Studio Naegeli | Gstaad
1. März 2024

On the move
Hannes Schmid, Mikhail Romadin

Nach den weihnachtlichen Preview-Tagen zeigen wir, wie Schmids "American Myth" Cowboys langsam und gentlemanlike den neuen weiblichen Helden von heute weichen, und die "Poets" aus Romadins Leinwänden treten in einen gleichberechtigten Dialog mit seinen "Beauties" aus dem Jahr 2000.

Die Ausstellung zeigt Hannes Schmids Fotografien aus den Serien "Missing Marylin", "El Matador" sowie Aufnahmen von seinen faszinierenden Reisen von Bolivien bis in die Mongolei, Mikhail Romadins zwei ikonische Diptychen "The Beauties" und "The Artists", seine Aquarelle aus Indien, Nepal und den USA sowie Buchillustrationen, die das Bekenntnis zur ewigen Fortbewegung unterstreichen.

Hannes Schmid und Mikhail Romadin teilen beide ihr Interesse an visueller Anthropologie. Nach den Prinzipien der "teilnehmenden Beobachtung" steht hinter jedem Kunstwerk eine eigene Geschichte, die die Künstler mit ihren Protagonisten erleben. "Es genügte mir nicht, eine Geschichte nur zu erleben, ich musste sie auch leben", sagt Hannes Schmid. Mikhail Romadin wandte eine ähnliche Methode an, er malte meist vor Ort und lebte und illustrierte gleichzeitig den gegenwärtigen Moment.

So werden auch Schmids inszenierte Fotografien und Romadins Gemälde, in denen die Grenzen zwischen Fiktion und Realität verschwimmen, zur Dokumentation einer authentischen kulturellen Erfahrung. Dieser inszenierte narrativ-konzeptionelle Ansatz Schmids steht ganz im Zeichen des postmodernen Diskurses über die Authentizität des Fakes und die Originalität der Kopie (Matthias Frehner). Die Detaildichte in Romadins Werk ist beeindruckend, und der Betrachter wird dazu verleitet, jedes Stück einzeln zu betrachten, aber dieser Realismus ist auch trügerisch. Romadin erreicht dies mit einer filmischen Herangehensweise, indem er Nahaufnahmen, ausdrucksstarke Blickwinkel und die Illusion einer filmischen Kompositionsdynamik einsetzt.

Andrej Tarkowskij über Michail Romadin: "Seine (Michail Romadins) schöpferischen Prinzipien verstellen uns nicht den Blick auf die einfachen und entscheidenden Verbindungen zur Realität. Sie sind jedoch nicht so fiktiv, dass wir in diesen Prinzipien nicht eine Tendenz zu einer fruchtbaren emotionalen Dynamik erkennen könnten, die in seinen kreativen Prozess einfliesst".

Matthias Frehner, Kurator der Einzelausstellung von Hannes Schmid im Kunstmuseum Bern, schreibt: "Wenn er (Hannes Schmid) als Fotograf Mitglied einer spezifischen Gruppe und ästhetischen Gemeinschaft wird, bleibt er dabei immer noch Hannes Schmid, der sich an seine eigene ästhetische Vision hält. (...) Die quasiethnologischen Bilder, die so entstehen, sind weder Schnappschüsse noch radikale Inszenierungen. Sie sind vielmehr situative Arrangements von Realitat im entscheidenden Augenblick, am richtigen Ort, mit den richtigen Objekten und Menschen".

Après les journées d'avant-première de Noël, nous montrons comment les cow-boys du "mythe américain" de Schmid cèdent lentement et en gentleman aux nouveaux héros féminins d'aujourd'hui, et les "poètes" des toiles de Romadin entament un dialogue d'égal à égal avec ses "beautés" de l'an 2000.

L'exposition présente les photographies de Hannes Schmid issues des séries "Missing Marylin", "El Matador" ainsi que des clichés de ses fascinants voyages de la Bolivie à la Mongolie, les deux diptyques iconiques de Mikhail Romadin "The Beauties" et "The Artists", ses aquarelles d'Inde, du Népal et des États-Unis ainsi que des illustrations de livres qui soulignent son attachement à la locomotion éternelle.

Hannes Schmid et Mikhail Romadin partagent tous deux leur intérêt pour l'anthropologie visuelle. Selon les principes de "l'observation participante", il y a derrière chaque œuvre d'art une histoire propre que les artistes vivent avec leurs protagonistes. "Il ne me suffisait pas de vivre une histoire, je devais aussi la vivre", explique Hannes Schmid. Mikhail Romadin a utilisé une méthode similaire, il a généralement peint sur place, vivant et illustrant en même temps le moment présent.

Ainsi, les photographies mises en scène de Schmid et les peintures de Romadin, dans lesquelles les frontières entre fiction et réalité s'estompent, deviennent elles aussi la documentation d'une expérience culturelle authentique. Cette approche narrative et conceptuelle mise en scène de Schmid s'inscrit pleinement dans le discours postmoderne sur l'authenticité du faux et l'originalité de la copie (Matthias Frehner). La densité des détails dans l'œuvre de Romadin est impressionnante et le spectateur est amené à observer chaque pièce individuellement, mais ce réalisme est également trompeur. Romadin y parvient par une approche cinématographique, en utilisant des gros plans, des angles de vue expressifs et l'illusion d'une dynamique de composition cinématographique.

Andreï Tarkovski à propos de Mikhaïl Romadin : "Ses (Mikhaïl Romadin) principes créatifs ne nous empêchent pas de voir les liens simples et décisifs avec la réalité. Mais ils ne sont pas fictifs au point que nous ne puissions pas reconnaître dans ces principes une tendance à une dynamique émotionnelle féconde, qui s'inscrit dans son processus créatif".

Matthias Frehner, commissaire de l'exposition individuelle de Hannes Schmid au Kunstmuseum de Berne, écrit : "S'il (Hannes Schmid) devient, en tant que photographe, membre d'un groupe et d'une communauté esthétique spécifiques, il n'en reste pas moins Hannes Schmid, qui s'en tient à sa propre vision esthétique. (...) Les visuels quasi-ethnologiques qui en résultent ne sont ni des instantanés ni des mises en scène radicales. Elles sont plutôt des arrangements situationnels de la réalité au moment décisif, au bon endroit, avec les bons objets et les bonnes personnes".

Dopo i giorni di anteprima natalizia, mostriamo come i cowboy del "Mito Americano" di Schmid cedono lentamente e gentilmente il passo ai nuovi eroi femminili di oggi, e i "Poeti" delle tele di Romadin entrano in dialogo alla pari con le sue "Bellezze" del 2000.

La mostra presenta le fotografie di Hannes Schmid della serie "Missing Marylin", "El Matador" e le fotografie dei suoi affascinanti viaggi dalla Bolivia alla Mongolia, i due iconici dittici di Mikhail Romadin "The Beauties" e "The Artists", i suoi acquerelli dall'India, dal Nepal e dagli Stati Uniti e le illustrazioni di libri che sottolineano il suo impegno per il moto perpetuo.

Hannes Schmid e Mikhail Romadin condividono l'interesse per l'antropologia visiva. Secondo i principi dell'"osservazione partecipante", ogni opera d'arte ha una sua storia che gli artisti vivono con i loro protagonisti. "Per me non era sufficiente vivere una storia, dovevo anche viverla", dice Hannes Schmid. Mikhail Romadin utilizzava un metodo simile; di solito dipingeva sul posto, vivendo e illustrando il momento presente allo stesso tempo.

Le fotografie di Schmid e i dipinti di Romadin, in cui i confini tra finzione e realtà si confondono, diventano così la documentazione di un'autentica esperienza culturale. L'approccio narrativo-concettuale di Schmid è perfettamente in linea con il discorso postmoderno sull'autenticità del falso e sull'originalità della copia (Matthias Frehner). La densità dei dettagli nel lavoro di Romadin è impressionante e lo spettatore è tentato di guardare ogni singolo pezzo, ma questo realismo è anche ingannevole. Romadin ottiene questo risultato con un approccio cinematografico, utilizzando primi piani, angolazioni espressive e l'illusione di dinamiche compositive cinematografiche.

Andrei Tarkovsky su Mikhail Romadin: "I suoi principi creativi (di Mikhail Romadin) non oscurano la nostra visione delle connessioni semplici e decisive con la realtà. Tuttavia, non sono così fittizi da non poter riconoscere in questi principi una tendenza verso una fruttuosa dinamica emotiva che confluisce nel suo processo creativo".

Matthias Frehner, curatore della mostra personale di Hannes Schmid al Kunstmuseum di Berna, scrive: "Anche quando Hannes Schmid, come fotografo, diventa membro di un gruppo specifico e di una comunità estetica, rimane sempre Hannes Schmid, che aderisce alla propria visione estetica. (...) Le immagini quasi-etnologiche che emergono in questo modo non sono né istantanee né messe in scena radicali. Sono piuttosto disposizioni situazionali della realtà nel momento decisivo, nel posto giusto, con gli oggetti e le persone giuste.

After the Christmas preview days, we show how Schmid's "American Myth" cowboys slowly and gentlemanly give way to the new female heroes of today, and the "Poets" from Romadin's canvases enter into an equal dialog with his "Beauties" from the year 2000.

The exhibition shows Hannes Schmid's photographs from the series "Missing Marylin", "El Matador" as well as photographs from his fascinating travels from Bolivia to Mongolia, Mikhail Romadin's two iconic diptychs "The Beauties" and "The Artists", his watercolors from India, Nepal and the USA as well as book illustrations that underline his commitment to eternal locomotion.

Hannes Schmid and Mikhail Romadin both share an interest in visual anthropology. According to the principles of "participant observation", behind each work of art there is a separate story that the artists experience with their protagonists. "It wasn't enough for me to just experience a story, I also had to live it," says Hannes Schmid. Mikhail Romadin used a similar method; he usually painted on location, living and illustrating the present moment at the same time.

Schmid's staged photographs and Romadin's paintings, in which the boundaries between fiction and reality are blurred, thus become documentation of an authentic cultural experience. Schmid's staged narrative-conceptual approach is very much in line with the postmodern discourse on the authenticity of the fake and the originality of the copy (Matthias Frehner). The density of detail in Romadin's work is impressive, and the viewer is tempted to look at each piece individually, but this realism is also deceptive. Romadin achieves this with a cinematic approach, using close-ups, expressive angles and the illusion of a cinematic compositional dynamic.

Andrei Tarkovsky on Mikhail Romadin: "His (Mikhail Romadin's) creative principles do not obscure our view of the simple and decisive connections to reality. However, they are not so fictitious that we cannot recognize in these principles a tendency towards a fruitful emotional dynamic that flows into his creative process".

Matthias Frehner, curator of Hannes Schmid's solo exhibition at the Kunstmuseum Bern, writes: "When he (Hannes Schmid) becomes a member of a specific group and aesthetic community as a photographer, he still remains Hannes Schmid, adhering to his own aesthetic vision. (...) The quasi-ethnological visuals that emerge in this way are neither snapshots nor radical stagings. Rather, they are situational arrangements of reality at the decisive moment, in the right place, with the right objects and people.

(Text: Studio Naegeli, Gstaad)

Kunstmuseum Solothurn
25. Januar 2024

Glaziologie in Bildern. Naturwissenschaftliche Beobachtung und künstlerische Haltung
Gespräch mit Daniel Schwartz und Fanni Fetzer, Direktorin Kunstmuseum Luzern

Zur Zeitlichkeit im Eis
Daniel Schwartz

Die Ausstellung gibt Einblicke in eine grosszügige Künstlerschenkung, die das Kunstmuseum 2022 entgegennehmen durfte.

Das ewige Eis ist nicht dauerhaft. Wer vor einen Gletscher tritt, erkennt in dessen heutiger Agonie auch die Spuren unseres Fortschritts und die Signale des Menschenzeitalters, des Anthropozäns. Seit den 1990er-Jahren beschäftigt sich Daniel Schwartz (*1955), der zu den international bekanntesten Fotografen seiner Generation zählt, mit der Klimakrise. In einem umfangreichen historischgeografischen Rechercheprojekt befasste er sich u. a. mit Gletschern als dynamische Systeme, an denen klimatische Veränderungen deutlich ablesbar sind. Entstanden sind eindrückliche Fotografien, Wort- und Kartenbilder an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft. Vor 20’000 Jahren überdeckte der Walliser Eisstrom auch die Landschaft um Solothurn. In seiner Heimat am Jurasüdfuss begann Daniel Schwartz seine Reise zu schmelzenden Gletschern auf vier Kontinenten. Teil dieses Projekts – 2017 publiziert unter dem Titel While the Fires Burn. A Glacier Odyssey – ist die 49-teilige Serie Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), die das Kunstmuseum Solothurn 2022 als Schenkung entgegennehmen durfte und die nun in einer Auswahl präsentiert wird. Die Werke von Daniel Schwartz zeigen den Gletscher als Speicher persönlicher Erinnerung, als archäologischen Fundort und als ungebremst schwindendes klimageschichtliches Archiv. In der glazialen Verschränkung von geologischer Tiefen- und individueller Lebenszeit stellen sich existentielle Fragen zu unserer Gegenwart und Zukunft.

L'exposition donne un aperçu d'une généreuse donation d'artiste que le Kunstmuseum a eu le plaisir de recevoir en 2022.

Les glaces éternelles ne sont pas permanentes. Celui qui s'avance devant un glacier reconnaît aussi dans son agonie actuelle les traces de notre progrès et les signaux de l'ère humaine, de l'anthropocène. Depuis les années 1990, Daniel Schwartz (*1955), qui compte parmi les photographes les plus connus de sa génération au niveau international, s'intéresse à la crise climatique. Dans le cadre d'un vaste projet de recherche historique et géographique, il s'est notamment intéressé aux glaciers en tant que systèmes dynamiques, sur lesquels les changements climatiques sont clairement visibles. Il en résulte des photographies, des images verbales et cartographiques impressionnantes, à la croisée de l'art et de la science. Il y a 20 000 ans, le courant glaciaire valaisan a également recouvert le paysage autour de Soleure. C'est dans son pays natal, au pied du Jura, que Daniel Schwartz a commencé son voyage à la découverte des glaciers en train de fondre sur quatre continents. Une partie de ce projet - publié en 2017 sous le titre While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - est la série de 49 épisodes Ice Age Our Age / L'âge de glace - le temps présent. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), que le Kunstmuseum Solothurn a eu le plaisir de recevoir en donation en 2022 et dont une sélection est maintenant présentée. Les œuvres de Daniel Schwartz montrent le glacier comme un réservoir de souvenirs personnels, comme un lieu de découverte archéologique et comme des archives de l'histoire du climat qui disparaissent sans aucun frein. Dans l'imbrication glaciaire des profondeurs géologiques et du temps de vie individuel se transmettent des questions existentielles sur notre présent et notre avenir.

La mostra offre una panoramica sul generoso dono di un artista che il Kunstmuseum ha ricevuto nel 2022.

Il ghiaccio eterno non è permanente. Chiunque passi davanti a un ghiacciaio riconoscerà le tracce del nostro progresso e i segnali dell'era umana, l'Antropocene, nella sua agonia attuale. Daniel Schwartz (*1955), uno dei fotografi più riconosciuti a livello internazionale della sua generazione, si occupa di crisi climatica fin dagli anni '90. In un ampio progetto di ricerca storico-geografica, si è concentrato sui ghiacciai come sistemi dinamici in cui i cambiamenti climatici sono chiaramente visibili. Il risultato sono fotografie, immagini e mappe di grande effetto, all'interfaccia tra arte e scienza. 20.000 anni fa, la colata di ghiaccio del Vallese ricopriva anche il paesaggio intorno a Soletta. Daniel Schwartz ha iniziato il suo viaggio verso lo scioglimento dei ghiacciai di quattro continenti dalla sua casa ai piedi del Giura. Parte di questo progetto - pubblicato nel 2017 con il titolo While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - è la serie in 49 parti Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), che il Kunstmuseum Solothurn ha ricevuto in donazione nel 2022 e che ora viene presentata in una selezione. Le opere di Daniel Schwartz mostrano il ghiacciaio come deposito di memoria personale, come sito archeologico e come archivio della storia del clima che sta scomparendo a un ritmo inarrestabile. L'intreccio glaciale tra profondità geologica e vite individuali solleva domande esistenziali sul nostro presente e futuro.

The exhibition provides insights into a generous gift from an artist that the Kunstmuseum received in 2022.

The eternal ice is not permanent. Anyone who steps in front of a glacier will recognize in its present-day agony the traces of our progress and the signals of the human age, the Anthropocene. Daniel Schwartz (*1955), who is one of the most internationally renowned photographers of his generation, has been working on the climate crisis since the 1990s. In an extensive historical-geographical research project, he focused on glaciers, among other things, as dynamic systems in which climatic changes are clearly visible. The result is impressive photographs, word pictures and maps at the interface between art and science. 20,000 years ago, the Valais ice flow also covered the landscape around Solothurn. Daniel Schwartz began his journey to melting glaciers on four continents from his home at the southern foot of the Jura. Part of this project - published in 2017 under the title While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - is the 49-part series Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), which was donated to the Kunstmuseum Solothurn in 2022 and is now being presented in a selection. Daniel Schwartz's works show the glacier as a repository of personal memory, as an archaeological site and as an archive of climate history that is disappearing at an unstoppable rate. The glacial interweaving of geological depth and individual lifetimes raises existential questions about our present and future.

(Text: Kunstmuseum Solothurn)

Kunsthaus Zug
21. Januar 2024

Ausstellungsrundgang mit Guido Baselgia, Dr. Beat Stutzer, ehemaliger Direktor Bündner Kunstmuseum Chur, Dr. Peter Pfrunder, Direktor Fotostiftung Schweiz, Winterthur, und Matthias Haldemann

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Kornschütte Luzern
17. Januar 2024

Marco Schmid im Gespräch mit Stephan Wittmer

Photographie retouchée
Stephan Wittmer

Der Ausstellungstitel stammt aus der Fotografie auf der Einladungskarte: Sie zeigt ein angeschnittenes Plakat, auf dem ein Model mit luxuriöser Uhr und Damentasche vor einem neutralen Grau sitzt. Unten links steht klein gedruckt Photographie retouchée. In Frankreich müssen kommerzielle Fotos, auf denen die Figur der Models digital verändert wurde, mit diesem Hinweis gekennzeichnet werden. Das Glas des Schaufensters, in dem sich das fotografierte Plakat befindet, reflektiert die Silhouette Stephan Wittmers: Er hält die Kamera auf Bauchhöhe, das Objektiv spiegelt sich im Cartier-C der Handtasche.

Warum «wiederberührte Fotografie»? Bildtheoretisch ist die Fotografie ein Lichtmedium, das unmittelbar physikalische Spuren der Wirklichkeit festhält: Die abgebildete Realität ist in der Fotografie materiell verkörpert. Fotografien sind Berührungsreliquien: Wie die religiösen Gegenstände, die die Heiligen zu ihren Lebzeiten berührt haben, sind auch die Fotografien vom reflektierten Licht der vergangenen Welt berührt worden. Der digitale Speicher der Kamera archiviert diese flüchtigen Kontaktmomente, er dient wie die Damentasche als Aufbewahrungsort. Stephan Wittmer interessiert sich für die Materialisierung des digital gespeicherten Bildes, weil die ausgedruckte Fotografie die profane Berührung durch das Licht physisch erfahrbar macht: Es ist so, als ob wir diese Berührung selbst berühren würden; der fotografische Print ist wörtlich eine Photographie retouchée. […]

Le titre de l'exposition provient de la photographie figurant sur le carton d'invitation : vous y voyez une affiche entaillée sur laquelle un modèle portant une montre de luxe et un sac de dame est assis devant un gris neutre. En bas à gauche, on peut lire en petits caractères Photographie retouchée. En France, les photos commerciales sur lesquelles la silhouette des mannequins a été modifiée numériquement doivent porter cette note. La vitre de la vitrine où se trouve l'affiche photographiée reflète la silhouette de Stephan Wittmer : il tient l'appareil photo à hauteur du ventre, l'objectif se reflète dans le C Cartier du sac à main.

Pourquoi une "photographie touchée à nouveau" ? Du point de vue de la théorie de l'image, la photographie est un médium lumineux qui fixe directement des traces physiques de la réalité : La réalité représentée est incarnée matériellement dans la photographie. Les photographies sont des reliques de contact : Tout comme les objets religieux que les saints ont touchés de leur vivant, les photographies ont également été touchées par la lumière réfléchie du monde passé. La mémoire numérique de l'appareil photo archive ces moments de contact éphémères, elle sert, comme le sac de dame, de lieu de conservation. Stephan Wittmer s'intéresse à la matérialisation du visuel enregistré numériquement, car la photographie imprimée rend le contact profane physiquement perceptible par la lumière : c'est comme si nous touchions nous-mêmes ce contact ; l'impression photographique est littéralement une Photographie retouchée. [...]

Il titolo della mostra deriva dalla fotografia del biglietto d'invito: si tratta di un poster ritagliato su cui è seduta una modella con un orologio di lusso e una borsa da donna davanti a uno sfondo grigio neutro. Photographie retouchée è stampato in caratteri piccoli in basso a sinistra. In Francia, le foto commerciali in cui la figura della modella è stata alterata digitalmente devono essere etichettate con questa dicitura. Il vetro della vetrina in cui si trova il poster fotografato riflette la silhouette di Stephan Wittmer: egli tiene la macchina fotografica all'altezza dello stomaco, l'obiettivo si riflette nella Cartier-C della borsetta.

Perché "fotografia ritoccata"? In termini di teoria dell'immagine, la fotografia è un mezzo leggero che cattura direttamente le tracce fisiche della realtà: La realtà rappresentata è materialmente incarnata nella fotografia. Le fotografie sono reliquie di contatto: Come gli oggetti religiosi che i santi hanno toccato durante la loro vita, anche le fotografie sono state toccate dalla luce riflessa del mondo passato. La memoria digitale della macchina fotografica archivia questi fugaci momenti di contatto, fungendo da deposito come una borsa da donna. Stephan Wittmer è interessato alla materializzazione dell'immagine archiviata digitalmente, perché la fotografia stampata rende fisicamente tangibile il tocco profano della luce: "È come se noi stessi toccassimo questo tocco; la stampa fotografica è letteralmente una fotografia ritoccata. [...]

The exhibition title comes from the photograph on the invitation card: it shows a cropped poster on which a model with a luxurious watch and ladies' bag is sitting in front of a neutral gray background. Photographie retouchée is printed in small letters at the bottom left. In France, commercial photos in which the model's figure has been digitally altered must be labeled with this note. The glass of the shop window in which the photographed poster is located reflects the silhouette of Stephan Wittmer: he is holding the camera at stomach height, the lens is reflected in the Cartier-C of the handbag.

