Museum Alpin Pontresina
10. Juni - 26. Oktober 2024 / 16. Dezember 2024 - 19. April 2025

Im Auge des Lichts
Guido Baselgia

Saisonpause: 27. Oktober - 15. Dezember 2024

Baselgia selbst, der als einer der herausragenden Fotografen der Schweiz gilt, hat die eindrückliche Ausstellung konzipiert und kuratiert.

Gezeigt werden Arbeiten aus den Zyklen «Lungo Guardo» und «Camera Obscura - Lichteinfälle» im Kontext der astro-physikalischen Phänomene, die der Künstler in seinem Werk thematisiert und studiert. «Für mich malt das Licht», hat Baselgia einmal festgestellt und man sollte ihn deshalb einen «Lichtbildner» nennen. «Guido Baselgia - Im Auge des Lichts» konzentriert sich in den beiden Ausstellungsräumen des Museums Alpin auf die Werk-Zyklen «Lungo Guardo» (Raum 1/Hauptraum) und «Camera Obscura-Lichteinfälle» (Raum 2), die beide Teil sind des jüngsten Werk-Zyklus von Guido Baselgia «Lichtstoff und Luftfarben».

Baselgia lui-même, considéré comme l'un des photographes les plus remarquables de Suisse, a conçu et organisé cette exposition impressionnante.

Sont présentés des travaux issus des cycles "Lungo Guardo" et "Camera Obscura - Lichteinfälle" dans le contexte des phénomènes astro-physiques que l'artiste thématise et étudie dans son œuvre. "Pour moi, c'est la lumière qui peint", a constaté un jour Baselgia, et c'est pourquoi on devrait l'appeler un "photographe de lumière". "Guido Baselgia - Dans l'œil de la lumière" se concentre, dans les deux salles d'exposition du Musée Alpin, sur les cycles d'œuvres "Lungo Guardo" (salle 1/pièce principale) et "Camera Obscura-Lichteinfälle" (salle 2), qui font tous deux partie du cycle d'œuvres le plus récent de Guido Baselgia "Lichtstoff und Luftfarben".

Lo stesso Baselgia, considerato uno dei più importanti fotografi svizzeri, ha ideato e curato questa imponente mostra.

Sono esposte opere dei cicli "Lungo Guardo" e "Camera Obscura - Lichteinfälle" nel contesto dei fenomeni astrofisici che l'artista tematizza e studia nel suo lavoro. "Per me la luce dipinge", ha detto una volta Baselgia, che dovrebbe quindi essere definito un "pittore della luce". Nelle due sale espositive del Museo Alpin, "Guido Baselgia - In the Eye of Light" si concentra sui cicli di opere "Lungo Guardo" (sala 1/principale) e "Camera Obscura-Lichteinfälle" (sala 2), entrambi facenti parte del più recente ciclo di opere di Guido Baselgia "Lichtstoff und Luftfarben".

Baselgia himself, who is considered one of Switzerland's outstanding photographers, conceived and curated the impressive exhibition.

On display are works from the "Lungo Guardo" and "Camera Obscura - Lichteinfälle" cycles in the context of the astrophysical phenomena that the artist explores and studies in his work. "For me, light paints", Baselgia once said, and he should therefore be called a "light painter". "Guido Baselgia - In the Eye of Light" in the two exhibition rooms of the Museum Alpin focuses on the work cycles "Lungo Guardo" (room 1/main room) and "Camera Obscura-Lichteinfälle" (room 2), both of which are part of Guido Baselgia's most recent work cycle "Lichtstoff und Luftfarben".

(Text: Museum Alpin Pontresina)

Villa Garbald | Castasegna
29. Juni 2024 – 21. Juni 2025

Focus. Alex Hanimann präsentiert Fotografien aus dem Bildarchiv der ETH Zürich

Seit 2005 nutzt das Bündner Kunstmuseum die Villa Garbald in Castasegna als Aussenstelle. Die Räumlichkeiten dienen nicht als Galerie, vielmehr sollen mit Kunst Impulse im "Denklabor Villa Garbald" gesetzt werden.

Aus Anlass des Jubiläums «20 Jahre Seminarzentrum Villa Garbald» haben wir den Fokus der Kunsteinrichtung in Castasegna verschoben: Wir gehen diesmal nicht vom Werk eines Künstlers oder einer Künstlerin aus, sondern wollen Einblick geben ins unermessliche Bildarchiv wissenschaftlicher Fotografien der ETH Zürich. Niemand kann sich der Faszination dieses Reichtums entziehen. Daraus aber eine Auswahl zu treffen und diese in der Villa Garbald und im Neubau des Roccolo zu präsentieren, stellt eine besondere Herausforderung dar. Wir konnten dafür Alex Hanimann (*1955) gewinnen, der in seinem künstlerischen Werk immer wieder mit vorgefundenen Bildern arbeitet und uns daher für diese Aufgabe prädestiniert schien. Er setzt die von ihm aufgegriffenen Bilder meist in Zeichnung, Malerei oder Skulptur um oder bearbeitet sie durch Vergrösserung, Ausschnitte oder Raster. Für die Kunsteinrichtung in der Villa Garbald hat er fotografische Aufnahmen von Pflanzen aus dem Bildarchiv der ETH Zürich ausgewählt, präsentiert sie aber nüchtern und ohne weitere Verfremdung. Er interessiert sich vielmehr für die Schnittstellen und Brüche in den einzelnen Aufnahmen: Begeistert von der besonderen Bildqualität lässt er sich dabei einerseits von der Ästhetik leiten, von der Schönheit der Wachstumsformen und ihrer Erscheinung im fotografischen Bild. Andererseits erkennt er die wissenschaftlichen Ansprüche, die in fast jedem Bild zum Tragen kommen. Und letztlich interessieren ihn als Künstler die Formen der Inszenierung, an denen die Naturwissenschaftler ebenso teilhaben wie die Forscher des fotografischen Instituts. Alle haben sie ihre Methoden und ihre eigenen Praktiken, um den Bildern eine Form und einen Wert zu geben. Alex Hanimann eröffnet neue Perspektiven: Indem er die Aufnahmen aus ihrem klaren Kontext herauslöst, verleiht er ihnen eine überraschende Vielschichtigkeit und wir sehen nicht mehr nur die eine oder andere Pflanze, sondern zauberhafte Fotografien, in denen sich die Wissenschaft in der Kunst spiegelt und die Kunst in der Wissenschaft.

Depuis 2005, le Bündner Kunstmuseum utilise la Villa Garbald à Castasegna comme antenne. Les locaux ne servent pas de galerie, mais l'art doit plutôt donner des impulsions au "laboratoire de réflexion Villa Garbald".

A l'occasion du jubilé des "20 ans du centre de séminaires Villa Garbald", nous avons déplacé le centre d'intérêt de l'institution artistique de Castasegna : Cette fois-ci, nous ne partons pas de l'œuvre d'un artiste, mais nous voulons donner un aperçu des immenses archives d'images de photographies scientifiques de l'ETH Zurich. Personne ne peut se soustraire à la fascination de cette richesse. Mais en faire une sélection et la présenter dans la Villa Garbald et dans le nouveau bâtiment du Roccolo représente un défi particulier. Nous avons pu faire appel à Alex Hanimann (*1955), qui travaille toujours avec des visuels trouvés dans son œuvre artistique et qui nous semblait donc prédestiné à cette tâche. Il transpose généralement les visuels qu'il a repris en dessin, peinture ou sculpture, ou les retravaille en les agrandissant, en les découpant ou en les quadrillant. Pour l'installation artistique de la Villa Garbald, il a sélectionné des prises de vue photographiques de plantes provenant des archives photographiques de l'EPF de Zurich, mais il les présente de manière sobre, sans les détourner davantage. Il s'intéresse plutôt aux interfaces et aux ruptures dans les différentes prises de vue : Enthousiasmé par la qualité particulière des images, il se laisse ainsi guider d'une part par l'esthétique, par la beauté des formes de croissance et de leur apparition dans le visuel photographique. D'autre part, il reconnaît les exigences scientifiques qui interviennent dans presque chaque visuel. Et finalement, en tant qu'artiste, il s'intéresse aux formes de mise en scène auxquelles participent les scientifiques tout comme les chercheurs de l'institut photographique. Tous ont leurs méthodes et leurs propres pratiques pour donner une forme et une valeur aux visuels. Alex Hanimann ouvre de nouvelles perspectives : En sortant les prises de vue de leur contexte bien défini, il leur confère une complexité surprenante et nous ne voyons plus seulement l'une ou l'autre plante, mais des photographies magiques dans lesquelles la science se reflète dans l'art et l'art dans la science.

Dal 2005 il Bündner Kunstmuseum utilizza Villa Garbald a Castasegna come avamposto. La sede non funge da galleria, ma piuttosto da luogo in cui l'arte può dare impulso al "Villa Garbald Thinking Lab".

In occasione del 20° anniversario del centro seminariale di Villa Garbald, abbiamo spostato il focus dell'installazione artistica a Castasegna: Questa volta non partiamo dal lavoro di un artista, ma vogliamo offrire una visione dell'immenso archivio di fotografie scientifiche del Politecnico di Zurigo. Nessuno può sottrarsi al fascino di questa ricchezza. Ma farne una selezione e presentarla nella Villa Garbald e nel nuovo edificio del Roccolo è una sfida speciale. Siamo riusciti a convincere Alex Hanimann (*1955), che lavora ripetutamente con immagini trovate nel suo lavoro artistico e che quindi sembrava predestinato a questo compito. Di solito trasforma le immagini raccolte in disegni, dipinti o sculture, oppure ci lavora sopra ingrandendole, ritagliandole o utilizzando griglie. Per l'installazione artistica a Villa Garbald, ha selezionato immagini fotografiche di piante dall'archivio di immagini del Politecnico di Zurigo, ma le presenta in modo sobrio e senza ulteriore alienazione. È più interessato alle interfacce e alle interruzioni delle singole fotografie: Ispirato dalla particolare qualità dell'immagine, è guidato da un lato dall'estetica, dalla bellezza delle forme di crescita e dal loro aspetto nell'immagine fotografica. Dall'altro, riconosce le esigenze scientifiche che si manifestano in quasi tutte le immagini. E infine, come artista, è interessato alle forme di messa in scena a cui partecipano tanto gli scienziati naturali quanto i ricercatori dell'istituto fotografico. Tutti hanno i loro metodi e le loro pratiche per dare alle immagini una forma e un valore. Alex Hanimann apre nuove prospettive: Togliendo le fotografie dal loro contesto chiaro, conferisce loro una complessità sorprendente e non vediamo più solo una pianta o un'altra, ma fotografie incantevoli in cui la scienza si riflette nell'arte e l'arte nella scienza.

Since 2005, the Bündner Kunstmuseum has been using the Villa Garbald in Castasegna as an outpost. The premises do not serve as a gallery, but rather as a place where art can provide impetus in the "Villa Garbald Thinking Lab".

To mark the 20th anniversary of the Villa Garbald seminar center, we have shifted the focus of the art installation in Castasegna: This time we are not starting from the work of an artist, but want to give an insight into the immeasurable image archive of scientific photographs at ETH Zurich. No one can escape the fascination of this wealth. But making a selection from it and presenting it in the Villa Garbald and in the new Roccolo building is a special challenge. We were able to win over Alex Hanimann (*1955), who repeatedly works with found visuals in his artistic work and therefore seemed predestined for this task. He usually transforms the visuals he takes up into drawings, paintings or sculptures or works on them by enlarging them, cutting them out or using grids. For the art installation at Villa Garbald, he has selected photographic images of plants from the ETH Zurich image archive, but presents them soberly and without further alienation. He is more interested in the interfaces and breaks in the individual photographs: Enthused by the special image quality, he is guided on the one hand by aesthetics, by the beauty of the growth forms and their appearance in the photographic image. On the other hand, he recognizes the scientific claims that come to bear in almost every visual. And ultimately, as an artist, he is interested in the forms of staging in which the natural scientists participate just as much as the researchers at the photographic institute. They all have their own methods and their own practices to give the visuals a form and a value. Alex Hanimann opens up new perspectives: By removing the photographs from their clear context, he gives them a surprising complexity and we no longer see just one plant or another, but enchanting photographs in which science is reflected in art and art in science.

(Text: Bündner Kunstmuseum)

Reiss-Engelhorn-Museen | Mannheim
22. September 2024 – 27. April 2025

SACHLICH NEU - Fotografien von August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser

2025 jährt sich die legendäre Mannheimer Ausstellung „Die Neue Sachlichkeit“ zum 100. Mal. Aus diesem Anlass präsentieren die Reiss-Engelhorn-Museen mit dem Forum Internationale Photographie die Sonderausstellung „SACHLICH NEU. Fotografien von August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser“.

Als wichtigste Fotografen der Neuen Sachlichkeit gelten August Sander (1876 – 1964) und Albert Renger-Patzsch (1897 – 1966). Erstmalig bringt die Schau ihre Inkunabeln der 1920er- und 30er Jahre in einen spannenden Dialog mit Foto-Ikonen des renommierten Fotografen Robert Häusser (1924 – 2013).

Häussers Arbeiten im Stile des „Magischen Realismus“ und der „Subjektiven Fotografie“ treten dabei in eine faszinierende Korrespondenzen mit den neusachlichen Meisterwerken. Der Fokus der Ausstellung liegt auf den Themen „Porträt und Menschendarstellungen“, „Industrie und Menschen bei der Arbeit“ sowie „Landschaftsräume“. Die ausgewählten Arbeiten reflektieren die Umbruchszeit zwischen Fortschrittsglauben und -skepsis nach den beiden Weltkriegen, die Zäsur und den Neuanfang sowie die Brüchigkeit unseres Seins in seiner Schönheit und Abgründigkeit.

„SACHLICH NEU“ ist ein Beitrag zum Jubiläumsjahr „Neue Sachlichkeit“ und flankiert eine große Sonderausstellung in der Kunsthalle Mannheim. Zugleich feiern die Reiss-Engelhorn-Museen den 100. Geburtstag von Robert Häusser.

2025 marquera le 100e anniversaire de la légendaire exposition de Mannheim « Die Neue Sachlichkeit ». A cette occasion, les musées Reiss-Engelhorn et le Forum Internationale Photographie présentent l'exposition temporaire « SACHLICH NEU. Photographies d'August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser ».

August Sander (1876 - 1964) et Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) sont considérés comme les photographes les plus importants de la Nouvelle Objectivité. Pour la première fois, l'exposition met en scène leurs incunables des années 1920 et 1930 dans un dialogue passionnant avec des icônes photographiques du célèbre photographe Robert Häusser (1924 - 2013).

Les travaux de Häusser dans le style du « réalisme magique » et de la « photographie subjective » entrent ainsi en correspondance fascinante avec les chefs-d'œuvre néo-scientifiques. L'exposition se concentre sur les thèmes « Portraits et représentations humaines », « Industrie et personnes au travail » ainsi que « Paysages ». Les œuvres sélectionnées reflètent la période de transition entre la foi et le scepticisme dans le progrès après les deux guerres mondiales, la césure et le nouveau départ ainsi que la fragilité de notre être dans sa beauté et son abîme.

« SACHLICH NEU » est une contribution à l'année anniversaire de la “Neue Sachlichkeit” et accompagne une grande exposition spéciale à la Kunsthalle de Mannheim. Parallèlement, les musées Reiss-Engelhorn fêtent le centenaire de la naissance de Robert Häusser.

Nel 2025 ricorre il centesimo anniversario della leggendaria mostra di Mannheim “La nuova oggettività”. Per l'occasione, il Reiss-Engelhorn-Museen e il Forum Internationale Photographie presentano la mostra speciale “SACHLICH NEU. Fotografie di August Sander, Albert Renger-Patzsch e Robert Häusser”.

August Sander (1876 - 1964) e Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) sono considerati i più importanti fotografi del movimento della Nuova Oggettività. Per la prima volta, la mostra mette in dialogo i loro incunaboli degli anni Venti e Trenta con le icone fotografiche del celebre fotografo Robert Häusser (1924-2013).

Le opere di Häusser nello stile del “Realismo magico” e della “Fotografia soggettiva” entrano in un dialogo affascinante con i capolavori della Nuova Oggettività. La mostra si concentra sui temi “Ritratti e rappresentazioni di persone”, “Industria e persone al lavoro” e “Paesaggi”. Le opere selezionate riflettono il periodo di sconvolgimento tra la fede nel progresso e lo scetticismo dopo le due guerre mondiali, la cesura e il nuovo inizio, nonché la fragilità della nostra esistenza nella sua bellezza e nella sua natura abissale.

“SACHLICH NEU” è un contributo all'anniversario della ‘Nuova Oggettività’ e accompagna una grande mostra speciale alla Kunsthalle di Mannheim. Contemporaneamente, i Reiss-Engelhorn-Museen celebrano il centesimo compleanno di Robert Häusser.

2025 is the year of the 100th anniversary of the legendary Mannheim exhibition "New Objectivity". To mark the occasion, the Reiss-Engelhorn Museums and the Forum Internationale Photographie are presenting the special exhibition "SACHLICH NEU. Photographs by August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser".

August Sander (1876 - 1964) and Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) are considered the most important photographers of the German New Objectivity movement. For the first time, the exhibition juxtaposes their incunabula of the 1920s and 30s with photographic icons by renowned photographer Robert Häusser (1924 - 2013) opening up unexpected and enriching perspectives.

Häusser's post-war works in the style of "Magical Realism" and "Subjective Photography" enter into a fascinating dialogue with the New Objectivity masterpieces. The exhibition focuses on the themes "Portraits and representations of people", "Industrial context and people at work" and "Landscapes". The selected works by Häusser reflect the period of upheaval between belief in progress and skepticism after two world wars, the rupture and the new beginning as well as the fragility of our existence in its beauty and abysmal nature.

"SACHLICH NEU" is a photographic contribution to the "New Objectivity" anniversary year and accompanies a major special exhibition at the Kunsthalle Mannheim. Both coincide with the Reiss-Engelhorn-Museen celebrating the 100th birthday of Robert Häusser.

(Text: Reiss-Engelhorn-Museen, Mannheim)

Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse
11. Oktober 2024 – 18. Mai 2025

Ouvrir les yeux

Zum ersten Mal bieten die Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse und die Galerie Le Château d'Eau dem Publikum eine Reise durch ein reiches, noch wenig bekanntes fotografisches Erbe. Die Ausstellung zeigt eine große Auswahl an fotografischen Werken aus den Sammlungen der beiden öffentlichen Einrichtungen, die jeweils die großen Perioden in der Geschichte der Fotografie und ihrer Künstler seit dem Beginn des 20.

Seit ihrer Gründung wurden die öffentlichen Sammlungen dieser beiden Institutionen entsprechend ihrer jeweiligen künstlerischen Ausrichtung erweitert, wobei die eine - eine im Jahr 2000 gegründete Einrichtung, die ein Museum und einen Regionalfonds für zeitgenössische Kunst vereint - sich der modernen und zeitgenössischen Kunst widmet, während die andere - 1974 von dem Fotografen Jean Dieuzaide gegründet - ein Symbol für moderne und zeitgenössische Fotografie in der Stadt Toulouse ist.

Diese Ausstellung, die in den Abattoirs gezeigt wird, bietet einen neuartigen Dialog, der ein breites Panorama der Fotografie des 20. und 21. Jahrhunderts bietet und sowohl die größten Namen als auch Künstler wie Hans Bellmer, die es zu entdecken oder wiederzuentdecken gilt, miteinander in Dialog bringt, Claude Batho, Gaël Bonnefon, Mohamed Bourouissa, Brassaï, Sophie Calle, Denis Darzacq, Jean Dieuzaide, Robert Doisneau, Ralph Gibson, Laura Henno, Ouka Leele, Robert Mapplethorpe, Gina Pane, Agnès Varda, Gisèle Vienne, Sabine Weiss, etc.

Die verschiedenen Blickwinkel zeigen auch die Vielfalt der Herangehensweisen an das Medium und die Vielzahl der ästhetischen Vorschläge zwischen Dokumentarfotografie, intimen Blicken, Archiven, Installationen und Fotojournalismus, in denen die Position des Betrachters neu definiert wird.

Die Fotografien, ergänzt durch Installationen und eine Auswahl an Künstlerbüchern und seltenen Werken aus den umfangreichen Bibliotheken der beiden Einrichtungen, bilden den Rahmen für einen thematischen Rundgang, der die Berührungspunkte zwischen den beiden Sammlungen aufzeigen und gleichzeitig mit den Eigenheiten der beiden Sammlungen spielen soll.

Von Schnappschüssen bis zu Inszenierungen, von grafischen bis abstrakten Untersuchungen bis zu Reflexionen über den Körper oder den Raum, von Fragen der Identität bis zur Bestätigung der Subjektivität oder der Erforschung der erzählerischen Möglichkeiten, diese reiche Sammlung von fast 300 Werken entwickelt letztendlich eine Reflexion über die Natur und die Möglichkeiten der Fotografie.

Eine Sonderausgabe von Connaissance des Arts wird zur Ausstellung veröffentlicht.

Pour la première fois les Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse et la Galerie Le Château d’Eau offrent aux publics un voyage au sein d’un riche patrimoine photographique encore peu connu. L'exposition présente une large sélection d’œuvres photographiques des collections des deux établissements publics qui, chacune, témoignent des grandes périodes de l'histoire de la photographie et de ses artistes depuis le début du XXe siècle tout en faisant émerger deux histoires de collections.

Depuis leur création, les collections publiques de ces deux institutions se sont enrichies selon des axes artistiques propres à leurs natures respectives, l'un - établissement créé en 2000 réunissant un musée et un Fonds régional d'art contemporain - dédié à l’art moderne et contemporain, l’autre - fondée en 1974 par le photographe Jean Dieuzaide - pôle emblématique de la photographie moderne et contemporaine de la ville de Toulouse.

Cette exposition, présentée aux Abattoirs, propose un dialogue inédit à même d’offrir un large panorama de la photographie des XXe et XXIe siècles et fait dialoguer aussi bien les plus grands noms que des artistes à découvrir ou redécouvrir comme Hans Bellmer, Claude Batho, Gaël Bonnefon, Mohamed Bourouissa, Brassaï, Sophie Calle, Denis Darzacq, Jean Dieuzaide, Robert Doisneau, Ralph Gibson, Laura Henno, Ouka Leele, Robert Mapplethorpe, Gina Pane, Agnès Varda, Gisèle Vienne, Sabine Weiss, etc.

Ces regards croisés mettent également en avant la diversité des approches du médium et la multiplicité des propositions esthétiques, entre photographie documentaire, regards sur l'intime, archives, installations ou encore photojournalisme, au sein desquelles se joue un renouvellement de la place du spectateur.

Les photographies, complétées d’installations et d’une sélection de livres d’artistes et d’ouvrages rares issue des riches bibliothèques des deux établissements, jalonneront un parcours construit autour de différentes thématiques, imaginé pour faire à la fois émerger les points de rencontre entre les deux collections tout en jouant sur les singularités de chacune.

De l’instantané à la mise en scène, des recherches graphiques voire abstraites aux réflexions sur le corps ou l’espace, des questionnements d’identité aux affirmations de la subjectivité ou à l’exploration des possibilités narratives, ce riche ensemble de près de 300 œuvres finit par développer une réflexion sur la nature et les possibles de la photographie.

Un hors-série Connaissance des Arts est publié pour accompagner l'exposition.

Per la prima volta, gli Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse e la Galerie Le Château d'Eau offrono ai visitatori un viaggio attraverso un patrimonio fotografico ricco e poco conosciuto. La mostra presenta un'ampia selezione di opere fotografiche provenienti dalle collezioni delle due istituzioni pubbliche, ognuna delle quali riflette i principali periodi della storia della fotografia e dei suoi artisti dall'inizio del XX secolo, evidenziando allo stesso tempo due storie di collezioni.

Fin dalla loro creazione, le collezioni pubbliche di queste due istituzioni sono state arricchite secondo linee artistiche specifiche per le loro rispettive nature, una - un'istituzione creata nel 2000 che riunisce un museo e un Fonds régional d'art contemporain - dedicata all'arte moderna e contemporanea, l'altra - fondata nel 1974 dal fotografo Jean Dieuzaide - un centro emblematico per la fotografia moderna e contemporanea nella città di Tolosa.

Questa mostra, presentata a Les Abattoirs, offre un dialogo senza precedenti che fornisce un ampio panorama della fotografia del XX e XXI secolo, e riunisce alcuni dei nomi più importanti e artisti da scoprire o riscoprire, come Hans Bellmer, Claude Batho, Gaël Bonnefon, Mohamed Bourouissa, Brassaï, Sophie Calle, Denis Darzacq, Jean Dieuzaide, Robert Doisneau, Ralph Gibson, Laura Henno, Ouka Leele, Robert Mapplethorpe, Gina Pane, Agnès Varda, Gisèle Vienne, Sabine Weiss e altri.

Queste prospettive intersecate evidenziano anche la diversità degli approcci al mezzo e la molteplicità delle proposte estetiche, che vanno dalla fotografia documentaria alle vedute intime, agli archivi, alle installazioni e al fotogiornalismo, tutti elementi che giocano un ruolo nel rinnovare il ruolo dello spettatore.

Le fotografie, insieme alle installazioni e ad una selezione di libri d'artista e di opere rare provenienti dalle ricche biblioteche delle due istituzioni, tracceranno un percorso costruito intorno a temi diversi, pensato per far emergere i punti di convergenza tra le due collezioni, giocando al contempo sulle singolarità di ciascuna.

Dall'istantaneo alla messa in scena, dalla ricerca grafica o addirittura astratta alle riflessioni sul corpo o sullo spazio, dalle domande sull'identità alle affermazioni di soggettività o all'esplorazione delle possibilità narrative, questo ricco insieme di quasi 300 opere finisce per sviluppare una riflessione sulla natura e sulle possibilità della fotografia.

Per accompagnare la mostra è stato pubblicato un numero speciale di Connaissance des Arts.

For the first time, Les Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse and Galerie Le Château d'Eau are offering visitors a journey through a rich and little-known photographic heritage. The exhibition presents a wide selection of photographic works from the collections of the two public institutions, each of which bears witness to the major periods in the history of photography and its artists since the early 20th century, while at the same time highlighting two collection histories.

Since their creation, the public collections of these two institutions have been enriched along artistic lines specific to their respective natures, one - an establishment created in 2000 bringing together a museum and a Fonds régional d'art contemporain - dedicated to modern and contemporary art, the other - founded in 1974 by photographer Jean Dieuzaide - an emblematic pole of modern and contemporary photography in the city of Toulouse.

This exhibition, presented at Les Abattoirs, offers an unprecedented dialogue capable of providing a broad panorama of photography from the 20th and 21st centuries, and brings together the greatest names as well as artists to be discovered or rediscovered, such as Hans Bellmer, Claude Batho, Gaël Bonnefon, Mohamed Bourouissa, Brassaï, Sophie Calle, Denis Darzacq, Jean Dieuzaide, Robert Doisneau, Ralph Gibson, Laura Henno, Ouka Leele, Robert Mapplethorpe, Gina Pane, Agnès Varda, Gisèle Vienne, Sabine Weiss and more.

These cross-views also highlight the diversity of approaches to the medium and the multiplicity of aesthetic proposals, from documentary photography to intimate views, archives, installations and photojournalism, all of which play a part in renewing the viewer's place.

The photographs, complemented by installations and a selection of artists' books and rare works from the rich libraries of the two establishments, will mark out an itinerary built around different themes, designed to bring out the points of encounter between the two collections, while playing on the singularities of each.

From the instantaneous to the staged, from graphic or even abstract research to reflections on the body or space, from questions of identity to assertions of subjectivity or the exploration of narrative possibilities, this rich ensemble of nearly 300 works ultimately develops a reflection on the nature and possibilities of photography.

A special Connaissance des Arts issue has been published to accompany the exhibition.

(Text: Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse)

Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg
25. Oktober 2024 – 27. April 2025

Pinar Öğrenci / Nuri Musluoğlu. Fotografie neu ordnen: Protestbilder

Im Rahmen der Ausstellungsreihe „Fotografie neu ordnen“ im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) treffen zwei Generationen mit Migrationserfahrung aufeinander: Die kurdische Künstlerin Pınar Öğrenci wurde eingeladen, sich mit den Protestbildern des deutsch-türkischen Amateurfotografen Nuri Musluoğlu zu beschäftigen. In ihrer eigens für das Museum entwickelten multimedialen Installation, die auf dem Foto-, Video- und Tonarchiv von Nuri Musluoğlu basiert, reflektiert Pınar Öğrenci die Arbeiter*innenbewegung und Migrationsgesellschaft in der Bundesrepublik der 1970er und 1980er Jahre aus heutiger Perspektive. Darüber hinaus vertiefen ausgewählte Bildstrecken und Artikel aus der 1973 in Hamburg gegründeten politischen Zeitschrift „Arbeiterfotografie“ den historischen Kontext der Ausstellung und geben Einblicke in ein Leben im Exil, in Wohn- und Arbeitsverhältnisse, Frauenarbeit, die Friedensbewegung und ungleiche Bildungschancen von Migrant*innen in den 1980er Jahren.

Pinar Öğrenci: Migration und ihre Darstellung stehen im Zentrum des künstlerischen Schaffens von Pınar Öğrenci (* 1973 in Van, Türkei), die oftmals mit Archivmaterial arbeitet. Ihr multimedialer Zugang zu historischem und zeitgenössischem Material sowie der Fokus auf persönliche Biografien ermöglichen dabei eine kritische Betrachtung migrationspolitischer Umstände und Entscheidungen. In ihrer aktuellen Arbeit für das MK&G untersucht die Künstlerin Musluoğlus Archivmaterial des deutsch-türkisch-kurdischen Zusammenlebens von 1975 bis 1988 – darunter Aufnahmen von Protestaktionen, Friedensmärschen, Sommerfesten, Musikaufführungen und Sportveranstaltungen sowie das Leben der eigenen Familie. Sie interpretiert die Protestkultur in der Türkei anhand der Fotografien und Super 8-Filme Musluoğlus neu und stellt sie in den Kontext von Praktiken des Widerstands und der Solidarität.

Pınar Öğrenci studierte Architektur und Restaurierung an der Yıldız Technical University in Istanbul und emigrierte 2018 nach Deutschland. Ihre erste Einzelausstellung zeigte sie am Kunsthaus Wien (2017), darüber hinaus waren ihre Werke auf der Documenta fifteen (2022), in der Berlinischen Galerie (2023), der Venedig Biennale (2024) und im Frac Bretagne (2024) vertreten. Zudem wurde Öğrenci mehrfach ausgezeichnet, 2022 war sie für den Preis der Böttcherstraße nominiert und 2023 erhielt sie den Villa Romana Preis. Pınar Öğrenci lebt in Berlin.

Nuri Musluoğlu: 1965 folgte Nuri Musluoğlu (* 1951 in Istanbul, Türkei) seinen Eltern in die BRD und absolvierte eine Lehre als Werkzeugmacher, später arbeitete er als Sozialarbeiter bei der Arbeiterwohlfahrt. Parallel war er politisch aktiv, unter anderem in den Gewerkschaften IG Metall und Verdi sowie der Friedensbewegung. Gemeinsam mit anderen Akteur*innen gründete er ein deutsch-türkisches Kulturzentrum in Heilbronn. Neben seinen Protestbildern, die auf über 100 Demonstrationen entstanden sind, dokumentiert Musluoğlu deutsch-türkisches Zusammenleben sowie die Fremdenfeindlichkeit im öffentlichen Raum und Lebensbedingungen in Asylunterkünften auch in Super 8-Filmen und Tonaufnahmen. Seit 1985 veröffentlicht Musluoğlu Fotos unter verschiedenen Pseudonymen in der linksgerichteten in Deutschland erscheinenden Wochenzeitung für Arbeiter*innen und politisch Schutzsuchende „Türkiye Postası“. Zeitweilig produziert er auch eine Fernsehsendung, die er auf VHS-Kassetten in Umlauf bringt. Nuri Musluoğlu lebt in Heilbronn und Bodrum, Türkei.

Dans le cadre de la série d'expositions « Réorganiser la photographie » au Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G), deux générations ayant une expérience de l'immigration se rencontrent : l'artiste kurde Pınar Öğrenci a été invitée à se pencher sur les images de protestation du photographe amateur germano-turc Nuri Musluoğlu. Dans son installation multimédia spécialement conçue pour le musée et basée sur les archives photographiques, vidéo et sonores de Nuri Musluoğlu, Pınar Öğrenci réfléchit au mouvement ouvrier* et à la société d'immigration en République fédérale d'Allemagne dans les années 1970 et 1980 dans une perspective contemporaine. En outre, une sélection de séries d'images et d'articles tirés de la revue politique « Arbeiterfotografie », fondée en 1973 à Hambourg, approfondissent le contexte historique de l'exposition et donnent un aperçu de la vie en exil, des conditions de logement et de travail, du travail des femmes, du mouvement pour la paix et des inégalités dans les chances de formation des migrants* dans les années 1980.

Pinar Öğrenci : la migration et sa représentation sont au cœur de la création artistique de Pınar Öğrenci (née en 1973 à Van, Turquie), qui travaille souvent avec des documents d'archives. Son approche multimédia du matériel historique et contemporain, ainsi que l'accent mis sur les biographies personnelles, lui permettent de porter un regard critique sur les circonstances et les décisions en matière de politique migratoire. Dans son travail actuel pour le MK&G, l'artiste examine les archives de Musluoğlu sur la cohabitation germano-turque-kurde de 1975 à 1988 - notamment des enregistrements d'actions de protestation, de marches pour la paix, de festivals d'été, de spectacles musicaux et d'événements sportifs ainsi que la vie de sa propre famille. Elle réinterprète la culture de la protestation en Turquie à partir des photographies et des films super 8 de Musluoğlu et les replace dans le contexte des pratiques de résistance et de solidarité.

Pınar Öğrenci a étudié l'architecture et la restauration à l'université technique de Yıldız à Istanbul et a émigré en Allemagne en 2018. Elle a présenté sa première exposition individuelle au Kunsthaus Wien (2017), et ses œuvres ont en outre été exposées à la Documenta fifteen (2022), à la Berlinische Galerie (2023), à la Biennale de Venise (2024) et au Frac Bretagne (2024). En outre, Öğrenci a été récompensée à plusieurs reprises, en 2022 elle a été nominée pour le prix de la Böttcherstraße et en 2023 elle a reçu le prix Villa Romana. Pınar Öğrenci vit à Berlin.

Nuri Musluoğlu : en 1965, Nuri Musluoğlu (né en 1951 à Istanbul, Turquie) a suivi ses parents en RFA et a effectué un apprentissage d'outilleur, puis a travaillé comme travailleur social pour l'Arbeiterwohlfahrt. Parallèlement, il a été actif en politique, notamment dans les syndicats IG Metall et Verdi ainsi que dans le mouvement pour la paix. Avec d'autres acteurs*, il a fondé un centre culturel germano-turc à Heilbronn. En plus de ses images de protestation réalisées lors de plus de 100 manifestations, Musluoğlu documente la cohabitation germano-turque ainsi que la xénophobie dans l'espace public et les conditions de vie dans les centres d'asile, également dans des films Super 8 et des enregistrements sonores. Depuis 1985, Musluoğlu publie des photos sous différents pseudonymes dans l'hebdomadaire de gauche « Türkiye Postası », publié en Allemagne et destiné aux travailleurs et aux personnes en quête de protection politique. De temps en temps, il produit également une émission de télévision qu'il fait circuler sur des cassettes VHS. Nuri Musluoğlu vit à Heilbronn et à Bodrum, en Turquie.

Nell'ambito della serie di mostre “Reorganising Photography” al Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G), due generazioni con esperienza di migrazione si incontrano: l'artista curda Pınar Öğrenci è stata invitata a confrontarsi con le immagini di protesta del fotografo amatoriale turco-tedesco Nuri Musluoğlu. Nella sua installazione multimediale sviluppata appositamente per il museo, che si basa sull'archivio fotografico, video e sonoro di Nuri Musluoğlu, Pınar Öğrenci riflette sul movimento operaio e sulla società della migrazione nella Repubblica Federale Tedesca degli anni '70 e '80 dalla prospettiva di oggi. Inoltre, serie fotografiche selezionate e articoli tratti dalla rivista politica “Arbeiterfotografie”, fondata ad Amburgo nel 1973, approfondiscono il contesto storico della mostra e forniscono approfondimenti sulla vita in esilio, sulle condizioni di vita e di lavoro, sul lavoro femminile, sul movimento per la pace e sulle diseguali opportunità di istruzione per i migranti negli anni Ottanta.

Pinar Öğrenci: La migrazione e la sua rappresentazione sono al centro del lavoro artistico di Pınar Öğrenci (* 1973 a Van, Turchia), che lavora spesso con materiale d'archivio. Il suo approccio multimediale al materiale storico e contemporaneo e la sua attenzione alle biografie personali le permettono di guardare in modo critico alle circostanze e alle decisioni in materia di politica migratoria. Nel suo attuale lavoro per il MK&G, l'artista Musluoğlus esamina il materiale d'archivio della coesistenza tedesco-turco-curda dal 1975 al 1988 - comprese le registrazioni di azioni di protesta, marce per la pace, festival estivi, spettacoli musicali ed eventi sportivi, nonché la vita della sua famiglia. L'autrice reinterpreta la cultura della protesta in Turchia utilizzando le fotografie e i filmati Super 8 di Musluoğlu e li colloca nel contesto delle pratiche di resistenza e solidarietà.

Pınar Öğrenci ha studiato architettura e restauro presso l'Università Tecnica Yıldız di Istanbul ed è emigrata in Germania nel 2018. Ha tenuto la sua prima mostra personale alla Kunsthaus Wien (2017) e le sue opere sono state esposte anche a Documenta quindici (2022), Berlinische Galerie (2023), Biennale di Venezia (2024) e Frac Bretagne (2024). Öğrenci ha anche ricevuto diversi premi: nel 2022 è stata nominata per il Premio Böttcherstraße e nel 2023 ha ricevuto il Premio Villa Romana. Pınar Öğrenci vive a Berlino.

Nuri Musluoğlu: Nuri Musluoğlu (*1951 a Istanbul, Turchia) ha seguito i genitori in Germania nel 1965 e ha completato un apprendistato come attrezzista, lavorando poi come assistente sociale per l'Associazione dei lavoratori. Allo stesso tempo è stato attivo politicamente, anche nei sindacati IG Metall e Verdi e nel movimento per la pace. Insieme ad altri attivisti, ha fondato un centro culturale turco-tedesco a Heilbronn. Oltre alle sue immagini di protesta, scattate in oltre 100 manifestazioni, Musluoğlu documenta anche la coesistenza turco-tedesca, la xenofobia negli spazi pubblici e le condizioni di vita nei centri di accoglienza in filmati Super 8 e registrazioni sonore. Dal 1985, Musluoğlu pubblica foto sotto vari pseudonimi sul settimanale di sinistra per lavoratori e persone in cerca di protezione politica “Türkiye Postası”, pubblicato in Germania. A volte produce anche un programma televisivo che diffonde su cassette VHS. Nuri Musluoğlu vive a Heilbronn e a Bodrum, in Turchia.

As part of the exhibition series “Reconsidering Photography” at the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G), two generations with migration experience in Germany come together: Kurdish artist Pınar Öğrenci was invited to engage with the protest images of German-Turkish amateur photographer Nuri Musluoğlu. In her multimedia installation including materials from Nuri Musluoğlu's photography, video and sound archive, developed especially for the museum, Pınar Öğrenci reflects on the West German labour movement of the 1970s and 80s and on what a migration society means for Germany today. In addition, selected photo spreads and articles from the political journal Arbeiterfotografie, founded in Hamburg in 1973, introduce the historical background for the exhibition and provide insights into a life in exile, living and working conditions, women's work, the peace movement and unequal educational opportunities for migrants in the 1980s.

Pinar Öğrenci: Migration and its representation are at the centre of the artistic practice of Pınar Öğrenci (b. 1973 in Van, Turkey, lives in Berlin). She often works with archival materials and personal biographies, taking a multimedia approach to historical and contemporary materials in order to critically examine the circumstances behind and decisions made on migration policy. Pınar Öğrenci’s site-specific installation is based on documentary footage tracing German-Turkish-Kurdish community life and a number of demonstrations that Nuri Musluoğlu recorded from 1975 to 1988. The images show protest actions, strikes and peace marches, summer festivals, performances by musicians in exile, sport clubs, weddings, and other celebrations as well as life of Musluoğlu’s family and friends. Öğrenci reinterprets protest culture from Turkey by using Musluoğlu’s photos and Super 8 films and puts them in the context of practices of resistance and solidarity.

Pınar Öğrenci studied architecture and conservation at Yıldız Technical University in Istanbul and emigrated to Germany in 2018. She had her first solo show at Kunsthaus Wien (2017) and exhibited her work at venues such as documenta fifteen (2022), Berlinische Galerie (2023), the Venice Biennale (2024) and Frac Bretagne (2024). In 2023 she was awarded the Villa Romana Prize, Florence. Öğrenci was nominated for the Böttcherstrasse Prize in 2022.

Nuri Musluoğlu: Nuri Musluoğlu (b. 1951 in Istanbul, Turkey, lives in Heilbronn and Bodrum) followed his parents to Germany in 1965 and completed an apprenticeship as a toolmaker. Among others, he worked in parallel for the IG Metall and Verdi Trade Union and later as a social worker for the Workers’ Welfare Association. Committed to serving as a mouthpiece for people with a migration background, he co-founded a German-Turkish cultural centre in Heilbronn and was involved in the peace movement. Musluoğlu documented German-Turkish coexistence, xenophobia in public spaces and the conditions in asylum centres by photographing, filming and audio recording over 100 demonstrations in which he himself took part.

Since 1985, Musluoğlu has published his images under various pseudonyms in the left-wing weekly newspaper for workers and political asylum seekers called Türkiye Postası, which is published in Germany.

(Text: Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg)

Alpines Museum der Schweiz
25. Oktober 2024 – 16. August 2026

Grönland. Alles wird anders

Eine neue filmische Ausstellung über Klimawandel und Dekolonialisierung, Overtourism, die Jagd nach Bodenschätzen, Wege zu einer neuen Landwirtschaft, die Zukunft der Jugend und die lebendige grönländische Musikszene.

Rasant schmelzende Eismassen, boomender Tourismus, drei neue Flughäfen im Bau, wachsende Müllberge, globale Investoren auf der Suche nach Bodenschätzen und ein selbstbewusstes Grönland auf dem Weg zu einer indigenen Identität und Unabhängigkeit. Grönlands Wandel ist heftig, ungestüm und widersprüchlich. Doch wie sehen das die Menschen dort? Und was lernen wir daraus über die Welt, in der wir leben? Wie gehen wir mit Dilemmas und Widersprüchen um? Was macht Angst, und wo liegen Chancen? Eine bewegende Filminstallation mit original Grönland-Soundtrack.

Une nouvelle exposition cinématographique sur le changement climatique et la décolonisation, l'overtourism, la chasse aux ressources minières, les voies vers une nouvelle agriculture, l'avenir des jeunes et la scène musicale vivante du Groenland.

Des masses de glace qui fondent à toute vitesse, un tourisme en plein essor, trois nouveaux aéroports en construction, des montagnes de déchets qui ne cessent de croître, des investisseurs mondiaux à la recherche de ressources naturelles et un Groenland sûr de lui, en route vers une identité indigène et l'indépendance. Les changements au Groenland sont violents, impétueux et contradictoires. Mais comment les habitants le perçoivent-ils ? Et qu'est-ce que cela nous apprend sur le monde dans lequel nous vivons ? Comment gérons-nous les dilemmes et les contradictions ? Qu'est-ce qui fait peur et où se trouvent les opportunités ? Une installation cinématographique émouvante avec une bande-son originale du Groenland.

Una nuova rassegna cinematografica sui cambiamenti climatici e la decolonizzazione, l'overtourism, la caccia alle risorse naturali, i percorsi verso una nuova agricoltura, il futuro dei giovani e la vivace scena musicale groenlandese.

Il rapido scioglimento delle masse di ghiaccio, il boom del turismo, tre nuovi aeroporti in costruzione, montagne di rifiuti in crescita, investitori globali alla ricerca di risorse naturali e una Groenlandia sicura di sé, in cammino verso un'identità e un'indipendenza autoctone. Il cambiamento della Groenlandia è violento, impetuoso e contraddittorio. Ma come lo vede la gente del posto? E cosa possiamo imparare da questo sul mondo in cui viviamo? Come affrontiamo i dilemmi e le contraddizioni? Cosa ci spaventa e dove sono le opportunità? Un'installazione cinematografica in movimento con una colonna sonora originale della Groenlandia.

A new cinematic exhibition about climate change and decolonization, overtourism, the race for natural resources, paths to a new agriculture, the future of young people and the vibrant Greenlandic music scene.

Rapidly melting ice masses, booming tourism, three new airports under construction, growing mountains of garbage, global investors looking for natural resources and a self-confident Greenland on the path to an indigenous identity and independence. Greenland's transformation is intense, impetuous and contradictory. But how do the people there see it? And what can we learn about the world we live in? How do we deal with dilemmas and contradictions? What causes fear and where do we see opportunities? A moving film installation with an original Greenlandic soundtrack.

(Text: Alpines Museum der Schweiz, Bern)

Jüdisches Museum Berlin
11. November 2024 – 27. April 2025

Deutsche Juden heute
Leonard Freed

Weniger als 20 Jahre sind seit dem Ab­grund der Schoa ver­gangen, als der ameri­kanisch-jüdische Foto­graf Leonard Freed (1929–2006) Anfang der 1960er-Jahre mehrere Monate durch West­deutschland reist. Mit seiner Kamera möchte er fest­halten, wie deutsche Juden heute leben. Freed ist es ein An­liegen, mit seinen Auf­nahmen der Un­wissen­heit der Deutschen über die un­sicht­bare jüdische Minorität in ihrem Land ent­gegen­zu­wirken. Er foto­grafiert in mehreren jüdischen Ge­mein­den, vor allem in den Gegenden um Frank­furt und Düssel­dorf.

52 seiner Foto­grafien werden 1965 unter dem Titel Deutsche Juden heute publi­ziert und mit Text­beiträgen kombi­niert. Sie nehmen die jüdische Gemein­schaft in den Blick und disku­tieren über das Verhältnis von Juden und Deutschen. Jüdisches Leben ist fragil, es existieren nur wenige kleine Gemein­den, deren Existenz in- und außer­halb Deutsch­lands um­stritten ist. Die Themen aus dem Buch von Freed werden auch in zwei Publikationen verhandelt, die bereits in den Jahren 1963 und 1964 erscheinen: In einer Aus­gabe des Nach­richten-Magazins Der Spiegel mit der Schlag­zeile „Juden in Deutsch­land“ sowie einem von Her­mann Kesten heraus­ge­gebenen Band mit dem Titel ich lebe nicht in der Bundes­republik. Die Frage nach der Mög­lich­keit, als Jüdin oder Jude in Deutsch­land zu leben, prägt eine De­batte, die bis heute an­dauert.

Alle 52 Foto­grafien der Serie von Leonard Freed sind Teil der Museums­samm­lung und wurden von der Witwe des Foto­grafen, Brigitte Freed, an­ge­kauft. Sie wer­den hier zum ersten Mal komplett aus­gestellt.

Moins de 20 ans se sont écoulés depuis l'abîme de la Shoah lorsque le photographe juif américain Leonard Freed (1929-2006) voyage pendant plusieurs mois à travers l'Allemagne de l'Ouest au début des années 1960. Avec son appareil photo, il souhaite immortaliser la manière dont les juifs allemands vivent aujourd'hui. Freed a à cœur de lutter, par ses clichés, contre l'ignorance des Allemands quant à l'invisible minorité juive dans leur pays. Il prend des photos dans plusieurs communautés juives, principalement dans les régions de Francfort et de Düsseldorf.

52 de ses photographies sont publiées en 1965 sous le titre Deutsche Juden heute et combinées avec des textes. Elles portent un regard sur la communauté juive et discutent de la relation entre les Juifs et les Allemands. La vie juive est fragile, il n'existe que quelques petites communautés dont l'existence est contestée en Allemagne et en dehors. Les thèmes abordés dans le livre de Freed sont également traités dans deux publications qui paraissent déjà en 1963 et 1964 : Dans un numéro du magazine d'information Der Spiegel avec pour titre « Juden in Deutschland » (les Juifs en Allemagne) ainsi que dans un volume édité par Hermann Kesten et intitulé ich lebe nicht in der Bundesrepublik (je ne vis pas en République fédérale). La question de la possibilité de vivre en Allemagne en tant que juif marque un débat qui se poursuit encore aujourd'hui.

Les 52 photographies de la série de Leonard Freed font partie de la collection du musée et ont été achetées par la veuve du photographe, Brigitte Freed. Elles sont exposées ici pour la première fois dans leur intégralité.

Erano passati meno di 20 anni dall'abisso della Shoah quando il fotografo americano-ebraico Leonard Freed (1929-2006) viaggiò per diversi mesi nella Germania occidentale all'inizio degli anni Sessanta. Con la sua macchina fotografica, voleva immortalare la vita degli ebrei tedeschi di oggi. Freed voleva usare le sue fotografie per contrastare l'ignoranza dei tedeschi riguardo all'invisibile minoranza ebraica nel loro Paese. Scattò fotografie in diverse comunità ebraiche, soprattutto nelle aree intorno a Francoforte e Düsseldorf.

52 delle sue fotografie sono state pubblicate nel 1965 con il titolo German Jews Today (Ebrei tedeschi oggi), abbinate a contributi testuali. Esse offrono uno sguardo sulla comunità ebraica e discutono il rapporto tra ebrei e tedeschi. La vita ebraica è fragile, esistono solo alcune piccole comunità la cui esistenza è contestata sia all'interno che all'esterno della Germania. I temi del libro di Freed sono trattati anche in due pubblicazioni apparse nel 1963 e nel 1964: In un numero del giornale Der Spiegel con il titolo “Gli ebrei in Germania” e in un volume curato da Hermann Kesten intitolato Ich lebe nicht in der Bundesrepublik. La questione della possibilità di vivere come ebreo in Germania caratterizza un dibattito che continua ancora oggi.

Tutte le 52 fotografie della serie di Leonard Freed fanno parte della collezione del museo e sono state acquistate dalla vedova del fotografo, Brigitte Freed. Vengono esposte per la prima volta nella loro interezza.

Less than 20 years have passed since the abyss of the Shoah when, in the early 1960s, the American-Jewish photographer Leonard Freed (1929–2006) travelled through West Germany for several months. He wanted to use his camera to capture how German Jews live today. Freed was keen to use his photographs to counteract the ignorance of the Germans about the invisible Jewish minority in their country. He took pictures in several Jewish communities, mainly in the areas around Frankfurt and Düsseldorf.

In 1965, 52 of his photographs were published under the title Deutsche Juden heute (German Jews Today) and combined with text contributions. They focus on the Jewish community and discuss the relationship between Jews and Germans. Jewish life is fragile; only a few small communities exist, and their existence is controversial both inside and outside Germany. The topics from Freed's book were also discussed in two publications that appeared in 1963 and 1964: in an issue of the news magazine Der Spiegel with the headline ‘Jews in Germany’ and a volume edited by Hermann Kesten entitled ‘I do not live in the Federal Republic’. The question of whether it is possible for Jews to live in Germany characterises a debate that continues to this day.

All 52 photographs in the series by Leonard Freed are part of the museum's collection and were purchased by the photographer's widow, Brigitte Freed. They are being exhibited in their entirety for the first time here.

(Text: Jüdisches Museum Berlin)

Museo Civico | Bassano del Grappa
16. November 2024 – 21. April 2025

Brassaï. L’occhio di Parigi

Die in Zusammenarbeit mit Silvana Editoriale und dem Nachlass Brassaï Succession realisierte Ausstellung präsentiert fast 200 alte Drucke sowie Skulpturen, Dokumente und Gegenstände aus dem Besitz des Fotografen, um einen umfassenden und noch nie dagewesenen Einblick in das Werk von Brassaï zu geben, mit besonderem Augenmerk auf die berühmten Bilder, die der französischen Hauptstadt und seinem Leben gewidmet sind.

Der gebürtige Ungar - sein richtiger Name war Gyula Halász, den er zu Ehren seiner Heimatstadt Brassó durch das Pseudonym Brassaï ersetzte - und Wahl-Pariser Brassaï (1899-1984) war zusammen mit Cartier-Bresson einer der Väter der Fotografie des 20. Jahrhunderts und schuf Bilder, die noch heute in der kollektiven Vorstellung das Gesicht der Hauptstadt der modernen Kunst, Paris, prägen. Als Maler, Bildhauer und Schriftsteller mit kosmopolitischer Bildung, als vielseitiger Intellektueller, neugieriger, scharfsinniger und sensibler Beobachter widmete sich Brassaï um 1929, d. h. erst nach seinem endgültigen Umzug in die französische Hauptstadt, hauptsächlich der Fotografie.

Mit großer Freude präsentieren wir in den Ausstellungsräumen des Stadtmuseums das Werk eines der größten Fotografen aller Zeiten“, erklärt Nicola Ignazio Finco, Bürgermeister von Bassano del Grappa, “der es wie kaum ein anderer verstand, die Geschichte von Paris in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu erzählen und Bilder zu liefern, die noch heute unverzichtbare visuelle Dokumente für diejenigen darstellen, die die französische Hauptstadt in den Jahren zwischen den beiden Weltkriegen kennenlernen und studieren wollen. Bilder, die noch heute, fast ein Jahrhundert nach ihrer Aufnahme, die ganze Kraft und Unmittelbarkeit echter Dokumente des gelebten und geteilten Lebens bewahren.“

Die Ville Lumière mit ihren Orten und Protagonisten ist Brassaïs Muse: von den Arbeitervierteln bis zu den ikonischen Monumenten der Stadt, von der Welt der Mode bis zu den Porträts seiner Künstler- und Intellektuellenfreunde, von Graffiti bis zum Nachtleben.

„Die Fotografie ist für Brassaï ein geistiger Akt“, sagt Barbara Guidi, Direktorin der Städtischen Museen von Bassano del Grappa. „Sie ist nicht nur eine Art, die Welt zu betrachten, sondern auch das Mittel, um sie zu entdecken, zu verstehen und zu messen. Es ist das Instrument, mit dem Brassaï, um Heidegger zu paraphrasieren, „die Welt bewohnt“. In diesem Geiste nimmt er die städtische Landschaft von Paris bei Tag, aber vor allem bei Nacht in Angriff und wird so zum Pionier der Fotografie 'in Abwesenheit von Licht', eine Praxis, die damals als technisch schwierig galt und mit der er eine unauslöschliche Seite in der Geschichte dieser Kunst markiert: wie Diane Arbus zu ihren Studenten sagte, 'in Brassaï gibt es die Substanz der Dunkelheit'.“

Ebenso außergewöhnlich ist die Bildergalerie der Protagonisten jener legendären Jahre: Schriftsteller, Künstler, Musiker, Persönlichkeiten aus dem Mode- und Showbusiness, aber auch die einfachsten Leute wie Straßenverkäufer und Arbeiter in den Halles, die zusammengenommen ein Chorporträt von poetischer Schönheit ergeben. Bei seinen Spaziergängen beschränkt sich Brassaï nicht auf die Darstellung von Landschaften oder architektonischen Ansichten, sondern wagt sich auch in intimere und engere Innenräume, wo sich die Gesellschaft trifft und vergnügt. Seine Nähe zur surrealistischen Bewegung und seine Freundschaft mit berühmten Künstlern und Schriftstellern wie Dalí, Matisse, Prévert und Picasso öffneten ihm schließlich die Türen zu den intellektuellen Salons und ermöglichten ihm die Teilnahme an dem außergewöhnlichen kulturellen Gärungsprozess, der Paris in jenen unwiederholbaren Jahren erfasste.

Als vielseitiges Genie mit einem vielseitigen Talent - er versuchte sich im Zeichnen, Malen, Bildhauen, aber auch im Schreiben - fand Brassaï in der Fotografie das perfekte Medium, um sich mit der Realität auseinanderzusetzen. Das Objektiv ist ein Filter, der es ihm ermöglicht, die Welt um ihn herum von Konventionen und Gewohnheiten zu reinigen und selbst den banalsten Gegenstand in etwas Überraschendes zu verwandeln: „Wenn alles banal werden kann, kann alles wieder wunderbar werden: Was ist das Banale, wenn nicht das Wunderbare, das durch die Gewohnheit verarmt ist?“, sagt der Künstler.

Seine berühmtesten Bilder, wie die Serie Paris bei Nacht und die Fotos, die die aufkommende Poetik des Surrealismus inspirierten, und die der Graffiti-Serie, die die Poetik des Informalismus und der Art Brut vorwegnahmen, werden von einer Auswahl von Skulpturen, einem Wandteppich, Dokumenten und Objekten aus dem Besitz des Künstlers begleitet, Die Ausstellung besteht aus zehn thematischen Abschnitten, die den Besucher in die kultivierte und geheimnisvolle Atmosphäre der französischen Hauptstadt in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts eintauchen lassen, einem Ziel für Künstler und Intellektuelle, einer „Stadt des Spektakels“, die verführt und verzaubert.

„Die Ausstellung Brassaï. Das Auge von Paris bietet die einmalige Gelegenheit, sowohl das meisterhafte Werk eines der bedeutendsten Künstler des letzten Jahrhunderts kennenzulernen, als auch eine echte Reise durch Zeit und Raum zu unternehmen und in die authentischsten Atmosphären von Paris in der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts einzutauchen“, erklärt Giada Pontarollo, Kulturstadträtin von Bassano del Grappa. „Nach ihrem Debüt im renommierten Palazzo Reale in Mailand, das jedoch in Bezug auf den Rundgang und die Erzählung völlig neu gestaltet wurde, findet die Ausstellung nun in unserem Stadtmuseum, das bereits ein Bezugspunkt für wichtige Fotoausstellungen von internationaler Bedeutung ist, den bevorzugten Ort, um dem Publikum die Möglichkeit zu geben, sich einem neuen, wichtigen Kapitel in der Geschichte der Fotografie durch das Werk eines ihrer größten Protagonisten zu nähern und zu vertiefen“.

