Fotohof | Salzburg
14. Februar – 29. März 2025

New Documents refined
Paul Kranzler, Stefanie Moshammer, Seiichi Furuya

In Anlehnung an die berühmte Ausstellung »New Documents« (Diane Arbus, Lee Friedlander und Gerry Winogrand, MOMA 1967) betiteln wir die Ausstellung im FOTOHOF mit Bildern von Paul Kranzler und Stefanie Moshammer in der Galerie und Seiichi Furuya im Studio »New Documents – refined«. Sie zeigt Fotografien der Kinder, der Großmutter, der Partnerin – Familienbilder im weitesten Sinn und mit ganz unterschiedlichen Herangehensweisen sind das Thema der drei prominenten österreichischen Fotograf:innen.

Paul Kranzler ist Vater von drei Kindern – Nikolaus (11), Marielen (9), Moritz (7). Kranzler zeigt bisher unveröffentlichte Bilder von und mit seinen Kindern und erzählt allgemeingültige Geschichten von Liebe und Nähe, von Spiel und Ernst, mit Entschlossenheit zum gelungenen Bild, voller Zärtlichkeit dem gelegentlichen Chaos gegenüber.

»Die Menschen und Räume und Landschaften der persönlichen Umgebung sind ja auch die meistfotografierten Motive der Welt. Ist man lang in einer Umgebung, dann heißt diese ›zu Hause‹ oder ›Beziehung‹ oder ›Familie‹ oder ›Heimat‹ oder ›Friedhof‹ oder ›Gefängnis‹ usw. Vielleicht ist die persönliche Umgebung vier-dimensional – der dreidimensionale Raum und die vierte Dimension, die diesem (Lebens/Menschen)raum anhaftende Emotion.« (Paul Kranzler)

Stefanie Moshammer verbrachte in ihrer Kindheit viel Zeit mit ihren elf Cousins und Cousinen im Haus der Großeltern im Mühlviertel in Oberösterreich. Sie spielten zusammen, indem sie sich verkleideten und mit den Kleidern und Gegenständen, die ihre Eltern ihnen im Haus gelassen hatten, in Szene setzten. Jahre später lässt sie für eine Fotoserie, spielerisch arrangierte Stillleben und gemeinschaftliche Inszenierungen mit ihrer Großmutter, diese Erinnerungen wieder aufleben. Sie sind eine visuelle Kapsel von Erinnerungen an das Haus und Erlebnisse in ihrer Kindheit darin. Die hellen und farbenfrohen Bilder erzählen auch von den Auswirkungen des Alterns, von alltäglichen Ritualen, von der Unbeständigkeit des Lebens, aber auch von Würde und selbstbestimmtem Leben. In einer wandfüllenden Zusammenstellung spinnt Moshammer ein Netz aus Metaphern und Assoziationen.

Seiichi Furuyas auch als Buch publizierte Serie geht – wie die meisten seiner Arbeiten – auf eine geradezu forensische Sichtung seines Archivs zurück, in dem er immer wieder neues entdeckt und enthüllt. In „Face To Face“ stellt Seiichi Furuya zum ersten Mal seine Bilder jenen Bildern gegenüber, die seine Frau Christine von ihm aufgenommen hat. Christine, die 1985 Selbstmord beging, erweist sich hier als talentierte und sensible Fotografin. In den Diptychen, die Furuya arrangiert, verschränkt sich Christines Blick mit dem von Seiichi, der sich nun ebenfalls auf das Spiel einlässt, das beobachtete Subjekt zu sein.

»Während die visuelle Erinnerungsarbeit, die Seiichi im Laufe der Jahre geleistet hat, ein unaufhörlicher Versuch ist, seine Trauer zu verarbeiten, indem er sein Gesicht in den Rahmen ihrer Liebesgeschichte einfließen lässt, deutet »Face to Face, 1978-1985« darauf hin, dass diese endlose Recherche des Autors auch als der Wunsch gelesen werden könnte, Spuren seiner selbst und der Rolle, die er in den Erinnerungen an ihr gemeinsames Leben spielte, zu finden. Diese Bilderserie erzählt von einee siebenjährige Beziehung in einem visuellen Dialog (…) in der die Fotografie eine fundamentale Rolle spielt: Sie entstaubt verschüttete Erinnerungen und ermöglicht es, die Vergangenheit zu rekonstruieren, und gleichzeitig schafft sie neue Erinnerungen, die von der Perspektive und dem Lauf der Zeit beeinflusst werden.«

R. Cerbarano

Die ausgestellten Prints Von Seiichi Furuya sind eine Schenkung des Fotografen an das FOTOHOF>ARCHIV.

En référence à la célèbre exposition « New Documents » (Diane Arbus, Lee Friedlander et Gerry Winogrand, MOMA 1967), nous intitulons l'exposition au FOTOHOF avec des photos de Paul Kranzler et Stefanie Moshammer dans la galerie et Seiichi Furuya dans le studio « New Documents - refined ». Elle présente des photographies des enfants, de la grand-mère, de la partenaire - des images de famille au sens le plus large et avec des approches très différentes sont le thème de ces trois éminents photographes autrichiens.

Paul Kranzler est père de trois enfants - Nikolaus (11), Marielen (9), Moritz (7). Kranzler montre des photos inédites de et avec ses enfants et raconte des histoires universelles d'amour et de proximité, de jeu et de sérieux, avec détermination pour réussir l'image, pleines de tendresse face au chaos occasionnel.

« Les personnes, les espaces et les paysages de l'environnement personnel sont aussi les motifs les plus photographiés au monde. Si l'on reste longtemps dans un environnement, celui-ci s'appelle 'maison' ou 'relation' ou 'famille' ou 'foyer' ou 'cimetière' ou 'prison', etc. Peut-être que l'environnement personnel est quadridimensionnel - l'espace tridimensionnel et la quatrième dimension, l'émotion attachée à cet espace (de vie/personnel) ». (Paul Kranzler)

Dans son enfance, Stefanie Moshammer a passé beaucoup de temps avec ses onze cousins et cousines dans la maison de ses grands-parents dans le Mühlviertel en Haute-Autriche. Ils jouaient ensemble en se déguisant et en se mettant en scène avec les vêtements et les objets que leurs parents leur avaient laissés dans la maison. Des années plus tard, elle fait revivre ces souvenirs pour une série de photos, des natures mortes arrangées de manière ludique et des mises en scène collectives avec sa grand-mère. Ils constituent une capsule visuelle des souvenirs de la maison et des expériences qu'elle y a vécues dans son enfance. Les images lumineuses et colorées parlent également des effets du vieillissement, des rituels quotidiens, de l'instabilité de la vie, mais aussi de la dignité et de l'autodétermination. Dans une composition qui occupe tout un mur, Moshammer tisse un réseau de métaphores et d'associations.

La série de Seiichi Furuya, également publiée sous forme de livre, est issue - comme la plupart de ses travaux - d'un examen quasi médico-légal de ses archives, dans lesquelles il découvre et révèle sans cesse de nouvelles choses. Dans « Face To Face », Seiichi Furuya confronte pour la première fois ses images avec celles que sa femme Christine a prises de lui. Christine, qui s'est suicidée en 1985, se révèle ici une photographe talentueuse et sensible. Dans les diptyques arrangés par Furuya, le regard de Christine s'entrecroise avec celui de Seiichi, qui se prête désormais lui aussi au jeu d'être le sujet observé.

« Alors que le travail de mémoire visuel effectué par Seiichi au fil des années est une tentative incessante de faire son deuil en intégrant son visage dans le cadre de leur histoire d'amour, « Face to Face, 1978-1985 » suggère que cette recherche sans fin de l'auteur pourrait aussi être lue comme le désir de trouver des traces de lui-même et du rôle qu'il a joué dans les souvenirs de leur vie commune. Cette série d'images raconte une relation de sept ans dans un dialogue visuel (...) dans lequel la photographie joue un rôle fondamental : elle dépoussière les souvenirs enfouis et permet de reconstruire le passé, tout en créant de nouveaux souvenirs influencés par la perspective et le passage du temps ».

R. Cerbarano

Les tirages de Seiichi Furuya exposés sont un don du photographe aux FOTOHOF>ARCHIV.

In riferimento alla famosa mostra “New Documents” (Diane Arbus, Lee Friedlander e Gerry Winogrand, MOMA 1967), intitoliamo la mostra al FOTOHOF con le immagini di Paul Kranzler e Stefanie Moshammer in galleria e di Seiichi Furuya in studio “New Documents - refined”. La mostra presenta fotografie dei figli, della nonna, del partner - immagini di famiglia in senso lato e con approcci molto diversi sono il tema dei tre importanti fotografi austriaci.

Paul Kranzler è padre di tre figli: Nikolaus (11), Marielen (9) e Moritz (7). Kranzler mostra immagini inedite di e con i suoi figli e racconta storie universali di amore e vicinanza, di gioco e serietà, con determinazione per la riuscita dell'immagine, piena di tenerezza verso il caos occasionale.

“Le persone, gli spazi e i paesaggi dell'ambiente personale sono i motivi più fotografati al mondo. Se si trascorre molto tempo in un ambiente, questo viene chiamato 'casa' o 'relazione' o 'famiglia' o 'abitazione' o 'cimitero' o 'prigione' ecc. Forse l'ambiente personale è quadridimensionale: lo spazio tridimensionale e la quarta dimensione, l'emozione legata a questo spazio (vita/persone)”. (Paul Kranzler)

Da bambina, Stefanie Moshammer trascorreva molto tempo con i suoi undici cugini nella casa dei nonni nella regione del Mühlviertel, in Alta Austria. Giocavano insieme travestendosi e posando con i vestiti e gli oggetti che i genitori avevano lasciato loro in casa. A distanza di anni, l'artista fa rivivere questi ricordi in una serie di fotografie, nature morte giocosamente organizzate e messe in scena in comune con la nonna. Sono una capsula visiva dei ricordi della casa e delle sue esperienze d'infanzia. Le immagini, luminose e colorate, raccontano anche degli effetti dell'invecchiamento, dei rituali quotidiani, dell'impermanenza della vita, ma anche della dignità e della vita autodeterminata. Moshammer tesse una rete di metafore e associazioni in una composizione a parete.

Come la maggior parte delle sue opere, la serie di Seiichi Furuya, pubblicata anche come libro, è il risultato di un esame quasi forense del suo archivio, in cui scopre e porta alla luce sempre nuove cose. In “Face To Face”, Seiichi Furuya accosta le sue foto a quelle scattate per la prima volta dalla moglie Christine. Christine, che si è suicidata nel 1985, si dimostra una fotografa talentuosa e sensibile. Nei dittici che Furuya organizza, lo sguardo di Christine si intreccia con quello di Seiichi, che ora si cimenta anche nel gioco di essere il soggetto osservato.

“Se il lavoro di memoria visiva che Seiichi ha fatto nel corso degli anni è un tentativo incessante di elaborare il suo dolore incorporando il suo volto nella cornice della loro storia d'amore, “Face to Face, 1978-1985” suggerisce che questa ricerca infinita da parte dell'autore potrebbe anche essere letta come un desiderio di trovare tracce di sé e del ruolo che ha giocato nei ricordi della loro vita insieme. Questa serie di immagini racconta una relazione durata sette anni in un dialogo visivo (...) in cui la fotografia gioca un ruolo fondamentale: rispolvera memorie sepolte e permette di ricostruire il passato, creando allo stesso tempo nuovi ricordi influenzati dalla prospettiva e dallo scorrere del tempo”.

R. Cerbarano

Le stampe di Seiichi Furuya esposte sono un dono del fotografo al FOTOHOF>ARCHIV.

In reference to the famous exhibition “New Documents” (Diane Arbus, Lee Friedlander and Gerry Winogrand, MOMA 1967), we have named the exhibition at the FOTOHOF with pictures by Paul Kranzler and Stefanie Moshammer in the gallery and Seiichi Furuya in the studio “New Documents - refined”. It shows photographs of children, of grandmothers, of partners – family pictures in the broadest sense and with very different approaches are the subject of the three prominent Austrian photographers.

Paul Kranzler is the father of three children – Nikolaus (11), Marielen (9), Moritz (7). Kranzler shows previously unpublished pictures of and with his children and tells universal stories of love and closeness, of play and seriousness, with determination to create a successful picture, full of tenderness towards the occasional chaos.

“The people and spaces and landscapes of our personal surroundings are also the most frequently photographed subjects in the world. If you live in a particular environment for a long time, it has a name: 'home' or 'relationship' or 'family' or 'home' or 'cemetery' or 'prison', etc. Perhaps our personal environment is four-dimensional – three-dimensional space and the fourth dimension, the emotion associated with this (living/human) space.” (Paul Kranzler)

As a child, Stefanie Moshammer spent a lot of time with her eleven cousins at her grandparents' house in the Mühlviertel region of Austria. They played together by dressing up and staging themselves with the clothes and objects their parents had left them in the house. Years later, she revisited these memories for a series of photographs, playfully arranged still lifes, and collaborative enactments with her grandmother. They are a visual capsule of memories of the house and experiences in it during her childhood. The bright and colorful images also tell of the effects of aging, of everyday rituals, of the impermanence of life, but also of dignity and self-determination. In a wall-sized compilation, Moshammer spins a web of metaphors and associations.

Seiichi Furuya's series, which has also been published as a book, is based – like most of his works – on an almost forensic sifting through his archive, in which he repeatedly discovers and reveals new things. In “Face To Face”, Furuya juxtaposes his images with those taken of him by his wife Christine for the first time. Christine, who committed suicide in 1985, proves to be a talented and sensitive photographer. In the diptychs that Furuya arranges, Christine's gaze intertwines with that of Seiichi, who now also engages in the game of being the observed subject.

“While the visual labor of memory that Seiichi has undertaken over the years is an incessant attempt to process his grief by incorporating his face into the frame of their love story, “Face to Face , 1978-1985” suggests that this endless research by the author could also be read as a desire to find traces of himself and the role he played in the memories of their life together. This series of images recounts a seven-year relationship in a visual dialog (...), in which photography plays a fundamental role: it dusts off buried memories and makes it possible to reconstruct the past, while at the same time creating new memories influenced by perspective and the passage of time.”

R. Cerbarano

The exhibited prints by Seiichi Furuya are a donation from the photographer to the FOTOHOF>ARCHIV.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
13. Dezember 2024 – 1. Februar 2025

UNBEKANNT – Anonyme Blicke auf Salzburg

Städte und die an sie grenzenden Gebiete sind zugleich reale und imaginäre Orte. Ihre physischen Gegebenheiten sind eng verknüpft mit einer imaginären Dimension, welche sich neben schriftlichen Berichten und Erzählungen nicht zuletzt aus jenen Bildern speist, die uns von ihnen erreichen. Die Ausstellung »Unbekannt – Anonyme Blicke auf Salzburg« ist Eigenschaften der Fotografie gewidmet, die uns eine scheinbar konkrete und zugleich verschwommene Vorstellung historischer urbaner Zusammenhänge liefern. Im Rahmen der Kooperation »Salzburg Museum – Gastspiel« zeigt der FOTOHOF Werke anonymer Autor:innen aus der Fotosammlung des Salzburg Museum. Anhand ihrer Blicke auf Salzburg werden Überlegungen über die merkwürdige Rolle der Fotografie, auch heute, nach ihrer Digitalisierung und Universalisierung, angestoßen. Denn als indexikalisches Medium, als Erinnerungsersatz, als Mittel historischer Dokumentation räumlicher, aber auch politischer Sachverhalte, als Werkzeug exekutiver Kontrolle und politischer Macht sowie als vielumstrittene Kunstform ist die Fotografie, ihren ontologischen Status betreffend, stets polarisierend diskutiert worden. Blickt man auf die Bilder der Ausstellung, mag diese prekäre Lage des Mediums, zwischen den Stühlen der Medien-, Kultur- und Kunstgeschichte, wenig verwundern. Denn die ausgewählten Abbildungen machen nicht nur aufgrund des recht großen zeitlichen Rahmens – von der Mitte des 19. bis in die Vierzigerjahre des 20. Jahrhunderts – und der damit einhergehenden technischen Entwicklung des Mediums, von der aufwendigen Belichtung auf Glasplatten bis zum vergleichsweise einfachen Fotografieren auf Film, eine auffallend breite Palette unterschiedlicher fotografischer Motive und Gebrauchsweisen sichtbar.

Bereits das Konzept der Ausstellung und die Auseinandersetzung mit einer sozusagen namenlosen Ansammlung fotografischer Bilder lässt eine spezifische Eigenschaft des Mediums erkennen. So ist der Wert historischer Fotografien nicht immer alleine davon abhängig, wer diese aufgenommen hat. Eine Antwort auf die Frage, warum auch den Bildern unbekannter Autor:innen historische Bedeutung zukommen kann, ist im Automatismus und dem damit einhergehenden »Zufallscharakter« des Mediums zu finden. Diese hatten zur Folge, dass die Bedeutung der Autor:innenschaft in der Fotografie in den Kunstwissenschaften relativierend diskutiert wird. Auch ist die oft postulierte direkte physikalische Verbindung fotografischer Bilder zum Abgebildeten ein zentraler Grund für die Bedeutung, welche der Fotografie für unserer Sicht auf Vergangenes zugeschrieben wird. So erklärt sich vielleicht, warum Bilder wie die in der Sammlung des Salzburg Museum vorhandene Fotografie »Ein Bergputzer in Salzburg« (Anfang 20. Jhdt.) museal konserviert werden. Denn alleine die historische Dokumentation des heute noch praktizierten Vorgangs am Salzburger Mönchsberg scheint als Grund für die Bewahrung der belichteten Glasplatte völlig ausreichend. Bei genauerer Betrachtung der Szene fällt allerdings auf, dass sie die Fülle von Informationen, welche gemeinhin für historische Fotografien angenommen wird, nicht liefern kann. Ohne die Betitelung der Aufnahme würde uns die spezifische Art der Tätigkeit und damit die Verortung des durch die lange Belichtungszeit verschwommen am Seil baumelnden Mannes verborgen bleiben. Und doch kann die Abbildung, trotz ihres etwas diffusen Gehalts, in der Sammlung des Salzburg Museum als für die Zukunft gesichert gelten. Hier wird eine Kluft deutlich, welche sich zwischen dem illusionistischen Charakter fotografischer Bilder und ihrer mitunter höchst undeutlichen Abbildung historischer Wirklichkeit auftut. Einigen der in der Ausstellung gezeigten Bilder ist ihr Gehalt nicht ohne weiteres zu entnehmen. Bilder von russischen Kriegsgefangenen bei der Feldarbeit (um 1915), von der Vernebelung der Stadt Salzburg während eines Bombenangriffs (1944/45) oder eines Erzbischofs beim Gebet (1903-15) sind letztlich auf eine genaue Beschreibung im Bildtitel angewiesen, um sich zu erklären.

