Bildhalle | Zürich
21. November 2024

Christine Kruchen, Hoepker’s Frau, wird anwesend sein

Hommage an Thomas Hoepker

Am 10. Juli 2024 ist der weltbekannte Fotograf Thomas Hoepker im Beisein seiner Familie friedlich eingeschlafen. Während der letzten 10 Jahre war die Bildhalle Thomas Hoepker eng verbunden und hat seine ikonischen Bilder in mehreren Einzelausstellungen in Zürich und Amsterdam gezeigt. Wir laden Sie herzlich ein, seinGesamtwerk, seine Lebensgeschichte und warmherzige Persönlichkeit mit dieser Retrospektive zu würdigen.

1936 in München geboren, zählte Thomas Hoepker zu den bedeutendsten Fotografen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Als ruheloser und leidenschaftlicher Fotojournalist hat er das – nach den 1920er und 30er Jahren – zweite goldene Zeitalter des Fotojournalismus nicht nur erlebt, er hat es mitgeprägt. Als Bildjournalist für Zeitschriften wie Stern, Geo, Kristall oder die Münchner Illustrierte, als Art Director, Buchautor, Filmemacher hat Hoepker Fotogeschichte geschrieben. Nicht wenige seiner Reportagen in Schwarzweiss und Farbe zählen zu den Höhepunkten des neueren Fotojournalismus.

1964 bekam er als Fotoreporter für den Stern die Möglichkeit, den Boxer Muhammad Ali während 10 Jahren in regelmässigen Abständen zu porträtieren. 1966 reiste er nach London und Chicago und begleitete die Boxerlegende zusammen mit seiner damaligen Frau und Stern-Journalistin Eva Windmöller. 1970 dokumentierte Hoepker, wie sich Ali nach einigen Jahren des Rückzugs auf den «Jahrhundertkampf» gegen Joe Frazier vorbereitete. Viele dieser Bilder gingen um die Welt und wurden zu fotografischen Ikonen. Sie wurden in Museen ausgestellt und sind Bestandteil vieler Sammlungen.

1976 zog Thomas Hoepker als Korrespondent für den Stern nach New York und war bis 1981 Fotodirektor der amerikanischen Ausgabe des GEO. 1987 bis 1989 folgten dann Jahre als Art Director für den Stern in Hamburg. 1989 wurde Thomas Hoepker das erste deutsche Vollmitglied bei der renommierten Fotografenagentur Magnum und war deren Präsident von 2003 bis 2006. Er war mit der deutschen Filmemacherin Christine Kruchen verheiratet.

Im Jahr 2017 wurde bei Thomas Hoepker Alzheimer diagnostiziert. Sein Traum war es, ein letztes Mal die USA zu bereisen, wie er es in den frühen 1960er Jahren für sein Projekt «Heartland» gemacht hat. Ein Filmteam begleitete ihn und seine Frau Christine dabei. Daraus entstanden ist «Dear Memories», ein bildstarker und berührender Dokumentarfilm über einen Fotografen, der ein Leben lang kulturelle und historische Erinnerungsbilder geschaffen hat und für den am Ende diese Bilder eine Art «ausgelagertes» Gedächtnis wurden.

«In Thomas Hoepker’s Bildern herrscht ausgelassene Lebendigkeit. Nicht, dass er vor den Misslichkeiten der Welt die Augen verschliesst, aber er erlag nie der Versuchung jenes Bildjournalismus, der sich durch die Darstellung des Schreckens hervortut. Der zynischen Analyse, dass Reporterglück oft das Unglück anderer sei, setzte er mit seinen Bildern die Behauptung entgegen, das Unglück anderer sei immer zugleich das Unglück aller. So liess er nichts ungenutzt, die Kamera als Waffe im Kampf für eine gerechtere Welt einzusetzen.

Lange bevor Charterflüge Reisen erschwinglich machten, addierten sich seine Aufnahmen beim Betrachter zu einem Gesamteindruck, in dem ebenso Raum war für das Gewusel der Grossstadt wie für die Weite leerer Landstriche. Am Ende aber spielten immer die Menschen mit ihren Sorgen, Schrullen und Spleens die wichtigste Rolle. Dabei verband Hoepker seine kompositorische Sicherheit stets mit einem tief empfundenen Humanismus.

Nie hat er den eigentlichen Auftrag jedes Berichterstatters vergessen: Stellvertreter zu sein für jene, die nie dorthin kommen werden, wovon er erzählt.»

Le 10 juillet 2024, le photographe de renommée mondiale Thomas Hoepker s'est endormi paisiblement en présence de sa famille. Au cours des dix dernières années, la Bildhalle a été étroitement liée à Thomas Hoepker et a présenté ses visuels emblématiques dans plusieurs expositions individuelles à Zurich et Amsterdam. Nous vous invitons à rendre hommage à l'ensemble de son œuvre, à l'histoire de sa vie et à sa personnalité chaleureuse à travers cette rétrospective.

Né en 1936 à Munich, Thomas Hoepker comptait parmi les photographes les plus importants de la seconde moitié du 20e siècle. Photojournaliste agité et passionné, il n'a pas seulement vécu le deuxième âge d'or du photojournalisme - après les années 1920 et 1930 - mais il l'a également marqué de son empreinte. En tant que photojournaliste pour des magazines comme Stern, Geo, Kristall ou la Münchner Illustrierte, en tant que directeur artistique, auteur de livres et réalisateur de films, Hoepker a écrit l'histoire de la photographie. Un grand nombre de ses reportages en noir et blanc et en couleur comptent parmi les points forts du photojournalisme moderne.

En 1964, il a eu l'occasion, en tant que photoreporter pour le Stern, de faire le portrait du boxeur Muhammad Ali à intervalles réguliers pendant 10 ans. En 1966, il s'est rendu à Londres et à Chicago et a accompagné la légende de la boxe avec sa femme de l'époque, Eva Windmöller, journaliste au Stern. En 1970, Hoepker a documenté la manière dont Ali, après quelques années de retraite, se préparait au « combat du siècle » contre Joe Frazier. Nombre de ces visuels ont fait le tour du monde et sont devenus des icônes photographiques. Elles ont été exposées dans des musées et font partie de nombreuses collections.

En 1976, Thomas Hoepker s'installa à New York en tant que correspondant pour le Stern et fut directeur photo de l'édition américaine de GEO jusqu'en 1981. De 1987 à 1989, il a ensuite travaillé comme directeur artistique pour le Stern à Hambourg. En 1989, Thomas Hoepker est devenu le premier membre allemand à part entière de la célèbre agence de photographie Magnum, dont il a été le président de 2003 à 2006. Il était marié à la cinéaste allemande Christine Kruchen.

En 2017, la maladie d'Alzheimer a été diagnostiquée chez Thomas Hoepker. Son rêve était de parcourir une dernière fois les États-Unis, comme il l'avait fait au début des années 1960 pour son projet « Heartland ». Une équipe de tournage l'a accompagné dans cette aventure avec sa femme Christine. Il en est résulté « Dear Memories », un documentaire riche en images et touchant sur un photographe qui a passé sa vie à créer des images souvenirs culturelles et historiques et pour qui ces visuels sont finalement devenus une sorte de mémoire « délocalisée ».

« Il règne dans les visuels de Thomas Hoepker une vivacité exubérante. Non pas qu'il ferme les yeux sur les malheurs du monde, mais il n'a jamais cédé à la tentation de ce photojournalisme qui excelle dans la représentation de l'horreur. A l'analyse cynique selon laquelle le bonheur des reporters est souvent le malheur des autres, il opposait par ses visuels l'affirmation selon laquelle le malheur des autres est toujours en même temps le malheur de tous. Il n'a donc pas hésité à utiliser sa caméra comme une arme dans la lutte pour un monde plus juste.

Bien avant que les vols charters ne rendent les voyages abordables, ses clichés s'additionnaient pour donner au spectateur une impression d'ensemble, dans laquelle il y avait autant de place pour l'agitation de la grande ville que pour l'immensité des campagnes vides. Mais au final, ce sont toujours les gens qui jouent le rôle le plus important, avec leurs soucis, leurs bizarreries et leurs spleens. Hoepker a toujours associé son assurance dans la composition à un humanisme profondément ressenti.

Il n'a jamais oublié la véritable mission de tout chroniqueur : être le représentant de ceux qui n'arriveront jamais là où il raconte ».

Il 10 luglio 2024, il fotografo di fama mondiale Thomas Hoepker si è spento serenamente in presenza della sua famiglia. Negli ultimi 10 anni, la Bildhalle è stata strettamente legata a Thomas Hoepker e ha esposto le sue immagini iconiche in diverse mostre personali a Zurigo e Amsterdam. Vi invitiamo cordialmente a onorare la sua opera, la sua storia di vita e la sua calorosa personalità con questa retrospettiva.

Nato a Monaco nel 1936, Thomas Hoepker è stato uno dei fotografi più importanti della seconda metà del XX secolo. Come fotoreporter inquieto e appassionato, non solo ha vissuto la seconda età dell'oro del fotogiornalismo - dopo gli anni '20 e '30 - ma ha anche contribuito a plasmarla. Come fotoreporter per riviste come Stern, Geo, Kristall o Münchner Illustrierte, come direttore artistico, autore di libri e regista, Hoepker ha scritto la storia della fotografia. Molti dei suoi reportage in bianco e nero e a colori sono tra i punti salienti del fotogiornalismo moderno.

Nel 1964, come fotoreporter per la rivista Stern, ebbe l'opportunità di ritrarre il pugile Muhammad Ali a intervalli regolari per 10 anni. Nel 1966, si reca a Londra e a Chicago e accompagna la leggenda del pugilato insieme all'allora moglie e giornalista di Stern Eva Windmöller. Nel 1970, Hoepker ha documentato come Ali si sia preparato per il “combattimento del secolo” contro Joe Frazier dopo diversi anni di ritiro. Molte di queste immagini hanno fatto il giro del mondo e sono diventate icone fotografiche. Sono state esposte nei musei e fanno parte di molte collezioni.

Nel 1976, Thomas Hoepker si trasferì a New York come corrispondente della rivista Stern e fu direttore fotografico dell'edizione americana di GEO fino al 1981. In seguito, dal 1987 al 1989, è stato direttore artistico di Stern ad Amburgo. Nel 1989, Thomas Hoepker è diventato il primo membro tedesco a pieno titolo della rinomata agenzia fotografica Magnum, di cui è stato presidente dal 2003 al 2006. È stato sposato con la regista tedesca Christine Kruchen.

Nel 2017 a Thomas Hoepker è stato diagnosticato il morbo di Alzheimer. Il suo sogno era quello di viaggiare per l'ultima volta negli Stati Uniti, come aveva fatto all'inizio degli anni '60 per il suo progetto “Heartland”. Un team cinematografico ha accompagnato lui e sua moglie Christine. Il risultato è “Dear Memories”, un film documentario visivamente potente e toccante su un fotografo che ha trascorso una vita a creare memorie culturali e storiche e per il quale queste immagini sono diventate in ultima analisi una sorta di memoria “esternalizzata”.

“Le immagini di Thomas Hoepker sono piene di esuberante vitalità. Non che abbia chiuso un occhio sui mali del mondo, ma non ha mai ceduto alla tentazione del fotogiornalismo, che eccelle nella rappresentazione dell'orrore. Ha usato le sue immagini per contrastare l'analisi cinica secondo cui la felicità dei reporter è spesso la disgrazia degli altri con l'affermazione che la disgrazia degli altri è sempre la disgrazia di tutti. Non ha lasciato nulla di intentato per usare la macchina fotografica come arma nella lotta per un mondo più giusto.

Molto tempo prima che i voli charter rendessero accessibili i viaggi, le sue fotografie davano un'impressione generale all'osservatore, in cui c'era tanto spazio per il trambusto della grande città quanto per la vastità delle distese vuote. Alla fine, però, sono sempre le persone con le loro preoccupazioni, le loro stranezze e le loro idiosincrasie a giocare il ruolo più importante. Hoepker ha sempre combinato la sua sicurezza compositiva con un umanesimo profondamente sentito.

Non ha mai dimenticato la vera missione di ogni reporter: essere un rappresentante di coloro che non arriveranno mai dove lui sta raccontando la storia”.

On July 10, 2024, world-renowned photographer Thomas Hoepker passed away peacefully in the presence of his family. For the past 10 years, Bildhalle Thomas Hoepker has been closely associated with him and has shown his iconic images in several solo exhibitions in Zurich and Amsterdam. We warmly invite you to honor his life's work, his life story and warm personality with this retrospective.

Born in Munich in 1936, Thomas Hoepker is considered one of the most important photographers of the second half of the 20th century. As a restless and passionate photojournalist, he not only experienced the second golden age of photojournalism after the 1920s and 30s, he helped shape it. Hoepker has made photographic history as a photojournalist for magazines such as Stern, Geo, Kristall and Münchner Illustrierte, as an art director, book author and filmmaker. Many of his photojournalistic reports in black and white and color are among the highlights of modern photojournalism.

In 1964, he had the opportunity to portray boxer Muhammad Ali at regular intervals over a period of ten years as a photojournalist for Stern magazine. In 1966, he traveled to London and Chicago with the boxer's then-wife and Stern journalist Eva Windmöller. In 1970, Hoepker documented how Ali prepared for the “fight of the century” against Joe Frazier after several years of retirement. Many of these images went around the world and became photographic icons. They have been exhibited in museums and are part of many collections.

In 1976, Thomas Hoepker moved to New York as a correspondent for Stern magazine and was photo director of the American edition of GEO magazine until 1981. From 1987 to 1989, he worked as art director for Stern magazine in Hamburg. In 1989, Thomas Hoepker became the first German full member of the renowned photographers' agency Magnum Photos and was its president from 2003 to 2006. He was married to German filmmaker Christine Kruchen.

In 2017, Thomas Hoepker was diagnosed with Alzheimer's. His dream was to travel across the United States one last time, as he had done in the early 1960s for his project “Heartland”. A film crew accompanied him and his wife Christine on the trip. The result is “Dear Memories”, a visually stunning and touching documentary about a photographer who has spent a lifetime creating cultural and historical images and for whom, in the end, these images became a kind of “outsourced” memory.

“Thomas Hoepker's images are full of exuberant liveliness. Not that he closes his eyes to the world's misfortunes, but he never succumbed to the temptation of photojournalism that excels in depicting horror. He countered the cynical analysis that a reporter's luck is often someone else's misfortune with his images, asserting that the misfortune of others is always everyone's misfortune. He left no stone unturned in his use of the camera as a weapon in the fight for a fairer world.

Long before charter flights made travel affordable, his pictures added up to an overall impression for the viewer, with room for the hustle and bustle of the big city as well as the expanse of empty landscapes. But in the end, it was always the people with their worries, quirks and idiosyncrasies who played the most important role. In doing so, Hoepker always combined his compositional confidence with a deeply felt humanism.

He never forgot the real mission of every reporter: to be a representative for those who will never get to where he is telling the story.”

(Text: Freddy Langer)

Villa der Galerie Kornfeld | Zürich
20. November 2024

Unikat-Photographie – Kunstbroker zu Gast bei Titilis 48
Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen, Mario Rothenbühler

Anmeldung

Wir laden Sie herzlich ein zur hochinteressanten Ausstellung „Unikat-Photographie“, die in der historischen Villa der ehemaligen Galerie Kornfeld an der Titlisstrasse 48 in Zürich stattfindet. Diese einmalige Pop-Up-Ausstellung, kuratiert von dem Kunst- und Photohistoriker Gabriel S. R. Müller, präsentiert vier zeitgenössische Positionen, die die Vielfalt und Einzigartigkeit der photographischen Kunst zelebrieren. Aufgrund seiner langjährigen Arbeit in einem international renommierten Schweizer Auktionshaus ist der Kunsthändler bestens mit verschiedensten Techniken der Photographie vertraut und bringt sein umfangreiches Wissen in die Kuratierung dieser Ausstellung ein. Erleben Sie die beeindruckenden Werke von Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler und Mario Rothenbühler, die verschiedene künstlerische Konzepte und Techniken wie Nassplatten-Kollodium, Cyanotypien, Polaroid-Aufnahmen und Lightjet-Prints in einen spannenden Dialog bringen. Die Grundidee der Ausstellung ist es, historische und zeitgenössische photographische Verfahren miteinander zu verknüpfen und die Bedeutung von Unikaten in der Photographie hervorzuheben. Diese Künstler arbeiten in der Regel ausschließlich mit Unikaten, sei es aufgrund der gewählten Technik oder weil es fester Bestandteil ihres künstlerischen Schaffens ist. Lassen Sie sich von der einzigartigen Atmosphäre der Villa inspirieren, wo einst bedeutende Werke von Sam Francis und Marc Chagall zu sehen waren. Ein Muss für Photographie-Interessierte und solche, die es werden wollen!

Nous avons le plaisir de vous inviter à la très intéressante exposition « Unikat-Photographie », qui se tient dans la villa historique de l'ancienne galerie Kornfeld, Titlisstrasse 48, à Zurich. Cette exposition pop-up unique, organisée par l'historien de l'art et de la photographie Gabriel S. R. Müller, présente quatre positions contemporaines qui célèbrent la diversité et l'unicité de l'art photographique. En raison de son travail de longue date dans une maison de vente aux enchères suisse de renommée internationale, le marchand d'art connaît parfaitement les techniques les plus diverses de la photographie et apporte ses vastes connaissances au commissariat de cette exposition. Venez découvrir les œuvres impressionnantes de Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler et Mario Rothenbühler, qui font dialoguer de manière passionnante différents concepts et techniques artistiques tels que le collodion à plaque humide, les cyanotypes, les prises de vue Polaroid et les impressions Lightjet. L'idée de base de l'exposition est de mettre en relation les procédés photographiques historiques et contemporains et de souligner l'importance des pièces uniques en photographie. En général, ces artistes travaillent exclusivement avec des pièces uniques, soit en raison de la technique choisie, soit parce que cela fait partie intégrante de leur travail artistique. Laissez-vous inspirer par l'atmosphère unique de la villa, qui abritait autrefois des œuvres importantes de Sam Francis et Marc Chagall. Un must pour les amateurs de photographie et ceux qui souhaitent le devenir !

Vi invitiamo cordialmente all'interessantissima mostra “Unikat-Photographie”, che si terrà nella storica villa dell'ex Galerie Kornfeld in Titlisstrasse 48 a Zurigo. Questa mostra pop-up unica, curata dallo storico dell'arte e della fotografia Gabriel S. R. Müller, presenta quattro posizioni contemporanee che celebrano la diversità e l'unicità dell'arte fotografica. Avendo lavorato per molti anni in una casa d'aste svizzera di fama internazionale, il mercante d'arte ha una grande familiarità con un'ampia varietà di tecniche fotografiche e apporta la sua vasta conoscenza alla cura di questa mostra. Scoprite le impressionanti opere di Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler e Mario Rothenbühler, che mettono in dialogo concetti e tecniche artistiche diverse, come il collodio a umido, le cianotipie, le Polaroid e le stampe a getto di luce. L'idea di base della mostra è quella di combinare processi fotografici storici e contemporanei e di sottolineare l'importanza dei pezzi unici in fotografia. Di norma, questi artisti lavorano esclusivamente con pezzi unici, sia per la tecnica scelta sia perché è parte integrante del loro lavoro artistico. Lasciatevi ispirare dall'atmosfera unica della villa, dove un tempo erano esposte importanti opere di Sam Francis e Marc Chagall. Un'occasione imperdibile per gli appassionati di fotografia e per chi vuole diventarlo!

We cordially invite you to the highly interesting exhibition “Unikat-Photographie”, which is taking place in the historic villa of the former Kornfeld Gallery at Titlisstrasse 48 in Zurich. This unique pop-up exhibition, curated by art and photo historian Gabriel S. R. Müller, presents four contemporary positions that celebrate the diversity and uniqueness of photographic art. Due to his many years of working in an internationally renowned Swiss auction house, the art dealer is very familiar with a wide range of photographic techniques and brings his extensive knowledge to the curation of this exhibition. Experience the impressive works of Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler and Mario Rothenbühler, which bring various artistic concepts and techniques such as wet-plate collodion, cyanotypes, Polaroid shots and lightjet prints into an exciting dialogue. The basic idea of the exhibition is to combine historical and contemporary photographic processes and to emphasize the importance of unique pieces in photography. These artists usually work exclusively with unique pieces, either because of the technique they have chosen or because it is an integral part of their artistic practice. Be inspired by the unique atmosphere of the villa, where important works by Sam Francis and Marc Chagall were once on display. A must for those who are interested in photography and those who want to become interested!

Leica Galerie Salzburg
14. November 2024

Kunst der Stille: Porträts und Stillleben von Vera Mercer

Im Rahmen unseres Jahresthemas „THROUGH HER LENS – All Eyes on Women Photographers“ präsentieren wir seit Februar ausschließlich weibliche Fotografinnen. Zum Abschluss des Jahres freuen wir uns, mit der Ausstellung „Kunst der Stille: Porträts und Stillleben von Vera Mercer“ eine visuelle Pracht voller Blumen, Früchte und mystischer Arrangements präsentieren zu können. Die Vernissage findet am 14. November um 18.30 Uhr statt.

Vera Mercer, die in den 1960er Jahren zur Pariser Künstleravantgarde gehörte, wurde durch ihre eindrücklichen Fotografien von Künstlern wie Jean Tinguely, Eva Aeppli, Marcel Duchamp, Niki de Saint-Phalle und Daniel Spoerri bekannt. Neben diesen eindrücklichen Porträts entwickelte sie eine Faszination für Stillleben, inspiriert von alten Pariser Markthallen. Dieses Interesse an Früchten, Gemüse, Fleisch und Fisch in ihrer frischesten und unverarbeiteten Form prägt ihr künstlerisches Schaffen bis heute.

Mercers Werk zeichnet sich durch opulente, neobarocke Farbstillleben aus, die klassische Vanitas-Motive neu interpretieren. Ihre Werke sind reich an Farben und Details, oft in mystisches Licht getaucht und kunstvoll arrangiert. Krebse, Fischleiber, Wild und Geflügel kombiniert sie mit Blumen, Kerzen und antiken Accessoires zu einem visuellen Fest, das Lebensfreude und Vergänglichkeit gleichermaßen zelebriert. Die großformatigen Arbeiten bestechen durch ihre Sinnlichkeit und Ästhetik und schaffen eine einzigartige Atmosphäre, die den Betrachter in eine Welt voller Schönheit und Nachdenklichkeit entführt.

Dans le cadre de notre thème annuel « THROUGH HER LENS - All Eyes on Women Photographers », nous présentons depuis février exclusivement des femmes photographes. Pour clore l'année, nous sommes heureux de pouvoir présenter l'exposition « L'art du silence : portraits et natures mortes de Vera Mercer », une splendeur visuelle pleine de fleurs, de fruits et d'arrangements mystiques. Le vernissage aura lieu le 14 novembre à 18h30.

Vera Mercer, qui faisait partie de l'avant-garde artistique parisienne dans les années 1960, s'est fait connaître par ses impressionnantes photographies d'artistes tels que Jean Tinguely, Eva Aeppli, Marcel Duchamp, Niki de Saint-Phalle et Daniel Spoerri. Outre ces portraits impressionnants, elle a développé une fascination pour les natures mortes, inspirée par les anciens marchés couverts parisiens. Cet intérêt pour les fruits, les légumes, la viande et le poisson dans leur forme la plus fraîche et non transformée marque encore aujourd'hui sa création artistique.

L'œuvre de Mercer se caractérise par des natures mortes opulentes aux couleurs néo-baroques, qui réinterprètent les motifs classiques de vanitas. Ses œuvres sont riches en couleurs et en détails, souvent plongées dans une lumière mystique et disposées avec art. Elle combine des écrevisses, des foies de poissons, du gibier et de la volaille avec des fleurs, des bougies et des accessoires anciens pour créer une fête visuelle qui célèbre à la fois la joie de vivre et l'éphémère. Les œuvres de grand format séduisent par leur sensualité et leur esthétique et créent une atmosphère unique qui transporte le spectateur dans un monde de beauté et de réflexion.

Nell'ambito del nostro tema annuale “THROUGH HER LENS - All Eyes on Women Photographers”, da febbraio presentiamo esclusivamente fotografe donne. Per concludere l'anno, siamo lieti di presentare la mostra “Art of Silence: Portraits and Still Lifes by Vera Mercer”, uno splendore visivo pieno di fiori, frutta e composizioni mistiche. Il vernissage si terrà il 14 novembre alle 18.30.

Vera Mercer, che ha fatto parte dell'avanguardia artistica parigina degli anni Sessanta, è diventata famosa per le sue impressionanti fotografie di artisti come Jean Tinguely, Eva Aeppli, Marcel Duchamp, Niki de Saint-Phalle e Daniel Spoerri. Oltre a questi impressionanti ritratti, sviluppò un fascino per le nature morte, ispirandosi alle vecchie sale del mercato parigino. Questo interesse per la frutta, la verdura, la carne e il pesce nella loro forma più fresca e non lavorata caratterizza ancora oggi il suo lavoro artistico.

Il lavoro di Mercer è caratterizzato da nature morte opulente e neobarocche che reinterpretano i motivi classici della vanitas. Le sue opere sono ricche di colori e dettagli, spesso immerse in una luce mistica e disposte ad arte. L'artista combina granchi, carcasse di pesce, selvaggina e pollame con fiori, candele e accessori antichi per creare una festa visiva che celebra in egual misura la gioia di vivere e la caducità. Le opere di grande formato affascinano per la loro sensualità ed estetica e creano un'atmosfera unica che trasporta lo spettatore in un mondo pieno di bellezza e contemplazione.

As part of our annual theme “THROUGH HER LENS – All Eyes on Women Photographers”, we have been presenting exclusively female photographers since February. To mark the end of the year, we are pleased to be able to present a visual splendor full of flowers, fruits and mystical arrangements with the exhibition “The Art of Silence: Portraits and Still Lifes by Vera Mercer”. The vernissage will take place on November 14 at 6:30 p.m.

Vera Mercer, who was part of the Parisian artistic avant-garde of the 1960s, became known for her striking photographs of artists such as Jean Tinguely, Eva Aeppli, Marcel Duchamp, Niki de Saint-Phalle and Daniel Spoerri. Alongside these impressive portraits, she developed a fascination for still lifes, inspired by the old Parisian market halls. This interest in fruits, vegetables, meat and fish in their freshest and most unprocessed form continues to shape her artistic work to this day.

Mercer's work is characterized by opulent, neo-baroque color still lifes that reinterpret classic vanitas motifs. Her works are rich in colors and details, often bathed in mystical light and artfully arranged. She combines crabs, fish carcasses, game and poultry with flowers, candles and antique accessories to create a visual feast that celebrates both joie de vivre and transience. The large-format works captivate with their sensuality and aesthetics, creating a unique atmosphere that transports the viewer to a world full of beauty and contemplation.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

Little Big Galerie | Paris
14. November 2024

«Mon cœur en Hiver» / «Insula»
Alexis Pichot

Diese Fotoserie ist eine Kreation aus dem Herzen meiner Desillusionierung, einer Desillusionierung über meine Reise zu den Lofoten, eine Reise, die gleichzeitig eine Prüfung und ein Lernprozess war. Am Anfang standen gute Vorsätze: eine mehrtägige Zugfahrt mit dem Ziel, aus Umweltbewusstsein und Abenteuerlust nördlich des Polarkreises in Norwegen zu reisen. Die Lust war da: Ich wollte mich darauf freuen, wunderschöne Landschaften zu fotografieren. Abgesehen von der recht schwierigen Organisation mit einer Vielzahl an zu buchenden Zügen liebte ich es, mir diese Zeit als Teil der Reise zu nehmen. Dort angekommen, mietete ich einen umgebauten Van mit dem Namen Thor. Thor ist der mächtigste Gott in der skandinavischen Mythologie und seine Kräfte sind mit dem Himmel verbunden. Er nutzt Blitze und besänftigt oder erregt Stürme. Ein Bild, das den Rest ankündigte, denn das war das Problem: Das Wetter war Tag für Tag schlecht. Am ersten Tag sitze ich am Steuer von Thor und freue mich auf diese Woche, trotz der Kälte und des Schneefalls. Diese Freude hielt nicht lange an, da es am nächsten Tag in Strömen regnete und die Temperatur für den Rest der Woche um die 2°C lag. Jeder Tag hatte seine Schwierigkeiten, die größtenteils mit dem Wetter zusammenhingen: starker Wind, Regenschauer, feuchte Kälte, Schneesturm...

