HANGAR Photo Art Center | Brussels
26. Januar – 23. März 2024

Generations of Resilience - 22 Ukrainian photographers

Anastasia Baklazhko, Valentyna Bilousova, Lisa Bukreyeva, Alexander Chekmenev, Diana Danyliuk, Maxim Dondyuk, Igor Efimov, Viktor & Sergiy Kochetov, Olia Koval, Vladyslav Krasnoshchok, Sasha Kurmaz, Volodymyr Mateichuk, Tim Melnikov, Boris Mikhailov, Krystyna Novykova, Mykhaylo Palinchak, Yevgeniy Pavlov, Volodymyr Shapiro, Sergiy Solonsky, Elena Subach, Oleksandr Suprun, Daria Svertilova

Die Ausstellung findet im Rahem der 8. Edition des PhotoBrussels Festivals statt.

Die Ausstellung zeigt die Herausforderungen, denen sich mehrere Generationen ukrainischer Fotografen stellen mussten. Zyklische Prozesse, historische Ereignisse und Einheit lassen die Grenzen zwischen diesen Generationen verschwinden. Die Sammlung von Fotos aus den 1970er Jahren bis heute, von Boris Mikhailov bis zu jungen aufstrebenden Fotografen, unterstreicht den spiralförmigen Charakter des Kampfes um die Unabhängigkeit und die demokratische Entwicklung der Ukraine. Die Geschichte der Ukraine ist ein Kampf um die Zukunft, der sich über Generationen fortsetzt. Hier werden Fotografie und Kunst zu einer der wichtigsten Methoden, um Veränderungen aufzuzeichnen und zu archivieren, und zu einer der Möglichkeiten, im Krieg zu kämpfen und sich der Kolonialpolitik zu widersetzen. - Kateryna Radchenko

Ausstellung ko-kuratiert von Hangar Team & Kateryna Radchenko

L'exposition montre les défis auxquels sont confrontées plusieurs générations de photographes ukrainiens. Les processus cycliques, les événements historiques et l'unité effacent la frontière entre ces générations. La collection de photos des années 1970 à nos jours, de Boris Mikhailov aux jeunes photographes émergents, souligne la nature en spirale de la lutte pour l'indépendance et le développement démocratique de l'Ukraine. L'histoire de l'Ukraine est une lutte pour l'avenir, qui se poursuit à travers les générations. La photographie et l'art deviennent alors l'une des principales méthodes d'enregistrement et d'archivage des changements et l'un des moyens de combattre dans la guerre et de résister à la politique coloniale. - Kateryna Radchenko

Exposition organisée conjointement par Hangar Team et Kateryna Radchenko.

La mostra mostra le sfide affrontate da diverse generazioni di fotografi ucraini. Processi ciclici, eventi storici e unità cancellano il confine tra queste generazioni. La raccolta di foto dagli anni Settanta a oggi, da Boris Mikhailov ai giovani fotografi emergenti, sottolinea la natura a spirale della lotta per l'indipendenza e lo sviluppo democratico dell'Ucraina. La storia dell'Ucraina è una lotta per il futuro che continua attraverso le generazioni. Qui la fotografia e l'arte diventano uno dei metodi principali per registrare e archiviare i cambiamenti e uno dei modi per combattere la guerra e resistere alla politica coloniale. - Kateryna Radchenko

Mostra co-curata da Hangar Team e Kateryna Radchenko

The exhibition shows the challenges, faced by several generations of Ukrainian photographers. Cyclical processes, historical events and unity erase the borderline between these generations. The collection of photos from the 1970s to present, from Boris Mikhailov to young emerging photographers, emphasises the spiral nature of the struggle for Ukraine’s independence and democratic development. The history of Ukraine is a struggle for the future, which continues through generations. Here photography and art become one of the main methods to record and archive changes and one of the ways to fight in the war and resist colonial policy. - Kateryna Radchenko

Exhibition co-curated by Hangar Team & Kateryna Radchenko

(Text: Hangar Photo Art Center, Brussels)

ZEBRA - Zentrum für klassische und moderne Fotografie | Wien
21. Juni - 14. Juli 2023

GREETINGS FROM... Alles Chimäre
Natascha Auenhammer

Die Ausstellung findet im Rahmen von Foto Wien statt.

Wie sehen Postkarten von fremden Orten, und doch sind es optische Illusionen. Sie sind alle in Österreich entstanden. Alles Chimäre, Trugbilder! Die Wahrheit findet man auf den Rückseiten.

Die Realität hat keine Bedeutung, wenn die Illusion wirkungsvoll ist.

All diese Dinge sind interessant und erwecken Seh-nsüchte, Begierden, Süchte danach, etwas zu sehen und zu erleben. Wir alle wollen Weltbürger sein.

Und auf der anderen Seite wollen wir glänzen, unseren Freunden und Bekannten mitteilen, da war ich, ich habe es gesehen, Greetings from Griechenland, Italien, Thailand. Es geht auch um das, was man nicht sieht oder aber zu sehen glaubt. Die Auflösung dieser Bilder(rätsel), wo diese Ansichten wirklich entstanden sind, die gibt es auf den Rückseiten der Postkarten zu finden.

Ganz nach Alfred Hitchcocks Credo: Die Realität hat keine Bedeutung, wenn die Illusion wirkungsvoll ist, ist diese Serie entstanden.

Vous voyez des cartes postales de lieux inconnus, et pourtant ce sont des illusions d'optique. Vous avez toutes été créées en Autriche. Toutes des chimères, des mirages ! La vérité se trouve au verso.

La réalité n'a pas d'importance si l'illusion est efficace.

Toutes ces choses sont intéressantes et éveillent des envies, des désirs, des addictions de voir et de vivre quelque chose. Nous voulons tous être des citoyens du monde.

Et d'un autre côté, nous voulons briller, dire à nos amis et connaissances, j'étais là, je l'ai vu, Greetings from Greece, Italy, Thailand. Il s'agit aussi de ce que l'on ne voit pas ou que l'on croit voir. La résolution de ces visuels (énigmes), où ces vues ont réellement été prises, se trouve au dos des cartes postales.

Cette série a été réalisée conformément au credo d'Alfred Hitchcock : la réalité n'a pas d'importance si l'illusion est efficace.

Vediamo cartoline di luoghi stranieri, eppure sono illusioni ottiche. Sono state tutte realizzate in Austria. Tutte chimere, miraggi! La verità si trova sul retro.

La realtà non ha significato quando l'illusione è efficace.

Tutte queste cose sono interessanti e suscitano desideri, voglie, dipendenze di vedere e sperimentare qualcosa. Tutti noi vogliamo essere cittadini del mondo.

E d'altra parte, vogliamo brillare, dire ai nostri amici e conoscenti: "Ero lì, l'ho visto", "Saluti dalla Grecia, dall'Italia, dalla Thailandia". Si tratta anche di ciò che non si vede o di ciò che si crede di vedere. La soluzione di queste immagini (indovinelli), la vera origine di questi panorami, si trova sul retro delle cartoline.

Questa serie è stata creata secondo il credo di Alfred Hitchcock: la realtà non ha senso se l'illusione è efficace.

How to see postcards of foreign places, and yet they are optical illusions. They were all made in Austria. All chimeras, mirages! The truth is found on the backs.

Reality has no meaning when the illusion is effective.

All these things are interesting and arouse desires, cravings, addictions to see and experience something. We all want to be citizens of the world.

And on the other hand we want to shine, to tell our friends and acquaintances, there I was, I saw it, Greetings from Greece, Italy, Thailand. It's also about what you don't see or what you think you see. The solution of these pictures (riddles), where these views really originated, can be found on the backs of the postcards.

According to Alfred Hitchcock's credo: Reality has no meaning if the illusion is effective, this series was created.

(Text: Nathascha  Auenhammer, Wien)

Jüdisches Museum Wien
21. Juni - 14. Januar 2024

Fokus! Jetzt! Maria Austria – Fotografin im Exil

Die Ausstellung findet im Rahmen der Foto Wien statt.

Die Fotografin Maria Austria, eigentlich Marie Östreicher, wurde 1915 in Karlsbad geboren und kam Mitte der 1930er-Jahre zum Studium an der Graphischen Lehr- und Versuchsanstalt nach Wien. Kurz arbeitete sie hier als Pressefotografin, emigrierte jedoch 1937 in die Niederlande. Eine Zukunft im antisemitischen Österreich wäre schwierig gewesen während in Amsterdam bereits ihre Schwester lebte. Mit Lisbeth Östreicher, einer am Bauhaus in Dessau ausgebildeten Textildesignerin, gründete sie dort das Studio Model en Foto Austria (Mode- und Fotostudio Austria).

Nach dem Überfall der Nazis auf die Niederlande überlebte Maria Austria versteckt im Untergrund und schloss sich der Widerstandsbewegung an. 1945 gründete sie mit ihrem Mann und weiteren Kollegen die Fotoagentur Particam. Als Pressefotografin dokumentierte sie die Themen ihrer Zeit, von den Zerstörungen durch den Krieg über Straßenfotografie bis zu Porträts von Künstler:innen und Prominenten. Ihre Serie Het Achterhuis von 1954 mit Fotos vom Versteck von Anne Frank und Aufnahmen von Otto Frank etwa berühren noch heute ganz unmittelbar. In späteren Jahren spezialisierte sie sich auf Theaterfotografie.

Die Arbeiten der herausragenden, aber hierzulande noch weitgehend unbekannten Fotografin Maria Austria, wie sie sich in ihrem Künstlernamen nannte, werden in Österreich erstmalig in einer Einzelausstellung gezeigt. Ausgehend von den frühen Arbeiten aus ihren Wiener Jahren bildet diese die Höhepunkte ihrer Tätigkeit von den 1930er- bis Mitte der 1970er-Jahre ab.

Kuratorin: Andrea Winklbauer

Architektur: Robert Rüf

Gestaltung: Bueronardin

La photographe Maria Austria, de son vrai nom Marie Östreicher, est née en 1915 à Karlovy Vary et est venue à Vienne au milieu des années 1930 pour étudier à la Graphische Lehr- und Versuchsanstalt. Elle y a brièvement travaillé comme photographe de presse, mais a émigré aux Pays-Bas en 1937. Un avenir dans l'Autriche antisémite aurait été difficile, alors que sa sœur vivait déjà à Amsterdam. Avec Lisbeth Östreicher, une designer textile formée au Bauhaus à Dessau, elle y a fondé le Studio Model en Foto Austria (Studio de mode et de photographie Austria).

Après l'invasion des Pays-Bas par les nazis, Maria Austria survécut cachée dans la clandestinité et rejoignit le mouvement de résistance. En 1945, elle a fondé avec son mari et d'autres collègues l'agence photographique Particam. En tant que photographe de presse, elle a documenté les thèmes de son époque, des destructions causées par la guerre aux portraits d'artistes et de célébrités, en passant par la photographie de rue. Sa série Het Achterhuis de 1954, avec des photos de la cachette d'Anne Frank et des photos d'Otto Frank, nous touche encore aujourd'hui. Plus tard, elle s'est spécialisée dans la photographie de théâtre.

Les travaux de cette photographe exceptionnelle, mais encore largement inconnue dans notre pays, Maria Austria, comme elle se faisait appeler par son nom d'artiste, sont présentés pour la première fois en Autriche dans le cadre d'une exposition individuelle. Partant des premiers travaux de ses années viennoises, celle-ci retrace les temps forts de son activité, des années 1930 au milieu des années 1970.

Commissaire d'exposition : Andrea Winklbauer

Architecture : Robert Rüf

Conception : Bueronardin

La fotografa Maria Austria, in realtà Marie Östreicher, nacque nel 1915 a Karlsbad e venne a Vienna a metà degli anni Trenta per studiare alla Graphische Lehr- und Versuchsanstalt. Qui lavora per un breve periodo come fotografa per la stampa, ma nel 1937 emigra nei Paesi Bassi. Un futuro nell'Austria antisemita sarebbe stato difficile, mentre la sorella viveva già ad Amsterdam. Insieme a Lisbeth Östreicher, una designer tessile formatasi al Bauhaus di Dessau, fonda lo Studio Model en Foto Austria (Studio di Moda e Foto Austria).

Dopo l'invasione nazista dei Paesi Bassi, Maria Austria si nasconde nella clandestinità e si unisce al movimento di resistenza. Nel 1945 fondò l'agenzia fotografica Particam con il marito e altri colleghi. Come fotografa per la stampa, documentò i temi del suo tempo, dalla distruzione causata dalla guerra alla fotografia di strada e ai ritratti di artisti e celebrità. La sua serie Het Achterhuis del 1954, con le foto del nascondiglio di Anne Frank e gli scatti di Otto Frank, ad esempio, hanno un impatto diretto ancora oggi. Negli anni successivi si è specializzata nella fotografia teatrale.

Le opere della straordinaria ma ancora largamente sconosciuta fotografa Maria Austria, come si faceva chiamare nel suo nome d'artista, vengono presentate per la prima volta in Austria in una mostra personale. Partendo dai primi lavori degli anni viennesi, la mostra presenta i punti salienti del suo lavoro dagli anni Trenta alla metà degli anni Settanta.

Curatore: Andrea Winklbauer

Architettura: Robert Rüf

Design: Bueronardin

The photographer Maria Austria, actually Marie Östreicher, was born in Karlovy Vary in 1915 and came to Vienna in the mid-1930s to study at the Higher Federal Institution for Graphic Education and Research. After working briefly as a press photographer, she emigrated to Amsterdam in 1937, where she founded the Studio Model en Foto Austria (Fashion and Photo Studio Austria) with her sister Lisbeth, a textile designer educated at the Bauhaus Dessau. Following the Nazi invasion of the Netherlands, she went underground and helped the resistance by making passport photos for counterfeit passports. In 1945, she established the Particam Pictures photo agency with her husband and other colleagues. As a press photographer, she documented the issues of her time, from the destruction caused by war to street photography and portraits of artists and celebrities. Her series Het Achterhuis from 1954, with photos of Anne Frank’s hiding place, still has a direct impact today. In later years she specialized in theatrical photography.

A selection of her photos was already featured as part of the exhibition Vienna’s Shooting Girls – Jewish Women Photographers from Vienna in 2012 at the Jewish Museum Vienna. Now the first solo exhibition of this outstanding exponent of post-war photography, who remains largely unknown in this country, is being shown in Austria. Starting from the early works from her years in Vienna, this represents the highlights of her photographic activity from the 1930s to the mid-1970s.

Curator: Andrea Winklbauer

Architecture: Robert Rüf

Exhibition design: Bueronardin

(Text: Jüdisches Museum Wien)

OstLicht | Wien
16. Juni - 29. Juli 2023

Pionierin des Fotojournalismus
Inge Morath

Die Ausstellung findet im Rahmen von Foto Wien statt.

Am 27. Mai 2023 wäre die österreichische Fotografin Inge Morath 100 Jahre alt geworden. Zu diesem Anlass haben wir einige ihrer bedeutendsten Werke in einer repräsentativen Werkschau versammelt und zeigen diese im Rahmen der FOTO WIEN von 16. Juni bis 29. Juli 2023.

Die Auswahl spannt einen breiten Bogen von Moraths New Yorker street photography über ihre legendären Reise-Reportagen bis hin zu ihren bekannt einfühlsamen Porträts von Arthur Miller, Marilyn Monroe, Jayne Mansfield und anderen Celebrities. Ergänzend zeigen wir auch einige der seltenen Aufnahmen, für die sie selbst vor der Kamera stand.

Le 27 mai 2023, la photographe autrichienne Inge Morath aurait eu 100 ans. À cette occasion, nous avons réuni quelques-unes de ses œuvres les plus marquantes dans une exposition représentative de son travail, que nous présenterons dans le cadre de FOTO WIEN du 16 juin au 29 juillet 2023.

La sélection couvre un large éventail allant de la street photography new-yorkaise de Morath à ses légendaires reportages de voyage, en passant par ses portraits sensibles bien connus d'Arthur Miller, Marilyn Monroe, Jayne Mansfield et d'autres célébrités. En complément, nous présentons également quelques-unes des rares photos pour lesquelles elle a elle-même pris la pose.

Il 27 maggio 2023, la fotografa austriaca Inge Morath avrebbe compiuto 100 anni. Per celebrare questa ricorrenza, abbiamo riunito alcune delle sue opere più importanti in una mostra rappresentativa che sarà esposta a FOTO WIEN dal 16 giugno al 29 luglio 2023.

La selezione spazia dalla fotografia di strada di New York e dai suoi leggendari reportage di viaggio ai suoi famosi ritratti sensibili di Arthur Miller, Marilyn Monroe, Jayne Mansfield e altre celebrità. Sono esposte anche alcune delle rare fotografie per le quali la Morath stessa ha posato davanti alla macchina fotografica.

On 27 May 2023 the Austrian photographer Inge Morath would have been 100 years old. To mark this occasion, we have selected some of her most important works in a representative exhibition and will be showing them at FOTO WIEN from 16 June to 29 July 2023.

The selection spans a wide range from Morath's New York street photography and her legendary travel reports to her famously sensitive portraits of Arthur Miller, Marilyn Monroe, Jayne Mansfield and other celebrities. We also show some of the rare photographs for which she herself stood in front of the camera.

(Text: OstLicht, Wien)

OstLicht | Wien
16. Juni - 29. Juli 2023

Ode to the sea
Max Piva

Die Ausstellung findet im Rahmen von Foto Wien statt.

Noch vor wenigen Jahren zu den „Jungen Wilden, die Wien aufmischen“ gezählt, kann der Fotograf und Maler Max Piva inzwischen auf ein umfangreiches, von Kunstsammler:innen wie Kritiker:innen gleichermaßen anerkanntes Gesamtwerk verweisen.

Gemeinsam ist allen seinen Arbeiten, dass er die eingesetzten Medien nur „als Mittel zum Zweck“ sieht, seinen Visionen und seiner ganz persönlichen Sicht auf die Welt Ausdruck zu verleihen.

So hat der in Italien geborene und heute zwischen Wien und Portugal pendelnde Künstler auch seine Liebe zum Meer in eine außergewöhnliche Fotoserie verwandelt. Für seine erstmals im OstLicht gezeigte „Ode to the Sea“ verbrachte er viele Stunden im aufgepeitschten Wasser, um die Dynamik und übermenschliche Kraft der Wellen mit der Kamera einzufangen.

In den dabei entstandenen Langzeitbelichtungen formt sich das antagonistische Spiel von Bewegung und Widerstand zu abstrakten Kunstwerken, in denen aus der Gischt schießende Fontänen wie Pinselstriche erscheinen.

„Ich lasse den Ozean durch die Fotografie für mich malen“, beschreibt Piva wie er seinem von den maritimen Kräften evozierten „Gefühl der Machtlosigkeit aber auch Freiheit“ auf poetische Weise Ausdruck verliehen hat.

Die 13 ausgesuchten Werke dieser außergewöhnlichen Hommage an die Meere sind vom Künstler signiert und gerahmt.

Il y a quelques années encore, le photographe et peintre Max Piva était considéré comme l'un de ces "jeunes sauvages qui secouent Vienne". Aujourd'hui, son œuvre est reconnue tant par les collectionneurs d'art que par les critiques.

Le point commun de tous ses travaux est qu'il ne considère les médias utilisés que "comme un moyen d'exprimer ses visions et sa vision très personnelle du monde".

