Mudam Luxembourg
12. Mai - 10. September 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie Luxemburg statt.

Dancing with my Camera
Dayanita Singh

Dayanita Singh (1961, Neu-Delhi) entwickelt seit vier Jahrzehnten ein genreübergreifendes Werk, in dem sie die Grenzen des Mediums Fotografie auslotet. Dancing with my Camera ist die umfangreichste Ausstellung, die der indischen Künstlerin bisher gewidmet wurde. Sie lässt ihr gesamtes Werk Revue passieren, von ihrem ersten Fotoprojekt über die Klangwelt des indischen Perkussionisten Zakir Hussain (1951, Bombay) bis hin zu jüngeren Arbeiten wie Let’s See (2021), die auf der Form des Foto-Kontaktbogens beruht. Die Ausstellung zeugt vom formalen Erfindungsreichtum, die Singhs Arbeit auszeichnet, und spiegelt ihre singuläre Sichtweise auf Themen wie Archive, Musik, Tanz, Architektur, Tod, Geschlecht oder Freundschaft.

Sing begreift Fotografie keineswegs als unbewegliches Bild, sondern als „Materie“ – als Ausgangspunkt, der dem „Wo“ und „Wann“ der Aufnahme weniger Bedeutung zumisst als dem Eindruck, den sie im Zusammenspiel mit anderen Bildern in der Erfahrung des Betrachters im Hier und Jetzt hinterlässt. Anhand eines einzigartigen Editingprozesses, bei dem der Intuition eine große Bedeutung zukommt, wählt die Künstlerin Bilder aus ihren Archiven aus, die sie anschließend miteinander verbindet, kombiniert und neu interpretiert. Dabei entstehen mobile Assemblagen in denen sie unterschiedliche Epochen, Orte, Personen, Architekturen, Motive und Objekte ineinanderfließen lässt. Singh ist vor allem bekannt für ihre Künstlerbücher, die einen wesentlichen Teil ihres Schaffens ausmachen und sich als eigenständige Ausstellungsräume verstehen. In ihnen experimentiert die Künstlerin mit unterschiedlichen fotografischen Präsentationsformen, geleitet von der Idee, dass Bücher es vermögen, über Zeit und Raum hinweg zu zirkulieren und eine privilegierte, intime Beziehung mit dem Leser zu knüpfen.

Seit den frühen 2010er Jahren arrangiert Singh ihre Bilder innerhalb von modularen Holzstrukturen, die sie als „Fotoarchitekturen“ bezeichnet. Dieses Verfahren ermöglichte es ihr, eine eigenständige fotografische Praxis zu entwickeln, die auf dem Prinzip der Montage basiert und die narrativen Möglichkeiten ausschöpft, die sich aus der Gegenüberstellung von Bildern ergeben. Dies hat insbesondere zur Entstehung einer Reihe von „Museen“ wie dem File Museum (2012), dem Museum of Chance (2013) oder dem Museum of Tanpura (2021) geführt, die sich in unterschiedlichen Zusammenstellungen anordnen lassen und einen schnellen Wechsel der bildlichen und räumlichen Konstellationen ermöglichen. Diese Arbeiten, in denen die Funktionsprinzipien der Ausstellung und des Archivs zusammenfallen, laden d n Betrachter ein, sich frei um sie herum zu bewegen – zu „tanzen“ –, um die Bilder zu erfahren.

Kuratorin: Stephanie Rosenthal

Kurator für die Präsentation im Mudam: Christophe Gallois, assistiert von Clémentine Proby

Dayanita Singh. Dancing with my Camera wird organisiert vom Gropius Bau in Zusammenarbeit mit dem Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, der Villa Stuck in München und dem Serralves Museum in Porto.

Depuis quatre décennies, Dayanita Singh (1961, New Delhi) développe une œuvre qui se distingue par la manière dont elle brouille les genres et explore les limites du médium photographique. Dancing with my Camera, qui constitue la plus importante exposition dédiée à l’artiste indienne à ce jour, parcourt l’ensemble de son œuvre, depuis son premier projet photographique consacré à l’univers musical du percussionniste indien Zakir Hussain (1951, Bombay) jusqu’à ses œuvres les plus récentes, parmi lesquelles Let’s See (2021), inspirée de la forme des planches contacts. Témoignant de l’invention formelle qui caractérise l’œuvre de Singh, l’exposition met également en valeur le regard singulier qu’elle porte sur des thèmes tels que l’archive, la musique, la danse, l’architecture, la disparition, le genre ou encore l’amitié.

Loin d’être appréhendée comme une image figée, la photographie constitue pour Singh une « matière première » : un point de départ, dans laquelle le « où » et le « quand » de la prise de vue importent moins que l’impression qu’elle suscite dans le présent de l’expérience, dans sa relation avec d’autres images. Selon un processus d’editing singulier qui accorde une grande place à l’intuition, l’artiste puise dans ses archives des images qu’elle associe, combine et réinterprète pour aboutir à des assemblages mobiles au sein desquels se mêlent, avec une grande fluidité, les époques et les lieux, les figures humaines, les architectures, les motifs et les objets. Singh est notamment connue pour ses livres, qui représentent un pan essentiel de son œuvre et qu’elle appréhende comme des espaces d’exposition à part entière. Elle y expérimente différentes formes de présentation des photographies, animée par son intérêt pour la capacité des livres à circuler dans le temps et dans l’espace et pour la relation privilégiée, intime, qu’ils établissent avec le lecteur.

À partir du début des années 2010, Singh a commencé à associer ses images au sein de structures modulaires en bois – ce qu’elle décrit comme des « photo-architectures » – lui permettant d’exploiter dans toute sa potentialité une conception de la photographie fondée sur le montage et les possibilités narratives offertes par la juxtaposition d’images. Cette orientation a notamment donné lieu à la création d’une série de « musées » tels que le File Museum (2012), le Museum of Chance (2013) ou le Museum of Tanpura (2021). Ceux-ci peuvent être agencés selon différentes configurations et permettent un changement rapide des constellations d’images et de l’espace. Ils conjuguent les principes de l’exposition et de l’archive, et invitent les spectateurs à se mouvoir librement – à « danser » – autour d’eux pour faire l’expérience des images.

Commissaire: Stephanie Rosenthal

Commissaire de la présentation au Mudam: Christophe Gallois, assisté de Clémentine Proby

L’exposition Dayanita Singh. Dancing with my Camera est organisée par le Gropius Bau, Berlin, en collaboration avec le Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, la Villa Stuck, Munich et le Musée Serralves, Porto.

Dayanita Singh (1961, Nuova Delhi) ha sviluppato per quattro decenni un corpus di opere che spazia tra i vari generi, esplorando i confini del mezzo fotografico. Dancing with my Camera è la mostra più completa finora dedicata all'artista indiana. La mostra passa in rassegna l'intero corpus di opere dell'artista, dal suo primo progetto fotografico sul paesaggio sonoro del percussionista indiano Zakir Hussain (1951, Bombay) a lavori più recenti come Let's See (2021), che si basa sulla forma del foglio fotografico a contatto. La mostra testimonia l'inventiva formale che caratterizza il lavoro di Singh e riflette la sua singolare prospettiva su temi come gli archivi, la musica, la danza, l'architettura, la morte, il genere o l'amicizia.

Lungi dal concepire la fotografia come un'immagine immobile, Singh la vede come "materia" - un punto di partenza che dà meno importanza al "dove" e al "quando" dello scatto che all'impressione che lascia sull'esperienza del qui e ora dello spettatore in interazione con altre immagini. Utilizzando un processo di editing unico in cui l'intuizione gioca un ruolo fondamentale, l'artista seleziona immagini dai suoi archivi, che poi collega, combina e reinterpreta. In questo modo crea assemblaggi mobili in cui epoche, luoghi, persone, architetture, motivi e oggetti diversi confluiscono l'uno nell'altro. Singh è nota soprattutto per i suoi libri d'artista, che costituiscono una parte essenziale del suo lavoro e sono intesi come spazi espositivi a sé stanti. In essi, l'artista sperimenta diverse forme di presentazione fotografica, guidata dall'idea che i libri siano in grado di circolare attraverso il tempo e lo spazio e di stabilire un rapporto privilegiato e intimo con il lettore.

Dall'inizio degli anni 2010, Singh dispone le sue immagini all'interno di strutture modulari in legno che chiama "architetture fotografiche". Questo processo le ha permesso di sviluppare una pratica fotografica distinta, basata sul principio del montaggio, che sfrutta le possibilità narrative derivanti dalla giustapposizione delle immagini. In particolare, ciò ha portato alla creazione di una serie di "musei" come File Museum (2012), Museum of Chance (2013) e Museum of Tanpura (2021), che possono essere disposti in diverse configurazioni e consentono rapidi cambiamenti nelle costellazioni pittoriche e spaziali. Queste opere, in cui i principi funzionali della mostra e dell'archivio coincidono, invitano gli spettatori a muoversi liberamente intorno ad esse - a "danzare" - per vivere le immagini.

Curatore: Stephanie Rosenthal

Curatore per la presentazione al Mudam: Christophe Gallois, coadiuvato da Clémentine Proby

Dayanita Singh. Dancing with my Camera è organizzata da Gropius Bau in collaborazione con Mudam Luxembourg - Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean, Villa Stuck a Monaco e Serralves Museum a Porto.

For four decades, Dayanita Singh (b. 1961, New Delhi) has developed a body of work distinguished by her genre-defying approach of photography, one that pushes the limits of the medium and the boundaries of how we experience images. Dancing with my Camera, the most important exhibition dedicated to the artist to date, spans the entirety of her oeuvre, from her first photographic project devoted to the musical universe of the percussionist Zakir Hussain (b. 1951, Bombay) up until her most recent works, including Let’s See (2021), inspired by the format of contact sheets. A testament to the formal inventiveness that characterises Singh’s work, the exhibition also highlights the artist’s singular perspective on themes such as the archive, music, dance, architecture, disappearance, gender and friendship.

Photography, far from being a fixed image, constitutes a ‘raw material’ for Singh: a point of departure, in which the ‘where’ and ‘when’ of the shot matter less than the impression it arouses in the moment it is experienced, in relation to other images. According to a unique editing process that attaches great importance to intuition, the artist culls images from her archives that she then combines and reinterprets, resulting in temporary assemblages wherein various periods, places, figures, architectures, objects and motifs intermingle fluidly. Singh is notably recognised for her books, which represent an essential part of her practice and which she views as exhibition spaces in their own right. Here she experiments with different forms of photographic presentation, animated by her interest in the capacity for books to circulate in time and space, and the privileged, intimate relationship they establish to the reader.

In the early 2010s, Singh began incorporating her images into mobile wooden structures – what she describes as ‘photo-architectures’ – allowing her to exploit to its fullest potential a conception of photography based on montage and the narrative possibilities offered by the juxtaposition of images. This approach notably gave rise to the creation of a series of ‘museums’, such as the File Museum (2012), the Museum of Chance (2013), and the Museum of Tanpura (2021). These can be organised in different configurations, allowing for a rapid rearrangement of the constellation of images and space. They combine the principles of the archive and the exhibition and invite viewers to move freely – or ‘dance’ – around them to experience the images.

Curator: Stephanie Rosenthal

Curator of the presentation at Mudam: Christophe Gallois, assisted by Clémentine Proby

The exhibition Dayanita Singh. Dancing with my Camera is organised by the Gropius Bau in collaboration with Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, the Villa Stuck, Munich and the Serralves Museum, Porto.

(Text: Mudam Luxembourg)

Villa Vauban | Luxembourg
1. April - 2. Juli 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie Luxemburg statt.

When I Was a Boy / Commencer
Katrien de Blauwer

Die belgische Künstlerin Katrien de Blauwer, geboren 1969, bezeichnet sich selbst als "Fotografin ohne Apparat". Sie schneidet, klebt, fügt zusammen, färbt und manipuliert Fotografien aus alten Zeitschriften, die sie sammelt. Ihre Werke, die der Fotomontage oder der Filmmontage nahe kommen, bergen eine intensive narrative Ladung. Sie sind mit der Erinnerung und der persönlichen Geschichte verbunden, aber paradoxerweise ebenso intim wie anonym, und werden so zum möglichen Szenario eines jeden Menschen.

Die temporäre Hängung zeigt 29 Werke aus den Serien When I Was a Boy (2016-2018) und Commencer (2019-2020).

L’artiste belge Katrien de Blauwer, née en 1969, se présente elle-même comme « photographe sans appareil ». Elle coupe, colle, assemble, enfreint, colore, manipule des photographies issues d’anciens magazines qu’elle collectionne. Proches du photomontage ou du montage cinématographique, ses œuvres recèlent une intense charge narrative. Liées à la mémoire et à son histoire personnelle mais, paradoxalement, aussi intimes qu’anonymes, elles deviennent le scénario possible de tout un chacun.

L'accrochage temporaire présente 29 œuvres issues des séries When I Was a Boy (2016–2018) et Commencer (2019–2020).

L'artista belga Katrien de Blauwer, nata nel 1969, si definisce una "fotografa senza macchina fotografica". Taglia, incolla, assembla, violenta, colora e manipola fotografie da vecchie riviste che colleziona. Vicine al fotomontaggio o al montaggio cinematografico, le sue opere sono intensamente narrative. Legate alla memoria e alla storia personale ma, paradossalmente, tanto intime quanto anonime, diventano uno scenario possibile per tutti.

La mostra temporanea presenta 29 opere delle serie When I Was a Boy (2016-2018) e Commencer (2019-2020).

The Belgian artist Katrien de Blauwer, born in 1969, presents herself as a "photographer without a camera". She cuts, glues, assembles, violates, colors, manipulates photographs from old magazines that she collects. Close to photomontage or cinematographic montage, her works conceal an intense narrative charge. Linked to memory and personal history but, paradoxically, as intimate as they are anonymous, they become the possible scenario of everyone.

The temporary exhibition presents 29 works from the series When I Was a Boy (2016-2018) and Commencer (2019-2020).

(Text: Villa Vauban, Luxembourg)

Mudam Luxembourg
3. März - 15. Oktober 2023

Pleasure and Pollinator
Tourmaline

Das Mudam Luxembourg präsentiert neuere Arbeiten der Künstlerin Tourmaline, Preisträgerin des Baloise Art Prize 2022. Es handelt sich dabei um die erste Solo-Präsentation von Tourmalines Werk in einem europäischen Museum: Im Mittelpunkt der Ausstellung steht das digitale Video Pollinator, das die Baloise Group dem Museum schenkte.

Tourmaline ist Künstlerin, Autorin und eine Transgender-Aktivistin, die hauptsächlich mit Video und Fotografie arbeitet, um aufwändig inszenierte Szenen festzuhalten, mit denen sie Persönlichkeiten aus der LGBTQI+-Bewegung und der Queer-Culture die Ehre erweist. Ihre Arbeit bevorzugt eine feierliche Perspektive in dem Versuch, sich eine alternative Geschichte für schwarze Transgender- Gemeinschaften vorzustellen, wobei sie in ihren Videos oft spekulative Fiktion einsetzt. Die Arbeit der Künstlerin ist von Saidiya Hartmans Konzept der „critical fabulation“ beeinflusst, dass Fiktion und Spekulation bevorzugt, wenn es darum geht, marginalisierte Geschichten (neu) zu schreiben, die in den offiziellen historischen Quellen ausgelöscht oder falsch wiedergegeben worden sind.

In Verbindung mit Archivmaterial, wie in der Arbeit von Tourmaline, haben diese narrativen Werkzeuge das politische Potenzial des Empowerments. Die Künstlerin verwendet in ihrer Arbeit diese narrativen Werkzeuge mit ihrem politischen Potenzial dazu, einer vorgestellten Genealogie schwarzer, queerer Persönlichkeiten nachzuspüren, in die auch Tourmaline selbst eingeordnet werden kann.

Pollinator (2022) verwendet Aufnahmen von Tourmaline, die in Kostümen des frühen 20. Jahrhunderts gekleidet durch den Botanischen Garten in Brooklyn und durch die Edwardianischen Räume im Brooklyn Museum schreitet. Sie werden unterbrochen von Archivaufnahmen von Marsha P. Johnson, einer Aktivistin und Performerin, die half, die Street Transvestite Action Revolutionaries (STAR) zu gründen und an der Stonewall-Revolte von 1969 teilgenommen hatte. Während Tourmaline durch die Gärten geht und über die Pflanzen streift, wird sie zum „Pollenspender“ (pollinator), indem sie Pollen auf ihrer Kleidung trägt. Diese sinnlichen Szenen werden von anderen, von Tourmaline selbst aufgenommenen Szenen unterbrochen, die ihren singenden, lachenden und eine Zigarette rauchenden Vater zeigen, sowie auch von gefundenem Filmmaterial mit Interviews mit Menschen, die Johnson kannten. Eine dieser Personen hält ein lächelndes Abbild von ihr in der Hand. Diese Montage erinnert auf freudvolle Weise daran, dass Johnson Menschen in New York, die Gender-Normen nicht entsprachen oder transsexuell waren, fördernd und nährend zur Seite stand: so war sie also in übertragenem Sinn eine „Pollenspenderin“. Während sie queeren Schmerz evoziert, bevorzugt Tourmaline in ihrer Arbeit eine feierliche Perspektive, um sich auf diese Weise eine alternative Geschichte und Zukunft für schwarze Transgender-Gemeinschaften vorzustellen – dieser Ansatz erinnert an das Konzept des sogenannten ‚Freedom Dreaming‘ des Historikers Robin D.G. Kelley.

Kuratorin: Marie-Noëlle Farcy, assistiert von Line Ajan

Mudam Luxembourg présente des œuvres récentes de Tourmaline, lauréate du Prix artistique Baloise 2022. Cette exposition, qui est la première présentation individuelle du travail de Tourmaline dans un musée européen, s’articulera autour de la vidéo Pollinator, acquise pour la collection du musée grâce au soutien du Baloise Group.

Tourmaline est une artiste, écrivaine et militante transgenre qui travaille principalement avec la vidéo et la photographie pour élaborer des mises en scène complexes par lesquelles elle rend hommage à des figures importantes des mouvements LGBTQI+ et de la culture queer. Ses œuvres adoptent une perspective positive en esquissant une histoire alternative des communautés transgenres noires, souvent en ayant recours à la fiction spéculative. Son travail est influencé par la notion de « fabulation critique » développée par Saidiya Hartman, qui accorde une large place à la fiction et à la spéculation dans la (ré)écriture d’histoires marginalisées, oblitérées par l’histoire ou mal représentées dans les sources officielles. Lorsqu’ils sont utilisés en conjonction avec des documents d’archives, comme dans le travail de Tourmaline, ces outils narratifs possèdent un fort potentiel d’émancipation politique. Ils contribuent à dessiner une généalogie imaginée de figures queers noires, dans laquelle Tourmaline peut également s’inscrire.

Pollinator (2022) montre l’artiste, vêtue de costumes du début du 20e siècle, en train d’évoluer dans le Brooklyn Botanic Garden et les period rooms édouardiennes au Brooklyn Museum. Ces séquences sont entrecoupées d’images d’archives présentant Marsha P. Johnson, activiste et performeuse qui a cofondé l’association Street Transvestite Action Revolutionaries (STAR) et qui fut l’une des principales figures du soulèvement de Stonewall en 1969. En effleurant les plantes lors de sa déambulation dans les jardins botaniques, Tourmaline, dont les vêtements s’imprègnent ainsi de leur matière, agit comme une « pollinisatrice ». Ces images sensuelles s’entremêlent avec des scènes filmées par Tourmaline montrant son père en train de chanter, rire et fumer une cigarette, ainsi que des séquences d’interviews avec des personnes ayant connu Johnson, dont l’une tient une photographie d’elle souriant. Ce montage rappelle que Marsha P. Johnson était une figure maternelle pour les personnes trans et non-binaires à New York, et donc, métaphoriquement parlant, une « pollinisatrice ». Tout en évoquant le deuil queer, l’œuvre de Tourmaline privilégie une perspective célébratoire afin d’imaginer une histoire alternative et un futur pour les communautés noires transgenres – une approche qui rappelle ce que l’historien Robin D.G. Kelley définit comme la pratique du « rêve de liberté ».

