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The Evidence of Things Not Seen - Carrie Mae Weems | Kunstmuseum Basel
Okt.
26
bis 7. Apr.

The Evidence of Things Not Seen - Carrie Mae Weems | Kunstmuseum Basel


Kunstmuseum Basel
26. Oktober 2023 – 7. April 2024

The Evidence of Things Not Seen
Carrie Mae Weems


Untitled (Eating Lobster), aus The Kitchen Table Series, 1990/1999 © Carrie Mae Weems. Courtesy of the artist, Jack Shainman Gallery, New York and Galerie Barbara Thumm, Berlin.


Die US-amerikanische Künstlerin Carrie Mae Weems, geboren 1953, lädt uns in der Ausstellung The Evidence of Things Not Seen im Kunstmuseum Basel | Gegenwart ein, gemeinsam mit ihr blinde Flecken der (Zeit)geschichte zu erkunden. Seit bald 40 Jahren erforscht sie dominante, historische Erzählungen und zeigt auf, wie diese von Politik, Wissenschaft, Kunst, Massenmedien, Fotografie und Architektur erzeugt und reproduziert werden. Durch bewusstes Aufsuchen von bedeutenden Orten oder durch gezieltes Nachstellen von historischen Gegebenheiten, legt sie die Geschichten von marginalisierten Gruppen frei und trägt uns mit ihrer Kunst auch Erzählungen vor, die es nicht in die Geschichtsbücher geschafft haben. Diese Leerstellen, auf die der Ausstellungstitel anspielt, entstehen durch vorherrschende Machtstrukturen, durch soziale Aufteilungen in Städteplanungen – oder schlicht durch Rassismus.

Letzterer steht in Carrie Mae Weems’ umfangreichen Fotoprojekten, Videos und Installationen im Vordergrund. Allerdings setzt sie der langen Geschichte der Gewalt gegen People of Color die ebenso lange Geschichte des Widerstands entgegen und analysiert beide Seiten messerscharf. 2014 war Carrie Mae Weems die erste aller Schwarzen US-amerikanischen Künstler:innen, der das Guggenheim Museum in New York eine Retrospektive widmete. Weems’ Arbeiten sind in den Vereinigten Staaten längst über die Kunstszene hinaus bekannt. Höchste Zeit, dass ihr kraftvolles, politisches Werk auch in Europa einem grösseren Publikum vorgestellt wird!


Née en 1953, l’artiste américaine Carrie Mae Weems nous invite à examiner avec elle, à l’exposition The Evidence of Things Not Seen présentée au Kunstmuseum Basel | Gegenwart, certaines taches aveugles de l’Histoire. Depuis bientôt quarante ans, elle étudie des récits historiques majeurs et montre comment ils sont construits et reproduits par le monde politique, scientifique, artistique, les mass media, la photographie et l’architecture. En s’appliquant à chercher des lieux significatifs ou à reconstituer des faits historiques, elle révèle le vécu de groupes marginaux et nous présente dans son art des récits absents des livres d’histoire. Ces blancs, ces « choses non vues » qu’évoque le titre de l’exposition sont induits par des structures de pouvoir toutes-puissantes, des différenciations sociales dans la planification des villes, ou tout simplement par diverses formes de racisme, lequel occupe le premier plan dans les œuvres photographiques, les vidéos et les installations de Carrie Mae Weems. Pour autant, elle met en regard la longue histoire de la violence contre les « personnes de couleur » avec l’histoire tout aussi longue de la résistance contre le racisme et analyse les deux faces de la médaille avec une grande acuité.

En 2014, Carrie Mae Weems était la première des artistes afro-américains à se voir consacrer une rétrospective par le musée Guggenheim de New York. Aux États-Unis, ses travaux sont connus

depuis longtemps bien au-delà du cercle des spécialistes. Il est grand temps que le public européen découvre à son tour sa puissante œuvre politique.


Nella mostra The Evidence of Things Not Seen al Kunstmuseum Basel | Gegenwart, l'artista statunitense Carrie Mae Weems, nata nel 1953, ci invita a unirci a lei nell'esplorazione dei punti ciechi della storia (contemporanea). Da quasi 40 anni esplora le narrazioni storiche dominanti e il modo in cui vengono create e riprodotte da politica, scienza, arte, mass media, fotografia e architettura. Cercando deliberatamente luoghi significativi o ricreando deliberatamente circostanze storiche, scopre le storie di gruppi emarginati e, attraverso la sua arte, ci presenta anche narrazioni che non sono entrate nei libri di storia. Questi vuoti, a cui allude il titolo della mostra, sono creati dalle strutture di potere prevalenti, dalle divisioni sociali nella pianificazione urbana o semplicemente dal razzismo.

Quest'ultimo è al centro degli ampi progetti fotografici, video e installazioni di Carrie Mae Weems. Tuttavia, l'artista contrappone la lunga storia di violenza contro le persone di colore all'altrettanto lunga storia di resistenza e analizza entrambi i lati in modo tagliente. Nel 2014, Carrie Mae Weems è stata la prima di tutti gli artisti neri americani ad avere una retrospettiva al Guggenheim Museum di New York. Il lavoro della Weems è stato a lungo conosciuto al di fuori della scena artistica degli Stati Uniti. È giunto il momento che il suo lavoro potente e politico venga presentato a un pubblico più vasto anche in Europa!


In her current show entitled The Evidence of Things Not Seen at the Kunstmuseum Basel | Gegenwart, North American artist Carrie Mae Weems, born in 1953, asks us to join her in exploring blind spots in (contemporary) history. For some 40 years she has been probing prevailing historical accounts of events and exposing the ways in which these are constructed and projected in politics, science, art, the mass media, photography and architecture. By the purposeful tracking down of specific sites or by re-enacting select historical realities, she lays bare the narratives of marginalised groups, and thus, through her art, presents us with narratives as yet neglected by contemporary historiography. These gaps, to which the exhibition’s title alludes, emerge by way of dominant power structures, social segmentation in urban planning, or quite simply, through racism; whereby it is the latter issue that comprises the focus of Carrie Mae Weems’ comprehensive photographic projects, videos and installations. Yet she contrasts the long history of violence against people of colour with the no less lengthy history of resistance, and in doing so, analyses both aspects with acute insight.

In 2014, Carrie Mae Weems was the first black American artist to hold a retrospective at New York’s Guggenheim Museum. Weems’ work has long been well known beyond the art scene in the United States. High time, indeed, that this powerful, political oeuvre is also introduced to a broader public in Europe!

(Text: Kunstmuseum Basel)

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Zur Zeitlichkeit im Eis - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Solothurn
Jan.
21
bis 12. Mai

Zur Zeitlichkeit im Eis - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Solothurn


Kunstmuseum Solothurn
21. Januar – 12. Mai 2024

Zur Zeitlichkeit im Eis
Daniel Schwartz


Vertigo Galmigletscher, Schweiz, 19. Oktober 2014. aus der Serie theatrum Alpinum, 2015 © 2024 Daniel Schwartz/VII, ProLitteris, Zürich


Die Ausstellung gibt Einblicke in eine grosszügige Künstlerschenkung, die das Kunstmuseum 2022 entgegennehmen durfte.

Das ewige Eis ist nicht dauerhaft. Wer vor einen Gletscher tritt, erkennt in dessen heutiger Agonie auch die Spuren unseres Fortschritts und die Signale des Menschenzeitalters, des Anthropozäns. Seit den 1990er-Jahren beschäftigt sich Daniel Schwartz (*1955), der zu den international bekanntesten Fotografen seiner Generation zählt, mit der Klimakrise. In einem umfangreichen historischgeografischen Rechercheprojekt befasste er sich u. a. mit Gletschern als dynamische Systeme, an denen klimatische Veränderungen deutlich ablesbar sind. Entstanden sind eindrückliche Fotografien, Wort- und Kartenbilder an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft. Vor 20’000 Jahren überdeckte der Walliser Eisstrom auch die Landschaft um Solothurn. In seiner Heimat am Jurasüdfuss begann Daniel Schwartz seine Reise zu schmelzenden Gletschern auf vier Kontinenten. Teil dieses Projekts – 2017 publiziert unter dem Titel While the Fires Burn. A Glacier Odyssey – ist die 49-teilige Serie Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), die das Kunstmuseum Solothurn 2022 als Schenkung entgegennehmen durfte und die nun in einer Auswahl präsentiert wird. Die Werke von Daniel Schwartz zeigen den Gletscher als Speicher persönlicher Erinnerung, als archäologischen Fundort und als ungebremst schwindendes klimageschichtliches Archiv. In der glazialen Verschränkung von geologischer Tiefen- und individueller Lebenszeit stellen sich existentielle Fragen zu unserer Gegenwart und Zukunft.


L'exposition donne un aperçu d'une généreuse donation d'artiste que le Kunstmuseum a eu le plaisir de recevoir en 2022.

Les glaces éternelles ne sont pas permanentes. Celui qui s'avance devant un glacier reconnaît aussi dans son agonie actuelle les traces de notre progrès et les signaux de l'ère humaine, de l'anthropocène. Depuis les années 1990, Daniel Schwartz (*1955), qui compte parmi les photographes les plus connus de sa génération au niveau international, s'intéresse à la crise climatique. Dans le cadre d'un vaste projet de recherche historique et géographique, il s'est notamment intéressé aux glaciers en tant que systèmes dynamiques, sur lesquels les changements climatiques sont clairement visibles. Il en résulte des photographies, des images verbales et cartographiques impressionnantes, à la croisée de l'art et de la science. Il y a 20 000 ans, le courant glaciaire valaisan a également recouvert le paysage autour de Soleure. C'est dans son pays natal, au pied du Jura, que Daniel Schwartz a commencé son voyage à la découverte des glaciers en train de fondre sur quatre continents. Une partie de ce projet - publié en 2017 sous le titre While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - est la série de 49 épisodes Ice Age Our Age / L'âge de glace - le temps présent. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), que le Kunstmuseum Solothurn a eu le plaisir de recevoir en donation en 2022 et dont une sélection est maintenant présentée. Les œuvres de Daniel Schwartz montrent le glacier comme un réservoir de souvenirs personnels, comme un lieu de découverte archéologique et comme des archives de l'histoire du climat qui disparaissent sans aucun frein. Dans l'imbrication glaciaire des profondeurs géologiques et du temps de vie individuel se transmettent des questions existentielles sur notre présent et notre avenir.


La mostra offre una panoramica sul generoso dono di un artista che il Kunstmuseum ha ricevuto nel 2022.

Il ghiaccio eterno non è permanente. Chiunque passi davanti a un ghiacciaio riconoscerà le tracce del nostro progresso e i segnali dell'era umana, l'Antropocene, nella sua agonia attuale. Daniel Schwartz (*1955), uno dei fotografi più riconosciuti a livello internazionale della sua generazione, si occupa di crisi climatica fin dagli anni '90. In un ampio progetto di ricerca storico-geografica, si è concentrato sui ghiacciai come sistemi dinamici in cui i cambiamenti climatici sono chiaramente visibili. Il risultato sono fotografie, immagini e mappe di grande effetto, all'interfaccia tra arte e scienza. 20.000 anni fa, la colata di ghiaccio del Vallese ricopriva anche il paesaggio intorno a Soletta. Daniel Schwartz ha iniziato il suo viaggio verso lo scioglimento dei ghiacciai di quattro continenti dalla sua casa ai piedi del Giura. Parte di questo progetto - pubblicato nel 2017 con il titolo While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - è la serie in 49 parti Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), che il Kunstmuseum Solothurn ha ricevuto in donazione nel 2022 e che ora viene presentata in una selezione. Le opere di Daniel Schwartz mostrano il ghiacciaio come deposito di memoria personale, come sito archeologico e come archivio della storia del clima che sta scomparendo a un ritmo inarrestabile. L'intreccio glaciale tra profondità geologica e vite individuali solleva domande esistenziali sul nostro presente e futuro.


The exhibition provides insights into a generous gift from an artist that the Kunstmuseum received in 2022.

The eternal ice is not permanent. Anyone who steps in front of a glacier will recognize in its present-day agony the traces of our progress and the signals of the human age, the Anthropocene. Daniel Schwartz (*1955), who is one of the most internationally renowned photographers of his generation, has been working on the climate crisis since the 1990s. In an extensive historical-geographical research project, he focused on glaciers, among other things, as dynamic systems in which climatic changes are clearly visible. The result is impressive photographs, word pictures and maps at the interface between art and science. 20,000 years ago, the Valais ice flow also covered the landscape around Solothurn. Daniel Schwartz began his journey to melting glaciers on four continents from his home at the southern foot of the Jura. Part of this project - published in 2017 under the title While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - is the 49-part series Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), which was donated to the Kunstmuseum Solothurn in 2022 and is now being presented in a selection. Daniel Schwartz's works show the glacier as a repository of personal memory, as an archaeological site and as an archive of climate history that is disappearing at an unstoppable rate. The glacial interweaving of geological depth and individual lifetimes raises existential questions about our present and future.

(Text: Kunstmuseum Solothurn)

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Jeff Wall | Fondation Beyeler | Riehen
Jan.
28
bis 21. Apr.

Jeff Wall | Fondation Beyeler | Riehen


Fondation Beyeler | Riehen
28. Januar – 21. April 2024

Jeff Wall


Milk, 1984 © Jeff Wall


Zu Beginn des kommenden Jahres widmet die Fondation Beyeler dem kanadischen Künstler Jeff Wall (*1946) eine umfangreiche Einzelausstellung. Es handelt sich dabei um die erste Werkschau des Künstlers in der Schweiz seit zwei Jahrzehnten. Wall, der seit den späten 1970er-Jahren massgeblich zur Etablierung der Fotografie als eigenständiges Bildmedium beigetragen hat, gilt als Begründer der «inszenierten Fotografie». Er generiert zumeist grossformatige, aus einer Vielzahl von Einzelaufnahmen vielschichtig und subtil komponierte Fotografien, die oftmals durch Vorbilder aus der Kunstgeschichte und dem städtischen Alltagsleben angeregt sind. Unter den mehr als fünfzig in der Ausstellung der Fondation Beyeler versammelten Werken finden sich Grossbilddiapositive in Leuchtkästen, sowie schwarz-weiss Fotografien und farbige Fotodrucke. Die neueren, die gesamte Bandbreite seines Schaffens repräsentierenden Bilder treten dabei in einen Dialog mit ikonischen Arbeiten aus der Zeit von Walls künstlerischen Anfängen. In jedem der elf Säle entfalten sich vielfältige inhaltliche und formale Bezüge zwischen älteren und neueren Werken. Zudem werden in der Fondation Beyeler mehrere neue Arbeiten erstmals überhaupt öffentlich zu sehen sein.


En début d’année prochaine, la Fondation Beyeler consacrera une importante exposition individuelle à l’artiste canadien Jeff Wall (*1946), la première en Suisse depuis deux décennies. Wall, qui depuis la fin des années 1970 a largement contribué à établir la photographie en tant que médium autonome, est considéré comme l’un des représentants majeurs de la « staged photography » (photographie mise en scène). Il produit généralement des photographies grand format, composées de manière complexe et subtile à partir de nombreuses prises et souvent inspirées de l’histoire de l’art et de la vie quotidienne urbaine. Les plus de cinquante œuvres réunies dans l’exposition de la Fondation Beyeler comprendront des grandes diapositives dans des caissons lumineux, des photographies noir et blanc et des tirages en couleur. Au fil de onze salles d’exposition, des œuvres récentes tisseront un riche dialogue thématique et formel avec des travaux emblématiques des débuts de l’artiste. Dans le cadre de l’exposition de la Fondation Beyeler, plusieurs nouvelles œuvres de Wall seront données à voir en public pour la toute première fois.


All'inizio del prossimo anno, la Fondation Beyeler dedicherà un'ampia mostra personale all'artista canadese Jeff Wall (*1946). Si tratterà della prima mostra dell'artista in Svizzera da due decenni a questa parte. Wall, che dalla fine degli anni Settanta ha contribuito in modo significativo all'affermazione della fotografia come mezzo visivo indipendente, è considerato il fondatore della "staged photography". Generalmente realizza fotografie di grande formato composte in modo complesso e sottile da un gran numero di scatti singoli, spesso ispirati a modelli della storia dell'arte e della vita urbana quotidiana. Le oltre cinquanta opere in mostra alla Fondation Beyeler comprendono diapositive di grande formato in light box, fotografie in bianco e nero e stampe a colori. Le immagini più recenti, che rappresentano l'intero spettro della sua opera, entrano in dialogo con opere iconiche dell'epoca degli esordi artistici di Wall. In ognuna delle undici sale, una varietà di riferimenti tematici e formali si sviluppa tra le opere più vecchie e quelle più recenti. Inoltre, diverse opere nuove saranno esposte per la prima volta al pubblico alla Fondation Beyeler.


At the beginning of next year, the Fondation Beyeler will devote a comprehensive solo show to Canadian artist Jeff Wall (*1946). It will be the first such exhibition of his work in Switzerland in two decades. Since the late 1970s, Wall has contributed significantly to establishing photography as an autonomous medium and he is regarded as one of the key practitioners of “staged photography”. Wall mostly produces large-format photographs intricately and subtly composed from numerous single takes, oftentimes inspired by art history and urban everyday life. The more than fifty works brought together by the Fondation Beyeler will include large transparencies displayed in lightboxes as well as black and white photographs and colour C-prints. Across eleven rooms, more recent works will be brought into rich thematic and formal dialogue with iconic early pieces. The exhibition at the Fondation Beyeler will feature several new works by Wall on public display for the very first time.

(Text: Fondation Beyeler, Riehen)

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Anthology - Vivian Maier | IPFO Haus der Fotografie | Olten
Feb.
24
bis 19. Mai

Anthology - Vivian Maier | IPFO Haus der Fotografie | Olten


IPFO Haus der Fotografie | Olten
24. Februar – 19. Mai 2024

Anthology
Vivian Maier


Canada, 1955 © Vivian Maier


Die legendäre amerikanische Strassenfotografin Vivian Maier kommt in die Schweiz. Ab 24. Februar 2024 zeigt das Haus der Fotografie die Ausstellung «Vivian Maier – Anthology», die 140 Fotografien aus insgesamt vier Jahrzehnten umfasst. Maiers Arbeiten zeigen das städtische Leben und die Menschen in Chicago und New York, aber auch in anderen Ortschaften, die sie auf ihren zahlreichen Reisen durchkreuzte. Organisiert und gestaltet wurde die Ausstellung von Anne Morin von DiChroma Photography auf der Grundlage von Fotos aus dem Archiv der Maloof Collection sowie der Howard Greenberg Gallery in New York.

Das Haus der Fotografie zeigt erstmals eine beeindruckende Auswahl an Werken der weltberühmten amerikanischen Fotografin Vivian Maier. Die Künstlerin fokussierte sich bei ihrer Arbeit hauptsächlich auf Strassenfotografien, die meist spontan entstanden, sich aber gleichzeitig durch eine enorme Präzision auszeichnen. Sie schaffte es wie kaum sonst jemand, ihre Modelle in den Mittelpunkt zu stellen ohne die Geschichte des Umfeldes ausser Acht zu lassen.

Vivian Maiers Fotografien waren enorm vielseitig und bieten einen einzigartigen Einblick in das städtische Leben und die sozialen Strukturen ihrer Zeit. «Es stellt sich die Frage: Wer war diese Frau, die ein Leben lang unterwegs war, an unzähligen Orten wohnte, sich niemals festlegen und festsetzen wollte und kaum jemanden an ihrer Leidenschaft teilhaben liess? Dieser Frage geht diese Ausstellung nach, beleuchtet die Person Vivian Maier, die der Fotowelt eine unglaubliche Fülle an verblüffendem Material aus vier Jahrzehnten überlassen hat und stellt sie für einmal in den Vordergrund», sagt Isabelle Bitterli, Leiterin Haus der Fotografie.

Vivian Maier (1. Februar 1926 – 21. April 2009) war eine amerikanische Strassenfotografin, die während ihres Lebens weitgehend unbekannt blieb. Erst nach ihrem Tod gelangten ihre beeindruckenden Fotografien an die Öffentlichkeit und erlangten posthum große Anerkennung. Sie gilt heute als eine der bedeutendsten Straßenfotografinnen des 20. Jahrhunderts.

Vivian Maier wurde am 1. Februar 1926 in New York City geboren. Über ihre frühen Jahre ist wenig bekannt, aber es wird angenommen, dass sie einen Teil ihrer Jugend mit ihrer französischen Mutter in Frankreich verbrachte.

Maier kehrte 1951 in die USA zurück und begann in New York als Kindermädchen zu arbeiten. Gleichzeitig widmete sie sich intensiv der Fotografie. Mit einer Rolleiflex-Kamera dokumentierte sie das städtische Leben, Porträts von Menschen auf der Straße, stimmungsvolle Straßenszenen und Alltagssituationen.

Als Maier 1956 in Chicago eine neue Stelle als Kindermädchen begann, genoss sie den Luxus einer Dunkelkammer und eines eigenen Badezimmers. Dies ermöglichte ihr, ihre Abzüge zu entwickeln und ihre eigenen Rollen Schwarzweißfilm zu entwickeln. Als die Kinder erwachsen wurden, zwang das Ende von Maiers Anstellung bei dieser ersten Familie in Chicago in den frühen siebziger Jahren sie dazu, die Entwicklung ihres eigenen Films aufzugeben.

Als sie von Familie zu Familie zog, sammelten sich ihre Rollen mit unentwickelten, nicht gedruckten Arbeiten an. Zu dieser Zeit beschloss Maier, zur Farbfotografie überzugehen. Finanzieller Stress und mangelnde Stabilität führten dazu, dass sich die unentwickelten Farbrollen zu stapeln begannen. Irgendwann zwischen den späten 1990er Jahren und den ersten Jahren des neuen Jahrtausends legte Vivian ihre Kamera weg und lagerte ihr Hab und Gut ein, während sie versuchte, sich über Wasser zu halten.

Angesichts der spärlichen Mittel wurden die gelagerten Fotos zu verlorenen Erinnerungen, bis sie 2007 wegen ausbleibender Mietzahlungen verkauft wurden. Die Negative wurden von der Lagerfirma an RPN Sales versteigert, die die Kisten in einer viel größeren Auktion an mehrere Käufer, darunter John Maloof, verteilte. Noch während dem Maloof begann, ihr gesamtes Werk zu kaufen, katalogisieren und in Teilen der Öffentlichkeit zugänglich zu machen, wurde Maier in ein Pflegeheim in Chicago eingeliefert, wo sie am 21. April 2009 im Alter von 83 Jahren verstarb.

Maloofs Arbeit führte zu einer posthumen Anerkennung und einem wachsenden Interesse an Maiers Person und ihrem Werk. Ihr Vermächtnis lebt in ihren faszinierenden Bildern weiter, die einen einzigartigen Einblick in das amerikanische Leben der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts bieten.


La légendaire photographe de rue américaine Vivian Maier vient en Suisse. À partir du 24 février 2024, la Maison de la photographie présentera l'exposition "Vivian Maier - Anthology", qui comprend 140 photographies sur un total de quatre décennies. Les travaux de Maier montrent la vie urbaine et les habitants de Chicago et de New York, mais aussi d'autres localités qu'elle a traversées lors de ses nombreux voyages. L'exposition a été organisée et conçue par Anne Morin de DiChroma Photography sur la base de photos provenant des archives de la Maloof Collection ainsi que de la Howard Greenberg Gallery à New York.

La Haus der Fotografie présente pour la première fois une sélection impressionnante d'œuvres de la photographe américaine de renommée mondiale Vivian Maier. Dans son travail, l'artiste s'est principalement concentrée sur les photographies de rue, qui ont généralement été prises spontanément, mais qui se distinguent en même temps par une énorme précision. Elle a réussi comme personne à placer ses modèles au centre de l'attention sans négliger l'histoire de leur environnement.

Les photographies de Vivian Maier étaient énormément variées et offrent un aperçu unique de la vie urbaine et des structures sociales de son époque. "On peut se demander qui était cette femme qui a passé sa vie à voyager, à vivre dans d'innombrables endroits, qui n'a jamais voulu se fixer ni se fixer et qui n'a pratiquement laissé personne partager sa passion ? C'est cette question que cette exposition aborde, en mettant en lumière la personne de Vivian Maier, qui a laissé au monde de la photographie une quantité incroyable de matériel étonnant sur quatre décennies, et en la plaçant pour une fois sur le devant de la scène", explique Isabelle Bitterli, directrice de la Maison de la Photographie.

Vivian Maier (1er février 1926 - 21 avril 2009) était une photographe de rue américaine qui est restée largement inconnue tout au long de sa vie. Ce n'est qu'après sa mort que ses impressionnantes photographies ont été rendues publiques et ont obtenu une grande reconnaissance posthume. Elle est aujourd'hui considérée comme l'une des plus grandes photographes de rue du 20e siècle.

Vivian Maier est née le 1er février 1926 à New York. On sait peu de choses sur ses premières années, mais on pense qu'elle a passé une partie de sa jeunesse en France avec sa mère française.

Maier est retournée aux États-Unis en 1951 et a commencé à travailler comme nounou à New York. Parallèlement, elle se consacre intensément à la photographie. Avec un appareil Rolleiflex, elle documente la vie urbaine, des portraits de personnes dans la rue, des scènes de rue évocatrices et des situations quotidiennes.

Lorsque Maier a commencé un nouveau travail de nounou à Chicago en 1956, elle a profité du luxe d'une chambre noire et d'une salle de bain privée. Cela lui permit de développer ses tirages et ses propres rouleaux de film noir et blanc. Lorsque les enfants ont grandi, la fin de l'emploi de Maier dans cette première famille de Chicago au début des années 1970 l'a contrainte à abandonner le développement de son propre film.

Alors qu'elle passait de famille en famille, ses bobines d'œuvres non développées et non imprimées se sont accumulées. C'est à cette époque que Maier a décidé de passer à la photographie couleur. Le stress financier et le manque de stabilité ont fait que les rouleaux de couleur non développés ont commencé à s'accumuler. Quelque part entre la fin des années 1990 et les premières années du nouveau millénaire, Vivian a rangé son appareil photo et entreposé ses biens tout en essayant de garder la tête hors de l'eau.

Vu le peu de moyens dont elle disposait, les photos stockées sont devenues des souvenirs perdus, jusqu'à ce qu'elles soient vendues en 2007, faute de paiement des loyers. Les négatifs ont été vendus aux enchères par la société de stockage à RPN Sales, qui a distribué les boîtes à plusieurs acheteurs, dont John Maloof, lors d'une vente aux enchères beaucoup plus importante. Alors même que Maloof commençait à acheter, cataloguer et rendre accessible au public une partie de son œuvre complète, Maier a été admise dans une maison de retraite à Chicago, où elle est décédée le 21 avril 2009 à l'âge de 83 ans.

Le travail de Maloof a conduit à une reconnaissance posthume et à un intérêt croissant pour la personne et l'œuvre de Maier. Son héritage continue de vivre à travers ses images fascinantes, qui offrent un aperçu unique de la vie américaine de la seconde moitié du 20e siècle.


La leggendaria fotografa di strada americana Vivian Maier arriva in Svizzera. Dal 24 febbraio 2024, la Haus der Fotografie esporrà la mostra "Vivian Maier - Anthology", che comprende 140 fotografie di un totale di quattro decenni. Le opere della Maier mostrano la vita urbana e le persone di Chicago e New York, ma anche di altri luoghi che ha visitato durante i suoi numerosi viaggi. La mostra è stata organizzata e progettata da Anne Morin della DiChroma Photography sulla base di fotografie provenienti dagli archivi della Maloof Collection e della Howard Greenberg Gallery di New York.

Per la prima volta, la Haus der Fotografie presenta un'impressionante selezione di opere della fotografa americana di fama mondiale Vivian Maier. Nel suo lavoro, l'artista si è concentrata soprattutto sulla fotografia di strada, scattata per lo più in modo spontaneo, ma allo stesso tempo caratterizzata da un'enorme precisione. Riusciva a mettere i suoi modelli al centro dell'attenzione come nessun altro, senza trascurare la storia dell'ambiente circostante.

Le fotografie di Vivian Maier erano estremamente varie e offrono uno sguardo unico sulla vita urbana e sulle strutture sociali del suo tempo. "La domanda sorge spontanea: chi era questa donna che ha viaggiato per tutta la vita, ha vissuto in innumerevoli luoghi, non ha mai voluto stabilirsi e non ha permesso a quasi nessuno di condividere la sua passione? Questa mostra esplora questa domanda, fa luce sulla persona Vivian Maier, che ha lasciato al mondo della fotografia un'incredibile quantità di materiale sorprendente di quattro decenni, e la mette per una volta in primo piano", afferma Isabelle Bitterli, direttrice della Haus der Fotografie.

Vivian Maier (1 febbraio 1926 - 21 aprile 2009) è stata una fotografa di strada americana, rimasta in gran parte sconosciuta durante la sua vita. Solo dopo la sua morte le sue impressionanti fotografie sono state portate all'attenzione del pubblico e hanno ottenuto un grande riconoscimento postumo. Oggi è riconosciuta come una delle più importanti fotografe di strada del XX secolo.

Vivian Maier è nata il 1° febbraio 1926 a New York. Si sa poco dei suoi primi anni di vita, ma si presume che abbia trascorso parte della sua giovinezza con la madre francese in Francia.

Tornata negli Stati Uniti nel 1951, Maier inizia a lavorare come tata a New York. Contemporaneamente si dedica intensamente alla fotografia. Utilizzando una fotocamera Rolleiflex, documenta la vita urbana, i ritratti di persone per strada, le suggestive scene di strada e le situazioni quotidiane.

Quando nel 1956 Maier iniziò un nuovo lavoro come tata a Chicago, poté godere del lusso di una camera oscura e di un bagno privato. Questo le permise di sviluppare le sue stampe e di creare i suoi rullini di pellicola in bianco e nero. Con la crescita dei figli, la fine del rapporto di lavoro con la prima famiglia di Chicago, all'inizio degli anni Settanta, costrinse la Maier a rinunciare allo sviluppo delle pellicole.

Passando da una famiglia all'altra, le bobine di lavoro non sviluppate e non stampate si accumulavano. È in questo periodo che Maier decide di passare alla fotografia a colori. Lo stress finanziario e la mancanza di stabilità fanno sì che i rullini a colori non sviluppati comincino ad accumularsi. Tra la fine degli anni Novanta e i primi anni del nuovo millennio, Vivian mette da parte la macchina fotografica e archivia i suoi averi mentre cerca di mantenersi in vita.

Di fronte alle scarse risorse a disposizione, le foto conservate sono diventate ricordi perduti fino a quando, nel 2007, sono state vendute a causa del mancato pagamento dell'affitto. I negativi sono stati venduti all'asta dalla società di stoccaggio alla RPN Sales, che ha distribuito le scatole a diversi acquirenti, tra cui John Maloof, in un'asta molto più ampia. Mentre Maloof iniziava ad acquistare e catalogare tutte le sue opere e a renderne disponibili alcune al pubblico, la Maier fu ricoverata in una casa di cura a Chicago, dove morì il 21 aprile 2009 all'età di 83 anni.

Il lavoro di Maloof ha portato a un riconoscimento postumo e a un crescente interesse per la persona e il lavoro della Maier. La sua eredità vive nelle sue affascinanti immagini, che offrono uno sguardo unico sulla vita americana della seconda metà del XX secolo.


The legendary American street photographer Vivian Maier is coming to Switzerland. From February 24, 2024, the Haus der Fotografie will be showing the exhibition "Vivian Maier - Anthology", which comprises 140 photographs from a total of four decades. Maier's works depict urban life and people in Chicago and New York, but also in other places she has criss-crossed on her numerous travels. The exhibition was organized and designed by Anne Morin of DiChroma Photography on the basis of photographs from the archives of the Maloof Collection and the Howard Greenberg Gallery in New York.

For the first time, the Haus der Fotografie is showing an impressive selection of works by the world-famous American photographer Vivian Maier. In her work, the artist focused mainly on street photography, which was mostly taken spontaneously, but at the same time is characterized by enormous precision. She managed to place her models at the center of attention like hardly anyone else, without disregarding the history of their surroundings.

Vivian Maier's photographs were enormously diverse and offer a unique insight into urban life and the social structures of her time. "The question arises: Who was this woman who spent a lifetime on the road, lived in countless places, never wanted to settle down and let hardly anyone share her passion? This exhibition explores this question, sheds light on the person Vivian Maier, who has left the world of photography an incredible wealth of astonishing material from four decades, and puts her in the foreground for once," says Isabelle Bitterli, Director of Haus der Fotografie.

Vivian Maier (February 1, 1926 - April 21, 2009) was an American street photographer who remained largely unknown during her lifetime. It was only after her death that her impressive photographs came to the public's attention and gained great recognition posthumously. Today, she is considered one of the most important street photographers of the 20th century.

Vivian Maier was born on February 1, 1926 in New York City. Little is known about her early years, but it is assumed that she spent part of her youth with her French mother in France.

Maier returned to the USA in 1951 and began working as a nanny in New York. At the same time, she devoted herself intensively to photography. Using a Rolleiflex camera, she documented urban life, portraits of people on the street, atmospheric street scenes and everyday situations.

When Maier started a new job as a nanny in Chicago in 1956, she enjoyed the luxury of a darkroom and her own bathroom. This enabled her to develop her prints and make her own rolls of black and white film. As the children grew up, the end of Maier's employment with that first family in Chicago in the early 1970s forced her to give up developing her own film.

As she moved from family to family, her reels of undeveloped, unprinted work piled up. It was at this time that Maier decided to switch to color photography. Financial stress and a lack of stability meant that the undeveloped rolls of color began to pile up. Sometime between the late 1990s and the early years of the new millennium, Vivian put her camera away and stored her belongings while she tried to keep her head above water.

Faced with meager resources, the stored photos became lost memories until they were sold in 2007 due to non-payment of rent. The negatives were auctioned off by the storage company to RPN Sales, who distributed the boxes to several buyers, including John Maloof, in a much larger auction. Even as Maloof began to purchase and catalog her entire body of work and make parts of it available to the public, Maier was admitted to a Chicago nursing home, where she died on April 21, 2009, at the age of 83.

Maloof's work led to posthumous recognition and a growing interest in Maier's person and her work. Her legacy lives on in her fascinating images, which offer a unique insight into American life in the second half of the 20th century.

(Text: IPFO Haus der Fotografie, Olten)

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Lichtblick - Fotografien politischer Bewegungen in den 1970ern und heute | BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
März
10
bis 16. Juni

Lichtblick - Fotografien politischer Bewegungen in den 1970ern und heute | BelleVue – Ort für Fotografie | Basel

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BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
9. März – 16. Juni 2024

Lichtblick - Fotografien politischer Bewegungen in den 1970ern und heute
Bilder bewegter Zeiten

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung


Klimademo, Bern 2023 © Sabina Bobst


Die Ausstellung «Lichtblick» macht sichtbar, in welch unterschiedlicher Art politisch-gesellschaftliche Bewegungen der 1970er-Jahre und der Gegenwart in fotografischen Zeugnissen Niederschlag finden. Der Nachlass der Agentur Kurt Graf/fotolib Basel zeigt die vielfältigen Proteste und Bewegungen um 1975 aus deren Innensicht heraus. Im Dialog dazu präsentieren zeitgenössische Fotograf:innen ihre Bilder zu Themen wie Arbeit, Gleichberechtigung, Antimilitarismus, Wohnformen oder Energie/Umwelt.

Der Nachlass Kurt Graf/fotolib Basel ist eine visuelle Dokumentation jener politischen Bewegungen, Ereignisse und Ideen, die in der Schweiz der 1970er-Jahre eine ganze Generation prägten. Ab 1975 dokumentierten Kurt Graf, Heiner Vogelsanger und Marcel Geiger als Fotografen-Kollektiv Widerstand und Protest, Aufbruch und Utopien. Den Ausschlag hatte die Besetzung des AKW-Baugeländes in Kaiseraugst im April 1975 gegeben. Die analogen Schwarz-Weiss-Fotografien entstanden, um das Engagement festzuhalten und weitherum bekannt zu machen.

Historische und zeitgenössische Fotografie im Dialog
Was ist von diesem Aufbruch der 1970er-Jahre übriggeblieben, wie präsentieren sich die einstigen Bewegungen heute, welche Bilder prägen unsere Gegenwart? BelleVue hat verschiedene Fotograf:innen und Organisationen, mehrheitlich aus der Region Basel, gebeten, aktuelle Aufnahmen zu den Themen der Ausstellung beizutragen.

Wie ein Brainstorming von Gedanken sind die grösseren zeitgenössischen Fotografien in der Ausstellung platziert. Eigenständig, eher symbolisch im Ausdruck, beschreiben sie bestimmte Zustände unserer Gesellschaft. Dazugestellt werden kleinere, dokumentarische Bildformate, zu den Themen der Ausstellung passend: Aktionen, Demonstrationen, Projekte, Engagement der Menschen im Kleinen und Grossen für die Sache, die ihnen am Herzen liegt.

Die historischen Bilderreihen erzählen Geschichten und zeugen vom Aufbruch in den verschiedensten Lebensbereichen. In den Reportagen der Zentralwäscherei wird die Mühsal der Arbeit spürbar: Wäscheberge, Fliessbänder, viele Frauen, meist Migrantinnen, die Hand in Hand arbeiten. Dann der Streik und die Solidaritätsveranstaltungen, endlich soll es besser werden!

Der Vergleich von historischen und zeitgenössischen Fotografien zeigt neben Unterschieden auch Gemeinsamkeiten. Viele digital entstandene Aufnahmen von politischen Aktivitäten auf der Strasse beschreiben, wie sich Menschen zusammentun und mit Transparenten ihre Forderungen verkünden. Solche Protestbilder gibt es heute wie damals in schier unüberschaubarer Fülle. Die Fotografie der Gegenwart ist zwar farbig, zuweilen von distanziertem Ausdruck und gut komponiert. Doch immer wieder finden sich auch – wie in den 1970er-Jahren – schnelle Schnappschüsse, die bezeugen sollen: So ist es gewesen, wir waren auch dabei!

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung


L'exposition "Lichtblick" met en évidence les différentes manières dont les mouvements politico-sociaux des années 1970 et d'aujourd'hui se reflètent dans les témoignages photographiques. Le fonds de l'agence Kurt Graf/fotolib Bâle montre les multiples protestations et mouvements autour de 1975 de l'intérieur. Des photographes contemporains y présentent leurs visuels sur des thèmes tels que le travail, l'égalité des droits, l'antimilitarisme, les formes d'habitat ou l'énergie/l'environnement.

Le fonds Kurt Graf/fotolib Bâle est une documentation visuelle des mouvements politiques, des événements et des idées qui ont marqué toute une génération en Suisse dans les années 1970. Dès 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger et Marcel Geiger ont documenté, en tant que collectif de photographes, la résistance et la protestation, le renouveau et les utopies. L'occupation du site de construction de la centrale nucléaire de Kaiseraugst en avril 1975 a été le facteur décisif. Les photographies analogiques en noir et blanc ont été prises pour immortaliser cet engagement et le faire connaître loin à la ronde.

La photographie historique et contemporaine en dialogue
Que reste-t-il de ce renouveau des années 1970, comment les mouvements d'autrefois se présentent-ils aujourd'hui, quels visuels marquent notre présent ? BelleVue a demandé à différents photographes et organisations, pour la plupart de la région bâloise, de contribuer aux thèmes de l'exposition en prenant des photos actuelles.

Les grandes photographies contemporaines sont placées dans l'exposition comme un brainstorming de pensées. Indépendantes, plutôt symboliques dans leur expression, elles décrivent certains états de notre société. Elles sont accompagnées de petits formats d'images documentaires, en rapport avec les thèmes de l'exposition : actions, manifestations, projets, engagement des gens, à petite ou grande échelle, pour la cause qui leur tient à cœur.

Les séries d'images historiques racontent des histoires et témoignent du renouveau dans les domaines les plus divers de la vie. Dans les reportages de la blanchisserie centrale, la pénibilité du travail est palpable : des montagnes de linge, des chaînes de montage, de nombreuses femmes, pour la plupart des migrantes, qui travaillent main dans la main. Puis la grève et les manifestations de solidarité, les choses devraient enfin s'améliorer !

La comparaison entre les photographies historiques et contemporaines montre non seulement des différences, mais aussi des points communs. De nombreuses photos numériques d'activités politiques dans la rue décrivent comment les gens se rassemblent et annoncent leurs revendications avec des banderoles. De telles images de protestation existent aujourd'hui comme hier en quantité presque incalculable. La photographie contemporaine est certes colorée, parfois d'une expression distanciée et bien composée. Mais on trouve aussi régulièrement - comme dans les années 1970 - des instantanés rapides qui doivent témoigner : C'était comme ça, nous y étions aussi !

