Fotohof | Salzburg
9. August – 28. September 2024

ANTI/KÖRPER
Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch, Sarah Tasha

Mit ANTI/KÖRPER führt der FOTOHOF sieben künstlerische Positionen zusammen, welche Körper als konkretes Werkzeug nutzen, um Erzählungen zu schaffen, die sich einer klaren Zuordnung in ein bestehendes, durch einen wie auch immer gearteten »Herrschaftsblick« etabliertes, System entziehen. Mit Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch und Sarah Tasha wurden zeitgenössische Künstler:innen eingeladen, die ihre jeweiligen künstlerischen Praxen als strategische Mittel zur symbolischen und expliziten Selbstbehauptung einsetzen und auf diese Weise der, aus der Aufklärung noch heute auf uns kommenden patriarchalen Vernunft, mit ihrer Leidensspur von Ausgegrenztem, Abgespaltenem, Marginalisiertem, Zerstörtem und Verdrängtem, dezidiert entgegenstehen.

Der titelgebende Begriff »Antikörper,« welcher sich üblicherweise auf, vom Immunsystem zur Bekämpfung von Krankheitserregern produzierte Proteine bezieht, symbolisiert in diesem Zusammenhang unter anderem die Idee des Widerstands und der Abwehr. Die ausgewählten Positionen diskutieren gesellschaftliche Normen, Zwänge und Stereotypen, erkunden individuelle wie kollektive Identitäten und blicken auf Formen der Unterdrückung. Sie schaffen alternative Perspektiven auf bestehende Wertesysteme, hinterfragen traditionelle Narrative und erfüllen so eine kulturelle Schutzfunktion, welche in jener organischer Antikörper ihre Entsprechung finden könnte.

Avec ANTI/KÖRPER, la FOTOHOF réunit sept positions artistiques qui utilisent le corps comme un outil concret pour créer des récits qui échappent à une classification claire dans un système existant, établi par un "regard de domination" quel qu'il soit. Avec Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch et Sarah Tasha, nous avons invité des artistes contemporains qui utilisent leurs pratiques artistiques respectives comme des moyens stratégiques pour s'affirmer symboliquement et explicitement, et qui s'opposent ainsi résolument à la raison patriarcale issue des Lumières, avec son cortège de souffrances liées à ce qui est exclu, séparé, marginalisé, détruit et refoulé.

Le terme "anticorps", qui donne son titre à l'ouvrage, se réfère généralement aux protéines produites par le système immunitaire pour lutter contre les agents pathogènes et symbolise, dans ce contexte, l'idée de résistance et de défense. Les positions sélectionnées discutent des normes sociales, des contraintes et des stéréotypes, explorent les identités individuelles et collectives et portent un regard sur les formes d'oppression. Elles créent des perspectives alternatives sur les systèmes de valeurs existants, remettent en question les récits traditionnels et remplissent ainsi une fonction de protection culturelle qui pourrait trouver son équivalent dans celle des anticorps organiques.

Con ANTI/KÖRPER, FOTOHOF riunisce sette posizioni artistiche che utilizzano il corpo come strumento concreto per creare narrazioni che sfidano una chiara categorizzazione in un sistema esistente stabilito da qualsiasi tipo di "visione dominante". Con Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch e Sarah Tasha, sono stati invitati artisti contemporanei che utilizzano le rispettive pratiche artistiche come mezzo strategico di autoaffermazione simbolica ed esplicita e che in questo modo si oppongono decisamente alla ragione patriarcale che ancora oggi ci arriva dall'Illuminismo, con la sua scia di sofferenza degli esclusi, degli scissi, degli emarginati, dei distrutti e dei repressi.

Il termine omonimo "anticorpo", che di solito si riferisce alle proteine prodotte dal sistema immunitario per combattere gli agenti patogeni, simboleggia in questo contesto l'idea di resistenza e difesa. Le posizioni selezionate discutono le norme sociali, le costrizioni e gli stereotipi, esplorano le identità individuali e collettive ed esaminano le forme di oppressione. Creano prospettive alternative sui sistemi di valori esistenti, mettono in discussione le narrazioni tradizionali e svolgono una funzione di protezione culturale che potrebbe trovare un equivalente in quella degli anticorpi organici.

With ANTI/BODY, FOTOHOF brings together artistic positions that use the body as a concrete tool to create narratives and images that defy clear categorization in an existing system established by a »dominant view« (of whatever kind). With Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch and Sarah Tasha, contemporary artists have been invited who use their respective artistic practices as a strategic means of symbolic and explicit self-assertion and in this way resolutely oppose the patriarchal reason that still comes to us today from the Enlightenment with its trail of suffering of the excluded, the split off, the marginalized, the destroyed and the repressed.

The eponymous term »antibody«, which usually refers to proteins produced by the immune system to combat pathogens, symbolizes the idea of resistance and defence in this context. The selected artistic positions discuss social norms, constraints and stereotypes, explore individual and collective identities and look at forms of oppression. They create alternative perspectives on existing value systems, question traditional narratives and thus fulfill a cultural protective function that could find its counterpart in the biological nature of antibodies.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
9. August – 28. September 2024

Lillian Birnbaum und Heidi Harsieber: Serien aus den 1980er Jahren

Mit Fotoserien von Lillian Birnbaum und Heidi Harsieber präsentieren wir im FOTOHOF>STUDIO Kooperationen, die diese beiden Künstlerinnen in den 1980er Jahren mit Künstlerkollegen geschaffen haben, die sich im Umfeld des Aktionismus bewegten. Entsprechend der Konzeption des FOTOHOF>ARCHIV haben wir gemeinsam mit den beiden Fotografinnen frühe Projekte, die in der Zwischenzeit nur mehr schwer zugänglich sind, im Rahmen des Archivs neu herausgegeben und zum Teil neu ausgearbeitet, um sie wieder für den Kunstdiskurs zur Verfügung zu stellen.

Lillian Birnbaum dokumentiert in Zusammenarbeit mit Günter Brus in der Fotoserie »Der Selbstmensch« (1987) das Entstehen der gleichnamigen aktionistischen Arbeit. Heidi Harsieber zeigt Herman Nitsch bei einer »Probe zum 3-Tages Spiel in Prinzendorf« (1984) und von Heidi Harsieber stammt auch die dritte Fotoserie, »Franz Koglmann, Probe zu Tanzmusik für Paszstücke von Franz West (1983)«.

Lillian Birnbaum fotografierte die Serie »Der Selbstmensch« (ursprünglich verlegt von den Galerien Heike Curtze und Petra Seiser) im Atelier von Günter Brus. Er schreibt in einem Text aus dem Jahr 2015 zu ihrer Zusammenarbeit: »…) wir entwickelten die Idee, dass Lillian Birnbaum eine Fotoserie vom Entstehen einer lebensgroßen Zeichnung in meinem Atelier machen würde. (…) Damit stellte ich die Aktion, das Zeichnen und Schreiben gemeinsam zur Schau, was Lillian Birnbaum kongenial festhielt.«

Heidi Harsieber nutzte eine Probe, die Hermann Nitsch vor Beginn seines 3-Tage-Spiels 1984 in Prinzendorf im erdigen Keller seines Schlosses durchführte, bei der sie auch selbst ihre fotografischen Möglichkeiten ohne Kunstlicht oder andere Hilfsmittel mit analogem Film testete. So entstand eine einmalige Serie in einer lockeren Probensituation, die aber gleichzeitig eine besondere Authentizität besitzt, da sie ohne die spätere Inszenierung des großen Festes auskommt. Die dunkle Stimmung der Fotos und ihre fast malerische Körnigkeit sind diesen besonderen Entstehungsbedingungen geschuldet.

Mit der Fotoserie »Franz Koglmann, Probe zu Tanzmusik für Paszstücke von Franz West (1983)« arbeitete Heidi Harsieber mit zwei Künstlern zusammen: sie dokumentiert eine Probe für eine Komposition, die der österreichische Jazzmusiker Franz Koglmann mit und für die bildhauerischen Objekte von Franz West durchgeführt hat. Mit diesen »Paszstücken«, die sich menschlichen Körperformen anpassen oder sie erweitern (auch im übertragenen Sinn), versuchte Franz West seit Mitte der 1970er Jahre die Trennung von Kunst/Objekt und Betrachter/Nutzer aufzuheben, eine Zielsetzung, die ja auch dem Wiener Aktionismus eigen ist.

Avec les séries photographiques de Lillian Birnbaum et Heidi Harsieber, nous présentons au FOTOHOF>STUDIO des coopérations que ces deux artistes ont créées dans les années 1980 avec des collègues artistes qui évoluaient dans le milieu de l'actionnisme. Conformément à la conception du FOTOHOF>ARCHIV, nous avons, en collaboration avec les deux photographes, réédité dans le cadre des archives des projets précoces devenus entre-temps difficilement accessibles, et nous les avons en partie réélaborés afin de les transmettre à nouveau au discours artistique.

Lillian Birnbaum, en collaboration avec Günter Brus, documente dans la série de photos "Der Selbstmensch" (1987) la naissance du travail actionniste du même nom. Heidi Harsieber montre Herman Nitsch lors d'une "Répétition pour le jeu de 3 jours à Prinzendorf" (1984) et c'est également à Heidi Harsieber que l'on doit la troisième série de photos, "Franz Koglmann, Répétition sur musique de danse pour pastiches de Franz West (1983)".

Lillian Birnbaum a photographié la série "Der Selbstmensch" (initialement publiée par les galeries Heike Curtze et Petra Seiser) dans l'atelier de Günter Brus. Celui-ci écrit dans un texte de 2015 à propos de leur collaboration : "...) nous avons développé l'idée que Lillian Birnbaum réaliserait une série de photos de la naissance d'un dessin grandeur nature dans mon atelier. (...) Je transmettais ainsi l'action, le dessin et l'écriture ensemble, ce que Lillian Birnbaum immortalisait de manière congéniale".

Heidi Harsieber a profité d'une répétition organisée par Hermann Nitsch avant le début de son jeu de 3 jours en 1984 à Prinzendorf, dans la cave terreuse de son château, au cours de laquelle elle a également testé elle-même ses possibilités photographiques sans lumière artificielle ou autres moyens, avec un film analogique. C'est ainsi qu'est née une série unique dans une situation de répétition décontractée, mais qui possède en même temps une authenticité particulière, car elle se passe de la mise en scène ultérieure de la grande fête. L'ambiance sombre des photos et leur granularité presque picturale sont dues à ces conditions de réalisation particulières.

Avec la série de photos "Franz Koglmann, répétition de musique de danse pour Paszstücke de Franz West (1983)", Heidi Harsieber a collaboré avec deux artistes : elle documente une répétition pour une composition que le musicien de jazz autrichien Franz Koglmann a réalisée avec et pour les objets sculpturaux de Franz West. Avec ces "pièces de passeport" qui s'adaptent aux formes du corps humain ou les élargissent (également au sens figuré), Franz West a tenté, depuis le milieu des années 1970, d'abolir la séparation entre l'art/l'objet et le spectateur/l'utilisateur, un objectif qui est après tout également propre à l'actionnisme viennois.

Con le serie fotografiche di Lillian Birnbaum e Heidi Harsieber, il FOTOHOF>STUDIO presenta le collaborazioni che queste due artiste hanno creato negli anni Ottanta con altri artisti attivi nel campo dell'Azionismo. In linea con il concetto di FOTOHOF>ARCHIVE, abbiamo lavorato insieme ai due fotografi per ripubblicare i primi progetti, oggi difficilmente accessibili, come parte dell'archivio e, in alcuni casi, per rielaborarli al fine di renderli nuovamente disponibili per il discorso artistico.

In collaborazione con Günter Brus, Lillian Birnbaum documenta la creazione dell'omonima opera actionista nella serie fotografica "Der Selbstmensch" (1987). Heidi Harsieber mostra Herman Nitsch durante una "Prova per lo spettacolo di tre giorni a Prinzendorf" (1984) e la terza serie di foto, "Franz Koglmann, prove di musica per Paszstücke di Franz West (1983)", è anch'essa di Heidi Harsieber.

Lillian Birnbaum ha fotografato la serie "Der Selbstmensch" (originariamente pubblicata dalle gallerie Heike Curtze e Petra Seiser) nello studio di Günter Brus. In un testo del 2015, egli ha scritto a proposito della loro collaborazione: "...) abbiamo sviluppato l'idea che Lillian Birnbaum avrebbe scattato una serie di fotografie della creazione di un disegno a grandezza naturale nel mio studio. (...) L'ho usato per mostrare l'azione, il disegno e la scrittura insieme, che Lillian Birnbaum ha catturato in modo congeniale".

Heidi Harsieber ha approfittato di una prova che Hermann Nitsch ha effettuato nella cantina terrosa del suo castello a Prinzendorf prima dell'inizio del suo spettacolo di tre giorni nel 1984, durante il quale ha anche testato le proprie possibilità fotografiche senza luce artificiale o altri ausili utilizzando una pellicola analogica. Ne è nata una serie unica in una situazione di prova rilassata, che allo stesso tempo possiede una speciale autenticità, in quanto priva della successiva messa in scena della grande festa. L'atmosfera cupa delle foto e la loro granulosità quasi pittorica sono dovute alle condizioni speciali in cui sono state scattate.

Con la serie fotografica "Franz Koglmann, prove di musica da ballo per Paszstücke di Franz West (1983)", Heidi Harsieber ha lavorato insieme a due artisti: documenta le prove di una composizione che il musicista jazz austriaco Franz Koglmann ha eseguito con e per gli oggetti scultorei di Franz West. Con questi "Paszstücke", che si adattano alle forme del corpo umano o le estendono (anche in senso figurativo), Franz West ha cercato di eliminare la separazione tra arte/oggetto e spettatore/fruitore fin dalla metà degli anni Settanta, un obiettivo che è anche caratteristico dell'Azionismo viennese.

