Luma Westbau | Zürich
7. Februar 2025

A Trilogy: The Tempest Society, The Circle, and The Public Storyteller
Bouchra Khalili

Bouchra Khalili arbeitet mit verschiedenen Medien, darunter Film, Video, Installation, Fotografie, Arbeiten auf Papier, Textil und redaktionellen Plattformen. Ihre multidisziplinäre Praxis eröffnet neue Perspektiven auf Bürgerschaft an, die es uns ermöglichen, andere Formen der Zugehörigkeit zu erdenken.

Film und Video spielen eine zentrale Rolle in ihrem Denken. Bekannt für komplexe und vielschichtige narrative Konstruktionen, greifen Khalilis filmische Arbeiten auf verdrängte historische Momente kollektiver Emanzipation zurück, die unterschiedliche Geschichten, Geografien und Generationen umfassen. Weder Dokumentarfilm noch Fiktion, ihre tiefgründig recherchierten „Film-Hypothesen“ artikulieren Sprache, mündliche Überlieferung, poetische Beschwörungen, Erzählkunst und innovative visuelle Formen.

Durch Experimente mit der Montage wird Khalilis Schnittprozess zu einem zentralen Werkzeug ihrer Erzähltechniken. In ihren Filmen übernehmen die nicht-professionellen Darsteller zugleich die Rollen von Erzählern und „Editoren“. Sie erzählen und inszenieren textliche und visuelle Konstellationen unarchivierter Geschichten kollektiver Emanzipation, die von offiziellen Narrativen unterdrückt wurden. Durch die Verknüpfung von Fragmenten mündlicher Überlieferungen mit persönlichen Zeugnissen, Texten, Fotografien und bewegten Bildern wird die Vergangenheit dynamisch aktiviert und ihre Verbindungen zur Gegenwart sichtbar gemacht. Mit poetischer Kraft beschwören Khalilis Filme die Geister unerfüllter Versprechen und das Scheitern moderner Politik herauf und laden die Zuschauer ein, als Zeugen unserer Geschichte aufzutreten und über mögliche kollektive Zukünfte nachzudenken.

Die Ausstellung vereint drei von Khalilis bedeutendsten filmischen Werken: The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023) – eine Mixed-Media-Installation, die die Video-Installation The Circle (2023), das Wandplakat A Timeline for a Constellation (2023) und die Film-Installation The Storytellers (2023) umfasst – sowie The Public Storyteller (2024). Diese Werkserie gipfelt in der synchronisierten Zweikanal-Installation The Public Storyteller, einer poetischen Meditation über die Kraft des Erzählens. Das Werk führt die Erzählungen aus The Tempest Society und The Circle zu ihren ursprünglichen Wurzeln zurück und hebt die Bedeutung der Fabulierung als kollektiven Prozess hervor.

Diese Werkreihe basiert auf Khalilis umfangreicher Forschung zum Mouvement des Travailleurs Arabes (MTA, Bewegung der arabischen Arbeiter) und seinen Theatergruppen Al Assifa (Der Sturm auf Arabisch) und Al Halaka (Der Kreis auf Arabisch, der sich auch auf die in Nordafrika verbreitete Tradition des öffentlichen Geschichtenerzählens bezieht). Das MTA war eine wegweisende, autonome Organisation, die in den 1970er Jahren von maghrebinischen Arbeitern in Frankreich gegründet wurde und sich für gleiche Rechte einsetzte. Das Theater stand im Zentrum ihres Aktivismus und verkörperte ihre Vorstellung von Solidarität und Verbundenheit, da es maghrebinische Arbeiter und ihre französischen Verbündeten zusammenbrachte.

The Tempest Society spielt in Athen und greift die Theaterexperimente von Al Assifa auf, um deren Relevanz im Kontext der humanitären, sozialen und wirtschaftlichen Krise zu unter-suchen, die die griechische Hauptstadt 2016 prägte. The Circle setzt die Erzählung fort und beleuchtet die Gründung des MTA im Jahr 1973 in Paris und Marseille, seine Theatergruppen sowie die Kandidatur eines ihrer undokumentierten Mitglieder bei der französischen Präsidentschaftswahl 1974. Darüber hinaus bietet The Storytellers (2023) einen kontemplativen Raum für Geschichte, in dem ehemalige Mitglieder von Al Assifa und Al Halaka fünfzig Jahre nach ihrer ersten Aufführung Teile ihres nicht archivierten mündlichen Repertoires präsentieren. The Public Storyteller (2024) zeigt die Performance eines Geschichtenerzählers in Marrakesch, der fünfzig Jahre später den Wahlkampf von Djellali Kamel in der Tradition der "Halka" (der Kreis, die Versammlung) – der ältesten Form des öffentlichen Geschichtenerzählens in Marokko – nacherzählt. Der Akt des Erzählens und Zuhörens verwandelt sich in ein Ritual, das den Geist von Djellali beschwört, indem es alte mündliche Traditionen mit der Diaspora verbindet und so potenzielle Formen transnationaler Zugehörigkeit aufzeigt.

Gemeinsam präsentieren die Werke in der Ausstellung alternative Formen der Zugehörigkeit und der Kollektivbildung durch und mit Performance. Sie bieten einen meditativen Zugang zu unterdrückten Geschichten, zur Kraft kollektiver Fabulierung, wie sie vom öffentlichen Geschichtenerzähler verkörpert wird, und zur „Montage“ als Kunstform, die begrabene Geschichte wieder zum Leben erwecken kann.

Bouchra Khalili travaille avec différents médias, dont le film, la vidéo, l'installation, la photographie, le travail sur papier, le textile et les plateformes éditoriales. Sa pratique multidisciplinaire ouvre de nouvelles perspectives sur la citoyenneté, nous permettant d'imaginer d'autres formes d'appartenance.

Le film et la vidéo jouent un rôle central dans sa réflexion. Connues pour leurs constructions narratives complexes et multidimensionnelles, les œuvres cinématographiques de Khalili font appel à des moments historiques refoulés d'émancipation collective, englobant différentes histoires, géographies et générations. Ni documentaire, ni fiction, ses « hypothèses cinématographiques », profondément recherchées, articulent langage, tradition orale, évocations poétiques, art du récit et formes visuelles innovantes.

En expérimentant avec le montage, le processus de montage de Khalili devient un outil central de ses techniques narratives. Dans ses films, les acteurs non-professionnels jouent à la fois le rôle de narrateurs et de « monteurs ». Ils racontent et mettent en scène des constellations textuelles et visuelles d'histoires non archivées d'émancipation collective qui ont été réprimées par les récits officiels. En associant des fragments de traditions orales à des témoignages personnels, des textes, des photographies et des images animées, le passé est activé de manière dynamique et ses liens avec le présent sont rendus visibles. Avec une force poétique, les films de Khalili évoquent les fantômes des promesses non tenues et l'échec de la politique moderne, invitant les spectateurs à devenir les témoins de notre histoire et à réfléchir aux futurs collectifs possibles.

L'exposition réunit trois des œuvres cinématographiques les plus importantes de Khalili : The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023) - une installation de médias mixtes qui comprend l'installation vidéo The Circle (2023), l'affiche murale A Timeline for a Constellation (2023) et l'installation cinématographique The Storytellers (2023) - et The Public Storyteller (2024). Cette série d'œuvres culmine avec l'installation synchronisée à deux canaux The Public Storyteller, une méditation poétique sur le pouvoir de la narration. L'œuvre ramène les récits de The Tempest Society et de The Circle à leurs racines originelles et souligne l'importance de la fabulation en tant que processus collectif.

Cette série d'œuvres s'appuie sur les recherches approfondies de Khalili sur le Mouvement des Travailleurs Arabes (MTA) et ses troupes de théâtre Al Assifa (La Tempête en arabe) et Al Halaka (Le Cercle en arabe, qui fait également référence à la tradition de narration publique répandue en Afrique du Nord). Le MTA était une organisation pionnière et autonome, fondée dans les années 1970 par des travailleurs maghrébins en France, qui militaient pour l'égalité des droits. Le théâtre était au cœur de leur activisme et incarnait leur conception de la solidarité et du lien, puisqu'il réunissait les travailleurs maghrébins et leurs alliés français.

The Tempest Society se déroule à Athènes et reprend les expériences théâtrales d'Al Assifa pour en explorer la pertinence dans le contexte de la crise humanitaire, sociale et économique qui a marqué la capitale grecque en 2016. The Circle poursuit le récit en mettant en lumière la création du MTA en 1973 à Paris et à Marseille, ses troupes de théâtre et la candidature d'un de leurs membres sans papiers à l'élection présidentielle française de 1974. En outre, The Storytellers (2023) offre un espace contemplatif pour l'histoire, dans lequel d'anciens membres d'Al Assifa et d'Al Halaka présentent des parties de leur répertoire oral non archivé, cinquante ans après leur première représentation. The Public Storyteller (2024) présente la performance d'un conteur à Marrakech qui, cinquante ans plus tard, raconte la campagne électorale de Djellali Kamel dans la tradition de la « halka » (le cercle, l'assemblée) - la plus ancienne forme de narration publique au Maroc. L'acte de raconter et d'écouter se transforme en un rituel qui convoque l'esprit de Djellali en reliant les anciennes traditions orales à la diaspora, révélant ainsi des formes potentielles d'appartenance transnationale.

Ensemble, les œuvres de l'exposition présentent des formes alternatives d'appartenance et de création de collectifs par et avec la performance. Elles offrent un accès méditatif aux histoires refoulées, au pouvoir de la fabulation collective incarnée par le conteur public, et au « montage » comme forme d'art capable de faire revivre une histoire enterrée.

Bouchra Khalili lavora con diversi media, tra cui film, video, installazioni, fotografia, opere su carta, tessuti e piattaforme editoriali. La sua pratica multidisciplinare apre nuove prospettive sulla cittadinanza che ci permettono di immaginare altre forme di appartenenza.

Il cinema e il video svolgono un ruolo centrale nel suo pensiero. Conosciute per le costruzioni narrative complesse e multistrato, le opere filmiche di Khalili attingono a momenti storici repressi di emancipazione collettiva che attraversano storie, geografie e generazioni diverse. Né documentario né fiction, le sue “ipotesi cinematografiche” profondamente studiate articolano linguaggio, tradizione orale, incantesimi poetici, arte narrativa e forme visive innovative.

Sperimentando con il montaggio, il processo di editing di Khalili diventa uno strumento centrale delle sue tecniche narrative. Nei suoi film, gli attori non professionisti assumono contemporaneamente il ruolo di narratori e “montatori”. Essi narrano e mettono in scena costellazioni testuali e visive di storie non archiviate di emancipazione collettiva che sono state soppresse dalle narrazioni ufficiali. Collegando frammenti di tradizione orale con testimonianze personali, testi, fotografie e immagini in movimento, il passato viene attivato dinamicamente e le sue connessioni con il presente rese visibili. Con forza poetica, i film di Khalili evocano i fantasmi di promesse non mantenute e il fallimento della politica moderna, invitando gli spettatori ad agire come testimoni della nostra storia e a riflettere su possibili futuri collettivi.

La mostra riunisce tre delle opere cinematografiche più significative di Khalili: The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023) - un'installazione a tecnica mista che comprende la videoinstallazione The Circle (2023), il poster murale A Timeline for a Constellation (2023) e l'installazione cinematografica The Storytellers (2023) - e The Public Storyteller (2024). Questa serie di opere culmina nell'installazione sincronizzata a due canali The Public Storyteller, una meditazione poetica sul potere della narrazione. L'opera riporta le narrazioni di The Tempest Society e The Circle alle loro origini e sottolinea l'importanza della narrazione come processo collettivo.

Questa serie di opere si basa sull'approfondita ricerca di Khalili sul Mouvement des Travailleurs Arabes (MTA, Movimento dei Lavoratori Arabi) e sui suoi gruppi teatrali Al Assifa (La Tempesta in arabo) e Al Halaka (Il Cerchio in arabo, che si riferisce anche alla tradizione della narrazione pubblica prevalente in Nord Africa). L'MTA è stata un'organizzazione pionieristica e autonoma fondata dai lavoratori magrebini in Francia negli anni '70, che si batteva per la parità di diritti. Il teatro è stato al centro del loro attivismo e ha incarnato la loro idea di solidarietà e di connessione, in quanto ha riunito i lavoratori magrebini e i loro alleati francesi.

Ambientato ad Atene, The Tempest Society prende spunto dagli esperimenti teatrali di Al Assifa per esplorarne la rilevanza nel contesto della crisi umanitaria, sociale ed economica che ha colpito la capitale greca nel 2016. The Circle continua la narrazione, evidenziando la fondazione dell'MTA nel 1973 a Parigi e Marsiglia, i suoi gruppi teatrali e la candidatura di uno dei suoi membri senza documenti alle elezioni presidenziali francesi del 1974. Inoltre, The Storytellers (2023) offre uno spazio contemplativo per la storia, in cui gli ex membri di Al Assifa e Al Halaka presentano parti del loro repertorio orale non archiviato a cinquant'anni dalla loro prima esibizione. The Public Storyteller (2024) mostra la performance di un cantastorie di Marrakech che, cinquant'anni dopo, racconta la campagna elettorale di Djellali Kamel nella tradizione dell'“Halka” (il cerchio, la riunione) - la più antica forma di narrazione pubblica in Marocco. L'atto del raccontare e dell'ascoltare si trasforma in un rituale che evoca lo spirito di Djellali collegando le antiche tradizioni orali con la diaspora, rivelando potenziali forme di appartenenza transnazionale.

Insieme, le opere in mostra presentano forme alternative di appartenenza e collettivizzazione attraverso e con la performance. Offrono un approccio meditativo alle storie soppresse, al potere della creazione collettiva incarnato dal narratore pubblico e al “montaggio” come forma d'arte che può riportare in vita la storia sepolta.

Bouchra Khalili works across different media including film, video, installation, photography, works on paper, textile, and editorial platforms. Her multidisciplinary practice suggests civic imaginations that can allow us to envision other ways of belonging.

Film and video play a central role in her thinking. Known for complex and multilayered narrative constructions, Khalili’s filmic works draw on suppressed historical moments of collective emancipation that span diverse histories, geographies, and generations. Neither documentary nor fiction, her deeply researched “film hypotheses” articulate language, oral transmission, poetic invocations, storytelling, and innovative visual forms.

Experimenting withmontage, Khalili’s editing process is a key tool of her narration techniques. In her films, the non-professional performers are, at the same time, the film’s storytellers and “editors”. They narrate and act out textual and visual constellations of unarchived stories of collective emancipation that were suppressed by official narratives. Putting together fragments of oral histories with personal testimonies, texts, photographs, and moving images, they dynamically activate the pastwhile revealing its connections to the present. Summoning poetically the ghosts of unachieved promises and the failures ofmodern politics, Khalili’s films invite viewers to become the witnesses of our history and to contemplate our potential collective future.

