Kunstraum Elsa | Bielefeld
9. Juli – 21. August 2024

"ödes Land" - Moore und Klimawandel
Johannes Hüffmeier

Einblicke in Moorlandschaften
»ödes land« reflektiert die menschliche Bindung zu Mooren, insbesondere dem Großen Torfmoor im Kreis Minden-Lübbecke. Mit der Ausstellung der Arbeit von Johannes Hüffmeier widmet sich der Kunstraum Elsa, der von Prof. Katharina Bosse organisiert wird, dem bedeutenden Hochmoor in Nordrhein-Westfalen, das ein einzigartiger Lebensraum für viele bedrohte Tier- und Pflanzenarten ist. Durch menschliche Eingriffe und den anthropogenen Klimawandel hat es dramatische Veränderungen erfahren. Der Fotograf erläutert: »95 Prozent der Moore sind in Deutschland trockengelegt worden. Aus wirtschaftlichen Interessen wurden sie entwässert und ihre Ökosysteme dadurch irreversibel gestört.« Mit seiner Kamera dokumentiert er diese dramatischen Veränderungen und stellt dabei die Frage nach dem Wert und der Aufgabe der Fotografie in der heutigen Welt.

Künstlerische Herangehensweise
Die Arbeit »ödes land« vereint ökologische Erkenntnisse, philosophische Naturästhetik und kunsthistorische Konzepte. Die Serie umfasst weitwinklige Aufnahmen und lange Belichtungszeiten, die die Ästhetik und tiefgreifende Entwicklungen der Moorlandschaften einfangen. Farb- und Schwarzweißbilder, Salzdrucke und handgeschöpftes Papier aus Moorwasser verbinden das Medium der Fotografie mit der Materialität der Moore und schaffen eine sinnliche Erfahrung ökologischer Themen. »Mit meiner Fotografie möchte ich das Auslöschen der ursprünglichen Landschaft zeigen«, erklärt der Künstler. »Falls wir es schaffen sollten, unser Verhalten der Natur gegenüber zu ändern, dokumentieren diese Bilder die Folgen unserer Fehler. Falls nicht, den Verlust von wertvollem Lebensraum – auch unserem eigenen.«

Die Ausstellung wird gefördert vom Ministerium für Heimat, Kommunales, Bau und Digitalisierung des Landes Nordrhein-Westfalen.

Regards sur les tourbières
"ödes land" reflète le lien entre l'homme et les tourbières, en particulier la Grande tourbière du district de Minden-Lübbecke. En exposant le travail de Johannes Hüffmeier, l'espace artistique Elsa, organisé par le professeur Katharina Bosse, se consacre à cette tourbière importante de Rhénanie-du-Nord-Westphalie, qui constitue un habitat unique pour de nombreuses espèces animales et végétales menacées. Il a subi des changements dramatiques dus à l'intervention humaine et au changement climatique anthropique. Le photographe explique : "95 pour cent des tourbières ont été asséchées en Allemagne. Pour des intérêts économiques, ils ont été drainés et leurs écosystèmes ont ainsi été perturbés de manière irréversible". Avec son appareil photo, il documente ces changements dramatiques et transmet ainsi la question de la valeur et de la mission de la photographie dans le monde actuel.

Approche artistique
Le travail "ödes land" réunit les connaissances écologiques, l'esthétique philosophique de la nature et les concepts de l'histoire de l'art. La série comprend des prises de vue grand angle et de longs temps d'exposition qui capturent l'esthétique et les évolutions profondes des paysages de marais. Les images en couleur et en noir et blanc, les tirages au sel et le papier fait à la main à partir de l'eau des marais associent le médium de la photographie à la matérialité des marais et créent une expérience sensorielle des thèmes écologiques. "Avec ma photographie, je veux montrer l'effacement du paysage originel", explique l'artiste. "Si nous parvenons à changer notre comportement vis-à-vis de la nature, ces visuels documenteront les conséquences de nos erreurs. Si ce n'est pas le cas, la perte d'un précieux espace vital - y compris le nôtre".

L'exposition est soutenue par le ministère de la Patrie, des Communes, de la Construction et de la Numérisation du Land de Rhénanie du Nord-Westphalie.

Approfondimenti sui paesaggi di brughiera
"ödes land" riflette il legame dell'uomo con le brughiere, in particolare con la grande torbiera del distretto di Minden-Lübbecke. Con la mostra di Johannes Hüffmeier, il Kunstraum Elsa, organizzato dalla professoressa Katharina Bosse, si dedica all'importante torbiera alta della Renania Settentrionale-Vestfalia, che rappresenta un habitat unico per molte specie animali e vegetali in via di estinzione. Ha subito cambiamenti drammatici a causa dell'intervento umano e dei cambiamenti climatici antropogenici. Il fotografo spiega: "Il 95% delle brughiere in Germania è stato prosciugato. Sono state prosciugate per motivi economici e i loro ecosistemi sono stati di conseguenza irreversibilmente stravolti". Egli documenta questi drammatici cambiamenti con la sua macchina fotografica e si interroga sul valore e sul ruolo della fotografia nel mondo di oggi.

Approccio artistico
L'opera "Terra desolata" combina intuizioni ecologiche, estetica naturale filosofica e concetti storici dell'arte. La serie comprende scatti grandangolari e lunghi tempi di esposizione che catturano l'estetica e gli sviluppi profondi dei paesaggi di brughiera. Immagini a colori e in bianco e nero, stampe di sale e carta fatta a mano dall'acqua della brughiera combinano il mezzo fotografico con la materialità della brughiera e creano un'esperienza sensuale dei temi ecologici. "Con la mia fotografia voglio mostrare la cancellazione del paesaggio originale", spiega l'artista. "Se riusciamo a cambiare il nostro comportamento nei confronti della natura, queste immagini documentano le conseguenze dei nostri errori. In caso contrario, la perdita di un habitat prezioso, compreso il nostro".

La mostra è patrocinata dal Ministero dell'Identità Regionale, delle Comunità e degli Enti Locali, dell'Edilizia e della Digitalizzazione dello Stato della Renania Settentrionale-Vestfalia.

Insights into moorland landscapes
"ödes land" reflects the human connection to moors, in particular the large peat bog in the Minden-Lübbecke district. With the exhibition of Johannes Hüffmeier's work, the Kunstraum Elsa, organized by Prof. Katharina Bosse, is dedicated to the important raised bog in North Rhine-Westphalia, which is a unique habitat for many endangered animal and plant species. It has undergone dramatic changes due to human intervention and anthropogenic climate change. The photographer explains: "95 percent of the moors in Germany have been drained. They have been drained for economic reasons and their ecosystems have been irreversibly disrupted as a result." He documents these dramatic changes with his camera and questions the value and role of photography in today's world.

Artistic approach
The work "desolate land" combines ecological insights, philosophical natural aesthetics and art historical concepts. The series comprises wide-angle shots and long exposure times that take up the aesthetics and profound developments of moorland landscapes. Color and black and white images, salt prints and handmade paper from moor water combine the medium of photography with the materiality of the moors and create a sensual experience of ecological themes. "With my photography, I want to show the erasure of the original landscape," explains the artist. "If we manage to change our behavior towards nature, these visuals document the consequences of our mistakes. If not, the loss of valuable habitat - including our own."

The exhibition is sponsored by the Ministry of Regional Identity, Communities and Local Government, Building and Digitalization of the State of North Rhine-Westphalia.

(Text: Kunstraum Elsa, Bielefeld)

Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen in Monschau
23. Juni - 15. September 2024

Sie muss nicht immer schillernd sein. Modefotografie
Eve Arnold, Sibylle Bergemann, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Gerti Deutsch, Lotte Jacobi, Barbara Klemm, Hermann Landshoff, Robert Lebeck, Cristina de Middel, Inge Morath, Martin Munkácsi, Ruth Orkin, Martin Parr, Max Scheler, Jérôme Sessini, Hugo Thomassen, Alex Webb, Donata Wenders, Isabelle Wenzel, Yva

Zwischen dem 23. Juni und dem 15. September steht das Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen ganz im Zeichen der Mode. Rund 160 Arbeiten namhafter Künstler_innen wie Henri Cartier-Bresson, Lotte Jacobi oder Robert Capa ermöglichen einen Einblick in rund 100 Jahre des Genres der Modefotografie, die aus unserem Alltag, Dank großer Plakate und zahlreicher Magazine, nicht wegzudenken ist.

Die Wechselbeziehung zwischen Mode und Fotografie ist fast so alt, wie das künstlerische Medium selbst. Mitte des 19. Jahrhunderts entstanden die ersten Vorläufer: Adolphe Braun hielt die Comtesse Virginia Oldoini am Hof Napoleons III. in verschiedenen Kleidern fest. Die Edeldame gilt damit als das erste Fotomodel der Geschichte. Bei einem Ausstellungsrundgang zeigt sich, welche Tendenzen und Ideen seitdem in die Modefotografie Einzug gehalten haben.

Aufnahmen aus den 1920er und 30er Jahren präsentieren die zarten Anfänge der Modefotografie. Mondän begegnen den Besucher_innen die Models beispielsweise bei Yva. Die als Else Ernestine Neulaender geborene Fotografin spezialisierte sich 1927 mit ihrem Studio auf Aufnahmen für Zeitschriften und Magazine. Statt eines ausstaffierten Studios mit historisierten Requisiten setzte Yva auf moderne Aufnahmetechniken, die sich insbesondere durch eine piktoralistisch verschwommene Lichtsetzung in leeren Räumen auszeichnet.

Fotograf_innen wie Hermann Landshoff bringen die neuste Haute Couture mit Beginn der 1950er Jahre auf die Straße, hinein ins öffentliche Leben. Statt in theatralischen Posen, hält Landshoff die Models auf dem Fahrrad, im Luftsprung oder unter Wasser fest. Durch den bewussten Einsatz von Bewegungsunschärfe sowie außergewöhnliche Perspektiven wirken die Aufnahmen ungezwungen und spontan. „Die Aufnahmen Hermann Landshoffs waren für die damalige Zeit bahnbrechend“, erläutert die Kuratorin und Leiterin des Fotografie-Forums Dr. Nina Mika-Helfmeier, „Sie versprühen eine ungeahnte Leichtigkeit und zeigen ein neuartiges Lebensgefühl. Spannend ist nicht zuletzt, dass hier auch ein neues und authentischeres Frauenbild propagiert wird.“

Die Ausstellung gewährt ebenso Einblicke hinter die Kulissen der Modeindustrie. Eve Arnold porträtierte 1950 eine Modenschau von Afro-Amerikanerinnen in Harlem. Die sensible Studie hält eine marginalisierte Community fest, die in der damals weiß-geprägten Modeindustrie keinen Platz zugestanden bekam und ihre Runway-Shows selbst organisierte. Einige Jahre später zeigt Inge Morath, mit welchem Aufwand neue Kollektionen in der Modehauptstadt Paris inszeniert werden. Unter dem Thema „Die Schöne und das Biest“, werden mondän gekleidete Models mitsamt großen Hunden über den Laufsteg geschickt und von den umgebenden Fotograf_innen bestmöglich in Szene gesetzt.

Neue fotografische Positionen wie Martin Parr, Cristina de Middel oder Jérôme Sessini zeigen innerhalb der Schau ungewöhnliche und farbenfrohe Wege der Präsentation von Fashion-Items. Die Wuppertaler Künstlerin Isabelle Wenzel geht sogar so weit, die Beziehung zwischen Fotografin und Model gänzlich aufzulösen - meist ist sie beides in Personalunion. Mithilfe des Selbstauslösers inszeniert sie sich in akrobatischen Posen. Die Kleidungsstücke erlangen dadurch eine eigene skulpturale Qualität. Die Grenzen zwischen künstlerischer Fotografie und klassischer Modefotografie verschwimmen hier zusehends.

In einem spanungsvollen Miteinander verdeutlichen die Aufnahmen, welche Grenzen die Modefotografie in fast hundert Jahren ausgetestet hat. Schlaglichtartig geben die fotografischen Positionen darüber hinaus Aufschluss über die Wechselwirkung zwischen Mode, gesellschaftlichen Veränderungen und historischen Ereignissen.

Entre le 23 juin et le 15 septembre, le forum de la photographie de la région urbaine d'Aix-la-Chapelle sera entièrement placé sous le signe de la mode. Environ 160 œuvres d'artistes de renom comme Henri Cartier-Bresson, Lotte Jacobi ou Robert Capa permettent de se faire une idée de près de 100 ans du genre de la photographie de mode, qui fait partie intégrante de notre quotidien, grâce aux grandes affiches et aux nombreux magazines.

L'interdépendance entre la mode et la photographie est presque aussi ancienne que le médium artistique lui-même. Les premiers précurseurs sont apparus au milieu du 19e siècle : Adolphe Braun a immortalisé la comtesse Virginia Oldoini à la cour de Napoléon III dans différentes robes. La noble dame est ainsi considérée comme le premier modèle photographique de l'histoire. Une visite de l'exposition permet de découvrir les tendances et les idées qui ont depuis fait leur entrée dans la photographie de mode.

Des photos des années 1920 et 1930 présentent les débuts délicats de la photographie de mode. Les modèles d'Yva, par exemple, sont lunaires. Née Else Ernestine Neulaender, cette photographe s'est spécialisée en 1927 dans les prises de vue pour les revues et les magazines. Au lieu d'un studio aménagé avec des accessoires historiés, Yva a misé sur des techniques de prise de vue modernes, qui se caractérisent notamment par un éclairage flou et pictural dans des espaces vides.

Au début des années 1950, des photographes comme Hermann Landshoff font descendre la toute nouvelle haute couture dans la rue, dans la vie publique. Au lieu de prendre des poses théâtrales, Landshoff immortalise les mannequins à vélo, en plein saut aérien ou sous l'eau. Grâce à l'utilisation délibérée du flou de mouvement ainsi qu'à des perspectives inhabituelles, les prises de vue paraissent décontractées et spontanées. "Les clichés de Hermann Landshoff étaient révolutionnaires pour l'époque", explique Nina Mika-Helfmeier, curatrice et directrice du Forum de la photographie, "Vous dégagez une légèreté insoupçonnée et montrez un nouveau mode de vie. Ce qui est notamment passionnant, c'est que l'on y propage aussi une image nouvelle et plus authentique de la femme".

L'exposition donne également un aperçu des coulisses de l'industrie de la mode. En 1950, Eve Arnold a fait le portrait d'un défilé de mode de femmes afro-américaines à Harlem. Cette étude sensible immortalise une communauté marginalisée qui n'avait pas sa place dans l'industrie de la mode, alors dominée par les Blancs, et qui organisait elle-même ses défilés. Quelques années plus tard, Inge Morath montre avec quel effort les nouvelles collections sont mises en scène à Paris, la capitale de la mode. Sous le thème "La Belle et la Bête", des mannequins habillés de manière mondaine et accompagnés de grands chiens sont envoyés sur le podium et mis en scène de la meilleure manière possible par les photographes qui les entourent.

De nouvelles positions photographiques telles que Martin Parr, Cristina de Middel ou Jérôme Sessini montrent au sein de l'exposition des manières inhabituelles et colorées de présenter des articles de mode. L'artiste de Wuppertal Isabelle Wenzel va même jusqu'à dissoudre complètement la relation entre photographe et modèle - la plupart du temps, elle est les deux à la fois. À l'aide du retardateur, elle se met en scène dans des poses acrobatiques. Les vêtements acquièrent ainsi une qualité sculpturale propre. Les frontières entre la photographie artistique et la photographie de mode classique s'estompent ici à vue d'œil.

Dans une cohabitation pleine de tension, les photos illustrent les limites que la photographie de mode a testées en presque cent ans. Les positions photographiques donnent en outre un aperçu de l'interaction entre la mode, les changements sociaux et les événements historiques.

Tra il 23 giugno e il 15 settembre, il Forum della fotografia della StädteRegion Aachen è tutto dedicato alla moda. Circa 160 opere di artisti rinomati come Henri Cartier-Bresson, Lotte Jacobi e Robert Capa offrono una panoramica di circa 100 anni del genere della fotografia di moda, che è diventato parte integrante della nostra vita quotidiana grazie ai grandi manifesti e alle numerose riviste.

L'interrelazione tra moda e fotografia è antica quasi quanto il mezzo artistico stesso. I primi precursori emersero a metà del XIX secolo: Adolphe Braun immortalò la contessa Virginia Oldoini alla corte di Napoleone III con diversi abiti. La nobildonna è quindi considerata la prima modella fotografica della storia. La visita alla mostra rivela le tendenze e le idee che da allora hanno trovato spazio nella fotografia di moda.

Le fotografie degli anni '20 e '30 presentano i teneri inizi della fotografia di moda. I visitatori incontreranno, ad esempio, le modelle nello stile alla moda di Yva. Nata Else Ernestine Neulaender, la fotografa si specializzò nella realizzazione di immagini per riviste e periodici con il suo studio nel 1927. Invece di uno studio arredato con oggetti di scena storicizzati, Yva si affidò a tecniche di ripresa moderne, caratterizzate in particolare da un'illuminazione pittoricamente sfocata in stanze vuote.

Fotografi come Hermann Landshoff portarono l'ultima haute couture dei primi anni Cinquanta nelle strade e nella vita pubblica. Invece di pose teatrali, Landshoff immortalava le modelle in bicicletta, saltando in aria o sott'acqua. Grazie all'uso deliberato della sfocatura del movimento e di prospettive insolite, le fotografie appaiono non forzate e spontanee. "Le fotografie di Hermann Landshoff erano all'avanguardia per l'epoca", spiega la curatrice e direttrice del Forum di Fotografia Nina Mika-Helfmeier, "emanano una leggerezza inimmaginabile e mostrano un nuovo atteggiamento nei confronti della vita. Infine, ma non per questo meno importante, è emozionante che qui si diffonda un'immagine nuova e più autentica della donna".

La mostra offre anche uno sguardo dietro le quinte dell'industria della moda. Eve Arnold ha ritratto una sfilata di donne afroamericane ad Harlem nel 1950. Lo studio sensibile cattura una comunità emarginata che non trovava spazio nell'industria della moda allora dominata dai bianchi e che organizzava le proprie sfilate. Qualche anno dopo, Inge Morath mostra lo sforzo che comporta l'allestimento di nuove collezioni nella capitale della moda, Parigi. Con il tema "La bella e la bestia", le modelle vestite alla moda vengono mandate in passerella con grandi cani e messe in scena nel miglior modo possibile dai fotografi circostanti.

Nuove posizioni fotografiche come Martin Parr, Cristina de Middel e Jérôme Sessini mostrano modi insoliti e colorati di presentare gli articoli di moda all'interno della mostra. L'artista di Wuppertal Isabelle Wenzel arriva persino a dissolvere completamente il rapporto tra fotografo e modella - di solito entrambi sono in unione personale. Utilizzando l'autoscatto, si mette in scena in pose acrobatiche. Questo conferisce agli abiti una qualità scultorea propria. I confini tra la fotografia artistica e la fotografia di moda classica diventano sempre più labili.

In un'emozionante interazione, le fotografie illustrano i confini che la fotografia di moda ha messo alla prova per quasi cento anni. Le posizioni fotografiche fanno anche luce sull'interazione tra moda, cambiamenti sociali ed eventi storici.

Between June 23 and September 15, the Photography Forum of the StädteRegion Aachen is all about fashion. Around 160 works by renowned artists such as Henri Cartier-Bresson, Lotte Jacobi and Robert Capa provide an insight into around 100 years of the genre of fashion photography, which has become an integral part of our everyday lives thanks to large posters and numerous magazines.

The interrelationship between fashion and photography is almost as old as the artistic medium itself. The first precursors emerged in the middle of the 19th century: Adolphe Braun captured the Comtesse Virginia Oldoini at the court of Napoleon III in various dresses. The noblewoman is therefore regarded as the first photographic model in history. A tour of the exhibition reveals the trends and ideas that have since found their way into fashion photography.

Photographs from the 1920s and 30s present the delicate beginnings of fashion photography. Visitors will encounter the models in Yva's fashion show, for example. Born Else Ernestine Neulaender, the photographer set up her studio in 1927 to specialize in photographs for magazines and periodicals. Instead of a furnished studio with historicized props, Yva relied on modern shooting techniques, which are characterized in particular by a pictorialistically blurred lighting in empty rooms.

Photographers like Hermann Landshoff brought the latest haute couture from the early 1950s onto the street, into public life. Instead of theatrical poses, Landshoff captured the models on bicycles, jumping in the air or under water. Through the deliberate use of motion blur and unusual perspectives, the shots appear unforced and spontaneous. "Hermann Landshoff's photographs were groundbreaking for the time," explains curator and director of the Photography Forum Dr. Nina Mika-Helfmeier, "They exude an undreamt-of lightness and show a new attitude to life. Last but not least, it is exciting that a new and more authentic image of women is being propagated here."

The exhibition also provides insights behind the scenes of the fashion industry. Eve Arnold portrayed a fashion show of African-American women in Harlem in 1950. The sensitive study captures a marginalized community that was not given a place in the then white-dominated fashion industry and organized its own runway shows. A few years later, Inge Morath shows the effort that goes into staging new collections in the fashion capital of Paris. Under the theme "Beauty and the Beast", fashionably dressed models are sent down the catwalk with large dogs and staged in the best possible way by the surrounding photographers.

New photographic positions such as Martin Parr, Cristina de Middel and Jérôme Sessini show unusual and colorful ways of presenting fashion items within the show. The Wuppertal artist Isabelle Wenzel even goes so far as to completely dissolve the relationship between photographer and model - she is usually both in personal union. She uses the self-timer to stage herself in acrobatic poses. This gives the garments a sculptural quality of their own. The boundaries between artistic photography and classic fashion photography become increasingly blurred here.

In an exciting interplay, the photographs illustrate the boundaries that fashion photography has been testing for almost a hundred years. The photographic positions also shed light on the interaction between fashion, social changes and historical events.

(Text: Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen in Monschau)

LVR-Landesmuseum Bonn
16. Mai – 15. September 2024

Fotografieren, was ist
Dirk Reinartz

Das LVR-Landesmuseum Bonn zeigt die erste große Retrospektive des bedeutenden Fotojournalisten und Bildautors Dirk Reinartz (1947–2004). Zwanzig Jahre nach seinem frühen Tod richtet sich der Blick auf sein umfassendes Œuvre, das ihn als herausragenden Fotografen der späten Bundesrepublik und des wiedervereinten Deutschland auszeichnet.

Ob bei seinen frühen Auslandsreportagen, etwa für den Stern in Japan, oder in seinen freien Bildserien aus der deutschen Provinz: Reinartz gelingt es, durch eine präzise und pointierte Bildsprache gesellschaftspolitische Entwicklungen, kulturelle Umbrüche und konkrete Lebenssituationen von Menschen in feinsinnigen fotografischen Erzählungen festzuhalten.

Zentrales Thema in Reinartzʼ Arbeiten ist die Beschäftigung mit Deutschland und den Deutschen. Zeit seines Lebens war er auf der Suche nach Motiven, in denen sich eine deutsche Identität zu erkennen gibt, mit all ihren Widersprüchen und historischen Verankerungen: vom Kleinstadtwesen am Beispiel Buxtehudes bis zur großen gesellschaftlichen Neuorientierung nach 1989. In Publikationen wie »Kein schöner Land« (1989) oder »Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler« (1991) beleuchtete Reinartz die deutsche Erinnerungskultur und das Fortdauern der Vergangenheit im Gegenwärtigen. In »totenstill« (1994), einer Auseinandersetzung mit den baulichen Überresten nationalsozialistischer Konzentrationslager, fragte er nach der Darstellbarkeit des Schreckens.

Reinartzʼ Arbeiten erschienen in vielen großen Zeitschriften wie dem Spiegel, in den Magazinen der Süddeutschen Zeitung und der ZEIT sowie in der Kunstzeitschrift art. Die Ausstellung vergegenwärtigt Dirk Reinartzʼ Schaffen entlang jener Spannungsfelder, die ihn zeitlebens beschäftigt haben, etwa Macht und Ohnmacht, Nähe und Ferne, Geschichte und Gegenwart.

Die Ausstellung entsteht in Zusammenarbeit mit der Deutschen Fotothek Dresden und der Stiftung F. C. Gundlach Hamburg .

Le LVR-Landesmuseum de Bonn présentera la première grande rétrospective de l'éminent photojournaliste et auteur d'images Dirk Reinartz (1947-2004). Vingt ans après sa mort prématurée, le regard se porte sur son œuvre complète, qui le distingue comme un photographe exceptionnel de la fin de la République fédérale d'Allemagne et de l'Allemagne réunifiée.

Que ce soit dans ses premiers reportages à l'étranger, par exemple pour le Stern au Japon, ou dans ses séries d'images libres de la province allemande, Reinartz parvient, grâce à un langage visuel précis et pointu, à capturer les évolutions sociopolitiques, les bouleversements culturels et les situations concrètes de la vie des gens dans des récits photographiques subtils.

Le thème central des travaux de Reinartzʼ est l'étude de l'Allemagne et des Allemands. Toute sa vie, il a été à la recherche de motifs dans lesquels se reconnaît une identité allemande, avec toutes ses contradictions et ses ancrages historiques : de la petite ville à lʼexemple de Buxtehude à la grande réorientation sociale après 1989. Dans des publications comme "Kein schöner Land" (1989) ou "Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler" (1991), Reinartz a mis en lumière la culture de la mémoire allemande et la persistance du passé dans le présent. Dans "totenstill" (1994), une réflexion sur les vestiges architecturaux des camps de concentration nationaux-socialistes, il s'est interrogé sur la possibilité de représenter l'horreur.

Les travaux de Reinartzʼ ont été publiés dans de nombreux grands magazines comme le Spiegel, dans les magazines du Süddeutsche Zeitung et du ZEIT ainsi que dans la revue artistique art. Lʼexposition présente lʼœuvre de Dirk Reinartzʼ en suivant les champs de tension qui lʼont occupé toute sa vie, comme le pouvoir et lʼimpuissance, la proximité et la distance, lʼhistoire et le présent.

Lʼexposition est réalisée en collaboration avec la Deutsche Fotothek de Dresde et la fondation F. C. Gundlach Hambourg.

Il LVR-Landesmuseum di Bonn presenterà la prima grande retrospettiva dell'importante fotoreporter e autore Dirk Reinartz (1947-2004). A vent'anni dalla sua prematura scomparsa, l'attenzione si concentrerà sulla sua vasta opera, che lo caratterizza come fotografo di spicco della tarda Repubblica Federale e della Germania riunificata.

Sia nei suoi primi reportage all'estero, ad esempio per la rivista Stern in Giappone, sia nelle sue serie di immagini libere dalle province tedesche, Reinartz è riuscito a catturare gli sviluppi socio-politici, gli sconvolgimenti culturali e le situazioni concrete di vita delle persone in sottili narrazioni fotografiche utilizzando un linguaggio visivo preciso e puntuale.

Il tema centrale del lavoro di Reinartz è la sua preoccupazione per la Germania e i tedeschi. Per tutta la vita è stato alla ricerca di motivi in cui si potesse riconoscere un'identità tedesca, con tutte le sue contraddizioni e i suoi ancoraggi storici: dalla vita di provincia con l'esempio di Buxtehude al grande riorientamento sociale dopo il 1989. In pubblicazioni come "Kein schöner Land" (1989) o "Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler" (1991), Reinartz ha fatto luce sulla cultura tedesca del ricordo e sulla persistenza del passato nel presente. In "totenstill" (1994), un esame dei resti architettonici dei campi di concentramento nazionalsocialisti, ha messo in discussione la rappresentabilità dell'orrore.

Il lavoro di Reinartz è apparso in molte riviste importanti come Der Spiegel, nelle riviste Süddeutsche Zeitung e ZEIT e nella rivista dʼarte art. La mostra presenta lʼopera di Dirk Reinartz secondo le aree di tensione che lo hanno occupato per tutta la vita, come il potere e lʼimpotenza, la vicinanza e la distanza, il passato e il presente.

La mostra è organizzata in collaborazione con la Deutsche Fotothek Dresden e la F. C. Gundlach di Amburgo.

The LVR-Landesmuseum Bonn will be showing the first major retrospective of the important photojournalist and author Dirk Reinartz (1947-2004). Twenty years after his untimely death, the focus will be on his extensive oeuvre, which distinguishes him as an outstanding photographer of the late Federal Republic and reunified Germany.

Whether in his early foreign reportages, for example for Stern magazine in Japan, or in his free image series from the German provinces, Reinartz succeeded in capturing socio-political developments, cultural upheavals and concrete life situations of people in subtle photographic narratives using a precise and pointed visual language.

The central theme in Reinartzʼ work is his preoccupation with Germany and the Germans. Throughout his life, he was in search of motifs in which a German identity could be recognized, with all its contradictions and historical anchoring: from small-town life in the example of Buxtehude to the great social reorientation after 1989. In publications such as "Kein schöner Land" (1989) or "Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler" (1991), Reinartz shed light on the German culture of remembrance and the persistence of the past in the present. In "totenstill" (1994), an examination of the architectural remains of National Socialist concentration camps, he questioned the representability of horror.

Reinartzʼs work has appeared in many major magazines such as Der Spiegel, in the Süddeutsche Zeitung and ZEIT magazines and in the art magazine art. The exhibition visualizes Dirk Reinartzʼs work along the lines of the areas of tension that have preoccupied him throughout his life, such as power and powerlessness, proximity and distance, past and present.