Commissaire: Marie-Noëlle Farcy, assistée de Line Ajan

Il Mudam Luxembourg presenta le opere recenti dell'artista Tourmaline, vincitore del Baloise Art Prize 2022. Si tratta della prima presentazione personale del lavoro di Tourmaline in un museo europeo: la mostra si concentra sul video digitale Pollinator, donato al museo dal Baloise Group.

Tourmaline è un'artista, scrittrice e attivista transgender che lavora principalmente con il video e la fotografia per catturare scene elaborate che rendono omaggio a figure del movimento LGBTQI+ e della cultura queer. Il suo lavoro privilegia una prospettiva celebrativa nel tentativo di immaginare una storia alternativa per le comunità transgender nere, impiegando spesso nei suoi video una narrativa speculativa. Il lavoro dell'artista è influenzato dal concetto di "fabulazione critica" di Saidiya Hartman, che privilegia la finzione e la speculazione nella (ri)scrittura di storie emarginate che sono state cancellate o travisate dalle fonti storiche ufficiali.

Se combinati con materiale d'archivio, come nel lavoro di Tourmaline, questi strumenti narrativi hanno un potenziale politico di potenziamento. Nel suo lavoro, l'artista utilizza questi strumenti narrativi con il loro potenziale politico per tracciare una genealogia immaginaria di personalità queer nere, in cui può essere collocata anche Tourmaline stessa.

Pollinator (2022) utilizza filmati di Tourmaline che cammina nel Brooklyn Botanic Garden e nelle Edwardian Rooms del Brooklyn Museum vestita con abiti dell'inizio del XX secolo. Le immagini sono intervallate da filmati d'archivio di Marsha P. Johnson, attivista e performer che ha contribuito a fondare la Street Transvestite Action Revolutionaries (STAR) e ha partecipato alla rivolta di Stonewall del 1969. Mentre Tourmaline cammina nei giardini e si aggira tra le piante, diventa una "impollinatrice" indossando il polline sui suoi vestiti. Queste scene sensuali sono intervallate da altre girate dalla stessa Tormalina, che mostrano il padre che canta, ride e fuma una sigaretta, e da filmati trovati di interviste a persone che conoscevano Johnson. Una di queste persone tiene in mano un suo ritratto sorridente. Questo montaggio ricorda con gioia che la Johnson ha sostenuto e nutrito le persone di New York che non erano conformi alle norme di genere o che erano transgender: quindi, in senso figurato, è stata una "donatrice di polline". Pur evocando il dolore queer, Tourmaline privilegia nel suo lavoro una prospettiva celebrativa, immaginando così una storia e un futuro alternativi per le comunità transgender nere - questo approccio ricorda il concetto dello storico Robin D.G. Kelley del cosiddetto "Freedom Dreaming".

Curatore: Marie-Noëlle Farcy, assistito da Line Ajan

Mudam Luxembourg presents recent works by Tourmaline, the recipient of the Baloise Art Prize 2022. This exhibition is the first solo presentation of Tourmaline’s work in a European museum and is centred around the digital video Pollinator, which was donated to the museum by the Baloise Group.

Tourmaline is an artist, writer and transgender activist working mainly with video and photography to create elaborately staged scenes that honour living and historical figures of LGBTQI+ movements and queer culture. Using found footage and other archival material to investigate these subjects, the artist’s approach is influenced by scholar Saidiya Hartman’s notion of ‘critical fabulation’, which privileges fiction and speculation in (re)writing marginalised histories that have been erased or mis-transmitted in official sources. In these works, narrative tools are used for their politically empowering potential and help trace an imagined genealogy of Black queer figures, in which Tourmaline can also be inscribed.

Pollinator (2022) employs shots of Tourmaline dressed in early twentieth-century costumes while walking through the Brooklyn Botanic Garden and the Edwardian period rooms at the Brooklyn Museum. These are interspersed with archival footage showing the memorial of Marsha P. Johnson, an activist and performer who helped form Street Transvestite Action Revolutionaries (STAR) and was a figure of the Stonewall uprising of 1969. As Tourmaline wanders in the gardens and brushes against the plants, she acts as a ‘pollinator’ by carrying matter on her clothes. These sensual scenes are interrupted by other ones shot by Tourmaline showing her father singing, laughing and smoking a cigarette, as well as found footage of interviews with people who knew Johnson, one of which holds a picture of her smiling. This montage acts as a joyful reminder that Johnson was a nurturing figure for gender non-conforming and trans people in New York: she was, metaphorically speaking, a ‘pollinator’. While evoking queer grief, Tourmaline’s work privileges a celebratory perspective to imagine an alternative history and future for Black transgender communities – an approach that recalls what historian Robin D.G. Kelley defines as ‘freedom dreaming’.

Curator: Marie-Noëlle Farcy, assisted by Line Ajan

(Text: Mudam Luxembourg)

Clervaux - cité de l'image
10. Oktober 2022 - 9. Oktober 2023

Heliopolis
Marie Capesius

Heliopolis war das erste Naturistendorf Europas, das in den 1930er Jahren auf der französischen Mittelmeerinsel „Île du Levant" gegründet wurde. In den 1950er Jahren begann auch das französische Militär, die Insel zu nutzen. Bis heute macht die eingezäunte Raketenteststation 90 % ihrer Fläche aus. Angeregt durch diese beiden gegensätzlichen Welten, die nebeneinander existieren, lernte Marie Capesius die Bewohner der Insel kennen und erkundete ihre Geschichte. Inspiriert von der Geschichte Adam und Evas, stellt sie den Begriff des Paradieses infrage. Hat das Paradies jemals existiert? Oder ist es verloren gegangen und kann womöglich wiedergewonnen werden?

Marie Capesius (*1989, Frankreich) lebt und arbeitet als Künstlerin in Luxemburg. Sie ist Absolventin der Ostkreuzschule in Berlin und arbeitet mit analoger Fotografie, Video, Text, Musik und Performance.

Heliopolis est le premier village naturiste en Europe, fondé dans les années 1930 sur l'île du Levant en Méditerranée française. Dans les années 1950, l'armée française utilise également l'île comme base militaire. Aujourd'hui fermée, la base militaire occupe néanmoins 90 % de l'île et est utilisée comme base d'essai pour le lancement de missiles. Interpellée par ces mondes qui s'opposent, mais se juxtaposent, Marie Capesius va à la rencontre des habitants et de l'histoire d'Heliopolis. Elle s'inspire de l'histoire d'Adam et Ève et interroge la notion du paradis. Le paradis a-t-il jamais existé ? Ou a-t-il été perdu et peut-il être retrouvé ?

Marie Capesius (*1989, France) vit et travaille en tant qu'artiste au Luxembourg. Elle est diplômée de l'école de photographie Ostkreuz à Berlin et travaille avec la photographie argentique, la vidéo, le texte, la musique et la performance.

Heliopolis è stato il primo villaggio naturista in Europa, fondato negli anni '30 sull'isola mediterranea francese "Île du Levant". Negli anni Cinquanta, anche l'esercito francese iniziò a utilizzare l'isola. Ancora oggi, la stazione di prova missilistica è recintata per il 90% della sua superficie. Ispirata da questi due mondi contrastanti che coesistono, Marie Capesius ha conosciuto gli abitanti dell'isola e ne ha esplorato la storia. Ispirandosi alla storia di Adamo ed Eva, mette in discussione il concetto di paradiso. Il paradiso è mai esistito? Oppure è stata persa e può essere recuperata?

Marie Capesius (*1989, Francia) vive e lavora come artista in Lussemburgo. Laureata alla Ostkreuzschule di Berlino, lavora con fotografia analogica, video, testi, musica e performance.

Heliopolis was the first naturist village in Europe, founded in the 1930s on the "Île du Levant" island in the French Mediterranean. In the 1950s the French military also began using the island and till this very day a fenced off missile testing base occupies 90% of its surface. Intrigued by these two opposite worlds existing side by side, Marie Capesius met the occupants of Heliopolis and explored its history. Inspired by the story of Adam and Eve, she questions the notion of paradise. In fact, did paradise ever exist? Or instead, has it been lost, and can it be regained?

Marie Capesius (*1989, France) lives and works as an artist in Luxembourg. She graduated from Ostkreuz photography school in Berlin and works with analogue photography, video, text, music and performance.

(Text: Clervaux - cité de l'image)

Clervaux - cité de l'image
10. Oktober 2022 - 9. Oktober 2023

Corona 2020 – Scenes of the Pandemic
Marc Schroeder

Die elf Bilder, die sich aus architektonischen und urbanen Details zusammensetzen, sind im Sommer und Herbst 2020 entstanden nach Ende des ersten Covid-bedingten Lockdowns. Die einzelnen Szenen geben eine strikte visuelle Ordnung durch starke geometrische Formen vor, vermitteln aber gleichzeitig Leere und einen Eindruck von Sterilität: Sie zeigen den öffentlichen Raum ohne menschliche Präsenz, in dem unsere Bewegungsfreiheit durch verschiedene greifbare Hindernisse - oder deren Schatten - eingeschränkt wird. Die Bilderreihe ist somit als Abstraktion des Lockdowns von 2020 zu verstehen.

Marc Schroeder (*1974, Luxemburg) lebt in Luxemburg, Lissabon und Berlin. Er arbeitet vorzugsweise an persönlichen Langzeitprojekten, bei denen Erinnerung und Vergänglichkeit sowie Spuren der menschlichen Präsenz wiederkehrende Themen sind.

Les onze « tableaux », composés de détails architecturaux et urbains, ont été réalisés en été et automne 2020, après la fin du premier confinement général lié à la Covid-19. Les différentes scènes imposent un ordre visuel strict par des formes géométriques nettes, mais il en émane à la fois un certain vide et un air de stérilité : elles montrent des espaces publics, sans aucune présence humaine, où notre liberté de circulation est entravée par divers obstacles physiques ou leurs ombres. Cette série est ainsi conçue comme une abstraction de la période de confinement général de 2020.

Marc Schroeder (*1974, Luxembourg) partage sa vie entre le Luxembourg, Lisbonne et Berlin. Il préfère travailler sur des projets personnels de longue durée. La mémoire humaine ainsi que l'impermanence et les vestiges de la présence humaine sont des thèmes récurrents dans son œuvre.

Le undici immagini, composte da dettagli architettonici e urbani, sono state realizzate nell'estate e nell'autunno del 2020, dopo la fine del primo blocco legato a Covid. Le singole scene forniscono un ordine visivo rigoroso attraverso forti forme geometriche, ma allo stesso tempo trasmettono il vuoto e un'impressione di sterilità: mostrano uno spazio pubblico senza presenza umana, in cui la nostra libertà di movimento è limitata da vari ostacoli tangibili - o dalle loro ombre. La serie di immagini va quindi intesa come un'astrazione del blocco del 2020.

Marc Schroeder (*1974, Lussemburgo) vive a Lussemburgo, Lisbona e Berlino. Preferisce lavorare su progetti personali a lungo termine in cui la memoria e la transitorietà, così come le tracce della presenza umana, sono temi ricorrenti.

The eleven "tableaux", composed of only architectural and urban details, were shot during the summer and autumn of 2020, following the end of the first Covid-related lockdown. The individual scenes impose a strict visual order by way of sharp geometrical forms yet emanating from them is an air of both emptiness and sterility. They depict public spaces, devoid of any human presence, where our freedom of movement is hindered by various actual physical obstacles or shadows thereof. The series is hence intended as an abstraction of the 2020 general lockdown period.

Marc Schroeder (*1974, Luxembourg) divides his time between Luxembourg, Lisbon and Berlin. He prefers to work on personal, long-term projects whose recurring themes are human memory and the impermanence and traces of human presence.

(Text: Clervaux - cité de l'image)

Clervaux - cité de l'image
10. Oktober 2022 - 9. Oktober 2023

Particles
Boris Loder

Identitäten sind komplex - wie oft auch ihre Darstellung. Als Gefäß betrachtet, das mit sehr unterschiedlichen, sogar widersprüchlichen Inhalten gefüllt werden kann, bekommt der Begriff der Identität eine greifbare und abstrakte Seite zugleich. „Particles" verwandelt dieses Konzept in eine Studie skulpturaler Fotografie. Die Würfel enthalten gefundene Objekte, die auf komprimierte Art und Weise die Eigenschaften verschiedener Orte in Luxemburg darstellen. Somit werden Hypothesen zu stadtplanerischen Absichten als Kontrast zur wirklichen Nutzung des Raumes dargestellt. Ein Fastfood-Restaurant auf einem Sportplatz oder ein Drogenversteck neben einer bekannten Bank deuten so jene soziogeografischen Realitäten an, die nur selten in Luxemburg aufgezeigt werden.

Boris Loder (*1982, Heidenheim, Deutschland) lebt und arbeitet in Luxemburg. Er hat Literatur und Geografie studiert, was sich in seinem Interesse an poetischen Formen des Erzählens und an der Wechselbeziehung zwischen menschlichem Verhalten und Umwelt widerspiegelt.

Les identités sont complexes - comme l'est souvent leur représentation. Considéré comme un récipient pouvant être rempli de contenus très différents, voire contradictoires, le concept d'identité revêt ici un côté tangible et abstrait à la fois. « Particles » transforme ce concept en étude de photographie sculpturale. Les cubes contiennent des objets trouvés qui reflètent sous forme comprimée le caractère de différents lieux à Luxembourg. De cette façon, les hypothèses sur les intentions de l'aménagement urbain sont mises en contraste avec l'utilisation réelle des espaces. Un fast-food sur un terrain de sport ou une cachette de drogue à côté d'une banque renommée font allusion à des réalités sociogéographiques qui n'apparaissent que très rarement dans les notions populaires du Luxembourg.

Boris Loder (*1982, Heidenheim, Allemagne) vit et travaille au Luxembourg. Il a étudié la littérature et la géographie, ce qui se traduit par son intérêt pour les formes de narration poétiques et l'interdépendance entre les comportements humains et l'environnement.

Le identità sono complesse, come spesso lo è la loro rappresentazione. Visto come un recipiente che può essere riempito con contenuti molto diversi, persino contraddittori, il concetto di identità assume un aspetto tangibile e astratto allo stesso tempo. "Particles" trasforma questo concetto in uno studio sulla fotografia scultorea. I cubi contengono oggetti trovati che rappresentano in modo compresso le caratteristiche di diversi luoghi del Lussemburgo. Così, le ipotesi sulle intenzioni urbanistiche sono presentate in contrasto con l'uso reale dello spazio. Un fast-food su un campo sportivo o un nascondiglio di droga accanto a una nota banca suggeriscono così quelle realtà socio-geografiche che raramente vengono rivelate in Lussemburgo.

Boris Loder (*1982, Heidenheim, Germania) vive e lavora in Lussemburgo. Ha studiato letteratura e geografia, il che si riflette nel suo interesse per le forme poetiche di narrazione e per l'interrelazione tra comportamento umano e ambiente.

Identities are complex - as is, quite often, their representation. However, considered as a container that can be filled with very different, even contradictory contents, the concept of identity takes on an aspect that is both tangible and abstract at the same time. "Particles" transforms this concept into a study of sculptural photography. The cubes contain found objects that reflect the character of various sites in Luxembourg in compressed form. In this way, assumptions about urban planning intentions are contrasted with actual use. Fast food on a sports field or a drug stash near a renowned bank allude to socio-geographical realities that rarely surface in popular notions of Luxembourg.

Boris Loder (*1982, Heidenheim, Germany) lives and works in Luxembourg. His studies in literature and geography resonates with his interest in poetic forms of storytelling and the interrelatedness of human behaviour and environment.

(Text: Clervaux - cité de l'image)

Clervaux - cité de l'image
10. Oktober 2022 - 9. Oktober 2023

I love you baby. Portraits de femmes résilientes
Jeannine Unsen

Jeannine Unsen stellt Frauen in den Mittelpunkt einer Inszenierung, in der sie vor einer sorgfältig erdachten Kulisse erstarren und die Frage nach der Verletzlichkeit, der Identität und der Darstellung aufwerfen. Die oft zeitlosen Kontexte, in denen sich die Frauen offenbaren, entstammen den inneren Reisen der Fotografin. Den Betrachter entführen die Fotografien in einen Raum zwischen Traum und Wirklichkeit. Die mit großer Feinfühligkeit arrangierten Portraits weisen in ihrer Umsetzung eine exzessive Liebe zum Detail auf.

Jeannine UNSEN (*1975, Luxemburg) lebt und arbeitet in Luxemburg. Seit den 2000er Jahren werden ihre Arbeiten in Luxemburg und im Ausland ausgestellt, z.B. in Paris und Arles (Frankreich), in Pingyao (China) und in Göteborg (Schweden).

Jeannine Unsen met en scène des femmes qui se figent dans des décors soigneusement imaginés, soulevant la question de la vulnérabilité, de l'identité et de la représentation. Les contextes souvent intemporels dans lesquels les personnages se révèlent sont issus de voyages intérieurs de la photographe. Ou alors ils suscitent, chez le spectateur, ce voyage entre le monde du songe et le réel. Le travail de l'artiste, élaboré avec beaucoup de sensibilité, se concentre sur des portraits mis en scène avec un amour excessif du détail.

Jeannine UNSEN (*1975, Luxembourg) vit et travaille au Luxembourg. Depuis les années 2000, son travail est présenté au Luxembourg et à l'étranger, p.ex. à Paris et Arles (France), Pingyao (Chine) ou Göteborg (Suède).

Jeannine Unsen pone le donne al centro di una messa in scena in cui si bloccano davanti a uno sfondo accuratamente immaginato, sollevando questioni di vulnerabilità, identità e rappresentazione. I contesti spesso atemporali in cui le donne si rivelano nascono dai viaggi interiori del fotografo. Le fotografie trasportano lo spettatore in uno spazio tra sogno e realtà. I ritratti, disposti con grande sensibilità, mostrano un eccessivo amore per i dettagli nella loro realizzazione.

Jeannine UNSEN (*1975, Lussemburgo) vive e lavora in Lussemburgo. Dagli anni 2000, le sue opere sono state esposte in Lussemburgo e all'estero, ad esempio a Parigi e Arles (Francia), a Pingyao (Cina) e a Göteborg (Svezia).

Jeannine Unsen's images of women, often in static pose in carefully crafted settings, address questions of vulnerability, identity and representation. Indeed, the timeless contexts in which the figures appear seem to emerge from the photographer's own inner journeying or transport the viewer into a nether world between dream and reality. The work of this artist, elaborated with great sensitivity, focusses on portraits staged with an almost over-the-top love of detail.

Jeannine Unsen (*1975, Luxembourg) lives and works in Luxembourg. Since the 2000s, her work has been shown in Luxembourg and abroad, for example Paris and Arles (France), Pingyao (China) and Gothenburg (Sweden).

(Text: Clervaux - cité de l'image)

Clervaux - cité de l'image
10. Oktober 2022 - 9. Oktober 2023

American Diorama - Streets (2011)
Véronique Kolber

„Ich fotografiere und sammle mit meinem 35-mm-Objektiv. Spontan, nah am Geschehen und doch meistens unbemerkt, von meinem Instinkt geleitet. Nicht nur Menschen auf der Straße, sondern auch Menschen in banalen Situationen, die auf der Straße passieren können. Ich gehe nach Hause. Ich vergesse. Monate oder gar Jahre später gehe ich durch mein Archiv und entdecke meine Fotos wieder. Die Zeit spielt hierbei keine Rolle. Oder vielleicht doch: Sie verwischt meine Erinnerung und beflügelt meine Fantasie, sodass Geschichten sichtbar werden und aus den Fotografien entstehen. Der Kontrast zwischen den Arkaden in Clervaux und der Welt meiner Bilder verstärkt die Spannung und die Fiktion, die für meine fotografische Arbeit wesentlich sind."

Véronique Kolber (*1978, Luxemburg) hat Fotografie in Brüssel und Bildende Kunst in Straßburg studiert. Ihrer Arbeit wurde schon bei zahlreichen internationalen Ausstellungen gezeigt und dreht sich hauptsächlich um Themen wie Erinnerung, Realität und Fiktion.

