Galerie 94 | Baden
23. November 2024

Daniel Blochwitz, Fotohistoriker im Gespräch mit Patrick Lambertz

Spielräume
Patrick Lambertz

SOLITÄRE
Lambertz inszeniert seine Motive häufig wie auf einer Bühne, in reduzierten, fast surrealen Landschaften. Ob im winterlichen Schnee oder herbstlichen Regen – Solitäre wie die „Chalets of Switzerland“, die Hochsitze aus „Die Architektur der Jagd“, die „Kapellen“ oder das berühmte „Hotel Belvédère“ tauchen immer wieder in Lambertz’ Arbeiten auf und prägen sich durch ihre minimalistische Darstellung ins Gedächtnis ein. Im Gegensatz zu Bernd und Hilla Becher, die durch ihre seriellen Schwarz-Weiss Fotografien von Wassertürmen und Fachwerkhäusern bekannt geworden sind, erlaubt sich Lambertz seinen Motiven allerdings eine persönliche Interpretation hinzuzufügen. Einerseits spielen Jahreszeit und Witterung in seinen Arbeiten eine wichtige Rolle, andererseits scheut er sich nicht, seine Fotografien nachträglich zu retuschieren und farblich zu bearbeiten, um die gewünschte Wirkung zu erzielen.

SEESTÜCKE
Lambertz’ neueste Arbeit „SEESTÜCKE“ erlebt in der Badener Ausstellung ihre Premiere und ist durch ein Zitat von Marcel Proust inspiriert: „Die wahre Entdeckungsreise liegt nicht darin, neue Landschaften zu suchen, sondern darin, mit neuen Augen zu sehen.“

Mit diesem Auftrag im Hinterkopf, das Ungewöhnliche im Naheliegenden zu entdecken, hat Lambertz dem Zürichsee eine magische Seite abgewonnen. „Seestück“ bezeichnet in der traditionellen Malerei die dramatisierte Darstellung eines wilden Meeres oder Szenen von Schiffen in gewaltigen Schlachten. Diesen heroischen, manchmal bedrohlichen Meeresporträts stellt Lambertz’ mit seinen Seestücken kontemplative, monochrome Seelandschaften gegenüber und ironisiert damit – nicht ganz unbeabsichtigt – diese historische Assoziation.

Die Ausstellung „SPIELRÄUME“ bietet eine ausgezeichnete Gelegenheit, die Fotografien von Patrick Lambertz aus verschiedenen Schaffensperioden an einem Ort zu entdecken.

SOLITAIRE
Lambertz met souvent en scène ses sujets comme sur une scène, dans des paysages réduits, presque surréalistes. Que ce soit dans la neige hivernale ou sous la pluie automnale, des solitaires comme les « Chalets of Switzerland », les miradors de « L'architecture de la chasse », les « Chapelles » ou le célèbre « Hôtel Belvédère » apparaissent régulièrement dans le travail de Lambertz et s'impriment dans la mémoire par leur représentation minimaliste. Contrairement à Bernd et Hilla Becher, connus pour leurs photographies en noir et blanc de châteaux d'eau et de maisons à colombages, Lambertz se permet d'ajouter une interprétation personnelle à ses motifs. D'une part, la saison et les conditions météorologiques jouent un rôle important dans son travail, d'autre part, il n'hésite pas à retoucher ses photographies et à en modifier les couleurs après coup pour obtenir l'effet souhaité.

PIÈCES MARINES
Le dernier travail de Lambertz, « SEESTÜCKE », fait sa première apparition à l'exposition de Baden et s'inspire d'une citation de Marcel Proust : « Le véritable voyage de découverte ne consiste pas à chercher de nouveaux paysages, mais à voir avec de nouveaux yeux ».

Avec cette mission en tête, découvrir l'insolite dans ce qui est proche, Lambertz a trouvé un côté magique au lac de Zurich. « Seestück » désigne dans la peinture traditionnelle la représentation dramatisée d'une mer déchaînée ou des scènes de navires engagés dans de violentes batailles. A ces portraits de mer héroïques, parfois menaçants, Lambertz' transmet avec ses Seestücken des paysages lacustres contemplatifs et monochromes, ironisant ainsi - non sans intention - sur cette association historique.

L'exposition « SPIELRÄUME » est une excellente occasion de découvrir en un même lieu les photographies de Patrick Lambertz issues de différentes périodes de création.

SOLITARI
Lambertz mette spesso in scena i suoi motivi come su un palcoscenico, in paesaggi ridotti e quasi surreali. Che si tratti di neve invernale o di pioggia autunnale, i solitari come gli “Chalet della Svizzera”, gli alti sedili de “L'architettura della caccia”, le “Cappelle” o il famoso “Hotel Belvédère” appaiono ripetutamente nelle opere di Lambertz e sono memorabili per la loro rappresentazione minimalista. A differenza di Bernd e Hilla Becher, che sono diventati famosi per le loro fotografie seriali in bianco e nero di torri d'acqua e case a graticcio, Lambertz si permette di aggiungere un'interpretazione personale ai suoi motivi. Da un lato, la stagione e il tempo giocano un ruolo importante nel suo lavoro, mentre dall'altro, non ha paura di ritoccare le sue fotografie in seguito e di modificare i colori per ottenere l'effetto desiderato.

SEESTÜCKE
L'ultimo lavoro di Lambertz, “SEESTÜCKE”, viene presentato in anteprima alla mostra di Baden e si ispira a una citazione di Marcel Proust: “Il vero viaggio di scoperta non consiste nel cercare nuovi paesaggi, ma nel vedere con nuovi occhi”.

Con questa missione in mente, scoprire l'insolito nell'ovvio, Lambertz ha portato un lato magico del Lago di Zurigo. Nella pittura tradizionale, il termine 'paesaggio marino' si riferisce alla rappresentazione drammatica di un mare selvaggio o a scene di navi in potenti battaglie. Nei suoi paesaggi marini, Lambertz contrappone questi ritratti marini eroici e talvolta minacciosi a paesaggi marini contemplativi e monocromatici, ironizzando così - non del tutto involontariamente - su questa associazione storica.

La mostra “SPIELRÄUME” offre un'eccellente opportunità di scoprire le fotografie di Patrick Lambertz di diversi periodi creativi in un unico luogo.

SOLITARIES
Lambertz often stages his motifs as if on a stage, in reduced, almost surreal landscapes. Whether in the winter snow or autumn rain - solitaires such as the ‘Chalets of Switzer-land’, the high seats from ‘The Architecture of the Hunt’, the ‘Chapels’ or the famous ‘Hotel Belvédère’ appear again and again in Lambertz's works and are imprinted on the memory through their minimalist depiction. In contrast to Bernd and Hilla Becher, who became famous for their serial black and white photographs of water towers and half-timbered houses, Lambertz allows himself to add a personal interpretation to his motifs. On the one hand, the season and weather play an important role in his works, while on the other, he does not shy away from retouching and colour-editing his photographs afterwards in order to achieve the desired effect.

SEESTÜCKE
Lambertz's latest work ‘SEESTÜCKE’ is making its debut at the Baden exhibition and is inspired by a quote from Marcel Proust: ‘The true voyage of discovery lies not in seeking new landscapes, but in seeing with new eyes.’

With this mission in mind, to discover the unusual in the obvious, Lambertz has taken a magical side to Lake Zurich. In traditional painting, the term ‘seascape’ refers to the dramatised depiction of a wild sea or scenes of ships in mighty battles. With his seascapes, Lambertz' contrasts these heroic, sometimes threatening portraits of the sea with contemplative, monochrome seascapes, thereby - not entirely unintentionally - ironising this historical association.

The ‘SPIELRÄUME’ exhibition offers an excellent opportunity to discover Patrick Lambertz's photographs from different creative periods in one place.

(Text: Galerie 94, Baden)

Villa der Galerie Kornfeld | Zürich
21. November 2024

Daniel Blochwitz im Gespräch mit Monica von Rosen

Unikat-Photographie – Kunstbroker zu Gast bei Titilis 48
Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen, Mario Rothenbühler

Anmeldung

Wir laden Sie herzlich ein zur hochinteressanten Ausstellung „Unikat-Photographie“, die in der historischen Villa der ehemaligen Galerie Kornfeld an der Titlisstrasse 48 in Zürich stattfindet. Diese einmalige Pop-Up-Ausstellung, kuratiert von dem Kunst- und Photohistoriker Gabriel S. R. Müller, präsentiert vier zeitgenössische Positionen, die die Vielfalt und Einzigartigkeit der photographischen Kunst zelebrieren. Aufgrund seiner langjährigen Arbeit in einem international renommierten Schweizer Auktionshaus ist der Kunsthändler bestens mit verschiedensten Techniken der Photographie vertraut und bringt sein umfangreiches Wissen in die Kuratierung dieser Ausstellung ein. Erleben Sie die beeindruckenden Werke von Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler und Mario Rothenbühler, die verschiedene künstlerische Konzepte und Techniken wie Nassplatten-Kollodium, Cyanotypien, Polaroid-Aufnahmen und Lightjet-Prints in einen spannenden Dialog bringen. Die Grundidee der Ausstellung ist es, historische und zeitgenössische photographische Verfahren miteinander zu verknüpfen und die Bedeutung von Unikaten in der Photographie hervorzuheben. Diese Künstler arbeiten in der Regel ausschließlich mit Unikaten, sei es aufgrund der gewählten Technik oder weil es fester Bestandteil ihres künstlerischen Schaffens ist. Lassen Sie sich von der einzigartigen Atmosphäre der Villa inspirieren, wo einst bedeutende Werke von Sam Francis und Marc Chagall zu sehen waren. Ein Muss für Photographie-Interessierte und solche, die es werden wollen!

Nous avons le plaisir de vous inviter à la très intéressante exposition « Unikat-Photographie », qui se tient dans la villa historique de l'ancienne galerie Kornfeld, Titlisstrasse 48, à Zurich. Cette exposition pop-up unique, organisée par l'historien de l'art et de la photographie Gabriel S. R. Müller, présente quatre positions contemporaines qui célèbrent la diversité et l'unicité de l'art photographique. En raison de son travail de longue date dans une maison de vente aux enchères suisse de renommée internationale, le marchand d'art connaît parfaitement les techniques les plus diverses de la photographie et apporte ses vastes connaissances au commissariat de cette exposition. Venez découvrir les œuvres impressionnantes de Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler et Mario Rothenbühler, qui font dialoguer de manière passionnante différents concepts et techniques artistiques tels que le collodion à plaque humide, les cyanotypes, les prises de vue Polaroid et les impressions Lightjet. L'idée de base de l'exposition est de mettre en relation les procédés photographiques historiques et contemporains et de souligner l'importance des pièces uniques en photographie. En général, ces artistes travaillent exclusivement avec des pièces uniques, soit en raison de la technique choisie, soit parce que cela fait partie intégrante de leur travail artistique. Laissez-vous inspirer par l'atmosphère unique de la villa, qui abritait autrefois des œuvres importantes de Sam Francis et Marc Chagall. Un must pour les amateurs de photographie et ceux qui souhaitent le devenir !

Vi invitiamo cordialmente all'interessantissima mostra “Unikat-Photographie”, che si terrà nella storica villa dell'ex Galerie Kornfeld in Titlisstrasse 48 a Zurigo. Questa mostra pop-up unica, curata dallo storico dell'arte e della fotografia Gabriel S. R. Müller, presenta quattro posizioni contemporanee che celebrano la diversità e l'unicità dell'arte fotografica. Avendo lavorato per molti anni in una casa d'aste svizzera di fama internazionale, il mercante d'arte ha una grande familiarità con un'ampia varietà di tecniche fotografiche e apporta la sua vasta conoscenza alla cura di questa mostra. Scoprite le impressionanti opere di Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler e Mario Rothenbühler, che mettono in dialogo concetti e tecniche artistiche diverse, come il collodio a umido, le cianotipie, le Polaroid e le stampe a getto di luce. L'idea di base della mostra è quella di combinare processi fotografici storici e contemporanei e di sottolineare l'importanza dei pezzi unici in fotografia. Di norma, questi artisti lavorano esclusivamente con pezzi unici, sia per la tecnica scelta sia perché è parte integrante del loro lavoro artistico. Lasciatevi ispirare dall'atmosfera unica della villa, dove un tempo erano esposte importanti opere di Sam Francis e Marc Chagall. Un'occasione imperdibile per gli appassionati di fotografia e per chi vuole diventarlo!

We cordially invite you to the highly interesting exhibition “Unikat-Photographie”, which is taking place in the historic villa of the former Kornfeld Gallery at Titlisstrasse 48 in Zurich. This unique pop-up exhibition, curated by art and photo historian Gabriel S. R. Müller, presents four contemporary positions that celebrate the diversity and uniqueness of photographic art. Due to his many years of working in an internationally renowned Swiss auction house, the art dealer is very familiar with a wide range of photographic techniques and brings his extensive knowledge to the curation of this exhibition. Experience the impressive works of Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler and Mario Rothenbühler, which bring various artistic concepts and techniques such as wet-plate collodion, cyanotypes, Polaroid shots and lightjet prints into an exciting dialogue. The basic idea of the exhibition is to combine historical and contemporary photographic processes and to emphasize the importance of unique pieces in photography. These artists usually work exclusively with unique pieces, either because of the technique they have chosen or because it is an integral part of their artistic practice. Be inspired by the unique atmosphere of the villa, where important works by Sam Francis and Marc Chagall were once on display. A must for those who are interested in photography and those who want to become interested!

Anzenberger Gallery | Wien
16. November 2024

Frühstück & Artist Talk

The Meaning of Land
Daniela Köppl, Kurt Sorensen

Die Ausstellung findet im Rahmen des Rotlicht - Festivals für analoge Fotografie statt.

Die Anzenberger Gallery präsentiert den australischen Künstler Kurt Sorensen und die österreichische Künstlerin Daniela Koeppl mit Landschaftsfotografien ihrer Heimatländer. Welche Bedeutung hat Land in Zeiten von Klimakrise und Kriegen? Wie geht der Mensch mit dem Land um, kultiviert es und versucht es zu kontrollieren? Während Kurt Sorensen dem Ursprung der Landschaft vor der Besiedlung Australiens nachspürt, erkundet Daniela Köppl die kultivierte Landschaft in der Form von Kuppen. Die Unterschiede könnten nicht größer sein wie zwischen diesen beiden Ländern. Eine visuelle Annäherung.

Kurt Sorensen: Sorensens Bilder enthüllen die prekäre Beziehung, die zwischen den frühen europäischen Siedlern und den rauen australischen Landschaften herrschte; Die gefährliche Natur erinnert die schlecht beratenen Entdecker an ihr naives Gefühl der Überlegenheit. Von der Erde verschluckt, sind diejenigen, die in der Landschaft verschwunden sind und nie wieder gefunden werden, die Protagonisten von Sorensens Bildern, die am Rande von Geschichte und Anthropologie liegen. (Claire Monneraye, Australian Center for Photography)

Daniela Köppl: Im Gegensatz zur Naturlandschaft ist die Kulturlandschaft eine vom Menschen geprägte Landschaft. Sie wird durch charakteristische jahresrhythmische Nutzungen, wie Ackerbau, Mahd, Drusch, Viehtrieb, Heckenschnitt und (längerfristig) Waldbau regelmäßig verändert. Die kleinräumig parzellierte Agrarlandschaft vom 16. bis Mitte des 20. Jahrhunderts bewirkte ein starkes Anwachsen der Biodiversität mit höchsten Werten der Flora um 1850. Seitdem verarmten die Kulturlandschaften infolge von Agrarreform, Melioration, mineralischer Düngung, wirksamerer Geräte und Pflanzen- und Tierzucht stark- verstärkt mit der Industrialisierung der Landwirtschaft seit 1950. Die Folge ist eine starke Ausräumung der Kulturlandschaft.

La Anzenberger Gallery présente l'artiste australien Kurt Sorensen et l'artiste autrichienne Daniela Koeppl avec des photographies de paysages de leurs pays d'origine. Quelle est l'importance de la terre en période de crise climatique et de guerres ? Comment l'homme gère-t-il la terre, la cultive-t-il et tente-t-il de la contrôler ? Tandis que Kurt Sorensen retrace l'origine du paysage avant la colonisation de l'Australie, Daniela Köppl explore le paysage cultivé sous forme de croupes. Les différences ne pourraient pas être plus grandes qu'entre ces deux pays. Une approche visuelle.

Kurt Sorensen : Les visuels de Sorensen révèlent la relation précaire qui existait entre les premiers colons européens et les rudes paysages australiens ; la nature dangereuse rappelle aux explorateurs mal conseillés leur sentiment naïf de supériorité. Avalés par la terre, ceux qui ont disparu dans le paysage et ne seront jamais retrouvés sont les protagonistes des visuels de Sorensen, à la lisière de l'histoire et de l'anthropologie. (Claire Monneraye, Australian Center for Photography)

Daniela Köppl : Contrairement au paysage naturel, le paysage culturel est un paysage façonné par l'homme. Il est régulièrement modifié par des utilisations saisonnières caractéristiques, comme la culture, la fauche, le battage, la conduite du bétail, la taille des haies et (à plus long terme) la sylviculture. Le paysage agricole parcellisé à petite échelle du 16e au milieu du 20e siècle a entraîné une forte augmentation de la biodiversité, avec des valeurs maximales pour la flore vers 1850. Depuis, les paysages cultivés se sont fortement appauvris en raison de la réforme agraire, de l'amélioration foncière, de la fertilisation minérale, d'outils plus efficaces et de l'élevage de plantes et d'animaux - renforcé par l'industrialisation de l'agriculture depuis 1950. Il en résulte un fort appauvrissement du paysage cultivé.

La Galleria Anzenberger presenta l'artista australiano Kurt Sorensen e l'artista austriaca Daniela Koeppl con fotografie di paesaggi dei loro Paesi d'origine. Qual è il significato della terra in tempi di crisi climatica e di guerra? Come le persone si rapportano alla terra, la coltivano e cercano di controllarla? Mentre Kurt Sorensen traccia le origini del paesaggio prima della colonizzazione dell'Australia, Daniela Köppl esplora il paesaggio coltivato sotto forma di cime di collina. Le differenze non potrebbero essere maggiori tra questi due Paesi. Un approccio visivo.

Kurt Sorensen: le immagini di Sorensen rivelano il rapporto precario che esisteva tra i primi coloni europei e gli aspri paesaggi australiani; la natura pericolosa ricorda agli esploratori incauti il loro ingenuo senso di superiorità. Inghiottiti dalla terra, coloro che sono scomparsi nel paesaggio, per non essere mai più ritrovati, sono i protagonisti delle immagini di Sorensen, che si trovano ai margini della storia e dell'antropologia. (Claire Monneraye, Centro australiano di fotografia)

Daniela Köppl: A differenza del paesaggio naturale, il paesaggio culturale è un paesaggio creato dall'uomo. Viene regolarmente modificato dagli usi stagionali caratteristici, come la coltivazione dei seminativi, la falciatura, la trebbiatura, il pascolo del bestiame, il taglio delle siepi e (a lungo termine) la selvicoltura. Il paesaggio agricolo parcellizzato su piccola scala, dal XVI alla metà del XX secolo, ha portato a un forte aumento della biodiversità, con i valori floristici più elevati intorno al 1850. Da allora, i paesaggi culturali si sono impoveriti a causa della riforma agraria, dell'ammendamento, della concimazione minerale, di attrezzature più efficaci e dell'allevamento di piante e animali, intensificati dall'industrializzazione dell'agricoltura a partire dal 1950. Il risultato è un forte disboscamento del paesaggio culturale.

The Anzenberger Gallery presents the Australian artist Kurt Sorensen and the Austrian artist Daniela Koeppl with landscape photographs of their home countries. What is the significance of land in times of climate crisis and wars? How do humans treat the land, cultivate it and try to control it? While Kurt Sorensen traces the origin of the landscape before the colonization of Australia, Daniela Köppl explores the cultivated landscape in the form of hilltops. The differences could not be greater than between these two countries. A visual approach.

Kurt Sorensen: Sorensen's images reveal the precarious relationship that existed between the early European settlers and the harsh Australian landscapes; the dangerous nature reminds the ill-advised explorers of their naive sense of superiority. Swallowed up by the earth, those who have disappeared into the landscape and will never be found again are the protagonists of Sorensen's images, which lie on the edge of history and anthropology. (Claire Monneraye, Australian Center for Photography)

Daniela Köppl: In contrast to the natural landscape, the cultural landscape is a landscape shaped by humans. It is regularly transformed by characteristic annual uses, such as agriculture, mowing, threshing, cattle driving, hedge trimming and (in the longer term) forestry. The small-scale parceled agricultural landscape from the 16th to the mid-20th century caused a strong increase in biodiversity, with the highest values of flora around 1850. Since then, the cultural landscapes have become impoverished due to agricultural reform, land reclamation, mineral fertilization, more effective equipment and plant and animal breeding, which intensified with the industrialization of agriculture since 1950. The result is a strong eradication of the cultural landscape.

(Text: Regina Anzenberger, Anzenberger Gallery, Wien)

Galerie 94 | Baden
21. September 2024

Artist Talk mit Melody Gygax, Swiss Agent MAGNUM PHOTOS

diffus
Sandro Livio Straube

Im Rahmen der Langzeitserie "Berge bleichen" präsentiert Sandro Livio Straube nun die Fortsetzung der Arbeit mit der neuen Serie "diffus". Diese Ausstellung lädt die Betrachter ein, in eine Welt einzutauchen, die von verschwommenen, vom Licht geprägten Bildern durchzogen ist - ephemere und vom Zufall geprägte Momente des Unkontrollierbaren.