Why "re-touched photography"? In terms of image theory, photography is a light medium that directly captures physical traces of reality: The reality depicted is materially embodied in the photograph. Photographs are relics of contact: Like the religious objects that the saints touched during their lifetimes, the photographs have also been touched by the reflected light of the past world. The digital memory of the camera archives these fleeting moments of contact; like the ladies' bag, it serves as a repository. Stephan Wittmer is interested in the materialization of the digitally stored visual because the printed photograph makes the profane touch of light physically tangible: it is as if we were touching this touch ourselves; the photographic print is literally a photograph retouchée. [...]

(Text: Guy Markowitsch)

Kunsthaus Zug
3. Dezember 2023

Guided Tour in English with Fabienne Loosli, art historian, exhibition management

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
29. November 2023

Regine Flury im Gespräch mit Roland Schmid und Marco Frauchiger

Morgennebel
Marco Frauchiger, Roland Schmid

Wie sprechen über Krieg in Zeiten des Krieges? Soll oder darf man das: Bilder zeigen aus vergangenen Kriegen angesichts der Überwältigung durch Bilder aus den gegenwärtigen Kriegen? Aber die Zeit des Krieges ist nicht heute, nicht damals: Krieg ist immer – oder immer wieder, und er bleibt: Er prägt die Erinnerung und das Handeln; er hinterlässt seine Spuren in der Landschaft und in den Körpern der Menschen, die einen Umgang finden müssen mit seinen Konsequenzen – über Generationen hinweg.

Die Ausstellung des Berner Fotografen und Künstlers Marco Frauchiger und des Basler Fotografen Roland Schmid vereint zwei Sichtweisen auf die bis heute in den betroffenen Ländern erleb- und sichtbaren Auswirkungen des von 1955 bis 1975 dauernden Vietnamkrieges.

Um die Versorgungsrouten für den Vietcong in Laos zu zerstören, warf der US-Geheimdienst in einem geheimen Krieg über zwei Millionen Tonnen Bomben über dem Land ab; das sind mehr als alle eingesetzten Bomben im Zweiten Weltkrieg zusammen. In der Ausstellung sind Bilder zu sehen, die der Werkreihe «How to dismantle a bomb» entstammen, einem Langzeitprojekt, in dem Frauchiger zeigt, wie die Bevölkerung in Laos mit dem Erbe dieses Krieges umgeht. Die Arbeiten, entstanden in Zusammenarbeit und im Dialog mit den Menschen vor Ort, offenbaren eine künstlerische Strategie, die gängige Erzählweisen fotografischer Bilder und das Wirklichkeitsversprechen der Kriegsberichterstattung hinterfragt.

Seit Ende der 90er-Jahre bereist Roland Schmid auf Einladung des Schweizer Journalisten Peter Jaeggi Vietnam. In seinen Bildreihen thematisiert Schmid die Folgen des massiven Einsatzes von Herbiziden, v. a. von Agent Orange, durch die USA und ihre Verbündeten während des Krieges. Auch fast 50 Jahre danach finden sich noch Spuren des in Agent Orange enthaltenen Dioxins in der Nahrungskette; ebenso verheerend wirkt sich die Vererbung des durch Agent Orange geschädigten Genoms von einem Elternteil auf nachfolgende Generationen aus. Beides hat zur Folge, dass bis heute in Vietnam Kinder geboren werden, die unter Krankheiten und schweren Missbildungen leiden. Roland Schmids dokumentarischen Bildern inhärent ist eine aufklärerische Absicht, die aber auch immer – dies ganz in der Tradition einer «humanistischen» Fotografie – auf die Würde des Menschen abzielt.

Comment parler de la guerre en temps de guerre ? Doit-on ou peut-on le faire : montrer des images de guerres passées face à l'accablement d'images de guerres actuelles ? Mais le temps de la guerre n'est pas d'aujourd'hui, ni d'hier : la guerre est toujours - ou encore et encore - et elle reste : Elle marque la mémoire et l'action ; elle laisse ses traces dans le paysage et dans le corps des hommes, qui doivent trouver un moyen de gérer ses conséquences - au fil des générations.

L'exposition du photographe et artiste bernois Marco Frauchiger et du photographe bâlois Roland Schmid réunit deux points de vue sur les conséquences de la guerre du Vietnam, qui a duré de 1955 à 1975, et qui sont encore visibles aujourd'hui dans les pays concernés.

Afin de détruire les routes d'approvisionnement du Viêt-Cong au Laos, les services secrets américains ont largué plus de deux millions de tonnes de bombes sur le pays dans le cadre d'une guerre secrète ; c'est plus que toutes les bombes utilisées pendant la Seconde Guerre mondiale réunies. L'exposition présente des images issues de la série d'œuvres "How to dismantle a bomb", un projet à long terme dans lequel Frauchiger montre comment la population du Laos gère l'héritage de cette guerre. Les travaux, réalisés en collaboration et en dialogue avec les gens sur place, révèlent une stratégie artistique qui remet en question les modes de narration courants des images photographiques et la promesse de réalité des reportages de guerre.

Depuis la fin des années 90, Roland Schmid se rend au Vietnam à l'invitation du journaliste suisse Peter Jaeggi. Dans ses séries d'images, Schmid thématise les conséquences de l'utilisation massive d'herbicides, en particulier de l'agent orange, par les États-Unis et leurs alliés pendant la guerre. Près de 50 ans plus tard, on trouve encore des traces de la dioxine contenue dans l'agent orange dans la chaîne alimentaire ; la transmission du génome endommagé par l'agent orange d'un parent aux générations suivantes a également des effets dévastateurs. Ces deux facteurs ont pour conséquence qu'aujourd'hui encore, des enfants naissent au Vietnam et souffrent de maladies et de graves malformations. Les images documentaires de Roland Schmid ont une intention éclairante, mais elles visent aussi toujours - dans la tradition d'une photographie "humaniste" - la dignité de l'être humain.

Come parlare di guerra in tempo di guerra? Si devono o si possono: mostrare immagini di guerre passate di fronte alla sopraffazione di immagini di guerre presenti? Ma il tempo della guerra non è oggi, non è allora: la guerra è sempre - o sempre di nuovo, e rimane: Dà forma alla memoria e all'azione; lascia le sue tracce nel paesaggio e nei corpi delle persone che devono trovare un modo per affrontare le sue conseguenze - per generazioni.

La mostra del fotografo e artista bernese Marco Frauchiger e del fotografo basilese Roland Schmid unisce due prospettive sugli effetti della guerra del Vietnam, durata dal 1955 al 1975, che possono essere vissuti e visti ancora oggi nei Paesi colpiti.

Per distruggere le vie di rifornimento dei Vietcong in Laos, i servizi segreti statunitensi sganciarono più di due milioni di tonnellate di bombe sul Paese in una guerra segreta; una quantità superiore a tutte le bombe utilizzate nella Seconda Guerra Mondiale messe insieme. La mostra presenta immagini della serie "How to dismantle a bomb", un progetto a lungo termine in cui Frauchiger mostra come la popolazione del Laos affronta l'eredità di questa guerra. Le opere, create in collaborazione e in dialogo con le persone sul posto, rivelano una strategia artistica che mette in discussione le comuni modalità narrative delle immagini fotografiche e la promessa di realtà nel reportage di guerra.

Dalla fine degli anni '90, Roland Schmid si è recato in Vietnam su invito del giornalista svizzero Peter Jaeggi. Nella sua serie di immagini, Schmid affronta le conseguenze dell'uso massiccio di erbicidi, in particolare dell'Agente Arancio, da parte degli Stati Uniti e dei loro alleati durante la guerra. Anche a distanza di quasi 50 anni, tracce della diossina contenuta nell'Agente Arancio si trovano ancora nella catena alimentare; l'ereditarietà del genoma danneggiato dall'Agente Arancio da un genitore alle generazioni successive ha un effetto altrettanto devastante. Il risultato di entrambi è che ancora oggi in Vietnam nascono bambini affetti da malattie e gravi deformità. Nelle immagini documentarie di Roland Schmid è insito un intento illuminante che, tuttavia, mira sempre anche alla dignità dell'essere umano, nel pieno rispetto della tradizione della fotografia "umanistica".

How to talk about war in times of war? Should or may one: show images from past wars in the face of being overwhelmed by images from present wars? But the time of war is not today, not then: war is always - or again and again, and it remains: It shapes memory and action; it leaves its traces in the landscape and in the bodies of people who have to find a way to deal with its consequences - over generations.

The exhibition by Bernese photographer and artist Marco Frauchiger and Basel-based photographer Roland Schmid combines two perspectives on the effects of the Vietnam War, which lasted from 1955 to 1975 and can still be experienced and seen today in the countries affected.

To destroy supply routes for the Viet Cong in Laos, U.S. intelligence dropped more than two million tons of bombs over the country in a secret war; more than all the bombs used in World War II combined. The exhibition features images taken from the series of works "How to dismantle a bomb," a long-term project in which Frauchiger shows how the people of Laos deal with the legacy of that war. The works, created in collaboration and dialogue with the people on the ground, reveal an artistic strategy that questions common narrative modes of photographic images and the promise of reality in war reporting.

Since the late 1990s, Roland Schmid has travelled to Vietnam at the invitation of Swiss journalist Peter Jaeggi. In his series of images, Schmid addresses the consequences of the massive use of herbicides, especially Agent Orange, by the USA and its allies during the war. Even almost 50 years later, traces of the dioxin contained in Agent Orange can still be found in the food chain; the inheritance of the genome damaged by Agent Orange from one parent to subsequent generations has an equally devastating effect. As a result, children are still being born in Vietnam today suffering from diseases and severe deformities. Inherent in Roland Schmid's documentary images is an enlightening intention, which also always - in the tradition of "humanistic" photography - aims at the dignity of the human being.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

Kunsthaus Zug
26. November 2023

Ausstellungsrundgang mit Guido Baselgia und Matthias Haldemann

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Galerie Heuberg 24 | Basel
23. November 2023

Simone Baumann im Gespräch

#MERET Art vs. Poetry
Julian Salinas, Andreas Schneider

Die im Rahmen der Poesie Tage 2023 entstandenen Werke zu den gewürdigten Schriftsteller:innen, Poet:innen und Lyriker:innen werden in einer Gesamtschau gezeigt.

In der Ausstellung #MERET sind die Arbeiten zu Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach und Fritz Liebrich zu sehen.

Die Künstler andreasschneider und Julian Salinas setzten sich jeweils mit einer Interpretation zum Werk der fünf verstorbenen Lyrikerinnen auseinander. Die Arbeiten stimmen sich stark auf das Leben und der Geschichte der Personen ab und zeigen eine aktuelle künstlerische Auseinandersetzung mit deren Werk. War Meret Oppenheim sehr stark durch ihre Zitate als Frau in der damals prägenden künstlerischen Männerwelt bekannt, schrieb Iris von Roten das Skandalbuch „Frauen im Laufgitter“, welches seiner Zeit voraus war. Rainer Brambach wurde als staatenloser vor dem 2. Weltkrieg nach Deutschland ausgewiesen, desertierte, wurde interniert und erst als bekannter Dichter eingebürgert und 1974 mit dem Basler Kunstpreis geehrt.

Mit der Retrospektiven Ausstellung sind nun sämtliche Werke, Fotografien und Performances in der Galerie am Heuberg 24 in Basel zu sehen.

Les œuvres réalisées dans le cadre des Journées de la poésie 2023 sur les écrivains, poètes et poétesses honorés sont présentées dans une exposition globale.

L'exposition #MERET présente les travaux de Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach et Fritz Liebrich.

Les artistes andreasschneider et Julian Salinas se sont chacun penchés sur une interprétation de l'œuvre des cinq poétesses décédées. Les travaux s'accordent fortement avec la vie et l'histoire des personnes et montrent une réflexion artistique actuelle sur leur œuvre. Si Meret Oppenheim était très connue pour ses citations en tant que femme dans le monde artistique masculin qui était alors marquant, Iris von Roten a écrit le livre à scandale "Frauen im Laufgitter", qui était en avance sur son temps. Rainer Brambach, apatride, a été expulsé vers l'Allemagne avant la Seconde Guerre mondiale, a déserté, a été interné et n'a été naturalisé qu'en tant que poète connu et a été honoré en 1974 par le prix artistique de Bâle.

Avec l'exposition rétrospective, toutes les œuvres, les photographies et les performances sont désormais exposées à la Galerie am Heuberg 24 à Bâle.

Le opere create nell'ambito delle Giornate della Poesia 2023 sugli scrittori, poeti e parolieri premiati saranno esposte in una mostra complessiva.

La mostra #MERET presenta opere di Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach e Fritz Liebrich.

Gli artisti andreasschneider e Julian Salinas hanno proposto un'interpretazione dell'opera dei cinque poeti scomparsi. Le opere sono fortemente in linea con le vite e le storie degli individui e mostrano un esame artistico contemporaneo del loro lavoro. Mentre Meret Oppenheim era ben nota per le sue citazioni come donna nel mondo artistico dell'epoca, dominato dagli uomini, Iris von Roten scrisse il libro scandaloso "Frauen im Laufgitter" (Donne nel recinto), che era in anticipo sui tempi. Rainer Brambach fu espulso in Germania come apolide prima della Seconda Guerra Mondiale, disertò, fu internato e fu naturalizzato solo come noto poeta e premiato con il Premio d'Arte di Basilea nel 1974.

Con la mostra retrospettiva, tutte le sue opere, fotografie e performance sono ora esposte alla Galerie am Heuberg 24 di Basilea.

The works created as part of the Poetry Days 2023 on the honored writers, poets and lyricists will be shown in an overall exhibition.

The #MERET exhibition features works by Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach and Fritz Liebrich.

The artists andreasschneider and Julian Salinas have each come up with an interpretation of the work of the five deceased poets. The works are strongly attuned to the lives and histories of the individuals and show a contemporary artistic examination of their work. While Meret Oppenheim was very much known for her quotes as a woman in the then formative artistic male world, Iris von Roten wrote the scandalous book "Frauen im Laufgitter", which was ahead of its time. Rainer Brambach was expelled to Germany as a stateless person before the Second World War, deserted, was interned and only became a naturalized citizen as a well-known poet and was honoured with the Basel Art Prize in 1974.

With the retrospective exhibition, all of his works, photographs and performances are now on display at the Galerie am Heuberg 24 in Basel.

(Text: Julian Salinas, Basel)

Galerie 94 | Baden
18. November 2023

Die Schweizer Alpen
Daniel Bühler

Daniel Bühler, der seit Jahren sein Oeuvre mit Akribie pflegt, arbeitet technisch und bildnerisch einzigartig. Er visualisiert Welten, die wir vielleicht schon gesehen, nie aber in dieser Fülle wahrgenommen haben, facettenreich einzigartig. Das ist zum einen das Verdienst seines perfekten Gespürs für den «unperfekten» Augenblick. Abseits getretener Pfade sucht er in den Bergen, auf seinem Rücken 20 Kilogramm schwere Fotoutensilien, das perfekte Licht, das von dahinziehenden Wolkenund Nebelfeldern durchgelassen wird und der kargen Bergwelt erst recht Konturen verleiht. Daniel Bühler mag Wetterwechsel und atmosphärische Kapriolen. Zum anderen ist die Magie der Bilder seiner herausragenden Technik geschuldet: Er fertigt mehrere Einzelbilder einer Sequenz an, die er danach im Studio in akribischer Arbeit zusammensetzt. Dabei greift er auf seine Farbskizzen zurück, die er sich am Schauplatz notiert. Wahrheit und Inszenierung fügen sich auf diese Art zu einem ungeahnten Detailreichtum zusammen. Kaum zu glauben, in wie vielen Nuancen Alpenfirn leuchten kann. Die grossformatigen Bergwelten, gerahmt in massiver Eiche, zeigen eine assoziationsreiche Art von Bildgedächtnis.

Daniel Bühler, qui entretient son œuvre avec minutie depuis des années, travaille de manière unique sur le plan technique et pictural. Il visualise des mondes que nous avons peut-être déjà vus, mais jamais perçus avec autant de richesse, uniques par leurs facettes. Le mérite en revient d'une part à son flair parfait pour l'instant "imparfait". Hors des sentiers battus, il cherche dans les montagnes, avec sur son dos un matériel photographique de 20 kilos, la lumière parfaite que laissent passer les nuages et les champs de brouillard qui s'éloignent et qui donnent des contours au monde aride de la montagne. Daniel Bühler aime les changements de temps et les caprices de l'atmosphère. D'autre part, la magie de ses visuels est due à sa technique exceptionnelle : Il réalise plusieurs images individuelles d'une séquence, qu'il assemble ensuite en studio par un travail méticuleux. Pour ce faire, il se sert de ses esquisses en couleur, qu'il note sur place. La vérité et la mise en scène se rejoignent ainsi dans une richesse de détails insoupçonnée. Il est difficile de croire aux nombreuses nuances du névé alpin. Les paysages de montagne en grand format, encadrés en chêne massif, révèlent une sorte de mémoire visuelle riche en associations.

Daniel Bühler, che da anni coltiva meticolosamente la sua opera, lavora in modo tecnicamente e pittoricamente unico. Visualizza mondi forse già visti, ma mai percepiti in questa pienezza, multiformemente unica. Da un lato, questo è il merito del suo perfetto senso del momento "imperfetto". Fuori dai sentieri battuti, cerca la luce perfetta in montagna, portando sulle spalle 20 chilogrammi di attrezzatura fotografica, che si lascia attraversare da nuvole e campi di nebbia e dà i contorni al brullo mondo montano. Daniel Bühler ama i cambiamenti meteorologici e i capricci atmosferici. D'altra parte, la magia delle immagini è dovuta alla sua tecnica eccezionale: Scatta diverse immagini singole di una sequenza, che poi assembla meticolosamente in studio. Nel farlo, si basa sui suoi schizzi a colori, che annota sulla scena. In questo modo, verità e messa in scena si fondono in una ricchezza di dettagli inimmaginabile. È difficile credere a quante sfumature possa brillare la neve alpina. I mondi montani di grande formato, incorniciati in rovere massiccio, mostrano una sorta di memoria pittorica ricca di associazioni.

Daniel Bühler, who has been meticulously cultivating his oeuvre for years, works in a technically and pictorially unique way. He visualizes worlds that we have perhaps already seen, but never perceived in this fullness, multifaceted unique. This is on the one hand the merit of his perfect sense for the "imperfect" eye-gaze. Off the beaten track, he searches for the perfect light in the mountains, carrying 20 kilograms of photographic equipment on his back, which is let through by drifting clouds and fog fields and gives the barren mountain world its contours in the first place. Daniel Bühler likes weather changes and atmospheric caprices. On the other hand, the magic of the pictures is due to his outstanding technique: He takes several individual images of a sequence, which he then meticulously assembles in the studio. In the process, he falls back on his color sketches, which he notes down in the viewing area. In this way, truth and staging come together in an undreamt-of wealth of detail. It's hard to believe how many shades of alpine snow can shine. The large-format mountain worlds, framed in solid oak, show a richly associative kind of pictorial memory.

(Text: Galerie 94, Baden)

Kunsthaus Zug
12. November 2023

Ausstellungsrundgang mit Guido Baselgia und Matthias Haldemann

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Galerie am Platz | Eglisau
12. November 2023

Albanien heute: Gespräch mit Lars Haefner und Suzana Gachnang von der Gesellschaft Schweiz-Albanien

Heute-gestern-übermorgen
Thomas Krempke

Seit drei Jahren arbeitet Thomas Krempke an einem Langzeitprojekt in Albanien, das Projekt ist eine Auseinandersetzung mit dem fotografischen Sehen und mit dem Blick auf die albanischen Wirklichkeit. Die Ausstellung „heute-gestern-übermorgen" zeigt einen Ausschnitt aus diesem Langzeitprojekt. Seit dem Ende der Diktatur 1992 versucht Albanien die gesellschaftliche und wirtschaftliche Entwicklung aufzuholen, für die wir fast hundert Jahre gebraucht haben. Ein unmögliches Unterfangen in dieser kurzen Zeit. Dessen Folgen sind überall im Land sichtbar und scheinen wie ein Spiegelbild unserer eigenen Lebensweise. Es ist als ob Albanien schweben würde zwischen seiner nicht allzu fernen Vergangenheit, die unendlich weit weg zu sein scheint, und einer Zukunft, die nie anbrechen wird, und von der man den Eindruck hat, sie werde sich, bevor sie begonnen hat, wie ein Traum in nichts auflösen. Mit seinen Bildern und Texten setzt sich Thomas Krempke auch mit unserer Wahrnehmung als Reisende auseinander, mit unserem Blick auf andere.

Depuis trois ans, Thomas Krempke travaille sur un projet à long terme en Albanie. Ce projet est une réflexion sur la vision photographique et sur le regard porté sur la réalité albanaise. L'exposition "aujourd'hui-aujourd'hui-après-demain" présente un extrait de ce projet à long terme. Depuis la fin de la dictature en 1992, l'Albanie tente de rattraper le développement social et économique qui nous a pris près de cent ans. Une entreprise impossible en si peu de temps. Ses conséquences sont visibles partout dans le pays et semblent être le reflet de notre propre mode de vie. C'est comme si l'Albanie flottait entre son passé pas si lointain, qui semble infiniment éloigné, et un avenir qui ne commencera jamais, et dont on a l'impression qu'il s'évanouira avant même d'avoir commencé, comme un rêve. Avec ses images et ses textes, Thomas Krempke s'interroge également sur notre perception en tant que voyageurs, sur le regard que nous portons sur les autres.

Thomas Krempke lavora da tre anni a un progetto a lungo termine in Albania, un'esplorazione della visione fotografica e dello sguardo sulla realtà albanese. La mostra "heute-gestern-übermorgen" presenta un estratto di questo progetto a lungo termine. Dalla fine della dittatura nel 1992, l'Albania sta cercando di recuperare il ritardo nello sviluppo sociale ed economico che ha richiesto quasi cento anni. Un'impresa impossibile in questo breve lasso di tempo. Le sue conseguenze sono visibili ovunque nel Paese e sembrano un riflesso del nostro stesso modo di vivere. È come se l'Albania fosse sospesa tra il suo passato non troppo lontano, che sembra infinitamente lontano, e un futuro che non sorgerà mai, e di cui si ha l'impressione che si dissolverà nel nulla come un sogno prima ancora di cominciare. Con le sue immagini e i suoi testi, Thomas Krempke si occupa anche della nostra percezione di viaggiatori, del nostro sguardo sugli altri.

