MUSEC Museo delle Culture Lugano
24. Oktober 2024 – 9. März 2025

Unpublished Photo 2024
Amirhosein Esparham, Gabriele D'Agostino, Claudy Woods, Navonil Dutta

Die Fondazione culture e musei (FCM) und das Museo delle Culture di Lugano (MUSEC) geben die Gewinner der Ausgabe 2024 von Unpublished Photo (UP) bekannt, einem internationalen Wettbewerb, der ins Leben gerufen wurde, um neue Trends in der Kunstfotografie unter jungen Talenten aus der ganzen Welt zu fördern. Die ursprünglich von der Mailänder Galerie 29 ARTS IN PROGRESS konzipierte Initiative ist heute ein wichtiges Ereignis in der internationalen Kunstszene, das von 2020 an vom FCM und MUSEC konsolidiert wurde, um seinen institutionellen Rahmen und seine mittel- bis langfristige Entwicklungsperspektive zu gewährleisten.

Der UP-Wettbewerb zielt darauf ab, die wichtigsten aufkommenden Trends in der zeitgenössischen Kunstfotografie zu identifizieren und hervorzuheben. Mit jeder Ausgabe beabsichtigt MUSEC, seine Sammlungen mit neuen Werken zu bereichern und so zur Schaffung eines Archivs zeitgenössischer Fotografie beizutragen, das bereits über 40.000 Werke vom 19. Jahrhundert bis heute umfasst.

An der Ausgabe 2024 von UP nahmen über zweihundert junge Fotografen aus fünfunddreißig Ländern teil, wobei der Iran, Italien, Indien und Russland stark vertreten waren. Die Kandidaten im Alter zwischen 18 und 30 Jahren reichten ihre Projekte ein, die aus 10 Bildern zu einem freien Thema bestanden, die in Stil und Inhalt einheitlich waren.

Die vier Gewinner wurden von einer internationalen Jury unter dem Vorsitz von Marco Bischof ausgewählt, die in Venedig am Hauptsitz des Istituto veneto di Scienze, Lettere ed Arti, einem Partner des Projekts, tagte.

Der UP24-Wettbewerb verlieh Amirhosein Esparham, dem ersten Zweitplatzierten, einen Geldpreis in Höhe von 3.500 CHF, während die Zweit- bis Viertplatzierten jeweils einen Preis in Höhe von 500 CHF erhielten.

Die vier Gewinner erhalten außerdem einen Katalog (Edizioni FCM) mit allen für den Wettbewerb eingereichten Fotos sowie eine temporäre Ausstellung. Die Kosten für diese Aktivitäten belaufen sich auf 50.000 CHF und werden vollständig vom FCM übernommen.

Die Gewinner der Ausgabe 2024 und die Begründung der Jury:

Amirhosein Esparham (Iran, 1996) beeindruckte die Jury mit „Together, Alone“, einem Projekt, das sich mit der Verbreitung von Einsamkeit in seinem Heimatland befasst. Die Bilder, die mit einem meisterhaften Umgang mit Licht und Inszenierung realisiert wurden, porträtieren Freunde und Bekannte in einer Abfolge von Aufnahmen, die ihre Ängste und Schwächen offenbaren und das Thema Einsamkeit universell machen.

Gabriele D'Agostino (Italien, 1995), ursprünglich aus Palermo stammend und jetzt in Mailand lebend, präsentierte „Cuore Nero-Metrò“, eine intime und feinfühlige Reportage, die mit einem Mobiltelefon in der Mailänder U-Bahn aufgenommen wurde. Seine Bilder, die die Menschheit in einem unpersönlichen und hektischen Kontext erforschen, überzeugten die Jury durch ihre Fähigkeit, authentische Emotionen zu vermitteln.

Claudy Woods (England, 2003) bot mit ihrem Projekt „Every saint has a past“ eine eindrucksvolle Reflexion über Weiblichkeit und Spiritualität. Mit Selbstporträts, die zehn Heilige neu interpretieren, erforscht Woods Geschlechterdynamiken und religiöse Vorurteile und beweist eine für ihr Alter seltene künstlerische Reife.

Navonil Dutta (Indien, 1999) dokumentierte mit seinem Portfolio „Nature's drama“ die grausame Schönheit der wilden Natur und konzentrierte sich dabei auf die Beziehung zwischen Raubtier und Beute. Die Sequenz eines Lagersfalken in Aktion überzeugte die Jury durch ihre Genauigkeit und Intensität.

La Fondazione culture e musei (FCM) et le Museo delle Culture di Lugano (MUSEC) annoncent les lauréats de l'édition 2024 de Unpublished Photo (UP), un concours international créé pour promouvoir les nouvelles tendances de la photographie d'art parmi les jeunes talents du monde entier. L'initiative, conçue à l'origine par la galerie milanaise 29 ARTS IN PROGRESS, est désormais un événement majeur de la scène artistique internationale, consolidé par la FCM et MUSEC à partir de 2020 pour assurer son cadre institutionnel et sa perspective de développement à moyen-long terme.

Le concours UP vise à identifier et à mettre en lumière les principales tendances émergentes de la photographie d'art contemporaine. À chaque édition, MUSEC entend enrichir ses collections de nouvelles œuvres, contribuant ainsi à la constitution d'un fonds d'archives de la photographie contemporaine qui compte déjà plus de 40 000 œuvres, du XIXe siècle à nos jours.

L'édition 2024 de l'UP a vu la participation de plus de deux cents jeunes photographes issus de trente-cinq pays, avec une forte représentation de l'Iran, de l'Italie, de l'Inde et de la Russie. Les candidats, âgés de 18 à 30 ans, ont soumis leurs projets composés de 10 images à thème libre, cohérentes dans leur style et leur contenu.

Les quatre lauréats ont été sélectionnés par un jury international présidé par Marco Bischof, qui s'est réuni à Venise au siège de l'Istituto veneto di Scienze, Lettere ed Arti, partenaire du projet.

Le concours UP24 a décerné à Amirhosein Esparham, premier lauréat, un prix monétaire de 3 500 francs suisses, tandis que les deuxième à quatrième lauréats ont reçu chacun un prix de 500 francs suisses.

Les quatre lauréats sont également récompensés par la publication d'un catalogue (Edizioni FCM) contenant toutes les photographies soumises au concours, ainsi que par une exposition temporaire. Les coûts de ces activités de valorisation s'élèvent à 50 000 CHF et sont entièrement pris en charge par la FCM.

Les lauréats de l'édition 2024 et les motivations du jury :

Amirhosein Esparham (Iran, 1996) a impressionné le jury avec Together, Alone, un projet traitant de la propagation de la solitude dans son pays d'origine. Les images, réalisées avec une maîtrise de la lumière et de la mise en scène, présentent des amis et des connaissances dans une séquence de plans qui révèlent leurs peurs et leurs faiblesses, rendant ainsi le thème de la solitude universel.

Gabriele D'Agostino (Italie, 1995), originaire de Palerme et vivant aujourd'hui à Milan, a présenté Cuore Nero-Metrò, un reportage intime et délicat réalisé avec un téléphone portable dans le métro milanais. Ses images, qui explorent l'humanité dans un contexte impersonnel et frénétique, ont séduit le jury par leur capacité à transmettre des émotions authentiques.

Claudy Woods (Angleterre, 2003) a proposé une réflexion puissante sur la féminité et la spiritualité avec son projet Every saint has a past. À travers des autoportraits réinterprétant dix figures de saints, Woods explore les dynamiques de genre et les préconceptions religieuses, faisant preuve d'une maturité artistique rare pour son âge.

Navonil Dutta (Inde, 1999), avec son portfolio Nature's drama, a documenté la beauté cruelle de la nature sauvage, en se concentrant sur la relation entre le prédateur et la proie. La séquence d'un faucon laggar en action a convaincu le jury par sa précision et son intensité.

La Fondazione culture e musei (FCM) e il Museo delle Culture di Lugano (MUSEC) annunciano i vincitori dell'edizione 2024 di Unpublished Photo (UP), concorso internazionale nato per promuovere le nuove tendenze della fotografia d'arte tra i giovani talenti di tutto il mondo. L'iniziativa, originariamente concepita dalla galleria milanese 29 ARTS IN PROGRESS, è oggi un evento di rilievo nel panorama artistico internazionale, consolidato dalla FCM e dal MUSEC a partire dal 2020 per garantirne la cornice istituzionale e la prospettiva di sviluppo a medio-lungo termine.

Il concorso UP si propone di individuare e mettere in luce le principali tendenze emergenti della fotografia d'arte contemporanea. Ad ogni edizione, il MUSEC intende arricchire le proprie collezioni con nuove opere, contribuendo così alla creazione di un archivio di fotografia contemporanea che conta già oltre 40.000 opere, dal XIX secolo ai giorni nostri.

L'edizione 2024 di UP ha visto la partecipazione di oltre duecento giovani fotografi provenienti da trentacinque Paesi, con una forte rappresentanza di Iran, Italia, India e Russia. I candidati, di età compresa tra i 18 e i 30 anni, hanno presentato i loro progetti composti da 10 immagini a tema libero, coerenti per stile e contenuto.

I quattro vincitori sono stati selezionati da una giuria internazionale presieduta da Marco Bischof, riunitasi a Venezia presso la sede dell'Istituto veneto di Scienze, Lettere ed Arti, partner del progetto.

Il concorso UP24 ha assegnato ad Amirhosein Esparham, primo classificato, un premio in denaro di 3.500 franchi svizzeri, mentre i secondi e i quarti classificati hanno ricevuto ciascuno un premio di 500 franchi svizzeri.

I quattro vincitori sono stati premiati anche con la pubblicazione di un catalogo (Edizioni FCM) contenente tutte le fotografie presentate al concorso e con una mostra temporanea. I costi di queste attività di valorizzazione ammontano a 50.000 franchi svizzeri e sono interamente coperti dalla FCM.

I vincitori dell'edizione 2024 e le motivazioni della giuria:

Amirhosein Esparham (Iran, 1996) ha colpito la giuria con Together, Alone, un progetto che tratta della diffusione della solitudine nel suo Paese. Le immagini, realizzate con una magistrale gestione della luce e della messa in scena, ritraggono amici e conoscenti in una sequenza di scatti che ne rivelano paure e debolezze, rendendo universale il tema della solitudine.

Gabriele D'Agostino (Italia, 1995), originario di Palermo e residente a Milano, ha presentato Cuore Nero-Metrò, un reportage intimo e delicato realizzato con un cellulare all'interno della metropolitana di Milano. Le sue immagini, che esplorano l'umanità in un contesto impersonale e frenetico, hanno conquistato la giuria per la capacità di trasmettere emozioni autentiche.

Claudy Woods (Inghilterra, 2003) ha offerto una potente riflessione sulla femminilità e sulla spiritualità con il suo progetto Every saint has a past. Attraverso autoritratti che reinterpretano dieci figure di sante, Woods esplora le dinamiche di genere e i preconcetti religiosi, dimostrando una maturità artistica rara per la sua età.

Navonil Dutta (India, 1999), con il suo portfolio Nature's drama, ha documentato la crudele bellezza della natura selvaggia, concentrandosi sul rapporto tra predatore e preda. La sequenza di un falco laggar ritratto in azione ha convinto la giuria per la sua accuratezza e intensità.

The Fondazione culture e musei (FCM) and the Museo delle Culture di Lugano (MUSEC) announce the winners of the 2024 edition of Unpublished Photo (UP), an international competition created to promote new trends in art photography among young talents from around the world. The initiative, originally conceived by the Milanese gallery 29 ARTS IN PROGRESS, is now a major event on the international art scene, consolidated by the FCM and MUSEC from 2020 to ensure its institutional framework and medium-to-long-term development perspective.

The UP contest aims to identify and highlight the main emerging trends in contemporary art photography. With each edition, MUSEC intends to enrich its collections with new works, thus contributing to the creation of an archive of contemporary photography that already numbers over 40,000 works, from the 19th century to the present day.

The 2024 edition of UP saw the participation of over two hundred young photographers from thirty-five countries, with a strong representation from Iran, Italy, India and Russia. The candidates, aged between 18 and 30, submitted their projects composed of 10 free-themed images, consistent in style and content.

The four winners were selected by an international jury chaired by Marco Bischof, which met in Venice at the headquarters of the Istituto veneto di Scienze, Lettere ed Arti a partner in the project.

The UP24 contest awarded Amirhosein Esparham, the first runner-up, a monetary prize of CHF 3,500; while the second to fourth runners-up each received a prize of CHF 500.

The four winners are also rewarded with the publication of a catalogue (Edizioni FCM) containing all the photographs submitted to the competition, and a temporary exhibition. The costs of these enhancement activities amount to CHF 50,000 and are covered entirely by the FCM.

The winners of the 2024 edition and the jury's motivations:

Amirhosein Esparham (Iran, 1996) impressed the jury with Together, Alone, a project dealing with the spread of loneliness in his home country. The images, realised with a masterful handling of light and staging, portray friends and acquaintances in a sequence of shots that reveal their fears and weaknesses, making the theme of loneliness universal.

Gabriele D'Agostino (Italy, 1995), originally from Palermo and now living in Milan, presented Cuore Nero-Metrò, an intimate and delicate reportage taken with a mobile phone inside the Milan metro. His images, which explore humanity in an impersonal and frenetic context, won over the jury for their ability to convey authentic emotions.

Claudy Woods (England, 2003) offered a powerful reflection on femininity and spirituality with her project Every saint has a past. Through self-portraits reinterpreting ten figures of saints, Woods explores gender dynamics and religious preconceptions, demonstrating an artistic maturity rare for her age.

Navonil Dutta (India, 1999), with his portfolio Nature's drama, documented the cruel beauty of wild nature, focusing on the relationship between predator and prey. The sequence of a laggar falcon portrayed in action convinced the jury with its accuracy and intensity.

(Text: MUSEC Museo delle Culture Lugano)

CONSARC/GALLERIA | Chiasso
22. September – 10. November 2024

La Poetica della Luce
Alberto Flammer

In der CONSARC/GALLERIA in Chiasso wird am Sonntag, 22. September 2024, ab 11 Uhr die Ausstellung DIE POETIK DES LICHTS eröffnet, die zwei Werkserien von Alberto Flammer aus den letzten Jahren präsentiert. In Zusammenarbeit mit dem Verein Alberto Flammer-Archiv würdigt CONSARC/GALLERIA mit dieser Ausstellung einen Grossen der Schweizer Fotografie.

Unsere Bekanntschaft mit Alberto Flammer begann in der ersten Hälfte der 1980er Jahre, als wir in der Galerie FotografiaOltre in Chiasso eine Reihe von Werken zeigten, die Flammer selbst als „Alchimie“ bezeichnet hatte, weil dort Körper, Holz und Steine miteinander verschmolzen und durcheinander gebracht wurden.

Seitdem haben wir uns oft getroffen, und jedes Mal war ich nach langen Diskussionen gezwungen, Alberto zuzustimmen. ER WAR EIN MEISTER.

Das letzte Treffen fand im Juli 2022 in Locarno statt.

Nach ein paar Tagen rief er uns an, um uns vorzuschlagen, sein neuestes Werk in der Galerie auszustellen, das - wie er sagte - fertig sei.

Leider war es uns nicht möglich, die Ausstellung vor seinem Tod am 10. November 2023 zu organisieren.

Nach einiger Zeit setzten wir uns mit Mattia Della Gana und Nicoletta Ferrazzini von der Associazione Archivio Alberto Flammer in Verbindung, weil wir Alberto ein Jahr nach diesem 10. November ehren wollten. Wir wollten dies mit der Ausstellung tun, die schon fertig zu sein schien, denn die gerahmten Werke fehlten nur noch, um an den Wänden der Galerie zu hängen.

Beim Stöbern im Archiv entdeckten Mattia und Nicoletta, dass sein letztes Ausstellungsprojekt tatsächlich fertig war, allerdings ohne die fotografischen Abzüge. Wenn Alberto eine Ausstellung plante, fertigte er zunächst Skizzen der zu fotografierenden Werke auf A4-Blättern an und begann dann mit den Fotoshootings. In diesem Fall waren also die Skizzen fertig, aber nicht die Fotos.

So beschlossen wir gemeinsam, zwei Serien von Arbeiten auszustellen, die wir Jahre zuvor gemacht hatten.

Die erste Gruppe besteht aus Bildern aus der Serie 'Aus dem Totenbuch der alten Ägypter', in der Details der Monumente abgebildet sind, die Flammer auf seiner Reise 1988 fotografiert hatte.

Wie Antonio Mariotti schreibt, will Flammer „eine räumlich und zeitlich entfernte Welt erkunden“. Und weiter: „Was Alberto Flammers Forschungen jedoch unweigerlich leitet, ist sein Wunsch, das Licht um jeden Preis zu ‚beherrschen‘ und es so gut wie möglich zu nutzen, um seine innerste Absicht zu verwirklichen: den Betrachter seiner Werke jedes Mal mit einem neuen Blickwinkel zu überraschen, einem neuen Kontrast zwischen Licht und Schatten, zwischen Schwarz und Weiß“.

Worte, die auch auf die zweite Gruppe von Bildern zutreffen, die aus der Serie „Röntgenbilder und Resonanzen“ stammen: Stillleben, die Vasen und Blumen aus medizinischen Platten zeigen, sowie ein besonderes Selbstporträt.

Anlässlich dieser Ausstellung wird eine Mappe mit 7 Abzügen in einer limitierten Auflage von 7 Exemplaren + 3 Exemplaren ohne Auflage präsentiert.

Die Idee für die Mappe entstand nach der Entdeckung einer Serie von analogen Silbersalzabzügen im Archiv, die Alberto Flammer 1988 für die Ausstellung der Schweizerischen Stiftung für Fotografie (damals im Kunsthaus Zürich) mit Bildern aus Ägypten gemacht hatte.

Die Mappe enthält daher einen „Vintage“-Silbersalzabzug, den Flammer selbst angefertigt hat, sowie zeitgenössische Tintenstrahldrucke, die Stefano Spinelli zu diesem Anlass von den beiden in der Galerie präsentierten Serien angefertigt hat.

Ergänzt wird die Mappe durch einen Präsentationstext von Antonio Mariotti, der Flammer während seiner langjährigen Zusammenarbeit mit dem Roberto Donetta Archiv kennengelernt hat.

Au CONSARC/GALLERIA de Chiasso, l'exposition THE POETICS OF LIGHT sera inaugurée le dimanche 22 septembre 2024, à partir de 11 heures, et présentera deux séries d'œuvres réalisées par Alberto Flammer au cours des dernières années. En collaboration avec l'Association des archives Alberto Flammer, CONSARC/GALLERIA rend hommage avec cette exposition à un grand de la photographie suisse.

Notre connaissance d'Alberto Flammer a commencé dans la première moitié des années 1980, lorsque nous avons accueilli à la galerie FotografiaOltre de Chiasso une série d'œuvres que Flammer lui-même avait appelées « Alchimie », parce que les corps, le bois et les pierres s'y confondaient et s'y confondaient.

Depuis lors, nous nous sommes souvent rencontrés et à chaque fois, après de longues discussions, j'ai été contraint de donner raison à Alberto. C'ÉTAIT UN MAÎTRE.

La dernière rencontre a eu lieu en juillet 2022, à Locarno.

Quelques jours plus tard, il nous a appelés au téléphone pour nous proposer d'exposer sa dernière œuvre dans la galerie, qui - disait-il - était prête.

Malheureusement, nous n'avons pas pu programmer l'exposition avant son décès le 10 novembre 2023.

Après un certain temps, nous avons contacté Mattia Della Gana et Nicoletta Ferrazzini de l'Associazione Archivio Alberto Flammer, car nous voulions rendre hommage à Alberto un an après ce 10 novembre. Nous voulions le faire avec l'exposition qui semblait prête, avec les œuvres encadrées qui manquaient juste d'être accrochées aux murs de la galerie.

En fouillant dans les archives, Mattia et Nicoletta ont découvert que son dernier projet d'exposition était effectivement prêt, mais sans les tirages photographiques. Lorsqu'Alberto planifiait une exposition, il préparait d'abord des croquis de ce qu'il allait photographier sur des feuilles A4 et procédait ensuite aux prises de vue. Dans ce cas, les esquisses étaient prêtes, mais pas les photographies.

Nous avons donc décidé ensemble d'exposer deux séries de travaux que nous avions réalisés des années auparavant.

Le premier groupe est constitué d'images de la série intitulée « Du livre des morts de l'Égypte ancienne », dans laquelle sont représentés des détails des monuments que Flammer avait photographiés lors de son voyage en 1988.

Comme l'écrit Antonio Mariotti, Flammer « cherche à explorer un monde éloigné dans l'espace et dans le temps ». Et encore : « Ce qui guide irrémédiablement la recherche d'Alberto Flammer, c'est son désir de “dominer” la lumière à tout prix, en l'utilisant au mieux pour réaliser son intention la plus profonde : surprendre l'observateur de ses œuvres avec un nouveau point de vue à chaque fois, un nouveau contraste entre l'ombre et la lumière, entre le noir et le blanc ».

Des mots qui s'appliquent également au deuxième groupe d'images, issues de la série « Radiographies et résonances » : des natures mortes représentant des vases et des fleurs réalisés à partir de plaques médicales, ainsi qu'un autoportrait spécial.

À l'occasion de cette exposition, un dossier contenant 7 tirages sera présenté dans une édition limitée à 7 exemplaires + 3 exemplaires hors édition.

L'idée de cette pochette est née de la découverte dans les archives d'une série de tirages analogiques aux sels d'argent qu'Alberto Flammer avait réalisés pour l'exposition que la Fondation suisse pour la photographie (alors au Kunsthaus de Zurich) avait organisée en 1988 et qui comprenait des images de l'Égypte.

Le dossier contiendra donc un tirage au sel d'argent « vintage » réalisé par Flammer lui-même, et des tirages jet d'encre contemporains réalisés pour l'occasion par Stefano Spinelli des deux séries présentées dans la galerie.

Le dossier est complété par un texte de présentation d'Antonio Mariotti, qui a connu Flammer au cours de ses années de collaboration avec les Archives Roberto Donetta.

Presso CONSARC/GALLERIA a Chiasso si apre domenica 22 settembre 2024, a partire dalle ore 11.00, l’esposizione LA POETICA DELLA LUCE, che presenta due serie di lavori realizzati da Alberto Flammer negli scorsi anni. In collaborazione con l’Associazione Archivio Alberto Flammer, la CONSARC/GALLERIA rende omaggio con questa esposizione ad un grande della fotografia svizzera.

La nostra frequentazione con Alberto Flammer inizia nella prima metà degli anni ’80, quando alla galleria FotografiaOltre, sempre a Chiasso, ospitammo la serie di opere che lo stesso Flammer aveva definito “Alchimie”, perché vi si fondono e confondono corpi, legno e pietre.

Da allora ci siamo incontrati spesso ed ogni volta, dopo lunghe discussioni, mi vedevo costretto a dar ragione ad Alberto. ERA UN MAESTRO.

L’ultimo incontro è avvenuto nel luglio del 2022, a Locarno.

Dopo qualche giorno, ci ha chiamati al telefono per proporci di esporre in Galleria il suo ultimo lavoro che – dice lui – è pronto.

Purtroppo non siamo riusciti a programmare la mostra prima della sua scomparsa avvenuta il 10 novembre 2023.

Dopo qualche tempo, abbiamo contattato Mattia Della Gana e Nicoletta Ferrazzini dell’Associazione Archivio Alberto Flammer, perché volevamo rendere omaggio ad Alberto ad un anno da quel 10 novembre. Volevamo farlo proprio con la mostra che sembrava pronta, con le opere incorniciate, a cui mancava solo di essere appese alle pareti della Galleria.

Immergendosi nell’archivio, Mattia e Nicoletta scoprono che il suo ultimo progetto espositivo era sì pronto, ma senza le stampe fotografiche. Alberto quando progettava una mostra prima preparava su fogli A4 gli schizzi di quello che avrebbe fotografato e poi procedeva con gli scatti fotografici. Dunque, in questo caso, erano pronti gli schizzi, ma non le fotografie.

Abbiamo così deciso assieme di esporre due serie di lavori realizzati anni prima.

Il primo gruppo è composto da immagini tratte dalla serie intitolata “Dal Libro dei Morti degli Antichi Egizi”, in cui sono raffigurati dettagli dei monumenti che Flammer aveva fotografato nel suo viaggio del 1988.

Come scrive Antonio Mariotti: Flammer “punta ad esplorare un mondo distante sia nello spazio che nel tempo”. Ed ancora: “Irrimediabilmente, però, ad orientare la ricerca di Alberto Flammer è il suo voler a tutti i costi «dominare» la luce, utilizzandola nel migliore dei modi per realizzare il suo intento più intimo: quello di sorprendere ogni volta chi osserva le sue opere con un nuovo punto di vista, un nuovo contrasto tra luce e ombra, tra bianco e nero”.

Parole che valgono anche per il secondo gruppo di immagini che sono immagini tratte dalla serie “Radiografie e Risonanze”: nature morte che raffigurano vasi e fiori realizzate con lastre mediche, a cui si aggiunge un Autoritratto speciale.

In occasione di questa mostra sarà presentata una cartella contenente 7 stampe in una edizione limitata a 7 copie + 3 copie fuori edizione.

L’idea della cartella è venuta dopo il ritrovamento in archivio di una serie di stampe analogiche ai sali d’argento che Alberto Flammer aveva realizzato in occasione della mostra del 1988 che la Fondazione Svizzera della Fotografia (allora nella sede del Kunsthaus di Zurigo) aveva allestito includendo le immagini dell’Egitto.

La cartella conterrà dunque una stampa “vintage“ ai sali d’argento realizzata dallo stesso Flammer, e stampe contemporanee prodotte per l’occasione a getto d’inchiostro da Stefano Spinelli delle due serie presentate in galleria.

A completare la cartella un testo di presentazione di Antonio Mariotti che ha conosciuto Flammer durante gli anni di collaborazione avuti per l’Archivio Roberto Donetta.

At CONSARC/GALLERIA in Chiasso opens on Sunday, September 22, 2024, starting at 11 a.m., the exhibition THE POETICS OF LIGHT, which presents two series of works made by Alberto Flammer in the past years. In collaboration with the Alberto Flammer Archive Association, CONSARC/GALLERY pays tribute to a great of Swiss photography with this exhibition.

Our acquaintance with Alberto Flammer began in the first half of the 1980s, when at the FotografiaOltre gallery, also in Chiasso, we hosted the series of works that Flammer himself had called “Alchemy,” because bodies, wood and stones blend and mingle there.

Since then we have met often, and each time, after long discussions, I was forced to agree with Alberto. HE WAS A MASTER.

The last meeting was in July 2022, in Locarno.

After a few days, he called us on the phone to propose that we exhibit his latest work in the Gallery, which-he says-is ready.

Unfortunately, we were unable to schedule the exhibition before his passing on November 10, 2023.

After some time, we contacted Mattia Della Gana and Nicoletta Ferrazzini of the Alberto Flammer Archive Association, because we wanted to pay tribute to Alberto one year after that November 10. We wanted to do just that with the exhibition looking ready, with the framed works just missing being hung on the walls of the Gallery.

Diving into the archive, Mattia and Nicoletta discovered that his latest exhibition project was, yes, ready, but without the photographic prints. Alberto when planning an exhibition first prepared on A4 sheets the sketches of what he would photograph and then proceeded with the photographic shots. So, in this case, the sketches were ready, but not the photographs.

So we decided together to exhibit two sets of works made years earlier.

The first group consists of images from the series entitled “From the Book of the Dead of the Ancient Egyptians,” in which details of the monuments Flammer had photographed on his 1988 trip are depicted.

As Antonio Mariotti writes: Flammer “aims to explore a world distant in both space and time.” And again, “Irremediably, however, what directs Alberto Flammer's research is his desire at all costs to ‘dominate’ light, using it in the best way possible to achieve his most intimate intent: that of surprising each time those who observe his works with a new point of view, a new contrast between light and shadow, between black and white.”

