Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin
27. März 2025

Einführung durch Sonia Voss

Mineriada
Anton Roland Laub

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Mit seiner Ausstellung Mineriada begibt sich der Künstler Anton Roland Laub auf eine Reise in die Vergangenheit und taucht ein in das transgenerationale Traumata der rumänischen Gesellschaft nach dem Ende der Regierung Ceaușescu. Er thematisiert die gewaltsamen Unruhen von 1990, als tausende aufgehetzte regimetreue Bergarbeiter aus dem Jiu-Tal nach Bukarest gebracht wurden, um pro-europäische Proteste brutal niederzuschlagen.

Trotz eines Urteils des Europäischen Gerichtshofs für Menschenrechte von 2014 bleiben die tödlichen Übergriffe juristisch unaufgearbeitet – eine verdrängte Vergangenheit, der Laub in seinen Bildern nachspürt. In der rumänischen Presse wurde die Mineriade mit der Stürmung des Kapitols in den USA am 6. Januar 2021 verglichen. Mit seiner Arbeit sensibilisiert der Künstler für rekursive Konflikte in einer polarisierten Welt. Der Titel Mineriada ist ein sarkastisch verwendeter Begriff, der das rumänische Wort Bergarbeiter „Miner“ mit der Endung „-iada“ aus „Olimpiada“ kombiniert.

In einer Rückschau von Straßburg über Bukarest nach Petroșani untersucht Laub die Orte des damaligen Geschehens, das unausgesprochene Leid handgreiflicher Gewalt und dessen Spuren im kollektiven Gedächtnis. Ausgangspunkt sind Fotografien seines Vaters von Juni 1990, ergänzt durch eigene Recherchen, persönliche Erfahrungen und Erinnerungen. Primäres Ziel des Künstlers ist nicht die historische Aufarbeitung, sondern die Annäherung an die Thematik über die latente Präsenz des Geschehens im Unbewussten.

Eine der zentralen Arbeiten zeigt einen Blick nach vorne ins Dunkel. Zu sehen ist als einziges Element ein Spiegel, auf dessen Oberfläche Myriaden filigraner Wassertropfen schimmern, die das in ihm Abgebildete verzerren. Im Blick zurück, in der Spiegelung, ist ein Scheinwerfer zu erkennen, der sich von hinten zu nähern scheint. Ein kleines, viereckiges Element auf der Spiegelfläche bricht die rätselhafte Stimmung – als würde die Zeit zugleich vorwärts und rückwärts fließen. Was tritt aus dem Schatten der Nacht hervor?

Laub schafft Bilder von philosophischer Tiefe und poetischer Kraft. Seine Fotografien wirken durch ihre ästhetische Präzision und subtile Symbolik. Der Künstler öffnet Denkräume, ohne Antworten zu geben. Der Mythos von Saturn – dem Vater, der seine Kinder verschlingt, um nicht gestürzt zu werden – schwingt in seiner Auseinandersetzung mit. Eine weitere Fotografie zeigt eine verbogene Gitterstruktur, eine Metapher für Begrenzung und Durchlässigkeit zugleich. Dahinter fällt Licht durch ein engmaschiges, zusammengeflicktes dunkles Netz aus Kunststoff, eine Allegorie voller Ambivalenz.

Anton Roland Laub, in Bukarest geboren und aufgewachsen, lebt und arbeitet in Berlin. Er absolvierte ein Masterstudium an der Kunsthochschule Berlin Weißensee sowie zuvor ein Studium an der Neuen Schule für Fotografie in Berlin und ein Studium der Medienund Kommunikationswissenschaften an der Universität Bukarest. Nach Mobile Churches und Last Christmas (of Ceaușescu) legt Laub mit Mineriada den letzten Teil seiner Rumänien-Trilogie im Kehrer Verlag vor. Die Arbeit wurde durch das Recherchestipendium Bildende Kunst der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin sowie durch die Publikationsförderung der Stiftung Kulturwerk, Bonn unterstützt.

Avec son exposition Mineriada, l'artiste Anton Roland Laub entreprend un voyage dans le passé et se plonge dans le traumatisme transgénérationnel de la société roumaine après la fin du gouvernement Ceaușescu. Il aborde les violentes émeutes de 1990, lorsque des milliers de mineurs excités et fidèles au régime ont été amenés de la vallée de Jiu à Bucarest pour réprimer brutalement les protestations pro-européennes.

Malgré un arrêt de la Cour européenne des droits de l'homme de 2014, ces agressions mortelles restent juridiquement non traitées - un passé refoulé que Laub retrace dans ses visuels. Dans la presse roumaine, la Mineriade a été comparée à la prise du Capitole aux Etats-Unis le 6 janvier 2021. Avec son travail, l'artiste sensibilise aux conflits récurrents dans un monde polarisé. Le titre Mineriada est un terme utilisé de manière sarcastique qui combine le mot roumain mineur « Miner » avec la terminaison « -iada » de « Olimpiada ».

Dans une rétrospective de Strasbourg à Petroșani en passant par Bucarest, Laub examine les lieux des événements de l'époque, la souffrance inexprimée de la violence manuelle et ses traces dans la mémoire collective. Les photographies de son père datant de juin 1990 constituent le point de départ, complétées par ses propres recherches, expériences personnelles et souvenirs. L'objectif premier de l'artiste n'est pas le traitement historique, mais l'approche de la thématique par la présence latente de l'événement dans l'inconscient.

L'une des œuvres centrales montre un regard vers l'avant, dans l'obscurité. Le seul élément visible est un miroir sur la surface duquel scintillent des myriades de gouttes d'eau en filigrane, qui déforment ce qui y est représenté. En regardant en arrière, dans le reflet, on aperçoit un projecteur qui semble s'approcher par derrière. Un petit élément carré sur la surface du miroir rompt l'ambiance énigmatique - comme si le temps s'écoulait à la fois en avant et en arrière. Qu'est-ce qui émerge de l'ombre de la nuit ?

Laub crée des visuels d'une profondeur philosophique et d'une force poétique. Ses photographies agissent par leur précision esthétique et leur symbolisme subtil. L'artiste ouvre des espaces de réflexion sans donner de réponses. Le mythe de Saturne - le père qui dévore ses enfants pour ne pas être renversé - résonne dans sa confrontation. Une autre photographie montre une structure grillagée tordue, une métaphore à la fois de la limitation et de la perméabilité. Derrière elle, la lumière passe à travers un filet sombre en plastique aux mailles serrées et rapiécées, une allégorie pleine d'ambivalence.

Anton Roland Laub, né et élevé à Bucarest, vit et travaille à Berlin. Il a obtenu un master à la Kunsthochschule Berlin Weißensee et a étudié auparavant à la Neue Schule für Fotografie de Berlin et à l'université de Bucarest en sciences des médias et de la communication. Après Mobile Churches et Last Christmas (of Ceaușescu), Laub présente Mineriada, le dernier volet de sa trilogie sur la Roumanie aux éditions Kehrer. Ce travail a été soutenu par la bourse de recherche en arts visuels du Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin, ainsi que par le soutien à la publication de la fondation Kulturwerk, Bonn.

Con la mostra Mineriada, l'artista Anton Roland Laub intraprende un viaggio nel passato e scava nel trauma transgenerazionale della società rumena dopo la fine del governo di Ceaușescu. L'autore affronta i violenti disordini del 1990, quando migliaia di minatori fedeli al regime furono portati dalla valle del Jiu a Bucarest per reprimere brutalmente le proteste pro-europee.

Nonostante una sentenza della Corte europea dei diritti dell'uomo del 2014, gli attacchi mortali rimangono giuridicamente irrisolti - un passato represso che Laub ripercorre nelle sue immagini. Nella stampa rumena, la Mineriade è stata paragonata all'assalto al Campidoglio negli Stati Uniti del 6 gennaio 2021. Con le sue opere, l'artista sensibilizza sui conflitti ricorrenti in un mondo polarizzato. Il titolo Mineriada è un termine sarcastico che combina la parola rumena minatore con il suffisso “-iada” di “Olimpiada”.

In una retrospettiva da Strasburgo a Petroșani, passando per Bucarest, Laub esamina i luoghi in cui si sono svolti gli eventi, la sofferenza inespressa della violenza tangibile e le sue tracce nella memoria collettiva. Il punto di partenza sono le fotografie scattate dal padre nel giugno 1990, integrate da ricerche personali, esperienze e ricordi. L'obiettivo primario dell'artista non è quello di fare i conti con la storia, ma di avvicinarsi al tema attraverso la presenza latente dell'evento nell'inconscio.

Una delle opere centrali mostra una vista in avanti nell'oscurità. L'unico elemento visibile è uno specchio, sulla cui superficie brillano miriadi di gocce d'acqua in filigrana, distorcendo ciò che vi è raffigurato. Guardando indietro, nel riflesso, si riconosce un riflettore che sembra avvicinarsi da dietro. Un piccolo elemento quadrato sulla superficie dello specchio rompe l'atmosfera enigmatica, come se il tempo scorresse in avanti e indietro allo stesso tempo. Cosa emerge dalle ombre della notte?

Laub crea immagini di profondità filosofica e forza poetica. Le sue fotografie sono efficaci grazie alla loro precisione estetica e al sottile simbolismo. L'artista apre spazi di riflessione senza fornire risposte. Il mito di Saturno - il padre che divora i suoi figli per non essere rovesciato - risuona nel suo lavoro. Un'altra fotografia mostra una struttura a griglia piegata, metafora di limitazione e permeabilità allo stesso tempo. Dietro di essa, la luce cade attraverso una rete scura di plastica, fitta e rattoppata, un'allegoria piena di ambivalenza.

Anton Roland Laub, nato e cresciuto a Bucarest, vive e lavora a Berlino. Ha conseguito un master presso la Kunsthochschule Berlin Weißensee e in precedenza ha studiato presso la Neue Schule für Fotografie di Berlino e Media and Communication Studies all'Università di Bucarest. Dopo Mobile Churches e Last Christmas (di Ceaușescu), Mineriada di Laub è la parte finale della sua trilogia sulla Romania, pubblicata da Kehrer Verlag. L'opera è stata sostenuta dalla borsa di studio per la ricerca sulle arti visive del Dipartimento per la cultura e l'Europa del Senato, a Berlino, e da un finanziamento per la pubblicazione da parte della Stiftung Kulturwerk, a Bonn.

In his exhibition Mineriada, artist Anton Roland Laub takes a journey into the past and delves into the transgenerational trauma of Romanian society after the fall of the Ceaușescu government. He addresses the violent riots of 1990, when thousands of incited miners loyal to the regime were brought from the Jiu Valley to Bucharest to brutally crush pro-European protests.

Despite a 2014 ruling by the European Court of Human Rights, the fatal assaults have not been legally addressed – a repressed past that Laub traces in his visuals. In the Romanian press, the mineriad was compared to the storming of the Capitol in the United States on 6 January 2021. With his work, the artist raises awareness of recursive conflicts in a polarised world. The title Mineriada is a sarcastically used term that combines the Romanian word for miner, ‘Miner’, with the suffix ‘-iada’ from ‘Olimpiada’.

In a retrospective journey from Strasbourg via Bucharest to Petroșani, Laub examines the places where the events took place, the unspoken suffering of physical violence and its traces in the collective memory. The starting point is his father's photographs from June 1990, supplemented by his own research, personal experiences and memories. The artist's primary goal is not historical reappraisal, but rather an approach to the subject through the latent presence of the event in the unconscious.

One of the central works shows a view into the darkness. The only element visible is a mirror, on the surface of which myriad filigree water droplets shimmer, distorting what is reflected in it. Looking back, a spotlight can be seen in the reflection, seemingly approaching from behind. A small, square element on the mirror surface breaks the enigmatic mood – as if time were flowing both forward and backward at the same time. What emerges from the shadows of the night?

Laub creates visuals of philosophical depth and poetic power. His photographs are effective due to their aesthetic precision and subtle symbolism. The artist opens up spaces for thought without providing answers. The myth of Saturn – the father who devours his children to avoid being overthrown – resonates in his examination of the subject. Another photograph shows a warped lattice structure, a metaphor for both limitation and permeability. Behind it, light falls through a narrow-meshed, patched dark net of plastic, an allegory full of ambivalence.

Anton Roland Laub, born and raised in Bucharest, lives and works in Berlin. He completed a master's degree at the Berlin Weissensee School of Art, having previously studied at the Neue Schule für Fotografie in Berlin and media and communication studies at the University of Bucharest. After Mobile Churches and Last Christmas (of Ceaușescu), Laub presents Mineriada, the final part of his trilogy on Romania, published by Kehrer Verlag. The work was supported by the Visual Arts Research Grant of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, and the publication grant of the Kulturwerk Foundation, Bonn.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

Photo Elysée | Lausanne
27. März 2025

Le sport à l'épreuve – Collections du Musée Olympique et de Photo Elysée

Seit über einem Jahrhundert werden wichtige Sportveranstaltungen von Bildern begleitet. Mit dem Aufkommen der Amateurfotografie Ende des 19. Jahrhunderts, die mit den ersten modernen Olympischen Spielen 1896 zusammenfiel, haben sich Fotografie und Sport in vielerlei Hinsicht gemeinsam weiterentwickelt. Die Ausstellung Sport im Fokus enthüllt die umfangreichen fotografischen Sammlungen des Olympischen Museums und des Photo Elysée. Mit der Erkundung eines weitgehend unveröffentlichten fotografischen Erbes bietet die Ausstellung, die im Rahmen der Rencontres d’Arles zu den Olympischen Spielen 2024 in Paris eröffnet wurde, eine Perspektive, die neues Licht auf die Sportfotografie wirft.

Die Sichtbarkeit von Sportveranstaltungen wird zwangsläufig durch das fotografische Bild vermittelt. Der Sport ist ein Leistungssport, bei dem Anstrengung und Gestik miteinander verbunden sind. Die Ausübung des Sports unterliegt genauen Regeln und wird zur Schau gestellt, wenn sie im Hinblick auf einen Wettkampf erfolgt. Die Inszenierung des Sports wird von den Fotografen weitergegeben, die rund um das Stadion Platz nehmen.

Die Ausstellung zeigt die visuelle Grammatik der Sportfotografie anhand verschiedener Themen auf: die Medienpräsenz, die 1896 in Athen begann; die Technik, die versucht, Bewegung durch Standbilder einzufangen; die Komposition, die die visuelle Erzählung beeinflusst und die Feier des Sports aufbaut; die Figuren im Stadion, wo die Athleten einer emotionalen Menge gegenüberstehen; und die Fotografen, die die Sportfotografie als reine Dokumentation der Leistung und andere als künstlerisches Mittel einsetzen. Die zahlreichen Fokussierungen bieten uns eine Erzählung, die die Fotografie des Sports und der Olympischen Spiele im Besonderen beleuchtet.

Depuis plus d’un siècle, les grands événements sportifs sont accompagnés d’images. Avec l’essor de la photographie amateur à la fin du XIXe siècle, qui coïncide avec les premiers Jeux Olympiques modernes en 1896, la photographie et le sport ont, à bien des égards, évolué de concert. Cette exposition lève le voile sur les vastes collections photographiques du Musée Olympique et de Photo Elysée. En parcourant un patrimoine photographique largement inédit, l’exposition, dévoilée aux Rencontres d'Arles pour les Jeux de Paris 2024, nous offre un récit qui met en lumière la photographie du sport.

La visibilité donnée aux manifestations sportives passe nécessairement par l’image photographique. Recherche de la performance, alliant l’effort à la gestuelle, la pratique du sport répond à des règles précises et se donne en spectacle lorsqu’elle est réalisée en vue d’une compétition. La mise en scène du sport est relayée par les photographes qui prennent place autour du stade.

En parcourant un patrimoine photographique largement inédit, l’exposition dévoile la grammaire visuelle de la photographie de sport à travers plusieurs thèmes : la médiatisation qui débute à Athènes en 1896 ; la technique qui cherche à capturer le mouvement par des arrêts sur image ; la composition qui influence la narration visuelle et construit la célébration du sport ; les figures qui prennent place dans le stade où les athlètes font face à une foule emprise avec des émotions ; et les photographes qui utilisent la photographie de sport comme documentation pure de l’exploit et d’autres comme moyen artistique. Les nombreux focus nous offrent un récit qui met en lumière la photographie du sport et des Jeux Olympiques en particulier.

Da oltre un secolo, i grandi eventi sportivi sono corredati da immagini. Con lo sviluppo della fotografia amatoriale a fine Ottocento, che coincide con le prime Olimpiadi moderne nel  1896, la fotografia e lo sport sono, sotto vari aspetti, evoluti di pari passo. Questa mostra alza il velo sulle vaste collezioni fotografiche del Musée Olympique e di Photo Elysée. Nel percorrere un patrimonio fotografico ampiamente inedito, la mostra, presentata in anteprima alle Rencontres d'Arles per le Olimpiadi di Parigi 2024, ci offre un racconto che mette in luce la fotografia sportiva.

Per oltre un secolo, i principali eventi sportivi sono stati accompagnati da immagini. Con la nascita della fotografia amatoriale alla fine del XIX secolo, in concomitanza con i primi Giochi Olimpici moderni nel 1896, la fotografia e lo sport si sono evoluti per molti versi insieme. La visibilità data agli eventi sportivi coinvolge necessariamente l'immagine fotografica. Ricerca della prestazione, combinazione di sforzo e movimento, lo sport è regolato da regole precise e si trasforma in spettacolo quando viene praticato in vista di una competizione. La messa in scena dello sport è trasmessa dai fotografi che prendono posizione intorno allo stadio.

Esplorando un patrimonio fotografico in gran parte inedito, la mostra rivela la grammatica visiva della fotografia sportiva attraverso una serie di temi: la copertura mediatica iniziata ad Atene nel 1896; la tecnica che cerca di catturare il movimento attraverso il fermo immagine; la composizione che influenza la narrazione visiva e costruisce la celebrazione dello sport; le figure che si svolgono nello stadio, dove gli atleti si trovano di fronte a una folla emozionata; i fotografi che usano la fotografia sportiva come pura documentazione dell'impresa e altri come mezzo artistico. I numerosi focus forniscono una narrazione che fa luce sulla fotografia dello sport e dei Giochi Olimpici in particolare.

For over a century, major sporting events have been accompanied by images. With the boom in amateur photography in the late 19th century, coinciding with the first modern Olympic Games in 1896, photography and sport have, in many ways, evolved together. This exhibition reveals the vast photographic collections of the Olympic Museum and Photo Elysée. The exhibition, which was unveiled at the Rencontres d'Arles for the Paris 2024 Games, explores a largely untold photographic heritage, offering us a narrative that shines the spotlight on sports photography.

The visibility given to sports events necessarily involves photographic imagery. Pursuing performance, combining effort with gesture, the practice of sports follows precise rules and is showcased when performed for competition. The staging of sports is relayed by photographers who position themselves around the stadium.

By exploring a largely unpublished photographic heritage, the exhibition reveals the visual grammar of sports photography through several themes: the mediatization that began in Athens in 1896; the technique that seeks to capture movement through freeze frames; the composition that influences visual narration and constructs the celebration of sports; the figures that take place in the stadium where athletes face a crowd gripped with emotions; and the photographers who use sports photography as pure documentation of achievement and others as an artistic means. The numerous focuses offer us a narrative that highlights sports photography and the Olympic Games in particular.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Photo Elysée | Lausanne
27. März 2025

Wish this was real – Tyler Mitchell

Der amerikanische Fotograf Tyler Mitchell träumt von einem Paradies vor dem Hintergrund der Geschichte. Seit seinem Aufstieg in der Modewelt hat Mitchell eine visuelle Erzählung über Schönheit, Stil, Utopie und Landschaft entwickelt, die die Visionen des schwarzen Lebens erweitert. Photo Elysée präsentiert Mitchells erste Einzelausstellung in der Schweiz, die neue Perspektiven auf seine langjährigen Themen der Selbstbestimmung und der aussergewöhnlichen Aura des Alltäglichen eröffnet und zeigt, wie Fotografie in der Vergangenheit verwurzelt sein und gleichzeitig eine imaginäre Zukunft heraufbeschwören kann.

Wish This Was Real erkundet Mitchells Werk von seinen frühen Porträts und Videos, die Träume von Freizeit und Selbstdarstellung verfolgen, bis hin zu seinen aufwendigen Landschaftsaufnahmen, die in Visionen vom Paradies schwelgen und die von der Komplexität der Geschichte und der sozialen Identität der Vereinigten Staaten unterstrichen werden. Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen Fotografien und Mixed-Media-Skulpturen von Künstlern, deren Werk eng mit Mitchells kreativem Schaffen verbunden ist, darunter Rashid Johnson, Gordon Parks und Carrie Mae Weems - ein einzigartiger Dialog zwischen den Generationen, der Mitchells Fotografie in ein breites Spektrum visueller Experimente und intellektueller Hinterlassenschaften einbettet.

 Wish This Was Real wird von Brendan Embser und Sophia Greiff kuratiert und von der C/O Berlin Foundation produziert.

Le photographe américain Tyler Mitchell est animé par des rêves de paradis sur fond d'histoire. Depuis son ascension dans le monde de la mode, il a constitué un récit visuel de la beauté, du style, de l'utopie et du paysage qui élargit les visions de l'expérience noire. Photo Elysée présente sa première exposition personnelle en Suisse, offrant de nouvelles perspectives sur ses thèmes de prédilection, comme l’autodétermination et l'extraordinaire éclat du quotidien, et montrant comment la photographie peut être enracinée dans le passé tout en évoquant des futurs hypothétiques.

 Intitulée Wish This Was Real, l’exposition parcourt l’ensemble de l’œuvre de Mitchell, de ses premiers portraits et vidéos qui dépeignent des rêves de loisirs et d'expression personnelle, jusqu'à ses paysages minutieusement élaborés qui se délectent de visions paradisiaques contrastées par la complexité de l'histoire et de l'identité sociale américaine. S’y ajoute une présentation de photographies et de sculptures mixtes d'artistes dont le travail entre en résonance avec sa propre ligne créative, tels que Rashid Johnson, Gordon Parks et Carrie Mae Weems. Wish This Was Real devient alors le point de départ d’un dialogue intergénérationnel unique, plaçant la photographie de Mitchell au cœur d'un vaste spectre d'expérimentations visuelles et d'héritage intellectuel.

 Le commissariat de Wish This Was Real est assuré par Brendan Embser et Sophia Greiff et l’exposition produite par la C/O Berlin Foundation.

Il fotografo americano Tyler Mitchell è mosso da sogni di paradiso sullo sfondo della sua storia. Dalla sua ascesione nel mondo della moda, ha costruito una narrazione visiva di bellezza, stile, utopia e paesaggio che va oltre le tradizionali visioni della vita della communità nera. Photo Elysée presenta la sua prima mostra personale in Svizzera, offrendo nuove prospettive sui temi a lui più cari, come l'autodeterminazione e la straordinaria brillantezza del quotidiano, e mostrando come la fotografia possa essere radicata nel passato e, al contempo, evocare ipotetici futuri.

Intitolata Wish This Was Real, la mostra ripercorre l'intera opera di Mitchell, dai primi ritratti e video che ritraggono sogni di svago e di autoespressione, ai paesaggi meticolosamente realizzati che rivelano visioni paradisiache in contrasto con le complessità della storia e dell'identità sociale americana. A ciò si aggiunge una presentazione di fotografie e sculture a tecnica mista di artisti il cui lavoro risuona con la sua linea creativa, come Rashid Johnson, Gordon Parks e Carrie Mae Weems. Wish This Was Real diventa così il punto di partenza di un dialogo intergenerazionale senza precedenti, mettendo la fotografia di Mitchell al centro di un ampio spettro di sperimentazione visiva e di eredità intellettuale. 

Wish This Was Real è curata da Brendan Embser e Sophia Greiff e prodotta dalla Fondazione C/O Berlin.

American photographer Tyler Mitchell is driven by dreams of paradise against the backdrop of history. Since his rise to prominence in the world of fashion, Mitchell has propelled a visual narrative of beauty, style, utopia, and the landscape that expands visions of Black life. Photo Elysée presents Mitchell’s first solo exhibition in Switzerland, offering new perspectives on his longstanding themes of self-determination and the extraordinary radiance of the everyday, and showing how photography can be rooted in the past while evoking imagined futures.

Wish This Was Real explores Mitchell’s work, from his early portraits and videos that pursue dreams of leisure and self-expression to his elaborate landscapes that revel in visions of paradise underscored by the complexities of history and social identity in the United States. Central to the exhibition is a display featuring photography and mixed-media sculptures by artists whose work deeply resonates with Mitchell’s own creative lineage, such as Rashid Johnson, Gordon Parks, and Carrie Mae Weems, a unique intergenerational dialogue that sets Mitchell’s photography within a wide spectrum of visual experimentation and intellectual heritage.

Wish This Was Real is curated by Brendan Embser and Sophia Greiff and is produced by the C/O Berlin Foundation.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
22. März 2025

Black Cotton Candy
Anne Gabriel-Jürgens, Gabi Vogt

In «Black Cotton Candy» ergänzen die Fotografinnen Gabi Vogt und Anne Gabriel-Jürgens ihre Perspektiven zu einem kraftvollen Porträt des Erwachsenwerdens. Unabhängig voneinander sind sie in ihren Langzeit-Buchprojekten den Themen Coming of Age und Aufwachsen in der aktuellen Zeit nachgegangen. Erstmals präsentieren sie gemeinsam Fotografien aus ihren Büchern in einer Ausstellung.

Die Arbeit «Ich. Jetzt.» von Gabi Vogt gibt Einblick in die Gedankenwelt von Jugendlichen im Alter zwischen 13 und 20 Jahren. Welche Ziele, Wünsche, Träume haben sie? Wovor haben sie Angst oder Respekt? Wie fühlen sich junge Menschen hier und jetzt? Entstanden ist ein eindrückliches Zeitdokument in Bild und Text. Die Porträts, ungeschminkt und authentisch, zeigen die vielfältigen Emotionen und Gedanken der Jugendlichen und laden ein, in ihre Geschichten einzutauchen.

Parallel dazu beleuchtet Anne Gabriel-Jürgens ihre persönliche Beziehung zu ihrer Stieftochter Zoe. Seit 2009 dokumentiert sie Zoes Weg vom Kind zur jungen Erwachsenen. Die Fotografien, unter dem Titel «Viel Glück zum Muttertag», erzählen poetisch und märchenhaft von den Herausforderungen des Erwachsenwerdens in der Generation Z und von den emotionalen Kämpfen innerhalb einer modernen Familie. Anne Gabriel-Jürgens thematisiert die Suche nach Identität und Zugehörigkeit und stellt die Frage: Was ist eine Familie?

«Black Cotton Candy» – eine Anspielung auf gegensätzliche Gefühle beim Heranwachsen – zeigt berührende Momentaufnahmen des Jungseins. Die Gemeinschaftsausstellung erzählt von vielfachen Anliegen und Bedürfnissen und gibt Einblick in familiäre Bindungen.

Dans « Black Cotton Candy », les photographes Gabi Vogt et Anne Gabriel-Jürgens complètent leurs perspectives pour dresser un portrait puissant du passage à l'âge adulte. Indépendamment l'une de l'autre, elles se sont penchées sur les thèmes du coming of age et du grandir dans la période actuelle dans le cadre de leurs projets de livres à long terme. Pour la première fois, ils présentent ensemble des photographies tirées de leurs livres dans une exposition.

Le travail « Ich. Jetzt. » de Gabi Vogt donne un aperçu du monde des pensées des jeunes âgés de 13 à 20 ans. Quels sont leurs objectifs, leurs souhaits, leurs rêves ? Que craignent-ils ou respectent-ils ? Comment les jeunes se sentent-ils ici et maintenant ? Il en résulte un document d'époque impressionnant en images et en textes. Les portraits, sans fard et authentiques, montrent les multiples émotions et pensées des jeunes et invitent à se plonger dans leurs histoires.

Parallèlement, Anne Gabriel-Jürgens met en lumière sa relation personnelle avec sa belle-fille Zoé. Depuis 2009, elle documente le parcours de Zoé de l'enfant à la jeune adulte. Les photographies, sous le titre « Bonne chance pour la fête des mères », racontent de manière poétique et féerique les défis du passage à l'âge adulte dans la génération Z et les luttes émotionnelles au sein d'une famille moderne. Anne Gabriel-Jürgens thématise la recherche d'identité et d'appartenance et pose la question : qu'est-ce qu'une famille ?