Diese latente Bedeutungsoffenheit fotografischer Bilder kann als Schwäche, aber auch als besondere Qualität des Mediums gelesen werden. Als Charakterzug nämlich, welcher es der Fotografie erlaubt, innerhalb einer Sammlung als Dokumentationsmittel bedeutsamer Ereignisse und Sachverhalte und zugleich als subjektives Erinnerungsmedium zur Fixierung beiläufiger – um nicht zu sagen nichtiger – Momente zu existieren. Dass diese sehr unterschiedlichen Gebrauchsweisen im Rahmen der Konservierung historischer Fotografien mitunter überlappen, scheint paradox, wird aber im Blick auf mehrere Glasplatten deutlich, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts am Ufer der Salzach aufgenommen wurden. Sie stellen offenbar Versuche dar, den Flug von Möwen über dem Wasser einzufangen. Während es zweifelhaft erscheint, dass eine andere Motivation zur Aufnahme dieser Bilder geführt hat, ist aus heutiger Sicht (ablesbar an den jeweiligen Bildtiteln) wohl vor allem die im Hintergrund dokumentierte Bebauung des gegenüberliegenden Flussufers von Interesse. Hier lässt sich zum einen erkennen, wie breit museale Sammlungstätigkeit im Bereich historischer Fotografie angelegt sein kann. Zum anderen wird deutlich, wie wenig individuelle Beweggründe der Autor:innen für die spätere Rezeption ihrer fotografischen Werke unter Umständen von Bedeutung sind.

Dass auch bei diesen Bildern die Vögel nur noch als schemenhaft verwischte Schleier fixiert werden konnten, verweist auf die engen Grenzen historischer Aufnahmetechnik, im Blick auf die Ausstellung aber auch auf eine weitere Eigenart des Mediums. Denn neben den langen Belichtungszeiten finden sich mit großflächigen Vignettierungen, mit Doppel- und Mehrfachbelichtungen und zahllosen Spuren von Lichteinfällen eine Vielzahl technischer Abbildungsfehler in der präsentierten Bildauswahl. Aber auch hier scheint die angesprochene Anfälligkeit des Mediums, auch im Nachhinein mit Sinn versehen zu werden, der Fotografie zu einer weiteren Qualität zu verhelfen. Denn während eine technisch fehlerhafte Abbildung die Dokumentation einer Situation oder eines Sachverhalts vielleicht nur teilweise stört – das grundlegende Ansinnen der Aufnahme unter Umständen erhalten bleibt – sind die Störungen mitunter in der Lage, den Abbildungen eine weitere Ebene zu verleihen. So lässt ein zufällig aufgenommener Schatten auf einem Stereo-Glasnegativ den Fotografen samt wuchtigem Aufnahmegerät ins Bild treten, eine Doppelbelichtung Menschen geisterhaft einen verschneiten Hang hinunter rodeln und die düstere Atmosphäre eines unterbelichteten Pferdegespanns an Alfred Stieglitz’ frühe Arbeiten aus New York denken.

Auch hier scheint die Offenheit der Fotografie für assoziative Interpretation, paradox gepaart mit ihrer Eigenschaft, Momente scheinbar klar zu konservieren, den Reiz dieser Aufnahmen auszumachen. Vielleicht ist hier ein Grund für den Umstand zu finden, dass sich der Genuss dieser Bilder, welche wohl vornehmlich aufgrund ihres dokumentarischen Gehalts konserviert werden, nicht weniger aus den Unzulänglichkeiten der fotografischen Verfahren und den ihnen eingeschriebenen Momenten des Zufalls und der Flüchtigkeit speist.

Les villes et les territoires qui les bordent sont des lieux à la fois réels et imaginaires. Leur réalité physique est étroitement liée à une dimension imaginaire qui, outre les récits écrits, se nourrit notamment des visuels qui nous parviennent d'eux. L'exposition « Inconnu - Regards anonymes sur Salzbourg » est consacrée aux caractéristiques de la photographie qui nous donnent une idée à la fois concrète et floue des contextes urbains historiques. Dans le cadre de la coopération « Salzburg Museum - Gastspiel », le FOTOHOF présente des œuvres d'auteurs anonymes issues de la collection de photos du Salzburg Museum. À travers leurs regards sur Salzbourg, des réflexions sur l'étrange rôle de la photographie, même aujourd'hui, après sa numérisation et son universalisation, sont lancées. En effet, en tant que média indexical, substitut de la mémoire, moyen de documentation historique de faits spatiaux mais aussi politiques, outil de contrôle exécutif et de pouvoir politique, et forme d'art très controversée, la photographie a toujours fait l'objet de discussions polarisées quant à son statut ontologique. Si l'on regarde les visuels de l'exposition, cette situation précaire du médium, pris entre les chaises de l'histoire des médias, de la culture et de l'art, n'a rien d'étonnant. En effet, les illustrations sélectionnées mettent en évidence une palette étonnamment large de motifs photographiques et de modes d'utilisation différents, et ce non seulement en raison du cadre temporel assez large - du milieu du 19e siècle aux années quarante du 20e siècle - et de l'évolution technique du médium qui en découle, de l'exposition coûteuse sur plaques de verre à la photographie relativement simple sur film.

Le concept de l'exposition et la confrontation avec une collection pour ainsi dire sans nom de visuels photographiques laissent déjà apparaître une caractéristique spécifique du médium. Ainsi, la valeur des photographies historiques ne dépend pas toujours uniquement de la personne qui les a prises. Une réponse à la question de savoir pourquoi les visuels d'auteurs inconnus peuvent également revêtir une importance historique se trouve dans l'automatisme et le caractère « aléatoire » du média qui en découle. Cela a eu pour conséquence que l'importance de la qualité d'auteur dans la photographie est discutée de manière relative dans les sciences de l'art. De même, le lien physique direct souvent postulé entre les visuels photographiques et la personne représentée est une raison centrale de l'importance attribuée à la photographie pour notre vision du passé. Cela explique peut-être pourquoi des visuels comme la photographie « Un nettoyeur de montagne à Salzbourg » (début du 20e siècle), présente dans la collection du Salzburg Museum, sont conservés dans un musée. En effet, la seule documentation historique de l'opération encore pratiquée aujourd'hui au Mönchsberg de Salzbourg semble être une raison tout à fait suffisante pour conserver la plaque de verre exposée. En observant la scène de plus près, on remarque toutefois qu'elle ne peut pas fournir la quantité d'informations généralement admise pour les photographies historiques. Sans le titre de la photographie, la nature spécifique de l'activité et donc la localisation de l'homme se balançant à la corde de manière floue en raison du long temps d'exposition nous resteraient cachées. Et pourtant, malgré son contenu quelque peu diffus, l'image peut être considérée comme assurée de figurer à l'avenir dans la collection du Salzburg Museum. On voit bien ici le fossé qui se creuse entre le caractère illusionniste des visuels photographiques et leur représentation parfois très floue de la réalité historique. Le contenu de certains des visuels présentés dans l'exposition n'est pas évident à déceler. Les images de prisonniers de guerre russes travaillant dans les champs (vers 1915), de l'enfumage de la ville de Salzbourg pendant un bombardement (1944/45) ou d'un archevêque en prière (1903-15) dépendent en fin de compte d'une description précise dans le titre de l'image pour s'expliquer.

Cette ouverture latente de la signification des visuels photographiques peut être lue comme une faiblesse, mais aussi comme une qualité particulière du médium. C'est un trait de caractère qui permet à la photographie d'exister au sein d'une collection en tant que moyen de documentation d'événements et de faits importants et en même temps en tant que moyen de souvenir subjectif pour fixer des moments occasionnels - pour ne pas dire futiles. Le fait que ces usages très différents se chevauchent parfois dans le cadre de la conservation de photographies historiques peut sembler paradoxal, mais il apparaît clairement à la vue de plusieurs plaques de verre prises au début du 20e siècle sur les rives de la Salzach. Elles transmettent apparemment des tentatives de capturer le vol des mouettes au-dessus de l'eau. Alors qu'il semble douteux qu'une autre motivation ait conduit à la prise de ces visuels, c'est sans doute surtout l'urbanisation de la rive opposée, documentée en arrière-plan, qui est intéressante d'un point de vue actuel (comme en témoignent les titres des différents visuels). D'une part, on peut voir ici à quel point l'activité de collection d'un musée peut être large dans le domaine de la photographie historique. D'autre part, il apparaît clairement que les motivations individuelles des auteurs n'ont que peu d'importance pour la réception ultérieure de leurs œuvres photographiques.

Le fait que, dans ces visuels également, les oiseaux n'aient pu être fixés que sous la forme d'un voile flou et fantomatique, renvoie aux limites étroites des techniques de prise de vue historiques, mais aussi, dans la perspective de l'exposition, à une autre particularité du médium. En effet, outre les longs temps d'exposition, on trouve dans la sélection d'images présentée une multitude d'erreurs techniques de reproduction avec des vignettages étendus, des expositions doubles et multiples et d'innombrables traces d'incidence de la lumière. Mais ici aussi, la susceptibilité évoquée du médium à être doté de sens même après coup semble aider la photographie à atteindre une qualité supplémentaire. En effet, alors qu'une image techniquement défectueuse ne perturbe peut-être que partiellement la documentation d'une situation ou d'un fait - l'intention de base de la prise de vue restant éventuellement intacte - les perturbations sont parfois en mesure de conférer un autre niveau aux illustrations. Ainsi, une ombre prise au hasard sur un négatif en verre stéréoscopique fait apparaître le photographe et son imposant appareil de prise de vue dans le visuel, une double exposition fait apparaître des personnes dévalant en luge une pente enneigée de manière fantomatique et l'atmosphère lugubre d'un attelage de chevaux sous-exposé rappelle les premiers travaux d'Alfred Stieglitz à New York.

Là encore, l'ouverture de la photographie à l'interprétation associative, paradoxalement couplée à sa capacité à conserver des moments apparemment clairs, semble faire le charme de ces clichés. C'est peut-être ici que l'on peut trouver une raison pour laquelle le plaisir de ces visuels, qui sont sans doute conservés principalement en raison de leur contenu documentaire, ne se nourrit pas moins des imperfections des procédés photographiques et des moments de hasard et d'évanescence qui y sont inscrits.

Le città e le aree limitrofe sono luoghi sia reali che immaginari. Le loro caratteristiche fisiche sono strettamente legate a una dimensione immaginaria che, accanto a resoconti e narrazioni scritte, è alimentata anche dalle immagini che ci giungono da esse. La mostra “Unknown - Anonymous Views of Salzburg” è dedicata alle caratteristiche della fotografia che ci forniscono un'idea apparentemente concreta e allo stesso tempo sfocata dei contesti urbani storici. Nell'ambito della collaborazione “Salzburg Museum - Guest Performance”, il FOTOHOF presenta opere di autori anonimi provenienti dalla collezione fotografica del Museo di Salisburgo. Sulla base delle loro visioni di Salisburgo, verranno avviate riflessioni sullo strano ruolo della fotografia, anche oggi, dopo la sua digitalizzazione e universalizzazione. Come mezzo indicale, come sostituto della memoria, come mezzo di documentazione storica di fatti spaziali e politici, come strumento di controllo esecutivo e di potere politico, e come forma d'arte molto discussa, la fotografia è sempre stata oggetto di un dibattito polarizzante sul suo status ontologico. Guardando le immagini in mostra, questa posizione precaria del mezzo fotografico tra le cattedre di storia dei media, della cultura e dell'arte può sorprendere poco. Infatti, le immagini selezionate rivelano una gamma straordinariamente ampia di motivi e usi fotografici diversi, e non solo a causa dell'arco temporale piuttosto ampio - dalla metà del XIX secolo agli anni Quaranta - e dell'evoluzione tecnica del mezzo, dall'esposizione elaborata su lastre di vetro alla fotografia relativamente semplice su pellicola.

Il concetto stesso della mostra e l'esame di una collezione di immagini fotografiche per così dire senza nome rivela una caratteristica specifica del mezzo. Il valore delle fotografie storiche non dipende sempre e solo da chi le ha scattate. Una risposta alla domanda sul perché anche le immagini di autori sconosciuti possano avere un significato storico può essere trovata nell'automatismo e nel relativo “carattere casuale” del mezzo. Di conseguenza, il significato di paternità nella fotografia viene discusso negli studi artistici in modo relativizzante. La connessione fisica diretta, spesso postulata, delle immagini fotografiche con i soggetti raffigurati è anche una ragione centrale del significato attribuito alla fotografia per la nostra visione del passato. Questo spiega forse perché immagini come la fotografia “Un pulitore di montagna a Salisburgo” (inizio del XX secolo) nella collezione del Museo di Salisburgo sono conservate nei musei. Dopo tutto, la documentazione storica del processo praticato ancora oggi sul Mönchsberg di Salisburgo sembra essere una ragione sufficiente per conservare la lastra di vetro esposta. Tuttavia, uno sguardo più attento alla scena rivela che essa non può fornire la ricchezza di informazioni che generalmente si presume per le fotografie storiche. Senza la didascalia, la natura specifica dell'attività e quindi la posizione dell'uomo che penzola dalla corda, sfocata dal lungo tempo di esposizione, ci rimarrebbero nascoste. Eppure, nonostante il suo contenuto un po' diffuso, l'immagine può essere considerata assicurata per il futuro nella collezione del Museo di Salisburgo. In questo caso diventa evidente il divario tra il carattere illusionistico delle immagini fotografiche e la loro rappresentazione, a volte molto indistinta, della realtà storica. Il contenuto di alcune immagini presentate in mostra non è immediatamente evidente. Le immagini dei prigionieri di guerra russi che lavorano nei campi (intorno al 1915), dell'appannamento della città di Salisburgo durante un bombardamento (1944/45) o di un arcivescovo in preghiera (1903-15) dipendono in ultima analisi da una descrizione precisa nel titolo dell'immagine per spiegarsi.

Questa latente apertura al significato delle immagini fotografiche può essere letta come una debolezza, ma anche come una qualità speciale del mezzo. È una caratteristica che permette alla fotografia di esistere all'interno di una collezione come mezzo per documentare eventi e circostanze significative e allo stesso tempo come mezzo soggettivo di memoria per catturare momenti accidentali, per non dire banali. Il fatto che questi usi così diversi a volte si sovrappongano nel contesto della conservazione di fotografie storiche sembra paradossale, ma diventa chiaro quando si osservano alcune lastre di vetro scattate sulle rive del Salzach all'inizio del XX secolo. Sembra che rappresentino dei tentativi di catturare il volo dei gabbiani sull'acqua. Sebbene non si possa pensare che queste immagini siano state scattate per altre ragioni, dal punto di vista odierno (come si evince dai titoli delle rispettive immagini) sono probabilmente gli edifici sulla sponda opposta del fiume, documentati sullo sfondo, a destare particolare interesse. Da un lato, questo dimostra quanto sia ampia l'organizzazione delle attività di raccolta museale nel campo della fotografia storica. Dall'altro lato, diventa chiaro quanto le motivazioni individuali degli autori possano essere poco importanti per la ricezione successiva delle loro opere fotografiche.

Il fatto che anche in queste immagini gli uccelli potessero essere catturati solo come veli d'ombra e sfocati evidenzia i limiti ristretti della tecnologia fotografica storica, ma anche un'altra peculiarità del mezzo rispetto alla mostra. Oltre ai lunghi tempi di esposizione, la selezione di immagini in mostra contiene anche un gran numero di errori tecnici di ripresa sotto forma di estese vignettature, doppie e multiple esposizioni e innumerevoli tracce di incidenza della luce. Ma anche in questo caso, la già citata suscettibilità del mezzo a ricevere un significato a posteriori sembra conferire alla fotografia un'ulteriore qualità. Infatti, mentre un'immagine tecnicamente difettosa può disturbare solo parzialmente la documentazione di una situazione o di un fatto - l'intenzione di base della fotografia può rimanere intatta - i difetti sono talvolta in grado di conferire alle immagini un ulteriore livello. Ad esempio, un'ombra accidentalmente catturata su un negativo di vetro stereo permette al fotografo e al suo massiccio dispositivo di registrazione di entrare nell'immagine, una doppia esposizione mostra persone spettrali che scendono in slitta su un pendio innevato e l'atmosfera cupa di un cavallo e di un carro sottoesposti ricorda i primi lavori di Alfred Stieglitz a New York.

