D21 Kunstraum | Leipzig
4. April – 16. Juni 2024

Flucht in die Öffentlichkeit

Ion Grigorescu, Sanja Iveković, Zbigniew Libera, Martha Rosler, Aykan Safoğlu, Jo Spence und Terry Dennett, Gabriele Stötzer und der Künstlerinnengruppe Erfurt

Die Ausstellung findet im Rahmen des f/stop — Festival für Fotografie Leipzig statt.

Die Prologausstellung versammelt acht größtenteils historische Positionen aus unterschiedlichen Zeitlichkeiten und politischen Zusammenhängen und ist das „Vorkapitel“ zum Ausstellungsparcours der 10. Ausgabe des f/stop – Festival für Fotografie Leipzig. Allen künstlerischen Arbeiten gemeinsam ist der Einsatz der Kamera als widerständiges Mittel, mit dem unangepasste oder ausgeschlossene Gemeinschaften und ihre internen, solidarischen Strukturen beschrieben werden. Fotografie und Film werden als künstlerisches Medium eingesetzt, aber auch als ein konfliktbeladenes Machtinstrument verstanden, dessen Verwendung Teil von politischen Aushandlungsprozessen ist.

Ausgangspunkt der Prologausstellung des Festivals ist die Arbeit der Künstlerin Gabriele Stötzer sowie der 1984 gegründeten Künstlerinnengruppe Erfurt. Für sie war die Flucht in die Öffentlichkeit eine Strategie, um der kontinuierlichen „Zersetzung“ kritischer Gemeinschaften durch die Stasi entgegenzutreten. Statt sich nur auf die Arbeit im Verborgenen zu beschränken, wurden Ausstellungen und Veranstaltungen öffentlich beworben und durchgeführt – staatliche Repressionen mussten sich demnach ebenso enttarnen wie die Kunst selbst. Der Zusammenschluss aus Personen ähnlicher Überzeugung war es auch, der aus staatlicher Perspektive als Bedrohung empfunden wurde – eine Bestätigung des Gefühls, dass der Gemeinschaft ein größerer Handlungsspielraum zur Verfügung stand als der Summe von Individuen.

Neben Gabriele Stötzer und der Künstlerinnengruppe Erfurt werden Arbeiten von Martha Rosler, Jo Spence und Terry Dennett, Sanja Iveković, Zbigniew Libera und Ion Grigorescu ausgestellt. Sie alle teilen das Verlangen, ihren Blick auf die Gesellschaft und ihre künstlerische Überzeugung zu einer Zeit Ausdruck zu verleihen, in der ihre Stimme nicht gehört oder sogar verboten wurde. Dabei entfalten Fotografie und Film eine emanzipatorische Kraft und nehmen innerhalb der bildenden Kunst eine wesentliche Rolle als Medium des selbstbestimmten Ausdrucks ein. Eine Videoarbeit von Aykan Safoğlu schlägt eine Brücke zu aktuellen künstlerischen Praktiken und zeigt, wie sich durch archivarische und fürsorgliche Praxis imaginierte Gruppen und intellektuelle Verbündete bilden lassen, die weniger durch ihre körperliche Anwesenheit als vielmehr durch ihren virtuellen Zusammenhalt eine gesellschaftliche Präsenz erreichen.

L'exposition prologue rassemble huit positions, pour la plupart historiques, issues de différentes temporalités et de différents contextes politiques et constitue le "chapitre préliminaire" au parcours d'exposition de la 10e édition du f/stop - Festival de photographie de Leipzig. Tous les travaux artistiques ont en commun l'utilisation de la caméra comme moyen de résistance, permettant de décrire des communautés inadaptées ou exclues et leurs structures internes solidaires. La photographie et le film sont utilisés comme médium artistique, mais sont également considérés comme un instrument de pouvoir chargé de conflits instrument de pouvoir, dont l'utilisation fait partie des processus de négociation politique.

Le point de départ de l'exposition prologue du festival est le travail de l'artiste Gabriele Stötzer ainsi que du groupe de femmes artistes d'Erfurt, fondé en 1984. Pour elles, la fuite vers le public était une stratégie pour contrer le "démantèlement" continu des communautés critiques par la Stasi. Au lieu de se limiter à travailler dans l'ombre, les expositions et les manifestations étaient annoncées et organisées publiquement - la répression étatique devait donc se démasquer au même titre que l'art lui-même. C'est également le regroupement de personnes aux convictions similaires qui était perçu comme une menace du point de vue de l'État - une confirmation du sentiment que la communauté disposait d'une plus grande marge de manœuvre que la somme des individus.

Outre Gabriele Stötzer et le groupe d'artistes féminins d'Erfurt, des œuvres de Martha Rosler, Jo Spence et Terry Dennett, Sanja Iveković, Zbigniew Libera et Ion Grigorescu seront exposées. Tous partagent le désir d'exprimer leur regard sur la société et leurs convictions artistiques à une époque où leur voix n'était pas entendue, voire interdite. Dans ce contexte, la photographie et le film déploient une force émancipatrice et jouent un rôle essentiel au sein des arts visuels en tant que moyen d'expression autodéterminé. Un travail vidéo d'Aykan Safoğlu jette un pont vers les pratiques artistiques actuelles et montre comment la pratique archivistique et attentionnée permet de former des groupes imaginés et des alliés intellectuels qui atteignent une présence sociale moins par leur présence physique que par leur cohésion virtuelle.

La mostra prologo riunisce otto posizioni per lo più storiche provenienti da diverse temporalità e contesti politici e costituisce il "pre-capitolo" del programma espositivo della decima edizione del f/stop - Festival für Fotografie Leipzig. Ciò che accomuna tutte le opere artistiche è l'uso della macchina fotografica come mezzo di resistenza, con cui vengono descritte comunità non conformiste o escluse e le loro strutture interne e solidali. La fotografia e il cinema sono utilizzati come mezzo artistico, ma sono anche intesi come strumento di potere carico di conflitti strumento di potere, il cui uso è parte dei processi di negoziazione politica.

Il punto di partenza della mostra prologo del festival è il lavoro dell'artista Gabriele Stötzer e del gruppo di artiste di Erfurt fondato nel 1984. Per loro la fuga nella sfera pubblica era una strategia per contrastare la continua "decomposizione" delle comunità critiche da parte della Stasi. Invece di limitarsi a lavorare in segreto, le mostre e gli eventi venivano pubblicizzati e organizzati in pubblico: la repressione statale doveva essere esposta tanto quanto l'arte stessa. Anche l'associazione di persone con convinzioni simili era percepita come una minaccia dal punto di vista dello Stato, a conferma della sensazione che la comunità avesse un margine di manovra maggiore rispetto alla somma dei singoli individui.

Oltre a Gabriele Stötzer e al gruppo di artisti di Erfurt, saranno esposte opere di Martha Rosler, Jo Spence e Terry Dennett, Sanja Iveković, Zbigniew Libera e Ion Grigorescu. Tutti condividono il desiderio di esprimere il loro punto di vista sulla società e le loro convinzioni artistiche in un'epoca in cui le loro voci non erano ascoltate o addirittura vietate. La fotografia e il cinema dispiegano un potere emancipatorio e svolgono un ruolo essenziale nell'ambito delle arti visive come mezzo di espressione autodeterminato. Un'opera video di Aykan Safoğlu getta un ponte verso le pratiche artistiche attuali e mostra come le pratiche di archiviazione e di cura possano essere utilizzate per formare gruppi immaginari e alleati intellettuali che ottengono una presenza sociale non tanto attraverso la loro presenza fisica quanto attraverso la loro coesione virtuale.

The prologue exhibition brings together eight mostly historical positions from different temporalities and political contexts and is the "pre-chapter" to the exhibition parcours of the 10th edition of the f/stop - Festival for Photography Leipzig. What all the artistic works have in common is the use of the camera as a means of resistance, with which non-conformist or excluded communities and their internal structures of solidarity are described. Photography and film are used as an artistic medium, but are also understood as a conflict-laden instrument of power instrument of power, the use of which is part of political negotiation processes.

The starting point of the festival's prologue exhibition is the work of the artist Gabriele Stötzer and the Erfurt group of female artists founded in 1984. For them, escaping into the public sphere was a strategy to counter the continuous "decomposition" of critical communities by the Stasi. Instead of limiting themselves to working in secret, exhibitions and events were advertised and held in public - state repression had to be exposed as much as the art itself. It was also the association of people of similar convictions that was perceived as a threat from the state's perspective - a confirmation of the feeling that the community had a greater scope for action than the sum of individuals.

In addition to Gabriele Stötzer and the Erfurt artists' group, works by Martha Rosler, Jo Spence and Terry Dennett, Sanja Iveković, Zbigniew Libera and Ion Grigorescu will be exhibited. They all share the desire to express their view of society and their artistic convictions at a time when their voices were not heard or were even banned. Photography and film unfold an emancipatory power and play an essential role within the visual arts as a medium of self-determined expression. A video work by Aykan Safoğlu builds a bridge to current artistic practices and shows how archival and caring practices can be used to form imagined groups and intellectual allies that achieve a social presence less through their physical presence than through their virtual cohesion.

(Text: f/stop — Festival für Fotografie Leipzig)

HANGAR Photo Art Center | Brussels
26. Januar – 23. März 2024

Generations of Resilience - 22 Ukrainian photographers

Anastasia Baklazhko, Valentyna Bilousova, Lisa Bukreyeva, Alexander Chekmenev, Diana Danyliuk, Maxim Dondyuk, Igor Efimov, Viktor & Sergiy Kochetov, Olia Koval, Vladyslav Krasnoshchok, Sasha Kurmaz, Volodymyr Mateichuk, Tim Melnikov, Boris Mikhailov, Krystyna Novykova, Mykhaylo Palinchak, Yevgeniy Pavlov, Volodymyr Shapiro, Sergiy Solonsky, Elena Subach, Oleksandr Suprun, Daria Svertilova

Die Ausstellung findet im Rahem der 8. Edition des PhotoBrussels Festivals statt.

Die Ausstellung zeigt die Herausforderungen, denen sich mehrere Generationen ukrainischer Fotografen stellen mussten. Zyklische Prozesse, historische Ereignisse und Einheit lassen die Grenzen zwischen diesen Generationen verschwinden. Die Sammlung von Fotos aus den 1970er Jahren bis heute, von Boris Mikhailov bis zu jungen aufstrebenden Fotografen, unterstreicht den spiralförmigen Charakter des Kampfes um die Unabhängigkeit und die demokratische Entwicklung der Ukraine. Die Geschichte der Ukraine ist ein Kampf um die Zukunft, der sich über Generationen fortsetzt. Hier werden Fotografie und Kunst zu einer der wichtigsten Methoden, um Veränderungen aufzuzeichnen und zu archivieren, und zu einer der Möglichkeiten, im Krieg zu kämpfen und sich der Kolonialpolitik zu widersetzen. - Kateryna Radchenko

Ausstellung ko-kuratiert von Hangar Team & Kateryna Radchenko

L'exposition montre les défis auxquels sont confrontées plusieurs générations de photographes ukrainiens. Les processus cycliques, les événements historiques et l'unité effacent la frontière entre ces générations. La collection de photos des années 1970 à nos jours, de Boris Mikhailov aux jeunes photographes émergents, souligne la nature en spirale de la lutte pour l'indépendance et le développement démocratique de l'Ukraine. L'histoire de l'Ukraine est une lutte pour l'avenir, qui se poursuit à travers les générations. La photographie et l'art deviennent alors l'une des principales méthodes d'enregistrement et d'archivage des changements et l'un des moyens de combattre dans la guerre et de résister à la politique coloniale. - Kateryna Radchenko

Exposition organisée conjointement par Hangar Team et Kateryna Radchenko.

La mostra mostra le sfide affrontate da diverse generazioni di fotografi ucraini. Processi ciclici, eventi storici e unità cancellano il confine tra queste generazioni. La raccolta di foto dagli anni Settanta a oggi, da Boris Mikhailov ai giovani fotografi emergenti, sottolinea la natura a spirale della lotta per l'indipendenza e lo sviluppo democratico dell'Ucraina. La storia dell'Ucraina è una lotta per il futuro che continua attraverso le generazioni. Qui la fotografia e l'arte diventano uno dei metodi principali per registrare e archiviare i cambiamenti e uno dei modi per combattere la guerra e resistere alla politica coloniale. - Kateryna Radchenko

Mostra co-curata da Hangar Team e Kateryna Radchenko

The exhibition shows the challenges, faced by several generations of Ukrainian photographers. Cyclical processes, historical events and unity erase the borderline between these generations. The collection of photos from the 1970s to present, from Boris Mikhailov to young emerging photographers, emphasises the spiral nature of the struggle for Ukraine’s independence and democratic development. The history of Ukraine is a struggle for the future, which continues through generations. Here photography and art become one of the main methods to record and archive changes and one of the ways to fight in the war and resist colonial policy. - Kateryna Radchenko

Exhibition co-curated by Hangar Team & Kateryna Radchenko

(Text: Hangar Photo Art Center, Brussels)

Galerie Rachel Hardouin | Paris
12. Oktober – 18. November 2023

et s’éblouir
Dan Aucante, Christine Delory-Momberger, Irène Jonas, Estelle Lagarde, Laure Pubert, Michaël Serfaty

Die Ausstellung findet im Rahmen der Rencontres photographique du 10e statt.

...et s'éblouir... ist eine Ausstellung, die von der Galerie Rachel Hardouin und der Agentur révélateur organisiert wird. Sie vereint die sechs Autorinnen und Autoren, die letztere begleitet und vertritt. Kuratiert wird sie von Rachel Hardouin und Olivier Bourgoin, dem Leiter der Agentur révélateur. Die Ausstellung wurde in einer verkleinerten Version in der Eröffnungswoche der Rencontres de la Photographie d'Arles gezeigt und von der Fontaine Obscure unterstützt.

"Diese Gruppenausstellung befasst sich mit der Blendung, dem Moment, in dem jeder Fotograf in ein Licht, ein Staunen eingetaucht ist, sei es innerlich, äußerlich oder gleichzeitig mit beiden. Unterschwellig lädt sie uns auch dazu ein, unsere eigenen Blendungen zu betrachten. Mit diesen sechs Vorschlägen kann man sich blenden lassen. Die von Rachel Hardouin und Olivier Bourgoin getroffenen fotografischen Auswahlen bieten ebenso viele Möglichkeiten, das Licht, das in jedem von uns oder in jedem der Fotografen steckt, wenn nicht zu verstehen, so doch zumindest zu begreifen.

Obwohl die Bildwelten der einen und der anderen unabhängig voneinander sind, ergibt sich dennoch ein formaler und sinnlicher Zusammenhalt aus diesem Ensemble. Der Geist navigiert, schweift ab, entflieht und verbindet sich. Das Licht ist da, das Licht, das wir in uns tragen, das Licht, das uns die Künstler schenken. Man muss darin eintauchen, ihm folgen, ohne zu versuchen, ihm einen bestimmten Sinn zu geben. Vielleicht ist es das, sich blenden zu lassen? Diese Fähigkeit, über das hinauszugehen, was ist, und sich eine Welt inmitten der Welt zu erfinden.

In einer Zeit, in der die Magie in unserem Leben praktisch abwesend ist, in der die Virtualität die Menschen dazu verurteilt, nicht mehr miteinander zu sprechen, sich zu kennen, sich zu verbinden, ...und sich zu blenden... wirkt wie ein Moment der Gnade. Diese Momente der Gemeinschaft, des Teilens, des Miteinanders, in denen die Künstler und das Publikum mehr tun als nur zu zeigen und zu schauen, sind selten geworden. Es geht also darum, sie zu nutzen, die Gelegenheit zu ergreifen, die uns gegeben wird, um etwas anderes aufzubauen, selbst wenn es nur für kurze Zeit ist.

Träumen wir, staunen wir über unser Leben, die Bilder und die Kunst. Reisen wir in diese ungleichen und ineinandergreifenden Universen. Lassen wir uns für einen Moment wieder in Erstaunen versetzen...".

…et s’éblouir… est une exposition proposée par la Galerie Rachel Hardouin et l’agence révélateur. Elle réunit les six autrices et auteurs que cette dernière accompagne et représente. Le commissariat est assuré par Rachel Hardouin et Olivier Bourgoin, directeur de l’agence révélateur. L’exposition, dans une version réduite, a été présentée lors de la semaine d’ouverture des Rencontres de la Photographie d’Arles, avec le concours de la Fontaine Obscure.

« Cette exposition collective s’interroge sur l’éblouissement, ce moment où chacun.e des photographes a plongé vers une lumière, un émerveillement qu’il soit interne, externe ou concomitant aux deux. Elle nous invite aussi, de manière sous-jacente, à considérer nos propres éblouissements. Avec ces six propositions, il y a matière à être ébloui. Les sélections photographiques opérées par Rachel Hardouin et Olivier Bourgoin offrent autant de manières, si ce n’est de comprendre cette lumière qui se niche en chacun de nous ou en chacun.e des photographes, au moins de l’appréhender.

Alors que les univers picturaux des un.e.s et des autres sont indépendants, il ressort pourtant une cohésion à la fois formelle et de sens de cet ensemble. L’esprit navigue, divague, s’évade et se rejoint. La lumière est là, celle que nous portons en nous, celle que nous offrent les artistes. Il faut s’y plonger, la suivre, sans chercher à lui donner un sens précis. C’est peut-être ça s’éblouir ? Cette capacité à aller au-delà de ce qui est, à s’inventer un monde au sein du monde.

