IG Halle im Kunst(Zeug)Haus Rapperswil
25. August – 3. November 2024

ARS TERMINI – 5 Grenzüberschreitungen
Kurt Caviezel, Roger Eberhard, Beatrice Minda, Fraenzi Neuhaus, Maharishikaa Preeti

Grenzen sind das Thema dieser IG-Halle-Ausstellung im Obergeschoss des Kunstzeughauses. Der mythologische römische Gott Terminus, zuständig für Grenzen und Grenzsteine, leiht der Ausstellung seinen Namen. Unter anderem in den Medien Fotografie, Netzkamera, Installation, Objekt und ArtBeings setzen sich die Kunstschaffenden mit Grenzen auseinander. Ihre Werke decken ein breites Spektrum des Themas ab: von territorialen Grenzen in den Fotografien von Roger Eberhard, über die Grenze zwischen Innen- und Aussenraum in Beatrice Mindas fotografischer Erkundung aus dem Iran bis zur direkten Erfahrung der eigenen Körpergrenzen in einer vor Ort aufgebauten Installation von Fraenzi Neuhaus. Ungeachtet physischer Grenzen dringen Bilder aus Netzkameras in den Ausstellungsraum ein – die Arbeit von Kurt Caviezel ist ein Langzeitprojekt, das in Zusammenarbeit mit der Winterthurer Hochschule ZHAW weitergeführt wird. Schliesslich versteht die Ausstellung die Arbeit der Kunstschaffenden einerseits als Spiegel der Zeit, andererseits aber auch als Spiegel der Zukunft, indem sie einen Beitrag von Maharishikaa Preeti mit dem pionierhaften Konzept des lebenden Kunstwerks umfasst. Dabei sollen die Grenzen der Wahrnehmung ebenso gedehnt werden wie der vorherrschende Kunstbegriff.

Les frontières sont le thème de cette exposition de l'IG Halle à l'étage supérieur de la Kunstzeughaus. Le dieu romain mythologique Terminus, responsable des frontières et des bornes, a donné son nom à l'exposition. Les artistes se penchent sur les frontières, notamment à travers la photographie, la caméra réseau, l'installation, l'objet et les ArtBeings. Leurs œuvres couvrent un large spectre du thème : des frontières territoriales dans les photographies de Roger Eberhard, en passant par la frontière entre l'intérieur et l'extérieur dans l'exploration photographique de Beatrice Minda en Iran, jusqu'à l'expérience directe des propres limites corporelles dans une installation de Fraenzi Neuhaus montée sur place. Indépendamment des limites physiques, des visuels issus de caméras en réseau pénètrent dans l'espace d'exposition - le travail de Kurt Caviezel est un projet à long terme qui se poursuit en collaboration avec la Haute école de Winterthour ZHAW. Enfin, l'exposition conçoit le travail des artistes d'une part comme un miroir de l'époque, mais aussi comme un miroir de l'avenir, en incluant une contribution de Maharishikaa Preeti avec le concept pionnier d'œuvre d'art vivante. Ce faisant, les limites de la perception doivent être repoussées tout comme la notion d'art dominante.

I confini sono il tema di questa mostra dell'IG Halle al piano superiore della Kunstzeughaus. Il mitologico dio romano Terminus, responsabile dei confini e delle pietre di confine, presta il suo nome alla mostra. Gli artisti affrontano il tema dei confini con diversi mezzi di comunicazione, tra cui fotografia, telecamere, installazioni, oggetti ed esseri artistici. Le loro opere coprono un ampio spettro del tema: dai confini territoriali nelle fotografie di Roger Eberhard, al confine tra spazio interno ed esterno nell'esplorazione fotografica di Beatrice Minda dall'Iran, fino all'esperienza diretta dei propri confini fisici nell'installazione allestita in loco da Fraenzi Neuhaus. Indipendentemente dai confini fisici, le immagini delle telecamere di rete penetrano nello spazio espositivo: il lavoro di Kurt Caviezel è un progetto a lungo termine che sarà portato avanti in collaborazione con l'Università di Scienze Applicate ZHAW di Winterthur. Infine, la mostra vede il lavoro degli artisti come un riflesso dei tempi e del futuro, con un contributo di Maharishikaa Preeti che presenta il concetto pionieristico di opera d'arte vivente. L'obiettivo è quello di allargare i confini della percezione e del concetto prevalente di arte.

Borders are the theme of this IG Halle exhibition on the upper floor of the Kunstzeughaus. The mythological Roman god Terminus, responsible for borders and boundary stones, lends his name to the exhibition. The artists explore borders in a variety of media, including photography, net cameras, installations, objects and ArtBeings. Their works cover a broad spectrum of the topic: from territorial borders in Roger Eberhard's photographs, to the border between interior and exterior space in Beatrice Minda's photographic exploration from Iran, to the direct experience of one's own physical borders in an installation set up on site by Fraenzi Neuhaus. Regardless of physical boundaries, visuals from network cameras penetrate the exhibition space - Kurt Caviezel's work is a long-term project that will be continued in collaboration with the Winterthur University of Applied Sciences ZHAW. Finally, the exhibition sees the work of the artists as a reflection of the times on the one hand, but also as a reflection of the future on the other, by including a contribution by Maharishikaa Preeti with the pioneering concept of the living artwork. The aim is to stretch the boundaries of perception as well as the prevailing concept of art.

(Text: Judith Annaheim / IG Halle)

Museum zu Allerheiligen | Schaffhausen
6. Juli – 20. Oktober 2024

Generation im Aufbruch - Geboren in den 40ern
Vincenzo Baviera, Erich Brändle, René Eisenegger, Renate Eisenegger, Erwin Gloor, Ursula Goetz, Linda Graedel, René Moser, Beatrix Schären, Walter Pfeiffer

Seit Jahrzehnten widmen sie sich voller Leidenschaft der Kunst und prägen damit die kulturelle Entwicklung der Region. Ihre Generation steht für ein neues Werkverständnis, mediale Öffnung und Aufbruch in neue Gefilde der Kunst. Ihr Wirken war ein wichtiger Beitrag für die Aktualisierung des Kunstverständnisses in der Region: Schaffhauser Künstlerinnen und Künstler, die in den 1940er-Jahren geboren wurden.

Das Museum zu Allerheiligen widmet zehn Kunstschaffenden eine gemeinsame Ausstellung. Dabei obliegt allen Teilnehmenden selbst, wie sie die Sichtbarkeit einer Museumsausstellung nutzen möchten. So bietet das Projekt eine grosse Varianz: Eine ortsspezifische Installation und eine bislang nie gezeigte Werkserie aus den 1980ern sind ebenso vertreten wie der Versuch einer Mini-Retrospektive. Zeichnung, Fotografie, Skulptur und Malerei: Die Bandbreite ist gross, Überraschungen garantiert. Eine Ausstellung zum Stöbern und Wiederentdecken.

Depuis des décennies, ils se consacrent avec passion à l'art et marquent ainsi de leur empreinte le développement culturel de la région. Leur génération représente une nouvelle compréhension de l'œuvre, une ouverture aux médias et un départ vers de nouvelles contrées de l'art. Leur travail a été une contribution importante à l'actualisation de la compréhension de l'art dans la région : les artistes de Schaffhouse nés dans les années 1940.

Le Museum zu Allerheiligen consacre une exposition commune à dix artistes. Il appartient à tous les participants de décider eux-mêmes comment ils souhaitent utiliser la visibilité d'une exposition de musée. Le projet offre ainsi une grande diversité : une installation spécifique au lieu et une série d'œuvres des années 1980 jamais exposées jusqu'à présent sont représentées, tout comme la tentative d'une mini-rétrospective. Dessin, photographie, sculpture et peinture : l'éventail est large, les surprises garanties. Une exposition à fouiller et à redécouvrir.

Per decenni si sono dedicati con passione all'arte, plasmando così lo sviluppo culturale della regione. La loro generazione è sinonimo di una nuova concezione dell'arte, di un'apertura dei mezzi di comunicazione e di una partenza verso nuovi ambiti artistici. Il loro lavoro è stato un importante contributo all'aggiornamento della comprensione dell'arte nella regione: gli artisti di Sciaffusa nati negli anni Quaranta.

Il Museum zu Allerheiligen dedica una mostra congiunta a dieci artisti. Saranno i partecipanti stessi a decidere come sfruttare la visibilità di una mostra museale. Il progetto offre quindi una grande varietà: sono rappresentate un'installazione site-specific e una serie di opere degli anni Ottanta mai esposte prima, così come un tentativo di mini-retrospettiva. Disegno, fotografia, scultura e pittura: la gamma è ampia, le sorprese garantite. Una mostra da sfogliare e riscoprire.

For decades, they have been passionately dedicated to art and have shaped the cultural development of the region. Their generation stands for a new understanding of art, an opening up of the media and a departure into new realms of art. Their work was an important contribution to updating the understanding of art in the region: Schaffhausen artists born in the 1940s.

The Museum zu Allerheiligen is dedicating a joint exhibition to ten artists. It is up to the participants themselves to decide how they want to use the visibility of a museum exhibition. The project thus offers a great deal of variety: a site-specific installation and a series of works from the 1980s that has never been shown before are represented, as is an attempt at a mini-retrospective. Drawing, photography, sculpture and painting: the range is wide, surprises guaranteed. An exhibition to browse through and rediscover.

(Text: Museum zu Allerheiligen, Schaffhausen)

Kulturhaus Obere Stube | Stein am Rhein
29. Juni – 31. Oktober 2024

Kris Martin – Ola Kolehmainen; Aus Überzeugung

Die Ausstellung findet im Rahmen des überkantonalen Projekts «1524 Stürmische Zeiten» statt.

Die Ereignisse der Reformationszeit vor 500 Jahren führten in der Schweiz zu konfessionell ausgerichteten Religionspraktiken. Dieses Spannungsfeld unterschiedlicher Überzeugungen, in dem auch der Umgang mit Bildern und die Gestaltung des Kirchenraumes eine wichtige Rolle einnehmen, bildet den Ausgangspunkt der Ausstellung.

Zu sehen sind Werke des belgischen Konzeptkünstlers Kris Martin (*1972) und des finnischen Fotokünstlers Ola Kolehmainen (*1964). Martin stellt die christliche Symbolik, Fragen nach Zeit und Vergänglichkeit sowie institutionalisierte religiöse Riten in den Mittelpunkt seiner Kunst. Häufig reagiert er auf bestehende Objekte, die durch minimale Eingriffe neu kontextualisiert werden. Ola Kolehmainen spürt den Repräsentationsformen des Göttlichen in Architektur und sakralen Objekten nach. Die fotographische Inszenierung lässt in einem raffinierten Spiel von Farbe, Licht und Montage die Aura des Sakralen erfahrbar werden.

Es wird deutlich, dass fundamentale Fragestellungen des Glaubens, der religiösen Praktiken und der Wirkmacht von Wort, Bild und Raum auch heute noch aktuell sind. Die Art und Weise, wie die beiden Künstler Werte, Machtstrukturen und Repräsentationsformen hinterfragen, führt zu einer Verschiebung der Perspektive. Welche Überzeugungen bringen wir mit und wie gehen wir mit den Überzeugungen der anderen um?

Kuration: Helga Sandl und Andreas Schwarz

Les événements de l'époque de la Réforme, il y a 500 ans, ont conduit en Suisse à des pratiques religieuses orientées vers les différentes confessions. Ce champ de tensions entre différentes convictions, dans lequel l'utilisation des images et l'aménagement de l'espace ecclésial jouent également un rôle important, constitue le point de départ de l'exposition.

On peut y voir des œuvres de l'artiste conceptuel belge Kris Martin (*1972) et de l'artiste photographe finlandais Ola Kolehmainen (*1964). Martin place la symbolique chrétienne, les questions relatives au temps et à l'éphémère ainsi que les rites religieux institutionnalisés au centre de son art. Souvent, il réagit à des objets existants, recontextualisés par des interventions minimales. Ola Kolehmainen traque les formes de représentation du divin dans l'architecture et les objets sacrés. La mise en scène photographique permet de ressentir l'aura du sacré grâce à un jeu raffiné de couleurs, de lumière et de montage.

Il apparaît clairement que les questions fondamentales de la foi, des pratiques religieuses et du pouvoir d'action des mots, des images et de l'espace sont encore d'actualité aujourd'hui. La manière dont les deux artistes remettent en question les valeurs, les structures de pouvoir et les formes de représentation conduit à un déplacement de la perspective. Quelles convictions apportons-nous et comment gérons-nous les convictions des autres ?

Curation : Helga Sandl et Andreas Schwarz

Gli eventi della Riforma di 500 anni fa hanno portato in Svizzera a pratiche religiose orientate alla confessione. Questo campo di tensione tra diverse convinzioni, in cui anche l'uso delle immagini e la progettazione degli interni delle chiese giocano un ruolo importante, costituisce il punto di partenza della mostra.

Sono esposte opere dell'artista concettuale belga Kris Martin (*1972) e del fotoartista finlandese Ola Kolehmainen (*1964). Martin pone al centro della sua arte il simbolismo cristiano, le questioni del tempo e della caducità e i riti religiosi istituzionalizzati. Spesso reagisce a oggetti esistenti, che vengono ricontestualizzati attraverso interventi minimi. Ola Kolehmainen traccia le forme di rappresentazione del divino nell'architettura e negli oggetti sacri. La messa in scena fotografica permette di sperimentare l'aura del sacro in un sofisticato gioco di colori, luci e montaggi.

Diventa chiaro che le questioni fondamentali della fede, delle pratiche religiose e del potere della parola, dell'immagine e dello spazio sono ancora attuali. Il modo in cui i due artisti esaminano valori, strutture di potere e forme di rappresentazione porta a un cambiamento di prospettiva. Quali convinzioni portiamo con noi e come ci rapportiamo alle convinzioni degli altri?

Curatela: Helga Sandl e Andreas Schwarz

The events of the Reformation 500 years ago led to confessional religious practices in Switzerland. This field of tension between different convictions, in which the use of images and the design of the church interior also play an important role, forms the starting point of the exhibition.

On display are works by the Belgian conceptual artist Kris Martin (*1972) and the Finnish photo artist Ola Kolehmainen (*1964). Martin's art focuses on Christian symbolism, questions of time and transience as well as institutionalized religious rites. He often reacts to existing objects, which are re-contextualized through minimal interventions. Ola Kolehmainen traces the forms of representation of the divine in architecture and sacred objects. The photographic staging allows the aura of the sacred to be experienced in a sophisticated interplay of color, light and montage.

It becomes clear that fundamental questions of faith, religious practices and the power of word, image and space are still relevant today. The way in which the two artists question values, power structures and forms of representation leads to a shift in perspective. What beliefs do we bring with us and how do we deal with the beliefs of others?

Curation: Helga Sandl and Andreas Schwarz

(Text: Kulturhaus Obere Stube, Stein am Rhein)

Kunsthaus Glarus
3. März – 30. Juni 2024

Stimmung
Emanuel Rossetti

Emanuel Rossetti (*1987 in Basel, lebt und arbeitet in Basel) untersucht in seiner künstlerischen Arbeit das Verhältnis von räumlichen Fragestellungen und Zuschreibungen von Bildern. Für seine fotografischen Serien, Objekte und Sound-Projekte nutzt der Künstler architektonische Strukturen und Landschaften, die er in fotografischen oder installativen Prozessen weiter analysiert. Das Prinzip der Komposition wird in der Wahrnehmung seiner Werke zum zentralen Element. Die meist seriell angelegten Fotografien von Landschaften entstehen an Orten, die an Rändern der Stadt oder in der Natur lokalisiert sind. Auf Spaziergängen entstehen Bilder, die die Antithese zwischen Stadt und Land kritisieren und mit der Erarbeitung neuer Bildkompositionen ihre Aufhebung untersuchen.

Für seine Ausstellung Stimmung hat Emanuel Rossetti im Kunsthaus Glarus grossformatige fotografische Serien entwickelt, die an unterschiedlichen Orten über einen Zeitraum von zwei Jahren entstanden sind. Die Fotos wurden mit einem Fischaugenobjektiv aufgenommen. Mit dieser Technik bildet sich die Aufnahme der Landschaft als kreisrundes Bild mit einem schwarzen Umfeld ab. Die Ränder der Abbildungen sind gebogen und unterstreichen eine gewisse Komplexität, die zudem von der Komposition der Landschaften als Serie unterstrichen wird. Der von Emanuel Rossetti erweiterte Begriff von Landschaft erscheint so als eine Art Schnittstelle von einem Raum in einen anderen.

In einer weiteren Werkserie arbeitet Rossetti mit Mitteln der Stereoskopie, einer Art Nebenerscheinung der Fotografie-Geschichte. Es entstehen Objekte mit stereoskopischen Fotografien, bei deren Betrachtung man sich beim Sehen selbst «zuschauen» kann und dabei zwei unterschiedliche Situationen gleichzeitig räumlich wahrnimmt.

