Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen | Monschau
2. Februar – 30. März 2025

About Eve
Eve Arnold

Eve Arnold wurde 1912 als Kind russisch-jüdischer Immigranten in Philadelphia geboren. Mit einer geschenkten Rolleicord entflammte in den 1940er Jahren ihr Interesse für Fotografie, das Zeit ihres 99-jährigen Lebens nicht mehr enden sollte. In mehr als 40 Jahren schuf Eve Arnold auf unzähligen Reisen beeindruckende Reportagen, porträtierte Stars sowie politische Würdenträger und widmete sich den gesellschaftspolitischen Themen ihrer Zeit.

Den Weg in die professionelle Fotografie ebnete Eve Arnold Anfang der 1950er Jahre eine Serie über Modenschauen der Schwarzen Communities in Harlem, die im Rahmen eines Fotografiekurses an der New York School for Social Research entstand. Die damalige Modefotografie bestand vor allem aus Hochglanzaufnahmen, die im Studio angefertigt wurden und ausschließlich weiße Models präsentierten. Mit „Fashion in Harlem“ zeigte Arnold eine gänzlich andere Seite der Modewelt, folgte den Models Backstage und fing die Stimmung dieser besonderen Events, fernab des Mainstreams, sorgsam ein.

Mit dieser und weiteren Serien stellte sich die Fotografin 1951 bei der Bildagentur Magnum vor und wurde als eine der ersten Frauen Mitglied. Als Fotografin wich sie nie vor unbequemen Fragen zurück und beleuchtete Fragestellungen stets aus ungewöhnlichen Perspektiven. So auch, als sie Ende der 1950er Jahre beschloss, sich dem Thema der Geburt zu widmen. Für die Serie „Die ersten fünf Minuten im Leben eines Babys“ hielt sie im Mather Hospital in Port Jefferson mehrere Geburten fest. Durch die Fotografien begleiten die Betrachter_innen das neue Leben. Sehen, wie das Baby gebadet und vermessen sowie neben seine Mutter gelegt wird. Das Life Magazin widmete der Serie 1959 ganze acht Seiten. Noch Jahre später wurden die Fotografien von Redaktionen und der Werbung rege genutzt.

Eve Arnold bereiste die ganze Welt. Mit Leidenschaft und Neugier fotografierte sie mongolische Kunstreiter und Wrestler, chinesische Tänzerinnen, die Zuhörer einer Indira-Gandhi-Kundgebung, Voodoo-Anhänger in Haiti, Kormoranfischer in Guilin, eine tibetanische Landärztin oder verschleierte Frauen in Afghanistan. Chinesischen Fotograf_innen empfahl sie Ende der 1970er Jahre: „Fokussiert euch auf die Augen. Vergesst nicht: Der Fotograf ist das Werkzeug, nicht die Kamera.“ Die präsentierten Fotografien wurden in zahlreichen Magazinen wie Life, Esquire, Harper’s Bazaar, Geo, Stern oder der Sunday Times veröffentlicht.

Während dieser Reisen richtete die Künstlerin ihre Aufmerksamkeit oft auf Frauen. Als einer der Ersten ist es Arnold in den Vereinigten Arabischen Emiraten erlaubt, in einem Harem zu fotografieren. Nach eigener Aussage bestand die größte Herausforderung für Arnold darin, die verschleierten Silhouetten als Frauen erkennbar zu machen. Mit einer gewissen kompositorischen Strenge gelingt es ihr nicht nur, den einzelnen Personen eine Stimme zu geben, sondern auch ein gesamtgesellschaftliches Porträt von muslimischen Frauen zwischen Tradition und Moderne zu erstellen.

Ein ausgezeichnetes Renommee besaß Arnold weiterhin für die Porträts internationaler Stars wie Clark Gable, Joan Crawford oder Marlene Dietrich. Eine besondere Freundschaft verband sie mit Marilyn Monroe, die sie über zehn Jahre lang zu verschiedenen Anlässen fotografierte. Traurige Berühmtheit erlangten die Aufnahmen, die während der Dreharbeiten zum Film „The Misfits“ („Nicht gesellschaftsfähig“) 1960 entstanden. Es sollte der letzte Film Marilyn Monroes sein, die nur wenige Monate nach den Dreharbeiten verstarb.

Eve Arnold est née en 1912 à Philadelphie, enfant d'immigrés juifs russes. C'est avec un Rolleicord offert qu'elle s'est intéressée à la photographie dans les années 1940, un intérêt qui ne s'est jamais démenti pendant les 99 ans de sa vie. Pendant plus de 40 ans, Eve Arnold a réalisé des reportages impressionnants lors d'innombrables voyages, a fait le portrait de stars et de dignitaires politiques et s'est consacrée aux thèmes sociopolitiques de son époque.

C'est une série sur les défilés de mode des communautés noires de Harlem, réalisée dans le cadre d'un cours de photographie à la New York School for Social Research, qui a ouvert à Eve Arnold la voie de la photographie professionnelle au début des années 1950. La photographie de mode de l'époque consistait principalement en des clichés sur papier glacé, réalisés en studio et présentant exclusivement des mannequins blancs. Avec « Fashion in Harlem », Arnold montrait un tout autre aspect du monde de la mode, suivait les mannequins dans les coulisses et capturait avec soin l'ambiance de ces événements particuliers, loin du courant dominant.

Avec cette série et d'autres, la photographe s'est présentée à l'agence Magnum en 1951 et a été l'une des premières femmes à en devenir membre. En tant que photographe, elle n'a jamais reculé devant les questions gênantes et a toujours éclairé les problématiques sous des angles inhabituels. Ce fut le cas lorsqu'elle décida, à la fin des années 1950, de se consacrer au thème de la naissance. Pour la série « Les cinq premières minutes de la vie d'un bébé », elle a immortalisé plusieurs naissances au Mather Hospital de Port Jefferson. A travers les photographies, les spectateurs et spectatrices accompagnent la nouvelle vie. Ils voient comment le bébé est baigné, mesuré et placé à côté de sa mère. Le magazine Life a consacré huit pages entières à la série en 1959. Des années plus tard, les photographies étaient encore largement utilisées par les rédactions et la publicité.

Eve Arnold a voyagé dans le monde entier. Avec passion et curiosité, elle a photographié des cavaliers et catcheurs mongols, des danseuses chinoises, les auditeurs d'une manifestation d'Indira Gandhi, des adeptes du vaudou en Haïti, des pêcheurs de cormorans à Guilin, une médecin de campagne tibétaine ou des femmes voilées en Afghanistan. A la fin des années 1970, elle a recommandé aux photographes chinois de « se concentrer sur les yeux. N'oubliez pas que le photographe est l'outil, pas l'appareil photo ». Les photographies présentées ont été publiées dans de nombreux magazines tels que Life, Esquire, Harper's Bazaar, Geo, Stern ou le Sunday Times.

Au cours de ces voyages, l'artiste a souvent porté son attention sur les femmes. Aux Émirats arabes unis, Arnold est l'un des premiers à être autorisé à photographier dans un harem. Selon ses propres dires, le plus grand défi pour Arnold était de faire en sorte que les silhouettes voilées soient reconnaissables en tant que femmes. Avec une certaine rigueur de composition, elle parvient non seulement à donner une voix à chaque personne, mais aussi à dresser un portrait global de la société des femmes musulmanes, entre tradition et modernité.

Arnold jouissait également d'une excellente réputation pour ses portraits de stars internationales comme Clark Gable, Joan Crawford ou Marlene Dietrich. Une amitié particulière la liait à Marilyn Monroe, qu'elle a photographiée pendant plus de dix ans à différentes occasions. Les photos prises pendant le tournage du film « The Misfits » (« Pas sociable ») en 1960 sont devenues tristement célèbres. Ce devait être le dernier film de Marilyn Monroe, qui décéda quelques mois seulement après le tournage.

Eve Arnold è nata a Filadelfia nel 1912, figlia di immigrati russo-ebraici. Negli anni '40, il regalo di una Rolleicord scatena il suo interesse per la fotografia, che non si esaurirà mai per il resto dei suoi 99 anni di vita. Per oltre 40 anni, Eve Arnold ha viaggiato molto, realizzando reportage di grande impatto, ritraendo celebrità e personalità politiche e concentrandosi sulle questioni socio-politiche del suo tempo.

La strada di Eve Arnold verso la fotografia professionale fu spianata all'inizio degli anni Cinquanta da una serie di sfilate di moda della comunità nera di Harlem, realizzata nell'ambito di un corso di fotografia presso la New York School for Social Research. All'epoca la fotografia di moda consisteva principalmente in scatti patinati realizzati in studio con modelle esclusivamente bianche. Con “Fashion in Harlem”, Arnold ha mostrato un lato completamente diverso del mondo della moda, seguendo le modelle nel backstage e catturando attentamente l'atmosfera di questi eventi speciali, lontani dal mainstream.

Con questa e altre serie, la fotografa si presentò all'agenzia fotografica Magnum nel 1951 e fu una delle prime donne a diventarne membro. Come fotografa, non si è mai sottratta a domande scomode e ha sempre illuminato le questioni da prospettive insolite. Così è stato anche quando, alla fine degli anni Cinquanta, ha deciso di dedicarsi al tema della nascita. Per la serie “I primi cinque minuti di vita di un bambino”, ha immortalato diverse nascite al Mather Hospital di Port Jefferson. Attraverso le fotografie, gli spettatori accompagnano la nuova vita. Vede come il bambino viene lavato, misurato e adagiato accanto alla madre. La rivista Life dedicò otto pagine alla serie nel 1959. Anni dopo, le fotografie erano ancora ampiamente utilizzate da editori e pubblicitari.

Eve Arnold ha viaggiato in tutto il mondo. Con passione e curiosità, ha fotografato cavalieri e lottatori mongoli, danzatori cinesi, il pubblico di un comizio di Indira Gandhi, devoti voodoo ad Haiti, pescatori di cormorani a Guilin, un medico di campagna tibetano e donne velate in Afghanistan. Alla fine degli anni '70, consigliava ai fotografi cinesi: “Concentratevi sugli occhi. Non dimenticate: il fotografo è lo strumento, non la macchina fotografica”. Le fotografie presentate sono state pubblicate in numerose riviste come Life, Esquire, Harper's Bazaar, Geo, Stern e il Sunday Times.

Durante questi viaggi, l'artista ha spesso focalizzato la sua attenzione sulle donne. Arnold è stata una delle prime ad avere il permesso di fotografare in un harem negli Emirati Arabi Uniti. Secondo la stessa Arnold, la sfida più grande per lei è stata quella di rendere le sagome velate riconoscibili come donne. Con un certo rigore compositivo, non solo riesce a dare voce alle singole persone, ma anche a creare un ritratto sociale complessivo delle donne musulmane tra tradizione e modernità.

La Arnold ha continuato a godere di un'ottima reputazione per i suoi ritratti di star internazionali come Clark Gable, Joan Crawford e Marlene Dietrich. Aveva un'amicizia speciale con Marilyn Monroe, che fotografò in varie occasioni per oltre dieci anni. Le foto scattate durante le riprese del film del 1960 “The Misfits” (“Non socialmente accettabile”) divennero tristemente famose. Sarebbe stato l'ultimo film di Marilyn Monroe, che morì pochi mesi dopo le riprese.

Eve Arnold was born in Philadelphia in 1912, the child of Russian Jewish immigrants. In the 1940s, a Rolleicord camera she was given sparked an interest in photography that was to last for the rest of her 99 years. Over more than 40 years and countless trips, Eve Arnold created impressive photo series, portrayed stars and political dignitaries, and addressed the socio-political issues of her time.

A series of fashion shows in the black community of Harlem, which she created as part of a photography course at the New York School for Social Research, paved the way for Eve Arnold's professional photography in the early 1950s. At the time, fashion photography mainly consisted of glossy studio shots featuring exclusively white models. With ‘Fashion in Harlem’, Arnold showed a completely different side of the fashion world, following the models backstage and carefully capturing the mood of these special events, far from the mainstream.

With this and other series, the photographer introduced herself to the Magnum photo agency in 1951 and became one of the first women to join. As a photographer, she never shied away from uncomfortable questions and always illuminated issues from unusual perspectives. This was also the case when she decided to focus on the subject of birth in the late 1950s. For the series ‘The First Five Minutes of a Baby's Life’, she documented several births at Mather Hospital in Port Jefferson. Through the photographs, the viewer accompanies the new life. They see how the baby is bathed and measured, and then laid down next to its mother. In 1959, Life magazine devoted a full eight pages to the series. Even years later, the photographs were still being actively used by editorial offices and in advertising.

Eve Arnold travelled the world. With passion and curiosity, she photographed Mongolian stunt riders and wrestlers, Chinese dancers, the audience at an Indira Gandhi rally, voodoo practitioners in Haiti, cormorant fishermen in Guilin, a Tibetan country doctor and veiled women in Afghanistan. In the late 1970s, she recommended to Chinese photographers: ‘Focus on the eyes. And don't forget: the photographer is the tool, not the camera.’ The photographs presented were published in numerous magazines such as Life, Esquire, Harper's Bazaar, Geo, Stern and the Sunday Times.

During these travels, the artist often turned her attention to women. Arnold was one of the first people to be allowed to photograph a harem in the United Arab Emirates. According to Arnold, the greatest challenge she faced was making the veiled silhouettes recognisable as women. With a certain compositional rigour, she not only succeeds in giving a voice to the individual persons, but also in creating a portrait of Muslim women between tradition and modernity.

Arnold also had an excellent reputation for her portraits of international stars such as Clark Gable, Joan Crawford and Marlene Dietrich. She had a special friendship with Marilyn Monroe, whom she photographed on various occasions for over ten years. The pictures taken during the filming of the film ‘The Misfits’ in 1960 achieved sad fame. It was to be Marilyn Monroe's last film, as she died just a few months after filming.

(Text: Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen, Monschau)

Galerie Bene Taschen | Köln
19. Oktober 2024 – 4. Januar 2025

HIP HOP – Living a Dream
Gregory Bojorquez, Joseph Rodriguez, Jamel Shabazz

Die immersive Ausstellung HIP HOP – Living a Dream mit Werken der Chronisten Jamel Shabazz (*1960), Joseph Rodriguez (*1951) und Gregory Bojorquez (*1972) zu präsentieren. Von den frühen 1980er bis in die 2000er Jahren bieten die drei amerikanischen Fotografen die unterschiedlichsten Einblicke in die Entstehung und Verbreitung der amerikanischen Hip Hop-Kultur. HIP HOP spiegelt den Lebensstil wider, der in Verbindung mit Musik, Graffiti, Breakdance und Fashion zum globalen Phänomen weltweit wurde – von den Straßen New Yorks der 80er Jahre bis hin zu Los Angeles und den Süden der USA, über Europa in die ganze Welt, bis heute. Die Ausstellung wird von Musik, Interviews und Erinnerungsstücken begleitet.

Die Fotografien des in Brooklyn geborenen Fotografen Jamel Shabazz sind zugleich visuelles, persönliches Tagebuch und Zeitdokumente, denn sie erzählen von den Anfängen der Hip Hop-Bewegung in der pulsierenden Metropole New York. In Einzel-, Doppel- oder Gruppenporträts posieren junge Menschen mit den ikonisierten Markenkleidungen. Neben unbekannten Gesichtern sehen wir auch zahlreiche bekannte Protagonisten wie den Erfinder des Headspins Richard Colón oder den als 50 Cent bekannten Gangster Kelvin Martin. Der Zeitgeist New Yorks, den Shabazz in seinen Werken festhält, verkörpert eine bedeutende Ära, geprägt von Musik, Mode und Kunst. Shabazz Liebe für den Hip Hop begann bereits in den frühen 1970er Jahren in Brooklyn, lange noch, bevor dieser Begriff aufkam und bis dahin Rhyming & Mixing hieß.

Als der Hip Hop zum ersten Mal in Übersee auftauchte, war Jamel bei der US Army in Deutschland stationiert. Dort hörte er eine der ersten großen Hip-Hop-Gruppen, Positive Force, deren Debüt-Hit "We got the Funk" 1979 erschien, und kurz darauf wurde "Rappers Delight" von der Sugar Hill Gang veröffentlicht. Seine Liebe zu diesem Genre manifestierte sich in den Bildern, die er im Laufe der Jahrzehnte machte, wobei bewusster Hip Hop den Soundtrack zu vielen Bildern lieferte. Die ersten Hip-Hop-Künstler, die er fotografierte, waren LL Cool J und Public Enemy. Heutzutage werden die Hip Hop-Portraits von Jamel Shabazz mit der Hip Hop-Bewegung gleichgesetzt.

Der ebenfalls in Brooklyn geborene Fotograf Joseph Rodriguez zeigt in seinem dokumentarischen Werk East Side Stories – Gang Life in East L.A. die Gangkultur, deren Auslebung, Facetten, und Lebensrealitäten. Er selbst sagt über diese Zeit: “My interest in going to L.A. began in early 1992. I was strongly influenced by the hip hop coming out of the streets of Los Angeles and other cities across the country. These youth were rapping about the very important issues in their communities. Their music were like the newspapers of the streets.” Neben der Dokumentation von Hip Hop der West- und Ostküste Amerikas, zeigen auch Gruppen in Schweden die vielfältigen, internationalen Ausprägungen des Hip Hops. Von New York als Ursprungsort des Hip Hops ausgehend, kamen kurze Zeit später weitere Städte wie Los Angeles und New Orleans dazu. In New Orleans dokumentierte Rodriguez u.a. Master P und die No Limit Crew.

Die Hip Hop-Szene der 1990/2000er Jahre wird durch die Arbeiten des in Los Angeles geborenen Fotografen Gregory Bojorquez eingefangen. Seine Aufnahmen zeigen Hip Hop-Ikonen wie Snoop Dogg & Tha Dogg Pound (DPG), 50 Cent, Eminem, wie auch OutKast, DMX, Lil Wayne, Jay Z, Missy Elliott, Mos Def, Swizz Beatz und Ice Cube.

Wie der Hip Hop selbst haben auch die drei Fotografen Shabazz, Rodriguez und Bojorquez internationaler Anerkennung erlangt und erreichen ein großes Publikum jenseits der Vereinigten Staaten. Die Arbeiten von Jamel Shabazz befinden sich u.a. in internationalen Sammlungen wie die des Whitney Museum of American Art, der Deutschen Börse Photography Foundation, Frankfurt am Main, der National Gallery of Art, Washington D.C., im J. Paul Getty Museum, L.A. und in der Gordon Parks Foundation, NYC. Arbeiten von Gregory Bojorquez wurden im Vincent Price Art Museum (L.A.), und in internationalen Ausstellungen u.a. in Los Angeles, Köln, Berlin gezeigt. Die Arbeiten von Joseph Rodriguez wurden von Institutionen wie dem Los Angeles County Museum, dem International Center of Photography, NYC, dem Smithsonian American Art Museum, der National Gallery of Art, Washington D.C., dem Museum Ludwig, Köln und der Albertina in Wien in ihren Sammlungen aufgenommen.

Présenter l'exposition immersive HIP HOP - Living a Dream avec les œuvres des chroniqueurs Jamel Shabazz (*1960), Joseph Rodriguez (*1951) et Gregory Bojorquez (*1972). Du début des années 1980 jusqu'aux années 2000, les trois photographes américains offrent les regards les plus divers sur la naissance et la diffusion de la culture hip-hop américaine. Le HIP HOP reflète le style de vie qui, associé à la musique, au graffiti, à la breakdance et à la mode, est devenu un phénomène global dans le monde entier - des rues de New York des années 1980 à Los Angeles et au sud des États-Unis, en passant par l'Europe et le monde entier, jusqu'à aujourd'hui. L'exposition est accompagnée de musique, d'interviews et de souvenirs.

Les photographies du photographe Jamel Shabazz, né à Brooklyn, sont à la fois un journal personnel visuel et des documents d'époque, car elles racontent les débuts du mouvement hip-hop dans la métropole vibrante de New York. Dans des portraits individuels, doubles ou de groupe, des jeunes gens posent avec les vêtements iconiques de la marque. Outre des visages inconnus, nous voyons également de nombreux protagonistes connus comme l'inventeur du headspin Richard Colón ou le gangster Kelvin Martin, connu sous le nom de 50 Cent. L'esprit de l'époque de New York, que Shabazz capture dans ses œuvres, incarne une époque importante, marquée par la musique, la mode et l'art. L'amour de Shabazz pour le hip-hop a commencé dès le début des années 1970 à Brooklyn, bien avant l'apparition de ce terme qui s'appelait jusqu'alors Rhyming & Mixing.

Lorsque le hip-hop est apparu pour la première fois outre-Atlantique, Jamel était stationné dans l'armée américaine en Allemagne. C'est là qu'il a écouté l'un des premiers grands groupes de hip-hop, Positive Force, dont le premier tube « We got the Funk » est sorti en 1979, suivi peu après par « Rappers Delight » du Sugar Hill Gang. Son amour pour le genre s'est manifesté dans les visuels qu'il a réalisés au fil des décennies, le hip-hop conscient fournissant la bande-son de nombreux visuels. Les premiers artistes hip-hop qu'il a photographiés étaient LL Cool J et Public Enemy. De nos jours, les portraits hip-hop de Jamel Shabazz sont assimilés au mouvement hip-hop.

Dans son œuvre documentaire East Side Stories - Gang Life in East L.A., le photographe Joseph Rodriguez, également né à Brooklyn, montre la culture des gangs, son expression, ses facettes, et les réalités de la vie. Il dit lui-même à propos de cette période : « Mon intérêt pour aller à L.A. a commencé tôt en 1992. J'ai été fortement influencé par le hip hop qui sortait des rues de Los Angeles et d'autres villes à travers le pays. Ces jeunes rappaient sur les questions très importantes de leurs communautés. Leur musique était comme les journaux de la rue ». Outre la documentation sur le hip-hop des côtes ouest et est de l'Amérique, des groupes en Suède montrent également les diverses expressions internationales du hip-hop. Partant de New York comme lieu d'origine du hip-hop, d'autres villes comme Los Angeles et la Nouvelle-Orléans sont venues s'y ajouter peu de temps après. A la Nouvelle-Orléans, Rodriguez a documenté entre autres Master P et le No Limit Crew.

La scène hip-hop des années 1990/2000 est capturée par les travaux du photographe Gregory Bojorquez, né à Los Angeles. Ses photos montrent des icônes du hip-hop comme Snoop Dogg & Tha Dogg Pound (DPG), 50 Cent, Eminem, ainsi qu'OutKast, DMX, Lil Wayne, Jay Z, Missy Elliott, Mos Def, Swizz Beatz et Ice Cube.

Tout comme le hip-hop lui-même, les trois photographes Shabazz, Rodriguez et Bojorquez ont acquis une reconnaissance internationale et touchent un large public au-delà des États-Unis. Les travaux de Jamel Shabazz font partie de collections internationales telles que celles du Whitney Museum of American Art, de la Deutsche Börse Photography Foundation, Francfort-sur-le-Main, de la National Gallery of Art, Washington D.C., du J. Paul Getty Museum, L.A. et de la Gordon Parks Foundation, NYC. Les travaux de Gregory Bojorquez ont été présentés au Vincent Price Art Museum (L.A.), et dans des expositions internationales, notamment à Los Angeles, Cologne et Berlin. Les travaux de Joseph Rodriguez ont été intégrés dans les collections d'institutions telles que le Los Angeles County Museum, l'International Center of Photography, NYC, le Smithsonian American Art Museum, la National Gallery of Art, Washington D.C., le Museum Ludwig, Cologne et l'Albertina de Vienne.

Presenta la mostra immersiva HIP HOP - Living a Dream con opere dei cronisti Jamel Shabazz (*1960), Joseph Rodriguez (*1951) e Gregory Bojorquez (*1972). Dall'inizio degli anni Ottanta agli anni Duemila, i tre fotografi americani offrono un'ampia varietà di spunti sulla nascita e la diffusione della cultura hip hop americana. HIP HOP riflette lo stile di vita che, in combinazione con la musica, i graffiti, la breakdance e la moda, è diventato un fenomeno globale in tutto il mondo - dalle strade di New York negli anni '80 a Los Angeles e al sud degli Stati Uniti, passando per l'Europa e il mondo intero, fino ai giorni nostri. La mostra è accompagnata da musica, interviste e memorabilia.

Le fotografie del fotografo Jamel Shabazz, nato a Brooklyn, sono al tempo stesso un diario visivo e personale e documenti contemporanei che raccontano gli inizi del movimento hip hop nella vibrante metropoli di New York. In ritratti singoli, doppi o di gruppo, i giovani posano indossando gli abiti del marchio iconizzato. Oltre a volti sconosciuti, vediamo anche numerosi protagonisti noti come l'inventore dell'headspin Richard Colón o il gangster Kelvin Martin, noto come 50 Cent. Lo zeitgeist di New York, che Shabazz cattura nelle sue opere, incarna un'epoca importante caratterizzata da musica, moda e arte. L'amore di Shabazz per l'hip hop nasce a Brooklyn nei primi anni Settanta, molto prima che il termine fosse coniato e fosse conosciuto come Rhyming & Mixing.

Quando l'hip hop emerse per la prima volta oltreoceano, Jamel era di stanza in Germania con l'esercito americano. Fu lì che ascoltò uno dei primi grandi gruppi hip hop, i Positive Force, il cui successo di debutto “We got the Funk” fu pubblicato nel 1979, e poco dopo “Rappers Delight” fu pubblicato dalla Sugar Hill Gang. Il suo amore per il genere si è manifestato nelle immagini che ha realizzato nel corso dei decenni, con l'hip hop consapevole a fare da colonna sonora a molte delle immagini. I primi artisti hip-hop che ha fotografato sono stati LL Cool J e Public Enemy. Oggi i ritratti hip hop di Jamel Shabazz sono equiparati al movimento hip hop.

Nel suo lavoro documentario East Side Stories - Gang Life in East L.A., il fotografo Joseph Rodriguez, anch'egli nato a Brooklyn, mostra la cultura delle gang, le sue espressioni, le sfaccettature e le realtà della vita. Lui stesso racconta di questo periodo: “Il mio interesse per L.A. è iniziato all'inizio del 1992, fortemente influenzato dall'hip hop che usciva dalle strade di Los Angeles e di altre città del Paese. Questi giovani rappavano su questioni molto importanti delle loro comunità. Le loro musiche erano come i giornali di strada”. Oltre alla documentazione dell'hip hop sulle coste occidentali e orientali dell'America, i gruppi svedesi mostrano anche le diverse forme internazionali di hip hop. Partendo da New York come luogo di nascita dell'hip hop, poco dopo si sono aggiunte altre città come Los Angeles e New Orleans. A New Orleans, Rodriguez ha documentato Master P e la No Limit Crew, tra gli altri.

La scena hip hop degli anni 1990/2000 è catturata dal lavoro del fotografo Gregory Bojorquez, nato a Los Angeles. Le sue fotografie mostrano icone dell'hip hop come Snoop Dogg & Tha Dogg Pound (DPG), 50 Cent, Eminem, ma anche OutKast, DMX, Lil Wayne, Jay Z, Missy Elliott, Mos Def, Swizz Beatz e Ice Cube.

Come l'hip hop stesso, i tre fotografi Shabazz, Rodriguez e Bojorquez hanno ottenuto un riconoscimento internazionale e raggiungono un vasto pubblico oltre gli Stati Uniti. Le opere di Jamel Shabazz si trovano in collezioni internazionali come il Whitney Museum of American Art, la Deutsche Börse Photography Foundation di Francoforte sul Meno, la National Gallery of Art di Washington D.C., il J. Paul Getty Museum di Los Angeles e la Gordon Parks Foundation di New York. Le opere di Gregory Bojorquez sono state esposte al Vincent Price Art Museum (Los Angeles) e in mostre internazionali a Los Angeles, Colonia, Berlino e altrove. Le opere di Joseph Rodriguez sono state incluse nelle collezioni di istituzioni come il Los Angeles County Museum, l'International Center of Photography di New York, lo Smithsonian American Art Museum, la National Gallery of Art di Washington D.C., il Museum Ludwig di Colonia e l'Albertina di Vienna.

The immersive exhibition HIP HOP – Living a Dream presents works by the chroniclers Jamel Shabazz (b. 1960), Joseph Rodriguez (b. 1951), and Gregory Bojorquez (b. 1972). From the early 1980s to the 2000s, the three American photographers offer a wide range of insights into the emergence and spread of American hip hop culture. HIP HOP reflects the lifestyle that has become a global phenomenon worldwide in connection with music, graffiti, breakdancing and fashion – from the streets of New York in the 1980s to Los Angeles and the southern United States, across Europe and around the world, to the present day. The exhibition is accompanied by music, interviews and memorabilia.

The photographs of the Brooklyn-born photographer Jamel Shabazz are both a visual, personal diary and a contemporary document, telling of the beginnings of the hip hop movement in the pulsating metropolis of New York. In single, double or group portraits, young people pose with the iconic brand-name clothing. Alongside unfamiliar faces, we also see numerous well-known protagonists such as the inventor of the headspin, Richard Colón, or the gangster Kelvin Martin, better known as 50 Cent. The spirit of New York, which Shabazz captures in his works, embodies an important era, shaped by music, fashion and art. Shabazz's love for hip hop began in the early 1970s in Brooklyn, long before the term was coined and until then rhyming and mixing was called.

When hip hop first appeared overseas, Jamel was stationed in Germany with the US Army. There he heard one of the first big hip hop groups, Positive Force, whose debut hit “We got the Funk” was released in 1979, and shortly after that “Rappers Delight” by the Sugar Hill Gang was released. His love for the genre manifested itself in the visuals he created over the decades, with hip hop consciously providing the soundtrack to many of them. The first hip hop artists he photographed were LL Cool J and Public Enemy. Today, Jamel Shabazz's hip hop portraits are equated with the hip hop movement itself.

In his documentary work East Side Stories – Gang Life in East L.A., photographer Joseph Rodriguez, who was also born in Brooklyn, shows the gang culture, its facets and realities of life. He himself says about this time: “My interest in going to L.A. began in early 1992. I was strongly influenced by the hip hop coming out of the streets of Los Angeles and other cities across the country. These youth were rapping about the very important issues in their communities. Their music were like the newspapers of the streets.” In addition to the documentation of hip hop on the east and west coasts of the United States, groups in Sweden also show the diverse, international forms that hip hop has taken. Starting from New York as the place of origin of hip hop, other cities such as Los Angeles and New Orleans were added shortly afterwards. In New Orleans, Rodriguez documented Master P and the No Limit crew, among others.

The hip hop scene of the 1990s and 2000s is captured in the work of Los Angeles-born photographer Gregory Bojorquez. His photographs show hip hop icons such as Snoop Dogg & Tha Dogg Pound (DPG), 50 Cent, Eminem, as well as OutKast, DMX, Lil Wayne, Jay Z, Missy Elliott, Mos Def, Swizz Beatz and Ice Cube.

Like hip hop itself, the three photographers Shabazz, Rodriguez and Bojorquez have gained international recognition and reach a large audience beyond the United States. Jamel Shabazz's work is included in international collections such as the Whitney Museum of American Art, the Deutsche Börse Photography Foundation, Frankfurt am Main, the National Gallery of Art, Washington D.C., the J. Paul Getty Museum, L.A. and the Gordon Parks Foundation, NYC. Works by Gregory Bojorquez have been shown at the Vincent Price Art Museum (L.A.) and in international exhibitions in Los Angeles, Cologne, Berlin, among other places. The work of Joseph Rodriguez has been taken up into the collections of institutions such as the Los Angeles County Museum, the International Center of Photography, NYC, the Smithsonian American Art Museum, the National Gallery of Art, Washington D.C., the Museum Ludwig, Cologne and the Albertina in Vienna.