Une coopération de BelleVue - lieu pour la photographie et des Archives d'État de Bâle-Ville, à l'initiative de la Fondation Christoph Merian.


La mostra "Lichtblick" mostra i diversi modi in cui i movimenti politici e sociali degli anni Settanta e del presente si riflettono nelle testimonianze fotografiche. Il patrimonio dell'agenzia Kurt Graf/fotolib Basel mostra le diverse proteste e i movimenti intorno al 1975 dalla loro prospettiva interna. In dialogo con questi, fotografi contemporanei presentano le loro immagini su temi come il lavoro, la parità di diritti, l'antimilitarismo, le forme abitative e l'energia/ambiente.

Il patrimonio di Kurt Graf/fotolib Basel è una documentazione visiva dei movimenti politici, degli eventi e delle idee che hanno plasmato un'intera generazione in Svizzera negli anni Settanta. Dal 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger e Marcel Geiger hanno documentato la resistenza e la protesta, gli sconvolgimenti e le utopie come collettivo di fotografi. L'occupazione del cantiere della centrale nucleare di Kaiseraugst nell'aprile del 1975 fu il fattore decisivo. Le fotografie analogiche in bianco e nero sono state scattate per registrare l'occupazione e renderla nota a tutti.

Fotografia storica e contemporanea in dialogo
Cosa è rimasto di questo risveglio degli anni Settanta, come si presentano oggi i movimenti di un tempo, quali immagini caratterizzano il nostro presente? BelleVue ha chiesto a diversi fotografi e organizzazioni, soprattutto della regione di Basilea, di contribuire con fotografie attuali ai temi della mostra.

Le fotografie contemporanee più grandi sono disposte nella mostra come una sessione di brainstorming di idee. Indipendenti, dall'espressione piuttosto simbolica, descrivono alcune condizioni della nostra società. Sono accompagnate da immagini più piccole, di tipo documentario, che corrispondono ai temi della mostra: azioni, dimostrazioni, progetti, impegno delle persone su piccola e grande scala per la causa che sta loro a cuore.

Le serie storiche di immagini raccontano storie e testimoniano nuovi inizi nei più diversi ambiti della vita. Nei reportage sulla lavanderia centrale, la natura faticosa del lavoro diventa tangibile: montagne di biancheria, nastri trasportatori, molte donne, per lo più migranti, che lavorano mano nella mano. Poi lo sciopero e le manifestazioni di solidarietà, finalmente le cose dovrebbero migliorare!

Un confronto tra fotografie storiche e contemporanee rivela somiglianze e differenze. Molte immagini digitali di attività politiche in strada ritraggono persone che si riuniscono e proclamano le loro richieste con striscioni. Oggi come allora c'è un'abbondanza quasi ingestibile di immagini di protesta di questo tipo. La fotografia contemporanea è colorata, a volte con un'espressione distanziata e ben composta. Ma di tanto in tanto, come negli anni Settanta, ci sono anche istantanee veloci che vogliono essere una testimonianza: Così è stato, c'eravamo anche noi!

Una collaborazione tra BelleVue - Place for Photography e l'Archivio di Stato di Basilea Città, su iniziativa della Fondazione Christoph Merian.


The "Lichtblick" exhibition reveals the different ways in which political and social movements of the 1970s and the present are reflected in photographic evidence. The estate of the Kurt Graf/fotolib Basel agency shows the diverse protests and movements around 1975 from their internal perspective. In dialog with this, contemporary photographers present their visuals on topics such as work, equality, anti-militarism, forms of housing or energy/environment.

The Kurt Graf/fotolib Basel estate is a visual documentation of the political movements, events and ideas that shaped an entire generation in Switzerland in the 1970s. From 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger and Marcel Geiger documented resistance and protest, upheaval and utopias as a photographer collective. The occupation of the nuclear power plant construction site in Kaiseraugst in April 1975 was the decisive factor. The analog black-and-white photographs were taken to record the occupation and make it known far and wide.

Historical and contemporary photography in dialog
What remains of this 1970s awakening, how do the former movements present themselves today, what visuals shape our present? BelleVue asked various photographers and organizations, mostly from the Basel region, to contribute current photographs to the exhibition's themes.

The larger contemporary photographs are placed in the exhibition like a brainstorming session of ideas. Independent, rather symbolic in expression, they describe certain conditions in our society. They are accompanied by smaller, documentary image formats that match the themes of the exhibition: actions, demonstrations, projects, people's commitment on a small and large scale to the cause that is close to their hearts.

The historical series of pictures tell stories and bear witness to new beginnings in the most diverse areas of life. In the reports on the central laundry, the toil of the work becomes tangible: mountains of laundry, conveyor belts, many women, mostly migrants, working hand in hand. Then the strike and the solidarity events, finally things are supposed to get better!

A comparison of historical and contemporary photographs reveals similarities as well as differences. Many digitally produced images of political activities on the street describe people coming together and proclaiming their demands with banners. There is an almost unmanageable abundance of such protest images today as there was back then. Contemporary photography is colorful, sometimes with a distanced expression and well composed. But time and again - as in the 1970s - there are also quick snapshots that are intended to bear witness: That's how it was, we were there too!

A cooperation between BelleVue - Place for Photography and the Basel-Stadt State Archives, on the initiative of the Christoph Merian Foundation

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

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Hier! Jetzt! | Kunsthaus Zofingen
März
16
bis 26. Mai

Hier! Jetzt! | Kunsthaus Zofingen


Kunsthaus Zofingen
16. März – 26. Mai 2024

Hier! Jetzt!
Daniel Bracher, Christina Gähler, Susanne Lemberg, Samuel Peyer


Kleines Florilegium / Perückenstrauch, 2023, Monotypie auf Bütten © Susanne Lemberg


Was geschieht in den Ateliers in und um Zofingen? Woran arbeiten die Künstler*innen? Bei der Ausstellung «Hier! Jetzt!» ist der Titel Programm: Die vier Kunstschaffenden Daniel Bracher (1971), Christina Gähler (1988), Susanne Lemberg (1962) und Samuel Peyer (1957) zeigen aktuelles Schaffen aus der Region. So unterschiedlich die vier Künstler*innen in ihrer kreativen Arbeit vorgehen, so viel Gemeinsamkeit, Harmonie aber auch Gegensätzlichkeit lassen sich in ihren Werken erkennen. Gezeigt wird ein breites Spektrum an Gemälden, Collagen, unterschiedlichste Drucktechniken, Fotografien, Installationen, Objekte und Skulpturen.

Kuratiert von Eva Bigler und Ursula Liebich


Que se passe-t-il dans les ateliers de Zofingen et des environs ? Sur quoi travaillent les artistes ? Dans l'exposition "Hier ! Jetzt !", le titre est tout un programme : les quatre artistes Daniel Bracher (1971), Christina Gähler (1988), Susanne Lemberg (1962) et Samuel Peyer (1957) présentent des créations actuelles de la région. Si les quatre artistes* ont des approches différentes dans leur travail créatif, leurs œuvres révèlent autant de points communs, d'harmonie mais aussi de contrastes. Un large éventail de peintures, collages, techniques d'impression les plus diverses, photographies, installations, objets et sculptures seront présentés.

Organisé par Eva Bigler et Ursula Liebich


Cosa succede negli atelier di Zofingen e dintorni? A cosa lavorano gli artisti? Nella mostra "Here! Now!", il titolo dice tutto: i quattro artisti Daniel Bracher (1971), Christina Gähler (1988), Susanne Lemberg (1962) e Samuel Peyer (1957) espongono opere attuali della regione. Per quanto i quattro artisti siano diversi nel loro approccio creativo, nelle loro opere si possono riconoscere molti punti in comune, armonia e contrasti. Sarà esposto un ampio spettro di dipinti, collage, varie tecniche di stampa, fotografie, installazioni, oggetti e sculture.

A cura di Eva Bigler e Ursula Liebich


What happens in the studios in and around Zofingen? What are the artists working on? The title of the exhibition "Here! Now!" says it all: the four artists Daniel Bracher (1971), Christina Gähler (1988), Susanne Lemberg (1962) and Samuel Peyer (1957) are showing current works from the region. As different as the four artists are in their creative approach, there is a lot of common ground, harmony and contrast in their works. A broad spectrum of paintings, collages, various printing techniques, photographs, installations, objects and sculptures will be on display.

Curated by Eva Bigler and Ursula Liebich

(Text: Kunsthaus Zofingen)

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Mythen des Alltags – Kostas Maros | Galerie Monika Wertheimer | Oberwil
März
16
bis 20. Apr.

Mythen des Alltags – Kostas Maros | Galerie Monika Wertheimer | Oberwil


Galerie Monika Wertheimer | Oberwil
16. März – 20. April 2024

Mythen des Alltags
Kostas Maros


Aus Myten des Alltags © Kostas Maros


Zwischen den Ansichten urbaner Landschaften umhüllt vom Schleier einer nächtlichen Stille und tiefen, warmen Grüns umgeben von diffusem Licht, scheint es, als liege ein unausgesprochenes Geheimnis in der Luft. In den fotografischen Arbeiten von Kostas Maros finden sich Indizien wieder, ohne zu wissen nach was gesucht würde: Ein weisser Sessel unter tief hängendem Blattwerk, in jeglicher Abwesenheit des einst Sitzenden – lediglich die Spuren einer Handlung verweisen auf ein Davor. An anderer Stelle durchzieht ein feinmaschiger Zaun wucherndes Grün eines tropischen Waldes, der Sinn und Zweck seiner Anwesenheit scheint fragwürdig neben der erhabenen Kraft eines hoch emporragenden Baumstammes. Die Zeugenschaft des fotografischen Lichtbildes wird den poetischen Dialog nicht erläutern können, der sich zwischen der Beleuchtung oberhalb eines Strassenschildes und dem leisen Leuchten einer Tischlampe am Fenstersims abspielt. Es scheint, als könnte niemand in diesen Bildern sprechen, tatsächlich sind auch keine Gesichter oder Gesten zu sehen, die uns helfen könnten, das Geschehene anhand ihrer Reaktion zu verstehen. Ohne die potenziellen Narrative zu kennen, wohnen wir dennoch einer Stimmung bei, die sich sowohl vage wie bestimmt über die Bildgrenze hinaus mitteilt.

Etwas Cineastisches haftet den fotografischen Arbeiten von Kostas Maros an, obwohl sie allesamt auf Dauer gestellte Augenblicke sind. Vergleichbar mit dem Establishing Shot im Film, dessen erste Einstellung den jeweiligen Ort des Geschehens vorstellt, führen die Fotografien anstelle der Verortung innerhalb eines spezifischen Handlungsraums die BetrachterInnen ein in eine Bildwelt unbestimmter Empfindungen.


Entre les vues de paysages urbains enveloppés du voile d'un silence nocturne et les verts profonds et chauds entourés d'une lumière diffuse, il semble qu'il y ait un secret inavouable dans l'air. Dans les travaux photographiques de Kostas Maros, on retrouve des indices sans savoir ce que l'on cherche : un fauteuil blanc sous un feuillage bas, en l'absence totale de celui qui était assis - seules les traces d'une action renvoient à un avant. Ailleurs, une clôture à mailles fines traverse la verdure d'une forêt tropicale, le sens et le but de sa présence semblent douteux à côté de la force sublime d'un tronc d'arbre qui s'élève. Le témoignage de l'image lumineuse photographique ne pourra pas expliquer le dialogue poétique qui se déroule entre l'éclairage au-dessus d'un panneau routier et la lueur discrète d'une lampe de table sur le rebord de la fenêtre. Il semble que personne ne puisse parler dans ces visuels, en fait, on ne voit pas non plus de visages ou de gestes qui pourraient nous aider à comprendre ce qui se passe en fonction de leur réaction. Sans connaître les récits potentiels, nous assistons néanmoins à une ambiance qui se communique à la fois de manière vague et déterminée au-delà des limites de l'image.

Les travaux photographiques de Kostas Maros ont quelque chose de cinématographique, bien qu'il s'agisse tous d'instants posés sur la durée. Comparables à l'establishing shot du film, dont le premier plan présente le lieu de l'action, les photographies, au lieu d'être situées dans un espace d'action spécifique, introduisent le spectateur dans un monde d'images aux sensations indéterminées.


Tra le vedute di paesaggi urbani avvolti da un velo di silenzio notturno e il verde profondo e caldo circondato da una luce diffusa, sembra che ci sia un segreto non detto nell'aria. Le opere fotografiche di Kostas Maros contengono indizi senza sapere cosa stanno cercando: una poltrona bianca sotto un fogliame basso, nella completa assenza della persona che vi si è seduta - solo le tracce di un'azione indicano un prima. Altrove, una recinzione a maglia fine attraversa il verde tentacolare di una foresta tropicale, il significato e lo scopo della sua presenza sembrano discutibili accanto alla potenza sublime di un tronco d'albero imponente. La testimonianza dell'immagine fotografica non sarà in grado di spiegare il dialogo poetico che si svolge tra l'illuminazione di un cartello stradale e il tenue bagliore di una lampada da tavolo sul davanzale della finestra. Sembra che nessuno possa parlare in queste immagini, infatti non ci sono volti o gesti che ci aiutino a capire cosa sta succedendo in base alle loro reazioni. Senza conoscere le potenziali narrazioni, siamo comunque testimoni di uno stato d'animo che si comunica sia vagamente che decisamente oltre i confini dell'immagine.

Le opere fotografiche di Kostas Maros hanno qualcosa di cinematografico, anche se si tratta di momenti catturati nel tempo. Paragonabili all'establishing shot di un film, la cui prima inquadratura introduce il rispettivo luogo dell'azione, le fotografie introducono lo spettatore in un mondo visivo di sensazioni indeterminate, invece di localizzarle all'interno di uno specifico spazio d'azione.


Between the views of urban landscapes shrouded in a veil of nocturnal silence and deep, warm greens surrounded by diffuse light, it seems as if there is an unspoken secret in the air. Kostas Maros' photographic works contain clues without knowing what they are looking for: a white armchair under low-hanging foliage, in the complete absence of the person who once sat in it - only the traces of an action point to a before. Elsewhere, a fine-meshed fence runs through the sprawling green of a tropical forest, the meaning and purpose of its presence seeming questionable next to the sublime power of a towering tree trunk. The witnessing of the photographic light image will not be able to explain the poetic dialog that takes place between the illumination above a street sign and the soft glow of a table lamp on the windowsill. It seems as if no one can speak in these visuals, indeed there are no faces or gestures to help us understand what is happening based on their reaction. Without knowing the potential narratives, we nevertheless witness a mood that communicates itself both vaguely and of course beyond the boundaries of the image.

There is something cinematic about Kostas Maros' photographic works, even though they are all moments captured in time. Comparable to the establishing shot in a film, whose first shot introduces the respective location of the action, the photographs introduce the viewer to a visual world of indeterminate sensations instead of localizing them within a specific action space.

(Text: Carla Patricia Kojich)

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Wirklichkeiten - Jan Prengel | Galerie 94 | Baden
März
22
bis 4. Mai

Wirklichkeiten - Jan Prengel | Galerie 94 | Baden


Galerie 94 | Baden
22. März – 4. Mai 2024

Wirklichkeiten
Jan Prengel


Inherited Gaze © Jan Prengel


Encounters Of Time / Begegnungen der Zeit, 2023
Die Serie «Begegnungen der Zeit» soll den Betrachter dazu anregen, das Konzept einer linearen Zeit aufzubrechen und neue Ideen und Sichtweisen darauf zu erwägen. Jede Komposition besteht aus zwei miteinander verschmolzenen Fotografien, die an unterschiedlichen Orten und zu unterschiedlichen Zeiten aufgenommen wurden. Zuvor wurden zwei Bilder ausgewählt und kombiniert, die bestimmte Merkmale wie Motiv, Form oder Farbe gemeinsam haben. Die herkömmlichen physikalischen Grenzen von Zeit und Raum werden symbolisch aufgelöst. Unterschiedliche Zeitpunkte interagieren nun miteinander und bilden gemeinsam neue traumhafte Bildwelten. «Ich arbeite mit meiner Vergangenheit als würde ich durch die Zeit reisen. Die beiden Zeitpunkte der Fotografien treffen in den Arbeiten aufeinander, ebenso wie der Zeitpunkt ihrer Verschmelzung. Während der Entstehung der Fotografien war ihre Bedeutung noch unklar. Erst zu einem späteren Zeitpunkt werden sie neu interpretiert und in ein neues Werk integriert.»

Inherited Gaze / Vererbter Blick, 2023
In der Serie «Vererbter Blick» beschäftige ich mich mit der Vererbung von Denkmustern, unbewältigten Traumata und Persönlichkeitsmerkmalen. Diese können über viele Generationen weitergegeben werden und somit die Charaktereigenschaften der nachfolgenden Generationen und deren Sicht auf die Welt über einen langen Zeitraum beeinflussen. Für «Vererbter Blick» hat Jan Prengel das in seinen Arbeiten wiederkehrende Motiv der getrockneten Pflanze durch alte Brillen seiner Eltern fotografiert. Der Blick durch die Brillen symbolisiert die vererbten elterlichen Eigenschaften, die einen Menschen die Welt wie durch einen nicht zu entfernenden Filter betrachten lassen. Es bleibt offen, ob der beeinflusste Blick getrübt ist, oder aber als Schöpfer einer interessanten und einzigartigen Perspektive interpretiert werden kann. Wie in den Werkserien «Auf der Suche nach der Gegenwart» oder «Metamorphose» werden den Pflanzenmotiven fotografisch verschwommene Bildelemente hinzugefügt, um eine weitere Ebene zu schaffen, die eine persönliche Sicht auf die Welt visualisiert. Ein eindeutiger Blick auf klar definierte Materie und ihre Form soll verhindert werden. Ziel ist es, den Betrachter zu einer tieferen, von den konventionellen physikalischen Gesetzen losgelösten, Sicht auf die Natur der Welt anzuregen.

Fluid Matter / Fliessende Materie, 2023
Mit seinen Sinnen nimmt der Mensch die Welt als ein geordnetes Konstrukt, mit klar voneinander abgegrenzten Objekten, wahr. Die Materie erscheint als ein System von konstant ruhenden Teilchen, in dem sich diese Teilchen zu jeder Zeit an einem einzigen bestimmten Ort befinden. Die Erkenntnisse der Quantenphysik widersprechen jedoch diesem Weltbild und ebnen den Weg für neue Perspektiven auf die Realität und die Beschaffenheit des Universums. In «Fliessende Materie» setzt sich Jan Prengel mit diesen neuen Sichtweisen auf die Wirklichkeit auseinander. Licht und Formen werden verzerrt und scheinen nun in Schwingung zu sein. Vertraute Objekte verlieren ihr stabiles Erscheinungsbild und fliessen grenzenlos ineinander. Die gesamte Materie scheint in Bewegung zu sein, und der gewohnte Blick auf die Objekte wird aufgebrochen. Stattdessen entstehen abstrakte Kompositionen aus fliessenden Farben und neu geschaffenen Formen.


Encounters Of Time / Rencontres du temps, 2023
La série "Rencontres du temps" vise à inciter le spectateur à rompre avec le concept d'un temps linéaire et à envisager de nouvelles idées et de nouveaux points de vue sur celui-ci. Chaque composition est composée de deux photographies fusionnées, prises dans des lieux et à des moments différents. Au préalable, deux visuels ont été sélectionnés et combinés, partageant certaines caractéristiques telles que le motif, la forme ou la couleur. Les limites physiques traditionnelles du temps et de l'espace sont symboliquement abolies. Différents moments interagissent désormais entre eux et forment ensemble de nouveaux mondes visuels oniriques. "Je travaille avec mon passé comme si je voyageais dans le temps. Les deux moments des photographies se rencontrent dans les œuvres, tout comme le moment de leur fusion. Pendant la création des photographies, leur signification n'était pas encore claire. Ce n'est qu'à un moment ultérieur qu'elles sont réinterprétées et intégrées dans une nouvelle œuvre".

Inherited Gaze / Regard hérité, 2023
Dans la série "Regard hérité", je m'intéresse à la transmission de schémas de pensée, de traumatismes non surmontés et de traits de personnalité. Ceux-ci peuvent être transmis sur de nombreuses générations et influencer ainsi les traits de caractère des générations suivantes et leur vision du monde sur une longue période. Pour "Vererbter Blick", Jan Prengel a photographié le motif de la plante séchée, récurrent dans son travail, à travers de vieilles lunettes de ses parents. Le regard à travers les lunettes symbolise les caractéristiques parentales héritées qui font qu'une personne regarde le monde comme à travers un filtre qui ne peut être enlevé. Il reste à savoir si le regard influencé est obscurci ou s'il peut être interprété comme le créateur d'une perspective intéressante et unique. Comme dans les séries d'œuvres "À la recherche du présent" ou "Métamorphose", des éléments d'image flous sont ajoutés aux motifs végétaux par la photographie afin de créer un autre niveau qui visualise une vision personnelle du monde. Une vision univoque de la matière clairement définie et de sa forme doit être empêchée. L'objectif est d'inciter le spectateur à avoir une vision plus profonde, détachée des lois physiques conventionnelles, de la nature du monde.

Fluid Matter / Matière fluide, 2023
Grâce à ses sens, l'homme perçoit le monde comme une construction ordonnée, avec des objets clairement délimités les uns par rapport aux autres. La matière apparaît comme un système de particules au repos constant, dans lequel ces particules se trouvent à tout moment à un seul endroit précis. Les découvertes de la physique quantique contredisent toutefois cette vision du monde et ouvrent la voie à de nouvelles perspectives sur la réalité et la nature de l'univers. Dans "Fliessende Materie", Jan Prengel se penche sur ces nouvelles façons de voir la réalité. La lumière et les formes sont déformées et semblent désormais vibrer. Les objets familiers perdent leur apparence stable et se fondent les uns dans les autres sans limites. Toute la matière semble être en mouvement et la vision habituelle des objets est brisée. Au lieu de cela, des compositions abstraites naissent de couleurs fluides et de formes nouvellement créées.


Incontri del tempo / Begegnungen der Zeit, 2023
La serie "Encounters of Time" intende incoraggiare lo spettatore a rompere il concetto di tempo lineare e a considerare nuove idee e prospettive su di esso. Ogni composizione è costituita da due fotografie fuse, scattate in luoghi e tempi diversi. In precedenza sono state selezionate e combinate due immagini che condividono alcune caratteristiche come il motivo, la forma o il colore. I confini fisici convenzionali del tempo e dello spazio vengono simbolicamente dissolti. Diversi punti nel tempo interagiscono ora tra loro e insieme formano nuovi mondi visivi onirici. "Lavoro con il mio passato come se viaggiassi nel tempo. I due punti nel tempo delle fotografie si incontrano nelle opere, così come il tempo della loro fusione. Durante la creazione delle fotografie, il loro significato non era ancora chiaro. Solo in un momento successivo vengono reinterpretate e integrate in un nuovo lavoro".

Sguardo ereditato / Inherited Gaze, 2023
Nella serie "Inherited Gaze" mi occupo dell'eredità di schemi di pensiero, traumi irrisolti e tratti della personalità. Questi possono essere trasmessi per molte generazioni e quindi influenzare i tratti caratteriali delle generazioni successive e la loro visione del mondo per un lungo periodo di tempo. Per "Inherited Gaze", Jan Prengel ha fotografato il motivo ricorrente della pianta secca nel suo lavoro attraverso i vecchi occhiali dei genitori. La visione attraverso gli occhiali simboleggia le caratteristiche ereditate dai genitori che fanno sì che una persona guardi il mondo come attraverso un filtro che non può essere rimosso. Resta aperto il problema se la visione influenzata sia offuscata o se possa essere interpretata come la creazione di una prospettiva interessante e unica. Come nella serie di opere "Alla ricerca del presente" o "Metamorfosi", ai motivi vegetali vengono aggiunti elementi pittorici sfocati dalla fotografia per creare un ulteriore livello che visualizza una visione personale del mondo. Viene impedita una visione chiara della materia e della sua forma. L'obiettivo è incoraggiare lo spettatore a guardare più in profondità la natura del mondo, distaccandosi dalle leggi fisiche convenzionali.

Materia fluida / Flowing Matter, 2023
Con i sensi, le persone percepiscono il mondo come un costrutto ordinato con oggetti chiaramente delineati. La materia appare come un sistema di particelle in continuo riposo, che si trovano sempre in un unico luogo specifico. Tuttavia, le scoperte della fisica quantistica contraddicono questa visione del mondo e aprono la strada a nuove prospettive sulla realtà e sulla natura dell'universo. In "Flowing Matter", Jan Prengel esplora queste nuove prospettive sulla realtà. La luce e le forme sono distorte e sembrano vibrare. Gli oggetti familiari perdono il loro aspetto stabile e fluiscono l'uno nell'altro senza confini. Tutta la materia sembra essere in movimento e la visione familiare degli oggetti viene spezzata. Emergono invece composizioni astratte di colori fluidi e forme create ex novo.


Encounters Of Time, 2023
The series «Encounters Of Time» is intended to inspire the viewer to break open the concept of a linear time and to consider new ideas and views of it. Each composition contains two fused photographs taken in different places and at different times. Two images were previously selected and combined that share certain characteristics, such as motif, form, or color. The conventional physical boundaries of time and space are symbolically dissolved. Different points in time now interact with each other and form new dreamlike visual worlds together. I work with my past as if through a kind of time travel. In the works, the two points in time of the photographs encounter each other as well as the time of their fusion. When the photographs were taken, their meaning was uncertain. Later, they were reinterpreted and integrated into a new work.

Inherited Gaze, 2023
In «Inherited Gaze», I deal with the inheritance of ways of thinking, unsolved traumas and characteristics. These can be passed on over many generations and influence the characters of the following generations, and their view on the world over a long period of time. For «Inherited Gaze», I photographed the reappearing motif of the dried plant through my parents' old glasses. The view through these glasses symbolizes the inherited parental characteristics that make a person look on the world as if through a filter, that cannot be removed. It remains unclear whether the influenced view is negatively blurred, or can be interpreted as the creator of an interesting and unique perspective. As in the «In Search of the Present» or «Metamorphosis» series of works, blurred pictorial elements are added to the plant motifs to create a further layer that visualizes a personal view on the world. A distinct gaze at clearly defined matter and its form is prevented. The aim is to encourage the viewer to take a deeper perspective on the nature of the world, detached from the conventional physical laws.

Fluid Matter, 2023
With their senses, humans perceive the world as an ordered construct with clearly separated objects. Matter appears as a system of constantly static atoms in which these elements are located in a single specific place at any time. Quantum physics contradicts this view on the world and opens the way for new perspectives on reality and the nature of the world. In «Fluid Matter», I explore these new perspectives on reality. Light and forms are distorted and now appear to be in vibration. Familiar objects lose their fixed appearance and flow into each other without boundaries. All matter seems to be in motion, and the conventional view on the objects is disrupted. Instead, abstract compositions of floating colors and newly created forms appear.

(Text: Galerie 94, Baden)

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Wirklichkeiten - Jan Prengel | Galerie 94 | Baden
Mai
4
1:00 PM13:00

Wirklichkeiten - Jan Prengel | Galerie 94 | Baden


Galerie 94 | Baden
4. Mai 2024

Wirklichkeiten
Jan Prengel


Inherited Gaze © Jan Prengel


Encounters Of Time / Begegnungen der Zeit, 2023
Die Serie «Begegnungen der Zeit» soll den Betrachter dazu anregen, das Konzept einer linearen Zeit aufzubrechen und neue Ideen und Sichtweisen darauf zu erwägen. Jede Komposition besteht aus zwei miteinander verschmolzenen Fotografien, die an unterschiedlichen Orten und zu unterschiedlichen Zeiten aufgenommen wurden. Zuvor wurden zwei Bilder ausgewählt und kombiniert, die bestimmte Merkmale wie Motiv, Form oder Farbe gemeinsam haben. Die herkömmlichen physikalischen Grenzen von Zeit und Raum werden symbolisch aufgelöst. Unterschiedliche Zeitpunkte interagieren nun miteinander und bilden gemeinsam neue traumhafte Bildwelten. «Ich arbeite mit meiner Vergangenheit als würde ich durch die Zeit reisen. Die beiden Zeitpunkte der Fotografien treffen in den Arbeiten aufeinander, ebenso wie der Zeitpunkt ihrer Verschmelzung. Während der Entstehung der Fotografien war ihre Bedeutung noch unklar. Erst zu einem späteren Zeitpunkt werden sie neu interpretiert und in ein neues Werk integriert.»

Inherited Gaze / Vererbter Blick, 2023
In der Serie «Vererbter Blick» beschäftige ich mich mit der Vererbung von Denkmustern, unbewältigten Traumata und Persönlichkeitsmerkmalen. Diese können über viele Generationen weitergegeben werden und somit die Charaktereigenschaften der nachfolgenden Generationen und deren Sicht auf die Welt über einen langen Zeitraum beeinflussen. Für «Vererbter Blick» hat Jan Prengel das in seinen Arbeiten wiederkehrende Motiv der getrockneten Pflanze durch alte Brillen seiner Eltern fotografiert. Der Blick durch die Brillen symbolisiert die vererbten elterlichen Eigenschaften, die einen Menschen die Welt wie durch einen nicht zu entfernenden Filter betrachten lassen. Es bleibt offen, ob der beeinflusste Blick getrübt ist, oder aber als Schöpfer einer interessanten und einzigartigen Perspektive interpretiert werden kann. Wie in den Werkserien «Auf der Suche nach der Gegenwart» oder «Metamorphose» werden den Pflanzenmotiven fotografisch verschwommene Bildelemente hinzugefügt, um eine weitere Ebene zu schaffen, die eine persönliche Sicht auf die Welt visualisiert. Ein eindeutiger Blick auf klar definierte Materie und ihre Form soll verhindert werden. Ziel ist es, den Betrachter zu einer tieferen, von den konventionellen physikalischen Gesetzen losgelösten, Sicht auf die Natur der Welt anzuregen.

Fluid Matter / Fliessende Materie, 2023
Mit seinen Sinnen nimmt der Mensch die Welt als ein geordnetes Konstrukt, mit klar voneinander abgegrenzten Objekten, wahr. Die Materie erscheint als ein System von konstant ruhenden Teilchen, in dem sich diese Teilchen zu jeder Zeit an einem einzigen bestimmten Ort befinden. Die Erkenntnisse der Quantenphysik widersprechen jedoch diesem Weltbild und ebnen den Weg für neue Perspektiven auf die Realität und die Beschaffenheit des Universums. In «Fliessende Materie» setzt sich Jan Prengel mit diesen neuen Sichtweisen auf die Wirklichkeit auseinander. Licht und Formen werden verzerrt und scheinen nun in Schwingung zu sein. Vertraute Objekte verlieren ihr stabiles Erscheinungsbild und fliessen grenzenlos ineinander. Die gesamte Materie scheint in Bewegung zu sein, und der gewohnte Blick auf die Objekte wird aufgebrochen. Stattdessen entstehen abstrakte Kompositionen aus fliessenden Farben und neu geschaffenen Formen.


Encounters Of Time / Rencontres du temps, 2023
La série "Rencontres du temps" vise à inciter le spectateur à rompre avec le concept d'un temps linéaire et à envisager de nouvelles idées et de nouveaux points de vue sur celui-ci. Chaque composition est composée de deux photographies fusionnées, prises dans des lieux et à des moments différents. Au préalable, deux visuels ont été sélectionnés et combinés, partageant certaines caractéristiques telles que le motif, la forme ou la couleur. Les limites physiques traditionnelles du temps et de l'espace sont symboliquement abolies. Différents moments interagissent désormais entre eux et forment ensemble de nouveaux mondes visuels oniriques. "Je travaille avec mon passé comme si je voyageais dans le temps. Les deux moments des photographies se rencontrent dans les œuvres, tout comme le moment de leur fusion. Pendant la création des photographies, leur signification n'était pas encore claire. Ce n'est qu'à un moment ultérieur qu'elles sont réinterprétées et intégrées dans une nouvelle œuvre".

Inherited Gaze / Regard hérité, 2023
Dans la série "Regard hérité", je m'intéresse à la transmission de schémas de pensée, de traumatismes non surmontés et de traits de personnalité. Ceux-ci peuvent être transmis sur de nombreuses générations et influencer ainsi les traits de caractère des générations suivantes et leur vision du monde sur une longue période. Pour "Vererbter Blick", Jan Prengel a photographié le motif de la plante séchée, récurrent dans son travail, à travers de vieilles lunettes de ses parents. Le regard à travers les lunettes symbolise les caractéristiques parentales héritées qui font qu'une personne regarde le monde comme à travers un filtre qui ne peut être enlevé. Il reste à savoir si le regard influencé est obscurci ou s'il peut être interprété comme le créateur d'une perspective intéressante et unique. Comme dans les séries d'œuvres "À la recherche du présent" ou "Métamorphose", des éléments d'image flous sont ajoutés aux motifs végétaux par la photographie afin de créer un autre niveau qui visualise une vision personnelle du monde. Une vision univoque de la matière clairement définie et de sa forme doit être empêchée. L'objectif est d'inciter le spectateur à avoir une vision plus profonde, détachée des lois physiques conventionnelles, de la nature du monde.

Fluid Matter / Matière fluide, 2023
Grâce à ses sens, l'homme perçoit le monde comme une construction ordonnée, avec des objets clairement délimités les uns par rapport aux autres. La matière apparaît comme un système de particules au repos constant, dans lequel ces particules se trouvent à tout moment à un seul endroit précis. Les découvertes de la physique quantique contredisent toutefois cette vision du monde et ouvrent la voie à de nouvelles perspectives sur la réalité et la nature de l'univers. Dans "Fliessende Materie", Jan Prengel se penche sur ces nouvelles façons de voir la réalité. La lumière et les formes sont déformées et semblent désormais vibrer. Les objets familiers perdent leur apparence stable et se fondent les uns dans les autres sans limites. Toute la matière semble être en mouvement et la vision habituelle des objets est brisée. Au lieu de cela, des compositions abstraites naissent de couleurs fluides et de formes nouvellement créées.


Incontri del tempo / Begegnungen der Zeit, 2023
La serie "Encounters of Time" intende incoraggiare lo spettatore a rompere il concetto di tempo lineare e a considerare nuove idee e prospettive su di esso. Ogni composizione è costituita da due fotografie fuse, scattate in luoghi e tempi diversi. In precedenza sono state selezionate e combinate due immagini che condividono alcune caratteristiche come il motivo, la forma o il colore. I confini fisici convenzionali del tempo e dello spazio vengono simbolicamente dissolti. Diversi punti nel tempo interagiscono ora tra loro e insieme formano nuovi mondi visivi onirici. "Lavoro con il mio passato come se viaggiassi nel tempo. I due punti nel tempo delle fotografie si incontrano nelle opere, così come il tempo della loro fusione. Durante la creazione delle fotografie, il loro significato non era ancora chiaro. Solo in un momento successivo vengono reinterpretate e integrate in un nuovo lavoro".

Sguardo ereditato / Inherited Gaze, 2023
Nella serie "Inherited Gaze" mi occupo dell'eredità di schemi di pensiero, traumi irrisolti e tratti della personalità. Questi possono essere trasmessi per molte generazioni e quindi influenzare i tratti caratteriali delle generazioni successive e la loro visione del mondo per un lungo periodo di tempo. Per "Inherited Gaze", Jan Prengel ha fotografato il motivo ricorrente della pianta secca nel suo lavoro attraverso i vecchi occhiali dei genitori. La visione attraverso gli occhiali simboleggia le caratteristiche ereditate dai genitori che fanno sì che una persona guardi il mondo come attraverso un filtro che non può essere rimosso. Resta aperto il problema se la visione influenzata sia offuscata o se possa essere interpretata come la creazione di una prospettiva interessante e unica. Come nella serie di opere "Alla ricerca del presente" o "Metamorfosi", ai motivi vegetali vengono aggiunti elementi pittorici sfocati dalla fotografia per creare un ulteriore livello che visualizza una visione personale del mondo. Viene impedita una visione chiara della materia e della sua forma. L'obiettivo è incoraggiare lo spettatore a guardare più in profondità la natura del mondo, distaccandosi dalle leggi fisiche convenzionali.

Materia fluida / Flowing Matter, 2023
Con i sensi, le persone percepiscono il mondo come un costrutto ordinato con oggetti chiaramente delineati. La materia appare come un sistema di particelle in continuo riposo, che si trovano sempre in un unico luogo specifico. Tuttavia, le scoperte della fisica quantistica contraddicono questa visione del mondo e aprono la strada a nuove prospettive sulla realtà e sulla natura dell'universo. In "Flowing Matter", Jan Prengel esplora queste nuove prospettive sulla realtà. La luce e le forme sono distorte e sembrano vibrare. Gli oggetti familiari perdono il loro aspetto stabile e fluiscono l'uno nell'altro senza confini. Tutta la materia sembra essere in movimento e la visione familiare degli oggetti viene spezzata. Emergono invece composizioni astratte di colori fluidi e forme create ex novo.


Encounters Of Time, 2023
The series «Encounters Of Time» is intended to inspire the viewer to break open the concept of a linear time and to consider new ideas and views of it. Each composition contains two fused photographs taken in different places and at different times. Two images were previously selected and combined that share certain characteristics, such as motif, form, or color. The conventional physical boundaries of time and space are symbolically dissolved. Different points in time now interact with each other and form new dreamlike visual worlds together. I work with my past as if through a kind of time travel. In the works, the two points in time of the photographs encounter each other as well as the time of their fusion. When the photographs were taken, their meaning was uncertain. Later, they were reinterpreted and integrated into a new work.

Inherited Gaze, 2023
In «Inherited Gaze», I deal with the inheritance of ways of thinking, unsolved traumas and characteristics. These can be passed on over many generations and influence the characters of the following generations, and their view on the world over a long period of time. For «Inherited Gaze», I photographed the reappearing motif of the dried plant through my parents' old glasses. The view through these glasses symbolizes the inherited parental characteristics that make a person look on the world as if through a filter, that cannot be removed. It remains unclear whether the influenced view is negatively blurred, or can be interpreted as the creator of an interesting and unique perspective. As in the «In Search of the Present» or «Metamorphosis» series of works, blurred pictorial elements are added to the plant motifs to create a further layer that visualizes a personal view on the world. A distinct gaze at clearly defined matter and its form is prevented. The aim is to encourage the viewer to take a deeper perspective on the nature of the world, detached from the conventional physical laws.

Fluid Matter, 2023
With their senses, humans perceive the world as an ordered construct with clearly separated objects. Matter appears as a system of constantly static atoms in which these elements are located in a single specific place at any time. Quantum physics contradicts this view on the world and opens the way for new perspectives on reality and the nature of the world. In «Fluid Matter», I explore these new perspectives on reality. Light and forms are distorted and now appear to be in vibration. Familiar objects lose their fixed appearance and flow into each other without boundaries. All matter seems to be in motion, and the conventional view on the objects is disrupted. Instead, abstract compositions of floating colors and newly created forms appear.

(Text: Galerie 94, Baden)

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Wirklichkeiten - Jan Prengel | Galerie 94 | Baden
März
21
6:30 PM18:30

Wirklichkeiten - Jan Prengel | Galerie 94 | Baden


Galerie 94 | Baden
21. März 2024

Einführung durch Gwendolyn Fässler

Wirklichkeiten
Jan Prengel


Inherited Gaze © Jan Prengel


Encounters Of Time / Begegnungen der Zeit, 2023
Die Serie «Begegnungen der Zeit» soll den Betrachter dazu anregen, das Konzept einer linearen Zeit aufzubrechen und neue Ideen und Sichtweisen darauf zu erwägen. Jede Komposition besteht aus zwei miteinander verschmolzenen Fotografien, die an unterschiedlichen Orten und zu unterschiedlichen Zeiten aufgenommen wurden. Zuvor wurden zwei Bilder ausgewählt und kombiniert, die bestimmte Merkmale wie Motiv, Form oder Farbe gemeinsam haben. Die herkömmlichen physikalischen Grenzen von Zeit und Raum werden symbolisch aufgelöst. Unterschiedliche Zeitpunkte interagieren nun miteinander und bilden gemeinsam neue traumhafte Bildwelten. «Ich arbeite mit meiner Vergangenheit als würde ich durch die Zeit reisen. Die beiden Zeitpunkte der Fotografien treffen in den Arbeiten aufeinander, ebenso wie der Zeitpunkt ihrer Verschmelzung. Während der Entstehung der Fotografien war ihre Bedeutung noch unklar. Erst zu einem späteren Zeitpunkt werden sie neu interpretiert und in ein neues Werk integriert.»