Words that also apply to the second group of images, which are images from the “Radiographs and Resonances” series: still lifes depicting vases and flowers made from medical plates, to which is added a special Self-Portrait.

On the occasion of this exhibition, a folder containing 7 prints in a limited edition of 7 copies + 3 copies out of edition will be presented.

The idea for the folder came after the discovery in the archives of a series of analog silver salt prints that Alberto Flammer had made on the occasion of the 1988 exhibition that the Swiss Foundation of Photography (then in the Kunsthaus Zurich) had mounted including images of Egypt.

The folder will thus contain a “vintage” silver salt print made by Flammer himself, and contemporary prints produced for the occasion in inkjet by Stefano Spinelli of the two series presented in the gallery.

Completing the folder is an introductory text by Antonio Mariotti, who got to know Flammer during the years of collaboration he had for the Roberto Donetta Archive.

(Text: CONSARC/GALLERY, Chiasso)

MASI Lugano
8. September 2024 – 26. Januar 2025

Luigi Ghirri - Il viaggio - Fotografie 1970-1991

Etwas mehr als 30 Jahre nach seinem frühen Tod erinnert das MASI Lugano in einer neuen Ausstellung an den italienischen Fotografen Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia,1992).

Als Pionier und einflussreicher Vordenker, der sich intensiv mit der Fotografie und deren Rolle in der modernen Kultur auseinandergesetzt hat, schuf Ghirri in den 1970er und 1980er Jahren ein im damaligen Europa einzigartiges Werk – ein spielerisches, poetisches und tiefgründiges Nachdenken über die populäre Fotografie.

Mit mehr als 100 Originalabzügen erzählt der Ausstellungsparcours im MASI von der grossen Anziehungskraft, die das reale und imaginäre Reisen auf Luigi Ghirri ausübte. Er fotografierte vor allem sein Heimatland Italien und besuchte dort Touristen-Hotspots – von den Dolomiten und den norditalienischen Seen über die Badeorte an den Küsten des Mittelmeers bis zu den Sehenswürdigkeiten aus der Antike und den Themenparks. Darüber hinaus befasste er sich mit dem Konzept des Reisens und fotografierte Landkarten, Werbebilder und Postkarten, die überall in der Ausstellung zu sehen sind. Aus diesen Arbeiten ergibt sich eine Reflexion über die Art und Weise, wie die Fotografie die Erfahrung des Ortes im modernen Leben abbildet.

Kuratiert von James Lingwood

Koordination im MASI: Ludovica Introini

Le MASI Lugano consacre une nouvelle exposition majeure au photographe italien Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992), un peu plus de trente ans après sa mort prématurée.

Figure pionnière, penseur influent de la photographie et de son rôle dans la culture moderne, Ghirri a créé dans les années 1970 et 1980 une œuvre sans précédent dans l’Europe de son époque – une réflexion ludique, poétique et profonde sur le médium de la photographie populaire.

L’exposition au MASI retrace, à travers quelque 150 tirages originaux, la véritable fascination de Ghirri pour les voyages, à la fois réels et imaginaires. Ghirri a photographié avant tout son Italie, dans des lieux fréquentés par les touristes : des Dolomites aux lacs du Nord, des stations balnéaires de l’Adriatique et la Méditerranée aux musées, ruines classiques et parcs à thème. Hormis ces destinations, l’attention de Ghirri porte également sur l’idée du voyage, les photographies de cartes, atlas, images publicitaires et cartes postales, qui reviennent tout au long de l’exposition. Ces œuvres font ainsi émerger une réflexion sur la manière dont la photographie marque l’expérience du lieu dans la vie moderne.

Commissariat d'exposition James Lingwood

coordination pour le MASI Ludovica Introini

A poco più di trent’anni dalla sua prematura scomparsa, il MASI Lugano dedica una nuova importante mostra al fotografo italiano Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992).

Figura pionieristica e influente pensatore della fotografia e del suo ruolo nella cultura moderna, negli anni '70 e '80 Ghirri ha creato un corpus di opere senza eguali nell'Europa del suo tempo; una riflessione giocosa, poetica e profonda sul popolare mezzo fotografico.

Il percorso espositivo al MASI racconta, attraverso circa 150 stampe originali, la profonda fascinazione di Ghirri per il viaggio, sia reale che immaginario. Ghirri ha fotografato soprattutto la sua Italia, viaggiando in luoghi frequentati dai turisti: dalle Dolomiti ai laghi dell'Italia settentrionale, dalle località balneari lungo le coste dell'Adriatico e del Mediterraneo ai musei, alle rovine classiche e ai parchi a tema. Accanto a queste mete, l'attenzione di Ghirri si rivolge anche all'idea del viaggio e alle fotografie di mappe, atlanti, immagini pubblicitarie e cartoline, che ricorrono in tutta la mostra. Dai lavori emerge così anche una riflessione sul modo in cui la fotografia inquadra l’esperienza del luogo nella vita moderna.

a cura di James Lingwood

coordinamento per il MASI Ludovica Introini

Just over thirty years after his premature death, MASI Lugano is dedicating a major new exhibition to the Italian photographer Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992).

A pioneering figure and influential thinker on photography and its role in modern culture, in the 1970s and 1980s Ghirri created a body of work unparalleled in the Europe of his time; a playful, poetic and profound reflection on the popular medium of photography.

The exhibition at MASI recounts Ghirri's profound fascination with travel, both real and imaginary, through around 150 original prints. Ghirri mainly photographed his Italy, travelling to places frequented by tourists: from the Dolomites to the lakes of northern Italy, from seaside resorts along the Adriatic and Mediterranean coasts to museums, classical ruins and theme parks. Alongside these destinations, Ghirri's attention also turns to the idea of travel and the photographs of maps, atlases, advertising images and postcards, which recur throughout the exhibition. Thus, a reflection on the way photography frames the experience of place in modern life also emerges from the works.

Curated by James Lingwood

Exhibition coordination at MASI Ludovica Introini

(Text: MASI Lugano)

Artphilein Bookstore | Paradiso
10. Juli – 27. September 2024

Monozygotes
Caroline Minjolle

Die Ausstellung findet im Rahmen des Swiss Photomonth statt.

Die Buchhandlung Artphilein freut sich, die Eröffnung der neuen Ausstellung 'Monozygotes' von Caroline Minjolle bekannt zu geben, die von Mittwoch, den 10. Juli bis Freitag, den 27. September in der Buchhandlung zu sehen sein wird. Diese Ausstellung ist Teil des Programms des Schweizer Fotomonats, einer neuen Initiative des Vereins 'Spectrum - Fotografie in der Schweiz'.

Monozygote“ ist ein Projekt, das über 60 Jahre an Bildern der Künstlerin und ihrer Zwillingsschwester zusammenbringt. Caroline Minjolle reflektiert über ihre einzigartige Beziehung und die räumliche Distanz, die sie die meiste Zeit ihres Lebens trennte:

„Wir lebten getrennt, lange bevor wir erwachsen wurden. Als ich 15 war, verließ ich meine Heimatstadt im Süden Frankreichs, um Tänzerin zu werden. [...] All diese Jahre lebten wir physisch getrennt, hunderte von Kilometern voneinander entfernt, mit sehr unterschiedlichen familiären und beruflichen Wegen. Aber ein starkes und einzigartiges Band hat uns immer miteinander verbunden.“

Die Ausstellung 'Monozygoten' wird von einem gleichnamigen Fotobuch begleitet, das Sie in der Buchhandlung Artphilein ansehen und sowohl online als auch im Buchhandel erwerben können.

La librairie Artphilein a le plaisir d'annoncer l'ouverture de la nouvelle exposition « Monozygotes » de Caroline Minjolle, qui se tiendra à la librairie du mercredi 10 juillet au vendredi 27 septembre. Cette exposition fait partie du programme du Mois de la Photo Suisse, une nouvelle initiative de l'association « Spectrum - Photographie en Suisse ».

Monozygotes » est un projet qui rassemble plus de 60 ans d'images de l'artiste et de sa sœur jumelle. Caroline Minjolle revient sur leur relation unique et sur la distance physique qui les a séparées pendant la majeure partie de leur vie :

« Nous avons vécu séparément bien avant de devenir adultes. À l'âge de 15 ans, j'ai quitté ma ville natale dans le sud de la France pour devenir danseuse. [...] Pendant toutes ces années, nous avons vécu physiquement séparées, à des centaines de kilomètres l'une de l'autre, avec des parcours familiaux et professionnels très différents. Mais un lien fort et unique nous a toujours unis ».

L'exposition « Monozygotes » est également accompagnée d'un livre photographique du même nom, que vous pouvez consulter à la librairie Artphilein et acheter en ligne et en librairie.

Artphilein Bookstore è lieta di annunciare l'inaugurazione della nuova mostra "Monozygotes" di Caroline Minjolle, che si terrà nella sede della libreria a partire da mercoledì 10 luglio fino a venerdì 27 settembre. Questa mostra fa parte del programma de Swiss Photo Month, una nuova iniziativa dell'associazione 'Spectrum – Fotografia in Svizzera'.

"Monozygotes" è un progetto che raccoglie oltre 60 anni di immagini che ritraggono l'artista e sua sorella gemella. Caroline Minjolle riflette sulla loro relazione unica e sulla distanza fisica che le ha separate per gran parte della loro vita:

"Abbiamo vissuto separate molto prima di diventare adulte. Quando avevo 15 anni, ho lasciato la mia città natale nel sud della Francia per diventare ballerina. [...] Abbiamo vissuto vite fisicamente separate per tutti questi anni, a centinaia di chilometri di distanza, con percorsi familiari e professionali molto diversi. Ma un legame forte e unico ci ha sempre unite."

La mostra "Monozygotes" è anche accompagnata da un libro fotografico omonimo, disponibile per la consultazione presso Artphilein Bookstore e per l'acquisto sia online che in libreria.

Artphilein Bookstore is pleased to announce the opening of the new exhibition “Monozygotes” by Caroline Minjolle, which will be held at the bookstore premises from Wednesday, July 10 until Friday, September 27. This exhibition is part of the program of Swiss Photo Month, a new initiative of the association 'Spectrum - Photography in Switzerland'.

“Monozygotes” is a project that brings together more than 60 years of images depicting the artist and her twin sister. Caroline Minjolle reflects on their unique relationship and the physical distance that separated them for most of their lives:

“We lived apart long before we became adults. When I was 15, I left my hometown in the south of France to become a dancer. [...] We lived physically separate lives all these years, hundreds of miles apart, with very different family and professional paths. But a strong and unique bond has always united us.”

The “Monozygotes” exhibition is also accompanied by a photography book of the same name, available for viewing at Artphilein Bookstore and for purchase both online and in bookstores.

(Text: Artphilein Bookstore, Lugano-Paradiso)

Cularta | Laax
29. Juni 2024 – 12. Januar 2025

Lian.Laax
Jules Spinatsch

In Laax am See setzt Jules Spinatsch auf kühne Weise zwei Welten zusammen, die auf den ersten Blick wenig gemeinsam zu haben scheinen. Doch wie uns nicht nur die Esoterik, sondern auch der Sahara-Staub diesen Frühling erneut gelehrt hat, sind alle Dinge – über mehr oder weniger Umwege – miteinander verbunden. Und wenn man nur ein wenig sucht, findet man überall Verbindungen – materielle, spirituelle, mediale, technologische und vielleicht sogar nur imaginäre.

Die Dorfplätze von Lianzhou in China und von Murschetg in Laax wurden beide mit derselben halbautomatischen Fotografietechnik aufgenommen, die Spinatsch in über zwanzig verschiedenen Projekten entwickelt und weltweit ausgestellt hat – von Zürich, Toulouse, New York über Curitiba und Phnom Penh bis Warschau und zurück nach Davos. Die beiden Panoramaaufnahmen wurden mit genau derselben Programmierung erstellt: Über zwei Stunden nahm die Kamera total 992 Bilder auf – alle acht Sekunden ein Bild – und drehte sich dabei um 360 Grad. Anschliessend wurden diese zu einem Panoramabild zusammengefügt. Das Ergebnis ist ein räumlich kontinuierliches Bild, das aus 992 Momenten zusammengesetzt ist.

Diese Panoramen sind ein Hybrid aus Kontrolle und Zufall. Sobald der Künstler die Kamera programmiert und ausgelöst hat, läuft die Aufnahme selbständig ab. Während der Künstler den Ausschnitt und Zeitpunkt der Aufnahme plant, ist das, was sich zum Zeitpunkt der Auslösung im Bildfeld selbst ereignet, vollkommen zufällig. Die Konsequenzen sind tiefgreifend: Der Künstler delegiert der Maschine einen Teil seiner Arbeit, er tritt als Autor zurück und relativiert die Idee des künstlerischen Genies. Denn die Maschine ignoriert seine Absichten oder gegebene Hierarchien. Für die Kamera ist alles gleich wichtig. Je nach Perspektive und Absicht der Anwendung ermöglicht sie sowohl Tourismuswerbung als auch Überwachung.

Doch es entsteht auch eine neue Freiheit, besonders für die Betrachtenden. Der Künstler überlässt ein Teil der Arbeit der Maschine und teilt die Interpretation mit den Betrachtenden. Die Interpretation wird Teil des Werks oder anders formuliert, sie wird partizipativ. Diese Freiheit appelliert gleichzeitig auch an die kritische Vernunft, und an die individuelle Verantwortung. Sehen ist nicht unschuldig.

Jules Spinatschs Panoramabilder von Laax und Lianzhou sind eine künstlerische Erforschung der Vielschichtigkeit und Labilität von Bildern, wenn sie im Hinblick auf politische Systeme und Ideologien betrachtet werden. Durch seine einzigartige Perspektive und Herangehensweise lädt Spinatsch uns ein, allgemein Bilder dahingehend zu untersuchen, wie sie die Komplexität politischer Macht und Strukturen offenbaren oder eben verschleiern. Seine Werke sind nicht nur konstruierte Fenster zur vorgestellten Welt, sondern auch ein Blick in den Spiegel, der jedem und jeder vorführt, wieviel an eigener Interpretation wir unserer visuellen Wahrnehmung anschliessen, und wieviel unbewusst übernommen wird.

«Die Bilder reden nicht von allein, meint Dr. Jules.»

Im Erdgeschoss empfangen uns zwei Gruppen von – auf den ersten Blick möglicherweise zusammenhangslosen – Bildern. Es ist eine manuelle Vor-Auswahl von Einzelbildern der Panoramen, die uns im ersten Stock erwarten. Die Reihenfolge liess der Künstler nach einem willkürlichen Kriterium bestimmen: Von der Filegrösse im komprimierten Zustand.

Die Ausstellung wird subversiv ergänzt, durch Bilder von Hongkong und Davos. Die Aufnahme aus Hongkong entstand 1997, ein Jahr vor der Rückgabe Hongkongs von England an China: Sie erfolgte mit dem Versprechen, dass Hongkong demokratisch regiert bleibt. Die Formel hiess: One Country, two Systems. Für Peking und Hongkong gilt nun wie für Laax und Lianzhou ebenfalls: Two Cities – One Programm.

À Laax, au bord du lac, Jules Spinatsch assemble de manière audacieuse deux mondes qui, à première vue, semblent avoir peu de choses en commun. Mais comme l'ésotérisme, mais aussi la poussière du Sahara nous l'ont à nouveau appris ce printemps, toutes les choses sont reliées entre elles - par des détours plus ou moins longs. Et si l'on cherche un peu, on trouve partout des liens - matériels, spirituels, médiatiques, technologiques et peut-être même seulement imaginaires.

Les places de village de Lianzhou en Chine et de Murschetg à Laax ont toutes deux été prises avec la même technique de photographie semi-automatique que Spinatsch a développée dans plus de vingt projets différents et exposée dans le monde entier - de Zurich, Toulouse, New York à Varsovie en passant par Curitiba et Phnom Penh, avant de revenir à Davos. Les deux photos panoramiques ont été réalisées exactement avec la même programmation : Pendant deux heures, la caméra a pris un total de 992 photos - un visuel toutes les huit secondes - en tournant sur 360 degrés. Elles ont ensuite été assemblées pour former une image panoramique. Le résultat est un visuel continu dans l'espace, composé de 992 moments.

Ces panoramas sont un hybride de contrôle et de hasard. Dès que l'artiste a programmé et déclenché l'appareil photo, la prise de vue se déroule de manière autonome. Alors que l'artiste planifie le cadrage et le moment de la prise de vue, ce qui se passe dans le champ de l'image elle-même au moment du déclenchement est totalement aléatoire. Les conséquences sont profondes : l'artiste délègue à la machine une partie de son travail, il s'efface en tant qu'auteur et relativise l'idée de génie artistique. Car la machine ignore ses intentions ou les hiérarchies données. Pour l'appareil, tout a la même importance. Selon la perspective et l'intention de l'application, elle permet aussi bien la promotion touristique que la surveillance.

Mais il en résulte aussi une nouvelle liberté, en particulier pour ceux qui regardent. L'artiste confie une partie de son travail à la machine et partage l'interprétation avec les spectateurs. L'interprétation devient partie intégrante de l'œuvre ou, pour le dire autrement, elle devient participative. Cette liberté fait également appel à la raison critique et à la responsabilité individuelle. Voir n'est pas innocent.

Les panoramas de Laax et de Lianzhou de Jules Spinatsch sont une exploration artistique de la complexité et de la labilité des visuels lorsqu'ils sont considérés à la lumière des systèmes politiques et des idéologies. Par sa perspective et son approche uniques, Spinatsch nous invite à examiner les visuels en général pour voir comment ils révèlent ou masquent la complexité du pouvoir et des structures politiques. Ses œuvres ne sont pas seulement des fenêtres construites sur le monde imaginé, mais aussi un regard dans le miroir qui montre à chacun et à chacune combien d'interprétations personnelles nous associons à notre perception visuelle, et combien sont inconsciemment reprises.

« Les visuels ne parlent pas tout seuls, estime le Dr Jules ».

Au rez-de-chaussée, deux groupes de visuels - peut-être sans lien entre eux à première vue - nous accueillent. Il s'agit d'une présélection manuelle d'images individuelles des panoramas qui nous attendent au premier étage. L'artiste a fait déterminer l'ordre selon un critère arbitraire : De la taille du fichier à l'état compressé.

L'exposition est complétée de manière subversive par des visuels de Hong Kong et de Davos. La photo de Hong Kong a été prise en 1997, un an avant la rétrocession de Hong Kong de l'Angleterre à la Chine : elle a été prise avec la promesse que Hong Kong resterait gouvernée démocratiquement. La formule était la suivante : One Country, two Systems. Pour Pékin et Hong Kong, la règle est désormais la même que pour Laax et Lianzhou : Two Cities - One Programm.

A Laax am See, Jules Spinatsch unisce audacemente due mondi che a prima vista sembrano avere poco in comune. Tuttavia, come ci ha insegnato questa primavera non solo l'esoterismo ma anche la polvere del Sahara, tutte le cose sono collegate, più o meno indirettamente. E se si guarda un po', si trovano connessioni ovunque: materiali, spirituali, mediali, tecnologiche e forse anche immaginarie.

Le piazze dei villaggi di Lianzhou in Cina e di Murschetg a Laax sono state fotografate con la stessa tecnica di fotografia semiautomatica che Spinatsch ha sviluppato in oltre venti progetti diversi ed esposto in tutto il mondo, da Zurigo, Tolosa, New York, Curitiba e Phnom Penh a Varsavia e di nuovo a Davos. I due scatti panoramici sono stati realizzati utilizzando esattamente la stessa programmazione: Nell'arco di due ore, la fotocamera ha scattato un totale di 992 immagini, una ogni otto secondi, ruotando di 360 gradi. Queste sono state poi unite per creare un'immagine panoramica. Il risultato è un'immagine spazialmente continua composta da 992 momenti.

Questi panorami sono un ibrido di controllo e casualità. Non appena l'artista ha programmato e attivato la fotocamera, l'immagine viene scattata automaticamente. Mentre l'artista pianifica l'inquadratura e i tempi dello scatto, ciò che accade nel campo dell'immagine nel momento in cui l'otturatore viene rilasciato è completamente casuale. Le conseguenze sono profonde: l'artista delega parte del suo lavoro alla macchina, fa un passo indietro come autore e relativizza l'idea di genio artistico. Perché la macchina ignora le sue intenzioni o le gerarchie date. Per la macchina fotografica tutto è ugualmente importante. A seconda della prospettiva e dell'intenzione dell'applicazione, consente sia la pubblicità turistica che la sorveglianza.

Ma crea anche una nuova libertà, soprattutto per lo spettatore. L'artista lascia parte del lavoro alla macchina e condivide l'interpretazione con lo spettatore. L'interpretazione diventa parte dell'opera o, per dirla in altro modo, diventa partecipativa. Questa libertà fa appello anche alla ragione critica e alla responsabilità individuale. Vedere non è innocente.

Le immagini panoramiche di Laax e Lianzhou di Jules Spinatsch sono un'esplorazione artistica della complessità e dell'instabilità delle immagini quando vengono viste in relazione a sistemi politici e ideologie. Attraverso la sua prospettiva e il suo approccio unici, Spinatsch ci invita a esaminare le immagini in generale in termini di come rivelano o oscurano la complessità del potere e delle strutture politiche. Le sue opere non sono solo finestre costruite sul mondo immaginario, ma anche uno sguardo allo specchio che mostra a tutti quanto della nostra interpretazione attribuiamo alla nostra percezione visiva e quanto invece viene adottato inconsciamente.

“Le immagini non parlano da sole, dice il dottor Jules”.

Al piano terra, siamo accolti da due gruppi di immagini, a prima vista forse non correlate. Si tratta di una preselezione manuale di singole immagini dai panorami che ci attendono al primo piano. L'artista ha fatto determinare la sequenza secondo un criterio arbitrario: Dalla dimensione del file in stato compresso.

La mostra è completata in modo sovversivo da immagini di Hong Kong e Davos. La fotografia di Hong Kong è stata scattata nel 1997, un anno prima che Hong Kong fosse restituita alla Cina dall'Inghilterra: è stata scattata con la promessa che Hong Kong sarebbe rimasta governata democraticamente. La formula era: un Paese, due sistemi. Per Pechino e Hong Kong, come per Laax e Lianzhou, è ora: due città - un programma.

In Laax am See, Jules Spinatsch boldly brings together two worlds that at first glance seem to have little in common. But as not only esotericism but also the Sahara dust taught us again this spring, all things are connected – more or less indirectly. And if you look hard enough, you can find connections everywhere – material, spiritual, media-related, technological and perhaps even just imaginary ones.

The village squares of Lianzhou in China and Murschetg in Laax were both photographed using the same semi-automatic photography technique that Spinatsch has developed in over twenty different projects and exhibited worldwide – from Zurich, Toulouse and New York to Curitiba and Phnom Penh, Warsaw and back to Davos. The two panoramic shots were created using exactly the same programming: the camera took up a total of 992 images over a period of two hours – one image every eight seconds – and rotated 360 degrees in the process. These were then stitched together to create a panoramic image. The result is a spatially continuous image composed of 992 moments.

These panoramas are a hybrid of control and chance. As soon as the artist has programmed the camera and released the shutter, the recording runs independently. While the artist plans the section and time of the recording, what actually happens in the image field at the moment of release is completely random. The consequences are profound: the artist delegates part of his work to the machine, resigns as author and relativizes the idea of artistic genius. The machine ignores his intentions or given hierarchies. For the camera, everything is equally important. Depending on the perspective and the intention of the application, it can be used for tourism advertising or surveillance.

But it also creates a new freedom, especially for the viewer. The artist leaves part of the work to the machine and shares the interpretation with the viewer. The interpretation becomes part of the work, or in other words, it becomes participatory. This freedom also appeals to critical reason and to individual responsibility. Seeing is not innocent.

Jules Spinatsch's panoramic images of Laax and Lianzhou are an artistic exploration of the complexity and instability of images when viewed in terms of political systems and ideologies. Through his unique perspective and approach, Spinatsch invites us to examine images in general in terms of how they reveal or obscure the complexity of political power and structures. His works are not only constructed windows onto an imagined world, but also a look into the mirror that shows each and every one of us how much of our own interpretation we attach to our visual perception, and how much is unconsciously adopted.

"The images don't speak for themselves, says Dr. Jules.”

On the ground floor, two groups of images – which at first glance may appear to be unrelated – greet us. These are a manual pre-selection of individual images from the panoramas that await us on the first floor. The order in which they are displayed was determined by an arbitrary criterion: the size of the compressed files.

The exhibition is subversively supplemented by visuals of Hong Kong and Davos. The shot of Hong Kong was taken in 1997, one year before the handover of Hong Kong from England to China: It took place with the promise that Hong Kong would remain democratically governed. The formula was: One Country, two Systems. For Beijing and Hong Kong, as for Laax and Lianzhou, the same applies: Two Cities – One Program.

A Laax, sper il Lag Grond, cumbinescha Jules Spinatsch a moda temeraria dus munds che paran a prema vesta d’haver pauc communabel. Denton sco buc mo l'esoterica, mobein era la puorla dalla Sahara ha mussau questa primavera, ein tuttas caussas colligiadas ina cun l’autra. E sch'ins enquera mo in tec, anfl’ins dapertut colligiaziuns: materialas, spirtalas, medialas, tecnologicas e forsa schizun mo colligiaziuns imaginaras.

Las plazzas cadruvi da Lianzhou en China e da Murschetg a Laax ein vegnidas fotografadas cun la medema tecnica miez automatica che Spinatsch ha sviluppau duront varga vegn projects sigl entir mund – da Turitg, a Toulouse, a New York sur Curitiba e Phnom Penh tochen Varsovia ed anavos a Tavau. Las duas registraziuns panoramicas ein vegnidas fatgas cun la medema programaziun: varga duas uras ha la camera registrau 992 maletgs – mintga otg secundas in maletg – ed ei sevulvida duront quei temps per 360 grads. Silsuenter ein ils maletgs vegni mess ensemen ad in maletg panoramic. Il resultat ei in maletg che secumpona da 992 muments.

Quels panoramas ein in hibrid da controlla e casualitad. Schegleiti ch’igl artist ha programau la camera, sesplegia la registraziun automaticamein. Daferton ch’igl artist planisescha il tagl ed il termin dalla registraziun, ei quei che capeta sco maletg totalmein casual. Las consequenzas ein radicalas: igl artist deleghescha alla maschina ina part da sia lavur, el seretila sco autur e relativescha l'idea dil scheni artistic: la maschina ignorescha siu intent e las hierarchias dadas. Per la camera ei tut tuttina impurtont. Tut tenor perspectiva possibilitescha la camera el medem mument reclama turistica sco era survigilonza totala.

Mo ei dat era ina nova libertad, en special per las contempladras ed ils contempladers. Igl artist surlai ina part da sia lavur alla maschina e parta l'interpretaziun culs contempladers. L'interpretaziun daventa aschia ina part dall'ovra ni formulau auter, l’ovra vegn participativa. Quella libertad appellescha il medem mument era alla raschun critica ed alla responsabladad individuala. Veser e mirar ei buca innocent.

Ils maletgs panoramics da Jules Spinatsch da Laax e da Lianzhou perscuteschan la cumplexitad e labilitad da maletgs, sch'els vegnan contemplai en vesta a sistems politics ed ideologias. Tras sia perspectiva envida Spinatsch d'intercurir co maletgs reveleschan ni zuppan pussonza e structuras politicas. Sias ovras ein buc mo finiastras construidas viers in mund imaginar, mobein era in sguard el spieghel che muossa a mintginA co nus secolligein cun noss’atgna interpretaziun e con da quei che nus surprendin a moda nuncunscienta.

«Ils maletgs tschontschan buc persuls», manegia dr. Jules.