Die Ausstellung Brassaï. Das Auge von Paris wird von der Region Venetien gesponsert. Medienpartner sind Il Giornale di Vicenza und Rete Veneta.

Réalisée en collaboration avec Silvana Editoriale et la Succession Brassaï, l'exposition présentera près de 200 tirages vintage, ainsi que des sculptures, des documents et des objets ayant appartenu au photographe, pour une découverte approfondie et inédite de l'œuvre de Brassaï, avec un accent particulier sur les célèbres images consacrées à la capitale française et à sa vie.

Hongrois de naissance - son vrai nom était Gyula Halász, remplacé par le pseudonyme Brassaï en l'honneur de Brassó, sa ville natale - mais parisien d'adoption, Brassaï (1899-1984) fut, avec Cartier-Bresson, l'un des pères de la photographie du XXe siècle, auteur d'images qui, aujourd'hui encore, identifient dans l'imaginaire collectif le visage de la capitale de l'art moderne, Paris. Peintre, sculpteur, écrivain à l'éducation cosmopolite, intellectuel complet, observateur curieux, aigu et sensible, Brassaï a choisi de se consacrer principalement à la photographie vers 1929, c'est-à-dire seulement après son installation définitive dans la capitale française.

C'est avec grand plaisir que nous présentons dans les espaces d'exposition du Musée Civique l'œuvre d'un des plus grands photographes de tous les temps », déclare Nicola Ignazio Finco, maire de Bassano del Grappa, »qui a su comme peu d'autres raconter l'histoire de Paris dans la première moitié du XXe siècle, en transmettant des images qui constituent encore aujourd'hui des documents visuels indispensables pour ceux qui veulent connaître et étudier la capitale française dans les années de l'entre-deux-guerres. Des images qui conservent encore aujourd'hui, près d'un siècle après leur création, toute la force et l'immédiateté de véritables documents d'une vie vécue et profondément participée ».

La Ville Lumière, avec ses lieux et ses protagonistes, est la muse de Brassaï : des quartiers populaires aux monuments emblématiques de la ville, du monde de la mode aux portraits de ses amis artistes et intellectuels, en passant par le graffiti et la vie nocturne.

« Pour Brassaï, la photographie est un acte mental », explique Barbara Guidi, directrice des musées civiques de Bassano del Grappa. « Ce n'est pas seulement une façon de regarder le monde, mais le moyen par lequel, ou à travers lequel, on le découvre, on le comprend et on le mesure. C'est l'instrument avec lequel, pour paraphraser Heidegger, Brassaï « habite le monde ». C'est dans cet esprit qu'il aborde le paysage urbain de Paris de jour mais surtout de nuit, devenant un pionnier de la photographie « en l'absence de lumière », une pratique alors considérée comme techniquement ardue et avec laquelle il marque une page indélébile dans l'histoire de cet art : comme Diane Arbus le disait à ses étudiants, « il y a chez Brassaï la substance même de l'obscurité ».

Tout aussi extraordinaire est la galerie d'images des protagonistes de ces années légendaires : écrivains, artistes, musiciens, personnalités de la mode et du show-business, mais aussi les plus humbles, comme les vendeurs de rue et les ouvriers des Halles qui, vus ensemble, composent un portrait choral d'une beauté poétique. Dans ses promenades, Brassaï ne se contente pas de représenter le paysage ou les vues architecturales, mais s'aventure aussi dans des espaces intérieurs plus intimes et confinés, là où la société se rencontre et s'amuse. Sa proximité avec le mouvement surréaliste et son amitié avec des artistes et des écrivains célèbres tels que Dalí, Matisse, Prévert et Picasso lui ont finalement ouvert les portes des salons intellectuels, lui permettant de participer à l'extraordinaire ferment culturel qui a balayé Paris en ces années sans précédent.

Génie aux talents multiples - il s'est essayé au dessin, à la peinture, à la sculpture mais aussi à l'écriture - Brassaï a trouvé dans la photographie le moyen idéal pour se confronter à la réalité. L'objectif est un filtre qui lui permet de purifier le monde qui l'entoure des conventions et des coutumes, transformant l'objet le plus banal en quelque chose de surprenant : « Si tout peut devenir banal, tout peut redevenir merveilleux : qu'est-ce que le banal sinon le merveilleux appauvri par l'habitude », dit l'artiste.

Ses images les plus célèbres, comme la série Paris la nuit et les photos qui ont inspiré la poétique naissante du surréalisme, et celles de la série Graffiti qui préfigurent la poétique de l'informel et de l'art brut, accompagnées d'une sélection de sculptures, d'une tapisserie, de documents et d'objets ayant appartenu à l'artiste, s'articuleront dans un parcours d'exposition qui se veut surprenant, s'articulera dans un parcours d'exposition en dix sections thématiques qui plongeront le visiteur dans les atmosphères sophistiquées et mystérieuses de la capitale française de la première moitié du XXe siècle, une destination pour les artistes et les intellectuels, une « ville spectacle » qui séduit et enchante.

« L'exposition Brassaï. L'œil de Paris offre une occasion unique de connaître à la fois l'œuvre magistrale de l'un des artistes les plus importants du siècle dernier et de faire un véritable voyage dans le temps et dans l'espace, en se plongeant dans les atmosphères les plus authentiques du Paris de la première moitié du XXe siècle », déclare Giada Pontarollo, conseillère à la culture de Bassano del Grappa. « Après ses débuts dans la prestigieuse salle du Palazzo Reale de Milan, mais complètement repensée dans son parcours et sa narration, et avec la présence d'œuvres inédites, l'exposition trouve maintenant dans notre Musée Civique, déjà point de référence pour d'importantes expositions photographiques de portée internationale, le lieu privilégié pour permettre au grand public d'aborder et de plonger dans un nouveau chapitre important de l'histoire de la photographie à travers l'œuvre de l'un de ses plus grands protagonistes. »

L'exposition Brassaï. L'œil de Paris est parrainée par la région de Vénétie. Partenaire média Il Giornale di Vicenza et Rete Veneta.

Realizzata in collaborazione con Silvana Editoriale e con l’Estate Brassaï Succession, la mostra presenterà quasi 200 stampe d’epoca, oltre a sculture, documenti e oggetti appartenuti al fotografo, per un approfondito e inedito sguardo sull’opera di Brassaï, con particolare attenzione alle celebri immagini dedicate alla capitale francese e alla sua vita.

Ungherese di nascita - il suo vero nome è Gyula Halász, sostituito dallo pseudonimo Brassaï in onore di Brassó, sua città natale - ma parigino d’adozione, Brassaï (1899-1984) è stato assieme a Cartier-Bresson uno dei padri della fotografia del Novecento, autore di immagini che tutt’oggi identificano nell’immaginario collettivo il volto della capitale dell’arte moderna, Parigi. Pittore, scultore, scrittore dalla formazione cosmopolita, intellettuale a tutto tondo, osservatore curioso, acuto e sensibile, Brassaï sceglie di dedicarsi principalmente alla fotografia attorno al 1929, ovvero solo dopo il suo definitivo trasferimento nella capitale francese.

“È con grande piacere che presentiamo negli spazi espositivi del Museo Civico l’opera di uno dei più grandi fotografi di tutti i tempi - dichiara Nicola Ignazio Finco, Sindaco di Bassano del Grappa - che ha saputo raccontare la Parigi della prima metà del Novecento come pochi altri, consegnandoci immagini che ancora oggi costituiscono dei documenti visivi imprescindibili per chi voglia conoscere e studiare la capitale francese negli anni compresi tra le due guerre mondiali. Immagini che ancora oggi, a distanza di quasi un secolo dalla loro realizzazione, conservano intatta tutta la forza e l’immediatezza di veri documenti di vita vissuta e profondamente partecipata.”

La Ville Lumière, con i suoi luoghi e i suoi protagonisti è la musa ispiratrice di Brassaï: dai quartieri operai ai monumenti simbolo della città, dal mondo della moda ai ritratti degli amici artisti e intellettuali, fino ai graffiti e alla vita notturna.

“La fotografia è per Brassaï un atto mentale” afferma Barbara Guidi, Direttrice dei Musei Civici di Bassano del Grappa. “Essa è non solo un modo per guardare il mondo bensì il mezzo con il quale, o attraverso il quale, scoprirlo, comprenderlo e misurarlo. È lo strumento con cui, parafrasando Heidegger, Brassaï “abita il mondo”. Con questo spirito affronta il paesaggio urbano diurno ma soprattutto notturno di Parigi, divenendo pioniere della fotografia “in assenza di luce”, una pratica allora ritenuta tecnicamente ardua e con cui segna una pagina indelebile della storia di quest’arte: come diceva Diane Arbus ai suoi allievi, “in Brassaï c’è la sostanza stessa dell’oscurità”.”

Altrettanto straordinaria è la galleria di immagini dei protagonisti di quegli anni leggendari: scrittori, artisti, musicisti, personaggi del mondo della moda e dello spettacolo, ma anche le persone più umili, come i venditori ambulanti e i lavoratori delle Halles che, visti assieme, compongono un ritratto corale di poetica bellezza. Nelle sue passeggiate, Brassaï non si limita alla rappresentazione del paesaggio o alle vedute architettoniche, ma si avventura anche in spazi interni più intimi e confinati, dove la società si incontra e si diverte. La vicinanza al movimento surrealista e l’amicizia con artisti e scrittori celebri come Dalí, Matisse, Prévert e Picasso gli apre infine le porte dei salotti intellettuali, permettendogli di partecipare allo straordinario fermento culturale che investì Parigi in quegli anni irripetibili.

Genio poliedrico dal multiforme talento - si è cimentato con il disegno, la pittura, la scultura ma anche con la scrittura - Brassaï trova nella fotografia il mezzo perfetto con cui affrontare il reale. L’obiettivo è un filtro che gli permette di depurare il mondo che lo circonda dalle convenzioni e dalle consuetudini, trasformando anche l’oggetto più banale in qualcosa di sorprendente: “Se tutto può diventare banale, tutto può ridiventare meraviglioso: che cos’è il banale se non il meraviglioso impoverito dall’abitudine?” afferma infatti l’artista.

Le sue più celebri immagini, come la serie Parigi di notte e le foto che hanno ispirato la nascente poetica del Surrealismo e quelle della serie Graffiti che hanno precorso la poetica dell’Informale e dell’Art Brut, accompagnate da una selezione di sculture, un arazzo, documenti e oggetti appartenuti all’artista, si articoleranno in un percorso espositivo di dieci sezioni tematiche che immergeranno il visitatore nelle sofisticate e misteriose atmosfere della capitale francese della prima metà del Novecento, meta di artisti e intellettuali, “città spettacolo” che seduce e rapisce.

“La mostra Brassaï. L’occhio di Parigi offre l’occasione unica di conoscere tanto l’opera magistrale di uno dei più importanti artisti del secolo scorso, quanto di compiere un vero e proprio viaggio nel tempo e nello spazio, immergendosi nelle atmosfere più autentiche della Parigi della prima metà del Novecento” dichiara Giada Pontarollo, Assessore alla Cultura di Bassano del Grappa. “Dopo il debutto nella prestigiosa sede di Palazzo Reale a Milano, ma completamente ridisegnata nel percorso e nel racconto, e con la presenza di opere inedite, la mostra trova oggi nel nostro Museo Civico, già punto di riferimento per importanti mostre fotografiche di rilievo internazionale, il luogo prediletto per consentire al grande pubblico di accostarsi e approfondire un nuovo, importante capitolo della storia della fotografia attraverso l’opera di uno dei suoi massimi protagonisti.”

La mostra Brassaï. L’occhio di Parigi è patrocinata dalla Regione del Veneto. Media Partner Il Giornale di Vicenza e Rete Veneta.

Realised in collaboration with Silvana Editoriale and the Estate Brassaï Succession, the exhibition will present almost 200 vintage prints, as well as sculptures, documents and objects that belonged to the photographer, for an in-depth and unprecedented look at Brassaï's work, with a special focus on the famous images dedicated to the French capital and his life.

Hungarian by birth - his real name was Gyula Halász, replaced by the pseudonym Brassaï in honour of Brassó, his hometown - but Parisian by adoption, Brassaï (1899-1984) was, together with Cartier-Bresson, one of the fathers of 20th-century photography, the author of images that still today identify in the collective imagination the face of the capital of modern art, Paris. Painter, sculptor, writer with a cosmopolitan education, all-round intellectual, curious, acute and sensitive observer, Brassaï chose to devote himself mainly to photography around 1929, i.e. only after his definitive move to the French capital.

It is with great pleasure that we present in the exhibition spaces of the Civic Museum the work of one of the greatest photographers of all time,’ declares Nicola Ignazio Finco, Mayor of Bassano del Grappa, ’who knew how to tell the story of Paris in the first half of the 20th century like few others, handing over images that still today constitute indispensable visual documents for those who want to know and study the French capital in the years between the two world wars. Images that still today, almost a century after their creation, preserve intact all the force and immediacy of true documents of lived and deeply participated life.’

The Ville Lumière, with its places and protagonists, is Brassaï's muse: from the working-class neighbourhoods to the city's iconic monuments, from the world of fashion to portraits of his artist and intellectual friends, to graffiti and nightlife.

‘Photography is for Brassaï a mental act,’ says Barbara Guidi, Director of the Civic Museums of Bassano del Grappa. ‘It is not only a way of looking at the world but the means by which, or through which, to discover, understand and measure it. It is the instrument with which, to paraphrase Heidegger, Brassaï ‘inhabits the world’. It is with this spirit that he tackles the urban landscape of Paris by day but above all by night, becoming a pioneer of photography ‘in the absence of light’, a practice then considered technically arduous and with which he marks an indelible page in the history of this art: as Diane Arbus said to her students, ‘in Brassaï there is the very substance of darkness’.’

Equally extraordinary is the gallery of images of the protagonists of those legendary years: writers, artists, musicians, fashion and show business personalities, but also the humblest people, such as street vendors and workers in the Halles who, seen together, compose a choral portrait of poetic beauty. In his walks, Brassaï does not limit himself to depicting the landscape or architectural views, but also ventures into more intimate and confined interior spaces, where society meets and enjoys itself. His proximity to the Surrealist movement and his friendship with famous artists and writers such as Dalí, Matisse, Prévert and Picasso finally opened the doors of the intellectual salons, allowing him to participate in the extraordinary cultural ferment that swept through Paris in those unrepeatable years.

A multifaceted genius with a multifaceted talent - he tried his hand at drawing, painting, sculpture but also at writing - Brassaï found in photography the perfect medium with which to confront reality. The lens is a filter that allows him to purify the world around him of conventions and customs, transforming even the most banal object into something surprising: ‘If everything can become banal, everything can become marvellous again: what is the banal if not the marvellous impoverished by habit?’ says the artist.

His most famous images, such as the Paris by Night series and the photos that inspired the nascent poetics of Surrealism, and those of the Graffiti series that foreshadowed the poetics of Informalism and Art Brut, accompanied by a selection of sculptures, a tapestry, documents and objects that belonged to the artist, will be articulated in an exhibition itinerary of ten thematic sections that will immerse the visitor in the sophisticated and mysterious atmospheres of the French capital in the first half of the 20th century, a destination for artists and intellectuals, a ‘city of spectacle’ that seduces and enraptures.

‘The exhibition Brassaï. The eye of Paris offers a unique opportunity to get to know both the masterful work of one of the most important artists of the last century, and to take a real journey through time and space, immersing oneself in the most authentic atmospheres of Paris in the first half of the twentieth century,’ declares Giada Pontarollo, Bassano del Grappa's Councillor for Culture. ‘After its debut in the prestigious venue of Palazzo Reale in Milan, but completely redesigned in its itinerary and narrative, and with the presence of previously unpublished works, the exhibition now finds in our Civic Museum, already a point of reference for important photographic exhibitions of international importance, the preferred place to allow the general public to approach and delve into a new, important chapter in the history of photography through the work of one of its greatest protagonists.’

The exhibition Brassaï. The eye of Paris is sponsored by the Veneto Region. Media Partner Il Giornale di Vicenza and Rete Veneta.

(Text: Museo Civico, Bassano del Grappa)

Paci contemporary gallery | Brescia
30. November 2024 – 30. März 2025

THINK WHILE YOU SHOOT
Martin Munkacsi

Das Projekt wurde für den Standort der Galerie in Brescia konzipiert, einem großen, der Fotografie gewidmeten Raum, und in Zusammenarbeit mit der Howard Greenberg Gallery in New York und dem Martin Munkacsi Estate (NY) realisiert.

Martin Munkacsi war einer der berühmtesten Fotografen der Welt. Seine dynamischen Fotografien von Sport, Berühmtheiten, Politik und Straßenleben in den späten 1920er und 1930er Jahren entstanden in einem neuen, freien Stil, der die Geschwindigkeit und Bewegung der modernen Ära einfing.

Als junger Fotojournalist fotografierte er vor allem Sportereignisse und arbeitete Ende der 1920er Jahre in Berlin mit László Moholy-Nagy und Ernő Friedmann (der später als Robert Capa berühmt wurde) für innovative Zeitschriften auf dem aufstrebenden deutschen Markt. Nach den Ereignissen von 1933 verließ er Deutschland.

Ein Vertrag mit Carmel Snow, der Herausgeberin von Harper's Bazaar, führte ihn nach New York, wo er vor allem mit Modefotografie zu Ruhm und Reichtum gelangte.

Sein dynamischer Stil inspirierte alle nachfolgenden Fotografen, darunter Richard Avedon, der sich schon früh als Bewunderer des ungarischen Fotografen bezeichnete: „Wir sind alle kleine Munkacsi“, sagte er, und Cartier-Bresson, der in seinen Fotos jenen spontan eingefangenen Moment sah, den auch er immer wieder einzufangen versuchte.

Gezeigt werden mehr als 80 Werke, berühmte und mehrfach veröffentlichte Aufnahmen, die hauptsächlich aus dem Nachlass von Martin Munkacsi stammen und die Ausstellung im Paci contemporary zu einer der größten europäischen Anthologie-Ausstellungen machen, die dem ungarischen Meister je gewidmet wurde.

Die Ausstellung wird von einem Sammelband begleitet, der von Dario Cimorelli Editore herausgegeben wird, mit einer Einführung von Howard Greenberg und kritischen Texten von Andrea Tinterri und Karoly Kinces.

Le projet a été conçu pour la galerie de Brescia, un grand espace dédié à la photographie, et réalisé en collaboration avec la Howard Greenberg Gallery de New York et la Martin Munkacsi Estate (NY).

Martin Munkacsi était l'un des photographes les plus célèbres au monde. Ses photographies dynamiques du sport, des célébrités, de la politique et de la vie de la rue à la fin des années 1920 et dans les années 1930 ont été réalisées dans un nouveau style libre qui capturait la vitesse et le mouvement de l'ère moderne.

En tant que jeune photojournaliste, il a principalement photographié des événements sportifs et, à la fin des années 1920, il a travaillé à Berlin avec László Moholy-Nagy et Ernő Friedmann (qui est devenu plus tard célèbre sous le nom de Robert Capa), pour des magazines novateurs sur le marché allemand en plein essor. Après les événements de 1933, il quitte l'Allemagne.

Un contrat avec Carmel Snow, l'éditeur de Harper's Bazaar, l'a conduit à New York, où il a acquis sa renommée et sa fortune principalement grâce à la photographie de mode.

Son style dynamique a inspiré tous les photographes à venir, y compris Richard Avedon, qui s'est déclaré très tôt admirateur du photographe hongrois : « Nous sommes tous des petits Munkacsi », disait-il, et Cartier-Bresson, qui voyait dans ses photographies cet instant saisi au vol qu'il essaierait toujours de capturer lui aussi.

Plus de 80 œuvres, clichés célèbres et multi-publiés, provenant principalement de la succession Martin Munkacsi, sont exposés, faisant de l'exposition à Paci contemporary l'une des plus grandes expositions anthologiques européennes jamais consacrées au maître hongrois.

L'exposition est accompagnée d'un volume anthologique publié par Dario Cimorelli Editore, avec une introduction de Howard Greenberg et des textes critiques d'Andrea Tinterri et de Karoly Kinces.

Il progetto è stato pensato per la sede bresciana della galleria, un grande spazio dedicato alla fotografia, e realizzata in collaborazione con la galleria Howard Greenberg di New York e con l’Estate Martin Munkacsi (NY).

Martin Munkacsi è stato uno dei fotografi più famosi al mondo. Le sue fotografie dinamiche di sport, personaggi dello spettacolo, politica e vita di strada tra la fine degli anni Venti e gli anni Trenta erano realizzate in un nuovo stile libero che catturava la velocità ed il movimento dell'era moderna.

Come giovane fotoreporter, fotografò soprattutto eventi sportivi e, alla fine degli anni Venti, lavorò a Berlino con László Moholy-Nagy ed Ernő Friedmann (che in seguito divenne famoso come Robert Capa), per riviste innovative del fiorente mercato tedesco. Dopo gli eventi del 1933 lasciò la Germania.

Un contratto da Carmel Snow, l'editore di Harper's Bazaar, lo condusse poi a New York, dove fece fama e fortuna soprattutto con la fotografia di moda.

Il suo stile dinamico fu di ispirazione per tutti i fotografi a divenire, tra cui Richard Avedon, che si dichiarò ammiratore del fotografo ungherese sin da ragazzo, “Siamo tutti dei piccoli Munkacsi” disse, e per Cartier-Bresson che vide nelle sue fotografie quell’attimo colto al volo che anche lui cercherà sempre di fermare.

In esposizione più di 80 opere, scatti celeberrimi e pluripubblicati, provenienti principalmente dall’Estate Martin Munkacsi, che fanno della mostra alla Paci contemporary una delle più grandi antologiche europee mai dedicate al maestro ungherese.

La mostra è accompagnata da un volume antologico edito da Dario Cimorelli Editore, con un’introduzione di Howard Greenberg e testi critici di Andrea Tinterri e Karoly Kinces.

The project was designed for the gallery's Brescia location, a large space dedicated to photography, and realized in collaboration with the Howard Greenberg Gallery in New York and the Martin Munkacsi Estate (NY).

Martin Munkacsi was one of the world's most famous photographers. His dynamic photographs of sports, entertainment figures, politics and street life in the late 1920s and 1930s were made in a new free style that captured the speed and movement of the modern era.

As a young photojournalist, he photographed mainly sporting events and, in the late 1920s, worked in Berlin with László Moholy-Nagy and Ernő Friedmann (who later became famous as Robert Capa), for innovative magazines in the burgeoning German market. After the events of 1933 he left Germany.

A contract from Carmel Snow, the publisher of Harper's Bazaar, then led him to New York, where he made his fame and fortune primarily with fashion photography.

His dynamic style was an inspiration to all the photographers to come, including Richard Avedon, who declared himself an admirer of the Hungarian photographer even as a boy, “We are all little Munkacsi,” he said, and to Cartier-Bresson, who saw in his photographs that moment caught on the fly that he, too, would always try to stop.

On display are more than 80 works, celebrated and multi-published shots mainly from the Martin Munkacsi Estate, making the exhibition at Paci contemporary one of the largest European anthological shows ever devoted to the Hungarian master.

The exhibition is accompanied by an anthology volume published by Dario Cimorelli Editore, with an introduction by Howard Greenberg and critical texts by Andrea Tinterri and Karoly Kinces.

(Text: Paci contemporary gallery, Brescia)

Deichtorhallen | Hamburg
13. Dezember 2024 – 4. Mai 2025

High Noon
Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe, Philip-Lorca diCorcia

Ausgehend vom Studium der Fotografie an der School of the Museum of Fine Arts in Boston Ende der 1970er und Anfang der 1980er Jahre nehmen die vier Fotograf*innen Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe und Philip-Lorca diCorcia im politischen Fluidum der Ära Ronald Reagan ihre Arbeit auf. Goldin, Armstrong und Morrisroe sind miteinander befreundet und konzentrieren sich auf die fotografische Erkundung der subkulturellen Bohème in Boston und New York, deren fester Bestandteil sie sind.

Kamera, persönliche Perspektive und autobiografische Aspekte verschmelzen miteinander und prägen drei unverwechselbare, in Auffassung und Stilistik allerdings komplett unterschiedliche visuelle Identitäten, die die Fotografie revolutioniert haben und mit Macht bis in die aktuelle Gegenwart nachwirken. Gefangen zwischen Instabilität und Fragilität, dabei beständig auf der Suche nach sich selbst, zeigen sie Lust und Schrecken ihrer Peergroup und eröffnen intensive Einblicke in ihre emotionalen und sozialen Welten. Tagebuchartig prallen fotografische Sequenzen von Zuneigung, Freundschaft, Liebe, Sex und Lebendigkeit mit Einsamkeit, Gewalt, Sucht, Aids, Verfall und Tod aufeinander.

Philip-Lorca diCorcia, der sich sehr bewusst von den drei Fotograf*innen distanziert, beginnt damit, alltägliche Szenen mit Verwandten und Freunden künstlich nachzustellen, raffiniert auszuleuchten und zu fotografieren und konzipiert auf diese Weise zunächst ideale Archetypen. Basis seiner Arbeit ist stets ein genau definierter konzeptueller Ansatz, der bewusst mit dem fotografischen Medium als möglichem Dokument spielt.

Die von Dr. Sabine Schnakenberg kuratierte Schau in den Hamburger Deichtorhallen präsentiert das wohl umfangreichste zeitlich wie inhaltlich zusammenhängende Konvolut künstlerischer Arbeiten, das der Sammler F.C. Gundlach in den 1990er Jahren kontinuierlich dem Bestand seiner fotografischen Sammlung hinzufügte. Gezeigt werden etwa 150 zum Teil großformatige Arbeiten. Fasziniert von Inhalt, Intimität, Expressivität und persönlicher Herangehensweise verband F.C. Gundlach besonders zu Nan Goldin eine persönliche Beziehung – er förderte sie ab dem Beginn der 1990er Jahre sehr gezielt.

Partant de leurs études de photographie à la School of the Museum of Fine Arts de Boston à la fin des années 1970 et au début des années 1980, les quatre photographes* Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe et Philip-Lorca diCorcia commencent leur travail dans le fluide politique de l'ère Ronald Reagan. Goldin, Armstrong et Morrisroe sont des amis et se concentrent sur l'exploration de l'espace public. l'exploration photographique de la bohème subculturelle de Boston et de New York, dont ils font partie intégrante.

L'appareil photo, la perspective personnelle et les aspects autobiographiques fusionnent pour former trois identités visuelles distinctes, bien que complètement différentes en termes de conception et de style, qui ont révolutionné la photographie et dont les effets se font sentir jusqu'à aujourd'hui. Pris entre instabilité et fragilité, ils sont constamment à la recherche d'eux-mêmes, montrent le plaisir et l'horreur de leur groupe de pairs et ouvrent des perspectives intenses dans leurs mondes émotionnels et sociaux. À la manière d'un journal intime, des séquences photographiques d'affection, d'amitié, d'amour, de sexe et de vitalité entrent en collision avec la solitude, la violence, la dépendance, le sida, la déchéance et la mort.

Philip-Lorca diCorcia, qui se distancie très consciemment des trois photographes*, commence par reproduire artificiellement des scènes quotidiennes avec des parents et des amis, à les éclairer et à les photographier de manière raffinée, et conçoit de cette manière des archétypes idéaux. La base de son travail est toujours une approche conceptuelle bien définie, qui joue délibérément avec le médium photographique comme document possible.

L'exposition organisée par Dr. Sabine Schnakenberg aux Deichtorhallen de Hambourg présente le plus grand ensemble de travaux artistiques, cohérent dans le temps et dans le contenu, que le collectionneur F.C. Gundlach a ajouté en permanence à sa collection de photographies dans les années 1990. Environ 150 œuvres, dont certaines de grand format, sont présentées. Fasciné par le contenu, l'intimité, l'expressivité et l'approche personnelle, F.C. Gundlach entretenait une relation personnelle avec Nan Goldin, qu'il a encouragée de manière très ciblée dès le début des années 1990.

Dopo aver studiato fotografia alla School of the Museum of Fine Arts di Boston tra la fine degli anni '70 e l'inizio degli anni '80, i quattro fotografi Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe e Philip-Lorca diCorcia hanno iniziato il loro lavoro nel fluido politico dell'era di Ronald Reagan. Goldin, Armstrong e Morrisroe sono amici tra loro e si concentrano sull'esplorazione fotografica della sottocultura esplorazione fotografica della bohème subculturale di Boston e New York, di cui sono parte integrante.

La macchina fotografica, la prospettiva personale e gli aspetti autobiografici si fondono insieme e danno forma a tre identità visive inconfondibili, sebbene completamente diverse per concezione e stile, che hanno rivoluzionato la fotografia e continuano ad avere un effetto potente fino ai giorni nostri. In bilico tra instabilità e fragilità, alla costante ricerca di se stessi, mostrano il piacere e l'orrore del loro gruppo di coetanei e aprono intensi squarci sul loro mondo emotivo e sociale. Come diari, le sequenze fotografiche di affetto, amicizia, amore, sesso e vivacità si scontrano con la solitudine, la violenza, la dipendenza, l'AIDS, la decadenza e la morte.

Philip-Lorca diCorcia, che prende consapevolmente le distanze dai tre fotografi, inizia ricreando artificialmente scene quotidiane con parenti e amici, illuminandole e fotografandole in modo ingegnoso, creando così inizialmente degli archetipi ideali. Il suo lavoro si basa sempre su un approccio concettuale ben definito che gioca consapevolmente con il mezzo fotografico come possibile documento.

Curata dalla dott.ssa Sabine Schnakenberg, la mostra al Deichtorhallen di Amburgo presenta quella che probabilmente è la più ampia raccolta di opere artistiche, sia in termini di tempo che di contenuto, che il collezionista F.C. Gundlach ha continuamente aggiunto alla sua collezione fotografica negli anni Novanta. Sono esposte circa 150 opere, alcune delle quali di grande formato. Affascinato dal contenuto, dall'intimità, dall'espressività e dall'approccio personale, F.C. Gundlach ha avuto un rapporto personale in particolare con Nan Goldin, che ha promosso in modo molto specifico a partire dai primi anni Novanta.

Having studyied photography at the School of the Museum of Fine Arts in Boston in the late 1970s and early 1980s, the four photographers Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe and Philip-Lorca diCorcia began their work in the political climate of the Ronald Reagan era. Goldin, Armstrong and Morrisroe are friends and concentrate on the photographic exploration of the subcultural bohemia in Boston and New York, of which they are an integral part.

The camera, personal perspective and autobiographical aspects merge together and shape three unmistakable visual identities, albeit completely different in conception and style, which have revolutionized photography and continue to have a powerful effect right up to the present day. Caught between instability and fragility, constantly in search of themselves, they show the pleasure and horror of their peer group and open up intense insights into their emotional and social worlds. Like diaries, photographic sequences of affection, friendship, love, sex and liveliness collide with

loneliness, violence, addiction, AIDS, decay and death.

Philip-Lorca diCorcia, who very consciously distances himself from the three photographers, begins by artificially recreating everyday scenes with relatives and friends, ingeniously illuminating and photographing them, initially conceiving ideal archetypes in this way. His work is always based on a precisely defined conceptual approach that consciously plays with the photographic medium as a possible document.

Curated by Dr. Sabine Schnakenberg, the show at Deichtorhallen Hamburg presents what is probably the most comprehensive collection of artistic works, both in terms of time and content, that the collector F.C. Gundlach continuously added to his photographic collection in the 1990s. On display are around 150 works, some of which are large-format. Fascinated by the content, intimacy, expressiveness and personal approach, F.C. Gundlach particularly had a personal relationship with Nan Goldin - from the early 1990s onwards, he supported her very specifically.

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

Landesmuseum Zürich
20. Dezember 2024 – 21. April 2024

Konsumwelten. Alltägliches im Fokus

Ob auf Märkten, an der Haustür, im Warenhaus oder online: Wo und wie wir einkaufen, hat sich in den letzten 170 Jahren stark verändert. Und auch was und wie wir konsumieren, wandelt sich ständig. Davon zeugen unterschiedlichste Fotografien ebenso wie grafische Erzeugnisse vom Plakat bis zur Einkaufstasche. Die Ausstellung im Landesmuseum Zürich zeigt eine vielschichtige und abwechslungsreiche Bildwelt mitten aus dem Alltag.

Der erste Teil der Ausstellung nimmt die Geschichte der wichtigsten Verkaufsorte in den Blick. Diese haben sich ab Mitte des 19. Jahrhunderts im Zuge wirtschaftlicher und gesellschaftlicher Entwicklungen von der Industrialisierung bis zur Digitalisierung vervielfältigt. Zu Märkten und dem Strassen- und Hausierhandel gesellten sich im Laufe der Zeit Läden, Grossverteiler, Warenhäuser, Einkaufszentren und Onlineshops. Foto- und Grafikobjekte bezeugen deren je eigenen Charakter sowie historische Aspekte des Detailhandels. Dazu gehören zum Beispiel die Einführung der Selbstbedienung, die Präsentation von Produkten in Schaufenstern, die Werbung oder das Einkaufen als Freizeiterlebnis.

Ein Herzstück der Ausstellung ist ein Kiosk, der schon zu Beginn des 20. Jahrhunderts am Viale Francesco Balli in Locarno stand. Lange Zeit ein klassischer Kiosk mit Zeitungen, Süssigkeiten und Zigaretten, erweiterte sich sein Angebot ab Ende der 1990er-Jahre um abenteuerliche Outdoor-Aktivitäten und Computer mit Internetzugang. Wie das Sortiment hat sich auch das Erscheinungsbild des Kiosks im Laufe der Jahre verändert. Immer neue Anstriche sowie bunte Werbetafeln und -aufkleber verliehen dem für die Ausstellung aufwändig restaurierten Kiosk sein unverwechselbares Aussehen und machen ihn zu einem vielschichtigen Zeugen für Alltags- und Konsumkultur.

Was gekauft wird, will auch konsumiert werden. Und so beschäftigt sich die Ausstellung im zweiten Teil mit Konsummomenten, die in Fotografie und Grafik dokumentiert und idealisiert worden sind. Essen, Trinken, Autofahren, Reisen, Fernsehen und das Befolgen von Moden spiegeln nicht nur Grundbedürfnisse, sondern gesellschaftliche Trends sowie das Streben nach Wohlergehen, Status oder Identität.

Eine Diashow mit Ferienbildern des Ehepaars Yvonne und Jakob Hohl-Galbiati steht in diesem Teil der Ausstellung beispielhaft für den zunehmenden Wohlstand ab 1950. Wie viele andere Schweizerinnen und Schweizer konnten es sich die Reiseleiterin und der Versicherungsinspektor in den 1960er-Jahren leisten, regelmässig ins Ausland zu verreisen – nicht zuletzt dank einem wachsenden Angebot an erschwinglichen Flugreisen sowie bezahltem Urlaub. Die Fotos zeigen das Ehepaar auf Kreuzfahrten, beim Sightseeing oder beim entspannten Sonnenbaden am Meer. Die Bilder liessen sich an Dia-Abenden gemeinsam mit Familie und Freunden anschauen und bezeugen die Suche nach Abwechslung und Erholung sowie ein stark ansteigendes Reisefieber.

Die Ausstellung schöpft aus den Sammlungsbeständen des Schweizerischen Nationalmuseums und gibt mit einer reichen Auswahl an Bildern, Objekten und Geschichten vielfältige Einblicke in die Entwicklung und die wirtschaftliche, soziale und kulturelle Bedeutung des Konsumalltags.

Que ce soit sur les marchés, au pas de la porte, dans les grands magasins ou en ligne : Le lieu et la manière dont nous faisons nos achats ont fortement évolué au cours des 170 dernières années. Et ce que nous consommons et comment nous le consommons évolue également en permanence. Les photographies les plus diverses en témoignent, tout comme les produits graphiques, de l'affiche au sac à provisions. L'exposition du Musée national de Zurich présente un monde d'images complexe et varié au cœur du quotidien.

La première partie de l'exposition se penche sur l'histoire des principaux lieux de vente. Ceux-ci se sont multipliés à partir du milieu du 19e siècle au gré des évolutions économiques et sociales, de l'industrialisation à la numérisation. Aux marchés et au commerce de rue et de colportage se sont ajoutés au fil du temps les magasins, les grands distributeurs, les grands magasins, les centres commerciaux et les boutiques en ligne. Des objets photographiques et graphiques témoignent de leur caractère propre ainsi que des aspects historiques du commerce de détail. Il s'agit par exemple de l'introduction du libre-service, de la présentation des produits dans les vitrines, de la publicité ou du shopping comme expérience de loisirs.

Une pièce maîtresse de l'exposition est un kiosque qui se trouvait déjà au début du 20e siècle sur la Viale Francesco Balli à Locarno. Longtemps un kiosque classique proposant des journaux, des friandises et des cigarettes, son offre s'est élargie à partir de la fin des années 1990 avec des activités de plein air aventureuses et des ordinateurs avec accès à Internet. Tout comme l'assortiment, l'apparence du kiosque a également évolué au fil des années. De nouvelles peintures ainsi que des panneaux et des autocollants publicitaires multicolores ont conféré au kiosque, restauré à grands frais pour l'exposition, son aspect unique et en font un témoin à multiples facettes de la culture quotidienne et de la consommation.

Ce qui est acheté doit aussi être consommé. C'est pourquoi la deuxième partie de l'exposition est consacrée à des moments de consommation qui ont été documentés et idéalisés par la photographie et le graphisme. Manger, boire, conduire, voyager, regarder la télévision et suivre la mode ne reflètent pas seulement des besoins fondamentaux, mais aussi des tendances sociales ainsi que la recherche du bien-être, du statut ou de l'identité.

Dans cette partie de l'exposition, un diaporama de photos de vacances du couple Yvonne et Jakob Hohl-Galbiati illustre la prospérité croissante à partir de 1950. Comme beaucoup d'autres Suisses, la guide touristique et l'inspecteur des assurances ont pu se permettre de partir régulièrement à l'étranger dans les années 1960, notamment grâce à une offre croissante de voyages aériens abordables et de congés payés. Les photos montrent le couple en croisière, en train de faire du tourisme ou de prendre un bain de soleil en toute décontraction au bord de la mer. Les images pouvaient être regardées lors de soirées diapositives en famille ou entre amis et témoignent de la recherche de changement et de détente ainsi que d'une forte augmentation de la fièvre du voyage.

L'exposition puise dans les collections du Musée national suisse et donne, grâce à une riche sélection d'images, d'objets et d'histoires, un aperçu varié de l'évolution et de l'importance économique, sociale et culturelle de la consommation au quotidien.

Nei mercati, sulla soglia di casa, nei grandi magazzini o online: Dove e come facciamo la spesa è cambiato radicalmente negli ultimi 170 anni. E anche cosa e come consumiamo è in continua evoluzione. Lo testimonia un'ampia varietà di fotografie e prodotti grafici, dai manifesti alle borse della spesa. La mostra al Museo Nazionale di Zurigo presenta un mondo di immagini variegato e stratificato, al centro della vita quotidiana.

La prima parte della mostra si concentra sulla storia dei più importanti punti vendita. Questi si sono moltiplicati a partire dalla metà del XIX secolo nel corso degli sviluppi economici e sociali, dall'industrializzazione alla digitalizzazione. Nel corso del tempo, ai mercati e al commercio ambulante si sono aggiunti negozi, grossisti, grandi magazzini, centri commerciali e negozi online. Gli oggetti fotografici e grafici testimoniano il loro carattere individuale e gli aspetti storici del commercio al dettaglio. Questi includono, ad esempio, l'introduzione del self-service, la presentazione dei prodotti nelle vetrine, la pubblicità e lo shopping come esperienza di svago.

Il fulcro della mostra è un chiosco che si trovava in Viale Francesco Balli a Locarno all'inizio del XX secolo. Per lungo tempo un classico chiosco con giornali, dolciumi e sigarette, dalla fine degli anni Novanta la sua offerta si è ampliata fino a comprendere attività avventurose all'aperto e computer con accesso a Internet. Come la gamma di prodotti, anche l'aspetto del chiosco è cambiato nel corso degli anni. Nuove verniciature, pannelli pubblicitari e adesivi colorati hanno conferito al chiosco, accuratamente restaurato per la mostra, un aspetto inconfondibile, rendendolo un testimone a più livelli della vita quotidiana e della cultura del consumo.

Anche ciò che viene acquistato vuole essere consumato. E così la seconda parte della mostra tratta di momenti di consumo che sono stati documentati e idealizzati nella fotografia e nella grafica. Mangiare, bere, guidare, viaggiare, guardare la televisione e seguire le mode riflettono non solo i bisogni primari, ma anche le tendenze sociali e la ricerca di benessere, status e identità.

In questa parte della mostra, una proiezione di diapositive con foto di vacanze della coppia di coniugi Yvonne e Jakob Hohl-Galbiati esemplifica il crescente benessere a partire dal 1950: come molti altri svizzeri, la guida turistica e l'ispettore assicurativo poterono permettersi di viaggiare regolarmente all'estero negli anni Sessanta, non da ultimo grazie alla crescente disponibilità di viaggi aerei a prezzi accessibili e di vacanze pagate. Le foto mostrano la coppia in crociera, mentre visita la città o si rilassa al sole in riva al mare. Le immagini potevano essere guardate durante le serate di diapositive con la famiglia e gli amici e testimoniano la ricerca di varietà e relax, nonché la rapida crescita della mania dei viaggi.

La mostra attinge alle collezioni del Museo Nazionale Svizzero e, con una ricca selezione di immagini, oggetti e storie, offre un'ampia gamma di spunti di riflessione sullo sviluppo e sul significato economico, sociale e culturale del consumismo quotidiano.

Whether at markets, at the front door, in department stores or online: where and how we shop has changed dramatically over the last 170 years. And what and how we consume is also constantly changing. This is evidenced by a wide variety of photographs, as well as graphic products ranging from posters to shopping bags. The exhibition at the National Museum in Zurich presents a multi-layered and varied world of images from the heart of everyday life.

The first part of the exhibition focuses on the history of the most important points of sale. These have multiplied from the mid-19th century onwards in the wake of economic and social developments from industrialization to digitalization. Over time, markets and street and door-to-door selling were joined by shops, wholesalers, department stores, shopping centers and online shops. Photographic and graphic objects testify to their own character as well as to historical aspects of the retail trade. These include, for example, the introduction of self-service, the presentation of products in shop windows, advertising or shopping as a leisure experience.

One of the centerpieces of the exhibition is a kiosk that stood on Viale Francesco Balli in Locarno at the beginning of the 20th century. For many years, it was a classic kiosk selling newspapers, sweets and cigarettes, but from the late 1990s, its range was expanded to include adventurous outdoor activities and computers with internet access. Like the range of goods, the appearance of the kiosk has also changed over the years. A succession of new coats of paint and colorful advertising signs and stickers have given the kiosk, which was carefully restored for the exhibition, its unmistakable look and make it a complex witness to everyday and consumer culture.

What is bought also wants to be consumed. And so the second part of the exhibition deals with moments of consumption that have been documented and idealized in photography and graphics. Eating, drinking, driving, traveling, watching TV and following fashion not only reflect basic needs, but also social trends and the pursuit of well-being, status or identity.

A slide show of vacation pictures taken by the married couple Yvonne and Jakob Hohl-Galbiati is an example of increasing prosperity from 1950 onwards in this part of the exhibition. Like many other Swiss people, afford to travel abroad regularly in the 1960s, thanks in no small part to an increasing range of affordable air travel and paid vacations. The photos show the couple on cruises, sightseeing or sunbathing by the sea. The pictures could be viewed at slide evenings together with family and friends and testify to the search for variety and recreation, as well as to a rapidly increasing travel bug.

The exhibition draws from the collections of the Swiss National Museum and, with a rich selection of images, objects and stories, provides a variety of insights into the development and economic, social and cultural significance of everyday consumption.

(Text: Landesmuseum Zürich)

Galleria Harry Bertoia | Pordenone
22. Dezember 2024 – 4. Mai 2025

Gli Italiani
Bruno Barbey

Zum ersten Mal wird in Italien das Fotoprojekt gezeigt, das der berühmte französische Fotograf Bruno Barbey (Marokko 1941 - Paris 2020) zwischen 1962 und 1966 während seines Studiums in der Schweiz in Italien aufgenommen hat. Anfang der 1960er Jahre versuchte Bruno Barbey, die Italiener zu porträtieren, und fotografierte alle Schichten der Gesellschaft, sowohl auf der Straße als auch in Innenräumen. Die Ausstellung von Bruno Barbey, die vom 22. Dezember bis zum 4. Mai in der Galerie Harry Bertoia in Pordenone zu sehen sein wird, ist ein Projekt, das von Magnum Photos, der Académie des Beaux-Arts in Paris und dem Bruno-Barbey-Archiv unterstützt und vom französischen Konsulat und dem französischen Kulturinstitut in Mailand gefördert wird.

Der junge Fotograf präsentierte diese Bilder Robert Delpire, einem berühmten Pariser Verleger, der sofort vorschlug, sie in der Reihe „Essential Encyclopaedia“ zu veröffentlichen, einer Sammlung von Büchern, die bereits Robert Franks The Americans (1958) und René Burris Germans (1962) enthielt.

Die damaligen Umstände verhinderten die Veröffentlichung des Buches, aber die Mappe mit den italienischen Fotografien überzeugte die Mitglieder der Agentur Magnum Photos vom Potenzial des jungen Barbey, und er wurde sofort in die Genossenschaft aufgenommen. Nach jahrzehntelanger Arbeit und zahlreichen Bänden über andere Länder veröffentlichte Barbey 2002 eine erste Version dieses Werks mit einer Einführung von Tahar Ben Jelloun. Die Idee hinter diesem Projekt war es, „den Geist einer Nation in Bildern einzufangen“ und ein Porträt ihrer Bewohner zu erstellen.

Zu Beginn der 1960er Jahre verblasst das Trauma des Krieges und der Traum von einem neuen Italien, das an das „Wirtschaftswunder“ zu glauben beginnt, bricht an. Bruno Barbey ist einer der ersten, der diesen historischen Moment des Übergangs festhält. „Ein Porträt der Italiener durch Bilder zu zeichnen, war daher das Ziel dieses Projekts“, so der Fotograf selbst. Von Nord bis Süd, von Ost bis West fotografierte er alle sozialen Schichten: Jungen, Aristokraten, Nonnen, Bettler, Prostituierte. Sein klarer und stets wohlwollender Blick fängt eine bewegende Realität ein und enthüllt die Italiener.

„Les Italiens“ ist eine eindrucksvolle Sammlung der modernen Comédie humaine, mit Bettlern, Priestern, Nonnen, Carabinieri, Prostituierten und Mafiosi; archetypische Figuren, deren exotischer Charme dazu beitrug, die Filme von Pasolini, Visconti und Fellini in der internationalen Fantasie so populär zu machen. Italien, das nach den Schrecken und dem Elend des Krieges sein Haupt erhebt“. Die Mittelschicht erlebte nach so viel Leid den wirtschaftlichen Aufschwung, einen vielleicht illusorischen Enthusiasmus, eine neue Gesellschaft, die vielleicht in mancher Hinsicht zu amerikanisch war. Musik, Mode, Jugend mit ihren Ritualen und Moden; die Menschen begannen, ihren Status mit etwas mehr Geld in der Tasche deutlich zum Ausdruck zu bringen.

Dennoch gab es in diesem Kontext immer noch Gebiete mit extremer Armut, vor allem in der Mitte und im Süden des Landes. Italien war ein Land der harten Kontraste, was Barbey auf charmante und nostalgische Weise in diesem außergewöhnlichen Fresko des damaligen Italiens wiedergibt.

Viele ausländische Fotografen haben Italien und die Italiener dokumentiert: von Henri Cartier-Bresson bis William Klein, aber Bruno Barbeys Reportage ist ein leuchtendes Beispiel dafür, wie ein Fotograf, der sich in eine dokumentarische Arbeit vertiefen kann, es schafft, bestimmte Nuancen auf außergewöhnliche Weise zu erkennen.

Die Ausstellung, die von Caroline Thiénot-Barbey und Marco Minuz kuratiert wird, zeigt rund siebzig Abzüge.

Das Ausstellungsprojekt wird von der Stadt Pordenone gefördert, steht unter der Schirmherrschaft des Kulturministeriums und wird von der Autonomen Region Friaul-Julisch Venetien unterstützt.

Pour la première fois en Italie est exposé le projet photographique que le célèbre photographe français Bruno Barbey (Maroc 1941 - Paris 2020) a réalisé en Italie entre 1962 et 1966, alors qu'il étudiait en Suisse. Au début des années 1960, Bruno Barbey a cherché à faire le portrait des Italiens et a photographié toutes les couches de la société, aussi bien dans la rue qu'à l'intérieur. L'exposition de Bruno Barbey, qui se tiendra à la galerie Harry Bertoia de Pordenone du 22 décembre au 4 mai, est un projet soutenu par Magnum Photos, l'Académie des Beaux-Arts de Paris et les archives de Bruno Barbey, et parrainé par le Consulat de France et l'Institut culturel français de Milan.

Le jeune photographe a présenté cet ensemble d'images à Robert Delpire, un célèbre éditeur parisien, qui a immédiatement proposé de les publier dans la série « Essential Encyclopaedia », une collection de livres qui comprenait déjà Les Américains de Robert Frank (1958) et Les Allemands de René Burri (1962).

Les circonstances de l'époque empêchent la réalisation du livre, mais le portfolio de photographies italiennes convainc les membres de l'agence Magnum Photos du potentiel du jeune Barbey, qui est immédiatement accepté au sein de la coopérative. Après des décennies de travail et de nombreux volumes sur d'autres pays, Barbey a publié une première version de cet ouvrage en 2002, avec une introduction de Tahar Ben Jelloun. L'idée de ce projet était de « saisir l'esprit d'une nation par l'image » et de dresser le portrait de ses habitants.

À l'aube des années 1960, les traumatismes de la guerre s'estompent et le rêve d'une nouvelle Italie se dessine, qui commence à croire au « miracle économique ». Bruno Barbey est l'un des premiers à témoigner de ce moment historique de transition. « Dresser le portrait des Italiens par l'image était donc l'ambition de ce projet », déclare le photographe lui-même. Du nord au sud, de l'est à l'ouest, il photographie toutes les classes sociales : garçons, aristocrates, religieuses, mendiants, prostituées. Son regard lucide et toujours bienveillant capte une réalité émouvante et révèle les Italiens.

« Les Italiens » est un recueil évocateur de la comédie humaine moderne : mendiants, prêtres, religieuses, carabiniers, prostituées, mafiosi, autant d'archétypes dont le charme exotique a contribué à inscrire les films de Pasolini, Visconti et Fellini dans un imaginaire international. Une Italie qui « relève la tête » après les horreurs et la misère engendrées par la guerre. La classe moyenne, après tant de souffrances, connaît un boom économique, un enthousiasme peut-être illusoire, une nouvelle société peut-être trop américaine à certains égards. La musique, la mode, la jeunesse avec ses rituels et ses modes ; les gens commençaient à exprimer leur statut de manière marquée avec un peu d'argent en plus dans leurs poches.

Pourtant, dans ce contexte, des poches d'extrême pauvreté subsistent, en particulier dans le centre-sud du pays. L'Italie était une terre de durs contrastes et c'est ce que raconte avec charme et nostalgie Barbey, qui nous offre cette extraordinaire fresque de l'Italie de l'époque.

De nombreux photographes étrangers ont documenté l'Italie et les Italiens : d'Henri Cartier-Bresson à William Klein, mais le reportage de Bruno Barbey est un exemple éclatant de la manière dont un photographe capable de s'immerger dans un travail documentaire peut parvenir à identifier certaines nuances de manière extraordinaire.

L'exposition, organisée par Caroline Thiénot-Barbey et Marco Minuz, présente environ soixante-dix tirages.

Le projet d'exposition est promu par la ville de Pordenone, bénéficie du patronage du ministère de la culture et du soutien de la région autonome du Frioul-Vénétie Julienne.

Per la prima volta in Italia viene esposto il progetto fotografico che il celebre fotografo francese Bruno Barbey (Marocco 1941 – Parigi 2020) realizzò in Italia fra il 1962 e il 1966 mentre studiava in Svizzera. All’inizio degli anni ’60 Bruno Barbey, cercando di ritrarre gli italiani, fotografò tutti i livelli della società, sia per strada che in interni. Questo di Bruno Barbey, che dal 22 dicembre al 4 maggio sarà ospitato presso Galleria Harry Bertoia di Pordenone, è un progetto che gode del sostegno di Magnum Photos, Académie des Beaux-Arts di Parisi e dell’archivio Bruno Barbey e del patrocinio del Consolato di Francia e dell’Istituto francese di cultura di Milano.

Il giovane fotografo presentò questo insieme di immagini a Robert Delpire, celebre editore parigino, che suggerì subito di pubblicarle nella serie “Essential Encyclopedia”, una raccolta di libri che comprendeva già The Americans di Robert Frank (1958) e il volume Germans di René Burri (1962).

Le circostanze dell’epoca impedirono la realizzazione del libro, ma il portfolio di fotografie italiane convinse i membri dell’agenzia Magnum Photos delle potenzialità del giovane Barbey, che fu subito accettato nella cooperativa. Dopo decenni di lavoro e numerosi volumi su altri paesi, Barbey pubblicò una prima versione di quest’opera nel 2002, con un’introduzione di Tahar Ben Jelloun. L’idea, alla base di questo progetto, era di “catturare lo spirito di una nazione attraverso le immagini” e creare un ritratto dei suoi abitanti.

All’alba degli anni ’60, i traumi della guerra cominciano a svanire mentre albeggia il sogno di una nuova Italia che comincia a credere nel “miracolo economico”. Bruno Barbey è uno dei primi a registrare questo momento storico di transizione. «Disegnare il ritratto degli italiani attraverso le immagini era quindi l’ambizione di questo progetto», aveva affermato lo stesso fotografo. Da Nord a Sud, da Est a Ovest, fotografa tutte le classi sociali: ragazzi, aristocratici, suore, mendicanti, prostitute. Il suo lo sguardo lucido e sempre benevolo coglie una realtà in movimento e rivela gli italiani.

“Les Italiens” è una suggestiva raccolta della moderna comédie humaine, tra mendicanti, sacerdoti, suore, carabinieri, prostitute e mafiosi; figure archetipiche il cui fascino esotico ha contribuito a rendere così popolari i film di Pasolini, Visconti e Fellini in un immaginario internazionale. L’Italia che “alza la testa” dopo gli orrori e le miserie generati dalla guerra. La classe media, dopo tante sofferenze, ha conosciuto il boom economico, un entusiasmo forse illusorio, una nuova società forse troppo all’americana per certi versi. La musica, la moda, la gioventù con i suoi riti e con le sue mode; la gente cominciava ad esprimere il proprio status in maniera marcata con qualche soldo in più nelle tasche.

Eppure, in questo contesto, c’erano ancora sacche di estrema povertà, soprattutto nel centro-sud del paese. L’Italia era una terra di aspri contrasti e questo ci viene raccontato in modo affascinante con un filo nostalgico da Barbey, che offre ai nostri occhi questo straordinario affresco dell’Italia di quel tempo.

Sono stati tanti i fotografi di altri paesi che hanno documentato l’Italia e gli italiani: da Henri Cartier-Bresson a William Klein, ma il reportage di Bruno Barbey è un fulgido esempio di come un fotografo capace di immergersi in un lavoro documentario, possa riuscire ad individuare certe sfumature in modo straordinario.

La mostra, curata da Caroline Thiénot-Barbey e Marco Minuz presenta una settantina di stampe.

Il progetto espositivo è promosso dal Comune di Pordenone, gode del patrocinio del Ministero della Cultura e al sostegno della Regione autonoma Friuli-Venezia Giulia.

On display for the first time in Italy is the photographic project that renowned French photographer Bruno Barbey (Morocco 1941 - Paris 2020) took in Italy between 1962 and 1966 while studying in Switzerland. In the early 1960s Bruno Barbey, seeking to portray Italians, photographed all levels of society, both on the street and indoors. This one by Bruno Barbey, which will be housed at Pordenone's Harry Bertoia Gallery from Dec. 22 to May 4, is a project supported by Magnum Photos, Académie des Beaux-Arts in Parisi and the Bruno Barbey Archive, and sponsored by the French Consulate and the French Cultural Institute in Milan.

The young photographer presented this set of images to Robert Delpire, a famous Parisian publisher, who immediately suggested publishing them in the “Essential Encyclopedia” series, a collection of books that already included Robert Frank's The Americans (1958) and René Burri's Germans volume (1962).

Circumstances at the time prevented the book from being produced, but the portfolio of Italian photographs convinced members of the Magnum Photos agency of the young Barbey's potential, and he was quickly accepted into the cooperative. After decades of work and numerous volumes on other countries, Barbey published a first version of this work in 2002, with an introduction by Tahar Ben Jelloun. The idea behind this project was to “capture the spirit of a nation through images” and create a portrait of its inhabitants.

At the dawn of the 1960s, the traumas of the war begin to fade as the dream of a new Italy that begins to believe in the “economic miracle” dawns. Bruno Barbey is one of the first to record this historical moment of transition. “Drawing a portrait of Italians through images was thus the ambition of this project,” the photographer himself had said. From North to South, East to West, he photographed all social classes: boys, aristocrats, nuns, beggars, prostitutes. His lucid and always benevolent gaze captures a moving reality and reveals the Italians.

“Les Italiens” is an evocative collection of the modern comédie humaine, including beggars, priests, nuns, carabinieri, prostitutes and mafiosi; archetypal figures whose exotic charm helped make the films of Pasolini, Visconti and Fellini so popular in an international imagination. Italy “raising its head” after the horrors and miseries generated by the war. The middle class, after much suffering, experienced the economic boom, a perhaps illusory enthusiasm, a new society perhaps too American in some ways. Music, fashion, youth with its rituals and fashions; people were beginning to express their status in a marked way with some extra money in their pockets.