Ich saß in meinem Van fest und beobachtete die vorbeiziehenden Landschaften für lange Zeit, und das fast die ganze Zeit über. Ich hatte geplant, zu wandern, der Natur zu begegnen, mich mit ihr zu isolieren und die Sanftheit ihrer Intimität zu fotografieren... aber aus meiner Perspektive hatte sich mir eine feindlichere Form der Intimität präsentiert. Ich spürte, wie meine Stimmung sank, und trotzdem fuhr ich weiter, beobachtete und hoffte (oder auch nicht), dass sich mir ein fotografisches Gemälde präsentieren würde. Die Geduld zahlte sich aus, denn durch meine beharrliche Beobachtung konnte ich sehen, wie sich Kontraste entwickelten, Farbnuancen auftauchten, Licht durch die Wolken brach und die Landschaft neu zusammensetzte... Wie Endorphinschüsse sprang ich auf meine Kamera, um diese Momente der Erregung in mir zu verewigen. Diese Momente, so kurz sie auch waren, erfüllten mich mit Freude und wärmten mein winterliches Herz. Diese Reise sah meinen Geist im Nebel, mein Geist wusste nicht, wohin er gehen sollte, und ich konnte es kaum erwarten, aus diesem Nebel herauszukommen. Trotz allem hatte ich die Gewissheit, dass eine Geschichte auftauchen würde. Und diese Geschichte ist tatsächlich die eines vom Blitzschlag Thors diktierten Abenteuers, in dem ich allein inmitten meiner Emotionen arbeiten musste.

Im Herzen unseres Gehirns befindet sich die Insula, ein Organ, das als Geburtsort der Emotionen gilt. Im Lateinischen bedeutet Insula Insel, die sich inmitten von Wasser befindet. Ich bin für dieses Wort empfänglich, weil Wasser für mich ein wichtiges Element darstellt. Wenn ich von Wasser umgeben bin, fühle ich mich zutiefst lebendig, verbunden und präsent. Ich weiß, dass mein Körper, der zum größten Teil aus Wasser besteht, in jeder meiner Zellen die Emotionen speichert, die ich am Wasser erlebt habe, manchmal sanfte, manchmal stürmische. Mit der Schaffung dieser Bilder wollte ich mein Bedürfnis zum Ausdruck bringen, meine Beziehung zum Wasser auf andere Weise zu erleben, von ihr zu mir, ohne Menschen, ohne ein menschliches Geräusch. Ich habe mich nachts isoliert, allein mit der Natur, um eine intime Beziehung zu meiner Umgebung aufzubauen.

Cette série photographique, c’est une création au coeur de ma désilusion, une désillusion concernant mon voyage aux îles Lofoten, un voyage qui a été à la fois une épreuve et un apprentissage. Au commencement de belles intentions : partir en train pendant plu- sieurs jours dans le but d’aller au nord du cercle polaire en Norvège, par conscience écologique et par amour de l’aventure. L’envie était là : me réjouir de photographier des paysages somptueux. En dehors de l’organisation assez difficile avec une multitude de trains à réserver, j’ai adoré prendre ce temps comme partie intégrante du voyage. Une fois sur place, j’ai loué un van aménagé dénommé Thor. Pour info, Thor est le dieu le plus puissant de la mythologie scandinave et ses pouvoirs sont liés au ciel. Il utilise la foudre et apaise ou excite les tempêtes. Une image qui annonça la suite puisque c’est bien là où le bât blesse, la météo a été mauvaise, jour après jour. Le premier jour, je suis au volant de Thor, heureux à la perspective de cette semaine malgré le froid et la neige qui tombe. Cette joie ne durera pas longtemps avec la pluie battante du lendemain et une température autour des 2°c pour le reste de la semaine. Chaque journée a connu son lot de difficultés, liées majoritairement à la météo : vent violent, averse de pluie, froid humide, tempête de neige...

Me voilà bloqué dans mon van à regarder les paysages défilés, pendant de longs moments et cela presque pendant la majorité du temps. J’avais prévu de randonner, d’aller à la rencontre de la nature, de m’isoler avec elle et de photographier la douceur de son intimité...mais, de ma perspective, une forme plus hostile d’intimité s’était présentée à moi. Je sentais mon moral diminué et malgré tout je continuais à rouler, à observer et espérer (ou pas) qu’un tableau photographique se pré- sente à moi. La patience porta ses fruits car par la persévérance de mon observation, je voyais des contrastes évoluer, des nuances de couleurs apparaître, des lumières percer les nuages et recomposer le paysage... Tel des shoots d’endorphine, je sautais sur mon appareil photo pour immortaliser ces moments d’excitation en moi. Ces instants si courts soient-ils me remplissaient de joie et réchauffaient mon coeur en hiver. Ce voyage voyait mon esprit dans le brouillard, mon esprit ne savait plus où aller et j’avais hâte d’en sortir. Malgré tout, j’avais la certitude qu’une histoire apparaîtrait. Et cette histoire est bien celle d’une aven- ture dictée par la foudre de Thor où j’ai dû oeuvrer, seul, au milieu de mes émotions.

Au coeur de notre cerveau se situe l’insula, un organe considéré comme le lieu de naissance des émotions. En latin, insula signifie île, qui se situe au milieu de l’eau. Je suis sensible à ce mot car l’eau représente un élément important pour moi. Être entouré d’eau me fait sentir profondément vivant, connecté, présent. Je sais que mon corps, constitué majoritairement d’eau, à engranger dans chacune de mes cellules les émotions que j’ai pu vivre au bord de l’eau, parfois douces ou tumultueuses. Par la création de ces images, j’ai voulu exprimer le besoin que j’avais de vivre ma relation à l’eau autrement, en tête à tête, d’elle à moi, sans personne, sans un bruit humain. Je me suis alors isolé la nuit, seul avec la nature, une façon pour moi decréer une relation intime avec mon environnement.

Questa serie fotografica è una creazione al centro della mia disillusione, una disillusione sul mio viaggio alle Isole Lofoten, un viaggio che è stato sia una prova che un'esperienza di apprendimento. Tutto è iniziato con le migliori intenzioni: partire in treno per diversi giorni con l'obiettivo di andare a nord del Circolo Polare Artico in Norvegia, per un senso di consapevolezza ecologica e per amore dell'avventura. Il desiderio c'era: divertirsi a fotografare paesaggi sontuosi. A parte l'organizzazione piuttosto difficile, con una moltitudine di treni da prenotare, mi è piaciuto prendermi questo tempo come parte integrante del viaggio. Una volta lì, ho noleggiato un furgone trasformato chiamato Thor. Thor è il dio più potente della mitologia scandinava e i suoi poteri sono legati al cielo. Usa i fulmini per calmare o eccitare le tempeste. Un'immagine che lasciava presagire quello che sarebbe successo, perché il problema è proprio questo: il tempo era pessimo, giorno dopo giorno. Il primo giorno sono al volante di Thor, felice per la prospettiva di questa settimana nonostante il freddo e la neve che cade. Ma questa gioia non durerà a lungo: il giorno dopo piove a dirotto e le temperature si aggirano intorno ai 2°C per il resto della settimana. Ogni giorno ha avuto la sua parte di difficoltà, la maggior parte delle quali legate al tempo: venti forti, rovesci di pioggia, freddo umido, tempeste di neve...

Quindi ero qui, bloccata nel mio furgone, a guardare il paesaggio per lunghi tratti, quasi tutto il tempo. Avevo progettato di fare un'escursione, di andare a incontrare la natura, di isolarmi con lei e fotografare la dolcezza della sua intimità... ma, dal mio punto di vista, mi si era presentata una forma di intimità più ostile. Il mio spirito era basso, ma nonostante tutto ho continuato a guidare, a osservare e a sperare (o meno) che mi venisse in mente un'immagine fotografica. La pazienza è stata ripagata, perché grazie alla perseveranza nell'osservazione ho visto evolversi i contrasti, apparire le sfumature di colore, la luce bucare le nuvole e ricomporre il paesaggio... Come se avessi fatto un'iniezione di endorfine, mi sono buttata sulla macchina fotografica per immortalare questi momenti di eccitazione che avevo dentro di me. Questi momenti, per quanto brevi, mi hanno riempito di gioia e hanno riscaldato il mio cuore invernale. Questo viaggio mi ha fatto perdere la testa, non sapevo dove andare e non vedevo l'ora di andarmene. Nonostante tutto, ero certa che sarebbe nata una storia. E questa storia è davvero quella di un'avventura dettata dal fulmine di Thor, in cui ho dovuto lavorare, da solo, in mezzo alle mie emozioni.

Nel cuore del nostro cervello si trova l'insula, un organo considerato il luogo di nascita delle emozioni. In latino, insula significa isola, situata in mezzo all'acqua. Sono sensibile a questa parola perché l'acqua è un elemento importante per me. Essere circondata dall'acqua mi fa sentire profondamente viva, connessa e presente. So che il mio corpo, che è per lo più costituito da acqua, ha immagazzinato in ciascuna delle mie cellule le emozioni che ho provato in riva al mare, a volte dolci, a volte tumultuose. Creando queste immagini, ho voluto esprimere il bisogno di vivere il mio rapporto con l'acqua in modo diverso, faccia a faccia, da lei a me, senza nessuno, senza alcun rumore umano. Così mi sono isolata di notte, sola con la natura, un modo per creare un rapporto intimo con il mio ambiente.

This photographic series is a creation at the heart of my disillusionment, a disillusionment concerning my trip to the Lofoten Islands, a trip that was both a trial and a learning experience. In the beginning, I had good intentions: to set off by train for several days with the aim of going north of the Arctic Circle in Norway, out of ecological awareness and a love of adventure. The desire was there: to enjoy photographing sumptuous landscapes. Apart from the rather difficult organization, with a multitude of trains to book, I loved taking this time as an integral part of the trip. Once there, I rented a converted van called Thor. For the record, Thor is the most powerful god in Norse mythology, and his powers are linked to the sky. He uses lightning to calm or excite storms. An image that foreshadowed what was to come, as the weather was bad, day after day. On the first day, I'm behind the wheel of Thor, happy at the prospect of this week despite the cold and falling snow. This joy wouldn't last long, however, with driving rain the next day and temperatures hovering around 2°C for the rest of the week. Every day had its share of difficulties, mostly weather-related: strong winds, rain showers, wet cold, snowstorms...

Here I was, stuck in my van, watching the scenery go by for long stretches of time, almost the whole time. I had planned to hike, to encounter nature, to isolate myself with it and photograph the sweetness of its intimacy...but, from my perspective, a more hostile form of intimacy had presented itself to me. My spirits were low, but despite everything I kept driving, observing and hoping (or not) that a photographic picture would come to me. Patience paid off, for through perseverance in my observation, I could see contrasts evolving, shades of color appearing, light piercing through the clouds and recomposing the landscape... Like endorphin shots, I jumped at my camera to immortalize these moments of excitement within me. These moments, however short, filled me with joy and warmed my winter heart. This trip had my mind in a fog; my mind didn't know where to go and I couldn't wait to get out. Despite everything, I was certain that a story would emerge. And this story is indeed that of an adventure dictated by Thor's lightning bolt, in which I had to work, alone, in the midst of my emotions.

At the heart of our brain lies the insula, an organ considered to be the birthplace of emotions. In Latin, insula means island, situated in the middle of water. I'm sensitive to this word because water represents an important element for me. Being surrounded by water makes me feel deeply alive, connected and present. I know that my body, which is mostly made up of water, has stored in each of my cells the emotions I've experienced at the water's edge, sometimes gentle, sometimes tumultuous. By creating these images, I wanted to express the need I had to experience my relationship with water in a different way, one-on-one, from her to me, without anyone, without any human noise. I then isolated myself at night, alone with nature, a way for me to create an intimate relationship with my environment.

(Text: Alexis Pichot)

Galerie - Librairie FOCALE | Nyon
13. November 2024

Baume
Loris Theurillat

Die Arbeit „Baume“ des Fotografen Loris Theurillat wurde von der Jury aufgrund ihrer Richtigkeit und bemerkenswerten Qualität einstimmig ausgewählt und ist der Gewinner des Prix Focale - Ville de Nyon 2024.

„An jenem Tag hast du mir ein paar Erinnerungsfetzen erzählt, bevor dein Gedächtnis müde wurde. Dann hast du, ohne mich anzusehen, gesagt: „Ich bin ein Wrack“. In diesem Moment, als du noch selbstständig zu Hause lebtest, wurde dir die Last deiner Unabhängigkeit bewusst.

Drei Monate später hast du dein Haus, dein Zimmer, deine Küche, deinen Garten, dein Dorf verlassen, um vier Ortschaften weiter in ein Pflegeheim zu ziehen.

„Baume“ ist ein intimer Blick auf den Verlust eines geliebten Menschen. Die Angst vor dem Verschwinden macht den fotografischen Akt zu einem Mittel, um einen Fingerabdruck zu erstellen, aber auch, um mit der Trauer umzugehen. In dieser Arbeit hinterfragt der Fotograf die Beziehungen, die wir zum Tod und zum Vergessen unterhalten, rohe Realitäten, die oft beiseite geschoben werden, und lädt uns zur Genese einer anderen Form der Existenz ein.

Choisi à l’unanimité par le jury pour sa justesse et sa qualité remarquable, le travail « Baume » du photographe Loris Theurillat est lauréat du Prix Focale – Ville de Nyon 2024.

« Ce jour-là, tu me racontais quelques bribes de souvenirs avant que ta mémoire fatigue. Puis, sans me regarder, tu as dit : « Je suis une épave ». À cet instant, alors que tu vivais encore chez toi de façon autonome, tu as pris conscience du poids de ton indépendance.

Trois mois plus tard, tu as quitté ta maison, ta chambre, ta cuisine, ton jardin, ton village, pour partir vivre dans une résidence médicalisée, quatre agglomérations plus loin ».

« Baume » pose un regard intime sur la perte d’un être cher. Habité par la peur de la disparition, l’acte photographique devient un moyen de construire une empreinte, mais également d’affronter le deuil. Dans ce travail, le photographe interroge les rapports que nous entretenons avec la mort et l’oubli, des réalités crues souvent écartées, et nous invite à la genèse d’une autre forme d’existence.

Scelta all'unanimità dalla giuria per l'accuratezza e la notevole qualità, l'opera “Baume” del fotografo Loris Theurillat è la vincitrice del Prix Focale - Ville de Nyon 2024.

“Quel giorno mi stavi raccontando qualche frammento di ricordi prima che la tua memoria si affaticasse. Poi, senza guardarmi, hai detto: 'Sono un disastro'. In quel momento, mentre vivevi ancora autonomamente a casa, ti sei reso conto del peso della tua indipendenza.

Tre mesi dopo, hai lasciato la tua casa, la tua camera da letto, la tua cucina, il tuo giardino, il tuo villaggio, per andare a vivere in una casa di riposo a quattro città di distanza.

“Baume” guarda in modo intimo alla perdita di una persona cara. Abitato dalla paura della scomparsa, l'atto fotografico diventa un mezzo per costruire un'impronta, ma anche per affrontare il lutto. In questo lavoro, il fotografo si interroga sul nostro rapporto con la morte e l'oblio, realtà crude spesso ignorate, e ci invita alla genesi di un'altra forma di esistenza.

Unanimously chosen by the jury for its accuracy and remarkable quality, photographer Loris Theurillat's work “Baume” is the winner of the Prix Focale - Ville de Nyon 2024.

“That day, you told me a few snippets of memories before your memory tired. Then, without looking at me, you said, 'I'm a wreck. At that moment, while you were still living independently at home, you realized the weight of your independence.

Three months later, you left your house, your bedroom, your kitchen, your garden, your village, to go and live in a nursing home four towns away.

“Baume” takes an intimate look at the loss of a loved one. Inhabited by the fear of disappearance, the photographic act becomes a means of constructing an imprint, but also of coping with grief. In this work, the photographer questions our relationship with death and oblivion, raw realities often dismissed, and invites us to the genesis of another form of existence.

(Text: Galerie - Librairie FOCALE | Nyon)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
8. November 2024

Image Cities
Anastasia Samoylova

Parallel zu Anastasia Samoylovas soeben eröffneten, großen institutionellen Ausstellungen im Metropolitan Museum New York und in der Saatchi Gallery London zeigen wir ihre Serie Image Cities eine fotografische Reise durch die bedeutendsten Metropolen der Welt, darunter New York, Paris, London, Zürich, Tokio und Mailand. Die Künstlerin richtet ihren Blick auf die öffentlich sichtbaren Bilder, die die Fassaden dieser Städte prägen. Sie zeigt uns nicht das Einzigartige dieser Orte, sondern das Gemeinsame: Die bedrohliche und schleichende Vereinheitlichung der Konsumkultur, die aus einer zunehmend von Konzernen dominierten Welt entsteht.

Anastasia Samoylova (*1984) lebt in Miami. In ihrer künstlerischen Arbeit bewegt sie sich zwischen beobachtender Fotografie, Studiopraxis und Installation. Ihre Bücher FloodZone und Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans wurden vom Steidl Verlag veröffentlicht, ihr Buch Image Cities ist bei Hatje Cantz erschienen. Ihre Arbeiten wurden in Einzelausstellungen im Chrysler Museum of Art, im Orlando Museum of Art, im Contemporary Art Museum in Tampa, im The Print Center in Philadelphia, im Eastman Museum in Rochester, NY, bei C/O Berlin und im KBr Fundación MAPFRE in Barcelona, Spanien, sowie an vielen weiteren Orten gezeigt. Im Herbst/Winter 2024/25 sind zwei große institutionelle Ausstellungen von ihr im Metropolitan Museum New York und in der Saatchi Gallery in London zu sehen. Anastasia Samoylovas Arbeiten befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Metropolitan Museum of Art in New York, des Perez Art Museum in Miami, des High Museum of Art in Atlanta und des Museum of Contemporary Photography in Chicago. Anastasia Samoylova war Finalistin des Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 und erhielt den ersten KBr Photo Award der KBr Fundación MAPFRE. Soeben ist ihre Monografie Adaptations bei Thames and Hudson erschienen.

Parallèlement aux grandes expositions institutionnelles d'Anastasia Samoylova qui viennent d'être inaugurées au Metropolitan Museum de New York et à la Saatchi Gallery de Londres, nous présentons sa série Image Cities un voyage photographique à travers les plus grandes métropoles du monde, dont New York, Paris, Londres, Zurich, Tokyo et Milan. L'artiste porte son regard sur les visuels visibles par le public qui caractérisent les façades de ces villes. Elle ne nous montre pas ce que ces lieux ont d'unique, mais ce qu'ils ont en commun : l'uniformisation menaçante et insidieuse de la culture de consommation qui résulte d'un monde de plus en plus dominé par les multinationales.

Anastasia Samoylova (*1984) vit à Miami. Dans son travail artistique, elle évolue entre la photographie d'observation, la pratique en studio et l'installation. Ses livres FloodZone et Floridas : Anastasia Samoylova & Walker Evans ont été publiés par Steidl Verlag, son livre Image Cities est paru chez Hatje Cantz. Leurs travaux ont été présentés dans des expositions individuelles au Chrysler Museum of Art, à l'Orlando Museum of Art, au Contemporary Art Museum de Tampa, au The Print Center de Philadelphie, au Eastman Museum de Rochester, NY, chez C/O Berlin et au KBr Fundación MAPFRE de Barcelone, Espagne, ainsi que dans de nombreux autres lieux. En automne/hiver 2024/25, elle fera l'objet de deux grandes expositions institutionnelles au Metropolitan Museum de New York et à la Saatchi Gallery de Londres. Le travail d'Anastasia Samoylova figure notamment dans les collections du Metropolitan Museum of Art de New York, du Perez Art Museum de Miami, du High Museum of Art d'Atlanta et du Museum of Contemporary Photography de Chicago. Anastasia Samoylova a été finaliste du Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 et a reçu le premier KBr Photo Award de la KBr Fundación MAPFRE. Sa monographie Adaptations vient de paraître chez Thames and Hudson.

Parallelamente alle grandi mostre istituzionali recentemente inaugurate da Anastasia Samoylova al Metropolitan Museum di New York e alla Saatchi Gallery di Londra, presentiamo la sua serie Image Cities, un viaggio fotografico attraverso le più importanti metropoli del mondo, tra cui New York, Parigi, Londra, Zurigo, Tokyo e Milano. L'artista concentra il suo sguardo sulle immagini pubblicamente visibili che caratterizzano le facciate di queste città. Non ci mostra l'unicità di questi luoghi, ma ciò che li accomuna: la minacciosa e strisciante standardizzazione della cultura consumistica che emerge da un mondo sempre più dominato dalle multinazionali.

Anastasia Samoylova (*1984) vive a Miami. Nel suo lavoro artistico si muove tra fotografia d'osservazione, pratica in studio e installazione. I suoi libri FloodZone e Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans sono stati pubblicati da Steidl Verlag, mentre il suo libro Image Cities è stato pubblicato da Hatje Cantz. Le loro opere sono state esposte in mostre personali al Chrysler Museum of Art, all'Orlando Museum of Art, al Contemporary Art Museum di Tampa, al Print Center di Philadelphia, all'Eastman Museum di Rochester, NY, al C/O Berlin e alla KBr Fundación MAPFRE di Barcellona, Spagna, oltre che in molte altre sedi. Nell'autunno/inverno 2024/25, l'artista terrà due importanti mostre istituzionali al Metropolitan Museum di New York e alla Saatchi Gallery di Londra. Le opere di Anastasia Samoylova sono presenti nelle collezioni del Metropolitan Museum of Art di New York, del Perez Art Museum di Miami, dell'High Museum of Art di Atlanta e del Museum of Contemporary Photography di Chicago, tra gli altri. Anastasia Samoylova è stata finalista del Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 e ha ricevuto il primo KBr Photo Award dalla KBr Fundación MAPFRE. La sua monografia Adaptations è stata appena pubblicata da Thames and Hudson.

Parallel to Anastasia Samoylova's major institutional exhibitions at the Metropolitan Museum in New York and the Saatchi Gallery in London, we are delighted to present her latest series, Image Cities, a photographic journey through some of the world's most prominent metropolises, including New York, Paris, London, Zurich, Tokyo, and Milan. The artist turns her camera towards the publicly visible images that shape the façades of these cities. Rather than highlighting what makes these places unique, she reveals what they have in common: the menacing and gradual homogenization of consumer culture, emerging from a world increasingly dominated by corporations.

Anastasia Samoylova (1984) is an American artist who moves between observational photography, studio practice and installation. By utilizing tools related to digital media and commercial photography, her work explores notions of environmentalism, consumerism and the picturesque.

Her books FloodZone and Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans were published by Steidl, her book Image Cities is out with Hatje Cantz. Her works have been presented in solo exhibitions at the Chrysler Museum of Art; Orlando Museum of Art; Contemporary Art Museum, Tampa; The Print Center Philadelphia, the Eastman Museum, Rochester, NY, C/O Berlin, Germany, and the KBr Fundación MAPFRE, Barcelona, Spain, among others. Her work is in the collections of the Metropolitan Museum of Art, New York; Perez Art Museum, Miami; High Museum of Art, Atlanta; and Museum of Contemporary Photography, Chicago; among others.

Anastasia Samoylova was shortlisted for the Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 and received the first KBr Photo Award by KBr Fundación MAPFRE. In the Fall/Winter of 2024/25, two major institutional exhibitions of her work will be on view at the Metropolitan Museum in New York and the Saatchi Gallery in London. Her monograph Adaptations has just been published by Thames and Hudson.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Galerie 94 | Baden
31. Oktober 2024

Einführung durch Gwendolyn Fässler, Kunsthistorikerin

Spielräume
Patrick Lambertz

SOLITÄRE
Lambertz inszeniert seine Motive häufig wie auf einer Bühne, in reduzierten, fast surrealen Landschaften. Ob im winterlichen Schnee oder herbstlichen Regen – Solitäre wie die „Chalets of Switzerland“, die Hochsitze aus „Die Architektur der Jagd“, die „Kapellen“ oder das berühmte „Hotel Belvédère“ tauchen immer wieder in Lambertz’ Arbeiten auf und prägen sich durch ihre minimalistische Darstellung ins Gedächtnis ein. Im Gegensatz zu Bernd und Hilla Becher, die durch ihre seriellen Schwarz-Weiss Fotografien von Wassertürmen und Fachwerkhäusern bekannt geworden sind, erlaubt sich Lambertz seinen Motiven allerdings eine persönliche Interpretation hinzuzufügen. Einerseits spielen Jahreszeit und Witterung in seinen Arbeiten eine wichtige Rolle, andererseits scheut er sich nicht, seine Fotografien nachträglich zu retuschieren und farblich zu bearbeiten, um die gewünschte Wirkung zu erzielen.

SEESTÜCKE
Lambertz’ neueste Arbeit „SEESTÜCKE“ erlebt in der Badener Ausstellung ihre Premiere und ist durch ein Zitat von Marcel Proust inspiriert: „Die wahre Entdeckungsreise liegt nicht darin, neue Landschaften zu suchen, sondern darin, mit neuen Augen zu sehen.“

Mit diesem Auftrag im Hinterkopf, das Ungewöhnliche im Naheliegenden zu entdecken, hat Lambertz dem Zürichsee eine magische Seite abgewonnen. „Seestück“ bezeichnet in der traditionellen Malerei die dramatisierte Darstellung eines wilden Meeres oder Szenen von Schiffen in gewaltigen Schlachten. Diesen heroischen, manchmal bedrohlichen Meeresporträts stellt Lambertz’ mit seinen Seestücken kontemplative, monochrome Seelandschaften gegenüber und ironisiert damit – nicht ganz unbeabsichtigt – diese historische Assoziation.

Die Ausstellung „SPIELRÄUME“ bietet eine ausgezeichnete Gelegenheit, die Fotografien von Patrick Lambertz aus verschiedenen Schaffensperioden an einem Ort zu entdecken.

SOLITAIRE
Lambertz met souvent en scène ses sujets comme sur une scène, dans des paysages réduits, presque surréalistes. Que ce soit dans la neige hivernale ou sous la pluie automnale, des solitaires comme les « Chalets of Switzerland », les miradors de « L'architecture de la chasse », les « Chapelles » ou le célèbre « Hôtel Belvédère » apparaissent régulièrement dans le travail de Lambertz et s'impriment dans la mémoire par leur représentation minimaliste. Contrairement à Bernd et Hilla Becher, connus pour leurs photographies en noir et blanc de châteaux d'eau et de maisons à colombages, Lambertz se permet d'ajouter une interprétation personnelle à ses motifs. D'une part, la saison et les conditions météorologiques jouent un rôle important dans son travail, d'autre part, il n'hésite pas à retoucher ses photographies et à en modifier les couleurs après coup pour obtenir l'effet souhaité.

PIÈCES MARINES
Le dernier travail de Lambertz, « SEESTÜCKE », fait sa première apparition à l'exposition de Baden et s'inspire d'une citation de Marcel Proust : « Le véritable voyage de découverte ne consiste pas à chercher de nouveaux paysages, mais à voir avec de nouveaux yeux ».

