29 ARTS IN PROGRESS gallery | Milano
4. April – 28. Juni 2024

A kind of beauty
Gabriele Micalizzi

Die Galerie 29 ARTS IN PROGRESS ist stolz darauf, zum ersten Mal in Mailand die Werke des Fotografen Gabriele Micalizzi zu präsentieren. Die von Tiziana Castelluzzo kuratierte Ausstellung mit dem Titel "A KIND OF BEAUTY" versammelt raffinierte, mit Silbersalzen gedruckte Schwarzweiß- und Farbfotografien, die sorgfältig aus den im Archiv des Künstlers aufbewahrten Negativen ausgewählt wurden.

Gezeigt werden die wichtigsten Aufnahmen der wichtigsten Schauplätze der Auseinandersetzungen der letzten zwanzig Jahre, angefangen bei den arabischen Revolutionen, über die Konflikte im Nahen Osten gegen das Kalifat bis hin zur heutigen Ukraine und Palästina.

Der Wunsch, einen Weg zur Fotografie einzuschlagen, der aus einem dokumentarischen Bedürfnis heraus entstanden ist, aber eine eigene Ästhetik und Bedeutung hat, die über den Grund ihrer Entstehung hinausgeht, ergibt sich aus einer präzisen Wahl der Positionierung, die durch die langjährige Erfahrung der Galerie gereift ist, um neuen Visionen und Einblicken in die Realitäten, die die Geschichte der letzten zwanzig Jahre geprägt haben, Raum zu geben.

La galerie 29 ARTS IN PROGRESS est fière de présenter, pour la première fois à Milan, les œuvres du photographe Gabriele Micalizzi. L'exposition, intitulée "A KIND OF BEAUTY" et organisée par Tiziana Castelluzzo, rassemble des photographies raffinées allant du noir et blanc imprimé avec des sels d'argent à la couleur, soigneusement sélectionnées parmi les négatifs conservés dans les archives de l'artiste.

L'exposition présente les clichés les plus significatifs des principaux théâtres d'affrontements de ces vingt dernières années, depuis les révolutions arabes, en passant par les conflits moyen-orientaux contre le califat, jusqu'à l'Ukraine et la Palestine d'aujourd'hui.

Le désir de s'engager dans une voie photographique née d'une nécessité documentaire, mais qui contient une esthétique et une signification propres qui vont au-delà de la raison pour laquelle elle a été créée, dérive d'un choix précis de positionnement mûri au cours de nombreuses années d'expérience de la part de la galerie pour donner de l'espace à de nouvelles visions et à des aperçus de réalités qui ont marqué l'histoire de ces vingt dernières années.

29 ARTS IN PROGRESS gallery è orgogliosa di presentare, per la prima volta a Milano, le opere del fotografo Gabriele Micalizzi. La mostra, intitolata “A KIND OF BEAUTY”, curata da Tiziana Castelluzzo, riunisce raffinate fotografie dal bianco e nero stampate ai sali d’argento al colore, accuratamente selezionate dai negativi conservati nell’archivio dell’artista.

In mostra gli scatti più significativi che ritraggono i principali teatri degli scontri dell’ultimo ventennio, partendo dalle rivoluzioni arabe, passando dai conflitti mediorientali contro il califfato ed arrivando fino all’odierna Ucraina e Palestina.

La volontà di intraprendere un percorso verso una fotografia nata da un’esigenza documentaristica, ma che contiene un’estetica e un significato proprio che va al di là del motivo per cui nasce, deriva da una precisa scelta di posizionamento maturata nella pluriennale esperienza da parte della galleria di dare spazio a nuove visioni e spaccati di realtà che hanno segnato la storia degli ultimi vent’anni.

29 ARTS IN PROGRESS gallery is proud to present the works of photographer Gabriele Micalizzi, for the first time in Milan. The exhibition, called “A KIND OF BEAUTY”, curated by Tiziana Castelluzzo, brings together the finest photographs, ranging from black and white prints to gelatin silver prints and colour, painstakingly selected from negatives preserved in the artist’s archive.

On display are the most significant shots depicting some of the venues of the biggest clashes of the last two decades, starting from the Arab revolutions, passing through the conflicts in the Middle Eastern against the caliphate through to the current conflicts in the Ukraine and Palestine.

The desire to embark on a journey towards a type of photography resulting from a documentary need, but containing its own aesthetics and meaning that goes beyond the reason for its inception, derives from a precise positioning choice reached throughout the gallery’s many years of experience in making space for new visions and fragments of reality that have marked the history of the last twenty years.

(Text: 29 ARTS IN PROGRESS gallery, Milano)

Palazzo Reale | Milano
23. Februar – 2. Juni 2024

BRASSAÏ. L’occhio di Parigi

Palazzo Reale präsentiert die Ausstellung "Brassaï. Das Auge von Paris", gefördert von Comune di Milano - Cultura und produziert von Palazzo Reale und Silvana Editoriale, in Zusammenarbeit mit Estate Brassaï Succession.

Die Retrospektive wird von Philippe Ribeyrolles kuratiert, einem Gelehrten und Enkel des Fotografen, der eine unschätzbare Sammlung von Brassaïs Drucken und eine umfangreiche Dokumentation seiner künstlerischen Arbeit besitzt.

Die Ausstellung zeigt mehr als 200 alte Abzüge sowie Skulpturen, Dokumente und Gegenstände aus dem Besitz des Fotografen, die einen tiefen und noch nie dagewesenen Einblick in das Werk von Brassaï geben, wobei der Schwerpunkt auf den berühmten Bildern liegt, die der französischen Hauptstadt und ihrem Leben gewidmet sind.

Seine Fotografien, die dem Leben der Ville Lumière gewidmet sind - von den Arbeitervierteln bis zu den großen ikonischen Monumenten, von der Mode bis zu den Porträts befreundeter Künstler, von Graffiti bis zum Nachtleben - sind heute ikonische Bilder, die das Gesicht von Paris in der kollektiven Vorstellung sofort identifizieren.

Der gebürtige Ungar - sein richtiger Name ist Gyula Halász, den er zu Ehren seiner Heimatstadt Brassó durch das Pseudonym Brassaï ersetzte - und Wahl-Pariser war eine der führenden Persönlichkeiten der Fotografie des 20. Jahrhunderts und wurde von seinem Freund Henry Miller als "das lebende Auge" der Fotografie bezeichnet.

In engem Kontakt mit Künstlern wie Picasso, Dalí und Matisse und im Umfeld der surrealistischen Bewegung war er ab 1924 Teil des großen kulturellen Aufbruchs, der in jenen Jahren in Paris stattfand.

Brassaï gehörte zu den ersten Fotografen, die die nächtliche Atmosphäre des damaligen Paris und seiner Bewohner einfangen konnten: Arbeiter, Prostituierte, Clochards, Künstler, einsame Wanderer.

Bei seinen Spaziergängen beschränkte sich der Fotograf nicht darauf, die Landschaft oder architektonische Ansichten abzubilden, sondern wagte sich auch in intimere und engere Innenräume, wo sich die Gesellschaft traf und vergnügte.

Sein Band Paris de Nuit (Paris bei Nacht), ein bahnbrechendes Werk in der Geschichte der französischen Fotografie, stammt aus dem Jahr 1933.

Seine Fotografien wurden auch in der surrealistischen Zeitschrift "Minotaure" veröffentlicht, deren Mitarbeiter Brassaï wurde und durch die er surrealistische Schriftsteller und Dichter wie Breton, Éluard, Desnos, Benjamin Péret und Man Ray kennen lernte.

"Brassaï heute auszustellen, bedeutet", so Philippe Ribeyrolles, Kurator der Ausstellung, "dieses wunderbare Werk in jeder Hinsicht neu zu entdecken, die Vielfalt der behandelten Themen zu erfassen, künstlerische und dokumentarische Ansätze zu vermischen; es bedeutet, in die Atmosphäre von Montparnasse einzutauchen, wo sich zwischen den beiden Kriegen zahlreiche Künstler und Schriftsteller trafen, viele von ihnen aus Osteuropa, wie sein Landsmann André Kertész. Letzterer übte einen erheblichen Einfluss auf die Fotografen in seinem Umfeld aus, darunter Brassaï selbst und Robert Doisneau."

Brassaï gehört zu jener französischen "Schule" der Fotografie, die aufgrund der großen Aufmerksamkeit, die der Künstler den Protagonisten der meisten seiner Aufnahmen schenkte, als "humanistisch" bezeichnet wurde.  In Wirklichkeit ging Brassaïs Kunst weit über die "Subjektfotografie" hinaus: Seine Erkundung der Pariser Mauern und ihrer zahllosen Graffiti zum Beispiel zeugt von seiner Verbundenheit mit den Grenzkünsten und der Art brut von Jean Dubuffet.

Im Laufe seiner Karriere wurde Edward Steichen auf sein originelles Werk aufmerksam und lud ihn ein, 1956 im Museum of Modern Art (MoMA) in New York auszustellen: die Ausstellung "Language of the Wall. Pariser Graffiti, fotografiert von Brassaï" war ein großer Erfolg.

Brassaïs Verbindung zu Amerika zeigt sich auch in einer intensiven Zusammenarbeit mit der Zeitschrift Harper's Bazaar", deren revolutionärer Art Director Aleksej Brodovič von 1934 bis 1958 war. Für "Harper's Bazaar" porträtierte der Fotograf zahlreiche Protagonisten des französischen Kunst- und Literaturlebens, mit denen er häufig verkehrte. Die bei dieser Gelegenheit porträtierten Personen wurden 1982, zwei Jahre vor seinem Tod, in dem Band Les artistes de ma vie veröffentlicht.

Brassaï starb am 7. Juli 1984, kurz nach der Fertigstellung eines Buches über Proust, dem er mehrere Jahre seines Lebens gewidmet hatte.

Er ist auf dem Friedhof von Montparnasse begraben, im Herzen des Paris, das er ein halbes Jahrhundert lang gefeiert hat.

Die Ausstellung wird von einem Katalog begleitet, der von Silvana Editoriale veröffentlicht und von Philippe Ribeyrolles selbst herausgegeben wird, mit einem Einführungstext von Silvia Paoli.

Palazzo Reale présente l'exposition "Brassaï. L'œil de Paris", promue par la Comune di Milano - Cultura et produite par le Palazzo Reale et Silvana Editoriale, en collaboration avec Estate Brassaï Succession.

La rétrospective est organisée par Philippe Ribeyrolles, érudit et petit-fils du photographe, qui possède une collection inestimable de tirages de Brassaï et une vaste documentation sur son travail en tant qu'artiste.

L'exposition présentera plus de 200 tirages anciens, ainsi que des sculptures, des documents et des objets ayant appartenu au photographe, pour un regard approfondi et inédit sur l'œuvre de Brassaï, avec un accent particulier sur les célèbres images consacrées à la capitale française et à sa vie.

Ses photographies consacrées à la vie de la Ville Lumière - des quartiers populaires aux grands monuments emblématiques, de la mode aux portraits d'amis artistes, du graffiti à la vie nocturne - sont aujourd'hui des images iconiques qui identifient immédiatement le visage de Paris dans l'imaginaire collectif.

Hongrois de naissance - son vrai nom est Gyula Halász, remplacé par le pseudonyme Brassaï en l'honneur de Brassó, sa ville natale - mais parisien d'adoption, Brassaï a été l'une des figures de proue de la photographie du XXe siècle, défini par son ami Henry Miller comme "l'œil vivant" de la photographie.