With photo series by Lillian Birnbaum and Heidi Harsieber, the FOTOHOF>STUDIO presents collaborations that these two artists created in the 1980s with fellow artists who were active in the field of Actionism. In line with the concept of the FOTOHOF>ARCHIVE, we have worked with the two photographers to republish early projects, which are now difficult to access, as part of the archive and in some cases reworked them in order to make them available again for the art discourse.

In collaboration with Günter Brus, Lillian Birnbaum documents the creation of the actionist work of the same name in the photo series »Der Selbstmensch« (1987). Heidi Harsieber shows Herman Nitsch at a »Rehearsal for the 3-day play in Prinzendorf« (1984) and the third photo series, »Franz Koglmann, rehearsals for dance music for Paszstücke by Franz West (1983)«, is also by Heidi Harsieber.

Lillian Birnbaum photographed the series »Der Selbstmensch« (originally published by the galleries Heike Curtze and Petra Seiser) in Günter Brus' studio. In a text from 2015, he wrote about their collaboration: »…) we developed the idea that Lillian Birnbaum would take a series of photographs of the creation of a life-size drawing in my studio. (...) I used it to showcase the action, drawing and writing together, which Lillian Birnbaum captured congenially.«

Heidi Harsieber took advantage of a rehearsal that Hermann Nitsch carried out in the earthy cellar of his castle in Prinzendorf before the start of his 3-Day-Play in 1984, during which she also tested her own photographic possibilities without artificial light or other aids using analog film. This resulted in a unique series in a relaxed rehearsal situation, which at the same time possesses a special authenticity, as it does without the later staging of the great festival. The dark mood of the photos and their almost painterly graininess are due to these special conditions under which they were taken.

With the photo series »Franz Koglmann, rehearsal for dance music for Paszstücke by Franz West (1983)«, Heidi Harsieber collaborated with two artists: she documents a rehearsal for a composition that the Austrian jazz musician Franz Koglmann performed with and for Franz West's sculptural objects. With these »Paszstücke«, which adapt to human body shapes or extend them (also in a figurative sense), Franz West has been attempting to eliminate the separation between art/object and viewer/user since the mid-1970s, an objective that is also characteristic of Viennese Actionism.

(Text: Kurt Kaindl)

Fotohof
7. Juni – 3. August 2024

Ein klarer Blick in turbulenten Zeiten
Edith Tudor-Hart

Das Werk der österreichisch-britischen Exilfotografin Edith Tudor-Hart (1908 – 1973) wird in der Ausstellung „Ein klarer Blick in turbulenten Zeiten“ in einer umfangreichen Retrospektive gezeigt.

Das FOTOHOF>ARCHIV hat in den letzten Jahren alle noch vorhandenen Negative, einen umfangreichen Bestand an Vintage Prints und ihr Scrapbook (ein Sammelalbum ihrer Publikationstätigkeit) erhalten und aufgearbeitet, die jetzt zum ersten Mal gesammelt der Öffentlichkeit präsentiert werden.

Edith Tudor-Hart (geb. Edith Suschitzky) war eine zentrale Protagonistin der Sozialdokumentarischen Fotografie zwischen 1930 und 1955. Sie wies auf gesellschaftliche Missstände hin, behandelte Themen wie Armut, Integration und Frauenrechte und bildete die Lebensbedingungen der arbeitenden Klasse ab. Ihr Werk ist zudem von der Stilrichtung des Neuen Sehens beeinflusst und leistete einen wichtigen Beitrag zur Darstellung progressiver Erziehungsmethoden, modernistischer Architektur und des modernen Tanzes.

Aus einer jüdischen Familie in Wien stammend und als überzeugte Kommunistin war ihr Lebensweg von politischer Verfolgung und persönlichen Schicksalsschlägen gezeichnet.

Während ihres Lebens kämpfte Edith Tudor-Hart gegen den aufkommenden Faschismus und die Ausgrenzung von Minderheiten an und vereint in ihrem Werk persönliche Haltung mit dem gesellschaftlichen Abbild ihrer Zeit.

L'œuvre de la photographe austro-britannique en exil Edith Tudor-Hart (1908 - 1973) fait l'objet d'une vaste rétrospective dans le cadre de l'exposition "Ein klarer Blick in turbulenten Zeiten".

Ces dernières années, le FOTOHOF>ARCHIV a conservé et traité tous les négatifs encore disponibles, un important stock d'impressions vintage et son scrapbook (un album de ses publications), qui sont maintenant présentés au public pour la première fois de manière collective.

Edith Tudor-Hart (née Edith Suschitzky) a été une protagoniste centrale de la photographie documentaire sociale entre 1930 et 1955. Elle a attiré l'attention sur les dysfonctionnements sociaux, a traité des thèmes tels que la pauvreté, l'intégration et les droits des femmes et a illustré les conditions de vie de la classe ouvrière. Son œuvre est en outre influencée par le style de la Nouvelle vision et a apporté une contribution importante à la représentation des méthodes d'éducation progressistes, de l'architecture moderniste et de la danse moderne.

Issue d'une famille juive de Vienne et communiste convaincue, son parcours a été marqué par la persécution politique et les coups du sort personnels.

Tout au long de sa vie, Edith Tudor-Hart a lutté contre la montée du fascisme et l'exclusion des minorités, alliant dans son œuvre une attitude personnelle et le reflet de la société de son époque.

L'opera della fotografa austriaca-britannica in esilio Edith Tudor-Hart (1908-1973) è esposta nella mostra "A clear view in turbulent times" in un'ampia retrospettiva.

Negli ultimi anni, il FOTOHOF>ARCHIV ha ricevuto ed elaborato tutti i negativi ancora esistenti, una vasta collezione di stampe d'epoca e il suo scrapbook (un album delle sue attività di pubblicazione), che ora vengono presentati al pubblico per la prima volta.

Edith Tudor-Hart (nata Edith Suschitzky) è stata una protagonista centrale della fotografia documentaria sociale tra il 1930 e il 1955, mettendo in luce le rivendicazioni sociali, affrontando temi come la povertà, l'integrazione e i diritti delle donne e ritraendo le condizioni di vita della classe operaia. Il suo lavoro è stato anche influenzato dallo stile New Vision e ha dato un importante contributo alla rappresentazione dei metodi educativi progressisti, dell'architettura modernista e della danza moderna.

Proveniente da una famiglia ebrea di Vienna e convinta comunista, la sua vita fu segnata da persecuzioni politiche e disgrazie personali.

Per tutta la vita, Edith Tudor-Hart ha lottato contro l'ascesa del fascismo e l'emarginazione delle minoranze, combinando nel suo lavoro atteggiamenti personali e l'immagine sociale del suo tempo.

The work of the Austrian-British exile photographer Edith Tudor-Hart (1908 - 1973) is shown in the exhibition »A Steady Eye in Turbulent Times« in an extensive retrospective.

In recent years, the FOTOHOF>ARCHIVE has preserved and processed all the negatives still in existence, an extensive collection of vintage prints and her scrapbook (an account of her publication activities), which are now being presented to the public for the first time.

Edith Tudor-Hart (née Edith Suschitzky) was a central protagonist of social documentary photography between 1930 and 1955. She drew attention to social grievances, dealt with topics such as poverty, integration and women's rights and depicted the living conditions of the working class. Her work was also influenced by the Neues Sehen [New Vision] style and made an important contribution to the depiction of progressive educational methods, modernist architecture and modern dance.

Coming from a Jewish family in Vienna and a staunch communist, her life was marked by political persecution and personal misfortune.

Throughout her life, Edith Tudor-Hart fought against the rise of fascism and the marginalization of minorities, combining personal attitudes with the social image of her time in her work.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
26. April – 15. September 2024

Poesie des Alltäglichen
Elfriede Mejchar

2024 finden an drei Museen Ausstellungen mit Arbeiten der österreichischen Fotografin Elfriede Mejchar (1924–2020 Wien, AT) statt. Das Museum der Moderne Salzburg ist Teil einer Kooperation mit der Landesgalerie Niederösterreich und dem Wien Museum, die zum 100. Geburtstag der Künstlerin deren Werk an drei verschiedenen Standorten mit jeweils unterschiedlichen Schwerpunkten würdigt.

Salzburgs Beitrag zu diesem gemeinschaftlichen Projekt präsentiert die Künstlerin als Porträtistin. Mit ihrer Werkserie „Künstler bei der Arbeit“ (1954–1961) zeigt Mejchar beispielsweise eindrücklich, wie sie sich durch eine genaue Kartierung der Arbeitssituation im Atelier der Künstlerpersönlichkeit von Christa Hauer, Friedensreich Hundertwasser, Josef Mikl und Arnulf Rainer annähert. Mit der gleichen präzisen Wahrnehmung begegnet sie aber auch den unbelebten Dingen ihrer Umgebung und verleiht Landschaften, Blumen und ausrangiertem Mobiliar die Anmutung von beseelten Porträtaufnahmen.

Der Bestand an Fotografien von Mejchar in den Fotosammlungen am Museum der Moderne Salzburg umfasst insgesamt 665 Werke. Otto Breicha, der erste Direktor der Vorläuferinstitution, war ein langjähriger Wegbegleiter Mejchars, der den künstlerischen Wert ihrer fotografischen Arbeit erkannte und förderte. So gelangte bereits 1982, ein Jahr vor der offiziellen Eröffnung des Rupertinum, ein umfassendes Konvolut in die fotografische Sammlung, das durch weitere Ankäufe und Schenkungen anwuchs und einen Schwerpunkt im Bestand darstellt.

Kuratorin: Katharina Ehrl

Zur Ausstellung erscheint in Kooperation mit den Partnermuseen die erste Standardpublikation zum Werk von Elfriede Mejchar.

In Kooperation mit dem Wien Museum und der Landesgalerie Niederösterreich

En 2024, trois musées accueilleront des expositions consacrées aux travaux de la photographe autrichienne Elfriede Mejchar (1924-2020 Vienne, AT). Le Musée d'art moderne de Salzbourg fait partie d'une coopération avec la Galerie régionale de Basse-Autriche et le Musée de Vienne qui, à l'occasion du centenaire de la naissance de l'artiste, rend hommage à son œuvre dans trois lieux différents, chacun avec un accent différent.

La contribution de Salzbourg à ce projet commun présente l'artiste en tant que portraitiste. Avec sa série d'œuvres "Artistes au travail" (1954-1961), Mejchar montre par exemple de manière impressionnante comment elle s'approche de la personnalité des artistes Christa Hauer, Friedensreich Hundertwasser, Josef Mikl et Arnulf Rainer en cartographiant avec précision la situation de travail dans l'atelier. Mais c'est aussi avec la même perception précise qu'elle rencontre les choses inanimées de son environnement et donne aux paysages, aux fleurs et au mobilier mis au rebut l'apparence de portraits animés.

Le fonds de photographies de Mejchar dans les collections de photos du Museum der Moderne Salzburg comprend 665 œuvres au total. Otto Breicha, le premier directeur de l'institution précédente, était un compagnon de longue date de Mejchar, qui a reconnu et encouragé la valeur artistique de son travail photographique. C'est ainsi qu'en 1982 déjà, un an avant l'ouverture officielle du Rupertinum, un vaste ensemble est entré dans la collection photographique, qui s'est agrandie grâce à d'autres achats et donations et constitue un point fort du fonds.

Commissaire d'exposition : Katharina Ehrl

À l'occasion de l'exposition, la première publication standard sur l'œuvre d'Elfriede Mejchar est publiée en coopération avec les musées partenaires.

En coopération avec le Wien Museum et la Landesgalerie Niederösterreich

Nel 2024, tre musei ospiteranno mostre di opere della fotografa austriaca Elfriede Mejchar (1924-2020 Vienna, AT). Il Museum der Moderne di Salisburgo fa parte di una collaborazione con la Landesgalerie Niederösterreich e il Wien Museum, che rende omaggio all'opera dell'artista in tre sedi diverse, ciascuna con un focus differente, in occasione del centenario della sua nascita.

Il contributo di Salisburgo a questo progetto comune presenta l'artista come ritrattista. Con la serie di opere "Artisti al lavoro" (1954-1961), ad esempio, Mejchar mostra in modo impressionante come si avvicina alla personalità artistica di Christa Hauer, Friedensreich Hundertwasser, Josef Mikl e Arnulf Rainer, mappando con precisione la situazione lavorativa nello studio. Con la stessa percezione precisa, tuttavia, incontra anche gli oggetti inanimati del suo ambiente e conferisce a paesaggi, fiori e mobili dismessi l'aspetto di ritratti animati.

La raccolta di fotografie di Mejchar nelle collezioni fotografiche del Museum der Moderne Salzburg comprende un totale di 665 opere. Otto Breicha, il primo direttore dell'istituzione precedente, era un compagno di lunga data di Mejchar, che riconosceva e promuoveva il valore artistico del suo lavoro fotografico. Già nel 1982, un anno prima dell'apertura ufficiale del Rupertinum, alla collezione fotografica si aggiunse un'ampia raccolta, che crebbe attraverso ulteriori acquisti e donazioni e che oggi rappresenta un punto focale del patrimonio.

Curatore: Katharina Ehrl

La prima pubblicazione standard sul lavoro di Elfriede Mejchar sarà pubblicata in collaborazione con i musei partner per accompagnare la mostra.

In collaborazione con il Museo di Vienna e la Landesgalerie Niederösterreich

In 2024, three museums will host exhibitions of works by Austrian photographer Elfriede Mejchar (1924-2020 Vienna, AT). The Museum der Moderne Salzburg is part of a cooperation with the Landesgalerie Niederösterreich and the Wien Museum, which is honoring the artist's work at three different locations, each with a different focus, to mark the 100th anniversary of her birth.

Salzburg's contribution to this joint project presents the artist as a portraitist. With her series of works "Artists at Work" (1954-1961), for example, Mejchar impressively shows how she approaches the artistic personality of Christa Hauer, Friedensreich Hundertwasser, Josef Mikl and Arnulf Rainer by precisely mapping the working situation in the studio. With the same precise perception, however, she also encounters the inanimate objects in her surroundings and lends landscapes, flowers and discarded furniture the appearance of animated portraits.

