Galerie Bigaignon | Paris
14. März – 20. April 2024

Latenza
Vittoria Gerardi

In der Serie Latenza beschäftigt sich die italienische Künstlerin mit der Natur der Fotografie, dem Licht und der Zeit. Mithilfe eines Verfahrens namens Alethégraphie, einer experimentellen Technik zur teilweisen Enthüllung des Abzugs, versucht Vittoria Gerardi, die Sprache der Fotografie zu verstehen, ihre untergetauchte Struktur, ihre verborgene Seite. Sie erforscht das Konzept des latenten Bildes, das sich innerhalb jedes Abzugs befindet, noch bevor er enthüllt wird, und versucht, die Grenze zwischen dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren aufzudecken. Das latente Bild wird hier durch Pflanzenfragmente symbolisiert, die sowohl als Negativ als auch als Substrat für das Bild verwendet werden. Durch die Umwandlung von Licht in eine chemische Reaktion wird die Fotografie zur Photosynthese, ähnlich dem, was in der Pflanzenwelt vor sich geht.

Indem sie die Pflanze mit dem Konzept des latenten Bildes in Verbindung bringt, erforscht Vittoria Gerardi unsere Beziehung zum Leben und entscheidet sich dafür, ihre Abzüge nicht zu fixieren. Da sie lichtempfindlich bleiben, werden die Abzüge, die in luftdichten Rahmenboxen aufbewahrt werden, weiterhin ihre Farbe verändern und sich den Elementen anpassen, bevor sie sich auf natürliche Weise in ihrer "endgültigen" Zusammensetzung festsetzen, wenn wir uns erlauben, die Box zu öffnen. Die Kritikerin Anna Ghadar erklärt: "Vittoria Gerardi lässt die Zuschauer am Entwicklungsprozess teilhaben und schafft so ein Gleichgewicht zwischen ihren geübten technischen Fähigkeiten und ihrer poetischen Unterwerfung unter die inhärente Unvorhersehbarkeit der Zeit. So wie das menschliche Gehirn Informationen aus seiner Umgebung destilliert, um ein Bild von sich selbst und der Welt um sich herum zu entwickeln, entwickelt sich Vittoria Gerardis Fotopapier buchstäblich, während es belichtet wird. Es ist, als würde das Werk selbst reifen, einen Wachstumsprozess nachahmen und sowohl Ursprung als auch Werden zum Ausdruck bringen.

Die Rahmenkästen, in denen die Abzüge "eingeschlossen" sind, sind ein integraler Bestandteil des Werks. Sie sind mit emaillierten Kupferplatten verziert, deren Farbe von einer Seite zur anderen variiert. Außen ist die Emaille ein einfarbiges Glas, das der Abfolge der Newtonschen Kugel folgt: "Farbe ist die Art und Weise, wie wir Licht wahrnehmen", erklärt der Künstler, "so habe ich also die Abfolge außen strukturiert und geordnet (Weiß, Gelb, Orange, Rot, Grau, Grün, Blau, Indigo, Violett und Schwarz). Im Inneren treffen wir auf eine Dimension des Lichts, die über die visuelle Wahrnehmung hinausgeht", die aus Dunkelheit und Bewegung stammt: Ersteres wird durch dendritische Wurzeln im Inneren der Emailleplatten gebildet, die aus einer Reaktion zwischen Kupfer und Glas resultieren; letzteres wird durch die fotografische Sequenz erreicht, die sich mit der Zeit verändert.

Zu dieser einzigartigen und erstaunlichen Serie kommen Bronzeskulpturen hinzu, die der Künstler Gliommeri nennt. In der Metamorphose der Pflanzen nimmt Goethe einen wesentlichen Punkt des Lebens wahr: eine kontinuierliche Metamorphose, die mit einer tiefen Einheit und Verflechtung einhergeht. Wenn eine Ursache eine Wirkung erzeugt, induziert sie gleichzeitig eine andere Ursache und bildet so nach und nach das komplexe Netzwerk, in dem wir operieren. Diese kleinen Bronzeskulpturen, die die Form von ineinander verschlungenen Fäden annehmen, greifen die Idee einer verflochtenen Welt auf, einer Welt, die durch eine Linie dargestellt wird, deren Anfang und Ende ineinander übergehen und so die Ewigkeit symbolisieren.

"Seit so vielen Jahrhunderten wird die Frage nach dem Geheimnis der Schöpfung als das, was enthüllt werden muss, diskutiert. Vittoria Gerardi steht in einer Reihe mit seltenen Dichtern und Künstlern und versucht, die Schöpfung als Erfüllung eines Geheimnisses im inspirierten und "dionysischen" Sinne des Wortes zu betrachten. Sie setzt sich dafür ein, dass etwas nicht so sehr enthüllt, sondern mit den Kräften, die es ausmachen, verbunden werden kann", so Jean-Louis Poitevin abschließend.

Dans la série Latenza, l’artiste italienne se penche sur la nature même de la photographie, la lumière et le temps. À travers un procédé baptisé Aléthégraphie, technique expérimentale de révélation partielle du tirage, Vittoria Gerardi tente de comprendre le langage de la photographie, sa structure immergée, sa face cachée. Elle explore le concept de l’image latente qui se trouve au sein de chaque tirage avant même qu’elle ne soit révélée, et cherche à mettre au jour la frontière qui sépare le visible de l’invisible. L’image latente est symbolisée ici par des fragments végétaux, utilisés tantôt comme négatif, tantôt comme substrat de l’image. En transformant la lumière en réaction chimique, la photographie devient photosynthèse, à l’instar de ce qui se passe dans le monde végétal.

En associant le végétal au concept de l’image latente, Vittoria Gerardi explore notre rapport à la vie et choisit de ne pas fixer ses tirages. Ainsi, parce qu’ils restent sensibles à la lumière, les tirages, préservés dans des boîtes-cadres hermétiques, continueront de changer progressivement de couleur, de s’adapter aux éléments avant de se fixer naturellement sur leur composition « finale », si tant est qu’on s’autorise à ouvrir la boîte. Comme l’explique la critique Anna Ghadar : « Vittoria Gerardi fait ainsi participer les spectateurs au processus de développement et, ce faisant, trouve un équilibre entre ses compétences techniques bien rodées et sa soumission poétique à l’imprévisibilité inhérente du temps ». Tout comme le cerveau humain distille des informations sur son environnement pour développer une image de soi et du monde qui l’entoure, le papier photographique de Vittoria Gerardi se développe littéralement à mesure qu’il est exposé. C’est comme si l’oeuvre elle-même mûrissait, imitant un processus de croissance, exprimant à la fois l’origine et le devenir.

Les boîtes-cadres dans lesquelles sont « enfermés » les tirages font partie intégrante de l’oeuvre. Elles sont ornées de plaques de cuivre émaillées dont la couleur varie d’une face à l’autre. À l’extérieur, l’émail est un verre monochrome qui suit la séquence de la sphère de Newton : « La couleur est la façon dont nous percevons la lumière », explique l’artiste, « c’est donc la façon dont j’ai structuré et ordonné la séquence de l’extérieur (blanc, jaune, orange, rouge, gris, vert, bleu, indigo, violet et noir). À l’intérieur, nous rencontrons une dimension de la lumière qui dépasse la perception visuelle », provenant de l’obscurité et du mouvement : la première est formée par des racines dendritiques à l’intérieur des plaques émaillées résultant d’une réaction entre le cuivre et le verre ; la seconde est obtenue par la séquence photographique qui évolue avec le temps.

À cette série, singulière et étonnante, s’ajoutent des sculptures de bronze que l’artiste nomme Gliommeri. Dans la Métamorphose des plantes, Goethe perçoit un point essentiel de la vie : une métamorphose continue allant de pair avec une unité et un enchevêtrement profonds. Lorsqu’une cause crée un effet, elle induit en même temps une autre cause, formant progressivement le réseau complexe dans lequel nous opérons. Ces petites sculptures de bronze, qui prennent la forme de filaments entremêlés, reprennent l’idée d’un monde enchevêtré, un monde représenté par une ligne dont le début et la fin se confondent, symbolisant ainsi l’éternité.

« On évoque, depuis tant de siècles, la question du mystère de la création comme étant ce qui doit être dévoilé ! Vittoria Gerardi, dans la droite ligne de rares poètes ou artistes, s’attache, elle, à approcher la création comme accomplissement d’un mystère, au sens inspiré et «dionysiaque» du terme. Elle agit pour que quelque chose puisse être non tant révélé que relié aux forces qui le constituent », conclut Jean- Louis Poitevin.

Nella serie Latenza, l'artista italiana esamina la natura stessa della fotografia, della luce e del tempo. Attraverso un processo noto come Alethegraphy, una tecnica sperimentale di rivelazione parziale della stampa, Vittoria Gerardi cerca di comprendere il linguaggio della fotografia, la sua struttura sommersa, il suo volto nascosto. Esplora il concetto di immagine latente che si trova all'interno di ogni stampa prima ancora di essere rivelata, e cerca di scoprire il confine che separa il visibile dall'invisibile. L'immagine latente è qui simboleggiata da frammenti vegetali, a volte usati come negativo, a volte come substrato per l'immagine. Trasformando la luce in una reazione chimica, la fotografia diventa fotosintesi, come accade nel mondo vegetale.

Associando le piante al concetto di immagine latente, Vittoria Gerardi esplora il nostro rapporto con la vita e sceglie di non fissare le sue stampe. Così, poiché rimangono sensibili alla luce, le stampe, conservate in scatole a cornice ermetica, continueranno a cambiare colore gradualmente, adattandosi agli elementi prima di sistemarsi naturalmente nella loro composizione "finale", se solo ci permettiamo di aprire la scatola. Come spiega il critico Anna Ghadar: "In questo modo, Vittoria Gerardi coinvolge gli spettatori nel processo di sviluppo, trovando un equilibrio tra le sue abilità tecniche ben affinate e la sua poetica sottomissione all'imprevedibilità intrinseca del tempo. Proprio come il cervello umano distilla informazioni sull'ambiente circostante per sviluppare un'immagine di sé e del mondo che lo circonda, la carta fotografica di Vittoria Gerardi si sviluppa letteralmente man mano che viene esposta. È come se l'opera stessa stesse maturando, imitando un processo di crescita, esprimendo sia l'origine che il divenire.

Le scatole con cornice in cui sono "racchiuse" le stampe sono parte integrante dell'opera. Sono decorate con lastre di rame smaltato il cui colore varia da un lato all'altro. All'esterno, lo smalto è un vetro monocromo che segue la sequenza della sfera di Newton: "Il colore è il modo in cui percepiamo la luce", spiega l'artista, "quindi è il modo in cui ho strutturato e ordinato la sequenza all'esterno (bianco, giallo, arancione, rosso, grigio, verde, blu, indaco, viola e nero). All'interno, incontriamo una dimensione di luce che va oltre la percezione visiva", proveniente dal buio e dal movimento: il primo è formato da radici dendritiche all'interno delle lastre smaltate risultanti da una reazione tra rame e vetro; il secondo è ottenuto dalla sequenza fotografica che si evolve nel tempo.

Questa singolare e sorprendente serie è completata da sculture in bronzo che l'artista chiama Gliommeri. Ne La metamorfosi delle piante, Goethe coglie un punto essenziale della vita: una metamorfosi continua che si accompagna a una profonda unità e intreccio. Quando una causa crea un effetto, induce contemporaneamente un'altra causa, formando gradualmente la complessa rete in cui operiamo. Queste piccole sculture in bronzo, che assumono la forma di filamenti intrecciati, riecheggiano l'idea di un mondo ingarbugliato, un mondo rappresentato da una linea il cui inizio e la cui fine si fondono, simboleggiando l'eternità.

"Per tanti secoli, la questione del mistero della creazione è stata sollevata come qualcosa che deve essere rivelato! Vittoria Gerardi, sulla scia di rari poeti e artisti, si accosta alla creazione come compimento di un mistero, nel senso ispirato e dionisiaco del termine. Agisce perché qualcosa possa essere rivelato piuttosto che legato alle forze che lo costituiscono", conclude Jean-Louis Poitevin.

In the Latenza series, the Italian artist examines the very nature of photography, light and time. Through a process known as Alethegraphy, an experimental technique of partial revelation of the print, Vittoria Gerardi attempts to understand the language of photography, its submerged structure, its hidden face. She explores the concept of the latent image that lies within each print even before it is revealed, and seeks to uncover the boundary that separates the visible from the invisible. The latent image is symbolized here by plant fragments, sometimes used as a negative, sometimes as a substrate for the image. By transforming light into a chemical reaction, photography becomes photosynthesis, just as happens in the plant world.

By associating plants with the concept of the latent image, Vittoria Gerardi explores our relationship with life, choosing not to fix her prints. Thus, because they remain sensitive to light, the prints, preserved in airtight frame boxes, will continue to change color progressively, adapting to the elements before settling naturally into their "final" composition, if only we allow ourselves to open the box. As critic Anna Ghadar explains: "In this way, Vittoria Gerardi involves viewers in the development process and, in so doing, strikes a balance between her well-honed technical skills and her poetic submission to the inherent unpredictability of time". Just as the human brain distills information about its environment to develop an image of itself and the world around it, Vittoria Gerardi's photographic paper literally develops as it is exposed. It's as if the work itself is maturing, mimicking a process of growth, expressing both origin and becoming.

The frame boxes in which the prints are "enclosed" are an integral part of the work. They are decorated with enamelled copper plates whose color varies from one side to the other. On the outside, the enamel is a monochrome glass that follows the sequence of Newton's sphere: "Color is how we perceive light," explains the artist, "so it's how I've structured and ordered the sequence on the outside (white, yellow, orange, red, gray, green, blue, indigo, violet and black). Inside, we encounter a dimension of light that goes beyond visual perception", coming from darkness and movement: the former is formed by dendritic roots inside the enamel plates resulting from a reaction between copper and glass; the latter is obtained by the photographic sequence that evolves over time.

This singular and astonishing series is complemented by bronze sculptures that the artist calls Gliommeri. In The Metamorphosis of Plants, Goethe perceives an essential point of life: a continuous metamorphosis that goes hand in hand with a profound unity and entanglement. When one cause creates an effect, it simultaneously induces another, gradually forming the complex network in which we operate. These small bronze sculptures, which take the form of intertwined filaments, echo the idea of an entangled world, a world represented by a line whose beginning and end merge, symbolizing eternity.

"For so many centuries, the question of the mystery of creation has been raised as that which must be revealed! Vittoria Gerardi, following in the footsteps of rare poets and artists, approaches creation as the fulfillment of a mystery, in the inspired and "Dionysian" sense of the term. She acts so that something can be revealed rather than connected to the forces that constitute it", concludes Jean- Louis Poitevin.

(Text: Galerie Bigaignon, Paris)

Galerie XII | Paris
2. Februar – 13. April 2024

Il y a un instant où la nuit se fait voir à la lumière
Alexandre Aldavert, Fabien Ducrot, Andrei Farcasanu, Didier Juteau, Sabatina Leccia, Charlotte Mano, Anne Pharel

Die Galerie XII Paris versammelt die zeitgenössischen Künstler Alexandre Aldavert, Fabien Ducrot, Andrei Farcasanu, Didier Juteau, Sabatina Leccia, Charlotte Mano und Anne Pharel um die Worte von Paul Valéry: "Es gibt einen Augenblick, in dem die Nacht im Licht sichtbar wird". In diesem fotografischen Dialog, in dem es mehr um die Materialität als um das Bild geht, treffen verschiedene visuelle Welten aufeinander, wobei die Dunkelheit der Nacht als Leitmotiv dient. Diese Gruppenausstellung schlägt einen Ansatz vor, der für die Galerie zu einer wiederkehrenden Einrichtung werden soll: eingeladene Künstler und von der Galerie XII vertretene Künstler zu einem Dialog über die zeitgenössische Fotografie zusammenzubringen.

Auch wenn diese Künstler gemeinsam haben, dass sie die Fotografie als Ausdrucksmittel gewählt haben, ist es nicht so sehr das Bild, das sie fasziniert, sondern vielmehr sein Aufbau, seine physische Präsenz und seine Materialität. Alle interpretieren es, benutzen es und überwinden es, um es darzustellen. Die Recherche befasst sich nicht mit dem Bild, sondern mit seiner Fähigkeit, sich zu verwandeln, um in einer anderen Form wiedergeboren zu werden.

Fabien Ducrot behandelt das Thema mit Hilfe von Archivbildern und künstlicher Intelligenz. Aus Fotografien aus dem 19. Jahrhundert, die zu Tausenden generiert und zusammengestellt wurden, entstehen Bilder, die von einer neuen Materialität geprägt sind. Denn während die KI das Unwirkliche gestaltet und den Begriff des Bildes selbst in Frage stellt, greift Fabien Ducrot auf traditionelle Salzdruckverfahren zurück, die den Bildern eine neue Textur verleihen.

Charlotte Mano definiert Materialien und Bilder durch ihre Forschungen zum Intimen immer wieder neu, indem sie gleichzeitig eine hypersensible Erfahrung des Mediums und ihrer eigenen Beziehung zur Welt anbietet. Sie fühlt sich von Medien angezogen, die dieser Welt fremd sind, und experimentiert mit den Grenzen des Werkzeugs - der Kamera -, um Werke zu schaffen, in denen Bilder und Texturen untrennbar miteinander verbunden sind. So entsteht eine neue, sensible Dimension, ein wahrhaft poetisches Engagement.

Die Frage nach dem Bild-Objekt ist auch in der Welt von Anne Pharel präsent, die ungreifbaren visuellen Momente fotografiert, von deren Existenz die Bilder dennoch zeugen. Eine Befragung hinsichtlich der empfindlichen Materie und ihrer Konsistenz durch flache oder volumenartige Werke.

Alexandre Aldavert und Sabatina Leccia betrachten den Druck ebenfalls als ein Material, das durch manuelle Eingriffe oder intellektuelle Gedanken ergänzt wird. Er ist ein Schritt im kreativen Prozess. In Verbindung mit Schrift und Poesie für ihn, mit Perforation und Stickerei für sie, verschwindet der Druck als solcher. Er durchläuft eine Metamorphose, um in einer anderen Form wiedergeboren zu werden.

Andrei Farcasanus Arbeit, die einen eher klassischen Ansatz der Fotografie verfolgt, dreht sich mit seinen kleinformatigen Werken um das Intime. Er hinterfragt den Begriff der Materialität des Werkes durch das technische Know-how. Aus ein und derselben Aufnahme können mehrere Bilder entstehen, jedes geprägt von einer anderen Materialität, je nach den Zufälligkeiten der Chemie. Diese Suche teilt auch Didier Juteau, dessen Bilder den Betrachter seiner visuellen Gewissheiten berauben, da Fotografie und Materie miteinander verschmelzen.

Die Nacht, ihre Formen und ihre physische Präsenz werden von den acht Fotografen aus verschiedenen Perspektiven betrachtet. Sie ist für alle Künstler von wesentlicher Bedeutung, um die Bilder ihrer ursprünglichen Bedeutung zu entledigen und dem Betrachter neue poetische Realitäten zu eröffnen.

La Galerie XII Paris rassemble des artistes contemporains, Alexandre Aldavert, Fabien Ducrot, Andrei Farcasanu, Didier Juteau, Sabatina Leccia, Charlotte Mano et Anne Pharel, autour des mots de Paul Valéry : « Il y a un instant où la nuit se fait voir à la lumière ». Dans ce dialogue photographique où il est question de matérialité plus que d'image, se croisent différents univers visuels avec comme leitmotiv l’obscurité de la nuit. Cette exposition collective propose une démarche qui deviendra récurrente pour la galerie : réunir des artistes invités et des artistes représentés par la Galerie XII pour un dialogue autour de la photographie contemporaine.

Si ces artistes ont en commun d'avoir choisi la photographie comme mode d'expression, ce n'est pas tant l'image qui les fascine que sa construction, sa présence physique et sa matérialité. Tous l’interprètent, l’utilisent, la dépassent pour la représenter. La recherche ne traite pas de l'image mais de sa capacité à se métamorphoser pour renaître sous une autre forme.

Fabien Ducrot traite le sujet par des images d’archives et l’intelligence artificielle. De photographies du XIXe siècle, générées et compilées par milliers, naissent des images empreintes d’une nouvelle matérialité. Car si l’IA façonne l’irréel et interroge la notion même d’image, Fabien Ducrot recourt à des procédés traditionnels de tirages au sel qui donnent une nouvelle texture aux images.

Charlotte Mano rédéfinit sans cesse matières et images à travers ses recherches sur l’intime en offrant à la fois une expérience hypersensible du médium et de son propre rapport au monde. Attirée par les supports étrangers à cet univers et attachée à expérimenter les limites de l’outil – la caméra – elle réalise des œuvres dans lesquelles images et textures sont indissociables. Naît ainsi une dimension nouvelle, sensible, un véritable engagement poétique.

La question de l’image-objet est aussi présente dans l’univers d'Anne Pharel, qui photographie les moments visuels impalpables dont les images témoignent pourtant de l’existence. Une interrogation quant à la matière sensible et à sa consistance à travers des œuvres planes ou en volumes.

Alexandre Aldavert et Sabatina Leccia envisagent eux aussi le tirage comme un matériau, que l’intervention manuelle ou la pensée intellectuelle viennent compléter. Il est une étape dans le processus créatif. Associé à l’écriture et à la poésie pour lui, à la perforation et à la broderie pour elle, le tirage disparaît en tant que tel. Il vit une métamorphose pour renaître sous une autre forme.

Par une approche plus classique de la photographie, le travail d’Andrei Farcasanu se déploie autour de l’intime par des œuvres en petits formats. Il interroge la notion de matérialité de l’œuvre par le savoir-faire technique. D’une même prise de vue, peuvent naître plusieurs images, chacune empreinte d’une matérialité différente selon les aléas de la chimie. Une recherche partagée par Didier Juteau dont les images dépossèdent celui qui regarde de ses certitudes visuelles tant photographie et matière se confondent.

La nuit, ses formes et sa présence physique, est envisagée par ces huit photographes selon différentes perspectives. Autant d’artistes à qui elle est essentielle pour dépouiller les images de leur sens initial et offrir ainsi à ceux qui la regardent de nouvelles réalités poétiques.

La Galerie XII Paris riunisce gli artisti contemporanei Alexandre Aldavert, Fabien Ducrot, Andrei Farcasanu, Didier Juteau, Sabatina Leccia, Charlotte Mano e Anne Pharel per esplorare le parole di Paul Valéry: "C'è un momento in cui la notte diventa visibile nella luce". In questo dialogo fotografico, che riguarda più la materialità che l'immagine, si incontrano diversi universi visivi, con il buio della notte come filo conduttore. Questa mostra collettiva propone un approccio che diventerà ricorrente per la galleria: riunire artisti ospiti e artisti rappresentati dalla Galerie XII per un dialogo sulla fotografia contemporanea.

Sebbene questi artisti abbiano scelto la fotografia come mezzo espressivo, non è tanto l'immagine ad affascinarli quanto la sua costruzione, la sua presenza fisica e la sua materialità. Tutti loro la interpretano, la usano e vanno oltre per rappresentarla. La loro ricerca non riguarda l'immagine in sé, ma la sua capacità di metamorfosi e di rinascita in un'altra forma.

Fabien Ducrot affronta il tema utilizzando immagini d'archivio e intelligenza artificiale. Le fotografie del XIX secolo, generate e compilate a migliaia, danno origine a immagini intrise di una nuova materialità. Mentre l'intelligenza artificiale modella l'irreale e mette in discussione la nozione stessa di immagine, Fabien Ducrot utilizza processi tradizionali di stampa al sale che conferiscono una nuova consistenza alle immagini.

Charlotte Mano ridefinisce costantemente materiali e immagini attraverso la sua ricerca sull'intimo, offrendo un'esperienza ipersensibile sia del mezzo che del proprio rapporto con il mondo. Attratta da media estranei a questo universo e desiderosa di sperimentare i limiti del suo strumento - la macchina fotografica - crea opere in cui immagini e texture sono inseparabili. Il risultato è una nuova dimensione sensibile, un autentico impegno poetico.

La questione dell'oggetto-immagine è presente anche nel mondo di Anne Pharel, che fotografa momenti visivi impalpabili la cui esistenza è comunque attestata nelle sue immagini. Attraverso le sue opere piatte e voluminose, l'artista si interroga sulla materia sensibile e sulla sua consistenza.

Anche Alexandre Aldavert e Sabatina Leccia vedono la stampa come un materiale, integrato dall'intervento manuale o dal pensiero intellettuale. È una fase del processo creativo. Associata alla scrittura e alla poesia per Aldavert, alla perforazione e al ricamo per Sabatina, la stampa stessa scompare. Subisce una metamorfosi prima di rinascere in un'altra forma.

Con un approccio più tradizionale alla fotografia, il lavoro di Andrei Farcasanu si concentra sull'intimità nel piccolo formato. Mette in discussione la nozione di materialità dell'opera attraverso il know-how tecnico. Lo stesso scatto può dare origine a diverse immagini, ciascuna con una materialità diversa a seconda dei capricci della chimica. È una ricerca condivisa da Didier Juteau, le cui immagini spogliano lo spettatore delle sue certezze visive nella misura in cui fotografia e materia si fondono.

La notte, le sue forme e la sua presenza fisica, è considerata da questi otto fotografi da prospettive diverse. Questi sono gli artisti per i quali la notte è essenziale, spoglia le immagini del loro significato originario e offre agli spettatori nuove realtà poetiche.

Galerie XII Paris brings together contemporary artists Alexandre Aldavert, Fabien Ducrot, Andrei Farcasanu, Didier Juteau, Sabatina Leccia, Charlotte Mano and Anne Pharel, around the words of Paul Valéry: "There is an instant when night makes itself seen by light". In this photographic dialogue, which is more about materiality than image, different visual universes intersect, with the obscurity of night as a leitmotif. This group show proposes an approach that will become recurrent for the gallery: bringing together guest artists and artists represented by Galerie XII for a dialogue around contemporary photography.

Although these artists have chosen photography as their mode of expression, it is not so much the image that fascinates them as its construction, physical presence and materiality. They all interpret it, use it, go beyond it to represent it. The research is not about the image, but about its capacity to metamorphose and be reborn in another form.

Fabien Ducrot treats the subject using archive images and artificial intelligence. Nineteenth-century photographs, generated and compiled by the thousands, give rise to images imbued with a new materiality. While AI shapes the unreal and questions the very notion of the image, Fabien Ducrot resorts to traditional salt print processes that give images a new texture.

Charlotte Mano constantly redefines materials and images through her research into the intimate, offering both a hypersensitive experience of the medium and of her own relationship to the world. Attracted by supports foreign to this universe and keen to experiment with the limits of her tool - the camera - she creates works in which images and textures are inseparable. The result is a new, sensitive dimension, a genuine poetic commitment.

The question of the image-object is also present in the world of Anne Pharel, who photographs impalpable visual moments whose existence is nonetheless testified to by images. A questioning of sensitive matter and its consistency through works on the plane or in volume.

Alexandre Aldavert and Sabatina Leccia also see the print as a material, complemented by manual intervention or intellectual thought. It is a stage in the creative process. Associated with writing and poetry for Aldavert, perforation and embroidery for Leccia, the print itself disappears. It undergoes a metamorphosis and is reborn in another form.

Taking a more traditional approach to photography, Andrei Farcasanu's work focuses on the intimate, with small-format works. He questions the notion of the work's materiality through technical know-how. The same shot can give rise to several images, each imbued with a different materiality depending on the vagaries of chemistry. It's a quest shared by Didier Juteau, whose images strip viewers of their visual certainties as photography and matter merge.

Night, its forms and physical presence, is considered by these eight photographers from different perspectives. These are the artists for whom night is essential, stripping images of their initial meaning and offering viewers new poetic realities.

(Text: Galerie XII, Paris)

Galerie Bigaignon | Paris
25. Januar – 9. März 2024

De Prime Abord
Yannig Hedel

Die Galerie Bigaignon präsentiert "De Prime Abord", die dritte monografische Ausstellung des Künstlers Yannig Hedel. Diese Ausstellung, die sich auf die Anfänge des Werks dieses französischen Künstlers konzentriert, der für seine Arbeit mit Licht und seine besonders schlichten Abzüge bekannt ist, zeigt zum ersten Mal eine engere Auswahl seiner allerersten Arbeiten, die sich über einen Zeitraum von zehn Jahren, von 1976 bis 1986, erstrecken.

Yannig Hedel wurde 1948 in Saint-Nazaire geboren. Im Alter von 22 Jahren zog er nach Lyon, wo er sich für Architektur begeisterte und bereits die Stadt auf der Suche nach Licht- und Schattenspielen durchstreifte. Angesichts der Schnelllebigkeit, die die Stadt der Lichter kennzeichnet, fängt der Künstler die Eindrücke des Schwebezustands ein.

Er verewigt den Austausch menschlicher Bauten mit den himmlischen Weiten als "Grafiken".

unsicher", Echos unbewusster Erinnerungen. Ursprünglich ein Zeichner, machte er seine ersten Abzüge, machte seine Skalen und entwickelte nach und nach in der Dunkelkammer eine Fähigkeit, die ihn zu einem Meisterschützen machte.

Diese Initiationsphase wird hier vorgestellt. De Prime Abord bietet Sammlern eine Auswahl an unveröffentlichten Fotografien, die aus zeitgenössischen Abzügen aus den Jahren 1976 bis 1986 bestehen. Während die bestätigten Arbeiten des Künstlers später sehr häufig ausgestellt und in Museumsausstellungen gezeigt wurden, kann man hier die Entstehung des Hédelien-Stils entdecken.

Er verbindet bereits Licht und Schatten, Himmel und Gebäude, Abstraktion und Figuration. Seine Vorliebe für die Minimal Art zeichnet sich ab und bestätigt sich in einer Suche nach Reinheit, die den Künstler immer geleitet hat. Während die Kontraste kaum sichtbarer sind als in seinen jüngsten Arbeiten, kreuzt der Wille zur sanften Sättigung das ach so subtile Spiel mit dem Licht.

Die Ausstellung enthüllt schließlich zwei große Überraschungen: ein Werk aus dem Jahr 1983, das sich von allen anderen durch seine Tonalität und die Tatsache unterscheidet, dass - was äußerst selten vorkommt - Figuren darin vorkommen, und eine große Komposition von 13 Silberdrucken aus der Serie De Labore Solis, die den Schlüssel zum Verständnis einer von der Zeit geleiteten Arbeit darstellt.

Mit rund 40 Einzelausstellungen bereichern die Werke von Yannig Hedel mittlerweile zahlreiche französische und internationale Privatsammlungen sowie die Sammlungen renommierter öffentlicher Institutionen. Eine Reihe von Drucken und Skulpturen sind bis zum 4. Februar in der Ausstellung "Épreuves de la Matière" in der Bibliothèque nationale de France zu sehen.

La galerie Bigaignon présente « De Prime Abord », troisième exposition monographique de l’artiste Yannig Hedel. Cette exposition, qui se concentre sur les prémices de l’oeuvre de cet artiste français réputé pour son travail sur la lumière et ses tirages particulièrement épurés, présente pour la première fois une sélection resserrée de ses tout premiers travaux, étalés sur une période de dix ans, de 1976 à 1986.

Yannig Hedel naît à Saint-Nazaire en 1948. Passionné d’architecture, il s’installe à Lyon âgé de 22 ans et déjà parcourt la ville à l’affût de jeux d’ombres et de lumières. Face à la rapidité qui caractérise la Ville des Lumières, l’artiste capture les impressions de suspension.

Il pérennise le partage des constructions humaines avec les étendues célestes, comme « graphismes incertains », échos à des souvenirs inconscients. Initialement dessinateur, il réalise ses premiers tirages, faits ses gammes et développe peu à peu en chambre noire une habilité qui fera de lui un maître-tireur.

C’est cette période initiatique qui est présentée ici. De Prime Abord propose ainsi aux collectionneurs une sélection de photographies inédites, composée de tirages d’époque, réalisés entre 1976 et 1986. Alors que le travail confirmé de l’artiste bénéficiera ensuite de très nombreux accrochages et trouvera sa place dans des expositions muséales, on découvre ici la naissance du style Hédelien.

Conjuguant déjà ombres et lumière, ciels et bâtiments, abstraction et figuration, son attrait pour l’art minimal s’esquisse et s’affirme dans une recherche d’épure qui n’a jamais cessé de guider l’artiste. Alors que les contrastes sont à peine plus visibles que dans ses travaux les plus récents, la volonté de douceur de saturation croise des jeux de lumière ô combien subtiles.

L’exposition révèle enfin deux surprises de taille : une oeuvre de 1983 qui se distingue de toutes les autres tant par sa tonalité et que par le fait que, chose rarissime, des personnages y apparaissent, et une composition majeure de 13 tirages argentiques, issue de la série De Labore Solis, clef de voute à la compréhension d’un travail guidé par le temps.

Avec une quarantaine d’expositions personnelles à son actif, les oeuvres de Yannig Hedel enrichissent désormais de nombreuses collections privées françaises et internationales, ainsi que celles de prestigieuses institutions publiques. Un ensemble de tirages et sculptures est également visibles jusqu’au 4 février dans l’exposition événement « Épreuves de la Matière » à la Bibliothèque nationale de France.

La Galerie Bigaignon presenta "De Prime Abord", la terza mostra personale dell'artista francese Yannig Hedel. L'esposizione, incentrata sui primi lavori dell'artista francese noto per il suo lavoro con la luce e le sue stampe particolarmente raffinate, presenta per la prima volta una piccola selezione delle sue prime opere, distribuite su un periodo di dieci anni, dal 1976 al 1986.

Yannig Hedel è nato a Saint-Nazaire nel 1948. Appassionato di architettura, si trasferisce a Lione all'età di 22 anni e già setaccia la città alla ricerca dei giochi di luce e ombra. Di fronte alla rapidità che caratterizza la Ville Lumière, l'artista cattura l'impressione di sospensione.

Egli perpetua la condivisione delle costruzioni umane con le distese celesti, in quanto "grafismi incerti echi di memorie inconsce". Inizialmente disegnatore, realizza le prime stampe, si esercita con le scale e sviluppa gradualmente un'abilità in camera oscura che lo renderà un maestro del disegno.

È questo periodo iniziatico che viene presentato qui. De Prime Abord offre ai collezionisti una selezione di fotografie inedite, composta da stampe vintage realizzate tra il 1976 e il 1986. Mentre il lavoro dell'artista sarebbe stato ampiamente esposto e avrebbe trovato spazio nelle mostre museali, qui scopriamo la nascita dello stile Hédelien.

Combinando già luci e ombre, cieli ed edifici, astrazione e figurazione, la sua attrazione per l'arte minimale è abbozzata e affermata in una ricerca di purezza che non ha mai smesso di guidare l'artista. I contrasti sono solo leggermente più visibili rispetto alle sue opere più recenti, e il desiderio di una saturazione morbida si interseca con giochi di luce molto sottili.

Infine, la mostra rivela due grandi sorprese: un'opera del 1983 che si distingue da tutte le altre sia per la tonalità che per la rara apparizione di figure, e una grande composizione di 13 stampe all'argento della serie De Labore Solis, chiave di lettura di un corpus di lavori guidati dallo scorrere del tempo.

Con una quarantina di mostre personali al suo attivo, l'opera di Yannig Hedel si trova oggi in numerose collezioni private francesi e internazionali, oltre che in quelle di prestigiose istituzioni pubbliche. Una serie di stampe e sculture è visibile fino al 4 febbraio nella mostra "Épreuves de la Matière" alla Bibliothèque nationale de France.

The Galerie Bigaignon presents "De Prime Abord", the third monographic exhibition by artist Yannig Hedel. Focusing on the early years of the work of this French artist renowned for his work with light and his particularly refined prints, this exhibition presents for the first time a narrow selection of his earliest works, spread over a ten-year period from 1976 to 1986.

Yannig Hedel was born in Saint-Nazaire in 1948. With a passion for architecture, he moved to Lyon at the age of 22 and was already scouring the city for the play of light and shadow. Faced with the rapidity that characterizes the City of Lights, the artist captures impressions of suspension.

He perpetuates the sharing of human constructions with celestial expanses, as "uncertain graphisms

echoes of unconscious memories. Initially a draughtsman, he made his first prints and gradually developed a skill in the darkroom that would make him a master draughtsman.

It is this initiatory period that is presented here. De Prime Abord offers collectors a selection of previously unseen photographs, made from vintage prints produced between 1976 and 1986. While the artist's confirmed work would later benefit from numerous hangings and find its way into museum exhibitions, here we discover the birth of the Hédelien style.

Already combining light and shadow, skies and buildings, abstraction and figuration, his attraction to minimal art is sketched out and asserted in a quest for purity that has never ceased to guide the artist. Contrasts are scarcely more visible than in his most recent works, while the desire for soft saturation intersects with oh-so-subtle plays of light.

Finally, the exhibition reveals two major surprises: a 1983 work that stands out from all the others both for its tonality and for the rare appearance of figures, and a major composition of 13 silver prints from the De Labore Solis series, the key to understanding a work guided by time.