Inherited Gaze / Vererbter Blick, 2023
In der Serie «Vererbter Blick» beschäftige ich mich mit der Vererbung von Denkmustern, unbewältigten Traumata und Persönlichkeitsmerkmalen. Diese können über viele Generationen weitergegeben werden und somit die Charaktereigenschaften der nachfolgenden Generationen und deren Sicht auf die Welt über einen langen Zeitraum beeinflussen. Für «Vererbter Blick» hat Jan Prengel das in seinen Arbeiten wiederkehrende Motiv der getrockneten Pflanze durch alte Brillen seiner Eltern fotografiert. Der Blick durch die Brillen symbolisiert die vererbten elterlichen Eigenschaften, die einen Menschen die Welt wie durch einen nicht zu entfernenden Filter betrachten lassen. Es bleibt offen, ob der beeinflusste Blick getrübt ist, oder aber als Schöpfer einer interessanten und einzigartigen Perspektive interpretiert werden kann. Wie in den Werkserien «Auf der Suche nach der Gegenwart» oder «Metamorphose» werden den Pflanzenmotiven fotografisch verschwommene Bildelemente hinzugefügt, um eine weitere Ebene zu schaffen, die eine persönliche Sicht auf die Welt visualisiert. Ein eindeutiger Blick auf klar definierte Materie und ihre Form soll verhindert werden. Ziel ist es, den Betrachter zu einer tieferen, von den konventionellen physikalischen Gesetzen losgelösten, Sicht auf die Natur der Welt anzuregen.

Fluid Matter / Fliessende Materie, 2023
Mit seinen Sinnen nimmt der Mensch die Welt als ein geordnetes Konstrukt, mit klar voneinander abgegrenzten Objekten, wahr. Die Materie erscheint als ein System von konstant ruhenden Teilchen, in dem sich diese Teilchen zu jeder Zeit an einem einzigen bestimmten Ort befinden. Die Erkenntnisse der Quantenphysik widersprechen jedoch diesem Weltbild und ebnen den Weg für neue Perspektiven auf die Realität und die Beschaffenheit des Universums. In «Fliessende Materie» setzt sich Jan Prengel mit diesen neuen Sichtweisen auf die Wirklichkeit auseinander. Licht und Formen werden verzerrt und scheinen nun in Schwingung zu sein. Vertraute Objekte verlieren ihr stabiles Erscheinungsbild und fliessen grenzenlos ineinander. Die gesamte Materie scheint in Bewegung zu sein, und der gewohnte Blick auf die Objekte wird aufgebrochen. Stattdessen entstehen abstrakte Kompositionen aus fliessenden Farben und neu geschaffenen Formen.


Encounters Of Time / Rencontres du temps, 2023
La série "Rencontres du temps" vise à inciter le spectateur à rompre avec le concept d'un temps linéaire et à envisager de nouvelles idées et de nouveaux points de vue sur celui-ci. Chaque composition est composée de deux photographies fusionnées, prises dans des lieux et à des moments différents. Au préalable, deux visuels ont été sélectionnés et combinés, partageant certaines caractéristiques telles que le motif, la forme ou la couleur. Les limites physiques traditionnelles du temps et de l'espace sont symboliquement abolies. Différents moments interagissent désormais entre eux et forment ensemble de nouveaux mondes visuels oniriques. "Je travaille avec mon passé comme si je voyageais dans le temps. Les deux moments des photographies se rencontrent dans les œuvres, tout comme le moment de leur fusion. Pendant la création des photographies, leur signification n'était pas encore claire. Ce n'est qu'à un moment ultérieur qu'elles sont réinterprétées et intégrées dans une nouvelle œuvre".

Inherited Gaze / Regard hérité, 2023
Dans la série "Regard hérité", je m'intéresse à la transmission de schémas de pensée, de traumatismes non surmontés et de traits de personnalité. Ceux-ci peuvent être transmis sur de nombreuses générations et influencer ainsi les traits de caractère des générations suivantes et leur vision du monde sur une longue période. Pour "Vererbter Blick", Jan Prengel a photographié le motif de la plante séchée, récurrent dans son travail, à travers de vieilles lunettes de ses parents. Le regard à travers les lunettes symbolise les caractéristiques parentales héritées qui font qu'une personne regarde le monde comme à travers un filtre qui ne peut être enlevé. Il reste à savoir si le regard influencé est obscurci ou s'il peut être interprété comme le créateur d'une perspective intéressante et unique. Comme dans les séries d'œuvres "À la recherche du présent" ou "Métamorphose", des éléments d'image flous sont ajoutés aux motifs végétaux par la photographie afin de créer un autre niveau qui visualise une vision personnelle du monde. Une vision univoque de la matière clairement définie et de sa forme doit être empêchée. L'objectif est d'inciter le spectateur à avoir une vision plus profonde, détachée des lois physiques conventionnelles, de la nature du monde.

Fluid Matter / Matière fluide, 2023
Grâce à ses sens, l'homme perçoit le monde comme une construction ordonnée, avec des objets clairement délimités les uns par rapport aux autres. La matière apparaît comme un système de particules au repos constant, dans lequel ces particules se trouvent à tout moment à un seul endroit précis. Les découvertes de la physique quantique contredisent toutefois cette vision du monde et ouvrent la voie à de nouvelles perspectives sur la réalité et la nature de l'univers. Dans "Fliessende Materie", Jan Prengel se penche sur ces nouvelles façons de voir la réalité. La lumière et les formes sont déformées et semblent désormais vibrer. Les objets familiers perdent leur apparence stable et se fondent les uns dans les autres sans limites. Toute la matière semble être en mouvement et la vision habituelle des objets est brisée. Au lieu de cela, des compositions abstraites naissent de couleurs fluides et de formes nouvellement créées.


Incontri del tempo / Begegnungen der Zeit, 2023
La serie "Encounters of Time" intende incoraggiare lo spettatore a rompere il concetto di tempo lineare e a considerare nuove idee e prospettive su di esso. Ogni composizione è costituita da due fotografie fuse, scattate in luoghi e tempi diversi. In precedenza sono state selezionate e combinate due immagini che condividono alcune caratteristiche come il motivo, la forma o il colore. I confini fisici convenzionali del tempo e dello spazio vengono simbolicamente dissolti. Diversi punti nel tempo interagiscono ora tra loro e insieme formano nuovi mondi visivi onirici. "Lavoro con il mio passato come se viaggiassi nel tempo. I due punti nel tempo delle fotografie si incontrano nelle opere, così come il tempo della loro fusione. Durante la creazione delle fotografie, il loro significato non era ancora chiaro. Solo in un momento successivo vengono reinterpretate e integrate in un nuovo lavoro".

Sguardo ereditato / Inherited Gaze, 2023
Nella serie "Inherited Gaze" mi occupo dell'eredità di schemi di pensiero, traumi irrisolti e tratti della personalità. Questi possono essere trasmessi per molte generazioni e quindi influenzare i tratti caratteriali delle generazioni successive e la loro visione del mondo per un lungo periodo di tempo. Per "Inherited Gaze", Jan Prengel ha fotografato il motivo ricorrente della pianta secca nel suo lavoro attraverso i vecchi occhiali dei genitori. La visione attraverso gli occhiali simboleggia le caratteristiche ereditate dai genitori che fanno sì che una persona guardi il mondo come attraverso un filtro che non può essere rimosso. Resta aperto il problema se la visione influenzata sia offuscata o se possa essere interpretata come la creazione di una prospettiva interessante e unica. Come nella serie di opere "Alla ricerca del presente" o "Metamorfosi", ai motivi vegetali vengono aggiunti elementi pittorici sfocati dalla fotografia per creare un ulteriore livello che visualizza una visione personale del mondo. Viene impedita una visione chiara della materia e della sua forma. L'obiettivo è incoraggiare lo spettatore a guardare più in profondità la natura del mondo, distaccandosi dalle leggi fisiche convenzionali.

Materia fluida / Flowing Matter, 2023
Con i sensi, le persone percepiscono il mondo come un costrutto ordinato con oggetti chiaramente delineati. La materia appare come un sistema di particelle in continuo riposo, che si trovano sempre in un unico luogo specifico. Tuttavia, le scoperte della fisica quantistica contraddicono questa visione del mondo e aprono la strada a nuove prospettive sulla realtà e sulla natura dell'universo. In "Flowing Matter", Jan Prengel esplora queste nuove prospettive sulla realtà. La luce e le forme sono distorte e sembrano vibrare. Gli oggetti familiari perdono il loro aspetto stabile e fluiscono l'uno nell'altro senza confini. Tutta la materia sembra essere in movimento e la visione familiare degli oggetti viene spezzata. Emergono invece composizioni astratte di colori fluidi e forme create ex novo.


Encounters Of Time, 2023
The series «Encounters Of Time» is intended to inspire the viewer to break open the concept of a linear time and to consider new ideas and views of it. Each composition contains two fused photographs taken in different places and at different times. Two images were previously selected and combined that share certain characteristics, such as motif, form, or color. The conventional physical boundaries of time and space are symbolically dissolved. Different points in time now interact with each other and form new dreamlike visual worlds together. I work with my past as if through a kind of time travel. In the works, the two points in time of the photographs encounter each other as well as the time of their fusion. When the photographs were taken, their meaning was uncertain. Later, they were reinterpreted and integrated into a new work.

Inherited Gaze, 2023
In «Inherited Gaze», I deal with the inheritance of ways of thinking, unsolved traumas and characteristics. These can be passed on over many generations and influence the characters of the following generations, and their view on the world over a long period of time. For «Inherited Gaze», I photographed the reappearing motif of the dried plant through my parents' old glasses. The view through these glasses symbolizes the inherited parental characteristics that make a person look on the world as if through a filter, that cannot be removed. It remains unclear whether the influenced view is negatively blurred, or can be interpreted as the creator of an interesting and unique perspective. As in the «In Search of the Present» or «Metamorphosis» series of works, blurred pictorial elements are added to the plant motifs to create a further layer that visualizes a personal view on the world. A distinct gaze at clearly defined matter and its form is prevented. The aim is to encourage the viewer to take a deeper perspective on the nature of the world, detached from the conventional physical laws.

Fluid Matter, 2023
With their senses, humans perceive the world as an ordered construct with clearly separated objects. Matter appears as a system of constantly static atoms in which these elements are located in a single specific place at any time. Quantum physics contradicts this view on the world and opens the way for new perspectives on reality and the nature of the world. In «Fluid Matter», I explore these new perspectives on reality. Light and forms are distorted and now appear to be in vibration. Familiar objects lose their fixed appearance and flow into each other without boundaries. All matter seems to be in motion, and the conventional view on the objects is disrupted. Instead, abstract compositions of floating colors and newly created forms appear.

(Text: Galerie 94, Baden)

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Zur Zeitlichkeit im Eis - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Solothurn
März
16
4:00 PM16:00

Zur Zeitlichkeit im Eis - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Solothurn


Kunstmuseum Solothurn
16. März 2024

Begegnungen mit dem Letzteiszeitlichen Maximum
Ausstellungsrundgang mit Daniel Schwartz und Lorenz Hurni, Prof. für Kartografie, ETH Zürich

Zur Zeitlichkeit im Eis
Daniel Schwartz


Vertigo Galmigletscher, Schweiz, 19. Oktober 2014. aus der Serie theatrum Alpinum, 2015 © 2024 Daniel Schwartz/VII, ProLitteris, Zürich


Die Ausstellung gibt Einblicke in eine grosszügige Künstlerschenkung, die das Kunstmuseum 2022 entgegennehmen durfte.

Das ewige Eis ist nicht dauerhaft. Wer vor einen Gletscher tritt, erkennt in dessen heutiger Agonie auch die Spuren unseres Fortschritts und die Signale des Menschenzeitalters, des Anthropozäns. Seit den 1990er-Jahren beschäftigt sich Daniel Schwartz (*1955), der zu den international bekanntesten Fotografen seiner Generation zählt, mit der Klimakrise. In einem umfangreichen historischgeografischen Rechercheprojekt befasste er sich u. a. mit Gletschern als dynamische Systeme, an denen klimatische Veränderungen deutlich ablesbar sind. Entstanden sind eindrückliche Fotografien, Wort- und Kartenbilder an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft. Vor 20’000 Jahren überdeckte der Walliser Eisstrom auch die Landschaft um Solothurn. In seiner Heimat am Jurasüdfuss begann Daniel Schwartz seine Reise zu schmelzenden Gletschern auf vier Kontinenten. Teil dieses Projekts – 2017 publiziert unter dem Titel While the Fires Burn. A Glacier Odyssey – ist die 49-teilige Serie Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), die das Kunstmuseum Solothurn 2022 als Schenkung entgegennehmen durfte und die nun in einer Auswahl präsentiert wird. Die Werke von Daniel Schwartz zeigen den Gletscher als Speicher persönlicher Erinnerung, als archäologischen Fundort und als ungebremst schwindendes klimageschichtliches Archiv. In der glazialen Verschränkung von geologischer Tiefen- und individueller Lebenszeit stellen sich existentielle Fragen zu unserer Gegenwart und Zukunft.


L'exposition donne un aperçu d'une généreuse donation d'artiste que le Kunstmuseum a eu le plaisir de recevoir en 2022.

Les glaces éternelles ne sont pas permanentes. Celui qui s'avance devant un glacier reconnaît aussi dans son agonie actuelle les traces de notre progrès et les signaux de l'ère humaine, de l'anthropocène. Depuis les années 1990, Daniel Schwartz (*1955), qui compte parmi les photographes les plus connus de sa génération au niveau international, s'intéresse à la crise climatique. Dans le cadre d'un vaste projet de recherche historique et géographique, il s'est notamment intéressé aux glaciers en tant que systèmes dynamiques, sur lesquels les changements climatiques sont clairement visibles. Il en résulte des photographies, des images verbales et cartographiques impressionnantes, à la croisée de l'art et de la science. Il y a 20 000 ans, le courant glaciaire valaisan a également recouvert le paysage autour de Soleure. C'est dans son pays natal, au pied du Jura, que Daniel Schwartz a commencé son voyage à la découverte des glaciers en train de fondre sur quatre continents. Une partie de ce projet - publié en 2017 sous le titre While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - est la série de 49 épisodes Ice Age Our Age / L'âge de glace - le temps présent. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), que le Kunstmuseum Solothurn a eu le plaisir de recevoir en donation en 2022 et dont une sélection est maintenant présentée. Les œuvres de Daniel Schwartz montrent le glacier comme un réservoir de souvenirs personnels, comme un lieu de découverte archéologique et comme des archives de l'histoire du climat qui disparaissent sans aucun frein. Dans l'imbrication glaciaire des profondeurs géologiques et du temps de vie individuel se transmettent des questions existentielles sur notre présent et notre avenir.


La mostra offre una panoramica sul generoso dono di un artista che il Kunstmuseum ha ricevuto nel 2022.

Il ghiaccio eterno non è permanente. Chiunque passi davanti a un ghiacciaio riconoscerà le tracce del nostro progresso e i segnali dell'era umana, l'Antropocene, nella sua agonia attuale. Daniel Schwartz (*1955), uno dei fotografi più riconosciuti a livello internazionale della sua generazione, si occupa di crisi climatica fin dagli anni '90. In un ampio progetto di ricerca storico-geografica, si è concentrato sui ghiacciai come sistemi dinamici in cui i cambiamenti climatici sono chiaramente visibili. Il risultato sono fotografie, immagini e mappe di grande effetto, all'interfaccia tra arte e scienza. 20.000 anni fa, la colata di ghiaccio del Vallese ricopriva anche il paesaggio intorno a Soletta. Daniel Schwartz ha iniziato il suo viaggio verso lo scioglimento dei ghiacciai di quattro continenti dalla sua casa ai piedi del Giura. Parte di questo progetto - pubblicato nel 2017 con il titolo While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - è la serie in 49 parti Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), che il Kunstmuseum Solothurn ha ricevuto in donazione nel 2022 e che ora viene presentata in una selezione. Le opere di Daniel Schwartz mostrano il ghiacciaio come deposito di memoria personale, come sito archeologico e come archivio della storia del clima che sta scomparendo a un ritmo inarrestabile. L'intreccio glaciale tra profondità geologica e vite individuali solleva domande esistenziali sul nostro presente e futuro.


The exhibition provides insights into a generous gift from an artist that the Kunstmuseum received in 2022.

The eternal ice is not permanent. Anyone who steps in front of a glacier will recognize in its present-day agony the traces of our progress and the signals of the human age, the Anthropocene. Daniel Schwartz (*1955), who is one of the most internationally renowned photographers of his generation, has been working on the climate crisis since the 1990s. In an extensive historical-geographical research project, he focused on glaciers, among other things, as dynamic systems in which climatic changes are clearly visible. The result is impressive photographs, word pictures and maps at the interface between art and science. 20,000 years ago, the Valais ice flow also covered the landscape around Solothurn. Daniel Schwartz began his journey to melting glaciers on four continents from his home at the southern foot of the Jura. Part of this project - published in 2017 under the title While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - is the 49-part series Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), which was donated to the Kunstmuseum Solothurn in 2022 and is now being presented in a selection. Daniel Schwartz's works show the glacier as a repository of personal memory, as an archaeological site and as an archive of climate history that is disappearing at an unstoppable rate. The glacial interweaving of geological depth and individual lifetimes raises existential questions about our present and future.

(Text: Kunstmuseum Solothurn)

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Lichtblick - Fotografien politischer Bewegungen in den 1970ern und heute | BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
März
9
11:00 AM11:00

Lichtblick - Fotografien politischer Bewegungen in den 1970ern und heute | BelleVue – Ort für Fotografie | Basel


BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
9. März – 16. Juni 2024

Begrüssung 14 Uhr: Mit Esther Baur, Staatsarchivarin Basel-Stadt, Tilo Richter, Projektleiter Kultur der Christoph Merian Stiftung, Regine Flury, BelleVue

Lichtblick - Fotografien politischer Bewegungen in den 1970ern und heute
Bilder bewegter Zeiten

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung


Klimademo, Bern 2023 © Sabina Bobst


Die Ausstellung «Lichtblick» macht sichtbar, in welch unterschiedlicher Art politisch-gesellschaftliche Bewegungen der 1970er-Jahre und der Gegenwart in fotografischen Zeugnissen Niederschlag finden. Der Nachlass der Agentur Kurt Graf/fotolib Basel zeigt die vielfältigen Proteste und Bewegungen um 1975 aus deren Innensicht heraus. Im Dialog dazu präsentieren zeitgenössische Fotograf:innen ihre Bilder zu Themen wie Arbeit, Gleichberechtigung, Antimilitarismus, Wohnformen oder Energie/Umwelt.

Der Nachlass Kurt Graf/fotolib Basel ist eine visuelle Dokumentation jener politischen Bewegungen, Ereignisse und Ideen, die in der Schweiz der 1970er-Jahre eine ganze Generation prägten. Ab 1975 dokumentierten Kurt Graf, Heiner Vogelsanger und Marcel Geiger als Fotografen-Kollektiv Widerstand und Protest, Aufbruch und Utopien. Den Ausschlag hatte die Besetzung des AKW-Baugeländes in Kaiseraugst im April 1975 gegeben. Die analogen Schwarz-Weiss-Fotografien entstanden, um das Engagement festzuhalten und weitherum bekannt zu machen.

Historische und zeitgenössische Fotografie im Dialog
Was ist von diesem Aufbruch der 1970er-Jahre übriggeblieben, wie präsentieren sich die einstigen Bewegungen heute, welche Bilder prägen unsere Gegenwart? BelleVue hat verschiedene Fotograf:innen und Organisationen, mehrheitlich aus der Region Basel, gebeten, aktuelle Aufnahmen zu den Themen der Ausstellung beizutragen.

Wie ein Brainstorming von Gedanken sind die grösseren zeitgenössischen Fotografien in der Ausstellung platziert. Eigenständig, eher symbolisch im Ausdruck, beschreiben sie bestimmte Zustände unserer Gesellschaft. Dazugestellt werden kleinere, dokumentarische Bildformate, zu den Themen der Ausstellung passend: Aktionen, Demonstrationen, Projekte, Engagement der Menschen im Kleinen und Grossen für die Sache, die ihnen am Herzen liegt.

Die historischen Bilderreihen erzählen Geschichten und zeugen vom Aufbruch in den verschiedensten Lebensbereichen. In den Reportagen der Zentralwäscherei wird die Mühsal der Arbeit spürbar: Wäscheberge, Fliessbänder, viele Frauen, meist Migrantinnen, die Hand in Hand arbeiten. Dann der Streik und die Solidaritätsveranstaltungen, endlich soll es besser werden!

Der Vergleich von historischen und zeitgenössischen Fotografien zeigt neben Unterschieden auch Gemeinsamkeiten. Viele digital entstandene Aufnahmen von politischen Aktivitäten auf der Strasse beschreiben, wie sich Menschen zusammentun und mit Transparenten ihre Forderungen verkünden. Solche Protestbilder gibt es heute wie damals in schier unüberschaubarer Fülle. Die Fotografie der Gegenwart ist zwar farbig, zuweilen von distanziertem Ausdruck und gut komponiert. Doch immer wieder finden sich auch – wie in den 1970er-Jahren – schnelle Schnappschüsse, die bezeugen sollen: So ist es gewesen, wir waren auch dabei!

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung


L'exposition "Lichtblick" met en évidence les différentes manières dont les mouvements politico-sociaux des années 1970 et d'aujourd'hui se reflètent dans les témoignages photographiques. Le fonds de l'agence Kurt Graf/fotolib Bâle montre les multiples protestations et mouvements autour de 1975 de l'intérieur. Des photographes contemporains y présentent leurs visuels sur des thèmes tels que le travail, l'égalité des droits, l'antimilitarisme, les formes d'habitat ou l'énergie/l'environnement.

Le fonds Kurt Graf/fotolib Bâle est une documentation visuelle des mouvements politiques, des événements et des idées qui ont marqué toute une génération en Suisse dans les années 1970. Dès 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger et Marcel Geiger ont documenté, en tant que collectif de photographes, la résistance et la protestation, le renouveau et les utopies. L'occupation du site de construction de la centrale nucléaire de Kaiseraugst en avril 1975 a été le facteur décisif. Les photographies analogiques en noir et blanc ont été prises pour immortaliser cet engagement et le faire connaître loin à la ronde.

La photographie historique et contemporaine en dialogue
Que reste-t-il de ce renouveau des années 1970, comment les mouvements d'autrefois se présentent-ils aujourd'hui, quels visuels marquent notre présent ? BelleVue a demandé à différents photographes et organisations, pour la plupart de la région bâloise, de contribuer aux thèmes de l'exposition en prenant des photos actuelles.

Les grandes photographies contemporaines sont placées dans l'exposition comme un brainstorming de pensées. Indépendantes, plutôt symboliques dans leur expression, elles décrivent certains états de notre société. Elles sont accompagnées de petits formats d'images documentaires, en rapport avec les thèmes de l'exposition : actions, manifestations, projets, engagement des gens, à petite ou grande échelle, pour la cause qui leur tient à cœur.

Les séries d'images historiques racontent des histoires et témoignent du renouveau dans les domaines les plus divers de la vie. Dans les reportages de la blanchisserie centrale, la pénibilité du travail est palpable : des montagnes de linge, des chaînes de montage, de nombreuses femmes, pour la plupart des migrantes, qui travaillent main dans la main. Puis la grève et les manifestations de solidarité, les choses devraient enfin s'améliorer !

La comparaison entre les photographies historiques et contemporaines montre non seulement des différences, mais aussi des points communs. De nombreuses photos numériques d'activités politiques dans la rue décrivent comment les gens se rassemblent et annoncent leurs revendications avec des banderoles. De telles images de protestation existent aujourd'hui comme hier en quantité presque incalculable. La photographie contemporaine est certes colorée, parfois d'une expression distanciée et bien composée. Mais on trouve aussi régulièrement - comme dans les années 1970 - des instantanés rapides qui doivent témoigner : C'était comme ça, nous y étions aussi !

Une coopération de BelleVue - lieu pour la photographie et des Archives d'État de Bâle-Ville, à l'initiative de la Fondation Christoph Merian.


La mostra "Lichtblick" mostra i diversi modi in cui i movimenti politici e sociali degli anni Settanta e del presente si riflettono nelle testimonianze fotografiche. Il patrimonio dell'agenzia Kurt Graf/fotolib Basel mostra le diverse proteste e i movimenti intorno al 1975 dalla loro prospettiva interna. In dialogo con questi, fotografi contemporanei presentano le loro immagini su temi come il lavoro, la parità di diritti, l'antimilitarismo, le forme abitative e l'energia/ambiente.

Il patrimonio di Kurt Graf/fotolib Basel è una documentazione visiva dei movimenti politici, degli eventi e delle idee che hanno plasmato un'intera generazione in Svizzera negli anni Settanta. Dal 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger e Marcel Geiger hanno documentato la resistenza e la protesta, gli sconvolgimenti e le utopie come collettivo di fotografi. L'occupazione del cantiere della centrale nucleare di Kaiseraugst nell'aprile del 1975 fu il fattore decisivo. Le fotografie analogiche in bianco e nero sono state scattate per registrare l'occupazione e renderla nota a tutti.

Fotografia storica e contemporanea in dialogo
Cosa è rimasto di questo risveglio degli anni Settanta, come si presentano oggi i movimenti di un tempo, quali immagini caratterizzano il nostro presente? BelleVue ha chiesto a diversi fotografi e organizzazioni, soprattutto della regione di Basilea, di contribuire con fotografie attuali ai temi della mostra.

Le fotografie contemporanee più grandi sono disposte nella mostra come una sessione di brainstorming di idee. Indipendenti, dall'espressione piuttosto simbolica, descrivono alcune condizioni della nostra società. Sono accompagnate da immagini più piccole, di tipo documentario, che corrispondono ai temi della mostra: azioni, dimostrazioni, progetti, impegno delle persone su piccola e grande scala per la causa che sta loro a cuore.

Le serie storiche di immagini raccontano storie e testimoniano nuovi inizi nei più diversi ambiti della vita. Nei reportage sulla lavanderia centrale, la natura faticosa del lavoro diventa tangibile: montagne di biancheria, nastri trasportatori, molte donne, per lo più migranti, che lavorano mano nella mano. Poi lo sciopero e le manifestazioni di solidarietà, finalmente le cose dovrebbero migliorare!

Un confronto tra fotografie storiche e contemporanee rivela somiglianze e differenze. Molte immagini digitali di attività politiche in strada ritraggono persone che si riuniscono e proclamano le loro richieste con striscioni. Oggi come allora c'è un'abbondanza quasi ingestibile di immagini di protesta di questo tipo. La fotografia contemporanea è colorata, a volte con un'espressione distanziata e ben composta. Ma di tanto in tanto, come negli anni Settanta, ci sono anche istantanee veloci che vogliono essere una testimonianza: Così è stato, c'eravamo anche noi!

Una collaborazione tra BelleVue - Place for Photography e l'Archivio di Stato di Basilea Città, su iniziativa della Fondazione Christoph Merian.


The "Lichtblick" exhibition reveals the different ways in which political and social movements of the 1970s and the present are reflected in photographic evidence. The estate of the Kurt Graf/fotolib Basel agency shows the diverse protests and movements around 1975 from their internal perspective. In dialog with this, contemporary photographers present their visuals on topics such as work, equality, anti-militarism, forms of housing or energy/environment.

The Kurt Graf/fotolib Basel estate is a visual documentation of the political movements, events and ideas that shaped an entire generation in Switzerland in the 1970s. From 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger and Marcel Geiger documented resistance and protest, upheaval and utopias as a photographer collective. The occupation of the nuclear power plant construction site in Kaiseraugst in April 1975 was the decisive factor. The analog black-and-white photographs were taken to record the occupation and make it known far and wide.

Historical and contemporary photography in dialog
What remains of this 1970s awakening, how do the former movements present themselves today, what visuals shape our present? BelleVue asked various photographers and organizations, mostly from the Basel region, to contribute current photographs to the exhibition's themes.

The larger contemporary photographs are placed in the exhibition like a brainstorming session of ideas. Independent, rather symbolic in expression, they describe certain conditions in our society. They are accompanied by smaller, documentary image formats that match the themes of the exhibition: actions, demonstrations, projects, people's commitment on a small and large scale to the cause that is close to their hearts.

The historical series of pictures tell stories and bear witness to new beginnings in the most diverse areas of life. In the reports on the central laundry, the toil of the work becomes tangible: mountains of laundry, conveyor belts, many women, mostly migrants, working hand in hand. Then the strike and the solidarity events, finally things are supposed to get better!

A comparison of historical and contemporary photographs reveals similarities as well as differences. Many digitally produced images of political activities on the street describe people coming together and proclaiming their demands with banners. There is an almost unmanageable abundance of such protest images today as there was back then. Contemporary photography is colorful, sometimes with a distanced expression and well composed. But time and again - as in the 1970s - there are also quick snapshots that are intended to bear witness: That's how it was, we were there too!

A cooperation between BelleVue - Place for Photography and the Basel-Stadt State Archives, on the initiative of the Christoph Merian Foundation

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

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Zur Zeitlichkeit im Eis - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Solothurn
Feb.
24
4:00 PM16:00

Zur Zeitlichkeit im Eis - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Solothurn


Kunstmuseum Solothurn
24. Februar 2024

Die Alpen von grün zu grün
Ausstellungsrundgang mit Daniel Schwartz und Christian Schlüchter, Prof. em., Geologe, Institut für Geologie der Universität Bern

Zur Zeitlichkeit im Eis
Daniel Schwartz


Vertigo Galmigletscher, Schweiz, 19. Oktober 2014. aus der Serie theatrum Alpinum, 2015 © 2024 Daniel Schwartz/VII, ProLitteris, Zürich


Die Ausstellung gibt Einblicke in eine grosszügige Künstlerschenkung, die das Kunstmuseum 2022 entgegennehmen durfte.

Das ewige Eis ist nicht dauerhaft. Wer vor einen Gletscher tritt, erkennt in dessen heutiger Agonie auch die Spuren unseres Fortschritts und die Signale des Menschenzeitalters, des Anthropozäns. Seit den 1990er-Jahren beschäftigt sich Daniel Schwartz (*1955), der zu den international bekanntesten Fotografen seiner Generation zählt, mit der Klimakrise. In einem umfangreichen historischgeografischen Rechercheprojekt befasste er sich u. a. mit Gletschern als dynamische Systeme, an denen klimatische Veränderungen deutlich ablesbar sind. Entstanden sind eindrückliche Fotografien, Wort- und Kartenbilder an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft. Vor 20’000 Jahren überdeckte der Walliser Eisstrom auch die Landschaft um Solothurn. In seiner Heimat am Jurasüdfuss begann Daniel Schwartz seine Reise zu schmelzenden Gletschern auf vier Kontinenten. Teil dieses Projekts – 2017 publiziert unter dem Titel While the Fires Burn. A Glacier Odyssey – ist die 49-teilige Serie Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), die das Kunstmuseum Solothurn 2022 als Schenkung entgegennehmen durfte und die nun in einer Auswahl präsentiert wird. Die Werke von Daniel Schwartz zeigen den Gletscher als Speicher persönlicher Erinnerung, als archäologischen Fundort und als ungebremst schwindendes klimageschichtliches Archiv. In der glazialen Verschränkung von geologischer Tiefen- und individueller Lebenszeit stellen sich existentielle Fragen zu unserer Gegenwart und Zukunft.


L'exposition donne un aperçu d'une généreuse donation d'artiste que le Kunstmuseum a eu le plaisir de recevoir en 2022.

Les glaces éternelles ne sont pas permanentes. Celui qui s'avance devant un glacier reconnaît aussi dans son agonie actuelle les traces de notre progrès et les signaux de l'ère humaine, de l'anthropocène. Depuis les années 1990, Daniel Schwartz (*1955), qui compte parmi les photographes les plus connus de sa génération au niveau international, s'intéresse à la crise climatique. Dans le cadre d'un vaste projet de recherche historique et géographique, il s'est notamment intéressé aux glaciers en tant que systèmes dynamiques, sur lesquels les changements climatiques sont clairement visibles. Il en résulte des photographies, des images verbales et cartographiques impressionnantes, à la croisée de l'art et de la science. Il y a 20 000 ans, le courant glaciaire valaisan a également recouvert le paysage autour de Soleure. C'est dans son pays natal, au pied du Jura, que Daniel Schwartz a commencé son voyage à la découverte des glaciers en train de fondre sur quatre continents. Une partie de ce projet - publié en 2017 sous le titre While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - est la série de 49 épisodes Ice Age Our Age / L'âge de glace - le temps présent. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), que le Kunstmuseum Solothurn a eu le plaisir de recevoir en donation en 2022 et dont une sélection est maintenant présentée. Les œuvres de Daniel Schwartz montrent le glacier comme un réservoir de souvenirs personnels, comme un lieu de découverte archéologique et comme des archives de l'histoire du climat qui disparaissent sans aucun frein. Dans l'imbrication glaciaire des profondeurs géologiques et du temps de vie individuel se transmettent des questions existentielles sur notre présent et notre avenir.


La mostra offre una panoramica sul generoso dono di un artista che il Kunstmuseum ha ricevuto nel 2022.

Il ghiaccio eterno non è permanente. Chiunque passi davanti a un ghiacciaio riconoscerà le tracce del nostro progresso e i segnali dell'era umana, l'Antropocene, nella sua agonia attuale. Daniel Schwartz (*1955), uno dei fotografi più riconosciuti a livello internazionale della sua generazione, si occupa di crisi climatica fin dagli anni '90. In un ampio progetto di ricerca storico-geografica, si è concentrato sui ghiacciai come sistemi dinamici in cui i cambiamenti climatici sono chiaramente visibili. Il risultato sono fotografie, immagini e mappe di grande effetto, all'interfaccia tra arte e scienza. 20.000 anni fa, la colata di ghiaccio del Vallese ricopriva anche il paesaggio intorno a Soletta. Daniel Schwartz ha iniziato il suo viaggio verso lo scioglimento dei ghiacciai di quattro continenti dalla sua casa ai piedi del Giura. Parte di questo progetto - pubblicato nel 2017 con il titolo While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - è la serie in 49 parti Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), che il Kunstmuseum Solothurn ha ricevuto in donazione nel 2022 e che ora viene presentata in una selezione. Le opere di Daniel Schwartz mostrano il ghiacciaio come deposito di memoria personale, come sito archeologico e come archivio della storia del clima che sta scomparendo a un ritmo inarrestabile. L'intreccio glaciale tra profondità geologica e vite individuali solleva domande esistenziali sul nostro presente e futuro.


The exhibition provides insights into a generous gift from an artist that the Kunstmuseum received in 2022.

The eternal ice is not permanent. Anyone who steps in front of a glacier will recognize in its present-day agony the traces of our progress and the signals of the human age, the Anthropocene. Daniel Schwartz (*1955), who is one of the most internationally renowned photographers of his generation, has been working on the climate crisis since the 1990s. In an extensive historical-geographical research project, he focused on glaciers, among other things, as dynamic systems in which climatic changes are clearly visible. The result is impressive photographs, word pictures and maps at the interface between art and science. 20,000 years ago, the Valais ice flow also covered the landscape around Solothurn. Daniel Schwartz began his journey to melting glaciers on four continents from his home at the southern foot of the Jura. Part of this project - published in 2017 under the title While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - is the 49-part series Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), which was donated to the Kunstmuseum Solothurn in 2022 and is now being presented in a selection. Daniel Schwartz's works show the glacier as a repository of personal memory, as an archaeological site and as an archive of climate history that is disappearing at an unstoppable rate. The glacial interweaving of geological depth and individual lifetimes raises existential questions about our present and future.

(Text: Kunstmuseum Solothurn)

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Gruppenausstellung | Galerie 94 | Baden
Feb.
2
bis 9. März

Gruppenausstellung | Galerie 94 | Baden


Galerie 94 | Baden
2. Februar – 9. März 2024

Marius Brühlmeier, Ruth Maria Obrist, Ursula Rutishauser


Der Mond luegt © Ruth Maria Obrist


Kunst im Merker-Areal in Baden (AG)
Die Galerie 94 startet das neue Ausstellungsprogramm 2024 mit 3 lokalen KünstlerInnen aus dem Merker-Areal, wo auch die Galerie 94 ansässig ist. 2024 soll es im Merker-Areal mit einer geballten Ladung Kunst los gehen. Da der städtische Kunstraum Baden neu auch direkter Nachbar der Galerie 94 ist, kann man das Areal neu als Kunstzentrum von Baden bezeichnen.

Marius Brühlmeier
Die Bilder von Marius Brühlmeier (1954) entstehen in einem Prozess über drei Stufen. Zuerst beginnt er mit einer ungegenständlichen Zeichnung. Danach führt ein Aquarell die Idee weiter und gibt der Zeichnung Farbe und Tiefe. Mit einem Öl- oder Acrylbild erschafft Maris Brühlmeier das Bild. Die Arbeiten von ihm sind alle ungegenständlich. Die Ungegenständlichkeit erlaubt ihm genauere Aussagen zu machen. Marius Brühlmeier arbeitet in Serien, das Format und die Technik bleiben innerhalb einer Serie gleich.

Ruth Maria Obrist
Ruth Maria Obrist behauptet nicht, sondern lässt entstehen. Von geometrischen Formen und zahlen ausgehend schöpft sie Kunstwerke, die auf vielen Ebenen gelesen werden können. Das Schaffen von Ruth Maria Obrist wurzelt in der Tradition der Minimal Art und der konstruktiven und konkreten Kunst. Nicht die eigene Geste ist bestimmend, sondern ein auf strengen konzeptuellen Herleitungen basierendes «Vokabular». Die Geometrie ist der rote Faden. Ruth Maria Obrist spielt mit der optischen Verschiedenartigkeit rechnerisch gleicher Flächen, hantiert mit negativen und positiven Formen, kombiniert geometrische Körperlichkeit und flächige Zeichnungen mit spielerischer Virtuosität. Nicht so, wie es ihr gerade gefällt, sondern nach festgelegten Regeln. Mathematische Konzepte geben ihr Halt in einer unübersichtlichen Welt, sagt sie. (Text: Claudia Spinelli, aus dem Buch «the poetry of logic»)

Ursula Rutishauser
Ursula Rutishauser (1955) besuchte nach dem Lehrerseminar Wettingen die Kunstgewerbeschule Zürich, wo sie das höhere Lehramt für Bildnerische Gestaltung und Kunst erwarb. Parallel zur Unterrichtstätigkeit entwickelte sie im Atelier konsequent ihre künstlerische Arbeit weiter, nahm kontinuierlich an Ausstellungen teil und verbrachte 2006 mehrere Monate in einem Atelier der Fundació Antoni Tàpies in Barcelona. Seit 2019 arbeitet sie ausschliesslich als Künstlerin. Ihre Werke, mit Japanmesser und Schere direkt ins Papier geschnitten, sind inhaltlich oft geprägt vom aktuellen Weltgeschehen, so auch beim Projekt «en passant», den «offenen Briefen» oder der Auseinandersetzung mit Krieg, wie etwa in der Arbeit «gegen das Vergessen» (Work in Progress). Immer wieder klingen die Themen Verletzlichkeit und Ausgrenzung an, in filigranen Papiergeweben ebenso wie in grossflächigen, in breite Papierrollen geschnittenen, raumgreifenden Arbeiten. Papierschnitte bilden auch die Grundlage von Umsetzungen in Metall. Diese grösseren Arbeiten in Chromnickelstahl und Messing werden auch im Aussenraum gezeigt und treten dort in den Dialog mit der Natur und/oder der Architektur. Das Interesse der Künstlerin an Musik spiegelt sich in der Zusammenarbeit mit Musikern. Seit 2014 entstehen sporadisch Performances, die ortsbezogen Kunst, Musik und Raum zusammenbringen und filmisch dokumentiert werden. Ursula Rutishauser lebt und arbeitet in Untersiggenthal und Baden. (Text: Anna Karger, Zürich)


L'art dans le Merker-Areal à Baden (AG)
La Galerie 94 lance son nouveau programme d'exposition 2024 avec 3 artistes locaux du Merker-Areal, où se trouve également la Galerie 94. En 2024, le Merker-Areal devrait accueillir un concentré d'art. Comme l'espace d'art municipal de Baden est désormais aussi le voisin direct de la Galerie 94, on peut désormais qualifier le site de centre d'art de Baden.

