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A WORLD IN COMMON - Contemporary African Photography | C/O Berlin Foundation | Berlin
Feb.
1
bis 7. Mai
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

A WORLD IN COMMON - Contemporary African Photography | C/O Berlin Foundation | Berlin

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

A WORLD IN COMMON - Contemporary African Photography

Kelani Abass, Atong Atem, Malala Andrialavidrazana, Edson Chagas, Kudzanai Chiurai, Rotimi Fani-Kayode, Maïmouna Guerresi, Hassan Hajjaj, Délio Jasse, Samson Kambalu, Kiripi Katembo, Lebohang Kganye, Sabelo Mlangeni, Mário Macilau, Fabrice Monteiro, Aïda Muluneh, George Osodi, Dawit L. Petros, Zina Saro- Wiwa, Khadija Saye

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography

Dit, 2015 © Atong Atem. Courtesy of MARS and the artist

Die Ausstellung versammelt Werke von mehr als 20 Künstler:innen und verfolgt das Ziel, die Vorstellung von Afrika in der globalen Wahrnehmung neu zu definieren. Inspiriert vom historischen kulturellen Reichtum des Kontinents und seiner gegenwärtigen sozio-politischen Landschaft bezieht sich die Ausstellung auf die Philosophie des kamerunischen Denkers Achille Mbembe, der vorschlägt, eine „gemeinsame Welt“ zu imaginieren, indem wir „die Welt von Afrika aus denken“. Die Ausstellung möchte konventionelle Wahrnehmungen herausfordern und eine Sicht auf Afrika fördern, die den Kontinent in das Zentrum einer geteilten globalen Zukunft stellt. In ihrer Kunst wenden sich die Fotograf:innen und Filmemacher:innen gegen die Beschränkungen, die ihnen oft durch stereotype Darstellungen auferlegt werden. Sie betonen die vielfältigen Realitäten des Kontinents sowie sein Potenzial, menschliche Geschichten zu beeinflussen. Die Ausstellung gliedert sich in drei thematische Abschnitte, die sich den Themen Identität und Tradition, Gegen-Geschichten und imaginierten Zukünften widmen.

Organisiert von Tate Modern, London in Kollaboration mit C/O Berlin.

Gefördert durch die Art Mentor Foundation Lucerne und Wolfgang Tillmans.

Dawit L. Petros, Ohne Titel, (Prolog III), Nouakchott, Mauretanien, 2016 © Dawit L. Petros. Courtesy of the artist and Tiwani Contemporary

L'exposition rassemble les œuvres de plus de 20 artistes et a pour objectif de redéfinir l'idée de l'Afrique dans la perception globale. Inspirée par la richesse culturelle historique du continent et son paysage sociopolitique actuel, l'exposition se réfère à la philosophie du penseur camerounais Achille Mbembe, qui propose d'imaginer un « monde commun » en « pensant le monde à partir de l'Afrique ». L'exposition vise à défier les perceptions conventionnelles et à promouvoir une vision de l'Afrique qui transmet le continent au cœur d'un avenir mondial partagé. Dans leur art, les photographes et les cinéastes s'opposent aux restrictions souvent imposées par des représentations stéréotypées. Ils mettent l'accent sur les multiples réalités du continent et sur son potentiel à influencer les histoires humaines. L'exposition s'articule en trois sections thématiques consacrées à l'identité et à la tradition, aux contre-récits et aux futurs imaginés.

Organisée par la Tate Modern, Londres en collaboration avec C/O Berlin.

Soutenue par l'Art Mentor Foundation Lucerne et Wolfgang Tillmans.

Rotimi Fani-Kayode, Adebiyi, 1989 © Rotimi Fani-Kayode. Courtesy of Autograph, London

La mostra riunisce le opere di oltre 20 artisti e mira a ridefinire l'idea di Africa nella percezione globale. Ispirata alla ricchezza storico-culturale del continente e al suo attuale panorama socio-politico, la mostra si ispira alla filosofia del pensatore camerunense Achille Mbembe, che propone di immaginare un “mondo comune” “pensando il mondo dall'Africa”. La mostra intende sfidare le percezioni convenzionali e promuovere una visione dell'Africa che ponga il continente al centro di un futuro globale condiviso. Nella loro arte, i fotografi e i registi sfidano i limiti spesso imposti da rappresentazioni stereotipate. Sottolineano le diverse realtà del continente e il suo potenziale di influenzare le storie umane. La mostra è suddivisa in tre sezioni tematiche che esplorano i temi dell'identità e della tradizione, delle controstorie e dei futuri immaginari.

Organizzata dalla Tate Modern di Londra in collaborazione con C/O Berlin.

Sostenuta dalla Fondazione Art Mentor di Lucerna e da Wolfgang Tillmans.

Kiripi Katembo, Evolution, 2008–2013, aus der Serie Un regard © Fondation Kiripi Katembo Siku. Courtesy MAGNIN-A Gallery, Paris

The exhibition brings together works by more than 20 artists and aims to redefine the idea of Africa in the global perception. Inspired by the continent's historical cultural richness and its current socio-political landscape, the exhibition draws on the philosophy of the Cameroonian thinker Achille Mbembe, who proposes imagining a “common world” by “thinking the world from Africa”. The exhibition aims to challenge conventional perceptions and promote a view of Africa that places the continent at the center of a shared global future. In their art, the photographers and filmmakers challenge the limitations that are often imposed on them by stereotypical representations. They emphasize the continent's diverse realities as well as its potential to influence human stories. The exhibition is divided into three thematic sections, dedicated to the themes of identity and tradition, counter-histories, and imagined futures.

Organized by Tate Modern, London in collaboration with C/O Berlin.

Supported by the Art Mentor Foundation Lucerne and Wolfgang Tillmans.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

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Protektorat . C/O Berlin Talent Award 2024 - Silvia Rosi | C/O Berlin Foundation | Berlin
Feb.
1
bis 7. Mai
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Protektorat . C/O Berlin Talent Award 2024 - Silvia Rosi | C/O Berlin Foundation | Berlin

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

Protektorat . C/O Berlin Talent Award 2024
Silvia Rosi

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography

ABC – Grafton G2651, 2022 © Silvia Rosi, produziert mit Unterstützung der MAXXI Foundation und BVLGARI

In Protektorat setzt sich die italienische Künstlerin Silvia Rosi mit ihren togolesischen Wurzeln auseinander und beleuchtet Kommunikations- und Zeichensysteme in kolonialen und hegemonialen Machtstrukturen. Ausgehend von Archivmaterial des Nationalarchivs von Togo macht sie auf die flächendeckende Verbreitung westlicher Systeme während der kolonialen Besetzung Togos seitens des Deutschen Reiches sowie britischen und französischen Streitkräften aufmerksam. Der Akt des Erzählens findet in Protektorat über multiple Bildformen und Sinnes-ebenen statt: In Stand- und Bewegtbildern mit Ton können wir sehen und hören wie lokale Sprache, Traditionen und Bildkultur während der Kolonialherrschaft überschrieben oder unterdrückt wurden. Protagonistin der Arbeiten ist immer Rosi selbst, womit sie wirkungsvoll ihre persönliche Erfahrung in der kollektiven Erzählung einbettet.

Seit 2020 wird der C/O Berlin Talent Award durch die Alexander Tutsek-Stiftung ermöglicht.

Bearbeitetes Archivmaterial aus dem Nationalarchiv, Lomé, Togo © Silvia Rosi

Dans Protektorat, l'artiste italienne Silvia Rosi se penche sur ses racines togolaises et met en lumière les systèmes de communication et de signes dans les structures de pouvoir coloniales et hégémoniques. En se basant sur des archives des Archives nationales du Togo, elle attire l'attention sur la diffusion généralisée des systèmes occidentaux pendant l'occupation coloniale du Togo par l'Empire allemand et les forces armées britanniques et françaises. Dans Protektorat, l'acte de raconter se fait par le biais de multiples formes d'images et de niveaux de sens : Dans des images fixes et animées avec son, nous pouvons voir et entendre comment la langue, les traditions et la culture visuelle locales ont été écrasées ou réprimées pendant la domination coloniale. La protagoniste des travaux est toujours Rosi elle-même, ce qui lui permet d'intégrer efficacement son expérience personnelle dans le récit collectif.

Depuis 2020, le C/O Berlin Talent Award est rendu possible grâce à la fondation Alexander Tutsek.

VL00017–300, 2024 © Silvia Rosi

In Protettorato, l'artista italiana Silvia Rosi esplora le sue radici togolesi e fa luce sui sistemi di comunicazione e di segni nelle strutture di potere coloniali ed egemoniche. Basandosi su materiale d'archivio proveniente dall'Archivio Nazionale del Togo, l'artista richiama l'attenzione sull'ampia diffusione dei sistemi occidentali durante l'occupazione coloniale del Togo da parte dell'Impero tedesco e delle forze britanniche e francesi. L'atto di narrazione si svolge in Protektorat attraverso molteplici forme visive e livelli sensoriali: Nelle immagini fisse e in movimento con il sonoro, possiamo vedere e sentire come la lingua, le tradizioni e la cultura visiva locali siano state sovrascritte o soppresse durante la dominazione coloniale. Rosi stessa è sempre la protagonista delle opere, inserendo efficacemente la sua esperienza personale nella narrazione collettiva.

Dal 2020, il C/O Berlin Talent Award è reso possibile dalla Alexander Tutsek-Stiftung.

Bearbeitetes Archivmaterial aus dem Nationalarchiv, Lomé, Togo © Silvia Rosi

In Protektorat, Italian artist Silvia Rosi engages with her Togolese roots and sheds light on systems of communication and signs in colonial and hegemonic power structures. Based on archival material from the National Archives of Togo, she draws attention to the widespread dissemination of Western systems during the colonial occupation of Togo by the German Reich, as well as British and French forces. The act of storytelling takes place in a protectorate of multiple image forms and sensory levels: in still and moving images with sound, we can see and hear how local language, traditions, and visual culture were overwritten or suppressed during colonial rule. The protagonist of the works is always Rosi herself, effectively embedding her personal experience in the collective narrative.

Since 2020, the C/O Berlin Talent Award has been made possible by the Alexander Tutsek-Stiftung.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

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Under the Sun - Sam Youkilis | C/O Berlin Foundation | Berlin
Feb.
1
bis 7. Mai
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Under the Sun - Sam Youkilis | C/O Berlin Foundation | Berlin

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

Under the Sun
Sam Youkilis

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography

9/4/2024, 6:30 AM © Sam Youkilis

Mit viel Liebe zum Detail, zu Licht und satten Farben fängt Sam Youkilis die Sehnsüchte und Verheißungen des Reisens sowie die Schönheit des Alltäglichen ein. Neben erfolgreichen Auftragsarbeiten in der kommerziellen Modefotografie, nimmt der 1993 in New York geborene Fotograf und Filmemacher seine beruflichen Reisen zum Anlass, um in kurzen Filmen und Videoporträts menschliche Gesten, Emotionen und Interaktionen sowie alteingesessene Handwerke und lokale Traditionen zu dokumentieren. Als Pionier einer neuen Form des visuellen Geschichtenerzählens arbeitet Youkilis mit dem iPhone und nutzt das soziale Netzwerk Instagram als Plattform, um seine zu Themenclustern zusammengestellten Beobachtungen mit zahlreichen Followern zu teilen. Aus vermeintlich banalen Szenen schafft er ein visuelles Archiv an der Schnittstelle von Straßen-, Reise-, Food- und Dokumentarfotografie, das sowohl die vertrauten Tropen und Klischees des Reisens bedient als auch auf universelle Themen menschlicher Erfahrung verweist. C/O Berlin präsentiert Sam Youkilis‘ erste institutionelle Einzelausstellung.

Ermöglicht durch die Art Mentor Foundation Lucerne.

August 10, 2022, 10:24 AM © Sam Youkilis

Avec un grand souci du détail, de la lumière et des couleurs saturées, Sam Youkilis capture les aspirations et les promesses du voyage ainsi que la beauté du quotidien. Outre des travaux de commande réussis dans la photographie de mode commerciale, le photographe et cinéaste né à New York en 1993 profite de ses voyages professionnels pour documenter, dans des courts métrages et des portraits vidéo, des gestes humains, des émotions et des interactions ainsi que des métiers ancestraux et des traditions locales. Pionnier d'une nouvelle forme de narration visuelle, Youkilis travaille avec l'iPhone et utilise le réseau social Instagram comme plateforme pour partager ses observations, regroupées par thèmes, avec de nombreux followers. À partir de scènes prétendument banales, il crée une archive visuelle à la croisée de la photographie de rue, de voyage, de nourriture et de documentaire, qui sert à la fois les tropes et les clichés familiers du voyage et renvoie à des thèmes universels de l'expérience humaine. C/O Berlin présente la première exposition individuelle institutionnelle de Sam Youkilis.

Permis par l'Art Mentor Foundation Lucerne

October 30, 2021, 4:44 PM © Sam Youkilis

Con grande attenzione ai dettagli, alla luce e alla ricchezza dei colori, Sam Youkilis cattura i desideri e le promesse dei viaggi e la bellezza del quotidiano. Oltre a lavorare con successo su commissione nel campo della fotografia commerciale di moda, il fotografo e regista, nato a New York nel 1993, utilizza i suoi viaggi professionali come opportunità per documentare i gesti, le emozioni e le interazioni umane, nonché l'artigianato di lunga data e le tradizioni locali in cortometraggi e ritratti video. Pioniere di una nuova forma di narrazione visiva, Youkilis lavora con l'iPhone e utilizza il social network Instagram come piattaforma per condividere le sue osservazioni, organizzate in gruppi tematici, con numerosi follower. A partire da scene apparentemente banali, crea un archivio visivo all'incrocio tra fotografia di strada, di viaggio, di cibo e documentaria, che si rifà sia a tropi e cliché familiari del viaggio sia a temi universali dell'esperienza umana. C/O Berlin presenta la prima mostra personale istituzionale di Sam Youkilis.

Resa possibile dalla Fondazione Art Mentor di Lucerna.

May 30, 2023, 10:20 AM © Sam Youkilis

With great attention to detail, light and saturated colors, Sam Youkilis captures the yearning and promise of travel as well as the beauty of everyday life. In addition to successful commercial fashion photography assignments, the photographer and filmmaker, who was born in New York in 1993, uses his professional travels as an opportunity to document human gestures, emotions and interactions, as well as long-established crafts and local traditions, in short films and video portraits. A pioneer of a new form of visual storytelling, Youkilis works with the iPhone and uses the social network Instagram as a platform to share his observations, which he organizes into thematic clusters, with numerous followers. From seemingly mundane scenes, he creates a visual archive at the intersection of street, travel, food, and documentary photography that both draws on the familiar tropes and clichés of travel and points to universal themes of human experience. C/O Berlin presents Sam Youkilis' first institutional solo exhibition.

Made possible by the Art Mentor Foundation Lucerne.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

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Seiichi Furuya – Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87 | Galerie Thomas Fischer | Berlin
Feb.
28
bis 12. Apr.
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Seiichi Furuya – Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87 | Galerie Thomas Fischer | Berlin

Galerie Thomas Fischer | Berlin
28. Februar – 12. April 2025

Seiichi Furuya – Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

© Seiichi Furuya

Als die Stadt Berlin sich 1987 anschickte ihr 750-jähriges Bestehen zu feiern, kamen in der Stadtmitte mehrere große Baustellen zum Abschluss. Im Mai etwa wurde das wiedererrichtete Nikolaiviertel mitsamt der rekonstruierten Nikolaikirche der Öffentlichkeit übergeben. Die Rekonstruktion des historischen Altstadtviertels am Spreeufer hatte mehrere Jahre in Anspruch genommen. Im Wettbewerb zwischen Ost und West um das „wahre Berlin“ hatte die SED den Fokus trotz knapper Ressourcen auf den Wiederaufbau des historischen Stadtkerns gelegt. Zum Höhepunkt der Festlichkeiten zog am 4. Juli 1987 ein zehn Kilometer langer Festumzug mit rund 43.000 Mitwirkenden durch das Ost-Berliner Zentrum und an einer Tribüne mit SED Funktionären und Ehrengästen vorbei. Rund 300 ausgewählte Episoden der Berliner Stadtgeschichte wurden szenisch nachgestellt und die Errungenschaften des realen Sozialismus gefeiert. Der Umzug spiegelte sowohl die selektive Haltung der SED-Führung zur deutschen Geschichte als auch eine Wahrnehmungsverweigerung der krisenhaften Gegenwart wider. Doch die Agonie war schon spürbar. Nur drei Jahre später war die DDR selbst Geschichte.

Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87 von Seiichi Furuya ist eine Projektion mit 690 Bildern, größtenteils in Schwarz-weiß, manchmal auch in Farbe. Die Abfolge der Bilder ist zufällig und setzt sich immer anders zusammen. Der Großteil der Bilder wurde im vergangenen Jahr zum ersten Mal gezeigt. Die Bilder, die Seiichi Furuya im Umfeld der 750-Jahr-Feierlichkeiten und auf anderen Volksfesten dieser Zeit aufgenommen hat, sind Aufnahmen eines Beobachters. Sein Motiv: ein riesiges absurdes Geschichtstheater. Mit einem LKW-Oldtimer wird „Aktivisten der ersten Stunde“ gehuldigt, eine Gruppe von Tanzmariechen wartet Unter den Linden auf ihren Auftritt, ein Banner mit der Aufschrift „Berlin – Zentrum der deutschen Linken“ wird auf der Höhe des Zeughauses in Mitte über die Straße getragen, Jungpioniere mit Trompeten, FDJler im Blauhemd mit roten Fahnen, ein Spielmannszug vor dem Roten Rathaus in Uniformen, die an den historischen Rotfrontkämpferbund erinnern. Furuya, der zwischen 1984 und 1987 in der DDR lebte, fotografierte sowohl die Darbietungen auf den Bühnen und Straßen wie auch das Publikum. Da sind staunende Kinder und wenig enthusiastische Erwachsene zu sehen. Auffällig unauffällig stehen da oft auch grimmig dreinschauende Männer und Frauen am Rand. Das müssen wohl die wachsamen Mitarbeiter der Staatssicherheit in Zivil gewesen sein.

Architektur zieht sich wie ein roter Faden durch die Bilder Furuyas. Zu den Ost-Berliner Prestigebauten jener Zeit gehörte auch das Grand Hotel an der Friedrichstraße Ecke Behrenstraße, welches am 1. August 1987 in Betrieb genommen wurde. Die postmoderne Interpretation klassizistischer Repräsentationsarchitektur wurde vom DDR-Generalbaudirektor Erhardt Gißke und dem japanischen Baukonsortium Kajima Corporation projektiert. Furuya arbeitete als Übersetzer für das Unternehmen. Ins Bild kommen auch Plattenbauten, ebenso wie der Palast der Republik, die Volksbühne oder das Kino International. Auch die Berliner Mauer, das absurdeste Bauwerk des 20. Jahrhunderts, fotografiert Furuya öfters. Er nimmt sie von beiden Seiten auf. Fotografien von der Westseite Berlins speist er in seine Erzählung ein. So wird das Bild der Stadt vollständig.

Er hätte damals eigentlich nur für sich fotografiert, erzählte Furuya einmal in einem Interview. „Gegen das Vergessen. Denn wenn ich zurückdenke und da ist ein Loch in meiner Erinnerung, dann habe ich ein ungutes Gefühl. Also muss ich mein Leben dokumentieren. Ich finde, das ist meine vordringlichste Aufgabe.“ Die Seltsamkeiten des DDR-Alltags jener Jahre werden durch Furuyas Kamera mit einer gewissen Kühle und Distanz, jedoch gänzlich ohne Arroganz registriert. Was mag das wohl sein, das „wahre Berlin“? Ein Phantom, ein flüchtiger Mythos und ein ewiges Puzzle. Furuya ist es gelungen, sich mit der Kamera dem Geist Berlins Mitte der 1980er-Jahre zu nähern. In seinen Bildern blitzt er kurz auf, bevor er wieder im Sturm der Geschichte verschwindet.

© Seiichi Furuya

En 1987, alors que la ville de Berlin s'apprêtait à fêter son 750e anniversaire, plusieurs grands chantiers ont été menés à bien dans le centre-ville. En mai, par exemple, le quartier Nikolaiviertel reconstruit, y compris l'église Nikolaikirche, a été ouvert au public. La reconstruction du quartier historique de la vieille ville sur les rives de la Spree avait pris plusieurs années. Dans la compétition entre l'Est et l'Ouest pour le « vrai Berlin », le SED avait mis l'accent sur la reconstruction du centre historique de la ville malgré des ressources limitées. Au point culminant des festivités, le 4 juillet 1987, un cortège de dix kilomètres avec environ 43 000 participants a traversé le centre de Berlin-Est et est passé devant une tribune où se trouvaient des fonctionnaires du SED et des invités d'honneur. Environ 300 épisodes choisis de l'histoire de la ville de Berlin ont été reconstitués de manière scénique et les acquis du socialisme réel ont été célébrés. Le défilé reflétait à la fois l'attitude sélective des dirigeants du SED vis-à-vis de l'histoire allemande et un refus de percevoir le présent en crise. Pourtant, l'agonie était déjà perceptible. Trois ans plus tard seulement, la RDA elle-même faisait partie de l'histoire.

Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87 de Seiichi Furuya est une projection de 690 visuels, en grande partie en noir et blanc, parfois en couleur. La succession des visuels est aléatoire et se compose toujours différemment. La plupart des visuels ont été montrés pour la première fois l'année dernière. Les visuels que Seiichi Furuya a pris dans le cadre des festivités du 750e anniversaire et d'autres fêtes populaires de l'époque sont des prises de vue d'un observateur. Son motif : un immense théâtre historique absurde. On rend hommage à des « activistes de la première heure » avec un camion d'époque, un groupe de danseuses attend son tour sous les tilleuls, une bannière portant l'inscription « Berlin - centre de la gauche allemande » est portée à travers la rue à la hauteur de l'arsenal de Mitte, des jeunes pionniers avec des trompettes, des FDJ en chemise bleue avec des drapeaux rouges, une fanfare devant la mairie rouge dans des uniformes qui rappellent l'historique Rotfrontkämpferbund. Furuya, qui a vécu en RDA entre 1984 et 1987, a photographié aussi bien les spectacles sur les scènes et dans les rues que le public. On y voit des enfants émerveillés et des adultes peu enthousiastes. Des hommes et des femmes à l'air féroce se tiennent souvent au bord, sans se faire remarquer. Il devait s'agir de collaborateurs vigilants de la sécurité d'État en civil.

L'architecture est le fil conducteur des visuels de Furuya. Parmi les constructions prestigieuses de Berlin-Est de l'époque, il y avait le Grand Hôtel, situé à l'angle de la Friedrichstrasse et de la Behrenstrasse, qui a été mis en service le 1er août 1987. Cette interprétation postmoderne de l'architecture de représentation classique a été conçue par le directeur général de l'architecture de la RDA, Erhardt Gißke, et le consortium de construction japonais Kajima Corporation. Furuya a travaillé comme traducteur pour l'entreprise. Des bâtiments en préfabriqué entrent également dans le visuel, tout comme le Palast der Republik, la Volksbühne ou le Kino International. Furuya photographie aussi souvent le mur de Berlin, l'ouvrage le plus absurde du 20e siècle. Il le prend en photo des deux côtés. Il intègre à son récit des photographies du côté ouest de Berlin. Le visuel de la ville devient ainsi complet.

Furuya a raconté un jour dans une interview qu'à l'époque, il n'avait photographié que pour lui-même. « Contre l'oubli. Car si je pense en arrière et qu'il y a un trou dans ma mémoire, j'ai un sentiment de malaise. Je dois donc documenter ma vie. Je pense que c'est ma tâche la plus urgente ». Les bizarreries du quotidien de la RDA de ces années-là sont enregistrées par la caméra de Furuya avec une certaine froideur et distance, mais totalement sans arrogance. Qu'est-ce que c'est que le « vrai Berlin » ? Un fantôme, un mythe éphémère et un puzzle éternel. Furuya a réussi à s'approcher de l'esprit de Berlin au milieu des années 1980 avec sa caméra. Dans ses visuels, il apparaît brièvement avant de disparaître à nouveau dans la tempête de l'histoire.

© Seiichi Furuya

Mentre la città di Berlino si preparava a celebrare il suo 750° anniversario nel 1987, diversi importanti cantieri nel centro della città si sono conclusi. A maggio, ad esempio, è stato aperto al pubblico il ricostruito Nikolaiviertel, compresa la Nikolaikirche. La ricostruzione del quartiere storico della città vecchia sulle rive della Sprea ha richiesto diversi anni. Nella competizione tra Est e Ovest per la “vera Berlino”, la SED si era concentrata sulla ricostruzione del centro storico, nonostante la scarsità di risorse. I festeggiamenti culminarono il 4 luglio 1987 con una parata di dieci chilometri con circa 43.000 partecipanti attraverso il centro di Berlino Est e davanti a una tribuna con funzionari della SED e ospiti d'onore. Vennero rievocati circa 300 episodi scelti della storia della città di Berlino e vennero celebrate le conquiste del socialismo reale. La parata rifletteva sia l'atteggiamento selettivo della leadership del SED nei confronti della storia tedesca, sia il rifiuto di riconoscere il presente in crisi. Ma l'agonia era già palpabile. Solo tre anni dopo, la stessa DDR era già storia.

Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87 di Seiichi Furuya è una proiezione con 690 immagini, per lo più in bianco e nero, talvolta anche a colori. La sequenza delle immagini è casuale e viene sempre messa insieme in modo diverso. La maggior parte delle immagini è stata presentata per la prima volta l'anno scorso. Le immagini che Seiichi Furuya ha scattato in occasione delle celebrazioni del 750° anniversario e di altre feste popolari dell'epoca sono il lavoro di un osservatore. Il suo motivo: un enorme e assurdo teatro storico. Un camion d'epoca rende omaggio agli “attivisti della prima ora”, un gruppo di marciatori danzanti attende di esibirsi sulla Unter den Linden, uno striscione con la scritta “Berlino - Centro della Sinistra tedesca” viene trasportato attraverso la strada vicino alla Zeughaus a Mitte, giovani pionieri con le trombe, membri della FDJ in camicia blu con bandiere rosse, una banda in marcia davanti al Rotes Rathaus con uniformi che ricordano la storica Lega dei combattenti del Fronte Rosso. Furuya, che ha vissuto nella DDR tra il 1984 e il 1987, ha fotografato gli spettacoli sui palchi e nelle strade e il pubblico. Si vedono bambini stupiti e adulti poco entusiasti. Uomini e donne sono spesso in piedi in disparte, con un'aria cupa e decisamente poco appariscente. Devono essere i vigili delle forze di sicurezza dello Stato in borghese.

L'architettura scorre come un filo rosso nelle immagini di Furuya. Uno dei prestigiosi edifici di Berlino Est dell'epoca è il Grand Hotel all'angolo tra Friedrichstrasse e Behrenstrasse, inaugurato il 1° agosto 1987. L'interpretazione postmoderna dell'architettura rappresentativa classicista fu progettata dal direttore generale dell'edilizia della DDR Erhardt Gißke e dal consorzio giapponese Kajima Corporation. Furuya ha lavorato come traduttore per la società. Il film include anche edifici prefabbricati come il Palazzo della Repubblica, il teatro Volksbühne e il Cinema Internazionale. Furuya ha anche fotografato spesso il Muro di Berlino, l'edificio più assurdo del XX secolo. Lo ha fotografato da entrambi i lati. Nella sua narrazione inserisce le fotografie del lato ovest di Berlino. Questo completa l'immagine della città.

Una volta Furuya ha dichiarato in un'intervista che all'epoca fotografava solo per se stesso. “Contro l'oblio. Perché quando ripenso al passato e c'è un buco nella mia memoria, ho una brutta sensazione. Quindi devo documentare la mia vita. Credo sia il mio compito più urgente”. Le stranezze della vita quotidiana nella DDR di quegli anni sono registrate dalla macchina da presa di Furuya con una certa freddezza e distanza, ma senza arroganza. Quale potrebbe essere la “vera Berlino”? Un fantasma, un mito fugace e un eterno rompicapo. Furuya è riuscito ad avvicinarsi allo spirito della Berlino della metà degli anni Ottanta con la sua macchina fotografica. Nelle sue immagini, esso lampeggia brevemente prima di scomparire di nuovo nella tempesta della storia.

© Seiichi Furuya

When the city of Berlin prepared to celebrate its 750th anniversary in 1987, several major construction sites in the city centre were completed. In May, for example, the rebuilt Nikolaiviertel, including the reconstructed Nikolaikirche, was opened to the public. The reconstruction of the historic old town quarter on the banks of the Spree had taken several years. In the competition between East and West for the ‘real Berlin’, the SED had placed the focus on the reconstruction of the historic city centre despite scarce resources. At the height of the festivities, on 4 July 1987, a ten-kilometre-long procession with around 43,000 participants passed through the centre of East Berlin and past a grandstand with SED functionaries and guests of honour. Around 300 selected episodes of Berlin's history were re-enacted and the achievements of real socialism celebrated. The procession reflected both the selective attitude of the SED leadership towards German history and a refusal to perceive the critical present. But the agony was already palpable. Only three years later, the GDR itself was history.

Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87 by Seiichi Furuya is a projection of 690 images, mostly black and white, sometimes in colour. The sequence of images is random and always comes together differently. Most of the images were shown for the first time last year. The images that Seiichi Furuya took up during the 750th anniversary celebrations and at other festivals during this time are recordings of an observer. His motif: a huge, absurd theatre of history. A vintage truck pays homage to ‘Aktivisten der ersten Stunde’ , a group of dancing mariechen wait for their turn to perform on Unter den Linden, a banner reading ‘Berlin – Centre of the German Left’ is carried across the street near the Zeughaus in Mitte, young pioneers with trumpets, Free German Youth members in blue shirts with red flags, a marching band in front of the Rotes Rathaus in uniforms reminiscent of the historic Red Front Fighters' League. Furuya, who lived in the GDR between 1984 and 1987, photographed the performances on the stages and streets as well as the audience. There are amazed children and less enthusiastic adults to be seen. Strikingly inconspicuous, grim-looking men and women often stand on the sidelines. These must have been the vigilant employees of the state security in civilian clothes.

Architecture is a recurring theme in Furuya's visuals. Among the prestigious buildings of the time in East Berlin was the Grand Hotel on the corner of Friedrichstrasse and Behrenstrasse, which opened on 1 August 1987. The postmodern interpretation of classical representative architecture was planned by the GDR General Building Director Erhardt Gißke and the Japanese construction consortium Kajima Corporation. Furuya worked for the company as a translator. Prefabricated tower blocks also feature in his visual world, as do the Palast der Republik, the Volksbühne and the Kino International. Furuya also often photographed the Berlin Wall, the most absurd structure of the 20th century. He took it up from both sides. He incorporated photographs of the west side of Berlin into his narrative. This is how the visual of the city becomes complete.

He actually only photographed for himself back then, Furuya once said in an interview. ‘To prevent forgetting. Because when I think back and there is a hole in my memory, I have an uneasy feeling. So I have to document my life. I think that is my most urgent task.’ The strangeness of everyday life in the GDR during those years is registered by Furuya's camera with a certain coolness and distance, but without any trace of arrogance. What, of course, is the ‘real Berlin’? A phantom, a fleeting myth and an eternal puzzle. Furuya has managed to capture the spirit of Berlin in the mid-1980s with his camera. His visuals briefly shine before disappearing again in the storm of history.

(Text: Kito Nedo)

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Will McBride – Die Berliner Jahre | Bröhan Museum | Berlin
März
1
bis 1. Juni
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Will McBride – Die Berliner Jahre | Bröhan Museum | Berlin

Bröhan Museum | Berlin
1. März - 1. Juni 2025

Will McBride – Die Berliner Jahre

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Riverboat Shuffle, Berlin, 1959 © Estate Will McBride/Shawn McBride, Reproduktion: Hans Döring, München

Immer wieder hat der Amerikaner Will McBride (1931–2015) als fotografierender Künstler für Aufsehen gesorgt. Auch wenn McBride kreative Jahre in München, Frankfurt oder in der Toskana verbracht hat: Berlin war und blieb seine Stadt. „Berlin sensibilisierte und änderte meine Sichtweisen“ hat er rückblickend einmal bekannt, „ich hatte die Freiheit zu sehen, wie ich wollte.“ Zehn Jahre nach dem Tod Will McBrides erinnert das Bröhan Museum an den bedeutenden Fotografen, dessen stilbildendes Werk ohne das Nachkriegs-Berlin kaum denkbar ist. In der Schau sind rund 70 Leihgaben zu sehen, die alle aus einer Privatsammlung stammen.

Nach einem Malerei-, Kunstgeschichte- und Illustrationsstudium kam McBride als GI 1953 nach Deutschland. Im Anschluss an seinen Wehrdienst blieb er in Deutschland und arbeitete ab 1959 als Fotograf in Berlin und München. Besondere Erfolge feierte er durch seine Arbeiten für TWEN. Die Zeitschrift, die bis 1971 existierte, wurde 1959 von Adolf Theobald, Rolf Palm und Willy Fleckhaus gegründet. Durch das radikal neue Layout von Fleckhaus und die hervorragenden Fotostrecken war sie eine der wichtigsten Zeitschriften der 1960er Jahre. McBride war der am meisten gebuchte Fotograf der Zeitschrift und publizierte dort 30 Fotoessays. Einen Skandal löste1960 das Porträt seiner schwangeren Frau Barbara im Profil mit enganliegendem Pullover und aufgeknöpfter Jeans aus.

Die Ausstellung „Will McBride – Die Berliner Jahre“ setzt die Reihe der Foto-Ausstellungen im Bröhan Museum fort. Sie antwortet auch unmittelbar auf die Schau „Berlin in einer Hundenacht. Gundula Schulze Eldowy“, die 2024 im Bröhan-Museum zu sehen war. Genauso wie Gundula Schulze Eldowy kommt Will McBride als junger Mensch nach Berlin. Beide sind fasziniert vom Leben in dieser Stadt – Gundula Schulze Eldowy vom Ost-Berliner Milieu der 1970er Jahre in Mitte und Will McBride vom noch nicht von der Mauer getrennten, aber doch sich allmählich auseinanderdividierenden Leben Berlins der 1950er Jahre. Beide sind Beobachtende ihrer Welt, wobei Will McBride bei aller Distanziertheit doch noch mehr Teil des von ihm geschilderten Milieus ist als Gundula Schulze Eldowy bei ihren Aufnahmen. Die Werkserien der beiden sind Dokumente des Berliner Lebens und feinsinnige Hommagen an Berlin.

Stöffie (The ‚Pop Corn‘ Picture), Berlin, Strandbad Wannsee, 1959 © Estate Will McBride/Shawn McBride, Reproduktion: Hans Döring, München

L'Américain Will McBride (1931-2015) n'a cessé de faire parler de lui en tant qu'artiste photographe. Même si McBride a passé des années créatives à Munich, Francfort ou en Toscane : Berlin était et est restée sa ville. « Berlin a sensibilisé et changé ma façon de voir » a-t-il confié un jour avec le recul, “j'avais la liberté de voir comme je voulais”. Dix ans après la mort de Will McBride, le musée Bröhan rend hommage à cet éminent photographe dont l'œuvre stylistique est difficilement concevable sans le Berlin de l'après-guerre. L'exposition présente environ 70 œuvres prêtées, toutes issues d'une collection privée.

Après des études de peinture, d'histoire de l'art et d'illustration, McBride est arrivé en Allemagne en tant que GI en 1953. Après son service militaire, il est resté en Allemagne et a travaillé à partir de 1959 comme photographe à Berlin et à Munich. Il a connu un succès particulier grâce à ses travaux pour TWEN. Ce magazine, qui a existé jusqu'en 1971, a été fondé en 1959 par Adolf Theobald, Rolf Palm et Willy Fleckhaus. Grâce à la mise en page radicalement nouvelle de Fleckhaus et aux excellentes séries de photos, ce fut l'un des magazines les plus importants des années 1960. McBride était le photographe le plus sollicité du magazine et y publia 30 essais photographiques. En 1960, le portrait de sa femme Barbara, enceinte, de profil, vêtue d'un pull moulant et d'un jean déboutonné, a fait scandale.

L'exposition « Will McBride - Les années berlinoises » poursuit la série d'expositions de photos au musée Bröhan. Elle répond aussi directement à l'exposition « Berlin in einer Hundenacht. Gundula Schulze Eldowy », qui a été présentée au musée Bröhan en 2024. Tout comme Gundula Schulze Eldowy, Will McBride arrive à Berlin en tant que jeune homme. Tous deux sont fascinés par la vie dans cette ville - Gundula Schulze Eldowy par le milieu est-berlinois des années 1970 dans le quartier de Mitte et Will McBride par la vie berlinoise des années 1950, qui n'est pas encore séparée par le mur mais qui se divise peu à peu. Tous deux sont des observateurs de leur monde, même si Will McBride, malgré son détachement, fait encore plus partie du milieu qu'il décrit que Gundula Schulze Eldowy dans ses prises de vue. Les séries d'œuvres des deux artistes sont des documents sur la vie berlinoise et des hommages subtils à Berlin.

Waschung, Schloss Salem, 1962 © Estate Will McBride/Shawn McBride, Reproduktion: Hans Döring, München

L'americano Will McBride (1931-2015) ha ripetutamente suscitato scalpore come artista fotografico. Anche se McBride ha trascorso anni creativi a Monaco, Francoforte o in Toscana: Berlino era e rimaneva la sua città. “Berlino ha sensibilizzato e cambiato le mie prospettive”, ha confessato una volta in retrospettiva, ‘avevo la libertà di vedere come volevo’. A dieci anni dalla morte di Will McBride, il Bröhan Museum ricorda l'importante fotografo, il cui lavoro, che ha definito il suo stile, è difficilmente concepibile senza la Berlino del dopoguerra. La mostra presenta circa 70 opere in prestito, tutte provenienti da una collezione privata.

