La Rampa | Silvaplana
23. Februar – 23. März 2024

"LIGHTS UP"
Gian Paolo Barbieri, Michel Haddi

Die Galerie ARTS IN PROGRESS präsentiert die Ausstellung "LIGHTS UP" - Werke von Gian Paolo Barbieri und Michel Haddi im neuen, ausschliesslich der Kunst gewidmeten Ausstellungsraum "LA RAMPA" in der Galerie Sonne in Silvaplana, in Zusammenarbeit mit Nomad St. Moritz.

La Rampa wird ein Raum sein, der ausschliesslich der Kunst gewidmet ist, mit besonderen architektonischen Merkmalen, die durch signifikante gestalterische Eingriffe des Architekten Alexander Bellman vom Studio Gruppo C14, der auch für die Lichtgestaltung verantwortlich zeichnet, aufgewertet werden.

"Die Idee eines unerwarteten Ausstellungsweges, der durch das Licht im Inneren eines gigantischen Betonblocks ausgehöhlt wird, in dem es möglich sein wird, das Gefühl der Entfernung und die Dimension der Zeit zu verlieren, um sich auf die Werke zu konzentrieren". (Alexander Bellman, Atelier Gruppo C14)

"Der Entscheid, diesen Raum zu eröffnen, entspringt dem Wunsch, immer wieder neue Inspirationsquellen für unseren Beitrag zur Verbreitung und Weitergabe von Kunst und Schönheit zu finden. Das Engadin ist an sich schon eine lebendige Quelle der Anregung, und der gewählte Ort in Silvaplana ist ebenso stimmungsvoll." (Diana Ricotti, Galerie Sonne)

"Mit dieser Eröffnungsveranstaltung wollen wir 'La Rampa' als einen Raum für die Kunst qualifizieren, einen lebendigen, vitalen Raum, in dem wir den Ausdruck der Veränderungen und Transformationen verbreiten können, die in diesem grundlegenden Segment der Kultur, der Kunst, stattfinden, das wie nie zuvor zwischen Tradition und Innovation steht. Mit der Fotografie als einer sich außerordentlich entwickelnden zeitgenössischen Kunstform, in der unsere Galerie mehr als ein Jahrzehnt Erfahrung hat." (Eugenio Calini, 29 Arts In Progress).

Die Fotografien von Gian Paolo Barbieri bieten einen nie zuvor gesehenen Einblick in die Produktion des Künstlers, der 2018 mit dem Lucie Award als bester internationaler Modefotograf (Outstanding Achievement in Fashion) ausgezeichnet wurde. Die Ausstellung bietet dem Publikum innovative Bilder in Bezug auf Einstellungen und Styling, das Ergebnis der unverwechselbaren Genialität des Künstlers: eine Fotografie, die ironisch und gleichzeitig kultiviert, recherchiert und provokativ zugleich ist, reich an Verweisen auf die Geschichte der Kunst, eklektische Outdoor-Sets. International bekannt für seine Schwarz-Weiß-Aufnahmen, deren Protagonistinnen in ihrer raffinierten Strenge fast unerreichbar erscheinen, erzählt Barbieri in Farbe seine persönliche und ironische Interpretation von Mode und weiblicher Schönheit: Die Frauen auf den ausgestellten Bildern befreien sich für den Anlass von den kanonischen Posen der Modefotografie und werden zu Sprecherinnen einer neuen, unkonventionellen Eleganz, die ihre lässige und sinnliche Seite offenbart.

Die Ausstellung wird mit einigen der repräsentativsten Bilder des französisch-algerischen Fotografen Michel Haddi fortgesetzt, der auf eine mehr als 40-jährige Karriere zurückblicken kann, die Teil eines endlosen Archivs berühmter Gesichter, Topmodels, Ikonen und Legenden der Musik und Kunst ist. Von Liza Minnelli bis David Bowie, von Cameron Diaz bis Jennifer Lopez und Angelina Jolie, vorbei an unerwarteten Kate Moss und Uma Thurman. Ein intimer, persönlicher, unkonventioneller Blick, wie fast seine gesamte Karriere, weit entfernt von dem des klassischen Modefotografen: Nachdem er eine turbulente Kindheit mit dem Traum, Fotograf zu werden, überlebt hatte, widmete Haddi sein Leben der Darstellung einiger der Protagonisten der historischen und kulturellen Veränderungen des letzten Jahrhunderts mit einer seltenen Fähigkeit, das tiefste Wesen seiner Subjekte zu erfassen und dann wiederzugeben. Haddi, dessen wörtliche Übersetzung aus dem Semitischen "derjenige, der sieht" lautet, ist es gelungen, das wahre Wesen derjenigen zu erkennen, die für ihn hinter der Linse posieren - Schauspieler, Models oder gewöhnliche Menschen - und ein Bild zu schaffen, das manchmal ironisch, manchmal tiefgründig ist: Alle seine Fotografien haben eine Geschichte zu erzählen, weil sie authentische Bilder sind, die mit den häufigsten menschlichen Emotionen spielen und gerade deshalb unauslöschlich werden.

La galerie ARTS IN PROGRESS présente l'exposition "LIGHTS UP" - Works by Gian Paolo Barbieri and Michel Haddi, dans le nouvel espace d'exposition exclusivement dédié à l'art "LA RAMPA" à l'intérieur de la Sonne Gallery à Silvaplana, en collaboration avec Nomad St. Moritz.

La Rampa sera un espace exclusivement dédié à l'art, avec des caractéristiques architecturales particulières, enrichies par des interventions significatives de l'architecte Alexander Bellman du studio Gruppo C14, qui a supervisé la conception de l'éclairage.

"L'idée d'un parcours d'exposition inattendu, creusé par la lumière à l'intérieur d'un gigantesque bloc de béton, dans lequel il sera possible de perdre le sens de la distance et la dimension du temps pour se concentrer sur les œuvres". (Alexander Bellman, studio Gruppo C14)

"La décision d'ouvrir cet espace découle du désir de trouver toujours de nouvelles sources d'inspiration pour notre contribution à la diffusion et à la circulation de l'art et de la beauté. L'Engadine est en soi une source vivante de stimuli, et l'emplacement choisi à Silvaplana est tout aussi évocateur". (Diana Ricotti, Galerie Sonne)

"Avec cet événement d'ouverture, nous voulons qualifier 'La Rampa' comme un espace pour l'Art, un espace vivant, vital, où nous pouvons diffuser l'expression des changements et des transformations qui ont lieu dans ce segment fondamental de la culture, l'art, qui n'a jamais été aussi bien placé entre la tradition et l'innovation. Avec la photographie, comme forme d'art contemporain extraordinairement évolutive, dans laquelle notre galerie a plus d'une décennie d'expérience". (Eugenio Calini, 29 Arts In Progress).

Les photographies de Gian Paolo Barbieri offrent un regard inédit sur la production de l'artiste lauréat en 2018 du Lucie Award en tant que meilleur photographe de mode international (Outstanding Achievement in Fashion). L'exposition propose au public des images innovantes en termes de décors et de stylisme, fruit de l'ingéniosité incomparable de l'Artiste : une photographie à la fois ironique et cultivée, recherchée et provocante, riche en références à l'histoire de l'art, des décors extérieurs éclectiques. Internationalement connu pour ses clichés en noir et blanc, dont les protagonistes semblent presque inaccessibles dans leur sévérité raffinée, Barbieri raconte, à travers la couleur, son interprétation personnelle et ironique de la mode et de la beauté féminine : les femmes des images exposées se libèrent pour l'occasion des poses les plus canoniques de la photographie de mode, pour devenir les porte-parole d'une nouvelle élégance non conventionnelle qui révèle leur côté plus décontracté et sensuel.

L'exposition se poursuit avec quelques-unes des images les plus représentatives du photographe franco-algérien Michel Haddi, dont la carrière s'étend sur plus de 40 ans et qui fait partie d'une archive inépuisable de visages célèbres, de top-modèles, d'icônes et de légendes de la musique et de l'art. De Liza Minnelli à David Bowie, de Cameron Diaz à Jennifer Lopez et Angelina Jolie, en passant par les inattendues Kate Moss et Uma Thurman. Un regard intime, personnel, non conventionnel, comme presque toute sa carrière, loin de celui du photographe de mode classique : ayant survécu à une enfance turbulente avec le rêve de devenir photographe, Haddi a consacré sa vie à faire le portrait de certains des protagonistes des changements historiques et culturels du siècle dernier avec une rare capacité à capturer, puis à revenir à, l'essence la plus profonde de ses sujets. Haddi, dont la traduction littérale de la langue sémitique est "celui qui voit", a réussi la tâche ardue de voir la vraie nature de ceux qui posent pour lui derrière l'objectif - acteurs, mannequins ou personnes ordinaires - et de créer une image tantôt ironique, tantôt profonde : toutes ses photographies ont une histoire à raconter parce qu'elles sont des images authentiques, qui jouent avec les émotions humaines les plus communes et qui deviennent indélébiles précisément pour cette raison.

ARTS IN PROGRESS gallery presenta la mostra dal titolo «LIGHTS UP» - Opere di Gian Paolo Barbieri e Michel Haddi, presso il nuovo spazio espositivo esclusivamente dedicato all’arte «LA RAMPA» all’interno della Sonne Gallery a Silvaplana, in concomitanza con Nomad St. Moritz.

La Rampa sarà uno spazio esclusivamente dedicato all’arte, con caratteristiche architettoniche particolari, valorizzate da significativi interventi di progettazione, a firma dell’architetto Alexander Bellman dello studio Gruppo C14 che ha curato il progetto di allestimento luce.

“L’idea di un percorso espositivo inaspettato, scavato dalla luce all’interno di un gigantesco blocco in cemento armato, in cui sarà possibile perdere il senso della distanza e la dimensione del tempo per concentrarsi sulle opere.” (Alexander Bellman, studio Gruppo C14)

“La scelta di aprire questo spazio nasce dal desiderio di trovare sempre nuove fonti di ispirazione per il nostro contributo alla diffusione e alla circolazione dell’arte e del bello. L’Engadina è in sé una fonte vivissima di sollecitazioni e altrettanto evocativo vuole essere questo luogo prescelto a Silvaplana.” (Diana Ricotti, Sonne Gallery)

“Vogliamo qualificare, con questo evento di apertura, ‘La Rampa’ come spazio dell’Arte, uno spazio vivo, vitalissimo, dove diffondere l’espressione dei cambiamenti e delle trasformazioni in corso in questo segmento fondamentale della cultura, l’arte, come mai prima in bilico tra tradizione e innovazione. Con la fotografia, quale forma di arte contemporanea in straordinaria evoluzione, nella quale la nostra galleria ha un’esperienza ultradecennale.” (Eugenio Calini, 29 Arts In Progress).

Le fotografie di Gian Paolo Barbieri regalano uno sguardo inedito alla produzione dell’Artista vincitore nel 2018 del premio Lucie Award come Miglior Fotografo di Moda Internazionale (Outstanding Achievement in Fashion). Il percorso espositivo propone al pubblico immagini innovative in termini di ambientazioni e styling, frutto dell’inconfondibile ingegno dell’Artista: una fotografia ironica e allo stesso tempo colta, ricercata e provocatoria insieme, ricca di rimandi alla storia dell’arte, di eclettici set outdoor. Internazionalmente conosciuto per i suoi scatti in bianco e nero, le cui protagoniste appaiono quasi inarrivabili nella loro raffinata severità, Barbieri racconta, tramite il colore, la sua personale e ironica interpretazione della moda e della bellezza femminile: le donne delle immagini in mostra si liberano per l’occasione delle pose più canoniche della fotografia di moda, per farsi portavoce di una nuova eleganza non convenzionale che ne rivela il lato più disinvolto e sensuale.

La mostra continua con alcune delle immagini più rappresentative del fotografo franco-algerino Michel Haddi con una carriera lunga più̀ di 40 anni, parte di un archivio sterminato di volti celebri, top model, icone e leggende della musica e dell’arte. Da Liza Minnelli a David Bowie, da Cameron Diaz a Jennifer Lopez e Angelina Jolie, passando per inaspettate Kate Moss e Uma Thurman. Uno sguardo intimo, personale, anticonvenzionale come quasi tutta la sua carriera, ben lontana da quella del classico fotografo di moda: sopravvissuto ad un’infanzia turbolenta con il sogno di diventare fotografo, Haddi dedicherà̀ la sua vita a raccontare alcuni dei protagonisti dei cambiamenti storici e culturali dell’ultimo secolo con una rara abilità nel saper cogliere, e poi restituire, l’essenza più̀ profonda dei suoi soggetti. Haddi, la cui traduzione letterale dalla lingua semitica è «colui che vede», è riuscito nell’ardua impresa di vedere, appunto, la vera natura di chi posava per lui dietro l’obiettivo – attori, modelle o persone comuni – e a realizzarne un’immagine ora ironica, ora profonda: tutte le sue fotografie hanno una storia da raccontare perché́ sono immagini autentiche, che giocano con le più̀ comuni emozioni umane e diventano, proprio per questo, indelebili.