(Text: Galerie Bene Taschen, Köln)

Galerie noir blanche | Düsseldorf
18. Oktober – 30. November 2024

GOOD WIFE
Antonia Gruber

„Good wife, wise mother“ – so wurde die ideale Rolle der Frau in der westlichen Gesellschaft zur Mitte des letzten Jahrhunderts verstanden. Heute steht dieser stereotypen Vorstellung der behütenden Mutter und sich dem Ehemann unterordnenden Ehefrau die selbstbewusste und unabhängige Frau der Gegenwart gegenüber.

Die Ausstellung „GOOD WIFE“ von Antonia Gruber erforscht diese veränderte Rolle der Frau. Dabei entscheidet sich die in Köln lebende Konzept- und Medienkünstlerin für eine ironische Perspektive auf die gesellschaftlichen Erwartungen, die sowohl in vergangenen Zeiten prägend waren als auch noch heute an Frauen herangetragen werden.

In ihrer Serie „BLUE DAHLIA_“ verschmilzt Antonia mit Künstlicher Intelligenz (KI) ihr eigenes biometrisches Passbild mit Porträtfotografien von Frauen aus den 1950er- und 1960er-Jahren. Als Konglomerat aus Selbstbildnis und Fremdidentität verschließen sich diese Arbeiten dem Wesen des Porträts mit seinem Anspruch, die Identität der dargestellten Person sichtbar zu machen. Betont wird stattdessen die Oberflächlichkeit einer „überirdischen“ Schönheit, wie sie aus der Modefotografie bekannt ist.

Die Künstlerin behält jedoch bewusst die während der digitalen Bildmanipulation entstandenen Störungen (Glitches) bei, was die Künstlichkeit der so entstandenen Frauenbilder betont. Das digitale morphing des Quellenfotos erzeugt zudem einen „uncanny valley“-Effekt, d.h. die Bilder weisen einen derart hohen Grad an Realismus auf, dass sich beim Betrachten ein Unbehagen einstellt. Der Titel der Serie, BLUE DAHLIA_, lässt an den ungelösten Mord an der Hollywood-Schauspielerin Elizabeth Short im Jahr 1947, bekannt als „Black Dahlia Murder“, denken. Er weckt aber auch Assoziationen zum Motiv der blauen Blume in der deutschen Romantik, als Symbol für unerreichbare Schönheit; für das Unerreichbare grundsätzlich. Die Sehnsucht nach der blauen Blume wird hier zu einer Metapher für das Streben nach Emanzipation.

« Good wife, wise mother » - c'est ainsi que l'on concevait le rôle idéal de la femme dans la société occidentale au milieu du siècle dernier. Aujourd'hui, cette représentation stéréotypée de la mère protectrice et de l'épouse soumise à son mari s'oppose à la femme contemporaine, sûre d'elle et indépendante.

L'exposition « GOOD WIFE » d'Antonia Gruber explore ce rôle modifié de la femme. L'artiste conceptuelle et médiatique, qui vit à Cologne, opte pour une perspective ironique sur les attentes sociales qui ont marqué les époques passées et qui sont encore imposées aux femmes aujourd'hui.

Dans sa série « BLUE DAHLIA_ », Antonia utilise l'intelligence artificielle (IA) pour fusionner sa propre photo d'identité biométrique avec des photographies de portraits de femmes des années 1950 et 1960. Conglomérat d'autoportraits et d'identités étrangères, ces travaux se ferment à la nature du portrait et à sa prétention de rendre visible l'identité de la personne représentée. Au lieu de cela, l'accent est mis sur la superficialité d'une beauté « surnaturelle », telle qu'elle est connue dans la photographie de mode.

L'artiste conserve toutefois sciemment les perturbations (glitches) apparues pendant la manipulation numérique de l'image, ce qui souligne le caractère artificiel des images de femmes ainsi créées. Le morphing numérique de la photo source produit en outre un effet « uncanny valley », c'est-à-dire que les visuels présentent un tel degré de réalisme qu'un malaise s'installe lorsqu'on les regarde. Le titre de la série, BLUE DAHLIA_, évoque le meurtre non élucidé de l'actrice hollywoodienne Elizabeth Short en 1947, connu sous le nom de « Black Dahlia Murder ». Mais il éveille également des associations avec le motif de la fleur bleue dans le romantisme allemand, comme symbole de la beauté inaccessible ; de l'inaccessible par principe. La nostalgie de la fleur bleue devient ici une métaphore de la quête d'émancipation.

“Buona moglie, madre saggia": questo era il ruolo ideale della donna nella società occidentale a metà del secolo scorso. Oggi, questa immagine stereotipata di madre protettiva e moglie subordinata contrasta con la donna sicura di sé e indipendente dei giorni nostri.

La mostra “GOOD WIFE” di Antonia Gruber esplora questo mutato ruolo della donna. L'artista concettuale e mediatica di Colonia sceglie una prospettiva ironica sulle aspettative sociali che caratterizzavano le donne in passato e che vengono applicate ancora oggi.

Nella serie “BLUE DAHLIA_”, Antonia utilizza l'intelligenza artificiale (AI) per fondere la propria foto biometrica del passaporto con ritratti di donne degli anni Cinquanta e Sessanta. Come conglomerato di autoritratto e identità di outsider, queste opere rifiutano l'essenza del ritratto con la sua pretesa di visualizzare l'identità della persona ritratta. Esse enfatizzano invece la superficialità di una bellezza “soprannaturale”, come quella nota della fotografia di moda.

Tuttavia, l'artista conserva deliberatamente i difetti creati durante la manipolazione digitale dell'immagine, che enfatizzano l'artificialità delle immagini femminili risultanti. Il morphing digitale della foto di partenza crea anche un effetto “uncanny valley”, cioè le immagini hanno un grado di realismo così elevato da mettere a disagio lo spettatore. Il titolo della serie, BLUE DAHLIA_, ricorda l'omicidio irrisolto dell'attrice hollywoodiana Elizabeth Short nel 1947, noto come “Black Dahlia Murder”. Ma evoca anche associazioni con il motivo del fiore blu nel Romanticismo tedesco, come simbolo della bellezza irraggiungibile; dell'irraggiungibile in linea di principio. Il desiderio del fiore blu diventa una metafora della ricerca dell'emancipazione.

“Good wife, wise mother” – this was how the ideal role of women in Western society was understood in the middle of the last century. Today, this stereotypical image of the protective mother and submissive wife contrasts with the self-confident and independent woman of the present.

The exhibition “GOOD WIFE” by Antonia Gruber explores this changing role of women. The Cologne-based conceptual and media artist chooses an ironic perspective on the social expectations that were formative in times past and are still placed on women today.

In her series “BLUE DAHLIA_”, Antonia fuses her own biometric passport photo with portrait photographs of women from the 1950s and 1960s using artificial intelligence (AI). As a conglomeration of self-portrait and external identity, these works defy the essence of the portrait with its claim to make the identity of the person depicted visible. Instead, the superficiality of an “unearthly” beauty, as seen in fashion photography, is emphasized.

However, the artist deliberately retains the glitches that occurred during the digital image manipulation, which emphasizes the artificiality of the resulting images of women. The digital morphing of the source photo also creates an “uncanny valley” effect, i.e. the visuals display such a high degree of realism that a sense of unease arises when viewing them. The title of the series, BLUE DAHLIA_, recalls the unsolved murder of Hollywood actress Elizabeth Short in 1947, known as the “Black Dahlia Murder”. But it also evokes associations with the motif of the blue flower in German Romanticism, as a symbol of unattainable beauty; of the unattainable in general. Here, the longing for the blue flower becomes a metaphor for the pursuit of emancipation.

(Text: Galerie noir blanche, Düsseldorf)

Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
06. September 2024 - 2. Februar 2025

August Sander-Preis 2024

Johanna Langenhoff – Ich oder so

Die von der Jury ausgewählte und prämierte Serie trägt den Titel „Ich oder so“ und ist 2023–2024 entstanden. Johanna Langenhoff (*2000) studiert seit 2021 an der HAW Hamburg und hat die Serie vor dem Hintergrund existenzieller Fragen der Identitätsfindung und Geschlechterzugehörigkeit entwickelt.

„Viele Gefühle, die sich schwer in Worte fassen lassen, sind für mich visuell einfacher darstellbar. […] Gleichzeitig öffnen die Photographien einen Gesprächsraum, in dem ich über mich – meinen Prozess, meine Gefühle des Nicht-Dazugehörens, die Momente des Verständnisses, die Unsicherheit, das Gefühl, mich definieren zu müssen oder die fehlende Endgültigkeit dieser Definition ‚non-binary‘ – sprechen kann“, so Johanna Langenhoff zur Intention der farbphotographischen Serie. Sehnsucht, Erinnerung und gegenwärtige Wahrnehmung sind für Johanna Langenhoff zentrale Momente einer prozesshaften Selbstbefragung, geprägt von der Suche nach individueller Verortung und individuellem Ausdruck. Die aufgenommenen Motive changieren entsprechend passend zwischen (Selbst-) Porträts und Körperdarstellungen, zwischen Landschafts- und Raumausschnitten, zwischen konkreten und abstrakten Formstudien. Licht und Schatten sind darüber hinaus vielfach bildgestalterische wie atmosphärische Elemente. Die Serie „Ich oder so“ ist vergleichbar einem Kaleidoskop unterschiedlicher emotionaler Befindlichkeiten und Erfahrungen. Sie lässt Raum für Assoziationen und Gedanken, die den Bildern, der Künstler*in und grundlegend der menschlichen Entwicklung gelten.

Der August-Sander-Preis wird seit 2018 alle zwei Jahre ausgelobt, gestiftet von Ulla Bartenbach und Prof. Dr. Kurt Bartenbach. Auch auf die nun vierte Ausschreibung ist die Resonanz erfreulich groß gewesen, mehr als 120 Einsendungen aus dem In- und Ausland waren eingegangen.

Zur Jury gehörten Dr. Anja Bartenbach, Stifterfamilie, Gabriele Conrath-Scholl, Leiterin, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, Künstler, Düsseldorf und Prof. Dr. Martin Hochleitner, Salzburg Museum.

La série sélectionnée et récompensée par le jury s'intitule « Ich oder so » et a été réalisée entre 2023 et 2024. Johanna Langenhoff (*2000) étudie à la HAW de Hambourg depuis 2021 et a développé la série avec en toile de fond des questions existentielles sur la recherche d'identité et l'appartenance à un genre.

« De nombreux sentiments difficiles à exprimer avec des mots sont plus faciles à représenter visuellement pour moi. [...] En même temps, les photographies ouvrent un espace de conversation dans lequel je peux parler de moi - de mon processus, de mes sentiments de non-appartenance, des moments de compréhension, de l'incertitude, du sentiment de devoir me définir ou de l'absence de caractère définitif de cette définition 'non-binaire' », explique Johanna Langenhoff à propos de l'intention de la série de photographies en couleur. La nostalgie, le souvenir et la perception actuelle sont pour Johanna Langenhoff les moments centraux d'un processus d'interrogation de soi, marqué par la recherche d'une localisation et d'une expression individuelles. Les motifs pris oscillent de manière appropriée entre les (auto-)portraits et les représentations du corps, entre les paysages et les fragments d'espace, entre les études de formes concrètes et abstraites. La lumière et l'ombre sont en outre souvent des éléments créateurs d'images et d'atmosphère. La série « Moi ou ça » est comparable à un kaléidoscope de différents états d'âme et expériences émotionnelles. Elle laisse place à des associations d'idées et à des réflexions sur les visuels, sur l'artiste et sur le développement humain en général.

Le prix August Sander, fondé par Ulla Bartenbach et le professeur Kurt Bartenbach, est décerné tous les deux ans depuis 2018. La quatrième édition du prix a suscité un grand intérêt, avec plus de 120 candidatures venues d'Allemagne et de l'étranger.

Anja Bartenbach, famille fondatrice, Gabriele Conrath-Scholl, directrice de Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, artiste, Düsseldorf et le professeur Martin Hochleitner, Salzburg Museum.

La serie selezionata e premiata dalla giuria si intitola “Ich oder so” ed è stata creata nel 2023-2024. Johanna Langenhoff (*2000) studia alla HAW di Amburgo dal 2021 e ha sviluppato la serie sullo sfondo delle domande esistenziali sull'identità e sull'appartenenza di genere.

“Molti sentimenti che sono difficili da esprimere a parole, per me sono più facili da rappresentare visivamente. [...] Allo stesso tempo, le fotografie aprono uno spazio di conversazione in cui posso parlare di me stessa - il mio processo, le mie sensazioni di non appartenenza, i momenti di comprensione, l'incertezza, la sensazione di dovermi definire o la mancanza di finalità di questa definizione 'non binaria'”, dice Johanna Langenhoff sull'intenzione della serie fotografica a colori. Per Johanna Langenhoff, il desiderio, la memoria e la percezione del presente sono momenti centrali di un'auto-interrogazione processuale, caratterizzata dalla ricerca di una localizzazione e di un'espressione individuale. I motivi che cattura si alternano in modo appropriato tra (auto)ritratti e rappresentazioni del corpo, tra paesaggi e dettagli spaziali, tra studi concreti e astratti della forma. Anche la luce e l'ombra sono utilizzate frequentemente come elementi di design pittorico e di atmosfera. La serie “Ich oder so” è paragonabile a un caleidoscopio di diversi stati emotivi ed esperienze. Lascia spazio ad associazioni e pensieri che riguardano le immagini, l'artista e, fondamentalmente, lo sviluppo umano.

Il Premio August Sander viene assegnato ogni due anni dal 2018, sponsorizzato da Ulla Bartenbach e dal Prof. Dr. Kurt Bartenbach. Anche la risposta al quarto bando di concorso è stata piacevolmente alta, con oltre 120 candidature provenienti dalla Germania e dall'estero.

La giuria era composta dalla Dott.ssa Anja Bartenbach, famiglia donatrice, Gabriele Conrath-Scholl, Direttrice, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, artista, Düsseldorf e il Prof. Dr. Martin Hochleitner, Museo di Salisburgo.

The series selected and awarded by the jury is entitled "Me or so" and was created in 2023-2024. Johanna Langenhoff (*2000) has been studying at HAW Hamburg since 2021 and developed the series against the backdrop of existential questions of identity and gender affiliation.

"Many feelings that are difficult to put into words are easier for me to depict visually. [...] At the same time, the photographs open up a space for conversation in which I can talk about myself - my process, my feelings of not belonging, the moments of understanding, the uncertainty, the feeling of having to define myself or the lack of finality of this definition 'non-binary'," says Johanna Langenhoff about the intention of the color photographic series. For Johanna Langenhoff, longing, memory and present perception are central moments of a processual self-questioning, characterized by the search for individual localization and individual expression. The motifs she captures alternate appropriately between (self-)portraits and depictions of the body, between landscape and spatial details, between concrete and abstract studies of form. Light and shadow are also frequently used as elements of pictorial design and atmosphere. The series "Me or so" is comparable to a kaleidoscope of different emotional states and experiences. It leaves room for associations and thoughts that apply to the pictures, the artist and, fundamentally, human development.

The August Sander Prize has been awarded every two years since 2018, sponsored by Ulla Bartenbach and Prof. Dr. Kurt Bartenbach. The response to the fourth call for entries was also pleasingly high, with more than 120 submissions from Germany and abroad.

The jury included Dr. Anja Bartenbach, donor family, Gabriele Conrath-Scholl, Director, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, artist, Düsseldorf and Prof. Dr. Martin Hochleitner, Salzburg Museum.

(Text: Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Photographischen Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
6. September 2024 – 2. Februar 2025

Karl Blossfeldt – Photographie im Licht der Kunst

Mit 271 Originalabzügen wird das Œuvre von Karl Blossfeldt (1865–1932) erstmals seit zwei Jahrzehnten in diesem Umfang präsentiert. Eindrucksvoll entfaltet sich ein photographisches Werk, das im Kontext der Kunstausbildung entstand und erst wenige Jahre vor Blossfeldts Tod als eigenständige künstlerische Haltung entdeckt wurde. Heute zählt es zu den Klassikern der Photographiegeschichte und wird in einem Atemzug mit etwa August Sander und Albert Renger-Patzsch genannt. In der Rezeption gelten Blossfeldts Photographien vor allem als prototypisch für die Neue Sachlichkeit und das Neuen Sehen.

Die Ausstellung basiert auf den Beständen der Universität der Künste Berlin, an deren Vorgängerschule Blossfeldt selbst als Bildhauer ausgebildet wurde, und wo er ab 1899 drei Jahrzehnte lang das Fach „Modellieren nach Pflanzen“ unterrichtete. Dort erarbeitete er seine Pflanzenphotographien, die er als Vorlagen verwendete, um seinen Studierenden die Formenvielfalt und Details der botanischen Welt nahezubringen. Die genaue Beobachtung und die künstlerische Umsetzung der vegetabilen Formen sollten als Anregungen für Entwürfe im Bereich der angewandten Kunst und Architektur gelten. Außerdem fertigte Blossfeldt – allerdings in geringerer Anzahl – plastische Bronzeabgüsse von Pflanzenformen an und setzte sie im Unterricht ein. Exemplarische Stücke sind in die Präsentation einbezogen wie handschriftliche Briefe, die Einblicke in schulische Abläufe geben und Aussagen zum Verhältnis von Natur- und Kunstformen enthalten.

Die Photographie war für Karl Blossfeldt ein elementares Ausdrucksmittel, das er gezielt für seine Zwecke einsetzte. Das teils stark bearbeitete Pflanzenmaterial lichtet er in vielfacher Vergrößerung und vor neutralem hell- oder dunkeltonigem Hintergrund ab. Die Aufnahmen sind von großer formaler Kraft und formulieren über ihre Funktion als Lehrstücke hinaus eine vom Gegenständlichen ausgehende, in die Abstraktion führende Bildsprache. Insbesondere die noch zu Lebzeiten Blossfeldts erschienenen Publikationen „Urformen der Kunst“, 1928, und „Wundergarten der Natur“, 1932, zeigen, wie intensiv er sein Themenfeld erforschte und wie sehr er die ästhetischen Ausdrucksmöglichkeiten der Pflanze wie ihre rätselhaft magische Ausstrahlung wertschätzte.

Es erscheint ein umfangreicher, den Berliner Blossfeldt-Bestand vorstellender Katalog. Publikation und Ausstellung basieren auf der langjährigen Kooperation der Universität der Künste, Berlin mit der Photographischen Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln.

Avec 271 tirages originaux, l'œuvre de Karl Blossfeldt (1865-1932) est présentée pour la première fois depuis deux décennies dans cette ampleur. Une œuvre photographique impressionnante se déploie, née dans le contexte de l'enseignement artistique et découverte en tant qu'attitude artistique autonome seulement quelques années avant la mort de Blossfeldt. Aujourd'hui, elle compte parmi les classiques de l'histoire de la photographie et est citée au même titre qu'August Sander et Albert Renger-Patzsch. Les photographies de Blossfeldt sont considérées comme le prototype de la Nouvelle Objectivité et de la Nouvelle Vision.

L'exposition s'appuie sur les fonds de l'Université des Arts de Berlin, où Blossfeldt a lui-même suivi une formation de sculpteur et où il a enseigné pendant trois décennies, à partir de 1899, le « modelage d'après les plantes ». C'est là qu'il élabora ses photographies de plantes, qu'il utilisa comme modèles pour faire découvrir à ses étudiants la diversité des formes et des détails du monde botanique. L'observation précise et la transposition artistique des formes végétales devaient servir d'inspiration pour des projets dans le domaine des arts appliqués et de l'architecture. En outre, Blossfeldt a réalisé des moulages plastiques en bronze de formes végétales - certes en plus petit nombre - et les a utilisés dans ses cours. Des pièces exemplaires sont incluses dans la présentation, tout comme des lettres manuscrites qui donnent un aperçu des processus scolaires et contiennent des déclarations sur la relation entre les formes naturelles et artistiques.

La photographie était pour Karl Blossfeldt un moyen d'expression élémentaire qu'il utilisait de manière ciblée à ses propres fins. Il photographiait le matériel végétal, parfois très travaillé, en l'agrandissant de nombreuses fois et devant un arrière-plan neutre aux tons clairs ou foncés. Les clichés sont d'une grande force formelle et, au-delà de leur fonction pédagogique, ils formulent un langage visuel qui part du figuratif pour aller vers l'abstraction. Les publications « Urformen der Kunst » (Formes originales de l'art), 1928, et « Wundergarten der Natur » (Jardin merveilleux de la nature), 1932, parues du vivant de Blossfeldt, montrent notamment à quel point il a exploré son champ thématique et à quel point il appréciait les possibilités d'expression esthétique de la plante ainsi que son rayonnement magique et énigmatique.

Un catalogue complet présentant le fonds Blossfeldt de Berlin est publié. La publication et l'exposition sont le fruit d'une coopération de longue date entre l'Université des Arts de Berlin et la Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur de Cologne.

Con 271 stampe originali, l'opera di Karl Blossfeldt (1865-1932) viene presentata in questa veste per la prima volta dopo due decenni. Viene presentata un'impressionante opera fotografica, creata nel contesto dell'educazione artistica e scoperta come approccio artistico indipendente solo pochi anni prima della morte di Blossfeldt. Oggi si colloca tra i classici della storia della fotografia e viene citato alla stregua di August Sander e Albert Renger-Patzsch. In termini di ricezione, le fotografie di Blossfeldt sono considerate soprattutto come prototipo della Nuova Oggettività e della Nuova Visione.

La mostra si basa sui fondi dell'Università delle Arti di Berlino, presso la cui scuola predecessore Blossfeldt si è formato come scultore e dove ha insegnato la materia “Modellazione dalle piante” per tre decenni a partire dal 1899. Fu lì che sviluppò le sue fotografie di piante, che utilizzò come modelli per familiarizzare i suoi studenti con la varietà di forme e dettagli del mondo botanico. L'osservazione precisa e la realizzazione artistica delle forme vegetali servirono da ispirazione per i disegni nel campo dell'arte applicata e dell'architettura. Blossfeldt realizzò anche calchi in bronzo di forme vegetali - anche se in numero minore - e li utilizzò nelle sue lezioni. Pezzi esemplari sono inclusi nella presentazione, così come lettere scritte a mano che forniscono approfondimenti sulle procedure scolastiche e contengono dichiarazioni sul rapporto tra forme naturali e artistiche.

La fotografia era un mezzo di espressione elementare per Karl Blossfeldt, che usava specificamente per i suoi scopi. Fotografava il materiale vegetale, in parte pesantemente elaborato, in ingrandimenti multipli e su uno sfondo neutro di colori chiari o scuri. Le fotografie sono di grande potenza formale e, al di là della loro funzione didattica, formulano un linguaggio pittorico che si allontana dalla rappresentazione e conduce all'astrazione. In particolare, le pubblicazioni di Blossfeldt “Urformen der Kunst” (1928) e “Wundergarten der Natur” (1932), apparse durante la sua vita, mostrano quanto intensamente esplorasse la sua area tematica e quanto apprezzasse le possibilità espressive estetiche delle piante e la loro aura enigmatica e magica.

Verrà pubblicato un catalogo completo che presenta la collezione Blossfeldt di Berlino. La pubblicazione e la mostra si basano sulla cooperazione di lunga data tra l'Università delle Arti di Berlino e la Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Colonia.

For the first time in two decades, Karl Blossfeldt's (1865–1932) oeuvre is being presented in this scope, featuring 271 original prints. This impressive exhibition unfolds a photographic body of work that was developed in the context of art education and only discovered as an independent artistic approach a few years before Blossfeldt's death. Today, his work is considered a classic in the history of photography, often mentioned alongside August Sander and Albert Renger-Patzsch. Blossfeldt's photographs are primarily regarded as prototypical for the New Objectivity and New Vision movements.

The exhibition is based on the collection of the Berlin University of the Arts, where Blossfeldt was trained as a sculptor at its predecessor school, and where he taught "Modeling from Plants" for three decades starting in 1899. It was there that he developed his plant photographs, which he used as teaching materials to showcase the diversity and intricate details of the botanical world to his students. The close observation and artistic representation of plant forms were intended as inspiration for designs in the fields of applied arts and architecture. Additionally, Blossfeldt created a smaller number of bronze casts of plant forms, which he also used in his teaching. Exemplary pieces, along with handwritten letters offering insights into the school's operations and discussing the relationship between natural and artistic forms, are included in the presentation.

"Photography was an essential means of expression for Karl Blossfeldt, which he used deliberately for his purposes. He photographed heavily edited plant materials in multiple enlargements against neutral light or dark-toned backgrounds. These images are of great formal strength, and beyond their function as teaching tools, they convey a visual language that, while starting from the representational, leads into abstraction. Particularly in the publications that appeared during Blossfeldt's lifetime – "Urformen der Kunst" (1928) and "Wundergarten der Natur" (1932) – it becomes evident how deeply he explored his subject matter and how much he appreciated both the aesthetic possibilities of plants and their enigmatic, magical aura."

A comprehensive catalog introducing the Berlin Blossfeldt collection will be published. Both the publication and exhibition are the result of a long-term collaboration between the Berlin University of the Arts and Die Photographische Sammliung/SK Stiftung Kultur in Cologne.

(Text: Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Museum Folkwang | Essen
23. August 2024 – 5. Januar 2025

Robert Frank. Be happy

Im Jahr 2024 wäre Robert Frank 100 Jahre alt geworden. Anlässlich dieses Geburtstags zeigt das Museum Folkwang vom 23. August 2024 bis zum 5. Januar 2025 in der Präsentation Be Happy 34 Fotografien sowie ausgewählte Dokumente zur Sammlungs- und Ausstellungsgeschichte. Seit den 1980er Jahren ist Robert Frank bereits mit seinen Werken und zahlreichen Ausstellungen im Museum Folkwang vertreten. In der Reihe Sammlungsgeschichten erfährt der international renommierte Fotograf und bedeutende Vertreter des amerikanischen Avantgarde-Films eine weitere Würdigung im Museum Folkwang.

Robert Frank (1924 – 2019) wird als Sohn jüdisch-schweizer Eltern in Zürich geboren. Nach seiner Ausbildung zum Fotografen im Zürcher Studio von Michael Wolgensinger und ersten eigenen Arbeiten wandert er 1947 in die USA aus. Während der ersten Jahre reist er zwischen den Kontinenten hin und her. Er wohnt ab 1950 dauerhaft in New York und ab 1970 lebt er abwechselnd in der Metropole und dem abgeschiedenen Ort Mabou (Nova Scotia) in Kanada. In New York entsteht 1958 auch seine Fotoreihe From the Bus. Diese Fotoserie, aufgenommen aus einem fahrenden Bus, spielt eine zentrale Rolle in seinem Gesamtwerk und markiert den Übergang zum Bewegtbild. Frank selbst beschreibt die Serie als Reise „thru the city“ (durch die Stadt). Dieser Aspekt des „thru“, sich zwischen etwas befinden, spiegelt sich in verschiedenen Bereichen seines Lebens wider. So wechselt er zwischen Fotografie und Film sowie einem Leben zwischen Stadt und Land. 2010 wird die Reihe From the Bus für die Fotografische Sammlung des Museum Folkwang erworben.

Robert Frank ist dem Museum Folkwang zeitlebens eng verbunden: Mit Ute Eskildsen, der Leiterin der Fotografischen Sammlung von 1979 bis 2012, verbindet den Fotografen ein kontinuierlicher Austausch und eine daraus resultierende Freundschaft. Zwischen 1987 und 2008 werden im Rahmen dieser engen Zusammenarbeit drei große Ausstellungen zu Robert Franks Werk in Essen gezeigt. 1989 entsteht der Experimentalfilm Hunter, in welchem der in New York lebende Künstler seine eigene Perspektive auf das Ruhrgebiet einnimmt. Die letzte Robert Frank-Schau im Museum Folkwang, Books and Films, 1947–2014, findet 2015 statt. Vier Jahre später stirbt Frank im Alter von 94 Jahren. Nun werden Teile seines Lebenswerks mit der Sammlungspräsentation Be Happy erneut in Essen ausgestellt. Zu sehen sind Fotografien aus dem Bestand der Fotografischen Sammlung, Briefe und Dokumente zu Franks Ausstellungsgeschichte im Museum Folkwang sowie sein erster Videofilm Home Improvements (1985). Mit Werken aus Schlüsselserien wie The Americans (1958), der vollständigen Reihe From the Bus (1958) und weiteren, teilweise sehr persönlichen, Fotografien, Montagen und Collagen nimmt der Ausstellungsraum Franks komplexes und vielfältiges Œuvre in den Blick.

En 2024, Robert Frank aurait eu 100 ans. À l'occasion de cet anniversaire, le musée Folkwang présentera du 23 août 2024 au 5 janvier 2025, dans la présentation Be Happy, 34 photographies ainsi que des documents sélectionnés sur l'histoire de la collection et de l'exposition. Depuis les années 1980, Robert Frank est déjà présent au musée Folkwang avec ses œuvres et de nombreuses expositions. Dans la série Histoires de collections, le photographe de renommée internationale et représentant important du cinéma d'avant-garde américain reçoit un nouvel hommage au musée Folkwang.

Robert Frank (1924 - 2019) est né à Zurich de parents juifs suisses. Après sa formation de photographe dans le studio zurichois de Michael Wolgensinger et ses premiers travaux personnels, il émigre aux États-Unis en 1947. Pendant les premières années, il voyage entre les continents. Il réside en permanence à New York à partir de 1950 et, à partir de 1970, il alterne entre la métropole et la localité isolée de Mabou (Nouvelle-Écosse) au Canada. C'est également à New York qu'il réalise en 1958 sa série de photos From the Bus. Cette série de photos, prises depuis un bus en marche, joue un rôle central dans l'ensemble de son œuvre et marque le passage à l'image animée. Frank décrit lui-même la série comme un voyage « thru the city » (à travers la ville). Cet aspect du « thru », se trouver entre quelque chose, se reflète dans différents domaines de sa vie. Il alterne ainsi entre la photographie et le cinéma ainsi qu'une vie entre la ville et la campagne. En 2010, la série From the Bus est acquise pour la collection photographique du musée Folkwang.

Robert Frank est resté toute sa vie étroitement lié au musée Folkwang : Le photographe entretient avec Ute Eskildsen, directrice de la collection photographique de 1979 à 2012, un échange continu et une amitié qui en découle. Entre 1987 et 2008, trois grandes expositions consacrées à l'œuvre de Robert Frank sont présentées à Essen dans le cadre de cette étroite collaboration. En 1989, le film expérimental Hunter est réalisé, dans lequel l'artiste, qui vit à New York, adopte sa propre perspective sur la région de la Ruhr. La dernière exposition Robert Frank au musée Folkwang, Books and Films, 1947-2014, a lieu en 2015. Quatre ans plus tard, Frank décède à l'âge de 94 ans. Aujourd'hui, des parties de l'œuvre de sa vie sont à nouveau exposées à Essen avec la présentation de la collection Be Happy. On peut y voir des photographies issues du fonds de la collection photographique, des lettres et des documents relatifs à l'histoire des expositions de Frank au musée Folkwang, ainsi que son premier film vidéo Home Improvements (1985). Avec des œuvres issues de séries clés comme The Americans (1958), la série complète From the Bus (1958) et d'autres photographies, montages et collages, parfois très personnels, l'espace d'exposition met en perspective l'œuvre complexe et variée de Frank.

Robert Frank avrebbe compiuto 100 anni nel 2024. Per celebrare questo compleanno, il Museum Folkwang espone 34 fotografie e documenti selezionati sulla storia della collezione e della mostra nella presentazione Be Happy, dal 23 agosto 2024 al 5 gennaio 2025. Robert Frank è stato rappresentato al Museum Folkwang con le sue opere e numerose mostre a partire dagli anni Ottanta. Nell'ambito della serie Collection Histories, il fotografo di fama internazionale e importante rappresentante dell'avanguardia cinematografica americana sarà nuovamente omaggiato al Museum Folkwang.