The exhibition is being organized in collaboration with the Deutsche Fotothek Dresden and the Stiftung F. C. Gundlach Foundation Hamburg

(Text: LVR-Landesmuseum Bonn)

Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen | Monschau
14. April – 16. Juni 2024

Bankgeheimnisse

Mit rund 150 Arbeiten rückt die neue Präsentation im Fotografie-Forum Monschau ein besonderes Möbelstück in den Fokus: die Bank. Sie ist aus unserem Alltag nicht wegzudenken, begegnen wir ihr doch im Park, an der Straße, im Bahnhof oder im Wartezimmer. Das Bänke Schauplätze für ganz unterschiedliche Geschichten sind, beweisen die 28 präsentierten Künstler_innen der Ausstellung. Auf der ganzen Welt haben sie Menschen auf Sitzbänken festgehalten. Ein ebenso breites Panorama bilden die fotografischen Genres: Neben klassischer Street Photography reihen sich ebenso Porträtfotos berühmter Persönlichkeiten, wie Bob Dylan oder Marilyn Monroe, und inszenierte Fotografien aneinander.

Es ist nicht die erste monothematische Ausstellung im Fotografie-Forum. Bereits im vergangenen Jahr widmete sich die Schau „The Jump“ dem Motiv des Sprungs in der Fotografie. Die Fotografien der Sitzbänke zeigen nun einzigartige und für sich abgeschlossene Geschichten, die die Imaginationskraft der Betrachtenden herausfordern. Viele der dargestellten Szenen entbehren nicht einem gewissen Humor, wie die Kuratorin und Leiterin des Fotografie-Forums Dr. Nina Mika-Helfmeier betont: „Viele in der Ausstellung vertretene Fotografen lieben skurrile Alltagsszenen, aus denen sich eine natürliche, nicht erzwungene Komik ergibt.“ Barbara Klemms Arbeit Stuttgart 1972 führt zum Beispiel drei im Park schlafende Personen durch die fotografische Linse mit einer antiken Skulptur zusammen. Bei dieser unbeabsichtigten Begegnung stellt sich die Frage, welche der Figuren eigentlich lebendig ist und warum sich zwischen ihnen eine Art seltsame Verwandtschaft bemerken lässt.

Elliott Erwitts Fotografie, die am Rande eines Jahrmarkts in Kalifornien entstanden ist, besticht ebenso durch eine gewisse Komik: Auf einer Bank sind drei einzelne Frauen versammelt, die unter einem Schild mit der Aufschrift „Lost Persons Area“ stehen. Aufgrund des verlorenen und fragenden Blicks einiger der Protagonistinnen bleibt unklar, ob hiermit der Sammelpunkt für entzweite Familien und Gruppen gemeint ist, oder sich das Schild als Kommentar zu den dort versammelt, ziemlich verloren wirkenden Frauen verstehen lässt. Die Bank fungiert hier als eigener Mikrokosmos im öffentlichen Raum, in dem spannende Begegnungen stattfinden, die manches Mal fast surreal anmuten.

Dass das Sitzmöbel ebenso als Ort der inneren Einkehr fungieren kann, zeigt eindrucksvoll Thomas Hoepkers Aufnahme eines älteren Herren im Ritan Park in Beijing. Mit seiner Pfeife hat er es sich auf einer Parkbank gemütlich gemacht. Sogar seinen Vogel hat er aus dem kleinen Käfig genommen und scheint mit ihm ein geistiges Zwiegespräch zu führen. Durch die Sonne in besonders stimmungsvolles Licht getaucht, strahlt die Fotografie eine unglaubliche Ruhe aus. Sie wirft aber ebenso Fragen danach auf, wo solche Oasen in unserer heutigen hektischen Welt noch zu finden sind.

Die Sitzbank dient innerhalb der Ausstellung als Ausgangspunkt, um Humorvolles, Skurriles aber auch Melancholisches sowie Aufrüttelndes zu entdecken. Da uns das Motiv nur allzu gut aus dem eigenen Alltag bekannt ist, bieten sich unzählige Anknüpfungspunkte, um tief in die Bilder einzutauchen und in einen empathischen Dialog mit den Dargestellten zu treten.

Die Arbeiten Jürgen Klaukes bilden im zweiten Obergeschoss einen Exkurs in die künstlerische Fotografie. Hier wird das Sitzmöbel – sorgsam inszeniert - zum eigenständigen Akteur im Bild und verweist nicht zuletzt auf grundlegende Fragen der menschlichen Existenz. Klaukes Werke schließen die inhaltliche Klammer der Schau, indem sie zeigen, welche Möglichkeiten das Medium der Fotografie eröffnet. Wenngleich alle präsentierten Arbeiten ein und dasselbe Motiv haben, könnte die Bandbreite der künstlerischen Inszenierungen nicht größer sein.

Avec près de 150 œuvres, la nouvelle présentation au Fotografie-Forum Monschau met l'accent sur un meuble particulier : le banc. Il fait partie intégrante de notre quotidien, nous le croisons dans les parcs, dans la rue, à la gare ou dans les salles d'attente. Les 28 artistes présentés dans l'exposition prouvent que les bancs sont le théâtre d'histoires très différentes. Partout dans le monde, ils ont immortalisé des personnes assises sur des bancs. Les genres photographiques sont tout aussi variés : outre la street photography classique, on trouve également des portraits de personnalités célèbres, comme Bob Dylan ou Marilyn Monroe, ainsi que des photographies mises en scène.

Ce n'est pas la première exposition monothématique du Forum de la photographie. L'année dernière déjà, l'exposition "The Jump" était consacrée au motif du saut dans la photographie. Les photographies des bancs présentent désormais des histoires uniques et indépendantes qui mettent au défi l'imagination des spectateurs. De nombreuses scènes représentées ne sont pas dénuées d'un certain humour, comme le souligne le Dr Nina Mika-Helfmeier, commissaire d'exposition et directrice du forum de la photographie : "De nombreux photographes représentés dans l'exposition aiment les scènes quotidiennes bizarres, dont il résulte un comique naturel et non forcé". Le travail de Barbara Klemm, Stuttgart 1972, réunit par exemple trois personnes dormant dans un parc et une sculpture antique à travers l'objectif photographique. Cette rencontre involontaire transmet la question de savoir laquelle des figures est en fait vivante et pourquoi une sorte d'étrange parenté peut être remarquée entre elles.

La photographie d'Elliott Erwitt, prise en marge d'une fête foraine en Californie, se distingue également par une certaine drôlerie : trois femmes seules sont réunies sur un banc, sous un panneau portant l'inscription "Lost Persons Area". Le regard perdu et interrogateur de certaines des protagonistes ne permet pas de savoir s'il s'agit d'un lieu de rassemblement pour les familles et les groupes divisés, ou si le panneau est un commentaire sur les femmes qui s'y trouvent et qui ont l'air plutôt perdues. Le banc fonctionne ici comme son propre microcosme dans l'espace public, où ont lieu des rencontres passionnantes, qui semblent parfois presque surréalistes.

La photo de Thomas Hoepker d'un homme âgé dans le parc Ritan à Pékin montre de manière impressionnante que le siège peut tout aussi bien faire office de lieu de recueillement intérieur. Il s'est installé confortablement sur un banc avec sa pipe. Il a même sorti son oiseau de sa petite cage et semble avoir avec lui un dialogue spirituel. Plongée dans une lumière particulièrement évocatrice par le soleil, la photographie dégage une incroyable sérénité. Mais elle soulève également des questions sur l'endroit où l'on peut encore trouver de telles oasis dans le monde trépidant d'aujourd'hui.

Le banc sert de point de départ à l'exposition pour découvrir des choses humoristiques, bizarres, mais aussi mélancoliques et bouleversantes. Comme ce motif ne nous est que trop familier dans notre propre quotidien, d'innombrables points d'ancrage s'offrent à nous pour nous plonger profondément dans les visuels et entamer un dialogue empathique avec les personnes représentées.

Au deuxième étage, les travaux de Jürgen Klauke constituent une digression dans la photographie artistique. Ici, le siège - soigneusement mis en scène - devient un acteur à part entière dans le visuel et renvoie notamment à des questions fondamentales de l'existence humaine. Les œuvres de Klauke ferment la parenthèse du contenu de l'exposition en montrant les possibilités offertes par le médium de la photographie. Bien que tous les travaux présentés aient un seul et même motif, l'éventail des mises en scène artistiques ne pourrait pas être plus large.

Con circa 150 opere, la nuova presentazione al Fotografie-Forum Monschau si concentra su un mobile speciale: la panchina. È impossibile immaginare la nostra vita quotidiana senza di essa, perché la incontriamo al parco, per strada, alla stazione o nella sala d'attesa. I 28 artisti presenti in mostra dimostrano che le panchine sono lo scenario di storie molto diverse. Hanno immortalato persone sedute su panchine di tutto il mondo. I generi fotografici formano un panorama altrettanto ampio: accanto alla classica fotografia di strada, sono allineate foto di ritratti di personaggi famosi, come Bob Dylan o Marilyn Monroe, e fotografie di scena.

Questa non è la prima mostra monotematica al Fotografie-Forum. L'anno scorso, la mostra "The Jump" era dedicata al motivo del salto in fotografia. Le fotografie delle panchine mostrano ora storie uniche e autonome che sfidano l'immaginazione dello spettatore. Molte delle scene rappresentate non sono prive di un certo umorismo, come sottolinea la curatrice e direttrice del Forum di Fotografia Nina Mika-Helfmeier: "Molti dei fotografi rappresentati nella mostra amano le scene quotidiane eccentriche, dalle quali emerge una comicità naturale e non forzata". L'opera Stuttgart 1972 di Barbara Klemm, ad esempio, mette insieme tre persone che dormono in un parco e una scultura antica attraverso l'obiettivo fotografico. Questo incontro involontario solleva la questione di quale delle figure sia effettivamente viva e perché si possa riconoscere una sorta di strana parentela tra loro.

Anche la fotografia di Elliott Erwitt, scattata ai margini di un luna park in California, affascina con una certa comicità: tre donne singole sono riunite su una panchina, in piedi sotto un cartello con la scritta "Lost Persons Area". A causa dello sguardo smarrito e interrogativo di alcune delle protagoniste, non è chiaro se questo si riferisca al punto d'incontro di famiglie e gruppi separati, o se il cartello possa essere inteso come un commento sulle donne dall'aria un po' smarrita lì riunite. La panchina funziona come un microcosmo nello spazio pubblico, in cui avvengono incontri emozionanti che a volte sembrano quasi surreali.

La fotografia di Thomas Hoepker che ritrae un anziano signore nel Parco Ritan di Pechino mostra in modo impressionante che la panchina può funzionare anche come luogo di contemplazione interiore. L'uomo si è messo comodo su una panchina del parco con la sua pipa. Ha persino tirato fuori il suo uccellino dalla gabbietta e sembra avere un dialogo mentale con lui. Bagnata dalla luce particolarmente atmosferica del sole, la fotografia irradia un incredibile senso di calma. Tuttavia, solleva anche domande su dove si possano ancora trovare tali oasi nel mondo frenetico di oggi.

La panchina serve come punto di partenza all'interno della mostra per scoprire cose umoristiche, bizzarre ma anche malinconiche e inquietanti. Poiché il motivo ci è fin troppo familiare nella vita di tutti i giorni, ci sono innumerevoli punti di riferimento per immergersi nelle immagini ed entrare in un dialogo empatico con le persone raffigurate.

Le opere di Jürgen Klauke al primo piano costituiscono un'escursione nella fotografia artistica. Qui, i mobili delle sedute - accuratamente messi in scena - diventano protagonisti indipendenti dell'immagine e rimandano, non da ultimo, a questioni fondamentali dell'esistenza umana. Le opere di Klauke chiudono la parentesi tematica della mostra dimostrando le possibilità aperte dal mezzo fotografico. Sebbene tutte le opere presentate abbiano lo stesso motivo, la gamma di allestimenti artistici non potrebbe essere più ampia.

With around 150 works, the new presentation at the Fotografie-Forum Monschau focuses on a special piece of furniture: the bench. It is impossible to imagine our everyday lives without it, as we encounter it in the park, on the street, in the train station or in the waiting room. The 28 artists featured in the exhibition prove that benches are the setting for very different stories. They have captured people sitting on benches all over the world. The photographic genres form an equally broad panorama: alongside classic street photography, portraits of famous personalities, such as Bob Dylan or Marilyn Monroe, and staged photographs line up next to each other.

This is not the first monothematic exhibition at the Fotografie-Forum. Last year, the show "The Jump" was already dedicated to the motif of the jump in photography. The photographs of the benches now show unique and self-contained stories that challenge the viewer's imagination. Many of the scenes depicted are not without a certain humor, as the curator and director of the Photography Forum Dr. Nina Mika-Helfmeier points out: "Many of the photographers represented in the exhibition love quirky everyday scenes, from which a natural, unforced comedy emerges." Barbara Klemm's work Stuttgart 1972, for example, brings together three people sleeping in a park with an antique sculpture through the photographic lens. This unintentional encounter raises the question of which of the figures is actually alive and why a kind of strange kinship can be noticed between them.

Elliott Erwitt's photograph, taken at the edge of a funfair in California, also captivates with a certain comedy: three individual women are gathered on a bench, standing under a sign that reads "Lost Persons Area". Due to the lost and questioning gaze of some of the protagonists, it remains unclear whether this refers to the gathering point for separated families and groups, or whether the sign can be understood as a commentary on the rather lost-looking women gathered there. The bench functions here as its own microcosm in the public space, in which exciting encounters take place that sometimes seem almost surreal.

Thomas Hoepker's photograph of an elderly gentleman in Ritan Park in Beijing impressively shows that the bench can also function as a place of inner contemplation. He has made himself comfortable on a park bench with his pipe. He has even taken his bird out of its small cage and seems to be having a mental conversation with it. Bathed in particularly atmospheric light by the sun, the photograph radiates an incredible sense of calm. However, it also raises questions about where such oases can still be found in today's hectic world.

Within the exhibition, the bench serves as a starting point for discovering the humorous, the bizarre, but also the melancholy and the uplifting. As we are all too familiar with the motif from our own everyday lives, there are countless points of reference to immerse ourselves in the visuals and enter into an empathetic dialog with the people depicted.

Jürgen Klauke's works on the second floor form an excursion into artistic photography. Here, the seating furniture - carefully staged - becomes an independent protagonist in the visuals and refers not least to fundamental questions of human existence. Klauke's works close the thematic bracket of the show by demonstrating the possibilities opened up by the medium of photography. Although all the works presented have one and the same motif, the range of artistic stagings could not be greater.

(Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen, Monschau)

in focus Galerie | Köln
23. März – 15. August 2024

The Day May Break, Kapitel 1 – 3
Nick Brandt

Die in focus Galerie, Burkhard Arnold in Köln, freut sich Nick Brandt mit seiner Serie „The Day May Break“ zu präsentieren. The Day May Break, ist eine fortlaufende globale Serie, die Menschen und Tiere porträtiert, die von Umweltzerstörung und Klimawandel betroffen sind.

Kapitel eins wurde 2020 in Simbabwe und Kenia fotografiert, Kapitel zwei 2022 in Bolivien. Die Menschen auf den Fotos sind alle stark vom Klimawandel betroffen, von extremen Dürren bis hin zu Überschwemmungen, die ihre Häuser und Lebensgrundlagen zerstört haben.

Die Fotos wurden in verschiedenen Auffangstationen und Naturschutzgebieten aufgenommen. Bei den Tieren handelt es sich fast ausnahmslos um Langzeit-Rettungstiere, die von der Zerstörung ihres Lebensraums bis hin zum Handel mit Wildtieren alles erlebt haben.

Diese Tiere können niemals wieder in die freie Wildbahn entlassen werden. Daher sind sie fast alle an den Menschen gewöhnt, so dass es für fremde Menschen ungefährlich war, sich ihnen zu nähern und sie zur gleichen Zeit im gleichen Bild zu fotografieren.

Der Nebel ist ein Symbol für eine natürliche Welt, die jetzt schnell aus dem Blickfeld verschwindet. Er wird von Nebelmaschinen vor Ort erzeugt und ist auch ein Echo des Rauchs der Waldbrände, die durch den Klimawandel verstärkt werden und weite Teile unseres Planeten verwüsten. Doch trotz ihres Verlustes sind diese Menschen und Tiere die Überlebenden. Und darin liegt noch eine Möglichkeit.

SINK / RISE, das dritte Kapitel von The Day May Break, befasst sich mit den Bewohnern der südpazifischen Inseln, die vom Anstieg der Ozeane infolge des Klimawandels betroffen sind. Die Einheimischen auf diesen Fotos, die im Meer vor der Küste der Fidschi-Inseln unter Wasser aufgenommen wurden, stehen stellvertretend für die vielen Menschen, deren Häuser, Land und Lebensgrundlagen in den kommenden Jahrzehnten durch den Anstieg des Wassers verloren gehen werden. Alles wurde mit der Kamera unter Wasser aufgenommen.

La galerie in focus, Burkhard Arnold à Cologne, a le plaisir de présenter Nick Brandt avec sa série "The Day May Break". The Day May Break, est une série mondiale continue qui dresse le portrait de personnes et d'animaux touchés par la dégradation de l'environnement et le changement climatique.

Le premier chapitre a été photographié en 2020 au Zimbabwe et au Kenya, le deuxième en 2022 en Bolivie. Les personnes photographiées sont toutes fortement touchées par le changement climatique, des sécheresses extrêmes aux inondations qui ont détruit leurs maisons et leurs moyens de subsistance.

Les photos ont été prises dans différents centres d'accueil et réserves naturelles. Les animaux sont presque tous des animaux de sauvetage à long terme, qui ont tout connu, de la destruction de leur habitat au commerce d'animaux sauvages.

Ces animaux ne peuvent jamais être relâchés dans la nature. C'est pourquoi ils sont presque tous habitués à l'homme, de sorte qu'il n'était pas dangereux pour des inconnus de les approcher et de les photographier en même temps sur le même visuel.

Le brouillard est le symbole d'un monde naturel qui disparaît maintenant rapidement de la vue. Créée sur place par des machines à fumée, elle fait également écho à la fumée des incendies de forêt, amplifiés par le changement climatique et qui ravagent de vastes zones de notre planète. Mais malgré leur perte, ces personnes et ces animaux sont les survivants. Et c'est là que réside une autre possibilité.

SINK / RISE, le troisième chapitre de The Day May Break, s'intéresse aux habitants des îles du Pacifique Sud qui sont touchés par la montée des océans due au changement climatique. Les habitants de ces photos, prises sous l'eau dans l'océan au large des îles Fidji, sont représentatifs des nombreuses personnes dont les maisons, les terres et les moyens de subsistance seront perdus dans les décennies à venir en raison de la montée des eaux. Tout a été pris sous l'eau avec un appareil photo.

La galleria in focus Burkhard Arnold di Colonia è lieta di presentare Nick Brandt con la sua serie "The Day May Break". The Day May Break è una serie globale in corso che ritrae persone e animali colpiti dal degrado ambientale e dai cambiamenti climatici.

Il primo capitolo è stato fotografato in Zimbabwe e Kenya nel 2020, il secondo in Bolivia nel 2022. Tutte le persone ritratte sono state gravemente colpite dai cambiamenti climatici, da siccità estreme a inondazioni che hanno distrutto le loro case e i loro mezzi di sostentamento.

Le foto sono state scattate in vari santuari e riserve naturali. Quasi senza eccezione, si tratta di animali soccorsi a lungo termine, che hanno subito qualsiasi cosa, dalla distruzione dell'habitat al traffico di animali selvatici.

Questi animali non possono mai essere rilasciati in natura. Pertanto, sono quasi tutti abituati all'uomo, per cui era sicuro per gli estranei avvicinarsi a loro e fotografarli contemporaneamente nella stessa inquadratura.

La nebbia è il simbolo di un mondo naturale che sta rapidamente scomparendo. Creata da macchine per la nebbia a terra, è anche un'eco del fumo degli incendi boschivi che vengono esacerbati dal cambiamento climatico e che devastano ampie zone del nostro pianeta. Ma nonostante la perdita, queste persone e questi animali sono i sopravvissuti. E qui sta un'altra possibilità.

SINK / RISE, il terzo capitolo di The Day May Break, si concentra sugli abitanti delle isole del Pacifico meridionale colpite dall'innalzamento degli oceani dovuto ai cambiamenti climatici. Gli abitanti di queste foto, scattate sott'acqua nell'oceano al largo delle coste delle Fiji, sono rappresentativi delle molte persone le cui case, terre e mezzi di sostentamento andranno persi nei prossimi decenni a causa dell'innalzamento delle acque. Tutto è stato scattato sott'acqua con una macchina fotografica.

The in focus gallery, B. Arnold in Cologne, is pleased to present: Nick Brandt: The Day May Break, is an ongoing global series portraying people and animals that have been impacted by environmental degradation and destruction.

Chapter One was photographed in Zimbabwe and Kenya in 2020, Chapter Two in Bolivia in 2022. The people in the photos have all been badly affected by climate change, from extreme droughts to floods that destroyed their homes and livelihoods.

The photographs were taken at several sanctuaries and conservancies. The animals are almost all long-term rescues, victims of everything from habitat destruction to wildlife trafficking. These animals can never be released back into the wild. As a result, they are almost all habituated to humans, and so it was safe for human strangers to be close to them, photographed in the same frame at the same time.

The fog is symbolic of a natural world now rapidly fading from view. Created by fog machines on location, it is also an echo of the smoke from wildfires, intensified by climate change, devastating so much of the planet. However, in spite of their loss, these people and animals are the survivors. And therein still lies possibility.

SINK / RISE, the third chapter of The Day May Break, focuses on South Pacific Islanders impacted by rising oceans from climate change. The local people in these photos, photographed underwater in the ocean off the coast of the Fijian islands, are representatives of the many people whosehomes, land and livelihoods will be lost in the coming decades as the water rises. Everything is shot in-camera underwater.

(Text: in focus Galerie, Köln)

Kunstraum Elsa | Bielefeld
8. März – 5. April 2024

A worm crossed the street / Weggefährten
Nadja Bournonville, Yana Wernicke

Seit dem Beginn der Fotografie sind Tiere gern gesehene Motive vor unseren Kameras. Doch zwischen witzigen Katzenvideos und bildgewaltigen Naturdokumentationen bleibt dieser Blick stets selektiv. Unliebsame Bilder, die das Tier etwa im Kontext unserer Lebensmittelindustrie zeigen, werden zumeist ausgeblendet.

Wie jedoch können Bilder aussehen, die abseits von diesen konventionellen Blickwinkeln das Tier als ein fühlendes und denkendes Gegenüber sichtbar machen? Wie hat sich der Blick des Menschen auf die Welt der Tiere konstituiert?

Diesen Fragen widmen sich Nadja Bournonville und Yana Wernicke in ihren Arbeiten, die von der Koexistenz und dem Miteinander von Mensch und Tier handeln.

Für die Arbeit ‚Companions / Weggefährten‘ hat Yana Wernicke (*1990, wohnhaft in einer Kleinstadt nahe Frankfurt/M) zwei junge Frauen begleitet, die Kühe, Schweine und Gänse vor dem Schlachthof retten und mit ihnen in einer selbstgewählten Gemeinschaft zusammenleben. Sie geht der Frage nach, was es heißt, sich um fühlende Lebewesen zu kümmern und wie ein würdevolles Tierleben in einer menschengemachten Welt aussehen kann. Weit entfernt von einem ‚heile-Welt‘-Kitsch, entwirft Yana Wernicke dabei eine tief poetische Erzählung von Freundschaft und Respekt.

Nadja Bournonville (*1983 Schweden, wohnhaft in Berlin) hat für ihre Arbeit 'A worm crossed the street' im Naturhistorischen Museum Wien hunderte Präparate fotografiert die vom Sammeln, Klassifizieren und letztendlich auch vom Verschwinden der Arten berichten. Die von ihr fotografierte wissenschaftliche Sammlung, deren Anfänge zurück bis ins 18. Jahrhundert reichen und somit den Beginn des Anthropozäns* markieren, wird hierbei zu einer Zeitkapsel.

Fasziniert von den Formen und Texturen der Präparate erschafft Nadja Bournonville eigene Bildwelten, die eine trügerische Ruhe ausstrahlen. In ihren Fotografien wird nicht nur die Faszination des Menschen an dem Wissen um die Tierwelt sichtbar und somit die Aneignung dessen, sondern auch das Aussterben der Arten über die Jahrhunderte.

Depuis le début de la photographie, les animaux sont des sujets appréciés devant nos caméras. Mais entre les vidéos de chats amusantes et les documentaires sur la nature aux images violentes, ce regard reste toujours sélectif. Les visuels déplaisants, qui montrent l'animal dans le contexte de notre industrie alimentaire, sont le plus souvent occultés.

Mais à quoi peuvent ressembler des visuels qui, en dehors de ces points de vue conventionnels, rendent l'animal visible en tant que partenaire sensible et pensant ? Comment le regard de l'homme sur le monde animal s'est-il constitué ?

C'est à ces questions que se consacrent Nadja Bournonville et Yana Wernicke dans leurs travaux qui traitent de la coexistence et de la cohabitation entre l'homme et l'animal.

Pour le travail 'Companions / Weggefährten', Yana Wernicke (*1990, habitant une petite ville près de Francfort/M) a suivi deux jeunes femmes qui sauvent des vaches, des cochons et des oies de l'abattoir et vivent avec eux dans une communauté qu'elles ont choisie. Elle se penche sur la question de savoir ce que signifie prendre soin d'êtres vivants sensibles et à quoi peut ressembler une vie animale digne dans un monde fabriqué par l'homme. Loin du kitsch du 'meilleur des mondes', Yana Wernicke crée un récit profondément poétique sur l'amitié et le respect.

Nadja Bournonville (née en 1983 en Suède et vivant à Berlin) a photographié pour son travail 'A worm crossed the street' au Musée d'histoire naturelle de Vienne des centaines de spécimens qui racontent la collecte, la classification et finalement la disparition des espèces. La collection scientifique qu'elle a photographiée, dont les origines remontent au 18e siècle et marquent ainsi le début de l'anthropocène*, devient ici une capsule temporelle.

Fascinée par les formes et les textures des préparations, Nadja Bournonville crée ses propres mondes visuels, qui dégagent un calme trompeur. Ses photographies révèlent non seulement la fascination de l'homme pour la connaissance du monde animal et donc son appropriation, mais aussi l'extinction des espèces au fil des siècles.

Fin dagli albori della fotografia, gli animali sono stati soggetti popolari per le nostre macchine fotografiche. Ma tra divertenti video di gatti e documentari naturalistici di grande impatto visivo, questa visione rimane sempre selettiva. Le immagini sgradevoli che mostrano l'animale nel contesto della nostra industria alimentare, ad esempio, vengono solitamente sbiadite.

Ma come possono apparire le immagini che vanno oltre queste prospettive convenzionali e visualizzano l'animale come una controparte senziente e pensante? Come si è costituita la visione umana del mondo animale?

Nadja Bournonville e Yana Wernicke affrontano queste domande nelle loro opere, che trattano la coesistenza e l'unione di uomini e animali.

Per l'opera "Companions", Yana Wernicke (*1990, vive in una piccola città vicino a Francoforte sul Meno) ha accompagnato due giovani donne che salvano mucche, maiali e oche dal macello e vivono insieme a loro in una comunità scelta da loro stesse. L'autrice esplora la questione di cosa significhi prendersi cura di esseri senzienti e di come possa apparire una vita animale dignitosa in un mondo costruito dall'uomo. Lontana dal kitsch del "mondo ideale", Yana Wernicke crea una storia profondamente poetica di amicizia e rispetto.

Nadja Bournonville (*1983 Svezia, vive a Berlino) ha fotografato centinaia di esemplari per la sua opera "A worm crossed the street" (Un verme ha attraversato la strada) nel Museo di Storia Naturale di Vienna, che racconta la raccolta, la classificazione e infine la scomparsa delle specie. La collezione scientifica che ha fotografato, le cui origini risalgono al XVIII secolo e che quindi segnano l'inizio dell'Antropocene*, diventa una capsula del tempo.

Affascinata dalle forme e dalla consistenza degli esemplari, Nadja Bournonville crea i suoi mondi visivi che irradiano una calma ingannevole. Le sue fotografie rivelano non solo il fascino dell'uomo per la conoscenza del mondo animale e la sua appropriazione, ma anche l'estinzione delle specie nel corso dei secoli.

Since the beginning of photography, animals have been pleased subjects in front of our cameras. But between funny cat videos and visually stunning nature documentaries, this view always remains selective. Unpleasant visuals that show animals in the context of our food industry, for example, are usually ignored.

But what can visuals look like that go beyond these conventional perspectives and make the animal visible as a feeling and thinking counterpart? How has the human view of the animal world been constituted?

Nadja Bournonville and Yana Wernicke address these questions in their works, which deal with the coexistence and togetherness of humans and animals.

For the work 'Companions', Yana Wernicke (*1990, lives in a small town near Frankfurt/M) accompanied two young women who rescue cows, pigs and geese from the slaughterhouse and live together with them in a self-chosen community. She explores the question of what it means to care for sentient beings and what a dignified animal life can look like in a man-made world. Far removed from 'ideal world' kitsch, Yana Wernicke creates a deeply poetic tale of friendship and respect.

For her work 'A worm crossed the street', Nadja Bournonville (*1983 Sweden, lives in Berlin) photographed hundreds of specimens in the Natural History Museum in Vienna that tell of the collection, classification and ultimately the disappearance of species. The scientific collection she photographed, whose origins date back to the 18th century and thus mark the beginning of the Anthropocene*, becomes a time capsule.

Fascinated by the forms and textures of the specimens, Nadja Bournonville creates her own visual worlds that radiate a deceptive calm. Her photographs reveal not only man's fascination with knowledge of the animal world and thus his appropriation of it, but also the extinction of species over the centuries.

