla a cui appartiene; il ritratto del generale Franco scattato da Ramón Masats nel 1964 si basa su un'immagine di autorità legata al caudillismo, al potere concentrato nella singola figura.

Ma ci sono altri tipi di eventi, momenti collettivi come manifestazioni, processioni, riti e, in generale, folle che evocano la natura essenzialmente processuale e quantitativa della fotografia. Questi momenti richiedono più di un'immagine. Così, nonostante le limitazioni naturali imposte dallo spazio espositivo, la selezione riunisce quasi 160 opere.

A history of modern photography in Spain and Portugal

The Foto Colectania Collection holds over 3.000 photographs by Catalan, Spanish and Portuguese authors. It is, undoubtedly, the most comprehensive private collection representing the history of photography during the second half of the 20th century in the Iberian Peninsula. Its images bear witness to a dual process of modernization, both within the photographic medium itself and that of southern European societies.

However, modernising often became a synonym for iconising, reducing and synthesising reality into an emblematic image. Those were the photographs that shaped the events. Although each event would have spawned many more versions of what happened, only one image acquired the iconic status. An image that is recognized with just a tacit agreement.

Contrary to these images whose power is undisputed, photography preserves countless moments and sequences. The semi-disfigured man in Xavier Miserachs’ photograph entitled Carrer Pelai, Barcelona (1962) maintains its iconicity in terms of the crowd to which he belongs; the portrait of General Franco taken by Ramon Masats in 1964 relies on an image of authority linked to autocracy, to power concentrated in the individual figure.

There are, though, other types of collective events–such as demonstrations, processions, rituals, crowds in general–that evoke the essentially processual and quantitative nature of photography. These moments require more than just one image. Hence, despite the natural limitations of the exhibition space, the selection brings together around 160 works.

Una historia de la fotografía moderna en España y Portugal

La Colección Foto Colectania reúne un fondo de más de 3.000 fotografías de autores catalanes, españoles y portugueses. Es, sin duda, la colección privada con una representación más exhaustiva de la historia de la fotografía realizada durante la segunda mitad del siglo XX en la península ibérica. Sus imágenes dan fe de un doble proceso de modernización, el del propio medio fotográfico y el de las sociedades del sur de Europa.

Sin embargo, modernizar a menudo se convirtió en sinónimo de iconizar, reducir y sintetizar la realidad con una imagen emblemática. Esas fueron las fotografías que dieron forma a los acontecimientos. Aunque cada hecho hubiera deparado muchas más versiones de lo ocurrido solo una adquiría el estatuto de la imagen icónica. Una a la que basta un acuerdo tácito para reconocerla.

A contrapelo de esas imágenes cuya potencia nadie discute, la fotografía preserva innumerables instantes y secuencias. El hombre semidesfigurado de la foto de Xavier Miserachs titulada Carrer Pelai, Barcelona (1962) mantiene su iconicidad en función de la multitud a la que pertenece; el retrato del general Franco realizado por Ramón Masats en 1964 se apoya en una imagen de la autoridad ligada al caudillismo, al poder concentrado en la figura individual.

Pero existen otro tipo de acontecimientos, momentos colectivos tales como las manifestaciones, procesiones, ritos y, en general, multitudes que evocan el carácter esencialmente procesual y cuantitativo de la fotografía. Esos instantes requieren más de una imagen. Así que a pesar de las limitaciones naturales que impone el espacio de la exposición, la selección reúne cerca de 160 obras.

(Text: Foto Colectania, Barcelona)

Fundació Toni Catany | Llucmajor
4. November 2023 – 15. März 2024

Registrar, mirar, recórrer
Tomàs Monserrat

Die Ausstellung "Registrar, mirar, recórrer" war in der ersten Hälfte des Jahres 2023 im Museu de la Música de Barcelona zu sehen. Jahrestag der Geburt von Maria Antònia Salva in einer erweiterten Version in Llucmajor zu sehen, die die Verwendung von Fotografien, die zwischen 1900 und 1925 von Tomàs Monserrat, Porträtist und Kaplan von Llucmajor, aufgenommen wurden, mit den fotografischen Aufzeichnungen der Obra del Cançoner Popular de Catalunya (1922-1936) konfrontiert. Die Verwendung der Dokumentarfotografie, die in den ursprünglichen Zielen des großen ethnografischen Projekts nicht im Mittelpunkt stand, hinterlässt eine einzigartige Sammlung mit Tausenden von Fotografien, von denen die meisten unveröffentlicht sind und von denen wir eine Auswahl präsentieren. Die Ausstellung konzentriert sich auch auf die 13. Mission des Werks, die von Baltasar Samper und Josep Maria Casas 1925 in Llucmajor durchgeführt wurde, wo sie von der Familie Salvà in Sa Llapassa empfangen wurden.

Das Werk des Cançoner Popular de Catalunya (Volkslieder aus Katalonien)
Die Obra del Cançoner Popular ist zweifellos der bedeutendste Beitrag zur Ethnologie des 20. Jahrhunderts im Bereich der katalanischen Sprache. Jahrhunderts auf dem Gebiet der katalanischen Sprache. Es wurde mit dem Ziel konzipiert, einen umfassenden musikalischen Korpus aus der mündlichen Überlieferung zusammenzustellen, zu strukturieren und zu veröffentlichen, um die Spuren einer sich im Wandel befindlichen und vom Aussterben bedrohten Kultur zu erfassen: Spuren, die gleichzeitig eine gemeinsame Identität bilden. Neben der Transkription von Tausenden von Liedern und der Beschreibung ihrer Verwendung und ihres Kontexts wurden auch viele ihrer Überlieferer fotografiert und aufgenommen.

Die technische Reproduzierbarkeit, die sowohl durch die Aufnahmegeräte als auch durch die Phonographen ermöglicht wird - eine Technologie, die heute an der Spitze steht und sich exponentiell ausbreitet - wird mit Lebensweisen konfrontiert, die allmählich verschwinden und so eine Spur hinterlassen, die jedoch so flüchtig ist wie die aufgenommenen Momente und Gesichter selbst.

Die Arbeit des Cançoner auf den Balearen
In den Jahren, in denen das Projekt Obra del Cançoner durchgeführt wurde, wurden etwa siebzig Forschungsmissionen durchgeführt: Feldarbeit von Paaren aus Fachleuten sowohl der Ethnologie als auch der Musik- und Sprachwissenschaft, wie Joan Amades, Higini Anglès, Joan Tomàs, Palmira Jaquetti und Baltasar Samper, die auf ihren Reisen durch ein weites geografisches Gebiet versuchten, "das Wichtigste herauszufinden", Sie wollten "diesen volkstümlichen Schatz heben, der vielerorts fast ausstirbt", und suchten ihn vor allem in den entlegensten Gegenden, um "die Quellen zu finden, in denen das Wasser klar fließt".

Zwischen 1924 und 1935 wurden neue Forschungsmissionen auf den Balearen unternommen, sieben davon, von Anfang an bis 1932, unter der Leitung des Musikwissenschaftlers und Komponisten Baltasar Samper, und die letzten beiden, zwischen 1934 und 1935, unter der Leitung von Dolors Porta, mit dem Samper nach dem Bürgerkrieg nach Mexiko ins Exil ging. Samper führte seine Forschungen auf Mallorca zusammen mit Ramon Morey, Josep Maria Casas und dem Dichter Miquel Ferrà durch.

Tomàs Monserrat, Porträtmaler eines Volkes
Die Figur des Tomàs Monserrat (Llucmajor, 1873-1944), eines Pioniers der Fotografie in Llucmajor und außerhalb seiner Heimatstadt fast unbekannt, wurde von Toni Catany, der mit Hilfe von Monserrats Nebodien die Geschichte der Fotografie begründete, Catany hat mit Hilfe der Nebodien von Monserrat etwa einhundertfünfzig Glasplatten wiedergefunden, von denen eine Auswahl in einer Ausstellung gezeigt wurde, die 1965 in Llucmajor stattfand und in das Buch Tomàs Monserrat, retratista d'un poble (Tomàs Monserrat, Porträtist einer Stadt) (1983) aufgenommen wurde. Catany hielt Monserrat für einen Naivling, der sich am Rande jeglicher ästhetischen Tendenz bewegte: Seine Fotografien haben einen konstanten Rahmen und werden fast immer in derselben Ecke des Hofes, zur selben Tageszeit und mit denselben dekorativen Elementen aufgenommen. Die Stiftung Toni Catany bewahrt die 900 Glasplatten auf, die bald zusammen mit dem Archiv und den Sammlungen von Toni Catany im Internationalen Zentrum für Fotografie aufbewahrt werden sollen.

"Registrar, mirar, recórrer" a été exposée au Museu de la Música de Barcelona pendant le premier semestre 2023. Aujourd'hui, à l'occasion du 154e anniversaire de la naissance de Maria Antònia Salva, elle est présentée à Llucmajor dans une version élargie qui confronte l'utilisation de photographies prises entre 1900 et 1925 par Tomàs Monserrat, portraitiste et aumônier de Llucmajor, avec le fonds photographique de l'Obra del Cançoner Popular de Catalunya (1922-1936). L'utilisation de la photographie documentaire, bien qu'elle n'ait pas été un élément central dans les objectifs initiaux du grand projet ethnographique, laisse une collection unique composée de milliers de photographies, pour la plupart inédites, dont nous présentons une sélection. L'exposition s'intéresse également à la 13e mission de l'Œuvre, menée par Baltasar Samper et Josep Maria Casas en 1925 à Llucmajor, où ils ont été accueillis à Sa Llapassa par la famille Salvà.

L'œuvre du Cançoner Popular de Catalunya
L'Obra del Cançoner Popular est sans aucun doute la contribution la plus importante à l'ethnologie du XXe siècle dans le domaine linguistique catalan. Conçue dans le but de compiler, structurer et publier un corpus musical exhaustif issu de la tradition orale, elle répond à la nécessité de saisir les vestiges d'une culture en transformation et en voie d'extinction : des vestiges qui constituent en même temps une identité commune. Outre la transcription de milliers de chants et la description de leurs usages et contextes, nombre de leurs émetteurs ont été photographiés et enregistrés.

La reproductibilité technique permise tant par les machines à enregistrer que par les phonographes - une technologie aujourd'hui à l'avant-garde et qui se répand de manière exponentielle - est confrontée à des modes de vie qui disparaissent peu à peu, laissant ainsi une trace qui est cependant aussi évanescente que les moments et les visages capturés.

L'œuvre du Cançonnier aux Baléares
Au cours des années de réalisation du projet Obra del Cançoner, environ soixante-dix missions de recherche ont été effectuées : un travail de terrain réalisé par des binômes de professionnels tant en ethnologie qu'en musique et linguistique, tels que Joan Amades, Higini Anglès, Joan Tomàs, Palmira Jaquetti et Baltasar Samper qui, en parcourant une vaste zone géographique, ont cherché à "savoir ce qu'il y avait de plus important à faire", étaient désireux de "recueillir ce trésor populaire qui, dans de nombreux endroits, est presque en train de disparaître", en le cherchant surtout dans les endroits les plus reculés avec l'idée de trouver "les sources où l'eau coule claire".

Entre 1924 et 1935, de nouvelles missions de recherche ont été entreprises aux Baléares, dont sept, du début jusqu'en 1932, ont été dirigées par le musicologue et compositeur Baltasar Samper, et les deux dernières, entre 1934 et 1935, par Dolors Porta, avec qui Samper s'est exilé définitivement au Mexique après la guerre civile. Samper a mené ses recherches à Majorque avec Ramon Morey, Josep Maria Casas et le poète Miquel Ferrà.

Tomàs Monserrat, portraitiste d'un peuple
La figure de Tomàs Monserrat (Llucmajor, 1873-1944), pionnier de la photographie à Llucmajor et presque inconnu en dehors de sa ville natale, a été justifiée pour l'histoire de la photographie par Toni Catany, qui, avec l'aide des nébuleuses de Monserrat, Catany, avec l'aide des nébodes de Monserrat, a récupéré quelque cent cinquante plaques de verre, dont une sélection a constitué une exposition présentée à Llucmajor en 1965 et incluse dans le livre Tomàs Monserrat, retratista d'un poble (Tomàs Monserrat, portraitiste d'une ville) (1983). Catany considérait Monserrat comme un naïf, en marge de toute tendance esthétique : ses photographies conservent un cadre constant et sont presque toujours prises dans le même coin de la cour de ferme, à la même heure de la journée et avec les mêmes éléments décoratifs. La Fondation Toni Catany conserve les 900 plaques de verre qui seront bientôt conservées, avec les archives et les collections de Toni Catany, au Centre international de la photographie.

"Registrar, mirar, recórrer" è quanto si potrà vedere al Museu de la Música de Barcelona durante il primo semestre del 2023. Ara, che coincide con il 154° anniversario della nascita di Maria Antònia Salva, arriva a Llucmajor in una versione ampliata che affronta l'impatto delle fotografie realizzate tra il 1900 e il 1925 da Tomàs Monserrat, ritrattista e capitano di Llucmajor, con il registro fotografico dell'Obra del Cançoner Popular de Catalunya (1922-1936). La fotografia documentale, che non è un elemento centrale negli obiettivi iniziali del grande progetto etnografico, è un'opera unica formata da milioni di fotografie, la maggior parte delle quali inedite, di cui viene presentata una selezione. Inoltre, la mostra si aprirà con la Missió 13 de l'Obra, condotta da Baltasar Samper e Josep Maria Casas nel 1925 a Llucmajor, che sarà accolta a Sa Llapassa dalla famiglia Salvà.

L'Obra del Cançoner Popular de Catalunya
L'Obra del Cançoner Popular è, senza dubbio, l'opera più significativa dell'etnologia del XX secolo nel dominio linguistico catalano. Concepito con l'obiettivo di raccogliere, strutturare e divulgare un esauriente corpus musicale di testi orali, risponde alla necessità di catturare le vestigia di una cultura in trasformazione e in via di estinzione: vestigia che conformano, ancora oggi, un'identità comunitaria. Oltre alla trascrizione di milioni di canzoni e alla descrizione dei loro usi e contesti, si tratta anche di fotografare e registrare una buona parte dei loro trasmettitori.

La riproduzione tecnica permette alle macchine di essere ritoccate così come al fotografo - una tecnologia tanto pervasiva quanto esponenzialmente diversa - di confrontarsi con manovre di violenza che, di volta in volta, vengono create, al fine di creare una traça che è, di fatto, così evanescente con gli istanti materiali e la ruggine che viene catturata.

L'Obra del Cançoner a les Illes Balears
Nel corso degli anni il progetto dell'Organizzazione del Cançon è stato oggetto di diverse missioni di recupero: treballs de camp portats a cap per parelles de professionals tant de l'etnologia com de la música i la lingüística com Joan Amades, Higini Anglès, Joan Tomàs, Palmira Jaquetti o Baltasar Samper que, tot recorrent una àmplia geografia, s'afanyaven a "fer la recollida d'aquest tresor popular que en molts indrets ja gairebé agonitza", buscant-lo especialment als indrets més remots amb la idea de trobar "les fonts on l'aigua ragi ben clara".

Tra il 1924 e il 1935 si svolgono nuove missioni di ricognizione nelle Isole Baleari, alcune delle quali, tra il 1932 e il 1932, vengono intraprese dal musicista e compositore Baltasar Samper, e poi, tra il 1934 e il 1935, da Dolors Porta, dove Samper si esilia definitivamente a Mèxic prima della guerra civile. Samper ha poi scritto sette memorie su Maiorca in dialogo con Ramon Morey, Josep Maria Casas e il poeta Miquel Ferrà.

Tomàs Monserrat, retratista d'un poble
La figura di Tomàs Monserrat (Llucmajor, 1873-1944), pioniere della fotografia a Llucmajor e beniamino del suo paese natale, sarà ritratta nella storia della fotografia da Toni Catany che, seguendo l'esempio dei vicini di Monserrat, recupera un centinaio di cinquanta targhe di vetro, una selezione delle quali andrà a comporre un'esposizione che potrà essere visitata a Llucmajor nel 1965 e che verrà ricollocata nel volume Tomàs Monserrat, retratista d'un poble (1983). Catany considera Monserrat un naïf, situato al margine di una totale corrent estètic: i suoi fotografi mantengono un'indagine costante, le sue feste si svolgono sempre al mateix racó del corral, alla mateixa hora del giorno e con i suoi mateixos elements decoratius. La Fundació Toni Catany conserva le circa 900 targhe di vetro che gli aviatori custodiscono, insieme all'arxiu e alle collezioni di Toni Catany, al Centre Internacional de Fotografia.

“Registrar, mirar, recórrer” could be seen at the Museu de la Música de Barcelona during the first half of 2023. Now, coinciding with the 154th anniversary of the birth of Maria Antònia Salva, the exhibition comes to Llucmajor in an expanded version that confronts memory through the photographs taken between 1900 and 1925 by Tomàs Monserrat, portraitist and priest of Llucmajor, and the photographic record of the Obra del Cançoner Popular de Catalunya (1922-1936). The use of documentary photography, despite not being a central element in the initial objectives of the great ethnographic project, leaves a unique trace formed by thousands of photographs, most of them unpublished, of which we present a selection. The exhibition also delves into Mission 13 of the Obra del Cançoner Popular, conducted by Baltasar Samper and Josep Maria Casas in 1925 in Llucmajor, where they were welcomed in Sa Llapassa, the Salvà family country house.

The Obra del Cançoner Popular is, without a doubt, the most significant contribution to 20th century ethnology in the Catalan linguistic domain. Created with the aim of compiling, structuring and publishing an exhaustive musical corpus collected from orality, it responds to the need to capture the vestiges of a culture in transformation and at risk of extinction: vestiges that make up, at the same time, a common identity. In addition to the transcription of thousands of songs and the description of their uses and contexts, many of its performers were photographed and recorded.

The technical reproducibility allowed by both cameras and phonographs – a then innovative technology that was spreading exponentially – is confronted with ways of life that gradually fade away, leaving a trace that is, however, as evanescent as the moments and faces captured. The signs of the harshness of life, of the passing of time, of direct contact with the land, as well as the places where what is over still remains —villages, country houses, workshops, dry farming and stubble fields, as well as asylums and almshouses— satiate a gaze refracted in thousands of ephemeral captures.

The Obra del Cançoner at the Balearic Islands
During the years in which the Obra del Cançoner project was carried out, nearly seventy research missions were carried out: field work carried out by pairs of professionals in ethnology as well as in music and linguistics such as Joan Amades, Higini Anglès, Joan Tomàs, Palmira Jaquetti or Baltasar Samper who, traveling to a wide number of places, hurried to “collect this popular treasure that is almost dying in many places”, looking for it especially in the most remote places with the idea of finding “the sources where water flows clear”.

Between 1924 and 1935 nine research missions were conducted on the islands, seven of which, from the beginning until 1932, were headed by the musicologist and composer Baltasar Samper, and the last two, between 1934 and 1935, by Dolors Porta, with whom Samper went into permanent exile in Mexico after the Civil War. Samper conducted his research in Mallorca together with Ramon Morey, Josep Maria Casas and poet Miquel Ferrà.