With some forty solo exhibitions to his credit, Yannig Hedel's work now enriches numerous French and international private collections, as well as those of prestigious public institutions. A series of prints and sculptures can also be seen until February 4 in the exhibition "Épreuves de la Matière" at the Bibliothèque nationale de France.

(Text: Galerie Bigaignon, Paris)

MEP Maison Européenne de la Photographie | Paris
15. Dezember 2023 – 11. Februar 2024

Dissonance
Senta Simond

Das Studio ist stolz darauf, die erste Einzelausstellung der Schweizer Künstlerin und Modefotografin Senta Simond in einer französischen Institution zu präsentieren. Sie ist bekannt für ihre Fotografien des weiblichen Körpers, die gegen Stereotypen verstoßen. Simond präsentiert hier eine Reihe von bisher unveröffentlichten Videos und Fotos, die zum ersten Mal Musik in ihre Arbeit einbeziehen.

Das Herzstück der Ausstellung ist ein Diptychon, das Video und Fotografie in einem visuellen und akustischen Dialog zwischen zwei jungen Frauen kombiniert, die sich noch nie persönlich begegnet sind: einer jungen ukrainischen Tänzerin und einer irischen Harfenspielerin. Mit einem intimen Ansatz, der sich auf Nahaufnahmen und verschobene Schnappschüsse konzentriert, findet Simond Nuancen in flüchtigen Gesten und Ausdrücken. Das Ergebnis sind sensible und mysteriöse Bilder, die das Thema der menschlichen Verbindung erforschen, indem sie uns dazu einladen, in die Szene einzutauchen. In diesem Werk werden Simonds Bilder und, auf seinen Wunsch, die von den beiden jungen Frauen gefilmten Sequenzen, die von seinem Ansatz inspiriert wurden, miteinander vermischt, um mit den Ideen von Inszenierung und Performance, Improvisation und Zufall zu experimentieren.

Das neue Projekt war als Fortsetzung ihres ersten Künstlerbuchs Rayon Vert (2018) gedacht - der Titel, der an Éric Rohmers Film von 1986 erinnert, der auf dem gleichnamigen Roman von Jules Verne aus dem Jahr 1882 basiert, bezieht sich auf ein optisches Phänomen - einen unerwarteten Farbblitz am Horizont in der Abenddämmerung, der denjenigen, die ihn sehen, einen Moment der Klarheit bringen soll, in Wirklichkeit aber viel ungreifbarer ist.

Lausanne, Senta Simond hat ihren Master in Fotografie an der ECAL in Lausanne, Schweiz, absolviert. Sie ist Finalistin des Aperture/Paris PhotoBook Award und wurde außerdem für das British Journal of Photography "Ones to watch", Foam Talent und die Swiss Design Awards ausgewählt. Ihre Arbeit wurde in einer Einzelausstellung im Foam Museum, in der Danziger Gallery (New York) und der Webber Gallery (New York/ London) sowie in Gruppenausstellungen in Tokio, London, Biel und Basel gezeigt. Sie wird von der Webber Gallery vertreten.

Simond arbeitet seit 2018 auch als Modefotografin. Sie wurde in Genf geboren und lebt und arbeitet in Paris.

Kuratorin: Laurie Hurwitz

Die Ausstellung wird in Zusammenarbeit mit Christian Dior Parfums organisiert.

Le Studio est fier de présenter la première exposition personnelle, dans une institution française, de l'artiste et photographe de mode suisse Senta Simond. Connue pour ses photographies du corps féminin qui vont à l'encontre des stéréotypes. Simond présente ici un ensemble de vidéos et de photos inédites qui introduisent pour la première fois, la musique dans son travail.

La pièce maîtresse de l'exposition est un diptyque combinant vidéo et photographie, dans un dialogue visuel et sonore entre deux jeunes femmes qui ne se sont jamais rencontrées en personne : une jeune danseuse ukrainienne et une harpiste irlandaise. Avec une approche intime, en se concentrant sur des gros plans et des instantanés décalés, Simond trouve des nuances dans des gestes et des expressions fugaces. En résultent des images sensibles et mystérieuses qui explorent le thème de la connexion humaine en nous invitent à nous plonger dans la scène. Cette œuvre mélange les images de Simond et, à sa demande, les séquences filmées par les deux jeunes femmes inspirées de son approche, pour expérimenter les idées de mise en scène et de performance, d'improvisation et de hasard.

Ce nouveau projet a été conçu comme un prolongement de son premier livre de l'artiste, Rayon Vert (2018) - le titre, qui évoque le film d'Éric Rohmer de 1986, basé sur le roman éponyme de Jules Verne de 1882, fait référence à un phénomène optique - un éclair de couleur inattendu à l'horizon au crépuscule, censé apporter un moment de clarté à ceux qui le voient, mais qui, en réalité, est beaucoup plus insaisissable.

Lausanne, Senta Simond a obtenu un master en photographie à l'ECAL à Lausanne, en Suisse. Finaliste du prix Aperture/Paris PhotoBook, elle a également été sélectionnée pour le British Journal of Photography "Ones to watch", Foam Talent et les Swiss Design Awards. Son travail a été présenté dans une exposition solo au Foam Museum, à la Danziger Gallery (New York) et la galerie Webber (New York/ Londres) ainsi que dans des expositions collectives à Tokyo, Londres, Bienne et Bâle. Elle est représentée par la galerie Webber.

Simond travaille également comme photographe de mode depuis 2018. Née à Genève, elle vit et travaille à Paris.

Commissaire : Laurie Hurwitz

L'exposition est organisée en collaboration avec Christian Dior Parfums.

Lo Studio è orgoglioso di presentare la prima mostra personale in un'istituzione francese dell'artista e fotografa di moda svizzera Senta Simond. Conosciuta per le sue fotografie del corpo femminile che vanno contro gli stereotipi. Qui la Simond presenta una collezione di video e foto inediti che introducono per la prima volta la musica nel suo lavoro.

Il fulcro della mostra è un dittico che unisce video e fotografia, in un dialogo visivo e sonoro tra due giovani donne che non si sono mai incontrate di persona: una giovane ballerina ucraina e un'arpista irlandese. Con un approccio intimo, incentrato su primi piani e istantanee fuori dagli schemi, Simond trova sfumature in gesti ed espressioni fugaci. Il risultato sono immagini sensibili e misteriose che esplorano il tema del legame umano invitandoci a immergerci nella scena. Questo lavoro mescola le immagini di Simond e, su sua richiesta, filmati girati da due giovani donne ispirate dal suo approccio, per sperimentare idee di messa in scena e performance, improvvisazione e casualità.

Questo nuovo progetto è stato concepito come un'estensione del suo primo libro dell'artista, Rayon Vert (2018) - il titolo, che ricorda il film di Éric Rohmer del 1986 basato sull'omonimo romanzo di Jules Verne del 1882, si riferisce a un fenomeno ottico - un lampo di colore inaspettato all'orizzonte al crepuscolo, che dovrebbe portare un momento di chiarezza a chi lo vede, ma che in realtà è molto più sfuggente.

Nata a Losanna, Senta Simond ha conseguito un master in fotografia presso l'ECAL di Losanna, in Svizzera. Finalista al premio Aperture/Paris PhotoBook, è stata anche selezionata per il British Journal of Photography "Ones to watch", Foam Talent e gli Swiss Design Awards. Il suo lavoro è stato esposto in una mostra personale al Foam Museum, alla Danziger Gallery (New York) e alla Webber Gallery (New York/Londra), oltre che in mostre collettive a Tokyo, Londra, Bienne e Basilea. È rappresentata dalla Webber Gallery.

Dal 2018 Simond lavora anche come fotografa di moda. Nata a Ginevra, vive e lavora a Parigi.

Curatore: Laurie Hurwitz

La mostra è organizzata in collaborazione con Christian Dior Parfums.

Le Studio is proud to present the first solo exhibition in a French institution of Swiss artist and fashion photographer Senta Simond. Known for her stereotype-busting photographs of the female body, Simond presents a collection of previously unseen videos and photos. Here, Simond presents a collection of previously unseen videos and photos, introducing music into her work for the first time.

The centerpiece of the exhibition is a diptych combining video and photography, in a visual and aural dialogue between two young women who have never met in person: a young Ukrainian dancer and an Irish harpist. Taking an intimate approach, focusing on close-ups and offbeat snapshots, Simond finds nuance in fleeting gestures and expressions. The result is sensitive, mysterious images that explore the theme of human connection, inviting us to immerse ourselves in the scene. This work mixes Simond's images and, at his request, footage filmed by the two young women inspired by his approach, to experiment with ideas of staging and performance, improvisation and chance.

This new project was conceived as an extension of her first artist's book, Rayon Vert (2018) - the title, reminiscent of Éric Rohmer's 1986 film based on Jules Verne's 1882 novel of the same name, refers to an optical phenomenon - an unexpected flash of color on the horizon at dusk, meant to bring a moment of clarity to those who see it, but which, in reality, is much more elusive.

Born in Lausanne, Senta Simond obtained a Master's degree in photography at ECAL in Lausanne, Switzerland. A finalist for the Aperture/Paris PhotoBook prize, she has also been shortlisted for the British Journal of Photography "Ones to watch", Foam Talent and the Swiss Design Awards. Her work has been shown in solo exhibitions at the Foam Museum, Danziger Gallery (New York) and Webber Gallery (New York/London), as well as in group shows in Tokyo, London, Biel and Basel. She is represented by Webber Gallery.

Simond has also been working as a fashion photographer since 2018. Born in Geneva, she lives and works in Paris.

Curator: Laurie Hurwitz

The exhibition is organized in collaboration with Christian Dior Parfums.

(Text: MEP Maison Européenne de la Photographie, Paris)

Galerie Rabouan Moussion | Paris
11. November – 31. Dezember 2023

Nature Morte – Still Life
Stephan Vanfleteren

Seit etwa zehn Jahren fotografiert Stephan Vanfleteren in seinem Atelier tote Tiere bei Tageslicht. Diese intensive Arbeit bildet die Serie Nature Morte - Still Life.

Nichts ist schwieriger, als lebende Tiere zu fotografieren. Sie sind misstrauisch und schnell oder leben versteckt in der Nacht, man kann sie nicht lenken. Ein totes Tier ist geduldig. Die Tiere sind nicht für das Objektiv des Fotografen gestorben. Der tote Schwan wurde an einem Flussufer gefunden, das Lamm war auf dem Weg zum Metzger, die Ente und der Fasan wurden mit einer Schrotflinte erschossen, die Krähe starb im Gras inmitten von Nebel und Tau, der Fuchs, der Wolf und das Reh wurden von Autos überfahren, der Schweinswal wurde nach einem Sturm an die Küste gespült und starb in den Armen eines Surfers, die Blaumeise und das Rotkehlchen flogen in ein Fenster.

Nature Morte - Still Life bezieht sich natürlich auf die klassische Malerei mit dem betörenden Licht, das in das Atelier des Künstlers eindringt. Dieses weiche Licht steht in der Tradition der alten und zeitgenössischen Meister. Mit seinem akribischen Können, seinem Künstlerherz und seiner unerschöpflichen Vitalität macht er uns gleichzeitig zu Zeugen und Komplizen eines Vergehens, das unter Spiegelungen begangen wird.

Das Tageslicht ändert sich mit den Jahreszeiten, dem Stand der Sonne und den Wolken. Die grauen Leinwände im Atelier sind so wandelbar wie die Abendkleider der vielseitigen Diven. Es ist schön zu sehen, wie sich das Grau zwischen den poetischen Nuancen von Petrolblau, Lincolngrün und Mountbattenpink tummelt. Mithilfe dieses Lichts beobachtet, studiert und sublimiert Stephan Vanfleteren die Schönheit des Tieres. Die Farbe des Fells, der Glanz einer Feder, die Spiegelung der Haut, die Rauheit einer Pfote, die Aerodynamik des Körpers, die Schärfe einer Kralle oder die Textur der Haut faszinieren den Fotografen.

Das Licht ist ein faszinierendes Thema. Ibn al-Haytham und Da Vinci haben es nicht nur beobachtet, sondern auch darüber geschrieben. Auch in der Bibel wird es bewundert, insbesondere im Schöpfungsbericht, in dem das Licht am allerersten Tag erschaffen wird. Der holländische Wissenschaftler Huygens war im 17. Jahrhundert der erste, der die Wellenbewegung sezierte. Vor ihm entdeckte der Däne Ole Roemer sogar, dass das Licht eine Geschwindigkeit hat. Licht bleibt ein mysteriöses Wunder, jenseits von religiösen oder wissenschaftlichen Ansichten. Die Tatsache, dass das Sonnenlicht 500 Sekunden lang unterwegs ist, bevor es durch das große Fenster des Ateliers fällt, lässt Vanfleteren ekstatisch werden. Dieses müde Licht, das auf seiner weiten Reise durch Brechung und Verzerrung verwundet wurde, ist der Grund, warum Vanfleteren es das alte Licht nennt.

Stephan Vanfleterens Atelier ist eine Art Niemandsland, das einen intimen Schutzraum bildet, in dem die Außenwelt vergessen wird. Die Menschen schenken dem Tod kaum Beachtung, für Vanfleteren nährt der Tod die Vitalität des Lebens. Wenn du das Licht sehen willst, betrachte den Schatten. Nature Morte - Still Life ist ein Memento Mori, ein Stillleben, das uns an unsere Sterblichkeit erinnert.

Depuis une dizaine d’années, Stephan Vanfleteren photographie des animaux morts dans son atelier à la lumière du jour. Ce travail intense constitue la série Nature Morte - Still Life.

Rien n’est plus difficile que de photographier des animaux vivants. Ils sont méfiants et rapides, ou vivent cachés dans la nuit, on ne peut pas les diriger. Un animal mort est patient. Les animaux ne sont pas morts pour l’objectif du photographe. Le cygne mort a été trouvé au bord d’une rivière, l’agneau était en route pour la boucherie, le canard et le faisan ont été abattus par un fusil de chasse, la corneille est morte dans l’herbe au milieu de la brume et de la rosée, le renard, le loup et le chevreuil ont été renversés par des voitures, le marsouin s’est échoué sur le rivage après une tempête, il est mort dans les bras d’un surfeur, la mésange bleue et le rouge-gorge se sont envolés dans une fenêtre.

Nature Morte - Still Life fait naturellement référence à la peinture classique avec la lumière envoûtante qui pénètre dans l’atelier de l’artiste. Cette lumière douce s’inscrit dans la tradition des maîtres anciens et contemporains. Avec son savoir-faire méticuleux, son coeur d’artiste et sa vitalité inépuisable, il nous rend à la fois témoins et complices d’un délit commis sous des reflets.

La lumière du jour change avec les saisons, la position du soleil et les nuages. Les toiles de fond grises de l’atelier sont aussi changeantes que les robes de soirée des divas versatiles. Il est beau de voir comment le gris s’ébat entre les nuances poétiques du bleu pétrole, du vert Lincoln et du rose Mountbatten. Grâce à cette lumière, Stephan Vanfleteren observe, étudie et sublime la beauté de l’animal. La couleur du pelage, la brillance de la plume, le reflet de la peau, la rugosité d’une patte, l’aérodynamisme du corps, le tranchant d’une griffe ou la texture de la peau fascinent le photographe.

La lumière est un sujet qui passionne, Ibn al-Haytham, Da Vinci l’ont non seulement observée, mais ils ont aussi écrit à son sujet. Elle est également admirée dans la Bible, notamment dans le récit de la création, où la lumière est crée le tout premier jour. Le scientifique Hollandais Huygens, au XVIIe siècle a été le premier à disséquer le mouvement ondulatoire. Avant lui, le Danois Ole Roemer a même découvert que la lumière avait une vitesse. La lumière reste un miracle mystérieux, au-delà du point de vue religieux ou scientifique, le fait que la lumière du soleil voyage pendant 500 secondes avant de traverser la grande fenêtre de l’atelier rend Vanfleteren extatique. Cette lumière fatiguée, blessée par la réfraction et la distorsion au cours de son lointain voyage est la raison pour laquelle Vanfleteren l’appelle la vieille lumière.

L’atelier de Stephan Vanfleteren est une sorte de no man’s land qui forme un abri intime où le monde extérieur est oublié. Les gens ne prêtent guère attention à la mort, pour Vanfleteren, la mort alimente la vitalité de la vie. Si vous voulez voir la lumière, regardez l’ombre. Nature Morte - Still Life est un Memento Mori, une nature morte qui nous rappelle notre mortalité.

Da dieci anni Stephan Vanfleteren fotografa animali morti nel suo studio alla luce del giorno. Questo intenso lavoro costituisce la serie Nature Morte - Still Life.

Niente è più difficile che fotografare animali vivi. Sono diffidenti e veloci, o vivono nascosti nella notte, e non si possono dirigere. Un animale morto è paziente. Gli animali non sono morti per l'obiettivo del fotografo. Il cigno morto è stato trovato sulle rive di un fiume, l'agnello stava andando dal macellaio, l'anatra e il fagiano sono stati uccisi con un fucile da caccia, il corvo è morto sull'erba nella nebbia e nella rugiada, la volpe, il lupo e il cervo sono stati investiti dalle auto, la focena si è arenata dopo una tempesta ed è morta tra le braccia di un surfista, la cinciallegra e il pettirosso sono volati dentro una finestra.

Nature Morte - Still Life è un riferimento naturale alla pittura classica, con la luce ammaliante che penetra nello studio dell'artista. Questa luce soffusa si inserisce nella tradizione dei maestri antichi e contemporanei. Con la sua meticolosa abilità, il suo cuore d'artista e la sua inesauribile vitalità, ci rende testimoni e complici di un crimine commesso sotto la luce dei riflessi.

La luce del giorno cambia a seconda delle stagioni, della posizione del sole e delle nuvole. I fondali grigi dello studio sono mutevoli come gli abiti da sera di dive versatili. È bello vedere come il grigio si muove tra le poetiche sfumature del blu petrolio, del verde Lincoln e del rosa Mountbatten. Utilizzando questa luce, Stephan Vanfleteren osserva, studia e sublima la bellezza dell'animale. Il colore del manto, la brillantezza delle piume, il riflesso della pelle, la ruvidità di una zampa, l'aerodinamicità del corpo, l'affilatezza di un artiglio o la consistenza della pelle affascinano il fotografo.

Ibn al-Haytham e Da Vinci non solo l'hanno osservato, ma ne hanno anche scritto. È ammirata anche nella Bibbia, in particolare nel racconto della creazione, dove la luce viene creata il primo giorno. Nel XVII secolo, lo scienziato olandese Huygens fu il primo a studiare il moto ondoso. Prima di lui, il danese Ole Roemer scoprì che la luce aveva una velocità. La luce rimane un miracolo misterioso, al di là del punto di vista religioso o scientifico. Il fatto che la luce del sole viaggi per 500 secondi prima di passare attraverso la grande finestra dello studio rende Vanfleteren estasiato. Questa luce stanca, ferita dalla rifrazione e dalla distorsione nel suo viaggio lontano, è il motivo per cui Vanfleteren la chiama la vecchia luce.

Lo studio di Stephan Vanfleteren è una sorta di terra di nessuno, un rifugio intimo dove il mondo esterno viene dimenticato. Per Vanfleteren, la morte alimenta la vitalità della vita. Se vuoi vedere la luce, guarda l'ombra. Nature Morte - Still Life è un Memento Mori, una natura morta che ci ricorda la nostra mortalità.

For the past ten years, Stephan Vanfleteren has been photographing dead animals in his studio in daylight. This intense work forms the Nature Morte - Still Life series.

Nothing is more difficult than photographing live animals. They're wary and quick, or live hidden in the night, so you can't direct them. A dead animal is patient. Animals are not dead for the photographer's lens. The dead swan was found on the banks of a river, the lamb was on its way to the butcher's, the duck and pheasant were shot by a shotgun, the crow died in the grass amid mist and dew, the fox, wolf and deer were hit by cars, the porpoise washed ashore after a storm, died in the arms of a surfer, the blue tit and robin flew into a window.

Nature Morte - Still Life is a natural reference to classical painting, with the bewitching light that penetrates the artist's studio. This soft light is in the tradition of old and contemporary masters alike. With his meticulous craftsmanship, artist's heart and inexhaustible vitality, he makes us both witnesses and accomplices to a crime committed under reflections.

Daylight changes with the seasons, the position of the sun and the clouds. The gray backdrops of the studio are as changeable as the evening gowns of versatile divas. It's beautiful to see how gray frolics between poetic shades of petrol blue, Lincoln green and Mountbatten pink. With this light, Stephan Vanfleteren observes, studies and sublimates the animal's beauty. The color of the coat, the brilliance of the feather, the reflection of the skin, the roughness of a paw, the aerodynamics of the body, the sharpness of a claw or the texture of the skin fascinate the photographer.

Ibn al-Haytham and Da Vinci not only observed it, they also wrote about it. It is also admired in the Bible, notably in the creation story, where light is created on the very first day. The 17th-century Dutch scientist Huygens was the first to dissect wave motion. Before him, the Dane Ole Roemer even discovered that light had a speed. Light remains a mysterious miracle, beyond the religious or scientific point of view. The fact that sunlight travels for 500 seconds before passing through the studio's large window makes Vanfleteren ecstatic. This tired light, wounded by refraction and distortion on its distant journey, is why Vanfleteren calls it the old light.

Stephan Vanfleteren's studio is a kind of no-man's-land, an intimate shelter where the outside world is forgotten. For Vanfleteren, death feeds the vitality of life. If you want to see the light, look at the shadow. Nature Morte - Still Life is a Memento Mori, a still life that reminds us of our mortality.

(Text: Galerie Rabouan Moussion, Paris)

Backslash | Paris
9. November – 16. Dezember 2023

Polaroils
France Bizot

Das Polaroid stellt für France Bizot die erste Selfie-Kamera dar. Frühere Ausstellungen der Künstlerin zeigten ihr Interesse an sozialen Netzwerken, im wahrsten Sinne des Wortes, dieses Phänomens. Heute wendet sie sich der praktischen und technischen Seite des virtuellen Mediums zu. Vor Kim Kardashian war es Andy Warhol, der die Idee des Selfies in unvergesslichen Sitzungen und immer mit Hilfe einer Polaroidkamera definierte. Man sollte übrigens nicht vergessen, dass er viele Jahre lang ein bekannter Grafiker in der Werbung war. Warhols Polaroids, die aus dem Leben gegriffen waren, definierten seine Zeit, so wie Instagram die unsrige enthüllt. France Bizot versucht, unsere ständige Gegenwart und die permanenten Timelines, die auf unseren Telefonen ablaufen, durch eine Reihe von Gemälden mit verschiedenen Medien zu beschreiben und zu malen (darunter echte Vintage-Polaroids, die verblassen, um dem Pinsel des Künstlers Platz zu machen). Das Format des Polaroids ist übrigens dem des IPhone nicht unähnlich. Und da wir heute Kunstwerke in erster Linie über das Mobiltelefon entdecken, hat France Bizot Werke in dieser Größe oder im gleichen Formatverhältnis, aber in monumentalerer Form geschaffen.

Die angesprochenen Themen und Themen sind die des Alltags, unserer sozialen Netzwerke. Ob eingefangene Bilder oder perfekt studierte und retuschierte Selfies, die Ausstellung bietet eine digitale Timeline, die paradoxerweise in der Ölmalerei erstarrt ist. Aber der Künstler führt uns auch hinter die Kulissen und lässt uns durch eine Reihe von umgekehrt gemalten Schnappschüssen entdecken, was wir normalerweise nicht sehen: Diesmal sind es Rücken von Frauen, deren BHs schnell schlecht zusammengetackert sind, während diese Frauen von vorne wahrscheinlich wunderschön zurechtgemacht sind. Was verbirgt die Fotografie? Und was enthüllen durch ihre Prismen nicht auch die Bilder unserer sozialen Netzwerke mit ihren perfekten Leben?

Eine letzte Reihe außergewöhnlicher Werke schließt den Ausstellungsrundgang ab: Zeitgenössische Madonnen aus Keramik stellen dem Betrachter Fragen über das voyeuristische Klischee der sozialen Netzwerke. Die Hauttöne und die Epidermis der Keramik erinnern stark an die Jungfrauen des Florentiner Keramikers Luca della Robbia und bilden somit einen vollständigen Zyklus in der Kunstgeschichte, ebenso wie die mit Ölfarbe überzogenen Polaroids.

Le Polaroïd représente pour France Bizot le premier appareil à selfie. Les expositions précédentes de l’artiste ont démontré son intérêt pour les réseaux sociaux, dans le sens littéral de ce phénomène. Aujourd’hui, elle s’adresse au côté pratique et technique du support virtuel. Avant Kim Kardashian, c’est Andy Warhol qui a défini l’idée de selfie lors de séances inoubliables et toujours avec l’aide d’un Polaroïd. Il faut d’ailleurs rappeler qu’il a été un graphiste réputé de la publicité durant de longues années. Pris sur le vif, les Polaroïds de Warhol définissaient son époque comme Instagram dévoile la nôtre. France Bizot s’attache ainsi à décrire et peindre notre présent perpétuel et les timelines permanentes qui défilent sur nos téléphones, à travers une série de peintures aux différents supports (dont de véritables Polaroïds vintage qui s’effacent pour laisser la place au pinceau de l’artiste). Le format du Polaroïd n’est d’ailleurs pas sans rappeler celui de l’IPhone. Et puisqu’aujourd’hui nous découvrons essentiellement les oeuvres d’art d’abord par le biais du téléphone portable, France Bizot a donc réalisé des oeuvres de cette taille-là, ou dans ce même rapport de format mais en plus monumental.

Les sujets et thèmes évoqués sont ceux du quotidien, de nos réseaux sociaux. Images capturées ou selfies parfaitement étudiés et retouchés, l’exposition propose une timeline numérique paradoxalement figée dans la peinture à l’huile. Mais l’artiste nous emmène également dans l’envers du décor et nous propose de découvrir ce que l’on ne voit normalement pas, par le biais d’une série de cliché peints inversés : ce sont cette fois-ci des dos de femmes, aux soutiens-gorges rapidement mal agrafés, alors que de face ces femmes sont probablement magnifiquement apprêtées. Que cache la photographie ? Et par leurs prismes, que ne dévoilent pas les images de nos réseaux sociaux aux vies parfaites ?

Une dernière série d’oeuvres exceptionnelles clôt le parcours de l’exposition : des madones contemporaines en céramique questionnent le spectateur sur le cliché voyeuriste des réseaux sociaux. Les carnations et l’épiderme de la céramique rappellent fortement les vierges du céramiste florentin Luca della Robbia et forment ainsi un cycle complet dans l’histoire de l’art, tout comme les Polaroïds recouverts de peinture à l’huile.

Per France Bizot, la Polaroid è stata la prima macchina fotografica per i selfie. Le precedenti mostre dell'artista hanno dimostrato il suo interesse per i social network, nel senso letterale del fenomeno. Ora sta rivolgendo la sua attenzione all'aspetto pratico e tecnico del mezzo virtuale. Prima di Kim Kardashian, è stato Andy Warhol a definire l'idea del selfie in sessioni indimenticabili, sempre con l'aiuto di una Polaroid. Vale la pena ricordare che è stato per molti anni un rinomato grafico pubblicitario. Scattate sul posto, le Polaroid di Warhol definivano la sua epoca come Instagram rivela la nostra. France Bizot si propone di descrivere e dipingere il nostro presente perpetuo e le linee temporali permanenti che scorrono sui nostri telefoni, attraverso una serie di dipinti realizzati con diversi supporti (tra cui vere Polaroid d'epoca che svaniscono per lasciare spazio al pennello dell'artista). Il formato della Polaroid non è diverso da quello dell'iPhone. E poiché oggi scopriamo le opere d'arte soprattutto attraverso i nostri cellulari, France Bizot ha creato opere di queste dimensioni, o dello stesso formato ma più monumentali.

I soggetti e i temi evocati sono quelli della vita quotidiana, dei nostri social network. Con immagini catturate o selfie perfettamente studiati e ritoccati, la mostra offre una timeline digitale che è paradossalmente congelata nella pittura a olio. Ma l'artista ci porta anche dietro le quinte, mostrandoci ciò che normalmente non vediamo, attraverso una serie di scatti pittorici invertiti: questa volta di spalle di donne, con i loro reggiseni spillati in fretta e male, mentre da davanti queste donne sono probabilmente magnificamente vestite. Cosa nascondono le fotografie? E attraverso i loro prismi, cosa non rivelano le immagini dei nostri social network con le loro vite perfette?

Un'ultima serie di opere eccezionali chiude la mostra: Madonne contemporanee in ceramica interrogano lo spettatore sul cliché voyeuristico dei social network. Gli incarnati e le epidermidi delle ceramiche ricordano fortemente le vergini del ceramista fiorentino Luca della Robbia, formando un ciclo completo nella storia dell'arte, così come le Polaroid ricoperte di colori a olio.

For France Bizot, the Polaroid represents the first selfie camera. The artist's previous exhibitions have demonstrated her interest in social networking, in the literal sense of the phenomenon. Today, she turns her attention to the practical and technical side of the virtual medium. Before Kim Kardashian, it was Andy Warhol who defined the idea of the selfie in unforgettable sessions, always with the help of a Polaroid. It's worth remembering that he was a renowned advertising graphic designer for many years. Taken on the spot, Warhol's Polaroids defined his era, just as Instagram reveals ours. France Bizot thus sets out to describe and paint our perpetual present and the permanent timelines that scroll by on our phones, through a series of paintings in different media (including genuine vintage Polaroids that fade away to make way for the artist's brush). The Polaroid format is reminiscent of the IPhone. And since today's artworks are mainly discovered via the cell phone, France Bizot has created works of this size, or in the same ratio of format but more monumental.

The subjects and themes evoked are those of everyday life, of our social networks. Whether captured images or perfectly studied and retouched selfies, the exhibition offers a digital timeline paradoxically frozen in oil paint. But the artist also takes us behind the scenes to discover what we don't normally see, through a series of inverted painted snapshots: this time, the backs of women, with their bras quickly badly stapled, while from the front these women are probably magnificently dressed. What are the photographs hiding? And through their prisms, what don't our social network images of perfect lives reveal?

A final series of exceptional works closes the exhibition: contemporary ceramic Madonnas question the viewer on the voyeuristic cliché of social networks. The complexion and epidermis of the ceramics are strongly reminiscent of the virgins by Florentine ceramist Luca della Robbia, forming a complete cycle in the history of art, as do the Polaroids covered in oil paint.

(Text: Backslash, Paris)

Galerie Templon | Paris
8. November – 23. Dezember 2023

Eveningside
Gregory Crewdson

Der Amerikaner Gregory Crewdson enthüllt diesen Herbst in Paris "Eveningside", seine neueste Schwarz-Weiß-Serie, die zwischen 2020 und 2022 entstanden ist. Als letzter Teil einer Trilogie, die seit 2012 entwickelt wurde, beeindruckt diese Gruppe von zwanzig Panoramafotografien durch ihre beunruhigende Schärfe und ihre dämmrigen Stimmungen.

Gregory Crewdson, ein Pionier der "inszenierten Fotografie", entwickelt seit dreißig Jahren eine einzigartige fotografische Sprache, in der jede Aufnahme das Ergebnis einer langen Produktionsarbeit im Vorfeld ist, mit Storyboard, Schauspielern, Kulissenbau, technischer Bühne, Spezialeffekten und einem ausgeklügelten Beleuchtungssystem.

Mit der Ausstellung Eveningside, die diesen Sommer im Rahmen einer Retrospektive bei den Rencontres de la Photographie d'Arles gezeigt wurde, treibt Gregory Crewdson die Grenze zwischen Realität und Fiktion noch weiter voran. Er erfindet mehrdeutige Vorstadtlandschaften, in denen die Unbeweglichkeit der Personen, die in ihren banalsten Alltagstätigkeiten erstarrt sind, faszinierend und beunruhigend zugleich ist. Als fiktives Porträt eines Amerikas zwischen zwei Altersgruppen zeigen diese Szenen einsame Figuren, die oft durch das komplexe Spiel von Spiegeln, Ladenfronten oder Durchgangsorten wie Brücken, Veranden, Supermärkten oder Eisenwarenläden festgehalten werden. Seine Schwarz-Weiß-Fotografie spielt virtuos mit einer Reihe von Spezialeffekten - Nebel, Rauch, Scheinwerfer, Regen - und schafft eine düstere und gotische Atmosphäre, die an das klassische Kino, den Film noir oder die realistische Malerei eines Edward Hopper erinnert.

Sein Werk schwankt zwischen Poetik und Politik, zwischen der Verletzlichkeit der menschlichen Kondition und den Paradoxien des amerikanischen Traums. Die Komplexität der monochromatischen Schattierungen und ihre seltsame Schönheit wirken wie eine gewaltige Metapher für die unerträglichen Grenzen unserer hypervernetzten, digitalen und verblendeten Welt. Crewdson ist nie didaktisch, sondern lässt dem Betrachter alle Freiheit, sich die unter der Oberfläche verborgenen Geschichten vorzustellen und von anderen Möglichkeiten zu träumen.

L’américain Gregory Crewdson dévoile cet automne à Paris « Eveningside », sa dernière série en noir et blanc, réalisée entre 2020 et 2022. Dernier volet d’une trilogie développée depuis 2012, cet ensemble de vingt photographies panoramiques frappe par sa netteté troublante et ses ambiances crépusculaires.

Pionnier de la « photographie de mise en scène » , Gregory Crewdson développe depuis trente ans un langage photographique unique, où chaque prise de vue est le résultat d’un long travail de production en amont, avec story board, acteurs, construction de décors, plateau technique, effets spéciaux et système d’éclairage sophistiqué.

Avec l’exposition Eveningside, montrée cet été dans le cadre d’une rétrospective aux Rencontres de la Photographie d’Arles, Gregory Crewdson pousse encore plus loin la frontière entre réalité et fiction. Il invente des paysages suburbains ambigus, où l’immobilité des personnages, figés dans leurs activités quotidiennes les plus banales, est à la fois fascinante et inquiétante. Portrait fictif d’une Amérique entre deux âges, ces scènes campent des figures solitaires, souvent saisies à travers le jeu complexe de miroirs, de devantures de magasins, ou de lieux de passage : ponts, porches, superette ou quincaillerie. Jouant avec virtuosité avec un ensemble d’effets spéciaux – brouillard, fumée, projecteurs, pluie – sa palette en noir et blanc décline des atmosphères à la fois sombres et gothiques, évoquant aussi bien le cinéma classique, que le film noir ou la peinture réaliste d’un Edward Hopper.

Son oeuvre oscille entre le poétique et le politique, entre une vulnérabilité de la condition humaine et les paradoxes du rêve américain. La complexité des nuances monochromatiques, leur étrange beauté, agit comme une formidable métaphore des limites insoutenables de de notre monde hyperconnecté, digital et aveuglé. Jamais didactique, Crewdson laisse au spectateur toute liberté pour imaginer les histoires cachées sous la surface et rêver d’autres possibles.

Il fotografo americano Gregory Crewdson presenta quest'autunno a Parigi "Eveningside", la sua ultima serie in bianco e nero, realizzata tra il 2020 e il 2022. Ultimo capitolo di una trilogia sviluppata a partire dal 2012, questa serie di venti fotografie panoramiche colpisce per la sua inquietante nitidezza e per le sue atmosfere crepuscolari.

Pioniere della "fotografia di scena", Gregory Crewdson ha sviluppato negli ultimi trent'anni un linguaggio fotografico unico, in cui ogni scatto è il risultato di un lungo processo produttivo, che coinvolge storyboard, attori, costruzione di set, scenografie tecniche, effetti speciali e sofisticati sistemi di illuminazione.

Con la mostra Eveningside, presentata quest'estate nell'ambito di una retrospettiva ai Rencontres de la Photographie d'Arles, Gregory Crewdson spinge ancora più in là il confine tra realtà e finzione. Inventa ambigui paesaggi suburbani, dove l'immobilità dei personaggi, congelati nelle loro più banali attività quotidiane, è al tempo stesso affascinante e inquietante. Ritratto fittizio di un'America tra due epoche, queste scene ritraggono figure solitarie, spesso catturate attraverso il complesso gioco di specchi, facciate di negozi o luoghi di passaggio: ponti, portici, supermercati o ferramenta. Giocando con una serie di effetti speciali - nebbia, fumo, riflettori, pioggia - la sua tavolozza in bianco e nero crea atmosfere cupe e gotiche, evocando il cinema classico, il film noir e i dipinti realistici di Edward Hopper.

Il suo lavoro oscilla tra il poetico e il politico, tra la vulnerabilità della condizione umana e i paradossi del sogno americano. La complessità delle sfumature monocromatiche, la loro strana bellezza, agisce come una formidabile metafora dei limiti insopportabili del nostro mondo iperconnesso, digitale e accecato. Mai didascalico, Crewdson lascia lo spettatore libero di immaginare le storie nascoste sotto la superficie e di sognare altre possibilità.