En contact étroit avec des artistes tels que Picasso, Dalí et Matisse, et proche du mouvement surréaliste, il a participé, à partir de 1924, à la grande effervescence culturelle qui a traversé Paris au cours de ces années.

Brassaï est l'un des premiers photographes à avoir su capter l'atmosphère nocturne du Paris de l'époque et de ses habitants : ouvriers, prostituées, clochards, artistes, vagabonds solitaires.

Dans ses promenades, le photographe ne se contente pas de représenter le paysage ou les vues architecturales, mais s'aventure dans des espaces intérieurs plus intimes et confinés où la société se rencontre et s'amuse.

Son volume Paris de Nuit, ouvrage fondateur de l'histoire de la photographie française, date de 1933.

Ses photographies sont également publiées dans la revue surréaliste Minotaure, à laquelle Brassaï collabore et grâce à laquelle il fait la connaissance d'écrivains et de poètes surréalistes tels que Breton, Éluard, Desnos, Benjamin Péret et Man Ray.

"Exposer Brassaï aujourd'hui, c'est, selon Philippe Ribeyrolles, commissaire de l'exposition, "revisiter dans tous les sens cette œuvre merveilleuse, prendre la mesure de la diversité des sujets abordés, mêler les approches artistiques et documentaires ; c'est se plonger dans l'atmosphère de Montparnasse, où se rencontraient entre les deux guerres de nombreux artistes et écrivains, souvent originaires d'Europe de l'Est, comme son compatriote André Kertész. Ce dernier a exercé une influence considérable sur les photographes qui l'entouraient, dont Brassaï lui-même et Robert Doisneau".

Brassaï appartient à cette "école" française de la photographie que l'on définissait comme "humaniste", en raison de la grande attention que l'artiste portait aux protagonistes de la plupart de ses clichés.  En réalité, l'art de Brassaï va bien au-delà du "sujet photographique" : son exploration des murs de Paris et de leurs innombrables graffitis, par exemple, témoigne de son lien avec les arts marginaux et l'art brut de Jean Dubuffet.

Au cours de sa carrière, son travail original est remarqué par Edward Steichen, qui l'invite à exposer au Museum of Modern Art (MoMA) de New York en 1956 : l'exposition "Language of the Wall. Les graffitis parisiens photographiés par Brassaï" connaît un grand succès.

Les liens de Brassaï avec l'Amérique se sont également concrétisés par une collaboration assidue avec le magazine 'Harper's Bazaar', dont Aleksej Brodovič fut le révolutionnaire directeur artistique de 1934 à 1958. Pour 'Harper's Bazaar', le photographe a fait le portrait de nombreux protagonistes de la vie artistique et littéraire française, qu'il avait l'habitude de fréquenter. Les sujets photographiés à cette occasion ont été publiés en 1982 dans l'ouvrage Les artistes de ma vie, deux ans avant sa mort.

Brassaï meurt le 7 juillet 1984, peu après avoir terminé un livre sur Proust auquel il avait consacré plusieurs années de sa vie.

Il est enterré au cimetière du Montparnasse, au cœur du Paris qu'il a célébré pendant un demi-siècle.

L'exposition sera accompagnée d'un catalogue publié par Silvana Editoriale et édité par Philippe Ribeyrolles lui-même, avec un texte introductif de Silvia Paoli.

Palazzo Reale presenta la mostra “Brassaï. L’occhio di Parigi”, promossa da Comune di Milano – Cultura e prodotta da Palazzo Reale e Silvana Editoriale, realizzata in collaborazione con l’Estate Brassaï Succession.

La retrospettiva è curata da Philippe Ribeyrolles, studioso e nipote del fotografo che detiene un’inestimabile collezione di stampe di Brassaï e un’estesa documentazione relativa al suo lavoro di artista.

La mostra presenterà più di 200 stampe d’epoca, oltre a sculture, documenti e oggetti appartenuti al fotografo, per un approfondito e inedito sguardo sull’opera di Brassaï, con particolare attenzione alle celebri immagini dedicate alla capitale francese e alla sua vita.

Le sue fotografie dedicate alla vita della Ville Lumière – dai quartieri operai ai grandi monumenti simbolo, dalla moda ai ritratti degli amici artisti, fino ai graffiti e alla vita notturna – sono oggi immagini iconiche che nell’immaginario collettivo identificano immediatamente il volto di Parigi.

Ungherese di nascita – il suo vero nome è Gyula Halász, sostituito dallo pseudonimo Brassaï in onore di Brassó, la sua città natale -, ma parigino d’adozione, Brassaï è stato uno dei protagonisti della fotografia del XX secolo, definito dall’amico Henry Miller “l’occhio vivo” della fotografia.

In stretta relazione con artisti quali Picasso, Dalí e Matisse, e vicino al movimento surrealista, a partire dal 1924 fu partecipe del grande fermento culturale che investì Parigi in quegli anni.

Brassaï è stato tra i primi fotografi, in grado di catturare l’atmosfera notturna della Parigi dell’epoca e il suo popolo: lavoratori, prostitute, clochard, artisti, girovaghi solitari.

Nelle sue passeggiate, il fotografo non si limitava alla rappresentazione del paesaggio o alle vedute architettoniche, ma si avventurava anche in spazi interni più intimi e confinati, dove la società si incontrava e si divertiva.

È del 1933 il suo volume Paris de Nuit (Parigi di notte), un’opera fondamentale nella storia della fotografia francese.

Le sue fotografie furono anche pubblicate sulla rivista surrealista “Minotaure”, di cui Brassaï divenne collaboratore e attraverso la quale conobbe scrittori e poeti surrealisti come Breton, Éluard, Desnos, Benjamin Péret e Man Ray.

“Esporre oggi Brassaï significa – afferma Philippe Ribeyrolles, curatore della mostra – rivisitare quest’opera meravigliosa in ogni senso, fare il punto sulla diversità dei soggetti affrontati, mescolando approcci artistici e documentaristici; significa immergersi nell’atmosfera di Montparnasse, dove tra le due guerre si incontravano numerosi artisti e scrittori, molti dei quali provenienti dall’Europa dell’Est, come il suo connazionale André Kertész. Quest’ultimo esercitò una notevole influenza sui fotografi che lo circondavano, tra cui lo stesso Brassaï e Robert Doisneau.”

Brassaï appartiene a quella “scuola” francese di fotografia che fu definita “umanista”, per la grande attenzione che l’artista riservò ai protagonisti di gran parte dei suoi scatti.  In realtà, l’arte di Brassaï andò ben oltre la “fotografia di soggetto”: la sua esplorazione dei muri di Parigi e dei loro innumerevoli graffiti, ad esempio, testimonia il suo legame con le arti marginali e l’art brut di Jean Dubuffet.

Nel corso della sua carriera il suo originale lavoro viene notato da Edward Steichen, che lo invita a esporre al Museum of Modern Art (MoMA) di New York nel 1956: la mostra “Language of the Wall. Parisian Graffiti Photographed by Brassaï” riscuote un enorme successo.

I legami di Brassaï con l’America si concretizzano anche in una assidua collaborazione con la rivista “Harper’s Bazaar”, di cui Aleksej Brodovič fu il rivoluzionario direttore artistico dal 1934 al 1958. Per “Harper’s Bazaar” il fotografo ritrae molti protagonisti della vita artistica e letteraria francese, con i quali era solito socializzare. I soggetti ritratti in quest’occasione saranno pubblicati nel volume Les artistes de ma vie, del 1982, due anni prima della sua morte.

Brassaï scompare il 7 luglio 1984, subito dopo aver terminato la redazione di un libro su Proust al quale aveva dedicato diversi anni della sua vita.

È sepolto nel cimitero di Montparnasse, nel cuore della Parigi che ha celebrato per mezzo secolo.

La mostra sarà accompagnata da un catalogo edito da Silvana Editoriale e curato dallo stesso Philippe Ribeyrolles, con un testo introduttivo di Silvia Paoli.

Palazzo Reale presents the exhibition "Brassaï. The Eye of Paris," promoted by Comune di Milano - Cultura and produced by Palazzo Reale and Silvana Editoriale, held in collaboration with Estate Brassaï Succession.

The retrospective is curated by Philippe Ribeyrolles, a scholar and grandson of the photographer who holds a priceless collection of Brassaï's prints and extensive documentation related to his work as an artist.

The exhibition will feature more than 200 vintage prints, as well as sculptures, documents and objects that belonged to the photographer, for an in-depth, never-before-seen look at Brassaï's work, with a focus on the famous images devoted to the French capital and its life.

His photographs devoted to the life of the Ville Lumière - from working-class neighborhoods to the great iconic monuments, from fashion to portraits of artist friends, to graffiti and nightlife - are now iconic images that in the collective imagination immediately identify the face of Paris.

A Hungarian by birth-his real name is Gyula Halász, replaced by the pseudonym Brassaï in honor of Brassó, his hometown-but a Parisian by adoption, Brassaï was one of the leading figures in 20th-century photography, described by his friend Henry Miller as "the living eye" of photography.

In close relationship with artists such as Picasso, Dalí and Matisse, and close to the Surrealist movement, from 1924 he was a participant in the great cultural ferment that swept Paris in those years.

Brassaï was among the first photographers, able to capture the nocturnal atmosphere of Paris at the time and its people: workers, prostitutes, clochards, artists, and lonely wanderers.

In his walks, the photographer did not limit himself to the depiction of the landscape or architectural views, but also ventured into more intimate and confined interior spaces where society met and enjoyed itself.

His volume Paris de Nuit (Paris by Night), a seminal work in the history of French photography, dates from 1933.

His photographs were also published in the Surrealist magazine "Minotaure," of which Brassaï became a contributor and through which he got to know Surrealist writers and poets such as Breton, Éluard, Desnos, Benjamin Péret and Man Ray.

"Exhibiting Brassaï today means," says Philippe Ribeyrolles, curator of the exhibition, "revisiting this marvelous work in every sense, taking stock of the diversity of subjects tackled, mixing artistic and documentary approaches; it means immersing oneself in the atmosphere of Montparnasse, where numerous artists and writers met between the wars, many of them from Eastern Europe, such as his compatriot André Kertész. The latter exerted considerable influence on the photographers around him, including Brassaï himself and Robert Doisneau."

Brassaï belongs to that French "school" of photography that was called "humanist," because of the artist's close attention to the protagonists in most of his shots.  In fact, Brassaï's art went far beyond "subject photography": his exploration of the walls of Paris and their innumerable graffiti, for example, testifies to his connection with the marginal arts and Jean Dubuffet's art brut.

Later in his career, his original work was noticed by Edward Steichen, who invited him to exhibit at the Museum of Modern Art (MoMA) in New York in 1956: the exhibition "Language of the Wall. Parisian Graffiti Photographed by Brassaï" was a huge success.

Brassaï's ties with America also materialized in an assiduous collaboration with "Harper's Bazaar" magazine, of which Aleksej Brodovič was the revolutionary art director from 1934 to 1958. For "Harper's Bazaar," the photographer portrayed many leading figures of French artistic and literary life, with whom he used to socialize. The subjects portrayed here would be published in the 1982 volume Les artistes de ma vie, two years before his death.

Brassaï passed away on July 7, 1984, just after finishing editing a book on Proust to which he had devoted several years of his life.