El plaunterren retscheivan nus duas gruppas da maletgs che han a prima vista negin connex in cun l’auter. Igl ei ina pre-selecziun da maletgs singuls dils dus panoramas ch’ein exponi ell’emprema alzada. La successiun ha igl artist determinau tenor criteris arbitrars: dalla grondezia dalla datoteca el stadi comprimiu.

L'exposiziun vegn cumplettada a moda subversiva, cun purtrets da Hongkong e da Tavau. La foto da Hongkong datescha da 1997, in onn avon che l’Engheltiara ha returnau Hongkong alla China: La surdada ei succedida cun l'empermischun che Hongkong resta ina democrazia. La fuormla senumnava: One Country, two Systems. Per Peking e per Hongkong vala ussa sco per Laax e Lianzhou medemamein: Two Cities – One Programm.

(Text: Cularta, Laax)

MUSEC Museo delle Culture | Lugano
8. Juni 2024 – 19. Januar 2025

L'immagine dell'empresente. FOSCO MARAINI. Una retrospettiva

Das MUSEC in Lugano feiert die Fotografie von Fosco Maraini zwanzig Jahre nach seinem Tod mit der größten Retrospektive, die ihm je gewidmet wurde. Sie ist das Ergebnis eines Forschungsprojekts, das vor zwei Jahren gestartet wurde und an dem die wichtigsten Institutionen beteiligt waren, die sein Werk von Anfang an bewahrt und gefördert haben. Auf diese Weise ist es möglich, Maraini endgültig die ihm gebührende Rolle in der Geschichte der Fotografie zuzuweisen und gleichzeitig auf mehreren Ebenen über die grundlegenden Werte einer Kunstform nachzudenken, die heute, angesichts der neuen Grenzen der Technologie, ihre Substanz in Frage stellt. Eine Überlegung, die darauf abzielt, zu unterstreichen, dass jede Darstellung der Realität, sei sie konkret oder abstrakt, nur dann einen Sinn hat, wenn sie in der Lage ist, ein geistiges Universum und eine ursprüngliche Vision der Welt wiederherzustellen.

Die Ausstellung in der Villa Malpensata in Lugano zeigt 223 zum Teil unveröffentlichte Fotografien, die zwischen 1928 und 1971 in Europa und Asien aufgenommen wurden. Die Auswahl der Fotografien ist das Ergebnis einer eingehenden Untersuchung des Fotoarchivs von Maraini, angefangen bei den Hunderten von illustrierten Publikationen, die es erst ermöglichten, die Kapitel zu definieren, mit denen das Projekt strukturiert werden sollte, bis hin zu den Tausenden von Negativen, die im Gabinetto Vieusseux in Florenz aufbewahrt werden. Unter Berücksichtigung der laufenden "Entdeckungen", der fehlenden oder unbrauchbaren Negative und der vergleichenden Auswahl, die notwendig war, um Harmonie und visuelle Kohärenz zu gewährleisten, nahm die Auswahl so Gestalt an. Die von Francesco Paolo Campione, dem Direktor des MUSEC, kuratierte Ausstellung bringt die Facetten der Fotografie Marainis wieder zum Vorschein: eine Fotografie von Menschen und Kulturen; von Landschaften, die sich ins Unendliche öffnen; von Innenarchitekturen, in denen die geheimen Geometrien der inneren Welt widerhallen; von Details, die sich inmitten der Handlung einer Realität offenbaren, die mit seltener Intelligenz interpretiert und mit einer kultivierten und äußerst feinen Ästhetik beschrieben wird. Es sind Bilder, die "all'empresente ergriffen" sind, wie Maraini mit einem ihrer überraschenden Neologismen zu sagen pflegte. Bilder also, die in jenem unwiederholbaren Moment eingefangen wurden, in dem das Auge die Bewegungen des Herzens und der Seele wahrnimmt.

Le MUSEC de Lugano célèbre la photographie de Fosco Maraini, vingt ans après sa mort, avec la plus grande rétrospective qui lui ait jamais été consacrée, fruit d'un projet de recherche lancé il y a deux ans et auquel ont participé les principales institutions qui conservent et valorisent son œuvre depuis le début. Il est donc possible d'attribuer définitivement à Maraini le rôle qu'il mérite dans l'histoire de la photographie et, en même temps, de réfléchir à plusieurs niveaux sur les valeurs fondamentales d'un art qui, aujourd'hui, face aux nouvelles frontières de la technologie, s'interroge sur sa substance même. Une réflexion qui vise à souligner que toute représentation de la réalité, qu'elle soit concrète ou abstraite, n'a de sens dans le temps que si elle est en mesure de restituer un univers spirituel et une vision originale du monde.

L'exposition à la Villa Malpensata de Lugano présente 223 photographies, dont certaines inédites, prises entre 1928 et 1971 en Europe et en Asie. Le choix des photographies est le résultat d'une exploration approfondie des archives photographiques de Maraini, depuis les centaines de publications illustrées qui ont d'abord permis de définir les chapitres avec lesquels structurer le projet, jusqu'aux milliers de négatifs conservés au Gabinetto Vieusseux de Florence. En tenant compte des "découvertes" en cours, des négatifs manquants ou inutilisables et des choix comparatifs nécessaires pour garantir l'harmonie et la cohérence visuelle, la sélection a ainsi pris forme. Le parcours de l'exposition organisée par Francesco Paolo Campione, directeur du MUSEC, restitue les facettes de la photographie de Maraini : une photographie d'hommes et de cultures ; de paysages qui s'ouvrent sur l'infini ; d'architectures intérieures dans lesquelles se répercutent les géométries secrètes du monde intérieur ; de détails qui se révèlent au milieu des intrigues d'une réalité interprétée avec une rare intelligence et décrite avec une esthétique cultivée et d'une grande finesse. Ce sont des images "saisies all'empresente", comme Maraini aimait à le dire avec l'un de ses surprenants néologismes. Des images, donc, saisies dans ce moment unique où l'œil se donne à percevoir les mouvements du cœur et de l'âme.

Il MUSEC di Lugano celebra la fotografia di Fosco Maraini, a vent'anni dalla scomparsa, con la più ampia retrospettiva che gli sia mai stata dedicata, frutto di una ricerca avviata due anni fa che ha coinvolto sin dall’inizio le principali istituzioni che ne conservano e valorizzano l’opera. È così possibile assegnare definitivamente a Maraini il ruolo che gli spetta nella storia della fotografia e, al contempo, riflettere a più livelli sui valori portanti di una forma d’arte che oggi, di fronte alle nuove frontiere della tecnologia, s’interroga sulla sua stessa sostanza. Una riflessione volta a sottolineare come ogni rappresentazione della realtà, concreta o astratta che sia, ha senso nel tempo soltanto se è in grado di restituire un universo spirituale e un’originale visione del mondo.

L’esposizione allestita a Villa Malpensata a Lugano, presenta 223 fotografie, alcune delle quali inedite, realizzate fra il 1928 e il 1971 in Europa e in Asia. La scelta delle fotografie è frutto di una approfondita esplorazione degli archivi fotografici di Maraini, dalle centinaia di pubblicazioni illustrate che hanno permesso dapprima di definire i capitoli con cui strutturare il progetto, fino alle  migliaia di negativi conservati dal Gabinetto Vieusseux di Firenze: tenuto conto delle «scoperte» in corso d’opera, dei negativi mancanti o inutilizzabili e delle scelte comparative, necessarie a garantire armonia e coerenza visiva, la selezione ha così preso corpo. Il percorso dell’esposizione curata da Francesco Paolo Campione, direttore del MUSEC, restituisce le sfaccettature della fotografia di Maraini: una fotografia di uomini e culture; di paesaggi che si aprono sull’infinito; di architetture d’interni in cui si riverberano le geometrie segrete del mondo interiore; di particolari che si svelano fra le trame di una realtà interpretata con intelligenza rara e descritta con una colta e finissima estetica. Sono immagini «carpite all’empresente», come Maraini amava dire con uno dei suoi sorprendenti neologismi. Immagini, cioè, colte in quell’attimo irripetibile in cui all’occhio è dato percepire le movenze del cuore e dell’anima.

The MUSEC in Lugano celebrates the photography of Fosco Maraini, twenty years after his death, with the largest retrospective that has ever been dedicated to him, the result of a research project launched two years ago that has involved the main institutions that preserve and enhance his work from the very beginning. It is thus possible to definitively assign to Maraini the role he deserves in the history of photography and, at the same time, to reflect on several levels on the fundamental values of an art form that today, faced with the new frontiers of technology, questions its very substance. A reflection aimed at underlining how every representation of reality, be it concrete or abstract, only makes sense in time if it is able to restore a spiritual universe and an original vision of the world.

The exhibition at Villa Malpensata in Lugano presents 223 photographs, some of them previously unpublished, taken between 1928 and 1971 in Europe and Asia. The choice of the photographs is the result of an in-depth exploration of Maraini's photographic archives, from the hundreds of illustrated publications that first made it possible to define the chapters with which to structure the project, to the thousands of negatives conserved at the Gabinetto Vieusseux in Florence. Taking into account the ‘discoveries’ in progress, the missing or unusable negatives and the comparative choices necessary to guarantee harmony and visual coherence, the selection thus took shape. The itinerary of the exhibition curated by Francesco Paolo Campione, director of MUSEC, restores the facets of Maraini's photography: a photography of men and cultures; of landscapes that open onto infinity; of interior architectures in which the secret geometries of the inner world reverberate; of details that are revealed amidst the plots of a reality interpreted with rare intelligence and described with a cultured and extremely fine aesthetic. They are images ‘seized all'empresente’, as Maraini liked to say with one of her surprising neologisms. Images, that is, caught in that unrepeatable moment in which the eye is given to perceiving the movements of the heart and soul.

(Text: MUSEC Museo delle Culture, Lugano)

Galerie Plattner & Plattner | Pontresina
7. Juni – 20. Oktober 2024

Essenzas
Guido Baselgia

Für die Ausstellung «Essenzas» hat Guido Baselgia Arbeiten aus drei Werkgruppen ausgewählt, die unterschiedlicher nicht sein können und die das Wesen seiner Arbeit herausschälen: Es sind zum einen meist grossformatige Bilder aus dem Amazonasgebiet, die mit dem übergeordneten Werktitel «Als ob die Welt zu vermessen wäre» vom Respekt und der Wertschätzung des Fotografen gegenüber der Natur zeugen. Aus der Werkgruppe «Light Fall» hat er zum andern die zwanzigteilige Serie «Um die Sonne» von 2020 ausgewählt, die an ganz unterschiedlichen Orten der Welt die aufgehende und untergehende Sonne festhält. Aus «Lichtstoff und Luftfarben» schliesslich, dem jüngsten, mit der eigens dafür konstruierten Kamera Obscura aufgenommenen Werkzyklus, zeigt er auf dem Piz Languard festgehaltene Bilder. Es sind seine ersten Farbbilder, entstanden vor dem Aufgang und nach dem Untergang der Sonne, und der konsequente Schritt des Künstlers im Umgang mit den Möglichkeiten von Fotografie. «In der Unschärfe der Welt – die Wirklichkeit erkennen» so lautet die Formulierung des Fotografen.

Die Werkschau «Essenzas» bildet eine sinnige Ergänzung zur erstmals zahlreiche Kulturhäuser des Tals umfassenden Ausstellung «Splendur e sumbriva – Licht und Schatten des Engadins». Das Museum Alpin Pontresina zeigt in diesem Zusammenhang die Einzelausstellung «Guido Baslegia – im Auge des Lichts».

Pour l'exposition "Essenzas", Guido Baselgia a sélectionné des travaux issus de trois groupes d'œuvres qui ne pourraient pas être plus différents et qui mettent en évidence l'essence de son travail : il s'agit d'une part de visuels de la région amazonienne, pour la plupart de grand format, qui témoignent, avec le titre général de l'œuvre "Comme si le monde était à mesurer", du respect et de l'estime du photographe pour la nature. Dans le groupe d'œuvres "Light Fall", il a d'autre part sélectionné la série de vingt photos "Autour du soleil" de 2020, qui immortalise le soleil levant et le soleil couchant dans des endroits très différents du monde. Enfin, il montre des visuels du Piz Languard tirés de "Tissu lumineux et couleurs de l'air", le dernier cycle d'œuvres enregistré avec la caméra obscura spécialement construite à cet effet. Il s'agit de ses premières images en couleur, réalisées avant le lever et après le coucher du soleil, et du pas conséquent de l'artiste dans l'utilisation des possibilités de la photographie. "Dans le flou du monde - reconnaître la réalité", telle est la formule du photographe.

L'exposition d'œuvres "Essenzas" constitue un complément judicieux à l'exposition "Splendur e sumbriva - Licht und Schatten des Engadins", qui réunit pour la première fois de nombreux centres culturels de la vallée. Dans ce contexte, le Musée Alpin de Pontresina présente l'exposition individuelle "Guido Baslegia - dans l'œil de la lumière".

Per la mostra "Essenzas", Guido Baselgia ha selezionato opere da tre gruppi di lavori che non potrebbero essere più diversi e che rivelano l'essenza del suo lavoro: da un lato, ci sono per lo più immagini di grande formato della regione amazzonica, che, con il titolo generale "Come se il mondo fosse da misurare", testimoniano il rispetto e l'apprezzamento del fotografo per la natura. Dal gruppo di opere "Light Fall", ha selezionato anche la serie in venti parti "Around the Sun" del 2020, che cattura il sorgere e il tramontare del sole in luoghi molto diversi del mondo. Infine, presenta le immagini catturate sul Piz Languard da "Lichtstoff und Luftfarben", l'ultimo ciclo di opere realizzate con la fotocamera Obscura appositamente costruita. Sono le sue prime immagini a colori, scattate prima del sorgere e dopo il tramonto del sole, e rappresentano l'approccio coerente dell'artista alle possibilità della fotografia. "Nella sfocatura del mondo - riconoscere la realtà" è la formulazione del fotografo.

La mostra "Essenzas" è un'aggiunta significativa all'esposizione "Splendur e sumbriva - Licht und Schatten des Engadins", che per la prima volta coinvolge numerosi centri culturali della valle. In questo contesto, il Museo Alpino di Pontresina presenta la mostra personale "Guido Baslegia - nell'occhio della luce".

For the "Essenzas" exhibition, Guido Baselgia has selected works from three groups of works that could not be more different and that reveal the essence of his work: On the one hand, there are mostly large-format visuals from the Amazon region, which, with the overarching title "As if the world were to be measured", testify to the photographer's respect and appreciation of nature. He also selected the twenty-part series "Around the Sun" from 2020 from the "Light Fall" group of works, which captures the rising and setting sun in very different places around the world. Finally, he shows visuals captured on Piz Languard from "Lichtstoff und Luftfarben", the most recent cycle of works taken with the specially constructed Obscura camera. These are his first color pictures, taken before the sun rises and after it sets, and represent the artist's consistent step in dealing with the possibilities of photography. "In the blurriness of the world - recognizing reality" is the photographer's formulation.

The "Essenzas" exhibition complements the exhibition "Splendur e sumbriva - Licht und Schatten des Engadins", which is being held for the first time in numerous cultural venues in the valley. In this context, the Museum Alpin Pontresina is showing the solo exhibition "Guido Baslegia - in the eye of the light".

(Text: Ursula Badrutt)

Bally Foundation | Lugano
29. Mai 2024 – 12. Januar 2025

Arcadia

Yto Barrada, Vanessa Beecroft, Amélie Bertrand, Julius von Bismarck, Zuzanna Czebatul, Raphaël Emine, Hermann Hesse, Ittah Yoda, Mehdi-Georges Lahlou, Lisa Lurati, Marta Margnetti, Lou Masduraud, Adrien Missika, Gabriel Moraes Aquino, Amy O’Neill, Maxime Rossi, Mario Schifano, Julia Steiner, Batia Suter

Arcadia ist in der kollektiven Vorstellung ebenjene idyllische Region in Griechenland, die unter anderem von Vergil in seiner Bucolica im Jahr 40 v. Chr. als ein Ort der Ruhe, den Freuden der Natur und des Gesangs verewigt wurde. Die Berge, die blühende Natur, das Mikroklima und die Lebensqualität haben diesen Ort in ein Synonym für ein ideales Leben verwandelt, in dem die Pracht und Harmonie einer reichen Natur die Intimität und Poesie des Gartens im Maßstab der gesamten Landschaft eröffnen.

Die Ausstellung «Arcadia» verwendet als Basis die Nachbildung des Gebiets der schweizerisch-italienischen Region Tessin aus dem vergangenen Jahrhundert und erforscht diverse Ansätze, die ein Glücksstreben verfolgen welches die Verbindung und die Entfaltung in der Natur einbezieht.

Mit der Demokratisierung des Autos in den 1930er Jahren wurde das Tessin durch die Gotthardstraße schneller und direkter mit der Deutschschweiz verbunden und erhielt den Beinamen «Sonnenstube». Diese sonnige und gastfreundliche Region wurde zum Anziehungspunkt für Künstler und Berühmtheiten, während exotische Gärten en vouge waren. Von Morcote über Montagnola bis hin zu Lugano, vom Park der Villa Heleneum und den Gärten von Persönlichkeiten wie Hermann Hesse oder bedeutender Kunstsammlern wie Hermann Arthur Scherrer oder Peter Smithers, dem früheren MI6-Agenten, entwickelten sich die Ziergärten in exotische Oasen, die Reiseandenken und Romantik zusammenführen.

Die Gestaltung dieser Grünanlagen, die oft mit exotischen Pflanzen bestückt sind, führt zu einem Transformationsprozess, der über den Rahmen des privaten Gartens sprengt und eine mediterrane Ader entlang der Seeufer der Region schafft. Ein Segment des präalpinen Raums wandelt sich nach und nach zu einer Art «Riviera», wo die Grenzen zwischen dem privaten Grün und der weitläufigen Landschaft verschwimmen: Die fremdländische Flora der Gärten bestehend aus chinesische Mandarinenbäumen, japanische Palmen, zentralamerikanische Cycas revoluta, australischen Eukalypten oder seltenen Glyzinien und weitere Arten breiten sich bis zum Horizont. Wie der waadtländische Botaniker Henry Correvon, ein Pionier der alpinen Flora, zu Beginn des 20. Jahrhunderts schrieb: «Im Tessin nimmt die Vegetation so mannigfaltige, so üppige Formen an, dass sie allerorts Bewunderung erregt. Es ist schon Italien und doch stets die Schweiz [...]. Es ist unsere «Riviera», unser «Midi», wie friedvoll und pittoresk!1» Diese Gestaltungen beinhalten oft künstliche Ruinen, Kolonnaden entlang der Seen, Nachbildungen antiker Skulpturen oder sogar nachgestellte Höhlen und verleihen diesen Gartenlandschaften eine bemerkenswerte malerische Dimension. Es ist durch diese Kombination von Elementen, dass eine erzählerische Geographie entsteht, die das Bild eines idyllischen Südens verkörpert, mit der Palme als ikonischem Symbol. Vom Exotismus bis zur Ästhetik des Verfalls, von den Tessiner Palmen bis zu den in den 1930er Jahren eingeführten kalifornischen Exemplaren, die Südkalifornien in ein «mediterranes Küstengebiet Amerikas» nach dem Vorbild der französischen Riviera umgestalten2 – die kollektive Ausstellung «Arcadia» hinterfragt, wie zeitgenössische Künstler neue Architekturen und emotionale Ökosysteme gestalten und ins Leben rufen. Wie sie, indem sie mit den Grenzen zwischen Natur und Künstlichkeit, Fiktion und Wirklichkeit verwischen, die Utopie eines fiktiven und zeitlosen Erbes erschaffen?

L’Arcadie représente dans l’imaginaire collectif cette région idyllique située en Grèce, décrite entre autres, par Virgile dans ses Bucoliques en 40 av. J.C. comme un lieu de quiétude, consacrée aux plaisirs de la nature et du chant. Les montagnes, la nature prospère, le microclimat et la douceur de vivre ont transformé le lieu en un synonyme d’idéal de vie, où la splendeur et l’harmonie d’une nature abondante ouvrent l’intimité et la poésie du jardin à l’échelle du paysage tout entier.

L’exposition «Arcadia» prend pour point de départ le modelage du territoire de la région suisseitalienne du Tessin au cours du siècle dernier, explorant différents axes visant un idéal de bonheur qui intègre et développe le rapport à la nature.

Avec la démocratisation de l’automobile dans les années 1930, le Tessin est enfin connecté de manière plus directe et rapide à la Suisse allemande par la route du Gothard, recevant le surnom de «Sonnenstube», la place au soleil. Cette région ensoleillée et accueillante attire désormais artistes et personnalités à l’époque où les jardins exotiques deviennent à la mode. De Morcote à Montagnola en passant par Lugano, du parc de la Villa Heleneum à ceux d’écrivains comme Hermann Hesse ou de grands collectionneurs d’art comme Hermann Arthur Scherrer ou encore de Peter Smithers, ancien agent secret du MI6, les jardins d’agrément se métamorphosent en oasis exotiques, mêlant souvenirs de voyage et romantisme.

Le façonnage de ces espaces verts, souvent peuplés de plantes tropicales, engendre un processus de transformation qui dépasse le cadre du jardin privé, générant une sorte de ruban méditerranéen le long des rivages des lacs de la région. Une portion de l’espace préalpin devient peu à peu une sorte de «Riviera», où les frontières entre le jardin privé et le paysage lointain disparaissent : la flore exotique des jardins accueillant mandariniers de Chine, palmiers du Japon, Cycas revoluta d’Amérique centrale, eucalyptus d’Australie ou encore des glycines rares et autres espèces, s’étend à perte de vue. Comme l’écrit au début du XXe siècle le botaniste suisse Henry Correvon, grand spécialiste de la flore alpine, «dans le Tessin la végétation y revêt des formes si variées, si multiples, elle y est d’une exubérance si extraordinaire qu’elle nous arrache partout des cris d’admiration. C’est déjà l’Italie et pourtant encore la Suisse […]. C’est notre “Riviera”, notre Midi à nous, et combien paisible et plus pittoresque!1» Ces aménagements intègrent souvent des faux vestiges, des colonnades le long des lacs, des reproductions de sculptures antiques ou encore des grottes artificielles, conférant à ces jardins-paysages une dimension pittoresque remarquable. C’est à travers cette juxtaposition d’éléments que se dessine une géographie narrative incarnant l’image d’un Sud idyllique, dont le palmier devient l’emblème. De l’exotisme à l’esthétique de la ruine, des palmiers tessinois aux palmiers californiens importés dans les années 1930 pour transformer le sud de la Californie en «littoral méditerranéen de l’Amérique» inspiré de la French Riviera2 - l’exposition collective «Arcadia» interroge la manière dont les artistes contemporains composent et font émerger de nouvelles architectures, des écosystèmes émotionnels. Comment ces derniers, jouant des frontières entre nature et artifice, chimère et réalité, construisent l’utopie d’un patrimoine fictif et immémorial.

L‘Arcadia rappresenta nell‘immaginario collettivo quella regione idilliaca situata in Grecia, descritta, tra gli altri, da Virgilio nelle Bucoliche del 40 a.C. come un luogo di quiete, dedito ai piaceri della natura e del canto. Le montagne, la natura rigogliosa, il microclima e la dolcezza della vita hanno trasformato il luogo in un sinonimo di ideale di vita, dove lo splendore e l‘armonia di una natura abbondante estendono l‘intimità e la poesia del giardino all‘intero paesaggio.

La mostra “Arcadia” prende come punto di partenza la modellazione del territorio della regione svizzero-italiana del Ticino nel corso del secolo scorso, esplorando diversi approcci, mirando a un ideale di felicità che integra e sviluppa il rapporto con la natura.

Con la democratizzazione dell‘automobile negli anni‚ 30, il Ticino è finalmente collegato in modo più diretto e veloce alla Svizzera tedesca attraverso la strada del San Gottardo, ricevendo il soprannome di “Sonnenstube”, il posto al sole. Questa regione soleggiata e accogliente attira allora artisti e personalità nel momento in cui i giardini esotici diventano di moda. Da Morcote a Montagnola passando per Lugano, dal parco della Villa Heleneum a quelli di scrittori come Hermann Hesse o grandi collezionisti d‘arte come Hermann Arthur Scherrer, o ancora dell’ex-agente segreto del MI6, Peter Smithers, i giardini ornamentali si trasformano in oasi esotiche, mescolando ricordi di viaggio e romanticismo.

La creazione di questi spazi verdi, spesso popolati da piante tropicali, genera un processo di trasformazione che va oltre il contesto del giardino privato, creando una sorta di nastro mediterraneo lungo le rive dei laghi della regione. Una porzione dello spazio prealpino diventa pian piano una sorta di “Riviera francese”, dove i confini tra giardino privato e paesaggio lontano svaniscono: la flora esotica dei giardini, che comprende alberi di mandarino cinese, palme del Giappone, cycas revoluta dell’America centrale, eucalipti dell‘Australia e rare glicini e altre specie, si estende a perdita d’occhio. Come scriveva all‘inizio del XX secolo il botanico svizzero Henry Correvon, grande esperto della flora alpina, „Nel Ticino la vegetazione assume forme così varie e molteplici, ed è così straordinariamente esuberante da suscitare ovunque grida di ammirazione. È già Italia eppure è ancora Svizzera [...]. È la nostra “Riviera”, il nostro “Midi”, ma molto più tranquillo e pittoresco!1” Queste composizioni vegetali integrano spesso finti ruderi, colonnati lungo i laghi, riproduzioni di sculture antiche o anche grotte artificiali, conferendo al giardino paesaggistico una notevole dimensione pittoresca. È attraverso questa giustapposizione di elementi che si delinea una geografia narrativa che incarna l’immagine di un Sud idilliaco, di cui la palma diventa l’emblema. Dall’esotismo all’estetica del rudere, dalle palme ticinesi alle palme californiane importate negli anni ‘30 per trasformare il sud della California in «litorale mediterraneo dell’America» ispirato alla French Riviera-2 la mostra collettiva “Arcadia” interroga il modo in cui gli artisti contemporanei compongono e fanno emergere nuove architetture, ecosistemi emotivi. Giocando con i confini tra natura e artificio, chimera e realtà, essi costruiscono l’utopia di un patrimonio immaginario e immemore.

In our collective imagination, Arcadia represents that idyllic region located in Greece, described, among others, by Virgil in his Bucolics in 40 B.C. as a place of tranquility, devoted to the pleasures of nature and song. The mountains, the flourishing nature, the microclimate, and the sweetness of life have transformed the place into a synonym for an ideal life, where the splendour and harmony of abundant nature open the intimacy and poetry of the garden to the entire landscape.

The «Arcadia» exhibition takes as its starting point the shaping of the territory of the Swiss-Italian region of Ticino over the past century, exploring different axes aiming at an ideal of happiness that embraces and develops the relationship with nature.

With the democratization of the automobile in the 1930s, Ticino is finally connected more directly and quickly to German-speaking Switzerland by the Gotthard Road, thereby acquiring the nickname «Sonnenstube,» the sunspot. This sunny and welcoming region became attractive to artists and celebrities at a time when exotic gardens are becoming fashionable. From Morcote to Montagnola via Lugano, from the park of Villa Heleneum to those of writers like Hermann Hesse or great art collectors like Hermann Arthur Sherrer or even Peter Smithers, former MI6 secret agent, pleasure gardens are transformed into exotic oases, combining memories of travel and romanticism.

