Haus der Fotografie Husum
3. September – 3. November 2024

Urban Perspectives
Michael Köster

Die Motive von Michael Köster – fast ausnahmslos handelt es sich um Ansichten von Architekturen – sind in präziser Lichtregie, scharfer Konturierung und in feinsten Hell-Dunkel-Nuancen effektvoll inszeniert. Die Dramaturgie von Licht und Schatten ist ein wesentliches Element zur Steigerung der Bildstimmung. Kösters Formensprache lässt ebenso Einflüsse der Fotografie der Neuen Sachlichkeit erkennen, wie die des Film Noir. Aber auch Assoziationen zur Malerei stellen sich ein beim Betrachten mancher Bildinszenierungen ein, die in ihrer Atmosphäre an die rätselhafte Stimmung von Unbelebtheit und Stille in PitturaMetafisica-Gemälden erinnern.

Dass die Motive im Laufe des Bearbeitungsprozesses am Computer eine so eindringliche Präsenz entwickeln, liegt unter anderem daran, dass Michael Köster die Bauwerke, auf die er sich konzentriert, isoliert. Sie werden aus ihren realen urbanen Zusammenhängen, in denen sie normalerweise stehen, herausgelöst – den Gebäuden um sie herum zum Beispiel. Der damit einhergehende Verfremdungsprozess wird noch dadurch gesteigert, dass der Künstler seine Motive oft in eine fiktive dunkle bzw. abendliche oder nächtliche Umgebung versetzt.

Hinzu kommt noch, dass oft bestimmte Aspekte ausgeblendet werden, die das Leben einer Metropole wie Berlin charakterisieren – etwa die pulsierende Betriebsamkeit auf den Plätzen und Straßen. Die allgegenwärtigen Menschenmassen und den turbulenten Verkehr sucht man auf den Bildern des Künstlers vergebens. Diese Nichtanwesenheit des sozialen und gesellschaftlichen Lebens der Großstadt ist das wohl auffälligste Merkmal der Fotografien. Selten ist ein Mensch zu sehen in den Werken des Künstlers. Wenn Köster ihn dann doch einmal „lanciert“ in seinen Bildern, dann erscheint der Mensch schemenhaft, anonym und bedeutungslos gegenüber der die Bildkomposition beherrschenden, machtvollen Architektur. Überdies scheint der Mensch keinen Sinn zu haben für sein Umfeld. Er eilt, in sich gekehrt oder den Blick auf das Handy gerichtet, einem unbekannten Ziel entgegen.

Kösters Bilder irritieren nicht nur dadurch, dass sie eine andere Wirklichkeit aufscheinen lassen in Bezug auf unsere alltägliche Erfahrung und Wahrnehmung städtischer Urbanität. Sie faszinieren, aber sie werfen auch – par excellence – Fragen auf, beispielsweise zu Themen wie Identität und Anonymität oder Urbanität und Stadtgesellschaft.

Les sujets de Michael Köster - presque tous des vues d'architectures - sont mis en scène avec un grand effet grâce à une gestion précise de la lumière, des contours nets et des nuances de clair-obscur très fines. La dramaturgie de l'ombre et de la lumière est un élément essentiel pour renforcer l'atmosphère de l'image. Le langage des formes de Köhler révèle autant d'influences de la photographie de la Nouvelle Objectivité que du film noir. Mais des associations avec la peinture se transmettent également en observant certaines mises en scène d'images, dont l'atmosphère rappelle l'ambiance énigmatique d'inanimation et de silence des tableaux de PitturaMetafisica.

Si les motifs développent une présence aussi saisissante au cours du processus de traitement sur ordinateur, c'est notamment parce que Michael Köster isole les bâtiments sur lesquels il se concentre. Ils sont détachés des contextes urbains réels dans lesquels ils se trouvent habituellement - les bâtiments qui les entourent, par exemple. Le processus de distanciation qui en résulte est encore accentué par le fait que l'artiste place souvent ses sujets dans un environnement fictif sombre, nocturne ou de nuit.

