CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
25. Juli – 6. Oktober 2024

Bar Stories

Vom 25. Juli bis zum 6. Oktober 2024 zeigt CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia im Projektraum die dritte Etappe der Ausstellung Bar Stories on Camera, die in Zusammenarbeit mit Galleria Campari und Magnum Photos realisiert wurde: eine Bildergeschichte von den 1930er Jahren bis Anfang der 2000er Jahre über die Welt der Bar und die Kultur der Geselligkeit, für die Campari seit 1860 steht.

Bargeschichten vor der Kamera. Galleria Campari / Magnum Photos öffnet sich der Öffentlichkeit in den Räumen von CAMERA mit einem erneuerten Ausstellungsprojekt im Vergleich zu den vorherigen Auflagen, bei denen Bar Stories on Camera im Oktober 2023 in der Galleria Campari in Sesto San Giovanni Premiere hatte. Im Juni 2024 brachte die Galleria Campari das Ausstellungsprojekt in die Davide Campari Lounge auf der Art Basel in Basel. Die Ausstellung, die unter der Leitung von Martin Parr neu aufgelegt wurde, präsentierte einem internationalen Publikum eine Auswahl von 25 fotografischen Bildern.

Die Ausstellung CAMERA ist in drei thematische Abschnitte gegliedert - Sharing Moments, Bar Campari und The Icons - und präsentiert 50 Aufnahmen großer Meister der Fotografie, von Robert Capa, Elliott Erwitt, Martin Parr bis Ferdinando Scianna, aus dem Historischen Archiv der Galleria Campari und der Agentur Magnum Photos.

Gleich im ersten Teil, Sharing Moments, tauchen wir in die Atmosphäre von Orten ein, die auf der ganzen Welt fotografiert wurden, wo Barkeeper, Barkeeperinnen, Musiker und Gäste die Protagonisten von Freizeitsituationen und Momenten des Teilens sind, vom Ritual des Kaffees bis zum Aperitif, beleuchtet von den Lichtern der Schilder und der Flaschenregale, gekonnt verewigt durch die Aufnahmen von Meistern wie Inge Morath, Elliott Erwitt oder Martin Parr. In Bars gehen Menschen Liebesbeziehungen ein, schließen Geschäfte ab, leben in stiller Einsamkeit. Wie uns die Geschichte der großen künstlerischen Bewegungen des 20. Jahrhunderts lehrt, werden an diesen Orten auch künstlerische und politische Leidenschaften und Interessen geteilt, werden Revolutionen erträumt oder Eroberungen gefeiert. Wie auf dem Bild von Leonard Freed, das 1974 in Mailand aufgenommen wurde, am Tag nach der Verabschiedung des Scheidungsgesetzes, wo die Dutzenden von Flugblättern und Zeitungsblättern, die die Straße vor einem Dehors säumen, von einem der wichtigsten historischen Momente Italiens zeugen.

Die Bar Campari hingegen präsentiert einen echten Rückblick auf die Geschichte des in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts gegründeten Unternehmens, und zwar anhand der Bars selbst: Schilder, Schaufenster mit Markenzeichen, Einrichtungen in Clubs und am Strand, ein Spiegelbild eines Italiens der Nachkriegszeit, das neu beginnt, lebendig und begierig darauf ist, das Leben wieder aufzunehmen. Diese Bilder erwecken auch die ikonischen Poster und Werbeplakate zum Leben, idealistische Darstellungen in einer verträumten Atmosphäre.

Im letzten Abschnitt, Die Ikonen, „betreten“ Filmstars, Künstler und Schriftsteller die Bar: Marilyn Monroe bei der Premiere von Der Prinz und die Tänzerin, Ernest Hemingway an der Bar in Idaho, Maria Callas in Palma de Mallorca an einem Tisch mit der Journalistin Elsa Maxwell. Charaktere, die fernab des Rampenlichts einen Moment der Entspannung in der lauten und glamourösen Atmosphäre des italienischen Aperitivo genießen. Ebenfalls ikonisch ist die Jugendstileinrichtung des Caffè Camparino in der Galleria Vittorio Emanuele II in Mailand, die Mitte der 1960er Jahre von Bruno Barbey porträtiert wurde, ein wahres Echo eines Lebensstils und einer Epoche, die nicht nur in den Bildern, sondern auch in den Objekten wieder auftaucht: insbesondere durch die Skizzen der Speisekarten, die der futuristische Künstler Fortunato Depero für Campari anfertigte, und andere vorbereitende Bleistiftzeichnungen aus den 1950er Jahren, die die Gestaltung der Neonröhren vorbereiteten.

Ob es nun darum geht, ein Spiel im Fernsehen zu sehen, einen Kaffee zu trinken oder Freunde, Liebhaber oder Kollegen zu treffen, in Italien und auf der ganzen Welt treffen sich die Menschen in Bars, um eine neue Geselligkeit zu entdecken. Sie sind Orte des Austauschs, der Gemeinschaft, die neue Gewohnheiten schaffen und besser als viele andere Kontexte die Entwicklung der zeitgenössischen Gesellschaft, ihre Rituale und Mythen erzählen können, von denen Bar Stories on Camera einen wichtigen Querschnitt bietet.

Du 25 juillet au 6 octobre 2024, CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia accueille dans la Project Room la troisième étape de l'exposition Bar Stories on Camera, réalisée en collaboration avec la Galleria Campari et Magnum Photos : un récit en images, des années 1930 au début des années 2000, de l'univers du bar et de cette culture de la convivialité dont Campari est le porte-parole depuis 1860.

Histoires de bars à la caméra. Galleria Campari / Magnum Photos s'ouvre au public dans les espaces de CAMERA, avec un projet d'exposition renouvelé par rapport aux itérations précédentes qui ont vu Bar Stories on Camera faire ses débuts en octobre 2023 à la Galleria Campari de Sesto San Giovanni. En juin 2024, la Galleria Campari a présenté le projet d'exposition au Davide Campari Lounge d'Art Basel à Bâle. L'exposition, revisitée sous le commissariat de Martin Parr, a présenté une sélection de 25 images photographiques à un public international.

L'exposition CAMERA est organisée en trois sections thématiques - Sharing Moments, Bar Campari et The Icons - présentant 50 clichés de grands maîtres de la photographie, de Robert Capa, Elliott Erwitt, Martin Parr à Ferdinando Scianna, provenant des archives historiques de la Galleria Campari et de l'agence Magnum Photos.

Dès la première section, Sharing Moments, nous entrons dans les atmosphères de lieux photographiés dans le monde entier, où barmans, barmaids, musiciens et clients sont les protagonistes de situations de loisirs et de moments de partage, du rituel du café à l'apéritif, éclairés par les lumières des enseignes et des casiers à bouteilles, savamment immortalisés par les clichés de maîtres tels que Inge Morath, Elliott Erwitt ou Martin Parr. Dans les bars, on noue des amours, des relations affectueuses, on conclut des affaires, on vit dans une solitude placide. Comme nous l'enseigne l'histoire des grands mouvements artistiques du XXe siècle, on y partage aussi des passions et des intérêts artistiques et politiques, on y rêve de révolutions ou on y célèbre des conquêtes. Comme sur la photo de Leonard Freed prise à Milan en 1974, au lendemain de l'adoption de la loi sur le divorce, où les dizaines de tracts et de feuilles de journaux alignés dans la rue devant un dehors témoignent de l'un des moments historiques les plus importants de l'Italie.

Bar Campari, quant à lui, présente une véritable revue de l'histoire de l'entreprise fondée dans la seconde moitié du XIXe siècle à travers ses bars eux-mêmes : enseignes, vitrines de marque, aménagements dans les clubs et sur la plage, reflet d'une Italie d'après-guerre en plein redémarrage, vivante et désireuse de recommencer à vivre. Ces images donnent également vie aux affiches iconiques et aux affiches publicitaires, représentations idéalistes dans une atmosphère de rêve.

Dans la dernière section, Les icônes, des stars du cinéma, des artistes et des écrivains « entrent » dans le bar : Marilyn Monroe à la première du Prince et la danseuse, Ernest Hemingway assis au bar dans l'Idaho, Maria Callas à Palma de Majorque partageant une table avec la journaliste Elsa Maxwell. Des personnages capturés loin des projecteurs, profitant d'un moment de détente dans l'atmosphère bruyante et glamour de l'aperitivo italien. Les meubles Art nouveau du Caffè Camparino, dans la Galleria Vittorio Emanuele II à Milan, dépeints par Bruno Barbey au milieu des années 1960, sont également emblématiques. Un véritable écho d'un style de vie et d'une époque qui refait surface non seulement dans les images, mais aussi dans les objets : en particulier, à travers les esquisses des menus réalisées pour Campari par l'artiste futuriste Fortunato Depero, et d'autres dessins préparatoires au crayon datant des années 1950, préparatoires à la création de néons.

Que ce soit pour regarder un match à la télévision, pour prendre un café ou pour rencontrer des amis, des amants ou des collègues, en Italie et dans le monde entier, les gens se retrouvent dans les bars et redécouvrent une nouvelle socialité. Ce sont des lieux de partage, collectifs, qui construisent de nouvelles habitudes et sont capables de raconter mieux que beaucoup d'autres contextes l'évolution de la société contemporaine, ses rituels, ses mythes, dont Bar Stories on Camera offre une importante coupe transversale.

Dal 25 luglio al 6 ottobre 2024 CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia accoglie negli spazi della Project Room la terza tappa della mostra Bar Stories on Camera, realizzata in collaborazione con Galleria Campari e Magnum Photos: un racconto per immagini, dagli anni Trenta all’inizio degli anni Duemila, del mondo del bar e di quella cultura della convivialità di cui Campari è portavoce dal 1860.

Bar Stories on Camera. Galleria Campari / Magnum Photos apre al pubblico negli spazi di CAMERA, con un progetto espositivo rinnovato rispetto alle iterazioni precedenti che hanno visto Bar Stories on Camera debuttare a ottobre 2023 in Galleria Campari a Sesto San Giovanni. A giugno 2024 Galleria Campari ha portato il progetto espositivo nella Davide Campari Lounge di Art Basel a Basilea. La mostra, restituita in chiave rivisitata con la curatela di Martin Parr, ha presentato al pubblico internazionale una selezione di 25 immagini fotografiche.

Il percorso espositivo di CAMERA è organizzato in tre sezioni tematiche – Sharing Moments, Bar Campari e The Icons – che presentano 50 scatti di grandi maestri della fotografia, da Robert Capa, Elliott Erwitt, Martin Parr a Ferdinando Scianna, provenienti dall’Archivio Storico Galleria Campari e dall’agenzia Magnum Photos.

Sin dalla prima sezione, Sharing Moments, si entra nel vivo delle atmosfere di luoghi ritratti in tutto il mondo, dove baristi, bartender, musicisti e avventori sono i protagonisti di situazioni di svago e momenti di condivisione, dal rito del caffè all’aperitivo, illuminati dalle luci delle insegne e delle bottigliere, immortalati abilmente dagli scatti di maestri quali Inge Morath, Elliott Erwitt o Martin Parr. Nei bar le persone stringono relazioni amorose, affettive, concludono affari, vivono una placida solitudine. Come insegna la storia dei grandi movimenti artistici del Novecento, in questi luoghi si condividono anche passioni e interessi artistici e politici, si sognano rivoluzioni o si celebrano conquiste. Come nell’immagine di Leonard Freed scattata a Milano nel 1974, all’indomani dell’approvazione della legge sul divorzio, dove le decine di volantini e fogli di giornale che tappezzano la strada di fronte a un dehors testimoniano uno dei momenti storici più rilevanti del nostro Paese.

Bar Campari, invece, presenta una vera e propria rassegna della storia dell’azienda nata nella seconda metà dell’Ottocento attraverso i suoi stessi bar: insegne, vetrine brandizzate, allestimenti in locali e in spiaggia, riflesso di un’Italia del Dopoguerra che riparte, vivace e desiderosa di ricominciare a vivere. Attraverso queste immagini prendono vita anche gli iconici poster e manifesti pubblicitari, rappresentazioni idealistiche in un’atmosfera sognante.

Nell’ultima sezione, The Icons, star del cinema, artisti e scrittori “entrano” nel bar: Marilyn Monroe alla prima de Il principe e la ballerina, Ernest Hemingway seduto al bancone di un bar in Idaho, Maria Callas a Palma de Mallorca condivide il tavolino con la giornalista Elsa Maxwell. Personaggi catturati lontano dai riflettori, che si concedono un momento di relax nell’atmosfera chiassosa e glamour dell’aperitivo italiano. Iconici sono ormai anche gli arredi in stile liberty del Caffè Camparino, in Galleria Vittorio Emanuele II a Milano, ritratto da Bruno Barbey a metà anni Sessanta, vero e proprio eco di uno stile di vita e di un’epoca che riaffiora, oltre che dalle immagini, anche dagli oggetti: in particolare, attraverso i bozzetti dei menù realizzati per Campari dall’artista futurista Fortunato Depero, e altri disegni preparatori a matita risalenti agli anni Cinquanta, propedeutici alla realizzazione di neon luminosi.

Che sia per guardare la partita in tv, per gustare un caffè o per incontrare amici, amanti o colleghi, in Italia e in tutto il mondo le persone si ritrovano al bar riscoprendo una nuova socialità. Sono luoghi di condivisione, collettivi, che costruiscono nuove abitudini e sono capaci di raccontare meglio di molti altri contesti l’evoluzione della società contemporanea, dei suoi riti, dei suoi miti, di cui Bar Stories on Camera offre un importante spaccato.

From July 25 to October 6, 2024 CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia welcomes in the spaces of the Project Room the third stage of the exhibition Bar Stories on Camera, realized in collaboration with Galleria Campari and Magnum Photos: a story through images, from the 1930s to the beginning of the 2000s, of the world of the bar and of that culture of conviviality for which Campari has been a spokesman since 1860.

Bar Stories on Camera. Galleria Campari / Magnum Photos opens to the public in the spaces of CAMERA, with an exhibition project renewed from previous iterations that saw Bar Stories on Camera debut in October 2023 at Galleria Campari in Sesto San Giovanni. In June 2024, Galleria Campari brought the exhibition project to the Davide Campari Lounge at Art Basel in Basel. The exhibition, returned in a revised key under the curatorship of Martin Parr, presented a selection of 25 photographic images to an international audience.

The CAMERA exhibition is organized into three thematic sections-Sharing Moments, Bar Campari and The Icons-that present 50 shots by great masters of photography, from Robert Capa, Elliott Erwitt, Martin Parr to Ferdinando Scianna, from the Galleria Campari Historical Archives and the Magnum Photos agency.

From the very first section, Sharing Moments, we enter into the atmosphere of places portrayed around the world, where bartenders, bartenders, musicians and patrons are the protagonists of leisure situations and moments of sharing, from the ritual of coffee to the aperitif, illuminated by the lights of the signs and the bottle holders, skillfully immortalized by the shots of masters such as Inge Morath, Elliott Erwitt or Martin Parr. In bars, people form loving, emotional relationships, conclude business deals, and experience placid solitude. As the history of the great artistic movements of the twentieth century teaches, artistic and political passions and interests are also shared in these places, revolutions are dreamed or conquests are celebrated. As in Leonard Freed's image taken in Milan in 1974, in the aftermath of the approval of the divorce law, where the dozens of flyers and newspaper sheets that carpet the street in front of a dehors testify to one of the most relevant historical moments in our country.

Bar Campari, on the other hand, presents a true review of the history of the company founded in the second half of the 19th century through its own bars: signs, branded windows, set-ups in clubs and on the beach, reflecting a postwar Italy that is restarting, lively and eager to start living again. Also brought to life through these images are the iconic advertising posters and billboards, idealistic representations in a dreamy atmosphere.

In the last section, The Icons, movie stars, artists and writers “enter” the bar: Marilyn Monroe at the premiere of The Prince and the Dancer, Ernest Hemingway sitting at a bar counter in Idaho, Maria Callas in Palma de Mallorca shares a table with journalist Elsa Maxwell. Characters captured away from the spotlight, indulging in the boisterous and glamorous atmosphere of the Italian aperitivo. Also iconic by now are the Art Nouveau furnishings of Caffè Camparino, in Galleria Vittorio Emanuele II in Milan, portrayed by Bruno Barbey in the mid-1960s, a true echo of a lifestyle and an era that resurfaces not only from images but also from objects: in particular, through sketches of menus made for Campari by the futurist artist Fortunato Depero, and other preparatory pencil drawings dating back to the 1950s, preparatory to the creation of neon lights.

Whether it is to watch the game on TV, to enjoy a coffee or to meet friends, lovers or colleagues, in Italy and all over the world people gather at bars rediscovering a new sociality. They are places of sharing, collective, that build new habits and are able to tell better than many other contexts the evolution of contemporary society, its rituals, its myths, of which Bar Stories on Camera offers an important insight.