The shaping of these green spaces, often populated with tropical plants, engenders a transforming process that goes beyond the scope of the private garden, creating a sort of Mediterranean ribbon along the shores of the region’s lakes. A portion of the pre-Alpine space gradually becomes a kind of «French Riviera,» where the boundaries between the private garden and the distant landscape disappear: the exotic flora of the gardens welcoming mandarin trees from China, palm trees from Japan, Cycas revoluta from Central America, eucalyptus from Australia, or rare wisterias and other species, extends as far as the eye can see. As the Swiss botanist and great specialist in alpine flora, Henry Correvon, wrote at the beginning of the 20th century, «in Ticino the vegetation takes on forms so varied, so multiple, it is of such extraordinary exuberance that it elicits admiration everywhere. It is already Italy and yet still Switzerland [...]. It is our ‘Riviera’, our “Midi”, and how peaceful and more picturesque!1 ” These arrangements often include fake ruins, colonnades along the lakes, reproductions of ancient sculptures or even artificial grottos, giving these garden landscapes a remarkable picturesque dimension. It is through this juxtaposition of elements that a narrative geography emerges, embodying the image of an idyllic South, with the palm tree becoming the emblem. From exoticism to the aesthetics of ruin, from Ticino palm trees to Californian ones imported in the 1930s to transform the region into the «Mediterranean coastline of America» inspired by the French Riviera2 - the collective exhibition «Arcadia» questions how contemporary artists compose and bring forth new architectures and emotional ecosystems. Playing with the boundaries between nature and artifice, chimera and reality, they create the utopia of a fictional and immemorial heritage.

(Text: Bally Foundation, Lugano)

Canvetto Luganese | Lugano
21. Mai – 7. September 2024

CIRCUS NOIR
Oliver Stegmann

In meinem Langzeitprojekt CIRCUS NOIR habe ich ab 2005 in verschiedenen Zirkussen in der Schweiz und im Ausland fotografiert, was sich hinter dem Vorhang abspielt. Der Vorhangbereich, der Backstage-Bereich, war meine "Bühne".

Ich habe bewusst keine Fotos von der Vorstellung in der Manege gezeigt. Ich möchte dem Betrachter meiner Fotos die Welt näher bringen, die ihm als Zuschauer verborgen bleibt. Das Wechselbad der Gefühle der Protagonisten, wenn sie nicht im Rampenlicht stehen. Das geheimnisvolle, spärliche Licht hinter der Manege, das mich als Fotograf besonders anzieht. Die stille Intensität der auf sich selbst konzentrierten Artisten. Die unerwarteten und magischen Momente, die plötzlich auftreten und sich nie wiederholen. Ich fotografiere immer spontan und instinktiv, ich lasse die Protagonisten nicht für die Kamera posieren.

Dieses Projekt begann übrigens hier im Tessin, in Verscio, mit Proben im Zelt des Clowntheaterprogramms "La Famiglia Dimitri". Ich hatte die Gelegenheit, den Clown Dimitri und seine Kinder zu fotografieren, sowohl während ihrer Auftritte als auch in privaten Momenten. Die Bilder wurden in dem Programmheft "La Famiglia Dimitri" veröffentlicht. 2008 habe ich eine Reportage über Bello Nock aus der Schweizer Nock-Zirkusdynastie (laut Time Magazine "der beste Clown Amerikas") während seiner Show im Ringling Brothers Circus gemacht.

CIRCUS NOIR ist eine Hommage an die Zirkuswelt und ihre Artisten. Es wurde 2021 vom Kettler Verlag als Fotobuch veröffentlicht und gewann Gold beim PX3 Prix de la Photographie in der Kategorie Monografie und den 1. Preis beim FEP European Photo Book Award.

Dans le cadre de mon projet à long terme CIRCUS NOIR, qui a débuté en 2005, j'ai photographié ce qui se passe derrière le rideau dans différents cirques en Suisse et à l'étranger. La zone du rideau, l'arrière-scène, était ma "scène".

Je n'ai volontairement pas montré de photos du spectacle sur la piste. Je veux rapprocher l'observateur de mes photos du monde qui lui est caché en tant que spectateur. L'alternance des émotions des protagonistes lorsqu'ils ne sont pas sous les feux de la rampe. La lumière mystérieuse et éparse derrière la piste de cirque, qui m'attire particulièrement en tant que photographe. L'intensité tranquille des artistes concentrés sur eux-mêmes. Les moments inattendus et magiques qui surgissent soudainement et ne se répètent jamais. Je photographie toujours de manière spontanée et instinctive, je ne laisse pas les protagonistes poser pour l'appareil photo.

Ce projet a d'ailleurs commencé ici, au Tessin, à Verscio, avec des répétitions sous la tente du programme de théâtre clownesque "La Famiglia Dimitri". J'ai eu l'occasion de photographier le clown Dimitri et ses enfants, à la fois pendant leurs représentations et dans des moments privés. Les photos ont été publiées dans le livret du programme "La Famiglia Dimitri". En 2008, j'ai réalisé un reportage sur Bello Nock de la dynastie suisse des cirques Nock (selon Time Magazine "le meilleur clown d'Amérique") lors de son spectacle au Ringling Brothers Circus.

CIRCUS NOIR est un hommage au monde du cirque et à ses artistes. Il a été publié en 2021 par Kettler Verlag sous la forme d'un livre de photos et a remporté l'or au PX3 Prix de la Photographie dans la catégorie monographie et le 1er prix au FEP European Photo Book Award.

Nel mio progetto a lungo termine CIRCUS NOIR, a partire dal 2005, ho fotografato ciò che accade dietro il sipario di diversi circhi in Svizzera e all’estero. La zona dei sipari, l’area del backstage, è stato il mio “palcoscenico”.

Non ho volutamente mostrato alcuna foto dello spettacolo in pista. Voglio avvicinare l’osservatore delle mie foto al mondo che gli è nascosto come spettatore. L’alternarsi delle emozioni dei protagonisti quando non sono sotto i riflettori. La luce misteriosa e rada dietro la pista del circo, che mi attrae particolarmente come fotografo. La tranquilla intensità degli artisti concentrati su se stessi. I momenti inaspettati e magici che nascono all’improvviso e non si ripetono mai più. Fotografo sempre in modo spontaneo e istintivo, non lascio che i protagonisti si mettano in posa per la macchina fotografica.

Per inciso, questo progetto è iniziato qui in Ticino, a Verscio, con le prove nel tendone del programma teatrale clownesco “La Famiglia Dimitri”. Ho avuto l’opportunità di fotografare il clown Dimitri e i suoi figli, sia durante le loro esibizioni che in momenti privati. Le immagini sono state pubblicate nel libretto del programma “La Famiglia Dimitri”. Nel 2008 ho realizzato un reportage su Bello Nock della dinastia circense svizzera dei Nock (secondo il Time Magazine “il miglior clown d’America”) durante il suo spettacolo al Ringling Brothers Circus.

CIRCUS NOIR è un omaggio al mondo del circo e ai suoi artisti. È stato pubblicato nel 2021 da Kettler Verlag come libro fotografico e ha vinto l’oro al PX3 Prix de la Photographie nella categoria monografie e il 1° premio al FEP European Photo Book Award.

In my long-term project CIRCUS NOIR, starting in 2005, I photographed what goes on behind the curtain in various circuses in Switzerland and abroad. The curtain area, the backstage area, has been my "stage."

I intentionally did not show any photos of the show on the ring. I want to bring the viewer of my photos closer to the world that is hidden from him as a spectator. The alternating emotions of the protagonists when they are not in the spotlight. The mysterious, sparse light behind the circus ring, which particularly attracts me as a photographer. The quiet intensity of the performers focused on themselves. The unexpected and magical moments that arise suddenly and are never repeated. I always photograph spontaneously and instinctively, not letting the protagonists pose for the camera.

Incidentally, this project started here in Ticino, in Verscio, with rehearsals in the tent of the clown theater program "The Dimitri Family." I had the opportunity to photograph the clown Dimitri and his children, both during their performances and in private moments. The images were published in the program booklet "The Dimitri Family." In 2008, I did a report on Bello Nock of the Swiss Nock circus dynasty (according to Time Magazine, "the best clown in America") during his show at Ringling Brothers Circus.

CIRCUS NOIR is a tribute to the circus world and its performers. It was published in 2021 by Kettler Verlag as a photo book and won gold at the PX3 Prix de la Photographie in the monograph category and 1st prize at the FEP European Photo Book Award.

(Text: Oliver Stegmann)

ConsArc Galleria | Chiasso
19. Mai – 31. Juli 2024

ENTRE-DEUX
Roberto Mucchiut

Eine Erkundung der Grenzgebiete zwischen Realität, Wahrnehmung und Vorstellung, zwischen Licht und Schatten, zwischen Vergangenheit und Zukunft und zwischen analog und digital. Die Ausstellung führt durch mehrere fotografische Serien (und zwei Videoinstallationen), die von Experimenten geprägt sind und zwischen analogen Techniken (analoge Fotografie, Lochkamera) und digitaler Verarbeitung balancieren. Der Autor bewegt sich durch schwebende Räume, in denen die Realität mit dem Imaginären verschwimmt und die Zeit ihre Linearität zu verlieren scheint. Eine Reise durch Bilder und Videos, die die Schwelle zwischen dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren und zwischen Bewegung und Stillstand darstellen.

Die ausgestellten Werke sind das Ergebnis einer künstlerischen Forschung, die Fotografie und Video nicht nur als Darstellungsmittel nutzt, sondern auch als Werkzeuge, um unsere Wahrnehmung der Realität zu hinterfragen und zu reflektieren. Eine Einladung, über die unendlichen Möglichkeiten nachzudenken, die sich eröffnen, wenn wir uns zwischen zwei Welten befinden, und über die Schönheit und Komplexität von Momenten des Übergangs zu reflektieren.

Une exploration des territoires frontaliers entre la réalité, la perception et l'imagination, entre l'ombre et la lumière, entre le passé et le futur et entre l'analogique et le numérique. L'exposition s'articule autour de plusieurs séries photographiques (et de deux installations vidéo) caractérisées par l'expérimentation, entre techniques analogiques (photographie analogique, sténopé) et traitement numérique. L'auteur évolue dans des espaces suspendus où la réalité se confond avec l'imaginaire et où le temps semble perdre sa linéarité. Un voyage à travers des images et des vidéos qui représentent le seuil entre le visible et l'invisible, entre le mouvement et la stase.

Les œuvres exposées sont le résultat d'une recherche artistique qui utilise la photographie et la vidéo non seulement comme des moyens de représentation, mais aussi comme des outils de questionnement et de réflexion sur notre perception de la réalité. Une invitation à considérer les possibilités infinies qui s'offrent à nous lorsque nous nous trouvons entre deux mondes et à réfléchir à la beauté et à la complexité des moments de transition.

Un’esplorazione dei territori di confine tra realtà, percezione e immaginazione, tra luce e ombra, tra passato e futuro e tra analogico e digitale. La mostra si snoda attraverso diverse serie fotografiche (e due installazioni video) caratterizzate dalla sperimentazione, in bilico tra tecniche analogiche (fotografia analogica, foro stenopeico) ed elaborazioni digitali. L’autore si muove attraverso spazi sospesi dove la realtà si confonde con l'immaginario e il tempo sembra perdere la sua linearità. Un cammino attraverso le immagini e i video che rappresentano la soglia tra il visibile e l'invisibile e tra il movimento e la stasi.

Le opere esposte sono frutto di una ricerca artistica che utilizza la fotografia e il video non solo come mezzi di rappresentazione, ma come strumenti per interrogare e riflettere sulla nostra percezione della realtà. Un invito a considerare le infinite possibilità che si aprono quando ci si trova in bilico tra due mondi e a riflettere sulla bellezza e sulla complessità dei momenti di passaggio.

An exploration of the border territories between reality, perception and imagination, light and shadow, past and future, and analog and digital. The exhibition unfolds through several photographic series (and two video installations) characterized by experimentation, poised between analog techniques (analog photography, pinhole) and digital processing. The author moves through suspended spaces where reality blurs with the imaginary and time seems to lose its linearity. A journey through images and videos that represent the threshold between the visible and the invisible and between movement and stasis.

The exhibited works are the result of an artistic research that uses photography and video not only as means of representation, but as tools to question and reflect on our perception of reality. An invitation to consider the infinite possibilities that open up when we find ourselves poised between two worlds and to reflect on the beauty and complexity of moments of transition.

(Text: ConsArc Galleria, Chiasso)

SALA VIAGGIATORI | Castasegna
31. März – 25. August 2024

MONDI COSTRUITI - Von Vorlieben und Leidenschaften
Patrik Fuchs, Samuel Herzog, Isabelle Krieg

Sammeln gehört seit jeher zur menschlichen Kultur und hat die Menschheit stets fasziniert. Angefangen bei den Jägern und Sammler:innen der Urzeit, von Kunst- und Kuriositätensammlungen der Schatz- und Wunderkammern der Spätrenaissance, bis hin zur Entwicklung von Museumssammlungen. Gesammelt werden nicht nur Pilze und Beeren, Panini-Bilder, Steine, Muscheln oder Kaffeerahmdeckel, sondern auch Erfahrungen, Ideen und Eindrücke. Sogar Schweigen kann man sammeln, wie es Heinrich Bölls Dr. Murke getan hat oder Echos wie Mark Twains Ithuriel in Die Geschichte des Hausierers.

Sammler:innen haben Vorlieben und Leidenschaften für alltägliche, vielleicht banale aber auch ungewöhnliche Themen, Sammeln wird zum Teil der Identität und zu konstruierten Welten. Von all diesem Sammelbaren haben wir einen facettenreichen Querschnitt von Objekten zusammengestellt, dabei jeweils eine Auswahl getroffen und bewusst auch auf Themenfelder verzichtet.

Die Exposition MONDI COSTRUITI zeigt ganz im Sinne einer Momentaufnahme einen Ausschnitt aktueller regionaler Amateur Sammelkultur aus den Bergell. Es gilt, das Vorurteil bodenständiger Volkskultur und der Freizeitgestaltung aufzuzeigen. Die Grenze zwischen Hoch und Trivialkultur soll fliessend werden und eine Annäherung an die Volks und Alltagskultur ermöglicht werden.

Der Postkarte wird – wie auch in zukünftigen Ausstellungen – aus Beständen einer privaten Sammlerin, nochmals Platz eingeräumt.

Collectionner fait partie de la culture humaine depuis toujours et a toujours fasciné l'humanité. Depuis les chasseurs-cueilleurs de la préhistoire jusqu'aux collections d'art et de curiosités des trésors et cabinets de curiosités de la fin de la Renaissance, en passant par le développement des collections de musées. On ne collectionne pas seulement des champignons et des baies, des images Panini, des pierres, des coquillages ou des opercules de crème à café, mais aussi des expériences, des idées et des impressions. On peut même collectionner des silences, comme l'a fait le Dr Murke de Heinrich Böll, ou des échos, comme Ithuriel de Mark Twain dans L'histoire du colporteur.

Les collectionneurs ont des préférences et des passions pour des thèmes quotidiens, peut-être banals, mais aussi inhabituels, la collection devient une partie de l'identité et des mondes construits. De tout ce qui peut être collectionné, nous avons rassemblé un échantillon d'objets aux multiples facettes, en faisant à chaque fois une sélection et en renonçant sciemment à des domaines thématiques.

L'exposition MONDI COSTRUITI présente, dans l'esprit d'un instantané, un extrait de la culture régionale actuelle des collectionneurs amateurs du Val Bregaglia. Il s'agit de mettre en évidence le préjugé de la culture populaire proche du sol et de l'organisation des loisirs. La frontière entre la culture élevée et la culture triviale doit devenir floue et permettre un rapprochement avec la culture populaire et quotidienne.

Comme dans les expositions à venir, une place sera à nouveau accordée à la carte postale, issue des collections d'une collectionneuse privée.

Il collezionismo ha sempre fatto parte della cultura umana e ha sempre affascinato l'uomo. A partire dai cacciatori e raccoglitori della preistoria, dalle collezioni d'arte e di curiosità negli scrigni e nei gabinetti delle curiosità del tardo Rinascimento fino allo sviluppo delle collezioni museali. Non si raccolgono solo funghi e frutti di bosco, immagini di panini, pietre, conchiglie o coperchi di crema di caffè, ma anche esperienze, idee e impressioni. Si possono collezionare anche i silenzi, come il dottor Murke di Heinrich Böll, o gli echi, come l'Ithuriel di Mark Twain in The Pedlar's Tale.

I collezionisti hanno preferenze e passioni per argomenti quotidiani, forse banali ma anche insoliti; il collezionismo diventa parte dell'identità e dei mondi costruiti. Abbiamo messo insieme uno spaccato multiforme di oggetti tra tutti questi collezionabili, facendo una selezione per ogni caso ed evitando volutamente le aree tematiche.

La mostra MONDI COSTRUITI presenta un'istantanea dell'attuale cultura collezionistica amatoriale regionale della Bregaglia. L'obiettivo è quello di mostrare il pregiudizio della cultura popolare e delle attività del tempo libero. Il confine tra cultura alta e banale dovrebbe diventare fluido e dovrebbe essere possibile un approccio alla cultura popolare e quotidiana.

Come per le mostre future, anche in questa occasione verrà dato spazio alla cartolina proveniente da un collezionista privato.

Collecting has always been part of human culture and has always fascinated mankind. Starting with the hunters and gatherers of prehistoric times, from collections of art and curiosities in the treasuries and cabinets of curiosities of the late Renaissance, to the development of museum collections. Not only mushrooms and berries, panini pictures, stones, shells or coffee cream lids are collected, but also experiences, ideas and impressions. You can even collect silences, as Heinrich Böll's Dr. Murke did, or echoes like Mark Twain's Ithuriel in The Peddler's Tale.

Collectors have preferences and passions for everyday, perhaps banal but also unusual topics; collecting becomes part of identity and constructed worlds. We have put together a multifaceted cross-section of objects from all these collectable items, making a selection in each case and deliberately avoiding thematic areas.

The MONDI COSTRUITI exhibition shows a snapshot of current regional amateur collecting culture from the Bergell region. The aim is to show the prejudice of down-to-earth folk culture and leisure activities. The boundary between high and trivial culture should become fluid and an approach to folk and everyday culture should be made possible.

The postcard - as in future exhibitions - will once again be given space from the holdings of a private collector.

(Text: Sala Viaggiatori, Castasegna)

Consarc Galleria | Chiasso
10. März – 5. Mai 2024

D’après
Daria Caverzasio

D'après bezeichnet eine Praxis, die auf der Interpretation von Werken anderer Künstler beruht, von Werken, in denen der Künstler einen grundlegenden Wert für die Kunstgeschichte und seine eigene Poetik, eine wichtige ästhetische Faszination, einen Ausgangspunkt für Denkprozesse oder auch nur einen Platz in seinem eigenen visuellen Gedächtnis erkennt.

Die D'après-Vorschläge bewegen sich zwischen Andeutungen, die mit der Geschichte der westlichen Malerei verbunden sind, und Interpretationen der Berg-Wasser-Malerei der chinesischen Tradition mit unter die Haut gehenden Passagen in den Werken zeitgenössischer Fotografen, in einem Spiel von visuellen und sprachlichen Verbindungen, die Andeutungen oder Echos in einem subjektiven Gedächtnis eines kollektiven kulturellen Erbes sind.

Auch in diesen fotografischen Bildern, die im Grunde eine Hommage an Heraklit und seine "intime Natur der Dinge, die sich gerne verstecken" sind, setzt der Künstler seine Erforschung des "Durchblicks" fort, objektiviert in Wasser, Glas und anderen abschirmenden oder reflektierenden Materialien, immer mit einer Arbeitsmethode, die eher instinktiv als programmiert ist. Auch in diesen Werken ist die zentrale Annahme die Reflexion über die Art und Weise, wie wir das Sichtbare und seine Darstellung durch die Fotografie wahrnehmen, in dem Bewusstsein, dass im kreativen Prozess das persönliche und kulturelle Gedächtnis, die physische und psychische Wahrnehmung von Raum und Zeit und die symbolische Aufladung, die wir Situationen und Objekten verleihen, abwechselnd jenen Schleier erzeugen und wegreißen, der zwischen uns und einer vollständigen Kenntnis der Realität steht.

D'après indique une pratique basée sur l'interprétation par un artiste d'œuvres d'autres artistes, œuvres auxquelles il reconnaît une valeur fondatrice pour l'histoire de l'art et pour sa propre poétique, une fascination esthétique importante, un point de départ pour des processus de réflexion ou même simplement une place dans sa propre mémoire visuelle.

Les D'après proposés oscillent entre des suggestions liées à l'histoire de la peinture occidentale et des interprétations de la peinture montagne-eau de la tradition chinoise avec des passages sous la peau dans les œuvres de photographes contemporains, dans un jeu de connexions visuelles et linguistiques qui sont autant d'indices ou d'échos dans une mémoire subjective d'un héritage culturel collectif.

Toujours dans ces images photographiques, qui sont au fond un hommage à Héraclite et à sa "nature intime des choses qui aime se cacher", l'artiste poursuit sa recherche sur le "voir à travers", objectivé dans l'eau, le verre et d'autres matériaux de protection ou de réflexion, toujours avec une méthode de travail plus instinctive que programmée. Dans ces œuvres aussi, l'hypothèse centrale est la réflexion sur la manière dont nous percevons le visible et sa représentation à travers la photographie, en étant conscients que, dans le processus créatif, la mémoire personnelle et culturelle, la perception physique et psychique de l'espace et du temps, et la charge symbolique que nous prêtons aux situations et aux objets, créent et déchirent tour à tour ce voile qui nous sépare d'une pleine connaissance de la réalité.

Con D’après si indica una pratica basata sull’interpretazione da parte di un artista di opere di altri artisti, opere alle quali egli riconosce un valore fondante per la storia dell’arte e per la propria poetica, una fascinazione estetica importante, un punto di partenza di processi di pensiero o anche semplicemente un posto nella propria memoria visiva.

I D’après proposti si muovono fra suggestioni legate alla storia della pittura occidentale e interpretazioni della pittura montagna-acqua della tradizione cinese con passaggi sotto pelle nelle opere di fotografi contemporanei, in un gioco di collegamenti visivi e linguistici che sono accenni o echi in una memoria soggettiva di un patrimonio culturale collettivo.

Anche in queste immagini fotografiche, che sono in fondo un omaggio a Eraclito e alla sua “natura intima delle cose che ama nascondersi”, l’artista continua la sua ricerca sul “vedere attraverso”, oggettivato in acqua, vetro e altri materiali schermanti o riflettenti, sempre con un metodo di lavoro più istintivo che programmato. Anche in questi lavori l’assunto centrale è la riflessione sulle modalità di percezione del visibile e sulla sua rappresentazione attraverso la fotografia, nella consapevolezza che nel processo creativo la memoria personale e culturale, la percezione fisica e psichica dello spazio e del tempo, la carica simbolica che prestiamo alle situazioni e agli oggetti, in alternanza creano e strappano quel velo che si frappone fra noi e una compiuta conoscenza del reale.

D'après indicates a practice based on an artist's interpretation of works by other artists, works to which he or she recognizes a foundational value for art history and for his or her own poetics, an important aesthetic fascination, a starting point for thought processes, or even simply a place in his or her own visual memory.

The proposed D'après move between suggestions related to the history of Western painting and interpretations of traditional Chinese mountain-water painting with passages under the skin in the works of contemporary photographers, in an interplay of visual and linguistic connections that are hints or echoes in a subjective memory of a collective cultural heritage.

Even in these photographic images, which are at bottom a tribute to Heraclitus and his "intimate nature of things that loves to hide," the artist continues his research on "seeing through," objectified in water, glass and other shielding or reflective materials, always with a working method that is more instinctive than programmed. In these works, too, the central assumption is a reflection on the modes of perception of the visible and its representation through photography, in the awareness that in the creative process, personal and cultural memory, the physical and psychic perception of space and time, the symbolic charge we lend to situations and objects, alternately create and tear away that veil that stands between us and an accomplished knowledge of reality.

(Text: Consarc Galleria, Chiasso)

La Rampa | Silvaplana
23. Februar – 23. März 2024

"LIGHTS UP"
Gian Paolo Barbieri, Michel Haddi

Die Galerie ARTS IN PROGRESS präsentiert die Ausstellung "LIGHTS UP" - Werke von Gian Paolo Barbieri und Michel Haddi im neuen, ausschliesslich der Kunst gewidmeten Ausstellungsraum "LA RAMPA" in der Galerie Sonne in Silvaplana, in Zusammenarbeit mit Nomad St. Moritz.

La Rampa wird ein Raum sein, der ausschliesslich der Kunst gewidmet ist, mit besonderen architektonischen Merkmalen, die durch signifikante gestalterische Eingriffe des Architekten Alexander Bellman vom Studio Gruppo C14, der auch für die Lichtgestaltung verantwortlich zeichnet, aufgewertet werden.

"Die Idee eines unerwarteten Ausstellungsweges, der durch das Licht im Inneren eines gigantischen Betonblocks ausgehöhlt wird, in dem es möglich sein wird, das Gefühl der Entfernung und die Dimension der Zeit zu verlieren, um sich auf die Werke zu konzentrieren". (Alexander Bellman, Atelier Gruppo C14)

"Der Entscheid, diesen Raum zu eröffnen, entspringt dem Wunsch, immer wieder neue Inspirationsquellen für unseren Beitrag zur Verbreitung und Weitergabe von Kunst und Schönheit zu finden. Das Engadin ist an sich schon eine lebendige Quelle der Anregung, und der gewählte Ort in Silvaplana ist ebenso stimmungsvoll." (Diana Ricotti, Galerie Sonne)

"Mit dieser Eröffnungsveranstaltung wollen wir 'La Rampa' als einen Raum für die Kunst qualifizieren, einen lebendigen, vitalen Raum, in dem wir den Ausdruck der Veränderungen und Transformationen verbreiten können, die in diesem grundlegenden Segment der Kultur, der Kunst, stattfinden, das wie nie zuvor zwischen Tradition und Innovation steht. Mit der Fotografie als einer sich außerordentlich entwickelnden zeitgenössischen Kunstform, in der unsere Galerie mehr als ein Jahrzehnt Erfahrung hat." (Eugenio Calini, 29 Arts In Progress).

Die Fotografien von Gian Paolo Barbieri bieten einen nie zuvor gesehenen Einblick in die Produktion des Künstlers, der 2018 mit dem Lucie Award als bester internationaler Modefotograf (Outstanding Achievement in Fashion) ausgezeichnet wurde. Die Ausstellung bietet dem Publikum innovative Bilder in Bezug auf Einstellungen und Styling, das Ergebnis der unverwechselbaren Genialität des Künstlers: eine Fotografie, die ironisch und gleichzeitig kultiviert, recherchiert und provokativ zugleich ist, reich an Verweisen auf die Geschichte der Kunst, eklektische Outdoor-Sets. International bekannt für seine Schwarz-Weiß-Aufnahmen, deren Protagonistinnen in ihrer raffinierten Strenge fast unerreichbar erscheinen, erzählt Barbieri in Farbe seine persönliche und ironische Interpretation von Mode und weiblicher Schönheit: Die Frauen auf den ausgestellten Bildern befreien sich für den Anlass von den kanonischen Posen der Modefotografie und werden zu Sprecherinnen einer neuen, unkonventionellen Eleganz, die ihre lässige und sinnliche Seite offenbart.

Die Ausstellung wird mit einigen der repräsentativsten Bilder des französisch-algerischen Fotografen Michel Haddi fortgesetzt, der auf eine mehr als 40-jährige Karriere zurückblicken kann, die Teil eines endlosen Archivs berühmter Gesichter, Topmodels, Ikonen und Legenden der Musik und Kunst ist. Von Liza Minnelli bis David Bowie, von Cameron Diaz bis Jennifer Lopez und Angelina Jolie, vorbei an unerwarteten Kate Moss und Uma Thurman. Ein intimer, persönlicher, unkonventioneller Blick, wie fast seine gesamte Karriere, weit entfernt von dem des klassischen Modefotografen: Nachdem er eine turbulente Kindheit mit dem Traum, Fotograf zu werden, überlebt hatte, widmete Haddi sein Leben der Darstellung einiger der Protagonisten der historischen und kulturellen Veränderungen des letzten Jahrhunderts mit einer seltenen Fähigkeit, das tiefste Wesen seiner Subjekte zu erfassen und dann wiederzugeben. Haddi, dessen wörtliche Übersetzung aus dem Semitischen "derjenige, der sieht" lautet, ist es gelungen, das wahre Wesen derjenigen zu erkennen, die für ihn hinter der Linse posieren - Schauspieler, Models oder gewöhnliche Menschen - und ein Bild zu schaffen, das manchmal ironisch, manchmal tiefgründig ist: Alle seine Fotografien haben eine Geschichte zu erzählen, weil sie authentische Bilder sind, die mit den häufigsten menschlichen Emotionen spielen und gerade deshalb unauslöschlich werden.