Marius Brühlmeier
Les visuels de Marius Brühlmeier (1954) sont le fruit d'un processus en trois étapes. Il commence d'abord par un dessin non figuratif. Ensuite, une aquarelle poursuit l'idée et donne au dessin couleur et profondeur. Avec une peinture à l'huile ou à l'acrylique, Maris Brühlmeier crée le visuel. Tous ses travaux sont non figuratifs. La non-figuration lui permet de faire des déclarations plus précises. Marius Brühlmeier travaille par séries, le format et la technique restent les mêmes au sein d'une série.

Ruth Maria Obrist
Ruth Maria Obrist n'affirme pas, mais fait naître. En partant de formes géométriques et de chiffres, elle crée des œuvres d'art qui peuvent être lues à plusieurs niveaux. L'œuvre de Ruth Maria Obrist s'enracine dans la tradition de l'art minimal et de l'art constructif et concret. Ce n'est pas son propre geste qui est déterminant, mais un "vocabulaire" basé sur des déductions conceptuelles rigoureuses. La géométrie est le fil conducteur. Ruth Maria Obrist joue avec la diversité optique des surfaces identiques par le calcul, manie les formes négatives et positives, combine la corporalité géométrique et les dessins plats avec une virtuosité ludique. Non pas comme elle l'entend, mais selon des règles établies. Les concepts mathématiques lui donnent un appui dans un monde confus, dit-elle. (Texte : Claudia Spinelli, tiré du livre "the poetry of logic")

Ursula Rutishauser
Ursula Rutishauser (1955) a fréquenté, après l'école normale de Wettingen, l'école des arts appliqués de Zurich, où elle a obtenu le diplôme supérieur d'enseignement des arts plastiques et de l'art. Parallèlement à son activité d'enseignante, elle a développé son travail artistique de manière conséquente dans son atelier, a participé continuellement à des expositions et a passé plusieurs mois dans un atelier de la Fundació Antoni Tàpies à Barcelone en 2006. Depuis 2019, elle travaille exclusivement en tant qu'artiste. Le contenu de ses œuvres, découpées directement dans le papier avec un couteau japonais et des ciseaux, est souvent marqué par l'actualité mondiale, comme dans le projet "en passant", les "lettres ouvertes" ou la réflexion sur la guerre, comme dans le travail "contre l'oubli" (Work in Progress). Les thèmes de la vulnérabilité et de l'exclusion reviennent sans cesse, que ce soit dans des tissages de papier en filigrane ou dans des travaux de grande envergure, découpés en larges rouleaux de papier et occupant tout l'espace. Les papiers découpés constituent également la base des réalisations en métal. Ces grands travaux en acier au chrome-nickel et en laiton sont également exposés à l'extérieur, où ils entrent en dialogue avec la nature et/ou l'architecture. L'intérêt de l'artiste pour la musique se reflète dans sa collaboration avec des musiciens. Depuis 2014, elle réalise sporadiquement des performances qui associent l'art, la musique et l'espace en fonction du lieu et qui sont documentées par des films. Ursula Rutishauser vit et travaille à Untersiggenthal et Baden. (Texte : Anna Karger, Zurich)


Arte nella Merker-Areal di Baden (AG)
La Galerie 94 inaugura il nuovo programma espositivo 2024 con 3 artisti locali della Merker-Areal, dove ha sede anche la Galerie 94. Nel 2024, il Merker-Areal si prepara a partire con un concentrato di arte. Poiché il Kunstraum Baden è ora un vicino diretto della Galerie 94, l'area può essere descritta come il centro artistico di Baden.

Marius Brühlmeier
I dipinti di Marius Brühlmeier (1954) sono realizzati con un processo in tre fasi. Inizia con un disegno non rappresentativo. Poi un acquerello porta avanti l'idea e dà al disegno colore e profondità. Maris Brühlmeier crea il quadro con una pittura a olio o acrilica. Le sue opere sono tutte non rappresentative. La natura non rappresentativa gli permette di fare affermazioni più precise. Marius Brühlmeier lavora in serie; il formato e la tecnica rimangono invariati all'interno di una serie.

Ruth Maria Obrist
Ruth Maria Obrist non afferma, ma crea. Partendo da forme e figure geometriche, crea opere d'arte che possono essere lette a più livelli. Il lavoro di Ruth Maria Obrist è radicato nella tradizione della minimal art e dell'arte costruttiva e concreta. Non è il singolo gesto a essere decisivo, ma un "vocabolario" basato su rigorose derivazioni concettuali. La geometria è il filo conduttore. Ruth Maria Obrist gioca con la diversità ottica di superfici aritmeticamente identiche, gestisce forme negative e positive, combina fisicità geometrica e disegni bidimensionali con giocoso virtuosismo. Non a suo piacimento, ma secondo regole fisse. I concetti matematici le danno stabilità in un mondo confuso, dice. (Testo: Claudia Spinelli, dal libro "La poesia della logica")

Ursula Rutishauser
Ursula Rutishauser (1955) ha frequentato il Collegio degli Insegnanti di Wettingen e poi la Scuola di Arti e Mestieri di Zurigo, dove ha conseguito l'abilitazione all'insegnamento in visual design e arte. Parallelamente all'attività didattica, ha sviluppato costantemente il suo lavoro artistico in studio, ha partecipato a mostre e nel 2006 ha trascorso diversi mesi in uno studio presso la Fundació Antoni Tàpies di Barcellona. Dal 2019 lavora esclusivamente come artista. Le sue opere, tagliate direttamente sulla carta con un coltello giapponese e delle forbici, sono spesso caratterizzate dall'attualità mondiale, come nel progetto "en passant", le "lettere aperte" o il confronto con la guerra, come nell'opera "against forgetting" (Work in Progress). I temi della vulnerabilità e dell'emarginazione riecheggiano continuamente, sia in delicate tessiture di carta che in opere di grandi dimensioni, tagliate in ampi rotoli di carta. I tagli di carta costituiscono anche la base per le realizzazioni in metallo. Queste opere più grandi in acciaio al cromo-nichel e ottone sono esposte anche all'aperto, dove entrano in dialogo con la natura e/o l'architettura. L'interesse dell'artista per la musica si riflette nella sua collaborazione con i musicisti. Dal 2014 crea sporadicamente performance che uniscono arte, musica e spazio site-specific e che vengono documentate su pellicola. Ursula Rutishauser vive e lavora a Untersiggenthal e Baden. (Testo: Anna Karger, Zurigo)


Art in the Merker-Areal in Baden (AG)
Galerie 94 starts the new exhibition program 2024 with 3 local artists from the Merker-Areal, where Galerie 94 is also located. In 2024, the Merker-Areal will be home to a concentrated load of art. As the municipal Kunstraum Baden is now also a direct neighbor of Galerie 94, the area can now be described as the art center of Baden.

Marius Brühlmeier
Marius Brühlmeier's (*1954) paintings are created in a three-stage process. First, he begins with a non-representational drawing. Then a watercolor takes the idea further and gives the drawing color and depth. Maris Brühlmeier creates the picture with an oil or acrylic painting. His works are all non-representational. The non-representational nature allows him to make more precise statements. Marius Brühlmeier works in series, the format and technique remain the same within a series.

Ruth Maria Obrist
Ruth Maria Obrist does not assert, but creates. Starting from geometric shapes and figures, she creates works of art that can be read on many levels. Ruth Maria Obrist's work is rooted in the tradition of minimal art and constructive and concrete art. It is not the individual gesture that is decisive, but a "vocabulary" based on strict conceptual derivations. Geometry is the common thread. Ruth Maria Obrist plays with the optical differences between arithmetically identical surfaces, handles negative and positive forms, combines geometric physicality and two-dimensional drawings with playful virtuosity. Not as she pleases, but according to fixed rules. Mathematical concepts give her stability in a confusing world, she says. (Text: Claudia Spinelli, aus dem Buch «the poetry of logic»)

Ursula Rutishauser
Ursula Rutishauser (1955) attended the Wettingen Teachers' College and then the Zurich School of Arts and Crafts, where she obtained a higher teaching qualification in visual design and art. Parallel to her teaching activities, she consistently developed her artistic work in the studio, continuously participated in exhibitions and spent several months in a studio at the Fundació Antoni Tàpies in Barcelona in 2006. Since 2019, she has worked exclusively as an artist. Her works, cut directly into paper with a Japanese knife and scissors, are often characterized by current world events, as in the project "en passant", the "open letters" or the confrontation with war, such as in the work "against forgetting" (Work in Progress). The themes of vulnerability and exclusion are echoed time and again, in delicate paper weavings as well as in large-scale, expansive works cut into wide rolls of paper. Paper cuttings also form the basis of realizations in metal. These larger works in chromium-nickel steel and brass are also shown outdoors, where they enter into a dialog with nature and/or architecture. The artist's interest in music is reflected in her collaboration with musicians. Since 2014, she has sporadically created performances that bring together site-specific art, music and space and are documented on film. Ursula Rutishauser lives and works in Untersiggenthal and Baden. (Text: Anna Karger, Zurich)

(Text: Galerie 94, Baden)

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Zur Zeitlichkeit im Eis - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Solothurn
Jan.
25
7:00 PM19:00

Zur Zeitlichkeit im Eis - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Solothurn


Kunstmuseum Solothurn
25. Januar 2024

Glaziologie in Bildern. Naturwissenschaftliche Beobachtung und künstlerische Haltung
Gespräch mit Daniel Schwartz und Fanni Fetzer, Direktorin Kunstmuseum Luzern

Zur Zeitlichkeit im Eis
Daniel Schwartz


Vertigo Galmigletscher, Schweiz, 19. Oktober 2014. aus der Serie theatrum Alpinum, 2015 © 2024 Daniel Schwartz/VII, ProLitteris, Zürich


Die Ausstellung gibt Einblicke in eine grosszügige Künstlerschenkung, die das Kunstmuseum 2022 entgegennehmen durfte.

Das ewige Eis ist nicht dauerhaft. Wer vor einen Gletscher tritt, erkennt in dessen heutiger Agonie auch die Spuren unseres Fortschritts und die Signale des Menschenzeitalters, des Anthropozäns. Seit den 1990er-Jahren beschäftigt sich Daniel Schwartz (*1955), der zu den international bekanntesten Fotografen seiner Generation zählt, mit der Klimakrise. In einem umfangreichen historischgeografischen Rechercheprojekt befasste er sich u. a. mit Gletschern als dynamische Systeme, an denen klimatische Veränderungen deutlich ablesbar sind. Entstanden sind eindrückliche Fotografien, Wort- und Kartenbilder an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft. Vor 20’000 Jahren überdeckte der Walliser Eisstrom auch die Landschaft um Solothurn. In seiner Heimat am Jurasüdfuss begann Daniel Schwartz seine Reise zu schmelzenden Gletschern auf vier Kontinenten. Teil dieses Projekts – 2017 publiziert unter dem Titel While the Fires Burn. A Glacier Odyssey – ist die 49-teilige Serie Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), die das Kunstmuseum Solothurn 2022 als Schenkung entgegennehmen durfte und die nun in einer Auswahl präsentiert wird. Die Werke von Daniel Schwartz zeigen den Gletscher als Speicher persönlicher Erinnerung, als archäologischen Fundort und als ungebremst schwindendes klimageschichtliches Archiv. In der glazialen Verschränkung von geologischer Tiefen- und individueller Lebenszeit stellen sich existentielle Fragen zu unserer Gegenwart und Zukunft.


L'exposition donne un aperçu d'une généreuse donation d'artiste que le Kunstmuseum a eu le plaisir de recevoir en 2022.

Les glaces éternelles ne sont pas permanentes. Celui qui s'avance devant un glacier reconnaît aussi dans son agonie actuelle les traces de notre progrès et les signaux de l'ère humaine, de l'anthropocène. Depuis les années 1990, Daniel Schwartz (*1955), qui compte parmi les photographes les plus connus de sa génération au niveau international, s'intéresse à la crise climatique. Dans le cadre d'un vaste projet de recherche historique et géographique, il s'est notamment intéressé aux glaciers en tant que systèmes dynamiques, sur lesquels les changements climatiques sont clairement visibles. Il en résulte des photographies, des images verbales et cartographiques impressionnantes, à la croisée de l'art et de la science. Il y a 20 000 ans, le courant glaciaire valaisan a également recouvert le paysage autour de Soleure. C'est dans son pays natal, au pied du Jura, que Daniel Schwartz a commencé son voyage à la découverte des glaciers en train de fondre sur quatre continents. Une partie de ce projet - publié en 2017 sous le titre While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - est la série de 49 épisodes Ice Age Our Age / L'âge de glace - le temps présent. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), que le Kunstmuseum Solothurn a eu le plaisir de recevoir en donation en 2022 et dont une sélection est maintenant présentée. Les œuvres de Daniel Schwartz montrent le glacier comme un réservoir de souvenirs personnels, comme un lieu de découverte archéologique et comme des archives de l'histoire du climat qui disparaissent sans aucun frein. Dans l'imbrication glaciaire des profondeurs géologiques et du temps de vie individuel se transmettent des questions existentielles sur notre présent et notre avenir.


La mostra offre una panoramica sul generoso dono di un artista che il Kunstmuseum ha ricevuto nel 2022.

Il ghiaccio eterno non è permanente. Chiunque passi davanti a un ghiacciaio riconoscerà le tracce del nostro progresso e i segnali dell'era umana, l'Antropocene, nella sua agonia attuale. Daniel Schwartz (*1955), uno dei fotografi più riconosciuti a livello internazionale della sua generazione, si occupa di crisi climatica fin dagli anni '90. In un ampio progetto di ricerca storico-geografica, si è concentrato sui ghiacciai come sistemi dinamici in cui i cambiamenti climatici sono chiaramente visibili. Il risultato sono fotografie, immagini e mappe di grande effetto, all'interfaccia tra arte e scienza. 20.000 anni fa, la colata di ghiaccio del Vallese ricopriva anche il paesaggio intorno a Soletta. Daniel Schwartz ha iniziato il suo viaggio verso lo scioglimento dei ghiacciai di quattro continenti dalla sua casa ai piedi del Giura. Parte di questo progetto - pubblicato nel 2017 con il titolo While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - è la serie in 49 parti Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), che il Kunstmuseum Solothurn ha ricevuto in donazione nel 2022 e che ora viene presentata in una selezione. Le opere di Daniel Schwartz mostrano il ghiacciaio come deposito di memoria personale, come sito archeologico e come archivio della storia del clima che sta scomparendo a un ritmo inarrestabile. L'intreccio glaciale tra profondità geologica e vite individuali solleva domande esistenziali sul nostro presente e futuro.


The exhibition provides insights into a generous gift from an artist that the Kunstmuseum received in 2022.

The eternal ice is not permanent. Anyone who steps in front of a glacier will recognize in its present-day agony the traces of our progress and the signals of the human age, the Anthropocene. Daniel Schwartz (*1955), who is one of the most internationally renowned photographers of his generation, has been working on the climate crisis since the 1990s. In an extensive historical-geographical research project, he focused on glaciers, among other things, as dynamic systems in which climatic changes are clearly visible. The result is impressive photographs, word pictures and maps at the interface between art and science. 20,000 years ago, the Valais ice flow also covered the landscape around Solothurn. Daniel Schwartz began his journey to melting glaciers on four continents from his home at the southern foot of the Jura. Part of this project - published in 2017 under the title While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - is the 49-part series Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), which was donated to the Kunstmuseum Solothurn in 2022 and is now being presented in a selection. Daniel Schwartz's works show the glacier as a repository of personal memory, as an archaeological site and as an archive of climate history that is disappearing at an unstoppable rate. The glacial interweaving of geological depth and individual lifetimes raises existential questions about our present and future.

(Text: Kunstmuseum Solothurn)

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Guido Baselgia - The dark light | Solothurner Filmtage
Jan.
21
12:00 PM12:00

Guido Baselgia - The dark light | Solothurner Filmtage


Solothurner Filmtage
21. Januar 2024

Guido Baselgia - The dark light
Regie: Casper Nicca



Ein Film über die Suche eines Fotografen nach dem letzten gültigen Bild. Dafür reist er paradoxerweise genau dorthin, wo kaum noch Licht ist. Diese Reise zeigt den inneren Kampf eines Künstlers, der mit Kontrolle und Perfektionismus gegen das hereinbrechende Chaos des Lebens ankämpft und daraus Bilder schöpft, um hinter die Oberfläche der Dinge zu sehen.


Le film accompagne un photographe à l’orée de la lumière dans sa quête de l’ultime image. Son parcours montre le combat intérieur d'un artiste perfectionniste qui lutte contre le chaos de la vie pour en tirer des images qui révèlent ce qui se cache sous la surface.


Un film sulla ricerca dell'ultima immagine valida da parte di un fotografo. Paradossalmente, viaggia in luoghi dove non c'è quasi luce. Questo viaggio mostra la lotta interiore di un artista che combatte con controllo e perfezionismo contro il caos della vita e ne trae immagini per vedere oltre la superficie delle cose.


A film about a photographer's search for the last valid visual. Paradoxically, he travels to places where there is hardly any light. This journey shows the inner struggle of an artist who fights the chaos of life with control and perfectionism and draws visuals from it to see beyond the surface of things.

(Text: Solothurner Filmtage)

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Zur Zeitlichkeit im Eis - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Solothurn
Jan.
20
5:00 PM17:00

Zur Zeitlichkeit im Eis - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Solothurn


Kunstmuseum Solothurn
20. Januar 2024

Begrüssung und Einführung durch Katrin Steffen, Direktorin Kunstmuseum Solothurn

Zur Zeitlichkeit im Eis
Daniel Schwartz


Vertigo Galmigletscher, Schweiz, 19. Oktober 2014. aus der Serie theatrum Alpinum, 2015 © 2024 Daniel Schwartz/VII, ProLitteris, Zürich


Die Ausstellung gibt Einblicke in eine grosszügige Künstlerschenkung, die das Kunstmuseum 2022 entgegennehmen durfte.

Das ewige Eis ist nicht dauerhaft. Wer vor einen Gletscher tritt, erkennt in dessen heutiger Agonie auch die Spuren unseres Fortschritts und die Signale des Menschenzeitalters, des Anthropozäns. Seit den 1990er-Jahren beschäftigt sich Daniel Schwartz (*1955), der zu den international bekanntesten Fotografen seiner Generation zählt, mit der Klimakrise. In einem umfangreichen historischgeografischen Rechercheprojekt befasste er sich u. a. mit Gletschern als dynamische Systeme, an denen klimatische Veränderungen deutlich ablesbar sind. Entstanden sind eindrückliche Fotografien, Wort- und Kartenbilder an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft. Vor 20’000 Jahren überdeckte der Walliser Eisstrom auch die Landschaft um Solothurn. In seiner Heimat am Jurasüdfuss begann Daniel Schwartz seine Reise zu schmelzenden Gletschern auf vier Kontinenten. Teil dieses Projekts – 2017 publiziert unter dem Titel While the Fires Burn. A Glacier Odyssey – ist die 49-teilige Serie Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), die das Kunstmuseum Solothurn 2022 als Schenkung entgegennehmen durfte und die nun in einer Auswahl präsentiert wird. Die Werke von Daniel Schwartz zeigen den Gletscher als Speicher persönlicher Erinnerung, als archäologischen Fundort und als ungebremst schwindendes klimageschichtliches Archiv. In der glazialen Verschränkung von geologischer Tiefen- und individueller Lebenszeit stellen sich existentielle Fragen zu unserer Gegenwart und Zukunft.


L'exposition donne un aperçu d'une généreuse donation d'artiste que le Kunstmuseum a eu le plaisir de recevoir en 2022.

Les glaces éternelles ne sont pas permanentes. Celui qui s'avance devant un glacier reconnaît aussi dans son agonie actuelle les traces de notre progrès et les signaux de l'ère humaine, de l'anthropocène. Depuis les années 1990, Daniel Schwartz (*1955), qui compte parmi les photographes les plus connus de sa génération au niveau international, s'intéresse à la crise climatique. Dans le cadre d'un vaste projet de recherche historique et géographique, il s'est notamment intéressé aux glaciers en tant que systèmes dynamiques, sur lesquels les changements climatiques sont clairement visibles. Il en résulte des photographies, des images verbales et cartographiques impressionnantes, à la croisée de l'art et de la science. Il y a 20 000 ans, le courant glaciaire valaisan a également recouvert le paysage autour de Soleure. C'est dans son pays natal, au pied du Jura, que Daniel Schwartz a commencé son voyage à la découverte des glaciers en train de fondre sur quatre continents. Une partie de ce projet - publié en 2017 sous le titre While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - est la série de 49 épisodes Ice Age Our Age / L'âge de glace - le temps présent. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), que le Kunstmuseum Solothurn a eu le plaisir de recevoir en donation en 2022 et dont une sélection est maintenant présentée. Les œuvres de Daniel Schwartz montrent le glacier comme un réservoir de souvenirs personnels, comme un lieu de découverte archéologique et comme des archives de l'histoire du climat qui disparaissent sans aucun frein. Dans l'imbrication glaciaire des profondeurs géologiques et du temps de vie individuel se transmettent des questions existentielles sur notre présent et notre avenir.


La mostra offre una panoramica sul generoso dono di un artista che il Kunstmuseum ha ricevuto nel 2022.

Il ghiaccio eterno non è permanente. Chiunque passi davanti a un ghiacciaio riconoscerà le tracce del nostro progresso e i segnali dell'era umana, l'Antropocene, nella sua agonia attuale. Daniel Schwartz (*1955), uno dei fotografi più riconosciuti a livello internazionale della sua generazione, si occupa di crisi climatica fin dagli anni '90. In un ampio progetto di ricerca storico-geografica, si è concentrato sui ghiacciai come sistemi dinamici in cui i cambiamenti climatici sono chiaramente visibili. Il risultato sono fotografie, immagini e mappe di grande effetto, all'interfaccia tra arte e scienza. 20.000 anni fa, la colata di ghiaccio del Vallese ricopriva anche il paesaggio intorno a Soletta. Daniel Schwartz ha iniziato il suo viaggio verso lo scioglimento dei ghiacciai di quattro continenti dalla sua casa ai piedi del Giura. Parte di questo progetto - pubblicato nel 2017 con il titolo While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - è la serie in 49 parti Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), che il Kunstmuseum Solothurn ha ricevuto in donazione nel 2022 e che ora viene presentata in una selezione. Le opere di Daniel Schwartz mostrano il ghiacciaio come deposito di memoria personale, come sito archeologico e come archivio della storia del clima che sta scomparendo a un ritmo inarrestabile. L'intreccio glaciale tra profondità geologica e vite individuali solleva domande esistenziali sul nostro presente e futuro.


The exhibition provides insights into a generous gift from an artist that the Kunstmuseum received in 2022.

The eternal ice is not permanent. Anyone who steps in front of a glacier will recognize in its present-day agony the traces of our progress and the signals of the human age, the Anthropocene. Daniel Schwartz (*1955), who is one of the most internationally renowned photographers of his generation, has been working on the climate crisis since the 1990s. In an extensive historical-geographical research project, he focused on glaciers, among other things, as dynamic systems in which climatic changes are clearly visible. The result is impressive photographs, word pictures and maps at the interface between art and science. 20,000 years ago, the Valais ice flow also covered the landscape around Solothurn. Daniel Schwartz began his journey to melting glaciers on four continents from his home at the southern foot of the Jura. Part of this project - published in 2017 under the title While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - is the 49-part series Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), which was donated to the Kunstmuseum Solothurn in 2022 and is now being presented in a selection. Daniel Schwartz's works show the glacier as a repository of personal memory, as an archaeological site and as an archive of climate history that is disappearing at an unstoppable rate. The glacial interweaving of geological depth and individual lifetimes raises existential questions about our present and future.

(Text: Kunstmuseum Solothurn)

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Guido Baselgia - The dark light | Solothurner Filmtage
Jan.
18
8:00 PM20:00

Guido Baselgia - The dark light | Solothurner Filmtage


Solothurner Filmtage
18. Januar 2024

Guido Baselgia - The dark light
Regie: Casper Nicca



Ein Film über die Suche eines Fotografen nach dem letzten gültigen Bild. Dafür reist er paradoxerweise genau dorthin, wo kaum noch Licht ist. Diese Reise zeigt den inneren Kampf eines Künstlers, der mit Kontrolle und Perfektionismus gegen das hereinbrechende Chaos des Lebens ankämpft und daraus Bilder schöpft, um hinter die Oberfläche der Dinge zu sehen.


Le film accompagne un photographe à l’orée de la lumière dans sa quête de l’ultime image. Son parcours montre le combat intérieur d'un artiste perfectionniste qui lutte contre le chaos de la vie pour en tirer des images qui révèlent ce qui se cache sous la surface.


Un film sulla ricerca dell'ultima immagine valida da parte di un fotografo. Paradossalmente, viaggia in luoghi dove non c'è quasi luce. Questo viaggio mostra la lotta interiore di un artista che combatte con controllo e perfezionismo contro il caos della vita e ne trae immagini per vedere oltre la superficie delle cose.


A film about a photographer's search for the last valid visual. Paradoxically, he travels to places where there is hardly any light. This journey shows the inner struggle of an artist who fights the chaos of life with control and perfectionism and draws visuals from it to see beyond the surface of things.

(Text: Solothurner Filmtage)

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Morgennebel | BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
Dez.
10
2:00 PM14:00

Morgennebel | BelleVue – Ort für Fotografie | Basel


BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
10. Dezember 2023

Art Tour mit Marco Frauchiger und Roland Schmid

Morgennebel
Marco Frauchiger, Roland Schmid


Tran Thi Tys, Tainingsstuhl Agent Orange, Da Nang, Vietnam 2013 © Roland Schmid


Wie sprechen über Krieg in Zeiten des Krieges? Soll oder darf man das: Bilder zeigen aus vergangenen Kriegen angesichts der Überwältigung durch Bilder aus den gegenwärtigen Kriegen? Aber die Zeit des Krieges ist nicht heute, nicht damals: Krieg ist immer – oder immer wieder, und er bleibt: Er prägt die Erinnerung und das Handeln; er hinterlässt seine Spuren in der Landschaft und in den Körpern der Menschen, die einen Umgang finden müssen mit seinen Konsequenzen – über Generationen hinweg.

Die Ausstellung des Berner Fotografen und Künstlers Marco Frauchiger und des Basler Fotografen Roland Schmid vereint zwei Sichtweisen auf die bis heute in den betroffenen Ländern erleb- und sichtbaren Auswirkungen des von 1955 bis 1975 dauernden Vietnamkrieges.

Um die Versorgungsrouten für den Vietcong in Laos zu zerstören, warf der US-Geheimdienst in einem geheimen Krieg über zwei Millionen Tonnen Bomben über dem Land ab; das sind mehr als alle eingesetzten Bomben im Zweiten Weltkrieg zusammen. In der Ausstellung sind Bilder zu sehen, die der Werkreihe «How to dismantle a bomb» entstammen, einem Langzeitprojekt, in dem Frauchiger zeigt, wie die Bevölkerung in Laos mit dem Erbe dieses Krieges umgeht. Die Arbeiten, entstanden in Zusammenarbeit und im Dialog mit den Menschen vor Ort, offenbaren eine künstlerische Strategie, die gängige Erzählweisen fotografischer Bilder und das Wirklichkeitsversprechen der Kriegsberichterstattung hinterfragt.

Seit Ende der 90er-Jahre bereist Roland Schmid auf Einladung des Schweizer Journalisten Peter Jaeggi Vietnam. In seinen Bildreihen thematisiert Schmid die Folgen des massiven Einsatzes von Herbiziden, v. a. von Agent Orange, durch die USA und ihre Verbündeten während des Krieges. Auch fast 50 Jahre danach finden sich noch Spuren des in Agent Orange enthaltenen Dioxins in der Nahrungskette; ebenso verheerend wirkt sich die Vererbung des durch Agent Orange geschädigten Genoms von einem Elternteil auf nachfolgende Generationen aus. Beides hat zur Folge, dass bis heute in Vietnam Kinder geboren werden, die unter Krankheiten und schweren Missbildungen leiden. Roland Schmids dokumentarischen Bildern inhärent ist eine aufklärerische Absicht, die aber auch immer – dies ganz in der Tradition einer «humanistischen» Fotografie – auf die Würde des Menschen abzielt.


Comment parler de la guerre en temps de guerre ? Doit-on ou peut-on le faire : montrer des images de guerres passées face à l'accablement d'images de guerres actuelles ? Mais le temps de la guerre n'est pas d'aujourd'hui, ni d'hier : la guerre est toujours - ou encore et encore - et elle reste : Elle marque la mémoire et l'action ; elle laisse ses traces dans le paysage et dans le corps des hommes, qui doivent trouver un moyen de gérer ses conséquences - au fil des générations.

L'exposition du photographe et artiste bernois Marco Frauchiger et du photographe bâlois Roland Schmid réunit deux points de vue sur les conséquences de la guerre du Vietnam, qui a duré de 1955 à 1975, et qui sont encore visibles aujourd'hui dans les pays concernés.

Afin de détruire les routes d'approvisionnement du Viêt-Cong au Laos, les services secrets américains ont largué plus de deux millions de tonnes de bombes sur le pays dans le cadre d'une guerre secrète ; c'est plus que toutes les bombes utilisées pendant la Seconde Guerre mondiale réunies. L'exposition présente des images issues de la série d'œuvres "How to dismantle a bomb", un projet à long terme dans lequel Frauchiger montre comment la population du Laos gère l'héritage de cette guerre. Les travaux, réalisés en collaboration et en dialogue avec les gens sur place, révèlent une stratégie artistique qui remet en question les modes de narration courants des images photographiques et la promesse de réalité des reportages de guerre.

Depuis la fin des années 90, Roland Schmid se rend au Vietnam à l'invitation du journaliste suisse Peter Jaeggi. Dans ses séries d'images, Schmid thématise les conséquences de l'utilisation massive d'herbicides, en particulier de l'agent orange, par les États-Unis et leurs alliés pendant la guerre. Près de 50 ans plus tard, on trouve encore des traces de la dioxine contenue dans l'agent orange dans la chaîne alimentaire ; la transmission du génome endommagé par l'agent orange d'un parent aux générations suivantes a également des effets dévastateurs. Ces deux facteurs ont pour conséquence qu'aujourd'hui encore, des enfants naissent au Vietnam et souffrent de maladies et de graves malformations. Les images documentaires de Roland Schmid ont une intention éclairante, mais elles visent aussi toujours - dans la tradition d'une photographie "humaniste" - la dignité de l'être humain.


Come parlare di guerra in tempo di guerra? Si devono o si possono: mostrare immagini di guerre passate di fronte alla sopraffazione di immagini di guerre presenti? Ma il tempo della guerra non è oggi, non è allora: la guerra è sempre - o sempre di nuovo, e rimane: Dà forma alla memoria e all'azione; lascia le sue tracce nel paesaggio e nei corpi delle persone che devono trovare un modo per affrontare le sue conseguenze - per generazioni.

La mostra del fotografo e artista bernese Marco Frauchiger e del fotografo basilese Roland Schmid unisce due prospettive sugli effetti della guerra del Vietnam, durata dal 1955 al 1975, che possono essere vissuti e visti ancora oggi nei Paesi colpiti.

Per distruggere le vie di rifornimento dei Vietcong in Laos, i servizi segreti statunitensi sganciarono più di due milioni di tonnellate di bombe sul Paese in una guerra segreta; una quantità superiore a tutte le bombe utilizzate nella Seconda Guerra Mondiale messe insieme. La mostra presenta immagini della serie "How to dismantle a bomb", un progetto a lungo termine in cui Frauchiger mostra come la popolazione del Laos affronta l'eredità di questa guerra. Le opere, create in collaborazione e in dialogo con le persone sul posto, rivelano una strategia artistica che mette in discussione le comuni modalità narrative delle immagini fotografiche e la promessa di realtà nel reportage di guerra.

Dalla fine degli anni '90, Roland Schmid si è recato in Vietnam su invito del giornalista svizzero Peter Jaeggi. Nella sua serie di immagini, Schmid affronta le conseguenze dell'uso massiccio di erbicidi, in particolare dell'Agente Arancio, da parte degli Stati Uniti e dei loro alleati durante la guerra. Anche a distanza di quasi 50 anni, tracce della diossina contenuta nell'Agente Arancio si trovano ancora nella catena alimentare; l'ereditarietà del genoma danneggiato dall'Agente Arancio da un genitore alle generazioni successive ha un effetto altrettanto devastante. Il risultato di entrambi è che ancora oggi in Vietnam nascono bambini affetti da malattie e gravi deformità. Nelle immagini documentarie di Roland Schmid è insito un intento illuminante che, tuttavia, mira sempre anche alla dignità dell'essere umano, nel pieno rispetto della tradizione della fotografia "umanistica".


How to talk about war in times of war? Should or may one: show images from past wars in the face of being overwhelmed by images from present wars? But the time of war is not today, not then: war is always - or again and again, and it remains: It shapes memory and action; it leaves its traces in the landscape and in the bodies of people who have to find a way to deal with its consequences - over generations.

The exhibition by Bernese photographer and artist Marco Frauchiger and Basel-based photographer Roland Schmid combines two perspectives on the effects of the Vietnam War, which lasted from 1955 to 1975 and can still be experienced and seen today in the countries affected.

To destroy supply routes for the Viet Cong in Laos, U.S. intelligence dropped more than two million tons of bombs over the country in a secret war; more than all the bombs used in World War II combined. The exhibition features images taken from the series of works "How to dismantle a bomb," a long-term project in which Frauchiger shows how the people of Laos deal with the legacy of that war. The works, created in collaboration and dialogue with the people on the ground, reveal an artistic strategy that questions common narrative modes of photographic images and the promise of reality in war reporting.

Since the late 1990s, Roland Schmid has travelled to Vietnam at the invitation of Swiss journalist Peter Jaeggi. In his series of images, Schmid addresses the consequences of the massive use of herbicides, especially Agent Orange, by the USA and its allies during the war. Even almost 50 years later, traces of the dioxin contained in Agent Orange can still be found in the food chain; the inheritance of the genome damaged by Agent Orange from one parent to subsequent generations has an equally devastating effect. As a result, children are still being born in Vietnam today suffering from diseases and severe deformities. Inherent in Roland Schmid's documentary images is an enlightening intention, which also always - in the tradition of "humanistic" photography - aims at the dignity of the human being.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

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HOWEVER WE SAW THE SAME STAR – Kim Jungman | Kulturstiftung Basel H. Geiger | KBH.G
Dez.
1
bis 11. Feb.

HOWEVER WE SAW THE SAME STAR – Kim Jungman | Kulturstiftung Basel H. Geiger | KBH.G

  • Kulturstiftung Basel H. Geiger | KBH.G (Karte)
  • Google Kalender ICS

Kulturstiftung Basel H. Geiger | KBH.G
1. Dezember 2023 – 11. Februar 2024

HOWEVER WE SAW THE SAME STAR
Kim Jungman


Kim Jungman, Voice of Heaven, 2014, 449 x 242 cm © studio velvetunderground


Durch das Smartphone ist Fotografie heute zu einem schnelllebigen und flüchtigen Medium geworden. Fotos tauchen auf Instagram und Facebook in Stories kurz auf und verschwinden wieder. Wo früher mit der Analogkamera ein Sujet mit Bedacht eingefangen wurde, kann heute über die Handykamera wahllos geknipst werden. Das mag einerseits bedauerlich sein, andererseits hat die Fotografie in den letzten Jahren wieder an Bedeutung gewonnen. Plötzlich interessieren sich vor allem auch wieder jüngere Menschen für die analoge Fotografie. Sie realisieren, dass das Handyfoto nur ein Anfang ist und sich hinter dieser Technologie eine ganze andere, faszinierende Welt verbergen kann.

In diese einzigartige Welt lässt uns Kim Jungman mit seinen Fotografien eintauchen. Der koreanische Künstler und Fotograf verstarb am 31. Dezember 2022 im Alter von 68 Jahren überraschend und mitten in der Vorbereitung dieser Ausstellung. Zuvor hatten er und sein Sohn Neo Kim Basel und die Stiftung besucht und die Präsentation in ersten Umrissen besprochen. Es war der Wunsch der Familie von Kim Jungman, das Projekt auch nach dessen Tod zu realisieren. So wird die Ausstellung nun zu einer Hommage an diesen aussergewöhnlichen Menschen und Fotografen.


Grâce au smartphone, la photographie est aujourd'hui devenue un média éphémère qui évolue rapidement. Les photos apparaissent et disparaissent brièvement dans les stories sur Instagram et Facebook. Alors qu'autrefois, un sujet était capturé avec soin à l'aide d'un appareil photo analogique, il est aujourd'hui possible de prendre des photos au hasard avec l'appareil photo d'un téléphone portable. D'un côté, cela peut être regrettable, mais d'un autre côté, la photographie a repris de l'importance ces dernières années. Soudain, les jeunes s'intéressent à nouveau à la photographie analogique. Ils réalisent que la photo prise avec un téléphone portable n'est qu'un début et que derrière cette technologie peut se cacher tout un autre monde fascinant.

C'est dans ce monde unique que Kim Jungman nous fait plonger avec ses photographies. L'artiste et photographe coréen est décédé subitement le 31 décembre 2022 à l'âge de 68 ans, en pleine préparation de cette exposition. Auparavant, lui et son fils Neo Kim s'étaient rendus à Bâle et à la fondation pour discuter des premiers contours de la présentation. C'était le souhait de la famille de Kim Jungman de continuer à réaliser le projet après sa mort. Ainsi, l'exposition devient maintenant un hommage à cet homme et à ce photographe hors du commun.


Grazie allo smartphone, la fotografia è diventata un mezzo veloce e fugace. Le foto appaiono brevemente nelle storie di Instagram e Facebook e poi scompaiono di nuovo. Laddove un soggetto veniva catturato con attenzione con una macchina fotografica analogica, oggi può essere scattato indiscriminatamente con la fotocamera di un cellulare. Da un lato questo può essere deplorevole, ma dall'altro negli ultimi anni la fotografia ha riacquistato importanza. Improvvisamente, soprattutto i più giovani sono tornati a interessarsi alla fotografia analogica. Si rendono conto che la foto con il cellulare è solo l'inizio e che dietro questa tecnologia c'è tutto un altro mondo affascinante.

Kim Jungman ci immerge in questo mondo unico con le sue fotografie. L'artista e fotografo coreano è morto inaspettatamente il 31 dicembre 2022 all'età di 68 anni, nel bel mezzo della preparazione di questa mostra. Insieme al figlio Neo Kim aveva visitato in precedenza Basilea e la fondazione e discusso le prime linee della presentazione. La famiglia di Kim Jungman desiderava realizzare il progetto anche dopo la sua morte. La mostra è ora un omaggio a questo straordinario uomo e fotografo.


The smartphone has made photography a fast-moving and rather fleeting medium. Pictures pop up briefly on Instagram and Facebook Stories and disappear again. A subject used to be carefully captured with an analogue camera at the time, unlike today, where phones take snapshots indiscriminately, everywhere and at all times. On one hand, this may be regrettable, but on the other hand, photography as such has in fact gained more importance in recent years. Suddenly, many people, especially younger ones, are taking an interest in analogue photography again. They recognise that a mobile phone photo is merely a beginning and that a whole other, fascinating world can be discovered behind this technology.

Kim Jungman allows us a view into a unique world with his photography. The Korean artist and photographer died unexpectedly on the 31st of December 2022 at the age of 68, while preparing this exhibition. Beforehand, his son Neo Kim and him had visited Basel and our Foundation, in order to discuss the presentation in its first outlines. It was the wish of Kim Jungman’s family to go ahead with the project after his death. Thus, the exhibition has now become a tribute to this extraordinary person and photographer.

(Text: Kulturstiftung Basel H. Geiger)

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Morgennebel | BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
Nov.
29
7:00 PM19:00

Morgennebel | BelleVue – Ort für Fotografie | Basel


BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
29. November 2023

Regine Flury im Gespräch mit Roland Schmid und Marco Frauchiger

Morgennebel
Marco Frauchiger, Roland Schmid


Aus der Serie how to dismantle a bomb, 2020 © Marco Frauchiger


Wie sprechen über Krieg in Zeiten des Krieges? Soll oder darf man das: Bilder zeigen aus vergangenen Kriegen angesichts der Überwältigung durch Bilder aus den gegenwärtigen Kriegen? Aber die Zeit des Krieges ist nicht heute, nicht damals: Krieg ist immer – oder immer wieder, und er bleibt: Er prägt die Erinnerung und das Handeln; er hinterlässt seine Spuren in der Landschaft und in den Körpern der Menschen, die einen Umgang finden müssen mit seinen Konsequenzen – über Generationen hinweg.

Die Ausstellung des Berner Fotografen und Künstlers Marco Frauchiger und des Basler Fotografen Roland Schmid vereint zwei Sichtweisen auf die bis heute in den betroffenen Ländern erleb- und sichtbaren Auswirkungen des von 1955 bis 1975 dauernden Vietnamkrieges.