A une époque où la magie est quasi absente de nos existences, où le virtuel condamne les humains à ne plus se parler, se connaître, se relier, …et s’éblouir… fait figure de moment de grâce. Ils sont devenus rares ces moments de communions, de partages, d’en-commun où les artistes et le public font plus que montrer et regarder. Alors, il s’agit d’en profiter, de saisir cette opportunité qui nous est donnée de construire autre chose, même pour un temps court.

Rêvons, émerveillons-nous de nos vies, des images, de l’Art. Voyageons dans ces univers dissemblables et imbriqués. Redevenons, un moment, éblouis… »

...et s'éblouir... è una mostra organizzata dalla Galerie Rachel Hardouin e dall'agence révélateur. Riunisce i sei autori che l'agenzia accompagna e rappresenta. La mostra è curata da Rachel Hardouin e Olivier Bourgoin, direttore dell'agence révélateur. Una versione ridotta della mostra è stata presentata durante la settimana di apertura dei Rencontres de la Photographie d'Arles, con il sostegno della Fontaine Obscure.

"Questa mostra collettiva guarda all'abbagliamento, al momento in cui ciascuno dei fotografi si immerge in una luce, in una meraviglia, che sia interna, esterna o entrambe. Ci invita anche, in modo sottinteso, a considerare il nostro stesso abbagliamento. Con queste sei proposte, c'è molto da rimanere abbagliati. Le selezioni fotografiche di Rachel Hardouin e Olivier Bourgoin offrono tanti modi, se non di capire la luce che si annida in ognuno di noi o in ognuno dei fotografi, almeno di apprezzarla.

Sebbene gli universi pittorici di ciascuno degli artisti siano indipendenti, ciò che emerge è una coesione sia di forma che di significato. La mente naviga, vaga, fugge e si incontra. La luce è lì, la luce che portiamo dentro di noi, la luce che gli artisti ci offrono. Bisogna immergersi in essa, seguirla, senza cercare di darle un significato preciso. Forse è questo il senso dell'abbagliamento? Questa capacità di andare oltre ciò che è, di inventare un mondo nel mondo.

In un'epoca in cui la magia è quasi assente dalle nostre vite, in cui il virtuale condanna gli esseri umani a non parlarsi più, a non conoscersi, a non connettersi... essere abbagliati... è come un momento di grazia. Questi momenti di comunione, condivisione e unione, in cui gli artisti e il pubblico non si limitano a mostrare e guardare, sono diventati rari. Allora approfittiamone, cogliamo l'opportunità di costruire qualcosa di diverso, anche solo per un breve periodo.

Sogniamo, stupiamoci delle nostre vite, delle nostre immagini, della nostra arte. Viaggiamo attraverso questi mondi diversi e intrecciati. Diventiamo, per un momento, di nuovo abbagliati...".

...et s'éblouir... is an exhibition presented by Galerie Rachel Hardouin and agence révélateur. It brings together the six authors that the latter accompanies and represents. The exhibition is curated by Rachel Hardouin and Olivier Bourgoin, director of agence révélateur. A reduced version of the exhibition was presented during the opening week of the Rencontres de la Photographie d'Arles, with the support of La Fontaine Obscure.

"This group show looks at dazzlement, the moment when each of the photographers plunged into a light, a wonder, whether internal, external or concomitant with both. It also invites us, in an underlying way, to consider our own dazzling. With these six propositions, there's plenty to be dazzled by. The photographic selections by Rachel Hardouin and Olivier Bourgoin offer so many ways, if not of understanding the light that nestles in each of us or in each of the photographers, at least of apprehending it.

While the pictorial universes of each artist are independent of the others, a cohesion of both form and meaning emerges from this ensemble. The mind sails, wanders, escapes and comes together. The light is there, the light we carry within us, the light the artists offer us. We must immerse ourselves in it, follow it, without trying to give it a precise meaning. Is that what dazzling is all about? The ability to go beyond what is, to invent a world within the world.

At a time when magic is all but absent from our lives, when the virtual condemns human beings to no longer speak to each other, get to know each other, connect with each other... and to be dazzled... is a moment of grace. These moments of communion, of sharing, of en-community, where artists and audiences do more than just show and watch, have become rare. So let's make the most of them, seize this opportunity to build something else, even if only for a short time.

Let's dream, let's marvel at our lives, our images, our art. Let's travel through these dissimilar and intertwined universes. Let's become, for a moment, dazzled again... "

(Text: Frédéric Martin, photographe, auteur et critique)

Fondation Manuel-Rivera-Ortiz | Arles
3. Juli - 24. September 2023

Grow Up

Pepe Atocha, Teo Belton et Florence Goupil, Thomas Brasey, Steph Cop et Bálint Pörneczi, Céline Croze, Mathias De Lattre, José Diniz, Arguiñe Escandón et Yann Gross, Nicolas Henry, Andrea Hernández Briceño, Samir Laghouati-Rashwan, Marc Lathuillère, Gabriel Moraes, Mads Nissen, Tommaso Protti, Antoine Renard, Cheng-Tang Hsu, Che-Hsi Kuo, Chuan-Lun Wu, Verdiana Albano, Isabelle Chapuis, Philippine Schaefer, LesAssociés, Docks Collective, fiVe collective

Die Ausstellung findet im Rahmen der Rencontres de la photographie statt.

Grow Up ist ein Ausstellungsprogramm, das die Bewegung von Pflanzen auf der ganzen Welt aus verschiedenen Blickwinkeln beleuchtet. Die rund zwanzig Künstler sind in Süd- und Mittelamerika sowie in Taiwan verankert, wo sie die Wiege der Biodiversität und der Umweltspannungen sind.

Jeder Fokus stellt die Beziehung zwischen Pflanzen und Menschen in den Vordergrund und erforscht die lokalen Beziehungen eines Gebietes, aber auch die internationalen. Diese geografische Ebene durchzieht politische, soziale, ökologische und postkolonialistische Erzählungen und Fragen. Vom Amazonas über Costa Rica bis nach Taiwan kreuzen sich die Projekte mit den Hauptpflanzen, dem Schamanismus, den Drogen, aber auch mit der sensiblen Erforschung eines Territoriums.

Diese Beziehung zu den Pflanzen ist zentral, sie sind heilig und stehen im Zentrum der lokalen Kulturen und Glaubensrichtungen. Grow up möchte das Bewusstsein für unsere Beziehung zum Lebendigen kultivieren und wachsen lassen. Fotohaus ist eingeladen, dieses Programm mit Nature et Société zu verlängern.

Künstlerische Leitung: Florent Basiletti
Eingeladene Kuratoren/innen : Pascal Beausse, Christel Boget, Meg Chang, Ioana Mello, Klaus Kehrer

Grow Up est un programme d’expositions, proposant des regards croisés sur le mouvement des plantes à travers le monde. Berceau de la biodiversité et des tensions environnementales, la vingtaine d’artistes ont un ancrage géographique en Amérique du Sud, Amérique Central ou encore à Taïwan.

Chaque focus met en avant la relation entre les plantes et l’Homme, explorant les relations locales d’un territoire mais aussi internationales. Cette échelle géographique traverse les récits et questions politiques, sociales, environnementales mais aussi les questions post colonialistes. De l’Amazonie, au Costa Rica, jusqu’à Taïwan, les projets croisent les plantes maîtresses, le chamanisme, la drogue mais aussi l’exploration sensible d’un territoire.

Cette relation aux plantes est centrale, elles sont sacrées et au coeur des cultures et croyances locales, Grow up souhaite cultiver et faire grandir les consciences sur notre rapport au vivant. Fotohaus est invité à prolonger ce programme avec Nature et Société.

Direction artistique : Florent Basiletti
Commissaires invité.e.s : Pascal Beausse, Christel Boget, Meg Chang, Ioana Mello, Klaus Kehrer

Grow Up è un programma di mostre che analizza in modo interdisciplinare il movimento delle piante nel mondo. Culla di biodiversità e di tensioni ambientali, la ventina di artisti ha sede in Sud America, America Centrale e Taiwan.

Ciascuna mostra mette in evidenza il rapporto tra piante ed esseri umani, esplorando relazioni locali e internazionali. Questa scala geografica attraversa narrazioni e questioni politiche, sociali e ambientali, nonché questioni post-coloniali. Dall'Amazzonia, al Costa Rica, a Taiwan, i progetti attraversano piante maestre, sciamanesimo, droghe, ma anche l'esplorazione sensibile di un territorio.

Il rapporto con le piante è centrale, in quanto sacre e al centro delle culture e delle credenze locali. Grow up mira a coltivare e sensibilizzare la nostra relazione con gli esseri viventi. Fotohaus è stata invitata a estendere questo programma con Nature et Société.

Direttore artistico: Florent Basiletti
Curatori ospiti: Pascal Beausse, Christel Boget, Meg Chang, Ioana Mello, Klaus Kehrer

Grow Up is a programme of exhibitions, offering a cross-section of views on the movement of plants around the world. Cradle of biodiversity and environmental tensions, the twenty or so artists are based in South America, Central America and Taiwan.

Each focus highlights the relationship between plants and humans, exploring the local relationships of a territory but also international ones. This geographical scale cuts across political, social and environmental narratives and issues, as well as post-colonial issues. From the Amazon, to Costa Rica, to Taiwan, the projects cross master plants, shamanism, drugs but also the sensitive exploration of a territory.

This relation to plants is central, they are sacred and at the heart of local cultures and beliefs, Grow up wishes to cultivate and increase awareness of our relationship with living things. Fotohaus is invited to extend this programme with Nature et Société.

Art director: Florent Basiletti
Curators: Pascal Beausse, Christel Boget, Meg Chang, Ioana Mello, Klaus Kehrer

(Text: Florent Basiletti)

Musée Réattu | Arles
3. Juli - 24. September 2023

L'ésprit nomade
Jacques Léonard

Die Ausstellung findet im Rahmen der Rencontres de la photographie Arles statt.

Das Museum stellt in Zusammenarbeit mit der Stiftung Photographic Social Vision in Barcelona und dank der Großzügigkeit der Jacques-Leonard-Archive das in Frankreich wenig bekannte Werk von Jacques Léonard mit einer Auswahl von über 150 Bildern aus.

Seine Fotografien, die eine sehr humanistische Ader haben, geben das Stadtleben wieder: Straßen, Märkte, Feste, Vergnügungsparks, Sport, Messen, den Hafen und die von der Entwicklung des Tourismus geprägte Strandpromenade...

Seine Heirat mit Rosario Amaya, einer Zigeunerin aus dem Stadtteil Montjuïc, öffnete ihm die Türen zu ihrer Gemeinschaft. Mit dem Blick eines Familienmitglieds auf sie bilden seine Bilder eine der bedeutendsten Sammlungen über die Zigeunerkultur.

Die Ausstellung beleuchtet auch zwei außergewöhnliche Serien: Évadés (1943), eine Reportage über Franzosen, die vor dem Faschismus durch Spanien nach Afrika flohen, und La División Azul (1954), die die Rückkehr der Überlebenden der División Azul (45.000 Mann, die Franco zur Unterstützung der Nazi-Armee bei der Invasion Russlands schickte) nach Spanien dokumentiert.

Le musée expose, en partenariat avec la Fondation Photographic Social Vision de Barcelone et grâce à la générosité des Archives Jacques Léonard, le travail peu connu en France de Jacques Léonard, avec une sélection de plus de 150 images.

Ses photographies, d’une veine très humaniste, rendent compte de la vie citadine : rues, marchés, fêtes, parcs d’attractions, sport, foires, port et front de mer marqué par le développement du tourisme…

Son mariage avec Rosario Amaya, gitane du quartier de Montjuïc, lui ouvre les portes de sa communauté. Portant sur elle le regard d’un membre de la famille, ses images constituent l’une des collections les plus importantes sur la culture gitane.

L’exposition mettra aussi en lumière deux séries exceptionnelles : Évadés, de 1943, reportage sur le passage par l’Espagne de Français fuyant le fascisme pour embarquer vers l’Afrique ; La División Azul, de 1954, qui témoigne du retour en Espagne des survivants de la División Azul, 45 000 hommes envoyés par Franco en soutien à l’armée nazie dans l’invasion de la Russie.

In collaborazione con la Photographic Social Vision Foundation di Barcellona e grazie alla generosità dell'Archivio Jacques Léonard, il museo espone il lavoro di Jacques Léonard, poco conosciuto in Francia, con una selezione di oltre 150 immagini.

Le sue fotografie altamente umanistiche catturano la vita della città: le strade, i mercati, le feste, i parchi di divertimento, lo sport, le fiere, il porto e il lungomare segnati dallo sviluppo del turismo, ecc.

Il matrimonio con Rosario Amaya, una gitana del quartiere di Montjuïc, gli ha aperto le porte della sua comunità. Guardandola con gli occhi di un membro della famiglia, le sue immagini costituiscono una delle più importanti collezioni sulla cultura gitana.

La mostra metterà inoltre in evidenza due serie eccezionali: Evadés, del 1943, un reportage sul passaggio in Spagna dei francesi in fuga dal fascismo e diretti in Africa; e La División Azul, del 1954, che documenta il ritorno in Spagna dei sopravvissuti della División Azul, 45.000 uomini inviati da Franco a sostenere l'esercito nazista nell'invasione della Russia.

The museum is happy to exhibit, in partnership with the Fondation Photographic Social Vision of Barcelona and thanks to the generosity of the Jacques Léonard Archives, a selection of over 150 images by Jacques Léonard.

His photographs, highly humanist in tendency, record urban life: streets, markets, festivals, amusement parks, sports, fairs, port and waterfront marked by the development of tourism…

His marriage with Rosario Amaya, a Roma woman from the Montjuïc neighborhood, opened the doors of her community. Looking at her with the eyes of a family member, his images form one of the most important collections dealing with Roma culture.

The exhibition will also highlight two exceptional series: Escapees [Évadés], 1943, captures the passage through Spain of French people fleeing fascism to embark for Africa; The Blue Division [La División Azul], 1954, documents the return to Spain of the survivors of the División Azul, 45,000 men sent by Franco to support the Nazi army’s invasion of Russia.

(Text: Musée Réattu, Arles)

Musée Réattu | Arles
3. Juli - 24. September 2023

Portraits - Collection Florence et Damien Bachelot

Die Ausstellung findet im Rahmen der Rencontres de la photographie Arles statt.

Das Musée Réattu hat dank der Dynamik seiner Fotoabteilung schon immer enge Beziehungen zu Künstlern, Galeristen und Sammlern aus der ganzen Welt geknüpft. Doch zum ersten Mal in seiner Geschichte öffnet es seine Wände für eine Privatsammlung. Die Sammlung von Florence und Damien Bachelot umfasst fast tausend Werke. Sie legt großen Wert auf die Qualität und den historischen Wert der Abzüge und ist in der humanistischen, dokumentarischen und sozialen Fotografie von Anfang des 20.

Für die Bachelots ist das Sammeln ebenso ein Engagement für das Medium in all seiner Materialität und Einzigartigkeit wie die Unterstützung von Künstlern. Dies entspricht dem Ansatz des Réattu, das sich als erstes Kunstmuseum in Frankreich für die patrimoniale Dimension der Fotografie interessierte und gleichzeitig die Werke der Fotografen förderte.

Hundertzwanzig Werke wurden zum Thema Porträt ausgewählt. Sie sind in den ständigen Sammlungen zwischen Gemälden und Skulpturen zu sehen und zeichnen dann in den Räumen, die ganz der Sammlung Bachelot gewidmet sind, eine einzigartige Geschichte der Fotografie. Auf die großen amerikanischen Fotografen (Diane Arbus, Saul Leiter), die französischen Fotografen (Robert Doisneau, Brassaï) und die absoluten Ikonen - Young boy von Paul Strand, Lella von Édouard Boubat - folgen neuere Erwerbungen (Luc Delahaye, Laura Henno), die die Dynamik der Sammlung widerspiegeln, die heute stärker auf das zeitgenössische Kunstschaffen ausgerichtet ist.

Le musée Réattu, grâce au dynamisme de son département photographique, a toujours noué des liens étroits avec des artistes, galeristes et collectionneurs du monde entier. Mais pour la première fois de son histoire, il ouvre ses cimaises à une collection privée. Comptant près de mille œuvres, la collection Florence et Damien Bachelot, profondément attachée à la qualité et à la valeur historique des tirages, est ancrée dans la photographie humaniste, documentaire et sociale du début du XXe siècle à nos jours.

Pour les Bachelot, collectionner est autant un engagement en faveur du médium dans toute sa matérialité et sa singularité qu'un soutien aux artistes. Cette démarche fait écho à celle du Réattu, qui fut le premier musée d'art en France à s'intéresser à la dimension patrimoniale de la photographie, tout en promouvant l’œuvre des photographes.

Cent-vingt œuvres ont été sélectionnées sur le thème du portrait. Elles s'invitent dans les collections permanentes entre peintures et sculptures, puis, dans des salles entièrement consacrées à la collection Bachelot, dessinent une histoire singulière de la photographie. Aux grands photographes américains (Diane Arbus, Saul Leiter) français (Robert Doisneau, Brassaï) et aux icônes absolues – Young boy de Paul Strand, Lella d’Édouard Boubat – succèdent des acquisitions récentes (Luc Delahaye, Laura Henno) qui reflètent le dynamisme de la collection, aujourd'hui plus orientée vers la création contemporaine.

