Galerie 94 | Baden
17. Januar - 1. März 2025

Silence
Yasuhiro Ogawa

Yasuhiro Ogawa gilt als eine der neuen starken Stimmen in der japanischen Fotografie. Durch seine einzigartigen Perspektiven und emotionale Tiefe fängt Yasuhiro Ogawa die Schönheit und das Mysterium des Reisens ein und schafft Bilder, die sowohl zeitlos als auch eindrucksvoll sind. In seinen Arbeiten werden die klassischen Motive und kontemplative Haltung der japanischen Landschaftsfotografie neu erzählt. Landschaften erscheinen, wie auf einer Leinwand, durchdringen die beschlagenen Scheiben eines Zuges, Dunkelheit und Licht grenzen aneinander. Schnee fällt auf sanfte, abgedunkelte Farben. Die Orte in den Bildern Yasuhiro Ogawas scheinen verwunschen zu sein.

Für seine aktuelle Serie «Into the Silence», folgte Ogawa den Spuren des Haiku-Dichters Matsuo Bashō, der im 17. Jahrhundert den Norden Japans durchwanderte. Die Gedichtsammlung, die auf dieser Reise, heute unter dem Titel Oku no Hosomichi (Der schmale Weg in den tiefen Norden) bekannt, entstanden, verbinden die komplexe und vielschichtige Ausdrucksform des Haikus mit Naturbeschreibungen eines grösstenteilsnoch unbekannten Territoriums (die japanische Besiedlung von Hokkaidō erfolgte grösstenteils erst im 19. Jahrhundert) schufen dadurch auch einen bedeutenden nationalen Gründungsmythos Japans.

Ogawa folgt der Route Bashōs für 10 Jahre und es entstehen Farbfotografien, welche die Umwelt in Traumlandschaften verwandeln. Diese Verwandlung des Ortes bleibt aber immer im Status der Verbindlichkeit des realen Momentes. Die kräftigen Farben erzeugen abstrakte Trennungen in den Bildkompositionen, dadurch wirken die Aufnahmen fragil und offen. So wie die Stimmung eines Haiku beim Lesen nachklingt, so treten wir in die auratischen Bildräume Yasuhiro Ogawas ein und verlieren uns darin.

Einen weiteren Einfluss stellen die japanischen Holzschnitte dar, welche ab Mitte des 18. Jahrhunderts entstanden und deren Traditionen bis heute in Japan ununterbrochen fortgeführt werden. Durch die Welle des Japonismus am Ende des 19. Jahrhunderts wurden die farbigen Druckgrafiken in Europa populär. Der Einfluss japanischer Holzschnitte auf Künstler der klassischen Moderne, welche wesentliche Elemente konsequent in ihre malerischen Techniken übernahmen, ist durch die Sammlungen und Kopien der Drucke von Künstlern wie Vincent van Gogh, Paul Gauguin und Edvard Munch belegt. In diese Tradition lassen sich auch Ogawas Farbfotografien, mit der von ihnen ausgehenden Stille, der intensiven und abstrakten Farbigkeit, und der Anwesenheit von Natur und Naturereignissen, verstehen.

Die verlangsamte und kontemplative Haltung der Bilder erzählt von der Freiheit des Unterwegs-Seins, der Einfachheit des Lebens. Die Fotografien Ogawas verstärken unsere innere Sehnsucht nach dem ursprünglichen Erlebnis der Natur ausserhalb unserer selbst geschaffenen, immer künstlicheren Lebensstrukturen.

Im Alter von 23 Jahren entdeckt Ogawa die Aufnahmen von Sebastião Salgado und beginnt daraufhin selbst intensiv zu fotografieren. Für seine Bilder reist er jahrelang durch Asien, Afrika und Zentralasien.

In der Serie «The Dreaming» hält er 2019 Rückschau, versammelt eine Auswahl der Schwarz-Weiss-Fotografien aus dieser, ein Viertel Jahrhundert andauernden, Suche. In diesen Aufnahmen vermischt Ogawa Unschärfen, Dunkelheit und grobe Körnungen mit einer lyrischen Haltung und harmonischen Elementen. Die Balance dieser Verbindung und der Charakter der Abwesenheit dieser Orte erzeugen ein verstärktes emotionales Erlebnis des Betrachtens. Mit der gleichnamigen Buchpublikation erlangt der Fotograf internationale Bekanntheit.

Yasuhiro Ogawa est considéré comme l'une des nouvelles voix fortes de la photographie japonaise. Grâce à ses perspectives uniques et à sa profondeur émotionnelle, Yasuhiro Ogawa capture la beauté et le mystère du voyage et crée des visuels à la fois intemporels et impressionnants. Dans son travail, les motifs classiques et l'attitude contemplative de la photographie de paysage japonaise sont racontés de manière nouvelle. Des paysages apparaissent, comme sur une toile, transpercent les vitres embuées d'un train, l'obscurité et la lumière se côtoient. La neige tombe sur des couleurs douces et assombries. Dans les visuels de Yasuhiro Ogawa, les lieux semblent enchantés.

Pour sa série actuelle « Into the Silence », Ogawa a suivi les traces du poète haïku Matsuo Bashō, qui a parcouru le nord du Japon au 17e siècle. Le recueil de poèmes issus de ce voyage, aujourd'hui connu sous le titre Oku no Hosomichi (La voie étroite vers le grand nord), allie la forme d'expression complexe et variée du haïku à des descriptions de la nature d'un territoire en grande partie encore inconnu (la colonisation japonaise de Hokkaidō n'a eu lieu pour l'essentiel qu'au 19e siècle), créant ainsi un important mythe national fondateur du Japon.

Ogawa suit l'itinéraire de Bashō pendant dix ans et il en résulte des photographies en couleur qui transforment l'environnement en paysages oniriques. Cette transformation du lieu reste cependant toujours sous le statut d'engagement du moment réel. Les couleurs vives créent des séparations abstraites dans les compositions d'images, ce qui rend les prises de vue fragiles et ouvertes. Tout comme l'ambiance d'un haïku résonne à la lecture, nous entrons dans les espaces visuels auratiques de Yasuhiro Ogawa et nous nous y perdons.

Les estampes japonaises, apparues au milieu du 18e siècle et dont les traditions se sont perpétuées sans interruption jusqu'à nos jours au Japon, transmettent une autre influence. La vague de japonisme de la fin du 19e siècle a popularisé les estampes en couleur en Europe. L'influence des estampes japonaises sur les artistes de l'art moderne classique, qui en ont systématiquement repris des éléments essentiels dans leurs techniques picturales, est attestée par les collections et les copies d'estampes d'artistes tels que Vincent van Gogh, Paul Gauguin et Edvard Munch. Les photographies en couleur d'Ogawa, avec le silence qui s'en dégage, les couleurs intenses et abstraites, et la présence de la nature et des phénomènes naturels, peuvent également être comprises dans cette tradition.

L'attitude ralentie et contemplative des visuels parle de la liberté d'être en route, de la simplicité de la vie. Les photographies d'Ogawa renforcent notre désir intérieur de retrouver l'expérience originelle de la nature en dehors des structures de vie de plus en plus artificielles que nous avons nous-mêmes créées.

À l'âge de 23 ans, Ogawa découvre les photos de Sebastião Salgado et commence alors à photographier lui-même de manière intensive. Pour ses visuels, il voyage pendant des années en Asie, en Afrique et en Asie centrale.

Dans la série « The Dreaming », il fait une rétrospective en 2019, rassemblant une sélection de photographies en noir et blanc de cette quête qui a duré un quart de siècle. Dans ces clichés, Ogawa mêle le flou, l'obscurité et le grain grossier à une attitude lyrique et à des éléments harmonieux. L'équilibre de cette association et le caractère d'absence de ces lieux créent une expérience émotionnelle renforcée de la contemplation. Avec la publication du livre du même nom, le photographe acquiert une notoriété internationale.

Yasuhiro Ogawa è riconosciuto come una delle nuove voci forti della fotografia giapponese. Attraverso le sue prospettive uniche e la sua profondità emotiva, Yasuhiro Ogawa cattura la bellezza e il mistero del viaggio, creando immagini senza tempo e di grande impatto. Il suo lavoro reinterpreta i motivi classici e l'atteggiamento contemplativo della fotografia di paesaggio giapponese. I paesaggi appaiono come su una tela, penetrando nei finestrini fumanti di un treno, mentre l'oscurità e la luce si confondono l'una con l'altra. La neve cade su colori tenui e scuri. I luoghi nelle immagini di Yasuhiro Ogawa sembrano incantati.

Per la sua attuale serie “Into the Silence”, Ogawa ha seguito le orme del poeta haiku Matsuo Bashō, che viaggiò attraverso il Giappone settentrionale nel XVII secolo. La raccolta di poesie nate da questo viaggio, oggi nota come Oku no Hosomichi (Lo stretto sentiero del profondo Nord), combina la complessa e stratificata forma espressiva dello haiku con le descrizioni della natura in un territorio in gran parte sconosciuto (la colonizzazione giapponese dell'Hokkaidō avvenne in gran parte solo nel XIX secolo), creando così anche un importante mito nazionale di fondazione del Giappone.

Ogawa ha seguito il percorso di Bashō per 10 anni, realizzando fotografie a colori che hanno trasformato l'ambiente in paesaggi da sogno. Tuttavia, questa trasformazione del luogo rimane sempre nello status di natura vincolante del momento reale. I colori decisi creano divisioni astratte nelle composizioni, facendo apparire le fotografie fragili e aperte. Proprio come lo stato d'animo di un haiku risuona quando lo leggiamo, entriamo negli spazi pittorici auratici di Yasuhiro Ogawa e ci perdiamo in essi.

Le xilografie giapponesi, create a partire dalla metà del XVIII secolo e la cui tradizione è proseguita ininterrottamente in Giappone fino ad oggi, rappresentano un'ulteriore influenza. L'ondata di giapponismo della fine del XIX secolo ha reso popolari in Europa le stampe a colori. L'influenza delle xilografie giapponesi sugli artisti classici moderni, che ne adottarono costantemente gli elementi chiave nelle loro tecniche pittoriche, è testimoniata dalle collezioni e dalle copie di stampe di artisti come Vincent van Gogh, Paul Gauguin e Edvard Munch. Anche le fotografie a colori di Ogawa possono essere comprese in questa tradizione, con l'immobilità che emanano, i colori intensi e astratti e la presenza della natura e degli eventi naturali.

L'atteggiamento rallentato e contemplativo delle immagini racconta la libertà dell'essere in viaggio, la semplicità della vita. Le fotografie di Ogawa intensificano il nostro desiderio interiore di un'esperienza originale della natura al di fuori delle nostre strutture di vita auto-create e sempre più artificiali.

All'età di 23 anni, Ogawa ha scoperto le fotografie di Sebastião Salgado e ha iniziato a fotografare. Per anni ha viaggiato attraverso l'Asia, l'Africa e l'Asia centrale per realizzare le sue immagini.

Nella serie “The Dreaming”, l'artista guarda al 2019 e riunisce una selezione di fotografie in bianco e nero di questa ricerca, durata un quarto di secolo. In queste fotografie, Ogawa mescola sfocatura, oscurità e grana grossa con un atteggiamento lirico ed elementi armoniosi. L'equilibrio di questa combinazione e il carattere di assenza di questi luoghi creano un'esperienza emotiva più intensa nella visione. Il fotografo ha ottenuto un riconoscimento internazionale con la pubblicazione dell'omonimo libro.

Yasuhiro Ogawa is recognised as one of the new strong voices in Japanese photography. Through his unique perspectives and emotional depth, Yasuhiro Ogawa captures the beauty and mystery of travelling, creating images that are both timeless and striking. His work reinterprets the classic motifs and contemplative attitude of Japanese landscape photography. Landscapes appear as if on a canvas, pierce the steamed-up windows of a train, darkness and light bordering on each other. Snow falls on soft, darkened colours. The places in Yasuhiro Ogawa‘s pictures seem to be enchanted.

For his current series «Into the Silence», Ogawa followed in the footsteps of the haiku poet Matsuo Bashō, who travelled through northern Japan in the 17th century. The collection of poems that emerged from this journey, now known as Oku no Hosomichi (The Narrow Path to the Deep North), combine the complex and multi-layered form of expression of haiku with descriptions of nature in a largely unknown territory (the Japanese colonisation of Hokkaidō only took place for the most part in the 19th century), thereby also creating an important national founding myth of Japan.

Ogawa followed Bashō‘s route for 10 years, creating colour photographs that transformed the environment into dreamscapes. However, this transformation of the place always remains in the status of the binding nature of the real moment. The bold colours create abstract divisions in the compositions, making the photographs appear fragile and open. Just as the mood of a haiku resonates when we read it, we enter Yasuhiro Ogawa‘s auratic pictorial spaces and lose ourselves in them.

The Japanese woodcuts, which were created from the middle of the 18th century onwards and whose traditions have continued uninterrupted in Japan to this day, represent a further influence. The wave of Japonism at the end of the 19th century made colour prints popular in Europe. The influence of Japanese woodcuts on classical modern artists, who consistently adopted key elements in their painting techniques, is evidenced by the collections and copies of prints by artists such as Vincent van Gogh, Paul Gauguin and Edvard Munch. Ogawa‘s colour photographs can also be understood in this tradition, with the stillness they emanate, their intense and abstract colourfulness and the presence of nature and natural events.

The slowed-down and contemplative attitude of the pictures tells of the freedom of being on the road, of the simplicity of life. His photographs intensify our inner longing for the original experience of nature outside of our self-created, increasingly artificial life structures.

At the age of 23, Ogawa discovered the photographs of Sebastião Salgado and began to take his own photographs. He spent years travelling through Asia, Africa and Central Asia to take his pictures.

In the series «The Dreaming», he looks back in 2019 and brings together a selection of black-and-white photographs from this quest, which lasted a quarter of a century. In these photographs, Ogawa mixes blurring, darkness and coarse grains with a lyrical attitude and harmonious elements. The balance of this combination and the character of the absence of these places create a heightened emotional experience of viewing. The photographer gained international recognition with the publication of the book of the same name.

(Text: Galerie 94, Baden)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
16. November 2024– 26. Januar 2025

GRADwanderung - Die LUNAX-Fotograf:innen erzählen ihre Geschichten zum Klimawandel

Sabina Bobst, Annette Boutellier, Mattia Coda, Raisa Durandi, Caroline Krajcir, Yoshiko Kusano, Benjamin Manser, Caroline Minjolle, Clara Neugebauer, Marion Nitsch, Saskja Rosset, Fridolin Walcher, Marco Zanoni, Rahel Zuber

Die Agentur LUNAX freut sich, im BelleVue – Ort für Fotografie ihre neue Gemeinschaftsarbeit zum Thema Klimawandel zu präsentieren. GRADwanderung umfasst 14 fotografische Positionen, die alle im vergangenen Jahr entstanden sind. LUNAX beschäftigt sich seit Jahren intensiv fotografisch mit der Klimaerwärmung und ist heute die führende Agentur zu diesem Thema.

Für die BelleVue-Ausstellung haben sich 14 Fotograf:innen künstlerisch mit der Klimaerwärmung auseinandergesetzt. Sie haben recherchiert, diskutiert und sich der herausfordernden Frage gestellt, welche Aspekte des Klimawandels sie besonders verstören oder interessieren – und was sichtbar gemacht werden sollte. Dabei haben sie Fotografie gezielt als Medium zur Vermittlung eingesetzt.

Die Herangehensweisen sind so vielfältig wie das Kollektiv selbst. Neben Darstellungen schmelzender Gletscher, erodierender Landschaften sowie den Themen Upcycling und Konsum gibt es auch radikal subjektive Arbeiten, die persönliche Unzulänglichkeiten im Umgang mit dem Klimawandel erforschen. Es gibt einen ungewöhnlichen Blick auf die Recyclingstation Hagenholz, der den Betrachter:innen eine neue Perspektive auf den Umgang mit Abfällen eröffnet. Ebenso faszinierend ist eine Text-Bild-Arbeit, die unsere Autobahnraststätten in den Fokus rückt. Und schliesslich wird die Frage aufgeworfen: Was hat eigentlich die Bauernlobby mit der Klimaerwärmung zu tun?

Die Ausstellung präsentiert sich als eine Art Collage und bietet ein ebenso reichhaltiges wie überraschendes Spektrum an Sichtweisen, das dieses komplexe Thema auf kreative Weise interpretiert. Bereits 2022 entstanden 13 fotografische Arbeiten, die sehr unterschiedliche Aspekte des Klimawandels aufgriffen und unter dem Titel «Und jetzt? LUNAX im Klimawandel» zusammenführten. Diese Kollektivarbeit wurde unter anderem im Rahmen des Fotofestivals Lenzburg im Stadtmuseum Aarau ausgestellt und fand viel Beachtung.