« Black Cotton Candy » - une allusion aux sentiments contradictoires de l'adolescence - montre des instantanés touchants de la jeunesse. L'exposition collective parle de préoccupations et de besoins multiples et donne un aperçu des liens familiaux.

In “Black Cotton Candy”, le fotografe Gabi Vogt e Anne Gabriel-Jürgens uniscono le loro prospettive per creare un potente ritratto della crescita. Indipendentemente l'una dall'altra, hanno esplorato i temi della maturità e della crescita nel presente nei loro progetti di libri a lungo termine. Per la prima volta, presentano insieme le fotografie dei loro libri in una mostra.

L'opera “Me. Now.” di Gabi Vogt offre uno sguardo sui pensieri dei giovani tra i 13 e i 20 anni. Quali obiettivi, desideri e sogni hanno? Cosa temono o rispettano? Come si sentono i giovani qui e ora? Il risultato è un impressionante documento contemporaneo in immagini e testi. I ritratti, non crudi e autentici, mostrano le diverse emozioni e i pensieri dei giovani e invitano a immergersi nelle loro storie.

Allo stesso tempo, Anne Gabriel-Jürgens fa luce sul suo rapporto personale con la figliastra Zoe. Dal 2009 documenta il viaggio di Zoe da bambina a giovane adulta. Le fotografie, intitolate “Viel Glück zum Muttertag” (Buona fortuna per la festa della mamma), raccontano una storia poetica e fiabesca sulle sfide della crescita nella Generazione Z e sulle lotte emotive all'interno di una famiglia moderna. Anne Gabriel-Jürgens tematizza la ricerca di identità e di appartenenza e pone la domanda: che cos'è una famiglia?

“Black Cotton Candy” - un'allusione ai sentimenti contrastanti della crescita - mostra toccanti istantanee della giovinezza. La mostra congiunta racconta di molteplici preoccupazioni ed esigenze e fornisce una visione dei legami familiari.

In ‘Black Cotton Candy’, photographers Gabi Vogt and Anne Gabriel-Jürgens combine their perspectives to create a powerful portrait of growing up. Independently of each other, they have been exploring the themes of coming of age and growing up in the current era in their long-term book projects. For the first time, they are presenting photographs from their books together in an exhibition.

Gabi Vogt's work ‘Me. Now.’ provides insights into the minds of young people between the ages of 13 and 20. What are their goals, desires, dreams? What are they afraid of or respect? How do young people feel here and now? The result is an impressive contemporary document in image and text. The unvarnished and authentic portraits show the young people's wide range of emotions and thoughts and invite the reader to delve into their stories.

At the same time, Anne Gabriel-Jürgens sheds light on her personal relationship with her stepdaughter Zoe. Since 2009, she has been documenting Zoe's journey from child to young adult. The photographs, entitled ‘Happy Mother's Day’, tell a poetic and fairytale-like story of the challenges of growing up in Generation Z and the emotional struggles within a modern family. Anne Gabriel-Jürgens addresses the search for identity and belonging and asks the question: What is a family?

‘Black Cotton Candy’ – an allusion to the contrasting feelings of growing up – shows touching snapshots of being young. The group exhibition tells of multiple concerns and needs and provides insight into family ties.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

Haus am Kleistpark | Berlin
20. März 2025

Einführung durch Prof. Dr. Horst Bredekamp

Microverse
Kathrin Linkersdorff

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Nach zahlreichen Ausstellungserfolgen im In- und Ausland zeigt die Berliner Künstlerin Kathrin Linkersdorff im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie im Haus am Kleistpark einen Überblick ihres Schaffens, das im Spannungsfeld von Kunst und Wissenschaft angesiedelt ist. Zu sehen sind Arbeiten aus verschiedenen Werkgruppen der letzten Jahre wie „Wabi Sabi“ (2013-2017), „Floriszenzen“ (ab 2019) und „Fairies“ (ab 2020) sowie aus ihrem aktuellen Projekt „Microverse“ (seit 2023).

Im Zentrum der Ausstellung stehen die Werke der jüngsten Serien „Microverse I, II und III“, darunter eine noch nie zuvor gezeigte, wandfüllende 4-teilige Arbeit, deren Komposition an Aufnahmen von kosmischen Nebeln und Galaxien erinnert. Es handelt sich um Bilder, die im Rahmen ihrer Forschung als Artist in Residence am Excellence Cluster „Matters of Activity“ des Instituts für Biologie/Mikrobiologie der Humboldt-Universität zu Berlin entstanden sind, wo es Linkersdorff möglich ist, das Verhalten von einfachen Bodenbakterien in biochemischen Verfallsprozessen zu beobachten und damit Kreislaufprozesse der Natur in ihren Werken zu dokumentieren.

Inspiriert von der japanischen Philosophie des „Wabi Sabi“, die mit der Akzeptanz und Kontemplation von Vergänglichkeit aller Dinge einhergeht, erforschte Kathrin Linkersdorff bereits in früheren Experimenten das komplexe Zusammenspiel von Werden und Vergehen an welkenden Blüten. Ihr Fotoatelier ist zugleich ein Labor, in dem sie Pflanzen nicht nur trocknet, sondern ihnen mittels chemischer Prozesse auch die Pigmente entzieht, um ihre Strukturen sichtbar zu machen. In all ihren Arbeiten werden organische Prozesse erfahrbar, die gleichzeitig als poetische, visuelle Metaphern für Vergänglichkeit als integralem Bestandteil des Lebens gelesen werden können.

Après de nombreux succès d'exposition en Allemagne et à l'étranger, l'artiste berlinoise Kathrin Linkersdorff présente, dans le cadre du Mois européen de la photographie à la Haus am Kleistpark, un aperçu de son œuvre, qui se situe à la croisée de l'art et de la science. On peut y voir des travaux issus de différents groupes d'œuvres de ces dernières années comme « Wabi Sabi » (2013-2017), « Floriszenzen » (à partir de 2019) et « Fairies » (à partir de 2020) ainsi que de son projet actuel « Microverse » (depuis 2023).

L'exposition est centrée sur les œuvres des séries les plus récentes « Microverse I, II et III », dont une œuvre inédite en quatre parties couvrant tout un mur, dont la composition rappelle les prises de vue de nébuleuses cosmiques et de galaxies. Il s'agit de visuels réalisés dans le cadre de ses recherches en tant qu'artiste en résidence au sein du cluster d'excellence « Matters of Activity » de l'Institut de biologie/microbiologie de l'Université Humboldt de Berlin, où il est possible pour Linkersdorff d'observer le comportement de simples bactéries du sol dans les processus biochimiques de décomposition et de documenter ainsi les processus de circulation de la nature dans ses œuvres.

Inspirée par la philosophie japonaise du « wabi sabi », qui va de pair avec l'acceptation et la contemplation du caractère éphémère de toute chose, Kathrin Linkersdorff avait déjà exploré, lors d'expériences antérieures, l'interaction complexe du devenir et de la disparition de fleurs en train de faner. Son atelier photographique est également un laboratoire dans lequel elle ne se contente pas de faire sécher les plantes, mais où elle leur retire également leurs pigments au moyen de processus chimiques afin de rendre leurs structures visibles. Dans tous ses travaux, des processus organiques deviennent perceptibles, qui peuvent en même temps être lus comme des métaphores poétiques et visuelles de l'éphémère comme partie intégrante de la vie.

Dopo numerose mostre di successo in Germania e all'estero, l'artista berlinese Kathrin Linkersdorff presenta una panoramica del suo lavoro, che si colloca all'intersezione tra arte e scienza, nell'ambito del Mese europeo della fotografia alla Haus am Kleistpark. Sono esposte opere di diversi gruppi di lavori degli ultimi anni, come “Wabi Sabi” (2013-2017), “Floriszenzen” (dal 2019) e “Fairies” (dal 2020), nonché del suo attuale progetto “Microverse” (dal 2023).

Al centro della mostra ci sono le opere della serie più recente “Microverse I, II e III”, tra cui un'opera inedita a parete in quattro parti la cui composizione ricorda immagini di nebulose e galassie cosmiche. Si tratta di immagini create nell'ambito della sua ricerca come Artista in Residenza presso il Cluster di Eccellenza “Matters of Activity” dell'Istituto di Biologia/Microbiologia dell'Università Humboldt di Berlino, dove Linkersdorff è in grado di osservare il comportamento di semplici batteri del suolo nei processi di decadimento biochimico e di documentare così i processi del ciclo della natura nelle sue opere.

Ispirata dalla filosofia giapponese del “Wabi Sabi”, che va di pari passo con l'accettazione e la contemplazione della transitorietà di tutte le cose, Kathrin Linkersdorff ha già esplorato la complessa interazione tra crescita e decadenza nei fiori appassiti in precedenti esperimenti. Il suo studio fotografico è anche un laboratorio in cui non solo essicca le piante, ma utilizza anche processi chimici per estrarre i loro pigmenti al fine di visualizzarne le strutture. I processi organici possono essere percepiti in tutte le sue opere, che possono anche essere lette come metafore poetiche e visive della transitorietà come parte integrante della vita.

After numerous exhibition successes at home and abroad, the Berlin-based artist Kathrin Linkersdorff is showing an overview of her work, which is situated in the field of tension between art and science, as part of the European Month of Photography at the Haus am Kleistpark. On display are works from various series from recent years, such as ‘Wabi Sabi’ (2013-2017), ‘Floriszenzen’ (from 2019) and ‘Fairies’ (from 2020), as well as from her current project ‘Microverse’ (since 2023).

The exhibition focuses on the works from the most recent series, ‘Microverse I, II and III,’ including a wall-sized, four-part work that has never been shown before, whose composition is reminiscent of images of cosmic nebulae and galaxies. These visuals were created as part of her research as an artist in residence at the Excellence Cluster ‘Matters of Activity’ at the Institute of Biology/Microbiology at Humboldt University in Berlin, where Linkersdorff is able to observe the behaviour of simple soil bacteria in biochemical decay processes and thus document natural cycles in her works.

Inspired by the Japanese philosophy of ‘Wabi Sabi,’ which is associated with the acceptance and contemplation of the transience of all things, Kathrin Linkersdorff had already explored the complex interplay of becoming and decaying in wilting flowers in earlier experiments. Her photographic studio is also a laboratory in which she not only dries plants, but also uses chemical processes to extract the pigments from them in order to make their structures visible. In all of her works, organic processes can be experienced, which can also be read as poetic, visual metaphors for transience as an integral part of life.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

Palazzo Reali | Lugano
15. März 2025

Eugenio Schmidhauser. Über das Malcantone hinaus

Als erste museale Institution präsentiert das MASI Lugano eine Ausstellung mit Werken des Tessiner Fotografen Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astrano, 1952). Das in Zusammenarbeit mit dem Staatsarchiv des Kantons Tessin realisierte Ausstellungsprojekt ist eine gute Gelegenheit, um die Arbeiten dieses Fotografen wieder zu entdecken, der das Image des Tessin Anfang des 19. Jahrhundert gepägt und dazu beitagen hat, den Tourismus in der Region auf eine innovative Art und Weise zu fördern.

Kuratiert von Gianmarco Talamona und Ludovica Introini

Le MASI présente la première exposition consacrée par une institution muséale au photographe tessinois Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astano, 1952). Le projet d'exposition, réalisé en collaboration avec les Archives d'État du Canton du Tessin, est l'occasion de redécouvrir l'œuvre d'un photographe qui a façonné l'imagerie du Tessin au début du XXe siècle, en contribuant à promouvoir le tourisme dans la région de manière innovante.

Sous la direction de Gianmarco Talamona et Ludovica Introini

Il MASI presenta la prima mostra dedicata da un'istituzione museale al fotografo ticinese Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astano, 1952). Il progetto espositivo, realizzato in collaborazione con l’Archivio di Stato del Canton Ticino, è un’occasione per riscoprire il lavoro di un fotografo che ha modellato l’immaginario del Ticino di inizio secolo, contribuendo a promuovere il turismo della regione con modalità innovative.

A cura di Gianmarco Talamona e Ludovica Introini

MASI Lugano presents the first museum exhibition devoted to the Ticino photographer Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astano, 1952). The exhibition, in collaboration with the State Archive of the Canton of Ticino, is an opportunity to rediscover the work of a photographer who shaped the image of Ticino at the turn of the century, helping in innovative ways to promote tourism to the region.

Curated by Gianmarco Talamona and Ludovica Introini

(Text: MASI Lugano)

Galerie Bene Taschen | Köln
15. März 2025

Larry Fink – Feeling the Experience

Der im Dezember 2023 verstorbene Larry Fink arbeitete über 65 Jahre als Fotograf. Seine Arbeiten waren in Einzelausstellungen u.a. im Museum of Modern Art und Whitney Museum in New York zu sehen. Die Galerie Bene Taschen freut sich, eine Auswahl aus seinen Werkgruppen Social Graces, Somewhere There‘s Music, The Vanities und Boxing unter dem Titel Larry Fink – Feeling the Experience zu präsentieren.

Larry Fink sammelte erste fotografischen Erfahrungen in New York und zog später von Brooklyn nach Pennsylvania. Er besuchte die New Yorker New School for Social Research, die sein Interesse an soziologischen Sichtweisen weckte. Auch seine Bezüge zur Jazz-Musik haben einen frühen Ursprung; Jazz begleitete ihn seit seiner Kindheit. Er selbst spielte Piano und Harmonika. Die Bilder aus der Reihe Somewhere there’s Music zeugen von den Begegnungen zwischen dem Fotografen und den Musikerinnen und Musikern. Vor seiner Kamera standen Jazz-Legenden wie John Coltrane oder Finks großes Idol Jimmy Rushing, welchen er bereits 1957 getroffen hatte.

Ab Ende der 1980s setzte Fink die transatlantische Boxindustrie in Szene und begleitete u.a. Mike Tyson und Jimmy Jacobs. Seine Serie Boxing zeigt viele ikonische Momente aus legendären Boxkämpfen.

Seit jeher hat sich Fink mit sozialpsychologischen und politischen Themen auseinandergesetzt und die Verhältnisse, Friktionen und Entwicklungen zwischen der Arbeiterklasse und der Oberschicht eingefangen. Als geladener Gast oder offizieller Fotograf dokumentierte er in The Vanities soziale Eliten auf Partys und Galas und positionierte sich selbst dabei stets als stiller Beobachter, außerhalb des Geschehens. In teils intimen Momenten fing er die Interaktionen der Gäste – mal einen Blick über die Schulter, mal ein Lächeln oder eine ungestellte Geste - ein.

In Social Graces stehen diese Werke den Fotografien von der Familie Sabatine aus Pennsylvania gegenüber. Während eines Besuchs im kleinstädtischen Martins Creek dokumentiert er die familiären Treffen zu verschiedenen Anlässen, wie zum Beispiel einem achten Geburtstag. Seine fotografische Arbeit umfasst somit ein breites und kontrastreiches Spektrum, das von alltäglichen Familienszenen bis hin zu elitären Veranstaltungen reicht. Fink formt somit ein Gesellschaftsbild, das unvoreingenommen unterschiedliche soziale Gruppen verbindet. Sein Lebenswerk ist gleichzeitig der Spiegel seines Gesellschaftsbildes. Für ihn stand der Mensch stets im Mittelpunkt.

Larry Fink, décédé en décembre 2023, a travaillé comme photographe pendant plus de 65 ans. Ses travaux ont fait l'objet d'expositions individuelles, notamment au Museum of Modern Art et au Whitney Museum de New York. La galerie Bene Taschen est heureuse de présenter une sélection de ses groupes d'œuvres Social Graces, Somewhere There's Music, The Vanities et Boxing sous le titre Larry Fink - Feeling the Experience.

Larry Fink a fait ses premières expériences photographiques à New York et a ensuite quitté Brooklyn pour la Pennsylvanie. Il a fréquenté la New School for Social Research de New York, qui a éveillé son intérêt pour les points de vue sociologiques. Ses références à la musique de jazz ont également une origine précoce ; le jazz l'accompagnait depuis son enfance. Il jouait lui-même du piano et de l'harmonica. Les visuels de la série Somewhere there's Music témoignent des rencontres entre le photographe et les musiciens. Des légendes du jazz comme John Coltrane ou la grande idole de Fink, Jimmy Rushing, qu'il avait déjà rencontré en 1957, ont posé devant son objectif.

A partir de la fin des années 1980, Fink a mis en scène l'industrie de la boxe transatlantique et a accompagné entre autres Mike Tyson et Jimmy Jacobs. Sa série Boxing montre de nombreux moments iconiques de combats de boxe légendaires.

Depuis toujours, Fink s'est penché sur des thèmes socio-psychologiques et politiques et a capturé les rapports, les frictions et les évolutions entre la classe ouvrière et la classe supérieure. En tant qu'invité ou photographe officiel, il a documenté dans The Vanities les élites sociales lors de fêtes et de galas, se positionnant toujours comme un observateur silencieux, en dehors de l'action. Dans des moments parfois intimes, il a capturé les interactions des invités - parfois un regard par-dessus l'épaule, parfois un sourire ou un geste non posé.

Dans Social Graces, ces œuvres sont confrontées aux photographies de la famille Sabatine de Pennsylvanie. Lors d'une visite dans la petite ville de Martins Creek, il documente les réunions familiales à l'occasion de différents événements, comme un huitième anniversaire. Son travail photographique couvre ainsi un spectre large et contrasté, allant de scènes familiales quotidiennes à des événements élitistes. Fink forme ainsi une image de la société qui relie sans préjugés différents groupes sociaux. L'œuvre de sa vie est en même temps le miroir de sa vision de la société. Pour lui, l'être humain a toujours été au centre de ses préoccupations.

Larry Fink, morto nel dicembre 2023, ha lavorato come fotografo per oltre 65 anni. Il suo lavoro è stato esposto in mostre personali al Museum of Modern Art e al Whitney Museum di New York, tra gli altri. La Galerie Bene Taschen è lieta di presentare una selezione dei suoi lavori Social Graces, Somewhere There's Music, The Vanities e Boxing con il titolo Larry Fink - Feeling the Experience.

Larry Fink ha fatto le sue prime esperienze fotografiche a New York e successivamente si è trasferito da Brooklyn alla Pennsylvania. Ha frequentato la New School for Social Research di New York, che ha risvegliato il suo interesse per le prospettive sociologiche. Anche i suoi riferimenti alla musica jazz hanno un'origine precoce: il jazz lo ha accompagnato fin dall'infanzia. Lui stesso suonava il pianoforte e l'armonica. Le immagini della serie Somewhere there's Music testimoniano gli incontri tra il fotografo e i musicisti. Davanti alla sua macchina fotografica si sono avvicendate leggende del jazz come John Coltrane e il grande idolo di Fink, Jimmy Rushing, che aveva già incontrato nel 1957.

Dalla fine degli anni Ottanta, Fink ha messo in scena il pugilato transatlantico e ha accompagnato Mike Tyson e Jimmy Jacobs, tra gli altri. La sua serie Boxing mostra molti momenti iconici di incontri di boxe leggendari.

Fink ha sempre esplorato temi socio-psicologici e politici, catturando le relazioni, gli attriti e gli sviluppi tra le classi lavoratrici e quelle superiori. Come invitato o fotografo ufficiale, ha documentato le élite sociali a feste e serate di gala in The Vanities, ponendosi sempre come osservatore silenzioso, al di fuori dell'azione. In momenti a volte intimi, ha catturato le interazioni degli ospiti - a volte uno sguardo da sopra la spalla, a volte un sorriso o un gesto non posato.

In Social Graces, queste opere sono accostate alle fotografie della famiglia Sabatine della Pennsylvania. Durante una visita alla cittadina di Martins Creek, l'artista documenta le riunioni di famiglia in varie occasioni, come un ottavo compleanno. Il suo lavoro fotografico abbraccia quindi uno spettro ampio e contrastante, che va dalle scene familiari quotidiane agli eventi d'élite. Fink crea così un'immagine della società che collega in modo imparziale i diversi gruppi sociali. Il lavoro della sua vita è anche uno specchio della sua immagine della società. Per lui le persone erano sempre al centro.

Larry Fink, who died in December 2023, worked as a photographer for over 65 years. His work has been shown in solo exhibitions at the Museum of Modern Art and the Whitney Museum in New York, among others. The Bene Taschen Gallery is pleased to present a selection from his series Social Graces, Somewhere There's Music, The Vanities and Boxing under the title Larry Fink – Feeling the Experience.

Larry Fink gained his first photographic experiences in New York and later moved from Brooklyn to Pennsylvania. He attended the New School for Social Research in New York, which sparked his interest in sociological perspectives. His relationship to jazz music also has an early origin; jazz accompanied him since his childhood. He himself played piano and harmonica. The visuals from the series Somewhere there's Music bear witness to the encounters between the photographer and the musicians. Jazz legends such as John Coltrane and Fink's great idol Jimmy Rushing, whom he had already met in 1957, stood in front of his camera.

From the late 1980s, Fink focused on the transatlantic boxing industry, accompanying Mike Tyson and Jimmy Jacobs, among others. His Boxing series features many iconic moments from legendary boxing matches.

Fink has always been interested in socio-psychological and political issues, capturing the relationships, frictions and developments between the working and upper classes. As an invited guest or official photographer, he documented social elites at parties and galas in The Vanities, always positioning himself as a silent observer, outside of the action. He captured the interactions of the guests in sometimes intimate moments – a glance over the shoulder, a smile or an unposed gesture.

In Social Graces, these works are juxtaposed with photographs of the Sabatine family from Pennsylvania. During a visit to the small town of Martins Creek, he documented family gatherings for various occasions, such as an eighth birthday. His photographic work thus encompasses a broad and contrasting spectrum, ranging from everyday family scenes to elitist events. In this way, Fink creates a social portrait that connects different social groups in an unbiased way. His life's work is also a mirror of his social view. For him, the human being has always been at the centre of attention.

(Text: Galerie Bene Taschen, Köln)

VisuleX Gallery for Photography | Hamburg
12. März 2025

Kai Brüninghaus | Diffusionisten – A Time Capsule beyond Reality

Porträts von Menschen mit eigensinniger Technologie, rätselhafte Forschung und Apparate vergangener Zeiten gewähren Einblick in eine Wissenschaft, die die Grenzen der Naturwissenschaft neu zu definieren scheint. Die Schwarzweißfotografien der Serie Diffusionisten des Hamburger Künstlers Kai Brüninghaus erzeugen eine surreale Atmosphäre und lassen eine alternative Realität der 1920er-Jahre lebendig werden.

Doch weder die Menschen noch die dokumentierten Phänomene haben je existiert – trotz scheinbar fotografischer Zeugenschaft. Die Bilder sind künstlich generiert, erschaffen durch den gezielten Einsatz bildgenerierender KI.

Die Arbeit hinterfragt die vermeintliche Objektivität fotografischer Bilder und beleuchtet die gesellschaftlichen Auswirkungen disruptiver Technologien. Sie lädt dazu ein, kritisch über Fortschritt, Menschlichkeit und unser Vertrauen in Wissenschaft und Technik nachzudenken.

Des portraits de personnes dotées d'une technologie obstinée, des recherches énigmatiques et des appareils d'un autre temps donnent un aperçu d'une science qui semble redéfinir les limites des sciences naturelles. Les photographies en noir et blanc de la série Diffusionisten de l'artiste hambourgeois Kai Brüninghaus créent une atmosphère surréaliste et font revivre une réalité alternative des années 1920.

Pourtant, ni les personnes ni les phénomènes documentés n'ont jamais existé - malgré l'apparente qualité de témoin photographique. Les visuels sont générés artificiellement, créés par l'utilisation ciblée de l'IA génératrice d'images.

L'œuvre remet en question la prétendue objectivité des visuels photographiques et met en lumière les conséquences sociales des technologies disruptives. Elle nous invite à réfléchir de manière critique au progrès, à l'humanité et à notre confiance dans la science et la technique.

I ritratti di persone con una tecnologia in ritardo, le ricerche enigmatiche e gli apparati di un tempo passato offrono uno sguardo su una scienza che sembra ridefinire i confini delle scienze naturali. Le fotografie in bianco e nero della serie Diffusionists dell'artista amburghese Kai Brüninghaus creano un'atmosfera surreale e fanno rivivere una realtà alternativa degli anni Venti.

Tuttavia, né le persone né i fenomeni documentati sono mai esistiti, nonostante l'apparente testimonianza fotografica. Le immagini sono generate artificialmente, grazie all'uso mirato dell'intelligenza artificiale.

L'opera esamina la presunta oggettività delle immagini fotografiche e getta luce sull'impatto sociale delle tecnologie dirompenti. Ci invita a riflettere criticamente sul progresso, sull'umanità e sulla nostra fiducia nella scienza e nella tecnologia.

Portraits of people with wayward technology, mysterious research and contraptions from times gone by provide insights into a science that seems to be redefining the boundaries of natural science. The black-and-white photographs in the series Diffusionists by Hamburg-based artist Kai Brüninghaus create a surreal atmosphere and bring to life an alternative reality of the 1920s.

Yet neither the people nor the documented phenomena ever existed – despite their seemingly photographic testimony. The visuals are artificially generated, created through the targeted use of image-generating AI.

The work questions the supposed objectivity of photographic images and sheds light on the social impact of disruptive technologies. It invites us to think critically about progress, humanity and our trust in science and technology.

(Text: VisuleX Gallery for Photography, Hamburg)

Camera Austria | Graz
7. März 2025

Susanne Kriemann: Ray, Rock, Rowan (Being a Photograph)

In ihrer radikal erweiterten Vorstellung von Fotografie erforscht Susanne Kriemann geologische Zeitalter und befragt Politiken der Sichtbarkeit: Was könnte es bedeuten, die Welt als ein großes Aufzeichnungssystem, als eine Fotografie zu verstehen?

Der Camera Austria-Ausstellungsraum im Eisernen Haus bildet den Rahmen für Hey Monte Schlacko, dear Slagorg (seit 2024): In der kontaminierten und ausgebeuteten Landschaft einer ruhenden Erzabbaustätte stehen Moose und Flechten mit anderen Pflanzen im Austausch, sie regenerieren die Böden, daneben Gestein; in der Szenografie hallen die Erschöpfung, die Widerständigkeit und das Trauma dieser anthropozentrischen Geografien nach. Diese jüngste Arbeit steht mit Susanne Kriemanns langjähriger forschender Arbeitsweise im Dialog, welche die Vegetation der von Uranabbau zurückgelassenen Landschaften in den Blick rückt: Die diese toxischen Böden verstoffwechselnden Pflanzen bringen Farbe auf die Seidenbahnen von Canopy canopy (seit 2018); Wilde Möhre, Falsche Kamille, Bitterkraut (seit 2016) tummeln sich in und auf Heliogravüren; die radioaktiv strahlende Pechblende (seit 2015) belichtet Autoradiografien und Fotogramme; Röntgenbilder zeigen Pflanzenskelette von Lupine, Farn und Ginster (Lupin, fougère, genêt, seit 2024). Die »library for radioactive afterlife« (seit 2015) bietet Publikationen mit unterschiedlichen Narrationen des Atomzeitalters an, erweitert die Camera Austria-Bibliothek und unterstreicht Susanne Kriemanns Praxis des Büchermachens.

Dans sa conception radicalement élargie de la photographie, Susanne Kriemann explore les âges géologiques et interroge les politiques de la visibilité : que pourrait signifier le fait de concevoir le monde comme un grand système d'enregistrement, comme une photographie ?

La salle d'exposition de Camera Austria dans la Maison de fer sert de cadre à Hey Monte Schlacko, dear Slagorg (depuis 2024) : Dans le paysage contaminé et exploité d'un site d'extraction de minerai en sommeil, les mousses et les lichens échangent avec d'autres plantes, ils régénèrent les sols, à côté des roches ; la scénographie fait écho à l'épuisement, à la résistance et au traumatisme de ces géographies anthropocentriques. Ce travail récent dialogue avec la longue démarche exploratoire de Susanne Kriemann, qui met en lumière la végétation des paysages laissés par l'exploitation de l'uranium : Les plantes qui métabolisent ces sols toxiques apportent de la couleur sur les lés de soie de Canopy canopy (depuis 2018) ; la carotte sauvage, la fausse camomille, le bigaradier (depuis 2016) s'ébattent dans et sur des héliogravures ; le brai radioactif (depuis 2015) expose des autoradiographies et des photogrammes ; des radiographies montrent des squelettes végétaux de lupin, fougère et genêt (Lupin, fougère, genêt, depuis 2024). La « library for radioactive afterlife » (depuis 2015) propose des publications présentant différentes narrations de l'ère nucléaire, élargit la bibliothèque de Camera Austria et souligne la pratique de Susanne Kriemann en matière de fabrication de livres.