Anche in questo caso, l'apertura della fotografia all'interpretazione associativa, paradossalmente abbinata alla sua capacità di conservare momenti con apparente chiarezza, sembra essere ciò che rende queste fotografie così attraenti. Forse questo è uno dei motivi per cui il godimento di queste immagini, probabilmente conservate soprattutto per il loro contenuto documentario, è alimentato non meno dalle inadeguatezze del processo fotografico e dai momenti di casualità e fugacità in esse inscritti.

Cities and the areas bordering them are both real and imaginary places. Their physical features are closely linked to an imaginary dimension, which is fed not only by written reports and stories but also by the images that reach us from them. The exhibition »Unknown - Anonymous Views of Salzburg« is dedicated to characteristics of photography that provide us with a seemingly concrete and at the same time blurred idea of historical urban contexts. As part of the »‚Salzburg Museum - Guest Performance« cooperation, FOTOHOF is showing works by anonymous authors from the Salzburg Museum's photo collection. Based on their views of Salzburg, reflections on the strange role of photography, even today, after its digitalization and universalization, are initiated. For as an indexical medium, as a substitute for memory, as a means of historical documentation of spatial but also political facts, as a tool of executive control and political power and as a much-disputed art form, photography has always been the subject of polarizing discussions regarding its ontological status. Looking at the images in the exhibition, this precarious position of the medium between the chairs of media, cultural and art history may come as little surprise. For the selected images reveal a strikingly wide range of different photographic motifs and uses, and not only because of the rather broad time frame - from the mid-19th century to the 1940s - and the accompanying technical development of the medium, from elaborate exposure on glass plates to comparatively simple photography on film.

The very concept of the exhibition and the examination of a so to speak nameless collection of photographic images reveals a specific characteristic of the medium. The value of historical photographs is not always solely dependent on who took them. One answer to the question of why the images of unknown authors can also have historical significance can be found in the automatism and the associated “random character” of the medium. As a result, the significance of authorship in photography is discussed in art studies in a relativizing way. The often postulated direct physical connection of photographic images to the depicted is also a central reason for the significance attributed to photography for our view of the past. This perhaps explains why images such as the photograph »A mountain cleaner in Salzburg«(early 20th century) in the Salzburg Museum collection are preserved in museums. After all, the historical documentation of the process still practiced today on Salzburg's Mönchsberg seems to be sufficient reason to preserve the exposed glass plate. However, a closer look at the scene reveals that it cannot provide the wealth of information that is generally assumed for historical photographs. Without the caption, the specific nature of the activity and thus the location of the man dangling from the rope, blurred by the long exposure time, would remain hidden from us. And yet, despite its somewhat diffuse content, the image can be considered to be secured for the future in the collection of the Salzburg Museum. Here a gulf becomes clear between the illusionistic character of photographic images and their sometimes highly indistinct depiction of historical reality. The content of some of the pictures shown in the exhibition is not readily apparent. Images of Russian prisoners of war working in the fields (around 1915), of the fogging of the city of Salzburg during a bombing raid (1944/45) or of an archbishop at prayer (1903-15) are ultimately dependent on a precise description in the picture title in order to explain themselves.

This latent openness to meaning in photographic images can be read as a weakness, but also as a special quality of the medium. It is a characteristic that allows photography to exist within a collection as a means of documenting significant events and circumstances and at the same time as a subjective medium of memory for capturing incidental - not to say trivial - moments. The fact that these very different uses sometimes overlap in the context of preserving historical photographs seems paradoxical, but becomes clear when looking at several glass plates that were taken on the banks of the Salzach at the beginning of the 20th century. They apparently represent attempts to capture the flight of seagulls over the water. While it seems doubtful that any other motivation led to these pictures being taken, from today's perspective (as can be seen from the titles of the respective pictures), the buildings on the opposite bank of the river documented in the background are probably of particular interest. On the one hand, this shows how broadly museum collecting activities can be applied in the field of historical photography. On the other hand, it becomes clear how little importance the authors' individual motives may have for the later reception of their photographic works.

The fact that even in these images the birds could only be captured as shadowy, blurred veils points to the narrow limits of historical photographic technology, but also to another peculiarity of the medium with regard to the exhibition. In addition to the long exposure times, the selection of images on display contains a large number of technical imaging errors, such as extensive vignetting, double and multiple exposures and countless traces of light incidence. But here, too, the aforementioned susceptibility of the medium to being given meaning in retrospect seems to lend photography a further quality. For while a technically flawed image may only partially disrupt the documentation of a situation or a fact - the basic intention of the photograph may remain intact - the disturbances are sometimes able to lend the images a further level. For example, an accidentally captured shadow on a stereo glass negative allows the photographer and his massive recording device to enter the picture, a double exposure shows people ghostly tobogganing down a snowy slope and the gloomy atmosphere of an underexposed horse and cart is reminiscent of Alfred Stieglitz's early works from New York.

Here too, the openness of photography to associative interpretation, paradoxically paired with its ability to preserve moments with apparent clarity, seems to be what makes these photographs so appealing. Perhaps this is one reason for the fact that the enjoyment of these images, which are preserved primarily for their documentary content, is no less due to the inadequacies of the photographic process and the moments of chance and fleetingness inscribed in them.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Leica Galerie Salzburg
15. November 2024 – 28. Februar 2025

Kunst der Stille: Porträts und Stillleben von Vera Mercer

Im Rahmen unseres Jahresthemas „THROUGH HER LENS – All Eyes on Women Photographers“ präsentieren wir seit Februar ausschließlich weibliche Fotografinnen. Zum Abschluss des Jahres freuen wir uns, mit der Ausstellung „Kunst der Stille: Porträts und Stillleben von Vera Mercer“ eine visuelle Pracht voller Blumen, Früchte und mystischer Arrangements präsentieren zu können. Die Vernissage findet am 14. November um 18.30 Uhr statt.

Vera Mercer, die in den 1960er Jahren zur Pariser Künstleravantgarde gehörte, wurde durch ihre eindrücklichen Fotografien von Künstlern wie Jean Tinguely, Eva Aeppli, Marcel Duchamp, Niki de Saint-Phalle und Daniel Spoerri bekannt. Neben diesen eindrücklichen Porträts entwickelte sie eine Faszination für Stillleben, inspiriert von alten Pariser Markthallen. Dieses Interesse an Früchten, Gemüse, Fleisch und Fisch in ihrer frischesten und unverarbeiteten Form prägt ihr künstlerisches Schaffen bis heute.

Mercers Werk zeichnet sich durch opulente, neobarocke Farbstillleben aus, die klassische Vanitas-Motive neu interpretieren. Ihre Werke sind reich an Farben und Details, oft in mystisches Licht getaucht und kunstvoll arrangiert. Krebse, Fischleiber, Wild und Geflügel kombiniert sie mit Blumen, Kerzen und antiken Accessoires zu einem visuellen Fest, das Lebensfreude und Vergänglichkeit gleichermaßen zelebriert. Die großformatigen Arbeiten bestechen durch ihre Sinnlichkeit und Ästhetik und schaffen eine einzigartige Atmosphäre, die den Betrachter in eine Welt voller Schönheit und Nachdenklichkeit entführt.

Dans le cadre de notre thème annuel « THROUGH HER LENS - All Eyes on Women Photographers », nous présentons depuis février exclusivement des femmes photographes. Pour clore l'année, nous sommes heureux de pouvoir présenter l'exposition « L'art du silence : portraits et natures mortes de Vera Mercer », une splendeur visuelle pleine de fleurs, de fruits et d'arrangements mystiques. Le vernissage aura lieu le 14 novembre à 18h30.

Vera Mercer, qui faisait partie de l'avant-garde artistique parisienne dans les années 1960, s'est fait connaître par ses impressionnantes photographies d'artistes tels que Jean Tinguely, Eva Aeppli, Marcel Duchamp, Niki de Saint-Phalle et Daniel Spoerri. Outre ces portraits impressionnants, elle a développé une fascination pour les natures mortes, inspirée par les anciens marchés couverts parisiens. Cet intérêt pour les fruits, les légumes, la viande et le poisson dans leur forme la plus fraîche et non transformée marque encore aujourd'hui sa création artistique.

L'œuvre de Mercer se caractérise par des natures mortes opulentes aux couleurs néo-baroques, qui réinterprètent les motifs classiques de vanitas. Ses œuvres sont riches en couleurs et en détails, souvent plongées dans une lumière mystique et disposées avec art. Elle combine des écrevisses, des foies de poissons, du gibier et de la volaille avec des fleurs, des bougies et des accessoires anciens pour créer une fête visuelle qui célèbre à la fois la joie de vivre et l'éphémère. Les œuvres de grand format séduisent par leur sensualité et leur esthétique et créent une atmosphère unique qui transporte le spectateur dans un monde de beauté et de réflexion.

Nell'ambito del nostro tema annuale “THROUGH HER LENS - All Eyes on Women Photographers”, da febbraio presentiamo esclusivamente fotografe donne. Per concludere l'anno, siamo lieti di presentare la mostra “Art of Silence: Portraits and Still Lifes by Vera Mercer”, uno splendore visivo pieno di fiori, frutta e composizioni mistiche. Il vernissage si terrà il 14 novembre alle 18.30.

Vera Mercer, che ha fatto parte dell'avanguardia artistica parigina degli anni Sessanta, è diventata famosa per le sue impressionanti fotografie di artisti come Jean Tinguely, Eva Aeppli, Marcel Duchamp, Niki de Saint-Phalle e Daniel Spoerri. Oltre a questi impressionanti ritratti, sviluppò un fascino per le nature morte, ispirandosi alle vecchie sale del mercato parigino. Questo interesse per la frutta, la verdura, la carne e il pesce nella loro forma più fresca e non lavorata caratterizza ancora oggi il suo lavoro artistico.

Il lavoro di Mercer è caratterizzato da nature morte opulente e neobarocche che reinterpretano i motivi classici della vanitas. Le sue opere sono ricche di colori e dettagli, spesso immerse in una luce mistica e disposte ad arte. L'artista combina granchi, carcasse di pesce, selvaggina e pollame con fiori, candele e accessori antichi per creare una festa visiva che celebra in egual misura la gioia di vivere e la caducità. Le opere di grande formato affascinano per la loro sensualità ed estetica e creano un'atmosfera unica che trasporta lo spettatore in un mondo pieno di bellezza e contemplazione.

As part of our annual theme “THROUGH HER LENS – All Eyes on Women Photographers”, we have been presenting exclusively female photographers since February. To mark the end of the year, we are pleased to be able to present a visual splendor full of flowers, fruits and mystical arrangements with the exhibition “The Art of Silence: Portraits and Still Lifes by Vera Mercer”. The vernissage will take place on November 14 at 6:30 p.m.

Vera Mercer, who was part of the Parisian artistic avant-garde of the 1960s, became known for her striking photographs of artists such as Jean Tinguely, Eva Aeppli, Marcel Duchamp, Niki de Saint-Phalle and Daniel Spoerri. Alongside these impressive portraits, she developed a fascination for still lifes, inspired by the old Parisian market halls. This interest in fruits, vegetables, meat and fish in their freshest and most unprocessed form continues to shape her artistic work to this day.

Mercer's work is characterized by opulent, neo-baroque color still lifes that reinterpret classic vanitas motifs. Her works are rich in colors and details, often bathed in mystical light and artfully arranged. She combines crabs, fish carcasses, game and poultry with flowers, candles and antique accessories to create a visual feast that celebrates both joie de vivre and transience. The large-format works captivate with their sensuality and aesthetics, creating a unique atmosphere that transports the viewer to a world full of beauty and contemplation.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

Fotohof | Salzburg
8. Oktober – 29. November 2024

Werner Feiersinger, Lea Sonderegger

Werner Feiersinger, *1966 in Brixlegg, lebt in Wien, Bildhauer und Fotograf, zeigt unter dem Titel »KORZO« Fotografien von utopischen Projekten industrieller Architektur und Landschaftsgestaltung in Istrien. »Die vielen Industriebauten − Hochhäuser, Petrochemie, Schiffe, Kohlelager, Hafengebäude, Stahlkonstruktionen − erzählen von der Geschichte und Entwicklung dieser Orte, aber auch vom Scheitern politischer Ideologien und Utopien. Der dazugehörige politische Hintergrund schwingt als parallele Erzählung subtil mit.« (Feiersinger)

Im Gegensatz zu Feiersinger, der ausschließlich Außenräume zeigt, setzt sich die Fotografin Lea Sonderegger, *1995, lebt in Wien, in ihrer Werkgruppe »Norm« mit Innenräumen von Wiener Verwaltungseinrichtungen − Büroräumen, Eingangshallen, Wartebereichen, Kantinen etc. − auseinander. »In meiner fotografischen Arbeit dokumentiere ich eine gebaute Umgebung, die den Alltag eines großen Teils der Menschen bestimmt. (...) Die Fotos stehen nicht repräsentativ für das jeweils abgebildete Gebäude, sondern mir ging es darum, den spezifischen Typus von Verwaltungsräumen einzufangen.« (Sonderegger)

Werner Feiersinger, né en 1966 à Brixlegg et vivant à Vienne, sculpteur et photographe, présente sous le titre « KORZO » des photographies de projets utopiques d'architecture industrielle et d'aménagement paysager en Istrie. « Les nombreux bâtiments industriels - gratte-ciel, pétrochimie, bateaux, entrepôts de charbon, bâtiments portuaires, constructions en acier - racontent l'histoire et l'évolution de ces lieux, mais aussi l'échec des idéologies et des utopies politiques. Le contexte politique correspondant résonne subtilement comme un récit parallèle ». (Feiersinger)

Contrairement à Feiersinger, qui ne montre que des espaces extérieurs, la photographe Lea Sonderegger, *1995, qui vit à Vienne, s'intéresse dans son groupe d'œuvres « Norm » aux espaces intérieurs des institutions administratives viennoises - bureaux, halls d'entrée, salles d'attente, cantines, etc. - dans les bureaux. « Dans mon travail photographique, je documente un environnement construit qui détermine le quotidien d'une grande partie des gens. (...) Les photos ne sont pas représentatives du bâtiment représenté à chaque fois, mais il s'agissait pour moi de capturer le type spécifique de locaux administratifs ». (Sonderegger)

Werner Feiersinger, *1966 a Brixlegg, vive a Vienna, scultore e fotografo, mostra fotografie di progetti utopici di architettura industriale e di design del paesaggio in Istria con il titolo “KORZO”. “I numerosi edifici industriali - grattacieli, impianti petrolchimici, navi, depositi di carbone, edifici portuali, costruzioni in acciaio - raccontano la storia e lo sviluppo di questi luoghi, ma anche il fallimento di ideologie politiche e utopie. Lo sfondo politico associato risuona sottilmente come una narrazione parallela”. (Feiersinger)

A differenza di Feiersinger, che mostra solo spazi esterni, la fotografa Lea Sonderegger, *1995, vive a Vienna, si occupa degli interni delle strutture amministrative viennesi - uffici, ingressi, aree d'attesa, mense, eccetera - nel suo gruppo di lavori 'Norm'. - ecc. “Nel mio lavoro fotografico, documento un ambiente costruito che determina la vita quotidiana di una grande percentuale di persone. (...) Le foto non sono rappresentative dell'edificio ritratto in ogni caso, ma ero interessata a catturare il tipo specifico di spazio amministrativo”. (Sonderegger)

Werner Feiersinger, *1966 in Brixlegg, lives in Vienna, sculptor and photographer, shows photographs of utopian projects of industrial architecture and landscape design in Istria under the title “KORZO”. “The many industrial buildings - high-rise buildings, petrochemical plants, ships, coal storage facilities, port buildings, steel constructions - tell of the history and development of these places, but also of the failure of political ideologies and utopias. The associated political background subtly resonates as a parallel narrative.” (Feiersinger)

In contrast to Feiersinger, who only shows outdoor spaces, the photographer Lea Sonderegger, *1995, lives in Vienna, deals with the interiors of Viennese administrative facilities - offices, entrance halls, waiting areas, canteens, etc. - in her group of works “Norm”. - etc. “In my photographic work, I document a built environment that determines the everyday lives of a large proportion of people. (...) The photos are not representative of the building depicted in each case, but I was interested in capturing the specific type of administrative space.” (Sonderegger)

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
8. Oktober – 29. November 2024

STONED
Joachim Brohm

Im Studio wird eine Schenkung von JOACHIM BROHM, *1955 in Dülken, lebt in Leipzig, an das FOTOHOF>ARCHIV präsentiert, die das berühmte Steinhaus am Ossiacher See von Günther Domenig in seiner frühen Entstehungsphase von 1989 bis 1994 zeigt. »STONED« ist eine umfangreiche Serie des ikonischen Bauwerks als gebaute Biografie seines Erschaffers. In Kooperation mit dem FOTOHOF>ARCHIV sichtete Brohm retrospektiv sein gesamtes Archivmaterial zum Steinhaus und entschied sich, eine Werkgruppe neu zu editieren und − im Gegensatz zu seiner langjährigen Praxis − ausschließlich in schwarz-weiß zu präsentieren. Die Betonskulptur des damaligen Rohbaus erfährt so eine weitere, bildliche Transformation.

Le studio présente une donation de JOACHIM BROHM, *1955 à Dülken, vivant à Leipzig, au FOTOHOF>ARCHIV, qui montre la célèbre maison en pierre sur le lac d'Ossiach de Günther Domenig dans sa première phase de création de 1989 à 1994. « STONED » est une vaste série de la construction iconique comme biographie construite de son créateur. En coopération avec FOTOHOF>ARCHIV, Brohm a examiné rétrospectivement toutes ses archives sur la maison en pierre et a décidé de rééditer un groupe d'œuvres et - contrairement à sa pratique de longue date - de les présenter exclusivement en noir et blanc. La sculpture en béton du gros œuvre de l'époque subit ainsi une nouvelle transformation picturale.