De plus, certains aspects qui caractérisent la vie d'une métropole comme Berlin sont souvent occultés, comme l'agitation des places et des rues. On cherche en vain dans les visuels de l'artiste les foules omniprésentes et la circulation tumultueuse. Cette absence de la vie sociale et communautaire de la grande ville est sans doute la caractéristique la plus frappante de ses photographies. Il est rare de voir un être humain dans les œuvres de l'artiste. Lorsque Köster le « lance » dans ses visuels, l'homme apparaît fantomatique, anonyme et insignifiant face à l'architecture puissante qui domine la composition. De plus, l'homme ne semble pas avoir de sens pour son environnement. Il se précipite, replié sur lui-même ou les yeux rivés sur son téléphone portable, vers une destination inconnue.

Les visuels de Köhler ne sont pas seulement irritants parce qu'ils font apparaître une autre réalité par rapport à notre expérience et à notre perception quotidiennes de l'urbanité. Elles fascinent, mais soulèvent aussi - par excellence - des questions, par exemple sur des thèmes comme l'identité et l'anonymat ou l'urbanité et la société urbaine.

I motivi di Michael Köster - quasi tutti sono vedute di architetture - sono messi in scena in modo efficace con un'illuminazione precisa, contorni nitidi e le migliori sfumature di luce e buio. La drammaturgia della luce e dell'ombra è un elemento essenziale per valorizzare l'atmosfera dell'immagine. Il linguaggio formale di Köster rivela influenze della fotografia della Nuova Oggettività e del film noir. Ma le associazioni con la pittura vengono alla mente anche quando si osservano alcune delle ambientazioni pittoriche, la cui atmosfera ricorda lo stato d'animo enigmatico dell'inanimazione e dell'immobilità dei dipinti della Pittura Metafisica.

Il fatto che i motivi sviluppino una presenza così ossessionante nel corso del processo di editing al computer è in parte dovuto al fatto che Michael Köster isola gli edifici su cui si concentra. Vengono rimossi dai contesti urbani reali in cui si trovano normalmente - ad esempio gli edifici che li circondano. Il processo di alienazione che ne deriva è accentuato dal fatto che l'artista spesso colloca i suoi motivi in un ambiente fittizio buio, serale o notturno.

Inoltre, alcuni aspetti che caratterizzano la vita di una metropoli come Berlino - come il trambusto pulsante nelle piazze e nelle strade - sono spesso nascosti. Le folle onnipresenti e il traffico turbolento non sono presenti nelle immagini dell'artista. Questa assenza della vita sociale e societaria della grande città è probabilmente la caratteristica più evidente delle fotografie. Raramente si vede una persona nelle opere dell'artista. Quando Köster le 'lancia' nelle sue immagini, appaiono in ombra, anonime e prive di significato rispetto alla potente architettura che domina la composizione. Inoltre, le persone sembrano non avere alcun senso dell'ambiente circostante. Si affrettano verso una destinazione sconosciuta, ripiegati su se stessi o guardando il cellulare.

Le immagini di Köster non sono solo irritanti perché rivelano una realtà diversa rispetto alla nostra esperienza quotidiana e alla nostra percezione dell'urbanità. Affascinano, ma anche - per eccellenza - sollevano domande, ad esempio su temi come l'identità e l'anonimato o l'urbanità e la società urbana.

Michael Köster's motifs - almost all of which are views of architecture - are effectively staged with precise lighting, sharp contours and the finest nuances of light and dark. The dramaturgy of light and shadow is an essential element in enhancing the mood of the picture. Köster's formal language reveals influences of New Objectivity photography as well as film noir. But associations with painting also come to mind when looking at some of the staged images, whose atmosphere is reminiscent of the enigmatic mood of inanimation and stillness in Pittura Metafisica paintings.

The fact that the motifs develop such a haunting presence during the computer editing process is partly due to the fact that Michael Köster isolates the buildings on which he focuses. They are removed from the real urban contexts in which they normally stand - the buildings around them, for example. The resulting process of alienation is heightened by the fact that the artist often places his motifs in a fictitious dark, evening or night-time setting.