Um die Versorgungsrouten für den Vietcong in Laos zu zerstören, warf der US-Geheimdienst in einem geheimen Krieg über zwei Millionen Tonnen Bomben über dem Land ab; das sind mehr als alle eingesetzten Bomben im Zweiten Weltkrieg zusammen. In der Ausstellung sind Bilder zu sehen, die der Werkreihe «How to dismantle a bomb» entstammen, einem Langzeitprojekt, in dem Frauchiger zeigt, wie die Bevölkerung in Laos mit dem Erbe dieses Krieges umgeht. Die Arbeiten, entstanden in Zusammenarbeit und im Dialog mit den Menschen vor Ort, offenbaren eine künstlerische Strategie, die gängige Erzählweisen fotografischer Bilder und das Wirklichkeitsversprechen der Kriegsberichterstattung hinterfragt.

Seit Ende der 90er-Jahre bereist Roland Schmid auf Einladung des Schweizer Journalisten Peter Jaeggi Vietnam. In seinen Bildreihen thematisiert Schmid die Folgen des massiven Einsatzes von Herbiziden, v. a. von Agent Orange, durch die USA und ihre Verbündeten während des Krieges. Auch fast 50 Jahre danach finden sich noch Spuren des in Agent Orange enthaltenen Dioxins in der Nahrungskette; ebenso verheerend wirkt sich die Vererbung des durch Agent Orange geschädigten Genoms von einem Elternteil auf nachfolgende Generationen aus. Beides hat zur Folge, dass bis heute in Vietnam Kinder geboren werden, die unter Krankheiten und schweren Missbildungen leiden. Roland Schmids dokumentarischen Bildern inhärent ist eine aufklärerische Absicht, die aber auch immer – dies ganz in der Tradition einer «humanistischen» Fotografie – auf die Würde des Menschen abzielt.


Comment parler de la guerre en temps de guerre ? Doit-on ou peut-on le faire : montrer des images de guerres passées face à l'accablement d'images de guerres actuelles ? Mais le temps de la guerre n'est pas d'aujourd'hui, ni d'hier : la guerre est toujours - ou encore et encore - et elle reste : Elle marque la mémoire et l'action ; elle laisse ses traces dans le paysage et dans le corps des hommes, qui doivent trouver un moyen de gérer ses conséquences - au fil des générations.

L'exposition du photographe et artiste bernois Marco Frauchiger et du photographe bâlois Roland Schmid réunit deux points de vue sur les conséquences de la guerre du Vietnam, qui a duré de 1955 à 1975, et qui sont encore visibles aujourd'hui dans les pays concernés.

Afin de détruire les routes d'approvisionnement du Viêt-Cong au Laos, les services secrets américains ont largué plus de deux millions de tonnes de bombes sur le pays dans le cadre d'une guerre secrète ; c'est plus que toutes les bombes utilisées pendant la Seconde Guerre mondiale réunies. L'exposition présente des images issues de la série d'œuvres "How to dismantle a bomb", un projet à long terme dans lequel Frauchiger montre comment la population du Laos gère l'héritage de cette guerre. Les travaux, réalisés en collaboration et en dialogue avec les gens sur place, révèlent une stratégie artistique qui remet en question les modes de narration courants des images photographiques et la promesse de réalité des reportages de guerre.

Depuis la fin des années 90, Roland Schmid se rend au Vietnam à l'invitation du journaliste suisse Peter Jaeggi. Dans ses séries d'images, Schmid thématise les conséquences de l'utilisation massive d'herbicides, en particulier de l'agent orange, par les États-Unis et leurs alliés pendant la guerre. Près de 50 ans plus tard, on trouve encore des traces de la dioxine contenue dans l'agent orange dans la chaîne alimentaire ; la transmission du génome endommagé par l'agent orange d'un parent aux générations suivantes a également des effets dévastateurs. Ces deux facteurs ont pour conséquence qu'aujourd'hui encore, des enfants naissent au Vietnam et souffrent de maladies et de graves malformations. Les images documentaires de Roland Schmid ont une intention éclairante, mais elles visent aussi toujours - dans la tradition d'une photographie "humaniste" - la dignité de l'être humain.


Come parlare di guerra in tempo di guerra? Si devono o si possono: mostrare immagini di guerre passate di fronte alla sopraffazione di immagini di guerre presenti? Ma il tempo della guerra non è oggi, non è allora: la guerra è sempre - o sempre di nuovo, e rimane: Dà forma alla memoria e all'azione; lascia le sue tracce nel paesaggio e nei corpi delle persone che devono trovare un modo per affrontare le sue conseguenze - per generazioni.

La mostra del fotografo e artista bernese Marco Frauchiger e del fotografo basilese Roland Schmid unisce due prospettive sugli effetti della guerra del Vietnam, durata dal 1955 al 1975, che possono essere vissuti e visti ancora oggi nei Paesi colpiti.

Per distruggere le vie di rifornimento dei Vietcong in Laos, i servizi segreti statunitensi sganciarono più di due milioni di tonnellate di bombe sul Paese in una guerra segreta; una quantità superiore a tutte le bombe utilizzate nella Seconda Guerra Mondiale messe insieme. La mostra presenta immagini della serie "How to dismantle a bomb", un progetto a lungo termine in cui Frauchiger mostra come la popolazione del Laos affronta l'eredità di questa guerra. Le opere, create in collaborazione e in dialogo con le persone sul posto, rivelano una strategia artistica che mette in discussione le comuni modalità narrative delle immagini fotografiche e la promessa di realtà nel reportage di guerra.

Dalla fine degli anni '90, Roland Schmid si è recato in Vietnam su invito del giornalista svizzero Peter Jaeggi. Nella sua serie di immagini, Schmid affronta le conseguenze dell'uso massiccio di erbicidi, in particolare dell'Agente Arancio, da parte degli Stati Uniti e dei loro alleati durante la guerra. Anche a distanza di quasi 50 anni, tracce della diossina contenuta nell'Agente Arancio si trovano ancora nella catena alimentare; l'ereditarietà del genoma danneggiato dall'Agente Arancio da un genitore alle generazioni successive ha un effetto altrettanto devastante. Il risultato di entrambi è che ancora oggi in Vietnam nascono bambini affetti da malattie e gravi deformità. Nelle immagini documentarie di Roland Schmid è insito un intento illuminante che, tuttavia, mira sempre anche alla dignità dell'essere umano, nel pieno rispetto della tradizione della fotografia "umanistica".


How to talk about war in times of war? Should or may one: show images from past wars in the face of being overwhelmed by images from present wars? But the time of war is not today, not then: war is always - or again and again, and it remains: It shapes memory and action; it leaves its traces in the landscape and in the bodies of people who have to find a way to deal with its consequences - over generations.

The exhibition by Bernese photographer and artist Marco Frauchiger and Basel-based photographer Roland Schmid combines two perspectives on the effects of the Vietnam War, which lasted from 1955 to 1975 and can still be experienced and seen today in the countries affected.

To destroy supply routes for the Viet Cong in Laos, U.S. intelligence dropped more than two million tons of bombs over the country in a secret war; more than all the bombs used in World War II combined. The exhibition features images taken from the series of works "How to dismantle a bomb," a long-term project in which Frauchiger shows how the people of Laos deal with the legacy of that war. The works, created in collaboration and dialogue with the people on the ground, reveal an artistic strategy that questions common narrative modes of photographic images and the promise of reality in war reporting.

Since the late 1990s, Roland Schmid has travelled to Vietnam at the invitation of Swiss journalist Peter Jaeggi. In his series of images, Schmid addresses the consequences of the massive use of herbicides, especially Agent Orange, by the USA and its allies during the war. Even almost 50 years later, traces of the dioxin contained in Agent Orange can still be found in the food chain; the inheritance of the genome damaged by Agent Orange from one parent to subsequent generations has an equally devastating effect. As a result, children are still being born in Vietnam today suffering from diseases and severe deformities. Inherent in Roland Schmid's documentary images is an enlightening intention, which also always - in the tradition of "humanistic" photography - aims at the dignity of the human being.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

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#MERET Art vs. Poetry | Galerie Heuberg 24 | Basel
Nov.
25
11:00 AM11:00

#MERET Art vs. Poetry | Galerie Heuberg 24 | Basel


Galerie Heuberg 24 | Basel
25. November 2023

#MERET Art vs. Poetry
Julian Salinas, Andreas Schneider


seitlich in die Büsche schlagen © Julian Salinas


Die im Rahmen der Poesie Tage 2023 entstandenen Werke zu den gewürdigten Schriftsteller:innen, Poet:innen und Lyriker:innen werden in einer Gesamtschau gezeigt.

In der Ausstellung #MERET sind die Arbeiten zu Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach und Fritz Liebrich zu sehen.

Die Künstler andreasschneider und Julian Salinas setzten sich jeweils mit einer Interpretation zum Werk der fünf verstorbenen Lyrikerinnen auseinander. Die Arbeiten stimmen sich stark auf das Leben und der Geschichte der Personen ab und zeigen eine aktuelle künstlerische Auseinandersetzung mit deren Werk. War Meret Oppenheim sehr stark durch ihre Zitate als Frau in der damals prägenden künstlerischen Männerwelt bekannt, schrieb Iris von Roten das Skandalbuch „Frauen im Laufgitter“, welches seiner Zeit voraus war. Rainer Brambach wurde als staatenloser vor dem 2. Weltkrieg nach Deutschland ausgewiesen, desertierte, wurde interniert und erst als bekannter Dichter eingebürgert und 1974 mit dem Basler Kunstpreis geehrt.

Mit der Retrospektiven Ausstellung sind nun sämtliche Werke, Fotografien und Performances in der Galerie am Heuberg 24 in Basel zu sehen.


Les œuvres réalisées dans le cadre des Journées de la poésie 2023 sur les écrivains, poètes et poétesses honorés sont présentées dans une exposition globale.

L'exposition #MERET présente les travaux de Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach et Fritz Liebrich.

Les artistes andreasschneider et Julian Salinas se sont chacun penchés sur une interprétation de l'œuvre des cinq poétesses décédées. Les travaux s'accordent fortement avec la vie et l'histoire des personnes et montrent une réflexion artistique actuelle sur leur œuvre. Si Meret Oppenheim était très connue pour ses citations en tant que femme dans le monde artistique masculin qui était alors marquant, Iris von Roten a écrit le livre à scandale "Frauen im Laufgitter", qui était en avance sur son temps. Rainer Brambach, apatride, a été expulsé vers l'Allemagne avant la Seconde Guerre mondiale, a déserté, a été interné et n'a été naturalisé qu'en tant que poète connu et a été honoré en 1974 par le prix artistique de Bâle.

Avec l'exposition rétrospective, toutes les œuvres, les photographies et les performances sont désormais exposées à la Galerie am Heuberg 24 à Bâle.


Le opere create nell'ambito delle Giornate della Poesia 2023 sugli scrittori, poeti e parolieri premiati saranno esposte in una mostra complessiva.

La mostra #MERET presenta opere di Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach e Fritz Liebrich.

Gli artisti andreasschneider e Julian Salinas hanno proposto un'interpretazione dell'opera dei cinque poeti scomparsi. Le opere sono fortemente in linea con le vite e le storie degli individui e mostrano un esame artistico contemporaneo del loro lavoro. Mentre Meret Oppenheim era ben nota per le sue citazioni come donna nel mondo artistico dell'epoca, dominato dagli uomini, Iris von Roten scrisse il libro scandaloso "Frauen im Laufgitter" (Donne nel recinto), che era in anticipo sui tempi. Rainer Brambach fu espulso in Germania come apolide prima della Seconda Guerra Mondiale, disertò, fu internato e fu naturalizzato solo come noto poeta e premiato con il Premio d'Arte di Basilea nel 1974.

Con la mostra retrospettiva, tutte le sue opere, fotografie e performance sono ora esposte alla Galerie am Heuberg 24 di Basilea.


The works created as part of the Poetry Days 2023 on the honored writers, poets and lyricists will be shown in an overall exhibition.

The #MERET exhibition features works by Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach and Fritz Liebrich.

The artists andreasschneider and Julian Salinas have each come up with an interpretation of the work of the five deceased poets. The works are strongly attuned to the lives and histories of the individuals and show a contemporary artistic examination of their work. While Meret Oppenheim was very much known for her quotes as a woman in the then formative artistic male world, Iris von Roten wrote the scandalous book "Frauen im Laufgitter", which was ahead of its time. Rainer Brambach was expelled to Germany as a stateless person before the Second World War, deserted, was interned and only became a naturalized citizen as a well-known poet and was honoured with the Basel Art Prize in 1974.

With the retrospective exhibition, all of his works, photographs and performances are now on display at the Galerie am Heuberg 24 in Basel.

(Text: Julian Salinas, Basel)

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#MERET Art vs. Poetry | Galerie Heuberg 24 | Basel
Nov.
23
6:00 PM18:00

#MERET Art vs. Poetry | Galerie Heuberg 24 | Basel


Galerie Heuberg 24 | Basel
23. November 2023

Simone Baumann im Gespräch

#MERET Art vs. Poetry
Julian Salinas, Andreas Schneider


seitlich in die Büsche schlagen © Julian Salinas


Die im Rahmen der Poesie Tage 2023 entstandenen Werke zu den gewürdigten Schriftsteller:innen, Poet:innen und Lyriker:innen werden in einer Gesamtschau gezeigt.

In der Ausstellung #MERET sind die Arbeiten zu Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach und Fritz Liebrich zu sehen.

Die Künstler andreasschneider und Julian Salinas setzten sich jeweils mit einer Interpretation zum Werk der fünf verstorbenen Lyrikerinnen auseinander. Die Arbeiten stimmen sich stark auf das Leben und der Geschichte der Personen ab und zeigen eine aktuelle künstlerische Auseinandersetzung mit deren Werk. War Meret Oppenheim sehr stark durch ihre Zitate als Frau in der damals prägenden künstlerischen Männerwelt bekannt, schrieb Iris von Roten das Skandalbuch „Frauen im Laufgitter“, welches seiner Zeit voraus war. Rainer Brambach wurde als staatenloser vor dem 2. Weltkrieg nach Deutschland ausgewiesen, desertierte, wurde interniert und erst als bekannter Dichter eingebürgert und 1974 mit dem Basler Kunstpreis geehrt.

Mit der Retrospektiven Ausstellung sind nun sämtliche Werke, Fotografien und Performances in der Galerie am Heuberg 24 in Basel zu sehen.


Les œuvres réalisées dans le cadre des Journées de la poésie 2023 sur les écrivains, poètes et poétesses honorés sont présentées dans une exposition globale.

L'exposition #MERET présente les travaux de Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach et Fritz Liebrich.

Les artistes andreasschneider et Julian Salinas se sont chacun penchés sur une interprétation de l'œuvre des cinq poétesses décédées. Les travaux s'accordent fortement avec la vie et l'histoire des personnes et montrent une réflexion artistique actuelle sur leur œuvre. Si Meret Oppenheim était très connue pour ses citations en tant que femme dans le monde artistique masculin qui était alors marquant, Iris von Roten a écrit le livre à scandale "Frauen im Laufgitter", qui était en avance sur son temps. Rainer Brambach, apatride, a été expulsé vers l'Allemagne avant la Seconde Guerre mondiale, a déserté, a été interné et n'a été naturalisé qu'en tant que poète connu et a été honoré en 1974 par le prix artistique de Bâle.

Avec l'exposition rétrospective, toutes les œuvres, les photographies et les performances sont désormais exposées à la Galerie am Heuberg 24 à Bâle.


Le opere create nell'ambito delle Giornate della Poesia 2023 sugli scrittori, poeti e parolieri premiati saranno esposte in una mostra complessiva.

La mostra #MERET presenta opere di Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach e Fritz Liebrich.

Gli artisti andreasschneider e Julian Salinas hanno proposto un'interpretazione dell'opera dei cinque poeti scomparsi. Le opere sono fortemente in linea con le vite e le storie degli individui e mostrano un esame artistico contemporaneo del loro lavoro. Mentre Meret Oppenheim era ben nota per le sue citazioni come donna nel mondo artistico dell'epoca, dominato dagli uomini, Iris von Roten scrisse il libro scandaloso "Frauen im Laufgitter" (Donne nel recinto), che era in anticipo sui tempi. Rainer Brambach fu espulso in Germania come apolide prima della Seconda Guerra Mondiale, disertò, fu internato e fu naturalizzato solo come noto poeta e premiato con il Premio d'Arte di Basilea nel 1974.

Con la mostra retrospettiva, tutte le sue opere, fotografie e performance sono ora esposte alla Galerie am Heuberg 24 di Basilea.


The works created as part of the Poetry Days 2023 on the honored writers, poets and lyricists will be shown in an overall exhibition.

The #MERET exhibition features works by Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach and Fritz Liebrich.

The artists andreasschneider and Julian Salinas have each come up with an interpretation of the work of the five deceased poets. The works are strongly attuned to the lives and histories of the individuals and show a contemporary artistic examination of their work. While Meret Oppenheim was very much known for her quotes as a woman in the then formative artistic male world, Iris von Roten wrote the scandalous book "Frauen im Laufgitter", which was ahead of its time. Rainer Brambach was expelled to Germany as a stateless person before the Second World War, deserted, was interned and only became a naturalized citizen as a well-known poet and was honoured with the Basel Art Prize in 1974.

With the retrospective exhibition, all of his works, photographs and performances are now on display at the Galerie am Heuberg 24 in Basel.

(Text: Julian Salinas, Basel)

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Morgennebel | BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
Nov.
19
2:00 PM14:00

Morgennebel | BelleVue – Ort für Fotografie | Basel


BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
19. November 2023

Art Tour mit Marco Frauchiger und Roland Schmid

Morgennebel
Marco Frauchiger, Roland Schmid


Tran Thi Tys, Tainingsstuhl Agent Orange, Da Nang, Vietnam 2013 © Roland Schmid


Wie sprechen über Krieg in Zeiten des Krieges? Soll oder darf man das: Bilder zeigen aus vergangenen Kriegen angesichts der Überwältigung durch Bilder aus den gegenwärtigen Kriegen? Aber die Zeit des Krieges ist nicht heute, nicht damals: Krieg ist immer – oder immer wieder, und er bleibt: Er prägt die Erinnerung und das Handeln; er hinterlässt seine Spuren in der Landschaft und in den Körpern der Menschen, die einen Umgang finden müssen mit seinen Konsequenzen – über Generationen hinweg.

Die Ausstellung des Berner Fotografen und Künstlers Marco Frauchiger und des Basler Fotografen Roland Schmid vereint zwei Sichtweisen auf die bis heute in den betroffenen Ländern erleb- und sichtbaren Auswirkungen des von 1955 bis 1975 dauernden Vietnamkrieges.

Um die Versorgungsrouten für den Vietcong in Laos zu zerstören, warf der US-Geheimdienst in einem geheimen Krieg über zwei Millionen Tonnen Bomben über dem Land ab; das sind mehr als alle eingesetzten Bomben im Zweiten Weltkrieg zusammen. In der Ausstellung sind Bilder zu sehen, die der Werkreihe «How to dismantle a bomb» entstammen, einem Langzeitprojekt, in dem Frauchiger zeigt, wie die Bevölkerung in Laos mit dem Erbe dieses Krieges umgeht. Die Arbeiten, entstanden in Zusammenarbeit und im Dialog mit den Menschen vor Ort, offenbaren eine künstlerische Strategie, die gängige Erzählweisen fotografischer Bilder und das Wirklichkeitsversprechen der Kriegsberichterstattung hinterfragt.

Seit Ende der 90er-Jahre bereist Roland Schmid auf Einladung des Schweizer Journalisten Peter Jaeggi Vietnam. In seinen Bildreihen thematisiert Schmid die Folgen des massiven Einsatzes von Herbiziden, v. a. von Agent Orange, durch die USA und ihre Verbündeten während des Krieges. Auch fast 50 Jahre danach finden sich noch Spuren des in Agent Orange enthaltenen Dioxins in der Nahrungskette; ebenso verheerend wirkt sich die Vererbung des durch Agent Orange geschädigten Genoms von einem Elternteil auf nachfolgende Generationen aus. Beides hat zur Folge, dass bis heute in Vietnam Kinder geboren werden, die unter Krankheiten und schweren Missbildungen leiden. Roland Schmids dokumentarischen Bildern inhärent ist eine aufklärerische Absicht, die aber auch immer – dies ganz in der Tradition einer «humanistischen» Fotografie – auf die Würde des Menschen abzielt.


Comment parler de la guerre en temps de guerre ? Doit-on ou peut-on le faire : montrer des images de guerres passées face à l'accablement d'images de guerres actuelles ? Mais le temps de la guerre n'est pas d'aujourd'hui, ni d'hier : la guerre est toujours - ou encore et encore - et elle reste : Elle marque la mémoire et l'action ; elle laisse ses traces dans le paysage et dans le corps des hommes, qui doivent trouver un moyen de gérer ses conséquences - au fil des générations.

L'exposition du photographe et artiste bernois Marco Frauchiger et du photographe bâlois Roland Schmid réunit deux points de vue sur les conséquences de la guerre du Vietnam, qui a duré de 1955 à 1975, et qui sont encore visibles aujourd'hui dans les pays concernés.

Afin de détruire les routes d'approvisionnement du Viêt-Cong au Laos, les services secrets américains ont largué plus de deux millions de tonnes de bombes sur le pays dans le cadre d'une guerre secrète ; c'est plus que toutes les bombes utilisées pendant la Seconde Guerre mondiale réunies. L'exposition présente des images issues de la série d'œuvres "How to dismantle a bomb", un projet à long terme dans lequel Frauchiger montre comment la population du Laos gère l'héritage de cette guerre. Les travaux, réalisés en collaboration et en dialogue avec les gens sur place, révèlent une stratégie artistique qui remet en question les modes de narration courants des images photographiques et la promesse de réalité des reportages de guerre.

Depuis la fin des années 90, Roland Schmid se rend au Vietnam à l'invitation du journaliste suisse Peter Jaeggi. Dans ses séries d'images, Schmid thématise les conséquences de l'utilisation massive d'herbicides, en particulier de l'agent orange, par les États-Unis et leurs alliés pendant la guerre. Près de 50 ans plus tard, on trouve encore des traces de la dioxine contenue dans l'agent orange dans la chaîne alimentaire ; la transmission du génome endommagé par l'agent orange d'un parent aux générations suivantes a également des effets dévastateurs. Ces deux facteurs ont pour conséquence qu'aujourd'hui encore, des enfants naissent au Vietnam et souffrent de maladies et de graves malformations. Les images documentaires de Roland Schmid ont une intention éclairante, mais elles visent aussi toujours - dans la tradition d'une photographie "humaniste" - la dignité de l'être humain.


Come parlare di guerra in tempo di guerra? Si devono o si possono: mostrare immagini di guerre passate di fronte alla sopraffazione di immagini di guerre presenti? Ma il tempo della guerra non è oggi, non è allora: la guerra è sempre - o sempre di nuovo, e rimane: Dà forma alla memoria e all'azione; lascia le sue tracce nel paesaggio e nei corpi delle persone che devono trovare un modo per affrontare le sue conseguenze - per generazioni.

La mostra del fotografo e artista bernese Marco Frauchiger e del fotografo basilese Roland Schmid unisce due prospettive sugli effetti della guerra del Vietnam, durata dal 1955 al 1975, che possono essere vissuti e visti ancora oggi nei Paesi colpiti.

Per distruggere le vie di rifornimento dei Vietcong in Laos, i servizi segreti statunitensi sganciarono più di due milioni di tonnellate di bombe sul Paese in una guerra segreta; una quantità superiore a tutte le bombe utilizzate nella Seconda Guerra Mondiale messe insieme. La mostra presenta immagini della serie "How to dismantle a bomb", un progetto a lungo termine in cui Frauchiger mostra come la popolazione del Laos affronta l'eredità di questa guerra. Le opere, create in collaborazione e in dialogo con le persone sul posto, rivelano una strategia artistica che mette in discussione le comuni modalità narrative delle immagini fotografiche e la promessa di realtà nel reportage di guerra.

Dalla fine degli anni '90, Roland Schmid si è recato in Vietnam su invito del giornalista svizzero Peter Jaeggi. Nella sua serie di immagini, Schmid affronta le conseguenze dell'uso massiccio di erbicidi, in particolare dell'Agente Arancio, da parte degli Stati Uniti e dei loro alleati durante la guerra. Anche a distanza di quasi 50 anni, tracce della diossina contenuta nell'Agente Arancio si trovano ancora nella catena alimentare; l'ereditarietà del genoma danneggiato dall'Agente Arancio da un genitore alle generazioni successive ha un effetto altrettanto devastante. Il risultato di entrambi è che ancora oggi in Vietnam nascono bambini affetti da malattie e gravi deformità. Nelle immagini documentarie di Roland Schmid è insito un intento illuminante che, tuttavia, mira sempre anche alla dignità dell'essere umano, nel pieno rispetto della tradizione della fotografia "umanistica".


How to talk about war in times of war? Should or may one: show images from past wars in the face of being overwhelmed by images from present wars? But the time of war is not today, not then: war is always - or again and again, and it remains: It shapes memory and action; it leaves its traces in the landscape and in the bodies of people who have to find a way to deal with its consequences - over generations.

The exhibition by Bernese photographer and artist Marco Frauchiger and Basel-based photographer Roland Schmid combines two perspectives on the effects of the Vietnam War, which lasted from 1955 to 1975 and can still be experienced and seen today in the countries affected.

To destroy supply routes for the Viet Cong in Laos, U.S. intelligence dropped more than two million tons of bombs over the country in a secret war; more than all the bombs used in World War II combined. The exhibition features images taken from the series of works "How to dismantle a bomb," a long-term project in which Frauchiger shows how the people of Laos deal with the legacy of that war. The works, created in collaboration and dialogue with the people on the ground, reveal an artistic strategy that questions common narrative modes of photographic images and the promise of reality in war reporting.

Since the late 1990s, Roland Schmid has travelled to Vietnam at the invitation of Swiss journalist Peter Jaeggi. In his series of images, Schmid addresses the consequences of the massive use of herbicides, especially Agent Orange, by the USA and its allies during the war. Even almost 50 years later, traces of the dioxin contained in Agent Orange can still be found in the food chain; the inheritance of the genome damaged by Agent Orange from one parent to subsequent generations has an equally devastating effect. As a result, children are still being born in Vietnam today suffering from diseases and severe deformities. Inherent in Roland Schmid's documentary images is an enlightening intention, which also always - in the tradition of "humanistic" photography - aims at the dignity of the human being.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

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Die Schweizer Alpen - Daniel Bühler | Galerie 94 | Baden
Nov.
18
3:00 PM15:00

Die Schweizer Alpen - Daniel Bühler | Galerie 94 | Baden

Galerie 94 | Baden
18. November 2023

Die Schweizer Alpen
Daniel Bühler


Schlossberg © Daniel Bühler


Daniel Bühler, der seit Jahren sein Oeuvre mit Akribie pflegt, arbeitet technisch und bildnerisch einzigartig. Er visualisiert Welten, die wir vielleicht schon gesehen, nie aber in dieser Fülle wahrgenommen haben, facettenreich einzigartig. Das ist zum einen das Verdienst seines perfekten Gespürs für den «unperfekten» Augenblick. Abseits getretener Pfade sucht er in den Bergen, auf seinem Rücken 20 Kilogramm schwere Fotoutensilien, das perfekte Licht, das von dahinziehenden Wolkenund Nebelfeldern durchgelassen wird und der kargen Bergwelt erst recht Konturen verleiht. Daniel Bühler mag Wetterwechsel und atmosphärische Kapriolen. Zum anderen ist die Magie der Bilder seiner herausragenden Technik geschuldet: Er fertigt mehrere Einzelbilder einer Sequenz an, die er danach im Studio in akribischer Arbeit zusammensetzt. Dabei greift er auf seine Farbskizzen zurück, die er sich am Schauplatz notiert. Wahrheit und Inszenierung fügen sich auf diese Art zu einem ungeahnten Detailreichtum zusammen. Kaum zu glauben, in wie vielen Nuancen Alpenfirn leuchten kann. Die grossformatigen Bergwelten, gerahmt in massiver Eiche, zeigen eine assoziationsreiche Art von Bildgedächtnis.


Daniel Bühler, qui entretient son œuvre avec minutie depuis des années, travaille de manière unique sur le plan technique et pictural. Il visualise des mondes que nous avons peut-être déjà vus, mais jamais perçus avec autant de richesse, uniques par leurs facettes. Le mérite en revient d'une part à son flair parfait pour l'instant "imparfait". Hors des sentiers battus, il cherche dans les montagnes, avec sur son dos un matériel photographique de 20 kilos, la lumière parfaite que laissent passer les nuages et les champs de brouillard qui s'éloignent et qui donnent des contours au monde aride de la montagne. Daniel Bühler aime les changements de temps et les caprices de l'atmosphère. D'autre part, la magie de ses visuels est due à sa technique exceptionnelle : Il réalise plusieurs images individuelles d'une séquence, qu'il assemble ensuite en studio par un travail méticuleux. Pour ce faire, il se sert de ses esquisses en couleur, qu'il note sur place. La vérité et la mise en scène se rejoignent ainsi dans une richesse de détails insoupçonnée. Il est difficile de croire aux nombreuses nuances du névé alpin. Les paysages de montagne en grand format, encadrés en chêne massif, révèlent une sorte de mémoire visuelle riche en associations.


Daniel Bühler, che da anni coltiva meticolosamente la sua opera, lavora in modo tecnicamente e pittoricamente unico. Visualizza mondi forse già visti, ma mai percepiti in questa pienezza, multiformemente unica. Da un lato, questo è il merito del suo perfetto senso del momento "imperfetto". Fuori dai sentieri battuti, cerca la luce perfetta in montagna, portando sulle spalle 20 chilogrammi di attrezzatura fotografica, che si lascia attraversare da nuvole e campi di nebbia e dà i contorni al brullo mondo montano. Daniel Bühler ama i cambiamenti meteorologici e i capricci atmosferici. D'altra parte, la magia delle immagini è dovuta alla sua tecnica eccezionale: Scatta diverse immagini singole di una sequenza, che poi assembla meticolosamente in studio. Nel farlo, si basa sui suoi schizzi a colori, che annota sulla scena. In questo modo, verità e messa in scena si fondono in una ricchezza di dettagli inimmaginabile. È difficile credere a quante sfumature possa brillare la neve alpina. I mondi montani di grande formato, incorniciati in rovere massiccio, mostrano una sorta di memoria pittorica ricca di associazioni.


Daniel Bühler, who has been meticulously cultivating his oeuvre for years, works in a technically and pictorially unique way. He visualizes worlds that we have perhaps already seen, but never perceived in this fullness, multifaceted unique. This is on the one hand the merit of his perfect sense for the "imperfect" eye-gaze. Off the beaten track, he searches for the perfect light in the mountains, carrying 20 kilograms of photographic equipment on his back, which is let through by drifting clouds and fog fields and gives the barren mountain world its contours in the first place. Daniel Bühler likes weather changes and atmospheric caprices. On the other hand, the magic of the pictures is due to his outstanding technique: He takes several individual images of a sequence, which he then meticulously assembles in the studio. In the process, he falls back on his color sketches, which he notes down in the viewing area. In this way, truth and staging come together in an undreamt-of wealth of detail. It's hard to believe how many shades of alpine snow can shine. The large-format mountain worlds, framed in solid oak, show a richly associative kind of pictorial memory.

(Text: Galerie 94, Baden)

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Video*kunst | Kunsthaus Zofingen
Nov.
18
bis 18. Feb.

Video*kunst | Kunsthaus Zofingen



Madonna, 2023 © Annelies Štrba


Zum ersten Mal in seiner vierzigjährigen Geschichte stellt das Kunsthaus Zofingen die gesamte Fläche der Videokunst zur Verfügung. 15 Arbeiten, verteilt auf zwei Stockwerke, sind im offenen Raum ausgestellt. Der offene Raum ist eine interessante Herausforderung: Wir sind nicht im Kino, wo alles im Dunkeln verschwindet und jede*r Besucher*in für sich alleine ins Bild eintaucht, sondern in einer Ausstellung, die die Räumlichkeiten des Kunsthauses und die gezeigten Arbeiten miteinander verbindet. Der Rundgang wird farbig, leise, froh, bedacht, humorvoll, wild, berührend, laut und still, und schliesst ab im Café «Uferlos». Das Café ist Teil der Ausstellung und offizieller Ort für den Austausch unter Künstler*innen, Kulturschaffenden und interessierten Personen.

Die Videokunst ist mittlerweile 60 Jahre alt. Waren es zu Beginn vor allem auf Monitoren gezeigte Arbeiten, die umständlich, teuer und aufwändig produziert wurden, ist die Videotechnik heute für so gut wie jede*n zugänglich und somit auch in Museen, Galerien und Kunstmessen angekommen. Aus den einst Ein-Kanal-Monitorarbeiten wurden raumfüllende, begehbare Installationen.

Das Kunsthaus Zofingen zeigt Arbeiten auf Monitoren und als Projektion, Videostills und Skulpturen. Vertreten sind Künstlerinnen, welche gerade erst am Anfang ihrer Karriere stehen und andere, welche national oder auch international in der Kunst Massstäbe gesetzt haben.

Einige der ausgestellten Arbeiten erinnern uns an vergangene Zeiten und andere wirken wie aus der Zukunft. Wiederum andere stellen Verbindung zu historischen Arbeiten her oder sind eine Reflexion über den heutigen (politischen) Zustand der Welt. Vom Experiment zu intuitiven oder dramaturgisch gebauten Videos.

Für uns an erster Stelle steht die Qualität der Arbeiten.

Aufdi Aufdermauer, Eva Bigler & Karin Wegmüller (Co-Kurator*innen)


Pour la première fois en quarante ans d'histoire, le Kunsthaus Zofingen met toute sa surface à disposition de l'art vidéo. Quinze œuvres, réparties sur deux étages, sont exposées dans un espace ouvert. L'espace ouvert est un défi intéressant : nous ne sommes pas dans un cinéma où tout disparaît dans l'obscurité et où chaque* visiteur* est plongé dans l'image pour lui-même, mais dans une exposition qui relie les locaux du Kunsthaus et les travaux présentés. La visite sera colorée, silencieuse, joyeuse, réfléchie, pleine d'humour, sauvage, touchante, bruyante et silencieuse, et se terminera au café "Uferlos". Le café fait partie de l'exposition et est un lieu officiel d'échange entre les artistes*, les acteurs culturels et les personnes intéressées.

L'art vidéo a aujourd'hui 60 ans. Alors qu'à ses débuts, il s'agissait surtout d'œuvres présentées sur des moniteurs, dont la production était compliquée, coûteuse et complexe, la technique vidéo est aujourd'hui accessible à presque tout le monde* et a donc également fait son entrée dans les musées, les galeries et les foires d'art. Les travaux de monitoring à un seul canal sont devenus des installations qui remplissent l'espace et sont accessibles.

Le Kunsthaus Zofingen présente des travaux sur moniteurs et sous forme de projection, des vidéos et des sculptures. Y sont représentées des artistes féminines qui n'en sont qu'au début de leur carrière et d'autres qui ont posé des jalons dans le domaine de l'art au niveau national ou international.

Certaines des œuvres exposées nous rappellent le passé, d'autres semblent venir du futur. D'autres encore font le lien avec des travaux historiques ou sont une réflexion sur l'état (politique) actuel du monde. De l'expérimentation aux vidéos intuitives ou construites de manière dramaturgique.

Pour nous, la qualité des travaux est primordiale.

Aufdi Aufdermauer, Eva Bigler & Karin Wegmüller (co-commissaires*)


Per la prima volta nella sua storia quarantennale, la Kunsthaus Zofingen mette a disposizione della videoarte il suo intero spazio. 15 opere, distribuite su due piani, sono esposte nell'open space. L'open space è una sfida interessante: non siamo in un cinema dove tutto scompare nel buio e ogni visitatore è immerso nell'immagine da solo, ma in una mostra che collega i locali del Kunsthaus e le opere esposte. La visita è colorata, tranquilla, allegra, riflessiva, umoristica, selvaggia, commovente, rumorosa e silenziosa, e si conclude nel caffè "Uferlos". Il caffè fa parte della mostra ed è un luogo ufficiale per il dialogo tra artisti, professionisti della cultura e altre parti interessate.

La videoarte ha ormai 60 anni. Se all'inizio si trattava soprattutto di opere proiettate su monitor, ingombranti, costose e complesse da produrre, oggi la tecnologia video è accessibile a quasi tutti e quindi è arrivata anche nei musei, nelle gallerie e nelle fiere d'arte. Quelle che un tempo erano opere su monitor a un solo canale sono diventate installazioni che riempiono le stanze.

La Kunsthaus Zofingen espone opere su monitor e come proiezioni, fotogrammi video e sculture. Sono presenti artisti che hanno appena iniziato la loro carriera e altri che hanno stabilito standard nazionali e internazionali nell'arte.

Alcune delle opere esposte ci ricordano tempi passati, altre sembrano provenire dal futuro. Altre ancora stabiliscono collegamenti con opere storiche o sono una riflessione sull'attuale stato (politico) del mondo. Da esperimenti a video intuitivi o drammaturgicamente costruiti.

Per noi la qualità delle opere è fondamentale.

Aufdi Aufdermauer, Eva Bigler & Karin Wegmüller (co-curatori)


For the first time in its forty-year history, the Kunsthaus Zofingen is making its entire space available for video art. 15 works, spread over two floors, are exhibited in the open space. The open space is an interesting challenge: we are not in a movie theater, where everything disappears into the dark and each visitor is immersed in the image on their own, but in an exhibition that connects the space of the Kunsthaus and the works on display. The tour is colorful, quiet, happy, thoughtful, humorous, wild, touching, loud and quiet, and concludes in the café "Uferlos". The café is part of the exhibition and an official place for exchange between artists, cultural workers and interested parties.

Video art is now 60 years old. While in the beginning it was mainly works shown on monitors that were cumbersome, expensive and complex to produce, video technology is now accessible to almost everyone and has thus also arrived in museums, galleries and art fairs. What were once single-channel monitor works have become room-filling, walk-in installations.

The Kunsthaus Zofingen is showing works on monitors and as projections, video stills and sculptures. It features artists who are just at the beginning of their careers and others who have set national and international standards in art.

Some of the exhibited works remind us of times gone by and others seem to be from the future. Still others establish links to historical works or are a reflection on the current (political) state of the world. From experiments to intuitive or dramaturgically constructed videos.

For us, the quality of the works is paramount.

Aufdi Aufdermauer, Eva Bigler & Karin Wegmüller (co-curators)

(Text: Kunsthaus Zofingen)

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#MERET Art vs. Poetry | Galerie Heuberg 24 | Basel
Nov.
18
bis 25. Nov.

#MERET Art vs. Poetry | Galerie Heuberg 24 | Basel


Galerie Heuberg 24 | Basel
18. – 25. November 2023

#MERET Art vs. Poetry
Julian Salinas, Andreas Schneider


seitlich in die Büsche schlagen © Julian Salinas


Die im Rahmen der Poesie Tage 2023 entstandenen Werke zu den gewürdigten Schriftsteller:innen, Poet:innen und Lyriker:innen werden in einer Gesamtschau gezeigt.

In der Ausstellung #MERET sind die Arbeiten zu Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach und Fritz Liebrich zu sehen.

Die Künstler andreasschneider und Julian Salinas setzten sich jeweils mit einer Interpretation zum Werk der fünf verstorbenen Lyrikerinnen auseinander. Die Arbeiten stimmen sich stark auf das Leben und der Geschichte der Personen ab und zeigen eine aktuelle künstlerische Auseinandersetzung mit deren Werk. War Meret Oppenheim sehr stark durch ihre Zitate als Frau in der damals prägenden künstlerischen Männerwelt bekannt, schrieb Iris von Roten das Skandalbuch „Frauen im Laufgitter“, welches seiner Zeit voraus war. Rainer Brambach wurde als staatenloser vor dem 2. Weltkrieg nach Deutschland ausgewiesen, desertierte, wurde interniert und erst als bekannter Dichter eingebürgert und 1974 mit dem Basler Kunstpreis geehrt.

Mit der Retrospektiven Ausstellung sind nun sämtliche Werke, Fotografien und Performances in der Galerie am Heuberg 24 in Basel zu sehen.


Les œuvres réalisées dans le cadre des Journées de la poésie 2023 sur les écrivains, poètes et poétesses honorés sont présentées dans une exposition globale.

L'exposition #MERET présente les travaux de Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach et Fritz Liebrich.

