Foam | Amsterdam
25. Januar – 1. Mai 2024

Felipe Romero Beltrán - winner of the Foam Paul Huf Award 2023

Im Jahr 2023 gewann Felipe Romero Beltrán die 17. Ausgabe des Foam Paul Huf Award. Nun ist Foam stolz darauf, seine Einzelausstellung Dialekt anzukündigen. Die Ausstellung zeigt die Reise einer Gruppe junger marokkanischer Männer nach ihrer Ankunft von einer gefährlichen Reise über das Meer nach Spanien. Romero Beltrán entwirft eine multimediale Erzählung über die Jungen, die zu jungen Männern werden und sich in Spanien durch eine Zeit der rechtlichen Ungewissheit bewegen. Durch seine Arbeit beleuchtet Romero Beltrán Themen wie Entfremdung und soziale Ungleichheit von Migranten in der heutigen Gesellschaft.

Der in Kolumbien geborene Romero Beltrán konzentriert sich in seiner Arbeit häufig auf gesellschaftliche Themen, die er über mehrere Jahre hinweg verfolgt. Für Dialect hat er das Leben dieser jungen Erwachsenen drei Jahre lang dokumentiert - der Zeitraum, der nötig ist, um das legale Verfahren zur Erlangung der Staatsbürgerschaft zu durchlaufen. Nach einer gefahrvollen Reise, bei der sie die Straße von Gibraltar, die Seegrenze zwischen Marokko und Spanien, überquert haben, haben sich die jungen Männer in Sevilla niedergelassen. Während ihr rechtlicher Status geprüft wird, befinden sich diese jungen Männer in einer Leere: entfremdet von der Vertrautheit ihres Heimatlandes und getrennt von einer neuen Gesellschaft, an der sie nicht teilhaben können. Selbst wenn es ihnen gelingt, aus dem rechtlichen Vakuum herauszutreten, bleiben sie "die Anderen" und fühlen sich in ihrer neuen Wahlheimat entfremdet.

Romero Beltrán setzt in seinem Werk auf eine starke, fast filmische Rahmung. Er kombiniert Dokumentarfotografie mit Elementen der Performance und Choreografie. Neben seinen Fotografien werden in der Ausstellung auch Videoarbeiten und eine Installation zu sehen sein, die eine Antwort auf den unzugänglichen Papierkram darstellen, den dieser rechtliche Prozess mit sich bringt. Felipe Romero Beltrán zeigt in seiner Praxis eine kraftvolle, menschliche Art: Thema und Methode seiner Arbeit sind untrennbar mit ihm als Person und Künstler verbunden. Sein eigener Hintergrund als Migrant aus Kolumbien und seine aufrichtige Zuneigung zu seinen Themen leiten seine Vision und Perspektive.

Der Dialekt ist ein starkes Stück Widerstand gegen die komplexe und beschwerliche Reise der Vertriebenen. Eine Gruppe von Menschen, die von Jahr zu Jahr größer wird.

En 2023, Felipe Romero Beltrán a remporté la 17e édition du Foam Paul Huf Award. Aujourd'hui, Foam est fier d'annoncer son exposition personnelle Dialect. L'exposition retrace le parcours d'un groupe de jeunes Marocains après leur dangereuse traversée de la mer vers l'Espagne. Romero Beltrán crée un récit multimédia dans lequel les garçons deviennent de jeunes hommes, naviguant dans une période de vide juridique en Espagne. Par son travail, Romero Beltrán met en lumière des questions telles que l'aliénation et l'inégalité sociale des migrants dans la société d'aujourd'hui.

Né en Colombie, Romero Beltrán se concentre souvent dans sa pratique sur des questions sociétales où il suit ses sujets pendant plusieurs années. Pour Dialect, il a documenté la vie de ces jeunes adultes pendant trois ans - la période nécessaire pour passer par le processus légal d'obtention de la citoyenneté. Après un voyage périlleux au cours duquel ils ont traversé le détroit de Gibraltar, la frontière maritime entre le Maroc et l'Espagne, ces jeunes hommes se sont installés à Séville. Alors que leur statut juridique est en cours d'examen, ces jeunes hommes se retrouvent dans le vide : éloignés de la familiarité de leur pays d'origine et séparés d'une nouvelle société à laquelle ils ne peuvent prendre part. Même lorsqu'ils parviennent à sortir du vide juridique, ils restent "les autres" et éprouvent un sentiment d'aliénation dans ce nouveau pays d'adoption.

Romero Beltrán s'appuie sur un cadrage fort, presque cinématographique, dans son travail. Il combine la photographie documentaire avec des éléments de performance et de chorégraphie. Parallèlement à ses photographies, l'exposition présentera des travaux vidéo et comprendra une installation en réponse à l'inaccessibilité de la paperasserie qu'entraîne ce processus juridique. Felipe Romero Beltrán fait preuve d'une grande humanité dans sa pratique : le sujet et la méthode de son travail sont intrinsèquement liés à la personne et à l'artiste qu'il est. Son propre passé de migrant colombien et son affection sincère pour ses sujets guident sa vision et sa perspective.

Le dialecte est une pièce de résistance puissante contre le parcours complexe et ardu des personnes déplacées. Un groupe de personnes qui s'agrandit d'année en année.

Nel 2023 Felipe Romero Beltrán ha vinto la 17a edizione del Premio Foam Paul Huf. Ora Foam è orgoglioso di annunciare la sua mostra personale Dialect. L'esposizione riprende il viaggio di un gruppo di giovani marocchini dopo il loro arrivo da un pericoloso viaggio attraverso il mare verso la Spagna. Romero Beltrán crea una narrazione multimediale dei ragazzi che diventano giovani uomini, attraversando un periodo di limbo legale in Spagna. Attraverso il suo lavoro, Romero Beltrán fa luce su questioni quali l'alienazione e l'iniquità sociale dei migranti nella società odierna.

Nato in Colombia, Romero Beltrán si concentra spesso su questioni sociali, seguendo i suoi soggetti per diversi anni. Per Dialect ha documentato le vite di questi giovani adulti per tre anni, il periodo necessario per affrontare il processo legale per ottenere la cittadinanza. Dopo un viaggio pericoloso in cui hanno attraversato lo Stretto di Gibilterra, il confine marittimo tra Marocco e Spagna, questi giovani si sono stabiliti a Siviglia. Mentre il loro status legale viene esaminato, questi giovani si trovano in un vuoto: estranei alla familiarità del loro paese d'origine e separati da una nuova società a cui non possono partecipare. Anche quando riescono a uscire dal vuoto giuridico, rimangono "gli altri", sperimentando un senso di alienazione in questo nuovo Paese di adozione.

Romero Beltrán si affida a un'inquadratura forte, quasi cinematografica, nel suo lavoro. Combina la fotografia documentaria con elementi di performance e coreografia. Accanto alle sue fotografie, la mostra presenterà lavori video e includerà un'installazione come risposta all'inaccessibilità delle pratiche legali. Felipe Romero Beltrán mostra una forte umanità nella sua pratica: il soggetto e il metodo del suo lavoro sono intrinsecamente legati a lui come persona e artista. Il suo background di migrante colombiano e il suo sincero affetto verso i soggetti guidano la sua visione e la sua prospettiva.

Dialect è una potente pièce de resistance contro il complesso e arduo viaggio di coloro che sono stati sfollati. Un gruppo di persone che cresce di anno in anno.

In 2023, Felipe Romero Beltrán won the 17th edition of the Foam Paul Huf Award. Now Foam is proud to announce his solo exhibition Dialect. The exhibition captures the journey of a group of young Moroccan men after their arrival from a dangerous journey crossing the sea to Spain. Romero Beltrán creates a multimedia narrative of the boys becoming young men, navigating a period of legal limbo in Spain. Through his work, Romero Beltrán sheds light on issues such as alienation and social inequity of migrants in today’s society.

Born in Colombia, Romero Beltrán often focuses in his practice on societal issues where he follows his subjects for several years. For Dialect he documented the lives of these young adults for three years –the period it takes to go through the legal process of obtaining citizenship. After a perilous journey where they have crossed the Strait of Gibraltar; the maritime border between Morocco and Spain, these young men settled in Seville. While their legal status is being reviewed, these young men find themselves in a void: estranged from the familiarity of their home country and separated from a new society they can’t take part in. Even when they manage to step out of the legal vacuum, they remain ‘the others’ , experiencing a sense of alienation in this newly adopted country.

Romero Beltrán relies on a strong, almost cinematic framing in his work. He combines documentary photography with elements of performance and choreography. Alongside his photography, the exhibition will showcase videowork and include an installation as a response to the inaccessible paperwork this legal process brings along. Felipe Romero Beltrán displays a powerful humane manner in his practice: the subject and method of his work are intrinsically connected to him as a person and artist. His own background as a migrant from Colombia and his sincere affection towards his subjects guide his vision and perspective.

Dialect is a powerful pièce the resistance against the complex and arduous journey of those who have been displaced. A group of people that is growing with each passing year.

(Text: Foam, Amsterdam)

Foam | Amsterdam
1. Dezember 2023 – 3. März 2024

Foam 3h: Steffi Reimers - Guilty Grounds

Foam 3h präsentiert die erste Einzelausstellung der kürzlich diplomierten niederländischen Fotografin Steffi Reimers, der siebten Preisträgerin des Florentiner Riem Vis-Stipendiums. Für das konzeptionelle Fotoprojekt Guilty Grounds reiste sie nach Kalabrien, Süditalien, um die dunkle Seite der kalabrischen Geschichte und die Ursprünge und Entführungspraktiken der mächtigsten kriminellen Organisation der Welt, der 'Ndrangheta, zu erkunden.

Reimers verwendet das Konzept der "Guilty Landscapes", um die Komplexität dieser tragischen Geschichte zu vermitteln. Sie zeigt die Landschaften des Aspromonte-Nationalparks als stumme Zeugen des allgegenwärtigen Einflusses der 'Ndrangheta. Landschaften, die einst unberührt und friedlich waren, schwingen nun in den Erinnerungen an Ereignisse mit, die auf subtile Weise ihre Spuren hinterlassen haben.

Dieses Projekt hebt seine einzigartige Verwendung von forensischem Licht hervor, das Spuren von Gräueltaten offenbart und den Betrachter mit der unbequemen Wahrheit konfrontiert. Die Hinzufügung eines "Gebetszettels" zur Ausstellung führt eine Dualität ein und unterstreicht die Rolle von Glauben und Verbrechen in der Region. Obwohl das Gebetsbild nicht das zentrale Thema ist, dient es dazu, das empfindliche Gleichgewicht zwischen diesen beiden Aspekten hervorzuheben und bietet eine Erzählung, die zum Nachdenken anregt.

In einer Region, in der die Mafia und ihre Aktivitäten oft geleugnet werden, ist Guilty Grounds eine eindringliche Erinnerung an einen schockierenden Teil der italienischen Geschichte und konfrontiert den Betrachter mit der unbequemen Wahrheit. In diesem Projekt ist Reimers' Entscheidung, menschliche Figuren aus ihren Bildern auszuschließen, offensichtlich, was die Landschaften als "schuldige" und "aussagende" Einheiten umso mehr hervorhebt. Jedes Bild legt stummes Zeugnis von den Ereignissen in Kalabrien ab und lädt den Betrachter ein, sich daran zu beteiligen und seine eigenen Interpretationen vorzunehmen.

Foam 3h présente la première exposition personnelle de la photographe néerlandaise Steffi Reimers, récemment diplômée et 7e lauréate de la bourse florentine Riem Vis. Pour son projet photo conceptuel Guilty Grounds, elle s'est rendue en Calabre, dans le sud de l'Italie, afin d'explorer le côté sombre de l'histoire calabraise ainsi que les origines et les pratiques d'enlèvement de l'organisation criminelle la plus puissante au monde, la 'Ndrangheta.

Reimers utilise le concept de "paysages coupables" pour rendre compte de la complexité de cette histoire tragique. Elle révèle que les paysages du parc national de l'Aspromonte sont les témoins silencieux de l'influence omniprésente de la 'Ndrangheta. Des paysages autrefois intacts et paisibles résonnent aujourd'hui des souvenirs d'événements qui ont subtilement laissé leur marque.

Ce projet met en évidence son utilisation unique de la lumière médico-légale, qui révèle les traces d'atrocités et confronte le spectateur à une vérité dérangeante. L'ajout d'une "carte de prière" à l'exposition introduit une dualité et souligne le rôle de la foi et du crime dans la région. Bien qu'elle ne soit pas le thème central de l'exposition, la carte de prière met en évidence l'équilibre délicat entre ces deux aspects et offre un récit qui invite à une contemplation plus profonde.

Dans une région où la mafia et ses activités sont souvent niées, Guilty Grounds est un rappel puissant d'une partie choquante de l'histoire italienne, confrontant le spectateur à une vérité dérangeante. Dans ce projet, le choix de Reimers d'exclure les figures humaines de ses images est évident, ce qui met d'autant plus en valeur les paysages en tant qu'entités à la fois "coupables" et "témoignant". Chaque image témoigne silencieusement des événements de Calabre et invite le spectateur à s'y associer et à en faire sa propre interprétation

Foam 3h presenta la prima mostra personale della fotografa olandese Steffi Reimers, neolaureata e settima beneficiaria del Riem Vis Grant fiorentino. Per il progetto fotografico concettuale Guilty Grounds, la fotografa si è recata in Calabria, nell'Italia meridionale, per esplorare il lato oscuro della storia calabrese e le origini e le pratiche di rapimento della più potente organizzazione criminale del mondo, la 'Ndrangheta.

Reimers utilizza il concetto di "paesaggi colpevoli" per trasmettere la complessità di questa tragica storia. Rivela i paesaggi del Parco Nazionale dell'Aspromonte come testimoni silenziosi dell'influenza pervasiva della 'Ndrangheta. Paesaggi che un tempo erano incontaminati e tranquilli ora risuonano di ricordi di eventi che hanno lasciato sottilmente il segno.

Questo progetto evidenzia l'uso unico della luce forense, che rivela le tracce delle atrocità e mette lo spettatore di fronte alla scomoda verità. L'aggiunta di una "carta di preghiera" alla mostra introduce una dualità e sottolinea il ruolo della fede e del crimine nella regione. Anche se non è il tema centrale, la carta della preghiera serve a sottolineare il delicato equilibrio tra questi due aspetti e offre una narrazione che invita a una più profonda contemplazione.

In una regione in cui la mafia e le sue attività sono spesso negate, Guilty Grounds è un potente promemoria di una parte sconvolgente della storia italiana, che mette lo spettatore di fronte alla scomoda verità. In questo progetto, la scelta di Reimers di escludere le figure umane dalle sue immagini è evidente, il che enfatizza ancora di più i paesaggi come entità "colpevoli" e "testimonianti". Ogni immagine è una testimonianza silenziosa degli eventi calabresi e invita lo spettatore a partecipare e a dare la propria interpretazione.

Foam 3h presents the first solo exhibition of recently graduated Dutch photographer Steffi Reimers, the 7th recipient of the Florentine Riem Vis Grant. For the conceptual photo project Guilty Grounds, she travelled to Calabria, southern Italy, to explore the dark side of Calabrian history and the origins and kidnapping practices of the world's most powerful criminal organisation, the 'Ndrangheta.

Reimers uses the concept of "Guilty Landscapes" to convey the complexity of this tragic history. She reveals the landscapes of Aspromonte National Park as silent witnesses to the pervasive influence of the 'Ndrangheta. Landscapes that were once untouched and peaceful now resonate with memories of events that have subtly left their mark.

This project highlights its unique use of forensic light, which reveals traces of atrocities and confronts the viewer with the uncomfortable truth. The addition of a 'prayer card' to the exhibition introduces a duality and highlights the role of faith and crime in the region. Although not the central theme, the prayer card serves to highlight the delicate balance between these two aspects and offers a narrative that invites deeper contemplation.

In a region where the mafia and its activities are often denied, Guilty Grounds is a powerful reminder of a shocking part of Italian history, confronting the viewer with the uncomfortable truth. In this project, Reimers' choice to exclude human figures from her images is evident, which emphasises the landscapes all the more as both 'guilty' and 'testifying' entities. Each image bears silent witness to the events in Calabria and invites the viewer to join in and make their own interpretations.

(Text: Foam, Amsterdam)

Foam | Amsterdam
17. November 2023 – 31. Januar 2024

Artist and Activist
Tina Modotti

Die Reise der gebürtigen Italienerin Modotti führte sie in das Epizentrum der Kunst und Politik des frühen 20. Jahrhunderts, von ihren Anfängen als Stummfilmschauspielerin in Hollywood bis hin zu ihren Verbindungen zu den mexikanischen Kunstbewegungen, in denen Frida Kahlo und Diego Rivera eine zentrale Rolle spielten. Mit ihrer Kamera hielt Modotti die Sehenswürdigkeiten und Menschen Mexikos fest und konzentrierte sich dabei auf Frauen, Folklore und religiöse Kunst. Mit ihrem rohen fotografischen Werk wurde sie zu einer zentralen Figur in der Welt der modernistischen Fotografie. Modottis Geschichte reicht jedoch weit über den künstlerischen Rahmen hinaus. Ihre Verbundenheit mit revolutionären Idealen bringt sie an die vorderste Front des sozialen Wandels. Nachdem sie sich in Moskau niedergelassen und sich der Kommunistischen Partei der Sowjetunion angeschlossen hatte, gab sie 1931 die Fotografie ganz auf, um sich der Politik zu widmen. Modotti verstarb 1942 im Alter von 45 Jahren. Noch Jahrzehnte nach ihrem Tod wurde ihr Talent von Geheimnissen und dem Fehlen biografischer Informationen überschattet. Das machte ihr Leben zu einer Legende.

Die Ausstellung versammelt fast 250 alte Drucke als Leihgaben von 9 bedeutenden internationalen Institutionen und verschiedenen privaten Leihgebern und Sammlungen, darunter illustrierte Zeitschriften und Originalwerke von Fotografen aus Modottis engstem Umfeld, wie Edward Weston.

Unerzählte Geschichten von unbekannten Ikonen
Die Ausstellung Tina Modotti ist die dritte in einer Reihe, in der Foam den unbekannten Geschichten unbekannter Ikonen eine Plattform bietet. Ähnlich wie Ernest Cole und Ara Güler zu Beginn dieses Jahres wählt Foam einen anderen Blickwinkel auf die Geschichte, indem es Künstlern eine Plattform bietet, die in der bestehenden Geschichte der Fotografie übersehen oder vergessen wurden. Die meiste Zeit ihres Lebens und auch danach stand das Werk von Tina Modotti im Schatten des einflussreichen und renommierten Fotografen Edward Weston, der sie in das Feld der Fotografie eingeführt hatte. Neuere Forschungen haben ergeben, dass die Fotografien von Weston und Modotti oft nur schwer voneinander zu unterscheiden sind und manchmal fälschlicherweise der berühmte Weston einer Fotografie zugeordnet wird. Mit dieser Ausstellung bietet Foam Tina Modotti eine Bühne, um sie als eine der engagiertesten und herausragendsten Künstlerinnen ihrer Zeit zu würdigen.

Née en Italie, le parcours de Modotti l'a conduite à l'épicentre de l'art et de la politique du début du XXe siècle, depuis ses débuts en tant qu'actrice de films muets à Hollywood jusqu'à ses relations avec les mouvements artistiques mexicains, où Frida Kahlo et Diego Rivera ont joué un rôle central. Avec son appareil photo, Modotti a capturé les paysages et les gens du Mexique, en se concentrant sur les femmes, le folklore et l'art religieux. Son travail photographique brut la positionne fermement comme une figure centrale dans le monde de la photographie moderniste. Cependant, l'histoire de Modotti dépasse largement le cadre artistique. Son attachement aux idéaux révolutionnaires l'a poussée à se placer à l'avant-garde du changement social. Après s'être installée à Moscou et avoir rejoint le Parti communiste de l'Union soviétique, elle abandonne complètement la photographie en 1931 pour se consacrer à la politique. Modotti est décédée en 1942 à l'âge de 45 ans. Pendant des décennies après sa mort, son talent a été éclipsé par des mystères et l'absence d'informations biographiques. Cela a fait de sa vie une légende.

L'exposition rassemble près de 250 tirages anciens prêtés par neuf grandes institutions internationales et par divers prêteurs et collections privés, y compris des magazines illustrés et des œuvres originales de photographes du cercle proche de Modotti, tels qu'Edward Weston.

Histoires inédites d'icônes inconnues
L'exposition Tina Modotti est la troisième d'une série dans laquelle Foam offre une plateforme aux histoires inédites d'icônes inconnues. Comme Ernest Cole et Ara Güler au début de l'année, Foam choisit d'aborder l'histoire sous un angle différent en offrant une tribune à des artistes qui ont été négligés ou oubliés dans l'histoire de la photographie. Pendant la majeure partie de sa vie et par la suite, le travail de Tina Modotti a été éclipsé par l'influent et célèbre photographe Edward Weston, qui l'avait initiée à la photographie. Des recherches plus récentes ont montré que les photographies de Weston et de Modotti ont souvent été difficiles à distinguer les unes des autres, attribuant parfois à tort une photographie au célèbre Weston. Avec cette exposition, Foam offre à Tina Modotti une scène où elle est reconnue comme l'une des artistes les plus dévouées et les plus remarquables de son temps.

Nata in Italia, il viaggio di Modotti l'ha portata nell'epicentro dell'arte e della politica del primo Novecento, dagli esordi come attrice del cinema muto a Hollywood ai legami con i movimenti artistici messicani, dove Frida Kahlo e Diego Rivera hanno avuto un ruolo centrale. Con la sua macchina fotografica, Modotti ha catturato i luoghi e le persone del Messico, concentrandosi sulle donne, sul folklore e sull'arte religiosa. Il suo crudo lavoro fotografico la posiziona saldamente come figura centrale nel mondo della fotografia modernista. Tuttavia, la storia di Modotti si estende ben oltre il quadro artistico. Il suo legame con gli ideali rivoluzionari la spinge in prima linea nel cambiamento sociale. Dopo essersi stabilita a Mosca e aver aderito al Partito Comunista dell'Unione Sovietica, nel 1931 abbandonò del tutto la fotografia per dedicarsi alla politica. Modotti si spegne nel 1942 all'età di 45 anni. Per decenni il suo talento è stato oscurato da misteri e dall'assenza di informazioni biografiche. Questo ha trasformato la sua vita in una leggenda.

La mostra riunisce circa 250 stampe d'epoca prestate da 9 importanti istituzioni internazionali e da diversi prestatori e collezioni private, tra cui riviste illustrate e opere originali di fotografi della stretta cerchia di Modotti, come Edward Weston.

Storie inedite di icone sconosciute
La mostra su Tina Modotti è la terza di una serie in cui Foam offre una piattaforma a storie inedite di icone sconosciute. Come Ernest Cole e Ara Güler all'inizio di quest'anno, Foam sceglie di guardare alla storia da una prospettiva diversa, offrendo una piattaforma ad artisti che sono stati trascurati o dimenticati dalla storia della fotografia. Per la maggior parte della sua vita e dopo, il lavoro di Tina Modotti è stato messo in ombra dall'influente e famoso fotografo Edward Weston, che l'aveva introdotta nel campo della fotografia. Ricerche più recenti hanno rilevato che le fotografie di Weston e della Modotti sono state spesso difficili da distinguere l'una dall'altra, a volte attribuendo erroneamente il famoso Weston a una fotografia. Con questa mostra Foam offre a Tina Modotti un palcoscenico per riconoscerla come una delle artiste più impegnate ed eccezionali del suo tempo.

Born in Italy, Modotti's journey led her to the epicenter of early 20th-century art and politics, from her early days as a silent film actress in Hollywood to her connections within the Mexican art movements where Frida Kahlo and Diego Rivera played a central role. With her camera, Modotti captured the sights and people of Mexico, focusing on women, folklore and religious art. Her raw photographic work firmly positions her as a central figure in the world of Modernist photography. However, Modotti's story extends far beyond artistic frameworks. Her connection to revolutionary ideals pushes her to the forefront of social change. After settling in Moscow and joining the Communist Party of the Soviet Union, she gave up photography altogether in 1931 to devote herself to politics. Modotti passed away in 1942 at the age of 45. For decades after her life her talent was overshadowed by mysteries and the absence of biographical information. It turned her life into a legend.