« Je saisis et je recueille. Spontanément, sans me faire remarquer, poussée par mon instinct et munie de mon objectif 35 mm, je m'approche. Pas seulement des gens dans la rue, mais aussi des gens dans les situations banales qui ont tendance à se produire dans la rue. Je rentre chez moi. J'oublie. Des mois, voire des années plus tard, je consulte mes archives et redécouvre mes photos. Le temps n'a pas d'importance. Ou peut-être que si : le flou qu'il crée dans ma mémoire aide mon imaginaire à voir toutes les histoires qui émergent de mes photos. Le contraste entre les arcades de Clervaux et le monde présenté dans mes photos, accentue la tension et la fiction, élémentaires dans mon travail photographique. »

Véronique Kolber (*1978, Luxembourg) a étudié la photographie à Bruxelles et les arts plastiques à Strasbourg. Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions internationales et porte principalement sur les thèmes de la mémoire, de la réalité et de la fiction.

"Fotografo e colleziono con il mio obiettivo da 35 mm. Spontaneo, vicino all'azione eppure per lo più inosservato, guidato dal mio istinto. Non solo persone per strada, ma anche persone in situazioni banali che possono accadere per strada. Vado a casa. Dimenticavo. Mesi o addirittura anni dopo, sfoglio il mio archivio e riscopro le mie foto. Il tempo non gioca alcun ruolo in questo caso. O forse sì: offusca la mia memoria e accende la mia immaginazione in modo che le storie diventino visibili ed emergano dalle fotografie. Il contrasto tra i portici di Clervaux e il mondo delle mie immagini rafforza la tensione e la finzione che sono essenziali per il mio lavoro fotografico".

Véronique Kolber (*1978, Lussemburgo) ha studiato fotografia a Bruxelles e belle arti a Strasburgo. Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre internazionali e ruota principalmente intorno a temi come la memoria, la realtà e la finzione.

"I capture and collect with my 35 mm lens. Spontaneously, mainly unnoticed, driven by instinct. Not just people in the streets, but people in ordinary street situations. I return home. I forget. Months, maybe even years later, I go through my archive, rediscovering my pictures. Time is not relevant. Or maybe it is and how it blurs my memory helps my imagination to see the many stories that emerge from my photographs. The contrast between the Clervaux arcades and the world depicted in in my pictures accentuates the tension and fictional element essential to my photographic work."

Véronique Kolber (*1978, Luxembourg) studied Photography in Brussels and Visual arts in Strasbourg. Her work has been shown internationally in numerous exhibitions and revolves mainly around the themes of memory, reality & fiction.

(Text: Clervaux - cité de l'image)

Clervaux - cité de l'image
10. Oktober 2022 - 9. Oktober 2023

Coentro e Cachorros
Bruno Oliveira

„Die Kapverden tragen ihren Namen zu Recht. Dort ist die Farbe ein Ort, ein Raum, eine Landschaft, eine Person, eine Erinnerung und unterstreicht das Leben und die Geschichten der Einwohner. Als ich im Sommer 2018 auf die Geburtsinsel meines Freundes, Santo Antão, reiste, um seine Familie zu besuchen, schien mir alles gleichzeitig vertraut und doch fremd. Der Duft von Koriander erfüllte die Luft und die lokalen Mahlzeiten, seine intensive Farbe vibrierte in meinen Augen und sein Geschmack auf meinem Gaumen. Er verwirrte sowohl meine Sinne als auch meine Gedanken. Auf der Insel folgte ich seiner Farbe und seinem Duft wie die Straßenhunde, die mich begleiteten und mich zu unerwarteten Begegnungen an außergewöhnliche Orte führten. Die Reise verliert sich zwischen Traum und Wirklichkeit, sie ist gleichzeitig Fiktion und Erinnerung, ein ewiger Moment in einer schwebenden Welt."

Bruno Oliveira (*1993, Sanfins, Portugal) wuchs in Luxemburg auf, wo er heute lebt und arbeitet. Seine Herkunft, seine Reiseerfahrungen und sein kultureller Hintergrund bilden die Grundlage seiner künstlerischen Arbeit.

« Le Cap-Vert porte bien son nom. Là-bas, la couleur est un lieu, une pièce, un paysage, une personne, un souvenir et elle souligne la vie et les histoires de ses habitants. Lorsque je me suis rendu à Santo Antão, l'île natale de mon petit ami, où nous avons rendu visite à sa famille pendant l'été 2018, tout me semblait à la fois si familier et si étranger. L'odeur de la coriandre embaumait l'air et parfumait les repas, sa couleur verte vibrait avec toute son intensité sous mes yeux, sa saveur chatouillait mon palais, brouillant mes sens et mes idées. À travers l'île, j'ai suivi sa couleur et son parfum, tout comme les chiens de rue qui m'accompagnaient et me guidaient à travers des rencontres inattendues dans des lieux exceptionnels. Le voyage se perd entre le rêve et la réalité, il est à la fois fiction et souvenir, un moment éternel dans un monde suspendu. »

Bruno Oliveira (*1993, Sanfins, Portugal) a grandi au Luxembourg, où il est actuellement établi. Ses origines, ses expériences de voyage et son bagage culturel constituent la base de son travail artistique.

"Capo Verde porta il suo nome per una buona ragione. Lì il colore è un luogo, uno spazio, un paesaggio, una persona, un ricordo e sottolinea le vite e le storie degli abitanti. Quando nell'estate del 2018 mi sono recata sull'isola natale del mio amico, Santo Antão, per visitare la sua famiglia, tutto mi è sembrato allo stesso tempo familiare e straniero. Il profumo del coriandolo riempiva l'aria e i pasti locali, il suo colore intenso vibrava nei miei occhi e il suo sapore nel mio palato. Ha confuso sia i miei sensi che i miei pensieri. Sull'isola ho seguito il suo colore e il suo profumo come i cani di strada che mi hanno accompagnato, facendomi fare incontri inaspettati in luoghi straordinari. Il viaggio si perde tra sogno e realtà, è insieme finzione e memoria, un momento eterno in un mondo fluttuante".

Bruno Oliveira (*1993, Sanfins, Portogallo) è cresciuto in Lussemburgo, dove attualmente vive e lavora. Le sue origini, le sue esperienze di viaggio e il suo background culturale sono alla base del suo lavoro artistico.

"Cape Verde is true to its name. There, colour is a place, a room, a landscape, a person, a memory. It underscores the lives and stories of its inhabitants. When I travelled to my boyfriend's native island, Santo Antao to visit his family in the summer of 2018, everything felt so familiar and yet so foreign.

The scent of coriander perfumed the air and the local food. Its vibrant intensity, its green in my eye and its flavour on my palate, confused both my senses and my ideas. Across the island, I followed its colour and smell, like the street dogs that accompanied me and guided me to unexpected encounters in remarkable places. A journey between dream and reality, imagination and memory, an eternal moment in a suspended world."

Bruno Oliveira (*1993, Sanfins, Portugal) grew up in Luxembourg, where he is currently based. His origins, travel experiences and cultural background form the basis of his artistic work.

(Text: Clervaux - cité de l'image)

Mudam Luxembourg
9. Juli 2022 - 5. Februar 2023

Tacita Dean

Seit den frühen 1990er Jahren arbeitet Tacita Dean (1965, Canterbury) an einem umfangreichen Gesamtwerk, für das sie unterschiedliche Medien wie Film, Fotografie, Ton, aber auch Zeichnung, Grafik und Collage verwendet. Ihre Arbeit, in der sie ein weites Panorama von Themen behandelt, zeichnet sich durch eine genaue Beobachtung der Zeit, eine präzise Betrachtung der Geschichte und die Liebe zu lebensnahen Details aus. Daneben ist Dean offen auch für den Zufall als eines der Grundprinzipien ihrer Arbeit. Als Freundin unfreiwilliger Handlungen erlaubt sie auch manchmal Unvorhergesehenes, den Umständen Geschuldetes oder Verunglücktes das Resultat ihrer Arbeit zu bestimmen. Seit 2011 geht es in ihrer Arbeit auch um die Verdrängung der analogen Fotografie, bzw. des analogen Films durch digitale Bildmedien, ein Thema, zu dem sie ausführlich geschrieben und gesprochen hat und bei dem sie die exponentielle Zunahme von Bildern beschrieb. „Eine Welt, die nicht vergisst, geht unter in ihrer Unfähigkeit zu vergessen.“

Tacita Dean (1965, Canterbury) développe depuis le début des années 1990 une œuvre singulière qui se déploie à travers des médiums aussi variés que le film, la photographie et le son ; le dessin, la gravure et le collage. Son travail, qui couvre un large éventail de thèmes, se distingue par l’attention qu’elle porte au passage du temps, à l’histoire, et aux faits infimes de l’existence. Tacita Dean envisage également le hasard comme l’un de ses principes directeurs : ellelaisse volontiers l’incertitude, les accidents et les circonstances dicter le résultat final de ses productions. Depuis 2011, son travail se confronte à l’essor de l’imagerie numérique au détriment du film et de la photographie argentiques – un sujet qu’elle a abordé dans plusieurs œuvres, mais aussi dans des textes et des conférences, décrivant une accumulation exponentielle d’images. « Un monde qui n’oublie pas, indique-t-elle, est un monde qui se noie dans son incapacité à oublier. »

Dall'inizio degli anni Novanta, Tacita Dean (1965, Canterbury) lavora a un ampio corpus di opere, per le quali utilizza diversi media come il cinema, la fotografia, il suono, ma anche il disegno, la grafica e il collage. Il suo lavoro, che affronta un ampio panorama di temi, è caratterizzato da un'attenta osservazione del tempo, da una precisa considerazione della storia e dall'amore per i dettagli reali. Inoltre, la Dean è anche aperta al caso come uno dei principi fondamentali del suo lavoro. Amante dell'azione involontaria, a volte lascia che siano l'imprevisto, la circostanza o l'accidentalità a determinare l'esito del suo lavoro. Dal 2011, il suo lavoro riguarda anche lo spostamento della fotografia analogica, o della pellicola analogica, da parte dei media digitali, un tema sul quale ha scritto e parlato a lungo, descrivendo la crescita esponenziale delle immagini. "Un mondo che non dimentica sta annegando nella sua incapacità di dimenticare".

Since the early 1990s, Tacita Dean (b. 1965, Canterbury) has developed a singular body of work using multiple mediums, like film, photography and sound; drawing, printmaking and collage. Encompassing a diverse array of subjects, her work is characterised by a careful observation of time, a keen attention to history and a love of the fine details in life. Dean also welcomes chance as one of her guiding principles. A great believer in the non-deliberate act, Dean sometimes allows contingency, circumstance and accident to dictate the final outcome of a work. Since 2011, the artist’s work has also had to deal with digital imaging eclipsing photochemical film and photography, a topic she has written and spoken about at length describing an exponential accumulation of images: ‘A world that does not forget is a world that is drowning in its inability to forget.’

(Text: Mudam, Luxembourg)

Mudam | Luxembourg
26. Februar - 6. Juni 2022

Al río / To the River
Zoe Leonard

Schon seit über dreißig Jahren erfährt Zoe Leonard (1961, Liberty, New York) viel positive Kritik für ihr Werk. Ihre ursprünglich in der Fotografie wurzelnde Arbeit hat sich um räumliche Installationen und Skulpturen erweitert. Ihre Kunst ist vor allem das Ergebnis einer scharfen Beobachtungsgabe, in der sich das Dokumentarische der Fotografie mit dem körperlichen Akt des Schauens verbindet. Dabei liegen die inhaltlichen Schwerpunkte ihrer Arbeit auf Themen wie Migration und Vertreibung, Gender und Sexualität, Verlust und Trauer, Kulturgeschichte und das Spannungsfeld zwischen der Natur und den vom Menschen gestalteten Lebensräumen.

Erstmals in dieser Ausstellung zu sehen ist Al río / To the River, eine im Jahr 2016 begonnene großformatige fotografische Arbeit, die den Rio Grande (wie er in den USA genannt wird), bzw. den Río Bravo (sein Name in Mexiko) zum Thema hat. Leonard fotografierte ihn entlang der 2000 Kilometer, die die Grenze zwischen den Vereinigten Mexikanischen Staaten und den Vereinigten Staaten von Amerika bilden. Dabei folgt sie ihm von der mexikanischen Grenzstadt Ciudad Juárez und ihrer texanischen Nachbarstadt El Paso bis zu seiner Mündung in den Golf von Mexiko, wo er in den Atlantischen Ozean fließt.

Von geradezu epischen Ausmaßen, entstand Al río / To the River durch eine genaue Beobachtung sowohl des natürlichen, von ihm selbst geformten, als auch des ihn umgebenden, menschengemachten Umfelds des Flusses, von Wüsten und Bergen zu großen und kleinen Städten und Dörfern, in denen sich das tägliche Leben im Rhythmus der Landwirtschaft, des Handels, der Industrie oder der polizeilichen Überwachung abspielt. Leonards Fotografien zielen auf größere Infrastrukturprojekte und andere Bauten, die entlang oder in den Fluss hinein gebaut wurden, und die nicht nur den Verlauf des Wassers kontrollieren, sondern auch die Warenströme oder das Hin und Her der Menschen, also Dämme, Brücken, Pipelines, Zäune und Checkpoints. „Der einer ständigen Veränderung unterworfene natürliche Verlauf eines Flusses, der regelmäßig aufgrund des Hochwassers seinen Verlauf verändert und sein Bett verlagert,“ so Leonard, „bildet einen großen Gegensatz zu den Aufgaben politischer Art, die von ihm verlangt werden.“

Al río / To the River gliedert sich in drei Teile, einschließlich eines Vorspiels (Prologue) und einer Koda (Coda). Jeder Teil setzt sich mit der Sprache der Fotografie auseinander und bewegt sich fließend von der Abstraktion über die Dokumentation bis hin zu digitalin Überwachungsbildern.

Leonard, die mit einer analogen Kamera ohne Stativ arbeitet, hat in ihrer Wahrnehmung des Flusses ein ganz körperliches Verhältnis zu ihm. Und obwohl ihr Blick auf den Fluss stets subjektiv ist, ist er doch auch wandelbar. Indem sie immer wieder die Seiten wechselt (und damit von einem Land ins andere geht), weigert sich Leonard, eine einseitige Sicht zu entwickeln und nimmt stattdessen eine Reihe von wechselnden Blickwinkeln ein.

Das Werk nimmt Gestalt in Form von Passagen an, von fotografischen Sequenzen, in denen sich ein Gefühl von Bewegung vermittelt und die Handlungen betonen, während sie sich allmählich entfalten. Anstatt einen „entscheidenden Augenblick“ oder eine bestimmte Bedeutung zeigen zu wollen, erlauben diese Arrangements dem Betrachter, Bedeutung durch sein eigenes genaues Hinsehen zu schaffen.

Die Materialität des fotografischen Prozesses steht in Leonards Abzügen im Vordergrund. Jede Fotografie wird als konstruiertes Bild präsentiert, das von einem bestimmten Standpunkt aus aufgenommen wurde und in einem Prozess von Auswahl und Druck entstand.

In Al río / To the River wehrt sich Leonard gegen eine allzu reduzierte Darstellungen der Grenze in den Massenmedien und lenkt den Blick stattdessen auf die Vielzahl von Mächten und Einflüssen, von kommerziellen und industriellen Interessen, kulturellen Geschichten und familiären Verbindungen, die sich über den Fluss erstrecken, bis hin zu den Tieren und Pflanzen der Region, die zunehmend unter Druck geraten aufgrund von Dürre und Klimawandel sowie durch die oft widersprüchliche Sicht der Menschen auf den Fluss selbst, der zwar das Label einer „wilden und landschaftlich reizvollen“ Wasserstraße trägt, doch aber hauptsächlich der Wasserversorgung dient und als politische Grenzlinie verstanden wird.

Zoe Leonard (1961, Liberty, New York) hatte Einzelausstellungen im MOCA – Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2018); Whitney Museum of American Art, New York (2018); Museum of Modern Art, New York (2015); Camden Arts Centre, London (2012); Dia:Beacon, New York (2008); Wexner Center for the Arts, Colombus (2007); Fotomuseum Winterthur (2007) und in der Wiener Secession (1997). Ihre Arbeit wurde in bedeutenden Überblicksausstellungen gezeigt, wie der Whitney Biennial, New York (2014, 1997, 1993), oder der documenta 12 (2007) und der documenta IX (1992) in Kassel. Ihre Arbeiten finden sich in bedeutenden öffentlichen Sammlungen, wie im Whitney Museum of American Art, New York; dem Guggenheim Museum, New York; dem Centre Pompidou, Paris und dem Philadelphia Museum of Art, Philadelphia. Zu ihren zahlreichen Preisen und Auszeichnungen gehören das Guggenheim Fellowship (2020), der Graham Foundation Grant (2020) und der Bucksbaum Award of the Whitney Museum of American Art (2014). Sie lebt und arbeitet in New York und in Marfa, Texas.

Depuis près de trente ans, Zoe Leonard (1961, Liberty, New York) jouit d’une reconnaissance internationale pour son œuvre qui, ancrée dans la photographie, prend également la forme d’installations et de sculptures. Son travail est avant tout le fruit d’une démarche d’observation dans laquelle se conjuguent une conception documentaire de la photographie et l’acte physique, corporel, du regard. Les migrations et les déplacements, le genre et la sexualité, le deuil et la perte, l’histoire culturelle ou encore les tensions entre monde naturel et environnement construit sont autant de thèmes récurrents dans son œuvre.

L’exposition au Mudam présente pour la première fois Al río / To the River, un vaste projet photographique initié en 2016 qui a pour sujet le Rio Grande (le nom du fleuve aux États Unis) ou Río Bravo (son nom mexicain). Plusieurs années durant, l’artiste a photographié le fleuve le long des 2 000 kilomètres où il marque la frontière entre les États-Unis mexicains et les États-Unis d’Amérique, suivant son cours depuis les villes frontalières de Ciudad Juárez au Mexique et d’El Paso au Texas jusqu’au golfe du Mexique.

Œuvre épique de par son envergure, Al río / To the River est le fruit d’une observation attentive de l’environnement bâti et naturel du fleuve, de ses paysages désertiques et montagneux jusqu’aux villes et villages qui le bordent, où la vie quotidienne se déroule en parallèle des activités liées à l’agriculture, au commerce, à l’industrie, et à la surveillance de la frontière. Les photographies de Zoe Leonard se concentrent notamment sur l’accumulation des infrastructures aménagées le long du fleuve pour contrôler le débit de l’eau et réguler le passage des marchandises et la circulation des personnes : barrages, digues, routes, canaux d’irrigation, ponts, pipelines, clôtures, postes de contrôle.

« La nature changeante du fleuve – qui déborde périodiquement, change de cours et creuse de nouveaux sillons –, va à l’encontre de la fonction politique qu’il est censé remplir », commente l’artiste.

Al río / To the River est structurée en trois parties, dont un Prologue et une Coda. Chacune d’entre elles engage une réflexion sur le langage photographique, passant, de manière fluide, de l’abstraction à l’image documentaire, puis aux images numériques de caméras de surveillance.

Travaillant avec un appareil argentique tenu à la main, Zoe Leonard assume une position physique par rapport au fleuve. Bien que toujours subjectif, le regard qu’elle porte sur lui n’est jamais figé. Passant fréquemment d’un côté à l’autre du cours d’eau (et donc d’un pays à l’autre), l’artiste évite d’adopter un point de vue unilatéral au profit d’une suite de perspectives mobiles et changeantes.

L’œuvre prend la forme de séquences photographiques qui restituent une impression de mouvement et soulignent le déploiement des actions dans le temps. Plutôt que d’orienter le regard vers un « moment décisif » ou une signification figée, ces séquences invitent le spectateur à générer un sens à travers son propre regard attentif.

Dans les tirages de l’artiste, la matérialité du processus photographique est mise en évidence. Chaque photographie se présente comme une image construite, prise depuis un point de vue spécifique et matérialisée à travers les processus de sélection et de tirage.