Thomas Krempke has been working on a long-term project in Albania for three years; the project is an exploration of photographic seeing and the gaze on Albanian reality. The exhibition " today-yesterday-after tomorrow" shows an excerpt from this long-term project. Since the end of the dictatorship in 1992, Albania has been trying to catch up with the social and economic development that we took almost a hundred years to achieve. An impossible undertaking in this short period of time. Its consequences are everywhere visible in the country and seem like a reflection of our own way of life. It is as if Albania is suspended between its not-so-distant past, which seems infinitely far away, and a future that will never dawn, of which one has the impression that it will dissolve into nothing like a dream before it has begun. With his pictures and texts, Thomas Krempke also deals with our perception as travelers, with our view of the other.

(Text: Thomas Krempke)

Fabian & Claude Walter Galerie | Zürich
11. November 2023

Anna Wesle (Museum Franz Gertsch) und Detta Kälin (KWS) im Gespräch mit Peter Hebeisen

Kunstpreis der Keller-Wedekind-Stiftung KWS 2023
Peter Hebeisen

Die Keller-Wedekind-Stiftung (KWS) vergibt ihren hochdotierten Kunstpreis dieses Jahr an den in Zürich lebenden Fotografen Peter Hebeisen.

Hebeisens fotografische Serien kreisen um das Thema Porträt. Seine Fotografien sind Interpretationen dessen, was das Objektiv der Kamera einfängt. Es ist der scharfe Blick hinter und unter die sichtbare Oberfläche, der das Eindringen in die subkutane Landschaft von Mensch, Tier und Natur ermöglicht.

Die Serie 20th Century European Battlefields ist von bemerkenswerter Aktualität. Peter Hebeisen fotografierte Orte in Europa, an denen die großen kriegerischen Schlachten des 1. und 2. Weltkrieges stattfanden. Wo kilometerweit Natur und Städte verwüstet wurden und Tausende von Menschen starben, befinden sich heute Städte, lauschige Wäldchen oder idyllische Strände mit Sonnenschirmen und Eisständen. Dennoch ist es Kriegsfotografie, die gleichsam posthum den Ort und seine Toten porträtiert.

Beeindruckend ist auch Hebeisens neueste Serie der Schweizer Gletscher What remains. Die Aufnahme rückt den Gletscher in die Nähe eines lebendigen Wesens, welches leidet und stirbt – ein faszinierender Kontrapunkt zur prachtvollen Schönheit der Bergwelt.

Die Keller-Wedekind-Stiftung (KWS) fördert gegenständliche Kunst in der Schweiz. Die KWS vergibt ihren Preis seit 2013 alle zwei Jahre. Peter Hebeisen ist nach Gabriella Gerosa, Joëlle Flumet, Thomas Ritz, Tobias Weber und Andrea Muheim der sechste Träger des KWS-Kunstpreises. Es ist einer der höchstdotierten ausschliesslich privat finanzierten Kunstpreise in der Schweiz. Sein Wert beläuft sich auf 70'000 Schweizer Franken: Der Künstler erhält 10'000 Franken, mindestens ein Werk wird von der Stiftung angekauft; zudem gehören zur Förderung eine Ausstellung in der Zürcher Galerie Fabian & Claude Walter und die Produktion des Werkkatalogs. Der über 100-seitige Katalog zur Ausstellung enthält rund 60 Abbildungen und den Text der Redaktorin und Autorin Nadine Olonetzky. Die Werkkataloge der KWS zeichnen sich durch Gehalt und eine sorgfältige Zusammenstellung aus. Diese namhafte Förderung wird mit einem langen Atem, abseits von kurzlebigen Strömungen und modischem Marketing verfolgt. Die Evaluation der jeweiligen Kunstschaffenden spielt sich in einem konzentrierten Prozess ab. Kunstschaffende reichen bei der KWS ihre Werke nicht ein, sondern sie werden durch permanente, intensive Beobachtung der Schweizer Kunstszene von der Stiftung ausgewählt.

La Fondation Keller-Wedekind (KWS) décerne cette année son prix artistique très bien doté à Peter Hebeisen, photographe vivant à Zurich.

Les séries photographiques de Hebeisen tournent autour du thème du portrait. Ses photographies sont des interprétations de ce que l'objectif de l'appareil photo saisit. C'est le regard acéré derrière et sous la surface visible qui permet de pénétrer dans le paysage sous-cutané de l'homme, de l'animal et de la nature.

La série 20th Century European Battlefields est d'une remarquable actualité. Peter Hebeisen a photographié des lieux en Europe où se sont déroulées les grandes batailles guerrières de la Première et de la Seconde Guerre mondiale. Là où la nature et les villes ont été dévastées sur des kilomètres et où des milliers de personnes sont mortes, on trouve aujourd'hui des villes, des bosquets intimes ou des plages idylliques avec des parasols et des stands de glace. Il s'agit néanmoins d'une photographie de guerre qui dresse un portrait posthume du lieu et de ses morts.

La dernière série d'Hebeisen sur les glaciers suisses What remains est également impressionnante. La photo rapproche le glacier d'un être vivant qui souffre et meurt - un contrepoint fascinant à la beauté somptueuse des montagnes.

La Fondation Keller-Wedekind (KWS) encourage l'art figuratif en Suisse. Depuis 2013, la KWS décerne son prix tous les deux ans. Après Gabriella Gerosa, Joëlle Flumet, Thomas Ritz, Tobias Weber et Andrea Muheim, Peter Hebeisen est le sixième lauréat du prix d'art KWS. Il s'agit de l'un des prix d'art les mieux dotés en Suisse, financé exclusivement par des fonds privés. Sa valeur s'élève à 70 000 francs suisses : l'artiste reçoit 10 000 francs suisses, au moins une œuvre est achetée par la fondation ; en outre, une exposition à la galerie zurichoise Fabian & Claude Walter et la production du catalogue de l'œuvre font partie du soutien. Le catalogue de l'exposition, qui compte plus de 100 pages, contient environ 60 illustrations et le texte de la rédactrice et auteure Nadine Olonetzky. Les catalogues d'œuvres de la KWS se distinguent par leur contenu et leur composition soignée. Cette promotion de renom est suivie avec une grande persévérance, à l'écart des courants éphémères et du marketing à la mode. L'évaluation des artistes concernés se déroule dans le cadre d'un processus concentré. Les artistes ne soumettent pas leurs œuvres à la KWS, mais sont sélectionnés par la fondation grâce à une observation permanente et intensive de la scène artistique suisse.

Quest'anno la Fondazione Keller-Wedekind (KWS) assegna il suo premio d'arte, dotato di un'elevata dotazione, al fotografo zurighese Peter Hebeisen.

Le serie fotografiche di Hebeisen ruotano attorno al tema del ritratto. Le sue fotografie sono interpretazioni di ciò che l'obiettivo della macchina fotografica cattura. È la visione nitida dietro e sotto la superficie visibile che permette di penetrare nel paesaggio sottocutaneo dell'uomo, dell'animale e della natura.

La serie dei Campi di battaglia europei del XX secolo è straordinariamente attuale. Peter Hebeisen ha fotografato i luoghi in Europa dove si sono svolte le grandi battaglie della Prima e della Seconda guerra mondiale. Dove chilometri di natura e città sono stati devastati e migliaia di persone sono morte, ora ci sono città, boschi appartati e spiagge idilliache con ombrelloni e chioschi di gelati. Tuttavia, è la fotografia di guerra a ritrarre il luogo e i suoi morti in modo per così dire postumo.

Anche l'ultima serie di Hebeisen sui ghiacciai svizzeri, What remains, è impressionante. La fotografia avvicina il ghiacciaio a un essere vivente che sta soffrendo e morendo - un affascinante contrappunto alla magnifica bellezza del mondo montano.

La Fondazione Keller-Wedekind (KWS) promuove l'arte figurativa in Svizzera. Dal 2013 la KWS assegna il suo premio ogni due anni. Peter Hebeisen è il sesto vincitore del Premio d'arte KWS dopo Gabriella Gerosa, Joëlle Flumet, Thomas Ritz, Tobias Weber e Andrea Muheim. Si tratta di uno dei premi d'arte più ricchi e finanziati esclusivamente da privati in Svizzera. Ha un valore di 70.000 franchi svizzeri: l'artista riceve 10.000 franchi svizzeri, almeno un'opera viene acquistata dalla fondazione; la sponsorizzazione comprende anche una mostra presso la Galleria Fabian & Claude Walter di Zurigo e la produzione del catalogo ragionato. Il catalogo di 100 pagine che accompagna la mostra contiene circa 60 illustrazioni e un testo della curatrice e autrice Nadine Olonetzky. I cataloghi ragionati della KWS si distinguono per il loro contenuto e la loro accurata compilazione. Questa rinomata promozione è perseguita con forza, lontano dalle tendenze effimere e dal marketing alla moda. La valutazione dei rispettivi artisti avviene in un processo concentrato. Gli artisti non presentano le loro opere alla KWS, ma vengono selezionati dalla fondazione attraverso un'osservazione permanente e intensiva della scena artistica svizzera.

This year, the Keller Wedekind Foundation (KWS) is awarding its highly endowed art prize to the Zurich-based photographer Peter Hebeisen.

Hebeisen's photographic series revolve around the theme of portraiture. His photographs are interpretations of what the camera lens captures. It is the sharp view behind and beneath the visible surface that enables the penetration into the subcutaneous landscape of humans, animals and nature.

The 20th Century European Battlefields series is remarkably topical. Peter Hebeisen photographed places in Europe where the great battles of the First and Second World Wars took place. Where miles of nature and cities were devastated and thousands of people died, there are now towns, secluded woods and idyllic beaches with parasols and ice cream stands. Nevertheless, it is war photography that portrays the place and its dead posthumously, as it were.

Hebeisen's latest series of Swiss glaciers, What remains, is also impressive. The photograph brings the glacier close to a living being that is suffering and dying - a fascinating counterpoint to the magnificent beauty of the mountain world.

The Keller-Wedekind Foundation (KWS) promotes figurative art in Switzerland. The KWS has awarded its prize every two years since 2013. Peter Hebeisen is the sixth winner of the KWS Art Prize after Gabriella Gerosa, Joëlle Flumet, Thomas Ritz, Tobias Weber and Andrea Muheim. It is one of the most highly endowed, exclusively privately financed art prizes in Switzerland. Its value amounts to 70,000 Swiss francs: the artist receives 10,000 francs, at least one work is purchased by the foundation; the sponsorship also includes an exhibition at the Fabian & Claude Walter Gallery in Zurich and the production of a catalog of works. The 100-page catalog accompanying the exhibition contains around 60 illustrations and a text by editor and author Nadine Olonetzky. The KWS catalogs raisonnés are characterized by their content and careful compilation. This renowned promotion is pursued with staying power, away from short-lived trends and fashionable marketing. The evaluation of the respective artists takes place in a concentrated process. Artists do not submit their works to the KWS, but are selected by the foundation through permanent, intensive observation of the Swiss art scene.

(Text: Fabian & Claude Walter Galerie, Zürich)

Galerie am Platz | Eglisau
29. Oktober 2023

Künstlergespräch mit Mine Dal, Fotografin

Heute-gestern-übermorgen
Thomas Krempke

Seit drei Jahren arbeitet Thomas Krempke an einem Langzeitprojekt in Albanien, das Projekt ist eine Auseinandersetzung mit dem fotografischen Sehen und mit dem Blick auf die albanischen Wirklichkeit. Die Ausstellung „heute-gestern-übermorgen" zeigt einen Ausschnitt aus diesem Langzeitprojekt. Seit dem Ende der Diktatur 1992 versucht Albanien die gesellschaftliche und wirtschaftliche Entwicklung aufzuholen, für die wir fast hundert Jahre gebraucht haben. Ein unmögliches Unterfangen in dieser kurzen Zeit. Dessen Folgen sind überall im Land sichtbar und scheinen wie ein Spiegelbild unserer eigenen Lebensweise. Es ist als ob Albanien schweben würde zwischen seiner nicht allzu fernen Vergangenheit, die unendlich weit weg zu sein scheint, und einer Zukunft, die nie anbrechen wird, und von der man den Eindruck hat, sie werde sich, bevor sie begonnen hat, wie ein Traum in nichts auflösen. Mit seinen Bildern und Texten setzt sich Thomas Krempke auch mit unserer Wahrnehmung als Reisende auseinander, mit unserem Blick auf andere.

Depuis trois ans, Thomas Krempke travaille sur un projet à long terme en Albanie. Ce projet est une réflexion sur la vision photographique et sur le regard porté sur la réalité albanaise. L'exposition "aujourd'hui-aujourd'hui-après-demain" présente un extrait de ce projet à long terme. Depuis la fin de la dictature en 1992, l'Albanie tente de rattraper le développement social et économique qui nous a pris près de cent ans. Une entreprise impossible en si peu de temps. Ses conséquences sont visibles partout dans le pays et semblent être le reflet de notre propre mode de vie. C'est comme si l'Albanie flottait entre son passé pas si lointain, qui semble infiniment éloigné, et un avenir qui ne commencera jamais, et dont on a l'impression qu'il s'évanouira avant même d'avoir commencé, comme un rêve. Avec ses images et ses textes, Thomas Krempke s'interroge également sur notre perception en tant que voyageurs, sur le regard que nous portons sur les autres.

Thomas Krempke lavora da tre anni a un progetto a lungo termine in Albania, un'esplorazione della visione fotografica e dello sguardo sulla realtà albanese. La mostra "heute-gestern-übermorgen" presenta un estratto di questo progetto a lungo termine. Dalla fine della dittatura nel 1992, l'Albania sta cercando di recuperare il ritardo nello sviluppo sociale ed economico che ha richiesto quasi cento anni. Un'impresa impossibile in questo breve lasso di tempo. Le sue conseguenze sono visibili ovunque nel Paese e sembrano un riflesso del nostro stesso modo di vivere. È come se l'Albania fosse sospesa tra il suo passato non troppo lontano, che sembra infinitamente lontano, e un futuro che non sorgerà mai, e di cui si ha l'impressione che si dissolverà nel nulla come un sogno prima ancora di cominciare. Con le sue immagini e i suoi testi, Thomas Krempke si occupa anche della nostra percezione di viaggiatori, del nostro sguardo sugli altri.

Thomas Krempke has been working on a long-term project in Albania for three years; the project is an exploration of photographic seeing and the gaze on Albanian reality. The exhibition " today-yesterday-after tomorrow" shows an excerpt from this long-term project. Since the end of the dictatorship in 1992, Albania has been trying to catch up with the social and economic development that we took almost a hundred years to achieve. An impossible undertaking in this short period of time. Its consequences are everywhere visible in the country and seem like a reflection of our own way of life. It is as if Albania is suspended between its not-so-distant past, which seems infinitely far away, and a future that will never dawn, of which one has the impression that it will dissolve into nothing like a dream before it has begun. With his pictures and texts, Thomas Krempke also deals with our perception as travelers, with our view of the other.

(Text: Thomas Krempke)

Galerie Stephan Witschi | Zürich
6. Oktober 2023

Barbara Liebster im Gespräch mit Isabelle Krieg

SUPERNORMALMARKT
Isabelle Krieg

Wenn ich meine Ausstellung NORMALMARKT nenne, genauer geschrieben SUPERNORMALMARKT, dann wissen alle, was gemeint ist: Die Abkehr vom bisherigen Super-Kaputtalismus hin zu einem «normalen» Miteinander.

Denn der bisherige Supermarkt funktioniert nur auf dem Rücken von anderen, die an den Rand gedrängt werden, und auf Kosten der Natur. Und das können wir uns einfach nicht mehr leisten.

Si j'appelle mon exposition NORMALMARK, ou plus exactement SUPERNORMALMARKT, tout le monde sait de quoi il s'agit : l'abandon du super-caputtalisme actuel au profit d'une cohabitation "normale".

Car le supermarché actuel ne fonctionne que sur le dos des autres, qui sont marginalisés, et au détriment de la nature. Et cela, nous ne pouvons tout simplement plus nous le permettre.

Quando chiamo la mia mostra NORMALMARKT, o più precisamente SUPERNORMALMARKT, allora tutti sanno cosa intendo: l'allontanamento dal precedente supercapitalismo verso una "normale" convivenza.

Perché il supermercato precedente funziona solo sulle spalle degli altri che sono spinti ai margini, e a spese della natura. E questo non possiamo più permettercelo.

When I call my exhibition NORMALMARKT, or more precisely SUPERNORMALMARKT, then everyone knows what is meant: The turn away from the previous super-caputtalism to a "normal" togetherness.

Because the present supermarket functions only on the back of others, who are pushed to the edge, and at the expense of nature. And we simply can't afford that anymore.

(Text: Isabelle Krieg)

Kunstmuseum Luzern
4. Oktober 2023

Den Krieg dokumentieren: Podiumsgespräch mit den VII-Fotografen Daniel Schwartz und Christopher Morris, in englischer Sprache, in Kooperation mit VII/Foundation

Tracings
Daniel Schwartz

Daniel Schwartz (*1955) reist dahin, wo es brennt, in die Krisenregionen dieser Welt. Akribisch hält er Situationen mit der Kamera fest, in denen andere wegschauen. Der Schweizer Fotograf ist ein Fährtenleser, der sich auf die Spur seines eigenen Werks macht. Für die Ausstellung Tracings öffnet er sein Archiv, das einen umfangreichen Bildkorpus aus den letzten 50 Jahren umfasst, und zeigt unveröffentlichte Schätze. Auch in seinen Bildern folgt Daniel Schwartz Spuren: traurigen Überresten von verschwindenden Gletschern auf der ganzen Welt, dem Marsch von Khmer-Soldaten auf einer verminten Strasse in Kambodscha, die leer zurückgelassene Nische der von den Taliban zerstörten Buddhastatuen in Bamiyan oder von Uigur:innen unter Zwang gegrabenen Bewässerungskanälen in der chinesischen Wüste. Dabei vertritt er eine engagierte Haltung, niemals die Menschen blossstellend, die er unter schwierigen Umständen porträtiert. Ausschliesslich analog und meist schwarzweiss zeugen Schwartz’ Bilder von seinem kritischen Auge, mit dem er die Brutalität der Wirklichkeit in den Fokus nimmt.

Kuratiert von Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) se rend là où ça brûle, dans les régions en crise du monde. Il immortalise méticuleusement avec son appareil photo des situations où d'autres détournent le regard. Le photographe suisse est un traqueur qui part sur les traces de son propre travail. Pour l'exposition Tracings, il ouvre ses archives, qui comprennent un vaste corpus d'images des 50 dernières années, et montre des trésors inédits. Dans ses images aussi, Daniel Schwartz suit des pistes : les tristes vestiges de glaciers en voie de disparition dans le monde entier, la marche de soldats khmers sur une route minée au Cambodge, la niche laissée vide des statues de Bouddha détruites par les talibans à Bamiyan ou des canaux d'irrigation creusés sous la contrainte par des Ouïghours dans le désert chinois. Il adopte une attitude engagée, ne mettant jamais à nu les personnes dont il fait le portrait dans des conditions difficiles. Exclusivement analogiques et le plus souvent en noir et blanc, les images de Schwartz témoignent de son œil critique, avec lequel il met l'accent sur la brutalité de la réalité.

Commissariat de Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) viaggia dove c'è il fuoco, nelle aree di crisi di questo mondo. Con la sua macchina fotografica cattura meticolosamente situazioni in cui gli altri guardano altrove. Il fotografo svizzero è un segugio che si mette sulle tracce del proprio lavoro. Per la mostra Tracings, apre il suo archivio, che comprende un ampio corpus di immagini degli ultimi 50 anni, e mostra tesori inediti. Daniel Schwartz segue le tracce anche nelle sue immagini: i tristi resti di ghiacciai scomparsi in tutto il mondo, la marcia dei soldati khmer su una strada minata in Cambogia, la nicchia vuota delle statue di Buddha a Bamiyan distrutte dai Talebani o i canali di irrigazione nel deserto cinese scavati sotto costrizione dagli Uigur:ins. Nel farlo, assume una posizione impegnata, senza mai esporre le persone che ritrae in circostanze difficili. Esclusivamente analogiche e per lo più in bianco e nero, le immagini di Schwartz testimoniano il suo occhio critico, con cui mette a fuoco la brutalità della realtà.

A cura di Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) travels to hot spots, the world’s crisis regions. He meticulously photographs situations others looks away from. The Swiss photographer is a tracker, who is now setting out on the trail of his own work. For the exhibition Tracings he is opening his archive, with its extensive range of images from the past 50 years, and showing unpublished treasures. Daniel Schwartz also follows trails in his images: sad remains of disappearing glaciers all over the world, Khmer soldiers marching along a mined road in Cambodia, an empty niche left by the Buddha statues in Bamyan destroyed by the Taliban or irrigation tunnels in the Chinese desert which Uyghurs were forced to dig. In doing so the photographer adopts an involved attitude, never showing up the people he portrays under such difficult circumstances. Schwartz’ photographs, all of them analogue and most of them black-and-white, testify to the critical eye he casts on the brutality of reality.

Curated by Beat Wismer

                (Text: Kunstmuseum Luzern)

Kunstmuseum Luzern
30. September 2023

Rundgang mit Daniel Schwartz und Beat Wismer

Tracings
Daniel Schwartz

Daniel Schwartz (*1955) reist dahin, wo es brennt, in die Krisenregionen dieser Welt. Akribisch hält er Situationen mit der Kamera fest, in denen andere wegschauen. Der Schweizer Fotograf ist ein Fährtenleser, der sich auf die Spur seines eigenen Werks macht. Für die Ausstellung Tracings öffnet er sein Archiv, das einen umfangreichen Bildkorpus aus den letzten 50 Jahren umfasst, und zeigt unveröffentlichte Schätze. Auch in seinen Bildern folgt Daniel Schwartz Spuren: traurigen Überresten von verschwindenden Gletschern auf der ganzen Welt, dem Marsch von Khmer-Soldaten auf einer verminten Strasse in Kambodscha, die leer zurückgelassene Nische der von den Taliban zerstörten Buddhastatuen in Bamiyan oder von Uigur:innen unter Zwang gegrabenen Bewässerungskanälen in der chinesischen Wüste. Dabei vertritt er eine engagierte Haltung, niemals die Menschen blossstellend, die er unter schwierigen Umständen porträtiert. Ausschliesslich analog und meist schwarzweiss zeugen Schwartz’ Bilder von seinem kritischen Auge, mit dem er die Brutalität der Wirklichkeit in den Fokus nimmt.