In addition, certain aspects that characterize the life of a metropolis such as Berlin - such as the pulsating hustle and bustle of the squares and streets - are often hidden. The omnipresent crowds and turbulent traffic are nowhere to be found in the artist's visuals. This absence of the social and societal life of the big city is probably the most striking feature of the photographs. Rarely is a person to be seen in the artist's works. When Köster does “launch” them into his pictures, they appear shadowy, anonymous and meaningless compared to the powerful architecture that dominates the visual composition. Moreover, people seem to have no sense of their surroundings. He hurries towards an unknown destination, turned in on himself or looking at his cell phone.

Köster's visuals are not only irritating because they reveal a different reality in relation to our everyday experience and perception of urbanity. They fascinate, but they also - par excellence - raise questions, for example on topics such as identity and anonymity or urbanity and urban society.

(Text: André Lindhorst)

Beitrag auf NDR

Stadtmuseum Schleswig
5. Juli – 15. September 2024

Liebe zur Landschaft
Saskia Boelsums

Die Arbeiten der Niederländerin Saskia Boelsums überzeugen durch eine unverwechselbare Handschrift: überwältigend und malerisch, tiefgründig und mystisch. Sie zeigen die Schönheit der weiten niederländischen Landschaften, die blasse Reflexion des Mondlichts auf einem zugefrorenen See, das goldene Leuchten eines Getreidefeldes im Spätsommer, eine transparente, grüne Welle in grauer, stürmischer See. Die Arbeiten der Künstlerin erinnern an Künstler wie Meindert Hobbema, Jacob Van Ruisdael, Vincent Van Gogh oder Willem Maris. Der berühmte niederländische Himmel mit seinem flachen Horizont ist in der Kunst Boelsums genauso erlebbar wie in den Bildern der niederländischen und flämischen Malerei ab dem 17. Jahrhundert. Denn nicht dokumentarisches Arbeiten steht bei ihr im Vordergrund, sondern in erster Linie ihre persönliche Wahrnehmung und Interpretation einer Landschaft. Die Niederländerin geht deshalb in ihrer Kunst weit über die Bildvorstellung der klassischen Fotografie hinaus. Sie erschafft in ihren Werken vielmehr ihre eigenen Realitäten, indem sie ihre in der Natur aufgenommen Bilder im Studio künstlerisch nachbearbeitet: wochen-, manchmal monatelang. Pixel für Pixel. So verdichtet Saskia Boelsums in ihren poetischen Bildern die Essenz ihrer Erfahrungen und macht sie für den Betrachtenden (nach)erlebbar.

Saskia Boelsums wurde in Nieuwer-Amstel (Amstelveen) in den Niederlanden geboren. Aufgewachsen ist sie im Iran und in Curaçao. Sie studierte Grafik- und Raumdesign an der Akademie Minerva in Groningen und arbeitet seit 2013 als Landschaftsfotografin oder wie sie selbst sagt: als Künstlerin mit der Kamera. Ihre Arbeiten sind in zahlreichen Kunstsammlungen vertreten. 2020 wurde Saskia Boelsums in den Niederlanden als Künstlerin des Jahres ausgezeichnet.

Les travaux de la Néerlandaise Saskia Boelsums séduisent par leur écriture unique : époustouflants et picturaux, profonds et mystiques. Ils montrent la beauté des vastes paysages néerlandais, le pâle reflet du clair de lune sur un lac gelé, l'éclat doré d'un champ de céréales à la fin de l'été, une vague verte transparente dans une mer grise et agitée. Les œuvres de l'artiste rappellent des artistes tels que Meindert Hobbema, Jacob Van Ruisdael, Vincent Van Gogh ou Willem Maris. Le fameux ciel néerlandais avec son horizon plat est tout aussi perceptible dans l'art de Boelsum que dans les tableaux de la peinture néerlandaise et flamande à partir du 17e siècle. En effet, ce n'est pas le travail documentaire qui est au premier plan chez elle, mais en premier lieu sa perception et son interprétation personnelles d'un paysage. Dans son art, la Néerlandaise va donc bien au-delà de la conception de l'image de la photographie classique. Dans ses œuvres, elle crée plutôt ses propres réalités en retravaillant artistiquement en studio ses photos prises dans la nature : pendant des semaines, voire des mois. Pixel par pixel. Saskia Boelsums condense ainsi dans ses images poétiques l'essence de ses expériences et les rend (re)vivables pour le spectateur.