The exhibition brings together close to 250 vintage prints on loan from 9 important international institutions and various private lenders and collections including illustrated magazines and original works by photographers from Modotti’s close circle, such as Edward Weston.

Untold stories by unknown icons
The exhibition Tina Modotti is the third in a series where Foam provides a platform to untold stories by unseen icons. Similar to Ernest Cole and Ara Güler earlier this year, Foam chooses to view history from a different perspective by providing a platform to artists who were overlooked or forgotten within the existing history of photography. For most of her life and after, the work by Tina Modotti was overshadowed by the influential and renowned photographer Edward Weston, who had introduced her to the field of photography. More recent research has found that photography by Weston and Modotti has often been difficult to distinguish from one another, sometimes wrongly assigning the famous Weston to a photograph. With this exhibition Foam provides Tina Modotti a stage to acknowledge her as one of the most dedicated and outstanding artists of her time.

(Text: Foam, Amsterdam)

Foam | Amsterdam
17. November 2023 – 14. Februar 2024

Contemporary female artists from Saudi Arabia – Fonāna
Sarah Abu Abdallah, Manal AlDowayan, Reem Al Faisal, Sara Alghesheyan, Jowhara AlSaud, Zahra Bundakji, Sara Khoja, Maha Malluh

Foam präsentiert mit Stolz die Ausstellung Fonāna (فنانة, was auf Arabisch "Künstlerin" bedeutet). Diese einzigartige Ausstellung taucht in die Welt zeitgenössischer Künstlerinnen aus dem Königreich Saudi-Arabien ein und fängt ihre unverstellten Perspektiven aus dem Inneren des Landes ein.

Die Ausstellung vereint die Arbeiten von acht zeitgenössischen Künstlerinnen, die in Saudi-Arabien leben oder gelebt haben. Sie bietet eine einzigartige Perspektive auf ein Land, das nach westlichen Maßstäben oft als konservativ gilt und dessen Zugänglichkeit für Außenstehende manchmal unterschätzt wird. Fonāna dient als Plattform für Künstlerinnen aus Saudi-Arabien und bietet einem internationalen Publikum einen Einblick in ihre künstlerischen Perspektiven, während sie sich mit den vielschichtigen Aspekten der zeitgenössischen saudischen Gesellschaft auseinandersetzen, zu denen auch einzigartige gesellschaftliche Normen und lokale Dynamiken gehören. Durch ihre Arbeit bringen sie persönliche Anliegen zum Ausdruck und erkunden ihre Ideale.

Die Ausstellung Fonāna wurde von Foam initiiert und durch das Greenbox Museum ermöglicht. Das von Aarnout Helb gegründete Greenbox Museum arbeitet unabhängig und frei von staatlichen oder externen Förderungen.

Foam est fier de présenter l'exposition Fonāna (فنانة signifiant "artiste féminine" en arabe). Cette exposition unique plonge dans l'univers des artistes féminines contemporaines du Royaume d'Arabie saoudite, capturant leurs perspectives candides de l'intérieur de la nation.

L'exposition rassemble les œuvres de huit femmes artistes contemporaines qui vivent ou ont vécu en Arabie saoudite. Elle offre une perspective unique sur un pays qui, selon les normes occidentales, est souvent considéré comme conservateur et dont l'accessibilité aux étrangers est parfois sous-estimée. Fonāna sert de plateforme aux artistes féminines d'Arabie saoudite, offrant à un public international un aperçu de leurs perspectives artistiques alors qu'elles naviguent dans les multiples aspects de la société saoudienne contemporaine, qui comprennent des normes sociétales uniques et des dynamiques locales. À travers leurs œuvres, elles expriment leurs préoccupations personnelles et explorent leurs idéaux.

L'exposition Fonāna est initiée par Foam et rendue possible grâce au Greenbox Museum. Le Greenbox Museum, fondé par Aarnout Helb, fonctionne de manière indépendante et sans affiliation gouvernementale ou à des fonds externes.

Foam è orgogliosa di presentare la mostra Fonāna (فنانة che significa "artista donna" in arabo). Questa mostra unica nel suo genere si addentra nel mondo delle artiste contemporanee del Regno dell'Arabia Saudita, catturando le loro candide prospettive dall'interno della nazione.

La mostra riunisce le opere di otto artiste contemporanee che vivono o hanno vissuto in Arabia Saudita. Offre una prospettiva unica su un Paese che, secondo gli standard occidentali, è spesso considerato conservatore e la cui accessibilità agli esterni è talvolta sottovalutata. Fonāna funge da piattaforma per le artiste dell'Arabia Saudita, offrendo a un pubblico internazionale uno sguardo sulle loro prospettive artistiche mentre navigano tra i molteplici aspetti della società saudita contemporanea, che includono norme sociali uniche e dinamiche locali. Attraverso le loro opere esprimono preoccupazioni personali ed esplorano i loro ideali.

La mostra Fonāna è promossa da Foam e resa possibile grazie al Greenbox Museum. Il Greenbox Museum, fondato da Aarnout Helb, opera in modo indipendente e libero da affiliazioni governative o fondi esterni.

Foam proudly presents the exhibition Fonāna (فنانة meaning ‘female artist’ in Arabic). This unique showcase delves into the world of contemporary female artists from the Kingdom of Saudi Arabia, capturing their candid perspectives from within the nation.

The exhibition brings together the work of eight contemporary female artists who live or have lived in Saudi Arabia. It offers a unique perspective on a country that, by Western standards, is often seen as conservative and of which the accessibility to outsiders is sometimes underestimated. Fonāna serves as a platform for female artists from Saudi Arabia, offering an international audience a glimpse into their artistic perspectives as they navigate the multifaceted aspects of contemporary Saudi society, which include unique societal norms and local dynamics. Through their work they express personal concerns and explore their ideals.

The exhibition Fonāna is initiated by Foam and made possible thanks to the Greenbox Museum. The Greenbox Museum, founded by Aarnout Helb, operates independently and free from governmental or external fund affiliations.

(Text: Foam, Amsterdam)

Foam | Amsterdam
6. Oktober 2023 - 21. Januar 2024

Sleeping Beauty
Carlijn Jacobs

Carlijn Jacobs arbeitet mit den führenden Marken und Prominenten von heute zusammen, schafft es aber, ihre Bilder skurril und verfremdend zu halten. Sleeping Beauty ist eine Einladung an das Unterbewusstsein, in dem alles möglich ist. Die Ausstellung zeigt eine Kombination aus Auftragsarbeiten und autonomen Arbeiten, die bei Foam erstmals zu sehen sein werden. Der Raum im Museum wird durch die Entwürfe von Sabine Marcelis bereichert.

Carlijn Jacobs ist fasziniert von traditionellen Formen der Kostümierung und Verkleidung. Sie setzt Phänomene wie die japanische Geisha und die uralte Tradition des venezianischen Karnevals mit der heutigen Schönheits- und Modeszene in Beziehung. Jacobs experimentiert derzeit auch mit künstlicher Intelligenz, was ihre Vorstellungskraft auf die Spitze treibt: Noch ist nichts unmöglich. Die Bilder, die sie mit Hilfe der künstlichen Intelligenz erzeugen kann, sind wie Filmstills eines seltsam attraktiven Alptraums.

Anlässlich dieser Ausstellung lädt Carlijn Jacobs die niederländische Künstlerin und Designerin Sabine Marcelis ein, auf ihre Arbeit zu reagieren, indem sie den Ausstellungsraum mit ihren Entwürfen bereichert, so dass Jacobs und Marcelis gemeinsam ihre ultimative Traumwelt schaffen können.

Carlijn Jacobs (1991, Groeningen, NL) studierte Fotografie an der Willem de Kooning Academy in Rotterdam, wo sie schon früh für ihren besonderen Blick auf die Massenkultur bekannt wurde. Obwohl sie sich einen Namen in der Modefotografie gemacht hat, ist ihr Stil zeitlos. Sie lässt sich von der Bildsprache der 1980er und 1990er Jahre inspirieren und verschmilzt verschiedene Kunststile auf überraschende Weise. Ihre Arbeiten sind farbenfroh und ausdrucksstark, und die dunklen Untertöne des Surrealismus spielen eine wichtige Rolle. Entgegen dem allgemeinen Trend in der Modewelt strebt sie nach eigenen Angaben nicht nach Perfektion, sondern nach Besonderheit.

Im Jahr 2021 veröffentlichte Jacobs ihre erste Monografie Mannequins mit James Chester bei APE (Art Paper Editions). Zeitgleich mit der Ausstellung Sleeping Beauty bei Foam wird Jacobs ein neues Buch bei APE veröffentlichen. Ihre Arbeiten sind in zahlreichen Zeitschriften erschienen, darunter Vogue, Vogue France, Vogue Italia, Dazed, Pop, D Repubblica, M le Monde und AnOther Magazine. Sie hat Kampagnen und Bilder u.a. für Acne Studios, Chanel, Gucci, Louis Vuitton, Versace, Loewe und Mugler entworfen. Carlijn Jacobs wird von Art+Commerce vertreten und lebt in Paris.

Carlijn Jacobs travaille avec les plus grandes marques et célébrités d'aujourd'hui, mais réussit à garder ses images excentriques et aliénantes. Sleeping Beauty est une invitation au subconscient, où tout est possible. L'exposition présente une combinaison d'œuvres commandées et d'œuvres autonomes qui seront présentées pour la première fois à Foam. L'espace du musée sera enrichi par des dessins de Sabine Marcelis.

Carlijn Jacobs est fascinée par les formes traditionnelles de costume et de déguisement. Elle fait le lien entre des phénomènes tels que les geishas japonaises et la tradition séculaire du carnaval vénitien, d'une part, et la beauté et la mode d'aujourd'hui, d'autre part. Jacobs expérimente aussi actuellement l'intelligence artificielle, ce qui pousse son imagination à son paroxysme : rien n'est encore impossible. Les images qu'elle parvient à créer grâce à l'IA sont comme les images d'un cauchemar étrangement séduisant.

À l'occasion de cette exposition, Carlijn Jacobs invite l'artiste et designer néerlandaise Sabine Marcelis à répondre à son travail en enrichissant l'espace d'exposition avec ses créations, permettant ainsi à Jacobs et Marcelis de créer ensemble leur ultime monde de rêve.

Carlijn Jacobs (1991, Groeningen, NL) a étudié la photographie à l'Académie Willem de Kooning à Rotterdam, où elle a été rapidement reconnue pour son regard particulier sur la culture de masse. Bien qu'elle se fasse un nom dans la photographie de mode, son style est intemporel. Elle s'inspire du langage visuel des années 1980 et 1990 et fusionne différents styles artistiques de manière surprenante. Son travail est coloré et expressif, et les nuances sombres du surréalisme y jouent un rôle important. Contrairement à la tendance générale du monde de la mode, elle dit ne pas rechercher la perfection mais la particularité.

En 2021, Jacobs a publié sa première monographie, Mannequins, avec James Chester, chez APE (Art Paper Editions). Parallèlement à l'exposition Sleeping Beauty à Foam, Jacobs publiera un nouveau livre chez APE. Son travail a été publié dans d'innombrables magazines, dont Vogue, Vogue France, Vogue Italia, Dazed, Pop, D Repubblica, M le Monde et AnOther Magazine. Elle a créé des campagnes et des images pour Acne Studios, Chanel, Gucci, Louis Vuitton, Versace, Loewe et Mugler, entre autres. Carlijn Jacobs est représentée par Art+Commerce et est basée à Paris.

Carlijn Jacobs lavora con i marchi e le celebrità più importanti di oggi, ma riesce a mantenere le sue immagini eccentriche e stranianti. Sleeping Beauty è un invito al subconscio, dove tutto è possibile. La mostra presenta una combinazione di lavori commissionati e di lavori autonomi che saranno presentati in anteprima al Foam. Lo spazio del museo sarà arricchito dai disegni di Sabine Marcelis.

Carlijn Jacobs è affascinata dalle forme tradizionali di costume e travestimento. Mette in relazione fenomeni come la geisha giapponese e la tradizione millenaria del carnevale veneziano con la bellezza e la moda di oggi. Jacobs sta anche sperimentando l'intelligenza artificiale, che porta la sua immaginazione al massimo: nulla è ancora impossibile. Le immagini che riesce a creare tramite l'intelligenza artificiale sono come fotogrammi di un incubo stranamente attraente.

In occasione di questa mostra, Carlijn Jacobs invita l'artista e designer olandese Sabine Marcelis a rispondere al suo lavoro arricchendo lo spazio espositivo con i suoi progetti, consentendo a Jacobs e Marcelis di creare insieme il loro mondo dei sogni definitivo.

Carlijn Jacobs (1991, Groeningen, NL) ha studiato fotografia all'Accademia Willem de Kooning di Rotterdam, dove si è fatta presto notare per la sua particolare visione della cultura di massa. Sebbene si stia facendo un nome nella fotografia di moda, il suo stile è senza tempo. Trae ispirazione dal linguaggio visivo degli anni '80 e '90 e fonde diversi stili artistici in modo sorprendente. Il suo lavoro è colorato ed espressivo e le sfumature scure del surrealismo giocano un ruolo importante. Contrariamente alla tendenza generale del mondo della moda, l'artista afferma di non ricercare la perfezione ma la particolarità.

Nel 2021, la Jacobs ha pubblicato la sua prima monografia Mannequins con James Chester, presso APE (Art Paper Editions). Contemporaneamente alla mostra Sleeping Beauty presso Foam, Jacobs pubblicherà un nuovo libro con APE. Il suo lavoro è apparso su innumerevoli riviste, tra cui Vogue, Vogue France, Vogue Italia, Dazed, Pop, D Repubblica, M le Monde e AnOther Magazine. Ha creato campagne e immagini per Acne Studios, Chanel, Gucci, Louis Vuitton, Versace, Loewe e Mugler, tra gli altri. Carlijn Jacobs è rappresentata da Art+Commerce e risiede a Parigi.

Carlijn Jacobs works with today's leading brands and celebrities but manages to keep her images quirky and alienating. Sleeping Beauty is an invitation to the subconscious, where anything is possible. The exhibition features a combination of commissioned work and autonomous work that will premiere at Foam. The space in the museum will be enriched with designs by Sabine Marcelis.

Carlijn Jacobs has a fascination with traditional forms of costume and disguise. She relates phenomena such as the Japanese geisha and the age-old tradition of the Venetian carnival to today's beauty and fashion scene. Jacobs is also currently experimenting with Artificial Intelligence, which takes her imagination to a peak: nothing is impossible yet. The images she manages to create via AI are like film stills of a strangely attractive nightmare.

On the occasion of this exhibition, Carlijn Jacobs invites Dutch artist and designer Sabine Marcelis to respond to her work by enriching the exhibition space with her designs, allowing Jacobs and Marcelis to create their ultimate dream world together.

Carlijn Jacobs (1991, Groeningen, NL) studied photography at the Willem de Kooning Academy in Rotterdam, where she gained early recognition for her particular take on mass culture. Although she is creating a name for herself in fashion photography, her style is timeless. She draws inspiration from the visual language of the 1980s and 1990s and merges different art styles in surprising ways. Her work is colourful and expressive, and the dark undertones of surrealism play a significant role. Contrary to the general trend of the fashion world, she says she strives not for perfection but for peculiarity.

In 2021, Jacobs published her first monograph Mannequins with James Chester, at APE (Art Paper Editions). Simultaneously with the exhibition Sleeping Beauty at Foam, Jacobs will release a new book with APE. Her work has appeared in countless magazines, including Vogue, Vogue France, Vogue Italia, Dazed, Pop, D Repubblica, M le Monde and AnOther Magazine. She has created campaigns and images for Acne Studios, Chanel, Gucci, Louis Vuitton, Versace, Loewe and Mugler, among others. Carlijn Jacobs is represented by Art+Commerce and is based in Paris.

(Text: Foam, Amsterdam)

Bildhalle | Amsterdam
23. September - 11. November 2023

Wind from nowhere
Douglas Mandry

In ständigem Dialog mit seinen Produktionsmitteln, seinem Gegenstand und seiner Umgebung eröffnet Mandry neue Wege der Auseinandersetzung mit der uns umgebenden Welt.

Douglas Mandry experimentiert mit den Möglichkeiten der Fotografie, er interessiert sich für den Einfluss von Wissenschaft und Technologie auf unsere bildliche und räumliche Vorstellung von der Natur. Mandry hinterfragt die Materialität. Durch die Verwendung physischer Materialien und Druckverfahren untersucht er Vorstellungen von Greifbarkeit und Dauerhaftigkeit.

Der Titel "Wind from Nowhere" ist eine Hommage an den 1961 erschienenen Science-Fiction-Roman von J.G. Ballard. Er beschreibt Naturkatastrophen und wie Tragödien Menschen auf eine Art und Weise zusammenbringen können, wie es keine normale Erfahrung je könnte. Teil der Einzelausstellung ist seine neueste Serie Retardant Panels. In einer Ära des Anthropozentrismus will uns dieses neue Werk daran erinnern, dass die romantische Vision der Natur nicht mehr die eines einzelnen Menschen ist, sondern vielmehr ein Streben nach Kollektivität. Die Koexistenz von industrieller Entwicklung und natürlichen Ökosystemen hat zu drastischen Veränderungen geführt, sowohl in unserer Wahrnehmung der Idee von Natur als auch in unserem Bewusstsein für diese jüngste Entwicklung. In dieser Serie zeigt Douglas Mandry eine Konstellation von Materialien, die mit dem Regenwald in Verbindung stehen - gefundene Fotografien von dem, was früher das Paradies am ehesten darstellte, Holz und industrielle Elemente. Die Serie Retardant Panels folgt der Linie von Mandrys kritischem und zugleich poetischem Ansatz. Die Künstlerin lädt uns ein, über die mögliche Verflechtung von Verlust und Kontrollsucht nachzudenken, die unsere moderne Gesellschaft bestimmt.

Darüber hinaus zeigt die Einzelausstellung Werke aus anderen Serien, die die besondere Art und Weise verdeutlichen, in der sich die Künstlerin mit Themen auseinandersetzt, die oft unbeachtet bleiben, obwohl sie einen großen Einfluss auf das Leben haben.

En dialogue constant avec ses moyens de production, son sujet et son environnement, Mandry ouvre de nouvelles voies pour s'engager dans le monde qui nous entoure.

Douglas Mandry expérimente le potentiel de la photographie et s'intéresse à l'influence de la science et de la technologie sur notre conception picturale et spatiale de la nature. Mandry s'interroge sur la matérialité. En utilisant des matériaux physiques et des méthodes d'impression, il examine les notions de tangibilité et de permanence.

Le titre "Wind from Nowhere" est un hommage au roman de science-fiction de 1961 de J.G. Ballard. Il décrit les catastrophes naturelles et la façon dont les tragédies peuvent rassembler les gens comme aucune expérience normale ne pourrait le faire. L'exposition solo présente sa toute nouvelle série intitulée "Retardant Panels". À l'ère de l'anthropocentrisme, ce nouveau corpus d'œuvres entend nous rappeler que la vision romantique de la nature n'est plus celle d'un seul être humain, mais plutôt une quête de la collectivité. La coexistence du développement industriel et des écosystèmes naturels a entraîné des changements radicaux, tant dans notre perception de l'idée de nature que dans notre prise de conscience de cette évolution récente. Dans cette série, Douglas Mandry présente une constellation de matériaux liés à la forêt tropicale - des photographies trouvées de ce qui était autrefois la représentation la plus proche du paradis, du bois et des éléments industriels. La série Retardant Panels s'inscrit dans la lignée de l'approche critique et poétique de Mandry. L'artiste nous invite à réfléchir à l'enchevêtrement possible de la perte et de la soif de contrôle qui caractérise notre société moderne.

Par ailleurs, l'exposition solo présente des œuvres issues d'autres séries qui illustrent la manière particulière dont l'artiste traite de sujets qui passent souvent inaperçus alors qu'ils ont un impact majeur sur la vie.

In costante dialogo con i suoi mezzi di produzione, con il soggetto e con l'ambiente circostante, Mandry apre nuovi modi di rapportarsi con il mondo che ci circonda.

Douglas Mandry sperimenta il potenziale della fotografia, è interessato all'influenza della scienza e della tecnologia sulla nostra concezione pittorica e spaziale della natura. Mandry si interroga sulla materialità. Utilizzando materiali fisici e metodi di stampa, esamina le nozioni di tangibilità e permanenza.

Il titolo "Wind from Nowhere" è un omaggio al romanzo di fantascienza del 1961 di J.G. Ballard. Descrive i disastri naturali e il modo in cui le tragedie possono unire le persone come nessuna esperienza normale potrebbe mai fare. Parte della mostra personale è la sua ultima serie Retardant Panels. In un'epoca di antropocentrismo, questo nuovo lavoro intende ricordarci che la visione romantica della natura non è più quella di un singolo essere umano, ma piuttosto una ricerca di collettività. La coesistenza di sviluppo industriale ed ecosistemi naturali ha portato a drastici cambiamenti, sia nella nostra percezione dell'idea di natura, sia nella nostra consapevolezza di questa recente evoluzione. In questa serie, Douglas Mandry presenta una costellazione di materiali legati alla foresta pluviale: fotografie trovate di ciò che un tempo era la rappresentazione più vicina al paradiso, legno ed elementi industriali. La serie Retardant Panels segue la linea dell'approccio critico e al contempo poetico di Mandry. L'artista ci invita a riflettere sul possibile intreccio tra perdita e desiderio di controllo che caratterizza la nostra società moderna.

Inoltre, la mostra personale presenta opere tratte da altre serie che illustrano il modo particolare in cui l'artista affronta temi che spesso passano inosservati anche se hanno un forte impatto sulla vita.

In constant dialogue with his means of making, subject and surroundings, Mandry opens up new ways of engaging with the world around us.

Douglas Mandry experiments with the potential of photography, he is interested in the influence of science and technology on our pictorial and spatial conception of nature. Mandry questions materiality. By using physical materials and printing methods, he examines notions of tangibility and permanence.

The title “Wind from Nowhere” is an homage to the 1961 science fiction novel by J.G. Ballard. It describes natural disasters and how tragedies can bring people together in ways no normal experience ever could. Part of the solo exhibition is his newest series Retardant Panels. In an era of anthropocentrism, this new body of work intends to remind us that the romantic vision of nature is no longer the one of a single human being but rather a quest for collectivity. The co-existence of industrial development and natural ecosystems has led to drastic changes, both in our perception of the idea of nature, and our awareness of this recent evolution. In this series, Douglas Mandry conveys a constellation of materials related to the rainforest – found photographs of what used to be the closest representation of paradise, wood, and industrial elements. The series Retardant Panels follows the line of Mandry’s critical, yet poetic approach. The artist invites us to reflect on the possible entwinement of both loss and craving for control that defines our modern society.

Furthermore, the solo exhibition shows works from other series that illustrate the special way in which the artist deals with topics that are often unnoticed even though they have a major impact on life.

In een constant dialoog met zijn productiemogelijkheden, onderwerp en omgeving, opent Mandry nieuwe manieren om met de wereld om ons heen om te gaan.

Douglas Mandry experimenteert met de mogelijkheden van fotografie, hij is geïnteresseerd in de invloed van wetenschap en technologie op onze picturale en ruimtelijke opvatting van de natuur. Mandry ondervraagt materialiteit. Met behulp van materialen en drukmethoden onderzoekt hij ideeën van tastbaarheid en duurzaamheid.