This autumn in Paris, American photographer Gregory Crewdson unveils "Eveningside", his latest black-and-white series, produced between 2020 and 2022. The latest instalment in a trilogy developed since 2012, this set of twenty panoramic photographs is striking for its unsettling sharpness and twilight moods.

A pioneer of "staged photography", Gregory Crewdson has been developing a unique photographic language over the past thirty years, in which each shot is the result of a long production process, involving storyboards, actors, set construction, technical sets, special effects and sophisticated lighting systems.

With his exhibition Eveningside, shown this summer as part of a retrospective at the Rencontres de la Photographie d'Arles, Gregory Crewdson pushes the boundary between reality and fiction even further. He invents ambiguous suburban landscapes, where the immobility of characters, frozen in their most mundane daily activities, is both fascinating and disquieting. A fictitious portrait of an America between two ages, these scenes depict solitary figures, often captured through the complex interplay of mirrors, storefronts or places of passage: bridges, porches, supermarkets or hardware stores. Virtuosic in his use of special effects - fog, smoke, spotlights, rain - his black-and-white palette creates dark, gothic atmospheres that evoke classic cinema, film noir or the realistic paintings of Edward Hopper.

His work oscillates between the poetic and the political, between the vulnerability of the human condition and the paradoxes of the American dream. The complexity of the monochromatic nuances, their strange beauty, acts as a formidable metaphor for the unbearable limits of our hyperconnected, digital and blinded world. Never didactic, Crewdson leaves the viewer free to imagine the stories hidden beneath the surface and dream of other possibilities.

(Text: Galerie Templon, Paris)

Galerie XII | Paris
6. November 2023 - 23. Januar 2024

Kings Road
Mona Kuhn

Vom 6. November 2023 bis zum 13. Januar 2024 widmet die Galerie XII Paris der deutsch-brasilianischen Künstlerin Mona Kuhn eine Ausstellung. Nachdem die Ausstellung "KINGS ROAD" in mehreren musealen Institutionen in den USA und später in Europa gezeigt wurde, ist sie nun zum ersten Mal in einer Galerie zu sehen. Mona Kuhn lädt den Besucher ein, in die Intimität des Kings Road House einzutauchen, des legendären experimentellen Architektenhauses, das Rudolf Schindler in Kalifornien entworfen hat. Mithilfe von Fotografien, einer Videoprojektion und einer Klanginstallation verschiebt der Künstler die Grenzen der fotografischen und architektonischen Präsentation. Die Eröffnung der Ausstellung fällt mit der Messe Paris Photo (9. bis 12. November) zusammen.

Nachdem Mona Kuhns "KINGS ROAD" während der von Gerhard Steidl organisierten Ausstellung im April 2023 in drei Stockwerken des Kunsthauses-Göttingen in Deutschland Platz gefunden hatte, zieht sie nun in die Galerie XII ein. Seit über 20 Jahren nutzt Mona Kuhn Fotografie und Medienkunst, um den figurativen Diskurs rund um die physische und metaphysische Präsenz in der menschlichen Figur neu zu untersuchen. Durch ihr Objektiv lädt sie die Betrachter ein, die Feinheiten unserer Existenz zu betrachten und enthüllt die verborgenen Tiefen unserer gemeinsamen Menschlichkeit. Für ihre neueste Ausstellung, "KINGS ROAD", verwendet Mona Kuhn die Themen Liebe und Schicksal als ihre Hauptstudienobjekte. Die Serie findet im Kings Road House statt, das 1922 von dem Architekten Rudolph Schindler in West Hollywood erbaut wurde.

KINGS ROAD, ein architektonisches und soziales Experiment.
Das Kings Road House ist durch seine Herstellung aus industriellen Materialien wie nacktem Beton, unbehandeltem Mammutbaumholz, japanisch inspirierten Schiebetuchpaneelen oder Glas ein Modell für radikale Architektur. Konzipiert als kooperativer Lebens- und Arbeitsraum für zwei junge Familien, ist das Projekt auch sozial. Als Mona Kuhn über die Schwelle trat, fühlte sie sich sofort von diesem spartanischen, schmucklosen und aus rohen Materialien errichteten Haus angezogen.

Das Kings Road House, ein Wirbelwind künstlerischer, kultureller und politischer Kreativität zwischen den 1920er und 1950er Jahren, ist ein Raum, der in die Zukunft weist. Von der Avantgarde adoptiert, traf man hier Intellektuelle, die aus Nazi-Europa geflohen waren, oder kalifornische Künstler, die vom vorherrschenden Formalismus der Gesellschaft verstört waren, wie Albert Einstein, Aldous Huxley, Marlene Dietrich, Greta Garbo, Richard Neutra, Imogen Cunningham oder Edward Weston. Eine Vielfalt an Profilen, die im Zentrum des Projekts ihres Schöpfers stehen, der von einem Haus träumte, das für Freunde aller Klassen und Typen offen ist, einem demokratischen Treffpunkt, an dem sich Millionäre und Arbeiter, Professoren und Analphabeten, Prächtige und Unedle ständig begegnen. Heute gilt das Kings Road House als die Wiege des amerikanischen Modernismus der Jahrhundertmitte.

Die geheimnisvolle Frau von KINGS ROAD
Als Mona Kuhn in das Architekturarchiv von Rudolph Schindler eintaucht, verliert sie sich in dessen Skizzen, persönlichen Notizen und privater Korrespondenz. Ein handgeschriebener Brief an eine Frau, deren Identität unbekannt bleibt, in dem er seinen romantischen Sehnsüchten abschwört, wird zum Eingangstor ihrer Arbeit. Eine Öffnung, die es dieser mysteriösen Frau, die Schindlers Geliebte verkörpert, ermöglicht, das Haus zu betreten. Während die Frau sich in der Villa bewegt, verschmilzt ihre Präsenz teilweise mit den kahlen Wänden und Strukturen des Hauses. Durch den Einsatz der Solarisation, einer experimentellen Technik der fotografischen Dunkelkammer, geht Kuhn noch über die Darstellung hinaus und verleiht ihr eine fast metaphysische Dimension. Dieses ätherische Verfahren, das zuerst von den Fotosurrealisten beim Bau des Hauses eingesetzt wurde, oxidiert das fotografische Silber auf unvorhersehbare Weise und entmaterialisiert das Bild teilweise. Mona Kuhns Absicht, die Grenzen der Fotografie, der Architektur und der Konservierung zu überschreiten, ist spürbar. Indem sie der Architektur eine lebendige Dicke voranstellt und gleichzeitig die menschliche Figur entmaterialisiert, zieht sich die Künstlerin aus unserer physischen Realität zurück und entwirft eine neue Erzählung, in der nicht greifbare Geister Zeit und Raum durchdringen, um sich erneut zu begegnen.

Du 6 novembre 2023 au 13 janvier 2024, Galerie XII Paris dédie une exposition à l'artiste germano-brésilienne Mona Kuhn. Après avoir été présentée dans plusieurs institutions muséales aux Etats-Unis puis en Europe, l’exposition « KINGS ROAD » est pour la première fois proposée en galerie. Mona Kuhn invite le visiteur à se plonger au coeur de l’intimité de la Kings Road House, mythique maison d'architecte expérimentale imaginée par Rudolf Schindler en Californie. À travers des photographies, une projection vidéo et une installation sonore, l’artiste repousse les limites de la présentation photographique et architecturale. L’ouverture de l’exposition coïncide avec la tenue de la foire Paris Photo (du 9 au 12 novembre).

Après avoir pris place dans trois étages du Kunsthaus-Göttingen en Allemagne, lors de l’exposition organisée par Gerhard Steidl en avril 2023, « KINGS ROAD » de Mona Kuhn s’installe à la Galerie XII. Depuis plus de 20 ans, Mona Kuhn utilise la photographie et l’art médiatique pour réexaminer le discours figuratif autour de la présence physique et métaphysique dans la figure humaine. À travers son objectif, elle invite les spectateurs à contempler les subtilités de notre existence, dévoilant les profondeurs cachées de notre humanité commune. Pour sa dernière exposition, « KINGS ROAD », Mona Kuhn utilise les sujets de l’amour et du destin comme ses principaux sujets d’étude. La série prend place au sein de la Kings Road House, construite par l’architecte Rudolph Schindler en 1922 à West Hollywood.

KINGS ROAD, une expérience architecturale et sociale
La Kings Road House, par sa fabrication en matériaux industriels tels que le béton nu, le séquoia non traité, les panneaux de toile coulissante d’inspiration japonaise ou le verre, est un modèle d’architecture radicale. Conçue comme un espace de vie et de travail coopératif pour deux jeunes familles, le projet est également social. Dès qu’elle en a franchi le seuil, Mona Kuhn a été attirée par cette demeure spartiate, dépourvue de tout ornement et construite avec des matériaux bruts.

Tourbillon de créativité artistique, culturelle et politique entre les années 1920 et 1950, la Kings Road House est un espace tourné vers le futur. Adoptée par les avant-gardes, on y croise des intellectuels ayant fui l’Europe nazie ou des artistes californiens perturbés par le formalisme ambiant de la société, tels qu’Albert Einstein, Aldous Huxley, Marlene Dietrich, Greta Garbo, Richard Neutra, Imogen Cunningham ou encore Edward Weston. Une diversité de profils qui se trouvent au coeur du projet de son créateur, qui rêvait d’une maison ouverte aux amis de toutes classes et de tous types, un lieu de rencontre démocratique, où millionnaires et ouvriers, professeurs et analphabètes, les splendides et les ignobles, se rencontrent constamment. Aujourd’hui, la Kings Road House est considérée comme le berceau du modernisme américain du milieu du siècle.

La mystérieuse femme de KINGS ROAD
En se plongeant dans les archives architecturales de Rudolph Schindler, Mona Kuhn se perd dans ses croquis, notes personnelles et correspondances privées. Une lettre manuscrite écrite à une femme dont l’identité reste inconnue et dans laquelle il renonce à ses aspirations romantiques devient la porte d’entrée de son travail. Une ouverture qui permet à cette mystérieuse femme, incarnant l’amante de Schindler, de pénétrer la maison. Alors que la femme se déplace dans la villa, sa présence se fond partiellement dans les murs et les structures dénudées de la maison. Par l’utilisation de la solarisation, une technique expérimentale de chambre noire photographique, Kuhn va encore au-delà de la représentation, lui donnant une dimension presque métaphysique. Ce procédé éthéré, d’abord employé par les photo-surréalistes au moment de la construction de la maison, oxyde l’argent photographique de manière imprévisible, en dématérialisant partiellement l’image. L’intention de Mona Kuhn de repousser les limites de la photographie, de l’architecture et de la conservation est palpable. En précédant l’architecture d’une épaisseur vivante, tout en dématérialisant la figure humaine, l’artiste se retire de notre réalité physique et conçoit un nouveau récit dans lequel les esprits intangibles traversent le temps et l’espace, pour se rencontrer à nouveau.

Dal 6 novembre 2023 al 13 gennaio 2024, la Galerie XII Paris dedica una mostra all'artista tedesco-brasiliana Mona Kuhn. Dopo essere stata esposta in diversi musei negli Stati Uniti e in Europa, "KINGS ROAD" viene presentata per la prima volta in una galleria. Mona Kuhn invita i visitatori a immergersi nel mondo intimo di Kings Road House, la leggendaria casa dell'architetto sperimentale Rudolf Schindler in California. Attraverso fotografie, una videoproiezione e un'installazione sonora, l'artista spinge indietro i confini della presentazione fotografica e architettonica. L'inaugurazione della mostra coincide con la fiera Paris Photo (9-12 novembre).

Dopo essersi insediata su tre piani della Kunsthaus-Göttingen in Germania, in occasione della mostra organizzata da Gerhard Steidl nell'aprile 2023, "KINGS ROAD" di Mona Kuhn sarà esposta alla Galerie XII. Da oltre 20 anni, Mona Kuhn utilizza la fotografia e la media art per riesaminare il discorso figurativo sulla presenza fisica e metafisica della figura umana. Attraverso il suo obiettivo, invita gli spettatori a contemplare le sottigliezze della nostra esistenza, rivelando le profondità nascoste della nostra umanità condivisa. Per la sua ultima mostra, "KINGS ROAD", Mona Kuhn utilizza i temi dell'amore e del destino come principali argomenti di studio. La serie si svolge nella Kings Road House, costruita dall'architetto Rudolph Schindler nel 1922 a West Hollywood.

KINGS ROAD, un esperimento architettonico e sociale
La Kings Road House, con i suoi materiali industriali come il cemento nudo, la sequoia non trattata, i pannelli scorrevoli in tessuto e il vetro di ispirazione giapponese, è un modello di architettura radicale. Concepito come spazio di vita e di lavoro cooperativo per due giovani famiglie, il progetto è anche sociale. Appena varcata la soglia, Mona Kuhn è stata attratta da questa abitazione spartana, priva di qualsiasi ornamento e costruita con materiali grezzi.

Vortice di creatività artistica, culturale e politica dagli anni Venti agli anni Cinquanta, Kings Road House è uno spazio che guarda al futuro. Adottata dalle avanguardie, ospitò intellettuali fuggiti dall'Europa nazista e artisti californiani disturbati dal formalismo imperante della società, come Albert Einstein, Aldous Huxley, Marlene Dietrich, Greta Garbo, Richard Neutra, Imogen Cunningham ed Edward Weston. Una diversità di profili che è alla base del progetto del suo creatore, che sognava una casa aperta ad amici di ogni classe e tipo, un luogo di incontro democratico dove si sarebbero costantemente incontrati milionari e operai, professori e analfabeti, splendidi e ignobili. Oggi Kings Road House è considerata la culla del modernismo americano di metà secolo.

La donna misteriosa di KINGS ROAD
Scavando negli archivi architettonici di Rudolph Schindler, Mona Kuhn si è persa nei suoi schizzi, appunti personali e corrispondenza privata. Una lettera scritta a mano a una donna la cui identità rimane sconosciuta, in cui l'artista rinuncia alle sue aspirazioni romantiche, diventa la porta d'accesso al suo lavoro. Un'apertura che permette a questa donna misteriosa, amante di Schindler, di entrare in casa. Mentre la donna si muove nella villa, la sua presenza si confonde parzialmente con le pareti e le strutture spoglie della casa. Attraverso l'uso della solarizzazione, una tecnica sperimentale di camera oscura fotografica, Kuhn si spinge oltre la rappresentazione, conferendole una dimensione quasi metafisica. Questo processo etereo, utilizzato per la prima volta dai fotosurrealisti durante la costruzione della casa, ossida l'argento fotografico in modo imprevedibile, smaterializzando parzialmente l'immagine. L'intenzione di Mona Kuhn di superare i confini della fotografia, dell'architettura e della conservazione è palpabile. Facendo precedere l'architettura da uno spessore vivente e smaterializzando la figura umana, l'artista si allontana dalla nostra realtà fisica e concepisce una nuova narrazione in cui spiriti immateriali attraversano il tempo e lo spazio, per poi incontrarsi di nuovo.

From November 6, 2023 to January 13, 2024, Galerie XII Paris dedicates an exhibition to the German-Brazilian artist Mona Kuhn. After having been presented in several museum institutions in the United States and Europe, the exhibition "KINGS ROAD" is now on view in a gallery for the first time. Mona Kuhn invites visitors to immerse themselves in the intimacy of the Kings Road House, the legendary experimental architect's house designed by Rudolf Schindler in California. Through photographs, a video projection and a sound installation, the artist pushes back the boundaries of photographic and architectural presentation. The opening of the exhibition coincides with the Paris Photo fair (November 9-12).

After taking up residence on three floors of the Kunsthaus-Göttingen in Germany, during the exhibition organized by Gerhard Steidl in April 2023, Mona Kuhn's "KINGS ROAD" moves to Galerie XII. For over 20 years, Mona Kuhn has used photography and media art to re-examine figurative discourse around the physical and metaphysical presence of the human figure. Through her lens, she invites viewers to contemplate the subtleties of our existence, revealing the hidden depths of our common humanity. For her latest exhibition, "KINGS ROAD", Mona Kuhn uses the subjects of love and destiny as her main subjects of study. The series takes place in the Kings Road House, built by architect Rudolph Schindler in 1922 in West Hollywood.

KINGS ROAD, an architectural and social experiment
Kings Road House, with its industrial materials such as bare concrete, untreated redwood, Japanese-inspired sliding fabric panels and glass, is a model of radical architecture. Conceived as a cooperative living and working space for two young families, the project is also social. Mona Kuhn was immediately drawn to this Spartan dwelling, unadorned and built from raw materials.

A whirlwind of artistic, cultural and political creativity between the 1920s and 1950s, Kings Road House is a space turned towards the future. Adopted by the avant-garde, it was home to intellectuals who had fled Nazi Europe and Californian artists disturbed by society's prevailing formalism, such as Albert Einstein, Aldous Huxley, Marlene Dietrich, Greta Garbo, Richard Neutra, Imogen Cunningham and Edward Weston. A diversity of profiles that lies at the heart of the project of its creator, who dreamed of a house open to friends of all classes and types, a democratic meeting place, where millionaires and workers, professors and illiterates, the splendid and the ignoble, constantly meet. Today, Kings Road House is considered the cradle of mid-century American modernism.

The mysterious woman of KINGS ROAD
Delving into Rudolph Schindler's architectural archives, Mona Kuhn loses herself in his sketches, personal notes and private correspondence. A handwritten letter to a woman whose identity remains unknown, in which he renounces his romantic aspirations, becomes the gateway to her work. An opening that allows this mysterious woman, embodying Schindler's lover, to enter the house. As the woman moves through the villa, her presence partially blends into the walls and bare structures of the house. Through the use of solarization, an experimental photographic darkroom technique, Kuhn goes even further than representation, giving it an almost metaphysical dimension. This ethereal process, first employed by the photo-surrealists during the construction of the house, oxidizes photographic silver in an unpredictable way, partially dematerializing the image. Mona Kuhn's intention to push back the boundaries of photography, architecture and conservation is palpable. By preceding architecture with a living thickness, while dematerializing the human figure, the artist withdraws from our physical reality and conceives a new narrative in which intangible spirits cross time and space, to meet again.

(Text (f): Galerie XII, Paris)

Galerie Les filles du calvaire | Paris
3. November – 20. Dezember 2023

Vague
Lore Stessel

Lore Stessel hat zunächst Malerei und dann Fotografie studiert, und zwischen diesen beiden Künsten entfaltet sie ihre eigene.

Von der Malerei, die sie an der Luca School Arts in Brüssel erlernt hat, hat sie den Untergrund und die Geste behalten, mit der sie die Silbergelatine-Emulsion auf die Leinwand aufträgt, um ihre Bilder zu enthüllen.

Aber alles andere in ihrer Praxis verbindet sie mit der Fotografie, die sie an der École nationale supérieure (de photographie) in Arles erlernt hat: das Aufnehmen von Bildern auf Film, ihre Entwicklung und die Herstellung ihrer Abzüge. Sie verwendet also die Werkzeuge und Techniken der Fotografie, aber es ist der Ort dieser Gesten, an dem die Bilder Gestalt annehmen werden. In ihrer Dunkelkammer tauchen sie aus der Leinwand auf und offenbaren sich durch den Kontakt zwischen Licht und Materie, genauso wie sie aus der Begegnung zwischen Lore und denjenigen entstehen, die sie zu ihrem Blick einlädt. Das Auge nimmt auf, die Hand enthüllt. Die Geste, vom Auge zur Hand, interpretiert.

Diejenigen, die sie fotografiert, posieren nicht für sie, sie tanzen.

Diese Körper in Bewegung, diese Körper, diese Nacken, diese Haut, enthalten eine Emotion, Empfindungen, die sie mit den Tänzern teilt. Manchmal wohnt sie ihnen bei, manchmal provoziert sie sie, und wenn die Begegnung magisch wirkt, bleibt sie an ihnen hängen und greift sie auf, indem sie das Flüchtige mit Präzision einfängt.

"Im letzten Jahr habe ich mehrmals dieselben Tänzer getroffen.

Ich bin nicht auf der Suche nach dem Unbekannten durch die Welt gereist, sondern habe herangezoomt und die Schönheit in den kleinen Veränderungen gefunden, die große Umwälzungen mit sich bringen können.

Das geschieht in mir als Person und als Künstlerin und in den Menschen, die mich umgeben. Und vor allem in den Tänzern, mit denen ich arbeite.

Über seine Filme sagte Werner Herzog, dass die Begegnungen real seien, aber er inszeniere die Menschen, um die Realität realer erscheinen zu lassen.

Mit zeitgenössischen Tänzern aus Brüssel haben wir darüber nachgedacht und experimentiert, was es bedeutet, zusammen zu sein. Durch die Beseitigung von Hierarchien und Aufgaben wurde der Fokus auf jeden Einzelnen gelegt. Was wünsche ich mir und wie kann ich es im Rahmen der Gruppe ermöglichen".

In dieser Serie mit dem Titel "Poetry of the gang" versuchte sie, die Einheit einer Gruppe zu spüren, wie das Ganze einen Körper bildet.

" Wenn man getragen werden will, muss man manchmal tragen ".

Während dieser kollektiven Proben spürt sie die Bewegungen, die sie interessieren, ebenso wie das, was ihre Pausen darüber aussagen können. Was sich hinter den kleinen Gesten jedes Einzelnen verbirgt, am Ende dieser schwebenden Impulse, das ist es, was die Erinnerung an diese Begegnungen ausmacht, eine oft überwältigende Schönheit, "eine subtile Vielfalt der Gefühle".

Während dieser kollektiven Proben spürt sie die Bewegungen, die sie interessieren, ebenso wie das, was ihre Pausen darüber aussagen können. Was sich hinter den kleinen Gesten jedes Einzelnen verbirgt, am Ende dieser in der Schwebe befindlichen Impulse, darin liegt die Erinnerung an diese Begegnungen, eine oft überwältigende Schönheit, "eine subtile Vielfalt der Gefühle".

Die Schönheit, die sie auch in der Beobachtung der Veränderungen der Landschaft, der Materie, der Beben, die die Felsen geformt haben, und vor allem in der Welle der Wellen, die das Meer aufwühlt, sucht und findet.

Ihre einzigartigen fotografischen Stücke haben viel von dem glitzernden, sich verflüchtigenden Aspekt dieses Schaums, den das Meer zurücklässt, wenn sich die Wellen zurückziehen. Die Emotionen bleiben an dieser Stelle zurück, die Alessandro Baricco in seinem berühmten Roman beschreibt: "... sehen Sie, hier, die Stelle, an der das Wasser ankommt ... es steigt den Strand hinauf und bleibt dann stehen ... da, genau diese Stelle, genau die Stelle, an der es stehen bleibt. ... es dauert nur einen Moment, schauen Sie, hier zum Beispiel ... sehen Sie, es dauert nur einen Moment und dann ist es weg, aber wenn man diesen Moment festhalten könnte ... den Moment, in dem das Wasser stoppt, genau an dieser Stelle, diese Kurve ... Das ist es, was ich untersuche.

Die Stelle, an der das Wasser aufhört (...) da passiert etwas ... Außergewöhnliches (...).

Hier endet das Meer "1.

Die Menschen, die sie fotografiert, posieren nicht für sie, sondern sie tanzen.

Lore Stessel a étudié la peinture puis la photographie, et c’est entre ces deux arts qu’elle déploie le sien.

De la peinture, apprise à la Luca School Arts de Bruxelles, elle a gardé le support et le geste, celui par lequel elle applique sur de la toile l’émulsion gélatino-argentique permettant la révélation de ses images.

Mais tout le reste dans sa pratique la rattache à la photographie dont elle a fait l’apprentissage à l’École nationale supérieure (de photographie) d'Arles : l’enregistrement des images sur pellicule, leur développement puis la réalisation de ses tirages. Elle use ainsi des outils et techniques de la photographie, mais c’est à l’endroit de ces gestes que les images prendront corps. C’est dans sa chambre noire qu’elles émergent de la toile, se révèlent par contact entre la lumière et la matière, tout comme elles naissent de la rencontre entre Lore et ceux qu’elle invite à son regard. L’œil enregistre, la main révèle. Le geste, de l’œil à la main, interprète.

Ceux et celles qu’elle photographie ne posent pas pour elle, ils dansent.

Ces corps en mouvement, ces corps, ces nuques, cette peau, contiennent une émotion, des sensations qu’elle partage avec les danseurs. Parfois elle y assiste, parfois elle les provoque et quand la rencontre fait magie, elle s’y attache et s’en saisit, capturant l'éphémère avec précision.

« L'année dernière, j'ai rencontré à plusieurs reprises les mêmes danseurs.

Je n'ai pas parcouru le monde à la recherche de l'inconnu, mais j'ai zoomé et trouvé la beauté dans les petits changements qui peuvent impliquer de grands bouleversements.

Cela se passe à l'intérieur de moi en tant que personne et en tant qu’artiste, et chez les personnes qui m'entourent. Et surtout chez les danseurs avec lesquels je travaille.

Au sujet de ses films, Werner Herzog disait que les rencontres étaient réelles, mais qu’il mettait en scène les gens pour que la réalité paraisse plus réelle.

Avec des danseurs contemporains de Bruxelles, nous avons réfléchi et expérimenté ce que signifiait être ensemble. En éliminant la hiérarchie et les tâches, l'accent est mis sur chaque individu. Qu’est-ce que je désire et comment puis-je le rendre possible dans le cadre du groupe. »

Dans cette série intitulée « Poetry of the gang », elle a cherché à ressentir l’unité d’un groupe, comment l’ensemble fait corps.

« Si vous voulez être porté, il faut parfois porter ».

C’est pendant ces répétitions collectives qu’elle ressent les mouvements qui l’intéressent, autant que ce que leurs pauses peuvent en dire. Ce qu’il y a derrière les petits gestes de chacun, au bout de ces élans en suspens, c’est là que réside le souvenir de ces rencontres, une beauté souvent bouleversante, « une multiplicité subtile des sentiments ».

C’est pendant ces répétitions collectives qu’elle ressent les mouvements qui l’intéressent, autant que ce que leurs pauses peuvent en dire. Ce qu’il y a derrière les petits gestes de chacun, au bout de ces élans en suspens, c’est là que réside le souvenir de ces rencontres, une beauté souvent bouleversante, « une multiplicité subtile des sentiments ».

La beauté qu’elle cherche et retrouve aussi dans l’observation des changements du paysage, de la matière, des tremblements qui ont façonné les roches et surtout dans l’onde des vagues qui agitent la mer.

Ses pièces photographiques uniques ont beaucoup de l’aspect scintillant et évanesçant de cette écume laissée par la mer lorsque les vagues se retirent. L’émotion reste à cet endroit, celui que décrit Alessandro Baricco dans son célèbre roman : « ... vous voyez, là, l'endroit où l'eau arrive... elle monte le long de la plage puis elle s'arrête... voilà, cet endroit-là, exactement, celui où elle s'arrête... ça ne dure qu'un instant, regardez, voilà, ici par exemple... vous voyez, ça ne dure qu'un instant puis ça disparaît, mais si on pouvait fixer cet instant... l'instant où l'eau s'arrête, à cet endroit-là exactement, cette courbe... C'est ça que j'étudie.

L'endroit où l'eau s'arrête. (...) il se passe là quelque chose... d'extraordinaire (...)

C'est là que finit la mer »1.

Ceux et celles qu’elle photographie ne posent pas pour elle, ils dansent.

Lore Stessel ha studiato pittura e poi fotografia, ed è tra queste due arti che sviluppa la sua.

Della pittura, appresa alla Luca School of Arts di Bruxelles, ha conservato il supporto e il gesto con cui applica l'emulsione di gelatina d'argento sulla tela, permettendo alle sue immagini di rivelarsi.

Ma tutto il resto della sua pratica è legato alla fotografia, che ha imparato all'École nationale supérieure (de photographie) di Arles: la registrazione delle immagini su pellicola, il loro sviluppo e la realizzazione di stampe. Utilizza gli strumenti e le tecniche della fotografia, ma è nel luogo in cui questi gesti prendono forma che le immagini prendono forma. È nella sua camera oscura che emergono dalla tela, rivelandosi attraverso il contatto tra luce e materia, così come nascono dall'incontro tra Lore e coloro che invita al suo sguardo. L'occhio registra, la mano rivela. Il gesto, dall'occhio alla mano, interpreta.

Le persone che fotografa non posano per lei, ma danzano.

Questi corpi in movimento, questi corpi, questi colli, questa pelle, contengono un'emozione, sensazioni che lei condivide con i danzatori. A volte li assiste, a volte li provoca, e quando l'incontro è magico, si attacca ad esso e lo coglie, catturando l'effimero con precisione.

"L'anno scorso ho incontrato più volte gli stessi ballerini.

Non ho girato il mondo alla ricerca dell'ignoto, ma mi sono concentrata e ho trovato la bellezza nei piccoli cambiamenti che possono significare grandi sconvolgimenti.

Questo accade in me come persona e come artista, e nelle persone che mi circondano. E soprattutto nei danzatori con cui lavoro.

Werner Herzog diceva dei suoi film che gli incontri erano reali, ma che metteva in scena le persone per far sembrare la realtà più reale.

Con i danzatori contemporanei di Bruxelles abbiamo riflettuto e sperimentato cosa significasse stare insieme. Eliminando la gerarchia e i compiti, l'attenzione si concentra su ogni singolo individuo. Cosa voglio e come posso renderlo possibile all'interno del gruppo?

In questa serie, intitolata "Poesia della banda", ha cercato di percepire l'unità di un gruppo, come l'insieme diventa uno.

"Se vuoi essere portato, a volte devi portare".

È durante queste prove collettive che sente i movimenti che la interessano, così come ciò che le loro pause possono dire su di loro. Ciò che si nasconde dietro i piccoli gesti di ogni danzatore, al termine di questi impulsi sospesi, è la memoria di questi incontri, una bellezza spesso travolgente, "una sottile molteplicità di sentimenti".

È durante queste prove collettive che sente i movimenti che la interessano, così come ciò che le loro pause possono dire su di loro. La memoria di questi incontri sta in ciò che si nasconde dietro i piccoli gesti di ciascuno, alla fine di questi impulsi sospesi, una bellezza spesso travolgente, "una sottile molteplicità di sentimenti".

La bellezza che cerca e trova anche nell'osservare i cambiamenti del paesaggio, della materia, delle scosse che hanno modellato le rocce e soprattutto delle onde che agitano il mare.

Le sue opere fotografiche, uniche nel loro genere, hanno molto dell'aspetto scintillante ed evanescente della schiuma lasciata dal mare quando le onde si ritirano. L'emozione rimane in quel luogo, quello descritto da Alessandro Baricco nel suo famoso romanzo: "... vedi, là, il luogo dove arriva l'acqua... sale lungo la spiaggia e poi si ferma... là, quel luogo, appunto, dove si ferma. ... dura solo un attimo, guarda, qui, per esempio... vedi, dura solo un attimo e poi sparisce, ma se potessimo fissare quel momento... il momento in cui l'acqua si ferma, in quel punto esatto, in quella curva... È questo che sto studiando.

Il punto in cui l'acqua si ferma (...) lì accade qualcosa di straordinario (...)

È lì che il mare finisce "1.

Le persone che fotografa non si mettono in posa per lei, ma ballano. 

Lore Stessel studied painting, then photography, and it is between these two arts that she deploys her own.

From painting, which she learned at the Luca School of Arts in Brussels, she has kept the support and the gesture by which she applies the gelatin-silver emulsion to canvas, enabling her images to be revealed.

But everything else in her practice links her to photography, which she learned at the École nationale supérieure (de photographie) in Arles: recording images on film, developing them and then making prints. She uses the tools and techniques of photography, but it's in the place of these gestures that the images take shape. It's in her darkroom that they emerge from the canvas, revealing themselves through contact between light and matter, just as they are born from the encounter between Lore and those she invites into her gaze. The eye records, the hand reveals. The gesture, from eye to hand, interprets.

Those she photographs don't pose for her, they dance.

These bodies in movement, these bodies, these necks, this skin, contain an emotion, sensations that she shares with the dancers. Sometimes she attends them, sometimes she provokes them, and when the encounter makes magic, she attaches herself to it and seizes it, capturing the ephemeral with precision.

"Last year, I met the same dancers several times.

I didn't travel the world in search of the unknown, but I zoomed in and found beauty in the small changes that can mean big upheavals.

This happens within me as a person and as an artist, and in the people around me. And especially in the dancers I work with.

Werner Herzog used to say about his films that the encounters were real, but that he staged the people to make reality seem more real.

With contemporary dancers from Brussels, we thought about and experimented with what it meant to be together. By eliminating hierarchy and tasks, the focus is on each individual. What do I want, and how can I make it possible within the group?

In this series, entitled "Poetry of the gang", she sought to sense the unity of a group, how the whole becomes one.

"If you want to be carried, sometimes you have to carry".

It's during these collective rehearsals that she feels the movements that interest her, as much as what their pauses can say about them. The memory of these encounters lies in what lies behind each person's small gestures, at the end of these suspended impulses, an often overwhelming beauty, "a subtle multiplicity of feelings".

It's during these collective rehearsals that she feels the movements that interest her, as much as what their pauses can say about them. What lies behind the small gestures of each individual, at the end of these suspended impulses, is the memory of these encounters, an often overwhelming beauty, "a subtle multiplicity of feelings".

The beauty she seeks and finds also in observing changes in the landscape, in matter, in the tremors that have shaped the rocks and, above all, in the waves that agitate the sea.

Her unique photographic pieces have much of the sparkling, evanescent aspect of the foam left by the sea when the waves recede. The emotion remains in this place, the one described by Alessandro Baricco in his famous novel: "... you see, there, the place where the water arrives... it rises along the beach then it stops... there, that place, exactly, the one where it stops. ... it only lasts a moment, look, here, for example... you see, it only lasts a moment and then it disappears, but if we could fix this moment... the moment when the water stops, at this exact spot, this curve... That's what I'm studying.

The place where the water stops (...) something extraordinary happens there (...).

That's where the sea ends "1.

The people she photographs don't pose for her; they dance.

(Text: Charlotte Boudon)

Galerie Les filles du calvaire | Paris
3. November – 20. Dezember 2023

Why I fear Red, Love Blue (and) Hate Yellow
Katrien de Blauwer

Katrien de Blauwer, die als "Fotografin ohne Kamera" bezeichnet wird, verwendet Bilder aus alten Magazinen und Zeitungen, um ihre Geschichten zu formen. Mit ihrer Intimität und Sensibilität sucht sie in den Bildern anderer, die mit Erinnerungen beladen sind und ihre Erinnerungen transportieren, nach etwas, das sie erzählen kann.

De Blauwer nährt sich von einer Schönheit, die sie im zeitgenössischen Tanz, in der Literatur, der Mode oder der Musik findet, aber es ist zweifellos die Welt des Films, die sie am leidenschaftlichsten umarmt. Vor allem jenes, das die Darstellung von Frauen in der Presse der 1960er Jahre, ihrem bevorzugten Material, stark beeinflusst hat. Denn die Frauen sind hier von größter Bedeutung. Indem sie disparate Fragmente dieser Heldinnen zu Klischees zusammenfügt, die sorgfältig gesammelt und stillschweigend nebeneinandergestellt werden, schafft sie Fotomontagen, die das Leben vertrauter Ikonen heraufbeschwören, die einer oft fantasierten Frauendarstellung. Sie spielt mit unserer Vorstellungswelt, ihrer eigenen und unserer eigenen. Die altmodischen Materialien des Papiers entsprechen den ausgeschnittenen Motiven, um die Kulisse ihrer Geschichten zu bilden; und in diesen rätselhaften Standbildern, die wie ein Gegenüber auf derselben Ebene stehen, übernimmt der Zuschauer die Rolle der Erzählerin, um das Szenario zu entfalten.

Seine Fotomontagen sind für die Fotografie das, was Drehbücher für den Film sind. Wie bei der Montage nach Van der Keuken folgt sie der Logik des Rhythmus der Bilder, greift aber gleichzeitig ein, um eine Geschichte zu erzählen.

Die farbigen Striche, die sie in ihren Bildern verwendet, geben dem Leser einige zusätzliche Hinweise. Sie geben die Richtung vor, wie Vektoren der Emotionen, zu dem, was sie nicht sagt und niemandem zeigt.

In dieser neuen Serie erklärt sie: "Rot ist Angst - Gelb ist Hass - Blau ist Liebe". Und erzählt: "Man könnte meine Arbeit als eine Kette von Zufällen betrachten. Alles begann mit der Farbe Gelb, die als Erzählung für eine Serie verwendet wurde, die ich meinem schwedischen Verleger zeigte und die ihn an den Kultfilm "I am Curious (Yellow)" (Ich bin neugierig (Gelb)) aus den 60er Jahren erinnerte.

Am nächsten Tag stieß ich auf die englische Taschenbuchversion des Drehbuchs, was in mir den Wunsch weckte, die digitale Version des Films zu finden.

Zunächst sah ich nicht viele Bezüge zwischen dem Film und meiner Serie, aber dann begann ich zu erkennen, dass die Protagonistin Lena viel mit den Mädchen gemeinsam hat, die in meinen Bildern zu sehen sind, mit den Emotionen, die sie durchmachen und die ich in der Serie einzufangen versucht habe.