The collection of photographs by Mejchar in the photo collections at the Museum der Moderne Salzburg comprises a total of 665 works. Otto Breicha, the first director of the predecessor institution, was a long-time companion of Mejchar, who recognized and promoted the artistic value of her photographic work. As early as 1982, one year before the official opening of the Rupertinum, a comprehensive collection was added to the photographic collection, which grew through further purchases and donations and is a focal point of the holdings.

Curator: Katharina Ehrl

The first standard publication on the work of Elfriede Mejchar will be published in cooperation with the partner museums to accompany the exhibition.

In cooperation with the Wien Museum and the Landesgalerie Niederösterreich

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Museum der Moderne - Rupertinum | Salzburg
26. April – 7. Juli 2024

Spannungsfeld Fotografie - 7 Versuche einer Standortbestimmung

Hubert Blanz, backhaus+froschauer, Anna Breit, Maurizio Cirillo, Nilbar Güreş, Ferhat Özgür, Rudolf Zündel

Der Versuch, einen Standort zu bestimmen, bezieht sich in der Regel auf die Definition der gegenwärtigen geografischen Position eines Objekts oder Individuums. Eine Standortbestimmung kann aber weit komplexer und vielschichtiger sein und Selbstreflexionen über Werte und die aktuelle Position im Leben einschließen.

Die Ausstellung zeigt sieben künstlerische Auseinandersetzungen mit der Positionierung in Raum und Zeit, die neben geografischen auch kulturellen, sozialen, emotionalen oder ideologischen Dimensionen umfassen. Sie werfen zudem Fragen nach dem eigenen Standpunkt in der Welt und den Wechselwirkungen zwischen individueller Identität und Umgebung auf. Auf diese Art und Weise reflektieren und erforschen die Künstler:innen nicht nur die Ambivalenz von Orten, sondern auch Fragen nach Zugehörigkeit, Globalisierung oder der persönlichen Perspektive. In einer Welt, die sich ständig verändert und in der Identität und gesellschaftliche Verortung oft in Frage gestellt werden, bieten die sieben Positionen verschiedene Ansätze mit unterschiedlichen Blickwinkeln zum Umgang damit.

Den Anfang macht eine Arbeit von Rudolf Zündel aus den 1970er-Jahren, die sich mit der unentbehrlichen ersten Gastarbeiter:innen-generation beschäftigt und Fragen nach Heimat, Integration und dem Gefühl stellt, sich in einer ungewohnten Gesellschaft zu bewegen. Die Arbeiten des Künstlerduos backhaus+froschauer und von Hubert Blanz haben den urbanen Raum und die Zwiespältigkeit von Orten im Fokus. Auch Maurizio Cirillos Serie setzt sich mit dem Stadtraum auseinander, aber im Hinblick auf die Suche nach den Beziehungen zu unserer Umgebung und Umwelt. Wie bei Zündel finden sich in den Positionen von Anna Breit, Nilbar Güreş und Ferhat Özgür Fragen von Integration und Zugehörigkeit, aber auch das Hinterfragen von kulturellen und gesellschaftlichen Normen und Traditionen.

La tentative de détermination d'un emplacement se réfère généralement à la définition de la position géographique actuelle d'un objet ou d'un individu. Mais une définition de la position peut être bien plus complexe et multidimensionnelle et inclure des réflexions sur soi-même, sur les valeurs et la position actuelle dans la vie.

L'exposition présente sept réflexions artistiques sur le positionnement dans l'espace et le temps, qui englobent non seulement des dimensions géographiques, mais aussi culturelles, sociales, émotionnelles ou idéologiques. Vous soulevez en outre des questions sur votre propre position dans le monde et sur les interactions entre l'identité individuelle et l'environnement. De cette manière, les artistes ne réfléchissent et n'explorent pas seulement l'ambivalence des lieux, mais aussi les questions d'appartenance, de mondialisation ou de perspective personnelle. Dans un monde en constante évolution, où l'identité et la localisation sociale sont souvent remises en question, les sept positions proposent différentes approches avec différents points de vue sur la manière de les aborder.

Tout commence par un travail de Rudolf Zündel datant des années 1970, qui s'intéresse à l'indispensable première génération de travailleurs immigrés et transmet des questions sur la patrie, l'intégration et le sentiment d'évoluer dans une société inhabituelle. Les travaux du duo d'artistes backhaus+froschauer et d'Hubert Blanz se concentrent sur l'espace urbain et l'ambiguïté des lieux. La série de Maurizio Cirillo aborde elle aussi l'espace urbain, mais dans l'optique d'une recherche sur les relations avec notre environnement et notre entourage. Comme chez Zündel, on retrouve dans les positions d'Anna Breit, Nilbar Güreş et Ferhat Özgür des questions d'intégration et d'appartenance, mais aussi la remise en question des normes et des traditions culturelles et sociales.

Il tentativo di determinare una posizione si riferisce solitamente alla definizione dell'attuale posizione geografica di un oggetto o di un individuo. Tuttavia, la determinazione di una posizione può essere molto più complessa e stratificata e includere un'auto-riflessione sui valori e sulla propria posizione attuale nella vita.

La mostra presenta sette esplorazioni artistiche del posizionamento nello spazio e nel tempo, che comprendono non solo la dimensione geografica ma anche quella culturale, sociale, emotiva o ideologica. Esse sollevano anche domande sulla propria posizione nel mondo e sulle interazioni tra identità individuale e ambiente. In questo modo, gli artisti riflettono ed esplorano non solo l'ambivalenza dei luoghi, ma anche questioni di appartenenza, globalizzazione e prospettiva personale. In un mondo in costante mutamento, in cui l'identità e la localizzazione sociale sono spesso messe in discussione, le sette posizioni offrono approcci diversi con prospettive differenti su come affrontare la questione.

La mostra inizia con un'opera di Rudolf Zündel degli anni Settanta, che tratta dell'indispensabile prima generazione di lavoratori ospiti e pone domande sulla casa, l'integrazione e la sensazione di muoversi in una società sconosciuta. Le opere del duo di artisti backhaus+froschauer e Hubert Blanz si concentrano sullo spazio urbano e sull'ambivalenza dei luoghi. Anche la serie di Maurizio Cirillo si occupa dello spazio urbano, ma in termini di ricerca di relazioni con l'ambiente circostante. Come per Zündel, le posizioni di Anna Breit, Nilbar Güreş e Ferhat Özgür affrontano questioni di integrazione e appartenenza, ma analizzano anche norme e tradizioni culturali e sociali.

The attempt to determine a location usually refers to the definition of the current geographical position of an object or individual. However, determining a location can be far more complex and multi-layered and include self-reflection on values and one's current position in life.

The exhibition shows seven artistic explorations of positioning in space and time, which encompass not only geographical but also cultural, social, emotional or ideological dimensions. They also raise questions about one's own position in the world and the interactions between individual identity and environment. In this way, the artists reflect on and explore not only the ambivalence of places, but also questions of belonging, globalization and personal perspective. In a world that is constantly changing and in which identity and social location are often called into question, the seven positions offer different approaches with different perspectives on how to deal with this.

The exhibition begins with a work by Rudolf Zündel from the 1970s, which deals with the indispensable first generation of guest workers and poses questions about home, integration and the feeling of moving in an unfamiliar society. The works of the artist duo backhaus+froschauer and Hubert Blanz focus on urban space and the ambivalence of places. Maurizio Cirillo's series also deals with urban space, but in terms of the search for relationships with our surroundings and environment. As with Zündel, the positions of Anna Breit, Nilbar Güreş and Ferhat Özgür address issues of integration and belonging, but also question cultural and social norms and traditions.

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Leica Galerie Salzburg
25. April – 20. Juli 2024

Life at its best
Herlinde Koelbl

Vielfältige Themen der Ausstellung: Die Ausstellung "Life at its best" präsentiert eine Auswahl von Kölbls herausragenden Themen, darunter "Metamorphosen", "Haare", "Frauen und Männerakte", "Schriftsteller Hände", "Feine Leute" und "Here There Everywhere".

"Metamorphosen" - Die Vergänglichkeit der Natur: In der Serie "Metamorphosen" widmet sich Herlinde Kölbl nicht dem Menschen, sondern der vergänglichen Natur. Die Fotografien von Flecken, weißem Flaum und abgeknickten Köpfen zeigen Pflanzen in ihrer Vergänglichkeit. Überraschenderweise erzeugen die Bilder jedoch keine Melancholie, sondern vermitteln dem Betrachter eine tiefe Ruhe. Die Fotografien regen dazu an, über das Unverfügbare nachzudenken und das Unveränderliche zu akzeptieren.

Projekt Schriftsteller: Herlinde Kölbls ambitioniertes Projekt über Schriftsteller und ihre Arbeitswelten sieht vor, Persönlichkeiten fotografisch und textlich zu porträtieren, wobei nicht die Gesichter, sondern die Hände und Schreibwerkzeuge der Autoren im Mittelpunkt stehen. Durch Gespräche mit den Schriftstellern über die Wahl ihrer Schreibutensilien, ihren Arbeitsrhythmus und vor allem ihre Motivation zu schreiben, entsteht eine tiefe Annäherung. Die Zusammenstellung des ursprünglich 40-teiligen Zyklus umfasst namhafte Autoren wie Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass und Peter Handke.

Zyklen "Starke Frauen" und „Männer“: Mit den "Starken Frauen" zeigt Kölbl die Kraft der frühen Göttinnen, während die Männer als spannungsvoller Gegenpol in der ganzen Widersprüchlichkeit von Zärtlichkeit, Stärke und Aggression präsentiert werden. Die Haut als sichtbarer Mittler des Begehrens verbindet beide Geschlechter in ihrer Weichheit und ihrem Glanz.

Eine weitere Serie ist "Feine Leute 1979 - 1985", in der die Fotografin sechs Jahre lang Bälle, Partys und gesellschaftliche Ereignisse in Deutschland dokumentierte und damit einen einzigartigen Einblick in die High Society gewährt.

Thèmes variés de l'exposition : l'exposition "Life at its best" présente une sélection des thèmes les plus remarquables de Kölbl, dont "Métamorphoses", "Cheveux", "Femmes et nus masculins", "Mains d'écrivain", "Gens raffinés" et "Here There Everywhere".

"Métamorphoses" - Le caractère éphémère de la nature : Dans la série "Metamorphosen", Herlinde Kölbl ne se consacre pas à l'homme, mais à la nature éphémère. Les photographies de taches, de duvet blanc et de têtes pliées montrent les plantes dans leur caractère éphémère. De manière surprenante, les images ne génèrent toutefois pas de mélancolie, mais transmettent au spectateur une profonde sérénité. Les photographies incitent à réfléchir à l'indisponible et à accepter l'immuable.

Projet écrivains : le projet ambitieux d'Herlinde Kölbl sur les écrivains et leurs univers de travail prévoit de faire le portrait de personnalités par la photographie et le texte, en se concentrant non pas sur les visages, mais sur les mains et les outils d'écriture des auteurs. En discutant avec les écrivains du choix de leurs outils d'écriture, de leur rythme de travail et surtout de leur motivation à écrire, un rapprochement profond s'opère. La composition du cycle, qui comportait à l'origine 40 parties, comprend des auteurs de renom tels que Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass et Peter Handke.

Cycles "Femmes fortes" et "Hommes" : avec les "Femmes fortes", Kölbl montre la force des déesses primitives, tandis que les hommes sont présentés comme un contrepoint tendu, dans toute la contradiction de la tendresse, de la force et de l'agression. La peau, médiateur visible du désir, relie les deux sexes dans sa douceur et son éclat.

Une autre série est "Feine Leute 1979 - 1985", dans laquelle la photographe a documenté pendant six ans des bals, des fêtes et des événements sociaux en Allemagne, offrant ainsi un aperçu unique de la haute société.

Temi espositivi diversi: la mostra "La vita al suo meglio" presenta una selezione dei temi più importanti di Kölbl, tra cui "Metamorfosi", "Capelli", "Nudi femminili e maschili", "Mani di scrittori", "Belle persone" e "Qui, là, ovunque".

"Metamorfosi" - La caducità della natura: Nella serie "Metamorphoses", Herlinde Kölbl non si concentra sulle persone, ma sulla natura transitoria. Le fotografie di macchie, peluria bianca e teste staccate mostrano le piante nella loro transitorietà. Sorprendentemente, però, le immagini non evocano malinconia, ma piuttosto trasmettono allo spettatore un profondo senso di calma. Le fotografie ci incoraggiano a riflettere sull'irraggiungibile e ad accettare l'immutabile.

Writers project: l'ambizioso progetto di Herlinde Kölbl sugli scrittori e i loro ambienti di lavoro mira a ritrarre le personalità dal punto di vista fotografico e testuale, concentrandosi non sui loro volti ma sulle loro mani e sugli strumenti di scrittura. Parlando con gli scrittori della loro scelta di strumenti di scrittura, del loro ritmo di lavoro e, soprattutto, della loro motivazione a scrivere, si crea un profondo avvicinamento. La compilazione del ciclo originale in 40 parti comprende autori noti come Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass e Peter Handke.

I cicli "Donne forti" e "Uomini": con le "Donne forti", Kölbl mostra il potere delle prime dee, mentre gli uomini sono presentati come una tesa antitesi in tutte le loro contraddizioni di tenerezza, forza e aggressività. La pelle come mediatore visibile del desiderio unisce entrambi i sessi nella sua morbidezza e lucentezza.

Un'altra serie è "Feine Leute 1979 - 1985", in cui il fotografo ha documentato per sei anni balli, feste ed eventi sociali in Germania, offrendo uno sguardo unico sull'alta società.