Dopo aver studiato pittura, storia dell'arte e illustrazione, McBride arrivò in Germania come soldato semplice nel 1953. Dopo il servizio militare, rimase in Germania e dal 1959 lavorò come fotografo a Berlino e Monaco. Ha riscosso particolare successo con il suo lavoro per TWEN. La rivista, che è esistita fino al 1971, è stata fondata nel 1959 da Adolf Theobald, Rolf Palm e Willy Fleckhaus. L'impaginazione radicalmente nuova e le eccezionali serie fotografiche di Fleckhaus la resero una delle riviste più importanti degli anni Sessanta. McBride fu il fotografo più richiesto dalla rivista e vi pubblicò 30 saggi fotografici. Il ritratto della moglie Barbara, incinta e di profilo, con un maglione aderente e jeans sbottonati, fece scandalo nel 1960.

La mostra “Will McBride - Gli anni di Berlino” prosegue la serie di mostre fotografiche al Bröhan Museum. È anche una risposta diretta alla mostra “Berlin in einer Hundenacht. Gundula Schulze Eldowy”, esposta al Bröhan Museum nel 2024. Proprio come Gundula Schulze Eldowy, Will McBride è arrivato a Berlino da giovane. Entrambi sono affascinati dalla vita in questa città: Gundula Schulze Eldowy dall'ambiente della Berlino Est degli anni Settanta a Mitte e Will McBride dalla vita nella Berlino degli anni Cinquanta, che non era ancora separata dal Muro ma si stava comunque gradualmente dividendo. Entrambi sono osservatori del loro mondo e Will McBride, con tutto il suo distacco, è ancora più parte dell'ambiente che ritrae di quanto non lo sia Gundula Schulze Eldowy nelle sue fotografie. Le loro serie di opere sono documenti della vita berlinese e sottili omaggi a Berlino.

Kremserfahrt, Nähe Potsdamer Platz, Berlin, 1959 © Estate Will McBride/Shawn McBride, Reproduktion: Hans Döring, München

The American artist Will McBride (1931–2015) repeatedly caused a stir as a photographer. Even though McBride spent creative years in Munich, Frankfurt and Tuscany, Berlin was and remained his city. ‘Berlin sensitised me and changed my perspectives,’ he once admitted in retrospect, ‘I had the freedom to see as I wanted.’ Ten years after the death of Will McBride, the Bröhan Museum is commemorating the important photographer, whose seminal work would have been inconceivable without post-war Berlin. The show includes around 70 loans, all from a private collection.

After studying painting, art history and illustration, McBride came to Germany as a GI in 1953. He remained in Germany after his military service and worked as a photographer in Berlin and Munich from 1959. He enjoyed particular success through his work for TWEN. The magazine, which existed until 1971, was founded in 1959 by Adolf Theobald, Rolf Palm and Willy Fleckhaus. Thanks to Fleckhaus's radically new layout and the outstanding photo series, it was one of the most important magazines of the 1960s. McBride was the magazine's most frequently booked photographer and published 30 photo essays there. In 1960, the portrait of his pregnant wife Barbara in profile, wearing a tight-fitting sweater and unbuttoned jeans, caused a scandal.

The exhibition ‘Will McBride – The Berlin Years’ continues the series of photography exhibitions at the Bröhan Museum. It also directly responds to the show ‘Berlin in a Dog Night. Gundula Schulze Eldowy’, which was on display at the Bröhan Museum in 2024. Like Gundula Schulze Eldowy, Will McBride came to Berlin as a young person. Both are fascinated by life in the city – Gundula Schulze Eldowy by the East Berlin milieu of the 1970s in Mitte and Will McBride by the Berlin of the 1950s, which was not yet divided by the Wall but was already gradually dividing. Both observe their world, although Will McBride, despite his detached approach, is still more part of the milieu he portrays than Gundula Schulze Eldowy is with her photographs. The series of works by both artists are documents of Berlin life and subtle tributes to Berlin.

(Text: Bröhan Museum, Berlin)

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METAMORPHOSIS: Heinz Hajek-Halke´s Photomontages & New Image-Makers | CHAUSSEE 36 Photography | Berlin
März
1
bis 3. Mai
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

METAMORPHOSIS: Heinz Hajek-Halke´s Photomontages & New Image-Makers | CHAUSSEE 36 Photography | Berlin

CHAUSSEE 36 Photography | Berlin
1. März – 3. Mai 2025

METAMORPHOSIS: Heinz Hajek-Halke´s Photomontages & New Image-Makers

Matthieu Bourel, Rebecca Fontaine-Wolf, Heinz Hajek-Halke, Mayumi Hosokura, Noé Sendas, Eva Stenram, Miriam Tölke, K YOUNG

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Der Gassenhauer, 1930, Gelatin silver print © Heinz Hajek-Halke Collection, Courtesy CHAUSSEE 36

Zum 100. Jubiläum der ersten Fotomontagen von Heinz Hajek-Halke feiert die Gruppenausstellung „Metamorphosis“ das Frühwerk (1925 - 1935) des Berliner Künstlers, entdeckt es neu und bringt es in eine Zusammenstellung mit den Werken einer Reihe diverser zeitgenössischer Fotomontage- und Collagekünstler*innen.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) ist ein bedeutender Fotokünstler des 20. Jahrhunderts. Während er in seinen abstrakten kameralosen Werken der 1950er und 1960er Jahre die Grenzen des fotografischen Mediums völlig neu auslotete, fallen seine fotografischen Experimente mit dem Beginn seiner Karriere zusammen.

1924, einige Jahre nachdem er sein Kunst- und Grafikstudium in Berlin abgeschlossen hatte, brachte er sich autodidaktisch das Fotografieren bei. Von diesem Zeitpunkt an arbeitete er als Pressefotograf für verschiedene Agenturen und begeisterte sich vor allem für die experimentelle Arbeit in der Dunkelkammer. Zwischen 1925 und 1931 spezialisierte er sich auf die Fotomontage. Inspiriert von der Ästhetik und den Spezialeffekten des Stummfilms machte sich Hajek-Halke auf die Suche nach neuen visuellen Formen und erforschte in dieser Zeit des intensiven Experimentierens komplexe Techniken, wie das Fixieren einer Bewegungsablfolge auf einer Platte, die Mehrfachbelichtung von mehreren Negativen im Vergrößerer oder in der Kamera und die Fotocollage. Durch das Zusammenfügen von Bildern aus unterschiedlichen Kontexten gelang es ihm, dynamische Kompositionen mit neuer Bedeutung zu schaffen, die an die Montagen der surrealistischen Avantgarde anknüpften.

Aus dieser Zeit stammen seine ikonischen Fotomontagen, die er frei gestaltete oder in der illustrierten Presse und als Teil von Werbeanzeigen veröffentlichte. Eine Auswahl von Vintage-Abzügen aus den Jahren 1925 bis 1935, berühmte und seltene Werke aus der Heinz Hajek-Halke Collection, sind in der Ausstellung zu entdecken. Diese irrealen Bilder, die für die Zeitschriften besonders attraktiv waren, weil sie originell und unterhaltsam waren, machten Hajek-Halke zu einem der gefragtesten „Trickfotografen“ im Berlin der Weimarer Republik. Seine beiden bevorzugten Motive, das Porträt und der weibliche Akt, bilden die Grundlage für überraschende Experimente: Ganze Gesichter und abgeschnittene Körper verlieren ihre Identität, wenn sie mit verschiedenen Motiven wie Straßenszenen, verfallenen Häuserfassaden, Kabarettszenen oder grafischen Mustern überlagert werden. Die Metamorphose funktioniert durch dieses Spiel mit traumhaften Assoziationen auf wunderbare Weise. In seinen Aktmontagen, die zwischen 1930 und 1932 seine Spezialität waren, übertraf sich Hajek-Halke selbst und erfand neue Techniken wie den Spiegeleffekt im Schwarz-Weiß-Akt, ein Bild, das in die Annalen der Fotografie einging, kurz bevor das Dritte Reich seine künstlerische Karriere unterbrach.

Die Fotomontagen aus dieser Zeit, die bereits zu seinen Lebzeiten vielfach veröffentlicht wurden, inspirierten spätere Künstlergenerationen. Im 19. Jahrhundert erfunden hat diese Technik die Kunst und die Populärkultur von den historischen Avantgarden des letzten Jahrhunderts bis hin zur Werbung immer weiter durchdrungen. Mit der zunehmenden Verbreitung von Online-Bildern und digitalen Hybridisierungswerkzeugen ist die Montage ein Zeichen unserer Zeit geblieben. Das zusammengesetzte Bild und seine vielfältigen Techniken der fotografischen Manipulation - Fotokollage, Überlagerung, digitale Montage und Retusche, automatische Bilderzeugung durch KI - stehen im Mittelpunkt der zeitgenössischen künstlerischen Praxis. Die aus zwei verschiedenen Teilen bestehende Ausstellung „Metamorphosis“ bietet eine Wiederentdeckung von Hajek-Halkes Frühwerk und untersucht die Verbindungen zwischen seinen Fotomontagen von Porträts und weiblichem Akt mit dem zeitgenössischen Kunstschaffen.

Die gezeigten Arbeiten variieren zwischen Collagen aus Magazinbildern und Vintage-Fotos (Matthieu Bourel, Miriam Tölke und K YOUNG), digitalen Montagen (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) und Fotomontagen, die aus Mischtechniken bestehen (Rebecca Fontaine-Wolf und Noé Sendas). Die Aneignung externer Bildquellen ist eine Praxis, die fast allen diesen Künstler*innen gemein ist: Teilweise gelöscht oder von anderen Elementen verdeckt, vervielfacht, fragmentiert oder verzerrt, werden die Gesichter und Körper der Originalbilder manipuliert und einer neuen Lesart zugeführt. Poetische Assemblagen, die Erforschung von Fragen zu Identität, Geschlecht und sozialen Konventionen oder die Hinterfragung unserer eigenen Sicht und Wahrnehmung - die Metamorphose der Bilder hört nicht auf, uns zu verzaubern und zu hinterfragen.

A sight for sore eyes, Duplicity VII, 2020, Photographic collage © Matthieu Bourel

À l'occasion du centenaire des premiers photomontages de Heinz Hajek-Halke, l'exposition de groupe « Metamorphosis » célèbre l'œuvre de jeunesse (1925 - 1935) de l'artiste berlinois, la redécouvre et l'associe aux œuvres d'une série de divers artistes contemporains spécialisés dans le photomontage et le collage*.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) est un artiste photographe important du 20e siècle. Alors qu'il a totalement exploré les limites du médium photographique dans ses œuvres abstraites sans caméra des années 1950 et 1960, ses expérimentations photographiques coïncident avec le début de sa carrière.

En 1924, quelques années après avoir terminé ses études d'art et de graphisme à Berlin, il a appris à photographier en autodidacte. À partir de ce moment, il travaille comme photographe de presse pour différentes agences et se passionne surtout pour le travail expérimental en chambre noire. Entre 1925 et 1931, il se spécialise dans le photomontage. Inspiré par l'esthétique et les effets spéciaux du cinéma muet, Hajek-Halke se mit en quête de nouvelles formes visuelles et explora, durant cette période d'expérimentation intensive, des techniques complexes telles que la fixation d'une séquence de mouvements sur une plaque, l'exposition multiple de plusieurs négatifs à l'agrandisseur ou à la caméra et le photocollage. En assemblant des images issues de contextes différents, il parvenait à créer des compositions dynamiques dotées d'une nouvelle signification, qui faisaient écho aux montages de l'avant-garde surréaliste.

C'est de cette époque que datent ses photomontages iconiques, qu'il créait librement ou qu'il publiait dans la presse illustrée et dans le cadre d'annonces publicitaires. Une sélection de tirages vintage des années 1925 à 1935, des œuvres célèbres et rares de la Heinz Hajek-Halke Collection, sont à découvrir dans l'exposition. Ces images irréelles, particulièrement attrayantes pour les magazines parce qu'elles étaient originales et amusantes, ont fait de Hajek-Halke l'un des « photographes de trucage » les plus demandés dans le Berlin de la République de Weimar. Ses deux motifs de prédilection, le portrait et le nu féminin, constituent la base d'expériences surprenantes : des visages entiers et des corps coupés perdent leur identité lorsqu'ils sont superposés à différents motifs tels que des scènes de rue, des façades de maisons délabrées, des scènes de cabaret ou des motifs graphiques. La métamorphose fonctionne à merveille grâce à ce jeu d'associations oniriques. Dans ses montages de nus, qui furent sa spécialité entre 1930 et 1932, Hajek-Halke se surpassa et inventa de nouvelles techniques comme l'effet de miroir dans le nu en noir et blanc, une image qui entra dans les annales de la photographie juste avant que le Troisième Reich n'interrompe sa carrière artistique.

Les photomontages de cette époque, qui ont fait l'objet de nombreuses publications de son vivant, ont inspiré les générations d'artistes suivantes. Inventée au 19e siècle, cette technique n'a cessé d'imprégner l'art et la culture populaire, depuis les avant-gardes historiques du siècle dernier jusqu'à la publicité. Avec la prolifération des images en ligne et des outils d'hybridation numérique, le montage est resté un signe de notre époque. L'image composite et ses multiples techniques de manipulation photographique - photocollage, superposition, montage et retouche numérique, création automatique d'images par IA - sont au cœur des pratiques artistiques contemporaines. Composée de deux parties distinctes, l'exposition « Metamorphosis » propose une redécouverte des premières œuvres de Hajek-Halke et explore les liens entre ses photomontages de portraits et de nus féminins et la création artistique contemporaine.

Les œuvres présentées varient entre des collages d'images de magazines et de photos vintage (Matthieu Bourel, Miriam Tölke et K YOUNG), des montages numériques (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) et des photomontages réalisés à partir de techniques mixtes (Rebecca Fontaine-Wolf et Noé Sendas). L'appropriation de sources d'images externes est une pratique commune à presque tous ces artistes* : partiellement effacés ou masqués par d'autres éléments, multipliés, fragmentés ou déformés, les visages et les corps des images originales sont manipulés et soumis à une nouvelle lecture. Assemblages poétiques, exploration de questions sur l'identité, le genre et les conventions sociales ou remise en question de notre propre vision et perception, la métamorphose des images ne cesse de nous enchanter et de nous interroger.

Memento, 2019, Fine art print © Miriam Tölke, Courtesy Johanna Breede

In occasione del centenario dei primi fotomontaggi di Heinz Hajek-Halke, la mostra collettiva “Metamorphosis” celebra i primi lavori (1925 - 1935) dell'artista berlinese, li riscopre e li accosta alle opere di una serie di vari artisti contemporanei di fotomontaggio e collage.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) è un importante artista fotografico del XX secolo. Mentre esplorava i confini del mezzo fotografico in modo completamente nuovo nelle sue opere astratte e senza macchina fotografica degli anni '50 e '60, i suoi esperimenti fotografici coincidevano con l'inizio della sua carriera.

Nel 1924, pochi anni dopo aver completato gli studi di arte e grafica a Berlino, si auto-apprende la fotografia. Da questo momento in poi, lavora come fotografo per la stampa per diverse agenzie e si dedica con particolare entusiasmo al lavoro sperimentale in camera oscura. Tra il 1925 e il 1931 si specializza nel fotomontaggio. Ispirato dall'estetica e dagli effetti speciali del cinema muto, Hajek-Halke si mise alla ricerca di nuove forme visive e, durante questo periodo di intensa sperimentazione, esplorò tecniche complesse come il fissaggio di una sequenza di movimenti su una lastra, l'esposizione multipla di più negativi nell'ingranditore o nella macchina fotografica e il collage fotografico. Combinando immagini provenienti da contesti diversi, fu in grado di creare composizioni dinamiche con un nuovo significato che riecheggiava i montaggi dell'avanguardia surrealista.

A questo periodo risalgono i suoi iconici fotomontaggi, creati liberamente o pubblicati sulla stampa illustrata e come parte di pubblicità. La mostra presenta una selezione di stampe d'epoca degli anni 1925-1935, opere famose e rare della Collezione Heinz Hajek-Halke. Queste immagini irreali, particolarmente attraenti per le riviste perché originali e divertenti, fecero di Hajek-Halke uno dei “fotografi truccatori” più richiesti a Berlino durante la Repubblica di Weimar. I suoi due motivi preferiti, il ritratto e il nudo femminile, costituiscono la base per esperimenti sorprendenti: volti interi e corpi ritagliati perdono la loro identità quando vengono sovrapposti a vari motivi come scene di strada, facciate di case fatiscenti, scene di cabaret o motivi grafici. La metamorfosi funziona meravigliosamente attraverso questo gioco di associazioni oniriche. Nei montaggi di nudo, che furono la sua specialità tra il 1930 e il 1932, Hajek-Halke superò se stesso e inventò nuove tecniche come l'effetto specchio nel nudo in bianco e nero, un'immagine che entrò negli annali della fotografia poco prima che il Terzo Reich interrompesse la sua carriera artistica.

I fotomontaggi di questo periodo, molti dei quali pubblicati durante la sua vita, hanno ispirato le generazioni di artisti successive. Inventata nel XIX secolo, questa tecnica ha continuato a permeare l'arte e la cultura popolare, dalle avanguardie storiche del secolo scorso alla pubblicità. Con la proliferazione delle immagini online e degli strumenti di ibridazione digitale, il montaggio è rimasto un segno dei nostri tempi. L'immagine composita e le sue diverse tecniche di manipolazione fotografica - fotocollage, sovrapposizione, montaggio e ritocco digitale, generazione automatica di immagini attraverso l'IA - sono al centro della pratica artistica contemporanea. La mostra “Metamorphosis”, composta da due parti diverse, propone una riscoperta dei primi lavori di Hajek-Halke ed esamina le connessioni tra i suoi fotomontaggi di ritratti e nudi femminili e l'arte contemporanea.

Le opere esposte variano tra collage di immagini di riviste e foto d'epoca (Matthieu Bourel, Miriam Tölke e K YOUNG), montaggi digitali (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) e fotomontaggi a tecnica mista (Rebecca Fontaine-Wolf e Noé Sendas). L'appropriazione di fonti d'immagine esterne è una pratica comune a quasi tutti questi artisti: parzialmente cancellati o coperti da altri elementi, moltiplicati, frammentati o distorti, i volti e i corpi delle immagini originali vengono manipolati e interpretati in modo nuovo. Assemblaggi poetici, esplorazione di questioni di identità, genere e convenzioni sociali o messa in discussione dei nostri punti di vista e delle nostre percezioni: la metamorfosi delle immagini non smette mai di incantarci e di interrogarci.

Part 5, 2013, Gelatin silver print © Eva Stenram, Courtesy Eva Stenram & The Ravestijn Gallery

To mark the 100th anniversary of Heinz Hajek-Halke's first photomontages, the group exhibition “Metamorphosis” celebrates the Berlin artist's early work (1925 - 1935), rediscovers it and brings it together with works from a range of contemporary photomontage and collage artists.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) is an important photographic artist of the 20th century. While he explored the boundaries of the photographic medium in a completely new way in his abstract, camera-less works of the 1950s and 1960s, his photographic experiments coincided with the beginning of his career.

In 1924, a few years after completing his art and graphics studies in Berlin, he taught himself photography. From this point onwards, he worked as a press photographer for various agencies and was especially enthusiastic about experimental work in the darkroom. Between 1925 and 1931, he specialised in photomontage. Inspired by the aesthetics and special effects of silent film, Hajek-Halke set out in search of new visual forms and, during this period of intensive experimentation, explored complex techniques such as capturing a sequence of movements on a plate, the multiple exposure of several negatives in the enlarger or in the camera as well as the photo collage. By combining images from different contexts, he succeeded in creating dynamic compositions with a new meaning that drew on the montages of the surrealist avant-garde.

His iconic photomontages, which he designed freely or published in the illustrated press and as part of adverts, date from this period. A selection of vintage prints from the years 1925 to 1935, famous and rare works from the Heinz Hajek-Halke Collection, can be discovered in the exhibition. These unreal images, which were particularly attractive to magazines because they were original and entertaining, made Hajek-Halke one of the most sought-after “special effects photographers” in Berlin during the Weimar Republic. His two favourite motifs, the portrait and the female nude, form the basis for surprising experiments: whole faces and cropped bodies lose their identity when they are superimposed with various motifs such as street scenes, dilapidated house facades, cabaret scenes or graphic patterns. The metamorphosis works marvellously through this play with dreamlike associations. In his nude montages, which were his speciality between 1930 and 1932, Hajek-Halke surpassed himself and invented new techniques such as the mirror effect in the Black-and-white Nude, an image that went down in the annals of photography shortly before the Third Reich interrupted his artistic career.

The photomontages from this period, many of which were published during his lifetime, inspired later generations of artists. Invented in the 19th century, this technique has continued to permeate art and popular culture from the historical avant-gardes of the last century to advertising. With the proliferation of online images and digital hybridisation tools, montage has remained a sign of our times. The composite image and its diverse techniques of photographic manipulation - photocollage, superimposition, digital montage and retouching, automatic image generation using AI - are at the centre of contemporary artistic practice. The exhibition “Metamorphosis”, consisting of two different parts, offers a rediscovery of Hajek-Halke's early work and examines the connections between his photomontages of portraits and female nudes with contemporary art.

The exhibited works vary between collages of magazine images and vintage photos (Matthieu Bourel, Miriam Tölke and K YOUNG), digital montages (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) and photomontages consisting of mixed media (Rebecca Fontaine-Wolf and Noé Sendas). The appropriation of external image sources is a practice common to almost all of these artists: partially erased or covered by other elements, multiplied, fragmented or distorted, the faces and bodies of the original images are manipulated and given a new interpretation. Poetic assemblages, the exploration of questions of identity, gender and social conventions or the questioning of our own views and perceptions - the metamorphosis of the images never ceases to enchant and challenge us.

(Text: CHAUSSEE 36 Photography, Berlin)

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Radical Beauty | f³ – freiraum für fotografie | Berlin
März
7
bis 25. Mai
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Radical Beauty | f³ – freiraum für fotografie | Berlin

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f³ – freiraum für fotografie | Berlin
7. März – 25. Mai 2025

Radical Beauty

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Ohne Titel © Elizaveta Porodina, aus dem Projekt Radical Beauty

Radical Beauty stellt unsere Auffassung von Schönheit, Attraktivität und Ästhetik radikal in Frage. In dem weltweit einzigartigen Fotoprojekt haben über 60 international renommierte Mode- und Kunstfotograf*innen, darunter Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina und Zuzu Valla, gemeinsam mit Menschen mit Down-Syndrom Einzelbilder und Fotoserien entwickelt. In professionellen Studio-Bedingungen sind so überraschende und einzigartige Porträts entstanden. Unter den Protagonist*innen sind erfahrene Darsteller*innen wie die Schauspielerinnen Sarah Gordy (GB) und Lily Moore (USA), die Mehrzahl von ihnen führt jedoch ein Leben außerhalb des Rampenlichts.

Radical Beauty verwischt die Grenzen zwischen den Disziplinen. In der engen Zusammenarbeit zwischen Model und Fotograf*in sind beeindruckende Werke entstanden, welche die Lust am Rollenspiel und am visuellen Experiment transportieren und die einzigartigen Persönlichkeiten der Porträtierten eindrücklich widerspiegeln: Ob zärtliche Intimität, nüchterner Realismus oder pralle Lebensfreude – Radical Beauty zelebriert alle Facetten des menschlichen Seins und feiert die Vielfalt einer inklusiven Gesellschaft.

Der Londoner Modefotograf Sammy Baxter etwa entwarf mit seinem Model Lara Wates eine dystopisch anmutende Inszenierung, in der die Akteurin vor kraftvoll-bunten Hintergründen mit Armen ringt, die scheinbar aus dem Nichts zu kommen scheinen. Brian Griffin hat sich mit Porträts von Popmusiker*innen international einem Namen gemacht, seine in schwarz-weiß aufgenommenen Fotografien erinnern an ein Albumcover. Der Kunstfotograf Erwin Olaf präsentiert seinen Protagonisten mit zurückgegeltem Haar und leuchtend blauen Augen im Stile einer antiken Putte, die schwerelos in schäumendem Wasser zu schweben scheint. Beim näheren Hinsehen entpuppt sich dies als technischer Effekt, der durch die gekonnte Manipulation des Filmmaterials zustande kommt. Die Fashion-Fotografin Elizaveta Porodina inszeniert die Schauspielerin Lily Moore mit farbenfrohem Surrealismus. Die emotionale Symbolik, die ihrer Arbeit zugrunde liegt, ist eine Referenz an ihr Studium der klinischen Psychologie. Die Fotografin Zuzu Valle betrachtet sich als Advokatin für Menschen mit Behinderungen und präsentiert Fotografien von Drag-Queens und Drag-Kings mit Down-Syndrom, die unter die Haut gehen.

Ins Leben gerufen wurde Radical Beauty im Jahr 2018 von dem britischen Kollektiv Culture Device, einer Gruppe von Down-Syndrom-Performer*innen, die bereits im Londoner Royal Opera House, der Tate Modern und im Southbank Centre aufgetreten sind. Unter der künstlerischen Leitung von Daniel Vais ist seitdem ein globales Projekt entstanden, welches zur Sichtbarkeit von Menschen mit kognitiven Behinderungen beiträgt und Menschen mit Down-Syndrom eine Bühne bietet.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Nadine Barth.

Künstlerische Leitung des Projekts: Daniel Vais, Culture Device.

Ohne Titel © Scallywag Fox, aus dem Projekt Radical Beauty

Radical Beauty remet radicalement en question notre conception de la beauté, de l'attractivité et de l'esthétique. Dans le cadre de ce projet photographique unique au monde, plus de 60 photographes* de mode et d'art de renommée internationale, dont Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina et Zuzu Valla, ont développé des images individuelles et des séries de photos en collaboration avec des personnes atteintes du syndrome de Down. Des portraits surprenants et uniques ont ainsi été réalisés dans des conditions de studio professionnel. Parmi les protagonistes*, on trouve des acteurs expérimentés comme les actrices Sarah Gordy (GB) et Lily Moore (USA), mais la plupart d'entre eux mènent une vie hors des feux de la rampe.

Radical Beauty brouille les frontières entre les disciplines. L'étroite collaboration entre le modèle et le photographe* a donné naissance à des œuvres impressionnantes qui véhiculent l'envie de jouer un rôle et d'expérimenter visuellement, tout en reflétant de manière saisissante les personnalités uniques des portraits : Qu'il s'agisse d'intimité tendre, de réalisme sobre ou de joie de vivre débordante, Radical Beauty célèbre toutes les facettes de l'être humain et célèbre la diversité d'une société inclusive.

Le photographe de mode londonien Sammy Baxter a par exemple conçu avec son modèle Lara Wates une mise en scène aux allures dystopiques, dans laquelle l'actrice se débat sur des arrière-plans puissamment colorés avec des bras qui semblent surgir de nulle part. Brian Griffin s'est fait un nom au niveau international avec des portraits de musiciens pop*, ses photographies prises en noir et blanc font penser à une pochette d'album. Le photographe d'art Erwin Olaf présente son protagoniste, les cheveux tirés en arrière et les yeux d'un bleu éclatant, dans le style d'un putto antique qui semble flotter en apesanteur dans une eau écumante. En y regardant de plus près, il s'agit d'un effet technique obtenu par une manipulation habile du matériel cinématographique. La photographe de mode Elizaveta Porodina met en scène l'actrice Lily Moore avec un surréalisme coloré. Le symbolisme émotionnel qui sous-tend son travail est une référence à ses études de psychologie clinique. La photographe Zuzu Valle se considère comme une avocate des personnes handicapées et présente des photographies de drag queens et de drag kings trisomiques qui collent à la peau.

Radical Beauty a été créé en 2018 par le collectif britannique Culture Device, un groupe de performeurs* trisomiques qui se sont déjà produits au Royal Opera House de Londres, à la Tate Modern et au Southbank Centre. Sous la direction artistique de Daniel Vais, un projet global a depuis vu le jour, contribuant à la visibilité des personnes souffrant de handicaps cognitifs et offrant une scène aux personnes atteintes du syndrome de Down.

Le commissariat de l'exposition a été assuré par Nadine Barth.

Direction artistique du projet : Daniel Vais, Culture Device.

Ohne Titel © Elizaveta Porodina, aus dem Projekt Radical Beauty

Radical Beauty mette radicalmente in discussione la nostra percezione della bellezza, dell'attrattiva e dell'estetica. In questo progetto fotografico unico al mondo, oltre 60 fotografi di moda e d'arte di fama internazionale, tra cui Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina e Zuzu Valla, hanno sviluppato immagini individuali e serie fotografiche insieme a persone con sindrome di Down. Ritratti sorprendenti e unici sono stati creati in condizioni di studio professionali. Tra i protagonisti ci sono performer esperti come le attrici Sarah Gordy (Regno Unito) e Lily Moore (USA), ma la maggior parte di loro conduce una vita al di fuori delle luci della ribalta.

Radical Beauty sfuma i confini tra le discipline. La stretta collaborazione tra modella e fotografo ha dato vita a opere di grande impatto che trasmettono il desiderio di gioco di ruolo e di sperimentazione visiva e riflettono in modo impressionante le personalità uniche delle persone ritratte: Che si tratti di tenera intimità, sobrio realismo o piena gioia di vivere, Radical Beauty celebra tutte le sfaccettature della condizione umana e la diversità di una società inclusiva.

Il fotografo di moda londinese Sammy Baxter, ad esempio, ha creato una produzione dall'aspetto distopico con la sua modella Lara Wates, in cui l'attrice lotta con braccia che sembrano uscire dal nulla davanti a sfondi potenti e colorati. Brian Griffin si è fatto un nome a livello internazionale con i suoi ritratti di musicisti pop; le sue fotografie in bianco e nero ricordano le copertine degli album. Il fotografo d'arte Erwin Olaf presenta il suo protagonista con i capelli sciolti e gli occhi azzurri brillanti nello stile di un antico cherubino che sembra galleggiare senza peso nell'acqua schiumosa. A ben guardare, si tratta di un effetto tecnico creato da un'abile manipolazione del materiale cinematografico. La fotografa di moda Elizaveta Porodina mette in scena l'attrice Lily Moore con un colorato surrealismo. Il simbolismo emotivo alla base del suo lavoro è un riferimento ai suoi studi di psicologia clinica. La fotografa Zuzu Valle si considera una sostenitrice delle persone con disabilità e presenta fotografie di drag queen e drag king con sindrome di Down che entrano nella pelle.

Radical Beauty è stato creato nel 2018 dal collettivo britannico Culture Device, un gruppo di performer con sindrome di Down che si è già esibito alla Royal Opera House di Londra, alla Tate Modern e al Southbank Centre. Sotto la direzione artistica di Daniel Vais, è nato un progetto globale che contribuisce alla visibilità delle persone con disabilità cognitive e offre alle persone con sindrome di Down un palcoscenico.

La mostra è stata curata da Nadine Barth.

Direzione artistica del progetto: Daniel Vais, Dispositivo culturale.

Ohne Titel © Zuzia Zawada, aus dem Projekt Radical Beauty

Radical Beauty radically questions our perception of beauty, attractiveness and aesthetics. In this globally unique photo project, over 60 internationally renowned fashion and art photographers, including Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina and Zuzu Valla, worked together with people with Down syndrome to develop individual images and photo series. Surprising and unique portraits were created in professional studio conditions. The protagonists include experienced performers such as actresses Sarah Gordy (UK) and Lily Moore (USA), but the majority of them lead a life outside the limelight.

Radical Beauty blurs the boundaries between disciplines. Through close collaboration between model and photographer, impressive works have emerged that convey a passion for role-playing and visual experimentation while vividly reflecting the unique personalities of the portrayed. Whether tender intimacy, sober realism or full-blooded joie de vivre – Radical Beauty celebrates all facets of human existence and embraces the diversity of an inclusive society.

The London fashion photographer Sammy Baxter, for example, created a dystopian staging with his model Lara Wates, where the pictured struggles with arms that seem to emerge from nowhere against vibrant, colorful backdrops. Brian Griffin, renowned internationally for his portraits of pop musicians, offers black-and-white photographs reminiscent of iconic album covers. Art photographer Erwin Olaf presents his protagonist with slicked-back hair and striking blue eyes in the style of an antique cherub, seemingly floating weightlessly in frothy water. On closer inspection, this effect reveals itself as a technical illusion achieved through masterful manipulation of film material. Fashion photographer Elizaveta Porodina stages actress Lily Moore with vivid surrealism, drawing on the emotional symbolism is a reference to her studies of clinical psychology. Photographer Zuzu Valle sees herself as an advocate for people with disabilities and presents photographs of drag queens and drag kings with Down syndrome that get under your skin.

Radical Beauty was launched in 2018 by the British collective Culture Device, a group of Down syndrome performers who have already graced stages such as the Royal Opera House, Tate Modern, and Southbank Centre in London. Under the artistic direction of Daniel Vais, the project has since evolved into a global initiative, enhancing the visibility of people with cognitive disabilities and providing a platform for individuals with Down syndrome.

The exhibition was curated by Nadine Barth.

Artistic direction of the project: Daniel Vais, Culture Device.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

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Microverse - Kathrin Linkersdorff | Haus am Kleistpark
März
21
bis 8. Juni
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Microverse - Kathrin Linkersdorff | Haus am Kleistpark

Haus am Kleistpark
21. März – 8. Juni 2025

Microverse
Kathrin Linkersdorff

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Microverse III / 3 / Sc-M510 / 19.6.-10.10.24, 2025 © Kathrin Linkersdorff / VG Bild-Kunst, Bonn 2025

Nach zahlreichen Ausstellungserfolgen im In- und Ausland zeigt die Berliner Künstlerin Kathrin Linkersdorff im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie im Haus am Kleistpark einen Überblick ihres Schaffens, das im Spannungsfeld von Kunst und Wissenschaft angesiedelt ist. Zu sehen sind Arbeiten aus verschiedenen Werkgruppen der letzten Jahre wie „Wabi Sabi“ (2013-2017), „Floriszenzen“ (ab 2019) und „Fairies“ (ab 2020) sowie aus ihrem aktuellen Projekt „Microverse“ (seit 2023).

Im Zentrum der Ausstellung stehen die Werke der jüngsten Serien „Microverse I, II und III“, darunter eine noch nie zuvor gezeigte, wandfüllende 4-teilige Arbeit, deren Komposition an Aufnahmen von kosmischen Nebeln und Galaxien erinnert. Es handelt sich um Bilder, die im Rahmen ihrer Forschung als Artist in Residence am Excellence Cluster „Matters of Activity“ des Instituts für Biologie/Mikrobiologie der Humboldt-Universität zu Berlin entstanden sind, wo es Linkersdorff möglich ist, das Verhalten von einfachen Bodenbakterien in biochemischen Verfallsprozessen zu beobachten und damit Kreislaufprozesse der Natur in ihren Werken zu dokumentieren.

Inspiriert von der japanischen Philosophie des „Wabi Sabi“, die mit der Akzeptanz und Kontemplation von Vergänglichkeit aller Dinge einhergeht, erforschte Kathrin Linkersdorff bereits in früheren Experimenten das komplexe Zusammenspiel von Werden und Vergehen an welkenden Blüten. Ihr Fotoatelier ist zugleich ein Labor, in dem sie Pflanzen nicht nur trocknet, sondern ihnen mittels chemischer Prozesse auch die Pigmente entzieht, um ihre Strukturen sichtbar zu machen. In all ihren Arbeiten werden organische Prozesse erfahrbar, die gleichzeitig als poetische, visuelle Metaphern für Vergänglichkeit als integralem Bestandteil des Lebens gelesen werden können.

Fairies I / 1, 2020 © Kathrin Linkersdorff / VG Bild-Kunst, Bonn 2025

Après de nombreux succès d'exposition en Allemagne et à l'étranger, l'artiste berlinoise Kathrin Linkersdorff présente, dans le cadre du Mois européen de la photographie à la Haus am Kleistpark, un aperçu de son œuvre, qui se situe à la croisée de l'art et de la science. On peut y voir des travaux issus de différents groupes d'œuvres de ces dernières années comme « Wabi Sabi » (2013-2017), « Floriszenzen » (à partir de 2019) et « Fairies » (à partir de 2020) ainsi que de son projet actuel « Microverse » (depuis 2023).

L'exposition est centrée sur les œuvres des séries les plus récentes « Microverse I, II et III », dont une œuvre inédite en quatre parties couvrant tout un mur, dont la composition rappelle les prises de vue de nébuleuses cosmiques et de galaxies. Il s'agit de visuels réalisés dans le cadre de ses recherches en tant qu'artiste en résidence au sein du cluster d'excellence « Matters of Activity » de l'Institut de biologie/microbiologie de l'Université Humboldt de Berlin, où il est possible pour Linkersdorff d'observer le comportement de simples bactéries du sol dans les processus biochimiques de décomposition et de documenter ainsi les processus de circulation de la nature dans ses œuvres.

Inspirée par la philosophie japonaise du « wabi sabi », qui va de pair avec l'acceptation et la contemplation du caractère éphémère de toute chose, Kathrin Linkersdorff avait déjà exploré, lors d'expériences antérieures, l'interaction complexe du devenir et de la disparition de fleurs en train de faner. Son atelier photographique est également un laboratoire dans lequel elle ne se contente pas de faire sécher les plantes, mais où elle leur retire également leurs pigments au moyen de processus chimiques afin de rendre leurs structures visibles. Dans tous ses travaux, des processus organiques deviennent perceptibles, qui peuvent en même temps être lus comme des métaphores poétiques et visuelles de l'éphémère comme partie intégrante de la vie.

Wabi Sabi II / 4, 2017 © Kathrin Linkersdorff / VG Bild-Kunst, Bonn 2025

Dopo numerose mostre di successo in Germania e all'estero, l'artista berlinese Kathrin Linkersdorff presenta una panoramica del suo lavoro, che si colloca all'intersezione tra arte e scienza, nell'ambito del Mese europeo della fotografia alla Haus am Kleistpark. Sono esposte opere di diversi gruppi di lavori degli ultimi anni, come “Wabi Sabi” (2013-2017), “Floriszenzen” (dal 2019) e “Fairies” (dal 2020), nonché del suo attuale progetto “Microverse” (dal 2023).

Al centro della mostra ci sono le opere della serie più recente “Microverse I, II e III”, tra cui un'opera inedita a parete in quattro parti la cui composizione ricorda immagini di nebulose e galassie cosmiche. Si tratta di immagini create nell'ambito della sua ricerca come Artista in Residenza presso il Cluster di Eccellenza “Matters of Activity” dell'Istituto di Biologia/Microbiologia dell'Università Humboldt di Berlino, dove Linkersdorff è in grado di osservare il comportamento di semplici batteri del suolo nei processi di decadimento biochimico e di documentare così i processi del ciclo della natura nelle sue opere.