(Text: Katharina Bosse, Bielefeld)

Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen | Monschau
18. Februar – 7. April 2024

Wieder-Entdeckt. Fotografie der 1930er Jahre

Das Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen präsentiert zu Jahresbeginn eine umfassende Ausstellung zur Fotografie der 1930er Jahre, welche von der Leiterin Frau Dr. Nina Mika-Helfmeier kuratiert wurde. Der Titel „Wieder-Entdeckt“ lässt sich als zweifache Aufforderung verstehen. Zum einen zeigt die Schau künstlerische Positionen, die bisher wenig beachtet wurden. Zum anderen lassen sich an den ausgewählten Werken bedeutende Tendenzen der Fotografiegeschichte ablesen, welche in den 30er Jahren ihren Anfang nahmen und Generationen von Künstler_innen nachhaltig beeinflussen sollten.

Wie Edith Tudor-Hart (1908-1973), die nicht nur für ihre Fotografien bekannt ist, sondern auch mit ihren Aktivitäten für den sowjetischen Geheimdienst von sich reden machte. Als eine der wenigen Frauen fotografierte sie während den 1930er Jahren eigenständig. Es sollte jedoch fast ein Jahrhundert dauern, bis ihr Werk erstmals einer breiten Öffentlichkeit im Rahmen einer eigenen Ausstellung vorgestellt wurde. Als Fotografin war Tudor-Hart unter anderem für die sowjetische Nachrichtenagentur TASS tätig, veröffentlichte aber ebenso Bilder in der Arbeiter-Illustrierte-Zeitung oder in Die Bühne. Ihre politische Haltung spiegelt sich in den Sujets ihrer Fotografien wieder. Die Künstlerin beschäftigte sich intensiv mit den gesellschaftlichen Verhältnissen ihrer Zeit, besuchte die Londoner Arbeiter_innensiedlungen oder porträtierte Bergarbeiter_innen. Ihre fotografischen Streifzüge durch europäische Städte nehmen die Besucher_innen unmittelbar mit in das Geschehen: Sie zeigen die beengten Hinterhöfe Londons oder Schuhputzer und Näherinnen bei ihrer schweren Arbeit.

Armut und Perspektivlosigkeit zeigen die Fotografien Walker Evans (1903-1975) ungeschönt. Im Auftrag eines Regierungsprojektes der Farm Security Administration, welches die Lebensbedingungen der ländlichen Bevölkerung untersuchen sollte, fertigte er unzählige Aufnahmen von Menschen in den Südstaaten der USA an. Durch seinen ungewöhnlichen Blick und einer Herangehensweise, die möglichst objektiv Momente einfangen wollte, schuf er ikonische Bilder der Fotografiegeschichte. Er gilt heute als einer der Väter der dokumentarischen Fotografie und beeinflusste bedeutende Künstler_innen wie Helen Levitt, Robert Frank, Diane Arbus oder Lee Friedlander.

Wichtigen Einfluss auf die Fotografie hatte auch Anton Stankowski (1906-1998). Der Maler, Künstler und Fotograf hat nachhaltig das moderne Grafikdesign der Nachkriegszeit geprägt, indem er zum Beispiel das Logo der Deutschen Bank entwarf. Ende der 1920er Jahre absolvierte er an der progressiven Folkwangschule Essen ein Studium, in welchem Fotografie sowie Grafik und Typografie einen großen Stellenwert einnahmen. Schon damals arbeitete er viel mit Montagen, die sich aus eigenen Fotografien und Typografien zusammensetzten. In seinen Werken sieht man ganz deutlich die Einflüsse der Konkreten und Konstruktiven Kunst, aber auch seine Freude am Experimentieren. Die Fotografien bestechen nicht nur durch ungewöhnliche Bildausschnitte, sondern zeigen ebenso einen spielerischen Umgang mit den Techniken des Mediums. Zum Beispiel legte Stankowski für seine Fotogramme Gegenstände oder Insekten auf das Fotopapier und belichtete diese direkt. Derart entstanden ungeahnte Formen und Kompositionen, die noch heute begeistern.

Eine wahre Wiederentdeckung sind die Aufnahmen Fide Strucks (1901-1985), welche zum Großteil mehrere Jahrzehnte in einem Koffer schlummerten. Erst 2015 wurde das Gepäckstück mit rund 2000 Negativen von seinem Sohn Thomas Struck entpackt und systematisch erfasst. Zutage getreten sind beeindruckende Aufnahmen, die das Leben in Hamburg und Berlin der 30er Jahre festhalten. Eine Serie schildert das hektische Treiben an der Hamburger Börse. Die Geschwindigkeit beim Handeln auf dem Parkett wird ebenso durch die Bewegungsunschärfe der Fotografien unterstrichen. Hektisch geht es ebenfalls im Hamburger Hafen zu, wo Fischkutter ein- und ausfahren und wir durch Fide Struck einen Einblick in die Verarbeitung des Fangs erhaschen können. Einige dieser Aufnahmen sind zum ersten Mal im Rahmen einer Ausstellung zu sehen.

Le Fotografie-Forum de la région urbaine d'Aix-la-Chapelle présente en ce début d'année une exposition complète sur la photographie des années 1930, organisée par sa directrice, Madame Dr. Nina Mika-Helfmeier. Le titre "Redécouvert" peut être compris comme une double invitation. D'une part, l'exposition présente des positions artistiques qui n'ont pas été très remarquées jusqu'à présent. D'autre part, les œuvres sélectionnées permettent d'identifier des tendances importantes de l'histoire de la photographie qui ont débuté dans les années 30 et qui devaient influencer durablement des générations d'artistes.

Comme Edith Tudor-Hart (1908-1973), qui n'est pas seulement connue pour ses photographies, mais qui a également fait parler d'elle pour ses activités au sein des services secrets soviétiques. Elle fut l'une des rares femmes à photographier de manière indépendante durant les années 1930. Il faudra toutefois attendre près d'un siècle pour que son œuvre soit présentée pour la première fois au grand public dans le cadre d'une exposition spécifique. En tant que photographe, Tudor-Hart a notamment travaillé pour l'agence de presse soviétique TASS, mais a également publié des visuels dans le journal Arbeiter-Illustrierte-Zeitung ou dans Die Bühne. Sa position politique se reflète dans les sujets de ses photographies. L'artiste s'est intéressée de près aux conditions sociales de son époque, visitant les cités ouvrières de Londres ou faisant le portrait de mineurs. Ses promenades photographiques dans les villes européennes plongent directement les visiteurs dans l'action : Vous montrez les arrière-cours exiguës de Londres ou les cireurs de chaussures et les couturières dans leur dur labeur.

Les photographies de Walker Evans (1903-1975) montrent sans fard la pauvreté et l'absence de perspectives. A la demande d'un projet gouvernemental de la Farm Security Administration visant à étudier les conditions de vie de la population rurale, il a réalisé d'innombrables clichés de personnes vivant dans les Etats du Sud des Etats-Unis. Grâce à son regard inhabituel et à une approche visant à capturer des moments de la manière la plus objective possible, il a créé des visuels iconiques de l'histoire de la photographie. Il est aujourd'hui considéré comme l'un des pères de la photographie documentaire et a influencé des artistes importants comme Helen Levitt, Robert Frank, Diane Arbus ou Lee Friedlander.

Anton Stankowski (1906-1998) a également eu une influence importante sur la photographie. Ce peintre, artiste et photographe a durablement marqué le design graphique moderne de l'après-guerre, en créant par exemple le logo de la Deutsche Bank. À la fin des années 1920, il a suivi des études à l'école progressiste Folkwang d'Essen, dans lesquelles la photographie ainsi que le graphisme et la typographie occupaient une place importante. Déjà à l'époque, il travaillait beaucoup avec des montages composés de ses propres photographies et typographies. Dans ses œuvres, on voit clairement les influences de l'art concret et de l'art constructif, mais aussi son plaisir à expérimenter. Les photographies ne se distinguent pas seulement par des cadrages inhabituels, mais montrent également une utilisation ludique des techniques du médium. Pour ses photogrammes, Stankowski a par exemple posé des objets ou des insectes sur le papier photo et les a directement exposés. Il en résulte des formes et des compositions insoupçonnées qui suscitent encore aujourd'hui l'enthousiasme.

Les photos de Fide Struck (1901-1985), dont la plupart dormaient dans une valise depuis plusieurs décennies, sont une véritable redécouverte. Ce n'est qu'en 2015 que le bagage contenant quelque 2000 négatifs a été déballé et systématiquement saisi par son fils Thomas Struck. Il en est ressorti des photos impressionnantes qui immortalisent la vie à Hambourg et à Berlin dans les années 30. Une série décrit l'activité frénétique de la bourse de Hambourg. La vitesse des transactions sur le parquet est également soulignée par le flou des photographies. L'agitation règne également dans le port de Hambourg, où les bateaux de pêche entrent et sortent, et où Fide Struck peut nous donner un aperçu du traitement des captures. Certaines de ces photos sont présentées pour la première fois dans le cadre d'une exposition.

All'inizio dell'anno, il Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen presenta una mostra completa sulla fotografia degli anni Trenta, curata dalla direttrice Nina Mika-Helfmeier. Il titolo "Rediscovered" può essere inteso come un duplice invito. Da un lato, la mostra presenta posizioni artistiche che finora hanno ricevuto poca attenzione. Dall'altro, le opere selezionate rivelano tendenze significative nella storia della fotografia che hanno avuto inizio negli anni Trenta e che hanno avuto un'influenza duratura su generazioni di artisti.

Come Edith Tudor-Hart (1908-1973), nota non solo per le sue fotografie, ma anche per le sue attività per i servizi segreti sovietici. Fu una delle poche donne a fotografare in modo indipendente negli anni Trenta. Tuttavia, sarebbe passato quasi un secolo prima che il suo lavoro fosse presentato al grande pubblico per la prima volta in una mostra personale. Come fotografa, Tudor-Hart lavorò, tra l'altro, per l'agenzia di stampa sovietica TASS, ma pubblicò anche immagini sull'Arbeiter-Illustrierte-Zeitung e su Die Bühne. La sua posizione politica si riflette nei soggetti delle sue fotografie. L'artista si occupò intensamente delle condizioni sociali del suo tempo, visitando le case popolari di Londra e scattando ritratti di minatori. Le sue spedizioni fotografiche nelle città europee portano i visitatori direttamente nel vivo dell'azione: Mostrano gli angusti cortili di Londra o i lustrascarpe e le sarte durante il loro duro lavoro.

Le fotografie di Walker Evans (1903-1975) mostrano la povertà e la mancanza di prospettive senza abbellimenti. Commissionato dalla Farm Security Administration nell'ambito di un progetto governativo volto a indagare le condizioni di vita della popolazione rurale, scattò innumerevoli fotografie di persone negli Stati meridionali degli USA. Con il suo occhio insolito e un approccio che cercava di catturare i momenti nel modo più oggettivo possibile, creò immagini iconiche nella storia della fotografia. Oggi è considerato uno dei padri della fotografia documentaria e ha influenzato artisti importanti come Helen Levitt, Robert Frank, Diane Arbus e Lee Friedlander.

Anche Anton Stankowski (1906-1998) ha avuto un'importante influenza sulla fotografia. Il pittore, artista e fotografo ha avuto un'influenza duratura sul design grafico moderno del dopoguerra, ad esempio disegnando il logo della Deutsche Bank. Alla fine degli anni Venti studiò alla scuola progressiva Folkwang di Essen, dove la fotografia, la grafica e la tipografia ebbero un ruolo importante. Già allora lavorava molto con montaggi composti dalle sue fotografie e dalla sua tipografia. Le sue opere mostrano chiaramente le influenze dell'Arte Concreta e Costruttiva, ma anche la sua gioia per la sperimentazione. Le fotografie non solo affascinano per i dettagli insoliti delle immagini, ma mostrano anche un approccio giocoso alle tecniche del mezzo. Ad esempio, Stankowski posiziona oggetti o insetti sulla carta fotografica per i suoi fotogrammi e li espone direttamente. Questo ha dato vita a forme e composizioni inaspettate che ispirano ancora oggi.

Le fotografie di Fide Struck (1901-1985), la maggior parte delle quali è rimasta inattiva in una valigia per diversi decenni, sono una vera e propria riscoperta. Solo nel 2015 la valigia contenente circa 2000 negativi è stata spacchettata e catalogata sistematicamente dal figlio Thomas Struck. Ne sono emerse immagini impressionanti, che catturano la vita ad Amburgo e Berlino negli anni Trenta. Una serie ritrae il trambusto della borsa di Amburgo. La velocità delle contrattazioni sul mercato è enfatizzata anche dalla sfocatura del movimento nelle fotografie. Anche nel porto di Amburgo la situazione è frenetica: i pescherecci entrano ed escono e Fide Struck ci dà un'idea di come viene lavorato il pescato. Alcune di queste fotografie vengono presentate per la prima volta nell'ambito di una mostra.

At the beginning of the year, the Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen is presenting a comprehensive exhibition on photography from the 1930s, curated by its director Dr. Nina Mika-Helfmeier. The title "Rediscovered" can be understood as a twofold invitation. On the one hand, the show presents artistic positions that have received little attention to date. On the other hand, the selected works reveal significant trends in the history of photography that began in the 1930s and were to have a lasting influence on generations of artists.

Such as Edith Tudor-Hart (1908-1973), who is not only known for her photographs, but also made a name for herself with her activities for the Soviet secret service. She was one of the few women to photograph independently during the 1930s. However, it would be almost a century before her work was presented to the general public for the first time in an exhibition of her own. As a photographer, Tudor-Hart worked for the Soviet news agency TASS, among others, but also published visuals in the Arbeiter-Illustrierte-Zeitung and Die Bühne. Her political stance is reflected in the subjects of her photographs. The artist was intensively involved with the social conditions of her time, visiting London's workers' housing estates and taking portraits of miners. Her photographic forays through European cities take visitors directly into the action: They show the cramped backyards of London or shoeshine boys and seamstresses at their hard work.

The photographs of Walker Evans (1903-1975) show poverty and a lack of prospects in an unembellished way. Commissioned by the Farm Security Administration to investigate the living conditions of the rural population, he took up countless photographs of people in the southern states of the USA. With his unusual eye and an approach that sought to capture moments as objectively as possible, he created iconic visuals in the history of photography. Today, he is considered one of the fathers of documentary photography and influenced important artists such as Helen Levitt, Robert Frank, Diane Arbus and Lee Friedlander.

Anton Stankowski (1906-1998) also had an important influence on photography. The painter, artist and photographer had a lasting influence on modern graphic design in the post-war period, for example by designing the Deutsche Bank logo. At the end of the 1920s, he studied at the progressive Folkwang School in Essen, where photography, graphics and typography played an important role. Even then, he worked a lot with montages made up of his own photographs and typography. His works clearly show the influences of Concrete and Constructive Art, but also his joy in experimentation. The photographs not only captivate with unusual image details, but also show a playful approach to the techniques of the medium. For example, Stankowski placed objects or insects on the photographic paper for his photograms and exposed them directly. This resulted in unexpected forms and compositions that still inspire today.

Fide Struck's (1901-1985) photographs, most of which lay dormant in a suitcase for several decades, are a true rediscovery. It was not until 2015 that the suitcase containing around 2000 negatives was unpacked and systematically recorded by his son Thomas Struck. What emerged were impressive photographs that capture life in Hamburg and Berlin in the 1930s. One series depicts the hustle and bustle of the Hamburg stock exchange. The speed of trading on the trading floor is also emphasized by the motion blur in the photographs. Things are also hectic in the port of Hamburg, where fishing boats sail in and out and Fide Struck gives us an insight into how the catch is processed. Some of these photographs are being shown for the first time as part of an exhibition.

(Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen, Monschau)

Kunstpalast | Düsseldorf
1. Februar – 20. Mai 2024

SIZE MATTERS – Grösse in der Fotografie

Alles verändert sich, wenn in Bildwelten am Größenregler gedreht wird: Dinge werden hervorgehoben, aus dem Zusammenhang gerissen, überhöht und umgedeutet. Sie rücken nah heran, werden studierbar, oder verschwimmen vor den Augen.

Die Ausstellung beleuchtet den erheblichen und oft unbemerkten Bedeutungswandel, der mit Größenverschiebungen in der Fotografie einhergeht. Von allen Medien vermag sie am einfachsten ihren Umfang zu ändern, kann leichtfüßig zum Großbild auf der Museumswand anwachsen aber auch zum Thumbnail auf dem Handyscreen schrumpfen. Sie schafft Miniaturen der Welt, kann die Dinge aber ebenso lebens- und überlebensgroß zeigen und Unsichtbares sichtbar machen.

Die Schau demonstriert, dass gerade die dimensionale Beweglichkeit dem Medium Wirksamkeit in kulturellen, sozialen und politischen Kontexten verleiht. Werke vom späten 19. Jahrhundert bis in die Gegenwart werfen Fragen nach den Konsequenzen von Größe für die Wahrnehmung und den Umgang mit fotografischen Bildern auf. Ausgangspunkt ist die Sammlung des Kunstpalastes, nationale und internationale Leihgaben ergänzen die Werkauswahl.

Kuratorin: Linda Conze, Leitung Fotosammlung Kunstpalast

Tout change lorsque l'on tourne le curseur de la taille dans les mondes visuels : Les choses sont mises en évidence, sorties de leur contexte, surélevées et réinterprétées. Elles se rapprochent, deviennent étudiables ou s'estompent devant les yeux.

L'exposition met en lumière les changements de signification considérables et souvent inaperçus qui accompagnent les changements de taille dans la photographie. De tous les médias, c'est elle qui change le plus facilement d'échelle, elle peut facilement s'agrandir pour devenir une grande image sur le mur d'un musée ou se réduire à une vignette sur l'écran d'un téléphone portable. Elle crée des miniatures du monde, mais peut aussi montrer les choses plus grandes que nature et rendre visible l'invisible.

L'exposition démontre que c'est justement la mobilité dimensionnelle qui confère au média son efficacité dans des contextes culturels, sociaux et politiques. Des œuvres de la fin du 19e siècle à nos jours soulèvent des questions sur les conséquences de la taille sur la perception et l'utilisation des images photographiques. Le point de départ est la collection du Kunstpalast, des prêts nationaux et internationaux complètent la sélection d'œuvres.

Conservatrice : Linda Conze, direction de la collection de photos du Kunstpalast

Nei mondi visivi, tutto cambia quando si gira il regolatore delle dimensioni: Le cose vengono enfatizzate, estrapolate dal contesto, esagerate e reinterpretate. Si avvicinano, diventano studiabili o si confondono davanti agli occhi.

La mostra mette in luce il considerevole e spesso inosservato cambiamento di significato che va di pari passo con i cambiamenti di dimensione nella fotografia. Tra tutti i mezzi di comunicazione, è il più facile da modificare, può facilmente crescere fino a diventare una grande immagine sulla parete di un museo, ma può anche ridursi a una miniatura sullo schermo di un cellulare. Crea miniature del mondo, ma può anche mostrare cose a grandezza naturale e più che mai e rendere visibile l'invisibile.

La mostra dimostra che è proprio questa mobilità dimensionale a rendere il mezzo efficace in contesti culturali, sociali e politici. Opere dalla fine del XIX secolo ai giorni nostri sollevano questioni sulle conseguenze delle dimensioni per la percezione e la gestione delle immagini fotografiche. Il punto di partenza è la collezione del Kunstpalast, con prestiti nazionali e internazionali che completano la selezione delle opere.

Curatore: Linda Conze, responsabile della Collezione fotografica del Kunstpalast

Any tinkering with size in an image is bound to alter our perception of it completely: objects are accentuated, plucked out of context, magnified and reinterpreted. They draw closer, inviting scrutiny, or dissolve into a blur before our eyes. Size Matters: Scale in Photography illuminates the significant and often overlooked semantic shifts that accompany changes to scale in photography.

Of all media, photography is the most adept at adjusting its scale; it can effortlessly expand to become a large-size image on a museum wall but is equally capable of shrinking to a thumbnail on a smartphone screen. It creates miniatures of the world, depicting things both life-size and larger than life, making the invisible visible.

The exhibition shows how it is precisely this unique ability to navigate dimensions that explains the effectiveness of the medium in cultural, social and political contexts. Artworks from the late 19th century to the present encourage contemplation of the implications of size for how we perceive and interact with photographic images. The presentation draws on the Kunstpalast’s own collection and is enriched by national and international loans that complement the curated selection of works.

Curator: Linda Conze, Head of the Photography Collection, Kunstpalast Düsseldorf

(Text: Kunstpalast, Düsseldorf)

in focus Galerie | Köln
13. Januar – 9. März 2024

Goodbye, Elliott Erwitt!

Wir trauern um unseren hochgeschätzten und liebenswerten Künstler, den amerikanischen Fotografen Elliott Erwitt, der in der Nacht vom 29. auf den 30. November 2023 im Alter von 95 Jahren friedlich zu Hause im Kreise seiner Familie gestorben ist.

Viele Motive der Fotografenlegende Elliott Erwitt sind als Bildikonen fest im fotografischen Kanon verankert und sein unvergleichlicher Bildhumor ist weltweit geschätzt.

„Farbe ist beschreibend. Schwarzweiß ist interpretierend.“, so der Fotograf in seinen eigenen Worten. Elliott Erwitt arbeitete zweigleisig. Zum einen fotografierte er in Farbe vornehmlich für die Auftragsfotografie und für die Werbung und zum anderen widmete er sich in seiner Freizeit seinem Hobby, dem zwanglosen Umherstreifen mit seiner Leica. Die so entstandenen Schwarzweißfotografien sind die, für die er heute weltweit berühmt ist.

„Ganz egal, ob es sich um Weltenlenker, Hollywoodstars, ganz normale Menschen oder kesse Showgirls handelt – die Motive bringen die Erwitt eigene, trockene und eklektische Sensibilität zum Ausdruck. Von Marktplätzen bis zu Militärlagern, Las Vegas bis Venedig – es ist eine vielseitige Mischung aus sorgsam beobachteten öffentlichen und privaten Kuriositäten.“ (Christoph Schroeter für rp-online.de).

Wir zeigen eine große Auswahl seiner bekanntesten Schwarzweißfotografien sowie seiner seltenen Farbarbeiten. Alle Originale sind von Elliott Erwitt signiert, betitelt und datiert.

Elliott lebte ein pulsierendes und erfülltes Leben und verkörperte Anmut und Charme in einer Weise, die wirklich bemerkenswert war. Seine ansteckende Lebensfreude und unerschütterliche Positivität hinterließen bei allen, die ihn kannten, einen unauslöschlichen Eindruck. Sein unermüdliches Streben nach Schönheit in jedem Augenblick war geradezu inspirierend. Trotz seines außergewöhnlichen Talents blieb er bodenständig und bescheiden - eine Verkörperung seines wahren Charakters. Sein Werk ist ein Zeugnis seiner Lebensphilosophie und sein Andenken wird für immer einen besonderen Platz in unseren Herzen einnehmen.

Nous pleurons la disparition de notre artiste hautement estimé et attachant, le photographe américain Elliott Erwitt, qui s'est éteint paisiblement chez lui, entouré de sa famille, dans la nuit du 29 au 30 novembre 2023, à l'âge de 95 ans.

De nombreux motifs du photographe légendaire Elliott Erwitt sont solidement ancrés dans le canon photographique en tant qu'icônes picturales et son humour visuel incomparable est apprécié dans le monde entier.

"La couleur est descriptive. Le noir et blanc est interprétatif", selon les propres mots du photographe. Elliott Erwitt travaillait de deux manières. D'une part, il photographiait en couleur principalement pour la photographie de commande et la publicité et, d'autre part, il consacrait son temps libre à son hobby, la déambulation informelle avec son Leica. Les photographies en noir et blanc qui en résultent sont celles qui lui valent aujourd'hui une renommée mondiale.

"Qu'il s'agisse de dirigeants du monde, de stars hollywoodiennes, de gens ordinaires ou de showgirls effrontées, les sujets expriment la sensibilité sèche et éclectique propre à Erwitt. Des places de marché aux camps militaires, de Las Vegas à Venise, c'est un mélange éclectique de curiosités publiques et privées soigneusement observées". (Christoph Schroeter pour rp-online.de).

Nous présentons une grande sélection de ses photographies en noir et blanc les plus connues ainsi que ses rares travaux en couleur. Tous les originaux sont signés, titrés et datés par Elliott Erwitt.

Elliott a vécu une vie vibrante et épanouie, incarnant la grâce et le charme d'une manière vraiment remarquable. Sa joie de vivre contagieuse et son positivisme inébranlable ont laissé une impression indélébile à tous ceux qui l'ont connu. Sa quête inlassable de la beauté à chaque instant était une véritable source d'inspiration. Malgré son talent exceptionnel, il restait terre à terre et modeste - une incarnation de son véritable caractère. Son œuvre témoigne de sa philosophie de vie et son souvenir occupera à jamais une place particulière dans nos cœurs.

Piangiamo la scomparsa del nostro stimato e affettuoso artista, il fotografo americano Elliott Erwitt, che si è spento serenamente a casa sua, circondato dalla sua famiglia, nella notte tra il 29 e il 30 novembre 2023, all'età di 95 anni.

Molte delle immagini iconiche del leggendario fotografo Elliott Erwitt sono saldamente ancorate al canone fotografico e il suo incomparabile umorismo visivo è apprezzato in tutto il mondo.

"Il colore è descrittivo. Il bianco e nero è interpretativo", diceva il fotografo nelle sue stesse parole. Elliott Erwitt ha lavorato su due binari. Da un lato, fotografava a colori soprattutto su commissione e per la pubblicità e, dall'altro, dedicava il suo tempo libero all'hobby di andare in giro con la sua Leica. Le fotografie in bianco e nero che ne sono scaturite sono quelle per cui oggi è famoso in tutto il mondo.

"Che si tratti di leader mondiali, star di Hollywood, gente comune o soubrette, i soggetti esprimono la sensibilità asciutta ed eclettica di Erwitt. Dai mercati agli accampamenti militari, da Las Vegas a Venezia, è un mix eclettico di curiosità pubbliche e private osservate con attenzione". (Christoph Schroeter per rp-online.de).

Presentiamo un'ampia selezione delle sue più note fotografie in bianco e nero e delle sue rare opere a colori. Tutti gli originali sono firmati, titolati e datati da Elliott Erwitt.

Elliott ha vissuto una vita vibrante e appagante, incarnando grazia e fascino in modo davvero notevole. La sua contagiosa voglia di vivere e la sua incrollabile positività hanno lasciato un'impronta indelebile in tutti coloro che lo hanno conosciuto. La sua incessante ricerca della bellezza in ogni momento era a dir poco stimolante. Nonostante il suo straordinario talento, è rimasto umile e concreto, incarnando il suo vero carattere. Il suo lavoro è una testimonianza della sua filosofia di vita e il suo ricordo occuperà per sempre un posto speciale nei nostri cuori.

We mourn the loss of our highly esteemed and endearing artist, the American photographer Elliott Erwitt, who died peacefully at home surrounded by his family on the night of November 29-30, 2023 at the age of 95.

Many of legendary photographer Elliott Erwitt's iconic images are firmly anchored in the photographic canon and his incomparable visual humor is appreciated worldwide.

"Color is descriptive. Black and white is interpretive," said the photographer in his own words. Elliott Erwitt worked in two ways. On the one hand, he photographed in color primarily for commissioned photography and for advertising and, on the other, he devoted his free time to his hobby, casually roaming around with his Leica. The resulting black and white photographs are the ones for which he is famous worldwide today.

"Whether they are world leaders, Hollywood stars, ordinary people or saucy showgirls, the subjects express Erwitt's own dry and eclectic sensibility. From marketplaces to military camps, Las Vegas to Venice - it's an eclectic mix of carefully observed public and private curiosities." (Christoph Schroeter for rp-online.de).

We are showing a large selection of his best-known black and white photographs as well as his rare color works. All originals are signed, titled and dated by Elliott Erwitt.

Elliott lived a vibrant and fulfilling life, embodying grace and charm in a way that was truly remarkable. His infectious zest for life and unwavering positivity left an indelible impression on all who knew him. His relentless pursuit of beauty in every moment was nothing short of inspiring. Despite his extraordinary talent, he remained down-to-earth and humble - an embodiment of his true character. His work is a testament to his philosophy of life and his memory will forever hold a special place in our hearts.

(Text: in focus Galerie, Köln)

Galerie Bene Taschen | Köln
2. Dezember 2023 – 17. Februar 2024

Boxing
Larry Fink

Die Galerie Bene Taschen freut sich, die neue Ausstellung "Boxing" des renommierten amerikanischen Fotografen Larry Fink (*1941 in Brooklyn, NYC) zu präsentieren. Die Fotografien setzen die transatlantische Boxindustrie im Zeitraum Ende 80er bis Anfang 90er Jahre in Szene und feiern ikonische Momente von Boxlegenden wie z.B. Mike Tyson und Jimmy Jacobs.

Seit jeher hat sich Fink mit sozialpsychologischen und politischen Themen auseinandergesetzt und die Verhältnisse, Friktionen und Entwicklungen zwischen der Arbeiterklasse und der Oberschicht eingefangen. Seine Rolle war dabei stets die eines stillen Beobachters, der am Rande steht und verborgene Blicke, geheime Berührungen oder authentische Ausdrücke einfing. Von Hollywood-Berühmtheiten auf Oscar-Partys bis hin zur rauen und erbarmungslosen Boxwelt wecken Finks berühmte Schwarz-Weiß-Fotografien Erinnerungen an die alten Barockmeister: In Kompositionen, die Caravaggios Einsatz von Chiaroscuro und Rembrandts gezielten Lichteffekten ähneln, bewegen sich mal unbekannte, mal berühmte Figuren zwischen Licht und Schatten, Euphorie und Leid.

Durch diese für ihn typische Arbeitsweise fängt der Dokumentarist in seinen Boxaufnahmen den blanken Überlebensdrang der Boxer – gestählt durch ihre Disziplin, Erwartungen und Ambitionen – ein; sowohl innerhalb als auch außerhalb des Rings. Gleichzeitig zeigen Finks Bilder die tiefe Brüderlichkeit, die viele Boxer verbindet und ohne die es nur Blutvergießen und Brutalität gäbe. Gesichter, die voller Stolz dem Schweiß, Schmerz und der Pein des Verlierens strotzen; heroische Kämpfer, die sich jeder Herausforderung mit Mut, Biss und hartem Training stellen.