Una donazione di JOACHIM BROHM, *1955 a Dülken, vive a Lipsia, al FOTOHOF>ARCHIV sarà presentata in studio, mostrando la famosa casa in pietra sul lago di Ossiach di Günther Domenig nella sua prima fase di sviluppo dal 1989 al 1994. “STONED” è una serie estesa dell'edificio iconico come biografia costruita del suo creatore. In collaborazione con il FOTOHOF>ARCHIV, Brohm ha visionato retrospettivamente tutto il suo materiale d'archivio sulla Steinhaus e ha deciso di rieditare un gruppo di opere e - in contrasto con la sua pratica di lunga data - di presentarle esclusivamente in bianco e nero. La scultura in cemento dell'ex involucro dell'edificio subisce così un'ulteriore trasformazione visiva.

A donation by JOACHIM BROHM, *1955 in Dülken, lives in Leipzig, to the FOTOHOF>ARCHIV will be presented in the studio, showing the famous stone house on Lake Ossiach by Günther Domenig in its early development phase from 1989 to 1994. “STONED” is an extensive series of the iconic building as a built biography of its creator. In cooperation with the FOTOHOF>ARCHIV, Brohm retrospectively sifted through all his archive material on the Steinhaus and decided to re-edit a group of works and - in contrast to his long-standing practice - present them exclusively in black and white. The concrete sculpture of the former shell of the building thus undergoes a further visual transformation.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
4. Oktober 2024 – 23. Februar 2025

Sophie Thun

Das fotografische Werk von Sophie Thun (geb. 1985 Frankfurt am Main, DE) gleicht einem Bilderstrom von Orten und Räumen, in denen die Künstlerin gearbeitet und ausgestellt hat. Dabei ist sie stets als Autorin ihrer analogen Fotografien im Bild präsent: Mal blickt sie mit dem Auslöser in der Hand selbstbewusst in die Kamera, mal wird sie durch ihre fotografischen Apparate repräsentiert. Ihren Körper benützt Thun dabei stets als Instrument, um etablierte Darstellungen von (weiblicher) Repräsentation zu hinterfragen. Durch Methoden wie Zerschneiden, Aufspalten und Multiplizieren stellt sie Identität prozesshaft und veränderlich dar. Ihre eindrucksvollen Rauminstallationen spielen mit unserer Wahrnehmung von Realität und Abbild. Die Ausstellung im Museum der Moderne Salzburg ist Thuns erste museale Einzelausstellung.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation.

Kuratorin: Marijana Schneider

L'œuvre photographique de Sophie Thun (née en 1985 à Francfort-sur-le-Main, DE) ressemble à un flux d'images de lieux et d'espaces dans lesquels l'artiste a travaillé et exposé. Elle est toujours présente dans l'image en tant qu'auteur de ses photographies analogiques : tantôt elle regarde l'appareil photo avec assurance, le déclencheur à la main, tantôt elle est représentée par ses appareils photographiques. Thun se sert toujours de son corps comme d'un instrument pour remettre en question les représentations établies de la représentation (féminine). Grâce à des méthodes telles que la découpe, le dédoublement et la multiplication, elle représente l'identité sous forme de processus et de changement. Ses installations spatiales impressionnantes jouent avec notre perception de la réalité et de la représentation. L'exposition au Museum der Moderne de Salzbourg est la première exposition individuelle de Thun dans un musée.

Une publication paraît à l'occasion de l'exposition.

Commissaire d'exposition : Marijana Schneider

Il lavoro fotografico di Sophie Thun (nata nel 1985 a Francoforte sul Meno, DE) assomiglia a un flusso di immagini di luoghi e spazi in cui l'artista ha lavorato ed esposto. L'artista è sempre presente nell'immagine come autrice delle sue fotografie analogiche: a volte guarda con fiducia nella macchina fotografica con il pulsante di scatto in mano, altre volte è rappresentata dalla sua attrezzatura fotografica. Thun usa sempre il suo corpo come strumento per mettere in discussione le rappresentazioni consolidate della rappresentazione (femminile). Utilizzando metodi come il taglio, la divisione e la moltiplicazione, ritrae l'identità in modo processuale e mutevole. Le sue imponenti installazioni spaziali giocano con la nostra percezione della realtà e della rappresentazione. La mostra al Museum der Moderne Salzburg è la prima personale di Thun in un museo.

Una pubblicazione accompagnerà la mostra.

Curatore: Marijana Schneider

The photographic work of Sophie Thun (b. 1985 Frankfurt am Main, DE) resembles a stream of images of places and spaces in which the artist has worked and exhibited. She is always present in the image as the author of her analog photographs: sometimes she looks confidently into the camera with the shutter release in her hand, sometimes she is represented by her photographic equipment. Thun always uses her body as an instrument to question established representations of (female) representation. Using methods such as cutting, splitting and multiplying, she presents identity in a processual and changeable way. Her impressive spatial installations play with our perception of reality and representation. The exhibition at the Museum der Moderne Salzburg is Thun's first solo museum exhibition.

A publication will accompany the exhibition.

Curator: Marijana Schneider

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
9. August – 28. September 2024

ANTI/KÖRPER
Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch, Sarah Tasha

Mit ANTI/KÖRPER führt der FOTOHOF sieben künstlerische Positionen zusammen, welche Körper als konkretes Werkzeug nutzen, um Erzählungen zu schaffen, die sich einer klaren Zuordnung in ein bestehendes, durch einen wie auch immer gearteten »Herrschaftsblick« etabliertes, System entziehen. Mit Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch und Sarah Tasha wurden zeitgenössische Künstler:innen eingeladen, die ihre jeweiligen künstlerischen Praxen als strategische Mittel zur symbolischen und expliziten Selbstbehauptung einsetzen und auf diese Weise der, aus der Aufklärung noch heute auf uns kommenden patriarchalen Vernunft, mit ihrer Leidensspur von Ausgegrenztem, Abgespaltenem, Marginalisiertem, Zerstörtem und Verdrängtem, dezidiert entgegenstehen.

Der titelgebende Begriff »Antikörper,« welcher sich üblicherweise auf, vom Immunsystem zur Bekämpfung von Krankheitserregern produzierte Proteine bezieht, symbolisiert in diesem Zusammenhang unter anderem die Idee des Widerstands und der Abwehr. Die ausgewählten Positionen diskutieren gesellschaftliche Normen, Zwänge und Stereotypen, erkunden individuelle wie kollektive Identitäten und blicken auf Formen der Unterdrückung. Sie schaffen alternative Perspektiven auf bestehende Wertesysteme, hinterfragen traditionelle Narrative und erfüllen so eine kulturelle Schutzfunktion, welche in jener organischer Antikörper ihre Entsprechung finden könnte.

Avec ANTI/KÖRPER, la FOTOHOF réunit sept positions artistiques qui utilisent le corps comme un outil concret pour créer des récits qui échappent à une classification claire dans un système existant, établi par un "regard de domination" quel qu'il soit. Avec Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch et Sarah Tasha, nous avons invité des artistes contemporains qui utilisent leurs pratiques artistiques respectives comme des moyens stratégiques pour s'affirmer symboliquement et explicitement, et qui s'opposent ainsi résolument à la raison patriarcale issue des Lumières, avec son cortège de souffrances liées à ce qui est exclu, séparé, marginalisé, détruit et refoulé.

Le terme "anticorps", qui donne son titre à l'ouvrage, se réfère généralement aux protéines produites par le système immunitaire pour lutter contre les agents pathogènes et symbolise, dans ce contexte, l'idée de résistance et de défense. Les positions sélectionnées discutent des normes sociales, des contraintes et des stéréotypes, explorent les identités individuelles et collectives et portent un regard sur les formes d'oppression. Elles créent des perspectives alternatives sur les systèmes de valeurs existants, remettent en question les récits traditionnels et remplissent ainsi une fonction de protection culturelle qui pourrait trouver son équivalent dans celle des anticorps organiques.

Con ANTI/KÖRPER, FOTOHOF riunisce sette posizioni artistiche che utilizzano il corpo come strumento concreto per creare narrazioni che sfidano una chiara categorizzazione in un sistema esistente stabilito da qualsiasi tipo di "visione dominante". Con Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch e Sarah Tasha, sono stati invitati artisti contemporanei che utilizzano le rispettive pratiche artistiche come mezzo strategico di autoaffermazione simbolica ed esplicita e che in questo modo si oppongono decisamente alla ragione patriarcale che ancora oggi ci arriva dall'Illuminismo, con la sua scia di sofferenza degli esclusi, degli scissi, degli emarginati, dei distrutti e dei repressi.

Il termine omonimo "anticorpo", che di solito si riferisce alle proteine prodotte dal sistema immunitario per combattere gli agenti patogeni, simboleggia in questo contesto l'idea di resistenza e difesa. Le posizioni selezionate discutono le norme sociali, le costrizioni e gli stereotipi, esplorano le identità individuali e collettive ed esaminano le forme di oppressione. Creano prospettive alternative sui sistemi di valori esistenti, mettono in discussione le narrazioni tradizionali e svolgono una funzione di protezione culturale che potrebbe trovare un equivalente in quella degli anticorpi organici.

With ANTI/BODY, FOTOHOF brings together artistic positions that use the body as a concrete tool to create narratives and images that defy clear categorization in an existing system established by a »dominant view« (of whatever kind). With Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch and Sarah Tasha, contemporary artists have been invited who use their respective artistic practices as a strategic means of symbolic and explicit self-assertion and in this way resolutely oppose the patriarchal reason that still comes to us today from the Enlightenment with its trail of suffering of the excluded, the split off, the marginalized, the destroyed and the repressed.

The eponymous term »antibody«, which usually refers to proteins produced by the immune system to combat pathogens, symbolizes the idea of resistance and defence in this context. The selected artistic positions discuss social norms, constraints and stereotypes, explore individual and collective identities and look at forms of oppression. They create alternative perspectives on existing value systems, question traditional narratives and thus fulfill a cultural protective function that could find its counterpart in the biological nature of antibodies.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
9. August – 28. September 2024

Lillian Birnbaum und Heidi Harsieber: Serien aus den 1980er Jahren

Mit Fotoserien von Lillian Birnbaum und Heidi Harsieber präsentieren wir im FOTOHOF>STUDIO Kooperationen, die diese beiden Künstlerinnen in den 1980er Jahren mit Künstlerkollegen geschaffen haben, die sich im Umfeld des Aktionismus bewegten. Entsprechend der Konzeption des FOTOHOF>ARCHIV haben wir gemeinsam mit den beiden Fotografinnen frühe Projekte, die in der Zwischenzeit nur mehr schwer zugänglich sind, im Rahmen des Archivs neu herausgegeben und zum Teil neu ausgearbeitet, um sie wieder für den Kunstdiskurs zur Verfügung zu stellen.

Lillian Birnbaum dokumentiert in Zusammenarbeit mit Günter Brus in der Fotoserie »Der Selbstmensch« (1987) das Entstehen der gleichnamigen aktionistischen Arbeit. Heidi Harsieber zeigt Herman Nitsch bei einer »Probe zum 3-Tages Spiel in Prinzendorf« (1984) und von Heidi Harsieber stammt auch die dritte Fotoserie, »Franz Koglmann, Probe zu Tanzmusik für Paszstücke von Franz West (1983)«.

Lillian Birnbaum fotografierte die Serie »Der Selbstmensch« (ursprünglich verlegt von den Galerien Heike Curtze und Petra Seiser) im Atelier von Günter Brus. Er schreibt in einem Text aus dem Jahr 2015 zu ihrer Zusammenarbeit: »…) wir entwickelten die Idee, dass Lillian Birnbaum eine Fotoserie vom Entstehen einer lebensgroßen Zeichnung in meinem Atelier machen würde. (…) Damit stellte ich die Aktion, das Zeichnen und Schreiben gemeinsam zur Schau, was Lillian Birnbaum kongenial festhielt.«

Heidi Harsieber nutzte eine Probe, die Hermann Nitsch vor Beginn seines 3-Tage-Spiels 1984 in Prinzendorf im erdigen Keller seines Schlosses durchführte, bei der sie auch selbst ihre fotografischen Möglichkeiten ohne Kunstlicht oder andere Hilfsmittel mit analogem Film testete. So entstand eine einmalige Serie in einer lockeren Probensituation, die aber gleichzeitig eine besondere Authentizität besitzt, da sie ohne die spätere Inszenierung des großen Festes auskommt. Die dunkle Stimmung der Fotos und ihre fast malerische Körnigkeit sind diesen besonderen Entstehungsbedingungen geschuldet.

Mit der Fotoserie »Franz Koglmann, Probe zu Tanzmusik für Paszstücke von Franz West (1983)« arbeitete Heidi Harsieber mit zwei Künstlern zusammen: sie dokumentiert eine Probe für eine Komposition, die der österreichische Jazzmusiker Franz Koglmann mit und für die bildhauerischen Objekte von Franz West durchgeführt hat. Mit diesen »Paszstücken«, die sich menschlichen Körperformen anpassen oder sie erweitern (auch im übertragenen Sinn), versuchte Franz West seit Mitte der 1970er Jahre die Trennung von Kunst/Objekt und Betrachter/Nutzer aufzuheben, eine Zielsetzung, die ja auch dem Wiener Aktionismus eigen ist.

Avec les séries photographiques de Lillian Birnbaum et Heidi Harsieber, nous présentons au FOTOHOF>STUDIO des coopérations que ces deux artistes ont créées dans les années 1980 avec des collègues artistes qui évoluaient dans le milieu de l'actionnisme. Conformément à la conception du FOTOHOF>ARCHIV, nous avons, en collaboration avec les deux photographes, réédité dans le cadre des archives des projets précoces devenus entre-temps difficilement accessibles, et nous les avons en partie réélaborés afin de les transmettre à nouveau au discours artistique.

Lillian Birnbaum, en collaboration avec Günter Brus, documente dans la série de photos "Der Selbstmensch" (1987) la naissance du travail actionniste du même nom. Heidi Harsieber montre Herman Nitsch lors d'une "Répétition pour le jeu de 3 jours à Prinzendorf" (1984) et c'est également à Heidi Harsieber que l'on doit la troisième série de photos, "Franz Koglmann, Répétition sur musique de danse pour pastiches de Franz West (1983)".

Lillian Birnbaum a photographié la série "Der Selbstmensch" (initialement publiée par les galeries Heike Curtze et Petra Seiser) dans l'atelier de Günter Brus. Celui-ci écrit dans un texte de 2015 à propos de leur collaboration : "...) nous avons développé l'idée que Lillian Birnbaum réaliserait une série de photos de la naissance d'un dessin grandeur nature dans mon atelier. (...) Je transmettais ainsi l'action, le dessin et l'écriture ensemble, ce que Lillian Birnbaum immortalisait de manière congéniale".

Heidi Harsieber a profité d'une répétition organisée par Hermann Nitsch avant le début de son jeu de 3 jours en 1984 à Prinzendorf, dans la cave terreuse de son château, au cours de laquelle elle a également testé elle-même ses possibilités photographiques sans lumière artificielle ou autres moyens, avec un film analogique. C'est ainsi qu'est née une série unique dans une situation de répétition décontractée, mais qui possède en même temps une authenticité particulière, car elle se passe de la mise en scène ultérieure de la grande fête. L'ambiance sombre des photos et leur granularité presque picturale sont dues à ces conditions de réalisation particulières.

Avec la série de photos "Franz Koglmann, répétition de musique de danse pour Paszstücke de Franz West (1983)", Heidi Harsieber a collaboré avec deux artistes : elle documente une répétition pour une composition que le musicien de jazz autrichien Franz Koglmann a réalisée avec et pour les objets sculpturaux de Franz West. Avec ces "pièces de passeport" qui s'adaptent aux formes du corps humain ou les élargissent (également au sens figuré), Franz West a tenté, depuis le milieu des années 1970, d'abolir la séparation entre l'art/l'objet et le spectateur/l'utilisateur, un objectif qui est après tout également propre à l'actionnisme viennois.

Con le serie fotografiche di Lillian Birnbaum e Heidi Harsieber, il FOTOHOF>STUDIO presenta le collaborazioni che queste due artiste hanno creato negli anni Ottanta con altri artisti attivi nel campo dell'Azionismo. In linea con il concetto di FOTOHOF>ARCHIVE, abbiamo lavorato insieme ai due fotografi per ripubblicare i primi progetti, oggi difficilmente accessibili, come parte dell'archivio e, in alcuni casi, per rielaborarli al fine di renderli nuovamente disponibili per il discorso artistico.

In collaborazione con Günter Brus, Lillian Birnbaum documenta la creazione dell'omonima opera actionista nella serie fotografica "Der Selbstmensch" (1987). Heidi Harsieber mostra Herman Nitsch durante una "Prova per lo spettacolo di tre giorni a Prinzendorf" (1984) e la terza serie di foto, "Franz Koglmann, prove di musica per Paszstücke di Franz West (1983)", è anch'essa di Heidi Harsieber.

Lillian Birnbaum ha fotografato la serie "Der Selbstmensch" (originariamente pubblicata dalle gallerie Heike Curtze e Petra Seiser) nello studio di Günter Brus. In un testo del 2015, egli ha scritto a proposito della loro collaborazione: "...) abbiamo sviluppato l'idea che Lillian Birnbaum avrebbe scattato una serie di fotografie della creazione di un disegno a grandezza naturale nel mio studio. (...) L'ho usato per mostrare l'azione, il disegno e la scrittura insieme, che Lillian Birnbaum ha catturato in modo congeniale".