Diverse exhibition themes: The exhibition "Life at its best" presents a selection of Kölbl's outstanding themes, including "Metamorphoses", "Hair", "Women and Men's Nudes", "Writers' Hands", "Fine People" and "Here There Everywhere".

"Metamorphoses" - The transience of nature: In the "Metamorphoses" series, Herlinde Kölbl focuses not on people, but on transient nature. The photographs of spots, white fluff and snapped-off heads show plants in their transience. Surprisingly, however, the images do not evoke melancholy, but rather convey a deep sense of calm to the viewer. The photographs encourage us to reflect on the unavailable and to accept the unchangeable.

Writers project: Herlinde Kölbl's ambitious project about writers and their working environments aims to portray personalities photographically and textually, focusing not on their faces but on their hands and writing tools. Through conversations with the writers about their choice of writing utensils, their working rhythm and, above all, their motivation to write, a deep rapprochement is created. The compilation of the original 40-part cycle includes well-known authors such as Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass and Peter Handke.

The "Strong Women" and "Men" cycles: With the "Strong Women", Kölbl shows the power of the early goddesses, while the men are presented as a tense antithesis in all their contradictions of tenderness, strength and aggression. The skin as a visible mediator of desire unites both sexes in its softness and radiance.

Another series is "Feine Leute 1979 - 1985", in which the photographer documented balls, parties and social events in Germany for six years, providing a unique insight into high society.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

Fotohof | Salzburg
5. April – 1. Juni 2024

Wolf Suschitzky Fotopreis 2023/24

Moira Lovell (UK) und Olivia Coeln (Austria)
Shortlist:
AT: Nicole Maria Winkler, Julius Werner Chromecek, Philipp Hoelzgen, Sona Andreasyan
UK: Alfie White, Andreas Billman, Cal Cole, Jan McCullough

Der FOTOHOF zeigt in dieser Ausstellung des »Wolf Suschitzky Fotopreis 2023« Werke der beiden Gewinnerinnen Moira Lovell (GB) und Olivia Coeln (A) und je 4 Künstler:innen der Shortlist aus beiden Ländern.

Thema des Preises war »Im Augenblick gefangen / Capturing the Moment«. Das Österreichische Kulturforum London hat den Preis 2018 nach dem Tod von Wolf Suschitzky (1912-2016) ins Leben gerufen. In Anbetracht der doppelten Natur von Suschitzkys Identität richtet sich der Preis an Fotograf:innen, die in Großbritannien oder in Österreich leben. Der Preis wurde von einer Jury mit Fachleuten aus Österreich und Großbritannien vergeben. Ihr gehörten Carla Mitchell (Four Corners Gallery, London), Clare Grafik (The Photographers' Gallery London), Prof. Gabriele Rothemann (Klasse Fotografie Universität für angewandte Kunst, Vienna), Katharina Manojlovic & Anja Manfredi (Schule Friedl Kubelka, Vienna), Kurt Kaindl (FOTOHOF, Salzburg), Nela Eggenberger (EIKON Chefredaktion, Wien), Val Williams (UAL Professor of the History and Culture of Photography) und Peter Suschitzky (representing the Suschitzky Family) an. Das FOTOHOF>ARCHIV beherbergt den Nachlass von Wolf Suschitzky, daher wird der Preis als Kooperation der beiden Institutionen Austrian Cultural Forum London und dem FOTOHOF in Salzburg präsentiert.

Dans le cadre de cette exposition du "Prix de la photographie Wolf Suschitzky 2023", la FOTOHOF présente les œuvres des deux lauréates Moira Lovell (GB) et Olivia Coeln (A) ainsi que de quatre artistes de chaque pays figurant sur la liste des finalistes.

Le thème du prix était "Capturing the Moment". Le Forum culturel autrichien de Londres a créé ce prix en 2018 après le décès de Wolf Suschitzky (1912-2016). Compte tenu de la double nature de l'identité de Suschitzky, le prix s'adresse aux photographes vivant en Grande-Bretagne ou en Autriche. Le prix a été décerné par un jury composé d'experts autrichiens et britanniques. Il était composé de Carla Mitchell (Four Corners Gallery, Londres), Clare Grafik (The Photographers' Gallery, Londres), Prof. Gabriele Rothemann (classe de photographie à l'université des arts appliqués de Vienne), Katharina Manojlovic & Anja Manfredi (école Friedl Kubelka, Vienne), Kurt Kaindl (FOTOHOF, Salzbourg), Nela Eggenberger (rédaction en chef de EIKON, Vienne), Val Williams (professeur UAL d'histoire et de culture de la photographie) et Peter Suschitzky (représentant la famille Suschitzky). Le FOTOHOF>ARCHIV abrite l'héritage de Wolf Suschitzky, c'est pourquoi le prix est présenté en coopération entre les deux institutions Austrian Cultural Forum London et FOTOHOF à Salzbourg.

In questa mostra del "Premio fotografico Wolf Suschitzky 2023", il FOTOHOF espone le opere delle due vincitrici Moira Lovell (GB) e Olivia Coeln (A) e di 4 artisti selezionati per ogni paese.

Il tema del premio era "Im Augenblick gefangen / Capturing the Moment". Il Forum culturale austriaco di Londra ha istituito il premio nel 2018 in seguito alla morte di Wolf Suschitzky (1912-2016). Data la duplice natura dell'identità di Suschitzky, il premio è rivolto a fotografi residenti nel Regno Unito o in Austria. Il premio è stato assegnato da una giuria di esperti provenienti dall'Austria e dal Regno Unito. Era composta da Carla Mitchell (Four Corners Gallery, Londra), Clare Grafik (The Photographers' Gallery Londra), il prof. Gabriele Rothemann (Corso di Fotografia, Università di Arti Applicate, Vienna), Katharina Manojlovic e Anja Manfredi (Scuola Friedl Kubelka, Vienna), Kurt Kaindl (FOTOHOF, Salisburgo), Nela Eggenberger (caporedattore di EIKON, Vienna), Val Williams (professore di Storia e Cultura della Fotografia dell'UAL) e Peter Suschitzky (in rappresentanza della famiglia Suschitzky). Il FOTOHOF>ARCHIVE ospita il patrimonio di Wolf Suschitzky, motivo per cui il premio è presentato in collaborazione tra l'Austrian Cultural Forum di Londra e il FOTOHOF di Salisburgo.

In this exhibition of the "Wolf Suschitzky Photography Prize 2023", FOTOHOF shows works by the two winners Moira Lovell (GB) and Olivia Coeln (A) and 4 artists from both countries from the shortlist. The theme of the award was »Im Augenblick gefangen / Capturing the moment«.

The Austrian Cultural Forum London established the prize in 2018 following the death of Wolf Suschitzky (1912-2016). Given the dual nature of Suschitzky's identity, the prize is aimed at photographers living in the UK or Austria. The prize was awarded by a jury of experts from Austria and the UK. The jury consisted of Carla Mitchell (Four Corners Gallery, London), Clare Grafik (The Photographers' Gallery London), Prof. Gabriele Rothemann (Photography Class University of Applied Arts, Vienna), Katharina Manojlovic & Anja Manfredi (Friedl Kubelka School, Vienna), Kurt Kaindl (FOTOHOF, Salzburg), Nela Eggenberger (EIKON Editor in Chief, Wien), Val Williams (UAL Professor of the History and Culture of Photography) and Peter Suschitzky (representing the Suschitzky Family).FOTOHOF>ARCHIVE houses the estate of Wolf Suschitzky, which is why the prize is presented as a co-operation between the two institutions Austrian Cultural Forum London and FOTOHOF in Salzburg.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
5. April – 1. Juni 2024

(noch kleben die plakate…)*
Julius Deutschbauer

Seit 30 Jahren entwickelt Julius Deutschbauer öffentlichkeitswirksam und stets zeitaktuell ein komplexes künstlerisches Werk, das sich in Form von klassischen A0-Plakaten unübersehbar präsentiert. Die im Eigenauftrag entstandenen und in dieser Ausstellung in ihrer Gesamtheit präsentierten 210 Plakate zeigen den Künstler als permanenten Beobachter gesellschaftlicher Entwicklungen. Dabei setzt er sich auf satirische Weise mit Fragen der Politik, der Sprache und den Medien auseinander.

Die Fotografie ist – wie bei vielen Performancekünstler:innen - ein entscheidendes Medium bei der Realisierung der Arbeiten. Deutschbauer am Plakat, immer ernst blickend, mit Texten und Kommentaren zur politischen Lage, aber auch zu Ausstellungen, Performances, Festivals, wird zu einer ikonischen vieltausendfach vervielfältigten und im öffentlichen und privaten Räumen affichierten Kunstfigur. Seine Selbstinszenierung steigert er teilweise bis zur Peinlichkeit und lässt den Betrachter:innen stets gegenpolige Interpretationsmöglichkeiten offen.

Depuis 30 ans, Julius Deutschbauer développe une œuvre artistique complexe, visible par le public et toujours en phase avec l'actualité, qui se présente de manière évidente sous la forme d'affiches classiques A0. Les 210 affiches réalisées sur commande personnelle et présentées dans leur intégralité dans cette exposition montrent l'artiste comme un observateur permanent des évolutions sociales. Il aborde ainsi de manière satirique les questions de politique, de langage et de médias.

La photographie est - comme pour beaucoup d'artistes de performance - un moyen décisif pour la réalisation des travaux. Deutschbauer à l'affiche, le regard toujours sérieux, avec des textes et des commentaires sur la situation politique, mais aussi sur des expositions, des performances, des festivals, devient une figure artistique iconique, reproduite à des milliers d'exemplaires et affichée dans des espaces publics et privés. Il pousse parfois sa mise en scène jusqu'à l'embarras, laissant aux spectateurs des possibilités d'interprétation contradictoires.

Da 30 anni Julius Deutschbauer sviluppa un'opera artistica complessa, sempre attuale e ben visibile sotto forma di classici manifesti A0. I 210 manifesti auto-commissionati presentati integralmente in questa mostra mostrano l'artista come un osservatore permanente degli sviluppi sociali. Il suo sguardo è satirico su questioni di politica, linguaggio e media.

Come per molti artisti performativi, la fotografia è un mezzo decisivo per la realizzazione delle sue opere. Deutschbauer sul manifesto, dall'aspetto sempre serio, con testi e commenti sulla situazione politica, ma anche su mostre, spettacoli e festival, diventa una figura artistica iconica, riprodotta migliaia di volte ed esposta in spazi pubblici e privati. La sua autodrammatizzazione raggiunge talvolta il punto di imbarazzo e lascia sempre lo spettatore aperto a interpretazioni opposte.

For 30 years, Julius Deutschbauer has been developing a complex artistic oeuvre that is always up-to-date and highly visible in the form of posters. The 210 self-commissioned posters presented in their entirety in this exhibition show the artist as a permanent observer of social developments. He takes a satirical look at questions of politics, language and the media.

As with many performance artists, photography is a decisive medium in the realization of his works. Deutschbauer on the poster, always looking serious, with texts and comments on the political situation, but also on exhibitions, performances and festivals, becomes an iconic art figure, reproduced thousands of times and displayed in public and private spaces. His self-dramatization sometimes reaches the point of embarrassment and always leaves the viewer open to opposing interpretations.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Leica Galerie Salzburg
22. Februar – 13. April 2024

In Frames our Story – Fotografinnen des Leica Oskar Barnack Awards

Ana María Arévalo Gosen, Laetitia Vançon, Nanna Heitmann, Rania Matar

Der Leica Oskar Barnack Award (LOBA) würdigt seit 1980 weltweit herausragende Fotograf*innen. Benannt nach dem Erfinder der Leica, geht der LOBA auf dessen bahnbrechende Arbeit mit dem Prototyp der Ur-Leica ab 1914 zurück. Das Nominierungsgremium des Awards, bestehend aus einer fünfköpfigen internationalen Jury von Fotografie-Expert*innen, wählt jährlich zwei Preisträger sowie zwölf Shortlist-Nominierte aus.

Einzige Voraussetzung für die Nominierung ist, dass es sich um dokumentarische oder konzeptionellkünstlerische Arbeiten handelt, die sich mit dem Verhältnis des Menschen zu seiner Umwelt auseinandersetzen. Diese humanistische Konstante begleitet den LOBA-Wettbewerb seit seiner ersten Ausschreibung im Jahr 1979.

Er zählt zu den bedeutendsten und höchstdotierten Fotopreisen der Welt und wurde 2023 bereits zum 43. Mal von der Leica Camera AG verliehen.

Aus einer Vielzahl von Teilnehmerinnen der letzten Jahre fiel unsere Wahl auf vier herausragende Serien. Jede Fotografin erzählt mit beeindruckender visueller Bildsprache eine bewegende Geschichte, die sie persönlich berührt und fesselt, dabei gekonnt und einfühlsam fotografisch in Szene gesetzt.

Depuis 1980, le Leica Oskar Barnack Award (LOBA) rend hommage à des photographes* exceptionnels dans le monde entier. Nommé d'après l'inventeur du Leica, le LOBA se réfère à son travail révolutionnaire avec le prototype du Leica original à partir de 1914. Le comité de nomination du prix, composé d'un jury international de cinq experts en photographie*, sélectionne chaque année deux lauréats et douze nominés sur liste restreinte.

La seule condition pour être nominé est qu'il s'agisse d'œuvres documentaires ou d'art conceptuel qui traitent de la relation de l'homme avec son environnement. Cette constante humaniste accompagne le concours LOBA depuis sa première mise au concours en 1979.

Il compte parmi les prix de photographie les plus importants et les mieux dotés au monde et a été décerné pour la 43e fois en 2023 par Leica Camera AG.

Parmi les nombreuses participantes de ces dernières années, notre choix s'est porté sur quatre séries exceptionnelles. Chaque photographe raconte, avec un langage visuel impressionnant, une histoire émouvante qui la touche personnellement et la captive, tout en étant mise en scène de manière habile et sensible par la photographie.