Finks tiefes Interesse an der Welt des Boxens entstand durch einen Auftrag im Jahr 1986, bei dem er den Sportler Jimmy Jacobs fotografieren sollte. Bilder, die verschiedene Orte wie Theater und Hotelzimmer in Pennsylvania, New York und New Jersey zeigen, bieten einen detaillierten wie faszinierenden Einblick in die unzähligen Reisen, die Fink für diese Serie unternahm. Einer der ikonischen Momente dieser Serie ereignete sich in Las Vegas, wo Fink das historische Duell zwischen Mike Tyson und Donovan Ruddock fotografierte; ein Kampf, der 1991 als "Kampf des Jahres" gefeiert wurde.

Larry Fink, seit über 65 Jahren im Geschäft, blickt bereits auf Solo-Ausstellungen in renommierten Einrichtungen wie dem Museum of Modern Art und dem Whitney Museum of American Modern Art (NYC) zurück. Im Jahr 1997 wurde das Buch BOXING: PHOTOGRAPHS BY LARRY FINK von powerHouse Books publiziert. Ein Teil dieser Bilder wurde wiederum 2018 in Form der gleichnamigen Solo-Ausstellung im Philadelphia Museum of Art präsentiert.

La galerie Bene Taschen a le plaisir de présenter la nouvelle exposition "Boxing" du célèbre photographe américain Larry Fink (né en 1941 à Brooklyn, NYC). Les photographies mettent en scène l'industrie transatlantique de la boxe entre la fin des années 80 et le début des années 90 et célèbrent des moments iconiques de légendes de la boxe comme, par exemple, Mike Tyson et Jimmy Jacobs.

Depuis toujours, Fink s'est penché sur des thèmes socio-psychologiques et politiques et a capturé les rapports, les frictions et les évolutions entre la classe ouvrière et la classe supérieure. Son rôle a toujours été celui d'un observateur silencieux, qui se tient en marge et capte des regards cachés, des contacts secrets ou des expressions authentiques. Des célébrités hollywoodiennes aux soirées des Oscars au monde rude et impitoyable de la boxe, les célèbres photographies en noir et blanc de Fink éveillent le souvenir des anciens maîtres du baroque : dans des compositions qui ressemblent à l'utilisation du clair-obscur du Caravage et aux effets de lumière ciblés de Rembrandt, des personnages tantôt inconnus, tantôt célèbres évoluent entre ombre et lumière, euphorie et souffrance.

Grâce à cette méthode de travail qui lui est propre, le documentariste capte dans ses photos de boxe l'envie de survie pure et simple des boxeurs - endurcis par leur discipline, leurs attentes et leurs ambitions - aussi bien à l'intérieur qu'à l'extérieur du ring. En même temps, les visuels de Fink montrent la profonde fraternité qui unit de nombreux boxeurs et sans laquelle il n'y aurait que carnage et brutalité. Des visages qui transpirent fièrement la sueur, la douleur et le chagrin de la défaite ; des combattants héroïques qui transmettent chaque défi avec courage, mordant et un entraînement rigoureux.

L'intérêt profond de Fink pour le monde de la boxe est né d'une commande passée en 1986 pour photographier l'athlète Jimmy Jacobs. Des visuels montrant différents lieux tels que des théâtres et des chambres d'hôtel en Pennsylvanie, à New York et dans le New Jersey offrent un aperçu à la fois détaillé et fascinant des innombrables voyages que Fink a entrepris pour cette série. L'un des moments emblématiques de cette série s'est déroulé à Las Vegas, où Fink a photographié le duel historique entre Mike Tyson et Donovan Ruddock ; un combat qui a été salué comme le "combat de l'année" en 1991.

Larry Fink, dans le métier depuis plus de 65 ans, a déjà à son actif des expositions en solo dans des institutions prestigieuses telles que le Museum of Modern Art et le Whitney Museum of American Modern Art (NYC). En 1997, le livre BOXING : PHOTOGRAPHS BY LARRY FINK a été publié par powerHouse Books. Une partie de ces visuels a de nouveau été présentée en 2018 sous la forme d'une exposition solo du même nom au Philadelphia Museum of Art.

La galleria Bene Taschen è lieta di presentare la nuova mostra "Boxing" del celebre fotografo americano Larry Fink (*1941 a Brooklyn, NYC). Le fotografie mettono in luce l'industria transatlantica della boxe tra la fine degli anni '80 e l'inizio degli anni '90 e celebrano momenti iconici di leggende della boxe come Mike Tyson e Jimmy Jacobs.

Fink ha sempre esplorato temi sociopsicologici e politici, catturando le relazioni, gli attriti e gli sviluppi tra la classe operaia e la classe superiore. Il suo ruolo è sempre stato quello di un osservatore silenzioso, che si mette in disparte e cattura sguardi nascosti, tocchi segreti o espressioni autentiche. Dalle celebrità hollywoodiane ai party degli Oscar, fino al mondo rude e spietato della boxe, le celebri fotografie in bianco e nero di Fink evocano ricordi degli antichi maestri barocchi: in composizioni che ricordano l'uso del chiaroscuro di Caravaggio e i deliberati effetti di luce di Rembrandt, personaggi a volte sconosciuti, a volte famosi, si muovono tra luci e ombre, euforia e sofferenza.

Attraverso questo tipico modo di lavorare, il documentarista cattura nelle sue riprese di pugilato la pura e semplice voglia di sopravvivenza dei pugili - acciaccati dalla loro disciplina, dalle aspettative e dalle ambizioni; sia dentro che fuori dal ring. Allo stesso tempo, le immagini di Fink mostrano la profonda fratellanza che unisce molti pugili e senza la quale ci sarebbero solo spargimenti di sangue e brutalità. Volti che sopportano con orgoglio il sudore, il dolore e l'agonia della sconfitta; pugili eroici che affrontano ogni sfida con coraggio, mordente e duro allenamento.

Il profondo interesse di Fink per il mondo del pugilato nasce dall'incarico ricevuto nel 1986 di fotografare l'atleta Jimmy Jacobs. Le immagini che ritraggono vari luoghi, come teatri e camere d'albergo in Pennsylvania, New York e New Jersey, offrono una visione dettagliata e affascinante degli innumerevoli viaggi che Fink ha intrapreso per questa serie. Uno dei momenti iconici di questa serie si è verificato a Las Vegas, dove Fink ha fotografato lo storico duello tra Mike Tyson e Donovan Ruddock; un incontro che è stato salutato come "Fight of the Year" nel 1991.

Larry Fink, nel settore da oltre 65 anni, vanta già mostre personali in istituzioni rinomate come il Museum of Modern Art e il Whitney Museum of American Modern Art (NYC). Nel 1997, il libro BOXING: PHOTOGRAPHS BY LARRY FINK è stato pubblicato da powerHouse Books. Alcune di queste immagini sono state riproposte nel 2018 sotto forma dell'omonima mostra personale al Philadelphia Museum of Art.

Bene Taschen Gallery is pleased to present the new exhibition "Boxing" by renowned American photographer Larry Fink (b. 1941 in Brooklyn, NYC). The photographs highlight the transatlantic boxing industry in the late 1980s to early 1990s, celebrating iconic moments of boxing legends such as Mike Tyson and Jimmy Jacobs.

Fink has always explored socio-psychological and political themes, capturing the relationships, frictions and developments between the working class and the upper class. His role has always been that of a silent observer, standing on the sidelines and capturing hidden glances, secret touches, or authentic expressions. From Hollywood celebrities at Oscar parties to the rough and merciless boxing world, Fink's famous black-and-white photographs evoke memories of the old baroque masters: in compositions resembling Caravaggio's use of chiaroscuro and Rembrandt's targeted lighting effects, sometimes unknown, sometimes famous figures move between light and shadow, euphoria and suffering.

Through this signature working method, the documentarian captures in his boxing shots the sheer urge for survival of the boxers - steeled by their discipline, expectations, and ambitions; both inside and outside the ring. At the same time, Fink's visuals show the deep brotherhood that unites many boxers, without which there would only be bloodshed and brutality. Faces that proudly defy sweat, pain, and the agony of losing; heroic fighters who face every challenge with courage, bite and hard training.

Fink's deep interest in the world of boxing came from a 1986 assignment to photograph athlete Jimmy Jacobs. Visuals depicting various locations such as theatres and hotel rooms in Pennsylvania, New York, and New Jersey offer a detailed as well as fascinating glimpse into the countless trips Fink took for this series. One of the iconic moments of this series occurred in Las Vegas, where Fink photographed the historic duel between Mike Tyson and Donovan Ruddock; a fight that was hailed as "Fight of the Year" in 1991.

Larry Fink, in business for over 65 years, has had solo exhibitions at prestigious institutions such as the Museum of Modern Art and the Whitney Museum of American Modern Art (NYC). In 1997, the book BOXING: PHOTOGRAPHS BY LARRY FINK was published by powerHouse Books. Some of these visuals were again presented in 2018 in the form of the solo exhibition of the same name at the Philadelphia Museum of Art.

(Text: Bene Taschen, Köln)

Die photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
12. November 2023 - 21. Januar 2024

Das Becherhaus in Mudersbach
Laurenz Berges

In der Serie „Das Becherhaus in Mudersbach“ setzt sich Laurenz Berges (* 1966) mit der Geschichte eines über drei Generationen genutzten Fachwerkhauses im Siegerland auseinander, das auf eigenwillige Weise zu einer Art Denkmal geworden ist. Ursprünglich ist es das Haus der Großeltern von Bernd Becher (1931–2007), dann von seinen beiden Tanten bewohnt. Bernd Becher liebte das Haus von Kindheit an und schätzte es später mit seiner eigenen Familie als gelegentliches Domizil. Verschiedene Biografien verflechten sich in diesem Umfeld, was sich in der Einrichtung der Räume und in den zahlreichen Hinterlassenschaften widerspiegelt. Es scheint vielfach, als stehe die Zeit still.

In den Bildern von Laurenz Berges, Meisterschüler von Bernd Becher an der Kunstakademie Düsseldorf, kommt dieses Potenzial in gesteigerter Form zum Tragen. Die gedämpfte Lichtsituation, die seine Kompositionen auszeichnet, trägt zur atmosphärischen Dichte bei.

Zur Ausstellung ist erschienen: Laurenz Berges: „Das Becherhaus in Mudersbach“, mit einem Text von Hanns-Josef Ortheil, München: Schirmer/Mosel, 2022.

Dans la série "Das Becherhaus in Mudersbach", Laurenz Berges (* 1966) se penche sur l'histoire d'une maison à colombages utilisée pendant trois générations dans le Siegerland, qui est devenue de manière singulière une sorte de monument. A l'origine, il s'agit de la maison des grands-parents de Bernd Becher (1931-2007), puis habitée par ses deux tantes. Bernd Becher a aimé la maison dès son enfance et l'a appréciée plus tard avec sa propre famille comme domicile occasionnel. Différentes biographies s'entremêlent dans cet environnement, ce qui se reflète dans l'aménagement des pièces et dans les nombreux héritages. A plusieurs reprises, le temps semble s'être arrêté.

Dans les visuels de Laurenz Berges, maître-élève de Bernd Becher à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, ce potentiel s'exprime de manière accrue. La lumière tamisée qui caractérise ses compositions contribue à la densité de l'atmosphère.

L'exposition a fait l'objet d'une publication : Laurenz Berges : "Das Becherhaus in Mudersbach", avec un texte de Hanns-Josef Ortheil, Munich : Schirmer/Mosel, 2022.

Nella serie "Das Becherhaus in Mudersbach", Laurenz Berges (* 1966) esplora la storia di una casa a graticcio nella regione del Siegerland, utilizzata da tre generazioni e diventata una sorta di monumento a suo modo idiosincratico. Originariamente casa dei nonni di Bernd Becher (1931-2007), è stata poi occupata dalle sue due zie. Bernd Becher ha amato la casa fin dall'infanzia e in seguito l'ha tenuta a cuore con la propria famiglia come domicilio occasionale. In questo ambiente si intrecciano biografie diverse, che si riflettono nell'arredamento delle stanze e nei numerosi lasciti. In molti casi, sembra che il tempo si sia fermato.

Nei dipinti di Laurenz Berges, allievo di Bernd Becher all'Accademia d'Arte di Düsseldorf, questo potenziale emerge in forma accentuata. La situazione di luce tenue che caratterizza le sue composizioni contribuisce alla densità atmosferica.

La mostra è accompagnata da Laurenz Berges: "Das Becherhaus in Mudersbach", con un testo di Hanns-Josef Ortheil, Monaco: Schirmer/Mosel, 2022.

In the series "The Becher House in Mudersbach" Laurenz Berges (* 1966) deals with the history of a half-timbered house in the Siegerland region, used over three generations, which has become a kind of monument in an idiosyncratic way. Originally, it was the house of the grandparents of Bernd Becher (1931-2007), then inhabited by his two aunts. Bernd Becher loved the house from childhood and later cherished it with his own family as an occasional domicile. Different biographies intertwine in this environment, which is reflected in the furnishings of the rooms and in the numerous legacies. In many cases, it seems as if time stands still.

In the visuals of Laurenz Berges, a master student of Bernd Becher at the Düsseldorf Art Academy, this potential comes to bear in heightened form. The subdued light situation that characterizes his compositions contributes to the atmospheric density.

The exhibition is accompanied by: Laurenz Berges: "Das Becherhaus in Mudersbach," with a text by Hanns-Josef Ortheil, Munich: Schirmer/Mosel, 2022.

(Text (d): Die photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Kunstraum Elsa | Bielefeld
5. Oktober - 24. November 2023

Das queere Familienzimmer

Familie ist vielfältig, aber das Bild von Familie ist erstaunlich eintönig. Schließt man die Augen, sehen die meisten eine Vision aus der Bausparwerbung: Vater, Mutter, Kinder und ein Haus mit Garten. Diese Familie ist reich, weiß, niemals alleinerziehend und sie ist durchgehend heterosexuell. Es ist kein harmloses Bild, mit ihm wird Politik gemacht.

Diese Ausstellung nähert sich dem Bild und der Erfahrung von Familie aus queerer Perspektive. Dabei ist die Bandbreite sehr groß. Sie reichen von Partnerschaft, Kindern und den eigenen Eltern bis zur Familie als Wahlverwandschaft und Gemeinschaft. In vielen der Arbeiten wird ein Ringen deutlich um den Raum, der oft alleine durchquert werden muss. Queerness erfordert Kraft. Der Mut, sich in den Raum zu werfen, ist in den Kunstprojekten zu sehen.

La famille est diverse, mais l'image de la famille est étonnamment monotone. Si l'on ferme les yeux, la plupart des gens voient une vision issue de la publicité pour l'épargne-logement : un père, une mère, des enfants et une maison avec un jardin. Cette famille est riche, blanche, jamais monoparentale et elle est systématiquement hétérosexuelle. Ce n'est pas une image anodine, elle sert à faire de la politique.

Cette exposition aborde l'image et l'expérience de la famille dans une perspective queer. L'éventail est très large. Elles vont du couple, des enfants et de ses propres parents à la famille en tant que parent d'adoption et communauté. Dans de nombreux travaux, il apparaît clairement une lutte pour l'espace, qui doit souvent être traversé seul. La queerness exige de la force. Le courage de se jeter dans l'espace est visible dans les projets artistiques.

La famiglia è varia, ma l'immagine della famiglia è sorprendentemente monotona. Se si chiudono gli occhi, la maggior parte delle persone vede una visione da pubblicità di una società edilizia: padre, madre, figli e una casa con giardino. Questa famiglia è ricca, bianca, non ha mai un solo genitore ed è sempre eterosessuale. Non si tratta di un'immagine innocua, con essa si fa politica.

Questa mostra affronta l'immagine e l'esperienza della famiglia da una prospettiva queer. Nel farlo, lo spettro è molto ampio. Si va dalla coppia, i figli e i propri genitori alla famiglia come parentela elettiva e alla comunità. In molte opere emerge chiaramente la lotta per uno spazio che spesso deve essere attraversato da soli. La queerness richiede forza. Il coraggio di buttarsi in questo spazio è visibile nei progetti artistici.

Family is diverse, but the image of family is surprisingly monotonous. If you close your eyes, most people see a vision from a building society advertisement: father, mother, children and a house with a garden. This family is rich, white, never a single parent, and it is heterosexual throughout. It is not an innocuous image; politics is made with it.

This exhibition approaches the image and experience of family from a queer perspective. In doing so, the scope is very broad. They range from partnership, children, and one's parents to family as elective kinship and community. In many of the works, a struggle becomes apparent to find the space that often has to be traversed alone. Queerness requires strength. The courage to throw oneself into the space can be seen in the art projects.

(Text: Katharina Bosse, Kunstraum Elsa, Bielefeld)

Fotografie Forum | Monschau
17. September – 17. Dezember 2023

Fotografien 1944 – 1998
Inge Morath

Inge Morath hat aus Menschen und ihren Orten Poesie gemacht", diesen Satz sagte der amerikanische Schriftsteller Arthur Miller über das Lebenswerk seiner Ehefrau Inge Morath nach ihrem Tod Anfang 2002.

Am 27. Mai 2023 wäre Inge Morath 100 Jahre alt geworden. Sie war eine der ersten Fotografinnen, die für die Fotoagentur Magnum arbeiteten. Hier hatte Morath den Blick für das Besondere von Henri Cartier-Bresson und Robert Capa gelernt. Regelmäßig veröffentlichte sie ihre Bildreportagen in internationalen Magazinen und Fotobüchern, für die sie ein halbes Jahrhundert lang die Welt bereiste.

Die von Nina Mika-Helfmeier im Fotografie-Forum in Monschau kuratierte Ausstellung widmet sich in großen Teilen den Arbeiten, die diese sprachbegabte Ausnahmefotografin auf ihren Reisen zwischen 1944-1998 machte. Die Vielfalt der Landschaften und der Menschen faszinierte sie nachhaltig. Inge Morath lernte acht Sprachen, um die Menschen auf ihren Reisen nicht bloß mit der Kamera einzufangen: Inge Morath wollte ihnen begegnen.  "Ein Auge auf das Motiv gerichtet, eines auf die eigene Seele", so beschreibt die Österreicherin ihre fotografische Philosophie.  Zugleich präsentiert die Ausstellung Inge Morath aber auch als einfühlsame Porträtfotografin, die sowohl bekannte Persönlichkeiten als auch ihr völlig unbekannte Menschen so zeigte, wie sie sie sah. Gezeigt werden in der umfangreichen Ausstellung nicht nur Ikonen wie Linda, das Lama auf den Straßen New Yorks, Marilyn Monroe, die am Rande des Filmsets müde und zerbrechlich wirkt oder Mrs. Eveleigh Nash, eine Dame der Londoner Gesellschaft. Auch zahlreiche Porträts von Schriftstellern, Malern und Schauspielern sind zu sehen. Dazu Straßenszenen aus Wien, New York, London, Paris und Venedig, Landschaftsfotografie aus Europa, Asien und den Nahen Osten.

Das Interesse an surrealen Situationen teilte sie mit ihren Lehrer und Kollegen Cartier-Bresson. Dies gilt auch für die Grundhaltung eines Fotografen, wonach dieser seine Aufnahmen mit einem weit offenen Auge macht, das die Welt durch den Sucher beobachtet, während das andere geschlossen ist und in die eigene Seele blickt.

Kuratorin: Dr. Nina Mika-Helfmeier

Sie umfasst 166 Arbeiten, Leihgaben von Fotohof und Museum für Moderne in Salzburg.

Inge Morath a fait de la poésie à partir des gens et de leurs lieux", c'est la phrase que l'écrivain américain Arthur Miller a prononcée à propos de l'œuvre de la vie de son épouse Inge Morath après son décès début 2002.

Le 27 mai 2023, Inge Morath aurait eu 100 ans. Elle était l'une des premières femmes photographes à travailler pour l'agence Magnum. C'est là que Morath avait appris le regard pour l'exceptionnel d'Henri Cartier-Bresson et de Robert Capa. Elle publiait régulièrement ses reportages photographiques dans des magazines internationaux et des livres de photos pour lesquels elle a parcouru le monde pendant un demi-siècle.

L'exposition organisée par Nina Mika-Helfmeier au Fotografie-Forum de Monschau est en grande partie consacrée aux travaux que cette photographe d'exception, douée pour les langues, a réalisés lors de ses voyages entre 1944 et 1998. La diversité des paysages et des gens la fascinait durablement. Inge Morath a appris huit langues pour ne pas se contenter de capturer les gens avec son appareil photo lors de ses voyages : Inge Morath voulait les rencontrer.  "Un œil sur le motif, un autre sur sa propre âme", c'est ainsi que l'Autrichienne décrit sa philosophie photographique.  Mais en même temps, l'exposition présente Inge Morath comme une photographe-portraitiste sensible, qui montrait aussi bien des personnalités connues que des personnes qui lui étaient totalement inconnues, telles qu'elle les voyait. Cette vaste exposition ne montre pas seulement des icônes comme Linda, le lama dans les rues de New York, Marilyn Monroe, qui semble fatiguée et fragile au bord du plateau de tournage ou Mrs. Eveleigh Nash, une dame de la société londonienne. On y voit également de nombreux portraits d'écrivains, de peintres et d'acteurs. Sans oublier des scènes de rue de Vienne, New York, Londres, Paris et Venise, des photographies de paysages d'Europe, d'Asie et du Proche-Orient.

Elle a partagé son intérêt pour les situations surréalistes avec son professeur et collègue Cartier-Bresson. Cela s'applique également à l'attitude fondamentale d'un photographe, selon laquelle celui-ci prend ses photos avec un œil grand ouvert, qui observe le monde à travers le viseur, tandis que l'autre est fermé et regarde dans sa propre âme.

Conservatrice : Dr. Nina Mika-Helfmeier

Elle comprend 166 œuvres, prêtées par Fotohof et le Museum für Moderne de Salzbourg.

Inge Morath ha fatto poesia con le persone e i loro luoghi", questa frase è stata pronunciata dallo scrittore americano Arthur Miller a proposito dell'opera di sua moglie Inge Morath dopo la sua morte, avvenuta all'inizio del 2002.

Inge Morath avrebbe compiuto 100 anni il 27 maggio 2023. È stata una delle prime fotografe a lavorare per l'agenzia fotografica Magnum. Qui, Morath aveva imparato l'occhio per il particolare da Henri Cartier-Bresson e Robert Capa. Ha pubblicato regolarmente i suoi reportage fotografici su riviste internazionali e libri fotografici, per i quali ha viaggiato in tutto il mondo per mezzo secolo.

La mostra curata da Nina Mika-Helfmeier al Fotografie-Forum di Monschau è in gran parte dedicata alle opere che questa eccezionale fotografa, dotata di un dono per le lingue, ha realizzato nei suoi viaggi tra il 1944 e il 1998. La diversità dei paesaggi e delle persone la affascinava profondamente. Inge Morath imparò otto lingue per poter immortalare le persone nei suoi viaggi non solo con la macchina fotografica: Inge Morath voleva incontrarli.  "Un occhio al motivo, uno alla propria anima": così l'austriaca descrive la sua filosofia fotografica.  Allo stesso tempo, la mostra presenta Inge Morath come una sensibile fotografa di ritratti che ha mostrato sia personaggi noti che persone completamente sconosciute, così come le vedeva lei. Nell'ampia esposizione non sono presenti solo icone come Linda, il lama per le strade di New York, Marilyn Monroe, dall'aspetto stanco e fragile ai margini del set cinematografico, o Mrs Eveleigh Nash, una signora dell'alta società londinese. Numerosi sono anche i ritratti di scrittori, pittori e attori. Inoltre, scene di strada da Vienna, New York, Londra, Parigi e Venezia, fotografie di paesaggio dall'Europa, dall'Asia e dal Medio Oriente.

Condivideva l'interesse per le situazioni surreali con il suo maestro e collega Cartier-Bresson. Questo vale anche per l'atteggiamento di base del fotografo, secondo il quale egli scatta le sue fotografie con un occhio spalancato, osservando il mondo attraverso il mirino, mentre l'altro è chiuso, guardando nella propria anima.

Curatore: Dr. Nina Mika-Helfmeier

La mostra comprende 166 opere, prestate dal Fotohof e dal Museum für Moderne di Salisburgo.

Inge Morath made poetry out of people and their places," this sentence was said by the American writer Arthur Miller about the life's work of his wife Inge Morath after her death in early 2002.

Inge Morath would have turned 100 on May 27, 2023. She was one of the first female photographers to work for the Magnum photo agency. It was here that Morath had learned the eye for the extraordinary from Henri Cartier-Bresson and Robert Capa. She regularly published her photo reports in international magazines and photo books, for which she traveled the world for half a century.

The exhibition curated by Nina Mika-Helfmeier at the Fotografie-Forum in Monschau is devoted in large part to the works that this exceptional photographer, gifted in languages, made on her travels between 1944-1998. The diversity of the landscapes and the people fascinated her enduringly. Inge Morath learned eight languages in order to capture the people on her travels not only with the camera: Inge Morath wanted to meet them.  "One eye focused on the subject, one on one's own soul," is how the Austrian describes her photographic philosophy.  At the same time, the exhibition also presents Inge Morath as a sensitive portrait photographer who showed both well-known personalities and people completely unknown to her as she saw them. On display in the extensive exhibition are not only icons such as Linda, the llama on the streets of New York, Marilyn Monroe, looking tired and fragile on the edge of the film set, or Mrs. Eveleigh Nash, a lady of London society. There are also numerous portraits of writers, painters and actors. In addition, street scenes from Vienna, New York, London, Paris and Venice, landscape photography from Europe, Asia and the Middle East.

She shared an interest in surreal situations with her teacher and colleague Cartier-Bresson. This also applies to the basic attitude of a photographer, according to which he takes up his shots with one eye wide open, observing the world through the viewfinder, while the other is closed, looking into his own soul.

Curator: Dr. Nina Mika-Helfmeier

It includes 166 works, on loan from Fotohof and Museum für Moderne in Salzburg.

(Text: Fotografie Forum, Monschau)

in focus Galerie | Köln
17. September - 20. Dezember 2023

In House Nudes
Alvin Booth

Die Serie “In House Nudes” entstand in einem alten Anwesen, bestehend aus einem Haupthaus und einer Scheune, in der französischen Region Languedoc, in der der Fotograf und seine Frau seit 1989 jedes Jahr längere Zeit verbringen. In der Scheune brachten Reisende des 19. Jahrhunderts ihre Pferde unter, das dazugehörende Haus war ein altes Dorfgasthaus. Alvin Booth machte sich mit Leidenschaft und viel handwerklichem Geschick daran, beide Gebäude zu restaurieren, um dort anschließend zu fotografieren.

Alvin Booth wurde mit seinen Serien „Corpus, Osmosis, Ova und Nocturnes u. a.“ international ausgestellt, gesammelt (u.a. in der Elton John Collection), publiziert und bekannt. Nun, dreißig Jahre nach Beginn der Serie „In House Nudes“, werden diese Arbeiten zum ersten Mal ausgestellt und veröffentlicht. Die zentrale Stellung des Hauses und der umgebenden Landschaft in „In House Nudes“ stellt die unmittelbarste und radikalste Veränderung in der Entwicklung des Fotografen dar. Dieser Wandel vollzog sich parallel zur Schaffung seiner bekannten o.g. Serien, die die nackte menschliche Gestalt thematisieren und durch analoge handwerkliche Produktionsprozesse vergrößert und bearbeitet wurden. Die Serie „In House Nudes“ ist auf Awagami-Bambuspapier gedruckt und mit denselben Materialien und Techniken gerahmt, die Alvin Booth zum Schweißen und Bauen der Fensterrahmen, Treppen und Atrien des ursprünglichen Hauses und der Scheune verwendet hat.

"Mein Dogma war immer: eine Kamera, ein Objektiv, ein Licht", sagt der Fotograf. "Ich zeige das, was ich gerahmt im Sucher sehe. Ich mag es nie, ein Bild zu beschneiden. „In House" ist ein Begriff, der von Unternehmen verwendet wird, die ihre Arbeiten ohne die Beauftragung eines externen Unternehmens produzieren. Auf die Frage nach dem Begriff sagt der Fotograf: "Die Bilder sind nicht alle im Haus. Aber sie sind in jedem erdenklichen Sinne hausintern. Ich wähle aus, was ich vom und im Haus sehe, und das wird dann zu dem, was Sie sehen. Es gibt vieles, was Sie nicht sehen werden oder noch nicht."

Arbeiten aus den Serien Corpus, Ova, Osmosis und Nocturnes (Ghost Prints) ergänzen die Ausstellung, so dass die Besucher die Entwicklung des Künstlers nachvollziehen können.

„Corpus“ skizziert gestisch kraftvolle Körper, sowohl weibliche als auch männliche mit einer Mischung von Tönen, die von reinem Schwarz-Weiß bis zu einem warmen ochsenblutfarbenen Sepia reicht. Die Töne erinnern an die Anfänge der Fotografie, die Posen jedoch an eine noch weiter zurückliegende Geschichte, nämlich die der klassischen Bildhauerei. Booth schafft eine greifbare Oberfläche sowohl auf der Haut des Modells als auch auf der Oberfläche der Fotografie selbst. Er verlässt sich auf die Mutationen und Fehler, die durch die chemische Bearbeitung der Fotografien entstehen, und schwelgt in ihnen. Die Figuren werden nur durch die subtilen Mittel des Chiaroscuro erhellt, eine Art Überblendung, bei der sich die Dunkelheit sanft und nahtlos in eine lesbare Form verwandelt.