Als ich herausfand, dass der Film eine Fortsetzung "I am Curious (Blue)" hatte, schuf ich auch ein blaues Kapitel. Dann hatte ich das Gefühl, dass das Werk ein weiteres Kapitel braucht, was es zu einer Trilogie machen würde, und vor allem, weil es mir die Gelegenheit geben würde, ein drittes Gefühl, eine andere Stimmung zu zeigen".

Lenas Bilder aus dem Film von Vilgot Sjöman skandieren die Szenografie dieser Ausstellung. Während man in Blauwers Fotomontagen nie einem Blick begegnet, nimmt Lenas Blick das Raster der gesamten Hängung der Ausstellung im Format eines Kinoplakats ein.

Die junge Heldin ist auch das Hauptthema einer Diashow, einer noch nie zuvor gezeigten Installation der Künstlerin, die aus Standbildern aus dem Film und Fotografien von Seiten aus den berühmten Notizbüchern der Künstlerin besteht.

Katrien de Blauwer, que l’on présente comme « photographe sans appareil », utilise des images issues de magazines et journaux anciens pour façonner ses récits. Avec son intimité et sa sensibilité, elle va chercher dans les images des autres, chargées de mémoire et transportant ses souvenirs, de quoi les raconter.

De Blauwer se nourrie d’une beauté qu’elle trouve dans la danse contemporaine, la littérature, la mode ou la musique, mais c’est sans doute l’univers cinématographique qu’elle embrasse le plus passionnément. Surtout celui qui a fortement influencé la représentation des femmes dans la presse des années 60, son matériau privilégié. Car les femmes sont ici de première importance. En assemblant des fragments disparates de ces héroïnes en clichés, minutieusement récupérés et silencieusement juxtaposés, elle crée des photo montages qui évoquent la vie d’icônes familières, celles d’une représentation féminine souvent fantasmée. Elle joue avec nos imaginaires, le sien comme le nôtre. Les matières surannées du papier répondent aux sujets découpés pour former le décor de ses récits ; et dans ces arrêts sur images énigmatiques, tels des champs-contrechamps réunis sur le même plan, le spectateur prend le relais de la narratrice pour dérouler le scénario.

Ses photo montages sont à la photographie ce que les scripts seraient au cinéma. Et comme lors du montage selon Van der Keuken, elle suit la logique propre au rythme des images, tout en intervenant afin d’être porteur d’un récit.

Les traits de couleur dont elle rehausse ses images donnent bien quelques indices supplémentaires à la lecture. Ils donnent la direction, comme des vecteurs d’émotions, vers ce qu’elle se retient de dire, ne montre à personne.

Dans cette nouvelle série, elle précise : « Le rouge, c'est la peur - le jaune, c'est la haine - le bleu, c'est l'amour. ». Et raconte : « On pourrait considérer mon travail comme une chaîne de coïncidences. Tout a commencé avec la couleur jaune, utilisée comme narration pour une série que j'ai montrée à mon éditeur suédois et qui lui a rappelé un film culte des années 60, "I am Curious (Yellow)" (Je suis curieux (jaune)).

Le lendemain, je suis tombée sur la version anglaise de poche du scénario, ce qui m'a donné envie de trouver la version numérique du film.

Au début, je n'ai pas vu beaucoup de références entre le film et ma série, puis j'ai commencé à réaliser que la protagoniste, Lena, avait beaucoup en commun avec les filles que l’on retrouve dans mes images, avec les émotions qu'elles traversent et que j'ai essayé de capturer dans la série.

Lorsque j’ai découvert que le film avait une suite "I am Curious (Blue)", j'ai aussi créé un chapitre bleu. Puis j'ai senti que l'œuvre avait besoin d'un autre chapitre, ce qui en ferait une trilogie, et surtout parce que cela me donnerait l'occasion de montrer un troisième sentiment, une humeur différente »

Les images de Lena, extraites du film de Vilgot Sjöman, scandent la scénographie de cette exposition. Si dans les photos montages de Blauwer, on ne croise jamais de regard, celui de Lena occupe la trame de tout l’accrochage de l’exposition, au format affiche de cinéma.

La jeune héroïne est également le sujet principal d’un diaporama, une installation inédite de l’artiste, composée d’arrêts sur image du film et de photographies de pages des fameux carnets de l’artiste, précieux recueils où elle déploie son langage en associant les images aux mots, ici ceux qu’elle a extraits du scénario.

Katrien de Blauwer, descritta come una "fotografa senza macchina fotografica", utilizza immagini di vecchie riviste e giornali per dare forma alle sue storie. Con la sua intimità e sensibilità, guarda alle immagini degli altri, cariche di memoria e portatrici dei suoi stessi ricordi, per raccontare le sue storie.

De Blauwer si nutre della bellezza che trova nella danza contemporanea, nella letteratura, nella moda e nella musica, ma è senza dubbio il mondo del cinema quello che abbraccia con più passione. Soprattutto quello che ha influenzato così fortemente la rappresentazione delle donne nella stampa degli anni '60, il suo materiale preferito. Perché qui le donne sono di primaria importanza. Assemblando frammenti disparati di queste eroine in cliché, faticosamente recuperati e silenziosamente accostati, crea fotomontaggi che evocano la vita di icone familiari, quelle di una rappresentazione femminile spesso fantasticata. Gioca con il nostro immaginario, il suo e il nostro. I materiali antiquati della carta rispondono ai soggetti ritagliati per formare lo sfondo delle sue storie; e in questi enigmatici fermo-immagine, come campi contrapposti nella stessa inquadratura, lo spettatore si sostituisce al narratore per dipanare lo scenario.

I suoi fotomontaggi sono per la fotografia ciò che le sceneggiature sono per il cinema. E come nel montaggio di Van der Keuken, l'artista segue la logica del ritmo delle immagini, pur intervenendo per trasmettere una narrazione.

Le pennellate di colore che utilizza per valorizzare le sue immagini forniscono qualche indizio in più al lettore. Danno una direzione, come vettori di emozioni, verso ciò che lei si trattiene dal dire, dal mostrare a qualcuno.

In questa nuova serie, dice: "Il rosso è la paura, il giallo è l'odio, il blu è l'amore". Dice: "Si potrebbe dire che il mio lavoro è una catena di coincidenze. Tutto è iniziato con il colore giallo, usato come narrativa per una serie che ho mostrato al mio editore svedese e che gli ha ricordato un film cult degli anni '60, 'I am Curious (Yellow)'.

Il giorno dopo, mi sono imbattuto nella versione inglese in brossura della sceneggiatura, che mi ha fatto venire voglia di trovare la versione digitale del film.

All'inizio non vedevo molti riferimenti tra il film e la mia serie, ma poi ho iniziato a capire che la protagonista, Lena, aveva molto in comune con le ragazze delle mie immagini, con le emozioni che provano e che ho cercato di catturare nella serie.

Quando ho scoperto che il film aveva un sequel, "I am Curious (Blue)", ho creato anche un capitolo blu. Poi ho sentito che l'opera aveva bisogno di un altro capitolo, che l'avrebbe resa una trilogia, e soprattutto perché mi avrebbe dato l'opportunità di mostrare un terzo sentimento, uno stato d'animo diverso".

Le immagini di Lena, tratte dal film di Vilgot Sjöman, punteggiano la scenografia di questa mostra. Nei fotomontaggi di Blauwer non ci si imbatte mai in uno sguardo, ma lo sguardo di Lena fa da sfondo all'intera mostra, in formato poster cinematografico.

La giovane eroina è anche il soggetto principale di una proiezione di diapositive, un'installazione originale dell'artista, composta da fotogrammi del film e da fotografie di pagine dei famosi taccuini dell'artista, preziose raccolte in cui mette in atto il suo linguaggio associando immagini a parole, in questo caso quelle estratte dalla sceneggiatura.

Katrien de Blauwer, described as a "photographer without a camera", uses images from old magazines and newspapers to shape her stories. With her intimacy and sensitivity, she seeks out the images of others, charged with memory and carrying her memories, to tell them.

De Blauwer is nourished by the beauty she finds in contemporary dance, literature, fashion and music, but it is undoubtedly the world of film that she embraces most passionately. Especially the one that so strongly influenced the portrayal of women in the press of the sixties, her preferred material. For women are of prime importance here. By assembling disparate fragments of these heroines into clichés, painstakingly recovered and silently juxtaposed, she creates photo montages that evoke the lives of familiar icons, those of an often fantasized female representation. She plays with our imaginations, hers and ours. The old-fashioned materials of the paper respond to the cut-out subjects to form the backdrop for her stories; and in these enigmatic freeze-frames, like opposing fields in the same shot, the viewer takes over from the narrator to unfold the scenario.

His photo montages are to photography what scripts are to cinema. And as with Van der Keuken's editing, she follows the logic of the rhythm of the images, while intervening to convey a narrative.

The strokes of color she uses to enhance her images do indeed provide a few extra clues to the reading process. They give direction, like vectors of emotion, to what she refrains from saying, from showing anyone.

In this new series, she says: "Red is fear - yellow is hate - blue is love". She continues: "You could say that my work is a chain of coincidences. It all began with yellow, used as a narrative for a series I showed my Swedish publisher, which reminded him of a cult film from the sixties, "I am Curious (Yellow)".

The next day, I came across the English paperback version of the script, which made me want to find the digital version of the film.

At first, I didn't see many references between the film and my series, but then I began to realize that the protagonist, Lena, had a lot in common with the girls in my images, with the emotions they go through and that I tried to capture in the series.

When I discovered that the film had a sequel, "I am Curious (Blue)", I also created a blue chapter. Then I felt that the work needed another chapter, which would make it a trilogy, and above all because it would give me the opportunity to show a third feeling, a different mood."

Lena's images, taken from Vilgot Sjöman's film, punctuate the scenography of this exhibition. While in Blauwer's photo montages, we never come across a gaze, Lena's gaze forms the backdrop for the entire exhibition, in cinema poster format.

The young heroine is also the main subject of a slide show, an original installation by the artist, composed of stills from the film and photographs of pages from the artist's famous notebooks, precious collections in which she deploys her language by associating images with words, in this case those she has extracted from the script.

(Text: Charlotte Boudon)

Galerie du jour | Paris
3. November – 31. Dezember 2023

Colored Black
Dennis Morris

Diese Ausstellung, die im April 2023 mit der Unterstützung von agnès b. in Kyotographie gezeigt wurde, wird anlässlich des Pariser Monats der Fotografie in der Galerie du Jour installiert. Diese ist als immersive Erfahrung inmitten der karibischen Diaspora im Londoner Osten der 1960er und 1970er Jahre konzipiert.

Nach dem Zweiten Weltkrieg musste Großbritannien wieder aufgebaut werden und lud seine Bürger aus dem Commonwealth ein, sich in Großbritannien niederzulassen. Viele Jamaikaner folgten dem Aufruf und wanderten auf der Suche nach einem besseren Leben nach Großbritannien ein. Diejenigen, die aus den karibischen Ländern kamen, wurden als die "Windrush-Generation" bezeichnet.

Zu diesen Einwanderern gehörte Dennis Morris, der in den 1960er Jahren als kleiner Junge mit seiner Mutter von Jamaika nach London reiste. Dank des Chors seiner örtlichen Kirche und seines Gönners Donald Paterson entdeckte Morris die Fotografie und begab sich auf eine bemerkenswerte Reise, auf der er seine Umgebung und seine Gemeinschaft dokumentierte.

Die Positivität, der Enthusiasmus und der Wunsch nach Erfolg der karibischen Einwanderer, trotz der Schwierigkeiten, die sie erdulden mussten, kommen in Morris' Bildern besonders stark zum Vorschein. In der Tat war dies die Zeit, in der diese aus der Karibik verpflanzten Menschen mit Stolz und Herausforderung von "Farbigen" zu Schwarzen wurden.

Cette exposition, présentée à Kyotographie en avril 2023 avec le soutien d’agnès b., s’installe dans la Galerie du Jour à l’occasion du mois parisien de la photographie. Celle-ci est conçue comme une expérience immersive au sein de la diaspora caribéenne de l'est Londonien des années 1960 et 1970.

Après la Seconde Guerre mondiale, la Grande-Bretagne avait besoin de se reconstruire et a invité ses citoyens du Commonwealth à venir s'installer au Royaume-Uni. De nombreux Jamaïcains ont répondu à l'appel en immigrant en Grande-Bretagne à la recherche d'une vie meilleure. Ceux qui sont arrivés des pays des Caraïbes ont été appelés la "génération Windrush".

Parmi ces immigrants, Dennis Morris, qui, jeune garçon, a voyagé avec sa mère de la Jamaïque à Londres dans les années 1960. Grâce à la chorale de son église locale et à son bienfaiteur, Donald Paterson, Morris a découvert la photographie et s'est embarqué dans un voyage remarquable, documentant son environnement et sa communauté.

La positivité, l'enthousiasme et le désir de réussir des immigrants caribéens, malgré les difficultés qu'ils ont endurées, ressortent avec force dans les photos de Morris. En effet, c'est à cette époque que ces transplantés des Caraïbes sont passés du statut de "personnes de couleur" à celui de Noirs, avec fierté et défi.

La mostra, presentata a Kyotographie nell'aprile 2023 con il sostegno di agnès b., sarà ospitata alla Galerie du Jour durante il Mese della Fotografia di Parigi. La mostra è concepita come un'esperienza immersiva della diaspora caraibica nell'East London degli anni Sessanta e Settanta.

Dopo la Seconda guerra mondiale, la Gran Bretagna aveva bisogno di ricostruire e invitò i cittadini del Commonwealth a venire a stabilirsi nel Regno Unito. Molti giamaicani risposero immigrando in Gran Bretagna in cerca di una vita migliore. Coloro che arrivarono dai Paesi caraibici furono conosciuti come la "generazione Windrush".

Uno di questi immigrati fu Dennis Morris, che da giovane viaggiò con la madre dalla Giamaica a Londra negli anni Sessanta. Grazie al coro della sua chiesa locale e al suo benefattore, Donald Paterson, Morris scoprì la fotografia e intraprese un viaggio straordinario, documentando l'ambiente circostante e la sua comunità.

La positività, l'entusiasmo e il desiderio di successo degli immigrati caraibici, nonostante le difficoltà incontrate, traspaiono dalle fotografie di Morris. In effetti, è stato in questo periodo che questi trapiantati caraibici sono passati dall'essere "di colore" all'essere neri, con orgoglio e sfida.

This exhibition, presented at Kyotographie in April 2023 with the support of agnès b., takes up residence in the Galerie du Jour on the occasion of Paris Photography Month. The exhibition is conceived as an immersive experience of the Caribbean diaspora in East London in the 1960s and 1970s.

After the Second World War, Britain needed to rebuild and invited its Commonwealth citizens to come and settle in the UK. Many Jamaicans answered the call by immigrating to Britain in search of a better life. Those who arrived from Caribbean countries were called the "Windrush generation".

Among these immigrants was Dennis Morris, who as a young boy traveled with his mother from Jamaica to London in the 1960s. Thanks to his local church choir and benefactor, Donald Paterson, Morris discovered photography and embarked on a remarkable journey, documenting his surroundings and community.

The positivity, enthusiasm and desire to succeed of Caribbean immigrants, despite the hardships they endured, come through strongly in Morris's photos. Indeed, it was during this period that these Caribbean transplants proudly and defiantly made the transition from "people of color" to Black.

(Text: Galerie du jour, Paris)

Galerie Écho 119 | Paris
2. November 2023 – 3. Februar 2024

Radiographies de l'intime
Tokyo Rumando, Sakiko Nomura, Sayuri Ichida, Emi Anrakuji

Den eigenen Körper und den anderer beobachten, den/die eigenen Körper darstellen, ihn/sie verwandeln, die Wahrnehmungen der Betrachter herausfordern... Das erforschen diese Künstlerinnen in ihren Fotoserien, die wir gemeinsam ausstellen, um weiblichen Blicken Raum zu geben und einen fotografischen Dialog über das Intime und seine Darstellungen sowohl in Japan als auch in der westlichen Gesellschaft zu eröffnen.

Tokyo Rumando, Sakiko Nomura, Sayuri Ichida und Emi Anrakuji haben alle auf ihre Weise einen Blick auf die Intimität geworfen. Sie fotografieren ihren eigenen Körper oder den ihrer Modelle in Inszenierungen, in denen sie gleichzeitig Schöpfer und Akteure sind, um ihre Identität(en) zu hinterfragen und sich wieder anzueignen. Indem sie den Blick auf das Intimste richten, sei es frontal, verkleidet, metaphorisch oder versteckt, tragen sie dazu bei, die Vorstellungen vom weiblichen Körper, von Nacktheit, Begehren und Sexualität, die noch immer überwiegend vom männlichen Blick geprägt sind, zu erneuern.

Es war uns ein Anliegen, diese Frauen zusammenzubringen, um das Intime zu thematisieren, auch weil sie ihren Platz in der Geschichte der "persönlichen" Fotografie haben - oder "Shi Shashin", wie Nobuyoshi Araki sie nannte, um seine Praxis einer eher persönlichen als nach außen gerichteter Fotografie zu beschreiben - und die oft mit den Namen und Werken von Männern in Verbindung gebracht werden: Nobuyoshi Araki, Masahisa Fukase oder Shomei Tomatsu. Ebenso wie ihre männlichen Vorgänger und Zeitgenossen reflektieren sie über die Beziehung zur Intimsphäre in der japanischen Kultur, die besonders kodifiziert oder sogar tabuisiert ist.

Ihre Werke zeugen auch von der performativen Kraft des fotografischen Aktes. Für Tokyo Rumando, Sayuri Ichida und Emi Anrakuji ist das Fotografieren von sich selbst eine Möglichkeit, sich ihr Bild, ihre Emotionen und ihre persönlichen, manchmal traumatischen Erfahrungen wieder anzueignen. Im Selbstporträt kann ein kathartischer Prozess stattfinden, der sowohl emanzipatorisch als auch therapeutisch ist, eine Wiedergutmachung. In der Arbeit von Sakiko Nomura kann die Inszenierung der Intimität anderer eine Möglichkeit sein, den Blick des Betrachters zu hinterfragen und gleichzeitig seine eigene Beziehung zu Erotik und Sexualität zu hinterfragen.

Was diese vier Künstlerinnen schließlich verbindet, ist ein gemeinsames, unbändiges Verlangen: das Verlangen zu schauen.

Observer son corps et celui d’autres que soi, représenter son/les corps, les métamorphoser, défier les perceptions de celles et ceux qui regardent… C’est ce que ces artistes explorent dans leurs séries photographiques, que nous avons choisi d’exposer ensemble pour laisser place à des regards féminins et ouvrir un dialogue photographique sur l’intime et ses représentations, à la fois au Japon et dans la société occidentale.

Chacune à leur manière, Tokyo Rumando, Sakiko Nomura, Sayuri Ichida et Emi Anrakuji portent un regard sur l’intimité. Elles photographient leur propre corps ou celui de leurs modèles dans des mises en scènes dont elles sont à la fois créatrices et actrices, pour interroger et se réapproprier leur(s) identité(s). En pointant l’objectif sur l’intime de manière tantôt frontale, déguisée, métaphorique ou bien dissimulée, elles contribuent à renouveler les représentations du corps féminin, de la nudité, du désir et de la sexualité, encore majoritairement façonnées par le regard masculin.

Si nous avons eu à coeur de réunir ces femmes pour aborder l’intime, c’est aussi parce qu’elles ont toute leur place dans l’histoire de la photographie « personnelle » – ou « shi shashin » telle que nommée par Nobuyoshi Araki pour décrire sa pratique d’une photographie plutôt personnelle que tournée vers l’extérieur –, et que l’on a souvent tendance à rattacher aux noms et aux oeuvres d’hommes : Nobuyoshi Araki, Masahisa Fukase ou encore Shomei Tomatsu. Au même titre que leurs prédécesseurs et contemporains masculins, elles portent une réflexion sur le rapport à la sphère de l’intime dans la culture nippone, particulièrement codifié, voire tabou.

Leurs oeuvres témoignent aussi du pouvoir performatif de l’acte photographique. Pour Tokyo Rumando, Sayuri Ichida et Emi Anrakuji, se photographier elles-mêmes est une manière de se réapproprier leur image, leurs émotions et leurs expériences personnelles, parfois traumatiques. Il peut y avoir dans l’autoportrait un processus cathartique, à la fois émancipateur et thérapeutique, une réparation. Dans le travail de Sakiko Nomura, mettre en scène l’intimité des autres peut être une manière d’interroger le regard du spectateur.trice en même temps que son propre rapport à l’érotisme et à la sexualité.

Ce qui réunit ces quatre artistes, enfin, c’est le partage d’un même désir irrépressible : le désir de regarder.

Osservare il proprio corpo e quello degli altri, rappresentare il proprio corpo o i propri corpi, metamorfosarli, sfidare la percezione di chi guarda... Questo è ciò che esplorano queste artiste nelle loro serie fotografiche, che abbiamo scelto di esporre insieme per dare spazio al punto di vista delle donne e aprire un dialogo fotografico sull'intimità e le sue rappresentazioni, sia in Giappone che nella società occidentale.

Ognuna a modo suo, Tokyo Rumando, Sakiko Nomura, Sayuri Ichida e Emi Anrakuji guardano all'intimità. Fotografano i propri corpi o quelli delle loro modelle in scene in cui sono sia creatori che attori, mettendo in discussione e riappropriandosi della propria identità. Puntando l'obiettivo sull'intimità, sia essa frontale, mascherata, metaforica o nascosta, contribuiscono a rinnovare le rappresentazioni del corpo femminile, della nudità, del desiderio e della sessualità, ancora prevalentemente modellate dallo sguardo maschile.

Se abbiamo voluto riunire queste donne per esplorare l'intimo, è anche perché hanno il loro posto nella storia della fotografia "personale" - o "shi shashin", come l'ha chiamata Nobuyoshi Araki per descrivere la sua pratica di fotografia più personale che rivolta verso l'esterno - e che spesso tendiamo ad associare a nomi e opere di uomini: Nobuyoshi Araki, Masahisa Fukase e Shomei Tomatsu. Come i loro predecessori e contemporanei maschi, riflettono sul rapporto tra la sfera dell'intimo nella cultura giapponese, particolarmente codificata e persino tabù.

Le loro opere testimoniano anche il potere performativo dell'atto fotografico. Per Tokyo Rumando, Sayuri Ichida e Emi Anrakuji, fotografarsi è un modo per riappropriarsi della propria immagine, delle proprie emozioni e delle proprie esperienze personali, talvolta traumatiche. L'autoritratto può essere un processo catartico, sia emancipatorio che terapeutico, una forma di riparazione. Nel lavoro di Sakiko Nomura, la messa in scena dell'intimità altrui può essere un modo per mettere in discussione lo sguardo dello spettatore e il proprio rapporto con l'erotismo e la sessualità.

Infine, ciò che unisce questi quattro artisti è un desiderio insopprimibile condiviso: il desiderio di guardare.

Using the camera to observe their own body or the bodies of others, representing these bodies, transforming them, challenging the perceptions of those watching… This is what these artists have been exploring in their series, which we chose to exhibit together in order to make room for women’s views, and to open up a photographic dialogue on intimacy and its representations both in Japan and Western society.

Each in their own way, Tokyo Rumando, Sakiko Nomura, Sayuri Ichida and Emi Anrakuji focus on intimacy. They photograph models or themselves, in stagings of which they are both the creators and the actresses, to question and reappropriate their identity(ies). By focusing the lens on the intimate, whether in a frontal, disguised, metaphorical or concealed way, they help to renew representations of the female body, nudity, desire and sexuality, mainly shaped by the male gaze.

The reason we wanted to bring these women together around this topic is also because they have their place in the history of 'personal' photography' - or ‘shi shashin’ as Nobuyoshi Araki called it to describe his practice of a more personal rather than outward-looking photography - and which we often tend to associate with the works and the names of men: Nobuyoshi Araki, Masahisa Fukase and Shomei Tomatsu among others. Like their male predecessors and contemporaries, they reflect on the relationship to the private sphere in Japanese culture, which is particularly codified and even taboo.

Their works also reflect the performative power of the photographic act. For Tokyo Rumando, Sayuri Ichida and Emi Anrakuji, photographing themselves is a way of reappropriating their image, their emotions and their personal, sometimes traumatic experiences. Self-portraiture can be a cathartic process, both emancipatory and therapeutic, a form of reparation. In the work of Sakiko Nomura, staging the intimacy of others may also be a way of questioning the viewer's gaze as well as her own relationship to eroticism and sexuality.

Finally, what unites these four artists is the same irrepressible desire: the desire to look.

(Text: Galerie Écho 119, Paris)

Galerie Bigaignon | Paris
24. Oktober – 23. Dezember 2023

This Too Shall Pass
Morvarid K

Die Galerie Bigaignon präsentiert die erste Einzelausstellung der iranischen Künstlerin Morvarid K in ihren Räumen. Die Ausstellung mit dem Titel "This Too Shall Pass" folgt auf den Erwerb von drei Werken aus derselben Serie durch die Bibliothèque nationale de France und ermöglicht es, den Umfang der Serie, die im vergangenen September teilweise in Amsterdam anlässlich einer Teilnahme an der Messe Unbound ausgestellt wurde, in den Räumlichkeiten der Galerie zu entfalten.

Die 1982 in Teheran geborene Morvarid K findet in ihrer Verbundenheit mit der iranischen Identität die Grundlage für ihre Beziehung zur Welt und ihre künstlerische Sensibilität. Durch die Manipulation des fotografischen Materials hinterfragt ihre Arbeit unsere Beziehung zur Welt, die transformierende Erinnerung und das Dazwischen. Das fotografische Medium ist der Ausgangspunkt, es verankert seine Arbeit in der Realität, während Überlagerungs- und Transformationstechniken die zusätzlichen Ausdrucksformen liefern, die die Fotografie nicht einfangen kann.

Überwältigt von den Bildern der Brände in Australien 2019 und 2020, verspürt Morvarid K das dringende Bedürfnis, dorthin zu reisen und die statischen, stillen, leeren Landschaften zu sehen, die überwältigende Abwesenheit von Leben festzustellen und sich mit dem zu konfrontieren, was trotz der Verwüstung noch übrig ist. Die Serie "This too shall pass", die 2020 in Australien begann und 2021 und 2022 in Frankreich fortgesetzt wird, hinterfragt die Komplexität der menschlichen Wahrnehmung, den Anpassungsmechanismus, der es uns ermöglicht, das Brutale, das Zerstörerische zu zähmen und den Thanatos erträglich zu machen.

Das Projekt ist in drei Phasen unterteilt: das Nachwirken der Vergangenheit, das von der anfänglichen Schwierigkeit berichtet, die durch das Feuer verursachte Zerstörung zu akzeptieren; die Spur der Gegenwart, der Moment der Bewusstwerdung und der Wunsch, so nah wie möglich an der Problematik zu sein, um sie besser zu verstehen; und schließlich das Weben der Zukunft, der Moment, in dem das Thema in den Hintergrund rutscht und sich unsere Aufmerksamkeit anderen Dingen zuwendet, obwohl die Mega-Feuer fortbestehen.

Beim ersten Anblick dieser verwüsteten Landschaft setzt eine Art Verleugnung ein, die durch eine visuelle Kompensation gekennzeichnet ist, ein beruhigendes Nachleuchten der Netzhaut, bei dem Schwarz durch Grün ersetzt wird. Ein mentales Gewebe, das sich auflöst, um die Realität durchscheinen zu lassen.

Dann ist die Zeit gekommen, die Dinge zu messen und eine greifbare Spur durch Körperkontakt zu sammeln. Morvarid K sammelt die verkohlten Abdrücke von verkohlten Baumstämmen, indem er sie mit vor Ort hergestellten Fotoabzügen umhüllt. Die stille Stimme der Bäume vermischt sich dann mit seiner fotografischen Handschrift. Diese Abdrücke materialisieren sich durch den Übergang von einer monochromen Risografie (starker Kontrast zwischen Grün und Schwarz) zu einem Farbabzug auf Kuzo-Papier (der die Züge weicher macht und das Schwarz kaschiert), der so den Beginn des Abgleitens des Themas in das Vergessen unterstreicht. Eine Installation aus Kohle, die aus den verschiedenen verbrannten Wäldern stammt, vervollständigt das Thema.

Schließlich kommt die Zeit der Banalisierung des Themas, die durch die Verwendung von fotografischen Fragmenten mit verbrannten Umrissen, die die Rinde lebender Bäume darstellen, illustriert wird. In diesem Korpus ist diese dichte Ansammlung ein Vorbote und Anzeiger für die Intensivierung der Brände. Die verbrannten Umrisse und das allmähliche Verschwinden des Bildes zugunsten eines leeren, weißen Raums unterstreichen die Zerstörung der Wälder sowie das Verblassen des Themas in unseren Köpfen.

In Morvarid Ks Werk wird der Druck zu einem Material, einer Etappe im kreativen Prozess, bevor die Geste oder die performative Erfahrung das Werk vervollständigen. Als bildende Künstlerin und Performerin versucht Morvarid K, den Abzug zu entweihen, und zögert nicht, ihre Abzüge fast vollständig mit kleinen, mit einem Kugelschreiber gemachten Strichen zu überdecken. Das Fotopapier wird dadurch paradoxerweise sublimiert und der physische Akt des Abziehens, der traditionell in der Dunkelkammer stattfindet, wird über deren Mauern hinaus verlagert oder verlängert.

La galerie Bigaignon présente la première exposition personnelle de l’artiste iranienne Morvarid K dans ses murs. Cette exposition intitulée « This Too Shall Pass », fait suite à l’acquisition par la Bibliothèque nationale de France de trois oeuvres de cette même série et permet de déployer à l’échelle de son espace l’étendue de la série, exposée partiellement à Amsterdam en septembre dernier lors d’une participation à la foire Unbound.

Née à Téhéran en 1982, Morvarid K trouve dans son attachement à l’identité iranienne le fondement de son rapport au monde et de sa sensibilité artistique. À travers la manipulation de la matière photographique, son travail questionne notre relation au monde, la mémoire transformatrice et l’entre-deux. Le support photographique est le point de départ, il ancre son travail dans la réalité, tandis que les techniques de superposition et de transformation apportent les expressions supplémentaires que la photographie ne saurait capturer.

Accablée par les images des incendies en Australie en 2019 et 2020, Morvarid K ressent le besoin impérieux de s’y rendre et de voir les paysages statiques, silencieux, vides, de constater l’absence écrasante de vie, de se confronter à ce qui subsiste malgré la dévastation. Débutée en Australie en 2020 et poursuivie en France en 2021 et 2022, la série « This too shall pass » questionne la complexité de la perception humaine, le mécanisme d’ajustement qui nous permet d’apprivoiser le brutal, le destructif, de rendre supportable le Thanatos.

Le projet se divise en trois temps : la persistance du passé qui relate la difficulté première à accepter la destruction causée par le feu ; la trace du présent, le moment de prise de conscience et le souhait d’être au plus près de la problématique pour mieux la comprendre ; et, enfin, le tissage du futur, le moment où le sujet glisse en arrière-plan et notre attention se tourne vers d’autres choses, bien que les méga-feux persistent.

À la première vue de ce paysage dévasté, une sorte de déni s’installe, caractérisé par une compensation visuelle, une persistance rétinienne rassurante remplaçant le noir par du vert. Un tissage mental qui s’estompe pour laisser transparaître le réel.

C’est alors le temps de prendre la mesure des choses, à en recueillir une trace tangible par le corps à corps. Morvarid K recueille les empreintes charbonneuses de troncs d’arbres calcinés en les enveloppant avec des tirages photographiques faits in situ. La voix silencieuse des arbres se mêle alors à son écriture photographique. Ces prises d’empreintes se matérialisent par le passage d’une risographie monochrome (fort contraste entre le vert et le noir) à un tirage couleur sur papier Kuzo (qui adoucit les traits et camoufle le noir), qui souligne ainsi le début du glissement du sujet vers l’oubli. Une installation de charbons provenant des divers forêts brulées, complète le propos.

Vient enfin le temps de la banalisation du sujet qu’illustre l’utilisation de fragments photographiques aux contours brulés, représentant des écorces d’arbres vivants. Dans ce corpus, cet amas dense, est annonciateur et dénonciateur de l’intensification des feux. Les contours brulés et la disparition progressive de l’image au profit d’un espace vide et blanc, soulignent la destruction des forêts, ainsi que l’estompement du sujet dans nos esprits.

Dans l’oeuvre de Morvarid K, le tirage devient un matériau, une étape dans le processus créatif, avant que le geste, ou l’expérience performative ne viennent compléter l’oeuvre. Artiste plasticienne et performeuse, Morvarid K tente de désacraliser le tirage et n’hésite pas à recouvrir presque intégralement ses épreuves de petits traits réalisés au stylo. Le papier photographique est alors paradoxalement sublimé et l’acte physique du tirage, traditionnellement voué à la chambre noire, y est déporté ou prolongé au-delà de ses murs.

La Galerie Bigaignon presenta la prima mostra personale dell'artista iraniano Morvarid K. La mostra, intitolata "This Too Shall Pass", fa seguito all'acquisizione da parte della Bibliothèque nationale de France di tre opere della stessa serie, consentendo alla galleria di ampliare la portata della serie, che è stata parzialmente esposta ad Amsterdam lo scorso settembre nell'ambito della fiera Unbound.

Nata a Teheran nel 1982, l'attaccamento di Morvarid K all'identità iraniana è alla base del suo rapporto con il mondo e della sua sensibilità artistica. Attraverso la manipolazione del materiale fotografico, il suo lavoro mette in discussione il nostro rapporto con il mondo, la memoria trasformativa e la zona intermedia. Il mezzo fotografico è il punto di partenza, ancorando il suo lavoro alla realtà, mentre le tecniche di sovrapposizione e trasformazione forniscono le espressioni aggiuntive che la fotografia non può catturare.

Travolta dalle immagini degli incendi in Australia nel 2019 e nel 2020, Morvarid K ha sentito il bisogno impellente di recarsi sul posto e vedere i paesaggi statici, silenziosi e vuoti, per testimoniare la schiacciante assenza di vita, per confrontarsi con ciò che è rimasto nonostante la devastazione. Iniziata in Australia nel 2020 e proseguita in Francia nel 2021 e nel 2022, la serie "This too shall pass" si interroga sulla complessità della percezione umana, sul meccanismo di adattamento che ci permette di domare il brutale e il distruttivo, di rendere Thanatos sopportabile.

Il progetto è diviso in tre fasi: la persistenza del passato, che racconta la difficoltà iniziale di accettare la distruzione causata dal fuoco; la traccia del presente, il momento di consapevolezza e il desiderio di essere il più vicino possibile al problema per comprenderlo meglio; e, infine, la tessitura del futuro, il momento in cui il soggetto scivola sullo sfondo e la nostra attenzione si rivolge ad altre cose, anche se i mega-incendi persistono.

Alla prima vista di questo paesaggio devastato, si instaura una sorta di negazione, caratterizzata da una compensazione visiva, una rassicurante persistenza della visione che sostituisce il nero con il verde. Una trama mentale che svanisce per rivelare il reale.

È il momento di prendere la misura delle cose, di raccoglierne una traccia tangibile attraverso il contatto corpo-a-corpo. Morvarid K raccoglie le impronte carbonizzate dei tronchi d'albero bruciati, avvolgendole in stampe fotografiche realizzate in loco. La voce silenziosa degli alberi si mescola alla sua scrittura fotografica. Queste impronte sono materializzate dal passaggio da una risografia monocromatica (forte contrasto tra verde e nero) a una stampa a colori su carta Kuzo (che ammorbidisce i tratti e mimetizza il nero), sottolineando così l'inizio dello scivolamento del soggetto nell'oblio. Un'installazione di carboncini provenienti da varie foreste bruciate completa il quadro.

Infine, arriva il momento in cui il soggetto diventa comune, illustrato dall'uso di frammenti fotografici con bordi bruciati, che rappresentano la corteccia di alberi vivi. In questo corpus di opere, questa massa densa annuncia e denuncia l'intensificarsi degli incendi. I contorni bruciati e la graduale scomparsa dell'immagine a favore di uno spazio vuoto e bianco sottolineano la distruzione delle foreste e la dissolvenza del soggetto nella nostra mente.

Nel lavoro di Morvarid K, la stampa diventa un materiale, una fase del processo creativo, prima che il gesto o l'esperienza performativa completino l'opera. Come artista visivo e performer, Morvarid K cerca di desacralizzare la stampa e non esita a ricoprire le sue stampe quasi interamente con piccoli tratti di penna. Paradossalmente, questo sublima la carta fotografica e l'atto fisico della stampa, tradizionalmente confinato nella camera oscura, viene deportato o esteso oltre le sue pareti.

Galerie Bigaignon presents the first solo show by Iranian artist Morvarid K. This exhibition, entitled "This Too Shall Pass", follows on from the Bibliothèque nationale de France's acquisition of three works from the same series, and enables the gallery to expand the scope of the series, which was partially exhibited in Amsterdam last September during a participation in the Unbound fair.