Avec cette mission en tête, découvrir l'insolite dans ce qui est proche, Lambertz a trouvé un côté magique au lac de Zurich. « Seestück » désigne dans la peinture traditionnelle la représentation dramatisée d'une mer déchaînée ou des scènes de navires engagés dans de violentes batailles. A ces portraits de mer héroïques, parfois menaçants, Lambertz' transmet avec ses Seestücken des paysages lacustres contemplatifs et monochromes, ironisant ainsi - non sans intention - sur cette association historique.

L'exposition « SPIELRÄUME » est une excellente occasion de découvrir en un même lieu les photographies de Patrick Lambertz issues de différentes périodes de création.

SOLITARI
Lambertz mette spesso in scena i suoi motivi come su un palcoscenico, in paesaggi ridotti e quasi surreali. Che si tratti di neve invernale o di pioggia autunnale, i solitari come gli “Chalet della Svizzera”, gli alti sedili de “L'architettura della caccia”, le “Cappelle” o il famoso “Hotel Belvédère” appaiono ripetutamente nelle opere di Lambertz e sono memorabili per la loro rappresentazione minimalista. A differenza di Bernd e Hilla Becher, che sono diventati famosi per le loro fotografie seriali in bianco e nero di torri d'acqua e case a graticcio, Lambertz si permette di aggiungere un'interpretazione personale ai suoi motivi. Da un lato, la stagione e il tempo giocano un ruolo importante nel suo lavoro, mentre dall'altro, non ha paura di ritoccare le sue fotografie in seguito e di modificare i colori per ottenere l'effetto desiderato.

SEESTÜCKE
L'ultimo lavoro di Lambertz, “SEESTÜCKE”, viene presentato in anteprima alla mostra di Baden e si ispira a una citazione di Marcel Proust: “Il vero viaggio di scoperta non consiste nel cercare nuovi paesaggi, ma nel vedere con nuovi occhi”.

Con questa missione in mente, scoprire l'insolito nell'ovvio, Lambertz ha portato un lato magico del Lago di Zurigo. Nella pittura tradizionale, il termine 'paesaggio marino' si riferisce alla rappresentazione drammatica di un mare selvaggio o a scene di navi in potenti battaglie. Nei suoi paesaggi marini, Lambertz contrappone questi ritratti marini eroici e talvolta minacciosi a paesaggi marini contemplativi e monocromatici, ironizzando così - non del tutto involontariamente - su questa associazione storica.

La mostra “SPIELRÄUME” offre un'eccellente opportunità di scoprire le fotografie di Patrick Lambertz di diversi periodi creativi in un unico luogo.

SOLITARIES
Lambertz often stages his motifs as if on a stage, in reduced, almost surreal landscapes. Whether in the winter snow or autumn rain - solitaires such as the ‘Chalets of Switzer-land’, the high seats from ‘The Architecture of the Hunt’, the ‘Chapels’ or the famous ‘Hotel Belvédère’ appear again and again in Lambertz's works and are imprinted on the memory through their minimalist depiction. In contrast to Bernd and Hilla Becher, who became famous for their serial black and white photographs of water towers and half-timbered houses, Lambertz allows himself to add a personal interpretation to his motifs. On the one hand, the season and weather play an important role in his works, while on the other, he does not shy away from retouching and colour-editing his photographs afterwards in order to achieve the desired effect.

SEESTÜCKE
Lambertz's latest work ‘SEESTÜCKE’ is making its debut at the Baden exhibition and is inspired by a quote from Marcel Proust: ‘The true voyage of discovery lies not in seeking new landscapes, but in seeing with new eyes.’

With this mission in mind, to discover the unusual in the obvious, Lambertz has taken a magical side to Lake Zurich. In traditional painting, the term ‘seascape’ refers to the dramatised depiction of a wild sea or scenes of ships in mighty battles. With his seascapes, Lambertz' contrasts these heroic, sometimes threatening portraits of the sea with contemplative, monochrome seascapes, thereby - not entirely unintentionally - ironising this historical association.

The ‘SPIELRÄUME’ exhibition offers an excellent opportunity to discover Patrick Lambertz's photographs from different creative periods in one place.

(Text: Galerie 94, Baden)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
18. Oktober 2024

Bilder und Fragmente
Binia Bill

Ambitioniert und selbstbewusst wandte sich Binia Bill (19041988) der Fotografie zu: Nach ihrer Ausbildung zur Konzertcellistin besuchte sie 1930 die Fotoklasse von Lucia Moholy an der Berliner Itten-Schule und arbeitete zurück in Zürich als freie Fotografin. 1931 heiratete sie den Architekten und Künstler Max Bill. Für den gemeinsamen Lebensunterhalt gestaltete das Ehepaar Werbeaufträge, für die sie das Bildmaterial produzierte und er Typografie und Layout entwarf. In den darauffolgenden Jahren schuf Binia Bill ein beachtliches fotografisches Werk: Ihre Porträtaufnahmen und Stillleben zeichnen sich durch eine klare Bildsprache aus, die mit der Ästhetik des «Neuen Sehens» verwandt ist. Das Interesse für Perspektiven und Oberflächen, für das Spiel mit Licht und Schatten verband Binia Bill jedoch mit einer ganz eigenen Sensibilität, die ihren Blick auf Objekte, Pflanzen, Tiere und Menschen prägte.

Als sie 1942 Mutter wurde, gab Binia Bill die Fotografie auf – ihr Werk geriet in Vergessenheit. Was davon erhalten ist, zeugt nicht nur von einer aussergewöhnlichen Schaffenskraft, sondern weist ihr auch einen wichtigen Platz in der Fotogeschichte zu. Sie gehört zu den wenigen Frauen in der Schweiz, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts professionell und künstlerisch mit der Kamera tätig waren. Genau zwei Jahrzehnte nach der ersten und bisher einzigen Retrospektive im Aargauer Kunsthaus ist es höchste Zeit, ihr Schaffen mit Einbezug unveröffentlichter Arbeiten neu zu würdigen.

C’est avec ambition et assurance que Binia Bill (1904–1988) se tourna vers la photographie. Après sa formation de violoncelliste, elle suivit en 1930 la classe de photographie de Lucia Moholy à l’école Itten de Berlin et travailla ensuite, de retour à Zurich, comme photographe indépendante. En 1931, elle épousa l’architecte et artiste Max Bill. Pour subvenir ensemble à leurs besoins, le couple réalisait des commandes publicitaires pour lesquelles elle produisait le matériel photographique, alors que lui concevait la typographie et la mise en page. Dans les années qui suivirent, Binia Bill créa une oeuvre photographique considérable : ses portraits et ses natures mortes se caractérisent par un langage visuel clair qui s’apparente à l’esthétique du mouvement de la « Neues Sehen ». L’intérêt de Binia Bill pour les perspectives et les surfaces, pour les jeux d’ombre et de lumière, était cependant accompagné d’une sensibilité toute particulière qui marqua son regard sur les objets, les plantes, les animaux et les hommes.

Lorsqu’elle devint mère en 1942, Binia Bill abandonna la photographie, et son œuvre tomba dans l’oubli. Ce qui en reste témoigne non seulement d’une force créatrice exceptionnelle, mais lui confère également une place importante dans l’histoire de la photographie. Elle fait partie des rares femmes en Suisse qui utilisèrent l’appareil photo de manière professionnelle et artistique durant la première moitié du XXe siècle. Exactement deux décennies après la première et jusqu’à présent unique rétrospective à l’Aargauer Kunsthaus, il est grand temps de rendre un nouvel hommage à son oeuvre en y incluant des travaux inédits.

Binia Bill (1904–1988) si accostò alla fotografia con ambizione e fiducia nei propri mezzi: dopo una formazione da violoncellista concertista, nel 1930 frequentò la sezione di fotografia alla Itten-Schule di Berlino, diretta da Lucia Moholy. Tornata a Zurigo, lavorò come fotografa indipendente. Nel 1931 sposò l’architetto e artista Max Bill. Per il sostentamento comune, la coppia lavorava a commissioni pubblicitarie: lei produceva le immagini mentre lui progettava la parte tipografica e l’impaginazione. Negli anni seguenti Binia Bill realizzò una notevole opera fotografica: i suoi ritratti e le nature morte sono caratterizzate da un chiaro linguaggio visivo, associabile all’estetica del «Neuen Sehen», la Nuova Visione. L’interesse di Binia Bill per la prospettiva e le superfici, per i giochi di luci e ombre si accompagna però a una sensibilità del tutto particolare che influenzò il suo sguardo su oggetti, piante, animali e persone.

Quando nel 1942 diventò madre, rinunciò alla fotografia – la sua opera venne quindi dimenticata. Ciò che ne è rimasto dimostra non solo la sua notevole forza creativa ma le conferisce anche un posto di rilievo nella storia della fotografia. Fa parte delle poche donne in Svizzera che nella prima metà del ventesimo secolo svolgevano un’attività professionale e artistica con la macchina fotografica. Esattamente due decenni dopo la prima e finora unica retrospettiva all’Aargauer Kunsthaus, è davvero arrivato il momento di onorare nuovamente il suo lavoro, includendo opere ancora inedite.

Binia Bill (19041988) turned to photography with ambition and confidence. After training as a concert cellist, she attended the photography class given by Lucia Moholy at Berlin’s Itten School in 1930 and worked as a freelance photographer when back in Zurich. In 1931, she married the architect and artist Max Bill. To earn a living, the couple worked together on advertising commissions, for which she produced the images while he designed the typography and layout. In the years that followed, Binia Bill created a remarkable photographic oeuvre: Her portraits and still lifes are characterised by a clear visual language that is related to the aesthetics of the ‘Neues Sehen’ movement. Binia Bill’s interest in perspectives and surfaces, in playing with light and shadow, was combined with a very distinct sensitivity though, which influenced her view of objects, plants, animals and people.

When she became a mother in 1942, Binia Bill gave up photography – her oeuvre fell into oblivion. What remains of it not only bears witness to her extraordinary creativity, but also gives her an important place in the history of photography. She was one of the few women in Switzerland to have worked professionally and artistically with a camera in the first half of the 20th century. Exactly two decades after her first and so far only retrospective, at Aargauer Kunsthaus, it is high time to honour her oeuvre anew, including her unpublished works.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Kunsthalle Krems
11. Oktober 2024

Anna und Bernhard Blume. Ver-rückte Welt

Das deutsche Künstlerpaar Anna und Bernhard Blume (1936 – 2020 und 1937 – 2011) ist international für seine Schwarzweißfotografien bekannt.

Das Paar inszenierte performative Aktionen und hielt diese per Kamera fest. Es sind meist häusliche Szenen, skurril arrangiert. Dabei sind die beiden Künstler:innen selbst die Performer, sie schlüpfen in eine bürgerliche Staffage – sie mit Dauerwelle, Perücke und adrettem Kleidchen, er im kleinkarierten Anzug und mit Hut. Geschlechtermuster, Rollen und Klischees sowie Verhaltenskodexe des Bürgerlichen werden von den Blumes ironisch und durchaus komisch konterkariert. Da fliegen Kartoffeln durch die Luft, Scherben zerbrochener Teller bedecken den Küchenfußboden, Möbelkonstrukte brechen zusammen und Personen mit verzerrten Gesichtern hantieren mit allerlei Alltagsgegenständen. Was die Menschen auf den Bildern tun, ist alles andere als Regelkonform, es ist im besten Sinn ver–rückt.

Von der Bildkomposition über die Aufnahme bis zur Entwicklung und Vergrößerung der Fotos im Labor führten Anna und Bernhard Blume jeden Schritt des künstlerischen Prozesses selbst durch. Sie erweiterten die künstlerische Fotografie durch die performative Inszenierung. Mit ihren Fotoserien persiflieren sie die kleinbürgerliche Welt der 1970er- und 1980er-Jahre. Inspiriert wurde das Paar dabei maßgeblich vom Aktionismus der 1960er-Jahre.

Anna und Bernhard Blume lernten sich als Student:innen der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf kennen, wo beide von 1960 bis 1965 studierten. Das Paar lebte und arbeitete in Köln. Ihre Arbeiten wurden bislang in internationalen Museen wie dem Museum of Modern Art in New York oder im Centre Pompidou in Paris gezeigt.

Die Ausstellung in der Kunsthalle Krems zeigt groß- und mittelformatige Serien von Schwarzweißfotografien, ergänzt durch eine kleine Auswahl an farbigen Polaroids.

Kurator: Andreas Hoffer

Le couple d'artistes allemands Anna et Bernhard Blume (1936 - 2020 et 1937 - 2011) est connu internationalement pour ses photographies en noir et blanc.

Le couple mettait en scène des actions performatives et les enregistrait à l'aide d'un appareil photo. Il s'agit le plus souvent de scènes domestiques, arrangées de manière bizarre. Les deux artistes sont eux-mêmes les interprètes, ils se glissent dans un décor bourgeois - elle avec une permanente, une perruque et une jolie petite robe, lui avec un costume à petits carreaux et un chapeau. Les modèles de genre, les rôles et les clichés ainsi que les codes de comportement du bourgeois sont contrecarrés par les Blume de manière ironique et tout à fait comique. Des pommes de terre volent dans les airs, des morceaux d'assiettes cassées recouvrent le sol de la cuisine, des constructions de meubles s'effondrent et des personnes aux visages déformés manipulent toutes sortes d'objets du quotidien. Ce que font les personnes sur les photos est tout sauf conforme aux règles, c'est fou dans le meilleur sens du terme.

De la composition de l'image au développement et à l'agrandissement des photos en laboratoire, en passant par la prise de vue, Anna et Bernhard Blume ont réalisé eux-mêmes chaque étape du processus artistique. Ils ont élargi la photographie artistique à la mise en scène performative. Avec leurs séries de photos, ils satirisent le monde petit-bourgeois des années 1970 et 1980. Le couple s'est largement inspiré de l'actionnisme des années 1960.

Anna et Bernhard Blume se sont rencontrés alors qu'ils étaient étudiants à la Staatliche Kunstakademie de Düsseldorf, où ils ont tous deux étudié de 1960 à 1965. Le couple a vécu et travaillé à Cologne. Jusqu'à présent, leurs travaux ont été exposés dans des musées internationaux comme le Museum of Modern Art de New York ou le Centre Pompidou de Paris.

L'exposition à la Kunsthalle Krems présente des séries de photographies en noir et blanc de grand et moyen format, complétées par une petite sélection de polaroïds en couleur.

Commissaire d'exposition : Andreas Hoffer

La coppia di artisti tedeschi Anna e Bernhard Blume (1936-2020 e 1937-2011) è riconosciuta a livello internazionale per le sue fotografie in bianco e nero.

La coppia mette in scena azioni performative e le riprende con la macchina fotografica. Si tratta per lo più di scene domestiche, organizzate in modo stravagante. I due artisti stessi sono gli interpreti e si calano in uno staffage borghese: lei con la permanente, la parrucca e un vestito elegante, lui con un piccolo abito a quadri e un cappello. I modelli di genere, i ruoli e i cliché, così come i codici di comportamento borghesi, sono ironicamente e comicamente contrastati dai Blume. Le patate volano in aria, i cocci dei piatti rotti ricoprono il pavimento della cucina, le costruzioni dei mobili crollano e le persone con i volti distorti maneggiano ogni tipo di oggetto quotidiano. Quello che fanno le persone nelle immagini è tutt'altro che conforme alle regole, è folle nel senso migliore del termine.

Anna e Bernhard Blume hanno eseguito in prima persona tutte le fasi del processo artistico, dalla composizione delle immagini allo scatto delle foto, allo sviluppo e all'ingrandimento in laboratorio. Hanno ampliato la fotografia artistica attraverso la messa in scena performativa. Con le loro serie fotografiche, fanno satira sul mondo piccolo borghese degli anni Settanta e Ottanta. La coppia si ispira in larga misura all'azionismo degli anni Sessanta.

Anna e Bernhard Blume si sono conosciuti come studenti della Staatliche Kunstakademie Düsseldorf, dove hanno studiato entrambi dal 1960 al 1965. La coppia ha vissuto e lavorato a Colonia. Le loro opere sono state esposte in musei internazionali come il Museum of Modern Art di New York e il Centre Pompidou di Parigi.

La mostra alla Kunsthalle Krems presenta serie di fotografie in bianco e nero di grande e medio formato, integrate da una piccola selezione di Polaroid a colori.

Curatore: Andreas Hoffer

The German artist couple Anna and Bernhard Blume (1936 - 2020 and 1937 - 2011) are internationally renowned for their black and white photographs.

The couple staged performative actions and captured them on camera. They are mostly domestic scenes, whimsically arranged. The two artists themselves are the performers, they slip into a bourgeois staffage - she with a perm, wig and smart dress, he in a small checked suit and hat. Gender patterns, roles and clichés as well as codes of bourgeois behavior are ironically and quite comically counteracted by the Blumes. Potatoes fly through the air, shards of broken plates cover the kitchen floor, furniture structures collapse and people with distorted faces handle all kinds of everyday objects. What the people in the pictures are doing is anything but conforming to the rules, it is crazy in the best sense of the word.

Anna and Bernhard Blume carried out every step of the artistic process themselves, from composing and taking the pictures to developing and enlarging the photos in the laboratory. They expanded artistic photography through performative staging. With their photo series, they satirize the petit bourgeois world of the 1970s and 1980s. The couple were largely inspired by the actionism of the 1960s.

Anna and Bernhard Blume met as students at the Staatliche Kunstakademie Düsseldorf, where they both studied from 1960 to 1965. The couple lived and worked in Cologne. Their works have been shown in international museums such as the Museum of Modern Art in New York and the Center Pompidou in Paris.

The exhibition at the Kunsthalle Krems shows large and medium format series of black and white photographs, complemented by a small selection of color Polaroids.

Curator: Andreas Hoffer

(Text: Kunsthalle Krems)

Kunsthalle Krems
11. Oktober 2024

Gabriele Engelhardt. Kremser Berge

Gabriele Engelhardt (geb. 1967) greift in ihrer Kunst menschliche Eingriffe in die Natur als Skulpturen oder Installationen auf. In ihren Landschaften zeigt sie etwa Schrottberge in Industriezonen oder Sprungschanzen.

Die Künstlerin arbeitet mit dem Medium der Fotografie, wobei sie ihre Aufnahmen digital nachbearbeitet und mehrere Fotos eines Motivs zusammenfügt. Die Werke sind demnach keine Dokumentationen der Realität. In ihren „Berge“-Serien begreift sie Berge nicht als Gebirge im eigentlichen Sinn, sondern als Anhäufungen von Material wie Metallabfall oder Baurohstoffe. Die Arbeiten erinnern an Claude Monets Heuhaufen-Impressionen, aber auch an Bernd und Hilla Bechers Typologien der Wassertürme als Zeichen des industriellen Niedergangs.

Gabriele Engelhardt studierte auf der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart Bildhauerei und an der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe Fotografie und Szenografie. 2022 war sie im Rahmen von AIR – ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich zu Gast in Krems. Hier, im industriellen Umfeld des Donauhafens an der Stadteinfahrt, ist das Kremser Berge-Projekt entstanden.

AIR – ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich ist ein internationales Stipendienprogramm. Es ermöglicht bildenden Künstler:innen, Architekt:innen, Musiker:innen und Schriftsteller:innen temporär in Niederösterreich zu wohnen, zu arbeiten und die Vielfalt der heimischen Kulturlandschaft kennenzulernen. Im Gegenzug organisiert AIR für niederösterreichische Künstler:innen im Rahmen eines institutionellen Austausches Auslandsaufenthalte in Europa und Übersee.

Kurator: Florian Steininger

Gabriele Engelhardt (née en 1967) reprend dans son art les interventions humaines dans la nature sous forme de sculptures ou d'installations. Dans ses paysages, elle montre par exemple des montagnes de ferraille dans des zones industrielles ou des tremplins.

L'artiste travaille avec le médium de la photographie, en retravaillant numériquement ses prises de vue et en assemblant plusieurs photos d'un même motif. Les œuvres ne sont donc pas des documentations de la réalité. Dans ses séries "Montagnes", elle ne conçoit pas les montagnes comme des montagnes au sens propre du terme, mais comme des accumulations de matériaux tels que des déchets métalliques ou des matériaux de construction. Ces œuvres rappellent les impressions de meules de foin de Claude Monet, mais aussi les typologies de châteaux d'eau de Bernd et Hilla Becher, signes du déclin industriel.

Gabriele Engelhardt a étudié la sculpture à la Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart et la photographie et la scénographie à la Hochschule für Gestaltung Karlsruhe. En 2022, elle a été invitée à Krems dans le cadre de AIR - ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich. C'est ici, dans l'environnement industriel du port du Danube à l'entrée de la ville, qu'est né le projet Kremser Berge.

AIR - ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich est un programme de bourses international. Il permet à des artistes plasticiens, des architectes, des musiciens et des écrivains de vivre et de travailler temporairement en Basse-Autriche et de découvrir la diversité du paysage culturel local. En contrepartie, AIR organise pour les artistes de Basse-Autriche des séjours en Europe et outre-mer dans le cadre d'un échange institutionnel.

Curateur : Florian Steininger

Nella sua arte, Gabriele Engelhardt (nata nel 1967) riprende gli interventi umani nella natura come sculture o installazioni. Nei suoi paesaggi, ad esempio, mostra cumuli di rottami in zone industriali o piste da sci.

L'artista lavora con il mezzo fotografico, rielaborando digitalmente le sue immagini e combinando diverse foto di uno stesso motivo. Le opere non sono quindi documentazioni della realtà. Nella serie "Mountains", l'artista non intende le montagne nel vero senso della parola, ma come accumuli di materiale, come rifiuti metallici o materiali da costruzione. Le opere ricordano le impressioni dei pagliai di Claude Monet, ma anche le tipologie di torri d'acqua di Bernd e Hilla Becher come segno di declino industriale.

Gabriele Engelhardt ha studiato scultura all'Accademia di Stato di Stoccarda e fotografia e scenografia all'Università di Arti e Design di Karlsruhe. Nel 2022 è stata ospite a Krems nell'ambito di AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria. Qui, nell'ambiente industriale del porto del Danubio all'ingresso della città, è stato creato il progetto Kremser Berge.

AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria è un programma internazionale di borse di studio. Consente ad artisti visivi, architetti, musicisti e scrittori di vivere e lavorare temporaneamente in Bassa Austria e di familiarizzare con la diversità del paesaggio culturale locale. In cambio, AIR organizza soggiorni all'estero in Europa e all'estero per gli artisti della Bassa Austria nell'ambito di uno scambio istituzionale.

Curatore: Florian Steininger

In her art, Gabriele Engelhardt (born 1967) takes up human interventions in nature as sculptures or installations. In her landscapes, for example, she shows scrap heaps in industrial zones or ski jumps.

The artist works with the medium of photography, digitally reworking her images and combining several photos of a single motif. The works are therefore not documentations of reality. In her "Mountains" series, she does not understand mountains as mountains in the true sense of the word, but as accumulations of material such as metal waste or building materials. The works are reminiscent of Claude Monet's haystack impressions, but also of Bernd and Hilla Becher's typologies of water towers as a sign of industrial decline.

Gabriele Engelhardt studied sculpture at the Stuttgart State Academy of Fine Arts and photography and scenography at the Karlsruhe University of Arts and Design. In 2022, she was a guest in Krems as part of AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria. Here, in the industrial environment of the Danube port at the entrance to the city, the Kremser Berge project was created.

AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria is an international scholarship program. It enables visual artists, architects, musicians and writers to live and work temporarily in Lower Austria and get to know the diversity of the local cultural landscape. In return, AIR organizes stays abroad in Europe and overseas for Lower Austrian artists as part of an institutional exchange.

Curator: Florian Steininger

(Text: Kunsthalle Krems)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
8. Oktober 2024

The Inhabitants
Raymond Meeks

Der amerikanische Fotograf Raymond Meeks, Preisträger des Immersionsprogramms der Fondation d'entreprise Hermès, hielt sich im Jahr 2022 für längere Zeit in Frankreich auf. Er fotografierte im Süden an der Grenze zu Spanien und an der Küste des Nordens in Richtung Calais, zwei Geografien, die gemeinsam haben, dass sie Durchgangsstationen für Asylbewerber auf dem Weg nach England sind. Er entschied sich dafür, nicht die Gesichter derjenigen zu fotografieren, die ihre Heimat auf der Suche nach einer besseren Zukunft verlassen haben, sondern vielmehr die Orte und Spuren ihrer Wanderschaft. Da ist ein Schuh in der Erde, eine zusammengerollte Decke auf dem Boden, eine Jacke, die in den Zweigen hängt. Der Fotograf interessierte sich besonders für die unwirtlichen Räume, die die Migranten vorübergehend bewohnen: Gräben, Erdwälle, Seitenstreifen von Autobahnachsen, Flussufer, Brachland und andere Nicht-Orte. Selbst wenn sie nicht direkt sichtbar sind, sind Flüsse in diesen Bildern besonders präsent. Als ob der Fluss der Migration metaphorisch durch diese Wasserläufe repräsentiert wird. Aber es gibt auch viele Hindernisse - steinige Böschungen, Betonblöcke, ein Gewirr von Brombeeren oder Stacheldraht - von denen man sich vorstellen kann, dass sie im Vergleich zu den Hindernissen, die die Flüchtlinge täglich überwinden müssen, nicht viel sind. Als Zeugnis dieser anderen mörderischen Geschichte des 100-jährigen Krieges erscheinen in der Serie auch die Bürger von Calais, wie sie von Auguste Rodin geformt wurden.

Das Projekt wird von einem Text des amerikanischen Schriftstellers George Weld begleitet, der mit den Fotografien von Meeks einen ähnlichen, von Scham und Empathie geleiteten Ansatz teilt.

Kurator der Ausstellung: Clément Chéroux, Direktor, Fondation Henri Cartier-Bresson

Lauréat du programme Immersion de la Fondation d’entreprise Hermès, le photographe américain Raymond Meeks a longuement séjourné en France au cours de l’année 2022. Il a photographié dans le Sud, à la frontière avec l’Espagne et sur les côtes du Nord vers Calais, deux géographies qui ont en commun d’être des points de passages pour les demandeurs d’asile en route vers l’Angleterre. Il a choisi de ne pas photographier les visages de ceux qui sont partis de chez eux à la recherche d’un avenir meilleur, mais plutôt les lieux et les traces de leur itinérance. Il y a là une chaussure dans la terre, une couverture roulée au sol, une veste accrochée aux branchages. Le photographe s’est particulièrement intéressé aux espaces inhospitaliers que les migrants habitent provisoirement : les fossés, les remblais, les bas-côtés des axes autoroutiers, les bords des rivières, les terrains vagues et autres non-lieux. Même lorsqu’elles ne sont pas directement visibles, les rivières sont particulièrement présentes dans ces images. Comme si le flux de la migration était métaphoriquement représenté par ces cours d’eau. Mais il y a aussi beaucoup d’obstacles – talus pierreux, bloc de béton, enchevêtrement de ronces ou de barbelés – dont on imagine qu’ils ne sont pas grand-chose par rapport à ceux que les réfugiés doivent surmonter au quotidien. Témoignage de cette autre histoire meurtrière que fut la Guerre de 100 ans, les Bourgeois de Calais, tel qu’ils ont été sculptés par Auguste Rodin, apparaissent aussi dans la série.

Le projet est accompagné d’un texte de l’écrivain américain George Weld qui partage avec les photographies de Meeks une semblable approche guidée par la pudeur et l’empathie.