C'est ainsi que l'artiste, né en Italie et qui partage aujourd'hui son temps entre Vienne et le Portugal, a également transformé son amour de la mer en une série de photos exceptionnelles. Pour son "Ode to the Sea", présenté pour la première fois à OstLicht, il a passé de nombreuses heures dans l'eau agitée afin de capturer la dynamique et la force surhumaine des vagues avec son appareil photo.

Dans les poses longues qui en résultent, le jeu antagoniste du mouvement et de la résistance se transforme en œuvres d'art abstraites, dans lesquelles les fontaines jaillissant des embruns apparaissent comme des coups de pinceau.

"Je laisse l'océan me peindre à travers la photographie", explique Piva pour décrire comment il a exprimé de manière poétique son "sentiment d'impuissance mais aussi de liberté" évoqué par les forces maritimes.

Les 13 œuvres sélectionnées pour cet hommage exceptionnel aux océans sont signées et encadrées par l'artiste.

Solo pochi anni fa, il fotografo e pittore Max Piva era considerato uno dei "giovani selvaggi che agitano Vienna", ma oggi può vantare un ampio corpus di lavori riconosciuti da collezionisti e critici d'arte.

Ciò che accomuna tutte le sue opere è che egli considera i mezzi di comunicazione che utilizza solo "come un mezzo per raggiungere un fine", per esprimere le sue visioni e la sua personalissima visione del mondo.

Così l'artista, che è nato in Italia e ora fa la spola tra Vienna e il Portogallo, ha trasformato il suo amore per il mare in una straordinaria serie di fotografie. Per il suo "Inno al mare", esposto per la prima volta all'OstLicht, ha trascorso molte ore nell'acqua agitata per catturare con la sua macchina fotografica la dinamica e la potenza sovrumana delle onde.

Nelle lunghe esposizioni che ne derivano, il gioco antagonista di movimento e resistenza forma opere d'arte astratte in cui le fontane che fuoriescono dagli spruzzi appaiono come pennellate.

"Ho lasciato che l'oceano dipingesse per me attraverso la fotografia", così Piva descrive il modo in cui ha espresso poeticamente la sua "sensazione di impotenza ma anche di libertà" evocata dalle forze marittime.

Le 13 opere selezionate di questo straordinario omaggio ai mari sono firmate e incorniciate dall'artista.

Only a few years ago, photographer and painter Max Piva was counted among the "young savages stirring up Vienna," but he can now point to an extensive body of work that has been recognized by art collectors and critics alike.

What all his works have in common is that he sees the media he uses only "as a means to an end", to express his visions and his very personal view of the world.

Thus the artist, who was born in Italy and today commutes between Vienna and Portugal, has also turned his love of the sea into an extraordinary series of photographs. For his "Ode to the Sea," shown for the first time at OstLicht, he spent many hours in the whipped-up water to capture the dynamics and superhuman power of the waves with his camera.

In the resulting long exposures, the antagonistic interplay of movement and stillness forms abstract works of art in which fountains shooting out of the spray appear like brushstrokes.

"I let the ocean paint for me through photography," is how Piva describes how he has poetically expressed his "sense of powerlessness but also freedom" evoked by maritime forces.

The 13 selected works of this extraordinary tribute to the seas are signed and framed by the artist.

(Text: OstLicht, Wien)

Österreichische Friedrich und Lillian Kiesler-Privatstiftung | Wien
16. Juni - 20. Oktober 2023

Gregor Schmoll. Puparium: Atelier/Studio

Die Ausstellung findet im Rahmen der Foto Wien statt.

Im Januar 1945 trafen sich der Künstler-Architekt Friedrich Kiesler (1890 – 1965) und der Fotograf Percy Rainford (1901 – 1976) mit dem Künstler Marcel Duchamp (1887 – 1968) in dessen New Yorker Atelier, um Aufnahmen des Raums sowie Portraits für eine Fotocollage anzufertigen. Rainford nahm nach Kieslers und Duchamps Anleitung den Atelierraum aus ungewöhnlichen Kamerawinkeln auf. Kiesler montierte diese Bilder in weiterer Folge zu einem ausfaltbaren Fototriptychon – Les Larves d’Imagie d’Henri Robert Marcel Duchamp – für das Kunstmagazin View (Nr. 1, März 1945), das Marcel Duchamp gewidmet war.

Die Originalabzüge befinden sich heute im Archiv der Friedrich Kiesler Stiftung und bilden den Ausgangspunkt für Gregor Schmolls neue Arbeit Puparium: Atelier/Studio. Schmoll paraphrasiert darin die fotografische Dokumentation wie auch die Fotodokumente selbst zwischen objektiver Nüchternheit und hymnischer Verklärung. Durch das spielerische Reenactment dekonstruiert er die Annahme, dass Fotografie die „Wirklichkeit“ abbildgetreu festhält und entlarvt die „Legendenbildung“ bzw. Konstruktion des Atelierraums als geheimnisumwitterten Ort künstlerischen Schaffens.

Gregor Schmoll (*1970 in Bruck an der Mur/Österreich) lebt und arbeitet in Wien.

En janvier 1945, l'artiste-architecte Friedrich Kiesler (1890 - 1965) et le photographe Percy Rainford (1901 - 1976) ont rencontré l'artiste Marcel Duchamp (1887 - 1968) dans son atelier new-yorkais afin de prendre des photos de la pièce ainsi que des portraits pour un collage photographique. Suivant les instructions de Kiesler et de Duchamp, Rainford a photographié l'espace de l'atelier sous des angles inhabituels. Kiesler a ensuite assemblé ces visuels en un triptyque photographique dépliable - Les Larves d'Imagie d'Henri Robert Marcel Duchamp - pour le magazine artistique View (n° 1, mars 1945), consacré à Marcel Duchamp.

Les tirages originaux se trouvent aujourd'hui dans les archives de la Friedrich Kiesler Stiftung et constituent le point de départ de la nouvelle œuvre de Gregor Schmoll, Puparium : Atelier/Studio. Schmoll y paraphrase la documentation photographique ainsi que les documents photographiques eux-mêmes, entre sobriété objective et transfiguration hymnique. Par le biais d'une reconstitution ludique, il déconstruit l'hypothèse selon laquelle la photographie fixe la "réalité" de manière fidèle à l'image et démasque la "création de légendes" ou la construction de l'espace de l'atelier comme lieu de création artistique entouré de mystère.

Gregor Schmoll (*1970 à Bruck an der Mur/Autriche) vit et travaille à Vienne.

Nel gennaio 1945, l'artista-architetto Frederick Kiesler (1890-1965) e il fotografo Percy Rainford (1901-1976) si incontrarono con l'artista Marcel Duchamp (1887-1968) nello studio newyorkese di Duchamp per fotografare lo spazio e i ritratti per un collage fotografico. Rainford, seguendo le istruzioni di Kiesler e Duchamp, ha ripreso lo spazio dello studio da angolazioni insolite. Kiesler assemblò successivamente queste immagini in un trittico fotografico pieghevole - Les Larves d'Imagie d'Henri Robert Marcel Duchamp - per la rivista d'arte View (n. 1, marzo 1945), dedicata a Marcel Duchamp.

Le stampe originali sono oggi conservate nell'archivio della Fondazione Friedrich Kiesler e costituiscono il punto di partenza della nuova opera di Gregor Schmoll, Puparium: Atelier/Studio. In questo lavoro, Schmoll parafrasa la documentazione fotografica e i documenti fotografici stessi tra sobrietà oggettiva e trasfigurazione innografica. Attraverso una giocosa rievocazione, egli decostruisce il presupposto che la fotografia catturi fedelmente la "realtà" ed espone la "creazione di leggende" o la costruzione dello spazio dello studio come luogo di creazione artistica avvolto nel mistero.

Gregor Schmoll (*1970 a Bruck an der Mur/Austria) vive e lavora a Vienna.

In January 1945, the artist-architect Frederick Kiesler (1890 – 1965) and the photographer Percy Rainford (1901 – 1976) met the artist Marcel Duchamp (1887 – 1968) in Duchamp’s New York studio in order to take pictures of the space and produce portraits for a photo collage. Following Kiesler and Duchamp’s instructions, Rainford captured the atelier from a series of unusual camera angles. Kiesler then assembled these images to create a folding photographic triptych – Les Larves d’Imagie d’Henri Robert Marcel Duchamp – for the art magazine View (No. 1, March 1945), which was dedicated to Marcel Duchamp.

The original prints, which can now be found in the archive of the Frederick Kiesler Foundation, provide the starting point for Gregor Schmoll’s new work Puparium: Atelier/Studio. In the work, Schmoll moves between objective sobriety and eulogistic transfiguration as he paraphrases both the photographic documentation and the photographic documents themselves. He uses this playful re-enactment to deconstruct the assumption that photography captures “reality” with pictorial accuracy and expose the “mythmaking” that interprets the studio space as a mysterious place of artistic creation.

Gregor Schmoll (*1970 in Bruck an der Mur/Austria) lives and works in Vienna.

(Text: Österreichische Friedrich und Lillian Kiesler-Privatstiftung, Wien)

WestLicht | Wien
26. Mai - 6. August 2023

All You Need is Love - Fotografien der Beatles

Die Ausstellung findet im Rahmen von Foto Wien statt.

Sie sind bis heute die erfolgreichste Band der Musikgeschichte und haben die Popkultur geprägt wie niemand sonst. Zu diesem Phänomen beigetragen haben nicht zuletzt jene Fotograf:innen, die jeden Moment der nur zehn Jahre dauernden Bandgeschichte festhielten. Ihre milliardenfach auf Plattenhüllen, Zeitungscovern, Postern, Autogrammkarten und Kaugummibildchen reproduzierten Bilder waren für die Beatlemania ein ebenso wichtiger Treibstoff wie die Musik selbst.

In der Ausstellung All You Need Is Love beleuchtet WestLicht die unterschiedlichsten Zugänge, mit denen der bis dahin einmalige Starkult befeuert wurde. Von Peter Brüchmanns – bisher noch nie gezeigter – Reportage der Bravo-Blitz-Tournee durch Deutschland über die psychedelischen Pop-Art-Poster von Richard Avedon bis zu den Outtakes des legendären Abbey Road Cover-Shooting, macht die fotografische Zeitreise auch die äußerlichen und innerlichen Metamorphosen der Fab Four deutlich. Während Max Scheler von seiner Reise zu den Ursprüngen in Liverpool noch fast familiär wirkende Aufnahmen für den Stern mitbrachte, wird in den sehr persönlichen Porträts von Linda McCartney aus 1967 erstmals auch die wachsende Entfremdung zwischen John, Paul, George und Ringo spürbar.

Abgerundet mit Bildern vom einzigen Österreich-Besuch der Beatles, Original-Magazinen und raren LP-Covern macht die Ausstellung die bis heute ungebrochene Faszination der Beatles sinnlich erlebbar. Die Musik dazu liefert eine Jukebox, bestückt mit den größten Hits der vier Pilzköpfe.

Vous êtes aujourd'hui encore le groupe le plus populaire de l'histoire de la musique et vous avez marqué la culture pop comme personne d'autre. Les photographes qui ont immortalisé chaque moment de l'histoire du groupe, qui n'a duré que dix ans, ont largement contribué à ce phénomène. Leurs visuels, reproduits des milliards de fois sur des pochettes de disques, des couvertures de journaux, des affiches, des cartes d'autographes et des images de chewing-gum, ont été un carburant aussi important pour la Beatlemania que la musique elle-même.

Dans l'exposition All You Need Is Love, WestLicht met en lumière les approches les plus diverses qui ont alimenté ce culte de la célébrité jusqu'alors unique. Du reportage de Peter Brüchmann - jamais montré jusqu'à présent - sur la tournée Bravo Blitz en Allemagne aux outtakes du légendaire shooting de la pochette d'Abbey Road, en passant par les posters pop art psychédéliques de Richard Avedon, ce voyage photographique dans le temps met également en évidence les métamorphoses extérieures et intérieures des Fab Four. Alors que Max Scheler a rapporté de son voyage aux origines à Liverpool des clichés presque familiaux pour le Stern, les portraits très personnels de Linda McCartney réalisés en 1967 rendent pour la première fois perceptible l'éloignement croissant entre John, Paul, George et Ringo.

Complétée par des visuels de l'unique visite des Beatles en Autriche, des magazines originaux et des pochettes de LP rares, l'exposition permet de vivre sensoriellement la fascination des Beatles, toujours intacte aujourd'hui. La musique est fournie par un juke-box équipé des plus grands hits des quatre champignons.

Sono ancora la band di maggior successo nella storia della musica e hanno plasmato la cultura pop come nessun altro. I fotografi che hanno immortalato ogni momento della storia decennale della band hanno contribuito a questo fenomeno. Le loro immagini, riprodotte un miliardo di volte su copertine di dischi, giornali, poster, cartoline di autografi e immagini di gomme da masticare, hanno alimentato la Beatlemania tanto quanto la musica stessa.

Nella mostra All You Need Is Love, WestLicht illustra gli approcci più diversi con cui è stato alimentato il culto delle star, finora unico nel suo genere. Dal reportage mai mostrato prima di Peter Brüchmann del tour Bravo Blitz in Germania ai manifesti pop art psichedelici di Richard Avedon e agli outtakes del leggendario servizio di copertina di Abbey Road, il viaggio fotografico nel tempo rivela anche le metamorfosi esterne e interne dei Fab Four. Mentre Max Scheler ha riportato per Stern fotografie dall'aspetto quasi familiare dal suo viaggio alle origini a Liverpool, il crescente allontanamento tra John, Paul, George e Ringo diventa palpabile per la prima volta nei ritratti molto personali di Linda McCartney del 1967.

Completata da immagini dell'unica visita dei Beatles in Austria, da riviste originali e da rare copertine di LP, la mostra permette di vivere in modo sensuale il fascino dei Beatles, rimasto intatto fino ad oggi. La musica è fornita da un jukebox con i più grandi successi dei quattro funghetti.

They are still the most successful band in music history and have shaped pop culture like no one else. The photographers who captured every moment of the band's ten-year history have contributed to this phenomenon. Their images, reproduced a billion times over on record sleeves, newspaper covers, posters, autograph cards and chewing gum pictures, were as important a fuel for Beatlemania as the music itself.

In the exhibition All You Need Is Love, WestLicht illuminates the most diverse approaches with which the hitherto unique star cult was fueled. From Peter Brüchmann's - never before shown - reportage of the Bravo Blitz tour through Germany to Richard Avedon's psychedelic pop art posters and the outtakes of the legendary Abbey Road cover shoot, the photographic journey through time also reveals the external and internal metamorphoses of the Fab Four. While Max Scheler brought back almost familiar-like photographs for Stern from his trip to the origins in Liverpool, the growing estrangement between John, Paul, George and Ringo is palpable for the first time in the very personal portraits of Linda McCartney from 1967.

Rounded off with pictures of the Beatles' only visit to Austria, original magazines and rare LP covers, the exhibition makes it possible to experience the fascination of the Beatles, which remains unbroken to this day, in a sensual way. The music is provided by a jukebox filled with the greatest hits of the four mushroom heads.

(Text: WestLicht, Wien)

Anzenberger Gallery | Wien
12. Mai - 18. August 2023

Studio notes - meine Zeit mit CY
Rob McDonald

Die Ausstellung findet im Rahmen des Monats für Fotografie Foto Wien statt.

In den letzten zwanzig Jahren seines Lebens kehrte Cy Twombly jährlich nach Lexington zurück, seiner Heimatstadt im Shenandoah Valley in Virginia. Als Beweis seiner Verbundenheit kaufte er ein Haus, und während ausgedehnter Besuche im Frühjahr und Herbst schuf er eine Reihe wichtiger Werke in bescheidenen Ateliers, die er in der Nähe mietete. Zum großen Teil jedoch verbrachte er seine Tage damit, die Rhythmen der kleinen Universitätsstadt zu beobachten, lange besinnliche Fahrten auf dem Land zu unternehmen und Unterhaltungen mit einem kleinen Bekanntenkreis zu erkunden. Einer von ihnen war der Fotograf Rob McDonald. Im Laufe der Jahre machte McDonald viele Fotos von Twomblys Haus und Atelier im Ladengeschäft in der Innenstadt von Lexington, normalerweise in Anwesenheit des Künstlers. Während dieser Zeit wurde nicht viel gesprochen, aber wenn McDonald die Bilder mit Twombly teilte, schien er immer neugierig zu sein, was die Aufmerksamkeit des Fotografen auf sich gezogen hatte. Die Ausstellung ist eine Weltpremiere und zeigt drei Orte, an denen Twombly gearbeitet hat und die als Prüfsteine für McDonald's Reflexionen ihrer unzähligen Gespräche über Themen dienen, die von Twomblys Leben und Werk bis hin zu Kuriositäten des Lebens in der lokalen Gemeinschaft reichen.

Au cours des vingt dernières années de sa vie, Cy Twombly est retourné chaque année à Lexington, sa ville natale dans la vallée de Shenandoah en Virginie. Pour prouver son attachement, il y a acheté une maison et, au cours de longues visites au printemps et à l'automne, il a créé un certain nombre d'œuvres importantes dans de modestes ateliers qu'il louait à proximité. En grande partie, cependant, il passait ses journées à observer les rythmes de la petite ville universitaire, à faire de longues promenades contemplatives dans la campagne et à explorer des conversations avec un petit cercle de connaissances. L'un d'eux était le photographe Rob McDonald. Au fil des ans, McDonald a pris de nombreuses photos de la maison et de l'atelier de Twombly dans le magasin du centre-ville de Lexington, généralement en présence de l'artiste. Pendant cette période, on ne parlait pas beaucoup, mais lorsque McDonald partageait les visuels avec Twombly, il semblait toujours curieux de savoir ce qui avait attiré l'attention du photographe. L'exposition est une première mondiale et présente trois lieux où Twombly a travaillé et qui servent de pierres de touche aux réflexions de McDonald's sur leurs innombrables conversations sur des sujets allant de la vie et de l'œuvre de Twombly aux curiosités de la vie dans la communauté locale.

Negli ultimi vent'anni della sua vita, Cy Twombly è tornato ogni anno a Lexington, la sua città natale nella Shenandoah Valley in Virginia. A riprova del suo attaccamento, comprò una casa e durante le visite prolungate in primavera e in autunno creò una serie di opere importanti nei modesti studi che affittò nelle vicinanze. Per la maggior parte del tempo, tuttavia, trascorreva le sue giornate osservando i ritmi della piccola città universitaria, facendo lunghi viaggi contemplativi in campagna ed esplorando le conversazioni con una piccola cerchia di conoscenti. Uno di questi era il fotografo Rob McDonald. Nel corso degli anni, McDonald ha scattato molte fotografie della casa e dello studio di Twombly presso il negozio al dettaglio nel centro di Lexington, di solito in presenza dell'artista. Durante questo periodo non si parlava molto, ma quando McDonald condivideva le immagini con Twombly, sembrava sempre curioso di sapere cosa avesse attirato l'attenzione del fotografo. La mostra è una prima mondiale e presenta tre luoghi in cui Twombly ha lavorato, che servono come pietre di paragone per le riflessioni di McDonald sulle loro innumerevoli conversazioni su argomenti che vanno dalla vita e dal lavoro di Twombly alle curiosità sulla vita della comunità locale.