29 ARTS IN PROGRESS gallery is pleased to announce the exhibition entitled «LIGHTS UP» - Photographs by Gian Paolo Barbieri and Michel Haddi, at the new exhibition space "LA RAMPA” located in the exclusive and intimate art & design mall «Gallaria Sonne» in Silvaplana, in concomitance with Nomad St. Moritz.

La Rampa is set to be a space dedicated entirely to art, with singular architectural features enhanced by significant planning interventions, designed by the architect Alexander Bellman of the Gruppo C14 studio, who oversaw the lighting set-up project.

“The idea is an unexpected exhibition path which has been carved out by light inside a gigantic reinforced concrete block, where visitors can lose their sense of distance and time to focus on the works.” (Alexander Bellman, Gruppo C14 studio)

“The decision to open this space stems from our unwavering desire to find new sources of inspiration for our contribution to the dissemination and circulation of art and beauty. The Engadine is in itself a huge source of inspiration, and we hope this particular space in Silvaplana will be equally evocative.” (Diana Ricotti, Sonne Gallery)

“We immediately want to qualify «La Rampa» as a space for Art, a living and breathing space, a place to disseminate the expression of the changes and transformations under way in this vital segment of culture, i.e. art, which is now hanging in the balance between tradition and innovation more than ever before. With great emphasis on photography as a form of contemporary art undergoing an extraordinary evolution, an area in which our gallery has more than a decade of experience.” (Eugenio Calini, 29 Arts In Progress).

The exhibition presents a highly innovative selection of photographs by Gian Paolo Barbieri, winner of the 2018 Lucie Award for Best International Photographer (Outstanding Achievement in Fashion). It is a style of photography that is at once ironic and sophisticated, both rare and provocative, rich with references to art history, eclectic outdoor sets. Internationally recognised for his trademark black and white shots, his subjects appear almost unattainable in their sharp sophistication. Using colour, Barbieri recounts his own personal and ironic interpretation of fashion and feminine beauty: the women in the photographs on display free themselves from the more canonical poses of fashion photography instead becoming for the occasion spokeswomen of a new kind of unconventional elegance which reveals a more nonchalant, sensual side.

The exhibition continues with some of the most exemplary images of the French-Algerian photographer Michel Haddi with a career spanning more than 40 years, part of an endless archive of famous faces, top models, icons and legends from the worlds of music and art. From Liza Minelli to David Bowie, from Cameron Diaz to Jennifer Lopez and Angelina Jolie, including shots of Kate Moss and Uma Thurman.

His take is intimate, personal and unconventional, just like much of his career, which is a far cry from that of a classic fashion photographer: having survived a troubled childhood, during which he clung to his dream of becoming a photographer, Haddi has dedicated his life to illustrating some of the key players in the historical and cultural changes of the last Century with a rare ability to capture, and then successfully replicate, the deepest essence of his subjects.

Haddi, which literally translates from the Semitic language as ‘the one who sees’, has succeeded in the difficult task of seeing, precisely, the true nature of the subjects who posed for him in front of his lens – actors, models or ordinary people – and to replicate their image, at times ironically and at other profoundly: all his photographs have a story to tell because they are authentic pictures, which play with the most common human emotions and, precisely for this reason, become indelible.

(Text: 29 Arts In Progress, Milano)

Galerie Luciano Fasciati | Chur
4. November – 16. Dezember 2023

Nach der Natur II

Judith Albert, Remo Albert Alig, Evelina Cajacob, Andrea Giuseppe Corciulo, Cornelia Cottiati, Ladina Gaudenz, Gabriela Gerber & Lukas Bardill, Piero Good, Gian Häne, huber.huber, Isabelle Krieg, Pascal Lampert, Ursula Palla, Stefan Rüesch, Heidi Schöni, Roman Signer, Jules Spinatsch

Auch der zweite Teil der thematischen Gruppenausstellung soll ebenso die Vielfalt möglicher Bereiche der Gegenwartskunst widerspiegeln als auch unterschiedlichste Ausdrucksformen wie Fotografie, Malerei, Zeichnung, Skulptur, Objekt, raumgreifende Installation und Video aufzeigen. Ausgehend von einem der Ausstellungsschwerpunkte (Naturbegriff, Natur als Ressource, Natur als Ordnung oder Wildnis und die Verantwortung des Menschen für die Zukunft des Planeten) der Galerie, werden Schnittpunkte dieser Ausstellung künstlerische Positionen sein, die den Landschafts- und Naturbegriff hinterfragen und diesen auf vielfältige Weise eigenständig definieren.

La deuxième partie de l'exposition thématique de groupe doit également refléter la diversité des domaines possibles de l'art contemporain et montrer les formes d'expression les plus diverses comme la photographie, la peinture, le dessin, la sculpture, l'objet, l'installation spatiale et la vidéo. En partant de l'un des thèmes principaux de l'exposition de la galerie (le concept de nature, la nature comme ressource, la nature comme ordre ou la nature sauvage et la responsabilité de l'homme pour l'avenir de la planète), les points d'intersection de cette exposition seront des positions artistiques qui remettent en question le concept de paysage et de nature et qui le définissent de manière autonome de diverses manières.

Anche la seconda parte della mostra collettiva tematica rifletterà la diversità dei possibili ambiti dell'arte contemporanea e le più svariate forme espressive come la fotografia, la pittura, il disegno, la scultura, l'oggetto, l'installazione su larga scala e il video. Basandosi su uno dei temi espositivi principali della galleria (il concetto di natura, la natura come risorsa, la natura come ordine o natura selvaggia e la responsabilità dell'uomo per il futuro del pianeta), le intersezioni di questa mostra saranno posizioni artistiche che mettono in discussione il concetto di paesaggio e natura e lo definiscono in modo indipendente in una varietà di modi.

The second part of the thematic group exhibition will also reflect the diversity of possible areas of contemporary art as well as the most varied forms of expression such as photography, painting, drawing, sculpture, object, large-scale installation and video. Based on one of the gallery's main exhibition themes (the concept of nature, nature as a resource, nature as order or wilderness and man's responsibility for the future of the planet), the intersections of this exhibition will be artistic positions that question the concept of landscape and nature and define it independently in a variety of ways.

(Text: Galerie Luciano Fasciati, Chur)

Bally Foundation | Lugano
27. Oktober 2023 – 28. April 2024

Sometimes we are eternal
Sarah Brahim

Die Ausstellung vereint zehn neue Installationen, die eigens für diese Gelegenheit geschaffen wurden und trotz ihrer Eigenständigkeit die Konturen einer intimen Landschaft nachzeichnen. Welche Spuren hinterlässt die Erinnerung in den Materialen? Wie unterscheiden wir zwischen Erinnerung und Vorstellungskraft? Auf zwei Etagen, in einem Raum, der an ein Tanzstudio erinnert, bieten Video- und Klanginstallationen, Fotografien und Skulpturen eine Partitur, in der Gesten und Klänge unsere Präsenz in der Welt, unsere eigene Körperlichkeit, hinterfragen.

Sometimes we are eternal entlehnt seinen Titel den Worten von Alain Badiou, um das Gefühl der Ewigkeit zu beschreiben, das uns manchmal ergreift, eine Nahtstelle zwischen dem Endlichen und dem Unendlichen, die die Künstlerin in ihren Werken erfahrbar macht. Der Körper selbst wird zur Spur der Innerlichkeit mitten in der Begrenztheit des Menschlichen. In ihren Forschungen lässt sich die Künstlerin auch von Künstlern und Denkern wie Lawrence und Anna Halprin, Pauline Oliveros oder Aldo Rossi inspirieren sowie von Philosophen und Praktikern wie Moshe Feldenkrais oder Philippe Descola, die die Kunst als eine gesteigerte Erfahrung des Lebens betrachtet haben, als die Suche nach der Verschmelzung von Körper, Bewusstsein und Umwelt.

Während die Eröffnungsausstellung Un lac inconnu, an der 22 internationale Künstler beteiligt waren, einen privilegierten Dialog mit der Landschaft rund um die Villa Heleneum ermöglichte, ist Sarah Brahim's Vorschlag um ein intimes Landschaftsbild herum aufgebaut: ein widerstandsfähiger, leuchtender und poetischer mentaler Raum, eine Art zeitlicher Abstand, der die Ausstellung von einem Ereignis trennt, das das Leben der Künstlerin verändert hat - der Verlust einer geliebten Person - und gleichzeitig einen Wendepunkt und vor allem einen Neuanfang markiert. Als Tänzerin ausgebildet, nehmen Sarah Brahim's Werke die Form eines Pas de Deux an, eines intimen Gesprächs zwischen dem Körper und seiner Andersartigkeit, bei dem sich die Form des Austauschs mit seiner Kontur verschmilzt: ein Dialog der Innerlichkeit, der darauf abzielt, sich von der Fleischlichkeit und Schwere des physischen Körpers zum "Intrakörper", zum Unwahrnehmbaren, zum Spirituellen, zum Entfernten zu bewegen. Schwebende Körper, Atmen, Spuren, Rhythmen und Rituale vermischen sich in mehreren Installationen, die die Bewegung erweitern.

L'exposition réunit dix nouvelles installations créées pour l'occasion et qui, malgré leur autonomie, dessinent les contours d'un paysage intime. Quelles traces la mémoire laisse-t-elle dans les matériaux ? Comment faisons-nous la différence entre le souvenir et l'imagination ? Sur deux étages, dans un espace qui évoque un studio de danse, des installations vidéo et sonores, des photographies et des sculptures offrent une partition où les gestes et les sons interrogent notre présence au monde, notre propre corporéité.

Sometimes we are eternal emprunte son titre aux mots d'Alain Badiou pour décrire le sentiment d'éternité qui nous saisit parfois, un point de jonction entre le fini et l'infini que l'artiste rend perceptible dans ses œuvres. Le corps lui-même devient une trace d'intériorité au milieu des limites de l'humain. Dans ses recherches, l'artiste s'inspire également d'artistes et de penseurs comme Lawrence et Anna Halprin, Pauline Oliveros ou Aldo Rossi, ainsi que de philosophes et de praticiens comme Moshe Feldenkrais ou Philippe Descola, qui ont considéré l'art comme une expérience accrue de la vie, comme la recherche d'une fusion entre le corps, la conscience et l'environnement.

Alors que l'exposition inaugurale Un lac inconnu, à laquelle 22 artistes internationaux ont participé, a permis un dialogue privilégié avec le paysage autour de la Villa Heleneum, la proposition de Sarah Brahim s'articule autour d'un paysage intime : un espace mental résistant, lumineux et poétique, une sorte de distance temporelle qui sépare l'exposition d'un événement qui a bouleversé la vie de l'artiste - la perte d'un être cher - tout en marquant un tournant et, surtout, un nouveau départ. Formée à la danse, les œuvres de Sarah Brahim prennent la forme d'un pas de deux, d'une conversation intime entre le corps et son altérité, où la forme de l'échange se confond avec son contour : un dialogue d'intériorité qui vise à passer de la chair et de la pesanteur du corps physique à "l'intracorps", à l'imperceptible, au spirituel, au lointain. Corps flottants, respirations, traces, rythmes et rituels se mêlent dans plusieurs installations qui élargissent le mouvement.

La mostra riunisce dieci nuove installazioni create appositamente per questa occasione che, nonostante la loro autonomia, tracciano i contorni di un paesaggio intimo. Quali tracce lascia la memoria nei materiali? Come distinguere tra memoria e immaginazione? Su due piani, in uno spazio che ricorda uno studio di danza, installazioni video e sonore, fotografie e sculture offrono una partitura in cui gesti e suoni interrogano la nostra presenza nel mondo, la nostra stessa fisicità.

Sometimes we are eternal prende in prestito il titolo dalle parole di Alain Badiou per descrivere la sensazione di eternità che a volte ci attanaglia, una cucitura tra il finito e l'infinito che l'artista rende tangibile nelle sue opere. Il corpo stesso diventa una traccia di interiorità in mezzo ai limiti della condizione umana. Nella sua ricerca, l'artista si ispira anche ad artisti e pensatori come Lawrence e Anna Halprin, Pauline Oliveros o Aldo Rossi, nonché a filosofi e operatori come Moshe Feldenkrais o Philippe Descola, che hanno visto l'arte come un'esperienza potenziata della vita, come la ricerca della fusione tra corpo, coscienza e ambiente.