Im Deutschen hat das Wort «Stimmung» mehrere Bedeutungen. Es könnte sich um eine innere Stimmung handeln oder aber auch auf die Stimmung der Landschaft verweisen. Darin enthalten ist etwas Schwellenartiges, bei dem der Übergang zwischen der Wahrnehmung des Inneren und des Gesehenen nicht ganz klar verläuft und beides ineinander übergeht. Gleichzeitig beschreibt Stimmung auch das Tuning von Klang. In einem weiteren Projekt entsteht gemeinsam mit Stefan Tcherepnin, mit dem Rossetti das Projekt Staged Worlds betreibt, im Ausstellungsraum eine Aufführung mit offener Probe am 10. und 11. Mai, die sich zur Teilnahme an alle richtet und eine anschliessende Aufführung vorsieht.

Emanuel Rossetti (*1987 à Bâle, vit et travaille à Bâle) explore dans son travail artistique la relation entre les questions spatiales et les attributions d'images. Pour ses séries photographiques, ses objets et ses projets sonores, l'artiste utilise des structures architecturales et des paysages qu'il analyse ensuite dans des processus photographiques ou d'installation. Le principe de composition devient un élément central dans la perception de ses œuvres. Les photographies de paysages, le plus souvent en série, sont prises dans des lieux localisés en bordure de la ville ou dans la nature. Au cours de promenades, il crée des images qui critiquent l'antithèse entre la ville et la campagne et examine sa suppression en élaborant de nouvelles compositions d'images.

Pour son exposition Stimmung, Emanuel Rossetti a développé au Kunsthaus de Glaris des séries photographiques grand format réalisées dans différents lieux sur une période de deux ans. Les photos ont été prises avec un objectif fisheye. Grâce à cette technique, la prise de vue du paysage se présente comme une image circulaire avec un environnement noir. Les bords des illustrations sont courbés et soulignent une certaine complexité, qui est en outre soulignée par la composition des paysages en tant que série. La notion de paysage, élargie par Emanuel Rossetti, apparaît ainsi comme une sorte d'interface d'un espace à un autre.

Dans une autre série d'œuvres, Rossetti travaille avec les moyens de la stéréoscopie, une sorte de phénomène secondaire de l'histoire de la photographie. Il crée des objets avec des photographies stéréoscopiques, dont l'observation permet de "se regarder" en train de voir, tout en percevant simultanément deux situations différentes dans l'espace.

En allemand, le mot "Stimmung" a plusieurs significations. Il pourrait s'agir d'une humeur intérieure ou faire référence à l'humeur du paysage. Il contient quelque chose de l'ordre du seuil, dans lequel la transition entre la perception de l'intérieur et celle de ce qui est vu n'est pas tout à fait claire et où les deux se confondent. En même temps, l'ambiance décrit aussi l'accordage du son. Dans le cadre d'un autre projet, Stefan Tcherepnin, avec qui Rossetti mène le projet Staged Worlds, réalisera dans la salle d'exposition une représentation avec répétition ouverte les 10 et 11 mai, qui s'adresse à tous et prévoit une représentation ultérieure.

Nel suo lavoro artistico, Emanuel Rossetti (*1987 a Basilea, vive e lavora a Basilea) esplora la relazione tra le questioni spaziali e l'attribuzione delle immagini. Per le sue serie fotografiche, gli oggetti e i progetti sonori, l'artista utilizza strutture architettoniche e paesaggi, che analizza ulteriormente in processi fotografici o installativi. Il principio della composizione diventa un elemento centrale nella percezione delle sue opere. Le fotografie di paesaggi, per lo più seriali, sono realizzate in luoghi localizzati ai margini della città o nella natura. Durante le passeggiate, crea immagini che criticano l'antitesi tra città e campagna e ne indagano l'abolizione sviluppando nuove composizioni pittoriche.

Per la sua mostra Stimmung, Emanuel Rossetti ha sviluppato serie fotografiche di grande formato al Kunsthaus Glarus, scattate in vari luoghi nell'arco di due anni. Le foto sono state scattate con un obiettivo fisheye. Con questa tecnica, il paesaggio viene rappresentato come un'immagine circolare con uno sfondo nero. I bordi delle immagini sono curvi e sottolineano una certa complessità, sottolineata anche dalla composizione dei paesaggi in serie. Il concetto ampliato di paesaggio di Emanuel Rossetti appare quindi come una sorta di interfaccia tra uno spazio e l'altro.

In un'altra serie di opere, Rossetti lavora con i mezzi della stereoscopia, una sorta di sottoprodotto della storia della fotografia. Crea oggetti con fotografie stereoscopiche che permettono allo spettatore di "guardarsi" e di percepire contemporaneamente due situazioni diverse dal punto di vista spaziale.

In tedesco, la parola "Stimmung" ha diversi significati. Può riferirsi a uno stato d'animo interiore o all'umore del paesaggio. Contiene qualcosa di simile a una soglia, in cui la transizione tra la percezione dell'interno e quella dell'osservato non è del tutto chiara e i due si fondono l'uno nell'altro. Allo stesso tempo, l'umore descrive anche la sintonia del suono. In un ulteriore progetto, insieme a Stefan Tcherepnin, con il quale Rossetti dirige il progetto Staged Worlds, il 10 e l'11 maggio verrà realizzata nello spazio espositivo una performance con prova aperta, aperta a tutti e seguita da uno spettacolo.

In his artistic work, Emanuel Rossetti (*1987 in Basel, lives and works in Basel) explores the relationship between spatial issues and the attribution of images. For his photographic series, objects and sound projects, the artist uses architectural structures and landscapes, which he further analyzes in photographic or installation processes. The principle of composition becomes a central element in the perception of his works. The mostly serial photographs of landscapes are created in places located on the outskirts of the city or in nature. On walks, he creates images that criticize the antithesis between the city and the countryside and investigate its abolition by developing new pictorial compositions.

For his exhibition Stimmung, Emanuel Rossetti has developed large-format photographic series at the Kunsthaus Glarus, which were taken at various locations over a period of two years. The photos were taken with a fisheye lens. Using this technique, the landscape is depicted as a circular image with a black background. The edges of the images are curved and emphasize a certain complexity, which is also underlined by the composition of the landscapes as a series. Emanuel Rossetti's expanded concept of landscape thus appears as a kind of interface between one space and another.

In another series of works, Rossetti works with the means of stereoscopy, a kind of by-product of the history of photography. He creates objects with stereoscopic photographs that allow the viewer to "watch" themselves see and perceive two different situations spatially at the same time.

In German, the word "Stimmung" has several meanings. It could refer to an inner mood or to the mood of the landscape. It contains something threshold-like, in which the transition between the perception of what is inside and what is seen is not entirely clear and the two merge into one another. At the same time, mood also describes the tuning of sound. In a further project, together with Stefan Tcherepnin, with whom Rossetti runs the Staged Worlds project, a performance with an open rehearsal will take place in the exhibition space on May 10 and 11, which is open to everyone and will be followed by a performance.

(Text: Kunsthaus Glarus)

IG Halle im Kunst(Zeug)Haus Rapperswil
27. August - 5. November 2023

frei
Sandra Capaul, Patrik Fuchs, Susanne Lyner, Erwin Schatzmann, Marlis Spielmann

FREI ist der dritte Teil der 2020 begonnenen Ausstellungstrilogie weit – wild – frei. Der Themenkreis ist aktuell, wie der bisherige Erfolg und die gut besuchten Anlässe zeigen. Auch FREI umfasst als Gruppenausstellung künstlerische Positionen, die unterschiedliche Aspekte des Themas spiegeln. So geht es Marlis Spielmann um die Freiheit von Frauen, während Susanne Lyner eine Arbeitsweise entwickelt hat, um die Farbe von ihrem Träger zu befreien. In einem Gespräch über das freie Künstlerleben befragen wir Kunstschaffende über die Realität ihres Berufs und diskutieren über die Wirkung von Kunst auf die Gesellschaft. In einem weiteren Podium geht es um Menschenrechte, unter anderem in Hinblick auf den digitalen Raum.

Kompromisslos frei
Einer, der Freiheit zu leben versucht, ist der Winterthurer Künstler Erwin Schatzmann. Er fordert dazu auf, den Wandel, den man sich wünscht, selbst zu verwirklichen. Bekannt für seine bunt bemalten Holzfiguren und Holzbänke, die an zahlreichen Orten im öffentlichen Raum stehen, ergreift er immer wieder die Initiative, damit Kunst auch ausserhalb des Museums und des etablierten Kunstbetriebs stattfindet. Sein Morgenland ist ein einzigartiger Offspace der Lebenskunst. Ein bedeutender Teil seines Werks sind die Texte, die mit viel Humor ungewohnte Perspektiven vorschlagen. Auch in seinen Zeichnungen schafft Erwin Schatzmann ein buntes und grenzenloses Bild des Lebens.

Weibliche Freiheit oder gefangen im Muster?
Ähnlich wie Erwin Schatzmann verwendete Marlis Spielmann zu Beginn Elemente aus der Volkskunst. Ihre axialsymmetrischen Scherenschnitte formten Reigen aus menschlichen Figuren, Tieren und Blumen. Seit einigen Jahren fokussiert sie ihre Arbeit auf grossformatige Scheren- und Messerschnitte, die sich wie filigrane Wandteppiche präsentieren, aus der Nähe betrachtet jedoch überraschende gesellschaftskritische Details preisgeben. In ihrem gesamten Werk hat sie traditionell weibliches Handwerk wie etwa textile Techniken aufgegriffen und weiterentwickelt, um damit gleichzeitig Geschlechterrollen zu hinterfragen.

Gegenstand, losgelöst
Gegenstände wie Nistkästen oder Drahtzaunisolatoren dienen dem Fotografen Patrik Fuchs zur Reflexion über die Menschen, die sie geschaffen haben und die Kultur, der sie angehören. Zwischen Schutz und Gefangenschaft, zwischen unheimlich-heimelig erzählen sie ihre Geschichten. Im Format von Serien sammelt Patrik Fuchs verschiedene Exemplare des Gegenstands, um dessen Symbolik zu verdichten. In reduzierter Ästhetik, vor einem einheitlichen neutralen Hintergrund und losgelöst von ihrer ursprünglichen Umgebung leuchten die Objekte wie kostbare Fundstücke auf, die zum genauen Hinschauen auffordern. Aus der nüchternen, unkommentierten Sammlung formulieren sich subtile Botschaften.

Zwischen Form und Wandlung
Sowohl Susanne Lyner als auch Sandra Capaul legen für ihre Arbeit gewisse Bedingungen und Strukturen fest, die eine freie Entwicklung und Variationen zulassen. In der Bestrebung, der Farbe möglichst viel Eigenständigkeit zuzugestehen, frei von Attributen und gegenständlichen Assoziationen, nutzt Susanne Lyner Raster oder das Rechteck als Grundform. Die Wiederholung wird zum lebendigen Rhythmus, der das Zusammenspiel der Farben und die feinsten Schattierungen zur Entfaltung bringt.

Bewegung bestimmt viele von Sandra Capauls Arbeiten. Unter anderem setzt sie eine Drehscheibe ein, auf der sie die Arbeitsfläche anbringt und so die Farbe nach dem Prinzip des provozierten Zufalls fliessen lässt. Aus diesem Prozess sind auch die neuen Werke mit Lackfarbe entstanden: schrittweise von den Bildtafeln mit dem Titel Sulfurous zur Installation The circus of the sun, benannt nach einem Gedicht von Robert Lax, bis zu White noise, den Papierbahnen, die die von der Rotation weggeschleuderten Farbtropfen aufgefangen haben. Ein umfangreicher Werkzyklus befasst sich mit dem Gefäss. Dabei steht die Wandelbarkeit der Form im Zentrum, sie bringt Wahrnehmung und Gedanken in Bewegung.

Farbe befreien
In Susanne Lyners mit einer eigenen Technik entwickelten Farbobjekten löst sich die Farbe vollends vom Untergrund, indem sie nicht aufgetragen, sondern geworfen wird und ein dichtes, mehrschichtiges Geflecht aus Acryl bildet. Susanne Lyners Arbeiten prägt die Verbindung von Stofflichkeit und Flüchtigkeit, der Fokus auf die Materialität der Farbe in grosser Leichtigkeit.

Über Freiheit reden
Neben öffentlichen Führungen sind in der Ausstellung FREI mehrere Anlässe geplant: Ein Gespräch mit Erwin Schatzmann, Ingrid Käser und Tom Haller verbindet die Themen der Trilogie weit – wild – frei mit besonderem Blick auf die Realität des Künstlerberufs. Ein Podium thematisiert die Situation der Menschenrechte in unserer Gesellschaft in der Schweiz, in Europa, und stellt die Frage nach Freiheit und Verantwortung unter anderem im digitalen Raum. In Zusammenarbeit mit dem Kunstzeughaus findet eine Kurzführung mit Workshop statt, und an der Kulturnacht Rapperswil ist die IG Halle ebenfalls beteiligt.

FREI est le troisième volet de la trilogie d'expositions "weit - wild - frei", commencée en 2020. Le thème est d'actualité, comme le montrent le succès rencontré jusqu'à présent et la bonne fréquentation des manifestations. En tant qu'exposition de groupe, FREI comprend également des positions artistiques qui reflètent différents aspects du thème. Ainsi, Marlis Spielmann s'intéresse à la liberté des femmes, tandis que Susanne Lyner a développé une méthode de travail visant à libérer la couleur de son support. Dans une discussion sur la vie libre des artistes, nous interrogerons des créateurs sur la réalité de leur métier et discuterons de l'impact de l'art sur la société. Une autre table ronde abordera les droits de l'homme, notamment en ce qui concerne l'espace numérique.

Libre sans compromis
L'artiste Erwin Schatzmann de Winterthour est l'un de ceux qui tentent de vivre la liberté. Il invite à réaliser soi-même le changement que l'on souhaite. Connu pour ses personnages et ses bancs en bois peints de couleurs vives, qui se trouvent dans de nombreux endroits de l'espace public, il prend régulièrement l'initiative de faire en sorte que l'art sorte des musées et du circuit artistique établi. Son Morgenland est un offspace unique de l'art de vivre. Les textes, qui proposent des perspectives inhabituelles avec beaucoup d'humour, constituent une part importante de son œuvre. Dans ses dessins également, Erwin Schatzmann crée un visuel coloré et sans limites de la vie.

Liberté féminine ou prisonnier du modèle ?
Tout comme Erwin Schatzmann, Marlis Spielmann a utilisé à ses débuts des éléments issus de l'art populaire. Ses découpages à symétrie axiale formaient des rondes de figures humaines, d'animaux et de fleurs. Depuis quelques années, elle concentre son travail sur des découpages aux ciseaux et au couteau de grand format qui se présentent comme des tapisseries en filigrane, mais qui, vus de près, révèlent des détails surprenants de critique sociale. Dans l'ensemble de son œuvre, elle a repris et développé des techniques artisanales traditionnellement féminines, comme le textile, pour remettre en question les rôles de genre.

Objet, détaché
Des objets comme des nichoirs ou des isolateurs en fil de fer servent au photographe Patrik Fuchs à réfléchir sur les hommes qui les ont créés et sur la culture à laquelle ils appartiennent. Entre protection et emprisonnement, entre étrangeté et intimité, vous racontez leurs histoires. Sous le format de séries, Patrik Fuchs rassemble différents exemplaires de l'objet afin d'en condenser la symbolique. Dans une esthétique réduite, sur un fond neutre uniforme et détachés de leur environnement d'origine, les objets brillent comme des trouvailles précieuses qui invitent à les regarder de plus près. Des messages subtils se formulent à partir de cette collection sobre et sans commentaire.

Entre forme et transformation
Tant Susanne Lyner que Sandra Capaul fixent pour leur travail certaines conditions et structures qui permettent une évolution et des variations libres. S'efforçant d'accorder à la couleur le plus d'autonomie possible, libre d'attributs et d'associations figuratives, Susanne Lyner utilise des trames ou le rectangle comme forme de base. La répétition devient un rythme vivant qui fait ressortir l'interaction des couleurs et les nuances les plus fines.

Le mouvement détermine de nombreux travaux de Sandra Capaul. Elle utilise entre autres un plateau tournant sur lequel elle fixe la surface de travail, laissant ainsi la couleur s'écouler selon le principe du hasard provoqué. C'est de ce processus que sont nées les nouvelles œuvres avec de la peinture laquée : progressivement, des tableaux intitulés Sulfurous à l'installation The circus of the sun, du nom d'un poème de Robert Lax, jusqu'à White noise, les bandes de papier qui ont recueilli les gouttes de peinture projetées par la rotation. Un vaste cycle d'œuvres est consacré au récipient. La mutabilité de la forme est au centre de ce travail, vous mettez en mouvement la perception et la pensée.

Libérer la couleur
Dans les objets colorés de Susanne Lyner, développés avec sa propre technique, la couleur se détache complètement du support, en ce sens qu'elle n'est pas appliquée, mais jetée, et forme un réseau dense et multicouche d'acrylique. Les travaux de Susanne Lyner sont marqués par l'association de la matérialité et de l'évanescence, par l'accent mis sur la matérialité de la couleur dans une grande légèreté.