(Text: CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
14. Juli – 6. Oktober 2024

Margaret Bourke-White. L'opera 1930-1960

Vom 14. Juni bis zum 6. Oktober 2024 ist in den Räumen des Centre Margaret Bourke-White zu sehen. The Work 1930-1960, eine von Monica Poggi kuratierte Ausstellung, die anhand von 150 Fotografien das Werk, das außergewöhnliche Leben und die extrem hohe Qualität der Aufnahmen von Bourke-White erzählt, die in der Lage war, auf den Seiten von weit verbreiteten Magazinen wie LIFE - von denen die Ausstellung eine reiche Auswahl präsentiert - die komplexe menschliche Erfahrung zu schildern und dabei entschlossen Barrieren und Geschlechtergrenzen zu überwinden.

Die Verwandlungen der Welt stehen im Mittelpunkt der enthusiastischen und unablässigen Recherchen des 1904 in New York geborenen Fotografen, der an der Columbia University Biologie studierte und einige Wochen lang den Fotokurs des berühmten piktorialistischen Fotografen Clarence H. White.

Nach ihrem Wechsel an die Cornell University begann Bourke-White, ihre Fotografien auf dem Campus zu verkaufen, um ihren Lebensunterhalt während des Studiums zu bestreiten. 1926 ließ sie sich in Cleveland nieder und eröffnete ein kleines Fotostudio: Tagsüber verewigte sie Architektur und Gärten und verdiente so genug Geld, um Ausrüstung und Materialien zu kaufen, mit denen sie nachts die großen Stahlwerke der Stadt porträtierte.

1929 lud der Verleger Henry Luce sie nach New York ein, um an der Gründung der illustrierten Zeitschrift Fortune mitzuwirken. Von da an ging es mit Bourke-Whites Karriere stetig bergauf: Sie veröffentlichte berühmte Reportagen über die amerikanische Industrie und reiste in die Sowjetunion, wo sie die Entwicklung des von Stalin geförderten Fünfjahresplans dokumentierte, der das Land in eine große Industriemacht verwandeln sollte. Eines der bekanntesten Bilder aus dieser Zeit ist das, das sie zeigt, wie sie auf einem der großen Wasserspeier des Chrysler Buildings kauert, in dem sie wohnt, während sie ungeschützt von oben das geschäftige Treiben der Stadt unter ihr fotografiert. In den 1930er Jahren skizzierte sie eine Ästhetik, die den Idealen des LIFE Magazins besonders nahe stand, das nicht zufällig ihr Foto des Fort Peck Staudamms für die Titelseite seiner ersten Ausgabe wählte, die am 23. November 1936 erschien. LIFE wollte ein Fenster zur Welt sein, ein Augenzeuge der großen Ereignisse der Geschichte, nie Gesehenes zeigen und die Werte des New Deal hochhalten. Waren seine Werke anfangs durch die fast völlige Abwesenheit des Menschen zugunsten von Architektur und Industriemaschinen gekennzeichnet, so vollzog er mit der Veröffentlichung des Fotobuchs You have seen their faces (1937) einen Richtungswechsel und konzentrierte sich auf die Anprangerung von Armut und Rassentrennung im Süden der Vereinigten Staaten. Während des Zweiten Weltkriegs machte er Reportagen in der Sowjetunion, Nordafrika, Italien und Deutschland, verfolgte den Einmarsch der US-Truppen in Berlin und dokumentierte die Schrecken der Konzentrationslager. Bourke-White wird überall, selbst in Konfliktsituationen, als Berühmtheit begrüßt, ein Status, der es ihr ermöglicht, Porträts von historischen Persönlichkeiten wie Stalin und Gandhi zu machen. Aber es ist nicht der Ruhm ihrer Motive, der ihre Fotografien ikonisch macht: Bourke-White zieht das Posieren der spontanen, direkten Aufnahme vor, die Robert Capa so sehr schätzte, eine Wahl, die selbst die bescheidensten Menschen in universelle Schauspieler verwandelt, in Repräsentanten eines Kollektivs, die selbst im Elend heroisch sind. Nach einer Karriere unvergesslicher Reportagen war sie 1957 aufgrund von Symptomen der Parkinson-Krankheit gezwungen, die Fotografie aufzugeben und widmete sich dem Schreiben ihrer Autobiographie Portrait of myself, die 1963 veröffentlicht wurde. 1971 starb sie an den Komplikationen der Krankheit.

Die Ausstellung umfasst einen Parcours von visuell-taktilen Werken, die von Audiobeschreibungen begleitet werden, die den Stil und die Geschichte erkunden. Die Auswahl umfasst einige der bekanntesten Bilder sowie einige weniger bekannte Aufnahmen aus dem Werk der Autorin.

Zu den Abschnitten der Ausstellung gehört auch ein Schwerpunkt auf die Stadt - ein Thema, das Margaret Bourke-White ihr ganzes Leben lang beschäftigte - im Rahmen des Projekts „Urban Frame“, das von Stratosferica und CAMERA entwickelt wurde und das die öffentliche Ausschreibung „Torino, che cultura!“ gewann, die von der Stadt Turin, Abteilung für Kultur, Sport, Großveranstaltungen und Tourismusförderung, gefördert und mit den Mitteln von PN Metro Plus und Città Medie Sud 2021-2027 - TO7.5.1.B - Unterstützung der städtischen Wirtschaft im Kulturbereich - kofinanziert wurde.

Du 14 juin au 6 octobre 2024, les espaces du Centre accueillent Margaret Bourke-White. The Work 1930-1960, une exposition organisée par Monica Poggi qui, à travers 150 photographies, retrace l'œuvre, la vie extraordinaire et l'extrême qualité des prises de vue de Bourke-White, capable de raconter l'expérience humaine complexe dans les pages de magazines à grand tirage comme LIFE - dont l'exposition présente une riche sélection - en dépassant résolument les barrières et les frontières entre les sexes.

Les transformations du monde sont au cœur des recherches enthousiastes et incessantes de la photographe née à New York en 1904, qui a étudié la biologie à l'université de Columbia et suivi pendant quelques semaines le cours de photographie du célèbre photographe pictorialiste Clarence H. White. White.

En 1926, elle s'installe à Cleveland et ouvre un petit studio photographique : pendant la journée, elle immortalise l'architecture et les jardins, gagnant suffisamment d'argent pour acheter des équipements et du matériel qu'elle utilise la nuit pour représenter les grandes usines sidérurgiques de la ville.

En 1929, l'éditeur Henry Luce l'invite à New York pour contribuer à la naissance du magazine illustré Fortune. À partir de ce moment, la carrière de Bourke-White connaît une ascension continue : elle publie de célèbres reportages sur les industries américaines et se rend en Union soviétique, où elle documente le développement du plan quinquennal promu par Staline pour transformer le pays en une grande puissance industrielle. L'une des images les plus connues de cette période est celle qui la montre accroupie sur l'une des grandes gargouilles du Chrysler Building, où elle vit, tandis que, sans aucune protection, elle photographie d'en haut l'agitation de la ville en contrebas. Dans les années 1930, elle esquisse une esthétique particulièrement proche des idéaux du magazine LIFE qui, non sans hasard, choisit sa photo du barrage de Fort Peck pour la couverture de son premier numéro, paru le 23 novembre 1936. LIFE veut être une fenêtre sur le monde, un témoin des grands événements de l'histoire, montrer des choses jamais vues et défendre les valeurs du New Deal. Si, dans un premier temps, ses œuvres se caractérisent par l'absence quasi totale de l'homme au profit de l'architecture et des machines industrielles, avec la publication du livre photographique You have seen their faces (1937), il opère un changement de cap en se concentrant sur la dénonciation de la pauvreté et de la ségrégation raciale dans le Sud des États-Unis. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il réalise des reportages en Union soviétique, en Afrique du Nord, en Italie et en Allemagne, suivant l'entrée des troupes américaines à Berlin et documentant les horreurs des camps de concentration. Bourke-White est accueillie partout, même dans les situations de conflit, comme une célébrité, un statut qui lui permet de réaliser des portraits de personnages historiques tels que Staline et Gandhi. Mais ce n'est pas la célébrité de ses sujets qui rend ses photographies iconiques : Bourke-White préfère la pose à la prise de vue directe et spontanée chère à Robert Capa, un choix qui transforme même les personnes les plus humbles en acteurs universels, représentants d'une collectivité, héroïques même dans la misère. Après une carrière de reporter inoubliable, elle est contrainte d'abandonner la photographie en 1957 en raison des symptômes de la maladie de Parkinson et se consacre à l'écriture de son autobiographie Portrait of myself, publiée en 1963. En 1971, elle meurt des complications de la maladie.

L'exposition comprend un parcours d'œuvres visuelles-tactiles accompagnées de descriptions audio qui explorent le style et l'histoire. La sélection comprend certaines des images les plus connues ainsi que des clichés moins connus de l'œuvre de l'auteur.

Parmi les sections de l'exposition, il y a également un accent sur la ville - un thème exploré par Margaret Bourke-White tout au long de sa vie - qui fait partie du projet « Urban Frame », développé par Stratosferica et CAMERA, qui a remporté l'avis public « Torino, che cultura ! » promu par la ville de Turin, département de la culture, du sport, des grands événements et de la promotion du tourisme et cofinancé par les fonds PN Metro Plus et Città Medie Sud 2021-2027 - TO7.5.1.B - Soutien à l'économie urbaine dans le secteur de la culture.

Dal 14 giugno al 6 ottobre 2024 gli spazi del Centro accolgono Margaret Bourke-White. L’opera 1930-1960, un percorso espositivo a cura di Monica Poggi che attraverso 150 fotografie racconta il lavoro, la vita straordinaria e l’altissima qualità degli scatti di Bourke-White, capace di raccontare la complessa esperienza umana sulle pagine delle riviste a grande diffusione come LIFE – di cui la mostra presenta una ricca selezione – superando con determinazione barriere e confini di genere.

Le trasformazioni del mondo sono il cuore della ricerca entusiasta e incessante della fotografa nata a New York nel 1904, che studia biologia alla Columbia University e frequenta per alcune settimane il corso di fotografia tenuto dal famoso fotografo pittorialista Clarence H. White.

Trasferitasi alla Cornell University, Bourke-White inizia a vendere le sue fotografie all’interno del campus per mantenersi durante gli studi; nel 1926 si stabilisce a Cleveland e apre un piccolo studio fotografico: di giorno immortala architetture e giardini, guadagnando il necessario per comprare attrezzature e materiali che usa di notte per ritrarre le grandi acciaierie della città.

Nel 1929 l'editore Henry Luce la invita a New York per contribuire alla nascita della rivista illustrata Fortune e da quel momento la carriera di Bourke-White è un percorso in continua ascesa: pubblica celebri reportage sulle industrie americane e viaggia in Unione Sovietica, dove documenta lo sviluppo del piano quinquennale promosso da Stalin per trasformare il paese in una grande potenza industriale. Una delle immagini più note di questo periodo è quella che la ritrae accovacciata su uno dei grandi gargoyle del Chrysler Building, dove vive, mentre, senza alcuna protezione, fotografa dall’alto il brulichio della città sottostante. Negli anni Trenta delinea un’estetica particolarmente vicina agli ideali della rivista LIFE che, non a caso, sceglierà la sua foto della diga di Fort Peck per la copertina del primo numero, uscito il 23 novembre 1936. LIFE vuole essere una finestra sul mondo, testimone oculare dei grandi avvenimenti della storia, fare vedere cose mai viste e sostenere i valori del New Deal. Se inizialmente i suoi lavori si contraddistinguono per la quasi totale assenza dell’uomo in favore delle architetture e delle macchine industriali, con la pubblicazione del libro fotografico You have seen their faces (1937) compie un cambio di rotta, concentrandosi sulla denuncia della povertà e della segregazione razziale nel Sud degli Stati Uniti. Durante la Seconda guerra mondiale realizza reportage in Unione Sovietica, nel Nord Africa, in Italia e in Germania, seguendo l'entrata delle truppe statunitensi a Berlino e documentando gli orrori dei campi di concentramento. Bourke-White viene accolta ovunque, anche in situazioni di conflitto, come una celebrità, status che le permette di realizzare ritratti a personaggi storici come Stalin e Gandhi. Ma non è la fama dei soggetti a rendere iconiche le sue fotografie: Bourke-White predilige la posa alla presa diretta spontanea più cara a Robert Capa, scelta che trasforma anche le persone più umili in attori universali, rappresentati di una collettività, eroici anche nella miseria. Dopo una carriera di reportage indimenticabili, nel 1957 è costretta ad abbandonare la fotografia a causa dei sintomi del morbo di Parkinson, dedicandosi alla scrittura della sua autobiografia Portrait of myself, pubblicata nel 1963. Nel 1971 muore a causa delle complicazioni dovute alla malattia.

La mostra include un percorso di opere visivo-tattili accompagnate da audiodescrizioni che approfondiscono lo stile e la storia. La selezione comprende sia alcune delle immagini più note sia alcuni scatti meno conosciuti del lavoro dell’autrice.

Fra le sezioni della mostra è presentato anche un focus dedicato alla città – tema esplorato da Margaret Bourke-White per tutta la vita – parte del progetto “Urban Frame”, sviluppato da Stratosferica e da CAMERA, che ha vinto l’Avviso pubblico “Torino, che cultura!” promosso dalla Città di Torino, Dipartimento Cultura, Sport, Grandi Eventi e Promozione Turistica e cofinanziato con fondi PN Metro Plus e Città Medie Sud 2021-2027 – TO7.5.1.1.B – Sostegno all’economia urbana nel settore della cultura.

From June 14 to October 6, 2024, the Center's spaces welcome Margaret Bourke-White. The Work 1930-1960, an exhibition curated by Monica Poggi that through 150 photographs recounts the work, the extraordinary life and the extremely high quality of Bourke-White's shots, capable of recounting the complex human experience on the pages of widely circulated magazines such as LIFE - of which the exhibition presents a rich selection - while determinedly overcoming barriers and gender boundaries.

The transformations of the world are at the heart of the enthusiastic and relentless research of the New York-born photographer in 1904, who studied biology at Columbia University and attended for several weeks a photography course taught by the famous pictorialist photographer Clarence H. White.

Transferring to Cornell University, Bourke-White began selling her photographs on campus to support herself during her studies; in 1926 she settled in Cleveland and opened a small photographic studio: by day she captured architecture and gardens, earning enough to buy equipment and materials, which she used at night to portray the city's large steel mills.

In 1929 publisher Henry Luce invited her to New York to contribute to the birth of the illustrated magazine Fortune, and from that point on Bourke-White's career was an ever-rising path: she published famous reportages on American industries and traveled to the Soviet Union, where she documented the development of the five-year plan promoted by Stalin to transform the country into a great industrial power. One of the best-known images from this period is of her crouching on one of the great gargoyles of the Chrysler Building, where she lives, while, unprotected, she photographs from above the bustle of the city below. In the 1930s she outlines an aesthetic particularly close to the ideals of LIFE magazine, which, not surprisingly, will choose her photo of the Fort Peck Dam for the cover of its first issue, released on November 23, 1936. LIFE aims to be a window on the world, an eyewitness to the great events of history, to make people see things they have never seen, and to uphold the values of the New Deal. While initially his work is marked by the almost total absence of man in favor of architecture and industrial machines, with the publication of the photographic book You have seen their faces (1937) he makes a change of course, focusing on denouncing poverty and racial segregation in the U.S. South. During World War II he produced reportages in the Soviet Union, North Africa, Italy and Germany, following the entry of U.S. troops into Berlin and documenting the horrors of concentration camps. Bourke-White is welcomed everywhere, even in conflict situations, as a celebrity, a status that allows her to take portraits of historical figures such as Stalin and Gandhi. But it is not the fame of her subjects that makes her photographs iconic: Bourke-White prefers posing to the spontaneous live-taking more dear to Robert Capa, a choice that transforms even the humblest people into universal actors, representatives of a collectivity, heroic even in misery. After a career of unforgettable reportage, she was forced to give up photography in 1957 due to symptoms of Parkinson's disease, devoting herself to writing her autobiography Portrait of myself, published in 1963. In 1971 she died of complications from the disease.

The exhibition includes an itinerary of visual-tactile works accompanied by audio descriptions that elaborate on the style and history. The selection includes both some of the best-known images and some lesser-known shots of the author's work.

Sections of the exhibition also include a focus dedicated to the city - a theme explored by Margaret Bourke-White throughout her life - part of the “Urban Frame” project, developed by Stratosferica and CAMERA, which won the public notice “Torino, what culture!” promoted by the City of Turin, Department of Culture, Sports, Major Events and Tourism Promotion and co-funded with PN Metro Plus and Southern Medium Cities 2021-2027 - TO7.5.1.1.B - Support for the urban economy in the culture sector.

(Text: CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
20. April – 2. Juni 2024

Heatwave
Dongkyun Vak

Anlässlich der ersten Ausgabe des EXPOSED Torino Foto Festivals zeigt der Projektraum Heatwave, eine Ausstellung des jungen südkoreanischen Künstlers Dongkyun Vak, Gewinner der dritten Ausgabe des biennalen Preises A New Gaze, der von der Schweizer Art Vontobel Collection ins Leben gerufen wurde und sich der zeitgenössischen Fotografie widmet.