"diffus" beschreibt das Verschwommene und Ungefähre, das von Licht und Schatten Geformte. Diese Bilder fangen Momente ein, die nicht durch ihre Klarheit bestechen, sondern durch ihre poetische Unbestimmtheit. Es geht nicht darum, neue Dinge zu fotografieren, sondern das Vertraute neu zu sehen.

In "diffus" hinterfragt Straube die Konkretheit von Dingen und Momenten, indem er die Unschärfe und das Ungewisse betont. Diese Serie ist gleichsam eine Einladung, bekannte Landschaften und Objekte in einem anderen Licht zu betrachten. Es ist eine poetische Suche nach dem Wesentlichen in der Unklarheit und nach der Schönheit in der Zwielichtigkeit.

Die Serie "diffus" ergänzt und erweitert die Themen von "Berge bleichen". Während "Berge bleichen" die rauen, bleichen Landschaften des Val Lumnezia einfängt, erkundet "diffus" die subtileren, flüchtigeren Aspekte dieser Umgebung. Es ist eine Meditation über das Licht und seine Fähigkeit, die Realität in etwas Flüchtiges und Geheimnisvolles zu verwandeln. Straube fordert uns auf, innezuhalten und die Schönheit in der Unklarheit und im Unvollständigen zu entdecken.

In dieser Ausstellung treffen frühere Bilder der Serie „Berge bleichen“ auf neue Werke aus „diffus“. Diese Gegenüberstellung ermöglicht es den Betrachtern, die Entwicklung und den erweiterten Blickwinkel des Künstlers zu erleben – von den Objekten und Strukturen der ersten Serie hin zu den weichen, atmosphärischen Kompositionen von „diffus“.

Dans le cadre de la série à long terme "Berge bleichen", Sandro Livio Straube présente à présent la suite de son travail avec la nouvelle série "diffus". Cette exposition invite les spectateurs à se plonger dans un monde traversé par des visuels flous, marqués par la lumière - des moments éphémères et aléatoires de l'incontrôlable.

"diffus" décrit ce qui est flou et approximatif, ce qui est façonné par la lumière et l'ombre. Ces visuels capturent des moments qui ne séduisent pas par leur clarté, mais par leur indétermination poétique. Il ne s'agit pas de photographier des choses nouvelles, mais de revoir ce qui nous est familier.

Dans "diffus", Straube remet en question le caractère concret des choses et des moments en mettant l'accent sur le flou et l'incertain. Cette série est en quelque sorte une invitation à regarder des paysages et des objets connus sous un autre jour. C'est une recherche poétique de l'essentiel dans le flou et de la beauté dans le crépuscule.

La série "diffus" complète et élargit les thèmes de "Berge blleichen". Alors que "Berge bleichen" capture les paysages rudes et pâles du Val Lumnezia, "diffus" explore les aspects plus subtils et fugaces de cet environnement. C'est une méditation sur la lumière et sa capacité à transformer la réalité en quelque chose d'éphémère et de mystérieux. Straube nous invite à nous arrêter et à découvrir la beauté dans le flou et l'inachevé.

Dans cette exposition, d'anciens visuels de la série "Berge bleichen" (les montagnes blanchissent) rencontrent de nouvelles œuvres de "diffus". Cette juxtaposition permet aux spectateurs de découvrir l'évolution et l'élargissement de la perspective de l'artiste - des objets et structures de la première série aux compositions douces et atmosphériques de "diffus".

Nell'ambito della serie a lungo termine "Berge bleichen", Sandro Livio Straube presenta ora la continuazione del lavoro con la nuova serie "diffus". Questa mostra invita gli spettatori a immergersi in un mondo di immagini sfocate caratterizzate dalla luce - momenti effimeri dell'incontrollabile che sono modellati dal caso.

"Diffuse" descrive l'indistinto e l'approssimativo, il plasmato dalla luce e dall'ombra. Queste immagini catturano momenti che non sono caratterizzati dalla loro chiarezza, ma dalla loro poetica indeterminatezza. L'obiettivo non è fotografare cose nuove, ma vedere il familiare in modo nuovo.

In "Diffus", Straube mette in discussione la concretezza delle cose e dei momenti enfatizzando la sfocatura e l'incertezza. Questa serie è, per così dire, un invito a guardare paesaggi e oggetti familiari sotto una luce diversa. È una ricerca poetica dell'essenziale nel non chiaro e della bellezza nel crepuscolo.

La serie "diffus" completa e amplia i temi di "Berge bleichen". Mentre "Berge bleichen" cattura i paesaggi aspri e pallidi della Val Lumnezia, "diffus" esplora gli aspetti più sottili e fugaci di questo ambiente. È una meditazione sulla luce e sulla sua capacità di trasformare la realtà in qualcosa di fugace e misterioso. Straube ci invita a fermarci e a scoprire la bellezza dell'ambiguità e dell'incompletezza.

In questa mostra, i dipinti precedenti della serie "Berge bleichen" incontrano le nuove opere di "diffus". Questa giustapposizione permette agli spettatori di sperimentare l'evoluzione e l'ampliamento della prospettiva dell'artista - dagli oggetti e dalle strutture della prima serie alle composizioni morbide e atmosferiche di "diffus".

As part of the long-term series "Berge bleichen", Sandro Livio Straube is now presenting the continuation of his work with the new series "diffus". This exhibition invites viewers to immerse themselves in a world of blurred images characterised by light - ephemeral moments of the uncontrollable that are shaped by chance.

"diffus" describes the blurred and approximate, the moulded by light and shadow. These pictures capture moments that are not characterised by their clarity, but by their poetic indeterminacy. The aim is not to photograph new things, but to see the familiar in a new light. In "diffus", Straube questions the concreteness of things and moments by emphasising blurriness and uncertainty. This series is, as it were, an invitation to look at familiar landscapes and objects in a different light. It is a poetic search for the essential in the unclear and for beauty in the twilight.

The "diffus" series complements and expands on the themes of "Berge bleichen". While "Berge bleichen" captures the harsh, pale landscapes of Val Lumnezia, "diffus" explores the more subtle, fleeting aspects of this environment. It is a meditation on light and its ability to transform reality into something fleeting and mysterious. Straube invites us to pause anddiscover the beauty in ambiguity and incompleteness.

In this exhibition, earlier paintings from the "Berge bleichen" series meet new works from "diffus". This juxtaposition allows viewers to experience the artist's development and expanded perspective - from the objects and structures of the first series to the soft, atmospheric compositions of "diffus".

(Text: Galerie 94, Baden)

Galerie Am Platz | Eglisau
1. August 2024

Im Gespräch mit Fridolin Walcher, Fotograf & Kurator der BSINTI Galerie, Braunwald

Sehnsucht Alpen
Hans Peter Jost

Anlässlich des Erscheinens seines Buches "Alpen-Blicke.ch" im Verlag Scheidegger & Spiess wurde der Fotograf Hans Peter Jost im SAC Magazin nicht als typischer Alpenfotograf charakterisiert, vielmehr als Porträtist des Berggebiets mit einem Nebeneinander von Kraftort und Kraftwerk, das den Blick auf die Alpen von Bild zu Bild bricht.

Der Fotograf reagiert damit auf die Vielschichtigkeit des Alpenraums, denn der ursprüngliche Respekt oder gar die Angst vor den Bergen und deren Naturgewalt ist im Laufe der Zeiten einer romantischen Verklärung gewichen. Die Alpen sind zu einem Ort mutiert, wo sich subjektive Sehnsüchte verwirklichen lassen - nach Kontemplation, nach Höchstleistung, nach Profit.

Hans Peter Josts visuelle Auseinandersetzung mit dem Alpenraum ist konsequent, mit seiner aktuellen Arbeit bringt er polarisierende Themenfelder auch technisch auf einen neuen Höhepunkt: Einerseits mit der Camera obscura, deren Ergebnisse Zeitgrenzen zu verwischen scheinen mit vermeintlich unberührter Natur, menschenleeren Idyllen und ohne die typisch alpine Infrastruktur. Andererseits mit Bildern des Massentourismus inmitten komfortabel möblierter Hochgebirgslandschaften, gnadenlos digital, ironisch, liebevoll…

Mit der Ausstellung "Sehnsucht Alpen" nimmt der Fotograf Hans Peter Jost die Betrachtenden erneut mit auf seinen persönlichen Weg durch die Berge.

A l'occasion de la parution de son livre "Alpen-Blicke.ch" aux éditions Scheidegger & Spiess, le photographe Hans Peter Jost a été caractérisé dans le CAS Magazine non pas comme un photographe typique des Alpes, mais plutôt comme un portraitiste de la région de montagne, avec une juxtaposition de lieux de force et de centrales électriques, qui brise le regard sur les Alpes d'un visuel à l'autre.

Le photographe réagit ainsi à la complexité de l'espace alpin, car le respect originel, voire la peur des montagnes et de leur force naturelle, a fait place au fil du temps à une transfiguration romantique. Les Alpes sont devenues un lieu où l'on peut réaliser des désirs subjectifs - de contemplation, de performance maximale, de profit.

La confrontation visuelle de Hans Peter Jost avec l'espace alpin est conséquente. Avec son travail actuel, il porte des champs thématiques polarisants à un nouveau sommet, y compris sur le plan technique : d'une part avec la camera obscura, dont les résultats semblent effacer les limites temporelles avec une nature prétendument intacte, des idylles désertes et sans l'infrastructure typiquement alpine. D'autre part, avec des visuels du tourisme de masse au milieu de paysages de haute montagne confortablement meublés, impitoyablement numériques, ironiques, affectueux...

Avec l'exposition "Sehnsucht Alpen", le photographe Hans Peter Jost emmène à nouveau les spectateurs sur son chemin personnel à travers les montagnes.

In occasione della pubblicazione del suo libro "Alpen-Blicke.ch" da parte di Scheidegger & Spiess, il fotografo Hans Peter Jost non è stato caratterizzato dalla rivista SAC come un tipico fotografo alpino, ma piuttosto come un ritrattista della regione montana con una giustapposizione di luoghi e centrali elettriche che spezza la visione delle Alpi di immagine in immagine.

Il fotografo reagisce così alla complessità della regione alpina, perché l'originario rispetto o addirittura la paura delle montagne e della loro forza naturale hanno lasciato il posto a una romantica romantizzazione nel corso del tempo. Le Alpi si sono trasformate in un luogo in cui si possono realizzare desideri soggettivi - per la contemplazione, per le massime prestazioni, per il profitto.

L'esplorazione visiva della regione alpina da parte di Hans Peter Jost è coerente e con il suo lavoro attuale porta temi polarizzanti a un nuovo culmine tecnico: da un lato con la camera oscura, i cui risultati sembrano confondere i confini del tempo con una natura presumibilmente incontaminata, idilli deserti e senza le tipiche infrastrutture alpine. Dall'altro, con le immagini del turismo di massa in mezzo a paesaggi di alta montagna confortevolmente arredati, spietatamente digitali, ironiche, affettuose...

Con la mostra "Sehnsucht Alpen", il fotografo Hans Peter Jost accompagna ancora una volta gli spettatori nel suo personale viaggio tra le montagne.

On the occasion of the publication of his book "Alpen-Blicke.ch" by Scheidegger & Spiess, the photographer Hans Peter Jost was not characterized in the SAC Magazine as a typical Alpine photographer, but rather as a portraitist of the mountain region with a juxtaposition of power place and power plant that breaks the view of the Alps from picture to picture.

The photographer thus reacts to the complexity of the Alpine region, because the original respect or even fear of the mountains and their natural power has given way to a romantic transfiguration over the course of time. The Alps have mutated into a place where subjective longings can be realized - for contemplation, for peak performance, for profit.

Hans Peter Jost's visual exploration of the Alpine region is consistent, and with his current work he takes polarizing themes to a new technical climax: on the one hand with the camera obscura, the results of which seem to blur the boundaries of time with supposedly untouched nature, deserted idylls and without the typical Alpine infrastructure. On the other hand, with visuals of mass tourism in the midst of comfortably furnished high mountain landscapes, mercilessly digital, ironic, loving...

With the exhibition "Sehnsucht Alpen", photographer Hans Peter Jost once again takes viewers up on his personal journey through the mountains.

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
22. Juni 2024

Gespräch und Signierstunde
How to Publish a Photography Book

Angelika & Markus Hartmann (Hartmann Books) im Gespräch mit Satijn Panyigay

Nightcall — The Frankfurt Edition
Satijn Panyigay

Nachdem Satijn Panyigay in der Vergangenheit vor allem leere Innenräume – Museen, Depots, neu errichtete Wohngebäude — fotografiert hat, richtet sie mit ihrer neuen Arbeit „Nightcall“ ihr Augenmerk auf städtische Außenbereiche. In ihrer Heimatstadt Utrecht sowie in Frankfurt am Main sucht sie auf einsamen nächtlichen Streifzügen nach unbeabsichtigten Kompositionen innerhalb der urbanen Strukturen.

Ihre analogen Fotografien nutzen das minimale Licht des Mondes und der Straßenlaternen, wobei der Unterschied kaum auszumachen ist. So entstehen in der düsteren, monotonen und funktionalen Industrielandschaft reizvolle Kontraste.

Dabei erzeugt die Abwesenheit von Menschen in Satijn Panyigays Fotografien paradoxerweise ein Gefühl von Präsenz. Die Künstlerin fühlt sich von der ätherischen Welt der Nacht und ihrer rätselhaften Atmosphäre angezogen. „Nightcall“ ermöglicht uns Begegnungen mit einer Gegenwelt, in der sich unsere eigene widerspiegelt, wenn auch mit einer unheimlichen Distanz.

Satijn Panyigay (geb. 1988 in Nijmegen, Niederlande) studierte Fotografie an der Kunsthochschule Utrecht, wo sie weiterhin lebt und arbeitet. Ihre Arbeiten waren in zahlreichen Ausstellungen zu sehen, so im Centre D’art Contemporain de Meymac, Frankreich sowie in den Niederlanden im Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam); Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover (Amsterdam); Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Ihre Arbeitem befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Museum Boijmans Van Beuningen, des Museum Tot Zover, des Museum Van Bommel Van Dam, des Museum W., der DZ Bank Kunststiftung, der KPMG sowie in zahlreichen Privatsammlungen. Ihr Buch VOID erschien 2023 bei Hartmann Books.

Après avoir surtout photographié des espaces intérieurs vides - musées, dépôts, immeubles d'habitation récemment construits -, Satijn Panyigay porte son attention sur les espaces extérieurs urbains avec son nouveau travail "Nightcall". Dans sa ville natale d'Utrecht ainsi qu'à Francfort-sur-le-Main, elle recherche des compositions involontaires au sein des structures urbaines lors d'errances nocturnes solitaires.

Ses photographies analogiques utilisent la lumière minimale de la lune et des lampadaires, la différence étant à peine perceptible. Ainsi, des contrastes charmants apparaissent dans le paysage industriel sombre, monotone et fonctionnel.

Ce faisant, l'absence de personnes dans les photographies de Satijn Panyigay crée paradoxalement un sentiment de présence. L'artiste est attirée par le monde éthéré de la nuit et son atmosphère énigmatique. "Nightcall" nous permet de faire des rencontres avec un contre-monde dans lequel le nôtre se reflète, même si c'est avec une distance inquiétante.

Satijn Panyigay (née en 1988 à Nijmegen, Pays-Bas) a étudié la photographie à l'école des beaux-arts d'Utrecht, où elle continue de vivre et de travailler. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions, notamment au Centre d'art contemporain de Meymac, en France, et aux Pays-Bas, au Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam) ; Fotomuseum Den Haag ; Museum Tot Zover (Amsterdam) ; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Son travail se trouve entre autres dans les collections du Museum Boijmans Van Beuningen, du Museum Tot Zover, du Museum Van Bommel Van Dam, du Museum W., de la DZ Bank Kunststiftung, de KPMG ainsi que dans de nombreuses collections privées. Son livre VOID est paru en 2023 chez Hartmann Books.

Dopo aver fotografato in passato soprattutto spazi interni vuoti - musei, depositi, edifici residenziali di nuova costruzione - il nuovo lavoro di Satijn Panyigay "Nightcall" si concentra sugli esterni urbani. Nella sua città natale, Utrecht, e a Francoforte sul Meno, l'artista cerca composizioni involontarie all'interno delle strutture urbane durante le sue incursioni notturne.

Le sue fotografie analogiche utilizzano la luce minima della luna e dei lampioni, dove la differenza è appena percettibile. Questo crea contrasti attraenti nel paesaggio industriale cupo, monotono e funzionale.

Paradossalmente, l'assenza di persone nelle fotografie di Satijn Panyigay crea un senso di presenza. L'artista si sente attratto dal mondo etereo della notte e dalla sua atmosfera enigmatica. "Nightcall" ci permette di incontrare un contro-mondo che rispecchia il nostro, anche se con una distanza inquietante.

Satijn Panyigay (nata nel 1988 a Nijmegen, Paesi Bassi) ha studiato fotografia all'Università delle Arti di Utrecht, dove continua a vivere e lavorare. Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre, tra cui al Centre D'art Contemporain de Meymac, in Francia, e nei Paesi Bassi presso il Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam), il Fotomuseum Den Haag, il Museum Tot Zover (Amsterdam), il Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Le sue opere si trovano nelle collezioni del Museum Boijmans Van Beuningen, del Museum Tot Zover, del Museum Van Bommel Van Dam, del Museum W., della DZ Bank Kunststiftung, della KPMG e di numerose collezioni private. Il suo libro VOID è stato pubblicato da Hartmann Books nel 2023.

Having primarily photographed vacant interior spaces—museums, depots, and newly constructed residential buildings—in the past, Satijn Panyigay now shifts her attention to urban exteriors with her new series “Nightcall“. Embarking on solitary nocturnal strolls through her hometown of Utrecht and Frankfurt am Main, she seeks unintentional compositions within urban structures.

Utilizing the minimal light of the moon and street lamps in her analogue photographs, Panyigay blurs the distinction between them. Thus, amidst the bleak, monotonous, and utilitarian industrial landscape, captivating contrasts emerge.

Paradoxically, the absence of people in Satijn Panyigay's photographs evokes a sense of presence. Drawn to the ethereal realm of the night and its enigmatic ambiance, the artist invites us into encounters with a parallel world, reflecting our own, albeit with an eerie distance.

Satijn Panyigay (b. 1988 in Nijmegen, Netherlands) studied photography at the Utrecht School of Art, where she continues to live and work. Her work has been featured in exhibitions at Centre D’art Contemporain de Meymac, France, and in the Netherlands at Museum Escher in the Palace; Depot Boijmans Van Beuningen; Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Her works are in the collections of Museum Boijmans Van Beuningen, Museum Tot Zover, Museum Van Bommel Van Dam, Museum W., DZ Bank, KPMG, among others, as well as in numerous private collections. Panyigay’s artist book VOID was published by Hartmann Books (Germany) in 2023.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
25. April 2024

Rownak Bose im Gespräch mit Barbara Liebster

Licht sammeln / Gathering Light
Rownak Bose

Rownak Bose oder was haben die Quitte und die Camera Obscura gemeinsam

…ihr gelee, in bauchigen gläsern für die dunklen tage, aufgereiht in einem keller von tagen, wo sie leuchteten, leuchten.

Zitat aus einem Gedicht von Jan Wagner

Jan Wagner ist einer der Lieblingsautoren von Rownak Bose, und sein Gedicht quittenpastete aus dem Band Selbstporträt mit Bienenschwarm zählt zu seinen Favoriten.

Die Quitte ist eine geheimnisvolle und archaische Frucht. Eher unansehnlich, unförmig, leicht haarig, hart und abweisend. Aber auch geheimnisvoll und mysteriös. Ihre große Qualität offenbart sich erst, wenn man sich um sie kümmert, sie analysiert und zerkleinert. Sie muss erforscht und nach überlieferten alten Rezepten verarbeitet werden, damit man ihren Geheimnissen auf den Grund kommt. Erst dann wird man sich ihrer Großartigkeit, ihrer Schönheit, ihrer Vielseitigkeit und ihres unnachahmlichen Geschmacks bewusst. In diesem Prozess beginnt sie zu leuchten!

In diesem Kontext offenbart sich eine unerwartete Parallele zur Camera Obscura, die sich für den Laien ebenfalls in verborgenen Wundern verliert. Alles ein wenig weit hergeholt? Ja vielleicht. Aber Tatsache ist, Rownak Bose liebt das Quittengedicht und die Camera Obscura.

Ein simples Lichtloch in einem vollständig abgedunkelten Raum genügt, um die Außenwelt nach innen zu projizieren – ein magischer Prozess, der den Künstler bereits in jungen Jahren faszinierte. Mit selbstgebauten Apparaten erkannte er die Möglichkeit, jenseits der Ästhetik konventioneller Kameras Bilder zu schaffen. So erwachte in ihm der Forscher, der er bis heute geblieben ist.