He is buried in Montparnasse Cemetery, in the heart of the Paris he celebrated for half a century.

The exhibition will be accompanied by a catalog published by Silvana Editoriale and edited by Philippe Ribeyrolles himself, with an introductory text by Silvia Paoli.

(Text: Palazzo Reale, Milano)

La Fabbrica del Vapore | Milano
28. Oktober 2023 – 1. April 2024

Guido Harari- Incontri 50 anni di fotografie e racconti.

Die Ausstellung wird in Zusammenarbeit mit Rjma Progetti Culturali, Wall of Sound Gallery und SM-Art sowie mit Beiträgen von Epson Italia, Berné, Ci quadro, Lavezzo Studios, Creation und Radio Monte Carlo realisiert.

Die Ausstellung wird durch eine Installation eingeleitet, die Mailand gewidmet ist, den großen Persönlichkeiten der Mailänder Kunst, Kultur und Gesellschaft, die Harari in seiner 50-jährigen Karriere getroffen hat. In der Ausstellung wird auch die "Magic Cave" zu sehen sein, eine spezielle Fotokulisse, in der Guido Harari Porträts machen wird (Online-Reservierung erforderlich). Neben dem Originalabzug, den er selbst signiert und den Porträtierten schenkt, wird ein zweiter Abzug in Echtzeit in der abschließenden Sektion Occhi di Milano (Augen von Mailand) ausgestellt, einer Art "Ausstellung in der Ausstellung", die nach und nach von den Blicken der Stadt bevölkert wird. Und um sie alle zu repräsentieren, wird Harari "hängende Porträts" der "weniger glücklichen" Mailänder im "Enzo Jannacci"-Heim, dem Istituto dei Tumori und anderen Pflegeeinrichtungen anfertigen. Diese "hängenden Porträts" werden auch dem großen Mosaik der Mailänder Augen hinzugefügt.

Die Ausstellung zeichnet alle Etappen der vielseitigen Karriere von Guido Harari nach: von seinen Anfängen in der Musikbranche als Fotograf und Journalist über die zahlreichen Plattencover für Künstler wie Fabrizio De André, Bob Dylan, Vasco Rossi, Kate Bush, Paolo Conte, Lou Reed und Frank Zappa bis hin zur Bestätigung eines Werks, das im Laufe der Zeit von einem Genre zum anderen wechselte - Verlagswesen, Werbung, Mode, Reportage - und dabei immer das Porträt als intimes Zeugnis der Begegnungen mit den großen Persönlichkeiten seiner Zeit bevorzugte.

Die Ausstellung beginnt in den 1970er Jahren, als Harari, noch ein Teenager, begann, seine beiden großen Leidenschaften zu verbinden: Musik und Fotografie.

Nie zuvor gezeigte Bilder und Sequenzen, alte Backstage-Aufnahmen, Video-Interviews, die ihm gewidmete Sky Arte-Dokumentation und der Audioguide mit Hararis eigener Erzählerstimme führen den Besucher in das Herz seines kreativen Prozesses.

Die Ausstellung enthält auch einen Bereich, der seiner parallelen Leidenschaft für das Kuratieren von Büchern gewidmet ist, die als eine Art "Fotografie ohne Kamera" gedacht sind, sowie Gelegenheiten für alte und neue Begegnungen (wie die illustrierten Biografien, die Fabrizio De André, Fernanda Pivano, Mia Martini, Giorgio Gaber und Pier Paolo Pasolini gewidmet sind) und einen weiteren Bereich, der unveröffentlichten "Forschungs"-Bildern gewidmet ist, die Harari seit einigen Jahren als seine persönliche Form der Meditation im Prozess produziert.

L'exposition est produite avec Rjma Progetti Culturali, Wall of Sound Gallery et SM-Art et avec la contribution d'Epson Italia, Berné, Ci quadro, Lavezzo Studios, Creation et Radio Monte Carlo.

L'exposition sera introduite par une installation dédiée à Milan, aux grandes personnalités de l'art, de la culture et de la société milanaise que Harari a rencontrées au cours de ses 50 ans de carrière. L'exposition comprendra également la "Magic Cave", une installation photographique spéciale où Guido Harari réalisera des portraits (réservation en ligne obligatoire). Outre le tirage original, qu'il signera lui-même et remettra aux personnes représentées, un second tirage sera exposé - en temps réel - dans la section qui clôt l'exposition, Occhi di Milano (Yeux de Milan), une sorte d'"exposition dans l'exposition" qui sera peu à peu peu peuplée par les regards de la ville. Et pour les représenter tous, Harari réalisera des "portraits suspendus" des Milanais "moins fortunés" du foyer "Enzo Jannacci", de l'Istituto dei Tumori et d'autres structures d'accueil. Ces "portraits suspendus" seront également ajoutés à la grande mosaïque des Yeux de Milan.

L'exposition retrace toutes les étapes de la carrière éclectique de Guido Harari : de ses débuts dans l'industrie musicale en tant que photographe et journaliste, aux nombreuses pochettes de disques pour des artistes tels que Fabrizio De André, Bob Dylan, Vasco Rossi, Kate Bush, Paolo Conte, Lou Reed et Frank Zappa, jusqu'à l'affirmation d'une œuvre qui, au fil du temps, a oscillé d'un genre à l'autre - édition, publicité, mode, reportage - en privilégiant toujours le portrait comme récit intime des rencontres avec les grandes personnalités de son temps.

L'exposition débute dans les années 1970, lorsque Harari, encore adolescent, commence à combiner ses deux grandes passions : la musique et la photographie.

Des images et des séquences inédites, des images vintage des coulisses, des interviews vidéo, le documentaire de Sky Arte qui lui est consacré et l'audioguide avec la voix du narrateur Harari lui-même conduisent le visiteur au cœur de son processus créatif.

L'exposition comprend également une section consacrée à sa passion parallèle pour la conservation de livres, conçue comme une forme de "photographie sans appareil photo", ainsi que des occasions de rencontres anciennes et nouvelles (comme les biographies illustrées consacrées à Fabrizio De André, Fernanda Pivano, Mia Martini, Giorgio Gaber et Pier Paolo Pasolini) et une autre consacrée aux images "de recherche" inédites que Harari produit depuis quelques années comme une forme personnelle de méditation en cours.

La mostra è prodotta con Rjma Progetti culturali, Wall of Sound Gallery e SM-Art e con il contributo di Epson Italia, Berné, Ci quadro, Lavezzo Studios, Creation e Radio Monte Carlo.

La mostra sarà introdotta da una istallazione dedicata a Milano, ai grandi personaggi dell’arte, della cultura e della società milanese che Harari ha incontrato nel corso dei suoi 50 anni di carriera. Nella mostra sarà inoltre allestita la “Caverna magica”, uno speciale set fotografico dove Guido Harari realizzerà dei ritratti (su prenotazione on line). Oltre alla stampa originale, che lui stesso firmerà e consegnerà a chi è stato ritratto, una seconda stampa verrà esposta – in tempo reale – nella sezione che chiude la mostra, Occhi di Milano, una sorta di “mostra nella mostra” che si popolerà via via degli sguardi della città. E per rappresentarli tutti, Harari realizzerà dei “ritratti sospesi” ai milanesi “meno fortunati” nella Casa dell’accoglienza “Enzo Jannacci”, nell’Istituto dei Tumori e in altre strutture di assistenza. Anche questi “ritratti sospesi” andranno ad aggiungersi al grande mosaico degli Occhi di Milano.

La mostra ripercorre tutte le fasi della eclettica carriera di Guido Harari: dagli esordi in ambito musicale come fotografo e giornalista, alle numerose copertine di dischi per artisti come Fabrizio De André, Bob Dylan, Vasco Rossi, Kate Bush, Paolo Conte, Lou Reed, Frank Zappa, fino all’affermazione di un lavoro che nel tempo è rimbalzato da un genere all’altro – editoria, pubblicità, moda, reportage – privilegiando sempre il ritratto come racconto intimo degli incontri con le maggiori personalità del suo tempo.

Il percorso espositivo prende le mosse dagli anni Settanta, quando Harari, ancora adolescente, inizia a coniugare le sue due grandi passioni: la musica e la fotografia.

Immagini e sequenze inedite, insieme a filmati d’epoca di backstage, videointerviste, il documentario di Sky Arte a lui dedicato e l’audioguida con la voce narrante dello stesso Harari conducono il visitatore nel cuore del suo processo creativo.

La mostra propone anche una sezione dedicata alla passione parallela per la curatela di libri intesi come una forma di “fotografia senza macchina fotografica”, oltre che occasioni di incontri vecchi e nuovi (così le biografie illustrate dedicate a Fabrizio De André, Fernanda Pivano, Mia Martini, Giorgio Gaber e Pier Paolo Pasolini) e un’altra dedicata a immagini inedite “di ricerca” che Harari va realizzando da qualche anno come sua personale forma di meditazione in progress

The exhibition is produced with Rjma Cultural Projects, Wall of Sound Gallery and SM-Art and with contributions from Epson Italia, Berné, Ci quadro, Lavezzo Studios, Creation and Radio Monte Carlo.

The exhibition will be introduced by an installation dedicated to Milan, the great figures of Milanese art, culture and society that Harari has encountered during his 50-year career. The exhibition will also feature the "Magic Cave," a special photographic set where Guido Harari will take portraits (online booking required). In addition to the original print, which he himself will sign and give to those who have been portrayed, a second print will be exhibited - in real time - in the section that closes the exhibition, Eyes of Milan, a sort of "exhibition within the exhibition" that will gradually be populated by the city's gazes. And to represent them all, Harari will make "suspended portraits" to the "less fortunate" Milanese in the "Enzo Jannacci" House of Hospitality, the Istituto dei Tumori and other care facilities. These "suspended portraits" will also be added to the great mosaic of the Eyes of Milan.

The exhibition traces all the stages of Guido Harari's eclectic career: from his beginnings in the field of music as a photographer and journalist, to the numerous record covers for artists such as Fabrizio De André, Bob Dylan, Vasco Rossi, Kate Bush, Paolo Conte, Lou Reed, and Frank Zappa, to the affirmation of a work that over time has bounced from one genre to another - publishing, advertising, fashion, reportage - always favoring portraiture as an intimate account of his encounters with the major personalities of his time.

The exhibition itinerary starts from the 1970s, when Harari, still a teenager, began to combine his two great passions: music and photography.

Never-before-seen images and sequences, along with vintage backstage footage, video interviews, Sky Arte's documentary dedicated to him and an audio guide with the narrator's voice of Harari himself lead the visitor into the heart of his creative process.

The exhibition also features a section dedicated to his parallel passion for curating books intended as a form of "photography without a camera," as well as opportunities for old and new encounters (thus the illustrated biographies dedicated to Fabrizio De André, Fernanda Pivano, Mia Martini, Giorgio Gaber and Pier Paolo Pasolini) and another dedicated to unpublished "research" images that Harari has been making for the past few years as his personal form of meditation in progress

(Text: La Fabbrica del Vapore, Milano)

29 ARTS in Progress | Milano
19. Oktober 2023 - 16. März 2024

Beyond Fashion
Michel Haddi

Zu sehen sind die repräsentativsten Bilder einer mehr als 40-jährigen Karriere, die Teil eines endlosen Archivs berühmter Gesichter, Supermodels, Ikonen und Legenden aus Musik und Kunst sind. Von Liza Minnelli bis David Bowie, von Cameron Diaz bis Jennifer Lopez und Angelina Jolie, vorbei an Naomi Campbell und Kate Moss, Linda Evangelista, Stephanie Seymour, Yasmin Le Bon und Veruschka, um nur einige zu nennen.