For the last twenty years of his life, Cy Twombly returned annually to Lexington, his hometown in Virginia's Shenandoah Valley. As proof of his attachment, he bought a house, and during extended visits in the spring and fall, he created a number of important works in modest studios he rented nearby. For the most part, however, he spent his days observing the rhythms of the small college town, taking long contemplative drives in the country, and exploring conversations with a small circle of acquaintances. One of them was photographer Rob McDonald. Over the years, McDonald took many photos of Twombly's home and studio at the retail store in downtown Lexington, usually with the artist present. Not much was said during this time, but when McDonald shared the images with Twombly, he always seemed curious about what had caught the photographer's attention. The exhibition is a world premiere and features three locations where Twombly worked, serving as touchstones for McDonald's reflections of their countless conversations on topics ranging from Twombly's life and work to curiosities of life in the local community.

(Text: Anzenberger Gallery, Wien)

Mudam Luxembourg
12. Mai - 10. September 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie Luxemburg statt.

Dancing with my Camera
Dayanita Singh

Dayanita Singh (1961, Neu-Delhi) entwickelt seit vier Jahrzehnten ein genreübergreifendes Werk, in dem sie die Grenzen des Mediums Fotografie auslotet. Dancing with my Camera ist die umfangreichste Ausstellung, die der indischen Künstlerin bisher gewidmet wurde. Sie lässt ihr gesamtes Werk Revue passieren, von ihrem ersten Fotoprojekt über die Klangwelt des indischen Perkussionisten Zakir Hussain (1951, Bombay) bis hin zu jüngeren Arbeiten wie Let’s See (2021), die auf der Form des Foto-Kontaktbogens beruht. Die Ausstellung zeugt vom formalen Erfindungsreichtum, die Singhs Arbeit auszeichnet, und spiegelt ihre singuläre Sichtweise auf Themen wie Archive, Musik, Tanz, Architektur, Tod, Geschlecht oder Freundschaft.

Sing begreift Fotografie keineswegs als unbewegliches Bild, sondern als „Materie“ – als Ausgangspunkt, der dem „Wo“ und „Wann“ der Aufnahme weniger Bedeutung zumisst als dem Eindruck, den sie im Zusammenspiel mit anderen Bildern in der Erfahrung des Betrachters im Hier und Jetzt hinterlässt. Anhand eines einzigartigen Editingprozesses, bei dem der Intuition eine große Bedeutung zukommt, wählt die Künstlerin Bilder aus ihren Archiven aus, die sie anschließend miteinander verbindet, kombiniert und neu interpretiert. Dabei entstehen mobile Assemblagen in denen sie unterschiedliche Epochen, Orte, Personen, Architekturen, Motive und Objekte ineinanderfließen lässt. Singh ist vor allem bekannt für ihre Künstlerbücher, die einen wesentlichen Teil ihres Schaffens ausmachen und sich als eigenständige Ausstellungsräume verstehen. In ihnen experimentiert die Künstlerin mit unterschiedlichen fotografischen Präsentationsformen, geleitet von der Idee, dass Bücher es vermögen, über Zeit und Raum hinweg zu zirkulieren und eine privilegierte, intime Beziehung mit dem Leser zu knüpfen.

Seit den frühen 2010er Jahren arrangiert Singh ihre Bilder innerhalb von modularen Holzstrukturen, die sie als „Fotoarchitekturen“ bezeichnet. Dieses Verfahren ermöglichte es ihr, eine eigenständige fotografische Praxis zu entwickeln, die auf dem Prinzip der Montage basiert und die narrativen Möglichkeiten ausschöpft, die sich aus der Gegenüberstellung von Bildern ergeben. Dies hat insbesondere zur Entstehung einer Reihe von „Museen“ wie dem File Museum (2012), dem Museum of Chance (2013) oder dem Museum of Tanpura (2021) geführt, die sich in unterschiedlichen Zusammenstellungen anordnen lassen und einen schnellen Wechsel der bildlichen und räumlichen Konstellationen ermöglichen. Diese Arbeiten, in denen die Funktionsprinzipien der Ausstellung und des Archivs zusammenfallen, laden d n Betrachter ein, sich frei um sie herum zu bewegen – zu „tanzen“ –, um die Bilder zu erfahren.

Kuratorin: Stephanie Rosenthal

Kurator für die Präsentation im Mudam: Christophe Gallois, assistiert von Clémentine Proby

Dayanita Singh. Dancing with my Camera wird organisiert vom Gropius Bau in Zusammenarbeit mit dem Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, der Villa Stuck in München und dem Serralves Museum in Porto.

Depuis quatre décennies, Dayanita Singh (1961, New Delhi) développe une œuvre qui se distingue par la manière dont elle brouille les genres et explore les limites du médium photographique. Dancing with my Camera, qui constitue la plus importante exposition dédiée à l’artiste indienne à ce jour, parcourt l’ensemble de son œuvre, depuis son premier projet photographique consacré à l’univers musical du percussionniste indien Zakir Hussain (1951, Bombay) jusqu’à ses œuvres les plus récentes, parmi lesquelles Let’s See (2021), inspirée de la forme des planches contacts. Témoignant de l’invention formelle qui caractérise l’œuvre de Singh, l’exposition met également en valeur le regard singulier qu’elle porte sur des thèmes tels que l’archive, la musique, la danse, l’architecture, la disparition, le genre ou encore l’amitié.

Loin d’être appréhendée comme une image figée, la photographie constitue pour Singh une « matière première » : un point de départ, dans laquelle le « où » et le « quand » de la prise de vue importent moins que l’impression qu’elle suscite dans le présent de l’expérience, dans sa relation avec d’autres images. Selon un processus d’editing singulier qui accorde une grande place à l’intuition, l’artiste puise dans ses archives des images qu’elle associe, combine et réinterprète pour aboutir à des assemblages mobiles au sein desquels se mêlent, avec une grande fluidité, les époques et les lieux, les figures humaines, les architectures, les motifs et les objets. Singh est notamment connue pour ses livres, qui représentent un pan essentiel de son œuvre et qu’elle appréhende comme des espaces d’exposition à part entière. Elle y expérimente différentes formes de présentation des photographies, animée par son intérêt pour la capacité des livres à circuler dans le temps et dans l’espace et pour la relation privilégiée, intime, qu’ils établissent avec le lecteur.

À partir du début des années 2010, Singh a commencé à associer ses images au sein de structures modulaires en bois – ce qu’elle décrit comme des « photo-architectures » – lui permettant d’exploiter dans toute sa potentialité une conception de la photographie fondée sur le montage et les possibilités narratives offertes par la juxtaposition d’images. Cette orientation a notamment donné lieu à la création d’une série de « musées » tels que le File Museum (2012), le Museum of Chance (2013) ou le Museum of Tanpura (2021). Ceux-ci peuvent être agencés selon différentes configurations et permettent un changement rapide des constellations d’images et de l’espace. Ils conjuguent les principes de l’exposition et de l’archive, et invitent les spectateurs à se mouvoir librement – à « danser » – autour d’eux pour faire l’expérience des images.

Commissaire: Stephanie Rosenthal

Commissaire de la présentation au Mudam: Christophe Gallois, assisté de Clémentine Proby

L’exposition Dayanita Singh. Dancing with my Camera est organisée par le Gropius Bau, Berlin, en collaboration avec le Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, la Villa Stuck, Munich et le Musée Serralves, Porto.

Dayanita Singh (1961, Nuova Delhi) ha sviluppato per quattro decenni un corpus di opere che spazia tra i vari generi, esplorando i confini del mezzo fotografico. Dancing with my Camera è la mostra più completa finora dedicata all'artista indiana. La mostra passa in rassegna l'intero corpus di opere dell'artista, dal suo primo progetto fotografico sul paesaggio sonoro del percussionista indiano Zakir Hussain (1951, Bombay) a lavori più recenti come Let's See (2021), che si basa sulla forma del foglio fotografico a contatto. La mostra testimonia l'inventiva formale che caratterizza il lavoro di Singh e riflette la sua singolare prospettiva su temi come gli archivi, la musica, la danza, l'architettura, la morte, il genere o l'amicizia.

Lungi dal concepire la fotografia come un'immagine immobile, Singh la vede come "materia" - un punto di partenza che dà meno importanza al "dove" e al "quando" dello scatto che all'impressione che lascia sull'esperienza del qui e ora dello spettatore in interazione con altre immagini. Utilizzando un processo di editing unico in cui l'intuizione gioca un ruolo fondamentale, l'artista seleziona immagini dai suoi archivi, che poi collega, combina e reinterpreta. In questo modo crea assemblaggi mobili in cui epoche, luoghi, persone, architetture, motivi e oggetti diversi confluiscono l'uno nell'altro. Singh è nota soprattutto per i suoi libri d'artista, che costituiscono una parte essenziale del suo lavoro e sono intesi come spazi espositivi a sé stanti. In essi, l'artista sperimenta diverse forme di presentazione fotografica, guidata dall'idea che i libri siano in grado di circolare attraverso il tempo e lo spazio e di stabilire un rapporto privilegiato e intimo con il lettore.

Dall'inizio degli anni 2010, Singh dispone le sue immagini all'interno di strutture modulari in legno che chiama "architetture fotografiche". Questo processo le ha permesso di sviluppare una pratica fotografica distinta, basata sul principio del montaggio, che sfrutta le possibilità narrative derivanti dalla giustapposizione delle immagini. In particolare, ciò ha portato alla creazione di una serie di "musei" come File Museum (2012), Museum of Chance (2013) e Museum of Tanpura (2021), che possono essere disposti in diverse configurazioni e consentono rapidi cambiamenti nelle costellazioni pittoriche e spaziali. Queste opere, in cui i principi funzionali della mostra e dell'archivio coincidono, invitano gli spettatori a muoversi liberamente intorno ad esse - a "danzare" - per vivere le immagini.

Curatore: Stephanie Rosenthal

Curatore per la presentazione al Mudam: Christophe Gallois, coadiuvato da Clémentine Proby

Dayanita Singh. Dancing with my Camera è organizzata da Gropius Bau in collaborazione con Mudam Luxembourg - Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean, Villa Stuck a Monaco e Serralves Museum a Porto.

For four decades, Dayanita Singh (b. 1961, New Delhi) has developed a body of work distinguished by her genre-defying approach of photography, one that pushes the limits of the medium and the boundaries of how we experience images. Dancing with my Camera, the most important exhibition dedicated to the artist to date, spans the entirety of her oeuvre, from her first photographic project devoted to the musical universe of the percussionist Zakir Hussain (b. 1951, Bombay) up until her most recent works, including Let’s See (2021), inspired by the format of contact sheets. A testament to the formal inventiveness that characterises Singh’s work, the exhibition also highlights the artist’s singular perspective on themes such as the archive, music, dance, architecture, disappearance, gender and friendship.

Photography, far from being a fixed image, constitutes a ‘raw material’ for Singh: a point of departure, in which the ‘where’ and ‘when’ of the shot matter less than the impression it arouses in the moment it is experienced, in relation to other images. According to a unique editing process that attaches great importance to intuition, the artist culls images from her archives that she then combines and reinterprets, resulting in temporary assemblages wherein various periods, places, figures, architectures, objects and motifs intermingle fluidly. Singh is notably recognised for her books, which represent an essential part of her practice and which she views as exhibition spaces in their own right. Here she experiments with different forms of photographic presentation, animated by her interest in the capacity for books to circulate in time and space, and the privileged, intimate relationship they establish to the reader.

In the early 2010s, Singh began incorporating her images into mobile wooden structures – what she describes as ‘photo-architectures’ – allowing her to exploit to its fullest potential a conception of photography based on montage and the narrative possibilities offered by the juxtaposition of images. This approach notably gave rise to the creation of a series of ‘museums’, such as the File Museum (2012), the Museum of Chance (2013), and the Museum of Tanpura (2021). These can be organised in different configurations, allowing for a rapid rearrangement of the constellation of images and space. They combine the principles of the archive and the exhibition and invite viewers to move freely – or ‘dance’ – around them to experience the images.

Curator: Stephanie Rosenthal

Curator of the presentation at Mudam: Christophe Gallois, assisted by Clémentine Proby

The exhibition Dayanita Singh. Dancing with my Camera is organised by the Gropius Bau in collaboration with Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, the Villa Stuck, Munich and the Serralves Museum, Porto.

(Text: Mudam Luxembourg)

Villa Vauban | Luxembourg
1. April - 2. Juli 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie Luxemburg statt.

When I Was a Boy / Commencer
Katrien de Blauwer

Die belgische Künstlerin Katrien de Blauwer, geboren 1969, bezeichnet sich selbst als "Fotografin ohne Apparat". Sie schneidet, klebt, fügt zusammen, färbt und manipuliert Fotografien aus alten Zeitschriften, die sie sammelt. Ihre Werke, die der Fotomontage oder der Filmmontage nahe kommen, bergen eine intensive narrative Ladung. Sie sind mit der Erinnerung und der persönlichen Geschichte verbunden, aber paradoxerweise ebenso intim wie anonym, und werden so zum möglichen Szenario eines jeden Menschen.

Die temporäre Hängung zeigt 29 Werke aus den Serien When I Was a Boy (2016-2018) und Commencer (2019-2020).

L’artiste belge Katrien de Blauwer, née en 1969, se présente elle-même comme « photographe sans appareil ». Elle coupe, colle, assemble, enfreint, colore, manipule des photographies issues d’anciens magazines qu’elle collectionne. Proches du photomontage ou du montage cinématographique, ses œuvres recèlent une intense charge narrative. Liées à la mémoire et à son histoire personnelle mais, paradoxalement, aussi intimes qu’anonymes, elles deviennent le scénario possible de tout un chacun.

L'accrochage temporaire présente 29 œuvres issues des séries When I Was a Boy (2016–2018) et Commencer (2019–2020).

L'artista belga Katrien de Blauwer, nata nel 1969, si definisce una "fotografa senza macchina fotografica". Taglia, incolla, assembla, violenta, colora e manipola fotografie da vecchie riviste che colleziona. Vicine al fotomontaggio o al montaggio cinematografico, le sue opere sono intensamente narrative. Legate alla memoria e alla storia personale ma, paradossalmente, tanto intime quanto anonime, diventano uno scenario possibile per tutti.

La mostra temporanea presenta 29 opere delle serie When I Was a Boy (2016-2018) e Commencer (2019-2020).

The Belgian artist Katrien de Blauwer, born in 1969, presents herself as a "photographer without a camera". She cuts, glues, assembles, violates, colors, manipulates photographs from old magazines that she collects. Close to photomontage or cinematographic montage, her works conceal an intense narrative charge. Linked to memory and personal history but, paradoxically, as intimate as they are anonymous, they become the possible scenario of everyone.

The temporary exhibition presents 29 works from the series When I Was a Boy (2016-2018) and Commencer (2019-2020).

(Text: Villa Vauban, Luxembourg)

CHAUSSEE 36 PHOTO FOUNDATION | Berlin
3. März - 29. April 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography statt.

Heinz Hajek-Halkes Lichtgrafik & neue Wegbereiter*innen
Banz & Bowinkel, Jana Dillo, Heinz Hajek-Halke, Hanno Otten, Casey Reas, Daisuke Yokota

Die Gruppenausstellung "Über das Fotografische hinaus“ widmet sich den Lichtgrafiken (1950-1960er) von Heinz Hajek-Halke im Dialog mit den neuen Pionieren des abstrakten Bildes.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983), einer der bedeutendsten Fotokünstler des 20. Jahrhunderts, hat ein umfangreiches Werk geschaffen, das ganz im Zeichen des Experiments steht. Von den ersten Fotomontagen im Berlin der 1920er Jahre bis zu seinen abstrakten Werken der 1950er und 1960er Jahre hat Hajek-Halke, ein unklassifizierbarer Avantgardist, die Grenzen des fotografischen Mediums immer wieder neu ausgelotet.

Nach seinem Kunststudium in seiner Geburtsstadt Berlin wurde Hajek-Halke 1924 vom Presseverlag Dammert als Bildredakteur angestellt - der Beginn einer neuen Leidenschaft, die er sich als Autodidakt aneignete. Von diesem Zeitpunkt an arbeitete er als Pressefotograf für verschiedene Agenturen und lernte vor allem die experimentelle Arbeit in der Dunkelkammer kennen. Aus dieser Zeit stammen seine ikonischen Fotomontagen und Collagen, die in der illustrierten Presse und im Rahmen von Werbungen veröffentlicht wurden.

Nach seinem Rückzug an den Bodensee während des Dritten Reichs kehrte er in der Nachkriegszeit zu seiner experimentellen Tätigkeit zurück. 1949 bis 1952 war er Mitglied der Gruppe "fotoform", außerdem war er mit abstrakten Künstlern aus seinem Umfeld in Kontakt.

Hajek-Halke gilt als Erfinder der Lichtgrafik, die er seit Anfang der 1950er immer weiter verfeinerte. Die Lichtgrafik ist eine technische Meisterleistung, die in der Dunkelkammer ohne Kamera ausgeführt wird und ihren Ursprung im Fotogramm hat. Anstatt (halb)transparente Objekte auf Fotopapier zu belichten, erstellte der Künstler ein neues Negativ aus einer kleinen Glasplatte oder einem Film, das in den Vergrößerer gelegt und auf Fotopapier belichtet wurde. Da die Herstellung dieses Negativs zahlreiche Variationen vom gleichen Motiv ermöglicht, erfordert sie einen vollständigen physischen Eingriff. Auflösen in einem warmen Bad, Einschnitte, Auslaufen von Tusche oder Fixiermittel, Hinzufügen von Klebstoff, Folien und Farbmasken: Alle Mittel sind gut, um die Oberfläche des Negativs vollständig zu verändern. Unter dem Einfluss des "gelenkten Zufalls" verwandelt sich Hajek-Halke in einen Alchemisten, der Techniken aus der Fotografie, der Chemie und der Malerei miteinander verbindet, um neue Texturen und Strukturen entstehen zu lassen. Fantasiewelten - zwischen üppigen Vegetationen und kosmischen Landschaften – kommen zum Vorschein.

"Weil die Praktiken oft über das Fotografische hinausgehen spricht man hier eben am besten von Lichtgrafiken." (Franz Roh, Vorwort von Hajek-Halke: Lichtgrafik, 1964)

Die Lichtgrafiken waren zu Lebzeiten des Künstlers Gegenstand zahlreicher Ausstellungen und einer späten Wiederentdeckung seit Anfang der 2000er Jahre. In der aktuellen Ausstellung wird zum ersten Mal eine Auswahl von Hajek-Halkes originalen Abzügen im Licht der zeitgenössischen experimentellen abstrakten Kunst betrachtet.

Von 1955 bis 1967 lehrte Hajek-Halke als erster deutscher Fotograf als Dozent für „Foto-Grafik“ an der Hochschule für bildende Künste Berlins. Durch seinen Unterricht und seine zahlreichen Schriften beeinflusste Hajek-Halkes Lichtgrafik eine ganze Generation experimenteller Fotografen, von seinem Schüler Floris Neusüss bis hin zu Gottfried Jäger, dem führenden Vertreter der "generativen Fotografie".

Die Ausstellung „Über das Fotografische hinaus“ möchte die Fragestellung beleuchten, inwieweit das komplexe Thema der Lichtgrafik heute noch aktuell ist und was ein abstraktes Bild im postdigitalen Zeitalter bedeutet. Ausgehend von Hajek-Halkes eigener Klassifizierung wurden Werke von sechs Künstler*innen ausgewählt. Entscheidend war dabei ihr experimentelles Innovationspotential als direkte Reaktion auf die verschiedenen Variationen von Lichtgrafiken. Sie zeigen Arbeiten vom analogen Fotogramm bis hin zur Abstraktion, die mithilfe künstlicher Intelligenz erstellt wurde.