Seit Jahrzehnten experimentiert der Künstler mit der archaischen Technik der Lochkamera und sammelt mit seinen selbstgebauten Camera Obscuras Licht. Seine Faszination gilt den technischen, historischen und physikalischen Forschungsaspekten seiner Arbeit genauso wie den unberechenbaren. Als magischen Moment bezeichnet er den Prozess, der durch das Zusammentreffen von Licht und fotosensitivem Material in der dunklen Kammer in Gang kommt. Diese Zeitspanne ist nicht steuerbar, in ihr ist kein Konzept wirksam, sondern reine Präsenz. Das Sammeln von Licht wird zu einem Sammeln von Erinnerungen, aus denen sich Identität und Heimat aufbauen.

Rownak Bose ist Künstler, unabhängiger Forscher und Umweltwissenschaftler.

Rownak Bose ou qu'est-ce que le coing et la camera obscura ont en commun ?

...leur gelée, dans des bocaux ventrus pour les jours sombres, alignés dans une cave de jours où ils brillaient, brillaient.

Citation d'un poème de Jan Wagner

Jan Wagner est l'un des auteurs préférés de Rownak Bose, et son poème "Quittenpastete", extrait du recueil Autoportrait avec essaim d'abeilles, compte parmi ses favoris.

Le coing est un fruit mystérieux et archaïque. Plutôt disgracieux, informe, légèrement poilu, dur et repoussant. Mais aussi secret et mystérieux. Sa grande qualité ne se révèle que lorsqu'on en prend soin, qu'on l'analyse et qu'on la broie. Vous devez l'étudier et la travailler selon des recettes ancestrales afin de percer ses secrets. Ce n'est qu'alors que l'on prend conscience de sa grandeur, de sa beauté, de sa diversité et de son goût inimitable. C'est à ce moment-là qu'elle commence à briller !

Dans ce contexte, un parallèle inattendu se révèle avec la Camera Obscura, qui se perd également dans des merveilles cachées pour le profane. Tout cela est un peu tiré par les cheveux ? Oui, peut-être. Mais le fait est que Rownak Bose aime le poème du coing et la Camera Obscura.

Un simple trou de lumière dans une pièce complètement obscurcie suffit à projeter le monde extérieur vers l'intérieur - un processus magique qui a fasciné l'artiste dès son plus jeune âge. Grâce à des appareils qu'il a lui-même construits, il a compris qu'il était possible de créer des visuels au-delà de l'esthétique des caméras conventionnelles. C'est ainsi que s'est éveillé en lui le chercheur qu'il est resté jusqu'à aujourd'hui.

Depuis des décennies, l'artiste expérimente la technique archaïque du sténopé et collecte de la lumière avec ses cameras obscuras qu'il a lui-même construites. Sa fascination s'exerce autant sur les aspects techniques, historiques et physiques de la recherche de son travail que sur les aspects imprévisibles. Il qualifie d'instant magique le processus qui se met en place par la rencontre de la lumière et du matériel photosensible dans la chambre obscure. Ce laps de temps n'est pas contrôlable, aucun concept n'est à l'œuvre en lui, mais une pure présence. La collecte de lumière devient une collecte de souvenirs à partir desquels se construisent l'identité et la patrie.

Rownak Bose est artiste, chercheur indépendant et spécialiste de l'environnement.

Rownak Bose o cosa hanno in comune la mela cotogna e la camera oscura

...la loro gelatina, in bicchieri bulbosi per i giorni bui, allineati in una cantina di giorni, dove brillavano, brillavano.

Citazione da una poesia di Jan Wagner

Jan Wagner è uno degli autori preferiti di Rownak Bose e la sua poesia Paté di mele cotogne, tratta dal volume Autoritratto con sciame d'api, è una delle sue preferite.

La mela cotogna è un frutto misterioso e arcaico. Piuttosto sgradevole, deforme, leggermente peloso, duro e repellente. Ma anche misterioso ed enigmatico. La sua grande qualità si rivela solo quando viene curata, analizzata e schiacciata. Bisogna studiarlo e lavorarlo secondo le antiche ricette tradizionali per arrivare in fondo ai suoi segreti. Solo allora ci si rende conto della sua magnificenza, della sua bellezza, della sua versatilità e del suo sapore inimitabile. In questo processo, inizia a brillare!

In questo contesto, si rivela un inaspettato parallelo con la camera oscura, che si perde in meraviglie nascoste anche per i profani. Tutto un po' inverosimile? Sì, forse. Ma il fatto è che Rownak Bose ama la poesia delle mele cotogne e la camera oscura.

Basta un semplice foro di luce in una stanza completamente buia per proiettare il mondo esterno all'interno: un processo magico che ha affascinato l'artista fin da piccolo. Utilizzando dispositivi autocostruiti, ha riconosciuto la possibilità di creare immagini al di là dell'estetica delle macchine fotografiche convenzionali. Questo ha risvegliato in lui l'esploratore che è rimasto fino ad oggi.

Per decenni l'artista ha sperimentato la tecnica arcaica della macchina fotografica a foro stenopeico e la raccolta della luce con le sue camere oscure autocostruite. Gli aspetti tecnici, storici e di ricerca fisica del suo lavoro lo affascinano tanto quanto l'imprevedibilità. Descrive il processo messo in moto dall'incontro tra luce e materiale fotosensibile nella camera oscura come un momento magico. Questo periodo di tempo non può essere controllato, non è un concetto, ma pura presenza. La collezione di luce diventa una collezione di ricordi da cui si costruiscono l'identità e la casa.

Rownak Bose è un artista, ricercatore indipendente e scienziato ambientale.

Rownak Bose or what do the quince and the camera obscura have in common

…their jelly, in bulbous jars for the dark days, lined up in a cellar of days where they shone, shone.

Quote from a poem by Jan Wagner

Jan Wagner is one of Rownak Bose's favourite authors, and his poem quittenpastete from the volume Selbstporträt mit Bienenschwarm is one of his favourites.

The quince is a mysterious and archaic fruit. Rather unsightly, misshapen, slightly hairy, hard and repellent. But also mysterious and enigmatic. Its great quality is only revealed when it is cared for, analysed and crushed. It must be researched and processed according to traditional old recipes in order to get to the bottom of its secrets. Only then do you realise its magnificence, its beauty, its versatility and its inimitable flavour. In this process, it begins to shine!

In this context, an unexpected parallel to the camera obscura is revealed, which also loses itself in hidden wonders for the layman. All a bit far-fetched? Yes, perhaps. But the fact is, Rownak Bose loves the quince poem and the camera obscura. A simple light hole in a completely darkened room is enough to project the outside world inside - a magical process that fascinated the artist from a young age. Using self-built devices, he recognised the possibility of creating images beyond the aesthetics of conventional cameras. This awakened in him the explorer that he has remained to this day.

For decades, the artist has been experimenting with the archaic technique of the pinhole camera and collecting light with his self-built camera obscuras. He is just as fascinated by the technical, historical and physical research aspects of his work as he is by the unpredictable. He describes the process that is set in motion by the encounter of light and photosensitive material in the dark chamber as a magical moment. This period of time is not controllable, there is no concept at work in it, but pure presence. The collection of light becomes a collection of memories from which identity and home are built.

Rownak Bose is an artist, independent researcher and environmental scientist.

(Text: Galerie & Edition Stephan Witschi, Zürich)

Studio Naegeli | Gstaad
1. März 2024

On the move
Hannes Schmid, Mikhail Romadin

Nach den weihnachtlichen Preview-Tagen zeigen wir, wie Schmids "American Myth" Cowboys langsam und gentlemanlike den neuen weiblichen Helden von heute weichen, und die "Poets" aus Romadins Leinwänden treten in einen gleichberechtigten Dialog mit seinen "Beauties" aus dem Jahr 2000.

Die Ausstellung zeigt Hannes Schmids Fotografien aus den Serien "Missing Marylin", "El Matador" sowie Aufnahmen von seinen faszinierenden Reisen von Bolivien bis in die Mongolei, Mikhail Romadins zwei ikonische Diptychen "The Beauties" und "The Artists", seine Aquarelle aus Indien, Nepal und den USA sowie Buchillustrationen, die das Bekenntnis zur ewigen Fortbewegung unterstreichen.

Hannes Schmid und Mikhail Romadin teilen beide ihr Interesse an visueller Anthropologie. Nach den Prinzipien der "teilnehmenden Beobachtung" steht hinter jedem Kunstwerk eine eigene Geschichte, die die Künstler mit ihren Protagonisten erleben. "Es genügte mir nicht, eine Geschichte nur zu erleben, ich musste sie auch leben", sagt Hannes Schmid. Mikhail Romadin wandte eine ähnliche Methode an, er malte meist vor Ort und lebte und illustrierte gleichzeitig den gegenwärtigen Moment.

So werden auch Schmids inszenierte Fotografien und Romadins Gemälde, in denen die Grenzen zwischen Fiktion und Realität verschwimmen, zur Dokumentation einer authentischen kulturellen Erfahrung. Dieser inszenierte narrativ-konzeptionelle Ansatz Schmids steht ganz im Zeichen des postmodernen Diskurses über die Authentizität des Fakes und die Originalität der Kopie (Matthias Frehner). Die Detaildichte in Romadins Werk ist beeindruckend, und der Betrachter wird dazu verleitet, jedes Stück einzeln zu betrachten, aber dieser Realismus ist auch trügerisch. Romadin erreicht dies mit einer filmischen Herangehensweise, indem er Nahaufnahmen, ausdrucksstarke Blickwinkel und die Illusion einer filmischen Kompositionsdynamik einsetzt.

Andrej Tarkowskij über Michail Romadin: "Seine (Michail Romadins) schöpferischen Prinzipien verstellen uns nicht den Blick auf die einfachen und entscheidenden Verbindungen zur Realität. Sie sind jedoch nicht so fiktiv, dass wir in diesen Prinzipien nicht eine Tendenz zu einer fruchtbaren emotionalen Dynamik erkennen könnten, die in seinen kreativen Prozess einfliesst".

Matthias Frehner, Kurator der Einzelausstellung von Hannes Schmid im Kunstmuseum Bern, schreibt: "Wenn er (Hannes Schmid) als Fotograf Mitglied einer spezifischen Gruppe und ästhetischen Gemeinschaft wird, bleibt er dabei immer noch Hannes Schmid, der sich an seine eigene ästhetische Vision hält. (...) Die quasiethnologischen Bilder, die so entstehen, sind weder Schnappschüsse noch radikale Inszenierungen. Sie sind vielmehr situative Arrangements von Realitat im entscheidenden Augenblick, am richtigen Ort, mit den richtigen Objekten und Menschen".

Après les journées d'avant-première de Noël, nous montrons comment les cow-boys du "mythe américain" de Schmid cèdent lentement et en gentleman aux nouveaux héros féminins d'aujourd'hui, et les "poètes" des toiles de Romadin entament un dialogue d'égal à égal avec ses "beautés" de l'an 2000.

L'exposition présente les photographies de Hannes Schmid issues des séries "Missing Marylin", "El Matador" ainsi que des clichés de ses fascinants voyages de la Bolivie à la Mongolie, les deux diptyques iconiques de Mikhail Romadin "The Beauties" et "The Artists", ses aquarelles d'Inde, du Népal et des États-Unis ainsi que des illustrations de livres qui soulignent son attachement à la locomotion éternelle.

Hannes Schmid et Mikhail Romadin partagent tous deux leur intérêt pour l'anthropologie visuelle. Selon les principes de "l'observation participante", il y a derrière chaque œuvre d'art une histoire propre que les artistes vivent avec leurs protagonistes. "Il ne me suffisait pas de vivre une histoire, je devais aussi la vivre", explique Hannes Schmid. Mikhail Romadin a utilisé une méthode similaire, il a généralement peint sur place, vivant et illustrant en même temps le moment présent.

Ainsi, les photographies mises en scène de Schmid et les peintures de Romadin, dans lesquelles les frontières entre fiction et réalité s'estompent, deviennent elles aussi la documentation d'une expérience culturelle authentique. Cette approche narrative et conceptuelle mise en scène de Schmid s'inscrit pleinement dans le discours postmoderne sur l'authenticité du faux et l'originalité de la copie (Matthias Frehner). La densité des détails dans l'œuvre de Romadin est impressionnante et le spectateur est amené à observer chaque pièce individuellement, mais ce réalisme est également trompeur. Romadin y parvient par une approche cinématographique, en utilisant des gros plans, des angles de vue expressifs et l'illusion d'une dynamique de composition cinématographique.

Andreï Tarkovski à propos de Mikhaïl Romadin : "Ses (Mikhaïl Romadin) principes créatifs ne nous empêchent pas de voir les liens simples et décisifs avec la réalité. Mais ils ne sont pas fictifs au point que nous ne puissions pas reconnaître dans ces principes une tendance à une dynamique émotionnelle féconde, qui s'inscrit dans son processus créatif".

Matthias Frehner, commissaire de l'exposition individuelle de Hannes Schmid au Kunstmuseum de Berne, écrit : "S'il (Hannes Schmid) devient, en tant que photographe, membre d'un groupe et d'une communauté esthétique spécifiques, il n'en reste pas moins Hannes Schmid, qui s'en tient à sa propre vision esthétique. (...) Les visuels quasi-ethnologiques qui en résultent ne sont ni des instantanés ni des mises en scène radicales. Elles sont plutôt des arrangements situationnels de la réalité au moment décisif, au bon endroit, avec les bons objets et les bonnes personnes".

Dopo i giorni di anteprima natalizia, mostriamo come i cowboy del "Mito Americano" di Schmid cedono lentamente e gentilmente il passo ai nuovi eroi femminili di oggi, e i "Poeti" delle tele di Romadin entrano in dialogo alla pari con le sue "Bellezze" del 2000.

La mostra presenta le fotografie di Hannes Schmid della serie "Missing Marylin", "El Matador" e le fotografie dei suoi affascinanti viaggi dalla Bolivia alla Mongolia, i due iconici dittici di Mikhail Romadin "The Beauties" e "The Artists", i suoi acquerelli dall'India, dal Nepal e dagli Stati Uniti e le illustrazioni di libri che sottolineano il suo impegno per il moto perpetuo.

Hannes Schmid e Mikhail Romadin condividono l'interesse per l'antropologia visiva. Secondo i principi dell'"osservazione partecipante", ogni opera d'arte ha una sua storia che gli artisti vivono con i loro protagonisti. "Per me non era sufficiente vivere una storia, dovevo anche viverla", dice Hannes Schmid. Mikhail Romadin utilizzava un metodo simile; di solito dipingeva sul posto, vivendo e illustrando il momento presente allo stesso tempo.

Le fotografie di Schmid e i dipinti di Romadin, in cui i confini tra finzione e realtà si confondono, diventano così la documentazione di un'autentica esperienza culturale. L'approccio narrativo-concettuale di Schmid è perfettamente in linea con il discorso postmoderno sull'autenticità del falso e sull'originalità della copia (Matthias Frehner). La densità dei dettagli nel lavoro di Romadin è impressionante e lo spettatore è tentato di guardare ogni singolo pezzo, ma questo realismo è anche ingannevole. Romadin ottiene questo risultato con un approccio cinematografico, utilizzando primi piani, angolazioni espressive e l'illusione di dinamiche compositive cinematografiche.

Andrei Tarkovsky su Mikhail Romadin: "I suoi principi creativi (di Mikhail Romadin) non oscurano la nostra visione delle connessioni semplici e decisive con la realtà. Tuttavia, non sono così fittizi da non poter riconoscere in questi principi una tendenza verso una fruttuosa dinamica emotiva che confluisce nel suo processo creativo".

Matthias Frehner, curatore della mostra personale di Hannes Schmid al Kunstmuseum di Berna, scrive: "Anche quando Hannes Schmid, come fotografo, diventa membro di un gruppo specifico e di una comunità estetica, rimane sempre Hannes Schmid, che aderisce alla propria visione estetica. (...) Le immagini quasi-etnologiche che emergono in questo modo non sono né istantanee né messe in scena radicali. Sono piuttosto disposizioni situazionali della realtà nel momento decisivo, nel posto giusto, con gli oggetti e le persone giuste.

After the Christmas preview days, we show how Schmid's "American Myth" cowboys slowly and gentlemanly give way to the new female heroes of today, and the "Poets" from Romadin's canvases enter into an equal dialog with his "Beauties" from the year 2000.

The exhibition shows Hannes Schmid's photographs from the series "Missing Marylin", "El Matador" as well as photographs from his fascinating travels from Bolivia to Mongolia, Mikhail Romadin's two iconic diptychs "The Beauties" and "The Artists", his watercolors from India, Nepal and the USA as well as book illustrations that underline his commitment to eternal locomotion.

Hannes Schmid and Mikhail Romadin both share an interest in visual anthropology. According to the principles of "participant observation", behind each work of art there is a separate story that the artists experience with their protagonists. "It wasn't enough for me to just experience a story, I also had to live it," says Hannes Schmid. Mikhail Romadin used a similar method; he usually painted on location, living and illustrating the present moment at the same time.

Schmid's staged photographs and Romadin's paintings, in which the boundaries between fiction and reality are blurred, thus become documentation of an authentic cultural experience. Schmid's staged narrative-conceptual approach is very much in line with the postmodern discourse on the authenticity of the fake and the originality of the copy (Matthias Frehner). The density of detail in Romadin's work is impressive, and the viewer is tempted to look at each piece individually, but this realism is also deceptive. Romadin achieves this with a cinematic approach, using close-ups, expressive angles and the illusion of a cinematic compositional dynamic.

Andrei Tarkovsky on Mikhail Romadin: "His (Mikhail Romadin's) creative principles do not obscure our view of the simple and decisive connections to reality. However, they are not so fictitious that we cannot recognize in these principles a tendency towards a fruitful emotional dynamic that flows into his creative process".

Matthias Frehner, curator of Hannes Schmid's solo exhibition at the Kunstmuseum Bern, writes: "When he (Hannes Schmid) becomes a member of a specific group and aesthetic community as a photographer, he still remains Hannes Schmid, adhering to his own aesthetic vision. (...) The quasi-ethnological visuals that emerge in this way are neither snapshots nor radical stagings. Rather, they are situational arrangements of reality at the decisive moment, in the right place, with the right objects and people.

(Text: Studio Naegeli, Gstaad)

Kunstmuseum Solothurn
25. Januar 2024

Glaziologie in Bildern. Naturwissenschaftliche Beobachtung und künstlerische Haltung
Gespräch mit Daniel Schwartz und Fanni Fetzer, Direktorin Kunstmuseum Luzern

Zur Zeitlichkeit im Eis
Daniel Schwartz

Die Ausstellung gibt Einblicke in eine grosszügige Künstlerschenkung, die das Kunstmuseum 2022 entgegennehmen durfte.

Das ewige Eis ist nicht dauerhaft. Wer vor einen Gletscher tritt, erkennt in dessen heutiger Agonie auch die Spuren unseres Fortschritts und die Signale des Menschenzeitalters, des Anthropozäns. Seit den 1990er-Jahren beschäftigt sich Daniel Schwartz (*1955), der zu den international bekanntesten Fotografen seiner Generation zählt, mit der Klimakrise. In einem umfangreichen historischgeografischen Rechercheprojekt befasste er sich u. a. mit Gletschern als dynamische Systeme, an denen klimatische Veränderungen deutlich ablesbar sind. Entstanden sind eindrückliche Fotografien, Wort- und Kartenbilder an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft. Vor 20’000 Jahren überdeckte der Walliser Eisstrom auch die Landschaft um Solothurn. In seiner Heimat am Jurasüdfuss begann Daniel Schwartz seine Reise zu schmelzenden Gletschern auf vier Kontinenten. Teil dieses Projekts – 2017 publiziert unter dem Titel While the Fires Burn. A Glacier Odyssey – ist die 49-teilige Serie Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), die das Kunstmuseum Solothurn 2022 als Schenkung entgegennehmen durfte und die nun in einer Auswahl präsentiert wird. Die Werke von Daniel Schwartz zeigen den Gletscher als Speicher persönlicher Erinnerung, als archäologischen Fundort und als ungebremst schwindendes klimageschichtliches Archiv. In der glazialen Verschränkung von geologischer Tiefen- und individueller Lebenszeit stellen sich existentielle Fragen zu unserer Gegenwart und Zukunft.

L'exposition donne un aperçu d'une généreuse donation d'artiste que le Kunstmuseum a eu le plaisir de recevoir en 2022.

Les glaces éternelles ne sont pas permanentes. Celui qui s'avance devant un glacier reconnaît aussi dans son agonie actuelle les traces de notre progrès et les signaux de l'ère humaine, de l'anthropocène. Depuis les années 1990, Daniel Schwartz (*1955), qui compte parmi les photographes les plus connus de sa génération au niveau international, s'intéresse à la crise climatique. Dans le cadre d'un vaste projet de recherche historique et géographique, il s'est notamment intéressé aux glaciers en tant que systèmes dynamiques, sur lesquels les changements climatiques sont clairement visibles. Il en résulte des photographies, des images verbales et cartographiques impressionnantes, à la croisée de l'art et de la science. Il y a 20 000 ans, le courant glaciaire valaisan a également recouvert le paysage autour de Soleure. C'est dans son pays natal, au pied du Jura, que Daniel Schwartz a commencé son voyage à la découverte des glaciers en train de fondre sur quatre continents. Une partie de ce projet - publié en 2017 sous le titre While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - est la série de 49 épisodes Ice Age Our Age / L'âge de glace - le temps présent. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), que le Kunstmuseum Solothurn a eu le plaisir de recevoir en donation en 2022 et dont une sélection est maintenant présentée. Les œuvres de Daniel Schwartz montrent le glacier comme un réservoir de souvenirs personnels, comme un lieu de découverte archéologique et comme des archives de l'histoire du climat qui disparaissent sans aucun frein. Dans l'imbrication glaciaire des profondeurs géologiques et du temps de vie individuel se transmettent des questions existentielles sur notre présent et notre avenir.