Robert Frank (1924 - 2019) è nato a Zurigo da genitori ebrei-svizzeri. Dopo essersi formato come fotografo nello studio zurighese di Michael Wolgensinger e aver prodotto le sue prime opere, emigrò negli Stati Uniti nel 1947. Durante i primi anni, viaggia avanti e indietro tra i continenti. Dal 1950 vive stabilmente a New York e dal 1970 si alterna tra la metropoli e la remota cittadina di Mabou (Nuova Scozia) in Canada. Anche la serie fotografica From the Bus è stata realizzata a New York nel 1958. Questa serie di fotografie, scattate da un autobus in movimento, ha un ruolo centrale nella sua opera e segna il passaggio alle immagini in movimento. Frank stesso descrive la serie come un viaggio “attraverso la città”. Questo aspetto del “attraverso”, l'essere in mezzo a qualcosa, si riflette in vari ambiti della sua vita. Si alterna tra fotografia e cinema, così come la sua vita si svolge tra città e campagna. Nel 2010, la serie From the Bus è stata acquisita per la collezione fotografica del Museo Folkwang.

Robert Frank è stato strettamente legato al Museum Folkwang per tutta la sua vita: Con Ute Eskildsen, direttore della Collezione fotografica dal 1979 al 2012, il fotografo è stato legato da uno scambio continuo e da una conseguente amicizia. Tra il 1987 e il 2008, nell'ambito di questa stretta collaborazione, sono state presentate a Essen tre grandi mostre sull'opera di Robert Frank. Nel 1989 è stato realizzato il film sperimentale Hunter, in cui l'artista newyorkese adotta la propria prospettiva sulla regione della Ruhr. L'ultima mostra di Robert Frank al Museum Folkwang, Books and Films, 1947-2014, si è svolta nel 2015. Frank morì quattro anni dopo, all'età di 94 anni. Ora parte del lavoro della sua vita viene esposto nuovamente a Essen con la presentazione della collezione Be Happy. Sono esposte fotografie della Collezione fotografica, lettere e documenti relativi alla storia espositiva di Frank al Museum Folkwang e il suo primo film video Home Improvements (1985). Con opere tratte da serie fondamentali come The Americans (1958), la serie completa From the Bus (1958) e altre fotografie, talvolta molto personali, montaggi e collage, lo spazio espositivo si concentra sulla complessa e variegata opera di Frank.

Robert Frank would have turned 100 years old in 2024. To mark this birthday, Museum Folkwang is showing 34 photographs and selected documents on the history of the collection and exhibitions in the presentation Be Happy from 23 August 2024 to 5 January 2025. Robert Frank has been represented at Museum Folkwang with his works and numerous exhibitions since the 1980s. In the series Histories of a Collection IV (Sammlungsgeschichten IV) the internationally renowned photographer and important representative of American avant-garde film is being honoured once more at Museum Folkwang.

Robert Frank (1924 – 2019) was born in Zurich to Jewish-Swiss parents. After training as a photographer in Michael Wolgensinger's Zurich studio and producing his first works, he emigrated to the USA in 1947. During the first few years, he travelled back and forth between the continents. From 1950 he lived permanently in New York and from 1970 he alternated between the metropolis and the remote town of Mabou (Nova Scotia) in Canada. His photo series From the Bus was also taken in New York in 1958. This series of photographs, shot from a moving bus, plays a central role in his oeuvre and marks the transition to moving images. Frank himself describes the series as a journey "thru the city". This aspect of "thru", being in between something, is reflected in various areas of his life. He alternates between photography and film as well as a life between city and country. In 2010, the series From the Bus was acquired for the Museum Folkwang's Department of Photography.

Robert Frank was closely bound to Museum Folkwang throughout his life: The photographer and Ute Eskildsen, Head of the Department of Photography from 1979 to 2012, enjoyed a continuous exchange and a resulting friendship. Between 1987 and 2008, three major exhibitions of Robert Frank's work were shown in Essen as part of this close partnership. In 1989, the experimental film Hunter was shot, in which the New York-based artist captures his perspective on the Ruhr region. The last Robert Frank exhibition at Museum Folkwang, Books and Films, 1947-2014, took place in 2015. Four years later, Frank died at the age of 94. Nine years after his last exhibition in Essen, parts of his life's work are presented again with the collection presentation Be Happy. On display are photographs from the Department of Photography, letters and documents relating to Frank's exhibition history at Museum Folkwang as well as his first video film Home Improvementss (1985). With works from key series such as The Americans (1958), the complete series From the Bus (1958) and other, partly very personal, photographs, montages and collages, the exhibition space focuses on Frank's complex and multifaceted oeuvre.

(Text: Museum Folkwang, Essen)

Kunstraum Elsa | Bielefeld
9. Juli – 21. August 2024

"ödes Land" - Moore und Klimawandel
Johannes Hüffmeier

Einblicke in Moorlandschaften
»ödes land« reflektiert die menschliche Bindung zu Mooren, insbesondere dem Großen Torfmoor im Kreis Minden-Lübbecke. Mit der Ausstellung der Arbeit von Johannes Hüffmeier widmet sich der Kunstraum Elsa, der von Prof. Katharina Bosse organisiert wird, dem bedeutenden Hochmoor in Nordrhein-Westfalen, das ein einzigartiger Lebensraum für viele bedrohte Tier- und Pflanzenarten ist. Durch menschliche Eingriffe und den anthropogenen Klimawandel hat es dramatische Veränderungen erfahren. Der Fotograf erläutert: »95 Prozent der Moore sind in Deutschland trockengelegt worden. Aus wirtschaftlichen Interessen wurden sie entwässert und ihre Ökosysteme dadurch irreversibel gestört.« Mit seiner Kamera dokumentiert er diese dramatischen Veränderungen und stellt dabei die Frage nach dem Wert und der Aufgabe der Fotografie in der heutigen Welt.

Künstlerische Herangehensweise
Die Arbeit »ödes land« vereint ökologische Erkenntnisse, philosophische Naturästhetik und kunsthistorische Konzepte. Die Serie umfasst weitwinklige Aufnahmen und lange Belichtungszeiten, die die Ästhetik und tiefgreifende Entwicklungen der Moorlandschaften einfangen. Farb- und Schwarzweißbilder, Salzdrucke und handgeschöpftes Papier aus Moorwasser verbinden das Medium der Fotografie mit der Materialität der Moore und schaffen eine sinnliche Erfahrung ökologischer Themen. »Mit meiner Fotografie möchte ich das Auslöschen der ursprünglichen Landschaft zeigen«, erklärt der Künstler. »Falls wir es schaffen sollten, unser Verhalten der Natur gegenüber zu ändern, dokumentieren diese Bilder die Folgen unserer Fehler. Falls nicht, den Verlust von wertvollem Lebensraum – auch unserem eigenen.«

Die Ausstellung wird gefördert vom Ministerium für Heimat, Kommunales, Bau und Digitalisierung des Landes Nordrhein-Westfalen.

Regards sur les tourbières
"ödes land" reflète le lien entre l'homme et les tourbières, en particulier la Grande tourbière du district de Minden-Lübbecke. En exposant le travail de Johannes Hüffmeier, l'espace artistique Elsa, organisé par le professeur Katharina Bosse, se consacre à cette tourbière importante de Rhénanie-du-Nord-Westphalie, qui constitue un habitat unique pour de nombreuses espèces animales et végétales menacées. Il a subi des changements dramatiques dus à l'intervention humaine et au changement climatique anthropique. Le photographe explique : "95 pour cent des tourbières ont été asséchées en Allemagne. Pour des intérêts économiques, ils ont été drainés et leurs écosystèmes ont ainsi été perturbés de manière irréversible". Avec son appareil photo, il documente ces changements dramatiques et transmet ainsi la question de la valeur et de la mission de la photographie dans le monde actuel.

Approche artistique
Le travail "ödes land" réunit les connaissances écologiques, l'esthétique philosophique de la nature et les concepts de l'histoire de l'art. La série comprend des prises de vue grand angle et de longs temps d'exposition qui capturent l'esthétique et les évolutions profondes des paysages de marais. Les images en couleur et en noir et blanc, les tirages au sel et le papier fait à la main à partir de l'eau des marais associent le médium de la photographie à la matérialité des marais et créent une expérience sensorielle des thèmes écologiques. "Avec ma photographie, je veux montrer l'effacement du paysage originel", explique l'artiste. "Si nous parvenons à changer notre comportement vis-à-vis de la nature, ces visuels documenteront les conséquences de nos erreurs. Si ce n'est pas le cas, la perte d'un précieux espace vital - y compris le nôtre".

L'exposition est soutenue par le ministère de la Patrie, des Communes, de la Construction et de la Numérisation du Land de Rhénanie du Nord-Westphalie.

Approfondimenti sui paesaggi di brughiera
"ödes land" riflette il legame dell'uomo con le brughiere, in particolare con la grande torbiera del distretto di Minden-Lübbecke. Con la mostra di Johannes Hüffmeier, il Kunstraum Elsa, organizzato dalla professoressa Katharina Bosse, si dedica all'importante torbiera alta della Renania Settentrionale-Vestfalia, che rappresenta un habitat unico per molte specie animali e vegetali in via di estinzione. Ha subito cambiamenti drammatici a causa dell'intervento umano e dei cambiamenti climatici antropogenici. Il fotografo spiega: "Il 95% delle brughiere in Germania è stato prosciugato. Sono state prosciugate per motivi economici e i loro ecosistemi sono stati di conseguenza irreversibilmente stravolti". Egli documenta questi drammatici cambiamenti con la sua macchina fotografica e si interroga sul valore e sul ruolo della fotografia nel mondo di oggi.

Approccio artistico
L'opera "Terra desolata" combina intuizioni ecologiche, estetica naturale filosofica e concetti storici dell'arte. La serie comprende scatti grandangolari e lunghi tempi di esposizione che catturano l'estetica e gli sviluppi profondi dei paesaggi di brughiera. Immagini a colori e in bianco e nero, stampe di sale e carta fatta a mano dall'acqua della brughiera combinano il mezzo fotografico con la materialità della brughiera e creano un'esperienza sensuale dei temi ecologici. "Con la mia fotografia voglio mostrare la cancellazione del paesaggio originale", spiega l'artista. "Se riusciamo a cambiare il nostro comportamento nei confronti della natura, queste immagini documentano le conseguenze dei nostri errori. In caso contrario, la perdita di un habitat prezioso, compreso il nostro".

La mostra è patrocinata dal Ministero dell'Identità Regionale, delle Comunità e degli Enti Locali, dell'Edilizia e della Digitalizzazione dello Stato della Renania Settentrionale-Vestfalia.

Insights into moorland landscapes
"ödes land" reflects the human connection to moors, in particular the large peat bog in the Minden-Lübbecke district. With the exhibition of Johannes Hüffmeier's work, the Kunstraum Elsa, organized by Prof. Katharina Bosse, is dedicated to the important raised bog in North Rhine-Westphalia, which is a unique habitat for many endangered animal and plant species. It has undergone dramatic changes due to human intervention and anthropogenic climate change. The photographer explains: "95 percent of the moors in Germany have been drained. They have been drained for economic reasons and their ecosystems have been irreversibly disrupted as a result." He documents these dramatic changes with his camera and questions the value and role of photography in today's world.

Artistic approach
The work "desolate land" combines ecological insights, philosophical natural aesthetics and art historical concepts. The series comprises wide-angle shots and long exposure times that take up the aesthetics and profound developments of moorland landscapes. Color and black and white images, salt prints and handmade paper from moor water combine the medium of photography with the materiality of the moors and create a sensual experience of ecological themes. "With my photography, I want to show the erasure of the original landscape," explains the artist. "If we manage to change our behavior towards nature, these visuals document the consequences of our mistakes. If not, the loss of valuable habitat - including our own."

The exhibition is sponsored by the Ministry of Regional Identity, Communities and Local Government, Building and Digitalization of the State of North Rhine-Westphalia.

(Text: Kunstraum Elsa, Bielefeld)

Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen in Monschau
23. Juni - 15. September 2024

Sie muss nicht immer schillernd sein. Modefotografie
Eve Arnold, Sibylle Bergemann, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Gerti Deutsch, Lotte Jacobi, Barbara Klemm, Hermann Landshoff, Robert Lebeck, Cristina de Middel, Inge Morath, Martin Munkácsi, Ruth Orkin, Martin Parr, Max Scheler, Jérôme Sessini, Hugo Thomassen, Alex Webb, Donata Wenders, Isabelle Wenzel, Yva

Zwischen dem 23. Juni und dem 15. September steht das Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen ganz im Zeichen der Mode. Rund 160 Arbeiten namhafter Künstler_innen wie Henri Cartier-Bresson, Lotte Jacobi oder Robert Capa ermöglichen einen Einblick in rund 100 Jahre des Genres der Modefotografie, die aus unserem Alltag, Dank großer Plakate und zahlreicher Magazine, nicht wegzudenken ist.

Die Wechselbeziehung zwischen Mode und Fotografie ist fast so alt, wie das künstlerische Medium selbst. Mitte des 19. Jahrhunderts entstanden die ersten Vorläufer: Adolphe Braun hielt die Comtesse Virginia Oldoini am Hof Napoleons III. in verschiedenen Kleidern fest. Die Edeldame gilt damit als das erste Fotomodel der Geschichte. Bei einem Ausstellungsrundgang zeigt sich, welche Tendenzen und Ideen seitdem in die Modefotografie Einzug gehalten haben.

Aufnahmen aus den 1920er und 30er Jahren präsentieren die zarten Anfänge der Modefotografie. Mondän begegnen den Besucher_innen die Models beispielsweise bei Yva. Die als Else Ernestine Neulaender geborene Fotografin spezialisierte sich 1927 mit ihrem Studio auf Aufnahmen für Zeitschriften und Magazine. Statt eines ausstaffierten Studios mit historisierten Requisiten setzte Yva auf moderne Aufnahmetechniken, die sich insbesondere durch eine piktoralistisch verschwommene Lichtsetzung in leeren Räumen auszeichnet.

Fotograf_innen wie Hermann Landshoff bringen die neuste Haute Couture mit Beginn der 1950er Jahre auf die Straße, hinein ins öffentliche Leben. Statt in theatralischen Posen, hält Landshoff die Models auf dem Fahrrad, im Luftsprung oder unter Wasser fest. Durch den bewussten Einsatz von Bewegungsunschärfe sowie außergewöhnliche Perspektiven wirken die Aufnahmen ungezwungen und spontan. „Die Aufnahmen Hermann Landshoffs waren für die damalige Zeit bahnbrechend“, erläutert die Kuratorin und Leiterin des Fotografie-Forums Dr. Nina Mika-Helfmeier, „Sie versprühen eine ungeahnte Leichtigkeit und zeigen ein neuartiges Lebensgefühl. Spannend ist nicht zuletzt, dass hier auch ein neues und authentischeres Frauenbild propagiert wird.“

Die Ausstellung gewährt ebenso Einblicke hinter die Kulissen der Modeindustrie. Eve Arnold porträtierte 1950 eine Modenschau von Afro-Amerikanerinnen in Harlem. Die sensible Studie hält eine marginalisierte Community fest, die in der damals weiß-geprägten Modeindustrie keinen Platz zugestanden bekam und ihre Runway-Shows selbst organisierte. Einige Jahre später zeigt Inge Morath, mit welchem Aufwand neue Kollektionen in der Modehauptstadt Paris inszeniert werden. Unter dem Thema „Die Schöne und das Biest“, werden mondän gekleidete Models mitsamt großen Hunden über den Laufsteg geschickt und von den umgebenden Fotograf_innen bestmöglich in Szene gesetzt.

Neue fotografische Positionen wie Martin Parr, Cristina de Middel oder Jérôme Sessini zeigen innerhalb der Schau ungewöhnliche und farbenfrohe Wege der Präsentation von Fashion-Items. Die Wuppertaler Künstlerin Isabelle Wenzel geht sogar so weit, die Beziehung zwischen Fotografin und Model gänzlich aufzulösen - meist ist sie beides in Personalunion. Mithilfe des Selbstauslösers inszeniert sie sich in akrobatischen Posen. Die Kleidungsstücke erlangen dadurch eine eigene skulpturale Qualität. Die Grenzen zwischen künstlerischer Fotografie und klassischer Modefotografie verschwimmen hier zusehends.

In einem spanungsvollen Miteinander verdeutlichen die Aufnahmen, welche Grenzen die Modefotografie in fast hundert Jahren ausgetestet hat. Schlaglichtartig geben die fotografischen Positionen darüber hinaus Aufschluss über die Wechselwirkung zwischen Mode, gesellschaftlichen Veränderungen und historischen Ereignissen.

Entre le 23 juin et le 15 septembre, le forum de la photographie de la région urbaine d'Aix-la-Chapelle sera entièrement placé sous le signe de la mode. Environ 160 œuvres d'artistes de renom comme Henri Cartier-Bresson, Lotte Jacobi ou Robert Capa permettent de se faire une idée de près de 100 ans du genre de la photographie de mode, qui fait partie intégrante de notre quotidien, grâce aux grandes affiches et aux nombreux magazines.

L'interdépendance entre la mode et la photographie est presque aussi ancienne que le médium artistique lui-même. Les premiers précurseurs sont apparus au milieu du 19e siècle : Adolphe Braun a immortalisé la comtesse Virginia Oldoini à la cour de Napoléon III dans différentes robes. La noble dame est ainsi considérée comme le premier modèle photographique de l'histoire. Une visite de l'exposition permet de découvrir les tendances et les idées qui ont depuis fait leur entrée dans la photographie de mode.

Des photos des années 1920 et 1930 présentent les débuts délicats de la photographie de mode. Les modèles d'Yva, par exemple, sont lunaires. Née Else Ernestine Neulaender, cette photographe s'est spécialisée en 1927 dans les prises de vue pour les revues et les magazines. Au lieu d'un studio aménagé avec des accessoires historiés, Yva a misé sur des techniques de prise de vue modernes, qui se caractérisent notamment par un éclairage flou et pictural dans des espaces vides.

Au début des années 1950, des photographes comme Hermann Landshoff font descendre la toute nouvelle haute couture dans la rue, dans la vie publique. Au lieu de prendre des poses théâtrales, Landshoff immortalise les mannequins à vélo, en plein saut aérien ou sous l'eau. Grâce à l'utilisation délibérée du flou de mouvement ainsi qu'à des perspectives inhabituelles, les prises de vue paraissent décontractées et spontanées. "Les clichés de Hermann Landshoff étaient révolutionnaires pour l'époque", explique Nina Mika-Helfmeier, curatrice et directrice du Forum de la photographie, "Vous dégagez une légèreté insoupçonnée et montrez un nouveau mode de vie. Ce qui est notamment passionnant, c'est que l'on y propage aussi une image nouvelle et plus authentique de la femme".

L'exposition donne également un aperçu des coulisses de l'industrie de la mode. En 1950, Eve Arnold a fait le portrait d'un défilé de mode de femmes afro-américaines à Harlem. Cette étude sensible immortalise une communauté marginalisée qui n'avait pas sa place dans l'industrie de la mode, alors dominée par les Blancs, et qui organisait elle-même ses défilés. Quelques années plus tard, Inge Morath montre avec quel effort les nouvelles collections sont mises en scène à Paris, la capitale de la mode. Sous le thème "La Belle et la Bête", des mannequins habillés de manière mondaine et accompagnés de grands chiens sont envoyés sur le podium et mis en scène de la meilleure manière possible par les photographes qui les entourent.

De nouvelles positions photographiques telles que Martin Parr, Cristina de Middel ou Jérôme Sessini montrent au sein de l'exposition des manières inhabituelles et colorées de présenter des articles de mode. L'artiste de Wuppertal Isabelle Wenzel va même jusqu'à dissoudre complètement la relation entre photographe et modèle - la plupart du temps, elle est les deux à la fois. À l'aide du retardateur, elle se met en scène dans des poses acrobatiques. Les vêtements acquièrent ainsi une qualité sculpturale propre. Les frontières entre la photographie artistique et la photographie de mode classique s'estompent ici à vue d'œil.

Dans une cohabitation pleine de tension, les photos illustrent les limites que la photographie de mode a testées en presque cent ans. Les positions photographiques donnent en outre un aperçu de l'interaction entre la mode, les changements sociaux et les événements historiques.

Tra il 23 giugno e il 15 settembre, il Forum della fotografia della StädteRegion Aachen è tutto dedicato alla moda. Circa 160 opere di artisti rinomati come Henri Cartier-Bresson, Lotte Jacobi e Robert Capa offrono una panoramica di circa 100 anni del genere della fotografia di moda, che è diventato parte integrante della nostra vita quotidiana grazie ai grandi manifesti e alle numerose riviste.

L'interrelazione tra moda e fotografia è antica quasi quanto il mezzo artistico stesso. I primi precursori emersero a metà del XIX secolo: Adolphe Braun immortalò la contessa Virginia Oldoini alla corte di Napoleone III con diversi abiti. La nobildonna è quindi considerata la prima modella fotografica della storia. La visita alla mostra rivela le tendenze e le idee che da allora hanno trovato spazio nella fotografia di moda.

Le fotografie degli anni '20 e '30 presentano i teneri inizi della fotografia di moda. I visitatori incontreranno, ad esempio, le modelle nello stile alla moda di Yva. Nata Else Ernestine Neulaender, la fotografa si specializzò nella realizzazione di immagini per riviste e periodici con il suo studio nel 1927. Invece di uno studio arredato con oggetti di scena storicizzati, Yva si affidò a tecniche di ripresa moderne, caratterizzate in particolare da un'illuminazione pittoricamente sfocata in stanze vuote.

Fotografi come Hermann Landshoff portarono l'ultima haute couture dei primi anni Cinquanta nelle strade e nella vita pubblica. Invece di pose teatrali, Landshoff immortalava le modelle in bicicletta, saltando in aria o sott'acqua. Grazie all'uso deliberato della sfocatura del movimento e di prospettive insolite, le fotografie appaiono non forzate e spontanee. "Le fotografie di Hermann Landshoff erano all'avanguardia per l'epoca", spiega la curatrice e direttrice del Forum di Fotografia Nina Mika-Helfmeier, "emanano una leggerezza inimmaginabile e mostrano un nuovo atteggiamento nei confronti della vita. Infine, ma non per questo meno importante, è emozionante che qui si diffonda un'immagine nuova e più autentica della donna".

La mostra offre anche uno sguardo dietro le quinte dell'industria della moda. Eve Arnold ha ritratto una sfilata di donne afroamericane ad Harlem nel 1950. Lo studio sensibile cattura una comunità emarginata che non trovava spazio nell'industria della moda allora dominata dai bianchi e che organizzava le proprie sfilate. Qualche anno dopo, Inge Morath mostra lo sforzo che comporta l'allestimento di nuove collezioni nella capitale della moda, Parigi. Con il tema "La bella e la bestia", le modelle vestite alla moda vengono mandate in passerella con grandi cani e messe in scena nel miglior modo possibile dai fotografi circostanti.

Nuove posizioni fotografiche come Martin Parr, Cristina de Middel e Jérôme Sessini mostrano modi insoliti e colorati di presentare gli articoli di moda all'interno della mostra. L'artista di Wuppertal Isabelle Wenzel arriva persino a dissolvere completamente il rapporto tra fotografo e modella - di solito entrambi sono in unione personale. Utilizzando l'autoscatto, si mette in scena in pose acrobatiche. Questo conferisce agli abiti una qualità scultorea propria. I confini tra la fotografia artistica e la fotografia di moda classica diventano sempre più labili.

In un'emozionante interazione, le fotografie illustrano i confini che la fotografia di moda ha messo alla prova per quasi cento anni. Le posizioni fotografiche fanno anche luce sull'interazione tra moda, cambiamenti sociali ed eventi storici.

Between June 23 and September 15, the Photography Forum of the StädteRegion Aachen is all about fashion. Around 160 works by renowned artists such as Henri Cartier-Bresson, Lotte Jacobi and Robert Capa provide an insight into around 100 years of the genre of fashion photography, which has become an integral part of our everyday lives thanks to large posters and numerous magazines.

The interrelationship between fashion and photography is almost as old as the artistic medium itself. The first precursors emerged in the middle of the 19th century: Adolphe Braun captured the Comtesse Virginia Oldoini at the court of Napoleon III in various dresses. The noblewoman is therefore regarded as the first photographic model in history. A tour of the exhibition reveals the trends and ideas that have since found their way into fashion photography.

Photographs from the 1920s and 30s present the delicate beginnings of fashion photography. Visitors will encounter the models in Yva's fashion show, for example. Born Else Ernestine Neulaender, the photographer set up her studio in 1927 to specialize in photographs for magazines and periodicals. Instead of a furnished studio with historicized props, Yva relied on modern shooting techniques, which are characterized in particular by a pictorialistically blurred lighting in empty rooms.

Photographers like Hermann Landshoff brought the latest haute couture from the early 1950s onto the street, into public life. Instead of theatrical poses, Landshoff captured the models on bicycles, jumping in the air or under water. Through the deliberate use of motion blur and unusual perspectives, the shots appear unforced and spontaneous. "Hermann Landshoff's photographs were groundbreaking for the time," explains curator and director of the Photography Forum Dr. Nina Mika-Helfmeier, "They exude an undreamt-of lightness and show a new attitude to life. Last but not least, it is exciting that a new and more authentic image of women is being propagated here."

The exhibition also provides insights behind the scenes of the fashion industry. Eve Arnold portrayed a fashion show of African-American women in Harlem in 1950. The sensitive study captures a marginalized community that was not given a place in the then white-dominated fashion industry and organized its own runway shows. A few years later, Inge Morath shows the effort that goes into staging new collections in the fashion capital of Paris. Under the theme "Beauty and the Beast", fashionably dressed models are sent down the catwalk with large dogs and staged in the best possible way by the surrounding photographers.

New photographic positions such as Martin Parr, Cristina de Middel and Jérôme Sessini show unusual and colorful ways of presenting fashion items within the show. The Wuppertal artist Isabelle Wenzel even goes so far as to completely dissolve the relationship between photographer and model - she is usually both in personal union. She uses the self-timer to stage herself in acrobatic poses. This gives the garments a sculptural quality of their own. The boundaries between artistic photography and classic fashion photography become increasingly blurred here.

In an exciting interplay, the photographs illustrate the boundaries that fashion photography has been testing for almost a hundred years. The photographic positions also shed light on the interaction between fashion, social changes and historical events.

(Text: Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen in Monschau)

LVR-Landesmuseum Bonn
16. Mai – 15. September 2024

Fotografieren, was ist
Dirk Reinartz

Das LVR-Landesmuseum Bonn zeigt die erste große Retrospektive des bedeutenden Fotojournalisten und Bildautors Dirk Reinartz (1947–2004). Zwanzig Jahre nach seinem frühen Tod richtet sich der Blick auf sein umfassendes Œuvre, das ihn als herausragenden Fotografen der späten Bundesrepublik und des wiedervereinten Deutschland auszeichnet.

Ob bei seinen frühen Auslandsreportagen, etwa für den Stern in Japan, oder in seinen freien Bildserien aus der deutschen Provinz: Reinartz gelingt es, durch eine präzise und pointierte Bildsprache gesellschaftspolitische Entwicklungen, kulturelle Umbrüche und konkrete Lebenssituationen von Menschen in feinsinnigen fotografischen Erzählungen festzuhalten.

Zentrales Thema in Reinartzʼ Arbeiten ist die Beschäftigung mit Deutschland und den Deutschen. Zeit seines Lebens war er auf der Suche nach Motiven, in denen sich eine deutsche Identität zu erkennen gibt, mit all ihren Widersprüchen und historischen Verankerungen: vom Kleinstadtwesen am Beispiel Buxtehudes bis zur großen gesellschaftlichen Neuorientierung nach 1989. In Publikationen wie »Kein schöner Land« (1989) oder »Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler« (1991) beleuchtete Reinartz die deutsche Erinnerungskultur und das Fortdauern der Vergangenheit im Gegenwärtigen. In »totenstill« (1994), einer Auseinandersetzung mit den baulichen Überresten nationalsozialistischer Konzentrationslager, fragte er nach der Darstellbarkeit des Schreckens.

Reinartzʼ Arbeiten erschienen in vielen großen Zeitschriften wie dem Spiegel, in den Magazinen der Süddeutschen Zeitung und der ZEIT sowie in der Kunstzeitschrift art. Die Ausstellung vergegenwärtigt Dirk Reinartzʼ Schaffen entlang jener Spannungsfelder, die ihn zeitlebens beschäftigt haben, etwa Macht und Ohnmacht, Nähe und Ferne, Geschichte und Gegenwart.

Die Ausstellung entsteht in Zusammenarbeit mit der Deutschen Fotothek Dresden und der Stiftung F. C. Gundlach Hamburg .

Le LVR-Landesmuseum de Bonn présentera la première grande rétrospective de l'éminent photojournaliste et auteur d'images Dirk Reinartz (1947-2004). Vingt ans après sa mort prématurée, le regard se porte sur son œuvre complète, qui le distingue comme un photographe exceptionnel de la fin de la République fédérale d'Allemagne et de l'Allemagne réunifiée.

Que ce soit dans ses premiers reportages à l'étranger, par exemple pour le Stern au Japon, ou dans ses séries d'images libres de la province allemande, Reinartz parvient, grâce à un langage visuel précis et pointu, à capturer les évolutions sociopolitiques, les bouleversements culturels et les situations concrètes de la vie des gens dans des récits photographiques subtils.

Le thème central des travaux de Reinartzʼ est l'étude de l'Allemagne et des Allemands. Toute sa vie, il a été à la recherche de motifs dans lesquels se reconnaît une identité allemande, avec toutes ses contradictions et ses ancrages historiques : de la petite ville à lʼexemple de Buxtehude à la grande réorientation sociale après 1989. Dans des publications comme "Kein schöner Land" (1989) ou "Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler" (1991), Reinartz a mis en lumière la culture de la mémoire allemande et la persistance du passé dans le présent. Dans "totenstill" (1994), une réflexion sur les vestiges architecturaux des camps de concentration nationaux-socialistes, il s'est interrogé sur la possibilité de représenter l'horreur.

Les travaux de Reinartzʼ ont été publiés dans de nombreux grands magazines comme le Spiegel, dans les magazines du Süddeutsche Zeitung et du ZEIT ainsi que dans la revue artistique art. Lʼexposition présente lʼœuvre de Dirk Reinartzʼ en suivant les champs de tension qui lʼont occupé toute sa vie, comme le pouvoir et lʼimpuissance, la proximité et la distance, lʼhistoire et le présent.

Lʼexposition est réalisée en collaboration avec la Deutsche Fotothek de Dresde et la fondation F. C. Gundlach Hambourg.

Il LVR-Landesmuseum di Bonn presenterà la prima grande retrospettiva dell'importante fotoreporter e autore Dirk Reinartz (1947-2004). A vent'anni dalla sua prematura scomparsa, l'attenzione si concentrerà sulla sua vasta opera, che lo caratterizza come fotografo di spicco della tarda Repubblica Federale e della Germania riunificata.

Sia nei suoi primi reportage all'estero, ad esempio per la rivista Stern in Giappone, sia nelle sue serie di immagini libere dalle province tedesche, Reinartz è riuscito a catturare gli sviluppi socio-politici, gli sconvolgimenti culturali e le situazioni concrete di vita delle persone in sottili narrazioni fotografiche utilizzando un linguaggio visivo preciso e puntuale.

Il tema centrale del lavoro di Reinartz è la sua preoccupazione per la Germania e i tedeschi. Per tutta la vita è stato alla ricerca di motivi in cui si potesse riconoscere un'identità tedesca, con tutte le sue contraddizioni e i suoi ancoraggi storici: dalla vita di provincia con l'esempio di Buxtehude al grande riorientamento sociale dopo il 1989. In pubblicazioni come "Kein schöner Land" (1989) o "Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler" (1991), Reinartz ha fatto luce sulla cultura tedesca del ricordo e sulla persistenza del passato nel presente. In "totenstill" (1994), un esame dei resti architettonici dei campi di concentramento nazionalsocialisti, ha messo in discussione la rappresentabilità dell'orrore.