Saskia Boelsums est née à Nieuwer-Amstel (Amstelveen), aux Pays-Bas. Elle a grandi en Iran et à Curaçao. Elle a étudié le design graphique et spatial à l'Académie Minerva de Groningen et travaille depuis 2013 comme photographe de paysage ou, comme elle le dit elle-même, comme artiste avec son appareil photo. Ses travaux sont représentés dans de nombreuses collections d'art. En 2020, Saskia Boelsums a été élue artiste de l'année aux Pays-Bas.

Le opere dell'artista olandese Saskia Boelsums sono caratterizzate da uno stile inconfondibile: travolgente e pittoresco, profondo e mistico. Mostrano la bellezza dei vasti paesaggi olandesi, il pallido riflesso della luna su un lago ghiacciato, il bagliore dorato di un campo di grano alla fine dell'estate, un'onda verde e trasparente in un mare grigio e tempestoso. Le opere dell'artista ricordano artisti come Meindert Hobbema, Jacob Van Ruisdael, Vincent Van Gogh e Willem Maris. Il famoso cielo olandese con il suo orizzonte piatto può essere vissuto nell'arte di Boelsum allo stesso modo dei dipinti olandesi e fiamminghi dal XVII secolo in poi. La sua attenzione non si concentra sul lavoro documentario, ma innanzitutto sulla sua personale percezione e interpretazione di un paesaggio. Nella sua arte, l'artista olandese va quindi ben oltre il concetto di immagine della fotografia classica. Al contrario, crea le proprie realtà nelle sue opere rielaborando artisticamente in studio le immagini che scatta in natura: per settimane, a volte per mesi. Pixel per pixel. In questo modo, Saskia Boelsums condensa l'essenza delle sue esperienze nelle sue immagini poetiche e le rende tangibili per lo spettatore.

Saskia Boelsums è nata a Nieuwer-Amstel (Amstelveen), nei Paesi Bassi. È cresciuta in Iran e a Curaçao. Ha studiato design grafico e spaziale alla Minerva Academy di Groningen e dal 2013 lavora come fotografa di paesaggi o, come dice lei stessa, come artista con la macchina fotografica. Il suo lavoro è rappresentato in numerose collezioni d'arte. Nel 2020, Saskia Boelsums è stata premiata come artista dell'anno nei Paesi Bassi.

The works of Dutch artist Saskia Boelsums have an unmistakable style: overwhelming and painterly, profound and mystical. They show the beauty of the vast Dutch landscapes, the pale reflection of moonlight on a frozen lake, the golden glow of a cornfield in late summer, a transparent green wave in a gray, stormy sea. The artist's works are reminiscent of artists such as Meindert Hobbema, Jacob Van Ruisdael, Vincent Van Gogh and Willem Maris. The famous Dutch sky with its flat horizon can be experienced in Boelsum's art in the same way as in Dutch and Flemish paintings from the 17th century onwards. Her focus is not on documentary work, but first and foremost on her personal perception and interpretation of a landscape. In her art, the Dutch artist therefore goes far beyond the image concept of classical photography. Instead, she creates her own realities in her works by artistically reworking the pictures she takes in nature in the studio: for weeks, sometimes months. Pixel by pixel. In this way, Saskia Boelsums condenses the essence of her experiences in her poetic images and makes them tangible for the viewer.

Saskia Boelsums was born in Nieuwer-Amstel (Amstelveen) in the Netherlands. She grew up in Iran and Curaçao. She studied graphic and spatial design at the Minerva Academy in Groningen and has been working as a landscape photographer, or as she says herself: as an artist with a camera, since 2013. Her work is represented in numerous art collections. In 2020, Saskia Boelsums was named Artist of the Year in the Netherlands.