Se la mostra inaugurale Un lac inconnu, che ha coinvolto 22 artisti internazionali, ha permesso un dialogo privilegiato con il paesaggio che circonda Villa Heleneum, la proposta di Sarah Brahim è costruita attorno a un'immagine paesaggistica intima: uno spazio mentale resistente, luminoso e poetico, una sorta di distanza temporale che separa la mostra da un evento che ha cambiato la vita dell'artista - la perdita di una persona cara - e che allo stesso tempo segna una svolta e, soprattutto, un nuovo inizio. Formatasi come danzatrice, le opere di Sarah Brahim assumono la forma di un pas de deux, una conversazione intima tra il corpo e la sua alterità, dove la forma dello scambio si fonde con il suo contorno: un dialogo di interiorità che mira a passare dalla carnalità e dalla pesantezza del corpo fisico all'"intra-corpo", all'impercettibile, allo spirituale, al lontano. Corpi fluttuanti, respiri, tracce, ritmi e rituali si mescolano in diverse installazioni che espandono il movimento.

The exhibition brings together ten new installations created specifically for this occasion, which, despite their autonomy, trace the contours of an intimate landscape. What traces does memory leave in the materials? How do we distinguish between memory and imagination? On two floors, in a space reminiscent of a dance studio, video and sound installations, photographs and sculptures offer a score in which gestures and sounds question our presence in the world, our own physicality.

Sometimes we are eternal borrows its title from the words of Alain Badiou to describe the sense of eternity that sometimes grips us, a seam between the finite and the infinite that the artist makes tangible in her works. The body itself becomes a trace of inwardness in the midst of the limitedness of the human. In her research, the artist also draws inspiration from artists and thinkers such as Lawrence and Anna Halprin, Pauline Oliveros, and Aldo Rossi, as well as philosophers and practitioners such as Moshe Feldenkrais and Philippe Descola, who have viewed art as a heightened experience of life, as the search for the fusion of body, consciousness, and environment.

While the inaugural exhibition Un lac inconnu, involving 22 international artists, allowed for a privileged dialogue with the landscape surrounding Villa Heleneum, Sarah Brahim's proposal is built around an intimate landscape image: a resilient, luminous and poetic mental space, a kind of temporal distance that separates the exhibition from an event that changed the artist's life - the loss of a loved one - and at the same time marks a turning point and, above all, a new beginning. Trained as a dancer, Sarah Brahim's works take the form of a pas de deux, an intimate conversation between the body and its otherness, where the form of the exchange merges with its contour: a dialogue of interiority that aims to move from the carnality and heaviness of the physical body to the "intrabody," to the imperceptible, to the spiritual, to the distant. Floating bodies, breathing, traces, rhythms and rituals intermingle in several installations that extend the movement.

(Text: Bally Foundation, Lugano)

Cons Arc Galleria | Chiasso
17. September - 12. November 2023

IERI.OGGI. SULLA SOGLIA
Francine Mury

Papier ist eine der großen Erfindungen Chinas, und seit über 2000 Jahren vermittelt es die künstlerische, politische und geistige Geschichte des Landes. Durch Malerei und Kalligraphie wurden im Laufe der Jahrhunderte die einzigartigen Bestrebungen und Visionen des chinesischen Volkes zum Ausdruck gebracht. Das Denken und der Lebensstil beeinflussen die Art und Weise, wie die Welt betrachtet wird, und die metaphysische Dimension, die der chinesischen Kultur eigen ist, hat sich in Schwarz-Weiß-Bildern auf Papier niedergeschlagen, ähnlich wie in den fotografischen Werken dieser Serie, die in der Galerie Consarc präsentiert werden.

Chinesisches Papier wird nämlich auch für Fotodrucke verwendet, wie im Fall dieses jüngsten Werks von Francine Mury, die 2017, 2018 und 2019 mehrmals nach China gereist ist.

Das Papier, das in der Kunst der Kalligrafie oder der Malerei verwendet wird, ist nicht einfach ein amorpher Träger, auf den man Tinte aufträgt, sondern ein wichtiges Element, mit dem man lernen muss, zu kommunizieren. Papier ist ein Material, das man fast als lebendig bezeichnen könnte, das mit besonderen Eigenschaften ausgestattet ist und dessen Oberfläche entscheidend zur Definition des Werks beiträgt.

Man muss seine Saugfähigkeit kennen und seine Farbe und Textur schätzen, um die am besten geeignete Tinte oder den passenden Druck zu finden.

Das visuelle Ergebnis vermittelt eine Erfahrung, die wir nach und nach entdecken, von der Textur des Papiers über die lebendige Materie der Fotografien bis hin zur Schaffung des Werks mit Tinte und Pinsel in einer Art Verwandlung, ich würde sagen, im Sinne Nietzsches, vom Dionysischen zum Apollinischen.

In dem Hochgeschwindigkeitszug, mit dem sie vom Norden in den Süden Chinas reiste, fotografierte Francine Mury aus dem Fenster.

Diese Züge, die außerhalb der üblichen Infrastruktur der Städte fahren, bilden ein Netz, das das Land durchquert, von dem aus man Reisfelder, ein paar Gebäude und Hügel sehen kann. Aus dem nassen Fenster zeichnen die Wassertropfen des Regens, bedingt durch die Geschwindigkeit, Spuren wie Tränen. Die Aufnahmen fangen Bilder von Landschaften ein, die in Frühlingsnebel getaucht sind, und erinnern an die klassische chinesische Landschaftsmalerei.

Die Fotografie ist für Francine Mury seit jeher ein Medium, das sie bei ihren künstlerischen Recherchen begleitet, so zum Beispiel 2016 während ihres Aufenthalts an der Cité internationale des Arts in Paris, wo sie die Fotoserie über die "flânerie" produzierte: tägliche Spaziergänge mit der Kamera in der Stadt, ziellos umherwandernd, jedes winzige Lebewesen beobachtend: ein Kind, einen Hund, den Fluss, Bäume, Häuser und von der Zeit gezeichnete Wände.

In dieser neuen chinesischen Serie offenbart sich vielleicht noch mehr die tiefe Inspiration, die Francine Mury beseelt hat, das Bewusstsein, das am Ende ihrer Pariser Erkundung entstanden ist: ein Gefühl von "Pietas", aber gleichzeitig ein Blick, der nicht nur leidenschaftlich, sondern auch genau und klar ist, der die Oxidationen, die Klumpen, die das Leiden und der anonyme Schmerz des menschlichen und sozialen Alltagslebens auf den Dingen und Strukturen ablagern, die unbeschwerten und fröhlichen, aber gleichzeitig höflichen und monumentalen Züge einer endlosen Landschaft findet, sammelt und hervorhebt.

Le papier est l'une des grandes inventions de la Chine et, depuis plus de 2000 ans, il véhicule son histoire artistique, politique et spirituelle. À travers la peinture et la calligraphie, les aspirations et les visions singulières du peuple chinois se sont exprimées au fil des siècles. La pensée et le mode de vie influencent la manière d'observer le monde, et la dimension métaphysique propre à la culture chinoise s'est exprimée dans des images en noir et blanc sur papier, à l'instar des œuvres photographiques de cette série présentées à la galerie Consarc.

En effet, le papier chinois est également utilisé pour des tirages photographiques, comme c'est le cas pour cette dernière œuvre de Francine Mury, qui a voyagé en Chine à plusieurs reprises en 2017, 2018 et 2019.

Le papier utilisé dans l'art de la calligraphie ou de la peinture n'est pas un simple support amorphe sur lequel on étale de l'encre mais un élément important avec lequel il faut apprendre à converser. Le papier est une matière que l'on pourrait presque qualifier de vivante, dotée de caractéristiques particulières, dont la surface participe à la définition de l'œuvre de manière déterminante.

Il faut connaître son pouvoir d'absorption et apprécier sa couleur et sa texture pour choisir l'encre ou l'impression la plus appropriée.

Le résultat visuel traduit une expérience que l'on découvre peu à peu depuis la texture du papier jusqu'à la création de l'œuvre avec l'encre et les pinceaux, en passant par la matière vivante des photographies, dans une sorte de transmutation, je dirais nietzschéenne, du dionysiaque à l'apollinien.

Depuis le train à grande vitesse où elle a voyagé du nord au sud de la Chine, Francine Mury a pris des photos depuis la fenêtre.

Ces trains, qui circulent en dehors de l'infrastructure habituelle des villes, forment un réseau qui traverse le pays d'où l'on aperçoit des rizières, quelques immeubles, des collines. Depuis la fenêtre mouillée, les gouttes d'eau de la pluie, sous l'effet de la vitesse, marquent des traînées comme des larmes. Les prises de vue captent des images de paysages baignés de brume printanière, et rappellent le sens de la peinture de paysage classique chinoise.

La photographie pour Francine Mury a toujours été un médium qui l'accompagne dans ses recherches artistiques, par exemple en 2016 lors de son séjour à la Cité internationale des Arts à Paris, où elle a réalisé la série photographique sur la " flânerie " ; des promenades quotidiennes avec l'appareil photo dans la ville, errant sans but, observant chaque minuscule être vivant : un enfant, un chien, la rivière, les arbres, les maisons et les murs marqués par le temps.

Dans cette nouvelle série chinoise, l'inspiration profonde qui animait Francine Mury, la prise de conscience qui a émergé au terme de son exploration parisienne, se révèle peut-être encore davantage : un sentiment de "piété" mais en même temps un regard non seulement passionné, mais aussi précis et lucide, qui trouve, recueille et met en valeur les oxydations, les bosses que la souffrance et la douleur anonyme de la vie humaine et sociale quotidienne déposent sur les choses et les structures, l'insouciance et la joie mais aussi la courtisanerie et la monumentalité d'un paysage sans fin.

La carta è una delle grandi invenzioni della Cina e per oltre 2000 anni ne ha veicolato la storia artistica politica e spirituale. Attraverso la pittura e la calligrafia si sono espresse nei secoli le singolari aspirazioni e le visioni del popolo cinese. Il pensiero e lo stile di vita influiscono sul modo di osservare il mondo, e la dimensione metafisica propria della cultura cinese si è espressa in immagini in bianco e nero su carta; un po’ come nelle opere fotografiche di questa serie presentata alla galleria Consarc.

La carta cinese infatti è usata anche per le stampe fotografiche come nel caso di questo ultimo lavoro di Francine Mury che ha viaggiato in Cina, più volte, nel 2017, 2018 e 2019.

La carta usata nell’arte della calligrafia o della pittura non è un semplice supporto amorfo sul quale si stende di inchiostro ma è un importante elemento con cui si deve imparare a dialogare. La carta è una materia che si potrebbe quasi definire viva, dotata di caratteristiche particolari, la cui superficie partecipa alla definizione dell’opera in modo determinante.

Bisogna conoscere l’assorbenza e saperne apprezzare il colore e la consistenza per abbinarvi l’inchiostro o la stampa più adatti.

Il risultato visivo trasmette un’esperienza che scopriamo a poco a poco a partire dalla texture della carta attraverso la materia viva delle fotografie fino alla creazione dell’opera con inchiostro e pennelli in una sorta di trasmutazione, mi verrebbe da dire nietzscheiana, dal dionisiaco all’apollineo.

Dal treno di alta velocità dove ha viaggiato dal nord verso il sud della Cina, Francine Mury ha scattato delle fotografie dalla finestra.

Questi treni che viaggiano al di fuori delle consuete infrastrutture delle città, costituiscono una rete che attraversa il paese da dove si vedono risaie, qualche costruzione, colline. Dalla finestra bagnata le gocce d’acqua della pioggia, per effetto della velocità, segnano scie come fossero lacrime. Gli scatti immortalano immagini di paesaggi immersi nella nebbia primaverile, e ricordano il senso della pittura cinese classica paesaggistica.

La fotografia per Francine Mury è sempre stato un mezzo che l’accompagna nella sua ricerca artistica, per esempio nel 2016 durante il suo soggiorno a la Cité internationale des Arts di Parigi, dove ha realizzato la serie fotografica sulla “flânerie”; delle passeggiate quotidiane con la macchina fotografica nella città, vagando senza meta, osservando ogni minima cosa vivente: un bambino, un cane, il fiume, gli alberi, le case e i muri segnati del tempo.

In questa nuova serie cinese, si rivela forse ancor più l’ispirazione profonda che ha animato Francine Mury, la consapevolezza che si è delineata alla fine della sua esplorazione parigina: un sentimento di “pietas” ma nel contempo uno sguardo non solo appassionato, ma accurato e lucido, che reperisce, raccoglie ed evidenzia le ossidazioni, i grumi che la sofferenza e il dolore anonimo della quotidianità umana e sociale depositano sulle cose e le strutture, gli orpelli spensierati e gioiosi ma insieme aulici e monumentali di un paesaggio senza fine.

Paper is one of China's great inventions and for more than 2,000 years has conveyed its political and spiritual artistic history. Through painting and calligraphy, the singular aspirations and visions of the Chinese people have been expressed over the centuries. Thought and lifestyle influence the way the world is observed, and the metaphysical dimension peculiar to Chinese culture has been expressed in black and white images on paper; somewhat like in the photographic works in this series presented at Consarc Gallery.