Yet in this context, there were still pockets of extreme poverty, especially in the south-central part of the country. Italy was a land of bitter contrasts, and this is charmingly recounted to us with a nostalgic edge by Barbey, who offers to our eyes this extraordinary fresco of Italy at that time.

There have been so many photographers from other countries who have documented Italy and Italians: from Henri Cartier-Bresson to William Klein, but Bruno Barbey's reportage is a shining example of how a photographer capable of immersing himself in documentary work can be able to identify certain nuances in an extraordinary way.

The exhibition, curated by Caroline Thiénot-Barbey and Marco Minuz, presents some 70 prints.

The exhibition project is promoted by the City of Pordenone, enjoys the patronage of the Ministry of Culture and the support of the Autonomous Region of Friuli-Venezia Giulia.

Galleria Harry Bertoia | Pordenone
22. Dezember 2024 – 4. Mai 2025

Italo Zannier. Io sono io. Fotografo nella storia e storico della fotografia

Italo Zannier (Spilimbergo 1932) war ein Intellektueller, Dozent, Kurator berühmter Ausstellungen, Sammler und Fotograf, der erste Inhaber eines Lehrstuhls für Geschichte der Fotografie in Italien sowie eine Referenzfigur für die Anerkennung der Disziplin in unserem Land. Die von Marco Minuz und Giulio Zannier kuratierte Ausstellung untersucht genau diese „Vielfältigkeit“ von Zanniers Leidenschaft und Engagement für die Disziplin der Fotografie.

Zum ersten Mal werden die zahlreichen Aktivitäten im Zusammenhang mit der Fotografie, die Zannier mit einer Kraft und Leidenschaft verfolgte, die in der nationalen Szene ihresgleichen sucht, zusammengeführt.

Der Weg führt durch alle seine wichtigsten Erfahrungen, beginnend mit seiner Teilnahme an der neorealistischen Bewegung; als leidenschaftlicher Filmemacher versuchte er sich zunächst an Kurzfilmen in Super 8 und widmete sich dann ganz der Fotografie.

1955 verfasst er in einer klaren Analyse das Manifest der Gruppo friulano per una nuova fotografia (Friaulische Gruppe für eine neue Fotografie), der sich unter anderem Fotografen wie Carlo Bevilacqua, Toni Del Tin, Fulvio Roiter, Gianni Berengo Gardin, Nino Migliori und seine Freunde vom Spilimberg, Gianni und Giuliano Borghesan und Aldo Beltrame anschlossen.

Gerade dieser Vereinigung kommt das Verdienst zu, als eine der ersten in Italien das Konzept einer neuen Fotografie gefördert zu haben, die sich nicht mehr nur auf die Ästhetisierung der auf Schönheit ausgerichteten Aufnahme konzentrierte, sondern eine experimentelle und analytische Phase in einem innovativen Sinne anstrebte.

Die Aufnahmen von Zannier offenbaren daher sofort seine „kritische Erzählung“, lesbar durch seine Figuren, Umgebungen, Objekte und die soziale Typologie und die Orte, auf die sie verweisen.

Eine Lektüre, die sich auch auf den Bereich der Architektur bezieht, wo Zannier das Gebiet des Friauls untersucht, das von Tradition und Wandel lebt. Reichhaltige und essentielle Fotografien werden zum Zeugnis einer ganzen Gemeinschaft. Indem er Geschichten, Landschaften und Traditionen in Bildern festhält, die zu Relikten werden, zeichnet er im Laufe der Zeit deren Entwicklung und Veränderung auf.

Die friaulische Gesellschaft, die Zannier sieht, wird italienisch und europäisch, von der bäuerlichen zur industriellen. In der 1976 vollendeten Serie der Diachronien kehrt Zannier sinnbildlich an Orte zurück, die sein Objektiv fast zwanzig Jahre zuvor aufgenommen hatte, und macht mit denselben Parametern und denselben Motiven eine neue Aufnahme, die den Lauf der Zeit deutlich hervortreten lässt. Hier wird die Vergangenheit zur Zukunft, und Zannier erklärt die unverzichtbare Rolle der Fotografie bei der Aufzeichnung dieses historischen Flusses, der im Fall der von ihm verewigten Orte durch das zerstörerische Erdbeben, das viele der von ihm aufgenommenen Orte auslöschen wird, noch emblematischer wird.

Seine Beziehung zur Architektur umfasst aber auch die Zusammenarbeit mit den wichtigsten Zeitungen der damaligen Zeit, wie Il Mondo, Comunità, Casabella und Domus.

Seit 1971 ist er Universitätsdozent, der erste in Italien, der einen Lehrstuhl für Geschichte der Fotografie innehatte. Er unterrichtet an der IUAV und der Ca' Foscari in Venedig, am Damm in Bologna, an der Cattolica in Mailand und an anderen italienischen Universitäten.

Er widmet sich der Veröffentlichung von Büchern, Essays und Artikeln und arbeitet mit Zeitschriften wie L'Architettura „Chroniken und Geschichte“, Camera, Photo Magazine, Popular Photography, Fotografia Italiana „il Diaframma“ zusammen.

Er ist Herausgeber von Reihen wie Fotologia „Studien zur Geschichte der Fotografie“ und Fotostorica, „die Archive der Fotografie“.

Nach mehr als dreißig Jahren hat sich Zannier wieder der Fotografie zugewandt: Mit neuem Enthusiasmus beobachtet er die Räume der Globalisierung, die die Gleichzeitigkeit unserer Existenz zum Standard machen, wie im Projekt „Veneland“.

Die Ausstellung zeigt seine über sechshundert Sachbücher, die Kuratorentätigkeit für berühmte Ausstellungen wie die fotografische Sektion der Ausstellung „The Italian Metamorphosis“ im New Yorker Guggenheim Museum 1994, „The Ego and its Double“ auf der Biennale von Venedig und redaktionelle Projekte wie das titanische, von ENI unterstützte Werk „Coste e Monti d'Italia“ in neun Bänden, an dem er von 1967 bis 1976 beteiligt war.

Die Ausstellung wird von dem Philosophen Massimo Donà präsentiert.

Italo Zannier (Spilimbergo 1932) était un intellectuel, un conférencier, un commissaire d'expositions célèbres, un collectionneur et un photographe, le premier titulaire d'une chaire d'histoire de la photographie en Italie, ainsi qu'une figure de référence pour la reconnaissance de la discipline dans notre pays. L'exposition, organisée par Marco Minuz et Giulio Zannier, étudie précisément cette « multitude » de la passion et de l'engagement de Zannier envers la discipline de la photographie.

Pour la première fois, les nombreuses activités liées à la photographie que Zannier a poursuivies avec une force et une passion sans égales sur la scène nationale sont réunies.

Le parcours se développe à travers ses principales expériences, à commencer par sa participation au mouvement néoréaliste ; passionné de cinéma, il s'essaie d'abord au court métrage en Super 8, puis se consacre entièrement à la photographie.

En 1955, dans une analyse lucide, il rédige le manifeste du Gruppo friulano per una nuova fotografia (Groupe frioulan pour une nouvelle photographie), auquel adhèrent des photographes tels que Carlo Bevilacqua, Toni Del Tin, Fulvio Roiter, Gianni Berengo Gardin, Nino Migliori et ses amis du Spilimberg, Gianni et Giuliano Borghesan, Aldo Beltrame, entre autres.

C'est précisément à cette association que l'on doit d'avoir promu, parmi les premiers en Italie, le concept d'une nouvelle photographie qui n'était plus seulement axée sur l'esthétisation de la prise de vue visant la beauté, mais qui recherchait une phase expérimentale et analytique dans un sens novateur.

Les clichés de Zannier révèlent donc immédiatement son « récit critique », lisible à travers ses personnages, ses environnements, ses objets et la typologie sociale et les lieux auxquels ils se réfèrent.

Une lecture qui se développe également dans le domaine de l'architecture, où Zannier étudie le territoire du Frioul qui se nourrit de tradition et de changement. Des photographies riches et essentielles deviennent le témoignage d'une communauté entière et, en fixant les histoires, les paysages et les traditions contenus dans les images qui deviennent des reliques, il enregistre au fil du temps leur évolution et leur changement.

Une société frioulane que Zannier voit devenir italienne et européenne, de la paysannerie à l'industrie. Dans la série des diachronies - achevée en 1976 - Zannier revient emblématiquement photographier dans les lieux où son objectif avait tourné presque vingt ans plus tôt, avec les mêmes paramètres et les mêmes sujets, il réalise une nouvelle prise de vue qui permet de faire ressortir clairement le passage du temps. Ici, le passé devient le futur et Zannier déclare le rôle indispensable de la photographie dans l'enregistrement de ce flux historique qui, dans le cas des lieux qu'il a immortalisés, devient encore plus emblématique en raison du tremblement de terre ruineux qui anéantira de nombreux endroits qu'il a photographiés.

Mais sa relation avec l'architecture comprend également des collaborations avec les journaux les plus importants de l'époque, tels que Il Mondo, Comunità, Casabella et Domus.

Professeur d'université depuis 1971, premier titulaire en Italie d'une chaire d'histoire de la photographie, il enseigne à l'IUAV et à Ca' Foscari à Venise, à Dams à Bologne, à Cattolica à Milan et dans d'autres universités italiennes.

Il se consacre à la publication de livres, d'essais et d'articles, collaborant avec des magazines tels que L'Architettura « chroniques et histoire », Camera, Photo Magazine, Popular Photography, Fotografia Italiana « il Diaframma ».

Il édite des séries telles que Fotologia « Études sur l'histoire de la photographie » et Fotostorica, « Les archives de la photographie ».

Après plus de trente ans, Zannier a repris la photographie : avec un nouvel enthousiasme, il observe les espaces de la mondialisation qui font de la contemporanéité de notre existence une norme, comme dans le projet « Veneland ».

L'exposition couvrira sa production non romanesque (plus de six cents), le commissariat d'expositions célèbres telles que la section photographique de l'exposition The Italian Metamorphosis qui s'est tenue au Guggenheim de New York en 1994, « The Ego and its Double » à la Biennale de Venise, et des projets éditoriaux tels que le travail titanesque, soutenu par l'ENI, sur Coste e Monti d'Italia, neuf volumes auxquels il a participé de 1967 à 1976.

L'exposition sera présentée par le philosophe Massimo Donà.

Italo Zannier (Spilimbergo 1932), intellettuale, docente, curatore di celebri mostre, collezionista e fotografo, primo titolare di una cattedra di Storia della fotografia in Italia nonché figura di riferimento per il riconoscimento della disciplina nel nostro paese; la Mostra, a cura di Marco Minuz e Giulio Zannier, indaga proprio questa “moltitudine” della passione e dell’impegno di Zannier verso la disciplina fotografica.

Per la prima volta vengono raccolte le molteplici attività, legate alla fotografia, che Zannier ha portato avanti con una forza e una passione che non ha eguali nel panorama nazionale.

Il percorso si sviluppa in tutte le principali sue esperienze prendendo avvio dalla sua partecipazione nel movimento neorealista; appassionato di cinema, si cimenta prima con corti in Super 8 per poi dedicarsi totalmente alla fotografia.

Nel 1955, in una lucida analisi, stila il manifesto del Gruppo friulano per una nuova fotografia, cui aderiscono, tra gli altri, fotografi come Carlo Bevilacqua, Toni Del Tin, Fulvio Roiter, Gianni Berengo Gardin, Nino Migliori e gli amici spilimberghesi Gianni e Giuliano Borghesan e Aldo Beltrame.

Si riconosce proprio a questo sodalizio il merito di promuovere, tra i primi in Italia, il concetto di una nuova fotografia non più solo concentrata sull’estetizzazione dello scatto indirizzato al bello, ma ricercando una fase sperimentale e analitica in senso innovativo.

Dagli scatti di Zannier, quindi, si rileva subito il suo “racconto critico”, leggibile dai suoi personaggi, dagli ambienti, dagli oggetti e dalla tipologia sociale ed ai luoghi cui si riferiscono.

Una lettura che si sviluppa anche in riferimento all’ambito dell’architettura dove Zannier indaga il territorio del Friuli che vive di tradizione e cambiamento. Fotografie ricche ed essenziali diventano testimonianza di una comunità intera e, fissando storie, paesaggi e tradizioni trattenute in immagini che si fanno reliquie, nel tempo, ne registra l’evoluzione e il cambiamento.

Una società friulana che Zannier vede diventare italiana ed europea, da contadina diventa industriale. Nella serie delle diacronie – conclusa nel 1976 – Zannier emblematicamente torna a scattare in luoghi dove il suo obbiettivo aveva scattato quasi vent’anni prima, con i medesimi parametri e con gli stessi soggetti realizza un nuovo scatto che lascia emergere chiaro il trascorrere del tempo. Qui il passato diventa futuro e Zannier dichiara il ruolo imprescindibile della fotografia per registrare questo fluire storico che, nel caso degli ambienti da lui immortalati, diventa ancor più emblematico per il rovinoso terremoto che cancellerà molti dei luoghi da lui ripresi.

Ma il rapporto con l’architettura abbraccia anche le collaborazioni con le più importanti testate giornalistiche del tempo, come Il Mondo, Comunità, Casabella e Domus.

Docente universitario dal 1971, primo in Italia ad essere titolare di una cattedra di Storia della fotografia, insegna allo IUAV e a Ca’ Foscari di Venezia, al Dams di Bologna, alla Cattolica di Milano ed in altre Università Italiane.

Si dedica alla pubblicazione di libri, saggi ed articoli, collaborando con riviste di settore come L’Architettura “cronache e storia”, Camera, Photo Magazine, Popular Photography, Fotografia Italiana “il Diaframma”.

Cura collane quali Fotologia “Studi di storia della fotografia” e Fotostorica, “gli archivi della fotografia”.

Dopo oltre trent’anni, Zannier riprende a fotografare: con un nuovo entusiasmo osserva gli spazi della globalizzazione che rendono standard la contemporaneità della nostra esistenza, come nel progetto “Veneland”.

Il percorso espositivo interesserà la sua produzione saggistica (oltre seicento), la curatela di celebri Mostre come la sezione fotografica della mostra The Italian Metamorphosis tenutasi al Guggenheim di New York nel 1994, “L’io e il suo doppio” alla Biennale di Venezia ed i progetti editoriali come il titanico lavoro, sostenuto dall’ENI, su Coste e Monti d’Italia, nove volumi che lo vedranno impegnato dal 1967 al 1976.

La mostra sarà presentata dal filosofo Massimo Donà

Italo Zannier (Spilimbergo 1932), an intellectual, lecturer, curator of famous exhibitions, collector and photographer, the first holder of a History of Photography chair in Italy as well as a figure of reference for the recognition of the discipline in our country; the Exhibition, curated by Marco Minuz and Giulio Zannier, investigates precisely this “multitude” of Zannier's passion and commitment to the discipline of photography.

For the first time, the many activities, related to photography, that Zannier carried out with a strength and passion that has no equal in the national panorama are collected.

The path develops through all his main experiences, starting with his participation in the neorealist movement; passionate about cinema, he first tried his hand at short films in Super 8 and then devoted himself totally to photography.

In 1955, in a lucid analysis, he drafted the manifesto of the Gruppo friulano per una nuova fotografia (Friulian Group for a New Photography), which was joined by, among others, photographers such as Carlo Bevilacqua, Toni Del Tin, Fulvio Roiter, Gianni Berengo Gardin, Nino Migliori and his Spilimberg friends Gianni and Giuliano Borghesan and Aldo Beltrame.

It is precisely this association that is credited with promoting, among the first in Italy, the concept of a new photography no longer only focused on the aestheticization of the shot addressed to the beautiful, but seeking an experimental and analytical phase in an innovative sense.

From Zannier's shots, therefore, we immediately detect his “critical narrative,” readable by his characters, environments, objects and the social typology and places to which they refer.

A reading that is also developed in reference to the sphere of architecture where Zannier investigates the territory of Friuli that thrives on tradition and change. Rich and essential photographs become evidence of an entire community and, by fixing stories, landscapes and traditions held in images that become relics, over time he records their evolution and change.

A Friulian society that Zannier sees become Italian and European, from peasant to industrial. In the series of diachronies-concluded in 1976-Zannier emblematically returns to shoot in places where his lens had shot almost twenty years earlier, with the same parameters and with the same subjects he makes a new shot that lets the passage of time emerge clearly. Here, the past becomes the future, and Zannier declares the indispensable role of photography in recording this historical flow, which, in the case of the environments he immortalized, becomes even more emblematic because of the ruinous earthquake that will erase many of the places he shot.

But his relationship with architecture also embraces collaborations with the most important newspapers of the time, such as Il Mondo, Comunità, Casabella and Domus.

A university professor since 1971, the first in Italy to hold a chair in the History of Photography, he teaches at IUAV and Ca' Foscari in Venice, Dams in Bologna, Cattolica in Milan and other Italian universities.

He devotes himself to the publication of books, essays and articles, collaborating with trade magazines such as L'Architettura “chronicles and history,” Camera, Photo Magazine, Popular Photography, Fotografia Italiana “il Diaframma.”

He edits series such as Fotologia “studies in the history of photography” and Fotostorica, “the archives of photography.”

After more than 30 years, Zannier resumes photography: with a new enthusiasm he observes the spaces of globalization that make the contemporaneity of our existence standard, as in the “Veneland” project.

The exhibition will cover his non-fiction production (more than six hundred), the curatorship of famous Exhibitions such as the photographic section of The Italian Metamorphosis exhibition held at the Guggenheim in New York in 1994, “The Ego and its Double” at the Venice Biennale and editorial projects such as the titanic work, supported by ENI, on Coste e Monti d'Italia, nine volumes that saw him engaged from 1967 to 1976.

The exhibition will be presented by philosopher Massimo Donà

Arsenali Repubblicani | Pisa
26. Dezember 2024 – 4. Mai 2025

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Elliott Erwitt

Genau ein Jahr nach dem Tod des Künstlers bereiten die Arsenali Repubblicani in Pisa eine außergewöhnliche Retrospektive vor, die einem der größten Meister der zeitgenössischen Fotografie gewidmet ist. Die von Biba Giacchetti kuratierte und von ARTIKA in Zusammenarbeit mit Orion57 und der Gemeinde Pisa organisierte Ausstellung wird vom 26. Dezember 2024 bis zum 4. Mai 2025 zu sehen sein.

Die Ausstellung feiert das fotografische Genie von Elliott Erwitt mit 80 ikonischen Aufnahmen, die die Geschichte, die Sitten und die Ironie des 20. Jahrhunderts einfangen. Die ausgestellten Bilder bieten einen einzigartigen Einblick in seine lange Karriere und offenbaren den surrealen, romantischen und oft verspielten Blick, der seinen Stil unverwechselbar gemacht hat. Die Ausstellung zeigt einige der berühmtesten von Erwitt verewigten Momente, wie die Begegnung zwischen Nixon und Chruschtschow, das bewegende Bild von Jackie Kennedy bei der Beerdigung ihres Mannes und den berühmten Boxkampf zwischen Muhammad Ali und Joe Frazier.

Neben diesen historischen Fotografien kann das Publikum auch die berühmten Porträts von Marilyn Monroe, Che Guevara und Marlene Dietrich bewundern. Es fehlt auch nicht an intimen und vertrauten Bildern, wie dem von Erwitts ältester Tochter, die im Bett mit ihrer Mutter abgebildet ist, und an ironischen Fotos, die seinen geliebten Hunden gewidmet sind oder während seiner Hochzeit in Bratsk aufgenommen wurden.

Erwitts spielerische und selbstironische Ader zeigt sich in dem Abschnitt, der seinen Selbstporträts gewidmet ist. Sie erzählen nicht nur von dem Fotografen, sondern auch von dem Mann, der sich und die Welt beobachten und über sie lachen kann.

Exactement un an après la mort de l'artiste, les Arsenali Repubblicani de Pise se préparent à accueillir une extraordinaire rétrospective dédiée à l'un des plus grands maîtres de la photographie contemporaine. L'exposition, dont le commissaire est Biba Giacchetti et qui est organisée par ARTIKA en collaboration avec Orion57 et la municipalité de Pise, sera ouverte au public du 26 décembre 2024 au 4 mai 2025.

L'exposition célèbre le génie photographique d'Elliott Erwitt à travers 80 clichés emblématiques qui capturent l'histoire, les coutumes et l'ironie du XXe siècle. Les images exposées offrent un aperçu unique de sa longue carrière, révélant le regard surréaliste, romantique et souvent ludique qui a rendu son style incomparable. L'exposition présente certains des moments les plus célèbres immortalisés par Erwitt, tels que la rencontre entre Nixon et Khrouchtchev, l'image émouvante de Jackie Kennedy lors des funérailles de son mari et le célèbre match de boxe entre Muhammad Ali et Joe Frazier.

À côté de ces photographies historiques, le public peut admirer les célèbres portraits de Marilyn Monroe, Che Guevara et Marlene Dietrich. Les images intimes et familières ne manquent pas, comme celle de la fille aînée d'Erwitt représentée au lit avec sa mère, et les photos empreintes d'ironie, comme celles dédiées à ses chiens bien-aimés ou prises lors de son mariage à Bratsk.

Le côté ludique et autodérisoire d'Erwitt apparaît dans la section consacrée à ses autoportraits, qui parlent non seulement du photographe, mais aussi de l'homme capable de s'observer et de rire de lui-même et du monde.

A un anno esatto dalla scomparsa dell’artista, gli Arsenali Repubblicani di Pisa si preparano ad accogliere una straordinaria retrospettiva dedicata ad uno dei più grandi maestri della fotografia contemporanea. La mostra, curata da Biba Giacchetti e organizzata da ARTIKA in collaborazione con Orion57 e il Comune di Pisa, sarà aperta al pubblico dal 26 dicembre 2024 al 4 maggio 2025.

La rassegna celebra il genio fotografico di Elliott Erwitt attraverso 80 scatti iconici che catturano la storia, il costume e l’ironia del Novecento. Le immagini in esposizione offrono uno spaccato unico della sua lunga carriera, rivelando lo sguardo surreale, romantico e spesso giocoso che ha reso inconfondibile il suo stile. La mostra propone alcuni dei momenti più celebri immortalati da Erwitt, come l’incontro tra Nixon e Kruscev, l’immagine commovente di Jackie Kennedy al funerale del marito e il celebre incontro di pugilato tra Muhammad Alì e Joe Frazier.

Accanto a queste fotografie storiche, il pubblico potrà ammirare i famosi ritratti di Marilyn Monroe, Che Guevara e Marlene Dietrich. Non mancano immagini intime e familiari, come quella della primogenita di Erwitt ritratta sul letto con la madre, e le foto intrise di ironia, come quelle dedicate ai suoi amati cani o scattate durante il matrimonio a Bratsk.

La vena giocosa e autoironica di Erwitt emerge nella sezione dedicata ai suoi autoritratti, che raccontano non solo il fotografo, ma anche l’uomo capace di osservare e ridere di sé stesso e del mondo.

Exactly one year after the artist's passing, the Republican Arsenals of Pisa are preparing to host an extraordinary retrospective dedicated to one of the greatest masters of contemporary photography. The exhibition, curated by Biba Giacchetti and organized by ARTIKA in collaboration with Orion57 and the City of Pisa, will be open to the public from Dec. 26, 2024 to May 4, 2025.

The exhibition celebrates the photographic genius of Elliott Erwitt through 80 iconic shots that capture the history, costume and irony of the 20th century. The images on display offer a unique insight into his long career, revealing the surreal, romantic and often playful gaze that made his style unmistakable. The exhibition features some of the most famous moments immortalized by Erwitt, such as the meeting between Nixon and Khrushchev, the moving image of Jackie Kennedy at her husband's funeral, and the famous boxing match between Muhammad Ali and Joe Frazier.

Alongside these historical photographs, the public will be able to admire the famous portraits of Marilyn Monroe, Che Guevara and Marlene Dietrich. There is no shortage of intimate and familiar images, such as that of Erwitt's eldest daughter portrayed on her bed with her mother, and photos steeped in irony, such as those dedicated to his beloved dogs or taken during his wedding in Bratsk.

Erwitt's playful and self-deprecating streak emerges in the section devoted to his self-portraits, which tell not only about the photographer, but also about the man capable of observing and laughing at himself and the world.

(Text: ARTIKA)

Haus der Fotografie Husum
14. Januar – 6. April 2025

Heroes of Work
Manfred Georg Schwellies

Manfred G. Schwellies, zurzeit in Bad Karlshafen lebend, ist als Fotodesigner, Industrie- und Produktfotograf gefragt, zudem hat er sich international einen Namen in der künstlerischen Fotografie gemacht. Schon 1978 wird er auf der Photokina Köln für seine künstlerische Leistungen ausgezeichnet und nur wenige Jahre später in die Deutsche Gesellschaft für Photographie berufen. Seine Ausbildung erhält er zunächst im Fotostudio der Karstadt AG, anschliessend an der Fachhochschule für Kunst und Gestaltung in Dortmund.

Mitte der achtziger Jahre unterbricht Schwellis seine freiberufliche Tätigkeit, um ein Studium der Theologie und Philosophie in Augsburg aufzunehmen. Nicht zufällig führt ihn das Studium künstlerische mit den Themen Wahrnehmung, Persönlichkeit und Identität zur Fotocollage und experimentellen Portraitfotografie. Die Dokumentation bleibt unterdessen ein wichtiger Bestandteil seiner Arbeit, die uns in der Werkreihe "Heroes of Work" begegnet. Schwellis zeigt in klassischer Schwer-Weiss-Fotografie arbeitende Menschen in der Schwerindustrie. Die Werke sind innerhalb von sechs Jahren an den verschiedensten Stätten des In- und Auslands entstanden. Sie zeigen nicht den Menschen als Teil des industriellen Prozesses, sondern sie rücken den Arbeiter in den Mittelpunkt, porträtieren ihn vor dem Hintergrund von Werkstatt und Fertigung.

Wie Werke stehen weniger in der Tradition der Sozialfotografie, die im Wege der Dokumentation gesellschaftliche Ungleichheit anklagt. Schwellies begegnet dem industriellen Arbeiter vielmehr mit einem objektiven Blick, wenn auch nicht ohne Empathie. Er schenkt den Menschen Raum, hebt sie aus der Anonymität des industriellen Stoffwechsels heraus, ohne sie ausserhalb ihres sozialen Kontextes zu isolieren.

Manfred G. Schwellies, qui vit actuellement à Bad Karlshafen, est très demandé en tant que designer photo, photographe industriel et photographe de produits. Il s'est en outre fait un nom au niveau international dans le domaine de la photographie artistique. Dès 1978, il est récompensé pour ses performances artistiques à la Photokina de Cologne et, quelques années plus tard seulement, il est nommé à la Société allemande de photographie. Il reçoit d'abord sa formation dans le studio photo de Karstadt AG, puis à l'école supérieure d'art et de design de Dortmund.

Au milieu des années quatre-vingt, Schwellis interrompt son activité de freelance pour entreprendre des études de théologie et de philosophie à Augsbourg. Ce n'est pas un hasard si ses études artistiques sur les thèmes de la perception, de la personnalité et de l'identité l'amènent à réaliser des photocollages et des portraits expérimentaux. La documentation reste entre-temps un élément important de son travail, que nous retrouvons dans la série d'œuvres « Heroes of Work ». Schwellis montre des personnes travaillant dans l'industrie lourde dans une photographie classique en noir et blanc. Les œuvres ont été réalisées en l'espace de six ans sur les sites les plus divers de Suisse et de l'étranger. Elles ne montrent pas l'homme en tant que partie du processus industriel, mais elles placent l'ouvrier au centre, font son portrait dans le contexte de l'atelier et de la fabrication.

Ces œuvres s'inscrivent moins dans la tradition de la photographie sociale, qui dénonce les inégalités sociales par le biais de la documentation. Schwellies rencontre plutôt l'ouvrier industriel avec un regard objectif, même s'il n'est pas dénué d'empathie. Il donne de l'espace aux hommes, les sort de l'anonymat du métabolisme industriel, sans les isoler en dehors de leur contexte social.

Manfred G. Schwellies, che attualmente vive a Bad Karlshafen, è molto richiesto come photo designer, fotografo industriale e di prodotto e si è fatto un nome a livello internazionale anche nel campo della fotografia artistica. Già nel 1978 è stato premiato per i suoi risultati artistici alla Photokina di Colonia e solo pochi anni dopo è stato nominato membro della Società fotografica tedesca. Inizialmente si è formato presso lo studio fotografico Karstadt AG e poi presso l'Università di Arte e Design di Dortmund.

A metà degli anni '80, Schwellis interrompe la sua attività di freelance per studiare teologia e filosofia ad Augusta. Non a caso i suoi studi lo hanno portato al collage fotografico e alla fotografia sperimentale di ritratto con i temi della percezione, della personalità e dell'identità. Nel frattempo, la documentazione rimane una parte importante del suo lavoro, che incontriamo nella serie “Heroes of Work”. Schwellis mostra persone che lavorano nell'industria pesante in una classica fotografia in bianco e nero. Le opere sono state realizzate nell'arco di sei anni in varie località della Svizzera e all'estero. Piuttosto che mostrare le persone come parte del processo industriale, si concentrano sui lavoratori, ritraendoli sullo sfondo dell'officina e della produzione.

Queste opere non rientrano nella tradizione della fotografia sociale, che utilizza la documentazione per denunciare le disuguaglianze sociali. Al contrario, Schwellies si avvicina al lavoratore industriale con un occhio oggettivo, anche se non privo di empatia. Egli dà spazio alle persone, facendole uscire dall'anonimato del metabolismo industriale senza isolarle dal loro contesto sociale.

Manfred G. Schwellies, who currently lives in Bad Karlshafen, is in demand as a photo designer, industrial and product photographer. He has also made a name for himself internationally in artistic photography. He received an award for his artistic achievements at Photokina Cologne as early as 1978, and only a few years later he was appointed to the German Photographic Association. He initially received his training in the Karstadt AG photo studio, and then at the University of Applied Sciences for Art and Design in Dortmund.

In the mid-eighties, Schwellis interrupted his freelance work to study theology and philosophy in Augsburg. It is no coincidence that his studies, which dealt with the topics of perception, personality and identity, led him to photo collages and experimental portrait photography. Documentation, meanwhile, remains an important part of his work, which we encounter in the series “Heroes of Work”. Schwellis shows people working in heavy industry in classic black-and-white photography. The works were created over a period of six years at a wide variety of locations in Germany and abroad. They do not show the human being as part of the industrial process, but rather place the worker at the center, portraying him or her against the backdrop of the workshop and production.

The works are not so much in the tradition of social photography, which uses documentation to denounce social inequality. Schwellies treats the industrial worker with an objective eye, albeit not without empathy. He gives people space, lifts them out of the anonymity of the industrial metabolism, without isolating them outside of their social context.

(Text: Haus der Fotografie Husum)

Leica Galerie Konstanz
17. Januar – 5. April 2025

Where photography meets art – taking creativity beyond the camera
David Osborn

Lange Zeit existierten Fotografie und Malerei entlang einer technischen Trennlinie in unterschiedlichen Welten. Fotografen „lichteten ab“, um die Welt einzufangen; Maler „erschufen Bilder“ als künstlerische Interpretationen der Welt. Traditionell haben Fotografen mit den Möglichkeiten gearbeitet, die ihnen die Realität geboten hat. Das bedeutete, sie mußten verwenden, was die Kamera einfing und damit ihre Kreativität zum Ausdruck bringen. Die Arbeit der Fotografen bestand darin, mit eben diesen Möglichkeiten fotografische Kunst zu generieren!

Digitale Fotografie revolutionierte diese Dynamik. David Osborn zeigt, dass Fotografien heutzutage unter anderem das Produkt der Bearbeitungssoftware sind. Diese Verschiebung hat Fotografen die kreativen Freiheiten gegeben, wie sie jahrhundertelang Malern vorenthalten war. Digitale Software hat die Trennlinie zwischen Fotografen und Malern überbrückt; Kreativität erstreckt sich nun weiter als die bloße Abbildung von Motiven.

Diese künstlerische Freiheit bringt jedoch auch neue Herausforderungen mit sich. Die neueröffneten kreativen Möglichkeiten haben bei vielen Fotografen ein kreatives Vakuum aufgezeigt, eine „künstlerische Wissenslücke“. Anders als Maler, die umfangreiches künstlerisches Verständnis mitbringen müssen, bevor sie ein Gemälde beginnen, fangen Fotografen ein vorbereitetes Bild mit einem Knopfdruck ein.

Mit meiner Erfahrung von über 40 Jahren als professioneller Fotograf suche ich mit meiner Fotografie nach Lösungen, diese „künstlerische Wissenslücke“ zu schließen. Wie bringt man Kreativität einer Generation bei, die daran gewöhnt ist, Bilder abzulichten, aber nicht zu „erschaffen“?

Meine Lösung besteht darin, das menschliche Naturell zu verstehen, um die unerschütterlichen visuellen Grundregeln eines Bildes festzulegen, und in künstlerischem Wissen, um die künstlerische Freiheit innerhalb dieser Grundregeln zu verstehen. In Kombination ergeben sich daraus innovative Richtlinien, die Fotografie-Enthusiasten beigebracht werden können, damit diese ihre Kreativität verbessern können, ohne einem festgelegten künstlerischen Stil zu folgen.

Ich machte mich auf, all diese Prinzipien zu vereinen in einem System, das auf Kunst und Wissenschaft basiert. Es sollte dem Prozess der Bilderschaffung eine logische Basis und Struktur verleihen; anhand meiner eigenen Fotografien prüfte ich, ob meine Schlussfolgerungen korrekt sind und die kreativen Richtlinien funktionieren.

Pendant longtemps, la photographie et la peinture ont coexisté dans des mondes différents le long d'une ligne de démarcation technique. Les photographes « photographiaient » pour capturer le monde ; les peintres « créaient des images » en tant qu'interprétations artistiques du monde. Traditionnellement, les photographes ont travaillé avec les possibilités que leur offrait la réalité. Cela signifiait qu'ils devaient utiliser ce que l'appareil photo capturait et exprimer ainsi leur créativité. Le travail des photographes consistait à générer de l'art photographique avec ces mêmes possibilités !

La photographie numérique a révolutionné cette dynamique. David Osborn montre qu'aujourd'hui, les photographies sont, entre autres, le produit des logiciels de retouche. Ce changement a donné aux photographes la liberté de création dont les peintres ont été privés pendant des siècles. Les logiciels numériques ont comblé la ligne de démarcation entre photographes et peintres ; la créativité s'étend désormais au-delà de la simple reproduction de motifs.

Cette liberté artistique s'accompagne toutefois de nouveaux défis. Les nouvelles possibilités créatives ont mis en évidence un vide créatif chez de nombreux photographes, un « déficit de connaissances artistiques ». Contrairement aux peintres, qui doivent faire preuve d'une grande compréhension artistique avant de commencer un tableau, les photographes capturent une image préparée en appuyant sur un bouton.

Fort d'une expérience de plus de 40 ans en tant que photographe professionnel, je cherche à combler ce « déficit de connaissances artistiques » avec ma photographie. Comment enseigner la créativité à une génération habituée à prendre des photos mais pas à les « créer » ?

Ma solution consiste à comprendre la nature humaine afin d'établir les règles visuelles de base inébranlables d'une image, et en connaissances artistiques afin de comprendre la liberté artistique au sein de ces règles de base. La combinaison de ces deux éléments donne des directives innovantes qui peuvent être enseignées aux passionnés de photographie afin qu'ils puissent améliorer leur créativité sans suivre un style artistique défini.

J'ai entrepris de réunir tous ces principes dans un système basé sur l'art et la science. J'ai utilisé mes propres photographies pour vérifier que mes conclusions étaient correctes et que les directives créatives fonctionnaient.

Per molto tempo, la fotografia e la pittura sono esistite in mondi diversi, lungo una linea di demarcazione tecnica. I fotografi “fotografavano” per catturare il mondo; i pittori “creavano immagini” come interpretazioni artistiche del mondo. Tradizionalmente, i fotografi lavoravano con le possibilità che la realtà offriva loro. Ciò significava che dovevano usare ciò che la macchina fotografica catturava per esprimere la loro creatività. Il lavoro dei fotografi consisteva nel generare arte fotografica con queste stesse possibilità!

La fotografia digitale ha rivoluzionato questa dinamica. David Osborn dimostra che oggi le fotografie sono, tra l'altro, il prodotto di un software di editing. Questo cambiamento ha dato ai fotografi la libertà creativa che per secoli è stata negata ai pittori. Il software digitale ha colmato il divario tra fotografi e pittori; la creatività ora si estende oltre la semplice rappresentazione del soggetto.

Tuttavia, questa libertà artistica porta con sé anche nuove sfide. Le nuove possibilità creative hanno rivelato un vuoto creativo per molti fotografi, un “gap di conoscenza artistica”. A differenza dei pittori, che devono avere una conoscenza artistica approfondita prima di iniziare un dipinto, i fotografi catturano un'immagine preparata con la semplice pressione di un pulsante.

Con la mia esperienza di oltre 40 anni come fotografo professionista, uso la mia fotografia per trovare soluzioni per colmare questo “gap di conoscenze artistiche”. Come si insegna la creatività a una generazione abituata a scattare foto ma non a “crearle”?

La mia soluzione consiste nel comprendere la natura umana per stabilire le regole visive irremovibili di un'immagine e la conoscenza artistica per comprendere la libertà artistica all'interno di tali regole. Combinati insieme, si ottengono linee guida innovative che possono essere insegnate agli appassionati di fotografia per migliorare la loro creatività senza seguire uno stile artistico prestabilito.

Ho deciso di combinare tutti questi principi in un sistema basato su arte e scienza. L'obiettivo era quello di dare una base logica e una struttura al processo di creazione delle immagini; utilizzando le mie fotografie, ho testato se le mie conclusioni erano corrette e se le linee guida creative funzionavano.

For a long time, photography and painting existed in different worlds, separated by a technical dividing line. Photographers “shot” to capture the world; painters “painted” images as artistic interpretations of the world. Traditionally, photographers have worked with the possibilities that reality offered them. This meant that they had to use what the camera captured and express their creativity with it. The work of the photographers was to generate photographic art with these very possibilities!

Digital photography revolutionized this dynamic. David Osborn shows that photographs today are, among other things, the product of the editing software. This shift has given photographers the creative freedoms that were denied to painters for centuries. Digital software has bridged the divide between photographers and painters; creativity now extends beyond the mere depiction of subjects.

However, this artistic freedom also brings new challenges. The new creative possibilities have revealed a creative vacuum in many photographers, an “artistic knowledge gap”. Unlike painters, who must have extensive artistic understanding before they begin a painting, photographers capture a prepared image with the push of a button.

With my experience of over 40 years as a professional photographer, I seek to close this “artistic knowledge gap” with my photography. How do you teach creativity to a generation that is accustomed to copying images but not “creating” them?

My solution involves an understanding of human nature to establish the unalterable visual principles of an image, and artistic knowledge to understand the artistic freedom within those principles. Combined, these provide innovative guidelines that photography enthusiasts can be taught to improve their creativity without following a prescribed artistic style.

I set out to combine all these principles into a system based on art and science. It should give the process of image creation a logical basis and structure; I used my own photographs to check whether my conclusions were correct and the creative guidelines worked.

(Text: David Osborn)

Kunstmuseum Solothurn
19. Januar – 4. Mai 2025

Jurabilder

Das Kunstmuseum Solothurn und die Solothurner Filmtage setzen in ihrer ersten umfassenden Zusammenarbeit den Jura in Szene, jenes Gebiet, das Solothurn beheimatet und gleichzeitig eine Brücke über Landes- und Sprachgrenzen hinweg schlägt - von Baselland über die Neuenburger Täler bis weit nach Frankreich hinein.

In einer multidisziplinären Ausstellung, die im 18. Jahrhundert startet und bis in die Gegenwart führt, lenkt das Kunstmuseum Solothurn den Blick auf die Jura-Landschaft als Schauplatz und Motiv. Sie nimmt das Publikum mit auf eine Reise quer durch das visuelle Erbe einer Region und fragt nach deren künstlerischer Biografie, die mal in leiseren, mal in drastischeren Tönen von unterschiedlichen Auffassungen und Realitäten zeugt.

Die Schau vereint Malerei und Fotografie im Dialog und spannt den Bogen weiter von Filmdokumenten bis hin zu Werken von Anne und Jean Rochat oder Augustin Rebetez, die eigens für das Projekt entstanden sind. Die 60. Solothurner Filmtage (22.-29.1.25) widmen dem Drehort Jura ein Spezialprogramm, das mit einer internationalen Retrospektive und aktuellen Filmen die Topografie des Jurabogens erkundet.

Pour leur première collaboration d'envergure, le Kunstmuseum de Soleure et les Journées cinématographiques de Soleure mettent en scène le Jura, cette région qui abrite Soleure et qui jette en même temps un pont par-delà les frontières nationales et linguistiques - de Bâle-Campagne aux vallées neuchâteloises, jusqu'à la France.

Dans une exposition pluridisciplinaire qui débute au 18e siècle et se poursuit jusqu'à nos jours, le Kunstmuseum de Soleure attire le regard sur le paysage jurassien en tant que décor et motif. Elle emmène le public dans un voyage à travers le patrimoine visuel d'une région et s'interroge sur sa biographie artistique, qui témoigne tantôt de manière plus discrète, tantôt de manière plus radicale, de conceptions et de réalités différentes.

L'exposition réunit la peinture et la photographie dans un dialogue et s'étend à des documents cinématographiques ainsi qu'à des œuvres d'Anne et Jean Rochat ou d'Augustin Rebetez, créées spécialement pour le projet. Le site 60e Journées cinématographiques de Soleure (22-29.1.25) consacrent un programme spécial au Jura, lieu de tournage, qui explore la topographie de l'Arc jurassien avec une rétrospective internationale et des films récents.

Nella loro prima collaborazione globale, il Museo d'Arte di Soletta e il Festival del Cinema di Soletta mettono in mostra il Giura, la regione che ospita Soletta e allo stesso tempo getta un ponte attraverso i confini nazionali e linguistici - dal Canton Basilea alle valli di Neuchâtel fino alla Francia.

In una mostra multidisciplinare che parte dal XVIII secolo e arriva fino ai giorni nostri, il Museo d'arte di Soletta si concentra sul paesaggio del Giura come scenario e motivo. La mostra accompagna il pubblico in un viaggio attraverso il patrimonio visivo di una regione e indaga sulla sua biografia artistica, che testimonia percezioni e realtà diverse, a volte con toni più morbidi, a volte più drastici.

La mostra mette in dialogo pittura e fotografia e spazia dai documenti cinematografici alle opere di Anne e Jean Rochat o Augustin Rebetez, create appositamente per il progetto. Il 60° Festival del Cinema di Soletta (22.-29.1.25) dedica un programma speciale al Giura come location cinematografica, esplorando la topografia dell'arco giurassiano con una retrospettiva internazionale e film attuali.

In their first comprehensive collaboration, the Solothurn Art Museum and the Solothurn Film Festival are putting the spotlight on the Jura, the region that is home to Solothurn and at the same time builds a bridge across national and linguistic borders – from Baselland via the Neuchâtel valleys and well into France.

In a multidisciplinary exhibition that starts in the 18th century and continues to the present day, the Solothurn Art Museum draws attention to the Jura landscape as a setting and motif. It takes the public on a journey through the visual heritage of a region and asks about its artistic biography, which testifies to different perceptions and realities in sometimes quieter, sometimes more drastic tones.

The show combines painting and photography in a dialogue and spans an arc from film documents to works by Anne and Jean Rochat or Augustin Rebetez, which were created especially for the project. The 60th Solothurn Film Festival (22-29.1.25) is dedicating a special program to the Jura as a film location, exploring the topography of the Jura Arc with an international retrospective and current films.

Palazzo Reale | Milano

21. Januar – 18. Mai 2025

George Hoyningen-Huene. Glamour e avanguardia

Als Weltpremiere in Italien erzählen über 100 ikonische Aufnahmen mit Platinabzügen die Geschichte von George Hoyningen-Huenes Bedeutung in der Geschichte der Fotografie. Beeinflusst von der klassischen Kunst und dem Surrealismus, gehörte er zum inneren Kreis von Man Ray, verkehrte mit surrealistischen Künstlern wie Salvador Dali, Lee Miller, Pablo Picasso und Jean Cocteau und arbeitete mit Vogue und Harper's Bazaar zusammen. Seine Aufnahmen zeugen vom lebendigen kulturellen Kontext der Zeit, von Diaghilews Ballets Russes bis hin zu den Tänzern Serge Lifar und Olga Spessivtzeva mit von De Chirico entworfenen Kostümen.

En première mondiale en Italie, plus de 100 clichés emblématiques accompagnés de tirages au platine racontent l'importance de George Hoyningen-Huene dans l'histoire de la photographie. Influencé par l'art classique et le surréalisme, il a fait partie du cercle intime de Man Ray, a fréquenté des artistes surréalistes tels que Salvador Dali, Lee Miller, Pablo Picasso et Jean Cocteau et a collaboré avec Vogue et Harper's Bazaar. Ses clichés témoignent du contexte culturel animé de l'époque, des Ballets russes de Diaghilev aux danseurs Serge Lifar et Olga Spessivtzeva, dont les costumes ont été dessinés par De Chirico.

Una prima assoluta in Italia, oltre 100 scatti iconici con stampe al platino raccontano l’importanza che George Hoyningen-Huene ha avuto nella storia della fotografia. Influenzato dall’arte classica e dal Surrealismo, è parte della cerchia ristretta di Man Ray, frequenta artisti surrealisti come Salvador Dalì, Lee Miller, Pablo Picasso e Jean Cocteau e collabora con Vogue e Harper’s Bazaar. I suoi scatti testimoniano il vivace contesto culturale dell’epoca, dai Ballets Russes di Diaghilev, a quelli dei ballerini Serge Lifar e Olga Spessivtzeva con i costumi disegnati da De Chirico.

A premiere in Italy, more than one hundred iconic platinum prints ocumentting George Hoyningen-Huene's impact in the history of photography. Influenced by classical art and Surrealism, he was part of Man Ray's inner circle, frequented Surrealist artists such as Salvador Dali, Lee Miller, Pablo Picasso, and Jean Cocteau and worked with Vogue and Harper's Bazaar. His shots captured the vibrant cultural context of the time, from Diaghilev's Ballets Russes, to those of dancers Serge Lifar and Olga Spessivtzeva with costumes designed by De Chirico.

(Text: Palazzo Reale, Milano)

Foam | Amsterdam
24. Januar – 20. April 2025

An Unfinished World
Saul Leiter

Foam ist stolz darauf, eine große Retrospektive des gefeierten amerikanischen Künstlers Saul Leiter (1923–2013) zu präsentieren. Leiter gilt als einer der wichtigsten Fotografen der 1950er Jahre in den Vereinigten Staaten und als Pionier der Farbfotografie. Diese Ausstellung vereint über 200 Werke, bestehend aus Schwarz-Weiß- und Farbfotografien sowie seinen abstrakten Gemälden. Sein vielseitiges Werk zeigt eine Praxis, bei der er Schatten, Licht und Reflexionen einsetzt, um Kompositionen in Schichten zu gestalten.

Saul Leiter (1923–2013) begann bereits als Teenager mit dem Malen und Fotografieren und erlangte schon früh Anerkennung für seine Gemälde. Nachdem er 1946 nach New York gezogen war, wandte er sich der Fotografie als Beruf zu, während er weiterhin malte. Seine abstrakten Formen und bahnbrechenden Kompositionen besitzen eine malerische Qualität, die sie von den Werken anderer Fotografen dieser Zeit unterscheidet. Seine Arbeit trug maßgeblich zur Entstehung dessen bei, was heute als New York School of Photography bekannt ist.

Ab 1957 arbeitete er für große Publikationen wie Esquire und Harper's Bazaar und brachte seinen kommerziellen Erfolg mit seiner persönlichen Leidenschaft für die Straßenfotografie in seinem Viertel in Manhattan in Einklang. Leiters bahnbrechende Arbeit in der Farbfotografie erlangte mit der Veröffentlichung seines ersten Buches Early Colour (2006) breite Anerkennung. Bis zu seinem Tod im Jahr 2013 hatte Leiter internationale Anerkennung erlangt und seine Arbeiten wurden weltweit in zahlreichen Museumsausstellungen und Publikationen gezeigt.

Foam est fière de présenter une grande exposition rétrospective du célèbre artiste américain Saul Leiter (1923-2013). Leiter est considéré comme l'un des photographes les plus importants des années 1950 aux États-Unis et un pionnier de la photographie couleur. Cette exposition rassemble plus de 200 œuvres, composées de photographies en noir et blanc et en couleur, ainsi que de peintures abstraites. Son œuvre éclectique révèle une pratique utilisant l'ombre, la lumière et les reflets pour créer des compositions en couches.

Saul Leiter (1923-2013) a commencé à peindre et à photographier à l'adolescence, et ses peintures ont été très vite reconnues. Après s'être installé à New York en 1946, il s'est tourné vers la photographie comme profession tout en continuant à peindre. Ses formes abstraites et ses compositions novatrices possèdent une qualité picturale qui les distingue des œuvres des autres photographes de l'époque. Son travail a contribué de manière significative à l'émergence de ce que l'on appelle aujourd'hui l'école de photographie de New York.

En 1957, il commence à travailler pour de grandes publications comme Esquire et Harper's Bazaar, tout en conciliant son succès commercial avec sa passion personnelle pour la photographie de rue dans son quartier de Manhattan. Le travail novateur de Leiter dans le domaine de la photographie en couleur a été largement salué avec la publication de son premier livre, Early Colour (2006). Au moment de sa mort en 2013, Leiter avait acquis une reconnaissance internationale, son travail ayant été présenté dans de nombreuses expositions muséales et publications dans le monde entier.

Foam è orgogliosa di presentare una grande mostra retrospettiva del celebre artista americano Saul Leiter (1923-2013). Leiter è considerato uno dei più importanti fotografi degli anni Cinquanta negli Stati Uniti e un pioniere della fotografia a colori. Questa mostra riunisce oltre 200 opere, composte da fotografie, sia in bianco e nero che a colori, e dai suoi dipinti astratti. La sua opera eclettica rivela una pratica che utilizza ombre, luci e riflessi per creare composizioni stratificate.

Saul Leiter (1923-2013) ha iniziato a dipingere e fotografare durante l'adolescenza, ottenendo un primo riconoscimento per i suoi dipinti. Trasferitosi a New York nel 1946, si dedica alla fotografia come professione, pur continuando a dipingere. Le sue forme astratte e le sue composizioni innovative possiedono una qualità pittorica che le distingue dalle opere di altri fotografi dell'epoca. Il suo lavoro ha contribuito in modo significativo alla nascita di quella che oggi è conosciuta come la Scuola di fotografia di New York.

Nel 1957 inizia a lavorare per importanti pubblicazioni come Esquire e Harper's Bazaar, conciliando il successo commerciale con la passione personale per la fotografia di strada nel suo quartiere di Manhattan. Il lavoro innovativo di Leiter nella fotografia a colori ha ottenuto un ampio consenso con l'uscita del suo primo libro, Early Colour (2006). Al momento della sua morte, avvenuta nel 2013, Leiter aveva ottenuto un riconoscimento internazionale e il suo lavoro era stato presentato in numerose mostre museali e pubblicazioni in tutto il mondo.

Foam is proud to present a major retrospective exhibition of the celebrated American artist Saul Leiter (1923–2013). Leiter is seen as one of the most important photographers of the 1950’s in the United States and a pioneer of colour photography. This exhibition brings together over 200 works, consisting of photography, both black-and-white and colour, as well as his abstract paintings. His eclectic oeuvre reveals a practice using shadow, light, and reflections to craft layered compositions.

Saul Leiter (1923–2013) began painting and photographing in his teenage years, gaining an early recognition for his paintings. After moving to New York in 1946, he turned to photography as a profession while continuing to paint. His abstract forms and groundbreaking compositions possess a painterly quality that distinguishes them from the works of other photographers of that era. His work significantly contributed to the emergence of what is now known as the New York School of photography.

In 1957, he began working for major publications like Esquire and Harper’s Bazaar, balancing his commercial success with his personal passion for street photography in his Manhattan neighborhood. Leiter's groundbreaking work in colour photography gained widespread acclaim with the release of his first book, Early Colour (2006). By the time of his death in 2013, Leiter had achieved international recognition, with his work featured in numerous museum exhibitions and publications worldwide.

(Text: Foam, Amsterdam)

Christophe Guye Galerie | Zürich
24. Januar – 10. Mai 2025

Erik Madigan Heck – The Tapestry

Die Christophe Guye Galerie freut sich sehr, die dritte Einzelausstellung „The Tapestry“ von Erik Madigan Heck (*1983, Vereinigte Staaten) in der Galerie anzukündigen. Gezeigt wird eine Auswahl von Werken, von denen die meisten aus seiner jüngsten Monografie „The Tapestry“ stammen, die Ende 2024 bei Thames & Hudson erschienen ist. „The Tapestry“ ist sowohl eine Erkundung von Farbe und Form als auch ein schillerndes künstlerisches Statement und eine einzigartige Retrospektive – eine, die in einer Zeit grosser beruflicher und persönlicher Unsicherheit für den Künstler entstand. Heck, der unermüdlich kreativ ist, nutzte die erzwungene Pause in seinem Leben vor dem Hintergrund der weltweiten Pandemie als kontemplativen Raum, um seine Arbeit als Fotograf und Künstler aus einem Jahrzehnt Revue passieren zu lassen. Diese Auswahl dient als meditative Erkundung von Hecks einzigartiger Verschmelzung von Fotografie und Malerei, die sich durch eine konsequente Nutzung des natürlichen Lichts auszeichnet und zu einer atemberaubenden Serie von unverschämt schönen und farbintensiven Bildern führt.

La galerie Christophe Guye est très heureuse d'annoncer la troisième exposition individuelle « The Tapestry » d'Erik Madigan Heck (*1983, États-Unis) à la galerie. Sera présentée une sélection d'œuvres, dont la plupart sont issues de sa dernière monographie « The Tapestry », publiée fin 2024 par Thames & Hudson. « The Tapestry » est à la fois une exploration de la couleur et de la forme, une déclaration artistique éblouissante et une rétrospective unique en son genre - une rétrospective qui a vu le jour à une époque de grande incertitude professionnelle et personnelle pour l'artiste. Créateur infatigable, Heck a utilisé cette pause forcée dans sa vie, sur fond de pandémie mondiale, comme un espace contemplatif pour passer en revue une décennie de son travail de photographe et d'artiste. Cette sélection sert d'exploration méditative de la fusion unique de Heck entre la photographie et la peinture, qui se caractérise par une utilisation systématique de la lumière naturelle et donne lieu à une série époustouflante de visuels d'une beauté insolente et aux couleurs intenses.

La Christophe Guye Galerie è lieta di annunciare la terza mostra personale di Erik Madigan Heck (*1983, Stati Uniti) “The Tapestry”. In mostra una selezione di opere, la maggior parte delle quali tratte dalla sua ultima monografia “The Tapestry”, pubblicata da Thames & Hudson alla fine del 2024. “The Tapestry” è allo stesso tempo un'esplorazione del colore e della forma, una dichiarazione artistica folgorante e una retrospettiva unica nel suo genere, giunta in un momento di grande incertezza professionale e personale per l'artista. Heck, che è un creativo incessante, ha usato la pausa forzata della sua vita sullo sfondo della pandemia globale come spazio contemplativo per rivedere un decennio di lavoro come fotografo e artista. Questa selezione è un'esplorazione meditativa della fusione unica di fotografia e pittura di Heck, caratterizzata da un uso costante della luce naturale, che si traduce in una serie di immagini di straordinaria bellezza e intensamente colorate.

Christophe Guye Galerie is delighted to announce the third solo exhibition at the gallery, ‘The Tapestry,’ by Erik Madigan Heck (b. 1983, United States). On display will be a selection of works, most of which are from his most recent monograph, The Tapestry, published by Thames & Hudson at the end of 2024. The book is both an exploration of colour and form and a dazzling artistic statement, and a unique retrospective – one that was created during a time of great professional and personal uncertainty for the artist. Heck, who is relentlessly creative, used the forced pause in his life against the backdrop of the global pandemic as a contemplative space to review a decade of his work as a photographer and artist. This selection serves as a meditative exploration of Heck's unique fusion of photography and painting, characterised by a consistent use of natural light that results in a stunning series of outrageously beautiful and intensely coloured visuals.

(Text: Christophe Guye Galerie AG, Zürich)

HANGAR | Brussels
24. Januar – 15. Juni 2025

AImagine - Photography and generative images

Jordan Beal, François Bellabas, Matthieu Bernard-Reymond, Philippe Braquenier, Brodbeck et de Barbuat, Michael Christopher Brown, Delphine Diallo, Bruce Eesly, David Fathi, Nicolas Grospierre, Isidore Hibou, Patricia Jacomella, Claudia Jaguaribe, Robin Lopvet, Alisa Martynova, Pascal Sgro, Justine Van den Driessche, Alexey Yurenev

Welche fotografische Vorstellungskraft kann uns künstliche Intelligenz bieten? Welche neuen kreativen und konzeptionellen Möglichkeiten ergeben sich aus der Verschmelzung von Fotografie und generativer Bildsprache? Die Ausstellung AImagine vereint achtzehn Projekte, von denen sechs die Gewinner des von Hangar im vergangenen Juni initiierten Projektaufrufs sind, der sich mit dem Thema der Wiederholung und Neuinterpretation historischer Ereignisse, Charaktere oder Situationen durch künstliche Intelligenz befasste. Durch die Stärke ihrer Vorschläge erforschen all diese Projekte die Grenzen der KI in der Fotografie in einer Zeit, in der Kunst und Technologie die Grenzen zwischen Fiktion und Realität verwischen. Hangar präsentiert in Zusammenarbeit mit Michel Poivert eine einzigartige Kollektivausstellung, die die Schnittstellen zwischen künstlicher Intelligenz und Fotografie erforscht.