Tomàs Monserrat, portraitist of a town
The figure of Tomàs Monserrat (Llucmajor, 1873-1944), a pioneer of photography in Llucmajor and almost unknown outside his native town, was vindicated for the history of photography by Toni Catany. With the help of Monserrat’s nieces, he recovered about one hundred and fifty glass plates, a selection of which made up an exhibition that could be seen in Llucmajor in 1965 and which was collected in the book Tomàs Monserrat, retratista d’un poble (Tomàs Monserrat, portraitist of a town) in 1983. Catany considered Monserrat a naif, on the fringes of any aesthetic current: his photographs maintain a constant framing and are almost always taken in the same corner of the courtyard, at the same time of the day and with the same decorative elements. The Fundació Toni Catany preserves about 900 glass plates that will soon be guarded at the International Centre of Photography along with the archive and collections of Toni Catany.

“Registrar, mirar, recórrer” es va poder veure al Museu de la Música de Barcelona durant el primer semestre de 2023. Ara, tot coincidint amb el 154è aniversari del naixement de Maria Antònia Salva, arriba a Llucmajor en una versió expandida que confronta l’empremta de les fotografies fetes entre 1900 i 1925 per Tomàs Monserrat, retratista i capellà de Llucmajor, amb el registre fotogràfic de l’Obra del Cançoner Popular de Catalunya (1922-1936). L’ús de la fotografia documental, tot i no ser un element central en els objectius inicials del gran projecte etnogràfic, deixa una empremta única formada per milers de fotografies, la majoria inèdites, de les quals en presentem una selecció. Així mateix, la mostra aprofundeix en la Missió 13 de l’Obra, conduïda per Baltasar Samper i Josep Maria Casas l’any 1925 a Llucmajor, on van ser acollits a Sa Llapassa per la família Salvà.

L’Obra del Cançoner Popular de Catalunya
L’Obra del Cançoner Popular és, sens dubte, l’aportació més significativa en l’etnologia del segle XX en el domini lingüístic català. Concebuda amb l’objectiu de confegir, estructurar i publicar un exhaustiu corpus musical recollit de l’oralitat, respon a la necessitat de capturar els vestigis d’una cultura en transformació i en risc d’extinció: vestigis que conformen, alhora, una identitat comuna. A més de la transcripció de milers de cançons i de la descripció dels seus usos i contextos, també es van fotografiar i enregistrar bona part dels seus transmissors.

La reproductibilitat tècnica permesa tant per les màquines de retratar com pels fonògrafs —una tecnologia aleshores puntera i en difusió exponencial— es confronta amb maneres de viure que a poc a poc s’esvaeixen, per deixar-ne així una traça que és, tanmateix, tan evanescent com els mateixos instants i rostres capturats.

L’Obra del Cançoner a les Illes Balears
Durant els anys en què es va dur a terme el projecte de l’Obra del Cançoner es van fer prop de setanta missions de recerca: treballs de camp portats a cap per parelles de professionals tant de l’etnologia com de la música i la lingüística com Joan Amades, Higini Anglès, Joan Tomàs, Palmira Jaquetti o Baltasar Samper que, tot recorrent una àmplia geografia, s’afanyaven a «fer la recollida d’aquest tresor popular que en molts indrets ja gairebé agonitza», buscant-lo especialment als indrets més remots amb la idea de trobar «les fonts on l’aigua ragi ben clara».

Entre 1924 i 1935 es van efectuar nou missions de recerca a les Illes Balears, set de les quals, des de l’inici fins a 1932, van ser encapçalades pel musicòleg i compositor Baltasar Samper, i les dues darreres, entre 1934 i 1935, per Dolors Porta, amb qui Samper s’exilià definitivament a Mèxic després de la Guerra Civil. Samper va dur a terme les seves recerques a Mallorca juntament amb Ramon Morey, Josep Maria Casas i el poeta Miquel Ferrà.

Tomàs Monserrat, retratista d’un poble
La figura de Tomàs Monserrat (Llucmajor, 1873-1944), pioner de la fotografia a Llucmajor i gairebé desconegut fora de la seva vila natal, va ser vindicada per a la història de la fotografia per Toni Catany, qui, amb l’ajuda de les nebodes de Monserrat, va recuperar-ne unes cent cinquanta plaques de vidre, una selecció de les quals va conformar una exposició que es va poder veure a Llucmajor el 1965 i que es va recollir al llibre Tomàs Monserrat, retratista d’un poble (1983). Catany considerava Monserrat un naïf, situat al marge de tot corrent estètic: les seves fotografies mantenen un enquadrament constant, i són fetes gairebé sempre al mateix racó del corral, a la mateixa hora del dia i amb els mateixos elements decoratius. La Fundació Toni Catany en conserva les prop de 900 plaques de vidre que aviat es custodiaran, juntament amb l’arxiu i les col·leccions de Toni Catany, al Centre Internacional de Fotografia.

(Text: Fundació Toni Catany, Llucmajor)

Fundación Foto Colectania | Barcelona
28. Juni 2023 - 7. Januar 2024

Lo Indestructible
Albarrán Cabrera

Foto Colectania präsentiert "Lo Indestructible", die erste monografische Ausstellung von Albarrán Cabrera in einem Kunstzentrum.

Das Künstlerduo hat ein Universum von erlesener Schönheit rund um Zeit, Identität und Erinnerung geschaffen.

Ihr Werk zeichnet sich durch die Vielfalt der von ihnen verwendeten fotografischen Techniken aus, die ihren Bildern eine ganz besondere Ästhetik und handwerkliche Qualität verleihen.

Die Ausstellung, die fast 90 Fotografien aus seinen emblematischsten Serien versammelt, wurde bei Foto Colectania dank der maßgeblichen Mitarbeit der Stiftung Banco Sabadell organisiert.

Ángel Albarrán und Anna Cabrera arbeiten seit 1996 als Fotografen zusammen. Beeinflusst von westlichen und östlichen Denkern, Filmemachern, Schriftstellern und Künstlern, nutzen sie das Medium der Fotografie, um vorgefasste Meinungen über Zeit, Ort und Identität zu hinterfragen. Auf diese Weise gelingt es ihnen, einen neuen Begriff von Wahrnehmung als Schlüsselelement für das Verständnis nicht nur der Kunst, sondern der Lebenserfahrung selbst zu gewinnen.

"Die Fotografie hilft uns, die Realität zu verstehen, die Bilder sind wie visuelle Notizen in einem Notizbuch", erklärt Albarrán Cabrera. Sein poetisches Universum lädt uns auf eine traumhafte Reise ein. Die Anfänge des Fluges, eingefangen zwischen den Aushöhlungen des Dickichts, das Gleiten über die glatte Wasseroberfläche, perlschwarze oder schneeweiße Federn, funkelnde, samtige Blütenblätter... Seine Bilder zwischen Realität und Illusion untersuchen unsere Beziehung zu einer greifbaren Welt. Zeit, Erinnerung und eine fast physische Präsenz der Schönheit ziehen sich durch die Arbeiten dieser Fotografen.

Um dies zu erreichen, verwendet Albarrán Cabrera verschiedene fotografische Verfahren: Platin-/Palladiumdruck, Silbergelatine, Cyanotypie, Pigmentdruck usw., was ihren Bildern eine besondere Textur verleiht und ihr Angebot einzigartig macht: "Wir verstehen die Fotografie als ein Objekt und das fotografische Medium als ein Werkzeug, das uns erlaubt, von einem Konzept zu einem Bild und schließlich zu diesem spezifischen Objekt zu gelangen. Wir sind nicht daran interessiert, dass das Bild die Realität wiedergibt, sondern wir versuchen, ein Objekt zu schaffen, das genügend Informationen und Interesse bietet, um Teil der Erzählungen des Betrachters zu werden. Dabei ist jeder Prozess mit seinen spezifischen Merkmalen in der Lage, eine Realität mit eigenem Stil zu schaffen.

Die Arbeiten von Albarrán Cabrera befinden sich in öffentlichen und privaten Sammlungen, und seine redaktionellen Veröffentlichungen finden national und international große Beachtung.

Die Ausstellung zeigt eine Auswahl von mehr als 90 Bildern aus seinen wichtigsten Serien, die er in fast zwei Jahrzehnten fotografischer Arbeit geschaffen hat: The Mouth of Krishna, The Indestructible, This is you here, Kairos und Nyx.

Die Kernserie und diejenige mit der größten Anzahl von Werken in der Ausstellung ist The Mouth of Krishna, inspiriert von der Legende des Gottes Krishna als Kind: Während andere Kinder Früchte von einem Baum pflückten, pflückte Krishna die Früchte vom Boden und aß sie. Seine Mutter schimpfte mit ihm und verlangte, dass er seinen Mund öffnete, und darin sah sie die überwältigende Weite des Universums. Diese Geschichte ist die Metapher, die als Ausgangspunkt für The Mouth of Krishna dient, eine Serie mit offenem Ende, die das Ergebnis einer Untersuchung der Vielfältigkeit, Struktur und Wahrhaftigkeit der von uns wahrgenommenen Realität ist.

Die übrigen Serien der Autoren sind aus dieser Serie hervorgegangen, als Ableger eines bestimmten Themas, das im Laufe der Zeit seine eigene Bedeutung erlangt hat.

Darüber hinaus werden in der Ausstellung Elemente gezeigt, die Teil des komplexen Herstellungsprozesses der Fotografien sind, für den Albarrán Cabrera mehrere Tage braucht. Und eine Auswahl seiner Fotobücher, von denen einige bereits vergriffen sind.

Es handelt sich um die erste monografische Ausstellung der Autoren in unserem Land in einem Kunstzentrum, die eine Auswahl von Fotografien aus den Sammlungen der Künstler, der Galería Elvira González und der Fundación Foto Colectania selbst zusammenführt.

Foto Colectania présente "Lo Indestructible", la première exposition monographique d'Albarrán Cabrera dans un centre d'art.

Le duo d'artistes a créé un univers d'une exquise beauté autour du temps, de l'identité et de la mémoire.

Leur travail se caractérise par la diversité des techniques photographiques qu'ils utilisent et qui confèrent à leurs images une esthétique très particulière et une charge artisanale.

L'exposition, qui rassemble près de 90 photographies de ses séries les plus emblématiques, a été organisée à Foto Colectania grâce à la collaboration principale de la Fondation Banco Sabadell.

Ángel Albarrán et Anna Cabrera collaborent en tant que photographes depuis 1996. Influencés par des penseurs, des cinéastes, des écrivains et des artistes occidentaux et orientaux, ils utilisent le médium photographique pour remettre en question les idées préconçues sur le temps, le lieu et l'identité. Son travail parvient ainsi à atteindre une nouvelle notion de la perception en tant qu'élément clé de la compréhension non seulement de l'art, mais aussi de l'expérience de la vie elle-même.

"La photographie nous aide à comprendre la réalité, les images sont comme des notes visuelles dans un carnet", déclare Albarrán Cabrera. Son univers poétique nous invite à un voyage onirique. Des prémices de vol saisies entre les creux des fourrés, des glissements sur la surface lisse de l'eau, des plumes d'un noir nacré ou d'un blanc neigeux, des pétales veloutés et étincelants... Ses images, entre réalité et illusion, interrogent notre rapport à un monde tangible. Le temps, la mémoire et la présence presque physique de la beauté traversent le travail de ces photographes.

Pour y parvenir, Albarrán Cabrera utilise de multiples procédés photographiques : impression au platine/palladium, gélatine argentique, cyanotype, impression pigmentée, etc., ce qui donne à leurs images une texture particulière et rend leur proposition très unique : "Nous comprenons la photographie comme un objet, et le médium photographique comme un outil qui nous permet de passer d'un concept à une image et enfin à cet objet spécifique. Nous ne cherchons pas à ce que l'image reproduise la réalité, mais nous essayons de créer un objet qui possède suffisamment d'informations et d'intérêt pour s'intégrer dans les récits des spectateurs. C'est là que chaque processus, avec ses caractéristiques spécifiques, est capable de créer une réalité avec son propre style.

Le travail d'Albarrán Cabrera est présent dans des collections publiques et privées, et ses publications éditoriales sont bien accueillies au niveau national et international.

L'exposition présente une sélection de plus de 90 images issues de ses séries les plus importantes, qu'il a produites au cours de près de deux décennies de travail photographique : The Mouth of Krishna, The Indestructible, This is you here, Kairos et Nyx.

La série principale et celle qui compte le plus grand nombre d'œuvres dans l'exposition est The Mouth of Krishna, inspirée par la légende du dieu Krishna enfant : alors que les autres enfants cueillaient des fruits sur un arbre, Krishna ramassait les fruits sur le sol et les mangeait. Sa mère l'a grondé et lui a demandé d'ouvrir la bouche. À l'intérieur, elle a vu l'immensité écrasante de l'univers. Cette histoire est la métaphore qui sert de point de départ à La bouche de Krishna, une série ouverte, fruit d'une recherche sur la multiplicité, la structure et la vraisemblance de la réalité que nous percevons.

Les autres séries des auteurs ont été générées à partir de celle-ci, comme des ramifications d'un thème spécifique qui, au fil du temps, a acquis sa propre importance.

En outre, l'exposition présentera des éléments qui font partie du processus complexe de production des photographies, qui peut prendre plusieurs jours à Albarrán Cabrera. Et une sélection de ses livres de photos, dont certains sont déjà épuisés.

Il s'agit de la première exposition monographique des auteurs dans un centre d'art de notre pays. Elle réunira une sélection de photographies provenant des collections des artistes, de la Galería Elvira González et de la Fundación Foto Colectania elle-même.

Foto Colectania presenta "Lo Indestructible", la prima mostra monografica di Albarrán Cabrera in un centro d'arte.

Il duo artistico ha creato un universo di squisita bellezza intorno al tempo, all'identità e alla memoria.

Il loro lavoro è caratterizzato dalla diversità delle tecniche fotografiche utilizzate, che conferiscono alle loro immagini una carica estetica e artigianale molto particolare.

La mostra, che riunisce quasi 90 fotografie delle sue serie più emblematiche, è stata organizzata da Foto Colectania grazie alla collaborazione principale della Fondazione Banco Sabadell.

Ángel Albarrán e Anna Cabrera collaborano come fotografi dal 1996. Influenzati da pensatori, registi, scrittori e artisti, sia occidentali che orientali, utilizzano il mezzo fotografico per mettere in discussione idee preconcette su tempo, luogo e identità. Il suo lavoro riesce così a raggiungere una nuova nozione di percezione come elemento chiave per comprendere non solo l'arte, ma la stessa esperienza di vita.

"La fotografia ci aiuta a capire la realtà, le immagini sono come appunti visivi su un quaderno", dichiara Albarrán Cabrera. Il suo universo poetico ci invita a un viaggio onirico. Inizi di volo catturati tra le cavità della boscaglia, planate sulla superficie liscia dell'acqua, piume di un nero perlaceo o di un bianco candido, petali scintillanti e vellutati... Le sue immagini, tra realtà e illusione, indagano il nostro rapporto con un mondo tangibile. Il tempo, la memoria e la presenza quasi fisica della bellezza attraversano il lavoro di questi fotografi.

Per ottenere questo risultato, Albarrán Cabrera utilizza molteplici procedimenti fotografici: stampa al platino/palladio, gelatina d'argento, cianotipia, stampa pigmentata, ecc. che conferiscono alle loro immagini una consistenza speciale e rendono la loro proposta davvero unica: "Intendiamo la fotografia come un oggetto, e il mezzo fotografico come uno strumento che ci permette di passare da un concetto a un'immagine e infine a quell'oggetto specifico. Non ci interessa che l'immagine riproduca la realtà, ma cerchiamo di creare un oggetto che abbia abbastanza informazioni e interesse da diventare parte della narrazione dello spettatore. È qui che ogni processo, con le sue caratteristiche specifiche, è in grado di creare una realtà con un proprio stile.

Il lavoro di Albarrán Cabrera è presente in collezioni pubbliche e private e le sue pubblicazioni editoriali sono ben accolte a livello nazionale e internazionale.

La mostra presenta una selezione di oltre 90 immagini tratte dalle sue serie più importanti, realizzate nel corso di quasi due decenni di lavoro fotografico: The Mouth of Krishna, The Indestructible, This is you here, Kairos e Nyx.

La serie principale e quella con il maggior numero di opere in mostra è La bocca di Krishna, ispirata alla leggenda del dio Krishna bambino: mentre gli altri bambini coglievano la frutta da un albero, Krishna raccoglieva la frutta da terra e la mangiava. Sua madre lo rimproverò e gli chiese di aprire la bocca e lì dentro vide la sconvolgente vastità dell'universo. Questa storia è la metafora che funge da punto di partenza per La bocca di Krishna, una serie aperta, frutto di una ricerca sulla molteplicità, la struttura e la verosimiglianza della realtà che percepiamo.

Le altre serie degli autori sono state generate da questa come propaggini di un tema specifico che nel tempo ha acquisito un proprio rilievo.

Inoltre, la mostra esporrà elementi che fanno parte del complesso processo di produzione delle fotografie, che può richiedere ad Albarrán Cabrera diversi giorni per essere completato. E una selezione dei suoi libri fotografici, alcuni dei quali già esauriti.

Si tratta della prima mostra monografica nel nostro Paese degli autori in un centro d'arte e riunirà una selezione di fotografie provenienti dalle collezioni degli artisti, dalla Galería Elvira González e dalla stessa Fundación Foto Colectania.

Foto Colectania presents 'Lo Indestructible', the first monographic exhibition of Albarran Cabrera in an art center

The artistic duo has created a universe of exquisite beauty around time, identity and memory

His work is characterized by the diversity of photographic techniques that use and that give his images a very special aesthetic and artisan load

The exhibition, which gathers about 90 photographs of its most emblematic series, has been organized in Foto Colectania thanks to the main collaboration of the Banco Sabadell Foundation

Angel Albarrán and Anna Cabrera have been working collaboratively as photographers since 1996. Influenced by both Western and Eastern thinkers and artists, they use the photographic medium to question preconceived ideas about time, place and identity. In this way their work achieves a new notion of perception as a key element in understanding not only art but life experience itself.

"Photography helps us understand reality, the images are like visual annotations in a notebook," Albarrán Cabrera said. His poetic universe invites us to a dreamlike journey. Beginnings of flight caught between the hollows of the thicket, glides on the smooth surface of the waters, feathers of pearly black or of a white níveo, sparkling of velvety petals... His images, between reality and illusion, investigate our relationship with a tangible world. Time, memory and an almost physical presence of beauty run through the work of these photographers.

To achieve this, Albarrán Cabrera employs multiple photographic procedures: platinum/palladium printing, silver gelatin, cyanotype, pigmented printing, etc., which gives its images a special texture and makes its proposal very unique: "We understand photography as an object, and the photographic medium as a tool that allows us to reach from a concept to an image and at the end to that specific object. We do not want the image to reproduce reality, but we try to create an object that has enough information and interest to become part of the narratives of the looking. That is where each process with its specific characteristics is able to create a reality with its own style".

The work of Albarrán Cabrera is present in collections, both public and private, and its editorial publications are widely received nationally and internationally.

The exhibition shows a selection of more than 90 images from their most relevant series, which they have produced during almost two decades of photographic work: The Mouth of Krishna, The Indestructible, This is you here, Kairos and Nyx.

The main series and the one with the largest number of works in the show is The Mouth of Krishna, inspired by the legend of the god Krishna when he was a child: while other children plucked fruits from a tree, Krishna picked up the fruit from the ground and gave it to him. I used to eat. His mother scolded him and demanded that he open his mouth and inside there, she saw the overwhelming immensity of the universe. This story is the metaphor that serves as the starting point for The Mouth of Krishna, an open series, the result of research into the multiplicity, structure, and plausibility of the reality we perceive.