La galerie ARTS IN PROGRESS présente l'exposition "LIGHTS UP" - Works by Gian Paolo Barbieri and Michel Haddi, dans le nouvel espace d'exposition exclusivement dédié à l'art "LA RAMPA" à l'intérieur de la Sonne Gallery à Silvaplana, en collaboration avec Nomad St. Moritz.

La Rampa sera un espace exclusivement dédié à l'art, avec des caractéristiques architecturales particulières, enrichies par des interventions significatives de l'architecte Alexander Bellman du studio Gruppo C14, qui a supervisé la conception de l'éclairage.

"L'idée d'un parcours d'exposition inattendu, creusé par la lumière à l'intérieur d'un gigantesque bloc de béton, dans lequel il sera possible de perdre le sens de la distance et la dimension du temps pour se concentrer sur les œuvres". (Alexander Bellman, studio Gruppo C14)

"La décision d'ouvrir cet espace découle du désir de trouver toujours de nouvelles sources d'inspiration pour notre contribution à la diffusion et à la circulation de l'art et de la beauté. L'Engadine est en soi une source vivante de stimuli, et l'emplacement choisi à Silvaplana est tout aussi évocateur". (Diana Ricotti, Galerie Sonne)

"Avec cet événement d'ouverture, nous voulons qualifier 'La Rampa' comme un espace pour l'Art, un espace vivant, vital, où nous pouvons diffuser l'expression des changements et des transformations qui ont lieu dans ce segment fondamental de la culture, l'art, qui n'a jamais été aussi bien placé entre la tradition et l'innovation. Avec la photographie, comme forme d'art contemporain extraordinairement évolutive, dans laquelle notre galerie a plus d'une décennie d'expérience". (Eugenio Calini, 29 Arts In Progress).

Les photographies de Gian Paolo Barbieri offrent un regard inédit sur la production de l'artiste lauréat en 2018 du Lucie Award en tant que meilleur photographe de mode international (Outstanding Achievement in Fashion). L'exposition propose au public des images innovantes en termes de décors et de stylisme, fruit de l'ingéniosité incomparable de l'Artiste : une photographie à la fois ironique et cultivée, recherchée et provocante, riche en références à l'histoire de l'art, des décors extérieurs éclectiques. Internationalement connu pour ses clichés en noir et blanc, dont les protagonistes semblent presque inaccessibles dans leur sévérité raffinée, Barbieri raconte, à travers la couleur, son interprétation personnelle et ironique de la mode et de la beauté féminine : les femmes des images exposées se libèrent pour l'occasion des poses les plus canoniques de la photographie de mode, pour devenir les porte-parole d'une nouvelle élégance non conventionnelle qui révèle leur côté plus décontracté et sensuel.

L'exposition se poursuit avec quelques-unes des images les plus représentatives du photographe franco-algérien Michel Haddi, dont la carrière s'étend sur plus de 40 ans et qui fait partie d'une archive inépuisable de visages célèbres, de top-modèles, d'icônes et de légendes de la musique et de l'art. De Liza Minnelli à David Bowie, de Cameron Diaz à Jennifer Lopez et Angelina Jolie, en passant par les inattendues Kate Moss et Uma Thurman. Un regard intime, personnel, non conventionnel, comme presque toute sa carrière, loin de celui du photographe de mode classique : ayant survécu à une enfance turbulente avec le rêve de devenir photographe, Haddi a consacré sa vie à faire le portrait de certains des protagonistes des changements historiques et culturels du siècle dernier avec une rare capacité à capturer, puis à revenir à, l'essence la plus profonde de ses sujets. Haddi, dont la traduction littérale de la langue sémitique est "celui qui voit", a réussi la tâche ardue de voir la vraie nature de ceux qui posent pour lui derrière l'objectif - acteurs, mannequins ou personnes ordinaires - et de créer une image tantôt ironique, tantôt profonde : toutes ses photographies ont une histoire à raconter parce qu'elles sont des images authentiques, qui jouent avec les émotions humaines les plus communes et qui deviennent indélébiles précisément pour cette raison.

ARTS IN PROGRESS gallery presenta la mostra dal titolo «LIGHTS UP» - Opere di Gian Paolo Barbieri e Michel Haddi, presso il nuovo spazio espositivo esclusivamente dedicato all’arte «LA RAMPA» all’interno della Sonne Gallery a Silvaplana, in concomitanza con Nomad St. Moritz.

La Rampa sarà uno spazio esclusivamente dedicato all’arte, con caratteristiche architettoniche particolari, valorizzate da significativi interventi di progettazione, a firma dell’architetto Alexander Bellman dello studio Gruppo C14 che ha curato il progetto di allestimento luce.

“L’idea di un percorso espositivo inaspettato, scavato dalla luce all’interno di un gigantesco blocco in cemento armato, in cui sarà possibile perdere il senso della distanza e la dimensione del tempo per concentrarsi sulle opere.” (Alexander Bellman, studio Gruppo C14)

“La scelta di aprire questo spazio nasce dal desiderio di trovare sempre nuove fonti di ispirazione per il nostro contributo alla diffusione e alla circolazione dell’arte e del bello. L’Engadina è in sé una fonte vivissima di sollecitazioni e altrettanto evocativo vuole essere questo luogo prescelto a Silvaplana.” (Diana Ricotti, Sonne Gallery)

“Vogliamo qualificare, con questo evento di apertura, ‘La Rampa’ come spazio dell’Arte, uno spazio vivo, vitalissimo, dove diffondere l’espressione dei cambiamenti e delle trasformazioni in corso in questo segmento fondamentale della cultura, l’arte, come mai prima in bilico tra tradizione e innovazione. Con la fotografia, quale forma di arte contemporanea in straordinaria evoluzione, nella quale la nostra galleria ha un’esperienza ultradecennale.” (Eugenio Calini, 29 Arts In Progress).

Le fotografie di Gian Paolo Barbieri regalano uno sguardo inedito alla produzione dell’Artista vincitore nel 2018 del premio Lucie Award come Miglior Fotografo di Moda Internazionale (Outstanding Achievement in Fashion). Il percorso espositivo propone al pubblico immagini innovative in termini di ambientazioni e styling, frutto dell’inconfondibile ingegno dell’Artista: una fotografia ironica e allo stesso tempo colta, ricercata e provocatoria insieme, ricca di rimandi alla storia dell’arte, di eclettici set outdoor. Internazionalmente conosciuto per i suoi scatti in bianco e nero, le cui protagoniste appaiono quasi inarrivabili nella loro raffinata severità, Barbieri racconta, tramite il colore, la sua personale e ironica interpretazione della moda e della bellezza femminile: le donne delle immagini in mostra si liberano per l’occasione delle pose più canoniche della fotografia di moda, per farsi portavoce di una nuova eleganza non convenzionale che ne rivela il lato più disinvolto e sensuale.

La mostra continua con alcune delle immagini più rappresentative del fotografo franco-algerino Michel Haddi con una carriera lunga più̀ di 40 anni, parte di un archivio sterminato di volti celebri, top model, icone e leggende della musica e dell’arte. Da Liza Minnelli a David Bowie, da Cameron Diaz a Jennifer Lopez e Angelina Jolie, passando per inaspettate Kate Moss e Uma Thurman. Uno sguardo intimo, personale, anticonvenzionale come quasi tutta la sua carriera, ben lontana da quella del classico fotografo di moda: sopravvissuto ad un’infanzia turbolenta con il sogno di diventare fotografo, Haddi dedicherà̀ la sua vita a raccontare alcuni dei protagonisti dei cambiamenti storici e culturali dell’ultimo secolo con una rara abilità nel saper cogliere, e poi restituire, l’essenza più̀ profonda dei suoi soggetti. Haddi, la cui traduzione letterale dalla lingua semitica è «colui che vede», è riuscito nell’ardua impresa di vedere, appunto, la vera natura di chi posava per lui dietro l’obiettivo – attori, modelle o persone comuni – e a realizzarne un’immagine ora ironica, ora profonda: tutte le sue fotografie hanno una storia da raccontare perché́ sono immagini autentiche, che giocano con le più̀ comuni emozioni umane e diventano, proprio per questo, indelebili.

29 ARTS IN PROGRESS gallery is pleased to announce the exhibition entitled «LIGHTS UP» - Photographs by Gian Paolo Barbieri and Michel Haddi, at the new exhibition space "LA RAMPA” located in the exclusive and intimate art & design mall «Gallaria Sonne» in Silvaplana, in concomitance with Nomad St. Moritz.

La Rampa is set to be a space dedicated entirely to art, with singular architectural features enhanced by significant planning interventions, designed by the architect Alexander Bellman of the Gruppo C14 studio, who oversaw the lighting set-up project.

“The idea is an unexpected exhibition path which has been carved out by light inside a gigantic reinforced concrete block, where visitors can lose their sense of distance and time to focus on the works.” (Alexander Bellman, Gruppo C14 studio)

“The decision to open this space stems from our unwavering desire to find new sources of inspiration for our contribution to the dissemination and circulation of art and beauty. The Engadine is in itself a huge source of inspiration, and we hope this particular space in Silvaplana will be equally evocative.” (Diana Ricotti, Sonne Gallery)

“We immediately want to qualify «La Rampa» as a space for Art, a living and breathing space, a place to disseminate the expression of the changes and transformations under way in this vital segment of culture, i.e. art, which is now hanging in the balance between tradition and innovation more than ever before. With great emphasis on photography as a form of contemporary art undergoing an extraordinary evolution, an area in which our gallery has more than a decade of experience.” (Eugenio Calini, 29 Arts In Progress).

The exhibition presents a highly innovative selection of photographs by Gian Paolo Barbieri, winner of the 2018 Lucie Award for Best International Photographer (Outstanding Achievement in Fashion). It is a style of photography that is at once ironic and sophisticated, both rare and provocative, rich with references to art history, eclectic outdoor sets. Internationally recognised for his trademark black and white shots, his subjects appear almost unattainable in their sharp sophistication. Using colour, Barbieri recounts his own personal and ironic interpretation of fashion and feminine beauty: the women in the photographs on display free themselves from the more canonical poses of fashion photography instead becoming for the occasion spokeswomen of a new kind of unconventional elegance which reveals a more nonchalant, sensual side.

The exhibition continues with some of the most exemplary images of the French-Algerian photographer Michel Haddi with a career spanning more than 40 years, part of an endless archive of famous faces, top models, icons and legends from the worlds of music and art. From Liza Minelli to David Bowie, from Cameron Diaz to Jennifer Lopez and Angelina Jolie, including shots of Kate Moss and Uma Thurman.

His take is intimate, personal and unconventional, just like much of his career, which is a far cry from that of a classic fashion photographer: having survived a troubled childhood, during which he clung to his dream of becoming a photographer, Haddi has dedicated his life to illustrating some of the key players in the historical and cultural changes of the last Century with a rare ability to capture, and then successfully replicate, the deepest essence of his subjects.

Haddi, which literally translates from the Semitic language as ‘the one who sees’, has succeeded in the difficult task of seeing, precisely, the true nature of the subjects who posed for him in front of his lens – actors, models or ordinary people – and to replicate their image, at times ironically and at other profoundly: all his photographs have a story to tell because they are authentic pictures, which play with the most common human emotions and, precisely for this reason, become indelible.

(Text: 29 Arts In Progress, Milano)

Galerie Luciano Fasciati | Chur
4. November – 16. Dezember 2023

Nach der Natur II

Judith Albert, Remo Albert Alig, Evelina Cajacob, Andrea Giuseppe Corciulo, Cornelia Cottiati, Ladina Gaudenz, Gabriela Gerber & Lukas Bardill, Piero Good, Gian Häne, huber.huber, Isabelle Krieg, Pascal Lampert, Ursula Palla, Stefan Rüesch, Heidi Schöni, Roman Signer, Jules Spinatsch

Auch der zweite Teil der thematischen Gruppenausstellung soll ebenso die Vielfalt möglicher Bereiche der Gegenwartskunst widerspiegeln als auch unterschiedlichste Ausdrucksformen wie Fotografie, Malerei, Zeichnung, Skulptur, Objekt, raumgreifende Installation und Video aufzeigen. Ausgehend von einem der Ausstellungsschwerpunkte (Naturbegriff, Natur als Ressource, Natur als Ordnung oder Wildnis und die Verantwortung des Menschen für die Zukunft des Planeten) der Galerie, werden Schnittpunkte dieser Ausstellung künstlerische Positionen sein, die den Landschafts- und Naturbegriff hinterfragen und diesen auf vielfältige Weise eigenständig definieren.

La deuxième partie de l'exposition thématique de groupe doit également refléter la diversité des domaines possibles de l'art contemporain et montrer les formes d'expression les plus diverses comme la photographie, la peinture, le dessin, la sculpture, l'objet, l'installation spatiale et la vidéo. En partant de l'un des thèmes principaux de l'exposition de la galerie (le concept de nature, la nature comme ressource, la nature comme ordre ou la nature sauvage et la responsabilité de l'homme pour l'avenir de la planète), les points d'intersection de cette exposition seront des positions artistiques qui remettent en question le concept de paysage et de nature et qui le définissent de manière autonome de diverses manières.

Anche la seconda parte della mostra collettiva tematica rifletterà la diversità dei possibili ambiti dell'arte contemporanea e le più svariate forme espressive come la fotografia, la pittura, il disegno, la scultura, l'oggetto, l'installazione su larga scala e il video. Basandosi su uno dei temi espositivi principali della galleria (il concetto di natura, la natura come risorsa, la natura come ordine o natura selvaggia e la responsabilità dell'uomo per il futuro del pianeta), le intersezioni di questa mostra saranno posizioni artistiche che mettono in discussione il concetto di paesaggio e natura e lo definiscono in modo indipendente in una varietà di modi.

The second part of the thematic group exhibition will also reflect the diversity of possible areas of contemporary art as well as the most varied forms of expression such as photography, painting, drawing, sculpture, object, large-scale installation and video. Based on one of the gallery's main exhibition themes (the concept of nature, nature as a resource, nature as order or wilderness and man's responsibility for the future of the planet), the intersections of this exhibition will be artistic positions that question the concept of landscape and nature and define it independently in a variety of ways.

(Text: Galerie Luciano Fasciati, Chur)

Bally Foundation | Lugano
27. Oktober 2023 – 28. April 2024

Sometimes we are eternal
Sarah Brahim

Die Ausstellung vereint zehn neue Installationen, die eigens für diese Gelegenheit geschaffen wurden und trotz ihrer Eigenständigkeit die Konturen einer intimen Landschaft nachzeichnen. Welche Spuren hinterlässt die Erinnerung in den Materialen? Wie unterscheiden wir zwischen Erinnerung und Vorstellungskraft? Auf zwei Etagen, in einem Raum, der an ein Tanzstudio erinnert, bieten Video- und Klanginstallationen, Fotografien und Skulpturen eine Partitur, in der Gesten und Klänge unsere Präsenz in der Welt, unsere eigene Körperlichkeit, hinterfragen.

Sometimes we are eternal entlehnt seinen Titel den Worten von Alain Badiou, um das Gefühl der Ewigkeit zu beschreiben, das uns manchmal ergreift, eine Nahtstelle zwischen dem Endlichen und dem Unendlichen, die die Künstlerin in ihren Werken erfahrbar macht. Der Körper selbst wird zur Spur der Innerlichkeit mitten in der Begrenztheit des Menschlichen. In ihren Forschungen lässt sich die Künstlerin auch von Künstlern und Denkern wie Lawrence und Anna Halprin, Pauline Oliveros oder Aldo Rossi inspirieren sowie von Philosophen und Praktikern wie Moshe Feldenkrais oder Philippe Descola, die die Kunst als eine gesteigerte Erfahrung des Lebens betrachtet haben, als die Suche nach der Verschmelzung von Körper, Bewusstsein und Umwelt.

Während die Eröffnungsausstellung Un lac inconnu, an der 22 internationale Künstler beteiligt waren, einen privilegierten Dialog mit der Landschaft rund um die Villa Heleneum ermöglichte, ist Sarah Brahim's Vorschlag um ein intimes Landschaftsbild herum aufgebaut: ein widerstandsfähiger, leuchtender und poetischer mentaler Raum, eine Art zeitlicher Abstand, der die Ausstellung von einem Ereignis trennt, das das Leben der Künstlerin verändert hat - der Verlust einer geliebten Person - und gleichzeitig einen Wendepunkt und vor allem einen Neuanfang markiert. Als Tänzerin ausgebildet, nehmen Sarah Brahim's Werke die Form eines Pas de Deux an, eines intimen Gesprächs zwischen dem Körper und seiner Andersartigkeit, bei dem sich die Form des Austauschs mit seiner Kontur verschmilzt: ein Dialog der Innerlichkeit, der darauf abzielt, sich von der Fleischlichkeit und Schwere des physischen Körpers zum "Intrakörper", zum Unwahrnehmbaren, zum Spirituellen, zum Entfernten zu bewegen. Schwebende Körper, Atmen, Spuren, Rhythmen und Rituale vermischen sich in mehreren Installationen, die die Bewegung erweitern.

L'exposition réunit dix nouvelles installations créées pour l'occasion et qui, malgré leur autonomie, dessinent les contours d'un paysage intime. Quelles traces la mémoire laisse-t-elle dans les matériaux ? Comment faisons-nous la différence entre le souvenir et l'imagination ? Sur deux étages, dans un espace qui évoque un studio de danse, des installations vidéo et sonores, des photographies et des sculptures offrent une partition où les gestes et les sons interrogent notre présence au monde, notre propre corporéité.

Sometimes we are eternal emprunte son titre aux mots d'Alain Badiou pour décrire le sentiment d'éternité qui nous saisit parfois, un point de jonction entre le fini et l'infini que l'artiste rend perceptible dans ses œuvres. Le corps lui-même devient une trace d'intériorité au milieu des limites de l'humain. Dans ses recherches, l'artiste s'inspire également d'artistes et de penseurs comme Lawrence et Anna Halprin, Pauline Oliveros ou Aldo Rossi, ainsi que de philosophes et de praticiens comme Moshe Feldenkrais ou Philippe Descola, qui ont considéré l'art comme une expérience accrue de la vie, comme la recherche d'une fusion entre le corps, la conscience et l'environnement.

Alors que l'exposition inaugurale Un lac inconnu, à laquelle 22 artistes internationaux ont participé, a permis un dialogue privilégié avec le paysage autour de la Villa Heleneum, la proposition de Sarah Brahim s'articule autour d'un paysage intime : un espace mental résistant, lumineux et poétique, une sorte de distance temporelle qui sépare l'exposition d'un événement qui a bouleversé la vie de l'artiste - la perte d'un être cher - tout en marquant un tournant et, surtout, un nouveau départ. Formée à la danse, les œuvres de Sarah Brahim prennent la forme d'un pas de deux, d'une conversation intime entre le corps et son altérité, où la forme de l'échange se confond avec son contour : un dialogue d'intériorité qui vise à passer de la chair et de la pesanteur du corps physique à "l'intracorps", à l'imperceptible, au spirituel, au lointain. Corps flottants, respirations, traces, rythmes et rituels se mêlent dans plusieurs installations qui élargissent le mouvement.

La mostra riunisce dieci nuove installazioni create appositamente per questa occasione che, nonostante la loro autonomia, tracciano i contorni di un paesaggio intimo. Quali tracce lascia la memoria nei materiali? Come distinguere tra memoria e immaginazione? Su due piani, in uno spazio che ricorda uno studio di danza, installazioni video e sonore, fotografie e sculture offrono una partitura in cui gesti e suoni interrogano la nostra presenza nel mondo, la nostra stessa fisicità.

Sometimes we are eternal prende in prestito il titolo dalle parole di Alain Badiou per descrivere la sensazione di eternità che a volte ci attanaglia, una cucitura tra il finito e l'infinito che l'artista rende tangibile nelle sue opere. Il corpo stesso diventa una traccia di interiorità in mezzo ai limiti della condizione umana. Nella sua ricerca, l'artista si ispira anche ad artisti e pensatori come Lawrence e Anna Halprin, Pauline Oliveros o Aldo Rossi, nonché a filosofi e operatori come Moshe Feldenkrais o Philippe Descola, che hanno visto l'arte come un'esperienza potenziata della vita, come la ricerca della fusione tra corpo, coscienza e ambiente.

Se la mostra inaugurale Un lac inconnu, che ha coinvolto 22 artisti internazionali, ha permesso un dialogo privilegiato con il paesaggio che circonda Villa Heleneum, la proposta di Sarah Brahim è costruita attorno a un'immagine paesaggistica intima: uno spazio mentale resistente, luminoso e poetico, una sorta di distanza temporale che separa la mostra da un evento che ha cambiato la vita dell'artista - la perdita di una persona cara - e che allo stesso tempo segna una svolta e, soprattutto, un nuovo inizio. Formatasi come danzatrice, le opere di Sarah Brahim assumono la forma di un pas de deux, una conversazione intima tra il corpo e la sua alterità, dove la forma dello scambio si fonde con il suo contorno: un dialogo di interiorità che mira a passare dalla carnalità e dalla pesantezza del corpo fisico all'"intra-corpo", all'impercettibile, allo spirituale, al lontano. Corpi fluttuanti, respiri, tracce, ritmi e rituali si mescolano in diverse installazioni che espandono il movimento.

The exhibition brings together ten new installations created specifically for this occasion, which, despite their autonomy, trace the contours of an intimate landscape. What traces does memory leave in the materials? How do we distinguish between memory and imagination? On two floors, in a space reminiscent of a dance studio, video and sound installations, photographs and sculptures offer a score in which gestures and sounds question our presence in the world, our own physicality.

Sometimes we are eternal borrows its title from the words of Alain Badiou to describe the sense of eternity that sometimes grips us, a seam between the finite and the infinite that the artist makes tangible in her works. The body itself becomes a trace of inwardness in the midst of the limitedness of the human. In her research, the artist also draws inspiration from artists and thinkers such as Lawrence and Anna Halprin, Pauline Oliveros, and Aldo Rossi, as well as philosophers and practitioners such as Moshe Feldenkrais and Philippe Descola, who have viewed art as a heightened experience of life, as the search for the fusion of body, consciousness, and environment.

While the inaugural exhibition Un lac inconnu, involving 22 international artists, allowed for a privileged dialogue with the landscape surrounding Villa Heleneum, Sarah Brahim's proposal is built around an intimate landscape image: a resilient, luminous and poetic mental space, a kind of temporal distance that separates the exhibition from an event that changed the artist's life - the loss of a loved one - and at the same time marks a turning point and, above all, a new beginning. Trained as a dancer, Sarah Brahim's works take the form of a pas de deux, an intimate conversation between the body and its otherness, where the form of the exchange merges with its contour: a dialogue of interiority that aims to move from the carnality and heaviness of the physical body to the "intrabody," to the imperceptible, to the spiritual, to the distant. Floating bodies, breathing, traces, rhythms and rituals intermingle in several installations that extend the movement.

(Text: Bally Foundation, Lugano)

Cons Arc Galleria | Chiasso
17. September - 12. November 2023

IERI.OGGI. SULLA SOGLIA
Francine Mury

Papier ist eine der großen Erfindungen Chinas, und seit über 2000 Jahren vermittelt es die künstlerische, politische und geistige Geschichte des Landes. Durch Malerei und Kalligraphie wurden im Laufe der Jahrhunderte die einzigartigen Bestrebungen und Visionen des chinesischen Volkes zum Ausdruck gebracht. Das Denken und der Lebensstil beeinflussen die Art und Weise, wie die Welt betrachtet wird, und die metaphysische Dimension, die der chinesischen Kultur eigen ist, hat sich in Schwarz-Weiß-Bildern auf Papier niedergeschlagen, ähnlich wie in den fotografischen Werken dieser Serie, die in der Galerie Consarc präsentiert werden.

Chinesisches Papier wird nämlich auch für Fotodrucke verwendet, wie im Fall dieses jüngsten Werks von Francine Mury, die 2017, 2018 und 2019 mehrmals nach China gereist ist.

Das Papier, das in der Kunst der Kalligrafie oder der Malerei verwendet wird, ist nicht einfach ein amorpher Träger, auf den man Tinte aufträgt, sondern ein wichtiges Element, mit dem man lernen muss, zu kommunizieren. Papier ist ein Material, das man fast als lebendig bezeichnen könnte, das mit besonderen Eigenschaften ausgestattet ist und dessen Oberfläche entscheidend zur Definition des Werks beiträgt.

Man muss seine Saugfähigkeit kennen und seine Farbe und Textur schätzen, um die am besten geeignete Tinte oder den passenden Druck zu finden.

Das visuelle Ergebnis vermittelt eine Erfahrung, die wir nach und nach entdecken, von der Textur des Papiers über die lebendige Materie der Fotografien bis hin zur Schaffung des Werks mit Tinte und Pinsel in einer Art Verwandlung, ich würde sagen, im Sinne Nietzsches, vom Dionysischen zum Apollinischen.

In dem Hochgeschwindigkeitszug, mit dem sie vom Norden in den Süden Chinas reiste, fotografierte Francine Mury aus dem Fenster.

Diese Züge, die außerhalb der üblichen Infrastruktur der Städte fahren, bilden ein Netz, das das Land durchquert, von dem aus man Reisfelder, ein paar Gebäude und Hügel sehen kann. Aus dem nassen Fenster zeichnen die Wassertropfen des Regens, bedingt durch die Geschwindigkeit, Spuren wie Tränen. Die Aufnahmen fangen Bilder von Landschaften ein, die in Frühlingsnebel getaucht sind, und erinnern an die klassische chinesische Landschaftsmalerei.

Die Fotografie ist für Francine Mury seit jeher ein Medium, das sie bei ihren künstlerischen Recherchen begleitet, so zum Beispiel 2016 während ihres Aufenthalts an der Cité internationale des Arts in Paris, wo sie die Fotoserie über die "flânerie" produzierte: tägliche Spaziergänge mit der Kamera in der Stadt, ziellos umherwandernd, jedes winzige Lebewesen beobachtend: ein Kind, einen Hund, den Fluss, Bäume, Häuser und von der Zeit gezeichnete Wände.

In dieser neuen chinesischen Serie offenbart sich vielleicht noch mehr die tiefe Inspiration, die Francine Mury beseelt hat, das Bewusstsein, das am Ende ihrer Pariser Erkundung entstanden ist: ein Gefühl von "Pietas", aber gleichzeitig ein Blick, der nicht nur leidenschaftlich, sondern auch genau und klar ist, der die Oxidationen, die Klumpen, die das Leiden und der anonyme Schmerz des menschlichen und sozialen Alltagslebens auf den Dingen und Strukturen ablagern, die unbeschwerten und fröhlichen, aber gleichzeitig höflichen und monumentalen Züge einer endlosen Landschaft findet, sammelt und hervorhebt.

Le papier est l'une des grandes inventions de la Chine et, depuis plus de 2000 ans, il véhicule son histoire artistique, politique et spirituelle. À travers la peinture et la calligraphie, les aspirations et les visions singulières du peuple chinois se sont exprimées au fil des siècles. La pensée et le mode de vie influencent la manière d'observer le monde, et la dimension métaphysique propre à la culture chinoise s'est exprimée dans des images en noir et blanc sur papier, à l'instar des œuvres photographiques de cette série présentées à la galerie Consarc.

En effet, le papier chinois est également utilisé pour des tirages photographiques, comme c'est le cas pour cette dernière œuvre de Francine Mury, qui a voyagé en Chine à plusieurs reprises en 2017, 2018 et 2019.