De titel „Wind from Nowhere“ is een eerbetoon aan de sciencefictionroman uit 1961 van J.G. Ballard. Het beschrijft natuurrampen en hoe tragedies mensen samen kunnen brengen op een manier die anders nooit mogelijk geweest zou zijn. Onderdeel van de solotentoonstelling is zijn nieuwste serie Retardant Panels. In een tijdperk van antropocentrisme wil dit nieuwe oeuvre ons eraan herinneren dat de romantische visie op de natuur niet langer die van een enkel mens is, maar eerder een zoektocht naar collectiviteit. Het naast elkaar bestaan van industriële ontwikkeling en natuurlijke ecosystemen heeft geleid tot drastische veranderingen, zowel in onze perceptie van het idee van de natuur als in ons bewustzijn van deze recente evolutie. In deze serie brengt Douglas Mandry een constellatie van materialen die verband houden met het regenwoud – gevonden foto‘s van wat vroeger de beste weergave was van het paradijs, hout en industriële elementen. De serie Retardant Panels volgt Mandry‘s kritische maar poëtische benadering. De kunstenaar nodigt ons uit om na te denken over de mogelijke verstrengeling van verlies en controle die onze moderne samenleving kenmerkt.

Verder toont de solotentoonstelling werken uit andere series die de bijzondere manier illustreren waarop de kunstenaar omgaat met onderwerpen die vaak onopgemerkt blijven terwijl ze een grote impact hebben op het leven.

(Text: Bildhalle, Zürich & Amsterdam)

Bildhalle | Amsterdam
23. September - 11. November 2023

Cast away
Thirza Schaap

"Wenn man das Hässliche mit dem Schönen tarnt, kommt es durch eine andere Tür in den Geist." Thirza Schaap

Entlang der südafrikanischen Küste sammelt Thirza Schaap weggeworfene Flaschen und Einkaufstüten, um daraus phantasievolle Skulpturen zu schaffen, die sie anschließend oft fotografiert.

Die Gegenüberstellung von Abscheu und Schönheit ist in diesen Bildern unabdingbar; Thirza will diese Barrieren aufbrechen, indem sie unsere Wahrnehmung dessen, was wir attraktiv finden, in Frage stellt. Diese Fotos sind schön, zeigen aber auch eine beunruhigende Realität.

Eine weiße Blume sitzt auf einer Vase aus unordentlichem Plastik, um die herum Lichtflecken verstreut sind. Eine aus Scherben geformte Flasche erwacht zum Leben, da man sie fast aus dem Hintergrund greifen kann. Diese von Thirza Schaap verwandelten Objekte haben etwas unheimlich Schönes an sich: Plastikteile, die sie an der Küste von Kapstadt aufgesammelt und in eigentümliche Fotografien verwandelt hat; Müllteile, die einst abstoßend waren, sind nun schön geworden.

Als Schaap beobachtete, wie der Müll wie Konfetti an den örtlichen Strand gespült wurde, ließ sie sich dazu inspirieren, Plastic Ocean als fortlaufendes Projekt ins Leben zu rufen, "um das Bewusstsein für die Umweltverschmutzung zu schärfen ... und zu versuchen, die Verwendung von Plastik zu verhindern oder zumindest zu reduzieren." Strohhalme, Flip-Flops, Zahnbürsten, Flaschen und vieles mehr werden gesammelt, getrocknet und sorgfältig sortiert, um eine surreale Collage zu schaffen. Die zu Stillleben umgestalteten Gegenstände werden auf pastellfarbenen Papierbögen oder Sand in hellem, natürlichem Tageslicht fotografiert. Der Effekt ist skurril, verspielt und poppig; paradoxerweise ekeln uns diese Abfälle nicht an. Ihr zierliches Aussehen scheint die Dringlichkeit der Plastikverschmutzung an unseren Stränden zu übertünchen, doch dieser erste Eindruck verblasst bald.

Das Treibgut sieht unangenehm schön aus. Schaap spielt damit, indem sie staubige Farben, auffällige Schatten und alltägliche Kleinigkeiten verwendet und hinzufügt. Ihr Werk scheint ein Spiel mit der Frage zu sein, ob der ästhetische Reiz dieser Objekte ihre Nützlichkeit und - im Falle von Schaaps Objekten - die Gefahr, die sie darstellen, aufwiegen kann.

Trotz ihres süßen Reizes sind Schaaps Bilder auch zutiefst beunruhigend. Schließlich hat eine globale Party stattgefunden, und diese Bilder geben einen Einblick in ihre hässlichen Nachwirkungen, Scherben der unhaltbaren Abfallmenge unserer kollektiven Gefräßigkeit. Wie die Orte des Feierns so oft am Morgen danach erscheinen, sind Schaaps Kompositionen voll von verbrauchtem Genuss, von Dingen, die nun keinen Nutzen mehr haben, verblasst, entleert oder kaputt sind. Diese Dinge wurden weggeworfen, aber sie bestehen weiter, können sich nicht zersetzen und widerstehen der Löschung.

Thirza Schaap ist eine niederländische Fotografin und bildende Künstlerin.

"Lorsque vous déguisez la laideur en beauté, elle entre dans l'esprit par une autre porte. Thirza Schaap

Le long de la côte sud-africaine, Thirza Schaap ramasse des bouteilles et des sacs à provisions usagés pour créer des sculptures fantaisistes, qu'elle photographie souvent par la suite.

La juxtaposition de la répulsion et de la beauté est impérative dans ces images ; Thirza vise à briser ces barrières en remettant en question notre perception de ce que nous trouvons attirant. Ces photos sont belles, mais elles mettent aussi en lumière une réalité troublante.

Une fleur blanche est posée sur un vase en plastique ébouriffé, parsemé de taches de lumière. Une bouteille façonnée de bric et de broc prend vie alors que l'on peut presque la saisir à l'arrière-plan. Ces objets transformés par Thirza Schaap ont une sorte de "beauté étrange" ; des morceaux de plastique qu'elle a ramassés sur la côte du Cap et qu'elle a transformés en photographies étranges ; des morceaux de déchets, autrefois rebutants, sont devenus jolis.

C'est en voyant les débris s'échouer sur la plage locale comme des confettis sur le sable que Thirza Schaap a eu l'idée de lancer Plastic Ocean, un projet permanent visant à "sensibiliser à la pollution... à essayer d'empêcher, ou au moins de réduire, l'utilisation du plastique". Pailles, tongs, brosses à dents, bouteilles et autres objets sont collectés, séchés et soigneusement triés pour créer un collage surréaliste. Remodelés en natures mortes, les objets sont photographiés sur des feuilles de papier pastel ou sur du sable à la lumière du jour. L'effet est excentrique, ludique et pop ; paradoxalement, ces débris ne nous dégoûtent pas. Leur apparence délicate semble faire oublier l'urgence de la pollution plastique sur nos plages, mais cette première impression s'estompe rapidement.

Les déchets flottants semblent d'une beauté inconfortable. Schaap joue avec cela en utilisant et en ajoutant des couleurs poussiéreuses, des ombres frappantes et des objets de tous les jours. Son travail semble jouer un jeu qui consiste à se demander si l'attrait esthétique de ces objets peut l'emporter sur leur fadeur utilitaire et, dans le cas des objets de Schaap, sur le danger qu'ils représentent.

Malgré leur douce allure, les images de Schaap sont aussi profondément troublantes. Après tout, il y a eu une fête mondiale, et ces images sont des aperçus de ses horribles conséquences, des éclats du volume insoutenable de déchets issus de notre voracité collective. Comme les sites de célébration apparaissent si souvent le lendemain matin, les compositions de Schaap sont pleines de plaisirs épuisés, d'objets désormais inutilisables, décolorés, dégonflés ou cassés. Ces objets ont été jetés, mais ils persistent, incapables de se décomposer, résistant à l'effacement.

Thirza Schaap est une photographe et artiste visuelle néerlandaise.

"Quando si camuffa la bruttezza con la bellezza, essa entra nella mente attraverso un'altra porta". Thirza Schaap

Lungo la costa del Sudafrica, Thirza Schaap raccoglie bottiglie e sacchetti della spesa di scarto per creare sculture fantasiose, spesso fotografandole successivamente.

La giustapposizione di repulsione e bellezza è imperativa in queste immagini; Thirza mira ad abbattere queste barriere sfidando la nostra percezione di ciò che troviamo attraente. Queste foto sono belle, ma evidenziano anche una realtà inquietante.

Un fiore bianco è adagiato su un vaso fatto di plastica disordinata, con macchie di luce sparse intorno ad esso. Una bottiglia fatta di pezzi prende vita e si può quasi afferrare dallo sfondo. C'è una sorta di "bellezza inquietante" in questi oggetti trasformati da Thirza Schaap; pezzi di plastica raccolti dalla costa di Città del Capo e trasformati in fotografie particolari; pezzi di spazzatura che una volta erano fuori posto ora diventano belli.

Osservando come i detriti si depositavano sulla spiaggia locale come coriandoli sulla sabbia, Schaap ha avuto l'ispirazione di avviare Plastic Ocean come progetto in corso "per sensibilizzare l'opinione pubblica sull'inquinamento... per cercare di prevenire, o almeno ridurre, l'uso della plastica". Cannucce, infradito, spazzolini da denti, bottiglie e altro ancora vengono raccolti, essiccati e selezionati con cura per creare un collage surreale. Gli oggetti vengono ripresi su fogli di carta color pastello o su sabbia alla luce del giorno. L'effetto è eccentrico, giocoso e pop; paradossalmente, questi detriti non ci disgustano. Il loro aspetto delicato sembra nascondere l'urgenza dell'inquinamento da plastica sulle nostre spiagge, ma questa prima impressione svanisce presto.

I rottami sembrano scomodamente belli. Schaap gioca con questo utilizzando e aggiungendo colori polverosi, ombre suggestive e oggetti di uso quotidiano. Il suo lavoro sembra giocare a chiedersi se il fascino estetico di questi oggetti possa superare la loro ottusità utilitaria e, nel caso degli oggetti di Schaap, il pericolo che rappresentano.

Nonostante il loro dolce fascino, le immagini di Schaap sono anche profondamente preoccupanti. Dopo tutto, c'è stata una festa globale e queste immagini sono scorci delle sue brutte conseguenze, frammenti dell'insostenibile volume di rifiuti della nostra voracità collettiva. Come i luoghi di celebrazione appaiono spesso il mattino dopo, le composizioni di Schaap sono piene di divertimento consumato, di cose ormai prive di uso, sbiadite, sgonfie o rotte. Queste cose sono state gettate via, ma persistono, incapaci di decomporsi, resistendo alla cancellazione.

Thirza Schaap è una fotografa e artista visiva olandese.

“When you disguise ugliness with beauty it enters the mind through another door.” Thirza Schaap

Along the coast of South Africa, Thirza Schaap collects discarded bottles and shopping bags to create fanciful sculptures, often to photograph them afterwards.

The juxtaposition of repulsion and beauty is imperative in these images; Thirza aims to break down these barriers by challenging our perception of what we find attractive. These photos are beautiful, but also highlight a disturbing reality.

A white flower sits on a vase made of disheveled plastic with specks of light scattered around it. A bottle shaped from bits and pieces comes to life as you can almost grasp it from the background. There is a kind of ‘eerie beauty’ to these objects transformed by Thirza Schaap; pieces of plastic she picked from the coast of Cape Town and turned into peculiar photographs; bits of trash once off-putting now turned pretty.

From witnessing how debris would wash onto the local beach like confetti in the sand, Schaap was inspired to start Plastic Ocean as an ongoing project “to raise awareness around pollution…to try and prevent, or at least reduce, the use of plastic.” Straws, flip-flops, toothbrushes, bottles, and more are collected, dried, and carefully sorted to create a surreal collage. Re-shaped still life arrangements, the items are shot on pastel sheets of paper or sand in bright, natural daylight. The effect is quirky, playful, and pop; paradoxically, this debris does not disgust us. Their dainty look seems to gloss over the urgency of plastic pollution on our beaches, but this first impression soon fades.

The flotsam looks uncomfortably beautiful. Schaap plays with this using and adding dusty colors, striking shadows, and everyday odds. Her work seems to play a game asking whether these objects‘ aesthetic appeal can outweigh their utilitarian dullness and, in the case of Schaap‘s objects, the danger they represent.

Despite their sweet allure, Schaap’s images are also deeply troubling. There has, after all, been a global party, and these pictures are glimpses of its ugly aftermath, shards of the unsustainable volume of refuse from our collective voraciousness. As sites of celebration so often appear the morning after, Schaap’s compositions are full of spent enjoyment, of things now devoid of use, faded, deflated, or broken. These things have been thrown away, but they persist, unable to decompose, resisting deletion.

Thirza Schaap is a Dutch photographer and visual artist.

„Als het lelijke is vermomd in schoonheid, dringt het via een andere deur door naar de geest.“ Thirza Schaap

Aan de Zuid-Afrikaanse kust verzamelt Thirza Schaap gestrand afval zoals flessen en boodschappentassen om fantasierijke sculpturen te maken, om ze hierna vaak te fotograferen.

De gelijktijdigheid van walging en schoonheid is essentieel in Thirza‘s werk. Ze doorbreekt deze barrière als ze onze perceptie van wat we aantrekkelijk vinden uitdaagt. Deze foto‘s zijn mooi, maar ze laten ook een verontrustende realiteit zien.

Een witte bloem ligt op een vaas van gescheurd plastic, omgeven door lichtpuntjes. Een geassembleerde fles komt tot leven en lijkt grijpbaar. Deze door Thirza Schaap getransformeerde objecten hebben een soort ‘griezelige schoonheid’: stukken plastic die ze verzamelde aan de kust van Kaapstad veranderen in eigenaardige foto‘s, stukjes rommel die ooit weerzinwekkend waren, zijn nu mooi geworden.

Toen Schaap op het plaatselijke strand afval als confetti op het zand zag aanspoelen, startte ze het lopende Plastic Ocean-project „om het bewustzijn over vervuiling te vergroten ... om te proberen het gebruik van plastic te voorkomen of in ieder geval te verminderen.“

Rietjes, pantoffels, tandenborstels, flesjes en meer worden verzameld, gedroogd en zorgvuldig gesorteerd om een surrealistische collage te creëren. De nieuw gecreëerde stillevens zijn geschoten op pastelkleurig papier of direct op het zand bij helder, natuurlijk daglicht. Het effect is eigenaardig, speels en trendy; paradoxaal genoeg walgen deze beelden ons niet. Hun charmante uiterlijk lijken bijna de urgentie van plasticvervuiling op onze stranden te maskeren, maar die eerste indruk vervaagt snel.

De gestrande goederen zijn onaangenaam mooi. Schaap speelt hiermee met het gebruik van stoffige kleuren, opvallende schaduwen en alledaagse dingen. Haar werk lijkt en spel te spelen met de vraag of de esthetische aantrekkingskracht van deze objecten kan opwegen tegen hun utilitaire saaiheid en, in het geval van de objecten van Schaap, het gevaar dat zij representeren.

Ondanks de zoete aantrekkingskracht zijn de beelden van Schaap ook diep verontrustend. De onhoudbare hoeveelheid afval wijzen op de gevolgen van een mondiaal feest en op onze collectieve hebzucht. Haar composities zitten vol met verspild genot, net zoals een feestlocatie de ochtend na het feest: dingen zijn onbruikbaar, vervaagd, leeggelopen of kapot. Deze objecten zijn weggegooid, maar ze blijven bestaan, kunnen niet ontbinden en zijn bestand tegen uitwissing.

Thirza Schaap is een Nederlandse fotograaf en visueel kunstenaar.

(Text: Bildhalle, Zürich & Amsterdam)

Foam | Amsterdam
22. September - 26. November 2023

How to Love a Tree: Wild Encounters
Hira Nabi

How to Love a Tree: Wilde Begegnungen" ist ein fortlaufendes Projekt, das 2019 startet. In den einzelnen Kapiteln der Studie werden koloniale Einflüsse und geografische Veränderungen mit ihren nachhaltigen Auswirkungen beleuchtet. Nabis Arbeit entsteht durch ihre Auseinandersetzung mit der Umwelt in Pakistan: ehemalige koloniale Bergstationen in und um die Städte, Dörfer und umliegenden blauen Kiefernwälder von Murree und der Galiyat-Region.

Nabi sieht diese Orte als zerfallende Ökosysteme, deren Geschichte von der Kolonialherrschaft geprägt ist. Sie konzentriert sich darauf, die Überbleibsel dieser schmerzhaften Vergangenheit in den heutigen Touristenzielen in den Bergen sichtbar zu machen. Hier vermischen sich die Spuren der Ausbeutung mit den Ausdrucksformen des Kapitalismus, während sich die Umwelt weiter verschlechtert.

Comment aimer un arbre : Wild Encounters est un projet en cours lancé en 2019. Les différents chapitres de l'étude mettent en lumière les influences coloniales et les changements géographiques avec leurs effets durables. Le travail de Nabi naît de son engagement avec l'environnement situé au Pakistan : les anciennes stations de montagne coloniales dans et autour des villes, des villages et des forêts de pins bleus environnantes de Murree et de la région de Galiyat.

Nabi considère ces lieux comme des écosystèmes qui s'effritent et dont l'histoire est marquée par la domination coloniale. Elle s'attache à rendre visibles les vestiges de ce passé douloureux dans ce qui est aujourd'hui des destinations touristiques dans les collines. Ici, les traces de l'exploitation se mêlent aux expressions du capitalisme, tandis que la détérioration de l'environnement se poursuit.

Come amare un albero: Wild Encounters è un progetto in corso lanciato nel 2019. I singoli capitoli dello studio evidenziano le influenze coloniali e i cambiamenti geografici con i loro effetti duraturi. Il lavoro di Nabi nasce dal suo impegno con l'ambiente situato in Pakistan: le ex stazioni collinari coloniali nelle città, nei villaggi e nelle foreste di pini blu circostanti di Murree e della regione di Galiyat.

Nabi vede questi luoghi come ecosistemi che si stanno sgretolando, con una storia segnata dal dominio coloniale. L'autrice si concentra sul rendere visibili i resti di questo passato doloroso in quelle che oggi sono destinazioni turistiche sulle colline. Qui le tracce dello sfruttamento si mescolano alle espressioni del capitalismo, mentre il deterioramento dell'ambiente continua.

How to Love a Tree: Wild Encounters is an ongoing project launched in 2019. The individual chapters of the study highlight colonial influences and geographical changes with their lasting effects. Nabi's work comes about through her engagement with the environment situated in Pakistan: former colonial hill stations in and around the towns, villages and surrounding blue pine forests of Murree, and the Galiyat region.

Nabi sees these places as ecosystems that are crumbling, with a history marked by colonial rule. She focuses on making remnants of this painful past visible in what are now tourist destinations in the hills. Here, traces of exploitation mingle with expressions of capitalism, while the deterioration of the environment continues.

(Text: Foam, Amsterdam)

Foam | Amsterdam
28. Juli - 27. September 2023

Seahorse Parents
Miriam Guttmann

Im Rahmen von Queer & Pride Amsterdam 2023 ist Foam stolz darauf, Seahorse Parents der renommierten Filmemacherin und Fotografin Miriam Guttmann zu präsentieren. In diesem Projekt untersucht Guttmann Geschlecht und Identität und stellt dabei die vorherrschenden kulturellen Vorstellungen von Weiblichkeit und Männlichkeit in Frage. Die skurrilen Bilder der Künstlerin beleuchten und feiern das Bild von schwangeren Transgender-Personen.

In der Serie präsentieren sich vier schwangere Transgender-Männer stolz als "Seepferdchen-Eltern", denn das Seepferdchen ist die einzige Art im gesamten Tierreich, bei der die Männchen die Babys austragen. Wie soll ein schwangerer Körper aussehen? Wie navigieren diese schwangeren Transgender-Männer durch eine voreingenommene Welt? Und in welche Welt hoffen die Eltern, ihre Kinder zu bringen?

Während die sich ändernden Gesetze in den Vereinigten Staaten es für transsexuelle und nicht-binäre Menschen immer schwieriger machen, die Kontrolle über ihren Körper und ihre Entscheidungen zu behalten, nahm Liam (der in den USA lebt) an dem Projekt teil:

"Ich möchte, dass der Betrachter sieht, dass transsexuelle und nicht-binäre Menschen genauso sind wie alle anderen Menschen und dass wir den gleichen Wunsch haben, unsere Familien zu gründen und zu lieben wie gleichgeschlechtliche Menschen. In Seahorse Parents geht es darum, unsere Geschichten in die Welt hinauszutragen. Es zeigt unsere aufstrebenden Familien im schönsten Licht."

Miriam Guttmann (geb. 1994) ist eine in Amsterdam lebende Dokumentarfilmerin und Fotografin. In ihrer Arbeit möchte Miriam sensible Themen wie Identität, Eltern-Kind-Beziehungen, Sexualität und soziale Ungerechtigkeit ansprechen. Durch ihre offene Haltung versucht sie, die Nuancen ihrer Themen in einer Gesellschaft, die zu Schwarz-Weiß-Denken neigt, aufzuzeigen, um Empathie und Verlässlichkeit zu schaffen.

Ihre dreiteilige Serie Seeds of Deceit wurde für das prestigeträchtige Sundance Film Festival und den Prix Europa ausgewählt und wurde vom niederländischen Fernsehen VPRO (2021) ausgestrahlt. Ihr gleichnamiger Abschlussfilm wurde mit mehreren internationalen Preisen ausgezeichnet. Im Jahr 2020 führte Guttmann Regie bei dem Dokumentarfilm The Laws of the Sea, der für einen Tegel, den renommiertesten niederländischen Preis für Journalismus, nominiert wurde. Derzeit arbeitet sie an zwei abendfüllenden Dokumentarfilmen mit den Titeln Front Row und Sanda Dia, die 2024 und 2025 erscheinen sollen.

Dans le cadre de Queer & Pride Amsterdam 2023, Foam est fier de présenter Seahorse Parents de la célèbre cinéaste et photographe Miriam Guttmann. Dans ce projet, Guttmann étudie le genre et l'identité tout en remettant en question les idées culturelles dominantes de la féminité et de la masculinité. Les images fantaisistes de l'artiste mettent en lumière et célèbrent l'image des personnes transgenres enceintes.

Dans la série, quatre hommes transgenres enceintes se présentent fièrement comme des "parents hippocampes", l'hippocampe étant la seule espèce de tout le règne animal où les mâles portent les bébés. À quoi le corps d'une femme enceinte est-il "censé" ressembler ? Comment ces hommes transgenres enceintes naviguent-ils dans un monde biaisé ? Et dans quel monde les parents espèrent-ils faire entrer leurs enfants ?

Alors que l'évolution des lois aux États-Unis fait qu'il est de plus en plus difficile pour les personnes transgenres et non binaires de garder le contrôle de leur corps et de leurs choix, Liam (qui est basé aux États-Unis) a participé au projet :

"Je veux que le spectateur voie que les personnes trans et non binaires sont des personnes comme les autres, et que nous avons le même désir de grandir et d'aimer nos familles que les personnes cisgenres. Seahorse Parents a pour but de faire connaître nos histoires au monde entier. Il montre nos familles naissantes sous leur plus beau jour".

Miriam Guttmann (née en 1994) est une réalisatrice de documentaires et une photographe basée à Amsterdam. Dans son travail, Miriam cherche à aborder des sujets sensibles tels que l'identité, les relations parents-enfants, la sexualité et l'injustice sociale. Par son attitude ouverte, elle s'efforce de montrer les nuances de ses sujets dans une société encline à la pensée noire et blanche, afin de susciter l'empathie et la fiabilité.

Sa série en trois parties Seeds of Deceit a été sélectionnée pour le prestigieux festival du film de Sundance, le Prix Europa et a été diffusée à la télévision néerlandaise par la VPRO (2021). Son film de fin d'études, portant le même titre, a remporté plusieurs prix internationaux. En 2020, Mme Guttmann a réalisé le documentaire The Laws of the Sea, qui a été nominé pour un Tegel, le prix néerlandais le plus renommé en matière de journalisme. Elle travaille actuellement sur deux longs métrages documentaires intitulés Front Row et Sanda Dia, qui sortiront en 2024 et 2025

Nell'ambito del Queer & Pride Amsterdam 2023, Foam è orgoglioso di presentare Seahorse Parents della famosa regista e fotografa Miriam Guttmann. In questo progetto, Guttmann indaga il genere e l'identità sfidando le idee culturali prevalenti di femminilità e mascolinità. Le immagini stravaganti dell'artista mettono in risalto e celebrano l'immagine delle persone transgender incinte.