Dans Al río / To the River, Zoe Leonard va à l’encontre des images réductrices de la frontière véhiculées par les médias. Elle rend au contraire tangible la multiplicité des forces et des influences qui traversent le fleuve, qu’il s’agisse des intérêts commerciaux et industriels, des histoires culturelles, ou des liens familiaux qui se tissent par-delà la frontière. Elle s’intéresse aussi aux animaux et aux plantes de la région, qui subissent une pression accrue en raison de la sécheresse et du changement climatique, mais aussi des conceptions humaines souvent contradictoires appréhendant le fleuve tout à la fois comme un cours d’eau « sauvage et pittoresque », un réservoir d’eau et une frontière politique.

Zoe Leonard (1961, Liberty, New York) a présenté des expositions personnelles au MOCA – Museum of Contemporary Art à Los Angeles (2018), au Whitney Museum of American Art à New York (2018), au Museum of Modern Art à New York (2015), au Camden Arts Centre à Londres (2012), au Dia:Beacon à New York (2008), au Wexner Center for the Arts à Columbus (2007), au Fotomuseum Winterthur (2007) et à la Sécession de Vienne (1997). Son travail a également été présenté lors de grandes manifestations internationales telles que documenta (2007, 1992) à Kassel ou la Whitney Biennial à New York (2014, 1997, 1993). Ses oeuvres se trouvent dans de nombreuses collections publiques importantes, parmi lesquelles le Whitney Museum of American Art à New York, le Guggenheim Museum à New York, le Centre Pompidou à Paris et le Philadelphia Museum of Art. Elle a reçu de nombreuses distinctions, dont le Guggenheim Fellowship (2020), la Graham Foundation Grant (2020) et le Bucksbaum Award du Whitney Museum of American Art (2014). Elle vit et travaille à New York et à Marfa, au Texas.

Per oltre trent'anni, Zoe Leonard (1961, Liberty, New York) ha ricevuto molte critiche positive per il suo lavoro. Originariamente radicato nella fotografia, il suo lavoro si è espanso fino ad includere installazioni spaziali e sculture. La sua arte è soprattutto il risultato di un acuto potere di osservazione, in cui la natura documentaria della fotografia si combina con l'atto fisico del guardare. Il focus tematico del suo lavoro è su argomenti come la migrazione e lo spostamento, il genere e la sessualità, la perdita e il lutto, la storia culturale e il campo di tensione tra la natura e gli habitat creati dagli umani.

Per la prima volta in questa mostra è Al río / To the River, un lavoro fotografico su larga scala iniziato nel 2016 che si concentra sul Rio Grande (come viene chiamato negli Stati Uniti), o il Río Bravo (il suo nome in Messico). Leonard l'ha fotografato lungo i 2000 chilometri che formano la frontiera tra gli Stati Uniti messicani e gli Stati Uniti d'America. Così facendo, lo segue dalla città di confine messicana di Ciudad Juárez e la sua vicina texana El Paso fino alla sua foce nel Golfo del Messico, dove sfocia nell'Oceano Atlantico.

Di proporzioni quasi epiche, Al río / Al fiume è stato creato attraverso un'attenta osservazione sia dell'ambiente naturale del fiume, modellato da se stesso, sia dell'ambiente artificiale che lo circonda, dai deserti e dalle montagne alle grandi e piccole città e villaggi, dove la vita quotidiana si svolge al ritmo di agricoltura, commercio, industria o sorveglianza della polizia. Le fotografie di Leonard prendono di mira i grandi progetti infrastrutturali e altre strutture costruite lungo o dentro il fiume che controllano non solo il corso dell'acqua ma anche il flusso di merci o il va e vieni delle persone, cioè dighe, ponti, condutture, recinzioni e posti di blocco. "Il corso naturale di un fiume, soggetto a continui cambiamenti, alterando regolarmente il suo corso e spostando il suo letto a causa dell'acqua alta", dice Leonard, "forma un grande contrasto con i compiti di natura politica che gli sono richiesti".

Al río / To the River è diviso in tre parti, compresi un prologo e una coda. Ogni parte si impegna con il linguaggio della fotografia, muovendosi fluidamente dall'astrazione alla documentazione alle immagini digitali di sorveglianza.

Leonard, che lavora con una macchina fotografica analogica senza treppiede, ha una relazione molto fisica con il fiume nella sua percezione di esso. E sebbene la sua visione del fiume sia sempre soggettiva, è anche mutevole. Cambiando ripetutamente lato (spostandosi da un paese all'altro), Leonard rifiuta di sviluppare una visione unilaterale e adotta invece una serie di angolazioni mutevoli.

L'opera prende forma sotto forma di passaggi, di sequenze fotografiche in cui si trasmette un senso di movimento, enfatizzando le azioni nel loro graduale svolgimento. Piuttosto che cercare di mostrare un "momento decisivo" o un significato particolare, questi allestimenti permettono allo spettatore di creare un significato attraverso il proprio sguardo ravvicinato.

La materialità del processo fotografico è in primo piano nelle stampe di Leonard. Ogni fotografia è presentata come un'immagine costruita, presa da un particolare punto di vista e creata attraverso un processo di selezione e stampa.

In Al río / To the River, Leonard resiste alle rappresentazioni troppo riduttive del confine nei mass media, attirando invece l'attenzione sulla moltitudine di poteri e influenze, da interessi commerciali e industriali, storie culturali e legami familiari che attraversano il fiume, agli animali e alle piante della regione, che sono sempre più sotto pressione a causa della siccità e del cambiamento climatico, così come dalla visione spesso contraddittoria della gente del fiume stesso, che può portare l'etichetta di un corso d'acqua "selvaggio e panoramico" ma è principalmente usato per l'approvvigionamento idrico e inteso come una linea di confine politico.

Zoe Leonard (1961, Liberty, New York) ha avuto mostre personali al MOCA - Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2018); Whitney Museum of American Art, New York (2018); Museum of Modern Art, New York (2015); Camden Arts Centre, Londra (2012); Dia:Beacon, New York (2008); Wexner Center for the Arts, Colombus (2007); Fotomuseum Winterthur (2007) e alla Vienna Secession (1997). Il suo lavoro è stato esposto in grandi mostre come la Whitney Biennial, New York (2014, 1997, 1993), o documenta 12 (2007) e documenta IX (1992) a Kassel. Il suo lavoro si trova in importanti collezioni pubbliche come il Whitney Museum of American Art, New York; il Guggenheim Museum, New York; il Centre Pompidou, Parigi e il Philadelphia Museum of Art, Philadelphia. I suoi numerosi premi e onorificenze includono la Guggenheim Fellowship (2020), il Graham Foundation Grant (2020) e il Bucksbaum Award del Whitney Museum of American Art (2014). Vive e lavora a New York e a Marfa, Texas.

Over three decades Zoe Leonard (b. 1961, Liberty, New York) has gained critical acclaim for her work. Rooted in photography, Leonard’s practice extends to spatial installation and sculpture. Her art is above all the result of a finely honed observation, in which the documentary approach of photography combines with the physical and bodily act of looking. Migration and displacement, gender and sexuality, mourning and loss, cultural history and the tensions between the natural world and human-built environments are recurring themes in her work.

This exhibition premieres Al río / To the River, a large-scale photographic work begun in 2016 which takes the Rio Grande, as it is named in the United States, or Río Bravo, as it is named in Mexico, as its subject. Leonard photographed along the 2,000 kilometres where the river is used to demarcate the boundary between the United Mexican States and the United States of America, following the river from the border cities of Ciudad Juárez, Mexico and El Paso, Texas, to the Gulf of Mexico.

Epic in scale, Al río / To the River results from close observation of both the natural and built environments shaped by and surrounding the river; from desert and mountains to cities, towns and small villages where daily life unfolds in tandem with agriculture, commerce, industry, policing, and surveillance. Leonard’s photographs focus on the accumulation of infrastructure and other constructions built into and alongside the river to control the flow of water, the passage of goods, and the movement of people: dams, levees, roads, irrigation canals, bridges, pipelines, fences and checkpoints. ‘The shifting nature of a river – which floods periodically, changes course and carves new channels – is at odds with the political task it is asked to perform,’ says Leonard.

Al río / To the River is structured in three parts, including a Prologue and a Coda. Each part engages with photographic language, moving fluidly from abstraction to documentary to digital surveillance imagery.

Working with a hand-held analogue camera, Leonard takes an embodied position in relation to the river. While always subjective, her view onto the river is not fixed. Crossing frequently back and forth from one side of the river to another (and thus, from one country to another), Leonard refuses a one-sided point of view and instead engages a series of shifting, changing vantage points.

The work takes shape in passages, sequences of photographs that impart a sense of movement and emphasise actions as they unfold through time. Rather than pointing to one ‘decisive moment’ or one fixed meaning, these arrangements allow the viewer to create meaning through their own close looking.

The materiality of photographic process is foregrounded in Leonard’s prints. Each photograph is presented as a constructed image, taken from a certain point of view, and made material through processes of selection and printing.

In Al río / To the River, Leonard pushes back against reductive depictions of the border in mass media, and instead considers a multiplicity of powers and influences. These include commercial and industrial interests, cultural histories and familial connections that span the river, as well as the animals and plants of the region, increasingly under pressure from drought and climate change or the often contradictory human, constructions of the river itself, designated as a ‘wild and scenic’ waterway, a resource for water, and a political borderline.

Zoe Leonard (b. 1961, Liberty, New York) has held solo exhibitions at MOCA – Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2018); Whitney Museum of American Art, New York (2018); Museum of Modern Art, New York (2015); Camden Arts Centre, London (2012); Dia:Beacon, New York (2008); Wexner Center for the Arts, Colombus (2007); Fotomuseum Winterthur, (2007) and Vienna Secession (1997). Her work has been presented within significant surveys including the Whitney Biennial, New York (2014, 1997, 1993), and documenta (2007, 1992), Kassel. Her work can be found in major public collections, including the Whitney Museum of American Art, New York; Guggenheim Museum, New York; Centre Pompidou, Paris; and Philadelphia Museum of Art, Philadelphia. She has received numerous honours, including the Guggenheim Fellowship (2020), the Graham Foundation Grant (2020) and the Bucksbaum Award of the Whitney Museum of American Art (2014). Leonard lives and works in New York and Marfa, Texas.

(Text: Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, Luxembourg)

Clervaux - cité de l'image | Clervaux
17. Dezember 2021 - 21. Oktober 2022

Arno Rafael Minkkinen

Das Menschsein ist ein dynamischer Prozess, ein Wechselspiel von Umständen und Kontexten, die angegangen und überwunden werden wollen. Herausforderungen stellen sich in Form von Rätseln, die es zu lösen, Aufgaben, die es zu übernehmen, und Etappen, die es zu durchlaufen gilt. So entwickelt sich das Dasein weiter. Diese „Entwicklung" ist jedoch nicht mit einer „Revolution" gleichzusetzen. Sie kann durchaus auch im Stillen erfolgen, in der Intimität eines einzelnen Lebens, dem eines Menschen.

Eine Vielzahl an Strategien begünstigt den reibungslosen Ablauf dieses existenziellen Prozesses. Die des Fotografen Arno Rafael Minkkinen offenbart sich in einem Werk, das „Two Hundred Seasons" (1) umfasst.

Seine fotografische Arbeit wird häufig beschrieben als eine Inszenierung des menschlichen Körpers im Raum - Landschaftsaufnahmen, die den Körper des Künstlers (oder seines Modells) einverleiben, um in einen Dialog zu treten.

Die Fragestellung erfolgt auf mehreren Ebenen und schließt den Monolog nicht aus. Die Gegenüberstellung - Körper und Landschaft - wird bis zum Äußersten getrieben. Die menschliche Gestalt scheint Teil des Dekors zu werden. Es ist ein regelrechtes Eintauchen, das mitunter so weit geht, dass der Mensch in der Landschaft zu verschwinden droht. Wenn der Körper der eigentliche Gegenstand des Werks ist, weshalb bringt man ihn dann bis an die Grenzen seiner symbolischen Auflösung? Auf manchen Fotografien hebt sich der Körper deutlich vom Hintergrund ab, doch er evoziert etwas anderes und wird etwa zur Wolke, zum Stein oder zum Felsen ...

Er gibt seinen subjektiven Charakter auf, um in die Rolle eines Bildelements zu schlüpfen, und unterliegt als solches neuen Regeln: visuellen statt physikalischen Gesetzen.

„Aus der Form brechen." Ja, aber das alleine reicht nicht, da wäre der Prozess nur zur Hälfte abgeschlossen. „Gestalt verleihen" oder vielmehr „Gestalt annehmen" ist die logische Folge. Diese Taktik lässt sich in der Natur ebenso wie in militärischen Strategien wiederfinden. Das Verhalten bewegt sich zwischen Tarnung und Mimese. Dabei mutet es in der Natur und im Krieg nur weniger poetisch an als in der Kunst. „Verschwinden" um weiter zu existieren und das Überleben zu sichern - so der Grundgedanke ...

In der Romantik findet sich dieses Prinzip im Konzept der „Entgrenzung" wieder. Eine Person verleugnet ihre Identität bis zu dem Punkt, am dem sie als Mensch nicht mehr existiert. Der Moment ist von kurzer Dauer, aber lang genug, um das Selbstempfinden auszuschalten und etwas anderes zu werden - ein Teil der Landschaft? Dieses Verschmelzen mit der Natur, mit der Welt, hat eine überraschend paradoxe Wirkung. Sie führt zurück zu dem, was zu „zerbrechen" bereit ist : der Mensch. Ein starkes Gefühl, das ein geschärftes Bewusstsein mit sich bringt: Der Akteur wird zum Beobachter. Mit dieser neuen Perspektive erhalten die Ideen einen objektiven und freien Charakter. Die Gedanken lösen sich von ihrem Urheber, erfahren eine universelle Öffnung. Prioritäten verschieben sich, Hierarchien stehen Kopf. Die Bilder setzen sich neu zusammen, sie entziehen sich dem Offensichtlichen und werden aufschlussreich:

„The secret of the world we are seeking must necessarily be contained in my contact with it. Inasmuch as I live it, I possess the meaning of everything I live." (2)

Zu einem solchen Ansatz braucht es Mut, denn er kommt einem Tauchen bis auf den Grund gleich. Das Gefühl und die Erfahrung, die sich daraus ergeben, müssen einzigartig und herrlich subjektiv sein.

Arno Rafael Minkkinen (*1945) lebt und arbeitet in Massachusetts und Finnland. Er wurde in Finnland geboren, wanderte aber 1951 in die Vereinigten Staaten aus. Anfang der 1970er Jahre studierte er an der Rhode Island School of Design. Heute ist er Professor für Kunst an der University of Massachusetts Lowell und Dozent an der Aalto-Universität in Helsinki. Weltweit veröffentlicht und ausgestellt, befinden sich Minkkinens Arbeiten in den großen Sammlungen des MoMA in New York, des Centre Pompidou und des Musée d'Art Moderne in Paris sowie des Tokyo Metropolitan Museum of Photography. Der finnisch-amerikanische Fotograf erforscht stets die Beziehung zwischen dem nackten Körper und der Umwelt. Seine Aufnahmen sind angesiedelt zwischen Selbstporträt und Landschaftsfotografie.

La condition humaine est un processus dynamique et changeant. Elle est agencée de circonstances et de contextes qui désirent être confrontés et surmontés. Les défis se présentent comme des énigmes à résoudre, comme des devoirs à assumer, des étapes à passer. Ainsi l'existence connaît son évolution. Cette « évolution » n'est pas à confondre avec « révolution ». Elle peut se faire en silence, dans le cadre intime d'une vie singulière, celle d'un individu.

Des stratégies multiples favorisent la fluidité de ce processus existentiel. Celle du photographe Arno Rafael Minkkinen est retracée dans une œuvre qui vaut « deux cents saisons » (1).

Son travail photographique est souvent décrit comme une mise en scène du corps humain dans l'espace, voire des vues paysagères qui abritent la silhouette de l'artiste (ou de son modèle) pour créer un dialogue.

Le questionnement se déroule à différents niveaux et n'exclut pas le monologue. Le face-à-face - corps et paysage - est poussé à l'extrême. La figure humaine semble devenir un élément du décor. Il y a véritable immersion jusqu'au risque de disparaître dans le paysage. Si le corps est le sujet de l'œuvre, pourquoi le pousser aux limites de sa dissolution symbolique? Dans certaines photographies, le corps se détache très bien du fonds, mais il évoque autre chose, il devient nuage, par exemple, ou pierre, ou rocher, ...

Il abandonne son empreinte subjective pour occuper le rôle d'un élément pictural et en tant que tel il est soumis à de nouvelles règles, des lois visuelles et non physiques.

« Sortir du moule ». Le synonyme dirait « casser les formes ». Mais cet acte ne suffit pas. On n'est qu'à mi-chemin d'une quête. « Épouser les formes » lance la suite logique. C'est une tactique qu'on retrouve dans la nature et qui est reprise également dans la pensée militaire. Le comportement se situe entre camouflage et mimétisme. Dans la nature et en guerre, il s'expose avec moins de poésie que dans les arts. Inciter à « disparaître » pour continuer à exister et pour assurer la survie, telle est sa signification.

La tradition romantique retrouve ce principe dans l'idée de « Entgrenzung ». L'individu nie son identité jusqu'au point de ne plus exister en tant qu'humain. Le moment est de courte durée, mais assez long pour surmonter la sensation de soi et pour devenir autre chose, pour devenir - une partie du paysage ? Cette fusion avec la nature, avec le monde, provoque un effet étonnamment paradoxal. Il ramène à ce qui est prêt à « se casser » : l'individu. C'est une sensation forte qui apporte une conscience poussée : l'acteur prend la place de l'observateur. Dans la nouvelle perspective, les idées adoptent un caractère objectif et libre. Les pensées sont dissociées de son auteur, elles suggèrent des ouvertures universelles. Les priorités se décalent, les hiérarchies se renversent. Les images se recomposent, elles échappent à l'évidence et deviennent révélatrices :

« The secret of the world we are seeking must necessarily be contained in my contact with it. Inasmuch as I live it, I possess the meaning of everything I live. » (2)

C'est une démarche qui nécessite du courage, car elle est l'équivalent d'une plongée jusqu'aux profondeurs. L'expérience et le sentiment qui en résultent, doivent être uniques et merveilleusement subjectifs.

Arno Rafael Minkkinen (*1945) vit et travaille au Massachusetts et en Finlande. Il est né en Finlande, mais a immigré aux États-Unis en 1951. Il a étudié à l'École de design de Rhode Island au début des années 1970. Aujourd'hui, il est professeur d'art à l'Université du Massachusetts Lowell et professeur à l'université Aalto d'Helsinki. Ses photographies ont été publiées et exposées dans le monde entier, et de grandes collections telles que le MoMA de New York, le Centre Pompidou et le Musée d'art moderne de Paris ainsi que le Musée métropolitain de la photographie de Tokyo conservent ses œuvres. Minkkinen explore toujours le rapport entre le corps nu et l'environnement. Ses photographies se situent entre l'autoportrait et la photographie de paysages.

Essere umani è un processo dinamico, un'interazione di circostanze e contesti che devono essere affrontati e superati. Le sfide si presentano sotto forma di puzzle da risolvere, compiti da intraprendere e fasi da superare. È così che l'esistenza si evolve. Tuttavia, questo "sviluppo" non deve essere equiparato a una "rivoluzione". Può avvenire anche in silenzio, nell'intimità di una sola vita, quella di un essere umano.

Una varietà di strategie favorisce il buon funzionamento di questo processo esistenziale. Quella del fotografo Arno Rafael Minkkinen si rivela in un corpo di lavoro che comprende "Two Hundred Seasons" (1).

Il suo lavoro fotografico è spesso descritto come una messa in scena del corpo umano nello spazio - fotografie di paesaggio che incorporano il corpo dell'artista (o del suo modello) per entrare in un dialogo.

L'interrogatorio si svolge su più livelli e non esclude il monologo. La giustapposizione - corpo e paesaggio - è portata all'estremo. La figura umana sembra diventare parte della decorazione. È una vera e propria immersione che a volte arriva al punto che l'essere umano minaccia di scomparire nel paesaggio. Se il corpo è il vero oggetto dell'opera, perché portarlo ai limiti della sua dissoluzione simbolica? In alcune fotografie, il corpo si distingue chiaramente dallo sfondo, ma evoca qualcos'altro e diventa, per esempio, una nuvola, una pietra o una roccia...