Il Premio Leica Oskar Barnack (LOBA) premia fotografi eccellenti in tutto il mondo dal 1980. Il LOBA, che prende il nome dall'inventore della Leica, risale al suo lavoro innovativo con il prototipo della Leica originale del 1914. Il comitato di nomina del premio, composto da una giuria internazionale di cinque membri esperti di fotografia, seleziona ogni anno due vincitori e dodici candidati.

L'unico requisito per la candidatura è che l'opera sia documentaria o di arte concettuale che tratti del rapporto tra le persone e il loro ambiente. Questa costante umanistica ha accompagnato il concorso LOBA fin dal suo primo bando nel 1979.

È uno dei premi fotografici più importanti e più ricchi al mondo ed è stato assegnato da Leica Camera AG per la 43a volta nel 2023.

Tra i numerosi partecipanti degli ultimi anni, abbiamo scelto quattro serie eccezionali. Ogni fotografo utilizza immagini impressionanti per raccontare una storia commovente che lo tocca e lo affascina personalmente, mentre viene fotografato con abilità e sensibilità.

The Leica Oskar Barnack Award (LOBA) has been honoring outstanding photographers worldwide since 1980. Named after the inventor of the Leica, the LOBA goes back to his groundbreaking work with the prototype of the original Leica from 1914. The award's nomination committee, consisting of a five-member international jury of photography experts, selects two award winners and twelve shortlist nominees each year.

The only requirement for nomination is that the work must be documentary or conceptual art that deals with the relationship between people and their environment. This humanistic constant has accompanied the LOBA competition since it was first announced in 1979.

It is one of the most important and most highly endowed photography prizes in the world and was awarded by Leica Camera AG for the 43rd time in 2023.

From a large number of participants in recent years, we chose four outstanding series. Each photographer tells a moving story with impressive visual imagery that touches and captivates them personally, skillfully and sensitively staged photographically.

(Text: Leica Galerie, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
2. Februar – 30. März 2024

Kerstin Flake / Benoît Grimbert

Mit dem Ausstellungsprojekt Kerstin Flake / Benoît Grimbert führt der Fotohof zwei internationale Positionen zusammen, deren geistige Verwandtschaft sich wohl erst auf den zweiten Blick zu erkennen gibt. Die Leipziger Künstlerin Kerstin Flake inszeniert als Regisseurin und Bühnenbildnerin in einer Person bizarre Stücke. Während in ihren Bildserien die Gesetze der Physik nur bedingt zu gelten scheinen, gleichen Benoît Grimberts präzise Fotografien einer nahezu archäologischen Untersuchung urbaner Räume. Verbindet der in Paris lebende Künstler seine Bilder mit den Biografien von Jim Morrison und Charles Manson und lässt so zeitliche Schichtungen durcheinander geraten, geht es Kerstin Flake, neben dem Spiel mit Erwartungshaltungen, um eine Überlagerung von Vergangenem und Gegenwärtigen, um das Verschwinden und Verschieben von Perspektive und Bedeutung.

Avec le projet d'exposition Kerstin Flake / Benoît Grimbert, Fotohof réunit deux positions internationales dont la parenté spirituelle ne se révèle sans doute qu'au deuxième coup d'œil. L'artiste de Leipzig Kerstin Flake met en scène des pièces bizarres en tant que metteur en scène et décoratrice de théâtre. Alors que dans ses séries d'images, les lois de la physique ne semblent s'appliquer que de manière limitée, les photographies précises de Benoît Grimbert ressemblent à une étude presque archéologique des espaces urbains. Si l'artiste vivant à Paris relie ses visuels aux biographies de Jim Morrison et de Charles Manson et fait ainsi se confondre les strates temporelles, il s'agit pour Kerstin Flake, outre le jeu avec les attentes, d'une superposition du passé et du présent, de la disparition et du déplacement de la perspective et de la signification.

Con il progetto espositivo Kerstin Flake / Benoît Grimbert, il Fotohof riunisce due posizioni internazionali la cui affinità intellettuale è riconoscibile solo a un secondo sguardo. L'artista di Lipsia Kerstin Flake mette in scena bizzarri spettacoli come regista e scenografa in una sola persona. Mentre le leggi della fisica sembrano essere applicate solo in misura limitata nella sua serie di immagini, le precise fotografie di Benoît Grimbert assomigliano a un'indagine quasi archeologica degli spazi urbani. Mentre l'artista parigino combina le sue immagini con le biografie di Jim Morrison e Charles Manson, confondendo così gli strati temporali, Kerstin Flake si preoccupa non solo di giocare con le aspettative, ma anche di sovrapporre il passato e il presente, di far scomparire e spostare la prospettiva e il significato.

The exhibition project Kerstin Flake / Benoît Grimbert brings together two international positions whose intellectual links probably emerge only at second glance. The Leipzig artist Kerstin Flake stages bizarre plays as a director and stage designer in one person. While the laws of physics only seem to apply to a limited extent in her image series, Benoît Grimbert's precise photographic tableaus resemble an almost archaeological investigation of urban space. While the Paris-based artist ties his images to the biographies of Jim Morrison and Charles Manson, allowing layers of time and mythological subtext to become mixed up, Kerstin Flake is concerned not only with the play of expectations, but also with the superimposition of past and present, with disappearance and shifting of perspective and meaning.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
26. Januar – 16. Juni 2024

QUEENDOM. Navigating Future Codes
Ilit Azoulay

Ilit Azoulay (1972 Jaffa, IL – Berlin, DE) ist eine israelische Künstlerin mit marokkanischen Wurzeln. In ihrer interdisziplinären Kunstpraxis bricht sie mit der traditionellen einlinsigen Perspektive der Fotokamera und setzt Bilder auf der Grundlage umfangreicher Forschungsdaten neu zusammen. Sie stellt Fragen zu den Mechanismen von Geschichtsschreibung, kultureller Aneignung und Praktiken der Empathie.

Ilit Azoulay überwindet Beschränkungen nationaler und männlicher Repräsentationen und öffnet Wege in einen vernetzten Nahen Osten, wo Identitäten fließend sind und Komplexität geschätzt wird. Das Queendom (engl. Königinnenreich), das von der Kunst regiert wird, scheint aus einem totalen Systemabsturz hervorgegangen zu sein. Es ist ein tief verwurzeltes Reich aus der Zukunft, in dem Geschichten aus unterschiedlichen Zeiten und Ursprüngen zusammengewachsen sind. Die Künstlerin visualisiert mit digitalem Kunsthandwerk das Nachleben von Bildern und ihre Verwandlungen, wobei sie die Geschichte der Aneignung und die fehlenden Glieder in ihren Wissensgeografien hervorhebt. Die zehn Paneele von QUEENDOM werden erstmals unter Einbeziehung des Archivs von David Storm Rice, eines Forschers für mittelalterliche Metallgefäße der islamischen Kunst, und dem daraus entwickelten Archiv der Künstlerin selbst ergänzt.

Kuratorin: Tina Teufel

Ilit Azoulay (1972 Jaffa, IL - Berlin, DE) est une artiste israélienne d'origine marocaine. Dans sa pratique artistique interdisciplinaire, elle rompt avec la perspective traditionnelle unidirectionnelle de l'appareil photo et recompose des images sur la base de données de recherche étendues. Elle s'interroge sur les mécanismes d'écriture de l'histoire, l'appropriation culturelle et les pratiques d'empathie.

Ilit Azoulay dépasse les restrictions des représentations nationales et masculines et ouvre des voies vers un Moyen-Orient interconnecté, où les identités sont fluides et où la complexité est appréciée. Le Queendom (royaume des reines en anglais), gouverné par l'art, semble être né d'un effondrement total du système. C'est un royaume profondément enraciné dans le futur, dans lequel des histoires de différentes époques et origines ont fusionné. L'artiste utilise l'artisanat numérique pour visualiser la rémanence des images et leurs transformations, en mettant en évidence l'histoire de l'appropriation et les chaînons manquants dans ses géographies du savoir. Les dix panneaux de QUEENDOM sont complétés pour la première fois en intégrant les archives de David Storm Rice, un chercheur en vases métalliques médiévaux de l'art islamique, et les archives de l'artiste elle-même qui en découlent.

Commissaire d'exposition : Tina Teufel

Ilit Azoulay (1972 Jaffa, IL - Berlino, DE) è un'artista israeliana con radici marocchine. Nella sua pratica artistica interdisciplinare, rompe con la tradizionale prospettiva a obiettivo singolo della macchina fotografica e riassembla le immagini sulla base di ampi dati di ricerca. Si interroga sui meccanismi della storiografia, sull'appropriazione culturale e sulle pratiche di empatia.

Ilit Azoulay supera i limiti delle rappresentazioni nazionali e maschili e apre la strada a un Medio Oriente in rete, dove le identità sono fluide e la complessità è valorizzata. Il Queendom, governato dall'arte, sembra essere emerso da un totale collasso sistemico. È un regno profondamente radicato nel futuro, in cui sono cresciute insieme storie di epoche e origini diverse. L'artista utilizza l'artigianato digitale per visualizzare l'aldilà delle immagini e le loro trasformazioni, evidenziando la storia dell'appropriazione e gli anelli mancanti nelle loro geografie della conoscenza. I dieci pannelli di QUEENDOM sono integrati per la prima volta con l'inclusione dell'archivio di David Storm Rice, ricercatore di vasi metallici medievali dell'arte islamica, e dell'archivio sviluppato dall'artista stessa.

Curatore: Tina Teufel

Ilit Azoulay (1972 Jaffa, IL - Berlin, DE) is an Israeli artist with Moroccan roots. In her interdisciplinary art practice, she breaks with the traditional single-lens perspective of the photographic camera and reassembles images on the basis of extensive research data. She poses questions about the mechanisms of historiography, cultural appropriation and practices of empathy.

Ilit Azoulay overcomes the limitations of national and masculine representations and opens up pathways to a networked Middle East where identities are fluid and complexity is valued. The Queendom, ruled by art, seems to have emerged from a total systemic collapse. It is a deeply rooted realm from the future, in which stories from different times and origins have grown together. The artist uses digital craftsmanship to visualize the afterlife of images and their transformations, highlighting the history of appropriation and the missing links in their geographies of knowledge. The ten panels of QUEENDOM are supplemented for the first time by incorporating the archive of David Storm Rice, a researcher of medieval metal vessels of Islamic art, and the artist's own archive developed from it.

Curator: Tina Teufel

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Leica Galerie Salzburg
8. Dezember 2023 – 29. Februar 2024

SugarWow
Jan von Holleben

„Keine andere Droge ist so weit verbreitet und niemand kann ohne sie. Zucker ist einfach das Allertollste für uns Lebewesen,“ so der Fotograf Jan von Holleben. In seinem Berliner Fotostudio ist er ihr erlegen, der süßesten Versuchung, seit es Nahrungsmittel gibt. „Ich wollte ganz eintauchen in diese Welt. Besonders die klassischen Süßigkeiten, die eine klare Formsprache hatten, fand ich interessant.“

Die Ausstellung Sugar Wow zeigt ein Schlaraffenland, das aus einer visuellen Welt von Süßigkeiten besteht. Die ästhetisch farbenfrohen Bilder, deren Sujets komplett aus den süßen Zuckermaterialien aufgebaut sind, zeigen einerseits die Farben- und Formenvielfalt eines der wohl wichtigsten Lebensmittel unserer Zeit, andererseits aber auch ein sehr kritisch zu betrachtendes Thema, das aus unserer Gesellschaft nicht mehr wegzudenken ist.

„Die Welt der Süßigkeiten ist sehr komplex und intensiv. Wir Menschen haben in allen Kulturen einen sehr speziellen Umgang mit Zucker. Dabei ist der Übergang von essenzieller Ernährung (Kohlenhydrate, Säuren etc., die im Körper zu Zucker umgewandelt werden) über süßes Gebäck zu dem, was wir Süßigkeiten nennen, fließend. Süßigkeiten sind das extremste Zuckerzeug – Zucker fast in Reinform, versetzt mit etwas Farbe und ein paar anderen Inhaltsstoffen für noch bessere Haltbarkeit, Materialität oder Sensorik.“

Jan von Holleben nimmt den Betrachter in seinen Bildern mit auf eine Reise Zucker einmal anders zu erleben und sich mit dem Thema auseinanderzusetzen. Humorvolles, Ästhetisches und Dekoratives gehen dabei eine essentielle Symbiose ein, die zum Schmunzeln einlädt.

Jan von Holleben arbeitet als Kinderbuchautor, er veröffentlichte bereits mehr als 20 Kinder- und Künstlerbücher. Seine Arbeiten sind international in der Werbung und in unzähligen Magazinen zu sehen.

"Aucune autre drogue n'est aussi répandue et personne ne peut s'en passer. Le sucre est tout simplement ce qu'il y a de plus délicieux pour nous, les êtres vivants", déclare le photographe Jan von Holleben. Dans son studio photo berlinois, il a succombé à la tentation la plus douce depuis l'apparition de la nourriture. "Je voulais m'immerger complètement dans ce monde. J'ai trouvé particulièrement intéressants les bonbons classiques, qui avaient un langage formel clair".

L'exposition Sugar Wow présente un pays de cocagne constitué d'un univers visuel de sucreries. Les images esthétiques et colorées, dont les sujets sont entièrement construits à partir des matériaux sucrés du sucre, montrent d'une part la diversité des couleurs et des formes de l'un des aliments sans doute les plus importants de notre époque, mais d'autre part aussi un thème très critique dont on ne peut plus se passer dans notre société.

"Le monde des sucreries est très complexe et intense. Dans toutes les cultures, nous autres humains avons une approche très particulière du sucre. Dans ce contexte, la transition entre l'alimentation essentielle (glucides, acides, etc. qui sont transformés en sucre dans le corps) et ce que nous appelons les sucreries, en passant par les pâtisseries sucrées, est fluide. Les bonbons sont le truc sucré le plus extrême - du sucre presque à l'état pur, mélangé à un peu de couleur et à quelques autres ingrédients pour une conservation, une matérialité ou une sensorialité encore meilleures".