Quelle imagination photographique l'intelligence artificielle peut-elle nous offrir ? Quelles nouvelles possibilités créatives et conceptuelles émergent de la fusion de la photographie et de l'imagerie générative ? L'exposition AImagine rassemble dix-huit projets, dont six lauréats de l'appel à projets lancé par le Hangar en juin dernier, autour du thème : revisiter et réimaginer des événements, des personnages ou des situations historiques par le biais de l'intelligence artificielle. Par la force de leurs propositions, tous ces projets explorent les limites de l'IA dans la photographie à une époque où l'art et la technologie brouillent les frontières entre fiction et réalité. Hangar, en collaboration avec Michel Poivert, présente une exposition collective unique qui explore les intersections entre l'intelligence artificielle et la photographie.

Quale immaginazione fotografica può offrirci l'intelligenza artificiale? Quali nuove possibilità creative e concettuali emergono dalla fusione di fotografia e immagini generative? La mostra AImagine riunisce diciotto progetti, sei dei quali sono i vincitori del bando avviato da Hangar lo scorso giugno, incentrato sul tema: rivisitare e reimmaginare eventi, personaggi o situazioni storiche attraverso l'intelligenza artificiale. Grazie alla forza delle loro proposte, tutti questi progetti esplorano i confini dell'intelligenza artificiale nella fotografia, in un momento in cui arte e tecnologia confondono i confini tra finzione e realtà. Hangar, in collaborazione con Michel Poivert, presenta una mostra collettiva unica che esplora le intersezioni tra intelligenza artificiale e fotografia.

What photographic imagination can artificial intelligence offer us? What new creative and conceptual possibilities emerge from the fusion of photography and generative imagery? The AImagine exhibition brings together eighteen projects, six of which are the winners of the call for projects initiated by Hangar last June, centered on the theme: revisiting and re-imagining historical events, characters, or situations through artificial intelligence. Through the strength of their proposals, all these projects explore the boundaries of AI in photography at a time when art and technology blur the lines between fiction and reality. Hangar, in collaboration with Michel Poivert, presents a unique collective exhibition exploring the intersections between artificial intelligence and photography.

(Text: Hangar, Brussels)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
28. Januar – 13. April 2025

Mons Ferratus
Karim Kal

In der kollektiven Vorstellung ist die Haute Kabylie, dieses bergige Gebiet im Norden Algeriens, ein Symbol für eine bestimmte Form des Widerstands gegen Imperialismus, Kolonialisierung, Herrschaft und Schrecken aller Art. Als ob die eisenhaltige Natur seines Bodens dazu beigetragen hätte, den stählernen Charakter der Menschen, die dort leben, zu formen.

Der 1977 in Genf geborene Karim Kal, Enkel einer kabylischen Familie, verfolgt hier jedoch keine autobiografische oder gar identitätsstiftende Suche. Das Projekt, das er im Rahmen des EHCB-Preises entwickelt hat, ist vielmehr Teil einer Recherche, die er vor nunmehr zwei Jahrzehnten in Räumen - Gefängnissen, Krankenhäusern, Vorstädten - begonnen hat, die besonders von Machtsituationen bestimmt sind.

Kal, der stark vom Vokabular der abstrakten Malerei in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts geprägt ist, hat einen unverkennbaren Stil entwickelt. Da er hauptsächlich nachts mit einer starken Blitzlampe fotografiert, enthüllt er bestimmte Details und lässt andere in der Dunkelheit verschwinden. Er modelliert die Wirklichkeit mit Licht.

Weit entfernt von der Informationsüberflutung, an die uns die heutigen Medien gewöhnen, verlangsamt er den Fluss, wählt das Wichtige aus und schlägt so eine kritische wie poetische Askese vor. Auf diese Weise trägt er zur Neudefinition des dokumentarischen Vertrags bei, der der fotografischen Sprache innewohnt.

Kurator der Ausstellung: Clément Chéroux, Direktor der Fondation Henri Cartier-Bresson.

Partner: Die Fondation d'entreprise Hermès ist Mäzenin des HCB-Preises.

Dans l’imaginaire collectif, la Haute Kabylie, ce territoire montagneux situé au nord de l’Algérie, est le symbole d’une certaine forme de résistance à l’impérialisme, à la colonisation, aux dominations et aux terreurs de tous âges. Comme si la nature ferrugineuse de son sol avait contribué à forger le caractère d’acier de ceux qui l’habitent.

Petit fils de kabyles, né à Genève en 1977, Karim Kal ne poursuit cependant pas ici une quête autobiographique ou même identitaire. Le projet qu’il a développé dans le cadre du Prix HCB s’inscrit davantage dans une recherche entamée il y a maintenant deux décennies dans des espaces – prisons, hôpitaux, banlieues – particulièrement déterminés par des situations de pouvoir.

Très marqué par le vocabulaire de la peinture abstraite de la seconde moitié du 20e siècle, Kal a développé un style reconnaissable entre tous. Photographiant essentiellement la nuit, à l’aide d’une puissante torche flash, il révèle certains détails et en laisse disparaître d’autres dans l’obscurité. Il sculpte le réel à la lumière.

Bien loin du trop-plein informationnel auquel les médias contemporains nous habituent, il ralentit le flux, choisit ce qui importe, et propose ainsi une ascèse critique autant que poétique. Ce faisant, il participe à la redéfinition du contrat documentaire inhérent au langage photographique.

Commissaire de l’exposition: Clément Chéroux, Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson

Partenaire: La Fondation d’entreprise Hermès est le mécène du Prix HCB.

Nell'immaginario collettivo, l'Alta Cabilia, territorio montuoso nel nord dell'Algeria, è il simbolo di una certa forma di resistenza all'imperialismo, alla colonizzazione, alla dominazione e al terrore di ogni epoca. È come se la natura ferruginosa del suo suolo avesse contribuito a forgiare il carattere saldo dei suoi abitanti.

Nipote di genitori cablè, nato a Ginevra nel 1977, Karim Kal non sta perseguendo una ricerca autobiografica o identitaria. Il progetto che ha sviluppato nell'ambito del Premio HCB è piuttosto in linea con la ricerca che ha iniziato due decenni fa negli spazi - carceri, ospedali, periferie - particolarmente determinati da situazioni di potere.

Fortemente influenzato dal vocabolario della pittura astratta della seconda metà del XX secolo, Kal ha sviluppato uno stile immediatamente riconoscibile. Fotografando soprattutto di notte, utilizzando una potente torcia elettrica, rivela alcuni dettagli e ne lascia scomparire altri nell'oscurità. Scolpisce la realtà con la luce.

Lontano dal sovraccarico di informazioni a cui ci hanno abituato i media contemporanei, rallenta il flusso, sceglie ciò che è importante e, così facendo, propone un'ascesi critica quanto poetica. Così facendo, contribuisce a ridefinire il contratto documentario insito nel linguaggio fotografico.

Curatore della mostra: Clément Chéroux, Direttore, Fondation Henri Cartier-Bresson

Partner: La Fondation d'entreprise Hermès è il patrocinatore del Prix HCB.

In the collective imagination, Upper Kabylia, the mountainous territory in northern Algeria, is the symbol of a certain form of resistance to imperialism, colonisation, domination and terror of all ages. It's as if the ferruginous nature of its soil has helped forge the steely character of its inhabitants.

The grandson of Kabyle parents born in Geneva in 1977, Karim Kal is not pursuing an autobiographical or even identity quest here. The project he has developed as part of the HCB Prize is more in keeping with research he began two decades ago in spaces - prisons, hospitals, suburbs - particularly determined by situations of power.

Strongly influenced by the vocabulary of abstract painting in the second half of the 20th century, Kal has developed a style that is instantly recognisable. Photographing mainly at night, using a powerful flashlight, he reveals certain details and lets others disappear into the darkness. He sculpts reality with light.

Far removed from the information overload to which the contemporary media have accustomed us, he slows down the flow, chooses what is important, and in so doing proposes a critical asceticism as much as a poetic one. In so doing, he is helping to redefine the documentary contract inherent in the language of photography.

Exhibition curator: Clément Chéroux, Director, Fondation Henri Cartier-Bresson

Partner: The Fondation d'entreprise Hermès is the patron of the Prix HCB.

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
28. Januar – 13. April 2025

L’envers du portrait
Marjaana Kella

„Ich habe das Porträt als Thema gewählt...“.
Seit nunmehr fast dreißig Jahren steht die Präsenz des anderen im Bild, seine subtile und geheimnisvolle Ausstrahlung, im Mittelpunkt des Werks der finnischen Fotografin Marjaana Kella. Was bedeutet es, ein Porträt zu machen? Zwischen 1997 und 2001 erstellt sie Porträts von Menschen unter Hypnose. Sie will die Dissoziation hinterfragen, die sich dann zwischen dem inneren Zustand und der äußeren Erscheinung vollzieht. Im selben Zeitraum fotografiert sie auch Modelle, die dem Objektiv den Rücken zuwenden. Sie weiß, dass bei einem traditionellen Porträt das Gesicht, die Augen und der Ausdruck den Blick auf sich ziehen. „Sobald das Gesicht des anderen erscheint, verpflichtet es mich“, schrieb Emmanuel Levinas. Indem sie dieses Zeichen der Präsenz in der Welt ausblendet, versucht sie, die Aufmerksamkeit auf das Bild selbst zu lenken. Was ist eine Fotografie? Das Prinzip der experimentellen Methode besteht darin, die Parameter eines Experiments zu variieren, um ihre Auswirkungen auf das Ergebnis genau zu bestimmen. Genau dieser Aufgabe unterzieht Kella die Übung der Repräsentation. Sie hinterfragt die Art und Weise, wie Porträts gemacht werden, aber auch, wie wir sie betrachten.

Kurator der Ausstellung: Clément Chéroux, Direktor, Fondation Henri Cartier-Bresson

« J’ai choisi le portrait comme sujet… ».
Depuis maintenant près d’une trentaine d’années, la présence de l’autre à l’image, son émanation subtile et mystérieuse, est au coeur de l’oeuvre de la photographe finlandaise Marjaana Kella. Qu’est-ce que faire un portrait veut dire ? Entre 1997 et 2001, elle réalise des portraits de personnes sous hypnose. Elle veut interroger la dissociation qui s’opère alors entre l’état intérieur et l’apparence extérieure. Durant la même période, elle photographie également des modèles qui tournent le dos à l’objectif. Elle sait que dans le portrait traditionnel, le visage, les yeux, l’expression attirent le regard. « Dès que le visage de l’autre apparaît, il m’oblige » écrivait Emmanuel Levinas. En oblitérant cette marque de présence au monde, elle cherche à attirer l’attention sur l’image elle-même. Qu’est-ce qu’une photographie ? Le principe de la méthode expérimentale consiste à faire varier les paramètres d’une expérience afin de déterminer exactement leurs effets sur son résultat. C’est là précisément ce à quoi Kella soumet l’exercice de la représentation. Elle questionne la manière dont les portraits sont réalisés mais aussi la façon dont nous les regardons.

Commissaire de l’exposition: Clément Chéroux, Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson

“Ho scelto il ritratto come soggetto...”.
Da quasi trent'anni, la presenza dell'altro nell'immagine, la sua sottile e misteriosa emanazione, è al centro del lavoro della fotografa finlandese Marjaana Kella. Cosa significa fare un ritratto? Tra il 1997 e il 2001 ha scattato ritratti di persone sotto ipnosi. Il suo obiettivo era esplorare la dissociazione che si verifica tra lo stato interiore e l'aspetto esteriore. Nello stesso periodo ha fotografato anche modelli che davano le spalle alla macchina fotografica. Sapeva che nel ritratto tradizionale il volto, gli occhi e l'espressione erano al centro dell'attenzione. “Non appena il volto di un altro appare, mi costringe”, scriveva Emmanuel Levinas. Cancellando questo segno di presenza nel mondo, cerca di attirare l'attenzione sull'immagine stessa. Che cos'è una fotografia? Il principio del metodo sperimentale consiste nel variare i parametri di un esperimento per determinare esattamente l'effetto che hanno sul suo risultato. È proprio questo che Kella sottopone all'esercizio della rappresentazione. L'artista mette in discussione non solo il modo in cui vengono realizzati i ritratti, ma anche il modo in cui li guardiamo.

Curatore della mostra: Clément Chéroux, Direttore della Fondation Henri Cartier-Bresson

‘I chose the portrait as my subject...’.
For almost thirty years now, the presence of the other in the image, its subtle and mysterious emanation, has been at the heart of the work of Finnish photographer Marjaana Kella. What does it mean to make a portrait? Between 1997 and 2001, she took portraits of people under hypnosis. Her aim was to explore the dissociation that occurs between the inner state and the outer appearance. During the same period, she also photographed models with their backs to the camera. She knew that in the traditional portrait, the face, the eyes and the expression were the focus of attention. ‘As soon as the face of another appears, it compels me’ wrote Emmanuel Levinas. By obliterating this mark of presence in the world, it seeks to draw attention to the image itself. What is a photograph? The principle of the experimental method is to vary the parameters of an experiment in order to determine exactly what effect they have on its outcome. This is precisely what Kella is subjecting the exercise of representation to. She questions not only the way portraits are made, but also the way we look at them.

Exhibition curator: Clément Chéroux, Director, Fondation Henri Cartier-Bresson

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris)

The New York Historical
31. Januar – 25. Mai 2025

Picture Stories: Photographs by Arlene Gottfried

Das New York Historical freut sich, die Eröffnung von „Picture Stories: Photographs by Arlene Gottfried“ ankündigen zu können, einer Ausstellung, die das lebendige, raue und zutiefst menschliche New York City erforscht, das von der Fotografin Arlene Gottfried (1950–2017) eingefangen wurde. Die Ausstellung, die am 31. Januar 2025 eröffnet wird, zeigt mehr als 30 Fotografien aus dem jüngsten Erwerb von Gottfrieds Werken durch das Museum und bietet einen seltenen Einblick in das Leben und den Geist der New Yorker im späten 20. Jahrhundert.

"Meine Mutter pflegte zu sagen: ‚Arlene – lauf nur nicht herum!‘ Dann begann ich zu wandern, aber ich besorgte mir eine Kamera, weil sie dem Ganzen etwas mehr Bedeutung verlieh ... ein Leben des Wanderns ist wirklich das, worum es geht“, sagte Gottfried einmal. Mit ihrer Kamera in der Hand durchstreifte sie jeden Winkel der Stadt und hielt eine Reihe von Motiven fest, von Harlems Gospelsängern über die Underground-Szenen der Lower East Side bis hin zu den pulsierenden Nachtclubs von Midtown und den sonnenverwöhnten Menschenmassen auf Coney Island. Diese Ausstellung bringt Gottfrieds sensible, ehrliche und manchmal schonungslose Darstellung der vielfältigen Bevölkerung New Yorks die längst überfällige Anerkennung.

„Arlene Gottfrieds Fotografien fangen intime Ausschnitte der Menschen und Orte New Yorks ein und bieten den Betrachtern eine herzliche und ehrliche Darstellung der Stadt, wie sie nur ein echter New Yorker vermitteln kann“, sagte Dr. Louise Mirrer, Präsidentin und CEO von The New York Historical. „Wir sind unserer Treuhänderin Sally Klingenstein Martell sehr dankbar, dass sie uns beim Erwerb dieser Fotografien unterstützt hat, und Dara Gottfried dafür, dass sie The New York Historical ausgewählt hat, um Arlenes Vermächtnis fortzusetzen.“

Diese Ausstellung feiert den jüngsten Erwerb von fast 300 Werken Gottfrieds, die aus ihrem Nachlass stammen und durch die großzügige Unterstützung von Sally Klingenstein Martell, Kuratorin von The New York Historical, erworben wurden. Die Ausstellung wurde von Marilyn S. Kushner, Kuratorin für Drucke, Fotografien und Architekturzeichnungen, kuratiert und wirft ein Licht auf Gottfrieds unterrepräsentiertes künstlerisches Schaffen, indem sie ihr Werk als tiefgründige Dokumentation der facettenreichen Menschlichkeit der Stadt offenbart.

„Arlene hatte die außergewöhnliche Fähigkeit, Menschen hinter der Oberfläche zu sehen und ihre Freuden, Nöte und ihre Widerstandsfähigkeit einzufangen“, sagte Kushner. “Mit ihren Fotografien lädt sie uns ein, uns mit einem New York auseinanderzusetzen, das intim, herausfordernd und wunderbar vielfältig war. Diese Ausstellung ist eine Hommage an ihre einzigartige Vision und ihr bemerkenswertes Einfühlungsvermögen für ihre Motive.“

„Ich freue mich sehr, dass das New York Historical Museum diese außergewöhnliche Sammlung erworben hat“, sagte Sally Klingenstein Martell, Kuratorin des New York Historical Museum. “Arlene Gottfrieds Werk hat einen immensen künstlerischen Wert und dient gleichzeitig als ergreifende Dokumentation einer Stadt, die langsam in Vergessenheit gerät. Ich habe keinen Zweifel daran, dass das New York Historical Museum aus Arlenes Archiven schöpfen wird, um seine Ausstellungen in den kommenden Jahren zu bereichern.“

„Als Arlenes Schwägerin hatte ich das Privileg, ihre bemerkenswerte Leidenschaft dafür zu erleben, wie sie die Schönheit und Menschlichkeit des Alltags durch ihre Straßenfotografie einfing“, sagte Dara Gottfried. “Vor ihrem Tod vertraute sie mir die Verantwortung an, ihr riesiges Archiv zu verwalten und ihre Arbeit mit der Welt zu teilen. Es gibt keine bessere Möglichkeit, ihren Wünschen gerecht zu werden, als ihre Kunst im New York Historical auszustellen und sie für immer in seiner Bibliothek zu bewahren, wo sie auch zukünftige Generationen inspirieren und berühren kann.“

Ausstellungen im New York Historical werden ermöglicht durch Dr. Agnes Hsu-Tang und Oscar Tang, den Saunders Trust for American History, den Evelyn & Seymour Neuman Fund, das New York City Department of Cultural Affairs in Zusammenarbeit mit dem Stadtrat und den New York State Council on the Arts mit Unterstützung des Office of the Governor und der New York State Legislature. WNET ist der Mediensponsor.

Le New York Historical est heureux d'annoncer l'ouverture de Picture Stories : Photographs by Arlene Gottfried, une exposition qui explore la ville de New York vibrante, grinçante et profondément humaine capturée par la photographe Arlene Gottfried (1950-2017). Inaugurée le 31 janvier 2025, cette exposition présente plus de 30 photographies issues de la récente acquisition d'œuvres de Gottfried par le musée, offrant un rare aperçu de la vie et de l'esprit des New-Yorkais de la fin du XXe siècle.

Ma mère avait l'habitude de dire : « Arlene, ne t'éloigne pas ! Alors j'ai commencé à errer, mais j'ai pris un appareil photo parce que cela donnait un peu plus de sens... une vie d'errance, c'est vraiment ce que c'est », a déclaré un jour Mme Gottfried. Son appareil photo à la main, elle a parcouru tous les coins de la ville, capturant un éventail de sujets allant des chanteurs de gospel de Harlem aux scènes underground du Lower East Side, en passant par les boîtes de nuit animées de Midtown et les foules gorgées de soleil de Coney Island. Cette exposition apporte une reconnaissance qui n'a que trop tardé à la sensibilité, à l'honnêteté et parfois à l'acuité des portraits de la population diversifiée de New York réalisés par Arlene Gottfried.

« Les photographies d'Arlene Gottfried capturent des tranches intimes de la population et des lieux de New York, offrant aux spectateurs un portrait sincère et honnête de la ville que seule une vraie New-Yorkaise peut transmettre », a déclaré Louise Mirrer, présidente-directrice générale de l'Institut historique de New York. « Nous sommes incroyablement reconnaissants à notre administratrice, Sally Klingenstein Martell, de nous avoir aidés à acquérir ces photographies, et à Dara Gottfried d'avoir choisi The New York Historical pour perpétuer l'héritage d'Arlene ».

Cette exposition célèbre l'acquisition récente de près de 300 œuvres de Gottfried, données par sa succession et acquises grâce au soutien généreux de Sally Klingenstein Martell, administratrice de The New York Historical. Organisée par Marilyn S. Kushner, conservatrice des estampes, des photographies et des dessins d'architecture, l'exposition met en lumière l'art sous-représenté de Gottfried, révélant que son travail est une documentation profonde de l'humanité à multiples facettes de la ville.

« Arlene avait une capacité extraordinaire à voir les gens au-delà de la surface, à capturer leurs joies, leurs difficultés et leur résilience », a déclaré M. Kushner. « À travers ses photographies, elle nous invite à nous engager dans un New York intime, stimulant et merveilleusement diversifié. Cette exposition est un hommage à sa vision unique et à sa remarquable empathie pour ses sujets ».

« Je suis ravie que The New York Historical ait acquis cette extraordinaire collection », a déclaré Sally Klingenstein Martell, administratrice de The New York Historical. « L'œuvre d'Arlene Gottfried possède une immense valeur artistique tout en constituant un témoignage poignant d'une ville qui est en train de sombrer dans la mémoire. Je ne doute pas que The New York Historical puisera dans les archives d'Arlene pour enrichir ses expositions dans les années à venir ».

« En tant que belle-sœur d'Arlene, j'ai eu le privilège d'être témoin de sa remarquable passion pour la capture de la beauté et de l'humanité de la vie quotidienne à travers ses photographies de rue », a déclaré Dara Gottfried. « Avant son décès, elle m'a confié la responsabilité de gérer ses vastes archives et de partager son travail avec le monde entier. Il n'y a pas de meilleure façon d'honorer ses souhaits que de voir son art exposé au New York Historical et préservé à jamais dans sa bibliothèque, où il pourra continuer à inspirer et à résonner auprès des générations futures. »

Les expositions au New York Historical sont rendues possibles par le Dr Agnes Hsu-Tang et Oscar Tang, le Saunders Trust for American History, le Evelyn & Seymour Neuman Fund, le département des affaires culturelles de la ville de New York en partenariat avec le conseil municipal, et le New York State Council on the Arts avec le soutien du bureau du gouverneur et de la législature de l'État de New York. WNET est le sponsor média.

Il New York Historical è lieto di annunciare l'apertura di Picture Stories: Photographs by Arlene Gottfried, una mostra che esplora la New York vibrante, grintosa e profondamente umana catturata dalla fotografa Arlene Gottfried (1950-2017). La mostra, che aprirà il 31 gennaio 2025, presenta più di 30 fotografie tratte dalla recente acquisizione di opere della Gottfried da parte del Museo, offrendo un raro sguardo sulla vita e sullo spirito dei newyorkesi della fine del XX secolo.

Mia madre mi diceva sempre: “Arlene, non vagare!”. Poi ho iniziato a vagare, ma ho preso una macchina fotografica perché mi ha dato un po' più di significato... una vita di vagabondaggio è davvero quello che è”, ha detto una volta la Gottfried. Con la sua macchina fotografica in mano, ha girato ogni angolo della città, immortalando una serie di soggetti, dai cantanti gospel di Harlem alle scene underground del Lower East Side, dai vibranti locali notturni di Midtown alle folle assolate di Coney Island. Questa mostra porta il riconoscimento, da tempo atteso, del ritratto sensibile, onesto e a volte crudo della variegata popolazione di New York che Gottfried ha realizzato.

“Le fotografie di Arlene Gottfried catturano fette intime della gente e dei luoghi di New York, offrendo agli spettatori un ritratto sincero e onesto della città che solo un vero newyorkese potrebbe trasmettere”, ha dichiarato la dott.ssa Louise Mirrer, presidente e CEO del New York Historical. “Siamo incredibilmente grati alla nostra fiduciaria, Sally Klingenstein Martell, per averci aiutato ad acquisire queste fotografie, e a Dara Gottfried per aver scelto il New York Historical per continuare l'eredità di Arlene”.

Questa mostra celebra la recente acquisizione di quasi 300 opere della Gottfried, donate dal suo patrimonio e acquisite grazie al generoso sostegno di Sally Klingenstein Martell, fiduciaria del New York Historical. Curata da Marilyn S. Kushner, curatrice di stampe, fotografie e disegni architettonici, la mostra mette in luce l'arte poco rappresentata della Gottfried, rivelando il suo lavoro come una profonda documentazione della multiforme umanità della città.

“Arlene aveva una straordinaria capacità di vedere le persone al di là della superficie, catturando le loro gioie, le loro difficoltà e la loro capacità di recupero”, ha dichiarato Kushner. “Attraverso le sue fotografie, ci invita a confrontarci con una New York intima, stimolante e meravigliosamente diversa. Questa mostra è un tributo alla sua visione unica e alla sua notevole empatia per i suoi soggetti”.

“Sono lieta che il New York Historical abbia acquisito questa straordinaria collezione”, ha dichiarato Sally Klingenstein Martell, fiduciaria del New York Historical. “Il lavoro di Arlene Gottfried ha un immenso valore artistico e allo stesso tempo rappresenta una testimonianza toccante di una città che sta scivolando nella memoria. Non ho dubbi che il New York Historical attingerà agli archivi di Arlene per arricchire le sue mostre negli anni a venire”.

“Come cognata di Arlene, ho avuto il privilegio di assistere alla sua straordinaria passione nel catturare la bellezza e l'umanità della vita quotidiana attraverso la fotografia di strada”, ha dichiarato Dara Gottfried. “Prima di morire, mi ha affidato la responsabilità di gestire il suo vasto archivio e di condividere il suo lavoro con il mondo. Non c'è modo migliore per onorare i suoi desideri che vedere la sua arte esposta al New York Historical e conservata per sempre nella sua biblioteca, dove potrà continuare a ispirare e risuonare con le generazioni future”.

Le mostre al New York Historical sono rese possibili dai dottori Agnes Hsu-Tang e Oscar Tang, dal Saunders Trust for American History, dall'Evelyn & Seymour Neuman Fund, dal Dipartimento degli Affari Culturali della città di New York in collaborazione con il Comune e dal New York State Council on the Arts con il sostegno dell'Ufficio del Governatore e della Legislatura dello Stato di New York. WNET è lo sponsor mediatico.

The New York Historical is excited to announce the opening of Picture Stories: Photographs by Arlene Gottfried, an exhibition that explores the vibrant, gritty, and deeply human New York City captured by photographer Arlene Gottfried (1950–2017). Opening January 31, 2025, this exhibition features more than 30 photographs from the Museum’s recent acquisition of Gottfried’s works, offering a rare glimpse into the life and spirit of New Yorkers from the late 20th century.

“My mother used to say ‘Arlene—just don’t wander!’ Then I started wandering, but I got a camera because it gave it a little more meaning...a life of wandering is really what it all is,” Gottfried once said. With her camera in hand, she roamed every corner of the city, capturing a range of subjects from Harlem’s gospel singers to the Lower East Side’s underground scenes, the vibrant nightclubs of Midtown, and the sun-soaked crowds on Coney Island. This exhibition brings long-overdue recognition to Gottfried’s sensitive, honest, and sometimes searing portrayal of New York’s diverse population.

“Arlene Gottfried’s photographs capture intimate slices of New York’s people and places, offering viewers a heartfelt and honest portrayal of the city that only a true New Yorker could convey,” said Dr. Louise Mirrer, president and CEO, The New York Historical. “We’re incredibly grateful to our trustee, Sally Klingenstein Martell, for helping us acquire these photographs, and to Dara Gottfried for choosing The New York Historical to continue Arlene’s legacy.”

This exhibition celebrates the recent acquisition of nearly 300 of Gottfried’s works, gifted by her estate and acquired through the generous support of Sally Klingenstein Martell, trustee of The New York Historical. Curated by Marilyn S. Kushner, curator of prints, photographs, and architectural drawings, the exhibition shines a light on Gottfried’s underrepresented artistry, revealing her work as a profound documentation of the city’s multifaceted humanity.

“Arlene had an extraordinary ability to see people beyond the surface, capturing their joys, hardships, and resilience,” said Kushner. “Through her photographs, she invites us to engage with a New York that was intimate, challenging, and wonderfully diverse. This exhibition is a tribute to her unique vision and her remarkable empathy for her subjects.”

“I’m delighted that The New York Historical has acquired this extraordinary collection,” said Sally Klingenstein Martell, trustee of The New York Historical. “Arlene Gottfried's work holds immense artistic value while also serving as a poignant record of a city that is slipping into memory. I have no doubt The New York Historical will draw from Arlene’s archives to enrich its exhibitions for years to come.”

“As Arlene’s sister-in-law, I had the privilege of witnessing her remarkable passion for capturing the beauty and humanity of everyday life through her street photography,” said Dara Gottfried. “Before she passed, she entrusted me with the responsibility of managing her vast archive and sharing her work with the world. There is no greater way to honor her wishes than to see her art exhibited at The New York Historical and preserved forever in its library, where it can continue to inspire and resonate with future generations.”

Exhibitions at The New York Historical are made possible by Dr. Agnes Hsu-Tang and Oscar Tang, the Saunders Trust for American History, the Evelyn & Seymour Neuman Fund, the New York City Department of Cultural Affairs in partnership with the City Council, and the New York State Council on the Arts with the support of the Office of the Governor and the New York State Legislature. WNET is the media sponsor.

(Text: The New York Historical)

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

A WORLD IN COMMON - Contemporary African Photography

Kelani Abass, Atong Atem, Malala Andrialavidrazana, Edson Chagas, Kudzanai Chiurai, Rotimi Fani-Kayode, Maïmouna Guerresi, Hassan Hajjaj, Délio Jasse, Samson Kambalu, Kiripi Katembo, Lebohang Kganye, Sabelo Mlangeni, Mário Macilau, Fabrice Monteiro, Aïda Muluneh, George Osodi, Dawit L. Petros, Zina Saro- Wiwa, Khadija Saye

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography

Die Ausstellung versammelt Werke von mehr als 20 Künstler:innen und verfolgt das Ziel, die Vorstellung von Afrika in der globalen Wahrnehmung neu zu definieren. Inspiriert vom historischen kulturellen Reichtum des Kontinents und seiner gegenwärtigen sozio-politischen Landschaft bezieht sich die Ausstellung auf die Philosophie des kamerunischen Denkers Achille Mbembe, der vorschlägt, eine „gemeinsame Welt“ zu imaginieren, indem wir „die Welt von Afrika aus denken“. Die Ausstellung möchte konventionelle Wahrnehmungen herausfordern und eine Sicht auf Afrika fördern, die den Kontinent in das Zentrum einer geteilten globalen Zukunft stellt. In ihrer Kunst wenden sich die Fotograf:innen und Filmemacher:innen gegen die Beschränkungen, die ihnen oft durch stereotype Darstellungen auferlegt werden. Sie betonen die vielfältigen Realitäten des Kontinents sowie sein Potenzial, menschliche Geschichten zu beeinflussen. Die Ausstellung gliedert sich in drei thematische Abschnitte, die sich den Themen Identität und Tradition, Gegen-Geschichten und imaginierten Zukünften widmen.

Organisiert von Tate Modern, London in Kollaboration mit C/O Berlin.

Gefördert durch die Art Mentor Foundation Lucerne und Wolfgang Tillmans.

L'exposition rassemble les œuvres de plus de 20 artistes et a pour objectif de redéfinir l'idée de l'Afrique dans la perception globale. Inspirée par la richesse culturelle historique du continent et son paysage sociopolitique actuel, l'exposition se réfère à la philosophie du penseur camerounais Achille Mbembe, qui propose d'imaginer un « monde commun » en « pensant le monde à partir de l'Afrique ». L'exposition vise à défier les perceptions conventionnelles et à promouvoir une vision de l'Afrique qui transmet le continent au cœur d'un avenir mondial partagé. Dans leur art, les photographes et les cinéastes s'opposent aux restrictions souvent imposées par des représentations stéréotypées. Ils mettent l'accent sur les multiples réalités du continent et sur son potentiel à influencer les histoires humaines. L'exposition s'articule en trois sections thématiques consacrées à l'identité et à la tradition, aux contre-récits et aux futurs imaginés.

Organisée par la Tate Modern, Londres en collaboration avec C/O Berlin.

Soutenue par l'Art Mentor Foundation Lucerne et Wolfgang Tillmans.

La mostra riunisce le opere di oltre 20 artisti e mira a ridefinire l'idea di Africa nella percezione globale. Ispirata alla ricchezza storico-culturale del continente e al suo attuale panorama socio-politico, la mostra si ispira alla filosofia del pensatore camerunense Achille Mbembe, che propone di immaginare un “mondo comune” “pensando il mondo dall'Africa”. La mostra intende sfidare le percezioni convenzionali e promuovere una visione dell'Africa che ponga il continente al centro di un futuro globale condiviso. Nella loro arte, i fotografi e i registi sfidano i limiti spesso imposti da rappresentazioni stereotipate. Sottolineano le diverse realtà del continente e il suo potenziale di influenzare le storie umane. La mostra è suddivisa in tre sezioni tematiche che esplorano i temi dell'identità e della tradizione, delle controstorie e dei futuri immaginari.

Organizzata dalla Tate Modern di Londra in collaborazione con C/O Berlin.

Sostenuta dalla Fondazione Art Mentor di Lucerna e da Wolfgang Tillmans.

The exhibition brings together works by more than 20 artists and aims to redefine the idea of Africa in the global perception. Inspired by the continent's historical cultural richness and its current socio-political landscape, the exhibition draws on the philosophy of the Cameroonian thinker Achille Mbembe, who proposes imagining a “common world” by “thinking the world from Africa”. The exhibition aims to challenge conventional perceptions and promote a view of Africa that places the continent at the center of a shared global future. In their art, the photographers and filmmakers challenge the limitations that are often imposed on them by stereotypical representations. They emphasize the continent's diverse realities as well as its potential to influence human stories. The exhibition is divided into three thematic sections, dedicated to the themes of identity and tradition, counter-histories, and imagined futures.

Organized by Tate Modern, London in collaboration with C/O Berlin.

Supported by the Art Mentor Foundation Lucerne and Wolfgang Tillmans.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

Protektorat . C/O Berlin Talent Award 2024
Silvia Rosi

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography

In Protektorat setzt sich die italienische Künstlerin Silvia Rosi mit ihren togolesischen Wurzeln auseinander und beleuchtet Kommunikations- und Zeichensysteme in kolonialen und hegemonialen Machtstrukturen. Ausgehend von Archivmaterial des Nationalarchivs von Togo macht sie auf die flächendeckende Verbreitung westlicher Systeme während der kolonialen Besetzung Togos seitens des Deutschen Reiches sowie britischen und französischen Streitkräften aufmerksam. Der Akt des Erzählens findet in Protektorat über multiple Bildformen und Sinnes-ebenen statt: In Stand- und Bewegtbildern mit Ton können wir sehen und hören wie lokale Sprache, Traditionen und Bildkultur während der Kolonialherrschaft überschrieben oder unterdrückt wurden. Protagonistin der Arbeiten ist immer Rosi selbst, womit sie wirkungsvoll ihre persönliche Erfahrung in der kollektiven Erzählung einbettet.

Seit 2020 wird der C/O Berlin Talent Award durch die Alexander Tutsek-Stiftung ermöglicht.

Dans Protektorat, l'artiste italienne Silvia Rosi se penche sur ses racines togolaises et met en lumière les systèmes de communication et de signes dans les structures de pouvoir coloniales et hégémoniques. En se basant sur des archives des Archives nationales du Togo, elle attire l'attention sur la diffusion généralisée des systèmes occidentaux pendant l'occupation coloniale du Togo par l'Empire allemand et les forces armées britanniques et françaises. Dans Protektorat, l'acte de raconter se fait par le biais de multiples formes d'images et de niveaux de sens : Dans des images fixes et animées avec son, nous pouvons voir et entendre comment la langue, les traditions et la culture visuelle locales ont été écrasées ou réprimées pendant la domination coloniale. La protagoniste des travaux est toujours Rosi elle-même, ce qui lui permet d'intégrer efficacement son expérience personnelle dans le récit collectif.

Depuis 2020, le C/O Berlin Talent Award est rendu possible grâce à la fondation Alexander Tutsek.

In Protettorato, l'artista italiana Silvia Rosi esplora le sue radici togolesi e fa luce sui sistemi di comunicazione e di segni nelle strutture di potere coloniali ed egemoniche. Basandosi su materiale d'archivio proveniente dall'Archivio Nazionale del Togo, l'artista richiama l'attenzione sull'ampia diffusione dei sistemi occidentali durante l'occupazione coloniale del Togo da parte dell'Impero tedesco e delle forze britanniche e francesi. L'atto di narrazione si svolge in Protektorat attraverso molteplici forme visive e livelli sensoriali: Nelle immagini fisse e in movimento con il sonoro, possiamo vedere e sentire come la lingua, le tradizioni e la cultura visiva locali siano state sovrascritte o soppresse durante la dominazione coloniale. Rosi stessa è sempre la protagonista delle opere, inserendo efficacemente la sua esperienza personale nella narrazione collettiva.

Dal 2020, il C/O Berlin Talent Award è reso possibile dalla Alexander Tutsek-Stiftung.

In Protektorat, Italian artist Silvia Rosi engages with her Togolese roots and sheds light on systems of communication and signs in colonial and hegemonic power structures. Based on archival material from the National Archives of Togo, she draws attention to the widespread dissemination of Western systems during the colonial occupation of Togo by the German Reich, as well as British and French forces. The act of storytelling takes place in a protectorate of multiple image forms and sensory levels: in still and moving images with sound, we can see and hear how local language, traditions, and visual culture were overwritten or suppressed during colonial rule. The protagonist of the works is always Rosi herself, effectively embedding her personal experience in the collective narrative.

Since 2020, the C/O Berlin Talent Award has been made possible by the Alexander Tutsek-Stiftung.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

Museum im Bellpark | Kriens
1. Februar – 6. Juli 2025

Fred Waldvogel - Pilz Fotografie

Fred Waldvogel (1922-1997), Pilzkenner und Fotograf, holte sich vierzig Jahre lang Pilze aller Art vor seine Linse und fotografierte diese in weltweit einmaliger Qualität. Hinterlassen hat er ein Werk von über 1000 Aufnahmen, die in der Pilzfotografie neue Massstäbe setzten. Wir präsentieren ab Februar 2025 eine Auswahl des aussergewöhnlichen Schaffens von Waldvogel in einer Kabinettausstellung im zweiten Obergeschoss des Museums, parallel zur Ausstellung „One Million Bears“ der konzeptuellen Malerin Tina Braegger.

Fred Waldvogels Darstellungsweise reicht weit über eine wissenschaftliche Aufarbeitung der Pilze hinaus. Seine Einzel- und Gruppenportraits, mit teils landschaftlichem Charakter, die er als Pilz-Tableaus auf seinem Reprotisch im Studio sorgfältig arrangierte, machen ein erstaunliches und wundersames Paralleluniversum sichtbar. Aus den Bildern spricht nicht nur sein unbändiges Interesse, die Welt der Pilze besser zu verstehen, sondern auch seine sehr respektvolle und wertschätzende Haltung gegenüber diesen Lebewesen. Die Komposition und Inszenierung des Fotografen zeugen von beeindruckendem Sachverstand und enormen ästhetischem Bewusstsein. In einem Interview erwähnte Waldvogel einmal, dass ihn vor allem die Vielfalt der Pilze beeindrucke und begeistere. Tatsächlich gelang ihm immer wieder, das einzigartige Wesen und den individuellen Charme seiner „Modelle“ auf berührende und amüsante Weise herauszuarbeiten.

Die Ausstellung gewährt nun erstmals einen repräsentativen Einblick in das Pilzarchiv des Fotografen, das heute an der Universitätsbibliothek Zürich, Bereich Pflanzenwissenschaft aufbewahrt wird. In Zusammenarbeit mit Martin Stollenwerk, Leiter Fotografie am Schweizerischen Institut für Kunstwissenschaft SIK-ISEA, sowie Andreas Hertach, freier Kurator, haben wir den Fotobestand von über tausend Diapositiven gesichtet und daraus eine prägnante Auswahl für eine Inszenierung in unseren Ausstellungsräumen herausgelöst.

In Zusammenarbeit von Museum im Bellpark und Zeughaus Teufen entsteht ein Fotobuch über Fred Waldvogels Pilzfotografie, das von Bänziger Hug gestaltet und bei Jungle Books erscheinen wird. Das Buch wird im Verlauf der Ausstellung anlässlich einer Buchpräsentation im Wald, nahe dem Ort von Fred Waldvogels Fotostudio, der interessierten Öffentlichkeit vorgestellt. Termingerecht zur Herbstsaison werden die Myzelien dieser Pilzausstellung wundersam von Kriens nach Teufen im Appenzellerland ausgreifen: Im Zeughaus Teufen wird ab September ebenfalls eine Auswahl aus dem Bestand von Fred Waldvogel aufscheinen.

Fred Waldvogel (1922-1997), mycologue et photographe, a photographié pendant quarante ans des champignons de toutes sortes avec une qualité unique au monde. Il a laissé derrière lui une œuvre de plus de 1000 clichés qui ont posé de nouveaux jalons dans la photographie de champignons. À partir de février 2025, nous présenterons une sélection de l'œuvre exceptionnelle de Waldvogel dans une exposition de cabinet au deuxième étage du musée, parallèlement à l'exposition « One Million Bears » de la peintre conceptuelle Tina Braegger.

Le mode de représentation de Fred Waldvogel va bien au-delà d'un traitement scientifique des champignons. Ses portraits individuels et de groupe, parfois à caractère paysager, qu'il a soigneusement arrangés comme des tableaux de champignons sur sa table de reproduction dans son studio, rendent visible un univers parallèle étonnant et miraculeux. Ce qui ressort de ces images, c'est non seulement son intérêt irrépressible à mieux comprendre le monde des champignons, mais aussi son attitude très respectueuse et valorisante envers ces êtres vivants. La composition et la mise en scène du photographe témoignent d'une expertise impressionnante et d'une énorme conscience esthétique. Dans une interview, Waldvogel a mentionné un jour que c'était surtout la diversité des champignons qui l'impressionnait et l'enthousiasmait. En effet, il a toujours réussi à faire ressortir la nature unique et le charme individuel de ses « modèles » de manière touchante et amusante.

L'exposition donne pour la première fois un aperçu représentatif des archives du photographe sur les champignons, aujourd'hui conservées à la bibliothèque universitaire de Zurich, domaine des sciences végétales. En collaboration avec Martin Stollenwerk, directeur de la photographie à l'Institut suisse pour l'étude de l'art SIK-ISEA, et Andreas Hertach, commissaire d'exposition indépendant, nous avons examiné le fonds photographique de plus de mille diapositives et en avons extrait une sélection concise pour une mise en scène dans nos salles d'exposition.

Un livre de photos sur la photographie de champignons de Fred Waldvogel, conçu par Bänziger Hug et publié par Jungle Books, est né de la collaboration entre le Museum im Bellpark et l'arsenal de Teufen. Le livre sera présenté au public intéressé au cours de l'exposition, à l'occasion d'une présentation du livre dans la forêt, à proximité du lieu du studio photo de Fred Waldvogel. A l'approche de l'automne, le mycélium de cette exposition de champignons s'étendra miraculeusement de Kriens à Teufen, dans le pays d'Appenzell : A l'arsenal de Teufen, une sélection de champignons provenant du stock de Fred Waldvogel sera également exposée à partir de septembre.

Fred Waldvogel (1922-1997), conoscitore e fotografo di funghi, ha trascorso quarant'anni a fotografare funghi di ogni tipo davanti al suo obiettivo, catturandoli con una qualità ineguagliabile. Ha lasciato un'opera di oltre 1000 fotografie che hanno stabilito nuovi standard nella fotografia dei funghi. A partire da febbraio 2025, presenteremo una selezione della straordinaria opera di Waldvogel in un'esposizione in vetrina al primo piano del museo, accanto alla mostra “Un milione di orsi” della pittrice concettuale Tina Braegger.

Lo stile di rappresentazione di Fred Waldvogel va ben oltre l'analisi scientifica dei funghi. I suoi ritratti individuali e di gruppo, alcuni dei quali di carattere paesaggistico, disposti con cura come tableaux di funghi sul suo tavolo di riproduzione in studio, rivelano un universo parallelo sorprendente e meraviglioso. Le immagini riflettono non solo il suo irrefrenabile interesse per una migliore comprensione del mondo dei funghi, ma anche il suo atteggiamento di grande rispetto e apprezzamento nei confronti di queste creature. La composizione e la messa in scena del fotografo testimoniano la sua impressionante competenza e la sua enorme consapevolezza estetica. In un'intervista, Waldvogel ha detto di essere particolarmente colpito e ispirato dalla diversità dei funghi. In effetti, è sempre riuscito a sottolineare la natura unica e il fascino individuale dei suoi “modelli” in modo toccante e divertente.

La mostra offre ora la prima visione rappresentativa dell'archivio di funghi del fotografo, ora conservato presso la Biblioteca Universitaria di Zurigo, Dipartimento di Scienze Vegetali. In collaborazione con Martin Stollenwerk, responsabile della fotografia presso l'Istituto Svizzero per la Ricerca Artistica SIK-ISEA, e Andreas Hertach, curatore freelance, abbiamo passato al setaccio la collezione fotografica di oltre mille diapositive e ne abbiamo fatto una selezione concisa da presentare nelle nostre sale espositive.

Il Museum im Bellpark e Zeughaus Teufen stanno collaborando alla realizzazione di un libro fotografico sulla fotografia di funghi di Fred Waldvogel, che sarà progettato da Bänziger Hug e pubblicato da Jungle Books. Il libro sarà presentato al pubblico interessato durante la mostra, in occasione del lancio del libro nella foresta, vicino alla sede dello studio fotografico di Fred Waldvogel. Giusto in tempo per la stagione autunnale, i miceli di questa mostra di funghi si diffonderanno miracolosamente da Kriens a Teufen in Appenzello: Una selezione della collezione di Fred Waldvogel sarà esposta anche nella Zeughaus Teufen a partire da settembre.

For forty years, mycologist and photographer Fred Waldvogel (1922-1997) captured mushrooms of all kinds on film, producing images of unparalleled quality. He left behind a body of work comprising over 1000 photographs that set new standards in the field of fungus photography. From February 2025, we will be presenting a selection of Waldvogel's extraordinary work in a cabinet exhibition on the second floor of the museum, parallel to the exhibition ‘One Million Bears’ by conceptual painter Tina Braegger.

Fred Waldvogel's approach goes far beyond a scientific study of mushrooms. His individual and group portraits, some of which have a landscape-like character, carefully arranged as mushroom tableaux on his studio table, reveal a wondrous and wondrous parallel universe. The images not only reflect his overwhelming interest in better understanding the world of fungi, but also his great respect and appreciation for these creatures. The photographer's composition and staging testify to his impressive expertise and enormous aesthetic awareness. In an interview, Waldvogel once mentioned that it was above all the diversity of fungi that impressed and inspired him. And indeed, he repeatedly succeeded in bringing out the unique essence and individual charm of his ‘models’ in a touching and amusing way.

The exhibition now provides a representative insight into the photographer's fungus archive, which is now kept at the University of Zurich's Botanical Science Department. In collaboration with Martin Stollenwerk, head of photography at the Swiss Institute for Art Research SIK-ISEA, and Andreas Hertach, freelance curator, we have sifted through the photographic collection of over a thousand slides and selected a concise selection for a staging in our exhibition spaces.

A photo book about Fred Waldvogel's mushroom photography is being created in collaboration with the Museum im Bellpark and the Zeughaus Teufen. The book will be designed by Bänziger Hug and published by Jungle Books. The book will be presented to the public during the exhibition at a book presentation in the forest near the location of Fred Waldvogel's photo studio. Just in time for the autumn season, the mycelia of this mushroom exhibition will miraculously spread from Kriens to Teufen in the Appenzell region: a selection from Fred Waldvogel's collection will also be on display at the Zeughaus Teufen from September.

(Text: Museum im Bellpark, Kriens)

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

Under the Sun
Sam Youkilis

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography

Mit viel Liebe zum Detail, zu Licht und satten Farben fängt Sam Youkilis die Sehnsüchte und Verheißungen des Reisens sowie die Schönheit des Alltäglichen ein. Neben erfolgreichen Auftragsarbeiten in der kommerziellen Modefotografie, nimmt der 1993 in New York geborene Fotograf und Filmemacher seine beruflichen Reisen zum Anlass, um in kurzen Filmen und Videoporträts menschliche Gesten, Emotionen und Interaktionen sowie alteingesessene Handwerke und lokale Traditionen zu dokumentieren. Als Pionier einer neuen Form des visuellen Geschichtenerzählens arbeitet Youkilis mit dem iPhone und nutzt das soziale Netzwerk Instagram als Plattform, um seine zu Themenclustern zusammengestellten Beobachtungen mit zahlreichen Followern zu teilen. Aus vermeintlich banalen Szenen schafft er ein visuelles Archiv an der Schnittstelle von Straßen-, Reise-, Food- und Dokumentarfotografie, das sowohl die vertrauten Tropen und Klischees des Reisens bedient als auch auf universelle Themen menschlicher Erfahrung verweist. C/O Berlin präsentiert Sam Youkilis‘ erste institutionelle Einzelausstellung.

Ermöglicht durch die Art Mentor Foundation Lucerne.

Avec un grand souci du détail, de la lumière et des couleurs saturées, Sam Youkilis capture les aspirations et les promesses du voyage ainsi que la beauté du quotidien. Outre des travaux de commande réussis dans la photographie de mode commerciale, le photographe et cinéaste né à New York en 1993 profite de ses voyages professionnels pour documenter, dans des courts métrages et des portraits vidéo, des gestes humains, des émotions et des interactions ainsi que des métiers ancestraux et des traditions locales. Pionnier d'une nouvelle forme de narration visuelle, Youkilis travaille avec l'iPhone et utilise le réseau social Instagram comme plateforme pour partager ses observations, regroupées par thèmes, avec de nombreux followers. À partir de scènes prétendument banales, il crée une archive visuelle à la croisée de la photographie de rue, de voyage, de nourriture et de documentaire, qui sert à la fois les tropes et les clichés familiers du voyage et renvoie à des thèmes universels de l'expérience humaine. C/O Berlin présente la première exposition individuelle institutionnelle de Sam Youkilis.

Permis par l'Art Mentor Foundation Lucerne

Con grande attenzione ai dettagli, alla luce e alla ricchezza dei colori, Sam Youkilis cattura i desideri e le promesse dei viaggi e la bellezza del quotidiano. Oltre a lavorare con successo su commissione nel campo della fotografia commerciale di moda, il fotografo e regista, nato a New York nel 1993, utilizza i suoi viaggi professionali come opportunità per documentare i gesti, le emozioni e le interazioni umane, nonché l'artigianato di lunga data e le tradizioni locali in cortometraggi e ritratti video. Pioniere di una nuova forma di narrazione visiva, Youkilis lavora con l'iPhone e utilizza il social network Instagram come piattaforma per condividere le sue osservazioni, organizzate in gruppi tematici, con numerosi follower. A partire da scene apparentemente banali, crea un archivio visivo all'incrocio tra fotografia di strada, di viaggio, di cibo e documentaria, che si rifà sia a tropi e cliché familiari del viaggio sia a temi universali dell'esperienza umana. C/O Berlin presenta la prima mostra personale istituzionale di Sam Youkilis.

Resa possibile dalla Fondazione Art Mentor di Lucerna.

With great attention to detail, light and saturated colors, Sam Youkilis captures the yearning and promise of travel as well as the beauty of everyday life. In addition to successful commercial fashion photography assignments, the photographer and filmmaker, who was born in New York in 1993, uses his professional travels as an opportunity to document human gestures, emotions and interactions, as well as long-established crafts and local traditions, in short films and video portraits. A pioneer of a new form of visual storytelling, Youkilis works with the iPhone and uses the social network Instagram as a platform to share his observations, which he organizes into thematic clusters, with numerous followers. From seemingly mundane scenes, he creates a visual archive at the intersection of street, travel, food, and documentary photography that both draws on the familiar tropes and clichés of travel and points to universal themes of human experience. C/O Berlin presents Sam Youkilis' first institutional solo exhibition.

Made possible by the Art Mentor Foundation Lucerne.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen | Monschau
2. Februar – 30. März 2025

About Eve
Eve Arnold

Eve Arnold wurde 1912 als Kind russisch-jüdischer Immigranten in Philadelphia geboren. Mit einer geschenkten Rolleicord entflammte in den 1940er Jahren ihr Interesse für Fotografie, das Zeit ihres 99-jährigen Lebens nicht mehr enden sollte. In mehr als 40 Jahren schuf Eve Arnold auf unzähligen Reisen beeindruckende Reportagen, porträtierte Stars sowie politische Würdenträger und widmete sich den gesellschaftspolitischen Themen ihrer Zeit.

Den Weg in die professionelle Fotografie ebnete Eve Arnold Anfang der 1950er Jahre eine Serie über Modenschauen der Schwarzen Communities in Harlem, die im Rahmen eines Fotografiekurses an der New York School for Social Research entstand. Die damalige Modefotografie bestand vor allem aus Hochglanzaufnahmen, die im Studio angefertigt wurden und ausschließlich weiße Models präsentierten. Mit „Fashion in Harlem“ zeigte Arnold eine gänzlich andere Seite der Modewelt, folgte den Models Backstage und fing die Stimmung dieser besonderen Events, fernab des Mainstreams, sorgsam ein.

Mit dieser und weiteren Serien stellte sich die Fotografin 1951 bei der Bildagentur Magnum vor und wurde als eine der ersten Frauen Mitglied. Als Fotografin wich sie nie vor unbequemen Fragen zurück und beleuchtete Fragestellungen stets aus ungewöhnlichen Perspektiven. So auch, als sie Ende der 1950er Jahre beschloss, sich dem Thema der Geburt zu widmen. Für die Serie „Die ersten fünf Minuten im Leben eines Babys“ hielt sie im Mather Hospital in Port Jefferson mehrere Geburten fest. Durch die Fotografien begleiten die Betrachter_innen das neue Leben. Sehen, wie das Baby gebadet und vermessen sowie neben seine Mutter gelegt wird. Das Life Magazin widmete der Serie 1959 ganze acht Seiten. Noch Jahre später wurden die Fotografien von Redaktionen und der Werbung rege genutzt.

Eve Arnold bereiste die ganze Welt. Mit Leidenschaft und Neugier fotografierte sie mongolische Kunstreiter und Wrestler, chinesische Tänzerinnen, die Zuhörer einer Indira-Gandhi-Kundgebung, Voodoo-Anhänger in Haiti, Kormoranfischer in Guilin, eine tibetanische Landärztin oder verschleierte Frauen in Afghanistan. Chinesischen Fotograf_innen empfahl sie Ende der 1970er Jahre: „Fokussiert euch auf die Augen. Vergesst nicht: Der Fotograf ist das Werkzeug, nicht die Kamera.“ Die präsentierten Fotografien wurden in zahlreichen Magazinen wie Life, Esquire, Harper’s Bazaar, Geo, Stern oder der Sunday Times veröffentlicht.

Während dieser Reisen richtete die Künstlerin ihre Aufmerksamkeit oft auf Frauen. Als einer der Ersten ist es Arnold in den Vereinigten Arabischen Emiraten erlaubt, in einem Harem zu fotografieren. Nach eigener Aussage bestand die größte Herausforderung für Arnold darin, die verschleierten Silhouetten als Frauen erkennbar zu machen. Mit einer gewissen kompositorischen Strenge gelingt es ihr nicht nur, den einzelnen Personen eine Stimme zu geben, sondern auch ein gesamtgesellschaftliches Porträt von muslimischen Frauen zwischen Tradition und Moderne zu erstellen.

Ein ausgezeichnetes Renommee besaß Arnold weiterhin für die Porträts internationaler Stars wie Clark Gable, Joan Crawford oder Marlene Dietrich. Eine besondere Freundschaft verband sie mit Marilyn Monroe, die sie über zehn Jahre lang zu verschiedenen Anlässen fotografierte. Traurige Berühmtheit erlangten die Aufnahmen, die während der Dreharbeiten zum Film „The Misfits“ („Nicht gesellschaftsfähig“) 1960 entstanden. Es sollte der letzte Film Marilyn Monroes sein, die nur wenige Monate nach den Dreharbeiten verstarb.

Eve Arnold est née en 1912 à Philadelphie, enfant d'immigrés juifs russes. C'est avec un Rolleicord offert qu'elle s'est intéressée à la photographie dans les années 1940, un intérêt qui ne s'est jamais démenti pendant les 99 ans de sa vie. Pendant plus de 40 ans, Eve Arnold a réalisé des reportages impressionnants lors d'innombrables voyages, a fait le portrait de stars et de dignitaires politiques et s'est consacrée aux thèmes sociopolitiques de son époque.

C'est une série sur les défilés de mode des communautés noires de Harlem, réalisée dans le cadre d'un cours de photographie à la New York School for Social Research, qui a ouvert à Eve Arnold la voie de la photographie professionnelle au début des années 1950. La photographie de mode de l'époque consistait principalement en des clichés sur papier glacé, réalisés en studio et présentant exclusivement des mannequins blancs. Avec « Fashion in Harlem », Arnold montrait un tout autre aspect du monde de la mode, suivait les mannequins dans les coulisses et capturait avec soin l'ambiance de ces événements particuliers, loin du courant dominant.

Avec cette série et d'autres, la photographe s'est présentée à l'agence Magnum en 1951 et a été l'une des premières femmes à en devenir membre. En tant que photographe, elle n'a jamais reculé devant les questions gênantes et a toujours éclairé les problématiques sous des angles inhabituels. Ce fut le cas lorsqu'elle décida, à la fin des années 1950, de se consacrer au thème de la naissance. Pour la série « Les cinq premières minutes de la vie d'un bébé », elle a immortalisé plusieurs naissances au Mather Hospital de Port Jefferson. A travers les photographies, les spectateurs et spectatrices accompagnent la nouvelle vie. Ils voient comment le bébé est baigné, mesuré et placé à côté de sa mère. Le magazine Life a consacré huit pages entières à la série en 1959. Des années plus tard, les photographies étaient encore largement utilisées par les rédactions et la publicité.