Rinuncia al suo carattere soggettivo per assumere il ruolo di elemento pittorico, e come tale è soggetto a nuove regole: leggi visive piuttosto che fisiche.

"Rompere la forma". Sì, ma questo da solo non basta, il processo sarebbe completato solo a metà. "Dare forma" o piuttosto "prendere forma" è la logica conseguenza. Questa tattica si trova sia in natura che nelle strategie militari. Il comportamento si muove tra il mimetismo e la mimesi. Sembra solo meno poetico nella natura e nella guerra che nell'arte. "Sparire" per continuare ad esistere e garantire la sopravvivenza - questa è l'idea di base...

Nel Romanticismo, questo principio si trova nel concetto di "dissoluzione dei confini". Una persona nega la sua identità al punto che non esiste più come essere umano. Il momento è di breve durata, ma abbastanza lungo da eliminare il senso di sé e diventare qualcos'altro - una parte del paesaggio? Questa fusione con la natura, con il mondo, ha un effetto sorprendentemente paradossale. Si ritorna a ciò che è pronto a "rompersi": l'essere umano. Un sentimento forte che porta con sé una maggiore consapevolezza: l'attore diventa l'osservatore. Con questa nuova prospettiva, le idee assumono un carattere oggettivo e libero. I pensieri si staccano dal loro originatore, sperimentano un'apertura universale. Le priorità si spostano, le gerarchie si ribaltano. Le immagini si ricompongono, eludono l'ovvio e diventano rivelatrici:

"Il segreto del mondo che cerchiamo deve necessariamente essere contenuto nel mio contatto con esso. Nella misura in cui lo vivo, possiedo il senso di tutto ciò che vivo". (2)

Un tale approccio richiede coraggio, perché è come immergersi fino in fondo. La sensazione e l'esperienza che ne risultano devono essere uniche e gloriosamente soggettive.

Arno Rafael Minkkinen (*1945) vive e lavora in Massachusetts e in Finlandia. È nato in Finlandia ma è emigrato negli Stati Uniti nel 1951. Nei primi anni '70 ha studiato alla Rhode Island School of Design. Oggi è professore d'arte all'Università del Massachusetts Lowell e docente alla Aalto University di Helsinki. Pubblicato ed esposto in tutto il mondo, il lavoro di Minkkinen si trova nelle principali collezioni del MoMA di New York, il Centre Pompidou e il Musée d'Art Moderne di Parigi, e il Tokyo Metropolitan Museum of Photography. Il fotografo finlandese-americano esplora sempre la relazione tra il corpo nudo e l'ambiente. Le sue fotografie si situano tra l'autoritratto e la fotografia di paesaggio.

The human condition is a dynamic and changing process, marked by circumstances and situations that must be confronted and surmounted. Challenges present themselves in the form of mysteries to resolve, tasks to take on, landmarks to reach. Thus, existence our is defined by evolution - not to be confused with "revolution". It can happen in silence, in the intimate setting of an individual life.

Multiple strategies can help the fluidity of this existential process along. Photographer Arno Rafael Minkkinen displays his in an œuvre worth "two hundred seasons" (1).

His photographic work is often described as a staging of the human body in space, or, conversely, landscape vistas harbouring the artist's (or his model's) silhouette to create a dialogue. This questioning happens on several levels and does not exclude the monologue. The juxtaposition of body and landscape is taken to the extreme. The human figure becomes part of the background, almost disappearing within the setting. If the body is the subject, why push it to the limits of its symbolic dissolution? In some photographs, the body clearly stands out from the background, but conjures up something else - it becomes a cloud, or a rock, or a tree trunk...

It abandons its subjective role to take the place of a pictural element and is thus subject to new rules, to visual rather than physical laws.

"Breaking the mould" implies destruction. But this act is not enough. We are only halfway on our quest. The next logical step will be giving shape to something new, fitting neatly into its setting. This is a strategy we find in nature, but also in military thinking. Something between camouflage and mimetics. In nature as in war, it exposes itself less poetically than in the arts. Compelled to "disappear" in order to continue existing and guarantee survival: this is what it means.

The romantic tradition uses this principle in the concept of "Entgrenzung". The individual denies his identity until he stops existing as a human being. The moment doesn't last long, but long enough to overcome the feeling of self and to become something else, to become... part of the landscape? This merging with nature, with the world, elicits a strangely paradoxical effect. It takes us back to what is ready to "break": the individual. It is an overwhelming feeling which forces consciousness past its limits: the actor takes the place of the observer. In this new perspective, ideas take on an objective and free spirit. Thoughts are dissociated from the thinker, suggesting universal openings. Priorities shift, hierarchies are toppled. The images take on a new shape, escaping the obvious and revealing the mystery hidden within:

"The secret of the world we are seeking must necessarily be contained in my contact with it. Inasmuch as I live it, I possess the meaning of everything I live." (2)

This step requires courage, for it is the equivalent of a deep dive. The resulting experience and feeling, however, must be unique and marvellously subjective.

Arno Rafael Minkkinen (*1945) lives and works in Massachusetts and Finland. Born in Finland, he emigrated to the United States in 1951. He studied at the Rhode Island School of Design in the early 1970s. Today, he is a Professor of Art at UMass Lowell and a Docent at Helsinki's Aalto University. His photographs have been published and exhibited all around the world and major collections such as the MoMA in New York, the Centre Pompidou and Musée d'Art Moderne in Paris, and the Tokyo Metropolitan Museum of Photography hold his work. Minkkinen is always exploring the relationship between the nude body and the environment. His photographs inhabit the space between self-portraiture and landscape photography.

(Text: A. Meyer, Clervaux - cité de l'image)

Clervaux - cité de l'image | Clervaux
22. Oktober 2021 - 21. Oktober 2022

Yohanne Lamoulère

Jede Großstadt hat ihre eigene Geschichte, einen unverwechselbaren Puls und eine besondere Lebensart, die durch ihre Entwicklung bedingt ist.

Die Ballungsräume unserer Zeit sind lebende Organismen, die den Menschen gleichermaßen beherbergen und verschlingen.

Bauten skizzieren Stadtviertel, die zu Mikrokosmen werden. Ihre Häuser und Wohnblöcke sind kurzlebige, mutierende Zellen. Je weiter sie vom Kern (der Stadt) entfernt liegen, je mehr sie zur äußeren Membran der pulsierenden Materie - sprich der Peripherie - gehören, desto eher droht ihr Dasein einem durch Wachstum und politische Ideologien begründeten Wandel unterworfen zu sein. Es wird hochgezogen und wieder abgerissen, um neu aufzubauen. Eine urbanistische  Vision folgt der nächsten - und zerschellt. Das Stadtbild leidet. Und alles beginnt von vorne ... Die Landschaft zeigt sich instabil.

Yohanne Lamoulère beleuchtet dieses Phänomen mithilfe ihrer Fotografien. Sie beschäftigt sich mit den jüngsten Trends zur Neugestaltung der Vororte und den daraus resultierenden Konsequenzen für die Anwohner. Die Konzepte dieser Veränderungen sind meist umstritten, da sie nicht aus dem Gebiet selbst erwachsen sind, sondern einfach übertragen, auferlegt oder aufgezwungen wurden. Wenn der öffentliche Raum nicht länger ein gemeinschaftlich definierter Ort des Beisammenseins ist, wird die Stadt zur Täuschung - „Ici ment la ville"!

Wie lebt es sich in einem solch trügerischen Milieu? Ist es noch erträglich oder angemessen für den Menschen, der seinen Platz finden muss, um nicht in der anonymen Masse unterzugehen?

Jeder von uns muss im Laufe seines Lebens die eigene Individualität behaupten. Dabei gründet die Suche nach sich selbst auch in der lokalen Verwurzelung und dem Bedürfnis, sich mit seinem Umfeld und seiner Umgebung zu identifizieren. Die Selbstwahrnehmung ist ein unfertiges Werk, ein Prozess, im Entstehen begriffen ... Damit sie sich entfalten kann, bedarf es eines fruchtbaren Bodens.

„Aus der Form brechen. Gestalt verleihen."

Yohanne Lamoulère erzählt in Bildern von diesem Bedürfnis des Einzelnen: Verwirrung stiften, der Lüge die Stirn bieten, vordefinierte Normen aufbrechen, gegen den Strom schwimmen. Kurzum: leben.

Yohanne Lamoulère (*1980) lebt und arbeitet in Marseille (Frankreich). Nach ihrer Jugendzeit auf den Komoren schloss sie 2004 ihr Studium an der École nationale supérieure de la photographie in Arles ab. Die Lieblingsthemen der Künstlerin, die Mitglied des Kollektivs Tendance Floue ist, sind die Peripherie der Städte und die Insularität in all ihrer Vielförmigkeit. 2018 erschien bei Le Bec en l'air „Faux Bourgs" mit ihren gesammelten Arbeiten über die Stadt Marseille. Lamoulère gehört auch dem Kollektiv Zirlib mit Regisseur Mohamed El Khatib an. 2021 bereitete sie ihren ersten Film vor: „L'œil Noir".

Les grandes villes ont chacune leur propre histoire, un rythme distinctif et un code de vie spécifique et relatif à leur évolution.

Les agglomérations contemporaines sont des organismes vivants qui, dans une équation égale, abritent et engloutissent l'être humain.

Des bâtisses esquissent des quartiers qui deviennent des microcosmes. Leurs immeubles sont des cellules éphémères et mutantes. Plus elles se situent à distance du noyau (centre-ville), plus elles se localisent en membrane externe de la matière vibrante, voire en périphérie, plus leur existence risque de subir l'autorité du changement par argumentation de la croissance et des idéologies politiques. On construit et on détruit pour reconstruire. Les visions urbanistes se succèdent et se brisent ; le décor détériore. Le cycle recommence. Le paysage se présente instable.

Yohanne Lamoulère parle de ce phénomène à travers ses photographies. Elle s'intéresse aux tendances actuelles de réaménagement des quartiers périphériques des villes et des conséquences qui en résultent pour l'habitant. Les concepts pour ces transformations sont le plus souvent polémiques, car ils n'ont pas grandi sur le territoire même, mais ont été importés, voire implantés et imposés. Au moment où l'espace public ne représente plus un lieu de partage défini en communauté, la ville devient une tromperie : « Ici ment la ville » !

Comment exister dans un décor malhonnête? Est-ce un milieu toujours vivable et adapté à l'être humain sachant que chacun porte le besoin de se trouver une place pour ne pas se perdre dans la foule de l'anonymat.

Au cours de son existence, toute personne doit affirmer son individualité. La quête de soi est entre autres favorisée par l'ancrage local et le besoin de s'identifier avec son entourage et le territoire. Le sens de soi est une œuvre non finie. Il s'agit d'un processus en création. Il faut un terrain fertile pour assurer son évolution.

« Sortir du moule. Épouser les formes. »

Yohanne Lamoulère raconte en images cette nécessité de l'individu : Provoquer la confusion, tenir tête au mensonge, désarmer les normes prédéfinies, nager à contre-courant. Enfin, respirer la vie à pleins poumons.

Yohanne Lamoulère (*1980) vit et travaille à Marseille (France). Après une adolescence passée aux Comores, elle est diplômée de l'École nationale supérieure de la photographie d'Arles en 2004. Membre du collectif Tendance Floue, ses thèmes de prédilection sont la périphérie des villes et l'insularité dans ce qu'elle a de protéiforme. Elle publie « Faux Bourgs » aux éditions Le Bec en l'air en 2018, compilation de son travail sur la ville de Marseille. Elle fait également partie du collectif Zirlib avec le metteur en scène Mohamed El Khatib. En 2021, elle prépare son premier film, « L'œil Noir ».

Ogni metropoli ha la sua storia, un polso caratteristico e un modo di vivere particolare condizionato dal suo sviluppo.

Le conurbazioni del nostro tempo sono organismi viventi che ospitano e divorano le persone in egual misura.

Gli edifici delineano quartieri della città che diventano microcosmi. Le loro case e i loro condomini sono cellule mutanti di breve durata. Più sono lontani dal nucleo (della città), più appartengono alla membrana esterna della materia pulsante - cioè la periferia - più la loro esistenza rischia di essere sottoposta a un cambiamento giustificato dalla crescita e dalle ideologie politiche. Viene tirato su e abbattuto di nuovo per essere ricostruito. Una visione urbanistica segue l'altra - e crolla. Il paesaggio urbano ne soffre. E tutto ricomincia da capo ... Il paesaggio è instabile.

Yohanne Lamoulère illumina questo fenomeno con l'aiuto delle sue fotografie. Lei esamina le ultime tendenze nella riqualificazione delle periferie e le conseguenze che ne derivano per i residenti. I concetti di questi cambiamenti sono di solito controversi, poiché non sono cresciuti dall'area stessa, ma sono stati semplicemente trasferiti, imposti o imposti. Quando lo spazio pubblico non è più un luogo di ritrovo definito a livello comunitario, la città diventa una finzione - "Ici ment la ville"!

Come si vive in un ambiente così ingannevole? È ancora sopportabile o appropriato per l'essere umano che deve trovare il suo posto per non annegare nella massa anonima?

Nel corso della nostra vita, ognuno di noi deve affermare la propria individualità. Nel processo, la ricerca di se stessi si basa anche sulle radici locali e sul bisogno di identificarsi con il proprio ambiente e la propria zona. L'autopercezione è un lavoro in corso, un processo in divenire... Perché si sviluppi, ha bisogno di un terreno fertile.

"Uscire dalla forma. Dare forma".

Yohanne Lamoulère ci racconta per immagini questo bisogno dell'individuo: Creare confusione, sfidare le bugie, rompere le norme predefinite, nuotare controcorrente. In breve: per vivere.

Yohanne Lamoulère (*1980) vive e lavora a Marsiglia (Francia). Dopo aver trascorso la sua giovinezza nelle Comore, si è laureata all'École nationale supérieure de la photographie di Arles nel 2004. Membro del collettivo Tendance Floue, i soggetti preferiti dall'artista sono la periferia delle città e l'insularità in tutta la sua multiformità. Nel 2018, Le Bec en l'air ha pubblicato "Faux Bourgs" con le sue opere raccolte sulla città di Marsiglia. Lamoulère fa anche parte del collettivo Zirlib con il regista Mohamed El Khatib. Nel 2021, prepara il suo primo film: "L'œil Noir".

Every city has its history, its own rhythm and a particular way of life rooted in its evolution.

The metropolis of our time is a living organism, both sheltering and devouring the individual.

Neighbourhoods are delineated by buildings, turning into microcosms. The houses and blocks are ephemeral, mutating cells. The further they are from the city's core and the more they lie on the external membrane of the vibrant central substance, or even outside of it, the more their existence is subject to change justified by growth or political ideologies. They are built, only to be destroyed and built up again. One urbanistic vision after another pops up and is shattered, each degrading the setting. The cycle starts anew. The cityscape appears unstable.

Yohanne Lamoulère shows this phenomenon through her photographs. She is interested in the latest trends in urban redevelopment of peripheral neighbourhoods and the consequences for their residents. The concepts for these transformations are often highly controversial, as they have not grown out of the neighbourhood itself, but are imported, imposed, inflicted even. When the public space no longer represents a common area defined within a community, the city turns into deception - "Ici ment la ville"!

How do you exist in a dishonest setting? Is it still liveable, appropriate for human beings, knowing that each of them needs to find their place to avoid getting lost in the anonymous crowd?

Every person must claim their individuality during their life. This quest for identity is assisted by a sense of place, finding one's roots and identifying with one's surroundings. This sense of self is an unfinished work, a constant process. A fertile soil is required for its development.

"Breaking the mould. Giving shape."

In her images, Yohanne Lamoulère tells of this individual need: sowing confusion, opposing the lie, disarming predefined norms, swimming against the current. In short: living life to the fullest.

Yohanne Lamoulère (*1980) lives and works in Marseille (France). After growing up on the Comoros Islands, she graduated from the École nationale supérieure de la photographie in Arles in 2004. She's a member of the collective Tendance Floue and her themes include the urban periphery and the insularity within its multifaceted aspects. "Faux Bourgs", a compilation of her work on the city of Marseille, was published in 2018. She is also part of the collective Zirlib with the director Mohamed El Khatib. She is currently working on her first film, "L'œil Noir".

(Text: A. Meyer, Clervaux - cité de l'image)

Clervaux - cité de l'image | Clervaux
15. Oktober 2021 - 14. Oktober 2022

As Usual
Brooke DiDonato

Die fotografischen Bilder von Brooke DiDonato vermitteln künstlerische Subversion auf sanfte und betörende Weise. Die Fotografin zeigt eine scheinbar friedliche und idyllische Welt. Die entspannte Atmosphäre ist geprägt von der Ästhetik der 1950er Jahre. Dabei fühlt sich der Betrachter an den American Dream erinnert. Die Vorstellung des gemütlichen Heims oder des gepflegten und ordentlichen Gartens spiegelt sich in den Motiven wider, und die Kulturlandschaft wird in sorgfältig zusammengestellten Ansichten beleuchtet. Das Farbenspiel schmeichelt dem Auge, das Dekor ist ansprechend, wie in einem Einrichtungskatalog. So stellt sich denn auch auf den ersten Blick ein Gefühl des Vertrauens und der Sicherheit ein. Die Abzüge lassen glauben, dass alles ist, wie es sein sollte - wie immer halt ...

Aber der Kopf erkennt schneller als das Auge: Jedes Bild ist geprägt von etwas Skurrilem, etwas Unausgewogenem, einer verzerrten Inszenierung der Wirklichkeit. In diesem surrealen Kosmos verströmt jede Fotografie ein Gefühl von unmittelbarer Gefahr. Gleichzeitig zeugen die Bilder von einem fesselnden Humor. Diese ach so ruhige Welt, in der das Leben einem gemäßigten und menschenfreundlichen Rhythmus zu folgen scheint, ist reine Täuschung, denn schnell offenbaren die Bilder eine verstörende Dimension - versteckt ... oder vielmehr höchst offensichtlich! Die Lüge liegt auf der Hand, sie beruht auf der fehlenden Logik des Dargestellten, der Zweckentfremdung vertrauter Gegenstände oder dem Ignorieren physikalischer Gesetze, auf manipulierten Gewohnheiten, unvollständigen, ja ungewöhnlichen Figuren und enttäuschten Erwartungen.

Die Bilder von Brooke DiDonato führen ein Eigenleben und entziehen sich jeglicher Norm. Sie bilden zwar gewohnte Formen nach und bedienen sich der gängigen Regeln der Bildkomposition, doch es ist alles nur Illusion. Brüche sind allgegenwärtig und schleusen das Paradoxe ein. Authentisch und nüchtern zeigen die Fotografien völlig unvermittelt, was sie sind: Bilder, Illusionen, nichts als visuelles Storytelling.

Die Fantasie kann vielerlei Gestalt verleihen - sogar die ungewöhnlichste. Und dabei degradiert sie dieses Spiel keineswegs zur Banalität, da sie hier schlichtweg in Perfektion beherrscht wird ...

Brooke DiDonato (*1990) lebt und arbeitet hauptsächlich in New York (USA). Nach dem Studium des Fotojournalismus an der University of Kent entwickelte sie eine persönliche Arbeit, in der sie den durch das Medium der Fotografie induzierten Begriff des Realismus hinterfragt. Indem sie durch „visuelle Anomalien" verzerrte Szenen des alltäglichen Lebens darstellt und sie in ein pastellfarbenes Universum taucht, das an den amerikanischen Traum der Fünfziger erinnert, hebt sie besonders die suggestive Kraft des Geschichtenerzählens durch Bilder hervor. Sie stellt regelmäßig in der ganzen Welt aus - in den Vereinigten Staaten, Kanada, Frankreich, Deutschland und dem Vereinigten Königreich.