Il lavoro di Reinartz è apparso in molte riviste importanti come Der Spiegel, nelle riviste Süddeutsche Zeitung e ZEIT e nella rivista dʼarte art. La mostra presenta lʼopera di Dirk Reinartz secondo le aree di tensione che lo hanno occupato per tutta la vita, come il potere e lʼimpotenza, la vicinanza e la distanza, il passato e il presente.

La mostra è organizzata in collaborazione con la Deutsche Fotothek Dresden e la F. C. Gundlach di Amburgo.

The LVR-Landesmuseum Bonn will be showing the first major retrospective of the important photojournalist and author Dirk Reinartz (1947-2004). Twenty years after his untimely death, the focus will be on his extensive oeuvre, which distinguishes him as an outstanding photographer of the late Federal Republic and reunified Germany.

Whether in his early foreign reportages, for example for Stern magazine in Japan, or in his free image series from the German provinces, Reinartz succeeded in capturing socio-political developments, cultural upheavals and concrete life situations of people in subtle photographic narratives using a precise and pointed visual language.

The central theme in Reinartzʼ work is his preoccupation with Germany and the Germans. Throughout his life, he was in search of motifs in which a German identity could be recognized, with all its contradictions and historical anchoring: from small-town life in the example of Buxtehude to the great social reorientation after 1989. In publications such as "Kein schöner Land" (1989) or "Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler" (1991), Reinartz shed light on the German culture of remembrance and the persistence of the past in the present. In "totenstill" (1994), an examination of the architectural remains of National Socialist concentration camps, he questioned the representability of horror.

Reinartzʼs work has appeared in many major magazines such as Der Spiegel, in the Süddeutsche Zeitung and ZEIT magazines and in the art magazine art. The exhibition visualizes Dirk Reinartzʼs work along the lines of the areas of tension that have preoccupied him throughout his life, such as power and powerlessness, proximity and distance, past and present.

The exhibition is being organized in collaboration with the Deutsche Fotothek Dresden and the Stiftung F. C. Gundlach Foundation Hamburg

(Text: LVR-Landesmuseum Bonn)

Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen | Monschau
14. April – 16. Juni 2024

Bankgeheimnisse

Mit rund 150 Arbeiten rückt die neue Präsentation im Fotografie-Forum Monschau ein besonderes Möbelstück in den Fokus: die Bank. Sie ist aus unserem Alltag nicht wegzudenken, begegnen wir ihr doch im Park, an der Straße, im Bahnhof oder im Wartezimmer. Das Bänke Schauplätze für ganz unterschiedliche Geschichten sind, beweisen die 28 präsentierten Künstler_innen der Ausstellung. Auf der ganzen Welt haben sie Menschen auf Sitzbänken festgehalten. Ein ebenso breites Panorama bilden die fotografischen Genres: Neben klassischer Street Photography reihen sich ebenso Porträtfotos berühmter Persönlichkeiten, wie Bob Dylan oder Marilyn Monroe, und inszenierte Fotografien aneinander.

Es ist nicht die erste monothematische Ausstellung im Fotografie-Forum. Bereits im vergangenen Jahr widmete sich die Schau „The Jump“ dem Motiv des Sprungs in der Fotografie. Die Fotografien der Sitzbänke zeigen nun einzigartige und für sich abgeschlossene Geschichten, die die Imaginationskraft der Betrachtenden herausfordern. Viele der dargestellten Szenen entbehren nicht einem gewissen Humor, wie die Kuratorin und Leiterin des Fotografie-Forums Dr. Nina Mika-Helfmeier betont: „Viele in der Ausstellung vertretene Fotografen lieben skurrile Alltagsszenen, aus denen sich eine natürliche, nicht erzwungene Komik ergibt.“ Barbara Klemms Arbeit Stuttgart 1972 führt zum Beispiel drei im Park schlafende Personen durch die fotografische Linse mit einer antiken Skulptur zusammen. Bei dieser unbeabsichtigten Begegnung stellt sich die Frage, welche der Figuren eigentlich lebendig ist und warum sich zwischen ihnen eine Art seltsame Verwandtschaft bemerken lässt.

Elliott Erwitts Fotografie, die am Rande eines Jahrmarkts in Kalifornien entstanden ist, besticht ebenso durch eine gewisse Komik: Auf einer Bank sind drei einzelne Frauen versammelt, die unter einem Schild mit der Aufschrift „Lost Persons Area“ stehen. Aufgrund des verlorenen und fragenden Blicks einiger der Protagonistinnen bleibt unklar, ob hiermit der Sammelpunkt für entzweite Familien und Gruppen gemeint ist, oder sich das Schild als Kommentar zu den dort versammelt, ziemlich verloren wirkenden Frauen verstehen lässt. Die Bank fungiert hier als eigener Mikrokosmos im öffentlichen Raum, in dem spannende Begegnungen stattfinden, die manches Mal fast surreal anmuten.

Dass das Sitzmöbel ebenso als Ort der inneren Einkehr fungieren kann, zeigt eindrucksvoll Thomas Hoepkers Aufnahme eines älteren Herren im Ritan Park in Beijing. Mit seiner Pfeife hat er es sich auf einer Parkbank gemütlich gemacht. Sogar seinen Vogel hat er aus dem kleinen Käfig genommen und scheint mit ihm ein geistiges Zwiegespräch zu führen. Durch die Sonne in besonders stimmungsvolles Licht getaucht, strahlt die Fotografie eine unglaubliche Ruhe aus. Sie wirft aber ebenso Fragen danach auf, wo solche Oasen in unserer heutigen hektischen Welt noch zu finden sind.

Die Sitzbank dient innerhalb der Ausstellung als Ausgangspunkt, um Humorvolles, Skurriles aber auch Melancholisches sowie Aufrüttelndes zu entdecken. Da uns das Motiv nur allzu gut aus dem eigenen Alltag bekannt ist, bieten sich unzählige Anknüpfungspunkte, um tief in die Bilder einzutauchen und in einen empathischen Dialog mit den Dargestellten zu treten.

Die Arbeiten Jürgen Klaukes bilden im zweiten Obergeschoss einen Exkurs in die künstlerische Fotografie. Hier wird das Sitzmöbel – sorgsam inszeniert - zum eigenständigen Akteur im Bild und verweist nicht zuletzt auf grundlegende Fragen der menschlichen Existenz. Klaukes Werke schließen die inhaltliche Klammer der Schau, indem sie zeigen, welche Möglichkeiten das Medium der Fotografie eröffnet. Wenngleich alle präsentierten Arbeiten ein und dasselbe Motiv haben, könnte die Bandbreite der künstlerischen Inszenierungen nicht größer sein.

Avec près de 150 œuvres, la nouvelle présentation au Fotografie-Forum Monschau met l'accent sur un meuble particulier : le banc. Il fait partie intégrante de notre quotidien, nous le croisons dans les parcs, dans la rue, à la gare ou dans les salles d'attente. Les 28 artistes présentés dans l'exposition prouvent que les bancs sont le théâtre d'histoires très différentes. Partout dans le monde, ils ont immortalisé des personnes assises sur des bancs. Les genres photographiques sont tout aussi variés : outre la street photography classique, on trouve également des portraits de personnalités célèbres, comme Bob Dylan ou Marilyn Monroe, ainsi que des photographies mises en scène.

Ce n'est pas la première exposition monothématique du Forum de la photographie. L'année dernière déjà, l'exposition "The Jump" était consacrée au motif du saut dans la photographie. Les photographies des bancs présentent désormais des histoires uniques et indépendantes qui mettent au défi l'imagination des spectateurs. De nombreuses scènes représentées ne sont pas dénuées d'un certain humour, comme le souligne le Dr Nina Mika-Helfmeier, commissaire d'exposition et directrice du forum de la photographie : "De nombreux photographes représentés dans l'exposition aiment les scènes quotidiennes bizarres, dont il résulte un comique naturel et non forcé". Le travail de Barbara Klemm, Stuttgart 1972, réunit par exemple trois personnes dormant dans un parc et une sculpture antique à travers l'objectif photographique. Cette rencontre involontaire transmet la question de savoir laquelle des figures est en fait vivante et pourquoi une sorte d'étrange parenté peut être remarquée entre elles.

La photographie d'Elliott Erwitt, prise en marge d'une fête foraine en Californie, se distingue également par une certaine drôlerie : trois femmes seules sont réunies sur un banc, sous un panneau portant l'inscription "Lost Persons Area". Le regard perdu et interrogateur de certaines des protagonistes ne permet pas de savoir s'il s'agit d'un lieu de rassemblement pour les familles et les groupes divisés, ou si le panneau est un commentaire sur les femmes qui s'y trouvent et qui ont l'air plutôt perdues. Le banc fonctionne ici comme son propre microcosme dans l'espace public, où ont lieu des rencontres passionnantes, qui semblent parfois presque surréalistes.

La photo de Thomas Hoepker d'un homme âgé dans le parc Ritan à Pékin montre de manière impressionnante que le siège peut tout aussi bien faire office de lieu de recueillement intérieur. Il s'est installé confortablement sur un banc avec sa pipe. Il a même sorti son oiseau de sa petite cage et semble avoir avec lui un dialogue spirituel. Plongée dans une lumière particulièrement évocatrice par le soleil, la photographie dégage une incroyable sérénité. Mais elle soulève également des questions sur l'endroit où l'on peut encore trouver de telles oasis dans le monde trépidant d'aujourd'hui.

Le banc sert de point de départ à l'exposition pour découvrir des choses humoristiques, bizarres, mais aussi mélancoliques et bouleversantes. Comme ce motif ne nous est que trop familier dans notre propre quotidien, d'innombrables points d'ancrage s'offrent à nous pour nous plonger profondément dans les visuels et entamer un dialogue empathique avec les personnes représentées.

Au deuxième étage, les travaux de Jürgen Klauke constituent une digression dans la photographie artistique. Ici, le siège - soigneusement mis en scène - devient un acteur à part entière dans le visuel et renvoie notamment à des questions fondamentales de l'existence humaine. Les œuvres de Klauke ferment la parenthèse du contenu de l'exposition en montrant les possibilités offertes par le médium de la photographie. Bien que tous les travaux présentés aient un seul et même motif, l'éventail des mises en scène artistiques ne pourrait pas être plus large.

Con circa 150 opere, la nuova presentazione al Fotografie-Forum Monschau si concentra su un mobile speciale: la panchina. È impossibile immaginare la nostra vita quotidiana senza di essa, perché la incontriamo al parco, per strada, alla stazione o nella sala d'attesa. I 28 artisti presenti in mostra dimostrano che le panchine sono lo scenario di storie molto diverse. Hanno immortalato persone sedute su panchine di tutto il mondo. I generi fotografici formano un panorama altrettanto ampio: accanto alla classica fotografia di strada, sono allineate foto di ritratti di personaggi famosi, come Bob Dylan o Marilyn Monroe, e fotografie di scena.

Questa non è la prima mostra monotematica al Fotografie-Forum. L'anno scorso, la mostra "The Jump" era dedicata al motivo del salto in fotografia. Le fotografie delle panchine mostrano ora storie uniche e autonome che sfidano l'immaginazione dello spettatore. Molte delle scene rappresentate non sono prive di un certo umorismo, come sottolinea la curatrice e direttrice del Forum di Fotografia Nina Mika-Helfmeier: "Molti dei fotografi rappresentati nella mostra amano le scene quotidiane eccentriche, dalle quali emerge una comicità naturale e non forzata". L'opera Stuttgart 1972 di Barbara Klemm, ad esempio, mette insieme tre persone che dormono in un parco e una scultura antica attraverso l'obiettivo fotografico. Questo incontro involontario solleva la questione di quale delle figure sia effettivamente viva e perché si possa riconoscere una sorta di strana parentela tra loro.

Anche la fotografia di Elliott Erwitt, scattata ai margini di un luna park in California, affascina con una certa comicità: tre donne singole sono riunite su una panchina, in piedi sotto un cartello con la scritta "Lost Persons Area". A causa dello sguardo smarrito e interrogativo di alcune delle protagoniste, non è chiaro se questo si riferisca al punto d'incontro di famiglie e gruppi separati, o se il cartello possa essere inteso come un commento sulle donne dall'aria un po' smarrita lì riunite. La panchina funziona come un microcosmo nello spazio pubblico, in cui avvengono incontri emozionanti che a volte sembrano quasi surreali.

La fotografia di Thomas Hoepker che ritrae un anziano signore nel Parco Ritan di Pechino mostra in modo impressionante che la panchina può funzionare anche come luogo di contemplazione interiore. L'uomo si è messo comodo su una panchina del parco con la sua pipa. Ha persino tirato fuori il suo uccellino dalla gabbietta e sembra avere un dialogo mentale con lui. Bagnata dalla luce particolarmente atmosferica del sole, la fotografia irradia un incredibile senso di calma. Tuttavia, solleva anche domande su dove si possano ancora trovare tali oasi nel mondo frenetico di oggi.

La panchina serve come punto di partenza all'interno della mostra per scoprire cose umoristiche, bizzarre ma anche malinconiche e inquietanti. Poiché il motivo ci è fin troppo familiare nella vita di tutti i giorni, ci sono innumerevoli punti di riferimento per immergersi nelle immagini ed entrare in un dialogo empatico con le persone raffigurate.

Le opere di Jürgen Klauke al primo piano costituiscono un'escursione nella fotografia artistica. Qui, i mobili delle sedute - accuratamente messi in scena - diventano protagonisti indipendenti dell'immagine e rimandano, non da ultimo, a questioni fondamentali dell'esistenza umana. Le opere di Klauke chiudono la parentesi tematica della mostra dimostrando le possibilità aperte dal mezzo fotografico. Sebbene tutte le opere presentate abbiano lo stesso motivo, la gamma di allestimenti artistici non potrebbe essere più ampia.

With around 150 works, the new presentation at the Fotografie-Forum Monschau focuses on a special piece of furniture: the bench. It is impossible to imagine our everyday lives without it, as we encounter it in the park, on the street, in the train station or in the waiting room. The 28 artists featured in the exhibition prove that benches are the setting for very different stories. They have captured people sitting on benches all over the world. The photographic genres form an equally broad panorama: alongside classic street photography, portraits of famous personalities, such as Bob Dylan or Marilyn Monroe, and staged photographs line up next to each other.

This is not the first monothematic exhibition at the Fotografie-Forum. Last year, the show "The Jump" was already dedicated to the motif of the jump in photography. The photographs of the benches now show unique and self-contained stories that challenge the viewer's imagination. Many of the scenes depicted are not without a certain humor, as the curator and director of the Photography Forum Dr. Nina Mika-Helfmeier points out: "Many of the photographers represented in the exhibition love quirky everyday scenes, from which a natural, unforced comedy emerges." Barbara Klemm's work Stuttgart 1972, for example, brings together three people sleeping in a park with an antique sculpture through the photographic lens. This unintentional encounter raises the question of which of the figures is actually alive and why a kind of strange kinship can be noticed between them.

Elliott Erwitt's photograph, taken at the edge of a funfair in California, also captivates with a certain comedy: three individual women are gathered on a bench, standing under a sign that reads "Lost Persons Area". Due to the lost and questioning gaze of some of the protagonists, it remains unclear whether this refers to the gathering point for separated families and groups, or whether the sign can be understood as a commentary on the rather lost-looking women gathered there. The bench functions here as its own microcosm in the public space, in which exciting encounters take place that sometimes seem almost surreal.

Thomas Hoepker's photograph of an elderly gentleman in Ritan Park in Beijing impressively shows that the bench can also function as a place of inner contemplation. He has made himself comfortable on a park bench with his pipe. He has even taken his bird out of its small cage and seems to be having a mental conversation with it. Bathed in particularly atmospheric light by the sun, the photograph radiates an incredible sense of calm. However, it also raises questions about where such oases can still be found in today's hectic world.

Within the exhibition, the bench serves as a starting point for discovering the humorous, the bizarre, but also the melancholy and the uplifting. As we are all too familiar with the motif from our own everyday lives, there are countless points of reference to immerse ourselves in the visuals and enter into an empathetic dialog with the people depicted.

Jürgen Klauke's works on the second floor form an excursion into artistic photography. Here, the seating furniture - carefully staged - becomes an independent protagonist in the visuals and refers not least to fundamental questions of human existence. Klauke's works close the thematic bracket of the show by demonstrating the possibilities opened up by the medium of photography. Although all the works presented have one and the same motif, the range of artistic stagings could not be greater.

(Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen, Monschau)

in focus Galerie | Köln
23. März – 15. August 2024

The Day May Break, Kapitel 1 – 3
Nick Brandt

Die in focus Galerie, Burkhard Arnold in Köln, freut sich Nick Brandt mit seiner Serie „The Day May Break“ zu präsentieren. The Day May Break, ist eine fortlaufende globale Serie, die Menschen und Tiere porträtiert, die von Umweltzerstörung und Klimawandel betroffen sind.

Kapitel eins wurde 2020 in Simbabwe und Kenia fotografiert, Kapitel zwei 2022 in Bolivien. Die Menschen auf den Fotos sind alle stark vom Klimawandel betroffen, von extremen Dürren bis hin zu Überschwemmungen, die ihre Häuser und Lebensgrundlagen zerstört haben.

Die Fotos wurden in verschiedenen Auffangstationen und Naturschutzgebieten aufgenommen. Bei den Tieren handelt es sich fast ausnahmslos um Langzeit-Rettungstiere, die von der Zerstörung ihres Lebensraums bis hin zum Handel mit Wildtieren alles erlebt haben.

Diese Tiere können niemals wieder in die freie Wildbahn entlassen werden. Daher sind sie fast alle an den Menschen gewöhnt, so dass es für fremde Menschen ungefährlich war, sich ihnen zu nähern und sie zur gleichen Zeit im gleichen Bild zu fotografieren.

Der Nebel ist ein Symbol für eine natürliche Welt, die jetzt schnell aus dem Blickfeld verschwindet. Er wird von Nebelmaschinen vor Ort erzeugt und ist auch ein Echo des Rauchs der Waldbrände, die durch den Klimawandel verstärkt werden und weite Teile unseres Planeten verwüsten. Doch trotz ihres Verlustes sind diese Menschen und Tiere die Überlebenden. Und darin liegt noch eine Möglichkeit.

SINK / RISE, das dritte Kapitel von The Day May Break, befasst sich mit den Bewohnern der südpazifischen Inseln, die vom Anstieg der Ozeane infolge des Klimawandels betroffen sind. Die Einheimischen auf diesen Fotos, die im Meer vor der Küste der Fidschi-Inseln unter Wasser aufgenommen wurden, stehen stellvertretend für die vielen Menschen, deren Häuser, Land und Lebensgrundlagen in den kommenden Jahrzehnten durch den Anstieg des Wassers verloren gehen werden. Alles wurde mit der Kamera unter Wasser aufgenommen.

La galerie in focus, Burkhard Arnold à Cologne, a le plaisir de présenter Nick Brandt avec sa série "The Day May Break". The Day May Break, est une série mondiale continue qui dresse le portrait de personnes et d'animaux touchés par la dégradation de l'environnement et le changement climatique.

Le premier chapitre a été photographié en 2020 au Zimbabwe et au Kenya, le deuxième en 2022 en Bolivie. Les personnes photographiées sont toutes fortement touchées par le changement climatique, des sécheresses extrêmes aux inondations qui ont détruit leurs maisons et leurs moyens de subsistance.

Les photos ont été prises dans différents centres d'accueil et réserves naturelles. Les animaux sont presque tous des animaux de sauvetage à long terme, qui ont tout connu, de la destruction de leur habitat au commerce d'animaux sauvages.

Ces animaux ne peuvent jamais être relâchés dans la nature. C'est pourquoi ils sont presque tous habitués à l'homme, de sorte qu'il n'était pas dangereux pour des inconnus de les approcher et de les photographier en même temps sur le même visuel.

Le brouillard est le symbole d'un monde naturel qui disparaît maintenant rapidement de la vue. Créée sur place par des machines à fumée, elle fait également écho à la fumée des incendies de forêt, amplifiés par le changement climatique et qui ravagent de vastes zones de notre planète. Mais malgré leur perte, ces personnes et ces animaux sont les survivants. Et c'est là que réside une autre possibilité.

SINK / RISE, le troisième chapitre de The Day May Break, s'intéresse aux habitants des îles du Pacifique Sud qui sont touchés par la montée des océans due au changement climatique. Les habitants de ces photos, prises sous l'eau dans l'océan au large des îles Fidji, sont représentatifs des nombreuses personnes dont les maisons, les terres et les moyens de subsistance seront perdus dans les décennies à venir en raison de la montée des eaux. Tout a été pris sous l'eau avec un appareil photo.

La galleria in focus Burkhard Arnold di Colonia è lieta di presentare Nick Brandt con la sua serie "The Day May Break". The Day May Break è una serie globale in corso che ritrae persone e animali colpiti dal degrado ambientale e dai cambiamenti climatici.

Il primo capitolo è stato fotografato in Zimbabwe e Kenya nel 2020, il secondo in Bolivia nel 2022. Tutte le persone ritratte sono state gravemente colpite dai cambiamenti climatici, da siccità estreme a inondazioni che hanno distrutto le loro case e i loro mezzi di sostentamento.

Le foto sono state scattate in vari santuari e riserve naturali. Quasi senza eccezione, si tratta di animali soccorsi a lungo termine, che hanno subito qualsiasi cosa, dalla distruzione dell'habitat al traffico di animali selvatici.

Questi animali non possono mai essere rilasciati in natura. Pertanto, sono quasi tutti abituati all'uomo, per cui era sicuro per gli estranei avvicinarsi a loro e fotografarli contemporaneamente nella stessa inquadratura.

La nebbia è il simbolo di un mondo naturale che sta rapidamente scomparendo. Creata da macchine per la nebbia a terra, è anche un'eco del fumo degli incendi boschivi che vengono esacerbati dal cambiamento climatico e che devastano ampie zone del nostro pianeta. Ma nonostante la perdita, queste persone e questi animali sono i sopravvissuti. E qui sta un'altra possibilità.

SINK / RISE, il terzo capitolo di The Day May Break, si concentra sugli abitanti delle isole del Pacifico meridionale colpite dall'innalzamento degli oceani dovuto ai cambiamenti climatici. Gli abitanti di queste foto, scattate sott'acqua nell'oceano al largo delle coste delle Fiji, sono rappresentativi delle molte persone le cui case, terre e mezzi di sostentamento andranno persi nei prossimi decenni a causa dell'innalzamento delle acque. Tutto è stato scattato sott'acqua con una macchina fotografica.

The in focus gallery, B. Arnold in Cologne, is pleased to present: Nick Brandt: The Day May Break, is an ongoing global series portraying people and animals that have been impacted by environmental degradation and destruction.

Chapter One was photographed in Zimbabwe and Kenya in 2020, Chapter Two in Bolivia in 2022. The people in the photos have all been badly affected by climate change, from extreme droughts to floods that destroyed their homes and livelihoods.

The photographs were taken at several sanctuaries and conservancies. The animals are almost all long-term rescues, victims of everything from habitat destruction to wildlife trafficking. These animals can never be released back into the wild. As a result, they are almost all habituated to humans, and so it was safe for human strangers to be close to them, photographed in the same frame at the same time.

The fog is symbolic of a natural world now rapidly fading from view. Created by fog machines on location, it is also an echo of the smoke from wildfires, intensified by climate change, devastating so much of the planet. However, in spite of their loss, these people and animals are the survivors. And therein still lies possibility.

SINK / RISE, the third chapter of The Day May Break, focuses on South Pacific Islanders impacted by rising oceans from climate change. The local people in these photos, photographed underwater in the ocean off the coast of the Fijian islands, are representatives of the many people whosehomes, land and livelihoods will be lost in the coming decades as the water rises. Everything is shot in-camera underwater.

(Text: in focus Galerie, Köln)

Kunstraum Elsa | Bielefeld
8. März – 5. April 2024

A worm crossed the street / Weggefährten
Nadja Bournonville, Yana Wernicke

Seit dem Beginn der Fotografie sind Tiere gern gesehene Motive vor unseren Kameras. Doch zwischen witzigen Katzenvideos und bildgewaltigen Naturdokumentationen bleibt dieser Blick stets selektiv. Unliebsame Bilder, die das Tier etwa im Kontext unserer Lebensmittelindustrie zeigen, werden zumeist ausgeblendet.

Wie jedoch können Bilder aussehen, die abseits von diesen konventionellen Blickwinkeln das Tier als ein fühlendes und denkendes Gegenüber sichtbar machen? Wie hat sich der Blick des Menschen auf die Welt der Tiere konstituiert?

Diesen Fragen widmen sich Nadja Bournonville und Yana Wernicke in ihren Arbeiten, die von der Koexistenz und dem Miteinander von Mensch und Tier handeln.

Für die Arbeit ‚Companions / Weggefährten‘ hat Yana Wernicke (*1990, wohnhaft in einer Kleinstadt nahe Frankfurt/M) zwei junge Frauen begleitet, die Kühe, Schweine und Gänse vor dem Schlachthof retten und mit ihnen in einer selbstgewählten Gemeinschaft zusammenleben. Sie geht der Frage nach, was es heißt, sich um fühlende Lebewesen zu kümmern und wie ein würdevolles Tierleben in einer menschengemachten Welt aussehen kann. Weit entfernt von einem ‚heile-Welt‘-Kitsch, entwirft Yana Wernicke dabei eine tief poetische Erzählung von Freundschaft und Respekt.

Nadja Bournonville (*1983 Schweden, wohnhaft in Berlin) hat für ihre Arbeit 'A worm crossed the street' im Naturhistorischen Museum Wien hunderte Präparate fotografiert die vom Sammeln, Klassifizieren und letztendlich auch vom Verschwinden der Arten berichten. Die von ihr fotografierte wissenschaftliche Sammlung, deren Anfänge zurück bis ins 18. Jahrhundert reichen und somit den Beginn des Anthropozäns* markieren, wird hierbei zu einer Zeitkapsel.

Fasziniert von den Formen und Texturen der Präparate erschafft Nadja Bournonville eigene Bildwelten, die eine trügerische Ruhe ausstrahlen. In ihren Fotografien wird nicht nur die Faszination des Menschen an dem Wissen um die Tierwelt sichtbar und somit die Aneignung dessen, sondern auch das Aussterben der Arten über die Jahrhunderte.

Depuis le début de la photographie, les animaux sont des sujets appréciés devant nos caméras. Mais entre les vidéos de chats amusantes et les documentaires sur la nature aux images violentes, ce regard reste toujours sélectif. Les visuels déplaisants, qui montrent l'animal dans le contexte de notre industrie alimentaire, sont le plus souvent occultés.

Mais à quoi peuvent ressembler des visuels qui, en dehors de ces points de vue conventionnels, rendent l'animal visible en tant que partenaire sensible et pensant ? Comment le regard de l'homme sur le monde animal s'est-il constitué ?

C'est à ces questions que se consacrent Nadja Bournonville et Yana Wernicke dans leurs travaux qui traitent de la coexistence et de la cohabitation entre l'homme et l'animal.

Pour le travail 'Companions / Weggefährten', Yana Wernicke (*1990, habitant une petite ville près de Francfort/M) a suivi deux jeunes femmes qui sauvent des vaches, des cochons et des oies de l'abattoir et vivent avec eux dans une communauté qu'elles ont choisie. Elle se penche sur la question de savoir ce que signifie prendre soin d'êtres vivants sensibles et à quoi peut ressembler une vie animale digne dans un monde fabriqué par l'homme. Loin du kitsch du 'meilleur des mondes', Yana Wernicke crée un récit profondément poétique sur l'amitié et le respect.

Nadja Bournonville (née en 1983 en Suède et vivant à Berlin) a photographié pour son travail 'A worm crossed the street' au Musée d'histoire naturelle de Vienne des centaines de spécimens qui racontent la collecte, la classification et finalement la disparition des espèces. La collection scientifique qu'elle a photographiée, dont les origines remontent au 18e siècle et marquent ainsi le début de l'anthropocène*, devient ici une capsule temporelle.

Fascinée par les formes et les textures des préparations, Nadja Bournonville crée ses propres mondes visuels, qui dégagent un calme trompeur. Ses photographies révèlent non seulement la fascination de l'homme pour la connaissance du monde animal et donc son appropriation, mais aussi l'extinction des espèces au fil des siècles.

Fin dagli albori della fotografia, gli animali sono stati soggetti popolari per le nostre macchine fotografiche. Ma tra divertenti video di gatti e documentari naturalistici di grande impatto visivo, questa visione rimane sempre selettiva. Le immagini sgradevoli che mostrano l'animale nel contesto della nostra industria alimentare, ad esempio, vengono solitamente sbiadite.

Ma come possono apparire le immagini che vanno oltre queste prospettive convenzionali e visualizzano l'animale come una controparte senziente e pensante? Come si è costituita la visione umana del mondo animale?

Nadja Bournonville e Yana Wernicke affrontano queste domande nelle loro opere, che trattano la coesistenza e l'unione di uomini e animali.

Per l'opera "Companions", Yana Wernicke (*1990, vive in una piccola città vicino a Francoforte sul Meno) ha accompagnato due giovani donne che salvano mucche, maiali e oche dal macello e vivono insieme a loro in una comunità scelta da loro stesse. L'autrice esplora la questione di cosa significhi prendersi cura di esseri senzienti e di come possa apparire una vita animale dignitosa in un mondo costruito dall'uomo. Lontana dal kitsch del "mondo ideale", Yana Wernicke crea una storia profondamente poetica di amicizia e rispetto.

Nadja Bournonville (*1983 Svezia, vive a Berlino) ha fotografato centinaia di esemplari per la sua opera "A worm crossed the street" (Un verme ha attraversato la strada) nel Museo di Storia Naturale di Vienna, che racconta la raccolta, la classificazione e infine la scomparsa delle specie. La collezione scientifica che ha fotografato, le cui origini risalgono al XVIII secolo e che quindi segnano l'inizio dell'Antropocene*, diventa una capsula del tempo.

Affascinata dalle forme e dalla consistenza degli esemplari, Nadja Bournonville crea i suoi mondi visivi che irradiano una calma ingannevole. Le sue fotografie rivelano non solo il fascino dell'uomo per la conoscenza del mondo animale e la sua appropriazione, ma anche l'estinzione delle specie nel corso dei secoli.

Since the beginning of photography, animals have been pleased subjects in front of our cameras. But between funny cat videos and visually stunning nature documentaries, this view always remains selective. Unpleasant visuals that show animals in the context of our food industry, for example, are usually ignored.

But what can visuals look like that go beyond these conventional perspectives and make the animal visible as a feeling and thinking counterpart? How has the human view of the animal world been constituted?

Nadja Bournonville and Yana Wernicke address these questions in their works, which deal with the coexistence and togetherness of humans and animals.

For the work 'Companions', Yana Wernicke (*1990, lives in a small town near Frankfurt/M) accompanied two young women who rescue cows, pigs and geese from the slaughterhouse and live together with them in a self-chosen community. She explores the question of what it means to care for sentient beings and what a dignified animal life can look like in a man-made world. Far removed from 'ideal world' kitsch, Yana Wernicke creates a deeply poetic tale of friendship and respect.

For her work 'A worm crossed the street', Nadja Bournonville (*1983 Sweden, lives in Berlin) photographed hundreds of specimens in the Natural History Museum in Vienna that tell of the collection, classification and ultimately the disappearance of species. The scientific collection she photographed, whose origins date back to the 18th century and thus mark the beginning of the Anthropocene*, becomes a time capsule.

Fascinated by the forms and textures of the specimens, Nadja Bournonville creates her own visual worlds that radiate a deceptive calm. Her photographs reveal not only man's fascination with knowledge of the animal world and thus his appropriation of it, but also the extinction of species over the centuries.