Commissaire de l’exposition: Clément Chéroux, Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson

Vincitore del programma Immersion gestito dalla Fondation d'entreprise Hermès, il fotografo americano Raymond Meeks ha trascorso un lungo periodo in Francia nel 2022. Ha fotografato nel sud, al confine con la Spagna, e sulla costa settentrionale verso Calais, due aree geografiche che hanno in comune il fatto di essere punti di passaggio per i richiedenti asilo diretti in Inghilterra. Ha scelto di non fotografare i volti di coloro che hanno lasciato le loro case in cerca di un futuro migliore, ma piuttosto i luoghi e le tracce del loro itinerario. C'è una scarpa nel terreno, una coperta arrotolata a terra, una giacca appesa ai rami. Il fotografo è particolarmente interessato agli spazi inospitali che i migranti abitano temporaneamente: fossi, argini, bordi autostradali, rive dei fiumi, terreni incolti e altri non-luoghi. Anche quando non sono direttamente visibili, i fiumi sono particolarmente presenti in queste immagini. È come se il flusso migratorio fosse metaforicamente rappresentato da questi corsi d'acqua. Ma ci sono anche molti ostacoli - argini sassosi, blocchi di cemento, grovigli di rovi o filo spinato - che immaginiamo non siano nulla in confronto a quelli che i rifugiati devono superare quotidianamente. Anche i Bourgeois de Calais, scolpiti da Auguste Rodin, appaiono nella serie, testimoni di un'altra storia assassina, la Guerra dei 100 anni.

Il progetto è accompagnato da un testo dello scrittore americano George Weld, che condivide con le fotografie di Meeks un approccio simile, guidato da modestia ed empatia.

Curatore della mostra: Clément Chéroux, Direttore, Fondation Henri Cartier-Bresson

Winner of the Immersion program of the Fondation d'entreprise Hermès, American photographer Raymond Meeks spent a long time in France during 2022. He photographed in the south, on the border with Spain, and on the northern coast towards Calais, two geographies that have in common the fact of being crossing points for asylum seekers on their way to England. He has chosen not to photograph the faces of those who have left their homes in search of a better future, but rather the places and traces of their itinerancy. There's a shoe in the dirt, a blanket rolled up on the ground, a jacket hanging from the branches. The photographer is particularly interested in the inhospitable spaces that migrants temporarily inhabit: ditches, embankments, motorway verges, river banks, wastelands and other non-places. Even when not directly visible, rivers are particularly present in these images. It's as if the flow of migration were metaphorically represented by these waterways. But there are also many obstacles - stony embankments, concrete blocks, tangles of brambles or barbed wire - which we imagine to be nothing compared to those the refugees have to overcome on a daily basis. The Bourgeois de Calais, as sculpted by Auguste Rodin, also appear in the series, bearing witness to the murderous history of the 100 Years' War.

The project is accompanied by a text by American writer George Weld, who shares with Meeks' photographs a similar approach guided by modesty and empathy.

Exhibition curator: Clément Chéroux, Director, Fondation Henri Cartier-Bresson

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
8. Oktober 2024

Remember to Forget
Mame-Diarra Niang

Der schwarze Körper steht im Mittelpunkt der neuen Serien der französischen Künstlerin Mame-Diarra Niang. Sie möchte ihn weder definieren noch erzählen. Im Gegenteil, sie möchte ihn von den Darstellungen befreien, die durch Jahrhunderte westlicher Erzählung auferlegt wurden. Sie versucht daher, ihn durch Formen von Nicht-Porträts, wie sie es nennt, zu abstrahieren.

Jedes der Bilder in dieser Tetralogie kann als eine Reminiszenz an die Künstlerin selbst betrachtet werden. "Was macht mich zu mir?", fragt sie sich. Ihre Persönlichkeit kann nicht auf eine feste, zugewiesene oder unterworfene Identität reduziert werden. Sie besteht aus Erfahrungen, Erinnerungen und Vergessen. Sie ist daher in ständiger Entwicklung. Diesen Fluss, dieses sich ständig neu konfigurierende Gebiet, erforscht sie. In diesem Projekt, das sie während einer langen Zeit der Isolation begann, indem sie Bildschirme neu fotografierte, spielt Mame-Diarra Niang gerne mit den charakteristischen Fehlern der traditionellen Fotografie, wie Unschärfe, Verzerrungen oder Halos. Wie ein Psychologe, der die Tintenflecken eines Rorschach-Tests verwendet, um das Unbewusste zu enthüllen, nutzt sie diese Verzerrungen der zeitgenössischen Bilder als Projektionsflächen. "Ich bin diese Unschärfe", sagt sie.

Kurator der Ausstellung: Clément Chéroux, Direktor, Fondation Henri Cartier-Bresson

Le corps noir est au coeur des nouvelles séries de l’artiste française Mame-Diarra Niang. Elle ne souhaite ni le définir, ni le raconter. Elle veut au contraire le libérer des représentations imposées par des siècles de narration occidentale. Elle cherche donc à l’abstraire, à travers ce qu’elle appelle des formes de non-portraits.

Chacune des images de cette tétralogie peut être envisagée comme une évocation de l’artiste elle-même. « Qu’est-ce qui fait que je suis moi ? », se demande-t-elle. Sa personnalité ne peut être réduite à une identité fixe, assignée ou assujettie. Elle est constituée d’expériences, de mémoires et d’oublis. Elle est de ce fait en perpétuelle évolution. C’est ce flux, ce territoire en permanente reconfiguration, qu’elle explore. À travers ce projet, entamé lors d’une période de long confinement, en rephotographiant des écrans, Mame-Diarra Niang joue volontiers avec ces défauts caractérisés de la photographie traditionnelle que sont le flou, les distorsions ou les halos. À la manière d’une psychologue ayant recours aux taches d’encre d’un test de Rorschach pour révéler l’inconscient, elle utilise ces disjonctions de l’imagerie contemporaine comme autant de surfaces de projection. « Je suis ce flou », dit-elle.

Commissaire de l’exposition: Clément Chéroux, Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson

Il corpo nero è al centro della nuova serie dell'artista francese Mame-Diarra Niang. Il suo obiettivo non è né definirlo né raccontarne la storia. Al contrario, vuole liberarlo dalle rappresentazioni imposte da secoli di narrativa occidentale. Quindi cerca di astrarla, attraverso quelle che lei chiama forme di non-ritratto.

Ciascuna delle immagini di questa tetralogia può essere vista come un'evocazione dell'artista stessa. "Cosa mi rende me stessa?", si chiede. La sua personalità non può essere ridotta a un'identità fissa, assegnata o sottomessa. È fatta di esperienze, ricordi e dimenticanze. Di conseguenza, è in continua evoluzione. È questo flusso, questo territorio in costante riconfigurazione, che lei sta esplorando. In questo progetto, che ha iniziato durante un lungo periodo di reclusione rifotografando schermi, Mame-Diarra Niang gioca con i difetti caratteristici della fotografia tradizionale, come la sfocatura, la distorsione e gli aloni. Come uno psicologo che usa le macchie di inchiostro di un test di Rorschach per rivelare l'inconscio, lei utilizza queste disgiunzioni nell'immagine contemporanea come superfici di proiezione. "Io sono questa sfocatura", dice.

Curatore della mostra: Clément Chéroux, Direttore, Fondation Henri Cartier-Bresson

The black body is at the heart of French artist Mame-Diarra Niang's new series. She doesn't want to define it, or tell its story. On the contrary, she wants to free it from the representations imposed by centuries of Western narrative. She therefore seeks to abstract it, through what she calls forms of non-portrait.

Each of the images in this tetralogy can be seen as an evocation of the artist herself. "What makes me me?" she asks herself. Her personality cannot be reduced to a fixed, assigned or subjugated identity. It is made up of experience, memory and forgetting. As such, it is in perpetual flux. It is this flux, this constantly reconfiguring territory, that she explores. In this project, which began during a long period of confinement by re-photographing screens, Mame-Diarra Niang plays with the characteristic defects of traditional photography, such as blurring, distortion and halos. Like a psychologist using the ink blots of a Rorschach test to reveal the unconscious, she uses these disjunctions in contemporary imagery as projection surfaces. "I am this blur," she says.

Exhibition curator: Clément Chéroux, Director, Fondation Henri Cartier-Bresson

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson)

Visulex Gallery for Photography | Hamburg-Eppendorf
28. September 2024

Moving Monuments
Thomas Kellner

Am 28. September eröffnet die VisuleX Gallery for Photography in Hamburg die Ausstellung „Moving Monuments. Thomas Kellner - Black & White“. Präsentiert werden Schwarz-Weiß-Tableaux von bekannten Monumenten aus den Jahren 1997 bis 2005, die eine Auswahl seiner markanten Farbfotografien einrahmen. Mit „Black & White“ kehrt Thomas Kellner zu seinen künstlerischen Wurzeln und der Tradition der Schwarz-Weiß-Fotografie zurück.

In einer Zeit, in der sich viele Künstler wieder der Schwarzweißfotografie zuwenden, blickt auch Thomas Kellner zehn Jahre später auf seine Wurzeln zurück. Die bisher wenig veröffentlichten Werke in schwarz-weiß spiegeln die Anfänge in Kellners Karriere wider, als er in Zyklen mit verschiedenen Bildsprachen im Schwarzweißlabor experimentierte, bis er 1997 schließlich zu seiner einzigartigen, multiperspektivischen und dekonstruktivistischen Bildsprache fand: das zusammengesetzte Bild entweder als Mehrfachbelichtung auf einem Negativ (1993-1998) oder als sequenzielle Montage auf einem Kontaktbogen des Roll- und 35mm Films. 

Aus einem anfänglichen Entwurf über den Eiffelturm als Hommage an Robert Delaunay und den Orphismus in Paris beginnt Kellners Hinwendung zur Architektur und zu immer komplexeren Kompositionen. Es entstehen zeitlose Bilder ikonischer Bauten einer neu formulierten, am Kubismus orientierten Sprache. Bei seinen frühen schwarzweißen Aufnahmen konzentriert sich Kellner auf die Struktur selbst. Das Verhältnis von Gegenstand und Bildform steht im Zentrum der Betrachtung.

Kellners ursprüngliches Konzept war es, aus jeweils einem Film eine kleinformatige Arbeit zu kreieren. Fotografien aus San Francisco, New York City , London und Paris, bestehend aus zwei Filmen, werden in „Thomas Kellner - Black & White“ gezeigt. Daneben zeigt der Künstler auch ausgewählte großformatige Werke in Farbe, wie zum Beispiel eine beeindruckende Fotografie vom Empire State Building.

Le 28 septembre, la VisuleX Gallery for Photography à Hambourg inaugure l'exposition « Moving Monuments. Thomas Kellner - Black & White ». Seront présentés des tableaux en noir et blanc de monuments célèbres datant de 1997 à 2005, encadrant une sélection de ses photographies couleur marquantes. Avec « Black & White », Thomas Kellner revient à ses racines artistiques et à la tradition de la photographie en noir et blanc.

À une époque où de nombreux artistes se tournent à nouveau vers la photographie en noir et blanc, Thomas Kellner revient lui aussi à ses racines dix ans plus tard. Les œuvres en noir et blanc, peu publiées jusqu'à présent, reflètent les débuts de la carrière de Kellner, lorsqu'il expérimentait par cycles différents langages visuels dans son laboratoire noir et blanc, jusqu'à ce qu'il trouve finalement, en 1997, son langage visuel unique, multi-perspectiviste et déconstructiviste : le visuel composé soit sous forme d'expositions multiples sur un négatif (1993-1998), soit sous forme de montage séquentiel sur une feuille de contact de film en bobine et 35 mm. 

A partir d'un projet initial sur la Tour Eiffel en hommage à Robert Delaunay et à l'orphisme parisien, Kellner commence à se tourner vers l'architecture et des compositions de plus en plus complexes. Il en résulte des visuels intemporels de bâtiments iconiques d'un langage reformulé, inspiré du cubisme. Dans ses premières photos en noir et blanc, Kellner se concentre sur la structure elle-même. La relation entre l'objet et la forme de l'image est au centre de l'observation.

Le concept initial de Kellner était de créer une œuvre de petit format à partir d'un seul film à la fois. Des photographies de San Francisco, New York City , Londres et Paris, composées de deux films, sont présentées dans « Thomas Kellner - Black & White ». L'artiste présente également une sélection d'œuvres grand format en couleur, comme par exemple une impressionnante photographie de l'Empire State Building.

Il 28 settembre, la Galleria VisuleX per la Fotografia di Amburgo inaugurerà la mostra “Moving Monuments. Thomas Kellner - Bianco e Nero”. Verranno presentati tableaux in bianco e nero di noti monumenti degli anni dal 1997 al 2005, che incorniciano una selezione delle sue straordinarie fotografie a colori. Con “Black & White”, Thomas Kellner ritorna alle sue radici artistiche e alla tradizione della fotografia in bianco e nero.

In un momento in cui molti artisti tornano alla fotografia in bianco e nero, anche Thomas Kellner guarda alle sue radici dieci anni dopo. Le poche opere pubblicate in bianco e nero riflettono gli inizi della carriera di Kellner, quando sperimentò ciclicamente diversi linguaggi visivi nel laboratorio in bianco e nero, fino a quando, nel 1997, trovò il suo linguaggio visivo unico, multiprospettico e decostruttivista: l'immagine composita come esposizioni multiple su un negativo (1993-1998) o come montaggio sequenziale su un foglio a contatto di rullino e pellicola da 35 mm. 

Da uno schizzo iniziale della Torre Eiffel come omaggio a Robert Delaunay e all'Orfismo di Parigi, Kellner ha iniziato a dedicarsi all'architettura e a composizioni sempre più complesse. Creò immagini senza tempo di edifici iconici in un linguaggio di nuova formulazione orientato al cubismo. Nelle sue prime fotografie in bianco e nero, Kellner si concentrava sulla struttura stessa. Il rapporto tra oggetto e forma pittorica è al centro della sua osservazione.

Il concetto originale di Kellner era quello di creare un'opera di piccolo formato da un film alla volta. Le fotografie di San Francisco, New York City, Londra e Parigi, composte da due film, sono esposte in “Thomas Kellner - Black & White”. L'artista presenta anche alcune opere selezionate di grande formato a colori, come un'impressionante fotografia dell'Empire State Building.

On September 28, the VisuleX Gallery for Photography in Hamburg will open the exhibition “Moving Monuments. Thomas Kellner - Black & White”. Black and white tableaux of well-known monuments from 1997 to 2005 will be presented, framing a selection of his striking color photographs. With “Black & White”, Thomas Kellner returns to his artistic roots and the tradition of black and white photography.

At a time when many artists are turning back to black and white photography, Thomas Kellner is also looking back to his roots ten years later. The few published works in black and white reflect the beginnings of Kellner's career, when he experimented in cycles with different visual languages in the black and white laboratory until he finally found his unique, multi-perspectival and deconstructivist visual language in 1997: the composite image either as multiple exposures on a negative (1993-1998) or as a sequential montage on a contact sheet of roll and 35mm film. 

From an initial sketch of the Eiffel Tower as an homage to Robert Delaunay and Orphism in Paris, Kellner began to turn to architecture and increasingly complex compositions. He created timeless visuals of iconic buildings in a newly formulated language based on Cubism. In his early black and white photographs, Kellner concentrated on the structure itself. The relationship between object and pictorial form is at the center of his observation.

Kellner's original concept was to create a small-format work from one film at a time. Photographs from San Francisco, New York City, London and Paris, consisting of two films, are shown in “Thomas Kellner - Black & White”. The artist is also showing selected large-format works in color, such as an impressive photograph of the Empire State Building.

(Text: Visulex Gallery for Photography, Hamburg-Eppendorf)

Photoforum Pasquart | Biel
14. September 2024

How like a leaf I am
Alexandra Baumgartner & Seed Carriers

Die Ausstellung findet im Rahmen des Swiss Photomonth statt.

Das Photoforum freut sich, die Ausstellung "How like a leaf I am" der Künstlerin Alexandra Baumgartner zu präsentieren. Diese tiefgründige und faszinierende Ausstellung wird vom 14. September bis zum 24. November 2024 im Kulturzentrum Pasquart in Biel zu sehen sein. Baumgartner, die bereits im Rahmen des Prix Photoforum gezeigt wurde, stellt nun den Abschluss ihres Langzeitprojektes vor.

„How like a leaf I am“ ist ein umfassendes Ausstellungsprojekt, das die komplexen Beziehungen zwischen Menschen und pflanzlichem Leben untersucht. Ziel ist es, die kollektive Verantwortung für den Schutz und die Bewahrung der Agrobiodiversität zu beleuchten. Die Ausstellung ist eine Zusammenarbeit zwischen Alexandra Baumgartner und dem Kollektiv Seed Carriers, bekannt für ihre interdisziplinären Ansätze und künstlerischen Interventionen.

Alexandra Baumgartner kombiniert eine dokumentarische Herangehensweise mit künstlerischen Interventionen, um einen reflektierenden und erforschenden Raum zu schaffen. Die Szenografie lädt die Besucher ein, die Verbindung zwischen Menschen und Pflanzen auf intuitive und sinnliche Weise zu erforschen. Jeder Raum beleuchtet spezifische Aspekte des Projekts, wie zum Beispiel „Seed-Keeper’s Hands“, das die Hände und Bewegungen derjenigen zeigt, die Saatgut pflegen und bewahren.

Das Begleitprogramm zur Ausstellung umfasst besondere Veranstaltungen und Partnerschaften, die das Thema der Ausstellung vertiefen und erweitern. Dazu gehört eine Intervention im Botanischen Garten Bern, die die beiden Ausstellungen verlinkt und das Bewusstsein für die Bedeutung der Agrobiodiversität stärkt.

„How like a leaf I am“ strebt danach, das Bewusstsein und die Wertschätzung für die Rolle von Pflanzen in unserem Ökosystem zu fördern und gleichzeitig die Bedeutung der Saatgutvielfalt als Schlüssel für nachhaltige Zukunftslösungen hervorzuheben. Die Ausstellung beleuchtet ein wichtiges Thema und stellt einen entscheidenden Moment in der künstlerischen Praxis von Alexandra Baumgartner dar.

Le Photoforum a le plaisir de présenter l'exposition "How like a leaf I am" de l'artiste Alexandra Baumgartner. Cette exposition profonde et fascinante sera visible du 14 septembre au 24 novembre 2024 au Centre culturel Pasquart à Bienne. Baumgartner, déjà présentée dans le cadre du Prix Photoforum, présente l'aboutissement de son projet à long terme.

« How like a leaf I am » est un projet d'exposition complet qui examine les relations complexes entre les humains et la vie végétale. Son objectif est de mettre en lumière notre responsabilité collective pour la protection et la préservation de l'agrobiodiversité. L'exposition est une collaboration entre Alexandra Baumgartner et le collectif Seed Carriers, connu pour ses approches interdisciplinaires et ses interventions artistiques.

Alexandra Baumgartner combine une approche documentaire avec des interventions artistiques pour créer un espace de réflexion et d'exploration. La scénographie invite les visiteur.euse.x.s à explorer intuitivement et sensuellement la connexion entre les humains et les plantes. Chaque salle met en lumière des aspects spécifiques du projet, comme « Seed-Keeper’s Hands », qui présente les mains et les mouvements de celleux qui s'occupent des graines et les préservent.

Le programme d'accompagnement comprend des événements spéciaux et des partenariats qui approfondissent et élargissent le thème de l'exposition. Cela inclut une intervention au Jardin botanique de Berne, reliant les deux expositions et sensibilisant à l'importance de l'agrobiodiversité.

« How like a leaf I am » vise à promouvoir la sensibilisation et l'appréciation du rôle des plantes dans notre écosystème tout en soulignant l'importance de la diversité des semences comme clé de solutions durables pour l'avenir. L'exposition éclaire un sujet important et marque un moment significatif dans la pratique artistique d'Alexandra Baumgartner.

Il Photoforum è lieto di presentare la mostra "How like a leaf I am" dell'artista Alexandra Baumgartner. Questa mostra profonda e affascinante sarà esposta presso il Centro culturale Pasquart di Bienne dal 14 settembre al 24 novembre 2024. La Baumgartner, già esposta nell'ambito del Prix Photoforum, presenta ora la conclusione del suo progetto a lungo termine.

"How like a leaf I am" è un progetto espositivo completo che esplora le complesse relazioni tra l'uomo e la vita vegetale. L'obiettivo è quello di far luce sulla responsabilità collettiva per la protezione e la conservazione dell'agrobiodiversità. La mostra nasce dalla collaborazione tra Alexandra Baumgartner e il collettivo Seed Carriers, noto per i suoi approcci interdisciplinari e interventi artistici.

Alexandra Baumgartner combina un approccio documentario con interventi artistici per creare uno spazio riflessivo ed esplorativo. La scenografia invita i visitatori a esplorare la connessione tra le persone e le piante in modo intuitivo e sensuale. Ogni sala mette in luce aspetti specifici del progetto, come "Seed-Keeper's Hands", che mostra le mani e i movimenti di chi cura e conserva i semi.

Il programma che accompagna la mostra prevede eventi speciali e collaborazioni che approfondiscono e ampliano il tema della mostra. Tra questi, un intervento nel Giardino Botanico di Berna, che collega le due mostre e sensibilizza sull'importanza dell'agrobiodiversità.

"Come una foglia" si propone di sensibilizzare e apprezzare il ruolo delle piante nel nostro ecosistema, sottolineando l'importanza della diversità dei semi come chiave per soluzioni sostenibili per il futuro. La mostra mette in luce un tema importante e rappresenta un momento cruciale nella pratica artistica di Alexandra Baumgartner.

The Photoforum Biel is pleased to present the exhibition "How like a leaf I am" by artist Alexandra Baumgartner. This profound and fascinating exhibition will be on display from September 14 to November 24, 2024, at the Pasquart Cultural Center in Biel. Baumgartner, previously featured as part of the Prix Photoforum, now presents the culmination of her long-term project.

“How like a leaf I am” is a comprehensive exhibition project that examines the complex relationships between humans and plant life. Its goal is to highlight our collective responsibility for the protection and preservation of agrobiodiversity. The exhibition is a collaboration between Alexandra Baumgartner and the Seed Carriers collective, known for their interdisciplinary approaches and artistic interventions.

Alexandra Baumgartner combines a documentary approach with artistic interventions to create a reflective and explorative space. The scenography invites visitors to intuitively and sensually explore the connection between humans and plants. Each room highlights specific aspects of the project, such as “Seed-Keeper’s Hands,” which showcases the hands and movements of those who care for and preserve seeds.

The accompanying program includes special events and partnerships that deepen and expand the exhibition's theme. This includes an intervention at the Botanical Garden of Bern, linking the two exhibitions and raising awareness of the importance of agrobiodiversity.

“How like a leaf I am” aims to promote awareness and appreciation for the role of plants in our ecosystem while highlighting the importance of seed diversity as a key to sustainable future solutions. The exhibition illuminates an important issue and marks a significant moment in Alexandra Baumgartner's artistic practice.

(Text: Amelie Schüle, Direktorin Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

JAEGER ART | Berlin
13. September 2024

Bastiaan Woudt: Rhythm

JAEGER ART freut sich, die erste Einzelausstellung des renommierten Fotokünstlers Bastiaan Woudt in Deutschland anzukündigen. Ab dem 14. September zeigt die Galerie unter dem Titel "Rhythm" verschiedene Werkgruppen, von denen einige noch nie zuvor öffentlich gezeigt worden sind.

Der 1987 in den Niederlanden geborene Bastiaan Woudt ist vor allem für seine ikonischen Porträts bekannt, die sich durch starke Kontraste und eine monochrome Unverwechselbarkeit auszeichnen und ihm innerhalb von nur 13 Jahren internationale Anerkennung verschafften.

Inspiriert von den Meistern der Fotografie des 20. Jahrhunderts, wie Irving Penn oder Richard Avedon, verbindet er deren Tradition der klassischen Fotografie mit innovativen und zeitgenössischen Elementen. Das Ergebnis sind zeitlose Fotografien mit einer Prise Zeitgenössischem", die durch ihre Klarheit und Raffinesse bestechen.

Woudt begann seine Karriere als autodidaktischer Fotograf und hat sich schnell zu einem Meister im Umgang mit Licht und Schatten entwickelt. Sein Werk zeichnet sich durch eine unverwechselbare Ästhetik aus, die sowohl von minimalistischen als auch surrealen Einflüssen geprägt ist. Diese faszinierende Kombination verleiht den skulptural wirkenden Porträtfotografien einen unverwechselbaren Wiedererkennungswert.

Seine Kunstwerke werden regelmäßig in renommierten Galerien, auf internationalen Kunstmessen und in führenden Auktionshäusern präsentiert und erzielten beachtliche Ergebnisse. Seine erste museale Einzelausstellung "Twist" wurde 2022 im Museum Kranenburgh in Bergen gezeigt.

In seinem aktuellen Projekt "Echo from Beyond" lotet Bastiaan Woudt die Grenzen von Kunst und Fotografie aus und setzt sich intensiv mit künstlicher Intelligenz und ihrer Rolle in der Kunst auseinander, wobei ihn vor allem die symbiotische Beziehung zwischen menschlicher Kreativität und maschinellem Lernen interessiert.

Er verschmilzt seine Fotografien mit den Möglichkeiten der künstlichen Intelligenz und erschafft dadurch ein Mixed-Media-Projekt. Es entstehen bisher unvorstellbare Bilder, die durch seine Gedanken, Erfahrungen und die von ihm konsumierten Medien angeregt werden. Diese Verschmelzung von Elementen schafft eine einzigartige Bildsprache, die über die traditionelle Fotografie hinausgeht und ein Fenster in eine Welt neuer Möglichkeiten und Entdeckungen öffnet.

Einige dieser Kunstwerke, die er als Unikate realisiert, werden erstmals in der Ausstellung "Rhythm" präsentiert.

JAEGER ART a le plaisir d'annoncer la première exposition individuelle en Allemagne du célèbre artiste photographe Bastiaan Woudt. À partir du 14 septembre, la galerie présentera, sous le titre « Rhythm », différents ensembles d'œuvres, dont certains n'ont jamais été montrés au public auparavant.

Né en 1987 aux Pays-Bas, Bastiaan Woudt est surtout connu pour ses portraits iconiques, caractérisés par de forts contrastes et une singularité monochrome, qui lui ont valu une reconnaissance internationale en seulement 13 ans.

Inspiré par les maîtres de la photographie du XXe siècle, comme Irving Penn ou Richard Avedon, il combine leur tradition de la photographie classique avec des éléments innovants et contemporains. Il en résulte des photographies intemporelles avec une touche de « contemporain » qui séduisent par leur clarté et leur sophistication.

Woudt a commencé sa carrière en tant que photographe autodidacte et est rapidement devenu un maître de l'ombre et de la lumière. Son travail se caractérise par une esthétique distinctive, marquée par des influences à la fois minimalistes et surréalistes. Cette combinaison fascinante confère à ses photographies de portraits à l'aspect sculptural un caractère reconnaissable entre tous.

Ses œuvres d'art sont régulièrement présentées dans des galeries renommées, des foires d'art internationales et des maisons de vente aux enchères de premier plan, et ont obtenu des résultats remarquables. Sa première exposition individuelle dans un musée, « Twist », a été présentée au musée Kranenburgh de Bergen en 2022.

Dans son projet actuel « Echo from Beyond », Bastiaan Woudt explore les frontières de l'art et de la photographie et s'intéresse de près à l'intelligence artificielle et à son rôle dans l'art, en s'intéressant particulièrement à la relation symbiotique entre la créativité humaine et l'apprentissage automatique.

Il fusionne ses photographies avec les possibilités de l'intelligence artificielle, créant ainsi un projet de médias mixtes. Il en résulte des visuels jusqu'alors inimaginables, stimulés par ses pensées, ses expériences et les médias qu'il consomme. Cette fusion d'éléments crée un langage visuel unique qui va au-delà de la photographie traditionnelle et ouvre une fenêtre sur un monde de nouvelles possibilités et de découvertes.

Certaines de ces œuvres d'art, qu'il réalise en tant que pièces uniques, sont présentées pour la première fois dans l'exposition « Rhythm ».