Les images photographiques de Brooke DiDonato racontent la subversion artistique d'un ton doux et ensorcelant. La photographe montre un univers apparemment paisible et idyllique. L'atmosphère reposante est marquée par l'esthétique des années 50. Le spectateur se rappelle l'idée du rêve américain. Les concepts du foyer cosy, du jardin bien entretenu et ordonné se reflètent dans les motifs. Le paysage culturel et domestiqué est décrit dans des vues soigneusement composées. Le chromatisme est agréable à l'œil, les décors donnent envie, comme dans un catalogue de décoration. Un sentiment de confiance et de sécurité s'installe au premier regard. Les clichés font croire que tout est comme il devrait l'être - comme d'habitude d'ailleurs.

Mais la tête distingue plus vite que les yeux : chaque image renferme une bizarrerie, elle illustre un déséquilibre, une mise en scène décalée du réel. De cet univers surréaliste, le danger paraît imminent et inhérent à chaque photographie. Simultanément, ces images témoignent d'un humour captivant. Ce monde si tranquille, qui respire la vie à un rythme modéré et bien adapté à l'échelle humaine, n'est que tromperie. Les images révèlent vite une dimension grave, une dimension cachée - ou plutôt très apparente ! Le mensonge est évident, il repose sur l'absence de la logique des événements, le sens détourné des objets familiers, les règles ignorées de la physique, les habitudes manipulées, la présence de silhouettes incomplètes, voire insolites et sur les attentes déchues.

Les images de Brooke DiDonato prennent une vie autonome pour se situer hors normes. Elles reproduisent bien le moule habituel et font usage des codes picturaux en vigueur, mais tout n'est qu'illusion. La rupture est omniprésente et introduit le paradoxe. Plus authentiques qu'enivrantes, les photographies montrent d'une manière directe ce qu'elles sont : des images, des illusions, rien qu'une narration visuelle.

L'imagination peut épouser toutes les formes : même les plus habituelles. Ce jeu ne la dégrade nullement au niveau de la banalité, puisqu'elle est menée ici jusqu'à la perfection.

Brooke DiDonato (*1990) vit et travaille principalement à New-York (États-Unis). Après avoir étudié le photojournalisme à l'université du Kent, elle développe un travail personnel qui questionne la notion de réalisme induite par le médium photographique. En proposant des scènes de la vie quotidienne que des « anomalies visuelles » viennent distordre, en les baignant dans un univers pastel qui évoque l'imaginaire du rêve américain des années 50, la photographe met un point d'honneur à souligner le pouvoir évocateur de la narration par l'image. Elle expose régulièrement partout dans le monde, aux États-Unis, au Canada, en France, en Allemagne et au Royaume-Uni.

Le immagini fotografiche di Brooke DiDonato raccontano la storia della sovversione artistica con un tono dolce e ammaliante. Il fotografo mostra un mondo apparentemente tranquillo e idilliaco. L'atmosfera riposante è segnata dall'estetica degli anni 50. Allo spettatore viene ricordata l'idea del sogno americano. I concetti della casa accogliente, del giardino curato e ordinato si riflettono nei motivi. Il paesaggio culturale e domestico è raffigurato in vedute accuratamente composte. La combinazione di colori è piacevole alla vista, le decorazioni sono accattivanti, come in un catalogo di arredamento. Si crea un sentimento di fiducia e sicurezza al primo sguardo. Le immagini ti fanno pensare che tutto è come dovrebbe essere - come al solito.

Ma la testa si distingue più rapidamente degli occhi: ogni immagine contiene una stranezza, illustra uno squilibrio, una messa in scena spostata della realtà. Da questo mondo surreale, il pericolo sembra imminente e insito in ogni fotografia. Allo stesso tempo, queste immagini testimoniano un umorismo accattivante. Questo mondo pacifico, che respira la vita ad un ritmo moderato e ben adattato alla scala umana, non è che un inganno. Le immagini rivelano rapidamente una dimensione seria, una dimensione nascosta - o piuttosto una molto apparente! L'inganno è evidente, si basa sull'assenza della logica degli eventi, sul significato distorto di oggetti familiari, sulle regole della fisica ignorate, sulle abitudini manipolate, sulla presenza di sagome incomplete, persino insolite, e su aspettative cadute.

Le immagini di Brooke DiDonato assumono una vita autonoma e si collocano al di fuori della norma. Riproducono il solito stampo e fanno uso dei codici pittorici in vigore, ma tutto è un'illusione. La rottura è onnipresente e introduce il paradosso. Più autentiche che inebrianti, le fotografie mostrano in modo diretto ciò che sono: immagini, illusioni, nient'altro che un racconto visivo.

L'immaginazione può assumere qualsiasi forma: anche la più abituale. Questo gioco non lo degrada al livello della banalità, poiché qui è realizzato alla perfezione.

Brooke DiDonato (*1990) vive e lavora principalmente a New York (USA). Dopo aver studiato fotogiornalismo all'Università del Kent, ha sviluppato un corpo di lavoro personale che mette in discussione la nozione di realismo indotta dal mezzo fotografico. Proponendo scene di vita quotidiana distorte da "anomalie visive", immergendole in un universo pastello che evoca il sogno americano immaginario degli anni 50, il fotografo sottolinea il potere evocativo della narrazione per immagini. Espone regolarmente in tutto il mondo, negli Stati Uniti, Canada, Francia, Germania e Regno Unito.

Brooke DiDonato's photographs tell of artistic subversion in a soft, bewitching tone. The photographer shows a seemingly peaceful and idyllic universe, a calming atmosphere dominated by 1950es aesthetics. The viewer can't help being reminded of the American Dream, with the cosy home and well-tended garden reflected in her motifs. The cultural and domesticated landscape is depicted in carefully composed images. The chromatism is pleasing to the eye, the décor enticing, reminiscent of a mail order catalogue, inspiring a feeling of trust and safety. The viewer is left with the feeling that everything is as it should be - "as usual".

But the mind notices a disturbance before the eyes do: each image contains a bizarre element, shows an imbalance, a staging that is slightly off. From this surrealist universe, danger seems inherent in every image. At the same time, it is not devoid of humour. This placid world, where life is measured at a moderate, human scale, is nothing but deception. The photographs quickly unveil a serious, a hidden dimension - or is it very obvious? The lie becomes apparent, resting on the absence of logic in the depicted elements, the meaning of familiar objects twisted, the laws of physics unhinged, habits manipulated, the presence of incomplete or uncanny silhouettes, and ultimately on our unfulfilled expectations.

Brooke DiDonato's images take on a life of their own, outside the norm. They represent a familiar setting and use well-known pictorial codes, but it is just an illusion. The rupture is omnipresent and introduces the paradox. The photographs reveal their true nature in a very direct way: they are only images, illusions, a visual narrative.

Imagination can take any shape - even the most familiar. Played to perfection by DiDonato, this game does not pull the work down to the banal.

Brooke DiDonato (*1990) lives and works mainly in New York (USA). After studying photojournalism at the University of Kent, she developed her personal work questioning the notion of realism induced by the photographic medium. Showing scenes of everyday life distorted by "visual anomalies" and bathing them in a pastel universe that evokes the American dream of the Fifties, she highlights the evocative power of storytelling through images. She regularly exhibits around the world, in the United States, Canada, France, Germany and the United Kingdom.

(Text: A. Meyer, Clervaux - cité de l'image)

Clervaux - cité de l'image | Clervaux
24. September 2021 - 23. September 2022

Nina Röder

„Nina Röders Fotografien bewegen sich stets in einem Dazwischen (...)." Sarah Frost, Berlin, 2016

Die Frage nach dem Wesen des Dargestellten führt Nina Röder dazu, an der äußeren Hülle ihrer Motive zu kratzen. Visuell überträgt sich diese Suche in der Verfremdung des Gezeigten: durch Verschleiern, Verstecken, Überlappen oder durch das Camouflieren der konkreten Form. Auf unterschiedliche Art und Weise werden gewohnte Konturen von Gesichtern und Körpern aufgebrochen und als Einheit aufgelöst, um sie in einen neuen Dialog zu setzen. Das Bekannte - die vertrauten Züge ihrer Mitmenschen, der eigenen Mutter sogar, oder ihrer Umwelt - wird so erweitert und vervollständigt. Durch das Ablehnen der selbstverständlichen Wahrnehmung erlernt das Auge des Betrachters das Sehen neu.

Hier ist eine Variante des künstlerischen Prinzips „Kreation durch Destruktion" zu erkennen. Körper werden vom Wasser umspült und zeichnen sich nur bruchstückhaft von ihrem Untergrund ab. Nina Röder verdeckt Porträts mit gehäkelten, filigranen Deckchen und wechselt so mit einem einfachen Augenzwinkern von der Individualität in die Anonymität. Auf einem anderen Bild ist das Gesicht „entstellt", weil es mit Meeresalgen verhängt wurde. Eine in Stoff gewickelte Gestalt wird zur abstrakten Skulptur. Aber nicht nur formale Normen, sondern auch formelle, d.h. konventionelle, Einheiten werden zerlegt.

Die Differenz zwischen Objekt und Subjekt, zwischen „Ding" und lebendigem Organismus, wirkt aufgehoben.

Bei Nina Röder erscheint der künstlerische Akt, so subversiv er auch sein mag, nicht als brutale Geste. Das Paradox zeigt sich in all seinen feinen Schattierungen: sinnwidrig, unlogisch, verquer, lachhaft, ambivalent. Der Schock, der der Zerstörung der Form vorausgeht, wird durch den der Fotografin eigenen Humor wieder aufgefangen.

Ist alles eins? - Und welche Bedeutung lässt sich daraus schlussfolgern?

Nina Röder (*1983) lebt und arbeitet in Hamburg und Berlin (Deutschland). Sie studierte Medienkunst und Mediengestaltung mit Schwerpunkt Fotografie an der Bauhaus-Universität in Weimar. Seit 2017 ist sie Professorin für Fotografie an der University of Europe for Applied Sciences in Hamburg. Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit absolvierte sie einen Ph.D. im Bereich artistic research. Ihre Fotografien wurden bei internationalen Festivals und Ausstellungen wie dem GoaPhoto Festival in Indien, dem Europäischen Monat der Fotografie in Berlin oder dem Format Festival in Derby gezeigt. Ihr künstlerischer Schwerpunkt liegt auf der Verhandlung verborgener und unbewusster Strukturen oder Mechanismen biografischer Narrative. In ihrer Arbeit kombiniert sie Aspekte der Theater-, Bühnen- und Performancekunst mit Fotografie.

« Les photographies de Nina Röder évoluent toujours dans un entre-deux (...). » Sarah Frost, Berlin, 2016

La question de l'essence de la chose représentée conduit Nina Röder à gratter l'enveloppe extérieure de ses motifs. Visuellement, cette recherche se traduit par une transposition de ce qui est montré : en masquant, en cachant, en superposant ou en camouflant la forme concrète. Les contours habituels de visages et de corps sont brisés de diverses manières et dissous en tant qu'unité afin de les placer dans un nouveau dialogue. Ce qui est connu - les traits familiers de ses semblables, même de sa propre mère, ou de son environnement - est ainsi élargi et complété. En rejetant la perception évidente, l'œil du contemplateur apprend à voir différemment.

L'on peut observer ici une variante du principe artistique de la « création par la destruction ». L'eau enveloppe des corps qui ne se détachent du fonds que par fragments. Nina Röder recouvre des portraits de délicats napperons crochetés, passant de l'individualité à l'anonymat d'un simple clin d'œil. Sur une autre photo, le visage est « défiguré », car il a été recouvert d'algues. Une silhouette enveloppée de tissu devient une sculpture abstraite. Cependant, non seulement les unités formelles, mais aussi les normes officielles, c.-à-d. conventionnelles, sont décomposées.

La différence entre objet et sujet, entre « chose » et organisme vivant, semble annulée.

Dans l'œuvre de Nina Röder, l'acte artistique, aussi subversif soit-il, n'apparaît pas comme un geste brutal. Le paradoxe se manifeste dans toutes ses nuances : absurde, illogique, étrange, ridicule, ambivalent. Le choc qui précède la destruction de la forme est contrebalancé par le sens de l'humour propre à la photographe.

Est-ce que tout ne forme qu'un ? - Et quel sens peut-on en tirer ?

Nina Röder (*1983) vit et travaille à Hambourg et à Berlin (Allemagne). Elle a étudié les arts médiatiques et le design, avec une spécialisation en photographie, à l'université du Bauhaus de Weimar. Depuis 2017, elle est professeur de photographie à l'Université des sciences appliquées de Hambourg. À côté de ses activités artistiques, elle est titulaire d'un doctorat dans le domaine de la recherche artistique. Ses photographies ont été présentées lors d'expositions et de festivals internationaux, tels que le festival GoaPhoto en Inde, le Mois européen de la photographie à Berlin ou le Format Festival à Derby. L'accent artistique consiste à dévoiler des structures ou des mécanismes cachés et inconscients de récits biographiques. Dans son travail, elle combine des aspects du théâtre, de la scène et de la performance artistique avec la photographie.

"Nina Röder's photographs always move in the in-between (...)." Sarah Frost, Berlin, 2016

Nina Röder's quest for the essence of what she depicts leads her to scratch at the surface of her subjects. Visually, this is communicated through distortion: veiling, hiding, overlapping or camouflaging the displayed form. The familiar contours of faces and bodies are variously cracked open and dissolved in order to place them in a new dialogue. The well-known traits of those around her, including her own mother, or her surroundings are expanded and completed. Through rejection of natural perception, the viewer is relearning the act of seeing.

We recognize here a variant of the artistic principle of "creation through destruction". Bodies, immersed in water, only reveal fragments of themselves. Nina Röder covers portraits with delicately crocheted doilies, switching individuality for anonymity in the blink of an eye. Another image shows a face "disfigured" by algae suspended before it. A figure wrapped in fabric is transformed into an abstract sculpture. But Röder deconstructs not only the norms of the form, but also of formality, of conventional expectations.

The difference between the object and the subject, between a "thing" and a living organism, seems abolished.

But this artistic act, in all its subversion, is not a brutal gesture. The paradox is shown in all its subtle facets: nonsensical, illogical, askew, risible, ambivalent. The shock preceding the destruction of the form is softened by the humour inherent in the photograph.

Is everything one? - And what is the meaning we can draw from this?

Nina Röder (*1983) lives and works in Hamburg and Berlin (Germany). She studied Media Art and Design with a focus on photography at Bauhaus University in Weimar. She has been a Professor of photography at the University of Europe for Applied Sciences Hamburg since 2017. Along with her artistic activities, she holds a Ph.D. in the field of artistic research. Her photographs have been shown at international festivals and exhibitions, such as the GoaPhoto Festival in India, the European Month of Photography in Berlin or the Format Festival in Derby. Her artistic focus lies on exposing hidden and unconscious structures or mechanisms of biographical narratives. In her work, she combines aspects of theatre, stage and performance with photography.

(Text: A. Meyer, Clervaux - cité de l'image)

Casino Luxembourg
3. April - 6. Juni 2021

Die Ausstellung findet im Rahmen des Mois européen de la photographie statt.

Silver Memories
Daphné Le Sergent

Wenn wir an das Ende der Silbererzvorkommen denken und uns einen Fotoabzug anschauen, erblicken wir dann vielleicht unsere eigene Endlichkeit? 

Daphné Le Sergent 

Im Rahmen des 8. Europäischen Monats der Fotografie, der in diesem Jahr unter dem Motto "Rethinking Nature / Rethinking Landscape" steht, präsentiert Daphné Le Sergent (*1975), eine französische Künstlerin koreanischer Herkunft, ihre Landschaftsserie Silver Memories, die Fotografie, Zeichnung und Video miteinander kombiniert.  

Ausgehend von der Hypothese, dass die Silbererzvorkommen bald erschöpft sein werden, konstruiert Daphné Sergent eine hybride künstlerische Erzählung, in der das fotografische Verfahren der Silbergelatine-Prints im Zentrum künstlerischer, ökonomischer und ökologischer Fragen steht. Ihr multimediales Werk – bestehend aus einer Videoprojektion sowie einer eigens für die Räumlichkeiten des Casino Luxembourg geschaffenen Installation aus Fotografien und Zeichnungen auf Foto – veranschaulicht auf einfühlsame Weise die Produktionskette in der Analogfotografie, angefangen von der Silbergewinnung bis zu schwankenden Börsenkursen.  

In ihren Zeichnungen auf Foto scheint der Bleistift die Stelle des Silbers einzunehmen und die skripturale Spur über das fotografische Register zu herrschen. Das Spiel mit den Maßstäben, das an die Überlegungen Walter Benjamins über das Verhältnis zwischen Nähe und Ferne, zwischen auratischer Projektion in den Tiefen des Materials und parodistischer Reflexion auf den Oberflächen anknüpft, ist zugleich eine Anspielung auf die Bildästhetik des späten 19. Jahrhunderts. 

Daphné Le Sergent (*1975 Südkorea; lebt und arbeitet in Frankreich) betreibt sowohl künstlerische als auch theoretische Forschung zu Vorstellungen von Schize (Spaltung) und Grenze. Durch verschiedene Anordnungen (Foto- oder Video-Polyptychen) oder das Erzeugen einer Spannung zwischen verschiedenen Bildzonen (Zeichnung auf Foto) erzeugt sie in ihrer Arbeit eine Dissoziation in der unmittelbaren visuellen Wahrnehmung, um eine Spaltung, einen Bruch im intimen Blickraum zu vergegenwärtigen.

Envisager la fin du minerai d’argent et poser son regard sur une photo argentique, cela pourrait-il être un regard porté sur sa propre finitude ? Daphné Le Sergent 

Dans le cadre de la 8e édition du Mois européen de la photographie, placée cette année sous le thème « Rethinking Nature / Rethinking Landscape », Daphné Le Sergent (*1975), artiste française d’origine coréenne, présente Silver Memories, un ensemble de paysages combinant photographie, dessin et vidéo.

En posant l’hypothèse que le minerai d’argent est en train de se raréfier, elle construit un narratif artistique hybride où la photographie argentique est au centre du questionnement des enjeux artistiques, économiques et écologiques. Sa proposition multimédia – une projection vidéo, d’une part, et une installation composée de photographies et de photographies-dessins créées spécialement pour l’espace du Casino Luxembourg, de l’autre – montre de façon sensible la chaîne de production de la photographie argentique, de l’extraction minière aux fluctuations boursières.  

Dans ses dessins sur photographie, la mine de plomb semble se substituer à l’argentique et la trace scripturale dominer l’index photographique. Le jeu de l’échelle – le rapport du proche et du lointain benjaminien, entre projection auratique dans les profondeurs de la matière et réflexion parodique émergeant des surfaces – est aussi un clin d’œil à l’esthétique pictorialiste de la fin du 19e siècle. 

Daphné Le Sergent (née en 1975 en Corée du Sud ; vit et travaille en France) mène des recherches à la fois artistiques et théoriques autour des notions de schize et de frontières. C’est au travers de divers agencements (polyptiques photo ou vidéo) ou de la mise en tension de différentes zones dans l’image (photographie-dessin) que son travail crée une dissociation dans la perception directe des visuels pour rendre compte de la présence d’une scission, d’une fêlure dans l’espace intime du regard. 

When contemplating the end of silver ore and looking at a silver halide photograph, are we possibly observing our own finitude? Daphné Le Sergent   

As part of the 8th edition of the European Month of Photography, titled "Rethinking Nature / Rethinking Landscape", the Korean-born French artist Daphné Le Sergent (b. 1975) presents Silver Memories, a series of landscape representations combining photography, drawing and video. 

Based on the assessment that silver ore is becoming increasingly rare, Le Sergent constructs a hybrid artistic narrative where analogue photography plays a pivotal role in investigating topical artistic, economic and ecological issues. Consisting of a video projection and an installation of photographs and photo-drawings created specifically for the exhibition space at Casino Luxembourg, her sensitive multimedia work charts the production of silver halide film from mining to stock market variations.  

In her pencil drawings on photographs, the graphite appears to take the place of the silver, and the written trace dominates the photographic index. Her play with scale, which draws on Walter Benjamin’s observations on the relationship between near and far, between the auratic projection in the depths of the matter and the parodic reflection emerging from its surface, also nods to the late nineteenth-century pictorialist aesthetic.  

Daphné Le Sergent (b. 1975 in South Korea, lives and works in France) conducts artistic and theoretical research around the concepts of schism and border. By means of varying arrangements (photo or video polyptychs) and confrontations of different image areas (photo-drawings), she creates a dissociation in the direct perception of the image that evidences the gaps or cracks in the intimate sphere of the gaze.  