The rest of the series by the authors have been generated from this one as ramifications of a specific theme that over time has acquired a leading role of its own.

In addition, in the exhibition you will be able to see elements that are part of the complex process of producing the photographs, in which Albarrán Cabrera can spend several days. And a selection of his photobooks, some of which are already out of print.

This is the first monographic exhibition in our country of the authors in an art center and will bring together a selection of photographs from collections from the artists, the Elvira González Gallery and the Foto Colectania Foundation itself.

Foto Colectania presenta ‘Lo Indestructible’, la primera exposición monográfica de Albarrán Cabrera en un centro de arte

El dúo artístico ha creado un universo de belleza exquisita en torno al tiempo, la identidad y la memoria

Su obra se caracteriza por la diversidad de técnicas fotográficas que utilizan y que dan a sus imágenes una carga estética y artesanal muy especial

La muestra, que reúne cerca de 90 fotografías de sus series más emblemáticas, se ha organizado en Foto Colectania gracias a la colaboración principal de la Fundación Banco Sabadell

Ángel Albarrán y Anna Cabrera han trabajado de manera colaborativa como fotógrafos desde 1996. Influidos por pensadores, cineastas, escritores y artistas, tanto occidentales como orientales, utilizan el medio fotográfico para cuestionar las ideas preconcebidas sobre el tiempo, el lugar o la identidad. Su trabajo logra así, alcanzar una nueva noción de la percepción como elemento clave a la hora de entender no sólo el arte, sino la propia experiencia vital.

“La fotografía nos ayuda a comprender la realidad, las imágenes son como anotaciones visuales en un cuaderno”, declaran Albarrán Cabrera. Su universo poético nos invita a un viaje onírico. Inicios de vuelo captados entre los huecos de la espesura, deslizamientos sobre la superficie tersa de las aguas, plumas de color negro nacarado o de un blanco níveo, centelleo de pétalos aterciopelados… Sus imágenes, entre la realidad y la ilusión, indagan en nuestra relación con un mundo tangible. El tiempo, la memoria y una presencia casi física de la belleza recorren toda la obra de estos fotógrafos.

Para lograrlo, Albarrán Cabrera emplean múltiples procedimientos fotográficos: impresión en platino/paladio, gelatina de plata, cianotipo, impresión pigmentada, etc., lo que confiere a sus imágenes una textura especial y hace su propuesta muy singular: “Entendemos la fotografía como un objeto, y el medio fotográfico, como una herramienta que nos permite llegar desde un concepto a una imagen y al final a ese objeto concreto. No nos interesa que la imagen reproduzca la realidad, sino que intentamos crear un objeto que tenga información e interés suficientes para que entre a formar parte de las narrativas del que mira. Ahí es donde cada proceso con sus características concretas es capaz de crear una realidad con un estilo propio”.

La obra de Albarrán Cabrera está presente en colecciones, tanto públicas como privadas, y sus publicaciones editoriales tienen una gran acogida a nivel nacional e internacional.

La exposición muestra una selección de más de 90 imágenes de sus series más relevantes, que han realizado durante casi dos décadas de labor fotográfica: The Mouth of Krishna, The Indestructible, This is you here, Kairos y Nyx.

La serie troncal y de la que habrá mayor número de obra en la muestra es The Mouth of Krishna, inspirada en la leyenda del dios Krishna cuando era niño: mientras otros niños arrancaban frutas de un árbol, Krishna recogía la fruta del suelo y se la comía. Su madre lo regañó y le exigió que abriera la boca y allí dentro, ella vio la abrumadora inmensidad del universo. Esta historia es la metáfora que sirve de punto de partida a The Mouth of Krishna, una serie abierta, resultado de la investigación de la multiplicidad, estructura y verosimilitud de la realidad que percibimos.

El resto de series de los autores se han generado a partir de ésta como ramificaciones de un tema específico que a lo largo del tiempo ha adquirido un protagonismo propio.

Además, en la exposición se podrán ver elementos que forman parte del complejo proceso de producción de las fotografías, en el que Albarrán Cabrera pueden llegar a emplear varios días. Y una selección de sus fotolibros, algunos de los cuales están ya agotados.

Esta es la primera muestra monográfica en nuestro país de los autores en un centro de arte y reunirá una selección de fotografías de fondos procedentes de los artistas, de la Galería Elvira González y de la propia Fundación Foto Colectania.

Ángel Albarrán i Anna Cabrera han treballat de manera col·laborativa com a fotògrafs des de l’any 1996. Influïts per pensadors, cineastes, escriptors i artistes, tant occidentals com orientals, utilitzen el mitjà fotogràfic per qüestionar les idees preconcebudes sobre el temps, el lloc o la identitat. D’aquesta manera, el seu treball aconsegueix assolir una nova noció de la percepció com a element clau per entendre no només l'art, sinó la pròpia experiència vital.

“La fotografia ens ajuda a comprendre la realitat, les imatges són com notes visuals en un quadern”, subratllen Albarrán Cabrera. El seu univers poètic ens convida a fer un viatge oníric: emprendre el vol entre els buits de l'espessor, lliscar sobre la superfície plana de les aigües, plomatge de color negre nacrat o d'un blanc immaculat, centelleig de pètals vellutats… Les seves imatges, entre la realitat i la il·lusió, exploren la nostra relació amb un món tangible. El temps, la memòria i la presència gairebé física de la bellesa recorren tota l'obra d'aquests fotògrafs.

Per aconseguir-ho, Albarrán Cabrera utilitzen una gran varietat de procediments fotogràfics: impressió en platí/pal·ladi, gelatina de plata, cianotípia, impressió pigmentada, etc. Tot plegat confereix a les seves imatges una textura especial i fa que la seva proposta sigui molt singular: “Entenem la fotografia com un objecte, i el mitjà fotogràfic, com una eina que ens permet passar d’un concepte a una imatge i, finalment, a un objecte concret. No ens interessa que la imatge reprodueixi la realitat, sinó intentar crear un artefacte que tingui prou informació i interès perquè entri a formar part de la narrativa de qui se’l mira. És aquí on cada procés, amb les seves característiques concretes, és capaç de crear una realitat amb estil propi”.

L'obra d'Albarrán Cabrera és present en col·leccions públiques i privades, i les seves publicacions editorials gaudeixen d’una gran acollida, tant a nivell nacional com internacional.

L'exposició mostra una selecció de més de 90 imatges de les sèries de major rellevància que han realitzat durant gairebé dues dècades de treball fotogràfic: Mouth of Krishna, Indestructible, This is you here, Kairos i Nyx.

La sèrie troncal, i que serà la més representada a la mostra, és The Mouth of Krishna, inspirada en la llegenda del déu Krishna d’infant: quan els altres nens arrencaven les fruites d'un arbre, el Déu Krishna les recollia del terra i se les menjava. En veure-ho, la seva mare va renyar-lo i li va exigir que obrís la boca. Dins seu, ella hi va veure l’aclaparadora immensitat de l’univers.

Aquesta història és la metàfora que serveix de punt de partida a The Mouth of Krishna, una sèrie oberta, que és el resultat de la investigació de la multiplicitat, de la estructura i de la versemblança de la realitat que percebem. La resta de sèries d’Albarran Cabrera s'han generat a partir d'aquesta com a ramificacions d'un tema específic que ha adquirit un protagonisme propi al llarg del temps.

A més, a l'exposició es podran veure alguns elements que ajudaran a entendre la complexitat del procés de producció de les fotografies (per enllestir-les, Albarrán Cabrera hi poden dedicar dies), i una selecció dels seus fotollibres, alguns dels quals ja estan exhaurits.

Aquesta és la primera mostra monogràfica dels autors que es realitza en un centre d’art al nostre país, i reunirà una selecció de fotografies de fons procedents dels mateixos artistes, de la Galeria Elvira González i de la Fundació Foto Colectania.

(Text: Fundación Foto Colectania, Barcelona)

Centre internacional de fotografia Toni Catany | Llucmajor

19. März 2023 – 7. April 2024

Michael Kenna, Toni Catany: Confluències

Im Rahmen des Konzepts TRANSFERS präsentieren wir die erste große Ausstellung im Internationalen Zentrum für Fotografie Toni Catany: MICHAEL KENNA, TONI CATANY: CONFLUENCIES, in der die Arbeiten des englischen und des mallorquinischen Fotografen um sechs thematische Achsen herum miteinander in Dialog treten: tote Natur, Statuen, der Kern, Südostasien, Mallorca und Venedig.

Der Engländer und der Mallorquiner kannten sich nicht, sie sind sich nie begegnet, aber wir wissen, dass sie sich gegenseitig respektierten und bewunderten.

Von vornherein könnte man glauben, dass ihre Werke unterschiedlich sind: Bei Kenna finden wir eine Vorliebe für Landschaften, die ausschließliche Verwendung des Mittelformats und schwarz-weiße, kleinformatige Zeichnungen, die er immer mit eigenen Mitteln herstellt.

Catany hat alles erforscht, was ihm die Inspiration vor Augen geführt hat: von Porträts bis zum Nu, von der Architektur bis zur Landschaft, von der Reportage bis zur toten Natur; er hat sich keinem Thema und keiner Thematik verschlossen; er hat sowohl in Farbe als auch in Schwarz-Weiß, analog und digital gearbeitet; Er experimentiert mit allen Formaten und allen Techniken (Kalotypie, Heliogravat, transportiertes Polaroid), wenn er sie für geeignet hält und sie seine Ziele und Wünsche bereichern.

Und doch haben ihre Universen mehr Gemeinsamkeiten, als es auf den ersten Blick scheinen mag: Keiner von beiden ignoriert die Moden oder Trends und schafft ein wirklich zeitloses Werk; beide sind nostalgisch, was die Geschichte der Fotografie und der Kunst im Allgemeinen angeht, und beanspruchen dieses Erbe der Vergangenheit; beide sind große Leser, Musik- und Filmliebhaber; beide sind Genießer des Geistes.

Über die Unterschiede hinaus haben wir beschlossen, uns auf die Gemeinsamkeiten, die Konvergenzen zwischen dem Werk von Michael Kenna und dem von Toni Catany zu konzentrieren. Was wir als Übereinstimmungen sehen.

Ohne den Anspruch auf Vollständigkeit erheben zu wollen, haben wir sechs versucht... Sowohl für den einen als auch für den anderen, entweder im Kern oder an der Peripherie, gibt oder gab es die tote Natur, die Flussmündungen, den Norden, Südostasien, Mallorca und Venedig. Diese Berührungspunkte bilden das Herz und die Seele dieser Ausstellung.

En accord avec le concept de TRANSFERTS, nous présentons la première grande exposition du Centre international de la photographie Toni Catany : MICHAEL KENNA, TONI CATANY : CONFLUENCIES, dans laquelle l'œuvre du photographe anglais et celle du photographe majorquin dialoguent autour de six axes thématiques : la nature morte, les statues, le noyau, l'Asie du Sud-Est, Majorque et Venise.

L'Anglais et le Majorquin ne se connaissaient pas, ils ne se sont jamais rencontrés, mais on sait qu'ils se respectaient et s'admiraient.

A priori, on pourrait croire que leurs œuvres sont différentes : chez Kenna, on trouve une prédilection pour le paysage, l'utilisation exclusive du moyen format et du noir et blanc, des dessins de petit format, toujours réalisés par ses propres moyens.

Catany a exploré tout ce que l'inspiration lui a offert : du portrait au nu, de l'architecture au paysage, du reportage à la nature morte ; il ne s'est privé d'aucun sujet, d'aucun thème ; il a pratiqué aussi bien la couleur que le noir et blanc, l'analogique que le numérique ; expérimentant tous les formats et toutes les techniques (calotype, héliogravure, polaroïd transporté) dès lors qu'il les juge adaptés et qu'ils enrichissent ses objectifs et ses envies.

Pourtant, leurs univers présentent plus de similitudes qu'il n'y paraît à première vue : ni l'un ni l'autre ne font fi des modes ou des tendances, créant une œuvre véritablement intemporelle ; tous deux sont nostalgiques de l'histoire de la photographie, comme de l'histoire de l'art en général, revendiquant cet héritage du passé ; tous deux sont de grands lecteurs, mélomanes et cinéphiles ; tous deux sont des épicuriens de l'esprit.

Au-delà des différences, nous avons décidé de nous concentrer sur les similitudes, les convergences entre l'œuvre de Michael Kenna et celle de Toni Catany. Ce que nous considérons comme des confluences.

Sans prétendre à l'exhaustivité, nous en avons essayé six... Chez l'un comme chez l'autre, au cœur ou à la périphérie, il y a ou il y a eu la nature morte, les estuaires, le Nord, l'Asie du Sud-Est, Majorque et Venise. Ces points de convergence constituent le cœur et l'âme de cette exposition.

Al di là del concetto di TRANSFERÈNCIES, presentiamo la prima grande esposizione del Centre Internacional de Fotografia Toni Catany: MICHAEL KENNA, TONI CATANY: CONFLUÈNCIES, in cui l'opera del fotografo anglosassone e quella del fotografo italiano dialogano tra di loro su due temi: la natura morta, gli estratti, la nuvola, il sud-est asiatico, Mallorca e Venècia.

L'anglès i el mallorquí no es coneixien, no es van trobar mai, ma sabem que es respectaven i s'admiraven mútuament.

A priori, possiamo affermare che le sette opere sono diverse tra loro: in Kenna troviamo una predilezione per il paesaggio, l'esclusività del formato bianco e nero, dei disegni di dimensioni ridotte, sempre realizzati con i propri mezzi.

Catany ha esplorato tutto ciò che l'ispirazione le ha presentato: del retrat al nu, dell'arquitectura al paisatge, del reportatge alla natura morta; non si è privata di nessun soggetto, di nessun tema; ha praticato tanto il colore quanto il bianco e il nero, tanto l'analogico quanto il digitale; sperimentando tutti i formati e le tecniche (calotip, eliogravure, polaroid transportada), considerandoli sempre adeguati e soddisfacendo le proprie esigenze e aspirazioni.

I, amb tot, els seus universos present més semblances del que pugui parèixer d'entrada: i due sono casi di modi o di tendenze, e creano un'opera veramente atemporale; i due sono nodrixixen della storia della fotografia, così come della storia dell'arte in generale, reivindicant aquest legat del passat; i due sono grandi lettori, melòmans i cinèfils; i due sono epicuris d'esperit.

Al di là delle differenze, ha deciso di sottolineare le somiglianze, le convergenze tra le opere di Michael Kenna e Toni Catany. El que se'ns presenta com a confluències.

Sense pretendre ser exhaustius, n'hem triades sis... Tant per un com per l'altro, bé al cor o bé a la perifèria, hi ha o hi ha hagut la natura morta, les estàtues, el nu, el sud-est asiàtic, Mallorca i Venècia. Questi punti di convergenza costituiscono il filo conduttore di questa esposizione.

Pulling the thread of the concept of TRANSFERENCES, we present the first major exhibition of the International Center of Photography Toni Catany: MICHAEL KENNA, TONI CATANY: CONFLUENCES, in which the work of the English photographer and that of Toni Catany dialogue around six thematic axes: still life, statues, nudes, Southeast Asia, Mallorca and Venice.

From the moment that an inaugural exhibition had to be chosen for the Toni Catany International Photography Centre, the name of Michael Kenna sprung to mind. The Briton and the Majorcan didn’t know each other, they never met, but we know that they respected and admired each other.

A priori, we could think that their works are different and their paths decidedly parallel.

One has hammered the same nail since his beginnings, dug the same furrow, almost like an obsession: a predilection for landscape — often ‘inhabited’ —, the exclusive use of medium format and black and white, a systematic presentation in the form of small prints, always developing his work himself (even if from time to time he has made larger proofs for some of his images).

The other, as we know, has explored everything (or almost everything) that inspiration has placed before him: from portraits to nudes, from architecture to landscape, from reportage to still life; never depriving himself of any subject, of any theme; working with both colour and black and white, both analogue and digital; experimenting with all formats and all techniques whenever he considered them appropriate and enriching for his aims and desires.

And yet, their universes have more similarities than might appear at first glance. In the first place, both work or have worked without paying any attention to fashions or trends, insensitive to the siren songs of the inclinations of the moment. Perhaps this is what makes their photographs truly timeless.

Both are or have been nourished by the history of photography, as well as by the history of art in general, claiming this inheritance from the past. Both are or have been great readers, passionate about poetry. Both are or have been lovers of music and film. Both are or have been epicureans in spirit. Both are or have been in love with life.

Beyond the differences, we have decided to emphasise the similarities and the convergences between the work of Michael Kenna and Toni Catany. What we see as confluences. Without claiming to be exhaustive, we have chosen six…

For each photographer, whether at the heart or on the periphery of their work, there are or have been still lifes, statues, nudes, Southeast Asia, Majorca and Venice. These points of convergence constitute the heart and body of this exhibition.

Estirant del fil del concepte de TRANSFERÈNCIES, presentam la primera gran exposició del Centre Internacional de Fotografia Toni Catany: MICHAEL KENNA, TONI CATANY: CONFLUÈNCIES, en què l’obra del fotògraf anglès i la del llucmajorer dialoguen al voltant de sis eixos temàtics: la natura morta, les estàtues, el nu, el sud-est asiàtic, Mallorca i Venècia.

L’anglès i el mallorquí no es coneixien, no es van trobar mai, però sabem que es respectaven i s’admiraven mútuament.

A priori, podríem creure que les seves obres són diferents: en Kenna trobam una predilecció pel paisatge, l’ús exclusiu del format mig i el blanc i negre, uns tiratges de petites dimensions, sempre realitzats pels seus propis mitjans.

Catany ha explorat tot el que la inspiració li ha presentat: del retrat al nu, de l’arquitectura al paisatge, del reportatge a la natura morta; no s’ha privat de cap subjecte, de cap temàtica; ha practicat tant el color com el blanc i negre, tant l’analògic com el digital; experimentant tots els formats i totes les tècniques (calotip, heliogravat, polaroid transportada) sempre que les consideràs adequades i que enriquissin els seus propòsits i els seus anhels.

I, amb tot, els seus universos presenten més semblances del que pugui parèixer d’entrada: cap dels dos fa cas de modes o tendències, creant una obra veritablement atemporal; tots dos es nodreixen de la història de la fotografia, així com de la història de l’art en general, reivindicant aquest llegat del passat; tots dos són grans lectors, melòmans i cinèfils; tots dos són epicuris d’esperit.

Més enllà de les diferències, hem decidit posar l’accent en les similituds, les convergències entre l’obra de Michael Kenna i la de Toni Catany. El que se’ns presenta com a confluències.

Sense pretendre ser exhaustius, n’hem triades sis… Tant per a un com per a l’altre, bé al cor o bé a la perifèria, hi ha o hi ha hagut la natura morta, les estàtues, el nu, el sud-est asiàtic, Mallorca i Venècia. Aquests punts de convergència constitueixen el cor i el cos d’aquesta exposició.

(Text: Centre internacional de fotografia Toni Catany)

Fundación Foto Colectania | Barcelona
2. Februar - 28. Mai 2023

Resistencia poética
Marcelo Brodsky

Die Stiftung Foto Colectania präsentiert dank der Zusammenarbeit mit der Stiftung Banco Sabadell die Ausstellung Marcelo Brodsky. Poetischer Widerstand, kuratiert von Irene de Mendoza.