(Text: Katharina Bosse, Bielefeld)

Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen | Monschau
18. Februar – 7. April 2024

Wieder-Entdeckt. Fotografie der 1930er Jahre

Das Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen präsentiert zu Jahresbeginn eine umfassende Ausstellung zur Fotografie der 1930er Jahre, welche von der Leiterin Frau Dr. Nina Mika-Helfmeier kuratiert wurde. Der Titel „Wieder-Entdeckt“ lässt sich als zweifache Aufforderung verstehen. Zum einen zeigt die Schau künstlerische Positionen, die bisher wenig beachtet wurden. Zum anderen lassen sich an den ausgewählten Werken bedeutende Tendenzen der Fotografiegeschichte ablesen, welche in den 30er Jahren ihren Anfang nahmen und Generationen von Künstler_innen nachhaltig beeinflussen sollten.

Wie Edith Tudor-Hart (1908-1973), die nicht nur für ihre Fotografien bekannt ist, sondern auch mit ihren Aktivitäten für den sowjetischen Geheimdienst von sich reden machte. Als eine der wenigen Frauen fotografierte sie während den 1930er Jahren eigenständig. Es sollte jedoch fast ein Jahrhundert dauern, bis ihr Werk erstmals einer breiten Öffentlichkeit im Rahmen einer eigenen Ausstellung vorgestellt wurde. Als Fotografin war Tudor-Hart unter anderem für die sowjetische Nachrichtenagentur TASS tätig, veröffentlichte aber ebenso Bilder in der Arbeiter-Illustrierte-Zeitung oder in Die Bühne. Ihre politische Haltung spiegelt sich in den Sujets ihrer Fotografien wieder. Die Künstlerin beschäftigte sich intensiv mit den gesellschaftlichen Verhältnissen ihrer Zeit, besuchte die Londoner Arbeiter_innensiedlungen oder porträtierte Bergarbeiter_innen. Ihre fotografischen Streifzüge durch europäische Städte nehmen die Besucher_innen unmittelbar mit in das Geschehen: Sie zeigen die beengten Hinterhöfe Londons oder Schuhputzer und Näherinnen bei ihrer schweren Arbeit.

Armut und Perspektivlosigkeit zeigen die Fotografien Walker Evans (1903-1975) ungeschönt. Im Auftrag eines Regierungsprojektes der Farm Security Administration, welches die Lebensbedingungen der ländlichen Bevölkerung untersuchen sollte, fertigte er unzählige Aufnahmen von Menschen in den Südstaaten der USA an. Durch seinen ungewöhnlichen Blick und einer Herangehensweise, die möglichst objektiv Momente einfangen wollte, schuf er ikonische Bilder der Fotografiegeschichte. Er gilt heute als einer der Väter der dokumentarischen Fotografie und beeinflusste bedeutende Künstler_innen wie Helen Levitt, Robert Frank, Diane Arbus oder Lee Friedlander.

Wichtigen Einfluss auf die Fotografie hatte auch Anton Stankowski (1906-1998). Der Maler, Künstler und Fotograf hat nachhaltig das moderne Grafikdesign der Nachkriegszeit geprägt, indem er zum Beispiel das Logo der Deutschen Bank entwarf. Ende der 1920er Jahre absolvierte er an der progressiven Folkwangschule Essen ein Studium, in welchem Fotografie sowie Grafik und Typografie einen großen Stellenwert einnahmen. Schon damals arbeitete er viel mit Montagen, die sich aus eigenen Fotografien und Typografien zusammensetzten. In seinen Werken sieht man ganz deutlich die Einflüsse der Konkreten und Konstruktiven Kunst, aber auch seine Freude am Experimentieren. Die Fotografien bestechen nicht nur durch ungewöhnliche Bildausschnitte, sondern zeigen ebenso einen spielerischen Umgang mit den Techniken des Mediums. Zum Beispiel legte Stankowski für seine Fotogramme Gegenstände oder Insekten auf das Fotopapier und belichtete diese direkt. Derart entstanden ungeahnte Formen und Kompositionen, die noch heute begeistern.

Eine wahre Wiederentdeckung sind die Aufnahmen Fide Strucks (1901-1985), welche zum Großteil mehrere Jahrzehnte in einem Koffer schlummerten. Erst 2015 wurde das Gepäckstück mit rund 2000 Negativen von seinem Sohn Thomas Struck entpackt und systematisch erfasst. Zutage getreten sind beeindruckende Aufnahmen, die das Leben in Hamburg und Berlin der 30er Jahre festhalten. Eine Serie schildert das hektische Treiben an der Hamburger Börse. Die Geschwindigkeit beim Handeln auf dem Parkett wird ebenso durch die Bewegungsunschärfe der Fotografien unterstrichen. Hektisch geht es ebenfalls im Hamburger Hafen zu, wo Fischkutter ein- und ausfahren und wir durch Fide Struck einen Einblick in die Verarbeitung des Fangs erhaschen können. Einige dieser Aufnahmen sind zum ersten Mal im Rahmen einer Ausstellung zu sehen.

Le Fotografie-Forum de la région urbaine d'Aix-la-Chapelle présente en ce début d'année une exposition complète sur la photographie des années 1930, organisée par sa directrice, Madame Dr. Nina Mika-Helfmeier. Le titre "Redécouvert" peut être compris comme une double invitation. D'une part, l'exposition présente des positions artistiques qui n'ont pas été très remarquées jusqu'à présent. D'autre part, les œuvres sélectionnées permettent d'identifier des tendances importantes de l'histoire de la photographie qui ont débuté dans les années 30 et qui devaient influencer durablement des générations d'artistes.

Comme Edith Tudor-Hart (1908-1973), qui n'est pas seulement connue pour ses photographies, mais qui a également fait parler d'elle pour ses activités au sein des services secrets soviétiques. Elle fut l'une des rares femmes à photographier de manière indépendante durant les années 1930. Il faudra toutefois attendre près d'un siècle pour que son œuvre soit présentée pour la première fois au grand public dans le cadre d'une exposition spécifique. En tant que photographe, Tudor-Hart a notamment travaillé pour l'agence de presse soviétique TASS, mais a également publié des visuels dans le journal Arbeiter-Illustrierte-Zeitung ou dans Die Bühne. Sa position politique se reflète dans les sujets de ses photographies. L'artiste s'est intéressée de près aux conditions sociales de son époque, visitant les cités ouvrières de Londres ou faisant le portrait de mineurs. Ses promenades photographiques dans les villes européennes plongent directement les visiteurs dans l'action : Vous montrez les arrière-cours exiguës de Londres ou les cireurs de chaussures et les couturières dans leur dur labeur.

Les photographies de Walker Evans (1903-1975) montrent sans fard la pauvreté et l'absence de perspectives. A la demande d'un projet gouvernemental de la Farm Security Administration visant à étudier les conditions de vie de la population rurale, il a réalisé d'innombrables clichés de personnes vivant dans les Etats du Sud des Etats-Unis. Grâce à son regard inhabituel et à une approche visant à capturer des moments de la manière la plus objective possible, il a créé des visuels iconiques de l'histoire de la photographie. Il est aujourd'hui considéré comme l'un des pères de la photographie documentaire et a influencé des artistes importants comme Helen Levitt, Robert Frank, Diane Arbus ou Lee Friedlander.

Anton Stankowski (1906-1998) a également eu une influence importante sur la photographie. Ce peintre, artiste et photographe a durablement marqué le design graphique moderne de l'après-guerre, en créant par exemple le logo de la Deutsche Bank. À la fin des années 1920, il a suivi des études à l'école progressiste Folkwang d'Essen, dans lesquelles la photographie ainsi que le graphisme et la typographie occupaient une place importante. Déjà à l'époque, il travaillait beaucoup avec des montages composés de ses propres photographies et typographies. Dans ses œuvres, on voit clairement les influences de l'art concret et de l'art constructif, mais aussi son plaisir à expérimenter. Les photographies ne se distinguent pas seulement par des cadrages inhabituels, mais montrent également une utilisation ludique des techniques du médium. Pour ses photogrammes, Stankowski a par exemple posé des objets ou des insectes sur le papier photo et les a directement exposés. Il en résulte des formes et des compositions insoupçonnées qui suscitent encore aujourd'hui l'enthousiasme.

Les photos de Fide Struck (1901-1985), dont la plupart dormaient dans une valise depuis plusieurs décennies, sont une véritable redécouverte. Ce n'est qu'en 2015 que le bagage contenant quelque 2000 négatifs a été déballé et systématiquement saisi par son fils Thomas Struck. Il en est ressorti des photos impressionnantes qui immortalisent la vie à Hambourg et à Berlin dans les années 30. Une série décrit l'activité frénétique de la bourse de Hambourg. La vitesse des transactions sur le parquet est également soulignée par le flou des photographies. L'agitation règne également dans le port de Hambourg, où les bateaux de pêche entrent et sortent, et où Fide Struck peut nous donner un aperçu du traitement des captures. Certaines de ces photos sont présentées pour la première fois dans le cadre d'une exposition.

All'inizio dell'anno, il Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen presenta una mostra completa sulla fotografia degli anni Trenta, curata dalla direttrice Nina Mika-Helfmeier. Il titolo "Rediscovered" può essere inteso come un duplice invito. Da un lato, la mostra presenta posizioni artistiche che finora hanno ricevuto poca attenzione. Dall'altro, le opere selezionate rivelano tendenze significative nella storia della fotografia che hanno avuto inizio negli anni Trenta e che hanno avuto un'influenza duratura su generazioni di artisti.

Come Edith Tudor-Hart (1908-1973), nota non solo per le sue fotografie, ma anche per le sue attività per i servizi segreti sovietici. Fu una delle poche donne a fotografare in modo indipendente negli anni Trenta. Tuttavia, sarebbe passato quasi un secolo prima che il suo lavoro fosse presentato al grande pubblico per la prima volta in una mostra personale. Come fotografa, Tudor-Hart lavorò, tra l'altro, per l'agenzia di stampa sovietica TASS, ma pubblicò anche immagini sull'Arbeiter-Illustrierte-Zeitung e su Die Bühne. La sua posizione politica si riflette nei soggetti delle sue fotografie. L'artista si occupò intensamente delle condizioni sociali del suo tempo, visitando le case popolari di Londra e scattando ritratti di minatori. Le sue spedizioni fotografiche nelle città europee portano i visitatori direttamente nel vivo dell'azione: Mostrano gli angusti cortili di Londra o i lustrascarpe e le sarte durante il loro duro lavoro.

Le fotografie di Walker Evans (1903-1975) mostrano la povertà e la mancanza di prospettive senza abbellimenti. Commissionato dalla Farm Security Administration nell'ambito di un progetto governativo volto a indagare le condizioni di vita della popolazione rurale, scattò innumerevoli fotografie di persone negli Stati meridionali degli USA. Con il suo occhio insolito e un approccio che cercava di catturare i momenti nel modo più oggettivo possibile, creò immagini iconiche nella storia della fotografia. Oggi è considerato uno dei padri della fotografia documentaria e ha influenzato artisti importanti come Helen Levitt, Robert Frank, Diane Arbus e Lee Friedlander.

Anche Anton Stankowski (1906-1998) ha avuto un'importante influenza sulla fotografia. Il pittore, artista e fotografo ha avuto un'influenza duratura sul design grafico moderno del dopoguerra, ad esempio disegnando il logo della Deutsche Bank. Alla fine degli anni Venti studiò alla scuola progressiva Folkwang di Essen, dove la fotografia, la grafica e la tipografia ebbero un ruolo importante. Già allora lavorava molto con montaggi composti dalle sue fotografie e dalla sua tipografia. Le sue opere mostrano chiaramente le influenze dell'Arte Concreta e Costruttiva, ma anche la sua gioia per la sperimentazione. Le fotografie non solo affascinano per i dettagli insoliti delle immagini, ma mostrano anche un approccio giocoso alle tecniche del mezzo. Ad esempio, Stankowski posiziona oggetti o insetti sulla carta fotografica per i suoi fotogrammi e li espone direttamente. Questo ha dato vita a forme e composizioni inaspettate che ispirano ancora oggi.

Le fotografie di Fide Struck (1901-1985), la maggior parte delle quali è rimasta inattiva in una valigia per diversi decenni, sono una vera e propria riscoperta. Solo nel 2015 la valigia contenente circa 2000 negativi è stata spacchettata e catalogata sistematicamente dal figlio Thomas Struck. Ne sono emerse immagini impressionanti, che catturano la vita ad Amburgo e Berlino negli anni Trenta. Una serie ritrae il trambusto della borsa di Amburgo. La velocità delle contrattazioni sul mercato è enfatizzata anche dalla sfocatura del movimento nelle fotografie. Anche nel porto di Amburgo la situazione è frenetica: i pescherecci entrano ed escono e Fide Struck ci dà un'idea di come viene lavorato il pescato. Alcune di queste fotografie vengono presentate per la prima volta nell'ambito di una mostra.

At the beginning of the year, the Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen is presenting a comprehensive exhibition on photography from the 1930s, curated by its director Dr. Nina Mika-Helfmeier. The title "Rediscovered" can be understood as a twofold invitation. On the one hand, the show presents artistic positions that have received little attention to date. On the other hand, the selected works reveal significant trends in the history of photography that began in the 1930s and were to have a lasting influence on generations of artists.

Such as Edith Tudor-Hart (1908-1973), who is not only known for her photographs, but also made a name for herself with her activities for the Soviet secret service. She was one of the few women to photograph independently during the 1930s. However, it would be almost a century before her work was presented to the general public for the first time in an exhibition of her own. As a photographer, Tudor-Hart worked for the Soviet news agency TASS, among others, but also published visuals in the Arbeiter-Illustrierte-Zeitung and Die Bühne. Her political stance is reflected in the subjects of her photographs. The artist was intensively involved with the social conditions of her time, visiting London's workers' housing estates and taking portraits of miners. Her photographic forays through European cities take visitors directly into the action: They show the cramped backyards of London or shoeshine boys and seamstresses at their hard work.

The photographs of Walker Evans (1903-1975) show poverty and a lack of prospects in an unembellished way. Commissioned by the Farm Security Administration to investigate the living conditions of the rural population, he took up countless photographs of people in the southern states of the USA. With his unusual eye and an approach that sought to capture moments as objectively as possible, he created iconic visuals in the history of photography. Today, he is considered one of the fathers of documentary photography and influenced important artists such as Helen Levitt, Robert Frank, Diane Arbus and Lee Friedlander.

Anton Stankowski (1906-1998) also had an important influence on photography. The painter, artist and photographer had a lasting influence on modern graphic design in the post-war period, for example by designing the Deutsche Bank logo. At the end of the 1920s, he studied at the progressive Folkwang School in Essen, where photography, graphics and typography played an important role. Even then, he worked a lot with montages made up of his own photographs and typography. His works clearly show the influences of Concrete and Constructive Art, but also his joy in experimentation. The photographs not only captivate with unusual image details, but also show a playful approach to the techniques of the medium. For example, Stankowski placed objects or insects on the photographic paper for his photograms and exposed them directly. This resulted in unexpected forms and compositions that still inspire today.

Fide Struck's (1901-1985) photographs, most of which lay dormant in a suitcase for several decades, are a true rediscovery. It was not until 2015 that the suitcase containing around 2000 negatives was unpacked and systematically recorded by his son Thomas Struck. What emerged were impressive photographs that capture life in Hamburg and Berlin in the 1930s. One series depicts the hustle and bustle of the Hamburg stock exchange. The speed of trading on the trading floor is also emphasized by the motion blur in the photographs. Things are also hectic in the port of Hamburg, where fishing boats sail in and out and Fide Struck gives us an insight into how the catch is processed. Some of these photographs are being shown for the first time as part of an exhibition.

(Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen, Monschau)

Kunstpalast | Düsseldorf
1. Februar – 20. Mai 2024

SIZE MATTERS – Grösse in der Fotografie

Alles verändert sich, wenn in Bildwelten am Größenregler gedreht wird: Dinge werden hervorgehoben, aus dem Zusammenhang gerissen, überhöht und umgedeutet. Sie rücken nah heran, werden studierbar, oder verschwimmen vor den Augen.

Die Ausstellung beleuchtet den erheblichen und oft unbemerkten Bedeutungswandel, der mit Größenverschiebungen in der Fotografie einhergeht. Von allen Medien vermag sie am einfachsten ihren Umfang zu ändern, kann leichtfüßig zum Großbild auf der Museumswand anwachsen aber auch zum Thumbnail auf dem Handyscreen schrumpfen. Sie schafft Miniaturen der Welt, kann die Dinge aber ebenso lebens- und überlebensgroß zeigen und Unsichtbares sichtbar machen.

Die Schau demonstriert, dass gerade die dimensionale Beweglichkeit dem Medium Wirksamkeit in kulturellen, sozialen und politischen Kontexten verleiht. Werke vom späten 19. Jahrhundert bis in die Gegenwart werfen Fragen nach den Konsequenzen von Größe für die Wahrnehmung und den Umgang mit fotografischen Bildern auf. Ausgangspunkt ist die Sammlung des Kunstpalastes, nationale und internationale Leihgaben ergänzen die Werkauswahl.

Kuratorin: Linda Conze, Leitung Fotosammlung Kunstpalast

Tout change lorsque l'on tourne le curseur de la taille dans les mondes visuels : Les choses sont mises en évidence, sorties de leur contexte, surélevées et réinterprétées. Elles se rapprochent, deviennent étudiables ou s'estompent devant les yeux.

L'exposition met en lumière les changements de signification considérables et souvent inaperçus qui accompagnent les changements de taille dans la photographie. De tous les médias, c'est elle qui change le plus facilement d'échelle, elle peut facilement s'agrandir pour devenir une grande image sur le mur d'un musée ou se réduire à une vignette sur l'écran d'un téléphone portable. Elle crée des miniatures du monde, mais peut aussi montrer les choses plus grandes que nature et rendre visible l'invisible.

L'exposition démontre que c'est justement la mobilité dimensionnelle qui confère au média son efficacité dans des contextes culturels, sociaux et politiques. Des œuvres de la fin du 19e siècle à nos jours soulèvent des questions sur les conséquences de la taille sur la perception et l'utilisation des images photographiques. Le point de départ est la collection du Kunstpalast, des prêts nationaux et internationaux complètent la sélection d'œuvres.

Conservatrice : Linda Conze, direction de la collection de photos du Kunstpalast

Nei mondi visivi, tutto cambia quando si gira il regolatore delle dimensioni: Le cose vengono enfatizzate, estrapolate dal contesto, esagerate e reinterpretate. Si avvicinano, diventano studiabili o si confondono davanti agli occhi.

La mostra mette in luce il considerevole e spesso inosservato cambiamento di significato che va di pari passo con i cambiamenti di dimensione nella fotografia. Tra tutti i mezzi di comunicazione, è il più facile da modificare, può facilmente crescere fino a diventare una grande immagine sulla parete di un museo, ma può anche ridursi a una miniatura sullo schermo di un cellulare. Crea miniature del mondo, ma può anche mostrare cose a grandezza naturale e più che mai e rendere visibile l'invisibile.

La mostra dimostra che è proprio questa mobilità dimensionale a rendere il mezzo efficace in contesti culturali, sociali e politici. Opere dalla fine del XIX secolo ai giorni nostri sollevano questioni sulle conseguenze delle dimensioni per la percezione e la gestione delle immagini fotografiche. Il punto di partenza è la collezione del Kunstpalast, con prestiti nazionali e internazionali che completano la selezione delle opere.

Curatore: Linda Conze, responsabile della Collezione fotografica del Kunstpalast

Any tinkering with size in an image is bound to alter our perception of it completely: objects are accentuated, plucked out of context, magnified and reinterpreted. They draw closer, inviting scrutiny, or dissolve into a blur before our eyes. Size Matters: Scale in Photography illuminates the significant and often overlooked semantic shifts that accompany changes to scale in photography.

Of all media, photography is the most adept at adjusting its scale; it can effortlessly expand to become a large-size image on a museum wall but is equally capable of shrinking to a thumbnail on a smartphone screen. It creates miniatures of the world, depicting things both life-size and larger than life, making the invisible visible.

The exhibition shows how it is precisely this unique ability to navigate dimensions that explains the effectiveness of the medium in cultural, social and political contexts. Artworks from the late 19th century to the present encourage contemplation of the implications of size for how we perceive and interact with photographic images. The presentation draws on the Kunstpalast’s own collection and is enriched by national and international loans that complement the curated selection of works.

Curator: Linda Conze, Head of the Photography Collection, Kunstpalast Düsseldorf

(Text: Kunstpalast, Düsseldorf)

in focus Galerie | Köln
13. Januar – 9. März 2024

Goodbye, Elliott Erwitt!

Wir trauern um unseren hochgeschätzten und liebenswerten Künstler, den amerikanischen Fotografen Elliott Erwitt, der in der Nacht vom 29. auf den 30. November 2023 im Alter von 95 Jahren friedlich zu Hause im Kreise seiner Familie gestorben ist.

Viele Motive der Fotografenlegende Elliott Erwitt sind als Bildikonen fest im fotografischen Kanon verankert und sein unvergleichlicher Bildhumor ist weltweit geschätzt.

„Farbe ist beschreibend. Schwarzweiß ist interpretierend.“, so der Fotograf in seinen eigenen Worten. Elliott Erwitt arbeitete zweigleisig. Zum einen fotografierte er in Farbe vornehmlich für die Auftragsfotografie und für die Werbung und zum anderen widmete er sich in seiner Freizeit seinem Hobby, dem zwanglosen Umherstreifen mit seiner Leica. Die so entstandenen Schwarzweißfotografien sind die, für die er heute weltweit berühmt ist.

„Ganz egal, ob es sich um Weltenlenker, Hollywoodstars, ganz normale Menschen oder kesse Showgirls handelt – die Motive bringen die Erwitt eigene, trockene und eklektische Sensibilität zum Ausdruck. Von Marktplätzen bis zu Militärlagern, Las Vegas bis Venedig – es ist eine vielseitige Mischung aus sorgsam beobachteten öffentlichen und privaten Kuriositäten.“ (Christoph Schroeter für rp-online.de).

Wir zeigen eine große Auswahl seiner bekanntesten Schwarzweißfotografien sowie seiner seltenen Farbarbeiten. Alle Originale sind von Elliott Erwitt signiert, betitelt und datiert.

Elliott lebte ein pulsierendes und erfülltes Leben und verkörperte Anmut und Charme in einer Weise, die wirklich bemerkenswert war. Seine ansteckende Lebensfreude und unerschütterliche Positivität hinterließen bei allen, die ihn kannten, einen unauslöschlichen Eindruck. Sein unermüdliches Streben nach Schönheit in jedem Augenblick war geradezu inspirierend. Trotz seines außergewöhnlichen Talents blieb er bodenständig und bescheiden - eine Verkörperung seines wahren Charakters. Sein Werk ist ein Zeugnis seiner Lebensphilosophie und sein Andenken wird für immer einen besonderen Platz in unseren Herzen einnehmen.

Nous pleurons la disparition de notre artiste hautement estimé et attachant, le photographe américain Elliott Erwitt, qui s'est éteint paisiblement chez lui, entouré de sa famille, dans la nuit du 29 au 30 novembre 2023, à l'âge de 95 ans.

De nombreux motifs du photographe légendaire Elliott Erwitt sont solidement ancrés dans le canon photographique en tant qu'icônes picturales et son humour visuel incomparable est apprécié dans le monde entier.

"La couleur est descriptive. Le noir et blanc est interprétatif", selon les propres mots du photographe. Elliott Erwitt travaillait de deux manières. D'une part, il photographiait en couleur principalement pour la photographie de commande et la publicité et, d'autre part, il consacrait son temps libre à son hobby, la déambulation informelle avec son Leica. Les photographies en noir et blanc qui en résultent sont celles qui lui valent aujourd'hui une renommée mondiale.

"Qu'il s'agisse de dirigeants du monde, de stars hollywoodiennes, de gens ordinaires ou de showgirls effrontées, les sujets expriment la sensibilité sèche et éclectique propre à Erwitt. Des places de marché aux camps militaires, de Las Vegas à Venise, c'est un mélange éclectique de curiosités publiques et privées soigneusement observées". (Christoph Schroeter pour rp-online.de).

Nous présentons une grande sélection de ses photographies en noir et blanc les plus connues ainsi que ses rares travaux en couleur. Tous les originaux sont signés, titrés et datés par Elliott Erwitt.

Elliott a vécu une vie vibrante et épanouie, incarnant la grâce et le charme d'une manière vraiment remarquable. Sa joie de vivre contagieuse et son positivisme inébranlable ont laissé une impression indélébile à tous ceux qui l'ont connu. Sa quête inlassable de la beauté à chaque instant était une véritable source d'inspiration. Malgré son talent exceptionnel, il restait terre à terre et modeste - une incarnation de son véritable caractère. Son œuvre témoigne de sa philosophie de vie et son souvenir occupera à jamais une place particulière dans nos cœurs.

Piangiamo la scomparsa del nostro stimato e affettuoso artista, il fotografo americano Elliott Erwitt, che si è spento serenamente a casa sua, circondato dalla sua famiglia, nella notte tra il 29 e il 30 novembre 2023, all'età di 95 anni.

Molte delle immagini iconiche del leggendario fotografo Elliott Erwitt sono saldamente ancorate al canone fotografico e il suo incomparabile umorismo visivo è apprezzato in tutto il mondo.

"Il colore è descrittivo. Il bianco e nero è interpretativo", diceva il fotografo nelle sue stesse parole. Elliott Erwitt ha lavorato su due binari. Da un lato, fotografava a colori soprattutto su commissione e per la pubblicità e, dall'altro, dedicava il suo tempo libero all'hobby di andare in giro con la sua Leica. Le fotografie in bianco e nero che ne sono scaturite sono quelle per cui oggi è famoso in tutto il mondo.

"Che si tratti di leader mondiali, star di Hollywood, gente comune o soubrette, i soggetti esprimono la sensibilità asciutta ed eclettica di Erwitt. Dai mercati agli accampamenti militari, da Las Vegas a Venezia, è un mix eclettico di curiosità pubbliche e private osservate con attenzione". (Christoph Schroeter per rp-online.de).

Presentiamo un'ampia selezione delle sue più note fotografie in bianco e nero e delle sue rare opere a colori. Tutti gli originali sono firmati, titolati e datati da Elliott Erwitt.

Elliott ha vissuto una vita vibrante e appagante, incarnando grazia e fascino in modo davvero notevole. La sua contagiosa voglia di vivere e la sua incrollabile positività hanno lasciato un'impronta indelebile in tutti coloro che lo hanno conosciuto. La sua incessante ricerca della bellezza in ogni momento era a dir poco stimolante. Nonostante il suo straordinario talento, è rimasto umile e concreto, incarnando il suo vero carattere. Il suo lavoro è una testimonianza della sua filosofia di vita e il suo ricordo occuperà per sempre un posto speciale nei nostri cuori.

We mourn the loss of our highly esteemed and endearing artist, the American photographer Elliott Erwitt, who died peacefully at home surrounded by his family on the night of November 29-30, 2023 at the age of 95.

Many of legendary photographer Elliott Erwitt's iconic images are firmly anchored in the photographic canon and his incomparable visual humor is appreciated worldwide.

"Color is descriptive. Black and white is interpretive," said the photographer in his own words. Elliott Erwitt worked in two ways. On the one hand, he photographed in color primarily for commissioned photography and for advertising and, on the other, he devoted his free time to his hobby, casually roaming around with his Leica. The resulting black and white photographs are the ones for which he is famous worldwide today.

"Whether they are world leaders, Hollywood stars, ordinary people or saucy showgirls, the subjects express Erwitt's own dry and eclectic sensibility. From marketplaces to military camps, Las Vegas to Venice - it's an eclectic mix of carefully observed public and private curiosities." (Christoph Schroeter for rp-online.de).

We are showing a large selection of his best-known black and white photographs as well as his rare color works. All originals are signed, titled and dated by Elliott Erwitt.

Elliott lived a vibrant and fulfilling life, embodying grace and charm in a way that was truly remarkable. His infectious zest for life and unwavering positivity left an indelible impression on all who knew him. His relentless pursuit of beauty in every moment was nothing short of inspiring. Despite his extraordinary talent, he remained down-to-earth and humble - an embodiment of his true character. His work is a testament to his philosophy of life and his memory will forever hold a special place in our hearts.

(Text: in focus Galerie, Köln)

Galerie Bene Taschen | Köln
2. Dezember 2023 – 17. Februar 2024

Boxing
Larry Fink

Die Galerie Bene Taschen freut sich, die neue Ausstellung "Boxing" des renommierten amerikanischen Fotografen Larry Fink (*1941 in Brooklyn, NYC) zu präsentieren. Die Fotografien setzen die transatlantische Boxindustrie im Zeitraum Ende 80er bis Anfang 90er Jahre in Szene und feiern ikonische Momente von Boxlegenden wie z.B. Mike Tyson und Jimmy Jacobs.

Seit jeher hat sich Fink mit sozialpsychologischen und politischen Themen auseinandergesetzt und die Verhältnisse, Friktionen und Entwicklungen zwischen der Arbeiterklasse und der Oberschicht eingefangen. Seine Rolle war dabei stets die eines stillen Beobachters, der am Rande steht und verborgene Blicke, geheime Berührungen oder authentische Ausdrücke einfing. Von Hollywood-Berühmtheiten auf Oscar-Partys bis hin zur rauen und erbarmungslosen Boxwelt wecken Finks berühmte Schwarz-Weiß-Fotografien Erinnerungen an die alten Barockmeister: In Kompositionen, die Caravaggios Einsatz von Chiaroscuro und Rembrandts gezielten Lichteffekten ähneln, bewegen sich mal unbekannte, mal berühmte Figuren zwischen Licht und Schatten, Euphorie und Leid.

Durch diese für ihn typische Arbeitsweise fängt der Dokumentarist in seinen Boxaufnahmen den blanken Überlebensdrang der Boxer – gestählt durch ihre Disziplin, Erwartungen und Ambitionen – ein; sowohl innerhalb als auch außerhalb des Rings. Gleichzeitig zeigen Finks Bilder die tiefe Brüderlichkeit, die viele Boxer verbindet und ohne die es nur Blutvergießen und Brutalität gäbe. Gesichter, die voller Stolz dem Schweiß, Schmerz und der Pein des Verlierens strotzen; heroische Kämpfer, die sich jeder Herausforderung mit Mut, Biss und hartem Training stellen.

Finks tiefes Interesse an der Welt des Boxens entstand durch einen Auftrag im Jahr 1986, bei dem er den Sportler Jimmy Jacobs fotografieren sollte. Bilder, die verschiedene Orte wie Theater und Hotelzimmer in Pennsylvania, New York und New Jersey zeigen, bieten einen detaillierten wie faszinierenden Einblick in die unzähligen Reisen, die Fink für diese Serie unternahm. Einer der ikonischen Momente dieser Serie ereignete sich in Las Vegas, wo Fink das historische Duell zwischen Mike Tyson und Donovan Ruddock fotografierte; ein Kampf, der 1991 als "Kampf des Jahres" gefeiert wurde.

Larry Fink, seit über 65 Jahren im Geschäft, blickt bereits auf Solo-Ausstellungen in renommierten Einrichtungen wie dem Museum of Modern Art und dem Whitney Museum of American Modern Art (NYC) zurück. Im Jahr 1997 wurde das Buch BOXING: PHOTOGRAPHS BY LARRY FINK von powerHouse Books publiziert. Ein Teil dieser Bilder wurde wiederum 2018 in Form der gleichnamigen Solo-Ausstellung im Philadelphia Museum of Art präsentiert.

La galerie Bene Taschen a le plaisir de présenter la nouvelle exposition "Boxing" du célèbre photographe américain Larry Fink (né en 1941 à Brooklyn, NYC). Les photographies mettent en scène l'industrie transatlantique de la boxe entre la fin des années 80 et le début des années 90 et célèbrent des moments iconiques de légendes de la boxe comme, par exemple, Mike Tyson et Jimmy Jacobs.