Dans ses images, Jan von Holleben emmène le spectateur dans un voyage pour découvrir le sucre autrement et se confronter à ce thème. L'humour, l'esthétique et le décoratif y forment une symbiose essentielle qui invite à sourire.

Jan von Holleben travaille comme auteur de livres pour enfants, il a déjà publié plus de 20 livres pour enfants et livres d'artistes. Ses travaux sont visibles dans la publicité internationale et dans d'innombrables magazines.

"Nessun'altra droga è così diffusa e nessuno può farne a meno. Lo zucchero è semplicemente la cosa più dolce per noi creature", afferma il fotografo Jan von Holleben. Nel suo studio fotografico di Berlino, ha ceduto alla tentazione più dolce da quando esiste il cibo. "Volevo immergermi completamente in questo mondo. Ero particolarmente interessato ai dolci classici, che avevano un chiaro linguaggio di design".

La mostra Sugar Wow mostra una terra di latte e miele costituita da un mondo visivo di dolci. Le immagini esteticamente colorate, i cui soggetti sono realizzati interamente con materiali zuccherini, mostrano la varietà di colori e forme di uno degli alimenti più importanti del nostro tempo, ma anche un tema molto critico che è diventato parte integrante della nostra società.

"Il mondo dei dolci è molto complesso e intenso. Noi esseri umani, in tutte le culture, abbiamo un modo molto particolare di rapportarci allo zucchero. Il passaggio dall'alimentazione essenziale (carboidrati, acidi, ecc. che vengono convertiti in zucchero nell'organismo) alla pasticceria dolce e a ciò che chiamiamo dolci è fluido. I dolci sono gli zuccheri più estremi: zucchero quasi allo stato puro, mescolato con un po' di colore e qualche altro ingrediente per migliorare la conservabilità, la materialità o le proprietà sensoriali".

Nelle sue immagini, Jan von Holleben accompagna lo spettatore in un viaggio che lo porta a sperimentare lo zucchero in modo diverso e a confrontarsi con il soggetto. Elementi umoristici, estetici e decorativi entrano in una simbiosi essenziale che fa sorridere.

Jan von Holleben lavora come autore di libri per bambini e ha già pubblicato più di 20 libri per bambini e per artisti. I suoi lavori sono visibili a livello internazionale in pubblicità e in innumerevoli riviste.

"No other drug is so widespread and nobody can do without it. Sugar is simply the sweetest thing for us creatures," says photographer Jan von Holleben. In his Berlin photo studio, he succumbed to it, the sweetest temptation since food has existed. "I wanted to immerse myself completely in this world. I was particularly interested in the classic sweets, which had a clear design language."

The Sugar Wow exhibition shows a land of milk and honey consisting of a visual world of sweets. The aesthetically colorful pictures, whose subjects are made up entirely of sweet sugar materials, show the variety of colors and shapes of one of the most important foods of our time, but also a very critical topic that has become an integral part of our society.

"The world of sweets is very complex and intense. We humans have a very special way of dealing with sugar in all cultures. The transition from essential food (carbohydrates, acids, etc., which are converted into sugar in the body) to sweet pastries and what we call sweets is a fluid one. Sweets are the most extreme sugar stuff - sugar almost in its pure form, mixed with some color and a few other ingredients for even better shelf life, materiality or sensory properties."

In his pictures, Jan von Holleben takes the viewer on a journey to experience sugar in a different way and to engage with the subject. Humorous, aesthetic and decorative elements enter into an essential symbiosis that invites smiles.

Jan von Holleben works as a children's book author and has already published more than 20 children's and artist's books. His work can be seen internationally in advertising and in countless magazines.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
2. Dezember 2023 - 1. April 2024

Mediathek+ Die Video- und Filmsammlung der Generali Foundation

Die Generali Foundation hat seit ihrer Gründung eine der bedeutendsten internationalen Medienkunstsammlungen ab den 1960er-Jahren aufgebaut, mit einem Schwerpunkt auf experimenteller, medienreflexiver Film- und Videokunst, politischem Film sowie feministischen und performancebasierten Videoarbeiten. Sie umfasst sämtliche Filme und Videos von Künstler_innen wie Gottfried Bechtold, VALIE EXPORT, Dan Graham, Harun Farocki, Elke Krystufek, Gordon Matta-Clark, Martha Rosler und Heimo Zobernig. Die Mediathek im Generali Foundation Studienzentrum macht einen großen Teil dieser Filme und Videos für Forscher_innen und alle interessierten Besucher_innen jederzeit zugänglich. Darüber hinaus können wichtige Veranstaltungen, die seit den 1990er-Jahren in der Generali Foundation stattgefunden haben – Vorträge, Symposien, Gespräche mit Künstler_innen und Performances – angesehen werden.

Die Ausstellung erweitert die Mediathek in den Ausstellungsraum, um die gesamte Bandbreite der Film- und Videosammlung sichtbar zu machen und grundlegende Entwicklungen der Film- und Videokunst der letzten Jahrzehnte zu veranschaulichen. Gleichzeitig unterstreicht sie die Bedeutung des freien Zugangs zu Film- und Videoarchiven als Teil des kulturellen Gedächtnisses der jüngeren Zeit.

Kurator_innen: Stefanie Grünangerl, Jürgen Tabor

Depuis sa création, la Generali Foundation a constitué l'une des plus importantes collections internationales d'art médiatique à partir des années 1960, en mettant l'accent sur le cinéma et l'art vidéo expérimentaux et reflétant les médias, le cinéma politique ainsi que les œuvres vidéo féministes et basées sur la performance. Elle comprend tous les films et vidéos d'artistes tels que Gottfried Bechtold, VALIE EXPORT, Dan Graham, Harun Farocki, Elke Krystufek, Gordon Matta-Clark, Martha Rosler et Heimo Zobernig. La médiathèque du centre d'études de la Fondation Generali rend une grande partie de ces films et vidéos accessibles à tout moment aux chercheurs et à tous les visiteurs intéressés. En outre, les événements importants qui ont eu lieu à la Fondation Generali depuis les années 1990 - conférences, symposiums, entretiens avec des artistes et performances - peuvent être visionnés.

L'exposition étend la médiathèque à l'espace d'exposition afin de rendre visible toute la gamme de la collection de films et de vidéos et d'illustrer les développements fondamentaux de l'art cinématographique et vidéo des dernières décennies. En même temps, elle souligne l'importance du libre accès aux archives cinématographiques et vidéo en tant que partie intégrante de la mémoire culturelle récente.

Commissaires d'exposition : Stefanie Grünangerl, Jürgen Tabor

Dalla sua fondazione, la Fondazione Generali ha costituito una delle più importanti collezioni internazionali di media art a partire dagli anni Sessanta, con particolare attenzione al cinema e alla videoarte sperimentale e riflessiva sui media, al cinema politico e alle opere video femministe e performative. Include tutti i film e i video di artisti come Gottfried Bechtold, VALIE EXPORT, Dan Graham, Harun Farocki, Elke Krystufek, Gordon Matta-Clark, Martha Rosler e Heimo Zobernig. La mediateca del Centro Studi della Fondazione Generali rende gran parte di questi film e video accessibili ai ricercatori e a tutti i visitatori interessati in qualsiasi momento. Inoltre, è possibile visionare importanti eventi che si sono svolti alla Fondazione Generali a partire dagli anni Novanta - conferenze, simposi, colloqui con artisti e spettacoli.

La mostra estende la mediateca allo spazio espositivo per rendere visibile l'intera gamma della collezione di film e video e per illustrare gli sviluppi fondamentali dell'arte cinematografica e video degli ultimi decenni. Allo stesso tempo, sottolinea l'importanza del libero accesso agli archivi di film e video come parte della memoria culturale dei tempi recenti.

Curatori: Stefanie Grünangerl, Jürgen Tabor

Since its establishment, the Generali Foundation has built up one of the most important international media art collections from the 1960s onwards, with a focus on experimental, media-reflexive film and video art, political film, and feminist and performance-based video works. It includes all films and videos by artists such as Gottfried Bechtold, VALIE EXPORT, Dan Graham, Harun Farocki, Elke Krystufek, Gordon Matta-Clark, Martha Rosler and Heimo Zobernig. The Media Library at the Generali Foundation Study Center makes a large part of these films and videos accessible to researchers and all interested visitors at any time. In addition, important events that have taken place at the Generali Foundation since the 1990s - lectures, symposia, talks with artists, and performances - can be viewed.

The exhibition extends the media library into the exhibition space in order to make the entire range of the film and video collection visible and to illustrate fundamental developments in film and video art over the past decades. At the same time, it underscores the importance of free access to film and video archives as part of recent cultural memory.

Curators: Stefanie Grünangerl, Jürgen Tabor

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
2. Dezember 2023 - 1. April 2024

Otto-Breicha-Preis für Fotokunst 2021
Anna Jermolaewa

Anna Jermolaewa (1970 Leningrad, UdSSR – Wien, AT) ist die Preisträgerin des Otto-Breicha-Preises 2021. Sie wurde 1989 ausgebürgert und kam nach Österreich, wo sie zunächst Kunstgeschichte studierte und 2002 ihr Studium an der Akademie der Bildenden Künste Wien abschloss. Seit 2018 ist sie Professorin für Experimentelle Gestaltung an der Kunstuniversität Linz. Die Konzeptkünstlerin bezeichnet sich selbst als „Realistin“ und ihre Auseinandersetzung mit der Wirklichkeit ist oft kritisch und abgründig humorvoll. „Hostile Architecture“ etwa ist eine 2019 begonnene Fotoserie, die erfasst, wie im öffentlichen Raum Metallstacheln und Ähnliches so montiert sind, dass Obdachlose sich dort nicht aufhalten können. Gleichzeitig dokumentiert Jermolaewa die schmerzhaften Spuren dieser menschenverachtenden Architektur am eigenen Körper.

Oft entwickeln sich ihre Arbeiten, meist in den Medien Fotografie und Video, aus der Beobachtung alltäglicher Dinge und sind mit ihrer eigenen Biographie verknüpft. Jermolaewa reflektiert Themen wie Erinnerung, Entwurzelung und Neubeginn. Vor allem aus ihren Erfahrungen als aufmerksame Reisende resultieren Projekte, die die Lebensbedingungen und Machtstrukturen in der Welt untersuchen. Eine Arbeit, die Jermolaewa 2014 begonnen hat und bis heute fortsetzt, ist „Chernobyl Safari“: Im menschenleeren Sperrgebiet von Tschernobyl, sind Filmbilder von großer Schönheit entstanden, beispielsweise von wieder ausgewilderten Urpferden, die dort ideale Bedingungen fanden. Dass die Natur es ohne Menschen besser hat, ist eine Erkenntnis dieser Arbeit.

Otto-Breicha-Preis für Fotokunst
Seit 1983 vergibt das Museum der Moderne Salzburg alle zwei Jahre einen Preis für Fotokunst. Seit 2007 wird dieser Preis von der Familie Breicha gefördert und als „Otto-Breicha-Preis für Fotokunst – Museum der Moderne Salzburg“ an eine_n österreichische_n oder in Österreich lebende_n Fotokünstler_in verliehen. Der Preis ist nach Otto Breicha, dem Gründungsdirektor der Modernen Galerie und Graphischen Sammlung – Rupertinum, der Vorläuferinstitution des heutigen Museums, benannt. Anna Jermolaewa ist die 18. Trägerin des Preises.

Kuratorinnen: Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

Anna Yermolaeva (1970 Leningrad, URSS - Vienne, AT) est la lauréate du prix Otto-Breicha 2021. Expatriée en 1989, elle est venue en Autriche où elle a d'abord étudié l'histoire de l'art avant de terminer ses études à l'Académie des beaux-arts de Vienne en 2002. Depuis 2018, elle est professeur de design expérimental à l'université des arts de Linz. L'artiste conceptuelle se définit elle-même comme une "réaliste" et sa confrontation avec la réalité est souvent critique et empreinte d'un humour abyssal. "Hostile Architecture", par exemple, est une série de photos commencée en 2019 qui saisit comment, dans l'espace public, des pics métalliques et autres sont montés de manière à ce que les sans-abri ne puissent pas y rester. Parallèlement, Yermolaeva documente sur son propre corps les traces douloureuses de cette architecture inhumaine.

Souvent, ses travaux, généralement réalisés dans les médias de la photographie et de la vidéo, se développent à partir de l'observation de choses quotidiennes et sont liés à sa propre biographie. Jermolaewa réfléchit à des thèmes tels que la mémoire, le déracinement et le nouveau départ. C'est surtout de son expérience de voyageuse attentive que résultent des projets qui examinent les conditions de vie et les structures de pouvoir dans le monde. Un travail que Jermolaewa a commencé en 2014 et qu'elle poursuit encore aujourd'hui est "Chernobyl Safari" : dans la zone interdite de Tchernobyl, désertée par les hommes, des images filmées d'une grande beauté ont été réalisées, par exemple de chevaux préhistoriques réintroduits dans la nature et qui y ont trouvé des conditions idéales. L'une des conclusions de ce travail est que la nature se porte mieux sans l'homme.

Prix Ottoreicha pour l'art photographique
Depuis 1983, le Museum der Moderne Salzburg décerne tous les deux ans un prix pour l'art photographique. Depuis 2007, ce prix est parrainé par la famille Breicha et attribué sous le nom de "Otto-Breicha-Preis für Fotokunst - Museum der Moderne Salzburg" à un(e) artiste photographe autrichien(ne) ou vivant en Autriche. Le prix porte le nom d'Otto Breicha, le directeur fondateur de la Moderne Galerie und Graphische Sammlung - Rupertinum, l'institution qui a précédé le musée actuel. Anna Ermolaewa est la 18e lauréate du prix.