Indeed, Chinese paper is also used for photographic prints as in the case of this latest work by Francine Mury, who traveled to China, several times, in 2017, 2018 and 2019.

The paper used in the art of calligraphy or painting is not simply an amorphous support on which one spreads ink but is an important element with which one must learn to converse. Paper is a material that could almost be called alive, endowed with special characteristics, whose surface participates in the definition of the work in a decisive way.

One must know its absorbency and appreciate its color and texture in order to match it with the most suitable ink or print.

The visual result conveys an experience that we discover little by little from the texture of the paper through the living matter of the photographs to the creation of the work with ink and brushes in a kind of transmutation, I would say Nietzschean, from the Dionysian to the Apollonian.

From the high-speed train where she traveled from the north to the south of China, Francine Mury took photographs from the window.

These trains, which travel outside the usual infrastructure of cities, form a network across the country from where one can see rice paddies, a few buildings, hills. From the wet window, water drops from the rain, due to the effect of speed, mark trails like tears. The shots capture images of landscapes bathed in spring fog, and recall the sense of classical Chinese landscape painting.

Photography for Francine Mury has always been a medium that accompanies her in her artistic research, for example in 2016 during her stay at la Cité internationale des Arts in Paris, where she made the photographic series on "flânerie"; of daily walks with the camera in the city, wandering aimlessly, observing every tiny living thing: a child, a dog, the river, the trees, the houses and the walls marked by time.

In this new Chinese series, the profound inspiration that animated Francine Mury, the awareness that emerged at the end of her Parisian exploration, is perhaps even more revealed: a feeling of "pietas" but at the same time a gaze that is not only passionate, but accurate and lucid, that finds, collects and highlights the oxidations, the lumps that the anonymous suffering and pain of everyday human and social life deposit on things and structures, the carefree and joyful but at the same time courtly and monumental trappings of an endless landscape.

(Text: Domenico lucchini)

Fondazione Epper | Ascona
29. Juli - 29. Oktober 2023

TAMARO. 1992-1995 Fotografie della lavorazione del film

Es ist die Begegnung zwischen dem Architekten Mario Botta, dem Maler und Bildhauer Enzo Cucchi, Protagonist der Transavantgarde, einer der interessantesten Epochen der Kunst des 20. Jahrhunderts, und dem Tessiner Regisseur Villi Hermann, der seine Filme und Dokumentarfilme (St. Gotthard, Matlosa, Innocence, Bankomatt, Gotthard Schuh, eine sinnliche Vision der Welt, usw.) an den wichtigsten internationalen Festivals vorgestellt hat. Villi Hermann hat dem Bau der Kirche auf dem Monte Tamaro einen Dokumentarfilm gewidmet.

Im Auftrag von Egidio Cattaneo baute Mario Botta auf dem Monte Tamaro die Kirche Santa Maria degli Angeli, die 1996 geweiht wurde. Seitdem ist sie ein internationales Ziel für Architektur und Kunst. Der Unternehmer Egidio Cattaneo erinnert sich gerne an den Anruf an einem Samstagmorgen: "Architekt, da Sie in Mogno Schwierigkeiten haben, kommen Sie zu uns auf den Monte Tamaro und bauen Sie Ihre Kirche". Gesagt, getan, aber in der Zwischenzeit haben sich die Schwierigkeiten aufgelöst und auch Mogno hat seine Kirche bekommen, ein herausragendes Beispiel zeitgenössischer religiöser Architektur.

Die Ausstellung in der Stiftung Epper vereint Werke der drei Protagonisten. Eine Reihe von Schwarz-Weiß-Fotografien, die der Regisseur während der Dreharbeiten zum Film aufgenommen hat, eine sorgfältige Auswahl von Skizzen und Zeichnungen, die Mario Botta im Laufe der Arbeiten angefertigt hat, und eine Reihe von Werken von Enzo Cucchi, die der Stiftung Epper in Ascona vom MASI, dem Kunstmuseum der italienischen Schweiz, geliehen wurden.

Der Dokumentarfilm von Villi Hermann wurde soeben restauriert und wird in seiner neuen Form am 7. August 2023 am Filmfestival Locarno in der Sektion "Histoire(s) du cinéma" zu sehen sein. Die Ausstellung, die erste zu diesem Thema, bietet somit die Gelegenheit, den Film mit dem Titel "TAMARO. Steine und Engel. Mario Botta Enzo Cucchi" mit Dokumenten und Werken zu kontextualisieren, die noch nie öffentlich ausgestellt wurden und sich alle auf die Baujahre 1992-95 beziehen.

Die aus Porphyr errichtete Kirche von Mario Botta steht am Rande eines Hanges, von dem aus sich ein außergewöhnliches Panorama bietet. Die künstlerische Intervention von Enzo Cucchi nimmt die beiden Haupträume ein: die Decke des Ganges, die durch eine lange gemalte Zypresse gekennzeichnet ist, und das Herz der Kirche, die Apsis. Auf einem intensiven Blau schlägt er das Thema der Hände in der Geste des Offertoriums vor, das in die marianische Ikonographie der 22 Tafeln über den Fenstern integriert ist, deren Symbolik von Pater Giovanni Pozzi angeregt wurde, der auch in der Ausstellung in der Stiftung Epper mit Papieren und Dokumenten über seine Rolle als Exeget der marianischen Dimension der Tamaro-Kirche, die von der Bibliothek Salita dei Frati in Lugano zur Verfügung gestellt wurden, gut vertreten war.

Zu diesem Anlass wurde ein Katalog mit zahlreichen Bildern von der Entstehung des Films und dem Bau der Tamaro-Kirche erstellt, bei dem die Protagonisten, der Architekt Mario Botta, der Künstler Enzo Cucchi, der Unternehmer Egidio Cattaneo und Pater Giovanni Pozzi anwesend waren. Ergänzt wird sie durch Zeitzeugenberichte von Botta und Cucchi selbst, Villi Hermann und einen Artikel von Dalmazio Ambrosioni, der im Juni 1996 im Giornale del Popolo veröffentlicht wurde.

Il s'agit de la rencontre entre Mario Botta, architecte, le peintre et sculpteur Enzo Cucchi, protagoniste de la Transavantgarde, l'une des saisons les plus intéressantes de l'art du XXe siècle, et le réalisateur tessinois Villi Hermann, qui a présenté ses films et documentaires (St Gotthard, Matlosa, Innocence, Bankomatt, Gotthard Schuh, une vision sensuelle du monde, etc.) dans les plus grands festivals internationaux. Villi Hermann consacre un film documentaire à la construction de l'église du Monte Tamaro.

À la demande d'Egidio Cattaneo, Mario Botta a construit sur le Monte Tamaro l'église dédiée à Santa Maria degli Angeli, consacrée en 1996. Depuis, elle est devenue une destination internationale pour l'architecture et l'art. L'entrepreneur Egidio Cattaneo se souvient avec émotion de ce coup de téléphone, un samedi matin : "Architecte, puisque tu as des difficultés à Mogno, viens chez nous, sur le mont Tamaro, et construis ton église". Aussitôt dit, aussitôt fait, mais entre-temps les difficultés se sont dénouées et Mogno aussi a eu son église, un grand exemple d'architecture religieuse contemporaine.

L'exposition de la Fondation Epper réunit des œuvres des trois protagonistes. Une série de photographies en noir et blanc prises par le réalisateur pendant la réalisation du film, une sélection minutieuse d'esquisses et de dessins réalisés par Mario Botta au cours du travail et une série d'œuvres d'Enzo Cucchi prêtées à la Fondation Epper d'Ascona par le MASI, le Musée d'art de la Suisse italienne.

Le documentaire de Villi Hermann vient d'être restauré et sera projeté dans sa nouvelle version au Festival du film de Locarno le 7 août 2023 dans la section "Histoire(s) du cinéma". L'exposition, la première sur le sujet, est donc née de l'opportunité de contextualiser le film qui s'intitule "TAMARO. Pierres et anges. Mario Botta Enzo Cucchi", avec des documents et des œuvres qui n'ont jamais été exposés au public et qui se rapportent tous aux années de construction, 1992-95.

Réalisée en porphyre, l'église de Mario Botta se dresse au bord de la pente au-delà de laquelle s'ouvre un panorama extraordinaire. L'intervention artistique d'Enzo Cucchi occupe les deux espaces principaux : le plafond de l'allée, marqué par un long cyprès peint, et le cœur de l'église, l'abside. Sur un bleu intense, il propose le thème des mains dans le geste de l'offertoire, intégré dans l'iconographie mariale des 22 panneaux placés au-dessus des fenêtres, dont la symbolique a été suggérée par le Père Giovanni Pozzi, qui était également bien représenté dans l'exposition de la Fondation Epper avec des papiers et des documents relatifs à son rôle d'exégète de la dimension mariale de l'église Tamaro, mis à disposition par la bibliothèque Salita dei Frati de Lugano.

Pour l'occasion, un catalogue a été réalisé avec de nombreuses photos du tournage du film et de la construction de l'église de Tamaro, en présence des protagonistes, l'architecte Mario Botta, l'artiste Enzo Cucchi, l'entrepreneur Egidio Cattaneo et le père Giovanni Pozzi. Il est complété par des témoignages d'époque de Botta et Cucchi eux-mêmes, de Villi Hermann et d'un article de Dalmazio Ambrosioni publié dans le Giornale del Popolo en juin 1996.

È l’incontro tra Mario Botta, architetto, il pittore e scultore Enzo Cucchi, protagonista della Transavanguardia, una delle stagioni più interessanti dell’arte del Novecento, ed il regista ticinese Villi Hermann, che ha presentato i suoi film e documentari (San Gottardo, Matlosa, Innocenza, Bankomatt, Gotthard Schuh, una visione sensuale del mondo ecc.) nei grandi Festival internazionali. Alla costruzione della chiesa sul Monte Tamaro Villi Hermann ha dedicato un documentario che ne suggella la memoria..

Su commissione di Egidio Cattaneo, sul Monte Tamaro Mario Botta ha costruito la chiesa dedicata a Santa Maria degli Angeli, consacrata nel 1996. Da allora figura tra le mete internazionali di architettura e d’arte. L’imprenditore Egidio Cattaneo ricordava volentieri quella telefonata d’un sabato mattina: “Architetto, siccome a Mogno le fanno difficoltà, venga da noi sul Tamaro a costruire la sua chiesa”. Detto fatto, ma nel frattempo le difficoltà si dipanarono ed anche Mogno ha avuto la sua chiesa, alto esempio di architettura religiosa contemporanea.

L’esposizione alla Fondazione Epper riunisce opere dei tre protagonisti. Una serie di fotografie in bianco/nero scattate dal regista durante la lavorazione del film, un’accurata scelta di schizzi e disegni realizzati da Mario Botta in corso d’opera, una serie di opere di Enzo Cucchi prestate alla Fondazione Epper di Ascona dal MASI, Museo d’arte della Svizzera italiana.

Il documentario di Villi Hermann è stato appena restaurato e nella nuova veste viene proietatto ad il 7 agosto 2023 al Festival del film di Locarno nella sezione “Histoire(s) du cinéma”. La mostra, la prima sull’argomento, nasce quindi dall’opportunità di contestualizzare il film, che s’intitola “TAMARO. Pietre e angeli. Mario Botta Enzo Cucchi”, con documenti ed opere mai esposte al pubblico e tutte relative agli anni di costruzione, 1992-95.

Realizzata in porfido, la chiesa di Mario Botta sorge al limitare del pendio oltre il quale si apre una straordinaria veduta panoramica. L’intervento artistico di Enzo Cucchi occupa i due spazi principali: il soffitto della passerella, segnato da un lungo cipresso dipinto, e il cuore della Chiesa, l’abside. Su un azzurro intenso propone il tema delle mani in gesto offerente, integrate nell’iconografia mariana delle 22 formelle poste sopra le finestre, le cui simbologie sono state suggerite da Padre Giovanni Pozzi, anch’egli ben segnalato nell’esposizione alla Fondazione Epper con carte e documenti relativi al suo ruolo di esegeta della dimensione mariana della chiesa del Tamaro, messi a disposizione dalla Biblioteca Salita dei Frati di Lugano.

Per l’occasione é stato realizzato un catalogo con numerose immagini della lavorazione del film e della costruzione della chiesa del Tamaro, con la presenza dei protagonisti, l’architetto Mario Botta l’artista Enzo Cucchi, l’imprenditore Egidio Cattaneo e P. Giovanni Pozzi. È completato da testimonianze d’epoca degli stessi Botta e Cucchi, di Villi Hermann e un intervento di Dalmazio Ambrosioni pubblicato sul Giornale del Popolo nel giugno 1996.

It is the encounter between Mario Botta, an architect, the painter and sculptor Enzo Cucchi, a protagonist of the Transavantgarde, one of the most interesting seasons of twentieth-century art, and the Ticino-based filmmaker Villi Hermann, who has presented his films and documentaries (St. Gotthard, Matlosa, Innocence, Bankomatt, Gotthard Schuh, a sensual view of the world, etc.) at major international festivals. Villi Hermann dedicated a documentary sealing its memory to the construction of the church on Mount Tamaro..