Les artistes andreasschneider et Julian Salinas se sont chacun penchés sur une interprétation de l'œuvre des cinq poétesses décédées. Les travaux s'accordent fortement avec la vie et l'histoire des personnes et montrent une réflexion artistique actuelle sur leur œuvre. Si Meret Oppenheim était très connue pour ses citations en tant que femme dans le monde artistique masculin qui était alors marquant, Iris von Roten a écrit le livre à scandale "Frauen im Laufgitter", qui était en avance sur son temps. Rainer Brambach, apatride, a été expulsé vers l'Allemagne avant la Seconde Guerre mondiale, a déserté, a été interné et n'a été naturalisé qu'en tant que poète connu et a été honoré en 1974 par le prix artistique de Bâle.

Avec l'exposition rétrospective, toutes les œuvres, les photographies et les performances sont désormais exposées à la Galerie am Heuberg 24 à Bâle.


Le opere create nell'ambito delle Giornate della Poesia 2023 sugli scrittori, poeti e parolieri premiati saranno esposte in una mostra complessiva.

La mostra #MERET presenta opere di Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach e Fritz Liebrich.

Gli artisti andreasschneider e Julian Salinas hanno proposto un'interpretazione dell'opera dei cinque poeti scomparsi. Le opere sono fortemente in linea con le vite e le storie degli individui e mostrano un esame artistico contemporaneo del loro lavoro. Mentre Meret Oppenheim era ben nota per le sue citazioni come donna nel mondo artistico dell'epoca, dominato dagli uomini, Iris von Roten scrisse il libro scandaloso "Frauen im Laufgitter" (Donne nel recinto), che era in anticipo sui tempi. Rainer Brambach fu espulso in Germania come apolide prima della Seconda Guerra Mondiale, disertò, fu internato e fu naturalizzato solo come noto poeta e premiato con il Premio d'Arte di Basilea nel 1974.

Con la mostra retrospettiva, tutte le sue opere, fotografie e performance sono ora esposte alla Galerie am Heuberg 24 di Basilea.


The works created as part of the Poetry Days 2023 on the honored writers, poets and lyricists will be shown in an overall exhibition.

The #MERET exhibition features works by Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach and Fritz Liebrich.

The artists andreasschneider and Julian Salinas have each come up with an interpretation of the work of the five deceased poets. The works are strongly attuned to the lives and histories of the individuals and show a contemporary artistic examination of their work. While Meret Oppenheim was very much known for her quotes as a woman in the then formative artistic male world, Iris von Roten wrote the scandalous book "Frauen im Laufgitter", which was ahead of its time. Rainer Brambach was expelled to Germany as a stateless person before the Second World War, deserted, was interned and only became a naturalized citizen as a well-known poet and was honoured with the Basel Art Prize in 1974.

With the retrospective exhibition, all of his works, photographs and performances are now on display at the Galerie am Heuberg 24 in Basel.

(Text: Julian Salinas, Basel)

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#MERET Art vs. Poetry | Galerie Heuberg 24 | Basel
Nov.
17
bis 18. Nov.

#MERET Art vs. Poetry | Galerie Heuberg 24 | Basel


Galerie Heuberg 24 | Basel
17. November 2023

#MERET Art vs. Poetry
Julian Salinas, Andreas Schneider


seitlich in die Büsche schlagen © Julian Salinas


Die im Rahmen der Poesie Tage 2023 entstandenen Werke zu den gewürdigten Schriftsteller:innen, Poet:innen und Lyriker:innen werden in einer Gesamtschau gezeigt.

In der Ausstellung #MERET sind die Arbeiten zu Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach und Fritz Liebrich zu sehen.

Die Künstler andreasschneider und Julian Salinas setzten sich jeweils mit einer Interpretation zum Werk der fünf verstorbenen Lyrikerinnen auseinander. Die Arbeiten stimmen sich stark auf das Leben und der Geschichte der Personen ab und zeigen eine aktuelle künstlerische Auseinandersetzung mit deren Werk. War Meret Oppenheim sehr stark durch ihre Zitate als Frau in der damals prägenden künstlerischen Männerwelt bekannt, schrieb Iris von Roten das Skandalbuch „Frauen im Laufgitter“, welches seiner Zeit voraus war. Rainer Brambach wurde als staatenloser vor dem 2. Weltkrieg nach Deutschland ausgewiesen, desertierte, wurde interniert und erst als bekannter Dichter eingebürgert und 1974 mit dem Basler Kunstpreis geehrt.

Mit der Retrospektiven Ausstellung sind nun sämtliche Werke, Fotografien und Performances in der Galerie am Heuberg 24 in Basel zu sehen.


Les œuvres réalisées dans le cadre des Journées de la poésie 2023 sur les écrivains, poètes et poétesses honorés sont présentées dans une exposition globale.

L'exposition #MERET présente les travaux de Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach et Fritz Liebrich.

Les artistes andreasschneider et Julian Salinas se sont chacun penchés sur une interprétation de l'œuvre des cinq poétesses décédées. Les travaux s'accordent fortement avec la vie et l'histoire des personnes et montrent une réflexion artistique actuelle sur leur œuvre. Si Meret Oppenheim était très connue pour ses citations en tant que femme dans le monde artistique masculin qui était alors marquant, Iris von Roten a écrit le livre à scandale "Frauen im Laufgitter", qui était en avance sur son temps. Rainer Brambach, apatride, a été expulsé vers l'Allemagne avant la Seconde Guerre mondiale, a déserté, a été interné et n'a été naturalisé qu'en tant que poète connu et a été honoré en 1974 par le prix artistique de Bâle.

Avec l'exposition rétrospective, toutes les œuvres, les photographies et les performances sont désormais exposées à la Galerie am Heuberg 24 à Bâle.


Le opere create nell'ambito delle Giornate della Poesia 2023 sugli scrittori, poeti e parolieri premiati saranno esposte in una mostra complessiva.

La mostra #MERET presenta opere di Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach e Fritz Liebrich.

Gli artisti andreasschneider e Julian Salinas hanno proposto un'interpretazione dell'opera dei cinque poeti scomparsi. Le opere sono fortemente in linea con le vite e le storie degli individui e mostrano un esame artistico contemporaneo del loro lavoro. Mentre Meret Oppenheim era ben nota per le sue citazioni come donna nel mondo artistico dell'epoca, dominato dagli uomini, Iris von Roten scrisse il libro scandaloso "Frauen im Laufgitter" (Donne nel recinto), che era in anticipo sui tempi. Rainer Brambach fu espulso in Germania come apolide prima della Seconda Guerra Mondiale, disertò, fu internato e fu naturalizzato solo come noto poeta e premiato con il Premio d'Arte di Basilea nel 1974.

Con la mostra retrospettiva, tutte le sue opere, fotografie e performance sono ora esposte alla Galerie am Heuberg 24 di Basilea.


The works created as part of the Poetry Days 2023 on the honored writers, poets and lyricists will be shown in an overall exhibition.

The #MERET exhibition features works by Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach and Fritz Liebrich.

The artists andreasschneider and Julian Salinas have each come up with an interpretation of the work of the five deceased poets. The works are strongly attuned to the lives and histories of the individuals and show a contemporary artistic examination of their work. While Meret Oppenheim was very much known for her quotes as a woman in the then formative artistic male world, Iris von Roten wrote the scandalous book "Frauen im Laufgitter", which was ahead of its time. Rainer Brambach was expelled to Germany as a stateless person before the Second World War, deserted, was interned and only became a naturalized citizen as a well-known poet and was honoured with the Basel Art Prize in 1974.

With the retrospective exhibition, all of his works, photographs and performances are now on display at the Galerie am Heuberg 24 in Basel.

(Text: Julian Salinas, Basel)

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Morgennebel | BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
Nov.
12
bis 10. Dez.

Morgennebel | BelleVue – Ort für Fotografie | Basel

  • BelleVue – Ort für Fotografie (Karte)
  • Google Kalender ICS

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
12. November – 10. Dezember 2023

Morgennebel
Marco Frauchiger, Roland Schmid


Aus der Serie how to dismantle a bomb, 2020 © Marco Frauchiger


Wie sprechen über Krieg in Zeiten des Krieges? Soll oder darf man das: Bilder zeigen aus vergangenen Kriegen angesichts der Überwältigung durch Bilder aus den gegenwärtigen Kriegen? Aber die Zeit des Krieges ist nicht heute, nicht damals: Krieg ist immer – oder immer wieder, und er bleibt: Er prägt die Erinnerung und das Handeln; er hinterlässt seine Spuren in der Landschaft und in den Körpern der Menschen, die einen Umgang finden müssen mit seinen Konsequenzen – über Generationen hinweg.

Die Ausstellung des Berner Fotografen und Künstlers Marco Frauchiger und des Basler Fotografen Roland Schmid vereint zwei Sichtweisen auf die bis heute in den betroffenen Ländern erleb- und sichtbaren Auswirkungen des von 1955 bis 1975 dauernden Vietnamkrieges.

Um die Versorgungsrouten für den Vietcong in Laos zu zerstören, warf der US-Geheimdienst in einem geheimen Krieg über zwei Millionen Tonnen Bomben über dem Land ab; das sind mehr als alle eingesetzten Bomben im Zweiten Weltkrieg zusammen. In der Ausstellung sind Bilder zu sehen, die der Werkreihe «How to dismantle a bomb» entstammen, einem Langzeitprojekt, in dem Frauchiger zeigt, wie die Bevölkerung in Laos mit dem Erbe dieses Krieges umgeht. Die Arbeiten, entstanden in Zusammenarbeit und im Dialog mit den Menschen vor Ort, offenbaren eine künstlerische Strategie, die gängige Erzählweisen fotografischer Bilder und das Wirklichkeitsversprechen der Kriegsberichterstattung hinterfragt.

Seit Ende der 90er-Jahre bereist Roland Schmid auf Einladung des Schweizer Journalisten Peter Jaeggi Vietnam. In seinen Bildreihen thematisiert Schmid die Folgen des massiven Einsatzes von Herbiziden, v. a. von Agent Orange, durch die USA und ihre Verbündeten während des Krieges. Auch fast 50 Jahre danach finden sich noch Spuren des in Agent Orange enthaltenen Dioxins in der Nahrungskette; ebenso verheerend wirkt sich die Vererbung des durch Agent Orange geschädigten Genoms von einem Elternteil auf nachfolgende Generationen aus. Beides hat zur Folge, dass bis heute in Vietnam Kinder geboren werden, die unter Krankheiten und schweren Missbildungen leiden. Roland Schmids dokumentarischen Bildern inhärent ist eine aufklärerische Absicht, die aber auch immer – dies ganz in der Tradition einer «humanistischen» Fotografie – auf die Würde des Menschen abzielt.


Comment parler de la guerre en temps de guerre ? Doit-on ou peut-on le faire : montrer des images de guerres passées face à l'accablement d'images de guerres actuelles ? Mais le temps de la guerre n'est pas d'aujourd'hui, ni d'hier : la guerre est toujours - ou encore et encore - et elle reste : Elle marque la mémoire et l'action ; elle laisse ses traces dans le paysage et dans le corps des hommes, qui doivent trouver un moyen de gérer ses conséquences - au fil des générations.

L'exposition du photographe et artiste bernois Marco Frauchiger et du photographe bâlois Roland Schmid réunit deux points de vue sur les conséquences de la guerre du Vietnam, qui a duré de 1955 à 1975, et qui sont encore visibles aujourd'hui dans les pays concernés.

Afin de détruire les routes d'approvisionnement du Viêt-Cong au Laos, les services secrets américains ont largué plus de deux millions de tonnes de bombes sur le pays dans le cadre d'une guerre secrète ; c'est plus que toutes les bombes utilisées pendant la Seconde Guerre mondiale réunies. L'exposition présente des images issues de la série d'œuvres "How to dismantle a bomb", un projet à long terme dans lequel Frauchiger montre comment la population du Laos gère l'héritage de cette guerre. Les travaux, réalisés en collaboration et en dialogue avec les gens sur place, révèlent une stratégie artistique qui remet en question les modes de narration courants des images photographiques et la promesse de réalité des reportages de guerre.

Depuis la fin des années 90, Roland Schmid se rend au Vietnam à l'invitation du journaliste suisse Peter Jaeggi. Dans ses séries d'images, Schmid thématise les conséquences de l'utilisation massive d'herbicides, en particulier de l'agent orange, par les États-Unis et leurs alliés pendant la guerre. Près de 50 ans plus tard, on trouve encore des traces de la dioxine contenue dans l'agent orange dans la chaîne alimentaire ; la transmission du génome endommagé par l'agent orange d'un parent aux générations suivantes a également des effets dévastateurs. Ces deux facteurs ont pour conséquence qu'aujourd'hui encore, des enfants naissent au Vietnam et souffrent de maladies et de graves malformations. Les images documentaires de Roland Schmid ont une intention éclairante, mais elles visent aussi toujours - dans la tradition d'une photographie "humaniste" - la dignité de l'être humain.


Come parlare di guerra in tempo di guerra? Si devono o si possono: mostrare immagini di guerre passate di fronte alla sopraffazione di immagini di guerre presenti? Ma il tempo della guerra non è oggi, non è allora: la guerra è sempre - o sempre di nuovo, e rimane: Dà forma alla memoria e all'azione; lascia le sue tracce nel paesaggio e nei corpi delle persone che devono trovare un modo per affrontare le sue conseguenze - per generazioni.

La mostra del fotografo e artista bernese Marco Frauchiger e del fotografo basilese Roland Schmid unisce due prospettive sugli effetti della guerra del Vietnam, durata dal 1955 al 1975, che possono essere vissuti e visti ancora oggi nei Paesi colpiti.

Per distruggere le vie di rifornimento dei Vietcong in Laos, i servizi segreti statunitensi sganciarono più di due milioni di tonnellate di bombe sul Paese in una guerra segreta; una quantità superiore a tutte le bombe utilizzate nella Seconda Guerra Mondiale messe insieme. La mostra presenta immagini della serie "How to dismantle a bomb", un progetto a lungo termine in cui Frauchiger mostra come la popolazione del Laos affronta l'eredità di questa guerra. Le opere, create in collaborazione e in dialogo con le persone sul posto, rivelano una strategia artistica che mette in discussione le comuni modalità narrative delle immagini fotografiche e la promessa di realtà nel reportage di guerra.

Dalla fine degli anni '90, Roland Schmid si è recato in Vietnam su invito del giornalista svizzero Peter Jaeggi. Nella sua serie di immagini, Schmid affronta le conseguenze dell'uso massiccio di erbicidi, in particolare dell'Agente Arancio, da parte degli Stati Uniti e dei loro alleati durante la guerra. Anche a distanza di quasi 50 anni, tracce della diossina contenuta nell'Agente Arancio si trovano ancora nella catena alimentare; l'ereditarietà del genoma danneggiato dall'Agente Arancio da un genitore alle generazioni successive ha un effetto altrettanto devastante. Il risultato di entrambi è che ancora oggi in Vietnam nascono bambini affetti da malattie e gravi deformità. Nelle immagini documentarie di Roland Schmid è insito un intento illuminante che, tuttavia, mira sempre anche alla dignità dell'essere umano, nel pieno rispetto della tradizione della fotografia "umanistica".


How to talk about war in times of war? Should or may one: show images from past wars in the face of being overwhelmed by images from present wars? But the time of war is not today, not then: war is always - or again and again, and it remains: It shapes memory and action; it leaves its traces in the landscape and in the bodies of people who have to find a way to deal with its consequences - over generations.

The exhibition by Bernese photographer and artist Marco Frauchiger and Basel-based photographer Roland Schmid combines two perspectives on the effects of the Vietnam War, which lasted from 1955 to 1975 and can still be experienced and seen today in the countries affected.

To destroy supply routes for the Viet Cong in Laos, U.S. intelligence dropped more than two million tons of bombs over the country in a secret war; more than all the bombs used in World War II combined. The exhibition features images taken from the series of works "How to dismantle a bomb," a long-term project in which Frauchiger shows how the people of Laos deal with the legacy of that war. The works, created in collaboration and dialogue with the people on the ground, reveal an artistic strategy that questions common narrative modes of photographic images and the promise of reality in war reporting.

Since the late 1990s, Roland Schmid has travelled to Vietnam at the invitation of Swiss journalist Peter Jaeggi. In his series of images, Schmid addresses the consequences of the massive use of herbicides, especially Agent Orange, by the USA and its allies during the war. Even almost 50 years later, traces of the dioxin contained in Agent Orange can still be found in the food chain; the inheritance of the genome damaged by Agent Orange from one parent to subsequent generations has an equally devastating effect. As a result, children are still being born in Vietnam today suffering from diseases and severe deformities. Inherent in Roland Schmid's documentary images is an enlightening intention, which also always - in the tradition of "humanistic" photography - aims at the dignity of the human being.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

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Morgennebel | BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
Nov.
11
5:00 PM17:00

Morgennebel | BelleVue – Ort für Fotografie | Basel


BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
11. November 2023

Einführung von Bernard Senn, Journalist, Redaktor bei Radio SRF Kultur, sowie den Ausstellenden und dem Journalisten und Buchautor Peter Jaeggi

Morgennebel
Marco Frauchiger, Roland Schmid


Aus der Serie how to dismantle a bomb, 2020 © Marco Frauchiger


Wie sprechen über Krieg in Zeiten des Krieges? Soll oder darf man das: Bilder zeigen aus vergangenen Kriegen angesichts der Überwältigung durch Bilder aus den gegenwärtigen Kriegen? Aber die Zeit des Krieges ist nicht heute, nicht damals: Krieg ist immer – oder immer wieder, und er bleibt: Er prägt die Erinnerung und das Handeln; er hinterlässt seine Spuren in der Landschaft und in den Körpern der Menschen, die einen Umgang finden müssen mit seinen Konsequenzen – über Generationen hinweg.

Die Ausstellung des Berner Fotografen und Künstlers Marco Frauchiger und des Basler Fotografen Roland Schmid vereint zwei Sichtweisen auf die bis heute in den betroffenen Ländern erleb- und sichtbaren Auswirkungen des von 1955 bis 1975 dauernden Vietnamkrieges.

Um die Versorgungsrouten für den Vietcong in Laos zu zerstören, warf der US-Geheimdienst in einem geheimen Krieg über zwei Millionen Tonnen Bomben über dem Land ab; das sind mehr als alle eingesetzten Bomben im Zweiten Weltkrieg zusammen. In der Ausstellung sind Bilder zu sehen, die der Werkreihe «How to dismantle a bomb» entstammen, einem Langzeitprojekt, in dem Frauchiger zeigt, wie die Bevölkerung in Laos mit dem Erbe dieses Krieges umgeht. Die Arbeiten, entstanden in Zusammenarbeit und im Dialog mit den Menschen vor Ort, offenbaren eine künstlerische Strategie, die gängige Erzählweisen fotografischer Bilder und das Wirklichkeitsversprechen der Kriegsberichterstattung hinterfragt.

Seit Ende der 90er-Jahre bereist Roland Schmid auf Einladung des Schweizer Journalisten Peter Jaeggi Vietnam. In seinen Bildreihen thematisiert Schmid die Folgen des massiven Einsatzes von Herbiziden, v. a. von Agent Orange, durch die USA und ihre Verbündeten während des Krieges. Auch fast 50 Jahre danach finden sich noch Spuren des in Agent Orange enthaltenen Dioxins in der Nahrungskette; ebenso verheerend wirkt sich die Vererbung des durch Agent Orange geschädigten Genoms von einem Elternteil auf nachfolgende Generationen aus. Beides hat zur Folge, dass bis heute in Vietnam Kinder geboren werden, die unter Krankheiten und schweren Missbildungen leiden. Roland Schmids dokumentarischen Bildern inhärent ist eine aufklärerische Absicht, die aber auch immer – dies ganz in der Tradition einer «humanistischen» Fotografie – auf die Würde des Menschen abzielt.


Comment parler de la guerre en temps de guerre ? Doit-on ou peut-on le faire : montrer des images de guerres passées face à l'accablement d'images de guerres actuelles ? Mais le temps de la guerre n'est pas d'aujourd'hui, ni d'hier : la guerre est toujours - ou encore et encore - et elle reste : Elle marque la mémoire et l'action ; elle laisse ses traces dans le paysage et dans le corps des hommes, qui doivent trouver un moyen de gérer ses conséquences - au fil des générations.

L'exposition du photographe et artiste bernois Marco Frauchiger et du photographe bâlois Roland Schmid réunit deux points de vue sur les conséquences de la guerre du Vietnam, qui a duré de 1955 à 1975, et qui sont encore visibles aujourd'hui dans les pays concernés.

Afin de détruire les routes d'approvisionnement du Viêt-Cong au Laos, les services secrets américains ont largué plus de deux millions de tonnes de bombes sur le pays dans le cadre d'une guerre secrète ; c'est plus que toutes les bombes utilisées pendant la Seconde Guerre mondiale réunies. L'exposition présente des images issues de la série d'œuvres "How to dismantle a bomb", un projet à long terme dans lequel Frauchiger montre comment la population du Laos gère l'héritage de cette guerre. Les travaux, réalisés en collaboration et en dialogue avec les gens sur place, révèlent une stratégie artistique qui remet en question les modes de narration courants des images photographiques et la promesse de réalité des reportages de guerre.

Depuis la fin des années 90, Roland Schmid se rend au Vietnam à l'invitation du journaliste suisse Peter Jaeggi. Dans ses séries d'images, Schmid thématise les conséquences de l'utilisation massive d'herbicides, en particulier de l'agent orange, par les États-Unis et leurs alliés pendant la guerre. Près de 50 ans plus tard, on trouve encore des traces de la dioxine contenue dans l'agent orange dans la chaîne alimentaire ; la transmission du génome endommagé par l'agent orange d'un parent aux générations suivantes a également des effets dévastateurs. Ces deux facteurs ont pour conséquence qu'aujourd'hui encore, des enfants naissent au Vietnam et souffrent de maladies et de graves malformations. Les images documentaires de Roland Schmid ont une intention éclairante, mais elles visent aussi toujours - dans la tradition d'une photographie "humaniste" - la dignité de l'être humain.


Come parlare di guerra in tempo di guerra? Si devono o si possono: mostrare immagini di guerre passate di fronte alla sopraffazione di immagini di guerre presenti? Ma il tempo della guerra non è oggi, non è allora: la guerra è sempre - o sempre di nuovo, e rimane: Dà forma alla memoria e all'azione; lascia le sue tracce nel paesaggio e nei corpi delle persone che devono trovare un modo per affrontare le sue conseguenze - per generazioni.

La mostra del fotografo e artista bernese Marco Frauchiger e del fotografo basilese Roland Schmid unisce due prospettive sugli effetti della guerra del Vietnam, durata dal 1955 al 1975, che possono essere vissuti e visti ancora oggi nei Paesi colpiti.

Per distruggere le vie di rifornimento dei Vietcong in Laos, i servizi segreti statunitensi sganciarono più di due milioni di tonnellate di bombe sul Paese in una guerra segreta; una quantità superiore a tutte le bombe utilizzate nella Seconda Guerra Mondiale messe insieme. La mostra presenta immagini della serie "How to dismantle a bomb", un progetto a lungo termine in cui Frauchiger mostra come la popolazione del Laos affronta l'eredità di questa guerra. Le opere, create in collaborazione e in dialogo con le persone sul posto, rivelano una strategia artistica che mette in discussione le comuni modalità narrative delle immagini fotografiche e la promessa di realtà nel reportage di guerra.

Dalla fine degli anni '90, Roland Schmid si è recato in Vietnam su invito del giornalista svizzero Peter Jaeggi. Nella sua serie di immagini, Schmid affronta le conseguenze dell'uso massiccio di erbicidi, in particolare dell'Agente Arancio, da parte degli Stati Uniti e dei loro alleati durante la guerra. Anche a distanza di quasi 50 anni, tracce della diossina contenuta nell'Agente Arancio si trovano ancora nella catena alimentare; l'ereditarietà del genoma danneggiato dall'Agente Arancio da un genitore alle generazioni successive ha un effetto altrettanto devastante. Il risultato di entrambi è che ancora oggi in Vietnam nascono bambini affetti da malattie e gravi deformità. Nelle immagini documentarie di Roland Schmid è insito un intento illuminante che, tuttavia, mira sempre anche alla dignità dell'essere umano, nel pieno rispetto della tradizione della fotografia "umanistica".


How to talk about war in times of war? Should or may one: show images from past wars in the face of being overwhelmed by images from present wars? But the time of war is not today, not then: war is always - or again and again, and it remains: It shapes memory and action; it leaves its traces in the landscape and in the bodies of people who have to find a way to deal with its consequences - over generations.

The exhibition by Bernese photographer and artist Marco Frauchiger and Basel-based photographer Roland Schmid combines two perspectives on the effects of the Vietnam War, which lasted from 1955 to 1975 and can still be experienced and seen today in the countries affected.

To destroy supply routes for the Viet Cong in Laos, U.S. intelligence dropped more than two million tons of bombs over the country in a secret war; more than all the bombs used in World War II combined. The exhibition features images taken from the series of works "How to dismantle a bomb," a long-term project in which Frauchiger shows how the people of Laos deal with the legacy of that war. The works, created in collaboration and dialogue with the people on the ground, reveal an artistic strategy that questions common narrative modes of photographic images and the promise of reality in war reporting.

Since the late 1990s, Roland Schmid has travelled to Vietnam at the invitation of Swiss journalist Peter Jaeggi. In his series of images, Schmid addresses the consequences of the massive use of herbicides, especially Agent Orange, by the USA and its allies during the war. Even almost 50 years later, traces of the dioxin contained in Agent Orange can still be found in the food chain; the inheritance of the genome damaged by Agent Orange from one parent to subsequent generations has an equally devastating effect. As a result, children are still being born in Vietnam today suffering from diseases and severe deformities. Inherent in Roland Schmid's documentary images is an enlightening intention, which also always - in the tradition of "humanistic" photography - aims at the dignity of the human being.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

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Die Schweizer Alpen - Daniel Bühler | Galerie 94 | Baden
Nov.
10
bis 20. Jan.

Die Schweizer Alpen - Daniel Bühler | Galerie 94 | Baden

Galerie 94 | Baden
10. November 2023 - 20. Januar 2024

Die Schweizer Alpen
Daniel Bühler


Schlossberg © Daniel Bühler


Daniel Bühler, der seit Jahren sein Oeuvre mit Akribie pflegt, arbeitet technisch und bildnerisch einzigartig. Er visualisiert Welten, die wir vielleicht schon gesehen, nie aber in dieser Fülle wahrgenommen haben, facettenreich einzigartig. Das ist zum einen das Verdienst seines perfekten Gespürs für den «unperfekten» Augenblick. Abseits getretener Pfade sucht er in den Bergen, auf seinem Rücken 20 Kilogramm schwere Fotoutensilien, das perfekte Licht, das von dahinziehenden Wolkenund Nebelfeldern durchgelassen wird und der kargen Bergwelt erst recht Konturen verleiht. Daniel Bühler mag Wetterwechsel und atmosphärische Kapriolen. Zum anderen ist die Magie der Bilder seiner herausragenden Technik geschuldet: Er fertigt mehrere Einzelbilder einer Sequenz an, die er danach im Studio in akribischer Arbeit zusammensetzt. Dabei greift er auf seine Farbskizzen zurück, die er sich am Schauplatz notiert. Wahrheit und Inszenierung fügen sich auf diese Art zu einem ungeahnten Detailreichtum zusammen. Kaum zu glauben, in wie vielen Nuancen Alpenfirn leuchten kann. Die grossformatigen Bergwelten, gerahmt in massiver Eiche, zeigen eine assoziationsreiche Art von Bildgedächtnis.


Daniel Bühler, qui entretient son œuvre avec minutie depuis des années, travaille de manière unique sur le plan technique et pictural. Il visualise des mondes que nous avons peut-être déjà vus, mais jamais perçus avec autant de richesse, uniques par leurs facettes. Le mérite en revient d'une part à son flair parfait pour l'instant "imparfait". Hors des sentiers battus, il cherche dans les montagnes, avec sur son dos un matériel photographique de 20 kilos, la lumière parfaite que laissent passer les nuages et les champs de brouillard qui s'éloignent et qui donnent des contours au monde aride de la montagne. Daniel Bühler aime les changements de temps et les caprices de l'atmosphère. D'autre part, la magie de ses visuels est due à sa technique exceptionnelle : Il réalise plusieurs images individuelles d'une séquence, qu'il assemble ensuite en studio par un travail méticuleux. Pour ce faire, il se sert de ses esquisses en couleur, qu'il note sur place. La vérité et la mise en scène se rejoignent ainsi dans une richesse de détails insoupçonnée. Il est difficile de croire aux nombreuses nuances du névé alpin. Les paysages de montagne en grand format, encadrés en chêne massif, révèlent une sorte de mémoire visuelle riche en associations.


Daniel Bühler, che da anni coltiva meticolosamente la sua opera, lavora in modo tecnicamente e pittoricamente unico. Visualizza mondi forse già visti, ma mai percepiti in questa pienezza, multiformemente unica. Da un lato, questo è il merito del suo perfetto senso del momento "imperfetto". Fuori dai sentieri battuti, cerca la luce perfetta in montagna, portando sulle spalle 20 chilogrammi di attrezzatura fotografica, che si lascia attraversare da nuvole e campi di nebbia e dà i contorni al brullo mondo montano. Daniel Bühler ama i cambiamenti meteorologici e i capricci atmosferici. D'altra parte, la magia delle immagini è dovuta alla sua tecnica eccezionale: Scatta diverse immagini singole di una sequenza, che poi assembla meticolosamente in studio. Nel farlo, si basa sui suoi schizzi a colori, che annota sulla scena. In questo modo, verità e messa in scena si fondono in una ricchezza di dettagli inimmaginabile. È difficile credere a quante sfumature possa brillare la neve alpina. I mondi montani di grande formato, incorniciati in rovere massiccio, mostrano una sorta di memoria pittorica ricca di associazioni.


Daniel Bühler, who has been meticulously cultivating his oeuvre for years, works in a technically and pictorially unique way. He visualizes worlds that we have perhaps already seen, but never perceived in this fullness, multifaceted unique. This is on the one hand the merit of his perfect sense for the "imperfect" eye-gaze. Off the beaten track, he searches for the perfect light in the mountains, carrying 20 kilograms of photographic equipment on his back, which is let through by drifting clouds and fog fields and gives the barren mountain world its contours in the first place. Daniel Bühler likes weather changes and atmospheric caprices. On the other hand, the magic of the pictures is due to his outstanding technique: He takes several individual images of a sequence, which he then meticulously assembles in the studio. In the process, he falls back on his color sketches, which he notes down in the viewing area. In this way, truth and staging come together in an undreamt-of wealth of detail. It's hard to believe how many shades of alpine snow can shine. The large-format mountain worlds, framed in solid oak, show a richly associative kind of pictorial memory.

(Text: Galerie 94, Baden)

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INTERPRETATIONS - Julia Fullerton-Batten | IPFO Haus der Fotografie |  4600 Olten
Nov.
10
bis 4. Feb.

INTERPRETATIONS - Julia Fullerton-Batten | IPFO Haus der Fotografie | 4600 Olten


IPFO Haus der Fotografie |  4600 Olten
10. November 2023 – 4. Februar 2024

INTERPRETATIONS
Julia Fullerton-Batten


Penelope, Lockdown Day 51 © Jula Fullerton-Batten


Mit «INTERPRETATIONS» zeigt die renommierte britische Fine-Art Fotografin Julia Fullerton-Batten ihre Werke erstmals als Solo-Ausstellung in der Schweiz und gibt uns damit die Möglichkeit, ihren unverwechselbaren Stil hautnah zu erleben und in eine faszinierende Welt des visuellen Erzählens einzutauchen. Die Ausstellung im IPFO Haus der Fotografie in Olten eröffnet am 10. November 2023 und präsentiert rund 50 Werke à sieben Werkserien der Britin.

Die Ausnahmekünstlerin Julia Fullerton-Batten ist bekannt für ihre kreativen und oft ungewöhnlichen Schauplätze, die sie für ihre Aufnahmen wählt. Sie versteht es wie kaum jemand sonst, zufällig gecastete Models in ihren Bildern einzusetzen und mit einer filmischen Beleuchtung zu inszenieren. Diese Elemente sind die Grundbausteine ihrer Kunst und schaffen eine aussergewöhnliche, visuelle Spannung. Durch das geschickte Spiel mit Licht und Schatten, Perspektiven und Kompositionen gelingt es Julia Fullerton-Batten, ihren Werken eine geheimnisvolle Atmosphäre zu verleihen und die Betrachter:innen dazu einzuladen, verborgene Geschichten und tiefere Bedeutungen in ihren Fotografien zu entdecken.

In der Ausstellung «INTERPRETATIONS» werden sieben Werkserien präsentiert. Die Serien «Unadorned» aus dem Jahr 2012 und «The Male Body» von 2021 sind von den Gemälden der alten Meister inspiriert. In diesen Serien inszenieren sich Modelle beiderlei Geschlechts nackt vor modernen Kulissen. Die Fotografin simuliert die sanfte Beleuchtung von Kerzen-und Mondlicht, um die Atmosphäre der alten Meister wiederzugeben. Die Bilder der Serie «Unadorned» zeigen die Selbstakzeptanz und das Selbstbewusstsein der Modelle, die sich gegen heutige Schönheitsideale auflehnen und stolz ihre natürlichen Körper präsentieren. Die Betrachter:innen sind eingeladen, Schönheit jenseits gesellschaftlicher Normen und Vorurteile zu entdecken.

Die Werkreihe «Feral Children» widmet sich den «Wolfskindern», die in ihrer Kindheit wenig oder gar keinen Kontakt zu Menschen hatten. Sei es aufgrund von Vernachlässigung, grausamer Isolation oder weil sie von wilden Tieren aufgezogen wurden. Julia Fullerton-Batten hat versucht, die Gefühle und Erfahrungen dieser Kinder in ihren Fotografien einzufangen und regt damit zum Nachdenken über die erstaunliche Überlebensfähigkeit und das Durchhaltevermögen dieser Kinder an. «Looking Out From Within» reflektiert die Auswirkungen der Covid-19-Pandemie auf das tägliche Leben der Menschen in West London, wo die Fotografin lebt und die Werkreihe «Contortion» aus dem Jahr 2021 ist eine Hommage an die beeindruckende Kunst der Kontorsionist:innen und ihre Fähigkeit, den menschlichen Körper in erstaunliche Positionen zu bringen. Diese uralte Form der Körperkunst, die bereits in antiken Gemälden und Skulpturen aus Griechenland, Rom und Ägypten dokumentiert ist, erfordert nicht nur enorme Beweglichkeit und Kraft, sondern auch jahrelange Hingabe und Disziplin. Die Serie «Old Father Thames» ist dem Fluss Themse und seiner immensen Bedeutung für die Geschichte Grossbritanniens und der Welt gewidmet.

Die sieben Werkserien sind eine faszinierende Reise durch das vielfältige Schaffen von Julia Fullerton-Batten und geben einen Einblick in ihre kreative Bandbreite sowie ihre Fähigkeit, mit Licht, Raum und Emotionen zu spielen.


Avec "INTERPRETATIONS", la célèbre photographe britannique de beaux-arts Julia Fullerton-Batten présente pour la première fois ses œuvres en solo en Suisse, nous donnant ainsi la possibilité de découvrir de près son style unique et de nous plonger dans un monde fascinant de narration visuelle. L'exposition à l'IPFO Haus der Fotografie à Olten ouvrira ses portes le 10 novembre 2023 et présentera une cinquantaine d'œuvres de sept séries différentes de la Britannique.

L'artiste d'exception Julia Fullerton-Batten est connue pour la créativité et les lieux souvent inhabituels qu'elle choisit pour ses prises de vue. Elle sait mieux que quiconque utiliser des modèles castés au hasard dans ses photos et les mettre en scène avec un éclairage cinématographique. Ces éléments sont les éléments de base de son art et créent une tension visuelle extraordinaire. En jouant habilement avec l'ombre et la lumière, les perspectives et les compositions, Julia Fullerton-Batten parvient à conférer à ses œuvres une atmosphère mystérieuse et à inviter les spectateurs à découvrir des histoires cachées et des significations profondes dans ses photographies.

Sept séries d'œuvres sont présentées dans l'exposition "INTERPRETATIONS". Les séries "Unadorned" de 2012 et "The Male Body" de 2021 s'inspirent des tableaux des maîtres anciens. Dans ces séries, des modèles des deux sexes se mettent en scène nus devant des décors modernes. La photographe simule l'éclairage doux des bougies et de la lune pour recréer l'atmosphère des anciens maîtres. Les images de la série "Unadorned" montrent l'acceptation de soi et la confiance en soi des modèles, qui se rebellent contre les idéaux de beauté actuels et présentent fièrement leurs corps naturels. Les spectateurs sont invités à découvrir la beauté au-delà des normes et des préjugés sociaux.

La série d'œuvres "Feral Children" est consacrée aux "enfants-loups" qui n'ont eu que peu ou pas de contact avec les humains durant leur enfance. Que ce soit en raison de la négligence, d'un isolement cruel ou parce qu'ils ont été élevés par des animaux sauvages. Julia Fullerton-Batten a tenté de capturer les sentiments et les expériences de ces enfants dans ses photographies et incite ainsi à la réflexion sur l'étonnante capacité de survie et d'endurance de ces enfants. "Looking Out From Within" reflète l'impact de la pandémie de Covid-19 sur la vie quotidienne des habitants de l'ouest londonien, où vit la photographe, et la série d'œuvres "Contortion", réalisée en 2021, est un hommage à l'art impressionnant des contorsionnistes et à leur capacité à faire prendre au corps humain des positions étonnantes. Cette forme très ancienne d'art corporel, déjà documentée dans les peintures et sculptures antiques de Grèce, de Rome et d'Égypte, exige non seulement une agilité et une force énormes, mais aussi des années de dévouement et de discipline. La série "Old Father Thames" est consacrée au fleuve Tamise et à son immense importance pour l'histoire de la Grande-Bretagne et du monde.

Les sept séries d'œuvres constituent un voyage fascinant à travers les multiples facettes du travail de Julia Fullerton-Batten et donnent un aperçu de l'étendue de sa créativité ainsi que de sa capacité à jouer avec la lumière, l'espace et les émotions.


Con "INTERPRETATIONS", la rinomata fotografa britannica Julia Fullerton-Batten espone per la prima volta le sue opere in una mostra personale in Svizzera, dandoci l'opportunità di sperimentare da vicino il suo stile inconfondibile e di immergerci in un affascinante mondo di narrazione visiva. La mostra allestita presso l'IPFO House of Photography di Olten si apre il 10 novembre 2023 e presenta circa 50 opere di sette serie dell'artista britannica.

L'eccezionale artista Julia Fullerton-Batten è nota per i luoghi creativi e spesso insoliti che sceglie per le sue fotografie. Sa meglio di chiunque altro come utilizzare nelle sue immagini modelli dal cast casuale e metterli in scena con un'illuminazione cinematografica. Questi elementi sono i mattoni della sua arte e creano una straordinaria tensione visiva. Giocando abilmente con luci e ombre, prospettive e composizioni, Julia Fullerton-Batten riesce a conferire alle sue opere un'atmosfera misteriosa e a invitare gli spettatori a scoprire storie nascoste e significati più profondi nelle sue fotografie.

La mostra "INTERPRETAZIONI" presenta sette serie di opere. Le serie "Unadorned" del 2012 e "The Male Body" del 2021 sono ispirate ai dipinti degli antichi maestri. In queste serie, modelli di entrambi i sessi posano nudi davanti a fondali moderni. Il fotografo simula la luce soffusa della candela e della luna per ricreare l'atmosfera degli antichi maestri. Le immagini della serie "Unadorned" mostrano l'accettazione e la sicurezza di sé delle modelle, che si ribellano agli ideali di bellezza odierni e presentano con orgoglio i loro corpi naturali. Gli spettatori sono invitati a scoprire la bellezza al di là delle norme e dei pregiudizi sociali.

La serie di opere "Feral Children" è dedicata ai "bambini lupo" che hanno avuto pochi o nessun contatto con le persone durante la loro infanzia. Sia a causa dell'abbandono, del crudele isolamento o perché sono stati allevati da animali selvatici. Julia Fullerton-Batten ha cercato di catturare nelle sue fotografie i sentimenti e le esperienze di questi bambini, incoraggiandoci a riflettere sulla loro sorprendente capacità di sopravvivere e perseverare. "Looking Out From Within" riflette l'impatto della pandemia di Covid-19 sulla vita quotidiana degli abitanti di West London, dove la fotografa vive, e la serie di opere "Contortion" del 2021 è un omaggio all'impressionante arte dei contorsionisti e alla loro capacità di mettere il corpo umano in posizioni sorprendenti. Questa antica forma di body art, già documentata in dipinti e sculture della Grecia, di Roma e dell'Egitto, richiede non solo un'enorme agilità e forza, ma anche anni di dedizione e disciplina. La serie "Old Father Thames" è dedicata al fiume Tamigi e al suo immenso significato per la storia della Gran Bretagna e del mondo.