Parler de liberté
Outre les visites guidées publiques, plusieurs événements sont prévus dans le cadre de l'exposition FREI : Une discussion avec Erwin Schatzmann, Ingrid Käser et Tom Haller relie les thèmes de la trilogie weit - wild - frei avec un regard particulier sur la réalité du métier d'artiste. Une table ronde abordera la situation des droits de l'homme dans notre société en Suisse, en Europe, et transmettra la question de la liberté et de la responsabilité, notamment dans l'espace numérique. Une courte visite guidée avec atelier aura lieu en collaboration avec le Kunstzeughaus, et IG Halle participe également à la Nuit de la culture de Rapperswil.

FREI è la terza parte della trilogia espositiva weit - wild - frei, iniziata nel 2020. Il tema è di grande attualità, come dimostrano il successo ottenuto finora e gli eventi ben frequentati. In quanto mostra collettiva, FREI comprende anche posizioni artistiche che riflettono diversi aspetti del tema. Marlis Spielmann, ad esempio, si occupa della libertà delle donne, mentre Susanne Lyner ha sviluppato un modo di lavorare per liberare il colore dal suo vettore. In una conversazione sulla vita libera degli artisti, chiediamo agli artisti la realtà della loro professione e discutiamo dell'impatto dell'arte sulla società. In un altro panel, esaminiamo i diritti umani, tra l'altro in relazione allo spazio digitale.

Libero senza compromessi
Una persona che cerca di vivere la libertà è l'artista di Winterthur Erwin Schatzmann. Egli invita le persone a realizzare da sole il cambiamento che desiderano. Conosciuto per le sue figure in legno dipinte a colori e per le panchine in legno che si trovano in numerosi luoghi dello spazio pubblico, prende ripetutamente l'iniziativa di realizzare l'arte al di fuori del museo e dell'establishment artistico consolidato. Il suo Morgenland è uno spazio off unico dell'arte di vivere. Una parte significativa del suo lavoro sono i testi, che suggeriscono prospettive insolite con molto umorismo. Anche nei suoi disegni, Erwin Schatzmann crea un'immagine colorata e sconfinata della vita.

Libertà femminile o intrappolamento in uno schema?
Come Erwin Schatzmann, anche Marlis Spielmann ha utilizzato inizialmente elementi dell'arte popolare. Le sue silhouette a simmetria assiale formavano tondi di figure umane, animali e fiori. Da alcuni anni si è concentrata su sagome di grande formato e tagli a coltello, che si presentano come delicati arazzi ma che, se osservati da vicino, rivelano sorprendenti dettagli socio-critici. In tutta la sua opera, ha ripreso mestieri tradizionalmente femminili come le tecniche tessili e li ha sviluppati ulteriormente per mettere in discussione i ruoli di genere.

Oggetto, distaccato
Oggetti come scatole per nidi o isolatori per recinzioni metalliche servono al fotografo Patrik Fuchs per riflettere sulle persone che li hanno creati e sulla cultura a cui appartengono. Tra rifugio e prigionia, tra inquietante e familiare, raccontano le loro storie. Nel formato della serie, Patrik Fuchs raccoglie diverse copie dell'oggetto per condensarne il simbolismo. In un'estetica ridotta, di fronte a uno sfondo neutro uniforme e staccato dal loro ambiente originale, gli oggetti risplendono come preziosi oggetti trovati che ci invitano a guardare da vicino. Dalla collezione sobria e priva di commenti vengono formulati messaggi sottili.

Tra forma e trasformazione
Sia Susanne Lyner che Sandra Capaul stabiliscono determinate condizioni e strutture per il loro lavoro, che consentono un libero sviluppo e variazioni. Nel tentativo di lasciare al colore la massima autonomia possibile, libera da attributi e associazioni rappresentative, Susanne Lyner utilizza le griglie o il rettangolo come forma di base. La ripetizione diventa un ritmo vivace che esalta il gioco dei colori e le sfumature più sottili.

Il movimento determina molte delle opere di Sandra Capaul. Tra l'altro, utilizza una piattaforma girevole su cui appoggia la superficie di lavoro, permettendo così alla pittura di fluire secondo il principio del caso provocato. Anche le nuove opere con la vernice lacca sono nate da questo processo: passo dopo passo, dai pannelli illustrati intitolati Sulfurous all'installazione The circus of the sun, che prende il nome da una poesia di Robert Lax, fino a White noise, le ragnatele di carta che hanno catturato le gocce di vernice scagliate dalla rotazione. Un ampio ciclo di opere si occupa dell'imbarcazione. L'attenzione si concentra sulla mutevolezza della forma, mettendo in moto la percezione e il pensiero.

Liberare il colore
Negli oggetti a colori di Susanne Lyner, sviluppati con una tecnica propria, il colore si stacca completamente dal supporto, non viene applicato ma gettato, formando una fitta rete di acrilico a più strati. Le opere di Susanne Lyner sono caratterizzate dalla combinazione di materialità e fugacità, dall'attenzione alla materialità del colore in una grande leggerezza.

Parlare di libertà
Oltre alle visite guidate al pubblico, sono previsti diversi eventi per la mostra FREI: Una conversazione con Erwin Schatzmann, Ingrid Käser e Tom Haller combina i temi della trilogia wide - wild - free con un'attenzione particolare alla realtà della professione dell'artista. Un panel affronterà la situazione dei diritti umani nella nostra società in Svizzera e in Europa e porrà, tra l'altro, la questione della libertà e della responsabilità nello spazio digitale. In collaborazione con la Kunstzeughaus, si terrà una breve visita guidata con workshop, e l'IG Halle partecipa anche alla Kulturnacht Rapperswil.

FREI is the third part of the exhibition trilogy weit - wild - frei, which began in 2020. The theme is topical, as the success to date and the well-attended events show. As a group exhibition, FREI also comprises artistic positions that reflect different aspects of the theme. Marlis Spielmann, for example, is concerned with the freedom of women, while Susanne Lyner has developed a working method to free color from its carrier. In a conversation about the free life of artists, we ask artists about the reality of their profession and discuss the impact of art on society. In another panel, we look at human rights, including with regard to digital space.

Uncompromisingly free
One person who tries to live freedom is Winterthur artist Erwin Schatzmann. He encourages people to make the change they want to see happen themselves. Known for his colorfully painted wooden figures and wooden benches, which stand in numerous places in public space, he repeatedly takes the initiative so that art can take place outside the museum and the established art establishment. His Morgenland is a unique offspace of the art of living. A significant part of his work are the texts, which suggest unusual perspectives with a lot of humor. In his drawings, Erwin Schatzmann also creates a colorful and boundless image of life.

Female freedom or trapped in a pattern?
Similar to Erwin Schatzmann, Marlis Spielmann used elements from folk art at the beginning. Her axially symmetrical silhouettes formed rounds of human figures, animals and flowers. For several years now, she has focused her work on large-format silhouettes and knife cuts that look like delicate tapestries but, when viewed up close, reveal surprising socio-critical details. Throughout her work, she has taken up traditionally female crafts such as textile techniques and developed them further, at the same time questioning gender roles.

Object, detached
Objects such as nesting boxes or wire fence insulators serve photographer Patrik Fuchs to reflect on the people who created them and the culture to which they belong. Between shelter and captivity, between eerie and homely, they tell their stories. In the format of series, Patrik Fuchs collects different copies of the object to condense its symbolism. In reduced aesthetics, in front of a uniform neutral background and detached from their original environment, the objects shine out like precious found objects that invite us to look closely. Subtle messages formulate from the sober, uncommented collection.

Between form and transformation
Both Susanne Lyner and Sandra Capaul establish certain conditions and structures for their work that allow for free development and variations. In an effort to allow color as much autonomy as possible, free of attributes and representational associations, Susanne Lyner uses grids or the rectangle as a basic form. Repetition becomes a lively rhythm that brings out the interplay of colors and the finest shadings.

Movement determines many of Sandra Capaul's works. Among other things, she uses a turntable on which she places the work surface, allowing the color to flow according to the principle of provoked chance. This process has also given rise to the new works with lacquer paint: progressively from the picture panels entitled Sulfurous to the installation The circus of the sun, named after a poem by Robert Lax, to White noise, the paper webs that have caught the drops of paint thrown off by the rotation. An extensive cycle of works deals with the vessel. The focus is on the mutability of form, setting perception and thought in motion.

Liberating color
In Susanne Lyner's color objects, developed with her own technique, the color completely detaches itself from the substrate by not being applied but thrown, forming a dense, multi-layered mesh of acrylic. Susanne Lyner's works are characterized by the combination of materiality and volatility, the focus on the materiality of color in great lightness.

Talking about freedom
In addition to public tours, several events are planned for the exhibition FREI: A conversation with Erwin Schatzmann, Ingrid Käser and Tom Haller connects the themes of the trilogy wide - wild - free with a special focus on the reality of the artist's profession. A panel discusses the situation of human rights in our society in Switzerland, in Europe, and raises the question of freedom and responsibility, among other things, in the digital space. In cooperation with the Kunstzeughaus, a short guided tour with workshop will take place, and IG Halle is also involved in the Kulturnacht Rapperswil.

(Text: Judith Annaheim, IG Halle, Rapperswil)

Kunstmuseum St. Gallen
8. Juli 2023 - 14. Januar 2024

Haris Epaminonda

Im Schaffen von Haris Epaminonda (*1980 Nikosia, Zypern) geht es um die Auseinandersetzung mit einem komplexen, kulturhistorischen Kosmos. Collagenartige Kombinationen von Fotografien, Filmen, Skulpturen, Objekten sowie vorgefundenen Gegenständen und Bildern überführt die zypriotische Künstlerin in raumgreifende Installationen und vielschichtige Erzählungen. Ihre Motive entstammen unterschiedlichsten Quellen und lassen Raum für zahlreiche Assoziationen.

Kuratiert von Nadia Veronese

L'œuvre de Haris Epaminonda (née en 1980 à Nicosie, Chypre) est une confrontation avec un cosmos culturel et historique complexe. L'artiste chypriote combine, à la manière d'un collage, des photographies, des films, des sculptures, des objets ainsi que des objets et des visuels trouvés sur place pour en faire des installations qui occupent tout l'espace et des récits à plusieurs niveaux. Ses motifs proviennent des sources les plus diverses et laissent place à de nombreuses associations.

Commissariat de l’exposition: Nadia Veronese

L'opera di Haris Epaminonda (*1980 Nicosia, Cipro) affronta un cosmo storico-culturale complesso. L'artista cipriota trasforma combinazioni simili a collage di fotografie, film, sculture, oggetti e immagini trovate in installazioni di ampio respiro e narrazioni a più livelli. I suoi motivi provengono da un'ampia varietà di fonti e lasciano spazio a numerose associazioni.

A cura di Nadia Veronese

The work of Haris Epaminonda (*1980 Nicosia, Cyprus) is about the examination of a complex, cultural-historical cosmos. The Cypriot artist transforms collage-like combinations of photographs, films, sculptures, objects, and found objects and images into expansive installations and multilayered narratives. Her motifs come from a wide variety of sources and leave room for numerous associations.

Curated by Nadia Veronese

(Text: Kunstmuseum St. Gallen)

Museum zu Allerheiligen | Schaffhausen
17. Juni - 17. September 2023

DOPPIO V
Andrea Ehrat, Dorian Sari

In der fünften Ausgabe der Ausstellungsreihe DOPPIO, welche das Museum zu Allerheiligen in Zusammenarbeit mit dem Kunstverein Schaffhausen realisiert, kommt es zu einem kontrastreichen Werkdialog.

Die Präsentation der Werke von Andrea Ehrat (*1971) und Dorian Sari (*1989) im Oberlichtsaal des Museum zu Allerheiligen arbeitet mit klaren Gegensätzen. Während Ehrats Gipsskulpturen – weiss in weiss – die Mitte des Raumes einnehmen, reagiert Sari darauf mit Werken auf den Wandflächen.

Weiche und aggressive Elemente finden dabei ebenso zusammen wie organische und synthetische Materialien. Erstmals in der DOPPIO-Reihe ist der Raum ohne Stellwände in seinen gesamten Abmessungen zu erfassen, was den Eindruck einer dreidimensionalen Gesamtkomposition begünstigt. Die Werke drehen sich dabei um Zustände des Innenlebens. Alltagsfragmente und Kindheitserinnerungen, Traumsequenzen und Schreckensszenarien: endlose Gedankenströme kondensiert in klaren, reduzierten Bildern.

Kurator: Julian Denzler

In Zusammenarbeit mit dem Kunstverein Schaffhausen

La cinquième édition de la série d'expositions DOPPIO, que le Museum zu Allerheiligen réalise en collaboration avec la Kunstverein Schaffhausen, donne lieu à un dialogue d'œuvres riche en contrastes.

La présentation des œuvres d'Andrea Ehrat (*1971) et de Dorian Sari (*1989) dans la salle aux lanterneaux du Museum zu Allerheiligen travaille avec des contrastes clairs. Alors que les sculptures en plâtre d'Ehrat - blanches sur blanches - occupent le centre de la pièce, Sari réagit avec des œuvres sur les surfaces murales.

Des éléments souples et agressifs s'y côtoient, tout comme des matériaux organiques et synthétiques. Pour la première fois dans la série DOPPIO, l'espace peut être appréhendé dans toutes ses dimensions sans parois mobiles, ce qui favorise l'impression d'une composition globale tridimensionnelle. Les œuvres tournent ainsi autour d'états de la vie intérieure. Fragments du quotidien et souvenirs d'enfance, séquences de rêve et scénarios d'horreur : des flux de pensées sans fin condensés dans des visuels clairs et réduits.

Curateur : Julian Denzler

En collaboration avec le Kunstverein Schaffhausen

Nella quinta edizione della serie di mostre DOPPIO, che il Museum zu Allerheiligen realizza in collaborazione con il Kunstverein Schaffhausen, ha luogo un dialogo tra opere ricche di contrasti.

La presentazione delle opere di Andrea Ehrat (*1971) e Dorian Sari (*1989) nella Oberlichtsaal del Museum zu Allerheiligen lavora con evidenti contrasti. Mentre le sculture in gesso di Ehrat - bianco nel bianco - occupano il centro della stanza, Sari reagisce con opere sulle superfici delle pareti.

Elementi morbidi e aggressivi si fondono, così come materiali organici e sintetici. Per la prima volta nella serie DOPPIO, la stanza può essere colta in tutte le sue dimensioni senza pareti divisorie, il che favorisce l'impressione di una composizione complessiva tridimensionale. Le opere ruotano attorno a stati di vita interiore. Frammenti di vita quotidiana e ricordi d'infanzia, sequenze di sogni e scenari horror: flussi infiniti di pensieri condensati in immagini chiare e ridotte.

Curatore: Julian Denzler

In collaborazione con Kunstverein Schaffhausen

In the fifth edition of the exhibition series DOPPIO, which the Museum zu Allerheiligen realizes in collaboration with the Kunstverein Schaffhausen, a contrasting dialogue of works takes place.

The presentation of the works by Andrea Ehrat (*1971) and Dorian Sari (*1989) in the Oberlichtsaal of the Museum zu Allerheiligen works with clear contrasts. While Ehrat's plaster sculptures - white in white - occupy the center of the room, Sari responds to this with works on the wall surfaces.

Soft and aggressive elements come together, as do organic and synthetic materials. For the first time in the DOPPIO series, the entire dimensions of the room can be grasped without movable walls, which favors the impression of an overall three-dimensional composition. The works revolve around states of inner life. Fragments of everyday life and childhood memories, dream sequences and horror scenarios: endless streams of thoughts condensed into clear, reduced images.

Curator: Julian Denzler

In collaboration with Kunstverein Schaffhausen

(Text: Museum zu Allerheiligen, Schaffhausen)

Kunstmuseum St. Gallen
22. April - 27. August 2023

Jiajia Zhang

Jiajia Zhang (*1981 Hefei, China) arbeitet mit Fotografie und Film. Häufig integriert sie vorgefundenes Filmmaterial, sogenanntes ‹Found Footage›, in ihre Arbeit. So entstehen elegische, emotionale und persönliche Bildstrecken wie auch filmische Collagen. Im Kern geht es in Zhangs Arbeit darum, wie der digitale Bilderfluss von Plattformen wie YouTube, Instagram und TikTok unsere Wirklichkeit prägt.

Kuratiert von Melanie Bühler

Jiajia Zhang (née en 1981 à Hefei, Chine) travaille avec la photographie et le cinéma. Elle intègre souvent dans son travail du matériel cinématographique trouvé, ce qu'on appelle du 'found footage'. Il en résulte des séries d'images élégantes, émotionnelles et personnelles ainsi que des collages cinématographiques. L'essentiel du travail de Zhang porte sur la manière dont le flux d'images numériques de plateformes telles que YouTube, Instagram et TikTok façonne notre réalité.

Commissariat de l'exposition: Melanie Bühler

Jiajia Zhang (*1981 Hefei, Cina) lavora con la fotografia e il cinema. Spesso integra nel suo lavoro filmati trovati. Ne risultano serie di immagini elegiache, emotive e personali, nonché collage cinematografici. Il lavoro di Zhang è incentrato sul modo in cui il flusso digitale di immagini provenienti da piattaforme come YouTube, Instagram e TikTok modella la nostra realtà.