Grazie al suo dinamico dipartimento di fotografia, il Musée Réattu ha sempre stretto legami con artisti, galleristi e collezionisti di tutto il mondo. Ma per la prima volta nella sua storia, apre le porte a una collezione privata. Composta da quasi mille opere, la collezione di Florence e Damien Bachelot è profondamente impegnata nella qualità e nel valore storico delle sue stampe, ed è radicata nella fotografia umanistica, documentaria e sociale dall'inizio del XX secolo ai giorni nostri.

Per i Bachelot, il collezionismo è un impegno verso il mezzo fotografico in tutta la sua materialità e unicità, oltre che verso il sostegno agli artisti. Questo approccio fa eco a quello del Réattu, che è stato il primo museo d'arte in Francia a interessarsi alla dimensione patrimoniale della fotografia, promuovendo al contempo il lavoro dei fotografi.

Centoventi opere sono state selezionate sul tema del ritratto. Esse sono esposte nelle collezioni permanenti, accanto a dipinti e sculture, e poi, in sale interamente dedicate alla collezione Bachelot, ripercorrono una singolare storia della fotografia. Ai grandi fotografi americani (Diane Arbus, Saul Leiter), francesi (Robert Doisneau, Brassaï) e alle icone assolute - Young Boy di Paul Strand, Lella di Édouard Boubat - seguono le recenti acquisizioni (Luc Delahaye, Laura Henno) che riflettono il dinamismo della collezione, ora più orientata verso la creazione contemporanea.

The Florence and Damien Bachelot Collection encompasses humanist, documentary, and social photography from the early 20th century to today, committed as much to the photographic medium, in its unique materiality, as to its artists. This principle echoes that of the Réattu, the first French art museum to explore the heritage as well as the artistic aspect of photography.

Portrait-themed photographs from the Collection are juxtaposed with the Réattu’s paintings and sculptures, delineating a unique history of photography. Great photographers, American (Diane Arbus, Saul Leiter) and French (Robert Doisneau, Brassaï), and iconic images–Paul Strand’s Young Boy, Édouard Boubat’s Lella–are followed by recent acquisitions (Luc Delahaye, Laura Henno) reflecting the collection’s dynamic turn towards contemporary creation.

(Text: Musée Réattu, Arles)

Musée Estrine | Saint-Rémy-de-Provence
13. Juni - 24. September 2023

À l'épreuve
Louise Bossut

Die Ausstellung findet im Rahmen der Rencontres de la photographie d'Arles statt.

Angesichts der Hektik der Welt schlägt diese Ausstellung vor, einen Schritt zur Seite zu machen; inmitten eines zerbrechlichen Gleichgewichts, das zwischen Zusammenbruch und Utopie, Nostalgie und Resilienz schwankt.

Dieses neue Projekt befasst sich mit einer Vision, die auf Begegnungen, Durchquerungen und Irrfahrten beruht. So versuchen immer mehr Menschen, manchmal im Kampf, oft im Bündnis mit dem Lebendigen, andere Wege zu finden, die Erde zu bewohnen. Auf diesem Weg tauchten Fragen auf: Könnten wir einen "neuen Raum der Möglichkeiten" schaffen, indem wir weniger zentrale Plätze innerhalb des Planeten wieder einnehmen, indem wir uns unter den Lebenden und den Nicht-Lebenden befinden? Und wie würden wir uns "in diesem neuen Raum" gegenseitig beeinflussen und aufeinander einwirken?

Face à la frénésie du monde, cette exposition propose d'effectuer un pas de côté ; au cœur d'un équilibre fragile, oscillant entre effondrement et utopie, nostalgie et résilience.

Ce nouveau projet aborde une vision construite à partir de rencontres, de traversées et d’errances. Ainsi, des individus, de plus en plus nombreux, tentent, parfois dans la lutte, souvent dans l’alliance au vivant, d'autres manières d'habiter la Terre. Des interrogations ont émergé lors de ce cheminement : en réintégrant des places moins centrales au sein de la planète, en nous situant parmi les vivants et les non-vivants, pourrions-nous créer un « nouvel espace des possibles » ? Et comment, « dans ce nouvel espace », nous influencerions-nous mutuellement et réciproquement ?

Di fronte al ritmo frenetico del mondo, questa mostra ci invita a fare un passo di lato, nel cuore di un fragile equilibrio che oscilla tra crollo e utopia, nostalgia e resilienza.

Questo nuovo progetto ha una visione costruita su incontri, attraversamenti e vagabondaggi. Un numero crescente di individui sta tentando, a volte in lotta, spesso in alleanza con i viventi, di trovare altri modi di abitare la Terra. Lungo il percorso sono emerse alcune domande: potremmo creare un "nuovo spazio di possibilità" tornando in luoghi meno centrali del pianeta, collocandoci tra i viventi e i non viventi? E come, "in questo nuovo spazio", potremmo influenzare gli altri e le vite degli altri?

This show offers a respite from the world’s stressful pace by exploring the fragile balance between collapse and utopia, nostalgia and resilience.

Its vision is based on encounters, crossings and wanderings. More and more people are trying alternative ways of inhabiting the Earth, sometimes with difficulty, often in alliance with nature. Questions have emerged during this process. By moving to less central places on the planet, by situating ourselves among the living and the non-living, could we create a "new space of possibilities"? And how would we influence each other in this new space?

(Text: Louise Bossut)

Belfast Exposed Gallery
1. Juni - 22. Juli 2023

Retrospective
Alain le Garsmeur

Die Ausstellung findet im Rahmen des Belfast Photo Festival statt.

Eine Übersichtsausstellung des renommierten Dokumentarfotografen Alain le Garsmeur, der vor allem durch seine Arbeit für die Sunday Times und das Observer Magazine in den 70er und 80er Jahren und seine Reportagen über das Alltagsleben in Nordirland während der Unruhen bekannt ist.

Der in Nordirland lebende Le Garsmeur ist einer der bedeutendsten Fotografen, die in den letzten Jahrzehnten hier tätig waren. Diese längst überfällige Überblicksausstellung bei Belfast Exposed zeichnet Le Garsmeurs Karriere nach, wobei der Schwerpunkt auf seiner fotografischen Arbeit liegt, die soziale Umwälzungen und politische Unruhen auf der ganzen Welt dokumentiert.

Le Garsmeur war ein produktiver Editorial- und Dokumentarfotograf, der zunächst als Assistent von großen Fotografen wie Helmut Newton, Guy Bourdin und Donald Silverstein in Paris und London arbeitete. Später erlangte er durch seine Arbeit für das Observer Magazine und andere Publikationen wie The Independent, Newsweek und The Sunday Times große Anerkennung.

Alain le Garsmeurs Dokumentation der Ereignisse in Nordirland während der Unruhen ist von besonderer Bedeutung. Sein umfangreiches Bildarchiv aus dieser Zeit katalogisiert sowohl die Schrecken als auch die Menschlichkeit des Alltagslebens in Nordirland.

Belfast Exposed veranstaltet am Donnerstag, den 29. Juni um 18:00 Uhr ein Künstlergespräch mit Le Garsmeur. Le Garsmeur wird den Zuhörern seine Karriere, einige seiner bekanntesten Bilder und seine Herangehensweise an den Fotojournalismus erläutern.

Une exposition sur le célèbre photographe documentaire Alain le Garsmeur, qui est surtout connu pour son travail pour le Sunday Times et l'Observer Magazine dans les années 70 et 80 et pour sa couverture de la vie quotidienne en Irlande du Nord pendant les Troubles.

Basé en Irlande du Nord, Le Garsmeur est l'un des photographes les plus importants à avoir travaillé dans cette région au cours des dernières décennies. Cette exposition, attendue depuis longtemps à Belfast Exposed, retrace la carrière de Le Garsmeur, en mettant l'accent sur son travail photographique qui témoigne des bouleversements sociaux et de l'agitation politique dans le monde entier.

Photographe éditorial et documentaire prolifique, Le Garsmeur a commencé comme assistant de grands photographes tels que Helmut Newton, Guy Bourdin et Donald Silverstein, travaillant à la fois à Paris et à Londres. Plus tard, son travail pour l'Observer Magazine et d'autres publications telles que The Independent, Newsweek et The Sunday Times lui a valu une large reconnaissance.

La documentation d'Alain le Garsmeur sur les événements d'Irlande du Nord pendant les Troubles est particulièrement significative, avec ses vastes archives d'images de cette époque cataloguant à la fois les horreurs et l'humanité de la vie quotidienne ici.

Belfast Exposed accueillera une conférence d'artiste avec Le Garsmeur le jeudi 29 juin à 18h00. Le Garsmeur parlera au public de sa carrière, de certaines de ses images les plus emblématiques et de son approche du photojournalisme.

Una mostra sul famoso fotografo documentarista Alain le Garsmeur, noto soprattutto per il suo lavoro per il Sunday Times e l'Observer Magazine negli anni '70 e '80 e per la sua copertura della vita quotidiana in Irlanda del Nord durante i Troubles.

Con sede in Irlanda del Nord, Le Garsmeur è uno dei fotografi più significativi che hanno operato qui negli ultimi decenni. Questa mostra a lungo attesa a Belfast Exposed traccia una mappa della carriera di Le Garsmeur, con particolare attenzione al suo lavoro fotografico che registra gli sconvolgimenti sociali e i disordini politici in tutto il mondo.

Prolifico fotografo editoriale e documentarista, Le Garsmeur ha iniziato come assistente di grandi fotografi come Helmut Newton, Guy Bourdin e Donald Silverstein, lavorando sia a Parigi che a Londra. In seguito, il suo lavoro per la rivista The Observer e per altre pubblicazioni come The Independent, Newsweek e The Sunday Times gli ha procurato un ampio consenso.

La documentazione di Alain le Garsmeur degli eventi in Irlanda del Nord durante i Troubles è particolarmente significativa: il suo vasto archivio di immagini di quel periodo cataloga sia gli orrori che l'umanità della vita quotidiana.

Belfast Exposed ospiterà una conferenza d'artista con Le Garsmeur giovedì 29 giugno alle ore 18.00. Le Garsmeur parlerà al pubblico della sua carriera, di alcune delle sue immagini più iconiche e del suo approccio al fotogiornalismo.

A survey exhibition of renowned documentary photographer Alain le Garsmeur, who is best known for his work for the Sunday Times and Observer Magazine in the 70 & 80s and his coverage of everyday life in Northern Ireland during The Troubles.

Based in Northern Ireland, Le Garsmeur is one of the most significant photographers to have operated here over the past decades. This long-overdue survey exhibition at Belfast Exposed maps Le Garsmeur’s career, with particular focus on his photographic work recording social upheaval and political unrest around the world.

A prolific editorial and documentary photographer, Le Garsmeur started out as an assistant to such great photographers as Helmut Newton, Guy Bourdin and Donald Silverstein, working in both Paris and London. Later, his work for The Observer Magazine, and other publications such The Independent, Newsweek and The Sunday Times garnered him widespread acclaim.

Alain le Garsmeur’s documentation of events in Northern Ireland during The Troubles is particularly significant, with his vast archive of images from this time cataloguing both the horrors and the humanity of everyday life here.

Belfast Exposed will host an Artist Talk with Le Garsmeur on Thursday 29th June at 18:00. Hear Le Garsmeur talk the audience through his career, some of his most iconic images and his approach to photojournalism.

(Text:  Belfast Photo Festival)

Carré d'art-Musée d'art contemporain | Nîmes
9. Mai - 17. September 2023

Ugly Plymouths
Martine Syms

Die Ausstellung findet im Rahmen der Rencontres de la photographie d'Arles statt.

Martine Syms nutzt Videos, um die Darstellung schwarzer Körper in der zeitgenössischen visuellen Kultur zu erforschen. In ihrem Projekt Lessons produziert sie eine Reihe von Videos, die die Zeit von Werbefilmen aufgreifen und sich gleichzeitig auf die Bildwirksamkeit von Sitcoms und Online-Nachrichten beziehen. Wie ein langes Gedicht über die Begriffe Identität und "Blackness". Indem sie mit den verschiedenen Quellen der Bilder spielt, hinterfragt sie die Wahrnehmungsmuster des Publikums, das durch den Informationsfluss manipuliert wird. In Ugly Plymouths setzt Martine Syms ihre Erforschung von Performance, Narration und verschiedenen Modalitäten der Bildproduktion fort. Sie geht von Strandszenen zu alltäglichen Aktivitäten über, die durch die Dialoge von drei nicht sichtbaren Figuren unterstrichen werden. In Los Angeles gedreht, wird die Stadt, in der gedreht wird, sowohl zum Ort als auch zur Situation. Man begegnet allen möglichen Personen, die in einem Strom von Bildern gefangen sind, die sich zu vervielfältigen scheinen und dazu führen, dass man den Kontakt mit der Realität verliert. Martine Syms schafft mit dieser Installation ein Porträt von Los Angeles im digitalen Zeitalter.

Martine Syms utilise la vidéo, pour explorer la représentation des corps noirs dans la culture visuelle contemporaine. Dans son projet Lessons, elle réalise une série de vidéos qui reprennent le temps des films publicitaires, tout en faisant référence à l’efficacité des images des sitcoms et à l’information online. Comme un long poème sur les notions d’identité et de « blackness ». En jouant avec les différentes sources des images, elle interroge les modes de perception du public, manipulé par le flux d’informations. Dans Ugly Plymouths, Martine Syms poursuit son exploration de la performance, de la narration et des différentes modalités de production d’images. Elle va de scènes de plages à des activités du quotidien soulignées par les dialogues de trois personnages non visibles. Tourné à Los Angeles, la ville du tournage, devient à la fois un site et une situation. On y croise toutes sortes de personnes prises dans un flux d’images qui semblent se démultiplier et amener à perdre tout contact avec le réel. Martine Syms réalise avec cette installation un portrait de Los Angeles à l’ère numérique.

Martine Syms utilizza il video per esplorare la rappresentazione dei corpi neri nella cultura visiva contemporanea. Nel suo progetto Lessons, ha prodotto una serie di video che occupano il tempo dei filmati pubblicitari, pur facendo riferimento all'efficacia delle immagini delle sitcom e delle informazioni online. È come un lungo poema sull'identità e sulla blackness. Giocando con le diverse fonti delle immagini, l'artista mette in discussione le modalità di percezione del pubblico, manipolate dal flusso di informazioni. In Ugly Plymouths, Martine Syms continua la sua esplorazione della performance, della narrazione e dei diversi modi in cui le immagini vengono prodotte. Spazia da scene di spiaggia ad attività quotidiane sottolineate dai dialoghi di tre personaggi inediti. Girato a Los Angeles, la città in cui è stato girato il film diventa sia un luogo che una situazione. Incontriamo persone di ogni tipo coinvolte in un flusso di immagini che sembrano moltiplicarsi e che ci portano a perdere ogni contatto con la realtà. L'installazione di Martine Syms è un ritratto di Los Angeles nell'era digitale.

Martine Syms uses video to explore the representation of black bodies in contemporary visual culture. In her Lessons project, she creates a series of videos that take up the time of advertising films, while referring to the effectiveness of sitcom images and online information. Like a long poem on notions of identity and blackness. Playing with the different sources of images, she questions the public's modes of perception, manipulated by the flow of information. In Ugly Plymouths, Martine Syms continues her exploration of performance, narrative and the different modalities of image production. It ranges from beach scenes to everyday activities underlined by the dialogues of three unseen characters. Filmed in Los Angeles, the city of the shoot becomes both site and situation. We meet all kinds of people caught up in a flow of images that seem to multiply and lead us to lose all contact with reality. With this installation, Martine Syms creates a portrait of Los Angeles in the digital age.

Institut Mathildenhöhe | Darmstadt
28. April - 23. Juli 2023

Andauernde Heimkehr
Jan Kricke

Die Ausstellung findet im Rahmen der Darmstädter Tage der Fotografie statt.

Das Institut Mathildenhöhe zeigt in den Bildhauerateliers des Museum Künstlerkolonie die Fotoserie „Andauernde Heimkehr“ von Jan Kricke (*1977). Diese komponierte Abfolge von Fotografien, die alle im Außenraum zwischen 2007 und 2020 entstanden sind, bilden – losgelöst von einer Chronologie – eine Reise jenseits einer erkennbaren physischen Route. Es sind Eindrücke nicht konkreter Orte, flüchtige Impressionen von Naturstrukturen oder Lichtspielen, die auf eine ganz eigene Art die urbane Energie und Schnelligkeit der Street Photography in die Landschaftsfotografie übertragen.

L'Institut Mathildenhöhe présente dans les ateliers de sculpture du musée Künstlerkolonie la série de photos "Andauernde Heimkehr" de Jan Kricke (*1977). Cette suite composée de photographies, toutes prises en extérieur entre 2007 et 2020, constitue - indépendamment de toute chronologie - un voyage au-delà d'un itinéraire physique reconnaissable. Il s'agit d'impressions de lieux non concrets, d'impressions fugaces de structures naturelles ou de jeux de lumière, qui transposent d'une manière très particulière l'énergie et la rapidité urbaines de la street photography dans la photographie de paysage.

L'Institut Mathildenhöhe presenta la serie fotografica "Andauernde Heimkehr" di Jan Kricke (*1977) negli studi di scultura del Museum Künstlerkolonie. Questa composta sequenza di fotografie, tutte scattate in spazi all'aperto tra il 2007 e il 2020, formano - svincolate da una cronologia - un viaggio al di là di un percorso fisico riconoscibile. Sono impressioni di luoghi che non sono concreti, impressioni fugaci di strutture naturali o giochi di luce che trasferiscono l'energia urbana e la velocità della fotografia di strada alla fotografia di paesaggio in un modo del tutto unico.