Mit über zwanzig Fotografien, darunter Leuchtkästen sowie mittel- und großformatige Abzüge, erforscht die Ausstellung die Beziehung zwischen Lebewesen, Natur und Technologie in der heutigen Welt. Die Bilder von natürlichen und von Menschenhand geschaffenen Landschaften, von mechanischen Prototypen und Fahrzeugen, von Architektur und den Körpern, die sie bewohnen, dokumentieren nicht direkt die Umweltkatastrophe, sondern bilden im Gegenteil einen visuellen Katalog, in dem technologische Innovation und umweltfreundliches Design einen neuen Weg der Koexistenz beschreiten.

Vak greift auf die verführerische Ästhetik der Modefotografie zurück, um einen aseptischen Raum zu schaffen, in dem er über die Rolle von Technologie, Innovation und Wissen an diesem historischen Wendepunkt nachdenkt. Indem er verschiedene Momente, Szenen und Situationen inszeniert oder konstruiert, vergleicht der Künstler den Einfallsreichtum der Natur mit dem der Fabrik und denkt so über die Idee einer neuen Konfiguration der heutigen Landschaft nach.

Das Projekt lehnt sich an den Begriff des Anthropozäns an, der die gegenwärtige historische Periode als ein neues geologisches Zeitalter bezeichnet, in dem, anders als in der Vergangenheit, die Auswirkungen menschlicher Aktivitäten größer sind als die geologischen und evolutionären Einflüsse auf den Planeten. Aus dieser Annahme leiten sich nicht nur Sorgen und Ängste ab, sondern, wie Vak betont, auch neue Herausforderungen für die Zukunft, und zwar in Richtung eines Wandels der Lebensstile, der sich auf bekannte Probleme wie die globale Erwärmung, klimatische Ungleichgewichte und den Verlust von Lebensräumen und biologischer Vielfalt auswirken wird.

À l'occasion de la première édition d'EXPOSED Torino Foto Festival, la Project Room accueille Heatwave, une exposition du jeune artiste sud-coréen Dongkyun Vak, lauréat de la troisième édition du prix biennal A New Gaze, créé par la Swiss Art Vontobel Collection et consacré à la photographie contemporaine.

Avec plus de vingt photographies, dont des caissons lumineux et des tirages de moyen et grand format, l'exposition explore la relation entre les êtres vivants, la nature et la technologie dans le monde contemporain. Les images de paysages naturels et artificiels, de prototypes mécaniques et de véhicules à moteur, d'architecture et des corps qui les habitent n'enregistrent pas directement la catastrophe environnementale, mais composent au contraire un catalogue visuel dans lequel l'innovation technologique et le design respectueux de l'environnement tracent une nouvelle voie de coexistence.

Vak recourt à l'esthétique séduisante de la photographie de mode pour construire un espace aseptisé dans lequel il réfléchit au rôle de la technologie, de l'innovation et de la connaissance dans ce tournant historique. En mettant en scène ou en construisant différents moments, scènes et situations, l'artiste compare l'ingéniosité de la nature à celle de l'usine, raisonnant ainsi sur l'idée d'une nouvelle configuration du paysage d'aujourd'hui.

Le projet s'inspire de la notion d'Anthropocène, un terme qui identifie la période historique actuelle comme une nouvelle ère géologique dans laquelle, contrairement au passé, les effets de l'activité humaine sont plus importants que les impacts géologiques et évolutifs de la planète. De cette hypothèse découlent non seulement des inquiétudes et des craintes, mais aussi, comme le souligne Vak, de nouveaux défis pour l'avenir, dans le sens d'un changement des modes de vie qui interviendra sur des questions bien connues telles que le réchauffement de la planète, les déséquilibres climatiques et la perte d'habitats et de biodiversité.

In occasione della prima edizione di EXPOSED Torino Foto Festival, la Project Room ospita Heatwave, mostra del giovane artista sudcoreano Dongkyun Vak, vincitore della terza edizione di A New Gaze premio biennale creato dalla collezione svizzera Art Vontobel Collection e dedicato alla fotografia contemporanea.

Con oltre venti fotografie, tra lightbox e stampe di medio e grande formato, la mostra esplora il rapporto tra esseri viventi, natura e tecnologia nella contemporaneità. Le immagini di paesaggi naturali e antropizzati, di prototipi meccanici e autoveicoli, di architetture e corpi che li abitano non registrano direttamente la catastrofe ambientale ma, al contrario, compongono un catalogo visivo in cui innovazione tecnologica e design eco-compatibile tracciano una nuova via di coesistenza.

Vak ricorre all’estetica seducente della fashion photography per costruire uno spazio asettico nel quale riflettere sul ruolo della tecnologia, innovazione e conoscenza in tale svolta storica. Mettendo in scena o costruendo diversi momenti, scene, e situazioni, l’artista mette a confronto l’ingegno della natura con quello della fabbrica, ragionando così sull’idea di una nuova configurazione del paesaggio odierno.

Il progetto prende spunto dalla nozione di Antropocene, termine che identifica l’attuale periodo storico come nuova era geologica in cui, a differenza del passato, gli effetti dell’attività umana sono superiori agli impatti geologici ed evolutivi del pianeta. Da questo assunto derivano non solo la preoccupazione e timori ma, come Vak evidenzia, anche nuove sfide per il futuro, nella direzione di un cambiamento degli stili di vita che intervenga su questioni ormai ben note come il riscaldamento globale, gli squilibri climatici, la perdita di habitat e delle biodiversità.

On the occasion of the first edition of EXPOSED Torino Photo Festival, CAMERA's Project Room will host Heatwave, an exhibition by the young South Korean artist Dongkyun Vak (Seoul, 1992). Vak is the winner of the third edition of A New Gaze, a biennial prize created by the Swiss Art Vontobel Collection and dedicated to contemporary photography.

Featuring more than twenty photographs, including light boxes and medium and large format prints, Heatwave explores the relationship between living beings, nature, and technology in the contemporary world. The images capture natural and man-made landscapes, mechanical prototypes, motor vehicles, architecture, and the bodies that inhabit them. Rather than simply documenting environmental catastrophe, they form a visual catalog of how technological innovation and eco-friendly design can create a new way of living together.

Vak uses the seductive aesthetics of fashion photography to create an aseptic space to examine the role of technology, innovation, and knowledge at such a historical juncture. By re-enacting or reconstructing various moments, scenes, and situations, the artist compares the ingenuity of nature with that of the factory, thus reflecting on a new configuration of today's landscape. The project is inspired by the notion of the Anthropocene, which defines the current historical period as a new geological era in which the effects of human activity outstrip those of geological and evolutionary processes on the planet. This not only raises concerns and fears, but also, as Vak points out, presents new challenges for the future. These challenges urge us to rethink current lifestyles and address pressing issues such as global warming, climate imbalance, and loss of habitat and biodiversity.

(Text: Camera – Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia | Torino
20. April – 2. Juni 2024

Voci Nascoste. Le lingue che resistono
Arianna Arcara, Antonio Ottomanelli, Roselena Ramistella

Das Projekt Voci Nascoste. Le lingue che resistono wird von CAMERA und Chora Media in einer Kulturpartnerschaft mit Lavazza realisiert und umfasst die Vergabe von drei unveröffentlichten Arbeiten an Arianna Arcara (Monza, 1984), Antonio Ottomanelli (Bari, 1982) und Roselena Ramistella (Gela, 1982) zum Thema der sprachlichen Minderheiten im Landesinneren der italienischen Halbinsel.

Die täglichen Erzählungen der französisch-provenzalischen Gruppen im Aostatal, der griechisch-italienisch sprechenden Gruppen des salentinischen Griechenlands in Apulien und der albanischen Arbereshe-Gemeinschaft in Sizilien beschreiben eine visuelle, morphologische und klangliche Landschaft, die reichhaltig und artikuliert ist und in der die Gegenwart auf den Mythos trifft. Die Erinnerung an das mündlich überlieferte Erbe befindet sich jedoch in einem entscheidenden Moment, da sich die Dynamik einer alternden Bevölkerung, die Verstädterung der großen Metropolen durch jüngere Menschen, die massive touristische Erschließung von Orten oder - umgekehrt - deren Entvölkerung verstärkt.

Le projet Voci Nascoste. Le lingue che resistono est réalisé par CAMERA et Chora Media, dans le cadre d'un partenariat culturel avec Lavazza, et prévoit la commande de trois œuvres inédites à Arianna Arcara (Monza, 1984), Antonio Ottomanelli (Bari, 1982) et Roselena Ramistella (Gela, 1982) sur le thème des minorités linguistiques dans les régions intérieures de la péninsule italienne.

Les récits quotidiens des groupes franco-provençaux du Val d'Aoste, des groupes gréco-italiens de la Grèce salentine des Pouilles et de la communauté albanaise des Arbereshe de Sicile décrivent un paysage visuel, morphologique et sonore, riche et articulé, où la contemporanéité rencontre le mythe. La mémoire du patrimoine oral vit cependant un moment crucial en raison de l'intensification de la dynamique du vieillissement de la population, de l'urbanisation des grandes métropoles par des personnes plus jeunes, de la touristicisation massive des lieux ou - à l'inverse - de leur dépeuplement.

Il progetto Voci Nascoste. Le lingue che resistono è realizzato da CAMERA e Chora Media, in partnership culturale con Lavazza, prevede la committenza di tre lavori inediti ad Arianna Arcara (Monza, 1984), Antonio Ottomanelli (Bari, 1982) e Roselena Ramistella (Gela, 1982) sul tema delle minoranze linguistiche nelle aree interne della penisola italiana.

Il racconto giornaliero dei gruppi francoprovenzali della Valle d’Aosta, di quelli parlanti greco-italioti della Grecia salentina in Puglia e della comunità albanese Arbereshe in Sicilia descrivono un paesaggio visivo, morfologico e sonoro, ricco e articolato, dove la contemporaneità si incontra con il mito. La memoria del patrimonio orale, tuttavia, vive un momento cruciale dovuto all’intensificarsi delle dinamiche di invecchiamento della popolazione, dell’urbanizzazione delle grandi metropoli da parte dei più giovani, della turistificazione massiva dei luoghi o – per contrario – del loro spopolamento.

The project Voci Nascoste. Le lingue che resistono by CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia and Chora Media, in cultural partnership with Lavazza, has commissioned three unpublished works from Arianna Arcara (Monza, 1984), Antonio Ottomanelli (Bari, 1982) and Roselena Ramistella (Gela, 1982) on the theme of linguistic minorities in the Italian hinterland.

The daily narratives of the Arbereshe Albanian community in Sicily, the Greek-Italian speaking groups of Salento in Apulia, and the Franco-Provençals in the Aosta Valley describe a rich and articulate visual, morphological, and acoustic landscape where the contemporary meets the mythical. However, the memory of oral heritage is at a crucial moment due to the progressive aging of the population, urbanization of large metropolises by young people, massive touristification of places, or conversely, their depopulation.

(Text: CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
14. Februar – 14. April 2024

Ugo Mulas / I graffiti di Saul Steinberg a Milano

1961 schuf Saul Steinberg im Auftrag des Studio BBPR, das die Renovierung der Palazzina Mayer in Mailand leitete, eine außergewöhnliche Graffitodekoration des Atriums. Ein bedeutendes Werk, das auf andere ähnliche Arbeiten des großen Designers und Illustrators in den Vereinigten Staaten im vorangegangenen Jahrzehnt folgte.

Als die Arbeiten abgeschlossen waren, bat Steinberg den jungen Ugo Mulas, das Werk in seiner Gesamtheit und im Detail zu begutachten. Um den Fotografen bei seiner Arbeit zu unterstützen, schrieb der Künstler auch einen kurzen Text, in dem er die Ikonographie und die Bedeutung seines Werks erläuterte, eine Reflexion über das Labyrinth, das mit der Galleria Vittorio Emanuele in Mailand beginnt, der Stadt, in der Steinberg vor dem Krieg gelebt hatte. Im Jahr 1997 wurde das Gebäude erneut renoviert und die Graffiti zerstört: Heute sind von diesem großartigen Eingriff nur noch die Fotografien von Ugo Mulas übrig, die sowohl das Dokument des Werks als auch seine Interpretation wiederherstellen können.

Die Ausstellung Ugo Mulas / Saul Steinbergs Graffiti in Mailand, kuratiert vom Ugo Mulas Archiv und Walter Guadagnini, wird vom 14. Februar bis zum 14. April 2024 im Projektraum von CAMERA zu sehen sein und erzählt von diesem Ereignis, indem sie die gesamte Dekoration ausgehend von Mulas' Fotografien neu skaliert. Eine Auswahl von etwa fünfzehn Fotografien - einige alt, andere für diesen Anlass gedruckt - ermöglicht es uns, tief in das Werk dieser beiden großen Vertreter der Kunst des 20. Jahrhunderts einzutauchen, die ikonografische Fantasie von Steinbergian und die poetische Klarheit von Mulas' Auge zu schätzen.

Die Ausstellung wird von einem von Dario Cimorelli Editore herausgegebenen Band begleitet, der von Dario Borso, dem Autor des kritischen Textes und der Recherchen, die die Rekonstruktion dieser einzigartigen Episode der italienischen Nachkriegskultur ermöglichten, herausgegeben wird und die Bilder von Mulas sowie das von Steinberg an den Fotografen gesandte Typoskript enthält.

En 1961, Saul Steinberg réalise une extraordinaire décoration en graffitis de l'atrium de la Palazzina Mayer à Milan, à la demande du Studio BBPR qui en assure la rénovation. Il s'agit d'une œuvre importante, qui fait suite à d'autres travaux similaires réalisés par le grand designer et illustrateur aux États-Unis au cours de la décennie précédente.

Une fois les travaux terminés, Steinberg demande au jeune Ugo Mulas d'observer l'œuvre dans son ensemble et dans ses moindres détails. Pour aider le photographe dans son travail, l'artiste a également rédigé un court texte expliquant l'iconographie et la signification de son œuvre, une réflexion sur le labyrinthe qui commence à la Galleria Vittorio Emanuele de Milan, la ville où Steinberg avait vécu avant la guerre. En 1997, le bâtiment a été à nouveau rénové et les graffitis détruits : aujourd'hui, il ne reste de cette splendide intervention que les photographies d'Ugo Mulas, capables de restituer à la fois le document de l'œuvre et son interprétation.

L'exposition Ugo Mulas / Saul Steinberg's graffiti in Milan, organisée par les Archives Ugo Mulas et Walter Guadagnini, sera présentée dans la Project Room de CAMERA du 14 février au 14 avril 2024 et raconte cet événement, en reproposant à l'échelle toute la décoration à partir des photographies de Mulas. Une sélection d'une quinzaine de photographies - certaines anciennes, d'autres imprimées pour l'occasion - permet d'entrer en profondeur dans l'œuvre de ces deux grands représentants de l'art du XXe siècle, d'apprécier l'imagination iconographique de Steinberg et la lucidité poétique de l'œil de Mulas.

L'exposition sera accompagnée d'un volume publié par Dario Cimorelli Editore, édité par Dario Borso, auteur du texte critique et des recherches qui ont permis de reconstruire cet épisode singulier de la culture italienne d'après-guerre, contenant les images de Mulas et le texte dactylographié envoyé par Steinberg au photographe.

Nel 1961 Saul Steinberg realizza una straordinaria decorazione a graffito dell’atrio della Palazzina Mayer a Milano, su commissione dello Studio BBPR che ne seguiva la ristrutturazione. Un lavoro importante, che seguiva altre analoghe imprese compiute dal grande disegnatore e illustratore negli Stati Uniti nel corso del decennio precedente.

A lavoro compiuto, Steinberg chiede a un giovane Ugo Mulas di testimoniare l’opera, nella sua interezza e nei particolari. Per aiutare il fotografo nel suo lavoro, l’artista redige anche un breve testo che spiega l’iconografia e il senso del suo lavoro, una riflessione sul labirinto a partire dalla Galleria Vittorio Emanuele di Milano, città nella quale Steinberg aveva vissuto prima della guerra. Nel 1997 la palazzina sarà nuovamente ristrutturata, e i graffiti distrutti: oggi, di quello splendido intervento rimangono solo le fotografie di Ugo Mulas, capaci di restituire insieme il documento dell’opera e la sua interpretazione.

La mostra Ugo Mulas / I graffiti di Saul Steinberg a Milano, a cura di Archivio Ugo Mulas e Walter Guadagnini, sarà nella Project Room di CAMERA a partire dal 14 febbraio al 14 aprile 2024 e racconta quella vicenda, riproponendo in scala l’intera decorazione a partire dalle fotografie di Mulas. Una selezione di una quindicina di fotografie – alcune vintage altre stampate per questa occasione – permettono di entrare in profondità nel lavoro di questi due grandi rappresentanti dell’arte del XX secolo, di apprezzare la fantasia iconografica steinberghiana e la lucidità poetica dell’occhio di Mulas.

La mostra sarà accompagnata da un volume edito da Dario Cimorelli Editore, curato da Dario Borso, autore del testo critico e della ricerca che ha permesso la ricostruzione di questo singolare episodio della cultura italiana del dopoguerra, contenente le immagini di Mulas e il dattiloscritto inviato da Steinberg al fotografo.