Die Bilder in „Osmosis“ sind Formvorstellungen, die so stilisiert sind wie Holzkohlezeichnungen. Aus Schatten konstruierte Figuren, überblendet und ausradiert, schaffen eine reiche Tiefe, die sich über die Bildebene erstreckt, aber nicht nach hinten in sie hineinreicht. Die Perspektive ist komprimiert, und der Körper, ein Substrat, auf das das Licht einwirkt, wird zuweilen so weit beleuchtet, dass er sich verzehrt, oder er wird zu einem ruhigen, blassen Hintergrund gebleicht. Zarte Mitteltöne artikulieren Bereiche, die sanft ineinander übergehen, ohne von Grenzen eingeengt zu werden. Die Geste triumphiert über das Detail.

„Ghost Prints“, diese Serie von Arbeiten, entstand aus einer Einladung zu einem Shooting in Kiew im Frühjahr 2015. Auf den ersten Blick scheinen diese skulpturalen Fotografien nichts weiter zu sein als glänzende schwarze Kästen an der Wand. Wenn die Nacht hereinbricht oder sich das Umgebungslicht ändert, erwacht eine sanfte Lumineszenz zum Leben. Es entstehen lyrische, fast ballettartige Figuren, deren Bewegung sich in der Geste der sie verdeckenden Kohlenstoffhülle widerspiegelt.

La série "In House Nudes" a été réalisée dans une ancienne propriété, composée d'une maison principale et d'une grange, dans la région française du Languedoc, où le photographe et sa femme passent de longues périodes chaque année depuis 1989. La grange abritait les chevaux des voyageurs du 19e siècle et la maison attenante était une ancienne auberge de village. Alvin Booth a entrepris avec passion et beaucoup d'habileté manuelle de restaurer les deux bâtiments pour pouvoir ensuite y faire des photos.

Avec ses séries "Corpus, Osmosis, Ova et Nocturnes, entre autres", Alvin Booth a été exposé, collectionné (notamment dans la Elton John Collection), publié et connu au niveau international. Aujourd'hui, trente ans après le début de la série "In House Nudes", ces œuvres sont exposées et publiées pour la première fois. La place centrale de la maison et du paysage environnant dans "In House Nudes" transmet le changement le plus immédiat et le plus radical dans l'évolution du photographe. Ce changement s'est opéré parallèlement à la création de ses célèbres séries susmentionnées, qui ont pour thème la figure humaine nue et qui ont été agrandies et traitées par des processus de production artisanaux analogues. La série "In House Nudes" est imprimée sur du papier bambou Awagami et encadrée avec les mêmes matériaux et techniques qu'Alvin Booth a utilisés pour souder et construire les cadres de fenêtres, les escaliers et les atriums de la maison et de la grange d'origine.

"Mon dogme a toujours été : un appareil photo, un objectif, une lumière", explique le photographe. "Je montre ce que je vois encadré dans le viseur. Je n'aime jamais recadrer un visuel. "In House" est un terme utilisé par les entreprises qui produisent leur travail sans faire appel à une entreprise extérieure. Interrogé sur ce terme, le photographe répond : "Les visuels ne sont pas tous à l'intérieur. Mais elles sont internes à la maison dans tous les sens possibles et imaginables. Je sélectionne ce que je vois de et dans la maison, et cela devient ce que vous voyez. Il y a beaucoup de choses que vous ne verrez pas, ou pas encore".

Des œuvres des séries Corpus, Ova, Osmosis et Nocturnes (Ghost Prints) complètent l'exposition, permettant ainsi aux visiteurs de suivre l'évolution de l'artiste.

"Corpus" esquisse des corps gestuellement puissants, aussi bien féminins que masculins, avec un mélange de tons allant du noir et blanc pur à un sépia chaud couleur sang de bœuf. Les tons rappellent les débuts de la photographie, mais les poses rappellent une histoire encore plus lointaine, celle de la sculpture classique. Booth crée une surface tangible à la fois sur la peau du modèle et sur la surface de la photographie elle-même. Il s'appuie sur les mutations et les défauts créés par le traitement chimique des photographies et s'y complaît. Les figures ne sont éclairées que par les moyens subtils du clair-obscur, une sorte de fondu enchaîné par lequel l'obscurité se transforme doucement et sans transition en une forme lisible.

Les visuels d'"Osmosis" sont des représentations de formes aussi stylisées que des dessins au charbon de bois. Des figures construites à partir d'ombres, fondues et gommées, créent une riche profondeur qui s'étend sur le plan de l'image, mais qui ne se prolonge pas vers l'arrière de celle-ci. La perspective est comprimée et le corps, un substrat sur lequel la lumière agit, est parfois éclairé au point de se consumer, ou blanchi pour devenir un fond calme et pâle. Des tons moyens délicats articulent des zones qui se fondent doucement les unes dans les autres, sans être restreintes par des limites. Le geste triomphe du détail.

"Ghost Prints", cette série d'œuvres, est née d'une invitation à un shooting à Kiev au printemps 2015. À première vue, ces photographies sculpturales ne semblent être rien d'autre que des boîtes noires brillantes accrochées au mur. Lorsque la nuit tombe ou que la lumière ambiante change, une douce luminescence prend vie. Il en résulte des figures lyriques, presque des ballets, dont le mouvement se reflète dans le geste de l'enveloppe de carbone qui les dissimule.

La serie "In House Nudes" è stata realizzata in un'antica tenuta, composta da una casa principale e da un fienile, nella regione francese della Linguadoca, dove il fotografo e sua moglie hanno trascorso lunghi periodi di tempo ogni anno dal 1989. Il fienile era usato dai viaggiatori del XIX secolo per stallare i loro cavalli, mentre la casa adiacente era una vecchia locanda del villaggio. Alvin Booth si è impegnato a restaurare entrambi gli edifici con passione e grande maestria per poterli poi fotografare.

Le serie di Alvin Booth "Corpus, Osmosis, Ova e Nocturnes among others" sono state esposte a livello internazionale, collezionate (anche nella Elton John Collection), pubblicate e conosciute. Ora, a trent'anni dall'inizio della serie "In House Nudes", queste opere vengono esposte e pubblicate per la prima volta. La centralità della casa e del paesaggio circostante in "In House Nudes" rappresenta il cambiamento più immediato e radicale nello sviluppo del fotografo. Questo cambiamento è avvenuto parallelamente alla creazione delle sue note serie sopra citate, incentrate sulla figura umana nuda e ingrandite ed elaborate attraverso processi di produzione artigianale analogica. La serie In House Nudes è stampata su carta di bambù Awagami e incorniciata con gli stessi materiali e le stesse tecniche utilizzate da Alvin Booth per saldare e costruire i telai delle finestre, le scale e gli atri della casa e del fienile originali.

"Il mio dogma è sempre stato: una macchina fotografica, un obiettivo, una luce", dice il fotografo. "Mostro ciò che vedo inquadrato nel mirino. Non mi piace mai ritagliare un'immagine". "In house" è un termine usato dalle aziende che producono il loro lavoro senza assumere una società esterna. Alla domanda su questo termine, il fotografo risponde: "Le immagini non sono tutte di produzione propria. Ma sono in-house in tutti i sensi possibili. Scelgo ciò che vedo della casa e nella casa, e questo diventa ciò che vedete. Ci sono molte cose che non vedrete, o che non avete ancora visto".

Le opere delle serie Corpus, Ova, Osmosis e Nocturnes (Ghost Prints) completano la mostra, consentendo ai visitatori di seguire lo sviluppo dell'artista.

"Corpus" tratteggia corpi gestualmente potenti, sia femminili che maschili, con un mix di toni che vanno dal bianco e nero puro a un caldo color sangue di bue. I toni ricordano gli inizi della fotografia, ma le pose richiamano una storia ancora più lontana, quella della scultura classica. Booth crea una superficie tangibile sia sulla pelle della modella che sulla superficie della fotografia stessa. Si affida alle mutazioni e alle imperfezioni create dal trattamento chimico delle fotografie e si diverte con esse. Le figure sono illuminate solo attraverso i sottili mezzi del chiaroscuro, un tipo di fusione in cui l'oscurità si trasforma delicatamente e senza soluzione di continuità in forma leggibile.

Le immagini di "Osmosis" sono idee di forma stilizzate come disegni a carboncino. Le figure costruite dalle ombre, sfumate e cancellate, creano una ricca profondità che si estende sul piano dell'immagine ma non vi rientra. La prospettiva è compressa e il corpo, substrato su cui agisce la luce, è a volte illuminato fino a consumarsi, o sbiancato in uno sfondo immobile e pallido. Delicati mezzitoni articolano aree che si fondono delicatamente l'una nell'altra senza essere costrette da confini. Il gesto trionfa sul dettaglio.

Questa serie di opere, "Ghost Prints", è nata da un invito a un servizio fotografico a Kiev nella primavera del 2015. A prima vista, queste fotografie scultoree non sembrano altro che scatole nere lucide appese al muro. Quando cala la notte o cambia la luce ambientale, una morbida luminescenza prende vita. Emergono figure liriche, quasi ballistiche, il cui movimento si riflette nel gesto del guscio di carbonio che le ricopre.

In House Nudes began in a barn in the Languedoc region of France where the photographer and his wife began spending time in 1989. The barn had a dirt floor, a roof with a couple of holes, and a stable where 19th century travelers kept their horses. The house that came with the barn had been an old village inn, and the photographer set to work on and in the aging structures that would become an extension of his creative output and the foundation of In House Nudes.

Thirty years after the series began, In House Nudes reflects a culmination of work that the photographer made but did not exhibit or publish while producing the Corpus, Osmosis, and Nocturnes series amongst others. The centrality to In House Nudes of the home and surrounding landscape represents the most immediate and radical shift in the photographer’s development. The shift occurred parallel to the creation of a central body of work that shares the artist’s concentration on views of the nude human form magnified and burnished by unseen narratives and processes of production. The In House Nude series is printed on Awagami Bamboo paper and framed with the same materials and techniques the photographer used to weld and build the window frames, staircases, and atriums of the original house and barn.

“My dogma has always been one camera, one lens, one light,” the photographer says. “I print what I see framed in the viewfinder. I never like to crop an image. For In House Nudes, I switched my Arri hot light for the sun - part choice and part lack of a decent power supply. All of the images are shot in natural light.” In house is a term employed by companies that produce their work without hiring outside of the organization. When asked about it, the photographer says “the images are not all inside the house. But they are in house in every possible sense. I choose what I see from and in the house, which then becomes what you see. Of course,” he adds with a smile and pauses to point his visitor to the entrance of his studio where a small plaster object has been embedded in the doorframe. Unobserved until this moment, a plaster breast of generous proportion swells from the base of the frame. How many visitors have brushed by this small, playful signature? “There is plenty you won’t see,” he says, answering the unasked question. “Or not yet.”

Works from the Corpus, Ova, Osmosis and Nocturnes (Ghost Prints) series complement the exhibition, allowing visitors to trace the artist's development.

(Text: in focus Galerie, Köln)

Kunstpalast | Düsseldorf
14. September 2023 - 21. Januar 2024

Tod und Teufel - Faszination des Horrors

Die Ausstellung Tod und Teufel geht der Faszination des Horrors nach. Erstmalig beleuchtet eine Schau das Erbe und die Fortführung künstlerischer Strategien des Grauens in Mode, Musik, Film sowie der zeitgenössischen Kunst. Das Spektrum der gezeigten 120 Werke reicht von klassischer Malerei und Skulptur bis zu aufwendigen Installationen.

Die Präsentation beginnt mit einem Prolog, der veranschaulicht, wie die Kunst- und Kulturgeschichte von Tod und Schrecken geprägt ist. Dabei spannt sich der Bogen von den fantastischen Dämonen der Renaissance, die sündiges Verhalten anmahnen, über die Landschaften der Romantik, die von Ruinen und Schatten durchdrungen sind, bis hin zu den spannungsgeladenen Figuren, die in frühen Horrorfilmen des 20. Jahrhunderts lauern. Als Teil eines „kannibalischen“ Genres, das seine eigenen Symbole, Charaktere und Themen immer wieder neu aufgreift, dienen diese historischen Beispiele zur Kontextualisierung der zeitgenössischen Interpretationen des Grauens. Im Hauptteil der Schau bringt die Ausstellung Werke aus den letzten zwei Jahrzehnten zusammen. Die vielfältigen Adaptionen von Strategien und Protagonisten des Horrors zeugen von seiner Bedeutung in Mode, Musik, Film und Kunst.

Präsentiert werden Arbeiten von so verschiedenen Künstler*innen wie Rei Kawakubo, den Chapman Brothers, Billie Eilish, Lars von Trier, Berlinde de Bruyckere, Mary Sibande und vielen anderen. Death Metal und die blutgefüllten Turnschuhe von MSCHF treffen auf Beiträge von Andres Serrano und Eliza Douglas.

Mit ihren Ansätzen, Angst, Ekel oder Unbehagen zu erzeugen, formulieren diese Werke einen kanonisierten Regelbruch, der die Grenzen der Gesellschaft überschreitet, unter die Haut geht und die Fantasie beflügelt.

Kuratorin: Westrey Page, Kunstpalast

L'exposition Mort et Diable explore la fascination pour l'horreur. Pour la première fois, une exposition met en lumière l'héritage et la poursuite des stratégies artistiques de l'horreur dans la mode, la musique, le cinéma ainsi que dans l'art contemporain. L'éventail des 120 œuvres présentées va de la peinture et de la sculpture classiques aux installations sophistiquées.

La présentation commence par un prologue qui illustre comment l'histoire de l'art et de la culture est marquée par la mort et l'horreur. L'éventail s'étend des démons fantastiques de la Renaissance, qui exhortent à un comportement coupable, aux paysages de l'époque romantique, imprégnés de ruines et d'ombres, en passant par les figures pleines de tension qui guettent dans les premiers films d'horreur du 20e siècle. Faisant partie d'un genre "cannibale" qui ne cesse de revisiter ses propres symboles, personnages et thèmes, ces exemples historiques servent à contextualiser les interprétations contemporaines de l'horreur. Dans la partie principale de l'exposition, celle-ci réunit des œuvres des deux dernières décennies. Les multiples adaptations des stratégies et des protagonistes de l'horreur témoignent de son importance dans la mode, la musique, le cinéma et l'art.

Sont présentées des œuvres d'artistes* aussi divers que Rei Kawakubo, les Chapman Brothers, Billie Eilish, Lars von Trier, Berlinde de Bruyckere, Mary Sibande et bien d'autres. Le death metal et les baskets remplies de sang de MSCHF rencontrent les contributions d'Andres Serrano et d'Eliza Douglas.

Avec leurs approches visant à susciter la peur, le dégoût ou le malaise, ces œuvres formulent une transgression canonique des règles qui dépasse les limites de la société, s'insinue sous la peau et stimule l'imagination.

Commissaire d'exposition : Westrey Page, Kunstpalast

La mostra Death and the Devil esplora il fascino dell'orrore. Per la prima volta, una mostra evidenzia l'eredità e la continuazione delle strategie artistiche dell'orrore nella moda, nella musica, nel cinema e nell'arte contemporanea. Lo spettro delle 120 opere esposte spazia dalla pittura e dalla scultura classiche a elaborate installazioni.

La presentazione inizia con un prologo che illustra come la storia dell'arte e della cultura sia caratterizzata dalla morte e dall'orrore. Si va dai demoni fantastici del Rinascimento che esortano a comportamenti peccaminosi, ai paesaggi del Romanticismo intrisi di rovine e di ombre, fino alle figure sospettose in agguato nei film horror del primo Novecento. Parte di un genere "cannibalistico" che rivisita continuamente i propri simboli, personaggi e temi, questi esempi storici servono a contestualizzare le interpretazioni contemporanee dell'orrore. Nel corpo principale della mostra sono riunite opere degli ultimi due decenni. I diversi adattamenti delle strategie e dei protagonisti dell'horror testimoniano la sua importanza nella moda, nella musica, nel cinema e nell'arte.

Sono presentate opere di artisti diversi come Rei Kawakubo, i Chapman Brothers, Billie Eilish, Lars von Trier, Berlinde de Bruyckere, Mary Sibande e molti altri. Il death metal e gli addestratori pieni di sangue di MSCHF incontrano i contributi di Andres Serrano ed Eliza Douglas.

Con i loro approcci per generare paura, disgusto o disagio, queste opere formulano una violazione delle regole canonizzate che trascende i confini della società, entra nella pelle e accende l'immaginazione.

Curatore: Westrey Page, Kunstpalast

The exhibition Death and the Devil explores the fascination of horror. For the first time, a show illuminates the legacy and continuation of artistic strategies of horror in fashion, music, film as well as contemporary art. The 120 works on display range from classical painting and sculpture to elaborate installations.

The presentation begins with a prologue that illustrates how the history of art and culture has been marked by death and horror. This spans from the fantastic demons of the Renaissance exhorting sinful behavior, to the landscapes of Romanticism steeped in ruins and shadows, to the suspenseful figures lurking in early 20th century horror films. Part of a "cannibalistic" genre that continually revisits its own symbols, characters, and themes, these historical examples serve to contextualize contemporary interpretations of horror. In the main body of the show, the exhibition brings together works from the last two decades. The diverse adaptations of strategies and protagonists of horror attest to its importance in fashion, music, film, and art.

Presented are works by artists* as diverse as Rei Kawakubo, the Chapman Brothers, Billie Eilish, Lars von Trier, Berlinde de Bruyckere, Mary Sibande, and many others. Death metal and the blood-filled sneakers of MSCHF meet contributions from Andres Serrano and Eliza Douglas.

With their approaches to generating fear, disgust, or discomfort, these works formulate a canonized rule-breaking that transcends the boundaries of society, gets under the skin, and captures the imagination.

Curator: Westrey Page, Kunstpalast

(Text: Kunstpalast, Düsseldorf)

Die photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
8. September 2023 - 21. Januar 2024

Pflanzungen, Schuppen, Ackerland. Von der Arbeit in der Natur
Simone Nieweg

Für Simone Nieweg (* 1962), Meisterschülerin von Bernd Becher an der Kunstakademie Düsseldorf, ist der Blick in die Natur und die vom Menschen nutzbar gemachten Bereiche bereits in den 1980er-Jahren der Ausgangspunkt ihrer künstlerischen Arbeit. Schon damals standen drängende Fragen nach dem Umgang mit unseren natürlichen Ressourcen im Hintergrund. Mit ihren Farbphotographien, die sie im Rheinland, in mehreren Regionen Deutschlands und in Frankreich mit der Großbildkamera aufnimmt, macht sie auf die oft übersehenen Randgebiete unserer Ortschaften und Industriegebiete aufmerksam und zeigt, welche Ästhetik entsteht, wenn diese noch unverplanten Stellen begrenzt, meist in Eigeninitiative gärtnerisch oder landwirtschaftlich genutzt werden. Die Künstlerin hält fest, was dem Land Struktur und Kontinuität verleiht: alternative Kleingärten, Grabeland, Wiesenstücke, in Wildwuchs übergehende Felder, Gemüsebeete, gepflügte Acker im Winter oder blühende Obstbäume als Vorboten des Frühlings. Auch mit einfachen Mitteln errichtete Bauten, seien es Schuppen oder Kompostgestelle, sind als typische Elemente ihrer Landschaften zu entdecken.

Zur Ausstellung erscheint eine gleichnamige Publikation im Schirmer/Mosel Verlag.

Pour Simone Nieweg (* 1962), maître-élève de Bernd Becher à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, le regard porté sur la nature et les zones rendues utilisables par l'homme est, dès les années 1980, le point de départ de son travail artistique. Déjà à l'époque, des questions urgentes sur la gestion de nos ressources naturelles se trouvaient en arrière-plan. Avec ses photographies en couleur, prises avec un appareil grand format en Rhénanie, dans plusieurs régions d'Allemagne et en France, elle attire l'attention sur les zones périphériques souvent négligées de nos localités et de nos zones industrielles et montre l'esthétique qui se dégage lorsque ces endroits encore non planifiés sont exploités de manière limitée, le plus souvent de sa propre initiative, par le jardinage ou l'agriculture. L'artiste retient ce qui confère structure et continuité à la campagne : jardins familiaux alternatifs, terrains vagues, morceaux de prairie, champs se transformant en végétation sauvage, potagers, champs labourés en hiver ou arbres fruitiers en fleurs annonçant le printemps. On découvre également des constructions érigées avec des moyens simples, qu'il s'agisse de hangars ou de râteliers à compost, comme éléments typiques de leurs paysages.

Une publication du même nom paraît aux éditions Schirmer/Mosel à l'occasion de l'exposition.

Per Simone Nieweg (* 1962), allieva di Bernd Becher all'Accademia d'Arte di Düsseldorf, la visione della natura e delle aree rese utilizzabili dall'uomo era già il punto di partenza del suo lavoro artistico negli anni Ottanta. Già allora, sullo sfondo si ponevano domande pressanti su come gestire le nostre risorse naturali. Con le sue fotografie a colori, scattate in Renania, in diverse regioni della Germania e in Francia con una macchina fotografica di grande formato, l'artista richiama l'attenzione sulle periferie, spesso trascurate, delle nostre città e delle aree industriali e mostra quale estetica emerge quando questi luoghi ancora non pianificati vengono utilizzati in modo limitato, di solito di propria iniziativa, per il giardinaggio o l'agricoltura. L'artista cattura ciò che dà struttura e continuità alla terra: orti alternativi, pascoli, pezzi di prato, campi che diventano selvatici, aiuole di ortaggi, campi arati in inverno o alberi da frutto in fiore come forieri di primavera. Anche gli edifici costruiti con mezzi semplici, siano essi capannoni o compostiere, possono essere scoperti come elementi tipici dei loro paesaggi.

Una pubblicazione omonima sarà pubblicata da Schirmer/Mosel Verlag per accompagnare la mostra.

For Simone Nieweg (* 1962), master student of Bernd Becher at the Kunstakademie Düsseldorf, the view into nature and the areas made usable by man was already the starting point of her artistic work in the 1980s. Even then, pressing questions about how to deal with our natural resources were in the background. With her color photographs, which she takes up in the Rhineland, in several regions of Germany and in France with the large-format camera, she draws attention to the often overlooked peripheral areas of our towns and industrial areas and shows what aesthetics emerge when these still unplanned places are used in a limited way, usually on one's own initiative, for gardening or agriculture. The artist captures what gives structure and continuity to the land: alternative allotments, grazing land, pieces of meadow, fields turning into wild growth, vegetable beds, plowed fields in winter or blossoming fruit trees as harbingers of spring. Buildings erected with simple means, be they sheds or compost racks, can also be discovered as typical elements of their landscapes.

The exhibition is accompanied by a publication of the same name published by Schirmer/Mosel Verlag.

(Text (d): Die photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Die photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
8. September - 5. November 2023

Bei mir bei dir. Portraits und Stillleben
Sora Park

Für die Serie „Bei mir, bei Dir“ hat Sora Park (*1991 Gimpo, Südkorea) 2022 den dritten August-Sander-Preis erhalten. Über eine repräsentative Auswahl aus der prämierten Serie hinaus sind in der Ausstellung photographische Stillleben zu sehen: Profane Gegenstände und Materialien, die die Künstlerin als phantasievolle Objekte hervorzubringen weiß.

„Bei mir, bei Dir“ zeigt junge Frauen und Männer aus dem studentischen und privaten Umfeld von Sora Park, die seit 2017 an der Universität Folkwang in Essen studiert. Entstanden sind überwiegend Einzelporträts, aufgenommen entweder in ihrer eigenen Wohnung oder in der der Dargestellten. Mit ihrer analogen Großbildkamera macht sie stets nur eine Belichtung, was die Intensität der ausgewogen komponierten Bildwerke noch einmal verstärkt. In der Serie führt Sora Park eine junge Generation des künstlerisch-kreativen Milieus wie eine entscheidende Lebensphase der Identitätsfindung vor Augen.

Sora Park (*1991 Gimpo, Corée du Sud) a reçu le troisième prix August Sander en 2022 pour sa série "Bei mir, bei dir". Au-delà d'une sélection représentative de la série primée, l'exposition présente des natures mortes photographiques : Des objets et des matériaux profanes que l'artiste sait faire ressortir comme des objets pleins de fantaisie.

"Bei mir, bei dir" montre des jeunes femmes et des jeunes hommes issus de l'environnement estudiantin et privé de Sora Park, qui étudie depuis 2017 à l'université Folkwang d'Essen. Il en résulte principalement des portraits individuels, pris soit dans son propre appartement, soit dans celui des personnes représentées. Avec son appareil photo analogique grand format, elle ne fait toujours qu'une seule exposition, ce qui renforce encore l'intensité des œuvres picturales composées de manière équilibrée. Dans cette série, Sora Park présente une jeune génération du milieu artistique et créatif comme une phase décisive de la vie où l'on cherche son identité.

Sora Park (*1991 Gimpo, Corea del Sud) ha ricevuto il terzo August Sander Prize nel 2022 per la serie "Bei mir, bei Dir". Oltre a una selezione rappresentativa della serie premiata, la mostra presenta anche nature morte fotografiche: Oggetti e materiali profani che l'artista sa far emergere come oggetti immaginifici.

"Bei mir, bei Dir" mostra giovani donne e uomini dell'ambiente studentesco e privato di Sora Park, che dal 2017 studia all'Università Folkwang di Essen. Le opere sono prevalentemente ritratti individuali, scattati nel suo appartamento o in quello dell'intervistato. Con la sua fotocamera analogica di grande formato, l'artista scatta sempre una sola esposizione, il che intensifica ulteriormente l'intensità delle composizioni equilibrate. Nella serie, Sora Park presenta una giovane generazione dell'ambiente artistico-creativo come se si trattasse di una fase decisiva della vita per trovare l'identità.

Sora Park (*1991 Gimpo, South Korea) received the third August Sander Award in 2022 for the series "Bei mir, bei Dir" ("With me, with you"). In addition to a representative selection from the award-winning series, the exhibition features photographic still lifes: Profane objects and materials that the artist knows how to bring forth as imaginative objects.

"Bei mir, bei Dir" shows young women and men from the student and private environment of Sora Park, who has been studying at the University Folkwang in Essen since 2017. The results are predominantly individual portraits, taken up either in her own apartment or in that of the sitter. With her analog large-format camera, she always takes only one exposure, which further intensifies the intensity of the well-balanced composed pictorial works. In the series, Sora Park presents a young generation of the artistic-creative milieu as if it were a decisive phase of life in the process of finding identity.

(Text (d): Die photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Die photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
8. September 2023 - 21. Januar 2024

Natur, Landschaft, Genre
August Kotzsch

August Kotzsch (1836–1910) gehört zu den frühen Meistern der deutschen Photographie, und bietet ein historisches Pendant zu Simone Nieweg. Er nimmt uns mit auf einen Streifzug durch die Natur seiner Heimatregion Loschwitz bei Dresden. Landschaftsausschnitte, Gartenwinkel, Stillleben, die Früchte der eigenen Ernte, aber auch Häuser und Höfe wurden zu seinen Motiven. Kleinode, die mit viel Liebe zum Detail ein realistisches wie romantisches Bild seiner Umgebung zeichnen. Zur Herstellung seiner Photographien bediente sich der Autodidakt und Winzerssohn Kotzsch eines komplizierten Verfahrens. Seine Negative fertigte er im Kollodium-Nassplattenverfahren an, seine Abzüge auf Albuminpapier. Insofern zeichnen sich seine Ansichten durch reizvoll changierende Sepiatöne aus.

Die Leihgaben stammen aus dem Familienarchiv August Kotzsch in Zusammenarbeit mit KICKEN BERLIN. Hinzu kommen Exponate aus der hauseigenen Sammlung.

August Kotzsch (1836-1910) fait partie des premiers maîtres de la photographie allemande, et offre un pendant historique à Simone Nieweg. Il nous emmène en balade à travers la nature de sa région natale, Loschwitz, près de Dresde. Des extraits de paysages, des coins de jardins, des natures mortes, les fruits de sa propre récolte, mais aussi des maisons et des fermes sont devenus ses motifs. Des petits bijoux qui, avec un grand amour du détail, dessinent un visuel à la fois réaliste et romantique de son environnement. Pour réaliser ses photographies, Kotzsch, autodidacte et fils de vigneron, utilisait un procédé compliqué. Il réalisait ses négatifs sur plaque humide au collodion et ses tirages sur papier albuminé. Ses vues se distinguent donc par des tons sépia changeants et charmants.

Les prêts proviennent des archives de la famille August Kotzsch, en collaboration avec KICKEN BERLIN, ainsi que de la collection interne de l'exposition.

August Kotzsch (1836-1910) è uno dei primi maestri della fotografia tedesca e offre una controparte storica a Simone Nieweg. Ci accompagna in un'incursione nella natura della sua regione natale, Loschwitz, vicino a Dresda. Dettagli del paesaggio, angoli di giardino, nature morte, i frutti del suo raccolto, ma anche case e fattorie diventano i suoi motivi. Con grande attenzione ai dettagli, dipingono un quadro realistico e romantico dell'ambiente circostante. Kotzsch, fotografo autodidatta e figlio di un viticoltore, utilizzava un processo complicato per produrre le sue fotografie. Produceva i negativi con il procedimento della lastra umida al collodio e le stampe su carta all'albumina. In questo senso, le sue vedute sono caratterizzate da toni seppia deliziosamente cangianti.

I prestiti provengono dall'archivio della famiglia August Kotzsch in collaborazione con KICKEN BERLIN, oltre a reperti della collezione del museo.

August Kotzsch (1836-1910) is one of the early masters of German photography, and offers a historical counterpart to Simone Nieweg. He takes us up on a ramble through the nature of his home region Loschwitz near Dresden. Landscape details, garden corners, still lifes, the fruits of his own harvest, but also houses and farms became his motifs. Little gems, which with great attention to detail draw a realistic as well as romantic visual of his surroundings. Kotzsch, a self-taught photographer and son of a winegrower, used a complicated process to produce his photographs. He made his negatives using the collodion wet plate process, and his prints on albumen paper. In this respect, his views are characterized by delightfully iridescent sepia tones.