Commissioned by Egidio Cattaneo, on Mount Tamaro Mario Botta built the church dedicated to St. Mary of the Angels, consecrated in 1996. It has since figured among international architectural and art destinations. Entrepreneur Egidio Cattaneo fondly recalled that phone call one Saturday morning, "Architect, since you are having difficulties in Mogno, come to us on Mount Tamaro to build your church." Said and done, but in the meantime the difficulties unraveled and Mogno too got its church, a high example of contemporary religious architecture.

The exhibition at the Epper Foundation brings together works by the three protagonists. A series of black-and-white photographs taken by the filmmaker during the making of the film, a careful selection of sketches and drawings made by Mario Botta during the course of the work, and a series of works by Enzo Cucchi lent to the Epper Foundation in Ascona by MASI, Museo d'arte della Svizzera italiana.

Villi Hermann's documentary has just been restored and in its new form is being screened ad August 7, 2023 at the Locarno Film Festival in the "Histoire(s) du cinéma" section. The exhibition, the first on the subject, thus stems from the opportunity to contextualize the film, which is titled "TAMARO. Stones and Angels. Mario Botta Enzo Cucchi," with documents and works that have never been exhibited to the public and all relate to the years of construction, 1992-95.

Made of porphyry, Mario Botta's church stands at the edge of the slope beyond which there is an extraordinary panoramic view. Enzo Cucchi's artistic intervention occupies the two main spaces: the walkway ceiling, marked by a long painted cypress tree, and the heart of the church, the apse. On a deep blue he proposes the theme of hands in offertory gesture, integrated in the Marian iconography of the 22 panels placed above the windows, whose symbologies were suggested by Father Giovanni Pozzi, also well reported in the exhibition at the Epper Foundation with papers and documents related to his role as exegete of the Marian dimension of the Tamaro Church, made available by the Salita dei Frati Library in Lugano.

A catalog was produced for the occasion with numerous images of the making of the film and the construction of the Tamaro church, featuring the protagonists, architect Mario Botta artist Enzo Cucchi, entrepreneur Egidio Cattaneo and Fr. Giovanni Pozzi. It is complemented by period testimonies by Botta and Cucchi themselves, Villi Hermann and a speech by Dalmazio Ambrosioni published in the Giornale del Popolo in June 1996.

(Text: Fondazione Epper, Ascona)

Muzeum Susch
15. Juli - 26. November 2023

Art is not Rest
Wanda Czełkowska

Wanda Czełkowska (1930-2021) war eine Schlüsselfigur der polnischen Avantgarde, deren Werk bis vor kurzem von der Kunstgeschichte kaum beachtet wurde.

Sie begann ihre Karriere gegen Ende der 1950er Jahre in Krakau und spielte eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der Konzeptkunst in Polen. Sie war Mitglied der berühmten II Grupa Krakowska, der unter anderem folgende Künstler angehörten: Tadeusz Kantor, Tadeusz Brzozowski, Jonasz Stern, Maria Jarema und Erna Rosenstein, behielt aberihre unabhängige Stimme und war nie vollständig in den künstlerischen Diskurs und das gesellschaftliche Leben der Gruppe eingebunden. Diejenigen, die sie kannten, bezeichnen sie oft als jemanden, der seinen eigenen Weg geht. Im Gegensatz zu ihren Zeitgenossinnen Alina Szapocznikow und Magdalena Abakanowicz bleibt ihr Werk außerhalb Polens weitgehend unbekannt.

Czełkowskas bekanntestes Werk, eine Serie von Skulpturen mit dem Titel Głowy (Köpfe), zeigt die Fähigkeit der Künstlerin, eine Brücke zwischen dem Figürlichen und dem Abstrakten zu schlagen. Ab Anfang der 1970er Jahre schuf sie konzeptionelle Werke, von denen die Installationen Stół (Tisch) (1968-1971) und Bezwzględne wyeliminowanie rzeźby jako pojęcia kształtu (Absolute Elimination of Sculpture as a Notion of Shape) (1972) die monumentalsten Beispiele sind. Obwohl sie sich selbst als Bildhauerin definierte, war sie parallel dazu auch als Malerin tätig.

Die Ausstellung versucht, Wanda Czełkowskas Praxis als permanente Spannung zwischen Körper, Geist und Raum zu interpretieren. Sie bietet eine nicht-chronologische Ausstellung mit einer beispiellosen Rekonstruktion der monumentalen Installation Absolute Elimination of Sculpture as a Notion of Shape (1972-1995) als Kernstück, mit einer Konstellation von skulpturalen, grafischen und malerischen Arbeiten, die um dieses zentrale Werk herum aufgebaut sind.

Ziel der ersten Retrospektive von Czełkowska außerhalb Polens ist es, einen umfassenden Überblick über ihren künstlerischen Werdegang und eine inspirierende Erzählung zu bieten, die ihren originären Beitrag zur Entwicklung der Nachkriegsskulptur in Europa hervorhebt.

Das Werk Absolute Elimination as a Notion of Shape wird für die Dauer der Ausstellung zur Plattform für ein ortsspezifisches, von Joanna Leśnierowska kuratiertes Programm von Performances, das an Wanda Czełkowskas Erkundung von Bewegung anknüpft.

Wanda Czełkowska (1930-2021) était une figure clé de l'avant-garde polonaise, dont l'œuvre a été peu considérée par l'histoire de l'art jusqu'à récemment.

Elle a commencé sa carrière à Cracovie vers la fin des années 1950 et a joué un rôle important dans le développement de l'art conceptuel en Pologne. Elle était membre du célèbre II Grupa Krakowska, qui comprenait notamment les artistes suivants : Tadeusz Kantor, Tadeusz Brzozowski, Jonasz Stern, Maria Jarema et Erna Rosenstein, mais elle a conservé sa voix indépendante et n'a jamais été totalement intégrée dans le discours artistique et la vie sociale du groupe. Ceux qui l'ont connue la décrivent souvent comme quelqu'un qui suit son propre chemin. Contrairement à ses contemporaines Alina Szapocznikow et Magdalena Abakanowicz, son œuvre reste largement méconnue en dehors de la Pologne.

L'œuvre la plus connue de Czełkowska, une série de sculptures intitulée Głowy (Têtes), montre la capacité de l'artiste à établir un pont entre le figuratif et l'abstrait. À partir du début des années 1970, elle crée des œuvres conceptuelles, dont les installations Stół (Table) (1968-1971) et Bezwzględne wyeliminowanie rzeźby jako pojęcia kształtu (Élimination absolue de la sculpture comme notion de forme) (1972) sont les exemples les plus monumentaux. Bien qu'elle se définisse elle-même comme une sculptrice, elle a également mené une activité parallèle de peintre.

L'exposition tente d'interpréter la pratique de Wanda Czełkowska comme une tension permanente entre le corps, l'esprit et l'espace. Elle propose une exposition non chronologique avec, comme pièce maîtresse, une reconstitution sans précédent de l'installation monumentale Absolute Elimination of Sculpture as a Notion of Shape (1972-1995), avec une constellation d'œuvres sculpturales, graphiques et picturales construites autour de cette œuvre centrale.

L'objectif de la première rétrospective de Czełkowska en dehors de la Pologne est d'offrir un aperçu complet de son parcours artistique et un récit inspiré qui met en évidence sa contribution originale au développement de la sculpture d'après-guerre en Europe.

L'œuvre Absolute Elimination as a Notion of Shape devient, pour la durée de l'exposition, la plateforme d'un programme de performances spécifiques au lieu, organisé par Joanna Leśnierowska, qui se rattache à l'exploration du mouvement par Wanda Czełkowska.

Wanda Czełkowska (1930-2021) è stata una figura chiave dell'avanguardia polacca, il cui lavoro è stato poco notato dalla storia dell'arte fino a poco tempo fa.

Ha iniziato la sua carriera a Cracovia verso la fine degli anni Cinquanta e ha svolto un ruolo importante nello sviluppo dell'arte concettuale in Polonia. Fu membro del famoso II Grupa Krakowska, che comprendeva i seguenti artisti: Tadeusz Kantor, Tadeusz Brzozowski, Jonasz Stern, Maria Jarema ed Erna Rosenstein, ma mantenne la sua voce indipendente e non fu mai pienamente coinvolta nel discorso artistico e nella vita sociale del gruppo. Chi l'ha conosciuta la descrive spesso come una persona che andava per la sua strada. A differenza delle sue contemporanee Alina Szapocznikow e Magdalena Abakanowicz, il suo lavoro rimane in gran parte sconosciuto al di fuori della Polonia.

L'opera più nota di Czełkowska, una serie di sculture intitolata Głowy (Teste), dimostra la capacità dell'artista di colmare il divario tra figurativo e astratto. A partire dai primi anni Settanta ha realizzato opere concettuali, di cui le installazioni Stół (Tavolo) (1968-1971) e Bezwzględne wyeliminowanie rzeźby jako pojęcia kształtu (Eliminazione assoluta della scultura come nozione di forma) (1972) sono gli esempi più monumentali. Sebbene si definisse scultrice, fu attiva parallelamente anche come pittrice.

La mostra cerca di interpretare la pratica di Wanda Czełkowska come una tensione permanente tra corpo, mente e spazio. Offre una mostra non cronologica con una ricostruzione inedita della monumentale installazione Absolute Elimination of Sculpture as a Notion of Shape (1972-1995) come fulcro, con una costellazione di opere scultoree, grafiche e pittoriche costruite intorno a questo lavoro centrale.

L'obiettivo della prima retrospettiva di Czełkowska al di fuori della Polonia è quello di fornire una panoramica completa della sua carriera artistica e una narrazione stimolante che evidenzi il suo contributo originale allo sviluppo della scultura del dopoguerra in Europa.

Per tutta la durata della mostra, l'opera Absolute Elimination as a Notion of Shape diventerà la piattaforma per un programma di performance site-specific curato da Joanna Leśnierowska che si collega all'esplorazione del movimento da parte di Wanda Czełkowska.

Wanda Czełkowska (1930-2021) was a key figure of the Polish avant-garde whose oeuvre remained almost unnoticed by art history until recently.

She started her career near the end of the 1950s in Kraków and played an important role in the development of conceptual art in Poland. Member of the famous the Second Kraków Group, whose other fellows included: Tadeusz Kantor, Tadeusz Brzozowski, Jonasz Stern, Maria Jarema and Erna Rosenstein, she kept her independent voice and never fully committed to the artistic discourse and social life of the group.

Those who knew her, often refer to her as someone who treads her own separate path. Unlike her contemporaries Alina Szapocznikow and Magdalena Abakanowicz, her work remains largely unknown outside of Poland.

Czełkowska’s best-known works, a series of sculptures titled Głowy (Heads), demonstrate the artist’s ability to bridge the figurative with the abstract. From early 1970s, she conceived conceptual works of which the installations Stół (Table) (1968-1971) and Bezwzględne wyeliminowanie rzeźby jako pojęcia kształtu (Absolute Elimination of Sculpture as a Notion of Shape) (1972) are the most monumental examples. Even though she defined herself as a sculptor, she pursued a parallel activity as a painter.

This exhibition seeks to interpret Wanda Czełkowska’s practice as in permanent tension between the body, the mind and the space. It offers a nonchronological display with an unprecedented reconstruction of the monumental installation Absolute Elimination of Sculpture as a Notion of Shape (1972–1995) at its core, with a constellation of sculptural, graphic and pictorial works built around this central piece.

The goal of Czełkowska’s first retrospective outside of Poland is to offer a comprehensive overview of her artistic career and an inspiring narrative stressing her original contribution to the development of the afterwar sculpture in Europe.

For the duration of the exhibition, the work Absolute Elimination as a Notion of Shape becomes a platform for a site specific program of performances curated by Joanna Leśnierowska to echo Wanda Czełkowska's exploration of movement.

(Text: Muzeum Susch)

Salon Atrio - Hotel Suvretta House | St. Moritz
6. Juli - 22. Oktober 2023

Photographs
Jungjin Lee

Jungjin LEE ist eine koreanische Künstlerin, die seit 1988 in den USA lebt. Sie studierte Fotografie an der New York University und war Assistentin von Robert Frank.

Sie fotografierte zunächst dokumentarisch, wandte sich aber in den 90er Jahren einer formalen Suche zu, bei der das fotografische Material mit der Plastizität der Zeichnung behandelt wird, indem sie die Bildträger mit lichtempfindlicher Flüssigkeit behandelt. Diese formale Suche wird von einer Sensibilität getragen, die sie völlig einnimmt und eine wahrhaft existenzielle Herausforderung darstellt.