Ispirata dalla filosofia giapponese del “Wabi Sabi”, che va di pari passo con l'accettazione e la contemplazione della transitorietà di tutte le cose, Kathrin Linkersdorff ha già esplorato la complessa interazione tra crescita e decadenza nei fiori appassiti in precedenti esperimenti. Il suo studio fotografico è anche un laboratorio in cui non solo essicca le piante, ma utilizza anche processi chimici per estrarre i loro pigmenti al fine di visualizzarne le strutture. I processi organici possono essere percepiti in tutte le sue opere, che possono anche essere lette come metafore poetiche e visive della transitorietà come parte integrante della vita.

Fairies IV / 2, 2020 © Kathrin Linkersdorff / VG Bild-Kunst, Bonn 2025

After numerous exhibition successes at home and abroad, the Berlin-based artist Kathrin Linkersdorff is showing an overview of her work, which is situated in the field of tension between art and science, as part of the European Month of Photography at the Haus am Kleistpark. On display are works from various series from recent years, such as ‘Wabi Sabi’ (2013-2017), ‘Floriszenzen’ (from 2019) and ‘Fairies’ (from 2020), as well as from her current project ‘Microverse’ (since 2023).

The exhibition focuses on the works from the most recent series, ‘Microverse I, II and III,’ including a wall-sized, four-part work that has never been shown before, whose composition is reminiscent of images of cosmic nebulae and galaxies. These visuals were created as part of her research as an artist in residence at the Excellence Cluster ‘Matters of Activity’ at the Institute of Biology/Microbiology at Humboldt University in Berlin, where Linkersdorff is able to observe the behaviour of simple soil bacteria in biochemical decay processes and thus document natural cycles in her works.

Inspired by the Japanese philosophy of ‘Wabi Sabi,’ which is associated with the acceptance and contemplation of the transience of all things, Kathrin Linkersdorff had already explored the complex interplay of becoming and decaying in wilting flowers in earlier experiments. Her photographic studio is also a laboratory in which she not only dries plants, but also uses chemical processes to extract the pigments from them in order to make their structures visible. In all of her works, organic processes can be experienced, which can also be read as poetic, visual metaphors for transience as an integral part of life.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

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Mineriada - Anton Roland Laub | Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin
März
28
bis 1. Juni
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Mineriada - Anton Roland Laub | Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin

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Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin
28. März – 1. Juni 2025

Mineriada
Anton Roland Laub

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

© Anton Roland Laub, o.T., 1990, aus der Serie Mineriada 2014-2022, Polaroid, historisches Material, Privatarchiv, VG Bild-Kunst, Bonn

Mit seiner Ausstellung Mineriada begibt sich der Künstler Anton Roland Laub auf eine Reise in die Vergangenheit und taucht ein in das transgenerationale Traumata der rumänischen Gesellschaft nach dem Ende der Regierung Ceaușescu. Er thematisiert die gewaltsamen Unruhen von 1990, als tausende aufgehetzte regimetreue Bergarbeiter aus dem Jiu-Tal nach Bukarest gebracht wurden, um pro-europäische Proteste brutal niederzuschlagen.

Trotz eines Urteils des Europäischen Gerichtshofs für Menschenrechte von 2014 bleiben die tödlichen Übergriffe juristisch unaufgearbeitet – eine verdrängte Vergangenheit, der Laub in seinen Bildern nachspürt. In der rumänischen Presse wurde die Mineriade mit der Stürmung des Kapitols in den USA am 6. Januar 2021 verglichen. Mit seiner Arbeit sensibilisiert der Künstler für rekursive Konflikte in einer polarisierten Welt. Der Titel Mineriada ist ein sarkastisch verwendeter Begriff, der das rumänische Wort Bergarbeiter „Miner“ mit der Endung „-iada“ aus „Olimpiada“ kombiniert.

In einer Rückschau von Straßburg über Bukarest nach Petroșani untersucht Laub die Orte des damaligen Geschehens, das unausgesprochene Leid handgreiflicher Gewalt und dessen Spuren im kollektiven Gedächtnis. Ausgangspunkt sind Fotografien seines Vaters von Juni 1990, ergänzt durch eigene Recherchen, persönliche Erfahrungen und Erinnerungen. Primäres Ziel des Künstlers ist nicht die historische Aufarbeitung, sondern die Annäherung an die Thematik über die latente Präsenz des Geschehens im Unbewussten.

Eine der zentralen Arbeiten zeigt einen Blick nach vorne ins Dunkel. Zu sehen ist als einziges Element ein Spiegel, auf dessen Oberfläche Myriaden filigraner Wassertropfen schimmern, die das in ihm Abgebildete verzerren. Im Blick zurück, in der Spiegelung, ist ein Scheinwerfer zu erkennen, der sich von hinten zu nähern scheint. Ein kleines, viereckiges Element auf der Spiegelfläche bricht die rätselhafte Stimmung – als würde die Zeit zugleich vorwärts und rückwärts fließen. Was tritt aus dem Schatten der Nacht hervor?

Laub schafft Bilder von philosophischer Tiefe und poetischer Kraft. Seine Fotografien wirken durch ihre ästhetische Präzision und subtile Symbolik. Der Künstler öffnet Denkräume, ohne Antworten zu geben. Der Mythos von Saturn – dem Vater, der seine Kinder verschlingt, um nicht gestürzt zu werden – schwingt in seiner Auseinandersetzung mit. Eine weitere Fotografie zeigt eine verbogene Gitterstruktur, eine Metapher für Begrenzung und Durchlässigkeit zugleich. Dahinter fällt Licht durch ein engmaschiges, zusammengeflicktes dunkles Netz aus Kunststoff, eine Allegorie voller Ambivalenz.

Anton Roland Laub, in Bukarest geboren und aufgewachsen, lebt und arbeitet in Berlin. Er absolvierte ein Masterstudium an der Kunsthochschule Berlin Weißensee sowie zuvor ein Studium an der Neuen Schule für Fotografie in Berlin und ein Studium der Medienund Kommunikationswissenschaften an der Universität Bukarest. Nach Mobile Churches und Last Christmas (of Ceaușescu) legt Laub mit Mineriada den letzten Teil seiner Rumänien-Trilogie im Kehrer Verlag vor. Die Arbeit wurde durch das Recherchestipendium Bildende Kunst der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin sowie durch die Publikationsförderung der Stiftung Kulturwerk, Bonn unterstützt.

© Anton Roland Laub/VG Bild-Kunst, Bonn, o.T., aus der Serie Mineriada, 2014-2022

Avec son exposition Mineriada, l'artiste Anton Roland Laub entreprend un voyage dans le passé et se plonge dans le traumatisme transgénérationnel de la société roumaine après la fin du gouvernement Ceaușescu. Il aborde les violentes émeutes de 1990, lorsque des milliers de mineurs excités et fidèles au régime ont été amenés de la vallée de Jiu à Bucarest pour réprimer brutalement les protestations pro-européennes.

Malgré un arrêt de la Cour européenne des droits de l'homme de 2014, ces agressions mortelles restent juridiquement non traitées - un passé refoulé que Laub retrace dans ses visuels. Dans la presse roumaine, la Mineriade a été comparée à la prise du Capitole aux Etats-Unis le 6 janvier 2021. Avec son travail, l'artiste sensibilise aux conflits récurrents dans un monde polarisé. Le titre Mineriada est un terme utilisé de manière sarcastique qui combine le mot roumain mineur « Miner » avec la terminaison « -iada » de « Olimpiada ».

Dans une rétrospective de Strasbourg à Petroșani en passant par Bucarest, Laub examine les lieux des événements de l'époque, la souffrance inexprimée de la violence manuelle et ses traces dans la mémoire collective. Les photographies de son père datant de juin 1990 constituent le point de départ, complétées par ses propres recherches, expériences personnelles et souvenirs. L'objectif premier de l'artiste n'est pas le traitement historique, mais l'approche de la thématique par la présence latente de l'événement dans l'inconscient.

L'une des œuvres centrales montre un regard vers l'avant, dans l'obscurité. Le seul élément visible est un miroir sur la surface duquel scintillent des myriades de gouttes d'eau en filigrane, qui déforment ce qui y est représenté. En regardant en arrière, dans le reflet, on aperçoit un projecteur qui semble s'approcher par derrière. Un petit élément carré sur la surface du miroir rompt l'ambiance énigmatique - comme si le temps s'écoulait à la fois en avant et en arrière. Qu'est-ce qui émerge de l'ombre de la nuit ?

Laub crée des visuels d'une profondeur philosophique et d'une force poétique. Ses photographies agissent par leur précision esthétique et leur symbolisme subtil. L'artiste ouvre des espaces de réflexion sans donner de réponses. Le mythe de Saturne - le père qui dévore ses enfants pour ne pas être renversé - résonne dans sa confrontation. Une autre photographie montre une structure grillagée tordue, une métaphore à la fois de la limitation et de la perméabilité. Derrière elle, la lumière passe à travers un filet sombre en plastique aux mailles serrées et rapiécées, une allégorie pleine d'ambivalence.

Anton Roland Laub, né et élevé à Bucarest, vit et travaille à Berlin. Il a obtenu un master à la Kunsthochschule Berlin Weißensee et a étudié auparavant à la Neue Schule für Fotografie de Berlin et à l'université de Bucarest en sciences des médias et de la communication. Après Mobile Churches et Last Christmas (of Ceaușescu), Laub présente Mineriada, le dernier volet de sa trilogie sur la Roumanie aux éditions Kehrer. Ce travail a été soutenu par la bourse de recherche en arts visuels du Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin, ainsi que par le soutien à la publication de la fondation Kulturwerk, Bonn.

© Anton Roland Laub/VG Bild-Kunst, Bonn, o.T., aus der Serie Mineriada, 2014-2022

Con la mostra Mineriada, l'artista Anton Roland Laub intraprende un viaggio nel passato e scava nel trauma transgenerazionale della società rumena dopo la fine del governo di Ceaușescu. L'autore affronta i violenti disordini del 1990, quando migliaia di minatori fedeli al regime furono portati dalla valle del Jiu a Bucarest per reprimere brutalmente le proteste pro-europee.

Nonostante una sentenza della Corte europea dei diritti dell'uomo del 2014, gli attacchi mortali rimangono giuridicamente irrisolti - un passato represso che Laub ripercorre nelle sue immagini. Nella stampa rumena, la Mineriade è stata paragonata all'assalto al Campidoglio negli Stati Uniti del 6 gennaio 2021. Con le sue opere, l'artista sensibilizza sui conflitti ricorrenti in un mondo polarizzato. Il titolo Mineriada è un termine sarcastico che combina la parola rumena minatore con il suffisso “-iada” di “Olimpiada”.

In una retrospettiva da Strasburgo a Petroșani, passando per Bucarest, Laub esamina i luoghi in cui si sono svolti gli eventi, la sofferenza inespressa della violenza tangibile e le sue tracce nella memoria collettiva. Il punto di partenza sono le fotografie scattate dal padre nel giugno 1990, integrate da ricerche personali, esperienze e ricordi. L'obiettivo primario dell'artista non è quello di fare i conti con la storia, ma di avvicinarsi al tema attraverso la presenza latente dell'evento nell'inconscio.

Una delle opere centrali mostra una vista in avanti nell'oscurità. L'unico elemento visibile è uno specchio, sulla cui superficie brillano miriadi di gocce d'acqua in filigrana, distorcendo ciò che vi è raffigurato. Guardando indietro, nel riflesso, si riconosce un riflettore che sembra avvicinarsi da dietro. Un piccolo elemento quadrato sulla superficie dello specchio rompe l'atmosfera enigmatica, come se il tempo scorresse in avanti e indietro allo stesso tempo. Cosa emerge dalle ombre della notte?

Laub crea immagini di profondità filosofica e forza poetica. Le sue fotografie sono efficaci grazie alla loro precisione estetica e al sottile simbolismo. L'artista apre spazi di riflessione senza fornire risposte. Il mito di Saturno - il padre che divora i suoi figli per non essere rovesciato - risuona nel suo lavoro. Un'altra fotografia mostra una struttura a griglia piegata, metafora di limitazione e permeabilità allo stesso tempo. Dietro di essa, la luce cade attraverso una rete scura di plastica, fitta e rattoppata, un'allegoria piena di ambivalenza.

Anton Roland Laub, nato e cresciuto a Bucarest, vive e lavora a Berlino. Ha conseguito un master presso la Kunsthochschule Berlin Weißensee e in precedenza ha studiato presso la Neue Schule für Fotografie di Berlino e Media and Communication Studies all'Università di Bucarest. Dopo Mobile Churches e Last Christmas (di Ceaușescu), Mineriada di Laub è la parte finale della sua trilogia sulla Romania, pubblicata da Kehrer Verlag. L'opera è stata sostenuta dalla borsa di studio per la ricerca sulle arti visive del Dipartimento per la cultura e l'Europa del Senato, a Berlino, e da un finanziamento per la pubblicazione da parte della Stiftung Kulturwerk, a Bonn.

© Anton Roland Laub/VG Bild-Kunst, Bonn, o.T., aus der Serie Mineriada, 2014-2022

In his exhibition Mineriada, artist Anton Roland Laub takes a journey into the past and delves into the transgenerational trauma of Romanian society after the fall of the Ceaușescu government. He addresses the violent riots of 1990, when thousands of incited miners loyal to the regime were brought from the Jiu Valley to Bucharest to brutally crush pro-European protests.

Despite a 2014 ruling by the European Court of Human Rights, the fatal assaults have not been legally addressed – a repressed past that Laub traces in his visuals. In the Romanian press, the mineriad was compared to the storming of the Capitol in the United States on 6 January 2021. With his work, the artist raises awareness of recursive conflicts in a polarised world. The title Mineriada is a sarcastically used term that combines the Romanian word for miner, ‘Miner’, with the suffix ‘-iada’ from ‘Olimpiada’.

In a retrospective journey from Strasbourg via Bucharest to Petroșani, Laub examines the places where the events took place, the unspoken suffering of physical violence and its traces in the collective memory. The starting point is his father's photographs from June 1990, supplemented by his own research, personal experiences and memories. The artist's primary goal is not historical reappraisal, but rather an approach to the subject through the latent presence of the event in the unconscious.

One of the central works shows a view into the darkness. The only element visible is a mirror, on the surface of which myriad filigree water droplets shimmer, distorting what is reflected in it. Looking back, a spotlight can be seen in the reflection, seemingly approaching from behind. A small, square element on the mirror surface breaks the enigmatic mood – as if time were flowing both forward and backward at the same time. What emerges from the shadows of the night?

Laub creates visuals of philosophical depth and poetic power. His photographs are effective due to their aesthetic precision and subtle symbolism. The artist opens up spaces for thought without providing answers. The myth of Saturn – the father who devours his children to avoid being overthrown – resonates in his examination of the subject. Another photograph shows a warped lattice structure, a metaphor for both limitation and permeability. Behind it, light falls through a narrow-meshed, patched dark net of plastic, an allegory full of ambivalence.

Anton Roland Laub, born and raised in Bucharest, lives and works in Berlin. He completed a master's degree at the Berlin Weissensee School of Art, having previously studied at the Neue Schule für Fotografie in Berlin and media and communication studies at the University of Bucharest. After Mobile Churches and Last Christmas (of Ceaușescu), Laub presents Mineriada, the final part of his trilogy on Romania, published by Kehrer Verlag. The work was supported by the Visual Arts Research Grant of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, and the publication grant of the Kulturwerk Foundation, Bonn.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

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Mineriada - Anton Roland Laub | Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin
März
27
7:00 PM19:00
Vernissage, Berlin, Deutschland, EMOP

Mineriada - Anton Roland Laub | Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin

Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin
27. März 2025

Einführung durch Sonia Voss

Mineriada
Anton Roland Laub

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

© Anton Roland Laub, o.T., 1990, aus der Serie Mineriada 2014-2022, Polaroid, historisches Material, Privatarchiv, VG Bild-Kunst, Bonn

Mit seiner Ausstellung Mineriada begibt sich der Künstler Anton Roland Laub auf eine Reise in die Vergangenheit und taucht ein in das transgenerationale Traumata der rumänischen Gesellschaft nach dem Ende der Regierung Ceaușescu. Er thematisiert die gewaltsamen Unruhen von 1990, als tausende aufgehetzte regimetreue Bergarbeiter aus dem Jiu-Tal nach Bukarest gebracht wurden, um pro-europäische Proteste brutal niederzuschlagen.

Trotz eines Urteils des Europäischen Gerichtshofs für Menschenrechte von 2014 bleiben die tödlichen Übergriffe juristisch unaufgearbeitet – eine verdrängte Vergangenheit, der Laub in seinen Bildern nachspürt. In der rumänischen Presse wurde die Mineriade mit der Stürmung des Kapitols in den USA am 6. Januar 2021 verglichen. Mit seiner Arbeit sensibilisiert der Künstler für rekursive Konflikte in einer polarisierten Welt. Der Titel Mineriada ist ein sarkastisch verwendeter Begriff, der das rumänische Wort Bergarbeiter „Miner“ mit der Endung „-iada“ aus „Olimpiada“ kombiniert.

In einer Rückschau von Straßburg über Bukarest nach Petroșani untersucht Laub die Orte des damaligen Geschehens, das unausgesprochene Leid handgreiflicher Gewalt und dessen Spuren im kollektiven Gedächtnis. Ausgangspunkt sind Fotografien seines Vaters von Juni 1990, ergänzt durch eigene Recherchen, persönliche Erfahrungen und Erinnerungen. Primäres Ziel des Künstlers ist nicht die historische Aufarbeitung, sondern die Annäherung an die Thematik über die latente Präsenz des Geschehens im Unbewussten.

Eine der zentralen Arbeiten zeigt einen Blick nach vorne ins Dunkel. Zu sehen ist als einziges Element ein Spiegel, auf dessen Oberfläche Myriaden filigraner Wassertropfen schimmern, die das in ihm Abgebildete verzerren. Im Blick zurück, in der Spiegelung, ist ein Scheinwerfer zu erkennen, der sich von hinten zu nähern scheint. Ein kleines, viereckiges Element auf der Spiegelfläche bricht die rätselhafte Stimmung – als würde die Zeit zugleich vorwärts und rückwärts fließen. Was tritt aus dem Schatten der Nacht hervor?

Laub schafft Bilder von philosophischer Tiefe und poetischer Kraft. Seine Fotografien wirken durch ihre ästhetische Präzision und subtile Symbolik. Der Künstler öffnet Denkräume, ohne Antworten zu geben. Der Mythos von Saturn – dem Vater, der seine Kinder verschlingt, um nicht gestürzt zu werden – schwingt in seiner Auseinandersetzung mit. Eine weitere Fotografie zeigt eine verbogene Gitterstruktur, eine Metapher für Begrenzung und Durchlässigkeit zugleich. Dahinter fällt Licht durch ein engmaschiges, zusammengeflicktes dunkles Netz aus Kunststoff, eine Allegorie voller Ambivalenz.

Anton Roland Laub, in Bukarest geboren und aufgewachsen, lebt und arbeitet in Berlin. Er absolvierte ein Masterstudium an der Kunsthochschule Berlin Weißensee sowie zuvor ein Studium an der Neuen Schule für Fotografie in Berlin und ein Studium der Medienund Kommunikationswissenschaften an der Universität Bukarest. Nach Mobile Churches und Last Christmas (of Ceaușescu) legt Laub mit Mineriada den letzten Teil seiner Rumänien-Trilogie im Kehrer Verlag vor. Die Arbeit wurde durch das Recherchestipendium Bildende Kunst der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin sowie durch die Publikationsförderung der Stiftung Kulturwerk, Bonn unterstützt.

© Anton Roland Laub/VG Bild-Kunst, Bonn, o.T., aus der Serie Mineriada, 2014-2022

Avec son exposition Mineriada, l'artiste Anton Roland Laub entreprend un voyage dans le passé et se plonge dans le traumatisme transgénérationnel de la société roumaine après la fin du gouvernement Ceaușescu. Il aborde les violentes émeutes de 1990, lorsque des milliers de mineurs excités et fidèles au régime ont été amenés de la vallée de Jiu à Bucarest pour réprimer brutalement les protestations pro-européennes.

Malgré un arrêt de la Cour européenne des droits de l'homme de 2014, ces agressions mortelles restent juridiquement non traitées - un passé refoulé que Laub retrace dans ses visuels. Dans la presse roumaine, la Mineriade a été comparée à la prise du Capitole aux Etats-Unis le 6 janvier 2021. Avec son travail, l'artiste sensibilise aux conflits récurrents dans un monde polarisé. Le titre Mineriada est un terme utilisé de manière sarcastique qui combine le mot roumain mineur « Miner » avec la terminaison « -iada » de « Olimpiada ».

Dans une rétrospective de Strasbourg à Petroșani en passant par Bucarest, Laub examine les lieux des événements de l'époque, la souffrance inexprimée de la violence manuelle et ses traces dans la mémoire collective. Les photographies de son père datant de juin 1990 constituent le point de départ, complétées par ses propres recherches, expériences personnelles et souvenirs. L'objectif premier de l'artiste n'est pas le traitement historique, mais l'approche de la thématique par la présence latente de l'événement dans l'inconscient.

L'une des œuvres centrales montre un regard vers l'avant, dans l'obscurité. Le seul élément visible est un miroir sur la surface duquel scintillent des myriades de gouttes d'eau en filigrane, qui déforment ce qui y est représenté. En regardant en arrière, dans le reflet, on aperçoit un projecteur qui semble s'approcher par derrière. Un petit élément carré sur la surface du miroir rompt l'ambiance énigmatique - comme si le temps s'écoulait à la fois en avant et en arrière. Qu'est-ce qui émerge de l'ombre de la nuit ?

Laub crée des visuels d'une profondeur philosophique et d'une force poétique. Ses photographies agissent par leur précision esthétique et leur symbolisme subtil. L'artiste ouvre des espaces de réflexion sans donner de réponses. Le mythe de Saturne - le père qui dévore ses enfants pour ne pas être renversé - résonne dans sa confrontation. Une autre photographie montre une structure grillagée tordue, une métaphore à la fois de la limitation et de la perméabilité. Derrière elle, la lumière passe à travers un filet sombre en plastique aux mailles serrées et rapiécées, une allégorie pleine d'ambivalence.

Anton Roland Laub, né et élevé à Bucarest, vit et travaille à Berlin. Il a obtenu un master à la Kunsthochschule Berlin Weißensee et a étudié auparavant à la Neue Schule für Fotografie de Berlin et à l'université de Bucarest en sciences des médias et de la communication. Après Mobile Churches et Last Christmas (of Ceaușescu), Laub présente Mineriada, le dernier volet de sa trilogie sur la Roumanie aux éditions Kehrer. Ce travail a été soutenu par la bourse de recherche en arts visuels du Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin, ainsi que par le soutien à la publication de la fondation Kulturwerk, Bonn.

© Anton Roland Laub/VG Bild-Kunst, Bonn, o.T., aus der Serie Mineriada, 2014-2022

Con la mostra Mineriada, l'artista Anton Roland Laub intraprende un viaggio nel passato e scava nel trauma transgenerazionale della società rumena dopo la fine del governo di Ceaușescu. L'autore affronta i violenti disordini del 1990, quando migliaia di minatori fedeli al regime furono portati dalla valle del Jiu a Bucarest per reprimere brutalmente le proteste pro-europee.

Nonostante una sentenza della Corte europea dei diritti dell'uomo del 2014, gli attacchi mortali rimangono giuridicamente irrisolti - un passato represso che Laub ripercorre nelle sue immagini. Nella stampa rumena, la Mineriade è stata paragonata all'assalto al Campidoglio negli Stati Uniti del 6 gennaio 2021. Con le sue opere, l'artista sensibilizza sui conflitti ricorrenti in un mondo polarizzato. Il titolo Mineriada è un termine sarcastico che combina la parola rumena minatore con il suffisso “-iada” di “Olimpiada”.

In una retrospettiva da Strasburgo a Petroșani, passando per Bucarest, Laub esamina i luoghi in cui si sono svolti gli eventi, la sofferenza inespressa della violenza tangibile e le sue tracce nella memoria collettiva. Il punto di partenza sono le fotografie scattate dal padre nel giugno 1990, integrate da ricerche personali, esperienze e ricordi. L'obiettivo primario dell'artista non è quello di fare i conti con la storia, ma di avvicinarsi al tema attraverso la presenza latente dell'evento nell'inconscio.

Una delle opere centrali mostra una vista in avanti nell'oscurità. L'unico elemento visibile è uno specchio, sulla cui superficie brillano miriadi di gocce d'acqua in filigrana, distorcendo ciò che vi è raffigurato. Guardando indietro, nel riflesso, si riconosce un riflettore che sembra avvicinarsi da dietro. Un piccolo elemento quadrato sulla superficie dello specchio rompe l'atmosfera enigmatica, come se il tempo scorresse in avanti e indietro allo stesso tempo. Cosa emerge dalle ombre della notte?

Laub crea immagini di profondità filosofica e forza poetica. Le sue fotografie sono efficaci grazie alla loro precisione estetica e al sottile simbolismo. L'artista apre spazi di riflessione senza fornire risposte. Il mito di Saturno - il padre che divora i suoi figli per non essere rovesciato - risuona nel suo lavoro. Un'altra fotografia mostra una struttura a griglia piegata, metafora di limitazione e permeabilità allo stesso tempo. Dietro di essa, la luce cade attraverso una rete scura di plastica, fitta e rattoppata, un'allegoria piena di ambivalenza.

Anton Roland Laub, nato e cresciuto a Bucarest, vive e lavora a Berlino. Ha conseguito un master presso la Kunsthochschule Berlin Weißensee e in precedenza ha studiato presso la Neue Schule für Fotografie di Berlino e Media and Communication Studies all'Università di Bucarest. Dopo Mobile Churches e Last Christmas (di Ceaușescu), Mineriada di Laub è la parte finale della sua trilogia sulla Romania, pubblicata da Kehrer Verlag. L'opera è stata sostenuta dalla borsa di studio per la ricerca sulle arti visive del Dipartimento per la cultura e l'Europa del Senato, a Berlino, e da un finanziamento per la pubblicazione da parte della Stiftung Kulturwerk, a Bonn.

© Anton Roland Laub/VG Bild-Kunst, Bonn, o.T., aus der Serie Mineriada, 2014-2022

In his exhibition Mineriada, artist Anton Roland Laub takes a journey into the past and delves into the transgenerational trauma of Romanian society after the fall of the Ceaușescu government. He addresses the violent riots of 1990, when thousands of incited miners loyal to the regime were brought from the Jiu Valley to Bucharest to brutally crush pro-European protests.

Despite a 2014 ruling by the European Court of Human Rights, the fatal assaults have not been legally addressed – a repressed past that Laub traces in his visuals. In the Romanian press, the mineriad was compared to the storming of the Capitol in the United States on 6 January 2021. With his work, the artist raises awareness of recursive conflicts in a polarised world. The title Mineriada is a sarcastically used term that combines the Romanian word for miner, ‘Miner’, with the suffix ‘-iada’ from ‘Olimpiada’.

In a retrospective journey from Strasbourg via Bucharest to Petroșani, Laub examines the places where the events took place, the unspoken suffering of physical violence and its traces in the collective memory. The starting point is his father's photographs from June 1990, supplemented by his own research, personal experiences and memories. The artist's primary goal is not historical reappraisal, but rather an approach to the subject through the latent presence of the event in the unconscious.

One of the central works shows a view into the darkness. The only element visible is a mirror, on the surface of which myriad filigree water droplets shimmer, distorting what is reflected in it. Looking back, a spotlight can be seen in the reflection, seemingly approaching from behind. A small, square element on the mirror surface breaks the enigmatic mood – as if time were flowing both forward and backward at the same time. What emerges from the shadows of the night?

Laub creates visuals of philosophical depth and poetic power. His photographs are effective due to their aesthetic precision and subtle symbolism. The artist opens up spaces for thought without providing answers. The myth of Saturn – the father who devours his children to avoid being overthrown – resonates in his examination of the subject. Another photograph shows a warped lattice structure, a metaphor for both limitation and permeability. Behind it, light falls through a narrow-meshed, patched dark net of plastic, an allegory full of ambivalence.

Anton Roland Laub, born and raised in Bucharest, lives and works in Berlin. He completed a master's degree at the Berlin Weissensee School of Art, having previously studied at the Neue Schule für Fotografie in Berlin and media and communication studies at the University of Bucharest. After Mobile Churches and Last Christmas (of Ceaușescu), Laub presents Mineriada, the final part of his trilogy on Romania, published by Kehrer Verlag. The work was supported by the Visual Arts Research Grant of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, and the publication grant of the Kulturwerk Foundation, Bonn.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

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Microverse - Kathrin Linkersdorff | Haus am Kleistpark | Berlin
März
20
7:00 PM19:00
Vernissage, Berlin, Deutschland, EMOP

Microverse - Kathrin Linkersdorff | Haus am Kleistpark | Berlin

Haus am Kleistpark | Berlin
20. März 2025

Einführung durch Prof. Dr. Horst Bredekamp

Microverse
Kathrin Linkersdorff

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Microverse III / 3 / Sc-M510 / 19.6.-10.10.24, 2025 © Kathrin Linkersdorff / VG Bild-Kunst, Bonn 2025

Nach zahlreichen Ausstellungserfolgen im In- und Ausland zeigt die Berliner Künstlerin Kathrin Linkersdorff im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie im Haus am Kleistpark einen Überblick ihres Schaffens, das im Spannungsfeld von Kunst und Wissenschaft angesiedelt ist. Zu sehen sind Arbeiten aus verschiedenen Werkgruppen der letzten Jahre wie „Wabi Sabi“ (2013-2017), „Floriszenzen“ (ab 2019) und „Fairies“ (ab 2020) sowie aus ihrem aktuellen Projekt „Microverse“ (seit 2023).

Im Zentrum der Ausstellung stehen die Werke der jüngsten Serien „Microverse I, II und III“, darunter eine noch nie zuvor gezeigte, wandfüllende 4-teilige Arbeit, deren Komposition an Aufnahmen von kosmischen Nebeln und Galaxien erinnert. Es handelt sich um Bilder, die im Rahmen ihrer Forschung als Artist in Residence am Excellence Cluster „Matters of Activity“ des Instituts für Biologie/Mikrobiologie der Humboldt-Universität zu Berlin entstanden sind, wo es Linkersdorff möglich ist, das Verhalten von einfachen Bodenbakterien in biochemischen Verfallsprozessen zu beobachten und damit Kreislaufprozesse der Natur in ihren Werken zu dokumentieren.

Inspiriert von der japanischen Philosophie des „Wabi Sabi“, die mit der Akzeptanz und Kontemplation von Vergänglichkeit aller Dinge einhergeht, erforschte Kathrin Linkersdorff bereits in früheren Experimenten das komplexe Zusammenspiel von Werden und Vergehen an welkenden Blüten. Ihr Fotoatelier ist zugleich ein Labor, in dem sie Pflanzen nicht nur trocknet, sondern ihnen mittels chemischer Prozesse auch die Pigmente entzieht, um ihre Strukturen sichtbar zu machen. In all ihren Arbeiten werden organische Prozesse erfahrbar, die gleichzeitig als poetische, visuelle Metaphern für Vergänglichkeit als integralem Bestandteil des Lebens gelesen werden können.

Fairies I / 1, 2020 © Kathrin Linkersdorff / VG Bild-Kunst, Bonn 2025

Après de nombreux succès d'exposition en Allemagne et à l'étranger, l'artiste berlinoise Kathrin Linkersdorff présente, dans le cadre du Mois européen de la photographie à la Haus am Kleistpark, un aperçu de son œuvre, qui se situe à la croisée de l'art et de la science. On peut y voir des travaux issus de différents groupes d'œuvres de ces dernières années comme « Wabi Sabi » (2013-2017), « Floriszenzen » (à partir de 2019) et « Fairies » (à partir de 2020) ainsi que de son projet actuel « Microverse » (depuis 2023).

L'exposition est centrée sur les œuvres des séries les plus récentes « Microverse I, II et III », dont une œuvre inédite en quatre parties couvrant tout un mur, dont la composition rappelle les prises de vue de nébuleuses cosmiques et de galaxies. Il s'agit de visuels réalisés dans le cadre de ses recherches en tant qu'artiste en résidence au sein du cluster d'excellence « Matters of Activity » de l'Institut de biologie/microbiologie de l'Université Humboldt de Berlin, où il est possible pour Linkersdorff d'observer le comportement de simples bactéries du sol dans les processus biochimiques de décomposition et de documenter ainsi les processus de circulation de la nature dans ses œuvres.

Inspirée par la philosophie japonaise du « wabi sabi », qui va de pair avec l'acceptation et la contemplation du caractère éphémère de toute chose, Kathrin Linkersdorff avait déjà exploré, lors d'expériences antérieures, l'interaction complexe du devenir et de la disparition de fleurs en train de faner. Son atelier photographique est également un laboratoire dans lequel elle ne se contente pas de faire sécher les plantes, mais où elle leur retire également leurs pigments au moyen de processus chimiques afin de rendre leurs structures visibles. Dans tous ses travaux, des processus organiques deviennent perceptibles, qui peuvent en même temps être lus comme des métaphores poétiques et visuelles de l'éphémère comme partie intégrante de la vie.

Wabi Sabi II / 4, 2017 © Kathrin Linkersdorff / VG Bild-Kunst, Bonn 2025

Dopo numerose mostre di successo in Germania e all'estero, l'artista berlinese Kathrin Linkersdorff presenta una panoramica del suo lavoro, che si colloca all'intersezione tra arte e scienza, nell'ambito del Mese europeo della fotografia alla Haus am Kleistpark. Sono esposte opere di diversi gruppi di lavori degli ultimi anni, come “Wabi Sabi” (2013-2017), “Floriszenzen” (dal 2019) e “Fairies” (dal 2020), nonché del suo attuale progetto “Microverse” (dal 2023).

Al centro della mostra ci sono le opere della serie più recente “Microverse I, II e III”, tra cui un'opera inedita a parete in quattro parti la cui composizione ricorda immagini di nebulose e galassie cosmiche. Si tratta di immagini create nell'ambito della sua ricerca come Artista in Residenza presso il Cluster di Eccellenza “Matters of Activity” dell'Istituto di Biologia/Microbiologia dell'Università Humboldt di Berlino, dove Linkersdorff è in grado di osservare il comportamento di semplici batteri del suolo nei processi di decadimento biochimico e di documentare così i processi del ciclo della natura nelle sue opere.

Ispirata dalla filosofia giapponese del “Wabi Sabi”, che va di pari passo con l'accettazione e la contemplazione della transitorietà di tutte le cose, Kathrin Linkersdorff ha già esplorato la complessa interazione tra crescita e decadenza nei fiori appassiti in precedenti esperimenti. Il suo studio fotografico è anche un laboratorio in cui non solo essicca le piante, ma utilizza anche processi chimici per estrarre i loro pigmenti al fine di visualizzarne le strutture. I processi organici possono essere percepiti in tutte le sue opere, che possono anche essere lette come metafore poetiche e visive della transitorietà come parte integrante della vita.

Fairies IV / 2, 2020 © Kathrin Linkersdorff / VG Bild-Kunst, Bonn 2025

After numerous exhibition successes at home and abroad, the Berlin-based artist Kathrin Linkersdorff is showing an overview of her work, which is situated in the field of tension between art and science, as part of the European Month of Photography at the Haus am Kleistpark. On display are works from various series from recent years, such as ‘Wabi Sabi’ (2013-2017), ‘Floriszenzen’ (from 2019) and ‘Fairies’ (from 2020), as well as from her current project ‘Microverse’ (since 2023).

The exhibition focuses on the works from the most recent series, ‘Microverse I, II and III,’ including a wall-sized, four-part work that has never been shown before, whose composition is reminiscent of images of cosmic nebulae and galaxies. These visuals were created as part of her research as an artist in residence at the Excellence Cluster ‘Matters of Activity’ at the Institute of Biology/Microbiology at Humboldt University in Berlin, where Linkersdorff is able to observe the behaviour of simple soil bacteria in biochemical decay processes and thus document natural cycles in her works.

Inspired by the Japanese philosophy of ‘Wabi Sabi,’ which is associated with the acceptance and contemplation of the transience of all things, Kathrin Linkersdorff had already explored the complex interplay of becoming and decaying in wilting flowers in earlier experiments. Her photographic studio is also a laboratory in which she not only dries plants, but also uses chemical processes to extract the pigments from them in order to make their structures visible. In all of her works, organic processes can be experienced, which can also be read as poetic, visual metaphors for transience as an integral part of life.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

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Radical Beauty | f³ – freiraum für fotografie | Berlin
März
6
7:00 PM19:00
Vernissage, Berlin, Deutschland, EMOP

Radical Beauty | f³ – freiraum für fotografie | Berlin

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
6. März 2025

Radical Beauty

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Ohne Titel © Elizaveta Porodina, aus dem Projekt Radical Beauty

Radical Beauty stellt unsere Auffassung von Schönheit, Attraktivität und Ästhetik radikal in Frage. In dem weltweit einzigartigen Fotoprojekt haben über 60 international renommierte Mode- und Kunstfotograf*innen, darunter Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina und Zuzu Valla, gemeinsam mit Menschen mit Down-Syndrom Einzelbilder und Fotoserien entwickelt. In professionellen Studio-Bedingungen sind so überraschende und einzigartige Porträts entstanden. Unter den Protagonist*innen sind erfahrene Darsteller*innen wie die Schauspielerinnen Sarah Gordy (GB) und Lily Moore (USA), die Mehrzahl von ihnen führt jedoch ein Leben außerhalb des Rampenlichts.

Radical Beauty verwischt die Grenzen zwischen den Disziplinen. In der engen Zusammenarbeit zwischen Model und Fotograf*in sind beeindruckende Werke entstanden, welche die Lust am Rollenspiel und am visuellen Experiment transportieren und die einzigartigen Persönlichkeiten der Porträtierten eindrücklich widerspiegeln: Ob zärtliche Intimität, nüchterner Realismus oder pralle Lebensfreude – Radical Beauty zelebriert alle Facetten des menschlichen Seins und feiert die Vielfalt einer inklusiven Gesellschaft.