The exhibition brings together three of Khalili’s seminal film works: The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023)—a mixed-media installation that includes the video installation The Circle (2023), the mural poster A Timeline for a Constellation (2023), and the film installation The Storytellers (2023)—as well as The Public Storyteller (2024). This series of works conclude with the synchronized dual-channel installation The Public Storyteller, a poetic meditation on the power of storytelling. The work reconnects the narratives from The Tempest Society and The Circle to their original roots, highlighting the force of fabulation as a collective process.

This set of works departs from Khalili’s extensive research on the Mouvement des travailleurs arabes (MTA, Movement of Arab Workers) and its theater groups, Al Assifa (The Tempest in Arabic) and Al Halaka (The Circle in Arabic, which is also referencing the tradition of public storytelling that is common in North Africa). The MTA was a pioneering autonomous organization led by Maghrebi workers during the 1970s in France, advocating for equal rights. Theater was central to their activism, epitomizing their conception of solidarity and allyship, as it brought together Maghrebi workers and their French allies.

Set in Athens, The Tempest Society references the theatrical experiments of Al Assifa in order to examine their topicality in the context of the humanitarian, social, and economic crisis that marked the Greek capital in 2016. The Circle continues the same story, examining closely the birth of the MTA in 1973 both in Paris and in Marseille, its theater groups, and the candidacy of one of their undocumented members in the French presidential election in 1974. Further to these, The Storytellers (2023) suggests a contemplative space for history, where former members of Al Assifa and Al Halaka perform parts of their unarchived oral repertory fifty years after their first performance. The Public Storyteller (2024) shows the performance of a storyteller in Marrakesh narrating, 50 years later, the campaign of Djellali Kamel in the tradition of the "Halka" (the circle, the assembly), Morocco's most ancient form of public storytelling. The act of storytelling and of listening becomes a ritual for summoning the specter of Djellali to appear, blending ancient oral traditions with the diaspora, eventually suggesting potential forms of transnational belonging.

Together, the works in the exhibition propose alternative forms of belonging, production of collectivizes with and through performance. They offer a meditative approach to witnessing suppressed histories, the power of collective fabulation as epitomized by the public storyteller, and “montage” as the art capable of resurrecting buried history.

(Text: Luma Westbau)

Bildhalle | Zürich
6. Februar 2025

Where are you
Chantal Elisabeth Ariëns

Die Fotografien der bildenden Künstlerin Chantal Elisabeth Ariëns bringen die Stärke unseres menschlichen Inneren mit unserem anmutigen, zerbrechlichen, physischen Äußeren zusammen. Die Taktilität von Couture, Voile, Federn in ihrer Welt, die von eleganten Frauen bewohnt wird, wirft ein Licht auf unser Gefühlsleben. Dort stehen wir an der Schwelle zwischen Tat und Traum, in der Stille und im Verlangen. Mit ihren visuellen Geschichten gelingt es Ariëns, Bewegung und Ruhe im selben Moment darzustellen und uns in eine Zwischenwelt zu entführen, in der unsere Seele, unser Bewusstsein und unsere Träume schweifen. Ihre Arbeiten zeigen Momente, die zugleich jetzt und ewig sind, zugleich voll von reinem Licht und allen nur denkbaren Schatten.

Die Bilder scheinen oft etwas anzukündigen, was noch kommen wird, sie sind lediglich ein Einatmen kurz vor dem Moment suprême. Die Inspiration dieser durchscheinenden Momente ist das, wonach wir uns so sehr sehnen, und Ariëns weiß genau, wie sie dies in ihren Fotografien umsetzen kann.

Ariëns' Werk atmet Freiheit und Unabhängigkeit. Ihre autonome Arbeitsweise und ihre Art, Couture zu fotografieren, letzteres manchmal in enger Zusammenarbeit, ergänzen sich. Die Einzigartigkeit ihrer autonomen und modischen Fotografie wird durch die Tatsache verstärkt, dass sie mit Photopolymer-Radierung arbeitet, einer alten Drucktechnik. Bei diesem zeitintensiven und manuellen Verfahren verwendet die Künstlerin eine Druckplatte, die mit einem Photopolymerfilm belichtet wird, und erweckt die Bilder dann mit Tinte und ihren Händen zum Leben. Mit diesem Verfahren kann sie wie eine Malerin arbeiten: Sie streicht mit der Hand Schicht für Schicht, so dass sich die Tinte auf den Kunstdrucken ausbreitet. Das Bild erscheint buchstäblich unter ihren Händen, so dass sie intuitiv Feinheiten und Raffinessen hinzufügen kann. Diese Handarbeit sorgt dafür, dass Ariëns maximalen Raum für den entscheidenden Moment schafft; den Moment, in dem sie die Lebendigkeit und Seele ihrer Bilder erkennt. Und so fängt sie das richtige Bild, das Kunstwerk, immer wieder neu ein, ergreift und umarmt es.

Les photographies de l'artiste visuelle Chantal Elisabeth Ariëns associent la force de notre moi intérieur à notre extérieur physique, gracieux et fragile. La tactilité de la couture, du voile, des plumes dans son monde, habité par des femmes élégantes, met en lumière notre vie émotionnelle. Nous sommes là, au seuil de l'acte et du rêve, dans l'immobilité et le désir. Avec ses histoires visuelles, Ariëns est capable de dépeindre le mouvement et la sérénité dans le même moment, nous transportant dans un monde intermédiaire où notre âme, notre conscience et nos rêves se promènent. Son travail montre des moments qui sont à la fois actuels et éternels, à la fois pleins de lumière pure et de toutes les ombres imaginables.

Les images semblent souvent annoncer quelque chose qui est encore à venir, elles ne sont qu'une inspiration juste avant le moment suprême. L'inspiration de ces instants translucides est ce à quoi nous aspirons si intensément, et Ariëns sait exactement comment la traduire dans ses photographies.

L'œuvre d'Ariëns respire la liberté et l'indépendance. Sa méthode de travail autonome et sa façon de photographier la couture, parfois en étroite collaboration, se complètent. Le caractère unique de ses photographies autonomes et de mode est renforcé par le fait qu'elle travaille avec la gravure au photopolymère, une ancienne technique d'impression. Dans ce processus manuel qui prend beaucoup de temps, l'artiste utilise une plaque d'impression exposée à un film photopolymère, puis utilise de l'encre et ses mains pour donner vie aux images. Ce procédé lui permet de travailler comme un peintre : elle effleure couche après couche avec sa main pour que l'encre se répande sur les tirages d'art. L'image apparaît littéralement sous ses mains, ce qui lui permet d'ajouter de la subtilité et du raffinement de manière intuitive. Ce travail manuel permet à Ariëns de créer un maximum d'espace pour l'instant décisif, le moment où elle reconnaît la vivacité et l'âme de ses images. C'est ainsi qu'elle capture, saisit et embrasse la bonne image, l'œuvre d'art, encore et encore.

Le fotografie dell'artista visiva Chantal Elisabeth Ariëns mettono insieme la forza della nostra interiorità umana con la nostra grazia, la fragilità e l'esteriorità fisica. La tattilità della couture, del voile, delle piume nel suo mondo, abitato da donne eleganti, fa luce sulla nostra vita emotiva. Ci troviamo sulla soglia tra l'atto e il sogno, nell'immobilità e nel desiderio. Con le sue storie visive, Ariëns è in grado di rappresentare il movimento e la serenità nello stesso momento, trasportandoci in un mondo intermedio dove vagano la nostra anima, la nostra coscienza e i nostri sogni. Il suo lavoro mostra momenti che sono allo stesso tempo attuali ed eterni, pieni di luce pura e di ogni ombra immaginabile.

Le immagini sembrano spesso annunciare qualcosa che deve ancora venire, sono solo un'inspirazione prima del momento supremo. L'ispirazione di questi momenti traslucidi è ciò che desideriamo così intensamente e Ariëns sa esattamente come tradurla nelle sue fotografie.

Il lavoro di Ariëns traspira libertà e indipendenza. Il suo metodo di lavoro autonomo e il suo modo di fotografare l'alta moda, a volte in stretta collaborazione, si completano a vicenda. L'unicità della sua fotografia autonoma e di moda è esaltata dal fatto che lavora con l'incisione a fotopolimeri, un'antica tecnica di stampa. In questo processo manuale e dispendioso in termini di tempo, l'artista utilizza una lastra di stampa esposta con una pellicola fotopolimerica, poi usa l'inchiostro e le sue mani per dare vita alle immagini. Questo processo le permette di lavorare come un pittore: con la mano accarezza strato su strato in modo che l'inchiostro si diffonda sulle stampe. L'immagine appare letteralmente sotto le sue mani, permettendole di aggiungere sottigliezza e raffinatezza in modo intuitivo. Questo lavoro manuale fa sì che Ariëns crei il massimo spazio per il momento decisivo, quello in cui riconosce la vivacità e l'anima delle sue immagini. E così cattura, afferra e abbraccia l'immagine giusta, l'opera d'arte, ancora e ancora.

The photographs of visual artist Chantal Elisabeth Ariëns bring together the strength of our human inner self with our graceful, fragile, physical exterior. The tactility of couture, voile, feathers in her world, inhabited by elegant women, shed light on our emotional life. There we stand on the threshold between deed and dream in stillness, and desire. With her visual stories, Ariëns is able to depict movement and serenity in the same moment, transporting us to an in-between world where our soul, consciousness and dreams roam. Her work shows moments that are at once now and eternal, at once full of pure light and every shadow imaginable.

The images often seem to announce something that is yet to come, they are merely an inhalation just before the moment suprême. The inspiration of these translucent moments is what we long for so intensely, and Ariëns knows exactly how to translate this into her photographs.

Ariëns‘ work breathes freedom and independence. Her autonomous working method and her way of photographing couture, the latter sometimes in close collaboration, complement each other. The uniqueness of her autonomous and fashion photography is enhanced by the fact that she works with photopolymer etching; an old printing technique. In this time-intensive and manual process, the artist uses a printing plate exposed with photopolymer film, then uses ink and her hands to bring the images to life. This process allows her to work like a painter, she strokes layer upon layer with her hand so that the ink spreads across the art prints. The image literally appears under her hands, allowing her to add subtlety and refinement intuitively. This handwork ensures that Ariëns creates maximum space for the decisive moment; the moment when she recognises the liveliness and soul in her images. And so she captures, grasps and embraces the right image, the work of art, again and again.

(Text: Bildhalle, Zürich/Amsterdam)

Bildhalle – Showroom | Zürich
6. Februar 2025

Champions
Bastiaan Woudt

Das Projekt „CHAMPIONS“ von Bastiaan Woudt besteht aus einer Reihe eindrucksvoller Bilder aus Sambia, die in Zusammenarbeit mit Orange Babies entstanden sind, einer Organisation, die sich für HIV-infizierte Schwangere und ihre Kinder in Entwicklungsländern wie Namibia, Südafrika und Sambia einsetzt.

Das Herzstück des Projekts liegt in Sambia, wo Bastiaan Woudt eine Gruppe junger Erwachsener fotografiert hat, die in ihren Gemeinden als „Champions“ auftreten. Diese jungen, starken Persönlichkeiten spielen eine entscheidende Rolle bei der Aufklärung über HIV und der Schaffung sicherer Räume für Gleichaltrige, um über wichtige Themen wie sexuelle Aufklärung zu diskutieren.

Bastiaan Woudt hat diese jungen Erwachsenen nicht nur als Fürsprecher in ihrer Gemeinschaft, sondern auch als Symbole für Stärke und Würde festgehalten. Durch seine Linse wollte er diese jungen Menschen in Helden, Krieger, Könige und Königinnen verwandeln, um ihre unverzichtbare Rolle im Kampf gegen HIV und AIDS visuell darzustellen.

Dank der Großzügigkeit unserer Unterstützer haben wir bereits über 200.000 Euro gesammelt, um Orange Babies bei der Fortsetzung ihrer wichtigen Arbeit zu helfen. Darüber hinaus werden 10 % aller Einnahmen aus der Ausstellung direkt an Orange Babies gespendet. Lassen Sie uns auf dieser Dynamik aufbauen, während wir uns für eine Zukunft ohne HIV einsetzen.

Le projet CHAMPIONS de Bastiaan Woudt est une série d'images fortes de Zambie, réalisées en collaboration avec Orange Babies, une organisation dévouée qui apporte son soutien aux femmes enceintes infectées par le VIH et à leurs enfants dans les pays en développement tels que la Namibie, l'Afrique du Sud et la Zambie.

Le cœur du projet se trouve en Zambie, où Bastiaan Woudt a photographié un groupe de jeunes adultes qui agissent comme des « champions » dans leurs communautés. Ces jeunes individus puissants jouent un rôle essentiel dans la sensibilisation au VIH et dans la création d'espaces sûrs permettant à leurs pairs de discuter de sujets essentiels tels que l'éducation sexuelle.

Bastiaan Woudt a choisi de photographier ces jeunes adultes non seulement comme des défenseurs de leur communauté, mais aussi comme des symboles de force et de dignité. À travers son objectif, il a voulu transformer ces jeunes en héros, en guerriers, en rois et en reines, une représentation visuelle de leur rôle indispensable dans la lutte contre le VIH et le sida.

Grâce à la générosité de nos supporters, nous avons déjà récolté plus de 200 000 euros pour aider Orange Babies à poursuivre son travail vital. En outre, 10 % de toutes les ventes de l'exposition seront directement reversés à Orange Babies. Continuons sur notre lancée et œuvrons pour un avenir sans VIH.

Il progetto CHAMPIONS di Bastiaan Woudt è una serie di immagini potenti dallo Zambia, realizzate in collaborazione con Orange Babies, un'organizzazione dedicata che fornisce supporto alle donne incinte infettate dall'HIV e ai loro bambini nei Paesi in via di sviluppo come Namibia, Sudafrica e Zambia.

Il cuore del progetto si trova in Zambia, dove Bastiaan Woudt ha fotografato un gruppo di giovani adulti che agiscono come 'campioni' nelle loro comunità. Queste persone giovani e potenti svolgono un ruolo fondamentale nel diffondere la consapevolezza sull'HIV e nel creare spazi sicuri per i coetanei per discutere di argomenti essenziali come l'educazione sessuale.

Bastiaan Woudt ha scelto di immortalare questi giovani adulti non solo come sostenitori della loro comunità, ma anche come simboli di forza e dignità. Attraverso il suo obiettivo, ha voluto trasformare questi giovani in eroi, guerrieri, re e regine, una rappresentazione visiva del loro ruolo indispensabile nella lotta contro l'HIV e l'AIDS.