Le papier utilisé dans l'art de la calligraphie ou de la peinture n'est pas un simple support amorphe sur lequel on étale de l'encre mais un élément important avec lequel il faut apprendre à converser. Le papier est une matière que l'on pourrait presque qualifier de vivante, dotée de caractéristiques particulières, dont la surface participe à la définition de l'œuvre de manière déterminante.

Il faut connaître son pouvoir d'absorption et apprécier sa couleur et sa texture pour choisir l'encre ou l'impression la plus appropriée.

Le résultat visuel traduit une expérience que l'on découvre peu à peu depuis la texture du papier jusqu'à la création de l'œuvre avec l'encre et les pinceaux, en passant par la matière vivante des photographies, dans une sorte de transmutation, je dirais nietzschéenne, du dionysiaque à l'apollinien.

Depuis le train à grande vitesse où elle a voyagé du nord au sud de la Chine, Francine Mury a pris des photos depuis la fenêtre.

Ces trains, qui circulent en dehors de l'infrastructure habituelle des villes, forment un réseau qui traverse le pays d'où l'on aperçoit des rizières, quelques immeubles, des collines. Depuis la fenêtre mouillée, les gouttes d'eau de la pluie, sous l'effet de la vitesse, marquent des traînées comme des larmes. Les prises de vue captent des images de paysages baignés de brume printanière, et rappellent le sens de la peinture de paysage classique chinoise.

La photographie pour Francine Mury a toujours été un médium qui l'accompagne dans ses recherches artistiques, par exemple en 2016 lors de son séjour à la Cité internationale des Arts à Paris, où elle a réalisé la série photographique sur la " flânerie " ; des promenades quotidiennes avec l'appareil photo dans la ville, errant sans but, observant chaque minuscule être vivant : un enfant, un chien, la rivière, les arbres, les maisons et les murs marqués par le temps.

Dans cette nouvelle série chinoise, l'inspiration profonde qui animait Francine Mury, la prise de conscience qui a émergé au terme de son exploration parisienne, se révèle peut-être encore davantage : un sentiment de "piété" mais en même temps un regard non seulement passionné, mais aussi précis et lucide, qui trouve, recueille et met en valeur les oxydations, les bosses que la souffrance et la douleur anonyme de la vie humaine et sociale quotidienne déposent sur les choses et les structures, l'insouciance et la joie mais aussi la courtisanerie et la monumentalité d'un paysage sans fin.

La carta è una delle grandi invenzioni della Cina e per oltre 2000 anni ne ha veicolato la storia artistica politica e spirituale. Attraverso la pittura e la calligrafia si sono espresse nei secoli le singolari aspirazioni e le visioni del popolo cinese. Il pensiero e lo stile di vita influiscono sul modo di osservare il mondo, e la dimensione metafisica propria della cultura cinese si è espressa in immagini in bianco e nero su carta; un po’ come nelle opere fotografiche di questa serie presentata alla galleria Consarc.

La carta cinese infatti è usata anche per le stampe fotografiche come nel caso di questo ultimo lavoro di Francine Mury che ha viaggiato in Cina, più volte, nel 2017, 2018 e 2019.

La carta usata nell’arte della calligrafia o della pittura non è un semplice supporto amorfo sul quale si stende di inchiostro ma è un importante elemento con cui si deve imparare a dialogare. La carta è una materia che si potrebbe quasi definire viva, dotata di caratteristiche particolari, la cui superficie partecipa alla definizione dell’opera in modo determinante.

Bisogna conoscere l’assorbenza e saperne apprezzare il colore e la consistenza per abbinarvi l’inchiostro o la stampa più adatti.

Il risultato visivo trasmette un’esperienza che scopriamo a poco a poco a partire dalla texture della carta attraverso la materia viva delle fotografie fino alla creazione dell’opera con inchiostro e pennelli in una sorta di trasmutazione, mi verrebbe da dire nietzscheiana, dal dionisiaco all’apollineo.

Dal treno di alta velocità dove ha viaggiato dal nord verso il sud della Cina, Francine Mury ha scattato delle fotografie dalla finestra.

Questi treni che viaggiano al di fuori delle consuete infrastrutture delle città, costituiscono una rete che attraversa il paese da dove si vedono risaie, qualche costruzione, colline. Dalla finestra bagnata le gocce d’acqua della pioggia, per effetto della velocità, segnano scie come fossero lacrime. Gli scatti immortalano immagini di paesaggi immersi nella nebbia primaverile, e ricordano il senso della pittura cinese classica paesaggistica.

La fotografia per Francine Mury è sempre stato un mezzo che l’accompagna nella sua ricerca artistica, per esempio nel 2016 durante il suo soggiorno a la Cité internationale des Arts di Parigi, dove ha realizzato la serie fotografica sulla “flânerie”; delle passeggiate quotidiane con la macchina fotografica nella città, vagando senza meta, osservando ogni minima cosa vivente: un bambino, un cane, il fiume, gli alberi, le case e i muri segnati del tempo.

In questa nuova serie cinese, si rivela forse ancor più l’ispirazione profonda che ha animato Francine Mury, la consapevolezza che si è delineata alla fine della sua esplorazione parigina: un sentimento di “pietas” ma nel contempo uno sguardo non solo appassionato, ma accurato e lucido, che reperisce, raccoglie ed evidenzia le ossidazioni, i grumi che la sofferenza e il dolore anonimo della quotidianità umana e sociale depositano sulle cose e le strutture, gli orpelli spensierati e gioiosi ma insieme aulici e monumentali di un paesaggio senza fine.

Paper is one of China's great inventions and for more than 2,000 years has conveyed its political and spiritual artistic history. Through painting and calligraphy, the singular aspirations and visions of the Chinese people have been expressed over the centuries. Thought and lifestyle influence the way the world is observed, and the metaphysical dimension peculiar to Chinese culture has been expressed in black and white images on paper; somewhat like in the photographic works in this series presented at Consarc Gallery.

Indeed, Chinese paper is also used for photographic prints as in the case of this latest work by Francine Mury, who traveled to China, several times, in 2017, 2018 and 2019.

The paper used in the art of calligraphy or painting is not simply an amorphous support on which one spreads ink but is an important element with which one must learn to converse. Paper is a material that could almost be called alive, endowed with special characteristics, whose surface participates in the definition of the work in a decisive way.

One must know its absorbency and appreciate its color and texture in order to match it with the most suitable ink or print.

The visual result conveys an experience that we discover little by little from the texture of the paper through the living matter of the photographs to the creation of the work with ink and brushes in a kind of transmutation, I would say Nietzschean, from the Dionysian to the Apollonian.

From the high-speed train where she traveled from the north to the south of China, Francine Mury took photographs from the window.

These trains, which travel outside the usual infrastructure of cities, form a network across the country from where one can see rice paddies, a few buildings, hills. From the wet window, water drops from the rain, due to the effect of speed, mark trails like tears. The shots capture images of landscapes bathed in spring fog, and recall the sense of classical Chinese landscape painting.

Photography for Francine Mury has always been a medium that accompanies her in her artistic research, for example in 2016 during her stay at la Cité internationale des Arts in Paris, where she made the photographic series on "flânerie"; of daily walks with the camera in the city, wandering aimlessly, observing every tiny living thing: a child, a dog, the river, the trees, the houses and the walls marked by time.

In this new Chinese series, the profound inspiration that animated Francine Mury, the awareness that emerged at the end of her Parisian exploration, is perhaps even more revealed: a feeling of "pietas" but at the same time a gaze that is not only passionate, but accurate and lucid, that finds, collects and highlights the oxidations, the lumps that the anonymous suffering and pain of everyday human and social life deposit on things and structures, the carefree and joyful but at the same time courtly and monumental trappings of an endless landscape.

(Text: Domenico lucchini)

Fondazione Epper | Ascona
29. Juli - 29. Oktober 2023

TAMARO. 1992-1995 Fotografie della lavorazione del film

Es ist die Begegnung zwischen dem Architekten Mario Botta, dem Maler und Bildhauer Enzo Cucchi, Protagonist der Transavantgarde, einer der interessantesten Epochen der Kunst des 20. Jahrhunderts, und dem Tessiner Regisseur Villi Hermann, der seine Filme und Dokumentarfilme (St. Gotthard, Matlosa, Innocence, Bankomatt, Gotthard Schuh, eine sinnliche Vision der Welt, usw.) an den wichtigsten internationalen Festivals vorgestellt hat. Villi Hermann hat dem Bau der Kirche auf dem Monte Tamaro einen Dokumentarfilm gewidmet.

Im Auftrag von Egidio Cattaneo baute Mario Botta auf dem Monte Tamaro die Kirche Santa Maria degli Angeli, die 1996 geweiht wurde. Seitdem ist sie ein internationales Ziel für Architektur und Kunst. Der Unternehmer Egidio Cattaneo erinnert sich gerne an den Anruf an einem Samstagmorgen: "Architekt, da Sie in Mogno Schwierigkeiten haben, kommen Sie zu uns auf den Monte Tamaro und bauen Sie Ihre Kirche". Gesagt, getan, aber in der Zwischenzeit haben sich die Schwierigkeiten aufgelöst und auch Mogno hat seine Kirche bekommen, ein herausragendes Beispiel zeitgenössischer religiöser Architektur.

Die Ausstellung in der Stiftung Epper vereint Werke der drei Protagonisten. Eine Reihe von Schwarz-Weiß-Fotografien, die der Regisseur während der Dreharbeiten zum Film aufgenommen hat, eine sorgfältige Auswahl von Skizzen und Zeichnungen, die Mario Botta im Laufe der Arbeiten angefertigt hat, und eine Reihe von Werken von Enzo Cucchi, die der Stiftung Epper in Ascona vom MASI, dem Kunstmuseum der italienischen Schweiz, geliehen wurden.

Der Dokumentarfilm von Villi Hermann wurde soeben restauriert und wird in seiner neuen Form am 7. August 2023 am Filmfestival Locarno in der Sektion "Histoire(s) du cinéma" zu sehen sein. Die Ausstellung, die erste zu diesem Thema, bietet somit die Gelegenheit, den Film mit dem Titel "TAMARO. Steine und Engel. Mario Botta Enzo Cucchi" mit Dokumenten und Werken zu kontextualisieren, die noch nie öffentlich ausgestellt wurden und sich alle auf die Baujahre 1992-95 beziehen.

Die aus Porphyr errichtete Kirche von Mario Botta steht am Rande eines Hanges, von dem aus sich ein außergewöhnliches Panorama bietet. Die künstlerische Intervention von Enzo Cucchi nimmt die beiden Haupträume ein: die Decke des Ganges, die durch eine lange gemalte Zypresse gekennzeichnet ist, und das Herz der Kirche, die Apsis. Auf einem intensiven Blau schlägt er das Thema der Hände in der Geste des Offertoriums vor, das in die marianische Ikonographie der 22 Tafeln über den Fenstern integriert ist, deren Symbolik von Pater Giovanni Pozzi angeregt wurde, der auch in der Ausstellung in der Stiftung Epper mit Papieren und Dokumenten über seine Rolle als Exeget der marianischen Dimension der Tamaro-Kirche, die von der Bibliothek Salita dei Frati in Lugano zur Verfügung gestellt wurden, gut vertreten war.

Zu diesem Anlass wurde ein Katalog mit zahlreichen Bildern von der Entstehung des Films und dem Bau der Tamaro-Kirche erstellt, bei dem die Protagonisten, der Architekt Mario Botta, der Künstler Enzo Cucchi, der Unternehmer Egidio Cattaneo und Pater Giovanni Pozzi anwesend waren. Ergänzt wird sie durch Zeitzeugenberichte von Botta und Cucchi selbst, Villi Hermann und einen Artikel von Dalmazio Ambrosioni, der im Juni 1996 im Giornale del Popolo veröffentlicht wurde.

Il s'agit de la rencontre entre Mario Botta, architecte, le peintre et sculpteur Enzo Cucchi, protagoniste de la Transavantgarde, l'une des saisons les plus intéressantes de l'art du XXe siècle, et le réalisateur tessinois Villi Hermann, qui a présenté ses films et documentaires (St Gotthard, Matlosa, Innocence, Bankomatt, Gotthard Schuh, une vision sensuelle du monde, etc.) dans les plus grands festivals internationaux. Villi Hermann consacre un film documentaire à la construction de l'église du Monte Tamaro.

À la demande d'Egidio Cattaneo, Mario Botta a construit sur le Monte Tamaro l'église dédiée à Santa Maria degli Angeli, consacrée en 1996. Depuis, elle est devenue une destination internationale pour l'architecture et l'art. L'entrepreneur Egidio Cattaneo se souvient avec émotion de ce coup de téléphone, un samedi matin : "Architecte, puisque tu as des difficultés à Mogno, viens chez nous, sur le mont Tamaro, et construis ton église". Aussitôt dit, aussitôt fait, mais entre-temps les difficultés se sont dénouées et Mogno aussi a eu son église, un grand exemple d'architecture religieuse contemporaine.

L'exposition de la Fondation Epper réunit des œuvres des trois protagonistes. Une série de photographies en noir et blanc prises par le réalisateur pendant la réalisation du film, une sélection minutieuse d'esquisses et de dessins réalisés par Mario Botta au cours du travail et une série d'œuvres d'Enzo Cucchi prêtées à la Fondation Epper d'Ascona par le MASI, le Musée d'art de la Suisse italienne.

Le documentaire de Villi Hermann vient d'être restauré et sera projeté dans sa nouvelle version au Festival du film de Locarno le 7 août 2023 dans la section "Histoire(s) du cinéma". L'exposition, la première sur le sujet, est donc née de l'opportunité de contextualiser le film qui s'intitule "TAMARO. Pierres et anges. Mario Botta Enzo Cucchi", avec des documents et des œuvres qui n'ont jamais été exposés au public et qui se rapportent tous aux années de construction, 1992-95.

Réalisée en porphyre, l'église de Mario Botta se dresse au bord de la pente au-delà de laquelle s'ouvre un panorama extraordinaire. L'intervention artistique d'Enzo Cucchi occupe les deux espaces principaux : le plafond de l'allée, marqué par un long cyprès peint, et le cœur de l'église, l'abside. Sur un bleu intense, il propose le thème des mains dans le geste de l'offertoire, intégré dans l'iconographie mariale des 22 panneaux placés au-dessus des fenêtres, dont la symbolique a été suggérée par le Père Giovanni Pozzi, qui était également bien représenté dans l'exposition de la Fondation Epper avec des papiers et des documents relatifs à son rôle d'exégète de la dimension mariale de l'église Tamaro, mis à disposition par la bibliothèque Salita dei Frati de Lugano.

Pour l'occasion, un catalogue a été réalisé avec de nombreuses photos du tournage du film et de la construction de l'église de Tamaro, en présence des protagonistes, l'architecte Mario Botta, l'artiste Enzo Cucchi, l'entrepreneur Egidio Cattaneo et le père Giovanni Pozzi. Il est complété par des témoignages d'époque de Botta et Cucchi eux-mêmes, de Villi Hermann et d'un article de Dalmazio Ambrosioni publié dans le Giornale del Popolo en juin 1996.

È l’incontro tra Mario Botta, architetto, il pittore e scultore Enzo Cucchi, protagonista della Transavanguardia, una delle stagioni più interessanti dell’arte del Novecento, ed il regista ticinese Villi Hermann, che ha presentato i suoi film e documentari (San Gottardo, Matlosa, Innocenza, Bankomatt, Gotthard Schuh, una visione sensuale del mondo ecc.) nei grandi Festival internazionali. Alla costruzione della chiesa sul Monte Tamaro Villi Hermann ha dedicato un documentario che ne suggella la memoria..

Su commissione di Egidio Cattaneo, sul Monte Tamaro Mario Botta ha costruito la chiesa dedicata a Santa Maria degli Angeli, consacrata nel 1996. Da allora figura tra le mete internazionali di architettura e d’arte. L’imprenditore Egidio Cattaneo ricordava volentieri quella telefonata d’un sabato mattina: “Architetto, siccome a Mogno le fanno difficoltà, venga da noi sul Tamaro a costruire la sua chiesa”. Detto fatto, ma nel frattempo le difficoltà si dipanarono ed anche Mogno ha avuto la sua chiesa, alto esempio di architettura religiosa contemporanea.

L’esposizione alla Fondazione Epper riunisce opere dei tre protagonisti. Una serie di fotografie in bianco/nero scattate dal regista durante la lavorazione del film, un’accurata scelta di schizzi e disegni realizzati da Mario Botta in corso d’opera, una serie di opere di Enzo Cucchi prestate alla Fondazione Epper di Ascona dal MASI, Museo d’arte della Svizzera italiana.

Il documentario di Villi Hermann è stato appena restaurato e nella nuova veste viene proietatto ad il 7 agosto 2023 al Festival del film di Locarno nella sezione “Histoire(s) du cinéma”. La mostra, la prima sull’argomento, nasce quindi dall’opportunità di contestualizzare il film, che s’intitola “TAMARO. Pietre e angeli. Mario Botta Enzo Cucchi”, con documenti ed opere mai esposte al pubblico e tutte relative agli anni di costruzione, 1992-95.

Realizzata in porfido, la chiesa di Mario Botta sorge al limitare del pendio oltre il quale si apre una straordinaria veduta panoramica. L’intervento artistico di Enzo Cucchi occupa i due spazi principali: il soffitto della passerella, segnato da un lungo cipresso dipinto, e il cuore della Chiesa, l’abside. Su un azzurro intenso propone il tema delle mani in gesto offerente, integrate nell’iconografia mariana delle 22 formelle poste sopra le finestre, le cui simbologie sono state suggerite da Padre Giovanni Pozzi, anch’egli ben segnalato nell’esposizione alla Fondazione Epper con carte e documenti relativi al suo ruolo di esegeta della dimensione mariana della chiesa del Tamaro, messi a disposizione dalla Biblioteca Salita dei Frati di Lugano.

Per l’occasione é stato realizzato un catalogo con numerose immagini della lavorazione del film e della costruzione della chiesa del Tamaro, con la presenza dei protagonisti, l’architetto Mario Botta l’artista Enzo Cucchi, l’imprenditore Egidio Cattaneo e P. Giovanni Pozzi. È completato da testimonianze d’epoca degli stessi Botta e Cucchi, di Villi Hermann e un intervento di Dalmazio Ambrosioni pubblicato sul Giornale del Popolo nel giugno 1996.

It is the encounter between Mario Botta, an architect, the painter and sculptor Enzo Cucchi, a protagonist of the Transavantgarde, one of the most interesting seasons of twentieth-century art, and the Ticino-based filmmaker Villi Hermann, who has presented his films and documentaries (St. Gotthard, Matlosa, Innocence, Bankomatt, Gotthard Schuh, a sensual view of the world, etc.) at major international festivals. Villi Hermann dedicated a documentary sealing its memory to the construction of the church on Mount Tamaro..

Commissioned by Egidio Cattaneo, on Mount Tamaro Mario Botta built the church dedicated to St. Mary of the Angels, consecrated in 1996. It has since figured among international architectural and art destinations. Entrepreneur Egidio Cattaneo fondly recalled that phone call one Saturday morning, "Architect, since you are having difficulties in Mogno, come to us on Mount Tamaro to build your church." Said and done, but in the meantime the difficulties unraveled and Mogno too got its church, a high example of contemporary religious architecture.

The exhibition at the Epper Foundation brings together works by the three protagonists. A series of black-and-white photographs taken by the filmmaker during the making of the film, a careful selection of sketches and drawings made by Mario Botta during the course of the work, and a series of works by Enzo Cucchi lent to the Epper Foundation in Ascona by MASI, Museo d'arte della Svizzera italiana.

Villi Hermann's documentary has just been restored and in its new form is being screened ad August 7, 2023 at the Locarno Film Festival in the "Histoire(s) du cinéma" section. The exhibition, the first on the subject, thus stems from the opportunity to contextualize the film, which is titled "TAMARO. Stones and Angels. Mario Botta Enzo Cucchi," with documents and works that have never been exhibited to the public and all relate to the years of construction, 1992-95.

Made of porphyry, Mario Botta's church stands at the edge of the slope beyond which there is an extraordinary panoramic view. Enzo Cucchi's artistic intervention occupies the two main spaces: the walkway ceiling, marked by a long painted cypress tree, and the heart of the church, the apse. On a deep blue he proposes the theme of hands in offertory gesture, integrated in the Marian iconography of the 22 panels placed above the windows, whose symbologies were suggested by Father Giovanni Pozzi, also well reported in the exhibition at the Epper Foundation with papers and documents related to his role as exegete of the Marian dimension of the Tamaro Church, made available by the Salita dei Frati Library in Lugano.

A catalog was produced for the occasion with numerous images of the making of the film and the construction of the Tamaro church, featuring the protagonists, architect Mario Botta artist Enzo Cucchi, entrepreneur Egidio Cattaneo and Fr. Giovanni Pozzi. It is complemented by period testimonies by Botta and Cucchi themselves, Villi Hermann and a speech by Dalmazio Ambrosioni published in the Giornale del Popolo in June 1996.

(Text: Fondazione Epper, Ascona)

Muzeum Susch
15. Juli - 26. November 2023

Art is not Rest
Wanda Czełkowska

Wanda Czełkowska (1930-2021) war eine Schlüsselfigur der polnischen Avantgarde, deren Werk bis vor kurzem von der Kunstgeschichte kaum beachtet wurde.

Sie begann ihre Karriere gegen Ende der 1950er Jahre in Krakau und spielte eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der Konzeptkunst in Polen. Sie war Mitglied der berühmten II Grupa Krakowska, der unter anderem folgende Künstler angehörten: Tadeusz Kantor, Tadeusz Brzozowski, Jonasz Stern, Maria Jarema und Erna Rosenstein, behielt aberihre unabhängige Stimme und war nie vollständig in den künstlerischen Diskurs und das gesellschaftliche Leben der Gruppe eingebunden. Diejenigen, die sie kannten, bezeichnen sie oft als jemanden, der seinen eigenen Weg geht. Im Gegensatz zu ihren Zeitgenossinnen Alina Szapocznikow und Magdalena Abakanowicz bleibt ihr Werk außerhalb Polens weitgehend unbekannt.

Czełkowskas bekanntestes Werk, eine Serie von Skulpturen mit dem Titel Głowy (Köpfe), zeigt die Fähigkeit der Künstlerin, eine Brücke zwischen dem Figürlichen und dem Abstrakten zu schlagen. Ab Anfang der 1970er Jahre schuf sie konzeptionelle Werke, von denen die Installationen Stół (Tisch) (1968-1971) und Bezwzględne wyeliminowanie rzeźby jako pojęcia kształtu (Absolute Elimination of Sculpture as a Notion of Shape) (1972) die monumentalsten Beispiele sind. Obwohl sie sich selbst als Bildhauerin definierte, war sie parallel dazu auch als Malerin tätig.

Die Ausstellung versucht, Wanda Czełkowskas Praxis als permanente Spannung zwischen Körper, Geist und Raum zu interpretieren. Sie bietet eine nicht-chronologische Ausstellung mit einer beispiellosen Rekonstruktion der monumentalen Installation Absolute Elimination of Sculpture as a Notion of Shape (1972-1995) als Kernstück, mit einer Konstellation von skulpturalen, grafischen und malerischen Arbeiten, die um dieses zentrale Werk herum aufgebaut sind.

Ziel der ersten Retrospektive von Czełkowska außerhalb Polens ist es, einen umfassenden Überblick über ihren künstlerischen Werdegang und eine inspirierende Erzählung zu bieten, die ihren originären Beitrag zur Entwicklung der Nachkriegsskulptur in Europa hervorhebt.

Das Werk Absolute Elimination as a Notion of Shape wird für die Dauer der Ausstellung zur Plattform für ein ortsspezifisches, von Joanna Leśnierowska kuratiertes Programm von Performances, das an Wanda Czełkowskas Erkundung von Bewegung anknüpft.

Wanda Czełkowska (1930-2021) était une figure clé de l'avant-garde polonaise, dont l'œuvre a été peu considérée par l'histoire de l'art jusqu'à récemment.

Elle a commencé sa carrière à Cracovie vers la fin des années 1950 et a joué un rôle important dans le développement de l'art conceptuel en Pologne. Elle était membre du célèbre II Grupa Krakowska, qui comprenait notamment les artistes suivants : Tadeusz Kantor, Tadeusz Brzozowski, Jonasz Stern, Maria Jarema et Erna Rosenstein, mais elle a conservé sa voix indépendante et n'a jamais été totalement intégrée dans le discours artistique et la vie sociale du groupe. Ceux qui l'ont connue la décrivent souvent comme quelqu'un qui suit son propre chemin. Contrairement à ses contemporaines Alina Szapocznikow et Magdalena Abakanowicz, son œuvre reste largement méconnue en dehors de la Pologne.

L'œuvre la plus connue de Czełkowska, une série de sculptures intitulée Głowy (Têtes), montre la capacité de l'artiste à établir un pont entre le figuratif et l'abstrait. À partir du début des années 1970, elle crée des œuvres conceptuelles, dont les installations Stół (Table) (1968-1971) et Bezwzględne wyeliminowanie rzeźby jako pojęcia kształtu (Élimination absolue de la sculpture comme notion de forme) (1972) sont les exemples les plus monumentaux. Bien qu'elle se définisse elle-même comme une sculptrice, elle a également mené une activité parallèle de peintre.

L'exposition tente d'interpréter la pratique de Wanda Czełkowska comme une tension permanente entre le corps, l'esprit et l'espace. Elle propose une exposition non chronologique avec, comme pièce maîtresse, une reconstitution sans précédent de l'installation monumentale Absolute Elimination of Sculpture as a Notion of Shape (1972-1995), avec une constellation d'œuvres sculpturales, graphiques et picturales construites autour de cette œuvre centrale.

L'objectif de la première rétrospective de Czełkowska en dehors de la Pologne est d'offrir un aperçu complet de son parcours artistique et un récit inspiré qui met en évidence sa contribution originale au développement de la sculpture d'après-guerre en Europe.

L'œuvre Absolute Elimination as a Notion of Shape devient, pour la durée de l'exposition, la plateforme d'un programme de performances spécifiques au lieu, organisé par Joanna Leśnierowska, qui se rattache à l'exploration du mouvement par Wanda Czełkowska.

Wanda Czełkowska (1930-2021) è stata una figura chiave dell'avanguardia polacca, il cui lavoro è stato poco notato dalla storia dell'arte fino a poco tempo fa.

Ha iniziato la sua carriera a Cracovia verso la fine degli anni Cinquanta e ha svolto un ruolo importante nello sviluppo dell'arte concettuale in Polonia. Fu membro del famoso II Grupa Krakowska, che comprendeva i seguenti artisti: Tadeusz Kantor, Tadeusz Brzozowski, Jonasz Stern, Maria Jarema ed Erna Rosenstein, ma mantenne la sua voce indipendente e non fu mai pienamente coinvolta nel discorso artistico e nella vita sociale del gruppo. Chi l'ha conosciuta la descrive spesso come una persona che andava per la sua strada. A differenza delle sue contemporanee Alina Szapocznikow e Magdalena Abakanowicz, il suo lavoro rimane in gran parte sconosciuto al di fuori della Polonia.

L'opera più nota di Czełkowska, una serie di sculture intitolata Głowy (Teste), dimostra la capacità dell'artista di colmare il divario tra figurativo e astratto. A partire dai primi anni Settanta ha realizzato opere concettuali, di cui le installazioni Stół (Tavolo) (1968-1971) e Bezwzględne wyeliminowanie rzeźby jako pojęcia kształtu (Eliminazione assoluta della scultura come nozione di forma) (1972) sono gli esempi più monumentali. Sebbene si definisse scultrice, fu attiva parallelamente anche come pittrice.

La mostra cerca di interpretare la pratica di Wanda Czełkowska come una tensione permanente tra corpo, mente e spazio. Offre una mostra non cronologica con una ricostruzione inedita della monumentale installazione Absolute Elimination of Sculpture as a Notion of Shape (1972-1995) come fulcro, con una costellazione di opere scultoree, grafiche e pittoriche costruite intorno a questo lavoro centrale.