(Text: Stadtmuseum Schleswig)

Haus der Fotografie | Husum
29. Juni – 27. September 2024

Kinderarbeit im Fokus
Hartmut Schwarzbach

Der Elmshorner Fotograf Hartmut Schwarzbach hat sich jahrzehnterlang mit dem Elend arbeitender Kinder in Asien und Afrika beschäftigt.

Es wird seine Mission: Mit Hilfe seiner Fotografie zeigt er die Vielschichtigkeit der Kinderarbeit, vom Überlebenskampf bitterarmer Familien, die ohne die Hilfe ihrer Kinder kein Essen auf dem Tisch hätten, bis zur krassen Ausbeutung in Fabriken.

So weißt er in den eindrucksvollen Bildern den direkten Zusammenhang von unserem Konsum und der globalen Ungleichheit in Schwellenländern auf, von der die Kinder besonders betroffen sind.

Exemplarisch zeigt Schwarzbach einzelner Gesichter aus der Masse der ausgebeuteten Mädchen und Jungen, nennt sie beim Namen und verbildlicht ihr Leid.

Dabei hält er zwar einen kleinen Augenblick ihrer unerträglichen Situation im Bild fest, begleitet und unterstützt die Kinder aber zum Teil über Jahre.

Hartmut Schwarzbach verwendet meisterhaft moderne Fototechnik und Ästhetik, die im starken Kontrast zur abgebildeten Armut der Kinder steht.

Le photographe Hartmut Schwarzbach, originaire d'Elmshorn, s'est penché pendant des décennies sur la misère des enfants travailleurs en Asie et en Afrique.

Ce sera sa mission : à l'aide de sa photographie, il montre les multiples facettes du travail des enfants, de la lutte pour la survie de familles amèrement pauvres qui, sans l'aide de leurs enfants, n'auraient pas de nourriture sur leur table, à l'exploitation flagrante dans les usines.

Il montre ainsi, à travers des images impressionnantes, le lien direct entre notre consommation et les inégalités mondiales dans les pays émergents, qui touchent particulièrement les enfants.

Schwarzbach montre de manière exemplaire des visages individuels de la masse des filles et des garçons exploités, les appelle par leur nom et illustre leur souffrance.

Ce faisant, il fixe en image un petit moment de leur situation insupportable, mais accompagne et soutient les enfants, parfois pendant des années.

Hartmut Schwarzbach utilise de manière magistrale une technique photographique et une esthétique modernes qui contrastent fortement avec la pauvreté des enfants représentés.

Il fotografo di Elmshorn Hartmut Schwarzbach ha trascorso decenni a studiare la miseria dei bambini lavoratori in Asia e in Africa.

La sua missione sarà quella di mostrare, con l'aiuto della fotografia, la complessità del lavoro minorile, dalla lotta per la sopravvivenza di famiglie poverissime, che non avrebbero cibo in tavola senza l'aiuto dei loro figli, al palese sfruttamento nelle fabbriche.

Nelle sue impressionanti immagini, l'autore dimostra il legame diretto tra i nostri consumi e la disuguaglianza globale nei Paesi emergenti, che colpisce in particolare i bambini.

Schwarzbach mostra esempi di volti individuali dalla massa di ragazze e ragazzi sfruttati, li chiama per nome e visualizza la loro sofferenza.

Pur catturando un breve momento della loro insopportabile situazione, accompagna e sostiene i bambini, a volte per anni.

Hartmut Schwarzbach fa un uso magistrale di tecniche fotografiche ed estetiche moderne, che si contrappongono alla povertà dei bambini ritratti.

Elmshorn photographer Hartmut Schwarzbach has spent decades studying the misery of working children in Asia and Africa.

It becomes his mission: with the help of his photography, he shows the complexity of child labor, from the struggle for survival of bitterly poor families, who would have no food on the table without the help of their children, to the blatant exploitation in factories.

In his impressive images, he demonstrates the direct link between our consumption and global inequality in emerging countries, which particularly affects children.

As an example, Schwarzbach shows individual faces from the mass of exploited girls and boys, calls them by name and visualizes their suffering.

Although he captures a brief moment of their unbearable situation, he accompanies and supports the children, sometimes for years.