Marcelo Brodsky wurde in Argentinien geboren und ging während der argentinischen Militärdiktatur in den 1970er und 1980er Jahren nach Spanien ins Exil. Sein Werk kombiniert Bilder und Interventionen mit Farbe und Text und bewegt sich zwischen Fotografie, Installation, Performance und Mahnmal.

Das Thema von Brodskys Werk umspannt die ganze Welt. Es beginnt mit dem Kampf für die Menschenrechte in Argentinien, den Brodsky im Laufe der Jahre auf viele andere Länder ausweitete. Der Rückblick auf das Jahr 1968, der Bilder der weltweiten Proteste zeigt, ist zu einem seiner ehrgeizigsten Projekte geworden, da er uns auch mit anderen miteinander verbundenen Realitäten der Zeit konfrontiert, wie Kolonialismus, Kapitalismus, Rassismus und Patriarchat. In seiner Laufbahn hat er sich auch für Bürgerrechtsbewegungen oder Black Lives Matter in den Vereinigten Staaten eingesetzt, und in jüngster Zeit war er an der Suche nach wiederherstellender Gerechtigkeit für die Opfer des Völkermords im Kolonialstaat Deutsch-Südwestafrika (dem heutigen Namibia) beteiligt.

Jüngste Äußerungen des Autors: "Fotografien sind immer offen für mehrere Interpretationen, und meine Eingriffe in die Bilder geben eine Richtung vor. Die hinzugefügten Texte und Farben konstruieren eine alternative Form der Sprache, eine Poetik des Widerstands. Indem ich in historische Bilder eingreife und ihren Kontext wiederherstelle, versuche ich, Pfeile in die Zukunft, die unsere Gegenwart ist, zu schießen".

Die in der Foto Colectania präsentierte Ausstellung versammelt einige seiner bekanntesten Serien: Sie beginnt mit einer Auswahl von fünf Fotografien, die während seines Exils in Barcelona Ende der 1970er Jahre entstanden sind, und einem Abschnitt, der seinem Projekt Buena Memoria gewidmet ist, in dem er die Folgen der argentinischen Diktatur für seine Schulkameraden untersucht. Diese Arbeit wurde zu einem der Ausgangspunkte für die Interventionen mit Text und Farbe auf Fotografien, die er in seinen späteren Projekten anwenden sollte.

Zu den weiteren ausgestellten Serien gehört sein emblematisches Werk von 1968. El fuego de las ideas, das die 1968 weltweit entfachten Bewegungen zeigt, die Fotografien des Kampfes gegen den Franquismus oder die Apartheid in Südafrika (die er zusammen mit dem Fotografen Gideon Mendel gemacht hat), das beeindruckende Rastros de violencia, das den ersten Völkermord der Geschichte anhand der kolonialistischen Fotografien des Deutschen Reichs im heutigen Namibia zeigt, und schließlich Paro Nacional über die jüngsten Aufstände in Kolumbien im Jahr 2021.

Der Künstler und Aktivist Marcelo Brodsky (Argentinien, 1954) gilt als einer der wichtigsten Autoren, die sich mit der Wiederherstellung des privaten Gedächtnisses und dessen Überschneidung mit der kollektiven Geschichte befassen. Sein Werk basiert auf der Re-Figuration des Bildes: Ausgehend von Archivbildern historischer Ereignisse, definiert Brodsky sie neu und aktualisiert sie, indem er Texte und Farbspuren einfügt und so ihre Bedeutung erweitert. Seine Arbeiten sind in der Regel Teil von konzeptionellen Essays zu einem Ereignis oder Thema.

Marcelo Brodsky ging im Alter von 22 Jahren ins Exil nach Barcelona. Dort absolvierte er eine Ausbildung bei dem Fotografen Manel Esclusa und studierte Wirtschaftswissenschaften an der Universität von Barcelona. Die Serie Exilios (Exilanten), die 1979 entstand, dem Jahr, in dem sein Bruder während der Diktatur in Argentinien verschwand, war das Ergebnis dieser Zeit.

Das Bild seines Selbstporträts, das er auf der Plaça de Sant Felip Neri aufgenommen hat, gilt als eines der wichtigsten Fotos in seiner Chronik des Exils. Nach seinem Abschluss als Fotograf kehrte Brodsky nach Argentinien zurück und eröffnete eine Bildagentur, Latinstock, die 30 Jahre lang tätig war. Der Autor selbst weist darauf hin, dass seine Kontakte und Erfahrungen im Rechtemanagement ausschlaggebend waren, um die am besten geeigneten Bilder für seine künstlerischen Projekte zu finden.

Er ist aktives Mitglied der Menschenrechtsorganisation "Asociación Buena Memoria" und Mitglied des Verwaltungsrats des Parque de la Memoria in Buenos Aires, der den Opfern des Staatsterrorismus gewidmet ist. Seine Werke wurden in renommierten Institutionen wie dem Metropolitan Museum of Art in New York, dem Museum of Fine Arts in Houston, dem Museo Nacional de Bellas Artes in Buenos Aires, der Pinacoteca del Estado de São Paulo oder dem Museo del Banco de la República in Bogotá ausgestellt, neben vielen anderen.

La Fondation Foto Colectania, grâce à la collaboration de la Fondation Banco Sabadell, présente l'exposition Marcelo Brodsky. Résistance poétique, organisée par Irene de Mendoza.

Né en Argentine, Marcelo Brodsky s'est exilé en Espagne pendant la dictature militaire argentine des années 1970 et 1980. Son travail combine des images et des interventions avec de la couleur et du texte, et se situe entre la photographie, l'installation, la performance et le mémorial.

Le sujet de l'œuvre de Brodsky couvre le monde entier. Il commence par la lutte pour les droits de l'homme en Argentine qui, au fil des ans, a été étendue à de nombreux autres pays. La revue de 1968, qui montre des images de manifestations mondiales, est devenue l'un de ses projets les plus ambitieux, car elle nous confronte également à d'autres réalités interconnectées de l'époque, comme le colonialisme, le capitalisme, le racisme et le patriarcat. Au cours de sa carrière, il a également donné raison aux mouvements pour les droits civiques ou Black Lives Matter aux États-Unis, et plus récemment, il a participé à la recherche d'une justice réparatrice pour les victimes du génocide dans l'État colonial du Sud-Ouest africain allemand (la Namibie d'aujourd'hui).

Dans des déclarations récentes de l'auteur : "Les photographies sont toujours ouvertes à de multiples interprétations, et mes interventions dans les images suggèrent une direction. Les textes et les couleurs ajoutés construisent une forme alternative de langage, une poétique de la résistance. Ce que j'essaie de faire en intervenant sur des images historiques et en récupérant leur contexte, c'est de décocher des flèches vers le futur, qui est notre présent".

L'exposition présentée à Foto Colectania rassemble certaines de ses séries les plus connues : elle débute par une sélection de cinq photographies prises lors de son exil à Barcelone à la fin des années 1970 et une section consacrée à son projet Buena Memoria, dans lequel il étudie les conséquences de la dictature argentine sur ses camarades de classe. Ce travail deviendra l'un des points de départ des interventions avec du texte et de la couleur sur des photographies qu'il appliquera dans ses projets ultérieurs.

Parmi les autres séries exposées, citons sa série emblématique de 1968. El fuego de las ideas, qui montre les mouvements déclenchés dans le monde en 1968, les photographies de la lutte contre le franquisme ou l'apartheid en Afrique du Sud (qu'il a réalisées avec le photographe Gideon Mendel), le saisissant Rastros de violencia, qui montre le premier génocide de l'histoire à travers les photographies colonialistes de l'empire allemand dans l'actuelle Namibie et, enfin, Paro Nacional, sur les récents soulèvements en Colombie en 2021.

Artiste et activiste, Marcelo Brodsky (Argentine, 1954) est considéré comme l'un des auteurs les plus pertinents travaillant sur la récupération de la mémoire privée et son intersection avec les histoires collectives. Son travail est basé sur la refiguration de l'image : partant d'images d'archives d'événements historiques, Brodsky les re-signifie et les actualise en y incorporant des textes et des traces de couleur, étendant ainsi leur signification. Ses œuvres font généralement partie d'essais conceptuels sur un événement ou un thème.

Marcelo Brodsky s'est exilé à Barcelone à l'âge de 22 ans. Il y a suivi une formation avec le photographe Manel Esclusa et a étudié l'économie à l'université de Barcelone. La série Exilios (Exilés), réalisée en 1979, année de la disparition de son frère en Argentine pendant la dictature, est le résultat de cette période.

L'image de son autoportrait prise sur la Plaça de Sant Felip Neri est considérée comme l'une des photographies les plus importantes de sa chronique de l'exil. Après avoir obtenu son diplôme de photographe, Brodsky est retourné en Argentine et a ouvert une agence d'images, Latinstock, qui a fonctionné pendant 30 ans. L'auteur lui-même souligne que ses contacts et son expérience en matière de gestion des droits ont été déterminants pour trouver les images les plus adaptées à ses projets artistiques.

Il est membre actif de l'organisation de défense des droits de l'homme "Asociación Buena Memoria" et du conseil d'administration du Parque de la Memoria à Buenos Aires, dédié aux victimes du terrorisme d'État. Ses œuvres ont été exposées dans des institutions prestigieuses telles que le Metropolitan Museum of Art de New York, le Museum of Fine Arts de Houston, le Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, la Pinacoteca del Estado de São Paulo ou le Museo del Banco de la República de Bogota, entre autres.

La Fondazione Foto Colectania, grazie alla collaborazione della Fondazione Banco Sabadell, presenta la mostra Marcelo Brodsky. Resistenza poetica, a cura di Irene de Mendoza.

Nato in Argentina, Marcelo Brodsky è andato in esilio in Spagna durante la dittatura militare argentina degli anni Settanta e Ottanta. Il suo lavoro combina immagini e interventi con colori e testi e si colloca tra fotografia, installazione, performance e memoriale.

Il soggetto delle opere di Brodsky spazia in tutto il mondo. Inizia con la lotta per i diritti umani in Argentina che, nel corso degli anni, Brodsky ha esteso a molti altri Paesi. La rassegna del 1968, che mostra immagini delle proteste mondiali, è diventata uno dei suoi progetti più ambiziosi, in quanto ci mette di fronte anche ad altre realtà interconnesse dell'epoca, come il colonialismo, il capitalismo, il razzismo e il patriarcato. Nella sua carriera ha anche rivendicato i movimenti per i diritti civili o il Black Lives Matter negli Stati Uniti, e più recentemente è stato coinvolto nella ricerca di una giustizia riparativa per le vittime del genocidio nello stato coloniale dell'Africa tedesca del Sud-Ovest (l'attuale Namibia).

Nelle recenti dichiarazioni dell'autore: "Le fotografie sono sempre aperte a molteplici interpretazioni, e i miei interventi nelle immagini suggeriscono una direzione. I testi e i colori aggiunti costruiscono una forma alternativa di linguaggio, una poetica della resistenza. Quello che cerco di fare intervenendo sulle immagini storiche e recuperando il loro contesto è scagliare frecce nel futuro, che è il nostro presente".

La mostra presentata a Foto Colectania riunisce alcune delle sue serie più note: inizia con una selezione di cinque fotografie scattate durante il suo esilio a Barcellona alla fine degli anni Settanta e una sezione dedicata al suo progetto Buena Memoria, in cui indaga le conseguenze della dittatura argentina sui suoi compagni di scuola. Questo lavoro sarebbe diventato uno dei punti di partenza per gli interventi con testo e colore sulle fotografie che avrebbe applicato nei suoi progetti successivi.

Tra le altre serie in mostra, l'emblematica del 1968. El fuego de las ideas, che mostra i movimenti scatenati in tutto il mondo nel 1968, le fotografie della lotta contro il franchismo o l'Apartheid in Sudafrica (che ha realizzato insieme al fotografo Gideon Mendel), il sorprendente Rastros de violencia, che mostra il primo genocidio della storia attraverso le fotografie colonialiste dell'Impero tedesco nell'attuale Namibia e, infine, Paro Nacional, sulle recenti rivolte in Colombia del 2021.

Artista e attivista, Marcelo Brodsky (Argentina, 1954) è considerato uno degli autori più rilevanti che lavorano sul recupero della memoria privata e sulla sua intersezione con le storie collettive. Il suo lavoro si basa sulla rifigurazione dell'immagine: partendo da immagini d'archivio di eventi storici, Brodsky le risignifica e le aggiorna incorporandovi testi e tracce di colore, estendendone così il significato. Le sue opere fanno generalmente parte di saggi concettuali su un evento o un tema.

Marcelo Brodsky andò in esilio a Barcellona all'età di 22 anni. Lì si è formato con il fotografo Manel Esclusa e ha studiato economia all'Università di Barcellona. La serie Exilios (Esiliati), realizzata nel 1979, anno della scomparsa del fratello in Argentina durante la dittatura, è il risultato di questo periodo.

L'immagine del suo Autoritratto scattata nella Plaça de Sant Felip Neri è considerata una delle fotografie più importanti della sua cronaca dell'esilio. Dopo essersi diplomato come fotografo, Brodsky è tornato in Argentina e ha aperto un'agenzia di immagini, Latinstock, che ha operato per 30 anni. L'autore stesso sottolinea che i suoi contatti e la sua esperienza nella gestione dei diritti sono stati decisivi per trovare le immagini più adatte ai suoi progetti artistici.

È membro attivo dell'organizzazione per i diritti umani "Asociación Buena Memoria" e del Consiglio di amministrazione del Parque de la Memoria di Buenos Aires, dedicato alle vittime del terrorismo di Stato. Le sue opere sono state esposte in istituzioni prestigiose come il Metropolitan Museum of Art di New York, il Museum of Fine Arts di Houston, il Museo Nacional de Bellas Artes di Buenos Aires, la Pinacoteca del Estado de São Paulo o il Museo del Banco de la República di Bogotá, tra le tante.

Foto Colectania Foundation, thanks to the key collaboration of the Banco Sabadell Foundation, presents on February 2, 2023 the exhibition Marcelo Brodsky. Poetic Resistance, curated by Irene de Mendoza.

Originally from Argentina, Marcelo Brodsky was exiled to Spain during his country’s military dictatorship of the 1970s and 1980s. His work combines images and interventions with colour and text, and stands at the intersection between photography, installation, performance and memorial art.

The subject matter of Brodsky's work spans historical and current world events. It begins with the depiction of the struggle for human rights in Argentina which, over the years, the artist extends to many other countries. The review of the year 1968, which shows images of worldwide demonstrations, has become one of his most ambitious projects, confronting us with other interconnected realities of the time, such as colonialism, capitalism, racism and patriarchy. Throughout his career he has also supported civil rights movements, such as Black Lives Matter in the United States, and more recently has been involved in seeking restorative justice for the victims of genocide in the colonial state of German South West Africa, today's Namibia.

As the author himself explains, “Photographs always remain open to multiple interpretations, and my interventions in the images suggest possible directions. The added texts and colours create an alternative language, a poetics of resistance. By intervening in historical images and reclaiming their circumstances, I seek to project them into the future, which is now our present".

The exhibition presented at Foto Colectania brings together some of his best-known series. It begins with a selection of five photographs taken during his exile at the end of the 1970s in Barcelona and a section dedicated to his project Buena Memoria (Good Memory), in which he investigates how Argentina's dictatorship affected his former schoolmates. This work would become one of the starting points for the intervention in photographs using text and colour, a technique he applies in his later projects.

Other series on display include his emblematic 1968. The Fire of Ideas, which depicts the unleashing of the 1968 world demonstrations, the photographs of the fight against Francoism and Apartheid in South Africa (the latter a collaborative project with the photographer Gideon Mendel), the impressive Traces of Violence, which shows history's first genocide through the colonialist photographs of the German Empire in present-day Namibia and, finally, Colombia. National Strike on the 2021 uprisings in Colombia.

An artist and activist, Marcelo Brodsky (Argentina, 1954) is considered one of the most relevant artists working on the recovery of private memory and its intersection with collective histories. His work is based on the refiguration of the image: taking archival images of historical events as a starting point, Brodsky revises them by incorporating text and colour, thus extending their meaning. His works generally form part of conceptual essays on a specific event or theme.

Marcelo Brodsky was exiled to Barcelona at the age of 22. There he studied photography under Manel Esclusa and economics at the University of Barcelona. The series Exilios (Exiles), made in 1979—year in which his brother disappeared in Argentina during the dictatorship—was the result of this period.

His photograph Self-Portrait as Shot to Death, taken in Plaça de Sant Felip Neri, is considered one of the most important images in his chronicle of exile. After graduating as a photographer, Brodsky returned to Argentina and opened the image agency Latinstock, which operated for 30 years. The artist himself points out that his contacts and experience in copyright management were decisive in finding the most suitable images for his artistic projects.

He is an active member of the human rights organisation Asociación Buena Memoria and of the Board of Directors of the Parque de la Memoria in Buenos Aires, dedicated to the victims of state terrorism. His works have been exhibited in renowned institutions such as the Metropolitan Museum of Art in New York, the Museum of Fine Arts in Houston, the Museo Nacional de Bellas Artes in Buenos Aires, the Pinacoteca do Estado de São Paulo in São Paulo and the Museo del Banco de la República in Bogotá, among many others.

La Fundación Foto Colectania, gracias a la colaboración principal de la Fundación Banco Sabadell, presenta el próximo 2 de febrero la exposición Marcelo Brodsky. Resistencia poética, comisariada por Irene de Mendoza.

Nacido en Argentina, Marcelo Brodsky se exilió a España durante la dictadura militar argentina de los años 70 y 80. Su obra combina imágenes e intervenciones con color y texto, ubicándose entre la fotografía, la instalación, la performance y el memorial.

La temática de la obra de Brodsky abarca todo el mundo. Arranca con la lucha por los derechos humanos en Argentina que, con los años, el autor extendería a muchos otros países. La revisión del año 1968, que muestra imágenes de protestas mundiales, se ha convertido en uno de sus proyectos más ambiciosos al enfrentarnos, además, con otras realidades interconectadas de la época como son el colonialismo, el capitalismo, el racismo o el patriarcado. En su trayectoria ha reivindicado también movimientos por los derechos civiles o el Black Lives Matter de Estados Unidos, y más recientemente destaca la búsqueda de la justicia reparadora para las víctimas del genocidio en el estado colonial de África del Sudoeste Alemana (la actual Namibia).

En declaraciones recientes del autor: “Las fotografías siempre quedan abiertas para múltiples interpretaciones, y mis intervenciones en las imágenes sugieren una dirección. Los textos y colores añadidos construyen una forma alternativa de lenguaje, una poética de la resistencia. Lo que intento hacer interviniendo imágenes históricas y recuperando su contexto es lanzar flechas hacia el futuro, que es nuestro presente.”

La exposición que se presenta en Foto Colectania reúne algunas de sus series más conocidas: comienza con una selección de cinco fotografías realizadas durante su exilio a finales de los años 70 en Barcelona y una sección dedicada a su proyecto Buena Memoria, en la que investiga las consecuencias de la dictadura argentina sobre sus compañeros de colegio. Esta obra se convertiría en uno de los puntos de partida para las intervenciones con texto y color sobre fotografías que aplicará en sus proyectos posteriores.