Eve Arnold a voyagé dans le monde entier. Avec passion et curiosité, elle a photographié des cavaliers et catcheurs mongols, des danseuses chinoises, les auditeurs d'une manifestation d'Indira Gandhi, des adeptes du vaudou en Haïti, des pêcheurs de cormorans à Guilin, une médecin de campagne tibétaine ou des femmes voilées en Afghanistan. A la fin des années 1970, elle a recommandé aux photographes chinois de « se concentrer sur les yeux. N'oubliez pas que le photographe est l'outil, pas l'appareil photo ». Les photographies présentées ont été publiées dans de nombreux magazines tels que Life, Esquire, Harper's Bazaar, Geo, Stern ou le Sunday Times.

Au cours de ces voyages, l'artiste a souvent porté son attention sur les femmes. Aux Émirats arabes unis, Arnold est l'un des premiers à être autorisé à photographier dans un harem. Selon ses propres dires, le plus grand défi pour Arnold était de faire en sorte que les silhouettes voilées soient reconnaissables en tant que femmes. Avec une certaine rigueur de composition, elle parvient non seulement à donner une voix à chaque personne, mais aussi à dresser un portrait global de la société des femmes musulmanes, entre tradition et modernité.

Arnold jouissait également d'une excellente réputation pour ses portraits de stars internationales comme Clark Gable, Joan Crawford ou Marlene Dietrich. Une amitié particulière la liait à Marilyn Monroe, qu'elle a photographiée pendant plus de dix ans à différentes occasions. Les photos prises pendant le tournage du film « The Misfits » (« Pas sociable ») en 1960 sont devenues tristement célèbres. Ce devait être le dernier film de Marilyn Monroe, qui décéda quelques mois seulement après le tournage.

Eve Arnold è nata a Filadelfia nel 1912, figlia di immigrati russo-ebraici. Negli anni '40, il regalo di una Rolleicord scatena il suo interesse per la fotografia, che non si esaurirà mai per il resto dei suoi 99 anni di vita. Per oltre 40 anni, Eve Arnold ha viaggiato molto, realizzando reportage di grande impatto, ritraendo celebrità e personalità politiche e concentrandosi sulle questioni socio-politiche del suo tempo.

La strada di Eve Arnold verso la fotografia professionale fu spianata all'inizio degli anni Cinquanta da una serie di sfilate di moda della comunità nera di Harlem, realizzata nell'ambito di un corso di fotografia presso la New York School for Social Research. All'epoca la fotografia di moda consisteva principalmente in scatti patinati realizzati in studio con modelle esclusivamente bianche. Con “Fashion in Harlem”, Arnold ha mostrato un lato completamente diverso del mondo della moda, seguendo le modelle nel backstage e catturando attentamente l'atmosfera di questi eventi speciali, lontani dal mainstream.

Con questa e altre serie, la fotografa si presentò all'agenzia fotografica Magnum nel 1951 e fu una delle prime donne a diventarne membro. Come fotografa, non si è mai sottratta a domande scomode e ha sempre illuminato le questioni da prospettive insolite. Così è stato anche quando, alla fine degli anni Cinquanta, ha deciso di dedicarsi al tema della nascita. Per la serie “I primi cinque minuti di vita di un bambino”, ha immortalato diverse nascite al Mather Hospital di Port Jefferson. Attraverso le fotografie, gli spettatori accompagnano la nuova vita. Vede come il bambino viene lavato, misurato e adagiato accanto alla madre. La rivista Life dedicò otto pagine alla serie nel 1959. Anni dopo, le fotografie erano ancora ampiamente utilizzate da editori e pubblicitari.

Eve Arnold ha viaggiato in tutto il mondo. Con passione e curiosità, ha fotografato cavalieri e lottatori mongoli, danzatori cinesi, il pubblico di un comizio di Indira Gandhi, devoti voodoo ad Haiti, pescatori di cormorani a Guilin, un medico di campagna tibetano e donne velate in Afghanistan. Alla fine degli anni '70, consigliava ai fotografi cinesi: “Concentratevi sugli occhi. Non dimenticate: il fotografo è lo strumento, non la macchina fotografica”. Le fotografie presentate sono state pubblicate in numerose riviste come Life, Esquire, Harper's Bazaar, Geo, Stern e il Sunday Times.

Durante questi viaggi, l'artista ha spesso focalizzato la sua attenzione sulle donne. Arnold è stata una delle prime ad avere il permesso di fotografare in un harem negli Emirati Arabi Uniti. Secondo la stessa Arnold, la sfida più grande per lei è stata quella di rendere le sagome velate riconoscibili come donne. Con un certo rigore compositivo, non solo riesce a dare voce alle singole persone, ma anche a creare un ritratto sociale complessivo delle donne musulmane tra tradizione e modernità.

La Arnold ha continuato a godere di un'ottima reputazione per i suoi ritratti di star internazionali come Clark Gable, Joan Crawford e Marlene Dietrich. Aveva un'amicizia speciale con Marilyn Monroe, che fotografò in varie occasioni per oltre dieci anni. Le foto scattate durante le riprese del film del 1960 “The Misfits” (“Non socialmente accettabile”) divennero tristemente famose. Sarebbe stato l'ultimo film di Marilyn Monroe, che morì pochi mesi dopo le riprese.

Eve Arnold was born in Philadelphia in 1912, the child of Russian Jewish immigrants. In the 1940s, a Rolleicord camera she was given sparked an interest in photography that was to last for the rest of her 99 years. Over more than 40 years and countless trips, Eve Arnold created impressive photo series, portrayed stars and political dignitaries, and addressed the socio-political issues of her time.

A series of fashion shows in the black community of Harlem, which she created as part of a photography course at the New York School for Social Research, paved the way for Eve Arnold's professional photography in the early 1950s. At the time, fashion photography mainly consisted of glossy studio shots featuring exclusively white models. With ‘Fashion in Harlem’, Arnold showed a completely different side of the fashion world, following the models backstage and carefully capturing the mood of these special events, far from the mainstream.

With this and other series, the photographer introduced herself to the Magnum photo agency in 1951 and became one of the first women to join. As a photographer, she never shied away from uncomfortable questions and always illuminated issues from unusual perspectives. This was also the case when she decided to focus on the subject of birth in the late 1950s. For the series ‘The First Five Minutes of a Baby's Life’, she documented several births at Mather Hospital in Port Jefferson. Through the photographs, the viewer accompanies the new life. They see how the baby is bathed and measured, and then laid down next to its mother. In 1959, Life magazine devoted a full eight pages to the series. Even years later, the photographs were still being actively used by editorial offices and in advertising.

Eve Arnold travelled the world. With passion and curiosity, she photographed Mongolian stunt riders and wrestlers, Chinese dancers, the audience at an Indira Gandhi rally, voodoo practitioners in Haiti, cormorant fishermen in Guilin, a Tibetan country doctor and veiled women in Afghanistan. In the late 1970s, she recommended to Chinese photographers: ‘Focus on the eyes. And don't forget: the photographer is the tool, not the camera.’ The photographs presented were published in numerous magazines such as Life, Esquire, Harper's Bazaar, Geo, Stern and the Sunday Times.

During these travels, the artist often turned her attention to women. Arnold was one of the first people to be allowed to photograph a harem in the United Arab Emirates. According to Arnold, the greatest challenge she faced was making the veiled silhouettes recognisable as women. With a certain compositional rigour, she not only succeeds in giving a voice to the individual persons, but also in creating a portrait of Muslim women between tradition and modernity.

Arnold also had an excellent reputation for her portraits of international stars such as Clark Gable, Joan Crawford and Marlene Dietrich. She had a special friendship with Marilyn Monroe, whom she photographed on various occasions for over ten years. The pictures taken during the filming of the film ‘The Misfits’ in 1960 achieved sad fame. It was to be Marilyn Monroe's last film, as she died just a few months after filming.

(Text: Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen, Monschau)

Foam | Amsterdam
7. Februar – 14. Mai 2025

Yawm al-Firak
Sakir Khader

Yawm al-Firak, arabisch für Tag der Trennung, ist die erste Einzelausstellung des palästinensisch-niederländischen Fotografen Sakir Khader. Seit 2024 ist er der erste palästinensische Fotograf, der in das renommierte Fotografenkollektiv Magnum Photos aufgenommen wurde. Seine Bilder erforschen die fragile Grenze zwischen Leben und Tod.

In Yawm al-Firak gibt Sakir Khader sieben jungen palästinensischen Männern, die gewaltsam aus dem Leben gerissen wurden, und ihren Müttern, die sie verloren haben, eine Stimme. Anhand ihrer Geschichten und Erfahrungen reflektiert er über Abschiede in Zeiten von Besatzung, Konflikten, Krieg und Vertreibung.

Die Zahl Sieben symbolisiert in vielen Kulturen die Einheit. Die sieben Mütter und ihre verlorenen Söhne im Mittelpunkt dieser Ausstellung stehen für die Vertreibung von Hunderttausenden Palästinensern mit der Gründung des Staates Israel seit 1948, auch bekannt als Nakba. Der Titel der Ausstellung, Yawm al-Firak, bezieht sich auf ein altes arabisches Gedicht über Trennung und Abschied. Khader verbindet diese literarische Tradition mit persönlichen Geschichten. Seine Arbeit berührt universelle Themen wie Liebe, Trauer und Widerstandsfähigkeit.

Yawm al-Firak (jour de séparation en arabe) est la première exposition personnelle du photographe palestino-néerlandais Sakir Khader. Depuis 2024, il est le premier photographe palestinien sélectionné pour rejoindre le célèbre collectif de photographes Magnum Photos. Ses images explorent la frontière fragile entre la vie et la mort.

Dans Yawm al-Firak, Sakir Khader donne la parole à sept jeunes Palestiniens qui ont été violemment arrachés à la vie, ainsi qu'à leurs mères qui les ont perdus. À travers leurs histoires et leurs expériences, il réfléchit aux adieux en période d'occupation, de conflit, de guerre et de déplacement.

Le chiffre sept symbolise l'unité dans de nombreuses cultures. Les sept mères et leurs fils perdus au centre de cette exposition représentent le déplacement forcé de centaines de milliers de Palestiniens lors de la création de l'État d'Israël depuis 1948, également connu sous le nom de Nakba. Le titre de l'exposition, Yawm al-Firak, fait référence à un ancien poème arabe sur la séparation et l'adieu. Khader relie cette tradition littéraire à des histoires personnelles. Son travail aborde des thèmes universels tels que l'amour, le deuil et la résilience.

Yawm al-Firak, in arabo Giorno della separazione, è la prima mostra personale del fotografo palestinese-olandese Sakir Khader. Dal 2024 è il primo fotografo palestinese selezionato per entrare a far parte del rinomato collettivo fotografico Magnum Photos. Le sue immagini esplorano il fragile confine tra la vita e la morte.

In Yawm al-Firak, Sakir Khader dà voce a sette giovani palestinesi che sono stati violentemente strappati alla vita e alle loro madri che li hanno persi. Attraverso le loro storie ed esperienze, riflette sugli addii in tempi di occupazione, conflitto, guerra e sfollamento.

Il numero sette simboleggia l'unità in molte culture. Le sette madri e i loro figli scomparsi al centro di questa mostra rappresentano lo sfollamento forzato di centinaia di migliaia di palestinesi con la creazione dello Stato di Israele dal 1948, noto anche come Nakba. Il titolo della mostra, Yawm al-Firak, fa riferimento a un antico poema arabo sulla separazione e l'addio. Khader collega questa tradizione letteraria a storie personali. Il suo lavoro tocca temi universali come l'amore, il dolore e la resilienza.

Yawm al-Firak, Arabic for Day of Separation, is the first solo exhibition by the Palestinian-Dutch photographer Sakir Khader. Since 2024, he has been the first Palestinian photographer selected to join the renowned photography collective Magnum Photos. His images explore the fragile boundary between life and death.

In Yawm al-Firak, Sakir Khader gives a voice to seven young Palestinian men who were violently taken from life, and to their mothers who lost them. Through their stories and experiences, he reflects on farewells in times of occupation, conflict, war, and displacement.

The number seven symbolizes unity in many cultures. The seven mothers and their lost sons at the centre of this exhibition represent the forced displacement of hundreds of thousands of Palestinians with the establishment of the state of Israel since 1948, also known as the Nakba. The title of the exhibition, Yawm al-Firak, refers to an ancient Arabic poem about separation and farewell. Khader connects this literary tradition with personal stories. His work touches on universal themes such as love, grief, and resilience.

(Text: Foam, Amsterdam)

Bildhalle | Zürich
7. Februar - 5. April 2025

Where are you
Chantal Elisabeth Ariëns

Die Fotografien der bildenden Künstlerin Chantal Elisabeth Ariëns bringen die Stärke unseres menschlichen Inneren mit unserem anmutigen, zerbrechlichen, physischen Äußeren zusammen. Die Taktilität von Couture, Voile, Federn in ihrer Welt, die von eleganten Frauen bewohnt wird, wirft ein Licht auf unser Gefühlsleben. Dort stehen wir an der Schwelle zwischen Tat und Traum, in der Stille und im Verlangen. Mit ihren visuellen Geschichten gelingt es Ariëns, Bewegung und Ruhe im selben Moment darzustellen und uns in eine Zwischenwelt zu entführen, in der unsere Seele, unser Bewusstsein und unsere Träume schweifen. Ihre Arbeiten zeigen Momente, die zugleich jetzt und ewig sind, zugleich voll von reinem Licht und allen nur denkbaren Schatten.

Die Bilder scheinen oft etwas anzukündigen, was noch kommen wird, sie sind lediglich ein Einatmen kurz vor dem Moment suprême. Die Inspiration dieser durchscheinenden Momente ist das, wonach wir uns so sehr sehnen, und Ariëns weiß genau, wie sie dies in ihren Fotografien umsetzen kann.

Ariëns' Werk atmet Freiheit und Unabhängigkeit. Ihre autonome Arbeitsweise und ihre Art, Couture zu fotografieren, letzteres manchmal in enger Zusammenarbeit, ergänzen sich. Die Einzigartigkeit ihrer autonomen und modischen Fotografie wird durch die Tatsache verstärkt, dass sie mit Photopolymer-Radierung arbeitet, einer alten Drucktechnik. Bei diesem zeitintensiven und manuellen Verfahren verwendet die Künstlerin eine Druckplatte, die mit einem Photopolymerfilm belichtet wird, und erweckt die Bilder dann mit Tinte und ihren Händen zum Leben. Mit diesem Verfahren kann sie wie eine Malerin arbeiten: Sie streicht mit der Hand Schicht für Schicht, so dass sich die Tinte auf den Kunstdrucken ausbreitet. Das Bild erscheint buchstäblich unter ihren Händen, so dass sie intuitiv Feinheiten und Raffinessen hinzufügen kann. Diese Handarbeit sorgt dafür, dass Ariëns maximalen Raum für den entscheidenden Moment schafft; den Moment, in dem sie die Lebendigkeit und Seele ihrer Bilder erkennt. Und so fängt sie das richtige Bild, das Kunstwerk, immer wieder neu ein, ergreift und umarmt es.

Les photographies de l'artiste visuelle Chantal Elisabeth Ariëns associent la force de notre moi intérieur à notre extérieur physique, gracieux et fragile. La tactilité de la couture, du voile, des plumes dans son monde, habité par des femmes élégantes, met en lumière notre vie émotionnelle. Nous sommes là, au seuil de l'acte et du rêve, dans l'immobilité et le désir. Avec ses histoires visuelles, Ariëns est capable de dépeindre le mouvement et la sérénité dans le même moment, nous transportant dans un monde intermédiaire où notre âme, notre conscience et nos rêves se promènent. Son travail montre des moments qui sont à la fois actuels et éternels, à la fois pleins de lumière pure et de toutes les ombres imaginables.

Les images semblent souvent annoncer quelque chose qui est encore à venir, elles ne sont qu'une inspiration juste avant le moment suprême. L'inspiration de ces instants translucides est ce à quoi nous aspirons si intensément, et Ariëns sait exactement comment la traduire dans ses photographies.

L'œuvre d'Ariëns respire la liberté et l'indépendance. Sa méthode de travail autonome et sa façon de photographier la couture, parfois en étroite collaboration, se complètent. Le caractère unique de ses photographies autonomes et de mode est renforcé par le fait qu'elle travaille avec la gravure au photopolymère, une ancienne technique d'impression. Dans ce processus manuel qui prend beaucoup de temps, l'artiste utilise une plaque d'impression exposée à un film photopolymère, puis utilise de l'encre et ses mains pour donner vie aux images. Ce procédé lui permet de travailler comme un peintre : elle effleure couche après couche avec sa main pour que l'encre se répande sur les tirages d'art. L'image apparaît littéralement sous ses mains, ce qui lui permet d'ajouter de la subtilité et du raffinement de manière intuitive. Ce travail manuel permet à Ariëns de créer un maximum d'espace pour l'instant décisif, le moment où elle reconnaît la vivacité et l'âme de ses images. C'est ainsi qu'elle capture, saisit et embrasse la bonne image, l'œuvre d'art, encore et encore.

Le fotografie dell'artista visiva Chantal Elisabeth Ariëns mettono insieme la forza della nostra interiorità umana con la nostra grazia, la fragilità e l'esteriorità fisica. La tattilità della couture, del voile, delle piume nel suo mondo, abitato da donne eleganti, fa luce sulla nostra vita emotiva. Ci troviamo sulla soglia tra l'atto e il sogno, nell'immobilità e nel desiderio. Con le sue storie visive, Ariëns è in grado di rappresentare il movimento e la serenità nello stesso momento, trasportandoci in un mondo intermedio dove vagano la nostra anima, la nostra coscienza e i nostri sogni. Il suo lavoro mostra momenti che sono allo stesso tempo attuali ed eterni, pieni di luce pura e di ogni ombra immaginabile.

Le immagini sembrano spesso annunciare qualcosa che deve ancora venire, sono solo un'inspirazione prima del momento supremo. L'ispirazione di questi momenti traslucidi è ciò che desideriamo così intensamente e Ariëns sa esattamente come tradurla nelle sue fotografie.

Il lavoro di Ariëns traspira libertà e indipendenza. Il suo metodo di lavoro autonomo e il suo modo di fotografare l'alta moda, a volte in stretta collaborazione, si completano a vicenda. L'unicità della sua fotografia autonoma e di moda è esaltata dal fatto che lavora con l'incisione a fotopolimeri, un'antica tecnica di stampa. In questo processo manuale e dispendioso in termini di tempo, l'artista utilizza una lastra di stampa esposta con una pellicola fotopolimerica, poi usa l'inchiostro e le sue mani per dare vita alle immagini. Questo processo le permette di lavorare come un pittore: con la mano accarezza strato su strato in modo che l'inchiostro si diffonda sulle stampe. L'immagine appare letteralmente sotto le sue mani, permettendole di aggiungere sottigliezza e raffinatezza in modo intuitivo. Questo lavoro manuale fa sì che Ariëns crei il massimo spazio per il momento decisivo, quello in cui riconosce la vivacità e l'anima delle sue immagini. E così cattura, afferra e abbraccia l'immagine giusta, l'opera d'arte, ancora e ancora.

The photographs of visual artist Chantal Elisabeth Ariëns bring together the strength of our human inner self with our graceful, fragile, physical exterior. The tactility of couture, voile, feathers in her world, inhabited by elegant women, shed light on our emotional life. There we stand on the threshold between deed and dream in stillness, and desire. With her visual stories, Ariëns is able to depict movement and serenity in the same moment, transporting us to an in-between world where our soul, consciousness and dreams roam. Her work shows moments that are at once now and eternal, at once full of pure light and every shadow imaginable.

The images often seem to announce something that is yet to come, they are merely an inhalation just before the moment suprême. The inspiration of these translucent moments is what we long for so intensely, and Ariëns knows exactly how to translate this into her photographs.

Ariëns‘ work breathes freedom and independence. Her autonomous working method and her way of photographing couture, the latter sometimes in close collaboration, complement each other. The uniqueness of her autonomous and fashion photography is enhanced by the fact that she works with photopolymer etching; an old printing technique. In this time-intensive and manual process, the artist uses a printing plate exposed with photopolymer film, then uses ink and her hands to bring the images to life. This process allows her to work like a painter, she strokes layer upon layer with her hand so that the ink spreads across the art prints. The image literally appears under her hands, allowing her to add subtlety and refinement intuitively. This handwork ensures that Ariëns creates maximum space for the decisive moment; the moment when she recognises the liveliness and soul in her images. And so she captures, grasps and embraces the right image, the work of art, again and again.

(Text: Bildhalle, Zürich/Amsterdam)

Bildhalle – Showroom | Zürich
7. Februar – 5. April 2025

Champions
Bastiaan Woudt

Das Projekt „CHAMPIONS“ von Bastiaan Woudt besteht aus einer Reihe eindrucksvoller Bilder aus Sambia, die in Zusammenarbeit mit Orange Babies entstanden sind, einer Organisation, die sich für HIV-infizierte Schwangere und ihre Kinder in Entwicklungsländern wie Namibia, Südafrika und Sambia einsetzt.

Das Herzstück des Projekts liegt in Sambia, wo Bastiaan Woudt eine Gruppe junger Erwachsener fotografiert hat, die in ihren Gemeinden als „Champions“ auftreten. Diese jungen, starken Persönlichkeiten spielen eine entscheidende Rolle bei der Aufklärung über HIV und der Schaffung sicherer Räume für Gleichaltrige, um über wichtige Themen wie sexuelle Aufklärung zu diskutieren.

Bastiaan Woudt hat diese jungen Erwachsenen nicht nur als Fürsprecher in ihrer Gemeinschaft, sondern auch als Symbole für Stärke und Würde festgehalten. Durch seine Linse wollte er diese jungen Menschen in Helden, Krieger, Könige und Königinnen verwandeln, um ihre unverzichtbare Rolle im Kampf gegen HIV und AIDS visuell darzustellen.

Dank der Großzügigkeit unserer Unterstützer haben wir bereits über 200.000 Euro gesammelt, um Orange Babies bei der Fortsetzung ihrer wichtigen Arbeit zu helfen. Darüber hinaus werden 10 % aller Einnahmen aus der Ausstellung direkt an Orange Babies gespendet. Lassen Sie uns auf dieser Dynamik aufbauen, während wir uns für eine Zukunft ohne HIV einsetzen.

Le projet CHAMPIONS de Bastiaan Woudt est une série d'images fortes de Zambie, réalisées en collaboration avec Orange Babies, une organisation dévouée qui apporte son soutien aux femmes enceintes infectées par le VIH et à leurs enfants dans les pays en développement tels que la Namibie, l'Afrique du Sud et la Zambie.

Le cœur du projet se trouve en Zambie, où Bastiaan Woudt a photographié un groupe de jeunes adultes qui agissent comme des « champions » dans leurs communautés. Ces jeunes individus puissants jouent un rôle essentiel dans la sensibilisation au VIH et dans la création d'espaces sûrs permettant à leurs pairs de discuter de sujets essentiels tels que l'éducation sexuelle.

Bastiaan Woudt a choisi de photographier ces jeunes adultes non seulement comme des défenseurs de leur communauté, mais aussi comme des symboles de force et de dignité. À travers son objectif, il a voulu transformer ces jeunes en héros, en guerriers, en rois et en reines, une représentation visuelle de leur rôle indispensable dans la lutte contre le VIH et le sida.

Grâce à la générosité de nos supporters, nous avons déjà récolté plus de 200 000 euros pour aider Orange Babies à poursuivre son travail vital. En outre, 10 % de toutes les ventes de l'exposition seront directement reversés à Orange Babies. Continuons sur notre lancée et œuvrons pour un avenir sans VIH.

Il progetto CHAMPIONS di Bastiaan Woudt è una serie di immagini potenti dallo Zambia, realizzate in collaborazione con Orange Babies, un'organizzazione dedicata che fornisce supporto alle donne incinte infettate dall'HIV e ai loro bambini nei Paesi in via di sviluppo come Namibia, Sudafrica e Zambia.

Il cuore del progetto si trova in Zambia, dove Bastiaan Woudt ha fotografato un gruppo di giovani adulti che agiscono come 'campioni' nelle loro comunità. Queste persone giovani e potenti svolgono un ruolo fondamentale nel diffondere la consapevolezza sull'HIV e nel creare spazi sicuri per i coetanei per discutere di argomenti essenziali come l'educazione sessuale.

Bastiaan Woudt ha scelto di immortalare questi giovani adulti non solo come sostenitori della loro comunità, ma anche come simboli di forza e dignità. Attraverso il suo obiettivo, ha voluto trasformare questi giovani in eroi, guerrieri, re e regine, una rappresentazione visiva del loro ruolo indispensabile nella lotta contro l'HIV e l'AIDS.

Grazie alla generosità dei nostri sostenitori, abbiamo già raccolto oltre 200.000 euro per aiutare Orange Babies a continuare il suo lavoro vitale. Inoltre, il 10% di tutte le vendite della mostra sarà donato direttamente a Orange Babies. Continuiamo a costruire su questo slancio, mentre ci impegniamo per un futuro libero dall'HIV.

Bastiaan Woudt‘s CHAMPIONS project is a series of powerful images from Zambia, realized in collaboration with Orange Babies, a dedicated organization providing support to HIV-infected pregnant women and their children in developing countries such as Namibia, South Africa, and Zambia.

The heart of the project lies in Zambia, where Bastiaan Woudt has photographed a group of young adults who act as “champions” in their communities. These young, powerful individuals play a vital role in spreading awareness about HIV and creating safe spaces for peers to discuss essential topics such as sexual education.

Bastiaan Woudt chose to capture these young adults not only as advocates in their community but also as symbols of strength and dignity. Through his lens, he aimed to transform these young people into heroes, warriors, kings, and queens, a visual representation of their indispensable role in the fight against HIV and AIDS.

Thanks to the generosity of our supporters, we’ve already raised over €200,000 to help Orange Babies continue their vital work. Additionally, 10% of all sales from the exhibition will be donated directly to Orange Babies. Let’s keep building on that momentum as we strive for a future free of HIV.

(Text: Bildhalle, Zürich + Amsterdam)

Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
7. Februar – 19. April 2025

Weiss war der Schnee
Thomas Wrede

Die Galerie Bernhard Knaus Fine Art präsentiert ihre erste Einzelausstellung mit Werken aus dem Glacier Project von Thomas Wrede. In seinem fotografischen OEuvre lotet Wrede die faszinierende Grenze zwischen Inszenierung und Wirklichkeit aus, wobei Landschaften als zentrales Sujet fungieren. Seine Werke ergründen sowohl vorgefundene als auch eigens kreierte Konstruktionen in der Natur, stets im Spannungsfeld zwischen Authentizität und Artifizialität.

Bereits Wredes frühere Werkgruppen thematisieren Umwelt, Naturkatastrophen und menschliche Spuren in der Landschaft, was zu einer einzigartigen Bildästhetik zwischen surrealer Verfremdung, kritischer Dokumentation und apokalyptischer Fiktion führt. Seine spektakulären Landschaftsaufnahmen der alpinen Gletscher spiegeln dabei auf erschreckend bildliche Weise den fortschreitenden Klimawandel und seine Folgen wider und sind damit aktueller denn je.

Während die Serie Real Landscapes sich durch gezielte Inszenierungen mit Miniaturmodellen in natürlichen Umgebungen auszeichnet, in denen der Künstler bewusst mit der Perspektive spielt und eine Spannung zwischen Realität und Fiktion erzeugt, verschmelzen bei den Gletscherfotografien natürliche Landschaften mit menschlichen Eingriffen.

Wredes Glacier Project, das 2017 mit Aufnahmen des Schweizer Rhonegletschers begann, umfasst großformatige Panoramen sowie Außen- und Innenansichten der Gletscherhöhlen. Es basiert auf dem Konzept der verpackten Landschaft. Um das rapide Abschmelzen der Gletscher zu verlangsamen, werden große Eisflächen – temporär oder auch dauerhaft – mit Vlies abgedeckt. Detailaufnahmen zeigen die verwitterten Abdeckungen, die Geröll und schmutzigen Schnee freilegen. Die morbide Ästhetik der Falten, die gewählten Ausschnitte und die vielfältigen Grautöne ergeben einzigartige malerische Motive. Diese Aufnahmen erinnern an Wredes frühe Serie Samsö aus den 1990er Jahren, in der Plastikfolien auf einer dänischen Insel in atmosphärischen Schwarzweiß-Aufnahmen eine beklemmende Schönheit entfalten.

Im Kontrast zur maroden "Außenhaut" steht das faszinierende Farben- und Lichtspiel der jahrhundertealten Eisschichten im Inneren. Die Vliesabdeckungen scheinen durch das dünner werdende Eis und brechen teilweise in die Höhle ein, wodurch Außen und Innen, Natürliches und Künstliches verschmelzen.

In der neueren Arbeiten Blutschnee erkundet Wrede ein faszinierendes Naturphänomen am Presena-Gletscher in Südtirol. Die rosarot schimmernden Algen im Tauwasser verwandeln den Schnee in abstrakte, fast surreale Farbkompositionen, die die fragile Schönheit, Vergänglichkeit und klimatische Transformation der alpinen Landschaft eindringlich visualisieren.

Der Titel WEISS WAR DER SCHNEE unserer Ausstellung deutet auf eine verlorene Reinheit hin, evoziert eine elegische Meditation über die einst unberührte alpine Landschaft. Er changiert zwischen melancholischer Reminiszenz und zeitdiagnostischer Klage, indem er die jungfräuliche Reinheit des Schnees als Metapher für eine unwiederbringlich verlorene Ursprünglichkeit heraufbeschwört und symbolisiert so Vergänglichkeit und Wandel in Wredes Gletscherfotografien.

Wredes Ziel ist keine dokumentarische Erfassung der Gletscherveränderungen, sondern vielmehr die Verwendung der Fotografie als anschauliches Denken. Seine künstlerische Auseinandersetzung mit den Gletschern resultiert in verstörend schönen Bildern, die zwischen Idylle und Katastrophe, Inszenierung und Wirklichkeit oszillieren.

Als engagierter Künstler setzt Wrede das Glacier Project fort und besteigt weitere Gletscher, um die bedrohte Schönheit und Fragilität des Eises festzuhalten: „Ich will Bilder zwischen Dokumentation und subjektivem Sehen finden, die die Spuren der Klimakrise und die rapiden Veränderungen mitten in Europa sichtbar werden lassen. (2018)“. Seine Werke finden sich in renommierten Sammlungen weltweit. Zudem war er an der Klima Biennale im Museum für Angewandte Kunst in Wien (2021) sowie an der Ausstellung Weather Engines im Onassis Stegi in Athen (2022) beteiligt.

La galerie Bernhard Knaus Fine Art présente sa première exposition individuelle avec des œuvres du Glacier Project de Thomas Wrede. Dans son œuvre photographique, Wrede explore la frontière fascinante entre mise en scène et réalité, avec les paysages comme sujet central. Ses œuvres explorent aussi bien les constructions trouvées dans la nature que celles qu'il a lui-même créées, toujours dans le champ de tension entre l'authenticité et l'artificialité.

Les groupes d'œuvres antérieurs de Wrede traitent déjà de l'environnement, des catastrophes naturelles et des traces humaines dans le paysage, ce qui donne lieu à une esthétique picturale unique entre altération surréaliste, documentation critique et fiction apocalyptique. Ses photos de paysages spectaculaires des glaciers alpins reflètent ainsi de manière terriblement imagée le changement climatique en cours et ses conséquences, et sont donc plus actuelles que jamais.

Alors que la série Real Landscapes se caractérise par des mises en scène ciblées avec des modèles miniatures dans des environnements naturels, dans lesquelles l'artiste joue délibérément avec la perspective et crée une tension entre réalité et fiction, les photographies de glaciers mêlent paysages naturels et interventions humaines.

Le Glacier Project de Wrede, qui a débuté en 2017 avec des prises de vue du glacier suisse du Rhône, comprend des panoramas grand format ainsi que des vues extérieures et intérieures des grottes glaciaires. Il est basé sur le concept de paysage emballé. Afin de ralentir la fonte rapide des glaciers, de grandes surfaces de glace sont recouvertes - temporairement ou durablement - de non-tissé. Des photos de détail montrent les couvertures usées par les intempéries, laissant apparaître des éboulis et de la neige sale. L'esthétique morbide des plis, les découpes choisies et les multiples nuances de gris créent des motifs picturaux uniques. Ces clichés rappellent la première série de Wrede, Samsö, réalisée dans les années 1990, dans laquelle des films plastiques d'une île danoise déploient une beauté oppressante dans des prises de vue atmosphériques en noir et blanc.

En contraste avec la « peau extérieure » délabrée, le jeu fascinant de couleurs et de lumière des couches de glace séculaires à l'intérieur. Les couvertures en non-tissé brillent à travers la glace qui s'amincit et s'enfoncent partiellement dans la grotte, fusionnant ainsi l'extérieur et l'intérieur, le naturel et l'artificiel.

Dans son œuvre récente Blutschnee, Wrede explore un phénomène naturel fascinant sur le glacier Presena dans le Tyrol du Sud. Les algues aux reflets roses dans l'eau de fonte transforment la neige en compositions de couleurs abstraites, presque surréalistes, qui visualisent avec force la beauté fragile, l'éphémère et la transformation climatique du paysage alpin.

Le titre WEISS WAR DER SCHNEE de notre exposition suggère une pureté perdue, évoque une méditation élégiaque sur le paysage alpin autrefois intact. Il oscille entre réminiscence mélancolique et complainte diagnostique contemporaine, en évoquant la pureté virginale de la neige comme métaphore d'une originalité irrémédiablement perdue, symbolisant ainsi l'éphémère et le changement dans les photographies de glaciers de Wrede.

L'objectif de Wrede n'est pas d'enregistrer de manière documentaire les changements survenus sur les glaciers, mais plutôt d'utiliser la photographie comme un mode de pensée descriptif. Sa confrontation artistique avec les glaciers se traduit par des images d'une beauté troublante, qui oscillent entre idylle et catastrophe, mise en scène et réalité.

En tant qu'artiste engagé, Wrede poursuit le Glacier Project et escalade d'autres glaciers afin d'immortaliser la beauté menacée et la fragilité de la glace : « Je veux trouver des images à mi-chemin entre le documentaire et la vision subjective, qui rendent visibles les traces de la crise climatique et les changements rapides au cœur de l'Europe. (2018) ». Ses œuvres se trouvent dans des collections prestigieuses du monde entier. Il a également participé à la Biennale sur le climat au Museum für Angewandte Kunst de Vienne (2021) et à l'exposition Weather Engines à l'Onassis Stegi d'Athènes (2022).

La Galerie Bernhard Knaus Fine Art presenta la sua prima mostra personale con opere del Glacier Project di Thomas Wrede. Nella sua opera fotografica, Wrede esplora l'affascinante confine tra messa in scena e realtà, con i paesaggi come soggetto centrale. Le sue opere esplorano sia le costruzioni trovate che quelle create appositamente in natura, sempre nel campo della tensione tra autenticità e artificialità.

I precedenti gruppi di opere di Wrede tematizzano già l'ambiente, i disastri naturali e le tracce umane nel paesaggio, dando vita a un'estetica visiva unica tra alienazione surreale, documentazione critica e finzione apocalittica. Le sue spettacolari fotografie paesaggistiche dei ghiacciai alpini riflettono in modo spaventosamente visivo l'avanzare del cambiamento climatico e le sue conseguenze e sono quindi più attuali che mai.

Mentre la serie Real Landscapes è caratterizzata da una deliberata messa in scena con modelli in miniatura in ambienti naturali, in cui l'artista gioca consapevolmente con la prospettiva e crea una tensione tra realtà e finzione, le fotografie dei ghiacciai fondono paesaggi naturali con l'intervento umano.

Il Glacier Project di Wrede, iniziato nel 2017 con le fotografie del ghiacciaio svizzero del Rodano, comprende panorami di grande formato e vedute esterne e interne di grotte glaciali. Si basa sul concetto di paesaggio impacchettato. Per rallentare il rapido scioglimento dei ghiacciai, vaste aree di ghiaccio vengono coperte - temporaneamente o permanentemente - con veli. I primi piani mostrano le coperture rovinate dalle intemperie che espongono macerie e neve sporca. L'estetica morbosa delle pieghe, i dettagli selezionati e le diverse tonalità di grigio creano motivi pittorici unici. Queste immagini ricordano le prime serie Samsö di Wrede degli anni '90, in cui i teli di plastica su un'isola danese dispiegano una bellezza opprimente in suggestivi scatti in bianco e nero.

In contrasto con la fatiscente “pelle esterna” è l'affascinante gioco di colori e luce degli strati di ghiaccio secolari all'interno. Le coperture in pile risplendono attraverso l'assottigliamento del ghiaccio e irrompono parzialmente nella grotta, fondendo esterno e interno, naturale e artificiale.

Nell'opera più recente Blutschnee, Wrede esplora un affascinante fenomeno naturale sul ghiacciaio Presena in Alto Adige. Le alghe rosa scintillanti nell'acqua di disgelo trasformano la neve in composizioni di colori astratti, quasi surreali, che visualizzano vividamente la fragile bellezza, la transitorietà e la trasformazione climatica del paesaggio alpino.

Il titolo WHITE WAS THE SNOW della nostra mostra allude a una purezza perduta, evocando una meditazione elegiaca sul paesaggio alpino un tempo incontaminato. Oscilla tra la reminiscenza malinconica e il lamento del tempo, evocando la purezza vergine della neve come metafora di un'originalità irrimediabilmente perduta, simboleggiando così la transitorietà e il cambiamento nelle fotografie dei ghiacciai di Wrede.

L'obiettivo di Wrede non è quello di documentare i cambiamenti dei ghiacciai, ma piuttosto di usare la fotografia come un modo vivido di pensare. La sua esplorazione artistica dei ghiacciai si traduce in immagini di inquietante bellezza che oscillano tra idillio e catastrofe, tra messa in scena e realtà.

Come artista impegnato, Wrede continua il Glacier Project e scala altri ghiacciai per catturare la bellezza minacciata e la fragilità dei ghiacci: “Voglio trovare immagini tra la documentazione e la visione soggettiva che rendano visibili le tracce della crisi climatica e i rapidi cambiamenti nel centro dell'Europa”. (2018)”. Le sue opere si trovano in collezioni rinomate in tutto il mondo. È stato inoltre coinvolto nella Biennale del Clima al Museo di Arti Applicate di Vienna (2021) e nella mostra Weather Engines all'Onassis Stegi di Atene (2022).

The gallery Bernhard Knaus Fine Art presents its first solo exhibition of works from the Glacier Project by Thomas Wrede. In his photographic oeuvre, Wrede explores the fascinating boundary between staging and reality, with landscapes as the central subject. His works explore both found and specially created constructions in nature, always in the field of tension between authenticity and artificiality.

Wrede's earlier work groups already address the environment, natural disasters and human traces in the landscape, which leads to a unique pictorial aesthetic between surreal alienation, critical documentation and apocalyptic fiction. His spectacular landscape photographs of Alpine glaciers are a shocking visual reflection of the ongoing climate change and its consequences, making them more relevant than ever.

While the series Real Landscapes is characterised by deliberate staging with miniature models in natural settings, in which the artist consciously plays with perspective and creates a tension between reality and fiction, the glacier photographs merge natural landscapes with human intervention.

Wrede's Glacier Project, which began in 2017 with photographs of the Rhône Glacier in Switzerland, includes large-format panoramas as well as exterior and interior views of the glacier caves. It is based on the concept of the packed landscape. To slow the rapid melting of the glaciers, large areas of ice are covered with fleece – either temporarily or permanently. Close-up shots show the weathered covers revealing debris and dirty snow. The morbid aesthetic of the folds, the chosen details, and the varied shades of grey create unique painterly motifs. These images recall Wrede's earlier Samsö series from the 1990s, in which plastic sheets on a Danish island unfold an oppressive beauty in atmospheric black and white photographs.

In contrast to the dilapidated ‘outer skin’ stands the fascinating play of colours and light of the centuries-old ice layers inside. The fleece covers shine through the thinning ice and partially collapse into the cave, merging the outside and inside, natural and artificial.

In his more recent work, Blutschnee (Blood Snow), Wrede explores a fascinating natural phenomenon at the Presena Glacier in South Tyrol. The pink-shimmering algae in the meltwater transform the snow into abstract, almost surreal colour compositions that vividly visualise the fragile beauty, transience and climatic transformation of the Alpine landscape.

The title of our exhibition, WEISS WAR DER SCHNEE (White Was The Snow), suggests a lost purity and evokes an elegiac meditation on the once untouched Alpine landscape. It oscillates between melancholy reminiscence and a lament on the state of the times, conjuring up the virgin purity of the snow as a metaphor for an irretrievably lost naturalness, and thus symbolising transience and change in Wrede's glacier photographs.

Wrede's aim is not to document the changes to the glaciers, but rather to use photography as a vivid way of thinking. His artistic exploration of the glaciers results in disturbingly beautiful images that oscillate between idyll and catastrophe, staging and reality.

As a committed artist, Wrede is continuing the Glacier Project and climbing more glaciers to capture the threatened beauty and fragility of the ice: ‘I want to find images between documentation and subjective vision that reveal the traces of the climate crisis and the rapid changes taking place in the heart of Europe. (2018). His works are part of renowned collections worldwide. He also participated in the Climate Biennale at the Museum of Applied Arts in Vienna (2021) and the exhibition Weather Engines at the Onassis Stegi in Athens (2022).

(Text: Bernhard Knaus Fine Art, Frankfurt am Main)

IPFO – Haus der Fotografie Olten
7. Februar – 4. Mai 2025

TO HEAL A WORLD
160 Jahre Fotografien aus den Sammlungen des Roten Kreuzes und des Rotes Halbmondes

Das Haus der Fotografie präsentiert zum Jahresbeginn mit „To heal a world“ eine ganz besondere Ausstellung. In Kooperation mit dem Internationalen Roten Kreuz- und Rothalbmondmuseum werden ab 7. Februar 2025 rund 600 Fotografien aus mehr als 160 Jahren humanitäre Hilfe gezeigt. Damit wird ein Einblick in ein bisher nur wenig erforschtes, riesiges Kulturerbe ermöglicht; gleichzeitig hinterfragt die Ausstellung, die für drei Monate zu sehen ist, die Bilder der humanitären Arbeit und unseren Blick darauf.

Die Bilder humanitärer Einsätze sind allgegenwertig und gehören seit mehr als einem Jahrhundert zu unserem Alltag. Oft wirken sie so unmittelbar und eindeutig, dass wir glauben, genau zu verstehen, worum es geht, ohne daran zu denken, was ausserhalb des Bildes passiert. Die Realität vor Ort ist jedoch stets komplexer als ihre Darstellung, denn Letztere kann nur Fragmente festhalten.

Einblicke in ein aussergewöhnliches fotografisches Erbe
Mit über 600 Fotografien von 1850 bis heute zeigt «To heal a world» das Ergebnis einer mehr als zweijährigen Recherche in den Sammlungen des MICR, des Internationalen Komitees vom Roten Kreuz (IKRK) und der Internationalen Föderation der Rotkreuz- und Rothalbmondgesellschaften (IFRC). «Die Ausstellung beleuchtet ein reiches, fotografisches Erbe, das in unserem Land bewahrt wird», sagt Pascal Hufschmid, Museumsdirektor des IKRK-Museums in Genf und Co-Kurator der Ausstellung. «Sie spiegelt alle Herausforderungen des humanitären Völkerrechts wider und regt dazu an, unseren Blick auf die Bilder von Konflikten und Naturkatastrophen, die wir täglich in den Nachrichten sehen, zu überdenken.» Dabei zeigt die Ausstellung sowohl Bilder für die Öffentlichkeit, welche versuchen, die Dringlichkeit der humanitären Hilfe zu vermitteln, als auch private Fotografien.

«To heal a world» beinhaltet Arbeiten von bekannten Fotografinnen und Fotografen, unter anderem der weltberühmten Agentur Magnum Photos, wie Werner Bischof und Susan Meiselas. Auch der französische Fotograf Henri Cartier-Bresson ist vertreten. Es werden aber auch Bilder von direkt Betroffenen sowie von Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern der Rotkreuz- und Rothalbmondbewegung gezeigt. Ein Teilbereich der Ausstellung präsentiert zudem die Arbeiten des Fotografen Alexis Cordesse mit persönlichen Fotos von Migratinnen und Migranten.

Für die Co-Ausstellungskuratorin Nathalie Herschdorfer geht es darum, den Nutzen der Fotografie hervorzuheben und zu zeigen, was diese Bilder über unsere Zeit aussagen: «Das Wissen über die Vergangenheit, über unsere Geschichte wurde häufig mittels Schriftdokumenten erlangt. Doch die Geschichte der humanitären Arbeit kann nicht ohne die Geschichte der Fotografie berichtet werden. Die Erfindung der Fotografie im Jahr 1839 liegt nur 25 Jahre vor der Gründung des IKRK 1864 – ihre Schicksale sind eng miteinander verknüpft. Heute ist es schwieriger denn je, sich die humanitäre Arbeit ohne Bilder vorzustellen.»

En ce début d'année, la Haus der Fotografie présente une exposition très particulière intitulée « To heal a world ». En coopération avec le Musée international de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge, quelque 600 photographies couvrant plus de 160 ans d'aide humanitaire seront présentées à partir du 7 février 2025. Cela permet d'avoir un aperçu d'un immense patrimoine culturel encore peu exploré ; en même temps, l'exposition, qui sera visible pendant trois mois, questionne les images de l'action humanitaire et le regard que nous portons sur elles.

Les images des missions humanitaires sont omniprésentes et font partie de notre quotidien depuis plus d'un siècle. Souvent, elles semblent si immédiates et si claires que nous pensons comprendre exactement de quoi il s'agit, sans penser à ce qui se passe en dehors de l'image. La réalité sur le terrain est cependant toujours plus complexe que sa représentation, car cette dernière ne peut en retenir que des fragments.

Aperçu d'un patrimoine photographique exceptionnel
Avec plus de 600 photographies de 1850 à nos jours, « To heal a world » présente le résultat de plus de deux ans de recherches dans les collections du MICR, du Comité international de la Croix-Rouge (CICR) et de la Fédération internationale des Sociétés de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge (FICR). « L'exposition met en lumière un riche patrimoine photographique préservé dans notre pays », explique Pascal Hufschmid, directeur du Musée du CICR à Genève et co-commissaire de l'exposition. « Elle reflète tous les défis du droit international humanitaire et nous incite à repenser notre regard sur les images de conflits et de catastrophes naturelles que nous voyons tous les jours dans les actualités ». Pour ce faire, l'exposition présente aussi bien des images destinées au public, qui tentent de faire comprendre l'urgence de l'aide humanitaire, que des photographies privées.

« To heal a world » comprend des travaux de photographes connus, notamment de l'agence mondialement connue Magnum Photos, comme Werner Bischof et Susan Meiselas. Le photographe français Henri Cartier-Bresson est également représenté. Mais des photos de personnes directement concernées ainsi que de collaborateurs du Mouvement de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge sont également présentées. Une partie de l'exposition présente en outre les travaux du photographe Alexis Cordesse avec des photos personnelles de migrants.

Pour Nathalie Herschdorfer, co-commissaire de l'exposition, il s'agit de mettre en avant l'utilité de la photographie et de montrer ce que ces images révèlent de notre époque : « La connaissance du passé, de notre histoire, a souvent été acquise par le biais de documents écrits. Mais l'histoire de l'action humanitaire ne peut pas être racontée sans l'histoire de la photographie. L'invention de la photographie en 1839 précède de seulement 25 ans la création du CICR en 1864 - leurs destins sont étroitement liés. Aujourd'hui, il est plus difficile que jamais d'imaginer le travail humanitaire sans images ».

La Casa della Fotografia presenta una mostra molto speciale all'inizio dell'anno con “To heal a world”. In collaborazione con il Museo Internazionale della Croce Rossa e della Mezzaluna Rossa, dal 7 febbraio 2025 saranno esposte circa 600 fotografie di oltre 160 anni di aiuti umanitari. La mostra, che rimarrà allestita per tre mesi, analizzerà le immagini del lavoro umanitario e la nostra visione di esso.

Le immagini delle missioni umanitarie sono onnipresenti e fanno parte della nostra vita quotidiana da più di un secolo. Spesso appaiono così immediate e chiare che crediamo di capire esattamente cosa sta succedendo senza pensare a ciò che accade al di fuori dell'immagine. Tuttavia, la realtà sul campo è sempre più complessa della sua rappresentazione, poiché quest'ultima può catturare solo dei frammenti.

Approfondimenti su un patrimonio fotografico straordinario
Con oltre 600 fotografie datate dal 1850 a oggi, “To heal a world” è il risultato di oltre due anni di ricerche nelle collezioni del MICR, del Comitato Internazionale della Croce Rossa (CICR) e della Federazione Internazionale della Croce Rossa e della Mezzaluna Rossa (IFRC). “La mostra fa luce su un ricco patrimonio fotografico conservato nel nostro Paese”, afferma Pascal Hufschmid, direttore del Museo del CICR di Ginevra e co-curatore della mostra. “Riflette tutte le sfide del diritto internazionale umanitario e ci incoraggia a ripensare la nostra visione delle immagini di conflitti e disastri naturali che vediamo ogni giorno nei notiziari”. La mostra presenta sia immagini destinate al pubblico, che cercano di trasmettere l'urgenza degli aiuti umanitari, sia fotografie private.

“To heal a world” comprende opere di noti fotografi, tra cui la famosa agenzia Magnum Photos, come Werner Bischof e Susan Meiselas. È rappresentato anche il fotografo francese Henri Cartier-Bresson. Ma ci sono anche immagini dei diretti interessati e dei dipendenti della Croce Rossa e della Mezzaluna Rossa. Una sezione della mostra presenta anche il lavoro del fotografo Alexis Cordesse con foto personali di migranti.

Per la co-curatrice della mostra, Nathalie Herschdorfer, l'obiettivo è sottolineare i vantaggi della fotografia e mostrare ciò che queste immagini rivelano del nostro tempo: “La conoscenza del passato, della nostra storia, è stata spesso acquisita attraverso documenti scritti. Ma la storia del lavoro umanitario non può essere raccontata senza la storia della fotografia. L'invenzione della fotografia nel 1839 precede di soli 25 anni la fondazione del CICR nel 1864: i loro destini sono strettamente legati. Oggi è più difficile che mai immaginare il lavoro umanitario senza immagini”.

The House of Photography is presenting a very special exhibition at the beginning of the year: “To heal a world”. In cooperation with the International Red Cross and Red Crescent Museum, around 600 photographs from more than 160 years of humanitarian aid will be on display from February 7, 2025. This will provide insight into a vast cultural heritage that has been little researched to date; at the same time, the exhibition, which will be on display for three months, questions the images of humanitarian work and our view of it.

Images of humanitarian action are ubiquitous and have been part of our daily lives for more than a century. Often they seem so immediate and unambiguous that we think we understand exactly what is at stake, without thinking about what is happening outside the image. However, the reality on the ground is always more complex than its representation, because the latter can only capture fragments.

A glimpse of an extraordinary photographic heritage
With more than 600 photographs dating from 1850 to the present day, “To heal a world” showcases the results of more than two years of research in the collections of the MICR, the International Committee of the Red Cross (ICRC) and the International Federation of Red Cross and Red Crescent Societies (IFRC). “The exhibition highlights the rich photographic heritage preserved in our country,” says Pascal Hufschmid, director of the ICRC Museum in Geneva and co-curator of the exhibition. “It reflects all the challenges of international humanitarian law and encourages us to rethink our view of the images of conflicts and natural disasters that we see in the news every day.” The exhibition shows both images intended for the public, which seek to convey the urgency of humanitarian aid, and private photographs.

'To heal a world' includes works by well-known photographers, including those of the world-famous Magnum Photos agency, such as Werner Bischof and Susan Meiselas. French photographer Henri Cartier-Bresson is also represented. However, images by those directly affected and by employees of the Red Cross and Red Crescent Movement are also shown. One section of the exhibition also presents the work of photographer Alexis Cordesse, who has incorporated personal photos sent by migrants.

For Nathalie Herschdorfer, co-curator of the exhibition, the aim is to highlight the usefulness of photography and show what these images can tell us about our times: “Knowledge about the past, about our history, has often been acquired through written documents. But the history of humanitarian work cannot be told without the history of photography. The invention of photography in 1839 was only 25 years before the founding of the ICRC in 1864 – their fates are closely intertwined. Today, it is more difficult than ever to imagine humanitarian work without images.”

(Text: IPFO - Haus der Fotografie, Olten)

Luma Westbau | Zürich
8. Februar – 18. Mai 2025

A Trilogy: The Tempest Society, The Circle, and The Public Storyteller
Bouchra Khalili

Bouchra Khalili arbeitet mit verschiedenen Medien, darunter Film, Video, Installation, Fotografie, Arbeiten auf Papier, Textil und redaktionellen Plattformen. Ihre multidisziplinäre Praxis eröffnet neue Perspektiven auf Bürgerschaft an, die es uns ermöglichen, andere Formen der Zugehörigkeit zu erdenken.

Film und Video spielen eine zentrale Rolle in ihrem Denken. Bekannt für komplexe und vielschichtige narrative Konstruktionen, greifen Khalilis filmische Arbeiten auf verdrängte historische Momente kollektiver Emanzipation zurück, die unterschiedliche Geschichten, Geografien und Generationen umfassen. Weder Dokumentarfilm noch Fiktion, ihre tiefgründig recherchierten „Film-Hypothesen“ artikulieren Sprache, mündliche Überlieferung, poetische Beschwörungen, Erzählkunst und innovative visuelle Formen.

Durch Experimente mit der Montage wird Khalilis Schnittprozess zu einem zentralen Werkzeug ihrer Erzähltechniken. In ihren Filmen übernehmen die nicht-professionellen Darsteller zugleich die Rollen von Erzählern und „Editoren“. Sie erzählen und inszenieren textliche und visuelle Konstellationen unarchivierter Geschichten kollektiver Emanzipation, die von offiziellen Narrativen unterdrückt wurden. Durch die Verknüpfung von Fragmenten mündlicher Überlieferungen mit persönlichen Zeugnissen, Texten, Fotografien und bewegten Bildern wird die Vergangenheit dynamisch aktiviert und ihre Verbindungen zur Gegenwart sichtbar gemacht. Mit poetischer Kraft beschwören Khalilis Filme die Geister unerfüllter Versprechen und das Scheitern moderner Politik herauf und laden die Zuschauer ein, als Zeugen unserer Geschichte aufzutreten und über mögliche kollektive Zukünfte nachzudenken.

Die Ausstellung vereint drei von Khalilis bedeutendsten filmischen Werken: The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023) – eine Mixed-Media-Installation, die die Video-Installation The Circle (2023), das Wandplakat A Timeline for a Constellation (2023) und die Film-Installation The Storytellers (2023) umfasst – sowie The Public Storyteller (2024). Diese Werkserie gipfelt in der synchronisierten Zweikanal-Installation The Public Storyteller, einer poetischen Meditation über die Kraft des Erzählens. Das Werk führt die Erzählungen aus The Tempest Society und The Circle zu ihren ursprünglichen Wurzeln zurück und hebt die Bedeutung der Fabulierung als kollektiven Prozess hervor.

Diese Werkreihe basiert auf Khalilis umfangreicher Forschung zum Mouvement des Travailleurs Arabes (MTA, Bewegung der arabischen Arbeiter) und seinen Theatergruppen Al Assifa (Der Sturm auf Arabisch) und Al Halaka (Der Kreis auf Arabisch, der sich auch auf die in Nordafrika verbreitete Tradition des öffentlichen Geschichtenerzählens bezieht). Das MTA war eine wegweisende, autonome Organisation, die in den 1970er Jahren von maghrebinischen Arbeitern in Frankreich gegründet wurde und sich für gleiche Rechte einsetzte. Das Theater stand im Zentrum ihres Aktivismus und verkörperte ihre Vorstellung von Solidarität und Verbundenheit, da es maghrebinische Arbeiter und ihre französischen Verbündeten zusammenbrachte.

The Tempest Society spielt in Athen und greift die Theaterexperimente von Al Assifa auf, um deren Relevanz im Kontext der humanitären, sozialen und wirtschaftlichen Krise zu unter-suchen, die die griechische Hauptstadt 2016 prägte. The Circle setzt die Erzählung fort und beleuchtet die Gründung des MTA im Jahr 1973 in Paris und Marseille, seine Theatergruppen sowie die Kandidatur eines ihrer undokumentierten Mitglieder bei der französischen Präsidentschaftswahl 1974. Darüber hinaus bietet The Storytellers (2023) einen kontemplativen Raum für Geschichte, in dem ehemalige Mitglieder von Al Assifa und Al Halaka fünfzig Jahre nach ihrer ersten Aufführung Teile ihres nicht archivierten mündlichen Repertoires präsentieren. The Public Storyteller (2024) zeigt die Performance eines Geschichtenerzählers in Marrakesch, der fünfzig Jahre später den Wahlkampf von Djellali Kamel in der Tradition der "Halka" (der Kreis, die Versammlung) – der ältesten Form des öffentlichen Geschichtenerzählens in Marokko – nacherzählt. Der Akt des Erzählens und Zuhörens verwandelt sich in ein Ritual, das den Geist von Djellali beschwört, indem es alte mündliche Traditionen mit der Diaspora verbindet und so potenzielle Formen transnationaler Zugehörigkeit aufzeigt.

Gemeinsam präsentieren die Werke in der Ausstellung alternative Formen der Zugehörigkeit und der Kollektivbildung durch und mit Performance. Sie bieten einen meditativen Zugang zu unterdrückten Geschichten, zur Kraft kollektiver Fabulierung, wie sie vom öffentlichen Geschichtenerzähler verkörpert wird, und zur „Montage“ als Kunstform, die begrabene Geschichte wieder zum Leben erwecken kann.