The loans come from the August Kotzsch family archive in cooperation with KICKEN BERLIN, along with exhibits from the museum's own collection.

(Text (d): Die photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Galerie Bene Taschen | Köln
2. September - 14. Oktober 2023

Escapology
Josef Achrer

Die Galerie Bene Taschen freut sich, ab sofort den Künstler Josef Achrer (geboren 1982 in Prag/Tschechische Republik) zu präsentieren und gleichzeitig die erste gemeinsame Solo Show „Escapology“ anzukündigen.

Mit Hilfe verschiedener Techniken und Medien arbeitet Achrer im Bereich Malerei und Fotografie. In seinen Dataistischen Werken treffen spontane Wendungen, Formen und Umkehrungen aufeinander. Durch den Einsatz von Farbe und die Verbindung zwischen traditioneller Malerei und fotografischen Prozessen entstehen Fotogramme, die auf den ersten Blick wie Gemälde scheinen. Komplex und feinmaschig zugleich, bringt der Künstler in mehreren Schichten die Informationen, Daten und Materialien zusammen. Und auch wenn der vermeidliche „Pinselstrich“ z.T. erratisch erscheint, so ist alles bis ins kleinste Detail aufeinander abgestimmt: die Analyse des Lichts, die Deckkraft, die Farbe und die Komposition.

Josef Achrer beschreibt eine Philosophie, die durch die aufkommende Bedeutung von Big Data entstanden ist. Sein Ziel ist es, Kunstwerke zu schaffen, die eine einzigartige Vision eines wiederum zeitlosen Mediums darstellen. Während die meisten traditionellen Fotogramme dafür bekannt sind, abstrakte Formen oder bloße Umrisse von Objekten darzustellen, hat Achrer einen Weg gefunden, seine Fotogramme auf das Niveau seiner Gemälde zu heben.

La galerie Bene Taschen est heureuse de présenter dès à présent l'artiste Josef Achrer (né en 1982 à Prague/République tchèque) et d'annoncer en même temps le premier spectacle solo commun "Escapology".

À l'aide de différentes techniques et médias, Achrer travaille dans le domaine de la peinture et de la photographie. Dans ses œuvres dataistiques, des tournures spontanées, des formes et des inversions se rencontrent. L'utilisation de la couleur et l'association entre la peinture traditionnelle et les processus photographiques donnent naissance à des photogrammes qui, à première vue, semblent être des tableaux. Complexe et finement maillé à la fois, l'artiste rassemble en plusieurs couches les informations, les données et les matériaux. Et même si le supposé "coup de pinceau" semble en partie erratique, tout est coordonné jusque dans les moindres détails : l'analyse de la lumière, l'opacité, la couleur et la composition.

Josef Achrer décrit une philosophie née de l'importance naissante du big data. Son objectif est de créer des œuvres d'art qui représentent une vision unique d'un médium à nouveau intemporel. Alors que la plupart des photogrammes traditionnels sont connus pour représenter des formes abstraites ou de simples contours d'objets, Achrer a trouvé le moyen de hisser ses photogrammes au niveau de ses peintures.

La galleria Bene Taschen è lieta di presentare con effetto immediato l'artista Josef Achrer (nato nel 1982 a Praga/Repubblica Ceca) e di annunciare al contempo la prima mostra personale congiunta "Escapology".

Utilizzando una varietà di tecniche e media, Achrer lavora nel campo della pittura e della fotografia. Nelle sue opere datiste si uniscono torsioni, forme e inversioni spontanee. Grazie all'uso del colore e alla connessione tra pittura tradizionale e processi fotografici, vengono creati fotogrammi che a prima vista sembrano dipinti. Complesso e finemente intessuto allo stesso tempo, l'artista riunisce informazioni, dati e materiali in diversi strati. E anche se l'apparente "pennellata" sembra a volte irregolare, tutto è coordinato fin nei minimi dettagli: l'analisi della luce, l'opacità, il colore e la composizione.

Josef Achrer descrive una filosofia nata dall'importanza emergente dei Big Data. Il suo obiettivo è creare opere d'arte che rappresentino una visione unica di un mezzo che è, a sua volta, senza tempo. Mentre la maggior parte dei fotogrammi tradizionali è nota per la rappresentazione di forme astratte o di semplici contorni di oggetti, Achrer ha trovato un modo per elevare i suoi fotogrammi al livello dei suoi dipinti.

Bene Taschen Gallery is pleased to present the artist Josef Achrer (born 1982 in Prague/Czech Republic) from now on and at the same time announce the first joint solo show "Escapology".

Using a variety of techniques and media, Achrer works in painting and photography. In his Dataist works, spontaneous twists, forms and inversions come together. Through the use of color and the connection between traditional painting and photographic processes, photograms emerge that at first glance seem like paintings. Complex and finely woven at the same time, the artist brings together the information, data and materials in several layers. And even if the apparent "brushstroke" sometimes appears erratic, everything is coordinated down to the smallest detail: the analysis of the light, the opacity, the color and the composition.

Josef Achrer describes a philosophy that has emerged as a result of the emerging importance of Big Data. His goal is to create artworks that represent a unique vision of what is, in turn, a timeless medium. While most traditional photograms are known for depicting abstract shapes or mere outlines of objects, Achrer has found a way to elevate his photograms to the level of his paintings.

(Text: Galerie Bene Taschen, Köln)

Galerie m | Bochum
1. September 2023 – 26. Januar 2024

Naturen | Natures
Lucinda Devlin, Lena von Goedeke, Caroline von Grone, Simone Nieweg, Tanya Poole

Unter dem Titel Naturen | Natures zeigt die Galerie m ab dem 1. September 2023 Fotografien von Lucinda Devlin und Simone Nieweg, Tusche-Lavuren von Tanya Poole, Gemälde von Caroline von Grone sowie Skulpturen von Lena von Goedeke. Dabei bewegen sich die Werkkonstellationen, die fast ausschließlich aus neuen Arbeiten der Künstlerinnen bestehen, in einem breiten Spannungsfeld: Während Lucinda Devlins (* 1947 in Ann Arbor, MI, USA) Fotografien der Salt Lakes in Utah, USA, oder Lena von Goedekes von den Lavafeldern Grönlands inspirierten Plastiken sich auf strategisch-konzeptuelle Weise mit harschen Naturphänomene befassen, in denen das menschliche Leben an seine Grenzen gerät, geht von den Gemälden Caroline von Grones und den Tusche-Malereien Tanya Pooles eine verzaubernd wirkende Anziehungskraft aus, die auch in den Gewässer-Fotografien von Simone Nieweg eine Rolle spielt.

Inwiefern sich der Mensch von einer ursprünglichen, ungezähmten Natur entfernt hat, ist Thema der künstlerischen Untersuchungen von Lena von Goedeke (*1983 in Duisburg). Sie lebt auf Spitzbergen und beobachtet das, was mit der Arktis passiert, und wie sich der Mensch heute diesem entlegenen Ort nähert, genau. Ihre Werke basieren auf unterschiedlichen Techniken, die bei der Erforschung der arktischen Landschaft zum Einsatz kommen, und thematisieren immer wieder seine Unfähigkeit, sich den dort herrschenden, lebensfeindlichen Verhältnissen ohne technische Hilfsmittel auszusetzen, und das, was dort ist, mit den menschlichen Sinnen zu begreifen. So spielt der Einsatz von Drohnen, von Radar und anderen Messtechniken in ihren Arbeiten eine Rolle.

Ein zentrales Werk der Ausstellung ist eine monumentale Tusche-Lavur von Tanya Poole (*1971 in St John's (Neufundland), Kanada), die einen Mond vor dem intensiven Blau des nächtlichen Himmels zeigt. Rechts davon flattert ein ockerfarbener Nachtfalter, in Form einer weiteren Malerei, davon. Pooles Werke sind von einer außerordentlichen Sinnlichkeit und in ihrer Anfertigung spielt der Zufall eine entscheidende Rolle – ein Gegenpol zu den fast wissenschaftlich anmutenden Werken Lena von Goedekes. Dabei ist der Hintergrund der Arbeiten von Tanya Poole auch ein wissenschaftlicher: Seit langem beschäftigt sich die in Frankreich lebende Künstlerin mit Nachtfaltern, ihrem Lebensraum und ihrer Wahrnehmungswelt, wobei es sie besonders fasziniert, dass diese Insekten in der Dunkelheit in intensiven Blautönen sehen.

In den Gemälden Caroline von Grones (*1963 in Hannover) stehen Bäume wie Schauspieler auf der Bühne im Mittelpunkt und gelangen zu einem ganz eigenen Leben. Die kraftvollen Linien und die teils motivisch gelöste Farbigkeit erzeugen eine unerwartete Aura, die an naturkultische Sagen und Mythen erinnert, die von verborgenem Leben in der Natur zu berichten scheinen. Die Bäume wirken mitunter wie ein eng umschlungenes Paar, verwurzelt an Ort und Stelle, unfähig, sich aus seiner prekären Lage zu befreien.

Simone Nieweg (*1962 in Bielefeld) hat in ihrer Gewässer-Serie Seen, Weiher oder die Ostsee fotografiert und insbesondere Motive in den Blick genommen, die sich zwischen ursprünglicher Natur, Kultivierung und Renaturierung bewegen. Dabei knüpfen ihre Bilder in der Motivik, Bildsprache und Atmosphäre teils an kunsthistorische Vorläufer an. So erinnern ihre „Buchen an der Ostsee IV“ an die Gemälde Caspar David Friedrichs und tatsächlich interessiert es die Künstlerin, ob und inwiefern Gefühle von Ehrfurcht und Erhabenheit in Anbetracht der Natur auch heute noch aktuell sind.

Sous le titre Naturen | Natures, la Galerie m présente à partir du 1er septembre 2023 des photographies de Lucinda Devlin et Simone Nieweg, des lavis à l'encre de Chine de Tanya Poole, des peintures de Caroline von Grone ainsi que des sculptures de Lena von Goedeke. Les constellations d'œuvres, qui se composent presque exclusivement de nouveaux travaux des artistes, évoluent dans un large champ de tensions : Tandis que les photographies des Salt Lakes dans l'Utah (États-Unis) de Lucinda Devlin (née en 1947 à Ann Arbor, MI) ou les sculptures de Lena von Goedeke inspirées par les champs de lave du Groenland traitent de manière stratégique et conceptuelle de phénomènes naturels rudes dans lesquels la vie humaine est poussée à ses limites, les tableaux de Caroline von Grone et les peintures à l'encre de Tanya Poole dégagent une force d'attraction envoûtante, qui joue également un rôle dans les photographies d'eau de Simone Nieweg.

Les recherches artistiques de Lena von Goedeke (*1983 à Duisburg) portent sur la manière dont l'homme s'est éloigné d'une nature originelle et indomptée. Elle vit au Svalbard et observe attentivement ce qui arrive à l'Arctique et la manière dont l'homme s'approche aujourd'hui de ce lieu éloigné. Ses œuvres se basent sur différentes techniques utilisées lors de l'exploration du paysage arctique et thématisent toujours son incapacité à s'exposer aux conditions hostiles qui y règnent sans moyens techniques et à comprendre ce qui s'y trouve avec les sens humains. Ainsi, l'utilisation de drones, de radars et d'autres techniques de mesure joue un rôle dans leurs travaux.

L'une des œuvres centrales de l'exposition est une lavis monumental à l'encre de Chine de Tanya Poole (née en 1971 à St John's (Terre-Neuve), Canada), qui représente une lune devant le bleu intense du ciel nocturne. À droite, un papillon de nuit ocre s'envole, sous la forme d'une autre peinture. Les œuvres de Poole sont d'une sensualité extraordinaire et le hasard joue un rôle décisif dans leur réalisation - un contrepoint aux œuvres d'apparence presque scientifique de Lena von Goedeke. Pourtant, l'arrière-plan des travaux de Tanya Poole est également scientifique : l'artiste, qui vit en France, s'intéresse depuis longtemps aux papillons de nuit, à leur habitat et à leur monde perceptif, et elle est particulièrement fascinée par le fait que ces insectes voient dans l'obscurité dans des tons bleus intenses.

Dans les peintures de Caroline von Grone (née en 1963 à Hanovre), les arbres sont au centre de l'attention comme des acteurs sur scène et parviennent à une vie tout à fait particulière. Les lignes puissantes et les couleurs en partie détachées du motif créent une aura inattendue qui rappelle les légendes et les mythes liés au culte de la nature, qui semblent parler d'une vie cachée dans la nature. Les arbres donnent parfois l'impression d'un couple étroitement enlacé, enraciné sur place, incapable de s'extraire de sa situation précaire.

Dans sa série sur les eaux, Simone Nieweg (*1962 à Bielefeld) a photographié des lacs, des étangs ou la mer Baltique et s'est particulièrement intéressée à des motifs qui se situent entre la nature originelle, la culture et la renaturation. Ce faisant, ses visuels se rattachent en partie à des précurseurs de l'histoire de l'art en termes de motifs, de langage visuel et d'atmosphère. Ainsi, ses "Buchen an der Ostsee IV" rappellent les tableaux de Caspar David Friedrich et l'artiste s'intéresse effectivement à savoir si et dans quelle mesure les sentiments de respect et de majesté face à la nature sont encore d'actualité aujourd'hui.

Con il titolo Naturen | Natures, la Galerie m esporrà dal 1° settembre 2023 fotografie di Lucinda Devlin e Simone Nieweg, lavers a inchiostro di Tanya Poole, dipinti di Caroline von Grone e sculture di Lena von Goedeke. Le costellazioni di opere, costituite quasi esclusivamente da nuovi lavori degli artisti, si muovono in un ampio campo di tensione: Mentre le fotografie di Lucinda Devlin (* 1947 a Ann Arbor, MI, USA) sui laghi salati dello Utah, USA, o le sculture di Lena von Goedeke ispirate ai campi di lava della Groenlandia trattano in modo strategico-concettuale i duri fenomeni naturali in cui la vita umana raggiunge i suoi limiti, i dipinti di Caroline von Grone e i dipinti a inchiostro di Tanya Poole emanano un'attrazione incantevole che gioca un ruolo anche nelle fotografie di Simone Nieweg sugli specchi d'acqua.

La misura in cui l'uomo si è allontanato da una natura incontaminata e selvaggia è il soggetto delle indagini artistiche di Lena von Goedeke (*1983 a Duisburg). Vive a Spitsbergen e osserva da vicino ciò che sta accadendo all'Artico e come l'uomo si approccia oggi a questo luogo remoto. Le sue opere si basano su varie tecniche utilizzate nell'esplorazione del paesaggio artico e affrontano ripetutamente l'incapacità di esporsi alle condizioni ostili che prevalgono in quel luogo senza aiuti tecnici e di comprendere ciò che c'è con i sensi umani. Per questo motivo, l'uso di droni, radar e altre tecniche di misurazione giocano un ruolo importante nelle sue opere.

Un'opera centrale della mostra è un monumentale lavur a inchiostro di Tanya Poole (*1971 a St John's (Newfoundland), Canada), che mostra una luna contro il blu intenso del cielo notturno. A destra, una falena ocra, nella forma di un altro dipinto, svolazza via. Le opere di Poole hanno una straordinaria sensualità e il caso gioca un ruolo decisivo nella loro produzione, in contrapposizione alle opere quasi scientifiche di Lena von Goedeke. Ma il background delle opere di Tanya Poole è anche scientifico: da tempo l'artista, che vive in Francia, studia le falene, il loro habitat e il loro mondo percettivo, ed è particolarmente affascinata dal fatto che questi insetti vedono al buio con intense sfumature di blu.

Nei dipinti di Caroline von Grone (*1963 ad Hannover), gli alberi sono al centro della scena come attori su un palcoscenico e prendono vita a tutti gli effetti. Le linee potenti e i colori in parte dissolti creano un'aura inaspettata, che ricorda le saghe e i miti del culto della natura che sembrano raccontare la vita nascosta nella natura. Gli alberi sembrano talvolta una coppia strettamente intrecciata, radicata nel luogo, incapace di liberarsi dalla propria posizione precaria.

Simone Nieweg (*1962 a Bielefeld) ha fotografato laghi, stagni o il Mar Baltico nella sua serie di corpi idrici, concentrandosi in particolare su motivi che si muovono tra natura incontaminata, coltivazione e rinaturalizzazione. Per i motivi, le immagini e l'atmosfera, le sue foto sono in parte legate a predecessori della storia dell'arte. I suoi "Faggi sul Mar Baltico IV", ad esempio, ricordano i dipinti di Caspar David Friedrich, e l'artista è effettivamente interessata a capire se e in che misura i sentimenti di soggezione e sublimità di fronte alla natura siano ancora attuali.

Under the title Naturen | Natures, Galerie m will be showing photographs by Lucinda Devlin and Simone Nieweg, ink lavuras by Tanya Poole, paintings by Caroline von Grone, and sculptures by Lena von Goedeke from September 1, 2023. The constellations of works, which consist almost exclusively of new works by the artists, move in a broad field of tension: While Lucinda Devlin's (* 1947 in Ann Arbor, MI, USA) photographs of the Salt Lakes in Utah, USA, or Lena von Goedeke's sculptures inspired by the lava fields of Greenland deal in a strategic-conceptual way with harsh natural phenomena in which human life reaches its limits, Caroline von Grone's paintings and Tanya Poole's ink paintings exude an enchanting attraction that also plays a role in Simone Nieweg's photographs of bodies of water.

The extent to which man has distanced himself from a pristine, untamed nature is the subject of the artistic investigations of Lena von Goedeke (*1983 in Duisburg). She lives on Spitsbergen and closely observes what is happening to the Arctic and how man approaches this remote place today. Her works are based on various techniques used in the exploration of the Arctic landscape, and repeatedly address its inability to expose itself to the hostile conditions that prevail there without technical aids, and to comprehend what is there with the human senses. Thus the use of drones, of radar and other measuring techniques plays a role in her works.

A central work in the exhibition is a monumental ink lavur by Tanya Poole (b. 1971 in St John's (Newfoundland), Canada), depicting a moon against the intense blue of the night sky. To the right of it, an ochre moth, in the form of another painting, flutters away. Poole's works are of an extraordinary sensuality and in their making chance plays a decisive role - a counterpoint to the almost scientific-looking works of Lena von Goedekes. Yet the background to Tanya Poole's works is also a scientific one: for a long time, the French-based artist has been studying moths, their habitat and their perceptual world, and she is particularly fascinated by the fact that these insects see in intense shades of blue in the dark.

In the paintings of Caroline von Grone (*1963 in Hanover), trees take center stage like actors on stage, coming to life in a way all their own. The powerful lines and the partly motif-loosened colors create an unexpected aura, reminiscent of nature-cult sagas and myths that seem to tell of hidden life in nature. The trees sometimes seem like a closely entwined couple, rooted in place, unable to free themselves from their precarious position.

Simone Nieweg (*1962 in Bielefeld) has photographed lakes, ponds or the Baltic Sea in her series of water bodies, focusing in particular on motifs that move between pristine nature, cultivation and renaturation. In their motifs, visual language, and atmosphere, her images are in part based on art historical predecessors. For example, her "Buchen an der Ostsee IV" (Beeches on the Baltic Sea IV) is reminiscent of Caspar David Friedrich's paintings, and indeed the artist is interested in whether and to what extent feelings of awe and sublimity in the face of nature are still relevant today.

(Text: Galerie m, Bochum)

NRW-Forum | Düsseldorf
18. August 2023 bis 21. Januar 2024

Beyond Fame. Die Kunst der Stars

Jeder Star ein*e Künstler*in? Immer mehr erfolgreiche Schauspieler*innen, Musiker*innen und Prominente betätigen sich auch künstlerisch und gehen damit in die Öffentlichkeit. Warum suchen sie einen weiteren Erfolg auf der Kunstbühne? Oder dient die Kunst eher der persönlichen Selbstfindung? Die Ausstellung Beyond Fame. Die Kunst der Stars präsentiert vom 18. August 2023 bis 24. Januar 2024 Arbeiten internationaler und nationaler Berühmtheiten, die Einblicke hinter die Fassade der öffentlichen Personen bieten, jenseits von Rolle und Prominenz.

So unterschiedlich die Persönlichkeiten aus Schauspiel, Sport, Politik, Musik oder Literatur sind, so verschieden sind auch ihre Wege zur Kunst. Die Wahl des künstlerischen Mediums ist oft unerwartet und überraschend, die Werke eng mit den jeweiligen Biografien verbunden. Die Ausstellung präsentiert mit Malerei, Fotografie, Video und Installation Arbeiten von Bryan Adams, Meret Becker, Tim Bendzko, Carlito (Cro), Samy Deluxe, Anna Delvey, Lea Draeger, Peter Doherty, Harald Glööckler, Grimes, Josephine Henning, Anton Hofreiter, Isis-Maria Niedecken, Edi Rama, Jean Remy, Michael Stich, Laura Tonke und Gedeon Schenkt.

Die ausgestellten Künstler*innen teilen eine jahrelange, intensive Auseinandersetzung mit der Kunst, auch wenn viele keine Akademie besucht haben, sondern als Autodidakten begannen. In der Zusammenstellung der Arbeiten zeigt sich, dass der Trend in Richtung Universalkünstler*innen geht, die schreiben, malen, singen, fotografieren und gerne gängige Formate sprengen.

Künstlerinnen wie Lea Drager und Meret Becker sind in vielfältigen künstlerischen Feldern zuhause. Lea Draeger ist Schauspielerin, Autorin und bildende Künstlerin. Seit 2015 ist sie festes Ensemblemitglied des Maxim-Gorki-Theaters in Berlin. 2022 veröffentlichte sie ihr hoch gelobtes Romandebüt und seit 2018 arbeitet sie verstärkt als Künstlerin: Sie zeichnet Päpstinnen und Päpste, mit denen sie patriarchale Systeme und hierarchische Strukturen hinterfragt. Meret Becker kommt aus einer Künstler*innen-Familie und ist selbst Sängerin, Schauspielerin und Malerin. In ihrer Kunst setzt sie sich mit gesellschaftlichen Themen auseinander und nutzt ihre Popularität, um sich für Frauenrechte einzusetzen.

Rockstars wie Bryan Adams und Peter Doherty haben Millionen Platten verkauft und sind schon seit vielen Jahren künstlerisch tätig. Während für Adams gute Fotografien wie Zeitkapseln sind, die Erinnerungen speichern, bietet die Kunst dem skandalträchtigen Libertines-Sänger Peter Doherty neben der Lyrik eine ausdrucksstarke Möglichkeit, sein Leben zu verarbeiten. Er malt mit Blut und Kohle, kombiniert wild Zeichnung, Malerei, Bild-Text-Collagen und Skulpturen. Die Arbeiten der kanadischen Musikerin Claire Elise Boucher alias Grimes sind von Krieger*innen, Nymphen, Cyborgs und Manga-Figuren bevölkert, die sie in ihren Musikvideos auch selbst verkörpert. Die Inspiration für ihre Zeichnungen und Cover bezieht sie aus mythischen und psychedelischen Bildern, entleiht Figuren und Motive beim Jugendstil und Surrealisten und setzt oft künstliche Intelligenz ein.

Aber nicht nur in Kultur und Unterhaltung, sondern auch in vermeintlich weiter von der Kunst entfernten Bereichen wie Politik und Sport gibt es Persönlichkeiten, die neben ihren Karrieren auch als Künstler*innen tätig sind. Seine Begeisterung für Botanik kommt in den Arbeiten von Politiker Anton Hofreiter, seit 2005 Mitglied des Deutschen Bundestages und promovierter Biologe, zum Ausdruck. Seine häufigsten Motive sind Blumen und Zeichnen ist für ein Weg „um zu erkennen, wie die Dinge wirklich sind“. Der frühere Wimbledonsieger Michael Stich interessierte sich schon in jungen Jahren für Kunst und wurde erst zu einem begeisterten Kunstsammler, bevor er begann, persönliche Erfahrungen zu verarbeiten, indem er sie auf die Leinwand bringt. „Meine Kunst ist Spiegelbild meiner Persönlichkeit und meiner Emotionen“, sagt er.

Unter dem Pseudonym Gedeon Schenkt ist eine prominente Person Teil der Ausstellung, deren Identität noch nicht bekannt gegeben wird. Den Besuchenden wird es überlassen, in den Werken nach Hinweisen zu suchen und damit auch der Frage nachzugehen, inwieweit Identität mit der öffentlichen Person und dem Kunstwerk verbunden ist.

Neben persönlichen Einblicken und überraschenden Blickwinkeln auf bekannte Persönlichkeiten hält die Ausstellung Besuchenden auch einen Spiegel vor: In der Begegnung mit den Werken stellt man unwillkürlich fest, wie stark man von den medialen Stereotypen der prominenten Menschen beeinflusst ist, wie sehr diese die eigene Rezeption lenken und wie viele eigene Wünsche und Fantasien wir auf berühmte Menschen richten.

Die Ausstellung wird kuratiert von Alain Bieber, Künstlerischer Leiter des NRW-Forum Düsseldorf.

Chaque star est un* artiste ? De plus en plus d'acteurs*, de musiciens* et de célébrités à succès se lancent également dans une activité artistique et se font ainsi connaître du public. Pourquoi cherchent-ils un nouveau succès sur la scène artistique ? Ou l'art leur sert-il plutôt à se découvrir personnellement ? L'exposition Beyond Fame. L'art des stars présente, du 18 août 2023 au 24 janvier 2024, des œuvres de célébrités internationales et nationales qui offrent un aperçu de ce qui se cache derrière la façade des personnages publics, au-delà de leur rôle et de leur célébrité.

Les personnalités du monde du spectacle, du sport, de la politique, de la musique ou de la littérature sont aussi différentes les unes des autres que leurs chemins vers l'art. Le choix du médium artistique est souvent inattendu et surprenant, les œuvres sont étroitement liées à leurs biographies respectives. L'exposition présente des œuvres de Bryan Adams, Meret Becker, Tim Bendzko, Carlito (Cro), Samy Deluxe, Anna Delvey, Lea Draeger, Peter Doherty, Harald Glööckler, Grimes, Josephine Henning, Anton Hofreiter, Isis-Maria Niedecken, Edi Rama, Jean Remy, Michael Stich, Laura Tonke et Gedeon Schenkt, avec de la peinture, de la photographie, de la vidéo et des installations.

Les artistes* exposés partagent des années d'étude intensive de l'art, même si beaucoup n'ont pas fréquenté d'académie, mais ont commencé en autodidactes. La compilation des travaux montre que la tendance est aux artistes universels* qui écrivent, peignent, chantent, photographient et aiment faire éclater les formats courants.

Des artistes comme Lea Drager et Meret Becker sont à l'aise dans de multiples domaines artistiques. Lea Draeger est actrice, auteure et artiste visuelle. Depuis 2015, elle est membre permanent de la troupe du Maxim-Gorki-Theater à Berlin. En 2022, elle a publié son premier roman très apprécié et depuis 2018, elle travaille de plus en plus en tant qu'artiste : elle dessine des papes et des pontifes, avec lesquels elle remet en question les systèmes patriarcaux et les structures hiérarchiques. Meret Becker vient d'une famille d'artistes* et est elle-même chanteuse, actrice et peintre. Dans son art, elle aborde des thèmes de société et utilise sa popularité pour défendre les droits des femmes.

Des stars du rock comme Bryan Adams et Peter Doherty ont vendu des millions de disques et sont actifs dans le domaine artistique depuis de nombreuses années. Alors que pour Adams, les bonnes photographies sont comme des capsules temporelles qui stockent des souvenirs, l'art offre au chanteur scandaleux des Libertines Peter Doherty, en plus de la poésie, un moyen expressif d'assimiler sa vie. Il peint avec du sang et du fusain, combinant sauvagement le dessin, la peinture, le collage visuel-texte et la sculpture. Les œuvres de la musicienne canadienne Claire Elise Boucher, alias Grimes, sont peuplées de guerriers*, de nymphes, de cyborgs et de personnages de manga, qu'elle incarne elle-même dans ses clips musicaux. Elle puise son inspiration pour ses dessins et ses pochettes dans des visuels mythiques et psychédéliques, emprunte des figures et des motifs à l'art nouveau et aux surréalistes et utilise souvent l'intelligence artificielle.

Mais ce n'est pas seulement dans la culture et le divertissement, mais aussi dans des domaines supposés plus éloignés de l'art, comme la politique et le sport, que l'on trouve des personnalités qui, parallèlement à leurs carrières, sont aussi des artistes*. Sa passion pour la botanique s'exprime dans les œuvres du politicien Anton Hofreiter, membre du Bundestag allemand depuis 2005 et docteur en biologie. Ses motifs les plus fréquents sont les fleurs et le dessin est pour lui un moyen "de voir comment les choses sont vraiment". L'ancien vainqueur de Wimbledon Michael Stich s'est intéressé à l'art dès son plus jeune âge et est d'abord devenu un collectionneur d'art enthousiaste avant de commencer à traiter ses expériences personnelles en les transposant sur la toile. "Mon art est le reflet de ma personnalité et de mes émotions", dit-il.

Sous le pseudonyme de Gedeon Schenkt, une personne éminente, dont l'identité n'a pas encore été révélée, fait partie de l'exposition. Il est laissé aux visiteurs le soin de chercher des notes dans les œuvres et donc de se demander dans quelle mesure l'identité est liée à la personne publique et à l'œuvre d'art.

Outre des aperçus personnels et des points de vue surprenants sur des personnalités connues, l'exposition est aussi un miroir tendu aux visiteurs : Au contact des œuvres, on transmet involontairement à quel point on est influencé par les stéréotypes médiatiques des personnes célèbres, à quel point ceux-ci orientent notre propre réception et combien de nos propres désirs et fantasmes nous orientons sur les personnes célèbres.