Otras series que se exponen son su emblemática 1968. El fuego de las ideas que muestra los movimientos desencadenados en todo el mundo en 1968, las fotografías de la lucha contra el Franquismo o del Apartheid en Sudáfrica (que realiza junto al fotógrafo Gideon Mendel), la impactante Rastros de violencia, que muestra el primer genocidio de la historia a través de las fotografías colonialistas del Imperio Alemán en la actual Namibia y, por último, Paro Nacional sobre las recientes revueltas de Colombia en 2021.

Artista y activista, Marcelo Brodsky (Argentina, 1954) está considerado uno de los autores más relevantes que trabajan en la recuperación de la memoria privada y su intersección con las historias colectivas. Su obra se basa en la re-figuración de la imagen: tomando como punto de partida imágenes de archivo de sucesos históricos, Brodsky las resignifica y actualiza incorporando textos y trazos de color, extendiendo así sus significados. Sus obras generalmente forman parte de ensayos conceptuales en torno a un acontecimiento o tema.

Marcelo Brodsky se exilió a Barcelona con 22 años. Allí se formó con el fotógrafo Manel Esclusa y estudió Economía en la Universidad de Barcelona. De esta época resultaría la serie Exilios, realizada en 1979, año en que desaparece su hermano en Argentina durante la dictadura.

La imagen de su Autorretrato fusilado, realizada en la plaza de Sant Felip Neri, está considerada como una de las fotografías más importantes de su crónica sobre el exilio. Cuando termina la carrera —y ya como fotógrafo— Brodsky vuelve a Argentina y abre una agencia de imágenes, Latinstock, que funcionó durante 30 años. El propio autor señala que los contactos y la experiencia en la gestión de derechos fueron decisivos a la hora de encontrar las imágenes más idóneas para sus proyectos artísticos.

Es miembro activo de la organización de derechos humanos "Asociación Buena Memoria" y de la Junta Directiva del Parque de la Memoria de Buenos Aires, dedicado a las víctimas del terrorismo de estado. Sus obras han sido expuestas en instituciones de prestigio como el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Houston, el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, la Pinacoteca del Estado de São Paulo o el Museo del Banco de la República de Bogotá, entre muchos otros.

(Text: Fundación Foto Colectania, Barcelona)

Fundación Foto Colectania | Barcelona
5. Oktober 2022 - 15. Januar 2023

A Great Turn in the Possible
Carrie Mae Weems

Die multidisziplinäre Künstlerin Carrie Mae Weems (Oregon, 1953) ist vor allem für ihr fotografisches Werk bekannt, das sie seit fast vierzig Jahren entwickelt. Die Ausstellung gibt einen chronologischen Überblick über ihr gesamtes Werk und soll verdeutlichen, dass die Autorin ihrer Zeit voraus ist und ihre Bilder stets mit einer unermüdlichen Hoffnung in die Zukunft projiziert.

Die ersten Fotos, die sie macht, konzentrieren sich auf ihre Familie und ihre Freunde und entwickeln allmählich eine umfassendere Vision, die Geschichte und Stereotypen in Frage stellt, während sie diejenigen in Frage stellt, die Macht über diejenigen ausüben, die sich nicht selbst verteidigen können. Weems spricht über vorsätzliche Gewalt, sowohl gegen Farbige, die Gemeinschaft, der er angehört, als auch gegen die Welt im Allgemeinen. Doch in seinem Werk der Kontraste ist auch Platz für Szenen der Intimität und Liebe.

Die Ausstellung entwickelt sich chronologisch und befasst sich mit einigen ihrer frühesten Serien, während sie sich gleichzeitig auf die Arbeitsmethodik der Autorin konzentriert, die häufig auf einigen ihrer polemischsten Bilder besteht, in denen Fragen wie Geschlecht, Rasse, Klassengesellschaft oder politische Themen behandelt werden. Durch ihre Arbeit stellt Weems einen Dialog mit zahlreichen Gemeinschaften her, mit der Absicht, verschiedene Generationen auf der Grundlage gemeinsamer Einflüsse und eines gegenseitigen Verantwortungsgefühls zu verbinden.

Die von Elvira Dyangani Ose kuratierte Ausstellung ist gleichzeitig im Centro de Fotografía KBr Fundación MAPFRE und in der Fundación Foto Colectania zu sehen, wo neben einer Auswahl von Videoarbeiten zwei wichtige Serien The Kitchen Table, 1990 und And 22 Million Very Tired and Very Angry People, 1989-1990 präsentiert werden.

Artiste multidisciplinaire, Carrie Mae Weems (Oregon, 1953) est surtout connue pour son travail photographique, qu'elle développe depuis près de quarante ans. L'exposition passe en revue l'ensemble de son travail de manière chronologique et vise à souligner comment l'auteur aborde cette pratique comme une personne en avance sur son temps et projette toujours ses images vers l'avenir avec un inlassable sens de l'espoir.

Les premières photographies qu'elle prend se concentrent sur sa famille et ses amis et développent progressivement une vision plus large qui remet en question l'histoire et les stéréotypes tout en interrogeant ceux qui exercent un pouvoir sur ceux qui ne peuvent pas se défendre. Weems parle de la violence délibérée, à la fois envers les personnes de couleur, la communauté à laquelle il appartient et le monde en général. Mais dans son œuvre de contrastes, il y a aussi de la place pour des scènes d'intimité et d'amour.

L'exposition se développe chronologiquement et traite de certaines de ses premières séries, tout en se concentrant sur la méthodologie de travail de l'auteur, qui insiste fréquemment sur certaines de ses images les plus polémiques dans lesquelles sont traitées des questions telles que le genre, la race, la société de classe ou les problèmes politiques. À travers son travail, Weems établit des dialogues avec de nombreuses communautés dans le but de relier différentes générations sur la base d'influences communes et d'un sens réciproque des responsabilités.

Organisée par Elvira Dyangani Ose, l'exposition est présentée simultanément au Centro de Fotografía KBr Fundación MAPFRE et à la Fundación Foto Colectania, où sont présentées deux importantes séries, The Kitchen Table, 1990 et And 22 Million Very Tired and Very Angry People, 1989-1990, ainsi qu'une sélection d'œuvres vidéo.

Artista multidisciplinare, Carrie Mae Weems (Oregon, 1953) è nota soprattutto per il suo lavoro fotografico, che sviluppa da quasi quarant'anni. La mostra passa in rassegna tutti i suoi lavori in ordine cronologico e intende sottolineare come l'autrice affronti questa pratica in anticipo sui tempi e proietti sempre le sue immagini nel futuro con un instancabile senso di speranza.

Le prime fotografie che scatta si concentrano sulla sua famiglia e sui suoi amici e gradualmente sviluppano una visione più ampia che mette in discussione la storia e gli stereotipi, interrogando coloro che esercitano il potere su coloro che non possono difendersi da soli. Weems parla di violenza deliberata, sia verso le persone di colore, sia verso la comunità a cui appartiene, sia verso il mondo in generale. Ma nella sua opera di contrasti c'è spazio anche per scene di intimità e amore.

La mostra si sviluppa cronologicamente e tratta alcune delle sue prime serie, mentre allo stesso tempo si concentra sulla metodologia di lavoro dell'autrice, che insiste spesso su alcune delle sue immagini più polemiche in cui vengono affrontate questioni come il genere, la razza, la società di classe o le questioni politiche. Attraverso il suo lavoro, Weems instaura un dialogo con numerose comunità con l'intento di mettere in contatto generazioni diverse sulla base di influenze comuni e di un reciproco senso di responsabilità.

Curata da Elvira Dyangani Ose, la mostra è allestita contemporaneamente al Centro de Fotografía KBr Fundación MAPFRE e alla Fundación Foto Colectania, dove sono presentate due importanti serie The Kitchen Table, 1990 e And 22 Million Very Tired and Very Angry People, 1989-1990, oltre a una selezione di opere video.

Carrie Mae Weems (Oregon, 1953) is a multidisciplinary artist best known for her photography work, a medium she has used extensively for the last forty years of her career. The exhibition looks back at Weems' body of work with an emphasis on her pioneering approach to photography — images are projections into the future animated by a tireless sense of hope.

Initially, her work focused on portraying family and friends, but then it gradually developed into a broader vision that questions stereotypes and history, exploring the relations between the powerful vis-a-vis the most vulnerable in society. Weems talks about deliberate violence, both towards people of colour—the community she belongs to—and the world at large. Even so, her highly contrasted work also makes space for scenes of intimacy and love.

The exhibition comprises a video installation and over twenty photographic series spanning more than four decades of artistic practice, from 1978 to 2022. At the same time, it analyses the working methodology of the artist who, in some of her most controversial images, frequently addresses themes such as gender, race, class, and social and political issues. Through her work, Weems establishes dialogues with different communities with the intention of connecting generations based on common influences and a mutual sense of responsibility.

The exhibition, curated by Elvira Dyangani Ose, is presented jointly at the Centro de Fotografía KBr Fundación MAPFRE and at Fundació Foto Colectania, and it comprises two renown series The Kitchen Table (1990) and And 22 Million Very Tired and Very Angry People (1989-1990) together with a selection of video works.

The exhibition is organised by Fundación MAPFRE in collaboration with Fundación Foto Colectania, Barcelona and Württembergischer Kunstverein, Stuttgart.

Artista multidisciplinaria, Carrie Mae Weems (Oregón, 1953), es conocida sobre todo por su trabajo fotográfico que desarrolla desde hace cerca de cuarenta años. La exposición revisa cronológicamente toda su obra y pretende subrayar como la autora aborda esta práctica como una adelantada a su tiempo y proyecta siempre sus imágenes hacia el futuro con un incansable sentimiento de esperanza.

Las primeras fotografías que realiza se centran en sus familiares y amigos para desarrollar poco a poco una visión más amplia que cuestiona la historia y los estereotipos al tiempo que se pregunta por los que ejercen el poder sobre aquellos que no pueden defenderse. Weems habla sobre la violencia ejercida de forma deliberada, tanto hacia las personas de color, comunidad a la que pertenece, como hacia el mundo en general. Pero en su obra de contrastes, también hay lugar para las escenas de intimidad y de amor.

La exposición se desarrolla cronológicamente y aborda algunas de sus series más tempranas al tiempo que incide en la metodología de trabajo de la autora que frecuentemente insiste en algunas de sus imágenes más polémicas en las que se abordan cuestiones como el género, la raza, la sociedad de clases o cuestiones políticas. A través de su trabajo, Weems establece diálogos con numerosas comunidades con la intención de conectar diferentes generaciones basándose en influencias comunes y un sentido recíproco de la responsabilidad.

Comisariada por Elvira Dyangani Ose, la muestra se exhibe simultáneamente en el Centro de Fotografía KBr Fundación MAPFRE y en la Fundación Foto Colectania donde se presentan dos importantes series The Kitchen Table, 1990 y And 22 Million Very Tired and Very Angry People, 1989-1990 además de una selección de obras de vídeo.

(Text: Fundación Foto Colectania, Barcelona)

Foto Colectania | Barcelona
21. Juni - 18. September 2022

Diseños habitados
Helena Almeida & Chema Madoz

Diseños habitados schlägt eine Resonanz zwischen den Werken von zwei der ersten Autoren vor, die Teil der Sammlung Foto Colectania waren, und zeigt einige der Schlüssel zu ihren kreativen Prozessen.

Der Titel der Ausstellung ist eine Hommage an Helena Almeida, die wir der ersten Serie entlehnen, in der sie die Fotografie verwendet hat (Desenho habitado). Wir haben auch den Begriff des Designs in seiner Renaissance-Bedeutung wiedergefunden, der sich sowohl auf die Zeichnung als auch auf das Projekt und den mentalen Prozess der Umsetzung dessen, was sich der Künstler vorstellt, in ein Werk bezieht. Eine Übung, die die faszinierende Arbeit dieser Schöpfer genau definiert.

Der Umstand, dass sowohl Almeida als auch Madoz Skizzen anfertigen, hängt möglicherweise mit ihrem Interesse am Intimen und Erlebten zusammen. Beide Künstler fertigten zahllose Skizzen an - die nicht immer zu endgültigen Werken wurden - als ersten Schritt, um ihre Ideen mit Bleistift und Papier zu verwirklichen. In dieser Ausstellung wollten wir den Eigenwert dieser Zeichnungen als bloße und schöne Skizzen hervorheben, deren Ergebnis sie durch die Fotografie zum Ausdruck bringen.

Almeida greift manchmal mit einstudierten Pinsel- oder Bleistiftstrichen in das Werk ein und fasziniert uns immer wieder mit seinen Übungen in Reflexion und Theatralik. Madoz zeichnet in seinen persönlichen Notizbüchern, die er im Laufe der Jahre geführt hat und die wir in dieser Ausstellung zum ersten Mal zusammen mit einigen Objekten zeigen, die er von Hand zusammenstellt. So werden seine Skizzen zu Objekten und seine Objekte zu Bildern, mit seinem charakteristischen Stil und seiner magischen Note.

Diseños habitados propose une résonance entre les œuvres de deux des premiers auteurs qui ont fait partie de la collection Foto Colectania, en montrant certaines des clés de leurs processus créatifs.

Le titre de l'exposition rend hommage à Helena Almeida, que nous empruntons à la première série dans laquelle elle a utilisé la photographie (Desenho habitado). Nous avons également récupéré le concept de design dans son sens de la Renaissance, qui fait référence à la fois au dessin et au projet et au processus mental de traduction de ce que l'artiste imagine en œuvre. Un exercice qui définit précisément le travail fascinant de ces créateurs.

La coïncidence du fait qu'Almeida et Madoz réalisent tous deux des croquis est peut-être liée à leur intérêt pour l'intime et l'expérientiel. Les deux artistes ont fait d'innombrables croquis - qui ne sont pas toujours devenus des œuvres finales - comme première étape vers la matérialisation de leurs idées par le crayon et le papier. Dans cette exposition, nous avons voulu mettre en évidence la valeur intrinsèque de ces dessins, simples et beaux croquis, dont ils expriment le résultat à travers la photographie.

Almeida intervient parfois dans l'œuvre par des coups de pinceau ou des coups de crayon étudiés, et nous fascine toujours par ses exercices de réflexion et de théâtralité. Madoz dessine dans les carnets personnels qu'il a tenus au fil des ans, que nous montrons pour la première fois dans cette exposition avec certains des objets qu'il assemble à la main. Ainsi, ses croquis deviennent des objets et ses objets deviennent des images, avec son style caractéristique et ses touches magiques.

Diseños habitados propone una risonanza tra le opere di due dei primi autori che hanno fatto parte della collezione Foto Colectania, mostrando alcune delle chiavi dei loro processi creativi.

Il titolo della mostra è un omaggio a Helena Almeida, che prendiamo in prestito dalla prima serie in cui ha utilizzato la fotografia (Desenho habitado). Abbiamo anche recuperato il concetto di disegno nel suo significato rinascimentale, che si riferisce sia al disegno che al progetto e al processo mentale di traduzione di ciò che l'artista immagina nell'opera. Un esercizio che definisce con precisione l'affascinante lavoro di questi creatori.

La coincidenza del fatto che sia Almeida che Madoz realizzino schizzi è forse legata al loro interesse per l'intimo e l'esperienziale. Entrambi gli artisti hanno realizzato innumerevoli schizzi - che non sempre sono diventati opere definitive - come primo passo per materializzare le loro idee con carta e matita. In questa mostra abbiamo voluto evidenziare il valore intrinseco di questi disegni come semplici e bellissimi schizzi, il cui risultato si esprime attraverso la fotografia.

Almeida interviene talvolta nell'opera con studiate pennellate o tratti di matita, e ci affascina sempre con i suoi esercizi di riflessione e teatralità. Madoz disegna nei taccuini personali che ha tenuto nel corso degli anni e che presentiamo per la prima volta in questa mostra insieme ad alcuni degli oggetti che assembla a mano. Così, i suoi schizzi diventano oggetti e i suoi oggetti diventano immagini, con il suo stile caratteristico e i suoi tocchi magici.

Diseños habitados proposes a resonance between the works of two of the first authors that were part of the Foto Colectania collection, showing some keys to their creative processes.

The title of the exhibition pays homage to Helena Almeida, which we borrow from the first series in which she used photography (Desenho habitado). We also recovered the concept of design in its Renaissance meaning, which refers both to the drawing and the project and the mental process of transferring what the artist imagined to the work. An exercise that precisely defines the fascinating work of these creators.

The coincidence that both Almeida and Madoz make sketches is possibly related to their interest in the intimate and experiential. Both artists make countless sketches -which do not always become final works- as a first step to materialize their ideas through pencil and paper. In this exhibition we wanted to highlight the intrinsic value of these drawings as mere and beautiful sketches, the result of which they express through photography.

Almeida sometimes intervenes in the work with studied brushstrokes or pencil strokes, and always fascinates us with his exercises of reflection and theatricality. Madoz draws in the personal notebooks he has kept over the years, which we show for the first time in this exhibition together with some of the objects he assembles by hand. Thus, his sketches become objects and his objects become images, with his characteristic style and magic strokes.

Diseños habitados propone una resonancia entre los trabajos de dos de los primeros autores que formaron parte de la colección de Foto Colectania, mostrando algunas claves de sus procesos creativos.

El título de la muestra rinde homenaje a Helena Almeida, que tomamos prestado de la primera serie en la que utilizó la fotografía (Desenho habitado). También recuperamos el concepto de diseño en su acepción renacentista, que se refiere tanto al dibujo como al proyecto y al proceso mental de trasladar lo imaginado por el artista a la obra. Un ejercicio que define con precisión el fascinante trabajo de estos creadores.

La coincidencia de que tanto Almeida como Madoz realicen bocetos posiblemente guarda relación con su interés por lo íntimo y vivencial. Los dos autores realizan infinidad de esbozos -que no siempre se convierten en obras finales- como primer paso para materializar sus ideas a través del lápiz y el papel. En esta exposición hemos querido resaltar el valor intrínseco de estos dibujos como meros y bellos bocetos, cuyo resultado expresan por medio de la fotografía.

Almeida interviene a veces la obra con estudiadas pinceladas o trazos de lápiz, y siempre nos fascina con sus ejercicios de reflexión y teatralidad. Madoz dibuja en los cuadernos personales que ha ido guardando a lo largo de los años, que mostramos por primera vez en esta exposición junto con algunos de los objetos que ensambla artesanalmente. Así, sus bocetos se convierten en objetos y sus objetos en imágenes, con su característico estilo y golpes de magia.

(Text: Foto Colectania, Barcelona)

Fundació Valvi | Girona
10. Mai – 25. Juni 2022

Revelar-se
Sergi Batlle, Montserrat Gimferrer, Jaume Llorens, Mercedes Werner

Diese Ausstellung in der Fundació Valvi wird unter dem Namen Revelar-se präsentiert, ein Titel, der den Inhalt der Ausstellung verdeutlicht. Die Entwicklung ist der Prozess, durch den die latenten Bilder eines fotografischen Films sichtbar gemacht werden. Bei digitalen Bildern ist die Entwicklung die Umwandlung von RAW-Bildern in ein digitales Foto, wobei die vom Sensor erfassten Informationen identifiziert und kodiert werden, die dann in die Pixel umgewandelt werden, aus denen das Bild besteht. Zugleich bedeutet Enthüllen, das Verborgene bekannt zu machen, ein Ziel, das die vorliegende Ausstellung verfolgt, indem sie uns vier Menschen mit einer Leidenschaft für die Fotografie vorstellt. Das bedeutet nicht, dass sie Amateurkünstler sind. Sie arbeiten schon seit ihrer Jugend mit der Kamera und haben mit verschiedenen Techniken, Formaten und fotografischen Genres experimentiert.