Sie fühlt sich von Wüstenorten, Felsen und Wasserlandschaften angezogen. Ihre Fotografie ist die Erfassung einer mentalen Landschaft. Für Jungjin Lee ist das Fotografieren ein inneres Abenteuer, eine Meditation.

Ihre Werke sind in zahlreichen Sammlungen und Museen wie dem Metropolitan Museum New York, Whitney Museum, New York, Seoul Museum of Art, Seoul usw. vertreten.

Die Ausstellung ist in Zusammenarbeit mit der Galerie Stephan Witschi entstanden.

Jungjin LEE est une artiste coréenne qui vit aux États-Unis depuis 1988. Elle a étudié la photographie à l'université de New York et a été l'assistante de Robert Frank.

Elle a d'abord photographié de manière documentaire, mais s'est tournée dans les années 90 vers une recherche formelle où le matériau photographique est traité avec la plasticité du dessin, en traitant le support de l'image avec un liquide photosensible. Cette recherche formelle est portée par une sensibilité qui l'absorbe totalement et constitue un véritable défi existentiel.

Elle est attirée par les lieux désertiques, les rochers et les paysages aquatiques. Sa photographie est la capture d'un paysage mental. Pour Jungjin Lee, la photographie est une aventure intérieure, une méditation.

Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections et musées tels que le Metropolitan Museum de New York, le Whitney Museum de New York, le Seoul Museum of Art de Séoul, etc.

L'exposition a été réalisée en collaboration avec la galerie Stephan Witschi.

Jungjin LEE è un'artista coreana che vive negli Stati Uniti dal 1988. Ha studiato fotografia alla New York University ed è stata assistente di Robert Frank.

Inizialmente realizza fotografie documentarie, ma negli anni Novanta si dedica a una ricerca formale in cui il materiale fotografico viene trattato con la plasticità del disegno, trattando i supporti dell'immagine con un liquido fotosensibile. Questa ricerca formale è sostenuta da una sensibilità che la coinvolge completamente e rappresenta una vera e propria sfida esistenziale.

È attratta da luoghi desertici, rocce e paesaggi acquatici. La sua fotografia è la cattura di un paesaggio mentale. Per Jungjin Lee la fotografia è un'avventura interiore, una meditazione.

Le sue opere sono rappresentate in numerose collezioni e musei come il Metropolitan Museum di New York, il Whitney Museum di New York, il Seoul Museum of Art di Seoul, ecc.

La mostra è in collaborazione con la Galerie Stephan Witschi.

Jungjin LEE is a Korean artist who has lived in the US since 1988. She studied photography at New York University and was an assistant to Robert Frank.

She initially photographed documentary, but in the 90s turned to a formal search, treating the photographic material with the plasticity of drawing, by treating the image supports with light-sensitive liquid. This formal search is sustained by a sensibility that completely engages her and represents a truly existential challenge.

She is attracted to desert locations, rocky outcrops and water landscapes. Her photography is the capture of a mental landscape. For Jungjin Lee, photography is an inner adventure, a meditation.

Her works are represented in numerous collections and museums such as the Metropolitan Museum New York, Whitney Museum, New York, Seoul Museum of Art, Seoul, etc.

The exhibition is in collaboration with Galerie Stephan Witschi.

(Text: Hotel Suvretta House, St. Moritz)

Rolla.info - ex scuola d’infanzia | Bruzella
29. April - 8. Oktober 2023

a dialogue
Ruth Hallensleben, Albert Renger-Patzsch

Albert Renger-Patzsch, Ruth Hallensleben, ein Dialog ist die einundzwanzigste Ausstellung, die in den Räumen von Rolla.info, einem ehemaligen Kindergarten in Bruzella, stattfindet.

Die vierzig Fotografien aus der Sammlung Rolla, die zwischen den 1920er und 1960er Jahren entstanden sind, stellen zwei bereits in der Vergangenheit vorgestellte Autorinnen in einer neuen Lesart gegenüber.

Beide waren Deutsche, gleichaltrig und arbeiteten hauptsächlich auf demselben Gebiet, der Industriefotografie. Albert Renger-Patzsch genießt internationales Ansehen, Ruth Hallensleben ist noch nicht entdeckt worden. Die Gründe dafür sind unterschiedlich, angefangen bei der Tatsache, dass ersterer auch persönliche Forschungen betreibt, während letztere fast immer auf Bestellung arbeitet. Urs Stahel untersucht in seinem Einführungstext auch andere Faktoren, die soziale Konditionierung und betont: Bei der Auswahl merkt man kaum Unterschiede in Haltung oder Qualität. Obwohl auch hier Auftrags- und freie Fotografie gegenübergestellt werden.

Albert Renger-Patzsch, Ruth Hallensleben, un dialogue est la vingt-et-unième exposition organisée à l'espace Rolla.info, un ancien jardin d'enfants du village de Bruzella.

Les quarante photographies, prises entre les années 1920 et 1960, appartenant à la collection Rolla, mettent en regard deux auteurs déjà présentés dans le passé, avec une nouvelle lecture.

Tous deux sont allemands, ont le même âge et travaillent principalement dans le même domaine, la photographie industrielle. Albert Renger-Patzsch jouit d'une réputation internationale, Ruth Hallensleben reste à découvrir. Les raisons sont différentes, à commencer par le fait que le premier développe également des recherches personnelles, tandis que la seconde travaille presque toujours sur commande. Dans son texte d'introduction, Urs Stahel étudie également d'autres facteurs, le conditionnement social, et souligne : "Lors de la sélection, on ne remarque guère de différences d'attitude ou de qualité. Même si, ici aussi, la photographie de commande et la photographie libre sont mises en opposition.

Albert Renger-Patzsch, Ruth Hallensleben, a dialogue è la ventunesima mostra organizzata presso lo spazio Rolla.info, ex scuola d’infanzia del paese di Bruzella.

Le quaranta fotografie, scattate tra gli anni Venti e gli anni Sessanta del Ventesimo secolo, appartenenti alla collezione Rolla, mettono a confronto due autori già presentati in passato, con una nuova lettura.

Entrambi tedeschi, coetanei e che lavoravano prevalentemente nello stesso ambito, la fotografia industriale. Albert Renger-Patzsch gode di una fama internazionale, Ruth Hallensleben è ancora da scoprire. Le ragioni sono diverse a partire dal fatto che il primo sviluppa anche una ricerca personale, la seconda lavora quasi sempre su commissione. Urs Stahel nel testo introduttivo indaga anche altri fattori, condizionamenti sociali e sottolinea: Nella selezione non si notano quasi differenze di atteggiamento, né di qualità. Anche se, pure in questo caso, si trovano contrapposte commissione e fotografia libera.

Albert Renger-Patzsch, Ruth Hallensleben, a dialogue is the twentieth-first exhibition held in the ex-kindergarten of Bruzella, home of the Rolla Foundation.

The forty photographs, taken between the 1920s and the 1960s and belonging to the Rolla collection, compare two previously presented authors with a new reading. Both were Germans, contemporaries, and worked predominantly in the same field, industrial photography. Albert Renger-Patzsch enjoys international fame, Ruth Hallensleben is yet to be discovered. The reasons are different, starting with the fact that the former also developed personal research, the latter almost always worked on commission. In the introductory text, Urs Stahel also examines other factors, social conditioning, and emphasizes that: In this selection, there are hardly any differences in attitude or quality. Although here, too, it is often a question of commissioned versus free photography.

(Text: Rolla.info)

Bally Foundation | Lugano
20. April - 24. September 2023

Un Lac Inconnu

Vito Acconci, Wilfrid Almendra, Caroline Bachmann, Oliver Beer, Matthias Bensimon, Angela Bulloch, Ligia Dias, Adélaide Feriot, Karim Forlin, Tania Gheerbrant, Petrit Halilaj & Álvaro Urbano, Yannick Haenel, Rebecca Horn, Paul Maheke, Hélene Muheim, Mel O’Callaghan, Philippe Parreno, Elise Peroi, Constant Puyo, Emilija Škarnulytė, Haim Steinbach, Willa Wasserman

Mit mehr als zwanzig internationalen Künstlern vereint, bietet Un Lac Inconnu einen poetischen und philosophischen Spaziergang zwischen versunkenen und auftauchenden Landschaften, einen Versuch, dem Wasser Form zu geben, das zwischen den Fingern gleitet und doch eine Spur hinterlässt, ein Angebot zur Verbindung mit sich selbst und der Welt.

Die Bally Foundation freut sich, die bevorstehende Eröffnung ihres neuen Sitzes in der Villa Heleneum in Lugano am 20. April bekannt zu geben. Diese Eröffnung markiert den Beginn einer neuen und wichtigen Phase in der Entwicklung der Stiftung, die nach 17 Jahren endlich einen festen Standort an einem außergewöhnlichen Ort am Ufer des Luganer Sees haben wird. Seit 2006 ist die Mission der Stiftung die Förderung von Kunst und Kultur unter Betonung wichtiger Themen für Bally wie Innovation, Unterstützung von Kreativität und Aufmerksamkeit für ökologische Themen. Seit Beginn der Geschichte von Bally hat der Gründer eine engagierte soziale Vision und eine große Bereitschaft gezeigt, eng mit Künstlern, Architekten, Grafikern und Kreativen jeder Herkunft zusammenzuarbeiten. Heute setzt die Stiftung diese Tradition fort durch ein vielfältiges künstlerisches und kulturelles Angebot, das die Kreativität in all ihren Formen unterstützt und insbesondere junge Künstler durch ein Residenzprogramm und die Einbeziehung eines breiten Publikums aus der lokalen und internationalen Gemeinschaft sowie aus kulturellen und akademischen Institutionen fördert.

Wir haben eine beachtliche Arbeit geleistet, um diesen Ort wiederzubeleben, und die Vorbereitungsphase des Projekts hat wichtige Meilensteine für seine Umsetzung markiert, wie die Unterzeichnung des Vertrags mit der Stadt Lugano im November 2021, für die ich insbesondere das Vertrauen und die geteilte Vision danken möchte, sowie die Vorpremiere am 11. November letzten Jahres, die mit großer Begeisterung aufgenommen wurde.

Seit November 2022 hat Vittoria Matarrese die Leitung der Stiftung übernommen. Sie verfügt über bedeutende Erfahrungen in der Branche und ein internationales Profil, da sie leitende Positionen im Palais de Tokyo in Paris und der Villa Medici in Rom innehatte. Ihre Fähigkeiten und ihre zeitgenössische Vision kontinuierlicher Innovation sind entscheidend für die Weiterentwicklung der Bally Foundation und ihrer Aktivitäten wie dem Bally Artist Award. Mit der Ernennung von Vittoria konzentriert sich das Stiftungsprogramm auf zeitgenössische Kunst und Kreativität durch Ausstellungen und Veranstaltungen, die aufstrebende und etablierte Künstler vereinen. In naher Zukunft wird das Residenzprogramm auch darauf abzielen, Bindungen zur Region, den Gärten und der Geschichte des Ortes zu stärken, indem Künstler aus der ganzen Welt willkommen geheißen werden.

Die Verbindungen zur Region und den lokalen Institutionen werden durch spezifische Programme entwickelt, beginnend mit einer engeren Zusammenarbeit mit dem MASI (Museum für Kunst der italienischen Schweiz). Ich bin sehr stolz darauf, heute sagen zu können, dass der Bally Artist Award als national bedeutsamer Preis angesehen wird, der für jeden Schweizer oder ansässigen Künstler offen ist. Ab diesem Jahr wird das ausgezeichnete Werk des Künstlers neben der Ausstellung im MASI im Palazzo Reali am 3. Juni erworben und in die permanenten Sammlungen des MASI aufgenommen, um die Unterstützung der Stiftung zu entwickeln und den ausgezeichneten Künstlern mehr Sichtbarkeit zu bieten.

Abschließend möchte ich unseren Mitarbeitern, Partnern, Unterstützern der Stiftung und schließlich den Mitgliedern des Verwaltungsrates der Stiftung danken, die dieses Projekt möglich gemacht haben. Ich möchte auch der Stadt Lugano für ihr Vertrauen und ihre Vision danken.

Ich wünsche Vittoria Matarrese alles Gute und dass ihre neue Position ein wichtiger Schritt, eine neue Herausforderung und ein Raum für Freiheit und Kreativität für alle ist.

Réunissant plus de vingt artistes internationaux, Un Lac Inconnu propose une promenade poétique et philosophique entre paysages engloutis et émergents, une tentative de donner forme à l'eau qui glisse entre les doigts tout en laissant une trace, une proposition de connexion avec soi-même et le monde.