Nella sua concezione radicalmente ampliata della fotografia, Susanne Kriemann esplora le ere geologiche e si interroga sulla politica della visibilità: cosa potrebbe significare intendere il mondo come un grande sistema di registrazione, come una fotografia?

Lo spazio espositivo di Camera Austria nella Eisernes Haus fa da cornice a Hey Monte Schlacko, dear Slagorg (dal 2024): Nel paesaggio contaminato e sfruttato di un sito minerario inattivo, muschi e licheni interagiscono con altre piante, rigenerando il suolo, accanto alla roccia; la scenografia riecheggia l'esaurimento, la resistenza e il trauma di queste geografie antropocentriche. Questo lavoro più recente è in dialogo con l'approccio di Susanne Kriemann, basato su una ricerca di lunga data, che si concentra sulla vegetazione dei paesaggi lasciati dall'estrazione dell'uranio: Le piante che metabolizzano questi terreni tossici danno colore ai pannelli di seta di Canopy canopy (dal 2018); la carota selvatica, la falsa camomilla, l'erba amara (dal 2016) cavalcano nelle e sulle eliografie; la pechblenda radioattiva (dal 2015) espone autoradiografie e fotogrammi; le immagini a raggi X mostrano scheletri vegetali di lupino, felce e ginestra (Lupin, fougère, genêt, dal 2024). La “biblioteca per l'aldilà radioattivo” (dal 2015) offre pubblicazioni con diverse narrazioni dell'era atomica, amplia la biblioteca di Camera Austria ed enfatizza la pratica del bookmaking di Susanne Kriemann.

In her radically expanded notion of photography, Susanne Kriemann explores geological eras and questions the politics of visibility: what could it mean to understand the world as a large recording system, as a photograph?

The Camera Austria exhibition space in the Eisernes Haus provides the setting for Hey Monte Schlacko, dear Slagorg (since 2024): In the contaminated and exploited landscape of a dormant ore mining site, mosses and lichens interact with other plants, regenerating the soil; rocks lie nearby. The scenography echoes with the exhaustion, resistance, and trauma of these anthropocentric geographies. This most recent work engages in dialogue with Susanne Kriemann's long-standing research-based approach, which focuses on the vegetation of landscapes left behind by uranium mining: the plants metabolising these toxic soils bring colour to the silk screens of Canopy canopy (since 2018); wild carrots, false chamomile, bitter herb (since 2016) abound in and on heliogravures; the radioactively emitting pitchblende (since 2015) exposes autoradiographs and photograms; X-ray images show plant skeletons of lupine, fern, and broom (Lupin, Fougere, Genet, since 2024). The ‘library for radioactive afterlife’ (since 2015) offers publications with different narratives of the atomic age, expands the Camera Austria library, and underscores Susanne Kriemann's practice of bookmaking.

(Text: Camera Austria, Graz)

Kunstmuseum Luzern
7. März 2025

WAKALIGA – ACTION! AND CUT!

Das Wakaliga Filmstudio Uganda produziert grosse Actionfilme mit sehr kleinen Budgets. Prallvoll mit Kung-Fu-Kämpfen, wilden Schiessereien, blutigen Momenten, heftigen Explosionen und witzigen Spezialeffekten sind die Filme grossartige Unterhaltung. Wie beiläufig erzählen sie von gesellschaftlichen Problemen und kriminellen Machenschaften, von Korruption, Erpressung oder Strassenkindern. Bei Genrefans haben die Filme weltweit Kultstatus; seit der documenta 15 in Kassel sind sie auch dem Kunstpublikum ein Begriff.

Der Cast besteht aus Familienmitgliedern, Freund:innen und Nachbar:innen. Alle sitzen im Hof unter einem schattigen Dach zusammen, wo Isaac Nabwana als Begründer und Regisseur von Wakaliga seine Filmidee erläutert. Gemeinsam entscheidet das eingespielte Team, wie Aufgaben und Rollen verteilt werden. Wie in den Anfängen Hollywoods wird spontan gedreht. Die selbstgebauten Kulissen aus Karton brechen die Illusion und verhindern jeden Realismusverdacht. Als Set dient das eigene Grundstück oder die Nachbarschaft. Wenn nötig, werden weitere Hände, Statist:innen oder Knowhow aus der nächsten Umgebung im Stadtteil Wakaliga hinzugeholt.

Kuratiert von Eveline Suter

Le studio de cinéma Wakaliga en Ouganda produit de grands films d'action avec de très petits budgets. Remplis de combats de kung-fu, de fusillades endiablées, de moments sanglants, d'explosions violentes et d'effets spéciaux amusants, ces films sont un grand divertissement. Comme en passant, ils parlent de problèmes sociaux et de machinations criminelles, de corruption, de chantage ou d'enfants des rues. Ces films sont devenus cultes pour les fans du genre dans le monde entier ; depuis la documenta 15 de Cassel, ils sont également connus du public artistique.

Le casting est composé de membres de la famille, d'amis et de voisins. Tous sont assis ensemble dans la cour, sous un toit ombragé, où Isaac Nabwana, fondateur et réalisateur de Wakaliga, explique son idée de film. L'équipe bien rodée décide ensemble de la répartition des tâches et des rôles. Comme aux débuts d'Hollywood, le tournage se fait spontanément. Les décors en carton que l'on construit soi-même brisent l'illusion et empêchent tout soupçon de réalisme. Le propre terrain ou le voisinage sert de plateau. Si nécessaire, on fait appel à d'autres mains, à des figurants ou au savoir-faire de l'environnement proche du quartier de Wakaliga.

Commissariat d'Eveline Suter

Lo studio cinematografico Wakaliga in Uganda produce grandi film d'azione con budget molto ridotti. Ricchi di combattimenti di kung fu, sparatorie selvagge, momenti di sangue, esplosioni violente e divertenti effetti speciali, i film sono un grande intrattenimento. Quasi di sfuggita, raccontano problemi sociali e macchinazioni criminali, corruzione, ricatti e bambini di strada. I film sono diventati un cult tra gli appassionati del genere in tutto il mondo; dopo la documenta 15 di Kassel, sono diventati un nome familiare anche tra gli amanti dell'arte.

Il cast è composto da membri della famiglia, amici e vicini di casa. Siedono tutti insieme nel cortile sotto un tetto ombreggiato, dove Isaac Nabwana, fondatore e regista di Wakaliga, spiega la sua idea di film. La squadra, ben preparata, decide insieme come distribuire i compiti e i ruoli. Come agli albori di Hollywood, il film viene girato spontaneamente. I fondali di cartone autocostruiti rompono l'illusione e impediscono qualsiasi sospetto di realismo. Il set è la loro proprietà o il quartiere. Se necessario, vengono portate altre mani, comparse o competenze dal quartiere di Wakaliga.

A cura di Eveline Suter

The Wakaliga Film Studio Uganda produces great action films on very low budgets. Brim-full of kung-fu fights, wild shoot-outs, bloody moments, mighty explosions and amusing special effects, the films provide marvellous entertainment. They also speak, en passant, of social problems and criminal intrigues, corruption, blackmail and street children. The films have gained a cult status among genre fans worldwide; since documenta 15 in Kassel, they now also mean something to art audiences.

The cast is made up of family members, friends and neighbours. They all sit together in a courtyard under a shady roof, where Isaac Nabwana, founder and director of Wakaliga, explains his film concept. Together, the well-practised team decides how tasks and roles are to be distributed. Like in the very early days in Hollywood, shooting the films is spontaneous. The hand-made cardboard sets shatter the illusion and thwart any suspicion of realism. Their own plots of land or places in the neighbourhood serve as settings. If necessary, other helping hands, extras and knowhow are obtained from the Wakaliga district nearby.

Curated by Eveline Suter

(Text: Kunstmuseum Luzern)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
6. März 2025

Radical Beauty

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Radical Beauty stellt unsere Auffassung von Schönheit, Attraktivität und Ästhetik radikal in Frage. In dem weltweit einzigartigen Fotoprojekt haben über 60 international renommierte Mode- und Kunstfotograf*innen, darunter Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina und Zuzu Valla, gemeinsam mit Menschen mit Down-Syndrom Einzelbilder und Fotoserien entwickelt. In professionellen Studio-Bedingungen sind so überraschende und einzigartige Porträts entstanden. Unter den Protagonist*innen sind erfahrene Darsteller*innen wie die Schauspielerinnen Sarah Gordy (GB) und Lily Moore (USA), die Mehrzahl von ihnen führt jedoch ein Leben außerhalb des Rampenlichts.

Radical Beauty verwischt die Grenzen zwischen den Disziplinen. In der engen Zusammenarbeit zwischen Model und Fotograf*in sind beeindruckende Werke entstanden, welche die Lust am Rollenspiel und am visuellen Experiment transportieren und die einzigartigen Persönlichkeiten der Porträtierten eindrücklich widerspiegeln: Ob zärtliche Intimität, nüchterner Realismus oder pralle Lebensfreude – Radical Beauty zelebriert alle Facetten des menschlichen Seins und feiert die Vielfalt einer inklusiven Gesellschaft.

Der Londoner Modefotograf Sammy Baxter etwa entwarf mit seinem Model Lara Wates eine dystopisch anmutende Inszenierung, in der die Akteurin vor kraftvoll-bunten Hintergründen mit Armen ringt, die scheinbar aus dem Nichts zu kommen scheinen. Brian Griffin hat sich mit Porträts von Popmusiker*innen international einem Namen gemacht, seine in schwarz-weiß aufgenommenen Fotografien erinnern an ein Albumcover. Der Kunstfotograf Erwin Olaf präsentiert seinen Protagonisten mit zurückgegeltem Haar und leuchtend blauen Augen im Stile einer antiken Putte, die schwerelos in schäumendem Wasser zu schweben scheint. Beim näheren Hinsehen entpuppt sich dies als technischer Effekt, der durch die gekonnte Manipulation des Filmmaterials zustande kommt. Die Fashion-Fotografin Elizaveta Porodina inszeniert die Schauspielerin Lily Moore mit farbenfrohem Surrealismus. Die emotionale Symbolik, die ihrer Arbeit zugrunde liegt, ist eine Referenz an ihr Studium der klinischen Psychologie. Die Fotografin Zuzu Valle betrachtet sich als Advokatin für Menschen mit Behinderungen und präsentiert Fotografien von Drag-Queens und Drag-Kings mit Down-Syndrom, die unter die Haut gehen.

Ins Leben gerufen wurde Radical Beauty im Jahr 2018 von dem britischen Kollektiv Culture Device, einer Gruppe von Down-Syndrom-Performer*innen, die bereits im Londoner Royal Opera House, der Tate Modern und im Southbank Centre aufgetreten sind. Unter der künstlerischen Leitung von Daniel Vais ist seitdem ein globales Projekt entstanden, welches zur Sichtbarkeit von Menschen mit kognitiven Behinderungen beiträgt und Menschen mit Down-Syndrom eine Bühne bietet.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Nadine Barth.

Künstlerische Leitung des Projekts: Daniel Vais, Culture Device.

Radical Beauty remet radicalement en question notre conception de la beauté, de l'attractivité et de l'esthétique. Dans le cadre de ce projet photographique unique au monde, plus de 60 photographes* de mode et d'art de renommée internationale, dont Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina et Zuzu Valla, ont développé des images individuelles et des séries de photos en collaboration avec des personnes atteintes du syndrome de Down. Des portraits surprenants et uniques ont ainsi été réalisés dans des conditions de studio professionnel. Parmi les protagonistes*, on trouve des acteurs expérimentés comme les actrices Sarah Gordy (GB) et Lily Moore (USA), mais la plupart d'entre eux mènent une vie hors des feux de la rampe.

Radical Beauty brouille les frontières entre les disciplines. L'étroite collaboration entre le modèle et le photographe* a donné naissance à des œuvres impressionnantes qui véhiculent l'envie de jouer un rôle et d'expérimenter visuellement, tout en reflétant de manière saisissante les personnalités uniques des portraits : Qu'il s'agisse d'intimité tendre, de réalisme sobre ou de joie de vivre débordante, Radical Beauty célèbre toutes les facettes de l'être humain et célèbre la diversité d'une société inclusive.

Le photographe de mode londonien Sammy Baxter a par exemple conçu avec son modèle Lara Wates une mise en scène aux allures dystopiques, dans laquelle l'actrice se débat sur des arrière-plans puissamment colorés avec des bras qui semblent surgir de nulle part. Brian Griffin s'est fait un nom au niveau international avec des portraits de musiciens pop*, ses photographies prises en noir et blanc font penser à une pochette d'album. Le photographe d'art Erwin Olaf présente son protagoniste, les cheveux tirés en arrière et les yeux d'un bleu éclatant, dans le style d'un putto antique qui semble flotter en apesanteur dans une eau écumante. En y regardant de plus près, il s'agit d'un effet technique obtenu par une manipulation habile du matériel cinématographique. La photographe de mode Elizaveta Porodina met en scène l'actrice Lily Moore avec un surréalisme coloré. Le symbolisme émotionnel qui sous-tend son travail est une référence à ses études de psychologie clinique. La photographe Zuzu Valle se considère comme une avocate des personnes handicapées et présente des photographies de drag queens et de drag kings trisomiques qui collent à la peau.

Radical Beauty a été créé en 2018 par le collectif britannique Culture Device, un groupe de performeurs* trisomiques qui se sont déjà produits au Royal Opera House de Londres, à la Tate Modern et au Southbank Centre. Sous la direction artistique de Daniel Vais, un projet global a depuis vu le jour, contribuant à la visibilité des personnes souffrant de handicaps cognitifs et offrant une scène aux personnes atteintes du syndrome de Down.

Le commissariat de l'exposition a été assuré par Nadine Barth.

Direction artistique du projet : Daniel Vais, Culture Device.

Radical Beauty mette radicalmente in discussione la nostra percezione della bellezza, dell'attrattiva e dell'estetica. In questo progetto fotografico unico al mondo, oltre 60 fotografi di moda e d'arte di fama internazionale, tra cui Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina e Zuzu Valla, hanno sviluppato immagini individuali e serie fotografiche insieme a persone con sindrome di Down. Ritratti sorprendenti e unici sono stati creati in condizioni di studio professionali. Tra i protagonisti ci sono performer esperti come le attrici Sarah Gordy (Regno Unito) e Lily Moore (USA), ma la maggior parte di loro conduce una vita al di fuori delle luci della ribalta.

Radical Beauty sfuma i confini tra le discipline. La stretta collaborazione tra modella e fotografo ha dato vita a opere di grande impatto che trasmettono il desiderio di gioco di ruolo e di sperimentazione visiva e riflettono in modo impressionante le personalità uniche delle persone ritratte: Che si tratti di tenera intimità, sobrio realismo o piena gioia di vivere, Radical Beauty celebra tutte le sfaccettature della condizione umana e la diversità di una società inclusiva.

Il fotografo di moda londinese Sammy Baxter, ad esempio, ha creato una produzione dall'aspetto distopico con la sua modella Lara Wates, in cui l'attrice lotta con braccia che sembrano uscire dal nulla davanti a sfondi potenti e colorati. Brian Griffin si è fatto un nome a livello internazionale con i suoi ritratti di musicisti pop; le sue fotografie in bianco e nero ricordano le copertine degli album. Il fotografo d'arte Erwin Olaf presenta il suo protagonista con i capelli sciolti e gli occhi azzurri brillanti nello stile di un antico cherubino che sembra galleggiare senza peso nell'acqua schiumosa. A ben guardare, si tratta di un effetto tecnico creato da un'abile manipolazione del materiale cinematografico. La fotografa di moda Elizaveta Porodina mette in scena l'attrice Lily Moore con un colorato surrealismo. Il simbolismo emotivo alla base del suo lavoro è un riferimento ai suoi studi di psicologia clinica. La fotografa Zuzu Valle si considera una sostenitrice delle persone con disabilità e presenta fotografie di drag queen e drag king con sindrome di Down che entrano nella pelle.

Radical Beauty è stato creato nel 2018 dal collettivo britannico Culture Device, un gruppo di performer con sindrome di Down che si è già esibito alla Royal Opera House di Londra, alla Tate Modern e al Southbank Centre. Sotto la direzione artistica di Daniel Vais, è nato un progetto globale che contribuisce alla visibilità delle persone con disabilità cognitive e offre alle persone con sindrome di Down un palcoscenico.

La mostra è stata curata da Nadine Barth.

Direzione artistica del progetto: Daniel Vais, Dispositivo culturale.

Radical Beauty radically questions our perception of beauty, attractiveness and aesthetics. In this globally unique photo project, over 60 internationally renowned fashion and art photographers, including Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina and Zuzu Valla, worked together with people with Down syndrome to develop individual images and photo series. Surprising and unique portraits were created in professional studio conditions. The protagonists include experienced performers such as actresses Sarah Gordy (UK) and Lily Moore (USA), but the majority of them lead a life outside the limelight.

Radical Beauty blurs the boundaries between disciplines. Through close collaboration between model and photographer, impressive works have emerged that convey a passion for role-playing and visual experimentation while vividly reflecting the unique personalities of the portrayed. Whether tender intimacy, sober realism or full-blooded joie de vivre – Radical Beauty celebrates all facets of human existence and embraces the diversity of an inclusive society.

The London fashion photographer Sammy Baxter, for example, created a dystopian staging with his model Lara Wates, where the pictured struggles with arms that seem to emerge from nowhere against vibrant, colorful backdrops. Brian Griffin, renowned internationally for his portraits of pop musicians, offers black-and-white photographs reminiscent of iconic album covers. Art photographer Erwin Olaf presents his protagonist with slicked-back hair and striking blue eyes in the style of an antique cherub, seemingly floating weightlessly in frothy water. On closer inspection, this effect reveals itself as a technical illusion achieved through masterful manipulation of film material. Fashion photographer Elizaveta Porodina stages actress Lily Moore with vivid surrealism, drawing on the emotional symbolism is a reference to her studies of clinical psychology. Photographer Zuzu Valle sees herself as an advocate for people with disabilities and presents photographs of drag queens and drag kings with Down syndrome that get under your skin.

Radical Beauty was launched in 2018 by the British collective Culture Device, a group of Down syndrome performers who have already graced stages such as the Royal Opera House, Tate Modern, and Southbank Centre in London. Under the artistic direction of Daniel Vais, the project has since evolved into a global initiative, enhancing the visibility of people with cognitive disabilities and providing a platform for individuals with Down syndrome.

The exhibition was curated by Nadine Barth.

Artistic direction of the project: Daniel Vais, Culture Device.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin
28. Februar 2025

Transience and Memory: The Photographic Narratives of Climate Crisis
Ana Zibelnik, Künstlerduo Ganslmeier & Zibelnik

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP - European Month of Photography Berlin statt.

Die Ausstellung stellt Ana Zibelniks (*1995, Ljubljana/Slowenien) Arbeit Immortality is Commonplace (2022) der Serie Fault Line (2023, –) gegenüber, die gemeinsam mit Jakob Ganslmeier (*1990, München/Deutschland), entstanden ist. Beide Arbeiten beschäftigen sich mit den Auswirkungen der Klimakrise und der Klimaangst, die den Diskurs der heutigen Jugend prägen.

Immortality is Commonplace beleuchtet Zibelnik veränderte Rolle der Fotografie in Zeiten der Klimakrise. Während die Menschheit den psychologischen Drang verspürt, die Vergangenheit zu bewahren, sieht sie sich gleichzeitig der Bedrohung des Aussterbens gegenüber. Was bedeutet es, in einer Endzeit zu leben? Zibelniks Faszination für biologisch unsterbliche Flechten wirft die Frage auf: Wer dokumentiert wen–wir die Natur oder die Natur uns?

Ana Zibelnik (geb. 1995, Ljubljana) ist eine slowenische, bildende Künstlerin, die in Den Haag, Niederlande, lebt. Sie hat einen Master-Abschluss in Film- und Fotostudien an der Universität Leiden und einen BA in Visual Communication Design from the University of Ljubljana. Ihre Arbeit dreht sich um die Themen ökologische Krise, Klimaangst und deren soziale Auswirkungen. Seit 2020 arbeitet sie auch als Teil des Künstlerduos Ganslmeier & Zibelnik.

In 2024 gewann Zibelnik den Hauptpreis des slowenischen Kranj Foto Festivals und zeigte ihre Arbeiten u.a. auf der Photo Basel, und, zusammen mit Ganslmeier, im Fotomuseum Den Haag (NL); 2022 waren ihre Arbeiten u.a. in der Maribor Art Gallery, UGM Studio, auf der Paris Photo Online, auf dem Art Salon Zürich und als Teil einer Gruppenausstellung im Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR) zu sehen; zwischen 2017 und 2021 war Zibelnik in div. Institutionen, von Deutschland über Ungarn bis hin zu Portugal und der Schweiz, vertreten und konnte verschiedenste Auszeichnungen wie den Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant , div. Nominierungen für den Newcomer-Preis des Leica Oskar Barnack Award und das City Municipality of Ljubljana Scholarship verzeichnen.

L'exposition met en parallèle le travail d'Ana Zibelnik (*1995, Ljubljana/Slovénie), Immortality is Commonplace (2022), et la série Fault Line (2023, -), réalisée en collaboration avec Jakob Ganslmeier (*1990, Munich/Allemagne). Les deux œuvres traitent des effets de la crise climatique et de la peur du climat qui caractérisent le discours de la jeunesse actuelle.

Immortality is Commonplace met en lumière le rôle modifié de la photographie par Zibelnik en temps de crise climatique. Alors que l'humanité ressent le besoin psychologique de préserver le passé, elle est en même temps confrontée à la menace de l'extinction. Que signifie vivre dans une fin des temps ? La fascination de Zibelnik pour les lichens biologiquement immortels soulève la question : Qui documente qui - nous la nature ou la nature nous ?

Ana Zibelnik (née en 1995 à Ljubljana) est une artiste plasticienne slovène qui vit à La Haye, aux Pays-Bas. Elle est titulaire d'un master en études cinématographiques et photographiques de l'université de Leyde et d'un BA en design de communication visuelle de l'université de Ljubljana. Son travail s'articule autour des thèmes de la crise écologique, de l'angoisse climatique et de leurs conséquences sociales. Depuis 2020, elle travaille également en tant que membre du duo d'artistes Ganslmeier & Zibelnik.

En 2024, Zibelnik a remporté le premier prix du Kranj Foto Festival slovène et a présenté son travail, entre autres, à Photo Basel et, avec Ganslmeier, au Fotomuseum Den Haag (NL) ; en 2022, son travail a été exposé, entre autres, à la Maribor Art Gallery, à UGM Studio, à Paris Photo Online, à l'Art Salon de Zurich et dans le cadre d'une exposition de groupe au Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR) ; entre 2017 et 2021, Zibelnik a été exposée dans diverses institutions en Allemagne et en Autriche. Elle a été représentée dans de nombreuses institutions, de l'Allemagne à la Hongrie, en passant par le Portugal et la Suisse, et a reçu diverses récompenses telles que le Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line ; Stroom Den Haag, SPOT Grant , diverses nominations pour le prix du nouveau venu du Leica Oskar Barnack Award et la City Municipality of Ljubljana Scholarship.

La mostra accosta l'opera Immortality is Commonplace (2022) di Ana Zibelnik (*1995, Lubiana/Slovenia) alla serie Fault Line (2023, -), realizzata insieme a Jakob Ganslmeier (*1990, Monaco/Germania). Entrambe le opere trattano gli effetti della crisi climatica e dell'ansia climatica, che caratterizzano il discorso dei giovani d'oggi.

In Immortality is Commonplace, Zibelnik fa luce sul cambiamento del ruolo della fotografia in tempi di crisi climatica. Se da un lato l'umanità sente l'urgenza psicologica di preservare il passato, dall'altro si trova ad affrontare la minaccia dell'estinzione. Cosa significa vivere in un'epoca di fine? Il fascino di Zibelnik per i licheni biologicamente immortali solleva la questione: Chi sta documentando chi: noi la natura o la natura noi?

Ana Zibelnik (nata nel 1995 a Lubiana) è un'artista visiva slovena che vive all'Aia, nei Paesi Bassi. Ha conseguito un master in studi cinematografici e fotografici presso l'Università di Leiden e una laurea in Visual Communication Design presso l'Università di Lubiana. Il suo lavoro ruota attorno ai temi della crisi ecologica, dell'ansia climatica e del suo impatto sociale. Dal 2020 lavora anche come parte del duo di artisti Ganslmeier & Zibelnik.

Nel 2024, Zibelnik ha vinto il premio principale al Kranj Photo Festival sloveno e ha esposto il suo lavoro a Photo Basel e, insieme a Ganslmeier, al Fotomuseum Den Haag (NL); nel 2022, il suo lavoro è stato esposto alla Galleria d'Arte di Maribor, all'UGM Studio, a Paris Photo Online, all'Art Salon di Zurigo e come parte di una mostra collettiva al Benaki Museum/Athens Photo Festival (GR); tra il 2017 e il 2021, Zibelnik ha esposto in varie istituzioni, dalla Germania all'Ungheria ai Paesi Bassi. Tra il 2017 e il 2021, Zibelnik è stato rappresentato in varie istituzioni, dalla Germania e dall'Ungheria al Portogallo e alla Svizzera, e ha ricevuto vari premi come il Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant, varie nomination per il Newcomer Prize del Leica Oskar Barnack Award e la City Municipality of Ljubljana Scholarship.

The exhibition juxtaposes Ana Zibelnik's (b. 1995, Ljubljana, Slovenia) work Immortality is Commonplace (2022) with the series Fault Line (2023–), which she created together with Jakob Ganslmeier (b. 1990, Munich, Germany). Both works deal with the effects of the climate crisis and climate anxiety, which shape the discourse of today's youth.

Immortality is Commonplace sheds light on Zibelnik's altered role of photography in times of climate crisis. While humanity feels the psychological urge to preserve the past, it simultaneously faces the threat of extinction. What does it mean to live in an apocalyptic era? Zibelnik's fascination with biologically immortal lichens raises the question: who is documenting whom – us documenting nature or nature documenting us?

Ana Zibelnik (b. 1995, Ljubljana) is a Slovenian visual artist based in The Hague, Netherlands. She holds a Master's degree in Film and Photo Studies from Leiden University and a BA in Visual Communication Design from the University of Ljubljana. Her work revolves around the topics of ecological crisis, climate anxiety and their social implications. Since 2020 she has also been working as part of the artist duo Ganslmeier & Zibelnik.

In 2024 Zibelnik won the main prize at the Kranj Foto Festival in Slovenia and showed her work at Photo Basel, and, together with Ganslmeier, at the Fotomuseum Den Haag (NL); in 2022 her work was shown at the Mar ibor Art Gallery, UGM Studio, at Paris Photo Online, at Art Salon Zurich and as part of a group exhibition at Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR); between 2017 and 2021, Zibelnik was represented in various institutions from Germany to Hungary and Portugal and Switzerland, and has received various awards such as the Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant, various nominations for the newcomer prize of the Leica Oskar Barnack Award and the City Municipality of Ljubljana Scholarship.

(Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin)

Galerie Parallax | Aix-en-Provence
22. Februar 2025

Until the end of the world
Florence D’elle, Estelle Lagarde

Diese neue Ausstellung leiht sich den Titel von Wim Wenders' Film „Bis ans Ende der Welt“ aus.

Und es ist tatsächlich der Rand, der Rand der Welt, wo alles begonnen zu haben scheint, an dem sich die fotografischen Projekte der beiden Künstler kreuzen. Beide sind offen für Rätsel, Begegnungen und tellurische Kräfte.

Florence D'elle stellt uns eine Reise nach Norwegen vor, die sie als eine Reise zu den Ursprüngen erlebt hat. Die norwegische Übersetzung des letzten Wortes gibt ihrer Serie den Titel: „Opprinnelsen“.

Um diese Rückkehr zu den Ursprüngen zu bezeugen, hat Florence D'elle beschlossen, ihren Bildern eine fragile und zarte Materialität zu verleihen, indem sie nasses Kollodium verwendet, um sie zu enthüllen, und sie dann als Kohleabzüge und Ferrotypien anbietet.