Grazie alla generosità dei nostri sostenitori, abbiamo già raccolto oltre 200.000 euro per aiutare Orange Babies a continuare il suo lavoro vitale. Inoltre, il 10% di tutte le vendite della mostra sarà donato direttamente a Orange Babies. Continuiamo a costruire su questo slancio, mentre ci impegniamo per un futuro libero dall'HIV.

Bastiaan Woudt‘s CHAMPIONS project is a series of powerful images from Zambia, realized in collaboration with Orange Babies, a dedicated organization providing support to HIV-infected pregnant women and their children in developing countries such as Namibia, South Africa, and Zambia.

The heart of the project lies in Zambia, where Bastiaan Woudt has photographed a group of young adults who act as “champions” in their communities. These young, powerful individuals play a vital role in spreading awareness about HIV and creating safe spaces for peers to discuss essential topics such as sexual education.

Bastiaan Woudt chose to capture these young adults not only as advocates in their community but also as symbols of strength and dignity. Through his lens, he aimed to transform these young people into heroes, warriors, kings, and queens, a visual representation of their indispensable role in the fight against HIV and AIDS.

Thanks to the generosity of our supporters, we’ve already raised over €200,000 to help Orange Babies continue their vital work. Additionally, 10% of all sales from the exhibition will be donated directly to Orange Babies. Let’s keep building on that momentum as we strive for a future free of HIV.

(Text: Bildhalle, Zürich + Amsterdam)

sphères | Zürich
11. Dezember 2024

Hans Peter Jost im Gespräch mit Emanuel Ammon

FEUER UND STAUB
Emanuel Ammon

Für das Projekt mietete Ammon erstmals in seinem Leben einen Camper in San Francisco. Bevor er sich in die Black Rock-Wüste begab, musste er auf einem Campingplatz in Reno die Funktionen des Fahrzeugs kennenlernen. Das Leben in der Wüste ohne Strom- und Wasseranschluss erforderte gründliche Vorbereitungen. Der Camper diente ihm als eine Art Wohnzimmer mitten in der staubigen Stadt, die zeitweise bis zu 60.000 Menschen beherbergte.

Die zahlreichen, weit verstreuten Kunstwerke waren nur mit dem Fahrrad erreichbar. Um sie optimal in Szene zu setzen, war Ammon häufig in den frühen Morgenstunden und in der Dämmerung unterwegs. Zum Schutz vor dem feinen Staub und Sand verwendete er ein Unterwassergehäuse für seine Kamera.

Pour ce projet, Ammon a loué pour la première fois de sa vie un camping-car à San Francisco. Avant de s'aventurer dans le désert de Black Rock, il a dû se familiariser avec les fonctions du véhicule dans un camping de Reno. La vie dans le désert, sans électricité ni eau, exigeait une préparation minutieuse. Le camping-car lui servait en quelque sorte de salon au milieu de la ville poussiéreuse qui abritait parfois jusqu'à 60 000 personnes.

Les nombreuses œuvres d'art dispersées n'étaient accessibles qu'à vélo. Pour les mettre en scène de manière optimale, Ammon se déplaçait souvent tôt le matin et au crépuscule. Pour se protéger de la poussière fine et du sable, il utilisait un boîtier sous-marin pour son appareil photo.

Per il progetto, Ammon ha noleggiato un camper a San Francisco per la prima volta nella sua vita. Prima di partire per il Black Rock Desert, ha dovuto familiarizzare con le funzioni del veicolo in un campeggio di Reno. Vivere nel deserto senza elettricità né acqua richiedeva una preparazione approfondita. Il camper gli è servito come una sorta di salotto nel mezzo della città polverosa, che a volte ospitava fino a 60.000 persone.

Le numerose e sparse opere d'arte potevano essere raggiunte solo in bicicletta. Ammon viaggiava spesso nelle prime ore del mattino e al tramonto per presentarle nella migliore luce possibile. Utilizzava una custodia subacquea per la sua macchina fotografica per proteggerla dalle polveri sottili e dalla sabbia.

For the project, Ammon rented a camper van in San Francisco for the first time in his life. Before he set off for the Black Rock Desert, he had to familiarize himself with the vehicle's functions at a campsite in Reno. Living in the desert without electricity or water connections required thorough preparation. The camper van served as a kind of living room in the middle of the dusty city, which at times housed up to 60,000 people.

The numerous artworks, scattered far and wide, were only accessible by bicycle. Ammon often worked in the early morning hours and at dusk to optimally stage them. He used an underwater housing for his camera to protect it from the fine dust and sand.

Villa der Galerie Kornfeld | Zürich
24. November 2024

Brunch & Finissage

Unikat-Photographie – Kunstbroker zu Gast bei Titilis 48
Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen, Mario Rothenbühler

Anmeldung

Wir laden Sie herzlich ein zur hochinteressanten Ausstellung „Unikat-Photographie“, die in der historischen Villa der ehemaligen Galerie Kornfeld an der Titlisstrasse 48 in Zürich stattfindet. Diese einmalige Pop-Up-Ausstellung, kuratiert von dem Kunst- und Photohistoriker Gabriel S. R. Müller, präsentiert vier zeitgenössische Positionen, die die Vielfalt und Einzigartigkeit der photographischen Kunst zelebrieren. Aufgrund seiner langjährigen Arbeit in einem international renommierten Schweizer Auktionshaus ist der Kunsthändler bestens mit verschiedensten Techniken der Photographie vertraut und bringt sein umfangreiches Wissen in die Kuratierung dieser Ausstellung ein. Erleben Sie die beeindruckenden Werke von Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler und Mario Rothenbühler, die verschiedene künstlerische Konzepte und Techniken wie Nassplatten-Kollodium, Cyanotypien, Polaroid-Aufnahmen und Lightjet-Prints in einen spannenden Dialog bringen. Die Grundidee der Ausstellung ist es, historische und zeitgenössische photographische Verfahren miteinander zu verknüpfen und die Bedeutung von Unikaten in der Photographie hervorzuheben. Diese Künstler arbeiten in der Regel ausschließlich mit Unikaten, sei es aufgrund der gewählten Technik oder weil es fester Bestandteil ihres künstlerischen Schaffens ist. Lassen Sie sich von der einzigartigen Atmosphäre der Villa inspirieren, wo einst bedeutende Werke von Sam Francis und Marc Chagall zu sehen waren. Ein Muss für Photographie-Interessierte und solche, die es werden wollen!

Nous avons le plaisir de vous inviter à la très intéressante exposition « Unikat-Photographie », qui se tient dans la villa historique de l'ancienne galerie Kornfeld, Titlisstrasse 48, à Zurich. Cette exposition pop-up unique, organisée par l'historien de l'art et de la photographie Gabriel S. R. Müller, présente quatre positions contemporaines qui célèbrent la diversité et l'unicité de l'art photographique. En raison de son travail de longue date dans une maison de vente aux enchères suisse de renommée internationale, le marchand d'art connaît parfaitement les techniques les plus diverses de la photographie et apporte ses vastes connaissances au commissariat de cette exposition. Venez découvrir les œuvres impressionnantes de Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler et Mario Rothenbühler, qui font dialoguer de manière passionnante différents concepts et techniques artistiques tels que le collodion à plaque humide, les cyanotypes, les prises de vue Polaroid et les impressions Lightjet. L'idée de base de l'exposition est de mettre en relation les procédés photographiques historiques et contemporains et de souligner l'importance des pièces uniques en photographie. En général, ces artistes travaillent exclusivement avec des pièces uniques, soit en raison de la technique choisie, soit parce que cela fait partie intégrante de leur travail artistique. Laissez-vous inspirer par l'atmosphère unique de la villa, qui abritait autrefois des œuvres importantes de Sam Francis et Marc Chagall. Un must pour les amateurs de photographie et ceux qui souhaitent le devenir !

Vi invitiamo cordialmente all'interessantissima mostra “Unikat-Photographie”, che si terrà nella storica villa dell'ex Galerie Kornfeld in Titlisstrasse 48 a Zurigo. Questa mostra pop-up unica, curata dallo storico dell'arte e della fotografia Gabriel S. R. Müller, presenta quattro posizioni contemporanee che celebrano la diversità e l'unicità dell'arte fotografica. Avendo lavorato per molti anni in una casa d'aste svizzera di fama internazionale, il mercante d'arte ha una grande familiarità con un'ampia varietà di tecniche fotografiche e apporta la sua vasta conoscenza alla cura di questa mostra. Scoprite le impressionanti opere di Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler e Mario Rothenbühler, che mettono in dialogo concetti e tecniche artistiche diverse, come il collodio a umido, le cianotipie, le Polaroid e le stampe a getto di luce. L'idea di base della mostra è quella di combinare processi fotografici storici e contemporanei e di sottolineare l'importanza dei pezzi unici in fotografia. Di norma, questi artisti lavorano esclusivamente con pezzi unici, sia per la tecnica scelta sia perché è parte integrante del loro lavoro artistico. Lasciatevi ispirare dall'atmosfera unica della villa, dove un tempo erano esposte importanti opere di Sam Francis e Marc Chagall. Un'occasione imperdibile per gli appassionati di fotografia e per chi vuole diventarlo!

We cordially invite you to the highly interesting exhibition “Unikat-Photographie”, which is taking place in the historic villa of the former Kornfeld Gallery at Titlisstrasse 48 in Zurich. This unique pop-up exhibition, curated by art and photo historian Gabriel S. R. Müller, presents four contemporary positions that celebrate the diversity and uniqueness of photographic art. Due to his many years of working in an internationally renowned Swiss auction house, the art dealer is very familiar with a wide range of photographic techniques and brings his extensive knowledge to the curation of this exhibition. Experience the impressive works of Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler and Mario Rothenbühler, which bring various artistic concepts and techniques such as wet-plate collodion, cyanotypes, Polaroid shots and lightjet prints into an exciting dialogue. The basic idea of the exhibition is to combine historical and contemporary photographic processes and to emphasize the importance of unique pieces in photography. These artists usually work exclusively with unique pieces, either because of the technique they have chosen or because it is an integral part of their artistic practice. Be inspired by the unique atmosphere of the villa, where important works by Sam Francis and Marc Chagall were once on display. A must for those who are interested in photography and those who want to become interested!

Villa der Galerie Kornfeld | Zürich
23. November 2024

Führung durch die Ausstellung mit Alessa Widmer

Unikat-Photographie – Kunstbroker zu Gast bei Titilis 48
Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen, Mario Rothenbühler

Anmeldung

Wir laden Sie herzlich ein zur hochinteressanten Ausstellung „Unikat-Photographie“, die in der historischen Villa der ehemaligen Galerie Kornfeld an der Titlisstrasse 48 in Zürich stattfindet. Diese einmalige Pop-Up-Ausstellung, kuratiert von dem Kunst- und Photohistoriker Gabriel S. R. Müller, präsentiert vier zeitgenössische Positionen, die die Vielfalt und Einzigartigkeit der photographischen Kunst zelebrieren. Aufgrund seiner langjährigen Arbeit in einem international renommierten Schweizer Auktionshaus ist der Kunsthändler bestens mit verschiedensten Techniken der Photographie vertraut und bringt sein umfangreiches Wissen in die Kuratierung dieser Ausstellung ein. Erleben Sie die beeindruckenden Werke von Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler und Mario Rothenbühler, die verschiedene künstlerische Konzepte und Techniken wie Nassplatten-Kollodium, Cyanotypien, Polaroid-Aufnahmen und Lightjet-Prints in einen spannenden Dialog bringen. Die Grundidee der Ausstellung ist es, historische und zeitgenössische photographische Verfahren miteinander zu verknüpfen und die Bedeutung von Unikaten in der Photographie hervorzuheben. Diese Künstler arbeiten in der Regel ausschließlich mit Unikaten, sei es aufgrund der gewählten Technik oder weil es fester Bestandteil ihres künstlerischen Schaffens ist. Lassen Sie sich von der einzigartigen Atmosphäre der Villa inspirieren, wo einst bedeutende Werke von Sam Francis und Marc Chagall zu sehen waren. Ein Muss für Photographie-Interessierte und solche, die es werden wollen!

Nous avons le plaisir de vous inviter à la très intéressante exposition « Unikat-Photographie », qui se tient dans la villa historique de l'ancienne galerie Kornfeld, Titlisstrasse 48, à Zurich. Cette exposition pop-up unique, organisée par l'historien de l'art et de la photographie Gabriel S. R. Müller, présente quatre positions contemporaines qui célèbrent la diversité et l'unicité de l'art photographique. En raison de son travail de longue date dans une maison de vente aux enchères suisse de renommée internationale, le marchand d'art connaît parfaitement les techniques les plus diverses de la photographie et apporte ses vastes connaissances au commissariat de cette exposition. Venez découvrir les œuvres impressionnantes de Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler et Mario Rothenbühler, qui font dialoguer de manière passionnante différents concepts et techniques artistiques tels que le collodion à plaque humide, les cyanotypes, les prises de vue Polaroid et les impressions Lightjet. L'idée de base de l'exposition est de mettre en relation les procédés photographiques historiques et contemporains et de souligner l'importance des pièces uniques en photographie. En général, ces artistes travaillent exclusivement avec des pièces uniques, soit en raison de la technique choisie, soit parce que cela fait partie intégrante de leur travail artistique. Laissez-vous inspirer par l'atmosphère unique de la villa, qui abritait autrefois des œuvres importantes de Sam Francis et Marc Chagall. Un must pour les amateurs de photographie et ceux qui souhaitent le devenir !

Vi invitiamo cordialmente all'interessantissima mostra “Unikat-Photographie”, che si terrà nella storica villa dell'ex Galerie Kornfeld in Titlisstrasse 48 a Zurigo. Questa mostra pop-up unica, curata dallo storico dell'arte e della fotografia Gabriel S. R. Müller, presenta quattro posizioni contemporanee che celebrano la diversità e l'unicità dell'arte fotografica. Avendo lavorato per molti anni in una casa d'aste svizzera di fama internazionale, il mercante d'arte ha una grande familiarità con un'ampia varietà di tecniche fotografiche e apporta la sua vasta conoscenza alla cura di questa mostra. Scoprite le impressionanti opere di Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler e Mario Rothenbühler, che mettono in dialogo concetti e tecniche artistiche diverse, come il collodio a umido, le cianotipie, le Polaroid e le stampe a getto di luce. L'idea di base della mostra è quella di combinare processi fotografici storici e contemporanei e di sottolineare l'importanza dei pezzi unici in fotografia. Di norma, questi artisti lavorano esclusivamente con pezzi unici, sia per la tecnica scelta sia perché è parte integrante del loro lavoro artistico. Lasciatevi ispirare dall'atmosfera unica della villa, dove un tempo erano esposte importanti opere di Sam Francis e Marc Chagall. Un'occasione imperdibile per gli appassionati di fotografia e per chi vuole diventarlo!