Kuratiert von Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) se rend là où ça brûle, dans les régions en crise du monde. Il immortalise méticuleusement avec son appareil photo des situations où d'autres détournent le regard. Le photographe suisse est un traqueur qui part sur les traces de son propre travail. Pour l'exposition Tracings, il ouvre ses archives, qui comprennent un vaste corpus d'images des 50 dernières années, et montre des trésors inédits. Dans ses images aussi, Daniel Schwartz suit des pistes : les tristes vestiges de glaciers en voie de disparition dans le monde entier, la marche de soldats khmers sur une route minée au Cambodge, la niche laissée vide des statues de Bouddha détruites par les talibans à Bamiyan ou des canaux d'irrigation creusés sous la contrainte par des Ouïghours dans le désert chinois. Il adopte une attitude engagée, ne mettant jamais à nu les personnes dont il fait le portrait dans des conditions difficiles. Exclusivement analogiques et le plus souvent en noir et blanc, les images de Schwartz témoignent de son œil critique, avec lequel il met l'accent sur la brutalité de la réalité.

Commissariat de Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) viaggia dove c'è il fuoco, nelle aree di crisi di questo mondo. Con la sua macchina fotografica cattura meticolosamente situazioni in cui gli altri guardano altrove. Il fotografo svizzero è un segugio che si mette sulle tracce del proprio lavoro. Per la mostra Tracings, apre il suo archivio, che comprende un ampio corpus di immagini degli ultimi 50 anni, e mostra tesori inediti. Daniel Schwartz segue le tracce anche nelle sue immagini: i tristi resti di ghiacciai scomparsi in tutto il mondo, la marcia dei soldati khmer su una strada minata in Cambogia, la nicchia vuota delle statue di Buddha a Bamiyan distrutte dai Talebani o i canali di irrigazione nel deserto cinese scavati sotto costrizione dagli Uigur:ins. Nel farlo, assume una posizione impegnata, senza mai esporre le persone che ritrae in circostanze difficili. Esclusivamente analogiche e per lo più in bianco e nero, le immagini di Schwartz testimoniano il suo occhio critico, con cui mette a fuoco la brutalità della realtà.

A cura di Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) travels to hot spots, the world’s crisis regions. He meticulously photographs situations others looks away from. The Swiss photographer is a tracker, who is now setting out on the trail of his own work. For the exhibition Tracings he is opening his archive, with its extensive range of images from the past 50 years, and showing unpublished treasures. Daniel Schwartz also follows trails in his images: sad remains of disappearing glaciers all over the world, Khmer soldiers marching along a mined road in Cambodia, an empty niche left by the Buddha statues in Bamyan destroyed by the Taliban or irrigation tunnels in the Chinese desert which Uyghurs were forced to dig. In doing so the photographer adopts an involved attitude, never showing up the people he portrays under such difficult circumstances. Schwartz’ photographs, all of them analogue and most of them black-and-white, testify to the critical eye he casts on the brutality of reality.

Curated by Beat Wismer

                (Text: Kunstmuseum Luzern)

Kunstmuseum Luzern
27. September 2023

Chez Walti: Buchvernissage mit dem Künstler Walter Pfeiffer, Martin Jaeggi, Autor, Patrick Frey, Verleger, und Fanni Fetzer, Kuratorin

Sincerely
Walter Pfeiffer

Walter Pfeiffer (*1946) sucht mit der fotografischen Linse nach Schönheit, der Darstellung des männlichen Körpers fernab klischeehafter Ideale, nach verspielter Erotik und Leichtigkeit. Der Schweizer Künstler schult sein Auge schon früh als Schaufensterdekorateur, porträtiert später rebellische Heranwachsende aus der schwulen Zürcher Untergrundszene und beliefert schliesslich die angesagtesten internationalen Modezeitschriften mit seinen Fotostrecken. Walter Pfeiffer gelingt es, zwischen Modefotografie und bildender Kunst zu changieren. So sind seine Landschaften, Stillleben und Porträts nie platt. Sie zeigen keine vollendete Schönheit und tragen den revolutionären Geist der Gegenkultur der 1970er-Jahre in sich. Bald gehen bei ihm Freunde und Liebhaber ein und aus, um sich fotografieren zu lassen. Die meist männlichen Modelle entziehen sich klassischen Assoziationen von männlich und weiblich. Typisch für Walter Pfeiffers Kunst sind kleine Makel, grelles Blitzlicht, nackte Haut, kräftige Farben, intensive Blicke. Wie in einem Fiebertraum sprechen seine Bilder von Sehnsüchten, reizvoller als die Realität, vom Begehren, unbeschwerter Lebensfreude, jugendlicher Liebe.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer kuratiert.

Die Ausstellung wurden von Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff unterstützt.

Walter Pfeiffer (*1946) recherche avec son objectif photographique la beauté, la représentation du corps masculin loin des idéaux clichés, l'érotisme ludique et la légèreté. L'artiste suisse forme son œil très tôt en tant que décorateur de vitrines, fait plus tard le portrait d'adolescents rebelles issus de la scène underground gay zurichoise et fournit finalement ses séries de photos aux magazines de mode internationaux les plus en vogue. Walter Pfeiffer parvient à osciller entre la photographie de mode et les arts visuels. Ainsi, ses paysages, natures mortes et portraits ne sont jamais plats. Ils ne montrent pas une beauté accomplie et portent en eux l'esprit révolutionnaire de la contre-culture des années 1970. Bientôt, amis et amants vont et viennent chez lui pour se faire photographier. Les modèles, pour la plupart des hommes, échappent aux associations classiques entre masculin et féminin. Les petites imperfections, la lumière crue du flash, la peau nue, les couleurs vives, les regards intenses sont typiques de l'art de Walter Pfeiffer. Comme dans un rêve fiévreux, ses visuels parlent de désirs, plus charmants que la réalité, de désir, de joie de vivre insouciante, d'amour juvénile.

L'exposition a été organisée par Fanni Fetzer.

L'exposition a été soutenue par la fondation Landis & Gyr, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) utilizza il suo obiettivo fotografico per ricercare la bellezza, la rappresentazione del corpo maschile lontano dagli ideali comuni, l'erotismo giocoso e la leggerezza. L'artista svizzero ha allenato il suo occhio fin da subito come vetrinista, per poi ritrarre adolescenti ribelli della scena underground gay di Zurigo e infine fornire le serie fotografiche alle riviste di moda internazionali più in voga. Walter Pfeiffer è riuscito a oscillare tra fotografia di moda e belle arti. I suoi paesaggi, nature morte e ritratti non sono mai piatti. Non mostrano una bellezza perfetta e portano con sé lo spirito rivoluzionario della controcultura degli anni Settanta. Ben presto amici e amanti entrano ed escono da casa sua per farsi fotografare. I modelli, per lo più uomini, sfuggono alle associazioni classiche di maschile e femminile. Tipici dell'arte di Walter Pfeiffer sono le piccole imperfezioni, i flash abbaglianti, la pelle nuda, i colori forti, gli sguardi intensi. Come in un sogno febbrile, i suoi quadri parlano di desideri, più affascinanti della realtà, di desiderio, di spensierata gioia di vivere, di amore giovanile.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer.

La mostra è stata sostenuta da Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) uses the photographic lens to search for beauty, the depiction of the male body far removed from clichéd ideals, playful eroticism and lightness. The Swiss artist trained his eye early as a window dresser, later portrayed rebellious adolescents from the gay Zurich underground scene, and finally supplied the hottest international fashion magazines with his photo series. Walter Pfeiffer succeeds in oscillating between fashion photography and fine art. His landscapes, still lifes and portraits are never flat. They do not show consummate beauty and carry the revolutionary spirit of the counterculture of the 1970s. Soon friends and lovers are going in and out of his house to have their pictures taken. The mostly male models defy classic associations of male and female. Typical of Walter Pfeiffer's art are small blemishes, glaring flash, naked skin, strong colors, intense looks. As if in a fever dream, his pictures speak of longings, more charming than reality, of desire, carefree joie de vivre, youthful love.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer.

The exhibition was supported by Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Galerie 94 | Baden
23. September 2023

I saw a shooting star and thought of you
Janik Bürgin

Zufall und Schicksal. Diese beiden Komponenten des Lebens betreffen uns alle und können kaum gesteuert werden. Sie prägen unseren Alltag, führen zu Veränderungen, beeinflussen den Ablauf der Dinge und leiten uns zu dem Abschnitt des Lebens, an dem wir uns augenblicklich befinden.

Eine solche Aneinanderreihung von Veränderungen hält Janik Bürgin in seiner umfangreichen Serie WALKING WITH THE WIND fotografisch fest. Landschaften, Porträts, Tiere, Wolken, Detailaufnahmen, Schattenspiele – so vielfältig die einzelnen Aufnahmen von WALKING WITH THE WIND in ihren Motiven auch zu scheinen mögen, so sind sie inhaltlich umso enger miteinander verknüpft, basieren aufeinander und ergänzen sich. 2019 nahm Janik Bürgin die ersten Fotografien der Serie auf. Zu Beginn standen Orte im Zentrum, zu denen er einen Bezug hatte und mit denen er eine Erfahrung in Verbindung setzte. Die anfangs landschaftlich orientierten Themen expandierten mit der Zeit. Mit der Verarbeitung von Ereignissen wie der Trennung von einer Freundin, dem Kennenlernen neuer Personen oder dem Fällen einer Entscheidung, erweiterte sich Bürgins Blick. Situationen und Kompositionen, Orte und Beziehungen, die zuvor womöglich fotografisch wenig Beachtung fanden, wurden nun zum Sujet der Aufnahmen. Nur durch Veränderungen kann ein neuer Schritt gegangen und nur durch einen neuen Schritt kann ein neuer Blickwinkel eröffnet werden. Bürgin lässt sich von diesen Veränderungen treiben und leiten. Trotzdem werden die Fotografien aktiv aufgenommen und sind keine Ergebnisse einer blossen Schlenderei mit der Kamera. Bewusst wird die Kamera eingesetzt, bewusst wird eine gewisse Unschärfe genutzt, bewusst wird nach keiner technischen Perfektion gestrebt, bewusst wird analog und digital fotografiert. Während die digitale Kamera für Bürgin die Schnelligkeit des Mediums unterstreicht, stellt die analoge Fotografie eine Verlangsamung des Prozesses dar. Das Changieren der Geschwindigkeit spiegelt sich in den Aufnahmen wider.

Hierbei geht es weniger um die Frage, welche Fotografie mit welcher Kamera aufgenommen wurde, sondern vielmehr um das Gefühl von Zeit, welche uns die Aufnahmen vermitteln. Die fliegenden Wolkenkonstrukte scheinen in ewigem Ruhestand zu sein, während die kompakten Bergketten mit jedem Blick lebendiger wirken. So hat auch die Abwesenheit der Farbe eine klare Bedeutung. Wir sehen die Welt nie, wie sie derSchwarzweissfilm wiedergibt. Es ist eine nichtexistentielle Welt, die trotzdem unsere Realität ist und infolgedessen Leerstellen besitzt, die durch den Fotografen sowie uns Betrachtende ausgefüllt werden müssen. Denn auch wenn die Aufnahmen eine dokumentarische Verarbeitung des Verlaufs der vergangenen Ereignisse des Fotografen sind, so sind die Bilder keine reine Dokumentation. Janik Bürgin offenbart intime Erinnerungen, Erlebnisse, Emotionen und erlaubt den Betrachtenden nicht nur einen Einblick in seine Welt, sondern fordert sie dazu auf, die Fotografien aus der eigenen Perspektive aufzufassen und auf die eigenen Erfahrungen zu übertragen. Es gelingt Bürgin in dieser Serie nicht nur ein grosses Stück seiner persönlichen Realität preiszugeben, sondern gestattet das Erlebnis einer individuellen Bilderfahrung. WALKING WITH THE WIND ist eine Auseinandersetzung mit dem Fluss des Lebens, von der Quelle bis zur Mündung. Jede unberechenbare Strömung, jeder massive Fels, jeder plötzliche Regenfall leitet das fliessende Wasser in seinem Verlauf. Zufall und Schicksal.

Le hasard et le destin. Ces deux composantes de la vie nous concernent tous et ne peuvent guère être contrôlées. Elles marquent notre quotidien, entraînent des changements, influencent le déroulement des choses et nous guident vers la phase de la vie où nous nous trouvons à un moment donné.

Dans sa vaste série WALKING WITH THE WIND, Janik Bürgin capture photographiquement un tel enchaînement de changements. Paysages, portraits, animaux, nuages, photos de détails, jeux d'ombres - aussi variées que puissent paraître les différentes prises de vue de WALKING WITH THE WIND dans leurs motifs, leur contenu est d'autant plus étroitement lié, se fonde l'un sur l'autre et se complète. En 2019, Janik Bürgin a pris les premières photographies de la série. Au début, l'accent était mis sur des lieux avec lesquels il avait un lien et auxquels il associait une expérience. Les thèmes, initialement axés sur le paysage, se sont développés au fil du temps. En traitant des événements tels que la rupture avec une amie, la rencontre de nouvelles personnes ou la prise d'une décision, le regard de Bürgin s'est élargi. Des situations et des compositions, des lieux et des relations qui, auparavant, n'avaient peut-être pas fait l'objet d'une grande attention photographique, sont devenus des sujets de prise de vue. Seuls les changements permettent de franchir une nouvelle étape et d'ouvrir un nouveau point de vue. Bürgin se laisse pousser et guider par ces changements. Malgré cela, les photographies sont prises activement et ne sont pas le résultat d'une simple flânerie avec l'appareil. C'est consciemment que l'appareil photo est utilisé, consciemment qu'un certain flou est utilisé, consciemment qu'aucune perfection technique n'est recherchée, consciemment que la photographie est analogique et numérique. Alors que l'appareil numérique souligne pour Bürgin la rapidité du médium, la photographie analogique transmet un ralentissement du processus. L'oscillation de la vitesse se reflète dans les prises de vue.

Il ne s'agit pas tant de savoir quelle photographie a été prise avec quel appareil, mais plutôt d'apprécier la sensation de temps que nous procurent les clichés. Les constructions de nuages volants semblent être en repos éternel, tandis que les chaînes de montagnes compactes semblent plus vivantes à chaque regard. Ainsi, même l'absence de couleur a une signification claire. Nous ne voyons jamais le monde tel que le film noir et blanc le restitue. C'est un monde inexistant, qui est pourtant notre réalité et qui possède par conséquent des vides qui doivent être comblés par le photographe et par nous, les spectateurs. Car même si les prises de vue sont un traitement documentaire du déroulement des événements passés du photographe, les visuels ne sont pas une simple documentation. Janik Bürgin révèle des souvenirs intimes, des expériences, des émotions et ne permet pas seulement au spectateur de pénétrer dans son univers, mais l'invite aussi à appréhender les photographies de son propre point de vue et à les transposer dans sa propre expérience. Dans cette série, Bürgin ne parvient pas seulement à dévoiler une grande partie de sa réalité personnelle, mais permet aussi de vivre une expérience visuelle individuelle. WALKING WITH THE WIND est une confrontation avec le flux de la vie, de sa source à son embouchure. Chaque courant imprévisible, chaque rocher massif, chaque pluie soudaine guide l'eau qui s'écoule dans son cours. Le hasard et le destin.

Il caso e il destino. Queste due componenti della vita ci riguardano tutti e sono difficilmente controllabili. Danno forma alla nostra vita quotidiana, portano a cambiamenti, influenzano il corso degli eventi e ci guidano verso la fase della vita in cui ci troviamo al momento.

Questa successione di cambiamenti viene catturata fotograficamente da Janik Bürgin nella sua ampia serie WALKING WITH THE WIND. Paesaggi, ritratti, animali, nuvole, dettagli, giochi d'ombra: per quanto le singole fotografie di WALKING WITH THE WIND possano sembrare diverse nei loro motivi, sono ancora più strettamente collegate in termini di contenuto, si basano l'una sull'altra e si completano a vicenda. Nel 2019 Janik Bürgin ha scattato le prime fotografie della serie. All'inizio, l'attenzione si è concentrata su luoghi a cui era legato e a cui associava un'esperienza. I temi inizialmente orientati al paesaggio si sono ampliati nel tempo. Con l'elaborazione di eventi come la rottura con una fidanzata, l'incontro con nuove persone o la presa di una decisione, la visione di Bürgin si è ampliata. Situazioni e composizioni, luoghi e relazioni che in precedenza potevano ricevere poca attenzione fotografica sono diventati il soggetto delle fotografie. Solo attraverso il cambiamento si può fare un nuovo passo e solo attraverso un nuovo passo si può aprire una nuova prospettiva. Bürgin si lascia guidare da questi cambiamenti. Tuttavia, le fotografie sono scattate attivamente e non sono il risultato di una semplice passeggiata con la macchina fotografica. La macchina fotografica è usata consapevolmente, una certa sfocatura è usata consapevolmente, nessuna perfezione tecnica è ricercata consapevolmente, la fotografia analogica e digitale è usata consapevolmente. Mentre per Bürgin la fotocamera digitale sottolinea la velocità del mezzo, la fotografia analogica rappresenta un rallentamento del processo. L'oscillazione della velocità si riflette nelle fotografie.

Non è tanto una questione di quale fotografia sia stata scattata con quale macchina, quanto piuttosto del senso del tempo che le fotografie ci trasmettono. I costrutti volanti delle nuvole sembrano in eterno ritiro, mentre le compatte catene montuose sembrano più vive a ogni sguardo. Così anche l'assenza di colore ha un significato chiaro. Non vediamo mai il mondo come viene riprodotto nella pellicola in bianco e nero. È un mondo inesistente che è comunque la nostra realtà e di conseguenza ha dei vuoti che devono essere riempiti dal fotografo e da noi spettatori. Infatti, anche se le fotografie sono un'elaborazione documentaria del corso degli eventi passati del fotografo, le immagini non sono pura documentazione. Janik Bürgin rivela ricordi intimi, esperienze, emozioni e permette allo spettatore non solo di gettare uno sguardo sul suo mondo, ma lo invita anche a percepire le fotografie dalla propria prospettiva e ad applicarle alle proprie esperienze. In questa serie, Bürgin non solo riesce a rivelare un ampio pezzo della sua realtà personale, ma permette anche di vivere un'esperienza pittorica individuale. WALKING WITH THE WIND è un'esplorazione del flusso della vita, dalla sorgente alla foce. Ogni corrente imprevedibile, ogni roccia massiccia, ogni pioggia improvvisa guida l'acqua che scorre nel suo corso. Il caso e il destino.

Chance and fate. These two components of life affect us all and can hardly be controlled. They shape our everyday life, lead to changes, influence the course of things and guide us to the stage of life where we are at the moment.

Such a succession of changes is captured photographically by Janik Bürgin in his extensive series WALKING WITH THE WIND. Landscapes, portraits, tie-re, clouds, detail shots, shadow plays - as diverse as the individual photographs of WALKING WITH THE WIND may seem in their motifs, they are all the more closely linked in content, based on each other and complement each other.Janik Bürgin took the first photographs of the series in 2019. At the beginning, the focus was on places to which he had a connection and with which he related an experience. The initially landscapeoriented themes expanded over time. With the processing of events such as the separation from a girlfriend, the meeting of new people or the making of a decision, Bürgin's view expanded. Situations and compositions, places and relationships that had previously received little photographic attention now became the subject of the photographs. Only through change can a new step be taken and only through a new step can a new perspective be opened. Bürgin allows himself to be driven and guided by these changes. Nevertheless, the photographs are taken actively and are not the results of a mere stroll with the camera. The camera is used consciously, a certain blurriness is used consciously, no technical perfection is striven for consciously, analog and digital photography is used consciously. While for Bürgin the digital camera underscores the speed of the medium, analog photography represents a slowing down of the process. The oscillation of speed is reflected in the photographs. It is not so much a question of which photograph was taken with which camera, but rather of the sense of time that the photographs convey to us. The flying cloud constructs seem to be in eternal retirement, while the compact mountain ranges seem more alive with every glance. Thus, even the absence of color has a clear meaning.

We never see the world as black and white film renders it. It is a non-existential world that is nevertheless our reality and consequently has voids that must be filled in by the photographer as well as us viewers. For even if the photographs are a documentary processing of the course of the photographer's past events, the images are not pure documentation. Janik Bürgin reveals intimate memories, experiences, emotions and allows the viewer not only an insight into his world, but challenges them to understand the photographs from their own perspective and to apply them to their own experiences. In this series, Bürgin succeeds not only in revealing a large piece of his personal reality, but also allows the experience of an individual pictorial experience. WALKING WITH THE WIND is an exploration of the flow of life, from source to mouth. Every unpredictable current, every massive rock, every sudden rainfall guides the flowing water in its course. Chance and fate.

(DE, E Text: Galerie 94, Baden)

Kunstmuseum Luzern
13. September 2023

Bei dir war es immer so schön: Der Künstler Walter Pfeiffer im Gespräch mit Fanni Fetzer, Kuratorin, und Nadine Wietlisbach, Direktorin Fotomuseum Winterthur

Sincerely
Walter Pfeiffer

Walter Pfeiffer (*1946) sucht mit der fotografischen Linse nach Schönheit, der Darstellung des männlichen Körpers fernab klischeehafter Ideale, nach verspielter Erotik und Leichtigkeit. Der Schweizer Künstler schult sein Auge schon früh als Schaufensterdekorateur, porträtiert später rebellische Heranwachsende aus der schwulen Zürcher Untergrundszene und beliefert schliesslich die angesagtesten internationalen Modezeitschriften mit seinen Fotostrecken. Walter Pfeiffer gelingt es, zwischen Modefotografie und bildender Kunst zu changieren. So sind seine Landschaften, Stillleben und Porträts nie platt. Sie zeigen keine vollendete Schönheit und tragen den revolutionären Geist der Gegenkultur der 1970er-Jahre in sich. Bald gehen bei ihm Freunde und Liebhaber ein und aus, um sich fotografieren zu lassen. Die meist männlichen Modelle entziehen sich klassischen Assoziationen von männlich und weiblich. Typisch für Walter Pfeiffers Kunst sind kleine Makel, grelles Blitzlicht, nackte Haut, kräftige Farben, intensive Blicke. Wie in einem Fiebertraum sprechen seine Bilder von Sehnsüchten, reizvoller als die Realität, vom Begehren, unbeschwerter Lebensfreude, jugendlicher Liebe.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer kuratiert.

Die Ausstellung wurden von Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff unterstützt.