Le sette serie di opere costituiscono un viaggio affascinante attraverso la variegata opera di Julia Fullerton-Batten e forniscono una visione della sua gamma creativa e della sua capacità di giocare con la luce, lo spazio e le emozioni.


With "INTERPRETATIONS", the renowned British fine art photographer Julia Fullerton-Batten is showing her works as a solo exhibition in Switzerland for the first time, giving us the opportunity to experience her unmistakable style up close and immerse ourselves in a fascinating world of visual storytelling. The exhibition at the IPFO House of Photography in Olten opens on November 10, 2023 and presents around 50 works from seven series by the British artist.

The exceptional artist Julia Fullerton-Batten is known for the creative and often unusual locations she chooses for her photographs. She knows better than almost anyone how to use randomly cast models in her pictures and stage them with cinematic lighting. These elements are the building blocks of her art and create an extraordinary visual tension. By skillfully playing with light and shadow, perspectives and compositions, Julia Fullerton-Batten succeeds in lending her works a mysterious atmosphere and inviting viewers to discover hidden stories and deeper meanings in her photographs.

Seven series of works are presented in the "INTERPRETATIONS" exhibition. The series "Unadorned" from 2012 and "The Male Body" from 2021 are inspired by the paintings of the old masters. In these series, models of both sexes pose naked in front of modern backdrops. The photographer simulates the soft lighting of candlelight and moonlight to recreate the atmosphere of the old masters. The images in the "Unadorned" series show the self-acceptance and self-confidence of the models, who rebel against today's ideals of beauty and proudly present their natural bodies. Viewers are invited to discover beauty beyond social norms and prejudices.

The "Feral Children" series of works is dedicated to "wolf children" who had little or no contact with people during their childhood. Be it due to neglect, cruel isolation or because they were raised by wild animals. Julia Fullerton-Batten has attempted to capture the feelings and experiences of these children in her photographs and in doing so encourages us to reflect on their amazing ability to survive and persevere. "Looking Out From Within" reflects the impact of the Covid-19 pandemic on the daily lives of people in West London, where the photographer lives, and the series of works "Contortion" from 2021 is a tribute to the impressive art of contortionists and their ability to put the human body in amazing positions. This ancient form of body art, which is already documented in ancient paintings and sculptures from Greece, Rome and Egypt, requires not only enormous agility and strength, but also years of dedication and discipline. The "Old Father Thames" series is dedicated to the River Thames and its immense significance for the history of Great Britain and the world.

The seven series of works are a fascinating journey through Julia Fullerton-Batten's diverse oeuvre and provide an insight into her creative range and her ability to play with light, space and emotion.

(Text: IPFO Haus der Fotografie, Olten)

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Die Schweizer Alpen - Daniel Bühler | Galerie 94 | Baden
Nov.
9
6:30 PM18:30

Die Schweizer Alpen - Daniel Bühler | Galerie 94 | Baden

Galerie 94 | Baden
9. November 2023

Einführung durch Catrina Sonderegger

Die Schweizer Alpen
Daniel Bühler


Schlossberg © Daniel Bühler


Daniel Bühler, der seit Jahren sein Oeuvre mit Akribie pflegt, arbeitet technisch und bildnerisch einzigartig. Er visualisiert Welten, die wir vielleicht schon gesehen, nie aber in dieser Fülle wahrgenommen haben, facettenreich einzigartig. Das ist zum einen das Verdienst seines perfekten Gespürs für den «unperfekten» Augenblick. Abseits getretener Pfade sucht er in den Bergen, auf seinem Rücken 20 Kilogramm schwere Fotoutensilien, das perfekte Licht, das von dahinziehenden Wolkenund Nebelfeldern durchgelassen wird und der kargen Bergwelt erst recht Konturen verleiht. Daniel Bühler mag Wetterwechsel und atmosphärische Kapriolen. Zum anderen ist die Magie der Bilder seiner herausragenden Technik geschuldet: Er fertigt mehrere Einzelbilder einer Sequenz an, die er danach im Studio in akribischer Arbeit zusammensetzt. Dabei greift er auf seine Farbskizzen zurück, die er sich am Schauplatz notiert. Wahrheit und Inszenierung fügen sich auf diese Art zu einem ungeahnten Detailreichtum zusammen. Kaum zu glauben, in wie vielen Nuancen Alpenfirn leuchten kann. Die grossformatigen Bergwelten, gerahmt in massiver Eiche, zeigen eine assoziationsreiche Art von Bildgedächtnis.


Daniel Bühler, qui entretient son œuvre avec minutie depuis des années, travaille de manière unique sur le plan technique et pictural. Il visualise des mondes que nous avons peut-être déjà vus, mais jamais perçus avec autant de richesse, uniques par leurs facettes. Le mérite en revient d'une part à son flair parfait pour l'instant "imparfait". Hors des sentiers battus, il cherche dans les montagnes, avec sur son dos un matériel photographique de 20 kilos, la lumière parfaite que laissent passer les nuages et les champs de brouillard qui s'éloignent et qui donnent des contours au monde aride de la montagne. Daniel Bühler aime les changements de temps et les caprices de l'atmosphère. D'autre part, la magie de ses visuels est due à sa technique exceptionnelle : Il réalise plusieurs images individuelles d'une séquence, qu'il assemble ensuite en studio par un travail méticuleux. Pour ce faire, il se sert de ses esquisses en couleur, qu'il note sur place. La vérité et la mise en scène se rejoignent ainsi dans une richesse de détails insoupçonnée. Il est difficile de croire aux nombreuses nuances du névé alpin. Les paysages de montagne en grand format, encadrés en chêne massif, révèlent une sorte de mémoire visuelle riche en associations.


Daniel Bühler, che da anni coltiva meticolosamente la sua opera, lavora in modo tecnicamente e pittoricamente unico. Visualizza mondi forse già visti, ma mai percepiti in questa pienezza, multiformemente unica. Da un lato, questo è il merito del suo perfetto senso del momento "imperfetto". Fuori dai sentieri battuti, cerca la luce perfetta in montagna, portando sulle spalle 20 chilogrammi di attrezzatura fotografica, che si lascia attraversare da nuvole e campi di nebbia e dà i contorni al brullo mondo montano. Daniel Bühler ama i cambiamenti meteorologici e i capricci atmosferici. D'altra parte, la magia delle immagini è dovuta alla sua tecnica eccezionale: Scatta diverse immagini singole di una sequenza, che poi assembla meticolosamente in studio. Nel farlo, si basa sui suoi schizzi a colori, che annota sulla scena. In questo modo, verità e messa in scena si fondono in una ricchezza di dettagli inimmaginabile. È difficile credere a quante sfumature possa brillare la neve alpina. I mondi montani di grande formato, incorniciati in rovere massiccio, mostrano una sorta di memoria pittorica ricca di associazioni.


Daniel Bühler, who has been meticulously cultivating his oeuvre for years, works in a technically and pictorially unique way. He visualizes worlds that we have perhaps already seen, but never perceived in this fullness, multifaceted unique. This is on the one hand the merit of his perfect sense for the "imperfect" eye-gaze. Off the beaten track, he searches for the perfect light in the mountains, carrying 20 kilograms of photographic equipment on his back, which is let through by drifting clouds and fog fields and gives the barren mountain world its contours in the first place. Daniel Bühler likes weather changes and atmospheric caprices. On the other hand, the magic of the pictures is due to his outstanding technique: He takes several individual images of a sequence, which he then meticulously assembles in the studio. In the process, he falls back on his color sketches, which he notes down in the viewing area. In this way, truth and staging come together in an undreamt-of wealth of detail. It's hard to believe how many shades of alpine snow can shine. The large-format mountain worlds, framed in solid oak, show a richly associative kind of pictorial memory.

(Text: Galerie 94, Baden)

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Have You Checked the Children - Diego Marcon | Kunsthalle Basel
Okt.
27
bis 21. Jan.

Have You Checked the Children - Diego Marcon | Kunsthalle Basel


Kunsthalle Basel
27. Oktober 2023 - 21. Januar 2024

Have You Checked the Children
Diego Marcon


Diego Marcon, Monelle, 2017. Film still. Courtesy the artist and Sadie Coles HQ, London


In den letzten zehn Jahren hat Diego Marcon (* 1985) filmische und skulpturale Mittel eingesetzt, um das Spannungsverhältnis zwischen Realität und Repräsentation genauer zu betrachten. In seiner ersten Schweizer Ausstellung präsentiert der italienische Künstler eine Auswahl neuer und jüngerer Skulpturen, Videos und Filme, die sich am Genre des Horrorfilms, der Slapstick-Komödie, dem Musical und dem Zeichentrickfilm orientieren. Marcons Protagonisten*innen – wie ein schwärmerisch singender Junge, eine Miniatur-Marschkapelle und ein mörderischer Vater – laden zu Welten ein, die in gleichem Masse berührend, absurd und auch ein wenig unheimlich sind.

Die Ausstellung wird unterstützt von der Ernst und Olga Gubler-Hablützel Stiftung.


Au cours des dix dernières années, Diego Marcon (* 1985) a utilisé des moyens cinématographiques et sculpturaux pour examiner de plus près la tension entre la réalité et la représentation. Pour sa première exposition en Suisse, l'artiste italien présente une sélection de sculptures, de vidéos et de films récents ou non, qui s'inspirent des genres du film d'horreur, de la comédie slapstick, de la comédie musicale et du film d'animation. Les protagonistes* de Marcon - comme un garçon qui chante avec enthousiasme, une fanfare miniature et un père meurtrier - invitent à découvrir des mondes qui sont à la fois touchants, absurdes et un peu inquiétants.

L'exposition est soutenue par la fondation Ernst et Olga Gubler-Hablützel.


Negli ultimi dieci anni, Diego Marcon (* 1985) ha utilizzato mezzi cinematografici e scultorei per osservare da vicino il teso rapporto tra realtà e rappresentazione. Nella sua prima mostra svizzera, l'artista italiano presenta una selezione di sculture, video e film nuovi e recenti che prendono spunto dai generi del cinema horror, della commedia slapstick, del musical e dei film d'animazione. I protagonisti di Marcon - come un bambino che canta estasiato, una banda musicale in miniatura e un padre assassino - ci invitano in mondi toccanti, assurdi e anche un po' spaventosi in egual misura.

La mostra è sostenuta dalla Fondazione Ernst e Olga Gubler-Hablützel.


Over the last decade, Diego Marcon (*1985) has used cinematic and sculpture means to interrogate the fraught relationship between reality and representation. Tracing inspirations ranging from the cinematic genres of horror to slapstick comedy, the musical to the cartoon, the Italian artist presents a selection of new and recent sculptures, videos, and films for his first exhibition in Switzerland. Marcon’s protagonists—a rapturously singing boy, a miniature marching band, and a murderous father—invite us into worlds that are at once poignant, absurd, and often a little uncanny.

The exhibition is supported by the Ernst und Olga Gubler-Hablützel Stiftung.

(Text: Kunsthalle Basel)

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I saw a shooting star and thought of you - Janik Bürgin | Galerie 94 | Baden
Okt.
21
1:00 PM13:00

I saw a shooting star and thought of you - Janik Bürgin | Galerie 94 | Baden


Galerie 94 | Baden
21. Oktober 2023

I saw a shooting star and thought of you
Janik Bürgin


Tauben, 2021 | © Janik Bürgin


Zufall und Schicksal. Diese beiden Komponenten des Lebens betreffen uns alle und können kaum gesteuert werden. Sie prägen unseren Alltag, führen zu Veränderungen, beeinflussen den Ablauf der Dinge und leiten uns zu dem Abschnitt des Lebens, an dem wir uns augenblicklich befinden.

Eine solche Aneinanderreihung von Veränderungen hält Janik Bürgin in seiner umfangreichen Serie WALKING WITH THE WIND fotografisch fest. Landschaften, Porträts, Tiere, Wolken, Detailaufnahmen, Schattenspiele – so vielfältig die einzelnen Aufnahmen von WALKING WITH THE WIND in ihren Motiven auch zu scheinen mögen, so sind sie inhaltlich umso enger miteinander verknüpft, basieren aufeinander und ergänzen sich. 2019 nahm Janik Bürgin die ersten Fotografien der Serie auf. Zu Beginn standen Orte im Zentrum, zu denen er einen Bezug hatte und mit denen er eine Erfahrung in Verbindung setzte. Die anfangs landschaftlich orientierten Themen expandierten mit der Zeit. Mit der Verarbeitung von Ereignissen wie der Trennung von einer Freundin, dem Kennenlernen neuer Personen oder dem Fällen einer Entscheidung, erweiterte sich Bürgins Blick. Situationen und Kompositionen, Orte und Beziehungen, die zuvor womöglich fotografisch wenig Beachtung fanden, wurden nun zum Sujet der Aufnahmen. Nur durch Veränderungen kann ein neuer Schritt gegangen und nur durch einen neuen Schritt kann ein neuer Blickwinkel eröffnet werden. Bürgin lässt sich von diesen Veränderungen treiben und leiten. Trotzdem werden die Fotografien aktiv aufgenommen und sind keine Ergebnisse einer blossen Schlenderei mit der Kamera. Bewusst wird die Kamera eingesetzt, bewusst wird eine gewisse Unschärfe genutzt, bewusst wird nach keiner technischen Perfektion gestrebt, bewusst wird analog und digital fotografiert. Während die digitale Kamera für Bürgin die Schnelligkeit des Mediums unterstreicht, stellt die analoge Fotografie eine Verlangsamung des Prozesses dar. Das Changieren der Geschwindigkeit spiegelt sich in den Aufnahmen wider.

Hierbei geht es weniger um die Frage, welche Fotografie mit welcher Kamera aufgenommen wurde, sondern vielmehr um das Gefühl von Zeit, welche uns die Aufnahmen vermitteln. Die fliegenden Wolkenkonstrukte scheinen in ewigem Ruhestand zu sein, während die kompakten Bergketten mit jedem Blick lebendiger wirken. So hat auch die Abwesenheit der Farbe eine klare Bedeutung. Wir sehen die Welt nie, wie sie derSchwarzweissfilm wiedergibt. Es ist eine nichtexistentielle Welt, die trotzdem unsere Realität ist und infolgedessen Leerstellen besitzt, die durch den Fotografen sowie uns Betrachtende ausgefüllt werden müssen. Denn auch wenn die Aufnahmen eine dokumentarische Verarbeitung des Verlaufs der vergangenen Ereignisse des Fotografen sind, so sind die Bilder keine reine Dokumentation. Janik Bürgin offenbart intime Erinnerungen, Erlebnisse, Emotionen und erlaubt den Betrachtenden nicht nur einen Einblick in seine Welt, sondern fordert sie dazu auf, die Fotografien aus der eigenen Perspektive aufzufassen und auf die eigenen Erfahrungen zu übertragen. Es gelingt Bürgin in dieser Serie nicht nur ein grosses Stück seiner persönlichen Realität preiszugeben, sondern gestattet das Erlebnis einer individuellen Bilderfahrung. WALKING WITH THE WIND ist eine Auseinandersetzung mit dem Fluss des Lebens, von der Quelle bis zur Mündung. Jede unberechenbare Strömung, jeder massive Fels, jeder plötzliche Regenfall leitet das fliessende Wasser in seinem Verlauf. Zufall und Schicksal.


Le hasard et le destin. Ces deux composantes de la vie nous concernent tous et ne peuvent guère être contrôlées. Elles marquent notre quotidien, entraînent des changements, influencent le déroulement des choses et nous guident vers la phase de la vie où nous nous trouvons à un moment donné.

Dans sa vaste série WALKING WITH THE WIND, Janik Bürgin capture photographiquement un tel enchaînement de changements. Paysages, portraits, animaux, nuages, photos de détails, jeux d'ombres - aussi variées que puissent paraître les différentes prises de vue de WALKING WITH THE WIND dans leurs motifs, leur contenu est d'autant plus étroitement lié, se fonde l'un sur l'autre et se complète. En 2019, Janik Bürgin a pris les premières photographies de la série. Au début, l'accent était mis sur des lieux avec lesquels il avait un lien et auxquels il associait une expérience. Les thèmes, initialement axés sur le paysage, se sont développés au fil du temps. En traitant des événements tels que la rupture avec une amie, la rencontre de nouvelles personnes ou la prise d'une décision, le regard de Bürgin s'est élargi. Des situations et des compositions, des lieux et des relations qui, auparavant, n'avaient peut-être pas fait l'objet d'une grande attention photographique, sont devenus des sujets de prise de vue. Seuls les changements permettent de franchir une nouvelle étape et d'ouvrir un nouveau point de vue. Bürgin se laisse pousser et guider par ces changements. Malgré cela, les photographies sont prises activement et ne sont pas le résultat d'une simple flânerie avec l'appareil. C'est consciemment que l'appareil photo est utilisé, consciemment qu'un certain flou est utilisé, consciemment qu'aucune perfection technique n'est recherchée, consciemment que la photographie est analogique et numérique. Alors que l'appareil numérique souligne pour Bürgin la rapidité du médium, la photographie analogique transmet un ralentissement du processus. L'oscillation de la vitesse se reflète dans les prises de vue.

Il ne s'agit pas tant de savoir quelle photographie a été prise avec quel appareil, mais plutôt d'apprécier la sensation de temps que nous procurent les clichés. Les constructions de nuages volants semblent être en repos éternel, tandis que les chaînes de montagnes compactes semblent plus vivantes à chaque regard. Ainsi, même l'absence de couleur a une signification claire. Nous ne voyons jamais le monde tel que le film noir et blanc le restitue. C'est un monde inexistant, qui est pourtant notre réalité et qui possède par conséquent des vides qui doivent être comblés par le photographe et par nous, les spectateurs. Car même si les prises de vue sont un traitement documentaire du déroulement des événements passés du photographe, les visuels ne sont pas une simple documentation. Janik Bürgin révèle des souvenirs intimes, des expériences, des émotions et ne permet pas seulement au spectateur de pénétrer dans son univers, mais l'invite aussi à appréhender les photographies de son propre point de vue et à les transposer dans sa propre expérience. Dans cette série, Bürgin ne parvient pas seulement à dévoiler une grande partie de sa réalité personnelle, mais permet aussi de vivre une expérience visuelle individuelle. WALKING WITH THE WIND est une confrontation avec le flux de la vie, de sa source à son embouchure. Chaque courant imprévisible, chaque rocher massif, chaque pluie soudaine guide l'eau qui s'écoule dans son cours. Le hasard et le destin.


Il caso e il destino. Queste due componenti della vita ci riguardano tutti e sono difficilmente controllabili. Danno forma alla nostra vita quotidiana, portano a cambiamenti, influenzano il corso degli eventi e ci guidano verso la fase della vita in cui ci troviamo al momento.

Questa successione di cambiamenti viene catturata fotograficamente da Janik Bürgin nella sua ampia serie WALKING WITH THE WIND. Paesaggi, ritratti, animali, nuvole, dettagli, giochi d'ombra: per quanto le singole fotografie di WALKING WITH THE WIND possano sembrare diverse nei loro motivi, sono ancora più strettamente collegate in termini di contenuto, si basano l'una sull'altra e si completano a vicenda. Nel 2019 Janik Bürgin ha scattato le prime fotografie della serie. All'inizio, l'attenzione si è concentrata su luoghi a cui era legato e a cui associava un'esperienza. I temi inizialmente orientati al paesaggio si sono ampliati nel tempo. Con l'elaborazione di eventi come la rottura con una fidanzata, l'incontro con nuove persone o la presa di una decisione, la visione di Bürgin si è ampliata. Situazioni e composizioni, luoghi e relazioni che in precedenza potevano ricevere poca attenzione fotografica sono diventati il soggetto delle fotografie. Solo attraverso il cambiamento si può fare un nuovo passo e solo attraverso un nuovo passo si può aprire una nuova prospettiva. Bürgin si lascia guidare da questi cambiamenti. Tuttavia, le fotografie sono scattate attivamente e non sono il risultato di una semplice passeggiata con la macchina fotografica. La macchina fotografica è usata consapevolmente, una certa sfocatura è usata consapevolmente, nessuna perfezione tecnica è ricercata consapevolmente, la fotografia analogica e digitale è usata consapevolmente. Mentre per Bürgin la fotocamera digitale sottolinea la velocità del mezzo, la fotografia analogica rappresenta un rallentamento del processo. L'oscillazione della velocità si riflette nelle fotografie.

Non è tanto una questione di quale fotografia sia stata scattata con quale macchina, quanto piuttosto del senso del tempo che le fotografie ci trasmettono. I costrutti volanti delle nuvole sembrano in eterno ritiro, mentre le compatte catene montuose sembrano più vive a ogni sguardo. Così anche l'assenza di colore ha un significato chiaro. Non vediamo mai il mondo come viene riprodotto nella pellicola in bianco e nero. È un mondo inesistente che è comunque la nostra realtà e di conseguenza ha dei vuoti che devono essere riempiti dal fotografo e da noi spettatori. Infatti, anche se le fotografie sono un'elaborazione documentaria del corso degli eventi passati del fotografo, le immagini non sono pura documentazione. Janik Bürgin rivela ricordi intimi, esperienze, emozioni e permette allo spettatore non solo di gettare uno sguardo sul suo mondo, ma lo invita anche a percepire le fotografie dalla propria prospettiva e ad applicarle alle proprie esperienze. In questa serie, Bürgin non solo riesce a rivelare un ampio pezzo della sua realtà personale, ma permette anche di vivere un'esperienza pittorica individuale. WALKING WITH THE WIND è un'esplorazione del flusso della vita, dalla sorgente alla foce. Ogni corrente imprevedibile, ogni roccia massiccia, ogni pioggia improvvisa guida l'acqua che scorre nel suo corso. Il caso e il destino.


Chance and fate. These two components of life affect us all and can hardly be controlled. They shape our everyday life, lead to changes, influence the course of things and guide us to the stage of life where we are at the moment.

Such a succession of changes is captured photographically by Janik Bürgin in his extensive series WALKING WITH THE WIND. Landscapes, portraits, tie-re, clouds, detail shots, shadow plays - as diverse as the individual photographs of WALKING WITH THE WIND may seem in their motifs, they are all the more closely linked in content, based on each other and complement each other.Janik Bürgin took the first photographs of the series in 2019. At the beginning, the focus was on places to which he had a connection and with which he related an experience. The initially landscapeoriented themes expanded over time. With the processing of events such as the separation from a girlfriend, the meeting of new people or the making of a decision, Bürgin's view expanded. Situations and compositions, places and relationships that had previously received little photographic attention now became the subject of the photographs. Only through change can a new step be taken and only through a new step can a new perspective be opened. Bürgin allows himself to be driven and guided by these changes. Nevertheless, the photographs are taken actively and are not the results of a mere stroll with the camera. The camera is used consciously, a certain blurriness is used consciously, no technical perfection is striven for consciously, analog and digital photography is used consciously. While for Bürgin the digital camera underscores the speed of the medium, analog photography represents a slowing down of the process. The oscillation of speed is reflected in the photographs. It is not so much a question of which photograph was taken with which camera, but rather of the sense of time that the photographs convey to us. The flying cloud constructs seem to be in eternal retirement, while the compact mountain ranges seem more alive with every glance. Thus, even the absence of color has a clear meaning.

We never see the world as black and white film renders it. It is a non-existential world that is nevertheless our reality and consequently has voids that must be filled in by the photographer as well as us viewers. For even if the photographs are a documentary processing of the course of the photographer's past events, the images are not pure documentation. Janik Bürgin reveals intimate memories, experiences, emotions and allows the viewer not only an insight into his world, but challenges them to understand the photographs from their own perspective and to apply them to their own experiences. In this series, Bürgin succeeds not only in revealing a large piece of his personal reality, but also allows the experience of an individual pictorial experience. WALKING WITH THE WIND is an exploration of the flow of life, from source to mouth. Every unpredictable current, every massive rock, every sudden rainfall guides the flowing water in its course. Chance and fate.

(DE, E Text: Galerie 94, Baden)

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I saw a shooting star and thought of you - Janik Bürgin | Galerie 94 | Baden
Sept.
23
3:00 PM15:00

I saw a shooting star and thought of you - Janik Bürgin | Galerie 94 | Baden


Galerie 94 | Baden
23. September 2023

I saw a shooting star and thought of you
Janik Bürgin


And the land is dark. And the moon is the only light we see | © Janik Bürgin


Zufall und Schicksal. Diese beiden Komponenten des Lebens betreffen uns alle und können kaum gesteuert werden. Sie prägen unseren Alltag, führen zu Veränderungen, beeinflussen den Ablauf der Dinge und leiten uns zu dem Abschnitt des Lebens, an dem wir uns augenblicklich befinden.

Eine solche Aneinanderreihung von Veränderungen hält Janik Bürgin in seiner umfangreichen Serie WALKING WITH THE WIND fotografisch fest. Landschaften, Porträts, Tiere, Wolken, Detailaufnahmen, Schattenspiele – so vielfältig die einzelnen Aufnahmen von WALKING WITH THE WIND in ihren Motiven auch zu scheinen mögen, so sind sie inhaltlich umso enger miteinander verknüpft, basieren aufeinander und ergänzen sich. 2019 nahm Janik Bürgin die ersten Fotografien der Serie auf. Zu Beginn standen Orte im Zentrum, zu denen er einen Bezug hatte und mit denen er eine Erfahrung in Verbindung setzte. Die anfangs landschaftlich orientierten Themen expandierten mit der Zeit. Mit der Verarbeitung von Ereignissen wie der Trennung von einer Freundin, dem Kennenlernen neuer Personen oder dem Fällen einer Entscheidung, erweiterte sich Bürgins Blick. Situationen und Kompositionen, Orte und Beziehungen, die zuvor womöglich fotografisch wenig Beachtung fanden, wurden nun zum Sujet der Aufnahmen. Nur durch Veränderungen kann ein neuer Schritt gegangen und nur durch einen neuen Schritt kann ein neuer Blickwinkel eröffnet werden. Bürgin lässt sich von diesen Veränderungen treiben und leiten. Trotzdem werden die Fotografien aktiv aufgenommen und sind keine Ergebnisse einer blossen Schlenderei mit der Kamera. Bewusst wird die Kamera eingesetzt, bewusst wird eine gewisse Unschärfe genutzt, bewusst wird nach keiner technischen Perfektion gestrebt, bewusst wird analog und digital fotografiert. Während die digitale Kamera für Bürgin die Schnelligkeit des Mediums unterstreicht, stellt die analoge Fotografie eine Verlangsamung des Prozesses dar. Das Changieren der Geschwindigkeit spiegelt sich in den Aufnahmen wider.

Hierbei geht es weniger um die Frage, welche Fotografie mit welcher Kamera aufgenommen wurde, sondern vielmehr um das Gefühl von Zeit, welche uns die Aufnahmen vermitteln. Die fliegenden Wolkenkonstrukte scheinen in ewigem Ruhestand zu sein, während die kompakten Bergketten mit jedem Blick lebendiger wirken. So hat auch die Abwesenheit der Farbe eine klare Bedeutung. Wir sehen die Welt nie, wie sie derSchwarzweissfilm wiedergibt. Es ist eine nichtexistentielle Welt, die trotzdem unsere Realität ist und infolgedessen Leerstellen besitzt, die durch den Fotografen sowie uns Betrachtende ausgefüllt werden müssen. Denn auch wenn die Aufnahmen eine dokumentarische Verarbeitung des Verlaufs der vergangenen Ereignisse des Fotografen sind, so sind die Bilder keine reine Dokumentation. Janik Bürgin offenbart intime Erinnerungen, Erlebnisse, Emotionen und erlaubt den Betrachtenden nicht nur einen Einblick in seine Welt, sondern fordert sie dazu auf, die Fotografien aus der eigenen Perspektive aufzufassen und auf die eigenen Erfahrungen zu übertragen. Es gelingt Bürgin in dieser Serie nicht nur ein grosses Stück seiner persönlichen Realität preiszugeben, sondern gestattet das Erlebnis einer individuellen Bilderfahrung. WALKING WITH THE WIND ist eine Auseinandersetzung mit dem Fluss des Lebens, von der Quelle bis zur Mündung. Jede unberechenbare Strömung, jeder massive Fels, jeder plötzliche Regenfall leitet das fliessende Wasser in seinem Verlauf. Zufall und Schicksal.


Le hasard et le destin. Ces deux composantes de la vie nous concernent tous et ne peuvent guère être contrôlées. Elles marquent notre quotidien, entraînent des changements, influencent le déroulement des choses et nous guident vers la phase de la vie où nous nous trouvons à un moment donné.

Dans sa vaste série WALKING WITH THE WIND, Janik Bürgin capture photographiquement un tel enchaînement de changements. Paysages, portraits, animaux, nuages, photos de détails, jeux d'ombres - aussi variées que puissent paraître les différentes prises de vue de WALKING WITH THE WIND dans leurs motifs, leur contenu est d'autant plus étroitement lié, se fonde l'un sur l'autre et se complète. En 2019, Janik Bürgin a pris les premières photographies de la série. Au début, l'accent était mis sur des lieux avec lesquels il avait un lien et auxquels il associait une expérience. Les thèmes, initialement axés sur le paysage, se sont développés au fil du temps. En traitant des événements tels que la rupture avec une amie, la rencontre de nouvelles personnes ou la prise d'une décision, le regard de Bürgin s'est élargi. Des situations et des compositions, des lieux et des relations qui, auparavant, n'avaient peut-être pas fait l'objet d'une grande attention photographique, sont devenus des sujets de prise de vue. Seuls les changements permettent de franchir une nouvelle étape et d'ouvrir un nouveau point de vue. Bürgin se laisse pousser et guider par ces changements. Malgré cela, les photographies sont prises activement et ne sont pas le résultat d'une simple flânerie avec l'appareil. C'est consciemment que l'appareil photo est utilisé, consciemment qu'un certain flou est utilisé, consciemment qu'aucune perfection technique n'est recherchée, consciemment que la photographie est analogique et numérique. Alors que l'appareil numérique souligne pour Bürgin la rapidité du médium, la photographie analogique transmet un ralentissement du processus. L'oscillation de la vitesse se reflète dans les prises de vue.

Il ne s'agit pas tant de savoir quelle photographie a été prise avec quel appareil, mais plutôt d'apprécier la sensation de temps que nous procurent les clichés. Les constructions de nuages volants semblent être en repos éternel, tandis que les chaînes de montagnes compactes semblent plus vivantes à chaque regard. Ainsi, même l'absence de couleur a une signification claire. Nous ne voyons jamais le monde tel que le film noir et blanc le restitue. C'est un monde inexistant, qui est pourtant notre réalité et qui possède par conséquent des vides qui doivent être comblés par le photographe et par nous, les spectateurs. Car même si les prises de vue sont un traitement documentaire du déroulement des événements passés du photographe, les visuels ne sont pas une simple documentation. Janik Bürgin révèle des souvenirs intimes, des expériences, des émotions et ne permet pas seulement au spectateur de pénétrer dans son univers, mais l'invite aussi à appréhender les photographies de son propre point de vue et à les transposer dans sa propre expérience. Dans cette série, Bürgin ne parvient pas seulement à dévoiler une grande partie de sa réalité personnelle, mais permet aussi de vivre une expérience visuelle individuelle. WALKING WITH THE WIND est une confrontation avec le flux de la vie, de sa source à son embouchure. Chaque courant imprévisible, chaque rocher massif, chaque pluie soudaine guide l'eau qui s'écoule dans son cours. Le hasard et le destin.


Il caso e il destino. Queste due componenti della vita ci riguardano tutti e sono difficilmente controllabili. Danno forma alla nostra vita quotidiana, portano a cambiamenti, influenzano il corso degli eventi e ci guidano verso la fase della vita in cui ci troviamo al momento.

Questa successione di cambiamenti viene catturata fotograficamente da Janik Bürgin nella sua ampia serie WALKING WITH THE WIND. Paesaggi, ritratti, animali, nuvole, dettagli, giochi d'ombra: per quanto le singole fotografie di WALKING WITH THE WIND possano sembrare diverse nei loro motivi, sono ancora più strettamente collegate in termini di contenuto, si basano l'una sull'altra e si completano a vicenda. Nel 2019 Janik Bürgin ha scattato le prime fotografie della serie. All'inizio, l'attenzione si è concentrata su luoghi a cui era legato e a cui associava un'esperienza. I temi inizialmente orientati al paesaggio si sono ampliati nel tempo. Con l'elaborazione di eventi come la rottura con una fidanzata, l'incontro con nuove persone o la presa di una decisione, la visione di Bürgin si è ampliata. Situazioni e composizioni, luoghi e relazioni che in precedenza potevano ricevere poca attenzione fotografica sono diventati il soggetto delle fotografie. Solo attraverso il cambiamento si può fare un nuovo passo e solo attraverso un nuovo passo si può aprire una nuova prospettiva. Bürgin si lascia guidare da questi cambiamenti. Tuttavia, le fotografie sono scattate attivamente e non sono il risultato di una semplice passeggiata con la macchina fotografica. La macchina fotografica è usata consapevolmente, una certa sfocatura è usata consapevolmente, nessuna perfezione tecnica è ricercata consapevolmente, la fotografia analogica e digitale è usata consapevolmente. Mentre per Bürgin la fotocamera digitale sottolinea la velocità del mezzo, la fotografia analogica rappresenta un rallentamento del processo. L'oscillazione della velocità si riflette nelle fotografie.

Non è tanto una questione di quale fotografia sia stata scattata con quale macchina, quanto piuttosto del senso del tempo che le fotografie ci trasmettono. I costrutti volanti delle nuvole sembrano in eterno ritiro, mentre le compatte catene montuose sembrano più vive a ogni sguardo. Così anche l'assenza di colore ha un significato chiaro. Non vediamo mai il mondo come viene riprodotto nella pellicola in bianco e nero. È un mondo inesistente che è comunque la nostra realtà e di conseguenza ha dei vuoti che devono essere riempiti dal fotografo e da noi spettatori. Infatti, anche se le fotografie sono un'elaborazione documentaria del corso degli eventi passati del fotografo, le immagini non sono pura documentazione. Janik Bürgin rivela ricordi intimi, esperienze, emozioni e permette allo spettatore non solo di gettare uno sguardo sul suo mondo, ma lo invita anche a percepire le fotografie dalla propria prospettiva e ad applicarle alle proprie esperienze. In questa serie, Bürgin non solo riesce a rivelare un ampio pezzo della sua realtà personale, ma permette anche di vivere un'esperienza pittorica individuale. WALKING WITH THE WIND è un'esplorazione del flusso della vita, dalla sorgente alla foce. Ogni corrente imprevedibile, ogni roccia massiccia, ogni pioggia improvvisa guida l'acqua che scorre nel suo corso. Il caso e il destino.


Chance and fate. These two components of life affect us all and can hardly be controlled. They shape our everyday life, lead to changes, influence the course of things and guide us to the stage of life where we are at the moment.

Such a succession of changes is captured photographically by Janik Bürgin in his extensive series WALKING WITH THE WIND. Landscapes, portraits, tie-re, clouds, detail shots, shadow plays - as diverse as the individual photographs of WALKING WITH THE WIND may seem in their motifs, they are all the more closely linked in content, based on each other and complement each other.Janik Bürgin took the first photographs of the series in 2019. At the beginning, the focus was on places to which he had a connection and with which he related an experience. The initially landscapeoriented themes expanded over time. With the processing of events such as the separation from a girlfriend, the meeting of new people or the making of a decision, Bürgin's view expanded. Situations and compositions, places and relationships that had previously received little photographic attention now became the subject of the photographs. Only through change can a new step be taken and only through a new step can a new perspective be opened. Bürgin allows himself to be driven and guided by these changes. Nevertheless, the photographs are taken actively and are not the results of a mere stroll with the camera. The camera is used consciously, a certain blurriness is used consciously, no technical perfection is striven for consciously, analog and digital photography is used consciously. While for Bürgin the digital camera underscores the speed of the medium, analog photography represents a slowing down of the process. The oscillation of speed is reflected in the photographs. It is not so much a question of which photograph was taken with which camera, but rather of the sense of time that the photographs convey to us. The flying cloud constructs seem to be in eternal retirement, while the compact mountain ranges seem more alive with every glance. Thus, even the absence of color has a clear meaning.

We never see the world as black and white film renders it. It is a non-existential world that is nevertheless our reality and consequently has voids that must be filled in by the photographer as well as us viewers. For even if the photographs are a documentary processing of the course of the photographer's past events, the images are not pure documentation. Janik Bürgin reveals intimate memories, experiences, emotions and allows the viewer not only an insight into his world, but challenges them to understand the photographs from their own perspective and to apply them to their own experiences. In this series, Bürgin succeeds not only in revealing a large piece of his personal reality, but also allows the experience of an individual pictorial experience. WALKING WITH THE WIND is an exploration of the flow of life, from source to mouth. Every unpredictable current, every massive rock, every sudden rainfall guides the flowing water in its course. Chance and fate.

(DE, E Text: Galerie 94, Baden)

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I saw a shooting star and thought of you - Janik Bürgin | Galerie 94 | Baden
Sept.
8
bis 21. Okt.

I saw a shooting star and thought of you - Janik Bürgin | Galerie 94 | Baden


Galerie 94 | Baden
8. September - 21. Oktober 2023

I saw a shooting star and thought of you
Janik Bürgin


Tauben, 2021 | © Janik Bürgin


Zufall und Schicksal. Diese beiden Komponenten des Lebens betreffen uns alle und können kaum gesteuert werden. Sie prägen unseren Alltag, führen zu Veränderungen, beeinflussen den Ablauf der Dinge und leiten uns zu dem Abschnitt des Lebens, an dem wir uns augenblicklich befinden.

Eine solche Aneinanderreihung von Veränderungen hält Janik Bürgin in seiner umfangreichen Serie WALKING WITH THE WIND fotografisch fest. Landschaften, Porträts, Tiere, Wolken, Detailaufnahmen, Schattenspiele – so vielfältig die einzelnen Aufnahmen von WALKING WITH THE WIND in ihren Motiven auch zu scheinen mögen, so sind sie inhaltlich umso enger miteinander verknüpft, basieren aufeinander und ergänzen sich. 2019 nahm Janik Bürgin die ersten Fotografien der Serie auf. Zu Beginn standen Orte im Zentrum, zu denen er einen Bezug hatte und mit denen er eine Erfahrung in Verbindung setzte. Die anfangs landschaftlich orientierten Themen expandierten mit der Zeit. Mit der Verarbeitung von Ereignissen wie der Trennung von einer Freundin, dem Kennenlernen neuer Personen oder dem Fällen einer Entscheidung, erweiterte sich Bürgins Blick. Situationen und Kompositionen, Orte und Beziehungen, die zuvor womöglich fotografisch wenig Beachtung fanden, wurden nun zum Sujet der Aufnahmen. Nur durch Veränderungen kann ein neuer Schritt gegangen und nur durch einen neuen Schritt kann ein neuer Blickwinkel eröffnet werden. Bürgin lässt sich von diesen Veränderungen treiben und leiten. Trotzdem werden die Fotografien aktiv aufgenommen und sind keine Ergebnisse einer blossen Schlenderei mit der Kamera. Bewusst wird die Kamera eingesetzt, bewusst wird eine gewisse Unschärfe genutzt, bewusst wird nach keiner technischen Perfektion gestrebt, bewusst wird analog und digital fotografiert. Während die digitale Kamera für Bürgin die Schnelligkeit des Mediums unterstreicht, stellt die analoge Fotografie eine Verlangsamung des Prozesses dar. Das Changieren der Geschwindigkeit spiegelt sich in den Aufnahmen wider.