Die intensive Auseinandersetzung mit dem Thema bewirkte, dass LUNAX nach Abschluss von «Und jetzt?» mit noch mehr Engagement, Wissen und Sensibilität an der Thematik festgehalten und eine weitere beeindruckende Kollektivarbeit zum Klimawandel geschaffen hat.

L'agence LUNAX a le plaisir de présenter au BelleVue - lieu de la photographie son nouveau travail collectif sur le thème du changement climatique. GRADwanderung comprend 14 positions photographiques qui ont toutes été réalisées l'année dernière. LUNAX s'occupe depuis des années de manière intensive de la photographie du réchauffement climatique et est aujourd'hui l'agence leader sur ce thème.

Pour l'exposition BelleVue, 14 photographes se sont penchés de manière artistique sur le réchauffement climatique. Ils ont fait des recherches, discuté et se sont transmis la question exigeante de savoir quels aspects du changement climatique les troublaient ou les intéressaient particulièrement - et ce qui devait être rendu visible. Ce faisant, ils ont utilisé la photographie de manière ciblée comme moyen de médiation.

Les approches sont aussi variées que le collectif lui-même. Outre les représentations de glaciers en fonte, de paysages en érosion ainsi que les thèmes de l'upcycling et de la consommation, il y a aussi des travaux radicalement subjectifs qui explorent les insuffisances personnelles face au changement climatique. Il y a un regard inhabituel sur la station de recyclage de Hagenholz, qui ouvre aux spectateurs une nouvelle perspective sur le traitement des déchets. Tout aussi fascinant est un travail visuel et textuel qui met l'accent sur nos aires d'autoroute. Enfin, la question est soulevée : Quel est le rapport entre le lobby des agriculteurs et le réchauffement climatique ?

L'exposition se présente comme une sorte de collage et offre un éventail de points de vue aussi riche que surprenant, qui interprète ce thème complexe de manière créative. Dès 2022, 13 travaux photographiques ont été réalisés, abordant des aspects très différents du changement climatique et réunis sous le titre « Et maintenant ? LUNAX face au changement climatique ». Ce travail collectif a notamment été exposé au musée municipal d'Aarau dans le cadre du festival de photographie de Lenzbourg et a suscité beaucoup d'intérêt.

La confrontation intensive avec le thème a eu pour effet que LUNAX, une fois « Und jetzt ? » terminé, s'est accroché à la thématique avec encore plus d'engagement, de connaissances et de sensibilité et a créé un autre travail collectif impressionnant sur le changement climatique.

L'agenzia LUNAX è lieta di presentare il suo nuovo lavoro di collaborazione sul tema del cambiamento climatico a BelleVue - Ort für Fotografie. GRADwanderung comprende 14 posizioni fotografiche, tutte realizzate nell'ultimo anno. LUNAX lavora intensamente da anni sul tema del riscaldamento globale ed è oggi l'agenzia leader su questo argomento.

Per la mostra BelleVue, 14 fotografi hanno adottato un approccio artistico al riscaldamento globale. Hanno ricercato, discusso e affrontato la difficile questione di quali aspetti del cambiamento climatico li disturbino o li interessino in modo particolare, e quali debbano essere resi visibili. Nel farlo, hanno utilizzato la fotografia come mezzo di comunicazione.

Gli approcci sono diversi come il collettivo stesso. Oltre alle rappresentazioni dello scioglimento dei ghiacciai, dei paesaggi in erosione e dei temi dell'upcycling e del consumo, ci sono anche opere radicalmente soggettive che esplorano le inadeguatezze personali nell'affrontare il cambiamento climatico. C'è una vista insolita del centro di riciclaggio di Hagenholz, che offre agli spettatori una nuova prospettiva sulla gestione dei rifiuti. Altrettanto affascinante è un lavoro testo-immagine che si concentra sulle nostre stazioni di servizio autostradali. Infine, viene posta una domanda: Cosa c'entra la lobby degli agricoltori con il riscaldamento globale?

La mostra si presenta come una sorta di collage e offre uno spettro ricco e sorprendente di prospettive che interpretano in modo creativo questo tema complesso. Già nel 2022 sono state realizzate 13 opere fotografiche che riprendono aspetti molto diversi del cambiamento climatico e li riuniscono sotto il titolo “E adesso? LUNAX nel cambiamento climatico”. Questo lavoro collettivo è stato esposto al Museo della Città di Aarau nell'ambito del Festival fotografico di Lenzburg e ha suscitato grande attenzione.

L'intensa esplorazione del tema ha fatto sì che, dopo il completamento di “E adesso?”, LUNAX abbia continuato ad affrontare l'argomento con ancora più impegno, conoscenza e sensibilità, creando un'altra imponente opera collettiva sul cambiamento climatico.

The LUNAX agency is pleased to present its new joint project on climate change at the BelleVue – a place for photography. GRADwanderung comprises 14 photographic positions, all of which were created last year. LUNAX has been dealing intensively with global warming in photography for years and is now the leading agency on this topic.

For the Bellevue exhibition, 14 photographers have artistically explored the issue of global warming. They have researched, discussed and faced the challenging question of which aspects of climate change particularly disturb or interest them – and what should be made visible. In doing so, they have deliberately used photography as a medium for communication.

The approaches are as diverse as the collective itself. In addition to depictions of melting glaciers, eroding landscapes, and the topics of upcycling and consumption, there are also radically subjective works that explore personal inadequacies in dealing with climate change. There is an unusual view of the Hagenholz recycling center that offers viewers a new perspective on how we handle waste. Equally fascinating is a text-and-visual work that focuses on our highway rest stops. And finally, the question is raised: What does the farmers' lobby have to do with global warming?

The exhibition is presented as a kind of collage and offers a spectrum of perspectives that is as rich as it is surprising, interpreting this complex topic in a creative way. As early as 2022, 13 photographic works were created that took up very different aspects of climate change and brought them together under the title “And now? LUNAX on climate change”. This collective work was exhibited at the Lenzburg Photo Festival in the Aarau City Museum, among other places, and attracted a great deal of attention.

The intensive examination of the topic meant that LUNAX continued to work on the topic with even more commitment, knowledge and sensitivity after completing “And now?” and created another impressive collective work on climate change.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

Galerie 94 | Baden
1. November – 21. Dezember 2024

Spielräume
Patrick Lambertz

SOLITÄRE
Lambertz inszeniert seine Motive häufig wie auf einer Bühne, in reduzierten, fast surrealen Landschaften. Ob im winterlichen Schnee oder herbstlichen Regen – Solitäre wie die „Chalets of Switzerland“, die Hochsitze aus „Die Architektur der Jagd“, die „Kapellen“ oder das berühmte „Hotel Belvédère“ tauchen immer wieder in Lambertz’ Arbeiten auf und prägen sich durch ihre minimalistische Darstellung ins Gedächtnis ein. Im Gegensatz zu Bernd und Hilla Becher, die durch ihre seriellen Schwarz-Weiss Fotografien von Wassertürmen und Fachwerkhäusern bekannt geworden sind, erlaubt sich Lambertz seinen Motiven allerdings eine persönliche Interpretation hinzuzufügen. Einerseits spielen Jahreszeit und Witterung in seinen Arbeiten eine wichtige Rolle, andererseits scheut er sich nicht, seine Fotografien nachträglich zu retuschieren und farblich zu bearbeiten, um die gewünschte Wirkung zu erzielen.

SEESTÜCKE
Lambertz’ neueste Arbeit „SEESTÜCKE“ erlebt in der Badener Ausstellung ihre Premiere und ist durch ein Zitat von Marcel Proust inspiriert: „Die wahre Entdeckungsreise liegt nicht darin, neue Landschaften zu suchen, sondern darin, mit neuen Augen zu sehen.“

Mit diesem Auftrag im Hinterkopf, das Ungewöhnliche im Naheliegenden zu entdecken, hat Lambertz dem Zürichsee eine magische Seite abgewonnen. „Seestück“ bezeichnet in der traditionellen Malerei die dramatisierte Darstellung eines wilden Meeres oder Szenen von Schiffen in gewaltigen Schlachten. Diesen heroischen, manchmal bedrohlichen Meeresporträts stellt Lambertz’ mit seinen Seestücken kontemplative, monochrome Seelandschaften gegenüber und ironisiert damit – nicht ganz unbeabsichtigt – diese historische Assoziation.

Die Ausstellung „SPIELRÄUME“ bietet eine ausgezeichnete Gelegenheit, die Fotografien von Patrick Lambertz aus verschiedenen Schaffensperioden an einem Ort zu entdecken.

SOLITAIRE
Lambertz met souvent en scène ses sujets comme sur une scène, dans des paysages réduits, presque surréalistes. Que ce soit dans la neige hivernale ou sous la pluie automnale, des solitaires comme les « Chalets of Switzerland », les miradors de « L'architecture de la chasse », les « Chapelles » ou le célèbre « Hôtel Belvédère » apparaissent régulièrement dans le travail de Lambertz et s'impriment dans la mémoire par leur représentation minimaliste. Contrairement à Bernd et Hilla Becher, connus pour leurs photographies en noir et blanc de châteaux d'eau et de maisons à colombages, Lambertz se permet d'ajouter une interprétation personnelle à ses motifs. D'une part, la saison et les conditions météorologiques jouent un rôle important dans son travail, d'autre part, il n'hésite pas à retoucher ses photographies et à en modifier les couleurs après coup pour obtenir l'effet souhaité.

PIÈCES MARINES
Le dernier travail de Lambertz, « SEESTÜCKE », fait sa première apparition à l'exposition de Baden et s'inspire d'une citation de Marcel Proust : « Le véritable voyage de découverte ne consiste pas à chercher de nouveaux paysages, mais à voir avec de nouveaux yeux ».

Avec cette mission en tête, découvrir l'insolite dans ce qui est proche, Lambertz a trouvé un côté magique au lac de Zurich. « Seestück » désigne dans la peinture traditionnelle la représentation dramatisée d'une mer déchaînée ou des scènes de navires engagés dans de violentes batailles. A ces portraits de mer héroïques, parfois menaçants, Lambertz' transmet avec ses Seestücken des paysages lacustres contemplatifs et monochromes, ironisant ainsi - non sans intention - sur cette association historique.

L'exposition « SPIELRÄUME » est une excellente occasion de découvrir en un même lieu les photographies de Patrick Lambertz issues de différentes périodes de création.

SOLITARI
Lambertz mette spesso in scena i suoi motivi come su un palcoscenico, in paesaggi ridotti e quasi surreali. Che si tratti di neve invernale o di pioggia autunnale, i solitari come gli “Chalet della Svizzera”, gli alti sedili de “L'architettura della caccia”, le “Cappelle” o il famoso “Hotel Belvédère” appaiono ripetutamente nelle opere di Lambertz e sono memorabili per la loro rappresentazione minimalista. A differenza di Bernd e Hilla Becher, che sono diventati famosi per le loro fotografie seriali in bianco e nero di torri d'acqua e case a graticcio, Lambertz si permette di aggiungere un'interpretazione personale ai suoi motivi. Da un lato, la stagione e il tempo giocano un ruolo importante nel suo lavoro, mentre dall'altro, non ha paura di ritoccare le sue fotografie in seguito e di modificare i colori per ottenere l'effetto desiderato.

SEESTÜCKE
L'ultimo lavoro di Lambertz, “SEESTÜCKE”, viene presentato in anteprima alla mostra di Baden e si ispira a una citazione di Marcel Proust: “Il vero viaggio di scoperta non consiste nel cercare nuovi paesaggi, ma nel vedere con nuovi occhi”.

Con questa missione in mente, scoprire l'insolito nell'ovvio, Lambertz ha portato un lato magico del Lago di Zurigo. Nella pittura tradizionale, il termine 'paesaggio marino' si riferisce alla rappresentazione drammatica di un mare selvaggio o a scene di navi in potenti battaglie. Nei suoi paesaggi marini, Lambertz contrappone questi ritratti marini eroici e talvolta minacciosi a paesaggi marini contemplativi e monocromatici, ironizzando così - non del tutto involontariamente - su questa associazione storica.

La mostra “SPIELRÄUME” offre un'eccellente opportunità di scoprire le fotografie di Patrick Lambertz di diversi periodi creativi in un unico luogo.

SOLITARIES
Lambertz often stages his motifs as if on a stage, in reduced, almost surreal landscapes. Whether in the winter snow or autumn rain - solitaires such as the ‘Chalets of Switzer-land’, the high seats from ‘The Architecture of the Hunt’, the ‘Chapels’ or the famous ‘Hotel Belvédère’ appear again and again in Lambertz's works and are imprinted on the memory through their minimalist depiction. In contrast to Bernd and Hilla Becher, who became famous for their serial black and white photographs of water towers and half-timbered houses, Lambertz allows himself to add a personal interpretation to his motifs. On the one hand, the season and weather play an important role in his works, while on the other, he does not shy away from retouching and colour-editing his photographs afterwards in order to achieve the desired effect.

SEESTÜCKE
Lambertz's latest work ‘SEESTÜCKE’ is making its debut at the Baden exhibition and is inspired by a quote from Marcel Proust: ‘The true voyage of discovery lies not in seeking new landscapes, but in seeing with new eyes.’

With this mission in mind, to discover the unusual in the obvious, Lambertz has taken a magical side to Lake Zurich. In traditional painting, the term ‘seascape’ refers to the dramatised depiction of a wild sea or scenes of ships in mighty battles. With his seascapes, Lambertz' contrasts these heroic, sometimes threatening portraits of the sea with contemplative, monochrome seascapes, thereby - not entirely unintentionally - ironising this historical association.

The ‘SPIELRÄUME’ exhibition offers an excellent opportunity to discover Patrick Lambertz's photographs from different creative periods in one place.

(Text: Galerie 94, Baden)

Galerie 94 | Baden
30. August – 12. Oktober 2024

diffus
Sandro Livio Straube

Im Rahmen der Langzeitserie "Berge bleichen" präsentiert Sandro Livio Straube nun die Fortsetzung der Arbeit mit der neuen Serie "diffus". Diese Ausstellung lädt die Betrachter ein, in eine Welt einzutauchen, die von verschwommenen, vom Licht geprägten Bildern durchzogen ist - ephemere und vom Zufall geprägte Momente des Unkontrollierbaren.

"diffus" beschreibt das Verschwommene und Ungefähre, das von Licht und Schatten Geformte. Diese Bilder fangen Momente ein, die nicht durch ihre Klarheit bestechen, sondern durch ihre poetische Unbestimmtheit. Es geht nicht darum, neue Dinge zu fotografieren, sondern das Vertraute neu zu sehen.

In "diffus" hinterfragt Straube die Konkretheit von Dingen und Momenten, indem er die Unschärfe und das Ungewisse betont. Diese Serie ist gleichsam eine Einladung, bekannte Landschaften und Objekte in einem anderen Licht zu betrachten. Es ist eine poetische Suche nach dem Wesentlichen in der Unklarheit und nach der Schönheit in der Zwielichtigkeit.

Die Serie "diffus" ergänzt und erweitert die Themen von "Berge bleichen". Während "Berge bleichen" die rauen, bleichen Landschaften des Val Lumnezia einfängt, erkundet "diffus" die subtileren, flüchtigeren Aspekte dieser Umgebung. Es ist eine Meditation über das Licht und seine Fähigkeit, die Realität in etwas Flüchtiges und Geheimnisvolles zu verwandeln. Straube fordert uns auf, innezuhalten und die Schönheit in der Unklarheit und im Unvollständigen zu entdecken.

In dieser Ausstellung treffen frühere Bilder der Serie „Berge bleichen“ auf neue Werke aus „diffus“. Diese Gegenüberstellung ermöglicht es den Betrachtern, die Entwicklung und den erweiterten Blickwinkel des Künstlers zu erleben – von den Objekten und Strukturen der ersten Serie hin zu den weichen, atmosphärischen Kompositionen von „diffus“.

Dans le cadre de la série à long terme "Berge bleichen", Sandro Livio Straube présente à présent la suite de son travail avec la nouvelle série "diffus". Cette exposition invite les spectateurs à se plonger dans un monde traversé par des visuels flous, marqués par la lumière - des moments éphémères et aléatoires de l'incontrôlable.

"diffus" décrit ce qui est flou et approximatif, ce qui est façonné par la lumière et l'ombre. Ces visuels capturent des moments qui ne séduisent pas par leur clarté, mais par leur indétermination poétique. Il ne s'agit pas de photographier des choses nouvelles, mais de revoir ce qui nous est familier.