A cura di Melanie Bühler

Jiajia Zhang (*1981 Hefei, China) works with photography and film. She often integrates found footage into her work. This results in elegiac, emotional and personal image series as well as cinematic collages. At its core, Zhang's work is about how the digital flow of images from platforms like YouTube, Instagram, and TikTok shapes our reality.

Curated by Melanie Bühler

(Text: Kunstmuseum St. Gallen)

Appenzeller Volkskunde-Museum | Stein AR
5. März - 27. August 2023

Von Reformtänzerinnen & Wollaposteln - Lebensreform in der Ostschweiz von 1900 bis 1950

Die Schattenseiten des industriellen Fortschritts machten sich um 1900 auch in der Ostschweiz bemerkbar. Wohnungsnot, mangelnde Hygiene, ungesunde Ernährung und Krankheiten wie Typhus und Cholera waren weit verbreitet. Kritische Stimmen forderten ein «Zurück zur Natur» und nicht weniger als die Reform der ganzen Gesellschaft.

Die Ausstellung zeigt, wie sich die Reformerinnen und Reformer diese Rückkehr vorgestellt haben. Im Kurhaus Martens in Trogen oder in der Sennrüti in Degersheim etwa konnte die angeschlagene Gesundheit wieder hergestellt werden. Umstritten war das Licht-, Luft- und Sonnenbad in Herisau. Ob die so genannten Luftbadehosen eine Rolle spielten? Und was macht eine Lichtdusche im Museum, wenn doch das Sonnenlicht die wichtigste Heilkraft der Natur ist?

Die neuen Ideen der Lebensreform sollten auch im Alltag einfach umgesetzt werden können. Hausfrauen servierten Vollkornbrot und Konfitüren aus Schildknecht-Einmachgläsern und lernten vegetarisch kochen. Sie wuschen schmutzige Hände mit Kneipp Seifen oder kleideten Kinder in Reformunterwäsche ein. Mütter schickten ihre Töchter in die Tanzstunde zu Lehrerinnen, die bei berühmten Reformtänzerinnen und -tänzern ausgebildet worden waren. Väter steckten ihre Buben in Landerziehungsheime, wo diese Theater spielen lernten und an der frischen Luft unterrichtet wurden.

Lassen Sie sich überraschen, wie und warum eine gedrechselte Holzkugel aus der Reformsiedlung Loheland, eine ausgestopfte Zwergschnepfe ins Appenzeller Volkskundemuseum Stein kamen oder wie die Künstlerin Gabriela Falkner das Thema "Lebensreform" transformiert.

Vers 1900, le côté obscur du progrès industriel se faisait également sentir en Suisse orientale. La pénurie de logements, le manque d'hygiène, une alimentation malsaine et des maladies comme le typhus et le choléra étaient largement répandus. Des voix critiques réclamaient un "retour à la nature" et rien de moins qu'une réforme de toute la société.

L'exposition montre comment les réformateurs envisageaient ce retour. Dans la maison de cure Martens à Trogen ou au Sennrüti à Degersheim, par exemple, la santé ébranlée pouvait être rétablie. Les bains de lumière, d'air et de soleil à Herisau étaient controversés. Les soi-disant maillots de bain à air ont-ils joué un rôle ? Et que fait une douche de lumière dans un musée, alors que la lumière du soleil est la principale force curative de la nature ?

Les nouvelles idées de la réforme de la vie devaient aussi pouvoir être appliquées facilement au quotidien. Les ménagères servaient du pain complet et des confitures dans des bocaux Schildknecht et apprenaient à cuisiner de manière végétarienne. Elles lavaient leurs mains sales avec des savons Kneipp ou habillaient leurs enfants avec des sous-vêtements réformés. Les mères envoyaient leurs filles à des cours de danse chez des professeurs formés par des danseurs réformés célèbres. Les pères plaçaient leurs garçons dans des maisons d'éducation à la campagne, où ils apprenaient à jouer du théâtre et recevaient un enseignement en plein air.

Laissez-vous surprendre par le pourquoi et le comment d'une boule en bois tourné provenant de la cité réformée de Loheland, d'une bécasse naine empaillée qui a rejoint le musée appenzellois des arts et traditions populaires de Stein ou par la manière dont l'artiste Gabriela Falkner a transformé le thème de la "réforme de la vie".

Il lato oscuro del progresso industriale si fece sentire anche nella Svizzera orientale intorno al 1900. Carenza di alloggi, scarsa igiene, alimentazione malsana e malattie come il tifo e il colera erano molto diffuse. Le voci critiche chiedevano un "ritorno alla natura" e niente di meno che una riforma dell'intera società.

La mostra mostra come i riformatori immaginavano questo ritorno. Nella Martens Kurhaus di Trogen o nella Sennrüti di Degersheim, ad esempio, era possibile recuperare la salute malata. I bagni di luce, aria e sole di Herisau erano controversi. I cosiddetti pantaloni per il bagno d'aria hanno avuto un ruolo importante? E cosa ci fa una doccia di luce nel museo, quando la luce del sole è il più importante potere curativo della natura?

Le nuove idee della Lebensreform dovevano essere facilmente attuabili anche nella vita quotidiana. Le casalinghe servivano pane integrale e marmellate dai barattoli di Schildknecht e imparavano a cucinare cibi vegetariani. Lavavano le mani sporche con saponi Kneipp o vestivano i bambini con biancheria sanitaria. Le madri mandavano le figlie a lezione di danza con insegnanti che si erano formati con famosi ballerini della riforma. I padri mettevano i loro ragazzi in case di educazione rurale dove imparavano a giocare a teatro e venivano educati all'aria aperta.

Lasciatevi sorprendere da come e perché una palla di legno tornita proveniente dall'insediamento di riforma Loheland, un beccaccino pigmeo impagliato sono arrivati al Museo del Folklore di Appenzello Stein o da come l'artista Gabriela Falkner trasforma il tema della "riforma della vita".

The downsides of industrial progress also made themselves felt in eastern Switzerland around 1900. Housing shortages, poor hygiene, unhealthy nutrition and diseases such as typhoid and cholera were widespread. Critical voices demanded a "back to nature" and nothing less than the reform of the whole society.

The exhibition shows how reformers envisioned this return. In the Martens Kurhaus in Trogen or in the Sennrüti in Degersheim, for example, it was possible to restore ailing health. The light, air and sun baths in Herisau were controversial. Whether the so-called air bathing pants played a role? And what is a light shower doing in the museum, when sunlight is nature's most important healing power?

The new ideas of the Lebensreform should also be easy to implement in everyday life. Housewives served wholemeal bread and jams from Schildknecht preserving jars and learned to cook vegetarian food. They washed dirty hands with Kneipp soaps or dressed children in health underwear. Mothers sent their daughters to dance lessons with teachers who had trained with famous reform dancers. Fathers put their boys in country educational homes, where they learned to play theater and were taught in the fresh air.

Be surprised how and why a turned wooden ball from the reform settlement Loheland, a stuffed pygmy snipe came to the Appenzell Folklore Museum Stein or how the artist Gabriela Falkner transforms the theme "life reform".

(Text: Appenzeller Volkskunde-Museum, Stein AR)

Kunsthaus Glarus
26. Februar - 25. Juni 2023

Swan Lake
Karen Kilimnik

Das Werk von Karen Kilimnik nimmt seit den 1990er-Jahren eine bedeutsame Position in der internationalen zeitgenössischen Kunst ein. Kilimnik verbindet in ihrer Praxis kunsthistorische Stile, kulturelle Codes und prominente Figuren aus der romantischen Malereitradition, dem Ballett und der Oper mit denjenigen des zeitgenössischen Glamours und der Popkultur. In ihrer künstlerischen Praxis verwendet sie vielfältige Medien wie Malerei, Zeichnung, Collage, Fotografie, Video und Installation. Ihre Arbeit ist von der Aura einer gewissen Leidenschaft geprägt, die sich aus umfangreichem Wissen über ausgewählte Themenbereiche speist. In Kilimniks Werk nehmen das «Aufführen» und die «Aufführung» selbst eine bedeutsame Rolle ein. Schon in den späten 1980er- und frühen 1990er-Jahren zeigte Kilimnik Mise en Scène-Installationen, die Übertragungen von Bühnenaufführungen darstellten. Immer wieder hervorgehoben wurde hierbei ihre Leidenschaft für das russische Ballett. Mit fragmentarischen Mitteln aus Bühnenprops, Nebelschwaden, Sound und Licht lässt Kilimnik eine Situation entstehen, die das Abschweifen in imaginierte Erzählungen anregt. Die aktuelle Ausstellung zeigt zwei installative Situationen mit Kilimniks Werken Swan Lake (1992) und Kitri and friends at the garden folly (2004). Sie werden von Malereien aus verschiedenen Herkunftsjahren flankiert, die das Motiv der «Lichtung als Bühne» abbilden sowie sich inhärent mit dem Erscheinenden und Abwesenden beschäftigen. Mit diesen und weiteren Werken hebt die Ausstellung Kilimniks Fähigkeit hervor, als Künstlerin die Bedingungen etablierter Narrative in und ausserhalb ihrer Zeit immer wieder neu zu verhandeln.

Depuis les années 1990, l'œuvre de Karen Kilimnik occupe une position significative dans l'art contemporain international. Dans sa pratique, Kilimnik associe les styles de l'histoire de l'art, les codes culturels et les figures éminentes de la tradition picturale romantique, du ballet et de l'opéra à ceux du glamour contemporain et de la culture pop. Dans sa pratique artistique, elle utilise des médias variés tels que la peinture, le dessin, le collage, la photographie, la vidéo et l'installation. Son travail est empreint d'une aura de passion qui se nourrit de vastes connaissances sur des thèmes choisis. Dans l'œuvre de Kilimnik, la "représentation" et la "performance" elle-même occupent une place importante. Dès la fin des années 1980 et le début des années 1990, Kilimnik a présenté des installations de mise en scène représentant des retransmissions de spectacles. Sa passion pour le ballet russe a toujours été mise en avant. À l'aide de moyens fragmentaires composés d'accessoires de scène, de nappes de brouillard, de sons et de lumières, Kilimnik crée une situation qui incite à s'égarer dans des récits imaginaires. L'exposition actuelle présente deux situations installatives avec les œuvres de Kilimnik Swan Lake (1992) et Kitri and friends at the garden folly (2004). Elles sont accompagnées de peintures de différentes années d'origine, qui représentent le motif de la "clairière comme scène" et qui traitent de manière inhérente de l'apparition et de l'absence. Avec ces œuvres et d'autres, l'exposition met en évidence la capacité de Kilimnik, en tant qu'artiste, à renégocier sans cesse les conditions des récits établis dans et hors de son époque.

Il lavoro di Karen Kilimnik ha occupato una posizione significativa nell'arte contemporanea internazionale a partire dagli anni Novanta. La pratica di Kilimnik combina stili storici dell'arte, codici culturali e figure di spicco della tradizione pittorica romantica, del balletto e dell'opera con quelli del glamour contemporaneo e della cultura pop. Nella sua pratica artistica utilizza diversi media come la pittura, il disegno, il collage, la fotografia, il video e l'installazione. Il suo lavoro è caratterizzato dall'aura di una certa passione, alimentata da una vasta conoscenza di aree tematiche selezionate. Nel lavoro di Kilimnik, la "performance" e la "performance" stessa assumono un ruolo significativo. Già tra la fine degli anni '80 e l'inizio degli anni '90, Kilimnik ha presentato installazioni mise en scène che erano trasmissioni di spettacoli teatrali. La sua passione per il balletto russo è stata ripetutamente sottolineata. Utilizzando mezzi frammentari di oggetti di scena, nebbie, suoni e luci, la Kilimnik crea una situazione che incoraggia lo spettatore a immergersi in narrazioni immaginarie. La mostra attuale presenta due situazioni installative con le opere di Kilimnik Il lago dei cigni (1992) e Kitri e amici al giardino folle (2004). Sono affiancate da dipinti di diversi anni di provenienza che raffigurano il motivo della "radura come palcoscenico" e che trattano intrinsecamente dell'apparire e dell'assente. Con queste e altre opere, la mostra mette in evidenza la capacità dell'artista Kilimnik di rinegoziare continuamente i termini delle narrazioni consolidate dentro e fuori il suo tempo.

The work of Karen Kilimnik has occupied a significant position in international contemporary art since the 1990s. Kilimnik's practice combines art historical styles, cultural codes, and prominent figures from the Romantic painting tradition, ballet, and opera with those of contemporary glamour and pop culture. In her artistic practice, she uses a variety of media including painting, drawing, collage, photography, video, and installation. Her work is imbued with the aura of a certain passion, which is fed by extensive knowledge of selected subjects. In Kilimnik's work, "performing" and the "performance" itself take on a significant role. As early as the late 1980s and early 1990s, Kilimnik showed mise en scène installations that were transmissions of stage performances. Her passion for Russian ballet was emphasized again and again. Using fragmentary means of stage props, wafts of fog, sound and light, Kilimnik creates a situation that stimulates digression into imagined narratives. The current exhibition features two installation situations with Kilimnik's works Swan Lake (1992) and Kitri and friends at the garden folly (2004). They are flanked by paintings from various years of origin that depict the motif of "clearing as stage" as well as inherently engage with the appearing and the absent. With these and other works, the exhibition highlights Kilimnik's ability as an artist to continually renegotiate the terms of established narratives in and out of her time.

(Text: Kunsthaus Glarus)

IG Halle im Kunst(Zeug)Haus Rapperswil
4. Dezember 2022 - 5. Februar 2023

Andy Warhol, Sandro Livio Straube, GislerGähwiler, Robert Bösch, Ingrid Käser, Georges Wenger, Noah di Bettschen

wild ist der zweite Teil der Ausstellungstrilogie weit – wild – frei. Nachdem weit das Lebensgefühl im Jahr 2020 überraschend deutlich traf und die Besucher auf verschiedenen Ebenen in die Weite lockte, führt wild in ein Assoziationsfeld um das Chaotische, Anarchische, Ursprüngliche. Die Ausstellung findet das Wilde in der Natur genauso wie im Menschen, im Bildinhalt ebenso wie in der Arbeitsweise der sieben Kunstschaffenden. Sie konfrontiert Illusion und Wirklichkeit von Wildnis und lässt die Faszination des Unbekannten erfahren. Es treffen unter anderem berühmte Werke wie Andy Warhols Electric Chairs und die allererste Werkserie des jungen Künstlers Noah di Bettschen aufeinander. Ein Filmabend, ein Gespräch mit Erwin Schatzmann und Georges Wenger sowie drei Führungen geben Gelegenheit, die Kunstschaffenden zu treffen und sich weiter mit dem Thema wild auseinanderzusetzen.

wild est la deuxième partie de la trilogie d'expositions weit - wild - frei. Après "weit", qui a étonnamment bien cerné le sentiment de vie en 2020 et qui a attiré les visiteurs vers les grands espaces à différents niveaux, "wild" conduit à un champ d'associations autour du chaotique, de l'anarchique et de l'originel. L'exposition trouve le sauvage dans la nature tout comme dans l'homme, dans le contenu des images tout comme dans la méthode de travail des sept artistes. Elle confronte l'illusion et la réalité de la nature sauvage et permet d'éprouver la fascination de l'inconnu. Des œuvres célèbres comme les Electric Chairs d'Andy Warhol et la toute première série d'œuvres du jeune artiste Noah di Bettschen se rencontrent entre autres. Une soirée cinéma, un entretien avec Erwin Schatzmann et Georges Wenger ainsi que trois visites guidées permettront de rencontrer les créateurs et de poursuivre la réflexion sur le thème sauvage.

wild è la seconda parte della trilogia espositiva weit - wild - frei. Dopo aver sorprendentemente colpito l'attitudine alla vita nel 2020 e aver attirato i visitatori nella vastità su vari livelli, wild conduce in un campo associativo intorno al caotico, all'anarchico, al primordiale. La mostra trova il selvaggio nella natura e nelle persone, nel contenuto delle immagini e nei metodi di lavoro dei sette artisti. Affronta l'illusione e la realtà della natura selvaggia e ci fa sperimentare il fascino dell'ignoto. Si incontrano opere famose come le Electric Chairs di Andy Warhol e la prima serie di lavori del giovane artista Noah di Bettschen. Una serata cinematografica, una conferenza con Erwin Schatzmann e Georges Wenger e tre visite guidate offrono l'opportunità di incontrare gli artisti e di approfondire il tema della natura selvaggia.

wild is the second part of the exhibition trilogy weit - wild - frei. After weit surprisingly clearly hit the attitude towards life in 2020 and lured visitors into the vastness on various levels, wild leads into an associative field around the chaotic, anarchic, primal. The exhibition finds the wild in nature as well as in people, in the content of the pictures as well as in the working methods of the seven artists. It confronts illusion and reality of wilderness and lets experience the fascination of the unknown. Among others, famous works such as Andy Warhol's Electric Chairs and the very first series of works by the young artist Noah di Bettschen come together. A film evening, a conversation with Erwin Schatzmann and Georges Wenger, as well as three guided tours will provide an opportunity to meet the artists and further explore the theme of wild.