In ihren Bodypaintings kreiert das deutsche Künstlerduo Banz & Bowinkel eine neue Bildsprache durch eine komplexe Arbeitsmethode, bei der die fortschrittlichsten Technologien zum Einsatz kommen. Die Drop Paintings, die an die Ästhetik einiger Lichtgrafiken erinnern, werden zwar durch Augmented Reality erzeugt, haben aber einen physischen Ausgangspunkt. Die Künstler nehmen die Bewegungen von Performern im Studio auf, bevor sie sie in einen virtuellen Raum übertragen. Das Ergebnis sind erstaunliche Farbspritzer, die in Virtual Reality entdeckt werden können oder in großformatigen Fotografien kristallisiert sind.

Giulia Bowinkel (*1983) und Friedemann Banz (*1980) haben beide an der Kunstakademie in Düsseldorf studiert. Ihre Fotografien, Videos und Installationen wurden international ausgestellt.

Mit ihrer 2020 begonnenen Serie Polagramme tritt die junge Künstlerin Jana Dillo das direkte Erbe von Hajek-Halke an, indem sie ebenfalls eine neue Fotogrammtechnik entwickelt. Die Polagramme, die auf Sofortbildfilmen (Fuji FP-100 C) in der Dunkelkammer aufgenommen werden, bestehen aus der Erstellung von farbigen Miniatur-Fotogrammen. Eckige Formen und geworfene Schatten entstehen dann durch die Manipulation von farbigem Licht und Schablonen.

Jana Dillo wurde 1992 im Schwarzwald geboren und studiert seit 2018 Fotografie an der Kunsthochschule Essen. Ihre kürzlich erschienene, viel beachtete Serie von Polagrammen wurde bereits in mehreren Ausstellungen in Europa gezeigt.

Die Farbe steht im Mittelpunkt der Forschung des Künstlers Hanno Otten (*1954, Köln).

Ottens Ausbildung als Maler war ausschlaggebend für die Hinwendung zur Fotografie. Wie bei seinen Gemälden konzentriert er sich auch in seinen Fotogrammen auf das Experimentieren mit der Materialität des Mediums, indem er alle überflüssigen Motive eliminiert.

Wie die Farblichtgrafiken thematisieren Ottens Arbeiten das Licht und seine Interaktion mit der Farbe.

Hanno Otten lebt und arbeitet in Köln. Seine Arbeiten über Farbe, für die er seit den 1990er Jahren bekannt ist, waren das Thema zahlreicher Ausstellungen in Deutschland sowie in den USA. Sein Werk befindet sich in bedeutenden privaten und öffentlichen Sammlungen – u.a. im Los Angeles County Museum of Art (LACMA) und im Houston Museum of Fine Art.

Wie Hajek-Halke stellt auch Casey Reas (*1972, USA) den experimentellen Schöpfungsakt - hier das Programmieren - in den Mittelpunkt seiner Forschung. Doch was passiert, wenn die Computersoftware die Hand des Künstlers überwindet? In Process Compendium (2004-2014), einer Serie, die besonders repräsentativ für sein Werk ist, perfektioniert der Pionier der digitalen Kunst eine Custom Software, mit der er unendliche visuelle Kombinationen aus organischen Formen und mechanischen Strukturen entwickeln kann. Casey Reas lebt und arbeitet in Los Angeles, wo er an der University of California lehrt. Seine Werke wurden in den USA, Europa und Asien ausgestellt und befinden sich in den Sammlungen nationaler Museen wie dem Centre Pompidou oder dem San Francisco Museum of Modern Art.

In Daisuke Yokotas Color Photographs taucht eine kosmische Welt mit transparenten Formen auf. Um dies zu erreichen, entwickelte der junge Japaner radikale Methoden: unter anderem die Entwicklung von Farbnegativen in kochendem Wasser. Die Negative mit veränderter Emulsion werden dann gescannt und digital überlagert. Im post-digitalen Zeitalter, das von einer Flut immaterieller Bilder beherrscht wird, entschied sich Yokota, die Materialität des fotografischen Films zu erforschen, in Anlehnung an den Entstehungsprozess der Lichtgrafiken. Daisuke Yokota (*1983, Japan) ist einer der innovativsten experimentellen Fotografen seiner Generation. Seit der Verleihung des Foam Paul Huf Award im Jahr 2016 wird sein Werk weltweit präsentiert.

L'exposition de groupe "Au-delà de la photographie" est consacrée aux œuvres photographiques (années 1950-1960) de Heinz Hajek-Halke en dialogue avec les nouveaux pionniers du visuel abstrait.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983), l'un des artistes photographes les plus importants du 20e siècle, a créé une œuvre considérable entièrement placée sous le signe de l'expérimentation. Depuis ses premiers photomontages dans le Berlin des années 1920 jusqu'à ses œuvres abstraites des années 1950 et 1960, Hajek-Halke, un avant-gardiste inclassable, n'a cessé de repousser les limites du médium photographique.

Après des études d'art dans sa ville natale de Berlin, Hajek-Halke a été embauché en 1924 par la maison d'édition de presse Dammert en tant que rédacteur photo - le début d'une nouvelle passion qu'il a acquise en autodidacte. À partir de ce moment, il a travaillé comme photographe de presse pour différentes agences et s'est surtout familiarisé avec le travail expérimental en chambre noire. De cette époque datent ses photomontages et collages iconiques, publiés dans la presse illustrée et dans le cadre de publicités.

Après s'être retiré au bord du lac de Constance pendant le troisième Reich, il est revenu à ses activités expérimentales dans l'après-guerre. De 1949 à 1952, il a été membre du groupe "fotoform", il a par ailleurs été en contact avec des artistes abstraits de son entourage.

Hajek-Halke est considéré comme l'inventeur du light graphic, qu'il n'a cessé d'affiner depuis le début des années 1950. La photogravure est une prouesse technique réalisée dans la chambre noire sans appareil photo et trouve son origine dans le photogramme. Au lieu d'exposer des objets (semi-)transparents sur du papier photo, l'artiste créait un nouveau négatif à partir d'une petite plaque de verre ou d'un film, qu'il plaçait dans l'agrandisseur et exposait sur du papier photo. Comme la fabrication de ce négatif permet de nombreuses variations à partir du même motif, elle nécessite une intervention physique complète. Dissolution dans un bain chaud, incisions, écoulement d'encre ou de fixateur, ajout de colle, de films et de masques de couleur : tous les moyens sont bons pour modifier complètement la surface du négatif. Sous l'influence du "hasard dirigé", Hajek-Halke se transforme en alchimiste, combinant des techniques issues de la photographie, de la chimie et de la peinture pour faire apparaître de nouvelles textures et structures. Des mondes imaginaires - entre végétation luxuriante et paysages cosmiques - se révèlent.

"Parce que les pratiques dépassent souvent le cadre de la photographie, il est justement préférable de parler ici de graphismes lumineux". (Franz Roh, préface de Hajek-Halke : Lichtgrafik, 1964).

Les Lichtgrafiken ont fait l'objet de nombreuses expositions du vivant de l'artiste et d'une redécouverte tardive depuis le début des années 2000. Dans l'exposition actuelle, une sélection de tirages originaux de Hajek-Halke est examinée pour la première fois à la lumière de l'art abstrait expérimental contemporain.

De 1955 à 1967, Hajek-Halke a été le premier photographe allemand à enseigner le "photo-graphisme" à la Hochschule für bildende Künste de Berlin. Par son enseignement et ses nombreux écrits, le graphisme lumineux de Hajek-Halke a influencé toute une génération de photographes expérimentaux, de son élève Floris Neusüss à Gottfried Jäger, le principal représentant de la "photographie générative".

L'exposition "Au-delà de la photographie" souhaite mettre en lumière la question de savoir dans quelle mesure le thème complexe du graphisme lumineux est encore d'actualité aujourd'hui et ce que signifie un visuel abstrait à l'ère post-numérique. À partir de la propre classification de Hajek-Halke, des œuvres de six artistes* ont été sélectionnées. Leur potentiel d'innovation expérimentale en tant que réaction directe aux différentes variations des graphismes lumineux a été déterminant. Vous présentez des travaux allant du photogramme analogique à l'abstraction créée à l'aide de l'intelligence artificielle.

Dans leurs bodypaintings, le duo d'artistes allemands Banz & Bowinkel crée un nouveau langage visuel grâce à une méthode de travail complexe qui fait appel aux technologies les plus avancées. Les drop paintings, qui rappellent l'esthétique de certains graphismes lumineux, sont certes générés par la réalité augmentée, mais ont un point de départ physique. Les artistes enregistrent les mouvements des performeurs en studio avant de les transférer dans un espace virtuel. Il en résulte d'étonnantes éclaboussures de peinture que l'on peut découvrir en réalité virtuelle ou cristalliser dans des photographies grand format.

Giulia Bowinkel (*1983) et Friedemann Banz (*1980) ont tous deux étudié à l'Académie des arts de Düsseldorf. Leurs photographies, vidéos et installations ont été exposées à l'échelle internationale.

Avec sa série de polagrammes commencée en 2020, la jeune artiste Jana Dillo reprend l'héritage direct de Hajek-Halke en développant elle aussi une nouvelle technique de photogramme. Les polagrammes, réalisés sur des films instantanés (Fuji FP-100 C) en chambre noire, consistent à créer des photogrammes miniatures en couleur. Les formes angulaires et les ombres projetées sont ensuite obtenues par la manipulation de lumières colorées et de pochoirs.

Jana Dillo est née en 1992 dans la Forêt-Noire et étudie depuis 2018 la photographie à la Kunsthochschule d'Essen. Sa récente série de polagrammes, très remarquée, a déjà fait l'objet de plusieurs expositions en Europe.

La couleur est au cœur de la recherche de l'artiste Hanno Otten (*1954, Cologne).

La formation de peintre d'Otten a été déterminante pour son orientation vers la photographie. Comme pour ses peintures, il se concentre dans ses photogrammes sur l'expérimentation de la matérialité du médium, en éliminant tous les motifs superflus.

Comme les graphiques de lumière colorée, les travaux d'Otten ont pour thème la lumière et son interaction avec la couleur.

Hanno Otten vit et travaille à Cologne. Ses travaux sur la couleur, pour lesquels il est connu depuis les années 1990, ont fait l'objet de nombreuses expositions en Allemagne ainsi qu'aux États-Unis. Son œuvre se trouve dans d'importantes collections privées et publiques - entre autres au Los Angeles County Museum of Art (LACMA) et au Houston Museum of Fine Art.

Comme Hajek-Halke, Casey Reas (*1972, USA) transmet l'acte de création expérimental - ici la programmation - au centre de sa recherche. Mais que se passe-t-il lorsque le logiciel informatique dépasse la main de l'artiste ? Dans Process Compendium (2004-2014), une série particulièrement représentative de son œuvre, ce pionnier de l'art numérique perfectionne un logiciel sur mesure qui lui permet de développer des combinaisons visuelles infinies de formes organiques et de structures mécaniques. Casey Reas vit et travaille à Los Angeles, où il enseigne à l'université de Californie. Ses œuvres ont été exposées aux États-Unis, en Europe et en Asie et figurent dans les collections de musées nationaux tels que le Centre Pompidou ou le San Francisco Museum of Modern Art.

Dans les Color Photographs de Daisuke Yokota, un monde cosmique aux formes transparentes apparaît. Pour y parvenir, le jeune Japonais a développé des méthodes radicales : entre autres, le développement de négatifs couleur dans de l'eau bouillante. Les négatifs dont l'émulsion a été modifiée sont ensuite scannés et superposés numériquement. À l'ère post-numérique, dominée par un déluge de visuels immatériels, Yokota a décidé d'explorer la matérialité du film photographique, en s'inspirant du processus de création des estampes lumineuses. Daisuke Yokota (*1983, Japon) est l'un des photographes expérimentaux les plus innovants de sa génération. Depuis l'attribution du Foam Paul Huf Award en 2016, son travail est présenté dans le monde entier.

La mostra collettiva "Oltre la fotografia" è dedicata alla grafica luminosa (anni 1950-1960) di Heinz Hajek-Halke in dialogo con i nuovi pionieri dell'immagine astratta.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983), uno dei più importanti artisti fotografici del XX secolo, ha creato un'ampia opera interamente sperimentale. Dai primi fotomontaggi nella Berlino degli anni Venti alle opere astratte degli anni Cinquanta e Sessanta, Hajek-Halke, un avanguardista inclassificabile, ha continuamente esplorato i confini del mezzo fotografico.

Dopo aver studiato arte nella sua città natale, Berlino, Hajek-Halke fu assunto nel 1924 dalla casa editrice Dammert Press come redattore di immagini: l'inizio di una nuova passione che acquisì da autodidatta. Da quel momento in poi lavorò come fotografo per la stampa per varie agenzie e imparò soprattutto a lavorare in modo sperimentale nella camera oscura. A questo periodo risalgono i suoi iconici fotomontaggi e collage, pubblicati sulla stampa illustrata e come parte di pubblicità.

Dopo il suo ritiro sul lago di Costanza durante il Terzo Reich, nel dopoguerra tornò al suo lavoro sperimentale. Dal 1949 al 1952 fu membro del gruppo "fotoform" e fu anche in contatto con artisti astratti del suo ambiente.

Hajek-Halke è considerato l'inventore della light graphics, che continuò a perfezionare a partire dai primi anni Cinquanta. La grafica luminosa è un capolavoro tecnico che si esegue in camera oscura senza macchina fotografica e trae origine dal fotogramma. Invece di esporre oggetti (semi)trasparenti su carta fotografica, l'artista crea un nuovo negativo da una piccola lastra di vetro o da una pellicola, che viene inserita nell'ingranditore ed esposta su carta fotografica. Poiché la produzione di questo negativo consente numerose variazioni dello stesso soggetto, richiede un intervento fisico completo. Scioglimento in un bagno caldo, incisioni, esaurimento dell'inchiostro o del fissativo, aggiunta di colla, lamine e maschere di colore: tutti i mezzi sono buoni per cambiare completamente la superficie del negativo. Sotto l'influenza del "caso guidato", Hajek-Halke si trasforma in un alchimista che combina tecniche della fotografia, della chimica e della pittura per creare nuove texture e strutture. Emergono mondi fantastici, tra vegetazione lussureggiante e paesaggi cosmici.

"Poiché le pratiche vanno spesso al di là della fotografia, è meglio parlare qui di grafica leggera". (Franz Roh, prefazione a Hajek-Halke: Lichtgrafik, 1964)

La grafica luminosa è stata oggetto di numerose mostre durante la vita dell'artista e di una tardiva riscoperta a partire dai primi anni 2000. Nella mostra attuale, una selezione di stampe originali di Hajek-Halke viene vista per la prima volta alla luce dell'arte astratta sperimentale contemporanea.

Dal 1955 al 1967, Hajek-Halke è stato il primo fotografo tedesco a insegnare "fotografia" alla Hochschule für bildende Künste di Berlino. Attraverso il suo insegnamento e i suoi numerosi scritti, la grafica della luce di Hajek-Halke ha influenzato un'intera generazione di fotografi sperimentali, dal suo allievo Floris Neusüss a Gottfried Jäger, il principale esponente della "fotografia generativa".

La mostra "Oltre la fotografia" si propone di fare luce sulla misura in cui il complesso tema della grafica della luce è ancora attuale e sul significato di un'immagine astratta nell'era post-digitale. Sulla base della classificazione di Hajek-Halke, sono state selezionate le opere di sei artisti. Il fattore decisivo è stato il loro potenziale innovativo sperimentale come reazione diretta alle diverse varianti della grafica della luce. I lavori presentati vanno dai fotogrammi analogici alle astrazioni create con l'aiuto dell'intelligenza artificiale.

Nei loro body painting, il duo di artisti tedeschi Banz & Bowinkel crea un nuovo linguaggio visivo attraverso un metodo di lavoro complesso che utilizza le tecnologie più avanzate. I dipinti a goccia, che ricordano l'estetica di alcune grafiche luminose, sono creati attraverso la realtà aumentata ma hanno un punto di partenza fisico. Gli artisti registrano i movimenti degli artisti in studio prima di trasferirli in uno spazio virtuale. I risultati sono sorprendenti schizzi di colore che possono essere scoperti nella realtà virtuale o cristallizzati in fotografie di grande formato.

Giulia Bowinkel (*1983) e Friedemann Banz (*1980) hanno studiato entrambi alla Kunstakademie di Düsseldorf. Le loro fotografie, video e installazioni sono state esposte a livello internazionale.

Con la serie Polagrams, iniziata nel 2020, la giovane artista Jana Dillo raccoglie l'eredità diretta di Hajek-Halke sviluppando anche una nuova tecnica di fotogrammi. Scattato su pellicola istantanea (Fuji FP-100 C) in camera oscura, Polagrams consiste nel creare fotogrammi a colori in miniatura. Forme angolari e ombre proiettate vengono poi create attraverso la manipolazione di luci colorate e stencil.

Jana Dillo è nata nel 1992 nella Foresta Nera e dal 2018 studia fotografia alla Kunsthochschule Essen. La sua recente e acclamata serie di polagrammi è già stata esposta in diverse mostre in Europa.

Il colore è al centro della ricerca dell'artista Hanno Otten (*1954, Colonia).

La formazione di Otten come pittore è stata decisiva per il suo passaggio alla fotografia. Come nei suoi dipinti, nei fotogrammi si concentra sulla sperimentazione della materialità del mezzo eliminando tutti i motivi superflui.

Come le grafiche di luce colorata, le opere di Otten tematizzano la luce e la sua interazione con il colore.

Hanno Otten vive e lavora a Colonia. Le sue opere sul colore, note fin dagli anni '90, sono state oggetto di numerose mostre in Germania e negli Stati Uniti. Le sue opere sono presenti in importanti collezioni private e pubbliche, tra cui il Los Angeles County Museum of Art (LACMA) e lo Houston Museum of Fine Art.

Come Hajek-Halke, anche Casey Reas (*1972, USA) pone l'atto sperimentale della creazione - in questo caso la programmazione - al centro della sua ricerca. Ma cosa succede quando il software del computer supera la mano dell'artista? In Process Compendium (2004-2014), una serie particolarmente rappresentativa del suo lavoro, il pioniere dell'arte digitale perfeziona un software personalizzato che gli permette di sviluppare infinite combinazioni visive di forme organiche e strutture meccaniche. Casey Reas vive e lavora a Los Angeles, dove insegna all'Università della California. Le sue opere sono state esposte negli Stati Uniti, in Europa e in Asia e sono presenti nelle collezioni di musei nazionali come il Centre Pompidou e il San Francisco Museum of Modern Art.

Nelle fotografie a colori di Daisuke Yokota emerge un mondo cosmico di forme trasparenti. Per ottenere questo risultato, il giovane artista giapponese ha sviluppato metodi radicali: tra gli altri, lo sviluppo di negativi a colori in acqua bollente. I negativi con emulsione alterata vengono poi scansionati e sovrapposti digitalmente. Nell'era post-digitale, dominata da una marea di immagini immateriali, Yokota ha deciso di esplorare la materialità della pellicola fotografica, seguendo il processo di creazione della grafica luminosa. Daisuke Yokota (*1983, Giappone) è uno dei fotografi sperimentali più innovativi della sua generazione. Da quando ha ricevuto il premio Foam Paul Huf nel 2016, il suo lavoro è stato presentato in tutto il mondo.

The group exhibition "Beyond the Photographic" is dedicated to the light graphics (1950-1960s) of Heinz Hajek-Halke in dialogue with the new pioneers of the abstract image.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983), one of the most important photographic artists of the 20th century, created an extensive body of work that is entirely experimental. From his first photomontages in 1920s Berlin to his abstract works of the 1950s and 1960s, Hajek-Halke, an unclassifiable avant-gardist, continually explored the boundaries of the photographic medium.