We cordially invite you to the highly interesting exhibition “Unikat-Photographie”, which is taking place in the historic villa of the former Kornfeld Gallery at Titlisstrasse 48 in Zurich. This unique pop-up exhibition, curated by art and photo historian Gabriel S. R. Müller, presents four contemporary positions that celebrate the diversity and uniqueness of photographic art. Due to his many years of working in an internationally renowned Swiss auction house, the art dealer is very familiar with a wide range of photographic techniques and brings his extensive knowledge to the curation of this exhibition. Experience the impressive works of Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler and Mario Rothenbühler, which bring various artistic concepts and techniques such as wet-plate collodion, cyanotypes, Polaroid shots and lightjet prints into an exciting dialogue. The basic idea of the exhibition is to combine historical and contemporary photographic processes and to emphasize the importance of unique pieces in photography. These artists usually work exclusively with unique pieces, either because of the technique they have chosen or because it is an integral part of their artistic practice. Be inspired by the unique atmosphere of the villa, where important works by Sam Francis and Marc Chagall were once on display. A must for those who are interested in photography and those who want to become interested!

Villa der Galerie Kornfeld | Zürich
21. November 2024

Daniel Blochwitz im Gespräch mit Monica von Rosen

Unikat-Photographie – Kunstbroker zu Gast bei Titilis 48
Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen, Mario Rothenbühler

Anmeldung

Wir laden Sie herzlich ein zur hochinteressanten Ausstellung „Unikat-Photographie“, die in der historischen Villa der ehemaligen Galerie Kornfeld an der Titlisstrasse 48 in Zürich stattfindet. Diese einmalige Pop-Up-Ausstellung, kuratiert von dem Kunst- und Photohistoriker Gabriel S. R. Müller, präsentiert vier zeitgenössische Positionen, die die Vielfalt und Einzigartigkeit der photographischen Kunst zelebrieren. Aufgrund seiner langjährigen Arbeit in einem international renommierten Schweizer Auktionshaus ist der Kunsthändler bestens mit verschiedensten Techniken der Photographie vertraut und bringt sein umfangreiches Wissen in die Kuratierung dieser Ausstellung ein. Erleben Sie die beeindruckenden Werke von Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler und Mario Rothenbühler, die verschiedene künstlerische Konzepte und Techniken wie Nassplatten-Kollodium, Cyanotypien, Polaroid-Aufnahmen und Lightjet-Prints in einen spannenden Dialog bringen. Die Grundidee der Ausstellung ist es, historische und zeitgenössische photographische Verfahren miteinander zu verknüpfen und die Bedeutung von Unikaten in der Photographie hervorzuheben. Diese Künstler arbeiten in der Regel ausschließlich mit Unikaten, sei es aufgrund der gewählten Technik oder weil es fester Bestandteil ihres künstlerischen Schaffens ist. Lassen Sie sich von der einzigartigen Atmosphäre der Villa inspirieren, wo einst bedeutende Werke von Sam Francis und Marc Chagall zu sehen waren. Ein Muss für Photographie-Interessierte und solche, die es werden wollen!

Nous avons le plaisir de vous inviter à la très intéressante exposition « Unikat-Photographie », qui se tient dans la villa historique de l'ancienne galerie Kornfeld, Titlisstrasse 48, à Zurich. Cette exposition pop-up unique, organisée par l'historien de l'art et de la photographie Gabriel S. R. Müller, présente quatre positions contemporaines qui célèbrent la diversité et l'unicité de l'art photographique. En raison de son travail de longue date dans une maison de vente aux enchères suisse de renommée internationale, le marchand d'art connaît parfaitement les techniques les plus diverses de la photographie et apporte ses vastes connaissances au commissariat de cette exposition. Venez découvrir les œuvres impressionnantes de Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler et Mario Rothenbühler, qui font dialoguer de manière passionnante différents concepts et techniques artistiques tels que le collodion à plaque humide, les cyanotypes, les prises de vue Polaroid et les impressions Lightjet. L'idée de base de l'exposition est de mettre en relation les procédés photographiques historiques et contemporains et de souligner l'importance des pièces uniques en photographie. En général, ces artistes travaillent exclusivement avec des pièces uniques, soit en raison de la technique choisie, soit parce que cela fait partie intégrante de leur travail artistique. Laissez-vous inspirer par l'atmosphère unique de la villa, qui abritait autrefois des œuvres importantes de Sam Francis et Marc Chagall. Un must pour les amateurs de photographie et ceux qui souhaitent le devenir !

Vi invitiamo cordialmente all'interessantissima mostra “Unikat-Photographie”, che si terrà nella storica villa dell'ex Galerie Kornfeld in Titlisstrasse 48 a Zurigo. Questa mostra pop-up unica, curata dallo storico dell'arte e della fotografia Gabriel S. R. Müller, presenta quattro posizioni contemporanee che celebrano la diversità e l'unicità dell'arte fotografica. Avendo lavorato per molti anni in una casa d'aste svizzera di fama internazionale, il mercante d'arte ha una grande familiarità con un'ampia varietà di tecniche fotografiche e apporta la sua vasta conoscenza alla cura di questa mostra. Scoprite le impressionanti opere di Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler e Mario Rothenbühler, che mettono in dialogo concetti e tecniche artistiche diverse, come il collodio a umido, le cianotipie, le Polaroid e le stampe a getto di luce. L'idea di base della mostra è quella di combinare processi fotografici storici e contemporanei e di sottolineare l'importanza dei pezzi unici in fotografia. Di norma, questi artisti lavorano esclusivamente con pezzi unici, sia per la tecnica scelta sia perché è parte integrante del loro lavoro artistico. Lasciatevi ispirare dall'atmosfera unica della villa, dove un tempo erano esposte importanti opere di Sam Francis e Marc Chagall. Un'occasione imperdibile per gli appassionati di fotografia e per chi vuole diventarlo!

We cordially invite you to the highly interesting exhibition “Unikat-Photographie”, which is taking place in the historic villa of the former Kornfeld Gallery at Titlisstrasse 48 in Zurich. This unique pop-up exhibition, curated by art and photo historian Gabriel S. R. Müller, presents four contemporary positions that celebrate the diversity and uniqueness of photographic art. Due to his many years of working in an internationally renowned Swiss auction house, the art dealer is very familiar with a wide range of photographic techniques and brings his extensive knowledge to the curation of this exhibition. Experience the impressive works of Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler and Mario Rothenbühler, which bring various artistic concepts and techniques such as wet-plate collodion, cyanotypes, Polaroid shots and lightjet prints into an exciting dialogue. The basic idea of the exhibition is to combine historical and contemporary photographic processes and to emphasize the importance of unique pieces in photography. These artists usually work exclusively with unique pieces, either because of the technique they have chosen or because it is an integral part of their artistic practice. Be inspired by the unique atmosphere of the villa, where important works by Sam Francis and Marc Chagall were once on display. A must for those who are interested in photography and those who want to become interested!

Bildhalle | Zürich
21. November 2024

Christine Kruchen, Hoepker’s Frau, wird anwesend sein

Hommage an Thomas Hoepker

Am 10. Juli 2024 ist der weltbekannte Fotograf Thomas Hoepker im Beisein seiner Familie friedlich eingeschlafen. Während der letzten 10 Jahre war die Bildhalle Thomas Hoepker eng verbunden und hat seine ikonischen Bilder in mehreren Einzelausstellungen in Zürich und Amsterdam gezeigt. Wir laden Sie herzlich ein, seinGesamtwerk, seine Lebensgeschichte und warmherzige Persönlichkeit mit dieser Retrospektive zu würdigen.

1936 in München geboren, zählte Thomas Hoepker zu den bedeutendsten Fotografen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Als ruheloser und leidenschaftlicher Fotojournalist hat er das – nach den 1920er und 30er Jahren – zweite goldene Zeitalter des Fotojournalismus nicht nur erlebt, er hat es mitgeprägt. Als Bildjournalist für Zeitschriften wie Stern, Geo, Kristall oder die Münchner Illustrierte, als Art Director, Buchautor, Filmemacher hat Hoepker Fotogeschichte geschrieben. Nicht wenige seiner Reportagen in Schwarzweiss und Farbe zählen zu den Höhepunkten des neueren Fotojournalismus.

1964 bekam er als Fotoreporter für den Stern die Möglichkeit, den Boxer Muhammad Ali während 10 Jahren in regelmässigen Abständen zu porträtieren. 1966 reiste er nach London und Chicago und begleitete die Boxerlegende zusammen mit seiner damaligen Frau und Stern-Journalistin Eva Windmöller. 1970 dokumentierte Hoepker, wie sich Ali nach einigen Jahren des Rückzugs auf den «Jahrhundertkampf» gegen Joe Frazier vorbereitete. Viele dieser Bilder gingen um die Welt und wurden zu fotografischen Ikonen. Sie wurden in Museen ausgestellt und sind Bestandteil vieler Sammlungen.

1976 zog Thomas Hoepker als Korrespondent für den Stern nach New York und war bis 1981 Fotodirektor der amerikanischen Ausgabe des GEO. 1987 bis 1989 folgten dann Jahre als Art Director für den Stern in Hamburg. 1989 wurde Thomas Hoepker das erste deutsche Vollmitglied bei der renommierten Fotografenagentur Magnum und war deren Präsident von 2003 bis 2006. Er war mit der deutschen Filmemacherin Christine Kruchen verheiratet.

Im Jahr 2017 wurde bei Thomas Hoepker Alzheimer diagnostiziert. Sein Traum war es, ein letztes Mal die USA zu bereisen, wie er es in den frühen 1960er Jahren für sein Projekt «Heartland» gemacht hat. Ein Filmteam begleitete ihn und seine Frau Christine dabei. Daraus entstanden ist «Dear Memories», ein bildstarker und berührender Dokumentarfilm über einen Fotografen, der ein Leben lang kulturelle und historische Erinnerungsbilder geschaffen hat und für den am Ende diese Bilder eine Art «ausgelagertes» Gedächtnis wurden.

«In Thomas Hoepker’s Bildern herrscht ausgelassene Lebendigkeit. Nicht, dass er vor den Misslichkeiten der Welt die Augen verschliesst, aber er erlag nie der Versuchung jenes Bildjournalismus, der sich durch die Darstellung des Schreckens hervortut. Der zynischen Analyse, dass Reporterglück oft das Unglück anderer sei, setzte er mit seinen Bildern die Behauptung entgegen, das Unglück anderer sei immer zugleich das Unglück aller. So liess er nichts ungenutzt, die Kamera als Waffe im Kampf für eine gerechtere Welt einzusetzen.

Lange bevor Charterflüge Reisen erschwinglich machten, addierten sich seine Aufnahmen beim Betrachter zu einem Gesamteindruck, in dem ebenso Raum war für das Gewusel der Grossstadt wie für die Weite leerer Landstriche. Am Ende aber spielten immer die Menschen mit ihren Sorgen, Schrullen und Spleens die wichtigste Rolle. Dabei verband Hoepker seine kompositorische Sicherheit stets mit einem tief empfundenen Humanismus.

Nie hat er den eigentlichen Auftrag jedes Berichterstatters vergessen: Stellvertreter zu sein für jene, die nie dorthin kommen werden, wovon er erzählt.»

Le 10 juillet 2024, le photographe de renommée mondiale Thomas Hoepker s'est endormi paisiblement en présence de sa famille. Au cours des dix dernières années, la Bildhalle a été étroitement liée à Thomas Hoepker et a présenté ses visuels emblématiques dans plusieurs expositions individuelles à Zurich et Amsterdam. Nous vous invitons à rendre hommage à l'ensemble de son œuvre, à l'histoire de sa vie et à sa personnalité chaleureuse à travers cette rétrospective.

Né en 1936 à Munich, Thomas Hoepker comptait parmi les photographes les plus importants de la seconde moitié du 20e siècle. Photojournaliste agité et passionné, il n'a pas seulement vécu le deuxième âge d'or du photojournalisme - après les années 1920 et 1930 - mais il l'a également marqué de son empreinte. En tant que photojournaliste pour des magazines comme Stern, Geo, Kristall ou la Münchner Illustrierte, en tant que directeur artistique, auteur de livres et réalisateur de films, Hoepker a écrit l'histoire de la photographie. Un grand nombre de ses reportages en noir et blanc et en couleur comptent parmi les points forts du photojournalisme moderne.

En 1964, il a eu l'occasion, en tant que photoreporter pour le Stern, de faire le portrait du boxeur Muhammad Ali à intervalles réguliers pendant 10 ans. En 1966, il s'est rendu à Londres et à Chicago et a accompagné la légende de la boxe avec sa femme de l'époque, Eva Windmöller, journaliste au Stern. En 1970, Hoepker a documenté la manière dont Ali, après quelques années de retraite, se préparait au « combat du siècle » contre Joe Frazier. Nombre de ces visuels ont fait le tour du monde et sont devenus des icônes photographiques. Elles ont été exposées dans des musées et font partie de nombreuses collections.

En 1976, Thomas Hoepker s'installa à New York en tant que correspondant pour le Stern et fut directeur photo de l'édition américaine de GEO jusqu'en 1981. De 1987 à 1989, il a ensuite travaillé comme directeur artistique pour le Stern à Hambourg. En 1989, Thomas Hoepker est devenu le premier membre allemand à part entière de la célèbre agence de photographie Magnum, dont il a été le président de 2003 à 2006. Il était marié à la cinéaste allemande Christine Kruchen.

En 2017, la maladie d'Alzheimer a été diagnostiquée chez Thomas Hoepker. Son rêve était de parcourir une dernière fois les États-Unis, comme il l'avait fait au début des années 1960 pour son projet « Heartland ». Une équipe de tournage l'a accompagné dans cette aventure avec sa femme Christine. Il en est résulté « Dear Memories », un documentaire riche en images et touchant sur un photographe qui a passé sa vie à créer des images souvenirs culturelles et historiques et pour qui ces visuels sont finalement devenus une sorte de mémoire « délocalisée ».

« Il règne dans les visuels de Thomas Hoepker une vivacité exubérante. Non pas qu'il ferme les yeux sur les malheurs du monde, mais il n'a jamais cédé à la tentation de ce photojournalisme qui excelle dans la représentation de l'horreur. A l'analyse cynique selon laquelle le bonheur des reporters est souvent le malheur des autres, il opposait par ses visuels l'affirmation selon laquelle le malheur des autres est toujours en même temps le malheur de tous. Il n'a donc pas hésité à utiliser sa caméra comme une arme dans la lutte pour un monde plus juste.