The Institut Mathildenhöhe is showing the photo series "Andauernde Heimkehr" by Jan Kricke (*1977) in the sculpture studios of the Museum Künstlerkolonie. This composed sequence of photographs, all taken in outdoor spaces between 2007 and 2020, form - detached from a chronology - a journey beyond a recognizable physical route. They are impressions of places that are not concrete, fleeting impressions of natural structures or plays of light, which in a very unique way transfer the urban energy and speed of street photography into landscape photography.

(Text: Institut Mathildenhöhe, Darmstadt)

Ulster Museum | Belfast
7. April - 10. September 2023

PRINCIPLED & REVOLUTIONARY: NORTHERN IRELAND’S PEACE WOMEN
Hannah Starkey

Die Ausstellung findet im Rahmen des Belfast Photo Festival statt.

In diesem Jahr sind es 25 Jahre seit dem Karfreitagsabkommen in Belfast. Aus diesem Anlass präsentiert das Belfast Photo Festival ein neu in Auftrag gegebenes Werk der renommierten Fotografin Hannah Starkey, mit dem die Frauen, die zum Frieden in Nordirland beigetragen haben, geehrt und gefeiert werden.

Untersuchungen haben gezeigt, dass die Beteiligung von Frauen an Friedensprozessen zu einem dauerhafteren und stabileren Frieden führt. Eine Analyse von 40 Friedensprozessen seit dem Ende des Kalten Krieges hat gezeigt, dass in den Fällen, in denen Frauen einen starken Einfluss auf den Verhandlungsprozess ausüben konnten, die Wahrscheinlichkeit, dass eine Einigung erzielt wird, wesentlich höher war.

Starkeys Kunstwerk soll eine Diskussion über die Auswirkungen und die Bedeutung der Führungsrolle von Frauen anregen, nicht nur hierzulande, sondern weltweit. Die 21 Porträts in dieser Ausstellung heben einige der vielen Frauen hervor, die durch ihre Arbeit im politischen, kulturellen und sozialen Bereich eine Schlüsselrolle bei der Friedensbildung und dem Engagement für die Gemeinschaft in diesem Land gespielt haben. Wir hoffen, durch die Erkundung dieser - allzu oft unausgesprochenen - Geschichten das Vermächtnis und den Einfluss des weiblichen Aktivismus hierzulande zu beleuchten und jüngere Generationen von Frauen zu inspirieren, sich Gehör zu verschaffen.

Cette année marque le 25e anniversaire de l'accord du Vendredi saint/Belfast. À cette occasion, le Belfast Photo Festival présente une œuvre nouvellement commandée à la célèbre photographe Hannah Starkey, qui rend hommage aux femmes qui ont contribué à instaurer la paix en Irlande du Nord.

Des recherches ont démontré que la participation des femmes aux processus de paix se traduit par une paix plus durable et plus stable. L'analyse de 40 processus de paix depuis la fin de la guerre froide montre que, dans les cas où les femmes ont pu exercer une forte influence sur le processus de négociation, il y a beaucoup plus de chances qu'un accord soit conclu.

L'œuvre d'art de Mme Starkey vise à susciter une conversation sur l'impact et l'importance du leadership des femmes, non seulement ici, mais aussi dans le monde entier. Les 21 portraits de cette exposition mettent en lumière quelques-unes des nombreuses femmes qui ont joué un rôle essentiel dans la construction de la paix et l'activisme communautaire dans ce pays, grâce à leur travail dans les sphères politiques, culturelles et sociales. En explorant ces histoires trop souvent méconnues, nous espérons mettre en lumière l'héritage et l'impact de l'activisme des femmes dans notre pays et inspirer les jeunes générations de femmes à faire entendre leur voix.

Quest'anno ricorrono i 25 anni dall'Accordo del Venerdì Santo/Belfast. In questa occasione, il Belfast Photo Festival presenta un nuovo lavoro commissionato alla rinomata fotografa Hannah Starkey che onora e celebra le donne che hanno contribuito a portare la pace in Irlanda del Nord.

Le ricerche hanno dimostrato che la partecipazione delle donne ai processi di pace porta a una pace più duratura e stabile. L'analisi di 40 processi di pace dalla fine della Guerra Fredda mostra che, nei casi in cui le donne sono state in grado di esercitare una forte influenza sul processo negoziale, c'era una probabilità molto più alta di raggiungere un accordo.

L'opera d'arte di Starkey mira ad accendere una conversazione sull'impatto e l'importanza della leadership femminile, non solo qui, ma a livello globale. I 21 ritratti di questa mostra mettono in luce alcune delle molte donne che sono state fondamentali per la costruzione della pace e per l'attivismo della comunità in questo Paese attraverso il loro lavoro in ambito politico, culturale e sociale. Attraverso l'esplorazione di queste storie, troppo spesso non raccontate, speriamo di far luce sull'eredità e sull'impatto dell'attivismo femminile in questo Paese e di ispirare le giovani generazioni di donne a far sentire la propria voce.

This year marks 25 years since the Good Friday/Belfast Agreement. On this occasion, Belfast Photo Festival presents a newly commissioned body of work by renowned photographer Hannah Starkey which honours and celebrates the women who helped bring peace to Northern Ireland.

Research has demonstrated that women’s participation in peace processes results in more durable and stable peace. Analysis of 40 peace processes since the end of the Cold War shows that, in cases where women were able to exercise a strong influence on the negotiation process, there was a much higher chance that an agreement would be reached.

Starkey’s artwork aims to ignite a conversation about the impact and importance of women’s leadership, not just here, but globally. The 21 portraits in this exhibition highlight some of the many women who have been pivotal to peace building and community activism in this country through their work in both the political, cultural and social spheres. Through exploring these—too often untold—stories, we hope to shine a light on the legacies and impact of women's activism here and to inspire younger generations of women to make their voices heard.

(Text:  Belfast Photo Festival)

Centre Culturel Irlandais | Paris
11. November 2022 - 8. Januar 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen von Photo Saint-Germain statt.

L'Irlande de Martin Parr

Martin Parr fotografierte Irland zwischen 1979 und 2019 und ließ sich Anfang der 1980er Jahre sogar in Irland nieder. Bei seinen zahlreichen Besuchen auf der Insel gelang es dem ikonischen britischen Fotografen, ein Land im Wandel einzufangen, das insbesondere von der Amerikanisierung, dem Keltischen Tiger und dem Schatten des Brexit geprägt ist. Papstbesuche im Jahr 1979, Pferderennen und Viehmärkte, Ballsäle - seine Schwarz-Weiß- und später Farbaufnahmen bewegen sich zwischen historischer Erzählung und Sozialreportage, zwischen Dokumentation und Momentaufnahme. Martin Parrs Blick auf Irland und seine Bewohner, ihre Lebensweise und ihre Leidenschaften ist zärtlich oder köstlich schräg. Und bestätigt mehr denn je seinen Status als "Chronist unserer Zeit".

Neben den Fotografien von Martin Parr werden auch Arbeiten von Megan Doherty, Rachel Glass, Jan McCullough und Jill Quigley gezeigt, allesamt ehemalige Studentinnen der Belfast School of Art, an der der berühmte Fotograf als Gastprofessor tätig ist.

Das Centre Culturel Irlandais wurde 2002 im ehemaligen Collège des Irlands eingeweiht und trägt zur Verbreitung irischer Kunst in Frankreich bei.

Martin Parr a photographié l’Irlande entre 1979 et 2019 ; il s’y est même installé au début des années 80. Au gré de ses nombreuses visites sur l’île, l’iconique photographe britannique est parvenu à saisir un pays en pleine mutation, notamment marqué par l’américanisation, le Tigre celtique ou l’ombre du Brexit. Visite du pape en 1979, courses équestres et foires au bétail, salles de bal, ses clichés en noir et blanc puis couleur s’inscrivent entre récit historique et reportage social, entre documentaire et instantané. Martin Parr pose un regard attendri ou délicieusement décalé sur l’Irlande et ses habitants, leurs modes de vie et passions. Et confirme plus que jamais son statut de « chroniqueur de notre temps ».

Aux côtés des photographies de Martin Parr sont présentées des travaux réalisés par Megan Doherty, Rachel Glass, Jan McCullough et Jill Quigley, toutes anciennes étudiantes de la Belfast School of Art, où le célèbre photographe est professeur invité.

Inauguré en 2002 dans l’ancien Collège des Irlandais, le Centre Culturel Irlandais oeuvre au rayonnement de la création artistique irlandaise en France.

Martin Parr ha fotografato l'Irlanda tra il 1979 e il 2019; vi si è persino trasferito all'inizio degli anni Ottanta. Durante le sue numerose visite all'isola, l'iconico fotografo britannico è riuscito a catturare un Paese in piena trasformazione, segnata in particolare dall'americanizzazione, dalla Tigre Celtica o dall'ombra della Brexit. Dalla visita del Papa nel 1979, alle corse dei cavalli e alle fiere del bestiame, alle sale da ballo, le sue fotografie in bianco e nero e poi a colori si collocano a metà strada tra la narrazione storica e il reportage sociale, tra il documentario e l'istantanea. Martin Parr getta uno sguardo tenero o deliziosamente anticonformista sull'Irlanda e sulla sua gente, sui loro stili di vita e sulle loro passioni. E conferma più che mai il suo status di "cronista del nostro tempo".

Accanto alle fotografie di Martin Parr sono esposte opere di Megan Doherty, Rachel Glass, Jan McCullough e Jill Quigley, tutte ex studentesse della Belfast School of Art, dove Parr è professore ospite.

Inaugurato nel 2002 nell'ex Collège des Irlandais, il Centre Culturel Irlandais lavora per promuovere la creazione artistica irlandese in Francia.

Martin Parr photographed Ireland between 1979 and 2019; he even moved there in the early 1980s. Throughout his many visits to the island, the iconic British photographer managed to capture a country in the midst of change, notably marked by Americanization, the Celtic Tiger or the shadow of Brexit. Visit of the Pope in 1979, horse races and cattle fairs, ballrooms, his black and white and then color shots are between historical narrative and social reportage, between documentary and snapshot. Martin Parr casts a tender or delightfully offbeat eye on Ireland and its people, their lifestyles and passions. And confirms more than ever his status as a "chronicler of our times".

Alongside Martin Parr's photographs are works by Megan Doherty, Rachel Glass, Jan McCullough and Jill Quigley, all former students of the Belfast School of Art, where the famous photographer is a visiting professor.

Inaugurated in 2002 in the former Collège des Irlandais, the Centre Culturel Irlandais works to promote Irish artistic creation in France.

(Text: Photo Saint-Germain, Paris)

Musée Zadkine | Paris
11. November 2022 - 2. April 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen von Photo Saint-Germain statt.

Ossip Zadkine. Une vie d'ateliers

Der Bildhauer Ossip Zadkine und seine Frau, die Malerin Valentine Prax, verbrachten von 1928 bis 1967 fast vierzig Jahre gemeinsam in dem Haus, den Ateliers und dem Garten in der Rue d'Assas. Vierzig Jahre ist genau das Alter, das das Zadkine-Museum in diesem Jahr feiert, das 1982 dank des Vermächtnisses von Valentine Prax am selben Ort eröffnet wurde.

Zur Feier dieses Jubiläums präsentiert das Museum die Ausstellung Ossip Zadkine, une vie d'ateliers, die den Besucher in das Herz des Ateliers der beiden Künstler führt. Fast hundert Werke bilden den Parcours der Ausstellung, die eine schöne Auswahl an Meisterwerken von Zadkine umfasst, darunter eine außergewöhnliche Leihgabe, aber auch selten gezeigte Gemälde von Prax und zahlreiche unveröffentlichte Fotografien, einige davon von großen Fotografen wie André Kertész oder Marc Vaux. Sie nimmt die gesamten Räume des Museums in einer erneuerten Szenografie ein, die den "Geist des Ateliers" heraufbeschwört.

Vierzig Jahre lang waren die Wände und Bäume dieses Anwesens Zeugen des Alltags und des Schaffens des Künstlerpaares. Seit vierzig Jahren bewahrt und würdigt das Zadkine-Museum ihr jeweiliges Werk, insbesondere das des Bildhauers, der die Erneuerung der Skulptur im 20. In einem Spiegelbild werden die Fotografien mit Skulpturen, Gemälden und Zeichnungen von Zadkine und Prax kombiniert, die hauptsächlich aus der Sammlung des Museums stammen, um ihren Lebens- und Schaffensort als ein Ganzes erscheinen zu lassen.

Nur wenige Schritte vom Jardin du Luxembourg und Montparnasse entfernt, ist das Musée Zadkine dem Werk des russischstämmigen Bildhauers Ossip Zadkine (1888-1967) gewidmet, der als Meister des direkten Schnitts eine wichtige Figur der Pariser Schule und der Moderne in der Bildhauerei war. Das Museum, das in das Grün seines von Skulpturen bevölkerten Gartens eingebettet ist, war der Lebensraum und das Atelier des Künstlers. Die Präsentation seiner Sammlungen hebt die Arbeit mit der Materie hervor und lässt im Licht der Glasfenster Holz und behauenen Stein, Terrakotta und Gips in einen Dialog treten.

Le sculpteur Ossip Zadkine et la peintre Valentine Prax, son épouse, ont passé ensemble presque quarante ans, de 1928 à 1967, dans la maison, les ateliers et le jardin de la rue d’Assas. Quarante ans, c’est justement l’âge que célèbre cette année le musée Zadkine, qui a ouvert en 1982 en ce même lieu, grâce au legs de Valentine Prax.

Pour célébrer cet anniversaire, le musée présente l’exposition Ossip Zadkine, une vie d’ateliers qui entraîne le visiteur au cœur de l’atelier des deux artistes. Près de cent œuvres forment le parcours de l’exposition, qui compte une belle sélection de chefs d’œuvre de Zadkine, dont un prêt exceptionnel, mais aussi des peintures de Prax rarement montrées et de nombreuses photographies inédites, certaines de grands photographes, comme André Kertész ou Marc Vaux. Elle occupe l’ensemble des salles du musée dans une scénographie renouvelée, qui évoque « l’esprit d’atelier ».

Pendant quarante ans, les murs et les arbres de cette demeure ont été témoins du quotidien et de la création du couple d’artistes. Depuis quarante ans, le musée Zadkine conserve et valorise leur œuvre respectif, et plus particulièrement celui du sculpteur, artisan du renouveau de la sculpture au XXe siècle. Dans un jeu de miroir, les photographies sont associées à des sculptures, des peintures et des dessins de Zadkine et de Prax, principalement issus de la collection du musée, pour faire apparaître leur lieu de vie et de création comme un tout.

À deux pas du jardin du Luxembourg et de Montparnasse, le musée Zadkine est dédié à l’oeuvre du sculpteur d’origine russe Ossip Zadkine (1888-1967), maître de la taille directe, figure majeure de l’Ecole de Paris et de la modernité en sculpture. Le musée, niché dans la verdure de son jardin peuplé de sculptures, fut le lieu de vie et l’atelier de l’artiste. La présentation de ses collections met en valeur le travail de la matière et fait dialoguer sous la lumière des verrières, bois et pierres taillées, terres cuites et plâtres.

Lo scultore Ossip Zadkine e la pittrice Valentine Prax, sua moglie, trascorsero insieme quasi quarant'anni, dal 1928 al 1967, nella casa, negli studi e nel giardino di rue d'Assas. Quarant'anni è proprio l'età che il Museo Zadkine, inaugurato nel 1982 in questo stesso luogo grazie all'eredità di Valentine Prax, festeggia quest'anno.

Per celebrare questo anniversario, il museo presenta la mostra Ossip Zadkine, una vita di laboratori, che porta il visitatore nel cuore degli studi dei due artisti. Quasi cento opere compongono la mostra, che comprende una bella selezione di capolavori di Zadkine, tra cui un prestito eccezionale, oltre a dipinti raramente esposti di Prax e numerose fotografie inedite, alcune di grandi fotografi come André Kertész e Marc Vaux. Occupa tutte le sale del museo in una scenografia rinnovata, che evoca lo "spirito dello studio".

Per quarant'anni, i muri e gli alberi di questa casa sono stati testimoni della vita quotidiana e della creazione della coppia di artisti. Da quarant'anni il Museo Zadkine conserva e promuove le rispettive opere, in particolare quella dello scultore, artefice della rinascita della scultura del XX secolo. In un gioco di specchi, le fotografie sono associate a sculture, dipinti e disegni di Zadkine e Prax, provenienti principalmente dalla collezione del museo, per mostrare il loro luogo di vita e di creazione nel suo insieme.

A pochi passi dai Giardini del Lussemburgo e da Montparnasse, il Museo Zadkine è dedicato all'opera dello scultore di origine russa Ossip Zadkine (1888-1967), maestro dell'intaglio diretto e figura di spicco dell'Ecole de Paris e della scultura moderna. Il museo, immerso nel verde del suo giardino pieno di sculture, era la casa e il laboratorio dell'artista. La presentazione delle sue collezioni mette in risalto la lavorazione della materia e crea un dialogo tra legno e pietra tagliata, terracotta e gesso sotto la luce dei lucernari.

The sculptor Ossip Zadkine and the painter Valentine Prax, his wife, spent almost forty years together, from 1928 to 1967, in the house, the studios and the garden of the rue d'Assas. Forty years is precisely the age that the Zadkine Museum is celebrating this year. The museum opened in 1982 in this same place, thanks to Valentine Prax's legacy.