(Text: Guido Baumgartner, Rapperswil-Jona)

Kunsthalle Wil
6. November - 18. Dezember 2022

Die Route wird neu berechnet
huber.huber

Seit ihrem Abschluss an der ZHdK arbeiten die Zwillingsbrüder Markus und Reto Huber unter dem Namen Huber.Huber zusammen. Bekanntheit erlangten sie durch ihre Collagen und Zeichnungen, sie haben in den letzten Jahren aber auch mit Installationen und skulpturalen Werken von sich reden gemacht. Stets mit einem poetisch-ästhetischen Anspruch sowie einer Nuance Ironie und Skurrilität kommentieren sie in ihrem vielschichtigen und konzeptionellen Werk das wechselhafte Verhältnis von Mensch, Kultur und Natur.

Obwohl die Geschichte des Automobils noch sehr jung ist, erst seit 1886 gab es erste Autos auf den Strassen, ist das Auto aus unserem Alltag nicht mehr wegzudenken. Zunehmend wird das Auto zum Politikum.

In der Vergangenheit haben sich huber.huber in einigen ihrer Arbeiten indirekt mit dem Thema „Auto“ auseinandergesetzt. Zu erwähnen ist hier die Skulptur Findling (2010), für die sie einen fast vier Tonnen schweren Gneis-Findling mit einem der teuersten Autolacke auf dem Markt lackierten liessen. Aber auch in dem fotografischen Werk tauchen bei huber.huber immer wieder Autos, Autoteile oder Spuren davon auf. Zum Beispiel in der Fotoarbeit „STAUB“ (2020) mit Pflanzen an Strassenrändern, die durch den aufgewirbelten Staub der durchfahrenden Autos fast versteinert wirken. In der Arbeit „the world will be hotter“ (2015) haben huber.huber Frontscheibenabdeckungen im Autoinnern fotografiert. Die Abdeckungen sollen Sonnenstrahlung abhalten, um das Überhitzen des Innenraumes zu vermindern. Früher sah man diese Abdeckungen vor allem in südlichen Ländern. Mit den immer heisser werdenden Sommermonaten, sind sie aber auch bei uns mehr und mehr anzutreffen.

Im Spannungsfeld Mensch-Umwelt, in dem sich die Arbeit der beiden Künstler bewegt, drängt sich das Thema der Klimaerwärmung auf. Der Verkehr ist für fast 30 Prozent der gesamten CO2-Emissionen der EU verantwortlich, von denen 72 Prozent auf den Straßenverkehr entfallen.

Für die Ausstellung „Die Route wird neu berechnet“ in zeigen huber.huber vorwiegen Arbeiten, die sie extra für die Räume der Kunsthalle Wil erschaffen haben.

Depuis leur sortie de la ZHdK, les frères jumeaux Markus et Reto Huber travaillent ensemble sous le nom de Huber.Huber. Ils se sont fait connaître par leurs collages et leurs dessins, mais ces dernières années, ils ont également fait parler d'eux avec des installations et des œuvres sculpturales. Toujours avec une exigence poétique et esthétique ainsi qu'une nuance d'ironie et de bizarrerie, ils commentent dans leur œuvre complexe et conceptuelle la relation changeante entre l'homme, la culture et la nature.

Bien que l'histoire de l'automobile soit encore très récente, puisque les premières voitures n'ont fait leur apparition sur les routes qu'en 1886, la voiture fait désormais partie intégrante de notre quotidien. De plus en plus, la voiture devient un enjeu politique.

Par le passé, huber.huber a abordé indirectement le thème de la "voiture" dans certains de ses travaux. On peut citer ici la sculpture Findling (2010), pour laquelle ils ont fait peindre un bloc erratique de gneiss de près de quatre tonnes avec l'une des peintures automobiles les plus chères du marché. Mais chez huber.huber, les voitures, les pièces de voiture ou leurs traces apparaissent aussi régulièrement dans l'œuvre photographique. Par exemple dans le travail photographique "STAUB" (2020) avec des plantes au bord des routes qui semblent presque pétrifiées par la poussière soulevée par le passage des voitures. Dans le travail "the world will be hotter" (2015), huber.huber ont photographié des caches de pare-brise à l'intérieur des voitures. Ces caches sont censés bloquer le rayonnement solaire afin de réduire la surchauffe de l'habitacle. Autrefois, on voyait surtout ces caches dans les pays du sud. Mais avec les mois d'été de plus en plus chauds, vous les voyez de plus en plus chez nous aussi.

Dans le champ de tension entre l'homme et l'environnement dans lequel évolue le travail des deux artistes, le thème du réchauffement climatique s'impose. Les transports sont responsables de près de 30 pour cent de l'ensemble des émissions de CO2 de l'UE, dont 72 pour cent sont imputables au trafic routier.

Pour l'exposition "La route est recalculée" à, huber.huber présentent principalement des travaux qu'ils ont créés spécialement pour les locaux de la Kunsthalle Wil.

Da quando si sono diplomati alla ZHdK, i fratelli gemelli Markus e Reto Huber lavorano insieme sotto il nome di Huber.Huber. Si sono fatti conoscere per i loro collage e disegni, ma negli ultimi anni si sono affermati anche con installazioni e opere scultoree. Sempre con una pretesa poetico-estetica e una sfumatura di ironia e bizzarria, commentano il mutevole rapporto tra uomo, cultura e natura nel loro lavoro multistrato e concettuale.

Sebbene la storia dell'automobile sia ancora molto giovane - le prime vetture sono apparse sulle strade solo nel 1886 - è impossibile immaginare la nostra vita quotidiana senza l'automobile. L'automobile sta diventando sempre più una questione politica.

In passato, huber.huber hanno affrontato indirettamente il tema dell'"automobile" in alcune delle loro opere. Da segnalare la scultura Findling (2010), per la quale hanno fatto dipingere uno gneissindling di quasi quattro tonnellate con una delle vernici per auto più costose sul mercato. Ma anche le automobili, le parti di automobili o le loro tracce compaiono ripetutamente nel lavoro fotografico di Huber.Huber. Ad esempio, nell'opera fotografica "STAUB" (2020), con piante ai bordi delle strade che sembrano quasi pietrificate dalla polvere vorticosa delle auto in transito. Nell'opera "Il mondo sarà più caldo" (2015), huber.huber ha fotografato le coperture dei parabrezza all'interno delle automobili. Le coperture dovrebbero bloccare la radiazione solare per ridurre il surriscaldamento degli interni. In passato, queste coperture erano presenti soprattutto nei Paesi del Sud. Ma con l'avanzare dei mesi estivi sempre più caldi, anche questi fenomeni sono sempre più diffusi nel nostro Paese.

Nel campo della tensione tra l'uomo e l'ambiente, in cui si colloca il lavoro dei due artisti, emerge il tema del riscaldamento globale. I trasporti sono responsabili di quasi il 30% delle emissioni totali di CO2 dell'UE, il 72% delle quali è causato dal traffico stradale.

Per la mostra "Il percorso è ricalcolato" in huber.huber espongono principalmente opere che hanno creato appositamente per le sale della Kunsthalle Wil.

Since graduating from the ZHdK, the twin brothers Markus and Reto Huber have been working together under the name Huber.Huber. They became known for their collages and drawings, but in recent years they have also made a name for themselves with installations and sculptural works. Always with a poetic-aesthetic ambition as well as a nuance of irony and whimsicality, they comment in their multi-layered and conceptual work on the changing relationship between man, culture and nature.

Although the history of the automobile is still very young, with the first cars only appearing on the roads in 1886, it is impossible to imagine our everyday life without the car. Increasingly, the car is becoming a political issue.

In the past, huber.huber have indirectly dealt with the subject of the "car" in some of their works. Worth mentioning here is the sculpture Findling (2010), for which they had a gneissindling weighing almost four tons painted with one of the most expensive car paints on the market. But cars, car parts, or traces of them also appear again and again in huber.huber's photographic work. For example, in the photographic work "STAUB" (2020) with plants on roadsides that seem almost petrified by the swirling dust of the cars passing through. In the work "the world will be hotter" (2015), huber.huber photographed windshield covers inside cars. The covers are meant to block solar radiation to reduce the overheating of the interior. In the past, these covers were seen mainly in southern countries. But as the summer months get hotter and hotter, they are also becoming more and more common in our country.

In the field of tension between man and the environment, in which the work of the two artists is situated, the topic of global warming comes to mind. Transport is responsible for almost 30 percent of the EU's total CO2 emissions, 72 percent of which are caused by road traffic.

For the exhibition "The route is recalculated" in huber.huber show mainly works that they created especially for the rooms of the Kunsthalle Wil.

(Text: Kunsthalle Wil)

Kunstmuseum St. Gallen
29. Oktober 2022 - 2. April 2023

Memory of Light – Light of Memory
Alexander Hahn

Alexander Hahn (* 1954 Rapperswil) ist seit 1981 in den elektronischen und digitalen Medienkünsten in Europa und Amerika zuhause. Ereignisse aus seinem persönlichen Leben, aus Geschichte, Kunst und Wissenschaft verwandelt er in Videokunst und benutzt dazu die inneren Welten von Erinnerung und Traum. Nach einer Einzelausstellung The Bernoulli Itinerary von 1991 gibt er nun einen Überblick über sein Schaffen an der Spitze der medialen Entwicklung.

Kurator: Roland Wäspe

Alexander Hahn (* 1954 Rapperswil) est depuis 1981 à l'aise dans les arts médiatiques électroniques et numériques en Europe et en Amérique. Il transforme des événements de sa vie personnelle, de l'histoire, de l'art et de la science en art vidéo et utilise pour cela les mondes intérieurs du souvenir et du rêve. Après une exposition individuelle intitulée The Bernoulli Itinerary en 1991, il donne aujourd'hui un aperçu de son travail à la pointe du développement des médias.

Commissaire d'exposition : Roland Wäspe

Alexander Hahn (* 1954 Rapperswil) si occupa di arti elettroniche e digitali in Europa e in America dal 1981. Trasforma eventi della sua vita personale, della storia, dell'arte e della scienza in video arte, utilizzando i mondi interiori della memoria e del sogno. Dopo una mostra personale The Bernoulli Itinerary nel 1991, presenta ora una panoramica del suo lavoro all'avanguardia nello sviluppo dei media.

Curatore: Roland Wäspe

Alexander Hahn (*1954, Rapperswil) has worked in the electronic and digital media arts in Europe and America since 1981. He transforms events from his personal life, history, art, and science into video art, making use of the inner worlds of memories and dreams. After his solo exhibition The Bernoulli Itinerary in 1991, he will now present an overview of his work at the forefront of developments in new media.

Curator: Roland Wäspe

(Text: Kunstmuseum St. Gallen)

Galerie Adrian Bleisch | Arbon
1. - 29. Oktober 2022

Porträts
Roland Iselin

Portraitaufnahmen durchziehen das Werk des gebürtigen Thurgauer Fotokünstlers Roland Iselin. Seit den frühen 1990er Jahren fotografiert er Menschen in unterschiedlichen Situationen.

Ansporn für seine Fotografien im dokumentarischen Stil sind ausser bildästhetischen Ansprüchen immer auch Neugier und Entdeckerlust.

In seiner neusten Ausstellung in der Galerie Adrian Bleisch in Arbon zeigt er einen Überblick seiner Portraits. Menschen verschiedenster Herkunft, Alter und Lebenssituationen erscheinen auf den Fotos in natürlicher Pose und trotzdem einfach und raffiniert zugleich.

Roland Iselin wurde 1958 in Kreuzlingen geboren, studierte an der Zürcher Hochschule der Künste und der New Yorker School of Visual Arts. Erlebt und arbeitet in Zürich.

Les portraits traversent l'œuvre de Roland Iselin, artiste photographe originaire de Thurgovie. Depuis le début des années 1990, il photographie des personnes dans différentes situations.

Ses photographies de style documentaire sont motivées non seulement par des exigences esthétiques, mais aussi par la curiosité et l'envie de découvrir.

Dans sa dernière exposition à la galerie Adrian Bleisch à Arbon, il présente un aperçu de ses portraits. Des personnes d'origines, d'âges et de situations les plus divers apparaissent sur les photos dans une pose naturelle et pourtant simple et raffinée à la fois.

Roland Iselin est né en 1958 à Kreuzlingen. Il a étudié à la Haute école des arts de Zurich et à la School of Visual Arts de New York. Il vit et travaille à Zurich.

I ritratti pervadono il lavoro del fotografo turgoviese Roland Iselin. Dall'inizio degli anni '90 fotografa persone in situazioni diverse.

La motivazione delle sue fotografie di tipo documentaristico è sempre la curiosità e il desiderio di scoprire, oltre alle esigenze estetiche dell'immagine.

Nella sua ultima mostra alla Galleria Adrian Bleisch di Arbon, presenta una panoramica dei suoi ritratti. Persone di origini, età e situazioni di vita diverse appaiono nelle foto in una posa naturale e allo stesso tempo semplice e raffinata.

Roland Iselin è nato a Kreuzlingen nel 1958 e ha studiato all'Università delle Arti di Zurigo e alla New York School of Visual Arts. Vive e lavora a Zurigo.

Portraits pervade the work of Thurgau-born photo artist Roland Iselin. He has been photographing people in various situations since the early 1990s.

The incentive for his photographs in documentary style is always curiosity and the desire to discover, in addition to visual aesthetic demands.

In his latest exhibition at the Adrian Bleisch Gallery in Arbon, he shows an overview of his portraits. People of different origins, ages and life situations appear in the photos in a natural pose and yet simple and refined at the same time.

Roland Iselin was born in Kreuzlingen in 1958, studied at the Zurich University of the Arts and the New York School of Visual Arts. Experienced and works in Zurich.

(Text: Galerie Adrian Bleisch, Arbon)

Tigerfinkllifabrik | Diessenhofen
4. - 25. September 2022

Fotografierte Fotografen

Die Gemeinnützige Gesellschaft Diessenhofen startet am nächsten Sonntag in ihre neue Kultursaison. «Welten sammmmmmeln» ist das Jahresprogramm überschrieben. Gestartet wird mit der Ausstellung einer exquisiten Privatsammlung. Werner und Trudi Bosshard gehören zu den grossen Schweizer Photographica-Sammlern. Vor allem deren Bestand an früher Schweizer Fotografie, aber auch eine Sammlung pikanter Daguerreotypien wissen Kenner und Museen zu schätzen.

Ein bisher unerforschtes Stück Fotogeschichte

Hier in Diessenhofen wird ein selbst für die Fotogeschichtsschreibung unbekannter Fokus gezeigt. Anlass ist die im Frühjahr von Fritz Franz Vogel herausgegebene Publikation «Fotografierte Fotografen – ein Beruf setzt sich ins Bild». Im Zentrum steht eine Art selfie-Fotografie, weit bevor dieser Begriff eine Armlänge zum Abbildungsmassstab machte. Die Bosshards haben sozusagen als Beifang auf Auktionen vor allem in Frankreich und Amerika ein Konvolut zusammengetragen, das einen guten Einblick gibt ins damalige Berufsbild dieses neuen, disruptiven Mediums hinsichtlich der Abbildungspraxis. Ab 1850 etablierten sich immer mehr Fotostudios, womit sich der Beruf in seiner Vielfalt und Fachkompetenz erst definieren musste. Es war in gewissem Sinne logisch, dass sich die Spezialisten des Visuellen in der eigenen Branche der Fotografie verewigten. Wie im Buch und in der Ausstellung erkennbar ist, wurde der Beruf immer verzweigter: Optiker, Laboranten, Papier- und Kamerahersteller, Grafiker, Retuscheurinnen oder Lithografen, Kulissenbauer und Kolporteurinnen hatten je ihren eigenen Anteil. Ein Fotogeschäft präsentierte sich selbst am besten, wenn die Bilder gelungen waren und dem Geschmack des Auftraggebers entsprachen. Ein gutes Bild war also eine unmittelbare Werbung. Doch auf Rückseiten historischer Fotoporträts wurden auch Anleihen an die barocke Emblematik und Allegorie gemacht, womit die Ausstellung sehr überrascht.

Wandel des Berufsbildes

Diesem historischen Bildmaterial werden auch neuere Formen des fotografischen Berufsbildes gegenübergestellt, so eine Kaskade von Fotoauftragstaschen, die den Bild- und Strukturwandel in der Fotoindustrie des 20. Jahrhunderts erhellend darstellen. Heute gibt es das Fotofachgeschäft kaum mehr; jeder ist sein eigener Bildhersteller und -verteiler. Selbst die Ausbildung zum Fotografen gehört bald der Vergangenheit an. Ab und zu sind aber doch noch Fotografen auf Fotografien abgebildet. Kennen Sie solche Bilder? Die Ausstellung gibt eine Antwort…

La Société d'utilité publique de Diessenhofen entame sa nouvelle saison culturelle dimanche prochain. Le programme annuel s'intitule "Welten sammmmmmeln". Le coup d'envoi sera donné avec l'exposition d'une exquise collection privée. Werner et Trudi Bosshard font partie des grands collectionneurs suisses de photographies. Les connaisseurs et les musées apprécient particulièrement leur collection de photographies suisses anciennes, mais aussi une collection de daguerréotypes piquants.