In 1961 Saul Steinberg produced an extraordinary graffiti decoration of the atrium of the Palazzina Mayer in Milan, commissioned by Studio BBPR, which was overseeing its renovation. It was an important work, which followed other similar undertakings accomplished by the great draftsman and illustrator in the United States during the previous decade.

When the work was completed, Steinberg asked a young Ugo Mulas to witness the work, in its entirety and in detail. To aid the photographer in his work, the artist also drafts a short text explaining the iconography and meaning of his work, a reflection on the labyrinth starting with the Galleria Vittorio Emanuele in Milan, the city in which Steinberg had lived before the war. In 1997 the building would be renovated again, and the graffiti destroyed: today, only Ugo Mulas' photographs remain of that splendid intervention, capable of restoring both the document of the work and its interpretation.

The exhibition Ugo Mulas / Saul Steinberg's Graffiti in Milan, curated by the Ugo Mulas Archive and Walter Guadagnini, will be in CAMERA's Project Room from February 14 to April 14, 2024, and recounts that event, re-proposing to scale the entire decoration from Mulas' photographs. A selection of about fifteen photographs-some vintage others printed for this occasion-allow us to enter deeply into the work of these two great representatives of 20th-century art, to appreciate the iconographic imagination of Steinbergian and the poetic lucidity of Mulas' eye.

The exhibition will be accompanied by a volume published by Dario Cimorelli Editore, edited by Dario Borso, author of the critical text and research that enabled the reconstruction of this singular episode in postwar Italian culture, containing Mulas' images and the typescript sent by Steinberg to the photographer.

(Text: CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
14. Februar – 2. Juni 2024

Robert Capa e Gerda Taro: la fotografia, l’amore, la guerra

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia präsentiert die Ausstellung Robert Capa e Gerda Taro: la fotografia, l'amore, la guerra in den Ausstellungsräumen der Via delle Rosine in Turin vom 14. Februar bis 2. Juni 2024.

Eine weitere große Ausstellung nach den Dorothea Lange und André Kertész gewidmeten Einzelausstellungen mit etwa 120 Fotografien, die einen der entscheidenden Momente in der Geschichte der Fotografie des 20. Jahrhunderts wiedergeben: die berufliche und emotionale Beziehung zwischen Robert Capa und Gerda Taro, die durch den Tod von Taro in Spanien 1937 tragisch beendet wurde. In Wirklichkeit hießen sie Gerta Pohorylle und Endre - später in André umbenannt - Friedmann. Sie floh aus Nazi-Deutschland, er emigrierte aus Ungarn, und sie lernten sich 1934 in Paris kennen. Im folgenden Jahr verliebten sie sich ineinander und gingen eine künstlerische und emotionale Partnerschaft ein, die sie dazu brachte, die Cafés des Quartier Latin zu besuchen und sich mit Fotografie und politischem Engagement zu beschäftigen. In einem Paris, in dem es gärt und das von Intellektuellen und Künstlern aus ganz Europa überschwemmt wird, wird es jedoch immer schwieriger, Aufträge zu bekommen. Um Verleger anzulocken, erfand Gerta die Figur des Robert Capa, eines reichen und berühmten amerikanischen Fotografen, der gerade auf dem Kontinent angekommen war, ein Alter Ego, mit dem sich André für den Rest seines Lebens identifizieren sollte. Sie änderte auch ihren Namen in Gerda Taro.

Das entscheidende Jahr für beide war 1936: Im August zogen sie nach Spanien, um den anhaltenden Bürgerkrieg zwischen Republikanern und Faschisten zu dokumentieren. Im darauffolgenden Monat machte Robert Capa die legendäre Aufnahme Der fallende Soldat, während Gerda Taro sein ikonischstes Bild schoss: eine Milizionärin im Training, mit gezogenem Gewehr und Schuhen mit Absätzen, ein noch nie dagewesener Blick auf den Krieg, der von Frauen gemacht und dargestellt wurde. Neben diesen beiden Ikonen machten die Fotografen viele weitere Aufnahmen, die von einer intensiven Teilnahme am Geschehen zeugen, sowohl aus der Sicht der Kriegsberichterstattung als auch aus dem täglichen Leben der Soldaten, der Soldatinnen und der Bevölkerung, die von dem Konflikt dramatisch betroffen war. In jenen Jahren war Spanien in der Tat ein Land, das viele Intellektuelle, Schriftsteller und Filmemacher aus der ganzen Welt anzog. Ernest Hemingway, der auf einem Capa-Foto festgehalten wurde, verarbeitete seine Erfahrungen mit dem Spanischen Bürgerkrieg in seinem Meisterwerk For Whom the Bell Tolls (Wem die Stunde schlägt), während George Orwell eine Hommage an Katalonien schreiben sollte.

Ihre Fotografien werden in den wichtigsten Zeitungen der damaligen Zeit veröffentlicht, von Vu bis Regards to Life. Dies verschafft den beiden, die oft mit einer einzigen Initiale signieren, ohne den Autor des Bildes zu nennen, einen guten Ruf und zahlreiche Anfragen für Arbeiten. In den Jahren 1936 und 1937 pendeln die beiden zwischen Paris und Spanien und dokumentieren die Streiks in der französischen Hauptstadt sowie die Wahlen von 1937, die mit dem Sieg der antifaschistischen Volksfront enden. Sie fotografierten auch Persönlichkeiten wie André Malraux, Ilja Ehrenburg, Tristan Tzara und Anna Seghers auf dem Internationalen Kongress der antifaschistischen Schriftsteller in Valencia.

Kurz nach dem Sieg der Volksfront wurde Gerda Taro jedoch am 24. Juli 1937 während der Schlacht von Brunete in Spanien versehentlich von einem Panzer überrollt und getötet. Diese Tragödie beendete das Leben der ersten weiblichen Kriegsberichterstatterin. Im folgenden Jahr veröffentlichte Robert Capa Death in the Making, ein epochales Buch, das seiner Gefährtin gewidmet ist und viele der in der Ausstellung gezeigten Bilder beider Fotografen enthält.

Die von Walter Guadagnini und Monica Poggi kuratierte Ausstellung erzählt die intensive Zeit der Fotografie, des Krieges und der Liebe dieser beiden außergewöhnlichen Persönlichkeiten anhand von Fotografien und der Reproduktion einiger Abzüge aus dem berühmten "mexikanischen Koffer", der 4 500 Negative enthält, die von den beiden Fotografen und ihrem Kameraden David Seymour, genannt "Chim", in Spanien aufgenommen wurden. Die Spur des Koffers verliert sich 1939, als Capa ihn einem Freund anvertraut, um zu verhindern, dass die Materialien von den deutschen Truppen beschlagnahmt und zerstört werden. Er wurde erst Ende der 1990er Jahre in Mexiko-Stadt wiedergefunden und ermöglichte die korrekte Zuordnung einer Reihe von Bildern, deren Urheber unklar war.

Die Ausstellung wird von einem Katalog begleitet, der von Dario Cimorelli Editore herausgegeben wird und Texte von den Kuratoren enthält.

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia présente l'exposition Robert Capa e Gerda Taro : la fotografia, l'amore, la guerra dans les salles d'exposition de Via delle Rosine à Turin du 14 février au 2 juin 2024.

Après les expositions personnelles consacrées à Dorothea Lange et André Kertész, une autre exposition majeure avec environ 120 photographies retrace l'un des moments les plus marquants de l'histoire de la photographie du XXe siècle : la relation professionnelle et émotionnelle entre Robert Capa et Gerda Taro, tragiquement interrompue par la mort de Taro en Espagne en 1937. Leurs vrais noms étaient Gerta Pohorylle et Endre - plus tard changé en André - Friedmann. Elle a fui l'Allemagne nazie, lui a émigré de Hongrie, et ils se sont rencontrés à Paris en 1934. L'année suivante, ils tombent amoureux et forment un couple artistique et affectif qui les amène à fréquenter les cafés du Quartier latin et à s'engager dans la photographie et l'activisme politique. Cependant, dans un Paris en pleine effervescence, mais envahi par des intellectuels et des artistes venus de toute l'Europe, il est de plus en plus difficile de trouver des commandes. Pour attirer les éditeurs, Gerta invente le personnage de Robert Capa, un riche et célèbre photographe américain récemment arrivé sur le continent, alter ego auquel André s'identifiera toute sa vie. Elle change également de nom pour s'appeler Gerda Taro.

L'année 1936 est une année charnière pour tous les deux : en août, ils s'installent en Espagne pour documenter la guerre civile en cours entre les républicains et les fascistes. Le mois suivant, Robert Capa prend le légendaire cliché The Falling Soldier, tandis que Gerda Taro réalise son image la plus emblématique, une milicienne à l'entraînement, fusil dégainé et chaussures à talons, dans une vision sans précédent de la guerre faite et représentée par des femmes. Outre ces deux icônes, les photographes ont pris de nombreux autres clichés qui témoignent d'une participation intense à l'événement, tant du point de vue du reportage de guerre que de la vie quotidienne des soldats, des femmes soldats et de la population dramatiquement touchée par le conflit. Dans ces années-là, l'Espagne est en effet un pays qui attire de nombreux intellectuels, écrivains et cinéastes du monde entier. Ernest Hemingway, photographié par Capa, racontera son expérience de la guerre civile espagnole dans son chef-d'œuvre "Pour qui sonne le glas", tandis que George Orwell écrira "Hommage à la Catalogne".

Leurs photographies sont publiées dans les principaux journaux de l'époque, de Vu à Regards en passant par Life. Il en résulte une solide réputation et de nombreuses demandes de travail pour le couple, qui signe souvent d'une seule initiale sans distinguer l'auteur de la prise de vue. En 1936 et 1937, ils voyagent entre Paris et l'Espagne, documentant les grèves dans la capitale française et les élections de 1937, qui se soldent par la victoire du Front populaire antifasciste. Ils photographient également des personnages tels qu'André Malraux, Ilya Ehrenburg, Tristan Tzara et Anna Seghers lors du Congrès international des écrivains antifascistes à Valence.

Mais peu après la victoire du Front populaire, Gerda Taro est accidentellement écrasée et tuée par un char d'assaut lors de la bataille de Brunete, en Espagne, le 24 juillet 1937. Cette tragédie met fin à la vie de la première femme correspondante de guerre. L'année suivante, Robert Capa publiera Death in the Making, un livre historique dédié à sa compagne et contenant de nombreuses images des deux photographes présentées dans l'exposition.

L'exposition, organisée par Walter Guadagnini et Monica Poggi, retrace la période intense de photographie, de guerre et d'amour de ces deux personnalités extraordinaires à travers des photographies et la reproduction de certaines épreuves de la fameuse "valise mexicaine", qui contient 4 500 négatifs pris en Espagne par les deux photographes et leur camarade David Seymour, connu sous le nom de "Chim". Les traces de la valise ont été perdues en 1939 lorsque Capa l'a confiée à un ami pour éviter que le matériel ne soit réquisitionné et détruit par les troupes allemandes. Elle n'a été retrouvée qu'à la fin des années 1990 à Mexico, permettant l'attribution correcte d'une série d'images dont l'auteur n'était pas clair.

L'exposition sera accompagnée d'un catalogue publié par Dario Cimorelli Editore avec des textes des commissaires.

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia presenta la mostra Robert Capa e Gerda Taro: la fotografia, l'amore, la guerra nelle sale espositive di Via delle Rosine a Torino dal 14 febbraio al 2 giugno 2024.

Un'altra grande mostra, dopo le personali dedicate a Dorothea Lange e André Kertész, con circa 120 fotografie che raccontano uno dei momenti salienti della storia della fotografia del XX secolo: il rapporto professionale e sentimentale tra Robert Capa e Gerda Taro, tragicamente interrotto dalla morte della Taro in Spagna nel 1937. I loro veri nomi erano Gerta Pohorylle e Endre - poi cambiato in André - Friedmann. Lei fuggì dalla Germania nazista, lui emigrò dall'Ungheria e si incontrarono a Parigi nel 1934. L'anno successivo si innamorarono, formando un sodalizio artistico e sentimentale che li portò a frequentare i caffè del Quartiere Latino e a dedicarsi alla fotografia e all'attivismo politico. Tuttavia, in una Parigi in fermento, ma invasa da intellettuali e artisti provenienti da tutta Europa, era sempre più difficile trovare commissioni. Per attirare gli editori, fu Gerta a inventare il personaggio di Robert Capa, un ricco e famoso fotografo americano da poco arrivato sul continente, un alter ego con cui André si identificherà per il resto della sua vita. Cambiò anche il suo nome in Gerda Taro.

L'anno cruciale per entrambi fu il 1936: in agosto si trasferirono in Spagna per documentare la guerra civile in corso tra repubblicani e fascisti. Il mese successivo, Robert Capa realizzerà il leggendario scatto Il soldato che cade, mentre Gerda Taro scatterà la sua immagine più iconica, una miliziana in addestramento, con la pistola spianata e le scarpe col tacco, in una visione inedita della guerra fatta e rappresentata dalle donne. Oltre a queste due icone, i fotografi realizzarono molti altri scatti che testimoniano un'intensa partecipazione all'evento, sia dal punto di vista del reportage di guerra che della vita quotidiana dei soldati, delle soldatesse e della popolazione drammaticamente colpita dal conflitto. In quegli anni, la Spagna era infatti un Paese che attirava molti intellettuali, scrittori e cineasti da tutto il mondo. Ernest Hemingway, immortalato in una fotografia di Capa, avrebbe raccontato la sua esperienza della guerra civile spagnola nel capolavoro Per chi suona la campana, mentre George Orwell avrebbe scritto Omaggio alla Catalogna.

Le loro fotografie vengono pubblicate sui principali giornali dell'epoca, da Vu a Regards a Life. Ne consegue una solida reputazione e molte richieste di lavoro per la coppia, che spesso si firma con una sola iniziale senza distinguere l'autore dello scatto. Nel 1936 e 1937, i due viaggiano tra Parigi e la Spagna, documentando gli scioperi nella capitale francese e le elezioni del 1937, che si concludono con la vittoria del Fronte Popolare antifascista. Fotografarono anche personaggi come André Malraux, Ilya Ehrenburg, Tristan Tzara e Anna Seghers al Congresso internazionale degli scrittori antifascisti a Valencia.

Poco dopo la vittoria del Fronte Popolare, tuttavia, Gerda Taro fu accidentalmente investita e uccisa da un carro armato durante la battaglia di Brunete, in Spagna, il 24 luglio 1937. Questa tragedia pose fine alla vita della prima corrispondente di guerra donna. L'anno successivo Robert Capa avrebbe pubblicato Death in the Making, un libro epocale dedicato alla sua compagna e contenente molte delle immagini esposte in mostra, realizzate da entrambi i fotografi.

La mostra, curata da Walter Guadagnini e Monica Poggi, racconta l'intenso periodo di fotografia, guerra e amore di queste due straordinarie personalità attraverso le fotografie e la riproduzione di alcune prove della famosa "valigia messicana", che contiene 4.500 negativi scattati in Spagna dai due fotografi e dal loro compagno David Seymour, detto "Chim". Della valigia si persero le tracce nel 1939, quando Capa la affidò a un amico per evitare che il materiale fosse requisito e distrutto dalle truppe tedesche. È stata ritrovata solo alla fine degli anni Novanta a Città del Messico, consentendo la corretta attribuzione di una serie di immagini il cui autore non era chiaro.

La mostra sarà accompagnata da un catalogo pubblicato da Dario Cimorelli Editore con testi dei curatori.

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia presents the exhibition Robert Capa e Gerda Taro: la fotografia, l'amore, la guerra in the exhibition halls of Via delle Rosine in Turin from February 14th to June 2nd 2024.

Another major exhibition after the solo shows dedicated to Dorothea Lange and André Kertész with about 120 photographs recounting one of the defining moments in the history of 20th-century photography: the professional and emotional relationship between Robert Capa and Gerda Taro, which was tragically cut short by Taro's death in Spain in 1937. Their real names were Gerta Pohorylle and Endre - later changed to André - Friedmann. She fled Nazi Germany, he emigrated from Hungary, and they met in Paris in 1934. The following year, they fell in love, forming an artistic and emotional partnership that led them to frequent the cafés of the Latin Quarter and engage in photography and political activism. However, in a Paris in ferment, but invaded by intellectuals and artists from all over Europe, it was increasingly difficult to find commissions. To attract publishers, it was Gerta who invented the character of Robert Capa, a rich and famous American photographer who had recently arrived on the continent, an alter ego with which André would identify for the rest of his life. She also changed her name to Gerda Taro.

The pivotal year for both was 1936: in August, they moved to Spain to document the ongoing civil war between Republicans and Fascists. The following month, Robert Capa would take the legendary shot The Falling Soldier, while Gerda Taro would shoot his most iconic image, a militia woman in training, gun drawn and shoes with heels, in an unprecedented view of war made and represented by women. In addition to these two icons, the photographers took many other shots that testify to an intense participation in the event, both from the point of view of war reportage and of the daily life of the soldiers, female soldiers and the population dramatically affected by the conflict. In those years, Spain was indeed a country that attracted many intellectuals, writers and filmmakers from all over the world. Ernest Hemingway, captured in a Capa photograph, would recount his experience of the Spanish Civil War in his masterpiece For Whom the Bell Tolls, while George Orwell would write Homage to Catalonia.