To celebrate this anniversary, the museum presents the exhibition Ossip Zadkine, a life of workshops, which takes the visitor to the heart of the two artists' studios. Nearly one hundred works make up the exhibition, which includes a fine selection of Zadkine's masterpieces, including an exceptional loan, as well as rarely shown paintings by Prax and numerous previously unpublished photographs, some by great photographers such as André Kertész and Marc Vaux. It occupies all the rooms of the museum in a renewed scenography, which evokes the "spirit of the studio".

For forty years, the walls and trees of this house have witnessed the daily life and creation of the artist couple. For forty years, the Zadkine Museum has preserved and promoted their respective works, and more particularly that of the sculptor, the architect of the 20th century sculpture revival. In a game of mirrors, the photographs are associated with sculptures, paintings and drawings by Zadkine and Prax, mainly from the museum's collection, to show their place of life and creation as a whole.

A stone's throw from the Luxembourg Gardens and Montparnasse, the Zadkine Museum is dedicated to the work of the Russian-born sculptor Ossip Zadkine (1888-1967), a master of direct carving and a major figure of the Ecole de Paris and of modern sculpture. The museum, nestled in the greenery of his garden populated with sculptures, was the artist's home and workshop. The presentation of his collections highlights the work of the material and brings together under the light of the skylights, wood and carved stone, terracotta and plaster.

(Text: Photo Saint-Germain, Paris)

Galerie Le Salon H | Paris
4. November 2022 - 21. Januar 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen von Photo Saint-Germain statt.

Allégories périssables
Rodrigo Braga

Die Galerie le Salon H engagiert sich für die brasilianische Kunstszene und möchte Rodrigo Braga für die nächste Ausgabe von PhotoSaintGermain eine Carte blanche geben. Der 1976 in der Großstadt Manaus mitten im Amazonasdschungel geborene Künstler hat in seinem Land, wo er von den größten brasilianischen Museen ausgestellt und gesammelt wird, breite Anerkennung gefunden. Nach der von Jair Bolsonaro verkörperten populistischen Wende und ihren katastrophalen Folgen für das Amazonasgebiet zog er es vor, nach Frankreich ins Exil zu gehen.

Denn es ist die Frage nach dem Kampf zwischen der menschlichen Spezies und ihrer natürlichen Umgebung, die sich wie ein roter Faden durch die Arbeit des Künstlers zieht. Was zeichnet uns als biologisches Wesen aus? Welche Beziehungen unterhalten wir mit der Tier-, Pflanzen- und Mineralwelt? Wie weit können uns unsere räuberischen Triebe treiben? Braga beantwortet diese Fragen, indem er zahlreiche plastische Ressourcen mobilisiert, sich körperlich in sein Werk einbringt und die Natur zu seiner Experimentierwerkstatt macht. Braga ist Biologe, Naturforscher, Geologe, Archäologe, Anthropologe und Schamane. Er schöpft aus seiner Herkunft, seiner persönlichen Geschichte und dem kollektiven Unbewussten die Symbole und Archetypen, die der Dokumentation seiner Handlungen eine starke Wirkung verleihen. Anhand ausgewählter Fotografien, in denen das Gesicht des Künstlers durch die Einfügung von Tierorganen eine Metamorphose erfährt, in denen die Mimikry zwischen Pflanzen- und Tierwelt ein beunruhigendes Echo zukünftiger Störungen darstellt und in denen der Schamane ein Wiedergeburtsritual in einer mineralischen Umgebung einzuleiten scheint, soll die Ausstellung den einzigartigen Werdegang dieses wichtigen Künstlers aufzeigen.

Der Salon H, der als Salon des 21. Jahrhunderts konzipiert ist, entstand aus dem Wunsch heraus, Herzensangelegenheiten und Ideen in den Bereichen der bildenden Kunst, der zeitgenössischen Kreation und des Denkens zu teilen.

Durch die Mobilisierung der Vielfalt der Ausdrucksformen will der Salon H Neues entdecken und überraschen. Seit 2021 hat sich die Galerie der Förderung der brasilianischen Kunstszene verschrieben.

Engagée auprès de la scène artistique brésilienne, la galerie le Salon H a souhaité donner carte blanche à Rodrigo Braga pour la prochaine édition de PhotoSaintGermain. Né en 1976 dans la grande ville de Manaus, perdue en pleine jungle d’Amazonie, l’artiste, après avoir acquis une large reconnaissance dans son pays – où il est exposé et collectionné par les plus grands musées brésiliens, a préféré s’exiler en France suite au tournant populiste incarné par Jair Bolsonaro, et ses conséquences désastreuses sur l’Amazonie.

Car c’est bien la question de la lutte entre l’espèce humaine et son environnement naturel qui constitue le fil rouge du travail de l’artiste. Qu’est ce qui nous distingue en tant qu’être biologique ? Quelles relations entretenons‑nous avec le monde animal, végétal, minéral ? Jusqu’où nos pulsions prédatrices peuvent‑elles nous conduire ? Autant de questions auxquelles Braga répond en mobilisant de multiples ressources plastiques, et s’engageant physiquement dans son œuvre, tout en faisant de la nature son atelier d’expérimentation. Tour à tour biologiste, naturaliste, géologue, archéologue, anthropologue, chaman, Braga sait puiser dans ses origines, son histoire personnelle, et l’inconscient collectif, les symboles et archétypes qui vont conférer à la documentation de ses actions un impact puissant. A travers la sélection de photographies où le visage de l’artiste se métamorphose en incorporant des organes d’animaux, où le mimétisme entre monde végétal et animal se fait l’écho troublant des dérèglements à venir, et où l’artiste chaman semble initier un rituel de renaissance dans un environnement devenu minéral, l’exposition devra permettre de découvrir le parcours singulier de cet artiste essentiel.

Imaginé comme un salon du XXIe siècle, le Salon H est né de la volonté de partager coups de cœurs et idées, dans les domaines des arts plastiques, de la création contemporaine et de la pensée.

En mobilisant la diversité des supports d’expression, le Salon H a pour parti pris de défricher et surprendre. Depuis 2021, la galerie s’est engagée à promouvoir la scène artistique brésilienne.

Impegnata nella scena artistica brasiliana, la galleria Salon H ha voluto dare carta bianca a Rodrigo Braga per la prossima edizione di PhotoSaintGermain. Nato nel 1976 nella grande città di Manaus, sperduta nel mezzo della giungla amazzonica, l'artista, dopo aver ottenuto ampi riconoscimenti nel suo Paese - dove è esposto e collezionato dai più grandi musei brasiliani - ha preferito andare in esilio in Francia in seguito alla svolta populista incarnata da Jair Bolsonaro, e alle sue disastrose conseguenze sull'Amazzonia.

È infatti la questione della lotta tra la specie umana e il suo ambiente naturale a costituire il filo conduttore del lavoro dell'artista. Cosa ci distingue come esseri biologici? Che rapporto abbiamo con il mondo animale, vegetale e minerale? Fin dove possono portarci i nostri impulsi predatori? Sono tutte domande a cui Braga risponde mobilitando molteplici risorse plastiche e impegnandosi fisicamente nel suo lavoro, facendo della natura il suo laboratorio di sperimentazione. Biologo, naturalista, geologo, archeologo, antropologo, sciamano, Braga sa trarre dalle sue origini, dalla sua storia personale e dall'inconscio collettivo i simboli e gli archetipi che daranno alla documentazione delle sue azioni un impatto potente. Attraverso una selezione di fotografie in cui il volto dell'artista si metamorfizza incorporando organi animali, in cui il mimetismo tra il mondo vegetale e quello animale è un'eco inquietante di future perturbazioni, e in cui l'artista sciamano sembra dare inizio a un rituale di rinascita in un ambiente divenuto minerale, la mostra dovrebbe permetterci di scoprire il singolare percorso di questo artista essenziale.

Concepito come una mostra del XXI secolo, il Salon H è nato dal desiderio di condividere le preferenze e le idee nel campo delle arti visive, della creazione e del pensiero contemporaneo.

Mobilitando la diversità dei mezzi di espressione, il Salon H si propone di aprire nuove strade e di sorprendere. Dal 2021, la galleria si impegna a promuovere la scena artistica brasiliana.

Committed to the Brazilian art scene, the Salon H gallery wanted to give Rodrigo Braga carte blanche for the next edition of PhotoSaintGermain. Born in 1976 in the big city of Manaus, lost in the middle of the Amazon jungle, the artist, after having acquired a wide recognition in his country - where he is exhibited and collected by the greatest Brazilian museums - preferred to go into exile in France following the populist turn embodied by Jair Bolsonaro, and its disastrous consequences on the Amazon.

For it is the question of the struggle between the human species and its natural environment that constitutes the common thread of the artist's work. What distinguishes us as biological beings? What relationships do we have with the animal, vegetable and mineral worlds? How far can our predatory impulses lead us? So many questions that Braga answers by mobilizing multiple plastic resources, and physically engaging in his work, while making nature his workshop of experimentation. By turns biologist, naturalist, geologist, archaeologist, anthropologist, shaman, Braga knows how to draw from his origins, his personal history, and the collective unconscious, the symbols and archetypes that will give the documentation of his actions a powerful impact. Through a selection of photographs in which the artist's face is metamorphosed by incorporating animal organs, in which the mimicry between the plant and animal world is a disturbing echo of future disturbances, and in which the shaman artist seems to be initiating a ritual of rebirth in an environment that has become mineral, the exhibition will allow us to discover the singular journey of this essential artist.

Imagined as a 21st century exhibition, Salon H was born from the desire to share favorites and ideas in the fields of visual arts, contemporary creation and thought.

By mobilizing the diversity of media of expression, the Salon H has the bias to clear and surprise. Since 2021, the gallery is committed to promoting the Brazilian art scene.

(Text: Photo Saint-Germain, Paris)

Galerie Madé | Paris
3. November 2022 - 13. Januar 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen von Photo Saint-Germain statt.

Jardins du Riesthal
Anne Immelé

Das Fotoprojekt, das Anne Immelé in den Gärten von Riesthal entwickelt hat, zeigt die Entwicklung der Natur in einem Kleingarten (früher ein Arbeitergarten). Im Laufe der Jahre hat sich die Parzelle von einer kahlen Fläche zu einer Oase entwickelt, die eine große Vielfalt an Pflanzen beherbergt. Der Natur wurde zum Teil freie Hand gelassen und so konnten vagabundierende und wilde Pflanzen mit den Kulturpflanzen zusammenleben. Das Ergebnis ist ein lebendiger Garten, der sich ständig neu konfiguriert. Die Serie wird auch auf die anderen Parzellen des Geländes ausgeweitet und zeigt andere Ansätze des Gemüseanbaus. Die Fotos haben auch eine sinnliche Dimension, die mit der Zeit des Sommers und der Kinderspiele verbunden ist. Das gleichnamige Buch, das bei Médiapop édition veröffentlicht wurde, erscheint anlässlich der Ausstellung.

Anne Immelé, kuratierte Fotografin und Doktorin der Kunst, lebt und arbeitet in Mulhouse. Ihre fotografischen Serien sind Teil einer politischen und poetischen Beziehung zur Welt und hinterfragen die Beziehung des Einzelnen zur Gemeinschaft und die Möglichkeit, in den zeitgenössischen Gebieten eine gemeinsame Erfahrung zu teilen. Sie ist Autorin mehrerer Bücher, darunter WIR mit dem Philosophen Jean-Luc Nancy im Verlag Filigrane oder Oublie Oublie, erschienen bei Médiapop im Jahr 2021. Ihre fotografischen Arbeiten werden regelmäßig ausgestellt. Als Professorin an der HEAR war sie 2013 Mitbegründerin der BPM - Biennale de la Photographie de Mulhouse, deren künstlerische Leitung sie innehat und einige Ausstellungen kuratiert.

Die Galerie Madé ist seit über zehn Jahren auf die Vertretung von Fotokünstlern spezialisiert.

Sie hat die Arbeiten von Marguerite Bornhauser, Lucile Boiron, Pascal Amoyel, Céline Clanet, Bertrand Cavalier, Steve Hiett, Camille Vivier, Alan Eglinton, Mark Steinmetz, Andrea Modica... ausgestellt.

Le projet photographique qu’a développé Anne Immelé dans les jardins du Riesthal montre l’évolution de la nature dans un jardin familial (auparavant jardin ouvrier). Au fil des années, la parcelle est passée d’un terrain nu à une oasis accueillant une grande variété de plantes. La nature a en partie été laissée libre d’agir et a ainsi permis aux plantes vagabondes et sauvages de cohabiter avec les plantes cultivées. Il en résulte un jardin vivant et en perpétuelle reconfiguration. La série est aussi élargie aux autres parcelles du site, présentant d’autres approches de la culture potagère. Les photos revêtent aussi une dimension sensorielle liée au temps des étés et des jeux d’enfants. Publié chez Médiapop édition, le livre éponyme parait à l’occasion de l’exposition.

Photographe curatrice et docteure en art, Anne Immelé vit et travaille à Mulhouse. Ses séries photographiques s’inscrivent dans un rapport politique et poétique au monde, questionnant la relation de l’individu à la communauté et la possibilité du partage d’une expérience commune dans les territoires contemporains. Elle est l’auteur de plusieurs livres, dont WIR avec le philosophe Jean‑Luc Nancy aux éditions Filigrane, ou Oublie Oublie, paru chez Médiapop en 2021. Son travail photographique est régulièrement exposé. Professeure à la HEAR, elle co‑fonde en 2013 la BPM ‑ Biennale de la photographie de Mulhouse, dont elle assure la direction artistique et le commissariat de certaines expositions.

La galerie Madé est spécialisée dans la représentation d’artistes photographes depuis plus de dix ans.

Elle a exposé les travaux de Marguerite Bornhauser, Lucile Boiron, Pascal Amoyel, Céline Clanet, Bertrand Cavalier, Steve Hiett, Camille Vivier, Alan Eglinton, Mark Steinmetz, Andrea Modica...

Il progetto fotografico di Anne Immelé nei giardini Riesthal mostra l'evoluzione della natura in un giardino familiare (ex giardino dei lavoratori). Nel corso degli anni, il terreno si è trasformato da un campo spoglio a un'oasi con un'ampia varietà di piante. La natura è stata lasciata a se stessa, permettendo alle piante erranti e selvatiche di coesistere con quelle coltivate. Il risultato è un giardino vivente che viene costantemente riconfigurato. La serie si estende anche ad altri appezzamenti del sito, presentando altri approcci alla coltivazione degli ortaggi. Le foto hanno anche una dimensione sensoriale legata all'estate e ai giochi dei bambini. Pubblicato da Médiapop édition, il libro omonimo è stato pubblicato in occasione della mostra.

Anne Immelé è una fotografa, curatrice e medico d'arte che vive e lavora a Mulhouse. Le sue serie fotografiche fanno parte di un rapporto politico e poetico con il mondo, interrogandosi sulla relazione tra individuo e comunità e sulla possibilità di condividere un'esperienza comune nei territori contemporanei. È autrice di diversi libri, tra cui WIR con il filosofo Jean-Luc Nancy, pubblicato da Filigrane, o Oublie Oublie, pubblicato da Médiapop nel 2021. Il suo lavoro fotografico viene regolarmente esposto. Professore all'HEAR, nel 2013 ha co-fondato la BPM - Biennale de la photographie de Mulhouse, di cui è direttore artistico e curatore di alcune mostre.

La galleria Madé è specializzata nella rappresentanza di artisti fotografici da oltre dieci anni.

Ha esposto le opere di Marguerite Bornhauser, Lucile Boiron, Pascal Amoyel, Céline Clanet, Bertrand Cavalier, Steve Hiett, Camille Vivier, Alan Eglinton, Mark Steinmetz, Andrea Modica...

The photographic project developed by Anne Immelé in the Riesthal gardens shows the evolution of nature in a family garden (formerly a workers' garden). Over the years, the plot has changed from a bare field to an oasis with a wide variety of plants. Nature has been left to act in part, allowing wild and vagrant plants to coexist with cultivated plants. The result is a living garden in perpetual reconfiguration. The series is also extended to other plots of the site, presenting other approaches to vegetable cultivation. The photos also take on a sensory dimension linked to summertime and children's games. Published by Médiapop édition, the eponymous book was released on the occasion of the exhibition.

Photographer, curator and art doctor, Anne Immelé lives and works in Mulhouse. Her photographic series are part of a political and poetic relationship to the world, questioning the relationship of the individual to the community and the possibility of sharing a common experience in contemporary territories. She is the author of several books, including WIR with the philosopher Jean-Luc Nancy, published by Filigrane, or Oublie Oublie, published by Médiapop in 2021. Her photographic work is regularly exhibited. Professor at the HEAR, she co-founded in 2013 the BPM - Biennale de la photographie de Mulhouse, of which she is the artistic director and curator of some exhibitions.

The Madé gallery has specialized in the representation of photographic artists for over ten years.

It has exhibited the work of Marguerite Bornhauser, Lucile Boiron, Pascal Amoyel, Céline Clanet, Bertrand Cavalier, Steve Hiett, Camille Vivier, Alan Eglinton, Mark Steinmetz, Andrea Modica...

(Text: Photo Saint-Germain, Paris)

Musée d'Histoire de la Médecine | Paris
3. November 2022 - 28. Januar 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen von Photo Saint-Germain statt.

Phénomènes. L'inexpliqué face à la science

Anlässlich der elften Ausgabe des Festivals PhotoSaintGermain veranstaltet das Musée d'Histoire de la Médecine die Ausstellung Phénomènes. Das Unerklärliche im Angesicht der Wissenschaft, der erste Teil einer Veranstaltung, die ganz der visuellen Geschichte der Parapsychologie gewidmet ist. Die unbekannten oder sogar unveröffentlichten Bilder, die für diese Gelegenheit zusammengestellt wurden, bieten die Möglichkeit, die Geschichte der Wissenschaft und der Medizin von 1890 bis heute unter dem Blickwinkel der Faszination der Wissenschaftler für das Okkulte neu zu lesen.