Les commissaires d'exposition : Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

Anna Jermolaewa (1970 Leningrado, URSS - Vienna, AT) è la vincitrice del Premio Ottoreicha 2021. Espatriata nel 1989, è arrivata in Austria, dove ha studiato storia dell'arte e si è laureata all'Accademia di Belle Arti di Vienna nel 2002. Dal 2018 è docente di design sperimentale presso la Kunstuniversität di Linz. L'artista concettuale si definisce "realista" e il suo impegno con la realtà è spesso critico e abissalmente umoristico. "Hostile Architecture", ad esempio, è una serie di foto iniziata nel 2019 che immortala il modo in cui punte di metallo e simili vengono montate negli spazi pubblici in modo tale da impedire ai senzatetto di soggiornarvi. Allo stesso tempo, Jermolaewa documenta le dolorose tracce di questa architettura disumana sul proprio corpo.

Le sue opere, per lo più nei media della fotografia e del video, si sviluppano spesso dall'osservazione di cose quotidiane e sono legate alla sua biografia. Jermolaewa riflette su temi come la memoria, lo sradicamento e i nuovi inizi. Soprattutto, le sue esperienze di viaggiatrice attenta si traducono in progetti che esaminano le condizioni di vita e le strutture di potere nel mondo. Un lavoro che Jermolaewa ha iniziato nel 2014 e continua tuttora è "Chernobyl Safari": nella zona di esclusione di Chernobyl, ormai deserta, sono state create immagini cinematografiche di grande bellezza, ad esempio dei cavalli primordiali reintrodotti che hanno trovato lì le condizioni ideali. Una delle intuizioni di questo lavoro è che la natura sta meglio senza l'uomo.

Premio Otto-Breicha per l'arte fotografica
Dal 1983, il Museum der Moderne Salzburg assegna ogni due anni un premio per l'arte fotografica. Dal 2007, questo premio è sponsorizzato dalla famiglia Breicha e assegnato come "Premio Otto Breicha per l'arte fotografica - Museum der Moderne Salzburg" a un artista fotografico austriaco o con sede in Austria. Il premio prende il nome da Otto Breicha, il direttore fondatore della Moderne Galerie und Graphische Sammlung - Rupertinum, l'istituzione che ha preceduto l'attuale museo. Anna Jermolaewa è il 18° destinatario del premio.

Curatori: Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

Anna Jermolaewa (1970 Leningrad, USSR - Vienna, AT) is the winner of the Ottoreicha Award 2021. She was expatriated in 1989 and came to Austria, where she first studied art history and graduated from the Academy of Fine Arts Vienna in 2002. Since 2018, she has been a professor of experimental design at the University of Art in Linz. The conceptual artist describes herself as a "realist," and her engagement with reality is often critical and abysmally humorous. "Hostile Architecture," for example, is a photo series begun in 2019 that captures how metal spikes and the like are mounted in public spaces in such a way that homeless people cannot stay there. At the same time, Jermolaewa documents the painful traces of this inhumane architecture on her own body.

Often her works, mostly in the media of photography and video, develop from the observation of everyday things and are linked to her own biography. Jermolaewa reflects on themes such as memory, uprooting, and new beginnings. Above all, her experiences as an observant traveler result in projects that examine living conditions and power structures in the world. One work that Jermolaewa began in 2014 and continues to this day is "Chernobyl Safari": in the deserted Chernobyl exclusion zone, film images of great beauty have been created, for example of reintroduced primeval horses that found ideal conditions there. The fact that nature has it better without humans is a realization of this work.

Otto-Breicha Prize for Photographic Art
Since 1983, the Museum der Moderne Salzburg has awarded a prize for photographic art every two years. Since 2007, this prize has been sponsored by the Breicha family and awarded as the "Otto Breicha Prize for Photographic Art - Museum der Moderne Salzburg" to an Austrian or Austrian-based photographic artist. The prize is named after Otto Breicha, the founding director of the Modern Gallery and Graphic Collection - Rupertinum, the predecessor institution of today's museum. Anna Jermolaewa is the 18th recipient of the prize.

Curators: Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
1. Dezember 2023 – 27. Januar 2024

Open Territory
Libor Fojtik, Jana Ilkova, Ema Lančaričová, Martin Kollar, Ivana Palečková, Lucia Nimcová, Daniel Šperl

»Open Territory« zeigt sieben dokumentarfotografische Positionen, die sich mit verschiedenen Aspekten des alltäglichen Lebens in Tschechien und der Slowakei beschäftigen. Während die Positionen dieser Gruppenausstellung in erster Linie aus Beobachtungen und Dokumentation der Außenwelt bestehen, lassen ihre Stile, Perspektiven und der Kern ihrer künstlerischen Methoden an die Tradition des in der Zwischenkriegszeit entstandenen magischen Realismus denken − eine Tradition, die weiterhin viele dazu inspiriert, einen realistischen Ansatz bei der Beobachtung der Außenwelt beizubehalten und gleichzeitig ermutigt, eine surreale Gegenüberstellung von Objekten und Menschen zu schaffen, die die Grenze zwischen Realität und der Fantasie zu verwischen sucht.

"Open Territory" présente sept positions photographiques documentaires qui s'intéressent à différents aspects de la vie quotidienne en République tchèque et en Slovaquie. Alors que les positions de cette exposition de groupe consistent principalement à observer et à documenter le monde extérieur, leurs styles, leurs perspectives et l'essence de leurs méthodes artistiques font penser à la tradition du réalisme magique née dans l'entre-deux-guerres - une tradition qui continue d'inspirer de nombreuses personnes à maintenir une approche réaliste dans l'observation du monde extérieur tout en les encourageant à créer une juxtaposition surréaliste d'objets et de personnes qui cherche à effacer la frontière entre la réalité et l'imagination.

"Open Territory" presenta sette posizioni fotografiche documentarie che affrontano diversi aspetti della vita quotidiana nella Repubblica Ceca e in Slovacchia. Sebbene le posizioni di questa mostra collettiva consistano principalmente in osservazioni e documentazioni del mondo esterno, i loro stili, le prospettive e il nucleo dei loro metodi artistici ricordano la tradizione del realismo magico emersa nel periodo tra le due guerre - una tradizione che continua a ispirare molti a mantenere un approccio realistico all'osservazione del mondo esterno, incoraggiandoli al contempo a creare una giustapposizione surreale di oggetti e persone che cerca di sfumare il confine tra realtà e immaginazione.

»Open Territory« features seven positions in documentary photography focused on various aspects of everyday life in Czechia and Slovakia. While the collection in this group exhibition primarily consist of documentation of the outside world, their styles, perspectives, and the core of their artistic methods can be associated with a touch of the tradition of surrealism that was developed between two wars—a tradition that continues to inspire many to maintain a realistic approach in documenting the outside world while encouraging them to create a surreal juxtaposition of objects and people blurring the line between so-called reality and fantasy.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
1. Dezember 2023 – 27. Januar 2024

Lokalaugenschein
Peter Dressler

Wie wenige andere Persönlichkeiten hat Peter Dressler als Künstler, Akademielehrer, Sammler und kritischer Teilnehmer der Kunstszene die österreichische Fotografie seit den 1970er-Jahren mit beeinflusst. Die Beziehung mit ihm geht bis in die frühen Gründungsjahre des Fotohofs zurück – 1985 erstmals in einer Gruppenausstellung gezeigt, folgte 1989 die Einzelausstellung »Zwischenspiel« und weitere danach. Auch die meisten seiner Künstlerbücher konnten wir in der FOTOHOF>EDITION herausbringen. Zwei Jahre nach seinem Tod 2013 übernahmen wir im FOTOHOF>ARCHIV seinen gesamten künstlerischen Nachlass. »Wiener Gold« war der Titel seiner aus dem Nachlass erarbeiteten Retrospektive 2016 im Kunsthaus Wien mit umfangreichem Katalogbuch.

Dresslers Interesse an der Fotografie war seit jeher (kunst)historisch fundiert. Sein frühes Abgehen vom Einzelbildprinzip, die Entwicklung einer eigenen Bildsprache und im weiteren assoziativer und narrativer Sequenzen –- komplex und witzig gleichermaßen –, das Bestehen auf formalen Definitionen – Bildformat, Ausschnitt, Printqualität, Präsentationsform – stehen für eine souveräne künstlerische Haltung im Umgang mit den Möglichkeiten des Mediums.

Die aktuelle Ausstellung reflektiert Dresslers lebenslanges Interesse an unseren osteuropäischen Nachbarländern und ihrer Fotografie. In bisher ungezeigten Werkgruppen folgen wir Dressler nach Prag, Bukarest oder Chisinău und erleben seine Sensibilität für den »spirit of the place«, seinen Humor und Sinn für manchmal absurde Komik.

Comme peu d'autres personnalités, Peter Dressler a contribué à influencer la photographie autrichienne depuis les années 1970 en tant qu'artiste, professeur d'académie, collectionneur et participant critique à la scène artistique. Notre relation avec lui remonte aux premières années de fondation de Fotohof - présenté pour la première fois en 1985 dans une exposition de groupe, il a été suivi en 1989 par l'exposition individuelle "Zwischenspiel" et d'autres par la suite. Nous avons également pu éditer la plupart de ses livres d'artistes dans la FOTOHOF>EDITION. Deux ans après sa mort en 2013, nous avons repris l'ensemble de son héritage artistique dans les FOTOHOF>ARCHIVES. "Wiener Gold" était le titre de sa rétrospective 2016 au Kunsthaus Wien, élaborée à partir de son héritage et accompagnée d'un livre-catalogue très complet.

L'intérêt de Dressler pour la photographie a toujours été fondé sur l'histoire (de l'art). Son abandon précoce du principe de l'image unique, le développement d'un langage visuel propre et, par la suite, de séquences associatives et narratives -- à la fois complexes et drôles -, l'insistance sur les définitions formelles - format d'image, cadrage, qualité d'impression, forme de présentation - témoignent d'une attitude artistique souveraine dans l'utilisation des possibilités du médium.

L'exposition actuelle reflète l'intérêt de toute une vie de Dressler pour les pays voisins d'Europe de l'Est et leur photographie. Dans des groupes d'œuvres jamais montrés jusqu'à présent, nous suivons Dressler à Prague, Bucarest ou Chisinău et découvrons sa sensibilité à l'"esprit du lieu", son humour et son sens du comique parfois absurde.

Come artista, insegnante d'accademia, collezionista e partecipante critico alla scena artistica, Peter Dressler ha influenzato la fotografia austriaca dagli anni Settanta come poche altre personalità. Il rapporto con lui risale ai primi anni di fondazione del Fotohof - la prima mostra è stata una collettiva nel 1985, seguita dalla personale "Zwischenspiel" nel 1989 e da altre successive. Abbiamo anche potuto pubblicare la maggior parte dei suoi libri d'artista nella FOTOHOF>EDITION. Due anni dopo la sua morte, nel 2013, abbiamo rilevato il suo intero patrimonio artistico nell'ARCHIVIO FOTOHOF>. "Wiener Gold" è il titolo della sua retrospettiva del 2016 alla Kunsthaus Wien, che è stata realizzata a partire dal suo patrimonio e comprende un ampio catalogo.

L'interesse di Dressler per la fotografia è sempre stato radicato nella storia (dell'arte). Il suo precoce allontanamento dal principio dell'immagine singola, lo sviluppo di un proprio linguaggio visivo e successivamente di sequenze associative e narrative - complesse e spiritose in egual misura - e la sua insistenza sulle definizioni formali - formato dell'immagine, ritaglio, qualità di stampa, forma di presentazione - sono sinonimo di un atteggiamento artistico sicuro nell'affrontare le possibilità del mezzo.

La mostra attuale riflette l'interesse di Dressler per i nostri vicini dell'Europa orientale e per la loro fotografia. In gruppi di opere inedite, seguiamo Dressler a Praga, Bucarest o Chisinău e sperimentiamo la sua sensibilità per lo "spirito del luogo", il suo umorismo e il senso della commedia a volte assurda.

As an artist, academy teacher, collector and critical participant in the art scene, Peter Dressler has helped to influence Austrian photography since the 1970s like few other personalities. Our relationship with him goes back to the early founding years of FOTOHOF – first shown in a group exhibition in 1985, followed by the solo exhibition »Zwischenspiel« in 1989 and others thereafter. We were also able to publish most of his artist books with FOTOHOF>EDITION. Two years after his death in 2013, we were able to get his entire artistic estate as part of FOTOHOF>ARCHIV. »Wiener Gold« was the title of his 2016 retrospective at the Kunsthaus Wien, which was compiled from his estate and included an extensive catalog book.

Dressler's interest in photography has always been based on (art) history. His early departure from the single-image principle, the development of his own pictorial language and, by extension, associative and narrative sequences – complex and witty in equal measure –, the insistence on formal definitions – image format, cropping, print quality, form of presentation – stand for a sovereign artistic attitude in dealing with the possibilities of the medium.

The current exhibition reflects Dressler's lifelong interest in our neighboring Eastern European countries and their photography. In previously unseen groups of works, we follow Dressler to Prague, Bucharest, or Chisinău and experience his sensitivity to the »spirit of the place,« his humor and sense for sometimes absurd comedy.

(Text: Rainer Iglar / Brigitte Blüml)

Museum der Moderne | Salzburg
28. Oktober 2023 - 7. April 2024

Kunst in vier Dimensionen. Medienkunst neu betrachtet

Mit über 500 Werken internationaler Künstler_innen bewahrt, erforscht und präsentiert die Sammlung Generali Foundation am Museum der Moderne Salzburg einen der bedeutendsten Bestände an Medienkunst in Österreich. Anhand ausgewählter Positionen spannt die Sammlung einen Bogen vom Avantgardefilm der 1960er-Jahre über die frühe Videokunst der 1970er-Jahre bis hin zu elaborierten Film-, Video-, Dia- und Soundinstallationen ab den 1990er-Jahren. Mit medienreflexiven, gesellschafts- und institutionskritischen, feministischen und dokumentarischen Arbeiten enthält sie wesentliche Marksteine der westlichen Kunstgeschichte. Die Ausstellung ist einer neuen Lesart der Sammlung gewidmet. Sie stellt ästhetische, psychologische, motivische und methodische Aspekte in den Vordergrund und zeigt unerwartete Querverbindungen und Korrespondenzen zwischen dem künstlerischen Denken verschiedener Zeiten auf. Die Ausstellung ermöglicht so einen neuen Blick auf wichtige Werke der Medienkunst.