After studying art in his native Berlin, Hajek-Halke was hired by the Dammert press publishing house as a picture editor in 1924 - the beginning of a new passion that he acquired as a self-taught photographer. From this point on, he worked as a press photographer for various agencies and learned especially about experimental work in the darkroom. His iconic photomontages and collages, which were published in the illustrated press and as part of advertisements, date from this period.

After retiring to Lake Constance during the Third Reich, he returned to his experimental work in the postwar period. From 1949 to 1952 he was a member of the group "fotoform", and he was also in contact with abstract artists from his environment.

Hajek-Halke is considered the inventor of light graphics, which he continued to refine from the early 1950s. Light graphics is a technical feat, executed in the darkroom without a camera, and has its origins in the photogram. Instead of exposing (semi)transparent objects on photographic paper, the artist created a new negative from a small glass plate or film that was placed in the enlarger and exposed on photographic paper. Since the creation of this negative allows for numerous variations from the same subject, it requires a complete physical intervention. Dissolving in a warm bath, incisions, leaking ink or fixative, adding glue, foils and color masks: all means are good to completely change the surface of the negative. Under the influence of "guided chance," Hajek-Halke transforms himself into an alchemist, combining techniques from photography, chemistry, and painting to create new textures and structures. Fantasy worlds - between lush vegetation and cosmic landscapes - emerge.

"Because the practices often go beyond the photographic, it is best to speak here precisely of light graphics." (Franz Roh, preface to Hajek-Halke: Lichtgrafik, 1964)

The light graphics were the subject of numerous exhibitions during the artist's lifetime and of a late rediscovery since the early 2000s. The current exhibition is the first time a selection of Hajek-Halke's original prints have been viewed in the light of contemporary experimental abstract art.

From 1955 to 1967, Hajek-Halke was the first German photographer to teach "photo-graphy" at Berlin's Hochschule für bildende Künste. Through his teaching and numerous writings, Hajek-Halke's light graphics influenced an entire generation of experimental photographers, from his student Floris Neusüss to Gottfried Jäger, the leading exponent of "generative photography."

The exhibition "Beyond the Photographic" aims to shed light on the question of the extent to which the complex subject of light graphics is still relevant today and what an abstract image means in the post-digital age. Based on Hajek-Halke's own classification, works by six artists* were selected. The decisive factor was their experimental innovative potential as a direct reaction to the different variations of light graphics. They show works ranging from analog photograms to abstractions created with the help of artificial intelligence.

In their body paintings, German artist duo Banz & Bowinkel create a new visual language through a complex working method using the most advanced technologies. The drop paintings, reminiscent of the aesthetics of some light graphics, are created through augmented reality but have a physical starting point. The artists take up the movements of performers in the studio before transferring them into a virtual space. The results are amazing splashes of color that can be discovered in virtual reality or crystallized in large-scale photographs.

Giulia Bowinkel (*1983) and Friedemann Banz (*1980) both studied at the Kunstakademie in Düsseldorf. Their photographs, videos and installations have been exhibited internationally.

With her series Polagrams, begun in 2020, the young artist Jana Dillo takes on Hajek-Halke's direct legacy by also developing a new photogram technique. The Polagrams, taken up on instant film (Fuji FP-100 C) in the darkroom, consist of the creation of miniature color photograms. Angular shapes and cast shadows are then created through the manipulation of colored light and stencils.

Jana Dillo was born in 1992 in the Black Forest and has been studying photography at the Kunsthochschule Essen since 2018. Her recent, well-received series of polagrams has already been shown in several exhibitions in Europe.

Color is the focus of the research of artist Hanno Otten (*1954, Cologne).

Otten's training as a painter was decisive for his turn to photography. As with his paintings, his photograms focus on experimenting with the materiality of the medium by eliminating all superfluous motifs.

Like the colored light prints, Otten's works focus on light and its interaction with color.

Hanno Otten lives and works in Cologne. His works on color, for which he has been known since the 1990s, have been the subject of numerous exhibitions in Germany as well as in the United States. His work is in major private and public collections - including the Los Angeles County Museum of Art (LACMA) and the Houston Museum of Fine Art.

Like Hajek-Halke, Casey Reas (*1972, USA) places the experimental act of creation-in this case, programming-at the center of his research. But what happens when computer software overcomes the artist's hand? In Process Compendium (2004-2014), a series particularly representative of his work, the digital art pioneer perfects custom software that allows him to develop infinite visual combinations of organic forms and mechanical structures. Casey Reas lives and works in Los Angeles, where he teaches at the University of California. His work has been exhibited in the U.S., Europe, and Asia, and is in the collections of national museums such as the Centre Pompidou and the San Francisco Museum of Modern Art.

In Daisuke Yokota's Color Photographs, a cosmic world of transparent forms emerges. To achieve this, the young Japanese artist developed radical methods: including developing color negatives in boiling water. The negatives with altered emulsion are then scanned and digitally overlaid. In the post-digital age, dominated by a flood of immaterial images, Yokota decided to explore the materiality of photographic film, following the process of creating light graphics. Daisuke Yokota (b. 1983, Japan) is one of the most innovative experimental photographers of his generation. Since receiving the Foam Paul Huf Award in 2016, his work has been presented worldwide.

(Text: Text: Mathilde Leroy)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
24. Februar - 7. Mai 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP – European Month of Photography satt.

Intimate History
Thomas Höpker

Wie kaum ein anderer hat Thomas Höpker den Bildjournalismus in Deutschland geprägt. Seine Fotoreportagen führten ihn durch die ganze Welt. Als Reporter arbeitete er für die Münchner Illustrierte, später für die Zeitschriften Kristall und Stern. Seine Aufgabe sah Höpker schon zu Beginn seiner Karriere darin, „im engen Kontakt mit der Zeit zu leben, das Gegenwärtige zu ergründen und zu enträtseln“. 1979 zog er nach New York und wurde 1989 als erster deutscher Fotograf Vollmitglied der Agentur MAGNUM-Photos.

Aus der Fülle seines Lebenswerks zeigt Thomas Höpker – Intimate History international bekannte sowie nie gezeigte Aufnahmen. Die Zusammenschau vermittelt Höpkers Interesse an gesellschaftlichen Themen und seine Empathie für die von ihm porträtierten Menschen. Authentizität und die fotografische Zeug*innenschaft sind die prägenden Konstanten seiner Arbeit. Unaufgeregt, subtil und fern von Sensationslust wurden viele seiner Motive durch ihre präzise Bildgestaltung und die dichten Bildaussagen zu Ikonen der sozialdokumentarischen Fotografie, auch als Concerned Photography bekannt.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Katharina Mouratidi und Miriam Zlobinski.

In Kooperation mit dem Ernst-Leitz-Museum, Wetzlar.

Thomas Höpker a marqué le photojournalisme en Allemagne comme personne d'autre. Ses reportages photographiques l'ont mené dans le monde entier. En tant que reporter, il a travaillé pour le Münchner Illustrierte, puis pour les magazines Kristall et Stern. Dès le début de sa carrière, Höpker considérait que sa mission consistait à "vivre en contact étroit avec le temps, à sonder et à décrypter le présent". En 1979, il s'installe à New York et devient en 1989 le premier photographe allemand membre à part entière de l'agence MAGNUM-Photos.

Thomas Höpker - Intimate History présente des clichés connus à l'échelle internationale ainsi que des photos inédites tirées de l'ensemble de son œuvre. Cette compilation transmet l'intérêt de Höpker pour les sujets de société et son empathie pour les personnes dont il fait le portrait. L'authenticité et le témoignage photographique* sont les constantes marquantes de son travail. Sans complaisance, subtilement et loin du sensationnalisme, nombre de ses sujets sont devenus des icônes de la photographie documentaire sociale, également connue sous le nom de Concerned Photography, grâce à leur cadrage précis et à la densité de leur message visuel.

L'exposition a été organisée par Katharina Mouratidi et Miriam Zlobinski.

En coopération avec le Ernst-Leitz-Museum, Wetzlar.

Thomas Höpker ha plasmato il fotogiornalismo in Germania come nessun altro. I suoi reportage fotografici lo hanno portato in tutto il mondo. Come reporter ha lavorato per il Münchner Illustrierte, poi per le riviste Kristall e Stern. Fin dall'inizio della sua carriera, Höpker vedeva il suo compito come "vivere a stretto contatto con il tempo, scandagliare e svelare il presente". Nel 1979 si trasferisce a New York e nel 1989 diventa il primo fotografo tedesco a diventare membro a pieno titolo dell'agenzia MAGNUM-Photos.

Dalla ricchezza del lavoro di una vita, Thomas Höpker - Storia intima presenta fotografie note a livello internazionale e inedite. La sinossi trasmette l'interesse di Höpker per le questioni sociali e la sua empatia per le persone ritratte. L'autenticità e la testimonianza fotografica sono le costanti del suo lavoro. Poco agitati, sottili e lontani dal sensazionalismo, molti dei suoi motivi sono diventati icone della fotografia documentaria sociale, nota anche come Concerned Photography, grazie alla loro precisa composizione dell'immagine e alle dense dichiarazioni pittoriche.

La mostra è stata curata da Katharina Mouratidi e Miriam Zlobinski.

In collaborazione con il Museo Ernst Leitz di Wetzlar.

Thomas Höpker has shaped photojournalism in Germany like no other. His photo reportages took him all over the world. As a reporter, he worked for Münchner Illustrierte, and later for Kristall and Stern magazines. Right from the beginning of his career, Höpker saw his task as "living in close contact with time, fathoming and unraveling the present." In 1979 he moved to New York and in 1989 became the first German photographer to become a full member of the MAGNUM-Photos agency.

From the abundance of his life's work, Thomas Höpker - Intimate History shows internationally known as well as never shown photographs. The synopsis conveys Höpker's interest in social issues and his empathy for the people he portrays. Authenticity and photographic testimony are the defining constants of his work. Unagitated, subtle and far from sensationalism, many of his subjects became icons of social documentary photography, also known as Concerned Photography, due to their precise image composition and dense pictorial statements.

The exhibition was curated by Katharina Mouratidi and Miriam Zlobinski.

In cooperation with the Ernst Leitz Museum, Wetzlar.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

Bröhan-Museum | Berlin
3. März - 30. Juli 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography statt.

New York in the Forties
Andreas Feininger

Andreas Feininger gilt als einer der einflussreichsten Fotografen des 20. Jahrhunderts. 1906 als ältester Sohn des berühmten Malers Lyonel Feininger in Paris geboren, gehört er zu einer Künstlergeneration, die in der Zeit nach dem Ersten Weltkrieg die Fotografie als künstlerisches Medium für sich entdeckte und eine neue fotografische Sehweise entwickelte. Klarheit, Einfachheit und Organisation sind für ihn die Grundprinzipien seiner Arbeit. Wie kaum ein anderer versteht er es, Bildinhalte mit strengen formalen Kriterien wie Perspektive und Komposition zu verknüpfen.

Die Architektur und das Leben seiner Wahlheimat New York haben ihn über die Jahrzehnte hinweg fasziniert. Immer wieder hielt er die Skyline von Manhattan, die Straßenschluchten, die Wolkenkratzer, die Brücken und die Hochbahnen in atmosphärisch dichten Bildern fest. Seine Ansichten der Metropole zählen heute zu den Klassikern der Fotografiegeschichte. In der Ausstellung im Bröhan-Museum werden über 90 Schwarzweiß-Fotografien gezeigt.

Die Ausstellung ist eine Kooperation mit dem Zeppelin Museum Friedrichshafen.

Kurator: Fabian Reifferscheidt M.A.

Andreas Feininger est considéré comme l'un des photographes les plus influents du 20e siècle. Né en 1906 à Paris, fils aîné du célèbre peintre Lyonel Feininger, il fait partie d'une génération d'artistes qui, au lendemain de la Première Guerre mondiale, découvre la photographie comme médium artistique et développe une nouvelle manière de voir la photographie. La clarté, la simplicité et l'organisation sont pour lui les principes de base de son travail. Comme peu d'autres, il sait associer le contenu des images à des critères formels stricts tels que la perspective et la composition.

L'architecture et la vie de sa ville d'adoption, New York, l'ont fasciné au fil des décennies. Il n'a cessé d'immortaliser la ligne d'horizon de Manhattan, les canyons des rues, les gratte-ciel, les ponts et les métros aériens dans des visuels à l'atmosphère dense. Ses vues de la métropole comptent aujourd'hui parmi les classiques de l'histoire de la photographie. L'exposition du musée Bröhan présente plus de 90 photographies en noir et blanc.

L'exposition est organisée en coopération avec le Zeppelin Museum Friedrichshafen.

Curateur : Fabian Reifferscheidt M.A.

Andreas Feininger è considerato uno dei fotografi più influenti del XX secolo. Nato a Parigi nel 1906, figlio primogenito del famoso pittore Lyonel Feininger, appartiene alla generazione di artisti che nel periodo successivo alla Prima guerra mondiale hanno scoperto la fotografia come mezzo artistico e hanno sviluppato un nuovo modo di vedere la fotografia. Chiarezza, semplicità e organizzazione sono i principi fondamentali del suo lavoro. Come nessun altro, sa come collegare il contenuto pittorico a rigorosi criteri formali come la prospettiva e la composizione.

L'architettura e la vita della sua patria adottiva, New York, lo hanno affascinato nel corso dei decenni. Più volte ha catturato lo skyline di Manhattan, i canyon delle strade, i grattacieli, i ponti e i treni sopraelevati in immagini dense di atmosfera. Oggi le sue vedute della metropoli sono tra i classici della storia della fotografia. La mostra al Bröhan Museum presenta oltre 90 fotografie in bianco e nero.

La mostra è realizzata in collaborazione con il Museo Zeppelin di Friedrichshafen.

Curatore: Fabian Reifferscheidt M.A.

Andreas Feininger is considered one of the most influential photographers of the 20th century. Born in Paris in 1906 as the eldest son of the famous painter Lyonel Feininger, he belongs to a generation of artists who discovered photography as an artistic medium for themselves in the period after the First World War and developed a new photographic way of seeing. Clarity, simplicity and organization are the basic principles of his work. Like hardly anyone else, he understands how to link image content with strict formal criteria such as perspective and composition.

The architecture and life of his adopted city of New York have fascinated him over the decades. Again and again he captured the Manhattan skyline, the street canyons, the skyscrapers, the bridges and the elevated trains in atmospherically dense images. Today, his views of the metropolis rank among the classics of photographic history. The exhibition at the Bröhan Museum features over 90 black-and-white photographs.

The exhibition is a cooperation with the Zeppelin Museum Friedrichshafen.

Curator: Fabian Reifferscheidt M.A.

(Text: Bröhan-Museum, Berlin)

HANGAR - Photo Art Center | Brussels
27. Januar - 25. März 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen des PhotoBrussels Festival statt.

Mirror of Self

Romy Berger, Elina Brotherus, Gabriel Dia, Omar Victor Diop, Julia Gat, Laura Hospes, Barbara Iweins, Yunsoon Jeong, Mari Katayama, Tarrah Krajnak, Auriane Kołodziej,  Haohui Liu, Tomasz Machciński, Sanja Marušić, Bruno Oliveira, Paola Paredes, Louka Perderizet, Kourtney Roy, C. Rose Smith, Annegret Soltau, The Dazzled Project, Karolina Wojtas, Dawn Woolley

Nach "Im Schatten der Bäume" im Jahr 2021 ist "Mirror of self" die 7. thematische Ausstellung, die der Hangar im Rahmen des PhotoBrussels Festivals organisiert.

Die Ausstellung besteht sowohl aus ausgewählten Künstlern (17) als auch aus den Gewinnern eines Aufrufs zur Einreichung von Projekten (6). 23 Künstler werden im Hangar zum Thema Selbstporträt ausgestellt. Unter ihnen sind 8 unter 30 Jahre alt.

Welchen Stellenwert hat das Selbstporträt heute in der Welt der zeitgenössischen Fotografie? Welche Bedeutung hat die künstlerische Praxis des Selbstporträts im Reich der Selfies noch? Durch verschiedene Projekte und künstlerische Ansätze hinterfragt "Mirror of Self" die Darstellung des Selbst, sei es auf der Suche nach Identität, einer Beziehung zu seiner Umgebung, zu anderen oder zu sich selbst.

Après 'In the Shadow of trees' en 2021, 'Mirror of self' est la 7e exposition thématique créée par le Hangar dans le cadre du Festival PhotoBrussels.

L'exposition est composée à la fois d'artistes sélectionnés (17 d'entre eux) et de lauréats d'un appel à projets (6 d'entre eux). 23 artistes sont exposés au Hangar sur le thème de l'autoportrait. Parmi eux, 8 ont moins de 30 ans.

Quel est le statut actuel de l'autoportrait dans le monde de la photographie contemporaine ? A l'heure des selfies, que représente encore la pratique artistique de l'autoportrait ? À travers différents projets et démarches artistiques, 'Mirror of Self' interroge la représentation de soi, que ce soit dans une quête identitaire, un rapport à son environnement, aux autres ou à soi-même.

Dopo "In the Shadow of trees" nel 2021, "Mirror of self" è la settima mostra tematica realizzata da Hangar nell'ambito del PhotoBrussels Festival.

La mostra è composta sia da artisti selezionati (17) che da vincitori di un bando per progetti (6). 23 artisti espongono all'Hangar sul tema dell'autoritratto. Tra questi, 8 hanno meno di 30 anni.

Qual è la posizione attuale dell'autoritratto nel mondo della fotografia contemporanea? Nel regno dei selfie, che significato ha ancora la pratica artistica dell'autoritratto? Attraverso vari progetti e approcci artistici, "Mirror of Self" si interroga sulla rappresentazione del sé, sia in una ricerca di identità, sia in un rapporto con l'ambiente, con gli altri o con se stessi.

After 'In the Shadow of trees' in 2021, 'Mirror of self' is the 7th thematic exhibition created by Hangar within the framework of PhotoBrussels Festival.

The exhibition consists of both selected artists (17 of them) and winners of a call for projects (6 of them). 23 artists are exhibited at Hangar on the theme of self-portrait. Among them, 8 are under 30 years old.

What is the current standing of the self-portrait in the world of contemporary photography? In the realm of selfies, what does the artistic practice of self-portrait still hold? Through various projects and artistic approaches, ‘Mirror of Self’ questions the representation of the self, whether in a quest for identity, a relationship with one's environment, with others or with oneself.

(Text: Hangar - Photo Art Center, Brussels)

philomena & art & architecture platform | Wien
21. März - 25. Mai 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

Résistance Naturelle
Abdessamad el Montassir

Die forschungsbasierten Arbeiten von Abdessamad El Montassir erzeugen reflexive Prozesse. Dabei arbeitet der Künstler vor allem mit dem Wissen um nicht-menschliche Identitäten, d.h. mit den Traumata von Pflanzen oder Steinen, die als Zeugen historischer, nicht dokumentierter Ereignisse fungieren. Er tut dies, um neue Denkansätze für unser soziales Umfeld zu schaffen. Der geografische Ausgangspunkt seiner Forschungen ist sein Herkunftsland Marokko, genauer gesagt die Sahara im Süden Marokkos, ein politisch stark umstrittenes Gebiet. In der Fotoausstellung Résistance Naturelle bei philomena+ wird Al Amakine vorgestellt. Anhand von Kartografien, die durch die Archivierung von Pflanzen, Poesie und Steinformationen entstanden sind, erzählt der Künstler alternative Erzählungen, so genannte Mikrogeschichten, die von der offiziellen Geschichte überschattet oder sogar ausgelöscht wurden. In seinem Film geht der Künstler Ereignissen nach, die die Landschaft der Sahara, der Wüste im Süden Marokkos, tiefgreifend verändert haben. Der Filmemacher sah sich mit einer stillen Umgebung konfrontiert, die von ihrer komplexen sozio-politischen Geschichte heimgesucht wird. Als Alternative beschloss er, sich auf das organische Leben in der Wüste zu konzentrieren, um die Amnesie der Menschen zu dekonstruieren.