Le commissaire de l'exposition est Alain Bieber, directeur artistique du NRW-Forum de Düsseldorf.

Ogni star è un artista? Sempre più attori, musicisti e celebrità di successo diventano artisti e rendono pubblico il loro lavoro. Perché cercano un ulteriore successo sul palcoscenico dell'arte? Oppure l'arte serve più come mezzo di scoperta personale? La mostra Beyond Fame. The Art of Stars presenta opere di celebrità internazionali e nazionali dal 18 agosto 2023 al 24 gennaio 2024, offrendo una visione dietro la facciata dei personaggi pubblici, al di là del ruolo e della celebrità.

Tanto diverse sono le personalità della recitazione, dello sport, della politica, della musica o della letteratura, quanto diversi sono i loro percorsi verso l'arte. La scelta del mezzo artistico è spesso inaspettata e sorprendente, le opere strettamente legate alle rispettive biografie. La mostra presenta opere di pittura, fotografia, video e installazioni di Bryan Adams, Meret Becker, Tim Bendzko, Carlito (Cro), Samy Deluxe, Anna Delvey, Lea Draeger, Peter Doherty, Harald Glööckler, Grimes, Josephine Henning, Anton Hofreiter, Isis-Maria Niedecken, Edi Rama, Jean Remy, Michael Stich, Laura Tonke e Gedeon Schenkt.

Gli artisti esposti condividono anni di intenso impegno con l'arte, anche se molti non hanno frequentato un'accademia ma hanno iniziato come autodidatti. La raccolta di opere mostra che la tendenza è verso artisti universali che scrivono, dipingono, cantano, fotografano e amano andare oltre i formati comuni.

Artisti come Lea Draeger e Meret Becker sono a loro agio in campi artistici diversi. Lea Draeger è attrice, autrice e artista visiva. Dal 2015 è membro permanente dell'ensemble del Teatro Maxim Gorki di Berlino. Nel 2022 ha pubblicato il suo acclamato romanzo d'esordio e dal 2018 lavora sempre più come artista: disegna papi e papesse con cui mette in discussione i sistemi patriarcali e le strutture gerarchiche. Meret Becker proviene da una famiglia di artisti ed è lei stessa cantante, attrice e pittrice. Nella sua arte affronta temi sociali e usa la sua popolarità per promuovere i diritti delle donne.

Rockstar come Bryan Adams e Peter Doherty hanno venduto milioni di dischi e sono artisti da molti anni. Mentre per Adams le fotografie sono come capsule del tempo che conservano i ricordi, l'arte offre allo scandaloso cantante dei Libertines Peter Doherty un modo espressivo per elaborare la sua vita insieme alla poesia. Dipinge con sangue e carboncino, combinando selvaggiamente disegno, pittura, collage di immagini e testi e scultura. Le opere della musicista canadese Claire Elise Boucher, in arte Grimes, sono popolate da guerrieri, ninfe, cyborg e personaggi manga, che lei stessa incarna nei suoi video musicali. Per i suoi disegni e le sue copertine si ispira a immagini mitiche e psichedeliche, prende in prestito figure e motivi dall'art nouveau e dai surrealisti e spesso utilizza l'intelligenza artificiale.

Ma non solo nella cultura e nell'intrattenimento, ma anche in campi presumibilmente più lontani dall'arte, come la politica e lo sport, ci sono personalità che affiancano alla loro carriera quella di artisti. L'entusiasmo per la botanica si esprime nelle opere del politico Anton Hofreiter, membro del Bundestag tedesco dal 2005 e biologo con un dottorato. I suoi motivi più frequenti sono i fiori e il disegno è per lui un modo "per vedere come sono realmente le cose". L'ex campione di Wimbledon Michael Stich si è interessato all'arte in giovane età ed è diventato un appassionato collezionista d'arte prima di iniziare a elaborare le esperienze personali mettendole su tela. "La mia arte è un riflesso della mia personalità e delle mie emozioni", afferma.

Sotto lo pseudonimo di Gedeon Schenkt, fa parte della mostra una persona importante, la cui identità non è ancora stata rivelata. I visitatori sono lasciati a cercare indizi nelle opere e quindi anche a interrogarsi sulla misura in cui l'identità è legata alla persona pubblica e all'opera d'arte.

Oltre a spunti personali e prospettive sorprendenti su personaggi noti, la mostra offre anche uno specchio ai visitatori: Nell'incontro con le opere, ci si rende involontariamente conto di quanto si sia influenzati dagli stereotipi mediatici sulle persone di spicco, di quanto questi orientino la propria ricezione e di quanti dei nostri desideri e delle nostre fantasie siano rivolti ai personaggi famosi.

La mostra è curata da Alain Bieber, direttore artistico del NRW-Forum di Düsseldorf.

Is every star an artist? More and more successful actors, musicians and celebrities are also active in the arts and thus go public. Why do they seek further success on the art stage? Or does art rather serve the purpose of personal self-discovery? The exhibition Beyond Fame. The Art of Stars presents works by international and national celebrities from August 18, 2023 to January 24, 2024, offering insights behind the facade of public figures, beyond role and celebrity.

As different as the personalities from acting, sports, politics, music or literature are, so are their paths to art. The choice of artistic medium is often unexpected and surprising, the works closely linked to the respective biographies. The exhibition presents painting, photography, video and installation works by Bryan Adams, Meret Becker, Tim Bendzko, Carlito (Cro), Samy Deluxe, Anna Delvey, Lea Draeger, Peter Doherty, Harald Glööckler, Grimes, Josephine Henning, Anton Hofreiter, Isis-Maria Niedecken, Edi Rama, Jean Remy, Michael Stich, Laura Tonke and Gedeon Schenkt.

The artists on display share years of intense involvement with art, even though many did not attend an academy but began as self-taught artists. The compilation of works shows that the trend is towards universal artists who write, paint, sing, photograph and like to go beyond common formats.

Artists like Lea Draeger and Meret Becker are at home in diverse artistic fields. Lea Draeger is an actress, author and visual artist. She has been a permanent ensemble member of the Maxim Gorki Theater in Berlin since 2015. In 2022 she published her highly acclaimed novel debut and since 2018 she has increasingly worked as an artist: she draws female popes and popes with whom she questions patriarchal systems and hierarchical structures. Meret Becker comes from a family of artists and is herself a singer, actress and painter. In her art she deals with social issues and uses her popularity to campaign for women's rights.

Rock stars like Bryan Adams and Peter Doherty have sold millions of records and have been artistic for many years. While for Adams, good photographs are like time capsules that store memories, art offers scandal-plagued Libertines singer Peter Doherty an expressive way to process his life, along with poetry. He paints with blood and charcoal, wildly combining drawing, painting, image-text collages and sculpture. The works of Canadian musician Claire Elise Boucher aka Grimes are populated by warriors*, nymphs, cyborgs and manga characters, which she also embodies herself in her music videos. She draws inspiration for her drawings and covers from mythical and psychedelic images, borrows figures and motifs from Art Nouveau and Surrealists, and often uses artificial intelligence.

However, not only in culture and entertainment, but also in areas supposedly further removed from art, such as politics and sports, there are personalities who, in addition to their careers, are also active as artists. His enthusiasm for botany is expressed in the works of politician Anton Hofreiter, a member of the German Bundestag since 2005 and a biologist with a doctorate. His most frequent motifs are flowers, and drawing is for him a way "to see how things really are." Former Wimbledon champion Michael Stich became interested in art at a young age and became an avid art collector before he began to process personal experiences by putting them on canvas. "My art is a reflection of my personality and emotions," he says.

Under the pseudonym Gedeon Schenkt, a prominent person is part of the exhibition, whose identity is yet to be revealed. Visitors will be left to search for notes in the works and thus also to pursue the question of the extent to which identity is linked to the public person and the work of art.

In addition to personal insights and surprising perspectives on well-known personalities, the exhibition also holds up a mirror to visitors: In the encounter with the works, one involuntarily realizes how strongly one is influenced by the media stereotypes of prominent people, how much these direct one's own reception, and how many of one's own desires and fantasies we direct towards famous people.

The exhibition is curated by Alain Bieber, Artistic Director of the NRW-Forum Düsseldorf.

(Text (d): NRW-Forum, Düsseldorf)

NRW-Forum | Düsseldorf
18. August - 1. Oktober 2023

Made in Düsseldorf #5
Markus Karstiess, Donja Nasseri, Peter Piller

Made in Düsseldorf ist eine Ausstellungsreihe der Stadtsparkasse Düsseldorf in Kooperation mit dem NRW-Forum. Sie widmet sich zeitgenössischen Künstler*innen, die durch ihr Studium, ihren Wohnort oder durch künstlerische Inhalte in Verbindung mit Düsseldorf und dem Rheinland stehen. Die fünfte Ausgabe mit dem Titel REFORMULIERUNG präsentiert vom 18. August bis 1. Oktober 2023 Arbeiten aus der Sammlung der Stadtsparkasse Düsseldorf sowie ausgewählte Leihgaben von Markus Karstieß, Donja Nasseri und Peter Piller, die sich inhaltlich, konzeptuell und materiell mit Kunstformen vergangener Kulturen befassen und diese auf aktuelle Fragestellungen übertragen.

Die Künstler*innen erforschen dabei die Kultur des alten Ägyptens sowie prähistorische Felszeichnungen, Gravuren und Höhlenkunst, deren Bedeutung und Form sie in ihren Werken neu formulieren. Dabei stehen raumgreifende Keramikinstallationen fotografischen Bildwelten gegenüber.

Oberflächen von betörendem Glanz zeigen sich in den Arbeiten von Markus Karstieß. Die beiden Werke Kammer und Stellar Stoner verdeutlichen die konzeptuelle Arbeitsweise des Künstlers, der in seinen Werken auf uralte keramische Verfahren zurückgreift und sich mit neolithischen Gravuren beschäftigt. Am Limit des technisch Machbaren experimentiert Karstieß mit Brennverfahren und Glasuren und spürt die Möglichkeiten der Materie auf.

Veränderungen von Tradition, Kultur und (Geschlechter-)Identität bilden den konzeptionellen Kern von Donja Nasseris Werk, das vor allem auf der Fotografie als Erinnerungsträger, als Medium der Dokumentation und der fiktionalen Manipulation basiert. In ihren Arbeiten kombiniert sie Fotografie, Objekte, Video und Sprache. Sie interessiert sich nicht zuletzt aufgrund eigener biografischer Bezüge für die alte ägyptische Kultur, die Eingang in ihr Werk findet. Technisch und materiell bewegen sich ihre Werke zwischen dem Digitalen und traditionellen analogen Formen.

Die künstlerische Arbeit von Peter Piller besteht darin, Fotografien zu sammeln und diese zu neuen Sinnzusammenhänge zu arrangieren, um neue Bedeutungsebenen herzustellen. Seit einiger Zeit interessiert sich Peter Piller für prähistorische Höhlenkunst, die er auf Reisen nach Südfrankreich und Nordspanien fotografiert. Er geht der Frage nach, wie die Beschäftigung mit steinzeitlicher Kunst den Blick auf die Alltagswelt verändert.

Made in Düsseldorf est une série d'expositions organisées par la Stadtsparkasse Düsseldorf en coopération avec le NRW-Forum. Elle est consacrée à des artistes contemporains* qui, de par leurs études, leur lieu de résidence ou leur contenu artistique, ont un lien avec Düsseldorf et la Rhénanie. La cinquième édition, intitulée REFORMULATION, présentera du 18 août au 1er octobre 2023 des œuvres issues de la collection de la Stadtsparkasse Düsseldorf ainsi que des prêts sélectionnés de Markus Karstieß, Donja Nasseri et Peter Piller, dont le contenu, le concept et le matériel sont liés à des formes artistiques de cultures passées et les transposent à des problématiques actuelles.

Les artistes* explorent ainsi la culture de l'Égypte ancienne ainsi que les peintures rupestres, les gravures et l'art rupestre préhistoriques, dont ils reformulent la signification et la forme dans leurs œuvres. Des installations en céramique occupant tout l'espace font face à des mondes d'images photographiques.

Les travaux de Markus Karstieß présentent des surfaces d'une brillance envoûtante. Les deux œuvres Kammer et Stellar Stoner illustrent la méthode de travail conceptuelle de l'artiste, qui recourt dans ses œuvres à des procédés céramiques ancestraux et s'intéresse aux gravures néolithiques. À la limite de ce qui est techniquement possible, Karstieß expérimente des procédés de cuisson et des émaux et traque les possibilités de la matière.

Les modifications de la tradition, de la culture et de l'identité (de genre) constituent le noyau conceptuel de l'œuvre de Donja Nasseri, qui repose avant tout sur la photographie en tant que support de mémoire, de documentation et de manipulation fictionnelle. Dans ses travaux, elle combine la photographie, les objets, la vidéo et le langage. C'est notamment en raison de ses propres références biographiques qu'elle s'intéresse à la culture égyptienne ancienne, qui fait partie intégrante de son œuvre. Sur le plan technique et matériel, ses œuvres se situent entre le numérique et les formes analogiques traditionnelles.

Le travail artistique de Peter Piller consiste à collectionner des photographies et à les agencer dans de nouveaux contextes de sens afin de créer de nouveaux niveaux de signification. Depuis quelque temps, Peter Piller s'intéresse à l'art rupestre préhistorique, qu'il photographie lors de voyages dans le sud de la France et le nord de l'Espagne. Il s'interroge sur la manière dont l'étude de l'art de l'âge de pierre modifie le regard que l'on porte sur le monde quotidien.

Made in Düsseldorf è una serie di mostre organizzate dalla Stadtsparkasse Düsseldorf in collaborazione con il NRW-Forum. È dedicata ad artisti contemporanei che sono legati a Düsseldorf e alla Renania attraverso i loro studi, il luogo di residenza o il contenuto artistico. Dal 18 agosto al 1° ottobre 2023, la quinta edizione intitolata REFORMULIERUNG presenterà opere della collezione della Stadtsparkasse Düsseldorf e prestiti selezionati di Markus Karstieß, Donja Nasseri e Peter Piller, che trattano forme d'arte di culture passate in termini di contenuto, concetto e materiale e le trasferiscono a temi attuali.

Gli artisti esplorano la cultura dell'antico Egitto e i disegni rupestri preistorici, le incisioni e l'arte rupestre, di cui riformulano il significato e la forma nelle loro opere. Ampie installazioni in ceramica sono accostate a immagini fotografiche.

Superfici di seducente brillantezza si rivelano nelle opere di Markus Karstieß. Le due opere Kammer e Stellar Stoner illustrano il metodo di lavoro concettuale dell'artista, che nelle sue opere attinge ad antichi processi ceramici e si confronta con incisioni neolitiche. Al limite del tecnicamente fattibile, Karstieß sperimenta processi di cottura e smalti e traccia le possibilità del materiale.

I cambiamenti nella tradizione, nella cultura e nell'identità (di genere) costituiscono il nucleo concettuale del lavoro di Donja Nasseri, che si basa principalmente sulla fotografia come portatrice di memoria, come mezzo di documentazione e di manipolazione fittizia. Nelle sue opere combina fotografia, oggetti, video e linguaggio. Anche a causa dei suoi riferimenti biografici, è interessata all'antica cultura egiziana, che si ritrova nel suo lavoro. Tecnicamente e materialmente, le sue opere si muovono tra il digitale e le forme analogiche tradizionali.

Il lavoro artistico di Peter Piller consiste nel raccogliere fotografie e nel disporle in nuovi contesti di significato per creare nuovi livelli di senso. Da tempo Peter Piller si interessa all'arte rupestre preistorica, che fotografa durante i suoi viaggi nel sud della Francia e nel nord della Spagna. Esplora la questione di come la preoccupazione per l'arte dell'età della pietra cambi il modo in cui guardiamo il mondo quotidiano.

Made in Düsseldorf is a series of exhibitions organized by the Stadtsparkasse Düsseldorf in cooperation with the NRW-Forum. It is dedicated to contemporary artists* who are connected to Düsseldorf and the Rhineland through their studies, place of residence or artistic content. From August 18 to October 1, 2023, the fifth edition entitled REFORMULIERUNG will present works from the collection of Stadtsparkasse Düsseldorf as well as selected loans from Markus Karstieß, Donja Nasseri, and Peter Piller, which deal with art forms of past cultures in terms of content, concept, and material and transfer them to current issues.

The artists explore the culture of ancient Egypt as well as prehistoric rock drawings, engravings and cave art, whose meaning and form they reformulate in their works. Spacious ceramic installations are juxtaposed with photographic imagery.

Surfaces of beguiling brilliance are revealed in the works of Markus Karstieß. The two works Kammer and Stellar Stoner illustrate the conceptual working method of the artist, who draws on ancient ceramic processes in his works and deals with Neolithic engravings. At the limit of what is technically possible, Karstieß experiments with firing processes and glazes and traces the possibilities of the material.

Changes in tradition, culture, and (gender) identity form the conceptual core of Donja Nasseri's work, which is based primarily on photography as a carrier of memory, as a medium of documentation, and of fictional manipulation. In her works she combines photography, objects, video and language. She is interested in ancient Egyptian culture, not least because of her own biographical references, which find their way into her work. Technically and materially, her works move between the digital and traditional analog forms.

Peter Piller's artistic work consists of collecting photographs and arranging them into new contexts of meaning in order to create new levels of meaning. For some time Peter Piller has been interested in prehistoric cave art, which he photographs on trips to southern France and northern Spain. He explores the question of how the preoccupation with Stone Age art changes the way we look at the everyday world.

(Text (d), NRW-Forum, Düsseldorf)

noir blanche – Galerie für Fotografie | Düsseldorf
25. Mai - 10. Juli 2023

The Round House
Peter Keetman, Alfredo Sarabia Fajardo

In der Ausstellung "The Round House" werden zwei unterschiedliche Stilrichtungen und Generationen der Fotografie gezeigt. Peter Keetman, einem der Pioniere der deutschen Fotografie, mit seiner berühmten Serie "Volkswagenwerk Wolfsburg 1953", neben den Arbeiten von Alfredo Sarabia jun., einem der jungen und spannenden Fotografen Kubas.

In Kooperation mit der Stiftung F.C. Gundlach zeigt die Galerie noir blanche diese Kunstwerke, die aktuell in einer großen Werksschau im Kunstmuseum Wolfsburg ausgestellt sind. Die Ausstellung in der Galerie noir blanche ist zudem so besonders, da nur noch ganz wenige Abzüge von jedem Motiv weltweit zum Verkauf zur Verfügung stehen. Die klaren und grafischen Bildkompositionen von Peter Keetman stehen den vor Lebensfreude strotzenden und dynamischen Fotografien von Alfredo Sarabia Fajardo gegenüber. Das Bindeglied dieser beiden gegensätzlichen Positionen ist der VW Käfer.

Peter Keetman (1916-2005) nimmt einen zentralen Platz in der deutschen Nachkriegsfotografie ein. Ende der 1940er Jahre gehörte Keetman zu den jungen Wilden der fotoform-Gruppe, die, inspiriert von avantgardistischen Experimenten der Vorkriegszeit, eine neue Sprache der Fotografie entwickeln wollten, die auf formaler Reduktion, der schöpferischen Kraft des Lichts und der Subjektivität individueller Welterfahrung beruhte. Gemeinsam mit Otto Steinert und den anderen Mitgliedern von fotoform steht Peter Keetman für den Aufbruch der Fotografie. Gesetzmäßigkeit und Schönheit - Peter Keetmans umfangreiches und abwechslungsreiches Lebenswerk entfaltet sich zwischen diesen beiden Polen. Sie bestimmen seinen Blick auf die Welt und bestimmen seine Bildsprache: Mit einfühlsamen, poetischen Fotografien, die zugleich grafisch streng und hochmodern gestaltet sind, wurde er zu einem der wegweisenden Fotografen der 1950er- und 1960er-Jahre. Keetmans Fotografien zeichnen sich aus durch sein fotografisches Sehen, seinen Gestaltungswillen, mit dem er die Bildfläche als Ausschnitt der Realität in Linie, Fläche und Struktur unterteilte, seinen analytischen Blick und seine technische Präzision. Sein prägender Einfluss auf die Fotografie ist bis heute spürbar.

Alfredo Sarabia Fajardo ist ein bekannter kubanischer Fotograf und Professor für Fotografie an der staatlichen Universidad de la Artes (Havanna) Er hat bereits zahlreiche internationale Ausstellungen und Preise erhalten. Alfredo Sarabia Fajardo wird in Deutschland durch die Galerie noir blanche exklusiv vertreten. Die Arbeiten zeigen einen bildnerischen Zyklus rund um seinen alten VW Käfer, den er von seinem Vater bereits als Kind geerbt hat. Er ist der Sohn des berühmten kubanischen Fotografen Alfredo Sarabia.

Dieses Projekt basiert auf einem Foto, das der Vater ,Alfredo Sarabia sen. in den 90er Jahren aufgenommen hat. Alfredo Sarabia sen. war ein bedeutender kubanischer Fotograf. Schon früh begleitete sein Sohn Alfredo jun. ihn auf seinen Reisen durch Kuba. Die Serie „The Round House“ ist das Ergebnis seiner Familienreisen mit seiner Frau und 4 Kindern. Diese Serie schafft eine sehr emotionale und starke Verbindung zwischen seinen Erinnerungen und seiner Erfahrung als Fotograf. Die Orte, das Auto und die Charaktere werden wiederholt. Ein Generationskreis ist geschlossen.

Das Projekt "The Round House" ist eine Serie von im Wesentlichen selbstreferenziellen Fotografien. Sein konzeptioneller Hintergrund bezieht sich auf die Familiengeschichte auf einer elementaren Ebene des Verständnisses. Somit funktioniert der Arbeitsprozess als intime Suche und als Geste der Selbstdarstellung.

Die Serie umfasst insgesamt 45 Motive, von denen die Galerie noir blanche ca. 32 Motive zeigt.

L'exposition "The Round House" présente deux styles et générations de photographes différents. Peter Keetman, l'un des pionniers de la photographie allemande, avec sa célèbre série "Volkswagenwerk Wolfsburg 1953", à côté des travaux d'Alfredo Sarabia junior, l'un des jeunes et passionnants photographes de Cuba.

En coopération avec la fondation F.C. Gundlach, la Galerie noire blanche présente ces œuvres d'art, qui sont actuellement exposées dans une grande exposition d'œuvres au Kunstmuseum Wolfsburg. L'exposition à la Galerie noire blanche est en outre si particulière, car il ne reste que très peu de tirages de chaque motif à vendre dans le monde. Les compositions picturales claires et graphiques de Peter Keetman font face aux photographies dynamiques et débordantes de joie de vivre d'Alfredo Sarabia Fajardo. Le lien entre ces deux positions opposées est la Coccinelle VW.

Peter Keetman (1916-2005) occupe une place centrale dans la photographie allemande d'après-guerre. À la fin des années 1940, Keetman faisait partie des jeunes sauvages du groupe fotoform qui, inspirés par les expériences avant-gardistes d'avant-guerre, voulaient développer un nouveau langage de la photographie basé sur la réduction formelle, la force créatrice de la lumière et la subjectivité de l'expérience individuelle du monde. Avec Otto Steinert et les autres membres de fotoform, Peter Keetman représente le renouveau de la photographie. Légalité et beauté - l'œuvre vaste et variée de Peter Keetman se déploie entre ces deux pôles. Ils déterminent son regard sur le monde et définissent son langage visuel : avec des photographies sensibles et poétiques, à la fois graphiques, rigoureuses et d'une grande modernité, il est devenu l'un des photographes pionniers des années 1950 et 1960. Les photographies de Keetman se distinguent par sa vision photographique, sa volonté de créer en divisant la surface de l'image en ligne, en surface et en structure en tant qu'extrait de la réalité, son regard analytique et sa précision technique. Son influence marquante sur la photographie est encore perceptible aujourd'hui.

Alfredo Sarabia Fajardo est un photographe cubain renommé et professeur de photographie à l'université d'État des Arts (La Havane). Il a déjà reçu de nombreuses expositions et prix internationaux. Alfredo Sarabia Fajardo est représenté en Allemagne en exclusivité par la Galerie noir blanche. Ses œuvres présentent un cycle pictural autour de sa vieille Coccinelle VW, qu'il a héritée de son père dès son enfance. Ce dernier est le fils du célèbre photographe cubain Alfredo Sarabia.

Ce projet est basé sur une photo prise par son père, Alfredo Sarabia senior, dans les années 90. Alfredo Sarabia senior était un grand photographe cubain. Très tôt, son fils Alfredo jun. l'a accompagné dans ses voyages à Cuba. La série "The Round House" est le résultat de ses voyages en famille avec sa femme et ses quatre enfants. Cette série crée un lien très émotionnel et fort entre ses souvenirs et son expérience de photographe. Les lieux, la voiture et les personnages sont répétés. Un cercle générationnel est bouclé.

Le projet "The Round House" est une série de photographies essentiellement autoréférentielles. Son arrière-plan conceptuel se réfère à l'histoire familiale à un niveau élémentaire de compréhension. Ainsi, le processus de travail fonctionne comme une recherche intime et un geste d'autoreprésentation.

La série comprend au total 45 motifs, dont la Galerie noire blanche présente environ 32 motifs.

La mostra "The Round House" presenta due diversi stili e generazioni di fotografi. Peter Keetman, uno dei pionieri della fotografia tedesca, con la sua famosa serie "Volkswagenwerk Wolfsburg 1953", accanto alle opere di Alfredo Sarabia Jr, uno dei giovani ed entusiasmanti fotografi cubani.

In collaborazione con la Fondazione F.C. Gundlach, la Galerie noir blanche presenta queste opere, attualmente esposte in una grande mostra al Kunstmuseum di Wolfsburg. La mostra alla Galerie noir blanche è così speciale anche perché solo pochissime stampe di ciascun motivo sono ancora disponibili per la vendita in tutto il mondo. Le composizioni pittoriche chiare e grafiche di Peter Keetman sono accostate alle fotografie dinamiche di Alfredo Sarabia Fajardo, che sprizzano gioia di vivere. Il legame tra queste due posizioni contrastanti è il Maggiolino VW.

Peter Keetman (1916-2005) occupa un posto centrale nella fotografia tedesca del dopoguerra. Alla fine degli anni Quaranta, Keetman era uno dei giovani selvaggi del gruppo fotoform, che, ispirandosi agli esperimenti d'avanguardia del periodo prebellico, voleva sviluppare un nuovo linguaggio fotografico basato sulla riduzione formale, sul potere creativo della luce e sulla soggettività dell'esperienza individuale del mondo. Insieme a Otto Steinert e agli altri membri di fotoform, Peter Keetman rappresenta il risveglio della fotografia. Legalità e bellezza - L'ampio e variegato lavoro di Peter Keetman si svolge tra questi due poli. Essi determinano la sua visione del mondo e definiscono il suo linguaggio visivo: con fotografie sensibili e poetiche, allo stesso tempo graficamente austere e molto moderne, è diventato uno dei fotografi pionieri degli anni Cinquanta e Sessanta. Le fotografie di Keetman sono caratterizzate dalla sua visione fotografica, dalla sua volontà progettuale, con cui divideva la superficie dell'immagine come sezione della realtà in linea, superficie e struttura, dal suo occhio analitico e dalla sua precisione tecnica. La sua influenza formativa sulla fotografia si sente ancora oggi.

Alfredo Sarabia Fajardo è un noto fotografo cubano e professore di fotografia presso la statale Universidad de la Artes (L'Avana). Ha già ricevuto numerose mostre e premi internazionali. Alfredo Sarabia Fajardo è rappresentato in esclusiva in Germania dalla Galerie noir blanche. Le opere mostrano un ciclo pittorico intorno al suo vecchio Maggiolino VW, ereditato dal padre da bambino. È il figlio del famoso fotografo cubano Alfredo Sarabia.

Questo progetto si basa su una fotografia scattata dal padre, Alfredo Sarabia Sr., negli anni Novanta. Alfredo Sarabia Sr. è stato un importante fotografo cubano. All'inizio, il figlio Alfredo Jr. lo accompagnava nei suoi viaggi a Cuba. La serie "The Round House" è il risultato dei suoi viaggi in famiglia con la moglie e i 4 figli. Questa serie crea un legame molto forte ed emotivo tra i suoi ricordi e la sua esperienza di fotografo. I luoghi, le auto e i personaggi si ripetono. Si chiude un cerchio generazionale.

Il progetto Round House è una serie di fotografie essenzialmente autoreferenziali. Il suo sfondo concettuale si riferisce alla storia della famiglia a un livello elementare di comprensione. Il processo di lavoro funziona quindi come una ricerca intima e un gesto di auto-rappresentazione.

La serie comprende un totale di 45 motivi, di cui la Galerie noir blanche espone circa 32.

In the exhibition "The Round House" two different styles and generations of photography are shown. Peter Keetman, one of the pioneers of German photography, with his famous series "Volkswagenwerk Wolfsburg 1953", next to the works of Alfredo Sarabia jun., one of the young and exciting photographers of Cuba.

In cooperation with the F.C. Gundlach Foundation, Galerie noir blanche is showing these works of art, which are currently on display in a large exhibition of works at the Kunstmuseum Wolfsburg. The exhibition at Galerie noir blanche is also so special because only a very few prints of each motif are still available for sale worldwide. The clear and graphic pictorial compositions of Peter Keetman are juxtaposed with the dynamic photographs of Alfredo Sarabia Fajardo, which are bursting with joie de vivre. The link between these two opposing positions is the VW Beetle.

Peter Keetman (1916-2005) occupies a central place in post-war German photography. In the late 1940s, Keetman was one of the young savages of the fotoform group who, inspired by avant-garde experiments of the pre-war period, sought to develop a new language of photography based on formal reduction, the creative power of light, and the subjectivity of individual experience of the world. Together with Otto Steinert and the other members of fotoform, Peter Keetman stands for the awakening of photography. Legality and beauty - Peter Keetman's extensive and varied life's work unfolds between these two poles. They determine his view of the world and define his visual language: with sensitive, poetic photographs that are at once graphically rigorous and highly modern, he became one of the pioneering photographers of the 1950s and 1960s. Keetman's photographs are characterized by his photographic vision, his will to design, with which he divided the image surface as a section of reality into line, surface, and structure, his analytical eye, and his technical precision. His formative influence on photography can still be felt today.