Dans "diffus", Straube remet en question le caractère concret des choses et des moments en mettant l'accent sur le flou et l'incertain. Cette série est en quelque sorte une invitation à regarder des paysages et des objets connus sous un autre jour. C'est une recherche poétique de l'essentiel dans le flou et de la beauté dans le crépuscule.

La série "diffus" complète et élargit les thèmes de "Berge blleichen". Alors que "Berge bleichen" capture les paysages rudes et pâles du Val Lumnezia, "diffus" explore les aspects plus subtils et fugaces de cet environnement. C'est une méditation sur la lumière et sa capacité à transformer la réalité en quelque chose d'éphémère et de mystérieux. Straube nous invite à nous arrêter et à découvrir la beauté dans le flou et l'inachevé.

Dans cette exposition, d'anciens visuels de la série "Berge bleichen" (les montagnes blanchissent) rencontrent de nouvelles œuvres de "diffus". Cette juxtaposition permet aux spectateurs de découvrir l'évolution et l'élargissement de la perspective de l'artiste - des objets et structures de la première série aux compositions douces et atmosphériques de "diffus".

Nell'ambito della serie a lungo termine "Berge bleichen", Sandro Livio Straube presenta ora la continuazione del lavoro con la nuova serie "diffus". Questa mostra invita gli spettatori a immergersi in un mondo di immagini sfocate caratterizzate dalla luce - momenti effimeri dell'incontrollabile che sono modellati dal caso.

"Diffuse" descrive l'indistinto e l'approssimativo, il plasmato dalla luce e dall'ombra. Queste immagini catturano momenti che non sono caratterizzati dalla loro chiarezza, ma dalla loro poetica indeterminatezza. L'obiettivo non è fotografare cose nuove, ma vedere il familiare in modo nuovo.

In "Diffus", Straube mette in discussione la concretezza delle cose e dei momenti enfatizzando la sfocatura e l'incertezza. Questa serie è, per così dire, un invito a guardare paesaggi e oggetti familiari sotto una luce diversa. È una ricerca poetica dell'essenziale nel non chiaro e della bellezza nel crepuscolo.

La serie "diffus" completa e amplia i temi di "Berge bleichen". Mentre "Berge bleichen" cattura i paesaggi aspri e pallidi della Val Lumnezia, "diffus" esplora gli aspetti più sottili e fugaci di questo ambiente. È una meditazione sulla luce e sulla sua capacità di trasformare la realtà in qualcosa di fugace e misterioso. Straube ci invita a fermarci e a scoprire la bellezza dell'ambiguità e dell'incompletezza.

In questa mostra, i dipinti precedenti della serie "Berge bleichen" incontrano le nuove opere di "diffus". Questa giustapposizione permette agli spettatori di sperimentare l'evoluzione e l'ampliamento della prospettiva dell'artista - dagli oggetti e dalle strutture della prima serie alle composizioni morbide e atmosferiche di "diffus".

As part of the long-term series "Berge bleichen", Sandro Livio Straube is now presenting the continuation of his work with the new series "diffus". This exhibition invites viewers to immerse themselves in a world of blurred images characterised by light - ephemeral moments of the uncontrollable that are shaped by chance.

"diffus" describes the blurred and approximate, the moulded by light and shadow. These pictures capture moments that are not characterised by their clarity, but by their poetic indeterminacy. The aim is not to photograph new things, but to see the familiar in a new light. In "diffus", Straube questions the concreteness of things and moments by emphasising blurriness and uncertainty. This series is, as it were, an invitation to look at familiar landscapes and objects in a different light. It is a poetic search for the essential in the unclear and for beauty in the twilight.

The "diffus" series complements and expands on the themes of "Berge bleichen". While "Berge bleichen" captures the harsh, pale landscapes of Val Lumnezia, "diffus" explores the more subtle, fleeting aspects of this environment. It is a meditation on light and its ability to transform reality into something fleeting and mysterious. Straube invites us to pause anddiscover the beauty in ambiguity and incompleteness.

In this exhibition, earlier paintings from the "Berge bleichen" series meet new works from "diffus". This juxtaposition allows viewers to experience the artist's development and expanded perspective - from the objects and structures of the first series to the soft, atmospheric compositions of "diffus".

(Text: Galerie 94, Baden)

IPFO Haus der Fotografie | Olten

23. August – 29. September 2024

PHOTOVILLE4600: das Beste der Schweizer Fotografie

Brigitte Aeschbach, Sara Affolter, Ellin Anderegg, Hekuran Avidili, Timon Bachmann, Sven Bänziger, Lea Baumgartner, Dominik Baur, Martin Benz, Christian Bobst, Stephan Bösch, Maguy Bovier, Alexandre Brisson, Lea Bucsko, Marco Büchel, Edgar Bühler, Vincent Calmel, Jean-François Delhom, Stephanie Dinkel, Christina Egli, Micha Eicher, Daniel Fahrni, Patrick Fuchs, Rolf Gasser, Claudia Gschwend, Maurice Haas, Luis Hartl, Rudolf Hug, Severin Jakob, Hanna Jaray, Isabella Joss, Mirjam Kluka, Sepp Koeppel, Hanspeter Lang, Jacqueline Lipp, Morris Lüthi, Kostas Maros, Ellen Mathys, Victoria Mayr, Joan Minder, Belser Nadia, Michelle Aimée Oesch, Urs Renggli, Nenad Rodic, René Schädler, Roland Schmid, Judith Schönenberger, Manuel Studer, Raphael Studer, Yannik Studer, Nadja Tanang, Valentina Verdesca, Cédric Widmer, Gian Reto Zanetti, Roger Zaugg

Die Ausstellung findet im Rahmen des Swiss Photomonth statt.

Das Haus der Fotografie zeigt ab Ende August die Ausstellung PHOTOVILLE4600, es ist eine Auswahl der derzeit besten Schweizer Fotograf:innen.

Bisher wurde der Wettbewerb „PhotoVille4600“ alle zwei Jahre am International Photo Festival Olten (IPFO) durchgeführt und ausgestellt. Zum ersten Mal findet der Wettbewerb ausserhalb des Festivals statt.

Gezeigt werden 226 Werke von 56 Künstler:innen die von einer hochkarätigen Jury ausgewählt und bewertet wurden. Unter den Juroren waren Persönlichkeiten wie der US-Fotograf Dan Winters, Sarah Gilbert vom britischen The Guardian sowie Amélie Schneider, Fotodirektorin der deutschen Zeitung DIE ZEIT. Die 6 Gewinner:innen, können zudem Dank der Unterstützung der Beatrice Maurer-Billeter Stiftung grosszügige Preise entgegen nehmen.

Das Haus der Fotografie präsentiert auf drei Etagen ein spannendes und abwechslungsreiches Erlebnis. Alle Fotograf:innen und Werke sind in drei Sprachen beschrieben, auch private Führungen sind möglich.

La Maison de la Photographie présente à partir de fin août l'exposition PHOTOVILLE4600, une sélection des meilleurs photographes suisses du moment.

Jusqu'à présent, le concours « PhotoVille4600 » était organisé et exposé tous les deux ans au Festival international de la photographie d'Olten (IPFO). Pour la première fois, le concours a lieu en dehors du festival.

Les 226 œuvres de 56 artistes sélectionnés et évalués par un jury de haut niveau seront exposées. Parmi les membres du jury figuraient des personnalités telles que le photographe américain Dan Winters, Sarah Gilbert du quotidien britannique The Guardian et Amélie Schneider, directrice de la photographie du journal allemand DIE ZEIT. Les 6 gagnants pourront également recevoir de généreux prix grâce au soutien de la Fondation Beatrice Maurer-Billeter.

La Maison de la Photographie présente sur trois étages une expérience passionnante et variée. Tous les photographes et leurs œuvres sont décrits en trois langues et des visites privées sont également possibles.

Dalla fine di agosto, la Casa della Fotografia esporrà la mostra PHOTOVILLE4600, una selezione dei migliori fotografi svizzeri del momento.

Finora, il concorso “PhotoVille4600” è stato organizzato ed esposto ogni due anni in occasione dell'International Photo Festival Olten (IPFO). Per la prima volta, il concorso si terrà al di fuori del festival.

Saranno esposte 226 opere di 56 artisti, selezionate e valutate da una giuria di alto livello. La giuria comprende personalità come il fotografo statunitense Dan Winters, Sarah Gilbert del quotidiano britannico The Guardian e Amélie Schneider, direttore fotografico del quotidiano tedesco DIE ZEIT. I 6 vincitori riceveranno anche generosi premi grazie al sostegno della Fondazione Beatrice Maurer-Billeter.

La Casa della Fotografia presenta un'esperienza emozionante e varia su tre piani. Tutti i fotografi e le opere sono descritti in tre lingue e sono disponibili anche visite private.

From the end of August, the House of Photography will be showing the PHOTOVILLE4600 exhibition, a selection of the best Swiss photographers of the moment.

Until now, the “PhotoVille4600” competition has been held and exhibited every two years at the International Photo Festival Olten (IPFO). For the first time, the competition is being held outside of the festival.

On display will be 226 works by 56 artists, selected and evaluated by a high-caliber jury. Among the jurors were personalities such as US photographer Dan Winters, Sarah Gilbert from the British newspaper The Guardian and Amélie Schneider, photo director of the German newspaper DIE ZEIT. The 6 winners will also receive generous prizes thanks to the support of the Beatrice Maurer-Billeter Foundation.

The House of Photography presents an exciting and varied experience on three floors. All photographers and works are described in three languages, and private tours are also available.

(Text: IPFO Haus der Fotografie, Olten)

Kunsthaus Zofingen
27. Juni – 9. August 2024

Look@JKON Sommerfensterausstellung
Roshan Adhihetty

Der Fotograf und Künstler Roshan Adhihetty wurde an der letztjährigen JKON (Junge Kunst Olten) von der Jury des Kunsthauses Zofingen für den Förderpreis der Sommerfensterausstellung ausgewählt. Roshan Adhihetty (*1990, Lausanne) recherchiert in seiner künstlerischen Arbeit seit einigen Jahren rund um die Kartoffel. Er ist fasziniert von der Ästhetik der spriessenden Knolle, die zu ganz wundersamen Formen und Figuren heranwachsen kann und untersucht sie mit unterschiedlichsten künstlerischen Methoden.

Im Kunsthaus Zofingen zeigt er im Innenraum die Vielfalt der Kartoffel als Stillleben in einer mehrteiligen Fotoserie, als skulpturale Installation oder als humoristische Objektkunst, indem er die Kartoffel (im musealen Kontext) auf den Sockel hebt. Vor dem Kunsthaus betreibt er an vier Daten eine Frittenbude, mit der er auf die kulturhistorischen und wirtschaftlichen Aspekte der Kartoffel aufmerksam macht. Was bedeutet es, wenn in der Schweiz rund 50 % der Kartoffeln aussortiert werden?

Aussortierte Kartoffeln sind solche, die zu gross, zu klein oder zu dünn sind, und deshalb gar nicht erst in die Verkaufsregale gelangen, sondern direkt auf dem Erntefeld aussortiert werden. Die Kartoffeln sind geschmacklich perfekt und genauso wie die anderen zum Verzehr geeignet, sie werden aber zu Tierfutter, Biogas oder ähnlichem weiterverarbeitet. Roshan Adhihetty möchte auf diesen verschwenderischen Umstand aufmerksam machen. Dabei verfolgt er zwei verschiedene künstlerische Strategien: In den Parterreräumen des Kunsthauses Zofingen installiert Roshan Adhihetty eine «klassische» Ausstellung, die sich an den Rundbogenfenstern orientiert. Er zeigt einerseits vier Nasspräparate der Kartoffel mit dem Titel «Forever young». Für immer jung, ein Versprechen, das die ausgestellten Kartoffeln in den musealen Konservierungsgläsern einhalten. Eingelegt in hochprozentigen Alkohol und in den richtigen Behältern, bleiben seine Kartoffeln über Jahrzehnte unverändert. Auf einen weissen Sockel gestellt, erhalten sie eine ganz andere Bedeutung, als wenn wir sie im Supermarkt kaufen oder sie zu einer Mahlzeit zubereiten. In der begleitenden und sehr ästhetischen Fotoserie «Sélection» stellt er die Kartoffel in der Tradition des Stilllebens dar und stellt die organischen Rundungen der Kartoffel präzisen Objekten gegenüber.

In der Skulptur «Ike-Papa» zeigt Roshan Adhihetty frische Kartoffeln, deren Formen und Vielfalt überraschen, und zelebriert die Kartoffel als Kunstobjekt. In der Tradition der «Ready Mades» erhebt er die Kartoffel zur Objektkunst.

Mit einem grossen Haufen von circa 300 kg aussortierten Kartoffeln visualisiert der Künstler die grosse Menge der aussortierten Kartoffeln. Roshan Adhihetty präsentiert uns die Kartoffel als Ausschussware in einer Welt des Überflusses. Diese Kartoffeln serviert der Künstler den Besucher*innen des Kunsthauses Zofingen an mehreren Abenden in seiner selbstgebauten Frittenbude. Die Pommesbude baut er aus Abfallholz im Aussenraum des Kunsthauses Zofingen. Auch hier gilt der Nachhaltigkeitsgedanke: Das Material ist nicht neu, sondern Ausschussware, wie bei den aussortierten Kartoffeln.

Die Frittenbude wird partizipativ betrieben. Besucher*innen müssen ihre Kartoffeln selber waschen und zuschneiden, bevor sie sie selber frittieren oder frittieren lassen. Die Frittenbude wird vom Künstler, von der Künstlerischen Leiterin, vom Vorstand des Kunsthaus Zofingens und von der Leserei Zofingen betrieben. Freiwillige sind sehr willkommen und dürfen Hand anlegen. Natürlich werden die Pommes umsonst abgegeben.

Le photographe et artiste Roshan Adhihetty a été sélectionné par le jury du Kunsthaus Zofingen lors de la JKON (Junge Kunst Olten) de l'année dernière pour le prix d'encouragement de l'exposition des fenêtres d'été. Dans son travail artistique, Roshan Adhihetty (*1990, Lausanne) effectue depuis quelques années des recherches autour de la pomme de terre. Il est fasciné par l'esthétique de ce tubercule bourgeonnant, qui peut prendre des formes et des figures tout à fait miraculeuses, et l'étudie avec les méthodes artistiques les plus diverses.

Au Kunsthaus de Zofingen, il montre à l'intérieur la diversité de la pomme de terre sous forme de nature morte dans une série de photos en plusieurs parties, d'installation sculpturale ou d'art objet humoristique, en mettant la pomme de terre (dans le contexte muséal) sur un piédestal. Devant le Kunsthaus, il tient une baraque à frites à quatre dates, avec laquelle il attire l'attention sur les aspects culturels, historiques et économiques de la pomme de terre. Que signifie le fait qu'en Suisse, environ 50 % des pommes de terre sont triées ?

Les pommes de terre rejetées sont celles qui sont trop grandes, trop petites ou trop fines et qui ne sont donc pas mises en vente, mais triées directement sur le champ de récolte. Ces pommes de terre ont un goût parfait et sont tout aussi propres à la consommation que les autres, mais elles sont transformées en aliments pour animaux, en biogaz ou autres. Roshan Adhihetty souhaite attirer l'attention sur cette situation de gaspillage. Pour ce faire, il poursuit deux stratégies artistiques différentes : Dans les salles du parterre du Kunsthaus Zofingen, Roshan Adhihetty installe une exposition "classique" qui s'inspire des fenêtres en plein cintre. Il présente d'une part quatre préparations humides de pommes de terre intitulées "Forever young". Pour toujours jeune, une promesse que les pommes de terre exposées tiennent dans les bocaux de conservation du musée. Conservées dans de l'alcool à haut degré et dans les bons récipients, ses pommes de terre restent inchangées pendant des décennies. Transmises sur un socle blanc, elles prennent une toute autre signification que lorsque nous les achetons au supermarché ou que nous les préparons pour un repas. Dans la série de photos "Sélection" qui l'accompagne et qui est très esthétique, il représente la pomme de terre dans la tradition de la nature morte et oppose les courbes organiques de la pomme de terre à des objets précis.

Dans la sculpture "Ike-Papa", Roshan Adhihetty montre des pommes de terre fraîches, dont les formes et la diversité surprennent, et célèbre la pomme de terre comme objet d'art. Dans la tradition des "Ready Mades", il élève la pomme de terre au rang d'objet d'art.