Abdessamad El Montassir, geboren 1989 in Boujdour, Marokko, lebt heute in Marseille, Frankreich. Nach seinem Abschluss am Institut National des Beaux-Arts in Tetouan/Marokko absolvierte Abdessamad El Montassir einen MA in künstlerischer und ästhetischer Erziehung an der École Normale Supérieure in Meknès/Marokko. Er hat an mehreren nationalen und internationalen Ausstellungen teilgenommen, darunter Invisible, kuratiert von Alya Sebti und präsentiert auf der 13. Biennale für zeitgenössische afrikanische Kunst in Dakar/Senegal und in der ifa-Galerie Berlin/Deutschland (2018), De liens et d'exils in La Villa Empain - Fondation Boghossian in Brüssel/Belgien (2018), Al Amakine im Rahmen der 11ème Rencontres de Bamako/Mali (2017), Attokoussy in der Hinterland Galerie in Wien/Österreich und in Le Cube - independent art room in Rabat/Marokko (2017). Abdessamad El Montassir ist derzeit auch Stipendiat des Schlosses Solitude in Stuttgart.

Abdessamad El Montassir’s research-based works produce reflexive processes. In so doing, the artist works primarily with the knowledge of non-human identities, i.e. with the traumas of plants or stones, which function as witnesses to historical, non-documented events. He does this in order to generate new ways of thinking about our social environment. The geographical starting point for his research is his country of origin, Morocco, more specifically, the Sahara in southern Morocco, a territory much-disputed politically. The photo exhibition Résistance Naturelle at philomena+  will present Al Amakine. Using cartography created by archiving plants, poetry and stone formations, the artist tells alternative narratives, so-called micro-histories, which have been overshadowed or even erased by official history.The exhibition will also be accompanied by a screening of Abdessamad El Montassir’s most recent film project Galb’Echaouf. In his film, the artist investigates incidents that have profoundly altered the landscape of the Sahara, the desert in the southern part of Morocco. The filmmaker found himself facing a silent environment, haunted by its complex socio-political history. As an alternative, he decided to focus on the organic life that inhabits the desert, in an effort to deconstruct people’s amnesia.

Abdessamad El Montassir, born in 1989 in Boujdour, Morocco, Abdessamad El Montassir now lives in Marseille, France. After graduating from the Institut National des Beaux-Arts in Tetouan/Morocco, Abdessamad El Montassir completed an MA in artistic and aesthetic education at the École Normale Supérieure in Meknès/Morocco. He has participated in several national and international exhibitions, including Invisible, curated by Alya Sebti and presented at the 13th Biennale of Contemporary African Art in Dakar/Senegal and at the ifa-Galerie Berlin/Germany (2018), De liens et d’exils at La Villa Empain – Fondation Boghossian in Brussels/Belgium (2018), Al Amakine in the context of the 11ème Rencontres de Bamako/Mali (2017), Attokoussy at the Hinterland Galerie in Vienna/Austria, and at Le Cube – independent art room in Rabat/Morocco (2017). Abdessamad El Montassir is presently also a fellow resident of the Schloss Solitude in Stuttgart.

Le opere di Abdessamad El Montassir, basate sulla ricerca, producono processi riflessivi. Così facendo, l'artista lavora principalmente con la conoscenza delle identità non umane, cioè con i traumi delle piante o delle pietre, che funzionano come testimoni di eventi storici non documentati. Lo fa per generare nuovi modi di pensare al nostro ambiente sociale. Il punto di partenza geografico della sua ricerca è il suo paese d'origine, il Marocco, più precisamente il Sahara nel sud del Marocco, un territorio molto conteso politicamente. La mostra fotografica Résistance Naturelle presso philomena+ presenterà Al Amakine. Utilizzando la cartografia creata archiviando piante, poesia e formazioni di pietra, l'artista racconta narrazioni alternative, le cosiddette microstorie, che sono state messe in ombra o addirittura cancellate dalla storia ufficiale.La mostra sarà inoltre accompagnata dalla proiezione del più recente progetto cinematografico di Abdessamad El Montassir, Galb'Echaouf. Nel suo film, l'artista indaga sugli incidenti che hanno profondamente alterato il paesaggio del Sahara, il deserto nella parte meridionale del Marocco. Il cineasta si è trovato di fronte a un ambiente silenzioso, ossessionato dalla sua complessa storia socio-politica. Come alternativa, ha deciso di concentrarsi sulla vita organica che abita il deserto, nel tentativo di decostruire l'amnesia della gente.

Abdessamad El Montassir, nato nel 1989 a Boujdour, Marocco, Abdessamad El Montassir vive oggi a Marsiglia, Francia. Dopo essersi diplomato all'Institut National des Beaux-Arts di Tetouan/Marocco, Abdessamad El Montassir ha completato un MA in educazione artistica ed estetica all'École Normale Supérieure di Meknès/Marocco. Ha partecipato a diverse mostre nazionali e internazionali, tra cui Invisible, curata da Alya Sebti e presentata alla 13a Biennale di arte africana contemporanea di Dakar/Senegal e alla ifa-Galerie di Berlino/Germania (2018), De liens et d'exils a La Villa Empain - Fondation Boghossian a Bruxelles/Belgio (2018), Al Amakine nel contesto degli 11ème Rencontres de Bamako/Mali (2017), Attokoussy alla Hinterland Galerie di Vienna/Austria, e a Le Cube - independent art room di Rabat/Marocco (2017). Abdessamad El Montassir è attualmente anche borsista dello Schloss Solitude di Stoccarda.

Abdessamad El Montassir’s research-based works produce reflexive processes. In so doing, the artist works primarily with the knowledge of non-human identities, i.e. with the traumas of plants or stones, which function as witnesses to historical, non-documented events. He does this in order to generate new ways of thinking about our social environment. The geographical starting point for his research is his country of origin, Morocco, more specifically, the Sahara in southern Morocco, a territory much-disputed politically. The photo exhibition Résistance Naturelle at philomena+  will present Al Amakine. Using cartography created by archiving plants, poetry and stone formations, the artist tells alternative narratives, so-called micro-histories, which have been overshadowed or even erased by official history.The exhibition will also be accompanied by a screening of Abdessamad El Montassir’s most recent film project Galb’Echaouf. In his film, the artist investigates incidents that have profoundly altered the landscape of the Sahara, the desert in the southern part of Morocco. The filmmaker found himself facing a silent environment, haunted by its complex socio-political history. As an alternative, he decided to focus on the organic life that inhabits the desert, in an effort to deconstruct people’s amnesia.

Abdessamad El Montassir, born in 1989 in Boujdour, Morocco, Abdessamad El Montassir now lives in Marseille, France. After graduating from the Institut National des Beaux-Arts in Tetouan/Morocco, Abdessamad El Montassir completed an MA in artistic and aesthetic education at the École Normale Supérieure in Meknès/Morocco. He has participated in several national and international exhibitions, including Invisible, curated by Alya Sebti and presented at the 13th Biennale of Contemporary African Art in Dakar/Senegal and at the ifa-Galerie Berlin/Germany (2018), De liens et d’exils at La Villa Empain – Fondation Boghossian in Brussels/Belgium (2018), Al Amakine in the context of the 11ème Rencontres de Bamako/Mali (2017), Attokoussy at the Hinterland Galerie in Vienna/Austria, and at Le Cube – independent art room in Rabat/Morocco (2017). Abdessamad El Montassir is presently also a fellow resident of the Schloss Solitude in Stuttgart.

 (Text: philomena+ art & architecture platform, Wien)

ZEBRA Zentrum für Klassische und Moderne Fotografie | Wien
17. März - 14. Mai 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

Die Elemente des Südens, Grundlagen der Natur
Natascha Auenhammer

Die Schlüsselrolle der Fotografie in der Wahrnehmung der Natur steht bei dieser Arbeit besonders im Focus. Natascha Auenhammer beschäftigt sich in ihrem Fotoprojekt mit der Vier-Elemente-Lehre der antiken Naturphilosophie und der chinesischen Fünf-Elemente-Lehre, genau mit diesen Elementen der Natur, den Grundlagen des Lebens. Sie stellt sie jeweils in drei verschiedenen Varianten der analogen Fotografie dar - Triptychen der Elemente.

Zuerst ist da die reine klassische Fotografie, in Schwarz-Weiss gehalten, dann gibt es eine Lochkameraaufnahme, camera obscura, zuletzt dann noch nie dagewesene Fotogramme, also direkt auf das Papier aufgebrachte und belichtete Natur.   

Das Spectrum der Naturdarstellungen in verschiedenen fotografischen Varianten umfasst also Feuer, Wasser, Luft und Erde, sowie Metall und Holz.

Natascha Auenhammer, in Wien geboren und aufgewachsen, Studium der Rechtswissenschaften, danach berufliche Beschäftigung mit Photographie, ab 1990 Tätigkeit als freie Photodesignerin mit den Schwerpunkten Portrait, Konzeptionelle Aufnahme und Körper.

Le rôle clé de la photographie dans la perception de la nature est particulièrement mis en avant dans ce travail. Dans son projet photographique, Natascha Auenhammer s'intéresse à la théorie des quatre éléments de la philosophie antique de la nature et à la théorie chinoise des cinq éléments, précisément à ces éléments de la nature, les bases de la vie. Elle les représente respectivement dans trois variantes différentes de la photographie analogique - des triptyques des éléments.

Il y a d'abord la photographie classique pure, en noir et blanc, puis une prise de vue au sténopé, camera obscura, et enfin des photogrammes inédits, c'est-à-dire la nature directement appliquée et exposée sur le papier.   

Le spectre des représentations de la nature dans différentes variantes photographiques comprend donc le feu, l'eau, l'air et la terre, ainsi que le métal et le bois.

Natascha Auenhammer, née et élevée à Vienne, a fait des études de droit, puis s'est intéressée à la photographie dans le cadre de son travail. Depuis 1990, elle travaille en tant que photographe designer indépendante, spécialisée dans le portrait, la photographie conceptuelle et le corps.

Il ruolo chiave della fotografia nella percezione della natura è particolarmente a fuoco in questo lavoro. Nel suo progetto fotografico, Natascha Auenhammer si occupa della dottrina dei quattro elementi dell'antica filosofia naturale e della dottrina cinese dei cinque elementi, precisamente di questi elementi della natura, le basi della vita. Li ritrae ciascuno in tre diverse varianti di fotografia analogica - trittici di elementi.

Prima c'è la fotografia classica pura, tenuta in bianco e nero, poi c'è la fotografia stenopeica, la camera oscura, e infine i fotogrammi inediti, cioè la natura applicata direttamente alla carta ed esposta.   

Lo spettro delle rappresentazioni della natura in diverse varianti fotografiche comprende quindi il fuoco, l'acqua, l'aria e la terra, così come il metallo e il legno.

Natascha Auenhammer, nata e cresciuta a Vienna, ha studiato legge, poi si è dedicata professionalmente alla fotografia, dal 1990 ha lavorato come foto designer freelance specializzata in ritrattistica, fotografia concettuale e corpo.

The key role of photography in the perception of nature is particularly in focus in this work. In her photo project, Natascha Auenhammer deals with the four-element doctrine of ancient natural philosophy and the Chinese five-element doctrine, precisely with these elements of nature, the foundations of life. She depicts each of them in three different variants of analog photography - triptychs of the elements.

First there is the pure classical photography, kept in black and white, then there is a pinhole camera shot, camera obscura, finally then unprecedented photograms, i.e. nature applied and exposed directly on the paper.   

The spectrum of nature representations in different photographic variants thus includes fire, water, air and earth, as well as metal and wood.

Natascha Auenhammer, born and raised in Vienna, studied law, then professional occupation with photography, since 1990 working as a freelance photo designer with a focus on portraiture, conceptual photography and body.

(Text: Natascha Auenhammer, Zentrum für klassische und moderne Fotografie, Wien)

Kunst Haus Wien
12. März - 28. August 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

Wenn der Wind weht

Luft umschließt die Erde wie eine Membran. Sie ist Medium des Wetters und Trägerin von Gerüchen, Geräuschen und Aerosolen, die sowohl das Klima als auch die Gesundheit beeinflussen. Luft strömt mit dem ersten Atemzug in unseren Körper und mit dem Tod hauchen wir den letzten Atem aus. Im Kontext der gegenwärtigen Klimakrise spielen sowohl Luftverschmutzung und Stürme als auch die Windkraft als erneuerbare Energiequelle eine Rolle. Das unsichtbare Element verbindet Lebewesen, Pflanzen und Orte. Dieses elementare, zugleich unsichtbare Element visuell erfahrbar zu machen, darauf zielen die Werke der ausgewählten internationalen und österreichischen Künstler:innen verschiedener Generationen ab. Sie setzen sich mit den unterschiedlichsten Aspekten und Bedeutungen von Luft, Wind und Atem auseinander und untersuchen ihre Erscheinungs- formen in Ökologie, Wissenschaft, Politik, Kultur und Mythologie. Von der lebensspendenden Atemluft bis hin zur zerstörerischen Kraft des Windes macht die Kunst das große Unsichtbare auf vielfältige Weise sichtbar.

22 internationale und österreichische Künstler:innen machen die unsichtbaren Elemente Atem, Luft und Wind auf unterschiedliche Weise sichtbar: Hoda Afshar, Bigert & Bergström, Julius von Bismarck, Olafur Eliasson, Karin Fisslthaler, Ana Grilc, Isabelle Ha Eav, Jana Hartmann, Ayumi Ishii, Sophie Jung, Sjoerd Knibbeler, Ulrike Königshofer, Eduardo Leal, Emily Parsons-Lord, Peter Piller, Werner Reiterer, Roman Signer, Lydia Simon, Ulay/Marina Abramović, Nadim Vardag, Niina Vatanen, Susan Walsh

Die Ausstellung Wenn der Wind weht ist eine Kooperation mit der Universität für angewandte Kunst Wien.

Kuratorinnen: Verena Kaspar-Eisert (KUNST HAUS WIEN) und Liddy Scheffknecht (Universität für angewandte Kunst Wien)

L'air entoure la terre comme une membrane. Il est le médium du temps et le porteur d'odeurs, de bruits et d'aérosols qui influencent aussi bien le climat que la santé. L'air pénètre dans notre corps lors de notre première respiration et nous expirons notre dernier souffle à notre mort. Dans le contexte de la crise climatique actuelle, tant la pollution de l'air et les tempêtes que l'énergie éolienne en tant que source d'énergie renouvelable jouent un rôle. L'élément invisible relie les êtres vivants, les plantes et les lieux. Les œuvres des artistes internationaux et autrichiens de différentes générations sélectionnés visent à rendre visuellement perceptible cet élément à la fois élémentaire et invisible. Ils se penchent sur les aspects et les significations les plus divers de l'air, du vent et du souffle et étudient leurs formes d'apparition dans l'écologie, la science, la politique, la culture et la mythologie. De l'air respirable qui donne la vie à la force destructrice du vent, l'art rend visible le grand invisible de diverses manières.

22 artistes internationaux et autrichiens rendent visibles de différentes manières les éléments invisibles que sont le souffle, l'air et le vent : Hoda Afshar, Bigert & Bergström, Julius von Bismarck, Olafur Eliasson, Karin Fisslthaler, Ana Grilc, Isabelle Ha Eav, Jana Hartmann, Ayumi Ishii, Sophie Jung, Sjoerd Knibbeler, Ulrike Königshofer, Eduardo Leal, Emily Parsons-Lord, Peter Piller, Werner Reiterer, Roman Signer, Lydia Simon, Ulay/Marina Abramović, Nadim Vardag, Niina Vatanen, Susan Walsh

L'exposition Si le vent souffle est une coopération avec l'Université des arts appliqués de Vienne.

Les commissaires d'exposition : Verena Kaspar-Eisert (KUNST HAUS WIEN) et Liddy Scheffknecht (Universität für angewandte Kunst Wien)

L'aria racchiude la terra come una membrana. È il mezzo del tempo e il portatore di odori, suoni e aerosol che influenzano sia il clima che la salute. L'aria entra nel nostro corpo con il nostro primo respiro e con la morte espiriamo il nostro ultimo respiro. Nel contesto dell'attuale crisi climatica, l'inquinamento atmosferico e le tempeste così come l'energia eolica come fonte di energia rinnovabile giocano un ruolo. L'elemento invisibile collega gli esseri viventi, le piante e i luoghi. Le opere degli artisti internazionali e austriaci selezionati, di diverse generazioni, mirano a rendere visivamente tangibile questo elemento elementare, ma invisibile. Trattano i più diversi aspetti e significati dell'aria, del vento e del respiro ed esaminano le loro manifestazioni in ecologia, scienza, politica, cultura e mitologia. Dall'aria vitale che respiriamo al potere distruttivo del vento, l'arte rende visibile il grande invisibile in molti modi diversi.

22 artisti internazionali e austriaci rendono visibili in modi diversi gli elementi invisibili del respiro, dell'aria e del vento: Hoda Afshar, Bigert & Bergström, Julius von Bismarck, Olafur Eliasson, Karin Fisslthaler, Ana Grilc, Isabelle Ha Eav, Jana Hartmann, Ayumi Ishii, Sophie Jung, Sjoerd Knibbeler, Ulrike Königshofer, Eduardo Leal, Emily Parsons-Lord, Peter Piller, Werner Reiterer, Roman Signer, Lydia Simon, Ulay/Marina Abramović, Nadim Vardag, Niina Vatanen, Susan Walsh

La mostra When the Wind Blows è una cooperazione con l'Università di Arti Applicate di Vienna.

Curatori: Verena Kaspar-Eisert (KUNST HAUS WIEN) e Liddy Scheffknecht (University of Applied Arts Vienna).

Air encloses the earth like a membrane. It is the medium of weather and the carrier of odours, sounds and aerosols that influence both climate and health. Air flows into our bodies with our first breath and with death we exhale our last breath. In the context of the current climate crisis, air pollution and storms as well as wind power as a renewable energy source play a role. The invisible element connects living beings, plants and places. The works of the selected international and Austrian artists of different generations aim to make this elementary, yet invisible element visually tangible. They deal with the most diverse aspects and meanings of air, wind and breath and examine their manifestations in ecology, science, politics, culture and mythology. From the life-giving air we breathe to the destructive power of the wind, art makes the great invisible visible in many different ways. 

22 international and Austrian artists make the invisible elements of breath, air and wind visible in different ways: Hoda Afshar, Bigert & Bergström, Julius von Bismarck, Olafur Eliasson, Karin Fisslthaler, Ana Grilc, Isabelle Ha Eav, Jana Hartmann, Ayumi Ishii, Sophie Jung, Sjoerd Knibbeler, Ulrike Königshofer, Eduardo Leal, Emily Parsons-Lord, Peter Piller, Werner Reiterer, Roman Signer, Lydia Simon, Ulay/Marina Abramović, Nadim Vardag, Niina Vatanen, Susan Walsh

The exhibition When the Wind Blows is a cooperation with the University of Applied Arts Vienna. 