Der Londoner Modefotograf Sammy Baxter etwa entwarf mit seinem Model Lara Wates eine dystopisch anmutende Inszenierung, in der die Akteurin vor kraftvoll-bunten Hintergründen mit Armen ringt, die scheinbar aus dem Nichts zu kommen scheinen. Brian Griffin hat sich mit Porträts von Popmusiker*innen international einem Namen gemacht, seine in schwarz-weiß aufgenommenen Fotografien erinnern an ein Albumcover. Der Kunstfotograf Erwin Olaf präsentiert seinen Protagonisten mit zurückgegeltem Haar und leuchtend blauen Augen im Stile einer antiken Putte, die schwerelos in schäumendem Wasser zu schweben scheint. Beim näheren Hinsehen entpuppt sich dies als technischer Effekt, der durch die gekonnte Manipulation des Filmmaterials zustande kommt. Die Fashion-Fotografin Elizaveta Porodina inszeniert die Schauspielerin Lily Moore mit farbenfrohem Surrealismus. Die emotionale Symbolik, die ihrer Arbeit zugrunde liegt, ist eine Referenz an ihr Studium der klinischen Psychologie. Die Fotografin Zuzu Valle betrachtet sich als Advokatin für Menschen mit Behinderungen und präsentiert Fotografien von Drag-Queens und Drag-Kings mit Down-Syndrom, die unter die Haut gehen.

Ins Leben gerufen wurde Radical Beauty im Jahr 2018 von dem britischen Kollektiv Culture Device, einer Gruppe von Down-Syndrom-Performer*innen, die bereits im Londoner Royal Opera House, der Tate Modern und im Southbank Centre aufgetreten sind. Unter der künstlerischen Leitung von Daniel Vais ist seitdem ein globales Projekt entstanden, welches zur Sichtbarkeit von Menschen mit kognitiven Behinderungen beiträgt und Menschen mit Down-Syndrom eine Bühne bietet.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Nadine Barth.

Künstlerische Leitung des Projekts: Daniel Vais, Culture Device.

Ohne Titel © Scallywag Fox, aus dem Projekt Radical Beauty

Radical Beauty remet radicalement en question notre conception de la beauté, de l'attractivité et de l'esthétique. Dans le cadre de ce projet photographique unique au monde, plus de 60 photographes* de mode et d'art de renommée internationale, dont Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina et Zuzu Valla, ont développé des images individuelles et des séries de photos en collaboration avec des personnes atteintes du syndrome de Down. Des portraits surprenants et uniques ont ainsi été réalisés dans des conditions de studio professionnel. Parmi les protagonistes*, on trouve des acteurs expérimentés comme les actrices Sarah Gordy (GB) et Lily Moore (USA), mais la plupart d'entre eux mènent une vie hors des feux de la rampe.

Radical Beauty brouille les frontières entre les disciplines. L'étroite collaboration entre le modèle et le photographe* a donné naissance à des œuvres impressionnantes qui véhiculent l'envie de jouer un rôle et d'expérimenter visuellement, tout en reflétant de manière saisissante les personnalités uniques des portraits : Qu'il s'agisse d'intimité tendre, de réalisme sobre ou de joie de vivre débordante, Radical Beauty célèbre toutes les facettes de l'être humain et célèbre la diversité d'une société inclusive.

Le photographe de mode londonien Sammy Baxter a par exemple conçu avec son modèle Lara Wates une mise en scène aux allures dystopiques, dans laquelle l'actrice se débat sur des arrière-plans puissamment colorés avec des bras qui semblent surgir de nulle part. Brian Griffin s'est fait un nom au niveau international avec des portraits de musiciens pop*, ses photographies prises en noir et blanc font penser à une pochette d'album. Le photographe d'art Erwin Olaf présente son protagoniste, les cheveux tirés en arrière et les yeux d'un bleu éclatant, dans le style d'un putto antique qui semble flotter en apesanteur dans une eau écumante. En y regardant de plus près, il s'agit d'un effet technique obtenu par une manipulation habile du matériel cinématographique. La photographe de mode Elizaveta Porodina met en scène l'actrice Lily Moore avec un surréalisme coloré. Le symbolisme émotionnel qui sous-tend son travail est une référence à ses études de psychologie clinique. La photographe Zuzu Valle se considère comme une avocate des personnes handicapées et présente des photographies de drag queens et de drag kings trisomiques qui collent à la peau.

Radical Beauty a été créé en 2018 par le collectif britannique Culture Device, un groupe de performeurs* trisomiques qui se sont déjà produits au Royal Opera House de Londres, à la Tate Modern et au Southbank Centre. Sous la direction artistique de Daniel Vais, un projet global a depuis vu le jour, contribuant à la visibilité des personnes souffrant de handicaps cognitifs et offrant une scène aux personnes atteintes du syndrome de Down.

Le commissariat de l'exposition a été assuré par Nadine Barth.

Direction artistique du projet : Daniel Vais, Culture Device.

Ohne Titel © Elizaveta Porodina, aus dem Projekt Radical Beauty

Radical Beauty mette radicalmente in discussione la nostra percezione della bellezza, dell'attrattiva e dell'estetica. In questo progetto fotografico unico al mondo, oltre 60 fotografi di moda e d'arte di fama internazionale, tra cui Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina e Zuzu Valla, hanno sviluppato immagini individuali e serie fotografiche insieme a persone con sindrome di Down. Ritratti sorprendenti e unici sono stati creati in condizioni di studio professionali. Tra i protagonisti ci sono performer esperti come le attrici Sarah Gordy (Regno Unito) e Lily Moore (USA), ma la maggior parte di loro conduce una vita al di fuori delle luci della ribalta.

Radical Beauty sfuma i confini tra le discipline. La stretta collaborazione tra modella e fotografo ha dato vita a opere di grande impatto che trasmettono il desiderio di gioco di ruolo e di sperimentazione visiva e riflettono in modo impressionante le personalità uniche delle persone ritratte: Che si tratti di tenera intimità, sobrio realismo o piena gioia di vivere, Radical Beauty celebra tutte le sfaccettature della condizione umana e la diversità di una società inclusiva.

Il fotografo di moda londinese Sammy Baxter, ad esempio, ha creato una produzione dall'aspetto distopico con la sua modella Lara Wates, in cui l'attrice lotta con braccia che sembrano uscire dal nulla davanti a sfondi potenti e colorati. Brian Griffin si è fatto un nome a livello internazionale con i suoi ritratti di musicisti pop; le sue fotografie in bianco e nero ricordano le copertine degli album. Il fotografo d'arte Erwin Olaf presenta il suo protagonista con i capelli sciolti e gli occhi azzurri brillanti nello stile di un antico cherubino che sembra galleggiare senza peso nell'acqua schiumosa. A ben guardare, si tratta di un effetto tecnico creato da un'abile manipolazione del materiale cinematografico. La fotografa di moda Elizaveta Porodina mette in scena l'attrice Lily Moore con un colorato surrealismo. Il simbolismo emotivo alla base del suo lavoro è un riferimento ai suoi studi di psicologia clinica. La fotografa Zuzu Valle si considera una sostenitrice delle persone con disabilità e presenta fotografie di drag queen e drag king con sindrome di Down che entrano nella pelle.

Radical Beauty è stato creato nel 2018 dal collettivo britannico Culture Device, un gruppo di performer con sindrome di Down che si è già esibito alla Royal Opera House di Londra, alla Tate Modern e al Southbank Centre. Sotto la direzione artistica di Daniel Vais, è nato un progetto globale che contribuisce alla visibilità delle persone con disabilità cognitive e offre alle persone con sindrome di Down un palcoscenico.

La mostra è stata curata da Nadine Barth.

Direzione artistica del progetto: Daniel Vais, Dispositivo culturale.

Ohne Titel © Zuzia Zawada, aus dem Projekt Radical Beauty

Radical Beauty radically questions our perception of beauty, attractiveness and aesthetics. In this globally unique photo project, over 60 internationally renowned fashion and art photographers, including Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina and Zuzu Valla, worked together with people with Down syndrome to develop individual images and photo series. Surprising and unique portraits were created in professional studio conditions. The protagonists include experienced performers such as actresses Sarah Gordy (UK) and Lily Moore (USA), but the majority of them lead a life outside the limelight.

Radical Beauty blurs the boundaries between disciplines. Through close collaboration between model and photographer, impressive works have emerged that convey a passion for role-playing and visual experimentation while vividly reflecting the unique personalities of the portrayed. Whether tender intimacy, sober realism or full-blooded joie de vivre – Radical Beauty celebrates all facets of human existence and embraces the diversity of an inclusive society.

The London fashion photographer Sammy Baxter, for example, created a dystopian staging with his model Lara Wates, where the pictured struggles with arms that seem to emerge from nowhere against vibrant, colorful backdrops. Brian Griffin, renowned internationally for his portraits of pop musicians, offers black-and-white photographs reminiscent of iconic album covers. Art photographer Erwin Olaf presents his protagonist with slicked-back hair and striking blue eyes in the style of an antique cherub, seemingly floating weightlessly in frothy water. On closer inspection, this effect reveals itself as a technical illusion achieved through masterful manipulation of film material. Fashion photographer Elizaveta Porodina stages actress Lily Moore with vivid surrealism, drawing on the emotional symbolism is a reference to her studies of clinical psychology. Photographer Zuzu Valle sees herself as an advocate for people with disabilities and presents photographs of drag queens and drag kings with Down syndrome that get under your skin.

Radical Beauty was launched in 2018 by the British collective Culture Device, a group of Down syndrome performers who have already graced stages such as the Royal Opera House, Tate Modern, and Southbank Centre in London. Under the artistic direction of Daniel Vais, the project has since evolved into a global initiative, enhancing the visibility of people with cognitive disabilities and providing a platform for individuals with Down syndrome.

The exhibition was curated by Nadine Barth.

Artistic direction of the project: Daniel Vais, Culture Device.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

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Transience and Memory: The Photographic Narratives of Climate Crisis | Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin
März
1
bis 30. März
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Transience and Memory: The Photographic Narratives of Climate Crisis | Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin

  • Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin (Karte)
  • Google Kalender ICS

Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin
1. – 30. März 2025

Transience and Memory: The Photographic Narratives of Climate Crisis
Ana Zibelnik, Künstlerduo Ganslmeier & Zibelnik

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP - European Month of Photography Berlin statt.

From the series: Fault Line, 2023 – © Ganslmeier & Zibelnik

Die Ausstellung stellt Ana Zibelniks (*1995, Ljubljana/Slowenien) Arbeit Immortality is Commonplace (2022) der Serie Fault Line (2023, –) gegenüber, die gemeinsam mit Jakob Ganslmeier (*1990, München/Deutschland), entstanden ist. Beide Arbeiten beschäftigen sich mit den Auswirkungen der Klimakrise und der Klimaangst, die den Diskurs der heutigen Jugend prägen.

Immortality is Commonplace beleuchtet Zibelnik veränderte Rolle der Fotografie in Zeiten der Klimakrise. Während die Menschheit den psychologischen Drang verspürt, die Vergangenheit zu bewahren, sieht sie sich gleichzeitig der Bedrohung des Aussterbens gegenüber. Was bedeutet es, in einer Endzeit zu leben? Zibelniks Faszination für biologisch unsterbliche Flechten wirft die Frage auf: Wer dokumentiert wen–wir die Natur oder die Natur uns?

Ana Zibelnik (geb. 1995, Ljubljana) ist eine slowenische, bildende Künstlerin, die in Den Haag, Niederlande, lebt. Sie hat einen Master-Abschluss in Film- und Fotostudien an der Universität Leiden und einen BA in Visual Communication Design from the University of Ljubljana. Ihre Arbeit dreht sich um die Themen ökologische Krise, Klimaangst und deren soziale Auswirkungen. Seit 2020 arbeitet sie auch als Teil des Künstlerduos Ganslmeier & Zibelnik.

In 2024 gewann Zibelnik den Hauptpreis des slowenischen Kranj Foto Festivals und zeigte ihre Arbeiten u.a. auf der Photo Basel, und, zusammen mit Ganslmeier, im Fotomuseum Den Haag (NL); 2022 waren ihre Arbeiten u.a. in der Maribor Art Gallery, UGM Studio, auf der Paris Photo Online, auf dem Art Salon Zürich und als Teil einer Gruppenausstellung im Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR) zu sehen; zwischen 2017 und 2021 war Zibelnik in div. Institutionen, von Deutschland über Ungarn bis hin zu Portugal und der Schweiz, vertreten und konnte verschiedenste Auszeichnungen wie den Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant , div. Nominierungen für den Newcomer-Preis des Leica Oskar Barnack Award und das City Municipality of Ljubljana Scholarship verzeichnen.

From the series: Immortality Is Commonplace, 2022 © Ana Zibelnik

L'exposition met en parallèle le travail d'Ana Zibelnik (*1995, Ljubljana/Slovénie), Immortality is Commonplace (2022), et la série Fault Line (2023, -), réalisée en collaboration avec Jakob Ganslmeier (*1990, Munich/Allemagne). Les deux œuvres traitent des effets de la crise climatique et de la peur du climat qui caractérisent le discours de la jeunesse actuelle.

Immortality is Commonplace met en lumière le rôle modifié de la photographie par Zibelnik en temps de crise climatique. Alors que l'humanité ressent le besoin psychologique de préserver le passé, elle est en même temps confrontée à la menace de l'extinction. Que signifie vivre dans une fin des temps ? La fascination de Zibelnik pour les lichens biologiquement immortels soulève la question : Qui documente qui - nous la nature ou la nature nous ?

Ana Zibelnik (née en 1995 à Ljubljana) est une artiste plasticienne slovène qui vit à La Haye, aux Pays-Bas. Elle est titulaire d'un master en études cinématographiques et photographiques de l'université de Leyde et d'un BA en design de communication visuelle de l'université de Ljubljana. Son travail s'articule autour des thèmes de la crise écologique, de l'angoisse climatique et de leurs conséquences sociales. Depuis 2020, elle travaille également en tant que membre du duo d'artistes Ganslmeier & Zibelnik.

En 2024, Zibelnik a remporté le premier prix du Kranj Foto Festival slovène et a présenté son travail, entre autres, à Photo Basel et, avec Ganslmeier, au Fotomuseum Den Haag (NL) ; en 2022, son travail a été exposé, entre autres, à la Maribor Art Gallery, à UGM Studio, à Paris Photo Online, à l'Art Salon de Zurich et dans le cadre d'une exposition de groupe au Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR) ; entre 2017 et 2021, Zibelnik a été exposée dans diverses institutions en Allemagne et en Autriche. Elle a été représentée dans de nombreuses institutions, de l'Allemagne à la Hongrie, en passant par le Portugal et la Suisse, et a reçu diverses récompenses telles que le Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line ; Stroom Den Haag, SPOT Grant , diverses nominations pour le prix du nouveau venu du Leica Oskar Barnack Award et la City Municipality of Ljubljana Scholarship.

From the series: Immortality Is Commonplace, 2022 © Ana Zibelnik

La mostra accosta l'opera Immortality is Commonplace (2022) di Ana Zibelnik (*1995, Lubiana/Slovenia) alla serie Fault Line (2023, -), realizzata insieme a Jakob Ganslmeier (*1990, Monaco/Germania). Entrambe le opere trattano gli effetti della crisi climatica e dell'ansia climatica, che caratterizzano il discorso dei giovani d'oggi.

In Immortality is Commonplace, Zibelnik fa luce sul cambiamento del ruolo della fotografia in tempi di crisi climatica. Se da un lato l'umanità sente l'urgenza psicologica di preservare il passato, dall'altro si trova ad affrontare la minaccia dell'estinzione. Cosa significa vivere in un'epoca di fine? Il fascino di Zibelnik per i licheni biologicamente immortali solleva la questione: Chi sta documentando chi: noi la natura o la natura noi?

Ana Zibelnik (nata nel 1995 a Lubiana) è un'artista visiva slovena che vive all'Aia, nei Paesi Bassi. Ha conseguito un master in studi cinematografici e fotografici presso l'Università di Leiden e una laurea in Visual Communication Design presso l'Università di Lubiana. Il suo lavoro ruota attorno ai temi della crisi ecologica, dell'ansia climatica e del suo impatto sociale. Dal 2020 lavora anche come parte del duo di artisti Ganslmeier & Zibelnik.

Nel 2024, Zibelnik ha vinto il premio principale al Kranj Photo Festival sloveno e ha esposto il suo lavoro a Photo Basel e, insieme a Ganslmeier, al Fotomuseum Den Haag (NL); nel 2022, il suo lavoro è stato esposto alla Galleria d'Arte di Maribor, all'UGM Studio, a Paris Photo Online, all'Art Salon di Zurigo e come parte di una mostra collettiva al Benaki Museum/Athens Photo Festival (GR); tra il 2017 e il 2021, Zibelnik ha esposto in varie istituzioni, dalla Germania all'Ungheria ai Paesi Bassi. Tra il 2017 e il 2021, Zibelnik è stato rappresentato in varie istituzioni, dalla Germania e dall'Ungheria al Portogallo e alla Svizzera, e ha ricevuto vari premi come il Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant, varie nomination per il Newcomer Prize del Leica Oskar Barnack Award e la City Municipality of Ljubljana Scholarship.

From the series: Fault Line, 2023 – © Ganslmeier & Zibelnik

The exhibition juxtaposes Ana Zibelnik's (b. 1995, Ljubljana, Slovenia) work Immortality is Commonplace (2022) with the series Fault Line (2023–), which she created together with Jakob Ganslmeier (b. 1990, Munich, Germany). Both works deal with the effects of the climate crisis and climate anxiety, which shape the discourse of today's youth.

Immortality is Commonplace sheds light on Zibelnik's altered role of photography in times of climate crisis. While humanity feels the psychological urge to preserve the past, it simultaneously faces the threat of extinction. What does it mean to live in an apocalyptic era? Zibelnik's fascination with biologically immortal lichens raises the question: who is documenting whom – us documenting nature or nature documenting us?

Ana Zibelnik (b. 1995, Ljubljana) is a Slovenian visual artist based in The Hague, Netherlands. She holds a Master's degree in Film and Photo Studies from Leiden University and a BA in Visual Communication Design from the University of Ljubljana. Her work revolves around the topics of ecological crisis, climate anxiety and their social implications. Since 2020 she has also been working as part of the artist duo Ganslmeier & Zibelnik.

In 2024 Zibelnik won the main prize at the Kranj Foto Festival in Slovenia and showed her work at Photo Basel, and, together with Ganslmeier, at the Fotomuseum Den Haag (NL); in 2022 her work was shown at the Mar ibor Art Gallery, UGM Studio, at Paris Photo Online, at Art Salon Zurich and as part of a group exhibition at Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR); between 2017 and 2021, Zibelnik was represented in various institutions from Germany to Hungary and Portugal and Switzerland, and has received various awards such as the Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant, various nominations for the newcomer prize of the Leica Oskar Barnack Award and the City Municipality of Ljubljana Scholarship.

(Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin)

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Transience and Memory: The Photographic Narratives of Climate Crisis | Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin
Feb.
28
6:00 PM18:00
Vernissage, Berlin, Deutschland, EMOP

Transience and Memory: The Photographic Narratives of Climate Crisis | Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin

  • Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin (Karte)
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Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin
28. Februar 2025

Transience and Memory: The Photographic Narratives of Climate Crisis
Ana Zibelnik, Künstlerduo Ganslmeier & Zibelnik

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP - European Month of Photography Berlin statt.

From the series: Fault Line, 2023 – © Ganslmeier & Zibelnik

Die Ausstellung stellt Ana Zibelniks (*1995, Ljubljana/Slowenien) Arbeit Immortality is Commonplace (2022) der Serie Fault Line (2023, –) gegenüber, die gemeinsam mit Jakob Ganslmeier (*1990, München/Deutschland), entstanden ist. Beide Arbeiten beschäftigen sich mit den Auswirkungen der Klimakrise und der Klimaangst, die den Diskurs der heutigen Jugend prägen.

Immortality is Commonplace beleuchtet Zibelnik veränderte Rolle der Fotografie in Zeiten der Klimakrise. Während die Menschheit den psychologischen Drang verspürt, die Vergangenheit zu bewahren, sieht sie sich gleichzeitig der Bedrohung des Aussterbens gegenüber. Was bedeutet es, in einer Endzeit zu leben? Zibelniks Faszination für biologisch unsterbliche Flechten wirft die Frage auf: Wer dokumentiert wen–wir die Natur oder die Natur uns?

Ana Zibelnik (geb. 1995, Ljubljana) ist eine slowenische, bildende Künstlerin, die in Den Haag, Niederlande, lebt. Sie hat einen Master-Abschluss in Film- und Fotostudien an der Universität Leiden und einen BA in Visual Communication Design from the University of Ljubljana. Ihre Arbeit dreht sich um die Themen ökologische Krise, Klimaangst und deren soziale Auswirkungen. Seit 2020 arbeitet sie auch als Teil des Künstlerduos Ganslmeier & Zibelnik.

In 2024 gewann Zibelnik den Hauptpreis des slowenischen Kranj Foto Festivals und zeigte ihre Arbeiten u.a. auf der Photo Basel, und, zusammen mit Ganslmeier, im Fotomuseum Den Haag (NL); 2022 waren ihre Arbeiten u.a. in der Maribor Art Gallery, UGM Studio, auf der Paris Photo Online, auf dem Art Salon Zürich und als Teil einer Gruppenausstellung im Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR) zu sehen; zwischen 2017 und 2021 war Zibelnik in div. Institutionen, von Deutschland über Ungarn bis hin zu Portugal und der Schweiz, vertreten und konnte verschiedenste Auszeichnungen wie den Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant , div. Nominierungen für den Newcomer-Preis des Leica Oskar Barnack Award und das City Municipality of Ljubljana Scholarship verzeichnen.

From the series: Immortality Is Commonplace, 2022 © Ana Zibelnik

L'exposition met en parallèle le travail d'Ana Zibelnik (*1995, Ljubljana/Slovénie), Immortality is Commonplace (2022), et la série Fault Line (2023, -), réalisée en collaboration avec Jakob Ganslmeier (*1990, Munich/Allemagne). Les deux œuvres traitent des effets de la crise climatique et de la peur du climat qui caractérisent le discours de la jeunesse actuelle.

Immortality is Commonplace met en lumière le rôle modifié de la photographie par Zibelnik en temps de crise climatique. Alors que l'humanité ressent le besoin psychologique de préserver le passé, elle est en même temps confrontée à la menace de l'extinction. Que signifie vivre dans une fin des temps ? La fascination de Zibelnik pour les lichens biologiquement immortels soulève la question : Qui documente qui - nous la nature ou la nature nous ?

Ana Zibelnik (née en 1995 à Ljubljana) est une artiste plasticienne slovène qui vit à La Haye, aux Pays-Bas. Elle est titulaire d'un master en études cinématographiques et photographiques de l'université de Leyde et d'un BA en design de communication visuelle de l'université de Ljubljana. Son travail s'articule autour des thèmes de la crise écologique, de l'angoisse climatique et de leurs conséquences sociales. Depuis 2020, elle travaille également en tant que membre du duo d'artistes Ganslmeier & Zibelnik.

En 2024, Zibelnik a remporté le premier prix du Kranj Foto Festival slovène et a présenté son travail, entre autres, à Photo Basel et, avec Ganslmeier, au Fotomuseum Den Haag (NL) ; en 2022, son travail a été exposé, entre autres, à la Maribor Art Gallery, à UGM Studio, à Paris Photo Online, à l'Art Salon de Zurich et dans le cadre d'une exposition de groupe au Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR) ; entre 2017 et 2021, Zibelnik a été exposée dans diverses institutions en Allemagne et en Autriche. Elle a été représentée dans de nombreuses institutions, de l'Allemagne à la Hongrie, en passant par le Portugal et la Suisse, et a reçu diverses récompenses telles que le Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line ; Stroom Den Haag, SPOT Grant , diverses nominations pour le prix du nouveau venu du Leica Oskar Barnack Award et la City Municipality of Ljubljana Scholarship.

From the series: Immortality Is Commonplace, 2022 © Ana Zibelnik

La mostra accosta l'opera Immortality is Commonplace (2022) di Ana Zibelnik (*1995, Lubiana/Slovenia) alla serie Fault Line (2023, -), realizzata insieme a Jakob Ganslmeier (*1990, Monaco/Germania). Entrambe le opere trattano gli effetti della crisi climatica e dell'ansia climatica, che caratterizzano il discorso dei giovani d'oggi.

In Immortality is Commonplace, Zibelnik fa luce sul cambiamento del ruolo della fotografia in tempi di crisi climatica. Se da un lato l'umanità sente l'urgenza psicologica di preservare il passato, dall'altro si trova ad affrontare la minaccia dell'estinzione. Cosa significa vivere in un'epoca di fine? Il fascino di Zibelnik per i licheni biologicamente immortali solleva la questione: Chi sta documentando chi: noi la natura o la natura noi?

Ana Zibelnik (nata nel 1995 a Lubiana) è un'artista visiva slovena che vive all'Aia, nei Paesi Bassi. Ha conseguito un master in studi cinematografici e fotografici presso l'Università di Leiden e una laurea in Visual Communication Design presso l'Università di Lubiana. Il suo lavoro ruota attorno ai temi della crisi ecologica, dell'ansia climatica e del suo impatto sociale. Dal 2020 lavora anche come parte del duo di artisti Ganslmeier & Zibelnik.

Nel 2024, Zibelnik ha vinto il premio principale al Kranj Photo Festival sloveno e ha esposto il suo lavoro a Photo Basel e, insieme a Ganslmeier, al Fotomuseum Den Haag (NL); nel 2022, il suo lavoro è stato esposto alla Galleria d'Arte di Maribor, all'UGM Studio, a Paris Photo Online, all'Art Salon di Zurigo e come parte di una mostra collettiva al Benaki Museum/Athens Photo Festival (GR); tra il 2017 e il 2021, Zibelnik ha esposto in varie istituzioni, dalla Germania all'Ungheria ai Paesi Bassi. Tra il 2017 e il 2021, Zibelnik è stato rappresentato in varie istituzioni, dalla Germania e dall'Ungheria al Portogallo e alla Svizzera, e ha ricevuto vari premi come il Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant, varie nomination per il Newcomer Prize del Leica Oskar Barnack Award e la City Municipality of Ljubljana Scholarship.

From the series: Fault Line, 2023 – © Ganslmeier & Zibelnik

The exhibition juxtaposes Ana Zibelnik's (b. 1995, Ljubljana, Slovenia) work Immortality is Commonplace (2022) with the series Fault Line (2023–), which she created together with Jakob Ganslmeier (b. 1990, Munich, Germany). Both works deal with the effects of the climate crisis and climate anxiety, which shape the discourse of today's youth.

Immortality is Commonplace sheds light on Zibelnik's altered role of photography in times of climate crisis. While humanity feels the psychological urge to preserve the past, it simultaneously faces the threat of extinction. What does it mean to live in an apocalyptic era? Zibelnik's fascination with biologically immortal lichens raises the question: who is documenting whom – us documenting nature or nature documenting us?

Ana Zibelnik (b. 1995, Ljubljana) is a Slovenian visual artist based in The Hague, Netherlands. She holds a Master's degree in Film and Photo Studies from Leiden University and a BA in Visual Communication Design from the University of Ljubljana. Her work revolves around the topics of ecological crisis, climate anxiety and their social implications. Since 2020 she has also been working as part of the artist duo Ganslmeier & Zibelnik.

In 2024 Zibelnik won the main prize at the Kranj Foto Festival in Slovenia and showed her work at Photo Basel, and, together with Ganslmeier, at the Fotomuseum Den Haag (NL); in 2022 her work was shown at the Mar ibor Art Gallery, UGM Studio, at Paris Photo Online, at Art Salon Zurich and as part of a group exhibition at Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR); between 2017 and 2021, Zibelnik was represented in various institutions from Germany to Hungary and Portugal and Switzerland, and has received various awards such as the Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant, various nominations for the newcomer prize of the Leica Oskar Barnack Award and the City Municipality of Ljubljana Scholarship.

(Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin)

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I’m Not Here - Steve Schapiro | CAMERA WORK | Berlin
Feb.
15
bis 29. März
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

I’m Not Here - Steve Schapiro | CAMERA WORK | Berlin

CAMERA WORK | Berlin
15. Februar – 29. März 2025

I’m Not Here
Steve Schapiro

Die Ausstellung findet im Rahmen des European Month of Photography statt.

Barbra Streisand, in the Bathtub, Los Angeles, 1974 © Steve Schapiro / Courtesy of CAMERA WORK Gallery

I’m Not Here widmet sich vor diesem Hintergrund dem beeindruckenden Leben Steve Schapiros – von seiner Arbeit als Fotojournalist bis hin zu seinen ikonischen Filmset-Fotografien, die unvergessliche Momente der Filmgeschichte an berühmten Filmsets wie The Godfather, Taxi Driver, Apocalypse Now und Rocky dokumentieren. Seine Porträts bedeutender Persönlichkeiten der Popkultur wie Andy Warhol, David Bowie, Muhammad Ali und Barbra Streisand sowie der Protagonisten der Bürgerrechtsbewegung reflektieren die Auseinandersetzung Schapiros mit Selbstbestimmung und Gerechtigkeit in der Gesellschaft. So begleitete Steve Schapiro fotografisch unter anderem die Selma-Märsche 1965, den Präsidentschaftswahlkampf von Robert F. Kennedy 1968 und zuletzt auch die 2013 gegründete »Black Lives Matter«-Bewegung.

Romy Schneider, on the set of »The Cardinal«, Boston, 1963 © Steve Schapiro / Courtesy of CAMERA WORK Gallery

Dans ce contexte, I'm Not Here est consacré à la vie impressionnante de Steve Schapiro - de son travail de photojournaliste à ses photographies de plateau de tournage iconiques, qui documentent des moments inoubliables de l'histoire du cinéma sur des plateaux de tournage célèbres comme Le Parrain, Taxi Driver, Apocalypse Now et Rocky. Ses portraits de personnalités importantes de la culture pop comme Andy Warhol, David Bowie, Muhammad Ali et Barbra Streisand, ainsi que des protagonistes du mouvement des droits civiques, reflètent la réflexion de Schapiro sur l'autodétermination et la justice dans la société. Steve Schapiro a ainsi accompagné par la photographie, entre autres, les marches de Selma en 1965, la campagne présidentielle de Robert F. Kennedy en 1968 et, plus récemment, le mouvement « Black Lives Matter » fondé en 2013.

The Worst is yet to come, New York, 1965 © Steve Schapiro / Courtesy of CAMERA WORK Gallery

In questo contesto, I'm Not Here è dedicato all'impressionante vita di Steve Schapiro, dal suo lavoro di fotoreporter alle sue iconiche fotografie di set cinematografici, che documentano momenti indimenticabili della storia del cinema su celebri set come Il Padrino, Taxi Driver, Apocalypse Now e Rocky. I suoi ritratti di importanti personalità della cultura pop come Andy Warhol, David Bowie, Muhammad Ali e Barbra Streisand, nonché di protagonisti del movimento per i diritti civili, riflettono l'esame di Schapiro sull'autodeterminazione e la giustizia nella società. Ad esempio, Steve Schapiro ha fotografato le marce di Selma nel 1965, la campagna elettorale per le presidenziali di Robert F. Kennedy nel 1968 e, più recentemente, il movimento Black Lives Matter fondato nel 2013.

Robert Redford and Lauren Hutton, 1970 © Steve Schapiro / Courtesy of CAMERA WORK Gallery

Against this backdrop, I'm Not Here is dedicated to Steve Schapiro's impressive life — from his work as a photojournalist to his iconic film set photographs, which document unforgettable moments in film history on the sets of famous films such as The Godfather, Taxi Driver, Apocalypse Now, and Rocky. His portraits of important pop culture personalities such as Andy Warhol, David Bowie, Muhammad Ali, and Barbra Streisand as well as protagonists of the Civil Rights Movement reflect Schapiro's examination of self-determination and justice in society. For example, Steve Schapiro photographed the Selma marches in 1965, Robert F. Kennedy's presidential election campaign in 1968 and, most recently, the Black Lives Matter movement founded in 2013.

(Text: CAMERA WORK, Berlin)

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Glowing Attraction - Marta Djourina | Haus am Kleistpark - Projektraum | Berlin
Jan.
17
bis 16. März
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Glowing Attraction - Marta Djourina | Haus am Kleistpark - Projektraum | Berlin

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Haus am Kleistpark - Projektraum | Berlin
17. Januar – 16. März 2025

Glowing Attraction
Marta Djourina

Die Ausstellung findet im Rahmen des European Month of Photography statt.

© Marta Djourina, Ashes of Ice, 2024, VG-Bildkunst, Bonn

Marta Djourinas künstlerische Praxis konzentriert sich auf die Erforschung von Lichtphänomenen. Durch kameralose Fotografie und historische Techniken wie die der Kirlianfotografie dokumentiert sie die unsichtbaren Aspekte von Licht. Ihre Arbeiten umfassen die Nutzung selbstgebauter Lochkameras sowie die Erfassung lebender Lichtquellen wie biolumineszierenden Algen und Pilzarten sowie das Sonnenlicht. Djourinas Werke, oft als „Blindzeichnungen“ beschrieben, übersetzen Lichtbewegungen in dynamische Kompositionen und erweitern so die Wahrnehmung natürlicher Phänomene.

© Marta Djourina, Fluid Contact_2, 2023, VG-Bildkunst, Bonn

La pratique artistique de Marta Djourina se concentre sur l'exploration des phénomènes lumineux. Elle documente les aspects invisibles de la lumière par le biais de la photographie sans caméra et de techniques historiques telles que la photographie kirlian. Son travail comprend l'utilisation de sténopés qu'elle a elle-même construits, ainsi que la capture de sources de lumière vivantes telles que les algues bioluminescentes et les espèces de champignons, ainsi que la lumière du soleil. Les œuvres de Djourina, souvent décrites comme des « dessins à l'aveugle », traduisent les mouvements de la lumière en compositions dynamiques et élargissent ainsi la perception des phénomènes naturels.

© Marta Djourina, Glowing Attraction, 2020- ongoing, VG-Bildkunst, Bonn

La pratica artistica di Marta Djourina si concentra sull'esplorazione dei fenomeni luminosi. Attraverso la fotografia senza macchina fotografica e tecniche storiche come la fotografia Kirlian, documenta gli aspetti invisibili della luce. Il suo lavoro include l'uso di macchine fotografiche a foro stenopeico fatte in casa e la cattura di fonti di luce viventi come alghe e funghi bioluminescenti, oltre alla luce del sole. Le opere di Djourina, spesso descritte come “disegni ciechi”, traducono i movimenti della luce in composizioni dinamiche, ampliando così la percezione dei fenomeni naturali.

© Marta Djourina, Ashes of Ice, 2024, VG-Bildkunst, Bonn

Marta Djourina's artistic practice focuses on the exploration of light phenomena. Through cameraless photography and historical techniques such as Kirlian photography, she documents the invisible aspects of light. Her work includes the use of homemade pinhole cameras and the capture of living light sources such as bioluminescent algae and fungi, as well as sunlight. Djourina's works, often described as ‘blind drawings’, translate light movements into dynamic compositions and thus expand the perception of natural phenomena.

 

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

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Generations of Resilience - 22 Ukrainian photographers | HANGAR Photo Art Center | Brussels
Jan.
26
bis 23. März
Ausstellung, Belgien, Festival, EMOP

Generations of Resilience - 22 Ukrainian photographers | HANGAR Photo Art Center | Brussels

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HANGAR Photo Art Center | Brussels
26. Januar – 23. März 2024

Generations of Resilience - 22 Ukrainian photographers

Anastasia Baklazhko, Valentyna Bilousova, Lisa Bukreyeva, Alexander Chekmenev, Diana Danyliuk, Maxim Dondyuk, Igor Efimov, Viktor & Sergiy Kochetov, Olia Koval, Vladyslav Krasnoshchok, Sasha Kurmaz, Volodymyr Mateichuk, Tim Melnikov, Boris Mikhailov, Krystyna Novykova, Mykhaylo Palinchak, Yevgeniy Pavlov, Volodymyr Shapiro, Sergiy Solonsky, Elena Subach, Oleksandr Suprun, Daria Svertilova

Die Ausstellung findet im Rahem der 8. Edition des PhotoBrussels Festivals statt.

Misery is butterfly © Olia Koval

Die Ausstellung zeigt die Herausforderungen, denen sich mehrere Generationen ukrainischer Fotografen stellen mussten. Zyklische Prozesse, historische Ereignisse und Einheit lassen die Grenzen zwischen diesen Generationen verschwinden. Die Sammlung von Fotos aus den 1970er Jahren bis heute, von Boris Mikhailov bis zu jungen aufstrebenden Fotografen, unterstreicht den spiralförmigen Charakter des Kampfes um die Unabhängigkeit und die demokratische Entwicklung der Ukraine. Die Geschichte der Ukraine ist ein Kampf um die Zukunft, der sich über Generationen fortsetzt. Hier werden Fotografie und Kunst zu einer der wichtigsten Methoden, um Veränderungen aufzuzeichnen und zu archivieren, und zu einer der Möglichkeiten, im Krieg zu kämpfen und sich der Kolonialpolitik zu widersetzen. - Kateryna Radchenko

Ausstellung ko-kuratiert von Hangar Team & Kateryna Radchenko

L'exposition montre les défis auxquels sont confrontées plusieurs générations de photographes ukrainiens. Les processus cycliques, les événements historiques et l'unité effacent la frontière entre ces générations. La collection de photos des années 1970 à nos jours, de Boris Mikhailov aux jeunes photographes émergents, souligne la nature en spirale de la lutte pour l'indépendance et le développement démocratique de l'Ukraine. L'histoire de l'Ukraine est une lutte pour l'avenir, qui se poursuit à travers les générations. La photographie et l'art deviennent alors l'une des principales méthodes d'enregistrement et d'archivage des changements et l'un des moyens de combattre dans la guerre et de résister à la politique coloniale. - Kateryna Radchenko

Exposition organisée conjointement par Hangar Team et Kateryna Radchenko.