Avec un grand tas d'environ 300 kg de pommes de terre triées, l'artiste visualise la grande quantité de pommes de terre triées. Roshan Adhihetty nous présente la pomme de terre comme une marchandise de rebut dans un monde d'abondance. Ces pommes de terre, l'artiste les sert aux visiteurs* du Kunsthaus Zofingen plusieurs soirs de suite dans la baraque à frites qu'il a lui-même construite. Il construit la baraque à frites à partir de déchets de bois dans l'espace extérieur du Kunsthaus Zofingen. Ici aussi, l'idée de durabilité s'applique : le matériau n'est pas neuf, mais des rebuts, comme pour les pommes de terre triées.

La baraque à frites est gérée de manière participative. Les visiteurs* doivent laver et découper eux-mêmes leurs pommes de terre avant de les faire frire eux-mêmes ou de les faire frire. La baraque à frites est gérée par l'artiste, la directrice artistique, le comité du Kunsthaus Zofingens et la Leserei Zofingen. Les bénévoles sont les bienvenus et peuvent mettre la main à la pâte. Bien entendu, les frites seront distribuées gratuitement.

Il fotografo e artista Roshan Adhihetty è stato selezionato dalla giuria del Kunsthaus Zofingen in occasione della scorsa edizione del JKON (Young Art Olten) per il premio di sponsorizzazione della mostra estiva della vetrina. Roshan Adhihetty (*1990, Losanna) da diversi anni ricerca la patata nel suo lavoro artistico. È affascinato dall'estetica del tubero germogliante, che può crescere in forme e figure meravigliose, e le esplora utilizzando un'ampia varietà di metodi artistici.

All'interno della Kunsthaus Zofingen, mostra la diversità della patata come natura morta in una serie di foto in più parti, come installazione scultorea o come oggetto d'arte umoristico innalzando la patata (in un contesto museale) su un piedistallo. Di fronte al Kunsthaus, gestisce un negozio di patatine fritte in quattro date, con cui richiama l'attenzione sugli aspetti storico-culturali ed economici della patata. Cosa significa che circa il 50% delle patate in Svizzera viene scartato?

Le patate scartate sono quelle troppo grandi, troppo piccole o troppo sottili e quindi non arrivano nemmeno sugli scaffali, ma vengono selezionate direttamente sul campo di raccolta. Queste patate hanno un sapore perfetto e sono adatte al consumo come le altre, ma vengono trasformate in mangime per animali, biogas o simili. Roshan Adhihetty vuole attirare l'attenzione su questa situazione di spreco. Sta perseguendo due diverse strategie artistiche: Nelle sale al piano terra della Kunsthaus Zofingen, Roshan Adhihetty sta allestendo una mostra "classica" orientata intorno alle finestre ad arco. Da un lato, espone quattro preparazioni umide della patata con il titolo "Forever young". Per sempre giovane", una promessa che le patate esposte nei barattoli di conservazione del museo mantengono. Conservate in alcool ad alta resistenza e nei contenitori giusti, le sue patate rimangono inalterate per decenni. Collocate su uno zoccolo bianco, assumono un significato completamente diverso rispetto a quando le compriamo al supermercato o le prepariamo per un pasto. Nella serie fotografica "Sélection", di accompagnamento e molto estetica, l'artista ritrae la patata nella tradizione della natura morta e accosta le curve organiche della patata a oggetti precisi.

Nella scultura "Ike-Papa", Roshan Adhihetty mostra patate fresche, le cui forme e varietà sono sorprendenti, e celebra la patata come oggetto d'arte. Nella tradizione dei "Ready Mades", eleva la patata a oggetto d'arte.

Con un grande mucchio di circa 300 kg di patate scartate, l'artista visualizza la grande quantità di patate scartate. Roshan Adhihetty presenta la patata come un rifiuto in un mondo di abbondanza. L'artista serve queste patate ai visitatori della Kunsthaus Zofingen in diverse serate nel suo negozio di patatine fritte autocostruito. L'artista costruisce il negozio di patatine con legno di scarto nello spazio esterno della Kunsthaus Zofingen. Anche qui vale l'idea di sostenibilità: il materiale non è nuovo, ma di scarto, come le patate scartate.

Il negozio di patatine è gestito in modo partecipativo. I visitatori devono lavare e tagliare le proprie patate prima di friggerle o farle friggere. Il negozio di patatine è gestito dall'artista, dal direttore artistico, dal consiglio di amministrazione della Kunsthaus Zofingen e dalla Leserei Zofingen. I volontari sono i benvenuti e possono dare una mano. Naturalmente, le patatine sono gratuite.

The photographer and artist Roshan Adhihetty was selected by the jury of the Kunsthaus Zofingen at last year's JKON (Young Art Olten) for the sponsorship award of the summer window exhibition. Roshan Adhihetty (*1990, Lausanne) has been researching the potato in his artistic work for several years. He is fascinated by the aesthetics of the sprouting tuber, which can grow into quite wondrous shapes and figures, and explores them using a wide variety of artistic methods.

In the interior of the Kunsthaus Zofingen, he shows the diversity of the potato as a still life in a multi-part photo series, as a sculptural installation or as humorous object art by lifting the potato (in a museum context) onto a pedestal. He runs a chip shop in front of the Kunsthaus on four dates, drawing attention to the cultural-historical and economic aspects of the potato. What does it mean when around 50% of potatoes are sorted out in Switzerland?

Rejected potatoes are those that are too big, too small or too thin and therefore do not even make it to the shelves, but are sorted out directly on the harvest field. The potatoes are perfectly tasty and just as suitable for consumption as the others, but they are processed into animal feed, biogas or similar. Roshan Adhihetty wants to draw attention to this wasteful situation. He is pursuing two different artistic strategies: In the first floor rooms of the Kunsthaus Zofingen, Roshan Adhihetty is installing a "classic" exhibition based on the arched windows. On the one hand, he is showing four wet preparations of the potato with the title "Forever young". Forever young", a promise that the potatoes on display in the museum's preserving jars keep. Preserved in high-proof alcohol and in the right containers, his potatoes remain unchanged for decades. Placed on a white pedestal, they take on a completely different meaning than when we buy them in the supermarket or prepare them for a meal. In the accompanying and very aesthetic photo series "Sélection", he depicts the potato in the tradition of still life and juxtaposes the organic curves of the potato with precise objects.

In the sculpture "Ike-Papa", Roshan Adhihetty shows fresh potatoes, whose shapes and variety are surprising, and celebrates the potato as an art object. In the tradition of the "Ready Mades", he elevates the potato to object art.

With a large pile of around 300 kg of discarded potatoes, the artist visualizes the large quantity of discarded potatoes. Roshan Adhihetty presents the potato as a reject in a world of abundance. The artist serves these potatoes to visitors to the Kunsthaus Zofingen on several evenings in his self-built chip shop. He builds the chip shop from waste wood in the outdoor space of the Kunsthaus Zofingen. Here, too, the idea of sustainability applies: the material is not new, but scrap, like the discarded potatoes.

The chip shop is run on a participatory basis. Visitors have to wash and cut their own potatoes before frying them themselves or having them fried. The chip shop is run by the artist, the artistic director, the board of the Kunsthaus Zofingen and the Leserei Zofingen. Volunteers are very welcome and can lend a hand. Of course, the fries are free of charge.

(Text: Kunsthaus Zofingen)

Haus der Kunst | Solothurn
9. Juni – 21. Juli 2024

Doppelbelichtungen
Lukas Hoffmann

Der neue Werkzyklus von Lukas Hoffmann basiert auf einem einfachen und wirkungsvollen Konzept.

Mit seiner Grossbildkamera 8x10 Inch fotografiert er ohne Stativ aus einer Distanz von rund 2,6 Metern Menschen im öffentlichen Raum. Dabei macht er zwei Aufnahmen auf ein Negativ.

Die hellen Partien bringen die dunklen zum Verschwinden, umso intensiver, je stärker die Kontraste sind. Die dabei zeitlichen und räumlichen Verschiebungen manifestieren sich durch semi-transparente Bildpartien. Das Fotografierte wirkt in der Folge unklar, zerrissen, deformiert. Figur, Architektur oder Vegetation verschmelzen bisweilen bis zur Unkenntlichkeit ineinander.

Die 30 ausgestellten schwarz–weiss Fotografien sind allesamt in den letzten zwei Monaten in seiner Wahlheimat Berlin entstanden. Lukas Hoffmann (*1981 in Zug), streift mit der Grossbildkamera durch die Stadt, hofft auf sonniges Wetter und packt seine Motive.

Entstanden ist ein neuer Arbeitszyklus, dessen Bildausdruck ungewohnt ist – und den Betrachter dazu verführt, eine Entdeckungsreise in Raum und Zeit anzutreten.

Le nouveau cycle d'œuvres de Lukas Hoffmann repose sur un concept simple et efficace.

Avec son appareil photo grand format 8x10 inch, il photographie sans trépied des personnes dans l'espace public à une distance d'environ 2,6 mètres. Il prend deux photos sur un négatif.

Les parties claires font disparaître les parties sombres, d'autant plus intensément que les contrastes sont forts. Les décalages temporels et spatiaux qui en résultent se manifestent par des parties d'image semi-transparentes. La chose photographiée apparaît alors floue, déchirée, déformée. Figure, architecture ou végétation se confondent parfois jusqu'à devenir méconnaissables.

Les 30 photographies en noir et blanc exposées ont toutes été prises au cours des deux derniers mois dans sa ville d'adoption, Berlin. Lukas Hoffmann (né en 1981 à Zoug) parcourt la ville avec son appareil photo grand format, espère un temps ensoleillé et saisit ses motifs.

Il en résulte un nouveau cycle de travail dont l'expression picturale est inhabituelle - et qui incite le spectateur à entreprendre un voyage de découverte dans l'espace et le temps.

Il nuovo ciclo di opere di Lukas Hoffmann si basa su un concetto semplice ed efficace.

Utilizzando la sua macchina fotografica di grande formato 8x10 pollici, fotografa le persone in spazi pubblici da una distanza di circa 2,6 metri senza treppiede. Effettua due scatti su un unico negativo.

Le aree chiare fanno scomparire quelle scure, tanto più intense quanto più forti sono i contrasti. Gli spostamenti temporali e spaziali che ne derivano si manifestano in parti semitrasparenti dell'immagine. Di conseguenza, ciò che viene fotografato appare poco chiaro, lacerato, deformato. Figure, architetture o vegetazione a volte si fondono l'una nell'altra senza essere riconoscibili.

Le 30 fotografie in bianco e nero in mostra sono state tutte scattate negli ultimi due mesi nella sua città d'adozione, Berlino. Lukas Hoffmann (*1981 a Zug) gira per la città con la sua macchina fotografica di grande formato, sperando in un tempo soleggiato e cogliendo i suoi motivi.

Il risultato è un nuovo ciclo di lavori la cui espressione pittorica è insolita e invita lo spettatore a intraprendere un viaggio alla scoperta dello spazio e del tempo.

Lukas Hoffmann's new cycle of works is based on a simple and effective concept.

Using his large-format 8x10 inch camera, he photographs people in public spaces from a distance of around 2.6 meters without a tripod. He takes up two shots on one negative.

The light areas make the dark areas disappear, the more intense the stronger the contrasts are. The resulting temporal and spatial shifts are manifested in semi-transparent parts of the image. As a result, what is photographed appears unclear, torn, deformed. Figure, architecture or vegetation sometimes merge into one another beyond recognition.

The 30 black and white photographs on display were all taken in the last two months in his adopted home of Berlin. Lukas Hoffmann (*1981 in Zug) roams the city with his large-format camera, hoping for sunny weather and grabbing his motifs.

The result is a new cycle of work whose pictorial expression is unusual - and entices the viewer to embark on a journey of discovery in space and time.

(Text: Haus der Kunst, Solothurn)

Aargauer Kunsthaus | Aarau
8. Juni – 27. Oktober 2024

A Single Universe
Pauline Julier

Die Ausstellung der Künstlerin und Filmemacherin Pauline Julier (*1981, Genf) ist eine intergalaktische Tour. Sie führt uns durch die geologischen Zeitalter der Erde bis ins Weltall. Wir besuchen einen 300 Millionen Jahre alten Wald in China ebenso wie ein Gebirge auf dem Mars. Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft lösen sich auf, bis wir die Orientierung verlieren. Doch die Verwirrung ist gewollt und fordert uns heraus: Wie weit ist die Menschheit bereit, die Ressourcen der Erde und weiterer Planeten auszubeuten? Wie können wir auf die Komplexität des Klimawandels reagieren?

Pauline Julier hinterfragt die Beziehungen zwischen Mensch und Umwelt: In diesem «einzigen Universum» sind alle Lebewesen mit einander verbunden. In immersiven Videoinstallationen verknüpft die Künstlerin wissenschaftliche Erkenntnisse mit Ritualen und Mythen. Zwischen Dokumentation und Fiktion lädt sie uns dazu ein, einen Blick mit der Welt zu teilen, und nicht auf sie zu werfen.

L'exposition de l'artiste et cinéaste Pauline Julier (*1981, Genève) est un tour intergalactique. Elle nous fait traverser les âges géologiques de la Terre jusqu'à l'espace. Nous visitons aussi bien une forêt chinoise vieille de 300 millions d'années qu'une montagne sur Mars. Le passé, le présent et le futur se dissolvent jusqu'à ce que nous perdions nos repères. Mais la confusion est voulue et nous met au défi : Jusqu'à quel point l'humanité est-elle prête à exploiter les ressources de la Terre et d'autres planètes ? Comment pouvons-nous réagir à la complexité du changement climatique ?

Pauline Julier s'interroge sur les relations entre l'homme et son environnement : dans cet "univers unique", tous les êtres vivants sont reliés les uns aux autres. Dans des installations vidéo immersives, l'artiste associe les connaissances scientifiques aux rituels et aux mythes. Entre documentaire et fiction, elle nous invite à partager un regard sur le monde et non à le regarder.

La mostra dell'artista e regista Pauline Julier (*1981, Ginevra) è un tour intergalattico. Ci porta attraverso le ere geologiche della Terra e nello spazio. Visitiamo una foresta di 300 milioni di anni fa in Cina e una catena montuosa su Marte. Passato, presente e futuro si dissolvono fino a farci perdere l'orientamento. Ma la confusione è intenzionale e ci mette alla prova: Fino a che punto l'umanità è pronta a sfruttare le risorse della Terra e degli altri pianeti? Come possiamo rispondere alla complessità del cambiamento climatico?

Pauline Julier analizza il rapporto tra l'uomo e l'ambiente: in questo "universo unico", tutti gli esseri viventi sono collegati tra loro. In videoinstallazioni immersive, l'artista combina scoperte scientifiche con rituali e miti. Tra documentario e finzione, ci invita a condividere uno sguardo con il mondo, non su di esso.

Ready for a voyage through space and time? The exhibition by the artist and filmmaker Pauline Julier (*1981, Geneva) is an intergalactic tour, leading us through the geological ages of the Earth all the way to space. We visit a 300-million-year-old forest in China as well as a mountain range on Mars. Past, present, and future dissolve until we lose our bearings. But this confusion is intended and challenges us: How far are humans willing to go to exploit the resources of Earth and other planets? How can we respond to the complexity of climate change?

Pauline Julier questions the relationships between humans and the environment: In this “single universe” all living beings are interconnected. With immersive video installations, the artist links scientific discoveries with rituals and myths. Between documentation and fiction, she invites us to share our gaze with the world rather than throwing it at the world.

(Text: Aargauer Kunsthaus, Aarau)

Galerie 94 | Baden
22. März – 4. Mai 2024

Wirklichkeiten
Jan Prengel

Encounters Of Time / Begegnungen der Zeit, 2023
Die Serie «Begegnungen der Zeit» soll den Betrachter dazu anregen, das Konzept einer linearen Zeit aufzubrechen und neue Ideen und Sichtweisen darauf zu erwägen. Jede Komposition besteht aus zwei miteinander verschmolzenen Fotografien, die an unterschiedlichen Orten und zu unterschiedlichen Zeiten aufgenommen wurden. Zuvor wurden zwei Bilder ausgewählt und kombiniert, die bestimmte Merkmale wie Motiv, Form oder Farbe gemeinsam haben. Die herkömmlichen physikalischen Grenzen von Zeit und Raum werden symbolisch aufgelöst. Unterschiedliche Zeitpunkte interagieren nun miteinander und bilden gemeinsam neue traumhafte Bildwelten. «Ich arbeite mit meiner Vergangenheit als würde ich durch die Zeit reisen. Die beiden Zeitpunkte der Fotografien treffen in den Arbeiten aufeinander, ebenso wie der Zeitpunkt ihrer Verschmelzung. Während der Entstehung der Fotografien war ihre Bedeutung noch unklar. Erst zu einem späteren Zeitpunkt werden sie neu interpretiert und in ein neues Werk integriert.»