Hartmut Schwarzbach masterfully uses modern photographic techniques and aesthetics, which stand in stark contrast to the poverty of the children depicted.

(Text: Haus der Fotografie, Husum)

Haus der Fotografie | Husum
7. Oktober 2023 - 24. Februar 2024

SENSATIONS
Marco Sanges

Schon in jungen Jahren arbeitete Sanges im Fotolabor seines Onkels und war fasziniert vom Handwerk des Fotografen, dem Prozess der Entwicklung und dem Druck von Schwarzweißfotografien. Sanges fühlt sich stark vom Kino und insbesondere von den leuchtenden Schwarz-Weiß-Filmen der Stummfilmzeit angezogen und erstellt Folgen von Fotografien. Jede Sequenz erzählt eine einzigartige, vielschichtige Geschichte und schafft so ein ganz persönliches, imaginäres Kino.

Überlebensgroße Charaktere und Geschichten, üppige Kostüme erinnern im Kern an den Surrealismus und insbesondere an die bildende und darstellende Kunst der 20er und 30er Jahre. Sanges setzt ins Bild, was sich wie eine Szene in einer Filmgeschichte entfaltet.

Die Hingabe an die oft aufwändigen Projekte, die als Live-Theateraufführung inszeniert werden, steigert die Vorstellung über das normale Maß der Vorstellungskraft hinaus. Das surrealistische Gefühl seiner Arbeit repräsentiert die Befreiung des Unbewussten als Mittel zur Schaffung von Kunst außerhalb der Grenzen der offiziellen Kultur, die Ablehnung etablierter Werte und einen konkreten Versuch, extreme Geisteszustände, unkonventionelle Ideen oder ausgefeilte Fantasiewelten zu veranschaulichen. Seine Arbeit hat auch eine bezaubernde, aber dennoch dunkle Seite, eine faszinierende Tiefe, die dazu bestimmt zu sein scheint, das Drama des Lebens hervorzuheben und die Aufrichtigkeit dieser Reise einzufangen, die Szenen der Intimität, die die menschliche Verletzlichkeit konfrontieren und unsere eigene Zerbrechlichkeit herausfordern.

Sanges‘ Arbeit lässt die Zuschauer auf eine emotionale Reise gehen, um sich zu verlieren in seiner Erzählung, dem visuellen Reichtum und der Kraft des Geschichtenerzählens.

Seine Ausstellungen vereinen das Werk eines Künstlers, der sich für das Leben in seiner Gesamtheit begeistert und der weiterhin die Welt beschwört, transzendiert und begeistert!

Obwohl Sanges von der digitalen Kunst fasziniert ist, glaubt er fest an die Unsterblichkeit des Films, das wahre Wesen der Fotografie. Er arbeitet mit einer 6×7-Kamera und erwartet immer, dass die Bilder schon im ersten Rohformat perfekt sind.

„Fotografie ist ein Mysterium. Und jedes Geheimnis sollte gelüftet bleiben.“

Dès son plus jeune âge, Sanges travaille dans le laboratoire photographique de son oncle et est fasciné par le métier de photographe, le processus de développement et l'impression des photographies en noir et blanc. Fortement attiré par le cinéma et plus particulièrement par les films en noir et blanc lumineux de l'époque du muet, Sanges réalise des suites de photographies. Chaque séquence raconte une histoire unique et complexe, créant ainsi un cinéma imaginaire très personnel.

Des personnages et des histoires plus vrais que nature, des costumes exubérants rappellent en substance le surréalisme et plus particulièrement les arts visuels et les arts de la scène des années 20 et 30. Sanges met en visuel ce qui se déroule comme une scène de l'histoire d'un film.

Son dévouement à des projets souvent coûteux, mis en scène comme des représentations théâtrales en direct, augmente la représentation au-delà de la mesure normale de l'imagination. Le sentiment surréaliste de son travail représente la libération de l'inconscient comme moyen de créer de l'art en dehors des limites de la culture officielle, le rejet des valeurs établies et une tentative concrète d'illustrer des états d'esprit extrêmes, des idées non conventionnelles ou des mondes imaginaires sophistiqués. Son travail a également un côté enchanteur mais néanmoins sombre, une profondeur fascinante qui semble destinée à faire ressortir le drame de la vie et à capturer la sincérité de ce voyage, les scènes d'intimité qui confrontent la vulnérabilité humaine et défient notre propre fragilité.