La mostra offre una panoramica sul generoso dono di un artista che il Kunstmuseum ha ricevuto nel 2022.

Il ghiaccio eterno non è permanente. Chiunque passi davanti a un ghiacciaio riconoscerà le tracce del nostro progresso e i segnali dell'era umana, l'Antropocene, nella sua agonia attuale. Daniel Schwartz (*1955), uno dei fotografi più riconosciuti a livello internazionale della sua generazione, si occupa di crisi climatica fin dagli anni '90. In un ampio progetto di ricerca storico-geografica, si è concentrato sui ghiacciai come sistemi dinamici in cui i cambiamenti climatici sono chiaramente visibili. Il risultato sono fotografie, immagini e mappe di grande effetto, all'interfaccia tra arte e scienza. 20.000 anni fa, la colata di ghiaccio del Vallese ricopriva anche il paesaggio intorno a Soletta. Daniel Schwartz ha iniziato il suo viaggio verso lo scioglimento dei ghiacciai di quattro continenti dalla sua casa ai piedi del Giura. Parte di questo progetto - pubblicato nel 2017 con il titolo While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - è la serie in 49 parti Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), che il Kunstmuseum Solothurn ha ricevuto in donazione nel 2022 e che ora viene presentata in una selezione. Le opere di Daniel Schwartz mostrano il ghiacciaio come deposito di memoria personale, come sito archeologico e come archivio della storia del clima che sta scomparendo a un ritmo inarrestabile. L'intreccio glaciale tra profondità geologica e vite individuali solleva domande esistenziali sul nostro presente e futuro.

The exhibition provides insights into a generous gift from an artist that the Kunstmuseum received in 2022.

The eternal ice is not permanent. Anyone who steps in front of a glacier will recognize in its present-day agony the traces of our progress and the signals of the human age, the Anthropocene. Daniel Schwartz (*1955), who is one of the most internationally renowned photographers of his generation, has been working on the climate crisis since the 1990s. In an extensive historical-geographical research project, he focused on glaciers, among other things, as dynamic systems in which climatic changes are clearly visible. The result is impressive photographs, word pictures and maps at the interface between art and science. 20,000 years ago, the Valais ice flow also covered the landscape around Solothurn. Daniel Schwartz began his journey to melting glaciers on four continents from his home at the southern foot of the Jura. Part of this project - published in 2017 under the title While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - is the 49-part series Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), which was donated to the Kunstmuseum Solothurn in 2022 and is now being presented in a selection. Daniel Schwartz's works show the glacier as a repository of personal memory, as an archaeological site and as an archive of climate history that is disappearing at an unstoppable rate. The glacial interweaving of geological depth and individual lifetimes raises existential questions about our present and future.

(Text: Kunstmuseum Solothurn)

Kunsthaus Zug
21. Januar 2024

Ausstellungsrundgang mit Guido Baselgia, Dr. Beat Stutzer, ehemaliger Direktor Bündner Kunstmuseum Chur, Dr. Peter Pfrunder, Direktor Fotostiftung Schweiz, Winterthur, und Matthias Haldemann

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Kornschütte Luzern
17. Januar 2024

Marco Schmid im Gespräch mit Stephan Wittmer

Photographie retouchée
Stephan Wittmer

Der Ausstellungstitel stammt aus der Fotografie auf der Einladungskarte: Sie zeigt ein angeschnittenes Plakat, auf dem ein Model mit luxuriöser Uhr und Damentasche vor einem neutralen Grau sitzt. Unten links steht klein gedruckt Photographie retouchée. In Frankreich müssen kommerzielle Fotos, auf denen die Figur der Models digital verändert wurde, mit diesem Hinweis gekennzeichnet werden. Das Glas des Schaufensters, in dem sich das fotografierte Plakat befindet, reflektiert die Silhouette Stephan Wittmers: Er hält die Kamera auf Bauchhöhe, das Objektiv spiegelt sich im Cartier-C der Handtasche.

Warum «wiederberührte Fotografie»? Bildtheoretisch ist die Fotografie ein Lichtmedium, das unmittelbar physikalische Spuren der Wirklichkeit festhält: Die abgebildete Realität ist in der Fotografie materiell verkörpert. Fotografien sind Berührungsreliquien: Wie die religiösen Gegenstände, die die Heiligen zu ihren Lebzeiten berührt haben, sind auch die Fotografien vom reflektierten Licht der vergangenen Welt berührt worden. Der digitale Speicher der Kamera archiviert diese flüchtigen Kontaktmomente, er dient wie die Damentasche als Aufbewahrungsort. Stephan Wittmer interessiert sich für die Materialisierung des digital gespeicherten Bildes, weil die ausgedruckte Fotografie die profane Berührung durch das Licht physisch erfahrbar macht: Es ist so, als ob wir diese Berührung selbst berühren würden; der fotografische Print ist wörtlich eine Photographie retouchée. […]

Le titre de l'exposition provient de la photographie figurant sur le carton d'invitation : vous y voyez une affiche entaillée sur laquelle un modèle portant une montre de luxe et un sac de dame est assis devant un gris neutre. En bas à gauche, on peut lire en petits caractères Photographie retouchée. En France, les photos commerciales sur lesquelles la silhouette des mannequins a été modifiée numériquement doivent porter cette note. La vitre de la vitrine où se trouve l'affiche photographiée reflète la silhouette de Stephan Wittmer : il tient l'appareil photo à hauteur du ventre, l'objectif se reflète dans le C Cartier du sac à main.

Pourquoi une "photographie touchée à nouveau" ? Du point de vue de la théorie de l'image, la photographie est un médium lumineux qui fixe directement des traces physiques de la réalité : La réalité représentée est incarnée matériellement dans la photographie. Les photographies sont des reliques de contact : Tout comme les objets religieux que les saints ont touchés de leur vivant, les photographies ont également été touchées par la lumière réfléchie du monde passé. La mémoire numérique de l'appareil photo archive ces moments de contact éphémères, elle sert, comme le sac de dame, de lieu de conservation. Stephan Wittmer s'intéresse à la matérialisation du visuel enregistré numériquement, car la photographie imprimée rend le contact profane physiquement perceptible par la lumière : c'est comme si nous touchions nous-mêmes ce contact ; l'impression photographique est littéralement une Photographie retouchée. [...]

Il titolo della mostra deriva dalla fotografia del biglietto d'invito: si tratta di un poster ritagliato su cui è seduta una modella con un orologio di lusso e una borsa da donna davanti a uno sfondo grigio neutro. Photographie retouchée è stampato in caratteri piccoli in basso a sinistra. In Francia, le foto commerciali in cui la figura della modella è stata alterata digitalmente devono essere etichettate con questa dicitura. Il vetro della vetrina in cui si trova il poster fotografato riflette la silhouette di Stephan Wittmer: egli tiene la macchina fotografica all'altezza dello stomaco, l'obiettivo si riflette nella Cartier-C della borsetta.

Perché "fotografia ritoccata"? In termini di teoria dell'immagine, la fotografia è un mezzo leggero che cattura direttamente le tracce fisiche della realtà: La realtà rappresentata è materialmente incarnata nella fotografia. Le fotografie sono reliquie di contatto: Come gli oggetti religiosi che i santi hanno toccato durante la loro vita, anche le fotografie sono state toccate dalla luce riflessa del mondo passato. La memoria digitale della macchina fotografica archivia questi fugaci momenti di contatto, fungendo da deposito come una borsa da donna. Stephan Wittmer è interessato alla materializzazione dell'immagine archiviata digitalmente, perché la fotografia stampata rende fisicamente tangibile il tocco profano della luce: "È come se noi stessi toccassimo questo tocco; la stampa fotografica è letteralmente una fotografia ritoccata. [...]

The exhibition title comes from the photograph on the invitation card: it shows a cropped poster on which a model with a luxurious watch and ladies' bag is sitting in front of a neutral gray background. Photographie retouchée is printed in small letters at the bottom left. In France, commercial photos in which the model's figure has been digitally altered must be labeled with this note. The glass of the shop window in which the photographed poster is located reflects the silhouette of Stephan Wittmer: he is holding the camera at stomach height, the lens is reflected in the Cartier-C of the handbag.

Why "re-touched photography"? In terms of image theory, photography is a light medium that directly captures physical traces of reality: The reality depicted is materially embodied in the photograph. Photographs are relics of contact: Like the religious objects that the saints touched during their lifetimes, the photographs have also been touched by the reflected light of the past world. The digital memory of the camera archives these fleeting moments of contact; like the ladies' bag, it serves as a repository. Stephan Wittmer is interested in the materialization of the digitally stored visual because the printed photograph makes the profane touch of light physically tangible: it is as if we were touching this touch ourselves; the photographic print is literally a photograph retouchée. [...]

(Text: Guy Markowitsch)

Kunsthaus Zug
3. Dezember 2023

Guided Tour in English with Fabienne Loosli, art historian, exhibition management

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
29. November 2023

Regine Flury im Gespräch mit Roland Schmid und Marco Frauchiger

Morgennebel
Marco Frauchiger, Roland Schmid

Wie sprechen über Krieg in Zeiten des Krieges? Soll oder darf man das: Bilder zeigen aus vergangenen Kriegen angesichts der Überwältigung durch Bilder aus den gegenwärtigen Kriegen? Aber die Zeit des Krieges ist nicht heute, nicht damals: Krieg ist immer – oder immer wieder, und er bleibt: Er prägt die Erinnerung und das Handeln; er hinterlässt seine Spuren in der Landschaft und in den Körpern der Menschen, die einen Umgang finden müssen mit seinen Konsequenzen – über Generationen hinweg.

Die Ausstellung des Berner Fotografen und Künstlers Marco Frauchiger und des Basler Fotografen Roland Schmid vereint zwei Sichtweisen auf die bis heute in den betroffenen Ländern erleb- und sichtbaren Auswirkungen des von 1955 bis 1975 dauernden Vietnamkrieges.

Um die Versorgungsrouten für den Vietcong in Laos zu zerstören, warf der US-Geheimdienst in einem geheimen Krieg über zwei Millionen Tonnen Bomben über dem Land ab; das sind mehr als alle eingesetzten Bomben im Zweiten Weltkrieg zusammen. In der Ausstellung sind Bilder zu sehen, die der Werkreihe «How to dismantle a bomb» entstammen, einem Langzeitprojekt, in dem Frauchiger zeigt, wie die Bevölkerung in Laos mit dem Erbe dieses Krieges umgeht. Die Arbeiten, entstanden in Zusammenarbeit und im Dialog mit den Menschen vor Ort, offenbaren eine künstlerische Strategie, die gängige Erzählweisen fotografischer Bilder und das Wirklichkeitsversprechen der Kriegsberichterstattung hinterfragt.

Seit Ende der 90er-Jahre bereist Roland Schmid auf Einladung des Schweizer Journalisten Peter Jaeggi Vietnam. In seinen Bildreihen thematisiert Schmid die Folgen des massiven Einsatzes von Herbiziden, v. a. von Agent Orange, durch die USA und ihre Verbündeten während des Krieges. Auch fast 50 Jahre danach finden sich noch Spuren des in Agent Orange enthaltenen Dioxins in der Nahrungskette; ebenso verheerend wirkt sich die Vererbung des durch Agent Orange geschädigten Genoms von einem Elternteil auf nachfolgende Generationen aus. Beides hat zur Folge, dass bis heute in Vietnam Kinder geboren werden, die unter Krankheiten und schweren Missbildungen leiden. Roland Schmids dokumentarischen Bildern inhärent ist eine aufklärerische Absicht, die aber auch immer – dies ganz in der Tradition einer «humanistischen» Fotografie – auf die Würde des Menschen abzielt.

Comment parler de la guerre en temps de guerre ? Doit-on ou peut-on le faire : montrer des images de guerres passées face à l'accablement d'images de guerres actuelles ? Mais le temps de la guerre n'est pas d'aujourd'hui, ni d'hier : la guerre est toujours - ou encore et encore - et elle reste : Elle marque la mémoire et l'action ; elle laisse ses traces dans le paysage et dans le corps des hommes, qui doivent trouver un moyen de gérer ses conséquences - au fil des générations.

L'exposition du photographe et artiste bernois Marco Frauchiger et du photographe bâlois Roland Schmid réunit deux points de vue sur les conséquences de la guerre du Vietnam, qui a duré de 1955 à 1975, et qui sont encore visibles aujourd'hui dans les pays concernés.

Afin de détruire les routes d'approvisionnement du Viêt-Cong au Laos, les services secrets américains ont largué plus de deux millions de tonnes de bombes sur le pays dans le cadre d'une guerre secrète ; c'est plus que toutes les bombes utilisées pendant la Seconde Guerre mondiale réunies. L'exposition présente des images issues de la série d'œuvres "How to dismantle a bomb", un projet à long terme dans lequel Frauchiger montre comment la population du Laos gère l'héritage de cette guerre. Les travaux, réalisés en collaboration et en dialogue avec les gens sur place, révèlent une stratégie artistique qui remet en question les modes de narration courants des images photographiques et la promesse de réalité des reportages de guerre.

Depuis la fin des années 90, Roland Schmid se rend au Vietnam à l'invitation du journaliste suisse Peter Jaeggi. Dans ses séries d'images, Schmid thématise les conséquences de l'utilisation massive d'herbicides, en particulier de l'agent orange, par les États-Unis et leurs alliés pendant la guerre. Près de 50 ans plus tard, on trouve encore des traces de la dioxine contenue dans l'agent orange dans la chaîne alimentaire ; la transmission du génome endommagé par l'agent orange d'un parent aux générations suivantes a également des effets dévastateurs. Ces deux facteurs ont pour conséquence qu'aujourd'hui encore, des enfants naissent au Vietnam et souffrent de maladies et de graves malformations. Les images documentaires de Roland Schmid ont une intention éclairante, mais elles visent aussi toujours - dans la tradition d'une photographie "humaniste" - la dignité de l'être humain.

Come parlare di guerra in tempo di guerra? Si devono o si possono: mostrare immagini di guerre passate di fronte alla sopraffazione di immagini di guerre presenti? Ma il tempo della guerra non è oggi, non è allora: la guerra è sempre - o sempre di nuovo, e rimane: Dà forma alla memoria e all'azione; lascia le sue tracce nel paesaggio e nei corpi delle persone che devono trovare un modo per affrontare le sue conseguenze - per generazioni.

La mostra del fotografo e artista bernese Marco Frauchiger e del fotografo basilese Roland Schmid unisce due prospettive sugli effetti della guerra del Vietnam, durata dal 1955 al 1975, che possono essere vissuti e visti ancora oggi nei Paesi colpiti.

Per distruggere le vie di rifornimento dei Vietcong in Laos, i servizi segreti statunitensi sganciarono più di due milioni di tonnellate di bombe sul Paese in una guerra segreta; una quantità superiore a tutte le bombe utilizzate nella Seconda Guerra Mondiale messe insieme. La mostra presenta immagini della serie "How to dismantle a bomb", un progetto a lungo termine in cui Frauchiger mostra come la popolazione del Laos affronta l'eredità di questa guerra. Le opere, create in collaborazione e in dialogo con le persone sul posto, rivelano una strategia artistica che mette in discussione le comuni modalità narrative delle immagini fotografiche e la promessa di realtà nel reportage di guerra.

Dalla fine degli anni '90, Roland Schmid si è recato in Vietnam su invito del giornalista svizzero Peter Jaeggi. Nella sua serie di immagini, Schmid affronta le conseguenze dell'uso massiccio di erbicidi, in particolare dell'Agente Arancio, da parte degli Stati Uniti e dei loro alleati durante la guerra. Anche a distanza di quasi 50 anni, tracce della diossina contenuta nell'Agente Arancio si trovano ancora nella catena alimentare; l'ereditarietà del genoma danneggiato dall'Agente Arancio da un genitore alle generazioni successive ha un effetto altrettanto devastante. Il risultato di entrambi è che ancora oggi in Vietnam nascono bambini affetti da malattie e gravi deformità. Nelle immagini documentarie di Roland Schmid è insito un intento illuminante che, tuttavia, mira sempre anche alla dignità dell'essere umano, nel pieno rispetto della tradizione della fotografia "umanistica".

How to talk about war in times of war? Should or may one: show images from past wars in the face of being overwhelmed by images from present wars? But the time of war is not today, not then: war is always - or again and again, and it remains: It shapes memory and action; it leaves its traces in the landscape and in the bodies of people who have to find a way to deal with its consequences - over generations.

The exhibition by Bernese photographer and artist Marco Frauchiger and Basel-based photographer Roland Schmid combines two perspectives on the effects of the Vietnam War, which lasted from 1955 to 1975 and can still be experienced and seen today in the countries affected.

To destroy supply routes for the Viet Cong in Laos, U.S. intelligence dropped more than two million tons of bombs over the country in a secret war; more than all the bombs used in World War II combined. The exhibition features images taken from the series of works "How to dismantle a bomb," a long-term project in which Frauchiger shows how the people of Laos deal with the legacy of that war. The works, created in collaboration and dialogue with the people on the ground, reveal an artistic strategy that questions common narrative modes of photographic images and the promise of reality in war reporting.

Since the late 1990s, Roland Schmid has travelled to Vietnam at the invitation of Swiss journalist Peter Jaeggi. In his series of images, Schmid addresses the consequences of the massive use of herbicides, especially Agent Orange, by the USA and its allies during the war. Even almost 50 years later, traces of the dioxin contained in Agent Orange can still be found in the food chain; the inheritance of the genome damaged by Agent Orange from one parent to subsequent generations has an equally devastating effect. As a result, children are still being born in Vietnam today suffering from diseases and severe deformities. Inherent in Roland Schmid's documentary images is an enlightening intention, which also always - in the tradition of "humanistic" photography - aims at the dignity of the human being.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

Kunsthaus Zug
26. November 2023

Ausstellungsrundgang mit Guido Baselgia und Matthias Haldemann

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Galerie Heuberg 24 | Basel
23. November 2023

Simone Baumann im Gespräch

#MERET Art vs. Poetry
Julian Salinas, Andreas Schneider

Die im Rahmen der Poesie Tage 2023 entstandenen Werke zu den gewürdigten Schriftsteller:innen, Poet:innen und Lyriker:innen werden in einer Gesamtschau gezeigt.

In der Ausstellung #MERET sind die Arbeiten zu Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach und Fritz Liebrich zu sehen.

Die Künstler andreasschneider und Julian Salinas setzten sich jeweils mit einer Interpretation zum Werk der fünf verstorbenen Lyrikerinnen auseinander. Die Arbeiten stimmen sich stark auf das Leben und der Geschichte der Personen ab und zeigen eine aktuelle künstlerische Auseinandersetzung mit deren Werk. War Meret Oppenheim sehr stark durch ihre Zitate als Frau in der damals prägenden künstlerischen Männerwelt bekannt, schrieb Iris von Roten das Skandalbuch „Frauen im Laufgitter“, welches seiner Zeit voraus war. Rainer Brambach wurde als staatenloser vor dem 2. Weltkrieg nach Deutschland ausgewiesen, desertierte, wurde interniert und erst als bekannter Dichter eingebürgert und 1974 mit dem Basler Kunstpreis geehrt.

Mit der Retrospektiven Ausstellung sind nun sämtliche Werke, Fotografien und Performances in der Galerie am Heuberg 24 in Basel zu sehen.

Les œuvres réalisées dans le cadre des Journées de la poésie 2023 sur les écrivains, poètes et poétesses honorés sont présentées dans une exposition globale.

L'exposition #MERET présente les travaux de Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach et Fritz Liebrich.

Les artistes andreasschneider et Julian Salinas se sont chacun penchés sur une interprétation de l'œuvre des cinq poétesses décédées. Les travaux s'accordent fortement avec la vie et l'histoire des personnes et montrent une réflexion artistique actuelle sur leur œuvre. Si Meret Oppenheim était très connue pour ses citations en tant que femme dans le monde artistique masculin qui était alors marquant, Iris von Roten a écrit le livre à scandale "Frauen im Laufgitter", qui était en avance sur son temps. Rainer Brambach, apatride, a été expulsé vers l'Allemagne avant la Seconde Guerre mondiale, a déserté, a été interné et n'a été naturalisé qu'en tant que poète connu et a été honoré en 1974 par le prix artistique de Bâle.

Avec l'exposition rétrospective, toutes les œuvres, les photographies et les performances sont désormais exposées à la Galerie am Heuberg 24 à Bâle.

Le opere create nell'ambito delle Giornate della Poesia 2023 sugli scrittori, poeti e parolieri premiati saranno esposte in una mostra complessiva.

La mostra #MERET presenta opere di Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach e Fritz Liebrich.

Gli artisti andreasschneider e Julian Salinas hanno proposto un'interpretazione dell'opera dei cinque poeti scomparsi. Le opere sono fortemente in linea con le vite e le storie degli individui e mostrano un esame artistico contemporaneo del loro lavoro. Mentre Meret Oppenheim era ben nota per le sue citazioni come donna nel mondo artistico dell'epoca, dominato dagli uomini, Iris von Roten scrisse il libro scandaloso "Frauen im Laufgitter" (Donne nel recinto), che era in anticipo sui tempi. Rainer Brambach fu espulso in Germania come apolide prima della Seconda Guerra Mondiale, disertò, fu internato e fu naturalizzato solo come noto poeta e premiato con il Premio d'Arte di Basilea nel 1974.