La mostra mostra le sfide affrontate da diverse generazioni di fotografi ucraini. Processi ciclici, eventi storici e unità cancellano il confine tra queste generazioni. La raccolta di foto dagli anni Settanta a oggi, da Boris Mikhailov ai giovani fotografi emergenti, sottolinea la natura a spirale della lotta per l'indipendenza e lo sviluppo democratico dell'Ucraina. La storia dell'Ucraina è una lotta per il futuro che continua attraverso le generazioni. Qui la fotografia e l'arte diventano uno dei metodi principali per registrare e archiviare i cambiamenti e uno dei modi per combattere la guerra e resistere alla politica coloniale. - Kateryna Radchenko

Mostra co-curata da Hangar Team e Kateryna Radchenko

The exhibition shows the challenges, faced by several generations of Ukrainian photographers. Cyclical processes, historical events and unity erase the borderline between these generations. The collection of photos from the 1970s to present, from Boris Mikhailov to young emerging photographers, emphasises the spiral nature of the struggle for Ukraine’s independence and democratic development. The history of Ukraine is a struggle for the future, which continues through generations. Here photography and art become one of the main methods to record and archive changes and one of the ways to fight in the war and resist colonial policy. - Kateryna Radchenko

Exhibition co-curated by Hangar Team & Kateryna Radchenko

(Text: Hangar Photo Art Center, Brussels)

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GREETINGS FROM... Alles Chimäre - Natascha Auenhammer | ZEBRA - Zentrum für klassische und moderne Fotografie | Wien
Juni
21
bis 14. Juli
Ausstellung, EMOP, Wien, Austria

GREETINGS FROM... Alles Chimäre - Natascha Auenhammer | ZEBRA - Zentrum für klassische und moderne Fotografie | Wien

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ZEBRA - Zentrum für klassische und moderne Fotografie | Wien
21. Juni - 14. Juli 2023

GREETINGS FROM... Alles Chimäre
Natascha Auenhammer

Die Ausstellung findet im Rahmen von Foto Wien statt.

Wie sehen Postkarten von fremden Orten, und doch sind es optische Illusionen. Sie sind alle in Österreich entstanden. Alles Chimäre, Trugbilder! Die Wahrheit findet man auf den Rückseiten.

Die Realität hat keine Bedeutung, wenn die Illusion wirkungsvoll ist.

All diese Dinge sind interessant und erwecken Seh-nsüchte, Begierden, Süchte danach, etwas zu sehen und zu erleben. Wir alle wollen Weltbürger sein.

Und auf der anderen Seite wollen wir glänzen, unseren Freunden und Bekannten mitteilen, da war ich, ich habe es gesehen, Greetings from Griechenland, Italien, Thailand. Es geht auch um das, was man nicht sieht oder aber zu sehen glaubt. Die Auflösung dieser Bilder(rätsel), wo diese Ansichten wirklich entstanden sind, die gibt es auf den Rückseiten der Postkarten zu finden.

Ganz nach Alfred Hitchcocks Credo: Die Realität hat keine Bedeutung, wenn die Illusion wirkungsvoll ist, ist diese Serie entstanden.

Vous voyez des cartes postales de lieux inconnus, et pourtant ce sont des illusions d'optique. Vous avez toutes été créées en Autriche. Toutes des chimères, des mirages ! La vérité se trouve au verso.

La réalité n'a pas d'importance si l'illusion est efficace.

Toutes ces choses sont intéressantes et éveillent des envies, des désirs, des addictions de voir et de vivre quelque chose. Nous voulons tous être des citoyens du monde.

Et d'un autre côté, nous voulons briller, dire à nos amis et connaissances, j'étais là, je l'ai vu, Greetings from Greece, Italy, Thailand. Il s'agit aussi de ce que l'on ne voit pas ou que l'on croit voir. La résolution de ces visuels (énigmes), où ces vues ont réellement été prises, se trouve au dos des cartes postales.

Cette série a été réalisée conformément au credo d'Alfred Hitchcock : la réalité n'a pas d'importance si l'illusion est efficace.

Vediamo cartoline di luoghi stranieri, eppure sono illusioni ottiche. Sono state tutte realizzate in Austria. Tutte chimere, miraggi! La verità si trova sul retro.

La realtà non ha significato quando l'illusione è efficace.

Tutte queste cose sono interessanti e suscitano desideri, voglie, dipendenze di vedere e sperimentare qualcosa. Tutti noi vogliamo essere cittadini del mondo.

E d'altra parte, vogliamo brillare, dire ai nostri amici e conoscenti: "Ero lì, l'ho visto", "Saluti dalla Grecia, dall'Italia, dalla Thailandia". Si tratta anche di ciò che non si vede o di ciò che si crede di vedere. La soluzione di queste immagini (indovinelli), la vera origine di questi panorami, si trova sul retro delle cartoline.

Questa serie è stata creata secondo il credo di Alfred Hitchcock: la realtà non ha senso se l'illusione è efficace.

How to see postcards of foreign places, and yet they are optical illusions. They were all made in Austria. All chimeras, mirages! The truth is found on the backs.

Reality has no meaning when the illusion is effective.

All these things are interesting and arouse desires, cravings, addictions to see and experience something. We all want to be citizens of the world.

And on the other hand we want to shine, to tell our friends and acquaintances, there I was, I saw it, Greetings from Greece, Italy, Thailand. It's also about what you don't see or what you think you see. The solution of these pictures (riddles), where these views really originated, can be found on the backs of the postcards.

According to Alfred Hitchcock's credo: Reality has no meaning if the illusion is effective, this series was created.

(Text: Nathascha  Auenhammer, Wien)

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Fokus! Jetzt! Maria Austria – Fotografin im Exil | Jüdisches Museum Wien
Juni
21
bis 14. Jan.
Ausstellung, EMOP, Wien, Austria

Fokus! Jetzt! Maria Austria – Fotografin im Exil | Jüdisches Museum Wien

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Jüdisches Museum Wien
21. Juni - 14. Januar 2024

Fokus! Jetzt! Maria Austria – Fotografin im Exil

Die Ausstellung findet im Rahmen der Foto Wien statt.

Tänzerin Yvonne Georgi wirft Fotos in die Luft. 1950 | © Maria Austria / Maria Austria Institute, Amsterdam

Die Fotografin Maria Austria, eigentlich Marie Östreicher, wurde 1915 in Karlsbad geboren und kam Mitte der 1930er-Jahre zum Studium an der Graphischen Lehr- und Versuchsanstalt nach Wien. Kurz arbeitete sie hier als Pressefotografin, emigrierte jedoch 1937 in die Niederlande. Eine Zukunft im antisemitischen Österreich wäre schwierig gewesen während in Amsterdam bereits ihre Schwester lebte. Mit Lisbeth Östreicher, einer am Bauhaus in Dessau ausgebildeten Textildesignerin, gründete sie dort das Studio Model en Foto Austria (Mode- und Fotostudio Austria).

Nach dem Überfall der Nazis auf die Niederlande überlebte Maria Austria versteckt im Untergrund und schloss sich der Widerstandsbewegung an. 1945 gründete sie mit ihrem Mann und weiteren Kollegen die Fotoagentur Particam. Als Pressefotografin dokumentierte sie die Themen ihrer Zeit, von den Zerstörungen durch den Krieg über Straßenfotografie bis zu Porträts von Künstler:innen und Prominenten. Ihre Serie Het Achterhuis von 1954 mit Fotos vom Versteck von Anne Frank und Aufnahmen von Otto Frank etwa berühren noch heute ganz unmittelbar. In späteren Jahren spezialisierte sie sich auf Theaterfotografie.

Die Arbeiten der herausragenden, aber hierzulande noch weitgehend unbekannten Fotografin Maria Austria, wie sie sich in ihrem Künstlernamen nannte, werden in Österreich erstmalig in einer Einzelausstellung gezeigt. Ausgehend von den frühen Arbeiten aus ihren Wiener Jahren bildet diese die Höhepunkte ihrer Tätigkeit von den 1930er- bis Mitte der 1970er-Jahre ab.

Kuratorin: Andrea Winklbauer

Architektur: Robert Rüf

Gestaltung: Bueronardin

La photographe Maria Austria, de son vrai nom Marie Östreicher, est née en 1915 à Karlovy Vary et est venue à Vienne au milieu des années 1930 pour étudier à la Graphische Lehr- und Versuchsanstalt. Elle y a brièvement travaillé comme photographe de presse, mais a émigré aux Pays-Bas en 1937. Un avenir dans l'Autriche antisémite aurait été difficile, alors que sa sœur vivait déjà à Amsterdam. Avec Lisbeth Östreicher, une designer textile formée au Bauhaus à Dessau, elle y a fondé le Studio Model en Foto Austria (Studio de mode et de photographie Austria).

Après l'invasion des Pays-Bas par les nazis, Maria Austria survécut cachée dans la clandestinité et rejoignit le mouvement de résistance. En 1945, elle a fondé avec son mari et d'autres collègues l'agence photographique Particam. En tant que photographe de presse, elle a documenté les thèmes de son époque, des destructions causées par la guerre aux portraits d'artistes et de célébrités, en passant par la photographie de rue. Sa série Het Achterhuis de 1954, avec des photos de la cachette d'Anne Frank et des photos d'Otto Frank, nous touche encore aujourd'hui. Plus tard, elle s'est spécialisée dans la photographie de théâtre.

Les travaux de cette photographe exceptionnelle, mais encore largement inconnue dans notre pays, Maria Austria, comme elle se faisait appeler par son nom d'artiste, sont présentés pour la première fois en Autriche dans le cadre d'une exposition individuelle. Partant des premiers travaux de ses années viennoises, celle-ci retrace les temps forts de son activité, des années 1930 au milieu des années 1970.

Commissaire d'exposition : Andrea Winklbauer

Architecture : Robert Rüf

Conception : Bueronardin

La fotografa Maria Austria, in realtà Marie Östreicher, nacque nel 1915 a Karlsbad e venne a Vienna a metà degli anni Trenta per studiare alla Graphische Lehr- und Versuchsanstalt. Qui lavora per un breve periodo come fotografa per la stampa, ma nel 1937 emigra nei Paesi Bassi. Un futuro nell'Austria antisemita sarebbe stato difficile, mentre la sorella viveva già ad Amsterdam. Insieme a Lisbeth Östreicher, una designer tessile formatasi al Bauhaus di Dessau, fonda lo Studio Model en Foto Austria (Studio di Moda e Foto Austria).

Dopo l'invasione nazista dei Paesi Bassi, Maria Austria si nasconde nella clandestinità e si unisce al movimento di resistenza. Nel 1945 fondò l'agenzia fotografica Particam con il marito e altri colleghi. Come fotografa per la stampa, documentò i temi del suo tempo, dalla distruzione causata dalla guerra alla fotografia di strada e ai ritratti di artisti e celebrità. La sua serie Het Achterhuis del 1954, con le foto del nascondiglio di Anne Frank e gli scatti di Otto Frank, ad esempio, hanno un impatto diretto ancora oggi. Negli anni successivi si è specializzata nella fotografia teatrale.

Le opere della straordinaria ma ancora largamente sconosciuta fotografa Maria Austria, come si faceva chiamare nel suo nome d'artista, vengono presentate per la prima volta in Austria in una mostra personale. Partendo dai primi lavori degli anni viennesi, la mostra presenta i punti salienti del suo lavoro dagli anni Trenta alla metà degli anni Settanta.

Curatore: Andrea Winklbauer

Architettura: Robert Rüf

Design: Bueronardin

The photographer Maria Austria, actually Marie Östreicher, was born in Karlovy Vary in 1915 and came to Vienna in the mid-1930s to study at the Higher Federal Institution for Graphic Education and Research. After working briefly as a press photographer, she emigrated to Amsterdam in 1937, where she founded the Studio Model en Foto Austria (Fashion and Photo Studio Austria) with her sister Lisbeth, a textile designer educated at the Bauhaus Dessau. Following the Nazi invasion of the Netherlands, she went underground and helped the resistance by making passport photos for counterfeit passports. In 1945, she established the Particam Pictures photo agency with her husband and other colleagues. As a press photographer, she documented the issues of her time, from the destruction caused by war to street photography and portraits of artists and celebrities. Her series Het Achterhuis from 1954, with photos of Anne Frank’s hiding place, still has a direct impact today. In later years she specialized in theatrical photography.

A selection of her photos was already featured as part of the exhibition Vienna’s Shooting Girls – Jewish Women Photographers from Vienna in 2012 at the Jewish Museum Vienna. Now the first solo exhibition of this outstanding exponent of post-war photography, who remains largely unknown in this country, is being shown in Austria. Starting from the early works from her years in Vienna, this represents the highlights of her photographic activity from the 1930s to the mid-1970s.

Curator: Andrea Winklbauer

Architecture: Robert Rüf

Exhibition design: Bueronardin

(Text: Jüdisches Museum Wien)

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Pionierin des Fotojournalismus - Inge Morath | OstLicht | Wien
Juni
16
bis 29. Juli
Ausstellung, EMOP, Wien, Austria

Pionierin des Fotojournalismus - Inge Morath | OstLicht | Wien

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OstLicht | Wien
16. Juni - 29. Juli 2023

Pionierin des Fotojournalismus
Inge Morath

Die Ausstellung findet im Rahmen von Foto Wien statt.

Dessous-Schaufenster an der Lower East Side © Inge Morath  Magnum Photos, courtesy OstLicht. Galerie für Fotografie

Am 27. Mai 2023 wäre die österreichische Fotografin Inge Morath 100 Jahre alt geworden. Zu diesem Anlass haben wir einige ihrer bedeutendsten Werke in einer repräsentativen Werkschau versammelt und zeigen diese im Rahmen der FOTO WIEN von 16. Juni bis 29. Juli 2023.

Die Auswahl spannt einen breiten Bogen von Moraths New Yorker street photography über ihre legendären Reise-Reportagen bis hin zu ihren bekannt einfühlsamen Porträts von Arthur Miller, Marilyn Monroe, Jayne Mansfield und anderen Celebrities. Ergänzend zeigen wir auch einige der seltenen Aufnahmen, für die sie selbst vor der Kamera stand.

Le 27 mai 2023, la photographe autrichienne Inge Morath aurait eu 100 ans. À cette occasion, nous avons réuni quelques-unes de ses œuvres les plus marquantes dans une exposition représentative de son travail, que nous présenterons dans le cadre de FOTO WIEN du 16 juin au 29 juillet 2023.

La sélection couvre un large éventail allant de la street photography new-yorkaise de Morath à ses légendaires reportages de voyage, en passant par ses portraits sensibles bien connus d'Arthur Miller, Marilyn Monroe, Jayne Mansfield et d'autres célébrités. En complément, nous présentons également quelques-unes des rares photos pour lesquelles elle a elle-même pris la pose.

Il 27 maggio 2023, la fotografa austriaca Inge Morath avrebbe compiuto 100 anni. Per celebrare questa ricorrenza, abbiamo riunito alcune delle sue opere più importanti in una mostra rappresentativa che sarà esposta a FOTO WIEN dal 16 giugno al 29 luglio 2023.

La selezione spazia dalla fotografia di strada di New York e dai suoi leggendari reportage di viaggio ai suoi famosi ritratti sensibili di Arthur Miller, Marilyn Monroe, Jayne Mansfield e altre celebrità. Sono esposte anche alcune delle rare fotografie per le quali la Morath stessa ha posato davanti alla macchina fotografica.

On 27 May 2023 the Austrian photographer Inge Morath would have been 100 years old. To mark this occasion, we have selected some of her most important works in a representative exhibition and will be showing them at FOTO WIEN from 16 June to 29 July 2023.

The selection spans a wide range from Morath's New York street photography and her legendary travel reports to her famously sensitive portraits of Arthur Miller, Marilyn Monroe, Jayne Mansfield and other celebrities. We also show some of the rare photographs for which she herself stood in front of the camera.

(Text: OstLicht, Wien)

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Ode to the sea - Max Piva | OstLicht | Wien
Juni
16
bis 29. Juli
Ausstellung, EMOP, Wien, Austria

Ode to the sea - Max Piva | OstLicht | Wien

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OstLicht | Wien
16. Juni - 29. Juli 2023

Ode to the sea
Max Piva

Die Ausstellung findet im Rahmen von Foto Wien statt.

Bordeira 2019, Aus der Serie "Ode to the Sea" | © Max Piva

Noch vor wenigen Jahren zu den „Jungen Wilden, die Wien aufmischen“ gezählt, kann der Fotograf und Maler Max Piva inzwischen auf ein umfangreiches, von Kunstsammler:innen wie Kritiker:innen gleichermaßen anerkanntes Gesamtwerk verweisen.

Gemeinsam ist allen seinen Arbeiten, dass er die eingesetzten Medien nur „als Mittel zum Zweck“ sieht, seinen Visionen und seiner ganz persönlichen Sicht auf die Welt Ausdruck zu verleihen.

So hat der in Italien geborene und heute zwischen Wien und Portugal pendelnde Künstler auch seine Liebe zum Meer in eine außergewöhnliche Fotoserie verwandelt. Für seine erstmals im OstLicht gezeigte „Ode to the Sea“ verbrachte er viele Stunden im aufgepeitschten Wasser, um die Dynamik und übermenschliche Kraft der Wellen mit der Kamera einzufangen.

In den dabei entstandenen Langzeitbelichtungen formt sich das antagonistische Spiel von Bewegung und Widerstand zu abstrakten Kunstwerken, in denen aus der Gischt schießende Fontänen wie Pinselstriche erscheinen.

„Ich lasse den Ozean durch die Fotografie für mich malen“, beschreibt Piva wie er seinem von den maritimen Kräften evozierten „Gefühl der Machtlosigkeit aber auch Freiheit“ auf poetische Weise Ausdruck verliehen hat.

Die 13 ausgesuchten Werke dieser außergewöhnlichen Hommage an die Meere sind vom Künstler signiert und gerahmt.

Il y a quelques années encore, le photographe et peintre Max Piva était considéré comme l'un de ces "jeunes sauvages qui secouent Vienne". Aujourd'hui, son œuvre est reconnue tant par les collectionneurs d'art que par les critiques.

Le point commun de tous ses travaux est qu'il ne considère les médias utilisés que "comme un moyen d'exprimer ses visions et sa vision très personnelle du monde".

C'est ainsi que l'artiste, né en Italie et qui partage aujourd'hui son temps entre Vienne et le Portugal, a également transformé son amour de la mer en une série de photos exceptionnelles. Pour son "Ode to the Sea", présenté pour la première fois à OstLicht, il a passé de nombreuses heures dans l'eau agitée afin de capturer la dynamique et la force surhumaine des vagues avec son appareil photo.

Dans les poses longues qui en résultent, le jeu antagoniste du mouvement et de la résistance se transforme en œuvres d'art abstraites, dans lesquelles les fontaines jaillissant des embruns apparaissent comme des coups de pinceau.

"Je laisse l'océan me peindre à travers la photographie", explique Piva pour décrire comment il a exprimé de manière poétique son "sentiment d'impuissance mais aussi de liberté" évoqué par les forces maritimes.

Les 13 œuvres sélectionnées pour cet hommage exceptionnel aux océans sont signées et encadrées par l'artiste.

Solo pochi anni fa, il fotografo e pittore Max Piva era considerato uno dei "giovani selvaggi che agitano Vienna", ma oggi può vantare un ampio corpus di lavori riconosciuti da collezionisti e critici d'arte.

Ciò che accomuna tutte le sue opere è che egli considera i mezzi di comunicazione che utilizza solo "come un mezzo per raggiungere un fine", per esprimere le sue visioni e la sua personalissima visione del mondo.

Così l'artista, che è nato in Italia e ora fa la spola tra Vienna e il Portogallo, ha trasformato il suo amore per il mare in una straordinaria serie di fotografie. Per il suo "Inno al mare", esposto per la prima volta all'OstLicht, ha trascorso molte ore nell'acqua agitata per catturare con la sua macchina fotografica la dinamica e la potenza sovrumana delle onde.

Nelle lunghe esposizioni che ne derivano, il gioco antagonista di movimento e resistenza forma opere d'arte astratte in cui le fontane che fuoriescono dagli spruzzi appaiono come pennellate.

"Ho lasciato che l'oceano dipingesse per me attraverso la fotografia", così Piva descrive il modo in cui ha espresso poeticamente la sua "sensazione di impotenza ma anche di libertà" evocata dalle forze marittime.

Le 13 opere selezionate di questo straordinario omaggio ai mari sono firmate e incorniciate dall'artista.

Only a few years ago, photographer and painter Max Piva was counted among the "young savages stirring up Vienna," but he can now point to an extensive body of work that has been recognized by art collectors and critics alike.

What all his works have in common is that he sees the media he uses only "as a means to an end", to express his visions and his very personal view of the world.

Thus the artist, who was born in Italy and today commutes between Vienna and Portugal, has also turned his love of the sea into an extraordinary series of photographs. For his "Ode to the Sea," shown for the first time at OstLicht, he spent many hours in the whipped-up water to capture the dynamics and superhuman power of the waves with his camera.

In the resulting long exposures, the antagonistic interplay of movement and stillness forms abstract works of art in which fountains shooting out of the spray appear like brushstrokes.

"I let the ocean paint for me through photography," is how Piva describes how he has poetically expressed his "sense of powerlessness but also freedom" evoked by maritime forces.

The 13 selected works of this extraordinary tribute to the seas are signed and framed by the artist.

(Text: OstLicht, Wien)

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Gregor Schmoll. Puparium: Atelier/Studio | Österreichische Friedrich und Lillian Kiesler-Privatstiftung | Wien
Juni
16
bis 20. Okt.
Ausstellung, EMOP, Wien, Austria

Gregor Schmoll. Puparium: Atelier/Studio | Österreichische Friedrich und Lillian Kiesler-Privatstiftung | Wien

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Österreichische Friedrich und Lillian Kiesler-Privatstiftung | Wien
16. Juni - 20. Oktober 2023

Gregor Schmoll. Puparium: Atelier/Studio

Die Ausstellung findet im Rahmen der Foto Wien statt.

Percy Rainford, Marcel Duchamp‘s Studio, 1945, Silbergelatineabzug, 25.3 x 20.4 cm, ÖFLKS, PHO 5758/0 © 2023 Österreichische Friedrich und Lillian Kiesler-Privatstiftung, Wien

Im Januar 1945 trafen sich der Künstler-Architekt Friedrich Kiesler (1890 – 1965) und der Fotograf Percy Rainford (1901 – 1976) mit dem Künstler Marcel Duchamp (1887 – 1968) in dessen New Yorker Atelier, um Aufnahmen des Raums sowie Portraits für eine Fotocollage anzufertigen. Rainford nahm nach Kieslers und Duchamps Anleitung den Atelierraum aus ungewöhnlichen Kamerawinkeln auf. Kiesler montierte diese Bilder in weiterer Folge zu einem ausfaltbaren Fototriptychon – Les Larves d’Imagie d’Henri Robert Marcel Duchamp – für das Kunstmagazin View (Nr. 1, März 1945), das Marcel Duchamp gewidmet war.

Die Originalabzüge befinden sich heute im Archiv der Friedrich Kiesler Stiftung und bilden den Ausgangspunkt für Gregor Schmolls neue Arbeit Puparium: Atelier/Studio. Schmoll paraphrasiert darin die fotografische Dokumentation wie auch die Fotodokumente selbst zwischen objektiver Nüchternheit und hymnischer Verklärung. Durch das spielerische Reenactment dekonstruiert er die Annahme, dass Fotografie die „Wirklichkeit“ abbildgetreu festhält und entlarvt die „Legendenbildung“ bzw. Konstruktion des Atelierraums als geheimnisumwitterten Ort künstlerischen Schaffens.

Gregor Schmoll (*1970 in Bruck an der Mur/Österreich) lebt und arbeitet in Wien.

En janvier 1945, l'artiste-architecte Friedrich Kiesler (1890 - 1965) et le photographe Percy Rainford (1901 - 1976) ont rencontré l'artiste Marcel Duchamp (1887 - 1968) dans son atelier new-yorkais afin de prendre des photos de la pièce ainsi que des portraits pour un collage photographique. Suivant les instructions de Kiesler et de Duchamp, Rainford a photographié l'espace de l'atelier sous des angles inhabituels. Kiesler a ensuite assemblé ces visuels en un triptyque photographique dépliable - Les Larves d'Imagie d'Henri Robert Marcel Duchamp - pour le magazine artistique View (n° 1, mars 1945), consacré à Marcel Duchamp.

Les tirages originaux se trouvent aujourd'hui dans les archives de la Friedrich Kiesler Stiftung et constituent le point de départ de la nouvelle œuvre de Gregor Schmoll, Puparium : Atelier/Studio. Schmoll y paraphrase la documentation photographique ainsi que les documents photographiques eux-mêmes, entre sobriété objective et transfiguration hymnique. Par le biais d'une reconstitution ludique, il déconstruit l'hypothèse selon laquelle la photographie fixe la "réalité" de manière fidèle à l'image et démasque la "création de légendes" ou la construction de l'espace de l'atelier comme lieu de création artistique entouré de mystère.

Gregor Schmoll (*1970 à Bruck an der Mur/Autriche) vit et travaille à Vienne.

Nel gennaio 1945, l'artista-architetto Frederick Kiesler (1890-1965) e il fotografo Percy Rainford (1901-1976) si incontrarono con l'artista Marcel Duchamp (1887-1968) nello studio newyorkese di Duchamp per fotografare lo spazio e i ritratti per un collage fotografico. Rainford, seguendo le istruzioni di Kiesler e Duchamp, ha ripreso lo spazio dello studio da angolazioni insolite. Kiesler assemblò successivamente queste immagini in un trittico fotografico pieghevole - Les Larves d'Imagie d'Henri Robert Marcel Duchamp - per la rivista d'arte View (n. 1, marzo 1945), dedicata a Marcel Duchamp.

Le stampe originali sono oggi conservate nell'archivio della Fondazione Friedrich Kiesler e costituiscono il punto di partenza della nuova opera di Gregor Schmoll, Puparium: Atelier/Studio. In questo lavoro, Schmoll parafrasa la documentazione fotografica e i documenti fotografici stessi tra sobrietà oggettiva e trasfigurazione innografica. Attraverso una giocosa rievocazione, egli decostruisce il presupposto che la fotografia catturi fedelmente la "realtà" ed espone la "creazione di leggende" o la costruzione dello spazio dello studio come luogo di creazione artistica avvolto nel mistero.

Gregor Schmoll (*1970 a Bruck an der Mur/Austria) vive e lavora a Vienna.

In January 1945, the artist-architect Frederick Kiesler (1890 – 1965) and the photographer Percy Rainford (1901 – 1976) met the artist Marcel Duchamp (1887 – 1968) in Duchamp’s New York studio in order to take pictures of the space and produce portraits for a photo collage. Following Kiesler and Duchamp’s instructions, Rainford captured the atelier from a series of unusual camera angles. Kiesler then assembled these images to create a folding photographic triptych – Les Larves d’Imagie d’Henri Robert Marcel Duchamp – for the art magazine View (No. 1, March 1945), which was dedicated to Marcel Duchamp.

The original prints, which can now be found in the archive of the Frederick Kiesler Foundation, provide the starting point for Gregor Schmoll’s new work Puparium: Atelier/Studio. In the work, Schmoll moves between objective sobriety and eulogistic transfiguration as he paraphrases both the photographic documentation and the photographic documents themselves. He uses this playful re-enactment to deconstruct the assumption that photography captures “reality” with pictorial accuracy and expose the “mythmaking” that interprets the studio space as a mysterious place of artistic creation.

Gregor Schmoll (*1970 in Bruck an der Mur/Austria) lives and works in Vienna.

(Text: Österreichische Friedrich und Lillian Kiesler-Privatstiftung, Wien)

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All You Need is Love - Fotografien der Beatles | WestLicht | Wien
Mai
26
bis 6. Aug.
Ausstellung, EMOP, Wien, Austria

All You Need is Love - Fotografien der Beatles | WestLicht | Wien

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WestLicht | Wien
26. Mai - 6. August 2023

All You Need is Love - Fotografien der Beatles

Die Ausstellung findet im Rahmen von Foto Wien statt.

Abbey Road Cover Shooting, Outtake, London 1969 © Iain MacMillan

Sie sind bis heute die erfolgreichste Band der Musikgeschichte und haben die Popkultur geprägt wie niemand sonst. Zu diesem Phänomen beigetragen haben nicht zuletzt jene Fotograf:innen, die jeden Moment der nur zehn Jahre dauernden Bandgeschichte festhielten. Ihre milliardenfach auf Plattenhüllen, Zeitungscovern, Postern, Autogrammkarten und Kaugummibildchen reproduzierten Bilder waren für die Beatlemania ein ebenso wichtiger Treibstoff wie die Musik selbst.

In der Ausstellung All You Need Is Love beleuchtet WestLicht die unterschiedlichsten Zugänge, mit denen der bis dahin einmalige Starkult befeuert wurde. Von Peter Brüchmanns – bisher noch nie gezeigter – Reportage der Bravo-Blitz-Tournee durch Deutschland über die psychedelischen Pop-Art-Poster von Richard Avedon bis zu den Outtakes des legendären Abbey Road Cover-Shooting, macht die fotografische Zeitreise auch die äußerlichen und innerlichen Metamorphosen der Fab Four deutlich. Während Max Scheler von seiner Reise zu den Ursprüngen in Liverpool noch fast familiär wirkende Aufnahmen für den Stern mitbrachte, wird in den sehr persönlichen Porträts von Linda McCartney aus 1967 erstmals auch die wachsende Entfremdung zwischen John, Paul, George und Ringo spürbar.

Abgerundet mit Bildern vom einzigen Österreich-Besuch der Beatles, Original-Magazinen und raren LP-Covern macht die Ausstellung die bis heute ungebrochene Faszination der Beatles sinnlich erlebbar. Die Musik dazu liefert eine Jukebox, bestückt mit den größten Hits der vier Pilzköpfe.

Vous êtes aujourd'hui encore le groupe le plus populaire de l'histoire de la musique et vous avez marqué la culture pop comme personne d'autre. Les photographes qui ont immortalisé chaque moment de l'histoire du groupe, qui n'a duré que dix ans, ont largement contribué à ce phénomène. Leurs visuels, reproduits des milliards de fois sur des pochettes de disques, des couvertures de journaux, des affiches, des cartes d'autographes et des images de chewing-gum, ont été un carburant aussi important pour la Beatlemania que la musique elle-même.

Dans l'exposition All You Need Is Love, WestLicht met en lumière les approches les plus diverses qui ont alimenté ce culte de la célébrité jusqu'alors unique. Du reportage de Peter Brüchmann - jamais montré jusqu'à présent - sur la tournée Bravo Blitz en Allemagne aux outtakes du légendaire shooting de la pochette d'Abbey Road, en passant par les posters pop art psychédéliques de Richard Avedon, ce voyage photographique dans le temps met également en évidence les métamorphoses extérieures et intérieures des Fab Four. Alors que Max Scheler a rapporté de son voyage aux origines à Liverpool des clichés presque familiaux pour le Stern, les portraits très personnels de Linda McCartney réalisés en 1967 rendent pour la première fois perceptible l'éloignement croissant entre John, Paul, George et Ringo.

Complétée par des visuels de l'unique visite des Beatles en Autriche, des magazines originaux et des pochettes de LP rares, l'exposition permet de vivre sensoriellement la fascination des Beatles, toujours intacte aujourd'hui. La musique est fournie par un juke-box équipé des plus grands hits des quatre champignons.

Sono ancora la band di maggior successo nella storia della musica e hanno plasmato la cultura pop come nessun altro. I fotografi che hanno immortalato ogni momento della storia decennale della band hanno contribuito a questo fenomeno. Le loro immagini, riprodotte un miliardo di volte su copertine di dischi, giornali, poster, cartoline di autografi e immagini di gomme da masticare, hanno alimentato la Beatlemania tanto quanto la musica stessa.

Nella mostra All You Need Is Love, WestLicht illustra gli approcci più diversi con cui è stato alimentato il culto delle star, finora unico nel suo genere. Dal reportage mai mostrato prima di Peter Brüchmann del tour Bravo Blitz in Germania ai manifesti pop art psichedelici di Richard Avedon e agli outtakes del leggendario servizio di copertina di Abbey Road, il viaggio fotografico nel tempo rivela anche le metamorfosi esterne e interne dei Fab Four. Mentre Max Scheler ha riportato per Stern fotografie dall'aspetto quasi familiare dal suo viaggio alle origini a Liverpool, il crescente allontanamento tra John, Paul, George e Ringo diventa palpabile per la prima volta nei ritratti molto personali di Linda McCartney del 1967.

Completata da immagini dell'unica visita dei Beatles in Austria, da riviste originali e da rare copertine di LP, la mostra permette di vivere in modo sensuale il fascino dei Beatles, rimasto intatto fino ad oggi. La musica è fornita da un jukebox con i più grandi successi dei quattro funghetti.

They are still the most successful band in music history and have shaped pop culture like no one else. The photographers who captured every moment of the band's ten-year history have contributed to this phenomenon. Their images, reproduced a billion times over on record sleeves, newspaper covers, posters, autograph cards and chewing gum pictures, were as important a fuel for Beatlemania as the music itself.

In the exhibition All You Need Is Love, WestLicht illuminates the most diverse approaches with which the hitherto unique star cult was fueled. From Peter Brüchmann's - never before shown - reportage of the Bravo Blitz tour through Germany to Richard Avedon's psychedelic pop art posters and the outtakes of the legendary Abbey Road cover shoot, the photographic journey through time also reveals the external and internal metamorphoses of the Fab Four. While Max Scheler brought back almost familiar-like photographs for Stern from his trip to the origins in Liverpool, the growing estrangement between John, Paul, George and Ringo is palpable for the first time in the very personal portraits of Linda McCartney from 1967.

Rounded off with pictures of the Beatles' only visit to Austria, original magazines and rare LP covers, the exhibition makes it possible to experience the fascination of the Beatles, which remains unbroken to this day, in a sensual way. The music is provided by a jukebox filled with the greatest hits of the four mushroom heads.

(Text: WestLicht, Wien)

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Studio notes - meine Zeit mit CY - Rob McDonald | Anzenberger Gallery | Wien
Mai
12
bis 18. Aug.
Ausstellung, Wien, Austria, EMOP

Studio notes - meine Zeit mit CY - Rob McDonald | Anzenberger Gallery | Wien

Anzenberger Gallery | Wien
12. Mai - 18. August 2023

Studio notes - meine Zeit mit CY
Rob McDonald

Die Ausstellung findet im Rahmen des Monats für Fotografie Foto Wien statt.

Cy Twombly Lexington Studio, 2008 | © Rob McDonald

In den letzten zwanzig Jahren seines Lebens kehrte Cy Twombly jährlich nach Lexington zurück, seiner Heimatstadt im Shenandoah Valley in Virginia. Als Beweis seiner Verbundenheit kaufte er ein Haus, und während ausgedehnter Besuche im Frühjahr und Herbst schuf er eine Reihe wichtiger Werke in bescheidenen Ateliers, die er in der Nähe mietete. Zum großen Teil jedoch verbrachte er seine Tage damit, die Rhythmen der kleinen Universitätsstadt zu beobachten, lange besinnliche Fahrten auf dem Land zu unternehmen und Unterhaltungen mit einem kleinen Bekanntenkreis zu erkunden. Einer von ihnen war der Fotograf Rob McDonald. Im Laufe der Jahre machte McDonald viele Fotos von Twomblys Haus und Atelier im Ladengeschäft in der Innenstadt von Lexington, normalerweise in Anwesenheit des Künstlers. Während dieser Zeit wurde nicht viel gesprochen, aber wenn McDonald die Bilder mit Twombly teilte, schien er immer neugierig zu sein, was die Aufmerksamkeit des Fotografen auf sich gezogen hatte. Die Ausstellung ist eine Weltpremiere und zeigt drei Orte, an denen Twombly gearbeitet hat und die als Prüfsteine für McDonald's Reflexionen ihrer unzähligen Gespräche über Themen dienen, die von Twomblys Leben und Werk bis hin zu Kuriositäten des Lebens in der lokalen Gemeinschaft reichen.

Au cours des vingt dernières années de sa vie, Cy Twombly est retourné chaque année à Lexington, sa ville natale dans la vallée de Shenandoah en Virginie. Pour prouver son attachement, il y a acheté une maison et, au cours de longues visites au printemps et à l'automne, il a créé un certain nombre d'œuvres importantes dans de modestes ateliers qu'il louait à proximité. En grande partie, cependant, il passait ses journées à observer les rythmes de la petite ville universitaire, à faire de longues promenades contemplatives dans la campagne et à explorer des conversations avec un petit cercle de connaissances. L'un d'eux était le photographe Rob McDonald. Au fil des ans, McDonald a pris de nombreuses photos de la maison et de l'atelier de Twombly dans le magasin du centre-ville de Lexington, généralement en présence de l'artiste. Pendant cette période, on ne parlait pas beaucoup, mais lorsque McDonald partageait les visuels avec Twombly, il semblait toujours curieux de savoir ce qui avait attiré l'attention du photographe. L'exposition est une première mondiale et présente trois lieux où Twombly a travaillé et qui servent de pierres de touche aux réflexions de McDonald's sur leurs innombrables conversations sur des sujets allant de la vie et de l'œuvre de Twombly aux curiosités de la vie dans la communauté locale.

Negli ultimi vent'anni della sua vita, Cy Twombly è tornato ogni anno a Lexington, la sua città natale nella Shenandoah Valley in Virginia. A riprova del suo attaccamento, comprò una casa e durante le visite prolungate in primavera e in autunno creò una serie di opere importanti nei modesti studi che affittò nelle vicinanze. Per la maggior parte del tempo, tuttavia, trascorreva le sue giornate osservando i ritmi della piccola città universitaria, facendo lunghi viaggi contemplativi in campagna ed esplorando le conversazioni con una piccola cerchia di conoscenti. Uno di questi era il fotografo Rob McDonald. Nel corso degli anni, McDonald ha scattato molte fotografie della casa e dello studio di Twombly presso il negozio al dettaglio nel centro di Lexington, di solito in presenza dell'artista. Durante questo periodo non si parlava molto, ma quando McDonald condivideva le immagini con Twombly, sembrava sempre curioso di sapere cosa avesse attirato l'attenzione del fotografo. La mostra è una prima mondiale e presenta tre luoghi in cui Twombly ha lavorato, che servono come pietre di paragone per le riflessioni di McDonald sulle loro innumerevoli conversazioni su argomenti che vanno dalla vita e dal lavoro di Twombly alle curiosità sulla vita della comunità locale.

For the last twenty years of his life, Cy Twombly returned annually to Lexington, his hometown in Virginia's Shenandoah Valley. As proof of his attachment, he bought a house, and during extended visits in the spring and fall, he created a number of important works in modest studios he rented nearby. For the most part, however, he spent his days observing the rhythms of the small college town, taking long contemplative drives in the country, and exploring conversations with a small circle of acquaintances. One of them was photographer Rob McDonald. Over the years, McDonald took many photos of Twombly's home and studio at the retail store in downtown Lexington, usually with the artist present. Not much was said during this time, but when McDonald shared the images with Twombly, he always seemed curious about what had caught the photographer's attention. The exhibition is a world premiere and features three locations where Twombly worked, serving as touchstones for McDonald's reflections of their countless conversations on topics ranging from Twombly's life and work to curiosities of life in the local community.

(Text: Anzenberger Gallery, Wien)

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Dancing with my Camera - Dayanita Singh | Mudam Luxembourg
Mai
12
bis 10. Sept.
Ausstellung, EMOP, Luxembourg

Dancing with my Camera - Dayanita Singh | Mudam Luxembourg

  • Mudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean (Karte)
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Mudam Luxembourg
12. Mai - 10. September 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie Luxemburg statt.

Dancing with my Camera
Dayanita Singh

Dayanita Singh, Mona Montage, 2021 © Dayanita Singh

Dayanita Singh (1961, Neu-Delhi) entwickelt seit vier Jahrzehnten ein genreübergreifendes Werk, in dem sie die Grenzen des Mediums Fotografie auslotet. Dancing with my Camera ist die umfangreichste Ausstellung, die der indischen Künstlerin bisher gewidmet wurde. Sie lässt ihr gesamtes Werk Revue passieren, von ihrem ersten Fotoprojekt über die Klangwelt des indischen Perkussionisten Zakir Hussain (1951, Bombay) bis hin zu jüngeren Arbeiten wie Let’s See (2021), die auf der Form des Foto-Kontaktbogens beruht. Die Ausstellung zeugt vom formalen Erfindungsreichtum, die Singhs Arbeit auszeichnet, und spiegelt ihre singuläre Sichtweise auf Themen wie Archive, Musik, Tanz, Architektur, Tod, Geschlecht oder Freundschaft.

Sing begreift Fotografie keineswegs als unbewegliches Bild, sondern als „Materie“ – als Ausgangspunkt, der dem „Wo“ und „Wann“ der Aufnahme weniger Bedeutung zumisst als dem Eindruck, den sie im Zusammenspiel mit anderen Bildern in der Erfahrung des Betrachters im Hier und Jetzt hinterlässt. Anhand eines einzigartigen Editingprozesses, bei dem der Intuition eine große Bedeutung zukommt, wählt die Künstlerin Bilder aus ihren Archiven aus, die sie anschließend miteinander verbindet, kombiniert und neu interpretiert. Dabei entstehen mobile Assemblagen in denen sie unterschiedliche Epochen, Orte, Personen, Architekturen, Motive und Objekte ineinanderfließen lässt. Singh ist vor allem bekannt für ihre Künstlerbücher, die einen wesentlichen Teil ihres Schaffens ausmachen und sich als eigenständige Ausstellungsräume verstehen. In ihnen experimentiert die Künstlerin mit unterschiedlichen fotografischen Präsentationsformen, geleitet von der Idee, dass Bücher es vermögen, über Zeit und Raum hinweg zu zirkulieren und eine privilegierte, intime Beziehung mit dem Leser zu knüpfen.

Seit den frühen 2010er Jahren arrangiert Singh ihre Bilder innerhalb von modularen Holzstrukturen, die sie als „Fotoarchitekturen“ bezeichnet. Dieses Verfahren ermöglichte es ihr, eine eigenständige fotografische Praxis zu entwickeln, die auf dem Prinzip der Montage basiert und die narrativen Möglichkeiten ausschöpft, die sich aus der Gegenüberstellung von Bildern ergeben. Dies hat insbesondere zur Entstehung einer Reihe von „Museen“ wie dem File Museum (2012), dem Museum of Chance (2013) oder dem Museum of Tanpura (2021) geführt, die sich in unterschiedlichen Zusammenstellungen anordnen lassen und einen schnellen Wechsel der bildlichen und räumlichen Konstellationen ermöglichen. Diese Arbeiten, in denen die Funktionsprinzipien der Ausstellung und des Archivs zusammenfallen, laden d n Betrachter ein, sich frei um sie herum zu bewegen – zu „tanzen“ –, um die Bilder zu erfahren.

Kuratorin: Stephanie Rosenthal

Kurator für die Präsentation im Mudam: Christophe Gallois, assistiert von Clémentine Proby

Dayanita Singh. Dancing with my Camera wird organisiert vom Gropius Bau in Zusammenarbeit mit dem Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, der Villa Stuck in München und dem Serralves Museum in Porto.

Depuis quatre décennies, Dayanita Singh (1961, New Delhi) développe une œuvre qui se distingue par la manière dont elle brouille les genres et explore les limites du médium photographique. Dancing with my Camera, qui constitue la plus importante exposition dédiée à l’artiste indienne à ce jour, parcourt l’ensemble de son œuvre, depuis son premier projet photographique consacré à l’univers musical du percussionniste indien Zakir Hussain (1951, Bombay) jusqu’à ses œuvres les plus récentes, parmi lesquelles Let’s See (2021), inspirée de la forme des planches contacts. Témoignant de l’invention formelle qui caractérise l’œuvre de Singh, l’exposition met également en valeur le regard singulier qu’elle porte sur des thèmes tels que l’archive, la musique, la danse, l’architecture, la disparition, le genre ou encore l’amitié.

Loin d’être appréhendée comme une image figée, la photographie constitue pour Singh une « matière première » : un point de départ, dans laquelle le « où » et le « quand » de la prise de vue importent moins que l’impression qu’elle suscite dans le présent de l’expérience, dans sa relation avec d’autres images. Selon un processus d’editing singulier qui accorde une grande place à l’intuition, l’artiste puise dans ses archives des images qu’elle associe, combine et réinterprète pour aboutir à des assemblages mobiles au sein desquels se mêlent, avec une grande fluidité, les époques et les lieux, les figures humaines, les architectures, les motifs et les objets. Singh est notamment connue pour ses livres, qui représentent un pan essentiel de son œuvre et qu’elle appréhende comme des espaces d’exposition à part entière. Elle y expérimente différentes formes de présentation des photographies, animée par son intérêt pour la capacité des livres à circuler dans le temps et dans l’espace et pour la relation privilégiée, intime, qu’ils établissent avec le lecteur.

À partir du début des années 2010, Singh a commencé à associer ses images au sein de structures modulaires en bois – ce qu’elle décrit comme des « photo-architectures » – lui permettant d’exploiter dans toute sa potentialité une conception de la photographie fondée sur le montage et les possibilités narratives offertes par la juxtaposition d’images. Cette orientation a notamment donné lieu à la création d’une série de « musées » tels que le File Museum (2012), le Museum of Chance (2013) ou le Museum of Tanpura (2021). Ceux-ci peuvent être agencés selon différentes configurations et permettent un changement rapide des constellations d’images et de l’espace. Ils conjuguent les principes de l’exposition et de l’archive, et invitent les spectateurs à se mouvoir librement – à « danser » – autour d’eux pour faire l’expérience des images.

Commissaire: Stephanie Rosenthal

Commissaire de la présentation au Mudam: Christophe Gallois, assisté de Clémentine Proby

L’exposition Dayanita Singh. Dancing with my Camera est organisée par le Gropius Bau, Berlin, en collaboration avec le Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, la Villa Stuck, Munich et le Musée Serralves, Porto.

Dayanita Singh (1961, Nuova Delhi) ha sviluppato per quattro decenni un corpus di opere che spazia tra i vari generi, esplorando i confini del mezzo fotografico. Dancing with my Camera è la mostra più completa finora dedicata all'artista indiana. La mostra passa in rassegna l'intero corpus di opere dell'artista, dal suo primo progetto fotografico sul paesaggio sonoro del percussionista indiano Zakir Hussain (1951, Bombay) a lavori più recenti come Let's See (2021), che si basa sulla forma del foglio fotografico a contatto. La mostra testimonia l'inventiva formale che caratterizza il lavoro di Singh e riflette la sua singolare prospettiva su temi come gli archivi, la musica, la danza, l'architettura, la morte, il genere o l'amicizia.

Lungi dal concepire la fotografia come un'immagine immobile, Singh la vede come "materia" - un punto di partenza che dà meno importanza al "dove" e al "quando" dello scatto che all'impressione che lascia sull'esperienza del qui e ora dello spettatore in interazione con altre immagini. Utilizzando un processo di editing unico in cui l'intuizione gioca un ruolo fondamentale, l'artista seleziona immagini dai suoi archivi, che poi collega, combina e reinterpreta. In questo modo crea assemblaggi mobili in cui epoche, luoghi, persone, architetture, motivi e oggetti diversi confluiscono l'uno nell'altro. Singh è nota soprattutto per i suoi libri d'artista, che costituiscono una parte essenziale del suo lavoro e sono intesi come spazi espositivi a sé stanti. In essi, l'artista sperimenta diverse forme di presentazione fotografica, guidata dall'idea che i libri siano in grado di circolare attraverso il tempo e lo spazio e di stabilire un rapporto privilegiato e intimo con il lettore.

Dall'inizio degli anni 2010, Singh dispone le sue immagini all'interno di strutture modulari in legno che chiama "architetture fotografiche". Questo processo le ha permesso di sviluppare una pratica fotografica distinta, basata sul principio del montaggio, che sfrutta le possibilità narrative derivanti dalla giustapposizione delle immagini. In particolare, ciò ha portato alla creazione di una serie di "musei" come File Museum (2012), Museum of Chance (2013) e Museum of Tanpura (2021), che possono essere disposti in diverse configurazioni e consentono rapidi cambiamenti nelle costellazioni pittoriche e spaziali. Queste opere, in cui i principi funzionali della mostra e dell'archivio coincidono, invitano gli spettatori a muoversi liberamente intorno ad esse - a "danzare" - per vivere le immagini.

Curatore: Stephanie Rosenthal

Curatore per la presentazione al Mudam: Christophe Gallois, coadiuvato da Clémentine Proby

Dayanita Singh. Dancing with my Camera è organizzata da Gropius Bau in collaborazione con Mudam Luxembourg - Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean, Villa Stuck a Monaco e Serralves Museum a Porto.

For four decades, Dayanita Singh (b. 1961, New Delhi) has developed a body of work distinguished by her genre-defying approach of photography, one that pushes the limits of the medium and the boundaries of how we experience images. Dancing with my Camera, the most important exhibition dedicated to the artist to date, spans the entirety of her oeuvre, from her first photographic project devoted to the musical universe of the percussionist Zakir Hussain (b. 1951, Bombay) up until her most recent works, including Let’s See (2021), inspired by the format of contact sheets. A testament to the formal inventiveness that characterises Singh’s work, the exhibition also highlights the artist’s singular perspective on themes such as the archive, music, dance, architecture, disappearance, gender and friendship.

Photography, far from being a fixed image, constitutes a ‘raw material’ for Singh: a point of departure, in which the ‘where’ and ‘when’ of the shot matter less than the impression it arouses in the moment it is experienced, in relation to other images. According to a unique editing process that attaches great importance to intuition, the artist culls images from her archives that she then combines and reinterprets, resulting in temporary assemblages wherein various periods, places, figures, architectures, objects and motifs intermingle fluidly. Singh is notably recognised for her books, which represent an essential part of her practice and which she views as exhibition spaces in their own right. Here she experiments with different forms of photographic presentation, animated by her interest in the capacity for books to circulate in time and space, and the privileged, intimate relationship they establish to the reader.

In the early 2010s, Singh began incorporating her images into mobile wooden structures – what she describes as ‘photo-architectures’ – allowing her to exploit to its fullest potential a conception of photography based on montage and the narrative possibilities offered by the juxtaposition of images. This approach notably gave rise to the creation of a series of ‘museums’, such as the File Museum (2012), the Museum of Chance (2013), and the Museum of Tanpura (2021). These can be organised in different configurations, allowing for a rapid rearrangement of the constellation of images and space. They combine the principles of the archive and the exhibition and invite viewers to move freely – or ‘dance’ – around them to experience the images.

Curator: Stephanie Rosenthal

Curator of the presentation at Mudam: Christophe Gallois, assisted by Clémentine Proby

The exhibition Dayanita Singh. Dancing with my Camera is organised by the Gropius Bau in collaboration with Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, the Villa Stuck, Munich and the Serralves Museum, Porto.

(Text: Mudam Luxembourg)

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Katrien de Blauwer : When I Was a Boy / Commencer | Villa Vauban | Luxembourg
Apr.
1
bis 2. Juli
Ausstellung, EMOP, Luxembourg

Katrien de Blauwer : When I Was a Boy / Commencer | Villa Vauban | Luxembourg

Villa Vauban | Luxembourg
1. April - 2. Juli 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie Luxemburg statt.

When I Was a Boy / Commencer
Katrien de Blauwer

Commencer 40, 2019 | © Katrien de Blauwer, Courtesy of Gallery les filles du calvaire, Paris

Die belgische Künstlerin Katrien de Blauwer, geboren 1969, bezeichnet sich selbst als "Fotografin ohne Apparat". Sie schneidet, klebt, fügt zusammen, färbt und manipuliert Fotografien aus alten Zeitschriften, die sie sammelt. Ihre Werke, die der Fotomontage oder der Filmmontage nahe kommen, bergen eine intensive narrative Ladung. Sie sind mit der Erinnerung und der persönlichen Geschichte verbunden, aber paradoxerweise ebenso intim wie anonym, und werden so zum möglichen Szenario eines jeden Menschen.

Die temporäre Hängung zeigt 29 Werke aus den Serien When I Was a Boy (2016-2018) und Commencer (2019-2020).

L’artiste belge Katrien de Blauwer, née en 1969, se présente elle-même comme « photographe sans appareil ». Elle coupe, colle, assemble, enfreint, colore, manipule des photographies issues d’anciens magazines qu’elle collectionne. Proches du photomontage ou du montage cinématographique, ses œuvres recèlent une intense charge narrative. Liées à la mémoire et à son histoire personnelle mais, paradoxalement, aussi intimes qu’anonymes, elles deviennent le scénario possible de tout un chacun.

L'accrochage temporaire présente 29 œuvres issues des séries When I Was a Boy (2016–2018) et Commencer (2019–2020).

L'artista belga Katrien de Blauwer, nata nel 1969, si definisce una "fotografa senza macchina fotografica". Taglia, incolla, assembla, violenta, colora e manipola fotografie da vecchie riviste che colleziona. Vicine al fotomontaggio o al montaggio cinematografico, le sue opere sono intensamente narrative. Legate alla memoria e alla storia personale ma, paradossalmente, tanto intime quanto anonime, diventano uno scenario possibile per tutti.

La mostra temporanea presenta 29 opere delle serie When I Was a Boy (2016-2018) e Commencer (2019-2020).

The Belgian artist Katrien de Blauwer, born in 1969, presents herself as a "photographer without a camera". She cuts, glues, assembles, violates, colors, manipulates photographs from old magazines that she collects. Close to photomontage or cinematographic montage, her works conceal an intense narrative charge. Linked to memory and personal history but, paradoxically, as intimate as they are anonymous, they become the possible scenario of everyone.

The temporary exhibition presents 29 works from the series When I Was a Boy (2016-2018) and Commencer (2019-2020).

(Text: Villa Vauban, Luxembourg)

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Heinz Hajek-Halkes Lichtgrafik & neue Wegbereiter*innen | CHAUSSEE 36 PHOTO FOUNDATION | Berlin
März
3
bis 29. Apr.
Ausstellung, Berlin, EMOP, Deutschland

Heinz Hajek-Halkes Lichtgrafik & neue Wegbereiter*innen | CHAUSSEE 36 PHOTO FOUNDATION | Berlin

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CHAUSSEE 36 PHOTO FOUNDATION | Berlin
3. März - 29. April 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography statt.

Heinz Hajek-Halkes Lichtgrafik & neue Wegbereiter*innen
Banz & Bowinkel, Jana Dillo, Heinz Hajek-Halke, Hanno Otten, Casey Reas, Daisuke Yokota

Ohne Titel, 1960s, Lichtgrafik, analoger C-Print © Heinz Hajek-Halke Estate, courtesy CHAUSSEE 36

Die Gruppenausstellung "Über das Fotografische hinaus“ widmet sich den Lichtgrafiken (1950-1960er) von Heinz Hajek-Halke im Dialog mit den neuen Pionieren des abstrakten Bildes.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983), einer der bedeutendsten Fotokünstler des 20. Jahrhunderts, hat ein umfangreiches Werk geschaffen, das ganz im Zeichen des Experiments steht. Von den ersten Fotomontagen im Berlin der 1920er Jahre bis zu seinen abstrakten Werken der 1950er und 1960er Jahre hat Hajek-Halke, ein unklassifizierbarer Avantgardist, die Grenzen des fotografischen Mediums immer wieder neu ausgelotet.

Nach seinem Kunststudium in seiner Geburtsstadt Berlin wurde Hajek-Halke 1924 vom Presseverlag Dammert als Bildredakteur angestellt - der Beginn einer neuen Leidenschaft, die er sich als Autodidakt aneignete. Von diesem Zeitpunkt an arbeitete er als Pressefotograf für verschiedene Agenturen und lernte vor allem die experimentelle Arbeit in der Dunkelkammer kennen. Aus dieser Zeit stammen seine ikonischen Fotomontagen und Collagen, die in der illustrierten Presse und im Rahmen von Werbungen veröffentlicht wurden.

Nach seinem Rückzug an den Bodensee während des Dritten Reichs kehrte er in der Nachkriegszeit zu seiner experimentellen Tätigkeit zurück. 1949 bis 1952 war er Mitglied der Gruppe "fotoform", außerdem war er mit abstrakten Künstlern aus seinem Umfeld in Kontakt.

Hajek-Halke gilt als Erfinder der Lichtgrafik, die er seit Anfang der 1950er immer weiter verfeinerte. Die Lichtgrafik ist eine technische Meisterleistung, die in der Dunkelkammer ohne Kamera ausgeführt wird und ihren Ursprung im Fotogramm hat. Anstatt (halb)transparente Objekte auf Fotopapier zu belichten, erstellte der Künstler ein neues Negativ aus einer kleinen Glasplatte oder einem Film, das in den Vergrößerer gelegt und auf Fotopapier belichtet wurde. Da die Herstellung dieses Negativs zahlreiche Variationen vom gleichen Motiv ermöglicht, erfordert sie einen vollständigen physischen Eingriff. Auflösen in einem warmen Bad, Einschnitte, Auslaufen von Tusche oder Fixiermittel, Hinzufügen von Klebstoff, Folien und Farbmasken: Alle Mittel sind gut, um die Oberfläche des Negativs vollständig zu verändern. Unter dem Einfluss des "gelenkten Zufalls" verwandelt sich Hajek-Halke in einen Alchemisten, der Techniken aus der Fotografie, der Chemie und der Malerei miteinander verbindet, um neue Texturen und Strukturen entstehen zu lassen. Fantasiewelten - zwischen üppigen Vegetationen und kosmischen Landschaften – kommen zum Vorschein.

"Weil die Praktiken oft über das Fotografische hinausgehen spricht man hier eben am besten von Lichtgrafiken." (Franz Roh, Vorwort von Hajek-Halke: Lichtgrafik, 1964)

Die Lichtgrafiken waren zu Lebzeiten des Künstlers Gegenstand zahlreicher Ausstellungen und einer späten Wiederentdeckung seit Anfang der 2000er Jahre. In der aktuellen Ausstellung wird zum ersten Mal eine Auswahl von Hajek-Halkes originalen Abzügen im Licht der zeitgenössischen experimentellen abstrakten Kunst betrachtet.

Von 1955 bis 1967 lehrte Hajek-Halke als erster deutscher Fotograf als Dozent für „Foto-Grafik“ an der Hochschule für bildende Künste Berlins. Durch seinen Unterricht und seine zahlreichen Schriften beeinflusste Hajek-Halkes Lichtgrafik eine ganze Generation experimenteller Fotografen, von seinem Schüler Floris Neusüss bis hin zu Gottfried Jäger, dem führenden Vertreter der "generativen Fotografie".

Die Ausstellung „Über das Fotografische hinaus“ möchte die Fragestellung beleuchten, inwieweit das komplexe Thema der Lichtgrafik heute noch aktuell ist und was ein abstraktes Bild im postdigitalen Zeitalter bedeutet. Ausgehend von Hajek-Halkes eigener Klassifizierung wurden Werke von sechs Künstler*innen ausgewählt. Entscheidend war dabei ihr experimentelles Innovationspotential als direkte Reaktion auf die verschiedenen Variationen von Lichtgrafiken. Sie zeigen Arbeiten vom analogen Fotogramm bis hin zur Abstraktion, die mithilfe künstlicher Intelligenz erstellt wurde.

In ihren Bodypaintings kreiert das deutsche Künstlerduo Banz & Bowinkel eine neue Bildsprache durch eine komplexe Arbeitsmethode, bei der die fortschrittlichsten Technologien zum Einsatz kommen. Die Drop Paintings, die an die Ästhetik einiger Lichtgrafiken erinnern, werden zwar durch Augmented Reality erzeugt, haben aber einen physischen Ausgangspunkt. Die Künstler nehmen die Bewegungen von Performern im Studio auf, bevor sie sie in einen virtuellen Raum übertragen. Das Ergebnis sind erstaunliche Farbspritzer, die in Virtual Reality entdeckt werden können oder in großformatigen Fotografien kristallisiert sind.

Giulia Bowinkel (*1983) und Friedemann Banz (*1980) haben beide an der Kunstakademie in Düsseldorf studiert. Ihre Fotografien, Videos und Installationen wurden international ausgestellt.

Mit ihrer 2020 begonnenen Serie Polagramme tritt die junge Künstlerin Jana Dillo das direkte Erbe von Hajek-Halke an, indem sie ebenfalls eine neue Fotogrammtechnik entwickelt. Die Polagramme, die auf Sofortbildfilmen (Fuji FP-100 C) in der Dunkelkammer aufgenommen werden, bestehen aus der Erstellung von farbigen Miniatur-Fotogrammen. Eckige Formen und geworfene Schatten entstehen dann durch die Manipulation von farbigem Licht und Schablonen.

Jana Dillo wurde 1992 im Schwarzwald geboren und studiert seit 2018 Fotografie an der Kunsthochschule Essen. Ihre kürzlich erschienene, viel beachtete Serie von Polagrammen wurde bereits in mehreren Ausstellungen in Europa gezeigt.

Die Farbe steht im Mittelpunkt der Forschung des Künstlers Hanno Otten (*1954, Köln).

Ottens Ausbildung als Maler war ausschlaggebend für die Hinwendung zur Fotografie. Wie bei seinen Gemälden konzentriert er sich auch in seinen Fotogrammen auf das Experimentieren mit der Materialität des Mediums, indem er alle überflüssigen Motive eliminiert.

Wie die Farblichtgrafiken thematisieren Ottens Arbeiten das Licht und seine Interaktion mit der Farbe.

Hanno Otten lebt und arbeitet in Köln. Seine Arbeiten über Farbe, für die er seit den 1990er Jahren bekannt ist, waren das Thema zahlreicher Ausstellungen in Deutschland sowie in den USA. Sein Werk befindet sich in bedeutenden privaten und öffentlichen Sammlungen – u.a. im Los Angeles County Museum of Art (LACMA) und im Houston Museum of Fine Art.

Wie Hajek-Halke stellt auch Casey Reas (*1972, USA) den experimentellen Schöpfungsakt - hier das Programmieren - in den Mittelpunkt seiner Forschung. Doch was passiert, wenn die Computersoftware die Hand des Künstlers überwindet? In Process Compendium (2004-2014), einer Serie, die besonders repräsentativ für sein Werk ist, perfektioniert der Pionier der digitalen Kunst eine Custom Software, mit der er unendliche visuelle Kombinationen aus organischen Formen und mechanischen Strukturen entwickeln kann. Casey Reas lebt und arbeitet in Los Angeles, wo er an der University of California lehrt. Seine Werke wurden in den USA, Europa und Asien ausgestellt und befinden sich in den Sammlungen nationaler Museen wie dem Centre Pompidou oder dem San Francisco Museum of Modern Art.

In Daisuke Yokotas Color Photographs taucht eine kosmische Welt mit transparenten Formen auf. Um dies zu erreichen, entwickelte der junge Japaner radikale Methoden: unter anderem die Entwicklung von Farbnegativen in kochendem Wasser. Die Negative mit veränderter Emulsion werden dann gescannt und digital überlagert. Im post-digitalen Zeitalter, das von einer Flut immaterieller Bilder beherrscht wird, entschied sich Yokota, die Materialität des fotografischen Films zu erforschen, in Anlehnung an den Entstehungsprozess der Lichtgrafiken. Daisuke Yokota (*1983, Japan) ist einer der innovativsten experimentellen Fotografen seiner Generation. Seit der Verleihung des Foam Paul Huf Award im Jahr 2016 wird sein Werk weltweit präsentiert.

L'exposition de groupe "Au-delà de la photographie" est consacrée aux œuvres photographiques (années 1950-1960) de Heinz Hajek-Halke en dialogue avec les nouveaux pionniers du visuel abstrait.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983), l'un des artistes photographes les plus importants du 20e siècle, a créé une œuvre considérable entièrement placée sous le signe de l'expérimentation. Depuis ses premiers photomontages dans le Berlin des années 1920 jusqu'à ses œuvres abstraites des années 1950 et 1960, Hajek-Halke, un avant-gardiste inclassable, n'a cessé de repousser les limites du médium photographique.

Après des études d'art dans sa ville natale de Berlin, Hajek-Halke a été embauché en 1924 par la maison d'édition de presse Dammert en tant que rédacteur photo - le début d'une nouvelle passion qu'il a acquise en autodidacte. À partir de ce moment, il a travaillé comme photographe de presse pour différentes agences et s'est surtout familiarisé avec le travail expérimental en chambre noire. De cette époque datent ses photomontages et collages iconiques, publiés dans la presse illustrée et dans le cadre de publicités.

Après s'être retiré au bord du lac de Constance pendant le troisième Reich, il est revenu à ses activités expérimentales dans l'après-guerre. De 1949 à 1952, il a été membre du groupe "fotoform", il a par ailleurs été en contact avec des artistes abstraits de son entourage.

Hajek-Halke est considéré comme l'inventeur du light graphic, qu'il n'a cessé d'affiner depuis le début des années 1950. La photogravure est une prouesse technique réalisée dans la chambre noire sans appareil photo et trouve son origine dans le photogramme. Au lieu d'exposer des objets (semi-)transparents sur du papier photo, l'artiste créait un nouveau négatif à partir d'une petite plaque de verre ou d'un film, qu'il plaçait dans l'agrandisseur et exposait sur du papier photo. Comme la fabrication de ce négatif permet de nombreuses variations à partir du même motif, elle nécessite une intervention physique complète. Dissolution dans un bain chaud, incisions, écoulement d'encre ou de fixateur, ajout de colle, de films et de masques de couleur : tous les moyens sont bons pour modifier complètement la surface du négatif. Sous l'influence du "hasard dirigé", Hajek-Halke se transforme en alchimiste, combinant des techniques issues de la photographie, de la chimie et de la peinture pour faire apparaître de nouvelles textures et structures. Des mondes imaginaires - entre végétation luxuriante et paysages cosmiques - se révèlent.

"Parce que les pratiques dépassent souvent le cadre de la photographie, il est justement préférable de parler ici de graphismes lumineux". (Franz Roh, préface de Hajek-Halke : Lichtgrafik, 1964).

Les Lichtgrafiken ont fait l'objet de nombreuses expositions du vivant de l'artiste et d'une redécouverte tardive depuis le début des années 2000. Dans l'exposition actuelle, une sélection de tirages originaux de Hajek-Halke est examinée pour la première fois à la lumière de l'art abstrait expérimental contemporain.

De 1955 à 1967, Hajek-Halke a été le premier photographe allemand à enseigner le "photo-graphisme" à la Hochschule für bildende Künste de Berlin. Par son enseignement et ses nombreux écrits, le graphisme lumineux de Hajek-Halke a influencé toute une génération de photographes expérimentaux, de son élève Floris Neusüss à Gottfried Jäger, le principal représentant de la "photographie générative".

L'exposition "Au-delà de la photographie" souhaite mettre en lumière la question de savoir dans quelle mesure le thème complexe du graphisme lumineux est encore d'actualité aujourd'hui et ce que signifie un visuel abstrait à l'ère post-numérique. À partir de la propre classification de Hajek-Halke, des œuvres de six artistes* ont été sélectionnées. Leur potentiel d'innovation expérimentale en tant que réaction directe aux différentes variations des graphismes lumineux a été déterminant. Vous présentez des travaux allant du photogramme analogique à l'abstraction créée à l'aide de l'intelligence artificielle.

Dans leurs bodypaintings, le duo d'artistes allemands Banz & Bowinkel crée un nouveau langage visuel grâce à une méthode de travail complexe qui fait appel aux technologies les plus avancées. Les drop paintings, qui rappellent l'esthétique de certains graphismes lumineux, sont certes générés par la réalité augmentée, mais ont un point de départ physique. Les artistes enregistrent les mouvements des performeurs en studio avant de les transférer dans un espace virtuel. Il en résulte d'étonnantes éclaboussures de peinture que l'on peut découvrir en réalité virtuelle ou cristalliser dans des photographies grand format.

Giulia Bowinkel (*1983) et Friedemann Banz (*1980) ont tous deux étudié à l'Académie des arts de Düsseldorf. Leurs photographies, vidéos et installations ont été exposées à l'échelle internationale.

Avec sa série de polagrammes commencée en 2020, la jeune artiste Jana Dillo reprend l'héritage direct de Hajek-Halke en développant elle aussi une nouvelle technique de photogramme. Les polagrammes, réalisés sur des films instantanés (Fuji FP-100 C) en chambre noire, consistent à créer des photogrammes miniatures en couleur. Les formes angulaires et les ombres projetées sont ensuite obtenues par la manipulation de lumières colorées et de pochoirs.

Jana Dillo est née en 1992 dans la Forêt-Noire et étudie depuis 2018 la photographie à la Kunsthochschule d'Essen. Sa récente série de polagrammes, très remarquée, a déjà fait l'objet de plusieurs expositions en Europe.

La couleur est au cœur de la recherche de l'artiste Hanno Otten (*1954, Cologne).

La formation de peintre d'Otten a été déterminante pour son orientation vers la photographie. Comme pour ses peintures, il se concentre dans ses photogrammes sur l'expérimentation de la matérialité du médium, en éliminant tous les motifs superflus.

Comme les graphiques de lumière colorée, les travaux d'Otten ont pour thème la lumière et son interaction avec la couleur.

Hanno Otten vit et travaille à Cologne. Ses travaux sur la couleur, pour lesquels il est connu depuis les années 1990, ont fait l'objet de nombreuses expositions en Allemagne ainsi qu'aux États-Unis. Son œuvre se trouve dans d'importantes collections privées et publiques - entre autres au Los Angeles County Museum of Art (LACMA) et au Houston Museum of Fine Art.

Comme Hajek-Halke, Casey Reas (*1972, USA) transmet l'acte de création expérimental - ici la programmation - au centre de sa recherche. Mais que se passe-t-il lorsque le logiciel informatique dépasse la main de l'artiste ? Dans Process Compendium (2004-2014), une série particulièrement représentative de son œuvre, ce pionnier de l'art numérique perfectionne un logiciel sur mesure qui lui permet de développer des combinaisons visuelles infinies de formes organiques et de structures mécaniques. Casey Reas vit et travaille à Los Angeles, où il enseigne à l'université de Californie. Ses œuvres ont été exposées aux États-Unis, en Europe et en Asie et figurent dans les collections de musées nationaux tels que le Centre Pompidou ou le San Francisco Museum of Modern Art.

Dans les Color Photographs de Daisuke Yokota, un monde cosmique aux formes transparentes apparaît. Pour y parvenir, le jeune Japonais a développé des méthodes radicales : entre autres, le développement de négatifs couleur dans de l'eau bouillante. Les négatifs dont l'émulsion a été modifiée sont ensuite scannés et superposés numériquement. À l'ère post-numérique, dominée par un déluge de visuels immatériels, Yokota a décidé d'explorer la matérialité du film photographique, en s'inspirant du processus de création des estampes lumineuses. Daisuke Yokota (*1983, Japon) est l'un des photographes expérimentaux les plus innovants de sa génération. Depuis l'attribution du Foam Paul Huf Award en 2016, son travail est présenté dans le monde entier.

La mostra collettiva "Oltre la fotografia" è dedicata alla grafica luminosa (anni 1950-1960) di Heinz Hajek-Halke in dialogo con i nuovi pionieri dell'immagine astratta.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983), uno dei più importanti artisti fotografici del XX secolo, ha creato un'ampia opera interamente sperimentale. Dai primi fotomontaggi nella Berlino degli anni Venti alle opere astratte degli anni Cinquanta e Sessanta, Hajek-Halke, un avanguardista inclassificabile, ha continuamente esplorato i confini del mezzo fotografico.

Dopo aver studiato arte nella sua città natale, Berlino, Hajek-Halke fu assunto nel 1924 dalla casa editrice Dammert Press come redattore di immagini: l'inizio di una nuova passione che acquisì da autodidatta. Da quel momento in poi lavorò come fotografo per la stampa per varie agenzie e imparò soprattutto a lavorare in modo sperimentale nella camera oscura. A questo periodo risalgono i suoi iconici fotomontaggi e collage, pubblicati sulla stampa illustrata e come parte di pubblicità.

Dopo il suo ritiro sul lago di Costanza durante il Terzo Reich, nel dopoguerra tornò al suo lavoro sperimentale. Dal 1949 al 1952 fu membro del gruppo "fotoform" e fu anche in contatto con artisti astratti del suo ambiente.

Hajek-Halke è considerato l'inventore della light graphics, che continuò a perfezionare a partire dai primi anni Cinquanta. La grafica luminosa è un capolavoro tecnico che si esegue in camera oscura senza macchina fotografica e trae origine dal fotogramma. Invece di esporre oggetti (semi)trasparenti su carta fotografica, l'artista crea un nuovo negativo da una piccola lastra di vetro o da una pellicola, che viene inserita nell'ingranditore ed esposta su carta fotografica. Poiché la produzione di questo negativo consente numerose variazioni dello stesso soggetto, richiede un intervento fisico completo. Scioglimento in un bagno caldo, incisioni, esaurimento dell'inchiostro o del fissativo, aggiunta di colla, lamine e maschere di colore: tutti i mezzi sono buoni per cambiare completamente la superficie del negativo. Sotto l'influenza del "caso guidato", Hajek-Halke si trasforma in un alchimista che combina tecniche della fotografia, della chimica e della pittura per creare nuove texture e strutture. Emergono mondi fantastici, tra vegetazione lussureggiante e paesaggi cosmici.

"Poiché le pratiche vanno spesso al di là della fotografia, è meglio parlare qui di grafica leggera". (Franz Roh, prefazione a Hajek-Halke: Lichtgrafik, 1964)

La grafica luminosa è stata oggetto di numerose mostre durante la vita dell'artista e di una tardiva riscoperta a partire dai primi anni 2000. Nella mostra attuale, una selezione di stampe originali di Hajek-Halke viene vista per la prima volta alla luce dell'arte astratta sperimentale contemporanea.

Dal 1955 al 1967, Hajek-Halke è stato il primo fotografo tedesco a insegnare "fotografia" alla Hochschule für bildende Künste di Berlino. Attraverso il suo insegnamento e i suoi numerosi scritti, la grafica della luce di Hajek-Halke ha influenzato un'intera generazione di fotografi sperimentali, dal suo allievo Floris Neusüss a Gottfried Jäger, il principale esponente della "fotografia generativa".

La mostra "Oltre la fotografia" si propone di fare luce sulla misura in cui il complesso tema della grafica della luce è ancora attuale e sul significato di un'immagine astratta nell'era post-digitale. Sulla base della classificazione di Hajek-Halke, sono state selezionate le opere di sei artisti. Il fattore decisivo è stato il loro potenziale innovativo sperimentale come reazione diretta alle diverse varianti della grafica della luce. I lavori presentati vanno dai fotogrammi analogici alle astrazioni create con l'aiuto dell'intelligenza artificiale.

Nei loro body painting, il duo di artisti tedeschi Banz & Bowinkel crea un nuovo linguaggio visivo attraverso un metodo di lavoro complesso che utilizza le tecnologie più avanzate. I dipinti a goccia, che ricordano l'estetica di alcune grafiche luminose, sono creati attraverso la realtà aumentata ma hanno un punto di partenza fisico. Gli artisti registrano i movimenti degli artisti in studio prima di trasferirli in uno spazio virtuale. I risultati sono sorprendenti schizzi di colore che possono essere scoperti nella realtà virtuale o cristallizzati in fotografie di grande formato.

Giulia Bowinkel (*1983) e Friedemann Banz (*1980) hanno studiato entrambi alla Kunstakademie di Düsseldorf. Le loro fotografie, video e installazioni sono state esposte a livello internazionale.

Con la serie Polagrams, iniziata nel 2020, la giovane artista Jana Dillo raccoglie l'eredità diretta di Hajek-Halke sviluppando anche una nuova tecnica di fotogrammi. Scattato su pellicola istantanea (Fuji FP-100 C) in camera oscura, Polagrams consiste nel creare fotogrammi a colori in miniatura. Forme angolari e ombre proiettate vengono poi create attraverso la manipolazione di luci colorate e stencil.

Jana Dillo è nata nel 1992 nella Foresta Nera e dal 2018 studia fotografia alla Kunsthochschule Essen. La sua recente e acclamata serie di polagrammi è già stata esposta in diverse mostre in Europa.

Il colore è al centro della ricerca dell'artista Hanno Otten (*1954, Colonia).

La formazione di Otten come pittore è stata decisiva per il suo passaggio alla fotografia. Come nei suoi dipinti, nei fotogrammi si concentra sulla sperimentazione della materialità del mezzo eliminando tutti i motivi superflui.

Come le grafiche di luce colorata, le opere di Otten tematizzano la luce e la sua interazione con il colore.

Hanno Otten vive e lavora a Colonia. Le sue opere sul colore, note fin dagli anni '90, sono state oggetto di numerose mostre in Germania e negli Stati Uniti. Le sue opere sono presenti in importanti collezioni private e pubbliche, tra cui il Los Angeles County Museum of Art (LACMA) e lo Houston Museum of Fine Art.

Come Hajek-Halke, anche Casey Reas (*1972, USA) pone l'atto sperimentale della creazione - in questo caso la programmazione - al centro della sua ricerca. Ma cosa succede quando il software del computer supera la mano dell'artista? In Process Compendium (2004-2014), una serie particolarmente rappresentativa del suo lavoro, il pioniere dell'arte digitale perfeziona un software personalizzato che gli permette di sviluppare infinite combinazioni visive di forme organiche e strutture meccaniche. Casey Reas vive e lavora a Los Angeles, dove insegna all'Università della California. Le sue opere sono state esposte negli Stati Uniti, in Europa e in Asia e sono presenti nelle collezioni di musei nazionali come il Centre Pompidou e il San Francisco Museum of Modern Art.

Nelle fotografie a colori di Daisuke Yokota emerge un mondo cosmico di forme trasparenti. Per ottenere questo risultato, il giovane artista giapponese ha sviluppato metodi radicali: tra gli altri, lo sviluppo di negativi a colori in acqua bollente. I negativi con emulsione alterata vengono poi scansionati e sovrapposti digitalmente. Nell'era post-digitale, dominata da una marea di immagini immateriali, Yokota ha deciso di esplorare la materialità della pellicola fotografica, seguendo il processo di creazione della grafica luminosa. Daisuke Yokota (*1983, Giappone) è uno dei fotografi sperimentali più innovativi della sua generazione. Da quando ha ricevuto il premio Foam Paul Huf nel 2016, il suo lavoro è stato presentato in tutto il mondo.

The group exhibition "Beyond the Photographic" is dedicated to the light graphics (1950-1960s) of Heinz Hajek-Halke in dialogue with the new pioneers of the abstract image.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983), one of the most important photographic artists of the 20th century, created an extensive body of work that is entirely experimental. From his first photomontages in 1920s Berlin to his abstract works of the 1950s and 1960s, Hajek-Halke, an unclassifiable avant-gardist, continually explored the boundaries of the photographic medium.

After studying art in his native Berlin, Hajek-Halke was hired by the Dammert press publishing house as a picture editor in 1924 - the beginning of a new passion that he acquired as a self-taught photographer. From this point on, he worked as a press photographer for various agencies and learned especially about experimental work in the darkroom. His iconic photomontages and collages, which were published in the illustrated press and as part of advertisements, date from this period.

After retiring to Lake Constance during the Third Reich, he returned to his experimental work in the postwar period. From 1949 to 1952 he was a member of the group "fotoform", and he was also in contact with abstract artists from his environment.

Hajek-Halke is considered the inventor of light graphics, which he continued to refine from the early 1950s. Light graphics is a technical feat, executed in the darkroom without a camera, and has its origins in the photogram. Instead of exposing (semi)transparent objects on photographic paper, the artist created a new negative from a small glass plate or film that was placed in the enlarger and exposed on photographic paper. Since the creation of this negative allows for numerous variations from the same subject, it requires a complete physical intervention. Dissolving in a warm bath, incisions, leaking ink or fixative, adding glue, foils and color masks: all means are good to completely change the surface of the negative. Under the influence of "guided chance," Hajek-Halke transforms himself into an alchemist, combining techniques from photography, chemistry, and painting to create new textures and structures. Fantasy worlds - between lush vegetation and cosmic landscapes - emerge.

"Because the practices often go beyond the photographic, it is best to speak here precisely of light graphics." (Franz Roh, preface to Hajek-Halke: Lichtgrafik, 1964)

The light graphics were the subject of numerous exhibitions during the artist's lifetime and of a late rediscovery since the early 2000s. The current exhibition is the first time a selection of Hajek-Halke's original prints have been viewed in the light of contemporary experimental abstract art.

From 1955 to 1967, Hajek-Halke was the first German photographer to teach "photo-graphy" at Berlin's Hochschule für bildende Künste. Through his teaching and numerous writings, Hajek-Halke's light graphics influenced an entire generation of experimental photographers, from his student Floris Neusüss to Gottfried Jäger, the leading exponent of "generative photography."

The exhibition "Beyond the Photographic" aims to shed light on the question of the extent to which the complex subject of light graphics is still relevant today and what an abstract image means in the post-digital age. Based on Hajek-Halke's own classification, works by six artists* were selected. The decisive factor was their experimental innovative potential as a direct reaction to the different variations of light graphics. They show works ranging from analog photograms to abstractions created with the help of artificial intelligence.

In their body paintings, German artist duo Banz & Bowinkel create a new visual language through a complex working method using the most advanced technologies. The drop paintings, reminiscent of the aesthetics of some light graphics, are created through augmented reality but have a physical starting point. The artists take up the movements of performers in the studio before transferring them into a virtual space. The results are amazing splashes of color that can be discovered in virtual reality or crystallized in large-scale photographs.

Giulia Bowinkel (*1983) and Friedemann Banz (*1980) both studied at the Kunstakademie in Düsseldorf. Their photographs, videos and installations have been exhibited internationally.

With her series Polagrams, begun in 2020, the young artist Jana Dillo takes on Hajek-Halke's direct legacy by also developing a new photogram technique. The Polagrams, taken up on instant film (Fuji FP-100 C) in the darkroom, consist of the creation of miniature color photograms. Angular shapes and cast shadows are then created through the manipulation of colored light and stencils.

Jana Dillo was born in 1992 in the Black Forest and has been studying photography at the Kunsthochschule Essen since 2018. Her recent, well-received series of polagrams has already been shown in several exhibitions in Europe.

Color is the focus of the research of artist Hanno Otten (*1954, Cologne).

Otten's training as a painter was decisive for his turn to photography. As with his paintings, his photograms focus on experimenting with the materiality of the medium by eliminating all superfluous motifs.

Like the colored light prints, Otten's works focus on light and its interaction with color.

Hanno Otten lives and works in Cologne. His works on color, for which he has been known since the 1990s, have been the subject of numerous exhibitions in Germany as well as in the United States. His work is in major private and public collections - including the Los Angeles County Museum of Art (LACMA) and the Houston Museum of Fine Art.

Like Hajek-Halke, Casey Reas (*1972, USA) places the experimental act of creation-in this case, programming-at the center of his research. But what happens when computer software overcomes the artist's hand? In Process Compendium (2004-2014), a series particularly representative of his work, the digital art pioneer perfects custom software that allows him to develop infinite visual combinations of organic forms and mechanical structures. Casey Reas lives and works in Los Angeles, where he teaches at the University of California. His work has been exhibited in the U.S., Europe, and Asia, and is in the collections of national museums such as the Centre Pompidou and the San Francisco Museum of Modern Art.

In Daisuke Yokota's Color Photographs, a cosmic world of transparent forms emerges. To achieve this, the young Japanese artist developed radical methods: including developing color negatives in boiling water. The negatives with altered emulsion are then scanned and digitally overlaid. In the post-digital age, dominated by a flood of immaterial images, Yokota decided to explore the materiality of photographic film, following the process of creating light graphics. Daisuke Yokota (b. 1983, Japan) is one of the most innovative experimental photographers of his generation. Since receiving the Foam Paul Huf Award in 2016, his work has been presented worldwide.

(Text: Text: Mathilde Leroy)

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Intimate History - Thomas Höpker | f³ – freiraum für fotografie | Berlin
Feb.
24
bis 7. Mai
Ausstellung, EMOP, Berlin, Deutschland

Intimate History - Thomas Höpker | f³ – freiraum für fotografie | Berlin

  • f³ – freiraum für fotografie (Karte)
  • Google Kalender ICS

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
24. Februar - 7. Mai 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP – European Month of Photography satt.

Intimate History
Thomas Höpker

Verliebte in Rom, 1956. © Thomas Höpker und MAGNUM-Photos

Wie kaum ein anderer hat Thomas Höpker den Bildjournalismus in Deutschland geprägt. Seine Fotoreportagen führten ihn durch die ganze Welt. Als Reporter arbeitete er für die Münchner Illustrierte, später für die Zeitschriften Kristall und Stern. Seine Aufgabe sah Höpker schon zu Beginn seiner Karriere darin, „im engen Kontakt mit der Zeit zu leben, das Gegenwärtige zu ergründen und zu enträtseln“. 1979 zog er nach New York und wurde 1989 als erster deutscher Fotograf Vollmitglied der Agentur MAGNUM-Photos.

Aus der Fülle seines Lebenswerks zeigt Thomas Höpker – Intimate History international bekannte sowie nie gezeigte Aufnahmen. Die Zusammenschau vermittelt Höpkers Interesse an gesellschaftlichen Themen und seine Empathie für die von ihm porträtierten Menschen. Authentizität und die fotografische Zeug*innenschaft sind die prägenden Konstanten seiner Arbeit. Unaufgeregt, subtil und fern von Sensationslust wurden viele seiner Motive durch ihre präzise Bildgestaltung und die dichten Bildaussagen zu Ikonen der sozialdokumentarischen Fotografie, auch als Concerned Photography bekannt.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Katharina Mouratidi und Miriam Zlobinski.

In Kooperation mit dem Ernst-Leitz-Museum, Wetzlar.

Thomas Höpker a marqué le photojournalisme en Allemagne comme personne d'autre. Ses reportages photographiques l'ont mené dans le monde entier. En tant que reporter, il a travaillé pour le Münchner Illustrierte, puis pour les magazines Kristall et Stern. Dès le début de sa carrière, Höpker considérait que sa mission consistait à "vivre en contact étroit avec le temps, à sonder et à décrypter le présent". En 1979, il s'installe à New York et devient en 1989 le premier photographe allemand membre à part entière de l'agence MAGNUM-Photos.

Thomas Höpker - Intimate History présente des clichés connus à l'échelle internationale ainsi que des photos inédites tirées de l'ensemble de son œuvre. Cette compilation transmet l'intérêt de Höpker pour les sujets de société et son empathie pour les personnes dont il fait le portrait. L'authenticité et le témoignage photographique* sont les constantes marquantes de son travail. Sans complaisance, subtilement et loin du sensationnalisme, nombre de ses sujets sont devenus des icônes de la photographie documentaire sociale, également connue sous le nom de Concerned Photography, grâce à leur cadrage précis et à la densité de leur message visuel.

L'exposition a été organisée par Katharina Mouratidi et Miriam Zlobinski.

En coopération avec le Ernst-Leitz-Museum, Wetzlar.

Thomas Höpker ha plasmato il fotogiornalismo in Germania come nessun altro. I suoi reportage fotografici lo hanno portato in tutto il mondo. Come reporter ha lavorato per il Münchner Illustrierte, poi per le riviste Kristall e Stern. Fin dall'inizio della sua carriera, Höpker vedeva il suo compito come "vivere a stretto contatto con il tempo, scandagliare e svelare il presente". Nel 1979 si trasferisce a New York e nel 1989 diventa il primo fotografo tedesco a diventare membro a pieno titolo dell'agenzia MAGNUM-Photos.

Dalla ricchezza del lavoro di una vita, Thomas Höpker - Storia intima presenta fotografie note a livello internazionale e inedite. La sinossi trasmette l'interesse di Höpker per le questioni sociali e la sua empatia per le persone ritratte. L'autenticità e la testimonianza fotografica sono le costanti del suo lavoro. Poco agitati, sottili e lontani dal sensazionalismo, molti dei suoi motivi sono diventati icone della fotografia documentaria sociale, nota anche come Concerned Photography, grazie alla loro precisa composizione dell'immagine e alle dense dichiarazioni pittoriche.

La mostra è stata curata da Katharina Mouratidi e Miriam Zlobinski.

In collaborazione con il Museo Ernst Leitz di Wetzlar.

Thomas Höpker has shaped photojournalism in Germany like no other. His photo reportages took him all over the world. As a reporter, he worked for Münchner Illustrierte, and later for Kristall and Stern magazines. Right from the beginning of his career, Höpker saw his task as "living in close contact with time, fathoming and unraveling the present." In 1979 he moved to New York and in 1989 became the first German photographer to become a full member of the MAGNUM-Photos agency.

From the abundance of his life's work, Thomas Höpker - Intimate History shows internationally known as well as never shown photographs. The synopsis conveys Höpker's interest in social issues and his empathy for the people he portrays. Authenticity and photographic testimony are the defining constants of his work. Unagitated, subtle and far from sensationalism, many of his subjects became icons of social documentary photography, also known as Concerned Photography, due to their precise image composition and dense pictorial statements.

The exhibition was curated by Katharina Mouratidi and Miriam Zlobinski.

In cooperation with the Ernst Leitz Museum, Wetzlar.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

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Intimate History - Thomas Höpker | f³ – freiraum für fotografie | Berlin
Feb.
23
7:00 PM19:00
Vernissage, EMOP, Berlin, Deutschland

Intimate History - Thomas Höpker | f³ – freiraum für fotografie | Berlin

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
23. Februar 2023

Es sprechen: Inas Fayed, Chefredakteurin Leica Fotografie International, Thomas Höpker und Christine Kruchen

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP – European Month of Photography satt.

Intimate History
Thomas Höpker

BH-Näherin in einem Dorf Italien 1958. © Thomas Höpker und MAGNUM-Photos

Wie kaum ein anderer hat Thomas Höpker den Bildjournalismus in Deutschland geprägt. Seine Fotoreportagen führten ihn durch die ganze Welt. Als Reporter arbeitete er für die Münchner Illustrierte, später für die Zeitschriften Kristall und Stern. Seine Aufgabe sah Höpker schon zu Beginn seiner Karriere darin, „im engen Kontakt mit der Zeit zu leben, das Gegenwärtige zu ergründen und zu enträtseln“. 1979 zog er nach New York und wurde 1989 als erster deutscher Fotograf Vollmitglied der Agentur MAGNUM-Photos.

Aus der Fülle seines Lebenswerks zeigt Thomas Höpker – Intimate History international bekannte sowie nie gezeigte Aufnahmen. Die Zusammenschau vermittelt Höpkers Interesse an gesellschaftlichen Themen und seine Empathie für die von ihm porträtierten Menschen. Authentizität und die fotografische Zeug*innenschaft sind die prägenden Konstanten seiner Arbeit. Unaufgeregt, subtil und fern von Sensationslust wurden viele seiner Motive durch ihre präzise Bildgestaltung und die dichten Bildaussagen zu Ikonen der sozialdokumentarischen Fotografie, auch als Concerned Photography bekannt.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Katharina Mouratidi und Miriam Zlobinski.

In Kooperation mit dem Ernst-Leitz-Museum, Wetzlar.

Thomas Höpker a marqué le photojournalisme en Allemagne comme personne d'autre. Ses reportages photographiques l'ont mené dans le monde entier. En tant que reporter, il a travaillé pour le Münchner Illustrierte, puis pour les magazines Kristall et Stern. Dès le début de sa carrière, Höpker considérait que sa mission consistait à "vivre en contact étroit avec le temps, à sonder et à décrypter le présent". En 1979, il s'installe à New York et devient en 1989 le premier photographe allemand membre à part entière de l'agence MAGNUM-Photos.

Thomas Höpker - Intimate History présente des clichés connus à l'échelle internationale ainsi que des photos inédites tirées de l'ensemble de son œuvre. Cette compilation transmet l'intérêt de Höpker pour les sujets de société et son empathie pour les personnes dont il fait le portrait. L'authenticité et le témoignage photographique* sont les constantes marquantes de son travail. Sans complaisance, subtilement et loin du sensationnalisme, nombre de ses sujets sont devenus des icônes de la photographie documentaire sociale, également connue sous le nom de Concerned Photography, grâce à leur cadrage précis et à la densité de leur message visuel.

L'exposition a été organisée par Katharina Mouratidi et Miriam Zlobinski.

En coopération avec le Ernst-Leitz-Museum, Wetzlar.

Thomas Höpker ha plasmato il fotogiornalismo in Germania come nessun altro. I suoi reportage fotografici lo hanno portato in tutto il mondo. Come reporter ha lavorato per il Münchner Illustrierte, poi per le riviste Kristall e Stern. Fin dall'inizio della sua carriera, Höpker vedeva il suo compito come "vivere a stretto contatto con il tempo, scandagliare e svelare il presente". Nel 1979 si trasferisce a New York e nel 1989 diventa il primo fotografo tedesco a diventare membro a pieno titolo dell'agenzia MAGNUM-Photos.

Dalla ricchezza del lavoro di una vita, Thomas Höpker - Storia intima presenta fotografie note a livello internazionale e inedite. La sinossi trasmette l'interesse di Höpker per le questioni sociali e la sua empatia per le persone ritratte. L'autenticità e la testimonianza fotografica sono le costanti del suo lavoro. Poco agitati, sottili e lontani dal sensazionalismo, molti dei suoi motivi sono diventati icone della fotografia documentaria sociale, nota anche come Concerned Photography, grazie alla loro precisa composizione dell'immagine e alle dense dichiarazioni pittoriche.

La mostra è stata curata da Katharina Mouratidi e Miriam Zlobinski.

In collaborazione con il Museo Ernst Leitz di Wetzlar.

Thomas Höpker has shaped photojournalism in Germany like no other. His photo reportages took him all over the world. As a reporter, he worked for Münchner Illustrierte, and later for Kristall and Stern magazines. Right from the beginning of his career, Höpker saw his task as "living in close contact with time, fathoming and unraveling the present." In 1979 he moved to New York and in 1989 became the first German photographer to become a full member of the MAGNUM-Photos agency.

From the abundance of his life's work, Thomas Höpker - Intimate History shows internationally known as well as never shown photographs. The synopsis conveys Höpker's interest in social issues and his empathy for the people he portrays. Authenticity and photographic testimony are the defining constants of his work. Unagitated, subtle and far from sensationalism, many of his subjects became icons of social documentary photography, also known as Concerned Photography, due to their precise image composition and dense pictorial statements.

The exhibition was curated by Katharina Mouratidi and Miriam Zlobinski.

In cooperation with the Ernst Leitz Museum, Wetzlar.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

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New York in the Forties - Andreas Feininger | Bröhan-Museum | Berlin
Feb.
3
bis 30. Juli
Ausstellung, EMOP, Berlin, Deutschland

New York in the Forties - Andreas Feininger | Bröhan-Museum | Berlin

  • Bröhan-Museum - Landesmuseum für Jugendstil, Art Deco und Funktionalismus (Karte)
  • Google Kalender ICS

Bröhan-Museum | Berlin
3. März - 30. Juli 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography statt.

New York in the Forties
Andreas Feininger

Andreas Feininger, The "Queen Elizabeth" in New York, 1954, Andreas Feininger Archiv c/o Zeppelin Museum Friedrichshafen

Andreas Feininger gilt als einer der einflussreichsten Fotografen des 20. Jahrhunderts. 1906 als ältester Sohn des berühmten Malers Lyonel Feininger in Paris geboren, gehört er zu einer Künstlergeneration, die in der Zeit nach dem Ersten Weltkrieg die Fotografie als künstlerisches Medium für sich entdeckte und eine neue fotografische Sehweise entwickelte. Klarheit, Einfachheit und Organisation sind für ihn die Grundprinzipien seiner Arbeit. Wie kaum ein anderer versteht er es, Bildinhalte mit strengen formalen Kriterien wie Perspektive und Komposition zu verknüpfen.

Die Architektur und das Leben seiner Wahlheimat New York haben ihn über die Jahrzehnte hinweg fasziniert. Immer wieder hielt er die Skyline von Manhattan, die Straßenschluchten, die Wolkenkratzer, die Brücken und die Hochbahnen in atmosphärisch dichten Bildern fest. Seine Ansichten der Metropole zählen heute zu den Klassikern der Fotografiegeschichte. In der Ausstellung im Bröhan-Museum werden über 90 Schwarzweiß-Fotografien gezeigt.

Die Ausstellung ist eine Kooperation mit dem Zeppelin Museum Friedrichshafen.

Kurator: Fabian Reifferscheidt M.A.

Andreas Feininger est considéré comme l'un des photographes les plus influents du 20e siècle. Né en 1906 à Paris, fils aîné du célèbre peintre Lyonel Feininger, il fait partie d'une génération d'artistes qui, au lendemain de la Première Guerre mondiale, découvre la photographie comme médium artistique et développe une nouvelle manière de voir la photographie. La clarté, la simplicité et l'organisation sont pour lui les principes de base de son travail. Comme peu d'autres, il sait associer le contenu des images à des critères formels stricts tels que la perspective et la composition.

L'architecture et la vie de sa ville d'adoption, New York, l'ont fasciné au fil des décennies. Il n'a cessé d'immortaliser la ligne d'horizon de Manhattan, les canyons des rues, les gratte-ciel, les ponts et les métros aériens dans des visuels à l'atmosphère dense. Ses vues de la métropole comptent aujourd'hui parmi les classiques de l'histoire de la photographie. L'exposition du musée Bröhan présente plus de 90 photographies en noir et blanc.

L'exposition est organisée en coopération avec le Zeppelin Museum Friedrichshafen.

Curateur : Fabian Reifferscheidt M.A.

Andreas Feininger è considerato uno dei fotografi più influenti del XX secolo. Nato a Parigi nel 1906, figlio primogenito del famoso pittore Lyonel Feininger, appartiene alla generazione di artisti che nel periodo successivo alla Prima guerra mondiale hanno scoperto la fotografia come mezzo artistico e hanno sviluppato un nuovo modo di vedere la fotografia. Chiarezza, semplicità e organizzazione sono i principi fondamentali del suo lavoro. Come nessun altro, sa come collegare il contenuto pittorico a rigorosi criteri formali come la prospettiva e la composizione.

L'architettura e la vita della sua patria adottiva, New York, lo hanno affascinato nel corso dei decenni. Più volte ha catturato lo skyline di Manhattan, i canyon delle strade, i grattacieli, i ponti e i treni sopraelevati in immagini dense di atmosfera. Oggi le sue vedute della metropoli sono tra i classici della storia della fotografia. La mostra al Bröhan Museum presenta oltre 90 fotografie in bianco e nero.

La mostra è realizzata in collaborazione con il Museo Zeppelin di Friedrichshafen.

Curatore: Fabian Reifferscheidt M.A.

Andreas Feininger is considered one of the most influential photographers of the 20th century. Born in Paris in 1906 as the eldest son of the famous painter Lyonel Feininger, he belongs to a generation of artists who discovered photography as an artistic medium for themselves in the period after the First World War and developed a new photographic way of seeing. Clarity, simplicity and organization are the basic principles of his work. Like hardly anyone else, he understands how to link image content with strict formal criteria such as perspective and composition.

The architecture and life of his adopted city of New York have fascinated him over the decades. Again and again he captured the Manhattan skyline, the street canyons, the skyscrapers, the bridges and the elevated trains in atmospherically dense images. Today, his views of the metropolis rank among the classics of photographic history. The exhibition at the Bröhan Museum features over 90 black-and-white photographs.

The exhibition is a cooperation with the Zeppelin Museum Friedrichshafen.

Curator: Fabian Reifferscheidt M.A.

(Text: Bröhan-Museum, Berlin)

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Mirror of Self | HANGAR - Photo Art Center | Brussels
Jan.
27
bis 25. März
Ausstellung, EMOP, Belgien

Mirror of Self | HANGAR - Photo Art Center | Brussels

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HANGAR - Photo Art Center | Brussels
27. Januar - 25. März 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen des PhotoBrussels Festival statt.

Mirror of Self

Romy Berger, Elina Brotherus, Gabriel Dia, Omar Victor Diop, Julia Gat, Laura Hospes, Barbara Iweins, Yunsoon Jeong, Mari Katayama, Tarrah Krajnak, Auriane Kołodziej,  Haohui Liu, Tomasz Machciński, Sanja Marušić, Bruno Oliveira, Paola Paredes, Louka Perderizet, Kourtney Roy, C. Rose Smith, Annegret Soltau, The Dazzled Project, Karolina Wojtas, Dawn Woolley

Allegoria 6 from the series Allegoria, 2021 © Omar Victor Diop, courtesy Galerie MAGNIN-A, Paris

Nach "Im Schatten der Bäume" im Jahr 2021 ist "Mirror of self" die 7. thematische Ausstellung, die der Hangar im Rahmen des PhotoBrussels Festivals organisiert.

Die Ausstellung besteht sowohl aus ausgewählten Künstlern (17) als auch aus den Gewinnern eines Aufrufs zur Einreichung von Projekten (6). 23 Künstler werden im Hangar zum Thema Selbstporträt ausgestellt. Unter ihnen sind 8 unter 30 Jahre alt.

Welchen Stellenwert hat das Selbstporträt heute in der Welt der zeitgenössischen Fotografie? Welche Bedeutung hat die künstlerische Praxis des Selbstporträts im Reich der Selfies noch? Durch verschiedene Projekte und künstlerische Ansätze hinterfragt "Mirror of Self" die Darstellung des Selbst, sei es auf der Suche nach Identität, einer Beziehung zu seiner Umgebung, zu anderen oder zu sich selbst.

Après 'In the Shadow of trees' en 2021, 'Mirror of self' est la 7e exposition thématique créée par le Hangar dans le cadre du Festival PhotoBrussels.

L'exposition est composée à la fois d'artistes sélectionnés (17 d'entre eux) et de lauréats d'un appel à projets (6 d'entre eux). 23 artistes sont exposés au Hangar sur le thème de l'autoportrait. Parmi eux, 8 ont moins de 30 ans.

Quel est le statut actuel de l'autoportrait dans le monde de la photographie contemporaine ? A l'heure des selfies, que représente encore la pratique artistique de l'autoportrait ? À travers différents projets et démarches artistiques, 'Mirror of Self' interroge la représentation de soi, que ce soit dans une quête identitaire, un rapport à son environnement, aux autres ou à soi-même.

Dopo "In the Shadow of trees" nel 2021, "Mirror of self" è la settima mostra tematica realizzata da Hangar nell'ambito del PhotoBrussels Festival.

La mostra è composta sia da artisti selezionati (17) che da vincitori di un bando per progetti (6). 23 artisti espongono all'Hangar sul tema dell'autoritratto. Tra questi, 8 hanno meno di 30 anni.

Qual è la posizione attuale dell'autoritratto nel mondo della fotografia contemporanea? Nel regno dei selfie, che significato ha ancora la pratica artistica dell'autoritratto? Attraverso vari progetti e approcci artistici, "Mirror of Self" si interroga sulla rappresentazione del sé, sia in una ricerca di identità, sia in un rapporto con l'ambiente, con gli altri o con se stessi.

After 'In the Shadow of trees' in 2021, 'Mirror of self' is the 7th thematic exhibition created by Hangar within the framework of PhotoBrussels Festival.

The exhibition consists of both selected artists (17 of them) and winners of a call for projects (6 of them). 23 artists are exhibited at Hangar on the theme of self-portrait. Among them, 8 are under 30 years old.

What is the current standing of the self-portrait in the world of contemporary photography? In the realm of selfies, what does the artistic practice of self-portrait still hold? Through various projects and artistic approaches, ‘Mirror of Self’ questions the representation of the self, whether in a quest for identity, a relationship with one's environment, with others or with oneself.

(Text: Hangar - Photo Art Center, Brussels)

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Résistance Naturelle - Abdessamad el Montassir | philomena+ art & architecture platform | Wien
März
21
bis 25. Mai
Ausstellung, Austria, EMOP

Résistance Naturelle - Abdessamad el Montassir | philomena+ art & architecture platform | Wien

  • philomena+ art & architecture platform (Karte)
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philomena & art & architecture platform | Wien
21. März - 25. Mai 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

Résistance Naturelle
Abdessamad el Montassir

Die forschungsbasierten Arbeiten von Abdessamad El Montassir erzeugen reflexive Prozesse. Dabei arbeitet der Künstler vor allem mit dem Wissen um nicht-menschliche Identitäten, d.h. mit den Traumata von Pflanzen oder Steinen, die als Zeugen historischer, nicht dokumentierter Ereignisse fungieren. Er tut dies, um neue Denkansätze für unser soziales Umfeld zu schaffen. Der geografische Ausgangspunkt seiner Forschungen ist sein Herkunftsland Marokko, genauer gesagt die Sahara im Süden Marokkos, ein politisch stark umstrittenes Gebiet. In der Fotoausstellung Résistance Naturelle bei philomena+ wird Al Amakine vorgestellt. Anhand von Kartografien, die durch die Archivierung von Pflanzen, Poesie und Steinformationen entstanden sind, erzählt der Künstler alternative Erzählungen, so genannte Mikrogeschichten, die von der offiziellen Geschichte überschattet oder sogar ausgelöscht wurden. In seinem Film geht der Künstler Ereignissen nach, die die Landschaft der Sahara, der Wüste im Süden Marokkos, tiefgreifend verändert haben. Der Filmemacher sah sich mit einer stillen Umgebung konfrontiert, die von ihrer komplexen sozio-politischen Geschichte heimgesucht wird. Als Alternative beschloss er, sich auf das organische Leben in der Wüste zu konzentrieren, um die Amnesie der Menschen zu dekonstruieren.

Abdessamad El Montassir, geboren 1989 in Boujdour, Marokko, lebt heute in Marseille, Frankreich. Nach seinem Abschluss am Institut National des Beaux-Arts in Tetouan/Marokko absolvierte Abdessamad El Montassir einen MA in künstlerischer und ästhetischer Erziehung an der École Normale Supérieure in Meknès/Marokko. Er hat an mehreren nationalen und internationalen Ausstellungen teilgenommen, darunter Invisible, kuratiert von Alya Sebti und präsentiert auf der 13. Biennale für zeitgenössische afrikanische Kunst in Dakar/Senegal und in der ifa-Galerie Berlin/Deutschland (2018), De liens et d'exils in La Villa Empain - Fondation Boghossian in Brüssel/Belgien (2018), Al Amakine im Rahmen der 11ème Rencontres de Bamako/Mali (2017), Attokoussy in der Hinterland Galerie in Wien/Österreich und in Le Cube - independent art room in Rabat/Marokko (2017). Abdessamad El Montassir ist derzeit auch Stipendiat des Schlosses Solitude in Stuttgart.

Abdessamad El Montassir’s research-based works produce reflexive processes. In so doing, the artist works primarily with the knowledge of non-human identities, i.e. with the traumas of plants or stones, which function as witnesses to historical, non-documented events. He does this in order to generate new ways of thinking about our social environment. The geographical starting point for his research is his country of origin, Morocco, more specifically, the Sahara in southern Morocco, a territory much-disputed politically. The photo exhibition Résistance Naturelle at philomena+  will present Al Amakine. Using cartography created by archiving plants, poetry and stone formations, the artist tells alternative narratives, so-called micro-histories, which have been overshadowed or even erased by official history.The exhibition will also be accompanied by a screening of Abdessamad El Montassir’s most recent film project Galb’Echaouf. In his film, the artist investigates incidents that have profoundly altered the landscape of the Sahara, the desert in the southern part of Morocco. The filmmaker found himself facing a silent environment, haunted by its complex socio-political history. As an alternative, he decided to focus on the organic life that inhabits the desert, in an effort to deconstruct people’s amnesia.

Abdessamad El Montassir, born in 1989 in Boujdour, Morocco, Abdessamad El Montassir now lives in Marseille, France. After graduating from the Institut National des Beaux-Arts in Tetouan/Morocco, Abdessamad El Montassir completed an MA in artistic and aesthetic education at the École Normale Supérieure in Meknès/Morocco. He has participated in several national and international exhibitions, including Invisible, curated by Alya Sebti and presented at the 13th Biennale of Contemporary African Art in Dakar/Senegal and at the ifa-Galerie Berlin/Germany (2018), De liens et d’exils at La Villa Empain – Fondation Boghossian in Brussels/Belgium (2018), Al Amakine in the context of the 11ème Rencontres de Bamako/Mali (2017), Attokoussy at the Hinterland Galerie in Vienna/Austria, and at Le Cube – independent art room in Rabat/Morocco (2017). Abdessamad El Montassir is presently also a fellow resident of the Schloss Solitude in Stuttgart.

Le opere di Abdessamad El Montassir, basate sulla ricerca, producono processi riflessivi. Così facendo, l'artista lavora principalmente con la conoscenza delle identità non umane, cioè con i traumi delle piante o delle pietre, che funzionano come testimoni di eventi storici non documentati. Lo fa per generare nuovi modi di pensare al nostro ambiente sociale. Il punto di partenza geografico della sua ricerca è il suo paese d'origine, il Marocco, più precisamente il Sahara nel sud del Marocco, un territorio molto conteso politicamente. La mostra fotografica Résistance Naturelle presso philomena+ presenterà Al Amakine. Utilizzando la cartografia creata archiviando piante, poesia e formazioni di pietra, l'artista racconta narrazioni alternative, le cosiddette microstorie, che sono state messe in ombra o addirittura cancellate dalla storia ufficiale.La mostra sarà inoltre accompagnata dalla proiezione del più recente progetto cinematografico di Abdessamad El Montassir, Galb'Echaouf. Nel suo film, l'artista indaga sugli incidenti che hanno profondamente alterato il paesaggio del Sahara, il deserto nella parte meridionale del Marocco. Il cineasta si è trovato di fronte a un ambiente silenzioso, ossessionato dalla sua complessa storia socio-politica. Come alternativa, ha deciso di concentrarsi sulla vita organica che abita il deserto, nel tentativo di decostruire l'amnesia della gente.

Abdessamad El Montassir, nato nel 1989 a Boujdour, Marocco, Abdessamad El Montassir vive oggi a Marsiglia, Francia. Dopo essersi diplomato all'Institut National des Beaux-Arts di Tetouan/Marocco, Abdessamad El Montassir ha completato un MA in educazione artistica ed estetica all'École Normale Supérieure di Meknès/Marocco. Ha partecipato a diverse mostre nazionali e internazionali, tra cui Invisible, curata da Alya Sebti e presentata alla 13a Biennale di arte africana contemporanea di Dakar/Senegal e alla ifa-Galerie di Berlino/Germania (2018), De liens et d'exils a La Villa Empain - Fondation Boghossian a Bruxelles/Belgio (2018), Al Amakine nel contesto degli 11ème Rencontres de Bamako/Mali (2017), Attokoussy alla Hinterland Galerie di Vienna/Austria, e a Le Cube - independent art room di Rabat/Marocco (2017). Abdessamad El Montassir è attualmente anche borsista dello Schloss Solitude di Stoccarda.

Abdessamad El Montassir’s research-based works produce reflexive processes. In so doing, the artist works primarily with the knowledge of non-human identities, i.e. with the traumas of plants or stones, which function as witnesses to historical, non-documented events. He does this in order to generate new ways of thinking about our social environment. The geographical starting point for his research is his country of origin, Morocco, more specifically, the Sahara in southern Morocco, a territory much-disputed politically. The photo exhibition Résistance Naturelle at philomena+  will present Al Amakine. Using cartography created by archiving plants, poetry and stone formations, the artist tells alternative narratives, so-called micro-histories, which have been overshadowed or even erased by official history.The exhibition will also be accompanied by a screening of Abdessamad El Montassir’s most recent film project Galb’Echaouf. In his film, the artist investigates incidents that have profoundly altered the landscape of the Sahara, the desert in the southern part of Morocco. The filmmaker found himself facing a silent environment, haunted by its complex socio-political history. As an alternative, he decided to focus on the organic life that inhabits the desert, in an effort to deconstruct people’s amnesia.

Abdessamad El Montassir, born in 1989 in Boujdour, Morocco, Abdessamad El Montassir now lives in Marseille, France. After graduating from the Institut National des Beaux-Arts in Tetouan/Morocco, Abdessamad El Montassir completed an MA in artistic and aesthetic education at the École Normale Supérieure in Meknès/Morocco. He has participated in several national and international exhibitions, including Invisible, curated by Alya Sebti and presented at the 13th Biennale of Contemporary African Art in Dakar/Senegal and at the ifa-Galerie Berlin/Germany (2018), De liens et d’exils at La Villa Empain – Fondation Boghossian in Brussels/Belgium (2018), Al Amakine in the context of the 11ème Rencontres de Bamako/Mali (2017), Attokoussy at the Hinterland Galerie in Vienna/Austria, and at Le Cube – independent art room in Rabat/Morocco (2017). Abdessamad El Montassir is presently also a fellow resident of the Schloss Solitude in Stuttgart.

 (Text: philomena+ art & architecture platform, Wien)

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Die Elemente des Südens, Grundlagen der Natur - Natascha Auenhammer | ZEBRA Zentrum für Klassische und Moderne Fotografie | Wien
März
17
bis 14. Mai
Ausstellung, Austria, EMOP

Die Elemente des Südens, Grundlagen der Natur - Natascha Auenhammer | ZEBRA Zentrum für Klassische und Moderne Fotografie | Wien

  • Zentrum für Klassische und Moderne Fotografie (Karte)
  • Google Kalender ICS

ZEBRA Zentrum für Klassische und Moderne Fotografie | Wien
17. März - 14. Mai 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

Die Elemente des Südens, Grundlagen der Natur
Natascha Auenhammer

Die Schlüsselrolle der Fotografie in der Wahrnehmung der Natur steht bei dieser Arbeit besonders im Focus. Natascha Auenhammer beschäftigt sich in ihrem Fotoprojekt mit der Vier-Elemente-Lehre der antiken Naturphilosophie und der chinesischen Fünf-Elemente-Lehre, genau mit diesen Elementen der Natur, den Grundlagen des Lebens. Sie stellt sie jeweils in drei verschiedenen Varianten der analogen Fotografie dar - Triptychen der Elemente.

Zuerst ist da die reine klassische Fotografie, in Schwarz-Weiss gehalten, dann gibt es eine Lochkameraaufnahme, camera obscura, zuletzt dann noch nie dagewesene Fotogramme, also direkt auf das Papier aufgebrachte und belichtete Natur.   

Das Spectrum der Naturdarstellungen in verschiedenen fotografischen Varianten umfasst also Feuer, Wasser, Luft und Erde, sowie Metall und Holz.

Natascha Auenhammer, in Wien geboren und aufgewachsen, Studium der Rechtswissenschaften, danach berufliche Beschäftigung mit Photographie, ab 1990 Tätigkeit als freie Photodesignerin mit den Schwerpunkten Portrait, Konzeptionelle Aufnahme und Körper.

Le rôle clé de la photographie dans la perception de la nature est particulièrement mis en avant dans ce travail. Dans son projet photographique, Natascha Auenhammer s'intéresse à la théorie des quatre éléments de la philosophie antique de la nature et à la théorie chinoise des cinq éléments, précisément à ces éléments de la nature, les bases de la vie. Elle les représente respectivement dans trois variantes différentes de la photographie analogique - des triptyques des éléments.

Il y a d'abord la photographie classique pure, en noir et blanc, puis une prise de vue au sténopé, camera obscura, et enfin des photogrammes inédits, c'est-à-dire la nature directement appliquée et exposée sur le papier.   

Le spectre des représentations de la nature dans différentes variantes photographiques comprend donc le feu, l'eau, l'air et la terre, ainsi que le métal et le bois.

Natascha Auenhammer, née et élevée à Vienne, a fait des études de droit, puis s'est intéressée à la photographie dans le cadre de son travail. Depuis 1990, elle travaille en tant que photographe designer indépendante, spécialisée dans le portrait, la photographie conceptuelle et le corps.

Il ruolo chiave della fotografia nella percezione della natura è particolarmente a fuoco in questo lavoro. Nel suo progetto fotografico, Natascha Auenhammer si occupa della dottrina dei quattro elementi dell'antica filosofia naturale e della dottrina cinese dei cinque elementi, precisamente di questi elementi della natura, le basi della vita. Li ritrae ciascuno in tre diverse varianti di fotografia analogica - trittici di elementi.

Prima c'è la fotografia classica pura, tenuta in bianco e nero, poi c'è la fotografia stenopeica, la camera oscura, e infine i fotogrammi inediti, cioè la natura applicata direttamente alla carta ed esposta.   

Lo spettro delle rappresentazioni della natura in diverse varianti fotografiche comprende quindi il fuoco, l'acqua, l'aria e la terra, così come il metallo e il legno.

Natascha Auenhammer, nata e cresciuta a Vienna, ha studiato legge, poi si è dedicata professionalmente alla fotografia, dal 1990 ha lavorato come foto designer freelance specializzata in ritrattistica, fotografia concettuale e corpo.

The key role of photography in the perception of nature is particularly in focus in this work. In her photo project, Natascha Auenhammer deals with the four-element doctrine of ancient natural philosophy and the Chinese five-element doctrine, precisely with these elements of nature, the foundations of life. She depicts each of them in three different variants of analog photography - triptychs of the elements.

First there is the pure classical photography, kept in black and white, then there is a pinhole camera shot, camera obscura, finally then unprecedented photograms, i.e. nature applied and exposed directly on the paper.   

The spectrum of nature representations in different photographic variants thus includes fire, water, air and earth, as well as metal and wood.

Natascha Auenhammer, born and raised in Vienna, studied law, then professional occupation with photography, since 1990 working as a freelance photo designer with a focus on portraiture, conceptual photography and body.

(Text: Natascha Auenhammer, Zentrum für klassische und moderne Fotografie, Wien)

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Wenn der Wind weht | Kunst Haus Wien
März
12
bis 28. Aug.
Ausstellung, Austria, EMOP

Wenn der Wind weht | Kunst Haus Wien

Kunst Haus Wien
12. März - 28. August 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

Wenn der Wind weht

Aus der Serie Plastic Trees, 2014 | © Eduardo Leal

Luft umschließt die Erde wie eine Membran. Sie ist Medium des Wetters und Trägerin von Gerüchen, Geräuschen und Aerosolen, die sowohl das Klima als auch die Gesundheit beeinflussen. Luft strömt mit dem ersten Atemzug in unseren Körper und mit dem Tod hauchen wir den letzten Atem aus. Im Kontext der gegenwärtigen Klimakrise spielen sowohl Luftverschmutzung und Stürme als auch die Windkraft als erneuerbare Energiequelle eine Rolle. Das unsichtbare Element verbindet Lebewesen, Pflanzen und Orte. Dieses elementare, zugleich unsichtbare Element visuell erfahrbar zu machen, darauf zielen die Werke der ausgewählten internationalen und österreichischen Künstler:innen verschiedener Generationen ab. Sie setzen sich mit den unterschiedlichsten Aspekten und Bedeutungen von Luft, Wind und Atem auseinander und untersuchen ihre Erscheinungs- formen in Ökologie, Wissenschaft, Politik, Kultur und Mythologie. Von der lebensspendenden Atemluft bis hin zur zerstörerischen Kraft des Windes macht die Kunst das große Unsichtbare auf vielfältige Weise sichtbar.

22 internationale und österreichische Künstler:innen machen die unsichtbaren Elemente Atem, Luft und Wind auf unterschiedliche Weise sichtbar: Hoda Afshar, Bigert & Bergström, Julius von Bismarck, Olafur Eliasson, Karin Fisslthaler, Ana Grilc, Isabelle Ha Eav, Jana Hartmann, Ayumi Ishii, Sophie Jung, Sjoerd Knibbeler, Ulrike Königshofer, Eduardo Leal, Emily Parsons-Lord, Peter Piller, Werner Reiterer, Roman Signer, Lydia Simon, Ulay/Marina Abramović, Nadim Vardag, Niina Vatanen, Susan Walsh

Die Ausstellung Wenn der Wind weht ist eine Kooperation mit der Universität für angewandte Kunst Wien.

Kuratorinnen: Verena Kaspar-Eisert (KUNST HAUS WIEN) und Liddy Scheffknecht (Universität für angewandte Kunst Wien)

L'air entoure la terre comme une membrane. Il est le médium du temps et le porteur d'odeurs, de bruits et d'aérosols qui influencent aussi bien le climat que la santé. L'air pénètre dans notre corps lors de notre première respiration et nous expirons notre dernier souffle à notre mort. Dans le contexte de la crise climatique actuelle, tant la pollution de l'air et les tempêtes que l'énergie éolienne en tant que source d'énergie renouvelable jouent un rôle. L'élément invisible relie les êtres vivants, les plantes et les lieux. Les œuvres des artistes internationaux et autrichiens de différentes générations sélectionnés visent à rendre visuellement perceptible cet élément à la fois élémentaire et invisible. Ils se penchent sur les aspects et les significations les plus divers de l'air, du vent et du souffle et étudient leurs formes d'apparition dans l'écologie, la science, la politique, la culture et la mythologie. De l'air respirable qui donne la vie à la force destructrice du vent, l'art rend visible le grand invisible de diverses manières.

22 artistes internationaux et autrichiens rendent visibles de différentes manières les éléments invisibles que sont le souffle, l'air et le vent : Hoda Afshar, Bigert & Bergström, Julius von Bismarck, Olafur Eliasson, Karin Fisslthaler, Ana Grilc, Isabelle Ha Eav, Jana Hartmann, Ayumi Ishii, Sophie Jung, Sjoerd Knibbeler, Ulrike Königshofer, Eduardo Leal, Emily Parsons-Lord, Peter Piller, Werner Reiterer, Roman Signer, Lydia Simon, Ulay/Marina Abramović, Nadim Vardag, Niina Vatanen, Susan Walsh

L'exposition Si le vent souffle est une coopération avec l'Université des arts appliqués de Vienne.

Les commissaires d'exposition : Verena Kaspar-Eisert (KUNST HAUS WIEN) et Liddy Scheffknecht (Universität für angewandte Kunst Wien)

L'aria racchiude la terra come una membrana. È il mezzo del tempo e il portatore di odori, suoni e aerosol che influenzano sia il clima che la salute. L'aria entra nel nostro corpo con il nostro primo respiro e con la morte espiriamo il nostro ultimo respiro. Nel contesto dell'attuale crisi climatica, l'inquinamento atmosferico e le tempeste così come l'energia eolica come fonte di energia rinnovabile giocano un ruolo. L'elemento invisibile collega gli esseri viventi, le piante e i luoghi. Le opere degli artisti internazionali e austriaci selezionati, di diverse generazioni, mirano a rendere visivamente tangibile questo elemento elementare, ma invisibile. Trattano i più diversi aspetti e significati dell'aria, del vento e del respiro ed esaminano le loro manifestazioni in ecologia, scienza, politica, cultura e mitologia. Dall'aria vitale che respiriamo al potere distruttivo del vento, l'arte rende visibile il grande invisibile in molti modi diversi.

22 artisti internazionali e austriaci rendono visibili in modi diversi gli elementi invisibili del respiro, dell'aria e del vento: Hoda Afshar, Bigert & Bergström, Julius von Bismarck, Olafur Eliasson, Karin Fisslthaler, Ana Grilc, Isabelle Ha Eav, Jana Hartmann, Ayumi Ishii, Sophie Jung, Sjoerd Knibbeler, Ulrike Königshofer, Eduardo Leal, Emily Parsons-Lord, Peter Piller, Werner Reiterer, Roman Signer, Lydia Simon, Ulay/Marina Abramović, Nadim Vardag, Niina Vatanen, Susan Walsh

La mostra When the Wind Blows è una cooperazione con l'Università di Arti Applicate di Vienna.

Curatori: Verena Kaspar-Eisert (KUNST HAUS WIEN) e Liddy Scheffknecht (University of Applied Arts Vienna).

Air encloses the earth like a membrane. It is the medium of weather and the carrier of odours, sounds and aerosols that influence both climate and health. Air flows into our bodies with our first breath and with death we exhale our last breath. In the context of the current climate crisis, air pollution and storms as well as wind power as a renewable energy source play a role. The invisible element connects living beings, plants and places. The works of the selected international and Austrian artists of different generations aim to make this elementary, yet invisible element visually tangible. They deal with the most diverse aspects and meanings of air, wind and breath and examine their manifestations in ecology, science, politics, culture and mythology. From the life-giving air we breathe to the destructive power of the wind, art makes the great invisible visible in many different ways. 

22 international and Austrian artists make the invisible elements of breath, air and wind visible in different ways: Hoda Afshar, Bigert & Bergström, Julius von Bismarck, Olafur Eliasson, Karin Fisslthaler, Ana Grilc, Isabelle Ha Eav, Jana Hartmann, Ayumi Ishii, Sophie Jung, Sjoerd Knibbeler, Ulrike Königshofer, Eduardo Leal, Emily Parsons-Lord, Peter Piller, Werner Reiterer, Roman Signer, Lydia Simon, Ulay/Marina Abramović, Nadim Vardag, Niina Vatanen, Susan Walsh

The exhibition When the Wind Blows is a cooperation with the University of Applied Arts Vienna. 

Curators: Verena Kaspar-Eisert (KUNST HAUS WIEN) and Liddy Scheffknecht (University of Applied Arts Vienna).

(Text: Kunst Haus Wien)

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Wenn der Wind weht | Kunst Haus Wien
März
11
5:00 PM17:00
Vernissage, Austria, EMOP

Wenn der Wind weht | Kunst Haus Wien

Kunst Haus Wien
11. März 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

Wenn der Wind weht

Aus der Serie Plastic Trees, 2014 | © Eduardo Leal

Luft umschließt die Erde wie eine Membran. Sie ist Medium des Wetters und Trägerin von Gerüchen, Geräuschen und Aerosolen, die sowohl das Klima als auch die Gesundheit beeinflussen. Luft strömt mit dem ersten Atemzug in unseren Körper und mit dem Tod hauchen wir den letzten Atem aus. Im Kontext der gegenwärtigen Klimakrise spielen sowohl Luftverschmutzung und Stürme als auch die Windkraft als erneuerbare Energiequelle eine Rolle. Das unsichtbare Element verbindet Lebewesen, Pflanzen und Orte. Dieses elementare, zugleich unsichtbare Element visuell erfahrbar zu machen, darauf zielen die Werke der ausgewählten internationalen und österreichischen Künstler:innen verschiedener Generationen ab. Sie setzen sich mit den unterschiedlichsten Aspekten und Bedeutungen von Luft, Wind und Atem auseinander und untersuchen ihre Erscheinungs- formen in Ökologie, Wissenschaft, Politik, Kultur und Mythologie. Von der lebensspendenden Atemluft bis hin zur zerstörerischen Kraft des Windes macht die Kunst das große Unsichtbare auf vielfältige Weise sichtbar.

22 internationale und österreichische Künstler:innen machen die unsichtbaren Elemente Atem, Luft und Wind auf unterschiedliche Weise sichtbar: Hoda Afshar, Bigert & Bergström, Julius von Bismarck, Olafur Eliasson, Karin Fisslthaler, Ana Grilc, Isabelle Ha Eav, Jana Hartmann, Ayumi Ishii, Sophie Jung, Sjoerd Knibbeler, Ulrike Königshofer, Eduardo Leal, Emily Parsons-Lord, Peter Piller, Werner Reiterer, Roman Signer, Lydia Simon, Ulay/Marina Abramović, Nadim Vardag, Niina Vatanen, Susan Walsh

Die Ausstellung Wenn der Wind weht ist eine Kooperation mit der Universität für angewandte Kunst Wien.

Kuratorinnen: Verena Kaspar-Eisert (KUNST HAUS WIEN) und Liddy Scheffknecht (Universität für angewandte Kunst Wien)

L'air entoure la terre comme une membrane. Il est le médium du temps et le porteur d'odeurs, de bruits et d'aérosols qui influencent aussi bien le climat que la santé. L'air pénètre dans notre corps lors de notre première respiration et nous expirons notre dernier souffle à notre mort. Dans le contexte de la crise climatique actuelle, tant la pollution de l'air et les tempêtes que l'énergie éolienne en tant que source d'énergie renouvelable jouent un rôle. L'élément invisible relie les êtres vivants, les plantes et les lieux. Les œuvres des artistes internationaux et autrichiens de différentes générations sélectionnés visent à rendre visuellement perceptible cet élément à la fois élémentaire et invisible. Ils se penchent sur les aspects et les significations les plus divers de l'air, du vent et du souffle et étudient leurs formes d'apparition dans l'écologie, la science, la politique, la culture et la mythologie. De l'air respirable qui donne la vie à la force destructrice du vent, l'art rend visible le grand invisible de diverses manières.

22 artistes internationaux et autrichiens rendent visibles de différentes manières les éléments invisibles que sont le souffle, l'air et le vent : Hoda Afshar, Bigert & Bergström, Julius von Bismarck, Olafur Eliasson, Karin Fisslthaler, Ana Grilc, Isabelle Ha Eav, Jana Hartmann, Ayumi Ishii, Sophie Jung, Sjoerd Knibbeler, Ulrike Königshofer, Eduardo Leal, Emily Parsons-Lord, Peter Piller, Werner Reiterer, Roman Signer, Lydia Simon, Ulay/Marina Abramović, Nadim Vardag, Niina Vatanen, Susan Walsh

L'exposition Si le vent souffle est une coopération avec l'Université des arts appliqués de Vienne.

Les commissaires d'exposition : Verena Kaspar-Eisert (KUNST HAUS WIEN) et Liddy Scheffknecht (Universität für angewandte Kunst Wien)

L'aria racchiude la terra come una membrana. È il mezzo del tempo e il portatore di odori, suoni e aerosol che influenzano sia il clima che la salute. L'aria entra nel nostro corpo con il nostro primo respiro e con la morte espiriamo il nostro ultimo respiro. Nel contesto dell'attuale crisi climatica, l'inquinamento atmosferico e le tempeste così come l'energia eolica come fonte di energia rinnovabile giocano un ruolo. L'elemento invisibile collega gli esseri viventi, le piante e i luoghi. Le opere degli artisti internazionali e austriaci selezionati, di diverse generazioni, mirano a rendere visivamente tangibile questo elemento elementare, ma invisibile. Trattano i più diversi aspetti e significati dell'aria, del vento e del respiro ed esaminano le loro manifestazioni in ecologia, scienza, politica, cultura e mitologia. Dall'aria vitale che respiriamo al potere distruttivo del vento, l'arte rende visibile il grande invisibile in molti modi diversi.

22 artisti internazionali e austriaci rendono visibili in modi diversi gli elementi invisibili del respiro, dell'aria e del vento: Hoda Afshar, Bigert & Bergström, Julius von Bismarck, Olafur Eliasson, Karin Fisslthaler, Ana Grilc, Isabelle Ha Eav, Jana Hartmann, Ayumi Ishii, Sophie Jung, Sjoerd Knibbeler, Ulrike Königshofer, Eduardo Leal, Emily Parsons-Lord, Peter Piller, Werner Reiterer, Roman Signer, Lydia Simon, Ulay/Marina Abramović, Nadim Vardag, Niina Vatanen, Susan Walsh

La mostra When the Wind Blows è una cooperazione con l'Università di Arti Applicate di Vienna.

Curatori: Verena Kaspar-Eisert (KUNST HAUS WIEN) e Liddy Scheffknecht (University of Applied Arts Vienna).

Air encloses the earth like a membrane. It is the medium of weather and the carrier of odours, sounds and aerosols that influence both climate and health. Air flows into our bodies with our first breath and with death we exhale our last breath. In the context of the current climate crisis, air pollution and storms as well as wind power as a renewable energy source play a role. The invisible element connects living beings, plants and places. The works of the selected international and Austrian artists of different generations aim to make this elementary, yet invisible element visually tangible. They deal with the most diverse aspects and meanings of air, wind and breath and examine their manifestations in ecology, science, politics, culture and mythology. From the life-giving air we breathe to the destructive power of the wind, art makes the great invisible visible in many different ways. 

22 international and Austrian artists make the invisible elements of breath, air and wind visible in different ways: Hoda Afshar, Bigert & Bergström, Julius von Bismarck, Olafur Eliasson, Karin Fisslthaler, Ana Grilc, Isabelle Ha Eav, Jana Hartmann, Ayumi Ishii, Sophie Jung, Sjoerd Knibbeler, Ulrike Königshofer, Eduardo Leal, Emily Parsons-Lord, Peter Piller, Werner Reiterer, Roman Signer, Lydia Simon, Ulay/Marina Abramović, Nadim Vardag, Niina Vatanen, Susan Walsh

The exhibition When the Wind Blows is a cooperation with the University of Applied Arts Vienna. 

Curators: Verena Kaspar-Eisert (KUNST HAUS WIEN) and Liddy Scheffknecht (University of Applied Arts Vienna).

(Text: Kunst Haus Wien)

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Drift | Galerie Georg Kargl | Wien
März
10
bis 22. Apr.
Ausstellung, Austria, EMOP

Drift | Galerie Georg Kargl | Wien

Galerie Georg Kargl | Wien
10. März - 22. April 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

Drift
Jitka Hanzlová, Marianne Mueller

Jitka HANZLOVÁ WATER VI. Silent Blue #4 untitled, 2018

Hanzlová setzt sich in ihren Fotografien mit dem Thema Wasser in unterschiedlichen Aggregatzustände auseinander, während Marianne Mueller Beobachtungen von alltäglichen Umgebungen sammelt, die sie in ihren Skulpturen aus Ton neu kontextualisiert.

Dans ses photographies, Hanzlová aborde le thème de l'eau sous différents états d'agrégation, tandis que Marianne Mueller recueille des observations d'environnements quotidiens qu'elle recontextualise dans ses sculptures en argile.

Hanzlová esplora il tema dell'acqua in diversi stati aggregati nelle sue fotografie, mentre Marianne Mueller raccoglie osservazioni di ambienti quotidiani che ricontestualizza nelle sue sculture di argilla.

Hanzlová's photographs explore the theme of water in various states of aggregation, while Marianne Mueller collects observations of everyday environments that she recontextualizes in her clay sculptures.

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Reiner Riedler | OstLicht | Wien
März
9
bis 30. Apr.
Ausstellung, Austria, EMOP

Reiner Riedler | OstLicht | Wien

  • OstLicht. Galerie für Fotografie (Karte)
  • Google Kalender ICS

OstLicht | Wien
9. März - 30. April 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

Reiner Riedler

„Professor” isst Äpfel, Minsk, Belarus, 2004, aus der Serie „Russian Circus“ © Reiner Riedler

Mit nahezu 100 nationalen und internationalen Ausstellungen und fast einem Dutzend erfolgreich verkaufter Fotobände zählt Reiner Riedler zu den bedeutendsten zeitgenössischen Fotografen Österreichs. Nach der Präsentation einzelner Serien, u.a. im Pariser Centre Pompidou oder bei den Rencontres d´Arles, widmet ihm das Wiener Fotomuseum WestLicht aktuell die erste große Personale, die einen weiten Bogen über sein mehr als 30-jähriges Schaffen spannt.

Parallel dazu hat die Galerie OstLicht ihr Portfolio erweitert und zeigt ausgewählte Arbeiten in einer Verkaufsausstellung. Darin sind nicht nur Highlights aus Riedlers bekannten Serien wie „Fake Holidays“, „Russian Circus“ oder „Altered States“ vertreten, sondern auch Auszüge aus seinem bisher unveröffentlichten Zyklus „This Side of Paradise“, für den er seit mehr als 20 Jahren die exzessiven Auswüchse der modernen Eventkultur dokumentiert.

Der rote Faden, der sich durch die Arbeiten des in Wien lebenden Künstlers spannt, ist die intensive Auseinandersetzung mit dem menschlichen Streben nach Glück. Dafür begleitet der „Chronist der Sehnsüchte“ seine Protagonisten in künstlichen Freizeitwelten, Swingerclubs oder zu Wiesenfesten – alles Orte, die zumindest eine kurzfristige Möglichkeit zur Flucht aus dem Alltag versprechen.

Ergänzend dazu bietet OstLicht auch eine Reihe bemerkenswerter Arbeiten aus Riedlers konzeptuellen Werkgruppen an, darunter Bilder von Filmrollen aus „The Unseen Seen“, mit denen er Emotionen rund um das Kino und den Abschied vom analogen Film schürt oder „WILL – The Livesaving Machines“, in denen er sich mit der Apparatemedizin und dem Wunsch nach ewigem Leben beschäftigt.

Die auf jeweils 5 Stück limitierten Editionen werden in zwei unterschiedlichen Formaten angeboten und stellen für arrivierte Sammler:innen wie Neueinsteiger:innen ein attraktives Angebot mit hohem Potential dar.

Avec près de 100 expositions nationales et internationales et près d'une douzaine de livres de photos vendus avec succès, Reiner Riedler compte parmi les photographes contemporains les plus importants d'Autriche. Après la présentation de certaines séries, notamment au Centre Pompidou à Paris ou aux Rencontres d'Arles, le musée de la photographie WestLicht de Vienne lui consacre actuellement sa première grande exposition personnelle, qui couvre un large éventail de son travail de plus de 30 ans.

Parallèlement, la galerie OstLicht a élargi son portefeuille et présente une sélection de travaux dans une exposition-vente. On y trouve non seulement les points forts des séries connues de Riedler comme "Fake Holidays", "Russian Circus" ou "Altered States", mais aussi des extraits de son cycle inédit "This Side of Paradise", pour lequel il documente depuis plus de 20 ans les dérives excessives de la culture événementielle moderne.

Le fil conducteur des travaux de l'artiste, qui vit à Vienne, est une réflexion intense sur la quête humaine du bonheur. Pour cela, le "chroniqueur des désirs" accompagne ses protagonistes dans des mondes de loisirs artificiels, des clubs échangistes ou des fêtes dans les prés - tous des lieux qui promettent au moins une possibilité à court terme d'échapper au quotidien.

En complément, OstLicht propose également une série de travaux remarquables issus des groupes d'œuvres conceptuelles de Riedler, dont des images de bobines de films de "The Unseen Seen", avec lesquelles il attise les émotions autour du cinéma et de l'adieu au film analogique, ou "WILL - The Livesaving Machines", dans lesquelles il s'intéresse à la médecine d'appareil et au désir de vie éternelle.

Les éditions limitées à 5 exemplaires sont proposées en deux formats différents et représentent une offre attrayante à fort potentiel pour les collectionneurs confirmés comme pour les nouveaux venus.

Con quasi 100 mostre nazionali e internazionali e quasi una dozzina di libri fotografici venduti con successo, Reiner Riedler è uno dei più importanti fotografi contemporanei in Austria. Dopo aver presentato singole serie, ad esempio al Centre Pompidou di Parigi o ai Rencontres d'Arles, il Fotomuseum WestLicht di Vienna gli dedica attualmente la sua prima grande mostra personale che abbraccia una vasta gamma dei suoi oltre 30 anni di lavoro.

Allo stesso tempo, la Galerie OstLicht ha ampliato il suo portafoglio e sta esponendo opere selezionate in una mostra di vendita. Include non solo i punti salienti delle ben note serie di Riedler come "Fake Holidays", "Russian Circus" o "Altered States", ma anche estratti dal suo ciclo inedito "This Side of Paradise", per il quale ha documentato gli eccessi della moderna cultura degli eventi per più di 20 anni.

Il filo conduttore delle opere dell'artista viennese è l'esame intensivo della ricerca umana della felicità. A questo scopo, il "cronista dei desideri" accompagna i suoi protagonisti in mondi artificiali del tempo libero, club di scambisti o feste sui prati - tutti luoghi che promettono almeno una breve fuga dalla vita quotidiana.

Inoltre, OstLicht offre anche una serie di opere notevoli dai gruppi di lavoro concettuali di Riedler, tra cui immagini di bobine di film da "The Unseen Seen", con cui suscita emozioni intorno al cinema e l'addio alla pellicola analogica, o "WILL - The Livesaving Machines", in cui si occupa della medicina degli apparecchi e il desiderio di vita eterna.

Le edizioni, limitate a 5 pezzi ciascuna, sono offerte in due diversi formati e rappresentano un'offerta attraente con un alto potenziale sia per i collezionisti affermati che per i nuovi arrivati.

With nearly 100 national and international exhibitions and almost a dozen successfully sold photobooks, Reiner Riedler is one of Austria's most significant contemporary photographers. 

Following the presentation of individual series, among others at the Centre Pompidou in Paris or at Rencontres d'Arles, Vienna’s WestLicht. Museum for Photography is currently dedicating its first major personal exhibition to him, which spans a broad arc over his more than 30 years of work.

At the same time, OstLicht. Gallery for Photography has expanded its portfolio and is showing selected works in a sales exhibition. It includes not only highlights from Riedler's well-known series such as "Fake Holidays," "Russian Circus" and "Altered States," but also excerpts from his previously unpublished cycle "This Side of Paradise," for which he has been documenting the excesses of modern event culture for more than 20 years.

The common thread running through the works of the Vienna-based artist is an intense examination of the human pursuit of happiness. To this end, the "chronicler of longings" accompanies his protagonists to artificial worlds of leisure, swingers' clubs or to meadow festivals - all places that promise at least a short-term escape from everyday life.

In addition, OstLicht also offers a number of remarkable works from Riedler's conceptual works, including images of film reels from "The Unseen Seen", with which he stirs up emotions around cinema and the

farewell to analog film, or "WILL - The Livesaving Machines", in which he deals with apparatus medicine and the desire for eternal life.

The editions, limited to 5 pieces each, are offered in two different formats and represent an attractive offer with high potential for established collectors and newcomers alike.

(Text: OstLicht, Wien)

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Sehnsuchtsorte | OstLicht | Wien
März
9
bis 30. Apr.
Ausstellung, Austria, EMOP

Sehnsuchtsorte | OstLicht | Wien

  • OstLicht. Galerie für Fotografie (Karte)
  • Google Kalender ICS

OstLicht | Wien
9. März - 30. April 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

Sehnsuchtsorte

Schrein-Dienerinnen auf dem Weg zu Kashihara-Schrein, Japan, Nara, 2002
© Hiroji Kubota, courtesy OstLicht. Galerie für Fotografie

Für die aktuelle OstLicht Selection hat das Team von Galeriebetreiber Peter Coeln eine erstklassige Auswahl von Fotografinnen und Fotografen versammelt, die besondere Orte auf ihre jeweils unnachahmliche Weise festgehalten haben. Dazu zählen etwa die sonnenbeschienenen Hügel Italiens in den Aufnahmen von Mario Giacomelli, das farbenprächtige, von René Burri festgehaltene weltberühmte Haus des Architekten Luis Barragán oder die süditalienischen Strandlandschaften von Piero Percoco.

In weiteren Exponaten lädt Franz Hubmann zum Spaziergang durch das Waldviertel und Roland Pleterski durch die Landschaften Kubas ein. Takeuchi Toshinobu beleuchtet malerische japanische Regionen und Cora Pongracz entführt die Betrachter:innen ins Wiener Kaffeehaus Tuchlauben.

Pour l'actuelle OstLicht Selection, l'équipe de l'exploitant de la galerie Peter Coeln a réuni une sélection de premier ordre de photographes qui ont immortalisé des lieux particuliers, chacun à sa manière inimitable. On y trouve notamment les collines ensoleillées d'Italie photographiées par Mario Giacomelli, la maison mondialement connue de l'architecte Luis Barragán capturée par René Burri ou les paysages de plage du sud de l'Italie de Piero Percoco.

Dans d'autres expositions, Franz Hubmann invite à une promenade à travers le Waldviertel et Roland Pleterski à travers les paysages de Cuba. Takeuchi Toshinobu met en lumière des régions japonaises pittoresques et Cora Pongracz emmène les spectateurs dans le café viennois Tuchlauben.

Per l'attuale OstLicht Selection, il team del proprietario della galleria Peter Coeln ha messo insieme una selezione di prima classe di fotografi che hanno catturato luoghi speciali nel loro modo inimitabile. Tra questi, le colline soleggiate d'Italia nelle fotografie di Mario Giacomelli, la casa colorata e famosa dell'architetto Luis Barragán catturata da René Burri o i paesaggi balneari dell'Italia meridionale di Piero Percoco.

In altre mostre, Franz Hubmann ci invita a fare una passeggiata nel Waldviertel e Roland Pleterski nei paesaggi di Cuba. Takeuchi Toshinobu illumina le pittoresche regioni giapponesi e Cora Pongracz porta gli spettatori al caffè Tuchlauben di Vienna.

For the current OstLicht Selection, the team of gallery owner Peter Coeln has assembled a first-class selection of photographers who have captured special places in their own inimitable way. These include the sunlit hills of Italy in the photographs of Mario Giacomelli, the colorful world-famous house of architect Luis Barragán captured by René Burri, and the southern Italian beach landscapes of Piero Percoco.

In other exhibits, Franz Hubmann invites visitors to stroll through the Waldviertel and Roland Pleterski through the landscapes of Cuba. Takeuchi Toshinobu illuminates picturesque Japanese regions and Cora Pongracz transports the viewer to the Viennese coffee house Tuchlauben.

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Stars ohne Retusche - Eve Arnold | OstLicht | Wien
März
9
bis 30. Apr.
Ausstellung, Austria, EMOP

Stars ohne Retusche - Eve Arnold | OstLicht | Wien

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OstLicht | Wien
9. März - 30. April 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

Stars ohne Retusche
Eva Arnold

Marilyn Monroe bei Studioaufnahmen in Hollywood, Los Angeles, 1960 © Eve Arnold / Magnum Photos, courtesy OstLicht. Galerie für Fotografie

“It is the photographer, not the camera, that is the instrument.”

Marlene Dietrich halb verzagt, halb belustigt hinter Notenblättern, Andy Warhol am Boden seines Studios kniend beim Sortieren von Prints, Orson Welles, der sich nach den Dreharbeiten abschminkt.

Die neue Werkschau im OstLicht widmet sich den ersten Erfolgen von Eve Arnold. Die Vintageprints, die zum Verkauf angeboten werden, sowie ausgewählte großformatige Abzüge aus der berühmten Magnum Ausstellung „In Our Time“ zeigen neben ihren weltberühmten Celebrity-Porträts auch Setaufnahmen von „The Misfits“ und Auszüge aus Arnolds frühen Reportagen.

In einer Familie russisch-jüdischer Einwanderer in Philadelphia aufgewachsen, hatte Arnold erst in ihren 30ern zu fotografieren begonnen. Nach Abschluss einer Masterclass beim Grafikdesigner Alex Brodovitch erhielt sie die Möglichkeit, für die Agentur Magnum zu fotografieren, wo sie 1957 – neben Inge Morath – als eine der ersten weiblichen Vollmitglieder aufgenommen wurde.

Ihre ungestellten, ohne Stativ, Posen- oder Lichtregie entstandenen Porträts von Marlene Dietrich, die 1952 im Esquire veröffentlicht wurden, unterschieden sich deutlich von den damals üblichen Studioporträts. Sie erweckten die Aufmerksamkeit von Marilyn Monroe, die mit der Fotografin Kontakt aufnahm und ab 1955 in vielen Sessions vertrauensvoll mit ihr zusammenarbeitete.

Respektvolles Interesse an den Dargestellten war Arnolds Grundprinzip bei der Porträtarbeit, ein Zugang, der auch in ihren Aufnahmen von Dreharbeiten, politischen Zusammenkünften sowie den späteren Reisereportagen spürbar bleibt. Diese Haltung zeigt sich auch in den Bildern von anderen in der Ausstellung vertretenen Hollywoodstars, die ihr alle abseits der geschönten Studiosettings persönliche Einblicke gewährten. Arnold fotografierte Andy Warhol bei der Arbeit, Malcom X wild gestikulierend am Podium, Clark Gable beim Skriptstudium oder Orson Welles beim Abschminken in der Garderobe.

"C'est le photographe, pas l'appareil photo, qui est l'instrument".

Marlene Dietrich mi-découragée, mi-amusée derrière des partitions, Andy Warhol agenouillé sur le sol de son studio en train de trier des tirages, Orson Welles qui se démaquille après le tournage.

La nouvelle exposition d'œuvres à OstLicht est consacrée aux premiers succès d'Eve Arnold. Les tirages vintage proposés à la vente ainsi qu'une sélection de tirages grand format issus de la célèbre exposition Magnum "In Our Time" montrent, outre ses portraits de célébrités mondialement connus, des photos de plateau de "The Misfits" et des extraits des premiers reportages d'Arnold.

Élevée dans une famille d'immigrés juifs russes à Philadelphie, Arnold n'avait commencé à photographier que dans la trentaine. Après avoir terminé un masterclass avec le graphiste Alex Brodovitch, elle a eu l'occasion de photographier pour l'agence Magnum, dont elle a été l'une des premières femmes membres à part entière en 1957 - avec Inge Morath.

Ses portraits de Marlene Dietrich, réalisés de manière non posée, sans trépied ni mise en scène de la pose ou de la lumière, publiés dans Esquire en 1952, se distinguaient nettement des portraits de studio habituels à l'époque. Ils attirèrent l'attention de Marilyn Monroe, qui prit contact avec la photographe et collabora avec elle en toute confiance lors de nombreuses séances à partir de 1955.

L'intérêt respectueux pour les personnes représentées était le principe de base d'Arnold dans le travail de portrait, une approche qui reste perceptible dans ses photos de tournages, de réunions politiques ainsi que dans ses reportages de voyage ultérieurs. Cette attitude se retrouve également dans les photos d'autres stars hollywoodiennes représentées dans l'exposition, qui lui ont toutes offert un aperçu personnel, loin des settings embellis des studios. Arnold a photographié Andy Warhol au travail, Malcom X gesticulant frénétiquement sur le podium, Clark Gable étudiant son scénario ou Orson Welles se démaquillant dans sa loge.

"È il fotografo, non la macchina fotografica, che è lo strumento".

Marlene Dietrich mezza avvilita, mezza divertita dietro fogli di musica, Andy Warhol inginocchiato sul pavimento del suo studio che smista stampe, Orson Welles che si toglie il trucco dopo le riprese.

La nuova mostra all'OstLicht è dedicata ai primi successi di Eve Arnold. Le stampe d'epoca in vendita, così come una selezione di stampe di grande formato dalla famosa mostra Magnum "In Our Time", mostrano i suoi ritratti di celebrità famosi in tutto il mondo, così come scatti di set da "The Misfits" ed estratti dai primi reportage di Arnold.

Cresciuta in una famiglia di immigrati russo-ebraici a Filadelfia, la Arnold aveva iniziato a fotografare solo a 30 anni. Dopo aver completato una master class con il graphic designer Alex Brodovitch, le fu data l'opportunità di fotografare per l'agenzia Magnum, dove fu accettata come uno dei primi membri femminili a pieno titolo nel 1957 - insieme a Inge Morath.

I suoi ritratti senza posa di Marlene Dietrich, scattati senza treppiede, senza controllo della posa o dell'illuminazione e pubblicati su Esquire nel 1952, differiscono notevolmente dai ritratti in studio che erano comuni all'epoca. Attirarono l'attenzione di Marilyn Monroe, che contattò il fotografo e lavorò con lei confidenzialmente in molte sessioni a partire dal 1955.

L'interesse rispettoso per l'intervistato era il principio di base della Arnold nel suo lavoro di ritratto, un approccio che rimane palpabile nelle sue fotografie di riprese cinematografiche, raduni politici e i successivi reportage di viaggio. Questo approccio è evidente anche nelle immagini di altre star di Hollywood rappresentate nella mostra, tutte le quali hanno dato le loro intuizioni personali lontano dagli ambienti abbelliti dello studio. Arnold ha fotografato Andy Warhol al lavoro, Malcom X che gesticola selvaggiamente sul podio, Clark Gable che studia i copioni o Orson Welles che si strucca nel camerino.

"It is the photographer, not the camera, that is the instrument."

Marlene Dietrich half despondent, half amused behind sheets of music, Andy Warhol kneeling on the floor of his studio sorting prints, Orson Welles removing his make-up after a day on the set. 

As part of this year’s Foto Wien, the new exhibition at OstLicht is dedicated to Eve Arnold's early success. Vintage prints which are for sale, as well as selected large-format prints from the famous Magnum exhibition “In Our Time”, featuring her world-famous celebrity portraits, as well as shots from the set of "The Misfits" and excerpts from Arnold's early reportages. 

Eve Arnold’s unposed portraits of Marlene Dietrich, taken without a tripod, pose or lighting control which were published in Esquire in 1952, were quite different from the studio portraits that were common at the time. They caught the attention of Marilyn Monroe, who contacted the photographer and worked with her confidentially in many sessions beginning in 1955. 

Respectful interest in the sitter was Arnold's basic principle in her portraits, an approach that remains palpable in her photographs of film shoots, political gatherings and the later travel reportages. This attitude is also evident in the images of other Hollywood stars represented in the exhibition, all of whom provided her with personal insights away from the embellished studio settings. Arnold photographed Andy Warhol at work, Malcom X gesticulating wildly at the podium, Clark Gable studying scripts or Orson Welles removing his make-up in the dressing room. 

(Text: OstLicht, Wien)

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