Walter Pfeiffer (*1946) recherche avec son objectif photographique la beauté, la représentation du corps masculin loin des idéaux clichés, l'érotisme ludique et la légèreté. L'artiste suisse forme son œil très tôt en tant que décorateur de vitrines, fait plus tard le portrait d'adolescents rebelles issus de la scène underground gay zurichoise et fournit finalement ses séries de photos aux magazines de mode internationaux les plus en vogue. Walter Pfeiffer parvient à osciller entre la photographie de mode et les arts visuels. Ainsi, ses paysages, natures mortes et portraits ne sont jamais plats. Ils ne montrent pas une beauté accomplie et portent en eux l'esprit révolutionnaire de la contre-culture des années 1970. Bientôt, amis et amants vont et viennent chez lui pour se faire photographier. Les modèles, pour la plupart des hommes, échappent aux associations classiques entre masculin et féminin. Les petites imperfections, la lumière crue du flash, la peau nue, les couleurs vives, les regards intenses sont typiques de l'art de Walter Pfeiffer. Comme dans un rêve fiévreux, ses visuels parlent de désirs, plus charmants que la réalité, de désir, de joie de vivre insouciante, d'amour juvénile.

L'exposition a été organisée par Fanni Fetzer.

L'exposition a été soutenue par la fondation Landis & Gyr, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) utilizza il suo obiettivo fotografico per ricercare la bellezza, la rappresentazione del corpo maschile lontano dagli ideali comuni, l'erotismo giocoso e la leggerezza. L'artista svizzero ha allenato il suo occhio fin da subito come vetrinista, per poi ritrarre adolescenti ribelli della scena underground gay di Zurigo e infine fornire le serie fotografiche alle riviste di moda internazionali più in voga. Walter Pfeiffer è riuscito a oscillare tra fotografia di moda e belle arti. I suoi paesaggi, nature morte e ritratti non sono mai piatti. Non mostrano una bellezza perfetta e portano con sé lo spirito rivoluzionario della controcultura degli anni Settanta. Ben presto amici e amanti entrano ed escono da casa sua per farsi fotografare. I modelli, per lo più uomini, sfuggono alle associazioni classiche di maschile e femminile. Tipici dell'arte di Walter Pfeiffer sono le piccole imperfezioni, i flash abbaglianti, la pelle nuda, i colori forti, gli sguardi intensi. Come in un sogno febbrile, i suoi quadri parlano di desideri, più affascinanti della realtà, di desiderio, di spensierata gioia di vivere, di amore giovanile.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer.

La mostra è stata sostenuta da Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) uses the photographic lens to search for beauty, the depiction of the male body far removed from clichéd ideals, playful eroticism and lightness. The Swiss artist trained his eye early as a window dresser, later portrayed rebellious adolescents from the gay Zurich underground scene, and finally supplied the hottest international fashion magazines with his photo series. Walter Pfeiffer succeeds in oscillating between fashion photography and fine art. His landscapes, still lifes and portraits are never flat. They do not show consummate beauty and carry the revolutionary spirit of the counterculture of the 1970s. Soon friends and lovers are going in and out of his house to have their pictures taken. The mostly male models defy classic associations of male and female. Typical of Walter Pfeiffer's art are small blemishes, glaring flash, naked skin, strong colors, intense looks. As if in a fever dream, his pictures speak of longings, more charming than reality, of desire, carefree joie de vivre, youthful love.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer.

The exhibition was supported by Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Stattkino Luzern
2. September 2023

Chasing Beauty: Filmporträt von Walter Pfeiffer, anschliessend Gespräch mit Walter Pfeiffer, Künstler, und Iwan Schumacher, Regisseur, moderiert von Ursula Helg, Kunstvermittlerin, im stattkino Luzern

Sincerely
Walter Pfeiffer

Walter Pfeiffer (*1946) sucht mit der fotografischen Linse nach Schönheit, der Darstellung des männlichen Körpers fernab klischeehafter Ideale, nach verspielter Erotik und Leichtigkeit. Der Schweizer Künstler schult sein Auge schon früh als Schaufensterdekorateur, porträtiert später rebellische Heranwachsende aus der schwulen Zürcher Untergrundszene und beliefert schliesslich die angesagtesten internationalen Modezeitschriften mit seinen Fotostrecken. Walter Pfeiffer gelingt es, zwischen Modefotografie und bildender Kunst zu changieren. So sind seine Landschaften, Stillleben und Porträts nie platt. Sie zeigen keine vollendete Schönheit und tragen den revolutionären Geist der Gegenkultur der 1970er-Jahre in sich. Bald gehen bei ihm Freunde und Liebhaber ein und aus, um sich fotografieren zu lassen. Die meist männlichen Modelle entziehen sich klassischen Assoziationen von männlich und weiblich. Typisch für Walter Pfeiffers Kunst sind kleine Makel, grelles Blitzlicht, nackte Haut, kräftige Farben, intensive Blicke. Wie in einem Fiebertraum sprechen seine Bilder von Sehnsüchten, reizvoller als die Realität, vom Begehren, unbeschwerter Lebensfreude, jugendlicher Liebe.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer kuratiert.

Die Ausstellung wurden von Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff unterstützt.

Walter Pfeiffer (*1946) recherche avec son objectif photographique la beauté, la représentation du corps masculin loin des idéaux clichés, l'érotisme ludique et la légèreté. L'artiste suisse forme son œil très tôt en tant que décorateur de vitrines, fait plus tard le portrait d'adolescents rebelles issus de la scène underground gay zurichoise et fournit finalement ses séries de photos aux magazines de mode internationaux les plus en vogue. Walter Pfeiffer parvient à osciller entre la photographie de mode et les arts visuels. Ainsi, ses paysages, natures mortes et portraits ne sont jamais plats. Ils ne montrent pas une beauté accomplie et portent en eux l'esprit révolutionnaire de la contre-culture des années 1970. Bientôt, amis et amants vont et viennent chez lui pour se faire photographier. Les modèles, pour la plupart des hommes, échappent aux associations classiques entre masculin et féminin. Les petites imperfections, la lumière crue du flash, la peau nue, les couleurs vives, les regards intenses sont typiques de l'art de Walter Pfeiffer. Comme dans un rêve fiévreux, ses visuels parlent de désirs, plus charmants que la réalité, de désir, de joie de vivre insouciante, d'amour juvénile.

L'exposition a été organisée par Fanni Fetzer.

L'exposition a été soutenue par la fondation Landis & Gyr, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) utilizza il suo obiettivo fotografico per ricercare la bellezza, la rappresentazione del corpo maschile lontano dagli ideali comuni, l'erotismo giocoso e la leggerezza. L'artista svizzero ha allenato il suo occhio fin da subito come vetrinista, per poi ritrarre adolescenti ribelli della scena underground gay di Zurigo e infine fornire le serie fotografiche alle riviste di moda internazionali più in voga. Walter Pfeiffer è riuscito a oscillare tra fotografia di moda e belle arti. I suoi paesaggi, nature morte e ritratti non sono mai piatti. Non mostrano una bellezza perfetta e portano con sé lo spirito rivoluzionario della controcultura degli anni Settanta. Ben presto amici e amanti entrano ed escono da casa sua per farsi fotografare. I modelli, per lo più uomini, sfuggono alle associazioni classiche di maschile e femminile. Tipici dell'arte di Walter Pfeiffer sono le piccole imperfezioni, i flash abbaglianti, la pelle nuda, i colori forti, gli sguardi intensi. Come in un sogno febbrile, i suoi quadri parlano di desideri, più affascinanti della realtà, di desiderio, di spensierata gioia di vivere, di amore giovanile.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer.

La mostra è stata sostenuta da Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) uses the photographic lens to search for beauty, the depiction of the male body far removed from clichéd ideals, playful eroticism and lightness. The Swiss artist trained his eye early as a window dresser, later portrayed rebellious adolescents from the gay Zurich underground scene, and finally supplied the hottest international fashion magazines with his photo series. Walter Pfeiffer succeeds in oscillating between fashion photography and fine art. His landscapes, still lifes and portraits are never flat. They do not show consummate beauty and carry the revolutionary spirit of the counterculture of the 1970s. Soon friends and lovers are going in and out of his house to have their pictures taken. The mostly male models defy classic associations of male and female. Typical of Walter Pfeiffer's art are small blemishes, glaring flash, naked skin, strong colors, intense looks. As if in a fever dream, his pictures speak of longings, more charming than reality, of desire, carefree joie de vivre, youthful love.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer.

The exhibition was supported by Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

BBA Gallery | Berlin
2. September 2023

Chimera
Markus Rock

Aus der Shortlist des BBA Photography Prize 2022 präsentiert die BBA Gallery eine Einzelausstellung des deutschen Fotokünstlers Markus Rock. "Chimera", der Titel seiner jüngsten Serie, nimmt die mythologische griechische Chimäre als Ausgangspunkt, um die menschliche Identität zu erkunden.

Fotografiert im Jahr 2019 in den Uferstudios, Berlin, spielt "Chimera" mit der Wahrnehmung und Vorstellungskraft. Eine unheimliche Ähnlichkeit des Körperbaus und extreme körperliche Nähe verwischen die Unterschiede zwischen den Modellen Julia und Siri. So wie die Chimäre eine inkongruente Ansammlung von Tieren ist, verformen sich die beiden Frauen auf den Fotografien zu neuen, absurden Kreaturen. Ihre blassen, geschmeidigen Körper werden zu ungewöhnlichen Organismen, bei denen Körperteile aus Schatten und Vertiefungen des Fleisches in unnatürlichen Winkeln hervortreten und scheinbar eins sind. Es sind die Betrachter und ihre Vorstellungskraft, die diese groteske Chimäre aus Körperteilen zum Leben erwecken. Bei näherer Betrachtung löst sich die Chimäre wieder in eine erkennbare Ansammlung von abgetrennten Gliedmaßen auf.

Durch die Verschmelzung von Choreografie, Tanz und Renaissance-Beleuchtung in "Chimera" rücken die Körper als Objekte in den Mittelpunkt, die in eine dynamische Beziehung treten. Während die beiden Frauen miteinander verschmelzen, werden ihre Körper zu Trägern, Schöpfern und Machern des Kunstwerks. Er - der Körper - wird zur ursprünglichen Quelle des künstlerischen Ausdrucks.

Markus Rock stützt die Serie auf Julias choreografische Arbeit mit ihrem Tanz Siri. Vor den Dreharbeiten - die in einem Take dokumentiert wurden - hatten die Frauen 2 ½ Jahre lang an einem gemeinsamen Projekt gearbeitet. Ihre enge berufliche und persönliche Beziehung macht ihre körperliche Nähe möglich. Intuitiv und gefühlsbetont ist "Chimera" ein Zeugnis für das transformative Potenzial menschlicher Beziehungen, das über die verbale Kommunikation hinausgeht.

Parmi la shortlist du BBA Photography Prize 2022, la BBA Gallery présente une exposition individuelle de l'artiste photographe allemand Markus Rock. "Chimera", le titre de sa dernière série, prend la chimère mythologique grecque comme point de départ pour explorer l'identité humaine.

Photographiée en 2019 dans les Uferstudios, à Berlin, "Chimera" joue avec la perception et l'imagination. Une ressemblance physique inquiétante et une extrême proximité physique effacent les différences entre les modèles Julia et Siri. Tout comme la chimère est un assemblage incongru d'animaux, les deux femmes se déforment sur les photographies en de nouvelles créatures absurdes. Leurs corps pâles et souples deviennent des organismes inhabituels, où des parties du corps émergent des ombres et des creux de la chair sous des angles peu naturels et semblent ne faire qu'un. Ce sont les spectateurs et leur imagination qui donnent vie à cette chimère grotesque de parties du corps. En y regardant de plus près, la chimère se dissout à nouveau en un ensemble reconnaissable de membres coupés.

La fusion de la chorégraphie, de la danse et de l'éclairage Renaissance dans "Chimera" place les corps au centre de l'attention en tant qu'objets qui entrent dans une relation dynamique. Alors que les deux femmes se fondent l'une dans l'autre, leurs corps deviennent les porteurs, les créateurs et les faiseurs de l'œuvre d'art. Lui - le corps - devient la source originelle de l'expression artistique.

Markus Rock fonde la série sur le travail chorégraphique de Julia avec sa danse Siri. Avant le tournage - qui a été documenté en une seule prise - les femmes ont travaillé pendant 2 ½ ans sur un projet commun. Leur étroite relation professionnelle et personnelle rend possible leur proximité physique. Intuitif et plein d'émotions, "Chimera" témoigne du potentiel de transformation des relations humaines, qui va au-delà de la communication verbale.

Dalla shortlist del BBA Photography Prize 2022, BBA Gallery presenta una mostra personale dell'artista fotografico tedesco Markus Rock. "Chimera", il titolo della sua ultima serie, prende la mitologica chimera greca come punto di partenza per esplorare l'identità umana.

Fotografata nel 2019 presso gli Uferstudios di Berlino, "Chimera" gioca con la percezione e l'immaginazione. Un'inquietante somiglianza di fisico e un'estrema vicinanza fisica offuscano le differenze tra le modelle Julia e Siri. Proprio come la chimera è un insieme incongruo di animali, le due donne nelle fotografie si deformano in nuove, assurde creature. I loro corpi pallidi e slanciati diventano organismi insoliti, con parti del corpo che emergono da ombre e cavità nella carne ad angoli innaturali, apparentemente un tutt'uno. Sono gli spettatori e la loro immaginazione a dare vita a questa grottesca chimera di parti del corpo. A un esame più attento, la chimera si dissolve in un insieme riconoscibile di arti mozzati.

La fusione di coreografia, danza e illuminazione rinascimentale in "Chimera" mette a fuoco i corpi come oggetti che entrano in una relazione dinamica. Quando le due donne si fondono, i loro corpi diventano portatori, creatori e artefici dell'opera d'arte. Il corpo diventa la fonte originale dell'espressione artistica.

Markus Rock basa la serie sul lavoro coreografico di Julia con la sua danza Siri. Prima delle riprese - che sono state documentate in un'unica ripresa - le donne lavoravano a un progetto comune da due anni e mezzo. Il loro stretto rapporto professionale e personale rende possibile la vicinanza fisica. Intuitivo ed emotivo, "Chimera" è una testimonianza del potenziale trasformativo delle relazioni umane che va oltre la comunicazione verbale.

From the BBA Photography Prize 2022 shortlist, BBA Gallery presents a solo exhibition by German fine-art photographer Markus Rock. “Chimera”, his latest series, takes the mythological Greek Chimera as its point of departure to explore human identity.

Photographed in 2019 at Uferstudios, Berlin, “Chimera'' plays on perception and imagination. An uncanny similarity of physique and extreme physical proximity blurs the distinction between the models Julia and Siri. Just as the Chimera is an incongruous assemblage of animals, the two women in the photographs contort around each other to become new and absurd creatures. Their pale, lithe bodies become unusual organisms, where body parts emerge from shadows and recesses of the flesh at unnatural angles, seemingly one. It is the viewer and their imagination that brings to life this grotesque Chimera of body parts. Upon closer inspection, the Chimera dissolves back into a recognisable collection of disconnected limbs.

Due to the fusion of choreography, dance and Renaissance lighting in “Chimera”, the bodies take centre-stage as objects involved in a dynamic relation. As the two women blend together, their bodies are conduits, creators and makers of the artwork. It -the body -becomes the primal source of artistic expression.

Markus Rock based the series on Julia’s choreographic work with her dance Siri. Prior to the shoot -documented in one take -  the women had been working for 2 ½ years on a project together. Their close professional and personal relationship makes possible their physical closeness. Intuitive and emotionally driven, “Chimera”’ is a testament to the transformative potential of human connections that goes beyond verbal communication.

(Text (d, e): BBA Gallery, Berlin)

Kunstmuseum Luzern
23. August 2023

Difficult Love: Film von Zanele Muholi und Peter Goldsmid, anschliessend Austausch mit Hannah Horst, Leiterin Kunstvermittlung, Courtesy The South African Broadcasting Corporation

Zanele Muholi

Zanele Muholis (*1972) Schwarzweissfotografien sind kontrastreich. Muholi will uns jedoch nicht eine Realität in schwarz und weiss zeigen, eher das vielfältige Spektrum dazwischen: Muholis Arbeit erzählt Geschichten von lesbischen, schwulen, bisexuellen, queeren, trans* und inter* People of Color, die aus Muholis Heimat Südafrika stammen. In Südafrika werden queere Menschen oft gehasst, bedroht und verfolgt. Sexualpolitik, rassistische Gewalt und Selbstbehauptung sind Inhalte von Muholis Arbeiten. Muholi bezeichnet sich als «visuelle:r Aktivist:in» und fordert mit Porträts, die nicht gängigen Erwartungen und Konventionen entsprechen, das Denken in binären Kategorien – Mann/Frau, schwarz/weiss – heraus.

Liebevolle Umarmungen, zärtliche Blicke, gemeinsames Waschen: Die Serie Being (seit 2006) verschafft einen intimen Einblick in das alltägliche Leben queerer Paare. Auch nach dem Ende der Apartheid und dem Aufbau eines demokratischen Staates in den letzten dreissig Jahren leben queere Menschen in Südafrika unterdrückt. Für sie hat sich trotz der Demokratie kaum etwas verändert, denn die Gesellschaft ist von heteronormativem Denken geprägt. Faces and Phases (seit 2006) ist mit über 500 Arbeiten Muholis wohl umfangreichste Porträtreihe. In regelmässigen Abständen porträtiert Muholi Personen aus der Schwarzen LGBTQIA+- Community Südafrikas und hält damit deren Gesichter (Faces) sowie die Phasen (Phases) der Geschlechteridentitäten fest. Es ist Muholis zentrales Anliegen, ein Bewusstsein für die unterdrückten Communitys und damit eine positive Sichtbarkeit zu schaffen. Brave Beauties (seit 2014) ist eine Porträtserie von Transfrauen und nicht-binären Menschen, von denen einige an Schönheitswettbewerben teilnehmen. Queere Schönheitswettbewerbe bieten einen sicheren Raum innerhalb der Schwarzen LGBTQIA+-Community, in denen die Teilnehmer:innen ihrer eigenen Schönheit Ausdruck verleihen. Gleichzeitig sollen diese Bilder queer- und transphobische Stereotype in Frage stellen und Widerstand gegen den vorherrschenden binären Blick leisten. Die porträtierten Menschen sieht Muholi als Kollaborateur:innen der Bildgestaltung, dank deren Zusammenarbeit die Werke entstehen. In der Porträtreihe Somnyama Ngonyama («Gepriesen sei die dunkle Löwin» auf isiZulu, seit 2012) setzt sich Muholi selbst vor die Kamera und nimmt verschiedene Posen und Charaktere ein. Die Bilder reflektieren auf persönliche Weise die Kolonial- und Apartheidsgeschichte. Alltägliche Materialien wie Wäscheklammern, Velopneus oder Plastikrohre werden zu politisch aufgeladenen Requisiten und Kostümen verwandelt, um Fragen nach Repräsentation und race (diskriminierungssensible Bezeichnung für den deutschen Begriff «Rasse», um auf die menschgemachten Kategorisierungen aufmerksam zu machen) zu verhandeln. Ein starker schwarz-weiss Kontrast führt dazu, dass die Hautfarbe dunkler wirkt. Muholi fordert damit das Schwarzsein für sich zurück. Mit dieser Arbeit erlangt Muholi an der Venedig Biennale 2019 internationale Bekanntheit.

Die Ausstellung im Kunstmuseum Luzern präsentiert zum ersten Mal umfassend das Werk von Zanele Muholi in der Zentralschweiz. Dem Publikum steht die Website www.divers2023.ch für ergänzende Informationen sowie Begriffserklärung zur Verfügung. Dieses digitale Angebot rundet die Ausstellung zum Thema Diversität inhaltlich ab.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer und Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern kuratiert.

Les photographies en noir et blanc de Zanele Muholi (*1972) sont très contrastées. Muholi ne veut cependant pas nous montrer une réalité en noir et blanc, mais plutôt le spectre varié entre les deux : Le travail de Muholi raconte des histoires de personnes lesbiennes, gays, bisexuelles, queer, trans* et inter* de couleur, originaires de l'Afrique du Sud, pays d'origine de Muholi. En Afrique du Sud, les personnes queer sont souvent haïes, menacées et persécutées. La politique sexuelle, la violence raciste et l'affirmation de soi sont des contenus du travail de Muholis. Muholi se définit comme un "activiste visuel" et défie la pensée binaire - homme/femme, noir/blanc - avec des portraits qui ne correspondent pas aux attentes et aux conventions habituelles.

Des étreintes affectueuses, des regards tendres, une toilette commune : La série Being (depuis 2006) donne un aperçu intime de la vie quotidienne des couples queer. Même après la fin de l'apartheid et la construction d'un Etat démocratique au cours des trente dernières années, les personnes queer vivent toujours dans l'oppression en Afrique du Sud. Pour elles, rien ou presque n'a changé malgré l'avènement de la démocratie, car la société reste marquée par la pensée hétéronormative. Faces and Phases (depuis 2006) est sans doute la série de portraits la plus complète de Muholi, avec plus de 500 œuvres. A intervalles réguliers, Muholi fait le portrait de personnes issues de la communauté noire LGBTQIA+ d'Afrique du Sud et fixe ainsi leurs visages (Faces) ainsi que les phases (Phases) de leurs identités de genre. L'objectif central de Muholis est de créer une prise de conscience pour les communautés opprimées et ainsi une visibilité positive. Brave Beauties (depuis 2014) est une série de portraits de femmes trans et de personnes non-binaires, dont certaines participent à des concours de beauté. Les concours de beauté queer offrent un espace sûr au sein de la communauté noire LGBTQIA+, dans lequel les participant(e)s expriment leur propre beauté. Parallèlement, ces visuels visent à transmettre des stéréotypes queer et transphobes et à résister au regard binaire dominant. Muholi considère les personnes dont il fait le portrait comme des collaborateurs de la création d'images, grâce à la collaboration desquels les œuvres voient le jour. Dans la série de portraits Somnyama Ngonyama ("Louée soit la lionne sombre" sur isiZulu, depuis 2012), Muholi se place elle-même devant l'appareil photo et prend différentes poses et personnages. Les visuels reflètent de manière personnelle l'histoire coloniale et de l'apartheid. Des matériaux quotidiens tels que des pinces à linge, des pneus de vélo ou des tuyaux en plastique sont transformés en accessoires et en costumes à forte charge politique afin de négocier les questions de représentation et de race (terme sensible à la discrimination pour désigner le terme allemand "Rasse" et attirer l'attention sur les catégorisations faites par l'homme). Un fort contraste noir-blanc fait paraître la couleur de la peau plus sombre. Muholi revendique ainsi la négritude pour elle-même. Avec ce travail, Muholi acquiert une notoriété internationale à la Biennale de Venise 2019.

L'exposition du Kunstmuseum de Lucerne présente pour la première fois l'œuvre de Zanele Muholi de manière complète en Suisse centrale. Le site Internet www.divers2023.ch est à la disposition du public pour des informations complémentaires ainsi que des explications de termes. Cette offre numérique complète le contenu de l'exposition sur le thème de la diversité.

Le commissariat de l'exposition a été assuré par Fanni Fetzer et Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.