Depuis toujours, Fink s'est penché sur des thèmes socio-psychologiques et politiques et a capturé les rapports, les frictions et les évolutions entre la classe ouvrière et la classe supérieure. Son rôle a toujours été celui d'un observateur silencieux, qui se tient en marge et capte des regards cachés, des contacts secrets ou des expressions authentiques. Des célébrités hollywoodiennes aux soirées des Oscars au monde rude et impitoyable de la boxe, les célèbres photographies en noir et blanc de Fink éveillent le souvenir des anciens maîtres du baroque : dans des compositions qui ressemblent à l'utilisation du clair-obscur du Caravage et aux effets de lumière ciblés de Rembrandt, des personnages tantôt inconnus, tantôt célèbres évoluent entre ombre et lumière, euphorie et souffrance.

Grâce à cette méthode de travail qui lui est propre, le documentariste capte dans ses photos de boxe l'envie de survie pure et simple des boxeurs - endurcis par leur discipline, leurs attentes et leurs ambitions - aussi bien à l'intérieur qu'à l'extérieur du ring. En même temps, les visuels de Fink montrent la profonde fraternité qui unit de nombreux boxeurs et sans laquelle il n'y aurait que carnage et brutalité. Des visages qui transpirent fièrement la sueur, la douleur et le chagrin de la défaite ; des combattants héroïques qui transmettent chaque défi avec courage, mordant et un entraînement rigoureux.

L'intérêt profond de Fink pour le monde de la boxe est né d'une commande passée en 1986 pour photographier l'athlète Jimmy Jacobs. Des visuels montrant différents lieux tels que des théâtres et des chambres d'hôtel en Pennsylvanie, à New York et dans le New Jersey offrent un aperçu à la fois détaillé et fascinant des innombrables voyages que Fink a entrepris pour cette série. L'un des moments emblématiques de cette série s'est déroulé à Las Vegas, où Fink a photographié le duel historique entre Mike Tyson et Donovan Ruddock ; un combat qui a été salué comme le "combat de l'année" en 1991.

Larry Fink, dans le métier depuis plus de 65 ans, a déjà à son actif des expositions en solo dans des institutions prestigieuses telles que le Museum of Modern Art et le Whitney Museum of American Modern Art (NYC). En 1997, le livre BOXING : PHOTOGRAPHS BY LARRY FINK a été publié par powerHouse Books. Une partie de ces visuels a de nouveau été présentée en 2018 sous la forme d'une exposition solo du même nom au Philadelphia Museum of Art.

La galleria Bene Taschen è lieta di presentare la nuova mostra "Boxing" del celebre fotografo americano Larry Fink (*1941 a Brooklyn, NYC). Le fotografie mettono in luce l'industria transatlantica della boxe tra la fine degli anni '80 e l'inizio degli anni '90 e celebrano momenti iconici di leggende della boxe come Mike Tyson e Jimmy Jacobs.

Fink ha sempre esplorato temi sociopsicologici e politici, catturando le relazioni, gli attriti e gli sviluppi tra la classe operaia e la classe superiore. Il suo ruolo è sempre stato quello di un osservatore silenzioso, che si mette in disparte e cattura sguardi nascosti, tocchi segreti o espressioni autentiche. Dalle celebrità hollywoodiane ai party degli Oscar, fino al mondo rude e spietato della boxe, le celebri fotografie in bianco e nero di Fink evocano ricordi degli antichi maestri barocchi: in composizioni che ricordano l'uso del chiaroscuro di Caravaggio e i deliberati effetti di luce di Rembrandt, personaggi a volte sconosciuti, a volte famosi, si muovono tra luci e ombre, euforia e sofferenza.

Attraverso questo tipico modo di lavorare, il documentarista cattura nelle sue riprese di pugilato la pura e semplice voglia di sopravvivenza dei pugili - acciaccati dalla loro disciplina, dalle aspettative e dalle ambizioni; sia dentro che fuori dal ring. Allo stesso tempo, le immagini di Fink mostrano la profonda fratellanza che unisce molti pugili e senza la quale ci sarebbero solo spargimenti di sangue e brutalità. Volti che sopportano con orgoglio il sudore, il dolore e l'agonia della sconfitta; pugili eroici che affrontano ogni sfida con coraggio, mordente e duro allenamento.

Il profondo interesse di Fink per il mondo del pugilato nasce dall'incarico ricevuto nel 1986 di fotografare l'atleta Jimmy Jacobs. Le immagini che ritraggono vari luoghi, come teatri e camere d'albergo in Pennsylvania, New York e New Jersey, offrono una visione dettagliata e affascinante degli innumerevoli viaggi che Fink ha intrapreso per questa serie. Uno dei momenti iconici di questa serie si è verificato a Las Vegas, dove Fink ha fotografato lo storico duello tra Mike Tyson e Donovan Ruddock; un incontro che è stato salutato come "Fight of the Year" nel 1991.

Larry Fink, nel settore da oltre 65 anni, vanta già mostre personali in istituzioni rinomate come il Museum of Modern Art e il Whitney Museum of American Modern Art (NYC). Nel 1997, il libro BOXING: PHOTOGRAPHS BY LARRY FINK è stato pubblicato da powerHouse Books. Alcune di queste immagini sono state riproposte nel 2018 sotto forma dell'omonima mostra personale al Philadelphia Museum of Art.

Bene Taschen Gallery is pleased to present the new exhibition "Boxing" by renowned American photographer Larry Fink (b. 1941 in Brooklyn, NYC). The photographs highlight the transatlantic boxing industry in the late 1980s to early 1990s, celebrating iconic moments of boxing legends such as Mike Tyson and Jimmy Jacobs.

Fink has always explored socio-psychological and political themes, capturing the relationships, frictions and developments between the working class and the upper class. His role has always been that of a silent observer, standing on the sidelines and capturing hidden glances, secret touches, or authentic expressions. From Hollywood celebrities at Oscar parties to the rough and merciless boxing world, Fink's famous black-and-white photographs evoke memories of the old baroque masters: in compositions resembling Caravaggio's use of chiaroscuro and Rembrandt's targeted lighting effects, sometimes unknown, sometimes famous figures move between light and shadow, euphoria and suffering.

Through this signature working method, the documentarian captures in his boxing shots the sheer urge for survival of the boxers - steeled by their discipline, expectations, and ambitions; both inside and outside the ring. At the same time, Fink's visuals show the deep brotherhood that unites many boxers, without which there would only be bloodshed and brutality. Faces that proudly defy sweat, pain, and the agony of losing; heroic fighters who face every challenge with courage, bite and hard training.

Fink's deep interest in the world of boxing came from a 1986 assignment to photograph athlete Jimmy Jacobs. Visuals depicting various locations such as theatres and hotel rooms in Pennsylvania, New York, and New Jersey offer a detailed as well as fascinating glimpse into the countless trips Fink took for this series. One of the iconic moments of this series occurred in Las Vegas, where Fink photographed the historic duel between Mike Tyson and Donovan Ruddock; a fight that was hailed as "Fight of the Year" in 1991.

Larry Fink, in business for over 65 years, has had solo exhibitions at prestigious institutions such as the Museum of Modern Art and the Whitney Museum of American Modern Art (NYC). In 1997, the book BOXING: PHOTOGRAPHS BY LARRY FINK was published by powerHouse Books. Some of these visuals were again presented in 2018 in the form of the solo exhibition of the same name at the Philadelphia Museum of Art.

(Text: Bene Taschen, Köln)

Die photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
12. November 2023 - 21. Januar 2024

Das Becherhaus in Mudersbach
Laurenz Berges

In der Serie „Das Becherhaus in Mudersbach“ setzt sich Laurenz Berges (* 1966) mit der Geschichte eines über drei Generationen genutzten Fachwerkhauses im Siegerland auseinander, das auf eigenwillige Weise zu einer Art Denkmal geworden ist. Ursprünglich ist es das Haus der Großeltern von Bernd Becher (1931–2007), dann von seinen beiden Tanten bewohnt. Bernd Becher liebte das Haus von Kindheit an und schätzte es später mit seiner eigenen Familie als gelegentliches Domizil. Verschiedene Biografien verflechten sich in diesem Umfeld, was sich in der Einrichtung der Räume und in den zahlreichen Hinterlassenschaften widerspiegelt. Es scheint vielfach, als stehe die Zeit still.

In den Bildern von Laurenz Berges, Meisterschüler von Bernd Becher an der Kunstakademie Düsseldorf, kommt dieses Potenzial in gesteigerter Form zum Tragen. Die gedämpfte Lichtsituation, die seine Kompositionen auszeichnet, trägt zur atmosphärischen Dichte bei.

Zur Ausstellung ist erschienen: Laurenz Berges: „Das Becherhaus in Mudersbach“, mit einem Text von Hanns-Josef Ortheil, München: Schirmer/Mosel, 2022.

Dans la série "Das Becherhaus in Mudersbach", Laurenz Berges (* 1966) se penche sur l'histoire d'une maison à colombages utilisée pendant trois générations dans le Siegerland, qui est devenue de manière singulière une sorte de monument. A l'origine, il s'agit de la maison des grands-parents de Bernd Becher (1931-2007), puis habitée par ses deux tantes. Bernd Becher a aimé la maison dès son enfance et l'a appréciée plus tard avec sa propre famille comme domicile occasionnel. Différentes biographies s'entremêlent dans cet environnement, ce qui se reflète dans l'aménagement des pièces et dans les nombreux héritages. A plusieurs reprises, le temps semble s'être arrêté.

Dans les visuels de Laurenz Berges, maître-élève de Bernd Becher à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, ce potentiel s'exprime de manière accrue. La lumière tamisée qui caractérise ses compositions contribue à la densité de l'atmosphère.

L'exposition a fait l'objet d'une publication : Laurenz Berges : "Das Becherhaus in Mudersbach", avec un texte de Hanns-Josef Ortheil, Munich : Schirmer/Mosel, 2022.

Nella serie "Das Becherhaus in Mudersbach", Laurenz Berges (* 1966) esplora la storia di una casa a graticcio nella regione del Siegerland, utilizzata da tre generazioni e diventata una sorta di monumento a suo modo idiosincratico. Originariamente casa dei nonni di Bernd Becher (1931-2007), è stata poi occupata dalle sue due zie. Bernd Becher ha amato la casa fin dall'infanzia e in seguito l'ha tenuta a cuore con la propria famiglia come domicilio occasionale. In questo ambiente si intrecciano biografie diverse, che si riflettono nell'arredamento delle stanze e nei numerosi lasciti. In molti casi, sembra che il tempo si sia fermato.

Nei dipinti di Laurenz Berges, allievo di Bernd Becher all'Accademia d'Arte di Düsseldorf, questo potenziale emerge in forma accentuata. La situazione di luce tenue che caratterizza le sue composizioni contribuisce alla densità atmosferica.

La mostra è accompagnata da Laurenz Berges: "Das Becherhaus in Mudersbach", con un testo di Hanns-Josef Ortheil, Monaco: Schirmer/Mosel, 2022.

In the series "The Becher House in Mudersbach" Laurenz Berges (* 1966) deals with the history of a half-timbered house in the Siegerland region, used over three generations, which has become a kind of monument in an idiosyncratic way. Originally, it was the house of the grandparents of Bernd Becher (1931-2007), then inhabited by his two aunts. Bernd Becher loved the house from childhood and later cherished it with his own family as an occasional domicile. Different biographies intertwine in this environment, which is reflected in the furnishings of the rooms and in the numerous legacies. In many cases, it seems as if time stands still.

In the visuals of Laurenz Berges, a master student of Bernd Becher at the Düsseldorf Art Academy, this potential comes to bear in heightened form. The subdued light situation that characterizes his compositions contributes to the atmospheric density.

The exhibition is accompanied by: Laurenz Berges: "Das Becherhaus in Mudersbach," with a text by Hanns-Josef Ortheil, Munich: Schirmer/Mosel, 2022.

(Text (d): Die photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Kunstraum Elsa | Bielefeld
5. Oktober - 24. November 2023

Das queere Familienzimmer

Familie ist vielfältig, aber das Bild von Familie ist erstaunlich eintönig. Schließt man die Augen, sehen die meisten eine Vision aus der Bausparwerbung: Vater, Mutter, Kinder und ein Haus mit Garten. Diese Familie ist reich, weiß, niemals alleinerziehend und sie ist durchgehend heterosexuell. Es ist kein harmloses Bild, mit ihm wird Politik gemacht.

Diese Ausstellung nähert sich dem Bild und der Erfahrung von Familie aus queerer Perspektive. Dabei ist die Bandbreite sehr groß. Sie reichen von Partnerschaft, Kindern und den eigenen Eltern bis zur Familie als Wahlverwandschaft und Gemeinschaft. In vielen der Arbeiten wird ein Ringen deutlich um den Raum, der oft alleine durchquert werden muss. Queerness erfordert Kraft. Der Mut, sich in den Raum zu werfen, ist in den Kunstprojekten zu sehen.

La famille est diverse, mais l'image de la famille est étonnamment monotone. Si l'on ferme les yeux, la plupart des gens voient une vision issue de la publicité pour l'épargne-logement : un père, une mère, des enfants et une maison avec un jardin. Cette famille est riche, blanche, jamais monoparentale et elle est systématiquement hétérosexuelle. Ce n'est pas une image anodine, elle sert à faire de la politique.

Cette exposition aborde l'image et l'expérience de la famille dans une perspective queer. L'éventail est très large. Elles vont du couple, des enfants et de ses propres parents à la famille en tant que parent d'adoption et communauté. Dans de nombreux travaux, il apparaît clairement une lutte pour l'espace, qui doit souvent être traversé seul. La queerness exige de la force. Le courage de se jeter dans l'espace est visible dans les projets artistiques.

La famiglia è varia, ma l'immagine della famiglia è sorprendentemente monotona. Se si chiudono gli occhi, la maggior parte delle persone vede una visione da pubblicità di una società edilizia: padre, madre, figli e una casa con giardino. Questa famiglia è ricca, bianca, non ha mai un solo genitore ed è sempre eterosessuale. Non si tratta di un'immagine innocua, con essa si fa politica.

Questa mostra affronta l'immagine e l'esperienza della famiglia da una prospettiva queer. Nel farlo, lo spettro è molto ampio. Si va dalla coppia, i figli e i propri genitori alla famiglia come parentela elettiva e alla comunità. In molte opere emerge chiaramente la lotta per uno spazio che spesso deve essere attraversato da soli. La queerness richiede forza. Il coraggio di buttarsi in questo spazio è visibile nei progetti artistici.

Family is diverse, but the image of family is surprisingly monotonous. If you close your eyes, most people see a vision from a building society advertisement: father, mother, children and a house with a garden. This family is rich, white, never a single parent, and it is heterosexual throughout. It is not an innocuous image; politics is made with it.

This exhibition approaches the image and experience of family from a queer perspective. In doing so, the scope is very broad. They range from partnership, children, and one's parents to family as elective kinship and community. In many of the works, a struggle becomes apparent to find the space that often has to be traversed alone. Queerness requires strength. The courage to throw oneself into the space can be seen in the art projects.

(Text: Katharina Bosse, Kunstraum Elsa, Bielefeld)

Fotografie Forum | Monschau
17. September – 17. Dezember 2023

Fotografien 1944 – 1998
Inge Morath

Inge Morath hat aus Menschen und ihren Orten Poesie gemacht", diesen Satz sagte der amerikanische Schriftsteller Arthur Miller über das Lebenswerk seiner Ehefrau Inge Morath nach ihrem Tod Anfang 2002.

Am 27. Mai 2023 wäre Inge Morath 100 Jahre alt geworden. Sie war eine der ersten Fotografinnen, die für die Fotoagentur Magnum arbeiteten. Hier hatte Morath den Blick für das Besondere von Henri Cartier-Bresson und Robert Capa gelernt. Regelmäßig veröffentlichte sie ihre Bildreportagen in internationalen Magazinen und Fotobüchern, für die sie ein halbes Jahrhundert lang die Welt bereiste.

Die von Nina Mika-Helfmeier im Fotografie-Forum in Monschau kuratierte Ausstellung widmet sich in großen Teilen den Arbeiten, die diese sprachbegabte Ausnahmefotografin auf ihren Reisen zwischen 1944-1998 machte. Die Vielfalt der Landschaften und der Menschen faszinierte sie nachhaltig. Inge Morath lernte acht Sprachen, um die Menschen auf ihren Reisen nicht bloß mit der Kamera einzufangen: Inge Morath wollte ihnen begegnen.  "Ein Auge auf das Motiv gerichtet, eines auf die eigene Seele", so beschreibt die Österreicherin ihre fotografische Philosophie.  Zugleich präsentiert die Ausstellung Inge Morath aber auch als einfühlsame Porträtfotografin, die sowohl bekannte Persönlichkeiten als auch ihr völlig unbekannte Menschen so zeigte, wie sie sie sah. Gezeigt werden in der umfangreichen Ausstellung nicht nur Ikonen wie Linda, das Lama auf den Straßen New Yorks, Marilyn Monroe, die am Rande des Filmsets müde und zerbrechlich wirkt oder Mrs. Eveleigh Nash, eine Dame der Londoner Gesellschaft. Auch zahlreiche Porträts von Schriftstellern, Malern und Schauspielern sind zu sehen. Dazu Straßenszenen aus Wien, New York, London, Paris und Venedig, Landschaftsfotografie aus Europa, Asien und den Nahen Osten.

Das Interesse an surrealen Situationen teilte sie mit ihren Lehrer und Kollegen Cartier-Bresson. Dies gilt auch für die Grundhaltung eines Fotografen, wonach dieser seine Aufnahmen mit einem weit offenen Auge macht, das die Welt durch den Sucher beobachtet, während das andere geschlossen ist und in die eigene Seele blickt.

Kuratorin: Dr. Nina Mika-Helfmeier

Sie umfasst 166 Arbeiten, Leihgaben von Fotohof und Museum für Moderne in Salzburg.

Inge Morath a fait de la poésie à partir des gens et de leurs lieux", c'est la phrase que l'écrivain américain Arthur Miller a prononcée à propos de l'œuvre de la vie de son épouse Inge Morath après son décès début 2002.

Le 27 mai 2023, Inge Morath aurait eu 100 ans. Elle était l'une des premières femmes photographes à travailler pour l'agence Magnum. C'est là que Morath avait appris le regard pour l'exceptionnel d'Henri Cartier-Bresson et de Robert Capa. Elle publiait régulièrement ses reportages photographiques dans des magazines internationaux et des livres de photos pour lesquels elle a parcouru le monde pendant un demi-siècle.

L'exposition organisée par Nina Mika-Helfmeier au Fotografie-Forum de Monschau est en grande partie consacrée aux travaux que cette photographe d'exception, douée pour les langues, a réalisés lors de ses voyages entre 1944 et 1998. La diversité des paysages et des gens la fascinait durablement. Inge Morath a appris huit langues pour ne pas se contenter de capturer les gens avec son appareil photo lors de ses voyages : Inge Morath voulait les rencontrer.  "Un œil sur le motif, un autre sur sa propre âme", c'est ainsi que l'Autrichienne décrit sa philosophie photographique.  Mais en même temps, l'exposition présente Inge Morath comme une photographe-portraitiste sensible, qui montrait aussi bien des personnalités connues que des personnes qui lui étaient totalement inconnues, telles qu'elle les voyait. Cette vaste exposition ne montre pas seulement des icônes comme Linda, le lama dans les rues de New York, Marilyn Monroe, qui semble fatiguée et fragile au bord du plateau de tournage ou Mrs. Eveleigh Nash, une dame de la société londonienne. On y voit également de nombreux portraits d'écrivains, de peintres et d'acteurs. Sans oublier des scènes de rue de Vienne, New York, Londres, Paris et Venise, des photographies de paysages d'Europe, d'Asie et du Proche-Orient.

Elle a partagé son intérêt pour les situations surréalistes avec son professeur et collègue Cartier-Bresson. Cela s'applique également à l'attitude fondamentale d'un photographe, selon laquelle celui-ci prend ses photos avec un œil grand ouvert, qui observe le monde à travers le viseur, tandis que l'autre est fermé et regarde dans sa propre âme.

Conservatrice : Dr. Nina Mika-Helfmeier

Elle comprend 166 œuvres, prêtées par Fotohof et le Museum für Moderne de Salzbourg.

Inge Morath ha fatto poesia con le persone e i loro luoghi", questa frase è stata pronunciata dallo scrittore americano Arthur Miller a proposito dell'opera di sua moglie Inge Morath dopo la sua morte, avvenuta all'inizio del 2002.

Inge Morath avrebbe compiuto 100 anni il 27 maggio 2023. È stata una delle prime fotografe a lavorare per l'agenzia fotografica Magnum. Qui, Morath aveva imparato l'occhio per il particolare da Henri Cartier-Bresson e Robert Capa. Ha pubblicato regolarmente i suoi reportage fotografici su riviste internazionali e libri fotografici, per i quali ha viaggiato in tutto il mondo per mezzo secolo.

La mostra curata da Nina Mika-Helfmeier al Fotografie-Forum di Monschau è in gran parte dedicata alle opere che questa eccezionale fotografa, dotata di un dono per le lingue, ha realizzato nei suoi viaggi tra il 1944 e il 1998. La diversità dei paesaggi e delle persone la affascinava profondamente. Inge Morath imparò otto lingue per poter immortalare le persone nei suoi viaggi non solo con la macchina fotografica: Inge Morath voleva incontrarli.  "Un occhio al motivo, uno alla propria anima": così l'austriaca descrive la sua filosofia fotografica.  Allo stesso tempo, la mostra presenta Inge Morath come una sensibile fotografa di ritratti che ha mostrato sia personaggi noti che persone completamente sconosciute, così come le vedeva lei. Nell'ampia esposizione non sono presenti solo icone come Linda, il lama per le strade di New York, Marilyn Monroe, dall'aspetto stanco e fragile ai margini del set cinematografico, o Mrs Eveleigh Nash, una signora dell'alta società londinese. Numerosi sono anche i ritratti di scrittori, pittori e attori. Inoltre, scene di strada da Vienna, New York, Londra, Parigi e Venezia, fotografie di paesaggio dall'Europa, dall'Asia e dal Medio Oriente.

Condivideva l'interesse per le situazioni surreali con il suo maestro e collega Cartier-Bresson. Questo vale anche per l'atteggiamento di base del fotografo, secondo il quale egli scatta le sue fotografie con un occhio spalancato, osservando il mondo attraverso il mirino, mentre l'altro è chiuso, guardando nella propria anima.

Curatore: Dr. Nina Mika-Helfmeier

La mostra comprende 166 opere, prestate dal Fotohof e dal Museum für Moderne di Salisburgo.

Inge Morath made poetry out of people and their places," this sentence was said by the American writer Arthur Miller about the life's work of his wife Inge Morath after her death in early 2002.

Inge Morath would have turned 100 on May 27, 2023. She was one of the first female photographers to work for the Magnum photo agency. It was here that Morath had learned the eye for the extraordinary from Henri Cartier-Bresson and Robert Capa. She regularly published her photo reports in international magazines and photo books, for which she traveled the world for half a century.

The exhibition curated by Nina Mika-Helfmeier at the Fotografie-Forum in Monschau is devoted in large part to the works that this exceptional photographer, gifted in languages, made on her travels between 1944-1998. The diversity of the landscapes and the people fascinated her enduringly. Inge Morath learned eight languages in order to capture the people on her travels not only with the camera: Inge Morath wanted to meet them.  "One eye focused on the subject, one on one's own soul," is how the Austrian describes her photographic philosophy.  At the same time, the exhibition also presents Inge Morath as a sensitive portrait photographer who showed both well-known personalities and people completely unknown to her as she saw them. On display in the extensive exhibition are not only icons such as Linda, the llama on the streets of New York, Marilyn Monroe, looking tired and fragile on the edge of the film set, or Mrs. Eveleigh Nash, a lady of London society. There are also numerous portraits of writers, painters and actors. In addition, street scenes from Vienna, New York, London, Paris and Venice, landscape photography from Europe, Asia and the Middle East.

She shared an interest in surreal situations with her teacher and colleague Cartier-Bresson. This also applies to the basic attitude of a photographer, according to which he takes up his shots with one eye wide open, observing the world through the viewfinder, while the other is closed, looking into his own soul.

Curator: Dr. Nina Mika-Helfmeier

It includes 166 works, on loan from Fotohof and Museum für Moderne in Salzburg.

(Text: Fotografie Forum, Monschau)

in focus Galerie | Köln
17. September - 20. Dezember 2023

In House Nudes
Alvin Booth

Die Serie “In House Nudes” entstand in einem alten Anwesen, bestehend aus einem Haupthaus und einer Scheune, in der französischen Region Languedoc, in der der Fotograf und seine Frau seit 1989 jedes Jahr längere Zeit verbringen. In der Scheune brachten Reisende des 19. Jahrhunderts ihre Pferde unter, das dazugehörende Haus war ein altes Dorfgasthaus. Alvin Booth machte sich mit Leidenschaft und viel handwerklichem Geschick daran, beide Gebäude zu restaurieren, um dort anschließend zu fotografieren.

Alvin Booth wurde mit seinen Serien „Corpus, Osmosis, Ova und Nocturnes u. a.“ international ausgestellt, gesammelt (u.a. in der Elton John Collection), publiziert und bekannt. Nun, dreißig Jahre nach Beginn der Serie „In House Nudes“, werden diese Arbeiten zum ersten Mal ausgestellt und veröffentlicht. Die zentrale Stellung des Hauses und der umgebenden Landschaft in „In House Nudes“ stellt die unmittelbarste und radikalste Veränderung in der Entwicklung des Fotografen dar. Dieser Wandel vollzog sich parallel zur Schaffung seiner bekannten o.g. Serien, die die nackte menschliche Gestalt thematisieren und durch analoge handwerkliche Produktionsprozesse vergrößert und bearbeitet wurden. Die Serie „In House Nudes“ ist auf Awagami-Bambuspapier gedruckt und mit denselben Materialien und Techniken gerahmt, die Alvin Booth zum Schweißen und Bauen der Fensterrahmen, Treppen und Atrien des ursprünglichen Hauses und der Scheune verwendet hat.

"Mein Dogma war immer: eine Kamera, ein Objektiv, ein Licht", sagt der Fotograf. "Ich zeige das, was ich gerahmt im Sucher sehe. Ich mag es nie, ein Bild zu beschneiden. „In House" ist ein Begriff, der von Unternehmen verwendet wird, die ihre Arbeiten ohne die Beauftragung eines externen Unternehmens produzieren. Auf die Frage nach dem Begriff sagt der Fotograf: "Die Bilder sind nicht alle im Haus. Aber sie sind in jedem erdenklichen Sinne hausintern. Ich wähle aus, was ich vom und im Haus sehe, und das wird dann zu dem, was Sie sehen. Es gibt vieles, was Sie nicht sehen werden oder noch nicht."

Arbeiten aus den Serien Corpus, Ova, Osmosis und Nocturnes (Ghost Prints) ergänzen die Ausstellung, so dass die Besucher die Entwicklung des Künstlers nachvollziehen können.

„Corpus“ skizziert gestisch kraftvolle Körper, sowohl weibliche als auch männliche mit einer Mischung von Tönen, die von reinem Schwarz-Weiß bis zu einem warmen ochsenblutfarbenen Sepia reicht. Die Töne erinnern an die Anfänge der Fotografie, die Posen jedoch an eine noch weiter zurückliegende Geschichte, nämlich die der klassischen Bildhauerei. Booth schafft eine greifbare Oberfläche sowohl auf der Haut des Modells als auch auf der Oberfläche der Fotografie selbst. Er verlässt sich auf die Mutationen und Fehler, die durch die chemische Bearbeitung der Fotografien entstehen, und schwelgt in ihnen. Die Figuren werden nur durch die subtilen Mittel des Chiaroscuro erhellt, eine Art Überblendung, bei der sich die Dunkelheit sanft und nahtlos in eine lesbare Form verwandelt.

Die Bilder in „Osmosis“ sind Formvorstellungen, die so stilisiert sind wie Holzkohlezeichnungen. Aus Schatten konstruierte Figuren, überblendet und ausradiert, schaffen eine reiche Tiefe, die sich über die Bildebene erstreckt, aber nicht nach hinten in sie hineinreicht. Die Perspektive ist komprimiert, und der Körper, ein Substrat, auf das das Licht einwirkt, wird zuweilen so weit beleuchtet, dass er sich verzehrt, oder er wird zu einem ruhigen, blassen Hintergrund gebleicht. Zarte Mitteltöne artikulieren Bereiche, die sanft ineinander übergehen, ohne von Grenzen eingeengt zu werden. Die Geste triumphiert über das Detail.

„Ghost Prints“, diese Serie von Arbeiten, entstand aus einer Einladung zu einem Shooting in Kiew im Frühjahr 2015. Auf den ersten Blick scheinen diese skulpturalen Fotografien nichts weiter zu sein als glänzende schwarze Kästen an der Wand. Wenn die Nacht hereinbricht oder sich das Umgebungslicht ändert, erwacht eine sanfte Lumineszenz zum Leben. Es entstehen lyrische, fast ballettartige Figuren, deren Bewegung sich in der Geste der sie verdeckenden Kohlenstoffhülle widerspiegelt.

La série "In House Nudes" a été réalisée dans une ancienne propriété, composée d'une maison principale et d'une grange, dans la région française du Languedoc, où le photographe et sa femme passent de longues périodes chaque année depuis 1989. La grange abritait les chevaux des voyageurs du 19e siècle et la maison attenante était une ancienne auberge de village. Alvin Booth a entrepris avec passion et beaucoup d'habileté manuelle de restaurer les deux bâtiments pour pouvoir ensuite y faire des photos.

Avec ses séries "Corpus, Osmosis, Ova et Nocturnes, entre autres", Alvin Booth a été exposé, collectionné (notamment dans la Elton John Collection), publié et connu au niveau international. Aujourd'hui, trente ans après le début de la série "In House Nudes", ces œuvres sont exposées et publiées pour la première fois. La place centrale de la maison et du paysage environnant dans "In House Nudes" transmet le changement le plus immédiat et le plus radical dans l'évolution du photographe. Ce changement s'est opéré parallèlement à la création de ses célèbres séries susmentionnées, qui ont pour thème la figure humaine nue et qui ont été agrandies et traitées par des processus de production artisanaux analogues. La série "In House Nudes" est imprimée sur du papier bambou Awagami et encadrée avec les mêmes matériaux et techniques qu'Alvin Booth a utilisés pour souder et construire les cadres de fenêtres, les escaliers et les atriums de la maison et de la grange d'origine.

"Mon dogme a toujours été : un appareil photo, un objectif, une lumière", explique le photographe. "Je montre ce que je vois encadré dans le viseur. Je n'aime jamais recadrer un visuel. "In House" est un terme utilisé par les entreprises qui produisent leur travail sans faire appel à une entreprise extérieure. Interrogé sur ce terme, le photographe répond : "Les visuels ne sont pas tous à l'intérieur. Mais elles sont internes à la maison dans tous les sens possibles et imaginables. Je sélectionne ce que je vois de et dans la maison, et cela devient ce que vous voyez. Il y a beaucoup de choses que vous ne verrez pas, ou pas encore".

Des œuvres des séries Corpus, Ova, Osmosis et Nocturnes (Ghost Prints) complètent l'exposition, permettant ainsi aux visiteurs de suivre l'évolution de l'artiste.

"Corpus" esquisse des corps gestuellement puissants, aussi bien féminins que masculins, avec un mélange de tons allant du noir et blanc pur à un sépia chaud couleur sang de bœuf. Les tons rappellent les débuts de la photographie, mais les poses rappellent une histoire encore plus lointaine, celle de la sculpture classique. Booth crée une surface tangible à la fois sur la peau du modèle et sur la surface de la photographie elle-même. Il s'appuie sur les mutations et les défauts créés par le traitement chimique des photographies et s'y complaît. Les figures ne sont éclairées que par les moyens subtils du clair-obscur, une sorte de fondu enchaîné par lequel l'obscurité se transforme doucement et sans transition en une forme lisible.