Une partie encore inexplorée de l'histoire de la photographie

Ici, à Diessenhofen, c'est un focus inconnu, même pour l'historiographie de la photographie, qui est présenté. La publication "Fotografierte Fotografen - ein Beruf setzt sich ins Bild", éditée au printemps par Fritz Franz Vogel, en est l'occasion. L'accent est mis sur une sorte de photographie selfie, bien avant que ce terme ne fasse de la longueur du bras un critère de représentation. Les Bosshard ont rassemblé, pour ainsi dire par hasard, un ensemble de photos prises lors de ventes aux enchères, surtout en France et en Amérique, qui donne un bon aperçu de la profession de l'époque pour ce nouveau média disruptif en termes de pratique de la représentation. A partir de 1850, de plus en plus de studios de photographie se sont établis, ce qui a obligé la profession à se définir dans sa diversité et sa compétence professionnelle. Dans un certain sens, il était logique que les spécialistes du visuel se perpétuent dans leur propre branche de la photographie. Comme on peut le voir dans le livre et dans l'exposition, la profession s'est de plus en plus ramifiée : opticiens, laborantins, fabricants de papier et d'appareils photo, graphistes, retoucheurs ou lithographes, constructeurs de décors et colporteurs avaient chacun leur part. Un magasin de photographie se présentait le mieux lorsque les visuels étaient réussis et correspondaient au goût du client. Un bon visuel était donc une publicité immédiate. Mais au dos des portraits photographiques historiques, on faisait aussi des emprunts à l'emblématique et à l'allégorie baroques, ce qui rend l'exposition très surprenante.

L'évolution de l'image de la profession

Ce matériel visuel historique est également confronté à des formes plus récentes du métier de photographe, comme une cascade de sacs de commande de photos, qui illustrent de manière éclairante le changement visuel et structurel de l'industrie photographique au 20e siècle. Aujourd'hui, le magasin de photographie n'existe presque plus ; chacun est son propre fabricant et distributeur d'images. Même la formation de photographe appartient bientôt au passé. Mais de temps en temps, des photographes apparaissent encore sur des photos. Connaissez-vous de tels visuels ? L'exposition donne une réponse...

La Società non profit di Diessenhofen inizia la sua nuova stagione culturale domenica prossima. "Collezionare mondi" è il titolo del programma annuale. Si inizia con l'esposizione di una squisita collezione privata. Werner e Trudi Bosshard sono tra i grandi collezionisti svizzeri di fotografie. Soprattutto, le loro collezioni di fotografia svizzera degli inizi, ma anche una collezione di dagherrotipi piccanti, sono apprezzate da intenditori e musei.

Un pezzo di storia della fotografia finora inesplorato

Qui a Diessenhofen è in mostra un'attenzione sconosciuta persino agli storici della fotografia. L'occasione è la pubblicazione "Fotografierte Fotografen - ein Beruf setzt sich ins Bild" ("Fotografi fotografati - una professione si mette nell'immagine"), pubblicata in primavera da Fritz Franz Vogel. L'attenzione si concentra su una sorta di fotografia selfie, molto prima che questo termine facesse della lunghezza di un braccio lo standard di rappresentazione. I Bosshard raccolsero una collezione alle aste, principalmente in Francia e in America, che offre una buona visione dell'immagine professionale di questo nuovo e dirompente mezzo di comunicazione all'epoca. A partire dal 1850, si affermò un numero sempre maggiore di studi fotografici, il che significava che la professione doveva definirsi in termini di diversità e competenza. In un certo senso, era logico che gli specialisti del visivo si perpetuassero nel proprio ramo della fotografia. Come si può vedere nel libro e nella mostra, la professione divenne sempre più ramificata: ottici, tecnici di laboratorio, produttori di carta e macchine fotografiche, grafici, ritoccatori o litografi, costruttori di scenografie e colporteurs avevano ciascuno la propria parte. Un'attività di fotografia si presenta al meglio quando le immagini hanno successo e corrispondono ai gusti del cliente. Una buona foto era quindi una pubblicità immediata. Ma i dorsi dei ritratti fotografici storici sono stati presi in prestito anche dall'emblematica e dall'allegoria barocca, il che rende la mostra molto sorprendente.

Cambiare l'immagine professionale

Questo materiale pittorico storico è anche accostato a forme più recenti della professione fotografica, come una cascata di borse per commissioni fotografiche, che ritraggono in modo illuminante l'immagine e i cambiamenti strutturali dell'industria fotografica del XX secolo. Oggi il negozio di fotografia non esiste quasi più; ognuno è produttore e distributore di immagini in proprio. Anche la formazione come fotografo sarà presto un ricordo del passato. Di tanto in tanto, tuttavia, i fotografi vengono ancora ritratti nelle fotografie. Conoscete immagini di questo tipo? La mostra dà una risposta...

The Diessenhofen Nonprofit Society starts its new cultural season next Sunday. "Welten sammmmmmeln" is the title of the annual program. It starts with the exhibition of an exquisite private collection. Werner and Trudi Bosshard are among the great Swiss photographica collectors. Above all, their holdings of early Swiss photography, but also a collection of spicy daguerreotypes, are appreciated by connoisseurs and museums.

A hitherto unexplored piece of photographic history

Here in Diessenhofen, a focus unknown even to photographic historians is on display. The occasion is the publication "Fotografierte Fotografen - ein Beruf setzt sich ins Bild" ("Photographed photographers - a profession puts itself in the picture"), published in spring by Fritz Franz Vogel. The focus is on a kind of selfie photography, long before this term made an arm's length the standard of depiction. The Bosshards have, so to speak, as by-catch at auctions, especially in France and America, collected a convolute that gives a good insight into the then professional image of this new, disruptive medium in terms of imaging practice. From 1850 onwards, more and more photographic studios became established, which meant that the profession had to define itself in terms of its diversity and expertise. In a sense, it was logical that specialists in the visual would perpetuate themselves in their own branch of photography. As can be seen in the book and in the exhibition, the profession became more and more branched out: opticians, laboratory technicians, paper and camera manufacturers, graphic artists, retouchers or lithographers, set builders and colporteurs each had their own share. A photographic business presented itself best when the pictures were successful and corresponded to the taste of the client. A good picture was therefore an immediate advertisement. But on the backs of historical photographic portraits there were also borrowings from baroque emblematics and allegory, with which the exhibition is very surprising.

Change of the professional image

This historical imagery is also juxtaposed with more recent forms of the photographic profession, such as a cascade of photo commission bags, which illuminatingly depict the image and structural changes in the photo industry of the 20th century. Today, the photo store hardly exists; everyone is their own image maker and distributor. Even training as a photographer will soon be a thing of the past. Every now and then, however, photographers are still depicted in photographs. Do you know such pictures? The exhibition gives an answer...

(Text: Tigerfinklifabrik, Diessenhofen)

Museum im Lagerhaus | St. Gallen
1. September - 26. Februar 2023

Human
Lene Marie Fossen

Die Ausstellung Lene Marie Fossen – Human zeigt erstmals die dringlichen Selbstporträts der norwegischen Fotografin Lene Marie Fossen (1986–2019) ausserhalb ihres Landes.

Obwohl hoch aktuell, ist das Thema Anorexie ein Tabu. Lene Marie Fossen lehnt den linearen Verlauf der Zeit ab, der sie in die Pubertät zwingt, und hört im Alter von zehn Jahren auf zu essen. Für den Rest ihres Lebens kämpft sie mit der Magersucht. Autodidaktisch findet sie zur Fotografie als ein Medium, mit dem sie die Zeit einzufrieren sucht. In einem leer stehenden Krankenhaus auf der griechischen Insel Chios entsteht ihre zutiefst bewegende Serie von Selbstporträts. Lene Marie Fossen entscheidet sich, offen mit ihrer Krankheit umzugehen und ihre Arbeiten öffentlich zu zeigen. Und sie fordert, als Fotografin gesehen zu werden: «Ich bin in erster Linie Künstlerin und dann bin ich krank. In meiner Arbeit geht es nicht um Essstörungen. Es geht um menschliches Leid.» Auf Chios porträtiert sie ebenso die 2015 gestrandeten Flüchtlingskinder wie auch alte Menschen. Im Zentrum steht immer die Frage des Mensch-Seins.

Kuratiert von Ellen K. Willas, WILLAS contemporary, Oslo/Stockholm.

Begleitet vom preisgekrönten Dokumentarfilm Self Portrait (dt: Lene Marie oder Das wahre Gesicht der Anorexie), Regie: Margreth Olin, Katja Høgset, Espen Wallin (2019, Speranza Film). Musik: Susanne Sundför.

L'exposition Lene Marie Fossen - Human présente pour la première fois les autoportraits urgents de la photographe norvégienne Lene Marie Fossen (1986-2019) en dehors de son pays.

Bien que très actuel, le sujet de l'anorexie est tabou. Lene Marie Fossen rejette le cours linéaire du temps qui la contraint à la puberté et cesse de manger à l'âge de dix ans. Pour le reste de sa vie, elle lutte contre l'anorexie. En autodidacte, elle découvre la photographie comme un moyen de figer le temps. C'est dans un hôpital désaffecté de l'île grecque de Chios qu'elle réalise sa série d'autoportraits profondément émouvante. Lene Marie Fossen décide d'aborder ouvertement sa maladie et de montrer ses travaux au public. Et elle exige d'être vue en tant que photographe : "Je suis avant tout une artiste et ensuite je suis malade. Dans mon travail, il ne s'agit pas de troubles alimentaires. Il s'agit de la souffrance humaine". Sur Chios, elle fait autant le portrait des enfants réfugiés échoués en 2015 que des personnes âgées. La question de la condition humaine est toujours au centre de ses préoccupations.

Commissariat d'Ellen K. Willas, WILLAS contemporary, Oslo/Stockholm.

Accompagné du documentaire primé Self Portrait (fr : Lene Marie ou le vrai visage de l'anorexie), réalisé par Margreth Olin, Katja Høgset, Espen Wallin (2019, Speranza Film). Musique : Susanne Sundför.

La mostra Lene Marie Fossen - Human presenta per la prima volta al di fuori del suo Paese gli urgenti autoritratti della fotografa norvegese Lene Marie Fossen (1986-2019).

Sebbene sia di grande attualità, il tema dell'anoressia è un tabù. Lene Marie Fossen rifiuta la progressione lineare del tempo che la costringe alla pubertà e smette di mangiare all'età di dieci anni. Per il resto della sua vita lotta contro l'anoressia. Autodidatta, trova nella fotografia un mezzo con cui cerca di congelare il tempo. In un ospedale vuoto sull'isola greca di Chios, crea la sua serie di autoritratti profondamente toccanti. Lene Marie Fossen decide di affrontare apertamente la sua malattia e di mostrare pubblicamente il suo lavoro. E chiede di essere vista come una fotografa: "Sono prima di tutto un'artista e poi sono malata. Il mio lavoro non riguarda i disturbi alimentari. Si tratta di sofferenza umana". A Chios, ritrae bambini rifugiati bloccati nel 2015 e persone anziane. La questione dell'essere umano è sempre al centro.

A cura di Ellen K. Willas, WILLAS contemporary, Oslo/Stoccolma.

Accompagnato dal pluripremiato documentario Self Portrait (Eng: Lene Marie oder Das wahre Gesicht der Anorexie), diretto da Margreth Olin, Katja Høgset, Espen Wallin (2019, Speranza Film). Musica: Susanne Sundför.

The exhibition Lene Marie Fossen - Human shows for the first time the urgent self-portraits of Norwegian photographer Lene Marie Fossen (1986-2019) outside her country.

Although highly topical, the subject of anorexia is taboo. Rejecting the linear progression of time that forces her into puberty, Lene Marie Fossen stops eating at the age of ten. For the rest of her life, she struggles with anorexia. Self-taught, she finds photography as a medium with which she seeks to freeze time. In an empty hospital on the Greek island of Chios, she creates her deeply moving series of self-portraits. Lene Marie Fossen decides to deal openly with her illness and to show her work publicly. And she demands to be seen as a photographer: "I am first and foremost an artist, and then I am sick. My work is not about eating disorders. It's about human suffering." On Chios, she portrays refugee children stranded in 2015 as well as old people. At the center is always the question of being human.

Curated by Ellen K. Willas, WILLAS contemporary, Oslo/Stockholm.

Accompanied by the award-winning documentary Self Portrait (Eng: Lene Marie oder Das wahre Gesicht der Anorexie), directed by Margreth Olin, Katja Høgset, Espen Wallin (2019, Speranza Film). Music: Susanne Sundför.

(Text: Museum im Lagerhaus, St. Gallen)

Kunstmuseum St. Gallen
26. März - 9. Oktober 2022

Che bella voce
Manon de Boer

Manon de Boer (* 1966 Kodaikanal) arbeitet hauptsächlich im Medium Film. Die Wahrnehmung der Zeit und die Inspiration für Schaffensprozesse stehen genauso im Zentrum ihrer Arbeit wie die Produktions- und Rezeptionsbedingungen des Films. Tänzerinnen und Tänzer, Musikerinnen und Musiker und Intellektuelle sind mit ihrer physischen oder sonoren Präsenz die Protagonistinnen und Protagonisten in den Werken von de Boer. Mit Intro- und Extrospektion geht sie dem Rhythmus eines Menschen in Beziehung zu sich selbst, dem anderen, einem Raum, einer Stadt oder einer Landschaft nach.

Bei diesen porträtähnlichen Filmen spielt de Boer mit den für uns gewohnten Hierarchien der Sinneswahrnehmung. Die gesamte kulturelle Produktion sowie die Art und Weise menschlicher Interaktion ist durch die Gewichtung der Sinne beeinflusst. Wir konsumieren Streamingdienste für Musik und Filme, sind vertraut mit Radio, Podcasts sowie Video-, Text- und Sprachnachrichten. Aber sind wir uns auch der verschiedenen Bedeutungsebenen der jeweiligen Medien bewusst? Und welchen natürlich erzeugten Phänomenen schenken wir noch Beachtung? Wer sind wir, wenn wir ohne Gerätezugang auf uns selbst zurückgeworfen sind? Welche Gedanken und Ideen entwickeln sich daraus?

De Boer legt in ihrem Werk nahe, dass die Bild- und Tonebene sowie das Medium selbst auch als eigenständige Erzählungen betrachtet werden können. Zudem verleiht de Boer der Stimme einen besonderen Status – nicht nur als Mittel zur Kommunikation, sondern auch als politischer oder ästhetischer Bedeutungsträger.

Die Ausstellung im Kunstmuseum St.Gallen gibt einen Überblick über die Arbeit de Boers und bietet als erste Präsentation der Künstlerin in der Schweiz vielfältige Hör- und Seherlebnisse.

Manon de Boer (*1966 Kodaikanal, Indien) lebt und arbeitet in Brüssel, wo sie derzeit an der ERG École de recherche graphique unterrichtet. Ihre Arbeiten wurden regelmässig auf Biennalen wie der Biennale di Venezia 2007, der Berlin Biennale 2008, der São Paulo Biennale 2010 und der Documenta 2012 in Kassel gezeigt. In den letzten Jahren wurde ihr Schaffen mit institutionellen Einzelausstellungen gewürdigt, u.a. 2016 in der Secession in Wien, 2019 im KANAL – Centre Pompidou in Brüssel und 2020 im Museu Calouste Gulbenkian in Lissabon.

Kurator: Fabian Flückiger

Manon de Boer (née en 1966 à Kodaikanal) travaille principalement dans le médium cinématographique. La perception du temps et l'inspiration des processus de création sont au cœur de son travail, tout comme les conditions de production et de réception du film. Danseurs, musiciens et intellectuels sont, par leur présence physique ou sonore, les protagonistes des œuvres de de Boer. Avec introspection et extrospection, elle s'intéresse au rythme d'une personne en relation avec elle-même, l'autre, un espace, une ville ou un paysage.

Dans ces films qui s'apparentent à des portraits, de Boer joue avec les hiérarchies de la perception sensorielle auxquelles nous sommes habitués. L'ensemble de la production culturelle ainsi que le mode d'interaction humaine sont influencés par la pondération des sens. Nous consommons des services de streaming pour la musique et les films, nous sommes familiers avec la radio, les podcasts et les messages vidéo, textuels et vocaux. Mais sommes-nous conscients des différents niveaux de signification de chaque média ? Et à quels phénomènes naturels prêtons-nous encore attention ? Qui sommes-nous lorsque nous sommes renvoyés à nous-mêmes sans accès aux appareils ? Quelles pensées et idées en découlent ?

Dans son œuvre, De Boer suggère que les niveaux de l'image et du son ainsi que le média lui-même peuvent également être considérés comme des récits indépendants. En outre, de Boer confère à la voix un statut particulier - non seulement comme moyen de communication, mais aussi comme porteur de sens politique ou esthétique.