Curators: Verena Kaspar-Eisert (KUNST HAUS WIEN) and Liddy Scheffknecht (University of Applied Arts Vienna).

(Text: Kunst Haus Wien)

Galerie Georg Kargl | Wien
10. März - 22. April 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

Drift
Jitka Hanzlová, Marianne Mueller

Hanzlová setzt sich in ihren Fotografien mit dem Thema Wasser in unterschiedlichen Aggregatzustände auseinander, während Marianne Mueller Beobachtungen von alltäglichen Umgebungen sammelt, die sie in ihren Skulpturen aus Ton neu kontextualisiert.

Dans ses photographies, Hanzlová aborde le thème de l'eau sous différents états d'agrégation, tandis que Marianne Mueller recueille des observations d'environnements quotidiens qu'elle recontextualise dans ses sculptures en argile.

Hanzlová esplora il tema dell'acqua in diversi stati aggregati nelle sue fotografie, mentre Marianne Mueller raccoglie osservazioni di ambienti quotidiani che ricontestualizza nelle sue sculture di argilla.

Hanzlová's photographs explore the theme of water in various states of aggregation, while Marianne Mueller collects observations of everyday environments that she recontextualizes in her clay sculptures.

OstLicht | Wien
9. März - 30. April 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

Reiner Riedler

Mit nahezu 100 nationalen und internationalen Ausstellungen und fast einem Dutzend erfolgreich verkaufter Fotobände zählt Reiner Riedler zu den bedeutendsten zeitgenössischen Fotografen Österreichs. Nach der Präsentation einzelner Serien, u.a. im Pariser Centre Pompidou oder bei den Rencontres d´Arles, widmet ihm das Wiener Fotomuseum WestLicht aktuell die erste große Personale, die einen weiten Bogen über sein mehr als 30-jähriges Schaffen spannt.

Parallel dazu hat die Galerie OstLicht ihr Portfolio erweitert und zeigt ausgewählte Arbeiten in einer Verkaufsausstellung. Darin sind nicht nur Highlights aus Riedlers bekannten Serien wie „Fake Holidays“, „Russian Circus“ oder „Altered States“ vertreten, sondern auch Auszüge aus seinem bisher unveröffentlichten Zyklus „This Side of Paradise“, für den er seit mehr als 20 Jahren die exzessiven Auswüchse der modernen Eventkultur dokumentiert.

Der rote Faden, der sich durch die Arbeiten des in Wien lebenden Künstlers spannt, ist die intensive Auseinandersetzung mit dem menschlichen Streben nach Glück. Dafür begleitet der „Chronist der Sehnsüchte“ seine Protagonisten in künstlichen Freizeitwelten, Swingerclubs oder zu Wiesenfesten – alles Orte, die zumindest eine kurzfristige Möglichkeit zur Flucht aus dem Alltag versprechen.

Ergänzend dazu bietet OstLicht auch eine Reihe bemerkenswerter Arbeiten aus Riedlers konzeptuellen Werkgruppen an, darunter Bilder von Filmrollen aus „The Unseen Seen“, mit denen er Emotionen rund um das Kino und den Abschied vom analogen Film schürt oder „WILL – The Livesaving Machines“, in denen er sich mit der Apparatemedizin und dem Wunsch nach ewigem Leben beschäftigt.

Die auf jeweils 5 Stück limitierten Editionen werden in zwei unterschiedlichen Formaten angeboten und stellen für arrivierte Sammler:innen wie Neueinsteiger:innen ein attraktives Angebot mit hohem Potential dar.

Avec près de 100 expositions nationales et internationales et près d'une douzaine de livres de photos vendus avec succès, Reiner Riedler compte parmi les photographes contemporains les plus importants d'Autriche. Après la présentation de certaines séries, notamment au Centre Pompidou à Paris ou aux Rencontres d'Arles, le musée de la photographie WestLicht de Vienne lui consacre actuellement sa première grande exposition personnelle, qui couvre un large éventail de son travail de plus de 30 ans.

Parallèlement, la galerie OstLicht a élargi son portefeuille et présente une sélection de travaux dans une exposition-vente. On y trouve non seulement les points forts des séries connues de Riedler comme "Fake Holidays", "Russian Circus" ou "Altered States", mais aussi des extraits de son cycle inédit "This Side of Paradise", pour lequel il documente depuis plus de 20 ans les dérives excessives de la culture événementielle moderne.

Le fil conducteur des travaux de l'artiste, qui vit à Vienne, est une réflexion intense sur la quête humaine du bonheur. Pour cela, le "chroniqueur des désirs" accompagne ses protagonistes dans des mondes de loisirs artificiels, des clubs échangistes ou des fêtes dans les prés - tous des lieux qui promettent au moins une possibilité à court terme d'échapper au quotidien.

En complément, OstLicht propose également une série de travaux remarquables issus des groupes d'œuvres conceptuelles de Riedler, dont des images de bobines de films de "The Unseen Seen", avec lesquelles il attise les émotions autour du cinéma et de l'adieu au film analogique, ou "WILL - The Livesaving Machines", dans lesquelles il s'intéresse à la médecine d'appareil et au désir de vie éternelle.

Les éditions limitées à 5 exemplaires sont proposées en deux formats différents et représentent une offre attrayante à fort potentiel pour les collectionneurs confirmés comme pour les nouveaux venus.

Con quasi 100 mostre nazionali e internazionali e quasi una dozzina di libri fotografici venduti con successo, Reiner Riedler è uno dei più importanti fotografi contemporanei in Austria. Dopo aver presentato singole serie, ad esempio al Centre Pompidou di Parigi o ai Rencontres d'Arles, il Fotomuseum WestLicht di Vienna gli dedica attualmente la sua prima grande mostra personale che abbraccia una vasta gamma dei suoi oltre 30 anni di lavoro.

Allo stesso tempo, la Galerie OstLicht ha ampliato il suo portafoglio e sta esponendo opere selezionate in una mostra di vendita. Include non solo i punti salienti delle ben note serie di Riedler come "Fake Holidays", "Russian Circus" o "Altered States", ma anche estratti dal suo ciclo inedito "This Side of Paradise", per il quale ha documentato gli eccessi della moderna cultura degli eventi per più di 20 anni.

Il filo conduttore delle opere dell'artista viennese è l'esame intensivo della ricerca umana della felicità. A questo scopo, il "cronista dei desideri" accompagna i suoi protagonisti in mondi artificiali del tempo libero, club di scambisti o feste sui prati - tutti luoghi che promettono almeno una breve fuga dalla vita quotidiana.

Inoltre, OstLicht offre anche una serie di opere notevoli dai gruppi di lavoro concettuali di Riedler, tra cui immagini di bobine di film da "The Unseen Seen", con cui suscita emozioni intorno al cinema e l'addio alla pellicola analogica, o "WILL - The Livesaving Machines", in cui si occupa della medicina degli apparecchi e il desiderio di vita eterna.

Le edizioni, limitate a 5 pezzi ciascuna, sono offerte in due diversi formati e rappresentano un'offerta attraente con un alto potenziale sia per i collezionisti affermati che per i nuovi arrivati.

With nearly 100 national and international exhibitions and almost a dozen successfully sold photobooks, Reiner Riedler is one of Austria's most significant contemporary photographers. 

Following the presentation of individual series, among others at the Centre Pompidou in Paris or at Rencontres d'Arles, Vienna’s WestLicht. Museum for Photography is currently dedicating its first major personal exhibition to him, which spans a broad arc over his more than 30 years of work.

At the same time, OstLicht. Gallery for Photography has expanded its portfolio and is showing selected works in a sales exhibition. It includes not only highlights from Riedler's well-known series such as "Fake Holidays," "Russian Circus" and "Altered States," but also excerpts from his previously unpublished cycle "This Side of Paradise," for which he has been documenting the excesses of modern event culture for more than 20 years.

The common thread running through the works of the Vienna-based artist is an intense examination of the human pursuit of happiness. To this end, the "chronicler of longings" accompanies his protagonists to artificial worlds of leisure, swingers' clubs or to meadow festivals - all places that promise at least a short-term escape from everyday life.

In addition, OstLicht also offers a number of remarkable works from Riedler's conceptual works, including images of film reels from "The Unseen Seen", with which he stirs up emotions around cinema and the

farewell to analog film, or "WILL - The Livesaving Machines", in which he deals with apparatus medicine and the desire for eternal life.

The editions, limited to 5 pieces each, are offered in two different formats and represent an attractive offer with high potential for established collectors and newcomers alike.

(Text: OstLicht, Wien)

OstLicht | Wien
9. März - 30. April 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

Sehnsuchtsorte

Für die aktuelle OstLicht Selection hat das Team von Galeriebetreiber Peter Coeln eine erstklassige Auswahl von Fotografinnen und Fotografen versammelt, die besondere Orte auf ihre jeweils unnachahmliche Weise festgehalten haben. Dazu zählen etwa die sonnenbeschienenen Hügel Italiens in den Aufnahmen von Mario Giacomelli, das farbenprächtige, von René Burri festgehaltene weltberühmte Haus des Architekten Luis Barragán oder die süditalienischen Strandlandschaften von Piero Percoco.

In weiteren Exponaten lädt Franz Hubmann zum Spaziergang durch das Waldviertel und Roland Pleterski durch die Landschaften Kubas ein. Takeuchi Toshinobu beleuchtet malerische japanische Regionen und Cora Pongracz entführt die Betrachter:innen ins Wiener Kaffeehaus Tuchlauben.

Pour l'actuelle OstLicht Selection, l'équipe de l'exploitant de la galerie Peter Coeln a réuni une sélection de premier ordre de photographes qui ont immortalisé des lieux particuliers, chacun à sa manière inimitable. On y trouve notamment les collines ensoleillées d'Italie photographiées par Mario Giacomelli, la maison mondialement connue de l'architecte Luis Barragán capturée par René Burri ou les paysages de plage du sud de l'Italie de Piero Percoco.

Dans d'autres expositions, Franz Hubmann invite à une promenade à travers le Waldviertel et Roland Pleterski à travers les paysages de Cuba. Takeuchi Toshinobu met en lumière des régions japonaises pittoresques et Cora Pongracz emmène les spectateurs dans le café viennois Tuchlauben.

Per l'attuale OstLicht Selection, il team del proprietario della galleria Peter Coeln ha messo insieme una selezione di prima classe di fotografi che hanno catturato luoghi speciali nel loro modo inimitabile. Tra questi, le colline soleggiate d'Italia nelle fotografie di Mario Giacomelli, la casa colorata e famosa dell'architetto Luis Barragán catturata da René Burri o i paesaggi balneari dell'Italia meridionale di Piero Percoco.

In altre mostre, Franz Hubmann ci invita a fare una passeggiata nel Waldviertel e Roland Pleterski nei paesaggi di Cuba. Takeuchi Toshinobu illumina le pittoresche regioni giapponesi e Cora Pongracz porta gli spettatori al caffè Tuchlauben di Vienna.

For the current OstLicht Selection, the team of gallery owner Peter Coeln has assembled a first-class selection of photographers who have captured special places in their own inimitable way. These include the sunlit hills of Italy in the photographs of Mario Giacomelli, the colorful world-famous house of architect Luis Barragán captured by René Burri, and the southern Italian beach landscapes of Piero Percoco.

In other exhibits, Franz Hubmann invites visitors to stroll through the Waldviertel and Roland Pleterski through the landscapes of Cuba. Takeuchi Toshinobu illuminates picturesque Japanese regions and Cora Pongracz transports the viewer to the Viennese coffee house Tuchlauben.

OstLicht | Wien
9. März - 30. April 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

Stars ohne Retusche
Eva Arnold

“It is the photographer, not the camera, that is the instrument.”

Marlene Dietrich halb verzagt, halb belustigt hinter Notenblättern, Andy Warhol am Boden seines Studios kniend beim Sortieren von Prints, Orson Welles, der sich nach den Dreharbeiten abschminkt.

Die neue Werkschau im OstLicht widmet sich den ersten Erfolgen von Eve Arnold. Die Vintageprints, die zum Verkauf angeboten werden, sowie ausgewählte großformatige Abzüge aus der berühmten Magnum Ausstellung „In Our Time“ zeigen neben ihren weltberühmten Celebrity-Porträts auch Setaufnahmen von „The Misfits“ und Auszüge aus Arnolds frühen Reportagen.

In einer Familie russisch-jüdischer Einwanderer in Philadelphia aufgewachsen, hatte Arnold erst in ihren 30ern zu fotografieren begonnen. Nach Abschluss einer Masterclass beim Grafikdesigner Alex Brodovitch erhielt sie die Möglichkeit, für die Agentur Magnum zu fotografieren, wo sie 1957 – neben Inge Morath – als eine der ersten weiblichen Vollmitglieder aufgenommen wurde.

Ihre ungestellten, ohne Stativ, Posen- oder Lichtregie entstandenen Porträts von Marlene Dietrich, die 1952 im Esquire veröffentlicht wurden, unterschieden sich deutlich von den damals üblichen Studioporträts. Sie erweckten die Aufmerksamkeit von Marilyn Monroe, die mit der Fotografin Kontakt aufnahm und ab 1955 in vielen Sessions vertrauensvoll mit ihr zusammenarbeitete.

Respektvolles Interesse an den Dargestellten war Arnolds Grundprinzip bei der Porträtarbeit, ein Zugang, der auch in ihren Aufnahmen von Dreharbeiten, politischen Zusammenkünften sowie den späteren Reisereportagen spürbar bleibt. Diese Haltung zeigt sich auch in den Bildern von anderen in der Ausstellung vertretenen Hollywoodstars, die ihr alle abseits der geschönten Studiosettings persönliche Einblicke gewährten. Arnold fotografierte Andy Warhol bei der Arbeit, Malcom X wild gestikulierend am Podium, Clark Gable beim Skriptstudium oder Orson Welles beim Abschminken in der Garderobe.

"C'est le photographe, pas l'appareil photo, qui est l'instrument".

Marlene Dietrich mi-découragée, mi-amusée derrière des partitions, Andy Warhol agenouillé sur le sol de son studio en train de trier des tirages, Orson Welles qui se démaquille après le tournage.

La nouvelle exposition d'œuvres à OstLicht est consacrée aux premiers succès d'Eve Arnold. Les tirages vintage proposés à la vente ainsi qu'une sélection de tirages grand format issus de la célèbre exposition Magnum "In Our Time" montrent, outre ses portraits de célébrités mondialement connus, des photos de plateau de "The Misfits" et des extraits des premiers reportages d'Arnold.

Élevée dans une famille d'immigrés juifs russes à Philadelphie, Arnold n'avait commencé à photographier que dans la trentaine. Après avoir terminé un masterclass avec le graphiste Alex Brodovitch, elle a eu l'occasion de photographier pour l'agence Magnum, dont elle a été l'une des premières femmes membres à part entière en 1957 - avec Inge Morath.

Ses portraits de Marlene Dietrich, réalisés de manière non posée, sans trépied ni mise en scène de la pose ou de la lumière, publiés dans Esquire en 1952, se distinguaient nettement des portraits de studio habituels à l'époque. Ils attirèrent l'attention de Marilyn Monroe, qui prit contact avec la photographe et collabora avec elle en toute confiance lors de nombreuses séances à partir de 1955.

L'intérêt respectueux pour les personnes représentées était le principe de base d'Arnold dans le travail de portrait, une approche qui reste perceptible dans ses photos de tournages, de réunions politiques ainsi que dans ses reportages de voyage ultérieurs. Cette attitude se retrouve également dans les photos d'autres stars hollywoodiennes représentées dans l'exposition, qui lui ont toutes offert un aperçu personnel, loin des settings embellis des studios. Arnold a photographié Andy Warhol au travail, Malcom X gesticulant frénétiquement sur le podium, Clark Gable étudiant son scénario ou Orson Welles se démaquillant dans sa loge.

"È il fotografo, non la macchina fotografica, che è lo strumento".

Marlene Dietrich mezza avvilita, mezza divertita dietro fogli di musica, Andy Warhol inginocchiato sul pavimento del suo studio che smista stampe, Orson Welles che si toglie il trucco dopo le riprese.

La nuova mostra all'OstLicht è dedicata ai primi successi di Eve Arnold. Le stampe d'epoca in vendita, così come una selezione di stampe di grande formato dalla famosa mostra Magnum "In Our Time", mostrano i suoi ritratti di celebrità famosi in tutto il mondo, così come scatti di set da "The Misfits" ed estratti dai primi reportage di Arnold.

Cresciuta in una famiglia di immigrati russo-ebraici a Filadelfia, la Arnold aveva iniziato a fotografare solo a 30 anni. Dopo aver completato una master class con il graphic designer Alex Brodovitch, le fu data l'opportunità di fotografare per l'agenzia Magnum, dove fu accettata come uno dei primi membri femminili a pieno titolo nel 1957 - insieme a Inge Morath.

I suoi ritratti senza posa di Marlene Dietrich, scattati senza treppiede, senza controllo della posa o dell'illuminazione e pubblicati su Esquire nel 1952, differiscono notevolmente dai ritratti in studio che erano comuni all'epoca. Attirarono l'attenzione di Marilyn Monroe, che contattò il fotografo e lavorò con lei confidenzialmente in molte sessioni a partire dal 1955.

L'interesse rispettoso per l'intervistato era il principio di base della Arnold nel suo lavoro di ritratto, un approccio che rimane palpabile nelle sue fotografie di riprese cinematografiche, raduni politici e i successivi reportage di viaggio. Questo approccio è evidente anche nelle immagini di altre star di Hollywood rappresentate nella mostra, tutte le quali hanno dato le loro intuizioni personali lontano dagli ambienti abbelliti dello studio. Arnold ha fotografato Andy Warhol al lavoro, Malcom X che gesticola selvaggiamente sul podio, Clark Gable che studia i copioni o Orson Welles che si strucca nel camerino.

"It is the photographer, not the camera, that is the instrument."

Marlene Dietrich half despondent, half amused behind sheets of music, Andy Warhol kneeling on the floor of his studio sorting prints, Orson Welles removing his make-up after a day on the set. 

As part of this year’s Foto Wien, the new exhibition at OstLicht is dedicated to Eve Arnold's early success. Vintage prints which are for sale, as well as selected large-format prints from the famous Magnum exhibition “In Our Time”, featuring her world-famous celebrity portraits, as well as shots from the set of "The Misfits" and excerpts from Arnold's early reportages. 

Eve Arnold’s unposed portraits of Marlene Dietrich, taken without a tripod, pose or lighting control which were published in Esquire in 1952, were quite different from the studio portraits that were common at the time. They caught the attention of Marilyn Monroe, who contacted the photographer and worked with her confidentially in many sessions beginning in 1955. 

Respectful interest in the sitter was Arnold's basic principle in her portraits, an approach that remains palpable in her photographs of film shoots, political gatherings and the later travel reportages. This attitude is also evident in the images of other Hollywood stars represented in the exhibition, all of whom provided her with personal insights away from the embellished studio settings. Arnold photographed Andy Warhol at work, Malcom X gesticulating wildly at the podium, Clark Gable studying scripts or Orson Welles removing his make-up in the dressing room. 