Inherited Gaze / Vererbter Blick, 2023
In der Serie «Vererbter Blick» beschäftige ich mich mit der Vererbung von Denkmustern, unbewältigten Traumata und Persönlichkeitsmerkmalen. Diese können über viele Generationen weitergegeben werden und somit die Charaktereigenschaften der nachfolgenden Generationen und deren Sicht auf die Welt über einen langen Zeitraum beeinflussen. Für «Vererbter Blick» hat Jan Prengel das in seinen Arbeiten wiederkehrende Motiv der getrockneten Pflanze durch alte Brillen seiner Eltern fotografiert. Der Blick durch die Brillen symbolisiert die vererbten elterlichen Eigenschaften, die einen Menschen die Welt wie durch einen nicht zu entfernenden Filter betrachten lassen. Es bleibt offen, ob der beeinflusste Blick getrübt ist, oder aber als Schöpfer einer interessanten und einzigartigen Perspektive interpretiert werden kann. Wie in den Werkserien «Auf der Suche nach der Gegenwart» oder «Metamorphose» werden den Pflanzenmotiven fotografisch verschwommene Bildelemente hinzugefügt, um eine weitere Ebene zu schaffen, die eine persönliche Sicht auf die Welt visualisiert. Ein eindeutiger Blick auf klar definierte Materie und ihre Form soll verhindert werden. Ziel ist es, den Betrachter zu einer tieferen, von den konventionellen physikalischen Gesetzen losgelösten, Sicht auf die Natur der Welt anzuregen.

Fluid Matter / Fliessende Materie, 2023
Mit seinen Sinnen nimmt der Mensch die Welt als ein geordnetes Konstrukt, mit klar voneinander abgegrenzten Objekten, wahr. Die Materie erscheint als ein System von konstant ruhenden Teilchen, in dem sich diese Teilchen zu jeder Zeit an einem einzigen bestimmten Ort befinden. Die Erkenntnisse der Quantenphysik widersprechen jedoch diesem Weltbild und ebnen den Weg für neue Perspektiven auf die Realität und die Beschaffenheit des Universums. In «Fliessende Materie» setzt sich Jan Prengel mit diesen neuen Sichtweisen auf die Wirklichkeit auseinander. Licht und Formen werden verzerrt und scheinen nun in Schwingung zu sein. Vertraute Objekte verlieren ihr stabiles Erscheinungsbild und fliessen grenzenlos ineinander. Die gesamte Materie scheint in Bewegung zu sein, und der gewohnte Blick auf die Objekte wird aufgebrochen. Stattdessen entstehen abstrakte Kompositionen aus fliessenden Farben und neu geschaffenen Formen.

Encounters Of Time / Rencontres du temps, 2023
La série "Rencontres du temps" vise à inciter le spectateur à rompre avec le concept d'un temps linéaire et à envisager de nouvelles idées et de nouveaux points de vue sur celui-ci. Chaque composition est composée de deux photographies fusionnées, prises dans des lieux et à des moments différents. Au préalable, deux visuels ont été sélectionnés et combinés, partageant certaines caractéristiques telles que le motif, la forme ou la couleur. Les limites physiques traditionnelles du temps et de l'espace sont symboliquement abolies. Différents moments interagissent désormais entre eux et forment ensemble de nouveaux mondes visuels oniriques. "Je travaille avec mon passé comme si je voyageais dans le temps. Les deux moments des photographies se rencontrent dans les œuvres, tout comme le moment de leur fusion. Pendant la création des photographies, leur signification n'était pas encore claire. Ce n'est qu'à un moment ultérieur qu'elles sont réinterprétées et intégrées dans une nouvelle œuvre".

Inherited Gaze / Regard hérité, 2023
Dans la série "Regard hérité", je m'intéresse à la transmission de schémas de pensée, de traumatismes non surmontés et de traits de personnalité. Ceux-ci peuvent être transmis sur de nombreuses générations et influencer ainsi les traits de caractère des générations suivantes et leur vision du monde sur une longue période. Pour "Vererbter Blick", Jan Prengel a photographié le motif de la plante séchée, récurrent dans son travail, à travers de vieilles lunettes de ses parents. Le regard à travers les lunettes symbolise les caractéristiques parentales héritées qui font qu'une personne regarde le monde comme à travers un filtre qui ne peut être enlevé. Il reste à savoir si le regard influencé est obscurci ou s'il peut être interprété comme le créateur d'une perspective intéressante et unique. Comme dans les séries d'œuvres "À la recherche du présent" ou "Métamorphose", des éléments d'image flous sont ajoutés aux motifs végétaux par la photographie afin de créer un autre niveau qui visualise une vision personnelle du monde. Une vision univoque de la matière clairement définie et de sa forme doit être empêchée. L'objectif est d'inciter le spectateur à avoir une vision plus profonde, détachée des lois physiques conventionnelles, de la nature du monde.

Fluid Matter / Matière fluide, 2023
Grâce à ses sens, l'homme perçoit le monde comme une construction ordonnée, avec des objets clairement délimités les uns par rapport aux autres. La matière apparaît comme un système de particules au repos constant, dans lequel ces particules se trouvent à tout moment à un seul endroit précis. Les découvertes de la physique quantique contredisent toutefois cette vision du monde et ouvrent la voie à de nouvelles perspectives sur la réalité et la nature de l'univers. Dans "Fliessende Materie", Jan Prengel se penche sur ces nouvelles façons de voir la réalité. La lumière et les formes sont déformées et semblent désormais vibrer. Les objets familiers perdent leur apparence stable et se fondent les uns dans les autres sans limites. Toute la matière semble être en mouvement et la vision habituelle des objets est brisée. Au lieu de cela, des compositions abstraites naissent de couleurs fluides et de formes nouvellement créées.

Incontri del tempo / Begegnungen der Zeit, 2023
La serie "Encounters of Time" intende incoraggiare lo spettatore a rompere il concetto di tempo lineare e a considerare nuove idee e prospettive su di esso. Ogni composizione è costituita da due fotografie fuse, scattate in luoghi e tempi diversi. In precedenza sono state selezionate e combinate due immagini che condividono alcune caratteristiche come il motivo, la forma o il colore. I confini fisici convenzionali del tempo e dello spazio vengono simbolicamente dissolti. Diversi punti nel tempo interagiscono ora tra loro e insieme formano nuovi mondi visivi onirici. "Lavoro con il mio passato come se viaggiassi nel tempo. I due punti nel tempo delle fotografie si incontrano nelle opere, così come il tempo della loro fusione. Durante la creazione delle fotografie, il loro significato non era ancora chiaro. Solo in un momento successivo vengono reinterpretate e integrate in un nuovo lavoro".

Sguardo ereditato / Inherited Gaze, 2023
Nella serie "Inherited Gaze" mi occupo dell'eredità di schemi di pensiero, traumi irrisolti e tratti della personalità. Questi possono essere trasmessi per molte generazioni e quindi influenzare i tratti caratteriali delle generazioni successive e la loro visione del mondo per un lungo periodo di tempo. Per "Inherited Gaze", Jan Prengel ha fotografato il motivo ricorrente della pianta secca nel suo lavoro attraverso i vecchi occhiali dei genitori. La visione attraverso gli occhiali simboleggia le caratteristiche ereditate dai genitori che fanno sì che una persona guardi il mondo come attraverso un filtro che non può essere rimosso. Resta aperto il problema se la visione influenzata sia offuscata o se possa essere interpretata come la creazione di una prospettiva interessante e unica. Come nella serie di opere "Alla ricerca del presente" o "Metamorfosi", ai motivi vegetali vengono aggiunti elementi pittorici sfocati dalla fotografia per creare un ulteriore livello che visualizza una visione personale del mondo. Viene impedita una visione chiara della materia e della sua forma. L'obiettivo è incoraggiare lo spettatore a guardare più in profondità la natura del mondo, distaccandosi dalle leggi fisiche convenzionali.

Materia fluida / Flowing Matter, 2023
Con i sensi, le persone percepiscono il mondo come un costrutto ordinato con oggetti chiaramente delineati. La materia appare come un sistema di particelle in continuo riposo, che si trovano sempre in un unico luogo specifico. Tuttavia, le scoperte della fisica quantistica contraddicono questa visione del mondo e aprono la strada a nuove prospettive sulla realtà e sulla natura dell'universo. In "Flowing Matter", Jan Prengel esplora queste nuove prospettive sulla realtà. La luce e le forme sono distorte e sembrano vibrare. Gli oggetti familiari perdono il loro aspetto stabile e fluiscono l'uno nell'altro senza confini. Tutta la materia sembra essere in movimento e la visione familiare degli oggetti viene spezzata. Emergono invece composizioni astratte di colori fluidi e forme create ex novo.

Encounters Of Time, 2023
The series «Encounters Of Time» is intended to inspire the viewer to break open the concept of a linear time and to consider new ideas and views of it. Each composition contains two fused photographs taken in different places and at different times. Two images were previously selected and combined that share certain characteristics, such as motif, form, or color. The conventional physical boundaries of time and space are symbolically dissolved. Different points in time now interact with each other and form new dreamlike visual worlds together. I work with my past as if through a kind of time travel. In the works, the two points in time of the photographs encounter each other as well as the time of their fusion. When the photographs were taken, their meaning was uncertain. Later, they were reinterpreted and integrated into a new work.

Inherited Gaze, 2023
In «Inherited Gaze», I deal with the inheritance of ways of thinking, unsolved traumas and characteristics. These can be passed on over many generations and influence the characters of the following generations, and their view on the world over a long period of time. For «Inherited Gaze», I photographed the reappearing motif of the dried plant through my parents' old glasses. The view through these glasses symbolizes the inherited parental characteristics that make a person look on the world as if through a filter, that cannot be removed. It remains unclear whether the influenced view is negatively blurred, or can be interpreted as the creator of an interesting and unique perspective. As in the «In Search of the Present» or «Metamorphosis» series of works, blurred pictorial elements are added to the plant motifs to create a further layer that visualizes a personal view on the world. A distinct gaze at clearly defined matter and its form is prevented. The aim is to encourage the viewer to take a deeper perspective on the nature of the world, detached from the conventional physical laws.

Fluid Matter, 2023
With their senses, humans perceive the world as an ordered construct with clearly separated objects. Matter appears as a system of constantly static atoms in which these elements are located in a single specific place at any time. Quantum physics contradicts this view on the world and opens the way for new perspectives on reality and the nature of the world. In «Fluid Matter», I explore these new perspectives on reality. Light and forms are distorted and now appear to be in vibration. Familiar objects lose their fixed appearance and flow into each other without boundaries. All matter seems to be in motion, and the conventional view on the objects is disrupted. Instead, abstract compositions of floating colors and newly created forms appear.

(Text: Galerie 94, Baden)

Galerie Monika Wertheimer | Oberwil
16. März – 20. April 2024

Mythen des Alltags
Kostas Maros

Zwischen den Ansichten urbaner Landschaften umhüllt vom Schleier einer nächtlichen Stille und tiefen, warmen Grüns umgeben von diffusem Licht, scheint es, als liege ein unausgesprochenes Geheimnis in der Luft. In den fotografischen Arbeiten von Kostas Maros finden sich Indizien wieder, ohne zu wissen nach was gesucht würde: Ein weisser Sessel unter tief hängendem Blattwerk, in jeglicher Abwesenheit des einst Sitzenden – lediglich die Spuren einer Handlung verweisen auf ein Davor. An anderer Stelle durchzieht ein feinmaschiger Zaun wucherndes Grün eines tropischen Waldes, der Sinn und Zweck seiner Anwesenheit scheint fragwürdig neben der erhabenen Kraft eines hoch emporragenden Baumstammes. Die Zeugenschaft des fotografischen Lichtbildes wird den poetischen Dialog nicht erläutern können, der sich zwischen der Beleuchtung oberhalb eines Strassenschildes und dem leisen Leuchten einer Tischlampe am Fenstersims abspielt. Es scheint, als könnte niemand in diesen Bildern sprechen, tatsächlich sind auch keine Gesichter oder Gesten zu sehen, die uns helfen könnten, das Geschehene anhand ihrer Reaktion zu verstehen. Ohne die potenziellen Narrative zu kennen, wohnen wir dennoch einer Stimmung bei, die sich sowohl vage wie bestimmt über die Bildgrenze hinaus mitteilt.

Etwas Cineastisches haftet den fotografischen Arbeiten von Kostas Maros an, obwohl sie allesamt auf Dauer gestellte Augenblicke sind. Vergleichbar mit dem Establishing Shot im Film, dessen erste Einstellung den jeweiligen Ort des Geschehens vorstellt, führen die Fotografien anstelle der Verortung innerhalb eines spezifischen Handlungsraums die BetrachterInnen ein in eine Bildwelt unbestimmter Empfindungen.

Entre les vues de paysages urbains enveloppés du voile d'un silence nocturne et les verts profonds et chauds entourés d'une lumière diffuse, il semble qu'il y ait un secret inavouable dans l'air. Dans les travaux photographiques de Kostas Maros, on retrouve des indices sans savoir ce que l'on cherche : un fauteuil blanc sous un feuillage bas, en l'absence totale de celui qui était assis - seules les traces d'une action renvoient à un avant. Ailleurs, une clôture à mailles fines traverse la verdure d'une forêt tropicale, le sens et le but de sa présence semblent douteux à côté de la force sublime d'un tronc d'arbre qui s'élève. Le témoignage de l'image lumineuse photographique ne pourra pas expliquer le dialogue poétique qui se déroule entre l'éclairage au-dessus d'un panneau routier et la lueur discrète d'une lampe de table sur le rebord de la fenêtre. Il semble que personne ne puisse parler dans ces visuels, en fait, on ne voit pas non plus de visages ou de gestes qui pourraient nous aider à comprendre ce qui se passe en fonction de leur réaction. Sans connaître les récits potentiels, nous assistons néanmoins à une ambiance qui se communique à la fois de manière vague et déterminée au-delà des limites de l'image.

Les travaux photographiques de Kostas Maros ont quelque chose de cinématographique, bien qu'il s'agisse tous d'instants posés sur la durée. Comparables à l'establishing shot du film, dont le premier plan présente le lieu de l'action, les photographies, au lieu d'être situées dans un espace d'action spécifique, introduisent le spectateur dans un monde d'images aux sensations indéterminées.

Tra le vedute di paesaggi urbani avvolti da un velo di silenzio notturno e il verde profondo e caldo circondato da una luce diffusa, sembra che ci sia un segreto non detto nell'aria. Le opere fotografiche di Kostas Maros contengono indizi senza sapere cosa stanno cercando: una poltrona bianca sotto un fogliame basso, nella completa assenza della persona che vi si è seduta - solo le tracce di un'azione indicano un prima. Altrove, una recinzione a maglia fine attraversa il verde tentacolare di una foresta tropicale, il significato e lo scopo della sua presenza sembrano discutibili accanto alla potenza sublime di un tronco d'albero imponente. La testimonianza dell'immagine fotografica non sarà in grado di spiegare il dialogo poetico che si svolge tra l'illuminazione di un cartello stradale e il tenue bagliore di una lampada da tavolo sul davanzale della finestra. Sembra che nessuno possa parlare in queste immagini, infatti non ci sono volti o gesti che ci aiutino a capire cosa sta succedendo in base alle loro reazioni. Senza conoscere le potenziali narrazioni, siamo comunque testimoni di uno stato d'animo che si comunica sia vagamente che decisamente oltre i confini dell'immagine.

Le opere fotografiche di Kostas Maros hanno qualcosa di cinematografico, anche se si tratta di momenti catturati nel tempo. Paragonabili all'establishing shot di un film, la cui prima inquadratura introduce il rispettivo luogo dell'azione, le fotografie introducono lo spettatore in un mondo visivo di sensazioni indeterminate, invece di localizzarle all'interno di uno specifico spazio d'azione.

Between the views of urban landscapes shrouded in a veil of nocturnal silence and deep, warm greens surrounded by diffuse light, it seems as if there is an unspoken secret in the air. Kostas Maros' photographic works contain clues without knowing what they are looking for: a white armchair under low-hanging foliage, in the complete absence of the person who once sat in it - only the traces of an action point to a before. Elsewhere, a fine-meshed fence runs through the sprawling green of a tropical forest, the meaning and purpose of its presence seeming questionable next to the sublime power of a towering tree trunk. The witnessing of the photographic light image will not be able to explain the poetic dialog that takes place between the illumination above a street sign and the soft glow of a table lamp on the windowsill. It seems as if no one can speak in these visuals, indeed there are no faces or gestures to help us understand what is happening based on their reaction. Without knowing the potential narratives, we nevertheless witness a mood that communicates itself both vaguely and of course beyond the boundaries of the image.