Con la mostra retrospettiva, tutte le sue opere, fotografie e performance sono ora esposte alla Galerie am Heuberg 24 di Basilea.

The works created as part of the Poetry Days 2023 on the honored writers, poets and lyricists will be shown in an overall exhibition.

The #MERET exhibition features works by Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach and Fritz Liebrich.

The artists andreasschneider and Julian Salinas have each come up with an interpretation of the work of the five deceased poets. The works are strongly attuned to the lives and histories of the individuals and show a contemporary artistic examination of their work. While Meret Oppenheim was very much known for her quotes as a woman in the then formative artistic male world, Iris von Roten wrote the scandalous book "Frauen im Laufgitter", which was ahead of its time. Rainer Brambach was expelled to Germany as a stateless person before the Second World War, deserted, was interned and only became a naturalized citizen as a well-known poet and was honoured with the Basel Art Prize in 1974.

With the retrospective exhibition, all of his works, photographs and performances are now on display at the Galerie am Heuberg 24 in Basel.

(Text: Julian Salinas, Basel)

Galerie 94 | Baden
18. November 2023

Die Schweizer Alpen
Daniel Bühler

Daniel Bühler, der seit Jahren sein Oeuvre mit Akribie pflegt, arbeitet technisch und bildnerisch einzigartig. Er visualisiert Welten, die wir vielleicht schon gesehen, nie aber in dieser Fülle wahrgenommen haben, facettenreich einzigartig. Das ist zum einen das Verdienst seines perfekten Gespürs für den «unperfekten» Augenblick. Abseits getretener Pfade sucht er in den Bergen, auf seinem Rücken 20 Kilogramm schwere Fotoutensilien, das perfekte Licht, das von dahinziehenden Wolkenund Nebelfeldern durchgelassen wird und der kargen Bergwelt erst recht Konturen verleiht. Daniel Bühler mag Wetterwechsel und atmosphärische Kapriolen. Zum anderen ist die Magie der Bilder seiner herausragenden Technik geschuldet: Er fertigt mehrere Einzelbilder einer Sequenz an, die er danach im Studio in akribischer Arbeit zusammensetzt. Dabei greift er auf seine Farbskizzen zurück, die er sich am Schauplatz notiert. Wahrheit und Inszenierung fügen sich auf diese Art zu einem ungeahnten Detailreichtum zusammen. Kaum zu glauben, in wie vielen Nuancen Alpenfirn leuchten kann. Die grossformatigen Bergwelten, gerahmt in massiver Eiche, zeigen eine assoziationsreiche Art von Bildgedächtnis.

Daniel Bühler, qui entretient son œuvre avec minutie depuis des années, travaille de manière unique sur le plan technique et pictural. Il visualise des mondes que nous avons peut-être déjà vus, mais jamais perçus avec autant de richesse, uniques par leurs facettes. Le mérite en revient d'une part à son flair parfait pour l'instant "imparfait". Hors des sentiers battus, il cherche dans les montagnes, avec sur son dos un matériel photographique de 20 kilos, la lumière parfaite que laissent passer les nuages et les champs de brouillard qui s'éloignent et qui donnent des contours au monde aride de la montagne. Daniel Bühler aime les changements de temps et les caprices de l'atmosphère. D'autre part, la magie de ses visuels est due à sa technique exceptionnelle : Il réalise plusieurs images individuelles d'une séquence, qu'il assemble ensuite en studio par un travail méticuleux. Pour ce faire, il se sert de ses esquisses en couleur, qu'il note sur place. La vérité et la mise en scène se rejoignent ainsi dans une richesse de détails insoupçonnée. Il est difficile de croire aux nombreuses nuances du névé alpin. Les paysages de montagne en grand format, encadrés en chêne massif, révèlent une sorte de mémoire visuelle riche en associations.

Daniel Bühler, che da anni coltiva meticolosamente la sua opera, lavora in modo tecnicamente e pittoricamente unico. Visualizza mondi forse già visti, ma mai percepiti in questa pienezza, multiformemente unica. Da un lato, questo è il merito del suo perfetto senso del momento "imperfetto". Fuori dai sentieri battuti, cerca la luce perfetta in montagna, portando sulle spalle 20 chilogrammi di attrezzatura fotografica, che si lascia attraversare da nuvole e campi di nebbia e dà i contorni al brullo mondo montano. Daniel Bühler ama i cambiamenti meteorologici e i capricci atmosferici. D'altra parte, la magia delle immagini è dovuta alla sua tecnica eccezionale: Scatta diverse immagini singole di una sequenza, che poi assembla meticolosamente in studio. Nel farlo, si basa sui suoi schizzi a colori, che annota sulla scena. In questo modo, verità e messa in scena si fondono in una ricchezza di dettagli inimmaginabile. È difficile credere a quante sfumature possa brillare la neve alpina. I mondi montani di grande formato, incorniciati in rovere massiccio, mostrano una sorta di memoria pittorica ricca di associazioni.

Daniel Bühler, who has been meticulously cultivating his oeuvre for years, works in a technically and pictorially unique way. He visualizes worlds that we have perhaps already seen, but never perceived in this fullness, multifaceted unique. This is on the one hand the merit of his perfect sense for the "imperfect" eye-gaze. Off the beaten track, he searches for the perfect light in the mountains, carrying 20 kilograms of photographic equipment on his back, which is let through by drifting clouds and fog fields and gives the barren mountain world its contours in the first place. Daniel Bühler likes weather changes and atmospheric caprices. On the other hand, the magic of the pictures is due to his outstanding technique: He takes several individual images of a sequence, which he then meticulously assembles in the studio. In the process, he falls back on his color sketches, which he notes down in the viewing area. In this way, truth and staging come together in an undreamt-of wealth of detail. It's hard to believe how many shades of alpine snow can shine. The large-format mountain worlds, framed in solid oak, show a richly associative kind of pictorial memory.

(Text: Galerie 94, Baden)

Kunsthaus Zug
12. November 2023

Ausstellungsrundgang mit Guido Baselgia und Matthias Haldemann

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Galerie am Platz | Eglisau
12. November 2023

Albanien heute: Gespräch mit Lars Haefner und Suzana Gachnang von der Gesellschaft Schweiz-Albanien

Heute-gestern-übermorgen
Thomas Krempke

Seit drei Jahren arbeitet Thomas Krempke an einem Langzeitprojekt in Albanien, das Projekt ist eine Auseinandersetzung mit dem fotografischen Sehen und mit dem Blick auf die albanischen Wirklichkeit. Die Ausstellung „heute-gestern-übermorgen" zeigt einen Ausschnitt aus diesem Langzeitprojekt. Seit dem Ende der Diktatur 1992 versucht Albanien die gesellschaftliche und wirtschaftliche Entwicklung aufzuholen, für die wir fast hundert Jahre gebraucht haben. Ein unmögliches Unterfangen in dieser kurzen Zeit. Dessen Folgen sind überall im Land sichtbar und scheinen wie ein Spiegelbild unserer eigenen Lebensweise. Es ist als ob Albanien schweben würde zwischen seiner nicht allzu fernen Vergangenheit, die unendlich weit weg zu sein scheint, und einer Zukunft, die nie anbrechen wird, und von der man den Eindruck hat, sie werde sich, bevor sie begonnen hat, wie ein Traum in nichts auflösen. Mit seinen Bildern und Texten setzt sich Thomas Krempke auch mit unserer Wahrnehmung als Reisende auseinander, mit unserem Blick auf andere.

Depuis trois ans, Thomas Krempke travaille sur un projet à long terme en Albanie. Ce projet est une réflexion sur la vision photographique et sur le regard porté sur la réalité albanaise. L'exposition "aujourd'hui-aujourd'hui-après-demain" présente un extrait de ce projet à long terme. Depuis la fin de la dictature en 1992, l'Albanie tente de rattraper le développement social et économique qui nous a pris près de cent ans. Une entreprise impossible en si peu de temps. Ses conséquences sont visibles partout dans le pays et semblent être le reflet de notre propre mode de vie. C'est comme si l'Albanie flottait entre son passé pas si lointain, qui semble infiniment éloigné, et un avenir qui ne commencera jamais, et dont on a l'impression qu'il s'évanouira avant même d'avoir commencé, comme un rêve. Avec ses images et ses textes, Thomas Krempke s'interroge également sur notre perception en tant que voyageurs, sur le regard que nous portons sur les autres.

Thomas Krempke lavora da tre anni a un progetto a lungo termine in Albania, un'esplorazione della visione fotografica e dello sguardo sulla realtà albanese. La mostra "heute-gestern-übermorgen" presenta un estratto di questo progetto a lungo termine. Dalla fine della dittatura nel 1992, l'Albania sta cercando di recuperare il ritardo nello sviluppo sociale ed economico che ha richiesto quasi cento anni. Un'impresa impossibile in questo breve lasso di tempo. Le sue conseguenze sono visibili ovunque nel Paese e sembrano un riflesso del nostro stesso modo di vivere. È come se l'Albania fosse sospesa tra il suo passato non troppo lontano, che sembra infinitamente lontano, e un futuro che non sorgerà mai, e di cui si ha l'impressione che si dissolverà nel nulla come un sogno prima ancora di cominciare. Con le sue immagini e i suoi testi, Thomas Krempke si occupa anche della nostra percezione di viaggiatori, del nostro sguardo sugli altri.

Thomas Krempke has been working on a long-term project in Albania for three years; the project is an exploration of photographic seeing and the gaze on Albanian reality. The exhibition " today-yesterday-after tomorrow" shows an excerpt from this long-term project. Since the end of the dictatorship in 1992, Albania has been trying to catch up with the social and economic development that we took almost a hundred years to achieve. An impossible undertaking in this short period of time. Its consequences are everywhere visible in the country and seem like a reflection of our own way of life. It is as if Albania is suspended between its not-so-distant past, which seems infinitely far away, and a future that will never dawn, of which one has the impression that it will dissolve into nothing like a dream before it has begun. With his pictures and texts, Thomas Krempke also deals with our perception as travelers, with our view of the other.

(Text: Thomas Krempke)

Fabian & Claude Walter Galerie | Zürich
11. November 2023

Anna Wesle (Museum Franz Gertsch) und Detta Kälin (KWS) im Gespräch mit Peter Hebeisen

Kunstpreis der Keller-Wedekind-Stiftung KWS 2023
Peter Hebeisen

Die Keller-Wedekind-Stiftung (KWS) vergibt ihren hochdotierten Kunstpreis dieses Jahr an den in Zürich lebenden Fotografen Peter Hebeisen.

Hebeisens fotografische Serien kreisen um das Thema Porträt. Seine Fotografien sind Interpretationen dessen, was das Objektiv der Kamera einfängt. Es ist der scharfe Blick hinter und unter die sichtbare Oberfläche, der das Eindringen in die subkutane Landschaft von Mensch, Tier und Natur ermöglicht.

Die Serie 20th Century European Battlefields ist von bemerkenswerter Aktualität. Peter Hebeisen fotografierte Orte in Europa, an denen die großen kriegerischen Schlachten des 1. und 2. Weltkrieges stattfanden. Wo kilometerweit Natur und Städte verwüstet wurden und Tausende von Menschen starben, befinden sich heute Städte, lauschige Wäldchen oder idyllische Strände mit Sonnenschirmen und Eisständen. Dennoch ist es Kriegsfotografie, die gleichsam posthum den Ort und seine Toten porträtiert.

Beeindruckend ist auch Hebeisens neueste Serie der Schweizer Gletscher What remains. Die Aufnahme rückt den Gletscher in die Nähe eines lebendigen Wesens, welches leidet und stirbt – ein faszinierender Kontrapunkt zur prachtvollen Schönheit der Bergwelt.

Die Keller-Wedekind-Stiftung (KWS) fördert gegenständliche Kunst in der Schweiz. Die KWS vergibt ihren Preis seit 2013 alle zwei Jahre. Peter Hebeisen ist nach Gabriella Gerosa, Joëlle Flumet, Thomas Ritz, Tobias Weber und Andrea Muheim der sechste Träger des KWS-Kunstpreises. Es ist einer der höchstdotierten ausschliesslich privat finanzierten Kunstpreise in der Schweiz. Sein Wert beläuft sich auf 70'000 Schweizer Franken: Der Künstler erhält 10'000 Franken, mindestens ein Werk wird von der Stiftung angekauft; zudem gehören zur Förderung eine Ausstellung in der Zürcher Galerie Fabian & Claude Walter und die Produktion des Werkkatalogs. Der über 100-seitige Katalog zur Ausstellung enthält rund 60 Abbildungen und den Text der Redaktorin und Autorin Nadine Olonetzky. Die Werkkataloge der KWS zeichnen sich durch Gehalt und eine sorgfältige Zusammenstellung aus. Diese namhafte Förderung wird mit einem langen Atem, abseits von kurzlebigen Strömungen und modischem Marketing verfolgt. Die Evaluation der jeweiligen Kunstschaffenden spielt sich in einem konzentrierten Prozess ab. Kunstschaffende reichen bei der KWS ihre Werke nicht ein, sondern sie werden durch permanente, intensive Beobachtung der Schweizer Kunstszene von der Stiftung ausgewählt.

La Fondation Keller-Wedekind (KWS) décerne cette année son prix artistique très bien doté à Peter Hebeisen, photographe vivant à Zurich.

Les séries photographiques de Hebeisen tournent autour du thème du portrait. Ses photographies sont des interprétations de ce que l'objectif de l'appareil photo saisit. C'est le regard acéré derrière et sous la surface visible qui permet de pénétrer dans le paysage sous-cutané de l'homme, de l'animal et de la nature.

La série 20th Century European Battlefields est d'une remarquable actualité. Peter Hebeisen a photographié des lieux en Europe où se sont déroulées les grandes batailles guerrières de la Première et de la Seconde Guerre mondiale. Là où la nature et les villes ont été dévastées sur des kilomètres et où des milliers de personnes sont mortes, on trouve aujourd'hui des villes, des bosquets intimes ou des plages idylliques avec des parasols et des stands de glace. Il s'agit néanmoins d'une photographie de guerre qui dresse un portrait posthume du lieu et de ses morts.

La dernière série d'Hebeisen sur les glaciers suisses What remains est également impressionnante. La photo rapproche le glacier d'un être vivant qui souffre et meurt - un contrepoint fascinant à la beauté somptueuse des montagnes.

La Fondation Keller-Wedekind (KWS) encourage l'art figuratif en Suisse. Depuis 2013, la KWS décerne son prix tous les deux ans. Après Gabriella Gerosa, Joëlle Flumet, Thomas Ritz, Tobias Weber et Andrea Muheim, Peter Hebeisen est le sixième lauréat du prix d'art KWS. Il s'agit de l'un des prix d'art les mieux dotés en Suisse, financé exclusivement par des fonds privés. Sa valeur s'élève à 70 000 francs suisses : l'artiste reçoit 10 000 francs suisses, au moins une œuvre est achetée par la fondation ; en outre, une exposition à la galerie zurichoise Fabian & Claude Walter et la production du catalogue de l'œuvre font partie du soutien. Le catalogue de l'exposition, qui compte plus de 100 pages, contient environ 60 illustrations et le texte de la rédactrice et auteure Nadine Olonetzky. Les catalogues d'œuvres de la KWS se distinguent par leur contenu et leur composition soignée. Cette promotion de renom est suivie avec une grande persévérance, à l'écart des courants éphémères et du marketing à la mode. L'évaluation des artistes concernés se déroule dans le cadre d'un processus concentré. Les artistes ne soumettent pas leurs œuvres à la KWS, mais sont sélectionnés par la fondation grâce à une observation permanente et intensive de la scène artistique suisse.

Quest'anno la Fondazione Keller-Wedekind (KWS) assegna il suo premio d'arte, dotato di un'elevata dotazione, al fotografo zurighese Peter Hebeisen.

Le serie fotografiche di Hebeisen ruotano attorno al tema del ritratto. Le sue fotografie sono interpretazioni di ciò che l'obiettivo della macchina fotografica cattura. È la visione nitida dietro e sotto la superficie visibile che permette di penetrare nel paesaggio sottocutaneo dell'uomo, dell'animale e della natura.

La serie dei Campi di battaglia europei del XX secolo è straordinariamente attuale. Peter Hebeisen ha fotografato i luoghi in Europa dove si sono svolte le grandi battaglie della Prima e della Seconda guerra mondiale. Dove chilometri di natura e città sono stati devastati e migliaia di persone sono morte, ora ci sono città, boschi appartati e spiagge idilliache con ombrelloni e chioschi di gelati. Tuttavia, è la fotografia di guerra a ritrarre il luogo e i suoi morti in modo per così dire postumo.

Anche l'ultima serie di Hebeisen sui ghiacciai svizzeri, What remains, è impressionante. La fotografia avvicina il ghiacciaio a un essere vivente che sta soffrendo e morendo - un affascinante contrappunto alla magnifica bellezza del mondo montano.

La Fondazione Keller-Wedekind (KWS) promuove l'arte figurativa in Svizzera. Dal 2013 la KWS assegna il suo premio ogni due anni. Peter Hebeisen è il sesto vincitore del Premio d'arte KWS dopo Gabriella Gerosa, Joëlle Flumet, Thomas Ritz, Tobias Weber e Andrea Muheim. Si tratta di uno dei premi d'arte più ricchi e finanziati esclusivamente da privati in Svizzera. Ha un valore di 70.000 franchi svizzeri: l'artista riceve 10.000 franchi svizzeri, almeno un'opera viene acquistata dalla fondazione; la sponsorizzazione comprende anche una mostra presso la Galleria Fabian & Claude Walter di Zurigo e la produzione del catalogo ragionato. Il catalogo di 100 pagine che accompagna la mostra contiene circa 60 illustrazioni e un testo della curatrice e autrice Nadine Olonetzky. I cataloghi ragionati della KWS si distinguono per il loro contenuto e la loro accurata compilazione. Questa rinomata promozione è perseguita con forza, lontano dalle tendenze effimere e dal marketing alla moda. La valutazione dei rispettivi artisti avviene in un processo concentrato. Gli artisti non presentano le loro opere alla KWS, ma vengono selezionati dalla fondazione attraverso un'osservazione permanente e intensiva della scena artistica svizzera.

This year, the Keller Wedekind Foundation (KWS) is awarding its highly endowed art prize to the Zurich-based photographer Peter Hebeisen.

Hebeisen's photographic series revolve around the theme of portraiture. His photographs are interpretations of what the camera lens captures. It is the sharp view behind and beneath the visible surface that enables the penetration into the subcutaneous landscape of humans, animals and nature.

The 20th Century European Battlefields series is remarkably topical. Peter Hebeisen photographed places in Europe where the great battles of the First and Second World Wars took place. Where miles of nature and cities were devastated and thousands of people died, there are now towns, secluded woods and idyllic beaches with parasols and ice cream stands. Nevertheless, it is war photography that portrays the place and its dead posthumously, as it were.

Hebeisen's latest series of Swiss glaciers, What remains, is also impressive. The photograph brings the glacier close to a living being that is suffering and dying - a fascinating counterpoint to the magnificent beauty of the mountain world.

The Keller-Wedekind Foundation (KWS) promotes figurative art in Switzerland. The KWS has awarded its prize every two years since 2013. Peter Hebeisen is the sixth winner of the KWS Art Prize after Gabriella Gerosa, Joëlle Flumet, Thomas Ritz, Tobias Weber and Andrea Muheim. It is one of the most highly endowed, exclusively privately financed art prizes in Switzerland. Its value amounts to 70,000 Swiss francs: the artist receives 10,000 francs, at least one work is purchased by the foundation; the sponsorship also includes an exhibition at the Fabian & Claude Walter Gallery in Zurich and the production of a catalog of works. The 100-page catalog accompanying the exhibition contains around 60 illustrations and a text by editor and author Nadine Olonetzky. The KWS catalogs raisonnés are characterized by their content and careful compilation. This renowned promotion is pursued with staying power, away from short-lived trends and fashionable marketing. The evaluation of the respective artists takes place in a concentrated process. Artists do not submit their works to the KWS, but are selected by the foundation through permanent, intensive observation of the Swiss art scene.

(Text: Fabian & Claude Walter Galerie, Zürich)

Galerie am Platz | Eglisau
29. Oktober 2023

Künstlergespräch mit Mine Dal, Fotografin

Heute-gestern-übermorgen
Thomas Krempke

Seit drei Jahren arbeitet Thomas Krempke an einem Langzeitprojekt in Albanien, das Projekt ist eine Auseinandersetzung mit dem fotografischen Sehen und mit dem Blick auf die albanischen Wirklichkeit. Die Ausstellung „heute-gestern-übermorgen" zeigt einen Ausschnitt aus diesem Langzeitprojekt. Seit dem Ende der Diktatur 1992 versucht Albanien die gesellschaftliche und wirtschaftliche Entwicklung aufzuholen, für die wir fast hundert Jahre gebraucht haben. Ein unmögliches Unterfangen in dieser kurzen Zeit. Dessen Folgen sind überall im Land sichtbar und scheinen wie ein Spiegelbild unserer eigenen Lebensweise. Es ist als ob Albanien schweben würde zwischen seiner nicht allzu fernen Vergangenheit, die unendlich weit weg zu sein scheint, und einer Zukunft, die nie anbrechen wird, und von der man den Eindruck hat, sie werde sich, bevor sie begonnen hat, wie ein Traum in nichts auflösen. Mit seinen Bildern und Texten setzt sich Thomas Krempke auch mit unserer Wahrnehmung als Reisende auseinander, mit unserem Blick auf andere.