Jede der ausgewählten Fotografien hält den seltenen Moment fest, in dem Vertreter der wissenschaftlichen Gemeinschaft während ihrer Experimente mit paranormalen Ereignissen konfrontiert wurden.

Diese Einladung, die Ränder der wissenschaftlichen Erkenntnis in Bildern zu erkunden, bietet den Besuchern einen Rundgang durch sieben Themenbereiche: Telekinese (angebliche Einwirkung des Geistes auf die Materie), Magnetismus, Levitation, Medien, Radiästhesie und die Kunst der Wünschelrutengänger, Aurafotografie und andere menschliche Strahlungen, und nicht zu vergessen die Manifestationen von "Poltergeistern". Mehrere zeitgenössische Werke werden ebenfalls in einen Dialog mit diesem erstaunlichen Archiv treten. Die Ausstellung Phénomènes besteht aus Bildern, seltsamen Objekten und Büchern aus den Sammlungen der BIU Santé Médecine der Université Paris Cité und bietet somit einen unerwarteten Blick auf das Gebiet des Paranormalen.

Mit zeitgenössischen Werken von Dora Tishmann und Marc Cohen und einer partizipativen Performance (Produktion von Aura-Fotografien) von Dorothée Elisa Baumann am Samstag, den 12. November (Anmeldung erforderlich).

Das Musée d'Histoire de la Médecine befindet sich in den Räumlichkeiten der ehemaligen medizinischen Fakultät von Paris und zeigt Sammlungen, die zu den ältesten in Europa gehören. Sie wurden von Dekan Lafaye im 18. Jahrhundert zusammengetragen und später durch eine große Sammlung von Stücken ergänzt, die die verschiedenen Zweige der Operationskunst bis zum Ende des 19. Das Musée d'Histoire de la Médecine hat seinen Platz unter den zahlreichen Pariser Museen gefunden und genießt auch international einen guten Ruf.

À l’occasion de la onzième édition du festival PhotoSaintGermain, le Musée d’Histoire de la Médecine accueille l’exposition Phénomènes. L’inexpliqué face à la science, premier volet d’un événement entièrement dédié à l’histoire visuelle de la parapsychologie. Méconnues, voire inédites, les images réunies pour l’occasion proposent de relire l’histoire des sciences et de la médecine de 1890 à nos jours, sous l’angle de la fascination des savants pour l’occulte.

Chacune des photographies sélectionnées immortalise cet instant rare où, durant leurs expériences, des représentants de la communauté scientifique ont été confrontés à des événements paranormaux.

Cette invitation à explorer en images les marges de la connaissance scientifique proposera aux visiteurs un parcours composé de sept sections thématiques : la télékinésie (prétendue action de l’esprit sur la matière), le magnétisme, la lévitation, les médiums , la radiesthésie et l’art des sourciers, la photographie de l’aura et autres radiations humaines, sans oublier les manifestations d’« esprits frappeurs ». Plusieurs œuvres contemporaines viendront également dialoguer avec ces archives étonnantes. Constituée d’images, d’objets étranges, mais aussi d’ouvrages issus des collections de la BIU Santé Médecine d’Université Paris Cité, l’exposition Phénomènes offre ainsi un regard inattendu sur le domaine du paranormal.

Avec les œuvres contemporaines de Dora Tishmann et Marc Cohen, et une performance participative (production de photographies d'aura) par Dorothée Elisa Baumann le samedi 12 novembre (sur inscription).

Situé dans les locaux de l’ancienne Faculté de Médecine de Paris, le Musée d’Histoire de la Médecine présente des collections parmi les plus anciennes d’Europe. Elles ont été réunies par le doyen Lafaye au XVIIIe siècle, puis complétées par un important ensemble de pièces couvrant les différentes branches de l’art opératoire jusqu’à la fin du XIXe siècle. Le Musée d’Histoire de la Médecine a trouvé sa place parmi les nombreux musées parisiens et jouit également d’une renommée internationale.

In occasione dell'undicesima edizione del festival PhotoSaintGermain, il Museo di Storia della Medicina ospita la mostra Phenomena. L'inspiegabile di fronte alla scienza, prima parte di un evento interamente dedicato alla storia visiva della parapsicologia. Le immagini raccolte per l'occasione, poco conosciute o addirittura inedite, offrono l'opportunità di rileggere la storia della scienza e della medicina dal 1890 a oggi, dall'angolazione della fascinazione degli scienziati per l'occulto.

Ognuna delle fotografie selezionate immortala quel raro momento in cui, durante i loro esperimenti, i rappresentanti della comunità scientifica si sono trovati di fronte a eventi paranormali.

Questo invito a esplorare i margini della conoscenza scientifica per immagini offrirà ai visitatori un percorso composto da sette sezioni tematiche: telecinesi (presunta azione dello spirito sulla materia), magnetismo, levitazione, medium, radiestesia e arte della rabdomanzia, fotografia dell'aura e di altre radiazioni umane, senza dimenticare le manifestazioni degli "spiriti che colpiscono". Verranno inoltre presentate diverse opere contemporanee in dialogo con questi sorprendenti archivi. Composta da immagini, strani oggetti, ma anche da opere provenienti dalle collezioni della BIU Santé Médecine dell'Université Paris Cité, la mostra Phenomena offre uno sguardo inaspettato sul campo del paranormale.

Con opere contemporanee di Dora Tishmann e Marc Cohen e una performance partecipativa (produzione di fotografie aura) di Dorothée Elisa Baumann sabato 12 novembre (registrazione obbligatoria).

Situato nei locali dell'ex Facoltà di Medicina di Parigi, il Museo di Storia della Medicina presenta alcune delle collezioni più antiche d'Europa. Sono stati assemblati dal decano Lafaye nel XVIII secolo, poi completati da un'importante collezione di oggetti che coprono le diverse branche dell'arte chirurgica fino alla fine del XIX secolo. Il Museo di Storia della Medicina ha trovato il suo posto tra i numerosi musei parigini ed è rinomato anche a livello internazionale.

On the occasion of the eleventh edition of the PhotoSaintGermain festival, the Museum of the History of Medicine hosts the exhibition Phenomena. The unexplained in the face of science, the first part of an event entirely dedicated to the visual history of parapsychology. The images gathered for the occasion are unknown or even unpublished, and propose to reread the history of science and medicine from 1890 to the present day, from the angle of the fascination of scientists for the occult.

Each of the selected photographs immortalizes that rare moment when, during their experiments, representatives of the scientific community were confronted with paranormal events.

This invitation to explore in images the margins of scientific knowledge will offer visitors a journey composed of seven thematic sections: telekinesis (alleged action of the spirit on matter), magnetism, levitation, mediums, radiesthesia and the art of dowsing, photography of the aura and other human radiations, without forgetting the manifestations of "striking spirits. Several contemporary works will also come to dialogue with these amazing archives. Consisting of images, strange objects, but also works from the collections of the BIU Santé Médecine of Université Paris Cité, the Phenomena exhibition offers an unexpected look at the field of the paranormal.

With contemporary works by Dora Tishmann and Marc Cohen, and a participatory performance (production of aura photographs) by Dorothée Elisa Baumann on Saturday, November 12 (registration required).

Located in the former Faculty of Medicine of Paris, the Museum of the History of Medicine presents some of the oldest collections in Europe. They were assembled by Dean Lafaye in the 18th century, then completed by an important collection of items covering the different branches of the art of surgery until the end of the 19th century. The Museum of the History of Medicine has found its place among the many museums in Paris and is also internationally renowned.

(Text: Photo Saint-Germain, Paris)

Maison de l'Amérique latine | Paris
21. Oktober 2022 - 7. Januar 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen von Photo Saint-Germain statt.

Ce sud si lointain - Photographies d'Amérique Latine
Gisèle Freund

Die Ausstellung wurde in Zusammenarbeit mit dem IMEC (Institut Mémoires de l'Edition Contemporaine) realisiert und zeigt 72 zum Teil unveröffentlichte Fotografien (posthume Abzüge) von Gisèle Freund, die zwischen 1941 und 1954 entstanden sind und Porträts, Landschaften, Dorf- und Marktszenen sowie Szenen aus dem Alltagsleben umfassen. Sie zeigen den wichtigen Platz, den Lateinamerika im Werdegang der Fotografin einnahm, die dafür bekannt war, Schriftsteller des 20. Jahrhunderts in ikonischen Porträts zu verewigen.

Sie verdeutlichen ihre beständige Fähigkeit, sich nicht nur für das menschliche Porträt zu interessieren - "Ich habe nie aufgehört, verstehen zu wollen, was sich hinter einem Gesicht verbirgt" -, sondern auch für "den Menschen und das, was ihn umgibt", für seine Umwelt und seine Lebensumstände. Von 1941 bis Anfang der 1950er Jahre reiste Gisèle Freund zum ersten Mal nach Argentinien, Uruguay, Chile, Ecuador, Mexiko, Bolivien, Peru und Brasilien und machte dort ihre stärksten menschlichen und ästhetischen Erfahrungen. Argentinien und Mexiko werden einen tiefen Eindruck in ihrem Leben und in ihrem Werk hinterlassen.

Diese Bilder ermöglichen es, das dreifache Profil von Gisèle Freund als Fotografin, Soziologin und Journalistin voll und ganz zu würdigen.

Sie gestand 1991: "Ich dachte, dass die Fotografie ein wunderbares Mittel ist, damit die Völker sich untereinander kennenlernen (...). Ich glaubte an diese Utopie: das Kennenlernen der anderen, ihrer Unterschiede, als Sprache des Friedens zwischen den Menschen. Meine Aufgabe war es also, so dachte ich, durch die Fotografie am Weltfrieden teilzunehmen".

Das Maison de l'Amérique Latine ist ein privilegierter Ort für den Empfang, für Treffen und für Ausstellungen der lateinamerikanischen kulturellen und diplomatischen Gemeinschaft in Paris. Sie versteht sich als Kreuzungspunkt der Kulturen, als Ort der Begegnung und des Austauschs, an dem alle Formen des künstlerischen Ausdrucks zusammenkommen.

Réalisée avec le concours de l’IMEC (Institut Mémoires de l’Edition Contemporaine), l’exposition présente 72 photographies (tirages posthumes) de Gisèle Freund, certaines inédites, réparties entre portraits, paysages, scènes de villages, de marchés, et de vie quotidienne, réalisées à l’origine et pour l’essentiel entre 1941 et 1954. Elles révèlent la place importante qu’a occupée l’Amérique latine dans la trajectoire de la photographe célèbre pour avoir immortalisé en portraits iconiques les écrivains du XXe siècle.

Elles mettent en lumière sa constante capacité à s’intéresser non seulement au portrait humain – « je n’ai jamais cessé de vouloir comprendre ce qui se trouve derrière un visage », mais aussi à « l’être humain et ce qui l’entoure », à son environnement et à sa condition. C’est à partir de 1941 et jusqu’au début des années 1950 que Gisèle Freund voyagera pour la première fois en Argentine, en Uruguay, au Chili, en Equateur, au Mexique, en Bolivie, au Pérou, au Brésil, et qu’elle vivra ses plus fortes expériences humaines et esthétiques. L’Argentine et le Mexique laisseront une empreinte profonde dans sa vie et dans son oeuvre.

Ces images permettent d’apprécier pleinement le triple profil de photographe, de sociologue et de journaliste de Gisèle Freund.

Elle confiera en 1991 : « J’ai pensé que la photographie était un moyen merveilleux pour que les peuples se connaissent entre eux (…). J’ai cru à cette utopie : la connaissance des autres, de leurs différences, comme langage de paix entre les hommes. Ma tâche était donc, pensais-je, de participer à la paix du monde à travers la photographie »

La Maison de l’Amérique latine est un lieu privilégié d’accueil, de réunions et d’expositions de la communauté culturelle et diplomatique latino- américaine à Paris. Elle se veut un carrefour de cultures, un lieu de rencontres et d’échanges, où se côtoient toutes les formes d’expression artistique.

Organizzata con il sostegno dell'IMEC (Institut Mémoires de l'Edition Contemporaine), la mostra presenta 72 fotografie (stampe postume) di Gisèle Freund, alcune delle quali mai esposte prima, suddivise tra ritratti, paesaggi, scene di villaggi, mercati e vita quotidiana, scattate originariamente e principalmente tra il 1941 e il 1954. Essi rivelano il posto importante che l'America Latina occupava nella carriera del fotografo famoso per aver immortalato gli scrittori del XX secolo in ritratti iconici.

Esse evidenziano il suo costante interesse non solo per il ritratto umano - "non ho mai smesso di voler capire cosa si nasconde dietro un volto" - ma anche per "l'essere umano e ciò che lo circonda", per il suo ambiente e la sua condizione. È dal 1941 ai primi anni Cinquanta che Gisèle Freund viaggia per la prima volta in Argentina, Uruguay, Cile, Ecuador, Messico, Bolivia, Perù e Brasile e vive le sue esperienze umane ed estetiche più intense. L'Argentina e il Messico lasceranno un'impronta profonda nella sua vita e nel suo lavoro.

Queste immagini ci permettono di apprezzare appieno il triplice profilo di Gisèle Freund come fotografa, sociologa e giornalista.

Nel 1991 confidava: "Pensavo che la fotografia fosse un modo meraviglioso per far conoscere le persone (...). Credevo in questa utopia: la conoscenza degli altri, delle loro differenze, come linguaggio di pace tra gli uomini. Il mio compito era quindi, pensavo, quello di partecipare alla pace nel mondo attraverso la fotografia.

La Maison de l'Amérique latine è un luogo privilegiato di accoglienza, incontri ed esposizioni della comunità culturale e diplomatica latinoamericana a Parigi. L'obiettivo è quello di essere un crocevia di culture, un luogo di incontro e di scambio, dove trovare tutte le forme di espressione artistica.

Organized with the support of the IMEC (Institut Mémoires de l'Edition Contemporaine), the exhibition presents 72 photographs (posthumous prints) by Gisèle Freund, some of which have never been shown before, divided between portraits, landscapes, scenes of villages, markets, and daily life, originally taken mostly between 1941 and 1954. They reveal the important place that Latin America occupied in the career of the photographer famous for having immortalized in iconic portraits the writers of the twentieth century.

They highlight her constant interest not only in human portraiture - "I never stopped wanting to understand what lies behind a face" - but also in "the human being and his surroundings", his environment and his condition. From 1941 until the early 1950s, Gisèle Freund traveled for the first time to Argentina, Uruguay, Chile, Ecuador, Mexico, Bolivia, Peru, and Brazil, where she had her most intense human and aesthetic experiences. Argentina and Mexico will leave a deep imprint in her life and in her work.

These images allow us to fully appreciate Gisèle Freund's triple profile as a photographer, sociologist and journalist.

She confided in 1991: "I thought that photography was a wonderful way for people to get to know each other (...). I believed in this utopia: the knowledge of others, of their differences, as a language of peace between men. My task was therefore, I thought, to participate in the peace of the world through photography.

The Maison de l'Amérique Latine is a privileged place of reception, meetings and exhibitions of the Latin American cultural and diplomatic community in Paris. It is a crossroads of cultures, a place of meetings and exchanges, where all forms of artistic expression can be found.

(Text: Photo Saint-Germain, Paris)

Galerie Roger-Viollet | Paris
6. Oktober 2022 - 14. Januar 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen von Photo Saint-Germain statt.

L’élégance du regard
Laure Albin Guillot

Vom männlichen und weiblichen Akt über die Mikrofotografie, Stillleben, Mode und Porträts bis hin zur aufkommenden Werbefotografie - Laure Albin Guillot (1879-1962) nahm aktiv an der Neuen Fotografie der Zwischenkriegszeit teil.

Ende der 1920er Jahre brachte sie gemeinsam mit ihrem Mann, einem Wissenschaftler, die Schönheit des für das bloße Auge Unsichtbaren zum Vorschein, indem sie sich ihre Mikrofotografien auf Autochromen ausdachte. Als renommierte Gesellschaftsfotografin porträtierte sie Persönlichkeiten aus der Welt der Kunst und Kultur ebenso wie anonyme Mitglieder der Pariser Bourgeoisie. Als Pionierin der Aktfotografie wurden ihre Studien des weiblichen und männlichen Körpers direkt auf einem Leseabzug sorgfältig mit Bleistift beschnitten, bevor ein endgültiger Abzug erstellt wurde.

In den 1930er Jahren, als die Werbefotografie aufkam, bearbeitete Laure Albin Guillot Aufträge der Luxus-, Mode-, Kosmetik- und Tabakindustrie mit der gleichen Strenge in Bezug auf Bildausschnitt und Licht, wobei sie manchmal nicht einmal zögerte, in die zu vermittelnde Botschaft einzugreifen.

Laure Albin Guillot, Autorin zahlreicher Bücher und Ausstellungen, Mitglied der Société Française de Photographie, der Société des Artistes Photographes und Leiterin des Fotoarchivs der Beaux-Arts, starb 1962 und hinterließ ein riesiges, eklektisches und kohärentes Werk, von dem der Großteil 1964 von der Agentur Roger-Viollet erworben wurde. Ihr Atelierbestand wird von der Bibliothèque Historique de la Ville de Paris aufbewahrt und exklusiv von der Galerie Roger-Viollet vertrieben.