Le fotografie in bianco e nero di Zanele Muholi (*1972) sono ricche di contrasti. Tuttavia, Muholi non vuole mostrarci una realtà in bianco e nero, ma piuttosto il variegato spettro intermedio: Il lavoro di Muholi racconta storie di persone lesbiche, gay, bisessuali, queer, trans* e inter* di colore del Sudafrica, paese natale di Muholi. In Sudafrica, le persone queer sono spesso odiate, minacciate e perseguitate. La politica sessuale, la violenza razzista e l'autoaffermazione sono il contenuto del lavoro di Muholi. Muholi si descrive come un "attivista visivo" e sfida il pensiero in categorie binarie - uomo/donna, bianco/nero - con ritratti che non si conformano alle aspettative e alle convenzioni comuni.

Abbracci affettuosi, sguardi teneri, lavaggi insieme: La serie Being (dal 2006) offre uno sguardo intimo sulla vita quotidiana delle coppie queer. Anche dopo la fine dell'apartheid e la creazione di uno Stato democratico negli ultimi trent'anni, le persone queer in Sudafrica vivono una vita oppressa. Per loro, nonostante la democrazia, poco è cambiato, perché la società è dominata dal pensiero eteronormativo. Con oltre 500 opere, Faces and Phases (dal 2006) è probabilmente la serie di ritratti più ampia di Muholi. Muholi ritrae regolarmente persone della comunità LGBTQIA+ nera del Sudafrica, catturando i loro volti e le fasi della loro identità di genere. La preoccupazione principale di Muholi è quella di creare consapevolezza per le comunità oppresse e quindi visibilità positiva. Brave Beauties (dal 2014) è una serie di ritratti di donne trans e persone non binarie, alcune delle quali partecipano a concorsi di bellezza. I concorsi di bellezza queer forniscono uno spazio sicuro all'interno della comunità LGBTQIA+ nera per i concorrenti che vogliono esprimere la propria bellezza. Allo stesso tempo, queste immagini intendono sfidare gli stereotipi queer e transfobici e resistere allo sguardo binario dominante. Muholi considera le persone ritratte come collaboratori nella creazione delle immagini, grazie alla cui collaborazione le opere vengono realizzate. Nella serie di ritratti Somnyama Ngonyama ("Sia lodata la leonessa scura" in isiZulu, dal 2012), Muholi stessa siede davanti alla macchina fotografica e assume varie pose e personaggi. Le immagini riflettono in modo personale la storia coloniale e dell'apartheid. Materiali di uso quotidiano come mollette per il bucato, copertoni di bicicletta o tubi di plastica sono trasformati in oggetti di scena e costumi con un'impronta politica per negoziare le questioni della rappresentazione e della razza (un termine sensibile alla discriminazione per il termine tedesco "Rasse" per richiamare l'attenzione sulle categorizzazioni create dall'uomo). Un forte contrasto tra bianco e nero fa apparire il colore della pelle più scuro. Muholi si riappropria così della sua nerezza. Con quest'opera, Muholi ottiene un riconoscimento internazionale alla Biennale di Venezia 2019.

La mostra al Museo d'Arte di Lucerna è la prima presentazione completa dell'opera di Zanele Muholi nella Svizzera centrale. Il sito web www.divers2023.ch è a disposizione del pubblico per ulteriori informazioni e spiegazioni sui termini. Questa offerta digitale completa la mostra sul tema della diversità in termini di contenuti.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer e Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.

Zanele Muholi's (*1972) black-and-white photographs are rich in contrast. However, Muholi does not want to show us a reality in black and white, rather the diverse spectrum in between: Muholi's work tells stories of lesbian, gay, bisexual, queer, trans*, and inter* people of color who hail from Muholi's native South Africa. In South Africa, queer people are often hated, threatened, and persecuted. Sexual politics, racial violence, and self-assertion are content of Muholi's work. Muholi calls herself a "visual activist" and challenges thinking in binary categories - man/woman, black/white - with portraits that do not conform to common expectations and conventions.

Loving embraces, tender glances, washing together: The series Being (since 2006) provides an intimate glimpse into the everyday lives of queer couples. Even after the end of apartheid and the establishment of a democratic state in the last thirty years, queer people in South Africa live oppressed lives. For them, despite democracy, little has changed because society is dominated by heteronormative thinking. Faces and Phases (since 2006) is probably Muholi's most extensive portrait series, with over 500 works. Muholi regularly portrays people from South Africa's black LGBTQIA+ community, capturing their faces and the phases of their gender identities. It is Muholi's central concern to create awareness for the oppressed communities and thus positive visibility. Brave Beauties (2014-present) is a portrait series of trans women and non-binary people, some of whom participate in beauty pageants. Queer beauty pageants provide a safe space within the Black LGBTQIA+ community where participant:s express their own beauty. At the same time, these images are meant to challenge queer and transphobic stereotypes and resist the dominant binary gaze. Muholi sees the people portrayed as collaborators in the creation of the images, thanks to whose collaboration the works are created. In the portrait series Somnyama Ngonyama ("Praised be the dark lioness" on isiZulu, since 2012), Muholi herself sits in front of the camera and adopts different poses and characters. The images reflect colonial and apartheid history in a personal way. Everyday materials such as clothespins, bicycle tires, and plastic tubes are transformed into politically charged props and costumes to negotiate questions of representation and race (a discrimination-sensitive term for the German term "Rasse" to draw attention to man-made categorizations). A strong black and white contrast causes the skin color to appear darker. Muholi thus reclaims blackness for herself. With this work, Muholi is gaining international recognition at the 2019 Venice Biennale.

The exhibition at the Museum of Art Lucerne is the first comprehensive presentation of Zanele Muholi's work in Central Switzerland. The public can access the website www.divers2023.ch for supplementary information as well as explanations of terms. This digital offer rounds off the exhibition on the topic of diversity in terms of content.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer and Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

FWR | FeldbuschWiesnerRudolph | Berlin
20. Juli 2023

Temporary Truths
Marta Djourina, Sara-Lena Maierhofer, Sophie Thun

In der Projektschau TEMPORARY TRUTHS haben Marta Djourina und Sara-Lena Maierhofer die Künstlerin Sophie Thun (Wien) eingeladen, gemeinsam fotografische Arbeiten zu zeigen. Thematisch in unterschiedlichen Bereichen angesiedelt, eint die drei Künstlerinnen der experimentelle Umgang mit fotografischem Material und die Neuinterpretation analoger Techniken. Die gezeigten Arbeiten zeigen die Fotografie als Spur, als Abdruck von temporären Wahrheiten, als Medium der Visualisierung von etwas, das wir sonst nicht sehen.

Dans le cadre du projet TEMPORARY TRUTHS, Marta Djourina et Sara-Lena Maierhofer ont invité l'artiste Sophie Thun (Vienne) à présenter ensemble des œuvres photographiques. Les trois artistes, qui travaillent dans des domaines différents, sont unies par leur approche expérimentale du matériel photographique et la réinterprétation des techniques analogiques. Les œuvres exposées montrent la photographie comme une trace, une empreinte de vérités temporaires, un moyen de visualisation, de quelque chose que nous ne voyons pas.

Nel progetto espositivo TEMPORARY TRUTHS Marta Djourina e Sara-Lena Maierhofer hanno invitato l'artista Sophie Thun (Vienna) a presentare insieme opere fotografiche. Tematicamente collocate in ambiti diversi, le tre artiste sono accomunate dall'approccio sperimentale al materiale fotografico e dalla reinterpretazione delle tecniche analogiche. Le opere in mostra mostrano la fotografia come traccia, come impronta di verità temporanee, come mezzo di visualizzazione, di qualcosa che altrimenti non vediamo.

In the project show TEMPORARY TRUTHS Marta Djourina and Sara-Lena Maierhofer have invited the artist Sophie Thun (Vienna) to show photographic works together. Thematically located in different fields, the three artists are united by their experimental approach to photographic material and the reinterpretation of analog techniques. The works on display show photography as a trace, as an imprint of temporary truths, a medium of visualization, of something we otherwise do not see.

(Text: FWR | FeldbuschWiesnerRudolf, Berlin)

Kunstmuseum Luzern
12. Juli 2023

Gespräch in der Ausstellung: Rundgang mit dem Künstler Walter Pfeiffer und Fanni Fetzer, Kuratorin

Sincerely
Walter Pfeiffer

Walter Pfeiffer (*1946) sucht mit der fotografischen Linse nach Schönheit, der Darstellung des männlichen Körpers fernab klischeehafter Ideale, nach verspielter Erotik und Leichtigkeit. Der Schweizer Künstler schult sein Auge schon früh als Schaufensterdekorateur, porträtiert später rebellische Heranwachsende aus der schwulen Zürcher Untergrundszene und beliefert schliesslich die angesagtesten internationalen Modezeitschriften mit seinen Fotostrecken. Walter Pfeiffer gelingt es, zwischen Modefotografie und bildender Kunst zu changieren. So sind seine Landschaften, Stillleben und Porträts nie platt. Sie zeigen keine vollendete Schönheit und tragen den revolutionären Geist der Gegenkultur der 1970er-Jahre in sich. Bald gehen bei ihm Freunde und Liebhaber ein und aus, um sich fotografieren zu lassen. Die meist männlichen Modelle entziehen sich klassischen Assoziationen von männlich und weiblich. Typisch für Walter Pfeiffers Kunst sind kleine Makel, grelles Blitzlicht, nackte Haut, kräftige Farben, intensive Blicke. Wie in einem Fiebertraum sprechen seine Bilder von Sehnsüchten, reizvoller als die Realität, vom Begehren, unbeschwerter Lebensfreude, jugendlicher Liebe.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer kuratiert.

Die Ausstellung wurden von Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff unterstützt.

Walter Pfeiffer (*1946) recherche avec son objectif photographique la beauté, la représentation du corps masculin loin des idéaux clichés, l'érotisme ludique et la légèreté. L'artiste suisse forme son œil très tôt en tant que décorateur de vitrines, fait plus tard le portrait d'adolescents rebelles issus de la scène underground gay zurichoise et fournit finalement ses séries de photos aux magazines de mode internationaux les plus en vogue. Walter Pfeiffer parvient à osciller entre la photographie de mode et les arts visuels. Ainsi, ses paysages, natures mortes et portraits ne sont jamais plats. Ils ne montrent pas une beauté accomplie et portent en eux l'esprit révolutionnaire de la contre-culture des années 1970. Bientôt, amis et amants vont et viennent chez lui pour se faire photographier. Les modèles, pour la plupart des hommes, échappent aux associations classiques entre masculin et féminin. Les petites imperfections, la lumière crue du flash, la peau nue, les couleurs vives, les regards intenses sont typiques de l'art de Walter Pfeiffer. Comme dans un rêve fiévreux, ses visuels parlent de désirs, plus charmants que la réalité, de désir, de joie de vivre insouciante, d'amour juvénile.

L'exposition a été organisée par Fanni Fetzer.

L'exposition a été soutenue par la fondation Landis & Gyr, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) utilizza il suo obiettivo fotografico per ricercare la bellezza, la rappresentazione del corpo maschile lontano dagli ideali comuni, l'erotismo giocoso e la leggerezza. L'artista svizzero ha allenato il suo occhio fin da subito come vetrinista, per poi ritrarre adolescenti ribelli della scena underground gay di Zurigo e infine fornire le serie fotografiche alle riviste di moda internazionali più in voga. Walter Pfeiffer è riuscito a oscillare tra fotografia di moda e belle arti. I suoi paesaggi, nature morte e ritratti non sono mai piatti. Non mostrano una bellezza perfetta e portano con sé lo spirito rivoluzionario della controcultura degli anni Settanta. Ben presto amici e amanti entrano ed escono da casa sua per farsi fotografare. I modelli, per lo più uomini, sfuggono alle associazioni classiche di maschile e femminile. Tipici dell'arte di Walter Pfeiffer sono le piccole imperfezioni, i flash abbaglianti, la pelle nuda, i colori forti, gli sguardi intensi. Come in un sogno febbrile, i suoi quadri parlano di desideri, più affascinanti della realtà, di desiderio, di spensierata gioia di vivere, di amore giovanile.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer.

La mostra è stata sostenuta da Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) uses the photographic lens to search for beauty, the depiction of the male body far removed from clichéd ideals, playful eroticism and lightness. The Swiss artist trained his eye early as a window dresser, later portrayed rebellious adolescents from the gay Zurich underground scene, and finally supplied the hottest international fashion magazines with his photo series. Walter Pfeiffer succeeds in oscillating between fashion photography and fine art. His landscapes, still lifes and portraits are never flat. They do not show consummate beauty and carry the revolutionary spirit of the counterculture of the 1970s. Soon friends and lovers are going in and out of his house to have their pictures taken. The mostly male models defy classic associations of male and female. Typical of Walter Pfeiffer's art are small blemishes, glaring flash, naked skin, strong colors, intense looks. As if in a fever dream, his pictures speak of longings, more charming than reality, of desire, carefree joie de vivre, youthful love.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer.

The exhibition was supported by Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Kunstmuseum Luzern
8. Juli 2023

Gespräch in der Ausstellung: Rundgang mit Yasufumi Nakamori, Senior Curator Tate Modern und Fanni Fetzer, Kuratorin

Zanele Muholi

Zanele Muholis (*1972) Schwarzweissfotografien sind kontrastreich. Muholi will uns jedoch nicht eine Realität in schwarz und weiss zeigen, eher das vielfältige Spektrum dazwischen: Muholis Arbeit erzählt Geschichten von lesbischen, schwulen, bisexuellen, queeren, trans* und inter* People of Color, die aus Muholis Heimat Südafrika stammen. In Südafrika werden queere Menschen oft gehasst, bedroht und verfolgt. Sexualpolitik, rassistische Gewalt und Selbstbehauptung sind Inhalte von Muholis Arbeiten. Muholi bezeichnet sich als «visuelle:r Aktivist:in» und fordert mit Porträts, die nicht gängigen Erwartungen und Konventionen entsprechen, das Denken in binären Kategorien – Mann/Frau, schwarz/weiss – heraus.

Liebevolle Umarmungen, zärtliche Blicke, gemeinsames Waschen: Die Serie Being (seit 2006) verschafft einen intimen Einblick in das alltägliche Leben queerer Paare. Auch nach dem Ende der Apartheid und dem Aufbau eines demokratischen Staates in den letzten dreissig Jahren leben queere Menschen in Südafrika unterdrückt. Für sie hat sich trotz der Demokratie kaum etwas verändert, denn die Gesellschaft ist von heteronormativem Denken geprägt. Faces and Phases (seit 2006) ist mit über 500 Arbeiten Muholis wohl umfangreichste Porträtreihe. In regelmässigen Abständen porträtiert Muholi Personen aus der Schwarzen LGBTQIA+- Community Südafrikas und hält damit deren Gesichter (Faces) sowie die Phasen (Phases) der Geschlechteridentitäten fest. Es ist Muholis zentrales Anliegen, ein Bewusstsein für die unterdrückten Communitys und damit eine positive Sichtbarkeit zu schaffen. Brave Beauties (seit 2014) ist eine Porträtserie von Transfrauen und nicht-binären Menschen, von denen einige an Schönheitswettbewerben teilnehmen. Queere Schönheitswettbewerbe bieten einen sicheren Raum innerhalb der Schwarzen LGBTQIA+-Community, in denen die Teilnehmer:innen ihrer eigenen Schönheit Ausdruck verleihen. Gleichzeitig sollen diese Bilder queer- und transphobische Stereotype in Frage stellen und Widerstand gegen den vorherrschenden binären Blick leisten. Die porträtierten Menschen sieht Muholi als Kollaborateur:innen der Bildgestaltung, dank deren Zusammenarbeit die Werke entstehen. In der Porträtreihe Somnyama Ngonyama («Gepriesen sei die dunkle Löwin» auf isiZulu, seit 2012) setzt sich Muholi selbst vor die Kamera und nimmt verschiedene Posen und Charaktere ein. Die Bilder reflektieren auf persönliche Weise die Kolonial- und Apartheidsgeschichte. Alltägliche Materialien wie Wäscheklammern, Velopneus oder Plastikrohre werden zu politisch aufgeladenen Requisiten und Kostümen verwandelt, um Fragen nach Repräsentation und race (diskriminierungssensible Bezeichnung für den deutschen Begriff «Rasse», um auf die menschgemachten Kategorisierungen aufmerksam zu machen) zu verhandeln. Ein starker schwarz-weiss Kontrast führt dazu, dass die Hautfarbe dunkler wirkt. Muholi fordert damit das Schwarzsein für sich zurück. Mit dieser Arbeit erlangt Muholi an der Venedig Biennale 2019 internationale Bekanntheit.

Die Ausstellung im Kunstmuseum Luzern präsentiert zum ersten Mal umfassend das Werk von Zanele Muholi in der Zentralschweiz. Dem Publikum steht die Website www.divers2023.ch für ergänzende Informationen sowie Begriffserklärung zur Verfügung. Dieses digitale Angebot rundet die Ausstellung zum Thema Diversität inhaltlich ab.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer und Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern kuratiert.

Les photographies en noir et blanc de Zanele Muholi (*1972) sont très contrastées. Muholi ne veut cependant pas nous montrer une réalité en noir et blanc, mais plutôt le spectre varié entre les deux : Le travail de Muholi raconte des histoires de personnes lesbiennes, gays, bisexuelles, queer, trans* et inter* de couleur, originaires de l'Afrique du Sud, pays d'origine de Muholi. En Afrique du Sud, les personnes queer sont souvent haïes, menacées et persécutées. La politique sexuelle, la violence raciste et l'affirmation de soi sont des contenus du travail de Muholis. Muholi se définit comme un "activiste visuel" et défie la pensée binaire - homme/femme, noir/blanc - avec des portraits qui ne correspondent pas aux attentes et aux conventions habituelles.

Des étreintes affectueuses, des regards tendres, une toilette commune : La série Being (depuis 2006) donne un aperçu intime de la vie quotidienne des couples queer. Même après la fin de l'apartheid et la construction d'un Etat démocratique au cours des trente dernières années, les personnes queer vivent toujours dans l'oppression en Afrique du Sud. Pour elles, rien ou presque n'a changé malgré l'avènement de la démocratie, car la société reste marquée par la pensée hétéronormative. Faces and Phases (depuis 2006) est sans doute la série de portraits la plus complète de Muholi, avec plus de 500 œuvres. A intervalles réguliers, Muholi fait le portrait de personnes issues de la communauté noire LGBTQIA+ d'Afrique du Sud et fixe ainsi leurs visages (Faces) ainsi que les phases (Phases) de leurs identités de genre. L'objectif central de Muholis est de créer une prise de conscience pour les communautés opprimées et ainsi une visibilité positive. Brave Beauties (depuis 2014) est une série de portraits de femmes trans et de personnes non-binaires, dont certaines participent à des concours de beauté. Les concours de beauté queer offrent un espace sûr au sein de la communauté noire LGBTQIA+, dans lequel les participant(e)s expriment leur propre beauté. Parallèlement, ces visuels visent à transmettre des stéréotypes queer et transphobes et à résister au regard binaire dominant. Muholi considère les personnes dont il fait le portrait comme des collaborateurs de la création d'images, grâce à la collaboration desquels les œuvres voient le jour. Dans la série de portraits Somnyama Ngonyama ("Louée soit la lionne sombre" sur isiZulu, depuis 2012), Muholi se place elle-même devant l'appareil photo et prend différentes poses et personnages. Les visuels reflètent de manière personnelle l'histoire coloniale et de l'apartheid. Des matériaux quotidiens tels que des pinces à linge, des pneus de vélo ou des tuyaux en plastique sont transformés en accessoires et en costumes à forte charge politique afin de négocier les questions de représentation et de race (terme sensible à la discrimination pour désigner le terme allemand "Rasse" et attirer l'attention sur les catégorisations faites par l'homme). Un fort contraste noir-blanc fait paraître la couleur de la peau plus sombre. Muholi revendique ainsi la négritude pour elle-même. Avec ce travail, Muholi acquiert une notoriété internationale à la Biennale de Venise 2019.

L'exposition du Kunstmuseum de Lucerne présente pour la première fois l'œuvre de Zanele Muholi de manière complète en Suisse centrale. Le site Internet www.divers2023.ch est à la disposition du public pour des informations complémentaires ainsi que des explications de termes. Cette offre numérique complète le contenu de l'exposition sur le thème de la diversité.

Le commissariat de l'exposition a été assuré par Fanni Fetzer et Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.

Le fotografie in bianco e nero di Zanele Muholi (*1972) sono ricche di contrasti. Tuttavia, Muholi non vuole mostrarci una realtà in bianco e nero, ma piuttosto il variegato spettro intermedio: Il lavoro di Muholi racconta storie di persone lesbiche, gay, bisessuali, queer, trans* e inter* di colore del Sudafrica, paese natale di Muholi. In Sudafrica, le persone queer sono spesso odiate, minacciate e perseguitate. La politica sessuale, la violenza razzista e l'autoaffermazione sono il contenuto del lavoro di Muholi. Muholi si descrive come un "attivista visivo" e sfida il pensiero in categorie binarie - uomo/donna, bianco/nero - con ritratti che non si conformano alle aspettative e alle convenzioni comuni.

Abbracci affettuosi, sguardi teneri, lavaggi insieme: La serie Being (dal 2006) offre uno sguardo intimo sulla vita quotidiana delle coppie queer. Anche dopo la fine dell'apartheid e la creazione di uno Stato democratico negli ultimi trent'anni, le persone queer in Sudafrica vivono una vita oppressa. Per loro, nonostante la democrazia, poco è cambiato, perché la società è dominata dal pensiero eteronormativo. Con oltre 500 opere, Faces and Phases (dal 2006) è probabilmente la serie di ritratti più ampia di Muholi. Muholi ritrae regolarmente persone della comunità LGBTQIA+ nera del Sudafrica, catturando i loro volti e le fasi della loro identità di genere. La preoccupazione principale di Muholi è quella di creare consapevolezza per le comunità oppresse e quindi visibilità positiva. Brave Beauties (dal 2014) è una serie di ritratti di donne trans e persone non binarie, alcune delle quali partecipano a concorsi di bellezza. I concorsi di bellezza queer forniscono uno spazio sicuro all'interno della comunità LGBTQIA+ nera per i concorrenti che vogliono esprimere la propria bellezza. Allo stesso tempo, queste immagini intendono sfidare gli stereotipi queer e transfobici e resistere allo sguardo binario dominante. Muholi considera le persone ritratte come collaboratori nella creazione delle immagini, grazie alla cui collaborazione le opere vengono realizzate. Nella serie di ritratti Somnyama Ngonyama ("Sia lodata la leonessa scura" in isiZulu, dal 2012), Muholi stessa siede davanti alla macchina fotografica e assume varie pose e personaggi. Le immagini riflettono in modo personale la storia coloniale e dell'apartheid. Materiali di uso quotidiano come mollette per il bucato, copertoni di bicicletta o tubi di plastica sono trasformati in oggetti di scena e costumi con un'impronta politica per negoziare le questioni della rappresentazione e della razza (un termine sensibile alla discriminazione per il termine tedesco "Rasse" per richiamare l'attenzione sulle categorizzazioni create dall'uomo). Un forte contrasto tra bianco e nero fa apparire il colore della pelle più scuro. Muholi si riappropria così della sua nerezza. Con quest'opera, Muholi ottiene un riconoscimento internazionale alla Biennale di Venezia 2019.