Their photographs are published in major newspapers of the time, from Vu to Regards to Life. This results in a solid reputation and many requests for work for the pair, who often signed with a single initial without distinguishing the author of the shot. In 1936 and 1937, the two traveled between Paris and Spain, documenting strikes in the French capital and the 1937 elections, which ended with the victory of the anti-fascist Popular Front. They also photographed characters like André Malraux, Ilya Ehrenburg, Tristan Tzara, and Anna Seghers at the International Congress of Antifascist Writers in Valencia.

Shortly after the Popular Front's victory, however, Gerda Taro was accidentally run over and killed by a tank during the battle of Brunete, Spain, on July 24, 1937. This tragedy ended the life of the first female war correspondent. The following year, Robert Capa would publish Death in the Making, an epochal book dedicated to his companion and containing many of the images on view in the exhibition, by both photographers.

The exhibition, curated by Walter Guadagnini and Monica Poggi, recounts the intense period of photography, war and love of these two extraordinary personalities through photographs and the reproduction of some of the proofs from the famous "Mexican suitcase", which contains 4,500 negatives taken in Spain by the two photographers and their comrade David Seymour, known as "Chim". Traces of the suitcase were lost in 1939 when Capa entrusted it to a friend to prevent the materials from being requisitioned and destroyed by German troops. It was not found again until the end of the 1990s in Mexico City, allowing for the proper attribution of a series of images whose author had been unclear.

The exhibition will be accompanied by a catalogue published by Dario Cimorelli Editore with texts by the curators.

(Text: CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
14. Februar – 14. April 2024

Michele Pellegrino. Fotografie 1967-2023

Die Ausstellung Michele Pellegrino. Fotografie 1967-2023, organisiert von CAMERA und der Fondazione CRC unter der Leitung von Barbara Bergaglio und einem Text von Mario Calabresi, umfasst 50 Bilder des Fotografen Michele Pellegrino (Chiusa di Pesio, CN, 1934).

Eine unverzichtbare Anthologie seines gesamten kreativen Weges, die Berge, Rituale, Gesichter und Momente der ländlichen Welt zeigt, die von Pellegrinos Leidenschaft für sein Land und für die Fotografie erzählen. Eine Studie über die botanische Landschaft und eine digitale Auswahl aus dem Archiv vervollständigen die Ausstellung.

Die Ausstellung besteht aus fünf Abschnitten, die eine Synthese des Werks des Autors im Laufe seiner langen beruflichen und künstlerischen Karriere darstellen: Exodus. Storie di uomini e di montagne, Visages de la Contemplation, Scene di matrimonio, Le nitide vette und Langa. Hinzu kommt eine digitale Auswahl aus dem von CAMERA katalogisierten und digitalisierten Archiv des Fotografen, das die Fondazione CRC im Rahmen des Projekts Donare erworben hat.

Die Ausstellung wird durch eine Lesung von vier Landschaftsfotografien ergänzt, die im Atlante artistico botanico della flora e del paesaggio del Nord Italia (Botanischer Kunstatlas der Flora und der Landschaft Norditaliens) enthalten sind, einem Forschungsprojekt, das von der Doktorandin Alessia Venditti an der Universität Udine unter der Leitung der Dozenten Alessandro Del Puppo und Valentino Casolo durchgeführt und von der Stiftung Intesa Sanpaolo Onlus finanziert wurde.

L'exposition Michele Pellegrino. Fotografie 1967-2023, organisée par CAMERA et la Fondazione CRC sous la direction de Barbara Bergaglio et sur un texte de Mario Calabresi, comprend 50 images du photographe Michele Pellegrino (Chiusa di Pesio, CN, 1934).

Une anthologie essentielle de l'ensemble de son parcours créatif, comprenant des montagnes, des rituels, des visages et des moments du monde rural, qui racontent la passion de Pellegrino pour sa terre et pour la photographie. Une étude du paysage botanique et une sélection numérique des archives complètent l'exposition.

L'exposition se compose de cinq sections qui offrent une synthèse de l'œuvre de l'auteur au cours de sa longue carrière professionnelle et artistique : Exodus. Storie di uomini e di montagne, Visages de la contemplation, Scene di matrimonio, Le nitide vette et Langa. À cela s'ajoute une sélection numérique résultant du catalogage et de la numérisation effectués par CAMERA sur les archives du photographe, acquises par la Fondazione CRC dans le cadre du projet Donare.

L'exposition est complétée par la lecture de quatre photographies de paysages incluses dans l'Atlante artistico botanico della flora e del paesaggio del Nord Italia (Atlas artistique botanique de la flore et du paysage de l'Italie du Nord), un projet de recherche mené à l'Université d'Udine par la doctorante Alessia Venditti sous la direction des professeurs Alessandro Del Puppo et Valentino Casolo, financé par la Fondation Intesa Sanpaolo Onlus.

La mostra Michele Pellegrino. Fotografie 1967-2023, organizzata da CAMERA e Fondazione CRC con la curatela di Barbara Bergaglio e un testo di Mario Calabresi, si compone di 50 immagini del fotografo Michele Pellegrino (Chiusa di Pesio, CN, 1934).

Una essenziale antologica dell’intero suo percorso creativo, tra montagne, ritualità, volti e momenti del mondo contadino, che narrano la passione di Pellegrino per la sua terra e per la fotografia. A completare l’esposizione, uno studio del paesaggio botanico e una selezione digitale dell’archivio completano l’esposizione.

La mostra si compone di cinque sezioni che costituiscono una sintesi del lavoro dell’autore nel corso della sua lunga attività professionale e artistica: Esodo. Storie di uomini e di montagne, Visages de la Contemplation, Scene di matrimonio, Le nitide vette e Langa. Insieme a queste, è proposta una selezione digitale frutto della catalogazione e digitalizzazione effettuate da CAMERA sull’archivio del fotografo, acquisito dalla Fondazione CRC nell’ambito del progetto Donare.

Completa l’esposizione una lettura di quattro foto di paesaggio inserite in Atlante artistico botanico della flora e del paesaggio del Nord Italia, una ricerca, condotta presso l’Università di Udine dalla dottoranda Alessia Venditti con la supervisione dei docenti Alessandro Del Puppo e Valentino Casolo, finanziata dalla Fondazione Intesa Sanpaolo Onlus.

The exhibition Michele Pellegrino. Photographs 1967-2023, organized by CAMERA and Fondazione CRC with curatorship by Barbara Bergaglio and a text by Mario Calabresi, consists of 50 images by photographer Michele Pellegrino (Chiusa di Pesio, CN, 1934).

It is an essential anthology of his entire creative journey, including mountains, rituals, faces and moments of the peasant world, which narrate Pellegrino's passion for his land and for photography. A botanical landscape study and a digital selection from the archive complete the exhibition.

The exhibition consists of five sections that constitute a synthesis of the author's work throughout his long professional and artistic activity: Exodus. Stories of Men and Mountains, Visages de la Contemplation, Wedding Scenes, The Sharp Peaks and Langa. Along with these, a digital selection resulting from the cataloging and digitization carried out by CAMERA on the photographer's archive, acquired by the CRC Foundation as part of the Donare project, is offered.

Completing the exhibition is a reading of four landscape photos included in Atlante artistico botanico della flora e del paesaggio del Nord Italia, a research, conducted at the University of Udine by doctoral student Alessia Venditti under the supervision of professors Alessandro Del Puppo and Valentino Casolo, funded by the Intesa Sanpaolo Onlus Foundation.

(Text: CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

Camera - Centro Italiano per la Fotografia | Torino

19. Oktober 2023 – 4. Februar 2024

Nuova Generazione. Sguardi contemporanei sugli Archivi Alinari

Matteo de Mayda, Leonardo Magrelli, Giovanna Petrocchi, Silvia Rosi

Neue Generation. Sguardi contemporanei sugli Archivi Alinari ist ein Projekt von CAMERA und FAF Toscana - Fondazione Alinari per la Fotografia, kuratiert von Giangavino Pazzola und Monica Poggi, das darauf abzielt, das öffentliche fotografische Erbe durch die Vergabe von unveröffentlichten Projekten an vier junge Künstler zu erweitern. Das Projekt ist der Gewinner der "Strategia Fotografia 2022", die von der Generaldirektion für zeitgenössische Kreativität des Kulturministeriums gefördert wird, um Forschung, Talente und italienische Spitzenleistungen im Bereich der Fotografie zu fördern und zu unterstützen.

Matteo de Mayda, Leonardo Magrelli, Giovanna Petrocchi und Silvia Rosi führen Projekte durch, die sich ausgehend von den Alinari-Sammlungen mit dem Thema der Archive als grundlegende Speicher von Geschichten befassen, die es zu befragen und zu erweitern gilt. Durch den Vergleich historischer und zeitgenössischer Bilder reflektiert die Ausstellung über die zeitgenössische Funktion von Sammlungen und die verschiedenen künstlerischen Praktiken, die sich heute gerade aus öffentlichen oder privaten Archiven entwickeln.

Die Ausstellung mischt verschiedene Arten von Materialien, von den vorhandenen, natürlich unveröffentlichten, bis zu denjenigen aus der FAF-Sammlung, die von der Fotografie in ihrer objektivsten Dimension erzählen: Daguerreotypien, Platten, Alben.

Die von den vier Künstlern geschaffenen Werke werden Teil der FAF-Sammlung und werden vor ihrem Erwerb in Turin und Florenz ausgestellt, wo sie mit den historischen Fotografien und Objekten des Archivs in Dialog treten und die Beziehung zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft beleuchten.

Die Initiative wird von einem Katalog begleitet, der neben den Essays der Projektkuratoren auch Reproduktionen aller ausgestellten Werke enthält. Der Katalog wird in Kürze veröffentlicht.

Nouvelle génération. Sguardi contemporanei sugli Archivi Alinari est un projet de CAMERA et FAF Toscana - Fondazione Alinari per la Fotografia, dirigé par Giangavino Pazzola et Monica Poggi, qui vise à accroître le patrimoine photographique public en commandant des projets inédits à quatre jeunes artistes. Le projet est le lauréat de la "Strategia Fotografia 2022", promue par la direction générale de la créativité contemporaine du ministère de la culture pour promouvoir et soutenir la recherche, le talent et l'excellence italienne dans le domaine de la photographie.

Matteo de Mayda, Leonardo Magrelli, Giovanna Petrocchi et Silvia Rosi réalisent des projets qui, à partir des collections Alinari, explorent le thème des archives en tant que dépositaires fondamentaux d'histoires à interroger et à développer. En comparant des images historiques et contemporaines, l'exposition réfléchit à la fonction contemporaine des collections et aux différentes pratiques artistiques qui se développent aujourd'hui précisément à partir des archives, qu'elles soient publiques ou privées.

L'exposition mêle différents types de matériaux, depuis ceux présents, naturellement inédits, jusqu'à ceux de la collection FAF, qui racontent la photographie dans sa dimension la plus objective : daguerréotypes, plaques, albums.

Les œuvres créées par les quatre artistes feront partie de la collection du FAF et, avant leur acquisition, seront exposées à Turin et à Florence, où elles dialogueront avec les photographies historiques et les objets des archives, mettant en évidence le rapport entre passé, présent et futur.

L'initiative est accompagnée d'un catalogue contenant, outre les essais des commissaires du projet, des reproductions de toutes les œuvres exposées. Le catalogue sera publié prochainement.

Nuova Generazione. Sguardi contemporanei sugli Archivi Alinari, è un progetto di CAMERA e FAF Toscana – Fondazione Alinari per la Fotografia, a cura di Giangavino Pazzola e Monica Poggi, finalizzato all’incremento del patrimonio fotografico pubblico attraverso la committenza di progetti inediti a quattro giovani artisti. Il progetto è vincitore di “Strategia Fotografia 2022”, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura per promuovere e sostenere la ricerca, i talenti e le eccellenze italiane nel campo della fotografia.

Matteo de Mayda, Leonardo Magrelli, Giovanna Petrocchi e Silvia Rosi stanno realizzando dei progetti che, partendo dalle raccolte Alinari, indagano il tema degli archivi come fondamentali giacimenti di storie da interrogare e ampliare. Attraverso il confronto tra immagini storiche e immagini contemporanee, la mostra riflette sulla funzione odierna delle raccolte e sulle diverse pratiche artistiche che si stanno sviluppando oggi proprio a partire dagli archivi, pubblici o privati che siano.

La mostra mescola diverse tipologie di materiali, da quelli presenti, naturalmente inediti, a quelli provenienti dalla collezione FAF, che raccontano la fotografia nella sua dimensione più oggettuale: dagherrotipi, lastre, album.

Le opere realizzate dai quattro artisti entreranno a far parte della collezione FAF e, prima dell’acquisizione, verranno esposte a Torino e Firenze, dove dialogheranno con le fotografie storiche e gli oggetti dell’archivio, evidenziando il rapporto tra passato, presente e futuro.

L’iniziativa è accompagnata da un catalogo contenente, oltre ai saggi dei curatori del progetto, la riproduzione di tutte le opere esposte. Il catalogo sarà di prossima uscita.

New Generation. Contemporary Views of the Alinari Archives is a project by CAMERA and FAF Toscana – Fondazione Alinari per la Fotografia, curated by Giangavino Pazzola and Monica Poggi, that aims to enhance the public photographic heritage by commissioning unpublished projects to four young artists. This is one of the winning projects of the “Strategia Fotografia” call, promoted by the General Directorate for Contemporary Creativity of the Ministry of Culture to support research, talent and Italian excellence in photography.

Starting from the Alinari archives, Matteo de Mayda, Leonardo Magrelli, Giovanna Petrocchi and Silvia Rosi explore the theme of archives as fundamental stories that must be questioned and expanded. By comparing historical and contemporary images, the exhibition analyzes the contemporary role of collections and artistic practices developed from public or private archives.

The exhibition mixes the already present unpublished materials and those from the FAF collection, recounting the history of photography through objects such as daguerreotypes, plates and albums.

The four artists’ works will become part of the FAF collection and will be exhibited in Turin and Florence before the acquisition. They will dialogue with historical photographs and objects from the archive, highlighting the relationship between past, present and future.

The initiative is accompanied by a catalogue with copies of all the works on display and essays by the curators.

(Text: Camera - Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

Centro Italiano per la Fotografia | Torino
19. Oktober 2023 – 4. Februar 2024

L’opera 1912-1982
André Kertész

Eine große Anthologie über einen der absoluten Meister der Fotografie des 20. Jahrhunderts, André Kertész. 1912-1982, markiert die Herbstsaison von CAMERA. In Zusammenarbeit mit der Médiathèque du patrimoine et de la photographie (MPP) in Paris - dem Institut, das die über hunderttausend Negative und das gesamte Archiv aufbewahrt, das der Fotograf 1984 dem französischen Staat schenkte - besteht die Ausstellung aus über hundertfünfzig Bildern, die den gesamten Werdegang des 1894 in Budapest geborenen ungarischen Fotografen nachzeichnen, der 1925 nach Frankreich kam und schließlich 1936 in die USA zog, wo er 1985 starb.

Die Ausstellung folgt den biografischen Etappen des Autors, von den ersten Amateurfotografien, die in seinem Heimatland und in den Jahren des Ersten Weltkriegs entstanden, über die berühmten Ikonen, die in Paris, der Hauptstadt der kulturellen Welt der 1920er und 1930er Jahre, aufgenommen wurden, bis hin zu den Meisterwerken, die im Atelier des Malers Piet Mondrian entstanden, den Straßenszenen und schließlich den "Verzerrungen", die ihn zu einer führenden Persönlichkeit auch im Bereich des Surrealismus machten. Die Ausstellung wirft auch ein neues Licht auf den langen zweiten Teil seines Lebens, den er jenseits des Ozeans in einem völlig anderen kulturellen Klima verbracht hat. Die Bilder aus diesen Jahren zeigen, wie Kertész seine Forschungen fortsetzt, indem er zu denselben Themen zurückkehrt, aber auch die Auswirkungen neuer Architekturen, neuer Lebensstile und neuer Stadtlandschaften auf seine Fotografie hervorhebt.

Die Ausstellung, die von Matthieu Rivallin - Leiter der Fotografieabteilung des MPP und großer Kertész-Experte - und Walter Guadagnini - künstlerischer Leiter von CAMERA - kuratiert wird, feiert auch den 60. Jahrestag der Teilnahme des Fotografen an der Biennale von Venedig: Die Übersicht der gezeigten Werke basiert auf der handschriftlichen Liste der bei dieser Gelegenheit ausgestellten Werke, die in den Archiven des MPP gefunden wurde - eine weitere Kuriosität, die den großen Meister mit unserem Land verbindet.