Jaume Llorens hat an verschiedenen Ausstellungen in der Region Girona sowie an einer Ausstellung in der Valid Photo Gallery in Barcelona teilgenommen. Mercedes Werner studierte an der Fotoschule Grisart. Mit ihrer vielseitigen Persönlichkeit entwirft, schreibt und fotografiert sie und schafft multidisziplinäre Ergebnisse, wie wir sie in der Valvi-Stiftung sehen können. Sergi Batlle arbeitet seit Jahren an dem Projekt, das er uns im Valvi vorstellt. Es handelt sich um eine kreative Recherche, die bereits im Centro de Arte Contemporáneo José Saramago in Granada und kürzlich in der Fine Art in Igualada gezeigt wurde. Montserrat Gimferrer hat einige ihrer Bilder in der britischen Zeitung The Guardian veröffentlicht, und kürzlich haben zehn ihrer Fotografien im Postkartenformat an der ArtsLibris-Sektion der internationalen Messe ARCO Madrid teilgenommen.

Was sie auf der Valvi präsentieren, sind individuelle Recherchen und unabhängige Arbeiten, die aus unterschiedlichen Konzepten und Ansätzen heraus entstanden sind und auf ihre Anliegen eingehen. In einigen Fällen haben sie gemeinsame Ansichten und Parallelen, mit der Natur und der Landschaft als gemeinsamen Nenner und mit einer oft abstrakten und in einigen Fällen surrealistischen Sprache. Sie werden auch durch den Schöpfer der Ausstellung, den bildenden Künstler Jaume Geli, vereint, dem es gelungen ist, die vier Personen im selben Raum zusammenzubringen.

Cette exposition à la Fundació Valvi est présentée sous le nom de Revelar-se, un titre qui énonce le contenu que l'on y trouve. Le développement est le processus par lequel les images latentes d'un film photographique sont rendues visibles. Dans le cas des images numériques, le développement est la transformation des images RAW en une photographie numérique, en identifiant et en encodant les informations capturées par le capteur, qui sont converties en pixels qui composent l'image. En même temps, révéler, c'est faire connaître ce qui est caché, un objectif poursuivi par la présente exposition, qui nous révèle quatre personnes passionnées par la photographie. Cela ne signifie pas que ce sont des artistes amateurs. Ils travaillent avec leur appareil photo depuis leur plus jeune âge et ont expérimenté différentes techniques, formats et genres photographiques.

Jaume Llorens a participé à différentes expositions dans la région de Girona, ainsi qu'à une exposition à la Valid Photo Gallery de Barcelone. Mercedes Werner a étudié à l'école de photographie Grisart. Dotée d'une personnalité aux multiples facettes, elle conçoit, écrit et photographie, et génère des résultats multidisciplinaires tels que celui que l'on peut voir à la Fondation Valvi. Sergi Batlle travaille depuis des années sur le projet qu'il nous présente au Valvi, une recherche créative qui a déjà été exposée au Centro de Arte Contemporáneo José Saramago de Grenade et, plus récemment, au Fine Art d'Igualada. Montserrat Gimferrer a publié certaines de ses images dans le journal britannique The Guardian et, récemment, dix de ses photographies adaptées en format carte postale ont participé à la section ArtsLibris de la foire internationale ARCO Madrid.

Ce qu'ils présentent au Valvi, ce sont des recherches individuelles et des travaux indépendants, réalisés à partir de conceptions et d'approches différentes qui répondent à leurs préoccupations. Dans certains cas, ils ont des points de vue communs et des parallélismes, avec la nature et le paysage comme dénominateur commun et avec un langage souvent abstrait et, dans certains cas, surréaliste. Ils sont également unis par le créateur de l'exposition, Jaume Geli, le plasticien qui a réussi à réunir ces quatre personnes dans un même espace.

Questa mostra alla Fundació Valvi è presentata sotto il nome Revelar-se, un titolo che enuncia il contenuto che vi troviamo. Lo sviluppo è il processo con cui le immagini latenti di una pellicola fotografica sono rese visibili. Nel caso delle immagini digitali, lo sviluppo è la trasformazione delle immagini RAW in una fotografia digitale, identificando e codificando le informazioni catturate dal sensore, che vengono convertite nei pixel che compongono l'immagine. Allo stesso tempo, rivelare è far conoscere ciò che è nascosto, un obiettivo perseguito dalla presente mostra, che ci rivela quattro persone con la passione per la fotografia. Questo non significa che siano artisti dilettanti. Lavorano con le loro macchine fotografiche da quando erano molto giovani e hanno sperimentato diverse tecniche, formati e generi fotografici.

Jaume Llorens ha partecipato a diverse mostre nella regione di Girona, così come a una mostra alla Valid Photo Gallery di Barcellona. Mercedes Werner ha studiato alla scuola di fotografia Grisart. Con una personalità poliedrica, disegna, scrive e fotografa, e genera risultati multidisciplinari come quello che possiamo vedere alla Fondazione Valvi. Sergi Batlle lavora da anni al progetto che presenta al Valvi, una ricerca creativa che è già stata esposta in precedenza al Centro de Arte Contemporáneo José Saramago di Granada e, più recentemente, alla Fine Art di Igualada. Montserrat Gimferrer ha pubblicato alcune delle sue immagini sul quotidiano britannico The Guardian e, recentemente, dieci delle sue fotografie adattate in formato cartolina hanno partecipato alla sezione ArtsLibris della fiera internazionale ARCO Madrid.

Ciò che presentano al Valvi sono ricerche individuali e lavori indipendenti, fatti da diverse concezioni e approcci che rispondono alle loro preoccupazioni. In alcuni casi hanno visioni e parallelismi comuni, con la natura e il paesaggio come denominatore comune e con un linguaggio spesso astratto e, in alcuni casi, surrealista. Sono anche uniti dal creatore della mostra, Jaume Geli, l'artista visivo che è riuscito a riunire le quattro persone nello stesso spazio.

The present exhibition of the Fundació Valvi is presented under the name of Revelar-se, an enunciative title of the content that we find there. Revealing is the process through which the latent images of a photographic film are made visible. In the case of digital images, developing is the transformation of RAW images into a digital photograph, identifying and encoding the information captured by the sensor, which is converted into the pixels that make up the image. At the same time, to reveal is to make known what is hidden, a will that pursues the present exhibition, revealing to us four people passionate about photography. This does not mean that they are amateur artists. They have been working with their cameras since they were very young and have experimented with different techniques, formats and photographic genres.

Jaume Llorens has participated in different exhibitions in the Girona region, as well as in an exhibition at the Valid Photo Gallery in Barcelona. Mercedes Werner studied at the photographic school of Grisart. With a multifaceted personality, she designs, writes and photographs, and generates multidisciplinary results such as the one we can see at the Valvi Foundation. Sergi Batlle has been working for years on the project he is presenting at the Valvi, a creative research that has already been previously displayed at the Centro de Arte Contemporáneo José Saramago in Granada and, more recently, at the Fine Art in Igualada. Montserrat Gimferrer has published some of her images in the British newspaper The Guardian and, recently, ten of her photographs adapted in postcard format have participated in the ArtsLibris section of the international fair ARCO Madrid.

What they present to Valvi are individual researches and independent works, made from different conceptions and approaches that respond to their concerns. In some cases they have common views and parallelisms, with nature and landscape as a common denominator and with an often abstract and, in some cases, surrealistic language. They are also united by the exhibition's creator, Jaume Geli, the visual artist who has managed to bring the four people together in the same space.

La present exposició de la Fundació Valvi es presenta sota el nom de Revelar-se, un títol enunciatiu del contingut que hi trobem. Revelar és el procés mitjançant el qual es fan visibles les imatges latents d’una pel·lícula fotogràfica. En el cas de les imatges digitals, revelar és la transformació de les imatges RAW a una fotografia digital, identificant i codificant la informació captada pel sensor, la qual és convertida en els píxels que formen la imatge. Al mateix temps, revelar és fer conèixer allò amagat, voluntat que persegueix la present mostra, desvelant-nos quatre persones apassionades per la fotografia. Això no vol dir que es tracti d’artistes amateurs. Van càmera en mà des de la més primerenca joventut i han experimentat amb diferents tècniques, formats i gèneres fotogràfics.

Jaume Llorens ha participat en diferents mostres a les comarques gironines, així com en una exposició de la Valid Photo Gallery de Barcelona. Mercedes Werner va estudiar a l’escola fotogràfica de Grisart. De personalitat polifacètica, dissenya, escriu i fotografia, i genera resultats multidisciplinaris com el que podem veure a la Fundació Valvi. Sergi Batlle fa anys que està treballant en el projecte que ens presenta a la Valvi, una recerca creativa que ja ha estat prèviament visualitzada el Centro de Arte Contemporáneo José Saramago de Granada i, més recentment, al Fine Art d’Igualada. Montserrat Gimferrer ha publicat algunesde les seves imatges al diari britànic The Guardian i, recentment, dotze de les seves fotografies adaptades en format postal han participat en la secció ArtsLibris de la fira internacional ARCO Madrid.

El que ens presenten a la Valvi són recerques individuals i treballs independents, realitzats des de diferents concepcions i aproximacions que responen a les seves inquietuds. En alguns casos tenen mirades comunes i paral·lelismes, amb la natura i el paisatge com a denominador comú i amb un llenguatge sovint abstracte i, en alguns casos, surrealista. Els uneix també l’artífex de l’exposició, Jaume Geli, l’artista visual que ha aconseguit réunir les quatre persones en el mateix espai.

(Text: Gemma Nomen, Historiadora de l'art)

Foto Colectania | Barcelona
1. April – 12. Juni 2022

Martín Chambi y sus contemporáneos. Los Andes fotografiados

Martín Chambi stellt einen Wendepunkt in der lateinamerikanischen Fotografie in der ersten Hälfte des 20. Er widmete sein ganzes Leben der Fotografie, und sein Werk fand zu seiner und unserer Zeit große Anerkennung.

Der indigene Chambi (Coaza, 1891 - Cusco, 1973) widmete einen Großteil seines Lebens der Fotografie der peruanischen Anden, wobei er die vorspanische Vergangenheit durch Bilder von Inka-Ruinen und Porträts des Lebens in den Andengemeinden zu Beginn des 20. Jahrhunderts wieder aufleben ließ. Auf diese Weise brachte Chambi eine neue Perspektive in die lokale Fotografie jener Zeit ein, indem er eine vereinheitlichende Sicht auf Peru vorschlug und die indigenen Diskurse beleuchtete, die in diesem Gebiet an Stärke zu gewinnen begannen.

Im Jahr 1924 fotografierte er Machu Picchu als zweiter Mensch nach Hiram Bingham, der es 1913 für die Zeitschrift National Geographic fotografierte. Nach dieser Erfahrung trat sein Werk in eine neue Phase ein, in der sein Umgang mit Licht, Form, Raum und Textur zusammen mit einer ganz besonderen Art der Rahmung ihn zu einem Sinnbild der zeitgenössischen und dokumentarischen Fotografie in Peru und Lateinamerika machte.

In dieser Ausstellung stehen die Fotografien von Martín Chambi im Dialog mit den Werken der Fotografen Irving Penn, Eugene Harris, Werner Bischof, Robert Frank, Pierre Verger, Max T. Vargas, Luigi Gismondi und Manuel Mancilla, die im gleichen Zeitraum wie Chambi die Gegend von Cusco und das peruanische Hochland besucht und dokumentiert haben. Die Gegenüberstellung all dieser Ansichten erweitert die Konstruktion des kollektiven Imaginären der tausendjährigen andinen Kultur jener Zeit und zeigt gleichzeitig das bedeutende Erbe, das die fotografische Produktion ihrer Vorgänger kennzeichnete.

Alle Mittel der Ausstellung stammen aus der Jan-Mulder-Sammlung, die 2002 mit dem Ziel ins Leben gerufen wurde, die Fotografie zeitgenössischer Autoren zu fördern und die historische Fotografie des 19. und frühen 20. Jahrhunderts zu erhalten und zu verbreiten. Die Sammlung konzentriert sich auf den lateinamerikanischen, insbesondere den peruanischen Kontext, umfasst aber auch die Werke herausragender Fotografen aus den Vereinigten Staaten, Europa und Asien.

Ein wichtiger Teil des produktiven Werks des peruanischen Fotografen Martín Chambi befindet sich in der Sammlung von Jan Mulder, die sich durch den größten Bestand an Originalaufnahmen dieses Autors aus dieser Zeit auszeichnet. 

Martín Chambi représente un tournant dans la photographie latino-américaine de la première moitié du XXe siècle. Il a consacré toute sa vie à la photographie et son travail a été largement reconnu à son époque et à la nôtre.

D'origine indigène, Chambi (Coaza, 1891 - Cusco, 1973) a consacré une grande partie de sa vie à photographier les Andes péruviennes, se réappropriant le passé préhispanique à travers des images de ruines incas et des portraits de la vie des communautés andines au début du XXe siècle. De cette façon, Chambi a apporté une nouvelle perspective à la photographie locale de l'époque, en proposant une vision unifiée du Pérou et en mettant en lumière les discours indigènes qui commençaient à prendre de la force sur ce territoire.

En 1924, il a photographié le Machu Picchu, la deuxième personne à le faire après Hiram Bingham, qui l'avait photographié en 1913 pour le magazine National Geographic. Après cette expérience, son travail est entré dans une nouvelle phase où son traitement de la lumière, de la forme, de l'espace et de la texture, ainsi qu'une manière très particulière de cadrer, ont fait de lui un emblème de la photographie contemporaine et documentaire au Pérou et en Amérique latine.

Dans cette exposition, les photographies de Martín Chambi dialogueront avec les œuvres des photographes Irving Penn, Eugene Harris, Werner Bischof, Robert Frank, Pierre Verger, Max T. Vargas, Luigi Gismondi et Manuel Mancilla, entre autres, qui ont visité et documenté les régions de Cusco et des hauts plateaux péruviens à la même époque que Chambi. La confrontation de tous ces regards élargit la construction de l'imaginaire collectif de la culture andine millénaire de cette période, tout en montrant l'important héritage qui a marqué la production photographique de leurs prédécesseurs.

Tous les fonds de l'exposition proviennent de la collection Jan Mulder, qui a été créée en 2002 dans le but de promouvoir la photographie d'auteurs contemporains, ainsi que de préserver et de diffuser la photographie historique du XIXe et du début du XXe siècle. Axée sur le contexte latino-américain, en particulier péruvien, la collection comprend également le travail de photographes exceptionnels des États-Unis, d'Europe et d'Asie.

Une partie importante de la production prolifique du photographe péruvien Martín Chambi est conservée dans la collection Jan Mulder, qui a la particularité de contenir le plus grand héritage de photographies originales d'époque de cet auteur. 

Martín Chambi rappresenta un punto di svolta nella fotografia latinoamericana della prima metà del XX secolo. Ha dedicato tutta la sua vita alla fotografia e il suo lavoro è stato ampiamente riconosciuto nel suo tempo e nel nostro.

Di origine indigena, Chambi (Coaza, 1891 - Cusco, 1973) ha dedicato gran parte della sua vita a fotografare le Ande peruviane, recuperando il passato pre-ispanico attraverso immagini di rovine inca e ritratti della vita nelle comunità andine all'inizio del XX secolo. In questo modo, Chambi portò una nuova prospettiva alla fotografia locale dell'epoca, proponendo una visione unificante del Perù e facendo luce sui discorsi indigeni che cominciavano a prendere forza in questo territorio.

Nel 1924 fotografò Machu Picchu, la seconda persona a farlo dopo Hiram Bingham, che lo fotografò nel 1913 per la rivista National Geographic. Da questa esperienza, il suo lavoro è entrato in una nuova fase in cui la sua gestione della luce, la forma, lo spazio e la consistenza, insieme a un modo molto particolare di inquadrare, lo ha reso un emblema della fotografia contemporanea e documentaria in Perù e in America Latina.

In questa mostra, le fotografie di Martín Chambi saranno in dialogo con le opere dei fotografi Irving Penn, Eugene Harris, Werner Bischof, Robert Frank, Pierre Verger, Max T. Vargas, Luigi Gismondi e Manuel Mancilla, tra gli altri, che hanno visitato e documentato le zone di Cusco e gli altipiani peruviani nello stesso periodo di Chambi. Il confronto di tutti questi punti di vista espande la costruzione dell'immaginario collettivo della millenaria cultura andina di quel periodo, mostrando allo stesso tempo l'importante eredità che ha segnato la produzione fotografica dei loro predecessori.

Tutto il patrimonio della mostra proviene dalla Collezione Jan Mulder, che è stata avviata nel 2002 con l'obiettivo di promuovere la fotografia di autori contemporanei, oltre a preservare e diffondere la fotografia storica del XIX e dell'inizio del XX secolo. Concentrandosi sul contesto latino-americano, specialmente peruviano, la collezione include anche il lavoro di fotografi eccezionali provenienti dagli Stati Uniti, dall'Europa e dall'Asia.

Una parte importante della prolifica produzione del fotografo peruviano Martín Chambi si trova nella collezione Jan Mulder, che si distingue per contenere il più grande patrimonio di fotografie originali d'epoca di questo autore. 

Martín Chambi represents a turning point in Latin American photography in the first half of the 20th century. He dedicated his entire life to photography and his work was widely recognized in his time and in ours.

Of indigenous origin, Chambi (Coaza, 1891-Cusco, 1973) dedicated much of his life to photographing the Peruvian Andes, reclaiming the pre-Hispanic past through images of Inca ruins and portraits of life in Andean communities in the early 20th century. In this way, Chambi incorporated a new perspective to the local photography of the time, proposing a unifying view of Peru and shedding light on the indigenous discourses that were beginning to gain strength in this territory.

In 1924 he photographed Machu Picchu, the second to do so after Hiram Bingham, who photographed it in 1913 for National Geographic magazine. From this experience, his work enters a new stage where his handling of light, form, space and texture, added to a very particular way of framing, make him an emblem of contemporary and documentary photography in Peru and Latin America.

In this exhibition, Martín Chambi's photographs will dialogue with works by photographers Irving Penn, Eugene Harris, Werner Bischof, Robert Frank, Pierre Verger, Max T. Vargas, Luigi Gismondi and Manuel Mancilla, among others, who visited and documented the areas of Cusco and the Peruvian highlands during the same period as Chambi. The confrontation of all these gazes expands the construction of the collective imaginary about the millenary Andean culture of that time, while showing the important legacy that marked the photographic production of their predecessors.

All the funds of the exhibition come from the Jan Mulder Collection, initiated in 2002 with the aim of promoting photography by contemporary authors, as well as preserving and disseminating the historical photography of the 19th and early 20th centuries. Focused on the Latin American context, especially Peruvian, the collection also includes the work of outstanding photographers from the United States, Europe and Asia.

An important part of the prolific production of Peruvian photographer Martín Chambi is under the protection of the Jan Mulder collection, which stands out for containing the largest legacy of original period photographs by this author. 