Unzählige Gesichter wurden von Haddi porträtiert, der den Geist seiner Zeit durch die Persönlichkeiten, die die Geschichte der Mode, des Films und der Musik belebt haben, eingefangen hat. Ein intimer, persönlicher, unkonventioneller Blick, wie fast seine gesamte Karriere, weit entfernt von dem des klassischen Modefotografen: Haddi, der eine turbulente Kindheit mit dem Traum, Fotograf zu werden, überlebt hat, widmete sein Leben der Darstellung einiger Protagonisten der historischen und kulturellen Veränderungen des letzten Jahrhunderts mit der seltenen Fähigkeit, das tiefste Wesen seiner Subjekte einzufangen und wiederzugeben.

Der Ausstellungsparcours, der sich in zwei Etappen entwickelt, wird es dem Publikum und den Sammlern ermöglichen, die Essenz von Haddis Werk zu erfassen, sowohl in den raffiniertesten Schwarz-Weiß-Bildern, die im Atelier entstanden sind, als auch in den ungewöhnlicheren Aufnahmen, die von einer Straßen- und Stadtseele, aber auch von Ironie und Sinnlichkeit geprägt sind und die facettenreiche Persönlichkeit des Künstlers hervorheben.

In der zweiten Phase der Ausstellung werden nicht nur Aktfotos und unveröffentlichte Aufnahmen gezeigt, sondern auch suggestive Bilder in leuchtenden Farben und tropischer amerikanischer Atmosphäre aus den 1990er Jahren, die oft mit einigen emblematischen Werbekampagnen verbunden sind, die Haddi für internationale Marken wie Versace, Chanel, Armani und Yves Saint-Laurent entworfen hat, um das umfangreiche Werk zu würdigen.

Haddi, dessen wörtliche Übersetzung aus der semitischen Sprache "der Sehende" lautet, gelang es, das wahre Wesen derjenigen zu sehen, die für ihn hinter der Linse posierten - Schauspieler, Models oder ganz normale Menschen - und ein Bild zu schaffen, das mal ironisch, mal tiefgründig ist: Alle seine Fotografien haben eine Geschichte zu erzählen, denn es sind authentische Bilder, die mit den häufigsten menschlichen Emotionen spielen und gerade deshalb unauslöschlich werden.

Die beiden Ausstellungsphasen werden von Live-Veranstaltungen mit Michel Haddi begleitet, die die Interaktion und den Dialog zwischen dem Künstler und dem Mailänder Publikum fördern sollen. Weitere Informationen zu den Einzelheiten und den Modalitäten der Teilnahme werden folgen.

L'exposition présente les images les plus représentatives d'une carrière qui s'étend sur plus de 40 ans, faisant partie d'une archive sans fin de visages célèbres, de top-modèles, d'icônes et de légendes de la musique et de l'art. De Liza Minnelli à David Bowie, de Cameron Diaz à Jennifer Lopez et Angelina Jolie, en passant par les inattendues Naomi Campbell et Kate Moss, Linda Evangelista, Stephanie Seymour, Yasmin Le Bon et Veruschka, pour n'en citer que quelques-unes.

D'innombrables visages ont été dépeints par Haddi, qui a su capter l'esprit de son époque à travers les personnalités qui ont animé l'histoire de la mode, du cinéma et de la musique. Un regard intime, personnel, non conventionnel, comme presque toute sa carrière, loin de celui du photographe de mode classique : ayant survécu à une enfance turbulente avec le rêve de devenir photographe, Haddi a consacré sa vie à faire le portrait de certains des protagonistes des changements historiques et culturels du siècle dernier avec une rare capacité à capturer, puis à restituer, l'essence la plus profonde de ses sujets.

Le parcours de l'exposition, qui se déroule en deux étapes, permettra au public et aux collectionneurs de saisir l'essence de l'œuvre de Haddi, tant dans les images en noir et blanc les plus raffinées, prises en studio, que dans les clichés plus insolites, chargés d'une âme urbaine et de rue, mais aussi d'ironie et de sensualité, qui mettent en lumière la personnalité multiforme de l'artiste.

Dans le but de rendre hommage à une vaste production, la deuxième phase de l'exposition présentera au public non seulement des nus et des clichés inédits, mais aussi des images évocatrices aux couleurs vives et aux ambiances tropicales américaines des années 1990, souvent liées à certaines campagnes publicitaires emblématiques créées par Haddi pour des marques internationales telles que Versace, Chanel, Armani et Yves Saint-Laurent.

Haddi, dont la traduction littérale de la langue sémitique est "celui qui voit", a réussi la tâche ardue de voir la vraie nature de ceux qui ont posé pour lui derrière l'objectif - acteurs, mannequins ou personnes ordinaires - et de créer une image tantôt ironique, tantôt profonde : toutes ses photographies ont une histoire à raconter parce que ce sont des images authentiques, qui jouent avec les émotions humaines les plus communes et deviennent, précisément pour cette raison, indélébiles.

Les deux phases de l'exposition seront animées par des événements en direct avec Michel Haddi visant à favoriser l'interaction et le dialogue entre l'artiste et le public dans la ville de Milan. Les détails et les modes de participation seront communiqués ultérieurement.

In mostra le immagini più rappresentative di una carriera lunga più di 40 anni, parte di un archivio sterminato di volti celebri, top model, icone e leggende della musica e dell’arte. Da Liza Minnelli a David Bowie, da Cameron Diaz a Jennifer Lopez e Angelina Jolie, passando per inaspettate Naomi Campbell e Kate Moss, Linda Evangelista, Stephanie Seymour, Yasmin Le Bon e Veruschka, solo per citarne alcune.

Infiniti i volti ritratti da Haddi che ha saputo catturare lo spirito del suo tempo attraverso le personalità che hanno animato la storia della moda, del cinema e della musica. Uno sguardo intimo, personale, anticonvenzionale come quasi tutta la sua carriera, ben lontana da quella del classico fotografo di moda: sopravvissuto ad un’infanzia turbolenta con il sogno di diventare fotografo, Haddi dedicherà la sua vita a raccontare alcuni dei protagonisti dei cambiamenti storici e culturali dell’ultimo secolo con una rara abilità nel saper cogliere, e poi restituire, l’essenza più profonda dei suoi soggetti.

Il percorso espositivo, che si sviluppa in due fasi, permetterà al pubblico ed ai collezionisti di cogliere l’essenza dell’opera di Haddi tanto nelle più raffinate immagini in bianco e nero realizzate in studio, quanto negli scatti più inconsueti carichi di un’anima street e urban ma anche di ironia e sensualità che evidenziano la poliedrica personalità dell’Artista.

Con l’obiettivo di rendere onore ad una produzione vastissima, la seconda fase espositiva presenterà al pubblico oltre a nudi e scatti inediti, anche suggestive immagini dai colori brillanti e dalle atmosfere tropicali americane anni Novanta, spesso legate ad alcune emblematiche campagne pubblicitarie create da Haddi per brand internazionali come Versace, Chanel, Armani, Yves Saint-Laurent.

Haddi, la cui traduzione letterale dalla lingua semitica è ‘colui che vede’, è riuscito nell’ardua impresa di vedere, appunto, la vera natura di chi posava per lui dietro l’obiettivo – attori, modelle o persone comuni – e a realizzarne un’immagine ora ironica, ora profonda: tutte le sue fotografie hanno una storia da raccontare perché sono immagini autentiche, che giocano con le più comuni emozioni umane e diventano, proprio per questo, indelebili.

Le due fasi espositive saranno animate da eventi live con Michel Haddi volti a favorire l’interazione e il dialogo tra l’Artista e il pubblico della città di Milano. Seguiranno aggiornamenti sui dettagli e le modalità di partecipazione.

On display are the most exemplary images of a career spanning more than 40 years, part of an endless archive of famous faces, top models, icons and legends from the worlds of music and art. From Liza Minnelli to David Bowie, from Cameron Diaz to Jennifer Lopez and Angelina Jolie, including unexpected shots of Naomi Campbell and Kate Moss, Linda Evangelista, Stephanie Seymour, Yasmin Le Bon and Veruschka, to name but a few.

In the countless faces portrayed by Haddi, he has succeeded in capturing the spirit of his time through the celebrities who have populated the history of fashion, film and music. His take is intimate, personal and unconventional, just like much of his career, which is a far cry from that of a classic fashion photographer: having survived a troubled childhood, during which he clung to his dream of becoming a photographer, Haddi has dedicated his life to illustrating some of the key players in the historical and cultural changes of the last Century with a rare ability to capture, and then successfully replicate, the deepest essence of his subjects.

The exhibition, which is divided up into two phases, will allow the public as well as collectors to grasp the essence of Haddi’s work in the most refined black and white pictures taken in his studio, as well as in his rather unusual shots packed with a street vibe and an urban soul but also with a sense of irony and sensuality that highlight the Artist’s multifaceted personality.

In order to pay tribute to such a vast line-up of photos, the second exhibition phase will present the public not only with nudes and unpublished shots, but also evocative, brightlycoloured pictures packed with Nineties tropical American atmospheres, often linked to certain emblematic advertising campaigns created by Haddi for international brands such as Versace, Chanel, Armani and Yves Saint-Laurent.

Haddi, which literally translates from the Semitic language as ‘the one who sees’, has succeeded in the difficult task of seeing, precisely, the true nature of the subjects who posed for him in front of his lens – actors, models or ordinary people – and to replicate their image, at times ironically and at other profoundly: all his photographs have a story to tell because they are authentic pictures, which play with the most common human emotions and, precisely for this reason, become indelible.

The two exhibition phases will be animated by live events featuring Michel Haddi designed to encourage the public from the city of Milan to interact and liaise with the Artist in person. Updates on details and how to participate will follow.

(Text: 29 ARTS in Progress, Milano)

Palazzo Reale | Milano
13. Oktober 2023 – 11. Februar 2024

Tutta mia la città
Gabriele Basilico

Zehn Jahre nach seinem Tod widmet Mailand Gabriele Basilico (1944-2013) eine große Ausstellung, die auf zwei Ausstellungsorte - Palazzo Reale und Triennale Milano - aufgeteilt ist und die erste große Hommage darstellt, die die Stadt, in der Basilico geboren wurde und lebte, dem Fotografen und seinem kosmopolitischen Blick, der in der Lage war, das Herz aller Städte zu hören, zollt. Die Ausstellung bietet insgesamt mehr als 500 Werke, die von der Stadt Mailand auf der Triennale bis zur Welt im Palazzo Reale reichen.

Die Ausstellung "Gabriele Basilico. Le mie città", die am 13. Oktober 2023 eröffnet wird, wird von Comune di Milano-Cultura, Palazzo Reale und Triennale Milano gemeinsam mit Electa gefördert und produziert und in wissenschaftlicher Zusammenarbeit mit dem Archivio Gabriele Basilico realisiert.

Im Palazzo Reale wird die Ausstellung von Giovanna Calvenzi und Filippo Maggia kuratiert und zeigt eine Auswahl von Werken zu Basilicos großen internationalen Aufträgen; in der Triennale, wo Giovanna Calvenzi und Matteo Balduzzi mit der Kuratierung betraut sind, wird eine breite Auswahl von Bildern von Mailand und seinen Vororten gezeigt.