JAEGER ART è lieta di annunciare la prima mostra personale del rinomato artista fotografico Bastiaan Woudt in Germania. A partire dal 14 settembre, la galleria esporrà diversi gruppi di opere sotto il titolo “Rhythm”, alcune delle quali non sono mai state mostrate pubblicamente prima.

Nato nei Paesi Bassi nel 1987, Bastiaan Woudt è conosciuto soprattutto per i suoi ritratti iconici, caratterizzati da forti contrasti e da una distintività monocromatica, che gli hanno fatto guadagnare un riconoscimento internazionale in soli 13 anni.

Ispirandosi ai maestri della fotografia del XX secolo, come Irving Penn e Richard Avedon, combina la loro tradizione di fotografia classica con elementi innovativi e contemporanei. Il risultato sono fotografie senza tempo con un pizzico di “contemporaneità” che affascinano per la loro chiarezza e raffinatezza.

Woudt ha iniziato la sua carriera come fotografo autodidatta e si è rapidamente trasformato in un maestro nell'uso della luce e dell'ombra. Il suo lavoro è caratterizzato da un'estetica inconfondibile, plasmata da influenze sia minimaliste che surreali. Questa affascinante combinazione conferisce alle fotografie di ritratto dall'aspetto scultoreo un valore di riconoscimento inconfondibile.

Le sue opere sono presentate regolarmente in gallerie rinomate, in fiere d'arte internazionali e in case d'asta di primo piano e hanno ottenuto risultati notevoli. La sua prima mostra museale personale “Twist” è stata esposta al Museum Kranenburgh di Bergen nel 2022.

Nel suo attuale progetto “Echo from Beyond”, Bastiaan Woudt esplora i confini dell'arte e della fotografia e si occupa intensamente dell'intelligenza artificiale e del suo ruolo nell'arte, per cui è particolarmente interessato alla relazione simbiotica tra la creatività umana e l'apprendimento automatico.

Fonde le sue fotografie con le possibilità dell'intelligenza artificiale per creare un progetto mixed-media. Vengono create immagini precedentemente inimmaginabili, ispirate dai suoi pensieri, dalle sue esperienze e dai media che consuma. Questa fusione di elementi crea un linguaggio visivo unico che va oltre la fotografia tradizionale e apre una finestra su un mondo di nuove possibilità e scoperte.

Alcune di queste opere, che realizza come pezzi unici, sono presentate per la prima volta nella mostra “Rhythm”.

JAEGER ART is pleased to announce acclaimed fine art photographer Bastiaan Woudt's first solo exhibition in Germany. From September 14, the gallery will be showing various bodies of works in an exhibition named ‘Rhythm’, some of which have never been shown to the public before.

Bastiaan Woudt, born in the Netherlands in 1987, is best known for his iconic portraits, which are characterized by strong contrasts and a monochromatic distinctiveness that quickly brought him international recognition over the span of merely 13 years.

Inspired by the masters of 20th century photography, such as Irving Penn or Richard Avedon, he combines their tradition of classical photography with innovative and contemporary elements. This results in timeless photographs with a dash of 'contemporary' that captivate the eye with their clarity and sophistication.

Woudt began his career as a self-taught photographer and has quickly become a master in the use of light and shadow. His work is characterized by an unmistakable aesthetic that is shaped by both minimalist and surreal influences. This fascinating combination gives the sculptural-looking portrait photographs an unmistakable recognition value. His artworks are regularly presented in renowned

galleries, at international art fairs and at leading auction houses – sold for record-breaking amounts. His first solo museum exhibition “Twist” was shown at Museum Kranenburgh in Bergen in 2022. 

In his current project “Echo from Beyond”, Bastiaan Woudt explores the boundaries of art and photography and intensively investigates artificial intelligence and its role in art, whereby he is primarily interested in the symbiotic relationship between human creativity and machine learning.

He merges his photographs with the possibilities of artificial intelligence and turns this series into a mixed media project. Previously unimaginable images are created, fueled by his thoughts, experiences and the media he consumes. This fusion of elements creates a unique visual language that goes beyond traditional photography and opens a window into a world of new possibilities and discoveries.

For the first time, some of these artworks, which he creates as unique pieces, will be presented in the exhibition ‘Rhythm’.

(Text: JAEGER ART, Berlin)

Galerie XII | Paris
12. September 2024

Marie Cecile Thijs

Die Galerie XII präsentiert eine Ausstellung der niederländischen Künstlerin Marie Cecile Thijs. Als Fotografin, die mit der Zeitlichkeit spielt, schafft Marie Cecile Thijs Bilder, die eine Beziehung zwischen Vergangenheit und Gegenwart verkörpern, die unwirklich, ja sogar übernatürlich erscheint. Porträts von Menschen, Tieren, Blumen, Gegenständen und Lebensmitteln, die von der Malerei des 17. Jahrhunderts inspiriert sind, sind alle ihre Motive von einer beunruhigenden Unbeweglichkeit geprägt. Diese Dualität - zwischen Alt und Neu, Licht und Dunkelheit, Intimität und Distanziertheit - ist der Schlüssel zum Werk von Marie Cecile Thijs. Die Galerie XII präsentiert für diese Ausstellung Werke aus ihren verschiedenen Serien: Flowers, Vases & Delftware, Food Portraits, Amazones und White Collar.

Die Serie Food Portraits besteht aus zeitgenössischen Stillleben, die kulinarische Porträts zeigen. In der Luft hängend, dynamisch und leicht surreal, fangen sie das Wesen von Obst, Gemüse und anderen Lebensmitteln ein. Marie Cecile Thijs betrachtet sie, als ob sie ihnen zum ersten Mal begegnen würde, und schafft so einen neuen Dialog.

In der Serie Amazone stellt Marie Cecile Thijs eine Reihe zeitgenössischer Porträts starker, mutiger und unabhängiger junger Frauen zusammen, die mit historischen Symbolen und Referenzen verbunden sind, was ihnen einen zeitlosen Charakter verleiht.

In der Serie White Collar verhöhnt Marie Cecile Thijs das Tragen eines sehr dünnen Baptistenkragens aus dem 17. Jahrhundert, der sich im Besitz des Rijksmuseums befindet und das weltweit letzte Exemplar eines Modells ist, das in den Jahren 1615-1935 bei jungen Männern sehr beliebt war. Da der Kragen äußerst zerbrechlich ist, wurde er im Museum fotografiert, bevor er durch digitale Collage den verschiedenen Modellen hinzugefügt wurde.

In Flower, Vases & Delftware erschafft Marie Cecile Thijs eine facettenreiche Welt, in der Fauna und Flora ein surreales Universum bilden. Durch starke Hell-Dunkel-Kontraste und die Verwendung von Delfter Fayence-Vasen aus dem 17. Jahrhundert verbinden diese zeitgenössischen Werke die Vergangenheit mit der Gegenwart.

La Galerie XII présente une exposition de l'artiste néerlandaise Marie Cecile Thijs. Photographe jouant avec la temporalité, Marie Cecile Thijs crée des images incarnant une relation entre passé et présent qui semble irréelle, voire surnaturelle. Portraits de personnes, d'animaux, de fleurs, d’objets et d’aliments inspirés de la peinture du XVIIe siècle, chacun de ses sujets est marqué par une immobilité troublante. Cette dualité - entre l'ancien et le nouveau, la lumière et l'obscurité, l'intimité et la distanciation - est la clé de l'oeuvre de Marie Cecile Thijs. La Galerie XII présente pour cette exposition des oeuvres issues de ses différentes séries : Flowers, Vases & Delftware, Food Portraits, Amazones et White Collar.

La série Food Portraits se compose de natures mortes contemporaines présentant des portraits culinaires. Suspendus dans les airs, dynamiques et légèrement surréalistes, ils capturent l'essence des fruits, légumes au autres denrées alimentaires. Marie Cecile Thijs les regarde comme si elle les rencontrait pour la première fois, créant ainsi un nouveau dialogue.

Avec la série Amazone, Marie Cecile Thijs compose une série de portraits contemporains de jeunes femmes fortes, courageuses et indépendantes associés à des symboliques et références historiques qui leur confère un caractère intemporel.

Dans la série White Collar, Marie Cecile Thijs tourne en dérision le port d'une colerette de baptiste très fine du XVIIe siècle appartenant aux collections du Rijksmuseum et dernier exemplaire existant dans le monde d'un modèle très populaire chez les jeunes gens dans les années 1615-1935. D'une fragilité extrême, la collerette a été photographiée au musée avant d'être ajoutée par collage numérique sur les différents modèles.

Dans Flower, Vases & Delftware, Marie Cecile Thijs crée un monde aux multiples facettes où la faune et la flore composent un univers surréaliste. Par de forts contrastes de clair-obscur et par l'utilisation de vases en faïence de Delft du XVIIe siècle, ces oeuvres contemporaines relient le passé au présent.

La Galerie XII presenta una mostra dell'artista olandese Marie Cecile Thijs. Fotografa che gioca con la temporalità, Marie Cecile Thijs crea immagini che incarnano un rapporto tra passato e presente che sembra irreale, persino soprannaturale. Ritratti di persone, animali, fiori, oggetti e cibi ispirati alla pittura del XVII secolo, ognuno dei suoi soggetti è caratterizzato da un'inquietante immobilità. Questa dualità - tra vecchio e nuovo, luce e buio, intimità e distanza - è la chiave del lavoro di Marie Cecile Thijs. Per questa mostra, la Galerie XII presenta opere tratte dalle sue diverse serie: Flowers, Vases & Delftware, Food Portraits, Amazones e White Collar.

La serie Food Portraits consiste in nature morte contemporanee con ritratti culinari. Sospesi nell'aria, dinamici e leggermente surreali, catturano l'essenza di frutta, verdura e altri alimenti. Marie Cecile Thijs li guarda come se li incontrasse per la prima volta, creando un nuovo dialogo.

Nella serie Amazone, Marie Cecile Thijs crea una serie di ritratti contemporanei di giovani donne forti, coraggiose e indipendenti, combinati con simboli e riferimenti storici che conferiscono loro una qualità senza tempo.

Nella serie White Collar, Marie Cecile Thijs prende in giro l'uso di un raffinatissimo collare battista del XVII secolo, appartenente alle collezioni del Rijksmuseum, ultimo esempio al mondo di un modello molto popolare tra i giovani uomini tra il 1615 e il 1935. Il collare, estremamente fragile, è stato fotografato al museo prima di essere collocato digitalmente sui vari modelli.

In Flower, Vases & Delftware, Marie Cecile Thijs crea un mondo sfaccettato in cui flora e fauna formano un universo surrealista. Attraverso forti contrasti di chiaroscuro e l'uso di vasi di terracotta di Delft del XVII secolo, queste opere contemporanee collegano il passato al presente.

Galerie XII presents an exhibition by Dutch artist Marie Cecile Thijs. A photographer who plays with temporality, Marie Cecile Thijs creates images embodying a relationship between past and present that seems unreal, even supernatural. Portraits of people, animals, flowers, objects and food inspired by 17th-century painting, each of her subjects is marked by an unsettling immobility. This duality - between the old and the new, light and darkness, intimacy and distance - is the key to the work of Marie Cecile Thijs. For this exhibition, Galerie XII presents works from her various series: Flowers, Vases & Delftware, Food Portraits, Amazones and White Collar.

The Food Portraits series consists of contemporary still lifes featuring culinary portraits. Suspended in the air, dynamic and slightly surreal, they capture the essence of fruit, vegetables and other foodstuffs. Marie Cecile Thijs looks at them as if meeting them for the first time, creating a new dialogue.

With the Amazone series, Marie Cecile Thijs composes a series of contemporary portraits of strong, courageous and independent young women, combined with historical symbolism and references that give them a timeless character.

In the White Collar series, Marie Cecile Thijs makes a mockery of a very fine 17th-century Baptist collar in the Rijksmuseum collection, the last surviving example in the world of a model that was very popular with young people in the years 1615-1935. Extremely fragile, the collar was photographed at the museum before being digitally collaged onto the various models.

In Flower, Vases & Delftware, Marie Cecile Thijs creates a multi-faceted world where flora and fauna create a surrealist universe. Through strong contrasts of chiaroscuro and the use of 17th-century Delftware vases, these contemporary works link the past to the present.

(Text: Galerie XII, Paris)

MASI Lugano
7. September 2024

Luigi Ghirri - Il viaggio - Fotografie 1970-1991

Etwas mehr als 30 Jahre nach seinem frühen Tod erinnert das MASI Lugano in einer neuen Ausstellung an den italienischen Fotografen Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia,1992).

Als Pionier und einflussreicher Vordenker, der sich intensiv mit der Fotografie und deren Rolle in der modernen Kultur auseinandergesetzt hat, schuf Ghirri in den 1970er und 1980er Jahren ein im damaligen Europa einzigartiges Werk – ein spielerisches, poetisches und tiefgründiges Nachdenken über die populäre Fotografie.

Mit mehr als 100 Originalabzügen erzählt der Ausstellungsparcours im MASI von der grossen Anziehungskraft, die das reale und imaginäre Reisen auf Luigi Ghirri ausübte. Er fotografierte vor allem sein Heimatland Italien und besuchte dort Touristen-Hotspots – von den Dolomiten und den norditalienischen Seen über die Badeorte an den Küsten des Mittelmeers bis zu den Sehenswürdigkeiten aus der Antike und den Themenparks. Darüber hinaus befasste er sich mit dem Konzept des Reisens und fotografierte Landkarten, Werbebilder und Postkarten, die überall in der Ausstellung zu sehen sind. Aus diesen Arbeiten ergibt sich eine Reflexion über die Art und Weise, wie die Fotografie die Erfahrung des Ortes im modernen Leben abbildet.

Kuratiert von James Lingwood

Koordination im MASI: Ludovica Introini

Le MASI Lugano consacre une nouvelle exposition majeure au photographe italien Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992), un peu plus de trente ans après sa mort prématurée.

Figure pionnière, penseur influent de la photographie et de son rôle dans la culture moderne, Ghirri a créé dans les années 1970 et 1980 une œuvre sans précédent dans l’Europe de son époque – une réflexion ludique, poétique et profonde sur le médium de la photographie populaire.

L’exposition au MASI retrace, à travers quelque 150 tirages originaux, la véritable fascination de Ghirri pour les voyages, à la fois réels et imaginaires. Ghirri a photographié avant tout son Italie, dans des lieux fréquentés par les touristes : des Dolomites aux lacs du Nord, des stations balnéaires de l’Adriatique et la Méditerranée aux musées, ruines classiques et parcs à thème. Hormis ces destinations, l’attention de Ghirri porte également sur l’idée du voyage, les photographies de cartes, atlas, images publicitaires et cartes postales, qui reviennent tout au long de l’exposition. Ces œuvres font ainsi émerger une réflexion sur la manière dont la photographie marque l’expérience du lieu dans la vie moderne.

Commissariat d'exposition James Lingwood

coordination pour le MASI Ludovica Introini

A poco più di trent’anni dalla sua prematura scomparsa, il MASI Lugano dedica una nuova importante mostra al fotografo italiano Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992).

Figura pionieristica e influente pensatore della fotografia e del suo ruolo nella cultura moderna, negli anni '70 e '80 Ghirri ha creato un corpus di opere senza eguali nell'Europa del suo tempo; una riflessione giocosa, poetica e profonda sul popolare mezzo fotografico.

Il percorso espositivo al MASI racconta, attraverso circa 150 stampe originali, la profonda fascinazione di Ghirri per il viaggio, sia reale che immaginario. Ghirri ha fotografato soprattutto la sua Italia, viaggiando in luoghi frequentati dai turisti: dalle Dolomiti ai laghi dell'Italia settentrionale, dalle località balneari lungo le coste dell'Adriatico e del Mediterraneo ai musei, alle rovine classiche e ai parchi a tema. Accanto a queste mete, l'attenzione di Ghirri si rivolge anche all'idea del viaggio e alle fotografie di mappe, atlanti, immagini pubblicitarie e cartoline, che ricorrono in tutta la mostra. Dai lavori emerge così anche una riflessione sul modo in cui la fotografia inquadra l’esperienza del luogo nella vita moderna.

a cura di James Lingwood

coordinamento per il MASI Ludovica Introini

Just over thirty years after his premature death, MASI Lugano is dedicating a major new exhibition to the Italian photographer Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992).

A pioneering figure and influential thinker on photography and its role in modern culture, in the 1970s and 1980s Ghirri created a body of work unparalleled in the Europe of his time; a playful, poetic and profound reflection on the popular medium of photography.

The exhibition at MASI recounts Ghirri's profound fascination with travel, both real and imaginary, through around 150 original prints. Ghirri mainly photographed his Italy, travelling to places frequented by tourists: from the Dolomites to the lakes of northern Italy, from seaside resorts along the Adriatic and Mediterranean coasts to museums, classical ruins and theme parks. Alongside these destinations, Ghirri's attention also turns to the idea of travel and the photographs of maps, atlases, advertising images and postcards, which recur throughout the exhibition. Thus, a reflection on the way photography frames the experience of place in modern life also emerges from the works.

Curated by James Lingwood

Exhibition coordination at MASI Ludovica Introini

(Text: MASI Lugano)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
6. September 2024

Landschaften
Barbara Klemm

Zum Saisonstart 2024 zeigen wir eine neue Ausstellung von Barbara Klemm, die, wie so viele andere Genres, auch das der Landschaftsfotografie virtuos beherrscht. Die Ausstellung vereint um die dreißig ihrer Landschaftsporträts aus  Deutschland und der Welt  — vom Allgäu bis zum Plöner See, von der mongolischen Steppe bis zu den Wasserfällen von Iguazú. Barbara Klemms Landschaftsfotografien, die allesamt als Silbergelatineabzüge von eigener Hand gezeigt werden, zeichnen sich durch meisterhafte Kompositionen aus, die Licht und Landschaft modellieren.

„Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (…) blicken aus Barbara Klemms Landschaftsbildern auf uns, die deutsche Romantik, mit ihrer Malerei und Graphik und deren Tröstlichkeit, Gewicht und Abgründen, erscheint hier in neuer ästhetischer Qualität.“ Péter Nádas (aus „Schwarze Strahlung: Barbara Klemm, die Philosophin der Begebenheiten“)

Barbara Klemm gilt als eine der bedeutendsten Fotografinnen der deutschen Gegenwart. Sie wurde 1939 in Münster, Westfalen, geboren und wuchs in Karlsruhe auf. Seit 1959 war sie für die Frankfurter Allgemeine Zeitung tätig, seit 1970 als Redaktionsfotografin mit den Schwerpunkten Politik und Feuilleton. Ihr Werk wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, darunter der Dr.-Erich-Salomon-Preis der Deutschen Gesellschaft für Fotografie (1989), der Hugo-Erfurth-Preis der Stadt Leverkusen (1989), der Maria-Sibylla-Merian-Preis für bildende Künstlerinnen in Hessen (1998), der Hessische Kulturpreis (2000) und der Max-Beckmann-Preis der Stadt Frankfurt am Main (2009). Barbara Klemm ist bislang die einzige Frau, die mit dem Leica Hall of Fame Award ausgezeichnet wurde (2012). Seit 1992 ist sie Mitglied der Akademie der Künste Berlin, 2010 wurde sie in den Orden „Pour le mérite“ gewählt. Barbara Klemm lebt in Frankfurt am Main.

Pour le début de la saison 2024, nous présentons une nouvelle exposition de Barbara Klemm qui, comme tant d'autres genres, maîtrise avec virtuosité celui de la photographie de paysage. L'exposition réunit une trentaine de ses portraits de paysages d'Allemagne et du monde entier - de l'Allgäu au lac de Plön, de la steppe mongole aux chutes d'Iguazú. Les photographies de paysages de Barbara Klemm, toutes présentées sous forme de tirages au gélatino-argent de sa propre main, se distinguent par des compositions magistrales qui modèlent la lumière et le paysage.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) nous regardent à travers les paysages de Barbara Klemm, le romantisme allemand, avec sa peinture et son graphisme et leur consolation, leur poids et leurs abîmes, apparaît ici dans une nouvelle qualité esthétique". Péter Nádas (extrait de "Rayonnement noir : Barbara Klemm, la philosophe des événements")

Barbara Klemm est considérée comme l'une des photographes les plus importantes de l'Allemagne contemporaine. Elle est née en 1939 à Münster, en Westphalie, et a grandi à Karlsruhe. Depuis 1959, elle travaillait pour le Frankfurter Allgemeine Zeitung, et depuis 1970 comme photographe de rédaction spécialisée dans la politique et le feuilleton. Son œuvre a été récompensée par de nombreux prix, dont le prix Dr. Erich Salomon de la Société allemande de photographie (1989), le prix Hugo Erfurth de la ville de Leverkusen (1989), le prix Maria Sibylla Merian pour les femmes artistes plasticiennes de Hesse (1998), le prix culturel de Hesse (2000) et le prix Max Beckmann de la ville de Francfort-sur-le-Main (2009). Barbara Klemm est à ce jour la seule femme à avoir été récompensée par le Leica Hall of Fame Award (2012). Depuis 1992, elle est membre de l'Académie des arts de Berlin, et en 2010, elle a été élue à l'Ordre du mérite. Barbara Klemm vit à Francfort-sur-le-Main.

In occasione dell'inizio della stagione 2024, presentiamo una nuova mostra di Barbara Klemm, che, come molti altri generi, è una virtuosa della fotografia di paesaggio. La mostra riunisce una trentina di suoi ritratti paesaggistici provenienti dalla Germania e da tutto il mondo: dall'Allgäu al lago di Plön, dalla steppa mongola alle cascate di Iguazú. Le fotografie di paesaggio di Barbara Klemm, tutte presentate come stampe alla gelatina d'argento realizzate con le sue mani, sono caratterizzate da composizioni magistrali che modellano la luce e il paesaggio.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) ci guardano dalle fotografie di paesaggio di Barbara Klemm; il Romanticismo tedesco, con la sua pittura e la sua grafica, con il suo conforto, il peso e gli abissi, appare qui in una nuova qualità estetica". Péter Nádas (da "Black Radiance: Barbara Klemm, la filosofa degli eventi")

Barbara Klemm è considerata una delle più importanti fotografe della Germania contemporanea. È nata a Münster, in Westfalia, nel 1939 ed è cresciuta a Karlsruhe. Ha lavorato per la Frankfurter Allgemeine Zeitung dal 1959, dal 1970 come fotografa editoriale specializzata in politica e articoli di cronaca. Il suo lavoro è stato premiato con numerosi riconoscimenti, tra cui il Premio Dr Erich Salomon della Società tedesca per la fotografia (1989), il Premio Hugo Erfurth della città di Leverkusen (1989), il Premio Maria Sibylla Merian per le artiste visive dell'Assia (1998), il Premio della cultura dell'Assia (2000) e il Premio Max Beckmann della città di Francoforte sul Meno (2009). Ad oggi, Barbara Klemm è l'unica donna ad essere stata premiata con il Leica Hall of Fame Award (2012). È membro dell'Akademie der Künste Berlin dal 1992 ed è stata eletta nell'Ordine "Pour le mérite" nel 2010. Barbara Klemm vive a Francoforte sul Meno.

To inaugurate the autumn 2024 gallery season, we are pleased to present a new exhibition by Barbara Klemm. Known for her mastery across various genres, Klemm also excels in landscape photography.

This exhibition features around thirty of her landscape portraits from Germany and around the world — from the Allgäu to Lake Plön, from the Mongolian steppe to the Iguazú waterfalls. Each photograph, printed by the artist as a silver gelatin print, showcases her skillful composition and deep connection to the landscapes she captures.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) gaze upon us from Barbara Klemm's landscape images. The German Romanticism, with its painting and graphics, and its solace, gravity, and abysses, reappears here in a new aesthetic quality.“ Péter Nádas

Barbara Klemm is considered one of the most important photographers in contemporary Germany. She was born in 1939 in Münster, Westphalia, and grew up in Karlsruhe. Since 1959, she worked for the Frankfurter Allgemeine Zeitung, and from 1970 onwards, she served as an editorial photographer with a focus on politics and culture. Her work has received numerous awards, including the Dr.-Erich-Salomon-Preis from the German Society for Photography (1989), the Hugo-Erfurth-Preis from the city of Leverkusen (1989), the Maria Sibylla Merian Prize for female visual artists in Hesse (1998), the Hessian Culture Prize (2000), and the Max Beckmann Prize from the city of Frankfurt am Main (2009). Barbara Klemm is the only woman to have been honored with the Leica Hall of Fame Award (2012). Since 1992, she has been a member of the Academy of Arts Berlin, and in 2010, she was elected to the Order Pour le Mérite. Barbara Klemm lives in Frankfurt am Main.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
5. September 2024

Sabine Weiss. A Photographer's Life

Sabine Weiss gehört zu den wichtigsten Repräsentant*innen der französischen humanistischen Fotografie des 20. Jahrhunderts. Ihre Karriere umspannt mehr als sieben Jahrzehnte. Die humanistische Fotografie, welche im Kern die Philosophie der Aufklärung mit sozialdokumentarischer Praxis verband, entstand nach dem Zweiten Weltkrieg. Fotografen wie Robert Doisneau, Willy Ronis und Brassaï waren berühmte Vertreter. Ob Reportage, Illustrationen, Mode, Werbung, Künstler*innenporträts oder persönliche Arbeiten: Sabine Weiss sah alle Bereiche der Fotografie als Herausforderung an, als Vorwand für Begegnungen und Reisen, als Mittel zum Leben und als Selbstausdruck.

Die Ausstellung Sabine Weiss. A Photographer's Life, an der die Autorin bis zu ihrem Tod mitgewirkt hat, berichtet von dieser lebenslangen Leidenschaft und beleuchtet die Schwerpunkte eines Werks, das sich rund um das menschliche Sein entwickelt. Anhand von Originalabzügen, Archivdokumenten und Filmen zeichnet sie das Porträt einer Fotografin, die von einer unstillbaren Neugier auf andere Menschen angetrieben wurde, sei es in Frankreich, wo sie sich 1946 niederließ, in den USA oder auf ihren unzähligen Reisen durch ganz Europa.

Im Jahr 2016 und 2018 wurde Sabine Weiss durch zwei Ausstellungen im Jeu de Paume Château de Tours und im Musée National d'Art Moderne im Centre Pompidou in Paris geehrt sowie im Rahmen einer vielbeachteten Retrospektive bei dem Fotofestival Rencontres d'Arles mit dem 2020 Women In Motion Award for photography, verliehen von Kering, ausgezeichnet. Aufgrund der vielfältigen und positiven Resonanz erklärte sie sich bereit ihr persönliches Archiv zu öffnen und ihr vielschichtiges Werk der Öffentlichkeit zugänglich zu machen.

Sabine Weiss (geb. Weber) wurde 1924 in Saint-Gingolph in der Schweiz geboren. Sie absolvierte eine Lehre als Fotografin im Studio des renommierten Fotografen Paul Boissonnas in Genf und ließ sich anschließend in Paris nieder, wo sie dem deutschen Modefotografen Willy Maywald assistierte. Ab 1949 arbeitete sie als freischaffende Fotografin. Ihre Aufnahmen wurden unter anderem in den Zeitschriften Esquire, Vogue, Paris Match, Life und Time publiziert. 1952 trat sie der Agentur Rapho bei. Weiss realisierte über 170 Einzelausstellungen und war mit ihren Fotografien in mehr als 80 Gruppenausstellungen vertreten, u.a. in Edward Steichens berühmter Ausstellungen The Family of Man im Museum of Modern Art in New York. Ihr Nachlass wird vom Photo Elysée in Lausanne betreut und umfasst rund 160.000 Negative, 7.000 Kontaktbögen, 8.000 Prints, 46.000 Diapositive und diverses Dokumentationsmaterial.