Depuis trois ans, Thomas Krempke travaille sur un projet à long terme en Albanie. Ce projet est une réflexion sur la vision photographique et sur le regard porté sur la réalité albanaise. L'exposition "aujourd'hui-aujourd'hui-après-demain" présente un extrait de ce projet à long terme. Depuis la fin de la dictature en 1992, l'Albanie tente de rattraper le développement social et économique qui nous a pris près de cent ans. Une entreprise impossible en si peu de temps. Ses conséquences sont visibles partout dans le pays et semblent être le reflet de notre propre mode de vie. C'est comme si l'Albanie flottait entre son passé pas si lointain, qui semble infiniment éloigné, et un avenir qui ne commencera jamais, et dont on a l'impression qu'il s'évanouira avant même d'avoir commencé, comme un rêve. Avec ses images et ses textes, Thomas Krempke s'interroge également sur notre perception en tant que voyageurs, sur le regard que nous portons sur les autres.

Thomas Krempke lavora da tre anni a un progetto a lungo termine in Albania, un'esplorazione della visione fotografica e dello sguardo sulla realtà albanese. La mostra "heute-gestern-übermorgen" presenta un estratto di questo progetto a lungo termine. Dalla fine della dittatura nel 1992, l'Albania sta cercando di recuperare il ritardo nello sviluppo sociale ed economico che ha richiesto quasi cento anni. Un'impresa impossibile in questo breve lasso di tempo. Le sue conseguenze sono visibili ovunque nel Paese e sembrano un riflesso del nostro stesso modo di vivere. È come se l'Albania fosse sospesa tra il suo passato non troppo lontano, che sembra infinitamente lontano, e un futuro che non sorgerà mai, e di cui si ha l'impressione che si dissolverà nel nulla come un sogno prima ancora di cominciare. Con le sue immagini e i suoi testi, Thomas Krempke si occupa anche della nostra percezione di viaggiatori, del nostro sguardo sugli altri.

Thomas Krempke has been working on a long-term project in Albania for three years; the project is an exploration of photographic seeing and the gaze on Albanian reality. The exhibition " today-yesterday-after tomorrow" shows an excerpt from this long-term project. Since the end of the dictatorship in 1992, Albania has been trying to catch up with the social and economic development that we took almost a hundred years to achieve. An impossible undertaking in this short period of time. Its consequences are everywhere visible in the country and seem like a reflection of our own way of life. It is as if Albania is suspended between its not-so-distant past, which seems infinitely far away, and a future that will never dawn, of which one has the impression that it will dissolve into nothing like a dream before it has begun. With his pictures and texts, Thomas Krempke also deals with our perception as travelers, with our view of the other.

(Text: Thomas Krempke)

Galerie Stephan Witschi | Zürich
6. Oktober 2023

Barbara Liebster im Gespräch mit Isabelle Krieg

SUPERNORMALMARKT
Isabelle Krieg

Wenn ich meine Ausstellung NORMALMARKT nenne, genauer geschrieben SUPERNORMALMARKT, dann wissen alle, was gemeint ist: Die Abkehr vom bisherigen Super-Kaputtalismus hin zu einem «normalen» Miteinander.

Denn der bisherige Supermarkt funktioniert nur auf dem Rücken von anderen, die an den Rand gedrängt werden, und auf Kosten der Natur. Und das können wir uns einfach nicht mehr leisten.

Si j'appelle mon exposition NORMALMARK, ou plus exactement SUPERNORMALMARKT, tout le monde sait de quoi il s'agit : l'abandon du super-caputtalisme actuel au profit d'une cohabitation "normale".

Car le supermarché actuel ne fonctionne que sur le dos des autres, qui sont marginalisés, et au détriment de la nature. Et cela, nous ne pouvons tout simplement plus nous le permettre.

Quando chiamo la mia mostra NORMALMARKT, o più precisamente SUPERNORMALMARKT, allora tutti sanno cosa intendo: l'allontanamento dal precedente supercapitalismo verso una "normale" convivenza.

Perché il supermercato precedente funziona solo sulle spalle degli altri che sono spinti ai margini, e a spese della natura. E questo non possiamo più permettercelo.

When I call my exhibition NORMALMARKT, or more precisely SUPERNORMALMARKT, then everyone knows what is meant: The turn away from the previous super-caputtalism to a "normal" togetherness.

Because the present supermarket functions only on the back of others, who are pushed to the edge, and at the expense of nature. And we simply can't afford that anymore.

(Text: Isabelle Krieg)

Kunstmuseum Luzern
4. Oktober 2023

Den Krieg dokumentieren: Podiumsgespräch mit den VII-Fotografen Daniel Schwartz und Christopher Morris, in englischer Sprache, in Kooperation mit VII/Foundation

Tracings
Daniel Schwartz

Daniel Schwartz (*1955) reist dahin, wo es brennt, in die Krisenregionen dieser Welt. Akribisch hält er Situationen mit der Kamera fest, in denen andere wegschauen. Der Schweizer Fotograf ist ein Fährtenleser, der sich auf die Spur seines eigenen Werks macht. Für die Ausstellung Tracings öffnet er sein Archiv, das einen umfangreichen Bildkorpus aus den letzten 50 Jahren umfasst, und zeigt unveröffentlichte Schätze. Auch in seinen Bildern folgt Daniel Schwartz Spuren: traurigen Überresten von verschwindenden Gletschern auf der ganzen Welt, dem Marsch von Khmer-Soldaten auf einer verminten Strasse in Kambodscha, die leer zurückgelassene Nische der von den Taliban zerstörten Buddhastatuen in Bamiyan oder von Uigur:innen unter Zwang gegrabenen Bewässerungskanälen in der chinesischen Wüste. Dabei vertritt er eine engagierte Haltung, niemals die Menschen blossstellend, die er unter schwierigen Umständen porträtiert. Ausschliesslich analog und meist schwarzweiss zeugen Schwartz’ Bilder von seinem kritischen Auge, mit dem er die Brutalität der Wirklichkeit in den Fokus nimmt.

Kuratiert von Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) se rend là où ça brûle, dans les régions en crise du monde. Il immortalise méticuleusement avec son appareil photo des situations où d'autres détournent le regard. Le photographe suisse est un traqueur qui part sur les traces de son propre travail. Pour l'exposition Tracings, il ouvre ses archives, qui comprennent un vaste corpus d'images des 50 dernières années, et montre des trésors inédits. Dans ses images aussi, Daniel Schwartz suit des pistes : les tristes vestiges de glaciers en voie de disparition dans le monde entier, la marche de soldats khmers sur une route minée au Cambodge, la niche laissée vide des statues de Bouddha détruites par les talibans à Bamiyan ou des canaux d'irrigation creusés sous la contrainte par des Ouïghours dans le désert chinois. Il adopte une attitude engagée, ne mettant jamais à nu les personnes dont il fait le portrait dans des conditions difficiles. Exclusivement analogiques et le plus souvent en noir et blanc, les images de Schwartz témoignent de son œil critique, avec lequel il met l'accent sur la brutalité de la réalité.

Commissariat de Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) viaggia dove c'è il fuoco, nelle aree di crisi di questo mondo. Con la sua macchina fotografica cattura meticolosamente situazioni in cui gli altri guardano altrove. Il fotografo svizzero è un segugio che si mette sulle tracce del proprio lavoro. Per la mostra Tracings, apre il suo archivio, che comprende un ampio corpus di immagini degli ultimi 50 anni, e mostra tesori inediti. Daniel Schwartz segue le tracce anche nelle sue immagini: i tristi resti di ghiacciai scomparsi in tutto il mondo, la marcia dei soldati khmer su una strada minata in Cambogia, la nicchia vuota delle statue di Buddha a Bamiyan distrutte dai Talebani o i canali di irrigazione nel deserto cinese scavati sotto costrizione dagli Uigur:ins. Nel farlo, assume una posizione impegnata, senza mai esporre le persone che ritrae in circostanze difficili. Esclusivamente analogiche e per lo più in bianco e nero, le immagini di Schwartz testimoniano il suo occhio critico, con cui mette a fuoco la brutalità della realtà.

A cura di Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) travels to hot spots, the world’s crisis regions. He meticulously photographs situations others looks away from. The Swiss photographer is a tracker, who is now setting out on the trail of his own work. For the exhibition Tracings he is opening his archive, with its extensive range of images from the past 50 years, and showing unpublished treasures. Daniel Schwartz also follows trails in his images: sad remains of disappearing glaciers all over the world, Khmer soldiers marching along a mined road in Cambodia, an empty niche left by the Buddha statues in Bamyan destroyed by the Taliban or irrigation tunnels in the Chinese desert which Uyghurs were forced to dig. In doing so the photographer adopts an involved attitude, never showing up the people he portrays under such difficult circumstances. Schwartz’ photographs, all of them analogue and most of them black-and-white, testify to the critical eye he casts on the brutality of reality.

Curated by Beat Wismer

                (Text: Kunstmuseum Luzern)

Kunstmuseum Luzern
30. September 2023

Rundgang mit Daniel Schwartz und Beat Wismer

Tracings
Daniel Schwartz

Daniel Schwartz (*1955) reist dahin, wo es brennt, in die Krisenregionen dieser Welt. Akribisch hält er Situationen mit der Kamera fest, in denen andere wegschauen. Der Schweizer Fotograf ist ein Fährtenleser, der sich auf die Spur seines eigenen Werks macht. Für die Ausstellung Tracings öffnet er sein Archiv, das einen umfangreichen Bildkorpus aus den letzten 50 Jahren umfasst, und zeigt unveröffentlichte Schätze. Auch in seinen Bildern folgt Daniel Schwartz Spuren: traurigen Überresten von verschwindenden Gletschern auf der ganzen Welt, dem Marsch von Khmer-Soldaten auf einer verminten Strasse in Kambodscha, die leer zurückgelassene Nische der von den Taliban zerstörten Buddhastatuen in Bamiyan oder von Uigur:innen unter Zwang gegrabenen Bewässerungskanälen in der chinesischen Wüste. Dabei vertritt er eine engagierte Haltung, niemals die Menschen blossstellend, die er unter schwierigen Umständen porträtiert. Ausschliesslich analog und meist schwarzweiss zeugen Schwartz’ Bilder von seinem kritischen Auge, mit dem er die Brutalität der Wirklichkeit in den Fokus nimmt.

Kuratiert von Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) se rend là où ça brûle, dans les régions en crise du monde. Il immortalise méticuleusement avec son appareil photo des situations où d'autres détournent le regard. Le photographe suisse est un traqueur qui part sur les traces de son propre travail. Pour l'exposition Tracings, il ouvre ses archives, qui comprennent un vaste corpus d'images des 50 dernières années, et montre des trésors inédits. Dans ses images aussi, Daniel Schwartz suit des pistes : les tristes vestiges de glaciers en voie de disparition dans le monde entier, la marche de soldats khmers sur une route minée au Cambodge, la niche laissée vide des statues de Bouddha détruites par les talibans à Bamiyan ou des canaux d'irrigation creusés sous la contrainte par des Ouïghours dans le désert chinois. Il adopte une attitude engagée, ne mettant jamais à nu les personnes dont il fait le portrait dans des conditions difficiles. Exclusivement analogiques et le plus souvent en noir et blanc, les images de Schwartz témoignent de son œil critique, avec lequel il met l'accent sur la brutalité de la réalité.

Commissariat de Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) viaggia dove c'è il fuoco, nelle aree di crisi di questo mondo. Con la sua macchina fotografica cattura meticolosamente situazioni in cui gli altri guardano altrove. Il fotografo svizzero è un segugio che si mette sulle tracce del proprio lavoro. Per la mostra Tracings, apre il suo archivio, che comprende un ampio corpus di immagini degli ultimi 50 anni, e mostra tesori inediti. Daniel Schwartz segue le tracce anche nelle sue immagini: i tristi resti di ghiacciai scomparsi in tutto il mondo, la marcia dei soldati khmer su una strada minata in Cambogia, la nicchia vuota delle statue di Buddha a Bamiyan distrutte dai Talebani o i canali di irrigazione nel deserto cinese scavati sotto costrizione dagli Uigur:ins. Nel farlo, assume una posizione impegnata, senza mai esporre le persone che ritrae in circostanze difficili. Esclusivamente analogiche e per lo più in bianco e nero, le immagini di Schwartz testimoniano il suo occhio critico, con cui mette a fuoco la brutalità della realtà.

A cura di Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) travels to hot spots, the world’s crisis regions. He meticulously photographs situations others looks away from. The Swiss photographer is a tracker, who is now setting out on the trail of his own work. For the exhibition Tracings he is opening his archive, with its extensive range of images from the past 50 years, and showing unpublished treasures. Daniel Schwartz also follows trails in his images: sad remains of disappearing glaciers all over the world, Khmer soldiers marching along a mined road in Cambodia, an empty niche left by the Buddha statues in Bamyan destroyed by the Taliban or irrigation tunnels in the Chinese desert which Uyghurs were forced to dig. In doing so the photographer adopts an involved attitude, never showing up the people he portrays under such difficult circumstances. Schwartz’ photographs, all of them analogue and most of them black-and-white, testify to the critical eye he casts on the brutality of reality.

Curated by Beat Wismer

                (Text: Kunstmuseum Luzern)

Kunstmuseum Luzern
27. September 2023

Chez Walti: Buchvernissage mit dem Künstler Walter Pfeiffer, Martin Jaeggi, Autor, Patrick Frey, Verleger, und Fanni Fetzer, Kuratorin

Sincerely
Walter Pfeiffer

Walter Pfeiffer (*1946) sucht mit der fotografischen Linse nach Schönheit, der Darstellung des männlichen Körpers fernab klischeehafter Ideale, nach verspielter Erotik und Leichtigkeit. Der Schweizer Künstler schult sein Auge schon früh als Schaufensterdekorateur, porträtiert später rebellische Heranwachsende aus der schwulen Zürcher Untergrundszene und beliefert schliesslich die angesagtesten internationalen Modezeitschriften mit seinen Fotostrecken. Walter Pfeiffer gelingt es, zwischen Modefotografie und bildender Kunst zu changieren. So sind seine Landschaften, Stillleben und Porträts nie platt. Sie zeigen keine vollendete Schönheit und tragen den revolutionären Geist der Gegenkultur der 1970er-Jahre in sich. Bald gehen bei ihm Freunde und Liebhaber ein und aus, um sich fotografieren zu lassen. Die meist männlichen Modelle entziehen sich klassischen Assoziationen von männlich und weiblich. Typisch für Walter Pfeiffers Kunst sind kleine Makel, grelles Blitzlicht, nackte Haut, kräftige Farben, intensive Blicke. Wie in einem Fiebertraum sprechen seine Bilder von Sehnsüchten, reizvoller als die Realität, vom Begehren, unbeschwerter Lebensfreude, jugendlicher Liebe.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer kuratiert.

Die Ausstellung wurden von Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff unterstützt.

Walter Pfeiffer (*1946) recherche avec son objectif photographique la beauté, la représentation du corps masculin loin des idéaux clichés, l'érotisme ludique et la légèreté. L'artiste suisse forme son œil très tôt en tant que décorateur de vitrines, fait plus tard le portrait d'adolescents rebelles issus de la scène underground gay zurichoise et fournit finalement ses séries de photos aux magazines de mode internationaux les plus en vogue. Walter Pfeiffer parvient à osciller entre la photographie de mode et les arts visuels. Ainsi, ses paysages, natures mortes et portraits ne sont jamais plats. Ils ne montrent pas une beauté accomplie et portent en eux l'esprit révolutionnaire de la contre-culture des années 1970. Bientôt, amis et amants vont et viennent chez lui pour se faire photographier. Les modèles, pour la plupart des hommes, échappent aux associations classiques entre masculin et féminin. Les petites imperfections, la lumière crue du flash, la peau nue, les couleurs vives, les regards intenses sont typiques de l'art de Walter Pfeiffer. Comme dans un rêve fiévreux, ses visuels parlent de désirs, plus charmants que la réalité, de désir, de joie de vivre insouciante, d'amour juvénile.

L'exposition a été organisée par Fanni Fetzer.

L'exposition a été soutenue par la fondation Landis & Gyr, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) utilizza il suo obiettivo fotografico per ricercare la bellezza, la rappresentazione del corpo maschile lontano dagli ideali comuni, l'erotismo giocoso e la leggerezza. L'artista svizzero ha allenato il suo occhio fin da subito come vetrinista, per poi ritrarre adolescenti ribelli della scena underground gay di Zurigo e infine fornire le serie fotografiche alle riviste di moda internazionali più in voga. Walter Pfeiffer è riuscito a oscillare tra fotografia di moda e belle arti. I suoi paesaggi, nature morte e ritratti non sono mai piatti. Non mostrano una bellezza perfetta e portano con sé lo spirito rivoluzionario della controcultura degli anni Settanta. Ben presto amici e amanti entrano ed escono da casa sua per farsi fotografare. I modelli, per lo più uomini, sfuggono alle associazioni classiche di maschile e femminile. Tipici dell'arte di Walter Pfeiffer sono le piccole imperfezioni, i flash abbaglianti, la pelle nuda, i colori forti, gli sguardi intensi. Come in un sogno febbrile, i suoi quadri parlano di desideri, più affascinanti della realtà, di desiderio, di spensierata gioia di vivere, di amore giovanile.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer.

La mostra è stata sostenuta da Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) uses the photographic lens to search for beauty, the depiction of the male body far removed from clichéd ideals, playful eroticism and lightness. The Swiss artist trained his eye early as a window dresser, later portrayed rebellious adolescents from the gay Zurich underground scene, and finally supplied the hottest international fashion magazines with his photo series. Walter Pfeiffer succeeds in oscillating between fashion photography and fine art. His landscapes, still lifes and portraits are never flat. They do not show consummate beauty and carry the revolutionary spirit of the counterculture of the 1970s. Soon friends and lovers are going in and out of his house to have their pictures taken. The mostly male models defy classic associations of male and female. Typical of Walter Pfeiffer's art are small blemishes, glaring flash, naked skin, strong colors, intense looks. As if in a fever dream, his pictures speak of longings, more charming than reality, of desire, carefree joie de vivre, youthful love.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer.

The exhibition was supported by Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Galerie 94 | Baden
23. September 2023

I saw a shooting star and thought of you
Janik Bürgin

Zufall und Schicksal. Diese beiden Komponenten des Lebens betreffen uns alle und können kaum gesteuert werden. Sie prägen unseren Alltag, führen zu Veränderungen, beeinflussen den Ablauf der Dinge und leiten uns zu dem Abschnitt des Lebens, an dem wir uns augenblicklich befinden.

Eine solche Aneinanderreihung von Veränderungen hält Janik Bürgin in seiner umfangreichen Serie WALKING WITH THE WIND fotografisch fest. Landschaften, Porträts, Tiere, Wolken, Detailaufnahmen, Schattenspiele – so vielfältig die einzelnen Aufnahmen von WALKING WITH THE WIND in ihren Motiven auch zu scheinen mögen, so sind sie inhaltlich umso enger miteinander verknüpft, basieren aufeinander und ergänzen sich. 2019 nahm Janik Bürgin die ersten Fotografien der Serie auf. Zu Beginn standen Orte im Zentrum, zu denen er einen Bezug hatte und mit denen er eine Erfahrung in Verbindung setzte. Die anfangs landschaftlich orientierten Themen expandierten mit der Zeit. Mit der Verarbeitung von Ereignissen wie der Trennung von einer Freundin, dem Kennenlernen neuer Personen oder dem Fällen einer Entscheidung, erweiterte sich Bürgins Blick. Situationen und Kompositionen, Orte und Beziehungen, die zuvor womöglich fotografisch wenig Beachtung fanden, wurden nun zum Sujet der Aufnahmen. Nur durch Veränderungen kann ein neuer Schritt gegangen und nur durch einen neuen Schritt kann ein neuer Blickwinkel eröffnet werden. Bürgin lässt sich von diesen Veränderungen treiben und leiten. Trotzdem werden die Fotografien aktiv aufgenommen und sind keine Ergebnisse einer blossen Schlenderei mit der Kamera. Bewusst wird die Kamera eingesetzt, bewusst wird eine gewisse Unschärfe genutzt, bewusst wird nach keiner technischen Perfektion gestrebt, bewusst wird analog und digital fotografiert. Während die digitale Kamera für Bürgin die Schnelligkeit des Mediums unterstreicht, stellt die analoge Fotografie eine Verlangsamung des Prozesses dar. Das Changieren der Geschwindigkeit spiegelt sich in den Aufnahmen wider.