Une anthologie majeure de l'un des maîtres absolus de la photographie du 20e siècle, André Kertész. 1912-1982, marque la saison d'automne de CAMERA. Réalisée en collaboration avec la Médiathèque du patrimoine et de la photographie (MPP) à Paris - l'institut qui conserve les plus de cent mille négatifs et toutes les archives donnés par le photographe à l'État français en 1984 - l'exposition est composée de plus de cent cinquante images qui retracent toute la carrière du photographe d'origine hongroise, né à Budapest en 1894, arrivé en France en 1925 et finalement installé aux États-Unis en 1936, où il est décédé en 1985.

L'exposition suit les étapes biographiques de l'auteur, depuis les premières photographies d'amateur prises dans son pays d'origine et pendant les années de la Première Guerre mondiale, jusqu'aux célèbres icônes prises à Paris, capitale du monde culturel dans les années 1920 et 1930, aux chefs-d'œuvre réalisés dans l'atelier du peintre Piet Mondrian, aux scènes de rue et enfin aux "distorsions" qui ont fait de lui une figure de proue également dans le domaine surréaliste. Les images de ces années montrent comment Kertész poursuit ses recherches en revenant sur les mêmes thèmes, tout en soulignant l'effet que les nouvelles architectures, les nouveaux modes de vie et les nouveaux paysages urbains ont sur sa photographie.

L'exposition, dont le commissariat est assuré par Matthieu Rivallin - responsable du département Photographie de la MPP et grand connaisseur de Kertész - et Walter Guadagnini - directeur artistique de CAMERA -, célèbre également le 60e anniversaire de la présence du photographe à la Biennale de Venise : en effet, le plan des œuvres exposées est basé sur la liste manuscrite des œuvres exposées à cette occasion, retrouvée parmi les documents des archives de la MPP, une curiosité de plus qui lie le grand maître à notre pays.

Una grande antologica di uno dei maestri assoluti della fotografia del XX secolo, André Kertész. L’opera 1912-1982, segna la stagione autunnale di CAMERA. Realizzata in collaborazione con la Médiathèque du patrimoine et de la photographie (MPP) di Parigi – Istituto che conserva gli oltre centomila negativi e tutti gli archivi donati dal fotografo allo Stato francese nel 1984 – la mostra è composta da oltre centocinquanta immagini che ripercorrono l’intera carriera del fotografo di origini ungheresi, nato a Budapest nel 1894, giunto in Francia nel 1925 e trasferitosi infine negli Stati Uniti nel 1936, dove morirà nel 1985.

La mostra segue le tappe biografiche dell’autore, dalle prime fotografie amatoriali scattate nel suo paese d’origine e durante gli anni della prima guerra mondiale, alle celebri icone realizzate nella Parigi capitale del mondo culturale degli anni tra Venti e Trenta, i capolavori realizzati nello studio del pittore Piet Mondrian, le scene di strada e infine le “distorsioni” che lo hanno reso una figura di primo piano anche nell’ambito surrealista. L’esposizione getta poi una nuova luce sulla lunga seconda parte della sua esistenza, trascorsa al di là dell’Oceano, in un clima culturale profondamente diverso: le immagini di questi anni dimostrano infatti come da un lato Kertész continui la sua ricerca ritornando sugli stessi temi, dall’altro evidenzia l’effetto che le nuove architetture, i nuovi stili di vita, i nuovi panorami cittadini hanno sulla sua fotografia.

La mostra, curata da Matthieu Rivallin – responsabile del Dipartimento di fotografia della MPP, grande esperto di Kertész – e da Walter Guadagnini – direttore artistico di CAMERA –, celebra anche il sessantesimo anniversario della presenza del fotografo alla Biennale di Venezia: la traccia delle opere in mostra si basa infatti sulla lista manoscritta delle opere esposte in quell’occasione, ritrovata tra i documenti presenti negli archivi della MPP, una curiosità in più che lega il grande maestro al nostro paese.

The fall season of CAMERA opens with a great retrospective of André Kertész. L’opera 1912-1982, one of the absolute masters of 20th century photography. The exhibition is organized in collaboration with the Médiathèque du patrimoine et de la photographie (MPP) in Paris. The MPP houses more than one hundred thousand negatives and all of Kertész’s archives, which he donated to France in 1984. Over 150 images cover the career of the photographer, who was born in Budapest in 1894, came to France in 1925, and moved to the United States in 1936, where he died in 1985.

The exhibition follows the author’s biography, from the first amateur photographs taken in Hungary and during the First World War, to his famous icons shot in Paris, the cultural capital of the 1920s and 1930s. It also shows the masterpieces created in the studio of the painter Piet Mondrian, the street scenes and finally the “distortions” that made him a leading figure even on the Surrealist scene. The exhibition then presents an original view of the long second part of his life, spent across the ocean in a deeply different cultural context. The images from these years in fact show how Kertész continues his research by retracing the same themes, while highlighting the effect that new architecture, new lifestyles, and new cityscapes have on his photography.

The exhibition, curated by Matthieu Rivallin – head of the photography department at the MPP and a great Kertész expert – and Walter Guadagnini – artistic director of CAMERA – also celebrates the 60th anniversary of the photographer’s participation in the Venice Biennale. In fact, the exhibition is based on his handwritten list of works exhibited on that occasion. The list, found in the MPP archives, is an additional curiosity that links the great master to our country.

(Text: Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia | Torino
19. Juli - 8. Oktober 2023

Racconti di vita e lavoro
Dorothea Lange

Die Ausstellung Dorothea Lange. Tales of Life and Work, die 200 Bilder umfasst und vom künstlerischen Leiter von CAMERA, Walter Guadagnini, und der Kuratorin Monica Poggi kuratiert wird, präsentiert die Karriere von Dorothea Lange (Hoboken, New Jersey, 1895 - San Francisco, 1965), einer Künstlerin, die, wie John Szarkowski schrieb, "aus freien Stücken eine soziale Beobachterin und aus Instinkt eine Künstlerin" war.

Die Ausstellung, die vom 19. Juli bis zum 8. Oktober zu sehen ist, konzentriert sich insbesondere auf die 1930er und 1940er Jahre, den absoluten Höhepunkt ihres Schaffens, eine Zeit, in der sie die epochalen Ereignisse dokumentierte, die die wirtschaftliche und soziale Struktur der Vereinigten Staaten veränderten. Zwischen 1931 und 1939 wurde der Süden der Vereinigten Staaten von einer schweren Dürre und anhaltenden Sandstürmen heimgesucht, die die Landwirtschaft in der Region zum Erliegen brachten und Tausende von Menschen zur Auswanderung zwangen. Dorothea Lange gehörte zu der Gruppe von Fotografen, die von der Farm Security Administration (einer Regierungsbehörde, die für die Förderung der New-Deal-Politik zuständig war) beauftragt wurde, den Exodus der Landarbeiter auf der Suche nach Arbeit in den großen Plantagen des Central Valley zu dokumentieren: Lange machte Tausende von Aufnahmen und sammelte Geschichten und Erzählungen, die dann in den detaillierten Bildunterschriften, die die Bilder ergänzen, wiedergegeben wurden.

In diesem Kontext entstand das in die Geschichte eingegangene Porträt einer jungen, verzweifelten und von der Armut erschöpften Mutter (Migrant Mother), die mit ihren sieben Kindern in einem Lager aus Zelten und ausgedienten Autos lebt.

Klimakrise, Migration, Diskriminierung: Obwohl mehrere Jahrzehnte zwischen diesen Bildern liegen, sind die von Dorothea Lange behandelten Themen von absoluter Aktualität und geben Anlass zum Nachdenken und zur Diskussion über die Gegenwart und zeigen eine wichtige Etappe in der Geschichte der Fotografie des 20.

Die Ausstellung bietet daher den Einwohnern und Touristen Turins eine unumgängliche Gelegenheit, mehr über die Autorin eines der Bilder zu erfahren, die Mutterschaft und Würde im 20.

L'exposition Dorothea Lange. Tales of Life and Work, composée de 200 images et organisée par Walter Guadagnini, directeur artistique de CAMERA, et Monica Poggi, commissaire de l'exposition, présente la carrière de Dorothea Lange (Hoboken, New Jersey, 1895 - San Francisco, 1965), une artiste qui était, comme l'a écrit John Szarkowski, "par choix un observateur social et par instinct un artiste".

L'exposition, que l'on peut visiter du 19 juillet au 8 octobre, se concentre en particulier sur les années 1930 et 1940, le sommet absolu de son activité, une période au cours de laquelle elle a documenté les événements marquants qui ont modifié la structure économique et sociale des États-Unis. Entre 1931 et 1939, le sud des États-Unis a en effet été frappé par une grave sécheresse et des tempêtes de sable incessantes, qui ont mis l'agriculture de la région à genoux, forçant des milliers de personnes à émigrer. Dorothea Lange fait partie du groupe de photographes sollicités par la Farm Security Administration (agence gouvernementale chargée de promouvoir les politiques du New Deal) pour documenter l'exode des ouvriers agricoles à la recherche d'un emploi dans les grandes plantations de la Central Valley : Lange prend des milliers de clichés, recueillant histoires et récits, qui sont ensuite rapportés dans les légendes détaillées qui complètent les images.

C'est dans ce contexte qu'il réalise le portrait, resté dans l'histoire, d'une jeune mère désespérée et épuisée par la pauvreté (Migrant Mother), qui vit avec ses sept enfants dans un campement de tentes et de voitures désaffectées.

Crise climatique, migrations, discriminations : bien que plusieurs décennies nous séparent de ces images, les thèmes abordés par Dorothea Lange sont d'une actualité absolue et donnent matière à réflexion et à débat sur le présent, tout en mettant en lumière une étape essentielle de l'histoire de la photographie du XXe siècle.

L'exposition offre donc aux Turinois et aux touristes une occasion incontournable de mieux connaître l'auteur d'une des images qui a symbolisé la maternité et la dignité au XXe siècle et de s'interroger sur le présent.

La mostra Dorothea Lange. Racconti di vita e lavoro, che si compone di 200 immagini ed è curata dal direttore artistico di CAMERA Walter Guadagnini e dalla curatrice Monica Poggi, presenta la carriera di Dorothea Lange (Hoboken, New Jersey, 1895 – San Francisco, 1965), autrice che è stata, come scrisse John Szarkowski, “per scelta un’osservatrice sociale e per istinto un’artista”.

Il percorso di mostra, visitabile dal 19 luglio all’8 ottobre , si concentra in particolare sugli anni Trenta e Quaranta, picco assoluto della sua attività, periodo nel quale documenta gli eventi epocali che hanno modificato l’assetto economico e sociale degli Stati Uniti. Fra il 1931 e il 1939, il Sud degli Stati Uniti viene infatti colpito da una grave siccità e da continue tempeste di sabbia, che mettono in ginocchio l’agricoltura dell’area, costringendo migliaia di persone a migrare. Dorothea Lange fa parte del gruppo di fotografi chiamati dalla Farm Security Administration (agenzia governativa incaricata di promuovere le politiche del New Deal) a documentare l’esodo dei lavoratori agricoli in cerca di un’occupazione nelle grandi piantagioni della Central Valley: Lange realizza migliaia di scatti, raccogliendo storie e racconti, riportati poi nelle dettagliate didascalie che completano le immagini.

È in questo contesto che realizza il ritratto, passato alla storia, di una giovane madre disperata e stremata dalla povertà (Migrant Mother), che vive insieme ai sette figli in un accampamento di tende e auto dismesse.

La crisi climatica, le migrazioni, le discriminazioni: nonostante ci separino diversi decenni da queste immagini, i temi trattati da Dorothea Lange sono di assoluta attualità e forniscono spunti di riflessione e occasioni di dibattito sul presente, oltre a evidenziare una tappa imprescindibile della storia della fotografia del Novecento.

La mostra offre quindi ai torinesi e ai turisti un’occasione imperdibile per conoscere meglio l’autrice di una delle immagini simbolo della maternità e della dignità del XX secolo e interrogarsi sul presente.

The exhibition Dorothea Lange. Tales of Life and Work, which consists of 200 images and is curated by CAMERA artistic director Walter Guadagnini and curator Monica Poggi, presents the career of Dorothea Lange (Hoboken, New Jersey, 1895 - San Francisco, 1965), an author who was, as John Szarkowski wrote, "by choice a social observer and by instinct an artist."

The exhibition itinerary, which can be visited from July 19 to October 8 , focuses particularly on the 1930s and 1940s, the absolute peak of her activity, a period in which she documented the momentous events that changed the economic and social structure of the United States. Indeed, between 1931 and 1939, the Southern United States was hit by a severe drought and continuous sandstorms, which brought agriculture in the area to its knees, forcing thousands of people to migrate. Dorothea Lange is part of the group of photographers called upon by the Farm Security Administration (a government agency charged with promoting New Deal policies) to document the exodus of farm workers seeking employment on the Central Valley's large plantations.Lange takes thousands of shots, collecting stories and narratives, later reported in the detailed captions that complement the images.

It is in this context that he creates the portrait, which has gone down in history, of a desperate young mother exhausted by poverty (Migrant Mother), who lives with her seven children in an encampment of tents and disused cars.

The climate crisis, migration, discrimination: despite the fact that we are several decades removed from these images, Dorothea Lange's themes are of absolute topicality and provide food for thought and opportunities for debate on the present, as well as highlighting an indispensable stage in the history of twentieth-century photography.

The exhibition therefore offers Turin residents and tourists an unmissable opportunity to learn more about the author of one of the iconic images of motherhood and dignity of the 20th century and to question the present.

(Text: CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia, Torino)

Castello di Casale Monferrato
31. März - 11. Juni 2023

I miei racconti di fotografia oltre la moda
Maria Vittoria Backhaus

Im Frühjahr 2023, dem Zwischenjahr der Biennale für Fotografie von Casale Monferrato, kündigen die Gemeinde Casale und die künstlerische Leiterin Mariateresa Cerretelli die erste Saison des Middle MonFest mit einer großen Ausstellung an, die der brillanten kreativen Persönlichkeit von Maria Vittoria Backhaus gewidmet ist, von ihren Anfängen in den 1970er Jahren bis heute.

Es handelt sich um eine große anthologische Ausstellung, die das Ergebnis einer sorgfältigen Recherche in einem reichen und gegliederten Archiv ist, in dem sich die Jahre der redaktionellen Gestaltung mit einer unaufhörlichen persönlichen Studie abwechseln und die Bilder neue und gegenläufige Interpretationen für Mode, Design und Porträt widerspiegeln, mit einer phantasmagorischen Produktion von Stillleben und künstlerischen Konstruktionen, die die Vielseitigkeit einer großen italienischen Protagonistin, Fotografin, gebürtige Mailänderin und adoptierte Piemontesin, zum Ausdruck bringen.

Im Sale Chagall des Schlosses Casale Monferrato wird eine kaleidoskopische Bildergalerie ausgestellt, die von Luciano Bobba und Angelo Ferrillo unter der künstlerischen Leitung von Mariateresa Cerretelli kuratiert wird, um die Kreativität des Autors in der Runde zu entdecken. Explosiv, experimentell und revolutionär für die Zeit, beseelt von einer fast wahnsinnigen Aufmerksamkeit für die Ästhetik und die Finesse der Fotografien und immer einen Schritt voraus gegenüber dem Klassizismus der Bilder, die in Hochglanzmagazinen oder Werbekampagnen von den 1970er Jahren bis heute herrschen, gehört der Künstler/Fotograf zu Recht zu den führenden Namen der italienischen Fotografie. Mit einer noch nie dagewesenen Neuinterpretation eines immensen und äußerst reichhaltigen Archivs untersucht die Ausstellung die verschiedenen Themen, die das facettenreiche Genie von Maria Vittoria Backhaus ausmachen, die sich vor allem in redaktionellen Arbeiten, in der Werbung und auf ihrem persönlichen Weg durch die Beobachtung und Fokussierung auf eine Gesellschaft in ständiger Entwicklung ausgedrückt hat.

"Die künstlerische Kreativität verbindet uns, und die Ausstellung mit Maria Vittoria Schritt für Schritt zu studieren, ist für mich wie die parallele Linie eines natürlichen und spontanen Austauschs ohne Barrieren in einem Fluss von Gedanken und tiefen und unmittelbaren ästhetischen Übereinstimmungen, die sich aus unserer gemeinsamen Leidenschaft für die Fotokunst ergeben", sagt Kurator Luciano Bobba.

Ein Wirbelwind aus Schwarz-Weiß und Farbe, der den Spiegel einer grenzenlosen Ikonographie darstellt, in der sich Backhaus mit Leichtigkeit bewegt und auch eine eingehende Studie über die Verwendung der verschiedenen von ihm verwendeten Kameras offenbart.

"Ich habe", so der Autor, "mit allen möglichen Formaten von analogen Kameras gearbeitet, vom Leica-Format bis zu den Großformaten mit dem Balgengerät unter dem schwarzen Tuch 20 x 25. Sie passten alle in einen großen Schrank in meinem Atelier. Ich mochte sie auch als Objekte, also habe ich sie auch porträtiert. Ich musste all die verschiedenen Techniken lernen, um sie verwenden zu können, eignete sie mir an, vergaß sie aber zum Zeitpunkt der Aufnahme, um mich auf die Geschichte des Fotos zu konzentrieren".