Born in Teheran in 1982, Morvarid K's attachment to Iranian identity forms the basis of her relationship with the world and her artistic sensibility. Through the manipulation of photographic material, her work questions our relationship to the world, transformative memory and the in-between. The photographic medium is the starting point, anchoring her work in reality, while superimposition and transformation techniques provide the additional expressions that photography cannot capture.

Overwhelmed by the images of the fires in Australia in 2019 and 2020, Morvarid K feels the compelling need to go there and see the static, silent, empty landscapes, to witness the overwhelming absence of life, to confront what remains despite the devastation. Begun in Australia in 2020 and continued in France in 2021 and 2022, the "This too shall pass" series questions the complexity of human perception, the adjustment mechanism that enables us to tame the brutal, the destructive, to make Thanatos bearable.

The project is divided into three phases: the persistence of the past, which recounts the initial difficulty of accepting the destruction caused by fire; the trace of the present, the moment of awareness and the desire to be as close as possible to the problem in order to understand it better; and, finally, the weaving of the future, the moment when the subject slips into the background and our attention turns to other things, even though the mega-fires persist.

At the first sight of this devastated landscape, a kind of denial sets in, characterized by visual compensation, a reassuring retinal persistence replacing black with green. A mental weave that fades to reveal the real.

It's time to take the measure of things, to gather a tangible trace through body-to-body contact. Morvarid K collects the charred imprints of charred tree trunks, wrapping them in photographic prints made in situ. The silent voice of the trees mingles with his photographic writing. These impressions are materialized by the transition from a monochrome risograph (strong contrast between green and black) to a color print on Kuzo paper (which softens the features and camouflages the black), thus underlining the beginning of the subject's slide into oblivion. An installation of charcoal from various burnt forests completes the picture.

Finally comes the time of the subject's trivialization, illustrated by the use of photographic fragments with burnt outlines, representing the bark of living trees. In this body of work, this dense mass heralds and denounces the intensification of fires. The burnt contours and gradual disappearance of the image in favor of an empty, white space underline the destruction of the forests, as well as the fading of the subject in our minds.

In Morvarid K's work, the print becomes a material, a stage in the creative process, before the gesture or performative experience completes the work. As a visual artist and performer, Morvarid K attempts to desacralize the print, not hesitating to cover her prints almost entirely with small pen strokes. Paradoxically, photographic paper is sublimated, and the physical act of printing, traditionally confined to the darkroom, is deported or extended beyond its walls.

(Text: Galerie Bigaignon, Paris)

MEP – Maison Européenne de la Photographie | Paris
18. Oktober 2023 - 11. Februar 2024

Viviane Sasse

Das MEP - Maison Européenne de la Photographie präsentiert die erste Retrospektive der niederländischen Künstlerin Viviane Sassen in Frankreich. Die Ausstellung umfasst mehr als 200 Werke und zeichnet die 30-jährige Produktion eines proteiformen Werks nach, in dem die Fotografie mit der Collage, der Malerei und dem Video vereint ist.

Die Ausstellung erstreckt sich über die beiden Hauptebenen des MEP und umfasst ihre ikonischen Serien, darunter "Umbra", "Parasomnia", "Flamboya" und "Roxane", unveröffentlichte Archive, ihre Werke in Mischtechniken aus Fotoabzügen, Malerei, Collagen und Videos sowie eine Auswahl ihrer Modefotografien. Die Ausstellung soll den kreativen Prozess von Viviane Sassen beleuchten und dabei zwei Hauptachsen verfolgen: die ständige Suche nach Erneuerung der fotografischen Formen und die Bedeutung der Intimsphäre in ihrem Werk. Bei Sassen ist die Fotografie nicht einfach nur eine Oberfläche, sondern ein offener Ort, an dem sie ihre Träume, Wünsche und Ängste mit der greifbaren Realität der Welt zusammenbringt.

Nachdem sie einige Jahre Mode studiert hatte, wandte sich Viviane Sassen schnell der Fotografie zu, wo sie sich an der Utrecht School of the Arts (HKU) ausbilden ließ. Nach Abschluss ihres Studiums wechselte sie zwischen persönlichen Projekten und kommerziellen Aufträgen. Ihr fotografischer Stil - mit seinen intensiven Farben, dem grafischen Spiel mit Licht und Schatten und dem einzigartigen Blick auf den Körper - fand schnell Anklang. Sassen erlangte internationales Ansehen, sowohl in der Modebranche als auch in kulturellen Einrichtungen.

Anlässlich dieser Ausstellung wird ein über 400 Seiten starkes Buch mit Essays und Fotografien im Prestel-Verlag und in Zusammenarbeit mit der MEP veröffentlicht. Das Buch wird von der niederländischen Grafikdesignerin Irma Boom gestaltet.

Kuratorin: Clothilde Morette, Programmverantwortliche, MEP, unterstützt von Aden Vincendeau, Ausstellungsassistentin, MEP, und Elisa Monteillet, Produktionsbeauftragte, MEP.

La MEP – Maison Européenne de la Photographie présente la première rétrospective en France de l’artiste néerlandaise Viviane Sassen. L'exposition réunit plus de 200 créations et retrace 30 ans de production d’une œuvre protéiforme où la photographie côtoie le collage, la peinture et la vidéo.

Déployée sur les deux principaux niveaux de la MEP, cette exposition réunit ses séries iconiques, parmi lesquelles « Umbra », « Parasomnia », « Flamboya » ou « Roxane », des archives inédites, ses oeuvres aux techniques mixtes mêlant tirages photographiques, peintures, collages et vidéos ainsi qu’une sélection de ses photographies de mode. L'exposition ambitionne d’éclairer le processus créatif de Viviane Sassen en suivant deux grands axes : la recherche constante de renouvellement des formes photographiques et l’importance de la sphère intime dans son oeuvre. Chez Sassen, la photographie n’est pas une simple surface mais un lieu ouvert où elle fait cohabiter ses rêves, ses désirs et ses craintes avec la réalité tangible du monde.

Après quelques années passées à étudier la mode, Viviane Sassen se tourne rapidement vers la photographie où elle se forme à la Utrecht School of the Arts (HKU). Dès la fin de ses études, elle alterne entre projets personnels et commandes commerciales. Son style photographique – aux couleurs intenses, aux jeux graphiques sur l’ombre et la lumière ainsi que le regard singulier qu’elle porte sur les corps – est rapidement plébiscité. Sassen acquiert une renommée internationale, aussi bien dans la sphère de la mode qu’au sein des institutions culturelles.

Un ouvrage de plus de 400 pages, mêlant essais et photographies, sera publié à l’occasion de cette exposition aux éditions Prestel et en collaboration avec la MEP. La conception du livre est assurée par la graphiste néerlandaise Irma Boom.

Commissaire : Clothilde Morette, responsable de la programmation, MEP assistée par Aden Vincendeau, assistante d'exposition, MEP et Elisa Monteillet, chargée de production, MEP.

La MEP - Maison Européenne de la Photographie presenta la prima retrospettiva in Francia dell'artista olandese Viviane Sassen. L'esposizione riunisce più di 200 opere e ripercorre 30 anni di produzione proteiforme, in cui la fotografia si confronta con il collage, la pittura e il video.

Distribuita sui due livelli principali del MEP, la mostra riunisce le sue serie iconiche, tra cui "Umbra", "Parasomnia", "Flamboya" e "Roxane", oltre ad archivi inediti, opere a tecnica mista che combinano stampe fotografiche, dipinti, collage e video, e una selezione delle sue fotografie di moda. La mostra intende far luce sul processo creativo di Viviane Sassen, concentrandosi su due temi principali: la sua costante ricerca di nuove forme fotografiche e l'importanza della sfera intima nel suo lavoro. Per Sassen, la fotografia non è solo una superficie, ma uno spazio aperto in cui far coesistere i suoi sogni, i suoi desideri e le sue paure con la realtà tangibile del mondo.

Dopo alcuni anni di studi di moda, Viviane Sassen si è rapidamente dedicata alla fotografia, dove si è formata alla Utrecht School of the Arts (HKU). Dalla fine degli studi, alterna progetti personali a commissioni commerciali. Il suo stile fotografico, con i suoi colori intensi, i suoi giochi grafici di luci e ombre e il suo modo unico di guardare il corpo, è stato rapidamente apprezzato. Sassen ha acquisito fama internazionale, sia nel mondo della moda che tra le istituzioni culturali.

In concomitanza con la mostra, Prestel pubblicherà un libro di 400 pagine con saggi e fotografie, in collaborazione con il MEP. Il libro è stato progettato dall'artista grafica olandese Irma Boom.

Curatore: Clothilde Morette, responsabile della programmazione del MEP, assistita da Aden Vincendeau, assistente alla mostra del MEP e da Elisa Monteillet, responsabile della produzione del MEP.

The MEP – Maison Européenne de la Photographie – is proud to present the first retrospective in France by Dutch artist Viviane Sassen. Under the title This exhibition, which comprises more than 200 works, reveals over thirty years of multifaceted creation bringing together photography, collage, painting and video.

Taking up the two main floors of the MEP, the exhibition gathers together emblematic series, including "Umbra", "Parasomnia", "Flamboya" and "Roxane", as well as unseen archives, mixed-media works incorporating photography, painting, collage and video, and fashion photography. This exhibition will shed light on Viviane Sassen's creative process by focusing on two main themes: the incessant search for new photographic forms and the importance of intimacy in her work. For Sassen, photography is more than a mere surface: it is an opening onto a place where her dreams, desires and fears co-exist with the world in all its tangible reality.

Initially studying fashion design, Viviane Sassen quickly turned to photography, pursuing her education at the Utrecht School of the Arts (HKU). After completing her studies, she alternated between personal projects and commercial work. Her photographic style – with its saturated colours, interplay of light and shadow and unique portrayals of the human body – was soon in great demand. Viviane Sassen rapidly gained worldwide recognition, both in the fashion industry and in the cultural world.

On the occasion of this exhibition, a 400-page, fully illustrated book comprising several essays and designed by Dutch graphic artist Irma Boom, will be published by Prestel in collaboration with the MEP.

Curator: Clothilde Morette, head of programme, MEP assited by Aden Vincendeau, exhibition assistant, MEP and Elisa Monteillet, production officer, MEP.

(Text: MEP - Maison Européenne de la Photographie, Paris)

Galerie C | Paris
15. Oktober – 18. November 2023

Target
Lukas Hoffmann

In die Fotografien von Lukas Hoffmann einzutauchen, ist wie die Geschichte der Malerei zu erforschen: Die in "Target" gezeigten Werke sind voller Anspielungen auf die Kompositionen eines Clyfford Stil und Verbindungen zu den Kraftlinien eines Franz Kline. Sie erinnern an die Radikalität einer Helen Frankenthaler und die evokative Kraft der Formen, die in ihren Werken zu erkennen sind. Und das aus gutem Grund: Die Fotografie, wie Lukas Hoffmann sie versteht und entfaltet, ist nicht nur eine Öffnung zur Welt, sondern auch eine Brücke zum Motiv. Durch sein Objektiv wird die Realität eines Raums, eines Objekts, seiner Beschaffenheit oder seiner materiellen Natur zu ihrer eigenen Symbolkraft hinzugefügt. Der Titel der Ausstellung selbst erinnert natürlich an die Zielbilder (Target) von Jasper Johns, der mit seinen Enkaustikbildern in die Materie investierte, ohne dabei in eine totale Abstraktion zu verfallen.

Objekte oder Themen? Die Werke von Jasper Johns stellen unbestreitbar eine Verbindung zwischen Kunst und Leben her, indem sie Motive darstellen, die jeder kennt, um uns einen Blick dahinter zu ermöglichen. In diesem Zwischenraum liegt auch die Poesie der Werke von Lukas Hoffmann: Er untersucht die Realität. Er friert einen Raum ein, Spuren, Splitter an den Wänden, Brachland, Zeichen des Zeitablaufs und der Aktivitäten, die an den Orten, an denen er umherwandert, ausgeübt werden. Seine Fotografie schafft Momente, in denen der Blick kippt, und zwingt unsere Augen, sich immer wieder neu zu positionieren. Lukas Hoffmanns Arbeit ist eher eine Erinnerung als ein Abbild. Wenn der Titel von EEW Heringen (Boden) auf den Boden des Ortes anspielt, an dem die Aufnahme gemacht wurde, können wir darin ein Stück Haut sehen: Ist es eine mit Narben durchzogene Epidermis? Eine solche fleischliche Wahrnehmung des Motivs führt zu einer x-ten Umkehrung und bringt uns an seinen ursprünglichen Ort zurück. Sagt dieser Boden und seine Stigmata - ebenso wie die Körper der Menschen, die ihn betreten haben - nicht viel über seine früheren Aktivitäten aus? Diese doppelte Umkehrung findet sich in vielen Fotografien von Lukas Hoffmann. So vermittelt in Container die gesäumte, kreisförmige Linie den Eindruck einer jahrtausendealten Spur, doch die Regelmäßigkeit dieses Abblätterns suggeriert gleichzeitig eine viel zeitgenössischere, mechanische Schrift. Diese doppelte Kippbewegung, die wie ein System angelegt ist, zeigt sich auch in den Pflanzenbildern des Künstlers: Die Knospen, Stängel und Dornen der Brachlandpflanzen sind wie die Funken eines Schweißers.

Lukas Hoffmanns Werke sind wahre Linsen auf die Realität und erforschen auch das menschliche Wesen. In seinen Berliner Straßenbildern - der berühmten Serie des Künstlers, in der er Passanten im Vorbeigehen und in der Kammer fotografiert - fängt er nur Körperausschnitte, Kleidungsdetails oder Schattenstücke ein und untergräbt so die Darstellung von Individuen. Der Luftzug, den eine Passantin verursacht, wenn sie uns streift, die Haarsträhne, die in der Sonne funkelt, die Venenmuskeln einer laufenden Wade, die Linien und Muster eines Kleidungsstücks sind allesamt Details, die uns hier mehr über die Emotionen eines Augenblicks, die Vernetzung und die Aufmerksamkeit, die wir anderen entgegenbringen, verraten, als es ein Frontalporträt könnte. In ihrer bewohnten Stille sagen die Werke von Lukas Hoffmann viel, lassen uns viel sehen und ihre Formen überleben in diesem Hiatus zwischen Kunst und Leben.

Se plonger dans les photographies de Lukas Hoffmann est comme sonder l’histoire de la peinture : les œuvres présentées au sein de « Target » regorgent, en effet, de références aux compositions d’un Clyfford Stil et de liens avec les lignes de force d’un Franz Kline. Elles rappellent la radicalité d’une Helen Frankenthaler et le pouvoir évocateur des formes qu’on décèle dans ses œuvres. Et pour cause, la photographie, telle que Lukas Hoffmann la comprend et la déploie, n’est pas seulement une ouverture sur le monde, elle est un pont vers le motif. Au travers de son objectif, la réalité d’un espace, d’un objet, de sa texture ou de sa nature matérielle s’additionne à leur propre force symbolique. Le titre de l’exposition lui-même n’est, bien sûr, pas sans rappeler les tableaux-cibles (Target) de Jasper Johns qui, avec ses peintures à l’encaustique investissait la matière sans pour autant tomber dans une abstraction totale.

Objets ou sujets ? Les œuvres de Jasper Johns font indéniablement le lien entre l’art et la vie en représentant des motifs connus de tou.te.s pour nous permettre de voir au-delà. C’est dans cet interstice, aussi, que se situe la poésie des œuvres de Lukas Hoffmann : il investigue le réel. Il fige un espace, des traces, des éclats sur les murs, des friches, des signes du passage du temps et des activités exercées sur les lieux où il déambule. Sa photographie créée des moments de basculement du regard et forcent nos yeux à se repositionner sans cesse. Plus qu’il ne représente, le travail de Lukas Hoffmann évoque. Si le titre de EEW Heringen (Boden) fait allusion au sol de l’endroit où le cliché a été pris, nous pouvons y voir un morceau de peau : est-ce un épiderme strié de cicatrices ? Charnelle, une telle perception du motif provoque un énième retournement et nous ramène à son lieu originel. Ce sol et ses stigmates -tout comme les corps des personnes qui l’ont foulé -ne dit-il pas beaucoup de ses activités passées ? Ce double renversement opère dans beaucoup de photographies de Lukas Hoffmann. Ainsi, dans Container, la ligne ourlée et circulaire donne des impressions de trace millénaire mais la régularité de cet écaillement suggère en même temps, une graphie mécanique bien plus contemporaine. Instauré comme un système, ce double basculement apparait également dans les images de végétaux prises par l’artiste : les bourgeons, tiges et épines des plantes de friches sont autant d’étincelles d’un soudeur.

Véritables lentilles sur le réel, les œuvres de Lukas Hoffmann sondent aussi l’être humain. Dans ses Strassenbilder berlinois -célèbre série de l’artiste où il photographie à la volée et à la chambre des passants -il ne capture que des bribes de corps, des détails de vêtements ou des morceaux d’ombres et bouscule ainsi la représentation des individus. L’air provoqué par une passante qui nous frôle, la mèche de cheveux qui étincelle au soleil, les muscles veineux d’un mollet en marche, les lignes et motifs d’un vêtement sont autant de détails qui nous en disent plus, ici, sur l’émotion d’un instant, l’interconnexion et l’attention que nous portons aux autres que ne le ferait un portrait frontal. Dans leur silence habité, les œuvres de Lukas Hoffmann disent beaucoup, nous laissent voir beaucoup et leurs formes survivent dans ce hiatus entre l’art et la vie.

Immergersi nelle fotografie di Lukas Hoffmann è come immergersi nella storia della pittura: le opere presentate in "Target" sono ricche di riferimenti alle composizioni di Clyfford Stil e di collegamenti con le linee di forza di Franz Kline. Ricordano il radicalismo di Helen Frankenthaler e il potere evocativo delle forme nel suo lavoro. E per una buona ragione: la fotografia, come la intende e la utilizza Lukas Hoffmann, non è solo un'apertura sul mondo, è un ponte verso il motivo. Attraverso il suo obiettivo, la realtà di uno spazio, di un oggetto, la sua consistenza o la sua natura materiale si aggiungono alla loro forza simbolica. Il titolo stesso della mostra ricorda naturalmente i dipinti Target di Jasper Johns, i cui encausti esploravano la materia senza scadere nell'astrazione totale.

Oggetti o soggetti? Le opere di Jasper Johns creano innegabilmente un legame tra arte e vita, raffigurando motivi familiari a tutti noi e permettendoci di vedere oltre. Anche la poesia del lavoro di Lukas Hoffmann si trova in questo interstizio: egli indaga la realtà. Congela uno spazio, tracce, frammenti sui muri, terreni incolti, segni del passare del tempo e delle attività svolte nei luoghi in cui si aggira. La sua fotografia crea momenti in cui lo sguardo è inclinato, costringendo i nostri occhi a riposizionarsi continuamente. Il lavoro di Lukas Hoffmann evoca piuttosto che rappresentare. Mentre il titolo di EEW Heringen (Boden) allude al terreno dove è stata scattata la fotografia, possiamo anche vedere un pezzo di pelle: è forse epidermide striata di cicatrici? Una tale percezione carnale del motivo provoca un'ulteriore inversione, riportandoci al suo luogo originario. Questo terreno e le sue stigmate - come i corpi delle persone che vi hanno camminato - non dicono forse molto sulle sue attività passate? Questa doppia inversione opera in molte fotografie di Lukas Hoffmann. In Container, ad esempio, la linea circolare orlata dà l'impressione di una traccia millenaria, ma la regolarità di questa sfaldatura suggerisce allo stesso tempo uno stile di scrittura molto più contemporaneo e meccanico. Questa duplice inclinazione, che si presenta come un sistema, è evidente anche nelle immagini di piante scattate dall'artista: i germogli, gli steli e le spine delle piante incolte sono come le scintille di una saldatrice.

Come lenti sulla realtà, le opere di Lukas Hoffmann sondano anche l'essere umano. Nei suoi Strassenbilder berlinesi - una famosa serie in cui l'artista fotografa i passanti al volo e con la sua macchina fotografica - cattura solo frammenti di corpi, dettagli di abiti o frammenti di ombre, ribaltando così la rappresentazione degli individui. L'aria provocata da un passante che ci sfiora, la ciocca di capelli che scintilla al sole, i muscoli venosi di un polpaccio che cammina, le linee e i motivi di un indumento: sono tutti dettagli che ci raccontano l'emozione di un momento, l'interconnessione e l'attenzione che prestiamo agli altri più di quanto potrebbe mai fare un ritratto frontale. Nel loro silenzio abitato, le opere di Lukas Hoffmann dicono molto, ci fanno vedere molto, e le loro forme sopravvivono in questo iato tra arte e vita.

Immersing oneself in Lukas Hoffmann's photographs is like delving into the history of painting: the works presented in "Target" abound in references to the compositions of a Clyfford Stil and links to the force lines of a Franz Kline. They recall the radicalism of Helen Frankenthaler and the evocative power of the forms in her work. And for good reason: photography, as Lukas Hoffmann understands and deploys it, is not just an opening onto the world, it is a bridge to the motif. Through his lens, the reality of a space, an object, its texture or its material nature is added to their own symbolic force. The title of the exhibition itself is, of course, reminiscent of Jasper Johns' "Target" paintings, in which encaustic was used to invest the material without falling into total abstraction.

Objects or subjects? Jasper Johns' works undeniably bridge the gap between art and life, depicting motifs that are familiar to us all and enabling us to see beyond them. The poetry of Lukas Hoffmann's work also lies in this interstice: he investigates reality. He freezes a space, traces, fragments on walls, wastelands, signs of the passage of time and the activities carried out in the places where he wanders. His photography creates moments of tilted gaze, forcing our eyes to constantly reposition themselves. Lukas Hoffmann's work evokes rather than represents. If the title of EEW Heringen (Boden) alludes to the ground where the photograph was taken, we can also see a piece of skin: is it an epidermis streaked with scars? Such a carnal perception of the motif provokes an umpteenth reversal, taking us back to its original location. Doesn't this ground and its stigmata - like the bodies of the people who have walked on it - tell us a great deal about his past activities? This double reversal operates in many of Lukas Hoffmann's photographs. In Container, for example, the hemmed, circular line gives the impression of a thousand-year-old trace, but the regularity of the flaking also suggests a much more contemporary, mechanical style. Established as a system, this double tilt is also apparent in the artist's images of plants: the buds, stems and thorns of wasteland plants are the sparks of a welder.

Like lenses on reality, Lukas Hoffmann's works also probe the human being. In his Berlin Strassenbilder - the artist's most famous series, in which he photographs passers-by on the fly and in his camera - he captures only snatches of bodies, details of clothing or bits of shadows, thus overturning the representation of individuals. The air provoked by a passer-by brushing past us, the lock of hair that sparkles in the sunlight, the veiny muscles of a walking calf, the lines and patterns of a garment are all details that tell us more, here, about the emotion of a moment, the interconnection and the attention we pay to others than a frontal portrait ever could. In their inhabited silence, Lukas Hoffmann's works say much, let us see much, and their forms survive in this hiatus between art and life.

(Text: Galerie C, Paris)

Galerie Rachel Hardouin | Paris
12. Oktober – 18. November 2023

et s’éblouir
Dan Aucante, Christine Delory-Momberger, Irène Jonas, Estelle Lagarde, Laure Pubert, Michaël Serfaty

Die Ausstellung findet im Rahmen der Rencontres photographique du 10e statt.

...et s'éblouir... ist eine Ausstellung, die von der Galerie Rachel Hardouin und der Agentur révélateur organisiert wird. Sie vereint die sechs Autorinnen und Autoren, die letztere begleitet und vertritt. Kuratiert wird sie von Rachel Hardouin und Olivier Bourgoin, dem Leiter der Agentur révélateur. Die Ausstellung wurde in einer verkleinerten Version in der Eröffnungswoche der Rencontres de la Photographie d'Arles gezeigt und von der Fontaine Obscure unterstützt.

"Diese Gruppenausstellung befasst sich mit der Blendung, dem Moment, in dem jeder Fotograf in ein Licht, ein Staunen eingetaucht ist, sei es innerlich, äußerlich oder gleichzeitig mit beiden. Unterschwellig lädt sie uns auch dazu ein, unsere eigenen Blendungen zu betrachten. Mit diesen sechs Vorschlägen kann man sich blenden lassen. Die von Rachel Hardouin und Olivier Bourgoin getroffenen fotografischen Auswahlen bieten ebenso viele Möglichkeiten, das Licht, das in jedem von uns oder in jedem der Fotografen steckt, wenn nicht zu verstehen, so doch zumindest zu begreifen.

Obwohl die Bildwelten der einen und der anderen unabhängig voneinander sind, ergibt sich dennoch ein formaler und sinnlicher Zusammenhalt aus diesem Ensemble. Der Geist navigiert, schweift ab, entflieht und verbindet sich. Das Licht ist da, das Licht, das wir in uns tragen, das Licht, das uns die Künstler schenken. Man muss darin eintauchen, ihm folgen, ohne zu versuchen, ihm einen bestimmten Sinn zu geben. Vielleicht ist es das, sich blenden zu lassen? Diese Fähigkeit, über das hinauszugehen, was ist, und sich eine Welt inmitten der Welt zu erfinden.

In einer Zeit, in der die Magie in unserem Leben praktisch abwesend ist, in der die Virtualität die Menschen dazu verurteilt, nicht mehr miteinander zu sprechen, sich zu kennen, sich zu verbinden, ...und sich zu blenden... wirkt wie ein Moment der Gnade. Diese Momente der Gemeinschaft, des Teilens, des Miteinanders, in denen die Künstler und das Publikum mehr tun als nur zu zeigen und zu schauen, sind selten geworden. Es geht also darum, sie zu nutzen, die Gelegenheit zu ergreifen, die uns gegeben wird, um etwas anderes aufzubauen, selbst wenn es nur für kurze Zeit ist.

Träumen wir, staunen wir über unser Leben, die Bilder und die Kunst. Reisen wir in diese ungleichen und ineinandergreifenden Universen. Lassen wir uns für einen Moment wieder in Erstaunen versetzen...".

…et s’éblouir… est une exposition proposée par la Galerie Rachel Hardouin et l’agence révélateur. Elle réunit les six autrices et auteurs que cette dernière accompagne et représente. Le commissariat est assuré par Rachel Hardouin et Olivier Bourgoin, directeur de l’agence révélateur. L’exposition, dans une version réduite, a été présentée lors de la semaine d’ouverture des Rencontres de la Photographie d’Arles, avec le concours de la Fontaine Obscure.

« Cette exposition collective s’interroge sur l’éblouissement, ce moment où chacun.e des photographes a plongé vers une lumière, un émerveillement qu’il soit interne, externe ou concomitant aux deux. Elle nous invite aussi, de manière sous-jacente, à considérer nos propres éblouissements. Avec ces six propositions, il y a matière à être ébloui. Les sélections photographiques opérées par Rachel Hardouin et Olivier Bourgoin offrent autant de manières, si ce n’est de comprendre cette lumière qui se niche en chacun de nous ou en chacun.e des photographes, au moins de l’appréhender.

Alors que les univers picturaux des un.e.s et des autres sont indépendants, il ressort pourtant une cohésion à la fois formelle et de sens de cet ensemble. L’esprit navigue, divague, s’évade et se rejoint. La lumière est là, celle que nous portons en nous, celle que nous offrent les artistes. Il faut s’y plonger, la suivre, sans chercher à lui donner un sens précis. C’est peut-être ça s’éblouir ? Cette capacité à aller au-delà de ce qui est, à s’inventer un monde au sein du monde.

A une époque où la magie est quasi absente de nos existences, où le virtuel condamne les humains à ne plus se parler, se connaître, se relier, …et s’éblouir… fait figure de moment de grâce. Ils sont devenus rares ces moments de communions, de partages, d’en-commun où les artistes et le public font plus que montrer et regarder. Alors, il s’agit d’en profiter, de saisir cette opportunité qui nous est donnée de construire autre chose, même pour un temps court.

Rêvons, émerveillons-nous de nos vies, des images, de l’Art. Voyageons dans ces univers dissemblables et imbriqués. Redevenons, un moment, éblouis… »

...et s'éblouir... è una mostra organizzata dalla Galerie Rachel Hardouin e dall'agence révélateur. Riunisce i sei autori che l'agenzia accompagna e rappresenta. La mostra è curata da Rachel Hardouin e Olivier Bourgoin, direttore dell'agence révélateur. Una versione ridotta della mostra è stata presentata durante la settimana di apertura dei Rencontres de la Photographie d'Arles, con il sostegno della Fontaine Obscure.

"Questa mostra collettiva guarda all'abbagliamento, al momento in cui ciascuno dei fotografi si immerge in una luce, in una meraviglia, che sia interna, esterna o entrambe. Ci invita anche, in modo sottinteso, a considerare il nostro stesso abbagliamento. Con queste sei proposte, c'è molto da rimanere abbagliati. Le selezioni fotografiche di Rachel Hardouin e Olivier Bourgoin offrono tanti modi, se non di capire la luce che si annida in ognuno di noi o in ognuno dei fotografi, almeno di apprezzarla.

Sebbene gli universi pittorici di ciascuno degli artisti siano indipendenti, ciò che emerge è una coesione sia di forma che di significato. La mente naviga, vaga, fugge e si incontra. La luce è lì, la luce che portiamo dentro di noi, la luce che gli artisti ci offrono. Bisogna immergersi in essa, seguirla, senza cercare di darle un significato preciso. Forse è questo il senso dell'abbagliamento? Questa capacità di andare oltre ciò che è, di inventare un mondo nel mondo.

In un'epoca in cui la magia è quasi assente dalle nostre vite, in cui il virtuale condanna gli esseri umani a non parlarsi più, a non conoscersi, a non connettersi... essere abbagliati... è come un momento di grazia. Questi momenti di comunione, condivisione e unione, in cui gli artisti e il pubblico non si limitano a mostrare e guardare, sono diventati rari. Allora approfittiamone, cogliamo l'opportunità di costruire qualcosa di diverso, anche solo per un breve periodo.

Sogniamo, stupiamoci delle nostre vite, delle nostre immagini, della nostra arte. Viaggiamo attraverso questi mondi diversi e intrecciati. Diventiamo, per un momento, di nuovo abbagliati...".

...et s'éblouir... is an exhibition presented by Galerie Rachel Hardouin and agence révélateur. It brings together the six authors that the latter accompanies and represents. The exhibition is curated by Rachel Hardouin and Olivier Bourgoin, director of agence révélateur. A reduced version of the exhibition was presented during the opening week of the Rencontres de la Photographie d'Arles, with the support of La Fontaine Obscure.

"This group show looks at dazzlement, the moment when each of the photographers plunged into a light, a wonder, whether internal, external or concomitant with both. It also invites us, in an underlying way, to consider our own dazzling. With these six propositions, there's plenty to be dazzled by. The photographic selections by Rachel Hardouin and Olivier Bourgoin offer so many ways, if not of understanding the light that nestles in each of us or in each of the photographers, at least of apprehending it.

While the pictorial universes of each artist are independent of the others, a cohesion of both form and meaning emerges from this ensemble. The mind sails, wanders, escapes and comes together. The light is there, the light we carry within us, the light the artists offer us. We must immerse ourselves in it, follow it, without trying to give it a precise meaning. Is that what dazzling is all about? The ability to go beyond what is, to invent a world within the world.

At a time when magic is all but absent from our lives, when the virtual condemns human beings to no longer speak to each other, get to know each other, connect with each other... and to be dazzled... is a moment of grace. These moments of communion, of sharing, of en-community, where artists and audiences do more than just show and watch, have become rare. So let's make the most of them, seize this opportunity to build something else, even if only for a short time.

Let's dream, let's marvel at our lives, our images, our art. Let's travel through these dissimilar and intertwined universes. Let's become, for a moment, dazzled again... "

(Text: Frédéric Martin, photographe, auteur et critique)

Remèdes Galerie | Paris
6. Oktober – 16. November 2023

Jan Saudek - Irène Jonas, correspondances

Auf Initiative von José Nicolas / L'Oeil du Douard entstand diese Ausstellung, die reich an Korrespondenzen und imaginären Dialogen zwischen dem tschechischen Meister Jan Saudek und der französischen Fotografin und Soziologin Irène Jonas ist, die beide Anhänger des kolorierten Silberabzugs sind.

Durch die Arbeit mit dem umfangreichen Korpus an Werken von Jan Saudek, der ihm von einem Sammler anvertraut wurde, und durch die Fortsetzung der seit Anfang 2021 bestehenden Zusammenarbeit mit Irène Jonas wird José Nicolas die Evidenz einer Filiation, eines visuellen und künstlerischen Erbes deutlich.

Ikonografische Assoziationen stellen sich ein, Affinitäten bestätigen sich im Laufe der Konsultation der von den beiden Künstlern personalisierten Abzüge.

Und der Wunsch, diesen Dialog Sammlern und anderen Kunstliebhabern anzubieten.

Es bedurfte eines schönen Schattens und des Auges einer einfühlsamen Galeristin, um diese "Duo"-Ausstellung in Szene zu setzen. Lila Rouquet schloss sich daraufhin dem Ausstellungsprojekt an und bot die Zimelien der Remèdes Galerie - die sie 2019 eröffnete - und ihr Gespür für Szenografie für diese originelle Face-to-Face-Ausstellung an.

Im Einklang mit der Linie ihrer Galerie, die sich besonders neuen Ausdrucksformen zeitloser Themen wie dem Körper und der Pflanze widmet, aber auch plastischen Experimenten gewidmet ist, reagierte Lila Rouquet begeistert auf den Vorschlag von José Nicolas.

Die Agentur révélateur, die Irène Jonas seit 2016 begleitet und vertritt, beteiligt sich ebenfalls mit ihrem Fachwissen an dieser Ausstellung.

Und als "kleine Geschichte" sei daran erinnert, dass Irène Jonas die Arbeit von Jan Saudek 1987 anlässlich seiner ersten Retrospektive im Musée d'Art moderne de la Ville de Paris entdeckt hat.

Diese wichtige, dem Tschechen gewidmete Ausstellung hinterließ bei der Fotografin einen tiefen Eindruck und regte sie dazu an, ihre Forschungen über die gemalte Fotografie weiterzuentwickeln.

Der Kreis schließt sich...

C’est à l’initiative de José Nicolas / L’Oeil du Douard qu’est née cette exposition riche de correspondances et de dialogues imaginaires entre le maître tchèque Jan Saudek et la photographe et sociologue française Irène Jonas, adeptes l’un et l’autre de l’épreuve argentique colorisée.

En travaillant sur l’important corpus d’oeuvres de Jan Saudek que lui a confié un collectionneur et en poursuivant la collaboration établie avec Irène Jonas depuis début 2021, l’évidence d’une filiation, d’un héritage visuel et artistique, apparaît à José Nicolas.

Des associations iconographiques s’établissent, des affinités se confirment au gré des consultations des tirages personnalisés par les deux artistes.

Et l’envie de proposer ce dialogue aux collectionneurs et autres amateurs d’art.

Il fallait un bel écrin et l’oeil d’une galeriste sensible pour mettre en scène cette exposition «duo». Lila Rouquet s’associe alors au projet de l’exposition et propose les cimaises de la Remèdes Galerie - qu’elle a ouverte en 2019 - et son sens de la scénographie pour ce face-à- face original.

En cohérence avec la ligne de sa galerie, particulièrement consacrée aux nouvelles expressions de thèmes intemporels tels que le corps et le végétal, mais également dédiée aux expérimentations plasticiennes, Lila Rouquet a répondu avec enthousiasme à la proposition de José Nicolas.

L’agence révélateur, qui accompagne et représente Irène Jonas depuis 2016 s’associe également à cette exposition en apportant son expertise.

Et pour la «petite histoire», on retiendra qu’Irène Jonas a découvert le travail de Jan Saudek en 1987, lors de sa première rétrospective au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris.

Cette importante exposition consacrée au Tchèque a marqué profondément la photographe et l’a incitée à développer ses recherches sur la photographie peinte.

La boucle est bouclée…

José Nicolas / L'Oeil du Douard ha dato vita a questa mostra ricca di corrispondenze e dialoghi immaginari tra il maestro ceco Jan Saudek e la fotografa e sociologa francese Irène Jonas, entrambi cultori della stampa argentica colorata.

Lavorando sull'ampio corpus di opere di Jan Saudek affidategli da un collezionista e continuando la collaborazione instaurata con Irène Jonas all'inizio del 2021, José Nicolas vede l'evidenza di una filiazione, di un'eredità visiva e artistica.

Le associazioni iconografiche sono state stabilite e le affinità confermate quando i due artisti hanno consultato le loro stampe personalizzate.

E il desiderio di offrire questo dialogo ai collezionisti e agli altri amanti dell'arte.

Per allestire questa mostra "a due" erano necessari una bella cornice e l'occhio di un gallerista sensibile. Lila Rouquet si è unita al progetto espositivo e ha messo a disposizione le pareti della Remèdes Galerie - che ha aperto nel 2019 - e il suo senso della scenografia per questo originale faccia a faccia.