Nella serie, quattro transgender incinte si presentano con orgoglio come "genitori di cavallucci marini", poiché il cavalluccio marino è l'unica specie dell'intero regno animale in cui i maschi sono i portatori del bambino. Come dovrebbe essere il corpo di un uomo incinto? Come fanno questi transgender incinti a navigare in un mondo distorto? E in quale mondo i genitori sperano di far nascere i loro figli?

Mentre le leggi in evoluzione negli Stati Uniti rendono sempre più difficile per le persone trans e non binarie mantenere il controllo sul proprio corpo e sulle proprie scelte, Liam (che vive negli Stati Uniti) ha partecipato al progetto:

"Voglio che lo spettatore veda che le persone trans e non binarie sono proprio come tutte le altre persone, e che abbiamo lo stesso desiderio di crescere e amare le nostre famiglie come le persone cisgender. Seahorse Parents vuole mettere le nostre storie al mondo. Mostra le nostre famiglie in erba nella luce più bella".

Miriam Guttmann (nata nel 1994) è una regista e fotografa di documentari con sede ad Amsterdam. Nel suo lavoro Miriam si propone di affrontare temi delicati come l'identità, le relazioni genitori-figli, la sessualità e le ingiustizie sociali. Attraverso il suo atteggiamento aperto, cerca di mostrare le sfumature dei suoi soggetti in una società incline a pensare in bianco e nero, per creare empatia e affidabilità.

La sua serie in tre parti Seeds of Deceit è stata selezionata per il prestigioso Sundance Film Festival, il Prix Europa ed è stata trasmessa dalla televisione olandese VPRO (2021). Il suo film di diploma, con lo stesso titolo, ha vinto diversi premi internazionali. Nel 2020, Guttmann ha diretto il documentario The Laws of the Sea, che è stato nominato per un Tegel, il più rinomato premio olandese per il giornalismo. Attualmente sta lavorando a due lungometraggi documentari intitolati Front Row e Sanda Dia, che usciranno nel 2024 e nel 2025.

As part of Queer & Pride Amsterdam 2023, Foam is proud to present Seahorse Parents by renowned filmmaker and photographer Miriam Guttmann. In this project, Guttmann investigates gender and identity while challenging prevailing cultural ideas of femininity and masculinity. The artist's whimsical images highlight and celebrate the image of pregnant transgender people.

In the series, four pregnant transgender men proudly present themselves as ‘Seahorse Parents’, as the seahorse is the only species in the entire animal kingdom where the males are the baby carriers. What is a pregnant body ‘supposed’ to look like? How do these pregnant transgender men navigate a biased world? And what world do the parents hope to bring their children into?

While changing laws in the United States make it increasingly difficult for trans and non-binary people to maintain control over their bodies and choices, Liam (who is based in the US) participated in the project:

“I want the viewer to see that trans and non-binary people are just like all other people, and that we have the same desire to grow and love our families as cisgender people do. Seahorse Parents is about putting our stories out into the world. It shows our budding families in the most beautiful light.”

Miriam Guttmann (b. 1994) is an Amsterdam-based documentary director and photographer. In her work, Miriam aims to broach sensitive subjects, such as identity, parent-child relationships, sexuality, and social injustice. Through her open attitude she strives to demonstrate the nuances of her subjects in a society prone to black-and-white thinking, to create empathy and reliability.

Her three-part series Seeds of Deceit was selected for the prestigious Sundance Film Festival, Prix Europa and was broadcast on Dutch television by the VPRO (2021). Her graduation film, with the same title, won several international awards. In 2020, Guttmann directed the documentary The Laws of the Sea, which was nominated for a Tegel, the most renowned Dutch prize for journalism. She is currently working on two feature-length documentaries called Front Row and Sanda Dia to be released in 2024 and 2025.

(Text (e): Foam, Amsterdam)

Foam | Amsterdam
23. Juni - 8. November 2023

A Play of Light and Shadow
Ara Güler

In den vier Abschnitten "The Iconic", "The Historic", "The Ambassador" und "The Personal" taucht der Besucher in Gülers fotografische Praxis ein, von seiner ikonischen Arbeit als Fotojournalist bis hin zu seinen bemerkenswerten experimentellen Arbeiten. Seine stimmungsvollen Schwarz-Weiß-Fotografien zeigen seine tiefe Liebe zu Istanbul und der Türkei. Die Ausstellung wird von der gleichnamigen Publikation A Play of Light and Shadow begleitet, die Beiträge von mehreren Spezialisten auf diesem Gebiet enthält.

Die Ausstellung ist eine enge Zusammenarbeit zwischen Foam, Ko-Kurator Ahmet Polat und dem Ara Güler Museum.

Ara Güler (1928-2018) war ein bekannter Fotojournalist und eine treibende Kraft in der türkischen Fotografie. Er wurde als "Das Auge Istanbuls" gefeiert, und seine ergreifenden Schwarz-Weiß-Bilder von den Einwohnern, den Straßen und den Docks dieser Stadt sind nach wie vor seine berühmtesten Werke. Ara Güler verewigte im Laufe seiner glanzvollen Karriere zahlreiche berühmte Künstler und politische Persönlichkeiten.

À travers quatre sections, Iconique, Historique, Ambassadeur et Personnel, le visiteur est plongé dans la pratique photographique de Güler, de son travail emblématique de photojournaliste à son remarquable travail expérimental. Ses photographies évocatrices en noir et blanc témoignent de son amour profond pour Istanbul et la Turquie. L'exposition sera également accompagnée de la publication éponyme A Play of Light and Shadow, avec des contributions de plusieurs spécialistes dans ce domaine.

L'exposition est le fruit d'une étroite collaboration entre Foam, le co-commissaire Ahmet Polat et le musée Ara Güler.

Ara Güler (1928-2018) était un photojournaliste de premier plan et une force motrice de la photographie turque. Célébré comme "l'œil d'Istanbul", ses images poignantes en noir et blanc des habitants, des rues et des docks de cette ville restent ses œuvres les plus célèbres. Ara Güler a immortalisé de nombreux artistes et personnalités politiques célèbres tout au long de son illustre carrière.

Attraverso quattro sezioni, The Iconic, The Historic, The Ambassador e The Personal, il visitatore si immerge nella pratica fotografica di Güler, dal suo lavoro iconico come fotoreporter al suo notevole lavoro sperimentale. Le sue suggestive fotografie in bianco e nero mostrano il suo profondo amore per Istanbul e la Turchia. La mostra sarà accompagnata dall'omonima pubblicazione A Play of Light and Shadow, con contributi di diversi specialisti del settore.

La mostra è frutto di una stretta collaborazione tra Foam, il co-curatore Ahmet Polat e il Museo Ara Güler.

Ara Güler (1928-2018) è stato un importante fotoreporter e una forza trainante della fotografia turca. Celebrato come "l'occhio di Istanbul", le sue toccanti immagini in bianco e nero degli abitanti, delle strade e dei moli di questa città rimangono le sue opere più celebri. Ara Güler ha immortalato numerosi artisti e personaggi politici famosi nel corso della sua illustre carriera.

Through four sections, The Iconic, The Historic, The Ambassador, and The Personal, the visitor is immersed in Güler’s photographic practice from his iconic work as a photojournalist to his remarkable experimental work. His evocative black-and-white photographs show his profound love for Istanbul and Turkey. The exhibition will also be accompanied by the eponymous publication A Play of Light and Shadow, with contributions from several specialists in the field.

The exhibition is a close collaboration between Foam, co-curator Ahmet Polat and the Ara Güler Museum.

Ara Güler (1928-2018) was a prominent photojournalist and a driving force in Turkish photography. Celebrated as ‘The Eye of Istanbul’, his poignant black and white images of this city’s inhabitants, streets and docks remain his most celebrated works. Ara Güler immortalized numerous famous artists and political figures throughout his illustrious career.

(Text: Foam, Amsterdam)

Bildhalle | Amsterdam
3. Juni - 15. September 2023

Friction
Margaret Lansink

Der Titel Friction bezieht sich auf ihre jüngsten Arbeiten, die neben älteren Werken gezeigt werden, um ihren meisterhaften Umgang mit verschiedenen Techniken wie Platin-Palladium-Drucken, Collagen, Flüssiglichtdrucken und Arbeiten mit Blattgold und Kohle zu veranschaulichen. Thematisch schließt sie an die Gruppenausstellung Coming to Light an, die im unteren Teil der Galerie präsentiert wird. Die Drucktechniken und das handwerkliche Können sind ein wichtiger Bestandteil aller gezeigten künstlerischen Arbeiten, der die Bedeutung der Werke unterstreicht und unterstützt.

Die neueste Serie Friction beschäftigt sich mit dem unvermeidlichen Wandel und der Unbeständigkeit des Lebens. Margaret Lansink hat professionelle Balletttänzerinnen porträtiert, die im Alter von 35 Jahren in den Ruhestand gegangen sind. Diese Bilder sind mit den Bildern des Death Valley in Kalifornien verbunden, die für ihre zeitlose Schönheit stehen. Die Verbindung zwischen diesen beiden unterschiedlichen Bildern soll den Betrachter dazu inspirieren, mit der sich ständig verändernden Welt zu fließen. Margaret Lansinks Werk ist geprägt von einer starken Handschrift ästhetischer, poetischer und leicht minimalistischer Bilder, die jedoch alle eine starke emotionale Botschaft vermitteln. Dies wird durch ihren Einsatz intuitiver Fotografie untermauert, mit der sie Bilder schafft, die eine offene und ehrliche Reflexion ihrer Gefühle, Zweifel, Überlegungen oder Kämpfe im Leben darstellen.

Margaret Lansink (1961) hat an Ausstellungen, Stipendien und Wettbewerben in den Niederlanden und im Ausland teilgenommen, darunter in den USA, Frankreich, Japan und Georgien. Sie hat acht Bücher veröffentlicht (vier davon von ihr selbst handgefertigt). The Kindness of One wurde als Best Dutch Book Designs 2019 ausgezeichnet und ist Teil der Sammlung des Stedelijk Museum Amsterdam Bookstore. Ihre Bücher Borders of Nothingness - On the Mend sowie The Kindness on One sind Teil der Sammlung des Victoria and Albert Museum in London. Margaret Lansink ist Mitglied von Femmes-PHOTOgraphes Paris.

Le titre Friction fait référence à ses œuvres récentes, qui seront exposées à côté d'œuvres plus anciennes pour illustrer sa maîtrise de techniques variées telles que les tirages au platine palladium, les collages, les tirages à la lumière liquide et les travaux à la feuille d'or et au fusain. Sur le plan thématique, l'exposition fait suite à l'exposition collective Coming to Light présentée dans la partie inférieure de la galerie. Les techniques d'impression et l'artisanat constituent une part importante de toutes les œuvres artistiques exposées, ce qui souligne et soutient le sens des œuvres.

La dernière série, Friction, embrasse le changement inévitable et l'impermanence de la vie. Margaret Lansink a fait le portrait de danseuses de ballet professionnelles qui ont pris leur retraite à l'âge de 35 ans. Ces images sont liées à celles de la Vallée de la Mort en Californie, emblématique pour sa beauté intemporelle. Le lien entre ces deux images différentes devrait inspirer le spectateur à se laisser porter par le monde en perpétuel changement. Le travail de Margaret Lansink s'articule autour d'une signature forte d'images esthétiques, poétiques et légèrement minimalistes, mais toutes capables de transmettre un message émotionnel puissant. Cela est corroboré par son utilisation de la photographie intuitive, créant une imagerie qui présente un reflet ouvert et honnête de ses émotions, de ses doutes, de ses réflexions ou de ses luttes dans la vie.

Margaret Lansink (1961) a participé à des expositions, des résidences et des concours aux Pays-Bas et à l'étranger, notamment aux États-Unis, en France, au Japon et en Géorgie. Elle a publié huit livres (dont quatre faits à la main par elle-même). The Kindness of One a reçu le prix Best Dutch Book Designs 2019 et fait partie de la collection de la librairie du Stedelijk Museum Amsterdam. Ses livres Borders of Nothingness - On the Mend ainsi que The Kindness on One font partie de la collection du Victoria and Albert Museum à Londres. Margaret Lansink est membre de Femmes-PHOTOgraphes Paris.

Il titolo Friction si riferisce ai suoi lavori recenti, che saranno esposti accanto a opere più vecchie per illustrare la sua maestria nel maneggiare tecniche diverse come le stampe al platino palladio, i collage, le stampe a luce liquida e i lavori con foglia d'oro e carboncino. La mostra segue, dal punto di vista tematico, la collettiva Coming to Light presentata nella parte inferiore della galleria. Le tecniche di stampa e l'artigianato sono una parte importante di tutti i lavori artistici esposti, che sottolineano e sostengono il significato delle opere.

L'ultima serie Friction abbraccia l'inevitabile cambiamento e l'impermanenza della vita. Margaret Lansink ha ritratto ballerini professionisti che si sono ritirati all'età di 35 anni. Queste immagini sono collegate a quelle della Valle della Morte in California, emblematiche per la loro bellezza senza tempo. La connessione tra queste due immagini diverse dovrebbe ispirare lo spettatore a fluire con il mondo in continua evoluzione. Il lavoro di Margaret Lansink è creato attorno a una forte firma di immagini estetiche, poetiche e leggermente minimaliste, ma tutte in grado di trasmettere un potente messaggio emotivo. Ciò è dimostrato dal suo uso della fotografia intuitiva, che crea immagini che presentano un riflesso aperto e onesto delle sue emozioni, dei suoi dubbi, delle sue riflessioni o delle sue lotte nella vita.

Margaret Lansink (1961) ha partecipato a mostre, residenze e concorsi nei Paesi Bassi e all'estero, tra cui Stati Uniti, Francia, Giappone e Georgia. Ha pubblicato otto libri (quattro dei quali realizzati a mano da lei stessa). The Kindness of One è stato premiato come Best Dutch Book Designs 2019 e fa parte della collezione della libreria dello Stedelijk Museum di Amsterdam. I suoi libri Borders of Nothingness - On the Mend e The Kindness on One fanno parte della collezione del Victoria and Albert Museum di Londra. Margaret Lansink è membro di Femmes-PHOTOgraphes Paris.

The title Friction refers to her recent works, which will be shown besides older works to illustrate her masterful handling of varied techniques like platinum palladium prints, collages, liquid light prints and works with gold leaf and charcoal. Thematically, it follows the group exhibition Coming to Light presented in the lower part of the gallery. The print techniques and craftsmanship are an important part of all artistic works on show which underlines and supports the meaning of the works.

The latest series Friction embraces the unavoidable change and the impermanence of life. Margaret Lansink has portraited professional ballet dancers who retired at the age of 35. These images are linked to the pictures of the Death Valley in California emblematic for their timeless beauty. The connection between these two different pictures should inspire the viewer to flow with the everchanging world. Margaret Lansink’s work is created around a strong signature of aesthetic, poetic and slightly minimalistic images yet all able to convey a powerful emotional message. This is substantiated by her usage of intuitive photography, creating imagery that presents an open and honest reflection of her emotions, doubts, reflections or struggles in life.

Margaret Lansink (1961) has participated in exhibitions, residencies, and competitions in The Netherlands and abroad, including the USA, France, Japan, and Georgia. She has published eight books (four of them handmade by herself). The Kindness of One has been awarded Best Dutch Book Designs 2019 and is part of the collection of the Stedelijk Museum Amsterdam Bookstore. Her books Borders of Nothingness - On the Mend as well as The Kindness on One are part of the collection of Victoria and Albert Museum in London. Margaret Lansink is member of Femmes-PHOTOgraphes Paris.

De titel Friction verwijst naar haar recente werk, waarnaast ze ook oudere werken toont om haar meesterlijke omgang met verschillenden technieken als platinum-palladium prints, collages, liquid light prints en werken met bladgoud en kool te illustreren. Thematisch volgt het de groepstentoonstelling “Coming to Light” die in de benedenverdieping van de galerie wordt gepresenteerd. De druktechnieken en het vakmanschap vormen een belangrijk onderdeel van alle tentoongestelde artistieke werken die de betekenis van de werken ondersteunen.

De nieuwste serie Friction omarmt de onvermijdelijke verandering en vergankelijkheid van het leven. Margaret Lansink heeft professionele balletdansers geportretteerd die op 35-jarige leeftijd met pensioen gingen. Deze afbeeldingen zijn gekoppeld aan de foto‘s van Death Valley in Californië, emblematisch om hun tijdloze schoonheid. De verbinding tussen deze twee verschillende foto‘s moet de kijker inspireren om mee te gaan met de steeds veranderende wereld. Het werk van Margaret Lansink is gemaakt rond een sterke signatuur van esthetische, poëtische en enigszins minimalistische beelden die allemaal een krachtige emotionele boodschap overbrengen. Dit wordt bevestigd door haar gebruik van intuïtieve fotografie, waarbij beelden worden gecreëerd die een open en eerlijke weergave zijn van haar emoties, twijfels, overwegingen en uitdagingen in het leven.

Margaret Lansink (1961) heeft deelgenomen aan tentoonstellingen, residenties en wedstrijden in binnen- en buitenland, zoals de VS, Frankrijk, Japan en Georgië. Zij heeft acht boeken gepubliceerd (waarvan vier handgemaakt zijn door haarzelf). ‘The Kindness of One’ is bekroond met Best Dutch Book Designs 2019 en maakt deel uit van de collectie van de Stedelijk Museum Amsterdam Boekhandel. Haar boeken ‚Borders of Nothingness - On the Mend‘en ‚The Kindness on One‘ maken deel uit van de collectie van het Victoria and Albert Museum in Londen. Margaret Lansink is lid van FemmesPHOTOgraphes Parijs.

(Text: Bildhalle, Zürich/Amsterdam)

Bildhalle | Amsterdam
3. Juni - 15. September 2023

COMING TO LIGHT

Albarrán Cabrera, Jeffrey Conley, Paul Cupido, Mika Horie, Douglas Mandry, Naohiro Ninomiya

Die Gruppenausstellung mit Albarrán Cabrera (ES), Jeffrey Conley (US), Paul Cupido (NL), Mika Horie (JP), Douglas Mandry (CH) und Naohiro Ninomiya (JP) widmet sich dem breiten Spektrum der Drucktechniken in der Fine Art Fotografie. Die besondere Sorgfalt bei der Auswahl des Papiers und der Entwicklungstechniken wird bei jedem der ausgestellten Künstler deutlich. Das Spektrum reicht von frühen Techniken aus dem 19. Jahrhundert, wie den Cyanotypien des japanischen Künstlers Mika Horie oder den analogen Salzdrucken von Douglas Mandry, bis hin zu innovativen neuen Drucktechniken, die historische Techniken mit einem spielerischen und experimentellen neuen Ansatz verbinden - darunter Pigmentdrucke auf Gampi-Papier und Blattgold des spanischen Künstlerduos Albarrán Cabrera. Jeffrey Conley beispielsweise ist ein Meister der Drucktechniken: Silbergelatine-, Platin- oder Pigmentdrucke auf Bambuspapier - alle Drucke werden vom Künstler mit größter Sorgfalt und fundiertem Wissen von Hand hergestellt. Albarrán Cabrera fertigt seine Abzüge persönlich in seinem Atelier an und verwendet dabei eine breite Palette von Verfahren und Materialien, indem er entweder neue Techniken erfindet oder mit bewährten Techniken experimentiert und so seine "fotografische Syntax" erweitert. Die Ausstellung gibt einen Einblick in die Bedeutung des sorgfältigen Umgangs mit traditionellen und neueren Techniken sowie in die Materialität und die sinnliche Erfahrung von Abzügen.

L'exposition collective avec Albarrán Cabrera (ES), Jeffrey Conley (US), Paul Cupido (NL), Mika Horie (JP), Douglas Mandry (CH) et Naohiro Ninomiya (JP) est consacrée au large éventail de techniques d'impression dans la photographie d'art. Le soin particulier apporté au choix du papier et aux techniques de développement est évident pour chacun des artistes exposés. L'éventail comprend des techniques anciennes du 19e siècle, comme les cyanotypes de l'artiste japonais Mika Horie ou les tirages analogiques au sel de Douglas Mandry, ainsi que de nouvelles techniques de tirage innovantes qui combinent des techniques historiques avec une nouvelle approche ludique et expérimentale - notamment les tirages pigmentaires sur papier gampi et feuille d'or du duo d'artistes espagnols Albarrán Cabrera. Jeffrey Conley, par exemple, est un maître des techniques d'impression : gélatine d'argent, platine ou tirages pigmentaires sur papier bambou - tous les tirages sont réalisés à la main avec le plus grand soin et les connaissances approfondies de l'artiste. Les Albarrán Cabrera réalisent personnellement leurs tirages dans leur studio en utilisant un large éventail de procédés et de matériaux, soit en inventant de nouvelles techniques, soit en expérimentant des techniques existantes, élargissant ainsi leur "syntaxe photographique". L'exposition donne un aperçu de l'importance de la manipulation minutieuse des techniques traditionnelles et récentes, ainsi que de la matérialité et de l'expérience sensuelle des tirages.

La mostra collettiva con Albarrán Cabrera (ES), Jeffrey Conley (US), Paul Cupido (NL), Mika Horie (JP), Douglas Mandry (CH) e Naohiro Ninomiya (JP) è dedicata all'ampia gamma di tecniche di stampa nella fotografia d'arte. La particolare cura nella scelta della carta e delle tecniche di sviluppo è evidente per tutti gli artisti esposti. Lo spettro comprende le prime tecniche del XIX secolo, come le cianotipie dell'artista giapponese Mika Horie o le stampe analogiche al sale di Douglas Mandry, ma anche nuove tecniche di stampa innovative che combinano tecniche storiche con un nuovo approccio giocoso e sperimentale, come le stampe a pigmenti su carta gampi e foglia d'oro del duo di artisti spagnoli Albarrán Cabrera. Jeffrey Conley, ad esempio, è un maestro delle tecniche di stampa: stampe alla gelatina d'argento, al platino o ai pigmenti su carta di bambù - tutte le stampe sono realizzate a mano con la massima cura e conoscenza approfondita da parte dell'artista. Gli Albarrán Cabrera realizzano personalmente le loro stampe nel loro studio utilizzando un'ampia gamma di processi e materiali, inventando nuove tecniche o sperimentando quelle già consolidate, ampliando la loro "sintassi fotografica". La mostra offre una visione dell'importanza di un'attenta manipolazione con tecniche tradizionali e recenti, della materialità e dell'esperienza sensuale delle stampe.

The group exhibition with Albarrán Cabrera (ES), Jeffrey Conley (US), Paul Cupido (NL), Mika Horie (JP), Douglas Mandry (CH) and Naohiro Ninomiya (JP) is dedicated to the broad range of print techniques in fine art photography. The special care of choosing the paper and developing techniques is evident for every of the exhibited artists. The spectrum includes early techniques from the 19th century, like cyanotypes by the Japanese artist Mika Horie or the analogue salt prints by Douglas Mandry as well as innovative new print techniques that combine historical techniques with a playful and experimental new approach – including pigment prints on gampi paper and gold leaf by the Spanish artist duo Albarrán Cabrera. Jeffrey Conley for instance is a master of print techniques: silver gelatin, platinum, or pigment prints on bamboo paper – all prints are made by hand with the greatest care and in-depth knowledge by the artist. Albarrán Cabrera personally handcraft their prints in their studio using a wide range of processes and materials either by inventing new techniques or by experimenting with established ones expanding their “photographic syntax”. The exhibition gives an insight in the importance of the careful handling with traditional to recent techniques and of the materiality and sensual experience of prints.