Les visuels d'"Osmosis" sont des représentations de formes aussi stylisées que des dessins au charbon de bois. Des figures construites à partir d'ombres, fondues et gommées, créent une riche profondeur qui s'étend sur le plan de l'image, mais qui ne se prolonge pas vers l'arrière de celle-ci. La perspective est comprimée et le corps, un substrat sur lequel la lumière agit, est parfois éclairé au point de se consumer, ou blanchi pour devenir un fond calme et pâle. Des tons moyens délicats articulent des zones qui se fondent doucement les unes dans les autres, sans être restreintes par des limites. Le geste triomphe du détail.

"Ghost Prints", cette série d'œuvres, est née d'une invitation à un shooting à Kiev au printemps 2015. À première vue, ces photographies sculpturales ne semblent être rien d'autre que des boîtes noires brillantes accrochées au mur. Lorsque la nuit tombe ou que la lumière ambiante change, une douce luminescence prend vie. Il en résulte des figures lyriques, presque des ballets, dont le mouvement se reflète dans le geste de l'enveloppe de carbone qui les dissimule.

La serie "In House Nudes" è stata realizzata in un'antica tenuta, composta da una casa principale e da un fienile, nella regione francese della Linguadoca, dove il fotografo e sua moglie hanno trascorso lunghi periodi di tempo ogni anno dal 1989. Il fienile era usato dai viaggiatori del XIX secolo per stallare i loro cavalli, mentre la casa adiacente era una vecchia locanda del villaggio. Alvin Booth si è impegnato a restaurare entrambi gli edifici con passione e grande maestria per poterli poi fotografare.

Le serie di Alvin Booth "Corpus, Osmosis, Ova e Nocturnes among others" sono state esposte a livello internazionale, collezionate (anche nella Elton John Collection), pubblicate e conosciute. Ora, a trent'anni dall'inizio della serie "In House Nudes", queste opere vengono esposte e pubblicate per la prima volta. La centralità della casa e del paesaggio circostante in "In House Nudes" rappresenta il cambiamento più immediato e radicale nello sviluppo del fotografo. Questo cambiamento è avvenuto parallelamente alla creazione delle sue note serie sopra citate, incentrate sulla figura umana nuda e ingrandite ed elaborate attraverso processi di produzione artigianale analogica. La serie In House Nudes è stampata su carta di bambù Awagami e incorniciata con gli stessi materiali e le stesse tecniche utilizzate da Alvin Booth per saldare e costruire i telai delle finestre, le scale e gli atri della casa e del fienile originali.

"Il mio dogma è sempre stato: una macchina fotografica, un obiettivo, una luce", dice il fotografo. "Mostro ciò che vedo inquadrato nel mirino. Non mi piace mai ritagliare un'immagine". "In house" è un termine usato dalle aziende che producono il loro lavoro senza assumere una società esterna. Alla domanda su questo termine, il fotografo risponde: "Le immagini non sono tutte di produzione propria. Ma sono in-house in tutti i sensi possibili. Scelgo ciò che vedo della casa e nella casa, e questo diventa ciò che vedete. Ci sono molte cose che non vedrete, o che non avete ancora visto".

Le opere delle serie Corpus, Ova, Osmosis e Nocturnes (Ghost Prints) completano la mostra, consentendo ai visitatori di seguire lo sviluppo dell'artista.

"Corpus" tratteggia corpi gestualmente potenti, sia femminili che maschili, con un mix di toni che vanno dal bianco e nero puro a un caldo color sangue di bue. I toni ricordano gli inizi della fotografia, ma le pose richiamano una storia ancora più lontana, quella della scultura classica. Booth crea una superficie tangibile sia sulla pelle della modella che sulla superficie della fotografia stessa. Si affida alle mutazioni e alle imperfezioni create dal trattamento chimico delle fotografie e si diverte con esse. Le figure sono illuminate solo attraverso i sottili mezzi del chiaroscuro, un tipo di fusione in cui l'oscurità si trasforma delicatamente e senza soluzione di continuità in forma leggibile.

Le immagini di "Osmosis" sono idee di forma stilizzate come disegni a carboncino. Le figure costruite dalle ombre, sfumate e cancellate, creano una ricca profondità che si estende sul piano dell'immagine ma non vi rientra. La prospettiva è compressa e il corpo, substrato su cui agisce la luce, è a volte illuminato fino a consumarsi, o sbiancato in uno sfondo immobile e pallido. Delicati mezzitoni articolano aree che si fondono delicatamente l'una nell'altra senza essere costrette da confini. Il gesto trionfa sul dettaglio.

Questa serie di opere, "Ghost Prints", è nata da un invito a un servizio fotografico a Kiev nella primavera del 2015. A prima vista, queste fotografie scultoree non sembrano altro che scatole nere lucide appese al muro. Quando cala la notte o cambia la luce ambientale, una morbida luminescenza prende vita. Emergono figure liriche, quasi ballistiche, il cui movimento si riflette nel gesto del guscio di carbonio che le ricopre.

In House Nudes began in a barn in the Languedoc region of France where the photographer and his wife began spending time in 1989. The barn had a dirt floor, a roof with a couple of holes, and a stable where 19th century travelers kept their horses. The house that came with the barn had been an old village inn, and the photographer set to work on and in the aging structures that would become an extension of his creative output and the foundation of In House Nudes.

Thirty years after the series began, In House Nudes reflects a culmination of work that the photographer made but did not exhibit or publish while producing the Corpus, Osmosis, and Nocturnes series amongst others. The centrality to In House Nudes of the home and surrounding landscape represents the most immediate and radical shift in the photographer’s development. The shift occurred parallel to the creation of a central body of work that shares the artist’s concentration on views of the nude human form magnified and burnished by unseen narratives and processes of production. The In House Nude series is printed on Awagami Bamboo paper and framed with the same materials and techniques the photographer used to weld and build the window frames, staircases, and atriums of the original house and barn.

“My dogma has always been one camera, one lens, one light,” the photographer says. “I print what I see framed in the viewfinder. I never like to crop an image. For In House Nudes, I switched my Arri hot light for the sun - part choice and part lack of a decent power supply. All of the images are shot in natural light.” In house is a term employed by companies that produce their work without hiring outside of the organization. When asked about it, the photographer says “the images are not all inside the house. But they are in house in every possible sense. I choose what I see from and in the house, which then becomes what you see. Of course,” he adds with a smile and pauses to point his visitor to the entrance of his studio where a small plaster object has been embedded in the doorframe. Unobserved until this moment, a plaster breast of generous proportion swells from the base of the frame. How many visitors have brushed by this small, playful signature? “There is plenty you won’t see,” he says, answering the unasked question. “Or not yet.”

Works from the Corpus, Ova, Osmosis and Nocturnes (Ghost Prints) series complement the exhibition, allowing visitors to trace the artist's development.

(Text: in focus Galerie, Köln)

Kunstpalast | Düsseldorf
14. September 2023 - 21. Januar 2024

Tod und Teufel - Faszination des Horrors

Die Ausstellung Tod und Teufel geht der Faszination des Horrors nach. Erstmalig beleuchtet eine Schau das Erbe und die Fortführung künstlerischer Strategien des Grauens in Mode, Musik, Film sowie der zeitgenössischen Kunst. Das Spektrum der gezeigten 120 Werke reicht von klassischer Malerei und Skulptur bis zu aufwendigen Installationen.

Die Präsentation beginnt mit einem Prolog, der veranschaulicht, wie die Kunst- und Kulturgeschichte von Tod und Schrecken geprägt ist. Dabei spannt sich der Bogen von den fantastischen Dämonen der Renaissance, die sündiges Verhalten anmahnen, über die Landschaften der Romantik, die von Ruinen und Schatten durchdrungen sind, bis hin zu den spannungsgeladenen Figuren, die in frühen Horrorfilmen des 20. Jahrhunderts lauern. Als Teil eines „kannibalischen“ Genres, das seine eigenen Symbole, Charaktere und Themen immer wieder neu aufgreift, dienen diese historischen Beispiele zur Kontextualisierung der zeitgenössischen Interpretationen des Grauens. Im Hauptteil der Schau bringt die Ausstellung Werke aus den letzten zwei Jahrzehnten zusammen. Die vielfältigen Adaptionen von Strategien und Protagonisten des Horrors zeugen von seiner Bedeutung in Mode, Musik, Film und Kunst.

Präsentiert werden Arbeiten von so verschiedenen Künstler*innen wie Rei Kawakubo, den Chapman Brothers, Billie Eilish, Lars von Trier, Berlinde de Bruyckere, Mary Sibande und vielen anderen. Death Metal und die blutgefüllten Turnschuhe von MSCHF treffen auf Beiträge von Andres Serrano und Eliza Douglas.

Mit ihren Ansätzen, Angst, Ekel oder Unbehagen zu erzeugen, formulieren diese Werke einen kanonisierten Regelbruch, der die Grenzen der Gesellschaft überschreitet, unter die Haut geht und die Fantasie beflügelt.

Kuratorin: Westrey Page, Kunstpalast

L'exposition Mort et Diable explore la fascination pour l'horreur. Pour la première fois, une exposition met en lumière l'héritage et la poursuite des stratégies artistiques de l'horreur dans la mode, la musique, le cinéma ainsi que dans l'art contemporain. L'éventail des 120 œuvres présentées va de la peinture et de la sculpture classiques aux installations sophistiquées.

La présentation commence par un prologue qui illustre comment l'histoire de l'art et de la culture est marquée par la mort et l'horreur. L'éventail s'étend des démons fantastiques de la Renaissance, qui exhortent à un comportement coupable, aux paysages de l'époque romantique, imprégnés de ruines et d'ombres, en passant par les figures pleines de tension qui guettent dans les premiers films d'horreur du 20e siècle. Faisant partie d'un genre "cannibale" qui ne cesse de revisiter ses propres symboles, personnages et thèmes, ces exemples historiques servent à contextualiser les interprétations contemporaines de l'horreur. Dans la partie principale de l'exposition, celle-ci réunit des œuvres des deux dernières décennies. Les multiples adaptations des stratégies et des protagonistes de l'horreur témoignent de son importance dans la mode, la musique, le cinéma et l'art.

Sont présentées des œuvres d'artistes* aussi divers que Rei Kawakubo, les Chapman Brothers, Billie Eilish, Lars von Trier, Berlinde de Bruyckere, Mary Sibande et bien d'autres. Le death metal et les baskets remplies de sang de MSCHF rencontrent les contributions d'Andres Serrano et d'Eliza Douglas.

Avec leurs approches visant à susciter la peur, le dégoût ou le malaise, ces œuvres formulent une transgression canonique des règles qui dépasse les limites de la société, s'insinue sous la peau et stimule l'imagination.

Commissaire d'exposition : Westrey Page, Kunstpalast

La mostra Death and the Devil esplora il fascino dell'orrore. Per la prima volta, una mostra evidenzia l'eredità e la continuazione delle strategie artistiche dell'orrore nella moda, nella musica, nel cinema e nell'arte contemporanea. Lo spettro delle 120 opere esposte spazia dalla pittura e dalla scultura classiche a elaborate installazioni.

La presentazione inizia con un prologo che illustra come la storia dell'arte e della cultura sia caratterizzata dalla morte e dall'orrore. Si va dai demoni fantastici del Rinascimento che esortano a comportamenti peccaminosi, ai paesaggi del Romanticismo intrisi di rovine e di ombre, fino alle figure sospettose in agguato nei film horror del primo Novecento. Parte di un genere "cannibalistico" che rivisita continuamente i propri simboli, personaggi e temi, questi esempi storici servono a contestualizzare le interpretazioni contemporanee dell'orrore. Nel corpo principale della mostra sono riunite opere degli ultimi due decenni. I diversi adattamenti delle strategie e dei protagonisti dell'horror testimoniano la sua importanza nella moda, nella musica, nel cinema e nell'arte.

Sono presentate opere di artisti diversi come Rei Kawakubo, i Chapman Brothers, Billie Eilish, Lars von Trier, Berlinde de Bruyckere, Mary Sibande e molti altri. Il death metal e gli addestratori pieni di sangue di MSCHF incontrano i contributi di Andres Serrano ed Eliza Douglas.

Con i loro approcci per generare paura, disgusto o disagio, queste opere formulano una violazione delle regole canonizzate che trascende i confini della società, entra nella pelle e accende l'immaginazione.

Curatore: Westrey Page, Kunstpalast

The exhibition Death and the Devil explores the fascination of horror. For the first time, a show illuminates the legacy and continuation of artistic strategies of horror in fashion, music, film as well as contemporary art. The 120 works on display range from classical painting and sculpture to elaborate installations.

The presentation begins with a prologue that illustrates how the history of art and culture has been marked by death and horror. This spans from the fantastic demons of the Renaissance exhorting sinful behavior, to the landscapes of Romanticism steeped in ruins and shadows, to the suspenseful figures lurking in early 20th century horror films. Part of a "cannibalistic" genre that continually revisits its own symbols, characters, and themes, these historical examples serve to contextualize contemporary interpretations of horror. In the main body of the show, the exhibition brings together works from the last two decades. The diverse adaptations of strategies and protagonists of horror attest to its importance in fashion, music, film, and art.

Presented are works by artists* as diverse as Rei Kawakubo, the Chapman Brothers, Billie Eilish, Lars von Trier, Berlinde de Bruyckere, Mary Sibande, and many others. Death metal and the blood-filled sneakers of MSCHF meet contributions from Andres Serrano and Eliza Douglas.

With their approaches to generating fear, disgust, or discomfort, these works formulate a canonized rule-breaking that transcends the boundaries of society, gets under the skin, and captures the imagination.

Curator: Westrey Page, Kunstpalast

(Text: Kunstpalast, Düsseldorf)

Die photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
8. September 2023 - 21. Januar 2024

Pflanzungen, Schuppen, Ackerland. Von der Arbeit in der Natur
Simone Nieweg

Für Simone Nieweg (* 1962), Meisterschülerin von Bernd Becher an der Kunstakademie Düsseldorf, ist der Blick in die Natur und die vom Menschen nutzbar gemachten Bereiche bereits in den 1980er-Jahren der Ausgangspunkt ihrer künstlerischen Arbeit. Schon damals standen drängende Fragen nach dem Umgang mit unseren natürlichen Ressourcen im Hintergrund. Mit ihren Farbphotographien, die sie im Rheinland, in mehreren Regionen Deutschlands und in Frankreich mit der Großbildkamera aufnimmt, macht sie auf die oft übersehenen Randgebiete unserer Ortschaften und Industriegebiete aufmerksam und zeigt, welche Ästhetik entsteht, wenn diese noch unverplanten Stellen begrenzt, meist in Eigeninitiative gärtnerisch oder landwirtschaftlich genutzt werden. Die Künstlerin hält fest, was dem Land Struktur und Kontinuität verleiht: alternative Kleingärten, Grabeland, Wiesenstücke, in Wildwuchs übergehende Felder, Gemüsebeete, gepflügte Acker im Winter oder blühende Obstbäume als Vorboten des Frühlings. Auch mit einfachen Mitteln errichtete Bauten, seien es Schuppen oder Kompostgestelle, sind als typische Elemente ihrer Landschaften zu entdecken.

Zur Ausstellung erscheint eine gleichnamige Publikation im Schirmer/Mosel Verlag.

Pour Simone Nieweg (* 1962), maître-élève de Bernd Becher à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, le regard porté sur la nature et les zones rendues utilisables par l'homme est, dès les années 1980, le point de départ de son travail artistique. Déjà à l'époque, des questions urgentes sur la gestion de nos ressources naturelles se trouvaient en arrière-plan. Avec ses photographies en couleur, prises avec un appareil grand format en Rhénanie, dans plusieurs régions d'Allemagne et en France, elle attire l'attention sur les zones périphériques souvent négligées de nos localités et de nos zones industrielles et montre l'esthétique qui se dégage lorsque ces endroits encore non planifiés sont exploités de manière limitée, le plus souvent de sa propre initiative, par le jardinage ou l'agriculture. L'artiste retient ce qui confère structure et continuité à la campagne : jardins familiaux alternatifs, terrains vagues, morceaux de prairie, champs se transformant en végétation sauvage, potagers, champs labourés en hiver ou arbres fruitiers en fleurs annonçant le printemps. On découvre également des constructions érigées avec des moyens simples, qu'il s'agisse de hangars ou de râteliers à compost, comme éléments typiques de leurs paysages.

Une publication du même nom paraît aux éditions Schirmer/Mosel à l'occasion de l'exposition.

Per Simone Nieweg (* 1962), allieva di Bernd Becher all'Accademia d'Arte di Düsseldorf, la visione della natura e delle aree rese utilizzabili dall'uomo era già il punto di partenza del suo lavoro artistico negli anni Ottanta. Già allora, sullo sfondo si ponevano domande pressanti su come gestire le nostre risorse naturali. Con le sue fotografie a colori, scattate in Renania, in diverse regioni della Germania e in Francia con una macchina fotografica di grande formato, l'artista richiama l'attenzione sulle periferie, spesso trascurate, delle nostre città e delle aree industriali e mostra quale estetica emerge quando questi luoghi ancora non pianificati vengono utilizzati in modo limitato, di solito di propria iniziativa, per il giardinaggio o l'agricoltura. L'artista cattura ciò che dà struttura e continuità alla terra: orti alternativi, pascoli, pezzi di prato, campi che diventano selvatici, aiuole di ortaggi, campi arati in inverno o alberi da frutto in fiore come forieri di primavera. Anche gli edifici costruiti con mezzi semplici, siano essi capannoni o compostiere, possono essere scoperti come elementi tipici dei loro paesaggi.

Una pubblicazione omonima sarà pubblicata da Schirmer/Mosel Verlag per accompagnare la mostra.

For Simone Nieweg (* 1962), master student of Bernd Becher at the Kunstakademie Düsseldorf, the view into nature and the areas made usable by man was already the starting point of her artistic work in the 1980s. Even then, pressing questions about how to deal with our natural resources were in the background. With her color photographs, which she takes up in the Rhineland, in several regions of Germany and in France with the large-format camera, she draws attention to the often overlooked peripheral areas of our towns and industrial areas and shows what aesthetics emerge when these still unplanned places are used in a limited way, usually on one's own initiative, for gardening or agriculture. The artist captures what gives structure and continuity to the land: alternative allotments, grazing land, pieces of meadow, fields turning into wild growth, vegetable beds, plowed fields in winter or blossoming fruit trees as harbingers of spring. Buildings erected with simple means, be they sheds or compost racks, can also be discovered as typical elements of their landscapes.

The exhibition is accompanied by a publication of the same name published by Schirmer/Mosel Verlag.

(Text (d): Die photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Die photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
8. September - 5. November 2023

Bei mir bei dir. Portraits und Stillleben
Sora Park

Für die Serie „Bei mir, bei Dir“ hat Sora Park (*1991 Gimpo, Südkorea) 2022 den dritten August-Sander-Preis erhalten. Über eine repräsentative Auswahl aus der prämierten Serie hinaus sind in der Ausstellung photographische Stillleben zu sehen: Profane Gegenstände und Materialien, die die Künstlerin als phantasievolle Objekte hervorzubringen weiß.

„Bei mir, bei Dir“ zeigt junge Frauen und Männer aus dem studentischen und privaten Umfeld von Sora Park, die seit 2017 an der Universität Folkwang in Essen studiert. Entstanden sind überwiegend Einzelporträts, aufgenommen entweder in ihrer eigenen Wohnung oder in der der Dargestellten. Mit ihrer analogen Großbildkamera macht sie stets nur eine Belichtung, was die Intensität der ausgewogen komponierten Bildwerke noch einmal verstärkt. In der Serie führt Sora Park eine junge Generation des künstlerisch-kreativen Milieus wie eine entscheidende Lebensphase der Identitätsfindung vor Augen.

Sora Park (*1991 Gimpo, Corée du Sud) a reçu le troisième prix August Sander en 2022 pour sa série "Bei mir, bei dir". Au-delà d'une sélection représentative de la série primée, l'exposition présente des natures mortes photographiques : Des objets et des matériaux profanes que l'artiste sait faire ressortir comme des objets pleins de fantaisie.

"Bei mir, bei dir" montre des jeunes femmes et des jeunes hommes issus de l'environnement estudiantin et privé de Sora Park, qui étudie depuis 2017 à l'université Folkwang d'Essen. Il en résulte principalement des portraits individuels, pris soit dans son propre appartement, soit dans celui des personnes représentées. Avec son appareil photo analogique grand format, elle ne fait toujours qu'une seule exposition, ce qui renforce encore l'intensité des œuvres picturales composées de manière équilibrée. Dans cette série, Sora Park présente une jeune génération du milieu artistique et créatif comme une phase décisive de la vie où l'on cherche son identité.

Sora Park (*1991 Gimpo, Corea del Sud) ha ricevuto il terzo August Sander Prize nel 2022 per la serie "Bei mir, bei Dir". Oltre a una selezione rappresentativa della serie premiata, la mostra presenta anche nature morte fotografiche: Oggetti e materiali profani che l'artista sa far emergere come oggetti immaginifici.

"Bei mir, bei Dir" mostra giovani donne e uomini dell'ambiente studentesco e privato di Sora Park, che dal 2017 studia all'Università Folkwang di Essen. Le opere sono prevalentemente ritratti individuali, scattati nel suo appartamento o in quello dell'intervistato. Con la sua fotocamera analogica di grande formato, l'artista scatta sempre una sola esposizione, il che intensifica ulteriormente l'intensità delle composizioni equilibrate. Nella serie, Sora Park presenta una giovane generazione dell'ambiente artistico-creativo come se si trattasse di una fase decisiva della vita per trovare l'identità.

Sora Park (*1991 Gimpo, South Korea) received the third August Sander Award in 2022 for the series "Bei mir, bei Dir" ("With me, with you"). In addition to a representative selection from the award-winning series, the exhibition features photographic still lifes: Profane objects and materials that the artist knows how to bring forth as imaginative objects.

"Bei mir, bei Dir" shows young women and men from the student and private environment of Sora Park, who has been studying at the University Folkwang in Essen since 2017. The results are predominantly individual portraits, taken up either in her own apartment or in that of the sitter. With her analog large-format camera, she always takes only one exposure, which further intensifies the intensity of the well-balanced composed pictorial works. In the series, Sora Park presents a young generation of the artistic-creative milieu as if it were a decisive phase of life in the process of finding identity.

(Text (d): Die photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Die photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
8. September 2023 - 21. Januar 2024

Natur, Landschaft, Genre
August Kotzsch

August Kotzsch (1836–1910) gehört zu den frühen Meistern der deutschen Photographie, und bietet ein historisches Pendant zu Simone Nieweg. Er nimmt uns mit auf einen Streifzug durch die Natur seiner Heimatregion Loschwitz bei Dresden. Landschaftsausschnitte, Gartenwinkel, Stillleben, die Früchte der eigenen Ernte, aber auch Häuser und Höfe wurden zu seinen Motiven. Kleinode, die mit viel Liebe zum Detail ein realistisches wie romantisches Bild seiner Umgebung zeichnen. Zur Herstellung seiner Photographien bediente sich der Autodidakt und Winzerssohn Kotzsch eines komplizierten Verfahrens. Seine Negative fertigte er im Kollodium-Nassplattenverfahren an, seine Abzüge auf Albuminpapier. Insofern zeichnen sich seine Ansichten durch reizvoll changierende Sepiatöne aus.

Die Leihgaben stammen aus dem Familienarchiv August Kotzsch in Zusammenarbeit mit KICKEN BERLIN. Hinzu kommen Exponate aus der hauseigenen Sammlung.

August Kotzsch (1836-1910) fait partie des premiers maîtres de la photographie allemande, et offre un pendant historique à Simone Nieweg. Il nous emmène en balade à travers la nature de sa région natale, Loschwitz, près de Dresde. Des extraits de paysages, des coins de jardins, des natures mortes, les fruits de sa propre récolte, mais aussi des maisons et des fermes sont devenus ses motifs. Des petits bijoux qui, avec un grand amour du détail, dessinent un visuel à la fois réaliste et romantique de son environnement. Pour réaliser ses photographies, Kotzsch, autodidacte et fils de vigneron, utilisait un procédé compliqué. Il réalisait ses négatifs sur plaque humide au collodion et ses tirages sur papier albuminé. Ses vues se distinguent donc par des tons sépia changeants et charmants.

Les prêts proviennent des archives de la famille August Kotzsch, en collaboration avec KICKEN BERLIN, ainsi que de la collection interne de l'exposition.

August Kotzsch (1836-1910) è uno dei primi maestri della fotografia tedesca e offre una controparte storica a Simone Nieweg. Ci accompagna in un'incursione nella natura della sua regione natale, Loschwitz, vicino a Dresda. Dettagli del paesaggio, angoli di giardino, nature morte, i frutti del suo raccolto, ma anche case e fattorie diventano i suoi motivi. Con grande attenzione ai dettagli, dipingono un quadro realistico e romantico dell'ambiente circostante. Kotzsch, fotografo autodidatta e figlio di un viticoltore, utilizzava un processo complicato per produrre le sue fotografie. Produceva i negativi con il procedimento della lastra umida al collodio e le stampe su carta all'albumina. In questo senso, le sue vedute sono caratterizzate da toni seppia deliziosamente cangianti.

I prestiti provengono dall'archivio della famiglia August Kotzsch in collaborazione con KICKEN BERLIN, oltre a reperti della collezione del museo.

August Kotzsch (1836-1910) is one of the early masters of German photography, and offers a historical counterpart to Simone Nieweg. He takes us up on a ramble through the nature of his home region Loschwitz near Dresden. Landscape details, garden corners, still lifes, the fruits of his own harvest, but also houses and farms became his motifs. Little gems, which with great attention to detail draw a realistic as well as romantic visual of his surroundings. Kotzsch, a self-taught photographer and son of a winegrower, used a complicated process to produce his photographs. He made his negatives using the collodion wet plate process, and his prints on albumen paper. In this respect, his views are characterized by delightfully iridescent sepia tones.

The loans come from the August Kotzsch family archive in cooperation with KICKEN BERLIN, along with exhibits from the museum's own collection.

(Text (d): Die photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Galerie Bene Taschen | Köln
2. September - 14. Oktober 2023

Escapology
Josef Achrer

Die Galerie Bene Taschen freut sich, ab sofort den Künstler Josef Achrer (geboren 1982 in Prag/Tschechische Republik) zu präsentieren und gleichzeitig die erste gemeinsame Solo Show „Escapology“ anzukündigen.

Mit Hilfe verschiedener Techniken und Medien arbeitet Achrer im Bereich Malerei und Fotografie. In seinen Dataistischen Werken treffen spontane Wendungen, Formen und Umkehrungen aufeinander. Durch den Einsatz von Farbe und die Verbindung zwischen traditioneller Malerei und fotografischen Prozessen entstehen Fotogramme, die auf den ersten Blick wie Gemälde scheinen. Komplex und feinmaschig zugleich, bringt der Künstler in mehreren Schichten die Informationen, Daten und Materialien zusammen. Und auch wenn der vermeidliche „Pinselstrich“ z.T. erratisch erscheint, so ist alles bis ins kleinste Detail aufeinander abgestimmt: die Analyse des Lichts, die Deckkraft, die Farbe und die Komposition.

Josef Achrer beschreibt eine Philosophie, die durch die aufkommende Bedeutung von Big Data entstanden ist. Sein Ziel ist es, Kunstwerke zu schaffen, die eine einzigartige Vision eines wiederum zeitlosen Mediums darstellen. Während die meisten traditionellen Fotogramme dafür bekannt sind, abstrakte Formen oder bloße Umrisse von Objekten darzustellen, hat Achrer einen Weg gefunden, seine Fotogramme auf das Niveau seiner Gemälde zu heben.

La galerie Bene Taschen est heureuse de présenter dès à présent l'artiste Josef Achrer (né en 1982 à Prague/République tchèque) et d'annoncer en même temps le premier spectacle solo commun "Escapology".

À l'aide de différentes techniques et médias, Achrer travaille dans le domaine de la peinture et de la photographie. Dans ses œuvres dataistiques, des tournures spontanées, des formes et des inversions se rencontrent. L'utilisation de la couleur et l'association entre la peinture traditionnelle et les processus photographiques donnent naissance à des photogrammes qui, à première vue, semblent être des tableaux. Complexe et finement maillé à la fois, l'artiste rassemble en plusieurs couches les informations, les données et les matériaux. Et même si le supposé "coup de pinceau" semble en partie erratique, tout est coordonné jusque dans les moindres détails : l'analyse de la lumière, l'opacité, la couleur et la composition.

Josef Achrer décrit une philosophie née de l'importance naissante du big data. Son objectif est de créer des œuvres d'art qui représentent une vision unique d'un médium à nouveau intemporel. Alors que la plupart des photogrammes traditionnels sont connus pour représenter des formes abstraites ou de simples contours d'objets, Achrer a trouvé le moyen de hisser ses photogrammes au niveau de ses peintures.

La galleria Bene Taschen è lieta di presentare con effetto immediato l'artista Josef Achrer (nato nel 1982 a Praga/Repubblica Ceca) e di annunciare al contempo la prima mostra personale congiunta "Escapology".

Utilizzando una varietà di tecniche e media, Achrer lavora nel campo della pittura e della fotografia. Nelle sue opere datiste si uniscono torsioni, forme e inversioni spontanee. Grazie all'uso del colore e alla connessione tra pittura tradizionale e processi fotografici, vengono creati fotogrammi che a prima vista sembrano dipinti. Complesso e finemente intessuto allo stesso tempo, l'artista riunisce informazioni, dati e materiali in diversi strati. E anche se l'apparente "pennellata" sembra a volte irregolare, tutto è coordinato fin nei minimi dettagli: l'analisi della luce, l'opacità, il colore e la composizione.

Josef Achrer descrive una filosofia nata dall'importanza emergente dei Big Data. Il suo obiettivo è creare opere d'arte che rappresentino una visione unica di un mezzo che è, a sua volta, senza tempo. Mentre la maggior parte dei fotogrammi tradizionali è nota per la rappresentazione di forme astratte o di semplici contorni di oggetti, Achrer ha trovato un modo per elevare i suoi fotogrammi al livello dei suoi dipinti.

Bene Taschen Gallery is pleased to present the artist Josef Achrer (born 1982 in Prague/Czech Republic) from now on and at the same time announce the first joint solo show "Escapology".

Using a variety of techniques and media, Achrer works in painting and photography. In his Dataist works, spontaneous twists, forms and inversions come together. Through the use of color and the connection between traditional painting and photographic processes, photograms emerge that at first glance seem like paintings. Complex and finely woven at the same time, the artist brings together the information, data and materials in several layers. And even if the apparent "brushstroke" sometimes appears erratic, everything is coordinated down to the smallest detail: the analysis of the light, the opacity, the color and the composition.

Josef Achrer describes a philosophy that has emerged as a result of the emerging importance of Big Data. His goal is to create artworks that represent a unique vision of what is, in turn, a timeless medium. While most traditional photograms are known for depicting abstract shapes or mere outlines of objects, Achrer has found a way to elevate his photograms to the level of his paintings.

(Text: Galerie Bene Taschen, Köln)

Galerie m | Bochum
1. September 2023 – 26. Januar 2024

Naturen | Natures
Lucinda Devlin, Lena von Goedeke, Caroline von Grone, Simone Nieweg, Tanya Poole

Unter dem Titel Naturen | Natures zeigt die Galerie m ab dem 1. September 2023 Fotografien von Lucinda Devlin und Simone Nieweg, Tusche-Lavuren von Tanya Poole, Gemälde von Caroline von Grone sowie Skulpturen von Lena von Goedeke. Dabei bewegen sich die Werkkonstellationen, die fast ausschließlich aus neuen Arbeiten der Künstlerinnen bestehen, in einem breiten Spannungsfeld: Während Lucinda Devlins (* 1947 in Ann Arbor, MI, USA) Fotografien der Salt Lakes in Utah, USA, oder Lena von Goedekes von den Lavafeldern Grönlands inspirierten Plastiken sich auf strategisch-konzeptuelle Weise mit harschen Naturphänomene befassen, in denen das menschliche Leben an seine Grenzen gerät, geht von den Gemälden Caroline von Grones und den Tusche-Malereien Tanya Pooles eine verzaubernd wirkende Anziehungskraft aus, die auch in den Gewässer-Fotografien von Simone Nieweg eine Rolle spielt.