Martín Chambi representa un punto de inflexión en la fotografía latinoamericana de la primera mitad del siglo XX. Dedicó toda su vida a la fotografía y su obra fue ampliamente reconocida en su tiempo y en el nuestro.

De origen indígena, Chambi (Coaza,1891- Cusco, 1973) dedicó gran parte de su vida a fotografiar los Andes peruanos, reivindicando el pasado prehispánico a través de imágenes de ruinas incaicas y el retrato de la vida de las comunidades andinas a principios del siglo XX. De esta forma, Chambi incorpora a la fotografía local de la época una nueva perspectiva, proponiendo una mirada unificadora del Perú y dando luz a discursos indigenistas que comenzaban a cobrar fuerza en este territorio.

En 1924 fotografía el Machu Picchu, siendo el segundo en realizarlo después de Hiram Bingham, quien lo fotografió en 1913 para la revista National Geographic. A partir de esta experiencia, su trabajo entra en una nueva etapa donde el manejo de la luz, la forma, el espacio y la textura, sumado a una manera muy particular de encuadrar, lo convierten en un emblema de la fotografía contemporánea y documental en Perú y América Latina.

En esta exposición, las fotografías de Martín Chambi dialogarán con obras de los fotógrafos Irving Penn, Eugene Harris, Werner Bischof, Robert Frank, Pierre Verger, Max T. Vargas, Luigi Gismondi y Manuel Mancilla, entre otros, que visitaron y documentaron las zonas de Cusco y el altiplano peruano en el mismo período que Chambi. La confrontación de todas estas miradas amplía la construcción del imaginario colectivo sobre la milenaria cultura andina de esa época, al mismo tiempo que muestra el importante legado que marcó la producción fotográfica de sus predecesores.

Todos los fondos de la exposición provienen de la Colección Jan Mulder, iniciada en el año 2002 con el objetivo de promover la fotografía de autores contemporáneos, así como conservar y difundir la fotografía histórica del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Enfocada en el contexto latinoamericano, en especial en el peruano, la colección incluye además el trabajo de destacados fotógrafos de Estados Unidos, Europa y Asia.

Una parte importante de la prolífica producción del peruano Martín Chambi se encuentra bajo el resguardo de la colección de Jan Mulder, que destaca por contener el mayor legado de fotografías originales de época de este autor.

(Text: Foto Colectania, Barcelona)

Foto Colectania | Barcelona
3. Dezember 2021 - 20. März 2022

Face Control

Foto Colectania präsentiert eine Gruppenausstellung mit mehr als 20 etablierten und aufstrebenden Künstlern, deren Werke sich um die doppelte Kontrolle über das Gesicht drehen: einerseits die Kontrolle, die jeder Mensch über die Art und Weise ausübt, wie er sein Gesicht wahrgenommen haben möchte, und andererseits die Kontrolle, die die Kräfte der Macht über unsere Identität ausüben wollen.

Die von Urs Stahel kuratierte Ausstellung bietet eine kritische und provokative Reflexion über die sozialen, politischen und kulturellen Folgen dieser Kontrolle.

Die Ausstellung bringt verschiedene Ansätze zum Thema zusammen, von den Arbeiten bekannter Autoren wie Diane Arbus, Thomas Ruff und Richard Hamilton über die neuen kreativen Praktiken, die sich aus der Überschneidung mit den neuen Technologien ergeben, wie die von Trevor Paglen, The Late Estate Broomberg & Chanarin und Shu Lea Cheang, bis hin zu denen von aufstrebenden Künstlern und Vorschlägen, die direkt aus dem Internet und den sozialen Netzwerken stammen.

Die Geschichte des Gesichts beginnt mit den Masken der Steinzeit und endet mit den Gesichtern, die die modernen Medien produzieren. In seinem Buch "Gesichter: Eine Geschichte des Gesichts" hat der berühmte Kunsthistoriker Hans Belting in Theatermasken, in der Mimik von Schauspielern, in der Porträtmalerei, in der Fotografie, im Film und in der zeitgenössischen Kunst die vielfältigen Versuche entdeckt, das Gesicht zu übernehmen. Und damit demonstrierte er gleichzeitig das permanente Scheitern der Darstellung des Lebens des Gesichts und des Selbst.

Obwohl das Leben letztlich nicht darstellbar ist, bleibt es resistent gegen alle Normen und Klischees und findet immer wieder seinen Weg ins Bild, vor allem durch das Gesicht. Dieser Zustand hat in den letzten Jahren dramatisch zugenommen.

Die Ausstellung Face Control zielt darauf ab, diese Situation in zweierlei Hinsicht zu thematisieren: erstens durch die zunehmende Kontrolle des Gesichts von außen, die ständigen Versuche, durch die Messung, Erkennung und Aufzeichnung von Gesichtern durch Systeme wie die künstliche Intelligenz politische oder wirtschaftliche Kontrolle über Menschen zu erlangen. Zweitens durch die Kontrolle des Gesichts von innen heraus: Angetrieben von den Darstellungen in den sozialen Medien wollen wir eine möglichst vollständige Kontrolle darüber erlangen, wie wir in einem Foto- oder Videoporträt erscheinen. Zu diesem Zweck sind wir bereit, fast alles zu tun, um unsere Gesichter radikal zu optimieren. Auch wenn wir am Ende vielleicht genauso aussehen wie alle anderen.

Die Ausstellung umfasst Bücher von Giambattista della Porta, Johann Caspar Lavater, Duchenne de Boulogne, Alphonse Bertillon, Francis Galton und Léopold Szondi, Materialien wie Kodak Shirley Cards, Vogue Average Cover Photographs, ein Set von Mugshots sowie Fotografien und Videos der folgenden Künstler:

Diane Arbus, James Bantone, The Late Estate Broomberg & Chanarin, Daniele Buetti, Shu Lea Cheang, Paolo Cirio, Eli Cortiñas, JH Engström, Adam Ferriss, Tina Hage, Richard Hamilton, Alma Haser, Lynn Hershman Leeson, Roni Horn, Tommy Kha, Fabiola Larios, Eva O'Leary, Maria Mavropoulou, Simone C. Niquille, Trevor Paglen, Willem Popelier, Thomas Ruff und John Yuyi.

Foto Colectania présente une exposition de groupe réunissant plus de 20 artistes établis et émergents dont les œuvres s'articulent autour du double contrôle du visage : d'une part, le contrôle que chacun exerce sur la manière dont il souhaite que son visage soit perçu et, d'autre part, le contrôle que les forces du pouvoir veulent exercer sur notre identité.

L'exposition, dont le commissaire est Urs Stahel, propose une réflexion critique et provocatrice sur les conséquences sociales, politiques et culturelles de ce contrôle.

L'exposition rassemble différentes approches du sujet, des travaux d'auteurs connus comme Diane Arbus, Thomas Ruff et Richard Hamilton aux nouvelles pratiques créatives issues du croisement avec les nouvelles technologies, comme celles de Trevor Paglen, The Late Estate Broomberg & Chanarin et Shu Lea Cheang, en passant par celles d'artistes émergents et des propositions directement issues d'Internet et des réseaux sociaux.

L'histoire du visage commence avec les masques de l'âge de pierre et se termine avec les visages que produisent les médias modernes. Dans son livre "Visages : une histoire du visage", le célèbre historien de l'art Hans Belting a découvert dans les masques de théâtre, dans les mimiques des acteurs, dans la peinture de portraits, dans la photographie, dans le cinéma et dans l'art contemporain les multiples tentatives de s'approprier le visage. Et ce faisant, il a démontré en même temps l'échec permanent de la représentation de la vie du visage et du soi.

Bien que la vie ne soit finalement pas représentable, elle reste résistante à toutes les normes et à tous les clichés et trouve toujours son chemin dans l'image, surtout à travers le visage. Cette situation s'est dramatiquement aggravée ces dernières années.

L'exposition Face Control vise à thématiser cette situation de deux manières : premièrement, par le contrôle croissant du visage de l'extérieur, les tentatives permanentes d'obtenir un contrôle politique ou économique sur les personnes par la mesure, la reconnaissance et l'enregistrement des visages par des systèmes comme l'intelligence artificielle. Deuxièmement, par le contrôle du visage de l'intérieur : poussés par les représentations dans les médias sociaux, nous voulons obtenir un contrôle aussi complet que possible sur la manière dont nous apparaissons dans un portrait photo ou vidéo. Pour cela, nous sommes prêts à faire presque tout ce qui est en notre pouvoir pour optimiser radicalement nos visages. Même si nous finissons par ressembler à tout le monde.

L'exposition comprend des livres de Giambattista della Porta, Johann Caspar Lavater, Duchenne de Boulogne, Alphonse Bertillon, Francis Galton et Léopold Szondi, des matériaux tels que des cartes Kodak Shirley, des photographies de couverture de Vogue Average, un ensemble de mugshots ainsi que des photographies et des vidéos des artistes suivants :

Diane Arbus, James Bantone, The Late Estate Broomberg & Chanarin, Daniele Buetti, Shu Lea Cheang, Paolo Cirio, Eli Cortiñas, JH Engström, Adam Ferriss, Tina Hage, Richard Hamilton, Alma Haser, Lynn Hershman Leeson, Roni Horn, Tommy Kha, Fabiola Larios, Eva O'Leary, Maria Mavropoulou, Simone C. Niquille, Trevor Paglen, Willem Popelier, Thomas Ruff et John Yuyi.

Foto Colectania presenta una mostra collettiva di più di 20 artisti affermati ed emergenti le cui opere ruotano intorno al doppio controllo sul volto: da un lato, il controllo che ogni persona esercita sul modo in cui vuole che il suo volto sia percepito, e dall'altro, il controllo che le forze del potere vogliono esercitare sulla nostra identità.

Curata da Urs Stahel, la mostra offre una riflessione critica e provocatoria sulle conseguenze sociali, politiche e culturali di questo controllo.

La mostra riunisce diversi approcci al tema, dal lavoro di autori noti come Diane Arbus, Thomas Ruff e Richard Hamilton, alle nuove pratiche creative derivanti dall'intersezione con le nuove tecnologie, come quelle di Trevor Paglen, The Late Estate Broomberg & Chanarin e Shu Lea Cheang, a quelle di artisti emergenti e alle proposte provenienti direttamente da Internet e dai social network.

La storia del volto inizia con le maschere dell'età della pietra e finisce con i volti prodotti dai media moderni. Nel suo libro "Faces: A History of the Face", il famoso storico dell'arte Hans Belting ha scoperto i diversi tentativi di appropriarsi del volto nelle maschere teatrali, nelle espressioni facciali degli attori, nella ritrattistica, nella fotografia, nel cinema e nell'arte contemporanea. E così facendo, ha dimostrato simultaneamente il fallimento permanente della rappresentazione della vita del volto e del sé.

Anche se la vita è in definitiva impossibile da rappresentare, rimane resistente a tutte le norme e i cliché e trova sempre la sua strada nel quadro, soprattutto attraverso il volto. Questa condizione è aumentata drammaticamente negli ultimi anni.

La mostra Face Control vuole affrontare questa situazione in due modi: in primo luogo, attraverso il crescente controllo del volto dall'esterno, i continui tentativi di ottenere il controllo politico o economico sulle persone misurando, riconoscendo e registrando i volti attraverso sistemi come l'intelligenza artificiale. In secondo luogo, attraverso il controllo del volto dall'interno: spinti dalle rappresentazioni dei social media, vogliamo ottenere il controllo più completo possibile su come appariamo in un ritratto fotografico o video. A tal fine, siamo disposti a fare quasi tutto per ottimizzare radicalmente i nostri volti. Anche se potremmo finire per assomigliare a tutti gli altri.

La mostra comprende libri di Giambattista della Porta, Johann Caspar Lavater, Duchenne de Boulogne, Alphonse Bertillon, Francis Galton e Léopold Szondi, materiali come Kodak Shirley Cards, fotografie di copertina di Vogue Average, un set di foto segnaletiche e fotografie e video dei seguenti artisti:

Diane Arbus, James Bantone, The Late Estate Broomberg & Chanarin, Daniele Buetti, Shu Lea Cheang, Paolo Cirio, Eli Cortiñas, JH Engström, Adam Ferriss, Tina Hage, Richard Hamilton, Alma Haser, Lynn Hershman Leeson, Roni Horn, Tommy Kha, Fabiola Larios, Eva O'Leary, Maria Mavropoulou, Simone C. Niquille, Trevor Paglen, Willem Popelier, Thomas Ruff e John Yuyi.

Foto Colectania presents a collective exhibition that brings together more than 20 artists, both established and emerging, whose works spin around the bidirectional control that relapses on the face: on the one hand, that which each person exercises over the way he wants his face to be perceived, and on the other, the way the forces of power try to exert over our identity.

Curated by Urs Stahel, the exhibition proposes a critical and provocative reflection on the social, political and cultural consequences derived from this control.

The exhibition brings together different approaches to the subject, from the work of renowned artists such as Diane Arbus, Thomas Ruff or Richard Hamilton, to the new creative practices resulting from the intersection with new technologies, such as those of Trevor Paglen, The Late Estate Broomberg & Chanarin or Shu Lea Cheang, through those of emerging artists, and proposals taken directly from the internet and social networks.

The history of the face begins with the Stone Age masks and ends with the faces produced by modern media. In his book Faces: A history of the face, the famous art historian Hans Belting discovered in theater masks, actors' facial expressions, portraiture, photography, film and contemporary art, multiple attempts to get hold of the face. And in doing so he demonstrated, simultaneously, the permanent failure to represent the life of the face and the self.

Although life is ultimately unrepresentable, it remains resistant to all the rules and clichés, making its way into the image over and over again, especially through the face. This condition has increased dramatically in recent years.

The exhibition Face Control wants to face this situation along two lines: the first, through the growing control of the face from the outside, the perpetual attempts to gain political or economic control over people through measurement, recognition and registration of faces by systems such as Artificial Intelligence. The second, through control of the face from within: driven by representations on social networks, we want to achieve as complete control as possible over how we appear in the photographic or videographic portrait. To do this, we are willing to do almost anything to radically optimize our faces. Even if, in the end, we may appear the same to others.

The exhibition includes books by Giambattista della Porta, Johann Caspar Lavater, Duchenne de Boulogne, Alphonse Bertillon, Francis Galton and Léopold Szondi, materials such as the Kodak Shirley Cards, the Vogue Average Cover Photographs, a set of Mugshots, as well as photographs and videos of the following artists:

Diane Arbus, James Bantone, The Late Estate Broomberg & Chanarin, Daniele Buetti, Shu Lea Cheang, Paolo Cirio, Eli Cortiñas, JH Engström, Adam Ferriss, Tina Hage, Richard Hamilton, Alma Haser, Lynn Hershman Leeson, Roni Horn, Tommy Kha , Fabiola Larios, Eva O'Leary, Maria Mavropoulou, Simone C. Niquille, Trevor Paglen, Willem Popelier, Thomas Ruff, and John Yuyi.

Foto Colectania presenta una exposición colectiva que reúne a más de 20 artistas, tanto consagrados como emergentes, cuyas obras giran en torno al control bidireccional que recae sobre el rostro: por un lado, el que cada persona ejerce sobre la forma como desea que se perciba su cara, y por otro, el que procuran ejercer las fuerzas de poder sobre nuestra identidad.

Comisariada por Urs Stahel, la exposición plantea una reflexión crítica y provocativa sobre las consecuencias sociales, políticas y culturales derivadas de este control.

En la muestra confluyen distintas aproximaciones al tema, desde la obra de reconocidos autores como Diane Arbus, Thomas Ruff o Richard Hamilton, a las nuevas prácticas creativas resultantes de la intersección con las nuevas tecnologías, como son las de Trevor Paglen, The Late Estate Broomberg & Chanarin o Shu Lea Cheang, pasando por las de artistas emergentes, y propuestas extraídas directamente de internet y las redes sociales.

La historia del rostro comienza con las máscaras de la Edad de Piedra y termina con los rostros producidos por los medios de comunicación modernos. En su libro Faces: una historia del rostro, el famoso historiador del arte Hans Belting descubrió en las máscaras de teatro, en las expresiones faciales de los actores, en el retrato, en la fotografía, en el cine y en el arte contemporáneo, los múltiples intentos de apoderarse de la cara. Y al hacerlo demostró, simultáneamente, el fracaso permanente en representar la vida del rostro y del yo.

Aunque la vida es en última instancia irrepresentable, sigue siendo resistente a todas las normas y clichés, abriéndose paso en la imagen una y otra vez, especialmente a través del rostro. Esta condición ha aumentado drásticamente en los últimos años.

La exposición Face Control quiere afrontar esta situación siguiendo dos líneas: la primera, a través del creciente control del rostro desde el exterior, los perpetuos intentos de ganar control político o económico sobre las personas a través de la medición, el reconocimiento y el registro de caras por sistemas como la Inteligencia Artificial. La segunda, a través del control del rostro desde dentro: impulsados por las representaciones en las redes sociales, queremos lograr un control lo más completo posible sobre cómo aparecemos en el retrato fotográfico o videográfico. Para ello, estamos dispuestos a hacer casi cualquier cosa para optimizar radicalmente nuestros rostros. Incluso si, al final, podemos parecer iguales a los demás.

La exposición incluye libros de Giambattista della Porta, Johann Caspar Lavater, Duchenne de Boulogne, Alphonse Bertillon, Francis Galton y Léopold Szondi, materiales como las Kodak Shirley Cards, las Vogue Average Cover Photographs, un conjunto de Mugshots, así como fotografías y vídeos de los siguientes artistas:

Diane Arbus, James Bantone, The Late Estate Broomberg & Chanarin, Daniele Buetti, Shu Lea Cheang, Paolo Cirio, Eli Cortiñas, JH Engström, Adam Ferriss, Tina Hage, Richard Hamilton, Alma Haser, Lynn Hershman Leeson, Roni Horn, Tommy Kha, Fabiola Larios, Eva O’Leary, Maria Mavropoulou, Simone C. Niquille, Trevor Paglen, Willem Popelier, Thomas Ruff y John Yuyi.

(Text: Foto Colectania, Barcelona)

La Virreina Centre de la Imatge | Barcelona
15. Oktober 2021 - 13. Februar 2022

Da zero
Guido Guidi

Guido Guidi (Cesena, Italien, 1941) ist eine Schlüsselfigur bei der Wiederbelebung der fotografischen Praxis in den 1960er Jahren. Sein Werk ist von grundlegender Bedeutung für die Reflexion über zeitgenössische Landschaft, Urbanismus und Architektur sowie über die Fotografie selbst. Guidi ist ein außerordentlich produktiver Künstler und hat nie aufgehört, den Akt des Sehens durch das Medium der Kamera zu hinterfragen. Diese Hinterfragung hat sich durch einen intensiven Dialog zwischen den Erzählungen und der Materialität der Fotografie und dem, was an ihren Rändern, in halbstädtischen Landschaften und in vernachlässigten postindustriellen Regionen auftaucht, entwickelt.