Dix ans après sa mort, Milan consacre à Gabriele Basilico (1944-2013) une grande exposition divisée en deux lieux - Palazzo Reale et Triennale Milano - qui représente le premier grand hommage que la ville où Basilico est né et a vécu rend au photographe et à son regard cosmopolite, capable précisément d'écouter le cœur de toutes les villes. L'exposition propose un total de plus de 500 œuvres, partant de la ville de Milan à la Triennale pour regarder et arriver au Monde au Palazzo Reale.

L'exposition "Gabriele Basilico. Le mie città", qui ouvrira au public le 13 octobre 2023, est promue et produite par la Comune di Milano-Cultura, le Palazzo Reale et la Triennale de Milan, en collaboration avec Electa et réalisée avec la collaboration scientifique de l'Archivio Gabriele Basilico.

Au Palazzo Reale, l'exposition est organisée par Giovanna Calvenzi et Filippo Maggia et présente une sélection d'œuvres sur les principales commandes internationales de Basilico ; à la Triennale, où le commissariat est confié à Giovanna Calvenzi et Matteo Balduzzi, une vaste sélection d'images de Milan et de sa banlieue est exposée.

A dieci anni dalla scomparsa, Milano dedica a Gabriele Basilico (1944-2013) una ampia mostra che si articola in due sedi espositive – Palazzo Reale e Triennale Milano – e rappresenta il primo grande omaggio che la città in cui Basilico è nato e ha vissuto rivolge al fotografo e a quel suo sguardo cosmopolita, capace appunto di ascoltare il cuore di tutte le città. L’esposizione propone complessivamente oltre 500 opere, partendo dall’attraversamento della città di Milano in Triennale per guardare e arrivare al Mondo a Palazzo Reale.

La mostra “Gabriele Basilico. Le mie città”, che apre al pubblico il 13 ottobre 2023, è promossa e prodotta da Comune di Milano-Cultura, Palazzo Reale e Triennale Milano, insieme a Electa e realizzata con la collaborazione scientifica dell’Archivio Gabriele Basilico.

A Palazzo Reale la mostra è curata da Giovanna Calvenzi e Filippo Maggia e presenta una selezione dei lavori sulle grandi committenze internazionali di Basilico; in Triennale, dove la curatela è affidata a Giovanna Calvenzi e Matteo Balduzzi, viene esposta un’ampia selezione di immagini di Milano e delle sue periferie.

Ten years after his death, Milan dedicates to Gabriele Basilico (1944-2013) an extensive exhibition that is divided between two exhibition venues - Palazzo Reale and Triennale Milano - and represents the first major tribute that the city where Basilico was born and lived pays to the photographer and his cosmopolitan gaze, capable precisely of listening to the heart of all cities. The exhibition offers a total of more than 500 works, starting from the crossing of the city of Milan at the Triennale to look at and arrive at the World at Palazzo Reale.

The exhibition "Gabriele Basilico. My Cities," which opens to the public on Oct. 13, 2023, is promoted and produced by Comune di Milano-Cultura, Palazzo Reale and Triennale Milano, together with Electa and realized with the scientific collaboration of the Gabriele Basilico Archive.

At Palazzo Reale, the exhibition is curated by Giovanna Calvenzi and Filippo Maggia and presents a selection of works on Basilico's major international commissions; at Triennale, where the curatorship is entrusted to Giovanna Calvenzi and Matteo Balduzzi, a wide selection of images of Milan and its suburbs is on display.

(Text: Palazzo Reale, Milano)

Palazzo Reale | Milano
22. September – 26. November 2023

Unveiled
Luigi & Iango

Luigi & Iango präsentieren ihre erste Fotoausstellung Unveiled.

Die Ausstellung zeigt mehr als 100 Abzüge ihrer bekanntesten Arbeiten sowie bisher ungesehenes Material, Backstage und Videos.

Eher eine Introspektion als eine Retrospektive.

Dem Künstlerduo gelingt es, auf der Suche nach Bildern, die ästhetisch schön sind und gleichzeitig unsere heutige Gesellschaft und unsere Werte widerspiegeln, zu einem einzigen Ansatz zu gelangen.

Luigi & Iango présentent leur première exposition photographique Unveiled.

L'exposition présentera plus de 100 tirages de leurs travaux les plus acclamés, ainsi que des documents inédits, des coulisses et des vidéos.

Une introspection plutôt qu'une rétrospective.

Le duo artistique parvient à converger vers une approche unique dans la recherche d'images qui sont esthétiquement belles et en même temps un reflet de notre société et des valeurs d'aujourd'hui.

Luigi & Iango presentano la loro prima mostra fotografica Unveiled.

La mostra presenterà più di 100 stampe dei loro lavori più acclamati, oltre a materiale inedito, backstage e video.

Un’introspezione più che una retrospettiva.

Il duo artistico riesce a convergere su un unico approccio nella ricerca di immagini esteticamente belle e che, allo stesso tempo, possano rappresentare un riflesso della nostra società e dei valori di oggi.

Luigi & Iango present their first photography exhibition Unveiled.

The exhibition will present more than 100 fine art prints of their most acclaimed work, as well as unpublished, archive, behind the scene materials and videos.

An introspection rather than a retrospective. The artistic duo manages to converge on a single approach in their search for images that are aesthetically beautiful and at the same time a reflection of our society and of today's values.

(Text: Palazzo Reale, Milano)

Palazzo Reale | Milano
20. September 2023 – 21. Januar 2024

Humanity
Jimmy Nelson

Im Palazzo Reale findet die erste italienische Einzelausstellung von Jimmy Nelson statt, einem der interessantesten und international wichtigsten Fotografen der zeitgenössischen Szene.

Das von der Stadt Mailand geförderte Ausstellungsprojekt wird von Palazzo Reale und Skira Editore in Zusammenarbeit mit der Jimmy Nelson Foundation produziert und von Nicolas Ballario und Federica Crivellaro kuratiert.

Der 1967 in England geborene Jimmy Nelson hat sein Leben zahlreichen Reisen um die Welt gewidmet, um einige der am stärksten bedrohten indigenen Kulturen zu fotografieren und ihre Geschichten, ihre Emotionen und die traditionellen Bräuche und Traditionen zu erzählen, die trotz der fortschreitenden und aufdringlichen Globalisierung unseres Planeten erhalten geblieben sind.

Jimmy Nelson. Humanity ist eine außergewöhnliche Reise in die Schönheit der Menschheit anhand von 65 großformatigen Fotografien, die zu seinen bekanntesten und berühmtesten Werken auf der ganzen Welt gehören. Aber nicht nur das, durch den Ausstellungsrundgang wird es tatsächlich möglich sein, in das Werk des Künstlers einzutauchen und seine intimste und tiefste Bedeutung zu erfassen.

Le Palazzo Reale accueillera la première exposition solo italienne de Jimmy Nelson, l'un des photographes les plus engagés et les plus importants de la scène contemporaine.

Le projet d'exposition, promu par la ville de Milan, est produit par Palazzo Reale et Skira Editore, en collaboration avec la Fondation Jimmy Nelson et sous la direction de Nicolas Ballario et Federica Crivellaro.

Né en Angleterre en 1967, Jimmy Nelson a consacré sa vie à de nombreux voyages à travers le monde pour photographier certaines des cultures indigènes les plus menacées, en racontant leurs histoires, leurs émotions et les coutumes et traditions traditionnelles qui ont été préservées malgré la mondialisation progressive et imposante de notre planète.

Jimmy Nelson. Humanity est un voyage extraordinaire dans la beauté de l'humanité à travers 65 grandes photographies appartenant à ses œuvres les plus célèbres et célébrées à travers le monde, mais pas seulement, à travers le parcours de l'exposition il sera en effet possible de s'immerger dans l'œuvre de l'artiste en ayant l'opportunité d'en saisir le sens le plus intime et le plus profond.

Palazzo Reale ospiterà la prima mostra personale italiana di Jimmy Nelson, uno dei fotografi più coinvolgenti ed importanti a livello internazionale nella scena contemporanea.

Il progetto espositivo, promosso dal Comune di Milano, è prodotto da Palazzo Reale e Skira Editore, in collaborazione con la Jimmy Nelson Foundation e la curatela di Nicolas Ballario e Federica Crivellaro.

Nato in Inghilterra nel 1967 Jimmy Nelson ha dedicato la sua vita a numerosissimi viaggi nel mondo per fotografare alcune delle culture indigene più a rischio di estinzione raccontando le loro storie, le loro emozioni e gli usi e costumi tradizionali che si sono preservati nonostante la progressiva e imponente globalizzazione del nostro pianeta.

Jimmy Nelson. Humanity è uno straordinario viaggio nella bellezza dell’umanità attraverso 65 fotografie di grandi dimensioni appartenenti ai suoi lavori più famosi e celebrati nel mondo, ma non solo, attraverso il percorso espositivo sarà infatti possibile immergersi nel lavoro dell’artista avendo l’opportunità di coglierne il suo significato più intimo e profondo.

Palazzo Reale will host the first Italian solo exhibition of Jimmy Nelson, one of the most important photographers at an international level in the contemporary scene.

The exhibition project, promoted by the Municipality of Milan, is produced by Palazzo Reale and Skira Editore, in collaboration with the Jimmy Nelson Foundation and the curatorship of Nicolas Ballario and Federica Crivellaro. 

Born in England in 1967, Jimmy Nelson has dedicated his life to numerous trips around the world to photograph some of the most endangered indigenous cultures, telling their stories, their emotions and traditional customs and traditions that have been preserved despite the progressive and impressive globalization of our planet.

Jimmy Nelson. Humanity is an extraordinary journey into the beauty of humanity through 65 large photographs belonging to his most famous and celebrated works in the world, through the exhibition it will be possible to immerse yourself in the artist's work having the opportunity to grasp its most intimate and profound meaning.

(Text: Palazzo Reale, Milano)

Palazzo Reale | Milano
21. Juni - 6. September 2023

La libertà e l’impegno
Mario Dondero

Zum ersten Mal wird in Mailand eine umfassende Retrospektive des fotografischen Werks von Mario Dondero (1928-2015) gezeigt, einem der Protagonisten der italienischen Fotografie in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und einem führenden Fotojournalisten der internationalen Szene. Jahrhunderts und einer der führenden Fotojournalisten der internationalen Szene. Die von der Stadt Mailand - Kultur geförderte und von Palazzo Reale und Silvana Editoriale in Zusammenarbeit mit dem Mario Dondero Archiv produzierte Ausstellung wird von Raffaella Perna kuratiert und im Appartamento dei Principi gezeigt.

Die Ausstellung bietet einen umfassenden Überblick über Donderos Werk anhand einer Auswahl von Bildern, die zu Reportagen und Fotoreportagen gehören und während seiner langen Karriere von den 1950er bis zu den 1910er Jahren entstanden sind. Neben vielen seiner ikonischsten Fotografien zeigt die Ausstellung auch einige bisher nicht gezeigte Aufnahmen aus dem Archiv des Autors, darunter Porträts von Pier Paolo Pasolini und Laura Betti.