Bouchra Khalili travaille avec différents médias, dont le film, la vidéo, l'installation, la photographie, le travail sur papier, le textile et les plateformes éditoriales. Sa pratique multidisciplinaire ouvre de nouvelles perspectives sur la citoyenneté, nous permettant d'imaginer d'autres formes d'appartenance.

Le film et la vidéo jouent un rôle central dans sa réflexion. Connues pour leurs constructions narratives complexes et multidimensionnelles, les œuvres cinématographiques de Khalili font appel à des moments historiques refoulés d'émancipation collective, englobant différentes histoires, géographies et générations. Ni documentaire, ni fiction, ses « hypothèses cinématographiques », profondément recherchées, articulent langage, tradition orale, évocations poétiques, art du récit et formes visuelles innovantes.

En expérimentant avec le montage, le processus de montage de Khalili devient un outil central de ses techniques narratives. Dans ses films, les acteurs non-professionnels jouent à la fois le rôle de narrateurs et de « monteurs ». Ils racontent et mettent en scène des constellations textuelles et visuelles d'histoires non archivées d'émancipation collective qui ont été réprimées par les récits officiels. En associant des fragments de traditions orales à des témoignages personnels, des textes, des photographies et des images animées, le passé est activé de manière dynamique et ses liens avec le présent sont rendus visibles. Avec une force poétique, les films de Khalili évoquent les fantômes des promesses non tenues et l'échec de la politique moderne, invitant les spectateurs à devenir les témoins de notre histoire et à réfléchir aux futurs collectifs possibles.

L'exposition réunit trois des œuvres cinématographiques les plus importantes de Khalili : The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023) - une installation de médias mixtes qui comprend l'installation vidéo The Circle (2023), l'affiche murale A Timeline for a Constellation (2023) et l'installation cinématographique The Storytellers (2023) - et The Public Storyteller (2024). Cette série d'œuvres culmine avec l'installation synchronisée à deux canaux The Public Storyteller, une méditation poétique sur le pouvoir de la narration. L'œuvre ramène les récits de The Tempest Society et de The Circle à leurs racines originelles et souligne l'importance de la fabulation en tant que processus collectif.

Cette série d'œuvres s'appuie sur les recherches approfondies de Khalili sur le Mouvement des Travailleurs Arabes (MTA) et ses troupes de théâtre Al Assifa (La Tempête en arabe) et Al Halaka (Le Cercle en arabe, qui fait également référence à la tradition de narration publique répandue en Afrique du Nord). Le MTA était une organisation pionnière et autonome, fondée dans les années 1970 par des travailleurs maghrébins en France, qui militaient pour l'égalité des droits. Le théâtre était au cœur de leur activisme et incarnait leur conception de la solidarité et du lien, puisqu'il réunissait les travailleurs maghrébins et leurs alliés français.

The Tempest Society se déroule à Athènes et reprend les expériences théâtrales d'Al Assifa pour en explorer la pertinence dans le contexte de la crise humanitaire, sociale et économique qui a marqué la capitale grecque en 2016. The Circle poursuit le récit en mettant en lumière la création du MTA en 1973 à Paris et à Marseille, ses troupes de théâtre et la candidature d'un de leurs membres sans papiers à l'élection présidentielle française de 1974. En outre, The Storytellers (2023) offre un espace contemplatif pour l'histoire, dans lequel d'anciens membres d'Al Assifa et d'Al Halaka présentent des parties de leur répertoire oral non archivé, cinquante ans après leur première représentation. The Public Storyteller (2024) présente la performance d'un conteur à Marrakech qui, cinquante ans plus tard, raconte la campagne électorale de Djellali Kamel dans la tradition de la « halka » (le cercle, l'assemblée) - la plus ancienne forme de narration publique au Maroc. L'acte de raconter et d'écouter se transforme en un rituel qui convoque l'esprit de Djellali en reliant les anciennes traditions orales à la diaspora, révélant ainsi des formes potentielles d'appartenance transnationale.

Ensemble, les œuvres de l'exposition présentent des formes alternatives d'appartenance et de création de collectifs par et avec la performance. Elles offrent un accès méditatif aux histoires refoulées, au pouvoir de la fabulation collective incarnée par le conteur public, et au « montage » comme forme d'art capable de faire revivre une histoire enterrée.

Bouchra Khalili lavora con diversi media, tra cui film, video, installazioni, fotografia, opere su carta, tessuti e piattaforme editoriali. La sua pratica multidisciplinare apre nuove prospettive sulla cittadinanza che ci permettono di immaginare altre forme di appartenenza.

Il cinema e il video svolgono un ruolo centrale nel suo pensiero. Conosciute per le costruzioni narrative complesse e multistrato, le opere filmiche di Khalili attingono a momenti storici repressi di emancipazione collettiva che attraversano storie, geografie e generazioni diverse. Né documentario né fiction, le sue “ipotesi cinematografiche” profondamente studiate articolano linguaggio, tradizione orale, incantesimi poetici, arte narrativa e forme visive innovative.

Sperimentando con il montaggio, il processo di editing di Khalili diventa uno strumento centrale delle sue tecniche narrative. Nei suoi film, gli attori non professionisti assumono contemporaneamente il ruolo di narratori e “montatori”. Essi narrano e mettono in scena costellazioni testuali e visive di storie non archiviate di emancipazione collettiva che sono state soppresse dalle narrazioni ufficiali. Collegando frammenti di tradizione orale con testimonianze personali, testi, fotografie e immagini in movimento, il passato viene attivato dinamicamente e le sue connessioni con il presente rese visibili. Con forza poetica, i film di Khalili evocano i fantasmi di promesse non mantenute e il fallimento della politica moderna, invitando gli spettatori ad agire come testimoni della nostra storia e a riflettere su possibili futuri collettivi.

La mostra riunisce tre delle opere cinematografiche più significative di Khalili: The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023) - un'installazione a tecnica mista che comprende la videoinstallazione The Circle (2023), il poster murale A Timeline for a Constellation (2023) e l'installazione cinematografica The Storytellers (2023) - e The Public Storyteller (2024). Questa serie di opere culmina nell'installazione sincronizzata a due canali The Public Storyteller, una meditazione poetica sul potere della narrazione. L'opera riporta le narrazioni di The Tempest Society e The Circle alle loro origini e sottolinea l'importanza della narrazione come processo collettivo.

Questa serie di opere si basa sull'approfondita ricerca di Khalili sul Mouvement des Travailleurs Arabes (MTA, Movimento dei Lavoratori Arabi) e sui suoi gruppi teatrali Al Assifa (La Tempesta in arabo) e Al Halaka (Il Cerchio in arabo, che si riferisce anche alla tradizione della narrazione pubblica prevalente in Nord Africa). L'MTA è stata un'organizzazione pionieristica e autonoma fondata dai lavoratori magrebini in Francia negli anni '70, che si batteva per la parità di diritti. Il teatro è stato al centro del loro attivismo e ha incarnato la loro idea di solidarietà e di connessione, in quanto ha riunito i lavoratori magrebini e i loro alleati francesi.

Ambientato ad Atene, The Tempest Society prende spunto dagli esperimenti teatrali di Al Assifa per esplorarne la rilevanza nel contesto della crisi umanitaria, sociale ed economica che ha colpito la capitale greca nel 2016. The Circle continua la narrazione, evidenziando la fondazione dell'MTA nel 1973 a Parigi e Marsiglia, i suoi gruppi teatrali e la candidatura di uno dei suoi membri senza documenti alle elezioni presidenziali francesi del 1974. Inoltre, The Storytellers (2023) offre uno spazio contemplativo per la storia, in cui gli ex membri di Al Assifa e Al Halaka presentano parti del loro repertorio orale non archiviato a cinquant'anni dalla loro prima esibizione. The Public Storyteller (2024) mostra la performance di un cantastorie di Marrakech che, cinquant'anni dopo, racconta la campagna elettorale di Djellali Kamel nella tradizione dell'“Halka” (il cerchio, la riunione) - la più antica forma di narrazione pubblica in Marocco. L'atto del raccontare e dell'ascoltare si trasforma in un rituale che evoca lo spirito di Djellali collegando le antiche tradizioni orali con la diaspora, rivelando potenziali forme di appartenenza transnazionale.

Insieme, le opere in mostra presentano forme alternative di appartenenza e collettivizzazione attraverso e con la performance. Offrono un approccio meditativo alle storie soppresse, al potere della creazione collettiva incarnato dal narratore pubblico e al “montaggio” come forma d'arte che può riportare in vita la storia sepolta.

Bouchra Khalili works across different media including film, video, installation, photography, works on paper, textile, and editorial platforms. Her multidisciplinary practice suggests civic imaginations that can allow us to envision other ways of belonging.

Film and video play a central role in her thinking. Known for complex and multilayered narrative constructions, Khalili’s filmic works draw on suppressed historical moments of collective emancipation that span diverse histories, geographies, and generations. Neither documentary nor fiction, her deeply researched “film hypotheses” articulate language, oral transmission, poetic invocations, storytelling, and innovative visual forms.

Experimenting withmontage, Khalili’s editing process is a key tool of her narration techniques. In her films, the non-professional performers are, at the same time, the film’s storytellers and “editors”. They narrate and act out textual and visual constellations of unarchived stories of collective emancipation that were suppressed by official narratives. Putting together fragments of oral histories with personal testimonies, texts, photographs, and moving images, they dynamically activate the pastwhile revealing its connections to the present. Summoning poetically the ghosts of unachieved promises and the failures ofmodern politics, Khalili’s films invite viewers to become the witnesses of our history and to contemplate our potential collective future.

The exhibition brings together three of Khalili’s seminal film works: The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023)—a mixed-media installation that includes the video installation The Circle (2023), the mural poster A Timeline for a Constellation (2023), and the film installation The Storytellers (2023)—as well as The Public Storyteller (2024). This series of works conclude with the synchronized dual-channel installation The Public Storyteller, a poetic meditation on the power of storytelling. The work reconnects the narratives from The Tempest Society and The Circle to their original roots, highlighting the force of fabulation as a collective process.

This set of works departs from Khalili’s extensive research on the Mouvement des travailleurs arabes (MTA, Movement of Arab Workers) and its theater groups, Al Assifa (The Tempest in Arabic) and Al Halaka (The Circle in Arabic, which is also referencing the tradition of public storytelling that is common in North Africa). The MTA was a pioneering autonomous organization led by Maghrebi workers during the 1970s in France, advocating for equal rights. Theater was central to their activism, epitomizing their conception of solidarity and allyship, as it brought together Maghrebi workers and their French allies.

Set in Athens, The Tempest Society references the theatrical experiments of Al Assifa in order to examine their topicality in the context of the humanitarian, social, and economic crisis that marked the Greek capital in 2016. The Circle continues the same story, examining closely the birth of the MTA in 1973 both in Paris and in Marseille, its theater groups, and the candidacy of one of their undocumented members in the French presidential election in 1974. Further to these, The Storytellers (2023) suggests a contemplative space for history, where former members of Al Assifa and Al Halaka perform parts of their unarchived oral repertory fifty years after their first performance. The Public Storyteller (2024) shows the performance of a storyteller in Marrakesh narrating, 50 years later, the campaign of Djellali Kamel in the tradition of the "Halka" (the circle, the assembly), Morocco's most ancient form of public storytelling. The act of storytelling and of listening becomes a ritual for summoning the specter of Djellali to appear, blending ancient oral traditions with the diaspora, eventually suggesting potential forms of transnational belonging.

Together, the works in the exhibition propose alternative forms of belonging, production of collectivizes with and through performance. They offer a meditative approach to witnessing suppressed histories, the power of collective fabulation as epitomized by the public storyteller, and “montage” as the art capable of resurrecting buried history.

(Text: Luma Westbau)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
8. Februar – 9. Juni 2025

Exposures
Lucia Moholy

Lucia Moholy (1894–1989) gehört zu den international bekanntesten und wichtigsten Fotografinnen des 20. Jahrhunderts. Ihre Architekturaufnahmen und Porträts aus den Jahren am Dessauer Bauhaus wurden zu Ikonen der Fotografiegeschichte und prägen bis heute die Wahrnehmung dieser Institution. Moholy war jedoch nicht nur Fotografin, sondern auch Kunsthistorikerin, Kritikerin, Schriftstellerin und Archivarin; sie selbst bezeichnete sich als «Dokumentarin» und machte sich auf dem Gebiet der Informationswissenschaft einen Namen.

Die Ausstellung Lucia Moholy – Exposures zeigt erstmals die grosse Bandbreite ihres Schaffens von den 1910er bis zu den 1970er-Jahren: Präsentiert wird das fotografische Werk zusammen mit zahlreichen zum Teil neu entdeckten Dokumenten, die neben Moholys Rolle in der Avantgarde der Zwischenkriegszeit auch ihre Jugend in Prag, ihre redaktionelle Tätigkeit in Deutschland, die Arbeit als Porträtistin in London sowie ihre Beschäftigung mit der frühen Mikrofilmtechnik in England und der Türkei beleuchten.

Nicht zuletzt lädt die Ausstellung dazu ein, Lucia Moholy im Kontext von Zürich zu begegnen, wo sie die letzten dreissig Jahre ihres Lebens verbrachte. In dieser Zeit pflegte sie auch eine Beziehung zur damals noch jungen Fotostiftung, wo sich heute ein grosser Bestand von ihren Fotografien befindet.

Lucia Moholy – Exposures ist ein Ausstellungsprojekt der Kunsthalle Praha in Zusammenarbeit mit der Fotostiftung Schweiz. Der Kurator der Ausstellung und Künstler Jan Tichy zeigt in den oxyd-Kunsträumen vom 08.02. bis zum 02.03.2025 zeitgenössische Kunstwerke im Dialog mit dem Vermächtnis von Lucia Moholy.

Zur Ausstellung erschien 2024 eine begleitende Publikation bei Hatje-Cantz.

Lucia Moholy (1894-1989) fait partie des femmes photographes les plus connues et les plus importantes du 20e siècle au niveau international. Ses photos d'architecture ainsi que ses portraits réalisés pendant les années passées au Bauhaus de Dessau sont devenus des icônes de l'histoire de la photographie et marquent jusqu'à ce jour la perception de cette institution. Moholy n'était cependant pas seulement photographe, mais aussi historienne de l'art, critique, écrivaine et archiviste ; se qualifiant elle-même de « documentaliste », elle s'est fait un nom dans le domaine des sciences de l'information.

L'exposition Lucia Moholy – Exposures montre pour la première fois le large éventail de son travail, des années 1910 aux années 1970. La présentation de son œuvre photographique est accompagnée de nombreux documents, en partie nouvellement découverts, qui mettent en lumière, outre le rôle de Moholy dans l'avant-garde de l'entredeux-guerres, sa jeunesse à Prague, son activité rédactionnelle en Allemagne, son travail de portraitiste à Londres ainsi que son implication dans les débuts de la technique du microfilm en Angleterre et en Turquie.

Enfin et surtout, l'exposition invite à rencontrer Lucia Moholy dans le contexte de Zurich, où elle a passé les trente dernières années de sa vie. C'est durant cette période qu'elle a également entretenu des relations avec la Fotostiftung, alors encore toute jeune, où se trouve aujourd'hui un grand nombre de ses photographies.

Lucia Moholy – Exposures est un projet d'exposition de la Kunsthalle Praha en collaboration avec la Fotostiftung Schweiz. Le commissaire de l’exposition et artiste Jan Tichy présente une sélection de ses travaux sur Lucia Moholy au oxyd-Kunsträume du 08.02. au 02.03.2025.

Une publication accompagnant l'exposition est parue en 2024 chez Hatje Cantz

Lucia Moholy (1894–1989) è una delle fotografe più conosciute e importanti del ventesimo secolo, a livello internazionale. Le sue fotografie di architettura e i ritratti degli anni trascorsi al Bauhaus di Dessau sono diventate icone della storia della fotografia e caratterizzano, ancora oggi, l’immagine di questa istituzione. Moholy non era soltanto una fotografa, ma anche storica dell’arte, critica, scrittrice e archivista. Lei stessa si definiva una «documentarista» e si fece un nome nel campo della scienza dell’informazione.

La mostra Lucia Moholy – Exposures propone per la prima volta un ampio ventaglio dei suoi lavori, dagli anni Dieci e agli anni Settanta. Assieme all’opera fotografica, si possono vedere numerosi documenti, alcuni di recente scoperta, che illustrano, oltre al ruolo di Moholy nell’avanguardia del periodo tra le due guerre, la sua gioventù a Praga, l’attività redazionale in Germania, il suo impiego come ritrattista a Londra e il suo lavoro con i primi microfilm in Inghilterra e in Turchia.

Infine, la mostra invita a incontrare Lucia Moholy nel contesto zurighese, dove trascorse gli ultimi trent’anni della sua vita. In quel periodo coltivò buoni rapporti con l’allora giovane Fotostiftung, che conserva oggi gran parte delle sue fotografie.

Lucia Moholy – Exposures è un progetto espositivo della Kunsthalle Praha, sviluppato in collaborazione con la Fotostiftung Schweiz. Il curatore e artista Jan Tichy espone un’installazione su Lucia Moholy nella oxyd-Kunsträumen, dall’08.02. al 02.03.2025.

La mostra è accompagnata da un catalogo, pubblicato da Hatje-Cantz nel 2024.

Lucia Moholy (1894–1989) was one of the 20th century’s most internationally recognised and important female photographers. Her architectural photographs and portraits from her years at the Bauhaus in Dessau, which have become icons of photographic history, still shape how that institution is perceived today. However, Moholy was not just a photographer, but also an art historian, critic, writer and archivist; she described herself as a ‘documentalist’ and made a name for herself in the field of information science.

The exhibition Lucia Moholy – Exposures is the first to show the broad scope of her work from the 1910s to the 1970s. Her photographic oeuvre is presented together with numerous documents, some of them newly discovered, which shed light on Moholy’s role in the avant-garde during the interwar period, as well as her youth in Prague, her editorial work in Germany, her activity as a portraitist in London, and her involvement with early microfilm technology in England and Turkey.

Finally, the exhibition also invites visitors to encounter Lucia Moholy in the context of Zurich, where she spent the last thirty years of her life. During that time, she also maintained a relationship with the then fledgling Fotostiftung Schweiz, which today is home to a large collection of her photographs.

Lucia Moholy – Exposures is an exhibition project by Kunsthalle Praha in cooperation with Fotostiftung Schweiz. The curator of the exhibition and artist Jan Tichy is showing contemporary works in dialogue with Moholy with the legacy of Lucia Moholy at oxyd Kunsträume from 08.02. to 02.03.2025.

A publication to accompany the exhibition was published by Hatje Cantz in 2024.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselheim
9. Februar – 15. Juni 2025

Robert Lebeck. Hierzulande

Ob Willy Brandt, Elvis Presley oder Romy Schneider - Robert Lebeck (1929-2014) kam allen ganz nah. Der bedeutende Fotograf Robert Lebeck schuf in über dreißig Jahren ein umfangreiches Werk, das im Fotojournalismus und in der Porträtfotografie neue Maßstäbe setzte. Sein sicheres Gespür für aktuelle Themen und die Begabung, sie mit wenigen Bildern zu erfassen, setzte vielbewunderte Standards auf dem Gebiet der Reportagefotografie. Dabei interessierten Lebeck stets die Menschen mehr als die Ereignisse; er richtete den Blick oft auf das Kleine, wenig Beachtete und wurde mit persönlichen Aufnahmen zu einem scharfsichtigen Illustrator und visionären Deuter der Geschichte.

Die Ausstellung »Hierzulande« beleuchtet mit ausgewählten Reportagen aus Deutschland von 1955 bis 1983 sein unbestechliches Auge für den entscheidenden Moment: Lebeck fotografierte, wenn geküsst, getrunken und getanzt, aber auch, wenn geweint und gelitten wurde. Mit seiner charismatischen Gabe zur stillen Beobachtung kam er den Menschen nahe. Für »Deutschland im März« fuhr er beispielsweise 1983 ohne Ziel und konkreten Plan los und fand seine Motive in ausgelassen feiernden Karnevaljecken, einem sterbenden Wald im Schwäbischen, Hunger und Armut am Hamburger Hafen oder einer alten Dame, die Unterwäsche im Sonderangebot unter die Lupe nimmt. Mit seinen Aufnahmen dokumentierte Robert Lebeck die kleinen und großen Szenen des Alltags in der alten Bundesrepublik und hielt damit ein Stück Zeitgeschichte fest. Gleichzeitig fand Lebeck Zugang zu hohen Persönlichkeiten: Willy Brandt begleitete er für mehr als zwei Jahre, dokumentierte Wahlkampf, Wahlsieg und die ersten Schritte im Amt des Bundeskanzlers; zahlreiche Porträtfotografien von Romy Schneider zeugen von dem hohen Vertrauen, das die Schauspielerin Lebeck entgegenbrachte. Auch Maria Callas, Alfred Hitchcock oder Josef Beuys hielt er subtil und ebenso eindringlich fest.

Im Fokus seiner Ausstellung »Hierzulande« stehen seine prägenden Deutschlandbilder. Das Besondere ist, dass zum Teil noch nie veröffentlichte Fotografien von Robert Lebeck auch Teil der Retrospektive sind. Heimkehrer, Bonner Republik, Deutschland im März bilden in der umfassenden Schau über 150 Fotografien ebenso Themenblöcke wie Elvis Presley, Maria Callas oder Romy Schneider.

Que ce soit Willy Brandt, Elvis Presley ou Romy Schneider, Robert Lebeck (1929-2014) les a tous approchés de très près. En plus de trente ans, le grand photographe Robert Lebeck a créé une œuvre considérable qui a posé de nouveaux jalons dans le photojournalisme et la photographie de portrait. Son flair sûr pour les sujets d'actualité et son talent pour les saisir en quelques clichés ont établi des normes très admirées dans le domaine de la photographie de reportage. Lebeck s'intéressait toujours plus aux personnes qu'aux événements ; il portait souvent son regard sur ce qui était petit et peu remarqué et devint, avec ses photos personnelles, un illustrateur perspicace et un interprète visionnaire de l'histoire.

L'exposition « Hierzulande » met en lumière, à travers une sélection de reportages réalisés en Allemagne entre 1955 et 1983, son œil incorruptible pour les moments décisifs : Lebeck photographiait quand on s'embrassait, buvait et dansait, mais aussi quand on pleurait et souffrait. Avec son don charismatique pour l'observation silencieuse, il était proche des gens. Pour « L'Allemagne en mars », il est par exemple parti en 1983 sans but ni plan concret et a trouvé ses motifs dans des joyeux fêtards de carnaval, une forêt mourante en Souabe, la faim et la pauvreté dans le port de Hambourg ou une vieille dame examinant à la loupe des sous-vêtements en promotion. Avec ses clichés, Robert Lebeck a documenté les petites et grandes scènes de la vie quotidienne dans l'ancienne République fédérale d'Allemagne et a ainsi enregistré une partie de l'histoire contemporaine. Parallèlement, Lebeck a eu accès à de hautes personnalités : Il a accompagné Willy Brandt pendant plus de deux ans, documentant la campagne électorale, la victoire électorale et les premiers pas dans la fonction de chancelier fédéral ; de nombreux portraits photographiques de Romy Schneider témoignent de la grande confiance que l'actrice accordait à Lebeck. Il a également immortalisé Maria Callas, Alfred Hitchcock ou Josef Beuys avec subtilité et tout autant d'insistance.

Ses images marquantes de l'Allemagne sont au cœur de son exposition « Hierzulande ». La particularité est que des photographies de Robert Lebeck, dont certaines n'ont jamais été publiées, font également partie de la rétrospective. Les retours au pays, la République de Bonn, l'Allemagne en mars forment des blocs thématiques dans cette exposition complète de plus de 150 photographies, tout comme Elvis Presley, Maria Callas ou Romy Schneider.

Che si tratti di Willy Brandt, Elvis Presley o Romy Schneider, Robert Lebeck (1929-2014) è stato molto vicino a tutti loro. In più di trent'anni, l'importante fotografo Robert Lebeck ha creato un ampio corpus di lavori che hanno stabilito nuovi standard nel fotogiornalismo e nella fotografia di ritratto. Il suo istinto sicuro per i temi di attualità e il suo talento nel catturarli in poche immagini hanno stabilito standard molto apprezzati nel campo della fotografia di reportage. Lebeck è sempre stato più interessato alle persone che agli eventi; si è spesso concentrato sul piccolo, sul poco notato ed è diventato un illustratore acuto e un interprete visionario della storia con le sue fotografie personali.

La mostra “Hierzulande”, con una selezione di reportage realizzati in Germania tra il 1955 e il 1983, mette in luce il suo occhio infallibile per il momento decisivo: Lebeck ha fotografato quando la gente baciava, beveva e ballava, ma anche quando piangeva e soffriva. Con il suo carismatico dono di osservazione silenziosa, si è avvicinato alle persone. Per “Germania in marzo”, ad esempio, è partito nel 1983 senza una meta o un piano concreto e ha trovato i suoi motivi nei festeggiamenti esuberanti del carnevale, in una foresta morente in Svevia, nella fame e nella povertà del porto di Amburgo o in un'anziana signora che esamina la biancheria intima in vendita. Con le sue fotografie, Robert Lebeck ha documentato le piccole e grandi scene di vita quotidiana della vecchia Repubblica Federale, catturando così un pezzo di storia contemporanea. Allo stesso tempo, Lebeck ebbe accesso a personalità di alto livello: Accompagnò Willy Brandt per più di due anni, documentando la sua campagna elettorale, la vittoria elettorale e i primi passi nella carica di Cancelliere; numerosi ritratti fotografici di Romy Schneider testimoniano l'alto livello di fiducia che l'attrice riponeva in Lebeck. Ha anche immortalato Maria Callas, Alfred Hitchcock e Josef Beuys in modo sottile e altrettanto vivido.

La mostra “Hierzulande” si concentra sulle sue immagini formative della Germania. La particolarità è che fanno parte della retrospettiva anche alcune fotografie di Robert Lebeck, alcune delle quali mai pubblicate prima. Gli abitanti della casa, la Repubblica di Bonn, la Germania a marzo, Elvis Presley, Maria Callas e Romy Schneider formano dei blocchi tematici nella mostra completa di oltre 150 fotografie.

Whether Willy Brandt, Elvis Presley or Romy Schneider – Robert Lebeck (1929-2014) got up close and personal with them all. Over a period of more than thirty years, the renowned photographer Robert Lebeck created an extensive body of work that set new standards in photojournalism and portrait photography. His keen sense for current affairs and his talent for capturing them in just a few images set much-admired standards in the field of reportage photography. Lebeck was always more interested in the people than the events; he often turned his attention to the small, the little-noticed, and with his personal photographs he became a sharp-sighted illustrator and visionary interpreter of history.

The exhibition “Hierzulande” (In these parts) uses selected reportages from Germany from 1955 to 1983 to illuminate his unerring eye for the decisive moment: Lebeck took pictures when people were kissing, drinking and dancing, but also when they were crying and suffering. With his charismatic gift for silent observation, he was able to get close to people. In 1983, for example, he set out for “Germany in March” without a specific destination or plan, and found his motifs in people celebrating the carnival, a dying forest in Swabia, hunger and poverty in the port of Hamburg, or an old lady examining underwear on sale. With his photographs, Robert Lebeck documented the small and large scenes of everyday life in the old Federal Republic of Germany, thereby capturing a piece of contemporary history. At the same time, Lebeck was able to gain access to high-ranking personalities: he accompanied Willy Brandt for more than two years, documenting his election campaign, election victory and the first steps he took in office as Chancellor; numerous portrait photographs of Romy Schneider testify to the great trust that the actress placed in Lebeck. He also captured Maria Callas, Alfred Hitchcock and Josef Beuys in a subtle and equally haunting way.

The focus of his exhibition “Hierzulande” is on his defining images of Germany. What makes this retrospective so special is that it includes photographs by Robert Lebeck that have never been published before. The comprehensive show, which includes over 150 photographs, covers topics such as returnees, the Bonn Republic, and Germany in March 1990, as well as Elvis Presley, Maria Callas, and Romy Schneider.

(Text: Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselheim)

Canavetto Luganese | Lugano
11. Februar – 10. Mai 2025

Blue Highways
Flavia Leuenberger Ceppi

Die hier gezeigten Bilder wurden auf sieben Reisen durch die Vereinigten Staaten aufgenommen. Ich wollte nicht nur einige ikonische Orte besuchen, sondern auch Routen planen, die es mir ermöglichten, durch unbekannte und ungewöhnliche Gegenden zu reisen. Ich war schon immer fasziniert von der „einfachen“ Betrachtung der Weite dieser Gebiete und ihrer Details, Szenarien, in denen der Mensch fast nicht vorkommt. Einige der Routen mit den entsprechenden Bildern, die hier gezeigt werden, wurden auch in der Absicht geplant, Orte zu besuchen, die das amerikanische Kino und die Fotografie inspiriert haben.

So entstand die Idee, diese Ausstellung „Blue Highways“ zu nennen, den Titel des autobiografischen Buches von William Least Heat Moon, denn Blau war auf alten amerikanischen Karten die Farbe der Straßen, denen er folgte, der Nebenstraßen, die durch den Bau der Interstates obsolet wurden.

Meine Reisen folgten nicht den Routen des Schriftstellers, aber der Geist der Suche nach authentischeren Orten, an denen die Straße oft der Protagonist ist, ist vielleicht ähnlich.

Les images exposées ici ont été prises au cours de sept voyages à travers les États-Unis. J'ai toujours été fasciné par la contemplation « simple » de l'immensité de ces territoires et de ses détails, des scénarios dans lesquels l'être humain est presque absent. Certains itinéraires, avec les images correspondantes présentées ici, ont également été tracés dans l'intention de visiter des lieux qui ont inspiré le cinéma et la photographie américains.

D'où l'idée d'intituler cette exposition « Blue Highways », titre du livre autobiographique de William Least Heat Moon, parce que le bleu était la couleur, sur les vieilles cartes américaines, des routes qu'il suivait, les routes secondaires rendues obsolètes par la construction des interstates.

Mes voyages n'ont pas suivi les itinéraires de l'écrivain, mais l'esprit de recherche de lieux plus authentiques où la route est souvent le protagoniste peut être similaire.

Le immagini qui esposte sono state realizzate nel corso di sette viaggi attraverso gli Stati Uniti. Oltre a visitare alcune località iconiche, ho voluto tracciare degli itinerari che mi hanno permesso di percorrere aree sconosciute e insolite: mi ha sempre affascinato la “semplice” contemplazione della vastità di questi territori e dei suoi dettagli, scenari in cui l’essere umano è quasi assente. Alcuni tragitti, con le realtive immagini qui presentate, sono inoltre stati delineati con l’intento di poter visitare luoghi che hanno ispirato il cinema e la fotografia americana.

Da qui l’idea di chiamare questa esposizione “Blue Highways”, (Strade Blu): titolo del libro autobiografico di William Least Heat Moon, perché blu era il colore, sulle vecchie mappe americane, delle strade che seguiva, quelle secondarie rese obsolete dalla costruzione delle interstatali.

I miei viaggi non hanno seguito i percorsi dello scrittore, ma lo spirito volto a cercare località più autentiche in cui la strada ne è spesso la protagonista, potrebbe essere simile.

The images exhibited here were taken during seven trips across the United States. In addition to visiting some iconic locations, I wanted to map out itineraries that allowed me to travel through unknown and unusual areas.I have always been fascinated by the “simple” contemplation of the vastness of these territories and its details, scenarios in which human beings are almost absent. Some routes, with the realtive images presented here, have also been outlined with the intention of being able to visit places that have inspired American cinema and photography.

Hence the idea of calling this exhibition “Blue Highways,” (Blue Roads): the title of William Least Heat Moon's autobiographical book, because blue was the color, on old American maps, of the roads he followed, the secondary ones made obsolete by the construction of interstates.

My travels have not followed the writer's routes, but the spirit aimed at seeking more authentic locations in which the road is often the protagonist may be similar.

(Text: Fondazione Diamante)

Haus der Fotografie Husum
11. Februar – 3. Mai 2025

Vergängliche Augenblicke – Heiko Westphalen

Vergängliche Augenblicke ist eine Hommage an das Alltägliche – voller Melancholie, aber auch voller leiser Freude.

Der Flensburger Fotokünstler Heiko Westphalen lädt mit seiner neuen Ausstellung „Vergängliche Augenblicke“ zu einer faszinierenden Entdeckungsreise durch die Straßen des Alltags ein. Seine Werke widmen sich den unscheinbaren, oft übersehenen Details des urbanen Lebens – jenen kleinen Momenten und Szenen, die eine stille, aber eindringliche Geschichte erzählen.

Westphalen, bekannt für seine besondere Sicht auf die Welt, lenkt den Blick auf das, was jenseits des Offensichtlichen liegt: die abgeblätterte Farbe einer Hauswand, das Spiel von Licht und Schatten auf einer Bank, vergängliche Kunst im urbanen Raum. Ohne dabei plakativ zu wirken, fängt er die Poesie der scheinbaren Nebensächlichkeiten ein und zeigt, wie vergänglich und zugleich bedeutungsvoll die Spuren des Alltags sind.

Seine Streetfotografie verzichtet auf spektakuläre Szenen oder offensichtliche Motive. Stattdessen lädt sie dazu ein, innezuhalten, genauer hinzusehen und die Schönheit im Unscheinbaren zu entdecken. Es sind Bilder, die zum Nachdenken anregen und die Frage aufwerfen, wie viel wir im Alltag an uns vorbeiziehen lassen, ohne es wirklich wahrzunehmen.

Vergängliche Augenblicke est un hommage au quotidien - plein de mélancolie, mais aussi de joie silencieuse.

Avec sa nouvelle exposition « Vergängliche Augenblicke », l'artiste photographe Heiko Westphalen de Flensburg invite à un voyage fascinant à la découverte des rues du quotidien. Ses œuvres sont consacrées aux détails insignifiants et souvent ignorés de la vie urbaine - ces petits moments et ces scènes qui racontent une histoire silencieuse mais percutante.

Westphalen, connu pour son regard particulier sur le monde, attire l'attention sur ce qui se trouve au-delà de l'évidence : la peinture écaillée d'un mur d'immeuble, le jeu d'ombre et de lumière sur un banc, l'art éphémère dans l'espace urbain. Sans être frappant, il capture la poésie des choses apparemment secondaires et montre à quel point les traces du quotidien sont à la fois éphémères et significatives.

Sa photographie de rue renonce aux scènes spectaculaires ou aux motifs évidents. Au lieu de cela, elle invite à s'arrêter, à regarder de plus près et à découvrir la beauté dans l'insignifiant. Ce sont des images qui incitent à la réflexion et qui soulèvent la question de savoir combien de choses nous laissons passer devant nous au quotidien sans vraiment les percevoir.

Transient Moments è un omaggio al quotidiano - pieno di malinconia, ma anche di tranquilla gioia.

Con la sua nuova mostra “Transient Moments”, l'artista fotografico di Flensburg Heiko Westphalen vi invita a un affascinante viaggio alla scoperta delle strade della vita quotidiana. Le sue opere sono dedicate ai dettagli poco appariscenti e spesso trascurati della vita urbana - quei piccoli momenti e quelle scene che raccontano una storia tranquilla ma ossessionante.

Westphalen, noto per la sua particolare visione del mondo, richiama l'attenzione su ciò che si trova al di là dell'ovvio: la vernice scrostata sul muro di una casa, il gioco di luci e ombre su una panchina, l'arte effimera nello spazio urbano. Senza apparire sfacciato, cattura la poesia di apparenti banalità e mostra quanto siano transitorie e allo stesso tempo significative le tracce della vita quotidiana.

La sua fotografia di strada evita scene spettacolari o motivi ovvi. Ci invita invece a fermarci, a guardare più da vicino e a scoprire la bellezza nell'insignificante. Sono immagini che fanno riflettere e che sollevano la questione di quante cose lasciamo passare nella vita di tutti i giorni senza accorgercene.

‘Transient Moments’ is a tribute to the everyday – full of melancholy, but also quiet joy.

With his new exhibition ‘Transient Moments’, Flensburg-based photographer Heiko Westphalen invites you on a fascinating journey of discovery through the streets of everyday life. His works are dedicated to the inconspicuous, often overlooked details of urban life – those small moments and scenes that tell a quiet but haunting story.

Westphalen, known for his particular view of the world, draws our attention to what lies beyond the obvious: the peeling paint on a house wall, the play of light and shadow on a bench, transient art in urban spaces. Without being bold, he captures the poetry of the seemingly trivial and shows how fleeting and at the same time meaningful the traces of everyday life are.

His street photography avoids spectacular scenes or obvious subjects. Instead, it invites us to pause, take a closer look and discover beauty in the unassuming. These are images that make us reflect and ask ourselves how much of our everyday lives we let pass by without really noticing.

(Text: Heiko Westphalen, Flensburg)

Musée suisse de l’appareil photographique | Vevey
13. Februar - 8. Juni 2025

Mining Fotografie - Die ökologischen Auswirkungen der Bildproduktion

Ist Fotografieren umweltschädlich? Die Ausstellung Mining Photography widmet sich der materiellen Geschichte der wichtigsten Ressourcen, die für die Herstellung von Bildern verwendet werden, und geht dabei auf den sozialen und politischen Kontext ihrer Gewinnung und Verschwendung sowie auf ihre Beziehung zum Klimawandel ein. Seit ihrer Erfindung ist die Fotografie von der weltweiten Gewinnung und Ausbeutung sogenannter natürlicher Ressourcen abhängig. Jahrhunderts waren dies Salz, fossile Brennstoffe wie Bitumen und Kohlenstoff sowie Kupfer und Silber, die alle für die ersten Bilder auf Kupferplatten und für Abzüge auf Salzpapier verwendet wurden. Jahrhunderts war die Fotoindustrie einer der größten Silberverbraucher, der zu seiner Blütezeit für mehr als die Hälfte des weltweiten Verbrauchs dieses Metalls verantwortlich war. Heute, mit dem Aufkommen der Digitalfotografie und der Allgegenwart von Mobilgeräten, ist die Bildproduktion von seltenen Erden und Metallen wie Coltan, Kobalt und Europium abhängig. Auch die Speicherung und Verbreitung von Bildern verbraucht immense Mengen an Energie. Ein Forscher beobachtete kürzlich, dass die Amerikaner alle zwei Minuten mehr Fotografien produzieren, als sie im gesamten 19. Mit historischen Fotografien, zeitgenössischen künstlerischen Angeboten sowie Interviews mit Restauratoren, Geologen und Klimaforschern erzählt die Ausstellung die Geschichte der Fotografie als industrielle Produktion und zeigt, wie tief dieses Medium mit der Entwicklung der Umwelt durch den Menschen verbunden war. Indem sie sich darauf konzentriert, wie die industrielle Bildproduktion materiell und ideologisch in den Klimawandel involviert war, anstatt sie lediglich zur Darstellung seiner Folgen zu verwenden, nimmt die Ausstellung eine radikal neue Perspektive auf das Thema ein.

Kommissariat: Boaz Levin und Esther Ruelfs

Eine Ausstellung des Museums für Kunst und Gewerbe Hamburg

Photographier est-il polluant ? L’exposition Mining Photography est consacrée à l'histoire matérielle des principales ressources utilisées pour la production d'images, en abordant le contexte social et politique de leur extraction et de leur gaspillage, ainsi que leur relation avec le changement climatique. Depuis son invention, la photographie dépend de l'extraction et de l'exploitation, à l'échelle mondiale, de ce que l'on appelle les ressources naturelles. Au début du XIXe siècle, il s'agissait du sel, des combustibles fossiles tels que le bitume et le carbone, ainsi que du cuivre et de l'argent, qui ont tous été utilisés pour les premières images sur plaques de cuivre et pour les tirages sur papier salé. À la fin du XXe siècle, l'industrie photographique était l'un des plus importants consommateurs d'argent, responsable, à son apogée, de plus de la moitié de la consommation mondiale de ce métal. Aujourd'hui, avec l'avènement de la photographie numérique et l'omniprésence des appareils mobiles, la production d'images dépend de terres rares et de métaux tels que le coltan, le cobalt et l'europium. Le stockage et la distribution des images consomment également d'immenses quantités d'énergie. Un chercheur a récemment observé que les Américains produisent plus de photographies toutes les deux minutes qu’ils n’en ont produit au cours du XIXe siècle. Avec des photographies historiques, des propositions artistiques contemporaines, ainsi que des entretiens avec des restaurateurs, des géologues et des chercheurs en climatologie, l'exposition raconte l'histoire de la photographie en tant que production industrielle, montrant à quel point ce médium a été profondément lié à l'évolution de l'environnement par l'homme. En se concentrant sur les façons dont la production industrielle d'images a été matériellement et idéologiquement impliquée dans le changement climatique, plutôt que de l'utiliser simplement pour dépeindre ses conséquences, l'exposition adopte une perspective radicalement nouvelle sur ce sujet.

Commissariat : Boaz Levin et Esther Ruelfs

Une exposition du Museum für Kunst und Gewerbe Hambourg

La fotografia è dannosa per l'ambiente? La mostra Mining Photography è dedicata alla storia materiale delle più importanti risorse utilizzate per la produzione di immagini e affronta il contesto sociale e politico della loro estrazione e del loro spreco, nonché il loro rapporto con il cambiamento climatico. Fin dalla sua invenzione, la fotografia è stata dipendente dall'estrazione e dallo sfruttamento globale delle cosiddette risorse naturali. All'inizio del XX secolo, queste erano il sale, i combustibili fossili come il bitume e il carbonio, nonché il rame e l'argento, tutti utilizzati per le prime immagini su lastre di rame e per le stampe su carta salata. L'industria fotografica è stata uno dei maggiori consumatori di argento all'inizio del XX secolo, rappresentando più della metà del consumo mondiale di questo metallo al suo apice. Oggi, con l'avvento della fotografia digitale e l'ubiquità dei dispositivi mobili, la produzione di immagini dipende da terre rare e metalli come il coltan, il cobalto e l'europio. Anche l'archiviazione e la distribuzione delle immagini consumano immense quantità di energia. Un ricercatore ha recentemente osservato che gli americani producono più fotografie ogni due minuti di quante ne abbiano prodotte nell'intero XIX secolo. Utilizzando fotografie storiche, offerte artistiche contemporanee e interviste con conservatori, geologi e climatologi, la mostra racconta la storia della fotografia come produzione industriale e mostra quanto profondamente questo mezzo sia stato legato allo sviluppo dell'ambiente da parte dell'uomo. Concentrandosi sul modo in cui la produzione industriale di immagini è stata materialmente e ideologicamente implicata nel cambiamento climatico, piuttosto che semplicemente utilizzata per raffigurarne le conseguenze, la mostra assume una prospettiva radicalmente nuova sull'argomento.

Commissariato: Boaz Levin e Esther Ruelfs

Una mostra del Museum für Kunst und Gewerbe di Amburgo

Is Photography Polluting? The exhibition Mining Photography is dedicated to the material history of the main resources used to produce images, addressing the social and political context of their extraction and waste, as well as their relationship to climate change. Since its invention, photography has depended on the global extraction and exploitation of natural resources. In the early 19th century, these included salt, fossil fuels such as bitumen and carbon, as well as copper and silver, all of which were used for the first images on copper plates and salted paper prints. By the end of the 20th century, the photographic industry was one of the largest consumers of silver, responsible at its peak for more than half of the world's consumption of this metal. Today, with the rise of digital photography and the ubiquity of mobile devices, image production depends on rare elements and metals such as coltan, cobalt, and europium. The storage and distribution of images also consume immense amounts of energy. A researcher recently noted that Americans produce more photographs every two minutes than they did throughout the entire 19th century. Featuring historical photographs, contemporary artistic works, as well as interviews with restorers, geologists and climate researchers, the exhibition tells the story of photography as an industrial process, showing how deeply this medium has been linked to human environmental change. By focusing on the ways in which the industrial production of images has been materially and ideologically involved in climate change, rather than merely using photography to depict its consequences, the exhibition adopts a radically new perspective on the subject.

Curated by: Boaz Levin and Esther Ruelfs

An exhibition from the Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg

(Text: Musée suisse de l’appareil photographique, Vevey)

MACTE – Museo di Arte Contemporanea di Termoli
14. Februar – 3. Mai 2025

Il falco di Karachi
Elisa Caldana

Die Ausstellung präsentiert eine Reihe von Werken, die von der wenig bekannten Figur des Laggar-Falken inspiriert sind, einer endemischen Art in Pakistan, Indien und Myanmar, die vom Aussterben bedroht ist. Elisa Caldana hinterfragt mit Hilfe zahlreicher Mitarbeiter aus Europa und Pakistan die Beziehung zwischen Wildtieren und Domestizierung sowie die Prozesse, die in Gang gesetzt werden, wenn die wilde Natur in Gefangenschaft gezwungen wird. Der Falke wird zu einer Metapher, um über Machtverhältnisse und Umweltverschmutzung nachzudenken, aber auch, um sich auf mehr als nur die Menschenrechte zu konzentrieren.

Der Entwurf für die Rotunde des Museums greift die Atmosphäre eines Innenhofs in Karachi auf und schafft einen Raum, in dem die Werke sowohl miteinander als auch mit dem Publikum in Dialog treten. Ein Bereich ist dem Film gewidmet, der auf den wiederholten Reisen nach Karatschi gedreht wurde, ein anderer den Stoffarbeiten, die das Gefieder des Raubvogels simulieren, und die Bronzeskulptur Untitled (Released), die einer Gipsform ähnelt und den Moment darstellt, in dem die Hände den Falken unmittelbar vor seiner Freilassung in die Freiheit halten: eine Geste, die die Idee der Leere, aber auch der Befreiung hervorruft.

Im Rahmen des öffentlichen Programms der Ausstellung findet am Samstag, den 15. Februar um 16 Uhr ein öffentliches Treffen in italienischer Sprache mit dem Künstler und dem Kurator Bruno Alves De Almeida von der Jan Van Eyck Academie in Maastricht statt. Am 2. und 3. Mai findet im MACTE dank der Unterstützung der Botschaft und des Generalkonsulats des Königreichs der Niederlande ein praktischer Workshop mit Elisa Caldana und der niederländischen Textildesignerin Aliki Van der Kruijs statt.

In den Nebenräumen wird dagegen eine spezielle Auswahl von Werken aus der Termoli-Preis-Sammlung zu sehen sein, darunter Werke von Benni Bosetto, Dadamaino, Mirella Bentivoglio, aber auch Siebdrucke von Bettino Craxi, die Pierre Restany gewidmet sind, und das Altarbild von Malangatana, das bis zum Ende der Ausstellung zu sehen sein wird und dann wieder eingelagert wird.

L'exposition présente une série d'œuvres inspirées par la figure méconnue du faucon Laggar, une espèce endémique du Pakistan, de l'Inde et du Myanmar en voie d'extinction. Elisa Caldana, avec l'aide de nombreux collaborateurs entre l'Europe et le Pakistan, s'interroge sur la relation entre la vie sauvage et la domestication et sur les processus qui se mettent en place lorsque la nature sauvage est contrainte à la captivité. Le faucon devient une métaphore pour réfléchir aux relations de pouvoir et à la pollution, mais aussi pour aller au-delà des droits de l'homme.

L'aménagement de la rotonde du musée reproduit l'atmosphère d'une cour de Karachi, créant un espace où les œuvres dialoguent entre elles et avec le public. Une zone sera consacrée au film tourné lors de voyages répétés à Karachi, une autre aux œuvres en tissu simulant le plumage du rapace, et la sculpture en bronze Untitled (Released), semblable à un moule en plâtre, représentant le moment où les mains tiennent le faucon juste avant qu'il ne soit relâché dans la nature : un geste qui évoque l'idée du vide, mais aussi de la libération.

Le programme public de l'exposition comprend une réunion publique en italien avec l'artiste et le conservateur Bruno Alves De Almeida de la Jan Van Eyck Academie de Maastricht, le samedi 15 février à 16 heures. Les 2 et 3 mai, un atelier pratique avec Elisa Caldana et le designer textile néerlandais Aliki Van der Kruijs se tiendra au MACTE, grâce au soutien de l'ambassade et du consulat général du Royaume des Pays-Bas.

Dans les salles annexes, en revanche, une sélection dédiée d'œuvres de la collection du Prix Termoli sera présentée, parmi lesquelles des œuvres de Benni Bosetto, Dadamaino, Mirella Bentivoglio, mais aussi des sérigraphies de Bettino Craxi dédiées à Pierre Restany et le retable de Malangatana, qui sera exposé jusqu'à la fin de l'exposition, avant d'être remis en réserve.

La mostra presenta una serie di opere ispirate dalla figura poco nota del falco Laggar, una specie endemica di Pakistan, India e Myanmar a rischio di estinzione. Elisa Caldana, con l’aiuto di molti collaboratori tra l’Europa e il Pakistan, si interroga sul rapporto tra la fauna selvatica e l'addomesticamento e sui processi che si mettono in moto quando una natura selvaggia è costretta in condizioni di cattività. Il falco diventa una metafora per pensare ai rapporti di potere, all’inquinamento, ma anche mettere al centro i diritti non solo umani.

L’allestimento pensato per la rotonda del museo riproduce l’atmosfera di un cortile di Karachi, creando uno spazio in cui le opere dialogano sia tra loro che con il pubblico. Ci sarα una zona dedicata al film girato in ripetuti viaggi a Karachi, un’altra con le opere in tessuto che simulano il piumaggio del rapace e la scultura in bronzo Untitled (Released), simile nell’aspetto a uno stampo in gesso, che rappresenta il momento delle mani che trattengono il falco immediatamente prima del suo rilascio nella natura: un gesto che evoca l’idea di vuoto, ma anche di liberazione.

Il Public Program della mostra prevede per sabato 15 febbraio alle ore 16 un incontro pubblico in lingua italiana con l’artista e il curatore Bruno Alves De Almeida della Jan Van Eyck Academie di Maastricht. Mentre il 2 e 3 maggio al MACTE si terrα un laboratorio pratico con Elisa Caldana e la textile designer olandese Aliki Van der Kruijs, grazie al sostegno dell’Ambasciata e del Consolato Generale del Regno dei Paesi Bassi.

Nelle sale laterali sarα invece visibile una selezione dedicata di opere della collezione del Premio Termoli, che comprende, tra le altre, quelle di Benni Bosetto, Dadamaino, Mirella Bentivoglio ma anche delle serigrafie realizzate da Bettino Craxi dedicate a Pierre Restany e la pala di Malangatana, che sarα esposta fino alla fine di questa mostra e poi riportata in deposito.

The exhibition presents a series of works inspired by the little-known figure of the Laggar hawk, an endemic species of Pakistan, India and Myanmar at risk of extinction. Elisa Caldana, with the help of many collaborators between Europe and Pakistan, questions the relationship between wildlife and domestication and the processes that are set in motion when a wild nature is forced into captive conditions. The hawk becomes a metaphor for thinking about power relations, pollution, but also focusing on more than just human rights.

The set-up designed for the museum's rotunda reproduces the atmosphere of a courtyard in Karachi, creating a space in which the works dialogue both with each other and with the public. There willα be an area dedicated to the film shot on repeated trips to Karachi, another with fabric works that simulate the raptor's plumage, and the bronze sculpture Untitled (Released), similar in appearance to a plaster mold, representing the moment of hands holding the hawk immediately before its release into the wild-a gesture that evokes the idea of emptiness, but also of liberation.

The exhibition's Public Program includes on Saturday, Feb. 15 at 4 p.m. a public meeting in Italian with the artist and curator Bruno Alves De Almeida of the Jan Van Eyck Academie in Maastricht. While a hands-on workshop with Elisa Caldana and Dutch textile designer Aliki Van der Kruijs will be held at MACTE on May 2 and 3, thanks to the support of the Embassy and Consulate General of the Kingdom of the Netherlands.

In the side rooms, on the other hand, a dedicated selection of works from the Premio Termoli collection will be on view, including, among others, those by Benni Bosetto, Dadamaino, Mirella Bentivoglio but also silkscreens made by Bettino Craxi dedicated to Pierre Restany and the Malangatana altarpiece, which will be on display until the end of this exhibition and then returned to storage.

(Text: MACTE – Museo di Arte Contemporanea di Termoli)

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
14. Februar – 2 Juni 2025

Henri Cartier-Bresson e l’Italia

Henri Cartier-Bresson und Italien, kuratiert von Clément Chéroux und Walter Guadagnini und begleitet von einem von Dario Cimorelli Editore herausgegebenen Katalog, ist eine Ausstellung, die chronologisch von Cartier-Bressons Reisen durch die Halbinsel von Norden nach Süden, von der Lebendigkeit und der Tiefe, die die Landschaft, insbesondere die menschliche Landschaft unseres Landes, dem als Jahrhundertauge bezeichneten Fotografen zu vermitteln vermochte, und von der Fülle an redaktionellen Zeugnissen, darunter Zeitungen, Zeitschriften und Bücher, die die Etappen der Beziehung zwischen dem Meister und Italien nachzeichnen, geprägt ist.

Die Ausstellung, die in Zusammenarbeit mit der Fondation Henri Cartier-Bresson in Paris realisiert wurde, konzentriert sich auf die entscheidenden Momente der Karriere des Fotografen ab den 1930er Jahren: Während dieser ersten Reise erlangte der noch sehr junge Künstler ein neues Bewusstsein für seine Karriere und definierte die stilistischen Merkmale, die ihn in der ganzen Welt bekannt machen sollten.

1932 besuchte Cartier-Bresson zum ersten Mal Italien, wo er bestimmte Themen festlegte, die sein gesamtes Schaffen prägen sollten, wie die außergewöhnliche Beherrschung des Bildraums, das Verhältnis zwischen Realität und Fiktion und die Fähigkeit, den Augenblick einzufangen. Nach seiner Rückkehr nach Italien nach dem Zweiten Weltkrieg produzierte er als Fotojournalist Reportagen für verschiedene internationale Zeitungen, in denen er nicht nur das Unbehagen und die kritische Haltung der südlichen Gesellschaft dokumentierte, sondern auch die außergewöhnlichen Traditionen und Innovationen, die durch die Agrarreform eingeführt wurden. Im gleichen Zeitraum pendelte er zwischen Rom, Neapel und Venedig, fotografierte das tägliche Leben in den Städten und porträtierte die Intellektuellen jener Zeit.

Schließlich kommen wir zu den 1970er Jahren, in denen Cartier-Bresson sich auf die Beziehung zwischen Mensch und Maschine und insbesondere auf die Industrialisierung des Südens des Landes konzentrierte: Aus diesen Jahren stammen Reportagen über das Olivetti-Werk in Pozzuoli und das Alfa Romeo-Werk in Pomigliano d'Arco.

Organisée par Clément Chéroux et Walter Guadagnini et accompagnée d'un catalogue publié par Dario Cimorelli Editore, Henri Cartier-Bresson et l'Italie est une exposition chronologiquement marquée par les voyages de Cartier-Bresson à travers la péninsule du Nord au Sud, par l'effervescence et la profondeur que le paysage, en particulier le paysage humain de notre pays, a su transmettre au photographe défini comme l'œil du siècle, et par la richesse des témoignages éditoriaux, entre journaux, revues et livres, relatant les étapes de la relation entre le Maître et l'Italie.

Réalisée en collaboration avec la Fondation Henri Cartier-Bresson à Paris, l'exposition se concentre sur les moments cruciaux de la carrière du photographe à partir des années 1930 : c'est au cours de ce premier voyage que l'artiste, encore très jeune, acquiert une nouvelle conscience de sa carrière et définit le trait stylistique qui le rendra reconnaissable dans le monde entier.

En 1932, Cartier-Bresson visite l'Italie pour la première fois, définissant certains thèmes qui caractériseront toute sa production, comme l'extraordinaire gestion de l'espace de l'image, le rapport entre réalité et fiction et la capacité à saisir l'instant. De retour en Italie après la Seconde Guerre mondiale, il réalise, en tant que photojournaliste, des reportages pour divers journaux internationaux, documentant non seulement le malaise et la criticité du contexte social méridional, mais aussi les extraordinaires traditions et innovations introduites par la réforme agraire. À la même époque, il se déplace entre Rome, Naples et Venise, photographiant la vie quotidienne des villes et faisant le portrait des intellectuels de l'époque.

Enfin, les années 1970 sont celles où Cartier-Bresson s'intéresse au rapport entre l'homme et la machine et à l'industrialisation du sud du pays en particulier : de ces années datent les reportages sur l'usine Olivetti de Pozzuoli et l'usine Alfa Romeo de Pomigliano d'Arco.

A cura di Clément Chéroux e Walter Guadagnini e accompagnata da un catalogo edito da Dario Cimorelli Editore, Henri Cartier-Bresson e l’Italia è una mostra scandita cronologicamente dai viaggi di Cartier-Bresson attraverso la penisola da Nord a Sud, dall’effervescenza e profondità che il paesaggio soprattutto umano del nostro Paese è stato in grado di trasmettere al fotografo definito l’occhio del secolo, e dalla ricchezza delle testimonianze editoriali, capaci di raccontare tra giornali, riviste e libri, le tappe del rapporto tra il Maestro e l’Italia.

Realizzata in collaborazione con la Fondation Henri Cartier-Bresson di Parigi, l’esposizione si focalizza sui momenti cruciali della carriera del fotografo a partire dagli anni Trenta: è proprio nel corso di questo primo viaggio che l’ancora giovanissimo artista acquisisce nuove consapevolezze sulla sua carriera e definisce la cifra stilistica che lo renderà riconoscibile in tutto il mondo.

Nel 1932, Cartier-Bresson visita l’Italia per la prima volta, definendo alcune tematiche che caratterizzeranno tutta la sua produzione come la straordinaria gestione dello spazio dell’immagine, il rapporto tra realtà e finzione, la capacità di cogliere l’istante. Al suo ritorno in Italia dopo la Seconda Guerra Mondiale, in qualità di fotoreporter, realizza servizi per diverse testate internazionali che documentano non solo il disagio e le criticità del contesto sociale meridionale, ma anche le straordinarie tradizioni e le novità introdotte dalla riforma agraria. Nello stesso periodo si sposta tra Roma, Napoli e Venezia, fotografando la vita quotidiana delle città e ritraendo gli intellettuali dell’epoca.