De groepstentoonstelling met Albarrán Cabrera (ES), Jeffrey Conley (VS), Paul Cupido (NL), Mika Horie (JP), Douglas Mandry (CH) en Naohiro Ninomiya (JP) is gewijd aan het brede scala aan printtechnieken in beeldende kunstfotografie. De bijzondere zorg voor het kiezen van het papier en het ontwikkelen van technieken is voor elk van de tentoongestelde kunstenaars evident. Het spectrum omvat vroege technieken uit de 19e eeuw, zoals cyanotypes van de Japanse kunstenares Mika Horie of de analoge zoutprints van Douglas Mandry, maar ook innovatieve nieuwe printtechnieken die historische technieken combineren met een speelse en experimentele nieuwe benadering – inclusief pigmentprints op Gampi papier en bladgoud van het Spaanse kunstenaarsduo Albarrán Cabrera. Jeffrey Conley is bijvoorbeeld een meester in printtechnieken: zilvergelatine-, platina- of pigmentprints op bamboepapier – alle prints worden met de grootste zorg en diepgaande kennis van de kunstenaar met de hand gemaakt. Albarrán Cabrera maken hun prints persoonlijk in hun studio met behulp van een breed scala aan processen en materialen, hetzij door nieuwe technieken uit te vinden, of door te experimenteren met gevestigde technieken om hun „fotografische syntaxis“ uit te breiden. De tentoonstelling geeft inzicht in het belang van het zorgvuldig omgaan met traditionele tot recente technieken en in de materialiteit en zintuiglijke beleving van prenten.

(Text: Bildhalle, Zürich/Amsterdam)

Bildhalle | Amsterdam
2. Juni - 22. Juli 2023

HELL ON WHEELS
Willy Spiller

Die Bildhalle feiert die Neuerscheinung des Bildbandes HELL ON WHEELS – NEW YORK SUBWAY 1977-1984 (Edition Bildhalle) und die Eröffnung der gleichnamigen Ausstellung. Der Bildband wie die Ausstellung zeigen nicht nur die Bildikonen aus der legendären Serie, sondern auch bis anhin noch nie publizierte Fotografien. Bill Shapiro, vormals Chefredaktor des LIFE Magazins, hat die Einführung geschrieben.

«Während acht Jahren – 1977 bis 1984 – nahm Willy Spiller seine Kamera mit in die damals berüchtigte Subway von New York und schoss unzählige Bilder: Bilder von Polizisten und Dieben. Von gestylten Menschen und Obdachlosen. Von Büroangestellten und Kindern. Er hielt das Aufeinandertreffen von Fremden in einem engen Blechwaggon fest und somit die Anfänge von Geschichten, deren Ausgang er unserer Vorstellungskraft überlässt.

Willy Spiller brauchte nicht lange, um zu begreifen, dass nichts dem Geist New Yorks näherkam als die Subway: jeder Waggon ein verschwitzter, rasselnder Mikrokosmos. Ein lauter, bunter Schmelztiegel wie die Stadt selbst. Mit einer Fläche von 2 x 9 Metern und vollgepackt mit über 150 ungeduldigen Fahrgästen zur Hauptverkehrszeit, erzählt ein einziger Waggon die 8 Millionen Geschichten der Stadt: das Aufeinanderprallen von Hoch- und Subkultur, die Mischung aus Akzenten und Dialekten, aus Fluchen und Lachen.

HELL ON WHEELS ist der Titel der Ausstellung sowie des neu von der Edition Bildhalle herausgegebenen Fotobuches. Und doch geschieht etwas Bemerkenswertes, etwas Unerwartetes, wenn man die Fotografien heute, 40 Jahre nach deren Entstehung, betrachtet. Die Distanz, mit der die Zeit uns segnet, lässt uns die Bilder in einem neuen Licht sehen: das Bedrohliche ist einer wehmütigen Nostalgie gewichen.» Bill Shapiro

La Bildhalle célèbre la nouvelle parution du livre de photos HELL ON WHEELS - NEW YORK SUBWAY 1977-1984 (Edition Bildhalle) et l'ouverture de l'exposition du même nom. Le livre illustré comme l'exposition présentent non seulement les icônes visuelles de la série légendaire, mais aussi des photographies jamais publiées jusqu'à présent. Bill Shapiro, ancien rédacteur en chef de LIFE Magazine, a rédigé l'introduction.

"Pendant huit ans - de 1977 à 1984 - Willy Spiller a emmené son appareil photo dans le métro de New York, alors tristement célèbre, et a pris d'innombrables visuels : Des visuels de policiers et de voleurs. De personnes stylées et de sans-abri. D'employés de bureau et d'enfants. Il a immortalisé la rencontre d'étrangers dans un étroit wagon de tôle et ainsi les débuts d'histoires dont il laisse l'issue à notre imagination.

Il n'a pas fallu longtemps à Willy Spiller pour comprendre que rien n'était plus proche de l'esprit de New York que le métro : chaque wagon est un microcosme suant et bruissant. Un melting-pot bruyant et coloré comme la ville elle-même. Avec une surface de 2 x 9 mètres et rempli à ras bord de plus de 150 passagers impatients aux heures de pointe, un seul wagon raconte les 8 millions d'histoires de la ville : le choc entre la haute et la sous-culture, le mélange d'accents et de dialectes, de jurons et de rires.

HELL ON WHEELS est le titre de l'exposition ainsi que du livre de photos récemment publié par l'Edition Bildhalle. Et pourtant, il se passe quelque chose de remarquable, d'inattendu, lorsqu'on regarde les photographies aujourd'hui, 40 ans après leur réalisation. La distance dont le temps nous gratifie nous permet de voir les visuels sous un jour nouveau : le côté menaçant a fait place à une nostalgie mélancolique". Bill Shapiro

La Bildhalle celebra la nuova pubblicazione del libro illustrato HELL ON WHEELS - NEW YORK SUBWAY 1977-1984 (Edition Bildhalle) e l'apertura della mostra omonima. Sia il libro che la mostra presentano non solo le immagini iconiche della leggendaria serie, ma anche fotografie mai pubblicate prima. Bill Shapiro, ex caporedattore della rivista LIFE, ha scritto l'introduzione.

"Per otto anni, dal 1977 al 1984, Willy Spiller ha portato la sua macchina fotografica nella famigerata metropolitana di New York e ha scattato innumerevoli immagini: Immagini di poliziotti e ladri. Di persone eleganti e di senzatetto. Di impiegati e bambini. Catturò l'incontro di estranei in un angusto vagone di latta e così l'inizio di storie il cui esito lascia alla nostra immaginazione.

Willy Spiller non ci mise molto a capire che niente si avvicinava di più allo spirito di New York della metropolitana: ogni carrozza era un microcosmo sudato e sferragliante. Un crogiolo rumoroso e colorato come la città stessa. Con dimensioni di 2 x 9 metri e oltre 150 passeggeri impazienti nelle ore di punta, un singolo vagone racconta gli 8 milioni di storie della città: lo scontro tra cultura alta e sottocultura, la mescolanza di accenti e dialetti, di parolacce e risate.

HELL ON WHEELS è il titolo della mostra e del libro fotografico appena pubblicato da Edition Bildhalle. Eppure qualcosa di notevole, qualcosa di inaspettato accade quando si guardano le fotografie oggi, 40 anni dopo che sono state scattate. La distanza con cui il tempo ci benedice ci permette di vedere le immagini sotto una nuova luce: la minaccia ha lasciato il posto a una malinconica nostalgia". Bill Shapiro

The Bildhalle celebrates the new publication of the illustrated book HELL ON WHEELS - NEW YORK SUBWAY 1977-1984 (Edition Bildhalle) and the opening of the exhibition of the same name. Both the book and the exhibition show not only the iconic images from the legendary series, but also photographs that have never been published before. Bill Shapiro, formerly editor-in-chief of LIFE magazine, wrote the introduction.

"For eight years - 1977 to 1984 - Willy Spiller took his camera into New York's then infamous subway and shot countless images: Pictures of cops and thieves. Of styled people and homeless people. Of office workers and children. He captured the encounter of strangers in a cramped tin car and thus the beginnings of stories whose outcome he leaves to our imagination.

It didn't take Willy Spiller long to realize that nothing came closer to the spirit of New York than the Subway: each train car a sweaty, rattling microcosm. A loud, colorful melting pot like the city itself. Measuring 2 x 9 meters and packed with over 150 impatient rush-hour passengers, a single train car tells the city's 8 million stories: the clash of high culture and subculture, the mix of accents and dialects, of swearing and laughter.

HELL ON WHEELS is the title of the exhibition as well as of the photo book newly published by Edition Bildhalle. And yet something remarkable, something unexpected happens when one looks at the photographs today, 40 years after they were taken. The distance with which time blesses us allows us to see the images in a new light: the ominous has given way to a wistful nostalgia." Bill Shapiro

Foam | Amsterdam
26. Mai - 24. September 2023

Next Level
Sara Cwynar

Wie ein roter Faden zieht sich durch Cwynars Arbeit ihre fortwährende Erforschung der Auswirkungen des Konsumverhaltens auf unbewusst geprägte Schönheits- und Lebensstilideale und wie diese unser Selbstbild formen. Ein Großteil ihrer Arbeit konzentriert sich speziell auf die weibliche Konsumentin: vom kulturellen Phänomen der Neuen Frau um die Jahrhundertwende bis heute. Der Titel der Ausstellung, S/S 23, ist die übliche Bezeichnung für die neue Modesaison - in diesem Fall "Frühjahr/Sommer 2023". Er verweist auf die Trends, die kommen und gehen, die uns immer wieder zum Kauf neuer Produkte und zur Anpassung an neue Ideale drängen.

Wie eine Anthropologin unserer zeitgenössischen Ökonomie der endlosen Auswahl untersucht Sara Cwynar, was die Produkte, Farben und Bilder sind, mit denen wir ständig unser Leben und unsere Identität gestalten, und wie sie sich im Laufe der Zeit verändern. Mit ihrer Arbeit ermutigt sie den Betrachter, unter die Oberfläche des Kapitalismus und der modernen visuellen Kultur zu gehen, um zu entdecken, was "wirklich" ist. Das Ergebnis ist eine detaillierte Untersuchung der Mechanismen, die unsere Wahrnehmung lenken und bestimmen, was ihre Arbeit ebenso verführerisch wie verstörend macht.

Le fil conducteur du travail de Mme Cwynar est sa recherche permanente sur les effets du consumérisme sur les idéaux de beauté et de style de vie façonnés inconsciemment et sur la manière dont ils façonnent l'image de soi. Une grande partie de son travail se concentre spécifiquement sur la femme consommatrice, depuis le phénomène culturel de la nouvelle femme au tournant du XIXe siècle jusqu'à aujourd'hui. Le titre de l'exposition, S/S 23, est la désignation habituelle de la nouvelle saison de la mode, en l'occurrence "printemps/été 2023". Il fait référence aux tendances qui vont et viennent, qui nous poussent sans cesse à acheter de nouveaux produits et à nous conformer à de nouveaux idéaux.

Telle une anthropologue de notre économie contemporaine aux choix infinis, Sara Cwynar explore les produits, les couleurs et les images avec lesquels nous façonnons constamment nos vies et nos identités, et comment ils évoluent au fil du temps. À travers son travail, elle encourage le spectateur à aller sous la surface du capitalisme et de la culture visuelle moderne pour découvrir ce qui est "réel". Le résultat est un examen détaillé des mécanismes qui guident et déterminent notre perception, ce qui rend son travail aussi séduisant que dérangeant.

Un filo conduttore del lavoro di Cwynar è la sua continua ricerca sugli effetti del consumismo sugli ideali di bellezza e di stile di vita modellati inconsciamente e sul modo in cui questi modellano la nostra immagine di sé. Gran parte del suo lavoro si concentra specificamente sulla donna consumatrice: dal fenomeno culturale della Nuova Donna di fine Ottocento fino a oggi. Il titolo della mostra, S/S 23, è la consueta designazione della nuova stagione della moda - in questo caso "Primavera/Estate 2023". Si riferisce alle tendenze che vanno e vengono, che ci spingono ad acquistare nuovi prodotti e a conformarci a nuovi ideali.

Come un'antropologa della nostra economia contemporanea della scelta infinita, Sara Cwynar esplora quali sono i prodotti, i colori e le immagini con cui diamo costantemente forma alle nostre vite e identità e come cambiano nel tempo. Attraverso il suo lavoro, incoraggia lo spettatore a scendere sotto la superficie del capitalismo e della cultura visiva moderna per scoprire ciò che è "reale". Il risultato è un esame dettagliato dei meccanismi che guidano e determinano la nostra percezione, rendendo il suo lavoro tanto seducente quanto inquietante.

A common thread in Cwynar's work is her ongoing research into the effects of consumerism on subconsciously shaped beauty and lifestyle ideals and how these shape our self-image. Much of her work specifically focuses on the female consumer: from the cultural phenomenon of the New Woman of the turn of the nineteenth century until now. The exhibition title, S/S 23, is the usual designation for the new fashion season – in this case 'Spring/Summer 2023'. It refers to the trends that come and go, that keep pushing us to buy new products and conform to new ideals.

Like an anthropologist of our contemporary economy of endless choice, Sara Cwynar explores what the products, colours and images are with which we constantly shape our lives and identities and how they change over time. Through her work, she encourages the viewer to go beneath the surface of capitalism and modern visual culture to discover what is ‘real’. The outcome is a detailed examination of the mechanisms that guide and determine our perception, making her work as seductive as it is disturbing.

(Text: Foam, Amsterdam)

Bildhalle | Amsterdam
17. März - 27. Mai 2023

The Space Between
Casper Faassen

"The Space Between" ist die erste Einzelausstellung von Casper Faassen in der Bildhalle Amsterdam. Nach einer Einzelpräsentation in Zürich (2021) und einer Reihe wichtiger Kunstmessen wie Photo London oder Art Rotterdam vertiefen Bildhalle und der Künstler ihre Zusammenarbeit mit der Präsentation von Werken, die Casper Faassen speziell für diese Ausstellung geschaffen hat. Die Schau bietet die Gelegenheit, die ganze Bandbreite seines vielschichtigen Oeuvres zu entdecken: Porträts, Bewegungsstudien von Tänzern und Tänzerinnen, Erkundungen des Akts, Landschaften und Stillleben.

Der Titel der Ausstellung verweist auf zentrale Aspekte von Faassens Werk: die Distanz, die er zum fotografierten Objekt einhält, die Vielschichtigkeit - sowohl in handwerklicher als auch in inhaltlicher Hinsicht - und der Raum zwischen diesen Schichten, der definiert, was sichtbar ist und was nicht.

Casper Faassen lässt sich vom japanischen Konzept des "Ma" inspirieren, das als negativer Raum oder Leere im Raum verstanden wird. Aber "Ma" ist nicht nur Leere, sondern auch der Raum zwischen zwei Tänzern in einem Duett, der Raum zwischen zwei Werken oder die Stille, die entsteht, bevor jemand zu sprechen beginnt. Für Faassen liegt der Zauber genau in diesen Leerräumen und Pausen. Diese Erkundung des negativen Raums ermöglicht es ihm und uns, uns auf bestimmte Aspekte des Lebens und der Kunst zu konzentrieren. Es ist, als ob man bestimmte Sinne ausschaltet, um andere zu schärfen.

"The Space Between" est la première exposition solo de Casper Faassen à la Bildhalle d'Amsterdam. Après une présentation solo à Zurich (2021) et une série de foires d'art importantes telles que Photo London ou Art Rotterdam, la Bildhalle et l'artiste approfondissent leur collaboration avec la présentation d'œuvres créées par Casper Faassen spécialement pour cette exposition. L'exposition offre l'occasion de découvrir l'ensemble de son œuvre à multiples facettes : portraits, études de mouvements de danseurs et danseuses, explorations du nu, paysages et natures mortes.

Le titre de l'exposition fait référence à des aspects centraux du travail de Casper Faassen : la distance qu'il maintient avec l'objet photographié, la nature multicouche - tant en termes d'artisanat que de contenu - et l'espace entre ces couches qui définit ce qui est visible et ce qui ne l'est pas.

Casper Faassen s'inspire du concept japonais de "Ma", compris comme espace négatif ou vide dans l'espace. Mais "Ma" n'est pas seulement le vide, c'est aussi l'espace entre deux danseurs dans un duo, l'espace entre deux œuvres, ou le silence qui se produit juste avant que quelqu'un ne commence à parler. Pour Faassen, la magie réside précisément dans ces vides et ces pauses. Cette exploration de l'espace négatif lui permet, et nous permet, de nous concentrer sur certains aspects de la vie et de l'art. C'est comme éteindre certains sens pour en aiguiser d'autres.

"The Space Between" è la prima mostra personale di Casper Faassen alla Bildhalle di Amsterdam. Dopo una presentazione personale a Zurigo (2021) e una serie di importanti fiere d'arte come Photo London o Art Rotterdam, la Bildhalle e l'artista approfondiscono la loro collaborazione con la presentazione di opere create da Casper Faassen appositamente per questa mostra. La mostra offre l'opportunità di scoprire l'intera gamma della sua opera stratificata: ritratti, studi sul movimento di ballerini e ballerine, esplorazioni del nudo, paesaggi e nature morte.

Il titolo della mostra fa riferimento ad aspetti centrali del lavoro di Faassen: la distanza che egli mantiene dall'oggetto fotografato, la natura multistrato - sia in termini di artigianato che di contenuto - e lo spazio tra questi strati che definisce cosa è visibile e cosa no.

Casper Faassen si ispira al concetto giapponese di "Ma", inteso come spazio negativo o vuoto nello spazio. Ma "Ma" non è solo il vuoto, è anche lo spazio tra due danzatori in un duetto, lo spazio tra due opere o il silenzio che si verifica appena prima che qualcuno inizi a parlare. Per Faassen, la magia sta proprio in questi vuoti e in queste pause. Questa esplorazione dello spazio negativo permette a lui e a noi di concentrarci su alcuni aspetti della vita e dell'arte. È come spegnere alcuni sensi per acuirne altri.

“The Space Between” is Casper Faassen’s first solo exhibition at Bildhalle Amsterdam. After a solo presentation in Zurich (2021) and a series of important art fairs such as Photo London or Art Rotterdam, Bildhalle and the artist deepen their collaboration with the presentation of works created by Casper Faassen especially for this exhibition. The show offers the opportunity to discover the full range of his multi-layered oeuvre: portraits, movement studies of male and female dancers, and explorations of the nude, landscapes and still lifes.

The title of the exhibition refers to central aspects of Faassen’s work: the distance he maintains from the photographed object, the multi-layered nature – both in terms of craft and content – and the space between these layers that defines what is visible and what is not.

Casper Faassen draws inspiration from the Japanese concept of “Ma”, understood as negative space or emptiness in space. But “Ma” is not just emptiness, it is also the space between two dancers in a duet, the space between two works, or the silence that occurs just before someone begins to speak. For Faassen, the magic lies precisely in these voids and pauses. This exploration of negative space allows him and us to focus on certain aspects of life and art. It’s like turning- off certain senses in order to sharpen others.

“The Space Between” is de eerste solotentoonstelling van Casper Faassen in Bildhalle Amsterdam. Na een solopresentatie in Zürich in 2021 en een reeks belangrijke kunstbeurzen zoals Photo London of Art Rotterdam, verdiepen Bildhalle en de kunstenaar hun samenwerking met de presentatie van werken die Casper Faassen speciaal voor deze tentoonstelling maakte. De tentoonstelling biedt de gelegenheid om het volledige scala van zijn veelgelaagde oeuvre te ontdekken: portretten, bewegingsstudies van mannelijke en vrouwelijke dansers, verkenningen van mannelijk naakt, landschappen en stillevens.

De titel van de tentoonstelling verwijst naar centrale aspecten van Faassens werk: de afstand die hij aanhoudt tot het gefotografeerde object, de gelaagde aard – zowel ambachtelijk als inhoudelijk – en de ruimte tussen deze lagen die bepaalt wat zichtbaar is en wat niet. Casper Faassen laat zich inspireren door het Japanse concept van ‚Ma‘, opgevat als negatiefruimte of leegte in de ruimte. Maar ‚Ma‘ is niet alleen leegte, het is ook de ruimte tussen twee dansers in een duet, de ruimte tussen twee werken, of de stilte die ontstaat net voordat iemand begint te spreken. Voor Faassen zit de magie juist in deze ruimtes en pauzes. Deze verkenning van negatiefruimte stelt hem en ons in staat om ons te concentreren op bepaalde aspecten van het leven en van kunst. Het is alsof je bepaalde zintuigen uitschakelt om andere juist aan te scherpen.

(Text: Bildhalle, Amsterdam)

Foam | Amsterdam
17. Februar - 21. Mai 2023

Haufi nyana? I’ve come to take you home
Lebohang Kganye

Lebohang Kganye konzentriert sich auf die Erforschung der persönlichen und kollektiven "Mikrogeschichten" ihrer Familie. Ihre Arbeit ist eingebettet in die breitere Geschichte Südafrikas vor, während und nach der Apartheid und dem Kolonialismus. Die Ausstellung zeigt das komplexe visuelle Vokabular der Künstlerin und die Vielfalt der Medien und Herangehensweisen, mit denen sie arbeitet - von Fotomontagen bis zu Rauminstallationen, von Filmanimationen bis zu Patchwork.

Die Idee der Heimat

Kganye bewegt sich mühelos in der Sphäre der Möglichkeiten und entwickelt Methoden zur Dekolonialisierung des Mediums Fotografie und des südafrikanischen Kulturerbes.

Haufi nyana?" bedeutet "Zu nah?" in Sesotho, einer der elf offiziellen Sprachen Südafrikas. Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf die Art des Dialogs zwischen einem Betrachter und dem Künstler: Wie weit kann man sich einerseits auf eine fotografische Autobiografie einlassen und wie sehr kann man andererseits eine persönliche Geschichte teilen? Es bezieht sich auch auf die Idee von "Heimat" - die weit weg, nah oder zu nah sein kann... vielleicht sogar gleichzeitig.

Lebohang Kganye (1990, Johannesburg, SA) erhielt ihre Einführung in die Fotografie beim Market Photo Workshop in Johannesburg im Jahr 2009 und schloss das Programm für fortgeschrittene Fotografie im Jahr 2011 ab. Sie erwarb 2014 ein Diplom in Bildender Kunst an der Universität von Johannesburg und macht derzeit ihren Master in Bildender Kunst an der Witwatersrand University. Neben dem Foam Paul Huf Award 2022 erhielt sie in jüngster Zeit unter anderem den Grand Prix Images Vevey 2021/22, den Paulo Cunha e Silva Art Prize 2020 und den Camera Austria Award of 2019.

Lebohang Kganye s'attache à explorer les "micro-histoires" personnelles et collectives de sa famille. Son travail s'inscrit dans l'histoire plus large de l'Afrique du Sud, avant, pendant et après l'apartheid et le colonialisme. L'exposition montre le vocabulaire visuel complexe de l'artiste et la diversité des médias et des approches qu'elle utilise - des montages photographiques à l'installation spatiale, et de l'animation cinématographique au patchwork.

L'idée du foyer

Se déplaçant avec aisance dans la sphère des possibilités, Kganye développe des méthodes de décolonisation du médium de la photographie et du patrimoine culturel sud-africain.

Haufi nyana ?" signifie "Trop près ?" en sesotho, l'une des onze langues officielles de l'Afrique du Sud. Le titre de l'exposition fait référence à la nature du dialogue entre un spectateur et l'artiste : jusqu'où peut-on entrer dans une autobiographie photographique d'une part, et jusqu'où peut-on partager une histoire personnelle d'autre part ? Cela renvoie également à l'idée de "chez soi", qui peut être loin, proche ou trop proche... peut-être même simultanément.

Lebohang Kganye (1990, Johannesburg, SA) s'est initiée à la photographie au Market Photo Workshop de Johannesburg en 2009 et a suivi le programme avancé de photographie en 2011. Elle a obtenu un diplôme en beaux-arts de l'université de Johannesburg en 2014 et fait actuellement son master en beaux-arts à l'université de Witwatersrand. Outre le prix Foam Paul Huf 2022, d'autres récompenses récentes notables incluent le Grand Prix Images Vevey 2021/22, le prix Paulo Cunha e Silva Art 2020 et le prix Camera Austria de 2019.