Die Ausstellung im Palazzo Reale verfolgt das Ziel, Donderos lange Karriere anhand einer Erzählung nachzuzeichnen, die einem doppelten Ausstellungskriterium folgt, nämlich chronologisch und thematisch zugleich. Die in den zehn Räumen des Appartamento dei Principi gezeigte Ausstellung ist als eine Erzählung konzipiert, die sich durch ebenso viele Etappen schlängelt, von denen jede als Mikro-Ausstellung konzipiert ist: von den Fotografien seiner ersten Reisen nach Portugal in den 1950er Jahren bis zu den Aufnahmen in Kabul in den 2000er Jahren.

La vaste rétrospective de l'œuvre photographique de Mario Dondero (1928-2015), l'un des protagonistes de la photographie italienne de la seconde moitié du XXe siècle et photojournaliste de premier plan sur la scène internationale, est exposée pour la première fois à Milan. Promue par la municipalité de Milan - Culture, et produite par le Palazzo Reale et Silvana Editoriale en collaboration avec les Archives Mario Dondero, l'exposition est organisée par Raffaella Perna et se tiendra dans l'Appartamento dei Principi.

L'exposition vise à offrir une vue d'ensemble de l'œuvre de Dondero, à travers une sélection d'images appartenant à des reportages et des photoreportages réalisés tout au long de sa carrière, des années 1950 aux années 1910. Outre un grand nombre de ses photographies les plus emblématiques, l'exposition présente plusieurs clichés inédits provenant des archives de l'auteur, notamment des portraits de Pier Paolo Pasolini et de Laura Betti.

L'exposition au Palazzo Reale vise à retracer la longue carrière de Dondero à travers un récit qui suit un double critère d'exposition, à la fois chronologique et thématique. L'exposition présentée dans les dix salles de l'Appartamento dei Principi est conçue comme un récit qui se déroule en autant d'étapes, chacune conçue comme une micro-exposition : des photographies de ses premiers voyages au Portugal dans les années 1950 aux prises de vue réalisées à Kaboul dans les années 2000.

Per la prima volta esposta a Milano l’ampia retrospettiva del lavoro fotografico di Mario Dondero (1928-2015), uno dei protagonisti della fotografia italiana della seconda metà del Novecento e fotoreporter di spicco nel panorama internazionale. Promossa da Comune di Milano – Cultura, e prodotta da Palazzo Reale e Silvana Editoriale in collaborazione con l’archivio Mario Dondero, la mostra è curata da Raffaella Perna e sarà allestita nell’Appartamento dei Principi.

L’esposizione mira a offrire uno sguardo complessivo sull’opera di Dondero, attraverso una selezione di immagini appartenenti a reportage e servizi fotografici realizzati lungo l’intero arco della sua lunga carriera, dagli anni cinquanta agli anni dieci del XXI secolo. Insieme a molte tra le fotografie più iconiche, in mostra vengono presentati diversi scatti inediti, forniti dall’archivio dell’autore, tra cui alcuni ritratti di Pier Paolo Pasolini e Laura Betti.

La mostra a Palazzo Reale vuole restituire il lungo percorso di Dondero attraverso un racconto che segue un duplice criterio espositivo, cronologico e tematico insieme. Il display espositivo delle dieci sale dell’Appartamento dei Principi è concepito come una narrazione che si snoda lungo altrettante tappe, ciascuna pensata come una micro-mostra: dalle fotografie dei primi viaggi in Portogallo negli anni Cinquanta, sino agli scatti realizzati a Kabul negli anni Duemila.

On display for the first time in Milan is the extensive retrospective of the photographic work of Mario Dondero (1928-2015), one of the protagonists of Italian photography in the second half of the 20th century and a prominent photojournalist on the international scene. Promoted by the Municipality of Milan - Culture, and produced by Palazzo Reale and Silvana Editoriale in collaboration with the Mario Dondero Archive, the exhibition is curated by Raffaella Perna and will be staged in the Appartamento dei Principi.

The exhibition aims to offer a comprehensive look at Dondero's oeuvre through a selection of images belonging to reportages and photo reports made throughout his long career, from the 1950s to the 1910s. Along with many of the most iconic photographs, the exhibition features several previously unseen shots provided by the author's archive, including portraits of Pier Paolo Pasolini and Laura Betti.

The exhibition at Palazzo Reale aims to restore Dondero's long journey through a narrative that follows a dual exhibition criterion, chronological and thematic together. The exhibition display in the ten rooms of the Appartamento dei Principi is conceived as a narrative that unfolds along as many stages, each conceived as a micro-exhibition: from the photographs of his first trips to Portugal in the 1950s to the shots taken in Kabul in the 2000s.

(Text: Palazzo Reale, Milano)

29 ARTS IN PROGRESS | Milano
23. Mai - 28. Juli 2023

Unveiled
Farnaz Damnabi

Die Galerie 29 ARTS IN PROGRESS freut sich, vom 23. Mai bis zum 28. Juli 2023 die erste Einzelausstellung der jungen iranischen Künstlerin Farnaz Damnabi zu präsentieren.

Die Ausstellung trägt den Titel "UNVEILED" und versammelt eine Auswahl von Werken, die dem Besucher die ebenso raffinierte wie kraftvolle Geschichte einer jungen Fotografin aus dem heutigen Iran erzählen, die zwischen Vergangenheit und Zukunft schwebt.

In ihren Aufnahmen spielen Frauen die absolute Hauptrolle: Damnabi illustriert und würdigt die iranische weibliche Identität, die sich hier in der Routine von Frauen, Müttern und Arbeitern zeigt, die von einer streng patriarchalischen Gesellschaft ignoriert werden, die ihre Gleichheit, ihren Wert und ihre Freiheit erst so spät anerkennt.

Viele der ausgestellten Fotografien beleuchten Themen wie die Diskriminierung von Frauen auf dem Arbeitsmarkt, das Lohngefälle zwischen den Geschlechtern und die Nichtanerkennung ihres stillen Beitrags zu Schlüsselsektoren der iranischen Wirtschaft und des Handwerks (z. B. die Safranernte auf den Feldern von Torbat-e Heydarieh oder die Herstellung von Teppichen).

In ihrer Serie Lost Paradise werden weibliche Figuren von hinten vor einem traditionellen Perserteppich porträtiert und scheinen mit dem Hintergrund zu verschmelzen, eine Metapher sowohl für ihre optische als auch für ihre soziale Unsichtbarkeit.

Einige ihrer berühmtesten Reportagen, die sowohl poetisch als auch dramatisch sind, sind Kindern gewidmet und haben den doppelten Zweck, nicht nur die Schwierigkeiten einer in diesem Land verbrachten Kindheit zu zeigen, sondern auch die Fähigkeit - typisch für Jugendliche - selbst in den widrigsten Umständen Magie zu finden, denn, wie der emblematische Titel eines ihrer Projekte uns daran erinnert: Spielen ist mein Recht.

Frauen, Kinder und Jugendliche sind auch in ihrer Serie Metamorphosis zu sehen: eine wahre Sammlung von in der Schwebe gehaltenen Momenten, Alltagsszenen, Ritualen, Kleidungsstücken und symbolträchtigen Traditionen des Iran. Mit ihrem jüngsten Projekt Be like a Butterfly dokumentiert die Künstlerin den Versuch der jüngeren Frauengenerationen, ihren Zustand zu verbessern, indem sie Veränderungen aufzeichnet, die so langsam und zögerlich sind, dass sie nicht wahrnehmbar scheinen, und sie mit der gleichen Metamorphose vergleicht, die die Puppen durchlaufen, um zu Schmetterlingen zu werden.

In ihrem sehr persönlichen und bewegenden Bericht über ihr Heimatland dokumentiert Damnabi auch das Experiment der neuen Stadt, die nur wenige Kilometer von Teheran entfernt errichtet wurde.

Leider ironisch Pardis (Paradies) genannt, sollte sie die Abwanderung der am dichtesten besiedelten Städte umkehren; der massenhafte Bau neuer Gebäude hat jedoch zur Verwüstung des Ökosystems der Berge und zur Zerstörung ihres natürlichen Lebensraums geführt, wodurch die Verbindungen zur Hauptstadt noch schlechter geworden sind. Die ausgestellten Bilder aus der gleichnamigen Serie Pardis scheinen zwischen Realität und Traum zu schweben und zeigen den düsteren Ausblick auf eine "Mondlandschaft" - wie die Künstlerin selbst sagt - eines verweigerten Paradieses, das in Wirklichkeit ein Schlafbezirk ist, in dem viele Arbeiter und die meisten der ärmsten Familien in Ghettos ohne die grundlegendsten Annehmlichkeiten einfach überleben.

Damnabis Fotografien verwandeln die ungehörten Stimmen des Iran in Bilder: Es sind die Geschichten der Frauen, die von allen Aspekten der Gesellschaft, in der sie leben, ausgegrenzt werden; die Geschichten der Kinder, denen das unveräußerliche Recht auf eine unbeschwerte Kindheit vorenthalten wird; es sind die Geschichten all der unsichtbaren Iraner, die seit jeher in die äußerste Enge getrieben werden, sowohl geografisch als auch sozial.

Ihre Porträts sollen nicht kontrovers, sondern repräsentativ sein, indem sie uns mit ihren eigenen Augen eine Welt zeigt, die wir zwar kennen, die uns aber jetzt noch intensiver und tiefer berührt.

Inmitten dieser Geschichten von Isolation, Verlust und Ausgrenzung erhebt sich die junge Stimme von Farnaz Damnabi mit raffinierter Eleganz als ein Schrei der Empörung, verbunden mit Vertrauen. Ihre Fotografien sind gleichzeitig zart und kraftvoll, und während sie uns beeindrucken, zwingen sie uns vor allem dazu, mit ihr zu sehen, zu reflektieren und zu hoffen.

29 La galerie ARTS IN PROGRESS est ravie de présenter la première exposition personnelle de la jeune artiste iranienne Farnaz Damnabi, du 23 mai au 28 juillet 2023.

Intitulée " UNVEILED ", l'exposition rassemble une sélection d'œuvres qui racontent aux visiteurs le récit - aussi raffiné que puissant - d'une jeune femme photographe de l'Iran contemporain, suspendue entre passé et futur.

Dans ses clichés, les femmes jouent le rôle de vedettes absolues : Damnabi illustre et rend hommage à l'identité féminine iranienne, qui se manifeste ici dans la routine des femmes, mères et travailleuses ignorées par une société strictement patriarcale, qui tarde à reconnaître leur égalité, leur valeur et leur liberté.

De nombreuses photographies exposées mettent en lumière des questions telles que la discrimination à l'égard des femmes sur le marché du travail, l'écart entre les salaires des hommes et des femmes et la non-reconnaissance de leur contribution silencieuse à des secteurs clés de l'économie et de l'artisanat iraniens (tels que la récolte du safran dans les champs de Torbat-e Heydarieh ou la production de tapis).

Dans sa série Lost Paradise, les personnages féminins sont représentés de dos devant un tapis persan traditionnel et semblent se fondre - et presque se confondre - avec l'arrière-plan, une métaphore de leur invisibilité optique et sociale.

Certains de ses reportages les plus célèbres, à la fois poétiques et dramatiques, sont consacrés aux enfants et ont pour double objectif de montrer les difficultés d'une enfance passée dans ce pays, mais aussi la capacité - typique des jeunes - de trouver la magie même dans les circonstances les plus défavorables car, comme le rappelle le titre emblématique de l'un de ses projets, "Playing is my right" (Jouer est mon droit).