Kuratorin der Ausstellung ist die Fotohistorikerin Virginie Chardin. Die Ausstellung wird organisiert von f³ – freiraum für fotografie, produziert von Sabine Weiss Studio und Photo Elysée, mit der Unterstützung von Jeu de Paume, Les Rencontres d’Arles und Women In Motion, einem Programm von Kering zur Förderung von Frauen in Kunst und Kultur.

Sabine Weiss est l'une des plus importantes représentantes* de la photographie humaniste française du 20e siècle. Sa carrière s'étend sur plus de sept décennies. La photographie humaniste, qui allie la philosophie des Lumières et la pratique du documentaire social, est née après la Seconde Guerre mondiale. Des photographes comme Robert Doisneau, Willy Ronis et Brassaï en furent de célèbres représentants. Qu'il s'agisse de reportages, d'illustrations, de mode, de publicité, de portraits d'artistes* ou de travaux personnels : Sabine Weiss considérait tous les domaines de la photographie comme un défi, un prétexte aux rencontres et aux voyages, un moyen de vivre et de s'exprimer.

L'exposition Sabine Weiss. A Photographer's Life, à laquelle l'auteur a collaboré jusqu'à sa mort, rend compte de cette passion de toujours et met en lumière les points forts d'une œuvre qui se développe autour de l'être humain. À travers des tirages originaux, des documents d'archives et des films, elle dresse le portrait d'une photographe animée par une insatiable curiosité pour les autres, que ce soit en France, où elle s'est installée en 1946, aux États-Unis ou lors de ses innombrables voyages à travers l'Europe.

En 2016 et 2018, Sabine Weiss a été honorée par deux expositions au Jeu de Paume Château de Tours et au Musée National d'Art Moderne du Centre Pompidou à Paris, et a reçu le 2020 Women In Motion Award for photography, décerné par Kering, dans le cadre d'une rétrospective très remarquée lors du festival de photographie des Rencontres d'Arles. Suite à l'écho positif et varié, elle a accepté d'ouvrir ses archives personnelles et de rendre accessible au public son œuvre aux multiples facettes.

Sabine Weiss (née Weber) est née en 1924 à Saint-Gingolph en Suisse. Elle a suivi un apprentissage de photographe dans le studio du célèbre photographe Paul Boissonnas à Genève, puis s'est installée à Paris, où elle a assisté le photographe de mode allemand Willy Maywald. À partir de 1949, elle a travaillé comme photographe indépendante. Ses photos ont été publiées entre autres dans les magazines Esquire, Vogue, Paris Match, Life et Time. En 1952, elle a rejoint l'agence Rapho. Weiss a réalisé plus de 170 expositions individuelles et a été représentée avec ses photographies dans plus de 80 expositions de groupe, notamment dans la célèbre exposition The Family of Man d'Edward Steichen au Museum of Modern Art de New York. Son héritage est géré par Photo Elysée à Lausanne et comprend environ 160 000 négatifs, 7 000 planches contact, 8 000 tirages, 46 000 diapositives et divers matériels de documentation.

La commissaire de l'exposition est l'historienne de la photographie Virginie Chardin. L'exposition est organisée par f³ - freiraum für fotografie, produite par Sabine Weiss Studio et Photo Elysée, avec le soutien du Jeu de Paume, des Rencontres d'Arles et de Women In Motion, un programme de Kering visant à promouvoir les femmes dans les arts et la culture.

Sabine Weiss è una delle più importanti rappresentanti della fotografia umanista francese del XX secolo. La sua carriera abbraccia più di sette decenni. La fotografia umanista, che combina essenzialmente la filosofia dell'Illuminismo con la pratica del documentario sociale, è emersa dopo la Seconda Guerra Mondiale. Fotografi come Robert Doisneau, Willy Ronis e Brassaï ne furono famosi rappresentanti. Che si tratti di reportage, illustrazioni, moda, pubblicità, ritratti di artisti o opere personali: Sabine Weiss vedeva tutti i settori della fotografia come una sfida, come un pretesto per incontri e viaggi, come un mezzo per vivere ed esprimersi.

La mostra Sabine Weiss. A Photographer's Life, a cui l'autrice ha lavorato fino alla sua morte, racconta questa passione di una vita e illumina i punti focali di un'opera che si è sviluppata intorno alla condizione umana. Utilizzando stampe originali, documenti d'archivio e filmati, l'autrice dipinge il ritratto di una fotografa animata da un'insaziabile curiosità per le altre persone, sia in Francia, dove si stabilì nel 1946, sia negli Stati Uniti o nei suoi innumerevoli viaggi in tutta Europa.

Nel 2016 e nel 2018, Sabine Weiss è stata premiata con due mostre al Jeu de Paume Château de Tours e al Musée National d'Art Moderne del Centre Pompidou di Parigi, nonché con il premio Women In Motion 2020 per la fotografia, presentato da Kering, nell'ambito di un'acclamata retrospettiva al festival fotografico Rencontres d'Arles. A causa della risposta positiva e diversificata, l'artista ha accettato di aprire il suo archivio personale e di rendere accessibile al pubblico il suo lavoro stratificato.

Sabine Weiss (nata Weber) è nata nel 1924 a Saint-Gingolph, in Svizzera. Ha svolto un apprendistato come fotografa nello studio del celebre fotografo Paul Boissonnas a Ginevra e si è poi stabilita a Parigi, dove ha assistito il fotografo di moda tedesco Willy Maywald. Dal 1949 lavora come fotografa freelance. Le sue fotografie sono state pubblicate, tra l'altro, sulle riviste Esquire, Vogue, Paris Match, Life e Time. Nel 1952 entra a far parte dell'agenzia Rapho. Weiss ha realizzato oltre 170 mostre personali ed è stata rappresentata con le sue fotografie in più di 80 mostre collettive, tra cui la famosa mostra di Edward Steichen The Family of Man al Museum of Modern Art di New York. Il suo patrimonio è gestito dal Photo Elysée di Losanna e comprende circa 160.000 negativi, 7.000 fogli a contatto, 8.000 stampe, 46.000 diapositive e vario materiale documentario.

La mostra è curata dalla storica della fotografia Virginie Chardin. La mostra è organizzata da f³ - freiraum für fotografie, prodotta da Sabine Weiss Studio e Photo Elysée, con il sostegno di Jeu de Paume, Les Rencontres d'Arles e Women In Motion, un programma di Kering per promuovere le donne nell'arte e nella cultura.

Sabine Weiss is one of the most important representatives of French humanist photography of the 20th century, with a career spanning more than seven decades. Humanist photography, which essentially combined the philosophy of the Enlightenment with social documentary practice, emerged a‑er the Second World War. Photographers such as Robert Doisneau, Willy Ronis and Brassaï were famous representatives. Whether reportage, illustrations, fashion, advertising, portraits of artists or personal works: Sabine Weiss saw all areas of photography as a challenge, as a pretext for encounters and travel, as a means of living and self-expression.

The exhibition Sabine Weiss. A Photographer's Life, which the author worked on until her death, tells of this lifelong passion and sheds light on the focal points of a body of work that develops around the human condition. Using original prints, archive documents and films, the exhibition paints a portrait of a photographer who was driven by an insatiable curiosity about other people, whether in France, where she settled in 1946, in the USA or on her countless travels throughout Europe. In 2016 and 2018, Sabine Weiss was honored with two exhibitions at the Jeu de Paume Château de Tours and the Musée National d'Art Moderne at the Centre Pompidou in Paris. She was the winner of the 2020 Women In Motion Award for photography, presented to her by Kering and the Rencontres d'Arles, which was followed by a highly acclaimed retrospective as part of the photography festival in Arles, in 2021. Due to the diverse and positive response, she agreed to open her personal archive and make her multi-layered work accessible to the public.

Sabine Weiss (née Weber) was born in Saint-Gingolph, Switzerland, in 1924. She completed an apprenticeship as a photographer in the studio of the renowned photographer Paul Boissonnas in Geneva and then settled in Paris, where she assisted the German fashion photographer Willy Maywald.

From 1949, she worked as a freelance photographer. Her photographs were published in Esquire, Vogue, Paris Match, Life and Time magazines, among others. In 1952 she joined the Rapho agency. Weiss realized over 170 solo exhibitions and was represented with her photographs in more than 80 group exhibitions, including Edward Steichen's famous exhibition ­e Family of Man at the Museum of Modern Art in New York. Her estate is managed by Photo Elysée in Lausanne and comprises around 160,000 negatives, 7,000 contact sheets, 8,000 prints, 46,000 slides and various documentary materials.

The exhibition is curated by photo historian Virginie Chardin, organized by f³ – freiraum für fotografie, produced by Sabine Weiss Studio and Photo Elysée, with the support of Jeu de Paume, Les Rencontres d'Arles and Women In Motion, a Kering program to shine a light on women in the arts and culture.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

Galerie 94 | Baden
29. August 2024

Einführung durch Vivienne Heinzelmann, Artist Managerin & Kunsthistorikerin

diffus
Sandro Livio Straube

Im Rahmen der Langzeitserie "Berge bleichen" präsentiert Sandro Livio Straube nun die Fortsetzung der Arbeit mit der neuen Serie "diffus". Diese Ausstellung lädt die Betrachter ein, in eine Welt einzutauchen, die von verschwommenen, vom Licht geprägten Bildern durchzogen ist - ephemere und vom Zufall geprägte Momente des Unkontrollierbaren.

"diffus" beschreibt das Verschwommene und Ungefähre, das von Licht und Schatten Geformte. Diese Bilder fangen Momente ein, die nicht durch ihre Klarheit bestechen, sondern durch ihre poetische Unbestimmtheit. Es geht nicht darum, neue Dinge zu fotografieren, sondern das Vertraute neu zu sehen.

In "diffus" hinterfragt Straube die Konkretheit von Dingen und Momenten, indem er die Unschärfe und das Ungewisse betont. Diese Serie ist gleichsam eine Einladung, bekannte Landschaften und Objekte in einem anderen Licht zu betrachten. Es ist eine poetische Suche nach dem Wesentlichen in der Unklarheit und nach der Schönheit in der Zwielichtigkeit.

Die Serie "diffus" ergänzt und erweitert die Themen von "Berge bleichen". Während "Berge bleichen" die rauen, bleichen Landschaften des Val Lumnezia einfängt, erkundet "diffus" die subtileren, flüchtigeren Aspekte dieser Umgebung. Es ist eine Meditation über das Licht und seine Fähigkeit, die Realität in etwas Flüchtiges und Geheimnisvolles zu verwandeln. Straube fordert uns auf, innezuhalten und die Schönheit in der Unklarheit und im Unvollständigen zu entdecken.

In dieser Ausstellung treffen frühere Bilder der Serie „Berge bleichen“ auf neue Werke aus „diffus“. Diese Gegenüberstellung ermöglicht es den Betrachtern, die Entwicklung und den erweiterten Blickwinkel des Künstlers zu erleben – von den Objekten und Strukturen der ersten Serie hin zu den weichen, atmosphärischen Kompositionen von „diffus“.

Dans le cadre de la série à long terme "Berge bleichen", Sandro Livio Straube présente à présent la suite de son travail avec la nouvelle série "diffus". Cette exposition invite les spectateurs à se plonger dans un monde traversé par des visuels flous, marqués par la lumière - des moments éphémères et aléatoires de l'incontrôlable.

"diffus" décrit ce qui est flou et approximatif, ce qui est façonné par la lumière et l'ombre. Ces visuels capturent des moments qui ne séduisent pas par leur clarté, mais par leur indétermination poétique. Il ne s'agit pas de photographier des choses nouvelles, mais de revoir ce qui nous est familier.

Dans "diffus", Straube remet en question le caractère concret des choses et des moments en mettant l'accent sur le flou et l'incertain. Cette série est en quelque sorte une invitation à regarder des paysages et des objets connus sous un autre jour. C'est une recherche poétique de l'essentiel dans le flou et de la beauté dans le crépuscule.

La série "diffus" complète et élargit les thèmes de "Berge blleichen". Alors que "Berge bleichen" capture les paysages rudes et pâles du Val Lumnezia, "diffus" explore les aspects plus subtils et fugaces de cet environnement. C'est une méditation sur la lumière et sa capacité à transformer la réalité en quelque chose d'éphémère et de mystérieux. Straube nous invite à nous arrêter et à découvrir la beauté dans le flou et l'inachevé.

Dans cette exposition, d'anciens visuels de la série "Berge bleichen" (les montagnes blanchissent) rencontrent de nouvelles œuvres de "diffus". Cette juxtaposition permet aux spectateurs de découvrir l'évolution et l'élargissement de la perspective de l'artiste - des objets et structures de la première série aux compositions douces et atmosphériques de "diffus".

Nell'ambito della serie a lungo termine "Berge bleichen", Sandro Livio Straube presenta ora la continuazione del lavoro con la nuova serie "diffus". Questa mostra invita gli spettatori a immergersi in un mondo di immagini sfocate caratterizzate dalla luce - momenti effimeri dell'incontrollabile che sono modellati dal caso.

"Diffuse" descrive l'indistinto e l'approssimativo, il plasmato dalla luce e dall'ombra. Queste immagini catturano momenti che non sono caratterizzati dalla loro chiarezza, ma dalla loro poetica indeterminatezza. L'obiettivo non è fotografare cose nuove, ma vedere il familiare in modo nuovo.

In "Diffus", Straube mette in discussione la concretezza delle cose e dei momenti enfatizzando la sfocatura e l'incertezza. Questa serie è, per così dire, un invito a guardare paesaggi e oggetti familiari sotto una luce diversa. È una ricerca poetica dell'essenziale nel non chiaro e della bellezza nel crepuscolo.

La serie "diffus" completa e amplia i temi di "Berge bleichen". Mentre "Berge bleichen" cattura i paesaggi aspri e pallidi della Val Lumnezia, "diffus" esplora gli aspetti più sottili e fugaci di questo ambiente. È una meditazione sulla luce e sulla sua capacità di trasformare la realtà in qualcosa di fugace e misterioso. Straube ci invita a fermarci e a scoprire la bellezza dell'ambiguità e dell'incompletezza.

In questa mostra, i dipinti precedenti della serie "Berge bleichen" incontrano le nuove opere di "diffus". Questa giustapposizione permette agli spettatori di sperimentare l'evoluzione e l'ampliamento della prospettiva dell'artista - dagli oggetti e dalle strutture della prima serie alle composizioni morbide e atmosferiche di "diffus".

As part of the long-term series "Berge bleichen", Sandro Livio Straube is now presenting the continuation of his work with the new series "diffus". This exhibition invites viewers to immerse themselves in a world of blurred images characterised by light - ephemeral moments of the uncontrollable that are shaped by chance.

"diffus" describes the blurred and approximate, the moulded by light and shadow. These pictures capture moments that are not characterised by their clarity, but by their poetic indeterminacy. The aim is not to photograph new things, but to see the familiar in a new light. In "diffus", Straube questions the concreteness of things and moments by emphasising blurriness and uncertainty. This series is, as it were, an invitation to look at familiar landscapes and objects in a different light. It is a poetic search for the essential in the unclear and for beauty in the twilight.

The "diffus" series complements and expands on the themes of "Berge bleichen". While "Berge bleichen" captures the harsh, pale landscapes of Val Lumnezia, "diffus" explores the more subtle, fleeting aspects of this environment. It is a meditation on light and its ability to transform reality into something fleeting and mysterious. Straube invites us to pause anddiscover the beauty in ambiguity and incompleteness.

In this exhibition, earlier paintings from the "Berge bleichen" series meet new works from "diffus". This juxtaposition allows viewers to experience the artist's development and expanded perspective - from the objects and structures of the first series to the soft, atmospheric compositions of "diffus".

(Text: Galerie 94, Baden)

Fotohof | Salzburg
8. August 2024

ANTI/KÖRPER
Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch, Sarah Tasha

Mit ANTI/KÖRPER führt der FOTOHOF sieben künstlerische Positionen zusammen, welche Körper als konkretes Werkzeug nutzen, um Erzählungen zu schaffen, die sich einer klaren Zuordnung in ein bestehendes, durch einen wie auch immer gearteten »Herrschaftsblick« etabliertes, System entziehen. Mit Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch und Sarah Tasha wurden zeitgenössische Künstler:innen eingeladen, die ihre jeweiligen künstlerischen Praxen als strategische Mittel zur symbolischen und expliziten Selbstbehauptung einsetzen und auf diese Weise der, aus der Aufklärung noch heute auf uns kommenden patriarchalen Vernunft, mit ihrer Leidensspur von Ausgegrenztem, Abgespaltenem, Marginalisiertem, Zerstörtem und Verdrängtem, dezidiert entgegenstehen.

Der titelgebende Begriff »Antikörper,« welcher sich üblicherweise auf, vom Immunsystem zur Bekämpfung von Krankheitserregern produzierte Proteine bezieht, symbolisiert in diesem Zusammenhang unter anderem die Idee des Widerstands und der Abwehr. Die ausgewählten Positionen diskutieren gesellschaftliche Normen, Zwänge und Stereotypen, erkunden individuelle wie kollektive Identitäten und blicken auf Formen der Unterdrückung. Sie schaffen alternative Perspektiven auf bestehende Wertesysteme, hinterfragen traditionelle Narrative und erfüllen so eine kulturelle Schutzfunktion, welche in jener organischer Antikörper ihre Entsprechung finden könnte.

Avec ANTI/KÖRPER, la FOTOHOF réunit sept positions artistiques qui utilisent le corps comme un outil concret pour créer des récits qui échappent à une classification claire dans un système existant, établi par un "regard de domination" quel qu'il soit. Avec Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch et Sarah Tasha, nous avons invité des artistes contemporains qui utilisent leurs pratiques artistiques respectives comme des moyens stratégiques pour s'affirmer symboliquement et explicitement, et qui s'opposent ainsi résolument à la raison patriarcale issue des Lumières, avec son cortège de souffrances liées à ce qui est exclu, séparé, marginalisé, détruit et refoulé.

Le terme "anticorps", qui donne son titre à l'ouvrage, se réfère généralement aux protéines produites par le système immunitaire pour lutter contre les agents pathogènes et symbolise, dans ce contexte, l'idée de résistance et de défense. Les positions sélectionnées discutent des normes sociales, des contraintes et des stéréotypes, explorent les identités individuelles et collectives et portent un regard sur les formes d'oppression. Elles créent des perspectives alternatives sur les systèmes de valeurs existants, remettent en question les récits traditionnels et remplissent ainsi une fonction de protection culturelle qui pourrait trouver son équivalent dans celle des anticorps organiques.

Con ANTI/KÖRPER, FOTOHOF riunisce sette posizioni artistiche che utilizzano il corpo come strumento concreto per creare narrazioni che sfidano una chiara categorizzazione in un sistema esistente stabilito da qualsiasi tipo di "visione dominante". Con Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch e Sarah Tasha, sono stati invitati artisti contemporanei che utilizzano le rispettive pratiche artistiche come mezzo strategico di autoaffermazione simbolica ed esplicita e che in questo modo si oppongono decisamente alla ragione patriarcale che ancora oggi ci arriva dall'Illuminismo, con la sua scia di sofferenza degli esclusi, degli scissi, degli emarginati, dei distrutti e dei repressi.

Il termine omonimo "anticorpo", che di solito si riferisce alle proteine prodotte dal sistema immunitario per combattere gli agenti patogeni, simboleggia in questo contesto l'idea di resistenza e difesa. Le posizioni selezionate discutono le norme sociali, le costrizioni e gli stereotipi, esplorano le identità individuali e collettive ed esaminano le forme di oppressione. Creano prospettive alternative sui sistemi di valori esistenti, mettono in discussione le narrazioni tradizionali e svolgono una funzione di protezione culturale che potrebbe trovare un equivalente in quella degli anticorpi organici.

With ANTI/BODY, FOTOHOF brings together artistic positions that use the body as a concrete tool to create narratives and images that defy clear categorization in an existing system established by a »dominant view« (of whatever kind). With Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch and Sarah Tasha, contemporary artists have been invited who use their respective artistic practices as a strategic means of symbolic and explicit self-assertion and in this way resolutely oppose the patriarchal reason that still comes to us today from the Enlightenment with its trail of suffering of the excluded, the split off, the marginalized, the destroyed and the repressed.

The eponymous term »antibody«, which usually refers to proteins produced by the immune system to combat pathogens, symbolizes the idea of resistance and defence in this context. The selected artistic positions discuss social norms, constraints and stereotypes, explore individual and collective identities and look at forms of oppression. They create alternative perspectives on existing value systems, question traditional narratives and thus fulfill a cultural protective function that could find its counterpart in the biological nature of antibodies.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
8. August 2024

Lillian Birnbaum und Heidi Harsieber: Serien aus den 1980er Jahren

Mit Fotoserien von Lillian Birnbaum und Heidi Harsieber präsentieren wir im FOTOHOF>STUDIO Kooperationen, die diese beiden Künstlerinnen in den 1980er Jahren mit Künstlerkollegen geschaffen haben, die sich im Umfeld des Aktionismus bewegten. Entsprechend der Konzeption des FOTOHOF>ARCHIV haben wir gemeinsam mit den beiden Fotografinnen frühe Projekte, die in der Zwischenzeit nur mehr schwer zugänglich sind, im Rahmen des Archivs neu herausgegeben und zum Teil neu ausgearbeitet, um sie wieder für den Kunstdiskurs zur Verfügung zu stellen.

Lillian Birnbaum dokumentiert in Zusammenarbeit mit Günter Brus in der Fotoserie »Der Selbstmensch« (1987) das Entstehen der gleichnamigen aktionistischen Arbeit. Heidi Harsieber zeigt Herman Nitsch bei einer »Probe zum 3-Tages Spiel in Prinzendorf« (1984) und von Heidi Harsieber stammt auch die dritte Fotoserie, »Franz Koglmann, Probe zu Tanzmusik für Paszstücke von Franz West (1983)«.

Lillian Birnbaum fotografierte die Serie »Der Selbstmensch« (ursprünglich verlegt von den Galerien Heike Curtze und Petra Seiser) im Atelier von Günter Brus. Er schreibt in einem Text aus dem Jahr 2015 zu ihrer Zusammenarbeit: »…) wir entwickelten die Idee, dass Lillian Birnbaum eine Fotoserie vom Entstehen einer lebensgroßen Zeichnung in meinem Atelier machen würde. (…) Damit stellte ich die Aktion, das Zeichnen und Schreiben gemeinsam zur Schau, was Lillian Birnbaum kongenial festhielt.«

Heidi Harsieber nutzte eine Probe, die Hermann Nitsch vor Beginn seines 3-Tage-Spiels 1984 in Prinzendorf im erdigen Keller seines Schlosses durchführte, bei der sie auch selbst ihre fotografischen Möglichkeiten ohne Kunstlicht oder andere Hilfsmittel mit analogem Film testete. So entstand eine einmalige Serie in einer lockeren Probensituation, die aber gleichzeitig eine besondere Authentizität besitzt, da sie ohne die spätere Inszenierung des großen Festes auskommt. Die dunkle Stimmung der Fotos und ihre fast malerische Körnigkeit sind diesen besonderen Entstehungsbedingungen geschuldet.

Mit der Fotoserie »Franz Koglmann, Probe zu Tanzmusik für Paszstücke von Franz West (1983)« arbeitete Heidi Harsieber mit zwei Künstlern zusammen: sie dokumentiert eine Probe für eine Komposition, die der österreichische Jazzmusiker Franz Koglmann mit und für die bildhauerischen Objekte von Franz West durchgeführt hat. Mit diesen »Paszstücken«, die sich menschlichen Körperformen anpassen oder sie erweitern (auch im übertragenen Sinn), versuchte Franz West seit Mitte der 1970er Jahre die Trennung von Kunst/Objekt und Betrachter/Nutzer aufzuheben, eine Zielsetzung, die ja auch dem Wiener Aktionismus eigen ist.

Avec les séries photographiques de Lillian Birnbaum et Heidi Harsieber, nous présentons au FOTOHOF>STUDIO des coopérations que ces deux artistes ont créées dans les années 1980 avec des collègues artistes qui évoluaient dans le milieu de l'actionnisme. Conformément à la conception du FOTOHOF>ARCHIV, nous avons, en collaboration avec les deux photographes, réédité dans le cadre des archives des projets précoces devenus entre-temps difficilement accessibles, et nous les avons en partie réélaborés afin de les transmettre à nouveau au discours artistique.

Lillian Birnbaum, en collaboration avec Günter Brus, documente dans la série de photos "Der Selbstmensch" (1987) la naissance du travail actionniste du même nom. Heidi Harsieber montre Herman Nitsch lors d'une "Répétition pour le jeu de 3 jours à Prinzendorf" (1984) et c'est également à Heidi Harsieber que l'on doit la troisième série de photos, "Franz Koglmann, Répétition sur musique de danse pour pastiches de Franz West (1983)".

Lillian Birnbaum a photographié la série "Der Selbstmensch" (initialement publiée par les galeries Heike Curtze et Petra Seiser) dans l'atelier de Günter Brus. Celui-ci écrit dans un texte de 2015 à propos de leur collaboration : "...) nous avons développé l'idée que Lillian Birnbaum réaliserait une série de photos de la naissance d'un dessin grandeur nature dans mon atelier. (...) Je transmettais ainsi l'action, le dessin et l'écriture ensemble, ce que Lillian Birnbaum immortalisait de manière congéniale".

Heidi Harsieber a profité d'une répétition organisée par Hermann Nitsch avant le début de son jeu de 3 jours en 1984 à Prinzendorf, dans la cave terreuse de son château, au cours de laquelle elle a également testé elle-même ses possibilités photographiques sans lumière artificielle ou autres moyens, avec un film analogique. C'est ainsi qu'est née une série unique dans une situation de répétition décontractée, mais qui possède en même temps une authenticité particulière, car elle se passe de la mise en scène ultérieure de la grande fête. L'ambiance sombre des photos et leur granularité presque picturale sont dues à ces conditions de réalisation particulières.

Avec la série de photos "Franz Koglmann, répétition de musique de danse pour Paszstücke de Franz West (1983)", Heidi Harsieber a collaboré avec deux artistes : elle documente une répétition pour une composition que le musicien de jazz autrichien Franz Koglmann a réalisée avec et pour les objets sculpturaux de Franz West. Avec ces "pièces de passeport" qui s'adaptent aux formes du corps humain ou les élargissent (également au sens figuré), Franz West a tenté, depuis le milieu des années 1970, d'abolir la séparation entre l'art/l'objet et le spectateur/l'utilisateur, un objectif qui est après tout également propre à l'actionnisme viennois.

Con le serie fotografiche di Lillian Birnbaum e Heidi Harsieber, il FOTOHOF>STUDIO presenta le collaborazioni che queste due artiste hanno creato negli anni Ottanta con altri artisti attivi nel campo dell'Azionismo. In linea con il concetto di FOTOHOF>ARCHIVE, abbiamo lavorato insieme ai due fotografi per ripubblicare i primi progetti, oggi difficilmente accessibili, come parte dell'archivio e, in alcuni casi, per rielaborarli al fine di renderli nuovamente disponibili per il discorso artistico.

In collaborazione con Günter Brus, Lillian Birnbaum documenta la creazione dell'omonima opera actionista nella serie fotografica "Der Selbstmensch" (1987). Heidi Harsieber mostra Herman Nitsch durante una "Prova per lo spettacolo di tre giorni a Prinzendorf" (1984) e la terza serie di foto, "Franz Koglmann, prove di musica per Paszstücke di Franz West (1983)", è anch'essa di Heidi Harsieber.

Lillian Birnbaum ha fotografato la serie "Der Selbstmensch" (originariamente pubblicata dalle gallerie Heike Curtze e Petra Seiser) nello studio di Günter Brus. In un testo del 2015, egli ha scritto a proposito della loro collaborazione: "...) abbiamo sviluppato l'idea che Lillian Birnbaum avrebbe scattato una serie di fotografie della creazione di un disegno a grandezza naturale nel mio studio. (...) L'ho usato per mostrare l'azione, il disegno e la scrittura insieme, che Lillian Birnbaum ha catturato in modo congeniale".