Lebohang Kganye si concentra sull'esplorazione delle "microstorie" personali e collettive della sua famiglia. Il suo lavoro è inserito nella più ampia storia del Sudafrica, prima, durante e dopo l'apartheid e il colonialismo. La mostra mostra il complesso vocabolario visivo dell'artista e la diversità dei media e degli approcci con cui si impegna: dai montaggi fotografici alle installazioni spaziali, dall'animazione cinematografica al patchwork.

L'idea di casa

Muovendosi con disinvoltura nella sfera delle possibilità, Kganye sviluppa metodi per decolonizzare il mezzo fotografico e il patrimonio culturale sudafricano.

Haufi nyana?" significa "Troppo vicino?" in Sesotho, una delle undici lingue ufficiali del Sudafrica. Il titolo della mostra si riferisce alla natura del dialogo tra lo spettatore e l'artista: fino a che punto si può entrare in un'autobiografia fotografica, da un lato, e quanto si può condividere una storia personale, dall'altro? Si riferisce anche all'idea di "casa", che può essere lontana, vicina o troppo vicina... forse anche contemporaneamente.

Lebohang Kganye (1990, Johannesburg, SA) si è avvicinata alla fotografia al Market Photo Workshop di Johannesburg nel 2009 e ha completato il programma di fotografia avanzata nel 2011. Nel 2014 ha conseguito un diploma in Belle Arti presso l'Università di Johannesburg e attualmente sta svolgendo un master in Belle Arti presso la Witwatersrand University. Oltre al Foam Paul Huf Award 2022, altri importanti riconoscimenti recenti includono il Grand Prix Images Vevey 2021/22, il Paulo Cunha e Silva Art Prize 2020 e il Camera Austria Award 2019.

Lebohang Kganye focuses on exploring her family's personal and collective ‘micro histories’. Her work is embedded in the wider history of South Africa from before, during, and in the aftermath of apartheid and colonialism. The exhibition shows the artist's complex visual vocabulary and the diversity of media and approaches she engages with — from photographic montages to spatial installation, and from film animation to patchwork.

The idea of home

Effortlessly moving within the sphere of possibilities, Kganye develops methods of decolonizing the medium of photography and South African cultural heritage.

‘Haufi nyana?’ means ‘Too close?’ in Sesotho, one of the eleven official languages of South Africa. The exhibition title refers to the nature of the dialogue between a viewer and the artist: how far can one enter a photographic autobiography on the one hand, and how much can one share a personal story on the other? It also refers to the idea of ‘home’ — which can be far, close, or too close… perhaps even simultaneously.

Lebohang Kganye (1990, Johannesburg, SA) received her introduction to photography at the Market Photo Workshop in Johannesburg, in 2009 and completed the Advanced Photography Programme in 2011. She obtained a diploma in Fine Arts from the University of Johannesburg in 2014 and is currently doing her masters' in Fine Arts at Witwatersrand University. Apart from the Foam Paul Huf Award 2022, other notable recent awards include the Grand Prix Images Vevey 2021/22, Paulo Cunha e Silva Art Prize 2020 and the Camera Austria Award of 2019.

(Text: Foam, Amsterdam)

Foam | Amsterdam
27. Januar - 14. Juni 2023

House of Bondage
Ernest Cole

Als einer der ersten schwarzen freischaffenden Fotografen bot Cole mit seiner Arbeit einen noch nie dagewesenen Blick von innen. In einem Township geboren, erlebte Cole die Strapazen der Apartheid am eigenen Leib. Indem er sich von "schwarz" zu "farbig" umklassifizieren ließ, gelang es ihm, Orte zu betreten, die den meisten Südafrikanern verwehrt waren. Er riskierte sein Leben, um die grausame Realität der Rassentrennung aufzudecken, indem er u. a. Bergleute in den Minen, Polizeikontrollen und den Abriss von Townships dokumentierte.

Diese Ausstellung zeigt die Wiederentdeckung von 60.000 Negativen und Kontaktbögen in den Schließfächern einer schwedischen Bank im Jahr 2017. Neben (Farb-)Bildern aus seiner Zeit in Amerika enthält das Archiv auch unveröffentlichte Fotografien und Kontaktbögen aus House of Bondage. Die Ausstellung in Foam ist der erste groß angelegte Überblick über Coles Werk, der Teile seines wiedergefundenen Archivs umfasst.

En tant que l'un des premiers photographes indépendants noirs, Cole a offert avec son travail une vue de l'intérieur sans précédent. Né dans un township, Cole a fait l'expérience directe des tensions de l'apartheid. En se faisant reclasser de "noir" à "métis", il a pu accéder à des endroits où la plupart des Sud-Africains étaient interdits. Il a risqué sa vie en exposant la sinistre réalité de la ségrégation raciale, en documentant les mineurs dans les mines, les contrôles de police et la démolition des townships, entre autres.

Cette exposition montre la redécouverte de 60 000 négatifs et planches contact dans les coffres d'une banque suédoise en 2017. Outre des images (en couleur) de son séjour en Amérique, les archives contiennent des photographies inédites et des planches contact de House of Bondage. L'exposition à Foam est le premier aperçu à grande échelle de l'œuvre de Cole à inclure des parties de ses archives retrouvées.

Tra i primi fotografi freelance neri, Cole ha offerto con il suo lavoro una visione inedita dall'interno. Nato in una township, Cole ha vissuto in prima persona le tensioni dell'apartheid. Facendosi riclassificare da "nero" a "coloured", riuscì ad accedere a luoghi in cui la maggior parte dei sudafricani era bandita. Rischiò la vita per denunciare la triste realtà della segregazione razziale, documentando tra l'altro i minatori all'interno delle miniere, i controlli della polizia e la demolizione delle township.

Questa mostra presenta la riscoperta di 60.000 negativi e fogli a contatto nelle cassette di sicurezza di una banca svedese nel 2017. Oltre alle immagini (a colori) del periodo trascorso in America, l'archivio contiene fotografie inedite e fogli a contatto di House of Bondage. La mostra di Foam è la prima panoramica su larga scala del lavoro di Cole che include parti del suo archivio recuperato.

As one of the first Black freelance photographers, Cole offered with his work an unprecedented view from the inside. Born in a township, Cole experienced the strains of apartheid first-hand. By having himself reclassified from ‘black’ to ‘coloured’, he managed to access places where most South Africans were banned. He risked his life exposing the grim reality of racial segregation, by documenting miners inside the mines, police controls and the demolition of townships, among others.

This exhibition shows the rediscovery of 60.000 negatives and contact sheets in the safety deposit boxes of a Swedish bank in 2017. Besides (colour) images from his time in America, the archive contains unpublished photographs and contact sheets from House of Bondage. The exhibition in Foam is the first large scale overview of Cole’s work to include parts of his retrieved archive.

(Text: Foam, Amsterdam)

Foam | Amsterdam
8. Dezember 2022 - 12. Februar 2023

Fashion
Paul Kooiker

"Mode" ist ein Begriff, der für das steht, was gerade angesagt ist. Die Modefotografie von Paul Kooiker hingegen zeichnet sich durch ihre Zeitlosigkeit aus. Der Künstler porträtiert die größten Modemarken und die berühmtesten Gesichter von heute, entführt sie aber in eine eigene Welt. Losgelöst von Zeit und Ort wirken seine surrealen Bilder wie Filmstills mit Geschichten, die wir nur erahnen können.

Aus diesem Grund ist Paul Kooiker heute ein gefragter Fotograf in der Welt der Mode und Schönheit. Mit seinen Modeaufträgen bricht Paul Kooiker auf scheinbar mühelose Weise mit den vorherrschenden Schönheitsparadigmen. Er schafft eine unkontrollierbare Schönheit, die nicht oberflächlich ist, sondern fast freudianisch mit dunklen Sehnsüchten, Fetischismen und unbewussten Träumen spielt. Darüber hinaus überschreitet seine Fotografie die klassischen Geschlechterrollen: Seine Modelle nehmen ungewöhnliche Posen ein, und ihre Gesichter bleiben oft außerhalb des Rahmens, wodurch ihre Identität verschleiert wird. Mitunter ist nicht einmal klar, ob es sich um einen Menschen oder eine Puppe handelt. Um die Extravaganz von Luxusobjekten einzufangen, vergrößert Kooiker ihre Präsentationsmittel, wie zum Beispiel Schaufensterpuppen und Displays, so sehr, dass es letztlich unser Begehren selbst ist, das von seiner Kamera eingefangen wird.

Alle Arbeiten in der Ausstellung sind mit einem iPhone entstanden. In einer Zeit, in der jeder mit seinem Smartphone fotografiert, nutzt Paul Kooiker genau dieses Werkzeug, um eine Parallelwelt zu erschaffen, die scheinbar losgelöst von ihr ist und nicht kopiert werden kann. Seine Ausstellung FASHION versammelt eine Vielzahl von Bildern aus seinen Modeaufträgen zu einer umfassenden Installation, die wie ein Spiegelkabinett wirkt: Sie friert die halsbrecherische Geschwindigkeit der Modeindustrie ein und offenbart die Absurdität menschlicher Eitelkeit und Begierde.

"La mode" est un concept qui représente ce qui est tendance à l'heure actuelle. La photographie de mode de Paul Kooiker, quant à elle, se caractérise par son intemporalité. L'artiste dépeint les plus grandes marques de mode et les visages les plus célèbres d'aujourd'hui, mais les transporte dans un monde qui leur est propre. Déconnectées du temps et de l'espace, ses images surréalistes ressemblent à des images de film dont on ne peut que deviner l'histoire.

C'est pour cette raison que Paul Kooiker est actuellement un photographe très recherché dans le monde de la mode et de la beauté. Avec ses commandes de mode, Paul Kooiker s'affranchit des paradigmes dominants de la beauté d'une manière apparemment sans effort. Il crée un type de beauté ingérable qui n'est pas superficiel, mais presque freudien dans sa façon de jouer sur les désirs obscurs, les fétichismes et les rêves subconscients. En outre, sa photographie transcende les rôles classiques des genres : ses modèles adoptent des poses inhabituelles et leurs visages sont souvent laissés hors du cadre, ce qui masque leur identité. Parfois, on ne sait même pas si le sujet est humain ou une poupée. Afin de saisir l'extravagance des objets de luxe, Kooiker magnifie leurs moyens de présentation, comme par exemple les mannequins et les présentoirs, à tel point que c'est finalement notre désir lui-même qui est capturé par son appareil photo.

Toutes les œuvres de l'exposition ont été réalisées avec un iPhone. À une époque où tout le monde photographie avec son smartphone, Paul Kooiker utilise précisément cet outil pour créer un monde parallèle qui en est apparemment détaché et qui ne peut être copié. Son exposition, FASHION, rassemble une grande variété d'images issues de ses commandes de mode pour créer une installation globale qui fonctionne un peu comme une galerie des glaces : elle fige la vitesse vertigineuse de l'industrie de la mode et révèle l'absurdité de la vanité et du désir humains.

"Moda" è un concetto che rappresenta ciò che fa tendenza al momento. La fotografia di moda di Paul Kooiker, invece, è caratterizzata dalla sua atemporalità. L'artista ritrae i più grandi marchi della moda e i volti più famosi di oggi, ma li trasporta in un mondo a sé stante. Slegate dal tempo e dal luogo, le sue immagini surreali sembrano fotogrammi di film con storie che possiamo solo immaginare.

È per questo motivo che Paul Kooiker è attualmente un fotografo molto richiesto nel mondo della moda e della bellezza. Con le sue commissioni di moda, Paul Kooiker si libera dai paradigmi di bellezza dominanti in un modo apparentemente senza sforzo. Crea un tipo di bellezza ingestibile che non è superficiale, ma quasi freudiana nel modo in cui gioca con i desideri oscuri, i feticismi e i sogni subconsci. Inoltre, la sua fotografia trascende i classici ruoli di genere: le sue modelle adottano pose insolite e i loro volti sono spesso lasciati fuori dall'inquadratura, oscurando la loro identità. A volte non è nemmeno chiaro se il soggetto sia umano o una bambola. Per catturare la stravaganza degli oggetti di lusso, Kooiker ne ingrandisce i mezzi di presentazione, come ad esempio manichini ed espositori, a tal punto che alla fine è il nostro stesso desiderio a essere catturato dalla sua macchina fotografica.

Tutte le opere in mostra sono state realizzate con un iPhone. In un'epoca in cui tutti fotografano con il proprio smartphone, Paul Kooiker utilizza proprio questo strumento per creare un mondo parallelo, apparentemente distaccato e non copiabile. La sua mostra, FASHION, riunisce una grande varietà di immagini provenienti dalle sue commissioni di moda per creare un'installazione completa che funziona come una sala degli specchi: congela la velocità a rotta di collo dell'industria della moda e rivela l'assurdità della vanità e del desiderio umano.

“Fashion” is a concept that represents what is trending at the moment. Paul Kooiker’s fashion photography, on the other hand, is characterised by its timelessness. The artist portrays the biggest fashion brands and today’s most famous faces, but transports them to a world of their own. Disconnected from time and place, his surreal images feel like film stills with stories we can only guess.

It is for this reason that Paul Kooiker is currently a much sought-after photographer in the world of fashion and beauty. With his fashion commissions, Paul Kooiker breaks free from the dominant beauty paradigms in a seemingly effortless way. He creates an unmanageable kind of beauty that is not superficial, but almost Freudian in the way it plays on dark desires, fetishisms and subconscious dreams. Furthermore, his photography transcends classic gender roles: his models adopt unusual poses and their faces are often left out of frame, obscuring their identity. At times, it is not even clear whether the subject is human or a doll. In order to capture the extravagance of luxury objects, Kooiker magnifies its means of presentation, like for example mannequins and displays, to such a degree that it is ultimately our desire itself that is captured by his camera.

All works in the exhibition are created with an iPhone. At a time when everyone photographs with their smartphone, Paul Kooiker uses precisely this tool to create a parallel world that is apparently detached from it and that cannot be copied. His exhibition, FASHION, brings together a large variety of images from his fashion commissions to create an encompassing installation that works much like a hall of mirrors: it freezes the breakneck speed of the fashion industry and reveals the absurdity of human vanity and desire.

(Text: Foam, Amsterdam)

Foam | Amsterdam
8. Dezember 2022 - 5. März 2023

Theatre of Broken Memories
Bebe Blanco Agterberg

Jeder, der Agterbergs Arbeiten betrachtet, kann eine dunkle Geschichte erahnen, aber was genau ihr zugrunde liegt, ist nicht sofort klar. Das macht die Faszination ihrer Bilder aus: Sie untersucht nicht nur die Formbarkeit von Erinnerungen, sondern auch, wie Menschen - gewollt oder ungewollt - versuchen, die Lücken darin zu füllen. Politik, Medien und Bürger spielen in ihrer Arbeit die Hauptrolle: Sie sind untrennbar miteinander verbunden, befinden sich aber auch in einem ständigen Machtkampf.

Agterbergs Inspiration
Wie eine optische Täuschung kann auch eine Erinnerung manipuliert oder verzerrt werden: durch das eigene Gehirn, aber in manchen Fällen auch durch äußere Faktoren. Ein Beispiel dafür ist das spanische Amnestiegesetz von 1977, mit dem der Pakt des Vergessens eingeführt wurde. Nach dem Tod von Francisco Franco im Jahr 1975 beschloss die Regierung, die 40-jährige Diktatur offiziell zu vergessen. Rechtlich bedeutete dies, dass Verbrechen unter der Franco-Diktatur nicht verfolgt wurden. Im öffentlichen Raum bedeutete dies, dass die sichtbaren Überreste dieser Verbrechen verwischt wurden. So wurde das kollektive Gedächtnis Spaniens vor dem Pakt fragmentiert, verzerrt und verwischt.

Diese Geschichte bildet den Ausgangspunkt für die Bilder von Bebe Blanco Agterberg (Niederlande, 1995), in denen eine visuelle Spannung spürbar wird, die Agterberg auf eine fast surreale und manchmal apokalyptische Weise einzufangen versteht.

Bebe Blanco Agterberg ist die sechste Empfängerin des Florentine Riem Vis Grant. Das Stipendium wurde zum Gedenken an Florentine Riem Vis (1959-2016) ins Leben gerufen und wird jedes Jahr mit dem Ziel vergeben, jungen Künstlern die Möglichkeit zu geben, ihre künstlerische Karriere weiterzuentwickeln. Die bisherigen Empfänger des Stipendiums waren Karolina Wojtas (2022), Gilleam Trapenberg (2020), Solène Gün (2019), Rebecca Sampson (2018) und Stefanie Moshammer (2016/17).

Toute personne qui regarde l'œuvre d'Agterberg est consciente de l'existence d'une histoire sombre, mais ce qui en constitue le cœur n'est pas immédiatement clair. C'est ce qui rend ses images fascinantes : elle étudie non seulement la malléabilité des souvenirs, mais aussi la façon dont les gens, volontairement ou non, tentent de combler les vides qu'ils contiennent. La politique, les médias et les citoyens jouent le rôle principal dans son travail : ils sont inextricablement liés, mais ils se trouvent aussi dans une lutte de pouvoir permanente.

L'inspiration d'Agterberg
Comme une illusion d'optique, un souvenir peut aussi être manipulé ou déformé : par votre propre cerveau, mais aussi, dans certains cas, par des facteurs extérieurs. La loi d'amnistie espagnole de 1977, qui a introduit le Pacte de l'oubli, en est un exemple. Après la mort de Francisco Franco en 1975, le gouvernement a pris la décision d'oublier officiellement les 40 ans de dictature. Sur le plan juridique, cela signifie que les crimes commis sous la dictature de Franco ne sont pas poursuivis. Dans les espaces publics, cela signifiait que les vestiges visibles de ces crimes étaient occultés. Ainsi, la mémoire collective espagnole avant le Pacte était fragmentée, déformée et brouillée.

Cette histoire constitue le point de départ des images de Bebe Blanco Agterberg (Pays-Bas, 1995), où l'on ressent une tension visuelle qu'Agterberg parvient à capturer d'une manière presque surréaliste et parfois apocalyptique.

Bebe Blanco Agterberg est la sixième lauréate de la bourse Florentine Riem Vis. Créée à la mémoire de Florentine Riem Vis (1959-2016), cette bourse est attribuée chaque année dans le but de permettre à de jeunes artistes de développer leur carrière artistique. Les précédents bénéficiaires de la bourse étaient Karolina Wojtas (2022), Gilleam Trapenberg (2020), Solène Gün (2019), Rebecca Sampson (2018), Stefanie Moshammer (2016/17).

Chiunque guardi il lavoro di Agterberg può percepire una storia oscura, ma non è immediatamente chiaro quale sia il suo nucleo. È questo che rende le sue immagini affascinanti: non solo indaga la malleabilità dei ricordi, ma anche il modo in cui le persone, volontariamente o involontariamente, cercano di riempire i vuoti al loro interno. La politica, i media e i cittadini giocano un ruolo di primo piano nel suo lavoro: sono inestricabilmente legati, ma si trovano anche in una continua lotta per il potere.

L'ispirazione di Agterberg
Come un'illusione ottica, anche un ricordo può essere manipolato o distorto: dal proprio cervello, ma in alcuni casi anche da fattori esterni. Un esempio è la legge di amnistia spagnola del 1977, che ha introdotto il Patto dell'oblio. Dopo la morte di Francisco Franco nel 1975, il governo decise di dimenticare ufficialmente i 40 anni di dittatura. Dal punto di vista legale, ciò significava che i crimini commessi durante la dittatura di Franco non venivano perseguiti. Negli spazi pubblici, ciò significava che i resti visibili di questi crimini venivano oscurati. Così la memoria collettiva spagnola prima del Patto era frammentata, distorta e sfocata.

Questa storia costituisce il punto di partenza per le immagini di Bebe Blanco Agterberg (Paesi Bassi, 1995), dove si avverte una tensione visiva che Agterberg riesce a catturare in modo quasi surreale e talvolta apocalittico.

Bebe Blanco Agterberg è la sesta beneficiaria del Florentine Riem Vis Grant. Istituita in memoria di Florentine Riem Vis (1959-2016), la borsa di studio viene assegnata ogni anno con l'obiettivo di consentire ai giovani artisti di sviluppare ulteriormente la propria carriera artistica. I precedenti beneficiari della borsa sono stati Karolina Wojtas (2022), Gilleam Trapenberg (2020), Solène Gün (2019), Rebecca Sampson (2018), Stefanie Moshammer (2016/17).

Anyone looking at Agterberg's work can sense a dark history, but what exactly lies at its core is not immediately clear. This is what makes her images fascinating: she not only investigates the malleability of memories but also how people, willingly or unintentionally, try to fill the voids within. Politics, media and citizens play the leading role in her work: they are inextricably linked, but they also find themselves in a continuous power struggle.

Agterberg's inspiration
Like an optical illusion, a memory can also be manipulated or distorted: by your own brain, but in some cases also by external factors. An example is the Spanish amnesty law of 1977, which introduced the Pact of Forgetting. After the death of Francisco Franco in 1975, the government took the decision to officially forget the 40-year dictatorship. Legally, that meant crimes under Franco's dictatorship were not prosecuted. In public spaces, it meant that visible remnants of these crimes were obscured. Thus the Spanish collective memory before the Pact was fragmented, distorted and blurred.

This history forms the starting point for Bebe Blanco Agterberg's (Netherlands, 1995) images where a visual tension is felt that Agterberg manages to capture in an almost surreal and sometimes apocalyptic way.

Bebe Blanco Agterberg is the sixth recipient of the Florentine Riem Vis Grant. Established in memory of Florentine Riem Vis (1959-2016), the grant is awarded each year with the aim of enabling young artists to further develop their artistic careers. The previous recipients of the grant were Karolina Wojtas (2022), Gilleam Trapenberg (2020), Solène Gün (2019), Rebecca Sampson (2018), Stefanie Moshammer (2016/17).

(Text: Foam, Amsterdam)

Bonnefantenmuseum | Maastricht
29. November 2022 - 14. Mai 2023

The Other Side of Silence
Hrair Sarkissian

Ab dem 29. November präsentiert das Bonnefantenmuseum die erste grosse niederländische Ausstellung des etablierten syrisch-armenischen Künstlers Hrair Sarkissian (1973, Damaskus, Syrien), einem der führenden Konzeptfotografen unserer Zeit. In The Other Side of Silence legt der Künstler u. a. mit lebensgrossen Fotos die Wunden von Konflikten frei. Die Besucher werden auf eine ausgedehnte Reise über öffentliche Plätze in Aleppo, Latakia und Damaskus, durch den Himmel über Palmyra (im heutigen Syrien) und durch die verschneiten postindustriellen Landschaften des heutigen Armeniens mitgenommen. Insgesamt sind mehr als 15 der bedeutendsten Werke Sarkissians aus seiner bisherigen Laufbahn zu sehen, darunter auch die neue, erstmals gezeigte Videoarbeit weet and Sour (2022) - eines seiner bisher persönlichsten Werke.

Sarkissians Arbeiten handeln häufig von den Dingen, die man nicht sieht. Mit seinen lebensgrossen Fotos, aber auch mit Videos, Skulpturen, Klängen und Installationen holt der Künstler unsichtbare Geschichten und umstrittene geschichtliche Entwicklungen an die Oberfläche. Damit versucht er, bei den Betrachter ein emotionales Erlebnis hervorzurufen, ein Gefühl des Bewusstseins und der Solidarität für geteilte menschliche Traumata zu schaffen. Hrair Sarkissians Bilder spielen mit dem Potential von Fotografie als Massenmedium trotz des Einsatzes analoger Fotoapparate. Sie zeigen, wie durch Verzicht oder Verbergen von Informationen offizielle Geschichtsschreibung vorgenommen wird und offenbaren zugleich die Möglichkeiten, Geschichte neu zu schreiben.