Heidi Harsieber ha approfittato di una prova che Hermann Nitsch ha effettuato nella cantina terrosa del suo castello a Prinzendorf prima dell'inizio del suo spettacolo di tre giorni nel 1984, durante il quale ha anche testato le proprie possibilità fotografiche senza luce artificiale o altri ausili utilizzando una pellicola analogica. Ne è nata una serie unica in una situazione di prova rilassata, che allo stesso tempo possiede una speciale autenticità, in quanto priva della successiva messa in scena della grande festa. L'atmosfera cupa delle foto e la loro granulosità quasi pittorica sono dovute alle condizioni speciali in cui sono state scattate.

Con la serie fotografica "Franz Koglmann, prove di musica da ballo per Paszstücke di Franz West (1983)", Heidi Harsieber ha lavorato insieme a due artisti: documenta le prove di una composizione che il musicista jazz austriaco Franz Koglmann ha eseguito con e per gli oggetti scultorei di Franz West. Con questi "Paszstücke", che si adattano alle forme del corpo umano o le estendono (anche in senso figurativo), Franz West ha cercato di eliminare la separazione tra arte/oggetto e spettatore/fruitore fin dalla metà degli anni Settanta, un obiettivo che è anche caratteristico dell'Azionismo viennese.

With photo series by Lillian Birnbaum and Heidi Harsieber, the FOTOHOF>STUDIO presents collaborations that these two artists created in the 1980s with fellow artists who were active in the field of Actionism. In line with the concept of the FOTOHOF>ARCHIVE, we have worked with the two photographers to republish early projects, which are now difficult to access, as part of the archive and in some cases reworked them in order to make them available again for the art discourse.

In collaboration with Günter Brus, Lillian Birnbaum documents the creation of the actionist work of the same name in the photo series »Der Selbstmensch« (1987). Heidi Harsieber shows Herman Nitsch at a »Rehearsal for the 3-day play in Prinzendorf« (1984) and the third photo series, »Franz Koglmann, rehearsals for dance music for Paszstücke by Franz West (1983)«, is also by Heidi Harsieber.

Lillian Birnbaum photographed the series »Der Selbstmensch« (originally published by the galleries Heike Curtze and Petra Seiser) in Günter Brus' studio. In a text from 2015, he wrote about their collaboration: »…) we developed the idea that Lillian Birnbaum would take a series of photographs of the creation of a life-size drawing in my studio. (...) I used it to showcase the action, drawing and writing together, which Lillian Birnbaum captured congenially.«

Heidi Harsieber took advantage of a rehearsal that Hermann Nitsch carried out in the earthy cellar of his castle in Prinzendorf before the start of his 3-Day-Play in 1984, during which she also tested her own photographic possibilities without artificial light or other aids using analog film. This resulted in a unique series in a relaxed rehearsal situation, which at the same time possesses a special authenticity, as it does without the later staging of the great festival. The dark mood of the photos and their almost painterly graininess are due to these special conditions under which they were taken.

With the photo series »Franz Koglmann, rehearsal for dance music for Paszstücke by Franz West (1983)«, Heidi Harsieber collaborated with two artists: she documents a rehearsal for a composition that the Austrian jazz musician Franz Koglmann performed with and for Franz West's sculptural objects. With these »Paszstücke«, which adapt to human body shapes or extend them (also in a figurative sense), Franz West has been attempting to eliminate the separation between art/object and viewer/user since the mid-1970s, an objective that is also characteristic of Viennese Actionism.

(Text: Kurt Kaindl)

Museum der Moderne | Salzburg
5. Juli 2024 – 2. Februar 2025

Memory Theatre
Rose English

Das Museum der Moderne Salzburg präsentiert die erste umfassende Werkschau der britischen Künstlerin Rose English im deutschsprachigen Raum. Inmitten der Konzeptkunst, der Tanzszene und der feministischen Szene entwickelt English (geb. 1950 Hereford, GB) in den 1970er-Jahren in Großbritannien ihre einzigartige Arbeitsweise. Heute zählt sie zu den einflussreichsten Performance-Künstlerinnen. In ihrem außergewöhnlichen interdisziplinären Werk verbindet sie Elemente von Theater, Zirkus und Oper, um die Themen Geschlechterpolitik und die Präsenz von Performer:innen zu erforschen.

Die Ausstellung gibt anhand von multimedialen Installationen einen Einblick in ihre einzigartige Praxis. Aus ihrer frühen Beschäftigung mit Ballett und Dressur und ihren gemeinsamen Wurzeln im Barock entwickelt die Künstlerin ihre berühmte feministische Tanzperformance Quadrille (1975) und ihre Bühnenperformance mit einem Pferd My Mathematics (1992). Drei ihrer großen Theaterproduktionen werden in Form einer neuen ortsspezifischen Installation zum ersten Mal öffentlich gezeigt.

Ein in Auftrag gegebenes Performance-Programm begleitet die Ausstellung mit vier Performances von jüngeren internationalen Künstler:innen, deren Arbeiten mit der künstlerischen Praxis von Englisch in Verbindung stehen.

Zur Ausstellung erscheint eine zweisprachige Publikation.

Kuratorinnen (Ausstellung und Performance-Programm): Marijana Schneider, Kuratorin, Museum der Moderne Salzburg, Lisa Moravec, Gastkuratorin

Le Museum der Moderne Salzburg présente la première exposition complète de l'œuvre de l'artiste britannique Rose English dans l'espace germanophone. Au milieu de l'art conceptuel, de la scène de la danse et de la scène féministe, English (née en 1950 à Hereford, Royaume-Uni) développe sa méthode de travail unique dans les années 1970 en Grande-Bretagne. Aujourd'hui, elle compte parmi les artistes de performance les plus influents. Dans son œuvre interdisciplinaire exceptionnelle, elle combine des éléments de théâtre, de cirque et d'opéra pour explorer les thèmes de la politique de genre et de la présence des performeurs/performeuses.

L'exposition donne un aperçu de sa pratique unique à travers des installations multimédias. De son intérêt précoce pour le ballet et le dressage et de leurs racines communes dans le baroque, l'artiste développe son célèbre spectacle de danse féministe Quadrille (1975) et sa performance scénique avec un cheval My Mathematics (1992). Trois de ses grandes productions théâtrales sont présentées pour la première fois au public sous la forme d'une nouvelle installation spécifique au lieu.

Un programme de performances commandé accompagne l'exposition avec quatre performances de jeunes artistes internationaux dont le travail est lié à la pratique artistique de l'anglais.

Une publication bilingue est éditée à l'occasion de l'exposition.

Commissaires (exposition et programme de performances) : Marijana Schneider, conservatrice, Museum der Moderne Salzburg, Lisa Moravec, conservatrice invitée

Il Museum der Moderne Salzburg presenta la prima mostra completa di opere dell'artista britannica Rose English nel mondo di lingua tedesca. Nel mezzo dell'arte concettuale, della scena della danza e della scena femminista, la English (nata nel 1950 a Hereford, Regno Unito) ha sviluppato il suo modo unico di lavorare in Gran Bretagna negli anni Settanta. Oggi è una delle più influenti artiste performative. Nel suo straordinario lavoro interdisciplinare, combina elementi di teatro, circo e opera per esplorare i temi della politica di genere e della presenza dei performer.

La mostra offre una panoramica della sua pratica unica attraverso installazioni multimediali. Dal suo primo coinvolgimento con il balletto e il dressage e le loro radici comuni nel Barocco, l'artista ha sviluppato la sua famosa performance di danza femminista Quadrille (1975) e la sua performance teatrale con un cavallo My Mathematics (1992). Tre delle sue principali produzioni teatrali saranno presentate per la prima volta al pubblico sotto forma di una nuova installazione site-specific.

Un programma di performance commissionato accompagna la mostra con quattro spettacoli di giovani artisti internazionali il cui lavoro è legato alla pratica artistica dell'inglese.

Una pubblicazione bilingue accompagnerà la mostra.

Curatori (mostra e programma di performance): Marijana Schneider, curatrice, Museum der Moderne Salzburg, Lisa Moravec, curatrice ospite

The Museum der Moderne Salzburg is presenting the first comprehensive exhibition of works by British artist Rose English in the German-speaking world. In the midst of conceptual art, the dance scene and the feminist scene, English (born 1950 in Hereford, UK) developed her unique way of working in Great Britain in the 1970s. Today she is one of the most influential performance artists. In her extraordinary interdisciplinary work, she combines elements of theater, circus and opera to explore the themes of gender politics and the presence of performers.

The exhibition provides an insight into her unique practice through multimedia installations. From her early involvement with ballet and dressage and their common roots in the Baroque, the artist developed her famous feminist dance performance Quadrille (1975) and her stage performance with a horse My Mathematics (1992). Three of her major theater productions will be shown publicly for the first time in the form of a new site-specific installation.

A commissioned performance program accompanies the exhibition with four performances by younger international artists whose work is related to the artistic practice of English.

A bilingual publication will accompany the exhibition.

Curators (exhibition and performance program): Marijana Schneider, curator, Museum der Moderne Salzburg, Lisa Moravec, guest curator

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Fotohof
7. Juni – 3. August 2024

Ein klarer Blick in turbulenten Zeiten
Edith Tudor-Hart

Das Werk der österreichisch-britischen Exilfotografin Edith Tudor-Hart (1908 – 1973) wird in der Ausstellung „Ein klarer Blick in turbulenten Zeiten“ in einer umfangreichen Retrospektive gezeigt.

Das FOTOHOF>ARCHIV hat in den letzten Jahren alle noch vorhandenen Negative, einen umfangreichen Bestand an Vintage Prints und ihr Scrapbook (ein Sammelalbum ihrer Publikationstätigkeit) erhalten und aufgearbeitet, die jetzt zum ersten Mal gesammelt der Öffentlichkeit präsentiert werden.

Edith Tudor-Hart (geb. Edith Suschitzky) war eine zentrale Protagonistin der Sozialdokumentarischen Fotografie zwischen 1930 und 1955. Sie wies auf gesellschaftliche Missstände hin, behandelte Themen wie Armut, Integration und Frauenrechte und bildete die Lebensbedingungen der arbeitenden Klasse ab. Ihr Werk ist zudem von der Stilrichtung des Neuen Sehens beeinflusst und leistete einen wichtigen Beitrag zur Darstellung progressiver Erziehungsmethoden, modernistischer Architektur und des modernen Tanzes.

Aus einer jüdischen Familie in Wien stammend und als überzeugte Kommunistin war ihr Lebensweg von politischer Verfolgung und persönlichen Schicksalsschlägen gezeichnet.

Während ihres Lebens kämpfte Edith Tudor-Hart gegen den aufkommenden Faschismus und die Ausgrenzung von Minderheiten an und vereint in ihrem Werk persönliche Haltung mit dem gesellschaftlichen Abbild ihrer Zeit.

L'œuvre de la photographe austro-britannique en exil Edith Tudor-Hart (1908 - 1973) fait l'objet d'une vaste rétrospective dans le cadre de l'exposition "Ein klarer Blick in turbulenten Zeiten".

Ces dernières années, le FOTOHOF>ARCHIV a conservé et traité tous les négatifs encore disponibles, un important stock d'impressions vintage et son scrapbook (un album de ses publications), qui sont maintenant présentés au public pour la première fois de manière collective.

Edith Tudor-Hart (née Edith Suschitzky) a été une protagoniste centrale de la photographie documentaire sociale entre 1930 et 1955. Elle a attiré l'attention sur les dysfonctionnements sociaux, a traité des thèmes tels que la pauvreté, l'intégration et les droits des femmes et a illustré les conditions de vie de la classe ouvrière. Son œuvre est en outre influencée par le style de la Nouvelle vision et a apporté une contribution importante à la représentation des méthodes d'éducation progressistes, de l'architecture moderniste et de la danse moderne.

Issue d'une famille juive de Vienne et communiste convaincue, son parcours a été marqué par la persécution politique et les coups du sort personnels.

Tout au long de sa vie, Edith Tudor-Hart a lutté contre la montée du fascisme et l'exclusion des minorités, alliant dans son œuvre une attitude personnelle et le reflet de la société de son époque.

L'opera della fotografa austriaca-britannica in esilio Edith Tudor-Hart (1908-1973) è esposta nella mostra "A clear view in turbulent times" in un'ampia retrospettiva.

Negli ultimi anni, il FOTOHOF>ARCHIV ha ricevuto ed elaborato tutti i negativi ancora esistenti, una vasta collezione di stampe d'epoca e il suo scrapbook (un album delle sue attività di pubblicazione), che ora vengono presentati al pubblico per la prima volta.

Edith Tudor-Hart (nata Edith Suschitzky) è stata una protagonista centrale della fotografia documentaria sociale tra il 1930 e il 1955, mettendo in luce le rivendicazioni sociali, affrontando temi come la povertà, l'integrazione e i diritti delle donne e ritraendo le condizioni di vita della classe operaia. Il suo lavoro è stato anche influenzato dallo stile New Vision e ha dato un importante contributo alla rappresentazione dei metodi educativi progressisti, dell'architettura modernista e della danza moderna.

Proveniente da una famiglia ebrea di Vienna e convinta comunista, la sua vita fu segnata da persecuzioni politiche e disgrazie personali.

Per tutta la vita, Edith Tudor-Hart ha lottato contro l'ascesa del fascismo e l'emarginazione delle minoranze, combinando nel suo lavoro atteggiamenti personali e l'immagine sociale del suo tempo.

The work of the Austrian-British exile photographer Edith Tudor-Hart (1908 - 1973) is shown in the exhibition »A Steady Eye in Turbulent Times« in an extensive retrospective.

In recent years, the FOTOHOF>ARCHIVE has preserved and processed all the negatives still in existence, an extensive collection of vintage prints and her scrapbook (an account of her publication activities), which are now being presented to the public for the first time.

Edith Tudor-Hart (née Edith Suschitzky) was a central protagonist of social documentary photography between 1930 and 1955. She drew attention to social grievances, dealt with topics such as poverty, integration and women's rights and depicted the living conditions of the working class. Her work was also influenced by the Neues Sehen [New Vision] style and made an important contribution to the depiction of progressive educational methods, modernist architecture and modern dance.

Coming from a Jewish family in Vienna and a staunch communist, her life was marked by political persecution and personal misfortune.

Throughout her life, Edith Tudor-Hart fought against the rise of fascism and the marginalization of minorities, combining personal attitudes with the social image of her time in her work.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
26. April – 15. September 2024

Poesie des Alltäglichen
Elfriede Mejchar

2024 finden an drei Museen Ausstellungen mit Arbeiten der österreichischen Fotografin Elfriede Mejchar (1924–2020 Wien, AT) statt. Das Museum der Moderne Salzburg ist Teil einer Kooperation mit der Landesgalerie Niederösterreich und dem Wien Museum, die zum 100. Geburtstag der Künstlerin deren Werk an drei verschiedenen Standorten mit jeweils unterschiedlichen Schwerpunkten würdigt.

Salzburgs Beitrag zu diesem gemeinschaftlichen Projekt präsentiert die Künstlerin als Porträtistin. Mit ihrer Werkserie „Künstler bei der Arbeit“ (1954–1961) zeigt Mejchar beispielsweise eindrücklich, wie sie sich durch eine genaue Kartierung der Arbeitssituation im Atelier der Künstlerpersönlichkeit von Christa Hauer, Friedensreich Hundertwasser, Josef Mikl und Arnulf Rainer annähert. Mit der gleichen präzisen Wahrnehmung begegnet sie aber auch den unbelebten Dingen ihrer Umgebung und verleiht Landschaften, Blumen und ausrangiertem Mobiliar die Anmutung von beseelten Porträtaufnahmen.

Der Bestand an Fotografien von Mejchar in den Fotosammlungen am Museum der Moderne Salzburg umfasst insgesamt 665 Werke. Otto Breicha, der erste Direktor der Vorläuferinstitution, war ein langjähriger Wegbegleiter Mejchars, der den künstlerischen Wert ihrer fotografischen Arbeit erkannte und förderte. So gelangte bereits 1982, ein Jahr vor der offiziellen Eröffnung des Rupertinum, ein umfassendes Konvolut in die fotografische Sammlung, das durch weitere Ankäufe und Schenkungen anwuchs und einen Schwerpunkt im Bestand darstellt.

Kuratorin: Katharina Ehrl

Zur Ausstellung erscheint in Kooperation mit den Partnermuseen die erste Standardpublikation zum Werk von Elfriede Mejchar.

In Kooperation mit dem Wien Museum und der Landesgalerie Niederösterreich

En 2024, trois musées accueilleront des expositions consacrées aux travaux de la photographe autrichienne Elfriede Mejchar (1924-2020 Vienne, AT). Le Musée d'art moderne de Salzbourg fait partie d'une coopération avec la Galerie régionale de Basse-Autriche et le Musée de Vienne qui, à l'occasion du centenaire de la naissance de l'artiste, rend hommage à son œuvre dans trois lieux différents, chacun avec un accent différent.

La contribution de Salzbourg à ce projet commun présente l'artiste en tant que portraitiste. Avec sa série d'œuvres "Artistes au travail" (1954-1961), Mejchar montre par exemple de manière impressionnante comment elle s'approche de la personnalité des artistes Christa Hauer, Friedensreich Hundertwasser, Josef Mikl et Arnulf Rainer en cartographiant avec précision la situation de travail dans l'atelier. Mais c'est aussi avec la même perception précise qu'elle rencontre les choses inanimées de son environnement et donne aux paysages, aux fleurs et au mobilier mis au rebut l'apparence de portraits animés.

Le fonds de photographies de Mejchar dans les collections de photos du Museum der Moderne Salzburg comprend 665 œuvres au total. Otto Breicha, le premier directeur de l'institution précédente, était un compagnon de longue date de Mejchar, qui a reconnu et encouragé la valeur artistique de son travail photographique. C'est ainsi qu'en 1982 déjà, un an avant l'ouverture officielle du Rupertinum, un vaste ensemble est entré dans la collection photographique, qui s'est agrandie grâce à d'autres achats et donations et constitue un point fort du fonds.