Bien avant que les vols charters ne rendent les voyages abordables, ses clichés s'additionnaient pour donner au spectateur une impression d'ensemble, dans laquelle il y avait autant de place pour l'agitation de la grande ville que pour l'immensité des campagnes vides. Mais au final, ce sont toujours les gens qui jouent le rôle le plus important, avec leurs soucis, leurs bizarreries et leurs spleens. Hoepker a toujours associé son assurance dans la composition à un humanisme profondément ressenti.

Il n'a jamais oublié la véritable mission de tout chroniqueur : être le représentant de ceux qui n'arriveront jamais là où il raconte ».

Il 10 luglio 2024, il fotografo di fama mondiale Thomas Hoepker si è spento serenamente in presenza della sua famiglia. Negli ultimi 10 anni, la Bildhalle è stata strettamente legata a Thomas Hoepker e ha esposto le sue immagini iconiche in diverse mostre personali a Zurigo e Amsterdam. Vi invitiamo cordialmente a onorare la sua opera, la sua storia di vita e la sua calorosa personalità con questa retrospettiva.

Nato a Monaco nel 1936, Thomas Hoepker è stato uno dei fotografi più importanti della seconda metà del XX secolo. Come fotoreporter inquieto e appassionato, non solo ha vissuto la seconda età dell'oro del fotogiornalismo - dopo gli anni '20 e '30 - ma ha anche contribuito a plasmarla. Come fotoreporter per riviste come Stern, Geo, Kristall o Münchner Illustrierte, come direttore artistico, autore di libri e regista, Hoepker ha scritto la storia della fotografia. Molti dei suoi reportage in bianco e nero e a colori sono tra i punti salienti del fotogiornalismo moderno.

Nel 1964, come fotoreporter per la rivista Stern, ebbe l'opportunità di ritrarre il pugile Muhammad Ali a intervalli regolari per 10 anni. Nel 1966, si reca a Londra e a Chicago e accompagna la leggenda del pugilato insieme all'allora moglie e giornalista di Stern Eva Windmöller. Nel 1970, Hoepker ha documentato come Ali si sia preparato per il “combattimento del secolo” contro Joe Frazier dopo diversi anni di ritiro. Molte di queste immagini hanno fatto il giro del mondo e sono diventate icone fotografiche. Sono state esposte nei musei e fanno parte di molte collezioni.

Nel 1976, Thomas Hoepker si trasferì a New York come corrispondente della rivista Stern e fu direttore fotografico dell'edizione americana di GEO fino al 1981. In seguito, dal 1987 al 1989, è stato direttore artistico di Stern ad Amburgo. Nel 1989, Thomas Hoepker è diventato il primo membro tedesco a pieno titolo della rinomata agenzia fotografica Magnum, di cui è stato presidente dal 2003 al 2006. È stato sposato con la regista tedesca Christine Kruchen.

Nel 2017 a Thomas Hoepker è stato diagnosticato il morbo di Alzheimer. Il suo sogno era quello di viaggiare per l'ultima volta negli Stati Uniti, come aveva fatto all'inizio degli anni '60 per il suo progetto “Heartland”. Un team cinematografico ha accompagnato lui e sua moglie Christine. Il risultato è “Dear Memories”, un film documentario visivamente potente e toccante su un fotografo che ha trascorso una vita a creare memorie culturali e storiche e per il quale queste immagini sono diventate in ultima analisi una sorta di memoria “esternalizzata”.

“Le immagini di Thomas Hoepker sono piene di esuberante vitalità. Non che abbia chiuso un occhio sui mali del mondo, ma non ha mai ceduto alla tentazione del fotogiornalismo, che eccelle nella rappresentazione dell'orrore. Ha usato le sue immagini per contrastare l'analisi cinica secondo cui la felicità dei reporter è spesso la disgrazia degli altri con l'affermazione che la disgrazia degli altri è sempre la disgrazia di tutti. Non ha lasciato nulla di intentato per usare la macchina fotografica come arma nella lotta per un mondo più giusto.

Molto tempo prima che i voli charter rendessero accessibili i viaggi, le sue fotografie davano un'impressione generale all'osservatore, in cui c'era tanto spazio per il trambusto della grande città quanto per la vastità delle distese vuote. Alla fine, però, sono sempre le persone con le loro preoccupazioni, le loro stranezze e le loro idiosincrasie a giocare il ruolo più importante. Hoepker ha sempre combinato la sua sicurezza compositiva con un umanesimo profondamente sentito.

Non ha mai dimenticato la vera missione di ogni reporter: essere un rappresentante di coloro che non arriveranno mai dove lui sta raccontando la storia”.

On July 10, 2024, world-renowned photographer Thomas Hoepker passed away peacefully in the presence of his family. For the past 10 years, Bildhalle Thomas Hoepker has been closely associated with him and has shown his iconic images in several solo exhibitions in Zurich and Amsterdam. We warmly invite you to honor his life's work, his life story and warm personality with this retrospective.

Born in Munich in 1936, Thomas Hoepker is considered one of the most important photographers of the second half of the 20th century. As a restless and passionate photojournalist, he not only experienced the second golden age of photojournalism after the 1920s and 30s, he helped shape it. Hoepker has made photographic history as a photojournalist for magazines such as Stern, Geo, Kristall and Münchner Illustrierte, as an art director, book author and filmmaker. Many of his photojournalistic reports in black and white and color are among the highlights of modern photojournalism.

In 1964, he had the opportunity to portray boxer Muhammad Ali at regular intervals over a period of ten years as a photojournalist for Stern magazine. In 1966, he traveled to London and Chicago with the boxer's then-wife and Stern journalist Eva Windmöller. In 1970, Hoepker documented how Ali prepared for the “fight of the century” against Joe Frazier after several years of retirement. Many of these images went around the world and became photographic icons. They have been exhibited in museums and are part of many collections.

In 1976, Thomas Hoepker moved to New York as a correspondent for Stern magazine and was photo director of the American edition of GEO magazine until 1981. From 1987 to 1989, he worked as art director for Stern magazine in Hamburg. In 1989, Thomas Hoepker became the first German full member of the renowned photographers' agency Magnum Photos and was its president from 2003 to 2006. He was married to German filmmaker Christine Kruchen.

In 2017, Thomas Hoepker was diagnosed with Alzheimer's. His dream was to travel across the United States one last time, as he had done in the early 1960s for his project “Heartland”. A film crew accompanied him and his wife Christine on the trip. The result is “Dear Memories”, a visually stunning and touching documentary about a photographer who has spent a lifetime creating cultural and historical images and for whom, in the end, these images became a kind of “outsourced” memory.

“Thomas Hoepker's images are full of exuberant liveliness. Not that he closes his eyes to the world's misfortunes, but he never succumbed to the temptation of photojournalism that excels in depicting horror. He countered the cynical analysis that a reporter's luck is often someone else's misfortune with his images, asserting that the misfortune of others is always everyone's misfortune. He left no stone unturned in his use of the camera as a weapon in the fight for a fairer world.

Long before charter flights made travel affordable, his pictures added up to an overall impression for the viewer, with room for the hustle and bustle of the big city as well as the expanse of empty landscapes. But in the end, it was always the people with their worries, quirks and idiosyncrasies who played the most important role. In doing so, Hoepker always combined his compositional confidence with a deeply felt humanism.

He never forgot the real mission of every reporter: to be a representative for those who will never get to where he is telling the story.”

(Text: Freddy Langer)

Villa der Galerie Kornfeld | Zürich
20. November 2024

Unikat-Photographie – Kunstbroker zu Gast bei Titilis 48
Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen, Mario Rothenbühler

Anmeldung

Wir laden Sie herzlich ein zur hochinteressanten Ausstellung „Unikat-Photographie“, die in der historischen Villa der ehemaligen Galerie Kornfeld an der Titlisstrasse 48 in Zürich stattfindet. Diese einmalige Pop-Up-Ausstellung, kuratiert von dem Kunst- und Photohistoriker Gabriel S. R. Müller, präsentiert vier zeitgenössische Positionen, die die Vielfalt und Einzigartigkeit der photographischen Kunst zelebrieren. Aufgrund seiner langjährigen Arbeit in einem international renommierten Schweizer Auktionshaus ist der Kunsthändler bestens mit verschiedensten Techniken der Photographie vertraut und bringt sein umfangreiches Wissen in die Kuratierung dieser Ausstellung ein. Erleben Sie die beeindruckenden Werke von Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler und Mario Rothenbühler, die verschiedene künstlerische Konzepte und Techniken wie Nassplatten-Kollodium, Cyanotypien, Polaroid-Aufnahmen und Lightjet-Prints in einen spannenden Dialog bringen. Die Grundidee der Ausstellung ist es, historische und zeitgenössische photographische Verfahren miteinander zu verknüpfen und die Bedeutung von Unikaten in der Photographie hervorzuheben. Diese Künstler arbeiten in der Regel ausschließlich mit Unikaten, sei es aufgrund der gewählten Technik oder weil es fester Bestandteil ihres künstlerischen Schaffens ist. Lassen Sie sich von der einzigartigen Atmosphäre der Villa inspirieren, wo einst bedeutende Werke von Sam Francis und Marc Chagall zu sehen waren. Ein Muss für Photographie-Interessierte und solche, die es werden wollen!

Nous avons le plaisir de vous inviter à la très intéressante exposition « Unikat-Photographie », qui se tient dans la villa historique de l'ancienne galerie Kornfeld, Titlisstrasse 48, à Zurich. Cette exposition pop-up unique, organisée par l'historien de l'art et de la photographie Gabriel S. R. Müller, présente quatre positions contemporaines qui célèbrent la diversité et l'unicité de l'art photographique. En raison de son travail de longue date dans une maison de vente aux enchères suisse de renommée internationale, le marchand d'art connaît parfaitement les techniques les plus diverses de la photographie et apporte ses vastes connaissances au commissariat de cette exposition. Venez découvrir les œuvres impressionnantes de Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler et Mario Rothenbühler, qui font dialoguer de manière passionnante différents concepts et techniques artistiques tels que le collodion à plaque humide, les cyanotypes, les prises de vue Polaroid et les impressions Lightjet. L'idée de base de l'exposition est de mettre en relation les procédés photographiques historiques et contemporains et de souligner l'importance des pièces uniques en photographie. En général, ces artistes travaillent exclusivement avec des pièces uniques, soit en raison de la technique choisie, soit parce que cela fait partie intégrante de leur travail artistique. Laissez-vous inspirer par l'atmosphère unique de la villa, qui abritait autrefois des œuvres importantes de Sam Francis et Marc Chagall. Un must pour les amateurs de photographie et ceux qui souhaitent le devenir !

Vi invitiamo cordialmente all'interessantissima mostra “Unikat-Photographie”, che si terrà nella storica villa dell'ex Galerie Kornfeld in Titlisstrasse 48 a Zurigo. Questa mostra pop-up unica, curata dallo storico dell'arte e della fotografia Gabriel S. R. Müller, presenta quattro posizioni contemporanee che celebrano la diversità e l'unicità dell'arte fotografica. Avendo lavorato per molti anni in una casa d'aste svizzera di fama internazionale, il mercante d'arte ha una grande familiarità con un'ampia varietà di tecniche fotografiche e apporta la sua vasta conoscenza alla cura di questa mostra. Scoprite le impressionanti opere di Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler e Mario Rothenbühler, che mettono in dialogo concetti e tecniche artistiche diverse, come il collodio a umido, le cianotipie, le Polaroid e le stampe a getto di luce. L'idea di base della mostra è quella di combinare processi fotografici storici e contemporanei e di sottolineare l'importanza dei pezzi unici in fotografia. Di norma, questi artisti lavorano esclusivamente con pezzi unici, sia per la tecnica scelta sia perché è parte integrante del loro lavoro artistico. Lasciatevi ispirare dall'atmosfera unica della villa, dove un tempo erano esposte importanti opere di Sam Francis e Marc Chagall. Un'occasione imperdibile per gli appassionati di fotografia e per chi vuole diventarlo!

We cordially invite you to the highly interesting exhibition “Unikat-Photographie”, which is taking place in the historic villa of the former Kornfeld Gallery at Titlisstrasse 48 in Zurich. This unique pop-up exhibition, curated by art and photo historian Gabriel S. R. Müller, presents four contemporary positions that celebrate the diversity and uniqueness of photographic art. Due to his many years of working in an internationally renowned Swiss auction house, the art dealer is very familiar with a wide range of photographic techniques and brings his extensive knowledge to the curation of this exhibition. Experience the impressive works of Steffen Diemer, Gemma Pepper, Monica von Rosen Nestler and Mario Rothenbühler, which bring various artistic concepts and techniques such as wet-plate collodion, cyanotypes, Polaroid shots and lightjet prints into an exciting dialogue. The basic idea of the exhibition is to combine historical and contemporary photographic processes and to emphasize the importance of unique pieces in photography. These artists usually work exclusively with unique pieces, either because of the technique they have chosen or because it is an integral part of their artistic practice. Be inspired by the unique atmosphere of the villa, where important works by Sam Francis and Marc Chagall were once on display. A must for those who are interested in photography and those who want to become interested!

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
18. Oktober 2024

Bilder und Fragmente
Binia Bill

Ambitioniert und selbstbewusst wandte sich Binia Bill (19041988) der Fotografie zu: Nach ihrer Ausbildung zur Konzertcellistin besuchte sie 1930 die Fotoklasse von Lucia Moholy an der Berliner Itten-Schule und arbeitete zurück in Zürich als freie Fotografin. 1931 heiratete sie den Architekten und Künstler Max Bill. Für den gemeinsamen Lebensunterhalt gestaltete das Ehepaar Werbeaufträge, für die sie das Bildmaterial produzierte und er Typografie und Layout entwarf. In den darauffolgenden Jahren schuf Binia Bill ein beachtliches fotografisches Werk: Ihre Porträtaufnahmen und Stillleben zeichnen sich durch eine klare Bildsprache aus, die mit der Ästhetik des «Neuen Sehens» verwandt ist. Das Interesse für Perspektiven und Oberflächen, für das Spiel mit Licht und Schatten verband Binia Bill jedoch mit einer ganz eigenen Sensibilität, die ihren Blick auf Objekte, Pflanzen, Tiere und Menschen prägte.

Als sie 1942 Mutter wurde, gab Binia Bill die Fotografie auf – ihr Werk geriet in Vergessenheit. Was davon erhalten ist, zeugt nicht nur von einer aussergewöhnlichen Schaffenskraft, sondern weist ihr auch einen wichtigen Platz in der Fotogeschichte zu. Sie gehört zu den wenigen Frauen in der Schweiz, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts professionell und künstlerisch mit der Kamera tätig waren. Genau zwei Jahrzehnte nach der ersten und bisher einzigen Retrospektive im Aargauer Kunsthaus ist es höchste Zeit, ihr Schaffen mit Einbezug unveröffentlichter Arbeiten neu zu würdigen.