Heidi Harsieber ha approfittato di una prova che Hermann Nitsch ha effettuato nella cantina terrosa del suo castello a Prinzendorf prima dell'inizio del suo spettacolo di tre giorni nel 1984, durante il quale ha anche testato le proprie possibilità fotografiche senza luce artificiale o altri ausili utilizzando una pellicola analogica. Ne è nata una serie unica in una situazione di prova rilassata, che allo stesso tempo possiede una speciale autenticità, in quanto priva della successiva messa in scena della grande festa. L'atmosfera cupa delle foto e la loro granulosità quasi pittorica sono dovute alle condizioni speciali in cui sono state scattate.

Con la serie fotografica "Franz Koglmann, prove di musica da ballo per Paszstücke di Franz West (1983)", Heidi Harsieber ha lavorato insieme a due artisti: documenta le prove di una composizione che il musicista jazz austriaco Franz Koglmann ha eseguito con e per gli oggetti scultorei di Franz West. Con questi "Paszstücke", che si adattano alle forme del corpo umano o le estendono (anche in senso figurativo), Franz West ha cercato di eliminare la separazione tra arte/oggetto e spettatore/fruitore fin dalla metà degli anni Settanta, un obiettivo che è anche caratteristico dell'Azionismo viennese.

With photo series by Lillian Birnbaum and Heidi Harsieber, the FOTOHOF>STUDIO presents collaborations that these two artists created in the 1980s with fellow artists who were active in the field of Actionism. In line with the concept of the FOTOHOF>ARCHIVE, we have worked with the two photographers to republish early projects, which are now difficult to access, as part of the archive and in some cases reworked them in order to make them available again for the art discourse.

In collaboration with Günter Brus, Lillian Birnbaum documents the creation of the actionist work of the same name in the photo series »Der Selbstmensch« (1987). Heidi Harsieber shows Herman Nitsch at a »Rehearsal for the 3-day play in Prinzendorf« (1984) and the third photo series, »Franz Koglmann, rehearsals for dance music for Paszstücke by Franz West (1983)«, is also by Heidi Harsieber.

Lillian Birnbaum photographed the series »Der Selbstmensch« (originally published by the galleries Heike Curtze and Petra Seiser) in Günter Brus' studio. In a text from 2015, he wrote about their collaboration: »…) we developed the idea that Lillian Birnbaum would take a series of photographs of the creation of a life-size drawing in my studio. (...) I used it to showcase the action, drawing and writing together, which Lillian Birnbaum captured congenially.«

Heidi Harsieber took advantage of a rehearsal that Hermann Nitsch carried out in the earthy cellar of his castle in Prinzendorf before the start of his 3-Day-Play in 1984, during which she also tested her own photographic possibilities without artificial light or other aids using analog film. This resulted in a unique series in a relaxed rehearsal situation, which at the same time possesses a special authenticity, as it does without the later staging of the great festival. The dark mood of the photos and their almost painterly graininess are due to these special conditions under which they were taken.

With the photo series »Franz Koglmann, rehearsal for dance music for Paszstücke by Franz West (1983)«, Heidi Harsieber collaborated with two artists: she documents a rehearsal for a composition that the Austrian jazz musician Franz Koglmann performed with and for Franz West's sculptural objects. With these »Paszstücke«, which adapt to human body shapes or extend them (also in a figurative sense), Franz West has been attempting to eliminate the separation between art/object and viewer/user since the mid-1970s, an objective that is also characteristic of Viennese Actionism.

(Text: Kurt Kaindl)

Galerie Am Platz | Eglisau
14. Juli 2024

Einführung durch Helmut Scheben, Berggänger, Autor und langjähriger Tagesschau Journalist

Sehnsucht Alpen
Hans Peter Jost

Anlässlich des Erscheinens seines Buches "Alpen-Blicke.ch" im Verlag Scheidegger & Spiess wurde der Fotograf Hans Peter Jost im SAC Magazin nicht als typischer Alpenfotograf charakterisiert, vielmehr als Porträtist des Berggebiets mit einem Nebeneinander von Kraftort und Kraftwerk, das den Blick auf die Alpen von Bild zu Bild bricht.

Der Fotograf reagiert damit auf die Vielschichtigkeit des Alpenraums, denn der ursprüngliche Respekt oder gar die Angst vor den Bergen und deren Naturgewalt ist im Laufe der Zeiten einer romantischen Verklärung gewichen. Die Alpen sind zu einem Ort mutiert, wo sich subjektive Sehnsüchte verwirklichen lassen - nach Kontemplation, nach Höchstleistung, nach Profit.

Hans Peter Josts visuelle Auseinandersetzung mit dem Alpenraum ist konsequent, mit seiner aktuellen Arbeit bringt er polarisierende Themenfelder auch technisch auf einen neuen Höhepunkt: Einerseits mit der Camera obscura, deren Ergebnisse Zeitgrenzen zu verwischen scheinen mit vermeintlich unberührter Natur, menschenleeren Idyllen und ohne die typisch alpine Infrastruktur. Andererseits mit Bildern des Massentourismus inmitten komfortabel möblierter Hochgebirgslandschaften, gnadenlos digital, ironisch, liebevoll…

Mit der Ausstellung "Sehnsucht Alpen" nimmt der Fotograf Hans Peter Jost die Betrachtenden erneut mit auf seinen persönlichen Weg durch die Berge.

A l'occasion de la parution de son livre "Alpen-Blicke.ch" aux éditions Scheidegger & Spiess, le photographe Hans Peter Jost a été caractérisé dans le CAS Magazine non pas comme un photographe typique des Alpes, mais plutôt comme un portraitiste de la région de montagne, avec une juxtaposition de lieux de force et de centrales électriques, qui brise le regard sur les Alpes d'un visuel à l'autre.

Le photographe réagit ainsi à la complexité de l'espace alpin, car le respect originel, voire la peur des montagnes et de leur force naturelle, a fait place au fil du temps à une transfiguration romantique. Les Alpes sont devenues un lieu où l'on peut réaliser des désirs subjectifs - de contemplation, de performance maximale, de profit.

La confrontation visuelle de Hans Peter Jost avec l'espace alpin est conséquente. Avec son travail actuel, il porte des champs thématiques polarisants à un nouveau sommet, y compris sur le plan technique : d'une part avec la camera obscura, dont les résultats semblent effacer les limites temporelles avec une nature prétendument intacte, des idylles désertes et sans l'infrastructure typiquement alpine. D'autre part, avec des visuels du tourisme de masse au milieu de paysages de haute montagne confortablement meublés, impitoyablement numériques, ironiques, affectueux...

Avec l'exposition "Sehnsucht Alpen", le photographe Hans Peter Jost emmène à nouveau les spectateurs sur son chemin personnel à travers les montagnes.

In occasione della pubblicazione del suo libro "Alpen-Blicke.ch" da parte di Scheidegger & Spiess, il fotografo Hans Peter Jost non è stato caratterizzato dalla rivista SAC come un tipico fotografo alpino, ma piuttosto come un ritrattista della regione montana con una giustapposizione di luoghi e centrali elettriche che spezza la visione delle Alpi di immagine in immagine.

Il fotografo reagisce così alla complessità della regione alpina, perché l'originario rispetto o addirittura la paura delle montagne e della loro forza naturale hanno lasciato il posto a una romantica romantizzazione nel corso del tempo. Le Alpi si sono trasformate in un luogo in cui si possono realizzare desideri soggettivi - per la contemplazione, per le massime prestazioni, per il profitto.

L'esplorazione visiva della regione alpina da parte di Hans Peter Jost è coerente e con il suo lavoro attuale porta temi polarizzanti a un nuovo culmine tecnico: da un lato con la camera oscura, i cui risultati sembrano confondere i confini del tempo con una natura presumibilmente incontaminata, idilli deserti e senza le tipiche infrastrutture alpine. Dall'altro, con le immagini del turismo di massa in mezzo a paesaggi di alta montagna confortevolmente arredati, spietatamente digitali, ironiche, affettuose...

Con la mostra "Sehnsucht Alpen", il fotografo Hans Peter Jost accompagna ancora una volta gli spettatori nel suo personale viaggio tra le montagne.

On the occasion of the publication of his book "Alpen-Blicke.ch" by Scheidegger & Spiess, the photographer Hans Peter Jost was not characterized in the SAC Magazine as a typical Alpine photographer, but rather as a portraitist of the mountain region with a juxtaposition of power place and power plant that breaks the view of the Alps from picture to picture.

The photographer thus reacts to the complexity of the Alpine region, because the original respect or even fear of the mountains and their natural power has given way to a romantic transfiguration over the course of time. The Alps have mutated into a place where subjective longings can be realized - for contemplation, for peak performance, for profit.

Hans Peter Jost's visual exploration of the Alpine region is consistent, and with his current work he takes polarizing themes to a new technical climax: on the one hand with the camera obscura, the results of which seem to blur the boundaries of time with supposedly untouched nature, deserted idylls and without the typical Alpine infrastructure. On the other hand, with visuals of mass tourism in the midst of comfortably furnished high mountain landscapes, mercilessly digital, ironic, loving...

With the exhibition "Sehnsucht Alpen", photographer Hans Peter Jost once again takes viewers up on his personal journey through the mountains.

Café Arlecchino | Luzern
6. Juli 2024

Photographs of Great Musicians – My Personal Collection of Signed Copies
Suzie Maeder

Suzie Maeder, 1948 in Luzern geboren, zog nach ihrer Matura 1969 nach London, wo sie am Ealing Technical College Fotografie studierte und 1973 am Royal College of Art mit einem Master abschloss. 1982 erhielt sie den Anerkennungspreis der Stadt Luzern. Bis zu ihrer Rückkehr in die Schweiz 2020 fotografierte sie in London als freischaffende Künstlerin vor allem auf dem Gebiet der klassischen Musik. Sie arbeitete mit Orchestern, Dirigenten, Komponisten und Solisten. Ihre Arbeiten wurden weltweit publiziert und in zahlreichen Galerien ausgestellt. Bekannte Labels verwendeten viele ihrer Arbeiten auf LP und CD Covers.

Suzie Maeder, née à Lucerne en 1948, s'est installée à Londres après son baccalauréat en 1969, où elle a étudié la photographie au Ealing Technical College et obtenu un master au Royal College of Art en 1973. En 1982, elle a reçu le prix de reconnaissance de la ville de Lucerne. Jusqu'à son retour en Suisse en 2020, elle a photographié à Londres en tant qu'artiste indépendante, principalement dans le domaine de la musique classique. Elle a travaillé avec des orchestres, des chefs d'orchestre, des compositeurs et des solistes. Ses travaux ont été publiés dans le monde entier et exposés dans de nombreuses galeries. Des labels connus ont utilisé nombre de ses travaux sur des pochettes de LP et de CD.

Suzie Maeder, nata a Lucerna nel 1948, si è trasferita a Londra dopo il diploma di scuola superiore nel 1969, dove ha studiato fotografia all'Ealing Technical College e si è laureata al Royal College of Art con un master nel 1973. Nel 1982 le è stato conferito il Premio di riconoscimento della città di Lucerna. Fino al suo ritorno in Svizzera nel 2020, ha lavorato come fotografa freelance a Londra, principalmente nel campo della musica classica. Ha lavorato con orchestre, direttori d'orchestra, compositori e solisti. Il suo lavoro è stato pubblicato in tutto il mondo ed esposto in numerose gallerie. Etichette famose hanno utilizzato molti dei suoi lavori per le copertine di LP e CD.

Born in Lucerne in 1948, Suzie Maeder moved to London in 1969 to study photography and graduated in 1973 with a Master’s degree from the Royal College of Art. In 1982, she was awarded the Commendation Prize of the City of Lucerne. As a freelance photographer in London until her return to Switzerland in 2020, she was particularly drawn to the world of classical music, working for decades with orchestras, composers, conductors and soloists. Her work has been published worldwide and has featured in numerous exhibitions. Well known recording companies have frequently used her photographs on LP and CD covers.

(Text: Café Arlecchino, Luzern)

Stadtmuseum Schleswig
4. Juli 2024

Liebe zur Landschaft
Saskia Boelsums

Die Arbeiten der Niederländerin Saskia Boelsums überzeugen durch eine unverwechselbare Handschrift: überwältigend und malerisch, tiefgründig und mystisch. Sie zeigen die Schönheit der weiten niederländischen Landschaften, die blasse Reflexion des Mondlichts auf einem zugefrorenen See, das goldene Leuchten eines Getreidefeldes im Spätsommer, eine transparente, grüne Welle in grauer, stürmischer See. Die Arbeiten der Künstlerin erinnern an Künstler wie Meindert Hobbema, Jacob Van Ruisdael, Vincent Van Gogh oder Willem Maris. Der berühmte niederländische Himmel mit seinem flachen Horizont ist in der Kunst Boelsums genauso erlebbar wie in den Bildern der niederländischen und flämischen Malerei ab dem 17. Jahrhundert. Denn nicht dokumentarisches Arbeiten steht bei ihr im Vordergrund, sondern in erster Linie ihre persönliche Wahrnehmung und Interpretation einer Landschaft. Die Niederländerin geht deshalb in ihrer Kunst weit über die Bildvorstellung der klassischen Fotografie hinaus. Sie erschafft in ihren Werken vielmehr ihre eigenen Realitäten, indem sie ihre in der Natur aufgenommen Bilder im Studio künstlerisch nachbearbeitet: wochen-, manchmal monatelang. Pixel für Pixel. So verdichtet Saskia Boelsums in ihren poetischen Bildern die Essenz ihrer Erfahrungen und macht sie für den Betrachtenden (nach)erlebbar.

Saskia Boelsums wurde in Nieuwer-Amstel (Amstelveen) in den Niederlanden geboren. Aufgewachsen ist sie im Iran und in Curaçao. Sie studierte Grafik- und Raumdesign an der Akademie Minerva in Groningen und arbeitet seit 2013 als Landschaftsfotografin oder wie sie selbst sagt: als Künstlerin mit der Kamera. Ihre Arbeiten sind in zahlreichen Kunstsammlungen vertreten. 2020 wurde Saskia Boelsums in den Niederlanden als Künstlerin des Jahres ausgezeichnet.

Les travaux de la Néerlandaise Saskia Boelsums séduisent par leur écriture unique : époustouflants et picturaux, profonds et mystiques. Ils montrent la beauté des vastes paysages néerlandais, le pâle reflet du clair de lune sur un lac gelé, l'éclat doré d'un champ de céréales à la fin de l'été, une vague verte transparente dans une mer grise et agitée. Les œuvres de l'artiste rappellent des artistes tels que Meindert Hobbema, Jacob Van Ruisdael, Vincent Van Gogh ou Willem Maris. Le fameux ciel néerlandais avec son horizon plat est tout aussi perceptible dans l'art de Boelsum que dans les tableaux de la peinture néerlandaise et flamande à partir du 17e siècle. En effet, ce n'est pas le travail documentaire qui est au premier plan chez elle, mais en premier lieu sa perception et son interprétation personnelles d'un paysage. Dans son art, la Néerlandaise va donc bien au-delà de la conception de l'image de la photographie classique. Dans ses œuvres, elle crée plutôt ses propres réalités en retravaillant artistiquement en studio ses photos prises dans la nature : pendant des semaines, voire des mois. Pixel par pixel. Saskia Boelsums condense ainsi dans ses images poétiques l'essence de ses expériences et les rend (re)vivables pour le spectateur.

Saskia Boelsums est née à Nieuwer-Amstel (Amstelveen), aux Pays-Bas. Elle a grandi en Iran et à Curaçao. Elle a étudié le design graphique et spatial à l'Académie Minerva de Groningen et travaille depuis 2013 comme photographe de paysage ou, comme elle le dit elle-même, comme artiste avec son appareil photo. Ses travaux sont représentés dans de nombreuses collections d'art. En 2020, Saskia Boelsums a été élue artiste de l'année aux Pays-Bas.

Le opere dell'artista olandese Saskia Boelsums sono caratterizzate da uno stile inconfondibile: travolgente e pittoresco, profondo e mistico. Mostrano la bellezza dei vasti paesaggi olandesi, il pallido riflesso della luna su un lago ghiacciato, il bagliore dorato di un campo di grano alla fine dell'estate, un'onda verde e trasparente in un mare grigio e tempestoso. Le opere dell'artista ricordano artisti come Meindert Hobbema, Jacob Van Ruisdael, Vincent Van Gogh e Willem Maris. Il famoso cielo olandese con il suo orizzonte piatto può essere vissuto nell'arte di Boelsum allo stesso modo dei dipinti olandesi e fiamminghi dal XVII secolo in poi. La sua attenzione non si concentra sul lavoro documentario, ma innanzitutto sulla sua personale percezione e interpretazione di un paesaggio. Nella sua arte, l'artista olandese va quindi ben oltre il concetto di immagine della fotografia classica. Al contrario, crea le proprie realtà nelle sue opere rielaborando artisticamente in studio le immagini che scatta in natura: per settimane, a volte per mesi. Pixel per pixel. In questo modo, Saskia Boelsums condensa l'essenza delle sue esperienze nelle sue immagini poetiche e le rende tangibili per lo spettatore.

Saskia Boelsums è nata a Nieuwer-Amstel (Amstelveen), nei Paesi Bassi. È cresciuta in Iran e a Curaçao. Ha studiato design grafico e spaziale alla Minerva Academy di Groningen e dal 2013 lavora come fotografa di paesaggi o, come dice lei stessa, come artista con la macchina fotografica. Il suo lavoro è rappresentato in numerose collezioni d'arte. Nel 2020, Saskia Boelsums è stata premiata come artista dell'anno nei Paesi Bassi.

The works of Dutch artist Saskia Boelsums have an unmistakable style: overwhelming and painterly, profound and mystical. They show the beauty of the vast Dutch landscapes, the pale reflection of moonlight on a frozen lake, the golden glow of a cornfield in late summer, a transparent green wave in a gray, stormy sea. The artist's works are reminiscent of artists such as Meindert Hobbema, Jacob Van Ruisdael, Vincent Van Gogh and Willem Maris. The famous Dutch sky with its flat horizon can be experienced in Boelsum's art in the same way as in Dutch and Flemish paintings from the 17th century onwards. Her focus is not on documentary work, but first and foremost on her personal perception and interpretation of a landscape. In her art, the Dutch artist therefore goes far beyond the image concept of classical photography. Instead, she creates her own realities in her works by artistically reworking the pictures she takes in nature in the studio: for weeks, sometimes months. Pixel by pixel. In this way, Saskia Boelsums condenses the essence of her experiences in her poetic images and makes them tangible for the viewer.

Saskia Boelsums was born in Nieuwer-Amstel (Amstelveen) in the Netherlands. She grew up in Iran and Curaçao. She studied graphic and spatial design at the Minerva Academy in Groningen and has been working as a landscape photographer, or as she says herself: as an artist with a camera, since 2013. Her work is represented in numerous art collections. In 2020, Saskia Boelsums was named Artist of the Year in the Netherlands.

(Text: Stadtmuseum Schleswig)

Museum Thalwil
4. Juli 2024

Memories
Florian Bachmann, Serap Vitarelli, Susanne Scherer

Die Ausstellung «Memories» zeigt aktuelle fotografische Arbeiten. Unter dem Titel «Was bleibt» setzt sich die Künstlerin Serap Vitarelli mit der Vergänglichkeit auseinander. Florian Bachmann fotografiert in seiner Werkserie «Lieux de Mémoire» geschichtsträchtige Orte in der Schweiz. «Gestern-heute» von Susanne Scherer zeigt neue Ortsbilder, welchen Archivaufnahmen gegenüberstehen. «Memories» präsentiert eine facettenreiche Sammlung von Fotografien, die sich auf verschiedene Weisen mit der Erinnerungskultur auseinandersetzen. Die Bilder zeigen Orte von historischer Bedeutung, persönliche Rückzugsorte oder flüchtige Momente des Alltags. Sie offenbaren Spuren der Vergangenheit und die Schönheit der Vergänglichkeit, die oft im Verborgenen liegt.

L'exposition "Memories" présente des travaux photographiques récents. Sous le titre "Was bleibt", l'artiste Serap Vitarelli se penche sur le caractère éphémère. Dans sa série d'œuvres "Lieux de Mémoire", Florian Bachmann photographie des lieux chargés d'histoire en Suisse. "Hier-aujourd'hui" de Susanne Scherer montre de nouvelles images de lieux en face d'images d'archives. "Memories" présente une collection aux multiples facettes de photographies qui traitent de différentes manières de la culture du souvenir. Les visuels montrent des lieux d'importance historique, des retraites personnelles ou des moments fugaces de la vie quotidienne. Elles révèlent les traces du passé et la beauté de l'éphémère, souvent cachée.

La mostra "Memories" presenta opere fotografiche attuali. Con il titolo "What remains", l'artista Serap Vitarelli esplora il tema della transitorietà. Florian Bachmann fotografa luoghi ricchi di storia in Svizzera nella sua serie "Lieux de Mémoire". "Ieri-oggi" di Susanne Scherer mostra nuove immagini di luoghi accostate a fotografie d'archivio. "Memories" presenta una collezione sfaccettata di fotografie che affrontano in vario modo la cultura del ricordo. Le immagini mostrano luoghi di importanza storica, ritiri personali o momenti fugaci della vita quotidiana. Rivelano le tracce del passato e la bellezza della transitorietà che spesso si nasconde.

The exhibition "Memories" shows current photographic works. Under the title "What remains", the artist Serap Vitarelli deals with transience. Florian Bachmann photographs places steeped in history in Switzerland in his series "Lieux de Mémoire". "Yesterday-today" by Susanne Scherer shows new images of places juxtaposed with archive photographs. "Memories" presents a multifaceted collection of photographs that deal with the culture of remembrance in various ways. The visuals show places of historical significance, personal retreats or fleeting moments of everyday life. They reveal traces of the past and the beauty of transience that often lies hidden.

(Text: Museum Thalwil)

La Chambre | Strasbourg
28. Juni 2024

Oreille coupée
Julien Coquentin

Julien Coquentin mischt analoge und digitale Verfahren und widmet seine Fotografie Realisierungen, die zwischen Dokumentation und einer gewissen Form von Intimität angesiedelt sind. Die Arbeit mit Körnung, Hell und Dunkel verleiht seinen Bildern eine melancholische Poesie. Seine Inspirationen sind größtenteils mit Orten verbunden, die Recherchen, Erinnerungen und Fiktionen hervorrufen.

"Meine wichtigsten Serien wurden bei Éditions Lamaindonne veröffentlicht: die zweijährige Stadtwanderung durch die Straßen von Montreal, tôt un dimanche matin (2013), ein Projekt rund um die Erinnerung, Saisons noires (2016) und schließlich Tropiques (2020), eine Fiktion, die Fotografien und Kurzgeschichten in der Art eines Märchens miteinander verbindet. Seit 2020 arbeite ich an der Rückkehr des Wolfs in die Wälder und Bauernländereien des Zentralmassivs."

Mit diesem fotografischen Märchen führt Julien Coquentin eine Untersuchung über die Rückkehr des Wolfs in das Aveyron durch. Seit 2015 streifen wieder neue Individuen durch die Wälder und beleben schaurige Legenden und ökologische Kontroversen. Im Laufe der Bilder nimmt uns der Künstler mit auf eine Suche nicht nach dem Wolf, sondern nach dem Gefühl seiner Anwesenheit. Das "abgeschnittene Ohr" ist der Spitzname einer einsamen Wölfin, die man kaum zu Gesicht bekommt, die aber die Angst, das Geheimnis und die Faszination, die ihrer Spezies gewidmet sind, kristallisiert. Mal ausgerottet, mal verehrt, scheint sich der Wolf hier vor den Blicken zu verstecken, um im geschützteren Bereich der Fantasie zu bleiben. Diese findet ihre Parallele in den allgegenwärtigen tiefen Wäldern, die manchmal im Helldunkel den (subjektiven?) Blick auf ein von einem Ansitz aus beobachtetes Beutetier bieten.

Die Serie wechselt zwischen Landschaftsansichten, Porträts von Landwirten, verlassenen Häusern und Szenen im Unterholz und verläuft entlang der Grenze zwischen Zivilisation und Wildnis, die durch den Waldrand symbolisiert wird. Der Künstler kreuzt Archive, Zeugenaussagen, medizinische Berichte, topografische Beobachtungen... und sammelt so die Spuren des Wolfs in der kollektiven Kultur und im kollektiven Unterbewusstsein. Die Sichtweisen prallen aufeinander und werfen die Frage nach dem Zusammenleben der Arten auf. Die melancholische Poesie der Werke erinnert daran, dass die Natur im Laufe der Zeit allgegenwärtig ist, sowohl in uns als auch außerhalb von uns, und dass wir uns in Verbindung mit ihr konstruieren.

Mêlant les procédés argentiques et numériques, Julien Coquentin consacre sa photographie à des réalisations à mi-chemin entre le documentaire et une certaine forme d’intimité. Le travail du grain, du clair et de l’obscur confère une poésie mélancolique à ses images. Ses inspirations sont en grande partie liées à des lieux, qui suscitent des recherches, des souvenirs et des fictions.

« Mes principales séries ont été publiées aux Éditions Lamaindonne : l’errance urbaine de deux années dans les rues de Montréal, tôt un dimanche matin (2013), un projet autour de la mémoire, Saisons noires (2016) et enfin Tropiques (2020), une fiction associant photographies et nouvelles à la manière du conte. Depuis 2020, je travaille sur le retour du loup dans les forêts et terres paysannes du Massif central. »

Avec ce conte photographique, Julien Coquentin mène une enquête sur le retour du loup en Aveyron. Depuis 2015, de nouveaux individus rôdent à nouveau dans les forêts, ravivant des légendes effrayantes et des controverses écologiques. Au fil des images, l’artiste nous emmène dans une recherche non pas du loup, mais du sentiment de sa présence. « Oreille coupée » est le surnom donné à une louve solitaire que l’on entr’aperçoit à peine mais qui cristallise la peur, le mystère et la fascination dédiés à son espèce. Tantôt éradiqué, tantôt adulé, le loup semble ici se cacher des regards pour rester dans le domaine plus protégé du fantasme. Celui-ci trouve son parallèle dans les forêts profondes omniprésentes, qui offrent parfois en clair-obscur la vision (subjective ?) d’une proie observée depuis un affût.

Alternant les vues de paysages, les portraits d’agriculteurs, les maisons abandonnées et les scènes de sous-bois, la série parcourt la limite entre civilisation et monde sauvage symbolisée par l’orée du bois. L’artiste croise archives, témoignages, rapports médicaux, observations topographiques… et rassemble ainsi les traces du loup dans la culture et l’inconscient collectifs. Les points de vue se confrontent et posent la question de la cohabitation des espèces. La poésie mélancolique des œuvres rappelle que la nature est omniprésente dans le temps, à l’intérieur comme à l’extérieur de nous, et que nous nous construisons en lien avec elle.

Julien Coquentin utilizza una miscela di argento e processi digitali e la sua fotografia è a metà strada tra il documentario e un certo tipo di intimità. Il suo lavoro con la grana, la luce e l'oscurità conferisce una poesia malinconica alle sue immagini. Le sue ispirazioni sono in gran parte legate ai luoghi, che danno origine a ricerche, ricordi e finzioni.

"Le mie serie principali sono state pubblicate da Éditions Lamaindonne: le peregrinazioni urbane di due anni per le strade di Montréal, tôt un dimanche matin (2013), un progetto sulla memoria, Saisons noires (2016) e infine Tropiques (2020), una fiction che combina fotografie e brevi storie nello stile di un racconto. Dal 2020, sto lavorando al ritorno del lupo nelle foreste e nei terreni agricoli del Massiccio Centrale".