La mostra al Museo d'Arte di Lucerna è la prima presentazione completa dell'opera di Zanele Muholi nella Svizzera centrale. Il sito web www.divers2023.ch è a disposizione del pubblico per ulteriori informazioni e spiegazioni sui termini. Questa offerta digitale completa la mostra sul tema della diversità in termini di contenuti.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer e Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.

Zanele Muholi's (*1972) black-and-white photographs are rich in contrast. However, Muholi does not want to show us a reality in black and white, rather the diverse spectrum in between: Muholi's work tells stories of lesbian, gay, bisexual, queer, trans*, and inter* people of color who hail from Muholi's native South Africa. In South Africa, queer people are often hated, threatened, and persecuted. Sexual politics, racial violence, and self-assertion are content of Muholi's work. Muholi calls herself a "visual activist" and challenges thinking in binary categories - man/woman, black/white - with portraits that do not conform to common expectations and conventions.

Loving embraces, tender glances, washing together: The series Being (since 2006) provides an intimate glimpse into the everyday lives of queer couples. Even after the end of apartheid and the establishment of a democratic state in the last thirty years, queer people in South Africa live oppressed lives. For them, despite democracy, little has changed because society is dominated by heteronormative thinking. Faces and Phases (since 2006) is probably Muholi's most extensive portrait series, with over 500 works. Muholi regularly portrays people from South Africa's black LGBTQIA+ community, capturing their faces and the phases of their gender identities. It is Muholi's central concern to create awareness for the oppressed communities and thus positive visibility. Brave Beauties (2014-present) is a portrait series of trans women and non-binary people, some of whom participate in beauty pageants. Queer beauty pageants provide a safe space within the Black LGBTQIA+ community where participant:s express their own beauty. At the same time, these images are meant to challenge queer and transphobic stereotypes and resist the dominant binary gaze. Muholi sees the people portrayed as collaborators in the creation of the images, thanks to whose collaboration the works are created. In the portrait series Somnyama Ngonyama ("Praised be the dark lioness" on isiZulu, since 2012), Muholi herself sits in front of the camera and adopts different poses and characters. The images reflect colonial and apartheid history in a personal way. Everyday materials such as clothespins, bicycle tires, and plastic tubes are transformed into politically charged props and costumes to negotiate questions of representation and race (a discrimination-sensitive term for the German term "Rasse" to draw attention to man-made categorizations). A strong black and white contrast causes the skin color to appear darker. Muholi thus reclaims blackness for herself. With this work, Muholi is gaining international recognition at the 2019 Venice Biennale.

The exhibition at the Museum of Art Lucerne is the first comprehensive presentation of Zanele Muholi's work in Central Switzerland. The public can access the website www.divers2023.ch for supplementary information as well as explanations of terms. This digital offer rounds off the exhibition on the topic of diversity in terms of content.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer and Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Galerie Stephan Witschi | Zürich
3. Juli 2023

Susanne Hofer und Eliane Rutishauser im Gespräch mit Barbara Liebster

Shadow on the Wall
Susanne Hofer und Eliane Rutishauser

In der Galerie Stephan Witschi treffen zwei Künstlerinnen aufeinander, deren Arbeiten von einem starken Interesse an Bildern geprägt sind, die quasi aus dem Rahmen fallen. Susanne Hofer und Eliane Rutishauser gehen verschiedenen Möglichkeiten von Bildproduktion und -rezeption nach, sie richten ihre Aufmerksamkeit auf (unterschiedlich lange) Augenblicke, denen Zeichen von Verstörung, Beiläufigkeit oder Unklarheit zueigen sind. Mit dem Ausstellungstitel sind denn auch zwei wichtige Begriffe ihrer künstlerischen Praxis genannt: Licht und Schatten, das den technischen bildgebenden Verfahren zugrunde liegt; und die Wand als Metapher für Räumlichkeit bzw. als Membran und Bildträger.

Susanne Hofer beschäftigt sich in ihrem Werk mit der Aufmerksamkeit, die wir gemeinhin Räumen schenken; seien es gebaute Strukturen, urbanistische Szenen oder Landschaften. In Irrlichtern, einer raumfüllenden Doppelprojektion, begegnet den Besucher*innen eine Art Trompe-l’oeil, das sich über die Realität des Ausstellungsraumes legt bzw. ihn atmosphärisch auskleidet und verändert. Der Lichtkegel streift Texturen, tastet sich durch unbewohnte Zimmer, gleitet entlang von Boden und Wänden. Doch wonach sucht die Taschenlampe? Und ist das Ins-Licht-Gerückte effektiv für unsere nunmehr komplizenhaften Augen bestimmt? Auch Lungomare stellt Vorstellungskraft und Bilderglauben auf die Probe, ist doch die strahlende Sonne über dem schimmernden Meereshorizont auf dem Monitor nicht im Bild selbst, sondern wirkt von aussen – durch eine einfache Schreibtischlampe aus dem Realraum – auf diesen Sehnsuchtsmoment ein. In Verschattung, einer Serie von Prints auf Kozo Papier, ist die Zeit gewissermassen angehalten. Überlagerungen und Schatten verleihen den Bildern Tiefe, Linien und Hell-Dunkel lassen den Eindruck von Architekturen entstehen. Die hellen Schleier und «Wischungen» wiederum erinnern an Röntgenaufnahmen oder ähnliche bildgebende medizinische Verfahren. Bei den vielschichten Bildern handelt es sich um Schattenwürfe von gebrauchten Plastikverpackungen, die entsprechend platziert für die rätselhafte Szenerie verantwortlich sind.

Eliane Rutishauser nimmt in ihrem Werk verschiedene Rollen in Bezug zur Kamera ein. Sie ist beobachtendes Subjekt, also Bild-Produzentin, aber auch manchmal Objekt ihrer eigenen Inszenierung. Eine vor rund zwei Jahren begonnene Serie belegt letztgenannten Ansatz eindrücklich. Bei Easy Poses handelt es sich um grossformatige Fotogramme, deren Setting von Rutishauser minutiös vorbereitet wird, bevor sie sich im Dunklen in einer spezifischen Pose auf oder vor dem Fotopapier positioniert. Dass der Titel an die Seven Easy Pieces, eine Reihe von Re-Enactments bekannter Performances von Künstler*innen durch Marina Abramovic erinnert, scheint nicht zufällig. Rutishauser setzt in den Selbst-Abbildungen des weiblichen Körpers bewusste Referenzen zur frühen Moderne und zu den Fünfzigerjahren. Die Doppelnamen der einzelnen Bildtitel verweisen auf sogenannt ikonische Fotografien von Künstlerinnen oder generell Frauen, die von Männern aufgenommen wurden. Der mehrfache Perspektivwechsel in Gender und «Rolle» stösst eine inhaltliche Verschiebung an, die sowohl die Autorität von Bildproduktion als auch die Traditionslinien des nackten weiblichen Körpers vor der Kamera (bzw. im Bild) in Bewegung versetzt.

Susanne Hofer und Eliane Rutishauser umreissen mit dieser jeweils konzentrierten Werkauswahl ihre künstlerische Position in pointierter Weise. Jede Werkgruppe steht für bestimmte Interessen, die sich in anderen Arbeiten wiederfinden und letztlich ihren individuellen Fokus hinsichtlich Bildproduktion und Wahrnehmung, Sehgewohnheiten und visuelle Prägungen hervortreten lassen.

La Galerie Stephan Witschi réunit deux artistes dont les œuvres se caractérisent par un fort intérêt pour des images qui sortent de l’ordinaire. Susanne Hofer et Eliane Rutishauser explorent diverses possibilités de production et de réception d’images, en concentrant leur attention sur des moments (de durées variables) qui présentent des signes de perturbation, de désinvolture ou d’ambiguïté. Le titre de l’exposition mentionne également deux concepts importants de sa pratique artistique : la lumière et l’ombre, qui sous-tendent les processus d’imagerie technique ; et le mur comme métaphore de la spatialité ou comme membrane et vecteur d’image.

Dans son travail, Susanne Hofer traite de l’attention que nous portons généralement aux espaces; qu’il s’agisse de structures construites, de scènes urbaines ou de paysages. Dans will-o'-the-wisps, une double projection qui remplit la pièce, les visiteurs rencontrent une sorte de trompe-l’œil qui se superpose à la réalité de l’espace ou des lignes d’exposition et la modifie de manière atmosphérique. Le cône de lumière effleure les textures, se fraye un chemin à travers les pièces inhabitées, glisse le long du sol et des murs. Mais que recherche la lampe de poche? Et ce qui a été mis en lumière est-il effectivement destiné à nos yeux maintenant complices? Lungomare met également l’imagination et la croyance dans les images à l’épreuve, car le soleil radieux au-dessus de l’horizon marin scintillant sur le moniteur n’est pas dans l’image elle-même, mais a un effet sur ce moment de nostalgie de l’extérieur – à travers une simple lampe de bureau de l’espace réel. Dans Shade, une série de tirages sur papier Kozo, le temps s’est arrêté, pour ainsi dire. Les superpositions et les ombres ajoutent de la profondeur aux images, les lignes et le clair-obscur donnent l’impression d’architecture. Les voiles légers et les « lingettes », d’autre part, rappellent les rayons X ou des procédures d’imagerie médicale similaires. Les images multicouches sont des ombres projetées par des emballages en plastique usagés, qui sont placés de manière appropriée et sont responsables du paysage énigmatique.

Dans son travail, Eliane Rutishauser assume différents rôles par rapport à la caméra. Elle est un sujet observateur, c’est-à-dire un producteur d’images, mais aussi parfois l’objet de sa propre mise en scène. Une série commencée il y a environ deux ans démontre de manière impressionnante cette dernière approche. Les Easy Poses sont des photogrammes grand format, dont le réglage est méticuleusement préparé par Rutishauser avant qu’il ne se positionne dans l’obscurité dans une pose spécifique sur ou devant le papier photo. Ce n’est pas un hasard si le titre rappelle les Seven Easy Pieces, une série de reconstitutions de performances bien connues d’artistes de Marina Abramovic. Dans ses auto-représentations du corps féminin, Rutishauser fait délibérément référence au début du modernisme et aux années cinquante. Les doubles noms des titres d’images individuels font référence à des photographies dites emblématiques d’artistes féminines ou de femmes en général, qui ont été prises par des hommes. Les multiples changements de perspective dans le genre et le « rôle » déclenchent un changement de contenu qui met en mouvement à la fois l’autorité de la production d’images et les traditions du corps féminin nu devant la caméra (ou dans l’image).

Susanne Hofer et Eliane Rutishauser décrivent leur position artistique de manière pointue avec cette sélection concentrée d’œuvres. Chaque groupe d’œuvres représente des intérêts spécifiques, que l’on retrouve dans d’autres œuvres et qui permettent finalement à leur objectif individuel d’émerger en termes de production et de perception d’images, d’habitudes visuelles et d’empreintes visuelles.

La Galerie Stephan Witschi riunisce due artisti le cui opere sono caratterizzate da un forte interesse per le immagini praticamente fuori dal comune. Susanne Hofer ed Eliane Rutishauser esplorano varie possibilità di produzione e ricezione dell'immagine, concentrando la loro attenzione su momenti (di varia durata) che presentano segni di disturbo, casualità o ambiguità. Il titolo della mostra menziona anche due concetti importanti della sua pratica artistica: luce e ombra, che sono alla base dei processi tecnici di imaging; e il muro come metafora della spazialità o come membrana e supporto di immagini.

Nel suo lavoro, Susanne Hofer affronta l'attenzione che generalmente prestiamo agli spazi; che si tratti di strutture costruite, scene urbane o paesaggi. In will-o'-the-wisps, una doppia proiezione che riempie la stanza, i visitatori incontrano una sorta di trompe-l'oeil che si sovrappone alla realtà dello spazio espositivo o delle linee e la cambia atmosfericamente. Il cono di luce spazzola trame, si fa strada attraverso stanze disabitate, scivola lungo il pavimento e le pareti. Ma cosa cerca la torcia? E ciò che è stato portato alla luce è effettivamente destinato ai nostri occhi ora complici? Lungomare mette alla prova anche l'immaginazione e la fiducia nelle immagini, poiché il sole radioso sopra l'orizzonte marino scintillante sul monitor non è nella foto stessa, ma ha un effetto su questo momento di desiderio dall'esterno – attraverso una semplice lampada da scrivania dallo spazio reale. In Shade, una serie di stampe su carta Kozo, il tempo si è fermato, per così dire. Sovrapposizioni e ombre aggiungono profondità alle immagini, linee e chiaroscuri danno l'impressione di architettura. I veli leggeri e le "salviette", d'altra parte, ricordano i raggi X o simili procedure di imaging medico. Le immagini multistrato sono ombre proiettate da imballaggi di plastica usati, che sono posizionati in modo appropriato e sono responsabili dello scenario enigmatico.

Nel suo lavoro, Eliane Rutishauser assume vari ruoli in relazione alla macchina da presa. È un soggetto osservatore, cioè un produttore di immagini, ma a volte anche l'oggetto della sua stessa messa in scena. Una serie iniziata circa due anni fa dimostra in modo impressionante quest'ultimo approccio. Le Easy Pose sono fotogrammi di grande formato, la cui impostazione è meticolosamente preparata da Rutishauser prima di posizionarsi al buio in una posa specifica sopra o davanti alla carta fotografica. Non a caso il titolo ricorda i Seven Easy Pieces, una serie di rievocazioni di note performance di artisti di Marina Abramovic. Nelle sue autorappresentazioni del corpo femminile, Rutishauser fa deliberati riferimenti al primo modernismo e agli anni Cinquanta. I doppi nomi dei singoli titoli delle immagini si riferiscono alle cosiddette fotografie iconiche di artiste o donne in generale, che sono state scattate da uomini. I molteplici cambi di prospettiva di genere e di "ruolo" innescano uno spostamento dei contenuti che mette in moto sia l'autorità della produzione di immagini sia le tradizioni del corpo femminile nudo davanti alla macchina fotografica (o nella foto).

Susanne Hofer ed Eliane Rutishauser delineano la loro posizione artistica in modo acuto con questa selezione concentrata di opere. Ogni gruppo di opere rappresenta interessi specifici, che possono essere trovati in altre opere e alla fine consentono al loro focus individuale di emergere in termini di produzione e percezione dell'immagine, abitudini di visione e impronte visive.

Galerie Stephan Witschi brings together two artists whose works are characterized by a strong interest in images that are virtually out of the ordinary. Susanne Hofer and Eliane Rutishauser explore various possibilities of image production and reception, focusing their attention on moments (of varying lengths) that have signs of disturbance, casualness or ambiguity. The title of the exhibition also mentions two important concepts of her artistic practice: light and shadow, which underlies the technical imaging processes; and the wall as a metaphor for spatiality or as a membrane and image carrier.

In her work, Susanne Hofer deals with the attention we generally pay to spaces; be it built structures, urban scenes or landscapes. In will-o'-the-wisps, a room-filling double projection, visitors encounter a kind of trompe-l'oeil that superimposes itself on the reality of the exhibition space or lines and changes it atmospherically. The cone of light brushes textures, feels its way through uninhabited rooms, glides along the floor and walls. But what is the flashlight looking for? And is what has been brought into the light effectively intended for our now complicit eyes? Lungomare also puts imagination and belief in images to the test, as the radiant sun above the shimmering sea horizon on the monitor is not in the picture itself, but has an effect on this moment of longing from the outside – through a simple desk lamp from real space. In Shade, a series of prints on Kozo paper, time has stopped, so to speak. Overlays and shadows add depth to the images, lines and chiaroscuro give the impression of architecture. The light veils and "wipes", on the other hand, are reminiscent of X-rays or similar medical imaging procedures. The multi-layered images are shadows cast by used plastic packaging, which are appropriately placed and are responsible for the enigmatic scenery.

In her work, Eliane Rutishauser takes on various roles in relation to the camera. She is an observing subject, i.e. an image producer, but also sometimes the object of her own staging. A series begun about two years ago impressively demonstrates the latter approach. Easy Poses are large-format photograms, the setting of which is meticulously prepared by Rutishauser before it positions itself in the dark in a specific pose on or in front of the photo paper. It is no coincidence that the title is reminiscent of the Seven Easy Pieces, a series of re-enactments of well-known performances by artists by Marina Abramovic. In his self-depictions of the female body, Rutishauser makes deliberate references to early modernism and the fifties. The double names of the individual picture titles refer to so-called iconic photographs of female artists or women in general, which were taken by men. The multiple changes of perspective in gender and "role" trigger a shift in content that sets in motion both the authority of image production and the traditions of the naked female body in front of the camera (or in the picture).

Susanne Hofer and Eliane Rutishauser outline their artistic position in a pointed way with this concentrated selection of works. Each group of works stands for specific interests, which can be found in other works and ultimately allow their individual focus to emerge in terms of image production and perception, viewing habits and visual imprints.

(Text: Irene Müller)

Galleria Edizioni Periferia | Luzern
27. Juni 2023

Sylvia Egli von Matt im Gespräch mit Pia Zanetti

Eine fotografische Zeitreise
Pia Zanetti

Seit den 1960er-Jahren erzählt Pia Zanetti mit ihren Aufnahmen Geschichten, die mit Empathie und Engagement Leben und Wirken von Menschen dieser Welt festhalten. Die Galleria Edizioni Periferia zeigt aktuell einen Querschnitt aus ihrem Schaffen und plant eine umfangreiche Publikation, die im Herbst 2023 erscheinen soll. Einblicke in ein bewegtes Leben dieser Fotografin.

Depuis les années 1960, Pia Zanetti raconte des histoires avec ses photos, qui immortalisent avec empathie et engagement la vie et les activités des habitants de ce monde. La Galleria Edizioni Periferia présente actuellement un aperçu de son œuvre et prévoit une publication complète qui devrait paraître à l'automne 2023. Un aperçu de la vie mouvementée de cette photographe.

Dagli anni Sessanta Pia Zanetti racconta storie con le sue fotografie, che con empatia e impegno catturano la vita e il lavoro di persone in tutto il mondo. La Galleria Edizioni Periferia espone attualmente uno spaccato del suo lavoro e ha in programma una pubblicazione completa che uscirà nell'autunno del 2023. Approfondimenti sulla vita movimentata di questa fotografa.

Since the 1960s, Pia Zanetti has been telling stories with her photographs, capturing the lives and actions of people around the world with empathy and commitment. Galleria Edizioni Periferia is currently showing a cross-section of her work and is planning a comprehensive publication to be released in the fall of 2023. Insights into an eventful life of this photographer.

Galerie 94 | Baden
10. Juni 2023

Artist Talk moderiert durch Anna Konstantinova, Projektleiterin Art Vontobel

Human Nature
Kostas Maros

Die im englischen Sprachraum geläufige Verwendung des Substantivs human nature hebt eine Gegebenheit hervor, die mit ihrem deutschen Äquivalent nicht dieselbe Tragweite kennt, oder zumindest die mitschwingende Semantik weniger augenscheinlich macht: Meint das aus zwei Wörtern zusammengesetzte human nature die psychologischen und sozialen Eigenschaften, die den Menschen kennzeichnen, lässt es sich in kurz mit dem Wesen des Menschen in das Deutsche übersetzten. Findet sich im englischen Nomen die Zusammensetzung von Natur und Mensch wieder, wird dabei eine Verdoppelung und indes strukturelle Trennung evident, welche das seit der Neuzeit geltende Paradigma birgt. Mit dem Ermessen der Welt, beispielweise durch die Techniken der Kartografie und der Linearperspektive, vollzieht sich für das wahrnehmende Subjekt eine Trennung von der Welt, um diese erfassen zu können. Steht bei Letzterem ein abstraktes Argument im Augenmerk, wird der sozialgeschichtliche Verweis auf die Entfremdung leichter nachvollziehbar. Mit dem gesellschaftlich vorangetriebenen Prozess der Aneignung der Natur hat sich die Menschheit zunehmend sich ihr als Außen vorstehend positioniert. Eine merkwürdige Verdrehung angesichts der Tatsache, dass wir selbst Teil ihrer sind. Sonderbare Begegnungen mit und in der Natur, – um die einleitend beschriebene Trennung aufzurufen –, bilden die thematische Auseinandersetzung der fotografischen Serie von Kostas Maros. Sie dokumentiert die Relation des Menschen zur Natur aus der Perspektive eines stillschweigenden Beobachters. Gleichwohl mutet den unterschiedlichen Szenen eine eigentümliche Theatralität an. Mit sich selbst und der Umgebung beschäftigt, einander zu- und abgewandt, wirken die abgebildeten Personen zuweilen eigentümlich inszeniert, als würden sie Regieanweisungen folgen, vor einer Kulisse, zu welcher sich die Landschaft verwandelt hat. Gleichwohl wurde sie doch zum eigentlichen Spektakel ihrer ZuschauerInnen ernannt; die Menschen im Freien zu Gast, besuchen sie die vielen Wunder der Natur. Reflektieren einige Fotografien die Beziehung des Menschen zur Natur in der Art und Weise seines Tuns, weisen andere einen weiteren Aspekt des Verhältnisses auf: Sie stellen verschieden Perspektiven und damit einhergehende Größenverhältnisse ins Bild. Mit einer notwendigen Distanz zeigen sich gewisse Verhältnisse, die aus unserer natürlichen Nahsicht übersehen werden könnten: Wie klein die herrschenden Fahrzeuge auf unseren Straßen sind, wenn sie sich zuweilen in einer Kolonne vor felsigen Riesen reihen, wie klein drei Menschensstriche vor den schäumenden Rändern der weiten Meere die Küsten zieren. Es will eine Sache der Ansicht sein; scheint darin auch die Möglichkeit der Versöhnung zu liegen für die Trennung des Menschen von seiner selbst, der Natur.