Commissaire d'exposition : Katharina Ehrl

À l'occasion de l'exposition, la première publication standard sur l'œuvre d'Elfriede Mejchar est publiée en coopération avec les musées partenaires.

En coopération avec le Wien Museum et la Landesgalerie Niederösterreich

Nel 2024, tre musei ospiteranno mostre di opere della fotografa austriaca Elfriede Mejchar (1924-2020 Vienna, AT). Il Museum der Moderne di Salisburgo fa parte di una collaborazione con la Landesgalerie Niederösterreich e il Wien Museum, che rende omaggio all'opera dell'artista in tre sedi diverse, ciascuna con un focus differente, in occasione del centenario della sua nascita.

Il contributo di Salisburgo a questo progetto comune presenta l'artista come ritrattista. Con la serie di opere "Artisti al lavoro" (1954-1961), ad esempio, Mejchar mostra in modo impressionante come si avvicina alla personalità artistica di Christa Hauer, Friedensreich Hundertwasser, Josef Mikl e Arnulf Rainer, mappando con precisione la situazione lavorativa nello studio. Con la stessa percezione precisa, tuttavia, incontra anche gli oggetti inanimati del suo ambiente e conferisce a paesaggi, fiori e mobili dismessi l'aspetto di ritratti animati.

La raccolta di fotografie di Mejchar nelle collezioni fotografiche del Museum der Moderne Salzburg comprende un totale di 665 opere. Otto Breicha, il primo direttore dell'istituzione precedente, era un compagno di lunga data di Mejchar, che riconosceva e promuoveva il valore artistico del suo lavoro fotografico. Già nel 1982, un anno prima dell'apertura ufficiale del Rupertinum, alla collezione fotografica si aggiunse un'ampia raccolta, che crebbe attraverso ulteriori acquisti e donazioni e che oggi rappresenta un punto focale del patrimonio.

Curatore: Katharina Ehrl

La prima pubblicazione standard sul lavoro di Elfriede Mejchar sarà pubblicata in collaborazione con i musei partner per accompagnare la mostra.

In collaborazione con il Museo di Vienna e la Landesgalerie Niederösterreich

In 2024, three museums will host exhibitions of works by Austrian photographer Elfriede Mejchar (1924-2020 Vienna, AT). The Museum der Moderne Salzburg is part of a cooperation with the Landesgalerie Niederösterreich and the Wien Museum, which is honoring the artist's work at three different locations, each with a different focus, to mark the 100th anniversary of her birth.

Salzburg's contribution to this joint project presents the artist as a portraitist. With her series of works "Artists at Work" (1954-1961), for example, Mejchar impressively shows how she approaches the artistic personality of Christa Hauer, Friedensreich Hundertwasser, Josef Mikl and Arnulf Rainer by precisely mapping the working situation in the studio. With the same precise perception, however, she also encounters the inanimate objects in her surroundings and lends landscapes, flowers and discarded furniture the appearance of animated portraits.

The collection of photographs by Mejchar in the photo collections at the Museum der Moderne Salzburg comprises a total of 665 works. Otto Breicha, the first director of the predecessor institution, was a long-time companion of Mejchar, who recognized and promoted the artistic value of her photographic work. As early as 1982, one year before the official opening of the Rupertinum, a comprehensive collection was added to the photographic collection, which grew through further purchases and donations and is a focal point of the holdings.

Curator: Katharina Ehrl

The first standard publication on the work of Elfriede Mejchar will be published in cooperation with the partner museums to accompany the exhibition.

In cooperation with the Wien Museum and the Landesgalerie Niederösterreich

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Museum der Moderne - Rupertinum | Salzburg
26. April – 7. Juli 2024

Spannungsfeld Fotografie - 7 Versuche einer Standortbestimmung

Hubert Blanz, backhaus+froschauer, Anna Breit, Maurizio Cirillo, Nilbar Güreş, Ferhat Özgür, Rudolf Zündel

Der Versuch, einen Standort zu bestimmen, bezieht sich in der Regel auf die Definition der gegenwärtigen geografischen Position eines Objekts oder Individuums. Eine Standortbestimmung kann aber weit komplexer und vielschichtiger sein und Selbstreflexionen über Werte und die aktuelle Position im Leben einschließen.

Die Ausstellung zeigt sieben künstlerische Auseinandersetzungen mit der Positionierung in Raum und Zeit, die neben geografischen auch kulturellen, sozialen, emotionalen oder ideologischen Dimensionen umfassen. Sie werfen zudem Fragen nach dem eigenen Standpunkt in der Welt und den Wechselwirkungen zwischen individueller Identität und Umgebung auf. Auf diese Art und Weise reflektieren und erforschen die Künstler:innen nicht nur die Ambivalenz von Orten, sondern auch Fragen nach Zugehörigkeit, Globalisierung oder der persönlichen Perspektive. In einer Welt, die sich ständig verändert und in der Identität und gesellschaftliche Verortung oft in Frage gestellt werden, bieten die sieben Positionen verschiedene Ansätze mit unterschiedlichen Blickwinkeln zum Umgang damit.

Den Anfang macht eine Arbeit von Rudolf Zündel aus den 1970er-Jahren, die sich mit der unentbehrlichen ersten Gastarbeiter:innen-generation beschäftigt und Fragen nach Heimat, Integration und dem Gefühl stellt, sich in einer ungewohnten Gesellschaft zu bewegen. Die Arbeiten des Künstlerduos backhaus+froschauer und von Hubert Blanz haben den urbanen Raum und die Zwiespältigkeit von Orten im Fokus. Auch Maurizio Cirillos Serie setzt sich mit dem Stadtraum auseinander, aber im Hinblick auf die Suche nach den Beziehungen zu unserer Umgebung und Umwelt. Wie bei Zündel finden sich in den Positionen von Anna Breit, Nilbar Güreş und Ferhat Özgür Fragen von Integration und Zugehörigkeit, aber auch das Hinterfragen von kulturellen und gesellschaftlichen Normen und Traditionen.

La tentative de détermination d'un emplacement se réfère généralement à la définition de la position géographique actuelle d'un objet ou d'un individu. Mais une définition de la position peut être bien plus complexe et multidimensionnelle et inclure des réflexions sur soi-même, sur les valeurs et la position actuelle dans la vie.

L'exposition présente sept réflexions artistiques sur le positionnement dans l'espace et le temps, qui englobent non seulement des dimensions géographiques, mais aussi culturelles, sociales, émotionnelles ou idéologiques. Vous soulevez en outre des questions sur votre propre position dans le monde et sur les interactions entre l'identité individuelle et l'environnement. De cette manière, les artistes ne réfléchissent et n'explorent pas seulement l'ambivalence des lieux, mais aussi les questions d'appartenance, de mondialisation ou de perspective personnelle. Dans un monde en constante évolution, où l'identité et la localisation sociale sont souvent remises en question, les sept positions proposent différentes approches avec différents points de vue sur la manière de les aborder.

Tout commence par un travail de Rudolf Zündel datant des années 1970, qui s'intéresse à l'indispensable première génération de travailleurs immigrés et transmet des questions sur la patrie, l'intégration et le sentiment d'évoluer dans une société inhabituelle. Les travaux du duo d'artistes backhaus+froschauer et d'Hubert Blanz se concentrent sur l'espace urbain et l'ambiguïté des lieux. La série de Maurizio Cirillo aborde elle aussi l'espace urbain, mais dans l'optique d'une recherche sur les relations avec notre environnement et notre entourage. Comme chez Zündel, on retrouve dans les positions d'Anna Breit, Nilbar Güreş et Ferhat Özgür des questions d'intégration et d'appartenance, mais aussi la remise en question des normes et des traditions culturelles et sociales.

Il tentativo di determinare una posizione si riferisce solitamente alla definizione dell'attuale posizione geografica di un oggetto o di un individuo. Tuttavia, la determinazione di una posizione può essere molto più complessa e stratificata e includere un'auto-riflessione sui valori e sulla propria posizione attuale nella vita.

La mostra presenta sette esplorazioni artistiche del posizionamento nello spazio e nel tempo, che comprendono non solo la dimensione geografica ma anche quella culturale, sociale, emotiva o ideologica. Esse sollevano anche domande sulla propria posizione nel mondo e sulle interazioni tra identità individuale e ambiente. In questo modo, gli artisti riflettono ed esplorano non solo l'ambivalenza dei luoghi, ma anche questioni di appartenenza, globalizzazione e prospettiva personale. In un mondo in costante mutamento, in cui l'identità e la localizzazione sociale sono spesso messe in discussione, le sette posizioni offrono approcci diversi con prospettive differenti su come affrontare la questione.

La mostra inizia con un'opera di Rudolf Zündel degli anni Settanta, che tratta dell'indispensabile prima generazione di lavoratori ospiti e pone domande sulla casa, l'integrazione e la sensazione di muoversi in una società sconosciuta. Le opere del duo di artisti backhaus+froschauer e Hubert Blanz si concentrano sullo spazio urbano e sull'ambivalenza dei luoghi. Anche la serie di Maurizio Cirillo si occupa dello spazio urbano, ma in termini di ricerca di relazioni con l'ambiente circostante. Come per Zündel, le posizioni di Anna Breit, Nilbar Güreş e Ferhat Özgür affrontano questioni di integrazione e appartenenza, ma analizzano anche norme e tradizioni culturali e sociali.

The attempt to determine a location usually refers to the definition of the current geographical position of an object or individual. However, determining a location can be far more complex and multi-layered and include self-reflection on values and one's current position in life.

The exhibition shows seven artistic explorations of positioning in space and time, which encompass not only geographical but also cultural, social, emotional or ideological dimensions. They also raise questions about one's own position in the world and the interactions between individual identity and environment. In this way, the artists reflect on and explore not only the ambivalence of places, but also questions of belonging, globalization and personal perspective. In a world that is constantly changing and in which identity and social location are often called into question, the seven positions offer different approaches with different perspectives on how to deal with this.

The exhibition begins with a work by Rudolf Zündel from the 1970s, which deals with the indispensable first generation of guest workers and poses questions about home, integration and the feeling of moving in an unfamiliar society. The works of the artist duo backhaus+froschauer and Hubert Blanz focus on urban space and the ambivalence of places. Maurizio Cirillo's series also deals with urban space, but in terms of the search for relationships with our surroundings and environment. As with Zündel, the positions of Anna Breit, Nilbar Güreş and Ferhat Özgür address issues of integration and belonging, but also question cultural and social norms and traditions.

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Leica Galerie Salzburg
25. April – 20. Juli 2024

Life at its best
Herlinde Koelbl

Vielfältige Themen der Ausstellung: Die Ausstellung "Life at its best" präsentiert eine Auswahl von Kölbls herausragenden Themen, darunter "Metamorphosen", "Haare", "Frauen und Männerakte", "Schriftsteller Hände", "Feine Leute" und "Here There Everywhere".

"Metamorphosen" - Die Vergänglichkeit der Natur: In der Serie "Metamorphosen" widmet sich Herlinde Kölbl nicht dem Menschen, sondern der vergänglichen Natur. Die Fotografien von Flecken, weißem Flaum und abgeknickten Köpfen zeigen Pflanzen in ihrer Vergänglichkeit. Überraschenderweise erzeugen die Bilder jedoch keine Melancholie, sondern vermitteln dem Betrachter eine tiefe Ruhe. Die Fotografien regen dazu an, über das Unverfügbare nachzudenken und das Unveränderliche zu akzeptieren.

Projekt Schriftsteller: Herlinde Kölbls ambitioniertes Projekt über Schriftsteller und ihre Arbeitswelten sieht vor, Persönlichkeiten fotografisch und textlich zu porträtieren, wobei nicht die Gesichter, sondern die Hände und Schreibwerkzeuge der Autoren im Mittelpunkt stehen. Durch Gespräche mit den Schriftstellern über die Wahl ihrer Schreibutensilien, ihren Arbeitsrhythmus und vor allem ihre Motivation zu schreiben, entsteht eine tiefe Annäherung. Die Zusammenstellung des ursprünglich 40-teiligen Zyklus umfasst namhafte Autoren wie Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass und Peter Handke.

Zyklen "Starke Frauen" und „Männer“: Mit den "Starken Frauen" zeigt Kölbl die Kraft der frühen Göttinnen, während die Männer als spannungsvoller Gegenpol in der ganzen Widersprüchlichkeit von Zärtlichkeit, Stärke und Aggression präsentiert werden. Die Haut als sichtbarer Mittler des Begehrens verbindet beide Geschlechter in ihrer Weichheit und ihrem Glanz.

Eine weitere Serie ist "Feine Leute 1979 - 1985", in der die Fotografin sechs Jahre lang Bälle, Partys und gesellschaftliche Ereignisse in Deutschland dokumentierte und damit einen einzigartigen Einblick in die High Society gewährt.

Thèmes variés de l'exposition : l'exposition "Life at its best" présente une sélection des thèmes les plus remarquables de Kölbl, dont "Métamorphoses", "Cheveux", "Femmes et nus masculins", "Mains d'écrivain", "Gens raffinés" et "Here There Everywhere".

"Métamorphoses" - Le caractère éphémère de la nature : Dans la série "Metamorphosen", Herlinde Kölbl ne se consacre pas à l'homme, mais à la nature éphémère. Les photographies de taches, de duvet blanc et de têtes pliées montrent les plantes dans leur caractère éphémère. De manière surprenante, les images ne génèrent toutefois pas de mélancolie, mais transmettent au spectateur une profonde sérénité. Les photographies incitent à réfléchir à l'indisponible et à accepter l'immuable.

Projet écrivains : le projet ambitieux d'Herlinde Kölbl sur les écrivains et leurs univers de travail prévoit de faire le portrait de personnalités par la photographie et le texte, en se concentrant non pas sur les visages, mais sur les mains et les outils d'écriture des auteurs. En discutant avec les écrivains du choix de leurs outils d'écriture, de leur rythme de travail et surtout de leur motivation à écrire, un rapprochement profond s'opère. La composition du cycle, qui comportait à l'origine 40 parties, comprend des auteurs de renom tels que Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass et Peter Handke.

Cycles "Femmes fortes" et "Hommes" : avec les "Femmes fortes", Kölbl montre la force des déesses primitives, tandis que les hommes sont présentés comme un contrepoint tendu, dans toute la contradiction de la tendresse, de la force et de l'agression. La peau, médiateur visible du désir, relie les deux sexes dans sa douceur et son éclat.

Une autre série est "Feine Leute 1979 - 1985", dans laquelle la photographe a documenté pendant six ans des bals, des fêtes et des événements sociaux en Allemagne, offrant ainsi un aperçu unique de la haute société.

Temi espositivi diversi: la mostra "La vita al suo meglio" presenta una selezione dei temi più importanti di Kölbl, tra cui "Metamorfosi", "Capelli", "Nudi femminili e maschili", "Mani di scrittori", "Belle persone" e "Qui, là, ovunque".

"Metamorfosi" - La caducità della natura: Nella serie "Metamorphoses", Herlinde Kölbl non si concentra sulle persone, ma sulla natura transitoria. Le fotografie di macchie, peluria bianca e teste staccate mostrano le piante nella loro transitorietà. Sorprendentemente, però, le immagini non evocano malinconia, ma piuttosto trasmettono allo spettatore un profondo senso di calma. Le fotografie ci incoraggiano a riflettere sull'irraggiungibile e ad accettare l'immutabile.

Writers project: l'ambizioso progetto di Herlinde Kölbl sugli scrittori e i loro ambienti di lavoro mira a ritrarre le personalità dal punto di vista fotografico e testuale, concentrandosi non sui loro volti ma sulle loro mani e sugli strumenti di scrittura. Parlando con gli scrittori della loro scelta di strumenti di scrittura, del loro ritmo di lavoro e, soprattutto, della loro motivazione a scrivere, si crea un profondo avvicinamento. La compilazione del ciclo originale in 40 parti comprende autori noti come Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass e Peter Handke.

I cicli "Donne forti" e "Uomini": con le "Donne forti", Kölbl mostra il potere delle prime dee, mentre gli uomini sono presentati come una tesa antitesi in tutte le loro contraddizioni di tenerezza, forza e aggressività. La pelle come mediatore visibile del desiderio unisce entrambi i sessi nella sua morbidezza e lucentezza.

Un'altra serie è "Feine Leute 1979 - 1985", in cui il fotografo ha documentato per sei anni balli, feste ed eventi sociali in Germania, offrendo uno sguardo unico sull'alta società.

Diverse exhibition themes: The exhibition "Life at its best" presents a selection of Kölbl's outstanding themes, including "Metamorphoses", "Hair", "Women and Men's Nudes", "Writers' Hands", "Fine People" and "Here There Everywhere".

"Metamorphoses" - The transience of nature: In the "Metamorphoses" series, Herlinde Kölbl focuses not on people, but on transient nature. The photographs of spots, white fluff and snapped-off heads show plants in their transience. Surprisingly, however, the images do not evoke melancholy, but rather convey a deep sense of calm to the viewer. The photographs encourage us to reflect on the unavailable and to accept the unchangeable.

Writers project: Herlinde Kölbl's ambitious project about writers and their working environments aims to portray personalities photographically and textually, focusing not on their faces but on their hands and writing tools. Through conversations with the writers about their choice of writing utensils, their working rhythm and, above all, their motivation to write, a deep rapprochement is created. The compilation of the original 40-part cycle includes well-known authors such as Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass and Peter Handke.

The "Strong Women" and "Men" cycles: With the "Strong Women", Kölbl shows the power of the early goddesses, while the men are presented as a tense antithesis in all their contradictions of tenderness, strength and aggression. The skin as a visible mediator of desire unites both sexes in its softness and radiance.