There is something cinematic about Kostas Maros' photographic works, even though they are all moments captured in time. Comparable to the establishing shot in a film, whose first shot introduces the respective location of the action, the photographs introduce the viewer to a visual world of indeterminate sensations instead of localizing them within a specific action space.

(Text: Carla Patricia Kojich)

Kunsthaus Zofingen
16. März – 26. Mai 2024

Hier! Jetzt!
Daniel Bracher, Christina Gähler, Susanne Lemberg, Samuel Peyer

Was geschieht in den Ateliers in und um Zofingen? Woran arbeiten die Künstler*innen? Bei der Ausstellung «Hier! Jetzt!» ist der Titel Programm: Die vier Kunstschaffenden Daniel Bracher (1971), Christina Gähler (1988), Susanne Lemberg (1962) und Samuel Peyer (1957) zeigen aktuelles Schaffen aus der Region. So unterschiedlich die vier Künstler*innen in ihrer kreativen Arbeit vorgehen, so viel Gemeinsamkeit, Harmonie aber auch Gegensätzlichkeit lassen sich in ihren Werken erkennen. Gezeigt wird ein breites Spektrum an Gemälden, Collagen, unterschiedlichste Drucktechniken, Fotografien, Installationen, Objekte und Skulpturen.

Kuratiert von Eva Bigler und Ursula Liebich

Que se passe-t-il dans les ateliers de Zofingen et des environs ? Sur quoi travaillent les artistes ? Dans l'exposition "Hier ! Jetzt !", le titre est tout un programme : les quatre artistes Daniel Bracher (1971), Christina Gähler (1988), Susanne Lemberg (1962) et Samuel Peyer (1957) présentent des créations actuelles de la région. Si les quatre artistes* ont des approches différentes dans leur travail créatif, leurs œuvres révèlent autant de points communs, d'harmonie mais aussi de contrastes. Un large éventail de peintures, collages, techniques d'impression les plus diverses, photographies, installations, objets et sculptures seront présentés.

Organisé par Eva Bigler et Ursula Liebich

Cosa succede negli atelier di Zofingen e dintorni? A cosa lavorano gli artisti? Nella mostra "Here! Now!", il titolo dice tutto: i quattro artisti Daniel Bracher (1971), Christina Gähler (1988), Susanne Lemberg (1962) e Samuel Peyer (1957) espongono opere attuali della regione. Per quanto i quattro artisti siano diversi nel loro approccio creativo, nelle loro opere si possono riconoscere molti punti in comune, armonia e contrasti. Sarà esposto un ampio spettro di dipinti, collage, varie tecniche di stampa, fotografie, installazioni, oggetti e sculture.

A cura di Eva Bigler e Ursula Liebich

What happens in the studios in and around Zofingen? What are the artists working on? The title of the exhibition "Here! Now!" says it all: the four artists Daniel Bracher (1971), Christina Gähler (1988), Susanne Lemberg (1962) and Samuel Peyer (1957) are showing current works from the region. As different as the four artists are in their creative approach, there is a lot of common ground, harmony and contrast in their works. A broad spectrum of paintings, collages, various printing techniques, photographs, installations, objects and sculptures will be on display.

Curated by Eva Bigler and Ursula Liebich

(Text: Kunsthaus Zofingen)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
9. März – 16. Juni 2024

Lichtblick - Fotografien politischer Bewegungen in den 1970ern und heute
Bilder bewegter Zeiten

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung

Die Ausstellung «Lichtblick» macht sichtbar, in welch unterschiedlicher Art politisch-gesellschaftliche Bewegungen der 1970er-Jahre und der Gegenwart in fotografischen Zeugnissen Niederschlag finden. Der Nachlass der Agentur Kurt Graf/fotolib Basel zeigt die vielfältigen Proteste und Bewegungen um 1975 aus deren Innensicht heraus. Im Dialog dazu präsentieren zeitgenössische Fotograf:innen ihre Bilder zu Themen wie Arbeit, Gleichberechtigung, Antimilitarismus, Wohnformen oder Energie/Umwelt.

Der Nachlass Kurt Graf/fotolib Basel ist eine visuelle Dokumentation jener politischen Bewegungen, Ereignisse und Ideen, die in der Schweiz der 1970er-Jahre eine ganze Generation prägten. Ab 1975 dokumentierten Kurt Graf, Heiner Vogelsanger und Marcel Geiger als Fotografen-Kollektiv Widerstand und Protest, Aufbruch und Utopien. Den Ausschlag hatte die Besetzung des AKW-Baugeländes in Kaiseraugst im April 1975 gegeben. Die analogen Schwarz-Weiss-Fotografien entstanden, um das Engagement festzuhalten und weitherum bekannt zu machen.

Historische und zeitgenössische Fotografie im Dialog
Was ist von diesem Aufbruch der 1970er-Jahre übriggeblieben, wie präsentieren sich die einstigen Bewegungen heute, welche Bilder prägen unsere Gegenwart? BelleVue hat verschiedene Fotograf:innen und Organisationen, mehrheitlich aus der Region Basel, gebeten, aktuelle Aufnahmen zu den Themen der Ausstellung beizutragen.

Wie ein Brainstorming von Gedanken sind die grösseren zeitgenössischen Fotografien in der Ausstellung platziert. Eigenständig, eher symbolisch im Ausdruck, beschreiben sie bestimmte Zustände unserer Gesellschaft. Dazugestellt werden kleinere, dokumentarische Bildformate, zu den Themen der Ausstellung passend: Aktionen, Demonstrationen, Projekte, Engagement der Menschen im Kleinen und Grossen für die Sache, die ihnen am Herzen liegt.

Die historischen Bilderreihen erzählen Geschichten und zeugen vom Aufbruch in den verschiedensten Lebensbereichen. In den Reportagen der Zentralwäscherei wird die Mühsal der Arbeit spürbar: Wäscheberge, Fliessbänder, viele Frauen, meist Migrantinnen, die Hand in Hand arbeiten. Dann der Streik und die Solidaritätsveranstaltungen, endlich soll es besser werden!

Der Vergleich von historischen und zeitgenössischen Fotografien zeigt neben Unterschieden auch Gemeinsamkeiten. Viele digital entstandene Aufnahmen von politischen Aktivitäten auf der Strasse beschreiben, wie sich Menschen zusammentun und mit Transparenten ihre Forderungen verkünden. Solche Protestbilder gibt es heute wie damals in schier unüberschaubarer Fülle. Die Fotografie der Gegenwart ist zwar farbig, zuweilen von distanziertem Ausdruck und gut komponiert. Doch immer wieder finden sich auch – wie in den 1970er-Jahren – schnelle Schnappschüsse, die bezeugen sollen: So ist es gewesen, wir waren auch dabei!

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung

L'exposition "Lichtblick" met en évidence les différentes manières dont les mouvements politico-sociaux des années 1970 et d'aujourd'hui se reflètent dans les témoignages photographiques. Le fonds de l'agence Kurt Graf/fotolib Bâle montre les multiples protestations et mouvements autour de 1975 de l'intérieur. Des photographes contemporains y présentent leurs visuels sur des thèmes tels que le travail, l'égalité des droits, l'antimilitarisme, les formes d'habitat ou l'énergie/l'environnement.

Le fonds Kurt Graf/fotolib Bâle est une documentation visuelle des mouvements politiques, des événements et des idées qui ont marqué toute une génération en Suisse dans les années 1970. Dès 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger et Marcel Geiger ont documenté, en tant que collectif de photographes, la résistance et la protestation, le renouveau et les utopies. L'occupation du site de construction de la centrale nucléaire de Kaiseraugst en avril 1975 a été le facteur décisif. Les photographies analogiques en noir et blanc ont été prises pour immortaliser cet engagement et le faire connaître loin à la ronde.

La photographie historique et contemporaine en dialogue
Que reste-t-il de ce renouveau des années 1970, comment les mouvements d'autrefois se présentent-ils aujourd'hui, quels visuels marquent notre présent ? BelleVue a demandé à différents photographes et organisations, pour la plupart de la région bâloise, de contribuer aux thèmes de l'exposition en prenant des photos actuelles.

Les grandes photographies contemporaines sont placées dans l'exposition comme un brainstorming de pensées. Indépendantes, plutôt symboliques dans leur expression, elles décrivent certains états de notre société. Elles sont accompagnées de petits formats d'images documentaires, en rapport avec les thèmes de l'exposition : actions, manifestations, projets, engagement des gens, à petite ou grande échelle, pour la cause qui leur tient à cœur.

Les séries d'images historiques racontent des histoires et témoignent du renouveau dans les domaines les plus divers de la vie. Dans les reportages de la blanchisserie centrale, la pénibilité du travail est palpable : des montagnes de linge, des chaînes de montage, de nombreuses femmes, pour la plupart des migrantes, qui travaillent main dans la main. Puis la grève et les manifestations de solidarité, les choses devraient enfin s'améliorer !

La comparaison entre les photographies historiques et contemporaines montre non seulement des différences, mais aussi des points communs. De nombreuses photos numériques d'activités politiques dans la rue décrivent comment les gens se rassemblent et annoncent leurs revendications avec des banderoles. De telles images de protestation existent aujourd'hui comme hier en quantité presque incalculable. La photographie contemporaine est certes colorée, parfois d'une expression distanciée et bien composée. Mais on trouve aussi régulièrement - comme dans les années 1970 - des instantanés rapides qui doivent témoigner : C'était comme ça, nous y étions aussi !

Une coopération de BelleVue - lieu pour la photographie et des Archives d'État de Bâle-Ville, à l'initiative de la Fondation Christoph Merian.

La mostra "Lichtblick" mostra i diversi modi in cui i movimenti politici e sociali degli anni Settanta e del presente si riflettono nelle testimonianze fotografiche. Il patrimonio dell'agenzia Kurt Graf/fotolib Basel mostra le diverse proteste e i movimenti intorno al 1975 dalla loro prospettiva interna. In dialogo con questi, fotografi contemporanei presentano le loro immagini su temi come il lavoro, la parità di diritti, l'antimilitarismo, le forme abitative e l'energia/ambiente.

Il patrimonio di Kurt Graf/fotolib Basel è una documentazione visiva dei movimenti politici, degli eventi e delle idee che hanno plasmato un'intera generazione in Svizzera negli anni Settanta. Dal 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger e Marcel Geiger hanno documentato la resistenza e la protesta, gli sconvolgimenti e le utopie come collettivo di fotografi. L'occupazione del cantiere della centrale nucleare di Kaiseraugst nell'aprile del 1975 fu il fattore decisivo. Le fotografie analogiche in bianco e nero sono state scattate per registrare l'occupazione e renderla nota a tutti.

Fotografia storica e contemporanea in dialogo
Cosa è rimasto di questo risveglio degli anni Settanta, come si presentano oggi i movimenti di un tempo, quali immagini caratterizzano il nostro presente? BelleVue ha chiesto a diversi fotografi e organizzazioni, soprattutto della regione di Basilea, di contribuire con fotografie attuali ai temi della mostra.

Le fotografie contemporanee più grandi sono disposte nella mostra come una sessione di brainstorming di idee. Indipendenti, dall'espressione piuttosto simbolica, descrivono alcune condizioni della nostra società. Sono accompagnate da immagini più piccole, di tipo documentario, che corrispondono ai temi della mostra: azioni, dimostrazioni, progetti, impegno delle persone su piccola e grande scala per la causa che sta loro a cuore.

Le serie storiche di immagini raccontano storie e testimoniano nuovi inizi nei più diversi ambiti della vita. Nei reportage sulla lavanderia centrale, la natura faticosa del lavoro diventa tangibile: montagne di biancheria, nastri trasportatori, molte donne, per lo più migranti, che lavorano mano nella mano. Poi lo sciopero e le manifestazioni di solidarietà, finalmente le cose dovrebbero migliorare!

Un confronto tra fotografie storiche e contemporanee rivela somiglianze e differenze. Molte immagini digitali di attività politiche in strada ritraggono persone che si riuniscono e proclamano le loro richieste con striscioni. Oggi come allora c'è un'abbondanza quasi ingestibile di immagini di protesta di questo tipo. La fotografia contemporanea è colorata, a volte con un'espressione distanziata e ben composta. Ma di tanto in tanto, come negli anni Settanta, ci sono anche istantanee veloci che vogliono essere una testimonianza: Così è stato, c'eravamo anche noi!

Una collaborazione tra BelleVue - Place for Photography e l'Archivio di Stato di Basilea Città, su iniziativa della Fondazione Christoph Merian.

The "Lichtblick" exhibition reveals the different ways in which political and social movements of the 1970s and the present are reflected in photographic evidence. The estate of the Kurt Graf/fotolib Basel agency shows the diverse protests and movements around 1975 from their internal perspective. In dialog with this, contemporary photographers present their visuals on topics such as work, equality, anti-militarism, forms of housing or energy/environment.

The Kurt Graf/fotolib Basel estate is a visual documentation of the political movements, events and ideas that shaped an entire generation in Switzerland in the 1970s. From 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger and Marcel Geiger documented resistance and protest, upheaval and utopias as a photographer collective. The occupation of the nuclear power plant construction site in Kaiseraugst in April 1975 was the decisive factor. The analog black-and-white photographs were taken to record the occupation and make it known far and wide.

Historical and contemporary photography in dialog
What remains of this 1970s awakening, how do the former movements present themselves today, what visuals shape our present? BelleVue asked various photographers and organizations, mostly from the Basel region, to contribute current photographs to the exhibition's themes.

The larger contemporary photographs are placed in the exhibition like a brainstorming session of ideas. Independent, rather symbolic in expression, they describe certain conditions in our society. They are accompanied by smaller, documentary image formats that match the themes of the exhibition: actions, demonstrations, projects, people's commitment on a small and large scale to the cause that is close to their hearts.

The historical series of pictures tell stories and bear witness to new beginnings in the most diverse areas of life. In the reports on the central laundry, the toil of the work becomes tangible: mountains of laundry, conveyor belts, many women, mostly migrants, working hand in hand. Then the strike and the solidarity events, finally things are supposed to get better!

A comparison of historical and contemporary photographs reveals similarities as well as differences. Many digitally produced images of political activities on the street describe people coming together and proclaiming their demands with banners. There is an almost unmanageable abundance of such protest images today as there was back then. Contemporary photography is colorful, sometimes with a distanced expression and well composed. But time and again - as in the 1970s - there are also quick snapshots that are intended to bear witness: That's how it was, we were there too!

A cooperation between BelleVue - Place for Photography and the Basel-Stadt State Archives, on the initiative of the Christoph Merian Foundation

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

IPFO Haus der Fotografie | Olten
24. Februar – 26. Mai 2024

Anthology
Vivian Maier

Die legendäre amerikanische Strassenfotografin Vivian Maier kommt in die Schweiz. Ab 24. Februar 2024 zeigt das Haus der Fotografie die Ausstellung «Vivian Maier – Anthology», die 140 Fotografien aus insgesamt vier Jahrzehnten umfasst. Maiers Arbeiten zeigen das städtische Leben und die Menschen in Chicago und New York, aber auch in anderen Ortschaften, die sie auf ihren zahlreichen Reisen durchkreuzte. Organisiert und gestaltet wurde die Ausstellung von Anne Morin von DiChroma Photography auf der Grundlage von Fotos aus dem Archiv der Maloof Collection sowie der Howard Greenberg Gallery in New York.

Das Haus der Fotografie zeigt erstmals eine beeindruckende Auswahl an Werken der weltberühmten amerikanischen Fotografin Vivian Maier. Die Künstlerin fokussierte sich bei ihrer Arbeit hauptsächlich auf Strassenfotografien, die meist spontan entstanden, sich aber gleichzeitig durch eine enorme Präzision auszeichnen. Sie schaffte es wie kaum sonst jemand, ihre Modelle in den Mittelpunkt zu stellen ohne die Geschichte des Umfeldes ausser Acht zu lassen.