In den Chagall-Sälen entfalten sich die Hauptthemen einer sich ständig weiterentwickelnden Geschichte: Mode, Accessoires, Stillleben, Design, Natur, Statuetten, Collagen und szenische Kompositionen aus Miniaturgebäuden und Puppen. Mehr als vierzig Jahre Fotografie, in denen Reportagen und Porträts Platz finden, werden durch engagierte Geschichten ergänzt, darunter die Bewohner von Filicudi, der geliebten Insel des Fotografen, und, in jüngerer Zeit, Rocchetta Tanaro und seine Bewohner aus dem Monferrato.

Co-Kurator Angelo Ferrillo kennt Maria Vittoria Backhaus und ihre fotografische Erzählung seit langem: "Fantasievoll. Das ist das Adjektiv, das mir in den Sinn kam, als ich das erste Mal das Glück hatte, Maria Vittorias Arbeiten zu sehen. Als ich sie näher kennenlernte, ihre Produktion erlebte und mich in ihr Denken vertiefte, wurde mir klar, wie sehr sich ihre Fotografie in einem Gleichgewicht zwischen Vision, Kreativität und Methode bewegt".

Die Ausstellung ist eine Hommage an einen phantasievollen Geist mit einer unaufhaltsamen künstlerischen Ader, der sich ganz der Sprache der Fotografie verschrieben hat.

Au printemps 2023, année intermédiaire de la Biennale de photographie de Casale Monferrato, la municipalité de Casale et la directrice artistique Mariateresa Cerretelli annoncent la première saison du Middle MonFest avec une grande exposition dédiée à la brillante personnalité créative de Maria Vittoria Backhaus, de ses débuts dans les années 1970 à aujourd'hui.

Il s'agira d'une grande exposition anthologique, fruit d'une recherche minutieuse dans des archives riches et articulées où les années de conception éditoriale alternent avec une étude personnelle incessante et où les images reflètent des interprétations nouvelles et à contre-courant faites pour la mode, le design et le portrait, avec une production fantasmagorique de natures mortes et de constructions artistiques qui expriment la polyvalence d'une grande protagoniste italienne, photographe, milanaise de naissance et piémontaise d'adoption.

La vente Chagall du château Casale Monferrato accueillera une galerie d'images kaléidoscopiques, organisée par Luciano Bobba et Angelo Ferrillo, sous la direction artistique de Mariateresa Cerretelli, afin de découvrir la créativité de l'auteur dans son ensemble. Explosif, expérimental et révolutionnaire pour l'époque, animé par une attention presque maniaque à l'esthétique et à la finesse des photographies, et toujours en avance sur le classicisme des images qui règnent dans les magazines en papier glacé ou les campagnes publicitaires des années 1970 à aujourd'hui, l'artiste-photographe figure à juste titre parmi les plus grands noms de la photographie italienne. Avec une réinterprétation sans précédent d'un fonds d'archives immense et extrêmement riche, l'exposition examine les différents thèmes qui composent le génie multiforme de Maria Vittoria Backhaus, qui s'est exprimée avant tout dans des travaux éditoriaux, dans des publicités et dans son propre parcours personnel, à travers une observation et une focalisation sur une société en constante évolution.

"La créativité artistique nous unit et, pour moi, étudier l'exposition avec Maria Vittoria pas à pas, c'est comme suivre la ligne parallèle d'un échange naturel et spontané, sans barrières, dans un flux de pensées et d'accords esthétiques profonds et immédiats qui dérivent de notre passion commune pour l'art photographique", déclare le commissaire Luciano Bobba.

Un tourbillon de noir et blanc et de couleurs qui représente le miroir d'une iconographie sans frontières, où Backhaus se déplace avec aisance et révèle également une étude approfondie de l'utilisation des différents appareils photo qu'il utilise.

"J'ai travaillé avec tous les formats possibles d'appareils photo analogiques, du format Leica aux grands formats avec le soufflet sous la toile noire 20 x 25. Ils tenaient tous dans une grande armoire de mon studio. Je les aimais aussi en tant qu'objets, c'est pourquoi j'en ai fait le portrait. J'ai dû apprendre toutes les différentes techniques pour pouvoir les utiliser, je les ai acquises mais je les ai oubliées au moment de la prise de vue pour me concentrer sur l'histoire de la photographie".

Les principaux thèmes d'une histoire toujours en cours se déploient dans les salles Chagall, mettant en lumière la mode, les accessoires, les natures mortes, le design, la nature, les statuettes, les collages et les compositions scéniques construites avec des bâtiments miniatures et des marionnettes. Plus de quarante ans de photographie où le reportage et le portrait trouvent leur place et sont complétés par des histoires dédiées aux habitants de Filicudi, l'île bien-aimée du photographe et, plus récemment, à Rocchetta Tanaro et à ses habitants du Monferrato.

Angelo Ferrillo, co-commissaire de l'exposition, connaît Maria Vittoria Backhaus et sa narration photographique depuis longtemps : "Imaginative. C'est l'adjectif qui m'a envahi la première fois que j'ai eu la chance de voir le travail de Maria Vittoria. Au fur et à mesure que je la connaissais en profondeur, que j'expérimentais sa production et que j'approfondissais sa réflexion, je me suis rendu compte à quel point sa photographie évoluait dans un équilibre entre vision, créativité et méthode".

Cette exposition rend hommage à un esprit imaginatif et à une veine artistique inépuisable, tous deux dédiés au langage de la photographie.

Nella primavera del 2023, l’anno d’intermezzo della Biennale di Fotografia di Casale Monferrato, il Comune di Casale e il Direttore artistico Mariateresa Cerretelli annunciano la prima stagione del Middle MonFest con una grande esposizione dedicata alla brillante personalità creativa di Maria Vittoria Backhaus, dai suoi esordi negli Anni Settanta al contemporaneo.

Sarà una grande antologica, frutto di un’attenta ricerca all’interno di un archivio ricco e articolato dove gli anni di progettazione editoriale si alternano a un incessante studio personale e le immagini rispecchiano interpretazioni nuove e controcorrente realizzate per la Moda, il Design e la Ritrattistica, con una fantasmagorica produzione di Still life e di Costruzioni artistiche che esprimono la versatilità di una grande protagonista italiana, fotografa, milanese di nascita e piemontese d’adozione.

A sfilare nelle Sale Chagall del Castello di Casale Monferrato sarà una galleria caleidoscopica di immagini, curata da Luciano Bobba e Angelo Ferrillo con la direzione artistica di Mariateresa Cerretelli per scoprire la creatività dell’autrice a tutto tondo. Esplosiva, sperimentale e rivoluzionaria per i tempi, animata da un’attenzione quasi maniacale per l’estetica e per la finezza delle fotografie e sempre un passo avanti rispetto alla classicità delle immagini imperanti nelle riviste patinate o nelle campagne pubblicitarie dagli anni ’70 a oggi, l’artista/fotografa si colloca a pieno titolo tra i nomi di punta della fotografia italiana. Con una rilettura inedita di un archivio sterminato e ricchissimo, la mostra prende in esame i vari temi che compongono la multiforme genialità di Maria Vittoria Backhaus che si è espressa soprattutto in ambito editoriale, nelle pubblicità e in un suo percorso personale attraverso un’osservazione e una messa a fuoco di una società in evoluzione continua.

“La creatività artistica ci unisce e per me studiare la mostra con Maria Vittoria passo dopo passo è come seguire la linea parallela di uno scambio naturale e spontaneo senza barriere in un fluire di pensiero e di accordi estetici profondi e immediati che derivano dalla comune passione per l’arte fotografica” afferma il curatore Luciano Bobba.

Una girandola di bianco e nero e di colore che rappresenta lo specchio di un’iconografia senza confini, dove Backhaus si muove a suo agio e rivela anche uno studio approfondito sull’uso delle diverse macchine fotografiche di cui si serve.

“Ho lavorato – afferma l’autrice – con tutti i formati possibili delle macchine fotografiche analogiche, dal formato Leica ai grandi formati con il soffietto sotto il panno nero 20 x 25. Stavano tutte in un grande armadio nel mio studio. Mi piacevano anche come oggetti, così le ho anche ritratte. Ho dovuto imparare tutte le diverse tecniche per poterle usare, acquisite ma dimenticate al momento dello scatto per concentrarmi sul racconto della fotografia”.

I temi portanti di un racconto sempre in progress si susseguono nelle sale Chagall mettendo in risalto la moda, gli accessori, gli still-life, il design, la natura, le statuine, i collages e le composizioni scenografiche costruite con miniature di edifici e pupazzetti. Più di quarant’anni di fotografia dove i reportage e i ritratti trovano spazio e si completano con racconti dedicati tra i quali spiccano gli abitanti di Filicudi, l’isola amata dalla fotografa e, più di recente, Rocchetta Tanaro e la sua gente monferrina.

Il co-curatore Angelo Ferrillo conosce da molto tempo Maria Vittoria Backhaus e la sua narrazione fotografica: “Immaginifico. È l’aggettivo che mi ha pervaso la prima volta che ho avuto la fortuna di vedere il lavoro di Maria Vittoria. Conoscendola poi a fondo, vivendo la produzione e approfondendo il suo pensiero, mi sono reso conto di quanto la sua fotografia si muova in equilibrio tra visione, creatività e metodo”.

È una mostra che rende omaggio a una mente estrosa con una vena artistica inarrestabile, tutta dedicata al linguaggio della fotografia.

In the spring of 2023, the intervening year of the Casale Monferrato Photography Biennial, the City of Casale and Artistic Director Mariateresa Cerretelli announce the first season of Middle MonFest with a major exhibition dedicated to the brilliant creative personality of Maria Vittoria Backhaus, from her beginnings in the 1970s to the contemporary.

It will be a large anthological exhibition, the result of careful research within a rich and articulated archive where the years of editorial design alternate with an incessant personal study and the images reflect new and countercurrent interpretations made for Fashion, Design and Portraiture, with a phantasmagorical production of Still life and Artistic Constructions that express the versatility of a great Italian protagonist, photographer, Milanese by birth and Piedmontese by adoption.

Parading in the Chagall Rooms of the Castle of Casale Monferrato will be a kaleidoscopic gallery of images, curated by Luciano Bobba and Angelo Ferrillo with the artistic direction of Mariateresa Cerretelli to discover the creativity of the all-around author. Explosive, experimental and revolutionary for the times, driven by an almost maniacal attention to the aesthetics and finesse of photographs and always a step ahead of the classicism of the images reigning in glossy magazines or advertising campaigns from the 1970s to the present, the artist/photographer ranks rightfully among the leading names in Italian photography. With an unprecedented reinterpretation of an immense and extremely rich archive, the exhibition examines the various themes that make up the multifaceted genius of Maria Vittoria Backhaus, who has expressed herself mainly in publishing, in advertisements and in her own personal journey through an observation and focus on a constantly evolving society.

"Artistic creativity unites us, and for me to study the exhibition with Maria Vittoria step by step is like following the parallel line of a natural and spontaneous exchange without barriers in a flow of thought and deep and immediate aesthetic agreements that derive from the common passion for photographic art," says curator Luciano Bobba.

A whirlwind of black and white and color that represents the mirror of a boundless iconography, where Backhaus moves at ease and also reveals an in-depth study of the use of the different cameras he uses.

"I worked," says the author, "with all possible formats of analog cameras, from the Leica format to large formats with the bellows under the 20 x 25 black cloth. They all fit in a big closet in my studio. I also liked them as objects, so I also portrayed them. I had to learn all the different techniques to be able to use them, acquired but forgotten at the time of shooting to focus on the narrative of the photograph."

The supporting themes of an always-in-progress narrative unfold in the Chagall rooms highlighting fashion, accessories, still-life, design, nature, figurines, collages and scenic compositions constructed from miniature buildings and puppets. More than forty years of photography where reportage and portraits find space and are complemented by dedicated stories among which stand out the inhabitants of Filicudi, the photographer's beloved island and, more recently, Rocchetta Tanaro and its Monferrato people.

Co-curator Angelo Ferrillo has long known Maria Vittoria Backhaus and her photographic storytelling: "Imaginative. That is the adjective that pervaded me the first time I was lucky enough to see Maria Vittoria's work. Then getting to know her in depth, experiencing her production and delving into her thinking, I realized how much her photography moves in balance between vision, creativity and method."

It is an exhibition that pays tribute to an imaginative mind with an unstoppable artistic streak, all dedicated to the language of photography.

CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia | Torino
25. Februar - 25. Juni 2023

L’opera 1950-1980
Eve Arnold

CAMERA präsentiert vom 25. Februar bis zum 4. Juni 2023 eine Legende der Fotografie des 20. Jahrhunderts: Eve Arnold, die amerikanische Fotografin, die es verstand, die Welt mit einer "leidenschaftlichen persönlichen Annäherung" zu erzählen, dem einzigen Werkzeug, das sie als unverzichtbar für einen Fotografen ansah. Um ihre Bedeutung in der Geschichte der Fotografie zu verstehen, genügt es, sich in Erinnerung zu rufen, dass Eve Arnold 1951 zusammen mit Inge Morath die erste Frau war, die der renommierten Agentur Magnum Photos beitrat.

Entschlossenheit, Neugier und vor allem der Wunsch, sich von Stereotypen und Kategorisierungen zu lösen, haben ihr ein vielseitiges Werk beschert: von Porträts der großen Stars des Kinos und des Showbusiness bis hin zu investigativen Reportagen, in denen sie sich mit Themen und Fragen auseinandersetzt, die für die öffentliche Debatte von gestern und heute absolut zentral sind.

Die von Monica Poggi kuratierte und in Zusammenarbeit mit Magnum Photos realisierte Ausstellung umfasst rund 170 Bilder, von denen viele noch nie zuvor ausgestellt wurden, und präsentiert das Gesamtwerk der Fotografin von ihren ersten Schwarz-Weiß-Aufnahmen von New York in den 50er Jahren bis zu ihren letzten Farbarbeiten, die sie im Alter von 85 Jahren am Ende des Jahrhunderts machte. Die ausgewählten Werke befassen sich mit Themen und Fragen wie dem Rassismus in den Vereinigten Staaten, der Emanzipation der Frau und der Interaktion zwischen den verschiedenen Kulturen der Welt. Obwohl sein weltweiter Ruhm zweifellos mit seinen zahlreichen Dreharbeiten an den Kulissen unvergesslicher Filme zusammenhängt, bei denen er die großen Stars der damaligen Zeit von Marlene Dietrich bis Marilyn Monroe, von Joan Crawford bis Orson Welles porträtierte.

Arnolds Karriere ist in der Tat eine Hymne an die weibliche Emanzipation. Seine Sujets sind in den meisten Fällen Frauen: Arbeiterinnen, Mütter, Kinder, Diven, Nonnen, Models, Studentinnen, verewigt, ohne jemals in Stereotypen oder einfache Kategorisierungen zu verfallen, mit der einzigen Absicht zu wissen, zu verstehen und zu erzählen. Die Auswahl und Anordnung der Bilder in der Ausstellung zielt darauf ab, den Reichtum des Werks dieses Autors wiederherzustellen, der auch durch zahlreiche Archivdokumente, Texte, Druckvorlagen, Bücher und Zeitschriften unterstrichen wird, die die Entdeckung einer wahren Legende der Fotografie bereichern.

CAMERA présente, du 25 février au 4 juin 2023, une légende de la photographie du XXe siècle : Eve Arnold, la photographe américaine qui a su raconter le monde avec une " approche personnelle passionnée ", seul outil qu'elle jugeait indispensable pour un photographe. Pour comprendre son importance dans l'histoire de la photographie, il suffit de rappeler qu'Eve Arnold a été la première femme, avec Inge Morath, à rejoindre la prestigieuse agence Magnum Photos en 1951.

La détermination, la curiosité et, surtout, le désir d'échapper à tout stéréotype ou à toute catégorisation facile lui ont permis de produire une œuvre éclectique : des portraits des grandes stars du cinéma et du show-business aux reportages d'investigation où elle a abordé des thèmes et des questions absolument centraux dans le débat public d'hier et d'aujourd'hui.

L'exposition, dont le commissaire est Monica Poggi et qui a été réalisée en collaboration avec Magnum Photos, comprend environ 170 images, dont beaucoup n'ont jamais été exposées auparavant, et présente l'œuvre complète de la photographe, depuis ses premiers clichés en noir et blanc de New York dans les années 1950 jusqu'à ses derniers travaux en couleur, réalisés à l'âge de 85 ans, à la fin du siècle. Les œuvres sélectionnées traitent de thèmes et de questions tels que le racisme aux États-Unis, l'émancipation des femmes et l'interaction entre les différentes cultures du monde. Si sa renommée mondiale est sans doute liée à ses nombreux tournages sur les plateaux de films inoubliables, où il a incarné les grandes stars de l'époque, de Marlene Dietrich à Marilyn Monroe, de Joan Crawford à Orson Welles.