Geschichten mit Fotografie erzählen
Sarkissian dachte schon früh konzeptionell über die Möglichkeiten nach, die das Medium Fotografie bietet. Durch die Suche und Rekonstruktion von Szenen anhand persönlicher Erinnerungen, Recherchen und menschlicher Begegnungen gelingt es Sarkissian, sich von der heutigen Bilderflut der digitalen Welt abzuheben. Mit seiner analogen Grossformatkamera hält er vorzugsweise Plätze und architektonische Standorte fest, in denen keine menschlichen Figuren zu sehen sind. Sarkissian lädt den Betrachter dazu ein, darüber nachzudenken, was tatsächlich auf dem Bild zu sehen ist, die Ruhe jedes Bildes auf sich wirken zu lassen und zugleich zu recherchieren, was unter der Oberfläche vorhanden sein könnte.

Eine Suche nach den Wurzeln seiner Existenz
Werk häufig die emotionalen Hintergründe und Lebenserfahrungen von Menschen, die aus verschiedenen Diasporagemeinschaften stammen. Eines seiner frühesten Werke, In Between (2006), entstand aus einer fortwährenden Selbstreflexion seiner eigenen Identität. In dieser Reihe aus 16 Bildern armenischer Landschaften nehmen die Schneedecken eine zentrale Stellung ein. Sie bedecken die harte Realität des postsowjetischen urbanen Verfalls und geben armenischen Flüchtlingen, darunter dem Künstler selbst, die Möglichkeit, an eigenen Traditionen, Geschichten und Erinnerungen festzuhalten. Für sein neuestes Werk Sweet and Sour (2022), das im Auftrag desBonnefanten gefertigt wurde, machte sich der Künstler mehr als ein Jahrhundert später auf die Suche nach dem Haus seiner Ahnen in Ostanatolien, dem ehemaligen Westarmenien. Als er dort ankam, stellte sich heraus, dass alle Spuren der ursprünglichen Bevölkerung nach dem armenischen Genozid 1915 gelöscht wurden. Sarkissian konfrontiert seinen Vater mit einem Video des „Vaterlands", einem Ort, den sein Vater nie in Wirklichkeit so sehen wird oder dorthin zurückkehren wird.

Hrair Sarkissian: The Other Side of Silence ist eine Kooperation zwischen der Sharja Art Foundation (Sharjah, VAE), der Bonniers Konsthall (Stockholm, Schweden) und dem Bonnefantenmuseum. Zusammengestellt wurde diese Ausstellung von Dr. Omar Kholeif, Direktor der Sammlungen und Seniorkurator der Sharjah Art Foundation; Dr. Theodor Ringborg, künstlerischer Direktor der Bonnier Konsthall, sowie Stijn Huijts, Generaldirektor und künstlerischer Direktor des Bonnefantenmuseums.

À partir du 29 novembre, le Bonnefantenmuseum présentera la première grande exposition néerlandaise de l'artiste syro-arménien établi Hrair Sarkissian (1973, Damas, Syrie), l'un des principaux photographes conceptuels de notre époque. Dans The Other Side of Silence, l'artiste expose notamment les blessures des conflits avec des photos grandeur nature. Les visiteurs sont emmenés dans un vaste voyage à travers les places publiques d'Alep, de Lattaquié et de Damas, dans le ciel de Palmyre (dans l'actuelle Syrie) et dans les paysages postindustriels enneigés de l'Arménie actuelle. Au total, plus de 15 des œuvres les plus significatives de Sarkissian à ce jour sont exposées, y compris la nouvelle œuvre vidéo weet and Sour (2022), présentée pour la première fois, l'une de ses œuvres les plus personnelles à ce jour.

Les travaux de Sarkissian portent souvent sur les choses que l'on ne voit pas. Avec ses photos grandeur nature, mais aussi avec des vidéos, des sculptures, des sons et des installations, l'artiste fait remonter à la surface des histoires invisibles et des développements historiques controversés. Il cherche ainsi à susciter une expérience émotionnelle chez le spectateur, à créer un sentiment de conscience et de solidarité pour les traumatismes humains partagés. Les visuels de Hrair Sarkissian jouent sur le potentiel de la photographie en tant que média de masse, malgré l'utilisation d'appareils photo analogiques. Elles montrent comment l'histoire officielle est écrite en renonçant à des informations ou en les dissimulant, tout en révélant les possibilités de réécrire l'histoire.

Raconter des histoires avec la photographie
Très tôt, Sarkissian a réfléchi de manière conceptuelle aux possibilités offertes par le médium photographique. En cherchant et en reconstruisant des scènes à partir de souvenirs personnels, de recherches et de rencontres humaines, Sarkissian parvient à se démarquer du flot d'images actuel du monde numérique. Avec son appareil photo analogique grand format, il immortalise de préférence des lieux et des sites architecturaux dans lesquels aucune figure humaine n'est visible. Sarkissian invite le spectateur à réfléchir à ce qui est réellement visible sur le visuel, à laisser le calme de chaque image agir sur lui tout en recherchant ce qui pourrait être présent sous la surface.

Une recherche des racines de son existence
Dans son œuvre, il explore souvent le contexte émotionnel et les expériences de vie de personnes issues de différentes communautés de la diaspora. L'une de ses premières œuvres, In Between (2006), est née d'une introspection continue sur sa propre identité. Dans cette série de 16 visuels de paysages arméniens, les couches de neige occupent une place centrale. Elles recouvrent la dure réalité du déclin urbain post-soviétique et permettent aux réfugiés arméniens, dont l'artiste lui-même, de s'accrocher à leurs propres traditions, histoires et souvenirs. Pour sa dernière œuvre, Sweet and Sour (2022), réalisée à la demande duBonnefanten, l'artiste est parti plus d'un siècle plus tard à la recherche de la maison de ses ancêtres dans l'est de l'Anatolie, l'ancienne Arménie occidentale. Une fois sur place, il s'est aperçu que toutes les traces de la population d'origine avaient été effacées après le génocide arménien de 1915. Sarkissian confronte son père à une vidéo de la "patrie", un lieu que son père ne verra jamais tel quel en réalité, ni n'y retournera.

Hrair Sarkissian : The Other Side of Silence est une coopération entre la Sharja Art Foundation (Sharjah, EAU), le Bonniers Konsthall (Stockholm, Suède) et le Bonnefantenmuseum. Omar Kholeif, directeur des collections et conservateur senior de la Sharjah Art Foundation ; Dr. Theodor Ringborg, directeur artistique du Bonnier Konsthall, et Stijn Huijts, directeur général et artistique du Bonnefantenmuseum.

Dal 29 novembre, il Bonnefantenmuseum presenta la prima grande mostra olandese dell'affermato artista siro-armeno Hrair Sarkissian (1973, Damasco, Siria), uno dei principali fotografi concettuali del nostro tempo. In The Other Side of Silence, l'artista espone le ferite del conflitto con fotografie a grandezza naturale. I visitatori sono accompagnati in un lungo viaggio attraverso le piazze pubbliche di Aleppo, Latakia e Damasco, nei cieli sopra Palmira (nell'attuale Siria) e nei paesaggi post-industriali innevati dell'attuale Armenia. In totale, sono esposte più di 15 opere tra le più significative della carriera di Sarkissian, tra cui la nuova opera video Weet and Sour (2022), presentata per la prima volta, una delle sue opere più personali.

Il lavoro di Sarkissian riguarda spesso le cose che non si vedono. Con le sue fotografie a grandezza naturale, ma anche con video, sculture, suoni e installazioni, l'artista porta in superficie storie invisibili e sviluppi storici controversi. In questo modo, cerca di evocare un'esperienza emotiva nello spettatore, per creare un senso di consapevolezza e solidarietà per i traumi umani condivisi. Le immagini di Hrair Sarkissian giocano con il potenziale della fotografia come mezzo di comunicazione di massa, nonostante l'uso di macchine fotografiche analogiche. Mostrano come la storia ufficiale sia scritta omettendo o nascondendo informazioni e allo stesso tempo rivelano le possibilità di riscrivere la storia.

Raccontare storie con la fotografia
Sarkissian ha pensato fin dall'inizio alle possibilità offerte dal mezzo fotografico. Cercando e ricostruendo scene basate su ricordi personali, ricerche e incontri umani, Sarkissian riesce a distinguersi dall'odierna marea di immagini provenienti dal mondo digitale. Con la sua macchina fotografica analogica di grande formato, preferisce catturare luoghi e architetture in cui non si vedono figure umane. Sarkissian invita lo spettatore a riflettere su ciò che è effettivamente presente nel quadro, a lasciare che la tranquillità di ogni immagine venga assorbita e, allo stesso tempo, a indagare su ciò che potrebbe essere presente sotto la superficie.

Una ricerca delle radici della propria esistenza
Il suo lavoro esplora spesso i contesti emotivi e le esperienze di vita di persone che provengono da diverse comunità della diaspora. Una delle sue prime opere, In Between (2006), è nata da una continua riflessione sulla propria identità. In questa serie di 16 dipinti di paesaggi armeni, i manti di neve occupano una posizione centrale. Esse coprono la dura realtà del degrado urbano post-sovietico e danno ai rifugiati armeni, tra cui l'artista stesso, l'opportunità di mantenere le proprie tradizioni, storie e ricordi. Per la sua ultima opera, Sweet and Sour (2022), commissionata daonnefanten, l'artista è partito alla ricerca della sua casa natale nell'Anatolia orientale, ex Armenia occidentale, più di un secolo dopo. Quando arrivò, si scoprì che tutte le tracce della popolazione originaria erano state cancellate dopo il genocidio armeno del 1915. Sarkissian affronta il padre con un video della "patria", un luogo che il padre non vedrà mai né tornerà nella realtà.

Hrair Sarkissian: The Other Side of Silence è una collaborazione tra la Sharja Art Foundation (Sharjah, EAU), la Bonniers Konsthall (Stoccolma, Svezia) e il Bonnefantenmuseum. La mostra è stata allestita dal Dr. Omar Kholeif, Direttore delle Collezioni e Curatore Senior della Sharjah Art Foundation, dal Dr. Theodor Ringborg, Direttore Artistico della Bonnier Konsthall e da Stijn Huijts, Direttore Generale e Direttore Artistico del Bonnefantenmuseum.

From November 29, the Bonnefantenmuseum presents the first major Dutch exhibition of established Syrian-Armenian artist Hrair Sarkissian (1973, Damascus, Syria), one of the leading conceptual photographers of our time. In The Other Side of Silence, the artist exposes the wounds of conflict with life-size photographs, among other things. Visitors are taken on an extended journey across public squares in Aleppo, Latakia, and Damascus, through the skies over Palmyra (in present-day Syria), and through the snowy post-industrial landscapes of present-day Armenia. In all, more than 15 of Sarkissian's most significant works from his career to date are on view, including the new video work weet and Sour (2022), shown for the first time - one of his most personal works to date.

Sarkissian's work is often about the things you can't see. With his life-size photographs, but also with videos, sculptures, sounds and installations, the artist brings invisible stories and controversial historical developments to the surface. In doing so, he seeks to evoke an emotional experience in viewers, to create a sense of awareness and solidarity for shared human traumas. Hrair Sarkissian's images play with the potential of photography as a mass medium despite the use of analog cameras. They show how official history is written through the omission or concealment of information, while revealing the possibilities of rewriting history.

Telling Stories with Photography
Early on, Sarkissian thought conceptually about the possibilities offered by the medium of photography. By searching for and reconstructing scenes based on personal memories, research, and human encounters, Sarkissian manages to stand out from today's flood of images from the digital world. With his large-format analog camera, he prefers to capture places and architectural sites where no human figures are visible. Sarkissian invites the viewer to ponder what is actually in the picture, to let the tranquility of each image sink in, and at the same time to investigate what might be present beneath the surface.

A search for the roots of his existence
work often explores the emotional backgrounds and life experiences of people who come from various diaspora communities. One of his earliest works, In Between (2006), emerged from an ongoing self-reflection on his own identity. In this series of 16 paintings of Armenian landscapes, snow covers occupy a central position. They cover the harsh reality of post-Soviet urban decay and give Armenian refugees, including the artist himself, the opportunity to hold on to their own traditions, stories, and memories. For his latest work, Sweet and Sour (2022), commissioned by theBonnefanten, the artist set out to find his ancestral home in eastern Anatolia, formerly western Armenia, more than a century later. When he got there, it turned out that all traces of the original population had been erased after the Armenian genocide in 1915. Sarkissian confronts his father with a video of the "fatherland," a place his father will never see in reality as it is or return to.

Hrair Sarkissian: The Other Side of Silence is a collaboration between the Sharja Art Foundation (Sharjah, UAE), Bonniers Konsthall (Stockholm, Sweden), and the Bonnefantenmuseum. This exhibition was put together by Dr. Omar Kholeif, Director of Collections and Senior Curator of the Sharjah Art Foundation; Dr. Theodor Ringborg, Artistic Director of Bonnier Konsthall; and Stijn Huijts, Director General and Artistic Director of the Bonnefantenmuseum.

(Text: Bonnefantenmuseum, Maastricht)

Bildhalle | Amsterdam
4. November 2022 - 28. Januar 2023

Passing through
Martin Bogren

"Wenn wir für einen Moment unseren Verstand zum Schweigen bringen und das Verstehen loslassen, gibt es ein Wissen jenseits davon, ohne zu denken, ohne zu urteilen, anzuklagen oder zu fürchten. Wir sehen dann die Schönheit als Schönheit selbst, ohne das Bedürfnis nach Analyse oder Beherrschung. Dann wissen wir, wer wir wirklich sind. In der Zwischenzeit sind wir nur auf der Durchreise." Martin Bogren

Seine Bilder verweisen auf die Vergänglichkeit des Augenblicks und das ständige Vorübergehen in ihm. Der Autor Taco Hidde Bakker schrieb über den Künstler: "Die einzige Antwort, die Martin Bogrens fotografischen Arbeiten gerecht wird, muss poetisch, filmisch und musikalisch sein, denn das sind die Qualitäten, die einem sofort in den Sinn kommen, wenn man Bogrens eindringliche, traumartige Bilder sieht. Der Fotokritiker Sean O'Hagan nannte Bogren "einen Meister des alltäglichen Erhabenen", und es ist das Erhabene, das ich hervorheben möchte. Das Alltägliche in Bogrens Fotografien ist durchdrungen von der Rätselhaftigkeit des Lebens, der Begegnung und der Beobachtung.

Die Ausstellung zeigt eine Auswahl von "August Song" und "Metropolia". Während "August Song" Fotos aus seiner Heimat Schweden zeigt, fotografierte Bogren für "Metropolia" in 100 Tagen zwischen 2016 und 2019 in New York, wofür er auch Farbfotografie verwendete. Trotz der Darstellungen von tanzenden Paaren ist in seinen manchmal verschwommen wirkenden Schnappschüssen eine Art Einsamkeit zu spüren.

"Lorsque, pour un instant, nous faisons taire notre esprit et lâchons la compréhension, il y a un savoir au-delà, sans pensée, sans jugement, sans accusation ni peur. Nous voyons alors la beauté pour la beauté elle-même, sans besoin d'analyse ou de maîtrise. Nous savons alors qui nous sommes vraiment. En attendant, nous ne faisons que passer." Martin Bogren

Ses images font référence à la nature éphémère de l'instant et au fait de le traverser constamment. L'auteur Taco Hidde Bakker a écrit à propos de l'artiste : "La seule réponse qui rende justice aux œuvres photographiques de Martin Bogren doit être poétique, cinématographique et musicale, car ce sont les qualités qui viennent immédiatement à l'esprit lorsqu'on voit les images obsédantes et oniriques de Bogren". Le critique de photographie Sean O'Hagan a qualifié Bogren de "maître du sublime quotidien", et c'est sur le sublime que je voudrais insister. Le quotidien dans les photographies de Bogren est imprégné de l'énigme de la vie, de la rencontre et de l'observation".

L'exposition présente une sélection de "August Song" et "Metropolia". Alors que "August Song" montre des photos de son pays natal, la Suède, pour "Metropolia", Bogren a pris des photos à New York en 100 jours entre 2016 et 2019, pour lesquelles il a également utilisé la photographie couleur. Malgré les représentations de couples dansants, il y a un sentiment d'une sorte de solitude dans ses instantanés qui semblent parfois flous.

"Quando, per un momento, facciamo tacere la nostra mente e lasciamo andare la comprensione, c'è un sapere al di là, senza pensare, senza giudicare, accusare o temere. Allora vediamo la bellezza per la bellezza stessa, senza bisogno di analisi o di padronanza. Allora sappiamo chi siamo veramente. Nel frattempo, siamo solo di passaggio". Martin Bogren

Le sue immagini si riferiscono alla natura effimera del momento e al costante passaggio attraverso di esso. Lo scrittore Taco Hidde Bakker ha scritto dell'artista: "L'unica risposta che rende giustizia alle opere fotografiche di Martin Bogren deve essere poetica, cinematografica e musicale, perché queste sono le qualità che vengono immediatamente in mente quando si vedono le immagini ossessionanti e oniriche di Bogren". Il critico fotografico Sean O'Hagan ha definito Bogren "un maestro del sublime quotidiano", ed è proprio il sublime che vorrei sottolineare. Il quotidiano nelle fotografie di Bogren è permeato dall'enigma della vita, dell'incontro e dell'osservazione".

La mostra presenta una selezione di "August Song" e "Metropolia". Mentre "August Song" mostra foto della sua patria, la Svezia, per "Metropolia" Bogren ha scattato foto a New York in 100 giorni tra il 2016 e il 2019, per le quali ha utilizzato anche la fotografia a colori. Nonostante le rappresentazioni di coppie danzanti, nelle sue istantanee, a volte apparentemente sfocate, si percepisce una sorta di solitudine.

“When we, for a moment, silence our minds and let go of understanding there is a knowing beyond, without thinking, without judging, accusation or fear. We then see beauty for beauty itself without a need for analysis or mastery. Then we know who we really are. Meanwhile, we are just passing through.” Martin Bogren

His images refer to the ephemeral nature of the moment and the constant passing through it. The author Taco Hidde Bakker wrote about the artist: “The only response doing justice to Martin Bogren’s photographic works must be poetic, cinematic and musical, for these are the qualities that immediately spring to mind when seeing Bogren’s haunting, dream-like images. The photography critic Sean O’Hagan called Bogren ‘a master of the everyday sublime,’ and it is the sublime that I would like to emphasize. The mundane in Bogren’s photographs is permeated with the enigma of life, encounter and observation.”

The exhibition presents a selection of “August Song” and “Metropolia”. While “August Song” shows photos from his homeland Sweden, for “Metropolia” Bogren took pictures in New York in 100 days between 2016 and 2019, for which he also used color photography. Despite depictions of dancing couples, there is a feeling of a kind of loneliness in his sometimes seemingly blurry snapshots.

“Als we onze geest even tot zwijgen brengen en het begrip loslaten, is er een weten daarbuiten, zonder na te denken, zonder oordeel, beschuldiging of angst. We zien dan schoonheid voor schoonheid zelf zonder dat analyse of beheersing nodig is. Dan weten we wie we werkelijk zijn. Ondertussen zijn we gewoon op doorreis.” Martin Bogren

Zijn beelden verwijzen naar de vluchtigheid van het moment en het constante passeren ervan. De auteur Taco Hidde Bakker schreef over de fotograaf: “De enige reactie die recht doet aan Martin Bogrens fotografische werken moet poëtisch, filmisch en muzikaal zijn, want dit zijn de kwaliteiten die meteen in je opkomen bij het zien van Bogrens beklijvende, droomachtige beelden. De fotografiecriticus Sean O’Hagan noemde Bogren ‘een meester van het alledaagse sublieme’, en het is het sublieme dat ik wil benadrukken. Het alledaagse in Bogrens foto’s is doordrenkt met het raadsel van leven, ontmoeting en observatie.”

De tentoonstelling toont een selectie van series “August Song” en “Metropolia”. Terwijl “August Song” foto’s toont uit zijn thuisland Zweden, maakte Bogren voor “Metropolia” tussen 2016 en 2019 in 100 dagen tijd foto’s in New York, waarvoor hij kleurenfotografie gebruikte. Ondanks afbeeldingen van dansende koppels, is er een gevoel van eenzaamheid in zijn soms wazige beelden te bespeuren.

(Text: Bildhalle, Zürich/Amsterdam)

Bonnefantenmuseum | Maastricht
25. September 2022 - 26. Februar 2023

Retrospektive
Werner Mantz

Das Bonnefantenmuseum in Maastricht präsentiert 40 Jahre nach dem Tod von Werner Mantz (*1901 in Köln - t 1983 in Maastricht) vom 25. September 2022 bis 26. Februar 2023 die erste Retrospektive des Topfotografens überhaupt. Mantz gilt weltweit als einer der bedeutendsten Architekturfotografen der Strömung des Neuen Bauens und seine Arbeiten wurden in zahlreichen Architekturzeitschriften veröffentlicht. Mit der Ausstellung The Perfect Eye zeigt das Bonnefantenmuseum überzeugend, warum das Werk von Mantz (auch) zum Kanon der niederländischen Fotografie gehört und präsentiert erstmals sein Gesamtwerk. Durch seine Bildsprache, die Verwendung von natürlichem Licht und sein fachliches Können nimmt er in der Geschichte der Fotografie eine einzigartige Position ein; Mantz hatte das perfekte Auge.

The Perfect Eye
Werner Mantz stellt in seinen Fotografien gerne das Alltägliche dar. Die Ausstellung The Perfect Eye im Bonnefantenmuseum führt mit ca. 300 Aufnahmen das Lebenswerk des Fotografen in einer Retrospektive zusammen und verbindet dabei drei Erzählstränge: Erstens sein freies Werk, zweitens seine Architekturfotografie und drittens seine Portraitfotografie. Außerdem werden Mantz' verschiedene (kunst-)historische Perioden aus Köln sowie aus Mittel- und Südlimburg in den Niederlanden miteinander verknüpft.

Eine große Quelle der Inspiration
Mantz gilt in der Entwicklung der Fotografie in den 20er Jahren des vorherigen Jahrhunderts als ein „missing link". Sein Werk ist die Verbindung zwischen der künstlerischen Avantgarde seiner Zeit und einer rein handwerklichen, funktionalen Fotografiepraxis - zu einer Zeit, in der die Geschichtsschreibung der Fotografie erst in Bewegung kam. Die künstlerischen Potenziale des Mediums wurden rückwirkend anerkannt, Werner Mantz wurde als Fotograf „neu entdeckt" und seine Architekturfotos wurden auf der Documenta 6 (1977) in Kassel ausgestellt.

Inzwischen ist klar, dass sich die Qualität von Mantz' Fotografie aus einer Kombination von drei verschiedenen Eigenschaften ergibt: Sein fachliches Können, sein Verständnis von alltäglichen Themen und sein großes kreatives Talent, in den vielfach eng begrenzten Rahmen eines Auftrags eine individuelle und kohärente Bildsprache zu entwickeln.

Le Bonnefantenmuseum de Maastricht présente, 40 ans après la mort de Werner Mantz (*1901 à Cologne - t 1983 à Maastricht), du 25 septembre 2022 au 26 février 2023, la toute première rétrospective de ce photographe de renom. Mantz est considéré dans le monde entier comme l'un des plus grands photographes d'architecture du courant du Neues Bauen et ses travaux ont été publiés dans de nombreuses revues d'architecture. Avec l'exposition The Perfect Eye, le Bonnefantenmuseum montre de manière convaincante pourquoi l'œuvre de Mantz fait (aussi) partie des canons de la photographie néerlandaise et présente pour la première fois l'ensemble de son œuvre. Son langage visuel, l'utilisation de la lumière naturelle et son savoir-faire professionnel lui confèrent une position unique dans l'histoire de la photographie ; Mantz avait l'œil parfait.