Femmes, enfants et adolescents peuplent également les clichés de sa série Metamorphosis : une véritable collection d'instants suspendus, de scènes de la vie quotidienne, de rituels, de vêtements et de traditions emblématiques de l'Iran. Avec son récent projet Be like a Butterfly, l'artiste documente la tentative des jeunes générations de femmes d'améliorer leur condition, marquant des changements si lents et tardifs qu'ils semblent imperceptibles, les comparant à la même métamorphose que celle que subissent les chrysalides pour devenir des papillons.

Dans le récit très personnel et émouvant qu'elle fait de son pays, Damnabi documente également l'expérience de la ville nouvelle érigée à quelques kilomètres de Téhéran.

Tristement appelée ironiquement Pardis (Paradis), elle devait inverser la migration des villes les plus densément peuplées ; la construction massive de nouveaux bâtiments a cependant conduit à la dévastation de l'écosystème de la montagne et à la destruction de son habitat naturel, aggravant encore les liens avec la capitale. Les images exposées, qui font partie de la série éponyme Pardis, semblent quelque peu suspendues entre la réalité et le rêve et montrent la sombre perspective d'un "paysage lunaire" - tel que défini par l'artiste elle-même - d'un paradis refusé et qui est en fait un quartier dortoir où un grand nombre de travailleurs et la plupart des familles les plus pauvres survivent simplement, dans des ghettos privés des commodités les plus élémentaires.

Les photographies de Damnabi transforment en images les voix inaudibles de l'Iran : ce sont les histoires de femmes, marginalisées dans tous les aspects de la société dans laquelle elles vivent ; les histoires d'enfants, privés du droit inaliénable à une enfance insouciante ; ce sont les histoires, tout compte fait, de tous les Iraniens invisibles qui ont toujours été relégués aux confins les plus éloignés, à la fois géographiques et sociaux.

Le but de ses portraits n'est pas d'être controversés mais plutôt représentatifs, en nous montrant avec ses propres yeux un monde que nous connaissons certainement, mais qui nous touche maintenant plus intensément et au plus profond de nous-mêmes.

Parmi ces récits d'isolement, de perte et d'exclusion, la jeune voix de Farnaz Damnabi s'élève avec une élégance raffinée comme un cri d'indignation mêlé de confiance. Ses photographies sont à la fois délicates et puissantes et si elles nous impressionnent, elles nous obligent surtout à voir, à réfléchir et à espérer à ses côtés.

29 La galleria ARTS IN PROGRESS è lieta di presentare la prima mostra personale della giovane artista iraniana Farnaz Damnabi, dal 23 maggio al 28 luglio 2023.

La mostra si intitola "UNVEILED" e raccoglie una selezione di opere che raccontano al visitatore il racconto - tanto raffinato quanto potente - di una giovane fotografa dell'Iran contemporaneo, sospesa tra passato e futuro.

Le donne sono le assolute protagoniste dei suoi scatti: Damnabi illustra e rende omaggio all'identità femminile iraniana, che qui si manifesta nella routine di donne, madri e lavoratrici ignorate da una società rigidamente patriarcale, che tarda a riconoscerne l'uguaglianza, il valore e la libertà.

Molte delle fotografie esposte mettono in luce questioni come la discriminazione delle donne nel mercato del lavoro, il divario salariale tra i sessi e il mancato riconoscimento del loro contributo silenzioso a settori chiave dell'economia e dell'artigianato iraniani (come la raccolta dello zafferano nei campi di Torbat-e Heydarieh o la produzione di tappeti).

Nella serie Lost Paradise, le figure femminili sono ritratte di spalle davanti a un tradizionale tappeto persiano e sembrano confondersi - e quasi fondersi - con lo sfondo, metafora della loro invisibilità ottica e sociale.

Alcuni dei suoi più famosi lavori di reportage, poetici e drammatici al tempo stesso, sono dedicati ai bambini e hanno il duplice scopo di mostrare non solo le difficoltà di un'infanzia trascorsa in questo Paese, ma anche la capacità - tipica dei giovani - di trovare la magia anche nelle circostanze più avverse perché, come ricorda il titolo emblematico di uno dei suoi progetti, Playing is my right.

Donne, bambini e adolescenti affollano anche gli scatti della serie Metamorphosis: una vera e propria collezione di momenti sospesi, scene di vita quotidiana, riti, abiti e tradizioni emblematiche dell'Iran. Con il recente progetto Be like a Butterfly, l'artista documenta il tentativo delle giovani generazioni di donne di migliorare la propria condizione, segnando cambiamenti così lenti e tardivi da sembrare impercettibili, paragonandoli alla stessa metamorfosi che le crisalidi subiscono per diventare farfalle.

Nel racconto personalissimo e commovente che fa della sua patria, Damnabi documenta anche l'esperimento della nuova città sorta a pochi chilometri da Teheran.

Tristemente chiamata ironicamente Pardis (Paradiso), avrebbe dovuto invertire la migrazione delle città più densamente popolate; la costruzione in massa di nuovi edifici ha però portato alla devastazione dell'ecosistema montano e alla distruzione del suo habitat naturale, peggiorando ulteriormente i collegamenti con la capitale. Le immagini in mostra, che fanno parte dell'omonima serie Pardis, appaiono in qualche modo sospese tra realtà e sogno e mostrano le desolanti prospettive di un "paesaggio lunare" - come definito dalla stessa Artista - di un Paradiso negato e che in realtà è un quartiere dormitorio dove moltissimi lavoratori e la maggior parte delle famiglie più povere si limitano a sopravvivere, in ghetti privi dei più elementari servizi.

Le fotografie di Damnabi trasformano in immagini le voci inascoltate dell'Iran: sono le storie delle donne, emarginate da tutti gli aspetti della società in cui vivono; le storie dei bambini, privati del diritto inalienabile a un'infanzia spensierata; sono le storie, tutto sommato, di tutti gli iraniani invisibili, da sempre relegati nei confini più lontani, sia geografici che sociali.

L'obiettivo dei suoi ritratti non è quello di essere controversi ma piuttosto rappresentativi, mostrandoci con i suoi occhi un mondo che certamente conosciamo, ma che ora ci tocca più intensamente e nel profondo.

Tra questi racconti di isolamento, perdita ed esclusione, la giovane voce di Farnaz Damnabi si leva con raffinata eleganza come un grido di indignazione unito alla fiducia. Le sue fotografie sono allo stesso tempo delicate e potenti e, mentre ci colpiscono, ci costringono soprattutto a vedere, a riflettere e a sperare insieme a lei.

29 ARTS IN PROGRESS gallery is delighted to present the first personal exhibition of the young Iranian Artist Farnaz Damnabi, from 23rd May to 28th July 2023.

The exhibition is entitled ‘UNVEILED’ and it brings together a selection of works that tell visitors the tale – as refined as it is powerful – of a young female photographer from contemporary Iran, suspended between past and future.

Women play the absolute starring role in her shots: Damnabi both illustrates and pays tribute to the Iranian female identity, which is shown here in the routine of women, mothers and workers ignored by a strictly patriarchal society, which is so late to recognise their equality, value, and freedom.

Many of the photographs on display highlight issues such as discrimination against women in the labour market, the gender gap in salaries, and the failure to recognise their silent contribution to key sectors of the Iranian economy and craft industry (such as the harvesting of saffron in the fields of Torbat-e Heydarieh or the production of carpets).

In her Lost Paradise series, female figures are portrayed from behind in front of a traditional Persian rug and appear to blend in – and almost merge – with the background, a metaphor for both their optical and social invisibility.

Some of her most famous reporting work, which is both poetic and dramatic, is dedicated to children and has the dual purpose not only of showing the difficulties of a childhood spent in this country, but also the ability – typical of youngsters – to find magic even in the most adverse circumstances because, as the emblematic title of one of her projects reminds us, Playing is my right.

Women, children and teenagers also crowd the shots in her Metamorphosis series: a veritable collection of suspended moments, scenes of everyday life, rituals, garments and emblematic traditions of Iran. With her recent project Be like a Butterfly, the artist documents the attempt made by the younger generations of women to improve their condition, marking changes so slow and tardy that they seem imperceptible, comparing them to the same metamorphosis that chrysalides undergo to become butterflies.

In the highly personal and moving account she makes of her homeland, Damnabi also documents the experiment of the new city erected a few kilometres from Tehran.

Sadly ironically called Pardis (Paradise), it was intended to reverse the migration of the most densely populated cities; the mass construction of new buildings has, however, led to the devastation of the mountain ecosystem and the destruction of its natural habitat, making connections to the capital even worse. The pictures on display, that are part of the namesake Pardis series, appear somewhat suspended between reality and dream and show the bleak outlook of a ‘lunar landscape’ – as defined by the Artist herself – of a Paradise denied and which is in fact a dormitory district where a great many workers and most of the poorest families simply survive, in ghettos deprived of the most basic amenities.

Damnabi’s photographs turn Iran’s unheard voices into images: they are the stories of women, marginalised from all aspects of the society in which they live; the stories of children, deprived of the inalienable right to a carefree childhood; they are the stories, all things considered, of all the invisible Iranians who have always been relegated to the farthest confines, both geographical and social.

The aim of her portraits is not to be controversial but rather representative, showing us with her own eyes a world which we are certainly aware of, but which now touches us more intensely and to the core.

Among these tales of isolation, loss and exclusion, Farnaz Damnabi’s young voice rises with refined elegance as a shout of indignation combined with trust. Her photographs are concurrently delicate and powerful and while they impress us they above all force us to see, to reflect, and to hope alongside her.

(Text: 29 ARTS IN PROGRESS, Milano)

29 ARTS IN PROGRESS gallery | Milano
29. November 2022 - 22. April 2023

UNCONVENTIONAL
Gian Paolo Barbieri

UNCONVENTIONAL": eine Auswahl von Farbfotografien, die einen noch nie dagewesenen Blick auf die weniger bekannte Produktion des Künstlers geben, der 2018 mit dem Lucie Award als bester internationaler Modefotograf (Outstanding Achievement in Fashion) ausgezeichnet wurde.

Die Ausstellung bietet dem Publikum innovative Bilder in Bezug auf Kulissen und Styling, die das Ergebnis des unverkennbaren Einfallsreichtums des Künstlers sind: eine Fotografie, die ironisch und gleichzeitig kultiviert, raffiniert und provokativ zugleich ist, reich an Verweisen auf die Kunstgeschichte, eklektischen Außenkulissen an exotischen Orten und kinematografischen Zitaten, die an die jugendliche Erfahrung in den Cinecittà-Studios in Rom erinnern.

In der Ausstellung wechseln sich intime und spontane Aufnahmen von Models und Prominenten wie Eva Herzigova, Isa Stoppi und Donatella Versace mit ikonischen Fotografien ab, die Barbieri - einer der brillantesten Interpreten des Made in Italy - für einige der legendärsten Werbekampagnen für italienische und internationale Modemarken wie Versace, Ferrè, Vivienne Westwood, Dolce & Gabbana, Valentino und Armani konzipiert hat.

International bekannt für seine Schwarz-Weiß-Aufnahmen, deren Protagonistinnen in ihrer raffinierten Strenge fast unerreichbar erscheinen, erzählt Barbieri in Farbe seine persönliche und ironische Interpretation von Mode und weiblicher Schönheit: Die Frauen auf den gezeigten Bildern sind für diesen Anlass von den kanonischen Posen der Modefotografie befreit und werden zu Sprecherinnen einer neuen, unkonventionellen Eleganz, die ihre lässige und sinnliche Seite offenbart.