Vivian Maiers Fotografien waren enorm vielseitig und bieten einen einzigartigen Einblick in das städtische Leben und die sozialen Strukturen ihrer Zeit. «Es stellt sich die Frage: Wer war diese Frau, die ein Leben lang unterwegs war, an unzähligen Orten wohnte, sich niemals festlegen und festsetzen wollte und kaum jemanden an ihrer Leidenschaft teilhaben liess? Dieser Frage geht diese Ausstellung nach, beleuchtet die Person Vivian Maier, die der Fotowelt eine unglaubliche Fülle an verblüffendem Material aus vier Jahrzehnten überlassen hat und stellt sie für einmal in den Vordergrund», sagt Isabelle Bitterli, Leiterin Haus der Fotografie.

Vivian Maier (1. Februar 1926 – 21. April 2009) war eine amerikanische Strassenfotografin, die während ihres Lebens weitgehend unbekannt blieb. Erst nach ihrem Tod gelangten ihre beeindruckenden Fotografien an die Öffentlichkeit und erlangten posthum große Anerkennung. Sie gilt heute als eine der bedeutendsten Straßenfotografinnen des 20. Jahrhunderts.

Vivian Maier wurde am 1. Februar 1926 in New York City geboren. Über ihre frühen Jahre ist wenig bekannt, aber es wird angenommen, dass sie einen Teil ihrer Jugend mit ihrer französischen Mutter in Frankreich verbrachte.

Maier kehrte 1951 in die USA zurück und begann in New York als Kindermädchen zu arbeiten. Gleichzeitig widmete sie sich intensiv der Fotografie. Mit einer Rolleiflex-Kamera dokumentierte sie das städtische Leben, Porträts von Menschen auf der Straße, stimmungsvolle Straßenszenen und Alltagssituationen.

Als Maier 1956 in Chicago eine neue Stelle als Kindermädchen begann, genoss sie den Luxus einer Dunkelkammer und eines eigenen Badezimmers. Dies ermöglichte ihr, ihre Abzüge zu entwickeln und ihre eigenen Rollen Schwarzweißfilm zu entwickeln. Als die Kinder erwachsen wurden, zwang das Ende von Maiers Anstellung bei dieser ersten Familie in Chicago in den frühen siebziger Jahren sie dazu, die Entwicklung ihres eigenen Films aufzugeben.

Als sie von Familie zu Familie zog, sammelten sich ihre Rollen mit unentwickelten, nicht gedruckten Arbeiten an. Zu dieser Zeit beschloss Maier, zur Farbfotografie überzugehen. Finanzieller Stress und mangelnde Stabilität führten dazu, dass sich die unentwickelten Farbrollen zu stapeln begannen. Irgendwann zwischen den späten 1990er Jahren und den ersten Jahren des neuen Jahrtausends legte Vivian ihre Kamera weg und lagerte ihr Hab und Gut ein, während sie versuchte, sich über Wasser zu halten.

Angesichts der spärlichen Mittel wurden die gelagerten Fotos zu verlorenen Erinnerungen, bis sie 2007 wegen ausbleibender Mietzahlungen verkauft wurden. Die Negative wurden von der Lagerfirma an RPN Sales versteigert, die die Kisten in einer viel größeren Auktion an mehrere Käufer, darunter John Maloof, verteilte. Noch während dem Maloof begann, ihr gesamtes Werk zu kaufen, katalogisieren und in Teilen der Öffentlichkeit zugänglich zu machen, wurde Maier in ein Pflegeheim in Chicago eingeliefert, wo sie am 21. April 2009 im Alter von 83 Jahren verstarb.

Maloofs Arbeit führte zu einer posthumen Anerkennung und einem wachsenden Interesse an Maiers Person und ihrem Werk. Ihr Vermächtnis lebt in ihren faszinierenden Bildern weiter, die einen einzigartigen Einblick in das amerikanische Leben der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts bieten.

La légendaire photographe de rue américaine Vivian Maier vient en Suisse. À partir du 24 février 2024, la Maison de la photographie présentera l'exposition "Vivian Maier - Anthology", qui comprend 140 photographies sur un total de quatre décennies. Les travaux de Maier montrent la vie urbaine et les habitants de Chicago et de New York, mais aussi d'autres localités qu'elle a traversées lors de ses nombreux voyages. L'exposition a été organisée et conçue par Anne Morin de DiChroma Photography sur la base de photos provenant des archives de la Maloof Collection ainsi que de la Howard Greenberg Gallery à New York.

La Haus der Fotografie présente pour la première fois une sélection impressionnante d'œuvres de la photographe américaine de renommée mondiale Vivian Maier. Dans son travail, l'artiste s'est principalement concentrée sur les photographies de rue, qui ont généralement été prises spontanément, mais qui se distinguent en même temps par une énorme précision. Elle a réussi comme personne à placer ses modèles au centre de l'attention sans négliger l'histoire de leur environnement.

Les photographies de Vivian Maier étaient énormément variées et offrent un aperçu unique de la vie urbaine et des structures sociales de son époque. "On peut se demander qui était cette femme qui a passé sa vie à voyager, à vivre dans d'innombrables endroits, qui n'a jamais voulu se fixer ni se fixer et qui n'a pratiquement laissé personne partager sa passion ? C'est cette question que cette exposition aborde, en mettant en lumière la personne de Vivian Maier, qui a laissé au monde de la photographie une quantité incroyable de matériel étonnant sur quatre décennies, et en la plaçant pour une fois sur le devant de la scène", explique Isabelle Bitterli, directrice de la Maison de la Photographie.

Vivian Maier (1er février 1926 - 21 avril 2009) était une photographe de rue américaine qui est restée largement inconnue tout au long de sa vie. Ce n'est qu'après sa mort que ses impressionnantes photographies ont été rendues publiques et ont obtenu une grande reconnaissance posthume. Elle est aujourd'hui considérée comme l'une des plus grandes photographes de rue du 20e siècle.

Vivian Maier est née le 1er février 1926 à New York. On sait peu de choses sur ses premières années, mais on pense qu'elle a passé une partie de sa jeunesse en France avec sa mère française.

Maier est retournée aux États-Unis en 1951 et a commencé à travailler comme nounou à New York. Parallèlement, elle se consacre intensément à la photographie. Avec un appareil Rolleiflex, elle documente la vie urbaine, des portraits de personnes dans la rue, des scènes de rue évocatrices et des situations quotidiennes.

Lorsque Maier a commencé un nouveau travail de nounou à Chicago en 1956, elle a profité du luxe d'une chambre noire et d'une salle de bain privée. Cela lui permit de développer ses tirages et ses propres rouleaux de film noir et blanc. Lorsque les enfants ont grandi, la fin de l'emploi de Maier dans cette première famille de Chicago au début des années 1970 l'a contrainte à abandonner le développement de son propre film.

Alors qu'elle passait de famille en famille, ses bobines d'œuvres non développées et non imprimées se sont accumulées. C'est à cette époque que Maier a décidé de passer à la photographie couleur. Le stress financier et le manque de stabilité ont fait que les rouleaux de couleur non développés ont commencé à s'accumuler. Quelque part entre la fin des années 1990 et les premières années du nouveau millénaire, Vivian a rangé son appareil photo et entreposé ses biens tout en essayant de garder la tête hors de l'eau.

Vu le peu de moyens dont elle disposait, les photos stockées sont devenues des souvenirs perdus, jusqu'à ce qu'elles soient vendues en 2007, faute de paiement des loyers. Les négatifs ont été vendus aux enchères par la société de stockage à RPN Sales, qui a distribué les boîtes à plusieurs acheteurs, dont John Maloof, lors d'une vente aux enchères beaucoup plus importante. Alors même que Maloof commençait à acheter, cataloguer et rendre accessible au public une partie de son œuvre complète, Maier a été admise dans une maison de retraite à Chicago, où elle est décédée le 21 avril 2009 à l'âge de 83 ans.

Le travail de Maloof a conduit à une reconnaissance posthume et à un intérêt croissant pour la personne et l'œuvre de Maier. Son héritage continue de vivre à travers ses images fascinantes, qui offrent un aperçu unique de la vie américaine de la seconde moitié du 20e siècle.

La leggendaria fotografa di strada americana Vivian Maier arriva in Svizzera. Dal 24 febbraio 2024, la Haus der Fotografie esporrà la mostra "Vivian Maier - Anthology", che comprende 140 fotografie di un totale di quattro decenni. Le opere della Maier mostrano la vita urbana e le persone di Chicago e New York, ma anche di altri luoghi che ha visitato durante i suoi numerosi viaggi. La mostra è stata organizzata e progettata da Anne Morin della DiChroma Photography sulla base di fotografie provenienti dagli archivi della Maloof Collection e della Howard Greenberg Gallery di New York.

Per la prima volta, la Haus der Fotografie presenta un'impressionante selezione di opere della fotografa americana di fama mondiale Vivian Maier. Nel suo lavoro, l'artista si è concentrata soprattutto sulla fotografia di strada, scattata per lo più in modo spontaneo, ma allo stesso tempo caratterizzata da un'enorme precisione. Riusciva a mettere i suoi modelli al centro dell'attenzione come nessun altro, senza trascurare la storia dell'ambiente circostante.

Le fotografie di Vivian Maier erano estremamente varie e offrono uno sguardo unico sulla vita urbana e sulle strutture sociali del suo tempo. "La domanda sorge spontanea: chi era questa donna che ha viaggiato per tutta la vita, ha vissuto in innumerevoli luoghi, non ha mai voluto stabilirsi e non ha permesso a quasi nessuno di condividere la sua passione? Questa mostra esplora questa domanda, fa luce sulla persona Vivian Maier, che ha lasciato al mondo della fotografia un'incredibile quantità di materiale sorprendente di quattro decenni, e la mette per una volta in primo piano", afferma Isabelle Bitterli, direttrice della Haus der Fotografie.

Vivian Maier (1 febbraio 1926 - 21 aprile 2009) è stata una fotografa di strada americana, rimasta in gran parte sconosciuta durante la sua vita. Solo dopo la sua morte le sue impressionanti fotografie sono state portate all'attenzione del pubblico e hanno ottenuto un grande riconoscimento postumo. Oggi è riconosciuta come una delle più importanti fotografe di strada del XX secolo.

Vivian Maier è nata il 1° febbraio 1926 a New York. Si sa poco dei suoi primi anni di vita, ma si presume che abbia trascorso parte della sua giovinezza con la madre francese in Francia.

Tornata negli Stati Uniti nel 1951, Maier inizia a lavorare come tata a New York. Contemporaneamente si dedica intensamente alla fotografia. Utilizzando una fotocamera Rolleiflex, documenta la vita urbana, i ritratti di persone per strada, le suggestive scene di strada e le situazioni quotidiane.

Quando nel 1956 Maier iniziò un nuovo lavoro come tata a Chicago, poté godere del lusso di una camera oscura e di un bagno privato. Questo le permise di sviluppare le sue stampe e di creare i suoi rullini di pellicola in bianco e nero. Con la crescita dei figli, la fine del rapporto di lavoro con la prima famiglia di Chicago, all'inizio degli anni Settanta, costrinse la Maier a rinunciare allo sviluppo delle pellicole.

Passando da una famiglia all'altra, le bobine di lavoro non sviluppate e non stampate si accumulavano. È in questo periodo che Maier decide di passare alla fotografia a colori. Lo stress finanziario e la mancanza di stabilità fanno sì che i rullini a colori non sviluppati comincino ad accumularsi. Tra la fine degli anni Novanta e i primi anni del nuovo millennio, Vivian mette da parte la macchina fotografica e archivia i suoi averi mentre cerca di mantenersi in vita.

Di fronte alle scarse risorse a disposizione, le foto conservate sono diventate ricordi perduti fino a quando, nel 2007, sono state vendute a causa del mancato pagamento dell'affitto. I negativi sono stati venduti all'asta dalla società di stoccaggio alla RPN Sales, che ha distribuito le scatole a diversi acquirenti, tra cui John Maloof, in un'asta molto più ampia. Mentre Maloof iniziava ad acquistare e catalogare tutte le sue opere e a renderne disponibili alcune al pubblico, la Maier fu ricoverata in una casa di cura a Chicago, dove morì il 21 aprile 2009 all'età di 83 anni.

Il lavoro di Maloof ha portato a un riconoscimento postumo e a un crescente interesse per la persona e il lavoro della Maier. La sua eredità vive nelle sue affascinanti immagini, che offrono uno sguardo unico sulla vita americana della seconda metà del XX secolo.

The legendary American street photographer Vivian Maier is coming to Switzerland. From February 24, 2024, the Haus der Fotografie will be showing the exhibition "Vivian Maier - Anthology", which comprises 140 photographs from a total of four decades. Maier's works depict urban life and people in Chicago and New York, but also in other places she has criss-crossed on her numerous travels. The exhibition was organized and designed by Anne Morin of DiChroma Photography on the basis of photographs from the archives of the Maloof Collection and the Howard Greenberg Gallery in New York.

For the first time, the Haus der Fotografie is showing an impressive selection of works by the world-famous American photographer Vivian Maier. In her work, the artist focused mainly on street photography, which was mostly taken spontaneously, but at the same time is characterized by enormous precision. She managed to place her models at the center of attention like hardly anyone else, without disregarding the history of their surroundings.

Vivian Maier's photographs were enormously diverse and offer a unique insight into urban life and the social structures of her time. "The question arises: Who was this woman who spent a lifetime on the road, lived in countless places, never wanted to settle down and let hardly anyone share her passion? This exhibition explores this question, sheds light on the person Vivian Maier, who has left the world of photography an incredible wealth of astonishing material from four decades, and puts her in the foreground for once," says Isabelle Bitterli, Director of Haus der Fotografie.

Vivian Maier (February 1, 1926 - April 21, 2009) was an American street photographer who remained largely unknown during her lifetime. It was only after her death that her impressive photographs came to the public's attention and gained great recognition posthumously. Today, she is considered one of the most important street photographers of the 20th century.

Vivian Maier was born on February 1, 1926 in New York City. Little is known about her early years, but it is assumed that she spent part of her youth with her French mother in France.

Maier returned to the USA in 1951 and began working as a nanny in New York. At the same time, she devoted herself intensively to photography. Using a Rolleiflex camera, she documented urban life, portraits of people on the street, atmospheric street scenes and everyday situations.

When Maier started a new job as a nanny in Chicago in 1956, she enjoyed the luxury of a darkroom and her own bathroom. This enabled her to develop her prints and make her own rolls of black and white film. As the children grew up, the end of Maier's employment with that first family in Chicago in the early 1970s forced her to give up developing her own film.

As she moved from family to family, her reels of undeveloped, unprinted work piled up. It was at this time that Maier decided to switch to color photography. Financial stress and a lack of stability meant that the undeveloped rolls of color began to pile up. Sometime between the late 1990s and the early years of the new millennium, Vivian put her camera away and stored her belongings while she tried to keep her head above water.

Faced with meager resources, the stored photos became lost memories until they were sold in 2007 due to non-payment of rent. The negatives were auctioned off by the storage company to RPN Sales, who distributed the boxes to several buyers, including John Maloof, in a much larger auction. Even as Maloof began to purchase and catalog her entire body of work and make parts of it available to the public, Maier was admitted to a Chicago nursing home, where she died on April 21, 2009, at the age of 83.

Maloof's work led to posthumous recognition and a growing interest in Maier's person and her work. Her legacy lives on in her fascinating images, which offer a unique insight into American life in the second half of the 20th century.

(Text: IPFO Haus der Fotografie, Olten)

Galerie 94 | Baden
2. Februar – 9. März 2024

Marius Brühlmeier, Ruth Maria Obrist, Ursula Rutishauser

Kunst im Merker-Areal in Baden (AG)
Die Galerie 94 startet das neue Ausstellungsprogramm 2024 mit 3 lokalen KünstlerInnen aus dem Merker-Areal, wo auch die Galerie 94 ansässig ist. 2024 soll es im Merker-Areal mit einer geballten Ladung Kunst los gehen. Da der städtische Kunstraum Baden neu auch direkter Nachbar der Galerie 94 ist, kann man das Areal neu als Kunstzentrum von Baden bezeichnen.

Marius Brühlmeier
Die Bilder von Marius Brühlmeier (1954) entstehen in einem Prozess über drei Stufen. Zuerst beginnt er mit einer ungegenständlichen Zeichnung. Danach führt ein Aquarell die Idee weiter und gibt der Zeichnung Farbe und Tiefe. Mit einem Öl- oder Acrylbild erschafft Maris Brühlmeier das Bild. Die Arbeiten von ihm sind alle ungegenständlich. Die Ungegenständlichkeit erlaubt ihm genauere Aussagen zu machen. Marius Brühlmeier arbeitet in Serien, das Format und die Technik bleiben innerhalb einer Serie gleich.