(Text: OstLicht, Wien)

Anzenberger Gallery | Wien
18. Februar - 6. Mai 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

"now and never”
Eva-Maria Raab

Ein Windstoß, der die Ähren auf dem Feld in Bewegung setzt, ein langsam schmelzender Eistropfen - nichts und doch Teil der Summe unserer Existenz. Die Gegenwart der Vergangenheit direkt auf lichtempfindliches Papier geschrieben und in einen Rahmen gesetzt. Eva-Maria Raab fängt das Ephemere ein und stellt mit Hilfe der Fotografie Fragen nach dem Wesen der Natur und ihrer Vergänglichkeit. Ihre fotografischen Experimente sind ein Versuch, die Seele der Natur direkt und unverfälscht zu erfassen. Mit ihren "Live Prints" schafft Raab fotografische Relikte von Pflanzen, die längst verblüht sind. Kleine Spuren von Erde oder Pflanzensaft auf dem Papier zeugen stumm vom Ort der Entstehung und verschmelzen mit dem Bild.

Seit 2015 geht Raab mit dem fotografischen Druckverfahren der Cyanotypie elementaren Fragen nach der Entstehung eines Bildes und der Möglichkeit des Festhaltens flüchtiger Phänomene nach. Sie experimentiert mit Negativ und Positiv, Licht und Schatten, Sichtbarem und Unsichtbarem - und fordert uns heraus, Bekanntes in einem neuen Licht zu sehen. Raabs Arbeiten können als Verweis auf die Existenz der Objekte gelesen werden, deren Moleküle sich als Schatten ihrer selbst auf dem Papier abbilden. Auf dem Papier greifbar und doch nur die Spur dessen, was vorher da war. Sie arbeitet mit Bildern, die sie der Natur entlehnt. Wie einen Spiegel legt sie das lichtempfindliche Papier in die Landschaft, befestigt es an Weinreben oder benetzt es mit Meerwasser. Bewegung, Gegenstand, Jahr, Jahreszeit und Tageszeit schreiben sich auf poetische Weise in das Papier ein.

Un coup de vent qui met en mouvement les épis de maïs dans le champ, une goutte de glace qui fond lentement - rien et pourtant une partie de la somme de notre existence. Le présent du passé inscrit directement sur un papier photosensible et placé dans un cadre. Eva-Maria Raab capture l'éphémère et utilise la photographie pour poser des questions sur la nature même de la nature et son caractère éphémère. Ses expériences photographiques sont une tentative de capturer l'âme de la nature de manière directe et pure. Avec ses "live prints", Raab crée des reliques photographiques de plantes qui se sont fanées depuis longtemps. De petites traces de terre ou de sève végétale sur le papier témoignent silencieusement du lieu de production et se fondent dans l'image.

Depuis 2015, Raab explore des questions élémentaires sur la création d'une image et la possibilité de capturer des phénomènes éphémères en utilisant le procédé d'impression photographique du cyanotype. Elle expérimente le négatif et le positif, la lumière et l'ombre, le visible et l'invisible - nous mettant au défi de voir le familier sous un jour nouveau. Les œuvres de Raab peuvent être lues comme une référence à l'existence des objets, dont les molécules sont imprimées sur le papier comme des ombres d'eux-mêmes. Tangible sur le papier et pourtant seulement la trace de ce qui était là avant. Elle travaille avec des images empruntées à la nature. Comme un miroir, elle place le papier photosensible dans le paysage, l'attachant à des vignes ou le mouillant avec de l'eau de mer. Le mouvement, l'objet, l'année, la saison et le moment de la journée s'inscrivent poétiquement sur le papier.

Una folata di vento che mette in movimento le spighe nel campo, una goccia di ghiaccio che si scioglie lentamente - niente eppure parte della somma della nostra esistenza. Il presente del passato inscritto direttamente su carta fotosensibile e incastonato in una cornice. Eva-Maria Raab cattura l'effimero e usa la fotografia per porre domande sulla natura stessa della natura e sulla sua transitorietà. I suoi esperimenti fotografici sono un tentativo di catturare l'anima della natura in modo diretto e puro. Con le sue "stampe dal vivo", Raab crea reliquie fotografiche di piante che sono da tempo svanite. Piccole tracce di terra o linfa vegetale sulla carta testimoniano silenziosamente il luogo di produzione e si fondono nell'immagine.

Dal 2015, Raab esplora domande elementari sulla creazione di un'immagine e sulla possibilità di catturare fenomeni effimeri utilizzando il processo di stampa fotografica della cianotipia. Sperimenta con negativo e positivo, luce e ombra, il visibile e l'invisibile - sfidandoci a vedere il familiare in una nuova luce. Le opere di Raab possono essere lette come un riferimento all'esistenza degli oggetti, le cui molecole sono impresse sulla carta come ombre di se stesse. Tangibili sulla carta e tuttavia solo la traccia di ciò che c'era prima. Lavora con immagini prese in prestito dalla natura. Come uno specchio, colloca la carta sensibile alla luce nel paesaggio, attaccandola alle viti o bagnandola con acqua di mare. Il movimento, l'oggetto, l'anno, la stagione e l'ora del giorno si inscrivono poeticamente sulla carta.

A gust of wind that sets the ears of corn in the field in motion, a slowly melting drop of ice – nothing and yet part of the sum of our existence. The present of the past inscribed directly on light-sensitive paper and set in a frame. Eva-Maria Raab captures the ephemeral and uses photography to ask questions about the very nature of nature and its transience. Her photographic experiments are an attempt to capture the soul of nature directly and purely. With her "live prints", Raab creates photographic relics of plants that have long since faded. Small traces of earth or plant sap on the paper bear silent witness to the location of production and blend into the image.

Since 2015, Raab has been exploring elementary questions about the creation of an image and the possibility of capturing ephemeral phenomena using the photographic printing process of cyanotype. She experiments with negative and positive, light and shadow, the visible and the invisible - challenging us to see the familiar in a new light. Raab's works can be read as a reference to the existence of the objects, whose molecules are imprinted on the paper as shadows of themselves. Tangible on paper and yet only the trace of what was there before. She works with borrowed images from nature. Like a mirror, she places the light-sensitive paper in the landscape, attaching it to vines or wetting it with seawater. Movement, object, year, season and time of day are left to inscribe themselves poetically onto the paper.

(Text: Anzenberger Gallery, Wien)

Anzenberger Gallery | Wien
18. Februar - 6. Mai 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

"What Happened"
Gabriela Morawetz

Es gibt eine analoge Verbindung zwischen Erde und Frauen, die Figur der Mutter Erde. Die Beziehung der Zugehörigkeit zum Land betrifft jedoch nicht nur Frauen, sondern alle Menschen. /Emilie Hache, Kritische Zonen/ 

Regen und Stürme haben mich auf meinem Weg durch Europa zwischen Paris und Wien begleitet. Diese unvorhersehbare Atmosphäre hat meine Arbeit im Bildraum Studio während einer mehrmonatigen Künstlerresidenz definitiv beeinflusst. Was wäre, wenn die Erde, wie wir sie kennen, nur noch ein Überbleibsel eines uralten Zustands wäre? Das zu retten, was noch übrig ist, wird dringend notwendig, aber es scheint bereits eine verzweifelte Aktion zu sein. Das erinnert mich daran, dass in alten Kulturen Rituale zelebriert wurden, um Gnade und Hilfe von den Mächten zu erbitten, um Katastrophen zu vermeiden. Brauchen wir ein solches Mittel, während wir bereits nach der Möglichkeit von Leben auf anderen Planeten suchen? Bereiten wir die Menschheit darauf vor, die zunehmend unbewohnbare Erde zu verlassen und woanders neu anzufangen? Als Angehöriger einer gefährdeten Gesellschaft hat sich meine Wahrnehmung der Realität im Laufe der Zeit verändert, und in der Tat muss ich Rituale schaffen wie unsere Vorfahren. 

Meine Landschaften werden fragmentiert, jeder Teil von ihnen ist wie eine Votivgabe für die Welt. Industrielle Gitter als Hilfsmittel, um diese Fragmente zu vereinen und sie in Beziehung zu setzen, schaffen eine Art improvisierten Altar für all diese wertvollen Elemente. Diese können von jedem einzelnen moduliert werden, indem neue Elemente hinzugefügt werden, während wir von Überschwemmungen, Wirbelstürmen oder Bränden bedroht sind.  Wir müssen die wertvollsten Dinge retten, während wir darauf warten, dass alles wieder stabil wird. 

Der Gedanke, einen Arbeitsprozess abzuschließen, ist für mich weniger wichtig geworden als früher, vielmehr scheint mir die Energie, die aus ihm hervorgeht, von größerer Bedeutung. Die Schaffung neuer Beziehungen und die Möglichkeit von Veränderungen zwischen allen Elementen sind die einzige Konstante im Dialog zwischen Gedanken, Handlungen und Bildern.

Il existe un lien analogique entre la terre et les femmes, la figure de la Terre Mère. Cependant, la relation d'appartenance à la terre ne concerne pas seulement les femmes mais tous les êtres humains. /Emilie Hache, Zones critiques/ 

La pluie et les orages m'ont accompagnée tout au long de ma traversée de l'Europe entre Paris et Vienne. Cette atmosphère imprévisible a définitivement influencé mon travail au Bildraum Studio pendant quelques mois de résidence d'artiste. Et si la Terre, telle que nous la connaissons actuellement, n'était plus qu'un vestige d'un état ancien ? Sauver ce qui reste devient urgent mais cela semble déjà une action désespérée. Cela me rappelle que dans les cultures anciennes, on célébrait des rituels pour demander la grâce et l'aide des Puissances afin d'éviter les désastres. Avons-nous besoin d'un tel remède alors que nous recherchons déjà la possibilité de vie sur d'autres planètes ? Préparons-nous l'humanité à abandonner la Terre, de plus en plus inhabitable, pour aller ailleurs et tout recommencer ? En tant que membre d'une société en voie de disparition, ma perception de la réalité a changé au fil du temps et, de fait, j'ai besoin de créer des rituels comme nos ancêtres. 

Mes paysages se fragmentent, chaque partie d'entre eux est comme une offrande votive pour le Monde. Les grilles industrielles comme dispositif pour unir ces fragments et les mettre en relation créent une sorte d'autel improvisé pour tous ces éléments précieux. Cela pourrait être modulé par chacun en ajoutant de nouveaux éléments alors que nous sommes menacés par des inondations, des ouragans ou des incendies.  Nous devons sauver les choses les plus précieuses en attendant que tout redevienne stable. 

L'idée de conclure un processus de travail est devenue moins importante pour moi qu'auparavant, c'est plutôt l'énergie qui s'en dégage qui me semble plus pertinente. La création de nouvelles relations et la possibilité de changements entre tous les éléments sont la seule constante dans le dialogue entre les pensées, les actions et les images.

C'è un legame analogico tra la terra e le donne, la figura della Madre Terra. Tuttavia il rapporto di appartenenza alla terra non riguarda solo le donne ma tutti gli esseri umani. /Emilie Hache, Zone critiche/ 

La pioggia e i temporali mi hanno accompagnato per tutto il tragitto mentre attraversavo l'Europa tra Parigi e Vienna. Questa atmosfera imprevedibile ha sicuramente influenzato il mio lavoro al Bildraum Studio durante alcuni mesi di residenza d'artista. E se la Terra, come la conosciamo attualmente, fosse solo un residuo di un antico stato? Salvare ciò che ancora rimane diventa urgente, ma sembra già un'azione disperata. Questo mi ricorda che nelle culture antiche si celebravano i rituali per chiedere grazia e aiuto alle Potenze per evitare i disastri. Abbiamo bisogno di un tale rimedio mentre stiamo già cercando la possibilità di vita su altri pianeti? Stiamo preparando l'umanità ad abbandonare la Terra sempre più inabitabile per un altro luogo e ricominciare tutto da capo? Come membro di una società in via di estinzione la mia percezione della realtà è cambiata nel tempo e infatti ho bisogno di creare rituali come i nostri antenati. 

I miei paesaggi diventano frammentati, ogni parte di essi è come un'offerta votiva per il mondo. Le griglie industriali come dispositivo per unire questi frammenti e metterli in relazione creano una sorta di altari improvvisati per tutti questi elementi preziosi. Che potrebbero essere modulati da ciascuno aggiungendo nuovi elementi mentre siamo minacciati da inondazioni, uragani o incendi.  Dobbiamo salvare le cose più preziose mentre aspettiamo che tutto torni stabile. 

L'idea di concludere un processo di lavoro è diventata per me meno importante di prima, è piuttosto l'energia che ne emerge che mi sembra più rilevante. La creazione di nuove relazioni e la possibilità di cambiamenti tra tutti gli elementi sono l'unica costante nel dialogo tra pensieri, azioni e immagini.

There is an analogue link between earth and women, the figure of Mother Earth. However the relationship of belonging to the land does not concern women only but all human beings. /Emilie Hache, Critical Zones/ 

Rain and storms have accompanied me all the way while crossing Europe between Paris to Vienna. That unpredictable atmosphere has definitely influenced my work  at the Bildraum Studio during a few months of artist residency. What if Earth, as we know it actually, would be  just a remnant of an ancient state? Saving what still remains  becomes urgent but it seems already a desperate action. That reminds me that in ancient cultures the  rituals for asking grace and help from the Powers were celebrated in order to avoid the disasters. Do we need such a remedy while we are already looking for the  possibility of life on other planets? Are we preparing humanity to abandon the increasingly uninhabitable Earth for elsewhere and start all over again? As a member of an endangered society my perception of reality has changed over time and indeed, I need to create rituals as our ancestors. 

My landscapes become fragmented, each part of them is like a  votive offer for the World. Industrial grids as a device to unite these fragments and put them in relation create a kind of improvised altars for all those  precious elements. That could be modulated by each one  by adding new elements while we are threatened by floods, hurricanes or fires.  We have to  save the most precious things while expecting for everything to become stable again. 

The idea of concluding a process of working has become less important to me than before, it is  rather the energy that emerges from it which seems to me more relevant. The creation of new relations and possibility of changes between all the elements are the only constant in the dialogue between thoughts, actions and  images .

(Text: Anzenberger Gallery, Wien)

Casino Luxembourg
3. April - 6. Juni 2021

Die Ausstellung findet im Rahmen des Mois européen de la photographie statt.

Silver Memories
Daphné Le Sergent

Wenn wir an das Ende der Silbererzvorkommen denken und uns einen Fotoabzug anschauen, erblicken wir dann vielleicht unsere eigene Endlichkeit? 

Daphné Le Sergent 

Im Rahmen des 8. Europäischen Monats der Fotografie, der in diesem Jahr unter dem Motto "Rethinking Nature / Rethinking Landscape" steht, präsentiert Daphné Le Sergent (*1975), eine französische Künstlerin koreanischer Herkunft, ihre Landschaftsserie Silver Memories, die Fotografie, Zeichnung und Video miteinander kombiniert.  

Ausgehend von der Hypothese, dass die Silbererzvorkommen bald erschöpft sein werden, konstruiert Daphné Sergent eine hybride künstlerische Erzählung, in der das fotografische Verfahren der Silbergelatine-Prints im Zentrum künstlerischer, ökonomischer und ökologischer Fragen steht. Ihr multimediales Werk – bestehend aus einer Videoprojektion sowie einer eigens für die Räumlichkeiten des Casino Luxembourg geschaffenen Installation aus Fotografien und Zeichnungen auf Foto – veranschaulicht auf einfühlsame Weise die Produktionskette in der Analogfotografie, angefangen von der Silbergewinnung bis zu schwankenden Börsenkursen.  

In ihren Zeichnungen auf Foto scheint der Bleistift die Stelle des Silbers einzunehmen und die skripturale Spur über das fotografische Register zu herrschen. Das Spiel mit den Maßstäben, das an die Überlegungen Walter Benjamins über das Verhältnis zwischen Nähe und Ferne, zwischen auratischer Projektion in den Tiefen des Materials und parodistischer Reflexion auf den Oberflächen anknüpft, ist zugleich eine Anspielung auf die Bildästhetik des späten 19. Jahrhunderts. 

Daphné Le Sergent (*1975 Südkorea; lebt und arbeitet in Frankreich) betreibt sowohl künstlerische als auch theoretische Forschung zu Vorstellungen von Schize (Spaltung) und Grenze. Durch verschiedene Anordnungen (Foto- oder Video-Polyptychen) oder das Erzeugen einer Spannung zwischen verschiedenen Bildzonen (Zeichnung auf Foto) erzeugt sie in ihrer Arbeit eine Dissoziation in der unmittelbaren visuellen Wahrnehmung, um eine Spaltung, einen Bruch im intimen Blickraum zu vergegenwärtigen.

Envisager la fin du minerai d’argent et poser son regard sur une photo argentique, cela pourrait-il être un regard porté sur sa propre finitude ? Daphné Le Sergent 

Dans le cadre de la 8e édition du Mois européen de la photographie, placée cette année sous le thème « Rethinking Nature / Rethinking Landscape », Daphné Le Sergent (*1975), artiste française d’origine coréenne, présente Silver Memories, un ensemble de paysages combinant photographie, dessin et vidéo.

En posant l’hypothèse que le minerai d’argent est en train de se raréfier, elle construit un narratif artistique hybride où la photographie argentique est au centre du questionnement des enjeux artistiques, économiques et écologiques. Sa proposition multimédia – une projection vidéo, d’une part, et une installation composée de photographies et de photographies-dessins créées spécialement pour l’espace du Casino Luxembourg, de l’autre – montre de façon sensible la chaîne de production de la photographie argentique, de l’extraction minière aux fluctuations boursières.  

Dans ses dessins sur photographie, la mine de plomb semble se substituer à l’argentique et la trace scripturale dominer l’index photographique. Le jeu de l’échelle – le rapport du proche et du lointain benjaminien, entre projection auratique dans les profondeurs de la matière et réflexion parodique émergeant des surfaces – est aussi un clin d’œil à l’esthétique pictorialiste de la fin du 19e siècle. 

Daphné Le Sergent (née en 1975 en Corée du Sud ; vit et travaille en France) mène des recherches à la fois artistiques et théoriques autour des notions de schize et de frontières. C’est au travers de divers agencements (polyptiques photo ou vidéo) ou de la mise en tension de différentes zones dans l’image (photographie-dessin) que son travail crée une dissociation dans la perception directe des visuels pour rendre compte de la présence d’une scission, d’une fêlure dans l’espace intime du regard. 

When contemplating the end of silver ore and looking at a silver halide photograph, are we possibly observing our own finitude? Daphné Le Sergent   

As part of the 8th edition of the European Month of Photography, titled "Rethinking Nature / Rethinking Landscape", the Korean-born French artist Daphné Le Sergent (b. 1975) presents Silver Memories, a series of landscape representations combining photography, drawing and video. 

Based on the assessment that silver ore is becoming increasingly rare, Le Sergent constructs a hybrid artistic narrative where analogue photography plays a pivotal role in investigating topical artistic, economic and ecological issues. Consisting of a video projection and an installation of photographs and photo-drawings created specifically for the exhibition space at Casino Luxembourg, her sensitive multimedia work charts the production of silver halide film from mining to stock market variations.  

In her pencil drawings on photographs, the graphite appears to take the place of the silver, and the written trace dominates the photographic index. Her play with scale, which draws on Walter Benjamin’s observations on the relationship between near and far, between the auratic projection in the depths of the matter and the parodic reflection emerging from its surface, also nods to the late nineteenth-century pictorialist aesthetic.  

Daphné Le Sergent (b. 1975 in South Korea, lives and works in France) conducts artistic and theoretical research around the concepts of schism and border. By means of varying arrangements (photo or video polyptychs) and confrontations of different image areas (photo-drawings), she creates a dissociation in the direct perception of the image that evidences the gaps or cracks in the intimate sphere of the gaze.  

(Text: Casino Luxembourg)