Die ausgestellten Werke, darunter noch nie gezeigte Porträts und handgemalte Bilder, zeugen von der Kreativität und der Respektlosigkeit eines Künstlers, für den die Kunst schon immer ein unverzichtbares Mittel zur Aufwertung und Unterstützung der Mode war, das weit über ihren Gebrauchswert hinausging. Die durchgeführten Studien und Forschungen sind so weitreichend, dass es in einer über 60 Jahre andauernden Karriere mit mehr als einer Million Aufnahmen schwierig wäre, auch nur eine einzige Intervention ohne Anspielungen, Bezugspunkte oder Inspirationen auf die bildende Kunst, das Kino und die großen Meister der Kunst und Fotografie zu finden.

"Ich habe Kunst in all ihren Formen immer geliebt. Schon als Kind war die Inspiration durch Theater und Kino ein wichtiger Antrieb. Dann habe ich viel gelesen, klassische Kunst studiert, mir die Meister der Vergangenheit angesehen oder mich einfach umgesehen und mich von dem, was um mich herum geschah, inspirieren lassen und so mein künstlerisches Auge entwickelt. Ich stellte mir vor und zeichnete in meinem Kopf, wie ich das Ergebnis der Dreharbeiten haben wollte, ich baute meine Kulissen tadellos, immer mit einem mehr oder weniger expliziten Verweis auf Kunst, Kino oder Architektur". (Gian Paolo Barbieri)

Die ausgestellten Werke werden ein Publikum, das Barbieri bereits kennt und liebt, überraschen, indem sie einen wenig bekannten, aber unwiderstehlich faszinierenden Aspekt eines der größten Meister der Fotografie zeigen, dessen Autorenstil bis heute zu den am meisten nachgeahmten und bewunderten der Welt gehört. Die Ausstellung wird nur wenige Tage nach der Veröffentlichung des ersten Dokumentarfilms über das Leben und die Arbeit von Gian Paolo Barbieri, "L'uomo e la bellezza" (Der Mann und die Schönheit), der bereits den Publikumspreis des Biografilm-Festivals 2022 in Bologna gewonnen hat, in den italienischen Kinos gezeigt.

'UNCONVENTIONAL' : une sélection de photographies en couleur qui donnent un aperçu inédit de la production moins connue de l'Artiste, lauréat en 2018 du Lucie Award du meilleur photographe de mode international (Outstanding Achievement in Fashion).

L'exposition propose au public des images innovantes en termes de décors et de style, fruit de l'ingéniosité inégalée de l'Artiste : une photographie ironique et en même temps cultivée, raffinée et provocante à la fois, riche en références à l'histoire de l'art, en décors éclectiques en extérieur dans des lieux exotiques et en citations cinématographiques faisant écho à l'expérience de jeunesse dans les studios de Cinecittà à Rome.

Dans l'exposition, des clichés intimes et spontanés de mannequins et de célébrités telles qu'Eva Herzigova, Isa Stoppi et Donatella Versace alternent avec des photographies iconiques que Barbieri - l'un des plus brillants interprètes du Made in Italy - a conçues pour certaines des campagnes publicitaires les plus légendaires de marques de mode italiennes et internationales telles que Versace, Ferrè, Vivienne Westwood, Dolce & Gabbana, Valentino et Armani.

Connu internationalement pour ses clichés en noir et blanc, dont les protagonistes semblent presque inaccessibles dans leur sévérité raffinée, Barbieri raconte, à travers la couleur, son interprétation personnelle et ironique de la mode et de la beauté féminine : les femmes des images exposées se libèrent pour l'occasion des poses plus canoniques de la photographie de mode, pour devenir les porte-parole d'une nouvelle élégance non conventionnelle qui révèle leur côté plus désinvolte et sensuel.

Les œuvres exposées, dont des portraits inédits et des images peintes à la main, témoignent de la créativité et de l'irrévérence d'un artiste pour qui les arts ont toujours représenté un moyen indispensable de valoriser et de soutenir la mode, bien au-delà de sa valeur d'usage. Les études et les recherches menées ont été d'une telle portée que, dans une carrière de plus de 60 ans et plus d'un million de clichés, il serait difficile de trouver une seule intervention sans allusions, points de référence ou inspiration aux arts visuels, au cinéma et aux grands maîtres de l'art et de la photographie.

"J'ai toujours aimé l'art, sous toutes ses formes. Depuis que je suis enfant, l'inspiration du théâtre et du cinéma a été un moteur important. Puis en lisant beaucoup, en étudiant l'art classique, en regardant les maîtres du passé ou simplement en regardant autour de moi et en m'inspirant de ce qui se passait autour de moi, j'ai développé mon œil artistique. J'imaginais et dessinais dans ma tête ce que je voulais que le résultat du tournage soit, je construisais mes décors de manière impeccable, avec toujours une citation, plus ou moins explicite, à l'art, au cinéma ou à l'architecture." (Gian Paolo Barbieri)

Les œuvres exposées surprendront un public qui connaît et aime déjà Barbieri en montrant un aspect peu connu mais irrésistiblement fascinant d'un des plus grands maîtres de la photographie dont le style d'auteur reste, à ce jour, parmi les plus imités et admirés au monde. L'exposition sera inaugurée quelques jours après la sortie en salle en Italie du premier docufilm réalisé sur l'œuvre et la vie de Gian Paolo Barbieri "L'uomo e la bellezza" (L'homme et la beauté), déjà lauréat du prix du public au festival Biografilm 2022 de Bologne.

UNCONVENTIONAL’: una selezione di fotografie a colori che regalano uno sguardo inedito alla produzione meno nota dell’Artista, vincitore nel 2018 del premio Lucie Award come Miglior Fotografo di Moda Internazionale (Outstanding Achievement in Fashion).

Il percorso espositivo propone al pubblico immagini innovative in termini di ambientazioni e styling, frutto dell’inconfondibile ingegno dell’Artista: una fotografia ironica e allo stesso tempo colta, ricercata e provocatoria insieme, ricca di rimandi alla storia dell’arte, di eclettici set outdoor in location esotiche e citazioni cinematografiche eco dell’esperienza giovanile agli studi di Cinecittà a Roma.

In mostra scatti intimi e spontanei di modelle e celebrity come Eva Herzigova, Isa Stoppi e Donatella Versace si alternano ad iconiche fotografie che Barbieri – tra i più brillanti interpreti del Made in Italy – ha concepito per alcune delle più leggendarie campagne pubblicitarie per brand di moda italiani e internazionali come Versace, Ferrè, Vivienne Westwood, Dolce & Gabbana, Valentino e Armani.

Internazionalmente conosciuto per i suoi scatti in bianco e nero, le cui protagoniste appaiono quasi inarrivabili nella loro raffinata severità, Barbieri racconta, tramite il colore, la sua personale e ironica interpretazione della moda e della bellezza femminile: le donne delle immagini in mostra si liberano per l’occasione delle pose più canoniche della fotografia di moda, per farsi portavoce di una nuova eleganza non convenzionale che ne rivela il lato più disinvolto e sensuale.

Le opere esposte, tra ritratti inediti e immagini dipinte a mano, raccontano la creatività e l’irriverenza di un Artista per cui le arti hanno sempre rappresentato un mezzo imprescindibile di valorizzazione e di supporto alla moda, elevata ben oltre il proprio valore d’uso. Gli studi e le ricerche condotti sono stati di così vasta portata che, in una carriera lunga più di 60 anni con più di un milione di scatti, sarebbe difficile trovare anche un solo intervento senza allusioni, punti di riferimento o ispirazione alle arti visive, al cinema e ai grandi maestri dell’arte e della fotografia.

«Da sempre amo l’arte, in tutte le sue declinazioni. Fin da piccolo l’ispirazione al teatro e al cinema furono una spinta importante. Poi leggendo tanto, studiando l’arte classica, guardando ai maestri del passato o semplicemente guardandomi intorno e prendendo spunto da ciò che si animava intorno a me, sviluppavo il mio occhio artistico. Immaginavo e disegnavo nella mia mente ciò che avrei voluto fosse il risultato del servizio, costruivo i miei set in maniera impeccabile, sempre con una citazione, più o meno esplicita, all’arte, al cinema o all’architettura.» (Gian Paolo Barbieri)

Le opere in esposizione sorprenderanno un pubblico che già conosce e ama Barbieri mostrando un aspetto poco noto ma di irresistibile fascino di uno dei più grandi maestri della fotografia il cui stile autorale resta, tutt’oggi, tra i più emulati e ammirati al mondo. La mostra inaugurerà a pochi giorni di distanza dall’uscita nelle sale cinematografiche in Italia del primo docufilm realizzato sull’opera e la vita di Gian Paolo Barbieri “L’uomo e la bellezza” già vincitore del premio del pubblico al Biografilm Festival 2022 di Bologna.

UNCONVENTIONAL’, a selection of unseen colour photographs by the Artist who was the winner of the 2018 Lucie Award for Best International Photographer (Outstanding Achievement in Fashion).

The exhibition presents a highly innovative selection of images to the public, both in terms of their setting and styling, the fruit of the unmistakable genius of the Artist. It is a style of photography that is at once ironic and sophisticated, both rare and provocative, rich with references to art history, eclectic outdoor sets in exotic locations and allusions to cinema that eco Barbieri’s experiences as a young man studying at Cinecittà in Rome.

The exhibition showcases intimate, spontaneous shots of models and celebrities such as Eva Herzigova, Isa Stoppi and Donatella Versace counterbalanced with iconic photographs which Barbieri – one of the most brilliant interpreters of Made in Italy – created for some of the most famous ad campaigns for Italian and international fashion brands such as Versace, Ferrè, Vivienne Westwood, Dolce & Gabbana, Valentino and Armani.

Internationally recognised for his trademark black and white shots, his subjects appear almost unattainable in their sharp sophistication. Using colour, Barbieri recounts his own personal and ironic interpretation of fashion and feminine beauty: the women in the photographs on display free themselves from the more canonical poses of fashion photography instead becoming for the occasion spokeswomen of a new kind of unconventional elegance which reveals a more nonchalant, sensual side.

The works shown, a mix of unseen portraits and hand painted photographs, tell the story of the Artist’s irreverence and creativity, a photographer for whom the arts have always represented an inescapable means of validation and support to fashion, well beyond their use value. His studies and research have been so far reaching that, in a career lasting over 60 years and comprising more than a million shots, it would be difficult to find even a single example without allusions to, points of reference or inspiration from the visual arts, the cinema and the great masters of art and photography.

«I have always loved art, in all its incarnations. Since I was a child the inspiration of theatre and cinema played an important role. Reading widely, studying classical art, looking to the great masters of the past or simply looking around me at what animated my surroundings, I cultivated my artistic eye. I imagined or drew in my head that which I would have liked to be the result of this act, constructing my sets meticulously, always citing, more or less explicitly, art, cinema or architecture.» (Gian Paolo Barbieri)

The works in the exhibition will surprise a public who already knows and loves Barbieri, showing a lesser known but irresistibly fascinating dimension of one of the greatest masters of photography, whose trademark style remains, even today, among the most copied and admired in the world. The exhibition will open just a few days from the release in cinemas of the first docufilm made about the life and work of Gian Paolo Barbieri, ‘The Man and The Beauty’, already winner of the audience award at Biografilm Festival 2022 in Bologna.

(Text: 29 ARTS IN PROGRESS gallery, Milano)