Another series is "Feine Leute 1979 - 1985", in which the photographer documented balls, parties and social events in Germany for six years, providing a unique insight into high society.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

Fotohof | Salzburg
5. April – 1. Juni 2024

Wolf Suschitzky Fotopreis 2023/24

Moira Lovell (UK) und Olivia Coeln (Austria)
Shortlist:
AT: Nicole Maria Winkler, Julius Werner Chromecek, Philipp Hoelzgen, Sona Andreasyan
UK: Alfie White, Andreas Billman, Cal Cole, Jan McCullough

Der FOTOHOF zeigt in dieser Ausstellung des »Wolf Suschitzky Fotopreis 2023« Werke der beiden Gewinnerinnen Moira Lovell (GB) und Olivia Coeln (A) und je 4 Künstler:innen der Shortlist aus beiden Ländern.

Thema des Preises war »Im Augenblick gefangen / Capturing the Moment«. Das Österreichische Kulturforum London hat den Preis 2018 nach dem Tod von Wolf Suschitzky (1912-2016) ins Leben gerufen. In Anbetracht der doppelten Natur von Suschitzkys Identität richtet sich der Preis an Fotograf:innen, die in Großbritannien oder in Österreich leben. Der Preis wurde von einer Jury mit Fachleuten aus Österreich und Großbritannien vergeben. Ihr gehörten Carla Mitchell (Four Corners Gallery, London), Clare Grafik (The Photographers' Gallery London), Prof. Gabriele Rothemann (Klasse Fotografie Universität für angewandte Kunst, Vienna), Katharina Manojlovic & Anja Manfredi (Schule Friedl Kubelka, Vienna), Kurt Kaindl (FOTOHOF, Salzburg), Nela Eggenberger (EIKON Chefredaktion, Wien), Val Williams (UAL Professor of the History and Culture of Photography) und Peter Suschitzky (representing the Suschitzky Family) an. Das FOTOHOF>ARCHIV beherbergt den Nachlass von Wolf Suschitzky, daher wird der Preis als Kooperation der beiden Institutionen Austrian Cultural Forum London und dem FOTOHOF in Salzburg präsentiert.

Dans le cadre de cette exposition du "Prix de la photographie Wolf Suschitzky 2023", la FOTOHOF présente les œuvres des deux lauréates Moira Lovell (GB) et Olivia Coeln (A) ainsi que de quatre artistes de chaque pays figurant sur la liste des finalistes.

Le thème du prix était "Capturing the Moment". Le Forum culturel autrichien de Londres a créé ce prix en 2018 après le décès de Wolf Suschitzky (1912-2016). Compte tenu de la double nature de l'identité de Suschitzky, le prix s'adresse aux photographes vivant en Grande-Bretagne ou en Autriche. Le prix a été décerné par un jury composé d'experts autrichiens et britanniques. Il était composé de Carla Mitchell (Four Corners Gallery, Londres), Clare Grafik (The Photographers' Gallery, Londres), Prof. Gabriele Rothemann (classe de photographie à l'université des arts appliqués de Vienne), Katharina Manojlovic & Anja Manfredi (école Friedl Kubelka, Vienne), Kurt Kaindl (FOTOHOF, Salzbourg), Nela Eggenberger (rédaction en chef de EIKON, Vienne), Val Williams (professeur UAL d'histoire et de culture de la photographie) et Peter Suschitzky (représentant la famille Suschitzky). Le FOTOHOF>ARCHIV abrite l'héritage de Wolf Suschitzky, c'est pourquoi le prix est présenté en coopération entre les deux institutions Austrian Cultural Forum London et FOTOHOF à Salzbourg.

In questa mostra del "Premio fotografico Wolf Suschitzky 2023", il FOTOHOF espone le opere delle due vincitrici Moira Lovell (GB) e Olivia Coeln (A) e di 4 artisti selezionati per ogni paese.

Il tema del premio era "Im Augenblick gefangen / Capturing the Moment". Il Forum culturale austriaco di Londra ha istituito il premio nel 2018 in seguito alla morte di Wolf Suschitzky (1912-2016). Data la duplice natura dell'identità di Suschitzky, il premio è rivolto a fotografi residenti nel Regno Unito o in Austria. Il premio è stato assegnato da una giuria di esperti provenienti dall'Austria e dal Regno Unito. Era composta da Carla Mitchell (Four Corners Gallery, Londra), Clare Grafik (The Photographers' Gallery Londra), il prof. Gabriele Rothemann (Corso di Fotografia, Università di Arti Applicate, Vienna), Katharina Manojlovic e Anja Manfredi (Scuola Friedl Kubelka, Vienna), Kurt Kaindl (FOTOHOF, Salisburgo), Nela Eggenberger (caporedattore di EIKON, Vienna), Val Williams (professore di Storia e Cultura della Fotografia dell'UAL) e Peter Suschitzky (in rappresentanza della famiglia Suschitzky). Il FOTOHOF>ARCHIVE ospita il patrimonio di Wolf Suschitzky, motivo per cui il premio è presentato in collaborazione tra l'Austrian Cultural Forum di Londra e il FOTOHOF di Salisburgo.

In this exhibition of the "Wolf Suschitzky Photography Prize 2023", FOTOHOF shows works by the two winners Moira Lovell (GB) and Olivia Coeln (A) and 4 artists from both countries from the shortlist. The theme of the award was »Im Augenblick gefangen / Capturing the moment«.

The Austrian Cultural Forum London established the prize in 2018 following the death of Wolf Suschitzky (1912-2016). Given the dual nature of Suschitzky's identity, the prize is aimed at photographers living in the UK or Austria. The prize was awarded by a jury of experts from Austria and the UK. The jury consisted of Carla Mitchell (Four Corners Gallery, London), Clare Grafik (The Photographers' Gallery London), Prof. Gabriele Rothemann (Photography Class University of Applied Arts, Vienna), Katharina Manojlovic & Anja Manfredi (Friedl Kubelka School, Vienna), Kurt Kaindl (FOTOHOF, Salzburg), Nela Eggenberger (EIKON Editor in Chief, Wien), Val Williams (UAL Professor of the History and Culture of Photography) and Peter Suschitzky (representing the Suschitzky Family).FOTOHOF>ARCHIVE houses the estate of Wolf Suschitzky, which is why the prize is presented as a co-operation between the two institutions Austrian Cultural Forum London and FOTOHOF in Salzburg.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
5. April – 1. Juni 2024

(noch kleben die plakate…)*
Julius Deutschbauer

Seit 30 Jahren entwickelt Julius Deutschbauer öffentlichkeitswirksam und stets zeitaktuell ein komplexes künstlerisches Werk, das sich in Form von klassischen A0-Plakaten unübersehbar präsentiert. Die im Eigenauftrag entstandenen und in dieser Ausstellung in ihrer Gesamtheit präsentierten 210 Plakate zeigen den Künstler als permanenten Beobachter gesellschaftlicher Entwicklungen. Dabei setzt er sich auf satirische Weise mit Fragen der Politik, der Sprache und den Medien auseinander.

Die Fotografie ist – wie bei vielen Performancekünstler:innen - ein entscheidendes Medium bei der Realisierung der Arbeiten. Deutschbauer am Plakat, immer ernst blickend, mit Texten und Kommentaren zur politischen Lage, aber auch zu Ausstellungen, Performances, Festivals, wird zu einer ikonischen vieltausendfach vervielfältigten und im öffentlichen und privaten Räumen affichierten Kunstfigur. Seine Selbstinszenierung steigert er teilweise bis zur Peinlichkeit und lässt den Betrachter:innen stets gegenpolige Interpretationsmöglichkeiten offen.

Depuis 30 ans, Julius Deutschbauer développe une œuvre artistique complexe, visible par le public et toujours en phase avec l'actualité, qui se présente de manière évidente sous la forme d'affiches classiques A0. Les 210 affiches réalisées sur commande personnelle et présentées dans leur intégralité dans cette exposition montrent l'artiste comme un observateur permanent des évolutions sociales. Il aborde ainsi de manière satirique les questions de politique, de langage et de médias.

La photographie est - comme pour beaucoup d'artistes de performance - un moyen décisif pour la réalisation des travaux. Deutschbauer à l'affiche, le regard toujours sérieux, avec des textes et des commentaires sur la situation politique, mais aussi sur des expositions, des performances, des festivals, devient une figure artistique iconique, reproduite à des milliers d'exemplaires et affichée dans des espaces publics et privés. Il pousse parfois sa mise en scène jusqu'à l'embarras, laissant aux spectateurs des possibilités d'interprétation contradictoires.

Da 30 anni Julius Deutschbauer sviluppa un'opera artistica complessa, sempre attuale e ben visibile sotto forma di classici manifesti A0. I 210 manifesti auto-commissionati presentati integralmente in questa mostra mostrano l'artista come un osservatore permanente degli sviluppi sociali. Il suo sguardo è satirico su questioni di politica, linguaggio e media.

Come per molti artisti performativi, la fotografia è un mezzo decisivo per la realizzazione delle sue opere. Deutschbauer sul manifesto, dall'aspetto sempre serio, con testi e commenti sulla situazione politica, ma anche su mostre, spettacoli e festival, diventa una figura artistica iconica, riprodotta migliaia di volte ed esposta in spazi pubblici e privati. La sua autodrammatizzazione raggiunge talvolta il punto di imbarazzo e lascia sempre lo spettatore aperto a interpretazioni opposte.

For 30 years, Julius Deutschbauer has been developing a complex artistic oeuvre that is always up-to-date and highly visible in the form of posters. The 210 self-commissioned posters presented in their entirety in this exhibition show the artist as a permanent observer of social developments. He takes a satirical look at questions of politics, language and the media.

As with many performance artists, photography is a decisive medium in the realization of his works. Deutschbauer on the poster, always looking serious, with texts and comments on the political situation, but also on exhibitions, performances and festivals, becomes an iconic art figure, reproduced thousands of times and displayed in public and private spaces. His self-dramatization sometimes reaches the point of embarrassment and always leaves the viewer open to opposing interpretations.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Leica Galerie Salzburg
22. Februar – 13. April 2024

In Frames our Story – Fotografinnen des Leica Oskar Barnack Awards

Ana María Arévalo Gosen, Laetitia Vançon, Nanna Heitmann, Rania Matar

Der Leica Oskar Barnack Award (LOBA) würdigt seit 1980 weltweit herausragende Fotograf*innen. Benannt nach dem Erfinder der Leica, geht der LOBA auf dessen bahnbrechende Arbeit mit dem Prototyp der Ur-Leica ab 1914 zurück. Das Nominierungsgremium des Awards, bestehend aus einer fünfköpfigen internationalen Jury von Fotografie-Expert*innen, wählt jährlich zwei Preisträger sowie zwölf Shortlist-Nominierte aus.

Einzige Voraussetzung für die Nominierung ist, dass es sich um dokumentarische oder konzeptionellkünstlerische Arbeiten handelt, die sich mit dem Verhältnis des Menschen zu seiner Umwelt auseinandersetzen. Diese humanistische Konstante begleitet den LOBA-Wettbewerb seit seiner ersten Ausschreibung im Jahr 1979.

Er zählt zu den bedeutendsten und höchstdotierten Fotopreisen der Welt und wurde 2023 bereits zum 43. Mal von der Leica Camera AG verliehen.

Aus einer Vielzahl von Teilnehmerinnen der letzten Jahre fiel unsere Wahl auf vier herausragende Serien. Jede Fotografin erzählt mit beeindruckender visueller Bildsprache eine bewegende Geschichte, die sie persönlich berührt und fesselt, dabei gekonnt und einfühlsam fotografisch in Szene gesetzt.

Depuis 1980, le Leica Oskar Barnack Award (LOBA) rend hommage à des photographes* exceptionnels dans le monde entier. Nommé d'après l'inventeur du Leica, le LOBA se réfère à son travail révolutionnaire avec le prototype du Leica original à partir de 1914. Le comité de nomination du prix, composé d'un jury international de cinq experts en photographie*, sélectionne chaque année deux lauréats et douze nominés sur liste restreinte.

La seule condition pour être nominé est qu'il s'agisse d'œuvres documentaires ou d'art conceptuel qui traitent de la relation de l'homme avec son environnement. Cette constante humaniste accompagne le concours LOBA depuis sa première mise au concours en 1979.

Il compte parmi les prix de photographie les plus importants et les mieux dotés au monde et a été décerné pour la 43e fois en 2023 par Leica Camera AG.

Parmi les nombreuses participantes de ces dernières années, notre choix s'est porté sur quatre séries exceptionnelles. Chaque photographe raconte, avec un langage visuel impressionnant, une histoire émouvante qui la touche personnellement et la captive, tout en étant mise en scène de manière habile et sensible par la photographie.

Il Premio Leica Oskar Barnack (LOBA) premia fotografi eccellenti in tutto il mondo dal 1980. Il LOBA, che prende il nome dall'inventore della Leica, risale al suo lavoro innovativo con il prototipo della Leica originale del 1914. Il comitato di nomina del premio, composto da una giuria internazionale di cinque membri esperti di fotografia, seleziona ogni anno due vincitori e dodici candidati.

L'unico requisito per la candidatura è che l'opera sia documentaria o di arte concettuale che tratti del rapporto tra le persone e il loro ambiente. Questa costante umanistica ha accompagnato il concorso LOBA fin dal suo primo bando nel 1979.

È uno dei premi fotografici più importanti e più ricchi al mondo ed è stato assegnato da Leica Camera AG per la 43a volta nel 2023.

Tra i numerosi partecipanti degli ultimi anni, abbiamo scelto quattro serie eccezionali. Ogni fotografo utilizza immagini impressionanti per raccontare una storia commovente che lo tocca e lo affascina personalmente, mentre viene fotografato con abilità e sensibilità.

The Leica Oskar Barnack Award (LOBA) has been honoring outstanding photographers worldwide since 1980. Named after the inventor of the Leica, the LOBA goes back to his groundbreaking work with the prototype of the original Leica from 1914. The award's nomination committee, consisting of a five-member international jury of photography experts, selects two award winners and twelve shortlist nominees each year.

The only requirement for nomination is that the work must be documentary or conceptual art that deals with the relationship between people and their environment. This humanistic constant has accompanied the LOBA competition since it was first announced in 1979.

It is one of the most important and most highly endowed photography prizes in the world and was awarded by Leica Camera AG for the 43rd time in 2023.

From a large number of participants in recent years, we chose four outstanding series. Each photographer tells a moving story with impressive visual imagery that touches and captivates them personally, skillfully and sensitively staged photographically.

(Text: Leica Galerie, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
2. Februar – 30. März 2024

Kerstin Flake / Benoît Grimbert

Mit dem Ausstellungsprojekt Kerstin Flake / Benoît Grimbert führt der Fotohof zwei internationale Positionen zusammen, deren geistige Verwandtschaft sich wohl erst auf den zweiten Blick zu erkennen gibt. Die Leipziger Künstlerin Kerstin Flake inszeniert als Regisseurin und Bühnenbildnerin in einer Person bizarre Stücke. Während in ihren Bildserien die Gesetze der Physik nur bedingt zu gelten scheinen, gleichen Benoît Grimberts präzise Fotografien einer nahezu archäologischen Untersuchung urbaner Räume. Verbindet der in Paris lebende Künstler seine Bilder mit den Biografien von Jim Morrison und Charles Manson und lässt so zeitliche Schichtungen durcheinander geraten, geht es Kerstin Flake, neben dem Spiel mit Erwartungshaltungen, um eine Überlagerung von Vergangenem und Gegenwärtigen, um das Verschwinden und Verschieben von Perspektive und Bedeutung.

Avec le projet d'exposition Kerstin Flake / Benoît Grimbert, Fotohof réunit deux positions internationales dont la parenté spirituelle ne se révèle sans doute qu'au deuxième coup d'œil. L'artiste de Leipzig Kerstin Flake met en scène des pièces bizarres en tant que metteur en scène et décoratrice de théâtre. Alors que dans ses séries d'images, les lois de la physique ne semblent s'appliquer que de manière limitée, les photographies précises de Benoît Grimbert ressemblent à une étude presque archéologique des espaces urbains. Si l'artiste vivant à Paris relie ses visuels aux biographies de Jim Morrison et de Charles Manson et fait ainsi se confondre les strates temporelles, il s'agit pour Kerstin Flake, outre le jeu avec les attentes, d'une superposition du passé et du présent, de la disparition et du déplacement de la perspective et de la signification.

Con il progetto espositivo Kerstin Flake / Benoît Grimbert, il Fotohof riunisce due posizioni internazionali la cui affinità intellettuale è riconoscibile solo a un secondo sguardo. L'artista di Lipsia Kerstin Flake mette in scena bizzarri spettacoli come regista e scenografa in una sola persona. Mentre le leggi della fisica sembrano essere applicate solo in misura limitata nella sua serie di immagini, le precise fotografie di Benoît Grimbert assomigliano a un'indagine quasi archeologica degli spazi urbani. Mentre l'artista parigino combina le sue immagini con le biografie di Jim Morrison e Charles Manson, confondendo così gli strati temporali, Kerstin Flake si preoccupa non solo di giocare con le aspettative, ma anche di sovrapporre il passato e il presente, di far scomparire e spostare la prospettiva e il significato.