In questo racconto fotografico, Julien Coquentin indaga sul ritorno del lupo in Aveyron. Dal 2015, nuovi individui si aggirano per le foreste, riaccendendo leggende spaventose e controversie ecologiche. Nel corso delle immagini, l'artista ci porta alla ricerca non del lupo, ma della sensazione della sua presenza. "Orecchio mozzato" è il soprannome dato a una lupa solitaria che si intravede appena, ma che cristallizza la paura, il mistero e il fascino dedicati alla sua specie. Talvolta estirpata, talvolta adorata, la lupa sembra nascondersi per rimanere nel regno più protetto della fantasia. A ciò si aggiungono le onnipresenti foreste profonde, che a volte offrono una visione chiaroscurale (soggettiva?) della preda osservata da una vedetta.

Alternando scorci paesaggistici, ritratti di contadini, case abbandonate e scene di sottobosco, la serie esplora il confine tra civiltà e natura selvaggia, simboleggiato dal limite del bosco. L'artista combina archivi, testimonianze oculari, rapporti medici, osservazioni topografiche e così via, per riunire le tracce del lupo nella nostra cultura collettiva e nel nostro subconscio. I punti di vista si confrontano e sollevano la questione della convivenza tra le specie. La poesia malinconica delle opere ci ricorda che la natura è onnipresente nel tempo, sia dentro che fuori di noi, e che ci costruiamo in relazione ad essa.

Mixing silver and digital processes, Julien Coquentin's photography is halfway between documentary and a certain kind of intimacy. His work with grain, light and darkness lends a melancholy poetry to his images. Her inspirations are largely linked to places, which give rise to research, memories and fictions.

"My main series have been published by Éditions Lamaindonne: the urban wanderings of two years in the streets of Montreal, tôt un dimanche matin (2013), a project around memory, Saisons noires (2016) and finally Tropiques (2020), a fiction combining photographs and short stories in the style of storytelling. Since 2020, I've been working on the return of the wolf to the forests and farmlands of the Massif Central."

With this photographic tale, Julien Coquentin investigates the return of the wolf to Aveyron. Since 2015, new individuals have been prowling the forests once again, reviving frightening legends and ecological controversies. As the images unfold, the artist takes us on a search not for the wolf, but for the feeling of its presence. "Severed Ear" is the nickname given to a solitary she-wolf that is barely glimpsed, but which crystallizes the fear, mystery and fascination dedicated to its species. Sometimes eradicated, sometimes adored, the wolf here seems to hide from view, remaining in the more protected realm of fantasy. The latter finds its parallel in the omnipresent deep forests, which sometimes offer a chiaroscuro vision (subjective?) of prey observed from a lookout.

Alternating views of landscapes, portraits of farmers, abandoned houses and scenes of undergrowth, the series explores the boundary between civilization and the wild, symbolized by the edge of the forest. The artist combines archives, testimonies, medical reports, topographical observations... and thus gathers traces of the wolf in the collective culture and unconscious. Different points of view confront each other, raising the question of species cohabitation. The melancholy poetry of the works reminds us that nature is omnipresent throughout time, both inside and outside us, and that we build ourselves in relation to it.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

Pavillon Populaire | Montpellier
25. Juni 2024

Gabriele Münter, Eudora Welty. Au début, la photographie

Gabriele Münter und Eudora Welty. Am Anfang war die Fotografie Mit dieser neuen Ausstellung stellt der Pavillon Populaire zwei bedeutende Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts ins Rampenlicht, deren Besonderheit darin bestand, dass sie ihre künstlerische Praxis mit der Fotografie begannen, bevor sie ihre Karriere anderen Disziplinen widmeten: die eine der Literatur und die andere der Malerei.

Nachdem sie mit der Fotografie experimentiert hatte, wählte Eudora Welty das Schreiben als ihr bevorzugtes Terrain, um den Süden der Vereinigten Staaten zu beschreiben, und wurde zu einer angesehenen Kurzgeschichten- und Romanautorin (für ihren Roman Die Tochter des Optimisten erhielt sie 1973 den Pulitzer-Preis).

Gabriele Münter verkörperte als Mitglied der Kunstbewegung Der Blaue Reiter und als Lebensgefährtin von Wassily Kandinsky eine der Vertreterinnen der expressionistischen Avantgarde in München.

Es sind also zwei sich ergänzende Blickwinkel, die uns die Ausstellung anhand der Fotografien dieser Künstlerinnen vorstellt, die sie im Abstand von einigen Jahren in einem gemeinsamen geografischen Gebiet, dem Südosten der Vereinigten Staaten, aufgenommen haben.

Gabriele Münter erinnert sich an ihre Initiationsreise zu ihrer Familie, die 1846 in die USA ausgewandert war, und an ihre Entdeckung der weiten amerikanischen Landschaften, der Städte und ihrer technischen Fortschritte, der amerikanischen Lebensweise und der unterschiedlichen Rechte der weißen und schwarzen Bevölkerung. Eudora Welty berichtet deutlicher über ihre Heimatregion Mississippi, die von Armut und endemischem Rassismus geprägt ist, und richtet ihr Augenmerk auf Menschen am Rande der Gesellschaft oder auf die Lage schwarzer Frauen in den USA.

Unterschwellig zeichnen sich bei beiden die künstlerischen Verfahren ab, die sie in ihren weiteren Karrieren anwenden werden: Münters Vorliebe für die Bildkomposition und die Gruppenarchitektur, Weltys Sinn für menschliche Beziehungen und die Einbettung des Körpers in sein soziales Umfeld.

Die Ausstellung "Gabriele Münter, Eudora Welty. Am Anfang war die Fotografie" und ihre Kuratoren Isabelle Jansen und Gilles Mora laden uns ein, anhand dieser Frauenwege eine sensible und facettenreiche Lesart der Geschichte des Südens der Vereinigten Staaten im zwanzigsten Jahrhundert wiederzuentdecken.

Gabriele Münter, Eudora Welty. Au début, la photographie Avec cette nouvelle exposition, le Pavillon Populaire met sur le devant de la scène deux femmes artistes majeures du xxe siècle qui ont eu pour particularité de débuter leurs pratiques artistiques par la photographie avant de consacrer leurs carrières à d’autres champs disciplinaires : la littérature pour l’une et la peinture pour l’autre.

Après avoir expérimenté la photographie, Eudora Welty choisira l’écriture comme terrain de prédilection pour décrire le Sud des États-Unis et deviendra une nouvelliste et romancière de grande réputation (elle obtiendra le Prix Pulitzer en 1973 pour son roman La Fille de l’optimiste).

Gabriele Münter incarnera quant à elle l’une des représentantes de l’avant-garde expressionniste munichoise en tant que membre du mouvement artistique Der Blaue Reiter et compagne de Vassily Kandinsky.

Ce sont donc deux regards complémentaires que nous propose l’exposition au travers des photographies réalisées par ces femmes artistes, à quelques années de différence, sur un territoire géographique commun : le sud-est des États-Unis.

De son voyage initiatique auprès de sa famille émigrée aux États-Unis en 1846, Gabriele Münter retient sa découverte des vastes étendues américaines, des villes et de leurs progrès techniques, des modes de vie américains et des différences de droits entre les communautés blanches et noires. Eudora Welty apporte un témoignage plus tranché sur sa région natale du Mississippi acculée par la pauvreté et le racisme endémique qui la traverse, en fixant son objectif sur des personnes en marge de la société ou sur la condition des femmes noires aux États-Unis.

En filigrane se dessinent, pour l’une comme pour l’autre, les procédés artistiques qu’elles utiliseront dans la suite de leurs carrières : un goût pour la composition picturale et l’architecture de groupe chez Münter, un sens des relations humaines et l’inscription du corps dans son environnement social pour Welty.

L’exposition « Gabriele Münter, Eudora Welty. Au début, la photographie » et ses commissaires Isabelle Jansen et Gilles Mora nous invitent à redécouvrir au travers de ces parcours de femmes une lecture sensible et protéiforme de l’histoire du Sud des États-Unis au vingtième siècle.

Gabriele Münter, Eudora Welty. All'inizio la fotografia Con questa nuova mostra, il Pavillon Populaire porta alla ribalta due importanti artiste del XX secolo che hanno avuto la particolarità di iniziare la loro pratica artistica con la fotografia prima di dedicarsi ad altre discipline: la letteratura per una e la pittura per l'altra.

Dopo aver sperimentato la fotografia, Eudora Welty ha scelto la scrittura come mezzo privilegiato per descrivere il Sudamericano, diventando una scrittrice di racconti e romanzi di grande fama (ha vinto il Premio Pulitzer nel 1973 per il romanzo La figlia dell'ottimista).

Gabriele Münter è stato uno dei rappresentanti dell'avanguardia espressionista di Monaco, membro del movimento artistico Der Blaue Reiter e compagno di Vassily Kandinsky.

La mostra ci offre due prospettive complementari, attraverso le fotografie scattate da queste due artiste, a pochi anni di distanza l'una dall'altra, in un'area geografica comune: il sud-est degli Stati Uniti.

Gabriele Münter, emigrata negli Stati Uniti con la famiglia nel 1846, ricorda la sua scoperta delle vaste distese americane, delle città e del loro progresso tecnico, dell'American way of life e delle differenze di diritti tra la comunità bianca e quella nera. Eudora Welty offre una visione più nitida della sua terra natale, il Mississippi, afflitta dalla povertà e dal razzismo endemico, concentrandosi sulle persone ai margini della società e sulla condizione delle donne nere negli Stati Uniti.

In entrambi i casi, sono evidenti anche i processi artistici che avrebbero utilizzato nelle loro successive carriere: il gusto per la composizione pittorica e l'architettura di gruppo nel caso di Münter, e il senso delle relazioni umane e del corpo come parte del suo ambiente sociale nel caso di Welty.

La mostra "Gabriele Münter, Eudora Welty. In principio, la fotografia" e i suoi curatori Isabelle Jansen e Gilles Mora ci invitano a riscoprire, attraverso i viaggi di queste donne, una lettura sensibile e proteiforme della storia del Sudamericano nel XX secolo.

Gabriele Münter, Eudora Welty. In the beginning, photography with this new exhibition, the Pavillon Populaire brings to the fore two major women artists of the 20th century who had the distinction of beginning their artistic practices with photography before devoting their careers to other disciplinary fields: literature for one and painting for the other.

After experimenting with photography, Eudora Welty chose writing as her preferred medium for depicting the American South, becoming a short story writer and novelist of great repute (she won the Pulitzer Prize in 1973 for her novel The Optimist's Daughter).

Gabriele Münter, on the other hand, represented the Munich Expressionist avant-garde as a member of the Der Blaue Reiter art movement and companion of Vassily Kandinsky.

The exhibition offers two complementary perspectives, through photographs taken by these women artists, just a few years apart, on a common geographic territory: the southeastern United States.

Gabriele Münter's voyage of initiation with her family, who emigrated to the United States in 1846, led her to discover the vast expanses of America, the cities and their technical progress, American lifestyles and the differences in rights between the white and black communities. Eudora Welty provides a sharper view of her native Mississippi, which is plagued by poverty and endemic racism, focusing on people on the margins of society and on the condition of black women in the United States.

For both of them, the artistic processes they would use in their subsequent careers are implicit: for Münter, a taste for pictorial composition and group architecture; for Welty, a sense of human relationships and the body's place in its social environment.

The exhibition "Gabriele Münter, Eudora Welty. In the beginning, photography" and its curators Isabelle Jansen and Gilles Mora invite us to rediscover, through these women's journeys, a sensitive and protean reading of the history of the American South in the twentieth century.

(Text: Michaël Delafosse, Maire de Montpellier, Président de Montpellier Méditerranée Métropole)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
21. Juni 2024

Nightcall — The Frankfurt Edition
Satijn Panyigay

Nachdem Satijn Panyigay in der Vergangenheit vor allem leere Innenräume – Museen, Depots, neu errichtete Wohngebäude — fotografiert hat, richtet sie mit ihrer neuen Arbeit „Nightcall“ ihr Augenmerk auf städtische Außenbereiche. In ihrer Heimatstadt Utrecht sowie in Frankfurt am Main sucht sie auf einsamen nächtlichen Streifzügen nach unbeabsichtigten Kompositionen innerhalb der urbanen Strukturen.

Ihre analogen Fotografien nutzen das minimale Licht des Mondes und der Straßenlaternen, wobei der Unterschied kaum auszumachen ist. So entstehen in der düsteren, monotonen und funktionalen Industrielandschaft reizvolle Kontraste.

Dabei erzeugt die Abwesenheit von Menschen in Satijn Panyigays Fotografien paradoxerweise ein Gefühl von Präsenz. Die Künstlerin fühlt sich von der ätherischen Welt der Nacht und ihrer rätselhaften Atmosphäre angezogen. „Nightcall“ ermöglicht uns Begegnungen mit einer Gegenwelt, in der sich unsere eigene widerspiegelt, wenn auch mit einer unheimlichen Distanz.

Satijn Panyigay (geb. 1988 in Nijmegen, Niederlande) studierte Fotografie an der Kunsthochschule Utrecht, wo sie weiterhin lebt und arbeitet. Ihre Arbeiten waren in zahlreichen Ausstellungen zu sehen, so im Centre D’art Contemporain de Meymac, Frankreich sowie in den Niederlanden im Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam); Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover (Amsterdam); Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Ihre Arbeitem befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Museum Boijmans Van Beuningen, des Museum Tot Zover, des Museum Van Bommel Van Dam, des Museum W., der DZ Bank Kunststiftung, der KPMG sowie in zahlreichen Privatsammlungen. Ihr Buch VOID erschien 2023 bei Hartmann Books.

Après avoir surtout photographié des espaces intérieurs vides - musées, dépôts, immeubles d'habitation récemment construits -, Satijn Panyigay porte son attention sur les espaces extérieurs urbains avec son nouveau travail "Nightcall". Dans sa ville natale d'Utrecht ainsi qu'à Francfort-sur-le-Main, elle recherche des compositions involontaires au sein des structures urbaines lors d'errances nocturnes solitaires.

Ses photographies analogiques utilisent la lumière minimale de la lune et des lampadaires, la différence étant à peine perceptible. Ainsi, des contrastes charmants apparaissent dans le paysage industriel sombre, monotone et fonctionnel.

Ce faisant, l'absence de personnes dans les photographies de Satijn Panyigay crée paradoxalement un sentiment de présence. L'artiste est attirée par le monde éthéré de la nuit et son atmosphère énigmatique. "Nightcall" nous permet de faire des rencontres avec un contre-monde dans lequel le nôtre se reflète, même si c'est avec une distance inquiétante.

Satijn Panyigay (née en 1988 à Nijmegen, Pays-Bas) a étudié la photographie à l'école des beaux-arts d'Utrecht, où elle continue de vivre et de travailler. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions, notamment au Centre d'art contemporain de Meymac, en France, et aux Pays-Bas, au Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam) ; Fotomuseum Den Haag ; Museum Tot Zover (Amsterdam) ; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Son travail se trouve entre autres dans les collections du Museum Boijmans Van Beuningen, du Museum Tot Zover, du Museum Van Bommel Van Dam, du Museum W., de la DZ Bank Kunststiftung, de KPMG ainsi que dans de nombreuses collections privées. Son livre VOID est paru en 2023 chez Hartmann Books.

Dopo aver fotografato in passato soprattutto spazi interni vuoti - musei, depositi, edifici residenziali di nuova costruzione - il nuovo lavoro di Satijn Panyigay "Nightcall" si concentra sugli esterni urbani. Nella sua città natale, Utrecht, e a Francoforte sul Meno, l'artista cerca composizioni involontarie all'interno delle strutture urbane durante le sue incursioni notturne.

Le sue fotografie analogiche utilizzano la luce minima della luna e dei lampioni, dove la differenza è appena percettibile. Questo crea contrasti attraenti nel paesaggio industriale cupo, monotono e funzionale.

Paradossalmente, l'assenza di persone nelle fotografie di Satijn Panyigay crea un senso di presenza. L'artista si sente attratto dal mondo etereo della notte e dalla sua atmosfera enigmatica. "Nightcall" ci permette di incontrare un contro-mondo che rispecchia il nostro, anche se con una distanza inquietante.

Satijn Panyigay (nata nel 1988 a Nijmegen, Paesi Bassi) ha studiato fotografia all'Università delle Arti di Utrecht, dove continua a vivere e lavorare. Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre, tra cui al Centre D'art Contemporain de Meymac, in Francia, e nei Paesi Bassi presso il Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam), il Fotomuseum Den Haag, il Museum Tot Zover (Amsterdam), il Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Le sue opere si trovano nelle collezioni del Museum Boijmans Van Beuningen, del Museum Tot Zover, del Museum Van Bommel Van Dam, del Museum W., della DZ Bank Kunststiftung, della KPMG e di numerose collezioni private. Il suo libro VOID è stato pubblicato da Hartmann Books nel 2023.

Having primarily photographed vacant interior spaces—museums, depots, and newly constructed residential buildings—in the past, Satijn Panyigay now shifts her attention to urban exteriors with her new series “Nightcall“. Embarking on solitary nocturnal strolls through her hometown of Utrecht and Frankfurt am Main, she seeks unintentional compositions within urban structures.

Utilizing the minimal light of the moon and street lamps in her analogue photographs, Panyigay blurs the distinction between them. Thus, amidst the bleak, monotonous, and utilitarian industrial landscape, captivating contrasts emerge.

Paradoxically, the absence of people in Satijn Panyigay's photographs evokes a sense of presence. Drawn to the ethereal realm of the night and its enigmatic ambiance, the artist invites us into encounters with a parallel world, reflecting our own, albeit with an eerie distance.

Satijn Panyigay (b. 1988 in Nijmegen, Netherlands) studied photography at the Utrecht School of Art, where she continues to live and work. Her work has been featured in exhibitions at Centre D’art Contemporain de Meymac, France, and in the Netherlands at Museum Escher in the Palace; Depot Boijmans Van Beuningen; Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Her works are in the collections of Museum Boijmans Van Beuningen, Museum Tot Zover, Museum Van Bommel Van Dam, Museum W., DZ Bank, KPMG, among others, as well as in numerous private collections. Panyigay’s artist book VOID was published by Hartmann Books (Germany) in 2023.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
13. Juni 2024

Grußwort: Else Kveinen, Botschaft srätin, Kgl. Norwegische Botschaft , Berlin.
Es sprechen: Cecilie Øien, Direktorin Preus Museum und Kristin Aasbø, Leiterin Sammlung Fotografie Preus Museum.

LIKE A WHIRLWIND – Die Genderplays von Marie Høeg & Bolette Berg

Die Ausstellung LIKE A WHIRLWIND – Die Genderplays von Marie Høeg & Bolette Berg präsentiert einzigartige Crossdressing-Aufnahmen des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts.

Die Fotografinnen Bolette Berg und Marie Høeg gründeten 1894 das Fotostudio Berg & Høeg in der südnorwegischen Stadt Horten. Das Paar verbrachte sein gesamtes Erwachsenenleben damit, zusammen zu arbeiten und zu leben. Ihre recht konventionellen Portrait- und Landschaftsfotografien veröffentlichten sie als Postkarten. Zu internationalem Ruhm gelangten die Norwegerinnen posthum durch ihre frühen fotografischen Experimente mit Geschlechterrollen, die wohl zurecht als erste so komplexe fotografische Auseinandersetzung mit dem Thema Crossdressing gelten.

Bei der Versteigerung ihres Nachlasses in den 1970er Jahren erwarb der norwegische Sammler Leif Preus die Glasnegative der beiden Fotografinnen. Neben Aufnahmen von Landschaften und Reproduktionen von Kunstwerken befanden sich zwei Kisten, die mit dem Hinweis „privat“ versehen waren und Marie Høeg, Bolette Berg sowie ihre Geschwister und Freund*innen beim Posieren vor der Kamera zeigen. Mit traditioneller Portraitfotografie hatten diese Aufnahmen nichts gemein. Die spielerisch, humorvoll und voller Lebensfreude komponierten Fotografien stellen die Weiblichkeitsideale des 19. und frühen 20. Jahrhunderts sowie die Geschlechterrollen der damaligen Zeit radikal und frech in Frage. Erstaunlich ist die Aktualität der Bildsprache und die visuelle Auseinandersetzung mit dem Thema, die mit zeitgenössischer künstlerischer Praxis vergleichbar ist. Witzig und frisch nehmen die beiden Fotografinnen Stereotype auf und verwandeln sie mithilfe von Requisiten und Kostümen in frivole Fotografien.

Die moderne Herangehensweise der Fotograf*innen zeugt von Selbstbewusstsein, von einer spielerischen Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen Normen; gleichzeitig macht der Nachlass deutlich, dass die Aufnahmen zu ihren Lebzeiten nur für den Privatgebrauch, nicht für die Öffentlichkeit, bestimmt waren. Das fotografische Atelier war der Safe Space, der sichere Ort, an dem sich die Protagonist*innen der Bilder selbstbestimmt präsentieren konnten.

Das Preus Museum, das norwegische Nationalmuseum für Fotografie e, verwaltet den Nachlass von Marie Høeg und Bolette Berg und besitzt die Original-Glasnegative in seiner Sammlung. Die Ausstellung im f³ – freiraum für fotografie zeigt digitale Reproduktionen dieses einzigartigen Materials, das in Deutschland so erstmalig zu sehen sein wird.

L'exposition LIKE A WHIRLWIND - Les Genderplays de Marie Høeg & Bolette Berg présente des photos de travestissement uniques de la fin du 19e et du début du 20e siècle.

Les photographes Bolette Berg et Marie Høeg ont fondé en 1894 le studio photo Berg & Høeg dans la ville de Horten, au sud de la Norvège. Le couple a passé toute sa vie d'adulte à travailler et à vivre ensemble. Ils publièrent leurs photographies de portraits et de paysages assez conventionnelles sous forme de cartes postales. Les Norvégiennes ont acquis une renommée internationale à titre posthume grâce à leurs premières expériences photographiques sur les rôles de genre, considérées à juste titre comme la première approche photographique aussi complexe du thème du travestissement.

Lors de la vente aux enchères de leur héritage dans les années 1970, le collectionneur norvégien Leif Preus a acquis les négatifs sur verre des deux photographes. Outre des clichés de paysages et des reproductions d'œuvres d'art, il y avait deux boîtes portant la note "privé" et montrant Marie Høeg, Bolette Berg ainsi que leurs frères et sœurs et leurs amis* posant devant l'objectif. Ces photos n'avaient rien de commun avec la photographie de portrait traditionnelle. Composées de manière ludique, humoristique et pleine de joie de vivre, ces photographies transmettent une remise en question radicale et insolente des idéaux de féminité du 19e et du début du 20e siècle ainsi que des rôles sexuels de l'époque. Ce qui est étonnant, c'est l'actualité du langage visuel et la confrontation visuelle avec le thème, comparable à la pratique artistique contemporaine. Avec humour et fraîcheur, les deux photographes reprennent des stéréotypes et les transforment en photographies frivoles à l'aide d'accessoires et de costumes.

L'approche moderne des photographes* témoigne d'une confiance en soi, d'une confrontation ludique avec les normes sociales ; en même temps, l'héritage montre clairement que les prises de vue n'étaient destinées, de leur vivant, qu'à un usage privé et non public. L'atelier photographique était le safe space, le lieu sûr où les protagonistes* des visuels pouvaient se présenter de manière autodéterminée.

Le Preus Museum, le musée national norvégien de la photographie e, gère l'héritage de Marie Høeg et Bolette Berg et possède les négatifs sur verre originaux dans sa collection. L'exposition au f³ - freiraum für fotografie présente des reproductions numériques de ce matériel unique, qui sera ainsi exposé pour la première fois en Allemagne.

La mostra LIKE A WHIRLWIND - The Genderplays of Marie Høeg & Bolette Berg presenta fotografie uniche di travestiti della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo.

Le fotografe Bolette Berg e Marie Høeg fondarono lo studio fotografico Berg & Høeg nella città di Horten, nel sud della Norvegia, nel 1894. La coppia trascorse l'intera vita adulta lavorando e vivendo insieme. Pubblicarono le loro fotografie di ritratti e paesaggi piuttosto convenzionali come cartoline. I norvegesi raggiunsero fama internazionale postuma grazie ai loro primi esperimenti fotografici sui ruoli di genere, che sono probabilmente considerati a ragione come la prima esplorazione fotografica così complessa del tema del cross-dressing.

Quando il loro patrimonio fu messo all'asta negli anni Settanta, il collezionista norvegese Leif Preus acquistò i negativi su vetro dei due fotografi. Oltre a fotografie di paesaggi e riproduzioni di opere d'arte, c'erano due scatole etichettate come "private" che mostravano Marie Høeg, Bolette Berg e i loro fratelli e amici in posa davanti alla macchina fotografica. Questi scatti non hanno nulla in comune con la tradizionale fotografia di ritratto. Le fotografie, giocose, umoristiche e gioiosamente composte, mettono radicalmente e sfacciatamente in discussione gli ideali di femminilità del XIX e dell'inizio del XX secolo e i ruoli di genere dell'epoca. L'attualità delle immagini e l'esplorazione visiva del tema, paragonabile alla pratica artistica contemporanea, è sorprendente. I due fotografi riprendono gli stereotipi in modo spiritoso e fresco e li trasformano in fotografie frivole con l'aiuto di oggetti di scena e costumi.

L'approccio moderno dei fotografi testimonia la loro fiducia in se stessi e il confronto giocoso con le norme sociali; allo stesso tempo, la proprietà chiarisce che le fotografie erano destinate solo a un uso privato durante la loro vita, non al pubblico. Lo studio fotografico era lo spazio sicuro, il luogo sicuro in cui i protagonisti delle immagini potevano presentarsi in modo autodeterminato.

Il Preus Museum, il Museo Nazionale Norvegese della Fotografia, gestisce la proprietà di Marie Høeg e Bolette Berg e possiede i negativi originali in vetro della sua collezione. La mostra al f³ - freiraum für fotografie presenta riproduzioni digitali di questo materiale unico, che sarà esposto per la prima volta in Germania.

The exhibition LIKE A WHIRLWIND – The Gender Plays by Marie Høeg & Bolette Berg presents unique cross-dressing photographs from the late 19th and early 20th centuries.

The photographers Bolette Berg and Marie Høeg founded the Berg & Høeg photo studio in the southern Norwegian town of Horten in 1894. The couple spent their entire adult lives working and living together. They published their fairly conventional portrait and landscape photographs as postcards. The Norwegians achieved international fame posthumously through their early photographic experiments with gender roles, which are probably rightly regarded as the first such complex photographic examination of the subject of cross-dressing.

When their estate was auctioned off in the 1970s, the Norwegian collector Leif Preus acquired the glass negatives of the two photographers. In addition to photographs of landscapes and reproductions of artworks, there were two boxes labeled "private" showing Marie Høeg, Bolette Berg and their siblings and friends posing in front of the camera. These shots had nothing in common with traditional portrait photography. Playful, humorous and full of joie de vivre, the photographs radically and cheekily question the ideals of femininity of the 19th and early 20th centuries as well as the gender roles of the time. The topicality of the imagery and the visual exploration of the theme, which is comparable to contemporary artistic practice, is astonishing. The two photographers take up stereotypes in a witty and fresh way and transform them into frivolous photographs with the help of props and costumes.

The modern approach of the photographers testifies to their self-confidence and a playful examination of social norms; at the same time, the estate makes it clear that the photographs were only intended for private use during their lifetime, not for the public. The photographic studio was the safe space, where the protagonists of the pictures could present themselves in a self-determined manner.

Th e Preus Museum, the Norwegian National Museum of Photography, manages the estate of Marie Høeg and Bolette Berg and owns the original glass negatives in its collection. Th e exhibition at f³ – freiraum für fotografie shows digital reproductions of this unique material, which will be on display in Germany for the first time.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)