Ruth Maria Obrist
Ruth Maria Obrist behauptet nicht, sondern lässt entstehen. Von geometrischen Formen und zahlen ausgehend schöpft sie Kunstwerke, die auf vielen Ebenen gelesen werden können. Das Schaffen von Ruth Maria Obrist wurzelt in der Tradition der Minimal Art und der konstruktiven und konkreten Kunst. Nicht die eigene Geste ist bestimmend, sondern ein auf strengen konzeptuellen Herleitungen basierendes «Vokabular». Die Geometrie ist der rote Faden. Ruth Maria Obrist spielt mit der optischen Verschiedenartigkeit rechnerisch gleicher Flächen, hantiert mit negativen und positiven Formen, kombiniert geometrische Körperlichkeit und flächige Zeichnungen mit spielerischer Virtuosität. Nicht so, wie es ihr gerade gefällt, sondern nach festgelegten Regeln. Mathematische Konzepte geben ihr Halt in einer unübersichtlichen Welt, sagt sie. (Text: Claudia Spinelli, aus dem Buch «the poetry of logic»)

Ursula Rutishauser
Ursula Rutishauser (1955) besuchte nach dem Lehrerseminar Wettingen die Kunstgewerbeschule Zürich, wo sie das höhere Lehramt für Bildnerische Gestaltung und Kunst erwarb. Parallel zur Unterrichtstätigkeit entwickelte sie im Atelier konsequent ihre künstlerische Arbeit weiter, nahm kontinuierlich an Ausstellungen teil und verbrachte 2006 mehrere Monate in einem Atelier der Fundació Antoni Tàpies in Barcelona. Seit 2019 arbeitet sie ausschliesslich als Künstlerin. Ihre Werke, mit Japanmesser und Schere direkt ins Papier geschnitten, sind inhaltlich oft geprägt vom aktuellen Weltgeschehen, so auch beim Projekt «en passant», den «offenen Briefen» oder der Auseinandersetzung mit Krieg, wie etwa in der Arbeit «gegen das Vergessen» (Work in Progress). Immer wieder klingen die Themen Verletzlichkeit und Ausgrenzung an, in filigranen Papiergeweben ebenso wie in grossflächigen, in breite Papierrollen geschnittenen, raumgreifenden Arbeiten. Papierschnitte bilden auch die Grundlage von Umsetzungen in Metall. Diese grösseren Arbeiten in Chromnickelstahl und Messing werden auch im Aussenraum gezeigt und treten dort in den Dialog mit der Natur und/oder der Architektur. Das Interesse der Künstlerin an Musik spiegelt sich in der Zusammenarbeit mit Musikern. Seit 2014 entstehen sporadisch Performances, die ortsbezogen Kunst, Musik und Raum zusammenbringen und filmisch dokumentiert werden. Ursula Rutishauser lebt und arbeitet in Untersiggenthal und Baden. (Text: Anna Karger, Zürich)

L'art dans le Merker-Areal à Baden (AG)
La Galerie 94 lance son nouveau programme d'exposition 2024 avec 3 artistes locaux du Merker-Areal, où se trouve également la Galerie 94. En 2024, le Merker-Areal devrait accueillir un concentré d'art. Comme l'espace d'art municipal de Baden est désormais aussi le voisin direct de la Galerie 94, on peut désormais qualifier le site de centre d'art de Baden.

Marius Brühlmeier
Les visuels de Marius Brühlmeier (1954) sont le fruit d'un processus en trois étapes. Il commence d'abord par un dessin non figuratif. Ensuite, une aquarelle poursuit l'idée et donne au dessin couleur et profondeur. Avec une peinture à l'huile ou à l'acrylique, Maris Brühlmeier crée le visuel. Tous ses travaux sont non figuratifs. La non-figuration lui permet de faire des déclarations plus précises. Marius Brühlmeier travaille par séries, le format et la technique restent les mêmes au sein d'une série.

Ruth Maria Obrist
Ruth Maria Obrist n'affirme pas, mais fait naître. En partant de formes géométriques et de chiffres, elle crée des œuvres d'art qui peuvent être lues à plusieurs niveaux. L'œuvre de Ruth Maria Obrist s'enracine dans la tradition de l'art minimal et de l'art constructif et concret. Ce n'est pas son propre geste qui est déterminant, mais un "vocabulaire" basé sur des déductions conceptuelles rigoureuses. La géométrie est le fil conducteur. Ruth Maria Obrist joue avec la diversité optique des surfaces identiques par le calcul, manie les formes négatives et positives, combine la corporalité géométrique et les dessins plats avec une virtuosité ludique. Non pas comme elle l'entend, mais selon des règles établies. Les concepts mathématiques lui donnent un appui dans un monde confus, dit-elle. (Texte : Claudia Spinelli, tiré du livre "the poetry of logic")

Ursula Rutishauser
Ursula Rutishauser (1955) a fréquenté, après l'école normale de Wettingen, l'école des arts appliqués de Zurich, où elle a obtenu le diplôme supérieur d'enseignement des arts plastiques et de l'art. Parallèlement à son activité d'enseignante, elle a développé son travail artistique de manière conséquente dans son atelier, a participé continuellement à des expositions et a passé plusieurs mois dans un atelier de la Fundació Antoni Tàpies à Barcelone en 2006. Depuis 2019, elle travaille exclusivement en tant qu'artiste. Le contenu de ses œuvres, découpées directement dans le papier avec un couteau japonais et des ciseaux, est souvent marqué par l'actualité mondiale, comme dans le projet "en passant", les "lettres ouvertes" ou la réflexion sur la guerre, comme dans le travail "contre l'oubli" (Work in Progress). Les thèmes de la vulnérabilité et de l'exclusion reviennent sans cesse, que ce soit dans des tissages de papier en filigrane ou dans des travaux de grande envergure, découpés en larges rouleaux de papier et occupant tout l'espace. Les papiers découpés constituent également la base des réalisations en métal. Ces grands travaux en acier au chrome-nickel et en laiton sont également exposés à l'extérieur, où ils entrent en dialogue avec la nature et/ou l'architecture. L'intérêt de l'artiste pour la musique se reflète dans sa collaboration avec des musiciens. Depuis 2014, elle réalise sporadiquement des performances qui associent l'art, la musique et l'espace en fonction du lieu et qui sont documentées par des films. Ursula Rutishauser vit et travaille à Untersiggenthal et Baden. (Texte : Anna Karger, Zurich)

Arte nella Merker-Areal di Baden (AG)
La Galerie 94 inaugura il nuovo programma espositivo 2024 con 3 artisti locali della Merker-Areal, dove ha sede anche la Galerie 94. Nel 2024, il Merker-Areal si prepara a partire con un concentrato di arte. Poiché il Kunstraum Baden è ora un vicino diretto della Galerie 94, l'area può essere descritta come il centro artistico di Baden.

Marius Brühlmeier
I dipinti di Marius Brühlmeier (1954) sono realizzati con un processo in tre fasi. Inizia con un disegno non rappresentativo. Poi un acquerello porta avanti l'idea e dà al disegno colore e profondità. Maris Brühlmeier crea il quadro con una pittura a olio o acrilica. Le sue opere sono tutte non rappresentative. La natura non rappresentativa gli permette di fare affermazioni più precise. Marius Brühlmeier lavora in serie; il formato e la tecnica rimangono invariati all'interno di una serie.

Ruth Maria Obrist
Ruth Maria Obrist non afferma, ma crea. Partendo da forme e figure geometriche, crea opere d'arte che possono essere lette a più livelli. Il lavoro di Ruth Maria Obrist è radicato nella tradizione della minimal art e dell'arte costruttiva e concreta. Non è il singolo gesto a essere decisivo, ma un "vocabolario" basato su rigorose derivazioni concettuali. La geometria è il filo conduttore. Ruth Maria Obrist gioca con la diversità ottica di superfici aritmeticamente identiche, gestisce forme negative e positive, combina fisicità geometrica e disegni bidimensionali con giocoso virtuosismo. Non a suo piacimento, ma secondo regole fisse. I concetti matematici le danno stabilità in un mondo confuso, dice. (Testo: Claudia Spinelli, dal libro "La poesia della logica")

Ursula Rutishauser
Ursula Rutishauser (1955) ha frequentato il Collegio degli Insegnanti di Wettingen e poi la Scuola di Arti e Mestieri di Zurigo, dove ha conseguito l'abilitazione all'insegnamento in visual design e arte. Parallelamente all'attività didattica, ha sviluppato costantemente il suo lavoro artistico in studio, ha partecipato a mostre e nel 2006 ha trascorso diversi mesi in uno studio presso la Fundació Antoni Tàpies di Barcellona. Dal 2019 lavora esclusivamente come artista. Le sue opere, tagliate direttamente sulla carta con un coltello giapponese e delle forbici, sono spesso caratterizzate dall'attualità mondiale, come nel progetto "en passant", le "lettere aperte" o il confronto con la guerra, come nell'opera "against forgetting" (Work in Progress). I temi della vulnerabilità e dell'emarginazione riecheggiano continuamente, sia in delicate tessiture di carta che in opere di grandi dimensioni, tagliate in ampi rotoli di carta. I tagli di carta costituiscono anche la base per le realizzazioni in metallo. Queste opere più grandi in acciaio al cromo-nichel e ottone sono esposte anche all'aperto, dove entrano in dialogo con la natura e/o l'architettura. L'interesse dell'artista per la musica si riflette nella sua collaborazione con i musicisti. Dal 2014 crea sporadicamente performance che uniscono arte, musica e spazio site-specific e che vengono documentate su pellicola. Ursula Rutishauser vive e lavora a Untersiggenthal e Baden. (Testo: Anna Karger, Zurigo)

Art in the Merker-Areal in Baden (AG)
Galerie 94 starts the new exhibition program 2024 with 3 local artists from the Merker-Areal, where Galerie 94 is also located. In 2024, the Merker-Areal will be home to a concentrated load of art. As the municipal Kunstraum Baden is now also a direct neighbor of Galerie 94, the area can now be described as the art center of Baden.

Marius Brühlmeier
Marius Brühlmeier's (*1954) paintings are created in a three-stage process. First, he begins with a non-representational drawing. Then a watercolor takes the idea further and gives the drawing color and depth. Maris Brühlmeier creates the picture with an oil or acrylic painting. His works are all non-representational. The non-representational nature allows him to make more precise statements. Marius Brühlmeier works in series, the format and technique remain the same within a series.

Ruth Maria Obrist
Ruth Maria Obrist does not assert, but creates. Starting from geometric shapes and figures, she creates works of art that can be read on many levels. Ruth Maria Obrist's work is rooted in the tradition of minimal art and constructive and concrete art. It is not the individual gesture that is decisive, but a "vocabulary" based on strict conceptual derivations. Geometry is the common thread. Ruth Maria Obrist plays with the optical differences between arithmetically identical surfaces, handles negative and positive forms, combines geometric physicality and two-dimensional drawings with playful virtuosity. Not as she pleases, but according to fixed rules. Mathematical concepts give her stability in a confusing world, she says. (Text: Claudia Spinelli, aus dem Buch «the poetry of logic»)

Ursula Rutishauser
Ursula Rutishauser (1955) attended the Wettingen Teachers' College and then the Zurich School of Arts and Crafts, where she obtained a higher teaching qualification in visual design and art. Parallel to her teaching activities, she consistently developed her artistic work in the studio, continuously participated in exhibitions and spent several months in a studio at the Fundació Antoni Tàpies in Barcelona in 2006. Since 2019, she has worked exclusively as an artist. Her works, cut directly into paper with a Japanese knife and scissors, are often characterized by current world events, as in the project "en passant", the "open letters" or the confrontation with war, such as in the work "against forgetting" (Work in Progress). The themes of vulnerability and exclusion are echoed time and again, in delicate paper weavings as well as in large-scale, expansive works cut into wide rolls of paper. Paper cuttings also form the basis of realizations in metal. These larger works in chromium-nickel steel and brass are also shown outdoors, where they enter into a dialog with nature and/or architecture. The artist's interest in music is reflected in her collaboration with musicians. Since 2014, she has sporadically created performances that bring together site-specific art, music and space and are documented on film. Ursula Rutishauser lives and works in Untersiggenthal and Baden. (Text: Anna Karger, Zurich)

(Text: Galerie 94, Baden)

Fondation Beyeler | Riehen
28. Januar – 21. April 2024

Jeff Wall

Zu Beginn des kommenden Jahres widmet die Fondation Beyeler dem kanadischen Künstler Jeff Wall (*1946) eine umfangreiche Einzelausstellung. Es handelt sich dabei um die erste Werkschau des Künstlers in der Schweiz seit zwei Jahrzehnten. Wall, der seit den späten 1970er-Jahren massgeblich zur Etablierung der Fotografie als eigenständiges Bildmedium beigetragen hat, gilt als Begründer der «inszenierten Fotografie». Er generiert zumeist grossformatige, aus einer Vielzahl von Einzelaufnahmen vielschichtig und subtil komponierte Fotografien, die oftmals durch Vorbilder aus der Kunstgeschichte und dem städtischen Alltagsleben angeregt sind. Unter den mehr als fünfzig in der Ausstellung der Fondation Beyeler versammelten Werken finden sich Grossbilddiapositive in Leuchtkästen, sowie schwarz-weiss Fotografien und farbige Fotodrucke. Die neueren, die gesamte Bandbreite seines Schaffens repräsentierenden Bilder treten dabei in einen Dialog mit ikonischen Arbeiten aus der Zeit von Walls künstlerischen Anfängen. In jedem der elf Säle entfalten sich vielfältige inhaltliche und formale Bezüge zwischen älteren und neueren Werken. Zudem werden in der Fondation Beyeler mehrere neue Arbeiten erstmals überhaupt öffentlich zu sehen sein.

En début d’année prochaine, la Fondation Beyeler consacrera une importante exposition individuelle à l’artiste canadien Jeff Wall (*1946), la première en Suisse depuis deux décennies. Wall, qui depuis la fin des années 1970 a largement contribué à établir la photographie en tant que médium autonome, est considéré comme l’un des représentants majeurs de la « staged photography » (photographie mise en scène). Il produit généralement des photographies grand format, composées de manière complexe et subtile à partir de nombreuses prises et souvent inspirées de l’histoire de l’art et de la vie quotidienne urbaine. Les plus de cinquante œuvres réunies dans l’exposition de la Fondation Beyeler comprendront des grandes diapositives dans des caissons lumineux, des photographies noir et blanc et des tirages en couleur. Au fil de onze salles d’exposition, des œuvres récentes tisseront un riche dialogue thématique et formel avec des travaux emblématiques des débuts de l’artiste. Dans le cadre de l’exposition de la Fondation Beyeler, plusieurs nouvelles œuvres de Wall seront données à voir en public pour la toute première fois.

All'inizio del prossimo anno, la Fondation Beyeler dedicherà un'ampia mostra personale all'artista canadese Jeff Wall (*1946). Si tratterà della prima mostra dell'artista in Svizzera da due decenni a questa parte. Wall, che dalla fine degli anni Settanta ha contribuito in modo significativo all'affermazione della fotografia come mezzo visivo indipendente, è considerato il fondatore della "staged photography". Generalmente realizza fotografie di grande formato composte in modo complesso e sottile da un gran numero di scatti singoli, spesso ispirati a modelli della storia dell'arte e della vita urbana quotidiana. Le oltre cinquanta opere in mostra alla Fondation Beyeler comprendono diapositive di grande formato in light box, fotografie in bianco e nero e stampe a colori. Le immagini più recenti, che rappresentano l'intero spettro della sua opera, entrano in dialogo con opere iconiche dell'epoca degli esordi artistici di Wall. In ognuna delle undici sale, una varietà di riferimenti tematici e formali si sviluppa tra le opere più vecchie e quelle più recenti. Inoltre, diverse opere nuove saranno esposte per la prima volta al pubblico alla Fondation Beyeler.

At the beginning of next year, the Fondation Beyeler will devote a comprehensive solo show to Canadian artist Jeff Wall (*1946). It will be the first such exhibition of his work in Switzerland in two decades. Since the late 1970s, Wall has contributed significantly to establishing photography as an autonomous medium and he is regarded as one of the key practitioners of “staged photography”. Wall mostly produces large-format photographs intricately and subtly composed from numerous single takes, oftentimes inspired by art history and urban everyday life. The more than fifty works brought together by the Fondation Beyeler will include large transparencies displayed in lightboxes as well as black and white photographs and colour C-prints. Across eleven rooms, more recent works will be brought into rich thematic and formal dialogue with iconic early pieces. The exhibition at the Fondation Beyeler will feature several new works by Wall on public display for the very first time.

(Text: Fondation Beyeler, Riehen)