Mit „Les pionniers“ (Die Pioniere) lädt Estelle Lagarde ebenfalls zu einer Reise in ein zusammengesetztes Land ein. Diese drei Gebiete (Island, Aubrac und die Île d'Aix) scheinen miteinander in Verbindung zu treten. Die diskreten und mysteriösen menschlichen Präsenzen schlagen eine Brücke zwischen der Natur und der Menschheit und vereinen sie in derselben Geschichte. Alles ist miteinander verbunden.

Die Fotografien wurden mit herkömmlichen Silberfilmen aufgenommen und die traditionellen Silberabzüge mit dem Vergrößerungsgerät wurden von dem Handwerksmeister Diamantino Quintas gemacht, mit dem Estelle Lagarde seit vielen Jahren zusammenarbeitet.

Cette nouvelle exposition emprunte le titre du film de Wim Wenders, « Until the end of the world ».

Et c’est bien à l’orée, au bord du monde, là où tout semble avoir commencé, que se croisent les projets photographiques des deux artistes. Toutes deux ouvertres aux énigmes, aux rencontres, aux forces telluriques.

Florence D’elle nous propose un voyage en Norvège, qu’elle a vécu comme un périple vers les origines. La traduction norvégienne de ce dernier mot donne le titre de sa série : «Opprinnelsen».

Pour témoigner de ce retour aux origines, Florence D’elle a choisi de donner une matérialité fragile et délicate à ses images, en utilsant le collodion humide pour les révéler puis en les proposant en tirages charbon et en ferrotypes.

Avec « Les pionniers » Estelle Lagarde propose également un voyage dans une contrée composite. Ces trois territoires (L’Islande, l’Aubrac et l’Île d’Aix) semblent entrer en connection entre eux. Les présences humaines, discrètes et mystérieuses, font le pont entre la nature et l’Humanité, les unissent dans une même histoire. Tout se connecte.

Les photographies ont été réalisées avec des pellicules argentiques traditionnelles et les tirages argentiques traditionnels à l’agrandisseur ont été effectués par le maître artisan tireur-filtreur Diamantino Quintas avec lequel Estelle Lagarde travaille depuis de nombreuses années.

Questa nuova mostra prende il titolo dal film di Wim Wenders “Fino alla fine del mondo”.

Ed è proprio ai confini del mondo, dove tutto sembra essere iniziato, che si incrociano i progetti fotografici dei due artisti. Entrambi sono aperti a enigmi, incontri e forze telluriche.

Florence D'elle ci accompagna in un viaggio in Norvegia, che ha vissuto come un viaggio verso le sue origini. La traduzione norvegese di quest'ultima parola dà il titolo alla sua serie: “Opprinnelsen”.

Per riflettere questo ritorno alle origini, Florence D'elle ha scelto di dare una materialità fragile e delicata alle sue immagini, utilizzando il collodio umido per rivelarle e proponendole poi come stampe al carbone e tintometrie.

Con “Les pionniers”, Estelle Lagarde ci porta anche in un viaggio in una terra composita. Questi tre territori (Islanda, Aubrac e l'Île d'Aix) sembrano collegarsi tra loro. La presenza umana, discreta e misteriosa, colma il divario tra natura e umanità, unendole in un'unica storia. Tutto si collega.

Le fotografie sono state scattate su pellicola d'argento tradizionale e le stampe tradizionali su ingranditore d'argento sono state realizzate dal maestro artigiano e stampatore Diamantino Quintas, con cui Estelle Lagarde collabora da molti anni.

This new exhibition borrows its title from Wim Wenders' film “Until the end of the world”.

And it is at the edge of the world, where everything seems to have begun, that the two artists' photographic projects intersect. Both are open to enigmas, encounters and telluric forces.

Florence D'elle takes us on a journey to Norway, which she experienced as a journey to her origins. The Norwegian translation of this last word gives the title to her series: ‘Opprinnelsen’.

To reflect this return to her origins, Florence D'elle has chosen to give a fragile, delicate materiality to her images, using wet collodion to reveal them and then offering them as carbon prints and tintypes.

With ‘Les pionniers’, Estelle Lagarde also takes us on a journey to a composite land. These three territories (Iceland, Aubrac and the Île d'Aix) seem to connect with each other. The human presence, discreet and mysterious, bridges the gap between nature and humanity, uniting them in a single story. Everything connects.

The photographs were taken on traditional silver film, and the traditional silver enlarger prints were made by master craftsman and printer Diamantino Quintas, with whom Estelle Lagarde has worked for many years.

(Text: Galerie Parallax, Aix-en-Provence)

MASI Lugano
15. Februar 2025

Many Moons
Louisa Gagliardi

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Schweiz) ist heute eine der interessantesten Stimmen in der zeitgenössischen Kunstszene der Schweiz. In ihren Arbeiten, in denen sich traditionelle Maltechniken mit digitaler Technologie verbinden, untersucht sie Themen wie die Identität, den sozialen Wandel und die Beziehung zwischen dem Individuum und seinem Umfeld. In ihrer Einzelausstellung im MASI Lugano, der ersten in einem Schweizer Museum, stellt sie eine Serie mit neuen Werken – Malerei und Skulpturen – in einem in einem für das Untergeschoss des LAC maßgeschneiderten Parcours vor.

Kuratiert von Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Suisse) s'est imposée comme l'une des artistes les plus intéressantes de la scène suisse contemporaine. Dans ses œuvres, où elle combine les techniques de peinture traditionnelles et la technologie numérique, elle explore des thèmes tels que l'identité, les transformations sociales et la relation entre l'individu et son environnement. Pour son exposition personnelle au MASI Lugano - la première dans un musée suisse - l'artiste présente une série de nouvelles productions, peintures et sculptures, dans un parcours taillé sur mesure pour l'espace en sous-sol du LAC.

Sous la direction de Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Svizzera) si è affermata come una delle voci più interessanti della scena svizzera contemporanea. Nei suoi lavori, in cui unisce tecniche pittoriche tradizionali e tecnologia digitale, esplora temi come l’identità, le trasformazioni sociali e il rapporto tra l’individuo e il suo ambiente. Per la sua personale al MASI – la prima in un museo svizzero – l’artista presenta una serie di nuove produzioni, dipinti e sculture in un percorso sviluppato su misura per lo spazio ipogeo del LAC.

A cura di Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Switzerland) has established herself as one of the most interesting voices on the Swiss contemporary art scene. In her works, which combine traditional painting techniques and digital technology, she explores themes such as identity, how society is changing, and the relationship between the individual and their environment. For her solo exhibition at MASI Lugano – the first in a Swiss museum – the artist will be showing a series of new works, paintings and sculptures in a site-specific presentation designed for the LAC's lower ground floor.

Curated by Francesca Benini

(Text: MASI Lugano)

Canavetto Luganese | Lugano
15. Februar 2025

Blue Highways
Flavia Leuenberger Ceppi

Die hier gezeigten Bilder wurden auf sieben Reisen durch die Vereinigten Staaten aufgenommen. Ich wollte nicht nur einige ikonische Orte besuchen, sondern auch Routen planen, die es mir ermöglichten, durch unbekannte und ungewöhnliche Gegenden zu reisen. Ich war schon immer fasziniert von der „einfachen“ Betrachtung der Weite dieser Gebiete und ihrer Details, Szenarien, in denen der Mensch fast nicht vorkommt. Einige der Routen mit den entsprechenden Bildern, die hier gezeigt werden, wurden auch in der Absicht geplant, Orte zu besuchen, die das amerikanische Kino und die Fotografie inspiriert haben.

So entstand die Idee, diese Ausstellung „Blue Highways“ zu nennen, den Titel des autobiografischen Buches von William Least Heat Moon, denn Blau war auf alten amerikanischen Karten die Farbe der Straßen, denen er folgte, der Nebenstraßen, die durch den Bau der Interstates obsolet wurden.

Meine Reisen folgten nicht den Routen des Schriftstellers, aber der Geist der Suche nach authentischeren Orten, an denen die Straße oft der Protagonist ist, ist vielleicht ähnlich.

Les images exposées ici ont été prises au cours de sept voyages à travers les États-Unis. J'ai toujours été fasciné par la contemplation « simple » de l'immensité de ces territoires et de ses détails, des scénarios dans lesquels l'être humain est presque absent. Certains itinéraires, avec les images correspondantes présentées ici, ont également été tracés dans l'intention de visiter des lieux qui ont inspiré le cinéma et la photographie américains.

D'où l'idée d'intituler cette exposition « Blue Highways », titre du livre autobiographique de William Least Heat Moon, parce que le bleu était la couleur, sur les vieilles cartes américaines, des routes qu'il suivait, les routes secondaires rendues obsolètes par la construction des interstates.

Mes voyages n'ont pas suivi les itinéraires de l'écrivain, mais l'esprit de recherche de lieux plus authentiques où la route est souvent le protagoniste peut être similaire.

Le immagini qui esposte sono state realizzate nel corso di sette viaggi attraverso gli Stati Uniti. Oltre a visitare alcune località iconiche, ho voluto tracciare degli itinerari che mi hanno permesso di percorrere aree sconosciute e insolite: mi ha sempre affascinato la “semplice” contemplazione della vastità di questi territori e dei suoi dettagli, scenari in cui l’essere umano è quasi assente. Alcuni tragitti, con le realtive immagini qui presentate, sono inoltre stati delineati con l’intento di poter visitare luoghi che hanno ispirato il cinema e la fotografia americana.

Da qui l’idea di chiamare questa esposizione “Blue Highways”, (Strade Blu): titolo del libro autobiografico di William Least Heat Moon, perché blu era il colore, sulle vecchie mappe americane, delle strade che seguiva, quelle secondarie rese obsolete dalla costruzione delle interstatali.

I miei viaggi non hanno seguito i percorsi dello scrittore, ma lo spirito volto a cercare località più autentiche in cui la strada ne è spesso la protagonista, potrebbe essere simile.

The images exhibited here were taken during seven trips across the United States. In addition to visiting some iconic locations, I wanted to map out itineraries that allowed me to travel through unknown and unusual areas.I have always been fascinated by the “simple” contemplation of the vastness of these territories and its details, scenarios in which human beings are almost absent. Some routes, with the realtive images presented here, have also been outlined with the intention of being able to visit places that have inspired American cinema and photography.

Hence the idea of calling this exhibition “Blue Highways,” (Blue Roads): the title of William Least Heat Moon's autobiographical book, because blue was the color, on old American maps, of the roads he followed, the secondary ones made obsolete by the construction of interstates.

My travels have not followed the writer's routes, but the spirit aimed at seeking more authentic locations in which the road is often the protagonist may be similar.

(Text: Fondazione Diamante)

Fotohof | Salzburg
13. Februar 2025

New Documents refined
Paul Kranzler, Stefanie Moshammer, Seiichi Furuya

In Anlehnung an die berühmte Ausstellung »New Documents« (Diane Arbus, Lee Friedlander und Gerry Winogrand, MOMA 1967) betiteln wir die Ausstellung im FOTOHOF mit Bildern von Paul Kranzler und Stefanie Moshammer in der Galerie und Seiichi Furuya im Studio »New Documents – refined«. Sie zeigt Fotografien der Kinder, der Großmutter, der Partnerin – Familienbilder im weitesten Sinn und mit ganz unterschiedlichen Herangehensweisen sind das Thema der drei prominenten österreichischen Fotograf:innen.

Paul Kranzler ist Vater von drei Kindern – Nikolaus (11), Marielen (9), Moritz (7). Kranzler zeigt bisher unveröffentlichte Bilder von und mit seinen Kindern und erzählt allgemeingültige Geschichten von Liebe und Nähe, von Spiel und Ernst, mit Entschlossenheit zum gelungenen Bild, voller Zärtlichkeit dem gelegentlichen Chaos gegenüber.

»Die Menschen und Räume und Landschaften der persönlichen Umgebung sind ja auch die meistfotografierten Motive der Welt. Ist man lang in einer Umgebung, dann heißt diese ›zu Hause‹ oder ›Beziehung‹ oder ›Familie‹ oder ›Heimat‹ oder ›Friedhof‹ oder ›Gefängnis‹ usw. Vielleicht ist die persönliche Umgebung vier-dimensional – der dreidimensionale Raum und die vierte Dimension, die diesem (Lebens/Menschen)raum anhaftende Emotion.« (Paul Kranzler)

Stefanie Moshammer verbrachte in ihrer Kindheit viel Zeit mit ihren elf Cousins und Cousinen im Haus der Großeltern im Mühlviertel in Oberösterreich. Sie spielten zusammen, indem sie sich verkleideten und mit den Kleidern und Gegenständen, die ihre Eltern ihnen im Haus gelassen hatten, in Szene setzten. Jahre später lässt sie für eine Fotoserie, spielerisch arrangierte Stillleben und gemeinschaftliche Inszenierungen mit ihrer Großmutter, diese Erinnerungen wieder aufleben. Sie sind eine visuelle Kapsel von Erinnerungen an das Haus und Erlebnisse in ihrer Kindheit darin. Die hellen und farbenfrohen Bilder erzählen auch von den Auswirkungen des Alterns, von alltäglichen Ritualen, von der Unbeständigkeit des Lebens, aber auch von Würde und selbstbestimmtem Leben. In einer wandfüllenden Zusammenstellung spinnt Moshammer ein Netz aus Metaphern und Assoziationen.

Seiichi Furuyas auch als Buch publizierte Serie geht – wie die meisten seiner Arbeiten – auf eine geradezu forensische Sichtung seines Archivs zurück, in dem er immer wieder neues entdeckt und enthüllt. In „Face To Face“ stellt Seiichi Furuya zum ersten Mal seine Bilder jenen Bildern gegenüber, die seine Frau Christine von ihm aufgenommen hat. Christine, die 1985 Selbstmord beging, erweist sich hier als talentierte und sensible Fotografin. In den Diptychen, die Furuya arrangiert, verschränkt sich Christines Blick mit dem von Seiichi, der sich nun ebenfalls auf das Spiel einlässt, das beobachtete Subjekt zu sein.

»Während die visuelle Erinnerungsarbeit, die Seiichi im Laufe der Jahre geleistet hat, ein unaufhörlicher Versuch ist, seine Trauer zu verarbeiten, indem er sein Gesicht in den Rahmen ihrer Liebesgeschichte einfließen lässt, deutet »Face to Face, 1978-1985« darauf hin, dass diese endlose Recherche des Autors auch als der Wunsch gelesen werden könnte, Spuren seiner selbst und der Rolle, die er in den Erinnerungen an ihr gemeinsames Leben spielte, zu finden. Diese Bilderserie erzählt von einee siebenjährige Beziehung in einem visuellen Dialog (…) in der die Fotografie eine fundamentale Rolle spielt: Sie entstaubt verschüttete Erinnerungen und ermöglicht es, die Vergangenheit zu rekonstruieren, und gleichzeitig schafft sie neue Erinnerungen, die von der Perspektive und dem Lauf der Zeit beeinflusst werden.«

R. Cerbarano

Die ausgestellten Prints Von Seiichi Furuya sind eine Schenkung des Fotografen an das FOTOHOF>ARCHIV.

En référence à la célèbre exposition « New Documents » (Diane Arbus, Lee Friedlander et Gerry Winogrand, MOMA 1967), nous intitulons l'exposition au FOTOHOF avec des photos de Paul Kranzler et Stefanie Moshammer dans la galerie et Seiichi Furuya dans le studio « New Documents - refined ». Elle présente des photographies des enfants, de la grand-mère, de la partenaire - des images de famille au sens le plus large et avec des approches très différentes sont le thème de ces trois éminents photographes autrichiens.

Paul Kranzler est père de trois enfants - Nikolaus (11), Marielen (9), Moritz (7). Kranzler montre des photos inédites de et avec ses enfants et raconte des histoires universelles d'amour et de proximité, de jeu et de sérieux, avec détermination pour réussir l'image, pleines de tendresse face au chaos occasionnel.

« Les personnes, les espaces et les paysages de l'environnement personnel sont aussi les motifs les plus photographiés au monde. Si l'on reste longtemps dans un environnement, celui-ci s'appelle 'maison' ou 'relation' ou 'famille' ou 'foyer' ou 'cimetière' ou 'prison', etc. Peut-être que l'environnement personnel est quadridimensionnel - l'espace tridimensionnel et la quatrième dimension, l'émotion attachée à cet espace (de vie/personnel) ». (Paul Kranzler)

Dans son enfance, Stefanie Moshammer a passé beaucoup de temps avec ses onze cousins et cousines dans la maison de ses grands-parents dans le Mühlviertel en Haute-Autriche. Ils jouaient ensemble en se déguisant et en se mettant en scène avec les vêtements et les objets que leurs parents leur avaient laissés dans la maison. Des années plus tard, elle fait revivre ces souvenirs pour une série de photos, des natures mortes arrangées de manière ludique et des mises en scène collectives avec sa grand-mère. Ils constituent une capsule visuelle des souvenirs de la maison et des expériences qu'elle y a vécues dans son enfance. Les images lumineuses et colorées parlent également des effets du vieillissement, des rituels quotidiens, de l'instabilité de la vie, mais aussi de la dignité et de l'autodétermination. Dans une composition qui occupe tout un mur, Moshammer tisse un réseau de métaphores et d'associations.

La série de Seiichi Furuya, également publiée sous forme de livre, est issue - comme la plupart de ses travaux - d'un examen quasi médico-légal de ses archives, dans lesquelles il découvre et révèle sans cesse de nouvelles choses. Dans « Face To Face », Seiichi Furuya confronte pour la première fois ses images avec celles que sa femme Christine a prises de lui. Christine, qui s'est suicidée en 1985, se révèle ici une photographe talentueuse et sensible. Dans les diptyques arrangés par Furuya, le regard de Christine s'entrecroise avec celui de Seiichi, qui se prête désormais lui aussi au jeu d'être le sujet observé.

« Alors que le travail de mémoire visuel effectué par Seiichi au fil des années est une tentative incessante de faire son deuil en intégrant son visage dans le cadre de leur histoire d'amour, « Face to Face, 1978-1985 » suggère que cette recherche sans fin de l'auteur pourrait aussi être lue comme le désir de trouver des traces de lui-même et du rôle qu'il a joué dans les souvenirs de leur vie commune. Cette série d'images raconte une relation de sept ans dans un dialogue visuel (...) dans lequel la photographie joue un rôle fondamental : elle dépoussière les souvenirs enfouis et permet de reconstruire le passé, tout en créant de nouveaux souvenirs influencés par la perspective et le passage du temps ».

R. Cerbarano

Les tirages de Seiichi Furuya exposés sont un don du photographe aux FOTOHOF>ARCHIV.

In riferimento alla famosa mostra “New Documents” (Diane Arbus, Lee Friedlander e Gerry Winogrand, MOMA 1967), intitoliamo la mostra al FOTOHOF con le immagini di Paul Kranzler e Stefanie Moshammer in galleria e di Seiichi Furuya in studio “New Documents - refined”. La mostra presenta fotografie dei figli, della nonna, del partner - immagini di famiglia in senso lato e con approcci molto diversi sono il tema dei tre importanti fotografi austriaci.

Paul Kranzler è padre di tre figli: Nikolaus (11), Marielen (9) e Moritz (7). Kranzler mostra immagini inedite di e con i suoi figli e racconta storie universali di amore e vicinanza, di gioco e serietà, con determinazione per la riuscita dell'immagine, piena di tenerezza verso il caos occasionale.

“Le persone, gli spazi e i paesaggi dell'ambiente personale sono i motivi più fotografati al mondo. Se si trascorre molto tempo in un ambiente, questo viene chiamato 'casa' o 'relazione' o 'famiglia' o 'abitazione' o 'cimitero' o 'prigione' ecc. Forse l'ambiente personale è quadridimensionale: lo spazio tridimensionale e la quarta dimensione, l'emozione legata a questo spazio (vita/persone)”. (Paul Kranzler)

Da bambina, Stefanie Moshammer trascorreva molto tempo con i suoi undici cugini nella casa dei nonni nella regione del Mühlviertel, in Alta Austria. Giocavano insieme travestendosi e posando con i vestiti e gli oggetti che i genitori avevano lasciato loro in casa. A distanza di anni, l'artista fa rivivere questi ricordi in una serie di fotografie, nature morte giocosamente organizzate e messe in scena in comune con la nonna. Sono una capsula visiva dei ricordi della casa e delle sue esperienze d'infanzia. Le immagini, luminose e colorate, raccontano anche degli effetti dell'invecchiamento, dei rituali quotidiani, dell'impermanenza della vita, ma anche della dignità e della vita autodeterminata. Moshammer tesse una rete di metafore e associazioni in una composizione a parete.

Come la maggior parte delle sue opere, la serie di Seiichi Furuya, pubblicata anche come libro, è il risultato di un esame quasi forense del suo archivio, in cui scopre e porta alla luce sempre nuove cose. In “Face To Face”, Seiichi Furuya accosta le sue foto a quelle scattate per la prima volta dalla moglie Christine. Christine, che si è suicidata nel 1985, si dimostra una fotografa talentuosa e sensibile. Nei dittici che Furuya organizza, lo sguardo di Christine si intreccia con quello di Seiichi, che ora si cimenta anche nel gioco di essere il soggetto osservato.

“Se il lavoro di memoria visiva che Seiichi ha fatto nel corso degli anni è un tentativo incessante di elaborare il suo dolore incorporando il suo volto nella cornice della loro storia d'amore, “Face to Face, 1978-1985” suggerisce che questa ricerca infinita da parte dell'autore potrebbe anche essere letta come un desiderio di trovare tracce di sé e del ruolo che ha giocato nei ricordi della loro vita insieme. Questa serie di immagini racconta una relazione durata sette anni in un dialogo visivo (...) in cui la fotografia gioca un ruolo fondamentale: rispolvera memorie sepolte e permette di ricostruire il passato, creando allo stesso tempo nuovi ricordi influenzati dalla prospettiva e dallo scorrere del tempo”.

R. Cerbarano

Le stampe di Seiichi Furuya esposte sono un dono del fotografo al FOTOHOF>ARCHIV.

In reference to the famous exhibition “New Documents” (Diane Arbus, Lee Friedlander and Gerry Winogrand, MOMA 1967), we have named the exhibition at the FOTOHOF with pictures by Paul Kranzler and Stefanie Moshammer in the gallery and Seiichi Furuya in the studio “New Documents - refined”. It shows photographs of children, of grandmothers, of partners – family pictures in the broadest sense and with very different approaches are the subject of the three prominent Austrian photographers.

Paul Kranzler is the father of three children – Nikolaus (11), Marielen (9), Moritz (7). Kranzler shows previously unpublished pictures of and with his children and tells universal stories of love and closeness, of play and seriousness, with determination to create a successful picture, full of tenderness towards the occasional chaos.

“The people and spaces and landscapes of our personal surroundings are also the most frequently photographed subjects in the world. If you live in a particular environment for a long time, it has a name: 'home' or 'relationship' or 'family' or 'home' or 'cemetery' or 'prison', etc. Perhaps our personal environment is four-dimensional – three-dimensional space and the fourth dimension, the emotion associated with this (living/human) space.” (Paul Kranzler)

As a child, Stefanie Moshammer spent a lot of time with her eleven cousins at her grandparents' house in the Mühlviertel region of Austria. They played together by dressing up and staging themselves with the clothes and objects their parents had left them in the house. Years later, she revisited these memories for a series of photographs, playfully arranged still lifes, and collaborative enactments with her grandmother. They are a visual capsule of memories of the house and experiences in it during her childhood. The bright and colorful images also tell of the effects of aging, of everyday rituals, of the impermanence of life, but also of dignity and self-determination. In a wall-sized compilation, Moshammer spins a web of metaphors and associations.

Seiichi Furuya's series, which has also been published as a book, is based – like most of his works – on an almost forensic sifting through his archive, in which he repeatedly discovers and reveals new things. In “Face To Face”, Furuya juxtaposes his images with those taken of him by his wife Christine for the first time. Christine, who committed suicide in 1985, proves to be a talented and sensitive photographer. In the diptychs that Furuya arranges, Christine's gaze intertwines with that of Seiichi, who now also engages in the game of being the observed subject.

“While the visual labor of memory that Seiichi has undertaken over the years is an incessant attempt to process his grief by incorporating his face into the frame of their love story, “Face to Face , 1978-1985” suggests that this endless research by the author could also be read as a desire to find traces of himself and the role he played in the memories of their life together. This series of images recounts a seven-year relationship in a visual dialog (...), in which photography plays a fundamental role: it dusts off buried memories and makes it possible to reconstruct the past, while at the same time creating new memories influenced by perspective and the passage of time.”

R. Cerbarano

The exhibited prints by Seiichi Furuya are a donation from the photographer to the FOTOHOF>ARCHIV.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Bildhalle | Amsterdam
13. Februar 2025

Le Miroir aveugle
Laurence Aëgerter

Die Ausstellung lädt dazu ein, über unsere Wahrnehmung der Welt, unsere Erfahrungen und die Spuren, die sie hinterlassen, nachzudenken. Sie kann als Memento mori oder als Porträt eines Lebens in Abwesenheit interpretiert werden – eine ergreifende Erinnerung an das, was verloren gegangen ist oder nicht mehr vorhanden ist.

„Le Miroir aveugle“ bezieht sich auf niederländische Gemälde aus dem 17. Jahrhundert, in denen gemalte Vorhänge oft die Hauptszene teilweise verdeckten. Diese Technik, die einen illusionären Effekt erzeugt, ermöglichte es den Betrachtern, Innenszenen, religiöse Motive oder Kirchenräume zu entdecken, während das Kunstwerk gleichzeitig vor Licht geschützt wurde. Auf diese Weise untersucht Aëgerters Werk die Themen Erinnerung und Reflexion vergangener Erfahrungen.

Was Aëgerters Praxis auszeichnet, ist ihr Gebrauch von Aneignung und ihr tiefes Wissen über Kunstgeschichte, das sie nutzt, um Verbindungen zwischen Vergangenheit und Gegenwart herzustellen. Ihre Werke bieten neue Perspektiven, deuten mögliche Zukünfte an und reflektieren gleichzeitig die Geschichte, die sie heraufbeschwören. Einige ihrer Werke fungieren als Spiegel, die nicht nur die Vergangenheit reflektieren, sondern auch neue Bedeutungen und Wege für morgen aufzeigen.

Laurence Aëgerters Praxis umfasst Fotografie, Wandteppiche und Gemeinschaftsprojekte, die sich alle auf die Erstellung, Verbreitung und Nutzung von Bildern und Informationen konzentrieren. Sie manipuliert und interpretiert häufig historisches und archiviertes Material – insbesondere Fotografien – neu, indem sie es dekonstruiert oder neu mischt, um verborgene oder übersehene Erzählungen aufzudecken. Dadurch fordert sie die Betrachter auf, die Authentizität des Gesehenen in Frage zu stellen und historische Erzählungen zu überdenken.

Ihre Arbeit ist sowohl intellektuell anspruchsvoll als auch visuell fesselnd und fordert das Publikum auf, die Natur der Realität, der Erinnerung und die Art und Weise, wie wir die Welt interpretieren, zu überdenken.

L'exposition invite à une réflexion sur notre perception du monde, nos expériences et les traces qu'elles laissent derrière elles. Elle peut être interprétée comme un memento mori ou comme le portrait d'une vie absente - un rappel poignant de ce qui a été perdu ou n'est plus présent.

« Le Miroir aveugle » fait référence aux peintures hollandaises du XVIIe siècle, dans lesquelles les rideaux peints cachaient souvent partiellement la scène principale. Cette technique, qui crée un effet d'illusion, permettait aux spectateurs de découvrir des scènes d'intérieur, des motifs religieux ou des intérieurs d'église, tout en protégeant l'œuvre de la lumière. L'œuvre d'Aëgerter explore ainsi les thèmes de la mémoire et de la réflexion sur les expériences passées.

La pratique d'Aëgerter se distingue par son utilisation de l'appropriation et sa connaissance approfondie de l'histoire de l'art, qu'elle utilise pour établir des liens entre le passé et le présent. Ses œuvres offrent de nouvelles perspectives, suggérant des futurs potentiels tout en réfléchissant à l'histoire qu'elles évoquent. Certaines de ses œuvres fonctionnent comme des miroirs, reflétant non seulement le passé, mais découvrant également de nouvelles significations et de nouvelles voies pour demain.