C’est avec ambition et assurance que Binia Bill (1904–1988) se tourna vers la photographie. Après sa formation de violoncelliste, elle suivit en 1930 la classe de photographie de Lucia Moholy à l’école Itten de Berlin et travailla ensuite, de retour à Zurich, comme photographe indépendante. En 1931, elle épousa l’architecte et artiste Max Bill. Pour subvenir ensemble à leurs besoins, le couple réalisait des commandes publicitaires pour lesquelles elle produisait le matériel photographique, alors que lui concevait la typographie et la mise en page. Dans les années qui suivirent, Binia Bill créa une oeuvre photographique considérable : ses portraits et ses natures mortes se caractérisent par un langage visuel clair qui s’apparente à l’esthétique du mouvement de la « Neues Sehen ». L’intérêt de Binia Bill pour les perspectives et les surfaces, pour les jeux d’ombre et de lumière, était cependant accompagné d’une sensibilité toute particulière qui marqua son regard sur les objets, les plantes, les animaux et les hommes.

Lorsqu’elle devint mère en 1942, Binia Bill abandonna la photographie, et son œuvre tomba dans l’oubli. Ce qui en reste témoigne non seulement d’une force créatrice exceptionnelle, mais lui confère également une place importante dans l’histoire de la photographie. Elle fait partie des rares femmes en Suisse qui utilisèrent l’appareil photo de manière professionnelle et artistique durant la première moitié du XXe siècle. Exactement deux décennies après la première et jusqu’à présent unique rétrospective à l’Aargauer Kunsthaus, il est grand temps de rendre un nouvel hommage à son oeuvre en y incluant des travaux inédits.

Binia Bill (1904–1988) si accostò alla fotografia con ambizione e fiducia nei propri mezzi: dopo una formazione da violoncellista concertista, nel 1930 frequentò la sezione di fotografia alla Itten-Schule di Berlino, diretta da Lucia Moholy. Tornata a Zurigo, lavorò come fotografa indipendente. Nel 1931 sposò l’architetto e artista Max Bill. Per il sostentamento comune, la coppia lavorava a commissioni pubblicitarie: lei produceva le immagini mentre lui progettava la parte tipografica e l’impaginazione. Negli anni seguenti Binia Bill realizzò una notevole opera fotografica: i suoi ritratti e le nature morte sono caratterizzate da un chiaro linguaggio visivo, associabile all’estetica del «Neuen Sehen», la Nuova Visione. L’interesse di Binia Bill per la prospettiva e le superfici, per i giochi di luci e ombre si accompagna però a una sensibilità del tutto particolare che influenzò il suo sguardo su oggetti, piante, animali e persone.

Quando nel 1942 diventò madre, rinunciò alla fotografia – la sua opera venne quindi dimenticata. Ciò che ne è rimasto dimostra non solo la sua notevole forza creativa ma le conferisce anche un posto di rilievo nella storia della fotografia. Fa parte delle poche donne in Svizzera che nella prima metà del ventesimo secolo svolgevano un’attività professionale e artistica con la macchina fotografica. Esattamente due decenni dopo la prima e finora unica retrospettiva all’Aargauer Kunsthaus, è davvero arrivato il momento di onorare nuovamente il suo lavoro, includendo opere ancora inedite.

Binia Bill (19041988) turned to photography with ambition and confidence. After training as a concert cellist, she attended the photography class given by Lucia Moholy at Berlin’s Itten School in 1930 and worked as a freelance photographer when back in Zurich. In 1931, she married the architect and artist Max Bill. To earn a living, the couple worked together on advertising commissions, for which she produced the images while he designed the typography and layout. In the years that followed, Binia Bill created a remarkable photographic oeuvre: Her portraits and still lifes are characterised by a clear visual language that is related to the aesthetics of the ‘Neues Sehen’ movement. Binia Bill’s interest in perspectives and surfaces, in playing with light and shadow, was combined with a very distinct sensitivity though, which influenced her view of objects, plants, animals and people.

When she became a mother in 1942, Binia Bill gave up photography – her oeuvre fell into oblivion. What remains of it not only bears witness to her extraordinary creativity, but also gives her an important place in the history of photography. She was one of the few women in Switzerland to have worked professionally and artistically with a camera in the first half of the 20th century. Exactly two decades after her first and so far only retrospective, at Aargauer Kunsthaus, it is high time to honour her oeuvre anew, including her unpublished works.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Galerie Am Platz | Eglisau
1. August 2024

Im Gespräch mit Fridolin Walcher, Fotograf & Kurator der BSINTI Galerie, Braunwald

Sehnsucht Alpen
Hans Peter Jost

Anlässlich des Erscheinens seines Buches "Alpen-Blicke.ch" im Verlag Scheidegger & Spiess wurde der Fotograf Hans Peter Jost im SAC Magazin nicht als typischer Alpenfotograf charakterisiert, vielmehr als Porträtist des Berggebiets mit einem Nebeneinander von Kraftort und Kraftwerk, das den Blick auf die Alpen von Bild zu Bild bricht.

Der Fotograf reagiert damit auf die Vielschichtigkeit des Alpenraums, denn der ursprüngliche Respekt oder gar die Angst vor den Bergen und deren Naturgewalt ist im Laufe der Zeiten einer romantischen Verklärung gewichen. Die Alpen sind zu einem Ort mutiert, wo sich subjektive Sehnsüchte verwirklichen lassen - nach Kontemplation, nach Höchstleistung, nach Profit.

Hans Peter Josts visuelle Auseinandersetzung mit dem Alpenraum ist konsequent, mit seiner aktuellen Arbeit bringt er polarisierende Themenfelder auch technisch auf einen neuen Höhepunkt: Einerseits mit der Camera obscura, deren Ergebnisse Zeitgrenzen zu verwischen scheinen mit vermeintlich unberührter Natur, menschenleeren Idyllen und ohne die typisch alpine Infrastruktur. Andererseits mit Bildern des Massentourismus inmitten komfortabel möblierter Hochgebirgslandschaften, gnadenlos digital, ironisch, liebevoll…

Mit der Ausstellung "Sehnsucht Alpen" nimmt der Fotograf Hans Peter Jost die Betrachtenden erneut mit auf seinen persönlichen Weg durch die Berge.

A l'occasion de la parution de son livre "Alpen-Blicke.ch" aux éditions Scheidegger & Spiess, le photographe Hans Peter Jost a été caractérisé dans le CAS Magazine non pas comme un photographe typique des Alpes, mais plutôt comme un portraitiste de la région de montagne, avec une juxtaposition de lieux de force et de centrales électriques, qui brise le regard sur les Alpes d'un visuel à l'autre.

Le photographe réagit ainsi à la complexité de l'espace alpin, car le respect originel, voire la peur des montagnes et de leur force naturelle, a fait place au fil du temps à une transfiguration romantique. Les Alpes sont devenues un lieu où l'on peut réaliser des désirs subjectifs - de contemplation, de performance maximale, de profit.

La confrontation visuelle de Hans Peter Jost avec l'espace alpin est conséquente. Avec son travail actuel, il porte des champs thématiques polarisants à un nouveau sommet, y compris sur le plan technique : d'une part avec la camera obscura, dont les résultats semblent effacer les limites temporelles avec une nature prétendument intacte, des idylles désertes et sans l'infrastructure typiquement alpine. D'autre part, avec des visuels du tourisme de masse au milieu de paysages de haute montagne confortablement meublés, impitoyablement numériques, ironiques, affectueux...

Avec l'exposition "Sehnsucht Alpen", le photographe Hans Peter Jost emmène à nouveau les spectateurs sur son chemin personnel à travers les montagnes.

In occasione della pubblicazione del suo libro "Alpen-Blicke.ch" da parte di Scheidegger & Spiess, il fotografo Hans Peter Jost non è stato caratterizzato dalla rivista SAC come un tipico fotografo alpino, ma piuttosto come un ritrattista della regione montana con una giustapposizione di luoghi e centrali elettriche che spezza la visione delle Alpi di immagine in immagine.

Il fotografo reagisce così alla complessità della regione alpina, perché l'originario rispetto o addirittura la paura delle montagne e della loro forza naturale hanno lasciato il posto a una romantica romantizzazione nel corso del tempo. Le Alpi si sono trasformate in un luogo in cui si possono realizzare desideri soggettivi - per la contemplazione, per le massime prestazioni, per il profitto.

L'esplorazione visiva della regione alpina da parte di Hans Peter Jost è coerente e con il suo lavoro attuale porta temi polarizzanti a un nuovo culmine tecnico: da un lato con la camera oscura, i cui risultati sembrano confondere i confini del tempo con una natura presumibilmente incontaminata, idilli deserti e senza le tipiche infrastrutture alpine. Dall'altro, con le immagini del turismo di massa in mezzo a paesaggi di alta montagna confortevolmente arredati, spietatamente digitali, ironiche, affettuose...

Con la mostra "Sehnsucht Alpen", il fotografo Hans Peter Jost accompagna ancora una volta gli spettatori nel suo personale viaggio tra le montagne.

On the occasion of the publication of his book "Alpen-Blicke.ch" by Scheidegger & Spiess, the photographer Hans Peter Jost was not characterized in the SAC Magazine as a typical Alpine photographer, but rather as a portraitist of the mountain region with a juxtaposition of power place and power plant that breaks the view of the Alps from picture to picture.

The photographer thus reacts to the complexity of the Alpine region, because the original respect or even fear of the mountains and their natural power has given way to a romantic transfiguration over the course of time. The Alps have mutated into a place where subjective longings can be realized - for contemplation, for peak performance, for profit.

Hans Peter Jost's visual exploration of the Alpine region is consistent, and with his current work he takes polarizing themes to a new technical climax: on the one hand with the camera obscura, the results of which seem to blur the boundaries of time with supposedly untouched nature, deserted idylls and without the typical Alpine infrastructure. On the other hand, with visuals of mass tourism in the midst of comfortably furnished high mountain landscapes, mercilessly digital, ironic, loving...

With the exhibition "Sehnsucht Alpen", photographer Hans Peter Jost once again takes viewers up on his personal journey through the mountains.

Galerie Am Platz | Eglisau
14. Juli 2024

Einführung durch Helmut Scheben, Berggänger, Autor und langjähriger Tagesschau Journalist

Sehnsucht Alpen
Hans Peter Jost

Anlässlich des Erscheinens seines Buches "Alpen-Blicke.ch" im Verlag Scheidegger & Spiess wurde der Fotograf Hans Peter Jost im SAC Magazin nicht als typischer Alpenfotograf charakterisiert, vielmehr als Porträtist des Berggebiets mit einem Nebeneinander von Kraftort und Kraftwerk, das den Blick auf die Alpen von Bild zu Bild bricht.

Der Fotograf reagiert damit auf die Vielschichtigkeit des Alpenraums, denn der ursprüngliche Respekt oder gar die Angst vor den Bergen und deren Naturgewalt ist im Laufe der Zeiten einer romantischen Verklärung gewichen. Die Alpen sind zu einem Ort mutiert, wo sich subjektive Sehnsüchte verwirklichen lassen - nach Kontemplation, nach Höchstleistung, nach Profit.

Hans Peter Josts visuelle Auseinandersetzung mit dem Alpenraum ist konsequent, mit seiner aktuellen Arbeit bringt er polarisierende Themenfelder auch technisch auf einen neuen Höhepunkt: Einerseits mit der Camera obscura, deren Ergebnisse Zeitgrenzen zu verwischen scheinen mit vermeintlich unberührter Natur, menschenleeren Idyllen und ohne die typisch alpine Infrastruktur. Andererseits mit Bildern des Massentourismus inmitten komfortabel möblierter Hochgebirgslandschaften, gnadenlos digital, ironisch, liebevoll…

Mit der Ausstellung "Sehnsucht Alpen" nimmt der Fotograf Hans Peter Jost die Betrachtenden erneut mit auf seinen persönlichen Weg durch die Berge.

A l'occasion de la parution de son livre "Alpen-Blicke.ch" aux éditions Scheidegger & Spiess, le photographe Hans Peter Jost a été caractérisé dans le CAS Magazine non pas comme un photographe typique des Alpes, mais plutôt comme un portraitiste de la région de montagne, avec une juxtaposition de lieux de force et de centrales électriques, qui brise le regard sur les Alpes d'un visuel à l'autre.

Le photographe réagit ainsi à la complexité de l'espace alpin, car le respect originel, voire la peur des montagnes et de leur force naturelle, a fait place au fil du temps à une transfiguration romantique. Les Alpes sont devenues un lieu où l'on peut réaliser des désirs subjectifs - de contemplation, de performance maximale, de profit.

La confrontation visuelle de Hans Peter Jost avec l'espace alpin est conséquente. Avec son travail actuel, il porte des champs thématiques polarisants à un nouveau sommet, y compris sur le plan technique : d'une part avec la camera obscura, dont les résultats semblent effacer les limites temporelles avec une nature prétendument intacte, des idylles désertes et sans l'infrastructure typiquement alpine. D'autre part, avec des visuels du tourisme de masse au milieu de paysages de haute montagne confortablement meublés, impitoyablement numériques, ironiques, affectueux...

Avec l'exposition "Sehnsucht Alpen", le photographe Hans Peter Jost emmène à nouveau les spectateurs sur son chemin personnel à travers les montagnes.

In occasione della pubblicazione del suo libro "Alpen-Blicke.ch" da parte di Scheidegger & Spiess, il fotografo Hans Peter Jost non è stato caratterizzato dalla rivista SAC come un tipico fotografo alpino, ma piuttosto come un ritrattista della regione montana con una giustapposizione di luoghi e centrali elettriche che spezza la visione delle Alpi di immagine in immagine.

Il fotografo reagisce così alla complessità della regione alpina, perché l'originario rispetto o addirittura la paura delle montagne e della loro forza naturale hanno lasciato il posto a una romantica romantizzazione nel corso del tempo. Le Alpi si sono trasformate in un luogo in cui si possono realizzare desideri soggettivi - per la contemplazione, per le massime prestazioni, per il profitto.

L'esplorazione visiva della regione alpina da parte di Hans Peter Jost è coerente e con il suo lavoro attuale porta temi polarizzanti a un nuovo culmine tecnico: da un lato con la camera oscura, i cui risultati sembrano confondere i confini del tempo con una natura presumibilmente incontaminata, idilli deserti e senza le tipiche infrastrutture alpine. Dall'altro, con le immagini del turismo di massa in mezzo a paesaggi di alta montagna confortevolmente arredati, spietatamente digitali, ironiche, affettuose...