L'obiettivo della prima retrospettiva di Czełkowska al di fuori della Polonia è quello di fornire una panoramica completa della sua carriera artistica e una narrazione stimolante che evidenzi il suo contributo originale allo sviluppo della scultura del dopoguerra in Europa.

Per tutta la durata della mostra, l'opera Absolute Elimination as a Notion of Shape diventerà la piattaforma per un programma di performance site-specific curato da Joanna Leśnierowska che si collega all'esplorazione del movimento da parte di Wanda Czełkowska.

Wanda Czełkowska (1930-2021) was a key figure of the Polish avant-garde whose oeuvre remained almost unnoticed by art history until recently.

She started her career near the end of the 1950s in Kraków and played an important role in the development of conceptual art in Poland. Member of the famous the Second Kraków Group, whose other fellows included: Tadeusz Kantor, Tadeusz Brzozowski, Jonasz Stern, Maria Jarema and Erna Rosenstein, she kept her independent voice and never fully committed to the artistic discourse and social life of the group.

Those who knew her, often refer to her as someone who treads her own separate path. Unlike her contemporaries Alina Szapocznikow and Magdalena Abakanowicz, her work remains largely unknown outside of Poland.

Czełkowska’s best-known works, a series of sculptures titled Głowy (Heads), demonstrate the artist’s ability to bridge the figurative with the abstract. From early 1970s, she conceived conceptual works of which the installations Stół (Table) (1968-1971) and Bezwzględne wyeliminowanie rzeźby jako pojęcia kształtu (Absolute Elimination of Sculpture as a Notion of Shape) (1972) are the most monumental examples. Even though she defined herself as a sculptor, she pursued a parallel activity as a painter.

This exhibition seeks to interpret Wanda Czełkowska’s practice as in permanent tension between the body, the mind and the space. It offers a nonchronological display with an unprecedented reconstruction of the monumental installation Absolute Elimination of Sculpture as a Notion of Shape (1972–1995) at its core, with a constellation of sculptural, graphic and pictorial works built around this central piece.

The goal of Czełkowska’s first retrospective outside of Poland is to offer a comprehensive overview of her artistic career and an inspiring narrative stressing her original contribution to the development of the afterwar sculpture in Europe.

For the duration of the exhibition, the work Absolute Elimination as a Notion of Shape becomes a platform for a site specific program of performances curated by Joanna Leśnierowska to echo Wanda Czełkowska's exploration of movement.

(Text: Muzeum Susch)

Salon Atrio - Hotel Suvretta House | St. Moritz
6. Juli - 22. Oktober 2023

Photographs
Jungjin Lee

Jungjin LEE ist eine koreanische Künstlerin, die seit 1988 in den USA lebt. Sie studierte Fotografie an der New York University und war Assistentin von Robert Frank.

Sie fotografierte zunächst dokumentarisch, wandte sich aber in den 90er Jahren einer formalen Suche zu, bei der das fotografische Material mit der Plastizität der Zeichnung behandelt wird, indem sie die Bildträger mit lichtempfindlicher Flüssigkeit behandelt. Diese formale Suche wird von einer Sensibilität getragen, die sie völlig einnimmt und eine wahrhaft existenzielle Herausforderung darstellt.

Sie fühlt sich von Wüstenorten, Felsen und Wasserlandschaften angezogen. Ihre Fotografie ist die Erfassung einer mentalen Landschaft. Für Jungjin Lee ist das Fotografieren ein inneres Abenteuer, eine Meditation.

Ihre Werke sind in zahlreichen Sammlungen und Museen wie dem Metropolitan Museum New York, Whitney Museum, New York, Seoul Museum of Art, Seoul usw. vertreten.

Die Ausstellung ist in Zusammenarbeit mit der Galerie Stephan Witschi entstanden.

Jungjin LEE est une artiste coréenne qui vit aux États-Unis depuis 1988. Elle a étudié la photographie à l'université de New York et a été l'assistante de Robert Frank.

Elle a d'abord photographié de manière documentaire, mais s'est tournée dans les années 90 vers une recherche formelle où le matériau photographique est traité avec la plasticité du dessin, en traitant le support de l'image avec un liquide photosensible. Cette recherche formelle est portée par une sensibilité qui l'absorbe totalement et constitue un véritable défi existentiel.

Elle est attirée par les lieux désertiques, les rochers et les paysages aquatiques. Sa photographie est la capture d'un paysage mental. Pour Jungjin Lee, la photographie est une aventure intérieure, une méditation.

Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections et musées tels que le Metropolitan Museum de New York, le Whitney Museum de New York, le Seoul Museum of Art de Séoul, etc.

L'exposition a été réalisée en collaboration avec la galerie Stephan Witschi.

Jungjin LEE è un'artista coreana che vive negli Stati Uniti dal 1988. Ha studiato fotografia alla New York University ed è stata assistente di Robert Frank.

Inizialmente realizza fotografie documentarie, ma negli anni Novanta si dedica a una ricerca formale in cui il materiale fotografico viene trattato con la plasticità del disegno, trattando i supporti dell'immagine con un liquido fotosensibile. Questa ricerca formale è sostenuta da una sensibilità che la coinvolge completamente e rappresenta una vera e propria sfida esistenziale.

È attratta da luoghi desertici, rocce e paesaggi acquatici. La sua fotografia è la cattura di un paesaggio mentale. Per Jungjin Lee la fotografia è un'avventura interiore, una meditazione.

Le sue opere sono rappresentate in numerose collezioni e musei come il Metropolitan Museum di New York, il Whitney Museum di New York, il Seoul Museum of Art di Seoul, ecc.

La mostra è in collaborazione con la Galerie Stephan Witschi.

Jungjin LEE is a Korean artist who has lived in the US since 1988. She studied photography at New York University and was an assistant to Robert Frank.

She initially photographed documentary, but in the 90s turned to a formal search, treating the photographic material with the plasticity of drawing, by treating the image supports with light-sensitive liquid. This formal search is sustained by a sensibility that completely engages her and represents a truly existential challenge.

She is attracted to desert locations, rocky outcrops and water landscapes. Her photography is the capture of a mental landscape. For Jungjin Lee, photography is an inner adventure, a meditation.

Her works are represented in numerous collections and museums such as the Metropolitan Museum New York, Whitney Museum, New York, Seoul Museum of Art, Seoul, etc.

The exhibition is in collaboration with Galerie Stephan Witschi.

(Text: Hotel Suvretta House, St. Moritz)

Rolla.info - ex scuola d’infanzia | Bruzella
29. April - 8. Oktober 2023

a dialogue
Ruth Hallensleben, Albert Renger-Patzsch

Albert Renger-Patzsch, Ruth Hallensleben, ein Dialog ist die einundzwanzigste Ausstellung, die in den Räumen von Rolla.info, einem ehemaligen Kindergarten in Bruzella, stattfindet.

Die vierzig Fotografien aus der Sammlung Rolla, die zwischen den 1920er und 1960er Jahren entstanden sind, stellen zwei bereits in der Vergangenheit vorgestellte Autorinnen in einer neuen Lesart gegenüber.

Beide waren Deutsche, gleichaltrig und arbeiteten hauptsächlich auf demselben Gebiet, der Industriefotografie. Albert Renger-Patzsch genießt internationales Ansehen, Ruth Hallensleben ist noch nicht entdeckt worden. Die Gründe dafür sind unterschiedlich, angefangen bei der Tatsache, dass ersterer auch persönliche Forschungen betreibt, während letztere fast immer auf Bestellung arbeitet. Urs Stahel untersucht in seinem Einführungstext auch andere Faktoren, die soziale Konditionierung und betont: Bei der Auswahl merkt man kaum Unterschiede in Haltung oder Qualität. Obwohl auch hier Auftrags- und freie Fotografie gegenübergestellt werden.

Albert Renger-Patzsch, Ruth Hallensleben, un dialogue est la vingt-et-unième exposition organisée à l'espace Rolla.info, un ancien jardin d'enfants du village de Bruzella.

Les quarante photographies, prises entre les années 1920 et 1960, appartenant à la collection Rolla, mettent en regard deux auteurs déjà présentés dans le passé, avec une nouvelle lecture.

Tous deux sont allemands, ont le même âge et travaillent principalement dans le même domaine, la photographie industrielle. Albert Renger-Patzsch jouit d'une réputation internationale, Ruth Hallensleben reste à découvrir. Les raisons sont différentes, à commencer par le fait que le premier développe également des recherches personnelles, tandis que la seconde travaille presque toujours sur commande. Dans son texte d'introduction, Urs Stahel étudie également d'autres facteurs, le conditionnement social, et souligne : "Lors de la sélection, on ne remarque guère de différences d'attitude ou de qualité. Même si, ici aussi, la photographie de commande et la photographie libre sont mises en opposition.

Albert Renger-Patzsch, Ruth Hallensleben, a dialogue è la ventunesima mostra organizzata presso lo spazio Rolla.info, ex scuola d’infanzia del paese di Bruzella.

Le quaranta fotografie, scattate tra gli anni Venti e gli anni Sessanta del Ventesimo secolo, appartenenti alla collezione Rolla, mettono a confronto due autori già presentati in passato, con una nuova lettura.

Entrambi tedeschi, coetanei e che lavoravano prevalentemente nello stesso ambito, la fotografia industriale. Albert Renger-Patzsch gode di una fama internazionale, Ruth Hallensleben è ancora da scoprire. Le ragioni sono diverse a partire dal fatto che il primo sviluppa anche una ricerca personale, la seconda lavora quasi sempre su commissione. Urs Stahel nel testo introduttivo indaga anche altri fattori, condizionamenti sociali e sottolinea: Nella selezione non si notano quasi differenze di atteggiamento, né di qualità. Anche se, pure in questo caso, si trovano contrapposte commissione e fotografia libera.

Albert Renger-Patzsch, Ruth Hallensleben, a dialogue is the twentieth-first exhibition held in the ex-kindergarten of Bruzella, home of the Rolla Foundation.

The forty photographs, taken between the 1920s and the 1960s and belonging to the Rolla collection, compare two previously presented authors with a new reading. Both were Germans, contemporaries, and worked predominantly in the same field, industrial photography. Albert Renger-Patzsch enjoys international fame, Ruth Hallensleben is yet to be discovered. The reasons are different, starting with the fact that the former also developed personal research, the latter almost always worked on commission. In the introductory text, Urs Stahel also examines other factors, social conditioning, and emphasizes that: In this selection, there are hardly any differences in attitude or quality. Although here, too, it is often a question of commissioned versus free photography.

(Text: Rolla.info)

Bally Foundation | Lugano
20. April - 24. September 2023

Un Lac Inconnu

Vito Acconci, Wilfrid Almendra, Caroline Bachmann, Oliver Beer, Matthias Bensimon, Angela Bulloch, Ligia Dias, Adélaide Feriot, Karim Forlin, Tania Gheerbrant, Petrit Halilaj & Álvaro Urbano, Yannick Haenel, Rebecca Horn, Paul Maheke, Hélene Muheim, Mel O’Callaghan, Philippe Parreno, Elise Peroi, Constant Puyo, Emilija Škarnulytė, Haim Steinbach, Willa Wasserman

Mit mehr als zwanzig internationalen Künstlern vereint, bietet Un Lac Inconnu einen poetischen und philosophischen Spaziergang zwischen versunkenen und auftauchenden Landschaften, einen Versuch, dem Wasser Form zu geben, das zwischen den Fingern gleitet und doch eine Spur hinterlässt, ein Angebot zur Verbindung mit sich selbst und der Welt.

Die Bally Foundation freut sich, die bevorstehende Eröffnung ihres neuen Sitzes in der Villa Heleneum in Lugano am 20. April bekannt zu geben. Diese Eröffnung markiert den Beginn einer neuen und wichtigen Phase in der Entwicklung der Stiftung, die nach 17 Jahren endlich einen festen Standort an einem außergewöhnlichen Ort am Ufer des Luganer Sees haben wird. Seit 2006 ist die Mission der Stiftung die Förderung von Kunst und Kultur unter Betonung wichtiger Themen für Bally wie Innovation, Unterstützung von Kreativität und Aufmerksamkeit für ökologische Themen. Seit Beginn der Geschichte von Bally hat der Gründer eine engagierte soziale Vision und eine große Bereitschaft gezeigt, eng mit Künstlern, Architekten, Grafikern und Kreativen jeder Herkunft zusammenzuarbeiten. Heute setzt die Stiftung diese Tradition fort durch ein vielfältiges künstlerisches und kulturelles Angebot, das die Kreativität in all ihren Formen unterstützt und insbesondere junge Künstler durch ein Residenzprogramm und die Einbeziehung eines breiten Publikums aus der lokalen und internationalen Gemeinschaft sowie aus kulturellen und akademischen Institutionen fördert.

Wir haben eine beachtliche Arbeit geleistet, um diesen Ort wiederzubeleben, und die Vorbereitungsphase des Projekts hat wichtige Meilensteine für seine Umsetzung markiert, wie die Unterzeichnung des Vertrags mit der Stadt Lugano im November 2021, für die ich insbesondere das Vertrauen und die geteilte Vision danken möchte, sowie die Vorpremiere am 11. November letzten Jahres, die mit großer Begeisterung aufgenommen wurde.

Seit November 2022 hat Vittoria Matarrese die Leitung der Stiftung übernommen. Sie verfügt über bedeutende Erfahrungen in der Branche und ein internationales Profil, da sie leitende Positionen im Palais de Tokyo in Paris und der Villa Medici in Rom innehatte. Ihre Fähigkeiten und ihre zeitgenössische Vision kontinuierlicher Innovation sind entscheidend für die Weiterentwicklung der Bally Foundation und ihrer Aktivitäten wie dem Bally Artist Award. Mit der Ernennung von Vittoria konzentriert sich das Stiftungsprogramm auf zeitgenössische Kunst und Kreativität durch Ausstellungen und Veranstaltungen, die aufstrebende und etablierte Künstler vereinen. In naher Zukunft wird das Residenzprogramm auch darauf abzielen, Bindungen zur Region, den Gärten und der Geschichte des Ortes zu stärken, indem Künstler aus der ganzen Welt willkommen geheißen werden.

Die Verbindungen zur Region und den lokalen Institutionen werden durch spezifische Programme entwickelt, beginnend mit einer engeren Zusammenarbeit mit dem MASI (Museum für Kunst der italienischen Schweiz). Ich bin sehr stolz darauf, heute sagen zu können, dass der Bally Artist Award als national bedeutsamer Preis angesehen wird, der für jeden Schweizer oder ansässigen Künstler offen ist. Ab diesem Jahr wird das ausgezeichnete Werk des Künstlers neben der Ausstellung im MASI im Palazzo Reali am 3. Juni erworben und in die permanenten Sammlungen des MASI aufgenommen, um die Unterstützung der Stiftung zu entwickeln und den ausgezeichneten Künstlern mehr Sichtbarkeit zu bieten.

Abschließend möchte ich unseren Mitarbeitern, Partnern, Unterstützern der Stiftung und schließlich den Mitgliedern des Verwaltungsrates der Stiftung danken, die dieses Projekt möglich gemacht haben. Ich möchte auch der Stadt Lugano für ihr Vertrauen und ihre Vision danken.

Ich wünsche Vittoria Matarrese alles Gute und dass ihre neue Position ein wichtiger Schritt, eine neue Herausforderung und ein Raum für Freiheit und Kreativität für alle ist.

Réunissant plus de vingt artistes internationaux, Un Lac Inconnu propose une promenade poétique et philosophique entre paysages engloutis et émergents, une tentative de donner forme à l'eau qui glisse entre les doigts tout en laissant une trace, une proposition de connexion avec soi-même et le monde.

La Bally Foundation est heureuse d'annoncer l'ouverture prochaine de son nouveau siège à la Villa Heleneum de Lugano, le 20 avril. Cette ouverture marque le début d'une nouvelle phase importante dans le développement de la fondation qui, après 17 ans, aura enfin un emplacement fixe dans un lieu exceptionnel sur les rives du lac de Lugano. Depuis 2006, la mission de la fondation est de promouvoir l'art et la culture en mettant l'accent sur des thèmes importants pour Bally tels que l'innovation, le soutien à la créativité et l'attention portée aux questions écologiques. Depuis le début de l'histoire de Bally, le fondateur a fait preuve d'une vision sociale engagée et d'une grande volonté de travailler en étroite collaboration avec des artistes, des architectes, des graphistes et des créateurs de tous horizons. Aujourd'hui, la fondation perpétue cette tradition en proposant une offre artistique et culturelle variée qui soutient la créativité sous toutes ses formes et encourage notamment les jeunes artistes grâce à un programme de résidences et à l'implication d'un large public issu de la communauté locale et internationale ainsi que des institutions culturelles et académiques.

Nous avons réalisé un travail considérable pour faire revivre ce lieu et la phase préparatoire du projet a marqué des étapes importantes pour sa mise en œuvre, comme la signature du contrat avec la ville de Lugano en novembre 2021, dont je tiens à remercier tout particulièrement la confiance et la vision partagée, ainsi que l'avant-première du 11 novembre dernier, qui a été accueillie avec un grand enthousiasme.

Depuis novembre 2022, Vittoria Matarrese a pris la direction de la fondation. Elle possède une expérience significative dans le secteur et un profil international, puisqu'elle a occupé des postes de direction au Palais de Tokyo à Paris et à la Villa Médicis à Rome. Ses compétences et sa vision contemporaine de l'innovation continue sont essentielles au développement de la Bally Foundation et de ses activités telles que le Bally Artist Award. Avec la nomination de Vittoria, le programme de la fondation se concentre sur l'art contemporain et la créativité à travers des expositions et des événements qui réunissent des artistes émergents et établis. Dans un avenir proche, le programme de résidence visera également à renforcer les liens avec la région, les jardins et l'histoire du lieu en accueillant des artistes du monde entier.

Les liens avec la région et les institutions locales seront développés par le biais de programmes spécifiques, à commencer par une collaboration plus étroite avec le MASI (Musée d'art de la Suisse italienne). Je suis très fier de pouvoir dire aujourd'hui que le Bally Artist Award est considéré comme un prix d'importance nationale, ouvert à tout artiste suisse ou résident. À partir de cette année, en plus de l'exposition au MASI, l'œuvre primée de l'artiste sera acquise au Palazzo Reali le 3 juin et fera partie des collections permanentes du MASI afin de développer le soutien de la fondation et d'offrir une plus grande visibilité aux artistes récompensés.

Pour conclure, je voudrais remercier nos collaborateurs, nos partenaires, les soutiens de la fondation et enfin les membres du conseil d'administration de la fondation qui ont rendu ce projet possible. Je tiens également à remercier la ville de Lugano pour sa confiance et sa vision.

Je souhaite le meilleur à Vittoria Matarrese et que son nouveau poste soit une étape importante, un nouveau défi et un espace de liberté et de créativité pour tous.

Riunendo più di venti artisti internazionali, Un Lac Inconnu offre una passeggiata poetica e filosofica tra paesaggi sommersi ed emergenti, un tentativo di dare forma all'acqua che scivola tra le dita eppure lascia una traccia, un'offerta di connessione con se stessi e con il mondo.

La Fondazione Bally è lieta di annunciare la prossima apertura della sua nuova sede presso Villa Heleneum a Lugano, il 20 aprile. Questa inaugurazione segna l'inizio di una nuova e importante fase nello sviluppo della Fondazione, che dopo 17 anni avrà finalmente una sede permanente in un luogo eccezionale sulle rive del Lago di Lugano. Dal 2006, la missione della Fondazione è stata quella di promuovere l'arte e la cultura, ponendo l'accento su temi importanti per Bally come l'innovazione, il sostegno alla creatività e l'attenzione alle questioni ecologiche. Fin dall'inizio della storia di Bally, il fondatore ha dimostrato una visione sociale impegnata e una grande disponibilità a lavorare a stretto contatto con artisti, architetti, grafici e creativi di ogni provenienza. Oggi, la Fondazione continua questa tradizione attraverso un programma artistico e culturale diversificato che sostiene la creatività in tutte le sue forme, in particolare sostenendo i giovani artisti attraverso un programma di residenze e l'impegno con un'ampia gamma di pubblico della comunità locale e internazionale, nonché con istituzioni culturali e accademiche.

Abbiamo svolto un notevole lavoro per rivitalizzare questo spazio e la fase preparatoria del progetto ha segnato tappe importanti per la sua realizzazione, come la firma del contratto con la Città di Lugano nel novembre 2021, di cui ringrazio in particolare la fiducia e la visione condivisa, e l'anteprima dell'11 novembre scorso, accolta con grande entusiasmo.

Dal novembre 2022, Vittoria Matarrese ha assunto la direzione della Fondazione. Vittoria Matarrese vanta una significativa esperienza nel settore e un profilo internazionale, avendo ricoperto posizioni di responsabilità presso il Palais de Tokyo di Parigi e Villa Medici a Roma. Le sue competenze e la sua visione contemporanea di continua innovazione sono fondamentali per l'ulteriore sviluppo della Fondazione Bally e delle sue attività, come il Bally Artist Award. Con la nomina di Vittoria, il programma della Fondazione si concentra sull'arte contemporanea e sulla creatività attraverso mostre ed eventi che uniscono artisti emergenti e affermati. Nel prossimo futuro, il programma di residenze mirerà anche a rafforzare i legami con la regione, i giardini e la storia del sito, accogliendo artisti da tutto il mondo.

I legami con la regione e le istituzioni locali saranno sviluppati attraverso programmi specifici, a partire da una più stretta collaborazione con il MASI (Museo d'Arte della Svizzera Italiana). Sono molto orgoglioso di poter dire oggi che il Bally Artist Award è considerato un premio di rilevanza nazionale aperto a qualsiasi artista svizzero o residente. Da quest'anno, oltre alla mostra al MASI, l'opera dell'artista premiato sarà acquisita a Palazzo Reali il 3 giugno e inserita nelle collezioni permanenti del MASI, per sviluppare il sostegno della Fondazione e dare maggiore visibilità agli artisti premiati.

Infine, vorrei ringraziare i nostri collaboratori, i partner, i sostenitori della Fondazione e infine i membri del Consiglio di Amministrazione della Fondazione che hanno reso possibile questo progetto. Desidero inoltre ringraziare la Città di Lugano per la fiducia e la lungimiranza dimostrate.

Auguro a Vittoria Matarrese ogni bene e che il suo nuovo incarico sia un passo importante, una nuova sfida e uno spazio di libertà e creatività per tutti.

Bringing together more than twenty international artists, Un Lac Inconnu offers a poetic and philosophical walk between submerged and emergent landscapes, an attempt to give shape to the water that slips between the fingers and yet leaves a trace, an offer to connect with oneself and the world.

The Bally Foundation is pleased to announce the upcoming opening of its new headquarters at the Villa Heleneum in Lugano on April 20. This opening marks the beginning of a new and important phase in the development of the Foundation, which after 17 years will finally have a permanent location in an exceptional place on the shores of Lake Lugano. Since 2006, the Foundation's mission has been to promote art and culture while emphasizing important themes for Bally such as innovation, support for creativity and attention to ecological issues. Since the beginning of Bally's history, the founder has shown a committed social vision and a great willingness to work closely with artists, architects, graphic designers and creative people of all origins. Today, the Foundation continues this tradition through a diverse artistic and cultural offering that supports creativity in all its forms and, in particular, encourages young artists through a residency program and the involvement of a broad audience from the local and international community as well as cultural and academic institutions.

We have done a considerable amount of work to revitalize this place, and the preparatory phase of the project has marked important milestones for its implementation, such as the signing of the contract with the City of Lugano in November 2021, for which I would like to thank in particular the trust and shared vision, and the preview on November 11 last year, which was taken up with great enthusiasm.

Since November 2022, Vittoria Matarrese has taken over the management of the Foundation. She has significant experience in the field and an international profile, having held senior positions at the Palais de Tokyo in Paris and the Villa Medici in Rome. Her skills and contemporary vision of continuous innovation are crucial to the further development of the Bally Foundation and its activities such as the Bally Artist Award. With Vittoria's appointment, the Foundation program will focus on contemporary art and creativity through exhibitions and events that unite emerging and established artists. In the near future, the residency program will also aim to strengthen ties to the region, the gardens, and the history of the site by welcoming artists from around the world.

Links with the region and local institutions will be developed through specific programs, beginning with closer collaboration with MASI (Museum of Art of Italian Switzerland). I am very proud to say today that the Bally Artist Award is considered a nationally significant award, open to any Swiss or resident artist. Starting this year, in addition to the exhibition at MASI, the awarded artist's work will be acquired at Palazzo Reali on June 3 and taken up in the permanent collections of MASI, in order to develop the support of the Foundation and offer more visibility to the awarded artists.

Finally, I would like to thank our collaborators, partners, supporters of the Foundation and finally the members of the Board of Directors of the Foundation who made this project possible. I would also like to thank the City of Lugano for its trust and vision.

I wish Vittoria Matarrese all the best and that her new position is an important step, a new challenge and a space for freedom and creativity for all.

(Text: Nicolas Girotto, CEO von Bally, Präsident der Bally Foundation)

Canvetto Luganese | Lugano
18. April - 21. Juli 2023

Pathos
Giorgio Negro

Das Fotobuch Pathos wurde 2019 veröffentlicht und besteht aus 59 Schwarz-Weiß-Bildern, die im Laufe von fünfzehn Jahren auf meinen Wanderungen durch Lateinamerika entstanden sind. Diese Fragmente einer intimen und persönlichen Reise stellen meine Vision des lateinamerikanischen Kontinents dar, die von Kontrasten, Zweideutigkeiten und äußerst akuten Paradoxien geprägt ist.

Meine beruflichen Erfahrungen haben diese Vision zweifellos beeinflusst: Ich habe mehr als 20 Jahre lang in Kriegsgebieten gearbeitet und kannte daher die Gewalt und die menschliche Grausamkeit aus erster Hand. Ich fotografierte jedoch abseits der Orte, an denen ich arbeitete, und beobachtete fernab vom Trubel des Fotojournalismus einfach die Welt.

Durch das fotografische Objektiv nahm ich die Koexistenz von Gut und Böse, oft metaphorisch, überall und in jedem wahr, ohne moralische Wertung oder Pessimismus. Ich sah Gewalt, wo Frieden zu herrschen schien, und Poesie, wo nur Schmerz erschien.

Die Bilder im Buch Pathos wurden bei verschiedenen Wettbewerben mit dem ersten Platz ausgezeichnet: dem Milano Street Photo Festival, dem Lodi Ethical Photography Festival, dem Italy Photo Award, dem Voglino Editorial Award sowie als Finalisten für den Lens Culture Emerging Talents Award 2019 und verschiedene andere internationale Fotowettbewerbe. Sie wurden in Mailand, New York, Rio de Janeiro, Miami, Cadaqués, Rom, Triest, Ancona, Padua, Paris, Susa und Bardonecchia ausgestellt.

Le livre photographique Pathos a été publié en 2019 et se compose de 59 images en noir et blanc, prises au cours d'une quinzaine d'années lors de mes pérégrinations en Amérique latine. Ces fragments d'un voyage intime et personnel représentent ma vision du continent latino-américain, déchiré par des contrastes, des ambiguïtés et des paradoxes extrêmement aigus.

Mes expériences professionnelles ont sans doute influencé cette vision : j'ai travaillé pendant plus de 20 ans dans des zones de guerre et j'ai donc connu de près la violence et la cruauté humaine. Cependant, j'ai photographié loin des lieux où je travaillais et, loin de l'agitation du photojournalisme, j'ai simplement observé le monde.

À travers l'objectif photographique, j'ai perçu la coexistence du Bien et du Mal, souvent métaphorique, partout et en chacun, sans jugement moral ni pessimisme. J'ai vu de la violence là où il semblait y avoir de la paix et de la poésie là où il n'y avait que de la douleur.