In linea con l'attenzione della sua galleria per le nuove espressioni di temi senza tempo come il corpo e le piante, ma anche dedicata alla sperimentazione nelle arti visive, Lila Rouquet ha risposto con entusiasmo alla proposta di José Nicolas.

Anche l'agenzia Révélateur, che sostiene e rappresenta Irène Jonas dal 2016, contribuisce con la sua esperienza alla mostra.

Per la cronaca, Irène Jonas ha scoperto l'opera di Jan Saudek nel 1987, in occasione della sua prima retrospettiva al Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris.

Questa grande mostra dedicata al ceco ebbe un effetto profondo sulla fotografa e la incoraggiò a sviluppare la sua ricerca sulla fotografia dipinta.

La storia ha chiuso il cerchio...

On the initiative of José Nicolas / L'Oeil du Douard, this exhibition, rich in correspondences and imaginary dialogues, was born between the Czech master Jan Saudek and the French photographer and sociologist Irène Jonas, both adepts of the colorized silver print.

Working on the large corpus of Jan Saudek's work entrusted to him by a collector, and continuing the collaboration established with Irène Jonas in early 2021, José Nicolas sees the evidence of a filiation, a visual and artistic heritage.

Iconographic associations were established, affinities confirmed as the two artists consulted their personalized prints.

And the desire to propose this dialogue to collectors and other art lovers.

A beautiful setting and the eye of a sensitive gallery owner were needed to stage this "duo" exhibition. Lila Rouquet joined the exhibition project and offered the walls of the Remèdes Galerie - which she opened in 2019 - and her sense of scenography for this original face-to-face show.

In keeping with her gallery's focus on new expressions of timeless themes such as the body and plants, but also dedicated to experimentation in the plastic arts, Lila Rouquet responded enthusiastically to José Nicolas' proposal.

The agency révélateur, which has accompanied and represented Irène Jonas since 2016, is also contributing its expertise to this exhibition.

For the record, Irène Jonas discovered Jan Saudek's work in 1987, at his first retrospective at the Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris.

This major exhibition devoted to the Czech artist had a profound impact on the photographer, prompting her to develop her research into painted photography.

The story comes full circle...

(Text: Remèdes Galerie, Paris)

Galerie Esther Woerdehoff | Paris
28. September – 18. November 2023

Stilleben
Michael Wesely

Kann die Fotografie die Dicke der Zeit messen? Diese Frage stellen die Werke des deutschen Fotografen Michael Wesely, die in der Ausstellung Stilleben zu sehen sind.

Michael Wesely entwirft fotografische Bilder in Einzelstücken, die aus der Überlagerung von Tausenden oder sogar Millionen von Einzelbildern entstehen, die über eine lange Belichtungszeit hinweg aufgenommen wurden. So können wir in einer Fotografie alles sehen, was sich während einer bestimmten Zeit vor der Linse befand. Michael Weselys Ansatz hat zwar eine gewisse Nähe zum Video, das diese Aufzeichnung der Realität mit ihm teilt, doch er erfasst das Wesen eines Phänomens, die Idee einer Sache selbst. Das Leben eines Blumenstraußes von der Geburt bis zum Verwelken, das flackernde Licht der Kerzen, die auf einem mexikanischen Friedhof über die Toten wachen, und der Lauf der Sonne auf der Fassade des Museum of Modern Art während seiner Renovierung werden in diesen Weltbildern zusammengefasst.

Die Zeiteinteilung wird dadurch völlig aus den Angeln gehoben, da die Belichtungszeiten für die Erstellung dieser visuellen Synthesen in Wochen, Monaten oder Jahren gemessen werden können. Das erhaltene Standbild lässt dies nicht erkennen.

Vom Standpunkt der Komposition aus betrachtet, findet eine weitere Umkehrung statt. Die beweglichen Elemente werden einen weniger starken Abdruck hinterlassen als die festen Elemente, was zu Bildern führt, die zu zittern scheinen, als ob sie von einer inneren Mechanik angetrieben würden.

Michael Weselys Werke sind lebendige Bilder, die uns das Vergehen der Zeit vor Augen führen. Sie haben die Kraft, uns aus dem festen Bild, das dem Medium Fotografie eigen ist, herauszuziehen und uns in das Leben des fotografierten Subjekts hineinzuziehen, das dadurch greifbar wird. Michael Weselys künstlerischer Ansatz knüpft an die Erinnerungsdimension an, die in den frühen Tagen der Fotografie vorherrschte. Diese Bilder sind Medien der Erinnerung an das Leben der Dinge.

La photographie peut-elle mesurer l'épaisseur du temps ? C'est la question que posent les oeuvres du photographe allemand Michael Wesely présentées dans l'exposition Stilleben.

Michael Wesely conçoit des images photographiques en pièces uniques qui résultent de la superposition de milliers, voire de millions, d'images individuelles capturées sur un temps d'exposition long. Nous pouvons ainsi voir en une photographie tout ce qui se trouvait devant l'objectif pendant un temps donné. Si la démarche de Michael Wesely a des accointances avec la vidéo, qui partage avec elle cet enregistrement du réel, elle saisit cependant l'essence d'un phénomène, l'idée même d'une chose. La vie d'un bouquet de fleurs, de sa naissance à son flétrissement, la lueur vacillante des bougies qui veillent sur les morts dans un cimétière mexicain et la course du soleil sur la façade du Museum of Modern Art tout au longde sa rénovation, se retrouvent ainsi condensées dans ces images-mondes.

Le découpage du temps s'en trouve complètement déstabilisé car la durée d'exposition pour créer ces synthèses visuelles peut se compter en semaines, en mois ou en années. L'image fixe obtenue ne permet pas de le dire.

Du point de vue de la composition, un autre renversement s'opère. Les éléments mobiles vont laisser une empreinte moins forte que les éléments fixes, ce qui donne lieu à des images qui semblent frémir, comme si elles étaient animées d'une mécanique intérieure.

Les oeuvres de Michael Wesely sont des images vivantes qui nous montrent l'écoulement du temps. Elles ont le pouvoir de nous extraire de l'image fixe, propre au médium photographique, pour nous faire entrer dans la vie du sujet photographié qui devient alors palpable. La démarche artistique de Michael Wesely renoue avec la dimension mémorielle qui prévalait dans les premiers temps de la photographie. Ces images sont des supports de remémoration de la vie des choses.

La fotografia può misurare lo spessore del tempo? Questa è la domanda posta dalle opere del fotografo tedesco Michael Wesely presentate nella mostra Stilleben.

Michael Wesely crea immagini fotografiche uniche che sono il risultato della sovrapposizione di migliaia, o addirittura milioni, di singole immagini catturate con un lungo tempo di esposizione. In questo modo, possiamo vedere in un'unica fotografia tutto ciò che si è trovato davanti all'obiettivo in un determinato periodo di tempo. Sebbene l'approccio di Michael Wesely abbia delle analogie con il video, che condivide questa registrazione della realtà, esso cattura l'essenza di un fenomeno, l'idea stessa di una cosa. La vita di un mazzo di fiori, dalla sua nascita al suo appassimento, il bagliore tremolante delle candele che vegliano sui morti in un cimitero messicano e il percorso del sole sulla facciata del Museo d'Arte Moderna durante la sua ristrutturazione sono tutti condensati in queste immagini-mondo.

Ciò destabilizza completamente la divisione del tempo, perché il tempo di esposizione necessario per creare queste sintesi visive può essere contato in settimane, mesi o anni. Non si può dire dall'immagine fissa.

Da un punto di vista compositivo, si verifica un'altra inversione. Gli elementi in movimento lasciano un'impronta minore rispetto a quelli fissi, dando vita a immagini che sembrano fremere, come animate da un meccanismo interno.

Le opere di Michael Wesely sono immagini vive che ci mostrano il passare del tempo. Hanno il potere di allontanarci dall'immagine fissa che è la caratteristica del mezzo fotografico, per portarci nella vita del soggetto fotografato, che diventa così palpabile. L'approccio artistico di Michael Wesely è un ritorno alla dimensione memoriale che prevaleva agli albori della fotografia. Queste immagini sono un mezzo per ricordare la vita delle cose.

Can photography measure the thickness of time ? This is the question posed by the works of German photographer Michael Wesely presented in the Stilleben exhibition.

Michael Wesely creates unique photographic images that are the result of superimposing thousands, or even millions, of individual images captured over a long exposure time. In this way, in a single photograph, we can see everything that was in front of the lens during a given period of time. If Michael Wesely's approach has similarities with video, which shares with it this recording of reality, it nevertheless captures the essence of a phenomenon, the very idea of a thing. The life of a bouquet of flowers, from birth to wilting, the flickering glow of candles watching over the dead in a Mexican cemetery and the path of the sun across the façade of the Museum of Modern Art as it undergoes renovation, are all condensed in these world images.

This completely destabilises the division of time, because the exposure time needed to create these visual syntheses can be counted in weeks, months or years. The resulting still image doesn't tell the whole story.

From a compositional point of view, there is another reversal. The moving elements leave less of an imprint than the fixed ones, giving rise to images that seem to quiver, as if animated by an inner mechanism.

Michael Wesely's works are living images that show us the passage of time. They have the power to take us away from the fixed image that is the hallmark of the photographic medium, to bring us into the life of the subject photographed, which then becomes palpable. Michael Wesely's artistic approach is a return to the memorial dimension that prevailed in the early days of photography. These images are a means of recalling the life of things.

(Text: Elisa Bernard)

Galerie Esther Woerdehoff | Paris
28. September – 18. November 2023

Un monde oublié
Aassmaa Akhannouch

Es ist Zeit für einen Snack im Haus direkt neben dem Lebensmittelgeschäft. Pfefferminztee, Krapfen vom Vortag, die in Stücke geschnitten und dann mit Honig und geschmolzener Butter übergossen werden. Die Großtante stellt ihr leeres Teeglas auf den Kopf und gibt dann mit zwei kleinen Löffeln den Rhythmus vor. Die Mutter beginnt zu singen, und ihre Stimme ist so schön, dass die Tochter den Bendir holen möchte, denn der Aufsatz für morgen kann warten. Um dem Bendir, dem König der Feste mit seinem üppigen Bass, zu antworten, sucht sich der Bruder, der noch ein Teenager ist, mit einem verzückten Lächeln auf den Lippen eine leere Ecke des Tisches und klopft zweimal regelmäßig hintereinander. Die Trommeln dieses kleinen Orchesters reichen so weit in das Gedächtnis des Volkes zurück, dass als Echo Youyous bei den Nachbarn ertönen. Vielleicht schließen sie sich diesem Fest an, das nur durch den Klang von zwei Löffeln gegen ein leeres Glas Tee begründet ist. Diese Welt ist tief in meinem Gedächtnis vergraben. Sie schmeckt nach Minze und warmem Zucker, riecht nach Orangenblüten an einem Frühlingsnachmittag. Jetzt, wo sie erwähnt wird, frage ich mich, ob sie wirklich existiert hat oder ob ich sie erfunden habe. Es ist egal

C’est l’heure du goûter à la maison juste à côté de l’épicier. Du thé à la menthe, des beignets de la veille coupés en morceaux puis arrosés de miel et de beurre fondu. La grande tante met son verre de thé vide à l’envers puis, avec deux petites cuillères, elle donne le rythme. La mère commence alors à chanter, sa voix est si belle qu’elle donne envie à sa fille d’aller chercher le Bendir; sa dissertation pour demain peut attendre. Pour répondre au Bendir, roi des fêtes aux basses si généreuses, le frère, encore adolescent, un sourire ravi aux lèvres, se trouve un coin de table vide et donne deux tapes consécutives régulières. Les percussions de ce petit orchestre remontent si loin dans la mémoire populaire, qu’en écho, des youyous retentissent chez les voisins. Peut-être se joindront-ils à cette fête qui n’a de raison d’être que le son de deux cuillères contre un verre de thé vide. Ce monde est enfoui au fond de ma mémoire. Il a le goût de menthe et de sucre chaud, l’odeur de fleur d’oranger, un après-midi de printemps. Maintenant qu’il est évoqué, je me demande s’il a réellement existé ou si je l’ai inventé. Peu importe.

È l'ora della merenda nella casa accanto al droghiere. Tè alla menta, ciambelle tagliate a pezzi il giorno prima e irrorate di miele e burro fuso. La prozia capovolge il bicchiere di tè vuoto e, con due cucchiaini, dà il ritmo. La madre inizia a cantare, con una voce così bella che fa venire voglia alla figlia di andare a prendere il Bendir; il suo tema per domani può aspettare. Per rispondere al Bendir, re delle feste con bassi così generosi, il fratello, ancora adolescente, con un sorriso deliziato sulle labbra, trova un angolo vuoto del tavolo e dà due colpetti regolari e consecutivi. Le percussioni di questa orchestrina si spingono così indietro nella memoria popolare che i vicini risuonano di "youyous". Forse si uniranno a questa festa, la cui unica ragion d'essere è il suono di due cucchiai contro un bicchiere di tè vuoto. Questo mondo è sepolto in profondità nella mia memoria. Sa di menta e zucchero caldo, profuma di fiori d'arancio in un pomeriggio di primavera. Ora che se ne parla, mi chiedo se sia esistito davvero o se l'abbia inventato io. Non mi interessa.

It's snack time at the house next door to the grocer. Mint tea, doughnuts cut into pieces the day before and drizzled with honey and melted butter. The great aunt turns her empty glass of tea upside down and, using two small spoons, sets the rhythm. The mother then begins to sing, her voice so beautiful that it makes her daughter want to go and get the Bendir; her essay for tomorrow can wait. To answer the Bendir, king of the parties with such generous basses, the brother, still a teenager, with a delighted smile on his lips, finds an empty corner of the table and gives two regular consecutive taps. The percussion of this little orchestra goes so far back in popular memory that the neighbours echo with youyous. Perhaps they'll join in this party, whose only raison d'être is the sound of two spoons against an empty glass of tea. This world is buried deep in my memory. It tastes of mint and hot sugar, smells of orange blossom on a spring afternoon. Now that it's mentioned, I wonder if it really existed or if I invented it. It doesn't really matter.

(Aassmaa Akhannouch)

Galerie XII | Paris
22. September - 28. Oktober 2023

Friction
Margaret Lansink

Die Galerie XII Paris präsentiert in ihren beiden Räumen - in der Rue des Jardins Saint-Paul 10 und 14 - die neue Einzelausstellung von Margaret Lansink, in der Werke aus ihrer neuesten Serie Friction mit Werken aus früheren Serien in Dialog treten und ein visuelles Universum schaffen, das ihre Meisterschaft in verschiedenen Techniken veranschaulicht: Abzüge mit Platin-Palladium, Abzüge mit flüssigem Licht oder mit Blattgold oder Kohle verstärkte Collagen. Eine Einladung zu einer Reise in das poetische und zarte Universum von Margaret Lansink, in dem unsere Beziehung zur Natur in unserem Innersten widerhallt.

In Friction schöpft Margaret Lansink aus der Philosophie von Simone de Beauvoir und insbesondere aus ihrer Wahrnehmung des Werdens, der unvermeidlichen Veränderungen und unserer Angst als Menschen vor diesen Veränderungen. Angst vor dem Unbekannten, Ungewissheit, Unsicherheit: Kein Individuum kann dieser ständigen Erneuerung widerstehen, warum also sollte man sie fürchten? Die Künstlerin fordert uns auf, sie zu umarmen, anstatt sich ihr zu widersetzen, sie als Quelle der Schönheit und nicht der Angst zu sehen. Eine Schönheit, die laut Margaret Lansink unsere Gedanken, unsere Ideen, unsere menschlichen Bindungen, unsere Gesellschaft und vor allem unsere Beziehung zur Natur wiederbelebt. Diese Reibung besteht dann darin, das ewige Werden der Menschheit mit der Natur zu synchronisieren, die in einer eigenen Zeit ihrer eigenen Logik folgt, unabhängig von unserem eigenen Werden als menschliches Wesen.

Margaret Lansink praktiziert eine intuitive Fotografie mit einer starken Ästhetik, deren Bilder eine Reflexion über unsere eigenen Emotionen, Zweifel oder Lebenskämpfe hervorrufen. Minimalistische Bilder voller Poesie, die den Betrachter dazu einladen, durch seine eigenen Erinnerungen und Gefühle zu reisen. Lansinks Arbeit dreht sich um eine starke Handschrift ästhetischer, poetischer und leicht minimalistischer Bilder, die jedoch alle in der Lage sind, eine starke emotionale Botschaft zu vermitteln.

Lansinks Serien basieren oft auf den menschlichen Prozessen, das Leben so zu akzeptieren, wie es ist. Seine poetischen und zarten Werke sind sowohl vom Intimsten als auch von unserer Beziehung zur Natur inspiriert. Ihre zahlreichen Projekte sind von ihrer eigenen Geschichte inspiriert

Familie - und ihrer Beziehung zu ihrer Tochter - als auch von der japanischen Kultur, ihrer Beziehung zur vergehenden Zeit und zu Unvollkommenheiten. Das Ergebnis sind monochrome, goldene Bilder, in denen sich Körper und Vegetation in vibrierender Schönheit begegnen.

Indem die Künstlerin professionelle Balletttänzer, die gezwungen waren, ihre Tätigkeit in jungen Jahren aufzugeben, mit Fotografien der rauen Natur des kalifornischen Death Valley, in der die Zeit keine offensichtliche Rolle zu spielen scheint, in Beziehung setzt, fordert sie uns auf, Schönheit sowohl in der Entwicklung als auch in der Beständigkeit zu unterscheiden. Es sind die Reibungen, die wir als Menschen überwinden müssen, um unseren Planeten weiterhin bewohnen zu können. Sensibilität wird somit als eine Kraft gesehen, die sich als entscheidend erweisen könnte, um die Kluft zwischen Menschheit und Natur erfolgreich zu überbrücken.

"Wenn ich die Texte von Simone de Beauvoir lese, habe ich manchmal das Gefühl, meine eigenen Gedanken über das Leben zu hören. Der Kern ihrer Philosophie liegt mir am Herzen: Das Leben ist ein Prozess des Werdens, des ewigen Werdens" - Margaret Lansink

La Galerie XII Paris présente dans ses deux espaces - au 10 et au 14 rue des Jardins Saint-Paul - la nouvelle exposition personnelle de Margaret Lansink, dans laquelle les oeuvres de sa dernière série Friction dialoguent avec des oeuvres de séries précédentes, créant un univers visuel illustrant sa maîtrise de techniques variées : tirages au platine palladium, tirages à la lumière liquide ou collages rehaussés à la feuille d’or ou au fusain. Une invitation à voyager dans l'univers poétique et délicat de Margaret Lansink où nos rapports avec la nature résonnent dans notre intimité.

Dans Friction, Margaret Lansink puise dans la philosophie de Simone de Beauvoir et notamment dans sa perception du devenir, des changements inévitables et de notre peur, en tant qu’humain, de ces changements. Angoisse devant l’inconnu, incertitude, insécurité : aucun individu ne peut résister à ce renouveau permanent, pourquoi donc le redouter ? L’artiste nous invite à l’embrasser plutôt que de s’y opposer, d’y voir une source de beauté plus que d’angoisses. Une beauté qui, selon Margaret Lansink, ravive nos pensées, nos idées, nos liens humains, notre société et surtout notre rapport à la nature. Cette friction consiste alors à synchroniser l’éternel devenir de l'humanité avec la nature qui, dans un temps à part, suit sa propre logique indépendamment de notre propre devenir en tant qu'être humain.

Margaret Lansink pratique une photographie intuitive à l’esthétique forte dont les images soulèvent une réflexion quant à nos propres émotions, doutes ou luttes dans la vie. Des images minimalistes emplies de poésie qui invitent le spectateur à voyager à travers ses propres souvenirs et ses propres ressentis. Le travail de Lansink s'articule autour d'une signature forte d'images esthétiques, poétiques et légèrement minimalistes, mais toutes capables de transmettre un message émotionnel puissant.

Les séries de Lansink sont souvent fondées sur les processus humains d'acceptation de la vie telle qu'elle est. Son oeuvre poétique et délicate s'inspire à la fois de l’intime et de notre rapport à la nature. Ses nombreux projets s’inspirent de sa propre histoire

familiale – et de sa relation avec sa fille – comme de la culture japonaise, de son rapport au temps qui passe et aux imperfections. En résultent des images monochromes et dorées où les corps et la végétation se rencontrent dans une beauté vibrante.

En mettant en perspective des danseurs de ballets professionnels, contraints de cesser leur activité très jeunes et des photographies de la nature rude de la Death Valley en Californie, où le temps ne semble jouer aucun rôle apparent, l'artiste nous invite à distinguer la beauté, tant dans l’évolution que dans la permanence. Ce sont les frictions que nous devons surmonter, en tant qu’être humain, afin de continuer à habiter notre planète. La sensibilité est ainsi perçue comme une force qui pourrait s'avérer cruciale pour réussir à combler le fossé entre l'humanité et la nature.

« En lisant les textes de Simone de Beauvoir, j'ai parfois l'impression d'entendre mes propres réflexions sur la vie. L’essentiel de sa philosophie me tient à coeur : La vie est un processus de devenir, d'éternel devenir » - Margaret Lansink

La Galerie XII Paris presenta la nuova mostra personale di Margaret Lansink nelle sue due sedi - 10 e 14 rue des Jardins Saint-Paul - con opere della sua ultima serie Friction in dialogo con opere delle serie precedenti, creando un universo visivo che illustra la sua padronanza di una varietà di tecniche: stampe al platino palladio, stampe a luce liquida e collage arricchiti con foglia d'oro o carboncino. È un invito a viaggiare nel mondo delicato e poetico di Margaret Lansink, dove il nostro rapporto con la natura risuona con la nostra intimità.

In Friction, Margaret Lansink attinge alla filosofia di Simone de Beauvoir, in particolare alla sua percezione del futuro, dell'inevitabile cambiamento e della nostra paura, come esseri umani, di questi cambiamenti. Ansia di fronte all'ignoto, incertezza, insicurezza: nessun individuo può resistere a questo rinnovamento permanente, quindi perché dovremmo temerlo? L'artista ci invita ad abbracciarlo piuttosto che ad opporci, a vederlo come una fonte di bellezza piuttosto che di ansia. Una bellezza che, secondo Margaret Lansink, ravviva i nostri pensieri, le nostre idee, i nostri legami umani, la nostra società e soprattutto il nostro rapporto con la natura. Questo attrito consiste nel sincronizzare l'eterno divenire dell'umanità con la natura che, in un tempo a parte, segue una propria logica indipendentemente dal nostro divenire come esseri umani.

La fotografia di Margaret Lansink è intuitiva ed esteticamente potente e le sue immagini fanno riflettere sulle nostre emozioni, sui dubbi e sulle lotte della vita. Le sue immagini minimaliste sono piene di poesia e invitano gli spettatori a viaggiare attraverso i propri ricordi e sentimenti. Il lavoro di Lansink si basa su una forte firma di immagini esteticamente piacevoli, poetiche e leggermente minimaliste, ma tutte in grado di trasmettere un potente messaggio emotivo.

Le serie di Lansink si basano spesso sul processo umano di accettazione della vita così com'è. Il suo lavoro delicato e poetico si ispira sia all'intimità che al nostro rapporto con la natura. I suoi numerosi progetti sono ispirati dalla sua storia familiare e dal rapporto con la figlia.

e dal rapporto con la figlia, ma anche dalla cultura giapponese e dal rapporto con il passare del tempo e le imperfezioni. Il risultato sono immagini monocromatiche e dorate in cui corpi e vegetazione si incontrano in una vibrante bellezza.

Mettendo in prospettiva ballerine professioniste, costrette ad abbandonare la loro attività in giovanissima età, e fotografie della natura aspra della Death Valley californiana, dove il tempo sembra non avere alcun ruolo apparente, l'artista ci invita a distinguere la bellezza, sia nell'evoluzione che nella permanenza. Sono questi gli attriti che noi, come esseri umani, dobbiamo superare per continuare ad abitare il nostro pianeta. La sensibilità è quindi vista come una forza che potrebbe rivelarsi cruciale per colmare il divario tra l'umanità e la natura.

"Quando leggo gli scritti di Simone de Beauvoir, a volte mi sembra di ascoltare le mie stesse riflessioni sulla vita. L'essenza della sua filosofia mi sta a cuore: la vita è un processo in divenire, in eterno divenire" - Margaret Lansink

Galerie XII Paris presents Margaret Lansink's new solo show at its two venues - 10 and 14 rue des Jardins Saint-Paul - featuring works from her latest Friction series in dialogue with works from previous series, creating a visual universe illustrating her mastery of a variety of techniques: platinum palladium prints, liquid light prints or collages enhanced with gold leaf or charcoal. An invitation to journey into Margaret Lansink's delicate, poetic universe, where our relationship with nature resonates with our intimacy.

In Friction, Margaret Lansink draws on Simone de Beauvoir's philosophy, in particular her perception of becoming, of inevitable change, and of our fear, as humans, of these changes. Anxiety in the face of the unknown, uncertainty, insecurity: no individual can resist this permanent renewal, so why dread it? The artist invites us to embrace it rather than oppose it, to see it as a source of beauty rather than anguish. A beauty which, according to Margaret Lansink, revives our thoughts, our ideas, our human bonds, our society and, above all, our relationship with nature. This friction consists in synchronizing humanity's eternal becoming with nature, which, in a time of its own, follows its own logic independently of our own becoming as human beings.

Margaret Lansink's intuitive photography has a strong aesthetic, and her images raise questions about our own emotions, doubts and struggles in life. Her minimalist images are full of poetry, inviting viewers to travel through their own memories and feelings. Lansink's work revolves around a strong signature of aesthetic, poetic and slightly minimalist images, but all capable of conveying a powerful emotional message.

Lansink's series are often based on the human process of accepting life as it is. Her delicate, poetic work is inspired by both the intimate and our relationship with nature. Her many projects are inspired by her own family history

relationship with her daughter - as well as Japanese culture, and her relationship with the passage of time and imperfections. The result is monochrome, golden images where bodies and vegetation meet in vibrant beauty.

By placing in perspective professional ballet dancers, forced to give up their activity at a very young age, and photographs of the rugged nature of California's Death Valley, where time seems to play no apparent role, the artist invites us to distinguish beauty in both evolution and permanence. These are the frictions that we, as human beings, must overcome in order to continue inhabiting our planet. Sensitivity is thus seen as a force that could prove crucial in bridging the gap between humanity and nature.

"When I read Simone de Beauvoir's texts, I sometimes have the impression of hearing my own reflections on life. The essence of her philosophy is close to my heart: Life is a process of becoming, of eternal becoming" - Margaret Lansink

(Text (f): Galerie XII, Paris)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
19. September 2023 - 14. Januar 2023

MEN UNTITLED
Carolyn Drake

Carolyn Drake, Gewinnerin des HCB-Preises 2021, präsentiert in der Fondation Henri Cartier-Bresson MEN UNTITLED, eine neue Fotoserie, in der sie ihre Beziehung zu den Idealen der Männlichkeit in der amerikanischen Kultur untersucht. MEN UNTITLED ist ein introspektiver und dokumentarischer Ansatz, der Symbole der Männlichkeit, Selbstporträts, die seine eigene Beziehung zum Geschlecht hinterfragen, und Fotografien von "nackten" Männern umfasst.

Nach Knit Club (2012-2020), einer subversiven Serie über eine Frauengemeinschaft in einer ländlichen Kleinstadt im Herzen von Mississippi, richtet Carolyn Drake ihren Blick nun auf die Männer. Im Gegensatz zum ersten Projekt erweitert die Fotografin den Umfang dieser Arbeit, indem sie sie von einem bestimmten geografischen Gebiet abkoppelt. Indem Carolyn Drake fast alle ortsgebundenen Erkennungsmerkmale entfernt, lädt sie den Betrachter ein, direkt auf die Körper dieser Männer zu blicken, die sich vor dem Objektiv der Fotografin offenbaren.

Carolyn Drake ging von einer persönlichen Feststellung über ihre eigene Beziehung zu Männern, ihren Körpern und dem Platz, der ihnen in der Gesellschaft zugewiesen wird, aus. Indem sie sich mit ihren Porträtierten vertraut macht - die eingeladen wurden, bei der Erstellung ihrer Porträts voll und ganz mitzuwirken - stellt die Fotografin schließlich sowohl die Erwartungen des Betrachters als auch ihre eigenen Wahrnehmungen in Frage.

Lauréate du Prix HCB 2021, Carolyn Drake présente à la Fondation Henri Cartier-Bresson MEN UNTITLED, une nouvelle série photographique explorant son rapport aux idéaux de la masculinité dans la culture américaine. Entre symboles liés à la virilité, autoportraits questionnant son propre rapport au genre et photographies d’hommes « mis à nus », MEN UNTITLED relève d'une démarche aussi introspective que documentaire.

À la suite de Knit Club (2012-2020), une série subversive sur une communauté de femmes dans une petite ville rurale au coeur du Mississippi, Carolyn Drake déplace son regard vers les hommes. Contrairement au premier projet, la photographe élargit la portée de ce travail en le dissociant d'une zone géographique spécifique. Supprimant presque tout signe distinctif lié au lieu, Carolyn Drake invite le spectateur à regarder directement les corps de ces hommes se révélant devant l’objectif de la photographe.

Carolyn Drake est partie d’un constat personnel sur sa propre relation aux hommes, à leurs corps et à la place qui leur est accordée dans la société. En se familiarisant avec ses sujets - invités à collaborer pleinement dans la réalisation de leurs portraits - la photographe finit par questionner à la fois les attentes du spectateur et ses propres perceptions.

Vincitrice del Premio HCB 2021, Carolyn Drake presenta MEN UNTITLED alla Fondation Henri Cartier-Bresson, una nuova serie fotografica che esplora il suo rapporto con gli ideali di mascolinità nella cultura americana. Mescolando simboli di virilità, autoritratti che mettono in discussione il suo rapporto con il genere e fotografie di uomini "spogliati", MEN UNTITLED è tanto introspettivo quanto documentario.

Dopo Knit Club (2012-2020), una serie sovversiva su una comunità di donne in una piccola città rurale nel cuore del Mississippi, Carolyn Drake sposta la sua attenzione sugli uomini. A differenza del primo progetto, la fotografa amplia la portata di questo lavoro dissociandolo da una specifica area geografica. Eliminando quasi tutti i segni distintivi legati al luogo, Carolyn Drake invita lo spettatore a guardare direttamente i corpi di questi uomini che si rivelano davanti all'obiettivo della fotografa.

Carolyn Drake è partita da un'osservazione personale sul proprio rapporto con gli uomini, i loro corpi e il posto che occupano nella società. Familiarizzando con i suoi soggetti - che sono invitati a collaborare pienamente alla realizzazione dei loro ritratti - la fotografa finisce per mettere in discussione sia le aspettative dello spettatore che le sue stesse percezioni.

Winner of the Prix HCB 2021, Carolyn Drake presents MEN UNTITLED at the Fondation Henri Cartier-Bresson, a new photographic series exploring her relationship with the ideals of masculinity in American culture. Between symbols of virility, self-portraits questioning his own relationship to gender and photographs of men "laid bare", MEN UNTITLED is as introspective as it is documentary.

Following Knit Club (2012-2020), a subversive series about a community of women in a small rural town in the heart of Mississippi, Carolyn Drake shifts her focus to men. Unlike the first project, the photographer broadens the scope of this work by dissociating it from a specific geographical area. Removing almost all distinctive signs linked to place, Carolyn Drake invites the viewer to look directly at the bodies of these men revealing themselves before the photographer's lens.

Carolyn Drake began with a personal observation about her own relationship to men, their bodies and the place they occupy in society. By familiarizing herself with her subjects - invited to collaborate fully in the making of their portraits - the photographer ends up questioning both the viewer's expectations and her own perceptions.

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
19. September 2023 - 14. Januar 2023

Bike Trip, USA, 1939
Ruth Orkin

Zum ersten Mal in Frankreich präsentiert die Fondation Henri Cartier-Bresson eine Ausstellung, die ganz der amerikanischen Fotografin Ruth Orkin (1921-1985) gewidmet ist. Ruth Orkin, die für ihr Foto American Girl in Italy (1951), das ikonische Bild einer allein reisenden Frau, international bekannt wurde, verwirklichte als Teenager ein Projekt, das sie bereits im Vorfeld geplant hatte: die Durchquerung der Vereinigten Staaten von West nach Ost.

1939, als sie 17 Jahre alt war und bei ihren Eltern in Los Angeles lebte, machte sich Ruth Orkin allein auf den Weg, die Vereinigten Staaten vom Pazifik bis zum Atlantik zu durchqueren. Sie reist mit dem Fahrrad oder, um genauer zu sein, mit diesem. Sie legt die langen Strecken mit dem Auto, dem Zug oder dem Bus zurück und nutzt ihr Fahrrad vor allem, um die großen Städte zu besuchen: Chicago, Philadelphia, Washington, New York, Boston und San Francisco.

Vier Monate lang macht die junge Frau fast 350 Fotografien: Stadtansichten, viele Selbstporträts und erstaunliche Kompositionen durch den Rahmen ihres Fahrrads. In jeder Stadt, die sie durchquert, interessiert sich die Lokalpresse für ihre Geschichte, interviewt sie und fotografiert sie. Dank dieser unerwarteten Publicity wird sie überall eingeladen, erhält Einladungen zu Aufführungen und sogar ein neues Zweirad.

Orkins erklärtes Ziel bei ihrer Abreise war es, die Weltausstellung in New York zu besuchen. Doch das transkontinentale Abenteuer sollte sich als viel entscheidender erweisen. Es wird für sie ein entscheidender Moment der Bildung und Emanzipation sein und damit die Volksweisheit bestätigen, dass nicht das Ziel wichtig ist, sondern die Reise selbst.

Die Ausstellung umfasst rund 40 Fotografien und Archivmaterial, darunter auch Ruth Orkins Manuskript über dieses Abenteuer.

Pour la première fois en France, la Fondation Henri Cartier-Bresson présente une exposition entièrement consacrée à la photographe américaine Ruth Orkin (1921-1985). Reconnue internationalement pour la photographie intitulée American Girl in Italy (1951), image iconique d'une femme qui voyage seule, Ruth Orkin réalise, alors qu’elle est adolescente, un projet avant-coureur : la traversée des États-Unis d'Ouest en Est.

En 1939, alors qu’elle est âgée de 17 ans et vit chez ses parents à Los Angeles, Ruth Orkin entreprend de traverser seule les États-Unis, du Pacifique à l’Atlantique. Elle voyage à vélo… ou, pour être plus précis, avec celui-ci. Elle parcourt les longues distances en voiture, en train ou en bus, utilisant surtout sa bicyclette pour visiter les grandes villes : Chicago, Philadelphie, Washington, New York, Boston et San Francisco.

Durant quatre mois, la jeune femme réalise près de 350 photographies : des vues urbaines, beaucoup d’autoportraits et d’étonnantes compositions à travers le cadre de son vélo. Dans chacune des villes qu’elle traverse, la presse locale s’intéresse à son histoire, l’interviewe et la photographie. Grâce à cette publicité inattendue, elle est conviée partout, reçoit des invitations pour des spectacles et même un nouveau deux-roues.

Le but déclaré d’Orkin à son départ était de visiter l’Exposition universelle de New York. Mais l’aventure transcontinentale se révèlera beaucoup plus décisive. Ce sera pour elle un moment déterminant de formation et d’émancipation, vérifiant ainsi le dicton populaire selon lequel : l’important n’est pas la destination, mais bien le voyage lui-même.

L’exposition rassemble une quarantaine de photographies et des documents d’archives, dont le manuscrit de Ruth Orkin sur cette aventure.

Per la prima volta in Francia, la Fondation Henri Cartier-Bresson presenta una mostra interamente dedicata alla fotografa americana Ruth Orkin (1921-1985). Famosa a livello internazionale per la fotografia American Girl in Italy (1951), immagine iconica di una donna che viaggia da sola, Ruth Orkin, da adolescente, intraprese un progetto pionieristico: attraversare gli Stati Uniti da ovest a est.

Nel 1939, all'età di 17 anni, quando viveva con i genitori a Los Angeles, Ruth Orkin si mise in viaggio per attraversare gli Stati Uniti da sola, dal Pacifico all'Atlantico. Ha viaggiato in bicicletta... o, per essere più precisi, in moto. Ha percorso lunghe distanze in auto, in treno o in autobus, utilizzando la bicicletta soprattutto per visitare le grandi città: Chicago, Philadelphia, Washington, New York, Boston e San Francisco.

Nell'arco di quattro mesi, la giovane donna ha scattato quasi 350 fotografie: vedute urbane, molti autoritratti e sorprendenti composizioni attraverso il telaio della sua bicicletta. In ognuna delle città visitate, la stampa locale si è interessata alla sua storia, l'ha intervistata e fotografata. Grazie a questa inaspettata pubblicità, è stata invitata ovunque, ricevendo inviti a mostre e persino una nuova due ruote.