Con la mostra "Sehnsucht Alpen", il fotografo Hans Peter Jost accompagna ancora una volta gli spettatori nel suo personale viaggio tra le montagne.

On the occasion of the publication of his book "Alpen-Blicke.ch" by Scheidegger & Spiess, the photographer Hans Peter Jost was not characterized in the SAC Magazine as a typical Alpine photographer, but rather as a portraitist of the mountain region with a juxtaposition of power place and power plant that breaks the view of the Alps from picture to picture.

The photographer thus reacts to the complexity of the Alpine region, because the original respect or even fear of the mountains and their natural power has given way to a romantic transfiguration over the course of time. The Alps have mutated into a place where subjective longings can be realized - for contemplation, for peak performance, for profit.

Hans Peter Jost's visual exploration of the Alpine region is consistent, and with his current work he takes polarizing themes to a new technical climax: on the one hand with the camera obscura, the results of which seem to blur the boundaries of time with supposedly untouched nature, deserted idylls and without the typical Alpine infrastructure. On the other hand, with visuals of mass tourism in the midst of comfortably furnished high mountain landscapes, mercilessly digital, ironic, loving...

With the exhibition "Sehnsucht Alpen", photographer Hans Peter Jost once again takes viewers up on his personal journey through the mountains.

Museum Thalwil
4. Juli 2024

Memories
Florian Bachmann, Serap Vitarelli, Susanne Scherer

Die Ausstellung «Memories» zeigt aktuelle fotografische Arbeiten. Unter dem Titel «Was bleibt» setzt sich die Künstlerin Serap Vitarelli mit der Vergänglichkeit auseinander. Florian Bachmann fotografiert in seiner Werkserie «Lieux de Mémoire» geschichtsträchtige Orte in der Schweiz. «Gestern-heute» von Susanne Scherer zeigt neue Ortsbilder, welchen Archivaufnahmen gegenüberstehen. «Memories» präsentiert eine facettenreiche Sammlung von Fotografien, die sich auf verschiedene Weisen mit der Erinnerungskultur auseinandersetzen. Die Bilder zeigen Orte von historischer Bedeutung, persönliche Rückzugsorte oder flüchtige Momente des Alltags. Sie offenbaren Spuren der Vergangenheit und die Schönheit der Vergänglichkeit, die oft im Verborgenen liegt.

L'exposition "Memories" présente des travaux photographiques récents. Sous le titre "Was bleibt", l'artiste Serap Vitarelli se penche sur le caractère éphémère. Dans sa série d'œuvres "Lieux de Mémoire", Florian Bachmann photographie des lieux chargés d'histoire en Suisse. "Hier-aujourd'hui" de Susanne Scherer montre de nouvelles images de lieux en face d'images d'archives. "Memories" présente une collection aux multiples facettes de photographies qui traitent de différentes manières de la culture du souvenir. Les visuels montrent des lieux d'importance historique, des retraites personnelles ou des moments fugaces de la vie quotidienne. Elles révèlent les traces du passé et la beauté de l'éphémère, souvent cachée.

La mostra "Memories" presenta opere fotografiche attuali. Con il titolo "What remains", l'artista Serap Vitarelli esplora il tema della transitorietà. Florian Bachmann fotografa luoghi ricchi di storia in Svizzera nella sua serie "Lieux de Mémoire". "Ieri-oggi" di Susanne Scherer mostra nuove immagini di luoghi accostate a fotografie d'archivio. "Memories" presenta una collezione sfaccettata di fotografie che affrontano in vario modo la cultura del ricordo. Le immagini mostrano luoghi di importanza storica, ritiri personali o momenti fugaci della vita quotidiana. Rivelano le tracce del passato e la bellezza della transitorietà che spesso si nasconde.

The exhibition "Memories" shows current photographic works. Under the title "What remains", the artist Serap Vitarelli deals with transience. Florian Bachmann photographs places steeped in history in Switzerland in his series "Lieux de Mémoire". "Yesterday-today" by Susanne Scherer shows new images of places juxtaposed with archive photographs. "Memories" presents a multifaceted collection of photographs that deal with the culture of remembrance in various ways. The visuals show places of historical significance, personal retreats or fleeting moments of everyday life. They reveal traces of the past and the beauty of transience that often lies hidden.

(Text: Museum Thalwil)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
31. Mai 2024

Paare / Couples

Paare sind allgegenwärtig in der Fotografie. Zwei Personen stellen sich auf, schauen in die Kamera, nehmen eine bestimmte Haltung ein und kontrollieren ihre Mimik. Indem sie sich so fotografieren lassen, geben sie zu erkennen, wie sie als Paar wahrgenommen werden möchten. Spannender als diese idealisierenden Bilder sind Aufnahmen, in denen Paare nicht in die Kamera blicken. Sie scheinen ganz bei sich, auf eigenartige Weise entrückt: spielend und werbend, verliebt und berauscht, verzweifelt und haltsuchend. Ob sie einverstanden sind, fotografiert zu werden, ist nicht mehr so klar. Solche Aufnahmen sind entweder heimlich gemacht, oder der Mensch hinter der Kamera ist dem Paar derart vertraut, dass es ihn wie selbstverständlich gewähren lässt.

2015 begann der Filmemacher Iwan Schumacher, Fotografien von Paaren zu sammeln, die nicht in die Kamera schauen. Peter Pfrunder, Direktor der Fotostiftung Schweiz, plante  seit langem eine Ausstellung mit Paar-Bildern aus den Archiven und Sammlungen der Fotostiftung. Gemeinsam entwickelten sie das Projekt Paare /Couples . Es vereint unterschiedlichste Aufnahmen, in denen etwas zwischen zwei Menschen geschieht. Jedes einzelne Bild ist ein Ausschnitt aus einer Geschichte, die immer rätselhaft bleibt und zu Spekulationen oder Projektionen verführt. Die Ausstellung ist eine spielerische, assoziative Präsentation, bei der sich die vielen Momentaufnahmen zu einer neuen Geschichte zusammenfügen.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation in Zusammenarbeit mit Edition Patrick Frey.

Les couples sont omniprésents dans la photographie. Deux personnes se mettent en place, regardent l’appareil photo, adoptent une certaine posture et contrôlent leurs expressions faciales. En se laissant photographier ainsi, ils indiquent comment ils souhaitent être perçus en tant que couple. Bien plus captivantes que ces images presque toujours idéalisées sont les photos dans lesquelles les couples ne regardent pas directement l’appareil. Ils semblent être tout à fait eux-mêmes, étrangement détachés : en train de jouer et de se faire la cour, amoureux et enivrés, désespérés et cherchant à s’accrocher. On ne sait plus très bien s’ils sont d’accord pour être photographiés. De telles clichés sont soit pris en cachette, soit la personne derrière l’appareil photo est si familière au couple qu’une autorisation à être photographié se fait tout naturellement.

En 2015, le cinéaste Iwan Schumacher a commencé à rassembler des photographies de couples qui ne regardent pas la caméra. Peter Pfrunder, directeur de la Fotostiftung Schweiz, planifiait depuis longtemps une exposition d’images de couples issues des archives et des collections de l’institution. Ensemble, ils ont développé le projet Couples. Il réunit des photos très différentes dans lesquelles il se passe quelque chose entre deux personnes. Chaque image est un extrait d’une histoire qui reste toujours mystérieuse et qui incite à la spéculation ou à la projection. Cette exposition est une présentation ludique et associative dans laquelle les nombreux instantanés s’assemblent pour former une nouvelle histoire.

L’exposition est accompagnée d’une publication en collaboration avec les Éditions Patrick Frey.

In fotografia le coppie sono onnipresenti. Due persone si mettono in posa, guardano verso l’obiettivo, assumono un determinato atteggiamento e controllano la mimica. Facendosi fotografare in questo modo, permettono di capire come vogliono essere considerate in quanto coppia. Più interessanti di queste immagini quasi sempre idealizzate, sono gli scatti in cui le coppie non guardano direttamente verso l’obiettivo. Qui, sembrano essere sé stesse e stranamente distanti: giocose e impegnate a corteggiarsi, innamorate ed ebbre, disperate e smarrite. Se siano d’accordo sul fatto di essere fotografate non è più molto chiaro. Queste immagini vengono scattate o di nascosto oppure quando la coppia conosce così bene la persona dietro all’obiettivo da concederle implicitamente il permesso di fotografare.

Nel 2015 il regista Iwan Schumacher iniziò a collezionare fotografie di coppie distolte dall’obiettivo. Da molto tempo Peter Pfrunder, direttore della Fotostiftung Schweiz progettava una mostra con immagini di coppie tratte dagli archivi e dalle collezioni della Fotostiftung. Assieme hanno quindi sviluppato il progetto dal titolo «Coppie», che riunisce una varietà di immagini in cui avviene qualcosa tra due persone. Ogni singola immagine è uno spezzone tratto da una storia che rimane sempre enigmatica e invita a fare supposizioni o proiezioni. La mostra è una presentazione ludica fatta di associazioni, nella quale gli scorci istantanei diventano una nuova storia.

Ad accompagnare la mostra uscirà una pubblicazione realizzata in collaborazione con Edition Patrick Frey.

Couples are omnipresent in photography. Two people arrange themselves, look into the camera, adopt a certain pose and control their facial expressions. By having themselves photographed in this way, they reveal how they wish to be perceived as a couple. Compared to these idealised images, photographs in which couples do not look into the camera are more fascinating. Here, the couples seem to be genuinely themselves, and strangely detached: playing and courting, enamoured and besotted, desperate and clinging. Whether they consent to being photographed is no longer clear. Such photographs are either taken secretly, or the couple is so well acquainted with the person behind the camera that they allow him or her to photograph them as a matter of course.

In 2015, filmmaker Iwan Schumacher began collecting photographs of couples who are not looking into the camera. Peter Pfrunder, director of Fotostiftung Schweiz, had long been planning an exhibition of couple pictures from the institution’s archives and collections. Together, they developed the project Paare /Couples . It brings together a very wide variety of photographs, in which something happens between two people. Each individual image is an excerpt from a story that always remains enigmatic and leads to speculation or projection. This exhibition is a playful associative presentation, in which the single moments combine to form a new narrative.

In cooperation with Edition Patrick Frey, a publication is being released to accompany the exhibition.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
31. Mai 2024

Melencolia
Bernard Voïta

Eine Gruppe von Blinden schart sich um einen Elefanten, um sich ein Bild von ihm zu machen. Einer umfasst das Bein und sagt: «Ein Elefant sieht aus wie ein weicher Stamm.» Ein anderer erwischt den Stosszahn, er protestiert: «Im Gegenteil, ein Elefant ist hart und spitzig, er hat eine längliche, gebogene Form.» «Völlig falsch», ruft der Dritte, die Seite betastend: «Ein Elefant gleicht einer flachen Wand mit Unebenheiten.» Der Vierte wiederum hält triumphierend den Schwanz in den Händen und lacht alle aus: «Ein Elefant ist nur ein dünnes Seil.» Sie geraten in einen Streit und schlagen sich die Köpfe ein, weil jeder überzeugt ist, die Wahrheit zu sagen.

Bernard Voïta bezieht sich auf die uralte und hochaktuelle Parabel «Der Streit der Blinden», um sein Interesse an der Fotografie zu illustrieren. Der 1960 in Cully geborene Künstler erregte schon um 1990 internationales Aufsehen: Seine Bilder zeigten banale Dinge des Alltags in einer so akkurat geordneten Unordnung, dass die Betrachter:innen vergeblich nach Halt und Orientierung suchten. Dabei beruhten jene Werke nicht auf Montagen oder Collagen, sondern auf räumlichen Installationen, die er durch die Kamera in irritierende, flächige Bilder übersetzte. Seither hat Voïta dieses fantastische Spiel mit Schein und Sein hartnäckig weitergetrieben. Die Ausstellung präsentiert nun erstmals die komplette Serie Melencolia (2014-2017), deren Titel auf ein berühmtes Werk von Albrecht Dürer anspielt – sinnliche, kluge, listige und zuweilen auch verstörende Illusionen, in denen die Fotografie eine eigene Wirklichkeit erzeugt. Nichts ist so, wie wir es sehen.

Un groupe d’aveugles se rassemble autour d’un éléphant pour se faire une idée de son apparence. L’un d’eux saisit la jambe et dit : « Un éléphant ressemble à un tronc d’arbre mou. » Un autre attrape la défense, il proteste : « Au contraire, un éléphant est dur et pointu, il a une forme allongée et courbée. » Un troisième s’exclame en tâtant le côté : « Complètement faux ! Un éléphant ressemble à un mur plat avec des aspérités. » Le quatrième, quant à lui, tient triomphalement la queue entre ses mains et se moque de tout le monde : « Un éléphant n’est qu’une fine corde. » Ils se disputent et se tapent sur la tête, chacun étant persuadé de dire la vérité.

Bernard Voïta se réfère à la parabole ancestrale et très actuelle « Les aveugles et l’éléphant » pour illustrer son intérêt pour la photographie. Né en 1960 à Cully, l’artiste a fait sensation sur la scène internationale dès 1990 avec ses photos montrant des objets banals de la vie quotidienne dans un désordre si méticuleux que les spectateurs.trices cherchaient en vain un appui et une orientation. Ces oeuvres ne reposaient pas sur des montages ou des collages, mais sur des installations spatiales qu’il traduisait en images planes et irritantes à travers son appareil photo. Depuis, Voïta a poursuivi avec obstination ce jeu fantastique entre apparence et réalité. Cette exposition présente maintenant pour la première fois la série complète Melencolia (2014-2017), dont le titre fait allusion à une oeuvre célèbre d’Albrecht Dürer – des illusions sensuelles, intelligentes, rusées et parfois même dérangeantes, dans lesquelles la photographie crée sa propre réalité. Rien n’est tel que nous le voyons.

Un gruppo di ciechi si raduna attorno a un elefante per farsi un’idea di come sia fatto. Uno di loro circonda una gamba con le braccia e dice: gli elefanti hanno l’aspetto di un tronco morbido. Un altro afferra una zanna e protesta: al contrario, gli elefanti sono duri e appuntiti, hanno una forma lunga e arcuata. Non è assolutamente vero, sentenzia il terzo tastando il fianco dell’animale: gli elefanti assomigliano a una parete dalla superfice irregolare. Il quarto invece, tenendo trionfante la coda tra le mani ride delle affermazioni dei suoi compagni: gli elefanti sono soltanto una funicella sottile. Così scoppia una lite violenta perché ognuno di loro è convinto di dire la verità.