La pratique de Laurence Aëgerter s'étend de la photographie à la tapisserie, en passant par des projets collaboratifs, tous axés sur la création, la diffusion et la consommation d'images et d'informations. Elle manipule et réinterprète souvent des documents historiques et d'archives - en particulier des photographies - en les déconstruisant ou en les remixant pour révéler des récits cachés ou négligés. Elle incite ainsi les spectateurs à remettre en question l'authenticité de ce qu'ils voient et à reconsidérer les récits historiques.

Son travail est à la fois intellectuellement rigoureux et visuellement fascinant, incitant le public à repenser la nature de la réalité, de la mémoire et de la façon dont nous interprétons le monde.

La mostra invita a riflettere sulla nostra percezione del mondo, sulle nostre esperienze e sulle tracce che lasciano dietro di sé. Può essere interpretata come un memento mori o come il ritratto di una vita in assenza - un ricordo struggente di ciò che è andato perduto o non è più presente.

“Le Miroir aveugle” fa riferimento ai dipinti olandesi del XVII secolo, in cui le tende dipinte spesso nascondevano parzialmente la scena principale. Questa tecnica, creando un effetto illusorio, permetteva agli spettatori di scoprire scene di interni, motivi religiosi o interni di chiese, proteggendo al contempo l'opera d'arte dalla luce. In questo modo, l'opera di Aëgerter esplora i temi della memoria e del riflesso delle esperienze passate.

Ciò che distingue la pratica di Aëgerter è l'uso dell'appropriazione e la profonda conoscenza della storia dell'arte, che utilizza per creare connessioni tra passato e presente. Le sue opere offrono nuove prospettive, suggerendo potenziali futuri e riflettendo sulla storia che evocano. Alcune delle sue opere funzionano come specchi, non solo riflettendo il passato ma anche scoprendo nuovi significati e percorsi per il domani.

La pratica di Laurence Aëgerter spazia tra fotografia, arazzi e progetti collaborativi, tutti incentrati sulla creazione, la diffusione e il consumo di immagini e informazioni. Spesso manipola e reinterpreta materiali storici e d'archivio, in particolare fotografie, decostruendoli o rimescolandoli per rivelare narrazioni nascoste o trascurate. In questo modo, sfida gli spettatori a mettere in discussione l'autenticità di ciò che vedono e a riconsiderare le narrazioni storiche.

Il suo lavoro è intellettualmente rigoroso e visivamente avvincente, e spinge il pubblico a ripensare la natura della realtà, della memoria e dei modi in cui interpretiamo il mondo.

The exhibition invites reflection on our perception of the world, our experiences, and the traces they leave behind. It can be interpreted as a memento mori or as a portrait of a life in absence – a poignant reminder of what has been lost or is no longer present.

“Le Miroir aveugle” references 17th-century Dutch paintings, in which painted curtains often partially concealed the main scene. This technique, creating an illusionary effect, allowed viewers to uncover interior scenes, religious motifs, or church interiors, while also protecting the artwork from light. Through this, Aëgerter’s work explores the themes of memory and the reflection of past experiences.

What sets Aëgerter’s practice apart is her use of appropriation and deep knowledge of art history, which she uses to forge connections between past and present. Her works offer new perspectives, suggesting potential futures while reflecting on the history they evoke. Some of her pieces function as mirrors, not only reflecting the past but also uncovering new meanings and pathways for tomorrow.

Laurence Aëgerter’s practice spans photography, tapestry, and collaborative projects, all focused on the creation, dissemination, and consumption of images and information. She often manipulates and reinterprets historical and archival materials – particularly photographs – deconstructing or remixing them to reveal hidden or overlooked narratives. Through this, she challenges viewers to question the authenticity of what they see and reconsider historical narratives.

Her work is both intellectually rigorous and visually compelling, urging audiences to rethink the nature of reality, memory, and the ways we interpret the world.

Le Miroir aveugle nodigt uit tot reflectie over onze perceptie van de wereld, onze ervaringen en de sporen die ze achterlaten. Het kan worden geïnterpreteerd als een memento mori of als een portret van een leven in afwezigheid – een aangrijpende herinnering aan wat verloren is gegaan of niet langer aanwezig is.

Le Miroir aveugle verwijst naar 17e-eeuwse Nederlandse schilderijen waarin gordijnen vaak de hoofdscène gedeeltelijk verborgen. Deze techniek, die een illusionistisch effect creëerde, stelde de kijker in staat interieurtaferelen, religieuze motieven of kerkinterieurs te onthullen, terwijl het kunstwerk tegen licht werd afgeschermd. Op deze manier onderzoekt Aëgerters werk de thema’s geheugen en reflectie op ervaringen uit het verleden.

Wat Aëgerter’s praktijk onderscheidt, is haar gebruik van appropriatie en haar diepe kennis van kunstgeschiedenis, die ze inzet om verbanden te leggen tussen het verleden en het heden. Haar werken bieden nieuwe perspectieven en suggereren mogelijke toekomsten, terwijl ze reflecteren op de geschiedenis die ze oproepen. Sommige van haar werken fungeren als spiegels, die niet alleen het verleden reflecteren, maar ook nieuwe betekenissen en paden voor de toekomst onthullen.

Aëgerter’s werk omvat fotografie, wandtapijt en samenwerkingsprojecten, die allemaal gericht zijn op de creatie, verspreiding en consumptie van beelden en informatie. Ze manipuleert en herinterpreteert vaak historische en archiefmaterialen – vooral fotografie – door ze te deconstrueren of te remixeren om verborgen of over het hoofd geziene verhalen te onthullen. Hiermee daagt ze het publiek uit om de authenticiteit van wat ze zien in twijfel te trekken en historische narratieven opnieuw te overwegen.

Haar werk is zowel intellectueel rigoureus als visueel boeiend, en moedigt het publiek aan de aard van de werkelijkheid,

het geheugen en de manieren waarop we de wereld interpreteren, opnieuw te bedenken.

(Text: Bildhalle Zürich/Amsterdam)

Luma Westbau | Zürich
7. Februar 2025

A Trilogy: The Tempest Society, The Circle, and The Public Storyteller
Bouchra Khalili

Bouchra Khalili arbeitet mit verschiedenen Medien, darunter Film, Video, Installation, Fotografie, Arbeiten auf Papier, Textil und redaktionellen Plattformen. Ihre multidisziplinäre Praxis eröffnet neue Perspektiven auf Bürgerschaft an, die es uns ermöglichen, andere Formen der Zugehörigkeit zu erdenken.

Film und Video spielen eine zentrale Rolle in ihrem Denken. Bekannt für komplexe und vielschichtige narrative Konstruktionen, greifen Khalilis filmische Arbeiten auf verdrängte historische Momente kollektiver Emanzipation zurück, die unterschiedliche Geschichten, Geografien und Generationen umfassen. Weder Dokumentarfilm noch Fiktion, ihre tiefgründig recherchierten „Film-Hypothesen“ artikulieren Sprache, mündliche Überlieferung, poetische Beschwörungen, Erzählkunst und innovative visuelle Formen.

Durch Experimente mit der Montage wird Khalilis Schnittprozess zu einem zentralen Werkzeug ihrer Erzähltechniken. In ihren Filmen übernehmen die nicht-professionellen Darsteller zugleich die Rollen von Erzählern und „Editoren“. Sie erzählen und inszenieren textliche und visuelle Konstellationen unarchivierter Geschichten kollektiver Emanzipation, die von offiziellen Narrativen unterdrückt wurden. Durch die Verknüpfung von Fragmenten mündlicher Überlieferungen mit persönlichen Zeugnissen, Texten, Fotografien und bewegten Bildern wird die Vergangenheit dynamisch aktiviert und ihre Verbindungen zur Gegenwart sichtbar gemacht. Mit poetischer Kraft beschwören Khalilis Filme die Geister unerfüllter Versprechen und das Scheitern moderner Politik herauf und laden die Zuschauer ein, als Zeugen unserer Geschichte aufzutreten und über mögliche kollektive Zukünfte nachzudenken.

Die Ausstellung vereint drei von Khalilis bedeutendsten filmischen Werken: The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023) – eine Mixed-Media-Installation, die die Video-Installation The Circle (2023), das Wandplakat A Timeline for a Constellation (2023) und die Film-Installation The Storytellers (2023) umfasst – sowie The Public Storyteller (2024). Diese Werkserie gipfelt in der synchronisierten Zweikanal-Installation The Public Storyteller, einer poetischen Meditation über die Kraft des Erzählens. Das Werk führt die Erzählungen aus The Tempest Society und The Circle zu ihren ursprünglichen Wurzeln zurück und hebt die Bedeutung der Fabulierung als kollektiven Prozess hervor.

Diese Werkreihe basiert auf Khalilis umfangreicher Forschung zum Mouvement des Travailleurs Arabes (MTA, Bewegung der arabischen Arbeiter) und seinen Theatergruppen Al Assifa (Der Sturm auf Arabisch) und Al Halaka (Der Kreis auf Arabisch, der sich auch auf die in Nordafrika verbreitete Tradition des öffentlichen Geschichtenerzählens bezieht). Das MTA war eine wegweisende, autonome Organisation, die in den 1970er Jahren von maghrebinischen Arbeitern in Frankreich gegründet wurde und sich für gleiche Rechte einsetzte. Das Theater stand im Zentrum ihres Aktivismus und verkörperte ihre Vorstellung von Solidarität und Verbundenheit, da es maghrebinische Arbeiter und ihre französischen Verbündeten zusammenbrachte.

The Tempest Society spielt in Athen und greift die Theaterexperimente von Al Assifa auf, um deren Relevanz im Kontext der humanitären, sozialen und wirtschaftlichen Krise zu unter-suchen, die die griechische Hauptstadt 2016 prägte. The Circle setzt die Erzählung fort und beleuchtet die Gründung des MTA im Jahr 1973 in Paris und Marseille, seine Theatergruppen sowie die Kandidatur eines ihrer undokumentierten Mitglieder bei der französischen Präsidentschaftswahl 1974. Darüber hinaus bietet The Storytellers (2023) einen kontemplativen Raum für Geschichte, in dem ehemalige Mitglieder von Al Assifa und Al Halaka fünfzig Jahre nach ihrer ersten Aufführung Teile ihres nicht archivierten mündlichen Repertoires präsentieren. The Public Storyteller (2024) zeigt die Performance eines Geschichtenerzählers in Marrakesch, der fünfzig Jahre später den Wahlkampf von Djellali Kamel in der Tradition der "Halka" (der Kreis, die Versammlung) – der ältesten Form des öffentlichen Geschichtenerzählens in Marokko – nacherzählt. Der Akt des Erzählens und Zuhörens verwandelt sich in ein Ritual, das den Geist von Djellali beschwört, indem es alte mündliche Traditionen mit der Diaspora verbindet und so potenzielle Formen transnationaler Zugehörigkeit aufzeigt.

Gemeinsam präsentieren die Werke in der Ausstellung alternative Formen der Zugehörigkeit und der Kollektivbildung durch und mit Performance. Sie bieten einen meditativen Zugang zu unterdrückten Geschichten, zur Kraft kollektiver Fabulierung, wie sie vom öffentlichen Geschichtenerzähler verkörpert wird, und zur „Montage“ als Kunstform, die begrabene Geschichte wieder zum Leben erwecken kann.

Bouchra Khalili travaille avec différents médias, dont le film, la vidéo, l'installation, la photographie, le travail sur papier, le textile et les plateformes éditoriales. Sa pratique multidisciplinaire ouvre de nouvelles perspectives sur la citoyenneté, nous permettant d'imaginer d'autres formes d'appartenance.

Le film et la vidéo jouent un rôle central dans sa réflexion. Connues pour leurs constructions narratives complexes et multidimensionnelles, les œuvres cinématographiques de Khalili font appel à des moments historiques refoulés d'émancipation collective, englobant différentes histoires, géographies et générations. Ni documentaire, ni fiction, ses « hypothèses cinématographiques », profondément recherchées, articulent langage, tradition orale, évocations poétiques, art du récit et formes visuelles innovantes.

En expérimentant avec le montage, le processus de montage de Khalili devient un outil central de ses techniques narratives. Dans ses films, les acteurs non-professionnels jouent à la fois le rôle de narrateurs et de « monteurs ». Ils racontent et mettent en scène des constellations textuelles et visuelles d'histoires non archivées d'émancipation collective qui ont été réprimées par les récits officiels. En associant des fragments de traditions orales à des témoignages personnels, des textes, des photographies et des images animées, le passé est activé de manière dynamique et ses liens avec le présent sont rendus visibles. Avec une force poétique, les films de Khalili évoquent les fantômes des promesses non tenues et l'échec de la politique moderne, invitant les spectateurs à devenir les témoins de notre histoire et à réfléchir aux futurs collectifs possibles.

L'exposition réunit trois des œuvres cinématographiques les plus importantes de Khalili : The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023) - une installation de médias mixtes qui comprend l'installation vidéo The Circle (2023), l'affiche murale A Timeline for a Constellation (2023) et l'installation cinématographique The Storytellers (2023) - et The Public Storyteller (2024). Cette série d'œuvres culmine avec l'installation synchronisée à deux canaux The Public Storyteller, une méditation poétique sur le pouvoir de la narration. L'œuvre ramène les récits de The Tempest Society et de The Circle à leurs racines originelles et souligne l'importance de la fabulation en tant que processus collectif.

Cette série d'œuvres s'appuie sur les recherches approfondies de Khalili sur le Mouvement des Travailleurs Arabes (MTA) et ses troupes de théâtre Al Assifa (La Tempête en arabe) et Al Halaka (Le Cercle en arabe, qui fait également référence à la tradition de narration publique répandue en Afrique du Nord). Le MTA était une organisation pionnière et autonome, fondée dans les années 1970 par des travailleurs maghrébins en France, qui militaient pour l'égalité des droits. Le théâtre était au cœur de leur activisme et incarnait leur conception de la solidarité et du lien, puisqu'il réunissait les travailleurs maghrébins et leurs alliés français.

The Tempest Society se déroule à Athènes et reprend les expériences théâtrales d'Al Assifa pour en explorer la pertinence dans le contexte de la crise humanitaire, sociale et économique qui a marqué la capitale grecque en 2016. The Circle poursuit le récit en mettant en lumière la création du MTA en 1973 à Paris et à Marseille, ses troupes de théâtre et la candidature d'un de leurs membres sans papiers à l'élection présidentielle française de 1974. En outre, The Storytellers (2023) offre un espace contemplatif pour l'histoire, dans lequel d'anciens membres d'Al Assifa et d'Al Halaka présentent des parties de leur répertoire oral non archivé, cinquante ans après leur première représentation. The Public Storyteller (2024) présente la performance d'un conteur à Marrakech qui, cinquante ans plus tard, raconte la campagne électorale de Djellali Kamel dans la tradition de la « halka » (le cercle, l'assemblée) - la plus ancienne forme de narration publique au Maroc. L'acte de raconter et d'écouter se transforme en un rituel qui convoque l'esprit de Djellali en reliant les anciennes traditions orales à la diaspora, révélant ainsi des formes potentielles d'appartenance transnationale.

Ensemble, les œuvres de l'exposition présentent des formes alternatives d'appartenance et de création de collectifs par et avec la performance. Elles offrent un accès méditatif aux histoires refoulées, au pouvoir de la fabulation collective incarnée par le conteur public, et au « montage » comme forme d'art capable de faire revivre une histoire enterrée.

Bouchra Khalili lavora con diversi media, tra cui film, video, installazioni, fotografia, opere su carta, tessuti e piattaforme editoriali. La sua pratica multidisciplinare apre nuove prospettive sulla cittadinanza che ci permettono di immaginare altre forme di appartenenza.

Il cinema e il video svolgono un ruolo centrale nel suo pensiero. Conosciute per le costruzioni narrative complesse e multistrato, le opere filmiche di Khalili attingono a momenti storici repressi di emancipazione collettiva che attraversano storie, geografie e generazioni diverse. Né documentario né fiction, le sue “ipotesi cinematografiche” profondamente studiate articolano linguaggio, tradizione orale, incantesimi poetici, arte narrativa e forme visive innovative.

Sperimentando con il montaggio, il processo di editing di Khalili diventa uno strumento centrale delle sue tecniche narrative. Nei suoi film, gli attori non professionisti assumono contemporaneamente il ruolo di narratori e “montatori”. Essi narrano e mettono in scena costellazioni testuali e visive di storie non archiviate di emancipazione collettiva che sono state soppresse dalle narrazioni ufficiali. Collegando frammenti di tradizione orale con testimonianze personali, testi, fotografie e immagini in movimento, il passato viene attivato dinamicamente e le sue connessioni con il presente rese visibili. Con forza poetica, i film di Khalili evocano i fantasmi di promesse non mantenute e il fallimento della politica moderna, invitando gli spettatori ad agire come testimoni della nostra storia e a riflettere su possibili futuri collettivi.

La mostra riunisce tre delle opere cinematografiche più significative di Khalili: The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023) - un'installazione a tecnica mista che comprende la videoinstallazione The Circle (2023), il poster murale A Timeline for a Constellation (2023) e l'installazione cinematografica The Storytellers (2023) - e The Public Storyteller (2024). Questa serie di opere culmina nell'installazione sincronizzata a due canali The Public Storyteller, una meditazione poetica sul potere della narrazione. L'opera riporta le narrazioni di The Tempest Society e The Circle alle loro origini e sottolinea l'importanza della narrazione come processo collettivo.

Questa serie di opere si basa sull'approfondita ricerca di Khalili sul Mouvement des Travailleurs Arabes (MTA, Movimento dei Lavoratori Arabi) e sui suoi gruppi teatrali Al Assifa (La Tempesta in arabo) e Al Halaka (Il Cerchio in arabo, che si riferisce anche alla tradizione della narrazione pubblica prevalente in Nord Africa). L'MTA è stata un'organizzazione pionieristica e autonoma fondata dai lavoratori magrebini in Francia negli anni '70, che si batteva per la parità di diritti. Il teatro è stato al centro del loro attivismo e ha incarnato la loro idea di solidarietà e di connessione, in quanto ha riunito i lavoratori magrebini e i loro alleati francesi.

Ambientato ad Atene, The Tempest Society prende spunto dagli esperimenti teatrali di Al Assifa per esplorarne la rilevanza nel contesto della crisi umanitaria, sociale ed economica che ha colpito la capitale greca nel 2016. The Circle continua la narrazione, evidenziando la fondazione dell'MTA nel 1973 a Parigi e Marsiglia, i suoi gruppi teatrali e la candidatura di uno dei suoi membri senza documenti alle elezioni presidenziali francesi del 1974. Inoltre, The Storytellers (2023) offre uno spazio contemplativo per la storia, in cui gli ex membri di Al Assifa e Al Halaka presentano parti del loro repertorio orale non archiviato a cinquant'anni dalla loro prima esibizione. The Public Storyteller (2024) mostra la performance di un cantastorie di Marrakech che, cinquant'anni dopo, racconta la campagna elettorale di Djellali Kamel nella tradizione dell'“Halka” (il cerchio, la riunione) - la più antica forma di narrazione pubblica in Marocco. L'atto del raccontare e dell'ascoltare si trasforma in un rituale che evoca lo spirito di Djellali collegando le antiche tradizioni orali con la diaspora, rivelando potenziali forme di appartenenza transnazionale.

Insieme, le opere in mostra presentano forme alternative di appartenenza e collettivizzazione attraverso e con la performance. Offrono un approccio meditativo alle storie soppresse, al potere della creazione collettiva incarnato dal narratore pubblico e al “montaggio” come forma d'arte che può riportare in vita la storia sepolta.

Bouchra Khalili works across different media including film, video, installation, photography, works on paper, textile, and editorial platforms. Her multidisciplinary practice suggests civic imaginations that can allow us to envision other ways of belonging.

Film and video play a central role in her thinking. Known for complex and multilayered narrative constructions, Khalili’s filmic works draw on suppressed historical moments of collective emancipation that span diverse histories, geographies, and generations. Neither documentary nor fiction, her deeply researched “film hypotheses” articulate language, oral transmission, poetic invocations, storytelling, and innovative visual forms.

Experimenting withmontage, Khalili’s editing process is a key tool of her narration techniques. In her films, the non-professional performers are, at the same time, the film’s storytellers and “editors”. They narrate and act out textual and visual constellations of unarchived stories of collective emancipation that were suppressed by official narratives. Putting together fragments of oral histories with personal testimonies, texts, photographs, and moving images, they dynamically activate the pastwhile revealing its connections to the present. Summoning poetically the ghosts of unachieved promises and the failures ofmodern politics, Khalili’s films invite viewers to become the witnesses of our history and to contemplate our potential collective future.

The exhibition brings together three of Khalili’s seminal film works: The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023)—a mixed-media installation that includes the video installation The Circle (2023), the mural poster A Timeline for a Constellation (2023), and the film installation The Storytellers (2023)—as well as The Public Storyteller (2024). This series of works conclude with the synchronized dual-channel installation The Public Storyteller, a poetic meditation on the power of storytelling. The work reconnects the narratives from The Tempest Society and The Circle to their original roots, highlighting the force of fabulation as a collective process.

This set of works departs from Khalili’s extensive research on the Mouvement des travailleurs arabes (MTA, Movement of Arab Workers) and its theater groups, Al Assifa (The Tempest in Arabic) and Al Halaka (The Circle in Arabic, which is also referencing the tradition of public storytelling that is common in North Africa). The MTA was a pioneering autonomous organization led by Maghrebi workers during the 1970s in France, advocating for equal rights. Theater was central to their activism, epitomizing their conception of solidarity and allyship, as it brought together Maghrebi workers and their French allies.

Set in Athens, The Tempest Society references the theatrical experiments of Al Assifa in order to examine their topicality in the context of the humanitarian, social, and economic crisis that marked the Greek capital in 2016. The Circle continues the same story, examining closely the birth of the MTA in 1973 both in Paris and in Marseille, its theater groups, and the candidacy of one of their undocumented members in the French presidential election in 1974. Further to these, The Storytellers (2023) suggests a contemplative space for history, where former members of Al Assifa and Al Halaka perform parts of their unarchived oral repertory fifty years after their first performance. The Public Storyteller (2024) shows the performance of a storyteller in Marrakesh narrating, 50 years later, the campaign of Djellali Kamel in the tradition of the "Halka" (the circle, the assembly), Morocco's most ancient form of public storytelling. The act of storytelling and of listening becomes a ritual for summoning the specter of Djellali to appear, blending ancient oral traditions with the diaspora, eventually suggesting potential forms of transnational belonging.

Together, the works in the exhibition propose alternative forms of belonging, production of collectivizes with and through performance. They offer a meditative approach to witnessing suppressed histories, the power of collective fabulation as epitomized by the public storyteller, and “montage” as the art capable of resurrecting buried history.

(Text: Luma Westbau)

Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
6. Februar 2025

Einführung durch Prof. Dr. Robert Fleck

Weiss war der Schnee
Thomas Wrede

Die Galerie Bernhard Knaus Fine Art präsentiert ihre erste Einzelausstellung mit Werken aus dem Glacier Project von Thomas Wrede. In seinem fotografischen OEuvre lotet Wrede die faszinierende Grenze zwischen Inszenierung und Wirklichkeit aus, wobei Landschaften als zentrales Sujet fungieren. Seine Werke ergründen sowohl vorgefundene als auch eigens kreierte Konstruktionen in der Natur, stets im Spannungsfeld zwischen Authentizität und Artifizialität.

Bereits Wredes frühere Werkgruppen thematisieren Umwelt, Naturkatastrophen und menschliche Spuren in der Landschaft, was zu einer einzigartigen Bildästhetik zwischen surrealer Verfremdung, kritischer Dokumentation und apokalyptischer Fiktion führt. Seine spektakulären Landschaftsaufnahmen der alpinen Gletscher spiegeln dabei auf erschreckend bildliche Weise den fortschreitenden Klimawandel und seine Folgen wider und sind damit aktueller denn je.

Während die Serie Real Landscapes sich durch gezielte Inszenierungen mit Miniaturmodellen in natürlichen Umgebungen auszeichnet, in denen der Künstler bewusst mit der Perspektive spielt und eine Spannung zwischen Realität und Fiktion erzeugt, verschmelzen bei den Gletscherfotografien natürliche Landschaften mit menschlichen Eingriffen.

Wredes Glacier Project, das 2017 mit Aufnahmen des Schweizer Rhonegletschers begann, umfasst großformatige Panoramen sowie Außen- und Innenansichten der Gletscherhöhlen. Es basiert auf dem Konzept der verpackten Landschaft. Um das rapide Abschmelzen der Gletscher zu verlangsamen, werden große Eisflächen – temporär oder auch dauerhaft – mit Vlies abgedeckt. Detailaufnahmen zeigen die verwitterten Abdeckungen, die Geröll und schmutzigen Schnee freilegen. Die morbide Ästhetik der Falten, die gewählten Ausschnitte und die vielfältigen Grautöne ergeben einzigartige malerische Motive. Diese Aufnahmen erinnern an Wredes frühe Serie Samsö aus den 1990er Jahren, in der Plastikfolien auf einer dänischen Insel in atmosphärischen Schwarzweiß-Aufnahmen eine beklemmende Schönheit entfalten.

Im Kontrast zur maroden "Außenhaut" steht das faszinierende Farben- und Lichtspiel der jahrhundertealten Eisschichten im Inneren. Die Vliesabdeckungen scheinen durch das dünner werdende Eis und brechen teilweise in die Höhle ein, wodurch Außen und Innen, Natürliches und Künstliches verschmelzen.

In der neueren Arbeiten Blutschnee erkundet Wrede ein faszinierendes Naturphänomen am Presena-Gletscher in Südtirol. Die rosarot schimmernden Algen im Tauwasser verwandeln den Schnee in abstrakte, fast surreale Farbkompositionen, die die fragile Schönheit, Vergänglichkeit und klimatische Transformation der alpinen Landschaft eindringlich visualisieren.

Der Titel WEISS WAR DER SCHNEE unserer Ausstellung deutet auf eine verlorene Reinheit hin, evoziert eine elegische Meditation über die einst unberührte alpine Landschaft. Er changiert zwischen melancholischer Reminiszenz und zeitdiagnostischer Klage, indem er die jungfräuliche Reinheit des Schnees als Metapher für eine unwiederbringlich verlorene Ursprünglichkeit heraufbeschwört und symbolisiert so Vergänglichkeit und Wandel in Wredes Gletscherfotografien.

Wredes Ziel ist keine dokumentarische Erfassung der Gletscherveränderungen, sondern vielmehr die Verwendung der Fotografie als anschauliches Denken. Seine künstlerische Auseinandersetzung mit den Gletschern resultiert in verstörend schönen Bildern, die zwischen Idylle und Katastrophe, Inszenierung und Wirklichkeit oszillieren.

Als engagierter Künstler setzt Wrede das Glacier Project fort und besteigt weitere Gletscher, um die bedrohte Schönheit und Fragilität des Eises festzuhalten: „Ich will Bilder zwischen Dokumentation und subjektivem Sehen finden, die die Spuren der Klimakrise und die rapiden Veränderungen mitten in Europa sichtbar werden lassen. (2018)“. Seine Werke finden sich in renommierten Sammlungen weltweit. Zudem war er an der Klima Biennale im Museum für Angewandte Kunst in Wien (2021) sowie an der Ausstellung Weather Engines im Onassis Stegi in Athen (2022) beteiligt.

La galerie Bernhard Knaus Fine Art présente sa première exposition individuelle avec des œuvres du Glacier Project de Thomas Wrede. Dans son œuvre photographique, Wrede explore la frontière fascinante entre mise en scène et réalité, avec les paysages comme sujet central. Ses œuvres explorent aussi bien les constructions trouvées dans la nature que celles qu'il a lui-même créées, toujours dans le champ de tension entre l'authenticité et l'artificialité.

Les groupes d'œuvres antérieurs de Wrede traitent déjà de l'environnement, des catastrophes naturelles et des traces humaines dans le paysage, ce qui donne lieu à une esthétique picturale unique entre altération surréaliste, documentation critique et fiction apocalyptique. Ses photos de paysages spectaculaires des glaciers alpins reflètent ainsi de manière terriblement imagée le changement climatique en cours et ses conséquences, et sont donc plus actuelles que jamais.