L'obiettivo dichiarato della Orkin alla partenza era quello di visitare l'Esposizione Universale di New York. Ma l'avventura transcontinentale si rivelò molto più decisiva. Si sarebbe rivelata un momento decisivo per la sua formazione ed emancipazione, a riprova del detto popolare secondo cui non è importante la destinazione, ma il viaggio stesso.

La mostra raccoglie una quarantina di fotografie e documenti d'archivio, tra cui il manoscritto di Ruth Orkin su questa avventura.

For the first time in France, the Fondation Henri Cartier-Bresson presents an exhibition devoted entirely to the American photographer Ruth Orkin (1921-1985). Internationally renowned for her photograph American Girl in Italy (1951), an iconic image of a woman traveling alone, Ruth Orkin realized, as a teenager, an early project: crossing the United States from West to East.

In 1939, at the age of 17 and living with her parents in Los Angeles, Ruth Orkin set out to cross the United States alone, from the Pacific to the Atlantic. She traveled by bicycle... or, to be more precise, with one. She traveled long distances by car, train or bus, using her bicycle mainly to visit the big cities: Chicago, Philadelphia, Washington, New York, Boston and San Francisco.

Over the course of four months, the young woman produced some 350 photographs: urban views, many self-portraits and astonishing compositions through the frame of her bicycle. In each of the cities she visited, the local press took an interest in her story, interviewed her and photographed her. Thanks to this unexpected publicity, she is invited everywhere, receives invitations to shows and even a new two-wheeler.

Orkin's stated aim on leaving was to visit the New York World's Fair. But the transcontinental adventure would prove far more decisive. For her, it was a decisive moment of training and emancipation, verifying the popular saying that it's not the destination that's important, but the journey itself.

The exhibition brings together some forty photographs and archival documents, including Ruth Orkin's manuscript on this adventure.

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris)

Galerie Écho 119 | Paris
14. September - 28. Oktober 2023

Carnets de voyages Tokyoïtes
Roberto Badin, Greg Girard, Bruno Labarbère, Miguel Leache, Michel Vermare

In einer Mischung aus Fotobüchern und Abzügen bietet die Ausstellung die Möglichkeit, die japanische Hauptstadt und ihre Bewohner durch die Augen mehrerer nicht-japanischer Fotografen zu entdecken. Was hat das Auge dieser Fotografen angezogen? Was wollten sie als Spur ihrer Aufenthalte in der Stadt festhalten? Wie erzählen sie von diesem tentakelartigen Tokio mit seinen tausend Facetten und von ihrer Entdeckung einer neuen Stadt, einer neuen Kultur?

Während sich der eine über die schlafenden Passagiere der U-Bahn rührte, liefen andere unermüdlich durch die Straßen der Stadt, um ein friedliches Tokio zu entdecken, ein retro-futuristisches und grafisches Tokio, während wieder andere die Nächte auf der Suche nach einem Lost in Translation-Rausch durchstreiften. Indem er diese Fotografien in einem Buch - dem bevorzugten Verbreitungsmedium der japanischen Fotografie - zusammenstellt, sie auswählt und eine Sequenz auswählt, baut jeder Fotograf eine eigene Erzählung auf und teilt mit den Betrachtern sein eigenes Reisetagebuch, seine eigene Erzählung seiner Erfahrungen, und bestätigt so seinen einzigartigen Blick auf die Stadt.

Um ein breiteres Gespräch über Tokio und die Erzählung dieser mythischen Stadt durch Fotobücher zu eröffnen, haben wir uns entschieden, auch Bücher von japanischen Fotografen in die Ausstellung aufzunehmen, da Tokio sowohl seine Besucher als auch seine Bewohner inspiriert.

Mêlant livres photographiques et tirages, l’exposition propose de découvrir la capitale nippone et ses habitants à travers le regard de plusieurs photographes non japonais. Qu’est-ce qui a attiré l'œil de ces photographes ? Qu’ont-ils voulu garder comme trace de leurs passages dans la ville ? Comment raconter ce Tokyo tentaculaire aux mille facettes et leur découverte d’une nouvelle ville, d’une nouvelle culture ?

Là où l’un s’est ému des passagers assoupis du métro, d’autres ont inlassablement arpenté les rues de la ville pour y découvrir, qui un Tokyo apaisé, qui un Tokyo rétro-futuriste et graphique, pendant que d’autres encore ont écumé les nuits à la recherche d’une ivresse Lost in Translation. En réunissant ensuite ces photographies dans un livre –support de diffusion de prédilection de la photographie japonaise –, en les sélectionnant, en choisissant une séquence, chaque photographe construit un récit qui lui est propre et partage avec les regardeurs.ses son propre carnet de voyage, sa propre narration de son expérience, affirmant ainsi son regard singulier sur la ville.

Afin d’ouvrir une conversation plus large sur Tokyo et sur la narration de cette ville mythique à travers le livre photographique, nous avons choisi d’inclure également dans l’exposition des livres de photographes japonais, puisque Tokyo inspire autant ses visiteurs que ses habitants.

Combinando libri fotografici e stampe, la mostra invita i visitatori a scoprire la capitale giapponese e i suoi abitanti attraverso gli occhi di diversi fotografi non giapponesi. Cosa ha catturato l'attenzione di questi fotografi? Cosa hanno voluto conservare come testimonianza del loro tempo trascorso in città? Come raccontare la storia di questa Tokyo tentacolare e sfaccettata e la loro scoperta di una nuova città e di una nuova cultura?

Mentre alcuni si sono commossi davanti ai passeggeri assonnati della metropolitana, altri hanno vagato instancabilmente per le strade della città alla scoperta di una Tokyo più calma, di una Tokyo retrofuturistica e grafica, mentre altri ancora hanno perlustrato le notti alla ricerca di un'ebbrezza da Lost in Translation. Riunendo queste fotografie in un libro - il mezzo preferito per diffondere la fotografia giapponese - selezionandole e scegliendone la sequenza, ogni fotografo costruisce una propria narrazione e condivide con gli spettatori il proprio diario di viaggio, il proprio resoconto dell'esperienza, affermando la propria singolare visione della città.

Per aprire una conversazione più ampia su Tokyo e sulla narrazione di questa città mitica attraverso il libro fotografico, abbiamo scelto di includere nella mostra anche libri di fotografi giapponesi, poiché Tokyo ispira i suoi visitatori tanto quanto i suoi abitanti.

This exhibition, which includes photographic books and prints, invites visitors to discover the Japanese capital and its inhabitants through the eyes of several photographers. What caught the eye of these photographers? What did they want to keep as a record of their visit to the city? How do you tell the story of this sprawling, multi-faceted Tokyo and their discovery of a new city, a new culture?

While one was moved by the sleepy passengers on the metro, some tirelessly walked the streets of the city to discover, one a peaceful Tokyo, one a retro-futuristic and graphic Tokyo, while others were scouring the nights in search of a Lost in Translation exhilaration. By gathering these photographs in a book – the traditionnally preferred medium in Japanese photography – by selecting them and choosing a sequence, each photographer constructs one's own narrative, sharing with viewers their own tra- vel diary, their own account of the experience, and by doing so, asserts a personal and unique view of the city.

In order to offer a wider conversation about Tokyo and the narrative of this mythical city through the photographic book, we have also chosen to include books by Japanese photographers, since Tokyo inspires both its visitors and its inhabitants.

(Text: Galerie Écho 119)

Galerie Les filles du calvaire | Paris
14. September – 28. Oktober 2023

Les choses qui restent
Maya Inès Touam

Maya Inès Touam nimmt sich alle Freiheiten. Und entschuldigt sich nicht dafür. Mit der Ausstellung Les Choses qui restent teilt die französisch-algerische Künstlerin und Fotografin ihre Faszination für die westliche Kunstgeschichte und bietet eine Erzählung nach ihrem eigenen Bild. Hier funktioniert die Aneignung als narrative Strategie einer Welt des Dazwischen, wie die Menschen, die ihre Erfahrung eines Lebens zwischen zwei Ufern teilen. Maya Inès Touam, die in Frankreich zur Künstlerin ausgebildet wurde, stellt den Wert des vererbten Erbes in Frage und hinterfragt ihren Platz im Angesicht des Kanons. Welchen kreativen Raum kann eine Künstlerin und ein Kind von Einwanderern gestalten? Zu diesem Zweck kooptiert Touam die Verfahren und Praktiken des 16. und 20. Jahrhunderts - von der religiösen Ikonografie bis hin zu den Farbexperimenten des Fauvismus -, kehrt aber die Codes des Heiligen zugunsten des unglaublich Profanen um.

Alle Projekte der Fotografin beginnen mit einer Untersuchung: Sie schaut, recherchiert, prüft und lässt sich von dem inspirieren, was bereits gemacht wurde. Auf diese Weise schlägt sie einen Dialog zwischen der Geschichte der Malerei und den Herausforderungen der Repräsentation(en) vor. Präzise Inszenierungen, die mit dem Spiel von Farben und Texturen gekoppelt sind, erwecken eine zusammengesetzte Folklore zum Leben: eine Ästhetik der Ko-Präsenz, eine Ko-Existenz der Kulturen. Alltagsgegenstände verleihen einer Reihe von modernen Erzählungen und zeitgenössischen Bildern Gestalt. Mit dem Gegenständlichen, mit Hilfe des Materials, spielt Maya Inès Touam mit unseren mentalen Maßstäben: Das gewöhnliche Detail erzählt von unserer Globalität, dieser "ganzen Welt", die von dem martinikanischen Philosophen Edouard Glissant gefordert wird.

Für die Serie "Replica" taucht die Künstlerin in das Werk des französischen Malers, Zeichners und Grafikers Henri Matisse (1869-1954) ein. Maya Inès Touam entlehnt und kehrt die Motive um: Ananas und Spielzeug (2020) antwortet auf Ananas und Anemonen (1940); Ikarus, der Wiedergänger (2020) ist ein Echo auf Ikarus (1943-47) und Kindheit, das Meer (2020) erinnert an Polynesien, das Meer (1946). Touam schaut auf die Vereinfachung der Formen und die Stilisierung der Motive von Matisse und flechtet das Ganze mit Verweisen auf seinen "Heimatkontinent" Afrika in ebenso vielen frechen Hommagen ein. Touam schlägt Brücken zwischen Charles Baudelaires L'Albatros und den Zeremonien der Egungun. Die Inspiration für Allegorie der Mutterschaft (2022) ist eine schwarze Lithografie auf gelbem Papier von Henri Matisse mit dem Titel La Vierge à l'enfant (1948) - das religiöse Motiv wird also zu einer Möglichkeit, die Erfahrung der Mutterschaft zu entweihen. Die Madonna schwebt zwischen Karibik und Metropole, zwischen Ideal und Realität. Diese Kreolisierung der Referenzen ist das Herzstück von Touams Praxis; es sind die Hybridisierungen, die sein Werk prägen.

KalvarienbergEinige Stücke, wie die Altarbilder, beziehen sich auf die nordische Renaissance. Nach dem Vorbild der flämischen Meister achtet Touam auf perspektivische Effekte und Details, sie mischt Naturalismus mit subtiler Symbolik. Wie bei ihren Stillleben ist jedes Element Gegenstand einer sorgfältigen Auswahl: Bazin und Kauris, aber auch die Kalebasse nehmen in diesen Kompositionen zu Recht ihren Platz ein. Sie leiht sich die große Sorgfalt der Komposition und erzielt den Effekt einer lasierend-fotografischen Oberfläche. Während die flämischen Primitiven hauptsächlich Altarbilder malten, eignet sich Touam die vertikale Struktur, die gemeinhin auf Altären zu finden ist, nicht für Votivzwecke an, sondern in der Absicht einer transnationalen Erzählung, die subsaharische und nordafrikanische Elemente vermischt. Als heidnische Umleitung schlagen die Altarwerke eine neue Anbetung vor, die einer kaleidoskopischen und somit nicht monolithischen Vision von Identitäten entspricht. In der Arbeit von Maya Inès Touam fungiert die Hybridität als Raum für Emanzipation und Agentivität. Der indische Philosoph Homi K. Bhabha lädt in The Location of Culture dazu ein, diese "nationale Zugehörigkeit" und die Beziehung zum Anderen, die sie induziert, dank des Konzepts der kulturellen Hybridität neu zu überdenken: dieser Raum des Dazwischen und des Unter allen.

Les Choses qui restent (Die Dinge, die bleiben) ist eine Sammlung von Objekten, die von ihren kulturellen Werten verfolgt und aufgrund ihrer Symbolik herangezogen werden. Durch das, was sie ihren "fotografischen Fauvismus" nennt, bietet Touam ein neues, spielerisches und rhizomatisches visuelles Vokabular an; eine Begegnung zwischen Geschichte und der Vorstellung einer Zukunft ohne Zentrum und Peripherie.

Maya Inès Touam prend toutes les libertés. Et ne s’en excuse pas. Avec l’exposition Les Choses qui restent, l’artiste et photographe franco-algérienne partage sa fascination pour l’histoire de l’art occidental et en propose un récit à son image. Ici, l’appropriation fonctionne comme une stratégie narrative d’un monde de l’entre-deux, à l’image de ceux qui partagent son expérience d’une vie entre-deux rives. Formée à devenir artiste en France, Maya Inès Touam interroge la valeur du patrimoine légué et questionne sa place face au canon. Quel espace créatif est-il possible de façonner pour une femme artiste et une enfant d’immigrés ? À cette fin, Touam coopte les procédés et pratiques du XVIe et XXe siècles — allant de l’iconographie religieuse aux expérimentations colorées du fauvisme — mais renverse les codes du sacré à la faveur de l'incroyablement profane.

Tous les projets de la photographe commencent avec une enquête : elle regarde, elle recherche, examine et s’inspire de ce qui a été fait. De cette manière, elle propose un dialogue entre histoire de la peinture et enjeux de représentation(s). De précises mises en scènes couplées à des jeux de couleurs et de textures donnent vie à un folklore composite : une esthétique de la co-présence, une co-existence des cultures. Des objets du quotidien donnent corps à un ensemble de récits modernes et d’images contemporaines. Avec le figuratif, à l’aide du matériel, Maya Inès Touam joue avec nos échelles mentales : le détail ordinaire raconte notre globalité, ce « tout-monde » revendiqué par le philosophe martiniquais Edouard Glissant.

Pour la série « Replica », l’artiste se plonge dans l’oeuvre du peintre, dessinateur et graveur français Henri Matisse (1869-1954). Maya Inès Touam emprunte et renverse les motifs : Ananas et joujou (2020) répond à Ananas et Anémones (1940) ; Icare, le revenant (2020) fait écho à Icarus (1943-47) et L’enfance, la mer (2020) évoque Polynésie, la mer (1946). Touam regarde la simplification des formes et la stylisation des motifs de Matisse et tresse le tout avec des références à son « continent d’origine », l’Afrique, dans autant d’hommages impertinents. Touam forme des ponts entre L’Albatros de Charles Baudelaire et les cérémonies Egungun. Pour Allégorie de la maternité (2022), l’inspiration est une lithographie en noir sur papier jaune d’Henri Matisse intitulée La Vierge à l’enfant (1948) — alors le motif religieux devient une manière de désacraliser l’expérience de la maternité. La madone flotte entre Caraïbes et métropole, entre idéal et réalité. Cette créolisation des références est au coeur de la pratique de Touam ; ce sont les hybridations qui façonnent son oeuvre.

calvaireCertaines pièces, comme les retables, font référence à la Renaissance nordique. À la manière des maîtres flamands, Touam prête attention aux effets de perspective et aux détails, elle mélange naturalisme et subtil symbolisme. Comme dans leurs natures mortes, chaque élément fait l’objet d’un choix minutieux : le Bazin et les cauris, mais aussi le calebasse prennent place dans ces compositions, avec raison. Elle emprunte la grande minutie de composition et obtient un effet d’une surface de glacis-photographique. Si les primitifs flamands ont principalement peint des retables, Touam s’approprie la structure verticale communément trouvée sur les autels, non pas à des fins votives, mais dans l’intention d’une narration transnationale mélangeant éléments subsahariens et nord africains. Détournement païen, les oeuvres-retables proposent une nouvelle adoration, celle d’une vision kaléidoscopique et donc non monolithique, des identités. Dans le travail de Maya Inès Touam, l’hybridité fonctionne comme un espace d’émancipation et d’agentivité. Le philosophe indien Homi K. Bhabha, dans The Location of Culture, invite à repenser cette « appartenance nationale » et le rapport à l’Autre qu’il induit, grâce au concept d’hybridité culturelle : cet espace de l’entre-deux et du parmi tous.

Les Choses qui restent propose une somme d’objets hantés par leurs valeurs culturelle et convoqués pour leur symbolisme. À travers ce qu’elle nomme son « fauvisme photographique », Touam propose un nouveau vocabulaire visuel, ludique et rhizomique ; une rencontre entre histoire et imagination d’un futur sans centre ni périphéries.

Maya Inès Touam si prende ogni libertà. E non si scusa per questo. In Les Choses qui restent, l'artista e fotografa franco-algerina condivide il suo fascino per la storia dell'arte occidentale e offre una narrazione a sua immagine e somiglianza. Qui l'appropriazione funziona come strategia narrativa per un mondo intermedio, a immagine di coloro che condividono la sua esperienza di vita tra due sponde. Formatasi come artista in Francia, Maya Inès Touam si interroga sul valore dell'eredità che ha lasciato in eredità e sul suo posto in relazione al canone. Che tipo di spazio creativo si può creare per un'artista donna e figlia di immigrati? A tal fine, Touam coopta i processi e le pratiche del XVI e del XX secolo - dall'iconografia religiosa alle sperimentazioni cromatiche del fauvismo - ma rovescia i codici del sacro a favore di quelli incredibilmente profani.

Tutti i progetti della fotografa iniziano con un'indagine: guarda, ricerca, esamina e trae ispirazione da ciò che è già stato fatto. In questo modo, propone un dialogo tra la storia della pittura e le questioni della rappresentazione. Le messe in scena precise e i giochi di colore e texture danno vita a un folklore composito: un'estetica della compresenza, una coesistenza di culture. Oggetti quotidiani danno forma a un insieme di storie moderne e immagini contemporanee. Utilizzando il figurativo e il materiale, Maya Inès Touam gioca con le nostre scale mentali: il dettaglio ordinario racconta la storia della nostra globalità, il "tutto-mondo" rivendicato dal filosofo martinicano Edouard Glissant.

Per la serie "Replica", l'artista si rifà all'opera del pittore, disegnatore e incisore francese Henri Matisse (1869-1954). Maya Inès Touam prende in prestito e inverte i motivi: Ananas et joujou (2020) risponde ad Ananas et Anémones (1940); Icare, le revenant (2020) riecheggia Icarus (1943-47) e L'enfance, la mer (2020) evoca Polynésie, la mer (1946). Touam guarda alla semplificazione delle forme e alla stilizzazione dei motivi di Matisse e intreccia il tutto con riferimenti al suo "continente d'origine", l'Africa, in tanti sfacciati omaggi. Touam getta ponti tra L'Albatros di Charles Baudelaire e le cerimonie di Egungun. Per Allégorie de la maternité (2022), l'ispirazione è una litografia nera su carta gialla di Henri Matisse intitolata La Vierge à l'enfant (1948) - in cui il motivo religioso diventa un modo per desacralizzare l'esperienza della maternità. La Madonna fluttua tra i Caraibi e la Francia metropolitana, tra ideale e realtà. Questa creolizzazione di riferimenti è al centro della pratica di Touam; sono queste ibridazioni a dare forma al suo lavoro.

calvarioAlcuni pezzi, come le pale d'altare, fanno riferimento al Rinascimento nordico. Alla maniera dei maestri fiamminghi, Touam presta attenzione agli effetti della prospettiva e dei dettagli, fondendo il naturalismo con un sottile simbolismo. Come nelle sue nature morte, ogni elemento è oggetto di una scelta meticolosa: il Bazin e le bacche, ma anche il calabash, occupano giustamente il loro posto in queste composizioni. L'artista prende in prestito la grande meticolosità della composizione e ottiene un effetto di superficie glaciale-fotografica. Mentre i Primitivi fiamminghi dipingevano principalmente pale d'altare, Touam si appropria della struttura verticale comunemente presente sugli altari, non a scopo votivo, ma con l'intento di una narrazione transnazionale che mescola elementi subsahariani e nordafricani. Dirottamento pagano, le pale d'altare propongono una nuova forma di culto, quella di una visione caleidoscopica e quindi non monolitica delle identità. Nell'opera di Maya Inès Touam, l'ibridazione funziona come spazio di emancipazione e agentività. Il filosofo indiano Homi K. Bhabha, in The Location of Culture, ci invita a ripensare questa "appartenenza nazionale" e il rapporto con l'Altro che essa induce, grazie al concetto di ibridità culturale: questo spazio dell'in-between e del tra tutti.

Les Choses qui restent è una collezione di oggetti perseguitati dai loro valori culturali e convocati per il loro simbolismo. Attraverso quello che definisce il suo "fauvismo fotografico", Touam propone un nuovo vocabolario visivo, giocoso e rizomico; un incontro tra la storia e l'immaginazione di un futuro senza centri né periferie.

Maya Inès Touam takes every liberty. And makes no apologies for it. With her exhibition Les Choses qui restent, the Franco-Algerian artist and photographer shares her fascination for the history of Western art, and offers a narrative in her own image. Here, appropriation functions as a narrative strategy of an in-between world, in the image of those who share her experience of a life between two shores. Trained as an artist in France, Maya Inès Touam questions the value of inherited heritage and its place in relation to the canon. What kind of creative space can be created for a woman artist and child of immigrants? To this end, Touam co-opts the processes and practices of the 16th and 20th centuries - from religious iconography to the color experiments of Fauvism - but overturns the codes of the sacred in favor of the incredibly profane.

All the photographer's projects begin with a survey: she looks, researches, examines and draws inspiration from what has already been done. In this way, she proposes a dialogue between the history of painting and issues of representation(s). Precise staging coupled with color and texture give life to a composite folklore: an aesthetic of co-presence, a co-existence of cultures. Everyday objects give shape to a set of modern narratives and contemporary images. With the figurative, using the material, Maya Inès Touam plays with our mental scales: ordinary detail tells of our globality, that "all-world" claimed by Martinique philosopher Edouard Glissant.

For the "Replica" series, the artist delves into the work of French painter, draughtsman and engraver Henri Matisse (1869-1954). Maya Inès Touam borrows and reverses motifs: Ananas et joujou (2020) responds to Ananas et Anémones (1940); Icare, le revenant (2020) echoes Icarus (1943-47) and L'enfance, la mer (2020) evokes Polynésie, la mer (1946). Touam looks to Matisse's simplification of forms and stylization of motifs, and weaves the whole with references to his "continent of origin", Africa, in so many cheeky tributes. Touam builds bridges between Charles Baudelaire's L'Albatros and Egungun ceremonies. For Allégorie de la maternité (2022), the inspiration is a black lithograph on yellow paper by Henri Matisse entitled La Vierge à l'enfant (1948) - so the religious motif becomes a way of desacralizing the experience of motherhood. The Madonna floats between the Caribbean and the metropolis, between ideal and reality. This creolization of references is at the heart of Touam's practice; it's the hybridizations that shape his work.

calvarySome pieces, like the altarpieces, refer to the Nordic Renaissance. Like the Flemish masters, Touam pays attention to perspective and detail, blending naturalism with subtle symbolism. As in her still lifes, each element is carefully chosen: the Bazin and cowries, but also the calabash, rightly take their place in these compositions. She borrows the great meticulousness of composition and achieves a glacis-photographic surface effect. While the Flemish Primitives mainly painted altarpieces, Touam appropriates the vertical structure commonly found on altars, not for votive purposes, but with the intention of a transnational narrative blending Sub-Saharan and North African elements. A pagan detour, the altarpieces propose a new worship, that of a kaleidoscopic and therefore non-monolithic vision of identities. In Maya Inès Touam's work, hybridity functions as a space of emancipation and agentivity. The Indian philosopher Homi K. Bhabha, in The Location of Culture, invites us to rethink this "national belonging" and the relationship to the Other it induces, thanks to the concept of cultural hybridity: this space of the in-between and the among all.

Les Choses qui restent is a collection of objects haunted by their cultural values and summoned for their symbolism. Through what she calls her "photographic fauvism", Touam proposes a new visual vocabulary, playful and rhizomic; an encounter between history and the imagination of a future without center or periphery.

(Text : Taous Dahmani)

Galerie Bigaignon | Paris
5. September - 22. Oktober 2023

Le fixe et le variable
Bernard Joubert

Nach der Sommerausstellung zum Thema "Reise in Schwarz und Weiß" zeigt die Galerie Bigaignon eine Einzelausstellung des Künstlers Bernard Joubert mit historischen Werken, die in den 1970er Jahren entstanden sind und zum allerersten Mal in einem Dialog zwischen Fotografie und Malerei gezeigt werden.

Der 1946 in Paris geborene Bernard Joubert ist ein bekannter bildender Künstler. Er ist für seine minimalistischen Gemälde bekannt. Seine erste Einzelausstellung fand 1974 in der berühmten Galerie Yvon Lambert in Paris statt. Von Anfang an malte der Künstler auf freien Leinwänden und zog die Farblinien meist direkt mit der Farbtube nach. Ab 1973 verließ er den Rahmen der Leinwand und begann, eine Reihe von Bändern zu malen. Fast zehn Jahre lang begrenzen diese auf Baumwollbändern gemalten farbigen Linien geometrische Flächen, ohne dass diese Flächen geschlossen sind.

Diese Bänder bilden zusammen mit einer Reihe von Fotografien, die zwischen 1974 und 1977 entstanden sind und zum ersten Mal ausgestellt werden, den Rhythmus der Szenografie im Glasdach der Pariser Galerie. Sie werden ab dem 1. September 2023 im Rahmen des Festivals Les Traversées du Marais erstmals gezeigt.

"In seinen Fotografien will Bernard Joubert "eine Figur erfinden, ohne sie herzustellen", wie er es ausdrückt: Das ist die Macht der Fotografie und das, worin sie mit seiner Malerei verwandt ist. Seine Fotografien werden so zu ontologischen Rebussen. Für immer aktuelle Rätsel der Erfahrung des figuralen Sichtbaren, heute gespenstische Bilder, die das, was wir über das zeitgenössische Gemälde wissen, heimsuchen", erklärt uns Michel Poivert im Vorwort des zu diesem Anlass herausgegebenen Buches.

Der Künstler folgt stets demselben Protokoll und erfindet eine Figur, indem er in den Straßen von Paris, New York, Brüssel und Venedig ein 200 × 4,5 cm großes Rechteck fotografiert, das von einem weißen und einem schwarzen Band begrenzt wird.

Bernard Jouberts Arbeiten waren Gegenstand zahlreicher Ausstellungen in Europa und den USA. Seine Gemälde und Zeichnungen sind seit langem bereits in den Sammlungen des MoMA in New York und des Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris sowie insbesondere in der Sammlung Panza di Biumo in Italien vertreten. Thierry Bigaignon fügte hinzu: "Es handelt sich um eine historische Arbeit, die gleichzeitig repräsentativ für die kreativen 1970er Jahre und insbesondere für Bernard Jouberts "Minimal"-Periode ist, in der er nicht nur die Malerei mit diesen Bändern dekonstruierte, sondern auch Installation, Street Art und Fotografie miteinander verband, indem er die Bänder im öffentlichen Raum aufstellte und sie in erhabenen Kompositionen fotografierte. Diese Silberdrucke aus der Zeit sind außergewöhnlich, also mussten sie endlich gezeigt werden.

Die Ausstellung wird eines der konzeptuellsten Werke des Künstlers mit dem Titel "Ligne virtuelle bleue" zeigen. Ein Künstlerbuch, das in einer Auflage von nur 200 Exemplaren erschienen ist, wird die Ausstellung ergänzen. Entdecken Sie es ab dem Herbst!

Après l’exposition estivale sur la thématique du « Voyage en noir et blanc », la galerie Bigaignon propose une exposition personnelle de l’artiste Bernard Joubert avec des oeuvres historiques réalisées dans les années 70 et montrées pour la toute première fois dans un dialogue entre photographie et peinture.

Né à Paris en 1946, Bernard Joubert est un artiste plasticien de renom. Connu pour ses peintures minimales, sa première exposition personnelle a lieu en 1974 dans la célèbre galerie Yvon Lambert à Paris. Dès ses débuts, l’artiste peint sur des toiles libres, traçant le plus souvent directement au tube de peinture des lignes de couleur. À partir de 1973, il sort du cadre de la toile et commence à peindre une série de rubans. Pendant près de dix ans, ces lignes colorées peintes sur rubans de coton viendront délimiter des surfaces géométriques, sans que ces surfaces soient closes.

Ce sont ces rubans qui viendront rythmer la scénographie dans l’espace sous verrière de la galerie parisienne aux côtés d’une série de photographies produites entre 1974 et 1977 et exposées pour la toute première fois. Elles seront présentées en avant-première dès le 1er septembre 2023 dans le cadre du Festival des Traversées du Marais.

« Dans ses photographies, Bernard Joubert a la volonté d’“Inventer une figure sans la fabriquer” selon ses termes : voilà le pouvoir de la photographie, et ce en quoi elle entretient avec sa peinture un cousinage. Ses photographies deviennent ainsi des rébus ontologiques. Énigmes à jamais actuelles de l’expérience du visible figural, images aujourd’hui spectrales venant hanter ce que nous savons du tableau contemporain », nous explique Michel Poivert dans la préface du livre édité pour l’occasion.

L’artiste suit toujours le même protocole et invente une figure en photographiant, dans les rues de Paris, New York, Bruxelles et Venise un rectangle de 200 × 4,5 cm délimité par un ruban blanc et un ruban noir.

Le travail de Bernard Joubert a fait l’objet de nombreuses expositions en Europe et aux États-Unis. Ses peintures et dessins sont de longue date déjà présentes dans les collections du MoMA à New York et du Musée d’Art Moderne de la ville de Paris, et dans la collection Panza di Biumo en Italie notamment. Et Thierry Bigaignon d’ajouter : « Il s’agit là d’un travail historique, à la fois représentatif des années 1970, décennie particulièrement créative, et plus précisément de la période « minimale » de Bernard Joubert, période pendant laquelle, non content de déconstruire la peinture avec ces rubans, il s’est attelé à conjuguer installation, street art et photographie en disposant ces rubans dans l’espace public et en les photographiant dans de sublimes compositions. Ces tirages argentiques d’époque sont exceptionnels, il fallait donc enfin les montrer ».

L’exposition dévoilera l’une des oeuvres les plus conceptuelles de l’artiste intitulée « Ligne virtuelle bleue ». Un livre d’artiste édité à 200 exemplaires seulement complètera l’exposition. À découvrir dès la rentrée !

Dopo la mostra estiva sul tema "Viaggio in bianco e nero", la Galerie Bigaignon presenta una personale dell'artista Bernard Joubert, con opere storiche realizzate negli anni Settanta e presentate per la prima volta in un dialogo tra fotografia e pittura.

Nato a Parigi nel 1946, Bernard Joubert è un rinomato artista visivo. Conosciuto per i suoi dipinti minimalisti, la sua prima mostra personale si è tenuta nel 1974 presso la rinomata galleria Yvon Lambert di Parigi. Fin dall'inizio, l'artista dipingeva su tele sciolte, di solito tracciando linee di colore direttamente con un tubetto di vernice. A partire dal 1973, abbandona la tela e inizia a dipingere una serie di nastri. Per quasi dieci anni, queste linee colorate dipinte su nastri di cotone delineano superfici geometriche, senza che queste siano chiuse.

Saranno proprio questi nastri a ritmare la scenografia nello spazio vetrato della galleria parigina, insieme a una serie di fotografie realizzate tra il 1974 e il 1977 ed esposte per la prima volta. Saranno presentate in anteprima dal 1° settembre 2023 nell'ambito del Festival Traversées du Marais.

"Nelle sue fotografie, Bernard Joubert mira a "Inventare una figura senza fabbricarla", come dice lui stesso: questo è il potere della fotografia e il modo in cui si relaziona con la sua pittura. Le sue fotografie diventano così enigmi ontologici. Enigmi che sono sempre rilevanti per l'esperienza del visibile figurale, immagini ormai spettrali che infestano ciò che conosciamo della pittura contemporanea", spiega Michel Poivert nella prefazione al libro pubblicato per l'occasione.

L'artista segue sempre lo stesso protocollo, inventando una figura fotografando, nelle strade di Parigi, New York, Bruxelles e Venezia, un rettangolo di 200 × 4,5 cm delimitato da un nastro bianco e uno nero.

Il lavoro di Bernard Joubert è stato esposto ampiamente in Europa e negli Stati Uniti. I suoi dipinti e disegni fanno da tempo parte delle collezioni del MoMA di New York e del Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, oltre che della collezione Panza di Biumo in Italia. Thierry Bigaignon aggiunge: "Si tratta di un'opera storica, rappresentativa degli anni Settanta, un decennio particolarmente creativo, e più precisamente del periodo "minimal" di Bernard Joubert, durante il quale, oltre a decostruire la pittura con questi nastri, egli si accinse a combinare l'installazione, la street art e la fotografia, collocando questi nastri negli spazi pubblici e fotografandoli in composizioni sublimi. Queste stampe d'argento vintage sono eccezionali, quindi dovevamo finalmente mostrarle".

La mostra presenterà una delle opere più concettuali dell'artista, intitolata "Ligne virtuelle bleue". Un libro d'artista, limitato a 200 copie, completerà la mostra. Da scoprire a settembre!

Following the summer exhibition on the theme of "Voyage en noir et blanc", Galerie Bigaignon presents a solo show by artist Bernard Joubert, featuring historic works produced in the 1970s and shown for the very first time in a dialogue between photography and painting.

Born in Paris in 1946, Bernard Joubert is a renowned visual artist. Known for his minimalist paintings, his first solo show took place in 1974 at the renowned Yvon Lambert gallery in Paris. From the outset, Joubert painted on loose canvases, usually tracing lines of color directly with a paint tube. From 1973 onwards, he left the canvas and began to paint a series of ribbons. For almost ten years, these colored lines painted on cotton ribbons would delineate geometric surfaces, without these surfaces being closed.

It is these ribbons that will punctuate the scenography in the glass-roofed space of the Paris gallery, alongside a series of photographs produced between 1974 and 1977 and exhibited for the very first time. They will be previewed from September 1, 2023, as part of the Traversées du Marais Festival.

"In his photographs, Bernard Joubert aims to "Invent a figure without fabricating it", as he puts it: this is the power of photography, and how it relates to his painting. His photographs thus become ontological puzzles. Forever current enigmas of the experience of the visible figural, today's spectral images haunt what we know of contemporary painting," explains Michel Poivert in the preface to the book published for the occasion.

The artist always follows the same protocol, inventing a figure by photographing, in the streets of Paris, New York, Brussels and Venice, a 200 × 4.5 cm rectangle delimited by a white and a black ribbon.

Bernard Joubert's work has been exhibited extensively in Europe and the United States. His paintings and drawings have long been part of the collections of MoMA in New York and the Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, as well as the Panza di Biumo collection in Italy. Thierry Bigaignon adds: "This is a historic work, both representative of the 1970s, a particularly creative decade, and more specifically of Bernard Joubert's "minimal" period, during which, not content with deconstructing painting with these ribbons, he set about combining installation, street art and photography, arranging these ribbons in public spaces and photographing them in sublime compositions. These vintage silver prints are exceptional, so we had to show them at last".

The exhibition will unveil one of the artist's most conceptual works, entitled "Ligne virtuelle bleue". An artist's book, limited to 200 copies, will complete the exhibition. To be discovered in September!

(Text: Galerie Bigaignon, Paris)

Galerie Esther Woerdehoff | Paris
31. August - 23. September 2023

Vincent Bousserez

Die Galerie stellt zum ersten Mal die Arbeiten des französischen Fotografen Vincent Bousserez aus.

Seine Werke sind hybride Bilder, Diptychen, wie er sie nennt, in denen Pigmentabzüge und Kohleabzüge auf Glas nebeneinander existieren. Der Künstler schafft so zwei Interpretationen ein und derselben Landschaft, die er zu einem einzigen Bild verschmelzen lässt, als würde er uns die Herstellung der Landschaft in Aktion zeigen.

Die Fotografien von Vincent Bousserez sind mehr als nur Ansichten der Natur, sie sind Teil einer Reflexion über den Status des Bildes und seine Reproduzierbarkeit.

Die Landschaftsfotografie, die vor der wachsenden ökologischen Gefahr warnt, ist eine weit verbreitete Übung in der Fotografie. Doch wo sich Vincent Bousserez' Vorgehen unterscheidet, ist die Kohärenz, die er zwischen dem fotografierten Objekt und der Fotografie selbst als plastischem Objekt zu weben vermag. Der Kohleabzug auf Glas, ein Verfahren, das auf die Frühzeit der Fotografie zurückgeht, wird so zum spektralen Doppelgänger der gerahmten Landschaft. Diese Überlagerung bildet die Erinnerungsschichten der Landschaft.