Bernard Voïta si basa sulla vecchissima e attuale parabola «i ciechi e l’elefante» per illustrare il suo interesse per la fotografia. L’artista, nato a Cully nel 1960, suscitò scalpore a livello internazionale già attorno al 1990: le sue immagini mostrano oggetti banali di uso quotidiano, in un disordine così accuratamente ordinato da lasciare chi le osserva a cercare invano un punto d’appiglio o di orientamento. Queste opere non si basano su montaggi o collage ma su istallazioni tridimensionali che il fotografo traduce, tramite la macchina fotografica, in immagini fastidiosamente piatte. Da allora Voïta ha persistito in questo gioco fantastico di apparenza e realtà. La mostra presenta per la prima volta la serie «Melencolia al completo» (2014–2017), il cui titolo si riferisce a una famosa opera di Albrecht Dürer – illusioni sensoriali, intelligenti, astute e a volte anche sconvolgenti, dove la fotografia genera una propria realtà. Nulla è come lo vediamo.

A group of blind men gather around an elephant to gain an impression of it. One grasps a leg and says: “An elephant looks like a supple tree-trunk.” Another catches hold of a tusk and protests: “On the contrary, an elephant is hard and pointy. It has an elongated, curved shape.” Touching its side, a third one cries: “Totally wrong! An elephant resembles a flat wall with bumps.” The fourth, in turn, triumphantly holds the tail in his hands and laughs at everyone: “An elephant is just a thin rope.” They get into an argument and bash each other on the head because each is convinced that he is telling the truth.

Bernard Voïta refers to this ancient and highly topical parable ‘The Blind Men and the Elephant’ to illustrate his interest in photography. Born in the year 1960 in Cully, this artist already caused an international sensation around 1990, with pictures showing banal everyday objects in such a meticulously organised disorder that observers searched in vain for something to hold onto for orientation. The works were not based on montages or collages, but on three-dimensional installations, which he had translated into irritating two-dimensional images by means of a camera. Voïta has persistently continued to play a fantastical game with appearance and reality ever since. This exhibition now presents for the first time the complete series Melencolia (2014-2017), whose title alludes to a famous work by Albrecht Dürer – sensual, clever, devious and sometimes disturbing illusions, in which photography creates its own reality. Nothing is as we see it.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Vontobel | Zürich
23. Mai 2024

Zwischen Pflanzen-KI und sozialem Experiment
Emidio Battipaglia, Augustin Lignier

Die Künstler Emidio Battipaglia (*1984, IT) und Augustin Lignier (*1995, FR) wurden letztes Jahr von einer internationalen Jury als Gewinner des mit 20'000 Franken dotierten Vontobel Förderpreises für junge zeitgenössische Kunst «A New Gaze» ausgewählt. Die rund 70 europäischen Bewerber:innen wurden gebeten, ein Projekt zum Thema «Community» einzureichen. Die Gewinnerprojekte der beiden Künstler, die ein Masterstudium in Fotografie an der ECAL in Lausanne absolvierten, werden ab Donnerstag, 23. Mai 2024, in einer öffentlichen Ausstellung in Zürich gezeigt. Battipaglia erkundet mithilfe einer KI-basierten interaktiven Installation mit Pflanzen die Verbindung zwischen Mensch, Natur und Technologie und Lignier zeigt ein soziales Experiment zur nonverbalen Kommunikation und Gemeinschaftsbildung. Neben dem Preisgeld und der Ausstellung beinhaltet der Preis auch eine Künstlerpublikation.

Der italienische Künstler Emidio Battipaglia erarbeitet eine interaktive Installation mit Pflanzen, die mit einer KI-Technologie verbunden ist. Diese Technologie erfasst die Reaktionen der Pflanzen auf ihre Umgebung wie Temperaturveränderungen, Bewegungen oder Geräusche von Menschen und projiziert in Echtzeit neue sowie unerwartete Bilder in den Raum. «Synaptic Dialogues» untersucht, wie Menschen, Technologie und Umwelt miteinander interagieren, um eine nachhaltige Zukunft zu schaffen. Battipaglia beleuchtet so das transformative Potenzial vernetzter Beziehungen und betont die Notwendigkeit für gemeinsame Anstrengungen in Richtung einer nachhaltigen Zukunft. Durch die Schaffung neuartiger Gemeinschaften trägt Battipaglias Werk zur Förderung eines kollektiven Sinns für Zugehörigkeit und gemeinsamer Ziele bei, was in Zeiten globaler Herausforderungen von grosser Bedeutung ist. «Synaptic Dialogues» lädt dazu ein, über diese komplexen Zusammenhänge nachzudenken und regt zu einer erweiterten Wahrnehmung von Gemeinschaft und Verantwortung an. Emidio Battipaglia (*1984) ist ein interdisziplinärer Künstler, der an der ECAL in Lausanne und an der Napier University in Edinburgh Fotografie studiert hat. Er lebt und arbeitet in Mailand.

«Wink Piece» ist ein soziales Experiment zur nonverbalen Kommunikation und Gemeinschaftsbildung von Augustin Lignier. In Anlehnung an die dynamische Natur digitaler Interaktionen erforscht der Franzose die Parallelen und Unterschiede zwischen digitalem und physischem Verhalten. Der Künstler begab sich auf die Strassen von Paris, wo er den Passanten zuzwinkerte, um ihre Reaktionen zu dokumentieren – eine Handlung, die zur Performance wurde. Die Reaktionen reichten von erwidertem Zwinkern bis hin zu Ignorieren oder sogar der Weigerung, Teil des Kunstwerks zu sein. Diese Interaktionen, festgehalten in einer Rauminstallation, bilden die Grundlage für die Dokumentation seiner Erkenntnisse. Was ursprünglich als spielerische Auseinandersetzung gedacht war, entwickelte sich zu einem tiefgreifenden sozialen Experiment und veränderte das Verständnis des Künstlers für die aktuelle Gesellschaft massgeblich. Indem es die subtilen Nuancen der zwischenmenschlichen Kommunikation in den Mittelpunkt stellt, wirft das Projekt auch ein Licht auf die komplexen Beziehungen und Dynamiken unserer modernen Gesellschaft. Augustin Lignier (*1995) studierte Fotografie an der ECAL in Lausanne sowie Kunst an der Beaux-Arts de Paris. Er lebt und arbeitet in Paris.

Les artistes Emidio Battipaglia (*1984, IT) et Augustin Lignier (*1995, FR) ont été sélectionnés l'année dernière par un jury international comme lauréats du prix d'encouragement Vontobel pour la jeune création contemporaine "A New Gaze", doté de 20'000 francs. Les quelque 70 candidats européens ont été invités à présenter un projet sur le thème de la "communauté". Les projets gagnants des deux artistes, qui ont suivi un master en photographie à l'ECAL de Lausanne, seront présentés lors d'une exposition publique à Zurich à partir du jeudi 23 mai 2024. Battipaglia explore le lien entre l'homme, la nature et la technologie à l'aide d'une installation interactive basée sur l'IA avec des plantes et Lignier présente une expérience sociale sur la communication non verbale et la création de communautés. Outre l'argent du prix et l'exposition, le prix comprend également une publication de l'artiste.

L'artiste italien Emidio Battipaglia élabore une installation interactive avec des plantes reliées à une technologie d'intelligence artificielle. Cette technologie enregistre les réactions des plantes à leur environnement, comme les changements de température, les mouvements ou les bruits des personnes, et projette en temps réel des visuels nouveaux et inattendus dans l'espace. "Synaptic Dialogues" explore la manière dont les gens, la technologie et l'environnement interagissent pour créer un avenir durable. Battipaglia met ainsi en lumière le potentiel de transformation des relations en réseau et souligne la nécessité d'un effort commun en vue d'un avenir durable. En créant des communautés d'un genre nouveau, l'œuvre de Battipaglia contribue à promouvoir un sens collectif de l'appartenance et des objectifs communs, ce qui revêt une importance capitale à l'heure des défis mondiaux. "Synaptic Dialogues" invite à réfléchir à ces relations complexes et incite à une perception élargie de la communauté et de la responsabilité. Emidio Battipaglia (*1984) est un artiste interdisciplinaire qui a étudié la photographie à l'ECAL de Lausanne et à la Napier University d'Édimbourg. Il vit et travaille à Milan.

"Wink Piece" est une expérience sociale de communication non verbale et de création de communauté d'Augustin Lignier. S'inspirant de la nature dynamique des interactions numériques, le Français explore les parallèles et les différences entre les comportements numériques et physiques. L'artiste s'est rendu dans les rues de Paris, où il a fait des clins d'œil aux passants afin de documenter leurs réactions - une action qui s'est transformée en performance. Les réactions allaient du clin d'œil en retour à l'ignorance ou même au refus de faire partie de l'œuvre d'art. Ces interactions, consignées dans une installation spatiale, constituent la base de la documentation de ses découvertes. Ce qui devait être à l'origine une confrontation ludique s'est transformé en une expérience sociale profonde et a considérablement modifié la compréhension qu'avait l'artiste de la société actuelle. En transmettant les nuances subtiles de la communication interpersonnelle, le projet met également en lumière les relations et les dynamiques complexes de notre société moderne. Augustin Lignier (*1995) a étudié la photographie à l'ECAL à Lausanne ainsi que l'art aux Beaux-Arts de Paris. Il vit et travaille à Paris.

L'anno scorso gli artisti Emidio Battipaglia (*1984, IT) e Augustin Lignier (*1995, FR) sono stati selezionati da una giuria internazionale come vincitori del Premio Vontobel per la giovane arte contemporanea "A New Gaze", dotato di 20.000 franchi svizzeri. I circa 70 candidati europei dovevano presentare un progetto sul tema "Comunità". I progetti vincitori dei due artisti, che hanno conseguito un master in fotografia presso l'ECAL di Losanna, saranno esposti in una mostra pubblica a Zurigo a partire da giovedì 23 maggio 2024. Battipaglia esplora la connessione tra esseri umani, natura e tecnologia attraverso un'installazione interattiva con piante basata sull'intelligenza artificiale, mentre Lignier presenta un esperimento sociale sulla comunicazione non verbale e la costruzione di comunità. Oltre al premio in denaro e alla mostra, il premio comprende anche una pubblicazione d'artista.

L'artista italiano Emidio Battipaglia sta sviluppando un'installazione interattiva con piante collegata a una tecnologia AI. Questa tecnologia registra le reazioni delle piante all'ambiente circostante, come i cambiamenti di temperatura, i movimenti o i rumori umani, e proietta nello spazio immagini nuove e inaspettate in tempo reale. "Synaptic Dialogues" esplora il modo in cui le persone, la tecnologia e l'ambiente interagiscono tra loro per creare un futuro sostenibile. Battipaglia illumina così il potenziale trasformativo delle relazioni in rete e sottolinea la necessità di sforzi congiunti verso un futuro sostenibile. Creando nuovi tipi di comunità, il lavoro di Battipaglia contribuisce a promuovere un senso di appartenenza collettiva e uno scopo comune, di grande importanza in tempi di sfide globali. "Dialoghi sinaptici" ci invita a riflettere su queste relazioni complesse e incoraggia un senso di comunità e responsabilità più ampio. Emidio Battipaglia (*1984) è un artista interdisciplinare che ha studiato fotografia all'ECAL di Losanna e alla Napier University di Edimburgo. Vive e lavora a Milano.

"Wink Piece" è un esperimento sociale di comunicazione non verbale e costruzione di comunità di Augustin Lignier. Basandosi sulla natura dinamica delle interazioni digitali, il francese esplora i parallelismi e le differenze tra il comportamento digitale e quello fisico. L'artista è sceso in strada a Parigi, dove ha strizzato l'occhio ai passanti per documentare le loro reazioni - un atto che è diventato una performance. Le reazioni variavano dall'ammiccamento ricambiato all'ignorare o addirittura rifiutare di far parte dell'opera d'arte. Queste interazioni, catturate in un'installazione spaziale, costituiscono la base per la documentazione delle sue scoperte. Quella che all'inizio era stata pensata come un'esplorazione ludica si è trasformata in un profondo esperimento sociale e ha cambiato in modo significativo la comprensione dell'artista della società contemporanea. Concentrandosi sulle sottili sfumature della comunicazione interpersonale, il progetto getta luce anche sulle complesse relazioni e dinamiche della nostra società moderna. Augustin Lignier (*1995) ha studiato fotografia all'ECAL di Losanna e arte alle Beaux-Arts de Paris. Vive e lavora a Parigi.

Last year, artists Emidio Battipaglia (*1984, IT) and Augustin Lignier (*1995, FR) were selected by an international jury as the winners of the Vontobel Prize for Young Contemporary Art "A New Gaze", endowed with CHF 20,000. The approximately 70 European applicants were asked to submit a project on the theme of "Community". The winning projects by the two artists, who completed a Master's degree in photography at ECAL in Lausanne, will be shown in a public exhibition in Zurich from Thursday, May 23, 2024. Battipaglia explores the connection between humans, nature and technology through an AI-based interactive installation with plants, while Lignier presents a social experiment on non-verbal communication and community building. In addition to the prize money and the exhibition, the prize also includes an artist publication.

The Italian artist Emidio Battipaglia is developing an interactive installation with plants that is connected to AI technology. This technology records the plants' reactions to their environment, such as temperature changes, movements or human noises, and projects new and unexpected visuals into the space in real time. "Synaptic Dialogues" explores how people, technology and the environment interact with each other to create a sustainable future. Battipaglia thus illuminates the transformative potential of networked relationships and emphasizes the need for collective efforts towards a sustainable future. By creating new kinds of communities, Battipaglia's work contributes to fostering a collective sense of belonging and common purpose, which is of great importance in times of global challenges. "Synaptic Dialogues" invites us to reflect on these complex relationships and encourages an expanded sense of community and responsibility. Emidio Battipaglia (*1984) is an interdisciplinary artist who studied photography at the ECAL in Lausanne and at Napier University in Edinburgh. He lives and works in Milan.

"Wink Piece" is a social experiment in non-verbal communication and community building by Augustin Lignier. Drawing on the dynamic nature of digital interactions, the Frenchman explores the parallels and differences between digital and physical behavior. The artist took to the streets of Paris, where he winked at passers-by to document their reactions - an act that became a performance. The reactions ranged from reciprocated winks to ignoring or even refusing to be part of the artwork. These interactions, captured in a spatial installation, form the basis for the documentation of his findings. What was originally intended as a playful exploration developed into a profound social experiment and significantly changed the artist's understanding of contemporary society. By focusing on the subtle nuances of interpersonal communication, the project also sheds light on the complex relationships and dynamics of our modern society. Augustin Lignier (*1995) studied photography at the ECAL in Lausanne and art at the Beaux-Arts de Paris. He lives and works in Paris.

(Text: Vontobel, Zürich)