The exhibition project Kerstin Flake / Benoît Grimbert brings together two international positions whose intellectual links probably emerge only at second glance. The Leipzig artist Kerstin Flake stages bizarre plays as a director and stage designer in one person. While the laws of physics only seem to apply to a limited extent in her image series, Benoît Grimbert's precise photographic tableaus resemble an almost archaeological investigation of urban space. While the Paris-based artist ties his images to the biographies of Jim Morrison and Charles Manson, allowing layers of time and mythological subtext to become mixed up, Kerstin Flake is concerned not only with the play of expectations, but also with the superimposition of past and present, with disappearance and shifting of perspective and meaning.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
26. Januar – 16. Juni 2024

QUEENDOM. Navigating Future Codes
Ilit Azoulay

Ilit Azoulay (1972 Jaffa, IL – Berlin, DE) ist eine israelische Künstlerin mit marokkanischen Wurzeln. In ihrer interdisziplinären Kunstpraxis bricht sie mit der traditionellen einlinsigen Perspektive der Fotokamera und setzt Bilder auf der Grundlage umfangreicher Forschungsdaten neu zusammen. Sie stellt Fragen zu den Mechanismen von Geschichtsschreibung, kultureller Aneignung und Praktiken der Empathie.

Ilit Azoulay überwindet Beschränkungen nationaler und männlicher Repräsentationen und öffnet Wege in einen vernetzten Nahen Osten, wo Identitäten fließend sind und Komplexität geschätzt wird. Das Queendom (engl. Königinnenreich), das von der Kunst regiert wird, scheint aus einem totalen Systemabsturz hervorgegangen zu sein. Es ist ein tief verwurzeltes Reich aus der Zukunft, in dem Geschichten aus unterschiedlichen Zeiten und Ursprüngen zusammengewachsen sind. Die Künstlerin visualisiert mit digitalem Kunsthandwerk das Nachleben von Bildern und ihre Verwandlungen, wobei sie die Geschichte der Aneignung und die fehlenden Glieder in ihren Wissensgeografien hervorhebt. Die zehn Paneele von QUEENDOM werden erstmals unter Einbeziehung des Archivs von David Storm Rice, eines Forschers für mittelalterliche Metallgefäße der islamischen Kunst, und dem daraus entwickelten Archiv der Künstlerin selbst ergänzt.

Kuratorin: Tina Teufel

Ilit Azoulay (1972 Jaffa, IL - Berlin, DE) est une artiste israélienne d'origine marocaine. Dans sa pratique artistique interdisciplinaire, elle rompt avec la perspective traditionnelle unidirectionnelle de l'appareil photo et recompose des images sur la base de données de recherche étendues. Elle s'interroge sur les mécanismes d'écriture de l'histoire, l'appropriation culturelle et les pratiques d'empathie.

Ilit Azoulay dépasse les restrictions des représentations nationales et masculines et ouvre des voies vers un Moyen-Orient interconnecté, où les identités sont fluides et où la complexité est appréciée. Le Queendom (royaume des reines en anglais), gouverné par l'art, semble être né d'un effondrement total du système. C'est un royaume profondément enraciné dans le futur, dans lequel des histoires de différentes époques et origines ont fusionné. L'artiste utilise l'artisanat numérique pour visualiser la rémanence des images et leurs transformations, en mettant en évidence l'histoire de l'appropriation et les chaînons manquants dans ses géographies du savoir. Les dix panneaux de QUEENDOM sont complétés pour la première fois en intégrant les archives de David Storm Rice, un chercheur en vases métalliques médiévaux de l'art islamique, et les archives de l'artiste elle-même qui en découlent.

Commissaire d'exposition : Tina Teufel

Ilit Azoulay (1972 Jaffa, IL - Berlino, DE) è un'artista israeliana con radici marocchine. Nella sua pratica artistica interdisciplinare, rompe con la tradizionale prospettiva a obiettivo singolo della macchina fotografica e riassembla le immagini sulla base di ampi dati di ricerca. Si interroga sui meccanismi della storiografia, sull'appropriazione culturale e sulle pratiche di empatia.

Ilit Azoulay supera i limiti delle rappresentazioni nazionali e maschili e apre la strada a un Medio Oriente in rete, dove le identità sono fluide e la complessità è valorizzata. Il Queendom, governato dall'arte, sembra essere emerso da un totale collasso sistemico. È un regno profondamente radicato nel futuro, in cui sono cresciute insieme storie di epoche e origini diverse. L'artista utilizza l'artigianato digitale per visualizzare l'aldilà delle immagini e le loro trasformazioni, evidenziando la storia dell'appropriazione e gli anelli mancanti nelle loro geografie della conoscenza. I dieci pannelli di QUEENDOM sono integrati per la prima volta con l'inclusione dell'archivio di David Storm Rice, ricercatore di vasi metallici medievali dell'arte islamica, e dell'archivio sviluppato dall'artista stessa.

Curatore: Tina Teufel

Ilit Azoulay (1972 Jaffa, IL - Berlin, DE) is an Israeli artist with Moroccan roots. In her interdisciplinary art practice, she breaks with the traditional single-lens perspective of the photographic camera and reassembles images on the basis of extensive research data. She poses questions about the mechanisms of historiography, cultural appropriation and practices of empathy.

Ilit Azoulay overcomes the limitations of national and masculine representations and opens up pathways to a networked Middle East where identities are fluid and complexity is valued. The Queendom, ruled by art, seems to have emerged from a total systemic collapse. It is a deeply rooted realm from the future, in which stories from different times and origins have grown together. The artist uses digital craftsmanship to visualize the afterlife of images and their transformations, highlighting the history of appropriation and the missing links in their geographies of knowledge. The ten panels of QUEENDOM are supplemented for the first time by incorporating the archive of David Storm Rice, a researcher of medieval metal vessels of Islamic art, and the artist's own archive developed from it.

Curator: Tina Teufel

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Leica Galerie Salzburg
8. Dezember 2023 – 29. Februar 2024

SugarWow
Jan von Holleben

„Keine andere Droge ist so weit verbreitet und niemand kann ohne sie. Zucker ist einfach das Allertollste für uns Lebewesen,“ so der Fotograf Jan von Holleben. In seinem Berliner Fotostudio ist er ihr erlegen, der süßesten Versuchung, seit es Nahrungsmittel gibt. „Ich wollte ganz eintauchen in diese Welt. Besonders die klassischen Süßigkeiten, die eine klare Formsprache hatten, fand ich interessant.“

Die Ausstellung Sugar Wow zeigt ein Schlaraffenland, das aus einer visuellen Welt von Süßigkeiten besteht. Die ästhetisch farbenfrohen Bilder, deren Sujets komplett aus den süßen Zuckermaterialien aufgebaut sind, zeigen einerseits die Farben- und Formenvielfalt eines der wohl wichtigsten Lebensmittel unserer Zeit, andererseits aber auch ein sehr kritisch zu betrachtendes Thema, das aus unserer Gesellschaft nicht mehr wegzudenken ist.

„Die Welt der Süßigkeiten ist sehr komplex und intensiv. Wir Menschen haben in allen Kulturen einen sehr speziellen Umgang mit Zucker. Dabei ist der Übergang von essenzieller Ernährung (Kohlenhydrate, Säuren etc., die im Körper zu Zucker umgewandelt werden) über süßes Gebäck zu dem, was wir Süßigkeiten nennen, fließend. Süßigkeiten sind das extremste Zuckerzeug – Zucker fast in Reinform, versetzt mit etwas Farbe und ein paar anderen Inhaltsstoffen für noch bessere Haltbarkeit, Materialität oder Sensorik.“

Jan von Holleben nimmt den Betrachter in seinen Bildern mit auf eine Reise Zucker einmal anders zu erleben und sich mit dem Thema auseinanderzusetzen. Humorvolles, Ästhetisches und Dekoratives gehen dabei eine essentielle Symbiose ein, die zum Schmunzeln einlädt.

Jan von Holleben arbeitet als Kinderbuchautor, er veröffentlichte bereits mehr als 20 Kinder- und Künstlerbücher. Seine Arbeiten sind international in der Werbung und in unzähligen Magazinen zu sehen.

"Aucune autre drogue n'est aussi répandue et personne ne peut s'en passer. Le sucre est tout simplement ce qu'il y a de plus délicieux pour nous, les êtres vivants", déclare le photographe Jan von Holleben. Dans son studio photo berlinois, il a succombé à la tentation la plus douce depuis l'apparition de la nourriture. "Je voulais m'immerger complètement dans ce monde. J'ai trouvé particulièrement intéressants les bonbons classiques, qui avaient un langage formel clair".

L'exposition Sugar Wow présente un pays de cocagne constitué d'un univers visuel de sucreries. Les images esthétiques et colorées, dont les sujets sont entièrement construits à partir des matériaux sucrés du sucre, montrent d'une part la diversité des couleurs et des formes de l'un des aliments sans doute les plus importants de notre époque, mais d'autre part aussi un thème très critique dont on ne peut plus se passer dans notre société.

"Le monde des sucreries est très complexe et intense. Dans toutes les cultures, nous autres humains avons une approche très particulière du sucre. Dans ce contexte, la transition entre l'alimentation essentielle (glucides, acides, etc. qui sont transformés en sucre dans le corps) et ce que nous appelons les sucreries, en passant par les pâtisseries sucrées, est fluide. Les bonbons sont le truc sucré le plus extrême - du sucre presque à l'état pur, mélangé à un peu de couleur et à quelques autres ingrédients pour une conservation, une matérialité ou une sensorialité encore meilleures".

Dans ses images, Jan von Holleben emmène le spectateur dans un voyage pour découvrir le sucre autrement et se confronter à ce thème. L'humour, l'esthétique et le décoratif y forment une symbiose essentielle qui invite à sourire.

Jan von Holleben travaille comme auteur de livres pour enfants, il a déjà publié plus de 20 livres pour enfants et livres d'artistes. Ses travaux sont visibles dans la publicité internationale et dans d'innombrables magazines.

"Nessun'altra droga è così diffusa e nessuno può farne a meno. Lo zucchero è semplicemente la cosa più dolce per noi creature", afferma il fotografo Jan von Holleben. Nel suo studio fotografico di Berlino, ha ceduto alla tentazione più dolce da quando esiste il cibo. "Volevo immergermi completamente in questo mondo. Ero particolarmente interessato ai dolci classici, che avevano un chiaro linguaggio di design".

La mostra Sugar Wow mostra una terra di latte e miele costituita da un mondo visivo di dolci. Le immagini esteticamente colorate, i cui soggetti sono realizzati interamente con materiali zuccherini, mostrano la varietà di colori e forme di uno degli alimenti più importanti del nostro tempo, ma anche un tema molto critico che è diventato parte integrante della nostra società.

"Il mondo dei dolci è molto complesso e intenso. Noi esseri umani, in tutte le culture, abbiamo un modo molto particolare di rapportarci allo zucchero. Il passaggio dall'alimentazione essenziale (carboidrati, acidi, ecc. che vengono convertiti in zucchero nell'organismo) alla pasticceria dolce e a ciò che chiamiamo dolci è fluido. I dolci sono gli zuccheri più estremi: zucchero quasi allo stato puro, mescolato con un po' di colore e qualche altro ingrediente per migliorare la conservabilità, la materialità o le proprietà sensoriali".

Nelle sue immagini, Jan von Holleben accompagna lo spettatore in un viaggio che lo porta a sperimentare lo zucchero in modo diverso e a confrontarsi con il soggetto. Elementi umoristici, estetici e decorativi entrano in una simbiosi essenziale che fa sorridere.

Jan von Holleben lavora come autore di libri per bambini e ha già pubblicato più di 20 libri per bambini e per artisti. I suoi lavori sono visibili a livello internazionale in pubblicità e in innumerevoli riviste.

"No other drug is so widespread and nobody can do without it. Sugar is simply the sweetest thing for us creatures," says photographer Jan von Holleben. In his Berlin photo studio, he succumbed to it, the sweetest temptation since food has existed. "I wanted to immerse myself completely in this world. I was particularly interested in the classic sweets, which had a clear design language."

The Sugar Wow exhibition shows a land of milk and honey consisting of a visual world of sweets. The aesthetically colorful pictures, whose subjects are made up entirely of sweet sugar materials, show the variety of colors and shapes of one of the most important foods of our time, but also a very critical topic that has become an integral part of our society.

"The world of sweets is very complex and intense. We humans have a very special way of dealing with sugar in all cultures. The transition from essential food (carbohydrates, acids, etc., which are converted into sugar in the body) to sweet pastries and what we call sweets is a fluid one. Sweets are the most extreme sugar stuff - sugar almost in its pure form, mixed with some color and a few other ingredients for even better shelf life, materiality or sensory properties."

In his pictures, Jan von Holleben takes the viewer on a journey to experience sugar in a different way and to engage with the subject. Humorous, aesthetic and decorative elements enter into an essential symbiosis that invites smiles.

Jan von Holleben works as a children's book author and has already published more than 20 children's and artist's books. His work can be seen internationally in advertising and in countless magazines.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
2. Dezember 2023 - 1. April 2024

Mediathek+ Die Video- und Filmsammlung der Generali Foundation

Die Generali Foundation hat seit ihrer Gründung eine der bedeutendsten internationalen Medienkunstsammlungen ab den 1960er-Jahren aufgebaut, mit einem Schwerpunkt auf experimenteller, medienreflexiver Film- und Videokunst, politischem Film sowie feministischen und performancebasierten Videoarbeiten. Sie umfasst sämtliche Filme und Videos von Künstler_innen wie Gottfried Bechtold, VALIE EXPORT, Dan Graham, Harun Farocki, Elke Krystufek, Gordon Matta-Clark, Martha Rosler und Heimo Zobernig. Die Mediathek im Generali Foundation Studienzentrum macht einen großen Teil dieser Filme und Videos für Forscher_innen und alle interessierten Besucher_innen jederzeit zugänglich. Darüber hinaus können wichtige Veranstaltungen, die seit den 1990er-Jahren in der Generali Foundation stattgefunden haben – Vorträge, Symposien, Gespräche mit Künstler_innen und Performances – angesehen werden.

Die Ausstellung erweitert die Mediathek in den Ausstellungsraum, um die gesamte Bandbreite der Film- und Videosammlung sichtbar zu machen und grundlegende Entwicklungen der Film- und Videokunst der letzten Jahrzehnte zu veranschaulichen. Gleichzeitig unterstreicht sie die Bedeutung des freien Zugangs zu Film- und Videoarchiven als Teil des kulturellen Gedächtnisses der jüngeren Zeit.

Kurator_innen: Stefanie Grünangerl, Jürgen Tabor

Depuis sa création, la Generali Foundation a constitué l'une des plus importantes collections internationales d'art médiatique à partir des années 1960, en mettant l'accent sur le cinéma et l'art vidéo expérimentaux et reflétant les médias, le cinéma politique ainsi que les œuvres vidéo féministes et basées sur la performance. Elle comprend tous les films et vidéos d'artistes tels que Gottfried Bechtold, VALIE EXPORT, Dan Graham, Harun Farocki, Elke Krystufek, Gordon Matta-Clark, Martha Rosler et Heimo Zobernig. La médiathèque du centre d'études de la Fondation Generali rend une grande partie de ces films et vidéos accessibles à tout moment aux chercheurs et à tous les visiteurs intéressés. En outre, les événements importants qui ont eu lieu à la Fondation Generali depuis les années 1990 - conférences, symposiums, entretiens avec des artistes et performances - peuvent être visionnés.

L'exposition étend la médiathèque à l'espace d'exposition afin de rendre visible toute la gamme de la collection de films et de vidéos et d'illustrer les développements fondamentaux de l'art cinématographique et vidéo des dernières décennies. En même temps, elle souligne l'importance du libre accès aux archives cinématographiques et vidéo en tant que partie intégrante de la mémoire culturelle récente.

Commissaires d'exposition : Stefanie Grünangerl, Jürgen Tabor

Dalla sua fondazione, la Fondazione Generali ha costituito una delle più importanti collezioni internazionali di media art a partire dagli anni Sessanta, con particolare attenzione al cinema e alla videoarte sperimentale e riflessiva sui media, al cinema politico e alle opere video femministe e performative. Include tutti i film e i video di artisti come Gottfried Bechtold, VALIE EXPORT, Dan Graham, Harun Farocki, Elke Krystufek, Gordon Matta-Clark, Martha Rosler e Heimo Zobernig. La mediateca del Centro Studi della Fondazione Generali rende gran parte di questi film e video accessibili ai ricercatori e a tutti i visitatori interessati in qualsiasi momento. Inoltre, è possibile visionare importanti eventi che si sono svolti alla Fondazione Generali a partire dagli anni Novanta - conferenze, simposi, colloqui con artisti e spettacoli.

La mostra estende la mediateca allo spazio espositivo per rendere visibile l'intera gamma della collezione di film e video e per illustrare gli sviluppi fondamentali dell'arte cinematografica e video degli ultimi decenni. Allo stesso tempo, sottolinea l'importanza del libero accesso agli archivi di film e video come parte della memoria culturale dei tempi recenti.

Curatori: Stefanie Grünangerl, Jürgen Tabor

Since its establishment, the Generali Foundation has built up one of the most important international media art collections from the 1960s onwards, with a focus on experimental, media-reflexive film and video art, political film, and feminist and performance-based video works. It includes all films and videos by artists such as Gottfried Bechtold, VALIE EXPORT, Dan Graham, Harun Farocki, Elke Krystufek, Gordon Matta-Clark, Martha Rosler and Heimo Zobernig. The Media Library at the Generali Foundation Study Center makes a large part of these films and videos accessible to researchers and all interested visitors at any time. In addition, important events that have taken place at the Generali Foundation since the 1990s - lectures, symposia, talks with artists, and performances - can be viewed.

The exhibition extends the media library into the exhibition space in order to make the entire range of the film and video collection visible and to illustrate fundamental developments in film and video art over the past decades. At the same time, it underscores the importance of free access to film and video archives as part of recent cultural memory.

Curators: Stefanie Grünangerl, Jürgen Tabor

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)