La Bally Foundation est heureuse d'annoncer l'ouverture prochaine de son nouveau siège à la Villa Heleneum de Lugano, le 20 avril. Cette ouverture marque le début d'une nouvelle phase importante dans le développement de la fondation qui, après 17 ans, aura enfin un emplacement fixe dans un lieu exceptionnel sur les rives du lac de Lugano. Depuis 2006, la mission de la fondation est de promouvoir l'art et la culture en mettant l'accent sur des thèmes importants pour Bally tels que l'innovation, le soutien à la créativité et l'attention portée aux questions écologiques. Depuis le début de l'histoire de Bally, le fondateur a fait preuve d'une vision sociale engagée et d'une grande volonté de travailler en étroite collaboration avec des artistes, des architectes, des graphistes et des créateurs de tous horizons. Aujourd'hui, la fondation perpétue cette tradition en proposant une offre artistique et culturelle variée qui soutient la créativité sous toutes ses formes et encourage notamment les jeunes artistes grâce à un programme de résidences et à l'implication d'un large public issu de la communauté locale et internationale ainsi que des institutions culturelles et académiques.

Nous avons réalisé un travail considérable pour faire revivre ce lieu et la phase préparatoire du projet a marqué des étapes importantes pour sa mise en œuvre, comme la signature du contrat avec la ville de Lugano en novembre 2021, dont je tiens à remercier tout particulièrement la confiance et la vision partagée, ainsi que l'avant-première du 11 novembre dernier, qui a été accueillie avec un grand enthousiasme.

Depuis novembre 2022, Vittoria Matarrese a pris la direction de la fondation. Elle possède une expérience significative dans le secteur et un profil international, puisqu'elle a occupé des postes de direction au Palais de Tokyo à Paris et à la Villa Médicis à Rome. Ses compétences et sa vision contemporaine de l'innovation continue sont essentielles au développement de la Bally Foundation et de ses activités telles que le Bally Artist Award. Avec la nomination de Vittoria, le programme de la fondation se concentre sur l'art contemporain et la créativité à travers des expositions et des événements qui réunissent des artistes émergents et établis. Dans un avenir proche, le programme de résidence visera également à renforcer les liens avec la région, les jardins et l'histoire du lieu en accueillant des artistes du monde entier.

Les liens avec la région et les institutions locales seront développés par le biais de programmes spécifiques, à commencer par une collaboration plus étroite avec le MASI (Musée d'art de la Suisse italienne). Je suis très fier de pouvoir dire aujourd'hui que le Bally Artist Award est considéré comme un prix d'importance nationale, ouvert à tout artiste suisse ou résident. À partir de cette année, en plus de l'exposition au MASI, l'œuvre primée de l'artiste sera acquise au Palazzo Reali le 3 juin et fera partie des collections permanentes du MASI afin de développer le soutien de la fondation et d'offrir une plus grande visibilité aux artistes récompensés.

Pour conclure, je voudrais remercier nos collaborateurs, nos partenaires, les soutiens de la fondation et enfin les membres du conseil d'administration de la fondation qui ont rendu ce projet possible. Je tiens également à remercier la ville de Lugano pour sa confiance et sa vision.

Je souhaite le meilleur à Vittoria Matarrese et que son nouveau poste soit une étape importante, un nouveau défi et un espace de liberté et de créativité pour tous.

Riunendo più di venti artisti internazionali, Un Lac Inconnu offre una passeggiata poetica e filosofica tra paesaggi sommersi ed emergenti, un tentativo di dare forma all'acqua che scivola tra le dita eppure lascia una traccia, un'offerta di connessione con se stessi e con il mondo.

La Fondazione Bally è lieta di annunciare la prossima apertura della sua nuova sede presso Villa Heleneum a Lugano, il 20 aprile. Questa inaugurazione segna l'inizio di una nuova e importante fase nello sviluppo della Fondazione, che dopo 17 anni avrà finalmente una sede permanente in un luogo eccezionale sulle rive del Lago di Lugano. Dal 2006, la missione della Fondazione è stata quella di promuovere l'arte e la cultura, ponendo l'accento su temi importanti per Bally come l'innovazione, il sostegno alla creatività e l'attenzione alle questioni ecologiche. Fin dall'inizio della storia di Bally, il fondatore ha dimostrato una visione sociale impegnata e una grande disponibilità a lavorare a stretto contatto con artisti, architetti, grafici e creativi di ogni provenienza. Oggi, la Fondazione continua questa tradizione attraverso un programma artistico e culturale diversificato che sostiene la creatività in tutte le sue forme, in particolare sostenendo i giovani artisti attraverso un programma di residenze e l'impegno con un'ampia gamma di pubblico della comunità locale e internazionale, nonché con istituzioni culturali e accademiche.

Abbiamo svolto un notevole lavoro per rivitalizzare questo spazio e la fase preparatoria del progetto ha segnato tappe importanti per la sua realizzazione, come la firma del contratto con la Città di Lugano nel novembre 2021, di cui ringrazio in particolare la fiducia e la visione condivisa, e l'anteprima dell'11 novembre scorso, accolta con grande entusiasmo.

Dal novembre 2022, Vittoria Matarrese ha assunto la direzione della Fondazione. Vittoria Matarrese vanta una significativa esperienza nel settore e un profilo internazionale, avendo ricoperto posizioni di responsabilità presso il Palais de Tokyo di Parigi e Villa Medici a Roma. Le sue competenze e la sua visione contemporanea di continua innovazione sono fondamentali per l'ulteriore sviluppo della Fondazione Bally e delle sue attività, come il Bally Artist Award. Con la nomina di Vittoria, il programma della Fondazione si concentra sull'arte contemporanea e sulla creatività attraverso mostre ed eventi che uniscono artisti emergenti e affermati. Nel prossimo futuro, il programma di residenze mirerà anche a rafforzare i legami con la regione, i giardini e la storia del sito, accogliendo artisti da tutto il mondo.

I legami con la regione e le istituzioni locali saranno sviluppati attraverso programmi specifici, a partire da una più stretta collaborazione con il MASI (Museo d'Arte della Svizzera Italiana). Sono molto orgoglioso di poter dire oggi che il Bally Artist Award è considerato un premio di rilevanza nazionale aperto a qualsiasi artista svizzero o residente. Da quest'anno, oltre alla mostra al MASI, l'opera dell'artista premiato sarà acquisita a Palazzo Reali il 3 giugno e inserita nelle collezioni permanenti del MASI, per sviluppare il sostegno della Fondazione e dare maggiore visibilità agli artisti premiati.

Infine, vorrei ringraziare i nostri collaboratori, i partner, i sostenitori della Fondazione e infine i membri del Consiglio di Amministrazione della Fondazione che hanno reso possibile questo progetto. Desidero inoltre ringraziare la Città di Lugano per la fiducia e la lungimiranza dimostrate.

Auguro a Vittoria Matarrese ogni bene e che il suo nuovo incarico sia un passo importante, una nuova sfida e uno spazio di libertà e creatività per tutti.

Bringing together more than twenty international artists, Un Lac Inconnu offers a poetic and philosophical walk between submerged and emergent landscapes, an attempt to give shape to the water that slips between the fingers and yet leaves a trace, an offer to connect with oneself and the world.

The Bally Foundation is pleased to announce the upcoming opening of its new headquarters at the Villa Heleneum in Lugano on April 20. This opening marks the beginning of a new and important phase in the development of the Foundation, which after 17 years will finally have a permanent location in an exceptional place on the shores of Lake Lugano. Since 2006, the Foundation's mission has been to promote art and culture while emphasizing important themes for Bally such as innovation, support for creativity and attention to ecological issues. Since the beginning of Bally's history, the founder has shown a committed social vision and a great willingness to work closely with artists, architects, graphic designers and creative people of all origins. Today, the Foundation continues this tradition through a diverse artistic and cultural offering that supports creativity in all its forms and, in particular, encourages young artists through a residency program and the involvement of a broad audience from the local and international community as well as cultural and academic institutions.

We have done a considerable amount of work to revitalize this place, and the preparatory phase of the project has marked important milestones for its implementation, such as the signing of the contract with the City of Lugano in November 2021, for which I would like to thank in particular the trust and shared vision, and the preview on November 11 last year, which was taken up with great enthusiasm.

Since November 2022, Vittoria Matarrese has taken over the management of the Foundation. She has significant experience in the field and an international profile, having held senior positions at the Palais de Tokyo in Paris and the Villa Medici in Rome. Her skills and contemporary vision of continuous innovation are crucial to the further development of the Bally Foundation and its activities such as the Bally Artist Award. With Vittoria's appointment, the Foundation program will focus on contemporary art and creativity through exhibitions and events that unite emerging and established artists. In the near future, the residency program will also aim to strengthen ties to the region, the gardens, and the history of the site by welcoming artists from around the world.

Links with the region and local institutions will be developed through specific programs, beginning with closer collaboration with MASI (Museum of Art of Italian Switzerland). I am very proud to say today that the Bally Artist Award is considered a nationally significant award, open to any Swiss or resident artist. Starting this year, in addition to the exhibition at MASI, the awarded artist's work will be acquired at Palazzo Reali on June 3 and taken up in the permanent collections of MASI, in order to develop the support of the Foundation and offer more visibility to the awarded artists.

Finally, I would like to thank our collaborators, partners, supporters of the Foundation and finally the members of the Board of Directors of the Foundation who made this project possible. I would also like to thank the City of Lugano for its trust and vision.

I wish Vittoria Matarrese all the best and that her new position is an important step, a new challenge and a space for freedom and creativity for all.

(Text: Nicolas Girotto, CEO von Bally, Präsident der Bally Foundation)

Canvetto Luganese | Lugano
18. April - 21. Juli 2023

Pathos
Giorgio Negro

Das Fotobuch Pathos wurde 2019 veröffentlicht und besteht aus 59 Schwarz-Weiß-Bildern, die im Laufe von fünfzehn Jahren auf meinen Wanderungen durch Lateinamerika entstanden sind. Diese Fragmente einer intimen und persönlichen Reise stellen meine Vision des lateinamerikanischen Kontinents dar, die von Kontrasten, Zweideutigkeiten und äußerst akuten Paradoxien geprägt ist.

Meine beruflichen Erfahrungen haben diese Vision zweifellos beeinflusst: Ich habe mehr als 20 Jahre lang in Kriegsgebieten gearbeitet und kannte daher die Gewalt und die menschliche Grausamkeit aus erster Hand. Ich fotografierte jedoch abseits der Orte, an denen ich arbeitete, und beobachtete fernab vom Trubel des Fotojournalismus einfach die Welt.

Durch das fotografische Objektiv nahm ich die Koexistenz von Gut und Böse, oft metaphorisch, überall und in jedem wahr, ohne moralische Wertung oder Pessimismus. Ich sah Gewalt, wo Frieden zu herrschen schien, und Poesie, wo nur Schmerz erschien.

Die Bilder im Buch Pathos wurden bei verschiedenen Wettbewerben mit dem ersten Platz ausgezeichnet: dem Milano Street Photo Festival, dem Lodi Ethical Photography Festival, dem Italy Photo Award, dem Voglino Editorial Award sowie als Finalisten für den Lens Culture Emerging Talents Award 2019 und verschiedene andere internationale Fotowettbewerbe. Sie wurden in Mailand, New York, Rio de Janeiro, Miami, Cadaqués, Rom, Triest, Ancona, Padua, Paris, Susa und Bardonecchia ausgestellt.

Le livre photographique Pathos a été publié en 2019 et se compose de 59 images en noir et blanc, prises au cours d'une quinzaine d'années lors de mes pérégrinations en Amérique latine. Ces fragments d'un voyage intime et personnel représentent ma vision du continent latino-américain, déchiré par des contrastes, des ambiguïtés et des paradoxes extrêmement aigus.

Mes expériences professionnelles ont sans doute influencé cette vision : j'ai travaillé pendant plus de 20 ans dans des zones de guerre et j'ai donc connu de près la violence et la cruauté humaine. Cependant, j'ai photographié loin des lieux où je travaillais et, loin de l'agitation du photojournalisme, j'ai simplement observé le monde.

À travers l'objectif photographique, j'ai perçu la coexistence du Bien et du Mal, souvent métaphorique, partout et en chacun, sans jugement moral ni pessimisme. J'ai vu de la violence là où il semblait y avoir de la paix et de la poésie là où il n'y avait que de la douleur.

Les images du livre Pathos ont été récompensées par la première place dans divers concours : le Milano Street Photo Festival, le Lodi Ethical Photography Festival, l'Italy Photo Award, le Voglino Editorial Award, et ont été sélectionnées comme finalistes du Lens Culture Emerging Talents Award 2019 et de divers autres concours internationaux de photographie. Elles ont été exposées à Milan, New York, Rio de Janeiro, Miami, Cadaqués, Rome, Trieste, Ancône, Padoue, Paris, Suse, Bardonecchia.

Il libro fotografico Pathos è stato pubblicato nel 2019 e consiste di 59 immagini in bianco e nero, scattate nell’arco di quindici anni nel corso del mio peregrinare attraverso l’America Latina. Questi frammenti di un viaggio intimo e personale rappresentano la mia visione del continente latinoamericano, lacerato da contrasti, ambiguità e paradossi estremamente acuti.