Inwiefern sich der Mensch von einer ursprünglichen, ungezähmten Natur entfernt hat, ist Thema der künstlerischen Untersuchungen von Lena von Goedeke (*1983 in Duisburg). Sie lebt auf Spitzbergen und beobachtet das, was mit der Arktis passiert, und wie sich der Mensch heute diesem entlegenen Ort nähert, genau. Ihre Werke basieren auf unterschiedlichen Techniken, die bei der Erforschung der arktischen Landschaft zum Einsatz kommen, und thematisieren immer wieder seine Unfähigkeit, sich den dort herrschenden, lebensfeindlichen Verhältnissen ohne technische Hilfsmittel auszusetzen, und das, was dort ist, mit den menschlichen Sinnen zu begreifen. So spielt der Einsatz von Drohnen, von Radar und anderen Messtechniken in ihren Arbeiten eine Rolle.

Ein zentrales Werk der Ausstellung ist eine monumentale Tusche-Lavur von Tanya Poole (*1971 in St John's (Neufundland), Kanada), die einen Mond vor dem intensiven Blau des nächtlichen Himmels zeigt. Rechts davon flattert ein ockerfarbener Nachtfalter, in Form einer weiteren Malerei, davon. Pooles Werke sind von einer außerordentlichen Sinnlichkeit und in ihrer Anfertigung spielt der Zufall eine entscheidende Rolle – ein Gegenpol zu den fast wissenschaftlich anmutenden Werken Lena von Goedekes. Dabei ist der Hintergrund der Arbeiten von Tanya Poole auch ein wissenschaftlicher: Seit langem beschäftigt sich die in Frankreich lebende Künstlerin mit Nachtfaltern, ihrem Lebensraum und ihrer Wahrnehmungswelt, wobei es sie besonders fasziniert, dass diese Insekten in der Dunkelheit in intensiven Blautönen sehen.

In den Gemälden Caroline von Grones (*1963 in Hannover) stehen Bäume wie Schauspieler auf der Bühne im Mittelpunkt und gelangen zu einem ganz eigenen Leben. Die kraftvollen Linien und die teils motivisch gelöste Farbigkeit erzeugen eine unerwartete Aura, die an naturkultische Sagen und Mythen erinnert, die von verborgenem Leben in der Natur zu berichten scheinen. Die Bäume wirken mitunter wie ein eng umschlungenes Paar, verwurzelt an Ort und Stelle, unfähig, sich aus seiner prekären Lage zu befreien.

Simone Nieweg (*1962 in Bielefeld) hat in ihrer Gewässer-Serie Seen, Weiher oder die Ostsee fotografiert und insbesondere Motive in den Blick genommen, die sich zwischen ursprünglicher Natur, Kultivierung und Renaturierung bewegen. Dabei knüpfen ihre Bilder in der Motivik, Bildsprache und Atmosphäre teils an kunsthistorische Vorläufer an. So erinnern ihre „Buchen an der Ostsee IV“ an die Gemälde Caspar David Friedrichs und tatsächlich interessiert es die Künstlerin, ob und inwiefern Gefühle von Ehrfurcht und Erhabenheit in Anbetracht der Natur auch heute noch aktuell sind.

Sous le titre Naturen | Natures, la Galerie m présente à partir du 1er septembre 2023 des photographies de Lucinda Devlin et Simone Nieweg, des lavis à l'encre de Chine de Tanya Poole, des peintures de Caroline von Grone ainsi que des sculptures de Lena von Goedeke. Les constellations d'œuvres, qui se composent presque exclusivement de nouveaux travaux des artistes, évoluent dans un large champ de tensions : Tandis que les photographies des Salt Lakes dans l'Utah (États-Unis) de Lucinda Devlin (née en 1947 à Ann Arbor, MI) ou les sculptures de Lena von Goedeke inspirées par les champs de lave du Groenland traitent de manière stratégique et conceptuelle de phénomènes naturels rudes dans lesquels la vie humaine est poussée à ses limites, les tableaux de Caroline von Grone et les peintures à l'encre de Tanya Poole dégagent une force d'attraction envoûtante, qui joue également un rôle dans les photographies d'eau de Simone Nieweg.

Les recherches artistiques de Lena von Goedeke (*1983 à Duisburg) portent sur la manière dont l'homme s'est éloigné d'une nature originelle et indomptée. Elle vit au Svalbard et observe attentivement ce qui arrive à l'Arctique et la manière dont l'homme s'approche aujourd'hui de ce lieu éloigné. Ses œuvres se basent sur différentes techniques utilisées lors de l'exploration du paysage arctique et thématisent toujours son incapacité à s'exposer aux conditions hostiles qui y règnent sans moyens techniques et à comprendre ce qui s'y trouve avec les sens humains. Ainsi, l'utilisation de drones, de radars et d'autres techniques de mesure joue un rôle dans leurs travaux.

L'une des œuvres centrales de l'exposition est une lavis monumental à l'encre de Chine de Tanya Poole (née en 1971 à St John's (Terre-Neuve), Canada), qui représente une lune devant le bleu intense du ciel nocturne. À droite, un papillon de nuit ocre s'envole, sous la forme d'une autre peinture. Les œuvres de Poole sont d'une sensualité extraordinaire et le hasard joue un rôle décisif dans leur réalisation - un contrepoint aux œuvres d'apparence presque scientifique de Lena von Goedeke. Pourtant, l'arrière-plan des travaux de Tanya Poole est également scientifique : l'artiste, qui vit en France, s'intéresse depuis longtemps aux papillons de nuit, à leur habitat et à leur monde perceptif, et elle est particulièrement fascinée par le fait que ces insectes voient dans l'obscurité dans des tons bleus intenses.

Dans les peintures de Caroline von Grone (née en 1963 à Hanovre), les arbres sont au centre de l'attention comme des acteurs sur scène et parviennent à une vie tout à fait particulière. Les lignes puissantes et les couleurs en partie détachées du motif créent une aura inattendue qui rappelle les légendes et les mythes liés au culte de la nature, qui semblent parler d'une vie cachée dans la nature. Les arbres donnent parfois l'impression d'un couple étroitement enlacé, enraciné sur place, incapable de s'extraire de sa situation précaire.

Dans sa série sur les eaux, Simone Nieweg (*1962 à Bielefeld) a photographié des lacs, des étangs ou la mer Baltique et s'est particulièrement intéressée à des motifs qui se situent entre la nature originelle, la culture et la renaturation. Ce faisant, ses visuels se rattachent en partie à des précurseurs de l'histoire de l'art en termes de motifs, de langage visuel et d'atmosphère. Ainsi, ses "Buchen an der Ostsee IV" rappellent les tableaux de Caspar David Friedrich et l'artiste s'intéresse effectivement à savoir si et dans quelle mesure les sentiments de respect et de majesté face à la nature sont encore d'actualité aujourd'hui.

Con il titolo Naturen | Natures, la Galerie m esporrà dal 1° settembre 2023 fotografie di Lucinda Devlin e Simone Nieweg, lavers a inchiostro di Tanya Poole, dipinti di Caroline von Grone e sculture di Lena von Goedeke. Le costellazioni di opere, costituite quasi esclusivamente da nuovi lavori degli artisti, si muovono in un ampio campo di tensione: Mentre le fotografie di Lucinda Devlin (* 1947 a Ann Arbor, MI, USA) sui laghi salati dello Utah, USA, o le sculture di Lena von Goedeke ispirate ai campi di lava della Groenlandia trattano in modo strategico-concettuale i duri fenomeni naturali in cui la vita umana raggiunge i suoi limiti, i dipinti di Caroline von Grone e i dipinti a inchiostro di Tanya Poole emanano un'attrazione incantevole che gioca un ruolo anche nelle fotografie di Simone Nieweg sugli specchi d'acqua.

La misura in cui l'uomo si è allontanato da una natura incontaminata e selvaggia è il soggetto delle indagini artistiche di Lena von Goedeke (*1983 a Duisburg). Vive a Spitsbergen e osserva da vicino ciò che sta accadendo all'Artico e come l'uomo si approccia oggi a questo luogo remoto. Le sue opere si basano su varie tecniche utilizzate nell'esplorazione del paesaggio artico e affrontano ripetutamente l'incapacità di esporsi alle condizioni ostili che prevalgono in quel luogo senza aiuti tecnici e di comprendere ciò che c'è con i sensi umani. Per questo motivo, l'uso di droni, radar e altre tecniche di misurazione giocano un ruolo importante nelle sue opere.

Un'opera centrale della mostra è un monumentale lavur a inchiostro di Tanya Poole (*1971 a St John's (Newfoundland), Canada), che mostra una luna contro il blu intenso del cielo notturno. A destra, una falena ocra, nella forma di un altro dipinto, svolazza via. Le opere di Poole hanno una straordinaria sensualità e il caso gioca un ruolo decisivo nella loro produzione, in contrapposizione alle opere quasi scientifiche di Lena von Goedeke. Ma il background delle opere di Tanya Poole è anche scientifico: da tempo l'artista, che vive in Francia, studia le falene, il loro habitat e il loro mondo percettivo, ed è particolarmente affascinata dal fatto che questi insetti vedono al buio con intense sfumature di blu.

Nei dipinti di Caroline von Grone (*1963 ad Hannover), gli alberi sono al centro della scena come attori su un palcoscenico e prendono vita a tutti gli effetti. Le linee potenti e i colori in parte dissolti creano un'aura inaspettata, che ricorda le saghe e i miti del culto della natura che sembrano raccontare la vita nascosta nella natura. Gli alberi sembrano talvolta una coppia strettamente intrecciata, radicata nel luogo, incapace di liberarsi dalla propria posizione precaria.

Simone Nieweg (*1962 a Bielefeld) ha fotografato laghi, stagni o il Mar Baltico nella sua serie di corpi idrici, concentrandosi in particolare su motivi che si muovono tra natura incontaminata, coltivazione e rinaturalizzazione. Per i motivi, le immagini e l'atmosfera, le sue foto sono in parte legate a predecessori della storia dell'arte. I suoi "Faggi sul Mar Baltico IV", ad esempio, ricordano i dipinti di Caspar David Friedrich, e l'artista è effettivamente interessata a capire se e in che misura i sentimenti di soggezione e sublimità di fronte alla natura siano ancora attuali.

Under the title Naturen | Natures, Galerie m will be showing photographs by Lucinda Devlin and Simone Nieweg, ink lavuras by Tanya Poole, paintings by Caroline von Grone, and sculptures by Lena von Goedeke from September 1, 2023. The constellations of works, which consist almost exclusively of new works by the artists, move in a broad field of tension: While Lucinda Devlin's (* 1947 in Ann Arbor, MI, USA) photographs of the Salt Lakes in Utah, USA, or Lena von Goedeke's sculptures inspired by the lava fields of Greenland deal in a strategic-conceptual way with harsh natural phenomena in which human life reaches its limits, Caroline von Grone's paintings and Tanya Poole's ink paintings exude an enchanting attraction that also plays a role in Simone Nieweg's photographs of bodies of water.

The extent to which man has distanced himself from a pristine, untamed nature is the subject of the artistic investigations of Lena von Goedeke (*1983 in Duisburg). She lives on Spitsbergen and closely observes what is happening to the Arctic and how man approaches this remote place today. Her works are based on various techniques used in the exploration of the Arctic landscape, and repeatedly address its inability to expose itself to the hostile conditions that prevail there without technical aids, and to comprehend what is there with the human senses. Thus the use of drones, of radar and other measuring techniques plays a role in her works.

A central work in the exhibition is a monumental ink lavur by Tanya Poole (b. 1971 in St John's (Newfoundland), Canada), depicting a moon against the intense blue of the night sky. To the right of it, an ochre moth, in the form of another painting, flutters away. Poole's works are of an extraordinary sensuality and in their making chance plays a decisive role - a counterpoint to the almost scientific-looking works of Lena von Goedekes. Yet the background to Tanya Poole's works is also a scientific one: for a long time, the French-based artist has been studying moths, their habitat and their perceptual world, and she is particularly fascinated by the fact that these insects see in intense shades of blue in the dark.

In the paintings of Caroline von Grone (*1963 in Hanover), trees take center stage like actors on stage, coming to life in a way all their own. The powerful lines and the partly motif-loosened colors create an unexpected aura, reminiscent of nature-cult sagas and myths that seem to tell of hidden life in nature. The trees sometimes seem like a closely entwined couple, rooted in place, unable to free themselves from their precarious position.

Simone Nieweg (*1962 in Bielefeld) has photographed lakes, ponds or the Baltic Sea in her series of water bodies, focusing in particular on motifs that move between pristine nature, cultivation and renaturation. In their motifs, visual language, and atmosphere, her images are in part based on art historical predecessors. For example, her "Buchen an der Ostsee IV" (Beeches on the Baltic Sea IV) is reminiscent of Caspar David Friedrich's paintings, and indeed the artist is interested in whether and to what extent feelings of awe and sublimity in the face of nature are still relevant today.

(Text: Galerie m, Bochum)

NRW-Forum | Düsseldorf
18. August 2023 bis 21. Januar 2024

Beyond Fame. Die Kunst der Stars

Jeder Star ein*e Künstler*in? Immer mehr erfolgreiche Schauspieler*innen, Musiker*innen und Prominente betätigen sich auch künstlerisch und gehen damit in die Öffentlichkeit. Warum suchen sie einen weiteren Erfolg auf der Kunstbühne? Oder dient die Kunst eher der persönlichen Selbstfindung? Die Ausstellung Beyond Fame. Die Kunst der Stars präsentiert vom 18. August 2023 bis 24. Januar 2024 Arbeiten internationaler und nationaler Berühmtheiten, die Einblicke hinter die Fassade der öffentlichen Personen bieten, jenseits von Rolle und Prominenz.

So unterschiedlich die Persönlichkeiten aus Schauspiel, Sport, Politik, Musik oder Literatur sind, so verschieden sind auch ihre Wege zur Kunst. Die Wahl des künstlerischen Mediums ist oft unerwartet und überraschend, die Werke eng mit den jeweiligen Biografien verbunden. Die Ausstellung präsentiert mit Malerei, Fotografie, Video und Installation Arbeiten von Bryan Adams, Meret Becker, Tim Bendzko, Carlito (Cro), Samy Deluxe, Anna Delvey, Lea Draeger, Peter Doherty, Harald Glööckler, Grimes, Josephine Henning, Anton Hofreiter, Isis-Maria Niedecken, Edi Rama, Jean Remy, Michael Stich, Laura Tonke und Gedeon Schenkt.

Die ausgestellten Künstler*innen teilen eine jahrelange, intensive Auseinandersetzung mit der Kunst, auch wenn viele keine Akademie besucht haben, sondern als Autodidakten begannen. In der Zusammenstellung der Arbeiten zeigt sich, dass der Trend in Richtung Universalkünstler*innen geht, die schreiben, malen, singen, fotografieren und gerne gängige Formate sprengen.

Künstlerinnen wie Lea Drager und Meret Becker sind in vielfältigen künstlerischen Feldern zuhause. Lea Draeger ist Schauspielerin, Autorin und bildende Künstlerin. Seit 2015 ist sie festes Ensemblemitglied des Maxim-Gorki-Theaters in Berlin. 2022 veröffentlichte sie ihr hoch gelobtes Romandebüt und seit 2018 arbeitet sie verstärkt als Künstlerin: Sie zeichnet Päpstinnen und Päpste, mit denen sie patriarchale Systeme und hierarchische Strukturen hinterfragt. Meret Becker kommt aus einer Künstler*innen-Familie und ist selbst Sängerin, Schauspielerin und Malerin. In ihrer Kunst setzt sie sich mit gesellschaftlichen Themen auseinander und nutzt ihre Popularität, um sich für Frauenrechte einzusetzen.

Rockstars wie Bryan Adams und Peter Doherty haben Millionen Platten verkauft und sind schon seit vielen Jahren künstlerisch tätig. Während für Adams gute Fotografien wie Zeitkapseln sind, die Erinnerungen speichern, bietet die Kunst dem skandalträchtigen Libertines-Sänger Peter Doherty neben der Lyrik eine ausdrucksstarke Möglichkeit, sein Leben zu verarbeiten. Er malt mit Blut und Kohle, kombiniert wild Zeichnung, Malerei, Bild-Text-Collagen und Skulpturen. Die Arbeiten der kanadischen Musikerin Claire Elise Boucher alias Grimes sind von Krieger*innen, Nymphen, Cyborgs und Manga-Figuren bevölkert, die sie in ihren Musikvideos auch selbst verkörpert. Die Inspiration für ihre Zeichnungen und Cover bezieht sie aus mythischen und psychedelischen Bildern, entleiht Figuren und Motive beim Jugendstil und Surrealisten und setzt oft künstliche Intelligenz ein.

Aber nicht nur in Kultur und Unterhaltung, sondern auch in vermeintlich weiter von der Kunst entfernten Bereichen wie Politik und Sport gibt es Persönlichkeiten, die neben ihren Karrieren auch als Künstler*innen tätig sind. Seine Begeisterung für Botanik kommt in den Arbeiten von Politiker Anton Hofreiter, seit 2005 Mitglied des Deutschen Bundestages und promovierter Biologe, zum Ausdruck. Seine häufigsten Motive sind Blumen und Zeichnen ist für ein Weg „um zu erkennen, wie die Dinge wirklich sind“. Der frühere Wimbledonsieger Michael Stich interessierte sich schon in jungen Jahren für Kunst und wurde erst zu einem begeisterten Kunstsammler, bevor er begann, persönliche Erfahrungen zu verarbeiten, indem er sie auf die Leinwand bringt. „Meine Kunst ist Spiegelbild meiner Persönlichkeit und meiner Emotionen“, sagt er.

Unter dem Pseudonym Gedeon Schenkt ist eine prominente Person Teil der Ausstellung, deren Identität noch nicht bekannt gegeben wird. Den Besuchenden wird es überlassen, in den Werken nach Hinweisen zu suchen und damit auch der Frage nachzugehen, inwieweit Identität mit der öffentlichen Person und dem Kunstwerk verbunden ist.

Neben persönlichen Einblicken und überraschenden Blickwinkeln auf bekannte Persönlichkeiten hält die Ausstellung Besuchenden auch einen Spiegel vor: In der Begegnung mit den Werken stellt man unwillkürlich fest, wie stark man von den medialen Stereotypen der prominenten Menschen beeinflusst ist, wie sehr diese die eigene Rezeption lenken und wie viele eigene Wünsche und Fantasien wir auf berühmte Menschen richten.

Die Ausstellung wird kuratiert von Alain Bieber, Künstlerischer Leiter des NRW-Forum Düsseldorf.

Chaque star est un* artiste ? De plus en plus d'acteurs*, de musiciens* et de célébrités à succès se lancent également dans une activité artistique et se font ainsi connaître du public. Pourquoi cherchent-ils un nouveau succès sur la scène artistique ? Ou l'art leur sert-il plutôt à se découvrir personnellement ? L'exposition Beyond Fame. L'art des stars présente, du 18 août 2023 au 24 janvier 2024, des œuvres de célébrités internationales et nationales qui offrent un aperçu de ce qui se cache derrière la façade des personnages publics, au-delà de leur rôle et de leur célébrité.

Les personnalités du monde du spectacle, du sport, de la politique, de la musique ou de la littérature sont aussi différentes les unes des autres que leurs chemins vers l'art. Le choix du médium artistique est souvent inattendu et surprenant, les œuvres sont étroitement liées à leurs biographies respectives. L'exposition présente des œuvres de Bryan Adams, Meret Becker, Tim Bendzko, Carlito (Cro), Samy Deluxe, Anna Delvey, Lea Draeger, Peter Doherty, Harald Glööckler, Grimes, Josephine Henning, Anton Hofreiter, Isis-Maria Niedecken, Edi Rama, Jean Remy, Michael Stich, Laura Tonke et Gedeon Schenkt, avec de la peinture, de la photographie, de la vidéo et des installations.

Les artistes* exposés partagent des années d'étude intensive de l'art, même si beaucoup n'ont pas fréquenté d'académie, mais ont commencé en autodidactes. La compilation des travaux montre que la tendance est aux artistes universels* qui écrivent, peignent, chantent, photographient et aiment faire éclater les formats courants.

Des artistes comme Lea Drager et Meret Becker sont à l'aise dans de multiples domaines artistiques. Lea Draeger est actrice, auteure et artiste visuelle. Depuis 2015, elle est membre permanent de la troupe du Maxim-Gorki-Theater à Berlin. En 2022, elle a publié son premier roman très apprécié et depuis 2018, elle travaille de plus en plus en tant qu'artiste : elle dessine des papes et des pontifes, avec lesquels elle remet en question les systèmes patriarcaux et les structures hiérarchiques. Meret Becker vient d'une famille d'artistes* et est elle-même chanteuse, actrice et peintre. Dans son art, elle aborde des thèmes de société et utilise sa popularité pour défendre les droits des femmes.

Des stars du rock comme Bryan Adams et Peter Doherty ont vendu des millions de disques et sont actifs dans le domaine artistique depuis de nombreuses années. Alors que pour Adams, les bonnes photographies sont comme des capsules temporelles qui stockent des souvenirs, l'art offre au chanteur scandaleux des Libertines Peter Doherty, en plus de la poésie, un moyen expressif d'assimiler sa vie. Il peint avec du sang et du fusain, combinant sauvagement le dessin, la peinture, le collage visuel-texte et la sculpture. Les œuvres de la musicienne canadienne Claire Elise Boucher, alias Grimes, sont peuplées de guerriers*, de nymphes, de cyborgs et de personnages de manga, qu'elle incarne elle-même dans ses clips musicaux. Elle puise son inspiration pour ses dessins et ses pochettes dans des visuels mythiques et psychédéliques, emprunte des figures et des motifs à l'art nouveau et aux surréalistes et utilise souvent l'intelligence artificielle.

Mais ce n'est pas seulement dans la culture et le divertissement, mais aussi dans des domaines supposés plus éloignés de l'art, comme la politique et le sport, que l'on trouve des personnalités qui, parallèlement à leurs carrières, sont aussi des artistes*. Sa passion pour la botanique s'exprime dans les œuvres du politicien Anton Hofreiter, membre du Bundestag allemand depuis 2005 et docteur en biologie. Ses motifs les plus fréquents sont les fleurs et le dessin est pour lui un moyen "de voir comment les choses sont vraiment". L'ancien vainqueur de Wimbledon Michael Stich s'est intéressé à l'art dès son plus jeune âge et est d'abord devenu un collectionneur d'art enthousiaste avant de commencer à traiter ses expériences personnelles en les transposant sur la toile. "Mon art est le reflet de ma personnalité et de mes émotions", dit-il.

Sous le pseudonyme de Gedeon Schenkt, une personne éminente, dont l'identité n'a pas encore été révélée, fait partie de l'exposition. Il est laissé aux visiteurs le soin de chercher des notes dans les œuvres et donc de se demander dans quelle mesure l'identité est liée à la personne publique et à l'œuvre d'art.

Outre des aperçus personnels et des points de vue surprenants sur des personnalités connues, l'exposition est aussi un miroir tendu aux visiteurs : Au contact des œuvres, on transmet involontairement à quel point on est influencé par les stéréotypes médiatiques des personnes célèbres, à quel point ceux-ci orientent notre propre réception et combien de nos propres désirs et fantasmes nous orientons sur les personnes célèbres.

Le commissaire de l'exposition est Alain Bieber, directeur artistique du NRW-Forum de Düsseldorf.

Ogni star è un artista? Sempre più attori, musicisti e celebrità di successo diventano artisti e rendono pubblico il loro lavoro. Perché cercano un ulteriore successo sul palcoscenico dell'arte? Oppure l'arte serve più come mezzo di scoperta personale? La mostra Beyond Fame. The Art of Stars presenta opere di celebrità internazionali e nazionali dal 18 agosto 2023 al 24 gennaio 2024, offrendo una visione dietro la facciata dei personaggi pubblici, al di là del ruolo e della celebrità.

Tanto diverse sono le personalità della recitazione, dello sport, della politica, della musica o della letteratura, quanto diversi sono i loro percorsi verso l'arte. La scelta del mezzo artistico è spesso inaspettata e sorprendente, le opere strettamente legate alle rispettive biografie. La mostra presenta opere di pittura, fotografia, video e installazioni di Bryan Adams, Meret Becker, Tim Bendzko, Carlito (Cro), Samy Deluxe, Anna Delvey, Lea Draeger, Peter Doherty, Harald Glööckler, Grimes, Josephine Henning, Anton Hofreiter, Isis-Maria Niedecken, Edi Rama, Jean Remy, Michael Stich, Laura Tonke e Gedeon Schenkt.

Gli artisti esposti condividono anni di intenso impegno con l'arte, anche se molti non hanno frequentato un'accademia ma hanno iniziato come autodidatti. La raccolta di opere mostra che la tendenza è verso artisti universali che scrivono, dipingono, cantano, fotografano e amano andare oltre i formati comuni.

Artisti come Lea Draeger e Meret Becker sono a loro agio in campi artistici diversi. Lea Draeger è attrice, autrice e artista visiva. Dal 2015 è membro permanente dell'ensemble del Teatro Maxim Gorki di Berlino. Nel 2022 ha pubblicato il suo acclamato romanzo d'esordio e dal 2018 lavora sempre più come artista: disegna papi e papesse con cui mette in discussione i sistemi patriarcali e le strutture gerarchiche. Meret Becker proviene da una famiglia di artisti ed è lei stessa cantante, attrice e pittrice. Nella sua arte affronta temi sociali e usa la sua popolarità per promuovere i diritti delle donne.

Rockstar come Bryan Adams e Peter Doherty hanno venduto milioni di dischi e sono artisti da molti anni. Mentre per Adams le fotografie sono come capsule del tempo che conservano i ricordi, l'arte offre allo scandaloso cantante dei Libertines Peter Doherty un modo espressivo per elaborare la sua vita insieme alla poesia. Dipinge con sangue e carboncino, combinando selvaggiamente disegno, pittura, collage di immagini e testi e scultura. Le opere della musicista canadese Claire Elise Boucher, in arte Grimes, sono popolate da guerrieri, ninfe, cyborg e personaggi manga, che lei stessa incarna nei suoi video musicali. Per i suoi disegni e le sue copertine si ispira a immagini mitiche e psichedeliche, prende in prestito figure e motivi dall'art nouveau e dai surrealisti e spesso utilizza l'intelligenza artificiale.

Ma non solo nella cultura e nell'intrattenimento, ma anche in campi presumibilmente più lontani dall'arte, come la politica e lo sport, ci sono personalità che affiancano alla loro carriera quella di artisti. L'entusiasmo per la botanica si esprime nelle opere del politico Anton Hofreiter, membro del Bundestag tedesco dal 2005 e biologo con un dottorato. I suoi motivi più frequenti sono i fiori e il disegno è per lui un modo "per vedere come sono realmente le cose". L'ex campione di Wimbledon Michael Stich si è interessato all'arte in giovane età ed è diventato un appassionato collezionista d'arte prima di iniziare a elaborare le esperienze personali mettendole su tela. "La mia arte è un riflesso della mia personalità e delle mie emozioni", afferma.

Sotto lo pseudonimo di Gedeon Schenkt, fa parte della mostra una persona importante, la cui identità non è ancora stata rivelata. I visitatori sono lasciati a cercare indizi nelle opere e quindi anche a interrogarsi sulla misura in cui l'identità è legata alla persona pubblica e all'opera d'arte.

Oltre a spunti personali e prospettive sorprendenti su personaggi noti, la mostra offre anche uno specchio ai visitatori: Nell'incontro con le opere, ci si rende involontariamente conto di quanto si sia influenzati dagli stereotipi mediatici sulle persone di spicco, di quanto questi orientino la propria ricezione e di quanti dei nostri desideri e delle nostre fantasie siano rivolti ai personaggi famosi.

La mostra è curata da Alain Bieber, direttore artistico del NRW-Forum di Düsseldorf.

Is every star an artist? More and more successful actors, musicians and celebrities are also active in the arts and thus go public. Why do they seek further success on the art stage? Or does art rather serve the purpose of personal self-discovery? The exhibition Beyond Fame. The Art of Stars presents works by international and national celebrities from August 18, 2023 to January 24, 2024, offering insights behind the facade of public figures, beyond role and celebrity.

As different as the personalities from acting, sports, politics, music or literature are, so are their paths to art. The choice of artistic medium is often unexpected and surprising, the works closely linked to the respective biographies. The exhibition presents painting, photography, video and installation works by Bryan Adams, Meret Becker, Tim Bendzko, Carlito (Cro), Samy Deluxe, Anna Delvey, Lea Draeger, Peter Doherty, Harald Glööckler, Grimes, Josephine Henning, Anton Hofreiter, Isis-Maria Niedecken, Edi Rama, Jean Remy, Michael Stich, Laura Tonke and Gedeon Schenkt.

The artists on display share years of intense involvement with art, even though many did not attend an academy but began as self-taught artists. The compilation of works shows that the trend is towards universal artists who write, paint, sing, photograph and like to go beyond common formats.

Artists like Lea Draeger and Meret Becker are at home in diverse artistic fields. Lea Draeger is an actress, author and visual artist. She has been a permanent ensemble member of the Maxim Gorki Theater in Berlin since 2015. In 2022 she published her highly acclaimed novel debut and since 2018 she has increasingly worked as an artist: she draws female popes and popes with whom she questions patriarchal systems and hierarchical structures. Meret Becker comes from a family of artists and is herself a singer, actress and painter. In her art she deals with social issues and uses her popularity to campaign for women's rights.

Rock stars like Bryan Adams and Peter Doherty have sold millions of records and have been artistic for many years. While for Adams, good photographs are like time capsules that store memories, art offers scandal-plagued Libertines singer Peter Doherty an expressive way to process his life, along with poetry. He paints with blood and charcoal, wildly combining drawing, painting, image-text collages and sculpture. The works of Canadian musician Claire Elise Boucher aka Grimes are populated by warriors*, nymphs, cyborgs and manga characters, which she also embodies herself in her music videos. She draws inspiration for her drawings and covers from mythical and psychedelic images, borrows figures and motifs from Art Nouveau and Surrealists, and often uses artificial intelligence.

However, not only in culture and entertainment, but also in areas supposedly further removed from art, such as politics and sports, there are personalities who, in addition to their careers, are also active as artists. His enthusiasm for botany is expressed in the works of politician Anton Hofreiter, a member of the German Bundestag since 2005 and a biologist with a doctorate. His most frequent motifs are flowers, and drawing is for him a way "to see how things really are." Former Wimbledon champion Michael Stich became interested in art at a young age and became an avid art collector before he began to process personal experiences by putting them on canvas. "My art is a reflection of my personality and emotions," he says.

Under the pseudonym Gedeon Schenkt, a prominent person is part of the exhibition, whose identity is yet to be revealed. Visitors will be left to search for notes in the works and thus also to pursue the question of the extent to which identity is linked to the public person and the work of art.

In addition to personal insights and surprising perspectives on well-known personalities, the exhibition also holds up a mirror to visitors: In the encounter with the works, one involuntarily realizes how strongly one is influenced by the media stereotypes of prominent people, how much these direct one's own reception, and how many of one's own desires and fantasies we direct towards famous people.

The exhibition is curated by Alain Bieber, Artistic Director of the NRW-Forum Düsseldorf.

(Text (d): NRW-Forum, Düsseldorf)