Alfredo Sarabia Fajardo is a well-known Cuban photographer and professor of photography at the State Universidad de la Artes (Havana) He has received numerous international exhibitions and awards. Alfredo Sarabia Fajardo is exclusively represented in Germany by Galerie noir blanche. The works show a pictorial cycle around his old VW Beetle, which he inherited from his father when he was a child. He is the son of the famous Cuban photographer Alfredo Sarabia.

This project is based on a photo taken up by his father ,Alfredo Sarabia sen. in the 90's. Alfredo Sarabia Sr. was an important Cuban photographer. Early on, his son Alfredo Jr. accompanied him on his travels through Cuba. The series "The Round House" is the result of his family travels with his wife and 4 children. This series creates a very emotional and strong connection between his memories and his experience as a photographer. The places, the car and the characters are repeated. A generational circle is closed.

The project "The Round House" is a series of essentially self-referential photographs. Its conceptual background relates to family history at an elemental level of understanding. Thus, the work process functions as an intimate search and a gesture of self-representation.

The series includes a total of 45 motifs, of which Galerie noir blanche shows about 32 motifs.

(Text: noir blanche – Galerie für Fotografie, Düsseldorf)

Kunstraum Elsa | Bielefeld
30. April - 26. Mai 2023

Cowboys and Gods in the Garden - Fotografien zum Thema Männlichkeit
Ute Behrend, Allison Plass

Ute Behrend aus Köln arbeitet seit Jahren mit Fotoserien zum Thema Gender. Ihr Buch „Bärenmädchen“ wurde mit zahlreichen internationalen Preisen ausgezeichnet. In. Bielefeld zeigt sie Arbeiten aus ihrer Serie „Cowboys“. Die in den USA, Spanien, Deutschland, Belgien und Polen entstandene Fotoserie zeigt den archetypischen Männermythos als internationales Phänomen und Projektionsfigur, die ungeachtet ihrer historisch kurzen Bedeutung eine weitreichende Faszination ausübt.

Allison Plass aus New York zeigt eine Bildprojektion aus ihrem Langzeitprojekt „Hold me Tight“ . Ihre an griechische Mythologien von Männlichkeit angelehnten Fotografien entstehen in enger Zusammenarbeit mit ihrem Mann und den heranwachsenden Söhnen. Die malerischen Bilder in der Natur thematisieren Gefühle wie Zärtlichkeit und Verletzlichkeit von Männern untereinander. Sie hinterfragen die in den USA, aber auch in Deutschland gängigen Männerbilder.

Ute Behrend ist eine deutsche Künstlerin, Verlegerin und Dozentin. Sie ist Mitbegründerin des Verlages BUMMBUMM BOOKS und und Mitglied im Präsidium der Deutschen Fotografischen Akademie. (DFA). Behrends Fotografien und Videoinstallationen wurden international ausgestellt und sind in vielen öffentlichen Sammlungen vertreten. Sie hat fünf Monographien veröffentlicht, das neueste Buch „Back to Nature“ wurde 2020 für den Merck-Preis nominiert.

Allison Plass lebt als künstlerische Fotografin in New York. Sie erhielt ihren MA in

Kunstgeschichte an der UC Santa Barbara, wo sie sich mit Fragen von Geschlecht und Repräsentation in der europäischen Kunst befasste. Im Jahr 2020 schloss sie das Advanced Track Programm am International Center of Photography in New York ab. Ihre Arbeiten wurden in einer Reihe von Ausstellungen und Wettbewerben in den USA, Europa und Australien ausgezeichnet, darunter die Shortlist des Lens Culture Portrait Awards 2023.

Ute Behrend, de Cologne, travaille depuis des années avec des séries de photos sur le thème du genre. Son livre "Bärenmädchen" a été récompensé par de nombreux prix internationaux. À . Bielefeld, elle présente des travaux de sa série "Cowboys". Cette série de photos, réalisée aux États-Unis, en Espagne, en Allemagne, en Belgique et en Pologne, montre l'archétype du mythe masculin en tant que phénomène international et figure de projection qui, indépendamment de sa brève importance historique, exerce une vaste fascination.

Allison Plass de New York présente une projection d'images de son projet à long terme "Hold me Tight" . Ses photographies, qui s'inspirent des mythologies grecques de la masculinité, sont réalisées en étroite collaboration avec son mari et ses fils en pleine croissance. Les visuels picturaux dans la nature abordent des sentiments tels que la tendresse et la vulnérabilité des hommes entre eux. Elles remettent en question les images masculines courantes aux États-Unis, mais aussi en Allemagne.

Ute Behrend est une artiste, éditrice et conférencière allemande. Elle est cofondatrice de la maison d'édition BUMMBUMM BOOKS et membre du comité directeur de la Deutsche Fotografische Akademie. (DFA). Les photographies et les installations vidéo de Behrend ont été exposées à l'échelle internationale et sont représentées dans de nombreuses collections publiques. Elle a publié cinq monographies et son dernier livre, Back to Nature, a été nominé pour le prix Merck en 2020.

Allison Plass vit à New York en tant que photographe artistique. Elle a obtenu son MA en

Histoire de l'art à l'UC Santa Barbara, où elle s'est intéressée aux questions de genre et de représentation dans l'art européen. En 2020, elle a terminé le programme Advanced Track à l'International Center of Photography de New York. Son travail a été récompensé dans le cadre d'une série d'expositions et de concours aux États-Unis, en Europe et en Australie, notamment la shortlist du Lens Culture Portrait Awards 2023.

Ute Behrend, di Colonia, lavora da anni con serie fotografiche sul genere. Il suo libro "Bärenmädchen" (Bambina orso) ha ricevuto numerosi premi internazionali. A. Bielefeld espone le opere della serie "Cowboys". La serie fotografica, realizzata negli Stati Uniti, in Spagna, Germania, Belgio e Polonia, mostra l'archetipo del mito maschile come fenomeno internazionale e figura di proiezione che esercita un fascino di vasta portata nonostante il suo significato storicamente breve.

Allison Plass, di New York, presenta una proiezione di immagini dal suo progetto a lungo termine "Hold me Tight". Le sue fotografie, ispirate alle mitologie greche della mascolinità, sono realizzate in stretta collaborazione con il marito e i figli adolescenti. Le immagini pittoresche nella natura affrontano i sentimenti di tenerezza e vulnerabilità degli uomini. Mettono in discussione le immagini di uomini comuni negli Stati Uniti, ma anche in Germania.

Ute Behrend è un'artista, editrice e docente tedesca. È cofondatrice della casa editrice BUMMBUMM BOOKS e membro del presidio dell'Accademia fotografica tedesca. (DFA). Le fotografie e le installazioni video della Behrend sono state esposte a livello internazionale e sono presenti in molte collezioni pubbliche. Ha pubblicato cinque monografie e l'ultimo libro, Back to Nature, è stato nominato per il Merck Prize nel 2020.

Allison Plass è una fotografa artistica che vive a New York. Ha conseguito un master in

Storia dell'arte alla UC Santa Barbara, dove ha esplorato le questioni di genere e rappresentazione nell'arte europea. Nel 2020 ha completato il programma Advanced Track presso l'International Center of Photography di New York. Il suo lavoro è stato riconosciuto in numerose mostre e concorsi negli Stati Uniti, in Europa e in Australia, tra cui la candidatura al Lens Culture Portrait Awards 2023.

Ute Behrend from Cologne has been working for years with photo series on the subject of gender. Her book "Bärenmädchen" has won numerous international awards. In. Bielefeld she shows works from her series "Cowboys". The photo series, which was created in the USA, Spain, Germany, Belgium and Poland, shows the archetypal male myth as an international phenomenon and projection figure that exerts a far-reaching fascination despite its historically brief significance.

Allison Plass from New York shows an image projection from her long-term project "Hold me Tight" . Her photographs, inspired by Greek mythologies of masculinity, are created in close collaboration with her husband and growing sons. The painterly images in nature address feelings of tenderness and vulnerability among men. They question the images of men that are common in the USA, but also in Germany.

Ute Behrend is a German artist, publisher and lecturer. She is co-founder of the publishing house BUMMBUMM BOOKS and and member of the presidium of the German Photographic Academy. (DFA). Behrend's photographs and video installations have been exhibited internationally and are included in many public collections. She has published five monographs, and the most recent book, Back to Nature, was nominated for the Merck Prize in 2020.

Allison Plass is an artistic photographer living in New York. She received her MA in

Art History at UC Santa Barbara, where she explored issues of gender and representation in European art. In 2020, she completed the Advanced Track program at the International Center of Photography in New York. Her work has been recognized in a number of exhibitions and competitions in the U.S., Europe, and Australia, including being shortlisted for the 2023 Lens Culture Portrait Award.

(Text: Katharina Bosse, Bielefeld)

Galerie Bene Taschen | Köln
28. April - 10. Juni 2023

Flesh Life: Sex in Mexico City
Joseph Rodriguez

Die Galerie Bene Taschen freut sich, die neue Einzelausstellung Flesh Life: Sex in Mexico City von Joseph Rodriguez zu präsentieren. In Flesh Life dokumentiert Rodriguez das Leben in Mexico City im Jahr 1997, u.a. im Bezirk La Merced, der zu den Vierteln mit der höchsten Kriminalitätsrate der Stadt gehört.

Die schwarz-weißen Arbeiten zeigen Bewohner, die einerseits mit dem katholischen Glauben tief verwurzelt sind, sich andererseits häufig auf die Suche nach sexuellen Abenteuern begeben. Auf den ausgestellten Silver gelatin Prints sind Familien, Sexarbeiter_innen und trans*Sexarbeiter_innen in gegensätzlichen Szenen porträtiert. Eine Sexarbeiterin, die sich für ihren nächsten Job bereit macht und dazu ihr Aussehen markant verändert. Im Hintergrund hängt ein Kruzifix an der Wand. Die Verschmelzung zwischen dem Ausleben von erotischen Wünschen und der Hingabe zu Spiritualität ist in Mexico City allgegenwärtig. Rodriguez taucht in verborgene Winkel dieser Metropole ein und hält intime Momente fest, die trotz der oft schwierigen Lebensumstände nie an Würde und Schönheit verlieren.

Er selbst beschreibt sich als Humanist. Durch seine achtsame und respektvolle Haltung gegenüber den Menschen und Orten, die er fotografiert, gelingt ihm ein Blick hinter die Fassaden der Personen. Die Porträtierten vertrauen ihm und gewähren ihm einen Einblick in ihr Leben, fernab der in der Öffentlichkeit stattfindenden Geschehnisse. In Flesh Life werden die tiefen menschlichen Grundbedürfnisse nach Liebe, Solidarität und Nähe, die hinter den Momentaufnahmen liegen, sichtbar.

Geboren in New York City, schloss Joseph Rodriguez 1985 ein Studium am International Center of Photography in New York mit einem Diplom für Fotografie ab. Seit vier Jahrzehnten arbeitet er als Dokumentar-Fotograf und hat für verschiedene Publikationen wie der New York Times und Washington Post gearbeitet. Rodriguez Arbeiten wurden in zehn Monografien herausgebracht und sind in Sammlungen wie LACMA, Los Angeles, Smithsonian American Art Museum, Washington D.C., ALBERTINA, Wien und Museum Ludwig in Köln vertreten.

Die Ausstellung Flesh Life zeigt eine Auswahl der Fotografien aus dem gleichnamigen Buch, das 2006 veröffentlicht wurde.

La galerie Bene Taschen a le plaisir de présenter la nouvelle exposition individuelle Flesh Life : Sex in Mexico City de Joseph Rodriguez. Dans Flesh Life, Rodriguez documente la vie à Mexico City en 1997, entre autres dans le quartier de La Merced, l'un des quartiers de la ville où le taux de criminalité est le plus élevé.

Les travaux en noir et blanc montrent des habitants qui, d'une part, sont profondément enracinés dans la foi catholique et qui, d'autre part, sont souvent en quête d'aventures sexuelles. Sur les Silver gelatin prints exposés, des familles, des travailleurs du sexe et des travailleurs du sexe trans* sont portraiturés dans des scènes opposées. Une travailleuse du sexe se prépare pour son prochain travail et change pour cela de manière marquante son apparence. En arrière-plan, un crucifix est accroché au mur. La fusion entre la réalisation de désirs érotiques et la dévotion à la spiritualité est omniprésente à Mexico City. Rodriguez plonge dans des recoins cachés de cette métropole et immortalise des moments intimes qui, malgré des conditions de vie souvent difficiles, ne perdent jamais leur dignité et leur beauté.

Il se décrit lui-même comme un humaniste. Grâce à son attitude attentive et respectueuse envers les personnes et les lieux qu'il photographie, il parvient à voir derrière les façades des personnes. Les personnes dont il fait le portrait lui font confiance et lui laissent entrevoir leur vie, loin des événements qui se déroulent en public. Dans Flesh Life, les profonds besoins humains fondamentaux d'amour, de solidarité et de proximité qui se cachent derrière les instantanés deviennent visibles.

Né à New York City, Joseph Rodriguez a obtenu en 1985 un diplôme de photographie à l'International Center of Photography de New York. Il travaille depuis quatre décennies en tant que photographe documentaire et a collaboré à diverses publications telles que le New York Times et le Washington Post. Les travaux de Rodriguez ont été publiés dans dix monographies et sont représentés dans des collections telles que LACMA, Los Angeles, Smithsonian American Art Museum, Washington D.C., ALBERTINA, Vienne et Museum Ludwig à Cologne.

L'exposition Flesh Life présente une sélection de photographies tirées du livre du même nom, publié en 2006.

La galleria Bene Taschen è lieta di presentare la nuova mostra personale Flesh Life: Sex in Mexico City di Joseph Rodriguez. In Flesh Life, Rodriguez documenta la vita a Città del Messico nel 1997, anche nel quartiere La Merced, uno dei quartieri con il più alto tasso di criminalità della città.

Le opere in bianco e nero mostrano residenti che, da un lato, sono profondamente radicati nella fede cattolica e, dall'altro, vanno spesso alla ricerca di avventure sessuali. Le stampe alla gelatina d'argento in mostra ritraggono famiglie, lavoratrici del sesso e trans* in scene contrastanti. Una lavoratrice del sesso si prepara per il suo prossimo lavoro e cambia notevolmente il suo aspetto. Un crocifisso è appeso alla parete sullo sfondo. La fusione tra i desideri erotici e la devozione alla spiritualità è onnipresente a Città del Messico. Rodriguez si addentra in angoli nascosti di questa metropoli e cattura momenti intimi che non perdono mai la loro dignità e bellezza nonostante le circostanze spesso difficili della vita.

Si definisce un umanista. Grazie al suo atteggiamento attento e rispettoso nei confronti delle persone e dei luoghi che fotografa, riesce a guardare dietro la facciata delle persone. Le persone ritratte si fidano di lui e gli permettono di dare uno sguardo alla loro vita, lontano dagli eventi che si svolgono sotto gli occhi di tutti. In Flesh Life, i profondi bisogni umani di amore, solidarietà e vicinanza che si celano dietro le istantanee diventano visibili.

Nato a New York, Joseph Rodriguez si è laureato in fotografia all'International Center of Photography di New York nel 1985. Lavora come fotografo documentarista da quattro decenni e ha collaborato con diverse pubblicazioni come il New York Times e il Washington Post. Il lavoro di Rodriguez è stato pubblicato in dieci monografie ed è presente in collezioni come il LACMA di Los Angeles, lo Smithsonian American Art Museum di Washington D.C., l'ALBERTINA di Vienna e il Museum Ludwig di Colonia.

La mostra Flesh Life presenta una selezione di fotografie tratte dall'omonimo libro, pubblicato nel 2006.

Bene Taschen Gallery is pleased to present Flesh Life: Sex in Mexico City, a new solo exhibition by Joseph Rodriguez. In Flesh Life, Rodriguez documents life in Mexico City in 1997, including the La Merced district, which is one of the highest crime neighborhoods in the city.

The black-and-white works depict residents who, on the one hand, are deeply rooted in the Catholic faith, but on the other hand, often go in search of sexual adventures. The Silver gelatin prints on display feature portraits of families, sex workers, and trans* sex workers in contrasting scenes. A sex worker getting ready for her next job, strikingly changing her appearance to do so. A crucifix hangs on the wall in the background. The fusion between acting out erotic desires and devotion to spirituality is ubiquitous in Mexico City. Rodriguez delves into hidden corners of this metropolis and captures intimate moments that never lose their dignity and beauty despite the often difficult circumstances of life.

He describes himself as a humanist. Through his attentive and respectful attitude towards the people and places he photographs, he manages to look behind the facades of the people. The portrayed trust him and allow him a glimpse into their lives, far away from the events taking place in the public eye. In Flesh Life, the deep basic human needs for love, solidarity and closeness that lie behind the snapshots become visible.

Born in New York City, Joseph Rodriguez graduated from the International Center of Photography in New York with a degree in photography in 1985. He has worked as a documentary photographer for four decades and has contributed to various publications including the New York Times and Washington Post. Rodriguez's work has been published in ten monographs and is included in collections such as LACMA, Los Angeles; Smithsonian American Art Museum, Washington D.C.; ALBERTINA, Vienna; and Museum Ludwig in Cologne, Germany.

The exhibition Flesh Life features a selection of photographs from the book of the same name, published in 2006.

(Text: Galerie Bene Taschen, Köln)

Kunstraum Elsa | Bielefeld
31. März - 19. April 2023

The Pages of SCUMB Manifesto - Reliefs aus bearbeiteten Fotobüchern
Justine Kurland

Justine Kurlands neueste Arbeit wendet sich ab von der kamerabasierten Fotografie. In SCUMB - Society for cutting up Men’s Photobooks (2022 erschienen bei Verlag Mack, London) greift sie zu den über 150 männlichen Fotobuchklassikern in ihrem Regal, um diese zu zerschneiden und zu Collagen zu verarbeiten. In diesem ebenso zerstörerischen wie schöpferischem Akt wendet sie sich gegen die vom männlichen Kanon und männlichen Professoren geprägte fotografische Ausbildung und Fotogeschichte. So beginnt ihr Manifest : „ I, JUSTINE KURLAND, AM SCUMB. I THRIVE IN THE STAGNANT WASTE OF YOUR SELF-CONGRATULATORY BORING PHOTOGRAPHY“. Ihr Bezug zum berühmten SCUM Manifest, ein früher radikal-feministischer Text von Valerie Solanas aus dem Jahr 1967, ist deutlich.

In der Ausstellung im Kunstraum Elsa sind die bearbeiteten Bücher selbst zu sehen. Die Seiten der Bücher, aus denen Justine Kurland mit ihrem Skalpell sorgfältig die Formen herausgetrennt hat, werden zu Wandobjekten in Reliefform. Sie wirken wie Räume, als ob man mit dem Blick durch sie hindurchsteigen könnte, um in den Leerräumen gleich einer Detektivin auf Spurensuche zu gehen. Die entstandenen Freiräume ihrer Bibliothek füllt Justine Kurland mit Büchern von weiblichen und queeren Fotograf*innen auf.

Justine Kurland wurde 1969 in Warsaw, NY geboren. Sie erhielt ihren BA an der School of Visual Arts und ihren MA an der Yale University. Ihre Arbeit ist u.a. in den Sammlungen des Whitney Museum of American Art, New York; des Solomon R. Guggenheim Museum of Art, New York und des ICP.

Le dernier travail de Justine Kurland se détourne de la photographie basée sur l'appareil photo. Dans SCUMB - Society for cutting up Men's Photobooks (paru en 2022 aux éditions Mack, Londres), elle s'empare de plus de 150 classiques masculins du livre de photographie sur son étagère pour les découper et les transformer en collages. Dans cet acte à la fois destructeur et créatif, elle s'oppose à la formation photographique et à l'histoire de la photographie marquées par les canons et les professeurs masculins. Ainsi commence son manifeste : " I, JUSTINE KURLAND, AM SCUMB. I THRIVE IN THE STAGNANT WASTE OF YOUR SELF-CONGRATULATORY BORING PHOTOGRAPHY". Sa référence au fameux manifeste SCUM, un des premiers textes féministes radicaux de Valerie Solanas datant de 1967, est claire.

Dans l'exposition de l'espace d'art Elsa, on peut voir les livres travaillés eux-mêmes. Les pages des livres, dont Justine Kurland a soigneusement extrait les formes avec son scalpel, deviennent des objets muraux en relief. Elles donnent l'impression d'être des espaces, comme si l'on pouvait les traverser du regard pour partir à la recherche d'indices dans les espaces vides, à la manière d'une détective. Justine Kurland remplit les espaces libres ainsi créés dans sa bibliothèque avec des livres de photographes féminins et queer*.

Justine Kurland est née en 1969 à Warsaw, NY. Elle a obtenu son BA à la School of Visual Arts et son MA à l'université de Yale. Son travail fait partie, entre autres, des collections du Whitney Museum of American Art, New York ; du Solomon R. Guggenheim Museum of Art, New York et de l'ICP.

L'ultimo lavoro di Justine Kurland si allontana dalla fotografia basata sulla macchina fotografica. In SCUMB - Society for cutting up Men's Photobooks (2022, pubblicato da Mack, Londra), l'autrice prende gli oltre 150 libri fotografici classici maschili presenti sul suo scaffale per tagliarli e trasformarli in collage. In questo atto, tanto distruttivo quanto creativo, si rivolta contro l'educazione fotografica e la storia della fotografia modellata dal canone maschile e dai professori uomini. Così inizia il suo manifesto: "Io, JUSTINE KURLAND, SONO SCUMB. PROSPERO NEI RIFIUTI STAGNANTI DELLA VOSTRA FOTOGRAFIA NOIOSA E AUTOCOMPIACIUTA". È chiaro il riferimento al famoso Manifesto SCUM, un testo femminista radicale di Valerie Solanas del 1967.

Nella mostra al Kunstraum Elsa sono esposti gli stessi libri editi. Le pagine dei libri, da cui Justine Kurland ha accuratamente ritagliato le forme con il bisturi, diventano oggetti murali in rilievo. Sembrano stanze, come se ci si potesse arrampicare con lo sguardo per andare alla ricerca di indizi negli spazi vuoti come un detective. Justine Kurland riempie gli spazi vuoti della sua biblioteca con libri di fotografe donne e queer.

Justine Kurland è nata a Varsavia, NY, nel 1969. Si è laureata alla School of Visual Arts e ha conseguito un master alla Yale University. Le sue opere sono presenti nelle collezioni del Whitney Museum of American Art di New York, del Solomon R. Guggenheim Museum of Art di New York e dell'ICP, tra gli altri.

Justine Kurland's latest work turns away from camera-based photography. In SCUMB - Society for cutting up Men's Photobooks (2022 published by Mack, London), she reaches for the 150+ classic male photobooks on her shelf to cut them up and turn them into collages. In this act, as destructive as it is creative, she turns against photographic education and photographic history, which has been shaped by the male canon and male professors. Thus begins her manifesto : " I, JUSTINE KURLAND, AM SCUMB. I THRIVE IN THE STAGNANT WASTE OF YOUR SELF-CONGRATULATORY BORING PHOTOGRAPHY". Her reference to the famous SCUM Manifesto, an early radical feminist text by Valerie Solanas from 1967, is clear.

The exhibition at Elsa Art Space features the edited books themselves. The pages of the books, from which Justine Kurland has carefully cut out the shapes with her scalpel, become wall objects in relief. They seem like spaces, as if one could climb through them with one's gaze to go in search of clues in the empty spaces like a detective. Justine Kurland fills the empty spaces of her library with books by female and queer photographers.

Justine Kurland was born in Warsaw, NY in 1969. She received her BA from the School of Visual Arts and her MA from Yale University. Her work is in the collections of the Whitney Museum of American Art, New York; the Solomon R. Guggenheim Museum of Art, New York; and the ICP, among others.

(Text: Katharina Bosse)

Kunstpalast | Düsseldorf
8. März - 23. April 2023

Machine Hallucinations
Refik Anadol

Daten und Pixel, Algorithmen und Kalkulationen: Das sind die Elemente, aus denen Refik Anadol seine ästhetischen Datenskulpturen voller überraschender Effekte und fließender Formen kreiert. Anadol ist ein Pionier auf dem Gebiet der Künstlichen Intelligenz. Er lotet die Grenzen der Vorstellungskraft aus und verwendet neueste Technologien, um die Wahrnehmung und Erfahrung von Raum und Zeit zu untersuchen. In seinen Arbeiten schafft er immersive Umgebungen und ein hybrides Zusammenspiel von Kunst, Wissenschaft und Technologie. Unsichtbare Daten werden für das menschliche Auge sichtbar und bieten eine neue Erzählung der digitalisierten Welt.

Der Kunstpalast präsentiert Anadols monumentale Datenskulptur „Machine Hallucinations – Satellite Simulations: B“ von 2021. Für diese Arbeit wurden über zwei Millionen Bilder verwendet, die von den Weltraumteleskopen der Internationalen Raumstation (ISS), Hubble und dem Magdalena-Ridge-Observatorium (MRO) erfasst und aufgezeichnet wurden. GAN-Algorithmen verarbeiten diese Bilder und produzieren eine neue Ästhetik. Als GAN (Generative Adversarial Network) bezeichnet man ein Machine-Learning-Modell, das selbstständig in der Lage ist, neue Daten zu generieren, weil zwei künstliche neuronale Netzwerke miteinander konkurrieren und voneinander lernen können.

Kurator der Ausstellung ist Alain Bieber des NRW-Forum Düsseldorf.

Die Ausstellung wurde ermöglicht mit der Unterstützung der Art Collection Telekom und des Refik-Anadol-Studios.

Données et pixels, algorithmes et calculs : Ce sont les éléments à partir desquels Refik Anadol crée ses sculptures de données esthétiques, pleines d'effets surprenants et de formes fluides. Anadol est un pionnier dans le domaine de l'intelligence artificielle. Il repousse les limites de l'imagination et utilise les technologies les plus récentes pour explorer la perception et l'expérience de l'espace et du temps. Dans ses travaux, il crée des environnements immersifs et une interaction hybride entre l'art, la science et la technologie. Des données invisibles deviennent visibles pour l'œil humain et offrent une nouvelle narration du monde numérisé.

Le Kunstpalast présente la sculpture de données monumentale d'Anadol "Machine Hallucinations - Satellite Simulations : B" de 2021, qui a nécessité l'utilisation de plus de deux millions de visuels capturés et enregistrés par les télescopes spatiaux de la Station spatiale internationale (ISS), Hubble et l'Observatoire Magdalena Ridge (MRO). Les algorithmes GAN traitent ces visuels et produisent une nouvelle esthétique. On appelle GAN (Generative Adversarial Network) un modèle de machine learning capable de générer de nouvelles données de manière autonome, car deux réseaux neuronaux artificiels sont en concurrence et peuvent apprendre l'un de l'autre.

Le commissaire de l'exposition est Alain Bieber du NRW-Forum de Düsseldorf.

L'exposition a été rendue possible grâce au soutien de la Art Collection Telekom et du studio Refik-Anadol.

Dati e pixel, algoritmi e calcoli: Questi sono gli elementi da cui Refik Anadol crea le sue sculture di dati estetici, piene di effetti sorprendenti e forme fluide. Anadol è un pioniere nel campo dell'intelligenza artificiale. Esplora i limiti dell'immaginazione e utilizza le tecnologie più recenti per indagare la percezione e l'esperienza dello spazio e del tempo. Nel suo lavoro crea ambienti immersivi e un'interazione ibrida di arte, scienza e tecnologia. I dati invisibili diventano visibili all'occhio umano, offrendo una nuova narrazione del mondo digitalizzato.

Il Kunstpalast presenta la monumentale scultura di dati di Anadol "Machine Hallucinations - Satellite Simulations: B" del 2021, un'opera che utilizza oltre due milioni di immagini catturate e registrate dai telescopi spaziali della Stazione Spaziale Internazionale (ISS), di Hubble e del Magdalena Ridge Observatory (MRO). Gli algoritmi GAN elaborano queste immagini e producono una nuova estetica. GAN (Generative Adversarial Network) è il nome dato a un modello di apprendimento automatico in grado di generare nuovi dati in modo autonomo, perché due reti neurali artificiali possono competere e imparare l'una dall'altra.

Il curatore della mostra è Alain Bieber del NRW-Forum di Düsseldorf.

La mostra è stata resa possibile grazie al sostegno di Art Collection Telekom e Refik Anadol Studio.

Data and pixels, algorithms and calculations: These are the elements from which Refik Anadol creates his aesthetic data sculptures full of surprising effects and flowing forms. Anadol is a pioneer in the field of artificial intelligence. He explores the limits of imagination and uses the latest technologies to investigate the perception and experience of space and time. In his work, he creates immersive environments and a hybrid interplay of art, science, and technology. Invisible data becomes visible to the human eye, offering a new narrative of the digitized world.

The Kunstpalast presents Anadol's monumental 2021 data sculpture "Machine Hallucinations - Satellite Simulations: B." This work used over two million images captured and recorded by the International Space Station (ISS), Hubble, and Magdalena Ridge Observatory (MRO) space telescopes. GAN algorithms process these images and produce a new aesthetic. GAN (Generative Adversarial Network) is the term used to describe a machine-learning model that is capable of autonomously generating new data because two artificial neural networks can compete and learn from each other.

The curator of the exhibition is Alain Bieber of the NRW-Forum Düsseldorf.

The exhibition was made possible with the support of Art Collection Telekom and Refik Anadol Studio.

(Text: Kunstpalast, Düsseldorf)