(Text: Casino Luxembourg)

Schlassgaart, château de Clervaux
26. März 2021 - 25. März 2022

Sky & Forest
Santeri Tuori

Der finnische Fotograf Santeri Tuori richtet seinen Blick auf die Landschaften der Insel Kökar, einem Teil des Åland-Archipels. Sein Werk ist bekannt durch das Interesse an den Eigenschaften der Natur und ihrem Wandel.

Seine Bilderreihe „Forest" basiert auf der jahrelangen Beobachtung (2011-2019) gleicher Motive und Plätze und deren wiederholter Darstellung. Die Überlagerung und das Übereinanderlegen von einzelnen Negativen führt hierbei zu neuen Bildern. Sie veranschaulichen natürliche Metamorphosen und machen den Wandel spürbar. Das Ineinandergreifen der Äste der Bäume, das Drunter und Drüber der Zweige, die Verästelung von Linien und das Wirrwarr von Krümmungen und Windungen verdichtet sich durch das Spiel von Licht und Schatten. Dieses bildhafte Gewebe ähnelt einem organischen Geflecht aus Nervenbahnen, einem Netz aus feinen Adern und pulsierenden Venen. Diese Bilder sind lebendig. Ihr malerischer Charakter wächst über die visuellen Eigenschaften der Fotografie hinaus. Die Macht des „entscheidenden Moments" wird außer Kraft gesetzt. Der Augenblick ist nur Teil eines Ganzen, in Summe entsteht ein neues Gesamtkunstwerk mit ungewöhnlicher Tiefe.

Die Bemühung, das künstlerische Schaffen als einen Prozess zu definieren und den Faktor Zeit bewusst in den Vordergrund zu heben, zeigt sich auch in seiner Arbeit „Sky". Betrachtet man den Himmel als Projektionsfläche für eine unendliche Vielfalt an Wolkenformationen, so erklärt sich ihre Bewegung und Veränderung nur durch das Phänomen der Zeit. Santeri Tuoris Fotografien wirken wie Bilder aus einer Parallelwelt, einem Universum, das dem Gesetz der Zeit unterliegt, sich jedoch außerhalb menschlicher Paradigmen bewegt und existiert. „Sky" ist eine Offenbarung für die Sinne mit großem Spielraum für Vorstellungskraft und zugleich eine fotografische Arbeit mit philosophischen Zügen.

Le photographe finlandais Santeri Tuori porte son regard sur les paysages de l'île de Kökar, qui fait partie de l'archipel d'Åland.
Son oeuvre est connue en raison de l'intérêt porté aux propriétés de la nature et à ses changements.

Sa série d'images « Forest » est basée sur des années d'observation de motifs et d'endroits identiques (2011-2019) et sur la représentation répétée de ceux-ci. La surimpression et la superposition de négatifs individuels donnent naissance à de nouvelles images. Elles illustrent les métamorphoses naturelles et rendent le changement tangible. Les branches des arbres qui s'entremêlent, les sens dessus dessous des rameaux, les lignes qui se ramifient et le mélange confus de courbes et de méandres sont accentués par un jeu d'ombres et de lumières. Cet enchevêtrement pictural ressemble à un maillage organique de voies nerveuses, un réseau de fines artères et de veines qui vibrent. Ces images sont vivantes. Leur caractère pictural dépasse les qualités visuelles de la photographie. Le pouvoir du « moment décisif » est annulé. Le moment n'est qu'une partie d'un tout, en somme, une nouvelle oeuvre d'art complète d'une profondeur inhabituelle est créée.

L'effort pour définir la création artistique comme un processus et pour mettre consciemment en avant le facteur temps se reflète également dans son travail « Sky ». Si l'on considère le ciel comme une surface de projection pour une variété infinie de formations nuageuses, leurs mouvements et leurs changements ne peuvent s'expliquer que par le phénomène du temps.
Les photographies de Santeri Tuori font l'effet d'images d'un monde parallèle, d'un univers soumis à la loi du temps mais qui se meut et qui existe en dehors des paradigmes humains. « Sky » est une révélation pour les sens laissant beaucoup d'espace à l'imagination, et en même temps c'est une oeuvre photographique avec des caractéristiques philosophiques.

The Finnish photographer Santeri Tuori points his camera at the landscapes of Kökar, an island of the Åland Archipelago.

His work is known for his interest in the attributes of nature and their change through time.

His series of images titled "Forest" is based on the repeated representation of the same motives and locations spanning many years (2011-2019). By overlaying and combining individual negatives, he creates new images which perfectly illustrate the natural metamorphoses over time. The intertwining branches, overlapping twigs, the bifurcating lines and the tangled bends and curves are condensed through the interplay of light and shadow. This graphical web evokes an organic network of nerve paths, of delicate, pulsating veins. The images seem to be alive. Their pictorial quality goes beyond simple photographic representation. The idea of the "crucial moment" loses its power. Each moment is only part of the whole; only in aggregate do they create a new, complete artwork of extraordinary depth.

The definition of artistic creation as a process and the emphasis of the time factor can also be found in his work "Sky". Where the sky merely serves as a canvas for an endless variety of cloud formations, their movement and transformation can only be explained through the phenomenon of time.

Santeri Tuori's photographs seem like pictures from a parallel world, a universe which underlies the law of time while moving and existing outside of human paradigms. "Sky" serves as a revelation for the senses leaving much to the imagination, and at the same time a photographic work bearing philosophical traits.

(Text: A. Meyer / Clervaux - cité de l'image)

Jardins du Bra’Haus II, montée du château | Clervaux
23. Oktober 2020 - 22. Oktober 2021

Mammoth Hunters
Evgenia Arbugaeva

Die russische Republik Sacha, oder auch Jakutien, im nordöstlichen Sibirien ist Schauplatz einer Geschichte, die aus der Feder eines Jules Vernes stammen könnte.

Bedingt durch die Erderwärmung schmilzt der Permafrostboden. Was geologisch und klimatisch zu neuen Problemen führen kann, ist für jeden Historiker und Biologen wie ein offenes Fenster in die Vergangenheit. Der Boden gibt wieder frei, was er seit 4000 Jahren verschlossen hielt: die Überreste des Wollhaarmammuts.

Die Bewohner der Region um die Neusibirischen Inseln haben sich einer ungewöhnlichen Einnahmequelle zugewandt: Sie werden als Mammutjäger bezeichnet. Wie einst während des 19. Jahrhunderts die Goldsucher in Nordamerika, werden die Jäger bei ihren Ausgrabungen auf eine harte Probe gestellt. Auf den Inseln für mehrere Monate isoliert, sind sie extremen Bedingungen ausgesetzt.

Der Rausch der Mammutzähne ist hauptsächlich in China sehr verbreitet. Das Material wird hier kunstvoll verarbeitet und erzielt unerschwingliche Preise auf dem Markt.

Evgenia Arbugaeva hat eine Gruppe von Mammutjägern begleitet. Bis zu 18 Stunden am Tag durchforsten sie die eisige Tundra Sibiriens. Das Sichern eines Stoßzahnes kann bis zu 24 Stunden ununterbrochenen Grabens bedeuten. Die Fotografien zeigen Szenen mit surrealem Charakter. Wenn Vergangenheit und Gegenwart sich begegnen, entsteht eine gewisse Dramatik. Doch der Stoff, aus dem die Träume sind, hat seine Schattenseiten. Die Jagd fordert ihren Tribut, trennt Väter von ihren Familien, hinterlässt physische Narben und bringt die Beteiligten an ihre seelischen Grenzen. Die Spuren der Geschichte rechnen sich als Material in neuen Währungen. So sichern sie Existenzen und liefern Antworten auf wissenschaftliche Fragen. Das fossile Elfenbein gewinnt durch kunsthandwerkliches Geschick neuen Glanz. Doch die Wiederauferstehung der wollhaarigen Vorfahren wird die Gier nach den Zähnen der lebenden Artgenossen leider nicht drosseln können.

La République russe de Sakha, ou Yakoutie, située dans le nord-est de la Sibérie, est le théâtre d'une histoire qui n'a rien à envier à la plume d'un Jules Verne.

Le pergélisol fond en raison du réchauffement climatique. Ce qui peut causer de nouveaux problèmes géologiques et climatiques est comme une fenêtre ouverte sur le passé pour tout historien et pour tout biologiste. Le sol libère ce qu'il recouvre depuis 4 000 ans : des restes de mammouth laineux.

La population de la région des îles de Nouvelle-Sibérie s'est tournée vers une source de revenus inhabituelle : Les gens sont appelés chasseurs de mammouths. Tout comme les chercheurs d'or en Amérique du Nord au 19e siècle, les chasseurs sont mis à rude épreuve lors de leurs fouilles. Isolés sur les îles pendant plusieurs mois, ils sont exposés à des conditions extrêmes.

La ruée vers les défenses des mammouths est particulièrement répandue en Chine. Le matériel y est travaillé avec art pour atteindre des prix exorbitants sur le marché.

Evgenia Arbugaeva a accompagné des chasseurs de mammouths. Ils parcourent la toundra glacée de Sibérie jusqu'à 18 heures par jour. Se saisir d'une défense peut prendre jusqu'à 24 heures d'excavations sans interruption. Les photographies montrent des scènes à caractère surréaliste. Une certaine intensité dramatique se crée lorsque le passé et le présent se croisent. Mais la matière dont sont faits les rêves jette une ombre au tableau. Le tribut payé à la chasse est lourd. La chasse sépare des pères de leurs familles, laisse des cicatrices physiques et pousse les personnes impliquées à leurs limites psychiques. Les traces de l'histoire sont rentables en tant que matériel dans de nouvelles monnaies. Ainsi, elles assurent des existences et apportent des réponses à des questions scientifiques. L'ivoire fossile gagne une nouvelle splendeur grâce à l'artisanat. Mais la résurrection de cet ancêtre laineux ne pourra malheureusement pas apaiser la convoitise pour les défenses de ses congénères vivants.

The Russian Republic of Sakha in north-eastern Siberia, also known as Yakutia, is the setting to a story worthy of Jules Verne.

Due to global warming, the permafrost in the region is melting - a phenomenon with yet unknown geological and climactic consequences for the planet, but a fascinating window into the past for historians and biologists. The soil is releasing what it has been preserving for 4000 years: the remains of the woolly mammoth.

This has turned some of the population around the New Siberian Islands to a strange new source of income: they have become mammoth hunters. Like the American gold prospectors in the19th century, the hunters are facing tough conditions on their digs. They often spend months isolated on the islands. The rush on mammoth teeth is particularly popular in China. The material is processed skilfully and sold at exorbitant prices.

Evgenia Arbugaeva accompanied a group of mammoth hunters, trawling the icy Siberian tundra for up to 18 hours a day. Securing a tusk can take 24 hours of uninterrupted digging. The resulting photographs show surreal scenes: inevitably, the meeting of past and present carries a certain drama. But the stuff dreams are made of comes at a cost. The hunt demands severe sacrifices, separates families, leaves physical scars and pushes everyone involved to their limits. These traces of history are converted into new, material currencies. They secure livelihoods and give answers to scientific questions. Artisanal skills lend new shine to the ivory fossils. But sadly, the resurrection of their woolly ancestors offers no respite to living elephants: the demand for their tusks continues uninterrupted.

(Text: A. Meyer / Clervaux - cité de l'image)

Echappée Belle, place du marché | Clervaxu
25. September 2020 - 24. September 2021

Arctic Zero
Paolo Verzone

Spitzbergen ist ein Archipel im Arktischen Ozean. Sein Territorium ist mit Norwegen verbunden, aber als entmilitarisierte Zone definiert, nimmt es einen neutralen Status ein. In der norwegischen Sprache bezeichnet der Name „Svalbard" eine „kühle Küste". Diese Beschreibung darf wörtlich genommen werden, da die Durchschnittstemperatur bei -6 ° C liegt.

Nicht jede Geschichte nimmt ihren Ursprung in den tausend Wurzeln des Orients. Einige kommen aus nördlichen Gebieten, und ihre Intensität und Spannung können mit den berühmten orientalischen Erzählungen mithalten.

Der nördlich gelegene Archipel hat das Potenzial einer jeden Fantasy-Geschichte: Sein Boden ist Lebensraum für eine überraschende Artenvielfalt. Seine Landschaften sind reich an der Oberfläche wie unter Tage. Doch dieses augenscheinliche Privileg ist relativ, da es häufig mit dem Konzept spezifischer und partieller Interessen bzw. einer aus menschlicher oder gar wirtschaftlicher Sicht definierten Rentabilität assoziiert wird.

Die Geschichte hat gerade erst begonnen. Wir erinnern uns an die Polarexpeditionen zu Beginn des letzten Jahrhunderts mit Legenden wie Amundsen.
Ny-Ålesund, Svalbards bevölkerungsreichste Siedlung, machte sich im Bergbau einen Namen.

Heute ist Spitzbergen ein Aktionsfeld für ein Dutzend verschiedener Nationen, die in der wissenschaftlichen Forschung mitmischen. Motivation und Ziele gehen in alle vier Himmelsrichtungen, das Gebiet ist geprägt von Gegensätzen und Kontrasten. Zwischen einem Naturschutzgebiet mit eingeschränktem Zugang und einem Startbereich für wissenschaftliche Wetterballons ist dieser Archipel eng mit unserer Zeit verwoben und unterliegt dem Rhythmus der Gegenwart.

Das nächste Kapitel dieser noch unvollendeten Geschichte wird erwartet.

Le Svalbard est un archipel de l'Arctique. Son territoire est rattaché à la Norvège, mais, étant déclaré zone démilitarisée, il occupe un statut neutre.

Dans la langue norvégienne, le nom « Svalbard » désigne un « littoral frais », une description qu'on peut prendre à la lettre, car la température moyenne est de -6° C.

Toutes les histoires n'ont pas leur origine dans les milles racines de l'orient. Certaines viennent des régions du nord, et leur intensité et degré de suspens peuvent rivaliser avec les célèbres contes orientaux.  

L'archipel nordique a le potentiel de toutes les narrations fantastiques ; son sol est peuplé d'une diversité des espèces étonnante. Ses paysages sont riches en surface et sous terre. C'est un fait dont il convient de relativiser le côté positif, car il est souvent associé à la notion d'intérêts spécifiques et partiels, voire à la rentabilité définie selon un point de vue humain, respectivement à la perspective économique.

L'histoire ne fait que commencer. L'on se rappelle les expéditions polaires du début du siècle dernier impliquant des légendes comme Amundsen.
Ny-Ålesund, une agglomération dense de Svalbard, a fait sa renommée dans l'industrie minière.

Aujourd'hui, le Svalbard est un terrain d'action pour une dizaine de nations différentes se profilant dans la recherche scientifique. La motivation et les buts partent dans toutes les directions, la zone est caractérisée par les oppositions et les contrastes. Entre réserve naturelle à accès réduit et zone de lancement de ballon-sonde scientifiques, cet archipel est fortement lié à notre époque et soumis au rythme du présent.

En attendant le prochain chapitre de cette histoire inachevée.

Svalbard is an archipelago in the Arctic Ocean. Its territory is tied to Norway, but as a demilitarised zone it has a neutral status. The name "Svalbard" in Norwegian denotes a "cool coast", which seems somewhat of an understatement, as the average temperature lies around -6 ° C.

Not every story has its origin in the thousand roots of the Orient. Some come to us from the northern reaches; their intensity and tension can easily keep up with their famous cousins from the East.

This northern archipelago offers the potential of every fantastical story, its soil inhabited by a surprising diversity of species. Its landscapes are rich on the surface as well as underground - a mixed blessing for sure, as they were too often considered with specific interests in mind, purely in terms of their profitability from a human or economic standpoint.

But the story of this place has just begun. We recall the polar expeditions from the early 20th century with legends such as Roald Amundsen. Ny-Ålesund, the most populous locality on Svalbard, has left its mark in the mining world.

These days, Svalbard is a playing field for around a dozen different nations seeking to stake their claim in scientific research. Their goals and motivations go off in all four cardinal directions; the area is marked by contrasts and opposition. From natural reserve with limited access to take-off area for scientific weather ballons, the archipelago is tightly bound to our specific epoch and subject to the rhythms of our time.

The next chapter of this story remains to be written.

(Text: A. Meyer / Clervaux - cité de l'image)

Arcades I, grand-rue | Clervaux
25. September 2020 - 24. September 2021

État Des Lieux, États D’un Lieu; Clervaux
Christian Aschman

Clerf liegt im Norden von Luxemburg. Der Name steht zugleich für eine Ortschaft und eine Gemeinde. Rein flächenmäßig betrachtet ist Clerf ungefähr die zweitgrößte Kommune des Landes. Bevölkerungstechnisch ist sie jedoch nicht so dicht besiedelt wie andere Gemeinden im Süden beispielsweise. Dies erklärt sich durch ihre geografische Lage: Sie befindet sich inmitten des ländlichen Raumes.

Der ländliche Raum wird heute oft unterschätzt und damit auf einfache, landwirtschaftliche Stereotypen reduziert. Allerdings ist das rurale Gebiet in Luxemburg Teil einer politischen Strategie, die auf nationaler Ebene gefördert wird. Vom nachhaltigen Ansatz betroffen sind sämtliche Bereiche des sozialen Lebens. Der Fokus liegt auf Lebensqualität, Kultur, Tourismus, Agrarwirtschaft, Industrie, Denkmalschutz ...

Im ländlichen Raum kreuzen sich Merkmale unterschiedlichster Epochen. Tradition und Fortschritt greifen ineinander. Zeichen von Geschichte und Vergangenheit überlagern sich und bleiben sichtbare Zeitzeugen. Der Wandel von Kulturlandschaft ist spürbar, wie in den urbanen Zentren auch. Vielleicht mit dem Unterschied, dass nicht alles Alte Neuem weichen muss? Christian Aschman hat über ein Jahr diesen Wandel beobachtet. Seine Bilder zeigen verschachtelte Kompositionen städteplanerischer Aktivität. Starke Kontraste, harmonisches Ineinandergreifen, gewagtes Ergänzen, funktionale Konstrukte und pastorale Konstruktionen. Christian Aschman zeichnet das Gesicht einer Gemeinschaft, ganz ohne die Präsenz menschlicher Figuren. Und dennoch sehr individuell und voller Charakter. Der Norden.

Clervaux se situe au nord du Luxembourg. Le nom désigne à la fois une localité et une commune. En termes de superficie, Clervaux doit être la commune possédant la deuxième plus grande étendue du pays. En termes de population, cependant, elle n'est pas aussi densément peuplée que d'autres communes du sud par exemple. Cela s'explique par sa situation géographique : elle se trouve en milieu rural.

Aujourd'hui, les zones rurales sont souvent sous-estimées et donc réduites à de simples stéréotypes agricoles. Cependant, la région rurale au Luxembourg fait partie d'une stratégie politique soutenue au niveau national. Tous les domaines de la vie sociale sont visés dans cette perspective de développement durable. L'accent est mis sur la qualité de vie, la culture, le tourisme, l'agriculture, l'industrie, la protection du patrimoine ...

Ici, les caractéristiques des époques les plus diverses se côtoient. Tradition et progrès se chevauchent. Les signes de l'histoire et du passé se superposent et restent des témoins visibles. L'évolution du paysage culturel est palpable, comme dans les centres urbains. Peut-être avec la différence que tout ce qui est ancien ne doit pas céder la place à tout ce qui est nouveau ?

Christian Aschman a observé ce changement durant plus d'un an. Ses images montrent des compositions imbriquées de l'activité urbanistique. Contrastes forts, imbrications harmonieuses, ajouts audacieux, constructions fonctionnelles et pastorales. Christian Aschman dessine une communauté dépourvue de figures humaines.

Et pourtant, très individuelle et pleine de caractère. Le nord.

Clervaux is in the north of Luxembourg. The name designates both a town and a municipality. In terms of area, Clervaux is about the second largest municipality in the country. By population numbers, however, it is far less dense than other municipalities further south. This is explained by its very rural geographic situation.