Infine, si giunge agli anni Settanta, durante i quali Cartier-Bresson si focalizza sul rapporto tra uomo e macchina e sull’industrializzazione in particolare del Sud del Paese: sono di quegli anni i servizi sullo stabilimento Olivetti di Pozzuoli e su quello dell’Alfa Romeo di Pomigliano d’Arco.

Curated by Clément Chéroux and Walter Guadagnini and accompanied by a catalog published by Dario Cimorelli Editore, Henri Cartier-Bresson and Italy is an exhibition marked chronologically by Cartier-Bresson's travels across the peninsula from North to South, by the effervescence and depth that the landscape, above all human, of our country was able to convey to the photographer defined as the eye of the century, and by the wealth of editorial evidence, capable of recounting between newspapers, magazines and books, the stages of the relationship between the Master and Italy.

Produced in collaboration with the Fondation Henri Cartier-Bresson in Paris, the exhibition focuses on the crucial moments of the photographer's career starting in the 1930s: it was during this first journey that the still very young artist acquired new awareness of his career and defined the stylistic signature that would make him recognizable throughout the world.

In 1932, Cartier-Bresson visited Italy for the first time, defining some themes that will characterize all his production such as the extraordinary management of the space of the image, the relationship between reality and fiction, and the ability to capture the moment. Upon his return to Italy after World War II, as a photojournalist, he produced reports for several international newspapers documenting not only the unease and criticality of the southern social context, but also the extraordinary traditions and innovations introduced by the agrarian reform. In the same period he moved between Rome, Naples and Venice, photographing the daily life of the cities and portraying the intellectuals of the time.

Finally, we come to the 1970s, during which Cartier-Bresson focused on the relationship between man and machine and on the industrialization of the South of the country in particular: reports on the Olivetti plant in Pozzuoli and the Alfa Romeo plant in Pomigliano d'Arco are from those years.

(Text: CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
14. Februar – 6. April 2025

Riccardo Moncalvo. Fotografie 1932-1990

Ebenfalls ab dem 14. Februar 2025 zeigt der Projektraum von CAMERA die Ausstellung Riccardo Moncalvo. Fotografien 1932-1990. Der bedeutende Turiner Fotograf (Turin, 1915 - 2008) begann bereits im Alter von 13 Jahren, sich dem Medium Fotografie zu nähern, indem er in die Fußstapfen seines Vaters, des Inhabers des Ateliers für künstlerische und industrielle Fotografie, trat und sehr bald Mitglied der Gesellschaft für subalpine Fotografie wurde.

In der Zwischenkriegszeit erschienen Moncalvos Fotografien in wichtigen Zeitschriften und der Fotograf war einer der ersten in Italien, der professionelle Farbabzüge herstellte. Die Ausstellung von CAMERA versammelt 60 alte Abzüge in Schwarz-Weiß und Farbe aus dem Archiv von Riccardo Moncalvo und aus privaten Sammlungen, die fast 60 Jahre Geschichte abdecken. Die Ausstellung und der dazugehörige Katalog werden von Barbara Bergaglio kuratiert, mit Texten von der Kuratorin, Walter Guadagnini und Andrea Tinterri.

À partir du 14 février 2025, la Project Room de CAMERA accueille également l'exposition Riccardo Moncalvo. Photographies 1932-1990. L'important photographe turinois (Turin, 1915 - 2008) commence à aborder la photographie à l'âge de 13 ans, suivant les traces de son père, propriétaire de l'atelier de photographie artistique et industrielle, et devient très vite membre de la Société photographique subalpine.

Dans l'entre-deux-guerres, les photographies de Moncalvo commencent à être publiées dans d'importantes revues et le photographe devient l'un des premiers en Italie à produire des tirages professionnels en couleur. L'exposition de CAMERA rassemble 60 tirages anciens, provenant des archives Riccardo Moncalvo et de collections privées, en noir et blanc et en couleur, couvrant près de 60 ans d'histoire. L'exposition et le catalogue correspondant sont organisés par Barbara Bergaglio, avec des textes du commissaire, de Walter Guadagnini et d'Andrea Tinterri.

Sempre dal 14 febbraio 2025, la Project Room di CAMERA ospita l’esposizione Riccardo Moncalvo. Fotografie 1932-1990. L’importante fotografo torinese (Torino, 1915 – 2008) inizia ad approcciarsi al mezzo fotografico ad appena 13 anni, seguendo le orme del padre, titolare dell’atelier di Fotografia Artistica e Industriale, e diventa molto presto socio della Società Fotografica Subalpina.

Negli anni tra le due guerre, le fotografie di Moncalvo iniziano ad apparire su importanti riviste di settore e il fotografo diventa uno dei primi in Italia a produrre stampe professionali a colori. La mostra di CAMERA raccoglie 60 stampe vintage, provenienti dall’Archivio Riccardo Moncalvo e da collezioni private, in bianco e nero e a colori, che ripercorrono quasi 60 anni di storia. L’esposizione e il relativo catalogo sono a cura di Barbara Bergaglio con testi della curatrice, di Walter Guadagnini e di Andrea Tinterri.

Also from February 14, 2025, CAMERA's Project Room hosts the exhibition Riccardo Moncalvo. Photographs 1932-1990. The important Turin-based photographer (Turin, 1915 - 2008) began to approach the photographic medium at the age of just 13, following in the footsteps of his father, owner of the Artistic and Industrial Photography atelier, and very soon became a member of the Subalpine Photographic Society.

In the interwar years, Moncalvo's photographs began to appear in important trade magazines, and the photographer became one of the first in Italy to produce professional color prints. CAMERA's exhibition brings together 60 vintage prints, from the Riccardo Moncalvo Archive and private collections, in black and white and color, covering nearly 60 years of history. The exhibition and related catalog are curated by Barbara Bergaglio with texts by the curator, Walter Guadagnini and Andrea Tinterri.

(Text: CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

Bildhalle | Amsterdam
14. Februar – 29. März 2025

Le Miroir aveugle
Laurence Aëgerter

Die Ausstellung lädt dazu ein, über unsere Wahrnehmung der Welt, unsere Erfahrungen und die Spuren, die sie hinterlassen, nachzudenken. Sie kann als Memento mori oder als Porträt eines Lebens in Abwesenheit interpretiert werden – eine ergreifende Erinnerung an das, was verloren gegangen ist oder nicht mehr vorhanden ist.

„Le Miroir aveugle“ bezieht sich auf niederländische Gemälde aus dem 17. Jahrhundert, in denen gemalte Vorhänge oft die Hauptszene teilweise verdeckten. Diese Technik, die einen illusionären Effekt erzeugt, ermöglichte es den Betrachtern, Innenszenen, religiöse Motive oder Kirchenräume zu entdecken, während das Kunstwerk gleichzeitig vor Licht geschützt wurde. Auf diese Weise untersucht Aëgerters Werk die Themen Erinnerung und Reflexion vergangener Erfahrungen.

Was Aëgerters Praxis auszeichnet, ist ihr Gebrauch von Aneignung und ihr tiefes Wissen über Kunstgeschichte, das sie nutzt, um Verbindungen zwischen Vergangenheit und Gegenwart herzustellen. Ihre Werke bieten neue Perspektiven, deuten mögliche Zukünfte an und reflektieren gleichzeitig die Geschichte, die sie heraufbeschwören. Einige ihrer Werke fungieren als Spiegel, die nicht nur die Vergangenheit reflektieren, sondern auch neue Bedeutungen und Wege für morgen aufzeigen.

Laurence Aëgerters Praxis umfasst Fotografie, Wandteppiche und Gemeinschaftsprojekte, die sich alle auf die Erstellung, Verbreitung und Nutzung von Bildern und Informationen konzentrieren. Sie manipuliert und interpretiert häufig historisches und archiviertes Material – insbesondere Fotografien – neu, indem sie es dekonstruiert oder neu mischt, um verborgene oder übersehene Erzählungen aufzudecken. Dadurch fordert sie die Betrachter auf, die Authentizität des Gesehenen in Frage zu stellen und historische Erzählungen zu überdenken.

Ihre Arbeit ist sowohl intellektuell anspruchsvoll als auch visuell fesselnd und fordert das Publikum auf, die Natur der Realität, der Erinnerung und die Art und Weise, wie wir die Welt interpretieren, zu überdenken.

L'exposition invite à une réflexion sur notre perception du monde, nos expériences et les traces qu'elles laissent derrière elles. Elle peut être interprétée comme un memento mori ou comme le portrait d'une vie absente - un rappel poignant de ce qui a été perdu ou n'est plus présent.

« Le Miroir aveugle » fait référence aux peintures hollandaises du XVIIe siècle, dans lesquelles les rideaux peints cachaient souvent partiellement la scène principale. Cette technique, qui crée un effet d'illusion, permettait aux spectateurs de découvrir des scènes d'intérieur, des motifs religieux ou des intérieurs d'église, tout en protégeant l'œuvre de la lumière. L'œuvre d'Aëgerter explore ainsi les thèmes de la mémoire et de la réflexion sur les expériences passées.

La pratique d'Aëgerter se distingue par son utilisation de l'appropriation et sa connaissance approfondie de l'histoire de l'art, qu'elle utilise pour établir des liens entre le passé et le présent. Ses œuvres offrent de nouvelles perspectives, suggérant des futurs potentiels tout en réfléchissant à l'histoire qu'elles évoquent. Certaines de ses œuvres fonctionnent comme des miroirs, reflétant non seulement le passé, mais découvrant également de nouvelles significations et de nouvelles voies pour demain.

La pratique de Laurence Aëgerter s'étend de la photographie à la tapisserie, en passant par des projets collaboratifs, tous axés sur la création, la diffusion et la consommation d'images et d'informations. Elle manipule et réinterprète souvent des documents historiques et d'archives - en particulier des photographies - en les déconstruisant ou en les remixant pour révéler des récits cachés ou négligés. Elle incite ainsi les spectateurs à remettre en question l'authenticité de ce qu'ils voient et à reconsidérer les récits historiques.

Son travail est à la fois intellectuellement rigoureux et visuellement fascinant, incitant le public à repenser la nature de la réalité, de la mémoire et de la façon dont nous interprétons le monde.

La mostra invita a riflettere sulla nostra percezione del mondo, sulle nostre esperienze e sulle tracce che lasciano dietro di sé. Può essere interpretata come un memento mori o come il ritratto di una vita in assenza - un ricordo struggente di ciò che è andato perduto o non è più presente.

“Le Miroir aveugle” fa riferimento ai dipinti olandesi del XVII secolo, in cui le tende dipinte spesso nascondevano parzialmente la scena principale. Questa tecnica, creando un effetto illusorio, permetteva agli spettatori di scoprire scene di interni, motivi religiosi o interni di chiese, proteggendo al contempo l'opera d'arte dalla luce. In questo modo, l'opera di Aëgerter esplora i temi della memoria e del riflesso delle esperienze passate.

Ciò che distingue la pratica di Aëgerter è l'uso dell'appropriazione e la profonda conoscenza della storia dell'arte, che utilizza per creare connessioni tra passato e presente. Le sue opere offrono nuove prospettive, suggerendo potenziali futuri e riflettendo sulla storia che evocano. Alcune delle sue opere funzionano come specchi, non solo riflettendo il passato ma anche scoprendo nuovi significati e percorsi per il domani.

La pratica di Laurence Aëgerter spazia tra fotografia, arazzi e progetti collaborativi, tutti incentrati sulla creazione, la diffusione e il consumo di immagini e informazioni. Spesso manipola e reinterpreta materiali storici e d'archivio, in particolare fotografie, decostruendoli o rimescolandoli per rivelare narrazioni nascoste o trascurate. In questo modo, sfida gli spettatori a mettere in discussione l'autenticità di ciò che vedono e a riconsiderare le narrazioni storiche.

Il suo lavoro è intellettualmente rigoroso e visivamente avvincente, e spinge il pubblico a ripensare la natura della realtà, della memoria e dei modi in cui interpretiamo il mondo.

The exhibition invites reflection on our perception of the world, our experiences, and the traces they leave behind. It can be interpreted as a memento mori or as a portrait of a life in absence – a poignant reminder of what has been lost or is no longer present.

“Le Miroir aveugle” references 17th-century Dutch paintings, in which painted curtains often partially concealed the main scene. This technique, creating an illusionary effect, allowed viewers to uncover interior scenes, religious motifs, or church interiors, while also protecting the artwork from light. Through this, Aëgerter’s work explores the themes of memory and the reflection of past experiences.

What sets Aëgerter’s practice apart is her use of appropriation and deep knowledge of art history, which she uses to forge connections between past and present. Her works offer new perspectives, suggesting potential futures while reflecting on the history they evoke. Some of her pieces function as mirrors, not only reflecting the past but also uncovering new meanings and pathways for tomorrow.

Laurence Aëgerter’s practice spans photography, tapestry, and collaborative projects, all focused on the creation, dissemination, and consumption of images and information. She often manipulates and reinterprets historical and archival materials – particularly photographs – deconstructing or remixing them to reveal hidden or overlooked narratives. Through this, she challenges viewers to question the authenticity of what they see and reconsider historical narratives.

Her work is both intellectually rigorous and visually compelling, urging audiences to rethink the nature of reality, memory, and the ways we interpret the world.

Le Miroir aveugle nodigt uit tot reflectie over onze perceptie van de wereld, onze ervaringen en de sporen die ze achterlaten. Het kan worden geïnterpreteerd als een memento mori of als een portret van een leven in afwezigheid – een aangrijpende herinnering aan wat verloren is gegaan of niet langer aanwezig is.

Le Miroir aveugle verwijst naar 17e-eeuwse Nederlandse schilderijen waarin gordijnen vaak de hoofdscène gedeeltelijk verborgen. Deze techniek, die een illusionistisch effect creëerde, stelde de kijker in staat interieurtaferelen, religieuze motieven of kerkinterieurs te onthullen, terwijl het kunstwerk tegen licht werd afgeschermd. Op deze manier onderzoekt Aëgerters werk de thema’s geheugen en reflectie op ervaringen uit het verleden.

Wat Aëgerter’s praktijk onderscheidt, is haar gebruik van appropriatie en haar diepe kennis van kunstgeschiedenis, die ze inzet om verbanden te leggen tussen het verleden en het heden. Haar werken bieden nieuwe perspectieven en suggereren mogelijke toekomsten, terwijl ze reflecteren op de geschiedenis die ze oproepen. Sommige van haar werken fungeren als spiegels, die niet alleen het verleden reflecteren, maar ook nieuwe betekenissen en paden voor de toekomst onthullen.

Aëgerter’s werk omvat fotografie, wandtapijt en samenwerkingsprojecten, die allemaal gericht zijn op de creatie, verspreiding en consumptie van beelden en informatie. Ze manipuleert en herinterpreteert vaak historische en archiefmaterialen – vooral fotografie – door ze te deconstrueren of te remixeren om verborgen of over het hoofd geziene verhalen te onthullen. Hiermee daagt ze het publiek uit om de authenticiteit van wat ze zien in twijfel te trekken en historische narratieven opnieuw te overwegen.

Haar werk is zowel intellectueel rigoureus als visueel boeiend, en moedigt het publiek aan de aard van de werkelijkheid,

het geheugen en de manieren waarop we de wereld interpreteren, opnieuw te bedenken.

(Text: Bildhalle Zürich/Amsterdam)

Fotohof | Salzburg
14. Februar – 29. März 2025

New Documents refined
Paul Kranzler, Stefanie Moshammer, Seiichi Furuya

In Anlehnung an die berühmte Ausstellung »New Documents« (Diane Arbus, Lee Friedlander und Gerry Winogrand, MOMA 1967) betiteln wir die Ausstellung im FOTOHOF mit Bildern von Paul Kranzler und Stefanie Moshammer in der Galerie und Seiichi Furuya im Studio »New Documents – refined«. Sie zeigt Fotografien der Kinder, der Großmutter, der Partnerin – Familienbilder im weitesten Sinn und mit ganz unterschiedlichen Herangehensweisen sind das Thema der drei prominenten österreichischen Fotograf:innen.

Paul Kranzler ist Vater von drei Kindern – Nikolaus (11), Marielen (9), Moritz (7). Kranzler zeigt bisher unveröffentlichte Bilder von und mit seinen Kindern und erzählt allgemeingültige Geschichten von Liebe und Nähe, von Spiel und Ernst, mit Entschlossenheit zum gelungenen Bild, voller Zärtlichkeit dem gelegentlichen Chaos gegenüber.

»Die Menschen und Räume und Landschaften der persönlichen Umgebung sind ja auch die meistfotografierten Motive der Welt. Ist man lang in einer Umgebung, dann heißt diese ›zu Hause‹ oder ›Beziehung‹ oder ›Familie‹ oder ›Heimat‹ oder ›Friedhof‹ oder ›Gefängnis‹ usw. Vielleicht ist die persönliche Umgebung vier-dimensional – der dreidimensionale Raum und die vierte Dimension, die diesem (Lebens/Menschen)raum anhaftende Emotion.« (Paul Kranzler)

Stefanie Moshammer verbrachte in ihrer Kindheit viel Zeit mit ihren elf Cousins und Cousinen im Haus der Großeltern im Mühlviertel in Oberösterreich. Sie spielten zusammen, indem sie sich verkleideten und mit den Kleidern und Gegenständen, die ihre Eltern ihnen im Haus gelassen hatten, in Szene setzten. Jahre später lässt sie für eine Fotoserie, spielerisch arrangierte Stillleben und gemeinschaftliche Inszenierungen mit ihrer Großmutter, diese Erinnerungen wieder aufleben. Sie sind eine visuelle Kapsel von Erinnerungen an das Haus und Erlebnisse in ihrer Kindheit darin. Die hellen und farbenfrohen Bilder erzählen auch von den Auswirkungen des Alterns, von alltäglichen Ritualen, von der Unbeständigkeit des Lebens, aber auch von Würde und selbstbestimmtem Leben. In einer wandfüllenden Zusammenstellung spinnt Moshammer ein Netz aus Metaphern und Assoziationen.

Seiichi Furuyas auch als Buch publizierte Serie geht – wie die meisten seiner Arbeiten – auf eine geradezu forensische Sichtung seines Archivs zurück, in dem er immer wieder neues entdeckt und enthüllt. In „Face To Face“ stellt Seiichi Furuya zum ersten Mal seine Bilder jenen Bildern gegenüber, die seine Frau Christine von ihm aufgenommen hat. Christine, die 1985 Selbstmord beging, erweist sich hier als talentierte und sensible Fotografin. In den Diptychen, die Furuya arrangiert, verschränkt sich Christines Blick mit dem von Seiichi, der sich nun ebenfalls auf das Spiel einlässt, das beobachtete Subjekt zu sein.

»Während die visuelle Erinnerungsarbeit, die Seiichi im Laufe der Jahre geleistet hat, ein unaufhörlicher Versuch ist, seine Trauer zu verarbeiten, indem er sein Gesicht in den Rahmen ihrer Liebesgeschichte einfließen lässt, deutet »Face to Face, 1978-1985« darauf hin, dass diese endlose Recherche des Autors auch als der Wunsch gelesen werden könnte, Spuren seiner selbst und der Rolle, die er in den Erinnerungen an ihr gemeinsames Leben spielte, zu finden. Diese Bilderserie erzählt von einee siebenjährige Beziehung in einem visuellen Dialog (…) in der die Fotografie eine fundamentale Rolle spielt: Sie entstaubt verschüttete Erinnerungen und ermöglicht es, die Vergangenheit zu rekonstruieren, und gleichzeitig schafft sie neue Erinnerungen, die von der Perspektive und dem Lauf der Zeit beeinflusst werden.«

R. Cerbarano

Die ausgestellten Prints Von Seiichi Furuya sind eine Schenkung des Fotografen an das FOTOHOF>ARCHIV.

En référence à la célèbre exposition « New Documents » (Diane Arbus, Lee Friedlander et Gerry Winogrand, MOMA 1967), nous intitulons l'exposition au FOTOHOF avec des photos de Paul Kranzler et Stefanie Moshammer dans la galerie et Seiichi Furuya dans le studio « New Documents - refined ». Elle présente des photographies des enfants, de la grand-mère, de la partenaire - des images de famille au sens le plus large et avec des approches très différentes sont le thème de ces trois éminents photographes autrichiens.

Paul Kranzler est père de trois enfants - Nikolaus (11), Marielen (9), Moritz (7). Kranzler montre des photos inédites de et avec ses enfants et raconte des histoires universelles d'amour et de proximité, de jeu et de sérieux, avec détermination pour réussir l'image, pleines de tendresse face au chaos occasionnel.

« Les personnes, les espaces et les paysages de l'environnement personnel sont aussi les motifs les plus photographiés au monde. Si l'on reste longtemps dans un environnement, celui-ci s'appelle 'maison' ou 'relation' ou 'famille' ou 'foyer' ou 'cimetière' ou 'prison', etc. Peut-être que l'environnement personnel est quadridimensionnel - l'espace tridimensionnel et la quatrième dimension, l'émotion attachée à cet espace (de vie/personnel) ». (Paul Kranzler)

Dans son enfance, Stefanie Moshammer a passé beaucoup de temps avec ses onze cousins et cousines dans la maison de ses grands-parents dans le Mühlviertel en Haute-Autriche. Ils jouaient ensemble en se déguisant et en se mettant en scène avec les vêtements et les objets que leurs parents leur avaient laissés dans la maison. Des années plus tard, elle fait revivre ces souvenirs pour une série de photos, des natures mortes arrangées de manière ludique et des mises en scène collectives avec sa grand-mère. Ils constituent une capsule visuelle des souvenirs de la maison et des expériences qu'elle y a vécues dans son enfance. Les images lumineuses et colorées parlent également des effets du vieillissement, des rituels quotidiens, de l'instabilité de la vie, mais aussi de la dignité et de l'autodétermination. Dans une composition qui occupe tout un mur, Moshammer tisse un réseau de métaphores et d'associations.

La série de Seiichi Furuya, également publiée sous forme de livre, est issue - comme la plupart de ses travaux - d'un examen quasi médico-légal de ses archives, dans lesquelles il découvre et révèle sans cesse de nouvelles choses. Dans « Face To Face », Seiichi Furuya confronte pour la première fois ses images avec celles que sa femme Christine a prises de lui. Christine, qui s'est suicidée en 1985, se révèle ici une photographe talentueuse et sensible. Dans les diptyques arrangés par Furuya, le regard de Christine s'entrecroise avec celui de Seiichi, qui se prête désormais lui aussi au jeu d'être le sujet observé.

« Alors que le travail de mémoire visuel effectué par Seiichi au fil des années est une tentative incessante de faire son deuil en intégrant son visage dans le cadre de leur histoire d'amour, « Face to Face, 1978-1985 » suggère que cette recherche sans fin de l'auteur pourrait aussi être lue comme le désir de trouver des traces de lui-même et du rôle qu'il a joué dans les souvenirs de leur vie commune. Cette série d'images raconte une relation de sept ans dans un dialogue visuel (...) dans lequel la photographie joue un rôle fondamental : elle dépoussière les souvenirs enfouis et permet de reconstruire le passé, tout en créant de nouveaux souvenirs influencés par la perspective et le passage du temps ».

R. Cerbarano

Les tirages de Seiichi Furuya exposés sont un don du photographe aux FOTOHOF>ARCHIV.

In riferimento alla famosa mostra “New Documents” (Diane Arbus, Lee Friedlander e Gerry Winogrand, MOMA 1967), intitoliamo la mostra al FOTOHOF con le immagini di Paul Kranzler e Stefanie Moshammer in galleria e di Seiichi Furuya in studio “New Documents - refined”. La mostra presenta fotografie dei figli, della nonna, del partner - immagini di famiglia in senso lato e con approcci molto diversi sono il tema dei tre importanti fotografi austriaci.

Paul Kranzler è padre di tre figli: Nikolaus (11), Marielen (9) e Moritz (7). Kranzler mostra immagini inedite di e con i suoi figli e racconta storie universali di amore e vicinanza, di gioco e serietà, con determinazione per la riuscita dell'immagine, piena di tenerezza verso il caos occasionale.

“Le persone, gli spazi e i paesaggi dell'ambiente personale sono i motivi più fotografati al mondo. Se si trascorre molto tempo in un ambiente, questo viene chiamato 'casa' o 'relazione' o 'famiglia' o 'abitazione' o 'cimitero' o 'prigione' ecc. Forse l'ambiente personale è quadridimensionale: lo spazio tridimensionale e la quarta dimensione, l'emozione legata a questo spazio (vita/persone)”. (Paul Kranzler)

Da bambina, Stefanie Moshammer trascorreva molto tempo con i suoi undici cugini nella casa dei nonni nella regione del Mühlviertel, in Alta Austria. Giocavano insieme travestendosi e posando con i vestiti e gli oggetti che i genitori avevano lasciato loro in casa. A distanza di anni, l'artista fa rivivere questi ricordi in una serie di fotografie, nature morte giocosamente organizzate e messe in scena in comune con la nonna. Sono una capsula visiva dei ricordi della casa e delle sue esperienze d'infanzia. Le immagini, luminose e colorate, raccontano anche degli effetti dell'invecchiamento, dei rituali quotidiani, dell'impermanenza della vita, ma anche della dignità e della vita autodeterminata. Moshammer tesse una rete di metafore e associazioni in una composizione a parete.

Come la maggior parte delle sue opere, la serie di Seiichi Furuya, pubblicata anche come libro, è il risultato di un esame quasi forense del suo archivio, in cui scopre e porta alla luce sempre nuove cose. In “Face To Face”, Seiichi Furuya accosta le sue foto a quelle scattate per la prima volta dalla moglie Christine. Christine, che si è suicidata nel 1985, si dimostra una fotografa talentuosa e sensibile. Nei dittici che Furuya organizza, lo sguardo di Christine si intreccia con quello di Seiichi, che ora si cimenta anche nel gioco di essere il soggetto osservato.

“Se il lavoro di memoria visiva che Seiichi ha fatto nel corso degli anni è un tentativo incessante di elaborare il suo dolore incorporando il suo volto nella cornice della loro storia d'amore, “Face to Face, 1978-1985” suggerisce che questa ricerca infinita da parte dell'autore potrebbe anche essere letta come un desiderio di trovare tracce di sé e del ruolo che ha giocato nei ricordi della loro vita insieme. Questa serie di immagini racconta una relazione durata sette anni in un dialogo visivo (...) in cui la fotografia gioca un ruolo fondamentale: rispolvera memorie sepolte e permette di ricostruire il passato, creando allo stesso tempo nuovi ricordi influenzati dalla prospettiva e dallo scorrere del tempo”.

R. Cerbarano

Le stampe di Seiichi Furuya esposte sono un dono del fotografo al FOTOHOF>ARCHIV.

In reference to the famous exhibition “New Documents” (Diane Arbus, Lee Friedlander and Gerry Winogrand, MOMA 1967), we have named the exhibition at the FOTOHOF with pictures by Paul Kranzler and Stefanie Moshammer in the gallery and Seiichi Furuya in the studio “New Documents - refined”. It shows photographs of children, of grandmothers, of partners – family pictures in the broadest sense and with very different approaches are the subject of the three prominent Austrian photographers.

Paul Kranzler is the father of three children – Nikolaus (11), Marielen (9), Moritz (7). Kranzler shows previously unpublished pictures of and with his children and tells universal stories of love and closeness, of play and seriousness, with determination to create a successful picture, full of tenderness towards the occasional chaos.

“The people and spaces and landscapes of our personal surroundings are also the most frequently photographed subjects in the world. If you live in a particular environment for a long time, it has a name: 'home' or 'relationship' or 'family' or 'home' or 'cemetery' or 'prison', etc. Perhaps our personal environment is four-dimensional – three-dimensional space and the fourth dimension, the emotion associated with this (living/human) space.” (Paul Kranzler)

As a child, Stefanie Moshammer spent a lot of time with her eleven cousins at her grandparents' house in the Mühlviertel region of Austria. They played together by dressing up and staging themselves with the clothes and objects their parents had left them in the house. Years later, she revisited these memories for a series of photographs, playfully arranged still lifes, and collaborative enactments with her grandmother. They are a visual capsule of memories of the house and experiences in it during her childhood. The bright and colorful images also tell of the effects of aging, of everyday rituals, of the impermanence of life, but also of dignity and self-determination. In a wall-sized compilation, Moshammer spins a web of metaphors and associations.

Seiichi Furuya's series, which has also been published as a book, is based – like most of his works – on an almost forensic sifting through his archive, in which he repeatedly discovers and reveals new things. In “Face To Face”, Furuya juxtaposes his images with those taken of him by his wife Christine for the first time. Christine, who committed suicide in 1985, proves to be a talented and sensitive photographer. In the diptychs that Furuya arranges, Christine's gaze intertwines with that of Seiichi, who now also engages in the game of being the observed subject.

“While the visual labor of memory that Seiichi has undertaken over the years is an incessant attempt to process his grief by incorporating his face into the frame of their love story, “Face to Face , 1978-1985” suggests that this endless research by the author could also be read as a desire to find traces of himself and the role he played in the memories of their life together. This series of images recounts a seven-year relationship in a visual dialog (...), in which photography plays a fundamental role: it dusts off buried memories and makes it possible to reconstruct the past, while at the same time creating new memories influenced by perspective and the passage of time.”

R. Cerbarano

The exhibited prints by Seiichi Furuya are a donation from the photographer to the FOTOHOF>ARCHIV.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Huis Marseille - Museum for Photography | Amsterdam
15. Februar – 22. Juni 2025

Revoir Paris - Paris through the lens of the Séeberger brothers (1900-1907)

Das Huis Marseille, Museum für Fotografie (Amsterdam), zeigt in der Ausstellung „Revoir Paris. Paris durch die Linse der Brüder Séeberger (1900-1907)“ eine Auswahl von 72 großformatigen Originalabzügen der Brüder Séeberger, erfolgreicher französischer Amateurfotografen. Die Fotos der Brüder wurden im Rahmen von vier Fotowettbewerben aufgenommen, die die Stadt Paris zu Beginn des 20. Jahrhunderts veranstaltete, und befinden sich heute im Besitz des Musée Carnavalet, dem Museum für die Geschichte von Paris. Sie stellen eine frühe Form der Straßenfotografie dar und wurden noch nie in diesem Umfang ausgestellt. Von den 72 im Huis Marseille gezeigten Abzügen wurden 16 im Jahr 2017 auf dem Dachboden des Pariser Museums wiederentdeckt.

Reise durch das Paris der Belle Époque
Die Brüder Séeberger waren Jules (1872–1932) und seine beiden jüngeren Brüder Henri (1876–1956) und Louis (1874–1946). Ihre Fotos zeigen die bekanntesten Orte der Stadt, wie Montmartre, aber auch weniger bekannte Orte, wie den Fluss Bièvre. Jeder Ort wird durch die Anwesenheit von Pariser Männern und Frauen belebt. Die Ausstellung bietet eine chronologische und thematische Reise durch das Paris der Belle Epoque, gesehen durch die Linse der Brüder Séeberger, die wie kein anderer die Atmosphäre der Hauptstadt am Vorabend des Ersten Weltkriegs einfingen.

Amateurfotografiewettbewerbe
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden Kameras immer benutzerfreundlicher und die Fotografie zog immer mehr Liebhaber an. Der Pariser Stadtrat reagierte darauf mit der Organisation von Amateur-Dokumentarfotografiewettbewerben, die in einer Ausstellung gipfelten. Zwischen 1904 und 1907 fanden vier solcher Wettbewerbe statt, an denen die Brüder Séeberger alle vier teilnahmen. Die Stadt gab die Themen vor und konzentrierte sich dabei auf historische Orte oder Stätten, die von Veränderungen bedroht waren oder sogar verschwinden könnten, wie den Jardin du Luxembourg, den Jardin des Plantes, die Ufer der Seine, das historische Montmartre, die großen Hôtels (Privatvillen) im Marais-Viertel und die Bièvre. Die eingesandten Fotos wurden von einer Jury bewertet und im Petit Palais ausgestellt. Die Gewinner erhielten eine Medaille und die Stadtverwaltung erwarb die Siegerfotos für die Sammlung des Musée Carnavalet. Diese vier Ausstellungen boten den Séeberger-Brüdern die Möglichkeit, auf ihre Arbeit aufmerksam zu machen, und legten den Grundstein für ihre Karriere, die sich später auf Postkarten und Fotos von schön gekleideten Frauen auf der Straße konzentrierte.

Großformatige Drucke
Die Brüder unterschieden sich von anderen Fotografen durch den Druck im Großformat und die Belebung ihrer Stadtlandschaften mit menschlichen Figuren. Obwohl die meisten dieser Bilder aufgrund der langen Belichtungszeiten gestellt werden mussten, erwecken die Posen der menschlichen Figuren den Eindruck, dass die Bilder spontan aufgenommen wurden, und die Fotos erinnern sofort an Schnappschüsse. Diese Eigenschaften sind auch heute noch auffällig, insbesondere wenn man bedenkt, dass Vergrößerungen zu dieser Zeit selten waren und die Brüder mit Glasplatten im Format 13 x 18 cm und sogar 18 x 24 cm arbeiteten.

Eine bemerkenswerte Entdeckung
Das Musée Carnavalet besitzt eine außergewöhnliche Sammlung von 423 Drucken, die alle Teil der vier Fotowettbewerbe waren, und ist das einzige Museum, das großformatige Drucke dieser Fotos der Brüder Séeberger besitzt. Im Jahr 2017 machte das Museum eine bemerkenswerte Entdeckung: Bei den Vorbereitungen für den Umzug aller Sammlungen, um Renovierungsarbeiten durchzuführen, wurden auf dem Dachboden fünfzig großformatige Drucke auf grauem Karton von Jules Séeberger gefunden. Sie waren für die zweite Ausstellung (über das alte Montmartre, Privatgärten und die Bièvre) angefertigt worden. 16 dieser wiederentdeckten Drucke werden im Huis Marseille ausgestellt. Dieser jüngste Fund bildete die Grundlage für neue Forschungen, die die vor 120 Jahren entstandenen Drucke der Brüder Séeberger im Lichte der Zeit und des Kontextes, in dem sie entstanden sind, neu bewerten.

Huis Marseille, Musée de la photographie (Amsterdam) présentera une sélection de 72 tirages originaux grand format des frères Séeberger, photographes amateurs français à succès, dans le cadre de l'exposition Revoir Paris. Paris à travers l'objectif des frères Séeberger (1900-1907). Les photos des frères ont été réalisées dans le cadre de quatre concours photographiques organisés par la ville de Paris au début du XXe siècle. Elles sont aujourd'hui conservées au musée Carnavalet, le musée de l'histoire de Paris. Elles représentent une forme précoce de la photographie de rue et n'ont jamais été exposées à cette échelle auparavant. Sur les 72 tirages exposés à l'Huis Marseille, seize ont été redécouverts en 2017 dans les combles du musée parisien.

Voyage dans le Paris de la belle époque
Les frères Séeberger étaient Jules (1872-1932) et ses deux frères cadets, Henri (1876-1956) et Louis (1874-1946). Leurs photos montrent les lieux les plus emblématiques de la ville, comme Montmartre, mais aussi des endroits moins connus, comme la Bièvre. Chaque lieu est animé par la présence d'hommes et de femmes parisiens. L'exposition propose un voyage chronologique et thématique dans le Paris de la belle époque vu à travers l'objectif des frères Séeberger, qui ont su capter mieux que quiconque l'atmosphère de la capitale à la veille de la Première Guerre mondiale.

Concours de photographie amateur
Au début du XXe siècle, les appareils photo deviennent de plus en plus faciles à utiliser et la photographie commence à attirer un nombre croissant d'amateurs. La mairie de Paris réagit en organisant des concours de photographie documentaire amateur qui se terminent par une exposition. Entre 1904 et 1907, quatre concours sont organisés et les frères Séeberger participent à chacun d'entre eux. Les thèmes sont définis par la ville et portent sur des lieux historiques ou menacés de modification, voire de disparition, comme le jardin du Luxembourg, le jardin des Plantes, les bords de Seine, le Montmartre historique, les grands hôtels du Marais ou la Bièvre. Les photos envoyées ont été évaluées par un jury et exposées au Petit Palais. Les lauréats reçoivent une médaille et la mairie acquiert les photographies primées pour la collection du musée Carnavalet. Ces quatre expositions offrent aux frères Séeberger l'occasion de faire connaître leur travail et lancent leur carrière, qui se concentre ensuite sur les cartes postales et les photographies de femmes joliment vêtues dans la rue.

Tirages grand format
Les frères se distinguent des autres photographes en réalisant des tirages de grand format et en agrémentant leurs paysages urbains de figures humaines. Bien que les longs temps de pose aient obligé à mettre en scène la plupart de ces images, les postures de ces figures humaines donnent l'impression que les images ont été prises spontanément, et les photos font immédiatement penser à des instantanés. Ces qualités sont encore frappantes aujourd'hui, surtout si l'on se souvient que les agrandissements étaient rares à l'époque et que les frères travaillaient avec des plaques de verre de 13 x 18 cm et même de 18 x 24 cm.

Une découverte remarquable
Le musée Carnavalet possède une collection exceptionnelle de 423 tirages, tous issus des quatre concours de photographie, et il est le seul musée à posséder des tirages grand format de ces photos des frères Séeberger. En 2017, le musée a fait une découverte remarquable : en préparant le déménagement de toutes les collections pour permettre des travaux de rénovation, cinquante tirages grand format sur carton gris de Jules Séeberger ont été retrouvés dans le grenier. Elles avaient été réalisées pour la deuxième exposition (sur le vieux Montmartre, les jardins privés et la Bièvre). Seize de ces estampes redécouvertes seront exposées à l'Huis Marseille. Cette découverte récente est à la base d'une nouvelle recherche qui réévalue les estampes des frères Séeberger, réalisées il y a 120 ans, à la lumière de l'époque et du contexte dans lequel elles ont été réalisées.

Huis Marseille, Museo della Fotografia (Amsterdam) esporrà una selezione di 72 stampe originali di grande formato dei fratelli Séeberger, fotografi amatoriali francesi di successo, nella mostra Revoir Paris. Parigi attraverso l'obiettivo dei fratelli Séeberger (1900-1907). Le foto dei fratelli sono state realizzate nel corso di quattro concorsi fotografici organizzati dalla città di Parigi all'inizio del XX secolo e sono oggi conservate al Musée Carnavalet, il museo della storia di Parigi. Rappresentano una prima forma di fotografia di strada e non sono mai state esposte su questa scala. Delle 72 stampe esposte a Huis Marseille, sedici sono state riscoperte nel 2017 nella soffitta del museo parigino.

Viaggio nella Parigi della belle époque
I fratelli Séeberger erano Jules (1872-1932) e i suoi due fratelli minori, Henri (1876-1956) e Louis (1874-1946). Le loro foto mostrano i luoghi più iconici della città, come Montmartre, ma anche luoghi meno conosciuti, come il fiume Bièvre. Ogni luogo è animato dalla presenza di uomini e donne parigini. La mostra offre un viaggio cronologico e tematico nella Parigi della belle époque vista attraverso l'obiettivo dei fratelli Séeberger, che hanno catturato meglio di chiunque altro l'atmosfera della capitale alla vigilia della Prima Guerra Mondiale.

I concorsi fotografici amatoriali
All'inizio del XX secolo le macchine fotografiche diventavano sempre più facili da usare e la fotografia cominciava ad attirare un numero crescente di appassionati. Il Comune di Parigi rispose organizzando concorsi amatoriali di fotografia documentaria che culminavano in una mostra. Tra il 1904 e il 1907 furono indetti quattro concorsi di questo tipo e i fratelli Séeberger parteciparono a tutti e quattro. La città specificò i temi, concentrandosi su luoghi storici o minacciati di cambiamento o addirittura di scomparsa, come il Jardin du Luxembourg, il Jardin des Plantes, le rive della Senna, la storica Montmartre, i grand hôtels (palazzi privati) del Marais e la Bièvre. Le foto inviate sono state valutate da una giuria ed esposte al Petit Palais. I vincitori ricevevano una medaglia e il Comune acquisiva le fotografie vincitrici per la collezione del Musée Carnavalet. Queste quattro esposizioni offrirono ai fratelli Séeberger l'opportunità di far conoscere il loro lavoro e diedero il via alla loro carriera, che in seguito si concentrò su cartoline e fotografie di donne ben vestite per strada.

Stampe di grande formato
I fratelli si distinsero dagli altri fotografi stampando in grande formato e animando i loro paesaggi urbani con figure umane. Sebbene i lunghi tempi di esposizione rendessero necessaria la messa in scena della maggior parte di queste immagini, le posture di queste figure umane danno l'impressione che le immagini siano state catturate spontaneamente e le foto fanno immediatamente pensare alle istantanee. Queste qualità colpiscono ancora oggi, soprattutto se ricordiamo che all'epoca gli ingrandimenti erano rari e che i fratelli lavoravano con lastre di vetro di 13 x 18 cm e addirittura 18 x 24 cm.

Una scoperta straordinaria
Il Musée Carnavalet possiede una collezione eccezionale di 423 stampe, tutte partecipanti ai quattro concorsi fotografici, ed è l'unico museo a possedere stampe di grande formato di queste foto dei fratelli Séeberger. Nel 2017 il museo ha fatto una scoperta straordinaria: durante i preparativi per lo spostamento di tutte le collezioni per consentire i lavori di ristrutturazione, sono state ritrovate in soffitta cinquanta stampe di grande formato su cartone grigio di Jules Séeberger. Erano state realizzate per la seconda mostra (sulla vecchia Montmartre, sui giardini privati e sulla Bièvre). Sedici di queste stampe ritrovate saranno esposte all'Huis Marseille. Questo recente ritrovamento ha costituito la base di una nuova ricerca che rivaluta le stampe dei fratelli Séeberger, realizzate 120 anni fa, alla luce dell'epoca e del contesto in cui furono realizzate.

Huis Marseille, Museum for Photography (Amsterdam) will be showing a selection of 72 original, large-format prints by the Séeberger brothers, successful French amateur photographers, in the exhibition Revoir Paris. Paris through the lens of the Séeberger brothers (1900-1907). The brothers’ photos were made in the course of four photographic competitions organised by the city of Paris in the early 20th century, and are now held by Musée Carnavalet, the museum of the history of Paris itself. They represent an early form of street photography, and have never been exhibited on this scale before. Of the 72 prints on show in Huis Marseille, sixteen were rediscovered in 2017 in the attic of the Paris museum.

Travel through the Paris of the belle époque
The Séeberger brothers were Jules (1872-1932) and his two younger brothers, Henri (1876-1956) and Louis (1874-1946). Their photos show the city’s most iconic locations, such as Montmartre, but also less well-known spots, like the Bièvre river. Every location is enlivened by the presence of Parisian men and women. The exhibition offers a chronological and thematic journey through the Paris of the belle époque as seen through the lens of the Séeberger brothers – who captured, better than anyone, the atmosphere of the capital on the eve of the First World War.

Amateur photography competitions
At the beginning of the 20th century cameras were becoming increasingly user-friendly, and photography began to attract a growing number of enthusiasts. The Paris city council responded by organising amateur documentary photography competitions which culminated in an exhibition. Between 1904 and 1907 four such competitions were held, and the Séeberger brothers took part in all four. The city specified the themes, focusing on historic locations or sites threatened by change or even disappearance, such as the Jardin du Luxembourg, the Jardin des Plantes, the banks of the Seine, the historic Montmartre, the grand hôtels (private mansions) in the Marais district, and the Bièvre. The photos sent in were judged by a jury and exhibited in the Petit Palais. The winners received a medal and the city council acquired the winning photographs for the Musée Carnavalet collection. These four exhibitions offered the Séeberger brothers an opportunity for their work to be noticed, and it launched their career, which later concentrated on postcards and photographs of beautifully-dressed women in the street.

Large-format prints
The brothers distinguished themselves from other photographers by printing in large format and by enlivening their urban landscapes with human figures. Although lengthy exposure times meant that most of these images had to be staged, the postures of these human figures gives the impression that the images were spontaneously captured, and the photos immediately make one think of snapshots. These qualities are still striking today, especially when we remember that enlargements were rare at the time and that the brothers worked with 13 x 18 cm and even 18 x 24 cm glass plates.

A remarkable discovery
Musée Carnavalet possesses an exceptional collection of 423 prints, all of which had been part of the four photography competitions, and it is the only museum that holds large-format prints of these photos by the Séeberger brothers. In 2017 the museum made a remarkable discovery: while preparing to move all the collections so that renovation work could be carried out, fifty large-format prints on grey cardboard by Jules Séeberger were found in the attic. They had been made for the second exhibition (on old Montmartre, private gardens, and the Bièvre). Sixteen of these rediscovered prints will be on display in Huis Marseille. This recent find formed the basis of new research which reevaluates the Séeberger brothers’ prints, made 120 years ago, in the light of the time and context in which they were made.

Revoir Paris. Parijs door de lens van de gebroeders Séeberger (1900-1907) toont een selectie van 72 originele afdrukken op groot formaat van de succesvolle Franse amateurfotografen de gebroeders Séeberger (Séeberger frères). De foto’s werden gemaakt ter gelegenheid van de vier fotografiewedstrijden die begin 20ste eeuw werden georganiseerd door de stad Parijs en zijn afkomstig uit het Musée Carnavalet – het museum van de geschiedenis van Parijs. Ze laten een vroege vorm van straatfotografie zien en zijn niet eerder in deze omvang tentoongesteld geweest. Zestien afdrukken die naar Huis Marseille afreizen, werden in 2017 herontdekt op de zolder van het Parijse museum.

Reis door het Parijs van de belle époque
De gebroeders Séeberger waren Jules (1872-1932) en zijn twee jongere broers Henri (1876-1956) en Louis (1874-1946). De foto’s tonen iconische locaties in Parijs, zoals Montmartre, maar ook minder bekende plekken, zoals de rivier de Bièvre. Elke locatie wordt steevast tot leven gewekt door de aanwezigheid van Parijzenaars en Parisiennes. De tentoonstelling biedt een chronologisch-thematische reis door het Parijs van de belle époque, gezien door de lens van de gebroeders Séeberger. Als geen ander wisten zij de sfeer van de stad aan de vooravond van de Eerste Wereldoorlog in beeld te vangen.

Amateurfotografiewedstrijden
Aan het begin van de 20ste eeuw werden camera’s steeds gebruiksvriendelijker en trok fotograferen een groeiend aantal liefhebbers. Het stadsbestuur van Parijs haakte daarop in door amateurfotografiewedstrijden voor documentaire fotografie te organiseren die uitmondden in een tentoonstelling. Tussen 1904 en 1907 werd vier keer zo’n wedstrijd georganiseerd, en de gebroeders Séeberger namen deel aan alle vier de edities. Het stadsbestuur droeg de thema’s voor de wedstrijden aan, waarbij het ging om historische locaties of plekken die dreigden te veranderen of zelfs uit het straatbeeld te verdwijnen, zoals de Jardin du Luxembourg, de Jardin des Plantes, de oevers van de Seine, het oude Montmartre, de herenhuizen (‘hôtels’) in de Marais en de rivier de Bièvre. De ingezonden foto’s werden beoordeeld door een jury en tentoongesteld in het Petit Palais. De winnaars ontvingen een medaille en de gemeente nam de winnende foto’s op in de collectie van het Musée Carnavalet. De tentoonstellingen boden de gebroeders Séeberger de kans om op te vallen en vormden het begin van hun carrière waarin ze zich later gingen toeleggen op ansichtkaarten en het fotograferen van mooi geklede dames op straat.

Afdrukken op groot formaat
De broers onderscheidden zich van andere amateurfotografen door afdrukken op groot formaat aan te bieden en hun stadslandschappen te verlevendigen met figuranten. Hoewel de meeste beelden vanwege de lange belichtingstijd in scène zijn gezet, wekken de houdingen van de figuranten de indruk dat ze spontaan zijn vastgelegd en doen de foto’s onwillekeurig aan een snapshot denken. Het zijn kwaliteiten die vandaag de dag nog steeds opvallen, vooral als we bijvoorbeeld weten dat vergrotingen destijds bijvoorbeeld nog zeldzaam waren en dat ze werkten met 13 x 18 cm of zelfs 18 x 24 cm glasplaten.

Opvallende ontdekking
Het Musée Carnavalet bezit een uitzonderlijke verzameling van 423 afdrukken die werden ingezonden voor de vier fotografiewedstrijden en is het enige museum dat over grootformaatafdrukken van deze foto’s van de broers Séeberger beschikt. In 2017 deed het museum een opvallende ontdekking: tijdens de voorbereiding van de verhuizing van alle collecties voor renovatiewerkzaamheden werden op de museumzolder per toeval 50 grote afdrukken van Jules Séeberger op grijs karton aangetroffen die waren gemaakt voor de tweede tentoonstelling (over het oude Montmartre, privétuinen en de Bièvre). Van deze herontdekte afdrukken worden er zestien in Huis Marseille getoond. De recente vondst vormde de aanleiding voor nieuw onderzoek, waardoor we de afdrukken die 120 jaar geleden door de gebroeders Séeberger zijn gemaakt, vandaag de dag opnieuw kunnen waarderen, in het licht van de tijd en de context waarin ze werden gemaakt.

(Text: Huis Marseille, Amsterdam)

CAMERA WORK | Berlin
15. Februar – 29. März 2025

I’m Not Here
Steve Schapiro

Die Ausstellung findet im Rahmen des European Month of Photography statt.

I’m Not Here widmet sich vor diesem Hintergrund dem beeindruckenden Leben Steve Schapiros – von seiner Arbeit als Fotojournalist bis hin zu seinen ikonischen Filmset-Fotografien, die unvergessliche Momente der Filmgeschichte an berühmten Filmsets wie The Godfather, Taxi Driver, Apocalypse Now und Rocky dokumentieren. Seine Porträts bedeutender Persönlichkeiten der Popkultur wie Andy Warhol, David Bowie, Muhammad Ali und Barbra Streisand sowie der Protagonisten der Bürgerrechtsbewegung reflektieren die Auseinandersetzung Schapiros mit Selbstbestimmung und Gerechtigkeit in der Gesellschaft. So begleitete Steve Schapiro fotografisch unter anderem die Selma-Märsche 1965, den Präsidentschaftswahlkampf von Robert F. Kennedy 1968 und zuletzt auch die 2013 gegründete »Black Lives Matter«-Bewegung.

Dans ce contexte, I'm Not Here est consacré à la vie impressionnante de Steve Schapiro - de son travail de photojournaliste à ses photographies de plateau de tournage iconiques, qui documentent des moments inoubliables de l'histoire du cinéma sur des plateaux de tournage célèbres comme Le Parrain, Taxi Driver, Apocalypse Now et Rocky. Ses portraits de personnalités importantes de la culture pop comme Andy Warhol, David Bowie, Muhammad Ali et Barbra Streisand, ainsi que des protagonistes du mouvement des droits civiques, reflètent la réflexion de Schapiro sur l'autodétermination et la justice dans la société. Steve Schapiro a ainsi accompagné par la photographie, entre autres, les marches de Selma en 1965, la campagne présidentielle de Robert F. Kennedy en 1968 et, plus récemment, le mouvement « Black Lives Matter » fondé en 2013.

In questo contesto, I'm Not Here è dedicato all'impressionante vita di Steve Schapiro, dal suo lavoro di fotoreporter alle sue iconiche fotografie di set cinematografici, che documentano momenti indimenticabili della storia del cinema su celebri set come Il Padrino, Taxi Driver, Apocalypse Now e Rocky. I suoi ritratti di importanti personalità della cultura pop come Andy Warhol, David Bowie, Muhammad Ali e Barbra Streisand, nonché di protagonisti del movimento per i diritti civili, riflettono l'esame di Schapiro sull'autodeterminazione e la giustizia nella società. Ad esempio, Steve Schapiro ha fotografato le marce di Selma nel 1965, la campagna elettorale per le presidenziali di Robert F. Kennedy nel 1968 e, più recentemente, il movimento Black Lives Matter fondato nel 2013.

Against this backdrop, I'm Not Here is dedicated to Steve Schapiro's impressive life — from his work as a photojournalist to his iconic film set photographs, which document unforgettable moments in film history on the sets of famous films such as The Godfather, Taxi Driver, Apocalypse Now, and Rocky. His portraits of important pop culture personalities such as Andy Warhol, David Bowie, Muhammad Ali, and Barbra Streisand as well as protagonists of the Civil Rights Movement reflect Schapiro's examination of self-determination and justice in society. For example, Steve Schapiro photographed the Selma marches in 1965, Robert F. Kennedy's presidential election campaign in 1968 and, most recently, the Black Lives Matter movement founded in 2013.

(Text: CAMERA WORK, Berlin)

CRP/ Centre régional de la photographie Hauts-de-France | Douchy-les-Mines
15. Februar – 18. Mai 2025

Singing Photographer
Arlene Gottfried

New York war in den 70er und 90er Jahren Schauplatz einer unwiderstehlichen sozialen Vielfalt, die eine Galerie von Menschen zeigte, von denen einer exzentrischer war als der andere.

Die Armut war neben dem Schmerz, den sie verursachte, im Gegensatz dazu die treibende Kraft hinter einem unersättlichen Lebenshunger und der Improvisation von kleinen Glücksmomenten im städtischen Raum: ein improvisiertes Barbecue auf dem Bürgersteig, ein Fernseher, der an eine Straßenlaterne angeschlossen und auf der Motorhaube eines Autos installiert wurde, ein Nachmittag am Strand.

Arlene Gottfried wuchs in den Arbeitervierteln von Brooklyn auf, zuerst auf Coney Island und dann in dem lateinamerikanischen und afroamerikanischen Barrio Crown Heights. Sie war schon als Kind mit dieser Realität konfrontiert und wandte sich spontan an ihre Nachbarn, als sie von ihrem Vater ihre erste Kamera bekam.

Obwohl sie sich zunächst für die Fotografie entschied, weil sie „nicht still in einem Klassenzimmer sitzen konnte“, machte Arlene Gottfried daraus bald eine Vollzeitbeschäftigung. Um ihren Lebensunterhalt zu verdienen, arbeitet sie in einer Werbeagentur.

Den Rest der Zeit reiste sie mit einer Kamera um den Hals durch die Metropole und dokumentierte, was sie bewegte: die Figuren ihrer Gemeinschaft, denen sie täglich begegnete, ihre Freunde, die Clubs, die provokative Extravaganz, die der Welle der AIDS-Angst vorausging, und die Gospelmusik, die sie bald mit der gleichen Inbrunst praktizierte wie die Fotografie.

Arlene Gottfrieds Wohlwollen lässt sich an den Blicken ablesen, die Bild für Bild auf sie gerichtet sind. „Alle waren so entspannt bei dem Gedanken, fotografiert zu werden“, erklärte die Fotografin. Oft waren sie es sogar, die sie um ein Foto baten, wie dieser muskulöse Nudist, der mit aufgepumptem Bizeps neben einem orthodoxen Juden posiert, der von Kopf bis Fuß bedeckt ist. „Meistens ist es so, du gehst raus und der Rest ist eine Überraschung. Wenn Dinge passieren, die nicht geplant sind, ist das die Magie der Fotografie.“

Jede Scheibe dieses Porträts von New York ist eine Geschichte, eine intime Erinnerung an Arlene Gottfried, an die Menschen, denen sie begegnet ist, und an die Orte, die sie geliebt hat. Es steht jedem frei, sie mit der Nostalgie einer vergangenen Zeit zu betrachten oder sie wie historische Dokumente zu studieren. Trotz ihrer Verankerung in einer bestimmten Epoche bleiben die Bilder zeitlos, weil sie mit Humor und Zärtlichkeit aufgeladen sind. Eine altruistische Ode, die in Bildern gesungen wird.

New York, dans les années 70-90, était le théâtre d’une irrésistible diversité sociale, exhibant une galerie de personnes plus excentriques les unes que les autres.

La pauvreté, à côté de la douleur qu’elle générait, était en contraste le moteur d’une intarissable soif de vie, d’improvisation de petits bonheurs dans l’espace urbain : un barbecue improvisé sur un trottoir, un poste de télévision branché sur un lampadaire public et installé sur le capot d’une voiture, une après-midi à la plage.

Ayant grandi dans les quartiers populaires de Brooklyn, d’abord à Coney Island puis dans le barrio latino et afro-américain de Crown Heights, Arlene Gottfried côtoie cette réalité depuis l’enfance et se tourne spontanément vers ses voisins lorsqu’elle reçoit de son père son premier appareil photo.

Si elle a d’abord choisi la photographie parce qu’elle « ne pouvait pas rester immobile dans une salle de classe », Arlene Gottfried en a rapidement fait une activité à plein temps. Pour gagner sa vie, elle travaille dans une agence de publicité.

Le reste du temps, elle sillonne la métropole, un appareil autour du cou, et documente ce qui la touche : les figures de sa communauté, qu’elle croise tous les jours, ses amis, les clubs, l’extravagance provocatrice qui a précédé la vague de peur du Sida, et le gospel, qu’elle va vite pratiquer avec autant de ferveur que la photographie.

La bienveillance d’Arlene Gottfried se lit dans les regards qui se succèdent, image après image. « Tout le monde était tellement détendu à l’idée d’être photographié », expliquait la photographe. Souvent même, ce sont eux qui la sollicitaient, comme ce nudiste musclé qui pose, les biceps gonflés, à côté d’un juif orthodoxe couvert de la tête aux pieds. « La plupart du temps c’est comme ça, tu sors, et le reste est une surprise. Quand les choses se passent sans que cela ne soit prévu, c’est la magie de la photographie. »

Chaque tranche de ce portrait de New York est une histoire, un souvenir intime d’Arlene Gottfried, des gens qu’elle a rencontrés et des lieux qu’elle a aimés. Libre à chacun de les regarder avec la nostalgie d’un temps révolu ou de les étudier comme des documents historiques. Malgré leur ancrage dans une époque, ces clichés restent atemporels, chargés qu’ils sont d’humour et de tendresse. Une ode altruiste chantée en images.