Kurator: Jürgen Tabor

Avec plus de 500 œuvres d'artistes internationaux, la collection Generali Foundation du Museum der Moderne Salzburg conserve, étudie et présente l'un des plus importants fonds d'art médiatique d'Autriche. À l'aide d'une sélection de positions, la collection s'étend du film d'avant-garde des années 1960 aux installations élaborées de films, de vidéos, de diapositives et de sons à partir des années 1990, en passant par les débuts de l'art vidéo des années 1970. Avec des œuvres réflexives sur les médias, critiques à l'égard de la société et des institutions, féministes et documentaires, elle contient des repères essentiels de l'histoire de l'art occidental. L'exposition est consacrée à une nouvelle lecture de la collection. Elle transmet les aspects esthétiques, psychologiques, motivationnels et méthodologiques au premier plan et met en évidence des liens transversaux et des correspondances inattendues entre la pensée artistique de différentes époques. L'exposition permet ainsi de jeter un regard nouveau sur des œuvres importantes de l'art médiatique.

Curateur : Jürgen Tabor

Con oltre 500 opere di artisti internazionali, la Generali Foundation Collection del Museum der Moderne Salzburg conserva, ricerca e presenta una delle più importanti collezioni di media art in Austria. Sulla base di posizioni selezionate, la collezione abbraccia un arco che va dal cinema d'avanguardia degli anni Sessanta alla prima videoarte degli anni Settanta, fino alle installazioni cinematografiche, video, diapositive e sonore elaborate a partire dagli anni Novanta. Con opere riflessive sui media, critiche dal punto di vista sociale e istituzionale, femministe e documentaristiche, contiene punti di riferimento essenziali della storia dell'arte occidentale. La mostra è dedicata a una nuova lettura della collezione. Mette in primo piano aspetti estetici, psicologici, motivazionali e metodologici e rivela inaspettate connessioni e corrispondenze tra il pensiero artistico di diversi periodi. La mostra offre quindi una nuova prospettiva su importanti opere d'arte mediale.

Curatore: Jürgen Tabor

With over 500 works by international artists, the Generali Foundation Collection at the Museum der Moderne Salzburg preserves, researches, and presents one of the most important collections of media art in Austria. On the basis of selected positions, the collection spans an arc from the avant-garde film of the 1960s to the early video art of the 1970s to elaborate film, video, slide, and sound installations from the 1990s onward. With media-reflexive, socially and institution-critical, feminist and documentary works, it contains essential landmarks in the history of Western art. The exhibition is dedicated to a new reading of the collection. It foregrounds aesthetic, psychological, motivic, and methodological aspects and reveals unexpected cross-connections and correspondences between the artistic thought of different periods. The exhibition thus provides a new perspective on important works of media art.

Curator: Jürgen Tabor

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
10. Oktober - 25. November 2023

Phänomene
Marina Gadonneix

Die großformatigen Fotografien von Marina Gardonneix zeigen Naturphänomene wie Lawinen, Blitze, Meteoriten und Polarlichter als Simulationen. In ihrer über einen langen Zeitraum hinweg in Versuchslaboren fotografierten Serie Phänomene verschmelzen die Tradition und die Ästhetik der Landschaftsfotografie mit dem wissenschaftlichen Dokument.

Obwohl alle Bilder in speziell für wissenschaftliche Experimente konzipierten Räumen entstanden sind, ist es die reale Welt, für die sich Marina Gadonneix interessiert.

Die Labore, in denen sie arbeitet, sind Orte der Darstellung, Modellierung und Abstrahierung physikalischer Vorgänge; hochgradig kontrollierte Umgebungen sowie Geräte und Konstruktionen, die Naturereignisse erzeugen und skalieren. Auf diese konzentriert sich Marina Gadonneix in ihrer Erforschung des Wunders dieser Phänomene.

Es scheint angemessen, dass Marina Gadonneix die Fotografie, ein Medium an der Schnittstelle zwischen Realität und Fiktion, nutzt, um sich mit dem Paradoxon der Darstellung der Realität auseinanderzusetzen; der gleichzeitigen Messung und Kontrolle dessen, was wir in der realen Welt sehen.

Les photographies grand format de Marina Gardonneix montrent des phénomènes naturels tels que les avalanches, la foudre, les météorites et les aurores boréales sous forme de simulations. Dans sa série Phénomènes, photographiée sur une longue période dans des laboratoires expérimentaux, la tradition et l'esthétique de la photographie de paysage fusionnent avec le document scientifique.

Bien que toutes les images aient été prises dans des espaces spécialement conçus pour des expériences scientifiques, c'est au monde réel que Marina Gadonneix s'intéresse.

Les laboratoires dans lesquels elle travaille sont des lieux de représentation, de modélisation et d'abstraction de processus physiques ; des environnements hautement contrôlés ainsi que des appareils et des constructions qui génèrent et mettent à l'échelle des phénomènes naturels. C'est sur ces derniers que Marina Gadonneix se concentre dans son exploration du miracle de ces phénomènes.

Il semble approprié que Marina Gadonneix utilise la photographie, un médium à la croisée de la réalité et de la fiction, pour aborder le paradoxe de la représentation de la réalité ; la mesure et le contrôle simultanés de ce que nous voyons dans le monde réel.

Le fotografie di grande formato di Marina Gardonneix mostrano fenomeni naturali come valanghe, fulmini, meteoriti e aurore come simulazioni. Nella serie Phenomena, fotografata per un lungo periodo di tempo in laboratori sperimentali, la tradizione e l'estetica della fotografia di paesaggio si fondono con il documento scientifico.

Sebbene tutte le immagini siano state scattate in spazi appositamente progettati per gli esperimenti scientifici, è il mondo reale che interessa a Marina Gadonneix.

I laboratori in cui lavora sono luoghi di rappresentazione, modellazione e astrazione di processi fisici; ambienti altamente controllati e dispositivi e costruzioni che creano e scalano eventi naturali. È su questi aspetti che Marina Gadonneix si concentra nella sua esplorazione della meraviglia di questi fenomeni.

Sembra appropriato che Marina Gadonneix utilizzi la fotografia, un mezzo che si trova all'intersezione tra realtà e finzione, per affrontare il paradosso della rappresentazione della realtà; la misurazione e il controllo simultanei di ciò che vediamo nel mondo reale.

Marina Gardonneix's large-format photographs show natural phenomena such as avalanches, lightning, meteorites, and auroras as simulations. In her Phenomena series, photographed over a long period of time in experimental laboratories, the tradition and aesthetics of landscape photography merge with the scientific document.

Although all the images were taken in spaces specifically designed for scientific experiments, it is the real world that Marina Gadonneix is interested in.

The laboratories in which she works are places of representation, modeling, and abstraction of physical processes; highly controlled environments and devices and constructions that create and scale natural events. These are what Marina Gadonneix focuses on in her exploration of the wonder of these phenomena.

It seems appropriate that Marina Gadonneix uses photography, a medium at the intersection of reality and fiction, to address the paradox of representing reality; the simultaneous measurement and control of what we see in the real world.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
10. Oktober − 25. November 2023

Paul Albert Leitner

Paul Albert Leitner ist die Idealbesetzung, wenn es in der österreichischen Gegenwartsfotografie um die Verkörperung des Archivarischen an sich geht. Leitner, der ständig reisende, begibt sich, wenn er heimkehrt, auf »Innendienst«, wie er sagt, nach Hause, zum Ordnen der Gedanken und Bilder, in eine Berglandschaft von Schachteln mit abertausenden penibel beschrifteten Fotos, Fundgegenständen, Zeitungsausschnitten, Texten, Collagen.

Anläßlich einer großzügigen Schenkung von 80 gerahmten Fotografien von Paul Albert Leitner an das FOTOHOF>ARCHIV − Städtebilder, Landschaften, Straßenszenen, Selbstportraits ä wird ein repräsentativer Überblick über das Schaffen dieses großen österreichischen Fotografen gezeigt.

Mit Ironie und Witz taucht er häufig selbst in seinen Bildern auf: »Me, myself in a hotel« − das Hotelzimmer als transitorischer Raum schlechthin − wie immer mit präziser Bildlegende, konkret benannt mit Namen und Zimmernummer, Ort und Zeit wird zur Bühne für die Inszenierung des ganz bewussten Verweilens, des Hier und Heute.

ö Leitner, in seinen Bildern eine Kunstfigur in wechselnden Episoden des Lebens, ist ein Meister das Schimmern im ganz Alltäglichen zu sehen, den Moment als glamorous zu erkennen. So sensibel er für die Poesie im Alltäglichen ist, so konkret und sachlich ist Leitner in seiner fotografischen Haltung, ein Dokumentarist eigentlich. Er zeigt die Schönheit und die Merkwürdigkeit der Welt; und enthüllt dabei auch die Magie der Fotografie: Seine Aufnahmen sind Zeugnisse für die Einzigartigkeit von Konstellationen und die Kostbarkeit des flüchtigen Augenblicks.

Paul Albert Leitner est la personne idéale lorsqu'il s'agit d'incarner l'archivage en soi dans la photographie autrichienne contemporaine. Leitner, qui voyage constamment, se rend chez lui lorsqu'il rentre chez lui, pour un "service intérieur", comme il dit, chez lui, pour mettre de l'ordre dans ses pensées et ses images, dans un paysage montagneux de boîtes contenant des milliers et des milliers de photos méticuleusement étiquetées, des objets trouvés, des coupures de presse, des textes, des collages.

À l'occasion d'une généreuse donation de 80 photographies encadrées de Paul Albert Leitner au FOTOHOF>ARCHIV - photos de villes, paysages, scènes de rue, autoportraits ä, un aperçu représentatif de l'œuvre de ce grand photographe autrichien est présenté.

Avec ironie et humour, il apparaît souvent lui-même dans ses images : "Me, myself in a hotel" - la chambre d'hôtel comme espace transitoire par excellence - comme toujours avec une légende précise, nommée concrètement avec le nom et le numéro de la chambre, le lieu et l'heure, devient une scène pour la mise en scène d'un séjour tout à fait conscient, ici et maintenant.

ö Leitner, dans ses tableaux un personnage artistique dans des épisodes changeants de la vie, est un maître pour voir la lueur dans le quotidien, pour reconnaître le moment comme glamour. Autant il est sensible à la poésie dans le quotidien, autant Leitner est concret et objectif dans son attitude photographique, un documentariste en fait. Il montre la beauté et l'étrangeté du monde ; et révèle aussi la magie de la photographie : ses clichés témoignent de la singularité des constellations et de la préciosité de l'instant fugace.

Paul Albert Leitner è la persona ideale quando si tratta di incarnare l'archivio in sé nella fotografia austriaca contemporanea. Leitner, il viaggiatore costante, torna a casa quando torna, in "servizio a casa", come dice lui, per organizzare pensieri e immagini, in un paesaggio montano di scatole con migliaia e migliaia di foto meticolosamente etichettate, oggetti trovati, ritagli di giornale, testi, collage.

In occasione della generosa donazione di 80 fotografie incorniciate di Paul Albert Leitner al FOTOHOF>ARCHIV - paesaggi urbani, paesaggi, scene di strada, autoritratti ä viene presentata una panoramica rappresentativa del lavoro di questo grande fotografo austriaco.

Con ironia e arguzia, egli appare spesso nelle sue immagini: "Io, me stesso in un hotel" - la camera d'albergo come spazio transitorio per eccellenza - come sempre con una didascalia precisa, concretamente denominata con nome e numero di camera, il luogo e il tempo diventano il palcoscenico per la messa in scena del consapevole indugiare, del qui e ora.

Leitner, nei suoi dipinti figura artistica in episodi mutevoli della vita, è un maestro nel vedere il luccichio nel quotidiano, nel riconoscere l'attimo come glamour. Sensibile alla poesia del quotidiano, Leitner è concreto e concreto nel suo approccio fotografico, un vero e proprio documentarista. Mostra la bellezza e la stranezza del mondo; e nel farlo, rivela anche la magia della fotografia: le sue fotografie sono testimonianze dell'unicità delle costellazioni e della preziosità dell'attimo fuggente.

Paul Albert Leitner is the ideal cast when it comes to the embodiment of the archival in itself in contemporary Austrian photography. Leitner, the constant traveler, goes home when he returns, on "home duty," as he says, to organize thoughts and images, to a mountain landscape of boxes with thousands and thousands of meticulously labeled photographs, found objects, newspaper clippings, texts, collages.

On the occasion of a generous donation of 80 framed photographs by Paul Albert Leitner to the FOTOHOF>ARCHIV - cityscapes, landscapes, street scenes, self-portraits ä a representative overview of the work of this great Austrian photographer is shown.

With irony and wit, he often appears himself in his pictures: "Me, myself in a hotel" - the hotel room as transitory space par excellence - as always with a precise caption, concretely named with name and room number, place and time becomes the stage for the staging of the very conscious lingering, the here and now.

ö Leitner, in his paintings an art figure in changing episodes of life, is a master of seeing the glimmer in the very everyday, of recognizing the moment as glamorous. Sensitive as he is to the poetry in the everyday, Leitner is concrete and matter-of-fact in his photographic approach, a documentarist in fact. He shows the beauty and the strangeness of the world; and in doing so, he also reveals the magic of photography: his photographs are testimonies to the uniqueness of constellations and the preciousness of the fleeting moment.

(Text: Fotohof, Salzburg)