Le travail de Sanges permet aux spectateurs de faire un voyage émotionnel et de se perdre dans sa narration, la richesse visuelle et le pouvoir de raconter des histoires.

Ses expositions réunissent l'œuvre d'un artiste passionné par la vie dans sa globalité, qui continue d'évoquer, de transcender et d'enthousiasmer le monde !

Bien que Sanges soit fasciné par l'art numérique, il croit fermement en l'immortalité de la pellicule, la véritable essence de la photographie. Il travaille avec un appareil photo 6×7 et s'attend toujours à ce que les visuels soient parfaits dès le premier format brut.

"La photographie est un mystère. Et tout mystère doit rester entier".

Fin da giovane, Sanges ha lavorato nel laboratorio fotografico dello zio ed è rimasto affascinato dal mestiere del fotografo, dal processo di sviluppo e stampa delle fotografie in bianco e nero. Sanges è fortemente attratto dal cinema e in particolare dai luminosi film in bianco e nero dell'epoca del muto e crea sequenze di fotografie. Ogni sequenza racconta una storia unica e stratificata, creando un cinema immaginario molto personale.

I personaggi e le storie più grandi della vita, i costumi lussuosi ricordano il surrealismo e, in particolare, le arti visive e performative degli anni Venti e Trenta. Sanges mette in scena ciò che si svolge come una scena di un film.

La dedizione ai progetti, spesso elaborati, messi in scena come spettacoli teatrali dal vivo, esalta la performance oltre la normale misura dell'immaginazione. L'atmosfera surrealista del suo lavoro rappresenta la liberazione dell'inconscio come mezzo per creare arte al di fuori dei confini della cultura ufficiale, il rifiuto dei valori stabiliti e un tentativo concreto di illustrare stati d'animo estremi, idee non convenzionali o elaborati mondi fantastici. C'è anche un lato incantevole e oscuro nel suo lavoro, una profondità affascinante che sembra destinata a sottolineare il dramma della vita e a catturare la sincerità di questo viaggio, le scene di intimità che affrontano la vulnerabilità umana e sfidano la nostra stessa fragilità.

Il lavoro di Sanges permette agli spettatori di intraprendere un viaggio emotivo, di perdersi nella sua narrazione, nella ricchezza visiva e nel potere del racconto.

Le sue mostre riuniscono il lavoro di un artista appassionato della vita nella sua interezza e che continua a evocare, trascendere ed emozionare il mondo!

Sebbene Sanges sia affascinato dall'arte digitale, crede fermamente nell'immortalità della pellicola, la vera essenza della fotografia. Lavora con una fotocamera 6×7 e si aspetta sempre che le immagini siano perfette nel primo formato grezzo.

"La fotografia è un mistero. E ogni mistero dovrebbe rimanere svelato".

From a young age, Sanges worked in his uncle's photo lab and was fascinated by the photographer's craft, the process of developing and printing black and white photographs. Sanges is strongly drawn to cinema, and in particular the luminous black-and-white films of the silent era, and creates sequences of photographs. Each sequence tells a unique, multi-layered story, creating a very personal, imaginary cinema.

Larger-than-life characters and stories, lush costumes are reminiscent at their core of surrealism and, in particular, the visual and performing arts of the 1920s and 1930s. Sanges puts into visuals what unfolds like a scene in a movie story.

The dedication to the often elaborate projects, staged as live theatrical performances, heightens the performance beyond the normal measure of imagination. The surrealist feel of his work represents the liberation of the unconscious as a means of creating art outside the confines of official culture, a rejection of established values, and a concrete attempt to illustrate extreme states of mind, unconventional ideas, or elaborate fantasy worlds. His work also has an enchanting yet dark side, a fascinating depth that seems destined to highlight the drama of life and capture the sincerity of this journey, the scenes of intimacy that confront human vulnerability and challenge our own fragility.