La carrière d'Arnold est en effet un hymne à l'émancipation féminine. Ses sujets sont le plus souvent des femmes : ouvrières, mères, enfants, divas, nonnes, mannequins, étudiantes, immortalisées sans jamais glisser dans les stéréotypes ou les catégorisations faciles, avec la seule intention de savoir, de comprendre et de raconter. Le choix et la disposition des images de l'exposition visent à restituer la richesse de l'œuvre de cet auteur, également mise en valeur par de nombreux documents d'archives, textes, épreuves de presse, livres et revues qui enrichissent la découverte d'une véritable légende de la photographie.

CAMERA propone, dal 25 febbraio al 4 giugno 2023, una leggenda della fotografia del XX secolo: Eve Arnold, la fotografa americana che ha saputo raccontare il mondo con un «appassionato approccio personale», unico strumento reputato da lei indispensabile per un fotografo. Per intendere la sua importanza nella storia della fotografia, è sufficiente ricordare che Eve Arnold è stata la prima donna, insieme a Inge Morath, a far parte della prestigiosa agenzia Magnum Photos nel 1951.

Determinazione, curiosità e, soprattutto, la volontà di fuggire da qualsiasi stereotipo o facile categorizzazione le hanno permesso di produrre un corpus eclettico di opere: dai ritratti delle grandi star del cinema e dello spettacolo ai reportage d’inchiesta dove ha affrontato temi e questioni assolutamente centrali nel dibattito pubblico di ieri e di  oggi.

L’esposizione, curata da Monica Poggi e realizzata in collaborazione con Magnum Photos, si compone di circa 170 immagini, di cui molte mai esposte fino ad ora, e presenta l’opera completa della  fotografa a partire dai primi scatti in bianco e nero della New York degli anni Cinquanta fino agli ultimi lavori a colori, realizzati all’età di 85 anni, alla fine del secolo. Le opere selezionate affrontano temi e questioni come il razzismo negli Stati Uniti, l’emancipazione femminile, l’interazione fra le differenti culture del mondo. Anche se la sua fama planetaria è senza dubbio legata ai numerosi servizi sui set di film indimenticabili, dove ha ritratto le grandi star del periodo da Marlene Dietrich a Marilyn Monroe, da Joan Crawford a Orson Welles.

La  carriera di Arnold è a tutti gli effetti un inno all’emancipazione femminile. I suoi soggetti sono nella maggior parte dei casi donne: lavoratrici, madri, bambine, dive, suore, modelle, studentesse, immortalate senza mai scivolare in stereotipi o facili categorizzazioni, con il solo intento di conoscere, capire e raccontare. La scelta e la disposizione delle immagini in mostra è finalizzata a restituire la ricchezza dell’opera di questa autrice, sottolineata anche attraverso numerosi documenti d’archivio, testi, provini di stampa, libri e riviste in grado di arricchire la scoperta di una vera e propria leggenda della fotografia.

CAMERA presents, from February 25 to June 4, 2023, a legend of 20th-century photography: Eve Arnold, the American photographer who knew how to tell the world with a "passionate personal approach," the only tool she deemed indispensable for a photographer. To understand her importance in the history of photography, it is sufficient to recall that Eve Arnold was the first woman, along with Inge Morath, to join the prestigious Magnum Photos agency in 1951.

Determination, curiosity and, above all, a willingness to escape from any stereotype or easy categorization allowed her to produce an eclectic body of work: from portraits of the great stars of film and show business to investigative reportage where she tackled themes and issues absolutely central to the public debate of yesterday and today.

The exhibition, curated by Monica Poggi and produced in collaboration with Magnum Photos, consists of about 170 images, many of which have never before been exhibited, and presents the photographer's complete oeuvre from her earliest black-and-white shots of 1950s New York to her last color works, taken at the age of 85 at the turn of the century. The selected works address themes and issues such as racism in the United States, women's empowerment, and the interaction between different cultures of the world. Although his planetary fame is undoubtedly linked to his numerous shoots on the sets of unforgettable films, where he portrayed the great stars of the period from Marlene Dietrich to Marilyn Monroe, from Joan Crawford to Orson Welles.

Arnold's career is in effect a paean to women's emancipation. His subjects are in most cases women: workers, mothers, children, divas, nuns, models, students, immortalized without ever slipping into stereotypes or easy categorization, with the sole intent of knowing, understanding and telling. The choice and arrangement of the images in the exhibition is aimed at restoring the richness of this author's work, also emphasized through numerous archival documents, texts, press proofs, books and magazines that can enrich the discovery of a true legend of photography.

(Text: CAMERA - Centro Italiano per la Fotografie, Torino)

Galleria d'Italia | Torino
9. Februar - 16. Juli 2023

Déplacéꞏeꞏs
JR

Intesa Sanpaolo organisiert in der Gallerie d'Italia - Turin vom 9. Februar 2023 bis zum 16. Juli 2023 die erste italienische Einzelausstellung von JR, dem französischen Künstler, der weltweit für seine Projekte bekannt ist, die Fotografie, öffentliche Kunst und soziales Engagement miteinander verbinden.

JR (1983) kombiniert verschiedene Ausdrucksformen und wird in der Ausstellung, die in Zusammenarbeit mit der Fondazione Compagnia di San Paolo realisiert und von Arturo Galansino kuratiert wird, etwa 4000 Quadratmeter des Museums an der Piazza San Carlo einnehmen. Er bringt sein Gespür dafür ein, die Realität zu erzählen und Überlegungen zur sozialen Fragilität anzuregen.

Ausgehend von der Pariser Banlieue vor mehr als zwanzig Jahren hat JR seine Kunst in die ganze Welt getragen, mit monumentalen Interventionen im öffentlichen Raum, die in der Lage sind, mit einer großen Anzahl von Menschen zu interagieren und ganze Gemeinschaften zu aktivieren, von den brasilianischen Favelas bis zu einem Hochsicherheitsgefängnis in Kalifornien, von der Louvre-Pyramide bis zu den ägyptischen Pyramiden, von der Grenze zwischen Israel und Palästina bis zu der zwischen Mexiko und den Vereinigten Staaten.

Die Probleme von Migranten und Flüchtlingen, die immer mehr an Aktualität gewinnen, sind seit langem Teil der Untersuchungen von JR. Mit Déplacé∙e∙s Projekt, das 2022 begann und in dieser Ausstellung zum ersten Mal präsentiert wird, ist der Künstler in Krisengebiete gereist, von der kriegsgebeutelten Ukraine über die ausgelöschten Flüchtlingslager von Mugombwa in Ruanda und Mbera in Mauretanien bis hin zu Cùcuta in Kolumbien und Lesbos in Griechenland, um über die schwierigen Bedingungen nachzudenken, in denen sich Tausende von Menschen heute aufgrund von Konflikten, Kriegen, Hungersnöten und Klimawandel befinden, und um die vom Kunst- und Kulturbetrieb ausgeschlossenen Bevölkerungsgruppen unter dem Banner von Werten wie Freiheit, Fantasie, Kreativität und Partizipation einzubeziehen.

Obwohl sie vergänglich ist, hat die Kunst von JR Auswirkungen auf die Gesellschaft und die Welt, in der wir leben. Sie ist für Menschen gemacht und wird mit Menschen gemacht, wobei sie die Bedeutung unserer individuellen und kollektiven Rolle bei der Verbesserung der Gegenwart aufzeigt und versucht, eine zentrale Frage für den Künstler zu beantworten: Kann Kunst die Welt verändern?

Intesa Sanpaolo organise à la Gallerie d'Italia - Turin du 9 février 2023 au 16 juillet 2023 la première exposition personnelle italienne de JR, l'artiste français célèbre dans le monde entier pour ses projets qui allient photographie, art public et engagement social.

Combinant différents langages expressifs, JR (1983) apportera à l'exposition qui occupera environ 4000 mètres carrés du musée de Piazza San Carlo, réalisée en collaboration avec la Fondazione Compagnia di San Paolo et dont le commissaire est Arturo Galansino, sa touche pour raconter la réalité et stimuler les réflexions sur la fragilité sociale.

Parti du banlieu parisien il y a plus de vingt ans, JR a promené son art dans le monde entier avec des interventions d'art public monumentales capables d'interagir avec un grand nombre de personnes et d'activer des communautés entières, des favelas brésiliennes à une prison de haute sécurité en Californie, de la pyramide du Louvre aux pyramides égyptiennes, de la frontière entre Israël et la Palestine à celle entre le Mexique et les États-Unis.

Les problèmes des migrants et des réfugiés, qui sont des sujets de plus en plus brûlants, font depuis longtemps partie de l'enquête de JR. Avec le projet Déplacé∙e∙s, qui a débuté en 2022 et est présenté pour la première fois dans cette exposition, l'artiste a voyagé dans des zones de crise, de l'Ukraine déchirée par la guerre aux camps de réfugiés exterminés de Mugombwa au Rwanda et Mbera en Mauritanie, Cùcuta en Colombie et Lesbos.... en Grèce pour réfléchir aux conditions difficiles dans lesquelles se trouvent aujourd'hui des milliers de personnes en raison des conflits, des guerres, de la famine et du changement climatique, et pour impliquer les publics exclus du circuit artistique et culturel sous la bannière de valeurs telles que la liberté, l'imagination, la créativité et la participation.

Bien qu'éphémère, l'art de JR a un impact sur la société et le monde dans lequel nous vivons. Il est fait pour les gens et est fait avec les gens, révélant l'importance de notre rôle individuel et collectif dans l'amélioration du présent et tentant de répondre à une question centrale pour l'artiste : l'art peut-il changer le monde ?

Intesa Sanpaolo organizza alle Gallerie d'Italia – Torino dal 9 febbraio 2023 al 16 luglio 2023 la prima mostra personale italiana di JR, artista francese famoso in tutto il mondo per i suoi progetti che uniscono fotografia, arte pubblica e impegno sociale.

Combinando diversi linguaggi espressivi JR (1983) porterà nell’esposizione che occuperà circa 4000 mq del museo di Piazza San Carlo, realizzata in collaborazione con la Fondazione Compagnia di San Paolo e curata da Arturo Galansino, il suo tocco per raccontare la realtà e stimolare riflessioni sulle fragilità sociali.

Partito dalla banlieu parigina più di vent’anni fa, JR ha portato la sua arte in tutto il mondo con monumentali interventi di arte pubblica in grado di interagire con grandi numeri di persone e attivare intere comunità, dalle favelas brasiliane ad una prigione di massima sicurezza in California, dalla Pyramide del Louvre alle piramidi egiziane, dal confine tra Israele e Palestina a quello tra Messico e Stati Uniti.

I problemi dei migranti e dei rifugiati, sempre più di scottante attualità, fanno da molto tempo parte dell’indagine di JR. Con il progetto Déplacé∙e∙s, cominciato nel 2022 e presentato per la prima volta in questa mostra, l’artista ha viaggiato in zone di crisi, dall’Ucraina sconvolta dalla guerra fino agli sterminati campi profughi di Mugombwa, in Rwanda, e di Mbera, in Mauritania, Cùcuta in Colombia e a Lesbo, in Grecia per riflettere sulle difficili condizioni in cui oggi versano migliaia di persone a causa di conflitti, guerre, carestie, cambiamenti climatici e coinvolgere pubblici esclusi dal circuito artistico e culturale all’insegna di valori come libertà, immaginazione, creatività e partecipazione.

Seppur effimera l’arte di JR crea un impatto sulla società e sul mondo in cui viviamo. Essa è realizzata per le persone e si realizza con le persone, rivelando l’importanza del nostro ruolo individuale e collettivo per migliorare il presente e per cercare di rispondere ad un quesito centrale per l’artista: l’arte può cambiare il mondo?

Gallerie d'Italia opens to the public in the Intesa Sanpaolo museum in Turin the first solo exhibition in Italy of JR, a French artist famous throughout the world for his projects that combine photography, public art and social commitment, scheduled from 9 February to 16 July 2023.

Combining diverse expressive languages, JR (1983) will bring his personal touch in recounting reality and stimulating reflections on social fragility to the exhibition, which will occupy around 4,000 square metres of the museum in Piazza San Carlo, staged in collaboration with the Compagnia di San Paolo and curated by Arturo Galansino.

Having set out from the Parisian banlieues more than 20 years ago, JR has taken his art all around the world, with monumental public art interventions capable of interacting with large numbers of people and activating entire communities, from the Brazilian favelas to a high-security prison in California, from the Pyramid at the Louvre to the Egyptian pyramids, from the border between Israel and Palestine to that between Mexico and the United States.

The problems of migrants and refugees, which are becoming increasingly hot topics, have long been part of JR's investigation. With the Déplacé∙e∙s project, launched in 2022 and presented for the first time in this exhibition, the artist has travelled to crisis zones ranging from war-torn Ukraine to the refugee camps of Mugombwa, Rwanda, Mbera, in Mauritania, Cucuta in Colombia, and Lesvos, in Greece to reflect on the harsh conditions in which thousands of people find themselves today due to conflicts, wars, famine and climate change, and to engage audiences excluded from the artistic and cultural circuit in the name of values such as freedom, imagination, creativity and participation.While ephemeral, JR's art creates an impact on society and the world we live in. It is made for people and with people, revealing the importance of our individual and collective role in improving the present and trying to answer a question which is crucial to the artist: can art change the world?

(Text: Galleria d'Italia, Torino)

CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia | Torino
11. Oktober 2022 - 14. Februar 2023

Robert Doisneau

Ausgehend von einer der bekanntesten Fotografien der Welt - der Aufnahme eines jungen Paares, das sich küsst, gleichgültig gegenüber dem Gedränge der Passanten und dem Verkehr auf dem Place de l'Hôtel de Ville in Paris - erkundet die Ausstellung das Werk eines berühmten Fotografen wie Doisneau, der zusammen mit Henri Cartier-Bresson als einer der Gründerväter der französischen humanistischen Fotografie und des Straßenbildjournalismus gilt. Mit seinem Objektiv, dem Ausdruck eines einfühlsamen und ironischen Blicks, hielt Doisneau den Alltag der Männer, Frauen und Kinder von Paris und der Banlieue fest, mit allen Emotionen der Gesten und Situationen, in denen sie sich befinden. Die in der Ausstellung gezeigten Bilder zeugen von seinem Stil, der Neugier und Fantasie zu vereinen vermag, aber auch von einer Freiheit des Ausdrucks, die sich die Logik des Surrealismus zu eigen macht und sie auf ironische Weise neu interpretiert.

Die von Gabriel Bauret kuratierte Ausstellung wird von CAMERA, Silvana Editoriale und der Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo gefördert.

Partant de l'une des photographies les plus connues au monde - le cliché d'un jeune couple s'embrassant, indifférent à la foule des passants et à la circulation sur la place de l'Hôtel de Ville à Paris - l'exposition explore le travail d'un photographe célèbre comme Doisneau qui, avec Henri Cartier-Bresson, est considéré comme l'un des pères fondateurs de la photographie humaniste française et du photojournalisme de rue. Avec son objectif, expression d'un regard empathique et ironique, Doisneau a capturé la vie quotidienne des hommes, des femmes et des enfants de Paris et de sa banlieue, avec toutes les émotions des gestes et des situations dans lesquels ils sont engagés. Les images de l'exposition témoignent de son style, capable de mêler curiosité et fantaisie, mais aussi d'une liberté d'expression qui fait sienne la logique du surréalisme, en la réinterprétant sur un mode ironique.

L'exposition, dont le commissaire est Gabriel Bauret, est promue par CAMERA, Silvana Editoriale et la Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo.

A partire da una delle fotografie più conosciute al mondo – lo scatto del bacio di una giovane coppia indifferente alla folla dei passanti e al traffico della place de l’Hôtel de Ville di Parigi – la mostra esplora l’opera di un celebre fotografo come Doisneau che, insieme a Henri Cartier-Bresson, è considerato uno dei padri fondatori della fotografia umanista francese e del fotogiornalismo di strada. Con il suo obbiettivo, espressione di uno sguardo empatico e ironico, Doisneau ha catturato la vita quotidiana degli uomini, delle donne, dei bambini di Parigi e la sua banlieue, con tutte le emozioni dei gesti e delle situazioni in cui sono impegnati. Le immagini in mostra ne testimoniano lo stile in grado di mescolare curiosità e fantasia, ma anche una libertà d’espressione che fa proprie le logiche del surrealismo reinterpretandole in chiave ironica.

La mostra, curata da Gabriel Bauret, è promossa da CAMERA, Silvana Editoriale e Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo.

Starting with one of the most famous photographs in the world – the shot of a kiss by a young couple indifferent to the crowd of passers-by and the traffic of the place de l’Hôtel de Ville in Paris – the exhibition explores the work of a famous photographer such as Doisneau who, together with Henri Cartier-Bresson, is considered one of the founding fathers of French humanist photography and street photojournalism. With his lens, expression of an empathic and ironic gaze, Doisneau has captured the daily life of the men, women, children of Paris and its suburbs, with all the emotions of the gestures and situations in which they are engaged. The images on display testify to his style capable of mixing curiosity and imagination, but also a freedom of expression that makes the logic of surrealism its own, reinterpreting them in an ironic key.

The exhibition, curated by Gabriel Bauret, is promoted by CAMERA, Silvana Editoriale and the Cassa di Risparmio di Padova and Rovigo Foundation.

                (Text: CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia, Torino)