Alors que la série Real Landscapes se caractérise par des mises en scène ciblées avec des modèles miniatures dans des environnements naturels, dans lesquelles l'artiste joue délibérément avec la perspective et crée une tension entre réalité et fiction, les photographies de glaciers mêlent paysages naturels et interventions humaines.

Le Glacier Project de Wrede, qui a débuté en 2017 avec des prises de vue du glacier suisse du Rhône, comprend des panoramas grand format ainsi que des vues extérieures et intérieures des grottes glaciaires. Il est basé sur le concept de paysage emballé. Afin de ralentir la fonte rapide des glaciers, de grandes surfaces de glace sont recouvertes - temporairement ou durablement - de non-tissé. Des photos de détail montrent les couvertures usées par les intempéries, laissant apparaître des éboulis et de la neige sale. L'esthétique morbide des plis, les découpes choisies et les multiples nuances de gris créent des motifs picturaux uniques. Ces clichés rappellent la première série de Wrede, Samsö, réalisée dans les années 1990, dans laquelle des films plastiques d'une île danoise déploient une beauté oppressante dans des prises de vue atmosphériques en noir et blanc.

En contraste avec la « peau extérieure » délabrée, le jeu fascinant de couleurs et de lumière des couches de glace séculaires à l'intérieur. Les couvertures en non-tissé brillent à travers la glace qui s'amincit et s'enfoncent partiellement dans la grotte, fusionnant ainsi l'extérieur et l'intérieur, le naturel et l'artificiel.

Dans son œuvre récente Blutschnee, Wrede explore un phénomène naturel fascinant sur le glacier Presena dans le Tyrol du Sud. Les algues aux reflets roses dans l'eau de fonte transforment la neige en compositions de couleurs abstraites, presque surréalistes, qui visualisent avec force la beauté fragile, l'éphémère et la transformation climatique du paysage alpin.

Le titre WEISS WAR DER SCHNEE de notre exposition suggère une pureté perdue, évoque une méditation élégiaque sur le paysage alpin autrefois intact. Il oscille entre réminiscence mélancolique et complainte diagnostique contemporaine, en évoquant la pureté virginale de la neige comme métaphore d'une originalité irrémédiablement perdue, symbolisant ainsi l'éphémère et le changement dans les photographies de glaciers de Wrede.

L'objectif de Wrede n'est pas d'enregistrer de manière documentaire les changements survenus sur les glaciers, mais plutôt d'utiliser la photographie comme un mode de pensée descriptif. Sa confrontation artistique avec les glaciers se traduit par des images d'une beauté troublante, qui oscillent entre idylle et catastrophe, mise en scène et réalité.

En tant qu'artiste engagé, Wrede poursuit le Glacier Project et escalade d'autres glaciers afin d'immortaliser la beauté menacée et la fragilité de la glace : « Je veux trouver des images à mi-chemin entre le documentaire et la vision subjective, qui rendent visibles les traces de la crise climatique et les changements rapides au cœur de l'Europe. (2018) ». Ses œuvres se trouvent dans des collections prestigieuses du monde entier. Il a également participé à la Biennale sur le climat au Museum für Angewandte Kunst de Vienne (2021) et à l'exposition Weather Engines à l'Onassis Stegi d'Athènes (2022).

La Galerie Bernhard Knaus Fine Art presenta la sua prima mostra personale con opere del Glacier Project di Thomas Wrede. Nella sua opera fotografica, Wrede esplora l'affascinante confine tra messa in scena e realtà, con i paesaggi come soggetto centrale. Le sue opere esplorano sia le costruzioni trovate che quelle create appositamente in natura, sempre nel campo della tensione tra autenticità e artificialità.

I precedenti gruppi di opere di Wrede tematizzano già l'ambiente, i disastri naturali e le tracce umane nel paesaggio, dando vita a un'estetica visiva unica tra alienazione surreale, documentazione critica e finzione apocalittica. Le sue spettacolari fotografie paesaggistiche dei ghiacciai alpini riflettono in modo spaventosamente visivo l'avanzare del cambiamento climatico e le sue conseguenze e sono quindi più attuali che mai.

Mentre la serie Real Landscapes è caratterizzata da una deliberata messa in scena con modelli in miniatura in ambienti naturali, in cui l'artista gioca consapevolmente con la prospettiva e crea una tensione tra realtà e finzione, le fotografie dei ghiacciai fondono paesaggi naturali con l'intervento umano.

Il Glacier Project di Wrede, iniziato nel 2017 con le fotografie del ghiacciaio svizzero del Rodano, comprende panorami di grande formato e vedute esterne e interne di grotte glaciali. Si basa sul concetto di paesaggio impacchettato. Per rallentare il rapido scioglimento dei ghiacciai, vaste aree di ghiaccio vengono coperte - temporaneamente o permanentemente - con veli. I primi piani mostrano le coperture rovinate dalle intemperie che espongono macerie e neve sporca. L'estetica morbosa delle pieghe, i dettagli selezionati e le diverse tonalità di grigio creano motivi pittorici unici. Queste immagini ricordano le prime serie Samsö di Wrede degli anni '90, in cui i teli di plastica su un'isola danese dispiegano una bellezza opprimente in suggestivi scatti in bianco e nero.

In contrasto con la fatiscente “pelle esterna” è l'affascinante gioco di colori e luce degli strati di ghiaccio secolari all'interno. Le coperture in pile risplendono attraverso l'assottigliamento del ghiaccio e irrompono parzialmente nella grotta, fondendo esterno e interno, naturale e artificiale.

Nell'opera più recente Blutschnee, Wrede esplora un affascinante fenomeno naturale sul ghiacciaio Presena in Alto Adige. Le alghe rosa scintillanti nell'acqua di disgelo trasformano la neve in composizioni di colori astratti, quasi surreali, che visualizzano vividamente la fragile bellezza, la transitorietà e la trasformazione climatica del paesaggio alpino.

Il titolo WHITE WAS THE SNOW della nostra mostra allude a una purezza perduta, evocando una meditazione elegiaca sul paesaggio alpino un tempo incontaminato. Oscilla tra la reminiscenza malinconica e il lamento del tempo, evocando la purezza vergine della neve come metafora di un'originalità irrimediabilmente perduta, simboleggiando così la transitorietà e il cambiamento nelle fotografie dei ghiacciai di Wrede.

L'obiettivo di Wrede non è quello di documentare i cambiamenti dei ghiacciai, ma piuttosto di usare la fotografia come un modo vivido di pensare. La sua esplorazione artistica dei ghiacciai si traduce in immagini di inquietante bellezza che oscillano tra idillio e catastrofe, tra messa in scena e realtà.

Come artista impegnato, Wrede continua il Glacier Project e scala altri ghiacciai per catturare la bellezza minacciata e la fragilità dei ghiacci: “Voglio trovare immagini tra la documentazione e la visione soggettiva che rendano visibili le tracce della crisi climatica e i rapidi cambiamenti nel centro dell'Europa”. (2018)”. Le sue opere si trovano in collezioni rinomate in tutto il mondo. È stato inoltre coinvolto nella Biennale del Clima al Museo di Arti Applicate di Vienna (2021) e nella mostra Weather Engines all'Onassis Stegi di Atene (2022).

The gallery Bernhard Knaus Fine Art presents its first solo exhibition of works from the Glacier Project by Thomas Wrede. In his photographic oeuvre, Wrede explores the fascinating boundary between staging and reality, with landscapes as the central subject. His works explore both found and specially created constructions in nature, always in the field of tension between authenticity and artificiality.

Wrede's earlier work groups already address the environment, natural disasters and human traces in the landscape, which leads to a unique pictorial aesthetic between surreal alienation, critical documentation and apocalyptic fiction. His spectacular landscape photographs of Alpine glaciers are a shocking visual reflection of the ongoing climate change and its consequences, making them more relevant than ever.

While the series Real Landscapes is characterised by deliberate staging with miniature models in natural settings, in which the artist consciously plays with perspective and creates a tension between reality and fiction, the glacier photographs merge natural landscapes with human intervention.

Wrede's Glacier Project, which began in 2017 with photographs of the Rhône Glacier in Switzerland, includes large-format panoramas as well as exterior and interior views of the glacier caves. It is based on the concept of the packed landscape. To slow the rapid melting of the glaciers, large areas of ice are covered with fleece – either temporarily or permanently. Close-up shots show the weathered covers revealing debris and dirty snow. The morbid aesthetic of the folds, the chosen details, and the varied shades of grey create unique painterly motifs. These images recall Wrede's earlier Samsö series from the 1990s, in which plastic sheets on a Danish island unfold an oppressive beauty in atmospheric black and white photographs.

In contrast to the dilapidated ‘outer skin’ stands the fascinating play of colours and light of the centuries-old ice layers inside. The fleece covers shine through the thinning ice and partially collapse into the cave, merging the outside and inside, natural and artificial.

In his more recent work, Blutschnee (Blood Snow), Wrede explores a fascinating natural phenomenon at the Presena Glacier in South Tyrol. The pink-shimmering algae in the meltwater transform the snow into abstract, almost surreal colour compositions that vividly visualise the fragile beauty, transience and climatic transformation of the Alpine landscape.

The title of our exhibition, WEISS WAR DER SCHNEE (White Was The Snow), suggests a lost purity and evokes an elegiac meditation on the once untouched Alpine landscape. It oscillates between melancholy reminiscence and a lament on the state of the times, conjuring up the virgin purity of the snow as a metaphor for an irretrievably lost naturalness, and thus symbolising transience and change in Wrede's glacier photographs.

Wrede's aim is not to document the changes to the glaciers, but rather to use photography as a vivid way of thinking. His artistic exploration of the glaciers results in disturbingly beautiful images that oscillate between idyll and catastrophe, staging and reality.

As a committed artist, Wrede is continuing the Glacier Project and climbing more glaciers to capture the threatened beauty and fragility of the ice: ‘I want to find images between documentation and subjective vision that reveal the traces of the climate crisis and the rapid changes taking place in the heart of Europe. (2018). His works are part of renowned collections worldwide. He also participated in the Climate Biennale at the Museum of Applied Arts in Vienna (2021) and the exhibition Weather Engines at the Onassis Stegi in Athens (2022).

(Text: Bernhard Knaus Fine Art, Frankfurt am Main)

Bildhalle | Zürich
6. Februar 2025

Where are you
Chantal Elisabeth Ariëns

Die Fotografien der bildenden Künstlerin Chantal Elisabeth Ariëns bringen die Stärke unseres menschlichen Inneren mit unserem anmutigen, zerbrechlichen, physischen Äußeren zusammen. Die Taktilität von Couture, Voile, Federn in ihrer Welt, die von eleganten Frauen bewohnt wird, wirft ein Licht auf unser Gefühlsleben. Dort stehen wir an der Schwelle zwischen Tat und Traum, in der Stille und im Verlangen. Mit ihren visuellen Geschichten gelingt es Ariëns, Bewegung und Ruhe im selben Moment darzustellen und uns in eine Zwischenwelt zu entführen, in der unsere Seele, unser Bewusstsein und unsere Träume schweifen. Ihre Arbeiten zeigen Momente, die zugleich jetzt und ewig sind, zugleich voll von reinem Licht und allen nur denkbaren Schatten.

Die Bilder scheinen oft etwas anzukündigen, was noch kommen wird, sie sind lediglich ein Einatmen kurz vor dem Moment suprême. Die Inspiration dieser durchscheinenden Momente ist das, wonach wir uns so sehr sehnen, und Ariëns weiß genau, wie sie dies in ihren Fotografien umsetzen kann.

Ariëns' Werk atmet Freiheit und Unabhängigkeit. Ihre autonome Arbeitsweise und ihre Art, Couture zu fotografieren, letzteres manchmal in enger Zusammenarbeit, ergänzen sich. Die Einzigartigkeit ihrer autonomen und modischen Fotografie wird durch die Tatsache verstärkt, dass sie mit Photopolymer-Radierung arbeitet, einer alten Drucktechnik. Bei diesem zeitintensiven und manuellen Verfahren verwendet die Künstlerin eine Druckplatte, die mit einem Photopolymerfilm belichtet wird, und erweckt die Bilder dann mit Tinte und ihren Händen zum Leben. Mit diesem Verfahren kann sie wie eine Malerin arbeiten: Sie streicht mit der Hand Schicht für Schicht, so dass sich die Tinte auf den Kunstdrucken ausbreitet. Das Bild erscheint buchstäblich unter ihren Händen, so dass sie intuitiv Feinheiten und Raffinessen hinzufügen kann. Diese Handarbeit sorgt dafür, dass Ariëns maximalen Raum für den entscheidenden Moment schafft; den Moment, in dem sie die Lebendigkeit und Seele ihrer Bilder erkennt. Und so fängt sie das richtige Bild, das Kunstwerk, immer wieder neu ein, ergreift und umarmt es.

Les photographies de l'artiste visuelle Chantal Elisabeth Ariëns associent la force de notre moi intérieur à notre extérieur physique, gracieux et fragile. La tactilité de la couture, du voile, des plumes dans son monde, habité par des femmes élégantes, met en lumière notre vie émotionnelle. Nous sommes là, au seuil de l'acte et du rêve, dans l'immobilité et le désir. Avec ses histoires visuelles, Ariëns est capable de dépeindre le mouvement et la sérénité dans le même moment, nous transportant dans un monde intermédiaire où notre âme, notre conscience et nos rêves se promènent. Son travail montre des moments qui sont à la fois actuels et éternels, à la fois pleins de lumière pure et de toutes les ombres imaginables.

Les images semblent souvent annoncer quelque chose qui est encore à venir, elles ne sont qu'une inspiration juste avant le moment suprême. L'inspiration de ces instants translucides est ce à quoi nous aspirons si intensément, et Ariëns sait exactement comment la traduire dans ses photographies.

L'œuvre d'Ariëns respire la liberté et l'indépendance. Sa méthode de travail autonome et sa façon de photographier la couture, parfois en étroite collaboration, se complètent. Le caractère unique de ses photographies autonomes et de mode est renforcé par le fait qu'elle travaille avec la gravure au photopolymère, une ancienne technique d'impression. Dans ce processus manuel qui prend beaucoup de temps, l'artiste utilise une plaque d'impression exposée à un film photopolymère, puis utilise de l'encre et ses mains pour donner vie aux images. Ce procédé lui permet de travailler comme un peintre : elle effleure couche après couche avec sa main pour que l'encre se répande sur les tirages d'art. L'image apparaît littéralement sous ses mains, ce qui lui permet d'ajouter de la subtilité et du raffinement de manière intuitive. Ce travail manuel permet à Ariëns de créer un maximum d'espace pour l'instant décisif, le moment où elle reconnaît la vivacité et l'âme de ses images. C'est ainsi qu'elle capture, saisit et embrasse la bonne image, l'œuvre d'art, encore et encore.

Le fotografie dell'artista visiva Chantal Elisabeth Ariëns mettono insieme la forza della nostra interiorità umana con la nostra grazia, la fragilità e l'esteriorità fisica. La tattilità della couture, del voile, delle piume nel suo mondo, abitato da donne eleganti, fa luce sulla nostra vita emotiva. Ci troviamo sulla soglia tra l'atto e il sogno, nell'immobilità e nel desiderio. Con le sue storie visive, Ariëns è in grado di rappresentare il movimento e la serenità nello stesso momento, trasportandoci in un mondo intermedio dove vagano la nostra anima, la nostra coscienza e i nostri sogni. Il suo lavoro mostra momenti che sono allo stesso tempo attuali ed eterni, pieni di luce pura e di ogni ombra immaginabile.

Le immagini sembrano spesso annunciare qualcosa che deve ancora venire, sono solo un'inspirazione prima del momento supremo. L'ispirazione di questi momenti traslucidi è ciò che desideriamo così intensamente e Ariëns sa esattamente come tradurla nelle sue fotografie.

Il lavoro di Ariëns traspira libertà e indipendenza. Il suo metodo di lavoro autonomo e il suo modo di fotografare l'alta moda, a volte in stretta collaborazione, si completano a vicenda. L'unicità della sua fotografia autonoma e di moda è esaltata dal fatto che lavora con l'incisione a fotopolimeri, un'antica tecnica di stampa. In questo processo manuale e dispendioso in termini di tempo, l'artista utilizza una lastra di stampa esposta con una pellicola fotopolimerica, poi usa l'inchiostro e le sue mani per dare vita alle immagini. Questo processo le permette di lavorare come un pittore: con la mano accarezza strato su strato in modo che l'inchiostro si diffonda sulle stampe. L'immagine appare letteralmente sotto le sue mani, permettendole di aggiungere sottigliezza e raffinatezza in modo intuitivo. Questo lavoro manuale fa sì che Ariëns crei il massimo spazio per il momento decisivo, quello in cui riconosce la vivacità e l'anima delle sue immagini. E così cattura, afferra e abbraccia l'immagine giusta, l'opera d'arte, ancora e ancora.

The photographs of visual artist Chantal Elisabeth Ariëns bring together the strength of our human inner self with our graceful, fragile, physical exterior. The tactility of couture, voile, feathers in her world, inhabited by elegant women, shed light on our emotional life. There we stand on the threshold between deed and dream in stillness, and desire. With her visual stories, Ariëns is able to depict movement and serenity in the same moment, transporting us to an in-between world where our soul, consciousness and dreams roam. Her work shows moments that are at once now and eternal, at once full of pure light and every shadow imaginable.

The images often seem to announce something that is yet to come, they are merely an inhalation just before the moment suprême. The inspiration of these translucent moments is what we long for so intensely, and Ariëns knows exactly how to translate this into her photographs.

Ariëns‘ work breathes freedom and independence. Her autonomous working method and her way of photographing couture, the latter sometimes in close collaboration, complement each other. The uniqueness of her autonomous and fashion photography is enhanced by the fact that she works with photopolymer etching; an old printing technique. In this time-intensive and manual process, the artist uses a printing plate exposed with photopolymer film, then uses ink and her hands to bring the images to life. This process allows her to work like a painter, she strokes layer upon layer with her hand so that the ink spreads across the art prints. The image literally appears under her hands, allowing her to add subtlety and refinement intuitively. This handwork ensures that Ariëns creates maximum space for the decisive moment; the moment when she recognises the liveliness and soul in her images. And so she captures, grasps and embraces the right image, the work of art, again and again.

(Text: Bildhalle, Zürich/Amsterdam)

Bildhalle – Showroom | Zürich
6. Februar 2025

Champions
Bastiaan Woudt

Das Projekt „CHAMPIONS“ von Bastiaan Woudt besteht aus einer Reihe eindrucksvoller Bilder aus Sambia, die in Zusammenarbeit mit Orange Babies entstanden sind, einer Organisation, die sich für HIV-infizierte Schwangere und ihre Kinder in Entwicklungsländern wie Namibia, Südafrika und Sambia einsetzt.

Das Herzstück des Projekts liegt in Sambia, wo Bastiaan Woudt eine Gruppe junger Erwachsener fotografiert hat, die in ihren Gemeinden als „Champions“ auftreten. Diese jungen, starken Persönlichkeiten spielen eine entscheidende Rolle bei der Aufklärung über HIV und der Schaffung sicherer Räume für Gleichaltrige, um über wichtige Themen wie sexuelle Aufklärung zu diskutieren.

Bastiaan Woudt hat diese jungen Erwachsenen nicht nur als Fürsprecher in ihrer Gemeinschaft, sondern auch als Symbole für Stärke und Würde festgehalten. Durch seine Linse wollte er diese jungen Menschen in Helden, Krieger, Könige und Königinnen verwandeln, um ihre unverzichtbare Rolle im Kampf gegen HIV und AIDS visuell darzustellen.

Dank der Großzügigkeit unserer Unterstützer haben wir bereits über 200.000 Euro gesammelt, um Orange Babies bei der Fortsetzung ihrer wichtigen Arbeit zu helfen. Darüber hinaus werden 10 % aller Einnahmen aus der Ausstellung direkt an Orange Babies gespendet. Lassen Sie uns auf dieser Dynamik aufbauen, während wir uns für eine Zukunft ohne HIV einsetzen.

Le projet CHAMPIONS de Bastiaan Woudt est une série d'images fortes de Zambie, réalisées en collaboration avec Orange Babies, une organisation dévouée qui apporte son soutien aux femmes enceintes infectées par le VIH et à leurs enfants dans les pays en développement tels que la Namibie, l'Afrique du Sud et la Zambie.

Le cœur du projet se trouve en Zambie, où Bastiaan Woudt a photographié un groupe de jeunes adultes qui agissent comme des « champions » dans leurs communautés. Ces jeunes individus puissants jouent un rôle essentiel dans la sensibilisation au VIH et dans la création d'espaces sûrs permettant à leurs pairs de discuter de sujets essentiels tels que l'éducation sexuelle.

Bastiaan Woudt a choisi de photographier ces jeunes adultes non seulement comme des défenseurs de leur communauté, mais aussi comme des symboles de force et de dignité. À travers son objectif, il a voulu transformer ces jeunes en héros, en guerriers, en rois et en reines, une représentation visuelle de leur rôle indispensable dans la lutte contre le VIH et le sida.

Grâce à la générosité de nos supporters, nous avons déjà récolté plus de 200 000 euros pour aider Orange Babies à poursuivre son travail vital. En outre, 10 % de toutes les ventes de l'exposition seront directement reversés à Orange Babies. Continuons sur notre lancée et œuvrons pour un avenir sans VIH.

Il progetto CHAMPIONS di Bastiaan Woudt è una serie di immagini potenti dallo Zambia, realizzate in collaborazione con Orange Babies, un'organizzazione dedicata che fornisce supporto alle donne incinte infettate dall'HIV e ai loro bambini nei Paesi in via di sviluppo come Namibia, Sudafrica e Zambia.

Il cuore del progetto si trova in Zambia, dove Bastiaan Woudt ha fotografato un gruppo di giovani adulti che agiscono come 'campioni' nelle loro comunità. Queste persone giovani e potenti svolgono un ruolo fondamentale nel diffondere la consapevolezza sull'HIV e nel creare spazi sicuri per i coetanei per discutere di argomenti essenziali come l'educazione sessuale.

Bastiaan Woudt ha scelto di immortalare questi giovani adulti non solo come sostenitori della loro comunità, ma anche come simboli di forza e dignità. Attraverso il suo obiettivo, ha voluto trasformare questi giovani in eroi, guerrieri, re e regine, una rappresentazione visiva del loro ruolo indispensabile nella lotta contro l'HIV e l'AIDS.

Grazie alla generosità dei nostri sostenitori, abbiamo già raccolto oltre 200.000 euro per aiutare Orange Babies a continuare il suo lavoro vitale. Inoltre, il 10% di tutte le vendite della mostra sarà donato direttamente a Orange Babies. Continuiamo a costruire su questo slancio, mentre ci impegniamo per un futuro libero dall'HIV.

Bastiaan Woudt‘s CHAMPIONS project is a series of powerful images from Zambia, realized in collaboration with Orange Babies, a dedicated organization providing support to HIV-infected pregnant women and their children in developing countries such as Namibia, South Africa, and Zambia.

The heart of the project lies in Zambia, where Bastiaan Woudt has photographed a group of young adults who act as “champions” in their communities. These young, powerful individuals play a vital role in spreading awareness about HIV and creating safe spaces for peers to discuss essential topics such as sexual education.

Bastiaan Woudt chose to capture these young adults not only as advocates in their community but also as symbols of strength and dignity. Through his lens, he aimed to transform these young people into heroes, warriors, kings, and queens, a visual representation of their indispensable role in the fight against HIV and AIDS.

Thanks to the generosity of our supporters, we’ve already raised over €200,000 to help Orange Babies continue their vital work. Additionally, 10% of all sales from the exhibition will be donated directly to Orange Babies. Let’s keep building on that momentum as we strive for a future free of HIV.

(Text: Bildhalle, Zürich + Amsterdam)

Foam | Amsterdam
6. Februar 2025

Yawm al-Firak
Sakir Khader

Yawm al-Firak, arabisch für Tag der Trennung, ist die erste Einzelausstellung des palästinensisch-niederländischen Fotografen Sakir Khader. Seit 2024 ist er der erste palästinensische Fotograf, der in das renommierte Fotografenkollektiv Magnum Photos aufgenommen wurde. Seine Bilder erforschen die fragile Grenze zwischen Leben und Tod.

In Yawm al-Firak gibt Sakir Khader sieben jungen palästinensischen Männern, die gewaltsam aus dem Leben gerissen wurden, und ihren Müttern, die sie verloren haben, eine Stimme. Anhand ihrer Geschichten und Erfahrungen reflektiert er über Abschiede in Zeiten von Besatzung, Konflikten, Krieg und Vertreibung.

Die Zahl Sieben symbolisiert in vielen Kulturen die Einheit. Die sieben Mütter und ihre verlorenen Söhne im Mittelpunkt dieser Ausstellung stehen für die Vertreibung von Hunderttausenden Palästinensern mit der Gründung des Staates Israel seit 1948, auch bekannt als Nakba. Der Titel der Ausstellung, Yawm al-Firak, bezieht sich auf ein altes arabisches Gedicht über Trennung und Abschied. Khader verbindet diese literarische Tradition mit persönlichen Geschichten. Seine Arbeit berührt universelle Themen wie Liebe, Trauer und Widerstandsfähigkeit.

Yawm al-Firak (jour de séparation en arabe) est la première exposition personnelle du photographe palestino-néerlandais Sakir Khader. Depuis 2024, il est le premier photographe palestinien sélectionné pour rejoindre le célèbre collectif de photographes Magnum Photos. Ses images explorent la frontière fragile entre la vie et la mort.

Dans Yawm al-Firak, Sakir Khader donne la parole à sept jeunes Palestiniens qui ont été violemment arrachés à la vie, ainsi qu'à leurs mères qui les ont perdus. À travers leurs histoires et leurs expériences, il réfléchit aux adieux en période d'occupation, de conflit, de guerre et de déplacement.

Le chiffre sept symbolise l'unité dans de nombreuses cultures. Les sept mères et leurs fils perdus au centre de cette exposition représentent le déplacement forcé de centaines de milliers de Palestiniens lors de la création de l'État d'Israël depuis 1948, également connu sous le nom de Nakba. Le titre de l'exposition, Yawm al-Firak, fait référence à un ancien poème arabe sur la séparation et l'adieu. Khader relie cette tradition littéraire à des histoires personnelles. Son travail aborde des thèmes universels tels que l'amour, le deuil et la résilience.

Yawm al-Firak, in arabo Giorno della separazione, è la prima mostra personale del fotografo palestinese-olandese Sakir Khader. Dal 2024 è il primo fotografo palestinese selezionato per entrare a far parte del rinomato collettivo fotografico Magnum Photos. Le sue immagini esplorano il fragile confine tra la vita e la morte.

In Yawm al-Firak, Sakir Khader dà voce a sette giovani palestinesi che sono stati violentemente strappati alla vita e alle loro madri che li hanno persi. Attraverso le loro storie ed esperienze, riflette sugli addii in tempi di occupazione, conflitto, guerra e sfollamento.

Il numero sette simboleggia l'unità in molte culture. Le sette madri e i loro figli scomparsi al centro di questa mostra rappresentano lo sfollamento forzato di centinaia di migliaia di palestinesi con la creazione dello Stato di Israele dal 1948, noto anche come Nakba. Il titolo della mostra, Yawm al-Firak, fa riferimento a un antico poema arabo sulla separazione e l'addio. Khader collega questa tradizione letteraria a storie personali. Il suo lavoro tocca temi universali come l'amore, il dolore e la resilienza.

Yawm al-Firak, Arabic for Day of Separation, is the first solo exhibition by the Palestinian-Dutch photographer Sakir Khader. Since 2024, he has been the first Palestinian photographer selected to join the renowned photography collective Magnum Photos. His images explore the fragile boundary between life and death.

In Yawm al-Firak, Sakir Khader gives a voice to seven young Palestinian men who were violently taken from life, and to their mothers who lost them. Through their stories and experiences, he reflects on farewells in times of occupation, conflict, war, and displacement.

The number seven symbolizes unity in many cultures. The seven mothers and their lost sons at the centre of this exhibition represent the forced displacement of hundreds of thousands of Palestinians with the establishment of the state of Israel since 1948, also known as the Nakba. The title of the exhibition, Yawm al-Firak, refers to an ancient Arabic poem about separation and farewell. Khader connects this literary tradition with personal stories. His work touches on universal themes such as love, grief, and resilience.