Hierbei geht es weniger um die Frage, welche Fotografie mit welcher Kamera aufgenommen wurde, sondern vielmehr um das Gefühl von Zeit, welche uns die Aufnahmen vermitteln. Die fliegenden Wolkenkonstrukte scheinen in ewigem Ruhestand zu sein, während die kompakten Bergketten mit jedem Blick lebendiger wirken. So hat auch die Abwesenheit der Farbe eine klare Bedeutung. Wir sehen die Welt nie, wie sie derSchwarzweissfilm wiedergibt. Es ist eine nichtexistentielle Welt, die trotzdem unsere Realität ist und infolgedessen Leerstellen besitzt, die durch den Fotografen sowie uns Betrachtende ausgefüllt werden müssen. Denn auch wenn die Aufnahmen eine dokumentarische Verarbeitung des Verlaufs der vergangenen Ereignisse des Fotografen sind, so sind die Bilder keine reine Dokumentation. Janik Bürgin offenbart intime Erinnerungen, Erlebnisse, Emotionen und erlaubt den Betrachtenden nicht nur einen Einblick in seine Welt, sondern fordert sie dazu auf, die Fotografien aus der eigenen Perspektive aufzufassen und auf die eigenen Erfahrungen zu übertragen. Es gelingt Bürgin in dieser Serie nicht nur ein grosses Stück seiner persönlichen Realität preiszugeben, sondern gestattet das Erlebnis einer individuellen Bilderfahrung. WALKING WITH THE WIND ist eine Auseinandersetzung mit dem Fluss des Lebens, von der Quelle bis zur Mündung. Jede unberechenbare Strömung, jeder massive Fels, jeder plötzliche Regenfall leitet das fliessende Wasser in seinem Verlauf. Zufall und Schicksal.

Le hasard et le destin. Ces deux composantes de la vie nous concernent tous et ne peuvent guère être contrôlées. Elles marquent notre quotidien, entraînent des changements, influencent le déroulement des choses et nous guident vers la phase de la vie où nous nous trouvons à un moment donné.

Dans sa vaste série WALKING WITH THE WIND, Janik Bürgin capture photographiquement un tel enchaînement de changements. Paysages, portraits, animaux, nuages, photos de détails, jeux d'ombres - aussi variées que puissent paraître les différentes prises de vue de WALKING WITH THE WIND dans leurs motifs, leur contenu est d'autant plus étroitement lié, se fonde l'un sur l'autre et se complète. En 2019, Janik Bürgin a pris les premières photographies de la série. Au début, l'accent était mis sur des lieux avec lesquels il avait un lien et auxquels il associait une expérience. Les thèmes, initialement axés sur le paysage, se sont développés au fil du temps. En traitant des événements tels que la rupture avec une amie, la rencontre de nouvelles personnes ou la prise d'une décision, le regard de Bürgin s'est élargi. Des situations et des compositions, des lieux et des relations qui, auparavant, n'avaient peut-être pas fait l'objet d'une grande attention photographique, sont devenus des sujets de prise de vue. Seuls les changements permettent de franchir une nouvelle étape et d'ouvrir un nouveau point de vue. Bürgin se laisse pousser et guider par ces changements. Malgré cela, les photographies sont prises activement et ne sont pas le résultat d'une simple flânerie avec l'appareil. C'est consciemment que l'appareil photo est utilisé, consciemment qu'un certain flou est utilisé, consciemment qu'aucune perfection technique n'est recherchée, consciemment que la photographie est analogique et numérique. Alors que l'appareil numérique souligne pour Bürgin la rapidité du médium, la photographie analogique transmet un ralentissement du processus. L'oscillation de la vitesse se reflète dans les prises de vue.

Il ne s'agit pas tant de savoir quelle photographie a été prise avec quel appareil, mais plutôt d'apprécier la sensation de temps que nous procurent les clichés. Les constructions de nuages volants semblent être en repos éternel, tandis que les chaînes de montagnes compactes semblent plus vivantes à chaque regard. Ainsi, même l'absence de couleur a une signification claire. Nous ne voyons jamais le monde tel que le film noir et blanc le restitue. C'est un monde inexistant, qui est pourtant notre réalité et qui possède par conséquent des vides qui doivent être comblés par le photographe et par nous, les spectateurs. Car même si les prises de vue sont un traitement documentaire du déroulement des événements passés du photographe, les visuels ne sont pas une simple documentation. Janik Bürgin révèle des souvenirs intimes, des expériences, des émotions et ne permet pas seulement au spectateur de pénétrer dans son univers, mais l'invite aussi à appréhender les photographies de son propre point de vue et à les transposer dans sa propre expérience. Dans cette série, Bürgin ne parvient pas seulement à dévoiler une grande partie de sa réalité personnelle, mais permet aussi de vivre une expérience visuelle individuelle. WALKING WITH THE WIND est une confrontation avec le flux de la vie, de sa source à son embouchure. Chaque courant imprévisible, chaque rocher massif, chaque pluie soudaine guide l'eau qui s'écoule dans son cours. Le hasard et le destin.

Il caso e il destino. Queste due componenti della vita ci riguardano tutti e sono difficilmente controllabili. Danno forma alla nostra vita quotidiana, portano a cambiamenti, influenzano il corso degli eventi e ci guidano verso la fase della vita in cui ci troviamo al momento.

Questa successione di cambiamenti viene catturata fotograficamente da Janik Bürgin nella sua ampia serie WALKING WITH THE WIND. Paesaggi, ritratti, animali, nuvole, dettagli, giochi d'ombra: per quanto le singole fotografie di WALKING WITH THE WIND possano sembrare diverse nei loro motivi, sono ancora più strettamente collegate in termini di contenuto, si basano l'una sull'altra e si completano a vicenda. Nel 2019 Janik Bürgin ha scattato le prime fotografie della serie. All'inizio, l'attenzione si è concentrata su luoghi a cui era legato e a cui associava un'esperienza. I temi inizialmente orientati al paesaggio si sono ampliati nel tempo. Con l'elaborazione di eventi come la rottura con una fidanzata, l'incontro con nuove persone o la presa di una decisione, la visione di Bürgin si è ampliata. Situazioni e composizioni, luoghi e relazioni che in precedenza potevano ricevere poca attenzione fotografica sono diventati il soggetto delle fotografie. Solo attraverso il cambiamento si può fare un nuovo passo e solo attraverso un nuovo passo si può aprire una nuova prospettiva. Bürgin si lascia guidare da questi cambiamenti. Tuttavia, le fotografie sono scattate attivamente e non sono il risultato di una semplice passeggiata con la macchina fotografica. La macchina fotografica è usata consapevolmente, una certa sfocatura è usata consapevolmente, nessuna perfezione tecnica è ricercata consapevolmente, la fotografia analogica e digitale è usata consapevolmente. Mentre per Bürgin la fotocamera digitale sottolinea la velocità del mezzo, la fotografia analogica rappresenta un rallentamento del processo. L'oscillazione della velocità si riflette nelle fotografie.

Non è tanto una questione di quale fotografia sia stata scattata con quale macchina, quanto piuttosto del senso del tempo che le fotografie ci trasmettono. I costrutti volanti delle nuvole sembrano in eterno ritiro, mentre le compatte catene montuose sembrano più vive a ogni sguardo. Così anche l'assenza di colore ha un significato chiaro. Non vediamo mai il mondo come viene riprodotto nella pellicola in bianco e nero. È un mondo inesistente che è comunque la nostra realtà e di conseguenza ha dei vuoti che devono essere riempiti dal fotografo e da noi spettatori. Infatti, anche se le fotografie sono un'elaborazione documentaria del corso degli eventi passati del fotografo, le immagini non sono pura documentazione. Janik Bürgin rivela ricordi intimi, esperienze, emozioni e permette allo spettatore non solo di gettare uno sguardo sul suo mondo, ma lo invita anche a percepire le fotografie dalla propria prospettiva e ad applicarle alle proprie esperienze. In questa serie, Bürgin non solo riesce a rivelare un ampio pezzo della sua realtà personale, ma permette anche di vivere un'esperienza pittorica individuale. WALKING WITH THE WIND è un'esplorazione del flusso della vita, dalla sorgente alla foce. Ogni corrente imprevedibile, ogni roccia massiccia, ogni pioggia improvvisa guida l'acqua che scorre nel suo corso. Il caso e il destino.

Chance and fate. These two components of life affect us all and can hardly be controlled. They shape our everyday life, lead to changes, influence the course of things and guide us to the stage of life where we are at the moment.

Such a succession of changes is captured photographically by Janik Bürgin in his extensive series WALKING WITH THE WIND. Landscapes, portraits, tie-re, clouds, detail shots, shadow plays - as diverse as the individual photographs of WALKING WITH THE WIND may seem in their motifs, they are all the more closely linked in content, based on each other and complement each other.Janik Bürgin took the first photographs of the series in 2019. At the beginning, the focus was on places to which he had a connection and with which he related an experience. The initially landscapeoriented themes expanded over time. With the processing of events such as the separation from a girlfriend, the meeting of new people or the making of a decision, Bürgin's view expanded. Situations and compositions, places and relationships that had previously received little photographic attention now became the subject of the photographs. Only through change can a new step be taken and only through a new step can a new perspective be opened. Bürgin allows himself to be driven and guided by these changes. Nevertheless, the photographs are taken actively and are not the results of a mere stroll with the camera. The camera is used consciously, a certain blurriness is used consciously, no technical perfection is striven for consciously, analog and digital photography is used consciously. While for Bürgin the digital camera underscores the speed of the medium, analog photography represents a slowing down of the process. The oscillation of speed is reflected in the photographs. It is not so much a question of which photograph was taken with which camera, but rather of the sense of time that the photographs convey to us. The flying cloud constructs seem to be in eternal retirement, while the compact mountain ranges seem more alive with every glance. Thus, even the absence of color has a clear meaning.

We never see the world as black and white film renders it. It is a non-existential world that is nevertheless our reality and consequently has voids that must be filled in by the photographer as well as us viewers. For even if the photographs are a documentary processing of the course of the photographer's past events, the images are not pure documentation. Janik Bürgin reveals intimate memories, experiences, emotions and allows the viewer not only an insight into his world, but challenges them to understand the photographs from their own perspective and to apply them to their own experiences. In this series, Bürgin succeeds not only in revealing a large piece of his personal reality, but also allows the experience of an individual pictorial experience. WALKING WITH THE WIND is an exploration of the flow of life, from source to mouth. Every unpredictable current, every massive rock, every sudden rainfall guides the flowing water in its course. Chance and fate.

(DE, E Text: Galerie 94, Baden)

Kunstmuseum Luzern
13. September 2023

Bei dir war es immer so schön: Der Künstler Walter Pfeiffer im Gespräch mit Fanni Fetzer, Kuratorin, und Nadine Wietlisbach, Direktorin Fotomuseum Winterthur

Sincerely
Walter Pfeiffer

Walter Pfeiffer (*1946) sucht mit der fotografischen Linse nach Schönheit, der Darstellung des männlichen Körpers fernab klischeehafter Ideale, nach verspielter Erotik und Leichtigkeit. Der Schweizer Künstler schult sein Auge schon früh als Schaufensterdekorateur, porträtiert später rebellische Heranwachsende aus der schwulen Zürcher Untergrundszene und beliefert schliesslich die angesagtesten internationalen Modezeitschriften mit seinen Fotostrecken. Walter Pfeiffer gelingt es, zwischen Modefotografie und bildender Kunst zu changieren. So sind seine Landschaften, Stillleben und Porträts nie platt. Sie zeigen keine vollendete Schönheit und tragen den revolutionären Geist der Gegenkultur der 1970er-Jahre in sich. Bald gehen bei ihm Freunde und Liebhaber ein und aus, um sich fotografieren zu lassen. Die meist männlichen Modelle entziehen sich klassischen Assoziationen von männlich und weiblich. Typisch für Walter Pfeiffers Kunst sind kleine Makel, grelles Blitzlicht, nackte Haut, kräftige Farben, intensive Blicke. Wie in einem Fiebertraum sprechen seine Bilder von Sehnsüchten, reizvoller als die Realität, vom Begehren, unbeschwerter Lebensfreude, jugendlicher Liebe.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer kuratiert.

Die Ausstellung wurden von Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff unterstützt.

Walter Pfeiffer (*1946) recherche avec son objectif photographique la beauté, la représentation du corps masculin loin des idéaux clichés, l'érotisme ludique et la légèreté. L'artiste suisse forme son œil très tôt en tant que décorateur de vitrines, fait plus tard le portrait d'adolescents rebelles issus de la scène underground gay zurichoise et fournit finalement ses séries de photos aux magazines de mode internationaux les plus en vogue. Walter Pfeiffer parvient à osciller entre la photographie de mode et les arts visuels. Ainsi, ses paysages, natures mortes et portraits ne sont jamais plats. Ils ne montrent pas une beauté accomplie et portent en eux l'esprit révolutionnaire de la contre-culture des années 1970. Bientôt, amis et amants vont et viennent chez lui pour se faire photographier. Les modèles, pour la plupart des hommes, échappent aux associations classiques entre masculin et féminin. Les petites imperfections, la lumière crue du flash, la peau nue, les couleurs vives, les regards intenses sont typiques de l'art de Walter Pfeiffer. Comme dans un rêve fiévreux, ses visuels parlent de désirs, plus charmants que la réalité, de désir, de joie de vivre insouciante, d'amour juvénile.

L'exposition a été organisée par Fanni Fetzer.

L'exposition a été soutenue par la fondation Landis & Gyr, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) utilizza il suo obiettivo fotografico per ricercare la bellezza, la rappresentazione del corpo maschile lontano dagli ideali comuni, l'erotismo giocoso e la leggerezza. L'artista svizzero ha allenato il suo occhio fin da subito come vetrinista, per poi ritrarre adolescenti ribelli della scena underground gay di Zurigo e infine fornire le serie fotografiche alle riviste di moda internazionali più in voga. Walter Pfeiffer è riuscito a oscillare tra fotografia di moda e belle arti. I suoi paesaggi, nature morte e ritratti non sono mai piatti. Non mostrano una bellezza perfetta e portano con sé lo spirito rivoluzionario della controcultura degli anni Settanta. Ben presto amici e amanti entrano ed escono da casa sua per farsi fotografare. I modelli, per lo più uomini, sfuggono alle associazioni classiche di maschile e femminile. Tipici dell'arte di Walter Pfeiffer sono le piccole imperfezioni, i flash abbaglianti, la pelle nuda, i colori forti, gli sguardi intensi. Come in un sogno febbrile, i suoi quadri parlano di desideri, più affascinanti della realtà, di desiderio, di spensierata gioia di vivere, di amore giovanile.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer.

La mostra è stata sostenuta da Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) uses the photographic lens to search for beauty, the depiction of the male body far removed from clichéd ideals, playful eroticism and lightness. The Swiss artist trained his eye early as a window dresser, later portrayed rebellious adolescents from the gay Zurich underground scene, and finally supplied the hottest international fashion magazines with his photo series. Walter Pfeiffer succeeds in oscillating between fashion photography and fine art. His landscapes, still lifes and portraits are never flat. They do not show consummate beauty and carry the revolutionary spirit of the counterculture of the 1970s. Soon friends and lovers are going in and out of his house to have their pictures taken. The mostly male models defy classic associations of male and female. Typical of Walter Pfeiffer's art are small blemishes, glaring flash, naked skin, strong colors, intense looks. As if in a fever dream, his pictures speak of longings, more charming than reality, of desire, carefree joie de vivre, youthful love.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer.

The exhibition was supported by Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Stattkino Luzern
2. September 2023

Chasing Beauty: Filmporträt von Walter Pfeiffer, anschliessend Gespräch mit Walter Pfeiffer, Künstler, und Iwan Schumacher, Regisseur, moderiert von Ursula Helg, Kunstvermittlerin, im stattkino Luzern

Sincerely
Walter Pfeiffer

Walter Pfeiffer (*1946) sucht mit der fotografischen Linse nach Schönheit, der Darstellung des männlichen Körpers fernab klischeehafter Ideale, nach verspielter Erotik und Leichtigkeit. Der Schweizer Künstler schult sein Auge schon früh als Schaufensterdekorateur, porträtiert später rebellische Heranwachsende aus der schwulen Zürcher Untergrundszene und beliefert schliesslich die angesagtesten internationalen Modezeitschriften mit seinen Fotostrecken. Walter Pfeiffer gelingt es, zwischen Modefotografie und bildender Kunst zu changieren. So sind seine Landschaften, Stillleben und Porträts nie platt. Sie zeigen keine vollendete Schönheit und tragen den revolutionären Geist der Gegenkultur der 1970er-Jahre in sich. Bald gehen bei ihm Freunde und Liebhaber ein und aus, um sich fotografieren zu lassen. Die meist männlichen Modelle entziehen sich klassischen Assoziationen von männlich und weiblich. Typisch für Walter Pfeiffers Kunst sind kleine Makel, grelles Blitzlicht, nackte Haut, kräftige Farben, intensive Blicke. Wie in einem Fiebertraum sprechen seine Bilder von Sehnsüchten, reizvoller als die Realität, vom Begehren, unbeschwerter Lebensfreude, jugendlicher Liebe.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer kuratiert.

Die Ausstellung wurden von Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff unterstützt.

Walter Pfeiffer (*1946) recherche avec son objectif photographique la beauté, la représentation du corps masculin loin des idéaux clichés, l'érotisme ludique et la légèreté. L'artiste suisse forme son œil très tôt en tant que décorateur de vitrines, fait plus tard le portrait d'adolescents rebelles issus de la scène underground gay zurichoise et fournit finalement ses séries de photos aux magazines de mode internationaux les plus en vogue. Walter Pfeiffer parvient à osciller entre la photographie de mode et les arts visuels. Ainsi, ses paysages, natures mortes et portraits ne sont jamais plats. Ils ne montrent pas une beauté accomplie et portent en eux l'esprit révolutionnaire de la contre-culture des années 1970. Bientôt, amis et amants vont et viennent chez lui pour se faire photographier. Les modèles, pour la plupart des hommes, échappent aux associations classiques entre masculin et féminin. Les petites imperfections, la lumière crue du flash, la peau nue, les couleurs vives, les regards intenses sont typiques de l'art de Walter Pfeiffer. Comme dans un rêve fiévreux, ses visuels parlent de désirs, plus charmants que la réalité, de désir, de joie de vivre insouciante, d'amour juvénile.

L'exposition a été organisée par Fanni Fetzer.

L'exposition a été soutenue par la fondation Landis & Gyr, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) utilizza il suo obiettivo fotografico per ricercare la bellezza, la rappresentazione del corpo maschile lontano dagli ideali comuni, l'erotismo giocoso e la leggerezza. L'artista svizzero ha allenato il suo occhio fin da subito come vetrinista, per poi ritrarre adolescenti ribelli della scena underground gay di Zurigo e infine fornire le serie fotografiche alle riviste di moda internazionali più in voga. Walter Pfeiffer è riuscito a oscillare tra fotografia di moda e belle arti. I suoi paesaggi, nature morte e ritratti non sono mai piatti. Non mostrano una bellezza perfetta e portano con sé lo spirito rivoluzionario della controcultura degli anni Settanta. Ben presto amici e amanti entrano ed escono da casa sua per farsi fotografare. I modelli, per lo più uomini, sfuggono alle associazioni classiche di maschile e femminile. Tipici dell'arte di Walter Pfeiffer sono le piccole imperfezioni, i flash abbaglianti, la pelle nuda, i colori forti, gli sguardi intensi. Come in un sogno febbrile, i suoi quadri parlano di desideri, più affascinanti della realtà, di desiderio, di spensierata gioia di vivere, di amore giovanile.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer.

La mostra è stata sostenuta da Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) uses the photographic lens to search for beauty, the depiction of the male body far removed from clichéd ideals, playful eroticism and lightness. The Swiss artist trained his eye early as a window dresser, later portrayed rebellious adolescents from the gay Zurich underground scene, and finally supplied the hottest international fashion magazines with his photo series. Walter Pfeiffer succeeds in oscillating between fashion photography and fine art. His landscapes, still lifes and portraits are never flat. They do not show consummate beauty and carry the revolutionary spirit of the counterculture of the 1970s. Soon friends and lovers are going in and out of his house to have their pictures taken. The mostly male models defy classic associations of male and female. Typical of Walter Pfeiffer's art are small blemishes, glaring flash, naked skin, strong colors, intense looks. As if in a fever dream, his pictures speak of longings, more charming than reality, of desire, carefree joie de vivre, youthful love.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer.

The exhibition was supported by Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

BBA Gallery | Berlin
2. September 2023

Chimera
Markus Rock

Aus der Shortlist des BBA Photography Prize 2022 präsentiert die BBA Gallery eine Einzelausstellung des deutschen Fotokünstlers Markus Rock. "Chimera", der Titel seiner jüngsten Serie, nimmt die mythologische griechische Chimäre als Ausgangspunkt, um die menschliche Identität zu erkunden.

Fotografiert im Jahr 2019 in den Uferstudios, Berlin, spielt "Chimera" mit der Wahrnehmung und Vorstellungskraft. Eine unheimliche Ähnlichkeit des Körperbaus und extreme körperliche Nähe verwischen die Unterschiede zwischen den Modellen Julia und Siri. So wie die Chimäre eine inkongruente Ansammlung von Tieren ist, verformen sich die beiden Frauen auf den Fotografien zu neuen, absurden Kreaturen. Ihre blassen, geschmeidigen Körper werden zu ungewöhnlichen Organismen, bei denen Körperteile aus Schatten und Vertiefungen des Fleisches in unnatürlichen Winkeln hervortreten und scheinbar eins sind. Es sind die Betrachter und ihre Vorstellungskraft, die diese groteske Chimäre aus Körperteilen zum Leben erwecken. Bei näherer Betrachtung löst sich die Chimäre wieder in eine erkennbare Ansammlung von abgetrennten Gliedmaßen auf.