Diese 1938 gegründete Fotoagentur ist eine der ältesten französischen Agenturen. Ihre Sammlungen bilden einen in Europa einzigartigen fotografischen Fundus mit über 6 Millionen Dokumenten, die mehr als 180 Jahre Pariser, französische und internationale Geschichte abdecken.

Du nu masculin et féminin, à la photographie publicitaire naissante en passant par la photomicrographie, la nature morte, la mode et le portrait, Laure Albin Guillot (1879‑1962) participe activement à la Nouvelle Photographie de l’entre‑deux‑guerres.

A la fin des années 1920, avec son époux scientifique, elle fait émerger la beauté de ce qui est invisible à l’œil nu en imaginant ses microphotographies sur autochromes. Photographe mondaine de renom, elle portraitise des personnalités du monde des arts et de la culture, tout comme des anonymes de la bourgeoisie parisienne. Pionnière en photographie de nus, ses études du corps féminin et masculin sont soigneusement recadrées au crayon à papier directement sur un tirage de lecture avant d’en tirer une épreuve définitive.

Dans les années 1930, avec l’essor de la photographie publicitaire, Laure Albin Guillot traite les commandes de l’industrie du luxe, de la mode, de la cosmétique ou du tabac avec la même rigueur du cadrage et de la lumière, n’hésitant pas même parfois à intervenir dans le message à faire passer.

Auteure de nombreux ouvrages et d’expositions, membre de la Société Française de Photographie, de la Société des Artistes Photographes, directrice des archives photographiques des Beaux‑Arts, Laure Albin Guillot s’éteint en 1962 laissant une œuvre immense, éclectique et cohérente dont la majorité est acquise par l’agence Roger‑Viollet en 1964. Son fonds d’atelier est conservé par la Bibliothèque Historique de la Ville de Paris et est diffusé en exclusivité par la Galerie Roger‑Viollet.

Cette agence photographique créée en 1938, est une des plus anciennes agences françaises. Ses collections constituent un fonds photographique unique en Europe avec plus de 6 millions de documents couvrant plus de 180 ans d’histoire parisienne, française et internationale.

Ce lieu singulier dédié à la photographie d’archive à su conserver son âme et propose depuis fin 2020, un nouvel espace d’exposition, un espace de consultation et de vente de tirages, et un coin librairie.

Dai nudi maschili e femminili, attraverso la fotomicrografia, la natura morta, la moda e la ritrattistica, fino alla nascente fotografia pubblicitaria, Laure Albin Guillot (1879-1962) ha partecipato attivamente alla Nuova Fotografia del periodo tra le due guerre.

Alla fine degli anni Venti, insieme al marito scienziato, fece emergere la bellezza di ciò che è invisibile a occhio nudo immaginando le sue microfotografie su autocromie. Rinomata fotografa sociale, ritrasse personalità del mondo dell'arte e della cultura, ma anche anonimi membri della borghesia parigina. Pioniera della fotografia di nudo, i suoi studi del corpo maschile e femminile vengono accuratamente ritagliati a matita direttamente su una stampa di lettura prima della realizzazione della prova finale.

Negli anni Trenta, con l'affermarsi della fotografia pubblicitaria, Laure Albin Guillot gestì le commissioni delle industrie del lusso, della moda, della cosmesi e del tabacco con lo stesso rigore nell'inquadratura e nell'illuminazione, intervenendo talvolta anche sul messaggio da trasmettere.

Autrice di numerosi libri e mostre, membro della Société Française de Photographie e della Société des Artistes Photographes, nonché direttrice dell'archivio fotografico delle Beaux-Arts, Laure Albin Guillot muore nel 1962, lasciando un'opera immensa, eclettica e coerente, la maggior parte della quale viene acquisita dall'agenzia Roger-Viollet nel 1964. La sua collezione di atelier è conservata dalla Bibliothèque Historique de la Ville de Paris ed è distribuita in esclusiva dalla Galerie Roger-Viollet.

Questa agenzia fotografica, creata nel 1938, è una delle più antiche agenzie francesi. Le sue collezioni costituiscono una raccolta fotografica unica in Europa, con oltre 6 milioni di documenti che coprono più di 180 anni di storia parigina, francese e internazionale.

From male and female nudes, to the nascent advertising photography through photomicrography, still life, fashion and portraiture, Laure Albin Guillot (1879-1962) actively participated in the New Photography of the interwar period.

At the end of the 1920s, with her scientist husband, she brought out the beauty of what is invisible to the naked eye by imagining her microphotographs on autochromes. A renowned social photographer, she portrayed personalities from the world of arts and culture, as well as anonymous members of the Parisian bourgeoisie. A pioneer in nude photography, her studies of the male and female body are carefully cropped with pencil directly onto a reading print before a final proof is made.

In the 1930s, with the rise of advertising photography, Laure Albin Guillot treated commissions from the luxury goods, fashion, cosmetics and tobacco industries with the same rigorous framing and lighting, sometimes even intervening in the message to be conveyed.

Author of numerous books and exhibitions, member of the French Society of Photography, the Society of Artist Photographers, director of the photographic archives of the Beaux-Arts, Laure Albin Guillot died in 1962 leaving an immense, eclectic and coherent body of work, most of which was acquired by the Roger-Viollet agency in 1964. Her studio collection is preserved by the Bibliothèque Historique de la Ville de Paris and is distributed exclusively by the Roger-Viollet Gallery.

This photographic agency, created in 1938, is one of the oldest French agencies. Its collections constitute a unique photographic collection in Europe with over 6 million documents covering more than 180 years of Parisian, French and international history.

(Text: Photo Saint-Germain, Paris)

MUCEM| Marseille
9. Juli – 9. Oktober 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen von Les Rencontres de la Photographie Arles statt

L’Atlas en mouvement
Mathieu Pernot

L’Atlas en mouvement präsentiert die Arbeiten, die Mathieu Pernot seit mehr als einem Jahrzehnt mit Migranten durchgeführt hat, und schlägt eine neue Perspektive in der Art und Weise ihrer Darstellung vor. Astronomie, Botanik, Anatomie, Kartografie, die Geschichte der Schrift und die Frage des Lebensraums werden in diesem Atlas als ein der gesamten Menschheit gemeinsames Wissen herangezogen. Mathieu Pernot vermischt Fotografien, Videos, handschriftliche Medien, Karten und Fundstücke und schlägt eine neue Form der Erzählung vor, in der die geteilte Geschichte mit mehreren Stimmen erzählt wird. Von Mossul bis Aleppo, von Lesbos über Paris bis Calais: Der Atlas in Bewegung durchquert die Zeiten und Gebiete des Exils und begegnet denjenigen, die die Kraft der Hoffnung haben.

L’Atlas en mouvement présente les travaux réalisés depuis plus d’une dizaine d’années par Mathieu Pernot avec des migrants, et propose une nouvelle perspective dans la manière de les représenter. L’astronomie, la botanique, l’anatomie, la cartographie, l’histoire de l’écriture, la question de l’habitat sont convoquées dans cet atlas, comme un savoir commun à l’ensemble de l’humanité. Mêlant photographies, vidéos, supports manuscrits, cartes et objets trouvés, Mathieu Pernot propose une nouvelle forme de récit, où l’histoire partagée se raconte à plusieurs voix. De Mossoul à Alep, de Lesbos à Calais, en passant par Paris, L’Atlas en mouvement traverse les temps et les territoires de l’exil, et part à la rencontre de celles et ceux qui ont la force de l’espoir.

L’Atlas en mouvement presenta il lavoro che Mathieu Pernot svolge da oltre dieci anni con i migranti e propone una nuova prospettiva nel modo in cui vengono rappresentati. L'astronomia, la botanica, l'anatomia, la cartografia, la storia della scrittura e la questione dell'habitat sono tutte chiamate in causa in questo atlante, come conoscenze comuni a tutta l'umanità. Combinando fotografie, video, manoscritti, mappe e oggetti trovati, Mathieu Pernot propone una nuova forma di narrazione, dove la storia condivisa è raccontata a più voci. Da Mosul ad Aleppo, da Lesbo a Calais, passando per Parigi, L'Atlas en mouvement attraversa i tempi e i territori dell'esilio e va incontro a chi ha la forza della speranza.

L’Atlas en mouvement presents the work Mathieu Pernot has been doing for more than ten years with migrants, and proposes a new perspective in the way of representing them. Astronomy, botany, anatomy, cartography, the history of writing, and the question of habitat are all called upon in this atlas, as knowledge common to the whole of humanity. Combining photographs, videos, manuscripts, maps and found objects, Mathieu Pernot proposes a new form of narrative, where the shared history is told in several voices. From Mosul to Aleppo, from Lesbos to Calais, passing through Paris, The Atlas in motion crosses the times and territories of exile, and goes to meet those who have the strength of hope.

(Text: Les Rencontres de la Photographie Arles)

Carré d'Art – Musée d'Art contemporain | Nîmes
5. Juli – 4. Dezember 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen von Les Rencontres de la Photographie Arles statt

Transit
Sam Contis

Sam Contis erforscht die Konstruktion von Mythen, Orten und Identitäten. In ihren Fotografien und Filmen untersucht sie den Begriff der Repräsentation und die Rolle des fotografischen Objektivs für das Verständnis dessen, was uns umgibt. In der Ausstellung werden neue Bilder gezeigt, die während der Zeit des Lockdowns in England auf langen Wanderungen durch die Landschaft entstanden sind. Dort fotografierte sie die Strukturen, die den Übergang von einem Raum in einen anderen ermöglichen, die zu skulpturalen Formen werden und auf eine gewisse demokratische Freiheit verweisen - die Freiheit, sich in einem Gebiet bewegen zu können.

Sam Contis explore la construction de mythes, lieux et identités. Dans ses photographies et ses films, elle examine la notion de représentation et le rôle de l’objectif photographique dans la compréhension de ce qui nous entoure. Dans l’exposition seront présentées des images récentes réalisées pendant la période de confinement en Angleterre, au cours de longues marches dans la campagne. Elle y a photographié les structures permettant de passer d’un espace à un autre, qui deviennent des formes sculpturales, et renvoient à une certaine liberté démocratique, celle de pouvoir circuler dans un territoire.

Sam Contis esplora la costruzione di miti, luoghi e identità. Nelle sue fotografie e nei suoi film esamina la nozione di rappresentazione e il ruolo dell'obiettivo fotografico nella comprensione di ciò che ci circonda. La mostra presenterà immagini recenti realizzate durante il periodo di confino in Inghilterra, durante lunghe passeggiate in campagna. Lì ha fotografato le strutture che ci permettono di spostarci da uno spazio all'altro, che diventano forme scultoree, e si riferiscono a una certa libertà democratica, quella di potersi spostare su un territorio.

Sam Contis explores the construction of myths, places and identities. In her photographs and films, she examines the notion of representation and the role of the photographic lens in understanding our surroundings. The exhibition will feature recent images made during the period of confinement in England, during long walks in the countryside. She photographed the structures that allow us to move from one space to another, which become sculptural forms, and refer to a certain democratic freedom, that of being able to move around a territory.

(Text: Les Rencontres de la Photographie Arles)

Fondation Manuel Rivera-Ortiz | Arles
4. Juli – 25. September 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen von Les Rencontres de la Photographie Arles statt

Dress Code

Liza Ambrossio, Michela Benaglia, Delphine Blast, Manon Boyer, Elina Brotherus, Daniel Castro García, Bruno Cattani, Collectif fiVe, Antonio d’Ambrossio, Sanne de Wilde, Alexandre Dupeyron, Amin el Did, Benoît Feron, Jeanne Frank, Sara Imloul, Phumzile Khanyile, Bénédicte Kurzen, Lawrence Lemaoana, Lila Neutre, Frédéric Noy, Mathieu Richer Mamousse, Torsten Schumann, Tendance Floue.

Das Programm Dress Code vereint rund 30 Künstler, die einen einzigartigen Blick auf Kleidung und Identität in der Welt werfen, von den Drag Queens in New York über die Zapoteken-Frauen in Mexiko bis hin zu Voodoo-Ritualen in Benin...

Le programme Dress Code réunit une trentaine d’artistes proposant autant de regards singuliers sur le vêtement et l’identité dans le monde, des Drag Queens à New York aux femmes zapotèques au Mexique, via les rituels vaudou au Bénin…

Il programma Dress Code riunisce una trentina di artisti che offrono altrettanti punti di vista singolari sull'abbigliamento e l'identità nel mondo, dalle Drag Queen di New York alle donne zapoteche in Messico, passando per i riti voodoo nel Benin...

The Dress Code program brings together about thirty artists offering as many singular views on clothing and identity in the world, from Drag Queens in New York to Zapotec women in Mexico, via voodoo rituals in Benin...

(Text: Les Rencontres de la Photographie Arles)

Église Sainte-Anne | Arles
4. Juli – 25. September 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen von Les Rencontres de la Photographie Arles statt

Capturer le mouvement dans l'espace
Babette Mangolte

Die experimentelle Filmemacherin und Fotografin Babette Mangolte, die sich in den 1970er Jahren in New York niederließ, dokumentierte die choreografische und performative Szene der Stadt. Bereits in dieser Zeit entwickelte sie eine fotografische und filmische Sprache, die auf der Subjektivität der Kamera, der zentralen Rolle des Zuschauers im Dispositiv und der Beziehung des menschlichen Körpers zum Raum beruhte. In den 1980er Jahren setzte sie diese Forschung aktiv und rigoros fort und beteiligte sich aktiv an der Definition und dem Aufbau eines Archivs der Performance, um diese in eine bestimmte Zeit und einen bestimmten Kontext einzuordnen. Ihre Arbeit ermöglicht es uns, mehr als fünfzig Jahre des Schaffens zu durchlaufen, die insbesondere von Yvonne Rainer, Trisha Brown, Richard Foreman, Lucinda Childs, Simone Forti, Robert Morris, Joan Jonas und Robert Whitman geprägt wurden. Mit einer Auswahl an Bildern und Filmen möchte die Ausstellung eine der wichtigsten Figuren unserer Zeit würdigen.

Babette Mangolte, Preisträgerin des Preises Women in Motion im Jahr 2022.

Am 5. Juli 2022 werden Kering und die Rencontres d'Arles Babette Mangolte im Théâtre Antique d'Arles den Preis Women In Motion verleihen. Dieser Preis würdigt die Karriere einer herausragenden Fotografin und wurde zuvor an Susan Meiselas (2019), Sabine Weiss (2020) und Liz Johnson Artur (2021) verliehen.

Installée à New York dans les années 1970, la cinéaste et photographe expérimentale Babette Mangolte a documenté la scène chorégraphique et performative de la ville. Dès cette période, elle a développé un langage photographique et cinématographique fondé sur la subjectivité de la caméra, le rôle central du spectateur dans le dispositif, et la relation du corps humain à l'espace. Dans les années 1980, elle poursuit cette recherche de manière active et rigoureuse, et participe activement à la définition et à la construction d'une archive de la performance, afin de l'inscrire dans un temps et un contexte précis. Son travail nous permet de parcourir plus de cinquante ans de création, marqués notamment par Yvonne Rainer, Trisha Brown, Richard Foreman, Lucinda Childs, Simone Forti, Robert Morris, Joan Jonas, Robert Whitman. À travers une sélection d'images et de films, l’exposition veut rendre hommage à l’une des figures majeures de notre temps.

Babette Mangolte, Lauréate du Prix Women in Motion en 2022

Le 5 juillet 2022, Kering et les Rencontres d’Arles remettront à Babette Mangolte le Prix Women In Motion au théâtre Antique d’Arles. Ce prix vient saluer la carrière d’une photographe remarquable et a précédemment été décerné à Susan Meiselas (2019), Sabine Weiss (2020) et Liz Johnson Artur (2021).

Vivendo a New York negli anni '70, la cineasta sperimentale e fotografa Babette Mangolte ha documentato la scena coreografica e performativa della città. A partire da questo periodo, ha sviluppato un linguaggio fotografico e cinematografico basato sulla soggettività della macchina fotografica, il ruolo centrale dello spettatore nel dispositivo e la relazione del corpo umano con lo spazio. Negli anni '80, ha perseguito questa ricerca in modo attivo e rigoroso, e ha partecipato attivamente alla definizione e alla costruzione di un archivio della performance, al fine di iscriverla in un tempo e in un contesto precisi. Il suo lavoro ci permette di viaggiare attraverso più di cinquant'anni di creazione, segnati in particolare da Yvonne Rainer, Trisha Brown, Richard Foreman, Lucinda Childs, Simone Forti, Robert Morris, Joan Jonas, Robert Whitman. Attraverso una selezione di immagini e filmati, la mostra rende omaggio a una delle maggiori figure del nostro tempo.

Babette Mangolte, vincitrice del Women in Motion Prize nel 2022

Il 5 luglio 2022, Kering e i Rencontres d'Arles consegneranno a Babette Mangolte il premio Women in Motion al Théâtre Antique di Arles. Questo premio riconosce la carriera di un fotografo eccezionale ed è stato precedentemente assegnato a Susan Meiselas (2019), Sabine Weiss (2020) e Liz Johnson Artur (2021).

Based in New York City in the 1970s, experimental filmmaker and photographer Babette Mangolte documented the city's choreographic and performance scene. During this period, she developed a photographic and cinematographic language based on the subjectivity of the camera, the central role of the spectator in the device, and the relationship of the human body to space. In the 1980s, she pursued this research in an active and rigorous manner, and actively participated in the definition and construction of an archive of performance, in order to inscribe it in a precise time and context. Her work allows us to travel through more than fifty years of creation, marked in particular by Yvonne Rainer, Trisha Brown, Richard Foreman, Lucinda Childs, Simone Forti, Robert Morris, Joan Jonas, Robert Whitman. Through a selection of images and films, the exhibition pays tribute to one of the major figures of our time.