L'œil parfait
Dans ses photographies, Werner Mantz aime transmettre le quotidien. L'exposition The Perfect Eye au Bonnefantenmuseum réunit, avec quelque 300 clichés, l'œuvre de toute une vie du photographe dans une rétrospective qui combine trois fils narratifs : premièrement, son œuvre libre, deuxièmement, sa photographie d'architecture et troisièmement, sa photographie de portrait. En outre, les différentes périodes (artistiques) historiques de Mantz à Cologne et dans le Limbourg central et méridional aux Pays-Bas sont reliées entre elles.

Une grande source d'inspiration
Mantz est considéré comme un "lien" dans le développement de la photographie des années 1920. "chaînon manquant". Son œuvre est le lien entre l'avant-garde artistique de son époque et une pratique purement artisanale et fonctionnelle de la photographie - à une époque où l'historiographie de la photographie commençait seulement à bouger. Le potentiel artistique du médium a été rétroactivement reconnu, Werner Mantz a été "redécouvert" en tant que photographe et ses photos d'architecture ont été exposées à la Documenta 6 (1977) à Kassel.

Il est désormais clair que la qualité de la photographie de Mantz résulte d'une combinaison de trois caractéristiques différentes : Ses compétences professionnelles, sa compréhension des sujets quotidiens et son grand talent créatif pour développer un langage visuel individuel et cohérent dans le cadre souvent étroit d'une commande.

A 40 anni dalla morte di Werner Mantz (*1901 a Colonia - t 1983 a Maastricht), il Bonnefantenmuseum di Maastricht presenterà la prima retrospettiva in assoluto del fotografo di pentole dal 25 settembre 2022 al 26 febbraio 2023. Mantz è considerato in tutto il mondo uno dei più importanti fotografi di architettura del movimento New Building e il suo lavoro è stato pubblicato in numerose riviste di architettura. Con la mostra L'occhio perfetto, il Bonnefantenmuseum dimostra in modo convincente perché l'opera di Mantz appartiene (anche) al canone della fotografia olandese e presenta per la prima volta la sua opera completa. Grazie al suo linguaggio pittorico, all'uso della luce naturale e alla sua abilità tecnica, egli occupa una posizione unica nella storia della fotografia; Mantz aveva un occhio perfetto.

L'occhio perfetto
Werner Mantz ama ritrarre la quotidianità nelle sue fotografie. La mostra The Perfect Eye al Bonnefantenmuseum riunisce il lavoro di una vita del fotografo in una retrospettiva di circa 300 fotografie, collegando tre filoni narrativi: il primo, il suo lavoro indipendente, il secondo la fotografia di architettura e il terzo la fotografia di ritratto. Inoltre, i vari periodi storici (artistici) di Mantz di Colonia e del Limburgo centrale e meridionale nei Paesi Bassi sono collegati tra loro.

Una grande fonte di ispirazione
Mantz è considerato un "anello mancante" nello sviluppo della fotografia negli anni Venti. "anello mancante". Il suo lavoro è l'anello di congiunzione tra le avanguardie artistiche del suo tempo e una pratica fotografica puramente artigianale e funzionale, in un momento in cui la storiografia della fotografia stava appena iniziando a muoversi. Il potenziale artistico del mezzo è stato riconosciuto retroattivamente, Werner Mantz è stato "riscoperto" come fotografo e le sue fotografie di architettura sono state esposte a Documenta 6 (1977) a Kassel.

Ormai è chiaro che la qualità della fotografia di Mantz deriva dalla combinazione di tre diverse qualità: La sua abilità tecnica, la sua comprensione dei soggetti quotidiani e il suo grande talento creativo nello sviluppare un linguaggio visivo individuale e coerente all'interno di un contesto spesso strettamente vincolato da una commissione.

From 25 September 2022 to 26 February 2023, the Bonnefanten in Maastricht is presenting the first retrospective ever by the illustrious photographer Werner Mantz (1901, Cologne-1983, Maastricht); 40 years after his death. Mantz is regarded worldwide as one ofthe most important architectural photographers ofthe Neues Bauen movement. But this isjust part of his multifaceted oeuvre. To date, his work has attracted great attention locally, regionally and internationally, but oddly enough not in the Netherlands, at least not outside Limburg. In The Perfect Eye, the Bonnefanten gives conclusive evidence for why Mantz's oeuvre also belongs in the canon of Dutch photography. He occupies a unique position in history, due to his visual idiom, use of natural lighting and craftsmanship - Mantz had the perfect eye.

The Perfect Eye
In his work and (working) life, the person and photographer Werner Mantz gives recognition to the commonplace. The compilation ofthe exhibition The Perfect Eye in the Bonnefanten brings everything together in a retrospective of around 300 (vintage) photos. Three narratives are thus permanently interwoven: his life and autonomous work, his architectural photography and his portrait photography. And at the same time, various historical and art-historical periods in Cologne, Central Limburg and South Limburg are linked together.

The missing link and a great source of inspiration
Mantz has been called the missing link in the evolution of photography in the 1920's. His work bridged the gap between the artistic avant-garde of his day and a purely artisanal, functional photography practice. lt was the period when the historiography of photography really took off. The artistic potential ofthe medium gained recognition retroactively, and Werner Mantz was 'rediscovered' as a photographer. His architectural photos then appeared at one ofthe most prestigious international art exhibitions: the Documenta of 1977, in Kassel.

Nowadays, it is clear that the quality of Mantz's photography is a combination ofthree characteristics: his craftsmanship, his understanding of the nature of his subjects and his great creative ability to develop a personal and coherent visual idiom within the often tight parameters of a commission. Furthermore, Mantz is a great source of inspiration to photographers today.

(Text: Bonnefantenmuseum, Maastricht)

Foam | Amsterdam
15. Juli - 4. Dezember 2022

Foam 3h: Becoming a Ghost
Giatha Taha

Die Videoinstallation Becoming a Ghost des in Syrien geborenen Künstlers Giath Taha fängt das emotionale Wiedersehen des Künstlers mit seinem Bruder im Online-Videospiel PlayerUnknown's Battlegrounds (PUBG) ein, während sie sich im realen Leben seit zehn Jahren nicht mehr sehen konnten.

Ein Tor zur Vergangenheit
Als sich 2011 ein friedlicher Aufstand gegen den syrischen Präsidenten in einen ausgewachsenen Bürgerkrieg verwandelte, war der Künstler Giath Taha gezwungen, aus dem Land zu fliehen. Vielleicht ist es deshalb seltsam, dass das Spiel PUBG in Syrien so populär ist, da es eine unheimliche Ähnlichkeit mit dem aktuellen Kriegsgeschehen in dem Land aufweist.

In dem Spiel werden Hunderte von Avataren gleichzeitig auf eine virtuelle Insel losgelassen, und jeder wetteifert darum, als letzte Person oder Team zu überleben. Schließlich fand der Künstler heraus, dass sein eigener Bruder ein begeisterter Spieler des Spiels ist. Während die Bedrohung durch den plötzlichen Tod ständig groß ist, bietet das Spiel den Brüdern eine sichere Zone, in der sie Themen diskutieren können, die auf regulären Kommunikationsplattformen sonst zensiert werden würden.

L'installation vidéo Becoming a Ghost de l'artiste d'origine syrienne Giath Taha capture les retrouvailles émotionnelles de l'artiste avec son frère dans le jeu vidéo en ligne PlayerUnknown's Battlegrounds (PUBG), alors qu'ils n'ont pas pu se voir dans la vie réelle depuis dix ans.

Une passerelle pour revisiter le passé
Lorsqu'un soulèvement pacifique contre le président de la Syrie s'est transformé en une véritable guerre civile en 2011, l'artiste Giath Taha a été contraint de fuir le pays. C'est peut-être pour cette raison qu'il est étrange que le jeu PUBG soit massivement populaire en Syrie, étant donné sa ressemblance étrange avec l'état actuel de la guerre dans le pays.

Dans ce jeu, des centaines d'avatars sont simultanément lâchés sur une île virtuelle et chacun se bat pour être la dernière personne ou équipe debout. L'artiste a fini par découvrir que son propre frère était un joueur passionné de ce jeu. Alors que la menace d'une mort soudaine plane en permanence, le jeu offre aux deux frères une zone de sécurité pour discuter de sujets qui, sur les plateformes de communication habituelles, seraient censurés.

La videoinstallazione Becoming a Ghost dell'artista di origine siriana Giath Taha cattura l'emozionante ricongiungimento dell'artista con il fratello nel videogioco online PlayerUnknown's Battlegrounds (PUBG), mentre i due non si vedono nella vita reale da dieci anni.

Una porta per rivisitare il passato
Quando nel 2011 una rivolta pacifica contro il presidente della Siria si trasformò in una vera e propria guerra civile, l'artista Giath Taha fu costretto a fuggire dal Paese. Forse è per questo che sembra strano che il gioco PUBG sia molto popolare in Siria, data la sua inquietante somiglianza con lo stato attuale della guerra in corso nel Paese.

Nel gioco, centinaia di avatar si scatenano simultaneamente su un'isola virtuale e tutti competono per essere l'ultima persona o la squadra in piedi. Alla fine, l'artista ha scoperto che suo fratello è un appassionato giocatore del gioco. Mentre la minaccia di morte improvvisa incombe costantemente, il gioco ha offerto ai fratelli una zona sicura per discutere di argomenti che sulle normali piattaforme di comunicazione sarebbero stati altrimenti censurati.

The video installation Becoming a Ghost by Syrian-born artist Giath Taha captures the artist's emotional reunion with his brother in the online video game PlayerUnknown's Battlegrounds (PUBG), while they haven't been able to see each other in real life for ten years.

A gateway to revisit the past
When a peaceful uprising against the president of Syria turned into a full-scale civil war in 2011, artist Giath Taha was forced to flee the country. Perhaps that is why it feels peculiar that the game PUBG is massively popular in Syria, given its eerie similarity to the actual state of the ongoing war in the country.

In the game, hundred avatars are simultaneously unleashed on a virtual island and everyone competes to be the last person or team standing. Eventually, the artist found out that his own brother is an avid player of the game. While the threat of sudden death constantly looms large, the game offered the brothers a safe zone to discuss topics that on regular communication platforms would otherwise be censored.

(Text: Foam, Amsterdam)

Bildhalle | Amsterdam
8. Juli - 3. September 2022

A Part of the Circle
Miriam Tölke

Miriam Tölke stapelt alles in ihrem Atelier, entdeckt, reisst einzelne Blätter aus ihren Bindungen, ordnet neu und schneidet erste Eindrücke als Formen aus. Gesichter werden halbiert, Landschaften ausgewählt – alles, was Miriam Tölke wichtig ist und was ihre eigenen Eindrücke reflektiert. Zwischen Berlin und dem Umland pendelnd sind ihr dabei die Stadt selbst als auch die Natur ein ständiger Antrieb. Das Pulsierende, das Komprimierte und Verstörende einer Großstadt, die Anonymität und Hektik, durch die man sich als Flaneur gleiten lässt und Momente aufsaugt, um sie für sich selbst abzuspeichern, sind für die Künstlerin genauso relevant wie die Ruhe und Harmonie der Natur außerhalb des Getümmels. 

Beides zusammen spiegelt sich in ihren Arbeiten wider: Ihre gefundenen Gesichter scheinen in sich zu ruhen, als schweben sie, herausgefallen aus den Glanzzeitschriften und Modemagazinen einer chaotischen Welt, die nur noch einen Hauch von Erinnerung entfernt ist. Neu zusammengesetzt mit den Aspekten anderer Gesichter und Ideen ziehen sie die Blicke genau ins Zentrum, wie einen Sog, um aus dem Bild heraus in die nächste Landschaft zu lenken. Identität und Gleichgewicht, beides Leitgedanken, die für die Künstlerin eine große Rolle spielen. 

Als vierfache Mutter ist Weiblichkeit für Miriam Tölke ein natürliches Thema. Es ist aber nicht nur das einzige. Gleichzeitig empfindet sie ihre Kunst als Reflexion über Zustände, Gemeinschaft und Gesellschaft. Wo ist unser Platz in der Vergänglichkeit des Augenblicks. Wie finden wir uns zurecht. Die Collage bietet für sie hierbei den perfekten Rahmen. 

Miriam Tölke empile tout dans son atelier, découvre, arrache certaines feuilles de leurs reliures, réorganise et découpe les premières impressions sous forme de formes. Les visages sont coupés en deux, les paysages sont sélectionnés - tout ce qui est important pour Miriam Tölke et qui reflète ses propres impressions. Faisant la navette entre Berlin et ses environs, la ville elle-même ainsi que la nature sont pour elle un moteur permanent. La pulsation, la compression et la perturbation d'une grande ville, l'anonymat et l'agitation à travers lesquels on se laisse glisser en tant que flâneur et on absorbe des moments pour les mémoriser pour soi-même, sont tout aussi pertinents pour l'artiste que le calme et l'harmonie de la nature en dehors de l'agitation. 

Ces deux éléments se reflètent dans son travail : ses visages trouvés semblent se reposer en eux-mêmes, comme s'ils flottaient, tombés des magazines à succès et des revues de mode d'un monde chaotique qui n'est plus qu'à un souffle du souvenir. Recomposés avec les aspects d'autres visages et idées, ils attirent les regards exactement au centre, comme une aspiration, pour les diriger hors de l'image vers le prochain paysage. Identité et équilibre, deux idées directrices qui jouent un rôle important pour l'artiste. 

En tant que mère de quatre enfants, la féminité est un thème naturel pour Miriam Tölke. Mais ce n'est pas le seul. En même temps, elle perçoit son art comme une réflexion sur les états, la communauté et la société. Quelle est notre place dans le caractère éphémère de l'instant. Comment nous y retrouvons-nous ? Le collage lui offre un cadre parfait pour cela.

Miriam Tölke impila tutto nel suo studio, scopre, strappa i singoli fogli dalle loro rilegature, riordina e ritaglia le prime impressioni come forme. I volti sono tagliati a metà, i paesaggi selezionati: tutto ciò che è importante per Miriam Tölke e che riflette le sue impressioni. Facendo la spola tra Berlino e la campagna circostante, la città stessa e la natura sono per lei una motivazione costante. La natura pulsante, compressa e inquietante di una grande città, l'anonimato e il ritmo frenetico attraverso cui si può scivolare come flâneur e assorbire momenti per conservarli per sé, sono altrettanto rilevanti per l'artista quanto la pace e l'armonia della natura al di fuori del trambusto. 

Entrambe le cose si riflettono nelle sue opere: i suoi volti ritrovati sembrano riposare in se stessi, come se fluttuassero, abbandonati dalle riviste patinate e di moda di un mondo caotico che è solo un soffio lontano dalla memoria. Ricomposti con gli aspetti di altri volti e idee, attirano lo sguardo verso il centro, come una spinta a uscire dal quadro verso il paesaggio successivo. Identità ed equilibrio, entrambi principi guida che svolgono un ruolo fondamentale per l'artista. 

Come madre di quattro figli, la femminilità è un tema naturale per Miriam Tölke. Ma non è l'unico. Allo stesso tempo, vede la sua arte come una riflessione sulle condizioni, sulla comunità e sulla società. Qual è il nostro posto nella transitorietà del momento. Come possiamo trovare la nostra strada. Il collage le offre la cornice perfetta per farlo.

Miriam Tölke stacks everything in her studio, discovers, tears individual sheets from their bindings, rearranges and cuts out first impressions as shapes. Faces are cut in half, landscapes are selected - everything that is important to Miriam Tölke and that reflects her own impressions. Shuttling between Berlin and the surrounding countryside, the city itself as well as nature are a constant motivation for her. The pulsating, the compressed and disturbing of a big city, the anonymity and hecticness, through which one lets oneself glide as a flâneur and absorbs moments in order to store them for oneself, are just as relevant for the artist as the peace and harmony of nature outside the hustle and bustle. 

Both together are reflected in her works: her found faces seem to rest in themselves, as if they float, dropped out of the glossies and fashion magazines of a chaotic world that is only a breath away from memory. Recomposed with the aspects of other faces and ideas, they draw the eye right into the center, like a pull to steer out of the picture into the next landscape. Identity and balance, both guiding principles that play a major role for the artist. 

As a mother of four, femininity is a natural theme for Miriam Tölke. But it is not the only one. At the same time, she perceives her art as a reflection on conditions, community and society. Where is our place in the transience of the moment. How do we find our way. The collage offers the perfect framework for her in this.

(Text: Bildhalle, Zürich/Amsterdam)

Foam | Amsterdam
24. Juni - 7. September 2022

Surinamese Wedding Portraits

Die Ausstellung Surinamische Hochzeitsporträts ist eine Sammlung denkwürdiger Fotografien. Die Porträts stammen aus der Zeit von 1846 bis 1954, als Surinam noch eine niederländische Kolonie war. Zusammen decken sie fast ein Jahrhundert surinamischer Geschichte ab. Die Familienfotos und -geschichten zeigen, wie sehr die Surinamer unter niederländischer Verwaltung in alle Ecken der Welt auswanderten. Oft fanden sie ihre Partner anderswo, in Orten wie Aruba, Curaçao oder Bonaire, in den ehemaligen Niederländisch-Ostindien, den Niederlanden oder Nordamerika. Die Stärke dieser Sammlung persönlicher Fotos liegt daher in den vielen verschiedenen Verbindungen, die sich über die ganze Welt erstreckten.

Die Ausstellung besteht aus mehr als hundert Hochzeitsfotos und vielen Familiengeschichten. Zusammen erzählen sie die Geschichte unzähliger persönlicher Bindungen, die Grenzen, Ethnien oder Religionen überschreiten. Dies ging nicht immer reibungslos vonstatten, doch die meisten Liebenden folgten dem Weg ihres Herzens und die Liebe triumphierte im Allgemeinen über den Zeitgeist.

Die Familiengeschichten sind oft mit wichtigen Themen verbunden, die die Kolonialgeschichte Surinams kennzeichnen: Sklaverei, Lohnarbeit, Ein- und Auswanderung, Konflikte und Kämpfe. Aber die Geschichten erzählen auch von persönlichen Bindungen, von Vielfalt und Einheit. Aus diesem Grund sind die Fotografien nicht nur für die Menschen, deren Familiengeschichten verewigt wurden, von großer Bedeutung, sondern sie zeigen auch eine gemeinsame (inter)nationale Geschichte.

Die Idee, diese außergewöhnlichen Porträts zusammenzubringen, stammt von Lucia Nankoe, der Initiatorin dieser Ausstellung, aus dem Jahr 2014. Gemeinsam mit ihrem Team sprach sie mit Nachkommen von Brautpaaren, von denen mindestens ein Vorfahre surinamischer Abstammung war. Die daraus entstandene Porträtsammlung ist seit der Veröffentlichung eines Buches und einer Wanderausstellung im Jahr 2019 stetig gewachsen. Das Projekt besteht nun aus mehr als 135 Fotos und Geschichten.

L'exposition Portraits de mariages surinamais est une collection de photographies mémorables. Les portraits proviennent de la période allant de 1846 à 1954, lorsque le Suriname était encore une colonie néerlandaise. Ensemble, ils couvrent près d'un siècle d'histoire du Suriname. Les photos de famille et les récits montrent à quel point les Surinamais, sous l'administration néerlandaise, ont migré aux quatre coins du monde. Ils ont souvent trouvé leur partenaire ailleurs, dans des endroits comme Aruba, Curaçao ou Bonaire, dans les anciennes Indes orientales néerlandaises, aux Pays-Bas ou en Amérique du Nord. La force de cette collection de photos personnelles réside donc dans les nombreux liens qui se sont tissés dans le monde entier.

L'exposition comprend plus d'une centaine de photos de mariage et de nombreuses histoires de famille. Ensemble, elles racontent l'histoire d'innombrables liens personnels qui dépassent les frontières, l'ethnicité ou la religion. Cela ne s'est pas toujours passé sans heurts, mais la plupart des amoureux ont suivi le chemin de leur cœur et l'amour a généralement triomphé de l'esprit du temps.

Les histoires familiales sont souvent liées à des thèmes importants qui caractérisent l'histoire coloniale du Suriname : l'esclavage, le travail sous contrat, l'immigration et l'émigration, les conflits et les luttes. Mais les histoires parlent aussi de liens personnels, de diversité et d'unité. C'est pourquoi les photographies ne revêtent pas seulement une grande importance pour les personnes dont l'histoire familiale a été immortalisée, mais elles témoignent également d'une histoire (inter)nationale partagée.

L'idée de réunir ces portraits extraordinaires est née en 2014 chez Lucia Nankoe, l'initiatrice de cette exposition. Avec son équipe, elle s'est entretenue avec des descendants de couples de mariés ayant au moins un ancêtre d'origine surinamaise. La collection de portraits qui en résulte n'a cessé de croître depuis la publication d'un livre et d'une exposition itinérante en 2019. Le projet compte désormais plus de 135 photos et récits.

La mostra Surinamese Wedding Portraits è una raccolta di fotografie memorabili. I ritratti risalgono al periodo compreso tra il 1846 e il 1954, quando il Suriname era ancora una colonia olandese. Insieme coprono quasi un secolo di storia surinamese. Le foto e le storie di famiglia mostrano quanto i surinamesi, sotto l'amministrazione olandese, siano emigrati in ogni angolo del mondo. Spesso hanno trovato il loro partner altrove, in luoghi come Aruba, Curaçao o Bonaire, nelle ex Indie Orientali Olandesi, nei Paesi Bassi o in Nord America. La forza di questa collezione di foto personali risiede quindi nei numerosi e diversi legami che si estendevano in tutto il mondo.

La mostra comprende più di cento foto di matrimoni e molte storie di famiglia. Insieme raccontano la storia di innumerevoli legami personali che attraversano i confini, l'etnia o la religione. Non sempre le cose sono andate lisce, ma la maggior parte degli innamorati ha seguito la strada del cuore e l'amore ha generalmente trionfato sullo spirito del tempo.

Le storie di famiglia sono spesso legate a temi importanti che caratterizzano la storia coloniale del Suriname: schiavitù, lavoro a contratto, immigrazione ed emigrazione, conflitti e lotte. Ma le storie parlano anche di legami personali, diversità e unità. Per questo motivo, le fotografie non hanno solo un grande significato per le persone le cui storie familiari sono state immortalate, ma mostrano anche una storia (inter)nazionale condivisa.

L'idea di riunire questi straordinari ritratti è nata nel 2014 con Lucia Nankoe, promotrice della mostra. Insieme al suo team ha parlato con i discendenti di coppie di sposi con almeno un antenato di origine surinamese. La collezione di ritratti che ne è scaturita ha continuato a crescere costantemente fino alla pubblicazione di un libro e di una mostra itinerante nel 2019. Il progetto è ora composto da più di 135 foto e storie.

The exhibition Surinamese Wedding Portraits is a collection of memorable photographs. The portraits come from the period from 1846 to 1954, when Suriname was still a Dutch colony. Together they cover almost a century of Surinamese history. The family photos and stories show the extent to which Surinamese people, under Dutch administration, migrated to all corners of the world. They often found their partner elsewhere, in places like Aruba, Curaçao or Bonaire, in the former Dutch East Indies, the Netherlands or North America. The strength of this collection of personal photos, therefore, lies in the many different connections that stretched all over the world.

The exhibition consists of more than one hundred wedding photos and many family histories. Together they tell the story of countless personal bonds that cross borders, ethnicity or religion. This did not always go down smoothly, yet most lovers followed the path of their hearts and love generally triumphed over the spirit of the times.

The family stories are often connected with important themes that characterize the colonial history of Suriname: slavery, contract labour, immigration and emigration, conflict and struggle. But the stories also talk about personal bonds, diversity and unity. For that reason, the photographs are not only of great significance to the people whose family histories were immortalised, but they also show a shared (inter)national history.

The idea to bring these extraordinary portraits together originated with Lucia Nankoe, the initiator of this exhibition, in 2014. Together with her team she spoke with descendants of bridal couples with at least one ancestor of Surinamese descent. The resulting collection of portraits has continued to grow steadily since the publication of a book and a travelling exhibition in 2019. The project now consists of more than 135 photos and stories.

(Text: Foam, Amsterdam)