(Text: Foam, Amsterdam)

Foam | Amsterdam
23. Januar 2025

An Unfinished World
Saul Leiter

Foam ist stolz darauf, eine große Retrospektive des gefeierten amerikanischen Künstlers Saul Leiter (1923–2013) zu präsentieren. Leiter gilt als einer der wichtigsten Fotografen der 1950er Jahre in den Vereinigten Staaten und als Pionier der Farbfotografie. Diese Ausstellung vereint über 200 Werke, bestehend aus Schwarz-Weiß- und Farbfotografien sowie seinen abstrakten Gemälden. Sein vielseitiges Werk zeigt eine Praxis, bei der er Schatten, Licht und Reflexionen einsetzt, um Kompositionen in Schichten zu gestalten.

Saul Leiter (1923–2013) begann bereits als Teenager mit dem Malen und Fotografieren und erlangte schon früh Anerkennung für seine Gemälde. Nachdem er 1946 nach New York gezogen war, wandte er sich der Fotografie als Beruf zu, während er weiterhin malte. Seine abstrakten Formen und bahnbrechenden Kompositionen besitzen eine malerische Qualität, die sie von den Werken anderer Fotografen dieser Zeit unterscheidet. Seine Arbeit trug maßgeblich zur Entstehung dessen bei, was heute als New York School of Photography bekannt ist.

Ab 1957 arbeitete er für große Publikationen wie Esquire und Harper's Bazaar und brachte seinen kommerziellen Erfolg mit seiner persönlichen Leidenschaft für die Straßenfotografie in seinem Viertel in Manhattan in Einklang. Leiters bahnbrechende Arbeit in der Farbfotografie erlangte mit der Veröffentlichung seines ersten Buches Early Colour (2006) breite Anerkennung. Bis zu seinem Tod im Jahr 2013 hatte Leiter internationale Anerkennung erlangt und seine Arbeiten wurden weltweit in zahlreichen Museumsausstellungen und Publikationen gezeigt.

Foam est fière de présenter une grande exposition rétrospective du célèbre artiste américain Saul Leiter (1923-2013). Leiter est considéré comme l'un des photographes les plus importants des années 1950 aux États-Unis et un pionnier de la photographie couleur. Cette exposition rassemble plus de 200 œuvres, composées de photographies en noir et blanc et en couleur, ainsi que de peintures abstraites. Son œuvre éclectique révèle une pratique utilisant l'ombre, la lumière et les reflets pour créer des compositions en couches.

Saul Leiter (1923-2013) a commencé à peindre et à photographier à l'adolescence, et ses peintures ont été très vite reconnues. Après s'être installé à New York en 1946, il s'est tourné vers la photographie comme profession tout en continuant à peindre. Ses formes abstraites et ses compositions novatrices possèdent une qualité picturale qui les distingue des œuvres des autres photographes de l'époque. Son travail a contribué de manière significative à l'émergence de ce que l'on appelle aujourd'hui l'école de photographie de New York.

En 1957, il commence à travailler pour de grandes publications comme Esquire et Harper's Bazaar, tout en conciliant son succès commercial avec sa passion personnelle pour la photographie de rue dans son quartier de Manhattan. Le travail novateur de Leiter dans le domaine de la photographie en couleur a été largement salué avec la publication de son premier livre, Early Colour (2006). Au moment de sa mort en 2013, Leiter avait acquis une reconnaissance internationale, son travail ayant été présenté dans de nombreuses expositions muséales et publications dans le monde entier.

Foam è orgogliosa di presentare una grande mostra retrospettiva del celebre artista americano Saul Leiter (1923-2013). Leiter è considerato uno dei più importanti fotografi degli anni Cinquanta negli Stati Uniti e un pioniere della fotografia a colori. Questa mostra riunisce oltre 200 opere, composte da fotografie, sia in bianco e nero che a colori, e dai suoi dipinti astratti. La sua opera eclettica rivela una pratica che utilizza ombre, luci e riflessi per creare composizioni stratificate.

Saul Leiter (1923-2013) ha iniziato a dipingere e fotografare durante l'adolescenza, ottenendo un primo riconoscimento per i suoi dipinti. Trasferitosi a New York nel 1946, si dedica alla fotografia come professione, pur continuando a dipingere. Le sue forme astratte e le sue composizioni innovative possiedono una qualità pittorica che le distingue dalle opere di altri fotografi dell'epoca. Il suo lavoro ha contribuito in modo significativo alla nascita di quella che oggi è conosciuta come la Scuola di fotografia di New York.

Nel 1957 inizia a lavorare per importanti pubblicazioni come Esquire e Harper's Bazaar, conciliando il successo commerciale con la passione personale per la fotografia di strada nel suo quartiere di Manhattan. Il lavoro innovativo di Leiter nella fotografia a colori ha ottenuto un ampio consenso con l'uscita del suo primo libro, Early Colour (2006). Al momento della sua morte, avvenuta nel 2013, Leiter aveva ottenuto un riconoscimento internazionale e il suo lavoro era stato presentato in numerose mostre museali e pubblicazioni in tutto il mondo.

Foam is proud to present a major retrospective exhibition of the celebrated American artist Saul Leiter (1923–2013). Leiter is seen as one of the most important photographers of the 1950’s in the United States and a pioneer of colour photography. This exhibition brings together over 200 works, consisting of photography, both black-and-white and colour, as well as his abstract paintings. His eclectic oeuvre reveals a practice using shadow, light, and reflections to craft layered compositions.

Saul Leiter (1923–2013) began painting and photographing in his teenage years, gaining an early recognition for his paintings. After moving to New York in 1946, he turned to photography as a profession while continuing to paint. His abstract forms and groundbreaking compositions possess a painterly quality that distinguishes them from the works of other photographers of that era. His work significantly contributed to the emergence of what is now known as the New York School of photography.

In 1957, he began working for major publications like Esquire and Harper’s Bazaar, balancing his commercial success with his personal passion for street photography in his Manhattan neighborhood. Leiter's groundbreaking work in colour photography gained widespread acclaim with the release of his first book, Early Colour (2006). By the time of his death in 2013, Leiter had achieved international recognition, with his work featured in numerous museum exhibitions and publications worldwide.

(Text: Foam, Amsterdam)

Kunstmuseum Solothurn
18. Januar 2025

Begrüssung durch Katrin Steffen und Niccolò Castelli, Künstlerischer Leiter der Solothurner Filmtage

Danach steht der Jura auch literarisch im Fokus mit ausgewählten Texten gelesen von Michaela Wend!, Sprecherin, und einer musikalischen Performance von Guggen Prosa mit Laurence Maître und Félicien Lia.

Jurabilder

Das Kunstmuseum Solothurn und die Solothurner Filmtage setzen in ihrer ersten umfassenden Zusammenarbeit den Jura in Szene, jenes Gebiet, das Solothurn beheimatet und gleichzeitig eine Brücke über Landes- und Sprachgrenzen hinweg schlägt - von Baselland über die Neuenburger Täler bis weit nach Frankreich hinein.

In einer multidisziplinären Ausstellung, die im 18. Jahrhundert startet und bis in die Gegenwart führt, lenkt das Kunstmuseum Solothurn den Blick auf die Jura-Landschaft als Schauplatz und Motiv. Sie nimmt das Publikum mit auf eine Reise quer durch das visuelle Erbe einer Region und fragt nach deren künstlerischer Biografie, die mal in leiseren, mal in drastischeren Tönen von unterschiedlichen Auffassungen und Realitäten zeugt.

Die Schau vereint Malerei und Fotografie im Dialog und spannt den Bogen weiter von Filmdokumenten bis hin zu Werken von Anne und Jean Rochat oder Augustin Rebetez, die eigens für das Projekt entstanden sind. Die 60. Solothurner Filmtage (22.-29.1.25) widmen dem Drehort Jura ein Spezialprogramm, das mit einer internationalen Retrospektive und aktuellen Filmen die Topografie des Jurabogens erkundet.

Pour leur première collaboration d'envergure, le Kunstmuseum de Soleure et les Journées cinématographiques de Soleure mettent en scène le Jura, cette région qui abrite Soleure et qui jette en même temps un pont par-delà les frontières nationales et linguistiques - de Bâle-Campagne aux vallées neuchâteloises, jusqu'à la France.

Dans une exposition pluridisciplinaire qui débute au 18e siècle et se poursuit jusqu'à nos jours, le Kunstmuseum de Soleure attire le regard sur le paysage jurassien en tant que décor et motif. Elle emmène le public dans un voyage à travers le patrimoine visuel d'une région et s'interroge sur sa biographie artistique, qui témoigne tantôt de manière plus discrète, tantôt de manière plus radicale, de conceptions et de réalités différentes.

L'exposition réunit la peinture et la photographie dans un dialogue et s'étend à des documents cinématographiques ainsi qu'à des œuvres d'Anne et Jean Rochat ou d'Augustin Rebetez, créées spécialement pour le projet. Le site 60e Journées cinématographiques de Soleure (22-29.1.25) consacrent un programme spécial au Jura, lieu de tournage, qui explore la topographie de l'Arc jurassien avec une rétrospective internationale et des films récents.

Nella loro prima collaborazione globale, il Museo d'Arte di Soletta e il Festival del Cinema di Soletta mettono in mostra il Giura, la regione che ospita Soletta e allo stesso tempo getta un ponte attraverso i confini nazionali e linguistici - dal Canton Basilea alle valli di Neuchâtel fino alla Francia.

In una mostra multidisciplinare che parte dal XVIII secolo e arriva fino ai giorni nostri, il Museo d'arte di Soletta si concentra sul paesaggio del Giura come scenario e motivo. La mostra accompagna il pubblico in un viaggio attraverso il patrimonio visivo di una regione e indaga sulla sua biografia artistica, che testimonia percezioni e realtà diverse, a volte con toni più morbidi, a volte più drastici.

La mostra mette in dialogo pittura e fotografia e spazia dai documenti cinematografici alle opere di Anne e Jean Rochat o Augustin Rebetez, create appositamente per il progetto. Il 60° Festival del Cinema di Soletta (22.-29.1.25) dedica un programma speciale al Giura come location cinematografica, esplorando la topografia dell'arco giurassiano con una retrospettiva internazionale e film attuali.

In their first comprehensive collaboration, the Solothurn Art Museum and the Solothurn Film Festival are putting the spotlight on the Jura, the region that is home to Solothurn and at the same time builds a bridge across national and linguistic borders – from Baselland via the Neuchâtel valleys and well into France.

In a multidisciplinary exhibition that starts in the 18th century and continues to the present day, the Solothurn Art Museum draws attention to the Jura landscape as a setting and motif. It takes the public on a journey through the visual heritage of a region and asks about its artistic biography, which testifies to different perceptions and realities in sometimes quieter, sometimes more drastic tones.

The show combines painting and photography in a dialogue and spans an arc from film documents to works by Anne and Jean Rochat or Augustin Rebetez, which were created especially for the project. The 60th Solothurn Film Festival (22-29.1.25) is dedicating a special program to the Jura as a film location, exploring the topography of the Jura Arc with an international retrospective and current films.

Leica Galerie Konstanz
17. Januar 2025

Where photography meets art – taking creativity beyond the camera
David Osborn

Lange Zeit existierten Fotografie und Malerei entlang einer technischen Trennlinie in unterschiedlichen Welten. Fotografen „lichteten ab“, um die Welt einzufangen; Maler „erschufen Bilder“ als künstlerische Interpretationen der Welt. Traditionell haben Fotografen mit den Möglichkeiten gearbeitet, die ihnen die Realität geboten hat. Das bedeutete, sie mußten verwenden, was die Kamera einfing und damit ihre Kreativität zum Ausdruck bringen. Die Arbeit der Fotografen bestand darin, mit eben diesen Möglichkeiten fotografische Kunst zu generieren!

Digitale Fotografie revolutionierte diese Dynamik. David Osborn zeigt, dass Fotografien heutzutage unter anderem das Produkt der Bearbeitungssoftware sind. Diese Verschiebung hat Fotografen die kreativen Freiheiten gegeben, wie sie jahrhundertelang Malern vorenthalten war. Digitale Software hat die Trennlinie zwischen Fotografen und Malern überbrückt; Kreativität erstreckt sich nun weiter als die bloße Abbildung von Motiven.

Diese künstlerische Freiheit bringt jedoch auch neue Herausforderungen mit sich. Die neueröffneten kreativen Möglichkeiten haben bei vielen Fotografen ein kreatives Vakuum aufgezeigt, eine „künstlerische Wissenslücke“. Anders als Maler, die umfangreiches künstlerisches Verständnis mitbringen müssen, bevor sie ein Gemälde beginnen, fangen Fotografen ein vorbereitetes Bild mit einem Knopfdruck ein.

Mit meiner Erfahrung von über 40 Jahren als professioneller Fotograf suche ich mit meiner Fotografie nach Lösungen, diese „künstlerische Wissenslücke“ zu schließen. Wie bringt man Kreativität einer Generation bei, die daran gewöhnt ist, Bilder abzulichten, aber nicht zu „erschaffen“?

Meine Lösung besteht darin, das menschliche Naturell zu verstehen, um die unerschütterlichen visuellen Grundregeln eines Bildes festzulegen, und in künstlerischem Wissen, um die künstlerische Freiheit innerhalb dieser Grundregeln zu verstehen. In Kombination ergeben sich daraus innovative Richtlinien, die Fotografie-Enthusiasten beigebracht werden können, damit diese ihre Kreativität verbessern können, ohne einem festgelegten künstlerischen Stil zu folgen.

Ich machte mich auf, all diese Prinzipien zu vereinen in einem System, das auf Kunst und Wissenschaft basiert. Es sollte dem Prozess der Bilderschaffung eine logische Basis und Struktur verleihen; anhand meiner eigenen Fotografien prüfte ich, ob meine Schlussfolgerungen korrekt sind und die kreativen Richtlinien funktionieren.

Pendant longtemps, la photographie et la peinture ont coexisté dans des mondes différents le long d'une ligne de démarcation technique. Les photographes « photographiaient » pour capturer le monde ; les peintres « créaient des images » en tant qu'interprétations artistiques du monde. Traditionnellement, les photographes ont travaillé avec les possibilités que leur offrait la réalité. Cela signifiait qu'ils devaient utiliser ce que l'appareil photo capturait et exprimer ainsi leur créativité. Le travail des photographes consistait à générer de l'art photographique avec ces mêmes possibilités !

La photographie numérique a révolutionné cette dynamique. David Osborn montre qu'aujourd'hui, les photographies sont, entre autres, le produit des logiciels de retouche. Ce changement a donné aux photographes la liberté de création dont les peintres ont été privés pendant des siècles. Les logiciels numériques ont comblé la ligne de démarcation entre photographes et peintres ; la créativité s'étend désormais au-delà de la simple reproduction de motifs.

Cette liberté artistique s'accompagne toutefois de nouveaux défis. Les nouvelles possibilités créatives ont mis en évidence un vide créatif chez de nombreux photographes, un « déficit de connaissances artistiques ». Contrairement aux peintres, qui doivent faire preuve d'une grande compréhension artistique avant de commencer un tableau, les photographes capturent une image préparée en appuyant sur un bouton.

Fort d'une expérience de plus de 40 ans en tant que photographe professionnel, je cherche à combler ce « déficit de connaissances artistiques » avec ma photographie. Comment enseigner la créativité à une génération habituée à prendre des photos mais pas à les « créer » ?

Ma solution consiste à comprendre la nature humaine afin d'établir les règles visuelles de base inébranlables d'une image, et en connaissances artistiques afin de comprendre la liberté artistique au sein de ces règles de base. La combinaison de ces deux éléments donne des directives innovantes qui peuvent être enseignées aux passionnés de photographie afin qu'ils puissent améliorer leur créativité sans suivre un style artistique défini.

J'ai entrepris de réunir tous ces principes dans un système basé sur l'art et la science. J'ai utilisé mes propres photographies pour vérifier que mes conclusions étaient correctes et que les directives créatives fonctionnaient.

Per molto tempo, la fotografia e la pittura sono esistite in mondi diversi, lungo una linea di demarcazione tecnica. I fotografi “fotografavano” per catturare il mondo; i pittori “creavano immagini” come interpretazioni artistiche del mondo. Tradizionalmente, i fotografi lavoravano con le possibilità che la realtà offriva loro. Ciò significava che dovevano usare ciò che la macchina fotografica catturava per esprimere la loro creatività. Il lavoro dei fotografi consisteva nel generare arte fotografica con queste stesse possibilità!

La fotografia digitale ha rivoluzionato questa dinamica. David Osborn dimostra che oggi le fotografie sono, tra l'altro, il prodotto di un software di editing. Questo cambiamento ha dato ai fotografi la libertà creativa che per secoli è stata negata ai pittori. Il software digitale ha colmato il divario tra fotografi e pittori; la creatività ora si estende oltre la semplice rappresentazione del soggetto.

Tuttavia, questa libertà artistica porta con sé anche nuove sfide. Le nuove possibilità creative hanno rivelato un vuoto creativo per molti fotografi, un “gap di conoscenza artistica”. A differenza dei pittori, che devono avere una conoscenza artistica approfondita prima di iniziare un dipinto, i fotografi catturano un'immagine preparata con la semplice pressione di un pulsante.

Con la mia esperienza di oltre 40 anni come fotografo professionista, uso la mia fotografia per trovare soluzioni per colmare questo “gap di conoscenze artistiche”. Come si insegna la creatività a una generazione abituata a scattare foto ma non a “crearle”?

La mia soluzione consiste nel comprendere la natura umana per stabilire le regole visive irremovibili di un'immagine e la conoscenza artistica per comprendere la libertà artistica all'interno di tali regole. Combinati insieme, si ottengono linee guida innovative che possono essere insegnate agli appassionati di fotografia per migliorare la loro creatività senza seguire uno stile artistico prestabilito.

Ho deciso di combinare tutti questi principi in un sistema basato su arte e scienza. L'obiettivo era quello di dare una base logica e una struttura al processo di creazione delle immagini; utilizzando le mie fotografie, ho testato se le mie conclusioni erano corrette e se le linee guida creative funzionavano.

For a long time, photography and painting existed in different worlds, separated by a technical dividing line. Photographers “shot” to capture the world; painters “painted” images as artistic interpretations of the world. Traditionally, photographers have worked with the possibilities that reality offered them. This meant that they had to use what the camera captured and express their creativity with it. The work of the photographers was to generate photographic art with these very possibilities!

Digital photography revolutionized this dynamic. David Osborn shows that photographs today are, among other things, the product of the editing software. This shift has given photographers the creative freedoms that were denied to painters for centuries. Digital software has bridged the divide between photographers and painters; creativity now extends beyond the mere depiction of subjects.

However, this artistic freedom also brings new challenges. The new creative possibilities have revealed a creative vacuum in many photographers, an “artistic knowledge gap”. Unlike painters, who must have extensive artistic understanding before they begin a painting, photographers capture a prepared image with the push of a button.

With my experience of over 40 years as a professional photographer, I seek to close this “artistic knowledge gap” with my photography. How do you teach creativity to a generation that is accustomed to copying images but not “creating” them?

My solution involves an understanding of human nature to establish the unalterable visual principles of an image, and artistic knowledge to understand the artistic freedom within those principles. Combined, these provide innovative guidelines that photography enthusiasts can be taught to improve their creativity without following a prescribed artistic style.

I set out to combine all these principles into a system based on art and science. It should give the process of image creation a logical basis and structure; I used my own photographs to check whether my conclusions were correct and the creative guidelines worked.

(Text: David Osborn)

Galerie 94 | Baden
16. Januar 2025

Einführung durch Melody Gygax, Bildredaktorin, Kuratorin und ehemalige Repräsentantin von MAGNUM PHOTOS Schweiz

Silence
Yasuhiro Ogawa

Yasuhiro Ogawa gilt als eine der neuen starken Stimmen in der japanischen Fotografie. Durch seine einzigartigen Perspektiven und emotionale Tiefe fängt Yasuhiro Ogawa die Schönheit und das Mysterium des Reisens ein und schafft Bilder, die sowohl zeitlos als auch eindrucksvoll sind. In seinen Arbeiten werden die klassischen Motive und kontemplative Haltung der japanischen Landschaftsfotografie neu erzählt. Landschaften erscheinen, wie auf einer Leinwand, durchdringen die beschlagenen Scheiben eines Zuges, Dunkelheit und Licht grenzen aneinander. Schnee fällt auf sanfte, abgedunkelte Farben. Die Orte in den Bildern Yasuhiro Ogawas scheinen verwunschen zu sein.

Für seine aktuelle Serie «Into the Silence», folgte Ogawa den Spuren des Haiku-Dichters Matsuo Bashō, der im 17. Jahrhundert den Norden Japans durchwanderte. Die Gedichtsammlung, die auf dieser Reise, heute unter dem Titel Oku no Hosomichi (Der schmale Weg in den tiefen Norden) bekannt, entstanden, verbinden die komplexe und vielschichtige Ausdrucksform des Haikus mit Naturbeschreibungen eines grösstenteilsnoch unbekannten Territoriums (die japanische Besiedlung von Hokkaidō erfolgte grösstenteils erst im 19. Jahrhundert) schufen dadurch auch einen bedeutenden nationalen Gründungsmythos Japans.

Ogawa folgt der Route Bashōs für 10 Jahre und es entstehen Farbfotografien, welche die Umwelt in Traumlandschaften verwandeln. Diese Verwandlung des Ortes bleibt aber immer im Status der Verbindlichkeit des realen Momentes. Die kräftigen Farben erzeugen abstrakte Trennungen in den Bildkompositionen, dadurch wirken die Aufnahmen fragil und offen. So wie die Stimmung eines Haiku beim Lesen nachklingt, so treten wir in die auratischen Bildräume Yasuhiro Ogawas ein und verlieren uns darin.

Einen weiteren Einfluss stellen die japanischen Holzschnitte dar, welche ab Mitte des 18. Jahrhunderts entstanden und deren Traditionen bis heute in Japan ununterbrochen fortgeführt werden. Durch die Welle des Japonismus am Ende des 19. Jahrhunderts wurden die farbigen Druckgrafiken in Europa populär. Der Einfluss japanischer Holzschnitte auf Künstler der klassischen Moderne, welche wesentliche Elemente konsequent in ihre malerischen Techniken übernahmen, ist durch die Sammlungen und Kopien der Drucke von Künstlern wie Vincent van Gogh, Paul Gauguin und Edvard Munch belegt. In diese Tradition lassen sich auch Ogawas Farbfotografien, mit der von ihnen ausgehenden Stille, der intensiven und abstrakten Farbigkeit, und der Anwesenheit von Natur und Naturereignissen, verstehen.

Die verlangsamte und kontemplative Haltung der Bilder erzählt von der Freiheit des Unterwegs-Seins, der Einfachheit des Lebens. Die Fotografien Ogawas verstärken unsere innere Sehnsucht nach dem ursprünglichen Erlebnis der Natur ausserhalb unserer selbst geschaffenen, immer künstlicheren Lebensstrukturen.

Im Alter von 23 Jahren entdeckt Ogawa die Aufnahmen von Sebastião Salgado und beginnt daraufhin selbst intensiv zu fotografieren. Für seine Bilder reist er jahrelang durch Asien, Afrika und Zentralasien.

In der Serie «The Dreaming» hält er 2019 Rückschau, versammelt eine Auswahl der Schwarz-Weiss-Fotografien aus dieser, ein Viertel Jahrhundert andauernden, Suche. In diesen Aufnahmen vermischt Ogawa Unschärfen, Dunkelheit und grobe Körnungen mit einer lyrischen Haltung und harmonischen Elementen. Die Balance dieser Verbindung und der Charakter der Abwesenheit dieser Orte erzeugen ein verstärktes emotionales Erlebnis des Betrachtens. Mit der gleichnamigen Buchpublikation erlangt der Fotograf internationale Bekanntheit.

Yasuhiro Ogawa est considéré comme l'une des nouvelles voix fortes de la photographie japonaise. Grâce à ses perspectives uniques et à sa profondeur émotionnelle, Yasuhiro Ogawa capture la beauté et le mystère du voyage et crée des visuels à la fois intemporels et impressionnants. Dans son travail, les motifs classiques et l'attitude contemplative de la photographie de paysage japonaise sont racontés de manière nouvelle. Des paysages apparaissent, comme sur une toile, transpercent les vitres embuées d'un train, l'obscurité et la lumière se côtoient. La neige tombe sur des couleurs douces et assombries. Dans les visuels de Yasuhiro Ogawa, les lieux semblent enchantés.

Pour sa série actuelle « Into the Silence », Ogawa a suivi les traces du poète haïku Matsuo Bashō, qui a parcouru le nord du Japon au 17e siècle. Le recueil de poèmes issus de ce voyage, aujourd'hui connu sous le titre Oku no Hosomichi (La voie étroite vers le grand nord), allie la forme d'expression complexe et variée du haïku à des descriptions de la nature d'un territoire en grande partie encore inconnu (la colonisation japonaise de Hokkaidō n'a eu lieu pour l'essentiel qu'au 19e siècle), créant ainsi un important mythe national fondateur du Japon.

Ogawa suit l'itinéraire de Bashō pendant dix ans et il en résulte des photographies en couleur qui transforment l'environnement en paysages oniriques. Cette transformation du lieu reste cependant toujours sous le statut d'engagement du moment réel. Les couleurs vives créent des séparations abstraites dans les compositions d'images, ce qui rend les prises de vue fragiles et ouvertes. Tout comme l'ambiance d'un haïku résonne à la lecture, nous entrons dans les espaces visuels auratiques de Yasuhiro Ogawa et nous nous y perdons.

Les estampes japonaises, apparues au milieu du 18e siècle et dont les traditions se sont perpétuées sans interruption jusqu'à nos jours au Japon, transmettent une autre influence. La vague de japonisme de la fin du 19e siècle a popularisé les estampes en couleur en Europe. L'influence des estampes japonaises sur les artistes de l'art moderne classique, qui en ont systématiquement repris des éléments essentiels dans leurs techniques picturales, est attestée par les collections et les copies d'estampes d'artistes tels que Vincent van Gogh, Paul Gauguin et Edvard Munch. Les photographies en couleur d'Ogawa, avec le silence qui s'en dégage, les couleurs intenses et abstraites, et la présence de la nature et des phénomènes naturels, peuvent également être comprises dans cette tradition.

L'attitude ralentie et contemplative des visuels parle de la liberté d'être en route, de la simplicité de la vie. Les photographies d'Ogawa renforcent notre désir intérieur de retrouver l'expérience originelle de la nature en dehors des structures de vie de plus en plus artificielles que nous avons nous-mêmes créées.

À l'âge de 23 ans, Ogawa découvre les photos de Sebastião Salgado et commence alors à photographier lui-même de manière intensive. Pour ses visuels, il voyage pendant des années en Asie, en Afrique et en Asie centrale.

Dans la série « The Dreaming », il fait une rétrospective en 2019, rassemblant une sélection de photographies en noir et blanc de cette quête qui a duré un quart de siècle. Dans ces clichés, Ogawa mêle le flou, l'obscurité et le grain grossier à une attitude lyrique et à des éléments harmonieux. L'équilibre de cette association et le caractère d'absence de ces lieux créent une expérience émotionnelle renforcée de la contemplation. Avec la publication du livre du même nom, le photographe acquiert une notoriété internationale.

Yasuhiro Ogawa è riconosciuto come una delle nuove voci forti della fotografia giapponese. Attraverso le sue prospettive uniche e la sua profondità emotiva, Yasuhiro Ogawa cattura la bellezza e il mistero del viaggio, creando immagini senza tempo e di grande impatto. Il suo lavoro reinterpreta i motivi classici e l'atteggiamento contemplativo della fotografia di paesaggio giapponese. I paesaggi appaiono come su una tela, penetrando nei finestrini fumanti di un treno, mentre l'oscurità e la luce si confondono l'una con l'altra. La neve cade su colori tenui e scuri. I luoghi nelle immagini di Yasuhiro Ogawa sembrano incantati.

Per la sua attuale serie “Into the Silence”, Ogawa ha seguito le orme del poeta haiku Matsuo Bashō, che viaggiò attraverso il Giappone settentrionale nel XVII secolo. La raccolta di poesie nate da questo viaggio, oggi nota come Oku no Hosomichi (Lo stretto sentiero del profondo Nord), combina la complessa e stratificata forma espressiva dello haiku con le descrizioni della natura in un territorio in gran parte sconosciuto (la colonizzazione giapponese dell'Hokkaidō avvenne in gran parte solo nel XIX secolo), creando così anche un importante mito nazionale di fondazione del Giappone.