Nowadays, rural areas tend to be underestimated and reduced to simple, agricultural stereotypes. But the rural regions of Luxembourg are part of a political strategy promoted at the national level, with a focus on quality of life, culture, tourism, agriculture, industry and heritage preservation...

Here you can find features from the most diverse eras side by side. Tradition and progress overlap. Layers of history remain as visible witnesses of the past. The evolution of the cultural landscape is just as evident as in the urban centres. Perhaps with the difference that the old does not always have to make way for the new?

Christian Aschman has observed these changes over a year. His images show nested compositions of urbanist activity. Strong contrasts, harmonious coexistence, audacious additions, functional templates and pastoral constructions. Christian Aschman draws the picture of a community, without ever showing a human figure.

And yet, highly individual and full of character. The North.

(Text: A. Meyer / Clervaux - cité de l'image)

Arcades II, montée de l'église | Clervaux
16. September 2020 - 15. September 2021

Zeeland
Jeroen Hofman

Aus luxemburgischer Sicht ist der Norden - sofern er denn nicht bereits innerhalb seiner eigenen Landesgrenzen beginnt - nur 3 Autostunden von zu Hause entfernt.

„Zeeland" ist ein beliebtes Reiseziel für Touristen im Allgemeinen. Unterschiedliche Nationalitäten treffen sich am Rande der Nordsee. Diese Küste weist immer noch starke, sogenannte natürliche Spuren inmitten einer Kulturlandschaft auf. Gemeint ist, dass das Land von zwei Kräften geformt wurde, der Natur und dem Menschen.

Es handelt sich hier um eine facettenreiche Landschaft: rau, roh, fein, leer und scheinbar endlos. Die von Jeroen Hofman visuell beschriebene Region stellt eine Brücke zwischen der Vergangenheit und der Gegenwart dar. Ihre Geschichte spiegelt sich in den Wellen wider, die sich im Sand ihrer weiten Strände brechen. Die typisch flachen Landstreifen, die sich zum Horizont hin öffnen, sind Teil der charakteristischen Kulisse und Rahmen für ein unvergleichliches Licht. Eigen ist dieses Licht, welches bereits von den niederländischen Malern des 17. Jahrhunderts auf wunderbare Weise vermittelt wurde.

Das gegenwärtige Gesicht derselben Landschaft ist geprägt von den findigen Lösungen kreativer und motivierter Zeitgenossen, die den Jahreszeiten und Gezeiten die Stirn bieten, um dem Boden eine Entschädigung für das abzutrotzen, was das Meer sich seit jeher aneignet und weiterhin einfordert.

Die Konfrontation jener gegnerischen Kräfte beeinträchtigt kaum die optische Harmonie des Panoramas. Alle Spannungen und Divergenzen scheinen unter freiem Himmel durch das farbenfrohe Schauspiel der grau-blauen Wolkenformationen zu verblassen. Nicht jedoch die Erinnerung an diese Landschaft, welche überdauert und nachhaltig beeindruckt, verbunden mit einer leicht salzigen Würze, die der Wind herüberweht - aus Richtung NORD.

Dans la perspective luxembourgeoise, le Nord - à moins qu'il ne commence déjà à l'intérieur de ses propres frontières - n'est qu'à trois heures de route de la maison.

« Zeeland », la Zélande, est une destination populaire pour les touristes en général. Diverses nationalités se rencontrent au bord de la mer du Nord. Ce littoral conserve encore de fortes traces, dites naturelles, au milieu d'un paysage culturel, dans le sens que le terrain a été sculpté par deux intervenants, la nature et l'homme.

C'est un paysage à multiples facettes : rude, brut, fin, vide et apparemment infini. Cette région décrite visuellement par Jeroen Hofman représente un pont entre le passé et le présent. Son histoire se reflète dans les vagues qui se brisent sur le sable de ses plages étendues. Ces bandes de terres plates qui s'ouvrent sur l'horizon font partie du décor et posent le cadre caractéristique à la lumière du nord. Une lumière incomparable qui avait déjà parfaitement  été transmise par les peintres néerlandais du 17e siècle. Le paysage actuel est marqué par les solutions ingénieuses d'hommes contemporains créatifs et motivés qui défient les saisons et les marées afin de réclamer au sol une compensation pour ce que la mer s'est toujours approprié et continue d'exiger, lentement, effectivement.

La confrontation de ces forces opposées ne nuit guère à l'harmonie optique du panorama. À ciel ouvert, toutes les tensions et les divergences semblent s'estomper dans le spectacle coloré des nuages gris et bleus. Mais pas le souvenir, qui survit et impressionne rétrospectivement,  combiné à un gout légèrement salé,  provenant du vent du NORD.

From the Luxembourgish vantage point, "the North" - provided it doesn't begin within its own borders - is only three hours away by car.

"Zeeland" is a popular holiday destination in general. People from various nationalities gather here, at the edge of the North Sea. The coastline still shows so-called natural traces within the cultural landscape, meaning that this land was shaped by two forces, nature and humankind.

This is a multifaceted landscape: harsh, raw, fine, empty, and seemingly endless. This region, which Jeroen Hofman visually describes, represents a bridge between the past and the current era. Its history is reflected in the waves breaking on the sand of its vast beaches. The flat strips of open land reaching all the way to the horizon set a very particular scene for the northern light. A characteristic light depicted perfectly by the 17th century Dutch painters. The current face of the same landscape is marked by ingenious solutions of creative and motivated individuals defying the seasons and the tides to demand compensation from the soil for what the sea has always and continues to reclaim.

The constant confrontation of these opposing forces is barely visible in the visual harmony of the panoramas. All tension and divergences seem to fade under the colourful spectacle of grey clouds and wide blue skies. But a strong impression remains, a light saltiness of the tongue, caused by the wind coming from the NORTH.

(Text: A. Meyer / Clervaux - cité de l'image)

Schlassgaart, Montée du Château | Clervaux
27. Juli 2020 - 26. März 2021

1 h
Hans-Christian Schink

1h - Eine Stunde beschreibt den zeitlich ausgerichteten Blick von Hans-Christian Schink auf die Sonne und dessen bildliche Übertragung durch das Medium der Fotografie. Es handelt sich dabei um Überbelichtungen, sogenannte Solarisationen, die nur durch das analoge Verfahren möglich sind.

Die Titel der einzelnen Bilder geben Aufschluss über die Entstehung der Werke: Datum, Zeit sowie Längen- und Breitengrad.

Die Sonne wird selten als physisches Element betrachtet. Als Gestirn bleibt sie vom Bewusstsein größtenteils unbeachtet. Die optische Wahrnehmung des Menschen erfasst Helligkeitsgrade und orientiert sich an Kontrasten.

Hans-Christian Schink vereint all dies in seinen fotografischen Überlegungen. Seine Darstellungen zeigen eine fiktive, widersprüchliche Situation: Die abgebildete Landschaft wirkt statisch, der Himmelskörper vermittelt Bewegung. Die Verfremdung physikalischer Phänomene nimmt surreale Züge an, da eingebettet in eine menschenleere Kulisse.

Die Arbeit besticht weiter durch Paradoxien: Als zeitgenössisches Dokument führt sie den Betrachter zurück zum analogen Prinzip der Fotografie. Die Reduzierung auf einen Hell-Dunkel-Kontrast erinnert an die Vergangenheit und die Anfänge der Fotografie. Zeitgleich lassen sich assoziativ Verbindungen zur filmischen Kulturgeschichte erkennen. Die Sonne ist von ihrer ursprünglichen Form losgelöst und wird als stangenartiges Gebilde zum fliegenden Objekt. Als schwebender Leuchtstab, ähnlich einer Leuchtstoffröhre, hängt sie bedrohlich über der Landschaft und öffnet damit ein Fenster zum Genre der Science-Fiction.

1h - Une heure décrit le regard temporel de Hans-Christian Schink sur le soleil et sa transmission picturale à travers la photographie. Il s’agit de surexpositions, appelées solarisations, qui ne sont possibles que par le principe analogique de la photographie.

Le titre des images individuelles fournit des informations sur l'origine des œuvres : date, heure, ainsi que longitude et latitude.

Le soleil est rarement considéré comme un objet physique. Son origine en tant qu'étoile n’est pas prise en compte par la conscience. La perception visuelle humaine enregistre les degrés de luminosité et s’adapte aux contrastes.

Hans-Christian Schink combine tout cela dans ses considérations photographiques. Ses représentations montrent un phénomène effectif qui évoque une situation fictive et contradictoire : le paysage représenté semble statique, le corps céleste paraît en mouvement. Les images prennent des traits surréalistes, car elles sont ancrées dans un décor désert, vidé de toute présence humaine.

L'œuvre continue d'impressionner par ses paradoxes : en tant que document contemporain, elle ramène le spectateur au principe analogique de la photographie. La réduction à un contraste clair-obscur rappelle son histoire et les débuts du médium. En même temps, des liens associatifs avec la tradition cinématographique surgissent. Le soleil est détaché de sa forme originaire et devient objet volant à l’apparence d’une tige. En tant que bâton lumineux, semblable à un tube fluorescent, il plane de manière menaçante au-dessus du paysage. La scène dévie les pensées vers le genre de la science-fiction.

1h – One hour is the duration of Hans-Christian Schink’s gaze towards the sun, and the name of its pictorial representation through photography. He uses overexposures, called solarisations, which are only possible through analogue methods.

The individual image titles give the coordinates of each work’s creation: date, time, latitude and longitude. The sun is rarely considered as a physical element. Its constant presence as a star is largely ignored by our consciousness. Human optical perception registers degrees of brightness and uses contrasts for orientation.

Hans-Christian Schink unites all of this in his photographic reflections. His representations show a contradictory situation: the depicted landscape appears static while the sun conveys movement. By distorting the physical phenomena, the images take on surreal traits, embedded in a setting devoid of human life.

The work has further paradoxes to offer: despite being a contemporary document, it takes the viewer back to the analogue principles of photography. The reduction to a pure contrast of light vs. dark recalls the long-ago beginnings of photography. But there are also parallels with the tradition of film. The sun has been separated from its original form and becomes almost unidentifiable as a rod-like, flying object. Reminiscent of a fluorescent tube, it hovers menacingly above the landscape, clearly evoking the science fiction genre.

(Text : A. Meyer / Clervaux – cité de l’image, English translation by Nadia Linden)

Le jardin de Lélise, Montée de l'Église | Clervaux
10. Juli 2020 - 9. April 2021

White night
Gilles Coulon

Licht ist ein globales Phänomen. In seinem natürlichen Zyklus unterliegt es den Gesetzen eines rhythmischen Wechselspiels. In seinem künstlichen Kontext entzieht es sich diesen Regeln.

Anders als sein natürliches Gegenstück erweist sich Industrielicht als kontrollierbare Lichtquelle. Die feinen Unterschiede in der Intensität und die reichhaltigen Farben, die während des authentischen Wandels von Tag und Nacht beobachtet werden, sind jedoch in dem vom Menschen überarbeiteten Szenario ausgeschlossen. Man denke an ein universell einsetzbares System, das sich in linearer Form präsentiert: die Neonröhre.

Die Leuchtstoffröhre ist für Gilles Coulon zum Mittelpunkt einer fotografischen Arbeit geworden. Seit 2000 untersucht er weltweit ihre visuellen Effekte.

Das Neonlicht vermittelt eine eigene Symbolik. Es beleuchtet Durchgangsorte sowie rein funktionale Plätze und kennzeichnet sie als solche. Das charakteristische Licht ist stimmungsgebend. Die so entstandene Atmosphäre wirkt sowohl lyrisch als auch eintönig und karg. Die Räumlichkeiten – Wartezimmer, Supermarkt, Bahnsteig oder Bushaltestelle – erscheinen unpersönlich.

Obwohl das Neon in seiner Leuchtkraft jedes Dekor effektiv ausstrahlt, ist seine Wahrnehmung wenig erhellend. Gilles Coulon zeigt das Objekt mit allen überflüssigen Seiten und in all seiner unerwarteten Pracht. „White Night“ verdrängt die Dunkelheit und raubt dem nächtlichen Firmament die Sterne. Kann die Leuchtröhre den Menschen inspirieren, so wie einst das Mondlicht vor ihr?

La lumière constitue un phénomène global. Dans son cycle naturel, elle est soumise aux lois d’une altération rythmée. Dans son contexte artificiel, elle échappe aux règles.

La lumière industrielle reste, contrairement à son pendant naturel, un facteur commode et contrôlable. Les fines nuances d’intensité et les coloris poétiques observés durant l’authentique passage de la nuit au jour sont cependant exclus du scénario revisité par l’homme. On pense à un système universellement applicable qui se résume à une forme tubulaire : le néon. Le tube fluorescent est devenu objet d’une recherche photographique pour Gilles Coulon. Depuis l’an 2000, le photographe a suivi ses traces à travers le monde entier.

L’objet lumineux dispose d’un fort pouvoir évocateur. Il dénote les lieux de passage, de même que les endroits purement fonctionnels comme tels. L’apparence qu’il leur réserve est à la fois pesante et lyrique, uniforme et brute. Dans ces lieux – salle d’attente, supermarché, quai de gare ou bien arrêt de bus - l’éclairage reste impersonnel.

Bien que la luminosité du néon alimente efficacement le décor, son effet ne nourrit pas l’âme. Gilles Coulon montre les facettes du néon dans toute sa splendeur superflue et dans tout son charme inattendu. « White Night » condamne l’obscurité de la nuit et éteint ainsi les étoiles. Est-ce que cette lumière réinventée saurait inspirer l’homme comme le faisait le clair de la lune avant que le tube ne vienne occuper sa scène ? Tout à coup les ombres ressurgissent. Les effets sonores environnants se relancent et mettent fin au spectacle.

Light is a global phenomenon. In its natural cycle, it is subject to the laws of a rhythmic iteration, but in an artificial context, it defies all laws.

In contrast to its natural counterpart, industrial light is a convenient and easily controlled source of illumination. The subtle differences in intensity and rich colours observable during the authentic transition from day to night are missing in the human-created scenario. Think of a universally applicable system presented in a linear form: the neon tube. The fluorescent tube has become for Gilles Coulon the centre of his photographic series. Starting in the year 2000, he has been on a global journey to analyse its visual effects.

Neon light conveys its own symbolism. It illuminates transitory and purely functional spaces and distinguishes them as such. The characteristic light defines the mood of a place. The resulting atmosphere seems both lyrical and starkly monotonous. The premises – waiting rooms, supermarkets, train platforms or bus stations – appear impersonal.

While the neon gas can effectively light up every décor, its effect is not illuminating. Gilles Coulon shows the object in all its superfluous splendour and unexpected charm. “White Night” banishes the darkness and snatches the stars out of the nightly sky. Can neon lights inspire humans as the moonlight used to do before it had to cede the scene?

(Text : A. Meyer / Clervaux – cité de l’image, English translation by Nadia Linden)

Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean | Luxembourg
31. Januar - 22. September 2019

Subjects of Life. Fotografie in der Mudam Sammlung
Bernd & Hilla Becher, Valérie Belin, Sophie Calle, Roland Fischer, Nan Goldin, Shirin Neshat, Martin Parr, Pasha Rafiy, Mitra Tabrizian, Wolfgang Tillmans und Kyoichi Tsuzuki

Als Teil einer Reihe von Sammlungspräsentationen des Mudam zeigt Subjetcs of Life hemen des Lebens eine Auswahl bedeutender Arbeiten aus dem Bereich der Fotografie. Als Anregung zum Nachdenken über das Medium der Fotografie mag die Auswahl auch den Einfluss bestimmter Darstellungen und Bildeffekte auf unsere Wahrnehmung von Wirklichkeit hinterfragen. Die Ausstellung präsentiert zwölf Künstler aus Europa, Asien, dem Nahen Osten und Nordamerika, deren Arbeiten sich mit den Themen des Territoriums und der Figur im weiteren Sinne,sowie mit verschiedenenAspekten der zeitgenössischen fotografischen Praxis beschäftigen.

Bernd und Hilla Becher (1931–2007 / 1934–2015) folgten stets einem strengen foto­gra­fischen Protokoll, mit dem sie umfassende Inventare einer verschwindenden industriellen Welt erstellten. Dieser dokumentarische Anspruch im Werk der Bechers findet sich auch in den Fotos von luxemburgischen Schaufenster­auslagen von Valérie Belin (*1968), während sich die zwischen Reportage und Kunstfotografie bewegenden Fotos von Martin Parr (*1952) mit Schärfe einige der Aspekte des heutigen Lebens aufs Korn nehmen.

Sophie Calle (*1953) und Pasha Rafiy (*1980) schwanken auf ihren Reisen nach Venedig bzw. New York zwischen Reportage und Fiktion. Sie reizen das erzählerische Potenzial der Bilder aus, während die fantastischen Inszenierungen der Fashion-Victims von Kyoichi Tsuzuki (*1956) eine neue Wirklichkeit erschaffen. In seinen Arbeiten spiegelt sich auf subtile Weise die Persönlichkeit der Dargestellten, ebenso wie dies in den intimistischen Porträts von Nan Goldin (*1953) oder in den üppigen Bilderwelten von Wolfgang Tillmans (*1968) der Fall ist, dessen Porträts an Traditionen der Malerei anknüpfen.

Dans la continuité des présentations régulières dédiées à la collection du Mudam, Figures sensibles dévoile une sélection d’œuvres majeures issues du fonds photo­graphique. Elle offre une réflexion sur le médium au travers de la question de la représentation et des effets de l’image sur notre approche du réel. Rassemblant douze artistes originaires d’Europe, d’Asie, du Moyen-Orient et d’Amérique du Nord, la présentation s’articule autour des notions de territoire et de figure au sens large du terme, et explore différents aspects de la pratique photographique contemporaine.

Mettant en œuvre de rigoureux protocoles de prise de vue, des artistes comme Bernd et Hilla Becher (1931–2007 / 1934–2015) inventorient ainsi un monde industriel en voie de disparition. La dimension documentaire présente chez les Becher se retrouve dans les photographies de vitrines luxembourgeoises de Valérie Belin (*1968) et plus encore dans celles de Martin Parr (*1952) qui, évoluant indifféremment entre le reportage et le champ artistique, croque de manière acerbe notre société contemporaine.

Oscillant entre enquête et fiction, Sophie Calle (*1953) ou Pasha Rafiy (*1980) exploitent quant à eux, dans leur périple respectif à travers Venise et New York, le potentiel narratif des images, tandis que les mises en scène fantaisistes d’inconnus passionnés de mode par Kyoichi Tsuzuki (*1956) recomposent une réalité nouvelle. Ses clichés révèlent pourtant en creux de manière sensible autant de personnalités, et trouvent un écho dans l’atmosphère intimiste des images de Nan Goldin (*1953) et l’univers foisonnant de Wolfgang Tillmans (*1968) dont les portraits puisent dans la tradition picturale.

As part of the ongoing series of presentations dedicated to the Mudam Collection, Subjects of Life highlights a selection of emblematic artworks from the museum’s collection of photography. This selection encourages a reflection on the medium through questions of representation and the effects of the image on our perception of reality, notions of territory, and the represented subject. Including works by twelve artists from Europe, Asia, the Middle East and North America, the presentation also underscores the varying approaches to photography within the broader scope of contemporary art practice.

Bernd and Hilla Becher (1931–2007 / 1934–2015) use rigorous shooting protocols that enable them to create an inventory of a disappearing industrial world. This archival dimension in the work of the Bechers is also present in the photographs of Luxembourg shop windows by Valérie Belin (*1968) whereas the photographs by Martin Parr (*1952) move between the world of reporting and visual art, and capture with acerbity aspects of contemporary life.

Operating somewhere between investigation and fiction, Sophie Calle (*1953) and Pasha Rafiy (*1980) exploit, through their respective tours around Venice and New York, the narrative potential of images, while the fanciful staging of anonymous fashion aficionados by Kyoichi Tsuzuki (*1956) recreates a new reality. His images, which reveal as much their personalities in a sensitive manner, find resonance in the intimist atmosphere of the portraits of Nan Goldin (*1953) and the lush images from the personal and global universe of Wolfgang Tillmans (*1968) that evoke painterly traditions of portraiture.

(Text: MUDAM, Luxembourg)