Mit seiner Serie Altered, was so viel wie "verändert" bedeutet, stellt Vincent Bousserez die Frage nach der Landschaft als Erfindung unseres Blicks, als Ort, der von bereits assimilierten Bildern besetzt ist.

La galerie expose pour la première fois le travail du photographe français Vincent Bousserez.

Ses oeuvres sont des images hybrides, des diptyques comme il les appelle, dans lesquelles cohabitent tirage pigmentaire et tirage au carbon sur verre. L’artiste crée ainsi deux interprétations d’un même paysage qu’il fusionne afin de ne créer qu’une seule et même image, comme s'il nous donnait à voir la fabrication en acte de celui-ci.

Plus que des points de vue sur la nature, les photographies de Vincent Bousserez participent d’une réflexion sur le statut de l’image et sa reproductibilité.

La photographie de paysage qui alerte sur le péril écologique grandissant est un exercice très répandu en photographie. Mais là où la démarche de Vincent Bousserez se distingue c’est dans la cohérence qu’il réussit à tisser entre l’objet photographié et la photographie elle-même en tant qu’objet plastique. Le tirage au charbon sur verre, un procédé qui remonte aux premiers temps de la photographie, devient alors le double spectral du paysage encadré. Cette superposition constitue les couches mémorielles du paysage.

À travers sa série Altered, qui signifie « altéré », Vincent Bousserez pose ainsi la question du paysage en tant qu’invention de notre regard, comme lieu investi d’images déjà assimilées.

La galleria espone per la prima volta il lavoro del fotografo francese Vincent Bousserez.

Le sue opere sono immagini ibride, o dittici come li chiama lui, in cui coesistono stampe a pigmento e stampe al carbonio su vetro. In questo modo, l'artista crea due interpretazioni dello stesso paesaggio, che poi fonde per creare un'unica immagine, come se ci mostrasse la realizzazione del paesaggio in azione.

Più che semplici punti di vista sulla natura, le fotografie di Vincent Bousserez sono parte di una riflessione sullo statuto dell'immagine e sulla sua riproducibilità.

La fotografia di paesaggio, che avverte del crescente pericolo ecologico, è un esercizio molto comune nella fotografia. Ma l'approccio di Vincent Bousserez si distingue per la coerenza che riesce a creare tra l'oggetto fotografato e la fotografia stessa come oggetto plastico. La stampa a carboncino su vetro, un processo che risale agli albori della fotografia, diventa il doppio spettrale del paesaggio incorniciato. Questa sovrapposizione costituisce gli strati memoriali del paesaggio.

Attraverso la serie Altered, Vincent Bousserez solleva la questione del paesaggio come invenzione del nostro sguardo, un luogo investito da immagini già assimilate.

The gallery is exhibiting the work of French photographer Vincent Bousserez for the first time.

His photographs are hybrid images, or diptychs as he calls them, in which pigment prints and carbon prints on glass coexist. In this way, the artist creates two interpretations of the same landscape, which he merges to create a single image, as if he were showing us the making of the landscape in action.

Vincent Bousserez's photographs are more than just points of view on nature; they are part of a reflection on the status of the image and its reproducibility.

Landscape photography serves as a widespread means of conveying the escalating ecological threat. However, Vincent Bousserez's approach stands out due to his remarkable ability to unify the subject of the photograph with the photograph itself, creating a cohesive artistic entity. By utilizing the charcoal print on glass technique, an ancient photographic process, he effectively transforms the framed landscape into a haunting mirror image, emphasizing the connection between the image and its tangible form.

Through his Altered series, Vincent Bousserez raises the question of landscape as an invention of our gaze, a place invested with images that have already been assimilated.

(Text: Elisa Bernard,Paris)

Galerie Esther Woerdehoff | Paris
31. August - 23. September 2023

Arthur Tress

Arthur Tress wurde 1940 in Brooklyn geboren. Als Kind besuchte er oft die Halbinsel Coney Island, ein Reich der Unterhaltung, in dem die Menschen nach dem Krieg nach einem schimärenhaften Vergnügen suchten. Die Unterhaltung zeigte sich dort in ihrer disruptiven Kraft, als ein Zustand vorübergehenden Wahnsinns, in dem die Menschen aus ihrem Leben und ihrer religiösen Gemeinschaft ausbrechen und sich ihren Verpflichtungen entziehen konnten.

In diesem Theater des Unheimlichen - einem Ort, an dem Hierarchien und Werte zeitweise umgestoßen werden - schmiedet der junge Arthur Tress seinen fotografischen Blick. Wir stellen uns gerne vor, wie er auf das graue, kaum jodhaltige Wasser blickte und sich auf den harten, von den Fußtritten der Besucher festgestampften Sand setzte, um das Schauspiel zu beobachten, das sich vor ihm abspielte. Ein Kind, das bereits anders war, mit einem gesteigerten Bewusstsein für die Fehler der Welt um ihn herum und für das die schwankende Mechanik der Attraktionen die Farbe der menschlichen Seele hatte.

Während die Orte seiner amerikanischen Kindheit, an denen sich die Erwachsenen in einem fröhlichen Ventil kindlichen Spielen hingaben, wie ein Katalysator wirkten, nimmt die Welt der Kinder selbst einen wichtigen Platz in Arthur Tress' Arbeit ein. Der Fotograf stimmt der Vorstellung von der Kindheit als verlorenem Paradies nicht zu. Bei ihm sind die Kinder unruhig und von einer beunruhigenden Melancholie erfüllt. Das Gesicht der Kindheit ist das eines Jungen, der mit Wurzeln anstelle von Händen über den Boden kriecht, eines Wesens mit unbestimmtem Geschlecht, das uns mit Blicken apostrophiert, während es eine Zigarette raucht, während seine Kameraden spielen, oder eines Schulkindes, das unter seiner Eselsmütze in einer verlassenen Schulklasse erstickt. Diese Fotografien berichten von der subversiven Kraft der imaginären Spiele der Kindheit, in einem Lebensabschnitt, in dem man sich eine Welt erfindet, die den eigenen Wünschen entspricht. Arthur Tress wirft einen treffenden Blick auf diese Zeit, in der innerhalb ein und derselben Person Spontaneität und Entdeckerfreude auf der einen Seite und Unkommunikativität und Angst vor dem Unbekannten auf der anderen Seite koexistieren.

Arthur Tress spricht von den Rändern. Seine Fotografien offenbaren die Gewalt der Anpassung an die Erwartungen der Gesellschaft, die auf diejenigen ausgeübt wird, die sich von ihr entfernen. Die Infragestellung von Männlichkeit und Weiblichkeit, die Ablehnung des Heiratsbefehls und körperliche Gebrechen beschäftigen die Personen, die seine Bilder bevölkern.

Arthur Tress' Welt bewegt sich am Rande von Traum und Wirklichkeit, in einer hartnäckigen Suche, diese Grenze zu erfassen. Die Fotografien des Künstlers befinden sich nie im vollen Licht, sondern immer in einem Halbschatten. Sie zeigen uns nicht eine Szene, sondern suggerieren eine verblasste Erinnerung. Arthur Tress gräbt Bilder aus, die in unserem Unterbewusstsein vergraben sind, um eine ätzende Mythologie zu schaffen.

Diese Werke offenbaren eine innere Wahrheit, die im Gedächtnis bleibt. Einmal gesehen, werden diese Bilder in unser visuelles Repertoire aufgenommen, da sie uns etwas über uns verraten. Um die Welt zu untersuchen, inszeniert Arthur Tress die Vision, die er im Kopf hat, mithilfe von Requisiten und fängt sein Bild ein. Er verkleidet die Realität, um ihr das Aussehen seines Traums zu verleihen.

Die Arbeit von Arthur Tress führt uns in eine Zwischenwelt, in der der Tod allgegenwärtig ist. Es gibt eine Dringlichkeit, die Menschen innerhalb dieser Grenze zu erfassen, wie zum Beispiel das eine Mal, als er seinen Vater in New York im Schnee erschossen hatte, um ein letztes Bild von ihm einzufangen, nur wenige Tage vor seinem Tod. Der alte Mann erschien mit offenem Mund, wie in einem letzten Röcheln gefangen, und konfrontierte uns mit der tragischen Unbeweglichkeit seines Körpers.

Die Werke von Arthur Tress sind unwahrscheinliche Visionen, die wie Fata Morganas wirken. Sie vermitteln den Eindruck, eine Wahrheit über diese Wesen überrascht zu haben, die wir nicht hätten sehen sollen, wie das junge Mädchen vor dem Schloss Breteuil, das Fische vor dem Austrocknen eines Teichs rettet. Im Schlamm kniend und mit ängstlicher Miene scheint sie uns zu sagen: "Was schaut ihr euch da an?

Es handelt sich um die erste monografische Ausstellung, die die Galerie Esther Woerdehoff seit 1998 Arthur Tress widmet, und die Sie ab dem Herbst entdecken können.

Arthur Tress est né à Brooklyn en 1940. Enfant, il avait pour habitude de fréquenter la presqu’île de Coney Island, un royaume du divertissement où les gens venaient chercher un plaisir chimérique au sortir de la guerre. La distraction s’y révélait alors dans sa force disruptive, comme un état de folie passagère pendant lequel les gens pouvaient sortir de leur vie, de leur communauté religieuse, échapper à leurs obligations.

C’est dans ce théâtre de l’étrange - lieu de renversement temporaire des hiérarchies et des valeurs - que le jeune Arthur Tress forge son regard de photographe. Nous l’imaginons volontiers contempler l’eau grise, à peine iodée, et s’asseoir sur le sable dur, tassé par les piétinements des visiteurs, afin d’observer le spectacle qui se jouait devant lui. Un enfant déjà différent, avec une conscience accrue des failles du monde qui l’entoure et pour qui les mécaniques vacillantes des attractions avaient la couleur de l’âme humaine.

Si les lieux de son enfance américaine, où les adultes se laissaient aller à des jeux enfantins dans un joyeux exutoire, ont fonctionné comme un catalyseur, le monde des enfants eux-mêmes occupe une place prépondérante dans le travail d’Arthur Tress. Le photographe ne souscrit pas à l’idée de l’enfance comme un paradis perdu. Chez lui, les enfants sont intranquilles et emplis d’une inquiétante mélancolie. Le visage de l’enfance est celui de ce garçon rampant sur le sol avec des racines à la place des mains, cet être au genre indéterminé qui nous apostrophe du regard en fumant une cigarette pendant que ses camarades jouent ou cet écolier asphyxié sous son bonnet d’âne dans une classe d’école désertée. Ces photographies rendent compte de la force subversive de l’imaginaire des jeux de l’enfance, à un moment de la vie où l'on s’invente un univers conforme à ses désirs. Arthur Tress porte un regard juste sur cette période où cohabitent au sein d’une même personne la spontanéité et la joie de la découverte d’une part et l’incommunicabilité et la peur de l’inconnu de l’autre.

Arthur Tress dit les marges. Ses photographies révèlent la violence de la conformation aux attentes de la société qui s’exerce sur ceux qui s’en éloignent. La remise en question du masculin et du féminin, le rejet de l'injonction du mariage, l’infirmité physique préoccupent les personnages qui peuplent ses images.

L’univers d’Arthur Tress évolue à la lisière du rêve et de la réalité, dans une quête obstinée de saisir cette limite. Les photographie de l'artiste ne sont jamais en pleine lumière mais toujours dans une pénombre. Elles ne nous montrent pas une scène mais suggèrent un souvenir évanoui. Arthur Tress déterre des images enfouies dans notre inconscient pour créer une mythologie corrosive.

Ces oeuvres sont révélatrices d’une vérité intérieure qui reste en mémoire. Une fois vues, ces images entrent dans notre répertoire visuel car elles nous révèlent quelque chose de nous. Afin d'ausculter le monde, Arthur Tress met en scène la vision qu’il a en tête au moyen d’accessoires et capture son image. Il travestit le réel pour lui donner l’apparence de son rêve.

Le travail d’Arthur Tress nous fait entrer dans un entre-deux-mondes où la mort est omniprésente. Il y a une urgence à saisir les êtres qui se situent dans cette limite, comme la fois où il avait descendu son père dans la neige à New York, pour capter de lui un dernier cliché, quelques jours avant sa mort. Le vieil homme apparaissait bouche ouverte comme saisi dans un dernier râle, nous confrontant à l’immobilité tragique de son corps.

Les oeuvres d’Arthur Tress sont des visions invraisemblables aux allures de mirages. Elles donnent l’impression d’avoir surpris une vérité sur ces êtres que nous n’aurions pas dû voir, comme la jeune fille devant le château de Breteuil qui sauve des poissons avant l’assèchement d’un bassin. Agenouillée dans la vase, la mine anxieuse, elle semble nous dire « Que regardez vous ? ».

Il s'agit de la première exposition monographique que la galerie Esther Woerdehoff consacre à Arthur Tress depuis 1998, à découvrir dès la rentrée.

Arthur Tress è nato a Brooklyn nel 1940. Da bambino frequentava la penisola di Coney Island, un regno del divertimento dove la gente veniva a cercare un piacere chimerico dopo la guerra. La forza dirompente del divertimento si rivelava lì, come uno stato di follia temporanea durante il quale le persone potevano fuggire dalle loro vite, dalle loro comunità religiose e dai loro obblighi.

È in questo teatro dello strano - un luogo in cui le gerarchie e i valori venivano temporaneamente ribaltati - che il giovane Arthur Tress ha forgiato il suo occhio fotografico. Possiamo immaginarlo mentre contempla l'acqua grigia, appena iodata, e si siede sulla sabbia dura, compattata dal calpestio dei visitatori, per osservare lo spettacolo che si svolge davanti a lui. Un bambino già diverso, con un'accentuata consapevolezza dei difetti del mondo che lo circondava, per il quale la meccanica tremolante delle attrazioni era il colore dell'anima umana.

Se i luoghi della sua infanzia americana, dove gli adulti si abbandonavano ai giochi infantili come sfogo di gioia, hanno agito da catalizzatore, il mondo dei bambini stessi occupa un posto predominante nel lavoro di Arthur Tress. Il fotografo non aderisce all'idea dell'infanzia come paradiso perduto. Per lui i bambini sono intranquilli e pieni di una malinconia inquietante. Il volto dell'infanzia è quello di un ragazzo che striscia per terra con delle radici al posto delle mani, di un essere di sesso indefinito che ci fissa fumando una sigaretta mentre i suoi compagni giocano, o di uno scolaro che soffoca sotto il suo berretto da somaro in un'aula scolastica deserta. Queste fotografie catturano il potere sovversivo del mondo immaginario dei giochi infantili, in un momento della nostra vita in cui stiamo inventando un mondo che si adatti ai nostri desideri. Arthur Tress getta uno sguardo accurato su questo periodo, in cui la spontaneità e la gioia della scoperta coesistono nella stessa persona, da un lato, e l'incomunicabilità e la paura dell'ignoto, dall'altro.

Arthur Tress parla dai margini. Le sue fotografie rivelano la violenza che la conformità alle aspettative della società esercita su coloro che se ne allontanano. La messa in discussione della mascolinità e della femminilità, il rifiuto dell'ingiunzione matrimoniale e l'infermità fisica preoccupano i personaggi che popolano le sue immagini.

Il mondo di Arthur Tress si evolve al confine tra sogno e realtà, in un'ostinata ricerca di afferrare questo confine. Le fotografie dell'artista non sono mai scattate in piena luce, ma sempre in penombra. Non ci mostrano una scena, ma suggeriscono un ricordo sbiadito. Arthur Tress porta alla luce immagini sepolte nel nostro subconscio per creare una mitologia corrosiva.

Queste opere rivelano una verità interiore che indugia nella memoria. Una volta viste, queste immagini diventano parte del nostro repertorio visivo perché rivelano qualcosa di noi. Per esaminare il mondo, Arthur Tress utilizza oggetti di scena per mettere in scena la visione nella sua testa e catturare la sua immagine. Traveste la realtà per darle l'aspetto del suo sogno.

Il lavoro di Arthur Tress ci porta in un mondo intermedio dove la morte è onnipresente. C'è un'urgenza nell'immortalare le persone che si trovano su questo confine, come nell'occasione in cui ha fotografato suo padre nella neve a New York, per catturare un'ultima istantanea di lui, pochi giorni prima della sua morte. Il vecchio è apparso con la bocca aperta, come colto da un ultimo rantolo, mettendoci di fronte alla tragica immobilità del suo corpo.

Le opere di Arthur Tress sono visioni inverosimili che assomigliano a miraggi. Danno l'impressione di aver sorpreso una verità su questi esseri che non avremmo dovuto vedere, come la ragazza davanti al Castello di Breteuil che salva i pesci prima che uno stagno venga prosciugato. Inginocchiata nel fango, con aria ansiosa, sembra dire: "Cosa stai guardando?

Questa è la prima mostra personale dedicata ad Arthur Tress dalla galleria Esther Woerdehoff dal 1998 e sarà visitabile a partire dall'autunno.

Arthur Tress was born in Brooklyn in 1940. As a child, he used to frequent the Coney Island peninsula, a realm of entertainment where people came to seek a chimerical pleasure in the aftermath of the war, where distraction revealed itself in its disruptive force, as a state of temporary madness during which people could escape from their lives, their religious communities, and their obligations.

It was in this theatre of the strange - a place where hierarchies and values were temporarily overturned - that the young Arthur Tress forged his photographic eye. We can imagine him contemplating the grey, barely iodised water, and sitting down on the hard sand, compacted by the trampling of visitors, to observe the spectacle unfolding before him. A child who was already different, with a heightened awareness of the flaws in the world around him, and for whom the flickering mechanics of the attractions were the colour of the human soul.

If the places of his American childhood, where adults indulged in childish games as a joyful outlet, acted as a catalyst, the world of children itself occupies a predominant place in Arthur Tress's work. The photographer does not subscribe to the idea of childhood as a lost paradise, and his images of children are intranquil and filled with a disquieting melancholy. The face of childhood is that of a boy crawling on the ground with roots for hands, a being of indeterminate gender who stares at us while smoking a cigarette while his classmates play, or a schoolboy asphyxiated under his dunce cap in a deserted school classroom. These photographs capture the subversive power of the imagination of childhood games, at a time in life when people invent a world for themselves that suits their desires. Arthur Tress takes an accurate look at this period, when spontaneity and the joy of discovery coexist within the same person on the one hand, and incommunicability and fear of the unknown on the other.

Arthur Tress speaks from the margins. His photographs reveal the violence of conforming to society's expectations, which is exerted on those who stray from them. The questioning of masculinity and femininity, the injunction to marry, and physical infirmity are all factors that animate the characters who inhabit his images.

The world of Arthur Tress evolves on the edge of dream and reality, in a stubborn quest to grasp this boundary. The artist's photographs are never in full light, but always in half-light. They do not show us a scene but suggest a faded memory. Arthur Tress unearths images buried in our subconscious to create a corrosive mythology.

These works reveal an inner truth that remains in the memory. Once seen, these images become part of our visual repertoire because they reveal something about us. In order to examine the world, Arthur Tress uses props to stage the vision in his head and capture his image. He disguises reality to give it the appearance of his dream.

Arthur Tress's work takes us into an in-between world where death is omnipresent. There is an urgency to capturing people who stand on this boundary, as on the occasion when he shot his father in the snow in New York, to capture one last snapshot of him, a few days before his death. The old man appeared with his mouth open, as if caught in a final rattle, confronting us with the tragic immobility of his body.

The works of Arthur Tress are improbable visions with the appearance of mirages. They give the impression of having surprised a truth about these beings that we shouldn't have seen, like the young girl in front of the Château de Breteuil who is rescuing fish before a pond dries up. Kneeling in the mud with an anxious expression on her face, she seems to be saying "What are you looking at ?".

This is the first solo exhibition devoted to Arthur Tress by the Esther Woerdehoff gallery since 1998.

(Text: Elisa Bernard, Paris)

Maison Européenne de la Photographie | Paris
21. Juli - 1. Oktober 2023

Rachel Fleminger Hudson

Diese erste Einzelausstellung vereint eine Reihe von Fotografien aus mehreren Serien, die die Vorstellungswelt der 1970er Jahre erforschen. Einige seiner Bilder simulieren zeitgenössische Fotografien, die aus dem Leben gegriffen sind, wie die, die junge Fußballfans zeigen. Andere nehmen eine theatralische Inszenierung mit Modellen in voller Performance an.

Diese Fotografien, die von schelmischem Witz geprägt sind, sind jedoch streng konstruiert, sie sind das Ergebnis einer gründlichen theoretischen und visuellen Recherche. Die Künstlerin untersucht die Mode und ihre Fähigkeit, soziokulturelle Bedingungen darzustellen und Individualität auszudrücken. Sie untersucht Identitäten, die Gesellschaft und ihre Geschichte durch das Prisma der Kleidungskultur. Rachel Fleminger Hudson hat eine besondere Vorliebe für die 1970er Jahre aufgrund ihres Übergangscharakters. Diese Zeit ist geprägt von einem Wandel der Werte und Lebensweisen: Die moderne Gesellschaft mit ihrem Kult um Authentizität wird von der Postmoderne abgelöst, die auf Reproduktion und Simulation beruht. Die Künstlerin macht die Nostalgie zu ihrem Studienobjekt und hinterfragt unsere Beziehung zur Vergangenheit anhand ihrer Metadarstellungen, die das Authentische und das Fiktionale in Spannung zueinander setzen.

Cette première exposition personnelle réunit un ensemble de photographies issues de plusieurs séries explorant l’imaginaire des années 1970. Certaines de ses images simulent des photographies d’époque prises sur le vif, comme celles représentant les jeunes fans de football. D’autres assument une mise en scène théâtrale avec des modèles en pleine performance.

Ces photographies, empreintes d’esprit espiègle, sont pourtant rigoureusement construites, elles résultent d’une recherche théorique et visuelle approfondie. Étudiant la mode et sa capacité à performer la condition socio-culturelle et exprimer l’individualité, l’artiste examine les identités, la société et son histoire à travers le prisme de la culture vestimentaire. Rachel Fleminger Hudson affectionne particulièrement les années 1970 pour leur caractère transitionnel. Cette période est marquée par le changement de valeurs et de modes de vie : la société moderne et son culte d’authenticité fait place à la postmodernité fondée sur la reproduction et le simulacre. Faisant de la nostalgie son objet d’étude, l’artiste interroge notre rapport au passé à travers ses méta représentations qui mettent en tension l’authentique et le fictionnel.

Questa prima mostra personale riunisce le fotografie di diverse serie che esplorano l'immaginario degli anni Settanta. Alcune immagini simulano fotografie d'epoca scattate sul posto, come quelle che ritraggono giovani tifosi di calcio. Altre assumono un'ambientazione teatrale con modelle e modelli in piena attività.

Queste fotografie, pervase da uno spirito ludico, sono tuttavia rigorosamente costruite, frutto di un'ampia ricerca teorica e visiva. Studiando la moda e la sua capacità di rappresentare la condizione socio-culturale e di esprimere l'individualità, l'artista esamina le identità, la società e la sua storia attraverso il prisma della cultura del vestito. Rachel Fleminger Hudson ama particolarmente gli anni Settanta per il loro carattere di transizione. Questo periodo è stato segnato dal cambiamento dei valori e degli stili di vita: la società moderna e il suo culto dell'autenticità hanno lasciato il posto alla postmodernità basata sulla riproduzione e sui simulacri. Facendo della nostalgia il suo oggetto di studio, l'artista si interroga sul nostro rapporto con il passato attraverso le sue meta-rappresentazioni che mettono in tensione l'autentico e il fittizio.

This first solo exhibition brings together photographs from several different series that explore the imaginary of the 1970s. Some images simulate candid photographs from that period, including photographs of young soccer fans. Others take the form of theatrical mises-en-scène in which her models perform. Although mischievous and playful, the photographs are rigorously constructed and are based on her extensive theoretical and visual research. Observing fashion, and in particular its ability to depict the sociocultural conditions and to express individuality, the artist examines questions of identity, society and history through the prism of the culture of clothing.

Fleminger Hudson is particularly fond of the 1970s thanks to their transitional character. This period was marked by a change in values and lifestyles: modern society and its cult of authenticity gave way to a postmodernism based on reproduction and simulacra. Taking nostalgia as the main focus of her work, the artist challenges our relationship to the past through meta-representations that pit the authentic against the fictional.

(Text: MEP Maison européenne de la photographie, Paris)

Bigaignon | Paris
15. Juli - 29. August 2023

Voyages en Noir & Blanc
Renato D’Agostin, Harold Feinstein, Vittoria Gerardi, Ralph Gibson, Rémi Noël, Thierry Urbain

Keine Sommerpause für die Galerie Bigaignon, die ihre Türen den ganzen Sommer über offen hält und eine Ausstellung zeigt, in deren Mittelpunkt das Reisen steht. Vom 15. Juli bis zum 29. August 2023 zeigt die Ausstellung "Voyages en Noir & Blanc" die Werke von sechs Künstlern, die von der Galerie vertreten oder unterstützt werden, in einer neuartigen sommerlichen Hängung, die die Neugier auf vielfältige Horizonte preist. Die Ausstellung wird begleitet von einer Auswahl schöner Bücher rund um das Thema Reisen und einem akustischen Konzert des Künstlers Epsilon zur Finissage.

Die Darstellung des Reisens ist seit langem Gegenstand des künstlerischen Interesses. Der Blick in die Ferne, der die Beziehung zum physischen, mentalen und geografischen Raum in Frage stellt, ist eine Gelegenheit zur Flucht, eine Projektion seiner selbst, eine gelehrte Studie oder ein Beweis für Neugier. In der Fotografie hat sich dieses Interesse lange Zeit durch die Verpflichtung des Mediums auf Schwarzweiß und Silber hervorgetan, das die farbenfrohe Vorstellungswelt der orientalistischen Malerei neu erfunden hat. Doch auch wenn es heute keine Pflicht mehr ist, bleibt es eine wohlüberlegte Entscheidung.

Der amerikanische Fotograf Ralph Gibson richtet seinen Blick mit grafisch anspruchsvollen Kompositionen auf das offene Meer, eine Ode an die Freiheit der Reisenden. Und diese Reisenden werden sich in den Arbeiten des italienischen Künstlers Renato D'Agostin wiedererkennen, den Thierry Bigaignon zuvor als "geborenen Entdecker" bezeichnet hatte. Sein gesamtes Werk verkörpert die Bewegung in die Ferne, die mit dem Auto, dem Flugzeug, dem Fahrrad oder zu Fuß erfolgt. Die Qualität seiner Abzüge, die von kleinen bis zu sehr großen Formaten reichen, sublimieren seinen Blick mit einer wilden Eleganz. In seiner Serie Anamnésis lädt der Fotograf Thierry Urbain seinerseits dazu ein, seine eigene Erfahrung der Verlorenheit zu machen. Er zeigt Ansichten von mediterranen Landschaften, die von Menschen verlassen sind und an unberührte Oasen erinnern.

Während eine Reise nach Italien in der künstlerischen Ausbildung lange Zeit obligatorisch war, blieben die Landschaften der Halbinsel Musen. So lädt die italienische Künstlerin Vittoria Gerardi zu einer Entdeckungsreise ein, wobei das Anderswo durch die üppige Natur Vesuvias suggeriert wird, wenn nicht gar durch die Weite des amerikanischen Death Valley. Der Schriftsteller Jack Kerouac aus Massachusetts sagte: "The road is life" (Die Straße ist das Leben), und auch die Expedition nach Übersee ist eine unerschöpfliche Inspirationsquelle. In ständigem Dialog mit seinen Gedanken inszeniert der französische Künstler Rémi Noël seine Fotografien zwischen Realität und Imagination auf den amerikanischen Straßen.

Die ausgewählten Werke des New Yorker Fotografen Harold Feinstein, dem das Centre de la Photographie in Mougins bis zum 8. Oktober 2023 eine große Retrospektive widmet, zeichnen ihrerseits ein intimes Porträt einer ganz anderen Seite Amerikas. Es ist New York im Sommer, das eingefangen wird, für viele ein Traumziel, für andere eine alltägliche Sommerumgebung, die Zeit für Erkundungen aus der Nähe bietet.

Während die Fotografien eine Zeit lang kritisiert werden konnten, weil sie die Spontaneität des Reisens entzauberten, zeugt die Vielfalt dieser Werke davon, dass das Streben nach Freiheit, das sie weiterhin verkörpern, dennoch immer noch eine wichtige Rolle spielt. Für die Betrachter geht die Reise über die Bewegung im Raum hinaus: Sie kann aus der Erfahrung des Kunstwerks entstehen.

Pas de trêve estivale pour la galerie Bigaignon qui laisse ses portes ouvertes tout l’été, avec une exposition centrée autour du voyage. Du 15 juillet au 29 août 2023, l’exposition « Voyages en Noir & Blanc » présente les travaux de six artistes représentés ou soutenus par la galerie dans un accrochage estival inédit, éloge de la curiosité d’horizons pluriels. Une exposition assortie d’une sélection de beaux livres autour du voyage et d’un concert acoustique de l’artiste Epsilon en guise de finissage.

La représentation du voyage est l’objet d’un intérêt artistique de longue date. Interrogeant la relation à l’espace physique tout comme à celui mental et géographique, le regard sur l’ailleurs se fait tour à tour occasion d’évasion, projection de soi-même, étude savante, ou preuve de curiosité. En photographie, cet intérêt s’est longtemps démarqué par une obligation du medium au noir et blanc à l’argentique, qui a su réinventer l’imaginaire coloré de la peinture orientaliste. Mais s’il n’est plus aujourd’hui une obligation, il reste un choix réfléchi.

Le photographe américain Ralph Gibson porte ainsi son regard sur le large par des compositions graphiquement recherchées, ode à la liberté des voyageurs. Et ces voyageurs se reconnaîtront dans le travail de l’artiste italien Renato D’Agostin, précédemment qualifié « d’explorateur-né » par Thierry Bigaignon. Toute son oeuvre incarne en effet le mouvement vers le lointain, passant par la voiture, l’avion, le vélo ou la marche à pied. La qualité de ses tirages par ailleurs, du petit au très grand format, sublime son regard avec une folle élégance. Dans sa série Anamnésis, le photographe Thierry Urbain invite pour sa part à réaliser sa propre expérience de l’égarement. Il présente des vues d’étendues méditerranéennes désertées de vadrouille humaine, évocations d’oasis intouchées.

Alors que le voyage en Italie a longtemps été obligatoire dans l’apprentissage artistique, les paysages de la péninsule sont restés muses. L’artiste italienne Vittoria Gerardi invite ainsi au voyage explorateur, l’ailleurs suggéré par la nature luxuriante vésuvienne, quand ce n’est pas par l’étendue de la vallée de la mort américaine. L’expédition outre-atlantique est en effet elle aussi source d’inspiration intarissable.Selon l’écrivain du Massachusetts Jack Kerouac, « the road is life ». C’est en dialogue constant avec sa pensée que l’artiste français Rémi Noël met en scène ses photographies, entre réel et imaginaire, sur les routes américaines.

Enfin, les oeuvres sélectionnées du photographe new-yorkais Harold Feinstein, dont le Centre de la Photographie à Mougins consacre une grande rétrospective jusqu’au 8 octobre 2023, dressent quant à elles le portrait intime d’une toute autre face de l’Amérique. C’est New York en été qui est capturé, destination rêvée par beaucoup, cadre estival quotidien pour d’autres, le temps d’explorations de proximité.

Alors que les photographies ont pu un temps être critiquées comme désenchantant la spontanéité du voyage, la diversité de ces oeuvres témoigne de la place pourtant toujours prépondérante de la quête de liberté qu’elles continuent à incarner. Pour les spectateurs, le voyage dépasse le déplacement dans l’espace : il sait naître de l’expérience de l’oeuvre.

Non c'è pausa estiva per la Galerie Bigaignon, che tiene aperte le porte per tutta l'estate con una mostra incentrata sul viaggio. Dal 15 luglio al 29 agosto 2023, la mostra "Voyages en Noir & Blanc" presenta le opere di sei artisti rappresentati o sostenuti dalla galleria in un'originale esposizione estiva, un omaggio alla curiosità di molteplici orizzonti. La mostra è accompagnata da una selezione di libri sul tema del viaggio e da un concerto acustico dell'artista Epsilon.

La rappresentazione del viaggio è da tempo oggetto di interesse artistico. Interrogandosi sul rapporto con lo spazio fisico, mentale e geografico, lo sguardo sull'altro lato del mondo è a sua volta un'occasione di evasione, una proiezione di se stessi, uno studio o una dimostrazione di curiosità. In fotografia, questo interesse è stato a lungo caratterizzato dalla necessità di utilizzare il mezzo della pellicola in bianco e nero, che ha reinventato l'immaginario colorato della pittura orientalista. Ma se oggi non è più un obbligo, rimane una scelta consapevole.

Le composizioni graficamente sofisticate del fotografo americano Ralph Gibson sono un'ode alla libertà dei viaggiatori. E questi viaggiatori si riconosceranno nell'opera dell'artista italiano Renato D'Agostin, già descritto da Thierry Bigaignon come un "esploratore nato". Tutte le sue opere incarnano il movimento verso il lontano, in auto, in aereo, in bicicletta o a piedi. La qualità delle sue stampe, dal piccolo al grandissimo formato, sublima il suo sguardo con un'eleganza selvaggia. Nella serie Anamnésis, il fotografo Thierry Urbain ci invita a sperimentare il nostro stesso senso di vagabondaggio. Presenta vedute di distese mediterranee abbandonate dai vagabondi umani, evocative di oasi incontaminate.

Se i viaggi in Italia sono stati a lungo una parte obbligatoria della formazione artistica, i paesaggi della penisola sono rimasti delle muse. L'artista italiana Vittoria Gerardi ci invita a un viaggio di esplorazione, l'altrove suggerito dalla natura rigogliosa del Vesuvio, quando non dalla distesa della Death Valley americana. Per dirla con le parole dello scrittore del Massachusetts Jack Kerouac, "la strada è vita". È in costante dialogo con il suo pensiero che l'artista francese Rémi Noël mette in scena le sue fotografie, tra reale e immaginario, sulle strade americane.

Infine, le opere selezionate del fotografo newyorkese Harold Feinstein, la cui grande retrospettiva al Centre de la Photographie di Mougins durerà fino all'8 ottobre 2023, dipingono un ritratto intimo di un lato molto diverso dell'America. È New York d'estate a essere immortalata, una destinazione da sogno per molti, uno scenario estivo quotidiano per altri, un momento di esplorazione ravvicinata.

Sebbene le fotografie siano state criticate per aver disincantato la spontaneità del viaggio, la diversità di queste opere testimonia la continua importanza della ricerca della libertà che esse continuano a incarnare. Per lo spettatore, il viaggio è molto più che uno spostamento nello spazio: si tratta di sperimentare l'opera stessa.

There's no summer break for Galerie Bigaignon, which is keeping its doors open all summer long with an exhibition centered on travel. From July 15 to August 29, 2023, the exhibition "Voyages en Noir & Blanc" presents the work of six artists represented or supported by the gallery in an original summer display, in praise of the curiosity of plural horizons. The exhibition is accompanied by a selection of fine books on the theme of travel, and an acoustic concert by the artist Epsilon at the end of the show.

The representation of travel has long been a subject of artistic interest. Questioning the relationship to physical space as well as to mental and geographical space, the gaze on the other world is in turn an opportunity to escape, a projection of oneself, a scholarly study, or proof of curiosity. In photography, this interest has long been distinguished by the medium's obligation to black and white argentic photography, which reinvented the colorful imaginary of orientalist painting. But while it is no longer an obligation, it remains a conscious choice.

American photographer Ralph Gibson's graphically sophisticated compositions are an ode to the freedom of travelers. And these travelers will recognize themselves in the work of Italian artist Renato D'Agostin, previously described by Thierry Bigaignon as a "born explorer". All his work embodies the movement towards the distant, by car, plane, bicycle or on foot. The quality of his prints, from small to very large format, sublimates his gaze with unbridled elegance. In his Anamnésis series, photographer Thierry Urbain invites us to experience our own wandering. He presents views of Mediterranean expanses deserted by human wanderers, evocative of untouched oases.

While travel to Italy has long been a compulsory part of artistic training, the peninsula's landscapes have remained muses. Italian artist Vittoria Gerardi invites us on an exploratory journey, the elsewhere suggested by lush Vesuvian nature, when not by the expanse of America's Death Valley. In the words of Massachusetts writer Jack Kerouac, "the road is life". It is in constant dialogue with his thought that French artist Rémi Noël stages his photographs, between the real and the imaginary, on American roads.

Finally, selected works by New York photographer Harold Feinstein, whose major retrospective at the Centre de la Photographie in Mougins runs until October 8, 2023, paint an intimate portrait of a very different side of America. New York in summer is captured, a dream destination for many, an everyday summer setting for others, a time for close-up explorations.

While the photographs were once criticized for disenchanting the spontaneity of travel, the diversity of these works testifies to the still-preponderant place of the quest for freedom that they continue to embody. For viewers, the journey goes beyond spatial displacement: it is born of the experience of the work.

(Text: Bigaignon, Paris)