Sanges' work allows viewers to embark on an emotional journey, to lose themselves in his narrative, the visual richness and power of storytelling.

His exhibitions bring together the work of an artist who is passionate about life in its entirety and who continues to evoke, transcend and excite the world!

Although Sanges is fascinated by digital art, he firmly believes in the immortality of film, the true essence of photography. He works with a 6×7 camera and always expects the visuals to be perfect in the first raw format.

"Photography is a mystery. And every mystery should be kept hidden."

(Text: Haus der Fotografie, Husum)

Stadtmuseum Schleswig
30. Juni - 17. September 2023

WinterWale
Audun Rikardsen

Auf dem Höhepunkt des nordischen Winters, wenn die Sonne nur kurz am Horizont erscheint, findet in den Fjorden des nördlichen Norwegens ein unvergleichliches Naturschauspiel statt: Millionen von Heringen ziehen in riesigen Schwärmen in die flachen Küstengewässer, um dort zu laichen. Angelockt von diesem unermesslichen Nahrungsangebot, versammeln sich in den Fjorden Schwärme von Raubfischen und Möwen, Seeadler, Robben und – Wale.

Der Norweger Audun Rikardsen, Professor für Biologie und vielfach preisgekrönter Naturfotograf, hat das Verhalten und die archaische Schönheit dieser Giganten der Meere in einzigartigen Bildern festgehalten. Dem passionierten Taucher und Umweltschützer gelang es auch, bislang ungesehene Szenen aus dem Interessenkonflikt zwischen lokalen Fischern und jagenden Walen zu fotografieren, die um das Silber des Meeres, den Hering, konkurrieren.

Au plus fort de l'hiver nordique, lorsque le soleil n'apparaît que brièvement à l'horizon, un spectacle naturel incomparable se déroule dans les fjords du nord de la Norvège : Des millions de harengs se déplacent en immenses bancs vers les eaux côtières peu profondes pour y frayer. Attirés par cette offre alimentaire incommensurable, des bancs de poissons prédateurs et des mouettes, des aigles de mer, des phoques et - des baleines se rassemblent dans les fjords.

Le Norvégien Audun Rikardsen, professeur de biologie et photographe de la nature maintes fois récompensé, a immortalisé le comportement et la beauté archaïque de ces géants des mers dans des visuels uniques. Ce plongeur passionné et défenseur de l'environnement est également parvenu à photographier des scènes inédites du conflit d'intérêts entre les pêcheurs locaux et les baleines en chasse, qui se disputent l'argent de la mer, le hareng.

Al culmine dell'inverno nordico, quando il sole appare solo brevemente all'orizzonte, nei fiordi della Norvegia settentrionale ha luogo uno spettacolo naturale incomparabile: Milioni di aringhe migrano in enormi banchi verso le acque costiere poco profonde per deporre le uova. Attirati da questa immensa offerta di cibo, nei fiordi si radunano stormi di pesci predatori e gabbiani, aquile di mare, foche e balene.

Il norvegese Audun Rikardsen, professore di biologia e pluripremiato fotografo naturalista, ha catturato il comportamento e la bellezza arcaica di questi giganti dei mari in immagini uniche. L'appassionato subacqueo e ambientalista è riuscito anche a fotografare scene inedite del conflitto di interessi tra i pescatori locali e le balene cacciatrici che si contendono l'argento del mare, l'aringa.

At the height of the Nordic winter, when the sun appears only briefly on the horizon, an incomparable natural spectacle takes place in the fjords of northern Norway: Millions of herring migrate in huge shoals to the shallow coastal waters to spawn. Attracted by this immense food supply, flocks of predatory fish and gulls, sea eagles, seals and - whales gather in the fjords.

Norwegian Audun Rikardsen, professor of biology and multiple award-winning nature photographer, has captured the behavior and archaic beauty of these giants of the seas in unique images. The passionate diver and environmentalist also managed to photograph previously unseen scenes from the conflict of interests between local fishermen and hunting whales competing for the silver of the sea, the herring.

(Text: Stadtmuseum Schleswig)