Ogawa ha seguito il percorso di Bashō per 10 anni, realizzando fotografie a colori che hanno trasformato l'ambiente in paesaggi da sogno. Tuttavia, questa trasformazione del luogo rimane sempre nello status di natura vincolante del momento reale. I colori decisi creano divisioni astratte nelle composizioni, facendo apparire le fotografie fragili e aperte. Proprio come lo stato d'animo di un haiku risuona quando lo leggiamo, entriamo negli spazi pittorici auratici di Yasuhiro Ogawa e ci perdiamo in essi.

Le xilografie giapponesi, create a partire dalla metà del XVIII secolo e la cui tradizione è proseguita ininterrottamente in Giappone fino ad oggi, rappresentano un'ulteriore influenza. L'ondata di giapponismo della fine del XIX secolo ha reso popolari in Europa le stampe a colori. L'influenza delle xilografie giapponesi sugli artisti classici moderni, che ne adottarono costantemente gli elementi chiave nelle loro tecniche pittoriche, è testimoniata dalle collezioni e dalle copie di stampe di artisti come Vincent van Gogh, Paul Gauguin e Edvard Munch. Anche le fotografie a colori di Ogawa possono essere comprese in questa tradizione, con l'immobilità che emanano, i colori intensi e astratti e la presenza della natura e degli eventi naturali.

L'atteggiamento rallentato e contemplativo delle immagini racconta la libertà dell'essere in viaggio, la semplicità della vita. Le fotografie di Ogawa intensificano il nostro desiderio interiore di un'esperienza originale della natura al di fuori delle nostre strutture di vita auto-create e sempre più artificiali.

All'età di 23 anni, Ogawa ha scoperto le fotografie di Sebastião Salgado e ha iniziato a fotografare. Per anni ha viaggiato attraverso l'Asia, l'Africa e l'Asia centrale per realizzare le sue immagini.

Nella serie “The Dreaming”, l'artista guarda al 2019 e riunisce una selezione di fotografie in bianco e nero di questa ricerca, durata un quarto di secolo. In queste fotografie, Ogawa mescola sfocatura, oscurità e grana grossa con un atteggiamento lirico ed elementi armoniosi. L'equilibrio di questa combinazione e il carattere di assenza di questi luoghi creano un'esperienza emotiva più intensa nella visione. Il fotografo ha ottenuto un riconoscimento internazionale con la pubblicazione dell'omonimo libro.

Yasuhiro Ogawa is recognised as one of the new strong voices in Japanese photography. Through his unique perspectives and emotional depth, Yasuhiro Ogawa captures the beauty and mystery of travelling, creating images that are both timeless and striking. His work reinterprets the classic motifs and contemplative attitude of Japanese landscape photography. Landscapes appear as if on a canvas, pierce the steamed-up windows of a train, darkness and light bordering on each other. Snow falls on soft, darkened colours. The places in Yasuhiro Ogawa‘s pictures seem to be enchanted.

For his current series «Into the Silence», Ogawa followed in the footsteps of the haiku poet Matsuo Bashō, who travelled through northern Japan in the 17th century. The collection of poems that emerged from this journey, now known as Oku no Hosomichi (The Narrow Path to the Deep North), combine the complex and multi-layered form of expression of haiku with descriptions of nature in a largely unknown territory (the Japanese colonisation of Hokkaidō only took place for the most part in the 19th century), thereby also creating an important national founding myth of Japan.

Ogawa followed Bashō‘s route for 10 years, creating colour photographs that transformed the environment into dreamscapes. However, this transformation of the place always remains in the status of the binding nature of the real moment. The bold colours create abstract divisions in the compositions, making the photographs appear fragile and open. Just as the mood of a haiku resonates when we read it, we enter Yasuhiro Ogawa‘s auratic pictorial spaces and lose ourselves in them.

The Japanese woodcuts, which were created from the middle of the 18th century onwards and whose traditions have continued uninterrupted in Japan to this day, represent a further influence. The wave of Japonism at the end of the 19th century made colour prints popular in Europe. The influence of Japanese woodcuts on classical modern artists, who consistently adopted key elements in their painting techniques, is evidenced by the collections and copies of prints by artists such as Vincent van Gogh, Paul Gauguin and Edvard Munch. Ogawa‘s colour photographs can also be understood in this tradition, with the stillness they emanate, their intense and abstract colourfulness and the presence of nature and natural events.

The slowed-down and contemplative attitude of the pictures tells of the freedom of being on the road, of the simplicity of life. His photographs intensify our inner longing for the original experience of nature outside of our self-created, increasingly artificial life structures.

At the age of 23, Ogawa discovered the photographs of Sebastião Salgado and began to take his own photographs. He spent years travelling through Asia, Africa and Central Asia to take his pictures.

In the series «The Dreaming», he looks back in 2019 and brings together a selection of black-and-white photographs from this quest, which lasted a quarter of a century. In these photographs, Ogawa mixes blurring, darkness and coarse grains with a lyrical attitude and harmonious elements. The balance of this combination and the character of the absence of these places create a heightened emotional experience of viewing. The photographer gained international recognition with the publication of the book of the same name.

(Text: Galerie 94, Baden)

Galerie Barbara von Stechow | Frankfurt am Main
15. Januar 2025

Absurda
Josef Fischnaller

Die lebendigen Portraits und Stillleben von Josef Fischnaller verweisen auf die Malerei der Renaissance und die des Barocks und zeigen die visionäre Planung und verführerische Theatralik seiner meisterhaften Inszenierungen. So bleiben seine Arrangements rätselhaft in ihrer Konstruktion und beruhen auf der faszinierenden Gegenseitigkeit moderner Absurdität und der Allgegenwart kunsthistorischer Hinweise. Dazu baut Fischnaller selbstreflexive Präsenzen auf, die den Betrachter gleichzeitig überraschen und mit auf eine Zeitreise nehmen.

Licht und Inszenierung sind die zentralen Bildelemente in Josef Fischnallers Arbeiten. In den Portraits dominiert der Hell-Dunkel-Kontrast, das Chiaroscuro. Die Parodie des gewohnten Sehens, Humor sowie eine hohe Ästhetik zeichnen die Werke von Josef Fischnaller aus. Mit opulenten Requisiten und farbenprächtigen Ornamenten wird ein eklektisches Renaissance-Interieur erschaffen. Die Stillleben erinnern an barocke Vanitas-Gemälde, auch durch die Vergänglichkeit der Schönheit der dargestellten Sujets.

Während wir in Fischnallers opulenten Werken den einen oder anderen Alten Meister wieder erkennen, muten die dargestellten Personen sehr zeitgenössisch und modern an. So sieht man auf dem Schlüsselmotiv und Titel-gebenden Bild eine junge Frau mit dem tätowierten Schriftzug „Absurda“, auf einem anderen Bild den berühmten Anwalt und Kunstmäzen Peter Raue in der Rolle von Rembrandts „Mann mit dem Goldhelm“. So reihen sich Gegenwart und Vergangenheit eng aneinander und verschmelzen im fotografischen Reigen des Fotokünstlers.

Les portraits vivants et les natures mortes de Josef Fischnaller font référence à la peinture de la Renaissance et à celle de l'époque baroque, et révèlent la planification visionnaire et la théâtralité séduisante de ses mises en scène magistrales. Ainsi, ses arrangements restent énigmatiques dans leur construction et reposent sur la fascinante réciprocité de l'absurdité moderne et de l'omniprésence des notes de l'histoire de l'art. Pour cela, Fischnaller construit des présences autoréflexives qui surprennent en même temps le spectateur et l'emmènent dans un voyage dans le temps.

La lumière et la mise en scène sont les éléments centraux des travaux de Josef Fischnaller. Dans les portraits, le contraste clair-obscur, le clair-obscur, domine. La parodie de la vision habituelle, l'humour ainsi qu'une grande esthétique caractérisent les œuvres de Josef Fischnaller. Un intérieur Renaissance éclectique est créé à l'aide d'accessoires opulents et d'ornements aux couleurs vives. Les natures mortes rappellent les tableaux baroques Vanitas, notamment par le caractère éphémère de la beauté des sujets représentés.

Alors que nous reconnaissons l'un ou l'autre maître ancien dans les œuvres opulentes de Fischnaller, les personnages représentés ont l'air très contemporains et modernes. Ainsi, sur le motif clé et le visuel qui donne son titre à l'exposition, on voit une jeune femme tatouée de l'inscription « Absurda », et sur un autre visuel, le célèbre avocat et mécène d'art Peter Raue dans le rôle de « l'homme au casque d'or » de Rembrandt. Ainsi, le présent et le passé s'enchaînent étroitement et se fondent dans la ronde photographique de l'artiste photographe.

I vivaci ritratti e le nature morte di Josef Fischnaller ricordano la pittura rinascimentale e barocca e mostrano la pianificazione visionaria e la seducente teatralità delle sue magistrali messe in scena. I suoi allestimenti rimangono enigmatici nella loro costruzione e si basano sull'affascinante reciprocità dell'assurdità moderna e sull'onnipresenza di riferimenti storici dell'arte. A tal fine, Fischnaller costruisce presenze autoriflessive che sorprendono lo spettatore e lo accompagnano in un viaggio nel tempo.

La luce e la messa in scena sono gli elementi pittorici centrali delle opere di Josef Fischnaller. I ritratti sono dominati dal contrasto tra luce e buio, il chiaroscuro. Le opere di Josef Fischnaller sono caratterizzate da una parodia dei modi di vedere familiari, dall'umorismo e dall'alta estetica. Viene creato un interno rinascimentale eclettico con oggetti di scena opulenti e ornamenti colorati. Le nature morte ricordano le vanitas barocche, anche per la transitorietà della bellezza dei soggetti raffigurati.

Mentre riconosciamo uno o due antichi maestri nelle opulente opere di Fischnaller, le persone raffigurate sembrano molto contemporanee e moderne. Nel motivo chiave e nel quadro che dà il titolo all'opera, ad esempio, vediamo una giovane donna con la scritta tatuata “Absurda”, in un altro quadro il famoso avvocato e mecenate Peter Raue nel ruolo dell'“Uomo dall'elmo d'oro” di Rembrandt. In questo modo, il presente e il passato sono strettamente intrecciati e si fondono nel girotondo fotografico del fotografo.

Josef Fischnaller's lively portraits and still lifes reference Renaissance and Baroque painting and show the visionary planning and seductive theatricality of his masterful stagings. His arrangements remain enigmatic in their construction and rely on the fascinating reciprocity of modern absurdity and the omnipresence of art historical notes. In addition, Fischnaller builds self-reflective presences that simultaneously surprise the viewer and take him on a journey through time.

Light and staging are the central pictorial elements in Josef Fischnaller's works. The portraits are dominated by the contrast between light and dark, the chiaroscuro. The parody of the usual way of seeing, humor as well as a high level of aesthetics characterize the works of Josef Fischnaller. With opulent props and colorful ornaments, an eclectic Renaissance interior is created. The still lifes are reminiscent of baroque vanitas paintings, also through the transience of the beauty of the subjects depicted.

While we recognize one or the other old master in Fischnaller's opulent works, the depicted persons appear very contemporary and modern. In the key motif and title-giving image, for example, we see a young woman with the tattooed word “Absurda”; in another visual, we see the famous lawyer and patron of the arts Peter Raue in the role of Rembrandt's “Man with the Gold Helmet”. In this way, the present and the past are closely intertwined and merge in the photographic series of the photo artist.

(Text: Galerie Barbara von Stechow, Frankfurt am Main)

Reflector Contemporary Art Gallery - zu Gast im Volume | Bern
11. Januar 2025

Ab 19:30 Konzert von Dimitri Howald

Fragments of Memory
Tim Rod

Das Meer liegt da, ein paar Millionen Jahre schon. Der Himmel hängt oder liegt oder schläft, noch länger. Landschaften. Aber dort hat ein Mensch eine Schraube reingedreht. Dort hat er was liegengelassen, einen Griff angebracht. Fliesen gelegt, hier hat er es festgehalten mit seiner Kamera.

Tim Rod fotografiert Spuren, er fotografiert Löcher, durch die der Mond zünden kann. Er fotografiert Stecken, auf die wir die Lichter spiessen können. Er fotografiert den Schein, wenn er kleckert oder als Sonnenlicht präzise in eine Scherbe zündet. Tim stellt in Fragments of Memory Fotografien aus. Aber wessen Erinnerungen? Wer erinnert sich an die unscheinbare Ordnung eines warmen Nachmittags um 15:12 in einem südlichen Vorort? Wer an das Brett, das gegen ein Haus gelehnt war oder an das Haus, das sich am Brett abstützte? Wir müssen nicht vor Ort gewesen sein, um uns zu erinnern. Wir müssen das Meer nicht gesehen haben, damit in unserem Kopf eine eigene Erinnerung auftaucht. Diffus. An eine Fahrt mit dem Zug durch unbekannte Dörfer? An auf Balkongeländern flatternde Wäsche, geblümt und verlassen? An einen fernen Nachmittag in der Zukunft?

Tim’s Fotografien sind poetische Angebote, Spielplätze für unsere Köpfe. Es sind Einladungen, mit den Augen Löcher zu bohren, Einladungen, mit der Vorstellungskraft die Monde zu rollen.

La mer est là, depuis quelques millions d'années déjà. Le ciel est suspendu, couché ou endormi, depuis plus longtemps encore. Les paysages. Mais là, un homme a mis une vis. Là, il a laissé quelque chose, il a posé une poignée. Poser des carreaux, ici il l'a immortalisé avec son appareil photo.

Tim Rod photographie des traces, il photographie des trous par lesquels la lune peut s'allumer. Il photographie des bâtons sur lesquels on peut empaler les lumières. Il photographie la lueur lorsqu'elle tache ou lorsqu'elle s'allume avec précision comme la lumière du soleil dans un tesson. Tim expose des photographies dans Fragments of Memory. Mais la mémoire de qui ? Qui se souvient de l'ordre anodin d'un après-midi chaud à 15h12 dans une banlieue du sud ? Qui se souvient de la planche appuyée contre une maison ou de la maison qui s'appuyait sur la planche ? Nous n'avons pas besoin d'avoir été sur place pour nous en souvenir. Nous n'avons pas besoin d'avoir vu la mer pour qu'un souvenir personnel surgisse dans notre tête. De manière diffuse. D'un voyage en train à travers des villages inconnus ? De linge flottant sur les balustrades des balcons, fleuri et abandonné ? D'un après-midi lointain dans le futur ?

Les photographies de Tim sont des propositions poétiques, des terrains de jeu pour nos têtes. Ce sont des invitations à percer des trous avec les yeux, des invitations à faire rouler les lunes avec l'imagination.

Il mare è lì da qualche milione di anni. Il cielo pende o giace o dorme, ancora più a lungo. Paesaggi. Ma qualcuno ha girato una vite lì dentro. Ha lasciato qualcosa lì, ha attaccato una maniglia. Le piastrelle sono state posate e lui le ha immortalate con la sua macchina fotografica.

Tim Rod fotografa tracce, fotografa buchi attraverso i quali la luna può brillare. Fotografa i bastoncini su cui possiamo sputare le luci. Fotografa il bagliore quando si sparge o quando si accende esattamente come la luce del sole in un frammento. Tim espone le fotografie in Frammenti di memoria. Ma di chi sono i ricordi? Chi ricorda l'ordine poco appariscente di un caldo pomeriggio alle 15:12 in un sobborgo del sud? Chi ricorda la tavola appoggiata a una casa o la casa appoggiata alla tavola? Non è necessario essere stati lì per ricordare. Non è necessario aver visto il mare perché un nostro ricordo emerga nella nostra mente. Diffuso. Un viaggio in treno attraverso villaggi sconosciuti? Di panni che svolazzano sulle ringhiere dei balconi, fioriti e abbandonati? Di un pomeriggio lontano nel futuro?

Le fotografie di Tim sono offerte poetiche, campi da gioco per la nostra mente. Sono inviti a praticare buchi con gli occhi, inviti a far rotolare le lune con l'immaginazione.

The sea has been lying there for a few million years. The sky has been hanging or lying or sleeping for even longer. Landscapes. But a person has screwed something into it. They have left something there, attached a handle. They have laid tiles, and here they have held it with their camera.

Tim Rod photographs traces, he photographs holes through which the moon can ignite. He photographs sticks on which we can impale the lights. He photographs the glow when he spills the lights or when sunlight ignites precisely in a shard. Tim is exhibiting photographs in Fragments of Memory. But whose memories? Who remembers the inconspicuous order of a warm afternoon at 3:12 p.m. in a southern suburb? Who remembers the board that was leaning against a house or the house that was leaning against the board? We don't have to have been there to remember. We don't have to have seen the sea for our own memory to emerge in our minds. Vague. Of a train ride through unfamiliar villages? Of laundry fluttering on balcony railings, flowery and abandoned? Of a distant afternoon in the future?

Tim's photographs are poetic offerings, playgrounds for our minds. They are invitations to drill holes with our eyes, invitations to roll the moons with our imagination.

(Text: Noemi Somalvico)

Friart | Fribourg
20. Dezember 2024

Sauvages
Laurence Kubski

Enquête photographique fribourgeoise

Ob überwacht, kontrolliert, beobachtet, gezählt, gejagt oder geschützt – die Tierwelt steht unter menschlichem Zwang. Mehrere Monate lang hat die Fotografin Laurence Kubski in der Schweiz die Zählung von Fledermäusen in der Nähe von Höhlen verfolgt, aber auch die Beringung von Zugvögeln oder den morgendlichen Drohnenflug über Wiesen, mit dem die von ihren Müttern versteckten Rehkitze an Mähtagen aufgespürt warden sollen... Indem sie dokumentarische Bilder und Inszenierungen geschickt verknüpft, stellt Laurence Kubski die Frage: Gibt es das Wilde noch?

Die 14. Ausgabe der Fotografischen Ermittlung zum Thema Freiburg ist ein Preisausschreiben des Amtes für Kultur des Staates Freiburg.

Monitorée, maîtrisée, épiée, comptabilisée, chassée ou protégée, la faune est sous contrainte humaine. Durant des mois, en Suisse, la photographe Laurence Kubski a suivi le baguage des oiseaux pendant leur migration, le recensement de chauves-souris aux abords de grottes, le survol des prés par des drones les matins des jours de fauche dans le but de repérer des faons cachés par leurs mères… En mêlant habilement images documentaires et mises en scène, Laurence Kubski s’interroge: le sauvage existe-t-il encore ?

La 14e édition de l’Enquête photographique fribourgeoise est un concours du Service de la culture de l’État de Fribourg.

Monitorata, controllata, osservata, contata, cacciata o protetta, la fauna selvatica è sottoposta alla pressione dell'uomo. Per diversi mesi, la fotografa Laurence Kubski ha seguito il conteggio dei pipistrelli nei pressi delle grotte in Svizzera, ma anche l'inanellamento degli uccelli migratori o il volo mattutino dei droni sui prati per rintracciare i cerbiatti nascosti dalle madri nei giorni di sfalcio... Combinando sapientemente immagini documentaristiche e scene messe in scena, Laurence Kubski pone la domanda: la natura selvaggia esiste ancora?

La 14a edizione dell'Indagine fotografica sul tema di Friburgo è un concorso organizzato dall'Ufficio della cultura dello Stato di Friburgo.

Monitored, controlled, observed, counted, hunted or protected, wildlife is under human pressure. Over several months in Switzerland, photographer Laurence Kubski witnessed bats being counted in the vicinity of caves, birds being ringed during their migration, drones flying over meadows on mowing days in order to spot fawns hidden by their mothers... By skillfully interweaving documentary images and staged scenes, Kubski asks: Does the wild still exist?

The 14th edition of the Fribourg photographic survey is a competition Service de la culture de l’État de Fribourg.

(Text: Friart, Fribourg)

Deichtorhallen | Hamburg
12. Dezember 2024

High Noon
Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe, Philip-Lorca diCorcia

Ausgehend vom Studium der Fotografie an der School of the Museum of Fine Arts in Boston Ende der 1970er und Anfang der 1980er Jahre nehmen die vier Fotograf*innen Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe und Philip-Lorca diCorcia im politischen Fluidum der Ära Ronald Reagan ihre Arbeit auf. Goldin, Armstrong und Morrisroe sind miteinander befreundet und konzentrieren sich auf die fotografische Erkundung der subkulturellen Bohème in Boston und New York, deren fester Bestandteil sie sind.

Kamera, persönliche Perspektive und autobiografische Aspekte verschmelzen miteinander und prägen drei unverwechselbare, in Auffassung und Stilistik allerdings komplett unterschiedliche visuelle Identitäten, die die Fotografie revolutioniert haben und mit Macht bis in die aktuelle Gegenwart nachwirken. Gefangen zwischen Instabilität und Fragilität, dabei beständig auf der Suche nach sich selbst, zeigen sie Lust und Schrecken ihrer Peergroup und eröffnen intensive Einblicke in ihre emotionalen und sozialen Welten. Tagebuchartig prallen fotografische Sequenzen von Zuneigung, Freundschaft, Liebe, Sex und Lebendigkeit mit Einsamkeit, Gewalt, Sucht, Aids, Verfall und Tod aufeinander.

Philip-Lorca diCorcia, der sich sehr bewusst von den drei Fotograf*innen distanziert, beginnt damit, alltägliche Szenen mit Verwandten und Freunden künstlich nachzustellen, raffiniert auszuleuchten und zu fotografieren und konzipiert auf diese Weise zunächst ideale Archetypen. Basis seiner Arbeit ist stets ein genau definierter konzeptueller Ansatz, der bewusst mit dem fotografischen Medium als möglichem Dokument spielt.

Die von Dr. Sabine Schnakenberg kuratierte Schau in den Hamburger Deichtorhallen präsentiert das wohl umfangreichste zeitlich wie inhaltlich zusammenhängende Konvolut künstlerischer Arbeiten, das der Sammler F.C. Gundlach in den 1990er Jahren kontinuierlich dem Bestand seiner fotografischen Sammlung hinzufügte. Gezeigt werden etwa 150 zum Teil großformatige Arbeiten. Fasziniert von Inhalt, Intimität, Expressivität und persönlicher Herangehensweise verband F.C. Gundlach besonders zu Nan Goldin eine persönliche Beziehung – er förderte sie ab dem Beginn der 1990er Jahre sehr gezielt.

Partant de leurs études de photographie à la School of the Museum of Fine Arts de Boston à la fin des années 1970 et au début des années 1980, les quatre photographes* Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe et Philip-Lorca diCorcia commencent leur travail dans le fluide politique de l'ère Ronald Reagan. Goldin, Armstrong et Morrisroe sont des amis et se concentrent sur l'exploration de l'espace public. l'exploration photographique de la bohème subculturelle de Boston et de New York, dont ils font partie intégrante.

L'appareil photo, la perspective personnelle et les aspects autobiographiques fusionnent pour former trois identités visuelles distinctes, bien que complètement différentes en termes de conception et de style, qui ont révolutionné la photographie et dont les effets se font sentir jusqu'à aujourd'hui. Pris entre instabilité et fragilité, ils sont constamment à la recherche d'eux-mêmes, montrent le plaisir et l'horreur de leur groupe de pairs et ouvrent des perspectives intenses dans leurs mondes émotionnels et sociaux. À la manière d'un journal intime, des séquences photographiques d'affection, d'amitié, d'amour, de sexe et de vitalité entrent en collision avec la solitude, la violence, la dépendance, le sida, la déchéance et la mort.

Philip-Lorca diCorcia, qui se distancie très consciemment des trois photographes*, commence par reproduire artificiellement des scènes quotidiennes avec des parents et des amis, à les éclairer et à les photographier de manière raffinée, et conçoit de cette manière des archétypes idéaux. La base de son travail est toujours une approche conceptuelle bien définie, qui joue délibérément avec le médium photographique comme document possible.

L'exposition organisée par Dr. Sabine Schnakenberg aux Deichtorhallen de Hambourg présente le plus grand ensemble de travaux artistiques, cohérent dans le temps et dans le contenu, que le collectionneur F.C. Gundlach a ajouté en permanence à sa collection de photographies dans les années 1990. Environ 150 œuvres, dont certaines de grand format, sont présentées. Fasciné par le contenu, l'intimité, l'expressivité et l'approche personnelle, F.C. Gundlach entretenait une relation personnelle avec Nan Goldin, qu'il a encouragée de manière très ciblée dès le début des années 1990.

Dopo aver studiato fotografia alla School of the Museum of Fine Arts di Boston tra la fine degli anni '70 e l'inizio degli anni '80, i quattro fotografi Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe e Philip-Lorca diCorcia hanno iniziato il loro lavoro nel fluido politico dell'era di Ronald Reagan. Goldin, Armstrong e Morrisroe sono amici tra loro e si concentrano sull'esplorazione fotografica della sottocultura esplorazione fotografica della bohème subculturale di Boston e New York, di cui sono parte integrante.

La macchina fotografica, la prospettiva personale e gli aspetti autobiografici si fondono insieme e danno forma a tre identità visive inconfondibili, sebbene completamente diverse per concezione e stile, che hanno rivoluzionato la fotografia e continuano ad avere un effetto potente fino ai giorni nostri. In bilico tra instabilità e fragilità, alla costante ricerca di se stessi, mostrano il piacere e l'orrore del loro gruppo di coetanei e aprono intensi squarci sul loro mondo emotivo e sociale. Come diari, le sequenze fotografiche di affetto, amicizia, amore, sesso e vivacità si scontrano con la solitudine, la violenza, la dipendenza, l'AIDS, la decadenza e la morte.

Philip-Lorca diCorcia, che prende consapevolmente le distanze dai tre fotografi, inizia ricreando artificialmente scene quotidiane con parenti e amici, illuminandole e fotografandole in modo ingegnoso, creando così inizialmente degli archetipi ideali. Il suo lavoro si basa sempre su un approccio concettuale ben definito che gioca consapevolmente con il mezzo fotografico come possibile documento.

Curata dalla dott.ssa Sabine Schnakenberg, la mostra al Deichtorhallen di Amburgo presenta quella che probabilmente è la più ampia raccolta di opere artistiche, sia in termini di tempo che di contenuto, che il collezionista F.C. Gundlach ha continuamente aggiunto alla sua collezione fotografica negli anni Novanta. Sono esposte circa 150 opere, alcune delle quali di grande formato. Affascinato dal contenuto, dall'intimità, dall'espressività e dall'approccio personale, F.C. Gundlach ha avuto un rapporto personale in particolare con Nan Goldin, che ha promosso in modo molto specifico a partire dai primi anni Novanta.

Having studyied photography at the School of the Museum of Fine Arts in Boston in the late 1970s and early 1980s, the four photographers Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe and Philip-Lorca diCorcia began their work in the political climate of the Ronald Reagan era. Goldin, Armstrong and Morrisroe are friends and concentrate on the photographic exploration of the subcultural bohemia in Boston and New York, of which they are an integral part.

The camera, personal perspective and autobiographical aspects merge together and shape three unmistakable visual identities, albeit completely different in conception and style, which have revolutionized photography and continue to have a powerful effect right up to the present day. Caught between instability and fragility, constantly in search of themselves, they show the pleasure and horror of their peer group and open up intense insights into their emotional and social worlds. Like diaries, photographic sequences of affection, friendship, love, sex and liveliness collide with

loneliness, violence, addiction, AIDS, decay and death.

Philip-Lorca diCorcia, who very consciously distances himself from the three photographers, begins by artificially recreating everyday scenes with relatives and friends, ingeniously illuminating and photographing them, initially conceiving ideal archetypes in this way. His work is always based on a precisely defined conceptual approach that consciously plays with the photographic medium as a possible document.

Curated by Dr. Sabine Schnakenberg, the show at Deichtorhallen Hamburg presents what is probably the most comprehensive collection of artistic works, both in terms of time and content, that the collector F.C. Gundlach continuously added to his photographic collection in the 1990s. On display are around 150 works, some of which are large-format. Fascinated by the content, intimacy, expressiveness and personal approach, F.C. Gundlach particularly had a personal relationship with Nan Goldin - from the early 1990s onwards, he supported her very specifically.

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)