Babette Mangolte, Winner of the Women in Motion Award in 2022

On July 5, 2022, Kering and the Rencontres d'Arles will present Babette Mangolte with the Women in Motion Prize at the Théâtre Antique in Arles. This prize recognizes the career of an outstanding photographer and has previously been awarded to Susan Meiselas (2019), Sabine Weiss (2020) and Liz Johnson Artur (2021).

(Text: Les Rencontres de la Photographie Arles)

Église des Trinitaires | Arles
4. Juli – 28. August 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen von Les Rencontres de la Photographie Arles statt

Phoenix
Noémie Goudal

Um Überlegungen zur Idee der "Tiefenzeit" (die die geologische Geschichte des Planeten bezeichnet), der Paläoklimatologie (das Studium vergangener Klimazonen) und der geografischen Beziehungen dreht sich die Arbeit von Noémie Goudal, deren komplexe und performative Filmserien und konstruierte Bilder die Verbindung zwischen dem Menschlichen und dem Nicht-Menschlichen hinterfragen. Ihre neueste Werkreihe, die üppige Vegetation, felsige Küsten, schneebedeckte Gipfel und Sümpfe miteinander verflechtet, erforscht raum-zeitliche Weite und postanthropozentrische Arten der Zugehörigkeit. Sein poetischer Film Inhale Exhale (2021) zeigt die Erde in einem Zustand ständiger Bewegung durch eine undefinierte Äquatorlandschaft aus einer Arktis, die sich im ständigen Übergang befindet. In der Serie Phoenix (2021), nach der die Ausstellung benannt ist, werden optische Täuschungen und transformierte Realitäten entfaltet, um die Indexikalität des Bildes als Bezugspunkt der Wahrheit in Frage zu stellen. Die Theaterarbeit von Noémie Goudal zeugt schließlich von einer philosophischen Verschiebung in unserer Herangehensweise an die Ökologie, indem sie sich insbesondere bewusst macht, dass die zeitlichen Schwankungen des Planeten für sein Überleben wesentlich sind.

C’est autour de réflexions sur l’idée du « temps profond » (qui désigne l’histoire géologique de la planète), de la paléoclimatologie (l’étude des climats passés) et des relations géographiques, que s’articule le travail de Noémie Goudal, dont les séries de films complexes et performatifs et les images construites interrogent l’interconnexion entre l’humain et le non-humain. Entremêlant végétation luxuriante, littoraux rocheux, sommets enneigés et marécages, sa dernière série de travaux explore l’immensité spatio-temporelle et les modes d’appartenance postanthropocentriques. Son film poétique Inhale Exhale (2021) montre la Terre dans un état de mouvement perpétuel à travers un paysage équatorial indéfini venu d’un Arctique en transition continuelle. Dans la série Phoenix (2021), dont l’exposition porte le nom, illusion d’optique et réalités transformées sont déployées pour remettre en question l’indexicalité de l’image comme repère de vérité. Le travail théâtral de Noémie Goudal témoigne finalement d’un déplacement philosophique dans notre approche de l’écologie, en prenant notamment conscience que les variations temporelles de la planète sont essentielles à sa survie.

Le riflessioni sull'idea di "tempo profondo" (che si riferisce alla storia geologica del pianeta), la paleoclimatologia (lo studio dei climi del passato) e le relazioni geografiche sono al centro del lavoro di Noémie Goudal, le cui serie di film complessi e performativi e le immagini costruite interrogano l'interconnessione tra l'umano e il non umano. Intrecciando vegetazione lussureggiante, coste rocciose, cime innevate e paludi, la sua ultima serie di lavori esplora la vastità spazio-temporale e le modalità post-antropocentriche di appartenenza. Il suo film poetico Inhale Exhale (2021) mostra la Terra in uno stato di moto perpetuo attraverso un paesaggio equatoriale indefinito da un Artico in continua transizione. Nella serie Phoenix (2021), da cui prende il nome la mostra, l'illusione ottica e le realtà trasformate sono impiegate per mettere in discussione l'indicizzazione dell'immagine come marcatore di verità. Il lavoro teatrale di Noémie Goudal testimonia finalmente un cambiamento filosofico nel nostro approccio all'ecologia, in particolare prendendo coscienza che le variazioni temporali del pianeta sono essenziali per la sua sopravvivenza.

It is around reflections on the idea of "deep time" (which refers to the geological history of the planet), paleoclimatology (the study of past climates) and geographical relationships that the work of Noémie Goudal is articulated, whose complex and performative film series and constructed images question the interconnection between the human and the non-human. Intertwining lush vegetation, rocky coastlines, snowy peaks and swamps, her latest series of work explores spatio-temporal vastness and post-anthropocentric modes of belonging. His poetic film Inhale Exhale (2021) shows the Earth in a state of perpetual motion through an undefined equatorial landscape from an Arctic in continuous transition. In the Phoenix series (2021), for which the exhibition is named, optical illusion and transformed realities are deployed to question the indexicality of the image as a marker of truth. Noémie Goudal's theatrical work finally testifies to a philosophical shift in our approach to ecology, notably by realizing that the temporal variations of the planet are essential to its survival.

(Text: Les Rencontres de la Photographie Arles)

Centre d'arts Fernand Léger | Port de Bouc
1. Juli – 2. September 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen von Les Rencontres de la Photographie Arles statt

Je plie la terre (I am folding the land)
Catherine Cattaruzza

In Je plie la terre (I am folding the land) (Frankreich, Libanon, 2022) untersucht Catherine Cattaruzza ihre Beziehung zu den Konvulsionen der Welt mit dem Libanon als Epizentrum. Durch die Reise, die sie entlang der drei größten seismischen Verwerfungen dieses Landes geführt hat, schlägt sie eine Übersetzung dieser Landschaften vor. In ihrer Arbeit geht es um Territorium, Spuren, Identität und Erinnerung. Sie hinterfragt die Landschaft in ihren politischen und poetischen Dimensionen, was sie uns über die Welt, die Transformation des physischen Territoriums und den Gedanken, der das Sichtbare mit dem Unsichtbaren verbindet, sagt. Die ständige Instabilität des Libanon hat den Künstler dazu veranlasst, mit Filmen zu arbeiten, die seit 1992 abgelaufen sind, einem Schlüsseljahr, in dem nach dem Ende des 1975 begonnenen Krieges das politische, wirtschaftliche und soziale System eingeführt wurde, das zum derzeitigen Zusammenbruch des Staates geführt hat. Die Verfallszeit dieser Filme betont das Ungreifbare, das Unkontrollierbare, starke konzeptuelle Achsen, die am Kippen und Verblassen dieser Landschaften teilhaben und uns von ihrem Zustand der Liminalität erzählen.

Dans Je plie la terre (I am folding the land) (France, Liban, 2022), Catherine Cattaruzza explore sa relation aux convulsions du monde, avec le Liban comme épicentre. C'est au travers du parcours qui l'a menée le long des trois failles sismiques majeures de ce pays qu'elle propose une traduction de ces paysages. Son travail se nourrit de territoire, de trace, d’identité et de mémoire. Elle interroge le paysage dans ses dimensions politique et poétique, sur ce qu’il nous dit du monde, de la transformation du territoire physique, et de la pensée qui lie le visible à l’invisible. L’instabilité permanente du Liban a amené l'artiste à travailler avec des pellicules périmées depuis 1992, une année charnière qui, à la fin de la guerre démarrée en 1975, voit la mise en place du système politique, économique et social ayant conduit à l'effondrement actuel de l'État. La péremption de ces pellicules met en avant l’intangible, l’incontrôlable, axes conceptuels forts qui participent du basculement et de l’effacement de ces paysages et nous racontent leur état de liminalité.

In Je plie la terre (Io piego la terra) (Francia, Libano, 2022), Catherine Cattaruzza esplora il suo rapporto con le convulsioni del mondo, con il Libano come epicentro. È attraverso il viaggio che l'ha condotta lungo le tre grandi faglie sismiche di questo paese che propone una traduzione di questi paesaggi. Il suo lavoro si nutre di territorio, traccia, identità e memoria. Si interroga sul paesaggio nelle sue dimensioni politiche e poetiche, su ciò che ci dice del mondo, sulla trasformazione del territorio fisico e sul pensiero che lega il visibile all'invisibile. L'instabilità permanente del Libano ha portato l'artista a lavorare con film scaduti dal 1992, un anno cruciale che, alla fine della guerra iniziata nel 1975, ha visto l'instaurazione del sistema politico, economico e sociale che ha portato all'attuale collasso dello stato. La scadenza di questi film mette in evidenza l'intangibile, l'incontrollabile, forti assi concettuali che partecipano al ribaltamento e alla cancellazione di questi paesaggi e ci parlano del loro stato di liminalità.

In Je plie la terre (I am folding the land) (France, Lebanon, 2022), Catherine Cattaruzza explores her relationship to the convulsions of the world, with Lebanon as its epicenter. It is through the journey that led her along the three major seismic faults of this country that she proposes a translation of these landscapes. Her work is nourished by territory, trace, identity and memory. She questions the landscape in its political and poetic dimensions, on what it tells us about the world, the transformation of the physical territory, and the thought that links the visible to the invisible. The permanent instability of Lebanon has led the artist to work with expired films since 1992, a pivotal year that, at the end of the war that started in 1975, saw the establishment of the political, economic and social system that led to the current collapse of the state. The expiration of these films highlights the intangible, the uncontrollable, strong conceptual axes that participate in the tipping and the erasure of these landscapes and tell us their state of liminality.

(Text: Les Rencontres de la Photographie Arles)

Musée Estrine | Saint-Rémy-de-Provence
25. Juni – 25. September 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen von Les Rencontres de la Photographie Arles statt.

Nature Morte
John Stewart

John Stewart wurde 1919 in London geboren und wuchs in Paris auf. Er war britischer Kämpfer im Zweiten Weltkrieg und wurde drei Jahre lang von den Japanern gefangen gehalten. Henri Cartier-Bresson, den er zufällig traf, ermutigte ihn, weiterzumachen, nachdem er seine Porträts von Picasso, Braque und Matisse gesehen hatte, die er mit seiner ersten Kamera aufgenommen hatte. In New York arbeitete er 1951 für Harper's Bazaar, bevor er für das Fortune Magazine und verschiedene Modezeitschriften tätig wurde und Persönlichkeiten wie Andy Warhol und Muhammad Ali fotografierte. Als technischer Berater bei den Dreharbeiten zu The Bridge on the River Kwai kehrte er häufig zurück, um asiatische Landschaften auf Film festzuhalten. 1965 zog er nach Frankreich und arbeitete für Vogue und Elle. 1976 kehrte er der Mode und der Werbung endgültig den Rücken und begann eine persönliche Suche nach fotografischen Stillleben, die er bis zu seinem Tod im Jahr 2017 fortsetzte.

Ihm wurden zahlreiche Ausstellungen auf der ganzen Welt gewidmet.Né à Londres en 1919 et élevé à Paris, John Stewart a été combattant britannique pendant la deuxième guerre mondiale et détenu par les Japonais durant trois ans. Henri Cartier-Bresson, rencontré par hasard, l’encourage à continuer après avoir vu ses portraits de Picasso, Braque et Matisse réalisés avec son premier appareil photo. À New York, en 1951, il travaille pour le Harper’s Bazaar avant de collaborer à Fortune Magazine et à diverses revues de mode, et photographie des personnalités comme Andy Warhol et Muhammad Ali. Conseiller technique sur le tournage du Pont de la Rivière Kwaï, il retourne souvent fixer les paysages asiatiques sur sa pellicule, puis s’installe en France en 1965 et travaille pour Vogue et Elle. En 1976, il tourne définitivement le dos à la mode et la publicité pour se lancer dans une recherche personnelle sur les natures mortes photographiques, qu’il continuera jusqu’à son décès en 2017. De nombreuses expositions lui ont été consacrées à travers le monde.

Nato a Londra nel 1919 e cresciuto a Parigi, John Stewart era un soldato britannico nella seconda guerra mondiale e fu trattenuto dai giapponesi per tre anni. Henri Cartier-Bresson, che incontrò per caso, lo incoraggiò a continuare dopo aver visto i suoi ritratti di Picasso, Braque e Matisse realizzati con la sua prima macchina fotografica. A New York, nel 1951, ha lavorato per Harper's Bazaar prima di collaborare con Fortune Magazine e varie riviste di moda, fotografando personalità come Andy Warhol e Muhammad Ali. Consulente tecnico per le riprese di The Bridge on the River Kwai, tornò spesso per catturare paesaggi asiatici su pellicola, poi si trasferì in Francia nel 1965 e lavorò per Vogue e Elle. Nel 1976, voltò definitivamente le spalle alla moda e alla pubblicità per intraprendere una ricerca personale sullo still life fotografico, che avrebbe continuato fino alla sua morte nel 2017. Numerose mostre sono state dedicate a lui in tutto il mondo.

Born in London in 1919 and raised in Paris, John Stewart was a British serviceman in World War II and was held by the Japanese for three years. Henri Cartier-Bresson, whom he met by chance, encouraged him to continue after seeing his portraits of Picasso, Braque and Matisse made with his first camera. In New York, in 1951, he worked for Harper's Bazaar before collaborating with Fortune Magazine and various fashion magazines, and photographed personalities such as Andy Warhol and Muhammad Ali. Technical advisor on the shooting of The Bridge on the River Kwai, he often returns to fix Asian landscapes on his film, then moves to France in 1965 and works for Vogue and Elle. In 1976, he definitively turned his back on fashion and advertising to embark on a personal research on photographic still life, which he will continue until his death in 2017. Numerous exhibitions have been devoted to him throughout the world.

(Text: Les Rencontres de la Photographie Arles)

Centre de la photographie de Mougins
18. Juni – 16. Oktober 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen von Les Rencontres de la Photographie Arles statt

Every day is saturday (Portraits anglais)
Tom Wood

Zwischen 1978 und 2001 durchstreifte der irischstämmige Fotograf Tom Wood, dessen Familie sich in England niedergelassen hatte, Liverpool mit einer 35-mm-Leica. Er hat es sich zur Aufgabe gemacht, ein Porträt der Stadt und ihrer Bewohner, der kleinen Leute, einer Kohorte einfacher Menschen, zu zeichnen, und hat keine anderen Ambitionen, als sie am lebenden Objekt zu erfassen. Aber er ist auch einer von ihnen - ein Akteur, der sich der emanzipatorischen Rolle der Fotografie bewusst ist. Tom Wood war nicht auf dieses Medium vorbereitet. Zunächst fasziniert vom Experimentalfilm, entdeckte er die Fotografie auf eigene Faust. Ein Autodidakt also, der der Chemie, dem Papier und der Dunkelkammer treu blieb und ein einzigartiges persönliches Register zwischen distanzierter Analyse und Empathie, zwischen Dokument und Kunst aufbaute, eine Fotografie aus dem Bauch heraus, die die Härte der Szenen mit der Zärtlichkeit für seine Figuren vermischt.

Entre 1978 et 2001, le photographe d’origine irlandaise Tom Wood, dont la famille s’est installée en Angleterre, arpente Liverpool, en compagnie d’un Leica 35 mm. Il prend le parti de dresser un portrait de la ville et de ses habitants, le petit peuple, une cohorte de gens simples, sans autre ambition que de les saisir à vif. Mais il est aussi l’un d’entre eux – un acteur conscient du rôle émancipateur de la photographie. Rien ne disposait Tom Wood à ce médium. Fasciné d’abord par le cinéma expérimental, il découvre seul la photographie. Un autodidacte, donc, qui restera fidèle à la chimie, au papier et à la chambre noire, mettant en place un registre personnel unique, entre analyse distanciée et empathie, entre document et art, une photographie à l’instinct, qui mêle la rudesse des scènes à la tendresse pour ses personnages.

Tra il 1978 e il 2001, il fotografo di origine irlandese Tom Wood, la cui famiglia si era stabilita in Inghilterra, viaggiò per Liverpool con una macchina fotografica Leica 35 mm. Ha scelto di fare un ritratto della città e dei suoi abitanti, il piccolo popolo, una coorte di gente semplice, senza altra ambizione che catturarli in carne ed ossa. Ma è anche uno di loro - un attore consapevole del ruolo emancipatore della fotografia. Niente ha preparato Tom Wood per questo mezzo. Inizialmente affascinato dal cinema sperimentale, ha scoperto da solo la fotografia. Un autodidatta, dunque, che è rimasto fedele alla chimica, alla carta e alla camera oscura, stabilendo un registro personale unico, tra analisi distanziata ed empatia, tra documento e arte, una fotografia per istinto, che mescola la durezza delle scene con la tenerezza dei suoi personaggi.

Between 1978 and 2001, the Irish-born photographer Tom Wood, whose family had settled in England, travelled around Liverpool with a Leica 35 mm camera. He chose to draw a portrait of the city and its inhabitants, the little people, a cohort of simple people, with no other ambition than to capture them in the flesh. But he is also one of them - an actor aware of the emancipatory role of photography. Nothing disposed Tom Wood to this medium. Fascinated at first by experimental cinema, he discovered photography alone. A self-taught man, therefore, who will remain faithful to chemistry, paper and the darkroom, setting up a unique personal register, between distanced analysis and empathy, between document and art, a photography by instinct, which mixes the harshness of the scenes with the tenderness for his characters.

(Text: Les Rencontres de la Photographie Arles)