Les images du livre Pathos ont été récompensées par la première place dans divers concours : le Milano Street Photo Festival, le Lodi Ethical Photography Festival, l'Italy Photo Award, le Voglino Editorial Award, et ont été sélectionnées comme finalistes du Lens Culture Emerging Talents Award 2019 et de divers autres concours internationaux de photographie. Elles ont été exposées à Milan, New York, Rio de Janeiro, Miami, Cadaqués, Rome, Trieste, Ancône, Padoue, Paris, Suse, Bardonecchia.

Il libro fotografico Pathos è stato pubblicato nel 2019 e consiste di 59 immagini in bianco e nero, scattate nell’arco di quindici anni nel corso del mio peregrinare attraverso l’America Latina. Questi frammenti di un viaggio intimo e personale rappresentano la mia visione del continente latinoamericano, lacerato da contrasti, ambiguità e paradossi estremamente acuti.

Le mie esperienze professionali hanno sicuramente influenzato questa visione: ho lavorato per più di vent’anni in zone di guerra e ho quindi conosciuto di prima mano la violenza e la crudeltà umana. Ho però fotografato lontano dai luoghi dove lavoravo e, lontano dagli affanni del fotogiornalismo, mi sono limitato a osservare il mondo.

Grazie all’obiettivo fotografico, ho percepito la coesistenza del Bene e del Male, spesso metaforica, ovunque e in ciascuno di noi, senza giudizi morali e senza pessimismo. Ho visto la violenza dove sembrava esserci pace e la poesia dove appariva solo dolore.

Le immagini del libro Pathos sono state premiate con il primo posto in vari concorsi: il Milano Street Photo Festival, il Festival della Fotografia Etica di Lodi, l’Italy Photo Award, il Premio Editoriale Voglino, oltre ad essere state selezionate come finaliste nel Lens Culture Emerging Talents Award 2019 e in vari altri concorsi internazionali di fotografia. Sono state esposte a Milano, New York, Rio de Janeiro, Miami, Cadaqués, Roma, Trieste, Ancona, Padova, Parigi, Susa, Bardonecchia.

The photographic book Pathos was published in 2019 and consists of 59 black-and-white images taken over fifteen years during my peregrination through Latin America. These fragments of an intimate and personal journey represent my vision of the Latin American continent, torn by contrasts, ambiguities and extremely acute paradoxes.

My professional experiences have certainly influenced this vision: I worked for more than twenty years in war zones and thus knew first-hand the violence and human cruelty. However, I photographed away from the places where I worked and, far from the drudgery of photojournalism, I simply observed the world.

Through the photographic lens, I perceived the coexistence of Good and Evil, often metaphorical, everywhere and in each of us, without moral judgment or pessimism. I saw violence where there seemed to be peace and poetry where only pain appeared.

The images in the book Pathos have been awarded first place in various competitions: the Milano Street Photo Festival, the Lodi Ethical Photography Festival, the Italy Photo Award, the Voglino Editorial Award, as well as being selected as finalists in the Lens Culture Emerging Talents Award 2019 and various other international photography competitions. They have been exhibited in Milan, New York, Rio de Janeiro, Miami, Cadaqués, Rome, Trieste, Ancona, Padua, Paris, Susa, Bardonecchia.

(Text: Canvetto Luganese, Lugano)

Sala Viaggiatori | Castasegna
9. April - 27. August 2023

Castasegna unter Strom
Mario Comensoli, Gabriela Gerber & Lukas Bardill, Roman Signer

Bei CASTASEGNA UNTER STROM bilden die Kraftwerkanlage und die Wohnsiedlung der EWZ (Architekt Bruno Giacometti, 1907–2012) in Castasegna die Ausgangslage der Exposition.

Ein weiteres Augenmerk der Ausstellung wird auf den Künstler Mario Comensoli (1922–1993) und seine Gemälde La descente de la montagne von 1963–1964 in der Kraftwerkzentrale in Castasegna und La force de l’union von 1962–1963 in der Kraftwerkzentrale in Löbbia gerichtet. Thematisiert werden auch Zusammenhänge zu Arte Bregaglia 2008, Video Arte Palazzo Castelmur 2013, Arte Albigna 2017 und Arte Castasegna 2018. Auch der Postkarte wird – wie auch in zukünftigen Ausstellungen – nochmals Platz eingeräumt. Ergänzt wird die Exposition mit Künstler:innenpositionen wie Gabriela Gerber & Lukas Bardill (Video) und Roman Signer (Fotografie/Video).

Dans CASTASEGNA SOUS TENSION, la centrale électrique et le lotissement de l'EWZ (architecte Bruno Giacometti, 1907-2012) à Castasegna constituent le point de départ de l'exposition.

L'exposition s'intéresse également à l'artiste Mario Comensoli (1922-1993) et à ses tableaux La descente de la montagne de 1963-1964 dans la centrale électrique de Castasegna et La force de l'union de 1962-1963 dans la centrale électrique de Löbbia. Les liens avec Arte Bregaglia 2008, Video Arte Palazzo Castelmur 2013, Arte Albigna 2017 et Arte Castasegna 2018 seront également thématisés. Une place sera également à nouveau accordée à la carte postale, comme dans les expositions futures. L'exposition est complétée par des positions d'artistes comme Gabriela Gerber & Lukas Bardill (vidéo) et Roman Signer (photographie/vidéo).

Nel progetto CASTASEGNA SOTTO TENSIONE la centrale elettrica e l’insediamento residenziale delle EWZ (arch. Bruno Giacometti, 1907–2012) a Castasegna costituiranno il punto di partenza dell’esposizione.

La mostra dedicherà attenzione anche all’artista Mario Comensoli (1922–1993) e ai suoi dipinti La descente de la montagne (1963–1964, nella centrale idroelettrica di Castasegna e La force de l’union, 1962–1963, nella centrale idroelettrica di Löbbia. Saranno pure tematizzate le correlazioni con Arte Bregaglia 2008, Video Arte Palazzo Castelmur 2013, Arte Albigna 2017 e Arte Castasegna 2018. Inoltre, in questa esposizione come pure nelle mostre future, sarà dato nuovamente spazio alla cartolina. La mostra sarà integrata da opere di artiste e artisti quali Gabriela Gerber & Lukas Bardill (video), Roman Signer (fotografia/video).

In CASTASEGNA UNDER CURRENT, the power plant and the EWZ housing estate (architect Bruno Giacometti, 1907-2012) in Castasegna form the starting point of the exposition.

The exhibition will also focus on the artist Mario Comensoli (1922-1993) and his paintings La descente de la montagne from 1963-1964 at the power plant headquarters in Castasegna and La force de l'union from 1962-1963 at the power plant headquarters in Löbbia. Also thematized are connections to Arte Bregaglia 2008, Video Arte Palazzo Castelmur 2013, Arte Albigna 2017 and Arte Castasegna 2018. Space will also be given once again to the postcard - as in future exhibitions. The exposition is complemented with artist:inside positions such as Gabriela Gerber & Lukas Bardill (video) and Roman Signer (photography/video).

(Text: Sala Viaggiatori, Castasegna)

CONSARC/GALLERIA | Chiasso
5. März - 12. Mai 2023

PICTURES
Annelies Štrba

In der CONSARC/GALLERIA in Chiasso werden im Frühjahr 2023 rund 20 Werke der bekannten Schweizer Multimedia-Künstlerin Annelies Štrba gezeigt.

Geboren 1947 in Zug (CH), lebt und arbeitet Annelies Štrba zwischen Richterswil und Arcegno.

Sie begann ihre künstlerische Arbeit 1990 und nahm an Gruppenausstellungen mit anderen Künstlern teil, die sich mit den Themen Familie, Gesellschaft und Alltag befassen, wie Nan Goldin, Shirin Neshat, Pipilotti Rist und Wolfgang Tillmans. Die Künstlerin nutzt Fotografie und digitale Medien, um Bilder zu produzieren, die sie dann nicht nur am Computer, sondern auch mit manuellen Eingriffen manipuliert.

Seine traumhaften, malerischen Bilder zeigen vor allem seine Kinder (und später seine Enkelkinder), die in einer farbenfrohen, schützenden häuslichen Umgebung schlafen, träumen und spielen, als ob sie die flüchtigen Tage der Kindheit festhalten wollten. Ihre Figuren erinnern an Geister und entmaterialisierte Gestalten, die in Dekorationen eingebettet sind, die an die romantischen Atmosphären der Brontë-Bücher erinnern.

Für Annelies Štrba ist das Familienleben eng mit ihrer künstlerischen Forschung verbunden, und die Kamera war schon immer ein fester Bestandteil ihres täglichen Lebens.

Ihre Werke wurden im Museum Rietberg und im Landesmuseum in Zürich, im Kunsthaus in Zug und im Gemeente Museum in Den Haag ausgestellt und befinden sich in den Sammlungen internationaler Museen wie dem Centre Pompidou in Paris, der Hamburger Kunsthalle und dem Kunsthaus in Zürich.

Die Einzelausstellung in der CONSARC/GALLERIA findet zeitgleich mit einer großen Retrospektive statt, die die Fotostiftung in Winterthur dem Schweizer Fotografen vom 25.02. bis 13.08.2023 widmet.

Unter dem Titel Bunt entfaltet sich mein Anderssein, der ein Gedicht von Emmy Henning zitiert, zeigt die Fotostiftung erstmals Werke der Künstlerin aus ihrer Sammlung. Es handelt sich um Werke aus dem Zyklus "Shades of Time", der zwischen 1974 und 1997 entstanden ist und in dem die ersten Schwarz-Weiß-Fotografien die Farbfotos der familiären Intimität vorwegnehmen, sowie um Panoramen und Blumen, die während einiger Reisen aufgenommen wurden. Ein zweiter Teil der Ausstellung konzentriert sich auf das jüngste, seinen Enkeln gewidmete Werk mit dem Titel NOONDAY.

Die Galerie in Chiasso bietet auch eine Sammlung der wichtigsten Bücher von Annelies Štrba an, die immer sehr sorgfältig verpackt und gedruckt werden und von denen einige heute nicht mehr erhältlich und vergriffen sind.

Auch die jüngste Publikation, die Lars Müller anlässlich der Retrospektive in Winterthur herausgegeben hat, mit Texten von Teresa Gruber, Peter Pfrunder und Guido Magnaguagno wird erhältlich sein.

Au CONSARC/GALLERIA de Chiasso, l'exposition du début du printemps 2023 présente une vingtaine d'œuvres de l'éminente artiste multimédia suisse Annelies Štrba.

Née en 1947 à Zoug (CH), Annelies Štrba vit et travaille entre Richterswil et Arcegno.

Elle a commencé son travail artistique en 1990, en participant à des expositions collectives avec d'autres artistes liés aux thèmes de la famille, de la société et de la vie quotidienne, comme Nan Goldin, Shirin Neshat, Pipilotti Rist et Wolfgang Tillmans. L'artiste utilise la photographie et les médias numériques pour produire des images qu'elle manipule ensuite non seulement sur l'ordinateur mais aussi avec des interventions manuelles.

Ses images oniriques et picturales représentent principalement ses enfants (et plus tard ses petits-enfants) dormant, rêvant et jouant dans un environnement domestique coloré et protecteur, comme pour fixer les jours fugaces de l'enfance. Ses personnages évoquent des fantômes et des figures dématérialisées immergées dans des décors rappelant les atmosphères romantiques des livres de Brontë.

Pour Annelies Štrba, la vie familiale est étroitement liée à sa recherche artistique et l'appareil photo a toujours fait partie intégrante de son quotidien.

Ses œuvres ont été exposées au Musée Rietberg et au Landesmuseum de Zurich, au Kunsthaus de Zug, au Gemeente Museum de La Haye et font partie des collections de musées internationaux tels que le Centre Pompidou à Paris, la Hamburger Kunsthalle et le Kunsthaus de Zurich.

L'exposition personnelle au CONSARC/GALLERIA a lieu en même temps qu'une grande rétrospective que la Fotostiftung de Winterthur consacre au photographe suisse du 25.02. au 13.08.2023.

Sous le titre Bunt entfaltet sich mein Anderssein, qui cite un poème d'Emmy Henning, la Fondation suisse pour la photographie expose pour la première fois des œuvres de l'artiste issues de sa collection. Des œuvres appartenant au cycle Shades of Time, réalisées entre 1974 et 1997, où les premières toiles photographiques en noir et blanc anticipent les photos en couleur de l'intimité familiale, ainsi que des panoramas et des fleurs pris lors de certains voyages. Une deuxième partie de l'exposition se concentre sur l'œuvre la plus récente consacrée à ses petits-enfants, intitulée NOONDAY.

La Galerie de Chiasso propose également une collection des livres les plus significatifs de l'œuvre d'Annelies Štrba, des publications toujours très soigneusement emballées et imprimées, dont certaines sont désormais introuvables et épuisées.

La dernière publication éditée par Lars Müller pour la rétrospective de Winterthur avec des textes de Teresa Gruber, Peter Pfrunder et Guido Magnaguagno sera également disponible.

Alla CONSARC/GALLERIA di Chiasso la mostra di inizio primavera 2023 ospita una ventina di lavori dell’importante artista svizzera multimediale Annelies Štrba.

Nata nel 1947 a Zugo (CH), Annelies Štrba vive e lavora tra Richterswil e Arcegno.

Inizia il suo lavoro artistico nel 1990 partecipando a mostre collettive con altri autori legati ai temi della famiglia, della società e della vita quotidiana come Nan Goldin, Shirin Neshat, Pipilotti Rist e Wolfgang Tillmans. L’artista si serve della fotografia e dei media digitali per produrre immagini che poi manipola non solo al computer ma anche con interventi manuali.

Nelle sue immagini oniriche e pittoriche sono ritratti soprattutto i suoi figli (e in seguito i suoi nipoti) che dormono, sognano e giocano all’interno di un colorato e protettivo ambiente domestico quasi a voler fissare i giorni fugaci dell’infanzia. I suoi personaggi evocano fantasmi e figure smaterializzate immerse in decori che ricordano le atmosfere romantiche dei libri delle Brontë.

La vita famigliare è per Annelies Štrba strettamente legata alla sua ricerca artistica e l’apparecchio fotografico è da sempre parte integrante del suo quotidiano.

Le sue opere sono state esposte al Museum Rietberg e al Landesmuseum di Zurigo, al Kunsthaus di Zugo, al Gemeente Museum all’Aia e sono presenti nelle collezioni di musei internazionali come il Centre Pompidou di Parigi, l’Hamburger Kunsthalle e il Kunsthaus di Zurigo.

La mostra personale in CONSARC/GALLERIA si svolge in contemporanea con un’importante retrospettiva che la Fotostiftung di Winterthur dedica alla fotografa svizzera dal 25.02. al 13.08.2023.

Con il titolo Bunt entfaltet sich mein Anderssein, che cita una poesia di Emmy Henning, la Fondazione Svizzera per la Fotografia espone per la prima volta le opere dell’artista presenti nella sua collezione. Opere facenti parte del ciclo Shades of Time, realizzate tra il 1974 e il 1997, dove le prime tele fotografiche in bianco e nero anticipano le foto a colori di intimità familiare, oltre a panorami e fiori ripresi durante alcuni viaggi. Una seconda parte della mostra è invece concentrata sul lavoro più recente dedicato ai nipoti dal titolo NOONDAY.

La Galleria chiassese propone anche una raccolta dei libri più significativi dei lavori di Annelies Štrba, pubblicazioni sempre molto curate nella confezione e nella stampa, alcune delle quali ormai introvabili ed esaurite.

Sarà disponibile anche l’ultima pubblicazione edita da Lars Müller per la retrospettiva di Winterthur con i testi di Teresa Gruber, Peter Pfrunder e Guido Magnaguagno.

At the CONSARC/GALLERIA in Chiasso, the early spring 2023 exhibition features some 20 works by prominent Swiss multimedia artist Annelies Štrba.

Born in 1947 in Zug (CH), Annelies Štrba lives and works between Richterswil and Arcegno.

She began her artistic work in 1990 by participating in group exhibitions with other authors related to the themes of family, society and everyday life such as Nan Goldin, Shirin Neshat, Pipilotti Rist and Wolfgang Tillmans. The artist uses photography and digital media to produce images that she then manipulates not only on the computer but also with manual interventions.

His dreamlike, painterly images depict mostly his children (and later his grandchildren) sleeping, dreaming and playing within a colorful, protective domestic environment as if to fix the fleeting days of childhood. Her characters evoke ghosts and dematerialized figures immersed in décor reminiscent of the romantic atmospheres of the Brontës' books.

Family life is for Annelies Štrba closely linked to her artistic pursuit, and the camera has always been an integral part of her daily life.

Her works have been exhibited at Museum Rietberg and Landesmuseum Zurich, Kunsthaus Zug, Gemeente Museum in The Hague and are in the collections of international museums such as Centre Pompidou in Paris, Hamburger Kunsthalle and Kunsthaus Zurich.

The solo exhibition in CONSARC/GALLERY runs concurrently with a major retrospective that the Fotostiftung Winterthur is dedicating to the Swiss photographer from Feb. 25 to Aug. 13, 2023.

Under the title Bunt entfaltet sich mein Anderssein, which quotes a poem by Emmy Henning, the Swiss Foundation for Photography is exhibiting the artist's works in its collection for the first time. Works that are part of the Shades of Time cycle, made between 1974 and 1997, where early black-and-white photographic canvases anticipate color photos of family intimacy, as well as panoramas and flowers taken during some travels. A second part of the exhibition, however, focuses on the most recent work dedicated to his grandchildren entitled NOONDAY.

The Chiasso Gallery also offers a collection of the most significant books of Annelies Štrba's work, publications that are always very carefully packaged and printed, some of which are now unobtainable and out of print.

Also available will be the latest publication edited by Lars Müller for the Winterthur retrospective with texts by Teresa Gruber, Peter Pfrunder and Guido Magnaguagno.

(Text: CONSARC/GALLERIA, Chiasso)

Galerie Luciano Fasciati | Chur
4. März - 1. April 2023

Melancholia
huber.huber

Die Zwillingsbrüder Markus und Reto Huber (*1975, Münsterlingen) arbeiten seit dem Abschluss ihrer Ausbildung an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) im Jahr 2005 als huber.huber zusammen. Mit ihren Collagen, Zeichnungen, Fotografien, skulpturalen Arbeiten und Installationen haben sich huber.huber in der Schweizer Kunstszene einen Namen gemacht und ein grosses Renommee erlangt. Ihr Schaffen zeichnet sich nicht nur durch eine Vielschichtigkeit und Konzeptionalität aus, sondern überzeugt auch mit einer Spur Ironie und Skurrilität. Trotz aller poetischen Leichtigkeit lauert in ihren Arbeiten stets eine latente Bedrohung. Eines der zentralsten Themen ihrer künstlerischen Auseinandersetzungen stellt das wechselhafte Verhältnis von Natur und Kultur dar.

huber.huber sind Träger diverser Preise und Stipendien. Ihre Werke wurden in zahlreichen Gruppen- und Einzelausstellungen sowohl im In- als auch im Ausland gezeigt und sind im Kunsthaus Zürich, im Aargauer Kunsthaus, im Museum zu Allerheiligen Schaffhausen und in anderen wichtigen Sammlungen vertreten. Das Künstlerduo lebt und arbeitet in Zürich.

Les frères jumeaux Markus et Reto Huber (*1975, Münsterlingen) travaillent ensemble sous le nom de huber.huber depuis la fin de leur formation à la Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) en 2005. Avec leurs collages, dessins, photographies, travaux de sculpture et installations, huber.huber se sont fait un nom sur la scène artistique suisse et ont acquis une grande renommée. Leur travail ne se distingue pas seulement par sa complexité et sa conceptualité, il convainc également par une pointe d'ironie et de bizarrerie. Malgré toute la légèreté poétique, une menace latente plane toujours dans ses travaux. L'un des thèmes les plus centraux de leurs confrontations artistiques transmet la relation changeante entre la nature et la culture.

huber.huber ont reçu divers prix et bourses. Leurs œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions collectives et individuelles, tant en Suisse qu'à l'étranger, et sont représentées au Kunsthaus de Zurich, à l'Aargauer Kunsthaus, au Museum zu Allerheiligen de Schaffhouse et dans d'autres collections importantes. Le duo d'artistes vit et travaille à Zurich.

I fratelli gemelli Markus e Reto Huber (*1975, Münsterlingen) lavorano insieme come huber.huber da quando si sono laureati all'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK) nel 2005. Con i loro collage, disegni, fotografie, opere scultoree e installazioni, huber.huber si sono fatti un nome nella scena artistica svizzera e si sono guadagnati una grande reputazione. Il loro lavoro non è solo caratterizzato da complessità e concettualità, ma convince anche per un pizzico di ironia e stravaganza. Nonostante la leggerezza poetica, una minaccia latente è sempre in agguato nelle sue opere. Uno dei temi centrali delle loro esplorazioni artistiche è il rapporto mutevole tra natura e cultura.

huber.huber hanno ricevuto diversi premi e borse di studio. Le loro opere sono state esposte in numerose mostre collettive e personali sia in Svizzera che all'estero e sono rappresentate alla Kunsthaus Zürich, alla Aargauer Kunsthaus, al Museum zu Allerheiligen Schaffhausen e in altre importanti collezioni. Il duo di artisti vive e lavora a Zurigo.

The twin brothers Markus and Reto Huber (*1975, Münsterlingen) have been working together as huber.huber since graduating from the Zurich University of the Arts (ZHdK) in 2005. With their collages, drawings, photographs, sculptural works and installations, huber.huber have made a name for themselves in the Swiss art scene and gained a great reputation. Their work is not only characterized by a complexity and conceptuality, but also convinces with a trace of irony and whimsicality. Despite all poetic lightness, a latent threat always lurks in her works. One of the most central themes of their artistic explorations is the changing relationship between nature and culture.

huber.huber are recipients of various prizes and scholarships. Their works have been shown in numerous group and solo exhibitions both in Switzerland and abroad and are represented in the Kunsthaus Zürich, the Aargauer Kunsthaus, the Museum zu Allerheiligen Schaffhausen and other important collections. The artist duo lives and works in Zurich.

(Text: Galerie Luciano Fasciati, Chur)

MASI LAC | Lugano
12. Februar - 2. Juli 2023

Unseen Colour
Werner Bischof

Kuratiert von Ludovica Introini und Francesca Bernasconi in Zusammenarbeit mit Marco Bischof

Die Ausstellungssaison 2023 wird mit einer Ausstellung von bisher unveröffentlichten Werken von Werner Bischof (Zürich, 1916 - Trujillo, Peru, 1954) eröffnet.

Anhand von rund 100 digitalen Farbabzügen von Originalnegativen die von 1939 bis Mitte der 1950er-Jahre entstanden sind, wird das farbige Werk des Schweizer Fotografen, der als einer der grossen Meister der Reportage und Fotografie des 20. Jahrhunderts gilt, erstmals umfassend erschlossen.

Die Ausstellung ist als freie Reise durch die von Bischof besuchten und erlebten Welten gedacht und umfasst die gesamte Spanne seines Schaffens. Sie zeigt Farbfotografien, die mit einer Rolleiflex-Kamera mit ihren charakteristischen quadratischen Negativen bzw. mit einer Leica mit ihren klassischen 35-mm-Rollenfilmen aufgenommen wurden. Die Farbexplosion ist besonders auffällig bei einer Gruppe von Werken, die mit einer Devin Tri-Colour Kamera aufgenommen wurden, die eine Farbwiedergabe von höchster Qualität und Schärfe garantiert. Die Bilder, die Bischof mit dieser Kamera gemacht hat, werden hier zum ersten Mal der Öffentlichkeit präsentiert. Die ausgestellten Sujets sind bezeichnend für das Werk Bischofs, dem es in seinen Fotografien aus allen Teilen der Welt gelingt, Ästhetik und Emotion auf unvergleichliche Weise zu vereinen.

Ein Projekt von MASI Lugano und Werner Bischof Estate in Zusammenarbeit mit der Fotostiftung Schweiz, Winterthur.

Commissariat : Ludovica Introini et Francesca Bernasconi avec Marco Bischof

La saison d’exposition 2023 débute par une exposition d’œuvres inédites de Werner Bischof (Zurich, 1916 - Trujillo, Pérou, 1954).

Les œuvres du photographe suisse, considéré comme l’un des grands maîtres du reportage et de la photographie du XXe siècle, sont explorées pour la première fois de manière exhaustive grâce à une centaine de tirages numériques en couleur issus de négatifs originaux des années 1939 et 1950.

L’exposition est conçue comme un voyage libre à travers les mondes que Bischof a visités et expérimentés, et couvre l’ensemble de sa carrière. Elle présente une alternance d’images en couleur obtenues à l’aide d’un appareil photographique Rolleiflex, avec ses négatifs carrés caractéristiques, et d’un Leica, avec ses rouleaux de film classiques de 35 mm. L’explosion des couleurs est particulièrement perceptible dans un groupe d’œuvres prises avec la caméra Devin Tri-Colour, qui garantit un rendu des couleurs de la plus haute qualité et définition. Les images prises par Bischof avec cet appareil sont présentées au public pour la première fois. Les sujets exposés sont ceux bien connus de l’artiste qui, dans des photographies prises aux quatre coins du monde, parvient toujours, comme peu d’autres, à combiner esthétique et émotion dans des compositions parfaites.

Un projet de MASI Lugano et Werner Bischof Estate en collaboration avec la Fotostiftung Schweiz, Winterthur.

A cura di Ludovica Introini e Francesca Bernasconi con Marco Bischof

La stagione espositiva 2023 si apre con una mostra di opere inedite di Werner Bischof (Zurigo, 1916 – Trujillo, Perù, 1954).

Attraverso circa 100 stampe digitali a colori dal 1939 agli anni ’50 vengono esplorate per la prima volta in modo completo le opere a colori del fotografo svizzero, considerato uno dei grandi maestri del reportage e della fotografia del Novecento.

L’esposizione si propone come un libero viaggio attraverso i mondi visitati e vissuti da Bischof e copre tutto l’arco della sua carriera. Il percorso presenta un’alternanza di immagini a colori ottenute dall’utilizzo di una macchina fotografica Rolleiflex, dai particolari negativi quadrati, e di una Leica, dai classici rullini da 35 mm. L’esplosione del colore si apprezza soprattutto in un gruppo di opere scattate con la Devin Tri-Color Camera, che garantiva una resa cromatica di altissima qualità e definizione. Le immagini scattate da Bischof con questa macchina sono presentate al pubblico per la prima volta. I soggetti in mostra sono quelli noti dell’artista, che, in scatti fotografici realizzati dai quattro angoli del mondo, riesce sempre a combinare come pochi altri estetica ed emozione in composizioni perfette.

Un progetto di MASI Lugano e Werner Bischof Estate in collaborazione con Fotostiftung Schweiz, Winterthur.

Curated by Ludovica Introini and Francesca Bernasconi with Marco Bischof

The 2023 exhibition season opens with a show of previously unseen works by Werner Bischof (Zurich, 1916 – Trujillo, Peru, 1954).

It presents around 100 colour digital prints from original negatives from 1939 to the1950s: a chance to explore all of the Swiss photographer’s colour images for the very first time. Bischof is held to be one of the great masters of reportage and photography of the twentieth century.

The exhibition is a tour of the worlds he visited and lived in, and covers the entire span of his career. It alternates between colour photos taken using a Rolleiflex, with its characteristic square negatives, and a Leica, with classic 35 mm film. The impact of colour can be appreciated above all in a group of works taken with a Devin Tri-Color Camera, which delivered exceptionally high quality colour and definition. This will be the first opportunity for the public to see the images Bischof took with this camera. The images featured showcase what he was renowned for: flawlessly composed shots, taken all over the world, that masterfully combine the aesthetic element with and the emotional aspect.

A project by MASI Lugano and Werner Bischof Estate in collaboration with Fotostiftung Schweiz, Winterthur.

(Text: MASI, Lugano)