Durch die Verschmelzung von Choreografie, Tanz und Renaissance-Beleuchtung in "Chimera" rücken die Körper als Objekte in den Mittelpunkt, die in eine dynamische Beziehung treten. Während die beiden Frauen miteinander verschmelzen, werden ihre Körper zu Trägern, Schöpfern und Machern des Kunstwerks. Er - der Körper - wird zur ursprünglichen Quelle des künstlerischen Ausdrucks.

Markus Rock stützt die Serie auf Julias choreografische Arbeit mit ihrem Tanz Siri. Vor den Dreharbeiten - die in einem Take dokumentiert wurden - hatten die Frauen 2 ½ Jahre lang an einem gemeinsamen Projekt gearbeitet. Ihre enge berufliche und persönliche Beziehung macht ihre körperliche Nähe möglich. Intuitiv und gefühlsbetont ist "Chimera" ein Zeugnis für das transformative Potenzial menschlicher Beziehungen, das über die verbale Kommunikation hinausgeht.

Parmi la shortlist du BBA Photography Prize 2022, la BBA Gallery présente une exposition individuelle de l'artiste photographe allemand Markus Rock. "Chimera", le titre de sa dernière série, prend la chimère mythologique grecque comme point de départ pour explorer l'identité humaine.

Photographiée en 2019 dans les Uferstudios, à Berlin, "Chimera" joue avec la perception et l'imagination. Une ressemblance physique inquiétante et une extrême proximité physique effacent les différences entre les modèles Julia et Siri. Tout comme la chimère est un assemblage incongru d'animaux, les deux femmes se déforment sur les photographies en de nouvelles créatures absurdes. Leurs corps pâles et souples deviennent des organismes inhabituels, où des parties du corps émergent des ombres et des creux de la chair sous des angles peu naturels et semblent ne faire qu'un. Ce sont les spectateurs et leur imagination qui donnent vie à cette chimère grotesque de parties du corps. En y regardant de plus près, la chimère se dissout à nouveau en un ensemble reconnaissable de membres coupés.

La fusion de la chorégraphie, de la danse et de l'éclairage Renaissance dans "Chimera" place les corps au centre de l'attention en tant qu'objets qui entrent dans une relation dynamique. Alors que les deux femmes se fondent l'une dans l'autre, leurs corps deviennent les porteurs, les créateurs et les faiseurs de l'œuvre d'art. Lui - le corps - devient la source originelle de l'expression artistique.

Markus Rock fonde la série sur le travail chorégraphique de Julia avec sa danse Siri. Avant le tournage - qui a été documenté en une seule prise - les femmes ont travaillé pendant 2 ½ ans sur un projet commun. Leur étroite relation professionnelle et personnelle rend possible leur proximité physique. Intuitif et plein d'émotions, "Chimera" témoigne du potentiel de transformation des relations humaines, qui va au-delà de la communication verbale.

Dalla shortlist del BBA Photography Prize 2022, BBA Gallery presenta una mostra personale dell'artista fotografico tedesco Markus Rock. "Chimera", il titolo della sua ultima serie, prende la mitologica chimera greca come punto di partenza per esplorare l'identità umana.

Fotografata nel 2019 presso gli Uferstudios di Berlino, "Chimera" gioca con la percezione e l'immaginazione. Un'inquietante somiglianza di fisico e un'estrema vicinanza fisica offuscano le differenze tra le modelle Julia e Siri. Proprio come la chimera è un insieme incongruo di animali, le due donne nelle fotografie si deformano in nuove, assurde creature. I loro corpi pallidi e slanciati diventano organismi insoliti, con parti del corpo che emergono da ombre e cavità nella carne ad angoli innaturali, apparentemente un tutt'uno. Sono gli spettatori e la loro immaginazione a dare vita a questa grottesca chimera di parti del corpo. A un esame più attento, la chimera si dissolve in un insieme riconoscibile di arti mozzati.

La fusione di coreografia, danza e illuminazione rinascimentale in "Chimera" mette a fuoco i corpi come oggetti che entrano in una relazione dinamica. Quando le due donne si fondono, i loro corpi diventano portatori, creatori e artefici dell'opera d'arte. Il corpo diventa la fonte originale dell'espressione artistica.

Markus Rock basa la serie sul lavoro coreografico di Julia con la sua danza Siri. Prima delle riprese - che sono state documentate in un'unica ripresa - le donne lavoravano a un progetto comune da due anni e mezzo. Il loro stretto rapporto professionale e personale rende possibile la vicinanza fisica. Intuitivo ed emotivo, "Chimera" è una testimonianza del potenziale trasformativo delle relazioni umane che va oltre la comunicazione verbale.

From the BBA Photography Prize 2022 shortlist, BBA Gallery presents a solo exhibition by German fine-art photographer Markus Rock. “Chimera”, his latest series, takes the mythological Greek Chimera as its point of departure to explore human identity.

Photographed in 2019 at Uferstudios, Berlin, “Chimera'' plays on perception and imagination. An uncanny similarity of physique and extreme physical proximity blurs the distinction between the models Julia and Siri. Just as the Chimera is an incongruous assemblage of animals, the two women in the photographs contort around each other to become new and absurd creatures. Their pale, lithe bodies become unusual organisms, where body parts emerge from shadows and recesses of the flesh at unnatural angles, seemingly one. It is the viewer and their imagination that brings to life this grotesque Chimera of body parts. Upon closer inspection, the Chimera dissolves back into a recognisable collection of disconnected limbs.

Due to the fusion of choreography, dance and Renaissance lighting in “Chimera”, the bodies take centre-stage as objects involved in a dynamic relation. As the two women blend together, their bodies are conduits, creators and makers of the artwork. It -the body -becomes the primal source of artistic expression.

Markus Rock based the series on Julia’s choreographic work with her dance Siri. Prior to the shoot -documented in one take -  the women had been working for 2 ½ years on a project together. Their close professional and personal relationship makes possible their physical closeness. Intuitive and emotionally driven, “Chimera”’ is a testament to the transformative potential of human connections that goes beyond verbal communication.

(Text (d, e): BBA Gallery, Berlin)

Kunstmuseum Luzern
23. August 2023

Difficult Love: Film von Zanele Muholi und Peter Goldsmid, anschliessend Austausch mit Hannah Horst, Leiterin Kunstvermittlung, Courtesy The South African Broadcasting Corporation

Zanele Muholi

Zanele Muholis (*1972) Schwarzweissfotografien sind kontrastreich. Muholi will uns jedoch nicht eine Realität in schwarz und weiss zeigen, eher das vielfältige Spektrum dazwischen: Muholis Arbeit erzählt Geschichten von lesbischen, schwulen, bisexuellen, queeren, trans* und inter* People of Color, die aus Muholis Heimat Südafrika stammen. In Südafrika werden queere Menschen oft gehasst, bedroht und verfolgt. Sexualpolitik, rassistische Gewalt und Selbstbehauptung sind Inhalte von Muholis Arbeiten. Muholi bezeichnet sich als «visuelle:r Aktivist:in» und fordert mit Porträts, die nicht gängigen Erwartungen und Konventionen entsprechen, das Denken in binären Kategorien – Mann/Frau, schwarz/weiss – heraus.

Liebevolle Umarmungen, zärtliche Blicke, gemeinsames Waschen: Die Serie Being (seit 2006) verschafft einen intimen Einblick in das alltägliche Leben queerer Paare. Auch nach dem Ende der Apartheid und dem Aufbau eines demokratischen Staates in den letzten dreissig Jahren leben queere Menschen in Südafrika unterdrückt. Für sie hat sich trotz der Demokratie kaum etwas verändert, denn die Gesellschaft ist von heteronormativem Denken geprägt. Faces and Phases (seit 2006) ist mit über 500 Arbeiten Muholis wohl umfangreichste Porträtreihe. In regelmässigen Abständen porträtiert Muholi Personen aus der Schwarzen LGBTQIA+- Community Südafrikas und hält damit deren Gesichter (Faces) sowie die Phasen (Phases) der Geschlechteridentitäten fest. Es ist Muholis zentrales Anliegen, ein Bewusstsein für die unterdrückten Communitys und damit eine positive Sichtbarkeit zu schaffen. Brave Beauties (seit 2014) ist eine Porträtserie von Transfrauen und nicht-binären Menschen, von denen einige an Schönheitswettbewerben teilnehmen. Queere Schönheitswettbewerbe bieten einen sicheren Raum innerhalb der Schwarzen LGBTQIA+-Community, in denen die Teilnehmer:innen ihrer eigenen Schönheit Ausdruck verleihen. Gleichzeitig sollen diese Bilder queer- und transphobische Stereotype in Frage stellen und Widerstand gegen den vorherrschenden binären Blick leisten. Die porträtierten Menschen sieht Muholi als Kollaborateur:innen der Bildgestaltung, dank deren Zusammenarbeit die Werke entstehen. In der Porträtreihe Somnyama Ngonyama («Gepriesen sei die dunkle Löwin» auf isiZulu, seit 2012) setzt sich Muholi selbst vor die Kamera und nimmt verschiedene Posen und Charaktere ein. Die Bilder reflektieren auf persönliche Weise die Kolonial- und Apartheidsgeschichte. Alltägliche Materialien wie Wäscheklammern, Velopneus oder Plastikrohre werden zu politisch aufgeladenen Requisiten und Kostümen verwandelt, um Fragen nach Repräsentation und race (diskriminierungssensible Bezeichnung für den deutschen Begriff «Rasse», um auf die menschgemachten Kategorisierungen aufmerksam zu machen) zu verhandeln. Ein starker schwarz-weiss Kontrast führt dazu, dass die Hautfarbe dunkler wirkt. Muholi fordert damit das Schwarzsein für sich zurück. Mit dieser Arbeit erlangt Muholi an der Venedig Biennale 2019 internationale Bekanntheit.

Die Ausstellung im Kunstmuseum Luzern präsentiert zum ersten Mal umfassend das Werk von Zanele Muholi in der Zentralschweiz. Dem Publikum steht die Website www.divers2023.ch für ergänzende Informationen sowie Begriffserklärung zur Verfügung. Dieses digitale Angebot rundet die Ausstellung zum Thema Diversität inhaltlich ab.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer und Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern kuratiert.

Les photographies en noir et blanc de Zanele Muholi (*1972) sont très contrastées. Muholi ne veut cependant pas nous montrer une réalité en noir et blanc, mais plutôt le spectre varié entre les deux : Le travail de Muholi raconte des histoires de personnes lesbiennes, gays, bisexuelles, queer, trans* et inter* de couleur, originaires de l'Afrique du Sud, pays d'origine de Muholi. En Afrique du Sud, les personnes queer sont souvent haïes, menacées et persécutées. La politique sexuelle, la violence raciste et l'affirmation de soi sont des contenus du travail de Muholis. Muholi se définit comme un "activiste visuel" et défie la pensée binaire - homme/femme, noir/blanc - avec des portraits qui ne correspondent pas aux attentes et aux conventions habituelles.

Des étreintes affectueuses, des regards tendres, une toilette commune : La série Being (depuis 2006) donne un aperçu intime de la vie quotidienne des couples queer. Même après la fin de l'apartheid et la construction d'un Etat démocratique au cours des trente dernières années, les personnes queer vivent toujours dans l'oppression en Afrique du Sud. Pour elles, rien ou presque n'a changé malgré l'avènement de la démocratie, car la société reste marquée par la pensée hétéronormative. Faces and Phases (depuis 2006) est sans doute la série de portraits la plus complète de Muholi, avec plus de 500 œuvres. A intervalles réguliers, Muholi fait le portrait de personnes issues de la communauté noire LGBTQIA+ d'Afrique du Sud et fixe ainsi leurs visages (Faces) ainsi que les phases (Phases) de leurs identités de genre. L'objectif central de Muholis est de créer une prise de conscience pour les communautés opprimées et ainsi une visibilité positive. Brave Beauties (depuis 2014) est une série de portraits de femmes trans et de personnes non-binaires, dont certaines participent à des concours de beauté. Les concours de beauté queer offrent un espace sûr au sein de la communauté noire LGBTQIA+, dans lequel les participant(e)s expriment leur propre beauté. Parallèlement, ces visuels visent à transmettre des stéréotypes queer et transphobes et à résister au regard binaire dominant. Muholi considère les personnes dont il fait le portrait comme des collaborateurs de la création d'images, grâce à la collaboration desquels les œuvres voient le jour. Dans la série de portraits Somnyama Ngonyama ("Louée soit la lionne sombre" sur isiZulu, depuis 2012), Muholi se place elle-même devant l'appareil photo et prend différentes poses et personnages. Les visuels reflètent de manière personnelle l'histoire coloniale et de l'apartheid. Des matériaux quotidiens tels que des pinces à linge, des pneus de vélo ou des tuyaux en plastique sont transformés en accessoires et en costumes à forte charge politique afin de négocier les questions de représentation et de race (terme sensible à la discrimination pour désigner le terme allemand "Rasse" et attirer l'attention sur les catégorisations faites par l'homme). Un fort contraste noir-blanc fait paraître la couleur de la peau plus sombre. Muholi revendique ainsi la négritude pour elle-même. Avec ce travail, Muholi acquiert une notoriété internationale à la Biennale de Venise 2019.

L'exposition du Kunstmuseum de Lucerne présente pour la première fois l'œuvre de Zanele Muholi de manière complète en Suisse centrale. Le site Internet www.divers2023.ch est à la disposition du public pour des informations complémentaires ainsi que des explications de termes. Cette offre numérique complète le contenu de l'exposition sur le thème de la diversité.

Le commissariat de l'exposition a été assuré par Fanni Fetzer et Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.

Le fotografie in bianco e nero di Zanele Muholi (*1972) sono ricche di contrasti. Tuttavia, Muholi non vuole mostrarci una realtà in bianco e nero, ma piuttosto il variegato spettro intermedio: Il lavoro di Muholi racconta storie di persone lesbiche, gay, bisessuali, queer, trans* e inter* di colore del Sudafrica, paese natale di Muholi. In Sudafrica, le persone queer sono spesso odiate, minacciate e perseguitate. La politica sessuale, la violenza razzista e l'autoaffermazione sono il contenuto del lavoro di Muholi. Muholi si descrive come un "attivista visivo" e sfida il pensiero in categorie binarie - uomo/donna, bianco/nero - con ritratti che non si conformano alle aspettative e alle convenzioni comuni.

Abbracci affettuosi, sguardi teneri, lavaggi insieme: La serie Being (dal 2006) offre uno sguardo intimo sulla vita quotidiana delle coppie queer. Anche dopo la fine dell'apartheid e la creazione di uno Stato democratico negli ultimi trent'anni, le persone queer in Sudafrica vivono una vita oppressa. Per loro, nonostante la democrazia, poco è cambiato, perché la società è dominata dal pensiero eteronormativo. Con oltre 500 opere, Faces and Phases (dal 2006) è probabilmente la serie di ritratti più ampia di Muholi. Muholi ritrae regolarmente persone della comunità LGBTQIA+ nera del Sudafrica, catturando i loro volti e le fasi della loro identità di genere. La preoccupazione principale di Muholi è quella di creare consapevolezza per le comunità oppresse e quindi visibilità positiva. Brave Beauties (dal 2014) è una serie di ritratti di donne trans e persone non binarie, alcune delle quali partecipano a concorsi di bellezza. I concorsi di bellezza queer forniscono uno spazio sicuro all'interno della comunità LGBTQIA+ nera per i concorrenti che vogliono esprimere la propria bellezza. Allo stesso tempo, queste immagini intendono sfidare gli stereotipi queer e transfobici e resistere allo sguardo binario dominante. Muholi considera le persone ritratte come collaboratori nella creazione delle immagini, grazie alla cui collaborazione le opere vengono realizzate. Nella serie di ritratti Somnyama Ngonyama ("Sia lodata la leonessa scura" in isiZulu, dal 2012), Muholi stessa siede davanti alla macchina fotografica e assume varie pose e personaggi. Le immagini riflettono in modo personale la storia coloniale e dell'apartheid. Materiali di uso quotidiano come mollette per il bucato, copertoni di bicicletta o tubi di plastica sono trasformati in oggetti di scena e costumi con un'impronta politica per negoziare le questioni della rappresentazione e della razza (un termine sensibile alla discriminazione per il termine tedesco "Rasse" per richiamare l'attenzione sulle categorizzazioni create dall'uomo). Un forte contrasto tra bianco e nero fa apparire il colore della pelle più scuro. Muholi si riappropria così della sua nerezza. Con quest'opera, Muholi ottiene un riconoscimento internazionale alla Biennale di Venezia 2019.

La mostra al Museo d'Arte di Lucerna è la prima presentazione completa dell'opera di Zanele Muholi nella Svizzera centrale. Il sito web www.divers2023.ch è a disposizione del pubblico per ulteriori informazioni e spiegazioni sui termini. Questa offerta digitale completa la mostra sul tema della diversità in termini di contenuti.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer e Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.

Zanele Muholi's (*1972) black-and-white photographs are rich in contrast. However, Muholi does not want to show us a reality in black and white, rather the diverse spectrum in between: Muholi's work tells stories of lesbian, gay, bisexual, queer, trans*, and inter* people of color who hail from Muholi's native South Africa. In South Africa, queer people are often hated, threatened, and persecuted. Sexual politics, racial violence, and self-assertion are content of Muholi's work. Muholi calls herself a "visual activist" and challenges thinking in binary categories - man/woman, black/white - with portraits that do not conform to common expectations and conventions.

Loving embraces, tender glances, washing together: The series Being (since 2006) provides an intimate glimpse into the everyday lives of queer couples. Even after the end of apartheid and the establishment of a democratic state in the last thirty years, queer people in South Africa live oppressed lives. For them, despite democracy, little has changed because society is dominated by heteronormative thinking. Faces and Phases (since 2006) is probably Muholi's most extensive portrait series, with over 500 works. Muholi regularly portrays people from South Africa's black LGBTQIA+ community, capturing their faces and the phases of their gender identities. It is Muholi's central concern to create awareness for the oppressed communities and thus positive visibility. Brave Beauties (2014-present) is a portrait series of trans women and non-binary people, some of whom participate in beauty pageants. Queer beauty pageants provide a safe space within the Black LGBTQIA+ community where participant:s express their own beauty. At the same time, these images are meant to challenge queer and transphobic stereotypes and resist the dominant binary gaze. Muholi sees the people portrayed as collaborators in the creation of the images, thanks to whose collaboration the works are created. In the portrait series Somnyama Ngonyama ("Praised be the dark lioness" on isiZulu, since 2012), Muholi herself sits in front of the camera and adopts different poses and characters. The images reflect colonial and apartheid history in a personal way. Everyday materials such as clothespins, bicycle tires, and plastic tubes are transformed into politically charged props and costumes to negotiate questions of representation and race (a discrimination-sensitive term for the German term "Rasse" to draw attention to man-made categorizations). A strong black and white contrast causes the skin color to appear darker. Muholi thus reclaims blackness for herself. With this work, Muholi is gaining international recognition at the 2019 Venice Biennale.

The exhibition at the Museum of Art Lucerne is the first comprehensive presentation of Zanele Muholi's work in Central Switzerland. The public can access the website www.divers2023.ch for supplementary information as well as explanations of terms. This digital offer rounds off the exhibition on the topic of diversity in terms of content.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer and Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

FWR | FeldbuschWiesnerRudolph | Berlin
20. Juli 2023

Temporary Truths
Marta Djourina, Sara-Lena Maierhofer, Sophie Thun

In der Projektschau TEMPORARY TRUTHS haben Marta Djourina und Sara-Lena Maierhofer die Künstlerin Sophie Thun (Wien) eingeladen, gemeinsam fotografische Arbeiten zu zeigen. Thematisch in unterschiedlichen Bereichen angesiedelt, eint die drei Künstlerinnen der experimentelle Umgang mit fotografischem Material und die Neuinterpretation analoger Techniken. Die gezeigten Arbeiten zeigen die Fotografie als Spur, als Abdruck von temporären Wahrheiten, als Medium der Visualisierung von etwas, das wir sonst nicht sehen.

Dans le cadre du projet TEMPORARY TRUTHS, Marta Djourina et Sara-Lena Maierhofer ont invité l'artiste Sophie Thun (Vienne) à présenter ensemble des œuvres photographiques. Les trois artistes, qui travaillent dans des domaines différents, sont unies par leur approche expérimentale du matériel photographique et la réinterprétation des techniques analogiques. Les œuvres exposées montrent la photographie comme une trace, une empreinte de vérités temporaires, un moyen de visualisation, de quelque chose que nous ne voyons pas.

Nel progetto espositivo TEMPORARY TRUTHS Marta Djourina e Sara-Lena Maierhofer hanno invitato l'artista Sophie Thun (Vienna) a presentare insieme opere fotografiche. Tematicamente collocate in ambiti diversi, le tre artiste sono accomunate dall'approccio sperimentale al materiale fotografico e dalla reinterpretazione delle tecniche analogiche. Le opere in mostra mostrano la fotografia come traccia, come impronta di verità temporanee, come mezzo di visualizzazione, di qualcosa che altrimenti non vediamo.

In the project show TEMPORARY TRUTHS Marta Djourina and Sara-Lena Maierhofer have invited the artist Sophie Thun (Vienna) to show photographic works together. Thematically located in different fields, the three artists are united by their experimental approach to photographic material and the reinterpretation of analog techniques. The works on display show photography as a trace, as an imprint of temporary truths, a medium of visualization, of something we otherwise do not see.

(Text: FWR | FeldbuschWiesnerRudolf, Berlin)