L'utilisation courante du substantif human nature dans l'espace linguistique anglais met en évidence une donnée qui n'a pas la même portée avec son équivalent allemand, ou du moins qui rend moins évidente la sémantique qui y est associée : si human nature, composé de deux mots, désigne les propriétés psychologiques et sociales qui caractérisent l'homme, il peut être traduit brièvement en allemand par l'essence de l'homme. Si l'on retrouve dans le nom anglais la composition de nature et d'homme, il devient évident qu'il s'agit d'un dédoublement et d'une séparation structurelle que recèle le paradigme en vigueur depuis l'époque moderne. Avec la mesure du monde, par exemple par les techniques de la cartographie et de la perspective linéaire, le sujet percevant se sépare du monde afin de pouvoir le saisir. Si, dans ce dernier cas, l'attention se porte sur un argument abstrait, la référence socio-historique à l'aliénation devient plus facile à comprendre. Avec le processus d'appropriation de la nature mené par la société, l'humanité s'est de plus en plus positionnée comme lui étant extérieure. Une étrange torsion face au fait que nous faisons nous-mêmes partie d'elle. Des rencontres étranges avec et dans la nature - pour évoquer la séparation décrite en introduction - constituent le thème de la série photographique de Kostas Maros. Vous documentez la relation de l'homme à la nature dans la perspective d'un observateur silencieux. Néanmoins, les différentes scènes sont empreintes d'une certaine théâtralité. Occupées d'elles-mêmes et de leur environnement, se tournant et se détournant l'une de l'autre, les personnes représentées semblent parfois étrangement mises en scène, comme si elles suivaient des instructions de mise en scène, devant une coulisse en laquelle le paysage s'est transformé. Pourtant, il est devenu le véritable spectacle de ses spectateurs ; les hommes, invités en plein air, visitent les nombreuses merveilles de la nature. Si certaines photographies reflètent le rapport de l'homme à la nature dans la manière dont il agit, d'autres présentent un autre aspect de la relation : elles transmettent dans le visuel différentes perspectives et les rapports d'échelle qui en découlent. Avec une distance nécessaire, certaines proportions apparaissent qui pourraient être ignorées de notre vision naturelle rapprochée : Comme les véhicules dominants sont petits sur nos routes, lorsqu'ils se rangent parfois en colonne devant des géants rocheux, comme trois traits d'hommes sont petits devant les bords écumants des vastes mers qui ornent les côtes. C'est une question de point de vue ; il semble qu'il y ait là aussi une possibilité de réconciliation pour la séparation de l'homme d'avec lui-même, la nature.

L'uso comune del sostantivo human nature nel mondo anglosassone sottolinea un fatto che non ha la stessa portata del suo equivalente tedesco, o almeno rende meno evidente la risonanza semantica: se human nature, composto da due parole, indica le qualità psicologiche e sociali che caratterizzano gli esseri umani, in tedesco può essere sinteticamente tradotto come l'essenza degli esseri umani. Se il sostantivo inglese contiene il composto di nature e man, diventa evidente un raddoppiamento e, comunque, una separazione strutturale, che il paradigma valido fin dai tempi moderni mantiene. Con la misurazione del mondo, ad esempio attraverso le tecniche della cartografia e della prospettiva lineare, avviene una separazione dal mondo per il soggetto che lo percepisce per poterlo cogliere. Se quest'ultimo si concentra su un argomento astratto, il riferimento storico-sociale all'alienazione diventa più facile da comprendere. Con il processo di appropriazione della natura guidato dalla società, l'umanità si è posta sempre più come superiore ad essa. Una strana distorsione se si considera che noi stessi ne facciamo parte. Gli strani incontri con e nella natura - per richiamare la separazione descritta nell'introduzione - costituiscono il confronto tematico della serie fotografica di Kostas Maros. Essa documenta il rapporto dell'uomo con la natura dalla prospettiva di un osservatore silenzioso. Tuttavia, le varie scene hanno una peculiare teatralità. Preoccupate di se stesse e di ciò che le circonda, rivolte verso e lontano l'una dall'altra, le persone ritratte sembrano talvolta stranamente inscenate, come se seguissero le indicazioni di un palcoscenico, su uno sfondo in cui il paesaggio è stato trasformato. Tuttavia, esso è diventato lo spettacolo vero e proprio dei suoi spettatori: le persone all'aperto, che visitano le tante meraviglie della natura. Se alcune fotografie riflettono il rapporto dell'uomo con la natura nel suo modo di agire, altre mostrano un altro aspetto del rapporto: mettono in scena prospettive diverse e proporzioni che le accompagnano. Con la necessaria distanza, si rivelano alcuni rapporti che potrebbero essere trascurati dalla nostra naturale visione ravvicinata: Quanto sono piccoli i veicoli dominanti sulle nostre strade quando a volte si allineano in colonna di fronte a giganti rocciosi, quanto sono piccole tre pennellate umane che adornano le coste di fronte ai bordi spumeggianti dei vasti mari. Vuole essere una questione di opinioni; sembra anche essere la possibilità di riconciliazione per la separazione dell'uomo da se stesso, dalla natura.

The German equivalent of the English expression human nature has a narrower range of meanings, or at least does not have such broad and obvious connotations: if the two-word expression human nature refers to the psychological and social characteristics of humans, it could be briefly translated into German as the "essence of the human" ("das Wesen des Menschen"). But the juxtaposition of nature and human in the English expression contains a doubling, a structural division, that is a central paradigm of modernity. When they measure the world (for example, with the methods of cartography and linear perspective), perceiving subjects separate themselves from nature in order to comprehend it. The resulting focus on abstract argument further leads to the socio-historical realization of human alienation from nature. As society extends the process of appropriating nature, humanity increasingly positions itself as opposed to and outside of it. Given that we are ourselves part of nature, this is a strange twist. In the light of this separation of humans from nature, idiosyncratic encounters both with and in nature form a central theme in this series of photographs by Kostas Maros. With the perspective of a silent observer, these photographs document how humans relate to nature. At the same time, the depicted scenes have a curious theatricality of their own. The people in them – preoccupied with themselves and their surroundings; turned towards and away from each other – sometimes seem to be following stage directions in front of a landscape that has been transformed into a theatrical backdrop. Yet that landscape in turn becomes the primary spectacle for the viewers of these photographs; as guests of humans in the world, they pay a visit to the manifold wonders of nature. If some of these photographs reflect the relationship of humans to nature in terms of their acts and actions, others enframe alternative perspectives and the corresponding proportions. With a necessary distance, relationships are revealed that could be overlooked from the close-up view otherwise so natural to us: how small the vehicles that dominate our roads are when lined up in front of cragged giants; how small three rows of people look against the seething edges of the wide seas that adorn the coasts. It's a matter of individual perspective, but these photographs offer the possibility of a reconciliation for the separation of man from himself, from nature.

(Text: Galerie 94, Baden)

Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
18. Mai 2023

Lea Kunz und Jürg Halter im Gespräch mit Barbara Liebster

La peau des amis
Lea Kunz

Die Arbeit von Lea Kunz basiert auf Begegnungen, oft mit ihr nahestehenden Menschen, manchmal mit beinahe Fremden, die sie einlädt, fotografiert zu werden. In halbverlassenen Innenräumen oder in den Tannenwäldern, die ihr Haus im Jura umgeben, fängt sie kollektive und individuelle Choreografien ein, die improvisiert und ungezügelt sind. Die nackten Körper und die Gesten der Protagonisten sind nie explizit, man liest sie weder als verführerisch noch als sexuell, weder als Kampf noch als Ritual. Anmut ist hier versehentlich, Verwirrung und Ungeschicklichkeit sind befreiend; auf Zärtlichkeit antwortet liebevolle Brutalität.

In einer Zeit, in der Schönheitsstandards und den unaufhörlichen Optimierungen des Körpers immer entschiedener begegnet wird, ebenso wie der systematischen Sexualisierung von Nacktheit, bleibt der Körper zentral für die Geschlechtsidentität und die sexuelle Orientierung von Individuen. In diesem Zusammenhang bietet Lea Kunz’ Arbeit, die sich nicht einordnen lässt, emanzipatorische Darstellungen des nackten Körpers. Seit 2015 komponiert sie einen wachsenden Korpus an Bildern, die nicht in traditionellen Serien funktionieren und sich weigern, eine einzige, präzise und definierte Richtung einzuschlagen.

Im Mittelpunkt der Ausstellung, die aus diesem riesigen Archiv schöpft, steht eine Intimität, die mehr mit Freundschaft als mit Sexualität zu tun hat und in der sich Momente der Zuneigung, Spannung, Auseinandersetzung oder Verspieltheit abwechseln, die keinem äußeren Zwang gehorchen.

In Zusammenarbeit mit dem Centre de la Photographie Genève.

Le travail de Lea Kunz se développe sur la base de rencontres, souvent avec ses proches, parfois avec de presque inconnus, qu’elle invite à se laisser photographier. Dans des intérieurs semi-abandonnés ou dans les forêts de sapins qui entourent sa maison au Jura, elle saisit des chorégraphies collectives ou individuelles, improvisées et débridées. On ne déchiffre explicitement dans les corps nus et les gestes des protagonistes ni séduction ni prélude sexuel, ni rixe ni rituel. La grâce y est accidentelle, la confusion et la maladresse libératoires ; à la tendresse répond une brutalité affectueuse.

Alors que les standards de beauté et les optimisations brutalement imposés sur les corps sont contrés toujours plus résolument, tout comme la sexualisation systématique de la nudité, le corps demeure un enjeu souvent central de l’identité de genre et de l’orientation sexuelle des individus. Dans ce contexte, le travail inclassable de Lea Kunz offre des représentations émancipatoires du corps nu. Elle compose depuis 2015 un corpus croissant d’images, qui ne fonctionne pas traditionnellement par séries, et qui refuse une direction unique, précise et définie.

Puisée dans cette vaste archive, l’exposition à la Galerie & Edition Stephan Witschi est centrée sur une intimité tenant plus de l’amitié que la sexualité, alternant des moments d’affection, de tension, d’empoigne ou de délassement n’obéissant à aucune im¬position extérieure.

Collaboration avec le Centre de la Photographie Genève.

Il lavoro di Lea Kunz si basa su incontri, spesso con persone vicine a lei, a volte con quasi sconosciuti, che invita a farsi fotografare. In interni semi-abbandonati o nelle foreste di abeti che circondano la sua casa nel Giura, cattura coreografie collettive e individuali, improvvisate e sfrenate. I corpi nudi e i gesti dei protagonisti non sono mai espliciti; non si leggono né come seduzione né come sesso, né come combattimento né come rituale. Qui la grazia è accidentale, la confusione e la goffaggine sono liberatorie; alla tenerezza si risponde con l'amorevole brutalità.

In un'epoca in cui gli standard di bellezza e l'incessante ottimizzazione del corpo vengono contrastati in modo sempre più deciso, così come la sessualizzazione sistematica della nudità, il corpo rimane centrale per l'identità di genere e l'orientamento sessuale degli individui. In questo contesto, l'opera di Lea Kunz, che non può essere etichettata, offre rappresentazioni emancipatorie del corpo nudo. Dal 2015, l'artista compone un corpo crescente di immagini che non funzionano in serie tradizionali e rifiutano di seguire un'unica direzione precisa e definita.

Attingendo a questo vasto archivio, la mostra si concentra su un'intimità che ha più a che fare con l'amicizia che con la sessualità, alternando momenti di affetto, tensione, confronto o gioco che non obbediscono a nessun vincolo esterno.

In collaborazione con il Centre de la Photographie Genève.

Lea Kunz’s work is based on encounters, often with people close to her, sometimes with almost strangers, whom she invites to be photographed. In semi-abandoned interiors or in the fir forests that surround her house in the Jura, she captures collective and individual choreographies, as improvised as they are unbridled. The naked bodies and gestures of the protagonists are never explicit, neither seductive nor sexual, neither brawls nor rituals. Grace is accidental, confusion and awkwardness become liberating, and tenderness is met with loving brutality.

At a time when beauty standards and the ceaseless optimisations imposed on the body are being countered ever more resolutely, as is the systematic sexualisation of nudity, the body often remains central to gender identity and sexual orientation of individuals. In this context, Lea Kunz’s unclassifiable work offers emancipatory representations of the naked body. Since 2015 she has been composing a growing body of images, which does not function in traditional series, and which refuses to adopt a single, precise and defined direction.

Drawn from this vast archive, the exhibition is centered on an intimacy that has more to do with friendship than sexuality, alternating moments of affection, tension, grappling or playfulness that do not submit to any external imposition.

In Collaboration with Centre de la Photograpie Genève.

(Text: Danaé Panchaud, Centre de la Photographie, Genève)

Galerie 94 | Baden
22. April 2023

Ausblicke & Einblicke
Stefano Righetti

Die Welt wie wir sie heute kennen, war gestern eine andere und wie sie morgen aussieht, können wir nur erahnen. Wir stehen mittendrin in dieser Welt, sind Teil von ihr als Individuen wie auch als Gesellschaft und somit an deren Entwicklung und Veränderung beteiligt. Wir breiten uns aus, brauchen immer mehr Land, Ressourcen und Energie, verschmutzen die Umwelt und beeinflussen das Klima als gäbe es kein Morgen. Wir alle spüren heute je länger je mehr die Auswirkungen dieses Verhaltens. Das was sich in der Welt und im eigenen Land verändert, macht vor unserer Haustür nicht halt. Glücklicherweise sind es nicht nur die schlechten Entwicklungen, sondern auch die positiven.

Was bleibt ist die Sehnsucht nach Frieden, Ruhe, Gelassenheit und intakter Natur. Das ist es, was in den Bildern des Photographen Stefano Righetti abgelesen werden kann in Form von Ausblicken auf Landschaften, auf Situationen und auf Objekte. Die Ausblicke sind Betrachtungen in eine schöne, friedliche und ruhige Welt. Der Kontrast zur anderen hässlichen Welt wird bewusst ausgelassen. Gleichzeitig sind es Einblicke in die persönliche Wahrnehmung des Photographen und der photographischen Umsetzung von Licht und Formen, Eindrücken und Gefühlen, Stimmungen und Emotionen, die sich ihm im Moment der Aufnahmen präsentiert haben. Dieser Spannungsbogen hat der Ausstellung den Titel gegeben.

Gezeigt werden ausschliesslich Schwarzweissaufnahmen. Righetti begründet es damit, dass diese Art seinem photographischen Auge, seinem Empfinden und seiner Bildsprache am nächsten kommt. Die Bilder zeigen weite Landschaften wo Himmel auf Erde und Wasser trifft, manchmal so subtil, dass der Horizont ineinander verschmilzt. In der Bilderauswahl sind auch Alltagsszenen und Berglandschaften zu finden sowie Photos von Gebäuden, Mauern und seltsamen Objekten. Entstanden sind die Photos auf Reisen und Bergtouren zwischen 2016 und 2021 in skandinavischen Ländern, in Portugal und in den Alpen. Die Photos sind mal ruhig und mal dramatisch aber immer harmonisch komponiert und trotzdem spannungsgeladen. Und das ist durchaus gewollt, denn wie gesagt, es sind Ausblicke in unsere Welt, wie sie der Photograph heute sieht. Und wie sehen und empfinden es andere Betrachter und Betrachterinnen der Bilder? Righetti sagt von sich: «Ich habe nicht den Anspruch oder die Absicht damit etwas ganz bestimmtes zu vermitteln. Warum auch. Wie bei einem Musikstück oder einem gemalten Bild soll man sich angesprochen oder nicht fühlen und es so interprätieren, wie er oder sie es dabei gerade empfindet.». In diesem Sinne kann der Ausstellungsbesuch eine spannende Auseinandersetzung mit dem eigenen Ausblick und Einblick auf die heutige Welt sein.

Le monde tel que nous le connaissons aujourd'hui était différent hier et nous ne pouvons que deviner à quoi il ressemblera demain. Nous sommes au cœur de ce monde, nous en faisons partie en tant qu'individus et en tant que société et participons ainsi à son développement et à sa transformation. Nous nous étendons, avons besoin de toujours plus de terres, de ressources et d'énergie, polluons l'environnement et influençons le climat comme s'il n'y avait pas de lendemain. Aujourd'hui, nous ressentons tous de plus en plus les effets de ce comportement. Ce qui change dans le monde et dans notre propre pays ne s'arrête pas à notre porte. Heureusement, il n'y a pas que les mauvaises évolutions, mais aussi les positives.

Ce qui reste, c'est la nostalgie de la paix, du calme, de la sérénité et d'une nature intacte. C'est ce que l'on peut lire dans les visuels du photographe Stefano Righetti sous forme de vues de paysages, de situations et d'objets. Ces vues sont des réflexions sur un monde beau, paisible et calme. Le contraste avec un autre monde laid est délibérément omis. En même temps, ce sont des aperçus de la perception personnelle du photographe et de la transposition photographique de la lumière et des formes, des impressions et des sentiments, des ambiances et des émotions qui se sont présentés à lui au moment des prises de vue. Cette tension a donné son titre à l'exposition.

Seules des photos en noir et blanc sont présentées. Righetti le justifie par le fait que ce mode est le plus proche de son œil de photographe, de sa sensibilité et de son langage visuel. Les visuels montrent de vastes paysages où le ciel rencontre la terre et l'eau, parfois de manière si subtile que l'horizon se confond avec l'autre. La sélection d'images comprend également des scènes de la vie quotidienne et des paysages de montagne, ainsi que des photos de bâtiments, de murs et d'objets étranges. Les photos ont été prises lors de voyages et de randonnées en montagne entre 2016 et 2021 dans les pays scandinaves, au Portugal et dans les Alpes. Les photos sont tantôt calmes, tantôt dramatiques, mais toujours composées de manière harmonieuse et malgré tout pleines de tension. Et c'est tout à fait voulu, car comme nous l'avons dit, ce sont des aperçus de notre monde tel que le photographe le voit aujourd'hui. Et comment les autres spectateurs et spectatrices de ces visuels le voient-ils et le ressentent-ils ? Righetti dit de lui-même : "Je n'ai pas la prétention ou l'intention de transmettre quelque chose de précis. Pourquoi le ferais-je ? Comme pour un morceau de musique ou un visuel peint, on doit se sentir interpellé ou non et l'interpréter comme on le ressent à ce moment-là". Dans ce sens, la visite de l'exposition peut être une confrontation passionnante avec son propre regard et un aperçu du monde actuel.

Il mondo come lo conosciamo oggi era diverso ieri e possiamo solo immaginare come sarà domani. Siamo proprio al centro di questo mondo, ne facciamo parte come individui e come società e quindi partecipiamo al suo sviluppo e al suo cambiamento. Ci espandiamo, abbiamo bisogno di sempre più terra, risorse ed energia, inquiniamo l'ambiente e influenziamo il clima come se non ci fosse un domani. Oggi tutti noi sentiamo sempre di più gli effetti di questo comportamento. Ciò che sta cambiando nel mondo e nel nostro Paese non si ferma alle nostre porte. Fortunatamente, non si tratta solo di sviluppi negativi, ma anche di quelli positivi.

Ciò che rimane è il desiderio di pace, tranquillità, serenità e natura intatta. Questo è ciò che si legge nelle immagini del fotografo Stefano Righetti sotto forma di scorci di paesaggi, situazioni e oggetti. I panorami sono contemplazioni di un mondo bello, pacifico e tranquillo. Il contrasto con l'altro brutto mondo è volutamente omesso. Allo stesso tempo, sono scorci della percezione personale del fotografo e della sua realizzazione fotografica della luce e delle forme, delle impressioni e dei sentimenti, degli stati d'animo e delle emozioni che gli si sono presentati al momento dello scatto. Questo arco di tensione ha dato il titolo alla mostra.

Vengono mostrate solo fotografie in bianco e nero. Righetti spiega che questo tipo di fotografia si avvicina maggiormente al suo occhio fotografico, alla sua sensibilità e al suo linguaggio visivo. Le immagini mostrano vasti paesaggi dove il cielo incontra la terra e l'acqua, a volte in modo così sottile che l'orizzonte si fonde con l'altro. La selezione di immagini comprende anche scene di vita quotidiana e paesaggi montani, oltre a foto di edifici, muri e oggetti strani. Le foto sono state scattate durante viaggi e tour in montagna tra il 2016 e il 2021 nei Paesi scandinavi, in Portogallo e sulle Alpi. Le foto sono a volte calme e a volte drammatiche, ma sempre composte in modo armonioso e allo stesso tempo pieno di tensione. E questo è abbastanza intenzionale, perché, come ho detto, si tratta di vedute del nostro mondo così come il fotografo lo vede oggi. E come vedono e sentono gli altri spettatori delle immagini? Righetti dice di sé: "Non ho la pretesa o l'intenzione di trasmettere qualcosa in particolare. Perché dovrei? Come per un brano musicale o un quadro dipinto, uno dovrebbe sentirsi indirizzato o meno e interpretarlo nel modo in cui si sente in quel momento. In questo senso, la visita alla mostra può essere un'emozionante verifica delle proprie prospettive e del proprio sguardo sul mondo di oggi.

The world as we know it today was a different one yesterday and we can only guess what it will look like tomorrow. We are in the middle of this world, are part of it as individuals and as a society and thus participate in its development and change. We are expanding, needing more and more land, resources and energy, polluting the environment and influencing the climate as if there were no tomorrow. Today we all feel the effects of this behavior the longer the more. What is changing in the world and in our own country does not stop at our doorstep. Fortunately, it is not only the bad developments, but also the positive ones.

What remains is the longing for peace, tranquility, serenity and intact nature. This is what can be read in the pictures of the photographer Stefano Righetti in the form of views of landscapes, situations and objects. The views are reflections on a beautiful, peaceful and quiet world. The contrast to the other ugly world is deliberately omitted. At the same time, they are glimpses of the photographer's personal perception and photographic realization of light and forms, impressions and feelings, moods and emotions that presented themselves to him at the moment of taking the pictures. This arc of tension has given the exhibition its title.

Only black and white photographs are shown. Righetti justifies it with the fact that this kind comes closest to his photographic eye, his feeling and his picture language. The images show vast landscapes where sky meets earth and water, sometimes so subtly that the horizons merge into one another. The selection of images also includes everyday scenes and mountain landscapes, as well as photos of buildings, walls and strange objects. The photos were taken on trips and mountain tours between 2016 and 2021 in Scandinavian countries, Portugal and the Alps. The photos are sometimes calm and sometimes dramatic, but always harmoniously composed and yet charged with tension. And that is quite intentional, because as I said, they are views of our world as the photographer sees it today. And how do other viewers of the pictures see and feel?

Righetti says of himself: "I do not have the claim or the intention to convey something very specific with it. Why also. As with a piece of music or a painted picture one is to feel addressed or not and to interpret it in such a way, as he or she feels it thereby straight". In this sense, a visit to the exhibition can be an exciting examination of one's own outlook and insight into today's world.

(Text: Galerie 94, Baden)