Hierbei geht es weniger um die Frage, welche Fotografie mit welcher Kamera aufgenommen wurde, sondern vielmehr um das Gefühl von Zeit, welche uns die Aufnahmen vermitteln. Die fliegenden Wolkenkonstrukte scheinen in ewigem Ruhestand zu sein, während die kompakten Bergketten mit jedem Blick lebendiger wirken. So hat auch die Abwesenheit der Farbe eine klare Bedeutung. Wir sehen die Welt nie, wie sie derSchwarzweissfilm wiedergibt. Es ist eine nichtexistentielle Welt, die trotzdem unsere Realität ist und infolgedessen Leerstellen besitzt, die durch den Fotografen sowie uns Betrachtende ausgefüllt werden müssen. Denn auch wenn die Aufnahmen eine dokumentarische Verarbeitung des Verlaufs der vergangenen Ereignisse des Fotografen sind, so sind die Bilder keine reine Dokumentation. Janik Bürgin offenbart intime Erinnerungen, Erlebnisse, Emotionen und erlaubt den Betrachtenden nicht nur einen Einblick in seine Welt, sondern fordert sie dazu auf, die Fotografien aus der eigenen Perspektive aufzufassen und auf die eigenen Erfahrungen zu übertragen. Es gelingt Bürgin in dieser Serie nicht nur ein grosses Stück seiner persönlichen Realität preiszugeben, sondern gestattet das Erlebnis einer individuellen Bilderfahrung. WALKING WITH THE WIND ist eine Auseinandersetzung mit dem Fluss des Lebens, von der Quelle bis zur Mündung. Jede unberechenbare Strömung, jeder massive Fels, jeder plötzliche Regenfall leitet das fliessende Wasser in seinem Verlauf. Zufall und Schicksal.


Le hasard et le destin. Ces deux composantes de la vie nous concernent tous et ne peuvent guère être contrôlées. Elles marquent notre quotidien, entraînent des changements, influencent le déroulement des choses et nous guident vers la phase de la vie où nous nous trouvons à un moment donné.

Dans sa vaste série WALKING WITH THE WIND, Janik Bürgin capture photographiquement un tel enchaînement de changements. Paysages, portraits, animaux, nuages, photos de détails, jeux d'ombres - aussi variées que puissent paraître les différentes prises de vue de WALKING WITH THE WIND dans leurs motifs, leur contenu est d'autant plus étroitement lié, se fonde l'un sur l'autre et se complète. En 2019, Janik Bürgin a pris les premières photographies de la série. Au début, l'accent était mis sur des lieux avec lesquels il avait un lien et auxquels il associait une expérience. Les thèmes, initialement axés sur le paysage, se sont développés au fil du temps. En traitant des événements tels que la rupture avec une amie, la rencontre de nouvelles personnes ou la prise d'une décision, le regard de Bürgin s'est élargi. Des situations et des compositions, des lieux et des relations qui, auparavant, n'avaient peut-être pas fait l'objet d'une grande attention photographique, sont devenus des sujets de prise de vue. Seuls les changements permettent de franchir une nouvelle étape et d'ouvrir un nouveau point de vue. Bürgin se laisse pousser et guider par ces changements. Malgré cela, les photographies sont prises activement et ne sont pas le résultat d'une simple flânerie avec l'appareil. C'est consciemment que l'appareil photo est utilisé, consciemment qu'un certain flou est utilisé, consciemment qu'aucune perfection technique n'est recherchée, consciemment que la photographie est analogique et numérique. Alors que l'appareil numérique souligne pour Bürgin la rapidité du médium, la photographie analogique transmet un ralentissement du processus. L'oscillation de la vitesse se reflète dans les prises de vue.

Il ne s'agit pas tant de savoir quelle photographie a été prise avec quel appareil, mais plutôt d'apprécier la sensation de temps que nous procurent les clichés. Les constructions de nuages volants semblent être en repos éternel, tandis que les chaînes de montagnes compactes semblent plus vivantes à chaque regard. Ainsi, même l'absence de couleur a une signification claire. Nous ne voyons jamais le monde tel que le film noir et blanc le restitue. C'est un monde inexistant, qui est pourtant notre réalité et qui possède par conséquent des vides qui doivent être comblés par le photographe et par nous, les spectateurs. Car même si les prises de vue sont un traitement documentaire du déroulement des événements passés du photographe, les visuels ne sont pas une simple documentation. Janik Bürgin révèle des souvenirs intimes, des expériences, des émotions et ne permet pas seulement au spectateur de pénétrer dans son univers, mais l'invite aussi à appréhender les photographies de son propre point de vue et à les transposer dans sa propre expérience. Dans cette série, Bürgin ne parvient pas seulement à dévoiler une grande partie de sa réalité personnelle, mais permet aussi de vivre une expérience visuelle individuelle. WALKING WITH THE WIND est une confrontation avec le flux de la vie, de sa source à son embouchure. Chaque courant imprévisible, chaque rocher massif, chaque pluie soudaine guide l'eau qui s'écoule dans son cours. Le hasard et le destin.


Il caso e il destino. Queste due componenti della vita ci riguardano tutti e sono difficilmente controllabili. Danno forma alla nostra vita quotidiana, portano a cambiamenti, influenzano il corso degli eventi e ci guidano verso la fase della vita in cui ci troviamo al momento.

Questa successione di cambiamenti viene catturata fotograficamente da Janik Bürgin nella sua ampia serie WALKING WITH THE WIND. Paesaggi, ritratti, animali, nuvole, dettagli, giochi d'ombra: per quanto le singole fotografie di WALKING WITH THE WIND possano sembrare diverse nei loro motivi, sono ancora più strettamente collegate in termini di contenuto, si basano l'una sull'altra e si completano a vicenda. Nel 2019 Janik Bürgin ha scattato le prime fotografie della serie. All'inizio, l'attenzione si è concentrata su luoghi a cui era legato e a cui associava un'esperienza. I temi inizialmente orientati al paesaggio si sono ampliati nel tempo. Con l'elaborazione di eventi come la rottura con una fidanzata, l'incontro con nuove persone o la presa di una decisione, la visione di Bürgin si è ampliata. Situazioni e composizioni, luoghi e relazioni che in precedenza potevano ricevere poca attenzione fotografica sono diventati il soggetto delle fotografie. Solo attraverso il cambiamento si può fare un nuovo passo e solo attraverso un nuovo passo si può aprire una nuova prospettiva. Bürgin si lascia guidare da questi cambiamenti. Tuttavia, le fotografie sono scattate attivamente e non sono il risultato di una semplice passeggiata con la macchina fotografica. La macchina fotografica è usata consapevolmente, una certa sfocatura è usata consapevolmente, nessuna perfezione tecnica è ricercata consapevolmente, la fotografia analogica e digitale è usata consapevolmente. Mentre per Bürgin la fotocamera digitale sottolinea la velocità del mezzo, la fotografia analogica rappresenta un rallentamento del processo. L'oscillazione della velocità si riflette nelle fotografie.

Non è tanto una questione di quale fotografia sia stata scattata con quale macchina, quanto piuttosto del senso del tempo che le fotografie ci trasmettono. I costrutti volanti delle nuvole sembrano in eterno ritiro, mentre le compatte catene montuose sembrano più vive a ogni sguardo. Così anche l'assenza di colore ha un significato chiaro. Non vediamo mai il mondo come viene riprodotto nella pellicola in bianco e nero. È un mondo inesistente che è comunque la nostra realtà e di conseguenza ha dei vuoti che devono essere riempiti dal fotografo e da noi spettatori. Infatti, anche se le fotografie sono un'elaborazione documentaria del corso degli eventi passati del fotografo, le immagini non sono pura documentazione. Janik Bürgin rivela ricordi intimi, esperienze, emozioni e permette allo spettatore non solo di gettare uno sguardo sul suo mondo, ma lo invita anche a percepire le fotografie dalla propria prospettiva e ad applicarle alle proprie esperienze. In questa serie, Bürgin non solo riesce a rivelare un ampio pezzo della sua realtà personale, ma permette anche di vivere un'esperienza pittorica individuale. WALKING WITH THE WIND è un'esplorazione del flusso della vita, dalla sorgente alla foce. Ogni corrente imprevedibile, ogni roccia massiccia, ogni pioggia improvvisa guida l'acqua che scorre nel suo corso. Il caso e il destino.


Chance and fate. These two components of life affect us all and can hardly be controlled. They shape our everyday life, lead to changes, influence the course of things and guide us to the stage of life where we are at the moment.

Such a succession of changes is captured photographically by Janik Bürgin in his extensive series WALKING WITH THE WIND. Landscapes, portraits, tie-re, clouds, detail shots, shadow plays - as diverse as the individual photographs of WALKING WITH THE WIND may seem in their motifs, they are all the more closely linked in content, based on each other and complement each other.Janik Bürgin took the first photographs of the series in 2019. At the beginning, the focus was on places to which he had a connection and with which he related an experience. The initially landscapeoriented themes expanded over time. With the processing of events such as the separation from a girlfriend, the meeting of new people or the making of a decision, Bürgin's view expanded. Situations and compositions, places and relationships that had previously received little photographic attention now became the subject of the photographs. Only through change can a new step be taken and only through a new step can a new perspective be opened. Bürgin allows himself to be driven and guided by these changes. Nevertheless, the photographs are taken actively and are not the results of a mere stroll with the camera. The camera is used consciously, a certain blurriness is used consciously, no technical perfection is striven for consciously, analog and digital photography is used consciously. While for Bürgin the digital camera underscores the speed of the medium, analog photography represents a slowing down of the process. The oscillation of speed is reflected in the photographs. It is not so much a question of which photograph was taken with which camera, but rather of the sense of time that the photographs convey to us. The flying cloud constructs seem to be in eternal retirement, while the compact mountain ranges seem more alive with every glance. Thus, even the absence of color has a clear meaning.

We never see the world as black and white film renders it. It is a non-existential world that is nevertheless our reality and consequently has voids that must be filled in by the photographer as well as us viewers. For even if the photographs are a documentary processing of the course of the photographer's past events, the images are not pure documentation. Janik Bürgin reveals intimate memories, experiences, emotions and allows the viewer not only an insight into his world, but challenges them to understand the photographs from their own perspective and to apply them to their own experiences. In this series, Bürgin succeeds not only in revealing a large piece of his personal reality, but also allows the experience of an individual pictorial experience. WALKING WITH THE WIND is an exploration of the flow of life, from source to mouth. Every unpredictable current, every massive rock, every sudden rainfall guides the flowing water in its course. Chance and fate.

(DE, E Text: Galerie 94, Baden)

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I saw a shooting star and thought of you - Janik Bürgin | Galerie 94 | Baden
Sept.
7
6:30 PM18:30

I saw a shooting star and thought of you - Janik Bürgin | Galerie 94 | Baden


Galerie 94 | Baden
7. September 2023

Einführung durch Anna Konstantinova, Projektleiterin Art Vontobel

I saw a shooting star and thought of you
Janik Bürgin


And the land is dark. And the moon is the only light we see | © Janik Bürgin


Zufall und Schicksal. Diese beiden Komponenten des Lebens betreffen uns alle und können kaum gesteuert werden. Sie prägen unseren Alltag, führen zu Veränderungen, beeinflussen den Ablauf der Dinge und leiten uns zu dem Abschnitt des Lebens, an dem wir uns augenblicklich befinden.

Eine solche Aneinanderreihung von Veränderungen hält Janik Bürgin in seiner umfangreichen Serie WALKING WITH THE WIND fotografisch fest. Landschaften, Porträts, Tiere, Wolken, Detailaufnahmen, Schattenspiele – so vielfältig die einzelnen Aufnahmen von WALKING WITH THE WIND in ihren Motiven auch zu scheinen mögen, so sind sie inhaltlich umso enger miteinander verknüpft, basieren aufeinander und ergänzen sich. 2019 nahm Janik Bürgin die ersten Fotografien der Serie auf. Zu Beginn standen Orte im Zentrum, zu denen er einen Bezug hatte und mit denen er eine Erfahrung in Verbindung setzte. Die anfangs landschaftlich orientierten Themen expandierten mit der Zeit. Mit der Verarbeitung von Ereignissen wie der Trennung von einer Freundin, dem Kennenlernen neuer Personen oder dem Fällen einer Entscheidung, erweiterte sich Bürgins Blick. Situationen und Kompositionen, Orte und Beziehungen, die zuvor womöglich fotografisch wenig Beachtung fanden, wurden nun zum Sujet der Aufnahmen. Nur durch Veränderungen kann ein neuer Schritt gegangen und nur durch einen neuen Schritt kann ein neuer Blickwinkel eröffnet werden. Bürgin lässt sich von diesen Veränderungen treiben und leiten. Trotzdem werden die Fotografien aktiv aufgenommen und sind keine Ergebnisse einer blossen Schlenderei mit der Kamera. Bewusst wird die Kamera eingesetzt, bewusst wird eine gewisse Unschärfe genutzt, bewusst wird nach keiner technischen Perfektion gestrebt, bewusst wird analog und digital fotografiert. Während die digitale Kamera für Bürgin die Schnelligkeit des Mediums unterstreicht, stellt die analoge Fotografie eine Verlangsamung des Prozesses dar. Das Changieren der Geschwindigkeit spiegelt sich in den Aufnahmen wider.

Hierbei geht es weniger um die Frage, welche Fotografie mit welcher Kamera aufgenommen wurde, sondern vielmehr um das Gefühl von Zeit, welche uns die Aufnahmen vermitteln. Die fliegenden Wolkenkonstrukte scheinen in ewigem Ruhestand zu sein, während die kompakten Bergketten mit jedem Blick lebendiger wirken. So hat auch die Abwesenheit der Farbe eine klare Bedeutung. Wir sehen die Welt nie, wie sie derSchwarzweissfilm wiedergibt. Es ist eine nichtexistentielle Welt, die trotzdem unsere Realität ist und infolgedessen Leerstellen besitzt, die durch den Fotografen sowie uns Betrachtende ausgefüllt werden müssen. Denn auch wenn die Aufnahmen eine dokumentarische Verarbeitung des Verlaufs der vergangenen Ereignisse des Fotografen sind, so sind die Bilder keine reine Dokumentation. Janik Bürgin offenbart intime Erinnerungen, Erlebnisse, Emotionen und erlaubt den Betrachtenden nicht nur einen Einblick in seine Welt, sondern fordert sie dazu auf, die Fotografien aus der eigenen Perspektive aufzufassen und auf die eigenen Erfahrungen zu übertragen. Es gelingt Bürgin in dieser Serie nicht nur ein grosses Stück seiner persönlichen Realität preiszugeben, sondern gestattet das Erlebnis einer individuellen Bilderfahrung. WALKING WITH THE WIND ist eine Auseinandersetzung mit dem Fluss des Lebens, von der Quelle bis zur Mündung. Jede unberechenbare Strömung, jeder massive Fels, jeder plötzliche Regenfall leitet das fliessende Wasser in seinem Verlauf. Zufall und Schicksal.


Le hasard et le destin. Ces deux composantes de la vie nous concernent tous et ne peuvent guère être contrôlées. Elles marquent notre quotidien, entraînent des changements, influencent le déroulement des choses et nous guident vers la phase de la vie où nous nous trouvons à un moment donné.

Dans sa vaste série WALKING WITH THE WIND, Janik Bürgin capture photographiquement un tel enchaînement de changements. Paysages, portraits, animaux, nuages, photos de détails, jeux d'ombres - aussi variées que puissent paraître les différentes prises de vue de WALKING WITH THE WIND dans leurs motifs, leur contenu est d'autant plus étroitement lié, se fonde l'un sur l'autre et se complète. En 2019, Janik Bürgin a pris les premières photographies de la série. Au début, l'accent était mis sur des lieux avec lesquels il avait un lien et auxquels il associait une expérience. Les thèmes, initialement axés sur le paysage, se sont développés au fil du temps. En traitant des événements tels que la rupture avec une amie, la rencontre de nouvelles personnes ou la prise d'une décision, le regard de Bürgin s'est élargi. Des situations et des compositions, des lieux et des relations qui, auparavant, n'avaient peut-être pas fait l'objet d'une grande attention photographique, sont devenus des sujets de prise de vue. Seuls les changements permettent de franchir une nouvelle étape et d'ouvrir un nouveau point de vue. Bürgin se laisse pousser et guider par ces changements. Malgré cela, les photographies sont prises activement et ne sont pas le résultat d'une simple flânerie avec l'appareil. C'est consciemment que l'appareil photo est utilisé, consciemment qu'un certain flou est utilisé, consciemment qu'aucune perfection technique n'est recherchée, consciemment que la photographie est analogique et numérique. Alors que l'appareil numérique souligne pour Bürgin la rapidité du médium, la photographie analogique transmet un ralentissement du processus. L'oscillation de la vitesse se reflète dans les prises de vue.

Il ne s'agit pas tant de savoir quelle photographie a été prise avec quel appareil, mais plutôt d'apprécier la sensation de temps que nous procurent les clichés. Les constructions de nuages volants semblent être en repos éternel, tandis que les chaînes de montagnes compactes semblent plus vivantes à chaque regard. Ainsi, même l'absence de couleur a une signification claire. Nous ne voyons jamais le monde tel que le film noir et blanc le restitue. C'est un monde inexistant, qui est pourtant notre réalité et qui possède par conséquent des vides qui doivent être comblés par le photographe et par nous, les spectateurs. Car même si les prises de vue sont un traitement documentaire du déroulement des événements passés du photographe, les visuels ne sont pas une simple documentation. Janik Bürgin révèle des souvenirs intimes, des expériences, des émotions et ne permet pas seulement au spectateur de pénétrer dans son univers, mais l'invite aussi à appréhender les photographies de son propre point de vue et à les transposer dans sa propre expérience. Dans cette série, Bürgin ne parvient pas seulement à dévoiler une grande partie de sa réalité personnelle, mais permet aussi de vivre une expérience visuelle individuelle. WALKING WITH THE WIND est une confrontation avec le flux de la vie, de sa source à son embouchure. Chaque courant imprévisible, chaque rocher massif, chaque pluie soudaine guide l'eau qui s'écoule dans son cours. Le hasard et le destin.


Il caso e il destino. Queste due componenti della vita ci riguardano tutti e sono difficilmente controllabili. Danno forma alla nostra vita quotidiana, portano a cambiamenti, influenzano il corso degli eventi e ci guidano verso la fase della vita in cui ci troviamo al momento.

Questa successione di cambiamenti viene catturata fotograficamente da Janik Bürgin nella sua ampia serie WALKING WITH THE WIND. Paesaggi, ritratti, animali, nuvole, dettagli, giochi d'ombra: per quanto le singole fotografie di WALKING WITH THE WIND possano sembrare diverse nei loro motivi, sono ancora più strettamente collegate in termini di contenuto, si basano l'una sull'altra e si completano a vicenda. Nel 2019 Janik Bürgin ha scattato le prime fotografie della serie. All'inizio, l'attenzione si è concentrata su luoghi a cui era legato e a cui associava un'esperienza. I temi inizialmente orientati al paesaggio si sono ampliati nel tempo. Con l'elaborazione di eventi come la rottura con una fidanzata, l'incontro con nuove persone o la presa di una decisione, la visione di Bürgin si è ampliata. Situazioni e composizioni, luoghi e relazioni che in precedenza potevano ricevere poca attenzione fotografica sono diventati il soggetto delle fotografie. Solo attraverso il cambiamento si può fare un nuovo passo e solo attraverso un nuovo passo si può aprire una nuova prospettiva. Bürgin si lascia guidare da questi cambiamenti. Tuttavia, le fotografie sono scattate attivamente e non sono il risultato di una semplice passeggiata con la macchina fotografica. La macchina fotografica è usata consapevolmente, una certa sfocatura è usata consapevolmente, nessuna perfezione tecnica è ricercata consapevolmente, la fotografia analogica e digitale è usata consapevolmente. Mentre per Bürgin la fotocamera digitale sottolinea la velocità del mezzo, la fotografia analogica rappresenta un rallentamento del processo. L'oscillazione della velocità si riflette nelle fotografie.

Non è tanto una questione di quale fotografia sia stata scattata con quale macchina, quanto piuttosto del senso del tempo che le fotografie ci trasmettono. I costrutti volanti delle nuvole sembrano in eterno ritiro, mentre le compatte catene montuose sembrano più vive a ogni sguardo. Così anche l'assenza di colore ha un significato chiaro. Non vediamo mai il mondo come viene riprodotto nella pellicola in bianco e nero. È un mondo inesistente che è comunque la nostra realtà e di conseguenza ha dei vuoti che devono essere riempiti dal fotografo e da noi spettatori. Infatti, anche se le fotografie sono un'elaborazione documentaria del corso degli eventi passati del fotografo, le immagini non sono pura documentazione. Janik Bürgin rivela ricordi intimi, esperienze, emozioni e permette allo spettatore non solo di gettare uno sguardo sul suo mondo, ma lo invita anche a percepire le fotografie dalla propria prospettiva e ad applicarle alle proprie esperienze. In questa serie, Bürgin non solo riesce a rivelare un ampio pezzo della sua realtà personale, ma permette anche di vivere un'esperienza pittorica individuale. WALKING WITH THE WIND è un'esplorazione del flusso della vita, dalla sorgente alla foce. Ogni corrente imprevedibile, ogni roccia massiccia, ogni pioggia improvvisa guida l'acqua che scorre nel suo corso. Il caso e il destino.


Chance and fate. These two components of life affect us all and can hardly be controlled. They shape our everyday life, lead to changes, influence the course of things and guide us to the stage of life where we are at the moment.

Such a succession of changes is captured photographically by Janik Bürgin in his extensive series WALKING WITH THE WIND. Landscapes, portraits, tie-re, clouds, detail shots, shadow plays - as diverse as the individual photographs of WALKING WITH THE WIND may seem in their motifs, they are all the more closely linked in content, based on each other and complement each other.Janik Bürgin took the first photographs of the series in 2019. At the beginning, the focus was on places to which he had a connection and with which he related an experience. The initially landscapeoriented themes expanded over time. With the processing of events such as the separation from a girlfriend, the meeting of new people or the making of a decision, Bürgin's view expanded. Situations and compositions, places and relationships that had previously received little photographic attention now became the subject of the photographs. Only through change can a new step be taken and only through a new step can a new perspective be opened. Bürgin allows himself to be driven and guided by these changes. Nevertheless, the photographs are taken actively and are not the results of a mere stroll with the camera. The camera is used consciously, a certain blurriness is used consciously, no technical perfection is striven for consciously, analog and digital photography is used consciously. While for Bürgin the digital camera underscores the speed of the medium, analog photography represents a slowing down of the process. The oscillation of speed is reflected in the photographs. It is not so much a question of which photograph was taken with which camera, but rather of the sense of time that the photographs convey to us. The flying cloud constructs seem to be in eternal retirement, while the compact mountain ranges seem more alive with every glance. Thus, even the absence of color has a clear meaning.

We never see the world as black and white film renders it. It is a non-existential world that is nevertheless our reality and consequently has voids that must be filled in by the photographer as well as us viewers. For even if the photographs are a documentary processing of the course of the photographer's past events, the images are not pure documentation. Janik Bürgin reveals intimate memories, experiences, emotions and allows the viewer not only an insight into his world, but challenges them to understand the photographs from their own perspective and to apply them to their own experiences. In this series, Bürgin succeeds not only in revealing a large piece of his personal reality, but also allows the experience of an individual pictorial experience. WALKING WITH THE WIND is an exploration of the flow of life, from source to mouth. Every unpredictable current, every massive rock, every sudden rainfall guides the flowing water in its course. Chance and fate.

(DE, E Text: Galerie 94, Baden)

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Stranger in the Village | Aargauer Kunsthaus | Aarau
Sept.
3
bis 7. Jan.

Stranger in the Village | Aargauer Kunsthaus | Aarau


Aargauer Kunsthaus | Aarau
3. September 2023 - 7. Januar 2024

Stranger in the Village - Rassismus im Spiegel von James Baldwin


Pierre Koralnik, Un étranger dans le village, 1962, mit James Baldwin, Video, 28 min, mit Genehmigung des Filmemachers © RTS Radio Télévision Suisse


In seinem berühmten Text Stranger in the Village (Fremder im Dorf) verarbeitete der US­ amerikanische Schriftsteller James Baldwin seine von Rassismus durchzogene Erfahrung in der Schweiz der 1950er-Jahre. Baldwins Worte sind bis heute Inspiration für viele Kunstschaffende. Sie halten uns als Gesellschaft einen Spiegel vor und haben nichts von ihrer Brisanz verloren. Die Gruppenausstellung thematisiert Zugehörigkeit und Ausgrenzung anhand aktueller Werke von Kunstschaffenden aus der Schweiz und der internationalen Szene. Sie stellt Fragen, die uns alle angehen.

Ausgangspunkt der Ausstellung Stranger in the Village ist der gleichnamige Text des weltberühmten US-amerikanischen Schriftstellers James Baldwin (1924-1987). Anfang der 1950er-Jahre hält sich Baldwin für einige Monate im Schweizer Bergdorf Leukerbad im Wallis auf. Als er sich dorthin zum Schreiben seines Romandebüts zurückzieht, empfangen ihn die Einwohnerinnen und Einwohner mit "Erstaunen, Neugier, Belustigung oder auch Empörung". Er wird als "lebendes Wunder" betrachtet und mit dem "N-Worf' bezeichnet1. Baldwin stellt fest, dass es immer noch Regionen auf dieser Welt gibt, in denen eine Schwarze Person als eine Entdeckung gilt. Diese Erfahrung verarbeitet er in seinem Essay Stranger in the Village, der 1953 im Harper's Magazine erscheint. Darin analysiert Baldwin den Alltagsrassismus im Bergdorf, um schliesslich zu weiterreichenden Reflexionen über die Thematik in seinem Heimatland, den Vereinigten Staaten, auszuholen. Sein Text ist ein Aufruf, sich bestehender Machtverhältnisse und diskriminierender Vorurteile sowie deren zerstörerischen Auswirkungen bewusst zu werden.

Wie reagieren wir heute in der Schweiz auf Baldwins Worte? In einer Zeit, in der soziale und strukturelle Ungerechtigkeiten stärker wahrgenommen werden, möchte das Aargauer Kunsthaus Rassismus auch mit Mitteln der Kunst thematisieren. Die Ausstellung Stranger in the Village vereint zahlreiche Kunstwerke von der Mitte des 20. Jahrhunderts bis heute. Sie verfolgt einen interdisziplinären, kollaborativen und kaleidoskopischen Ansatz. Gleich zu Beginn der Ausstellung begegnet uns die Stimme von James Baldwin in der Verfilmung Stranger in the Village von Pierre Koralnik (*1937) aus dem Jahr 1962. Zitate aus dem Essay dienen als Leitfaden und gliedern die Ausstellung in verschiedene Kapitel. Darin werden Werke von zeitgenössischen Kunstschaffenden in dialogischen Ensembles präsentiert und treten so miteinander in Verbindung.

Eigens für die Ausstellung schaffen Omar Ba (*1977, Genf und Dakar) und Sasha Huber (*1975, Finnland, Schweiz und Haiti) neue Werke. Ebenso werden Werke von in der Schweiz arbeitenden Kunstschaffenden wie James Bantone, Denise Bertschi und Ceylan Öztrük sowie von international bekannten Kunstschaffenden wie Kader Attia, Marlene Dumas, Glenn Ligon und Carrie Mae Weems zu sehen sein. Unter den rund vierzig für die Ausstellung versammelten Kunstschaffenden gibt es auch neue Namen kennenzulernen oder wiederzuentdecken, wie den US-Amerikaner Vincent 0. Carter oder den Kongolesen Andre M'Bon, die beide jahrzehntelang in der Schweiz künstlerisch tätig waren. In der Mitte des Rundgangs bietet ein Vermittlungsraum dem Publikum verschiedene Möglichkeiten, kreativ mitzuwirken und sich vertieft mit dem Thema Rassismus auseinanderzusetzen.

Diese Ausstellung hat ein mehrheitlich privilegiertes Museumsteam ohne Rassismuserfahrung konzipiert. Um mehr Wissen, Dialog und Diversität einzubringen, wurde die Ausstellung von einem «Advisory Board» begleitet. Dieses beratende Komitee besteht aus Personen unterschiedlicher Fachbereiche und Hintergründe. Sie alle zeichnet eine tiefergehende Beschäftigung mit Thematiken wie rassistische Diskriminierung, Ausgrenzung und Zugehörigkeit oder Dekolonisierung aus - immer mit Bezug zur Kunst und zur Schweiz. Als Vorbereitung zur Ausstellung und darüber hinaus bildet sich das ganze Team des Aargauer Kunsthauses weiter. Dazu wurde Estefania Cuero, Diversity-Expertin und -Coach, eingeladen, mit dem gesamten Kunsthaus-Team antirassistische Workshops durchzuführen. So lernen wir verstehen, dass Rassismus nicht nur individuell, sondern auch strukturell ist. Die Frage lautet nicht: "Bin ich ein Rassist/eine RassistinT, sondern vielmehr: "Wie erlange ich ein Bewusstsein für meinen eigenen Rassismus?" Mit einer Vielzahl möglicher Antworten, und immer durch das Prisma der Kunst, wird diese Ausstellung enden.

Kuratorin: Dr. Celine Eidenbenz, im Dialog mit dem Advisory Board
Kuratorische Assistenz: Sarah Mühlebach


Dans son célèbre texte Stranger in the Village (Étranger dans le village), l'écrivain américain James Baldwin évoque son expérience teintée de racisme dans la Suisse des années 1950. Les mots de Baldwin continuent d'inspirer de nombreux artistes. Ils nous tendent un miroir en tant que société et n'ont rien perdu de leur caractère explosif. L'exposition de groupe aborde le thème de l'appartenance et de l'exclusion à travers des œuvres récentes d'artistes suisses et internationaux. Elle transmet des questions qui nous concernent tous.

Le point de départ de l'exposition Stranger in the Village est le texte du même nom de l'écrivain américain mondialement connu James Baldwin (1924-1987). Au début des années 1950, Baldwin séjourne quelques mois dans le village de montagne suisse de Loèche-les-Bains, dans le Valais. Lorsqu'il s'y retire pour écrire son premier roman, les habitants l'accueillent avec "étonnement, curiosité, amusement ou même indignation". Il est considéré comme un "miracle vivant" et est désigné par le "N-Worf "1. Baldwin constate qu'il existe encore dans le monde des régions où une personne noire est considérée comme une découverte. Il traite de cette expérience dans son essai Stranger in the Village, publié en 1953 dans Harper's Magazine. Baldwin y analyse le racisme quotidien dans un village de montagne, pour finalement se lancer dans des réflexions plus larges sur cette thématique dans son pays d'origine, les États-Unis. Son texte est un appel à la prise de conscience des rapports de force existants et des préjugés discriminatoires ainsi que de leurs effets destructeurs.

Comment réagissons-nous aujourd'hui en Suisse aux propos de Baldwin ? À une époque où les injustices sociales et structurelles sont davantage perçues, l'Aargauer Kunsthaus souhaite également aborder le racisme par le biais de l'art. L'exposition Stranger in the Village réunit de nombreuses œuvres d'art du milieu du 20e siècle à nos jours. Elle suit une approche interdisciplinaire, collaborative et kaléidoscopique. Dès le début de l'exposition, nous rencontrons la voix de James Baldwin dans le film Stranger in the Village de Pierre Koralnik (*1937), sorti en 1962. Des citations de l'essai servent de fil conducteur et structurent l'exposition en différents chapitres. Des œuvres d'artistes contemporains y sont présentées dans des ensembles dialogiques et entrent ainsi en relation les unes avec les autres.

Omar Ba (*1977, Genève et Dakar) et Sasha Huber (*1975, Finlande, Suisse et Haïti) créent de nouvelles œuvres spécialement pour l'exposition. Des œuvres d'artistes travaillant en Suisse comme James Bantone, Denise Bertschi et Ceylan Öztrük ainsi que d'artistes de renommée internationale comme Kader Attia, Marlene Dumas, Glenn Ligon et Carrie Mae Weems seront également exposées. Parmi la quarantaine d'artistes réunis pour l'exposition, il y aura aussi de nouveaux noms à découvrir ou à redécouvrir, comme l'Américain Vincent 0. Carter ou le Congolais Andre M'Bon, qui ont tous deux exercé une activité artistique en Suisse pendant plusieurs décennies. Au milieu du parcours, un espace de médiation offre au public différentes possibilités de participer de manière créative et d'approfondir le thème du racisme.

Cette exposition a été conçue par une équipe de musée majoritairement privilégiée et sans expérience du racisme. Afin d'apporter davantage de connaissances, de dialogue et de diversité, l'exposition a été accompagnée par un "Advisory Board". Ce comité consultatif est composé de personnes de différentes disciplines et de différents horizons. Toutes se distinguent par une réflexion approfondie sur des thèmes tels que la discrimination raciale, l'exclusion et l'appartenance ou la décolonisation - toujours en rapport avec l'art et la Suisse. Pour préparer l'exposition et au-delà, toute l'équipe de l'Aargauer Kunsthaus suit une formation continue. Pour ce faire, Estefania Cuero, experte et coach en diversité, a été invitée à animer des ateliers antiracistes avec toute l'équipe du Kunsthaus. Nous apprenons ainsi à comprendre que le racisme n'est pas seulement individuel, mais aussi structurel. La question n'est pas : "Suis-je un(e) racisteT, mais plutôt : "Comment puis-je prendre conscience de mon propre racisme ?" C'est avec une multitude de réponses possibles, et toujours à travers le prisme de l'art, que se terminera cette exposition.

Curatrice : Dr. Celine Eidenbenz, en dialogue avec le Advisory Board
Assistance curatoriale : Sarah Mühlebach


Nel suo famoso testo Straniero nel villaggio, lo scrittore statunitense James Baldwin ha raccontato la sua esperienza di razzismo in Svizzera negli anni Cinquanta. Le parole di Baldwin sono ancora oggi fonte di ispirazione per molti artisti. Sono uno specchio per la nostra società e non hanno perso nulla della loro pregnanza. La mostra collettiva esplora l'appartenenza e l'esclusione attraverso opere attuali di artisti svizzeri e internazionali. Pone domande che riguardano tutti noi.

Il punto di partenza della mostra Stranger in the Village è l'omonimo testo dello scrittore statunitense di fama mondiale James Baldwin (1924-1987). All'inizio degli anni Cinquanta, Baldwin trascorse diversi mesi nel villaggio montano svizzero di Leukerbad, nel Vallese. Quando vi si ritira per scrivere il suo romanzo d'esordio, gli abitanti lo accolgono con "stupore, curiosità, divertimento o addirittura indignazione". Viene considerato un "miracolo vivente" e chiamato "N-Worf "1 . Baldwin nota che ci sono ancora regioni in questo mondo in cui una persona di colore è considerata una scoperta. Egli elabora questa esperienza nel saggio Stranger in the Village, apparso sull'Harper's Magazine nel 1953. In esso Baldwin analizza il razzismo quotidiano nel villaggio di montagna, per poi passare a riflessioni più ampie sulla questione nel suo paese d'origine, gli Stati Uniti. Il suo testo è un invito a prendere coscienza delle relazioni di potere e dei pregiudizi discriminatori esistenti e dei loro effetti distruttivi.

Come reagiamo oggi in Svizzera alle parole di Baldwin? In un momento in cui le ingiustizie sociali e strutturali sono percepite con maggiore forza, l'Aargauer Kunsthaus desidera affrontare il tema del razzismo anche attraverso l'arte. La mostra Stranger in the Village riunisce numerose opere d'arte dalla metà del XX secolo ai giorni nostri. Persegue un approccio interdisciplinare, collaborativo e caleidoscopico. All'inizio della mostra, incontriamo la voce di James Baldwin nel film Stranger in the Village di Pierre Koralnik (*1937) del 1962. Le citazioni del saggio fungono da guida e dividono la mostra in diversi capitoli. In essi, le opere di artisti contemporanei sono presentate in ensemble dialogici ed entrano così in contatto tra loro.

Omar Ba (*1977, Ginevra e Dakar) e Sasha Huber (*1975, Finlandia, Svizzera e Haiti) creano nuove opere appositamente per la mostra. Saranno esposte anche opere di artisti che lavorano in Svizzera come James Bantone, Denise Bertschi e Ceylan Öztrük, nonché di artisti di fama internazionale come Kader Attia, Marlene Dumas, Glenn Ligon e Carrie Mae Weems. Tra la quarantina di artisti riuniti per la mostra, ci sono anche nomi nuovi da conoscere o riscoprire, come l'americano Vincent 0. Carter o il congolese Andre M'Bon, entrambi attivi artisticamente in Svizzera da decenni. Al centro del percorso, una sala di mediazione offre al pubblico diverse opportunità di partecipazione creativa e di approfondimento del tema del razzismo.

Questa mostra è stata concepita da un'équipe museale per lo più privilegiata e priva di esperienza in materia di razzismo. Per favorire la conoscenza, il dialogo e la diversità, la mostra è stata accompagnata da un "comitato consultivo". Questo comitato consultivo è composto da persone provenienti da discipline e contesti diversi. Tutti sono caratterizzati da un impegno più profondo nei confronti di temi quali la discriminazione razziale, l'esclusione e l'appartenenza o la decolonizzazione, sempre con riferimento all'arte e alla Svizzera. In preparazione alla mostra e oltre, l'intero team dell'Aargauer Kunsthaus sta seguendo una formazione continua. A tal fine, Estefania Cuero, esperta di diversità e coach, è stata invitata a condurre workshop antirazzisti con l'intero team del Kunsthaus. In questo modo, impariamo a capire che il razzismo non è solo individuale, ma anche strutturale. La domanda non è "Sono razzista?", ma piuttosto "Come faccio a prendere coscienza del mio razzismo?". Con una moltitudine di possibili risposte, e sempre attraverso il prisma dell'arte, si concluderà questa mostra.

Curatore: Dr. Celine Eidenbenz, in dialogo con il Comitato consultivo
Assistenza curatoriale: Sarah Mühlebach


In his famous text Stranger in the Village, the US American writer James Baldwin processed his experience of racism in Switzerland in the 1950s. Baldwin's words are still an inspiration for many artists today. They hold up a mirror to us as a society and have lost none of their explosive power. The group exhibition addresses belonging and exclusion through current works by artists from Switzerland and the international scene. It poses questions that concern us all.

The starting point for the exhibition Stranger in the Village is the text of the same name by the world-famous US writer James Baldwin (1924-1987). In the early 1950s, Baldwin stays for a few months in the Swiss mountain village of Leukerbad in the Valais. When he retreats there to write his novel debut, the inhabitants welcome him with "amazement, curiosity, amusement, or even indignation." He is regarded as a "living miracle" and referred to as the "N-Worf. "1 Baldwin notes that there are still regions in this world where a Black person is considered a discovery. He processes this experience in his essay Stranger in the Village, published in Harper's Magazine in 1953. In it, Baldwin analyzes everyday racism in the mountain village, eventually moving on to broader reflections on the issue in his home country, the United States. His text is a call to become aware of existing power relations and discriminatory prejudices and their destructive effects.

How do we in Switzerland respond to Baldwin's words today? At a time when social and structural injustices are more strongly perceived, the Aargauer Kunsthaus would like to address racism also by means of art. The exhibition Stranger in the Village brings together numerous works of art from the mid-20th century to the present day. It follows an interdisciplinary, collaborative and kaleidoscopic approach. Right at the beginning of the exhibition, we encounter the voice of James Baldwin in the 1962 film adaptation Stranger in the Village by Pierre Koralnik (*1937). Quotes from the essay serve as a guide and divide the exhibition into different chapters. In them, works by contemporary artists are presented in dialogic ensembles and thus enter into a relationship with each other.

Omar Ba (*1977, Geneva and Dakar) and Sasha Huber (*1975, Finland, Switzerland and Haiti) create new works especially for the exhibition. Also on view will be works by artists working in Switzerland such as James Bantone, Denise Bertschi, and Ceylan Öztrük, as well as internationally known artists such as Kader Attia, Marlene Dumas, Glenn Ligon, and Carrie Mae Weems. Among the forty or so artists gathered for the exhibition, there are also new names to get to know or rediscover, such as the American Vincent 0. Carter or the Congolese Andre M'Bon, both of whom were artistically active in Switzerland for decades. In the middle of the tour, a mediation room offers the public various opportunities to participate creatively and to engage more deeply with the theme of racism.

This exhibition has been conceived by a majority privileged museum team without experience of racism. To bring in more knowledge, dialogue and diversity, the exhibition was accompanied by an "Advisory Board". This advisory committee consists of people from different disciplines and backgrounds. They are all characterized by a deeper engagement with topics such as racial discrimination, exclusion and belonging or decolonization - always with reference to art and Switzerland. In preparation for the exhibition and beyond, the entire team of the Aargauer Kunsthaus is continuing its education. For this purpose, Estefania Cuero, diversity expert and coach, was invited to conduct anti-racist workshops with the entire Kunsthaus team. In this way, we come to understand that racism is not only individual, but also structural. The question is not, "Am I a racistT, but rather, "How do I gain awareness of my own racism?" With a multitude of possible answers, and always through the prism of art, this exhibition will end.

Curator: Dr. Celine Eidenbenz, in dialogue with the Advisory Board
Curatorial assistance: Sarah Mühlebach

(Text: Aargauer Kunsthaus, Aarau)

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