Tra gli anni '70 e '90, New York è stata teatro di un'irresistibile diversità sociale, mostrando una galleria di persone, una più eccentrica dell'altra.

La povertà, insieme al dolore che generava, era al contrario il motore di un'inestinguibile sete di vita, l'improvvisazione di piccoli piaceri nello spazio urbano: un barbecue improvvisato su un marciapiede, un televisore collegato a un lampione e installato sul cofano di un'auto, un pomeriggio in spiaggia.

Cresciuta nei quartieri popolari di Brooklyn, prima a Coney Island e poi nel barrio latino e afroamericano di Crown Heights, Arlene Gottfried è stata vicina a questa realtà fin dall'infanzia, rivolgendosi spontaneamente ai vicini di casa quando ha ricevuto dal padre la sua prima macchina fotografica.

Sebbene inizialmente abbia scelto la fotografia perché “non riusciva a stare ferma in un'aula”, Arlene Gottfried l'ha presto trasformata in un'attività a tempo pieno. Per guadagnarsi da vivere, lavora in un'agenzia pubblicitaria.

Per il resto, attraversa la metropoli con la macchina fotografica al collo, documentando ciò che la tocca: i personaggi della sua comunità, che incontra ogni giorno, i suoi amici, i locali, le stravaganze provocatorie che hanno preceduto l'ondata di allarme Aids, e la musica gospel, che ben presto ha intrapreso con lo stesso fervore della fotografia.

La benevolenza di Arlene Gottfried si legge negli sguardi delle persone, immagine dopo immagine. “Tutti erano così rilassati all'idea di essere fotografati”, spiega la fotografa. Spesso erano loro stessi a chiederle di farlo, come il nudista muscoloso in posa, con i bicipiti sporgenti, accanto a un ebreo ortodosso coperto dalla testa ai piedi. “La maggior parte delle volte è così, esci e il resto è una sorpresa. Quando le cose accadono inaspettatamente, questa è la magia della fotografia”.

Ogni fetta di questo ritratto di New York è una storia, un ricordo intimo di Arlene Gottfried, delle persone che ha incontrato e dei luoghi che ha amato. Siamo liberi di guardarle con la nostalgia di un'epoca passata o di studiarle come documenti storici. Pur essendo radicate in un'epoca, queste fotografie rimangono senza tempo, cariche di umorismo e tenerezza. Un'ode altruistica cantata per immagini.

New York, in the 70s to 90s, was the scene of an irresistible social diversity, exhibiting a gallery of people, each one more eccentric than the last.

Poverty, in addition to the pain it generated, was in contrast the driving force behind an inexhaustible thirst for life, for improvising little moments of happiness in the urban space: an impromptu barbecue on a pavement, a television set plugged into a public lamp post and set up on the bonnet of a car, an afternoon at the beach.

Having grown up in the working-class neighbourhoods of Brooklyn, first in Coney Island and then in the Latino and African-American barrio of Crown Heights, Arlene Gottfried has been familiar with this reality since childhood and spontaneously turned to her neighbours when she received her first camera from her father.

Although she initially chose photography because she ‘couldn't sit still in a classroom,’ Arlene Gottfried quickly turned it into a full-time activity. She worked in an advertising agency to earn a living.

The rest of the time, she criss-crosses the city, camera around her neck, and documents what moves her: the faces of her community, whom she meets every day, her friends, the clubs, the provocative extravagance that preceded the wave of fear of AIDS, and gospel, which she quickly practises with as much fervour as photography.

Arlene Gottfried's benevolence can be seen in the succession of looks, image after image. ‘Everyone was so relaxed about being photographed,’ the photographer explained. Often, they would even ask her to take their photo, like the muscular nudist posing with bulging biceps next to an Orthodox Jew covered from head to toe. ‘Most of the time it is like that, you go out, and the rest is a surprise. When things happen unexpectedly, that's the magic of photography."

Each slice of this portrait of New York is a story, an intimate memory of Arlene Gottfried, of the people she met and the places she loved. It is up to each individual to look at them with the nostalgia of a bygone era or to study them as historical documents. Despite their anchoring in a particular era, these photographs remain timeless, charged as they are with humour and tenderness. An altruistic ode sung in images.

(Text: Laurence Cornet, Commissaire de l’exposition)

MASI Lugano
16. Februar – 20. Juli 2025

Many Moons
Louisa Gagliardi

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Schweiz) ist heute eine der interessantesten Stimmen in der zeitgenössischen Kunstszene der Schweiz. In ihren Arbeiten, in denen sich traditionelle Maltechniken mit digitaler Technologie verbinden, untersucht sie Themen wie die Identität, den sozialen Wandel und die Beziehung zwischen dem Individuum und seinem Umfeld. In ihrer Einzelausstellung im MASI Lugano, der ersten in einem Schweizer Museum, stellt sie eine Serie mit neuen Werken – Malerei und Skulpturen – in einem in einem für das Untergeschoss des LAC maßgeschneiderten Parcours vor.

Kuratiert von Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Suisse) s'est imposée comme l'une des artistes les plus intéressantes de la scène suisse contemporaine. Dans ses œuvres, où elle combine les techniques de peinture traditionnelles et la technologie numérique, elle explore des thèmes tels que l'identité, les transformations sociales et la relation entre l'individu et son environnement. Pour son exposition personnelle au MASI Lugano - la première dans un musée suisse - l'artiste présente une série de nouvelles productions, peintures et sculptures, dans un parcours taillé sur mesure pour l'espace en sous-sol du LAC.

Sous la direction de Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Svizzera) si è affermata come una delle voci più interessanti della scena svizzera contemporanea. Nei suoi lavori, in cui unisce tecniche pittoriche tradizionali e tecnologia digitale, esplora temi come l’identità, le trasformazioni sociali e il rapporto tra l’individuo e il suo ambiente. Per la sua personale al MASI – la prima in un museo svizzero – l’artista presenta una serie di nuove produzioni, dipinti e sculture in un percorso sviluppato su misura per lo spazio ipogeo del LAC.

A cura di Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Switzerland) has established herself as one of the most interesting voices on the Swiss contemporary art scene. In her works, which combine traditional painting techniques and digital technology, she explores themes such as identity, how society is changing, and the relationship between the individual and their environment. For her solo exhibition at MASI Lugano – the first in a Swiss museum – the artist will be showing a series of new works, paintings and sculptures in a site-specific presentation designed for the LAC's lower ground floor.

Curated by Francesca Benini

(Text: MASI Lugano)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
16. Februar – 21. April 2025

Janis Polar - Antarctic Archives

In Antarctic Archives untersucht Janis Polar, wie die Antarktis als „letzte unberührte Naturgrenze“ konstruiert wird – um dann mit diesem Bild zu brechen. Seine Arbeit hinterfragt die Gewalt der Entdeckung sowie geopolitische, ökologische und koloniale Erzählungen, die diesen Kontinenten  prägen. Dabei beleuchtet er die Rolle technologischer und kultureller Konstruktionen sowie die Macht von Bildern in der Wahrnehmung von Naturräumen. Antarctic Archives experimentiert mit verstrickten Zwischenräumen, Lücken und Ambivalenzen der Geschichts-, Gegenwarts- und Zukunftsschreibung künstlerisch und fragt: Wofür vermessen wir die Welt eigentlich noch?

Die Arbeit setzt sich kulturwissenschaftlich und audiovisuell intensiv mit Mehrfachrollen der Antarktis auseinander: als Forschungsobjekt, als politischer Raum, als Lebensgrundlage für das Nicht-Menschliche und Menschliche. Janis Polar reflektiert, wie wissenschaftliche Technologien genutzt wurden, um die für Menschen verborgene Welt unter dem Eis sichtbar zu machen – und wie diese Entdeckungen oft ambivalent bleiben oder zugleich koloniale und geopolitische Interessen wecken können. Dabei thematisiert er auch, wie Menschen und Nationen durch ihre  technischen Errungenschaften nicht nur ‘Natur’ kartieren, sondern auch manipulieren und instrumentalisieren.

Gleichzeitig spürt Janis Polar der Frage nach, wie das Narrativ der Antarktis als „unberührtes“ Terrain, als gefrorene Wüste, auch die tatsächlichen Machtkämpfe um diese Region verschleiern können. Seine Arbeit legt offen, wie Vorstellungen und Bilder von Eigentum, Kontrolle und Entdeckung die Wahrnehmung der Antarktis prägen und damit auch unsere Beziehung zur natürlichen Welt unterschiedlich beeinflussen.

Die Ausstellung kombiniert Janis Polars eigenes Filmmaterial, wissenschaftliche Bilder und , Archivmaterial sowie immersive Klanglandschaften, die in Zusammenarbeit mit dem Taonga Puoro Māori-Komponisten Jerome Kavanagh Poutama entstanden sind. Diese auditive Ebene gibt der Antarktis nochmals eine andere „Stimme“ und lädt das Publikum ein, die Region nicht nur als leere Landschaft, sondern als aktiven Akteur in globalen Narrativen wahrzunehmen.

Dans Antarctic Archives, Janis Polar examine comment l’Antarctique est construit comme « dernière frontière naturelle intacte » – pour ensuite rompre avec cette image. Son travail interroge la violence de la découverte ainsi que les récits géopolitiques, écologiques et coloniaux qui façonnent ce continent. Ce faisant, il met en lumière le rôle des constructions technologiques et culturelles ainsi que le pouvoir des images dans la perception des espaces naturels. Antarctic Archives expérimente artistiquement les interstices enchevêtrés, les lacunes et les ambivalences de l’écriture de l’histoire, du présent et de l’avenir, et pose la question suivante : pourquoi mesurons-nous encore le monde ?

Le travail aborde de manière intensive, sur le plan culturel et audiovisuel, les rôles multiples de l’Antarctique : comme objet de recherche, comme espace politique, comme base vitale pour le non-humain et l’humain. Janis Polar réfléchit à la manière dont les technologies scientifiques ont été utilisées pour rendre visible le monde caché à l’homme sous la glace – et comment ces découvertes restent souvent ambivalentes ou peuvent éveiller des intérêts coloniaux et géopolitiques. Ce faisant, il aborde également la manière dont les hommes et les nations, grâce à leurs acquisitions techniques, ne se contentent pas de cartographier la ‘nature’, mais la manipulent et l’instrumentalisent.

Parallèlement, Janis Polar s’interroge sur la manière dont le récit de l’Antarctique comme territoire « vierge », comme désert gelé, peut également masquer les véritables luttes de pouvoir autour de cette région. Son travail révèle comment les idées et les images de propriété, de contrôle et de découverte façonnent la perception de l’Antarctique et influencent ainsi différemment notre relation au monde naturel.

L’exposition combine le propre matériel cinématographique de Janis Polar, des images scientifiques et des documents d’archives ainsi que des paysages sonores immersifs créés en collaboration avec le compositeur de Taonga Puoro Māori, Jerome Kavanagh Poutama. Cette couche auditive donne encore une fois une autre « voix » à l’Antarctique et invite le public à percevoir la région non seulement comme un paysage vide, mais aussi comme un acteur actif dans des récits globaux.

In Antarctic Archives, Janis Polar indaga come l'Antartide sia costruita come “l'ultimo confine naturale incontaminato” - per poi rompere con questa immagine. Il suo lavoro mette in discussione la violenza della scoperta e le narrazioni geopolitiche, ecologiche e coloniali che caratterizzano questi continenti. Nel fare ciò, mette in luce il ruolo delle costruzioni tecnologiche e culturali e il potere delle immagini nella percezione degli spazi naturali. Antarctic Archives sperimenta artisticamente con spazi intermedi intricati, lacune e ambivalenze della scrittura storica, presente e futura, e chiede: per cosa misuriamo ancora il mondo?

Il lavoro esplora intensamente i molteplici ruoli dell'Antartide dal punto di vista delle scienze culturali e audiovisive: come oggetto di ricerca, come spazio politico, come base di vita per il non umano e l'umano. Janis Polar riflette su come le tecnologie scientifiche siano state utilizzate per rendere visibile il mondo nascosto sotto il ghiaccio per gli esseri umani e su come queste scoperte rimangano spesso ambivalenti o possano risvegliare interessi coloniali e geopolitici allo stesso tempo. In questo contesto, affronta anche il tema di come le persone e le nazioni, attraverso le loro conquiste tecniche, non solo mappano la “natura”, ma la manipolano e la strumentalizzano.

Allo stesso tempo, Janis Polar indaga su come la narrativa dell'Antartide come territorio “incontaminato”, come deserto ghiacciato, possa anche mascherare le reali lotte di potere per questa regione. Il suo lavoro rivela come le idee e le immagini di proprietà, controllo e scoperta modellino la percezione dell'Antartide e quindi influenzino in modo diverso anche il nostro rapporto con il mondo naturale.

La mostra combina il materiale filmato di Janis Pola, immagini scientifiche e materiale d'archivio, nonché paesaggi sonori immersivi creati in collaborazione con il compositore taonga puoro māori Jerome Kavanagh Poutama. Questo livello uditivo dà all'Antartide un'altra “voce” e invita il pubblico a percepire la regione non solo come un paesaggio vuoto, ma come un attore attivo nelle narrazioni globali.

In Antarctic Archives, Janis Polar examines how Antarctica is constructed as the “last untouched natural frontier” – only to break with this image. His work questions the violence of discovery and the geopolitical, ecological and colonial narratives that characterise this continent. In doing so, he sheds light on the role of technological and cultural constructions and the power of images in the perception of natural spaces. Antarctic Archives experiments artistically with entangled interstices, gaps and ambivalences in the writing of history, the present and the future and asks: What are we still measuring the world for?

The work deals intensively with the multiple roles of Antarctica in cultural studies and audiovisually: as an object of research, as a political space, as the basis of life for the non-human and human. Janis Polar reflects on how scientific technologies have been used to make the world under the ice visible to humans – and how these discoveries often remain ambivalent or can simultaneously arouse colonial and geopolitical interests. In doing so, he also addresses how people and nations not only map ‘nature’ through their technical achievements but also manipulate and instrumentalise it.

At the same time, Janis Polar explores the question of how the narrative of Antarctica as an “untouched” terrain, as a frozen desert, can also conceal the actual power struggles over this region. His work reveals how ideas and images of ownership, control and discovery shape perceptions of Antarctica and thus influence our relationship to the natural world in different ways.

The exhibition combines Janis Polar’s own film footage, scientific images and archival material, as well as immersive soundscapes created in collaboration with Taonga Puoro Māori composer Jerome Kavanagh Poutama. This auditory layer gives Antarctica another “voice” and invites the audience to perceive the region not just as an empty landscape, but as an active player in global narratives.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
16. Februar – 21. April 2025

Cécile Monnier - turn around, turn around, turn around

Cécile Monnier befasst sich in ihrer Arbeit mit der Frage, wie menschliche Praktiken und persönliche Erinnerungen unsere Beziehung zur „Natur“ prägen.  Durch die Kombination von Fotografie und Installation sucht sie nach neuen Wegen, um das Lebendige* sehen zu lernen und unsere Beziehung zu ihm zu überdenken.

Die Ausstellung zeigt zwei Arbeiten, die Cécile Monniers persönliche und künstlerische Auseinandersetzung mit der Beziehung zwischen Mensch und Natur vertiefen. In „Tout est fichu comme un sandwich à la soupe“ beschäftigt sie sich mit der Praxis des Fliegenfischens – einer symbolischen Schnittstelle zwischen den Menschen und ihrer Umwelt. Sie interessiert sich dafür, wie die Angler diesen Lebensraum, den Fluss, pflegen und ihn gleichzeitig stören. Fotografien von handgefertigten künstlichen Fliegen (welche als Köder verwendet werden), kombiniert mit einer Videoinstallation, hinterfragen die Ästhetik und Ambivalenz einer Tätigkeit, die den Menschen mit einem Lebensraum und einem Ökosystem verbindet, aber auch die Machtverhältnisse und Abhängigkeiten zwischen ihnen offenbart.

In „turn around, turn around, turn around“, einer Langzeitarbeit, blickt Cécile auf ihre eigene Vergangenheit zurück. Die Installation, in der Bilder als fortlaufende Bänder von der Decke hängen, ist nicht nur eine visuelle Hommage an ihre Kindheit auf dem Land, sondern auch eine Reflexion darüber, wie unsere Erfahrungen unsere Beziehung zur Natur prägen. Auch hier sind die wechselseitigen Abhängigkeiten zwischen dem Menschen und dem, was er beobachtet, kultiviert oder züchtet, komplex. Cécile sieht in den Erinnerungen an das Landleben eine Verbindung zwischen individueller Verantwortung und der dringenden und universellen Notwendigkeit, unsere Beziehung zur Welt neu zu überdenken. Diese Arbeit dient als Prolog zu ihrem künstlerischen Ansatz, indem sie den Dialog zwischen der Vergangenheit und der Gegenwart sowie zwischen dem Menschen und anderen Lebewesen betont.

Le travail de Cécile Monnier interroge les modalités par lesquelles les pratiques humaines et les souvenirs personnels façonnent notre rapport à la « nature ».  En combinant photographie et installation, elle recherche de nouveaux moyens pour apprendre à voir le vivant*, repenser nos liens avec celui-ci.

L’exposition présente deux travaux qui approfondissent la réflexion personnelle et artistique de Cécile Monnier sur la relation entre l’homme et la nature. Dans « Tout est fichu comme un sandwich à la soupe », elle se penche sur la pratique de la pêche à la mouche – une interface symbolique entre les humains et leur environnement. Elle s’intéresse à la manière dont les pêcheurs prennent soin de cet habitat qu’est la rivière, en même temps qu’ils le perturbent. Des photographies de mouches artificielles fabriqués à la main, combinées à une installation vidéo, interrogent l’esthétique et l’ambivalence d’une activité qui relie l’homme à un habitat et un écosystème, mais qui révèle aussi les rapports de pouvoir et les dépendances qui s’établissent entre eux.

Dans turn around, turn around, turn around, travail au long cours, Cécile se tourne vers son propre passé. L’installation photographique, dans laquelle des images sont suspendues au plafond sous la forme de bandes continues, n’est pas seulement un hommage visuel à son enfance à la campagne, mais aussi une réflexion sur la manière dont notre vécu façonne notre rapport à la nature. Là encore les relations d’interdépendances entre l’homme et ce qu’il observe, cultive ou élève sont complexes. Cécile voit dans les souvenirs de la vie rurale un lien entre responsabilité individuelle et et la nécessitée urgente et universelle de re-considérer notre rapport au monde. Ce travail sert de prologue à sa démarche artistique en mettant l’accent sur le dialogue entre le passé et le présent ainsi qu’entre l’homme et les autres vivants.

Nel suo lavoro, Cécile Monnier si occupa di come le pratiche umane e i ricordi personali modellino il nostro rapporto con la “natura”.  Combinando fotografia e installazione, cerca nuovi modi per imparare a vedere il vivente* e a ripensare il nostro rapporto con esso.

La mostra presenta due opere che approfondiscono l'esplorazione personale e artistica di Cécile Monnier sul rapporto tra uomo e natura. In “Tout est fichu comme un sandwich à la soupe” si occupa della pratica della pesca a mosca, un'interfaccia simbolica tra l'uomo e il suo ambiente. È interessata a come i pescatori si prendono cura e allo stesso tempo disturbano questo habitat, il fiume. Le fotografie di mosche artificiali fatte a mano (che vengono utilizzate come esche), combinate con un'installazione video, mettono in discussione l'estetica e l'ambivalenza di un'attività che collega l'uomo a un habitat e a un ecosistema, ma rivelano anche i rapporti di potere e le dipendenze tra di loro.

In “turn around, turn around, turn around”, un lavoro a lungo termine, Cécile guarda al suo passato. L'installazione, in cui le immagini sono appese al soffitto come nastri continui, non è solo un omaggio visivo alla sua infanzia in campagna, ma anche una riflessione su come le nostre esperienze plasmano il nostro rapporto con la natura. Anche in questo caso, le interdipendenze tra l'uomo e ciò che osserva, coltiva o alleva sono complesse. Cécile vede nei ricordi della vita di campagna un legame tra la responsabilità individuale e la necessità urgente e universale di ripensare il nostro rapporto con il mondo. Questo lavoro funge da prologo al suo approccio artistico, sottolineando il dialogo tra passato e presente, nonché tra l'uomo e gli altri esseri viventi.

Cécile Monnier’s work questions the ways in which human practices and personal memories shape our relationship with ‘nature’.  By combining photography and installation, she is looking for new ways of learning to see living things* and rethinking our relationship with them.

The exhibition presents two works that explore Cécile Monnier’s personal and artistic reflections on the relationship between man and nature. In ‘Tout est fichu comme un sandwich à la soupe’, she looks at the practice of fly fishing – a symbolic interface between humans and their environment. She is interested in the way in which anglers care for the habitat that is the river, while at the same time disturbing it. Photographs of hand-made artificial flies, combined with a video installation, question the aesthetics and ambivalence of an activity that connects humans to a habitat and an ecosystem, but also reveals the power relationships and dependencies that are established between them.

In ‘turn around, turn around, turn around’, Cécile turns to her own past. The photographic installation, in which images are suspended from the ceiling in the form of continuous strips, is not only a visual tribute to her childhood in the countryside, but also a reflection on the way in which our experience shapes our relationship with nature. Here again, the interdependence between man and what he observes, cultivates or nurtures is complex. Cécile sees in the memories of rural life a link between individual responsibility and the urgent and universal need to re-consider our relationship with the world. This work serves as a prologue to her artistic approach, emphasising the dialogue between past and present, and between man and other living things.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Galleria Civica Cavour | Padova
22. Februar – 4. Mai 2025

Walter Rosenblum. Master of Photography

Walter Rosenblum ist eine wichtige Figur der Fotografie des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Diese Ausstellung soll seine außergewöhnliche, ausdrucksstarke Reise durch eine bedeutende Sammlung seiner alten Fotografien vervollständigen, von denen viele noch nie zuvor ausgestellt wurden. Sie bietet somit die Möglichkeit, das Werk dieses außergewöhnlichen Autors, eines der wichtigsten amerikanischen Fotografen des letzten Jahrhunderts, kennen zu lernen. In Italien wird sein Werk nach der großen Ausstellung in Padua im Jahr 1999 mit einer Ausstellung von über 110 alten Fotografien und Dokumentationen erneut gezeigt.

Walter Rosenblum (New York City, 1919-2006) war mehr als fünfzig Jahre lang als Fotograf tätig und trug wesentlich zur Verbreitung der Fotografie im 20. Im Alter von 18 Jahren trat er der Photo League bei, wo er Paul Strand, seinen Mentor und Freund, und andere bedeutende Fotografen wie Berenice Abbott und Lewis Hine kennenlernte.

Während des Zweiten Weltkriegs diente Rosenblum als Fotograf und Kameramann in der US-Armee und nahm an der Landung in der Normandie am Omaha Beach teil. Er war einer der ersten, der das Innere des Konzentrationslagers Dachau filmte. Rosenblum war einer der meist ausgezeichneten Fotografen des Zweiten Weltkriegs.

Rosenblum fotografierte einige der wichtigsten Ereignisse des 20. Jahrhunderts: die Erfahrungen der Einwanderer in der New Yorker Lower East Side, den Zweiten Weltkrieg, die Flüchtlinge des Spanischen Bürgerkriegs in Frankreich, das Leben in Harlem, der South Bronx und Haiti. Ereignisse, die alle in der Ausstellung dokumentiert werden.

Seine Karriere wurde durch eine intensive Lehrtätigkeit bereichert, und seine Fotografien sind in mehr als 40 internationalen Sammlungen zu finden, darunter das J. Paul Getty Museum, die Library of Congress, die Bibliothèque Nationale in Paris und das Museum of Modern Art in New York.

Seinen Fotografien gelingt es, die menschlichen Qualitäten von Stadtvierteln und ihren lebensbejahenden Bewohnern einzufangen, und sie spiegeln den sozialbewussten Ansatz wider, der die Grundlage seiner Karriere ist.

Der Kurator der Ausstellung, Angelo Maggi, schreibt: „Rosenblum ist es gelungen, mit seinen Aufnahmen die Authentizität der menschlichen Erfahrung einzufangen und uns allen eine Botschaft der Hoffnung und der Widerstandsfähigkeit zu vermitteln. Sein Werk ist daher nicht nur ein Zeugnis der Vergangenheit, sondern auch eine Quelle der Inspiration, die uns einlädt, die Welt mit neuen Augen zu sehen und das Licht in den dunkelsten Situationen zu erkennen. Das Werk des Fotografen ist breit gefächert und hat einen wichtigen Beitrag zur Geschichte der Fotografie geleistet, sowohl aufgrund seines Engagements und seiner theoretischen Relevanz als auch aufgrund der künstlerischen Qualität seiner Bilder“.

Andrea Colasio, Kulturstadtrat der Stadt Padua: „Wir freuen uns besonders, dass wir die zentrale und prestigeträchtige Galleria Civica Cavour und die organisatorische und kommunikative Unterstützung zur Verfügung stellen konnten, um Walter Rosenblum zu ehren, einen der größten Fotografen des 20. Jahrhunderts, der über fünfzig Jahre lang die wichtigsten Ereignisse des letzten Jahrhunderts dokumentiert hat. Die Ausstellung ist Teil des Projekts „30 Migno“, mit dem die Historische Fotogruppe ihr dreißigjähriges Bestehen feiert, das untrennbar mit der kompositorischen Meisterschaft des amerikanischen Fotografen und seinem humanistischen Ansatz verbunden ist, der sich an die einfachen Menschen, die Armen und die Letzten wendet. Im Laufe seines Lebens ist Rosenblum vielen bösen Menschen begegnet und hat die Grausamkeiten gekannt, zu denen sie fähig waren - er war bei der Befreiung des Konzentrationslagers Dachau dabei -, aber er hat immer daran geglaubt, dass in einer altruistischen Gesellschaft nur die besten Menschen gedeihen. Dank der Synergie mit dem Kulturunternehmen Suazes werden wir in der Ausstellung einhundertzwölf alte Fotografien zeigen - eine Zahl, die sie zur umfangreichsten Initiative macht, die jemals in Europa zu seinem Werk realisiert wurde - und eine Ausstellung, die die wichtigsten Erfahrungen des großen amerikanischen Fotografen und Akademikers berührt“.

Aufgrund seines immensen Erfahrungsschatzes und seiner langjährigen Beziehungen zu verschiedenen Kulturen war Rosenblums fotografische Vision davon geprägt, den Menschen als eine globale Gemeinschaft zu sehen, in der grundlegende Bedürfnisse, Werte und existenzielle Bestrebungen universell geteilt werden.

Rosenblum versuchte so, die Würde des Menschen zu betonen, wobei seine Motive nie nur Opfer waren, sondern ganzheitliche und komplexe Menschen, deren Menschlichkeit trotz widriger Umstände intakt bleibt.

Die Ausstellung in Padua wird es ermöglichen, alle wichtigen Erfahrungen des Werks dieses Autors zu vertiefen und der Öffentlichkeit ein Werk nahe zu bringen, das, obwohl es fest in seiner Zeit verwurzelt ist, weiterhin Kraft und Emotionen vermittelt.

Das Projekt wird von SUAZES in Zusammenarbeit mit dem Kulturamt der Stadt Padua und mit Unterstützung der Erben Lisa und Nina Rosenblum sowie der Vereinigung MIGNON anlässlich ihres fünfzigjährigen Bestehens durchgeführt. Die Ausstellung wird von Prof. Angelo Maggi von der Universität Iuav in Venedig kuratiert.

Hauptsponsor ist Insurance Opportunity S.r.l.

Das Projekt wird von einem Band von Prof. Angelo Maggi begleitet, der von SUAZES produziert und von Silvana editoriale veröffentlicht wird.

Walter Rosenblum est une figure importante de la photographie du XXe siècle. Cette exposition vise à compléter son extraordinaire parcours expressif à travers une importante collection de ses photographies anciennes, dont beaucoup n'ont jamais été exposées auparavant. Elle permettra ainsi de mieux connaître l'œuvre de cet auteur extraordinaire, l'un des photographes américains les plus importants du siècle dernier. En Italie, après la grande exposition de Padoue en 1999, son œuvre revient avec une exposition de plus de 110 photographies d'époque et de la documentation.

Walter Rosenblum (New York, 1919-2006) a exercé le métier de photographe pendant plus de cinquante ans, contribuant de manière significative à l'affirmation de la photographie au cours du XXe siècle. À l'âge de 18 ans, il rejoint la Photo League, où il rencontre Paul Strand, son mentor et ami, ainsi que d'autres photographes importants, dont Berenice Abbott et Lewis Hine.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Rosenblum a servi comme photographe et caméraman dans l'armée américaine et a participé au débarquement d'Omaha Beach en Normandie. Il a été l'un des premiers à filmer l'intérieur du camp de concentration de Dachau. Rosenblum est l'un des photographes les plus décorés de la Seconde Guerre mondiale.

Rosenblum a photographié certains des événements les plus importants du XXe siècle : l'expérience des immigrants dans le Lower East Side de New York, la Seconde Guerre mondiale, les réfugiés de la guerre civile espagnole en France, la vie à Harlem, le South Bronx et Haïti. Des événements qui seront tous documentés dans l'exposition.

Sa carrière a été enrichie par une intense activité d'enseignement, et ses photographies figurent dans plus de 40 collections internationales, dont le J. Paul Getty Museum, la Library of Congress, la Bibliothèque nationale de Paris et le Museum of Modern Art de New York.

Ses photographies parviennent à capturer les qualités humaines des quartiers et de leurs habitants, et reflètent l'approche socialement responsable qui est à la base de sa carrière.

Comme l'écrit Angelo Maggi, commissaire de l'exposition : « À travers ses clichés, Rosenblum a su saisir l'authenticité de l'expérience humaine, nous transmettant à tous un message d'espoir et de résilience. Son travail n'est donc pas seulement un témoignage du passé, mais continue d'être une source d'inspiration, nous invitant à voir le monde d'un œil nouveau et à saisir la lumière dans les situations les plus sombres. L'œuvre du photographe est vaste et a apporté une contribution importante à l'histoire de la photographie, tant pour son engagement et sa pertinence théorique que pour l'excellence artistique de ses images ».

Andrea Colasio, conseiller pour la culture de la municipalité de Padoue : « Nous sommes particulièrement heureux d'avoir mis à disposition la centrale et prestigieuse Galleria Civica Cavour et le soutien organisationnel et de communication pour rendre hommage à Walter Rosenblum, l'un des plus grands photographes du XXe siècle, qui a documenté pendant plus de cinquante ans les événements les plus significatifs du siècle dernier. L'exposition s'inscrit dans le cadre du projet « 30 Migno », conçu par le Groupe Photographique Historique pour célébrer trente années d'activité, indissociables tant de la maîtrise compositionnelle du photographe américain que de son approche humaniste, tournée vers les gens ordinaires, les pauvres et les laissés-pour-compte. Tout au long de sa vie, Rosenblum a rencontré de nombreuses personnes malveillantes et a connu les atrocités dont elles étaient capables - il a assisté à la libération du camp de concentration de Dachau - mais il a continué à croire que dans une société altruiste, seuls les meilleurs s'épanouissent. Grâce à la synergie avec l'entreprise culturelle Suazes, nous aurons cent douze photographies d'époque dans l'exposition - un nombre qui en fait l'initiative la plus vaste jamais réalisée sur son œuvre, en Europe -, et une exposition qui aborde les principales expériences du grand photographe et académicien américain ».

À partir de cette immense richesse d'expériences et d'une relation prolongée avec différentes cultures, la vision photographique de Rosenblum s'est caractérisée par l'observation de la condition humaine en tant que communauté mondiale dans laquelle les besoins fondamentaux, les valeurs et les aspirations existentielles sont universellement partagés.

Rosenblum a ainsi cherché à souligner la dignité de l'être humain, ses sujets n'étant jamais de simples victimes, mais des personnes intégrales et complexes dont l'humanité survit intacte malgré les circonstances défavorables.

L'exposition de Padoue permettra d'approfondir toutes les expériences principales de l'œuvre de cet auteur, en restituant au grand public une œuvre qui, bien qu'ancrée dans son époque, continue à transmettre force et émotions.

Le projet est réalisé par SUAZES, en collaboration avec la Municipalité - Département de la Culture de Padoue, avec le soutien des héritières Lisa et Nina Rosenblum et de l'association MIGNON à l'occasion de la célébration de son cinquantième anniversaire. L'exposition est organisée par le professeur Angelo Maggi de l'Université Iuav de Venise.

Le sponsor principal est Insurance Opportunity S.r.l.

Le projet sera accompagné d'un volume du professeur Angelo Maggi, produit par SUAZES et publié par Silvana editoriale.

Walter Rosenblum rappresenta una figura importante della fotografia del XX secolo. Questa mostra vuole dare completezza al suo straordinario percorso espressivo attraverso un’importante raccolta di sue fotografie vintage, molte delle quali mai esposte prima. Verrà così offerta l’opportunità di conoscere il lavoro di questo straordinario autore, uno dei più importanti fotografi americani del secolo scorso. In Italia, dopo la grande mostra del 1999 a Padova, ritorna il suo lavoro con un percorso di oltre 110 fotografie e documentazione d’epoca.

Walter Rosenblum (New York City, 1919-2006) ha esercitato la professione di fotografo per più di cinquant’anni contribuendo notevolmente all’affermazione della fotografia nel corso del ventesimo secolo. A 18 anni entrò a far parte della Photo League, dove conobbe Paul Strand, suo mentore e amico, altri significativi fotografi, tra i quali Berenice Abbott e Lewis Hine.

Durante la Seconda Guerra Mondiale, Rosenblum prestò servizio come fotografo e cineoperatore nell’esercito americano e partecipò allo sbarco in Normandia a Omaha Beach. Si trovò tra i primi a filmare l’interno del campo di concentramento di Dachau. Rosenblum è stato uno dei fotografi più decorati della Seconda Guerra Mondiale.

Rosenblum ha fotografato alcuni dei più significativi eventi del ventesimo secolo: l’esperienza degli immigrati nella Lower East Side di New York, la Seconda Guerra Mondiale, i rifugiati della guerra civile spagnola in Francia, la vita del quartiere di Harlem, del sud Bronx e di Haiti. Eventi che saranno tutti documentati all’interno del percorso espositivo.

La sua carriera è stata arricchita da un’intensa attività didattica, e le sue fotografie sono presenti in oltre 40 collezioni internazionali, incluso il J. Paul Getty Museum, la Library of Congress, la Bibliothèque Nationale di Parigi e il Museum of Modern Art di New York.

Le sue fotografie riescono ad immortalare le qualità umane dei quartieri e dei loro residenti che affermano la vita e riflettono l’approccio socialmente consapevole che è stato il fondamento della sua carriera.

Come scrive Angelo Maggi, curatore della mostra: “Attraverso i suoi scatti, Rosenblum ha saputo immortalare l’autenticità dell’esperienza umana, regalando a noi tutti un messaggio di speranza e resilienza. Il suo lavoro, quindi, non si limita a essere una testimonianza del passato, ma continua a essere una fonte di ispirazione, invitandoci a vedere il mondo con occhi nuovi e a cogliere la luce nelle situazioni più oscure. L’opera del fotografo è ampia e ha dato un contributo importante alla storia della fotografia sia per il suo impegno e rilevanza teorica, sia per l’eccellenza artistica delle immagini”.

Andrea Colasio, Assessore alla Cultura del Comune di Padova: “Siamo particolarmente lieti di aver messo a disposizione la centralissima e prestigiosa Galleria civica Cavour e il supporto organizzativo e di comunicazione, per rendere omaggio a Walter Rosenblum, uno dei maggiori fotografi del Novecento, che per oltre cinquant’anni ha documentato gli eventi più significativi del secolo scorso. La mostra rientra nel progetto “30 Migno”, ideato dallo storico Gruppo fotografico per celebrare i trent’anni di attività, indissolubilmente connessa sia al magistero compositivo del fotografo americano, sia al suo umanista, rivolto alle persone comuni, ai poveri, agli ultimi. Nel corso della sua vita, Rosenblum ha incontrato molte persone malvagie e conosciuto le atrocità che ero state capaci di compiere – era presente alla liberazione del campo di concentramento di Dachau – ma ha continuato a credere che entro una società altruista solo le persone migliori prosperino. Grazie alla sinergia con l’impresa culturale Suazes, in mostra avremo centododici fotografie vintage – un numero che rende l’iniziativa la più estesa mai realizzata sulla sua opera, in Europa -, e un percorso espositivo che tocca le principali esperienze del grande fotografo e accademico americano.”

Da quest’immensa ricchezza di esperienze e dal prolungato rapporto con le diverse culture, la visione fotografica di Rosenblum si è caratterizzata per essere testimone della condizione umana come di una comunità globale in cui i bisogni fondamentali, i valori e le aspirazioni esistenziali sono universalmente condivisi.

Rosenblum cercò così di sottolineare la dignità dell’essere umano, con i suoi soggetti mai semplici vittime, ma persone integre e complesse, la cui umanità sopravvive intatta malgrado le circostanze avverse.

La mostra di Padova permetterà di approfondire tutte le principali esperienze del lavoro di questo autore riportando al grande pubblico un’opera che, pur essendo ben radicata nel suo tempo, continua a trasmetterci forza ed emozioni.

Il progetto è prodotto da SUAZES, in collaborazione con il Comune – Assessorato alla Cultura di Padova, con il supporto delle eredi Lisa e Nina Rosenblum e dell’associazione MIGNON in occasione delle celebrazioni dei suoi cinquant’anni di attività. La mostra è curata dal prof. Angelo Maggi dell’Università Iuav di Venezia.

Main sponsor è Insurance Opportunity S.r.l.

Il progetto sarà accompagnato da un volume del prof. Angelo Maggi, prodotto da SUAZES e edito da Silvana editoriale.

Walter Rosenblum represents an important figure in 20th century photography. This exhibition aims to complete his extraordinary expressive journey through an important collection of his vintage photographs, many of which have never been exhibited before. It will thus offer the opportunity to get to know the work of this extraordinary author, one of the most important American photographers of the last century. In Italy, after the great exhibition in Padua in 1999, his work returns with an exhibition of over 110 vintage photographs and documentation.

Walter Rosenblum (New York City, 1919-2006) practised as a photographer for more than fifty years, contributing significantly to the affirmation of photography during the 20th century. At the age of 18, he joined the Photo League, where he met Paul Strand, his mentor and friend, other significant photographers, including Berenice Abbott and Lewis Hine.

During World War II, Rosenblum served as a photographer and cameraman in the US Army and participated in the Normandy landings at Omaha Beach. He was among the first to film the inside of the Dachau concentration camp. Rosenblum was one of the most decorated photographers of World War II.

Rosenblum photographed some of the most significant events of the 20th century: the immigrant experience on New York's Lower East Side, World War II, Spanish Civil War refugees in France, life in Harlem, the South Bronx and Haiti. Events that will all be documented in the exhibition.

His career has been enriched by an intense teaching activity, and his photographs can be found in more than 40 international collections, including the J. Paul Getty Museum, the Library of Congress, the Bibliothèque Nationale in Paris and the Museum of Modern Art in New York.

His photographs succeed in capturing the human qualities of neighbourhoods and their life-affirming residents and reflect the socially conscious approach that has been the foundation of his career.

As exhibition curator Angelo Maggi writes: ‘Through his shots, Rosenblum has been able to capture the authenticity of the human experience, giving us all a message of hope and resilience. His work, therefore, is not only a testimony to the past, but continues to be a source of inspiration, inviting us to see the world with new eyes and to catch the light in the darkest situations. The photographer's work is wide-ranging and has made an important contribution to the history of photography both for its commitment and theoretical relevance and for the artistic excellence of its images'.

Andrea Colasio, Councillor for Culture of the Municipality of Padua: ‘We are particularly pleased to have made available the central and prestigious Galleria Civica Cavour and the organisational and communication support to pay homage to Walter Rosenblum, one of the greatest photographers of the 20th century, who for over fifty years documented the most significant events of the last century. The exhibition is part of the ‘30 Migno’ project, devised by the historic Photographic Group to celebrate thirty years of activity, inextricably linked both to the American photographer's compositional mastery and to his humanist approach, aimed at ordinary people, the poor and the last. Throughout his life, Rosenblum has encountered many evil people and known the atrocities they were capable of - he was present at the liberation of the Dachau concentration camp - but he has continued to believe that within an altruistic society only the best people thrive. Thanks to the synergy with the Suazes cultural enterprise, we will have one hundred and twelve vintage photographs in the exhibition - a number that makes it the most extensive initiative ever realised on his work, in Europe -, and an exhibition that touches on the main experiences of the great American photographer and academic.’

From this immense wealth of experience and prolonged relationship with different cultures, Rosenblum's photographic vision was characterised by witnessing the human condition as a global community in which basic needs, values and existential aspirations are universally shared.

Rosenblum thus sought to emphasise the dignity of the human being, with his subjects never mere victims, but integral and complex people whose humanity survives intact despite adverse circumstances.

The exhibition in Padua will make it possible to delve into all the main experiences of this author's work, bringing back to the general public a work that, although well rooted in its time, continues to convey strength and emotions.

The project is produced by SUAZES, in collaboration with the Municipality - Department of Culture of Padua, with the support of the heirs Lisa and Nina Rosenblum and the MIGNON association on the occasion of the celebration of its fiftieth anniversary. The exhibition is curated by Prof. Angelo Maggi of the Iuav University of Venice.

Main sponsor is Insurance Opportunity S.r.l.

The project will be accompanied by a volume by Prof. Angelo Maggi, produced by SUAZES and published by Silvana editoriale.

(Text: Galleria Civica Cavour, Padova)

Galerie Parallax | Aix-en-Provence
22. Februar – 26. April 2025

Until the end of the world
Florence D’elle, Estelle Lagarde

Diese neue Ausstellung leiht sich den Titel von Wim Wenders' Film „Bis ans Ende der Welt“ aus.

Und es ist tatsächlich der Rand, der Rand der Welt, wo alles begonnen zu haben scheint, an dem sich die fotografischen Projekte der beiden Künstler kreuzen. Beide sind offen für Rätsel, Begegnungen und tellurische Kräfte.

Florence D'elle stellt uns eine Reise nach Norwegen vor, die sie als eine Reise zu den Ursprüngen erlebt hat. Die norwegische Übersetzung des letzten Wortes gibt ihrer Serie den Titel: „Opprinnelsen“.

Um diese Rückkehr zu den Ursprüngen zu bezeugen, hat Florence D'elle beschlossen, ihren Bildern eine fragile und zarte Materialität zu verleihen, indem sie nasses Kollodium verwendet, um sie zu enthüllen, und sie dann als Kohleabzüge und Ferrotypien anbietet.

Mit „Les pionniers“ (Die Pioniere) lädt Estelle Lagarde ebenfalls zu einer Reise in ein zusammengesetztes Land ein. Diese drei Gebiete (Island, Aubrac und die Île d'Aix) scheinen miteinander in Verbindung zu treten. Die diskreten und mysteriösen menschlichen Präsenzen schlagen eine Brücke zwischen der Natur und der Menschheit und vereinen sie in derselben Geschichte. Alles ist miteinander verbunden.

Die Fotografien wurden mit herkömmlichen Silberfilmen aufgenommen und die traditionellen Silberabzüge mit dem Vergrößerungsgerät wurden von dem Handwerksmeister Diamantino Quintas gemacht, mit dem Estelle Lagarde seit vielen Jahren zusammenarbeitet.

Cette nouvelle exposition emprunte le titre du film de Wim Wenders, « Until the end of the world ».

Et c’est bien à l’orée, au bord du monde, là où tout semble avoir commencé, que se croisent les projets photographiques des deux artistes. Toutes deux ouvertres aux énigmes, aux rencontres, aux forces telluriques.

Florence D’elle nous propose un voyage en Norvège, qu’elle a vécu comme un périple vers les origines. La traduction norvégienne de ce dernier mot donne le titre de sa série : «Opprinnelsen».

Pour témoigner de ce retour aux origines, Florence D’elle a choisi de donner une matérialité fragile et délicate à ses images, en utilsant le collodion humide pour les révéler puis en les proposant en tirages charbon et en ferrotypes.

Avec « Les pionniers » Estelle Lagarde propose également un voyage dans une contrée composite. Ces trois territoires (L’Islande, l’Aubrac et l’Île d’Aix) semblent entrer en connection entre eux. Les présences humaines, discrètes et mystérieuses, font le pont entre la nature et l’Humanité, les unissent dans une même histoire. Tout se connecte.

Les photographies ont été réalisées avec des pellicules argentiques traditionnelles et les tirages argentiques traditionnels à l’agrandisseur ont été effectués par le maître artisan tireur-filtreur Diamantino Quintas avec lequel Estelle Lagarde travaille depuis de nombreuses années.

Questa nuova mostra prende il titolo dal film di Wim Wenders “Fino alla fine del mondo”.

Ed è proprio ai confini del mondo, dove tutto sembra essere iniziato, che si incrociano i progetti fotografici dei due artisti. Entrambi sono aperti a enigmi, incontri e forze telluriche.

Florence D'elle ci accompagna in un viaggio in Norvegia, che ha vissuto come un viaggio verso le sue origini. La traduzione norvegese di quest'ultima parola dà il titolo alla sua serie: “Opprinnelsen”.

Per riflettere questo ritorno alle origini, Florence D'elle ha scelto di dare una materialità fragile e delicata alle sue immagini, utilizzando il collodio umido per rivelarle e proponendole poi come stampe al carbone e tintometrie.

Con “Les pionniers”, Estelle Lagarde ci porta anche in un viaggio in una terra composita. Questi tre territori (Islanda, Aubrac e l'Île d'Aix) sembrano collegarsi tra loro. La presenza umana, discreta e misteriosa, colma il divario tra natura e umanità, unendole in un'unica storia. Tutto si collega.

Le fotografie sono state scattate su pellicola d'argento tradizionale e le stampe tradizionali su ingranditore d'argento sono state realizzate dal maestro artigiano e stampatore Diamantino Quintas, con cui Estelle Lagarde collabora da molti anni.

This new exhibition borrows its title from Wim Wenders' film “Until the end of the world”.

And it is at the edge of the world, where everything seems to have begun, that the two artists' photographic projects intersect. Both are open to enigmas, encounters and telluric forces.

Florence D'elle takes us on a journey to Norway, which she experienced as a journey to her origins. The Norwegian translation of this last word gives the title to her series: ‘Opprinnelsen’.

To reflect this return to her origins, Florence D'elle has chosen to give a fragile, delicate materiality to her images, using wet collodion to reveal them and then offering them as carbon prints and tintypes.

With ‘Les pionniers’, Estelle Lagarde also takes us on a journey to a composite land. These three territories (Iceland, Aubrac and the Île d'Aix) seem to connect with each other. The human presence, discreet and mysterious, bridges the gap between nature and humanity, uniting them in a single story. Everything connects.

The photographs were taken on traditional silver film, and the traditional silver enlarger prints were made by master craftsman and printer Diamantino Quintas, with whom Estelle Lagarde has worked for many years.

(Text: Galerie Parallax, Aix-en-Provence)

DZ BANK Kunststiftung GmbH | Frankfurt am Main
26. Februar – 24. Mai 2025

Andreas Mühe. Im Banne des Zorns

Mit Hilfe fotografischer Bilder und Installationen sucht Andreas Mühe nach spürbaren Folgen der deutschen Geschichte. Er befragt die Vergangenheit als einen Zeitraum, der Narben und Traumata hinterlassen hat, die noch immer nicht zur Genüge aufgearbeitet sind. Dabei lässt das Erstarken antidemokratischer und radikaler Tendenzen in unserer gegenwärtigen politischen Landschaft die Dringlichkeit einer Auseinandersetzung mit unserer Geschichte wichtiger werden denn je. Mit der Präsentation seiner Werke aus einer über 20-jährigen Schaffenszeit gibt die Kunststiftung DZ BANK einen breiten Überblick über das OEuvre von Andreas Mühe und möchte damit zu einem Dialog über demokratisches Handeln anregen.

»Mit der Kamera ins Herz der Finsternis« lautet die Überschrift eines Textes über die Bildserie »Obersalzberg« (2010–2012) von Andreas Mühe. Mit dieser Werkreihe beginnt die Ausstellung »Im Banne des Zorns«. Auch das Titelmotiv der Ausstellung, »Mooslahnerkopf« (2010) entstammt dieser Serie. Demgegenüber werden unter anderem Werke aus seiner Serie »RAFNSU« (2023–fortlaufend) zu sehen sein, eine Auseinandersetzung mit dem Grauen des deutschen Terrorismus sowie dem Schrecken der Radikalisierung. Je drei Mitglieder der Roten Armee Fraktion sowie des Nationalsozialistischen Untergrunds setzt er auf diese Weise in Beziehung zueinander. So wie sich die RAF aus der Radikalisierung der Studentenbewegung entwickelte und gegen das Establishment der BRD wandte, richteten die rechten Terroristen des NSU sich gegen eine offene Gesellschaft und töteten in ihrem Hass deutsche Mitbürgerinnen und Mitbürger mit Migrationshintergrund. Darüber hinaus werden fotografische Arbeiten aus den Serien »Beates Katzen« (2024), »Prora, Rügen« (2004), »A.M. Bunker« (2023), »Mischpoche« (2016–2019) und »Kanzlerbungalow« (2021) gezeigt. Die Werkreihe »Wandlitz« (2011), in der Andreas Mühe zwanzig Häuser von Mitgliedern des SED-Politbüros in der Waldsiedlung bei Wandlitz porträtiert, komplettiert den umfassenden Überblick über seine Schaffenszyklen und machen spürbar, dass die Diktatur der damaligen DDR, des ganzen totalitären Regimes, so doktrinär auf die Bevölkerung Einfluss nahm, dass die Folgen bis heute und vielleicht noch lange darüber hinaus spürbar sind und sein werden.

Eines haben seine Werkreihen immer gemeinsam: die bedachte und inszenierende Art des Fotografierens mit einer Plattenkamera gibt Andreas Mühe die Möglichkeit, die Szenerie sowie seine persönliche Position und Haltung immer wieder zu überprüfen, bevor er auf den Auslöser drückt. Dasselbe gilt auch für den Betrachtenden seiner Werke. Andreas Mühes Werke öffnen den Raum für die Auseinandersetzung mit der eigenen und der gesellschaftlichen Geschichte, die bis ins Jetzt hineinragt.

À l'aide d'images photographiques et d'installations, Andreas Mühe recherche les conséquences perceptibles de l'histoire allemande. Il interroge le passé comme une période qui a laissé des cicatrices et des traumatismes qui ne sont toujours pas suffisamment traités. La montée des tendances antidémocratiques et radicales dans notre paysage politique actuel rend plus importante que jamais l'urgence d'une réflexion sur notre histoire. En présentant les œuvres d'Andreas Mühe, qui s'étendent sur plus de 20 ans, la Kunststiftung DZ BANK donne un large aperçu de son œuvre et souhaite ainsi inciter à un dialogue sur l'action démocratique.

« Mit der Kamera ins Herz der Finsternis », tel est le titre d'un texte consacré à la série de tableaux “Obersalzberg” (2010-2012) d'Andreas Mühe. C'est avec cette série d'œuvres que débute l'exposition « Im Banne des Zorns ». Le motif du titre de l'exposition, « Mooslahnerkopf » (2010), est également issu de cette série. En face, on pourra voir entre autres des œuvres de sa série « RAFNSU » (2023-continue), une confrontation avec l'horreur du terrorisme allemand ainsi que l'horreur de la radicalisation. Il met ainsi en relation trois membres de la Fraction armée rouge et trois membres de l'underground national-socialiste. Tout comme la RAF s'est développée à partir de la radicalisation du mouvement étudiant et s'est tournée contre l'establishment de la RFA, les terroristes de droite du NSU se sont dirigés contre une société ouverte et ont tué dans leur haine des concitoyens allemands issus de l'immigration. En outre, des travaux photographiques des séries « Beates Katzen » (2024), « Prora, Rügen » (2004), « A.M. Bunker » (2023), « Mischpoche » (2016-2019) et « Kanzlerbungalow » (2021) seront présentés. La série d'œuvres « Wandlitz » (2011), dans laquelle Andreas Mühe fait le portrait de vingt maisons de membres du Politburo du SED dans la cité forestière près de Wandlitz, complète le vaste aperçu de ses cycles de création et rendent perceptible le fait que la dictature de la RDA de l'époque, de tout le régime totalitaire, a exercé une telle influence doctrinale sur la population que les conséquences sont et seront perceptibles jusqu'à aujourd'hui et peut-être encore longtemps après.

Ses séries d'œuvres ont toujours un point commun : la manière réfléchie et mise en scène de photographier avec un appareil à plaque donne à Andreas Mühe la possibilité de toujours vérifier le décor ainsi que sa position et son attitude personnelles avant d'appuyer sur le déclencheur. Il en va de même pour le spectateur de ses œuvres. Les œuvres d'Andreas Mühe ouvrent l'espace pour une confrontation avec sa propre histoire et celle de la société, qui s'étend jusqu'au présent.

Con l'aiuto di immagini fotografiche e installazioni, Andreas Mühe cerca conseguenze tangibili della storia tedesca. Mette in discussione il passato come un periodo che ha lasciato cicatrici e traumi non ancora sufficientemente affrontati. L'ascesa di tendenze antidemocratiche e radicali nel nostro attuale panorama politico rende più importante che mai fare i conti con la nostra storia. Con la presentazione delle sue opere di un periodo creativo di oltre 20 anni, la DZ BANK Art Foundation offre un'ampia panoramica dell'opera di Andreas Mühe e mira a incoraggiare un dialogo sull'azione democratica.

“Con la macchina fotografica nel cuore delle tenebre” è il titolo di un testo sulla serie ‘Obersalzberg’ (2010-2012) di Andreas Mühe. La mostra “Im Banne des Zorns” inizia con questa serie di opere. Anche il motivo del titolo della mostra, “Mooslahnerkopf” (2010), proviene da questa serie. Al contrario, saranno esposte opere della serie “RAFNSU” (2023 in corso), un esame dell'orrore del terrorismo tedesco e dell'orrore della radicalizzazione. In questo modo, l'artista mette in relazione tre membri della Fazione dell'Armata Rossa e tre membri della National Socialist Underground. Proprio come la RAF si sviluppò dalla radicalizzazione del movimento studentesco e si rivolse contro l'istituzione della RFT, i terroristi di destra della NSU erano diretti contro una società aperta e uccisero cittadini tedeschi con un background migratorio nel loro odio. Saranno esposte anche opere fotografiche delle serie “Beates Katzen” (2024), “Prora, Rügen” (2004), “A.M. Bunker” (2023), “Mischpoche” (2016-2019) e “Kanzlerbungalow” (2021). La serie di opere “Wandlitz” (2011), in cui Andreas Mühe ritrae venti case di membri del Politburo della SED nell'insediamento forestale vicino a Wandlitz, completa la panoramica completa dei suoi cicli creativi e chiarisce che la dittatura dell'ex DDR, l'intero regime totalitario, ha avuto un'influenza così dottrinaria sulla popolazione che le conseguenze si fanno e si faranno sentire ancora oggi e forse per molto tempo.

Le sue serie di opere hanno sempre una cosa in comune: il modo ponderato e inscenato di fotografare con una macchina a lastre dà ad Andreas Mühe l'opportunità di scrutare ripetutamente lo scenario, nonché la sua posizione e il suo atteggiamento personale prima di premere il pulsante di scatto. Lo stesso vale per chi guarda le sue opere. Le opere di Andreas Mühe aprono lo spazio per un esame della propria storia e di quella della società, che si estende fino al presente.

Andreas Mühe uses photographic images and installations to explore the tangible consequences of German history. He questions the past as a period that has left scars and traumas that have still not been sufficiently addressed. The rise of anti-democratic and radical tendencies in our current political landscape makes the urgency of coming to terms with our history more important than ever. The DZ BANK Art Foundation is presenting a broad overview of Andreas Mühe's oeuvre with this exhibition of works spanning more than 20 years of creativity, with the aim of encouraging a dialogue about democratic action.

‘With the camera into the heart of darkness’ is the title of a text about the series of pictures ‘Obersalzberg’ (2010-2012) by Andreas Mühe. The exhibition ‘Im Banne des Zorns’ begins with this series of works. The exhibition's title motif, ‘Mooslahnerkopf’ (2010), also comes from this series. In contrast, works from his series ‘RAFNSU’ (2023–ongoing), among others, will be on display, an examination of the horror of German terrorism and the terror of radicalisation. In this way, he relates three members of the Red Army Faction and three members of the National Socialist Underground to one another. Just as the RAF developed out of the radicalisation of the student movement and turned against the establishment of the FRG, the right-wing terrorists of the NSU turned against an open society, killing fellow German citizens with migrant backgrounds in their hatred. Photographic works from the series ‘Beate's Cats’ (2024), ‘Prora, Rügen’ (2004), ‘A.M. Bunker’ (2023), ‘Mishpocheh’ (2016–2019) and ‘Chancellor's Bungalow’ (2021) will also be on display. The series ‘Wandlitz’ (2011), in which Andreas Mühe portrays twenty houses belonging to members of the SED Politburo in the forest settlement near Wandlitz, completes the comprehensive overview of his creative cycles and makes it tangible that the dictatorship of the former GDR, the entire totalitarian regime, exerted such doctrinaire influence on the population that the consequences can be and will be felt to this day and perhaps for a long time to come.

All of his series have one thing in common: the deliberate and staged way of photographing with a plate camera gives Andreas Mühe the opportunity to repeatedly examine the scenery as well as his personal position and attitude before he presses the shutter release. The same applies to the viewer of his works. Andreas Mühe's works open up space for an examination of one's own and society's history, which extends into the present.

(Text: DZ BANK Kunststiftung GmbH, Frankfurt am Main)