L'exposition du Kunstmuseum de Saint-Gall donne un aperçu du travail de de Boer et offre, en tant que première présentation de l'artiste en Suisse, de multiples expériences auditives et visuelles.

Manon de Boer (*1966 Kodaikanal, Inde) vit et travaille à Bruxelles, où elle enseigne actuellement à l'ERG École de recherche graphique. Son travail a été régulièrement présenté lors de biennales telles que la Biennale de Venise 2007, la Biennale de Berlin 2008, la Biennale de São Paulo 2010 et la Documenta 2012 à Kassel. Ces dernières années, son travail a été honoré par des expositions individuelles institutionnelles, notamment à la Sécession à Vienne en 2016, au KANAL - Centre Pompidou à Bruxelles en 2019 et au Museu Calouste Gulbenkian à Lisbonne en 2020.

Curateur : Fabian Flückiger

Manon de Boer (* 1966 Kodaikanal) lavora principalmente nel mezzo del film. La percezione del tempo e l'ispirazione dei processi creativi sono al centro del suo lavoro tanto quanto le condizioni di produzione e ricezione del film. Ballerini, musicisti e intellettuali, con la loro presenza fisica o sonora, sono i protagonisti delle opere di de Boer. Con l'intro e l'estro, traccia il ritmo di una persona in relazione con se stessa, l'altro, uno spazio, una città o un paesaggio.

In questi film, simili a ritratti, de Boer gioca con le gerarchie della percezione sensoriale a cui siamo abituati. L'intera produzione culturale, così come il modo di interazione umana, è influenzata dalla ponderazione dei sensi. Consumiamo servizi di streaming per musica e film, abbiamo familiarità con radio, podcast e video, messaggi di testo e vocali. Ma siamo anche consapevoli dei diversi livelli di significato dei rispettivi media? E a quali fenomeni generati naturalmente prestiamo ancora attenzione? Chi siamo noi quando siamo ripiegati su noi stessi senza accesso ai dispositivi? Quali pensieri e idee si sviluppano da questo?

Il lavoro di De Boer suggerisce che l'immagine e i livelli sonori, così come il mezzo stesso, possono anche essere considerati come narrazioni indipendenti. Inoltre, de Boer dà alla voce uno status speciale - non solo come mezzo di comunicazione, ma anche come portatore di significato politico o estetico.

La mostra al Kunstmuseum di San Gallo fornisce una panoramica del lavoro di de Boer e, come prima presentazione dell'artista in Svizzera, offre una varietà di esperienze di ascolto e visione.

Manon de Boer (*1966 Kodaikanal, India) vive e lavora a Bruxelles, dove attualmente insegna alla ERG École de recherche graphique. Il suo lavoro è stato regolarmente esposto in biennali come la Biennale di Venezia 2007, la Biennale di Berlino 2008, la Biennale di San Paolo 2010 e Documenta 2012 a Kassel. Negli ultimi anni, il suo lavoro è stato riconosciuto con mostre personali istituzionali, tra cui alla Secession di Vienna nel 2016, KANAL - Centre Pompidou di Bruxelles nel 2019 e Museu Calouste Gulbenkian di Lisbona nel 2020.

Curatore: Fabian Flückiger

Manon de Boer (*1966, Kodaikanal) works mainly in the medium of film. The perception of time and the inspiration for creative processes are central to her work, as are the conditions of the production and reception of film. People appear in de Boer’s works through their physical or sonic presence. Their gaze is directed inward, in relation to themselves. Or it is connected to others, a space, a city, or a landscape.

In these portrait-like films, de Boer plays with our accustomed hierarchies of sensory perception. The entirety of cultural production as well as the way we interact with each other are influenced by the weighting of the senses. We consume streaming services for music and films, and are familiar with radio, podcasts, as well as video, text, and voice messages. But are we also aware of the different levels of meaning of the respective media? And what natural phenomena do we pay attention to? Who are we when we must rely on ourselves, without access to electronic devices? What thoughts and ideas develop out of this?

In her work, de Boer suggests that the visual and sonic levels as well as the medium itself can also be viewed as independent narratives. In addition, she gives the voice a special status—not only as a means of communication, but also as a political or aesthetic bearer of meaning.

The exhibition at the Kunstmuseum St. Gallen gives an overview of de Boer’s work and, as the artist’s first presentation in Switzerland, offers a variety of listening and viewing experiences.

Manon de Boer (*1966, Kodaikanal, India) lives and works in Brussels, where she currently teaches at the École de recherche graphique. Her works have regularly been shown at biennials, such as the Venice Biennale in 2007, the Berlin Biennale in 2008, the Bienal de São Paulo in 2010, and Documenta 2012 in Kassel. In recent years her work has been recognized with solo exhibitions at institutions including the Secession in Vienna in 2016, KANAL – Centre Pompidou in Brussels in 2019, and the Calouste Gulbenkian Museum in Lisbon in 2020.

Curator: Fabian Flückiger

(Text: Kunstmuseum St. Gallen)

Appenzeller Volkskunde-Museum | Stein
12. Dezember 2021 - 30. April 2022

Appenzell in Afghanistan. Unterwegs mit dem Fotografen Herbert Maeder 1967–1970

1967 reiste der Ausserrhoder Fotojournalist, leidenschaftliche Bergsteiger und spätere Nationalrat Herbert Maeder (1930–2017) nach Afghanistan. Deutsche Professoren, die an der Universität von Kabul als Gastdozenten tätig waren, hatten ihn eingeladen. Maeder sollte mit ihnen Gipfel am Hindukusch besteigen.

Afghanistan, damals ein Königreich, liess den Fotografen nicht mehr los. Er bereiste den Vielvölkerstaat 1968 und 1969/70 ein zweites und drittes Mal. Maeder fotografierte in Afghanistan sein Appenzellerland. Er zeigt uns ein faszinierendes Land zwischen Vergangenheit und Zukunft: Berge, karge, ockerfarbene Landschaften, Menschen unterwegs mit ihren Tieren, Karawanen, traditionelles Handwerk, archaisches Brauchtum und die Esskultur, aber auch das urbane Kabul der 60er-Jahre mit modernen Infrastrukturbauten, westlich gekleideten Städterinnen und Städtern, Industrie und Forschungslaboren.

Die Ausstellung lädt ein, anhand von Herbert Maeders eindrücklichen Bildern ein anderes Afghanistan kennen zu lernen: das Afghanistan vor den verheerenden Kriegen. Und sich dabei auch zu fragen, welche Heimat fotografiere ich selber eigentlich, wenn ich unterwegs bin. Ein reichhaltiges Begleitprogramm vertieft ungeahnt vielfältige Bezüge zwischen Afghanistan und dem Appenzellerland.

En 1967, le photojournaliste des Rhodes-Extérieures, alpiniste passionné et futur conseiller national Herbert Maeder (1930-2017) s'est rendu en Afghanistan. Des professeurs allemands, invités à l'université de Kaboul, l'avaient invité. Maeder devait gravir avec eux des sommets de l'Hindu Kush.

L'Afghanistan, qui était alors un royaume, n'a plus lâché le photographe. Il s'est rendu dans cet État multiethnique en 1968, puis une deuxième et une troisième fois en 1969/70. En Afghanistan, Maeder a photographié son pays d'Appenzell. Il nous montre un pays fascinant, entre passé et avenir : des montagnes, des paysages arides et ocres, des gens en route avec leurs animaux, des caravanes, l'artisanat traditionnel, les coutumes archaïques et la culture alimentaire, mais aussi le Kaboul urbain des années 60 avec ses constructions d'infrastructures modernes, ses citadins habillés à l'occidentale, son industrie et ses laboratoires de recherche.

L'exposition invite à découvrir un autre Afghanistan à travers les images impressionnantes de Herbert Maeder : l'Afghanistan d'avant les guerres dévastatrices. Et de se demander quelle patrie je photographie moi-même lorsque je suis en voyage. Un riche programme d'accompagnement permet d'approfondir les liens insoupçonnés entre l'Afghanistan et l'Appenzell.

Nel 1967, il fotoreporter di Ausserrhoden, appassionato alpinista e poi consigliere nazionale Herbert Maeder (1930-2017) si recò in Afghanistan. Dei professori tedeschi ospiti all'Università di Kabul lo avevano invitato. Maeder doveva scalare con loro le cime dell'Hindu Kush.

L'Afghanistan, allora un regno, non ha mai lasciato la mente del fotografo. Si recò nello stato multietnico una seconda e una terza volta nel 1968 e nel 1969/70. Maeder ha fotografato il suo Appenzellerland in Afghanistan. Ci mostra un paese affascinante tra il passato e il futuro: montagne, paesaggi brulli d'ocra, gente sulla strada con i loro animali, carovane, artigianato tradizionale, costumi arcaici e cultura alimentare, ma anche la Kabul urbana degli anni 60 con edifici di infrastrutture moderne, abitanti della città vestiti all'occidentale, industrie e laboratori di ricerca.

La mostra ci invita a conoscere un Afghanistan diverso attraverso le impressionanti immagini di Herbert Maeder: l'Afghanistan prima delle guerre devastanti. E chiedersi quale patria mi fotografi effettivamente quando sono in viaggio. Un ricco programma di accompagnamento approfondirà i legami inaspettatamente diversi tra l'Afghanistan e l'Appenzello.

In 1967, the Ausserrhoden photojournalist, passionate mountaineer and later National Councilor Herbert Maeder (1930-2017) traveled to Afghanistan. German professors who were guest lecturers at the University of Kabul had invited him. Maeder was to climb peaks in the Hindu Kush with them.

Afghanistan, then a kingdom, never let go of the photographer. He traveled to the multi-ethnic state a second and third time in 1968 and 1969/70. Maeder photographed his Appenzellerland in Afghanistan. He shows us a fascinating country between past and future: mountains, barren, ocher landscapes, people on the road with their animals, caravans, traditional crafts, archaic customs and food culture, but also the urban Kabul of the 1960s with modern infrastructure buildings, Western-dressed city dwellers, industry and research laboratories.

The exhibition invites us to get to know another Afghanistan through Herbert Maeder's impressive images: the Afghanistan before the devastating wars. And to ask oneself, which homeland do I actually photograph myself when I am on the road. A rich accompanying program will deepen the unexpectedly diverse connections between Afghanistan and Appenzellerland.

(Text: Appenzeller Volkskunde-Museum, Stein)

Kunsthalle Vebikus | Schaffhausen
22. Oktober - 5. Dezember 2021

If smoke could be water
Katrin Freisager

Katrin Freisager zeigt ihre neuen Arbeiten: If Smoke Could Be Water, 2021 ist Teil einer umfangreichen Werkgruppe.

Im Gegensatz zum visuellen Eindruck handelt es sich jedoch nicht um Landschaftsaufnahmen, sondern um Fotografien, die laborartig im Atelier entstehen. Das grosse Augen-Kino von Katrin Freisager gleicht einem landschaftlichen Homunkulus, einem apokalyptischen Flaschengeist, einer alchemistischen Verzauberung, deren magischer Sogwirkung wir uns nicht entziehen können.

Katrin Freisager présente ses nouvelles œuvres : If Smoke Could Be Water, 2021, fait partie d'un vaste ensemble d'œuvres.

Toutefois, contrairement à l'impression visuelle, il ne s'agit pas de clichés de paysages, mais de photographies créées en laboratoire dans le studio. Le cinéma à grand spectacle de Katrin Freisager ressemble à un homoncule paysager, un génie apocalyptique, un enchantement alchimique dont nous ne pouvons échapper à l'attraction magique.

Katrin Freisager mostra le sue nuove opere: If Smoke Could Be Water, 2021 fa parte di un ampio gruppo di opere.

In contrasto con l'impressione visiva, però, non si tratta di scatti di paesaggio, ma di fotografie create in laboratorio nello studio. Il cinema del grande occhio di Katrin Freisager assomiglia a un omuncolo del paesaggio, un genio apocalittico, un incantesimo alchemico al quale non possiamo sfuggire.

Katrin Freisager shows her new works: If Smoke Could Be Water, 2021 is part of an extensive group of works.

In contrast to the visual impression, however, these are not landscape photographs, but photographs that are created laboratory-like in the studio. Katrin Freisager's large eye cinema resembles a landscape homunculus, an apocalyptic genie, an alchemical enchantment whose magical pull we cannot escape.

IG Halle | Rapperswil
30. Mai - 8. August 2021

Voyage - Voyeur
Annatina Graf, Sonja Lackner, MARCK, Janet Mueller, Clio Newton, Helena Wyss-Scheffler

Voyage – Voyeur unternimmt mit sechs Kunstschaffenden eine Reise in die Sinnlichkeit. Wie der Titel andeutet, bewegt sich die Ausstellung zwischen voyeuristischer Sensation und unbeobachtetem Eintauchen in vielschichtige Empfindungen. Dieses Spannungsfeld lässt über die Frage reflektieren, was Sinnlichkeit bedeutet.

Als Gegenpol zu einem überwiegend vom Verstand geprägten Leben versteht Sonja Lackner ihre persönliche Reise zu einem erweiterten Körperbewusstsein. Auf diesem Weg manifestieren sich Träume und Illusionen ebenso wie kulturell geprägte Vorstellungen, die die Emotionalität als ein unbekanntes, ja verbotenes Gebiet einstufen. Mit ihren Federinstallationen in flauschigem Rosa bedient sie sich eines geläufigen erotischen Vokabulars. Die in Kufstein aufgewachsene und seit 2012 in der Schweiz lebende Sonja Lackner geht für ihre vorliegenden Arbeiten vom eigenen Körper aus. Die Haut als Vermittlerin zwischen Aussen und Innen provoziert in der Vergrösserung eine zwiespältige Reaktion. Hingegen sprechen ihre Videos mit Titeln wie Abundance, Flow of Life oder Lightness von einer genussvollen Leichtigkeit.

Selbstbewusst und direkt ist der Blick der Frauen in Clio Newtons Bildern. Die Porträts sind fotorealistisch präzise Kohlezeichnungen, ohne fotografische Vorlage auf riesigen Formaten realisiert. Die jungen Frauen scheinen ihren Platz in der Gesellschaft zu suchen, ohne überlieferte Erwartungen erfüllen zu müssen. Die monumentale Darstellung kontrastiert mit der feinfühlig erfassten Persönlichkeit. Diese wirkt präsent und dennoch verborgen.

Als einziger Mann in der Ausstellung hat der Videokünstler MARCK nackte Menschen und insbesondere nackte Frauen schon immer zum Sujet seiner Arbeit gemacht. Oft stellt das Bildschirmformat einen Raum dar, der für die gefilmte Person zu eng ist: Eine Frau schwimmt in einem Pool, der kürzer ist als sie selbst; Eine Kiste, die sich dreht und dadurch die hinter der halbtransparenten Glasscheibe kauernde eingeschlossene Frau zwingt, der Bewegung zu folgen. Neben der offensichtlich voyeuristischen Komponente spiegeln die Werke gesellschaftliche Prozesse – und vielleicht auch den Wunsch des Künstlers selbst, auszubrechen.

Eine andere Art von Ausbruch wirkt in Janet Muellers Zeichnungen: Sie streifen den urteilenden Blick von aussen ab und begeben sich auf die Suche nach einer persönlichen Weiblichkeit. Unter dem Titel Körperlandschaften legt Janet Mueller minimalistische Spuren in die Intimität von Frauen. Ihre Zeichnungen in Tusche und Graphitstift umreissen Körperhaltungen und Gesten, deuten Emotionen an und verweisen auf die exponierte Position von Frauen in der Gesellschaft. Im fragil Poetischen liegt die Kraft Ihrer Arbeiten.

Von einer selbstverständlichen Sinnlichkeit ist die Malerei Annatina Grafs. Unscharf, fragmentarisch und stellenweise vom Licht aufgelöst erscheinen die alltäglichen Szenen auf ihren Bildern. Somit schafft die in Solothurn lebende Bündnerin auf der Bildoberfläche einen Eindruck davon, wie unsere Wahrnehmung funktioniert: Vielschichtig, selektiv und durch den Filter der Erinnerung. Auf Fotografien aus dem privaten Umfeld basierend, zeigen ihre Werke Momente aus dem Familienleben, Intimität, Geborgenheit. Die Kostbarkeit und Vergänglichkeit des sinnlichen Lebens kommt dabei in einer speziellen Farbpalette zum Ausdruck. Die Bilder der neuen Serie Nightlife sind in Hell-Dunkel gehalten, jedoch in ein warmes Ocker getaucht, das den Szenen eine emotionale Qualität verleiht.