Diese Ausstellung ist die bisher größte Retrospektive von Guidis Werk. Anhand von mehr als zweihundertfünfzig Fotografien zeichnet Da zero [Von Null] seinen Werdegang von seinen ersten Fotografien im Alter von fünfzehn Jahren bis zu seinen jüngsten Projekten nach und legt dabei besonderes Augenmerk auf die Momente, die für das Verständnis der Tiefe seines visuellen Denkens wesentlich sind. Manchmal respektlos, aber oft stillschweigend, untergräbt Guidis Arbeit konventionelle Vorstellungen davon, wo man fotografiert und wie man schaut, von einer gewissen Orthodoxie des Sehens. Durch scheinbare Irrtümer, ungewöhnliche Bildausschnitte und vor allem durch eine beharrliche Orientierung an den übersehenen Aspekten des Alltäglichen schlägt Guidis Praxis die Fotografie als einen Prozess des Verstehens vor. Er ist stets offen für das, was sich aus der Erfahrung während der Aufnahme ergibt, sowie für die vielfältigen Lesarten, die durch die Aneinanderreihung der Bilder in der veröffentlichten Form entstehen.

Der Titel der Ausstellung, Da zero, bezieht sich auf die Frühreife von Guidis ersten Arbeiten; er schwingt auch in Roland Barthes' Konzept des "Null-Grads" des Schreibens mit, als eine fortlaufende Untersuchung dessen, was eine Fotografie in Bewegung setzt und was sie möglich macht. Guidi kehrt immer wieder an denselben Ort zurück, um die Gegenwart zu untersuchen, indem er auf die kleinsten Details und die kleinsten Veränderungen achtet. Sein Werk hat sich zu einer ausdrucksstarken Form entwickelt, die eher eine Frage als eine Behauptung ist und ein neues Feld der Reflexion eröffnet, wo man es am wenigsten erwartet, in den Zwischenräumen des Bekannten. In diesem Prozess wendet er sich von der reduktiven Idee des fotografischen Bildes als stellvertretender Ersatz für Erfahrung ab und schlägt es stattdessen als einen vitalen Raum für Beobachtung und potenzielle Imagination vor.

Diese umfassende Ausstellung zeigt ein breites Spektrum von Guidis Werken, darunter die Schwarz-Weiß-Fotografien aus seiner Jugendzeit (1956-1957), die Experimente, die in den 1960er Jahren wichtig wurden, wie die Diachronien" (1969-1970), seine Serie über das Konzept der Fassade (1971-1982) sowie eine Reihe von Fotografien aus den Jahren 1975 bis 1981, die nun zum ersten Mal ausgestellt werden.

Da zero präsentiert auch Farbfotografien im Format 6 x 6 aus den frühen 1980er Jahren, darunter Preganziol (1983). Der größte Teil der Ausstellung wiederum ist Guidis häufigerem Format 20 x 25 gewidmet, das er bei seinen Erkundungen entlang der Via Emilia, der Strada Romea und in den Industriegebieten der Emilia-Romagna und des Veneto zu verwenden begann.

Wie sich in seinen zahlreichen Büchern widerspiegelt, sind Guidis persönlichste Untersuchungen oft mit öffentlichen Aufträgen verbunden. In Zusammenarbeit mit dem Istituto Universitario di Architettura di Venezia (IUAV) entstanden Projekte wie INA-Casa (1999) und ATER (2002) zum sozialen Wohnungsbau. Auf Einladung des Kanadischen Zentrums für Architektur (CCA) in Montreal begann er außerdem mit einer zehnjährigen (1997-2007) Untersuchung des Brion-Grabes des Architekten Carlo Scarpa.

Guidis Arbeitsnotizen zu diesem Projekt werden in der Ausstellung reproduziert und sind erstmals in spanischer Übersetzung zu sehen. Zu dieser Gruppe von Werken, die aus seinem ständigen Interesse an den Räumen seines eigenen täglichen Lebens resultieren, gehören auch jene, die aus seiner Arbeit als Lehrer hervorgegangen sind und die eine gemeinsame Zeit mit seinen Studenten markieren und die Unterrichtsräume zeigen. Dazu gehören die Universität von Venedig, die Fakultät der Schönen Künste in Ravenna und die vom Centro di Ricerca e Archiviazione della Fotografia (CRAF) in Spilimbergo organisierten Fotografie-Workshops sowie die von der Linea di Confine, einer 1990 von Guidi, Paolo Costantini und William Guerrieri gegründeten Publikations- und Bildungsplattform, die für die Wiederbelebung der italienischen Fotokultur grundlegend war.

Guidis Werk konzentriert sich hauptsächlich auf die Regionen Emilia-Romagna und Venetien. Da zero zeigt jedoch auch neuere Arbeiten, die auf Sardinien entstanden sind, sowie weniger bekannte oder bisher nicht ausgestellte Werke, wie die Fotografien, die er 1981 während seiner ersten Reise nach Spanien gemacht hat, und jene, die den halbstädtischen und ländlichen Landschaften entlang einer alten Pilgerroute gewidmet sind, die Sankt Petersburg mit Fisterra verbindet und die in dem Projekt In Between Cities. Eine Reiseroute durch Europa 1993-1996.

Diese Auswahl von Fotografien wird von einer Präsentation aller bisherigen Monografien von Guidi sowie von verschiedenen gemeinsamen Veröffentlichungen von Linea di Confine und einem für die Ausstellung neu in Auftrag gegebenen Video begleitet.

Guido Guidi (Cesena, Italie, 1941) est une figure clé du renouveau des pratiques photographiques dans les années 1960. Son œuvre occupe une place fondamentale dans la réflexion sur le paysage, l'urbanisme et l'architecture contemporains, ainsi que sur la photographie elle-même. Artiste extraordinairement prolifique, Guidi n'a jamais cessé de remettre en question l'acte de voir par le biais de l'appareil photo. Ce questionnement s'est développé à travers un dialogue intense entre les récits et les matérialités de la photographie et ce qui émerge à ses marges, dans les paysages semi-urbains et dans les régions post-industrielles négligées.

Cette exposition est la plus grande rétrospective de l'œuvre de Guidi à ce jour. À travers plus de deux cent cinquante photographies, Da zero [De zéro], retrace sa carrière depuis ses premières photographies, alors qu'il n'avait que quinze ans, jusqu'à ses projets les plus récents, en accordant une attention particulière aux moments qui sont essentiels pour comprendre la profondeur de sa pensée visuelle. Parfois de manière irrévérencieuse, mais souvent de manière tacite, le travail de Guidi subvertit les idées conventionnelles sur l'endroit où photographier et la manière de regarder, sur une certaine orthodoxie du regard. À travers des erreurs apparentes, des cadrages inhabituels et, surtout, une orientation insistante vers les aspects négligés du quotidien, la pratique de Guidi propose la photographie comme un processus de compréhension. Il est toujours ouvert à ce qui découle de l'expérience de la prise de vue, ainsi qu'aux multiples lectures créées par l'enchaînement des images sous forme publiée.

Le titre de l'exposition, Da zero, fait référence à la précocité des premiers travaux de Guidi ; il résonne également avec le concept de Roland Barthes du "degré zéro" de l'écriture, comme une enquête continue sur ce qui met une photographie en mouvement et ce qui la rend possible. Guidi retourne sans cesse au même endroit afin de scruter le présent en prêtant attention aux moindres détails et aux plus petites variations. Son travail a évolué vers une forme expressive, plus proche du questionnement que de l'affirmation, ouvrant un nouveau champ de réflexion là où on l'attend le moins, dans les interstices du connu. Dans ce processus, il évite l'idée réductrice de l'image photographique comme substitut vicariant de l'expérience, la proposant plutôt comme un espace vital pour l'observation et l'imagination potentielle.

Cette vaste exposition présente un large éventail d'œuvres de Guidi, y compris les photographies en noir et blanc qu'il a prises pendant son adolescence (1956-1957), les expériences qui sont devenues importantes dans les années 1960, comme celles qui s'articulent autour de ses "diachronies" (1969-1970), sa série sur le concept de façade (1971-1982), ainsi qu'une série de photographies prises entre 1975 et 1981 qui sont exposées pour la première fois.

Da zero présente également des photographies en couleur au format 6 x 6 du début des années 1980, dont Preganziol (1983). La plus grande partie de l'exposition, quant à elle, est consacrée au format 20 x 25, plus courant chez Guidi, qu'il a commencé à utiliser lors de ses explorations le long de la Via Emilia, de la Strada Romea et dans les territoires industriels de l'Émilie-Romagne et de la Vénétie.

Comme en témoignent ses nombreux ouvrages, les recherches les plus personnelles de Guidi sont souvent liées à des commandes publiques. Sa collaboration avec l'Istituto Universitario di Architettura di Venezia (IUAV) a donné lieu à des projets tels que ceux sur le logement social, INA-Casa (1999) et ATER (2002). Par ailleurs, à l'invitation du Centre Canadien d'Architecture (CCA) de Montréal, il s'est lancé dans ce qui allait devenir une enquête de dix ans (1997-2007) sur la tombe de Brion, réalisée par l'architecte Carlo Scarpa.

Les notes de travail de Guidi sur ce projet sont reproduites dans l'exposition et peuvent être lues pour la première fois en traduction espagnole. Cet ensemble d'œuvres résultant de son intérêt constant pour les espaces de sa propre vie quotidienne comprend également celles issues de son travail d'enseignant, qui marquent un temps partagé avec ses étudiants et mettent en scène les installations d'enseignement. Parmi elles, l'Université de Venise, la Faculté des Beaux-Arts de Ravenne et les ateliers de photographie organisés par le Centro di Ricerca e Archiviazione della Fotografia (CRAF) de Spilimbergo et ceux organisés par la Linea di Confine, une plateforme de publication et de formation créée en 1990 par Guidi, Paolo Costantini et William Guerrieri, qui a été fondamentale pour le renouveau de la culture photographique italienne.

Le travail de Guidi s'est principalement concentré sur les régions d'Émilie-Romagne et de Vénétie. Toutefois, Da zero présente également des travaux plus récents réalisés en Sardaigne, en plus d'œuvres moins connues ou non exposées jusqu'à présent, comme les photographies qu'il a prises lors de son premier voyage en Espagne en 1981, et celles consacrées aux paysages semi-urbains et ruraux le long d'un ancien chemin de pèlerinage, reliant Saint-Pétersbourg à Fisterra, rassemblées dans le projet In Between Cities. Un itinerario attraverso l'Europa 1993-1996.

Cette sélection de photographies est accompagnée d'une présentation de toutes les monographies réalisées à ce jour par Guidi, ainsi que de diverses publications conjointes de Linea di Confine et d'une vidéo nouvellement commandée pour l'exposition.

Guido Guidi (Cesena, Italia, 1941) è una figura chiave nella rinascita delle pratiche fotografiche degli anni '60. Il suo lavoro occupa un posto fondamentale nella riflessione sul paesaggio, l'urbanistica e l'architettura contemporanea, così come sulla fotografia stessa. Guidi è un artista straordinariamente prolifico e non ha mai smesso di mettere in discussione l'atto del vedere attraverso il mezzo fotografico. Questo interrogativo si è sviluppato attraverso un intenso dialogo tra le narrazioni e le materialità della fotografia e ciò che emerge ai suoi margini, nei paesaggi semi-urbani e nelle regioni post-industriali trascurate.

Questa mostra è la più grande retrospettiva del lavoro di Guidi fino ad oggi. Attraverso più di duecentocinquanta fotografie, Da zero [From zero], ripercorre la sua carriera dalle sue prime fotografie a soli quindici anni ai suoi progetti più recenti, prestando particolare attenzione ai momenti che sono essenziali per comprendere la profondità del suo pensiero visivo. A volte in modo irriverente, ma spesso tacitamente, il lavoro di Guidi sovverte le idee convenzionali su dove fotografare e come guardare, su una certa ortodossia del vedere. Attraverso errori apparenti, inquadrature insolite e, soprattutto, un orientamento insistente verso gli aspetti trascurati del quotidiano, la pratica di Guidi propone la fotografia come un processo di comprensione. Egli è sempre aperto a ciò che nasce dall'esperienza durante le riprese, così come alle molteplici letture create dalla sequenza delle immagini in forma pubblicata.

Il titolo della mostra, Da zero, si riferisce alla precocità dei primi lavori di Guidi; risuona anche con il concetto di Roland Barthes del "grado zero" della scrittura, come un'indagine continua su ciò che mette in moto una fotografia e che la rende possibile. Guidi ritorna sempre nello stesso luogo per scrutare il presente, prestando attenzione ai minimi dettagli e alle più piccole variazioni. Il suo lavoro si è sviluppato in una forma espressiva che è più vicina all'interrogazione che all'affermazione, aprendo un nuovo campo di riflessione dove meno ci si aspetta, negli interstizi di ciò che è noto. In questo processo evita l'idea riduttiva dell'immagine fotografica come sostituto vicario dell'esperienza, proponendola invece come spazio vitale di osservazione e immaginazione potenziale.

Questa ampia mostra presenta un'ampia gamma di opere di Guidi, tra cui le fotografie in bianco e nero scattate durante l'adolescenza (1956-1957), le sperimentazioni che diventano importanti negli anni Sessanta, come quelle articolate intorno alle "diacronie" (1969-1970), la serie sul concetto di facciata (1971-1982), oltre a una serie di fotografie scattate tra il 1975 e il 1981 che vengono ora esposte per la prima volta.

Da zero presenta anche fotografie a colori in formato 6 x 6 dei primi anni '80, tra cui Preganziol (1983). La sezione più ampia della mostra, a sua volta, è dedicata al più comune formato 20 x 25 che Guidi ha iniziato a utilizzare durante le sue esplorazioni lungo la Via Emilia, la Strada Romea e nei territori industriali dell'Emilia-Romagna e del Veneto.

Come si evince dai suoi numerosi libri, le indagini più personali di Guidi sono spesso legate a commissioni pubbliche. La sua collaborazione con l'Istituto Universitario di Architettura di Venezia (IUAV) ha dato vita a progetti come quelli sull'edilizia sociale, INA-Casa (1999) e ATER (2002). Inoltre, su invito del Canadian Centre for Architecture (CCA) di Montreal, ha iniziato quella che sarebbe diventata un'indagine decennale (1997-2007) sulla Tomba Brion, dell'architetto Carlo Scarpa.

Gli appunti di lavoro di Guidi relativi a questo progetto sono riprodotti in mostra e possono essere letti per la prima volta in traduzione spagnola. In questo gruppo di opere frutto del suo costante interesse per gli spazi della propria vita quotidiana, rientrano anche quelle derivanti dal suo lavoro di insegnante, che segnano un tempo condiviso con i suoi studenti e caratterizzano le strutture didattiche. Tra questi l'Università di Venezia, la Facoltà di Belle Arti di Ravenna e i workshop di fotografia organizzati dal Centro di Ricerca e Archiviazione della Fotografia (CRAF) di Spilimbergo e quelli organizzati dalla Linea di Confine, una piattaforma di pubblicazione e formazione creata nel 1990 da Guidi, Paolo Costantini e William Guerrieri, fondamentale per la rinascita della cultura fotografica italiana.

Il lavoro di Guidi si è concentrato principalmente sulle aree dell'Emilia-Romagna e del Veneto. Da zero presenta però anche lavori più recenti realizzati in Sardegna, oltre a opere meno note o inedite come le fotografie scattate durante il suo primo viaggio in Spagna nel 1981, e quelle dedicate ai paesaggi semi-urbani e rurali lungo un'antica via di pellegrinaggio, che collega San Pietroburgo a Fisterra, raccolte nel progetto In Between Cities. Un itinerario attraverso l'Europa 1993-1996.

Questa selezione di fotografie è accompagnata dalla presentazione di tutte le monografie di Guidi fino ad oggi, oltre che da diverse pubblicazioni congiunte di Linea di Confine e da un video appena commissionato per la mostra.

Guido Guidi (Cesena, Italy, 1941) is a key figure in the revival of photographic practices in the 1960s. His work occupies a fundamental place in the reflection on contemporary landscape, urbanism and architecture, as well as on photography itself. Guidi is an extraordinarily prolific artist and has never ceased to question the act of seeing through the medium of the camera. This questioning has developed through an intense dialogue between the narratives and materialities of  photography and what emerges at its margins, in semi-urban landscapes and in neglected post-industrial regions.

This exhibition is the largest retrospective of Guidi’s work to date. Through more than two hundred and fifty photographs, Da zero [From zero], traces his career from his first photographs when he was only fifteen years old to his most recent projects, paying particular attention to the moments that are essential to understanding the depth of his visual thinking. At times irreverently, but often tacitly, Guidi’s work subverts conventional ideas of where to photograph and how to look, of a certain orthodoxy of seeing. Through seeming errors, unusual framing and, above all, an insistent orientation towards the overlooked aspects of the everyday, Guidi’s practice proposes photography as a process of understanding. He is always open to what arises from the experience while shooting, as well as to the multiple readings created by the sequencing of images in published form.

The title of the exhibition, Da zero, refers to the precociousness of Guidi’s first works; it also resonates with Roland Barthes’s concept of the ‘zero degree’ of writing, as an ongoing investigation into what sets a photograph in motion and what makes it possible. Guidi returns to the same place time and again in order to scrutinise the present by paying attention to the slightest details and smallest variations. His work has developed in an expressive form, one that is closer to questioning than to affirmation, opening up a new field of reflection where it is least expected, in the interstices of what is known. In this process he shuns the reductive idea of the photographic image as a vicarious substitute for experience, proposing it instead as a vital space for observation and potential imagination.

This expansive exhibition presents a wide range of Guidi’s works, including the black and white photographs that he took during his adolescence (1956–1957), the experiments that became important in the 1960s, such as those articulated around his “diachronies” (1969–1970), his series on the concept of the façade  (1971–1982), as well as a range of photographs taken between 1975 and 1981 that are now exhibited for the first time.

Da zero also presents colour photographs in 6 x 6 format from the early 1980s, including Preganziol (1983). The largest section of the exhibition, in turn, is dedicated to Guidi’s more common 20 x 25 format, which he began to use during his explorations along Via Emilia, the Strada Romea and in the industrial territories of Emilia-Romagna and the Veneto.

As is reflected in his numerous books, Guidi’s most personal investigations are often related to public commissions. His collaboration with the Istituto Universitario di Architettura di Venezia (IUAV) gave rise to projects such as those on social housing, INA-Casa (1999) and ATER (2002). Also, at the invitation of the Canadian Centre for Architecture (CCA) in Montreal, he set out on what would become a decade-long (1997–2007) investigation of the Brion Tomb, by the architect Carlo Scarpa.

Guidi’s working notes from this project are reproduced in the exhibition and can be read for the first time in Spanish translation. This group of works resulting from his constant interest in the spaces of his own daily life also include those arising from his work as a teacher, which mark a time shared with his students and feature the teaching facilities. Among them are the University of Venice, the Faculty of Fine Arts, Ravenna and the photography workshops organised by the Centro di Ricerca e Archiviazione della Fotografia (CRAF) in Spilimbergo and those organised by the Linea di Confine, a platform for publication and education created in 1990 by Guidi, Paolo Costantini and William Guerrieri, which was fundamental for the revival of Italian photographic culture.

Guidi’s work has mainly focused on the areas of Emilia-Romagna and Veneto. However, Da zero also presents more recent works carried out in Sardinia, in addition to lesser-known or previously unexhibited works such as the photographs he took during his first trip to Spain in 1981, and those dedicated to the semi-urban and rural landscapes along an ancient pilgrimage route, linking Saint Petersburg to Fisterra, collected in the project In Between Cities. Un itinerario attraverso l’Europa 1993-1996.

This selection of photographs is accompanied by a presentation of all of Guidi’s monographs to date, as well as various joint publications by Linea di Confine and a video newly-commissioned for the exhibition.

(Text: La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona)