Photobastei | Zürich
12. September – 3. November 2024

New York! Der entfesselte William Klein

Nach acht Jahren in Europa kehrt William Klein 1954 und 26-jährig in seine Geburtsstadt zurück. New York ist ihm vertraut und doch fremd. Die Stadt, in der er sich einst ausgeschlossen gefühlt hat, hat sich stark verändert. Er beschliesst, New York radikal neu zu erfassen – subjektiv, intuitiv und mit unerwarteten Perspektiven. Er porträtiert die boomende Metropole, die Stadt von Coca-Cola, Wall Street, grossen Autos und blinkenden Reklametafeln als einen dunklen, rauen und bedrückenden Ort – und schafft seine berühmteste und zugleich einflussreichste Arbeit: das Fotobuch „New York 1954–1955“. Er gestaltet das Buch als vielleicht erster Fotograf integral selbst: in Fotografie, Typografie, Layout, Umschlaggestaltung, Text. Es gilt als ein Meilenstein der Fotografiegeschichte, welches die Fotografie aus ihrem engen konventionellen Korsett befreit hat.

Die Photobastei zeigt eine Auswahl von 130 Bildern aus dem Buch New York 1954.55. Life is Good and Good for You is New York: Trance Witness Revels in einer Ausstellung in Zürich.

William Klein war der Sohn immigrierter Juden. Er studierte zunächst Soziologie und leistete dann seinen Militärdienst. Am 13. Juli 1947 besuchte er zum ersten Mal Paris (als GI). Wenig später trat er in das Atelier von André Lhote (wie Henri Cartier-Bresson), dann in das Atelier von Fernand Léger ein. Seit der Amerikaner nach Paris kam, suchte er das Experiment. Er hat verschiedene künstlerische Genres – Malerei, Fotografie und Film – ausprobiert, immer erfüllt von grosser Neugier und Lebensenergie. Früh beobachtete er den Einfluss der Massenmedien und ihre Auswirkungen auf eine konsumorientiere Gesellschaft. Sowohl in seiner Street Photography als auch in seinen späteren Filmen setzte Klein sich für die Rechte der Afroamerikaner ein.

New York fühlte sich für Klein nach acht Jahren in Europa vertraut und zugleich fremd an. Eine Welt von McCarthy, und Marilyn Monroe, von Elvis und Ausschweifungen, eine Welt mit Wasserstoffbomben, McDonalds und vielen Versprechungen des Kapitalismus. New York war lauter, schneller, heller und paranoider, ängstlicher und verlassener geworden. Er streifte einige Monate durch die Stadt und fotografierte, was er überall fand. Gruppen von Menschen, die abhängen, Fassaden, Schilder, Beerdigungen, Uptown, Downtown, Sport, Arbeit, Freizeit, Polizisten, Ganoven und überall die lebendige Kakophonie des Kommerzes. Es gab Schmutz und brodelnde Spannungen, aber auch Freude, Menschlichkeit und gute Laune. Kleins Fotos zeigen New York ungeschminkt, als einen Ort des Rassismus, der Armut, der Aggression und als einen Ort, an dem es sich die Reichen sehr öffentlich sehr gut gehen lassen.

Er durchstreifte New York und entschied sich ein Buch zu gestalten, welches bahnbrechend werden würde.

Klein selber urteilte nicht, aber sehr wohl die Fotografie selbst. Sein Stil ist direkt, mit starken Kontrasten, verschwommenen Konturen und Bewegungsunschärfen - kompromisslos,risikobereit und abseits gängiger Konventionen. Damit steht er in völligem Gegensatz zu der technisch perfekten, ästhetisch ausgerichteten Fotografie der 1950er-Jahre. Seine rücksichtslose und forsche Bildgestaltung war eine sehr bewusste Zerschlagung aller Konventionen der "guten Fotografie". «Aktuelle fotografische Bücher versetzen mich in Schlaf - ein sakrales Bild auf der rechten Seite, eine leere Seite auf der linken. Unantastbar, akademisch, langweilig.» Viele Fotograf:innen entschieden sich dafür, ihr Medium ausschliesslich als Bildkunst zu betrachten, die sich von der grafischen Kunst unterscheidet. Sie verliessen sich auf Redakteure und Designer, die ihnen bei der Gestaltung ihrer Bücher halfen. Klein war der erste, der damit brach. New York war in jeder Hinsicht seine Produktion und eine Provokation: in Fotografie, Typografie, Layout, Umschlaggestaltung, Text.

Kein Wunder wollte in den USA kein Verlag diese ungeschminkte Sicht auf Amerika drucken. Diese Kartoffel war zu heiss für ein Amerika, das gerade den Krieg gewonnen hatte und in welcher sich eine grosse Mittelschicht mit ihren eigenen Idealen von Familie, Auto, Kühlschrank und Waschmaschine ausbildete. Es wurde von den grossen New YorkerVerlagen als zu grob und antiamerikanisch abgelehnt. Die Fotografie Kleins war ihnen zu radikal!

Das Buch wurde schliesslich und nur in Europa gedruckt, zuerst in Frankreich, dann in Italien und England. Es gewann den französische Fotobuchpreis Prix Nadar und gefühlt jeder und jede amerikanische Fotograf:in hatte (und hat) ein Exemplar bei sich zu Hause. Es gilt heute als eines der einflussreichsten Fotobücher. Kleins Fotoarbeit und Buch haben frischen Wind in die Fotografie und v.a. die Dunkelkammer gebracht hat.

Après avoir passé huit ans en Europe, William Klein revient dans sa ville natale en 1954, à l'âge de 26 ans. New York lui est à la fois familière et étrangère. La ville, dans laquelle il se sentait autrefois exclu, a beaucoup changé. Il décide d'appréhender New York de manière radicalement nouvelle - de manière subjective, intuitive et avec des perspectives inattendues. Il fait le portrait de la métropole en plein essor, la ville de Coca-Cola, Wall Street, des grosses voitures et des panneaux publicitaires clignotants comme un lieu sombre, rude et oppressant - et crée son œuvre la plus célèbre et en même temps la plus influente : le livre de photos « New York 1954-1955 ». Il est peut-être le premier photographe à concevoir ce livre intégralement lui-même : en photographie, typographie, mise en page, couverture, texte. Il est considéré comme un jalon de l'histoire de la photographie, qui a libéré la photographie de son étroit corset conventionnel.

La Photobastei présente une sélection de 130 visuels du livre New York 1954.55. Life is Good and Good for You is New York : Trance Witness Revels lors d'une exposition à Zurich.

William Klein était le fils de juifs immigrés. Il a d'abord étudié la sociologie, puis a effectué son service militaire. Le 13 juillet 1947, il a visité Paris pour la première fois (en tant que GI). Peu après, il entre dans l'atelier d'André Lhote (comme Henri Cartier-Bresson), puis dans celui de Fernand Léger. Dès l'arrivée de l'Américain à Paris, il a cherché à expérimenter. Il s'est essayé à différents genres artistiques - peinture, photographie et cinéma -, toujours empli d'une grande curiosité et d'une énergie vitale. Très tôt, il a observé l'influence des médias de masse et leur impact sur une société axée sur la consommation. Dans ses photographies de rue comme dans ses films ultérieurs, Klein s'est engagé en faveur des droits des Afro-Américains.

Après huit années passées en Europe, New York était à la fois familière et étrangère à Klein. Un monde de McCarthy et de Marilyn Monroe, d'Elvis et de débauche, un monde avec des bombes à hydrogène, des McDonald's et de nombreuses promesses du capitalisme. New York était devenu plus bruyant, plus rapide, plus lumineux et plus paranoïaque, plus anxieux et plus abandonné. Il a passé plusieurs mois à errer dans la ville et à photographier ce qu'il trouvait partout. Des groupes de gens qui traînent, des façades, des enseignes, des enterrements, les quartiers chics, les quartiers bas, le sport, le travail, les loisirs, les policiers, les voyous et partout la cacophonie vivante du commerce. Il y avait de la saleté et des tensions bouillonnantes, mais aussi de la joie, de l'humanité et de la bonne humeur. Les photos de Klein montrent New York sans fard, comme un lieu de racisme, de pauvreté, d'agression et comme un endroit où les riches se la coulent douce très publiquement.

Il a parcouru New York et a décidé de créer un livre qui allait faire date.

Klein n'a pas jugé lui-même, mais la photographie l'a fait. Son style est direct, avec de forts contrastes, des contours flous et des mouvements flous - sans compromis, prêt à prendre des risques et hors des conventions habituelles. Il s'oppose ainsi totalement à la photographie techniquement parfaite et esthétique des années 1950. Sa conception impitoyable et audacieuse de l'image était une destruction très consciente de toutes les conventions de la « bonne photographie ». « Les livres photographiques actuels me plongent dans le sommeil - un visuel sacré sur la droite, une page blanche sur la gauche. Intouchable, académique, ennuyeux ». De nombreux photographes ont choisi de considérer leur médium exclusivement comme un art visuel, différent de l'art graphique. Ils comptaient sur les éditeurs et les designers pour les aider à concevoir leurs livres. Klein a été le premier à rompre avec cela. New York était sa production à tous égards et une provocation : dans la photographie, la typographie, la mise en page, la couverture, le texte.

Il n'est pas étonnant qu'aucune maison d'édition américaine n'ait voulu imprimer cette vision sans fard de l'Amérique. Cette patate chaude était trop chaude pour une Amérique qui venait de gagner la guerre et dans laquelle se formait une grande classe moyenne avec ses propres idéaux de famille, de voiture, de réfrigérateur et de machine à laver. Elle a été rejetée par les grandes maisons d'édition new-yorkaises, qui la jugeaient trop grossière et anti-américaine. La photographie de Klein était trop radicale à leurs yeux !

Le livre a finalement été imprimé en Europe uniquement, d'abord en France, puis en Italie et en Angleterre. Il a remporté le Prix Nadar du livre de photographie en France et tous les photographes américains en ont eu (et en ont encore) un exemplaire chez eux. Il est aujourd'hui considéré comme l'un des livres de photographie les plus influents. Le travail photographique et le livre de Klein ont apporté un vent de fraîcheur à la photographie et surtout à la chambre noire.

Dopo otto anni in Europa, William Klein tornò nella sua città natale nel 1954, all'età di 26 anni. New York gli è familiare e allo stesso tempo strana. La città in cui si era sentito escluso era cambiata radicalmente. Decise di ritrarre radicalmente New York - in modo soggettivo, intuitivo e con prospettive inaspettate. Ritrae la metropoli in piena espansione, la città della Coca-Cola, di Wall Street, delle grandi auto e dei cartelloni pubblicitari lampeggianti come un luogo oscuro, duro e opprimente - e crea il suo lavoro più famoso e allo stesso tempo più influente: il libro fotografico “New York 1954-1955”. Fu forse il primo fotografo a progettare il libro in modo integrale: nella fotografia, nella tipografia, nell'impaginazione, nel design della copertina e nel testo. È considerato una pietra miliare nella storia della fotografia, che ha liberato la fotografia dal suo stretto corsetto convenzionale.

Photobastei presenta una selezione di 130 immagini tratte dal libro New York 1954.55. La vita è bella e buona per te è New York: Trance Witness Revels in una mostra a Zurigo.

William Klein era figlio di immigrati ebrei. Studiò prima sociologia e poi fece il servizio militare. Visitò Parigi per la prima volta il 13 luglio 1947 (come militare). Poco dopo, entrò nello studio di André Lhote (come Henri Cartier-Bresson), poi nello studio di Fernand Léger. Da quando l'americano è arrivato a Parigi, ha cercato la sperimentazione. Ha provato diversi generi artistici - pittura, fotografia e cinema - sempre pieno di grande curiosità e vitalità. All'inizio, ha osservato l'influenza dei mass media e i suoi effetti su una società orientata al consumo. Sia nella fotografia di strada che nei suoi film successivi, Klein si è battuto per i diritti degli afroamericani.

Dopo otto anni in Europa, New York si sentiva allo stesso tempo familiare ed estranea per Klein. Un mondo di McCarthy e Marilyn Monroe, di Elvis e della dissolutezza, un mondo di bombe all'idrogeno, McDonalds e le molte promesse del capitalismo. New York era diventata più rumorosa, più veloce, più luminosa e più paranoica, più ansiosa e più deserta. Ha girato per la città per alcuni mesi e ha fotografato ciò che ha trovato ovunque. Gruppi di persone in giro, facciate, insegne, funerali, uptown, downtown, sport, lavoro, tempo libero, poliziotti, teppisti e ovunque la cacofonia vivente del commercio. C'erano sporcizia e tensioni, ma anche gioia, umanità e buon umore. Le foto di Klein mostrano New York senza veli, come luogo di razzismo, povertà, aggressività e come luogo in cui i ricchi si divertono molto in pubblico.

Ha viaggiato per New York e ha deciso di creare un libro che fosse innovativo.

Klein stesso non ha espresso un giudizio, ma lo ha fatto la fotografia stessa. Il suo stile è diretto, con forti contrasti, contorni sfocati e sfocature di movimento - senza compromessi, con spirito di rischio e lontano dalle convenzioni consolidate. Questo lo pone in totale contrasto con la fotografia tecnicamente perfetta ed esteticamente orientata degli anni Cinquanta. La sua composizione di immagini spericolata e sfacciata era una frantumazione molto deliberata di tutte le convenzioni della 'buona fotografia'. “I libri fotografici attuali mi fanno addormentare: un'immagine sacra a destra, una pagina bianca a sinistra. Intoccabili, accademici, noiosi”. Molti fotografi hanno deciso di considerare il loro mezzo esclusivamente come arte visiva, che è diversa dall'arte grafica. Si affidavano a editori e designer che li aiutavano a progettare i loro libri. Klein è stato il primo a rompere con questa situazione. New York fu la sua produzione sotto ogni aspetto e una provocazione: nella fotografia, nella tipografia, nell'impaginazione, nel design della copertina e nel testo.

Non c'è da stupirsi che nessun editore negli Stati Uniti volesse stampare questa visione senza veli dell'America. Questa patata era troppo bollente per un'America che aveva appena vinto la guerra e in cui stava emergendo una grande classe media con i propri ideali di famiglia, auto, frigorifero e lavatrice. Fu rifiutata dai grandi editori di New York perché troppo rozza e anti-americana. La fotografia di Klein era troppo radicale per loro!

Alla fine, il libro fu stampato solo in Europa, prima in Francia, poi in Italia e in Inghilterra. Vinse il premio francese per i libri di fotografia Prix Nadar e sembra che ogni fotografo americano ne avesse (e ne abbia ancora) una copia in casa. Oggi è considerato uno dei libri fotografici più influenti. Il lavoro fotografico e il libro di Klein hanno portato una ventata di aria fresca alla fotografia e, soprattutto, alla camera oscura.

After eight years in Europe, William Klein returned to the city of his birth in 1954 at the age of 26. New York is familiar and yet strange to him. The city in which he once felt excluded has changed dramatically. He decided to radically recapture New York - subjectively, intuitively and with unexpected perspectives. He portrays the booming metropolis, the city of Coca-Cola, Wall Street, big cars and flashing billboards as a dark, harsh and oppressive place - and creates his most famous and at the same time most influential work: the photo book “New York 1954-1955”. He was perhaps the first photographer to design the book integrally himself: in photography, typography, layout, cover design and text. It is considered a milestone in the history of photography, which liberated photography from its narrow conventional corset.

Photobastei is showing a selection of 130 visuals from the book New York 1954.55. Life is Good and Good for You is New York: Trance Witness Revels in an exhibition in Zurich.

William Klein was the son of Jewish immigrants. He first studied sociology and then did his military service. On July 13, 1947, he visited Paris for the first time (as a GI). Shortly afterwards, he joined the studio of André Lhote (like Henri Cartier-Bresson), then the studio of Fernand Léger. Ever since the American came to Paris, he sought out experimentation. He tried out various artistic genres - painting, photography and film - always filled with great curiosity and vital energy. Early on, he observed the influence of mass media and its effects on a consumer-oriented society. Both in his street photography and in his later films, Klein campaigned for the rights of African Americans.

After eight years in Europe, New York felt both familiar and foreign to Klein. A world of McCarthy and Marilyn Monroe, of Elvis and debauchery, a world of hydrogen bombs, McDonalds and the many promises of capitalism. New York had become louder, faster, brighter and more paranoid, more anxious and abandoned. He roamed the city for a few months and photographed what he found everywhere. Groups of people hanging out, facades, signs, funerals, uptown, downtown, sports, work, leisure, cops, hoodlums and everywhere the living cacophony of commerce. There was dirt and simmering tensions, but also joy, humanity and good humor. Klein's photos show New York unvarnished, as a place of racism, poverty, aggression and a place where the rich very publicly have a very good time.

He roamed New York and decided to create a book that would be groundbreaking.

Klein himself did not judge, but the photography itself did. His style is direct, with strong contrasts, blurred contours and motion blur - uncompromising, risk-taking and away from common conventions. This puts him in complete contrast to the technically perfect, aesthetically oriented photography of the 1950s. His reckless and brash image design was a very deliberate shattering of all conventions of “good photography”. “Current photographic books put me to sleep - a sacred visual on the right, a blank page on the left. Untouchable, academic, boring.” Many photographers chose to view their medium exclusively as visual art, distinct from graphic art. They relied on editors and designers to help them design their books. Klein was the first to break with this. New York was his production in every respect and a provocation: in photography, typography, layout, cover design and text.

No wonder no publisher in the USA wanted to print this unvarnished view of America. This potato was too hot for an America that had just won the war and in which a large middle class was emerging with its own ideals of family, car, fridge and washing machine. It was rejected by the big New York publishers as too coarse and anti-American. Klein's photography was too radical for them!

In the end, the book was only printed in Europe, first in France, then in Italy and England. It won the French photography book prize Prix Nadar and it feels like every American photographer had (and still has) a copy at home. Today, it is considered one of the most influential photo books. Klein's photographic work and book have brought a breath of fresh air to photography and, above all, the darkroom.

(Text: Photobastei, Zürich)

Galerie Am Platz | Eglisau
14. Juli – 24. August 2024

Sehnsucht Alpen
Hans Peter Jost

Anlässlich des Erscheinens seines Buches "Alpen-Blicke.ch" im Verlag Scheidegger & Spiess wurde der Fotograf Hans Peter Jost im SAC Magazin nicht als typischer Alpenfotograf charakterisiert, vielmehr als Porträtist des Berggebiets mit einem Nebeneinander von Kraftort und Kraftwerk, das den Blick auf die Alpen von Bild zu Bild bricht.

Der Fotograf reagiert damit auf die Vielschichtigkeit des Alpenraums, denn der ursprüngliche Respekt oder gar die Angst vor den Bergen und deren Naturgewalt ist im Laufe der Zeiten einer romantischen Verklärung gewichen. Die Alpen sind zu einem Ort mutiert, wo sich subjektive Sehnsüchte verwirklichen lassen - nach Kontemplation, nach Höchstleistung, nach Profit.

Hans Peter Josts visuelle Auseinandersetzung mit dem Alpenraum ist konsequent, mit seiner aktuellen Arbeit bringt er polarisierende Themenfelder auch technisch auf einen neuen Höhepunkt: Einerseits mit der Camera obscura, deren Ergebnisse Zeitgrenzen zu verwischen scheinen mit vermeintlich unberührter Natur, menschenleeren Idyllen und ohne die typisch alpine Infrastruktur. Andererseits mit Bildern des Massentourismus inmitten komfortabel möblierter Hochgebirgslandschaften, gnadenlos digital, ironisch, liebevoll…

Mit der Ausstellung "Sehnsucht Alpen" nimmt der Fotograf Hans Peter Jost die Betrachtenden erneut mit auf seinen persönlichen Weg durch die Berge.

A l'occasion de la parution de son livre "Alpen-Blicke.ch" aux éditions Scheidegger & Spiess, le photographe Hans Peter Jost a été caractérisé dans le CAS Magazine non pas comme un photographe typique des Alpes, mais plutôt comme un portraitiste de la région de montagne, avec une juxtaposition de lieux de force et de centrales électriques, qui brise le regard sur les Alpes d'un visuel à l'autre.

Le photographe réagit ainsi à la complexité de l'espace alpin, car le respect originel, voire la peur des montagnes et de leur force naturelle, a fait place au fil du temps à une transfiguration romantique. Les Alpes sont devenues un lieu où l'on peut réaliser des désirs subjectifs - de contemplation, de performance maximale, de profit.

La confrontation visuelle de Hans Peter Jost avec l'espace alpin est conséquente. Avec son travail actuel, il porte des champs thématiques polarisants à un nouveau sommet, y compris sur le plan technique : d'une part avec la camera obscura, dont les résultats semblent effacer les limites temporelles avec une nature prétendument intacte, des idylles désertes et sans l'infrastructure typiquement alpine. D'autre part, avec des visuels du tourisme de masse au milieu de paysages de haute montagne confortablement meublés, impitoyablement numériques, ironiques, affectueux...

Avec l'exposition "Sehnsucht Alpen", le photographe Hans Peter Jost emmène à nouveau les spectateurs sur son chemin personnel à travers les montagnes.

In occasione della pubblicazione del suo libro "Alpen-Blicke.ch" da parte di Scheidegger & Spiess, il fotografo Hans Peter Jost non è stato caratterizzato dalla rivista SAC come un tipico fotografo alpino, ma piuttosto come un ritrattista della regione montana con una giustapposizione di luoghi e centrali elettriche che spezza la visione delle Alpi di immagine in immagine.

Il fotografo reagisce così alla complessità della regione alpina, perché l'originario rispetto o addirittura la paura delle montagne e della loro forza naturale hanno lasciato il posto a una romantica romantizzazione nel corso del tempo. Le Alpi si sono trasformate in un luogo in cui si possono realizzare desideri soggettivi - per la contemplazione, per le massime prestazioni, per il profitto.

L'esplorazione visiva della regione alpina da parte di Hans Peter Jost è coerente e con il suo lavoro attuale porta temi polarizzanti a un nuovo culmine tecnico: da un lato con la camera oscura, i cui risultati sembrano confondere i confini del tempo con una natura presumibilmente incontaminata, idilli deserti e senza le tipiche infrastrutture alpine. Dall'altro, con le immagini del turismo di massa in mezzo a paesaggi di alta montagna confortevolmente arredati, spietatamente digitali, ironiche, affettuose...

Con la mostra "Sehnsucht Alpen", il fotografo Hans Peter Jost accompagna ancora una volta gli spettatori nel suo personale viaggio tra le montagne.

On the occasion of the publication of his book "Alpen-Blicke.ch" by Scheidegger & Spiess, the photographer Hans Peter Jost was not characterized in the SAC Magazine as a typical Alpine photographer, but rather as a portraitist of the mountain region with a juxtaposition of power place and power plant that breaks the view of the Alps from picture to picture.

The photographer thus reacts to the complexity of the Alpine region, because the original respect or even fear of the mountains and their natural power has given way to a romantic transfiguration over the course of time. The Alps have mutated into a place where subjective longings can be realized - for contemplation, for peak performance, for profit.

Hans Peter Jost's visual exploration of the Alpine region is consistent, and with his current work he takes polarizing themes to a new technical climax: on the one hand with the camera obscura, the results of which seem to blur the boundaries of time with supposedly untouched nature, deserted idylls and without the typical Alpine infrastructure. On the other hand, with visuals of mass tourism in the midst of comfortably furnished high mountain landscapes, mercilessly digital, ironic, loving...

With the exhibition "Sehnsucht Alpen", photographer Hans Peter Jost once again takes viewers up on his personal journey through the mountains.

Museum Thalwil
6. Juli – 19. Oktober 2024

Memories
Florian Bachmann, Serap Vitarelli, Susanne Scherer

Die Ausstellung «Memories» zeigt aktuelle fotografische Arbeiten. Unter dem Titel «Was bleibt» setzt sich die Künstlerin Serap Vitarelli mit der Vergänglichkeit auseinander. Florian Bachmann fotografiert in seiner Werkserie «Lieux de Mémoire» geschichtsträchtige Orte in der Schweiz. «Gestern-heute» von Susanne Scherer zeigt neue Ortsbilder, welchen Archivaufnahmen gegenüberstehen. «Memories» präsentiert eine facettenreiche Sammlung von Fotografien, die sich auf verschiedene Weisen mit der Erinnerungskultur auseinandersetzen. Die Bilder zeigen Orte von historischer Bedeutung, persönliche Rückzugsorte oder flüchtige Momente des Alltags. Sie offenbaren Spuren der Vergangenheit und die Schönheit der Vergänglichkeit, die oft im Verborgenen liegt.

L'exposition "Memories" présente des travaux photographiques récents. Sous le titre "Was bleibt", l'artiste Serap Vitarelli se penche sur le caractère éphémère. Dans sa série d'œuvres "Lieux de Mémoire", Florian Bachmann photographie des lieux chargés d'histoire en Suisse. "Hier-aujourd'hui" de Susanne Scherer montre de nouvelles images de lieux en face d'images d'archives. "Memories" présente une collection aux multiples facettes de photographies qui traitent de différentes manières de la culture du souvenir. Les visuels montrent des lieux d'importance historique, des retraites personnelles ou des moments fugaces de la vie quotidienne. Elles révèlent les traces du passé et la beauté de l'éphémère, souvent cachée.

La mostra "Memories" presenta opere fotografiche attuali. Con il titolo "What remains", l'artista Serap Vitarelli esplora il tema della transitorietà. Florian Bachmann fotografa luoghi ricchi di storia in Svizzera nella sua serie "Lieux de Mémoire". "Ieri-oggi" di Susanne Scherer mostra nuove immagini di luoghi accostate a fotografie d'archivio. "Memories" presenta una collezione sfaccettata di fotografie che affrontano in vario modo la cultura del ricordo. Le immagini mostrano luoghi di importanza storica, ritiri personali o momenti fugaci della vita quotidiana. Rivelano le tracce del passato e la bellezza della transitorietà che spesso si nasconde.

The exhibition "Memories" shows current photographic works. Under the title "What remains", the artist Serap Vitarelli deals with transience. Florian Bachmann photographs places steeped in history in Switzerland in his series "Lieux de Mémoire". "Yesterday-today" by Susanne Scherer shows new images of places juxtaposed with archive photographs. "Memories" presents a multifaceted collection of photographs that deal with the culture of remembrance in various ways. The visuals show places of historical significance, personal retreats or fleeting moments of everyday life. They reveal traces of the past and the beauty of transience that often lies hidden.

(Text: Museum Thalwil)

Bildhalle | Zürich
6. Juni – 24. August 2024

Elasticity of Presence
Laurence Aëgerter

„Elasticity of Presence“ zeigt eine Auswahl von bestehenden und neuen Arbeiten aus dem Schaffen der letzten 10 Jahren der Künstlerin, deren Werke in renommierten Sammlungen wie dem Metropolitan Museum of Art in New York und dem Paul Getty Center in Los Angeles vertreten sind. Im Showroom ist exklusiv für nur 10 Tage eine Installation von neuen textilen Arbeiten zu entdecken.

Laurence Aëgerter, die in Amsterdam und Marseille lebt und arbeitet, analysiert in ihren konzeptuell angelegten Werken, wie Bilder eine ungeahnte Wirkung und Bedeutung entfalten, wenn sie in einem neuen Kontext betrachtet werden. Sie lädt uns ein, vertraute Symbole und Bilder neu zu lesen, festgefügte Denkkategorien aufzulösen und die Grenzen unseres kollektiven Unterbewusstseins auszuloten. In ihren fotografischen und textilen Arbeiten setzt sie sich mit alltäglichen, jedoch oft übersehenen Fragen auseinander und regt uns dazu an, unsere Wahrnehmung zu schärfen.

Aëgerter verknüpft Wissen aus verschiedensten Bereichen und stellt interdisziplinäre Verbindungen zwischen Kunstgeschichte, Neurologie, Psychologie und Philosophie her. In Zusammenarbeit mit Wissenschaftlern und Menschen, die sich ausserhalb der Kunstwelt bewegen, entstehen vielschichtige multimediale Werke, die auf humorvolle wie ernste Art die Gegenwart mit der Vergangenheit verbinden. Indem sie in allgemein bekannte wie auch persönliche Geschichten eintaucht, wird sie zur aufmerksamen Beobachterin der uns umgebenden Realität.

Neben zahlreichen Einzelausstellungen in namhaften Museen wie Ici mieux qu’en face im Musée du Petit Palais in Paris, Cathédrales beim Rencontres de la Photographie in Arles, Le Louvre im Modern and Contemporary Art Museum in Nizza, Arithmetic of Photographic Perception im Forum für Fotografie in Köln und Herbarium Cataplasma im Fries Museum in Leeuwarden, hat sie ortsspezifische Installationen und Kunstprojekte für verschiedene Städte und Museen realisiert.

Laurence Aëgerter erhielt 2015 den Nestlé International Prize for Photography beim Festival Images Vevey und 2018 den Author Book Award beim Rencontres Internationales de la Photographie in Arles. Ihre Monografie Ici mieux qu’en face wurde 2021 bei Actes Sud veröffentlicht. 2023 erhielt sie den französischen nationalen Fotopreis und eine Carte blanche photographique des Centre des Monuments Nationaux de France.

Bains de Midi (coreaux) & Bains de Minuit (coreaux), from the series Longo Maï, 2013, Mixed yarns, including mohair, lurex and phosphorescent thread © Laurence Aëgerter, Courtesy of Bildhalle

"Elasticity of Presence" présente une sélection de travaux existants et nouveaux issus de la création des dix dernières années de l'artiste, dont les œuvres sont représentées dans des collections prestigieuses telles que le Metropolitan Museum of Art de New York et le Paul Getty Center de Los Angeles. Dans le showroom, une installation de nouvelles œuvres textiles est à découvrir en exclusivité pendant 10 jours seulement.

Laurence Aëgerter, qui vit et travaille à Amsterdam et à Marseille, analyse dans ses œuvres conceptuelles comment les visuels déploient un effet et une signification insoupçonnés lorsqu'ils sont vus dans un nouveau contexte. Elle nous invite à relire des symboles et des visuels familiers, à dissoudre des catégories de pensée bien établies et à explorer les limites de notre inconscient collectif. Dans ses travaux photographiques et textiles, elle aborde des questions quotidiennes, mais souvent négligées, et nous incite à aiguiser notre perception.

Aëgerter associe des connaissances issues des domaines les plus divers et transmet des liens interdisciplinaires entre l'histoire de l'art, la neurologie, la psychologie et la philosophie. En collaboration avec des scientifiques et des personnes qui évoluent en dehors du monde de l'art, il crée des œuvres multimédias complexes qui relient le présent au passé de manière humoristique et sérieuse. En se plongeant dans des histoires aussi bien connues de tous que personnelles, elle devient une observatrice attentive de la réalité qui nous entoure.

Outre de nombreuses expositions individuelles dans des musées renommés tels que Ici mieux qu'en face au Musée du Petit Palais à Paris, Cathédrales aux Rencontres de la Photographie à Arles, Le Louvre au Modern and Contemporary Art Museum à Nice, Arithmetic of Photographic Perception au Forum für Fotografie à Cologne et Herbarium Cataplasma au Fries Museum à Leeuwarden, elle a réalisé des installations et des projets artistiques spécifiques au lieu pour différentes villes et musées.

Laurence Aëgerter a reçu en 2015 le Nestlé International Prize for Photography au Festival Images Vevey et en 2018 l'Author Book Award aux Rencontres Internationales de la Photographie à Arles. Sa monographie Ici mieux qu'en face a été publiée chez Actes Sud en 2021. En 2023, vous avez reçu le prix national français de la photographie et une carte blanche photographique du Centre des Monuments Nationaux de France.

"Elasticity of Presence" presenta una selezione di opere esistenti e nuove degli ultimi 10 anni dell'artista, le cui opere sono rappresentate in collezioni rinomate come il Metropolitan Museum of Art di New York e il Paul Getty Center di Los Angeles. Un'installazione di nuove opere tessili può essere scoperta in esclusiva nello showroom solo per 10 giorni.

Nelle sue opere concettuali, Laurence Aëgerter, che vive e lavora ad Amsterdam e Marsiglia, analizza come le immagini dispieghino un effetto e un significato inaspettati quando vengono viste in un nuovo contesto. Ci invita a rileggere simboli e immagini familiari, a dissolvere categorie di pensiero fisse e a esplorare i confini del nostro subconscio collettivo. Nelle sue opere fotografiche e tessili, esplora questioni quotidiane ma spesso trascurate e ci incoraggia ad affinare la nostra percezione.

Aëgerter combina conoscenze provenienti da diversi campi e stabilisce connessioni interdisciplinari tra storia dell'arte, neurologia, psicologia e filosofia. In collaborazione con scienziati e persone estranee al mondo dell'arte, crea opere multimediali multistrato che collegano il presente con il passato in modo umoristico e serio. Immergendosi in storie note e personali, diventa un'attenta osservatrice della realtà che ci circonda.

Oltre a numerose mostre personali in musei rinomati come Ici mieux qu'en face al Musée du Petit Palais di Parigi, Cathédrales ai Rencontres de la Photographie di Arles, Le Louvre al Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Nizza, Arithmetic of Photographic Perception al Forum für Fotografie di Colonia e Herbarium Cataplasma al Fries Museum di Leeuwarden, ha realizzato installazioni site-specific e progetti artistici per varie città e musei.

Laurence Aëgerter ha ricevuto il Nestlé International Prize for Photography al Festival Images Vevey nel 2015 e l'Author Book Award ai Rencontres Internationales de la Photographie di Arles nel 2018. La sua monografia Ici mieux qu'en face è stata pubblicata da Actes Sud nel 2021. Nel 2023 ha ricevuto il Premio nazionale di fotografia francese e una Carte blanche photographique dal Centre des Monuments Nationaux de France.

"Elasticity of Presence" shows a selection of existing and new works from the last 10 years by the artist, whose works are represented in renowned collections such as the Metropolitan Museum of Art in New York and the Paul Getty Center in Los Angeles. An installation of new textile works can be discovered exclusively in the showroom for 10 days only.

Laurence Aëgerter, who lives and works in Amsterdam and Marseille, analyzes in her conceptual works how visuals unfold an unexpected effect and meaning when viewed in a new context. She invites us to re-read familiar symbols and visuals, to dissolve fixed categories of thought and to explore the limits of our collective subconscious. In her photographic and textile works, she explores everyday but often overlooked questions and encourages us to sharpen our perception.

Aëgerter combines knowledge from various fields and establishes interdisciplinary connections between art history, neurology, psychology and philosophy. In collaboration with scientists and people from outside the art world, she creates multi-layered multimedia works that connect the present with the past in a humorous and serious way. By immersing herself in both well-known and personal stories, she becomes an attentive observer of the reality that surrounds us.

In addition to numerous solo exhibitions in renowned museums such as Ici mieux qu'en face at the Musée du Petit Palais in Paris, Cathédrales at the Rencontres de la Photographie in Arles, Le Louvre at the Modern and Contemporary Art Museum in Nice, Arithmetic of Photographic Perception at the Forum für Fotografie in Cologne and Herbarium Cataplasma at the Fries Museum in Leeuwarden, she has realized site-specific installations and art projects for various cities and museums.

Laurence Aëgerter received the Nestlé International Prize for Photography at the Festival Images Vevey in 2015 and the Author Book Award at the Rencontres Internationales de la Photographie in Arles in 2018. Her monograph Ici mieux qu'en face was published by Actes Sud in 2021. In 2023, she received the French National Photography Prize and a Carte blanche photographique from the Center des Monuments Nationaux de France.

(Text: Bildhalle Zürich & Amsterdam)

Christophe Guye Galerie | Zürich
6. Juni – 24. August 2026

Without Men
Karla Hiraldo Voleau

Die Ausstellung zeigt Arbeiten aus verschiedenen Serien, die alle zu ihrer breit angelegten Erforschung des weiblichen Blicks beitragen. In allen ausgestellten Arbeiten, die oft Fotografie und Performance miteinander verbinden, geht es darum, eine persönliche Geschichte zu erzählen.

Mit ihrer Serie Hola Mi Amol" widersetzt sich Hiraldo in ihrer Jugend den Warnungen ihrer Verwandten und befreit sich von den Grenzen dessen, was (als Frau) in Bezug auf Liebe, Sexualität und Freundschaft erlaubt" ist, während sie gleichzeitig Stereotypen über dominikanische und lateinamerikanische Männer dekonstruiert. In ihrer Serie "Another Love Story" macht sie sich ihre eigene Liebesgeschichte zu eigen, indem sie mit einem Double, das die Rolle ihres ehemaligen Liebhabers spielt, reinszeniert und es ihr ermöglicht, sich von ihm zu emanzipieren. In "Ein Mann im öffentlichen Raum" setzt sie ihre Erkundung fort, indem sie in die Haut ihres männlichen Alter Egos "Karlos" schlüpft, um Fragen der Männlichkeit im öffentlichen Raum zu untersuchen. Hiraldo Voleau ist oft ihr eigener Protagonist in ihren Serien, und diese Position macht die Arbeit sehr persönlich. Gleichzeitig beschäftigt sie sich damit, wie Frauen Themen zurückgewinnen können, die normalerweise mit Männlichkeit assoziiert werden, wie Voyeurismus, Begehren oder der Blick. Sie kombiniert fiktionale, nichtfiktionale und autofiktionale Elemente. Während sie die Grenzen des Erlaubten in menschlichen Interaktionen, Liebe, Sexualität und Freundschaft erforscht, bewegt sie sich auf dem schmalen Grat, der das "echte Leben" von der Kunst trennt.

L'exposition présente des travaux issus de différentes séries, qui contribuent tous à son exploration à grande échelle du regard féminin. Dans toutes les œuvres exposées, qui mêlent souvent photographie et performance, il s'agit de raconter une histoire personnelle.

Avec sa série "Hola Mi Amol", Hiraldo défie dans sa jeunesse les avertissements de ses proches et s'affranchit des limites de ce qui est "permis" (en tant que femme) en matière d'amour, de sexualité et d'amitié, tout en déconstruisant les stéréotypes sur les hommes dominicains et latino-américains. Dans sa série "Another Love Story", elle s'approprie sa propre histoire d'amour en la recréant avec un double qui joue le rôle de son ancien amant et lui permet de s'émanciper de lui. Dans "Un homme dans l'espace public", elle poursuit son exploration en se glissant dans la peau de son alter ego masculin, "Karlos", pour explorer les questions de la masculinité dans l'espace public. Hiraldo Voleau est souvent son propre protagoniste dans ses séries, et cette position rend le travail très personnel. En même temps, elle s'intéresse à la manière dont les femmes peuvent se réapproprier des thèmes habituellement associés à la masculinité, comme le voyeurisme, le désir ou le regard. Elle combine des éléments de fiction, de non-fiction et d'autofiction. Tout en explorant les limites de ce qui est permis dans les interactions humaines, l'amour, la sexualité et l'amitié, elle se déplace sur le fil du rasoir qui sépare la "vraie vie" de l'art.

La mostra presenta opere di varie serie, che contribuiscono tutte alla sua ampia esplorazione dello sguardo femminile. Tutti i lavori esposti, che spesso combinano fotografia e performance, si preoccupano di raccontare una storia personale.

Con la serie "Hola Mi Amol", Hiraldo sfida gli avvertimenti dei suoi parenti in gioventù e si libera dai confini di ciò che è "permesso" (come donna) in termini di amore, sessualità e amicizia, decostruendo al contempo gli stereotipi sugli uomini dominicani e latinoamericani. Nella serie "Another Love Story", l'artista fa sua la storia d'amore rievocandola con un sosia che interpreta il ruolo del suo ex amante, permettendole di emanciparsi da lui. In "A Man in Public Space", continua la sua esplorazione scivolando nella pelle del suo alter ego maschile "Karlos" per esaminare le questioni della mascolinità nello spazio pubblico. Hiraldo Voleau è spesso protagonista delle sue serie e questa posizione rende il lavoro molto personale. Allo stesso tempo, l'artista esplora il modo in cui le donne possono recuperare temi solitamente associati alla mascolinità, come il voyeurismo, il desiderio o lo sguardo. L'autrice combina elementi di finzione, non finzione e autofinzione. Esplorando i confini di ciò che è lecito nelle interazioni umane, nell'amore, nella sessualità e nell'amicizia, l'autrice percorre la sottile linea che separa la "vita reale" dall'arte.

The exhibition shows works from various series, all of which contribute to her broad exploration of the female gaze. All of the works on display, which often combine photography and performance, are about telling a personal story.

With her series "Hola Mi Amol", Hiraldo defies the warnings of her relatives in her youth and frees herself from the boundaries of what is "allowed" (as a woman) in terms of love, sexuality and friendship, while deconstructing stereotypes about Dominican and Latin American men. In her series "Another Love Story", she takes ownership of her own love story by re-enacting it with a double playing the role of her former lover, allowing her to emancipate herself from him. In "A Man in Public Space", she continues her exploration by slipping into the skin of her male alter ego "Karlos" to examine questions of masculinity in public space. Hiraldo Voleau is often her own protagonist in her series, and this position makes the work very personal. At the same time, she explores how women can reclaim themes that are usually associated with masculinity, such as voyeurism, desire or the gaze. She combines fictional, non-fictional and autofictional elements. While exploring the boundaries of what is permissible in human interactions, love, sexuality and friendship, she walks the fine line that separates "real life" from art.

(Text: Christophe Guye Galerie, Zürich)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
1. Juni – 6. Oktober 2024

Melencolia
Bernard Voïta

Eine Gruppe von Blinden schart sich um einen Elefanten, um sich ein Bild von ihm zu machen. Einer umfasst das Bein und sagt: «Ein Elefant sieht aus wie ein weicher Stamm.» Ein anderer erwischt den Stosszahn, er protestiert: «Im Gegenteil, ein Elefant ist hart und spitzig, er hat eine längliche, gebogene Form.» «Völlig falsch», ruft der Dritte, die Seite betastend: «Ein Elefant gleicht einer flachen Wand mit Unebenheiten.» Der Vierte wiederum hält triumphierend den Schwanz in den Händen und lacht alle aus: «Ein Elefant ist nur ein dünnes Seil.» Sie geraten in einen Streit und schlagen sich die Köpfe ein, weil jeder überzeugt ist, die Wahrheit zu sagen.

Bernard Voïta bezieht sich auf die uralte und hochaktuelle Parabel «Der Streit der Blinden», um sein Interesse an der Fotografie zu illustrieren. Der 1960 in Cully geborene Künstler erregte schon um 1990 internationales Aufsehen: Seine Bilder zeigten banale Dinge des Alltags in einer so akkurat geordneten Unordnung, dass die Betrachter:innen vergeblich nach Halt und Orientierung suchten. Dabei beruhten jene Werke nicht auf Montagen oder Collagen, sondern auf räumlichen Installationen, die er durch die Kamera in irritierende, flächige Bilder übersetzte. Seither hat Voïta dieses fantastische Spiel mit Schein und Sein hartnäckig weitergetrieben. Die Ausstellung präsentiert nun erstmals die komplette Serie Melencolia (2014-2017), deren Titel auf ein berühmtes Werk von Albrecht Dürer anspielt – sinnliche, kluge, listige und zuweilen auch verstörende Illusionen, in denen die Fotografie eine eigene Wirklichkeit erzeugt. Nichts ist so, wie wir es sehen.

Un groupe d’aveugles se rassemble autour d’un éléphant pour se faire une idée de son apparence. L’un d’eux saisit la jambe et dit : « Un éléphant ressemble à un tronc d’arbre mou. » Un autre attrape la défense, il proteste : « Au contraire, un éléphant est dur et pointu, il a une forme allongée et courbée. » Un troisième s’exclame en tâtant le côté : « Complètement faux ! Un éléphant ressemble à un mur plat avec des aspérités. » Le quatrième, quant à lui, tient triomphalement la queue entre ses mains et se moque de tout le monde : « Un éléphant n’est qu’une fine corde. » Ils se disputent et se tapent sur la tête, chacun étant persuadé de dire la vérité.

Bernard Voïta se réfère à la parabole ancestrale et très actuelle « Les aveugles et l’éléphant » pour illustrer son intérêt pour la photographie. Né en 1960 à Cully, l’artiste a fait sensation sur la scène internationale dès 1990 avec ses photos montrant des objets banals de la vie quotidienne dans un désordre si méticuleux que les spectateurs.trices cherchaient en vain un appui et une orientation. Ces oeuvres ne reposaient pas sur des montages ou des collages, mais sur des installations spatiales qu’il traduisait en images planes et irritantes à travers son appareil photo. Depuis, Voïta a poursuivi avec obstination ce jeu fantastique entre apparence et réalité. Cette exposition présente maintenant pour la première fois la série complète Melencolia (2014-2017), dont le titre fait allusion à une oeuvre célèbre d’Albrecht Dürer – des illusions sensuelles, intelligentes, rusées et parfois même dérangeantes, dans lesquelles la photographie crée sa propre réalité. Rien n’est tel que nous le voyons.

Un gruppo di ciechi si raduna attorno a un elefante per farsi un’idea di come sia fatto. Uno di loro circonda una gamba con le braccia e dice: gli elefanti hanno l’aspetto di un tronco morbido. Un altro afferra una zanna e protesta: al contrario, gli elefanti sono duri e appuntiti, hanno una forma lunga e arcuata. Non è assolutamente vero, sentenzia il terzo tastando il fianco dell’animale: gli elefanti assomigliano a una parete dalla superfice irregolare. Il quarto invece, tenendo trionfante la coda tra le mani ride delle affermazioni dei suoi compagni: gli elefanti sono soltanto una funicella sottile. Così scoppia una lite violenta perché ognuno di loro è convinto di dire la verità.

Bernard Voïta si basa sulla vecchissima e attuale parabola «i ciechi e l’elefante» per illustrare il suo interesse per la fotografia. L’artista, nato a Cully nel 1960, suscitò scalpore a livello internazionale già attorno al 1990: le sue immagini mostrano oggetti banali di uso quotidiano, in un disordine così accuratamente ordinato da lasciare chi le osserva a cercare invano un punto d’appiglio o di orientamento. Queste opere non si basano su montaggi o collage ma su istallazioni tridimensionali che il fotografo traduce, tramite la macchina fotografica, in immagini fastidiosamente piatte. Da allora Voïta ha persistito in questo gioco fantastico di apparenza e realtà. La mostra presenta per la prima volta la serie «Melencolia al completo» (2014–2017), il cui titolo si riferisce a una famosa opera di Albrecht Dürer – illusioni sensoriali, intelligenti, astute e a volte anche sconvolgenti, dove la fotografia genera una propria realtà. Nulla è come lo vediamo.

A group of blind men gather around an elephant to gain an impression of it. One grasps a leg and says: “An elephant looks like a supple tree-trunk.” Another catches hold of a tusk and protests: “On the contrary, an elephant is hard and pointy. It has an elongated, curved shape.” Touching its side, a third one cries: “Totally wrong! An elephant resembles a flat wall with bumps.” The fourth, in turn, triumphantly holds the tail in his hands and laughs at everyone: “An elephant is just a thin rope.” They get into an argument and bash each other on the head because each is convinced that he is telling the truth.

Bernard Voïta refers to this ancient and highly topical parable ‘The Blind Men and the Elephant’ to illustrate his interest in photography. Born in the year 1960 in Cully, this artist already caused an international sensation around 1990, with pictures showing banal everyday objects in such a meticulously organised disorder that observers searched in vain for something to hold onto for orientation. The works were not based on montages or collages, but on three-dimensional installations, which he had translated into irritating two-dimensional images by means of a camera. Voïta has persistently continued to play a fantastical game with appearance and reality ever since. This exhibition now presents for the first time the complete series Melencolia (2014-2017), whose title alludes to a famous work by Albrecht Dürer – sensual, clever, devious and sometimes disturbing illusions, in which photography creates its own reality. Nothing is as we see it.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Vontobel | Zürich
24. Mai – 31. August 2024

Zwischen Pflanzen-KI und sozialem Experiment
Emidio Battipaglia, Augustin Lignier

Die Künstler Emidio Battipaglia (*1984, IT) und Augustin Lignier (*1995, FR) wurden letztes Jahr von einer internationalen Jury als Gewinner des mit 20'000 Franken dotierten Vontobel Förderpreises für junge zeitgenössische Kunst «A New Gaze» ausgewählt. Die rund 70 europäischen Bewerber:innen wurden gebeten, ein Projekt zum Thema «Community» einzureichen. Die Gewinnerprojekte der beiden Künstler, die ein Masterstudium in Fotografie an der ECAL in Lausanne absolvierten, werden ab Donnerstag, 23. Mai 2024, in einer öffentlichen Ausstellung in Zürich gezeigt. Battipaglia erkundet mithilfe einer KI-basierten interaktiven Installation mit Pflanzen die Verbindung zwischen Mensch, Natur und Technologie und Lignier zeigt ein soziales Experiment zur nonverbalen Kommunikation und Gemeinschaftsbildung. Neben dem Preisgeld und der Ausstellung beinhaltet der Preis auch eine Künstlerpublikation.

Der italienische Künstler Emidio Battipaglia erarbeitet eine interaktive Installation mit Pflanzen, die mit einer KI-Technologie verbunden ist. Diese Technologie erfasst die Reaktionen der Pflanzen auf ihre Umgebung wie Temperaturveränderungen, Bewegungen oder Geräusche von Menschen und projiziert in Echtzeit neue sowie unerwartete Bilder in den Raum. «Synaptic Dialogues» untersucht, wie Menschen, Technologie und Umwelt miteinander interagieren, um eine nachhaltige Zukunft zu schaffen. Battipaglia beleuchtet so das transformative Potenzial vernetzter Beziehungen und betont die Notwendigkeit für gemeinsame Anstrengungen in Richtung einer nachhaltigen Zukunft. Durch die Schaffung neuartiger Gemeinschaften trägt Battipaglias Werk zur Förderung eines kollektiven Sinns für Zugehörigkeit und gemeinsamer Ziele bei, was in Zeiten globaler Herausforderungen von grosser Bedeutung ist. «Synaptic Dialogues» lädt dazu ein, über diese komplexen Zusammenhänge nachzudenken und regt zu einer erweiterten Wahrnehmung von Gemeinschaft und Verantwortung an. Emidio Battipaglia (*1984) ist ein interdisziplinärer Künstler, der an der ECAL in Lausanne und an der Napier University in Edinburgh Fotografie studiert hat. Er lebt und arbeitet in Mailand.

«Wink Piece» ist ein soziales Experiment zur nonverbalen Kommunikation und Gemeinschaftsbildung von Augustin Lignier. In Anlehnung an die dynamische Natur digitaler Interaktionen erforscht der Franzose die Parallelen und Unterschiede zwischen digitalem und physischem Verhalten. Der Künstler begab sich auf die Strassen von Paris, wo er den Passanten zuzwinkerte, um ihre Reaktionen zu dokumentieren – eine Handlung, die zur Performance wurde. Die Reaktionen reichten von erwidertem Zwinkern bis hin zu Ignorieren oder sogar der Weigerung, Teil des Kunstwerks zu sein. Diese Interaktionen, festgehalten in einer Rauminstallation, bilden die Grundlage für die Dokumentation seiner Erkenntnisse. Was ursprünglich als spielerische Auseinandersetzung gedacht war, entwickelte sich zu einem tiefgreifenden sozialen Experiment und veränderte das Verständnis des Künstlers für die aktuelle Gesellschaft massgeblich. Indem es die subtilen Nuancen der zwischenmenschlichen Kommunikation in den Mittelpunkt stellt, wirft das Projekt auch ein Licht auf die komplexen Beziehungen und Dynamiken unserer modernen Gesellschaft. Augustin Lignier (*1995) studierte Fotografie an der ECAL in Lausanne sowie Kunst an der Beaux-Arts de Paris. Er lebt und arbeitet in Paris.

Les artistes Emidio Battipaglia (*1984, IT) et Augustin Lignier (*1995, FR) ont été sélectionnés l'année dernière par un jury international comme lauréats du prix d'encouragement Vontobel pour la jeune création contemporaine "A New Gaze", doté de 20'000 francs. Les quelque 70 candidats européens ont été invités à présenter un projet sur le thème de la "communauté". Les projets gagnants des deux artistes, qui ont suivi un master en photographie à l'ECAL de Lausanne, seront présentés lors d'une exposition publique à Zurich à partir du jeudi 23 mai 2024. Battipaglia explore le lien entre l'homme, la nature et la technologie à l'aide d'une installation interactive basée sur l'IA avec des plantes et Lignier présente une expérience sociale sur la communication non verbale et la création de communautés. Outre l'argent du prix et l'exposition, le prix comprend également une publication de l'artiste.

L'artiste italien Emidio Battipaglia élabore une installation interactive avec des plantes reliées à une technologie d'intelligence artificielle. Cette technologie enregistre les réactions des plantes à leur environnement, comme les changements de température, les mouvements ou les bruits des personnes, et projette en temps réel des visuels nouveaux et inattendus dans l'espace. "Synaptic Dialogues" explore la manière dont les gens, la technologie et l'environnement interagissent pour créer un avenir durable. Battipaglia met ainsi en lumière le potentiel de transformation des relations en réseau et souligne la nécessité d'un effort commun en vue d'un avenir durable. En créant des communautés d'un genre nouveau, l'œuvre de Battipaglia contribue à promouvoir un sens collectif de l'appartenance et des objectifs communs, ce qui revêt une importance capitale à l'heure des défis mondiaux. "Synaptic Dialogues" invite à réfléchir à ces relations complexes et incite à une perception élargie de la communauté et de la responsabilité. Emidio Battipaglia (*1984) est un artiste interdisciplinaire qui a étudié la photographie à l'ECAL de Lausanne et à la Napier University d'Édimbourg. Il vit et travaille à Milan.

"Wink Piece" est une expérience sociale de communication non verbale et de création de communauté d'Augustin Lignier. S'inspirant de la nature dynamique des interactions numériques, le Français explore les parallèles et les différences entre les comportements numériques et physiques. L'artiste s'est rendu dans les rues de Paris, où il a fait des clins d'œil aux passants afin de documenter leurs réactions - une action qui s'est transformée en performance. Les réactions allaient du clin d'œil en retour à l'ignorance ou même au refus de faire partie de l'œuvre d'art. Ces interactions, consignées dans une installation spatiale, constituent la base de la documentation de ses découvertes. Ce qui devait être à l'origine une confrontation ludique s'est transformé en une expérience sociale profonde et a considérablement modifié la compréhension qu'avait l'artiste de la société actuelle. En transmettant les nuances subtiles de la communication interpersonnelle, le projet met également en lumière les relations et les dynamiques complexes de notre société moderne. Augustin Lignier (*1995) a étudié la photographie à l'ECAL à Lausanne ainsi que l'art aux Beaux-Arts de Paris. Il vit et travaille à Paris.

L'anno scorso gli artisti Emidio Battipaglia (*1984, IT) e Augustin Lignier (*1995, FR) sono stati selezionati da una giuria internazionale come vincitori del Premio Vontobel per la giovane arte contemporanea "A New Gaze", dotato di 20.000 franchi svizzeri. I circa 70 candidati europei dovevano presentare un progetto sul tema "Comunità". I progetti vincitori dei due artisti, che hanno conseguito un master in fotografia presso l'ECAL di Losanna, saranno esposti in una mostra pubblica a Zurigo a partire da giovedì 23 maggio 2024. Battipaglia esplora la connessione tra esseri umani, natura e tecnologia attraverso un'installazione interattiva con piante basata sull'intelligenza artificiale, mentre Lignier presenta un esperimento sociale sulla comunicazione non verbale e la costruzione di comunità. Oltre al premio in denaro e alla mostra, il premio comprende anche una pubblicazione d'artista.

L'artista italiano Emidio Battipaglia sta sviluppando un'installazione interattiva con piante collegata a una tecnologia AI. Questa tecnologia registra le reazioni delle piante all'ambiente circostante, come i cambiamenti di temperatura, i movimenti o i rumori umani, e proietta nello spazio immagini nuove e inaspettate in tempo reale. "Synaptic Dialogues" esplora il modo in cui le persone, la tecnologia e l'ambiente interagiscono tra loro per creare un futuro sostenibile. Battipaglia illumina così il potenziale trasformativo delle relazioni in rete e sottolinea la necessità di sforzi congiunti verso un futuro sostenibile. Creando nuovi tipi di comunità, il lavoro di Battipaglia contribuisce a promuovere un senso di appartenenza collettiva e uno scopo comune, di grande importanza in tempi di sfide globali. "Dialoghi sinaptici" ci invita a riflettere su queste relazioni complesse e incoraggia un senso di comunità e responsabilità più ampio. Emidio Battipaglia (*1984) è un artista interdisciplinare che ha studiato fotografia all'ECAL di Losanna e alla Napier University di Edimburgo. Vive e lavora a Milano.

"Wink Piece" è un esperimento sociale di comunicazione non verbale e costruzione di comunità di Augustin Lignier. Basandosi sulla natura dinamica delle interazioni digitali, il francese esplora i parallelismi e le differenze tra il comportamento digitale e quello fisico. L'artista è sceso in strada a Parigi, dove ha strizzato l'occhio ai passanti per documentare le loro reazioni - un atto che è diventato una performance. Le reazioni variavano dall'ammiccamento ricambiato all'ignorare o addirittura rifiutare di far parte dell'opera d'arte. Queste interazioni, catturate in un'installazione spaziale, costituiscono la base per la documentazione delle sue scoperte. Quella che all'inizio era stata pensata come un'esplorazione ludica si è trasformata in un profondo esperimento sociale e ha cambiato in modo significativo la comprensione dell'artista della società contemporanea. Concentrandosi sulle sottili sfumature della comunicazione interpersonale, il progetto getta luce anche sulle complesse relazioni e dinamiche della nostra società moderna. Augustin Lignier (*1995) ha studiato fotografia all'ECAL di Losanna e arte alle Beaux-Arts de Paris. Vive e lavora a Parigi.

Last year, artists Emidio Battipaglia (*1984, IT) and Augustin Lignier (*1995, FR) were selected by an international jury as the winners of the Vontobel Prize for Young Contemporary Art "A New Gaze", endowed with CHF 20,000. The approximately 70 European applicants were asked to submit a project on the theme of "Community". The winning projects by the two artists, who completed a Master's degree in photography at ECAL in Lausanne, will be shown in a public exhibition in Zurich from Thursday, May 23, 2024. Battipaglia explores the connection between humans, nature and technology through an AI-based interactive installation with plants, while Lignier presents a social experiment on non-verbal communication and community building. In addition to the prize money and the exhibition, the prize also includes an artist publication.

The Italian artist Emidio Battipaglia is developing an interactive installation with plants that is connected to AI technology. This technology records the plants' reactions to their environment, such as temperature changes, movements or human noises, and projects new and unexpected visuals into the space in real time. "Synaptic Dialogues" explores how people, technology and the environment interact with each other to create a sustainable future. Battipaglia thus illuminates the transformative potential of networked relationships and emphasizes the need for collective efforts towards a sustainable future. By creating new kinds of communities, Battipaglia's work contributes to fostering a collective sense of belonging and common purpose, which is of great importance in times of global challenges. "Synaptic Dialogues" invites us to reflect on these complex relationships and encourages an expanded sense of community and responsibility. Emidio Battipaglia (*1984) is an interdisciplinary artist who studied photography at the ECAL in Lausanne and at Napier University in Edinburgh. He lives and works in Milan.

"Wink Piece" is a social experiment in non-verbal communication and community building by Augustin Lignier. Drawing on the dynamic nature of digital interactions, the Frenchman explores the parallels and differences between digital and physical behavior. The artist took to the streets of Paris, where he winked at passers-by to document their reactions - an act that became a performance. The reactions ranged from reciprocated winks to ignoring or even refusing to be part of the artwork. These interactions, captured in a spatial installation, form the basis for the documentation of his findings. What was originally intended as a playful exploration developed into a profound social experiment and significantly changed the artist's understanding of contemporary society. By focusing on the subtle nuances of interpersonal communication, the project also sheds light on the complex relationships and dynamics of our modern society. Augustin Lignier (*1995) studied photography at the ECAL in Lausanne and art at the Beaux-Arts de Paris. He lives and works in Paris.

(Text: Vontobel, Zürich)

Photobastei | Zürich
23. Mai – 9. Juni 2024

Symphony in the Streets of Addis
Eyerusalem Adugna Jiregna

Eine Ausstellung des Vereins Der andere Blick

Ihre Fotos sind strahlend, intensiv in den Farben und zeigen das Leben auf den Strassen, hauptsächlich in Addis Abeba. Sie wurden in verschiedenen Ausstellungen u.a. in New York gezeigt und in The New York Times, The Guardian und afrikanischen Zeitungen veröffentlicht.

Wie viele andere afrikanische Fotograf:innen ist auch Eyerusalem Adunga Jirenga überzeugt, dass die sozialen Medien ein positives Instrument für ihre Erzählungen sind, da sie dazu beitragen, Vorurteile über ihr Land abzubauen. «Es gibt viele Geschichten über mein Land, die nur von Hungersnöten und Krankheiten handeln, aber es gibt auch andere Dinge, die hier geschehen, die schön und fortschrittlich sind, und ich möchte, dass andere Menschen die Prozesse, die wir durchlaufen, zu schätzen wissen. Dass sie die Schönheit darin sehen.»

Ses photos sont lumineuses, intenses en couleurs et montrent la vie dans les rues, principalement à Addis Abeba. Elles ont été présentées dans différentes expositions, notamment à New York, et publiées dans The New York Times, The Guardian et des journaux africains.

Comme de nombreux autres photographes africains, Eyerusalem Adunga Jirenga est convaincue que les médias sociaux sont un outil positif pour ses récits, car ils contribuent à faire tomber les préjugés sur son pays. "Il y a beaucoup d'histoires sur mon pays qui ne parlent que de famines et de maladies, mais il y a aussi d'autres choses qui se passent ici, qui sont belles et progressistes, et je veux que d'autres personnes apprécient les processus par lesquels nous passons. Qu'ils y voient de la beauté".

Le sue foto sono radiose, dai colori intensi e mostrano la vita di strada, soprattutto ad Addis Abeba. Sono state esposte in varie mostre, anche a New York, e pubblicate sul New York Times, sul Guardian e su giornali africani.

Come molti altri fotografi africani, Eyerusalem Adunga Jirenga è convinta che i social media siano uno strumento positivo per le sue storie, in quanto aiutano ad abbattere i pregiudizi sul suo Paese. "Ci sono molte storie sul mio Paese che parlano solo di carestie e malattie, ma ci sono altre cose che stanno accadendo qui che sono belle e progressiste, e voglio che le altre persone apprezzino i processi che stiamo attraversando. Che vedano la bellezza in tutto questo".

Her photos are radiant, intense in color and show life on the streets, mainly in Addis Ababa. They have been shown in various exhibitions, including in New York, and published in The New York Times, The Guardian and African newspapers.

Like many other African photographers, Eyerusalem Adunga Jirenga is convinced that social media is a positive tool for her stories, as it helps to break down prejudices about her country. "There are many stories about my country that are only about famine and disease, but there are other things that are happening here that are beautiful and progressive, and I want other people to appreciate the processes that we are going through. That they see the beauty in it."

(Text: der Andere Blick)

Landesmuseum | Zürich
9. Mai – 30. Juni 2024

Swiss Press Photo 24

«Swiss Press Photo 24» präsentiert die besten Schweizer Pressebilder des vergangenen Jahres. Die Bilder ermöglichen einen Blick hinter die schnell verblassenden Schlagzeilen und erlauben es, 2023 noch einmal Revue passieren zu lassen – vom Ende der Credit Suisse bis zum Begräbnis von Papst Benedikt XVI. Die Ausstellung ist in die Kategorien Aktualität, Alltag, Schweizer Geschichten, Porträt, Sport und Ausland gegliedert und regt zum Nachdenken an, bringt uns aber auch immer wieder zum Lächeln und beweist eindrücklich, dass ein Bild oft mehr als 1000 Worte sagen kann.

«Swiss Press Photo 24» présente les meilleures photographies de presse suisses de l’année passée. Les images mettent en perspective les gros titres vite oubliés, permettant ainsi de passer une nouvelle fois l’année 2023 en revue, de la chute de Crédit Suisse aux funérailles du pape Benoît XVI. Composée des catégories Actualité, Vie quotidienne, Reportages suisses, Portrait, Sports et Étranger, l’exposition pousse à la réflexion tout en donnant encore et toujours le sourire, montrant qu’une image vaut décidément mieux que mille mots.

«Swiss Press Photo 23» presenta le migliori foto della stampa svizzera dell’anno scorso. Le fotografie gettano uno sguardo oltre il clamore della stretta attualità offrendo uno scorcio dell’intero 2022. L’esposizione propone circa 130 immagini di eventi attuali come la guerra in Ucraina o le proteste per il clima, scene quotidiane della calda estate svizzera, affascinanti ritratti o momenti emozionanti dell’anno sportivo. Lo sguardo attraverso l’obiettivo ha una tradizione al Museo Nazionale e dimostra sempre che le fotografie non hanno perso nulla della loro forza nonostante l’inondazione di immagini digitali cui siamo sottoposti.

Swiss Press Photo 24 showcases the best Swiss photo journalism from the last year. The photos give us a glimpse behind the fast-moving headlines and provide a snapshot of 2023 – from the end of Credit Suisse to the funeral of Pope Benedict XVI.  The exhibition features the categories News, Daily life, Swiss stories, People, Sports, and World. It invites us to reflect, makes us smile, and provides compelling evidence that a picture can often say more than a thousand words.

Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
18. April – 18. Mai 2024

Licht sammeln / Gathering Light
Rownak Bose

Rownak Bose oder was haben die Quitte und die Camera Obscura gemeinsam

…ihr gelee, in bauchigen gläsern für die dunklen tage, aufgereiht in einem keller von tagen, wo sie leuchteten, leuchten.

Zitat aus einem Gedicht von Jan Wagner

Jan Wagner ist einer der Lieblingsautoren von Rownak Bose, und sein Gedicht quittenpastete aus dem Band Selbstporträt mit Bienenschwarm zählt zu seinen Favoriten.

Die Quitte ist eine geheimnisvolle und archaische Frucht. Eher unansehnlich, unförmig, leicht haarig, hart und abweisend. Aber auch geheimnisvoll und mysteriös. Ihre große Qualität offenbart sich erst, wenn man sich um sie kümmert, sie analysiert und zerkleinert. Sie muss erforscht und nach überlieferten alten Rezepten verarbeitet werden, damit man ihren Geheimnissen auf den Grund kommt. Erst dann wird man sich ihrer Großartigkeit, ihrer Schönheit, ihrer Vielseitigkeit und ihres unnachahmlichen Geschmacks bewusst. In diesem Prozess beginnt sie zu leuchten!

In diesem Kontext offenbart sich eine unerwartete Parallele zur Camera Obscura, die sich für den Laien ebenfalls in verborgenen Wundern verliert. Alles ein wenig weit hergeholt? Ja vielleicht. Aber Tatsache ist, Rownak Bose liebt das Quittengedicht und die Camera Obscura.

Ein simples Lichtloch in einem vollständig abgedunkelten Raum genügt, um die Außenwelt nach innen zu projizieren – ein magischer Prozess, der den Künstler bereits in jungen Jahren faszinierte. Mit selbstgebauten Apparaten erkannte er die Möglichkeit, jenseits der Ästhetik konventioneller Kameras Bilder zu schaffen. So erwachte in ihm der Forscher, der er bis heute geblieben ist.

Seit Jahrzehnten experimentiert der Künstler mit der archaischen Technik der Lochkamera und sammelt mit seinen selbstgebauten Camera Obscuras Licht. Seine Faszination gilt den technischen, historischen und physikalischen Forschungsaspekten seiner Arbeit genauso wie den unberechenbaren. Als magischen Moment bezeichnet er den Prozess, der durch das Zusammentreffen von Licht und fotosensitivem Material in der dunklen Kammer in Gang kommt. Diese Zeitspanne ist nicht steuerbar, in ihr ist kein Konzept wirksam, sondern reine Präsenz. Das Sammeln von Licht wird zu einem Sammeln von Erinnerungen, aus denen sich Identität und Heimat aufbauen.

Rownak Bose ist Künstler, unabhängiger Forscher und Umweltwissenschaftler.

Rownak Bose ou qu'est-ce que le coing et la camera obscura ont en commun ?

...leur gelée, dans des bocaux ventrus pour les jours sombres, alignés dans une cave de jours où ils brillaient, brillaient.

Citation d'un poème de Jan Wagner

Jan Wagner est l'un des auteurs préférés de Rownak Bose, et son poème "Quittenpastete", extrait du recueil Autoportrait avec essaim d'abeilles, compte parmi ses favoris.

Le coing est un fruit mystérieux et archaïque. Plutôt disgracieux, informe, légèrement poilu, dur et repoussant. Mais aussi secret et mystérieux. Sa grande qualité ne se révèle que lorsqu'on en prend soin, qu'on l'analyse et qu'on la broie. Vous devez l'étudier et la travailler selon des recettes ancestrales afin de percer ses secrets. Ce n'est qu'alors que l'on prend conscience de sa grandeur, de sa beauté, de sa diversité et de son goût inimitable. C'est à ce moment-là qu'elle commence à briller !

Dans ce contexte, un parallèle inattendu se révèle avec la Camera Obscura, qui se perd également dans des merveilles cachées pour le profane. Tout cela est un peu tiré par les cheveux ? Oui, peut-être. Mais le fait est que Rownak Bose aime le poème du coing et la Camera Obscura.

Un simple trou de lumière dans une pièce complètement obscurcie suffit à projeter le monde extérieur vers l'intérieur - un processus magique qui a fasciné l'artiste dès son plus jeune âge. Grâce à des appareils qu'il a lui-même construits, il a compris qu'il était possible de créer des visuels au-delà de l'esthétique des caméras conventionnelles. C'est ainsi que s'est éveillé en lui le chercheur qu'il est resté jusqu'à aujourd'hui.

Depuis des décennies, l'artiste expérimente la technique archaïque du sténopé et collecte de la lumière avec ses cameras obscuras qu'il a lui-même construites. Sa fascination s'exerce autant sur les aspects techniques, historiques et physiques de la recherche de son travail que sur les aspects imprévisibles. Il qualifie d'instant magique le processus qui se met en place par la rencontre de la lumière et du matériel photosensible dans la chambre obscure. Ce laps de temps n'est pas contrôlable, aucun concept n'est à l'œuvre en lui, mais une pure présence. La collecte de lumière devient une collecte de souvenirs à partir desquels se construisent l'identité et la patrie.

Rownak Bose est artiste, chercheur indépendant et spécialiste de l'environnement.

Rownak Bose o cosa hanno in comune la mela cotogna e la camera oscura

...la loro gelatina, in bicchieri bulbosi per i giorni bui, allineati in una cantina di giorni, dove brillavano, brillavano.

Citazione da una poesia di Jan Wagner

Jan Wagner è uno degli autori preferiti di Rownak Bose e la sua poesia Paté di mele cotogne, tratta dal volume Autoritratto con sciame d'api, è una delle sue preferite.

La mela cotogna è un frutto misterioso e arcaico. Piuttosto sgradevole, deforme, leggermente peloso, duro e repellente. Ma anche misterioso ed enigmatico. La sua grande qualità si rivela solo quando viene curata, analizzata e schiacciata. Bisogna studiarlo e lavorarlo secondo le antiche ricette tradizionali per arrivare in fondo ai suoi segreti. Solo allora ci si rende conto della sua magnificenza, della sua bellezza, della sua versatilità e del suo sapore inimitabile. In questo processo, inizia a brillare!

In questo contesto, si rivela un inaspettato parallelo con la camera oscura, che si perde in meraviglie nascoste anche per i profani. Tutto un po' inverosimile? Sì, forse. Ma il fatto è che Rownak Bose ama la poesia delle mele cotogne e la camera oscura.

Basta un semplice foro di luce in una stanza completamente buia per proiettare il mondo esterno all'interno: un processo magico che ha affascinato l'artista fin da piccolo. Utilizzando dispositivi autocostruiti, ha riconosciuto la possibilità di creare immagini al di là dell'estetica delle macchine fotografiche convenzionali. Questo ha risvegliato in lui l'esploratore che è rimasto fino ad oggi.

Per decenni l'artista ha sperimentato la tecnica arcaica della macchina fotografica a foro stenopeico e la raccolta della luce con le sue camere oscure autocostruite. Gli aspetti tecnici, storici e di ricerca fisica del suo lavoro lo affascinano tanto quanto l'imprevedibilità. Descrive il processo messo in moto dall'incontro tra luce e materiale fotosensibile nella camera oscura come un momento magico. Questo periodo di tempo non può essere controllato, non è un concetto, ma pura presenza. La collezione di luce diventa una collezione di ricordi da cui si costruiscono l'identità e la casa.

Rownak Bose è un artista, ricercatore indipendente e scienziato ambientale.

Rownak Bose or what do the quince and the camera obscura have in common

…their jelly, in bulbous jars for the dark days, lined up in a cellar of days where they shone, shone.

Quote from a poem by Jan Wagner

Jan Wagner is one of Rownak Bose's favourite authors, and his poem quittenpastete from the volume Selbstporträt mit Bienenschwarm is one of his favourites.

The quince is a mysterious and archaic fruit. Rather unsightly, misshapen, slightly hairy, hard and repellent. But also mysterious and enigmatic. Its great quality is only revealed when it is cared for, analysed and crushed. It must be researched and processed according to traditional old recipes in order to get to the bottom of its secrets. Only then do you realise its magnificence, its beauty, its versatility and its inimitable flavour. In this process, it begins to shine!

In this context, an unexpected parallel to the camera obscura is revealed, which also loses itself in hidden wonders for the layman. All a bit far-fetched? Yes, perhaps. But the fact is, Rownak Bose loves the quince poem and the camera obscura. A simple light hole in a completely darkened room is enough to project the outside world inside - a magical process that fascinated the artist from a young age. Using self-built devices, he recognised the possibility of creating images beyond the aesthetics of conventional cameras. This awakened in him the explorer that he has remained to this day.

For decades, the artist has been experimenting with the archaic technique of the pinhole camera and collecting light with his self-built camera obscuras. He is just as fascinated by the technical, historical and physical research aspects of his work as he is by the unpredictable. He describes the process that is set in motion by the encounter of light and photosensitive material in the dark chamber as a magical moment. This period of time is not controllable, there is no concept at work in it, but pure presence. The collection of light becomes a collection of memories from which identity and home are built.

Rownak Bose is an artist, independent researcher and environmental scientist.

(Text: Galerie & Edition Stephan Witschi, Zürich)

Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
8. März – 12. April 2024

Eco
Ester Vonplon

Lässt sich Schnee festhalten? Mit blossen Händen ist das kaum möglich. Die zarten Kristalle lösen sich in der warmen Hand auf und das zurückbleibende Wasser rinnt unaufhaltsam durch die Finger. Aus den Fotografien von Ester Vonplon schimmert stets eine gewisse Wehmut, die sich mit dem Verschwinden auseinandersetzt. Im Jahr 2014 betitelt sie eine Serie von Aufnahmen mit der melancholischen Frage: «Wohin geht all das Weiss, wenn der Schnee schmilzt».

Können wir die Zeit, den Lauf des Universums, aufhalten? Die Erde, unseren Lebensraum – können wir sie bewahren? «Wie viel Zeit bleibt der Endlichkeit», fragt die Künstlerin im Jahr 2016. Ester Vonplon reflektiert in ihren Fotoarbeiten die Essenz ihrer Technik, die Susan Sontag am treffendsten beschrieben hat: «Jede Fotografie ist eine Art memento mori. Fotografieren bedeutet teilnehmen an der Sterblichkeit, Verletzlichkeit und Wandelbarkeit anderer Menschen (oder Dinge)» (1977).

Mit dieser Zartheit des Festhalten-Wollens folgt Esther Vonplon der Natur, dem Schnee und dem Wald mit Kameras, die unterschiedliche Bildformate und Ausschnitte zulassen. Die Polaroid-Technik ermöglicht die Belichtung eines Papiers mit einer speziellen Fotoemulsion, auf dem bereits nach wenigen Sekunden ein Abdruck der Wirklichkeit erscheint. Das relativ sensible Filmmaterial reagiert dabei auf die vielfältigen Einflüsse der freien Natur – Feuchtigkeit oder unterschiedliche Temperaturen – und lässt Farbveränderungen oder kleine Risse in der Oberfläche entstehen.

Vonplon führt ihre Kameralinse entlang der faszinierenden Spuren von Schnee und Eis. Seien es die sanften Formen der Steine unter der Schneedecke, ähnlich kleiner Hügellandschaften, oder die geheimnisvollen eingeschlossene Luftblasen, Risse und Rillen. Auf beeindruckende Weise gelingt es ihr, eine Art Fotogramm von Schneeflocken zu erzeugen und verwandelt das Fotopapier in ein letztes Zeugnis des Schnees. Dabei oszilliert Vonplon zwischen filigranen Details wie Eiskristallen, Pflanzen oder Wassertropfen und majestätischen Eisbrüchen, Gletschern oder endlosen Weite des Himmels. Während die Aufnahmen des tief verschneiten Waldes unweit ihres Wohnortes Castrisch im Tal des Vorderrheins eine beinahe intime Nähe vermitteln und das Gefühl des Eingeschlossen-Seins hervorrufen, entfalten ihre Filmaufnahmen der arktischen Gletscher eine fast überwältigende Weite. Das Eis strahlt in seiner Leuchtkraft, Transparenz und zarten Anmut, das Licht erscheint magisch und surreal. Vonplon verleiht dem Licht eine besondere Bedeutung, wenn sie von den für unsere Augen aussergewöhnlichen Lichtwirkungen berichtet, die sie auf ihrer Arktisreise erlebt hat.

In Vonplons Fotografien erscheint die Natur wie durch einen Filter betrachtet, als stamme das Bild aus einer anderen Zeit oder aus einem Traum. Sind sie tatsächlich ein Abdruck der Wirklichkeit? Oder vielmehr nur ein Nachhall, ein Echo? Ein Gefühl einer Zwischenwelt entsteht, in der die Landschaft ihre greifbare Substanz zu verlieren scheint, vor unseren Augen verschwindet und sich auflöst wie der zarte Schnee in unserer Hand. Die Bilder sprechen von Verlust und zeigen uns das, was wir zu verlieren drohen.

Peut-on tenir la neige ? Ce n'est guère possible à mains nues. Les cristaux délicats se dissolvent dans la chaleur de la main et l'eau qui reste s'écoule inexorablement entre les doigts. Une certaine nostalgie transparaît toujours des photographies d'Ester Vonplon, qui se confronte à la disparition. En 2014, elle intitule une série de clichés de la question mélancolique suivante : "Où va tout ce blanc lorsque la neige fond".

Pouvons-nous arrêter le temps, le cours de l'univers ? La Terre, notre espace vital - pouvons-nous la préserver ? "Combien de temps reste-t-il à la finitude ?", s'interroge l'artiste en 2016. Ester Vonplon reflète dans ses travaux photographiques l'essence de sa technique, que Susan Sontag a décrite de la manière la plus pertinente : "Chaque photographie est une sorte de memento mori. Photographier, c'est participer à la mortalité, à la vulnérabilité et à la mutabilité d'autres personnes (ou choses)" (1977).

C'est avec cette délicatesse de vouloir retenir qu'Esther Vonplon suit la nature, la neige et la forêt avec des appareils photo qui permettent différents formats d'image et de cadrage. La technique du polaroïd permet d'exposer un papier avec une émulsion photographique spéciale, sur lequel une empreinte de la réalité apparaît déjà après quelques secondes. Le matériau du film, relativement sensible, réagit alors aux multiples influences de la nature libre - humidité ou températures différentes - et fait apparaître des changements de couleur ou de petites fissures à la surface.

Vonplon guide l'objectif de sa caméra le long des traces fascinantes laissées par la neige et la glace. Qu'il s'agisse des formes douces des pierres sous la couche de neige, semblables à de petits paysages vallonnés, ou des mystérieuses bulles d'air emprisonnées, des fissures et des rainures. De manière impressionnante, elle parvient à créer une sorte de photogramme de flocons de neige et transforme le papier photo en un dernier témoignage de la neige. Vonplon oscille entre des détails filigranes tels que des cristaux de glace, des plantes ou des gouttes d'eau et de majestueuses carrières de glace, des glaciers ou l'immensité du ciel. Alors que les prises de vue de la forêt profondément enneigée non loin de son domicile de Castrisch, dans la vallée du Rhin antérieur, donnent une impression de proximité presque intime et suscitent un sentiment d'enfermement, ses films sur les glaciers arctiques déploient une immensité presque écrasante. La glace rayonne de sa luminosité, de sa transparence et de sa grâce délicate, la lumière semble magique et surréaliste. Vonplon confère à la lumière une signification particulière lorsqu'elle évoque les effets lumineux extraordinaires pour nos yeux qu'elle a vécus lors de son voyage en Arctique.

Dans les photographies de Vonplon, la nature semble être vue à travers un filtre, comme si l'image provenait d'une autre époque ou d'un rêve. Sont-elles vraiment l'empreinte de la réalité ? Ou plutôt une réverbération, un écho ? Un sentiment d'entre-deux se dégage, où le paysage semble perdre sa substance tangible, disparaître sous nos yeux et se dissoudre comme la neige fragile dans notre main. Les images parlent de perte et nous montrent ce que nous risquons de perdre.

Riesci ad aggrapparti alla neve? È difficilmente possibile a mani nude. I delicati cristalli si dissolvono nella mano calda e l'acqua rimanente scorre inesorabilmente tra le dita. Le fotografie di Ester Vonplon sono sempre caratterizzate da una certa malinconia che ha a che fare con la scomparsa. Nel 2014 ha intitolato una serie di fotografie con una domanda malinconica: "Dove va tutto il bianco quando la neve si scioglie".

Possiamo fermare il tempo, il corso dell'universo? La terra, il nostro habitat, può essere preservato? "Nelle sue opere fotografiche, Ester Vonplon riflette l'essenza della sua tecnica, che Susan Sontag ha descritto nel modo più appropriato: "Ogni fotografia è una sorta di memento mori. Fotografare è partecipare alla mortalità, alla vulnerabilità e alla mutevolezza di altre persone (o cose)" (1977).

Con questa tenerezza di voler catturare, Esther Vonplon segue la natura, la neve e la foresta con macchine fotografiche che consentono diversi formati e sezioni di immagine. La tecnica Polaroid permette di esporre una carta con una speciale emulsione fotografica, sulla quale appare un'impronta della realtà dopo pochi secondi. Il materiale della pellicola, relativamente sensibile, reagisce alle varie influenze della natura - umidità o temperature diverse - e provoca cambiamenti di colore o piccole crepe sulla superficie.

Vonplon guida il suo obiettivo lungo le affascinanti tracce di neve e ghiaccio. Che si tratti delle forme dolci delle pietre sotto il manto nevoso, simili a piccoli paesaggi collinari, o delle misteriose bolle d'aria intrappolate, delle crepe e delle scanalature. In modo impressionante, riesce a creare una sorta di fotogramma di fiocchi di neve e trasforma la carta fotografica in una testimonianza finale della neve. Vonplon oscilla tra dettagli delicati come cristalli di ghiaccio, piante o gocce d'acqua e maestose cascate di ghiaccio, ghiacciai o l'infinita distesa del cielo. Mentre gli scatti della foresta innevata non lontano dalla sua casa di Castrisch, nella valle del Reno anteriore, trasmettono una vicinanza quasi intima ed evocano la sensazione di essere racchiusi, le sue riprese dei ghiacciai artici dispiegano una vastità quasi opprimente. Il ghiaccio risplende nella sua luminosità, trasparenza e grazia delicata, la luce appare magica e surreale. Vonplon dà alla luce un significato speciale quando racconta gli straordinari effetti della luce che ha sperimentato durante il suo viaggio nell'Artico.

Nelle fotografie di Vonplon, la natura appare come vista attraverso un filtro, come se l'immagine provenisse da un altro tempo o da un sogno. Sono davvero un'impronta della realtà? O sono solo un riverbero, un'eco? Si ha la sensazione di un mondo intermedio in cui il paesaggio sembra perdere la sua sostanza tangibile, scomparendo davanti ai nostri occhi e dissolvendosi come la neve delicata nelle nostre mani. Le immagini parlano di perdita e ci mostrano ciò che rischiamo di perdere.

Can you hold on to snow? It's hardly possible with bare hands. The delicate crystals dissolve in the warm hand and the remaining water runs inexorably through the fingers. Ester Vonplon's photographs are characterised by a certain melancholy that deals with disappearance. In 2014, she titled a series of photographs with the melancholy question: "Where does all the white go when the snow melts".

Can we stop time, the course of the universe? The earth, our habitat - can we preserve it? "How much time is left for finiteness?" asks the artist in 2016. In her photographic works, Ester Vonplon reflects the essence of her technique, which Susan Sontag described most aptly: "Every photograph is a kind of memento mori. To photograph is to participate in the mortality, vulnerability and mutability of other people (or things)" (1977).

With this tenderness of wanting to capture, Esther Vonplon follows nature, the snow and the forest with cameras that allow different image formats and sections. The Polaroid technique makes it possible to expose a paper with a special photo emulsion on which an imprint of reality appears after just a few seconds. The relatively sensitive film material reacts to the various influences of nature - moisture or different temperatures - and causes colour changes or small cracks in the surface.

Vonplon guides her camera lens along the fascinating traces of snow and ice. Be it the soft shapes of the stones under the snow cover, similar to small hilly landscapes, or the mysterious trapped air bubbles, cracks and grooves. In an impressive way, she succeeds in creating a kind of photogram of snowflakes and transforms the photographic paper into a final testimony to the snow. Vonplon oscillates between delicate details such as ice crystals, plants or water droplets and majestic icefalls, glaciers or the endless expanse of the sky. While the shots of the snow-covered forest not far from her home in Castrisch in the Vorderrhein valley convey an almost intimate closeness and evoke the feeling of being enclosed, her film shots of the Arctic glaciers unfold an almost overwhelming vastness. The ice shines in its luminosity, transparency and delicate grace, the light appears magical and surreal. Vonplon gives light a special meaning when she reports on the extraordinary effects of light that she experienced on her Arctic journey.

In Vonplon's photographs, nature appears as if viewed through a filter, as if the image comes from another time or from a dream. Are they really an imprint of reality? Or are they merely a reverberation, an echo? A feeling of an intermediate world arises in which the landscape seems to lose its tangible substance, disappearing before our eyes and dissolving like the delicate snow in our hands. The images speak of loss and show us what we are in danger of losing.

(Text: Tanja Warring)

Christophe Guye Galerie | Zürich
7. März – 1. Juni 2024

Tokyo Whispers
Yoshinori Mizutani

Die Ausstellung zeigt 15 Werke aus vier verschiedenen Serien - 'Kawau', 'Sakura', 'Tokyo Parrots' und 'Yusurika' - und erkundet, wie der Künstler die Natur in der urbanen Umgebung mit seiner eigenen, unverwechselbaren fotografischen Sprache einfängt. Seine Fotografien zeigen ein tief verwurzeltes Verständnis dafür, wie Formen, Farben, Texturen und Tiefe auf die Bildebene übertragen werden. Er arbeitet mit einem visuellen Vokabular, das sich durch die Arbeit vieler zeitgenössischer Fotografen etabliert hat. Mizutanis Arbeiten sind Ausdruck der visuellen Tropen und fotografischen Stile, die unter jungen Fotografen in Japan weit verbreitet sind.

Yoshinori Mizutani lebt und arbeitet in Tokio. Er schloss 2012 das Tokyo College of Photography ab. Seitdem hat er zahlreiche renommierte Auszeichnungen gewonnen untern anderem 2013 den Japan Photo Award, 2014 wurde er zudem als FOAM Talent und unter die Lens Culture Emerging Talents Top 50 gewählt. Seit 2012 hat er in vielen internationalen Institutionen in Japan, China, Belgien, Grossbritannien, Italien und der Schweiz ausgestellt und u.a. die Bücher ‘Tokyo Parrots’, ‘Colors’, ‘Yusurika’ und ‘Hanon’ veröffentlicht.

L'exposition présente 15 œuvres issues de quatre séries différentes - 'Kawau', 'Sakura', 'Tokyo Parrots' et 'Yusurika' - et explore la manière dont l'artiste capture la nature dans l'environnement urbain avec son propre langage photographique distinctif. Ses photographies révèlent une compréhension profondément enracinée de la manière dont les formes, les couleurs, les textures et la profondeur sont transposées au niveau de l'image. Il travaille avec un vocabulaire visuel qui s'est établi à travers le travail de nombreux photographes contemporains. Le travail de Mizutani est l'expression des tropismes visuels et des styles photographiques largement répandus parmi les jeunes photographes au Japon.

Yoshinori Mizutani vit et travaille à Tokyo. Il est diplômé du Tokyo College of Photography en 2012. Depuis, il a remporté de nombreux prix prestigieux, dont le Japan Photo Award en 2013, et a également été élu Talent FOAM et parmi les 50 meilleurs talents émergents de Lens Culture en 2014. Depuis 2012, il a exposé dans de nombreuses institutions internationales au Japon, en Chine, en Belgique, en Grande-Bretagne, en Italie et en Suisse, et a publié entre autres les livres 'Tokyo Parrots', 'Colors', 'Yusurika' et 'Hanon'.

La mostra presenta 15 opere di quattro serie diverse - "Kawau", "Sakura", "Tokyo Parrots" e "Yusurika" - ed esplora il modo in cui l'artista cattura la natura nell'ambiente urbano con il suo caratteristico linguaggio fotografico. Le sue fotografie mostrano una profonda comprensione di come forme, colori, texture e profondità si traducono sul piano dell'immagine. Lavora con un vocabolario visivo che è stato stabilito dal lavoro di molti fotografi contemporanei. Il lavoro di Mizutani è espressione dei tropi visivi e degli stili fotografici prevalenti tra i giovani fotografi giapponesi.

Yoshinori Mizutani vive e lavora a Tokyo. Si è laureato al Tokyo College of Photography nel 2012. Da allora ha vinto numerosi premi prestigiosi, tra cui il Japan Photo Award nel 2013, e nel 2014 è stato anche selezionato come FOAM Talent e uno dei Lens Culture Emerging Talents Top 50. Dal 2012 ha esposto in numerose istituzioni internazionali in Giappone, Cina, Belgio, Regno Unito, Italia e Svizzera e ha pubblicato, tra gli altri, i libri "Tokyo Parrots", "Colors", "Yusurika" e "Hanon".

The exhibition features 15 works from four different series - 'Kawau', 'Sakura', 'Tokyo Parrots' and 'Yusurika' - and explores how the artist captures nature in the urban environment with his own distinctive photographic language. His photographs show a deep-rooted understanding of how shapes, colors, textures and depth translate to the picture plane. He works with a visual vocabulary that has been established by the work of many contemporary photographers. Mizutani's work is an expression of the visual tropes and photographic styles prevalent among young photographers in Japan.

Yoshinori Mizutani lives and works in Tokyo. He graduated from the Tokyo College of Photography in 2012. Since then, he has won numerous prestigious awards, including the Japan Photo Award in 2013, and in 2014 he was also selected as a FOAM Talent and one of the Lens Culture Emerging Talents Top 50. Since 2012, he has exhibited in many international institutions in Japan, China, Belgium, the UK, Italy and Switzerland and has published the books 'Tokyo Parrots', 'Colors', 'Yusurika' and 'Hanon', among others.

(Text: Christophe Guye Galerie, Zürich)

Baugeschichtliches Archiv - Haus am Rech | Zürich
1. März – 31. Mai 2024

Fotoateliers in Zürich

Im Oktober 1839 – nur gerade zwei Monate nachdem Louis Daguerre in Paris der Welt sein fotografisches Verfahren vorgestellt hatte – fand in Zürich die erste Foto-Ausstellung statt.

Der Durchbruch für das neue Medium ging Hand in Hand mit der Entstehung von Fotoateliers: Ab Mitte des 19. Jahrhunderts wurden erste Fotograf*innen in Zürich sesshaft. Die Ateliers waren meist (Glas-)Aufbauten auf Gebäuden und wurden vor allem für Personen- und Porträtaufnahmen genutzt.

Im Baugeschichtlichen Archiv finden sich vielfältige Spuren zur Fotografiegeschichte der Stadt: Historische Zeitzeugen wie Innen- und Aussenaufnahmen und Baupläne der prägnanten Fotoateliers auf den Dächern, sowie zahlreiche Stadtansichten, Gruppenaufnahmen und Porträts der Fotopionier*innen nehmen die Besuchenden mit auf eine Reise zu den Anfängen der Fotografie.

Nun präsentiert das Archiv die schönsten Bilder aus mehreren Nachlässen historischer Fotoateliers in einer Ausstellung im Haus zum Rech. Besucher*innen tauchen in die Pionierzeit der Fotografie ein und lernen die bekanntesten Studios der Epoche kennen. Zu sehen sind auch einige neu erschlossene Teil-Bestände, die erstmals einem breiten Publikum gezeigt werden: So gelangte erst kürzlich der Nachlass der Foto-Dynastie der Familie Schucht, die ab 1880 über mehrere Generationen hinweg an der Kasernenstrasse tätig war, ins Baugeschichtliche Archiv.

En octobre 1839, deux mois à peine après que Louis Daguerre eut présenté son procédé photographique au monde à Paris, la première exposition de photos eut lieu à Zurich.

La percée de ce nouveau média est allée de pair avec la création d'ateliers de photographie : dès le milieu du 19e siècle, les premiers photographes se sont installés à Zurich. Les ateliers étaient le plus souvent des structures (en verre) sur des bâtiments et étaient surtout utilisés pour des prises de vue de personnes et de portraits.

Les archives de l'histoire de l'architecture contiennent de nombreuses traces de l'histoire de la photographie de la ville : des témoins historiques tels que des photos d'intérieur et d'extérieur et des plans de construction des ateliers photographiques marquants sur les toits, ainsi que de nombreuses vues de la ville, des photos de groupe et des portraits des pionniers de la photographie* emmènent les visiteurs dans un voyage vers les débuts de la photographie.

Les archives présentent maintenant les plus belles photos de plusieurs fonds d'ateliers photographiques historiques dans une exposition à la Haus zum Rech. Les visiteurs* se plongent dans l'époque pionnière de la photographie et font la connaissance des studios les plus connus de l'époque. On peut également y voir quelques fonds partiels récemment mis en valeur et présentés pour la première fois au grand public : Ainsi, le fonds de la dynastie de photographes de la famille Schucht, qui a travaillé à partir de 1880 et pendant plusieurs générations à la Kasernenstrasse, est arrivé récemment aux archives de l'histoire de l'architecture.

Nell'ottobre del 1839 - appena due mesi dopo che Louis Daguerre aveva presentato al mondo il suo processo fotografico a Parigi - si tenne a Zurigo la prima mostra fotografica.

L'affermazione del nuovo mezzo è andata di pari passo con la nascita degli studi fotografici: a partire dalla metà del XIX secolo, i primi fotografi si stabilirono a Zurigo. Gli studi erano per lo più strutture (in vetro) su edifici e venivano utilizzati principalmente per fotografare persone e ritratti.

L'Archivio Storico Architettonico contiene molte tracce della storia fotografica della città: testimonianze storiche come fotografie di interni ed esterni e piani di costruzione dei suggestivi studi fotografici sui tetti, oltre a numerose vedute della città, scatti di gruppo e ritratti dei pionieri della fotografia, accompagnano i visitatori in un viaggio agli albori della fotografia.

L'archivio presenta ora le immagini più belle di diverse proprietà di studi fotografici storici in una mostra presso la Haus zum Rech. I visitatori possono immergersi nei giorni pionieristici della fotografia e conoscere gli studi più famosi dell'epoca. Sono esposte anche alcune parti della collezione catalogate di recente, che vengono mostrate al pubblico per la prima volta: Ad esempio, la proprietà della dinastia fotografica della famiglia Schucht, attiva nella Kasernenstrasse per diverse generazioni a partire dal 1880, è stata recentemente trasferita all'Archivio di Storia dell'Architettura.

In October 1839 - just two months after Louis Daguerre presented his photographic process to the world in Paris - the first photo exhibition was held in Zurich.

The breakthrough for the new medium went hand in hand with the emergence of photo studios: from the middle of the 19th century, the first photographers settled in Zurich. The studios were mostly (glass) structures on buildings and were mainly used for taking photos of people and portraits.

The Architectural History Archive contains many traces of the city's photographic history: historical witnesses such as interior and exterior photographs and construction plans of the striking photo studios on the roofs, as well as numerous city views, group shots and portraits of the photography pioneers take visitors on a journey to the beginnings of photography.

The archive is now presenting the most beautiful images from several estates of historical photo studios in an exhibition at Haus zum Rech. Visitors can immerse themselves in the pioneering days of photography and get to know the most famous studios of the era. On display are also some newly acquired parts of the collection, which are being shown to the general public for the first time: For example, the estate of the Schucht family's photographic dynasty, which was active on Kasernenstrasse for several generations from 1880 onwards, was recently transferred to the Architectural History Archive.

(Text: Baugeschichtliches Archiv - Haus am Rech, Zürich)

Bildhalle | Zürich
29. Februar – 30. April 2024

Terra incognita
Ilona Langbroek

Die Bildhalle Zürich freut sich, die erste Einzelausstellung der international erfolgreichen holländischen Fotografin Ilona Langbroek zu präsentieren.

TERRA INCOGNITA basiert auf Langbroeks familiären Geschichte, die eng verbunden ist mit der kolonialen Vergangenheit ihres Landes und der Geschichte von Niederländisch-Ostindien. Es geht um die Entwurzelung und die gespaltene Identität von Menschen, die gezwungen waren, ihr Heimatland überstürzt zu verlassen – so wie Ilonas Langbroeks indonesische Grossmutter, die durch ihre Ehe mit einem holländischen Soldaten nach der Unabhängigkeit Indonesiens in ihrem eigenen Land nicht mehr willkommen war.

Die Künstlerin versetzt sich in ihrer Arbeit in die Lebenswelt ihrer Grosseltern, versucht aber auch, über intensive Recherche und das Studium von historischen Bildern und Literatur, das kollektive Trauma einer ganzen Generation zu verstehen und in metaphorisch-poetische Bilder zu übersetzen. In ihren Stillleben und inszenierten Porträts arbeitet sie mit Objekten und Stoffen, die – ob historisch oder durch sie selbst entworfen – die alte und neue Heimat ihrer Grossmutter verbinden und visuell manifestieren.

Ilona Langbroek bedient sich der Ästhetik des «Chiaroscuro», der starken Kontraste von Hell und Dunkel, wie man sie auf den Gemälden des Barocks und der Spätrenaissance findet – insbesondere auch in der holländischen Malerei jener Zeit. Durch Licht und Schatten schafft die Künstlerin eine Atmosphäre des Übergangs, symbolisch für jene Zwischenwelt, in der sich Menschen befinden, die vertrautes Terrain zurücklassen und sich an einem neuen unbekannten Ort – Terra Incognita – nicht zuhause fühlen.

Zelda Cheatle, eine renommierte britische Kuratorin für Fotografie, bezeichnete Langbroek 2021 als die „Entdeckung des Jahres“. Dass Ilona Langbroek nicht nur in den Niederlanden, sondern auch international Erfolge feiert, ist sicher auch dem Umstand zu verdanken, dass sie ihre persönliche Geschichte zwischen den Zeilen erzählt. Für die Betrachter:in bleibt Raum, die unerzählten Geschichten hinter den Bildern zu enträtseln und mit eigenen Erinnerungen in Verbindung zu bringen.

La Bildhalle de Zurich a le plaisir de présenter la première exposition individuelle de la photographe hollandaise Ilona Langbroek, qui connaît un succès international.

TERRA INCOGNITA est basée sur l'histoire familiale de Langbroek, qui est étroitement liée au passé colonial de son pays et à l'histoire des Indes orientales néerlandaises. Il s'agit du déracinement et de l'identité divisée de personnes qui ont été contraintes de quitter précipitamment leur pays d'origine - comme la grand-mère indonésienne d'Ilonas Langbroek, qui n'était plus la bienvenue dans son propre pays suite à son mariage avec un soldat hollandais après l'indépendance de l'Indonésie.

Dans son travail, l'artiste se transpose dans l'univers de ses grands-parents, mais elle tente également, par le biais de recherches intensives et de l'étude d'images et de littérature historiques, de comprendre le traumatisme collectif de toute une génération et de le traduire en visuels métaphoriques et poétiques. Dans ses natures mortes et ses portraits mis en scène, elle travaille avec des objets et des tissus qui - qu'ils soient historiques ou conçus par elle-même - relient et manifestent visuellement l'ancienne et la nouvelle patrie de sa grand-mère.

Ilona Langbroek utilise l'esthétique du "clair-obscur", les forts contrastes de clair et d'obscur que l'on retrouve dans les tableaux de l'époque baroque et de la fin de la Renaissance - notamment aussi dans la peinture hollandaise de cette époque. Par la lumière et l'ombre, l'artiste crée une atmosphère de transition, symbolique de ce monde intermédiaire dans lequel se trouvent les personnes qui laissent derrière elles un terrain familier et ne se sentent pas chez elles dans un nouveau lieu inconnu - Terra Incognita.

Zelda Cheatle, une conservatrice britannique de renom spécialisée dans la photographie, a qualifié Langbroek de "découverte de l'année" en 2021. Si Ilona Langbroek connaît un succès non seulement aux Pays-Bas, mais aussi à l'international, c'est certainement parce qu'elle raconte son histoire personnelle entre les lignes. Les spectateurs ont ainsi la possibilité de décrypter les histoires non racontées qui se cachent derrière les visuels et de les mettre en relation avec leurs propres souvenirs.

La Bildhalle Zürich è lieta di presentare la prima mostra personale della fotografa olandese di successo internazionale Ilona Langbroek.

TERRA INCOGNITA si basa sulla storia della famiglia della Langbroek, strettamente legata al passato coloniale del suo Paese e alla storia delle Indie Orientali Olandesi. Si tratta dello sradicamento e della scissione dell'identità di persone che sono state costrette a lasciare la loro patria in fretta e furia, come la nonna indonesiana di Ilonas Langbroek, che dopo l'indipendenza dell'Indonesia non era più gradita nel suo Paese a causa del suo matrimonio con un soldato olandese.

Nel suo lavoro, l'artista si colloca nel mondo dei suoi nonni, ma cerca anche di comprendere il trauma collettivo di un'intera generazione attraverso un'intensa ricerca e lo studio di immagini storiche e letteratura, e di tradurlo in immagini metaforiche e poetiche. Nelle sue nature morte e nei suoi ritratti in scena, l'artista lavora con oggetti e tessuti che - siano essi storici o di sua creazione - collegano e manifestano visivamente la vecchia e la nuova patria di sua nonna.

Ilona Langbroek utilizza l'estetica del "chiaroscuro", i forti contrasti di luce e buio presenti nei dipinti barocchi e del tardo Rinascimento, soprattutto nella pittura olandese dell'epoca. L'artista usa la luce e l'ombra per creare un'atmosfera di transizione, simboleggiando il mondo intermedio in cui si trovano le persone quando si lasciano alle spalle il territorio familiare e non si sentono a casa in un luogo nuovo e sconosciuto - terra incognita.

Zelda Cheatle, rinomata curatrice britannica di fotografia, ha definito Langbroek la "scoperta dell'anno" nel 2021. Il successo di Ilona Langbroek non solo nei Paesi Bassi, ma anche a livello internazionale, è certamente dovuto anche al fatto che racconta la sua storia personale tra le righe. Gli spettatori hanno la possibilità di svelare le storie non raccontate che si celano dietro le immagini e di collegarle ai propri ricordi.

Bildhalle Zürich is pleased to present the first solo exhibition of the internationally successful Dutch photographer Ilona Langbroek.

TERRA INCOGNITA is based on Langbroek's family history, which is closely linked to her country's colonial past and the history of the Dutch East Indies. It is about the uprootedness and split identity of people who were forced to leave their homeland in a hurry - like Ilonas Langbroek's Indonesian grandmother, who was no longer welcome in her own country after Indonesia's independence due to her marriage to a Dutch soldier.

In her work, the artist places herself in the world of her grandparents, but also attempts to understand the collective trauma of an entire generation through intensive research and the study of historical images and literature, and to translate it into metaphorical and poetic visuals. In her still lifes and staged portraits, she works with objects and fabrics that - whether historical or of her own design - connect and visually manifest her grandmother's old and new homeland.

Ilona Langbroek uses the aesthetics of "chiaroscuro", the strong contrasts of light and dark found in Baroque and late Renaissance paintings - especially in Dutch painting of the time. Through light and shadow, the artist creates an atmosphere of transition, symbolic of that in-between world in which people find themselves when they leave familiar terrain behind and do not feel at home in a new unknown place - terra incognita.

Zelda Cheatle, a renowned British curator of photography, described Langbroek as the "discovery of the year" in 2021. Ilona Langbroek's success not only in the Netherlands, but also internationally, is of course also due to the fact that she tells her personal story between the lines. There is room for viewers to unravel the untold stories behind the visuals and connect them to their own memories.

(Text: Bildhalle, Zürich/Amsterdam)

Max-Frisch-Bad | Zürich
25. Februar – 31. März 2024

Lieux de Mémoire
Florian Bachmann

«In die Vergangenheit kann niemand mehr zurückkehren, an Orte schon»: So charakterisiert die Gedächtnisforscherin Aleida Assmann das Langzeitprojekt von Florian Bachmann. Seit Jahren besucht und fotografiert er ungewöhnliche Erinnerungsorte in der Schweiz. Seine Schwarzweissfotografien sind so beiläufig wie präzise: unauffällige Vergegenwärtigungen einer mal überwachsenen, mal weggewischten oder überbauten Ereignisspur der Vergangenheit. Die Geschichten hinter den Bildern hat der Historiker Stefan Keller zusammengetragen, alphabetisch geordnet nach den Titeln der Fotos: von Amoklauf bis Widerwasser.

Die Werkserie ist eine offene Sammlung.

Die Arbeit orientiert sich an den «Lieux de mémoire» des französischen Historikers Pierre Nora. Bei ihm beschreibt der Begriff der Erinnerungsorte unter anderem die Idee, dass soziale Gruppen ein kollektives Gedächtnis haben, das mit bestimmten Orten verbunden ist. Nora schreibt:

«[…] Es geht weder um Wiederauferstehung noch um Rekonstruktion, nicht einmal um Darstellung, sondern um Wiedererinnerung, wobei Erinnerung nicht einen einfachen Rückruf der Vergangenheit, sondern deren Einfügung in die Gegenwart meint […].» aus «Erinnerungsorte Frankreichs», Pierre Nora, 2005

Florian Bachmann selbst beschreibt seine Arbeit wie folgt: Ich liebe die Spurensuche, mit meiner Kamera und einem Thema im Kopf loszuziehen. Meine Fotografien sind eine Begegnung mit einem Ort im Bewusstsein für dessen Geschichte. Vor Ort suche und komponiere ich meine Bilder. Als Erinnerung an das Geschehen, als (neuer) Ort der Erinnerung und als Fotografie für unsere Gegenwart.

"Personne ne peut revenir dans le passé, mais on peut revenir dans des lieux" : c'est ainsi que la chercheuse en mémoire Aleida Assmann caractérise le projet à long terme de Florian Bachmann. Depuis des années, il visite et photographie des lieux de mémoire inhabituels en Suisse. Ses photographies en noir et blanc sont aussi désinvoltes que précises : des matérialisations discrètes d'une trace événementielle du passé, parfois envahie par la végétation, parfois effacée ou recouverte de constructions. L'historien Stefan Keller a rassemblé les histoires qui se cachent derrière les images, classées par ordre alphabétique selon les titres des photos : de Amoklauf à Widerwasser.

La série d'œuvres est une collection ouverte.

Le travail s'oriente vers les "Lieux de mémoire" de l'historien français Pierre Nora. Chez lui, la notion de lieux de mémoire décrit entre autres l'idée que les groupes sociaux ont une mémoire collective liée à certains lieux. Nora écrit ainsi :

"[...] il ne s'agit ni de résurrection, ni de reconstruction, ni même de représentation, mais de remémoration, la mémoire ne signifiant pas un simple rappel du passé, mais son insertion dans le présent [...]" extrait de "Lieux de mémoire de France", Pierre Nora, 2005.

Florian Bachmann lui-même décrit son travail comme suit : J'aime la recherche de traces, partir avec mon appareil photo et un sujet en tête. Mes photographies sont une rencontre avec un lieu en ayant conscience de son histoire. Sur place, je cherche et je compose mes images. Comme souvenir de l'événement, comme (nouveau) lieu de mémoire et comme photographie pour notre présent.

"Nessuno può tornare al passato, ma può tornare ai luoghi": così la ricercatrice della memoria Aleida Assmann caratterizza il progetto a lungo termine di Florian Bachmann. Da anni visita e fotografa luoghi di memoria insoliti in Svizzera. Le sue fotografie in bianco e nero sono tanto casuali quanto precise: visualizzazioni discrete di una traccia a volte troppo cresciuta, a volte cancellata o troppo costruita di eventi del passato. Lo storico Stefan Keller ha raccolto le storie dietro le immagini, organizzate in ordine alfabetico secondo i titoli delle foto: da Amoklauf a Widerwasser.

La serie di opere è una collezione aperta.

Il lavoro si basa sui "Lieux de mémoire" dello storico francese Pierre Nora. Nella sua opera, il concetto di luoghi della memoria descrive, tra l'altro, l'idea che i gruppi sociali abbiano una memoria collettiva legata a determinati luoghi. Nora scrive:

"[...] non si tratta né di resurrezione né di ricostruzione, nemmeno di rappresentazione, ma di ricordo, per cui la memoria non significa un semplice richiamo del passato, ma il suo inserimento nel presente [...]" da "I luoghi della memoria in Francia", Pierre Nora, 2005

Lo stesso Florian Bachmann descrive il suo lavoro come segue: 'Amo la ricerca di tracce, uscire con la mia macchina fotografica e un soggetto in mente. Le mie fotografie sono un incontro con un luogo, con la consapevolezza della sua storia. Cerco e compongo le mie immagini sul posto. Come memoria dell'evento, come (nuovo) luogo di ricordo e come fotografia per il nostro presente.

"No one can return to the past, but they can return to places": this is how memory researcher Aleida Assmann characterizes Florian Bachmann's long-term project. He has been visiting and photographing unusual places of remembrance in Switzerland for years. His black and white photographs are as casual as they are precise: unobtrusive visualizations of a sometimes overgrown, sometimes wiped away or overbuilt trace of events from the past. Historian Stefan Keller has compiled the stories behind the images, arranged alphabetically according to the titles of the photos: from Amoklauf to Widerwasser.

The series of works is an open collection.

The work is based on the "Lieux de mémoire" by French historian Pierre Nora. In his work, the concept of places of memory describes, among other things, the idea that social groups have a collective memory that is linked to certain places. Nora writes:

"[...] It is neither about resurrection nor reconstruction, not even about representation, but about recollection, whereby memory does not mean a simple recall of the past, but its insertion into the present [...]." from "Places of Memory in France", Pierre Nora, 2005

Florian Bachmann himself describes his work as follows: 'I love searching for traces, going out with my camera and a subject in mind. My photographs are an encounter with a place with an awareness of its history. I look for and compose my pictures on location. As a memory of the event, as a (new) place of remembrance and as photography for our present.

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
10. Februar – 20. Mai 2024

Die 4 Jahreszeiten
Jakob Tuggener

Das Werk von Jakob Tuggener (1904-1988) behauptet seinen Platz in der Fotografie des 20. Jahrhunderts. Seine ausdrucksstarken Aufnahmen von rauschenden Ballnächten sind legendär, und das Buch Fabrik von 1943 gilt als ein Meilenstein in der Geschichte des Fotobuchs. Doch noch ein drittes grosses Thema liess Tuggener nicht los: das einfache Leben auf dem Land.

Unzählige sensibel beobachtete, atmosphärisch aufgeladene, aber nie pittoreske Darstellungen des bäuerlichen Alltags widerspiegeln den Zyklus der Natur und sind zugleich eine Reflexion über das Leben und dessen Vergänglichkeit. 1973/74 stellte Tuggener unter dem Titel Die 4 Jahreszeiten vier individuelle Buchmaquetten zusammen – selbst gestaltete, druckfertige Buch-Unikate.

Die Ausstellung präsentiert neben den Buchmaquetten weitere Fotografien von Jakob Tuggener, die vor Augen führen, wie intensiv sich dieser herausragende Fotograf mehr als 30 Jahre lang dem Landleben widmete.

Parallel zur Ausstellung werden Die 4 Jahreszeiten auch in einem Buch vorgestellt. Damit gibt die Fotostiftung Schweiz in enger Zusammenarbeit mit der Jakob Tuggener-Stiftung und dem Steidl Verlag einen neuen Einblick in die Reihe der rund 70 Bücher, die Jakob Tuggener selbst als Herzstück seines Schaffens betrachtete, obschon sie zu seinen Lebzeiten unveröffentlicht blieben.

L’oeuvre de Jakob Tuggener (1904-1988) affirme sa place dans la photographie du 20e siècle. Ses photos expressives de somptueuses soirées de bal sont légendaires et le livre Fabrik (Usine) de 1943 est considéré comme un jalon dans l’histoire du livre de photos. Mais il y avait encore un troisième thème qui ne lâchait pas Tuggener : la vie simple à la campagne.

Ses innombrables représentations du quotidien paysan, observées avec sensibilité et chargées d’atmosphère, mais jamais pittoresques, reflètent le cycle de la nature et sont en même temps une réflexion sur la vie et son caractère éphémère. En 1973/74, Tuggener composa quatre maquettes de livres individuelles sous le titre Die 4 Jahreszeiten (Les 4 saisons) – des livres uniques conçus par lui-même et prêts à être imprimés.

Outre ces maquettes de livres, l’exposition montre d’autres photographies de Jakob Tuggener qui illustrent à quel point ce photographe hors pair se consacra à la vie rurale pendant plus de 30 ans

En parallèle à l’exposition, Die 4 Jahreszeiten seront également présentées sous forme d’un livre. La Fotostiftung Schweiz, en étroite collaboration avec la Fondation Jakob Tuggener et les Éditions Steidl, donne ainsi un nouvel aperçu de la série des quelque 70 livres que Jakob Tuggener considérait lui-même comme le coeur de son oeuvre, bien qu’ils soient restés inédits de son vivant.

L’opera di Jakob Tuggener (1904–1988) si è affermata nella fotografia del ventesimo secolo. Le sue immagini di spumeggianti balli notturni sono leggendarie e il libro «Fabrik», uscito nel 1943, è considerato una pietra miliare nella storia dell’editoria fotografica. Ma Tuggener si dedicò assiduamente anche a un terzo, vasto argomento: la vita modesta di campagna.

Innumerevoli scene di vita rurale quotidiana osservate con sensibilità, cariche di atmosfera ma mai pittoresche, rispecchiano i cicli naturali e rappresentano, al contempo, una riflessione sulla vita e la sua caducità. Nel 1973/74, Tuggener realizzò delle maquette per quattro libri intitolati «Die 4 Jahreszeiten» (Le 4 stagioni) – copie uniche pronte per la stampa, interamente progettate da lui.

Oltre alle maquette dei libri, la mostra propone ulteriori fotografie di Jakob Tuggener in grado di mostrare con quanta intensità questo straordinario fotografo si sia dedicato alla vita contadina, per oltre 30 anni.

Parallelamente alla mostra, «Le 4 stagioni» vengono presentate anche in un libro. La Fotostiftung Schweiz, in stretta collaborazione con la fondazione Jakob Tuggener e la casa editrice Steidl, offre così un nuovo sguardo su una serie di libri composta da circa 70 volumi, considerata dallo stesso Jakob Tuggener il corpo centrale del suo lavoro, anche se non è mai stata pubblicata mentre era in vita.

The work of Jakob Tuggener (1904-1988) is well positioned within 20th-century photography. His expressive photographs of glittering ball nights are legendary and his 1943 book Fabrik (Factory) is seen as a milestone in the history of the photo book. However, Tuggener was also captivated by a third subject: simple life in the countryside.

His countless sensitively observed, atmospherically charged, but never picturesque depictions of everyday farming life reflect the cycle of nature, while simultaneously contemplating life and its transience. In 1973/74, Tuggener compiled four individual book maquettes under the title Die 4 Jahreszeiten (The 4 Seasons): unique ready-to-print books, which he designed himself.

In addition to those book maquettes, this exhibition displays other photographs by Jakob Tuggener, which demonstrate how intensively this outstanding photographer devoted himself to the theme of country life for more than 30 years. In parallel to the exhibition, The 4 Seasons will also be presented in a book. In close collaboration with the Jakob Tuggener Foundation and Steidl Verlag, Fotostiftung Schweiz is thus providing new insight into the series of around 70 books that Jakob Tuggener himself considered the centrepiece of his oeuvre, even though they remained unpublished during his lifetime.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Fotomuseum Winterthur
10. Februar – 20. Mai 2024

Der Sammlung zugeneigt – Konstellation 1

Vito Acconci, Stefan Burger, Forensic Architecture, Lee Friedlander, Matthias Gabi, Nan Goldin, Roc Herms, Jacob Holdt, Margret Hoppe, Graciela Iturbide, Zoe Leonard, Marc Lee, Sherrie Levine, Clunie Reid, Anika Schwarzlose, Shirana Shahbazi, Cindy Sherman, Lorna Simpson, Garry Winogrand

Das Fotomuseum Winterthur nimmt die 30-jährige Institutionsgeschichte zum Anlass, die eigene Sammlung zu beleuchten: Exemplarische Werke aus der Sammlung geben einen Einblick in die Sammlungstätigkeit des Museums. Es werden die Arbeiten von insgesamt 19 unterschiedlichen Fotograf_innen und Kunstschaffenden gezeigt – darunter bekannte Namen wie auch Neuentdeckungen.

Im Fokus der Ausstellung stehen die Eigen- und Besonderheiten der Sammlung sowie deren Schwerpunkte, aber auch Fragestellungen zur musealen Sammlungspraxis an und für sich. Zudem sind die Lücken und Leerstellen, welche sich durch die kritische Betrachtung der eigenen Sammlung offenbaren, sowie Werke, die das Museum vor Herausforderungen stellen, Bestandteil der Auseinandersetzung.

Die nicht-lineare Präsentation der Ausstellung zeigt auf, dass eine Vielzahl unterschiedlicher Faktoren die (Weiter-)Entwicklung einer Sammlung beeinflussen. Dazu gehören das Ausstellungsprogramm, inhaltliche Schwerpunkte und kuratorische Interessen, gesellschaftliche Fragestellungen aber auch die Entwicklung fotografischer Medien und Praktiken.

Sowohl im Ausstellungsraum als auch über ein vielfältiges Veranstaltungsprogramm gibt das Fotomuseum Winterthur Einblicke in Aspekte wie den Entstehungsprozess oder die Pflege der eigenen Sammlung. Der Sammlung zugeneigt bietet eine Alternative zur klassischen Sammlungsausstellung und bringt nicht zuletzt eine institutionelle Haltung zum Ausdruck: Das Fotomuseum Winterthur ist durchaus (selbst-)kritisch – und dennoch der eigenen Sammlung zugeneigt.

Konstellation 1 bildet den Auftakt einer Serie von Sammlungspräsentationen, die aufeinander aufbauen und für unterschiedliche internationale Gastorte konzipiert werden.

Le Fotomuseum Winterthur profite de ses 30 ans d'histoire institutionnelle pour mettre en lumière sa propre collection : Des œuvres exemplaires de la collection donnent un aperçu de l'activité de collection du musée. Les travaux d'un total de 19 photographes et artistes différents sont présentés - parmi eux des noms connus ainsi que des découvertes.

L'exposition met l'accent sur les particularités et les spécificités de la collection ainsi que sur ses points forts, mais aussi sur des questions relatives à la pratique muséale de la collection en soi et pour soi. En outre, les lacunes et les vides révélés par l'examen critique de la propre collection, ainsi que les œuvres qui transmettent des défis au musée, font partie intégrante de la réflexion.

La présentation non linéaire de l'exposition montre qu'une multitude de facteurs différents influencent le développement (continu) d'une collection. En font partie le programme d'exposition, les priorités en matière de contenu et les intérêts des conservateurs, les questions de société, mais aussi l'évolution des médias et des pratiques photographiques.

Tant dans l'espace d'exposition que par le biais d'un programme varié de manifestations, le Fotomuseum Winterthur donne un aperçu d'aspects tels que le processus de création ou l'entretien de sa propre collection. La collection offre une alternative à l'exposition classique des collections et exprime notamment une attitude institutionnelle : le Fotomuseum Winterthur est tout à fait (auto)critique - et néanmoins attaché à sa propre collection.

Constellation 1 marque le début d'une série de présentations de la collection qui se suivent et sont conçues pour différents lieux d'accueil internationaux.

Il Fotomuseum Winterthur coglie l'occasione dei 30 anni di storia dell'istituzione per far luce sulla propria collezione: Opere esemplari della collezione offrono una panoramica sulle attività collezionistiche del museo. Sono esposte le opere di un totale di 19 diversi fotografi e artisti, tra cui nomi noti e nuove scoperte.

La mostra si concentra sulle caratteristiche uniche e speciali della collezione e sui suoi punti focali, nonché sulle questioni relative alla pratica del collezionismo museale in sé e per sé. Inoltre, le lacune e i vuoti che si rivelano attraverso un esame critico della collezione del museo, così come le opere che rappresentano una sfida per il museo, sono parte della discussione.

La presentazione non lineare della mostra dimostra che una serie di fattori diversi influenzano lo sviluppo (ulteriore) di una collezione. Tra questi, il programma espositivo, le tematiche e gli interessi curatoriali, le questioni sociali, ma anche lo sviluppo dei media e delle pratiche fotografiche.

Sia nello spazio espositivo che attraverso un variegato programma di eventi, il Fotomuseum Winterthur fornisce approfondimenti su aspetti quali il processo di creazione o la cura della propria collezione. La mostra "La collezione è nostra" offre un'alternativa alla classica esposizione di collezioni e, non da ultimo, esprime un atteggiamento istituzionale: il Fotomuseum Winterthur è assolutamente (auto)critico - e tuttavia devoto alla propria collezione.

Constellation 1 segna l'inizio di una serie di presentazioni della collezione che si sviluppano l'una sull'altra e sono concepite per diverse sedi internazionali.

Fotomuseum Winterthur is taking the opportunity presented by the institution’s thirtieth anniversary to examine its own collection, with a selection of artworks providing an insight into the museum’s collecting activities. On display are works by a total of 19 different photographers and artists, a mix of well-known names and new discoveries.

The exhibition homes in on the collection’s idiosyncrasies, distinctive qualities and thematic focuses, while also scrutinising museum collecting practices per se. This probing of the collection also looks at gaps and lacunae that are made apparent by the museum’s critical self-assessment and at works that are institutionally challenging.

The non-linear way in which the exhibition is presented highlights the fact that the (progressive) development of a collection is influenced by a variety of different factors. These include the exhibition programme, thematic focuses, curatorial interests, social issues and photography’s own process of evolution as a medium and body of practices.

Both in the exhibition space and through a varied programme of events, the museum provides insights into, among other things, its own origins and the way it cares for its collection. A Show of Affection offers an alternative to the classical collection exhibition and is, not least, an expression of an institutional approach: Fotomuseum Winterthur is eminently (self-)critical – and yet still has a sense of affection for its own collection.

Collection Constellation 1 marks the beginning of a series of collection presentations that build on one another and are conceived for different international venues.

(Text: Fotomuseum Winterthur)