Während manche Werke Haut zeigen, tragen andere ganz ohne die menschliche Figur zum Ausstellungsthema bei. Helena Wyss-Scheffler löst mit ihrer Malerei ein Gefühl von Intimität aus, indem sie Innenräume darstellt. Sie lässt Details wie Möbel, Fenster oder Kleidungsstücke gegenständlich hervortreten und nutzt auch architektonische Elemente, um ein Raumgefühl zu schaffen. Gleichzeitig löst sie diese Orientierung mit verschwimmenden Stellen wieder auf. Wie eine Haut bilden die durchscheinenden, spiegelnden oder von Mustern bedeckten Flächen eine Transparenz zwischen Aussen und Innen, Privat und Öffentlich, zwischen Gegenwart und Erinnerung. Eine besondere Funktion kommt dabei den Textilien zu: Stoff als Hülle, Schmuck oder Schutz bringt unser Körperbewusstsein zum Ausdruck sowie unser persönlich und kulturell geprägtes Verständnis von Sinnlichkeit.

(Text: Judith Annaheim, Guido Baumgartner / IG Halle, Rapperwil)

museumbickel | Walenstadt
2. Mai - 13. Juni 2021

Das Klima streikt
Chrigu Barmettler, Felix Brunner, Leo Brunschwiler, Eva Gallizzi, Florence Iff, Doris Naef, Ruth Maria Obrist, Daniella Tuzzi, Gregor Vogel, Andreas Weber

Von Mikroplastik bis Gletscherschmelze: Kunstschaffende setzen sich mit Klima-Themen auseinander. Nach den Klimastreiks kehrt diese Ausstellung den Spiess um: Wenn die Menschen nicht mitmachen, streikt das Klima. In ihren Werken lassen die zehn Künstlerinnen und Künstler die Natur zu Wort kommen, verleihen den Verletzungen und Bedrohungen Ausdruck mit Installationen, Malerei, Zeichnungen und Fotocollagen.

Die Ausstellung hätte im Frühling 2020 stattfinden sollen, damals als Kooperation mit dem Kunstraum Egg. Die Verschiebung hat den Kunstschaffenden Zeit gegeben, weitere Arbeiten zu schaffen und die Auseinandersetzung mit dem Thema zu vertiefen.

Des microplastiques à la fonte des glaciers : les artistes s'attaquent aux problèmes climatiques. Après les coups du climat, cette exposition renverse la vapeur : Si les gens ne participent pas, le climat se met en grève. Dans leurs œuvres, les dix artistes laissent la nature s'exprimer, donnant la parole aux violations et aux menaces avec des installations, des peintures, des dessins et des collages de photos.

L'exposition aurait dû avoir lieu au printemps 2020, à l'époque dans le cadre d'une coopération avec le Kunstraum Egg. Ce report a donné aux artistes le temps de créer d'autres œuvres et d'approfondir leur engagement envers le thème.

Dalle microplastiche allo scioglimento dei ghiacciai: gli artisti affrontano le questioni climatiche. Dopo gli scioperi del clima, questa mostra ribalta la situazione: Se la gente non si unisce, il clima entra in sciopero. Nelle loro opere, i dieci artisti lasciano che la natura dica la sua, dando espressione alle violazioni e alle minacce con installazioni, dipinti, disegni e collage fotografici.

La mostra avrebbe dovuto avere luogo nella primavera del 2020, a quel tempo come una cooperazione con Kunstraum Egg. Il rinvio ha dato agli artisti il tempo di creare altre opere e di approfondire il loro impegno con il tema.

From microplastics to glacier melt: artists tackle climate issues. After the climate strikes, this exhibition turns the tables: If people don't join in, the climate goes on strike. In their works, the ten artists let nature have its say, giving expression to the violations and threats with installations, paintings, drawings and photo collages.

The exhibition should have taken place in spring 2020, at that time as a cooperation with Kunstraum Egg. The postponement has given the artists time to create further works and to deepen the examination of the theme.

(Text: Judith Annaheim)

Kunstmuseum Appenzell
25. April - 19. September 2021

Zaubern auf weissem Papier
Die Steidl-Buchkultur

„Ich sehe mich als Student und die Autor*innen und Fotograf*innen sind meine Professor*innen.“ 

Gerhard Steidl

Der Göttinger Verleger hat die Idee des Buchs als Multiple perfektioniert. Seit 50 Jahren besteht sein Verlag und hat neben dem Literatur-, Sachbuch- und Fotografieprogramm mehr als 500 Buchmultiples veröffentlicht, oft in nicht-limitierten Auflagen. Steidl stellte sich damit in die Tradition von Marcel Duchamp oder der Fluxus-Bewegung, die ihre Multiple auch als ästhetische Informationsträger verstanden, die vielen zugänglich sind. Gerhard Steidl hat diese Idee des demokratischen Kunstobjekts konsequent weiterentwickelt.

Seit der Verlagsgründung 1968 wurden Bücher als Multiples hergestellt, in Pappboxen und Schubern, Holzkisten und Koffern. Die Ausstellung zeigt bedeutende Buchmultiples aus fünf Dekaden, u.a. von Andy Warhol, Karl Lagerfeld und Davanita Singh. Jedes Objekt wird begleitet von ausführlichen Erläuterungen von Gerhard Steidl. Dieser gibt Auskunft über Buchherstellung, Gestaltung, Papier, Druck und Bindung. Die Besucher erwartet so eine visuelle, auf das buchmacherische Handwerk gerichtete Schulung und ein einmaliger Einblick in eine besondere, immer analoge Buchkultur.

(Text: Kunstmuseum Appenzell)

Kammgarn West | Schaffhausen
16. April - 15. Mai 2021

24. vfg Nachwuchsförderpreis

Massimiliano Rossetto (1. Preis)
Marwan Bassiouni (2. Preis)
Alexandra Pfammatter (3. Preis)

Laurence Kubski (Prix sep.t)

Thomas Aemmer, Michael Buholzer, Mindaugas Matulis, Cécile Monnier, Zosia Prominska, Pascale Weber

Der vfg Nachwuchsförderpreis für Fotografie wird seit 1996 jährlich von der vereinigung fotografischer gestalterInnen (vfg) ausgeschrieben und ist somit in seiner Konstanz einzigartig. Deswegen ist er ein anerkanntes Sprungbrett für junge Schweizer –oder in der Schweiz lebende – Fototalente.
Die diesjährige, fünfköpfige Jury konnte aus 140 Eingaben die zehn besten Arbeiten wählen und die drei Preisträger*innen, die heuer aus allen Landesteilen stammen, küren. Die Jurierung wurde wie jedes Jahr anonym durchgeführt, und die Freude ist besonders gross, weil Arbeiten von je fünf jungen Frauen und Männern aus sämtlichen Landesteilen der Schweiz sowie dem Ausland vertreten sind.
 
Die zehn Arbeiten repräsentieren die grosse Vielfalt der jungen Schweizer Fotografie: zu sehen sind an der aktuellen Ausstellung unter anderem poetische Arbeiten über Natur, Stadt und Heimat, streng komponierte Geschichten mit politischem Hintergrund, mit Humor inszenierte Still-Life Szenen und willkürlich aneinander gereihte Trash-Motive, die die Fotografie hinterfragen.

Galerie Luciano Fasciati | Chur
20. März - 17. April 2021

Davos Is a Verb - Planetary Upgrade
Jules Spinatsch

15 Jahre nach Temporary Discomfort Chapter I-V, 2001–2003 (Lars Müller Publishers) ergänzt Jules Spinatsch (*1964) seine bekannte Arbeit um ein weiteres Kapitel, da sich seither etwas essentielles verändert hat. Parallel zum World Economic Forums WEF ist in Davos seit der Finanzkrise 2009 eine neue Praxis entstanden: Im Januar wird die 3 km lange Hauptstrasse von Davos fast auf ganzer Länge temporär umgebaut. So hat sich eine Pop-Up-Industrie entwickelt, die kurzfristig eine ungeheure Nachfrage nach umnutzbaren Räumen, freien Flächen und bespielbaren Wänden und Unterkünften generiert. Für die Repräsentation von Firmen, Konzernen und Organisationen wird das Strassenbild und die existierende Infrastruktur hektisch zu Kommunikationsoberflächen verschiedenster Agenden umgestaltet – selbstredend, unter horrendem logistischen und finanziellen Aufwand.

In der Ausstellung Davos Is a Verb – Planetary Upgrade – bereits die siebte Einzelausstellung des Künstlers in der Galerie Luciano Fasciati - baut Jules Spinatsch im Stil einer Messe, aus dem Material des Buches Davos Is a Verb (Lars Müller Publishers), mit bedruckten Textilbahnen und thematischen, skulpturalen Sitzwürfeln eine vielseitige, fotografische Installationen auf.

In Davos geboren und aufgewachsen, konnte Jules Spinatsch zugleich als Insider und als Outsider agieren. Die Ausstellung und das Buch präsentieren das Resultat seiner Infiltration mit ironischer Distanz, während der britische Ökonom Tim Jackson von seinem Besuch in Davos erzählt und die hegemonialen Praktiken in Davos und der Welt in seinem Essay unsmoke your mind kommentiert.

Angesichts der Debatten um die Zukunft des World Economic Forums gewinnen Buch und Ausstellung zusätzlich an Relevanz und präsentierten ein Zeitdokument des WEF und der möglicherweise letzten Party dieser Art in Davos.

15 ans après Temporary Discomfort Chapitre I-V, 2001-2003 (Éditions Lars Müller), Jules Spinatsch (*1964) ajoute un autre chapitre à son œuvre bien connue, car quelque chose d'essentiel a changé depuis lors. Parallèlement au Forum économique mondial (WEF), une nouvelle pratique est apparue à Davos depuis la crise financière de 2009 : En janvier, presque toute la longueur de la rue principale de Davos, longue de 3 km, est temporairement reconstruite. De cette manière l'industrie pop-up s'est développée, ce qui a créé à court terme une énorme demande d'espaces convertibles, de zones libres et des espaces libres et des murs et logements jouables. Pour la représentation des entreprises, des sociétés et les organisations, le paysage de rue et l'infrastructure existante sont transformés en surfaces de communication des agendas - bien sûr, à un coût logistique et financier épouvantable effort.

Dans l'exposition Davos Is a Verb - Planetary Upgrade - déjà la septième exposition individuelle de l'artiste dans le Galerie Luciano Fasciati - Jules Spinatsch construit une mise à niveau planétaire de style équitable à partir du matériau du livre Davos Is a Verb (éditions Lars Müller), avec des panneaux textiles imprimés et des cubes de siège thématiques et sculpturaux, Jules Spinatsch construit un des installations photographiques.

Né et élevé à Davos, Jules Spinatsch a pu agir à la fois comme un initié et comme un outsider. Le et le livre présentent le résultat de son infiltration avec une distance ironique, tandis que l'exposition l'économiste britannique Tim Jackson raconte sa visite à Davos et examine les pratiques hégémoniques à Davos et dans le monde dans son essai sans sourire et le monde dans son essai vous désenfument l'esprit.

Dans la perspective des débats sur l'avenir du Forum économique mondial, le livre et l'exposition gagnent en pertinence et présentent une pertinence et présenter un document contemporain du WEF et peut-être le dernier parti de ce genre en Davos.

15 anni dopo Temporary Discomfort Capitolo I-V, 2001-2003 (Lars Müller Publishers), Jules Spinatsch (*1964) aggiunge un altro capitolo alla sua ben nota opera, poiché qualcosa di essenziale è cambiato da allora. Parallelamente al World Economic Forum WEF, una nuova pratica è emersa a Davos dopo la crisi finanziaria del 2009: In gennaio, quasi tutta la lunghezza dei 3 km della strada principale di Davos viene temporaneamente ricostruita. In questo modo Si è sviluppata l'industria dei pop-up, che a breve termine ha creato un'enorme domanda di spazi convertibili, aree libere e spazi liberi e muri e sistemazioni giocabili. Per la rappresentazione di aziende, società e organizzazioni, il paesaggio stradale e l'infrastruttura esistente vengono trasformati in superfici di comunicazione agende - naturalmente, con orrendi costi logistici e finanziari sforzo.

Nella mostra Davos Is a Verb - Planetary Upgrade - già la settima mostra personale dell'artista nella Galleria Luciano Fasciati - Jules Spinatsch costruisce un aggiornamento planetario in stile fiera dal materiale del libro Davos Is a Verb (Lars Müller Publishers), con pannelli tessili stampati e cubi di seduta scultorei a tema, Jules Spinatsch sta costruendo un installazioni fotografiche.

Nato e cresciuto a Davos, Jules Spinatsch ha potuto agire sia come insider che come outsider. Il la mostra e il libro presentano il risultato della sua infiltrazione con ironica distanza, mentre il l'economista britannico Tim Jackson racconta la sua visita a Davos ed esamina le pratiche egemoniche a Davos e nel mondo nel suo saggio unsmiling e il mondo nel suo saggio disincentiva la tua mente.

In vista dei dibattiti sul futuro del Forum Economico Mondiale, il libro e la mostra acquistano ulteriore rilevanza e presentano un'immagine contemporanea rilevanza e presentare un documento contemporaneo del WEF e forse l'ultima festa del suo genere in Davos.

15 years after Temporary Discomfort Chapter I-V, 2001-2003 (Lars Müller Publishers), Jules Spinatsch (*1964) adds another chapter to his well-known work, as something essential has changed since then. Parallel to the World Economic Forum WEF, a new practice has emerged in Davos since the financial crisis of 2009: In January, almost the entire length of Davos' 3 km main road is temporarily reconstructed. Thus has developed pop-up industry has developed, which in the short term has created a tremendous demand for convertible spaces, free free spaces and playable walls and accommodations. For the representation of companies, corporations and organizations, the streetscape and the existing infrastructure are being frantically transformed into communication surfaces agendas - of course, at horrendous logistical and financial expense effort.

In the exhibition Davos Is a Verb - Planetary Upgrade - already the seventh solo exhibition of the artist in the Luciano Fasciati Gallery - Jules Spinatsch builds a fair-style planetary upgrade from the material of the book Davos Is a Verb (Lars Müller Publishers), with printed textile panels and thematic, sculptural seat cubes, Jules Spinatsch builds a versatile, photographic installations.

Born and raised in Davos, Jules Spinatsch was able to act as both insider and outsider at the same time. The exhibition and the book present the result of his infiltration with ironic distance, while the British economist Tim Jackson recounts his visit to Davos and examines the hegemonic practices in Davos and the world and the world in his essay unsmoke your mind.

In light of the debates about the future of the World Economic Forum, the book and exhibition gain additional relevance and presented a contemporary document of the WEF and possibly the last party of its kind in Davos.

(Text: Galerie Luciano Fasciati , Chur)

Kammgarn West | Schaffhausen
12. März - 10. April 2021

Marokko

Andreas Kessler, Armin Sommer

Die Ausstellung «Marokko» ist eine visuelle Kulturvermittlung im Kontext der analogen Fotografie, mit dem Fokus auf die Lebenswelten der marokkanischen Arbeiterschicht. Vor dem Hintergrund zweier unterschiedlicher Zugänge, ermöglichen die beiden Schaffhauser Fotografen Andreas Kessler und Armin Sommer mit ihren Aufnahmen in Schwarzweiß und Farbe, ein jeweils unterschiedliches Gefühl für das Leben rund um den Atlas. Über die klassische Fotografie auf Film, deren Eigenheiten mit dem Alltag im nordwestlichsten Teil Afrikas in übertragenem Sinne verbunden sind, nimmt ihre Arbeit sowohl die Zeit als auch die Entwicklung als relative Komponenten auf und schließt den Bogen von Thema und Medium in anregender Weise.

L'exposition "Maroc" est une médiation culturelle visuelle dans le contexte de la photographie analogique, avec un accent sur le monde de la vie de la classe ouvrière marocaine. Sur fond de deux approches différentes, les deux photographes schaffhousois Andreas Kessler et Armin Sommer, avec leurs photos en noir et blanc et en couleur, donnent chacun un sentiment différent de la vie autour de l'atlas. Par le biais de la photographie classique sur pellicule, dont les particularités sont figurativement liées à la vie quotidienne dans la partie la plus septentrionale de l'Afrique, leur travail reprend le temps et le développement comme composantes relatives et ferme l'arc du sujet et du médium d'une manière stimulante.

La mostra "Marocco" è una mediazione culturale visiva nel contesto della fotografia analogica, con un focus sui mondi di vita della classe operaia marocchina. Sullo sfondo di due approcci diversi, i due fotografi di Sciaffusa Andreas Kessler e Armin Sommer, con le loro fotografie in bianco e nero e a colori, permettono ognuno una sensazione diversa della vita intorno all'atlante. Attraverso la fotografia classica su pellicola, le cui idiosincrasie sono figurativamente legate alla vita quotidiana nella parte più nord-occidentale dell'Africa, il loro lavoro riprende sia il tempo che lo sviluppo come componenti relative e chiude l'arco del soggetto e del mezzo in modo stimolante.

The exhibition "Morocco" is a visual cultural mediation in the context of analog photography, with a focus on the lifeworlds of the Moroccan working class. Against the background of two different approaches, the two Schaffhausen photographers Andreas Kessler and Armin Sommer with their photographs in black and white and color, each allow a different sense of life around the atlas. Through classical photography on film, whose peculiarities are figuratively connected to everyday life in the most northwestern part of Africa, their work takes up both time and development as relative components and closes the arc of subject and medium in a stimulating way.