Le mie esperienze professionali hanno sicuramente influenzato questa visione: ho lavorato per più di vent’anni in zone di guerra e ho quindi conosciuto di prima mano la violenza e la crudeltà umana. Ho però fotografato lontano dai luoghi dove lavoravo e, lontano dagli affanni del fotogiornalismo, mi sono limitato a osservare il mondo.

Grazie all’obiettivo fotografico, ho percepito la coesistenza del Bene e del Male, spesso metaforica, ovunque e in ciascuno di noi, senza giudizi morali e senza pessimismo. Ho visto la violenza dove sembrava esserci pace e la poesia dove appariva solo dolore.

Le immagini del libro Pathos sono state premiate con il primo posto in vari concorsi: il Milano Street Photo Festival, il Festival della Fotografia Etica di Lodi, l’Italy Photo Award, il Premio Editoriale Voglino, oltre ad essere state selezionate come finaliste nel Lens Culture Emerging Talents Award 2019 e in vari altri concorsi internazionali di fotografia. Sono state esposte a Milano, New York, Rio de Janeiro, Miami, Cadaqués, Roma, Trieste, Ancona, Padova, Parigi, Susa, Bardonecchia.

The photographic book Pathos was published in 2019 and consists of 59 black-and-white images taken over fifteen years during my peregrination through Latin America. These fragments of an intimate and personal journey represent my vision of the Latin American continent, torn by contrasts, ambiguities and extremely acute paradoxes.

My professional experiences have certainly influenced this vision: I worked for more than twenty years in war zones and thus knew first-hand the violence and human cruelty. However, I photographed away from the places where I worked and, far from the drudgery of photojournalism, I simply observed the world.

Through the photographic lens, I perceived the coexistence of Good and Evil, often metaphorical, everywhere and in each of us, without moral judgment or pessimism. I saw violence where there seemed to be peace and poetry where only pain appeared.

The images in the book Pathos have been awarded first place in various competitions: the Milano Street Photo Festival, the Lodi Ethical Photography Festival, the Italy Photo Award, the Voglino Editorial Award, as well as being selected as finalists in the Lens Culture Emerging Talents Award 2019 and various other international photography competitions. They have been exhibited in Milan, New York, Rio de Janeiro, Miami, Cadaqués, Rome, Trieste, Ancona, Padua, Paris, Susa, Bardonecchia.

(Text: Canvetto Luganese, Lugano)

Sala Viaggiatori | Castasegna
9. April - 27. August 2023

Castasegna unter Strom
Mario Comensoli, Gabriela Gerber & Lukas Bardill, Roman Signer

Bei CASTASEGNA UNTER STROM bilden die Kraftwerkanlage und die Wohnsiedlung der EWZ (Architekt Bruno Giacometti, 1907–2012) in Castasegna die Ausgangslage der Exposition.

Ein weiteres Augenmerk der Ausstellung wird auf den Künstler Mario Comensoli (1922–1993) und seine Gemälde La descente de la montagne von 1963–1964 in der Kraftwerkzentrale in Castasegna und La force de l’union von 1962–1963 in der Kraftwerkzentrale in Löbbia gerichtet. Thematisiert werden auch Zusammenhänge zu Arte Bregaglia 2008, Video Arte Palazzo Castelmur 2013, Arte Albigna 2017 und Arte Castasegna 2018. Auch der Postkarte wird – wie auch in zukünftigen Ausstellungen – nochmals Platz eingeräumt. Ergänzt wird die Exposition mit Künstler:innenpositionen wie Gabriela Gerber & Lukas Bardill (Video) und Roman Signer (Fotografie/Video).

Dans CASTASEGNA SOUS TENSION, la centrale électrique et le lotissement de l'EWZ (architecte Bruno Giacometti, 1907-2012) à Castasegna constituent le point de départ de l'exposition.

L'exposition s'intéresse également à l'artiste Mario Comensoli (1922-1993) et à ses tableaux La descente de la montagne de 1963-1964 dans la centrale électrique de Castasegna et La force de l'union de 1962-1963 dans la centrale électrique de Löbbia. Les liens avec Arte Bregaglia 2008, Video Arte Palazzo Castelmur 2013, Arte Albigna 2017 et Arte Castasegna 2018 seront également thématisés. Une place sera également à nouveau accordée à la carte postale, comme dans les expositions futures. L'exposition est complétée par des positions d'artistes comme Gabriela Gerber & Lukas Bardill (vidéo) et Roman Signer (photographie/vidéo).

Nel progetto CASTASEGNA SOTTO TENSIONE la centrale elettrica e l’insediamento residenziale delle EWZ (arch. Bruno Giacometti, 1907–2012) a Castasegna costituiranno il punto di partenza dell’esposizione.

La mostra dedicherà attenzione anche all’artista Mario Comensoli (1922–1993) e ai suoi dipinti La descente de la montagne (1963–1964, nella centrale idroelettrica di Castasegna e La force de l’union, 1962–1963, nella centrale idroelettrica di Löbbia. Saranno pure tematizzate le correlazioni con Arte Bregaglia 2008, Video Arte Palazzo Castelmur 2013, Arte Albigna 2017 e Arte Castasegna 2018. Inoltre, in questa esposizione come pure nelle mostre future, sarà dato nuovamente spazio alla cartolina. La mostra sarà integrata da opere di artiste e artisti quali Gabriela Gerber & Lukas Bardill (video), Roman Signer (fotografia/video).

In CASTASEGNA UNDER CURRENT, the power plant and the EWZ housing estate (architect Bruno Giacometti, 1907-2012) in Castasegna form the starting point of the exposition.

The exhibition will also focus on the artist Mario Comensoli (1922-1993) and his paintings La descente de la montagne from 1963-1964 at the power plant headquarters in Castasegna and La force de l'union from 1962-1963 at the power plant headquarters in Löbbia. Also thematized are connections to Arte Bregaglia 2008, Video Arte Palazzo Castelmur 2013, Arte Albigna 2017 and Arte Castasegna 2018. Space will also be given once again to the postcard - as in future exhibitions. The exposition is complemented with artist:inside positions such as Gabriela Gerber & Lukas Bardill (video) and Roman Signer (photography/video).

(Text: Sala Viaggiatori, Castasegna)

CONSARC/GALLERIA | Chiasso
5. März - 12. Mai 2023

PICTURES
Annelies Štrba

In der CONSARC/GALLERIA in Chiasso werden im Frühjahr 2023 rund 20 Werke der bekannten Schweizer Multimedia-Künstlerin Annelies Štrba gezeigt.

Geboren 1947 in Zug (CH), lebt und arbeitet Annelies Štrba zwischen Richterswil und Arcegno.

Sie begann ihre künstlerische Arbeit 1990 und nahm an Gruppenausstellungen mit anderen Künstlern teil, die sich mit den Themen Familie, Gesellschaft und Alltag befassen, wie Nan Goldin, Shirin Neshat, Pipilotti Rist und Wolfgang Tillmans. Die Künstlerin nutzt Fotografie und digitale Medien, um Bilder zu produzieren, die sie dann nicht nur am Computer, sondern auch mit manuellen Eingriffen manipuliert.

Seine traumhaften, malerischen Bilder zeigen vor allem seine Kinder (und später seine Enkelkinder), die in einer farbenfrohen, schützenden häuslichen Umgebung schlafen, träumen und spielen, als ob sie die flüchtigen Tage der Kindheit festhalten wollten. Ihre Figuren erinnern an Geister und entmaterialisierte Gestalten, die in Dekorationen eingebettet sind, die an die romantischen Atmosphären der Brontë-Bücher erinnern.

Für Annelies Štrba ist das Familienleben eng mit ihrer künstlerischen Forschung verbunden, und die Kamera war schon immer ein fester Bestandteil ihres täglichen Lebens.

Ihre Werke wurden im Museum Rietberg und im Landesmuseum in Zürich, im Kunsthaus in Zug und im Gemeente Museum in Den Haag ausgestellt und befinden sich in den Sammlungen internationaler Museen wie dem Centre Pompidou in Paris, der Hamburger Kunsthalle und dem Kunsthaus in Zürich.

Die Einzelausstellung in der CONSARC/GALLERIA findet zeitgleich mit einer großen Retrospektive statt, die die Fotostiftung in Winterthur dem Schweizer Fotografen vom 25.02. bis 13.08.2023 widmet.

Unter dem Titel Bunt entfaltet sich mein Anderssein, der ein Gedicht von Emmy Henning zitiert, zeigt die Fotostiftung erstmals Werke der Künstlerin aus ihrer Sammlung. Es handelt sich um Werke aus dem Zyklus "Shades of Time", der zwischen 1974 und 1997 entstanden ist und in dem die ersten Schwarz-Weiß-Fotografien die Farbfotos der familiären Intimität vorwegnehmen, sowie um Panoramen und Blumen, die während einiger Reisen aufgenommen wurden. Ein zweiter Teil der Ausstellung konzentriert sich auf das jüngste, seinen Enkeln gewidmete Werk mit dem Titel NOONDAY.

Die Galerie in Chiasso bietet auch eine Sammlung der wichtigsten Bücher von Annelies Štrba an, die immer sehr sorgfältig verpackt und gedruckt werden und von denen einige heute nicht mehr erhältlich und vergriffen sind.

Auch die jüngste Publikation, die Lars Müller anlässlich der Retrospektive in Winterthur herausgegeben hat, mit Texten von Teresa Gruber, Peter Pfrunder und Guido Magnaguagno wird erhältlich sein.

Au CONSARC/GALLERIA de Chiasso, l'exposition du début du printemps 2023 présente une vingtaine d'œuvres de l'éminente artiste multimédia suisse Annelies Štrba.

Née en 1947 à Zoug (CH), Annelies Štrba vit et travaille entre Richterswil et Arcegno.

Elle a commencé son travail artistique en 1990, en participant à des expositions collectives avec d'autres artistes liés aux thèmes de la famille, de la société et de la vie quotidienne, comme Nan Goldin, Shirin Neshat, Pipilotti Rist et Wolfgang Tillmans. L'artiste utilise la photographie et les médias numériques pour produire des images qu'elle manipule ensuite non seulement sur l'ordinateur mais aussi avec des interventions manuelles.

Ses images oniriques et picturales représentent principalement ses enfants (et plus tard ses petits-enfants) dormant, rêvant et jouant dans un environnement domestique coloré et protecteur, comme pour fixer les jours fugaces de l'enfance. Ses personnages évoquent des fantômes et des figures dématérialisées immergées dans des décors rappelant les atmosphères romantiques des livres de Brontë.

Pour Annelies Štrba, la vie familiale est étroitement liée à sa recherche artistique et l'appareil photo a toujours fait partie intégrante de son quotidien.

Ses œuvres ont été exposées au Musée Rietberg et au Landesmuseum de Zurich, au Kunsthaus de Zug, au Gemeente Museum de La Haye et font partie des collections de musées internationaux tels que le Centre Pompidou à Paris, la Hamburger Kunsthalle et le Kunsthaus de Zurich.

L'exposition personnelle au CONSARC/GALLERIA a lieu en même temps qu'une grande rétrospective que la Fotostiftung de Winterthur consacre au photographe suisse du 25.02. au 13.08.2023.

Sous le titre Bunt entfaltet sich mein Anderssein, qui cite un poème d'Emmy Henning, la Fondation suisse pour la photographie expose pour la première fois des œuvres de l'artiste issues de sa collection. Des œuvres appartenant au cycle Shades of Time, réalisées entre 1974 et 1997, où les premières toiles photographiques en noir et blanc anticipent les photos en couleur de l'intimité familiale, ainsi que des panoramas et des fleurs pris lors de certains voyages. Une deuxième partie de l'exposition se concentre sur l'œuvre la plus récente consacrée à ses petits-enfants, intitulée NOONDAY.

La Galerie de Chiasso propose également une collection des livres les plus significatifs de l'œuvre d'Annelies Štrba, des publications toujours très soigneusement emballées et imprimées, dont certaines sont désormais introuvables et épuisées.

La dernière publication éditée par Lars Müller pour la rétrospective de Winterthur avec des textes de Teresa Gruber, Peter Pfrunder et Guido Magnaguagno sera également disponible.

Alla CONSARC/GALLERIA di Chiasso la mostra di inizio primavera 2023 ospita una ventina di lavori dell’importante artista svizzera multimediale Annelies Štrba.

Nata nel 1947 a Zugo (CH), Annelies Štrba vive e lavora tra Richterswil e Arcegno.

Inizia il suo lavoro artistico nel 1990 partecipando a mostre collettive con altri autori legati ai temi della famiglia, della società e della vita quotidiana come Nan Goldin, Shirin Neshat, Pipilotti Rist e Wolfgang Tillmans. L’artista si serve della fotografia e dei media digitali per produrre immagini che poi manipola non solo al computer ma anche con interventi manuali.

Nelle sue immagini oniriche e pittoriche sono ritratti soprattutto i suoi figli (e in seguito i suoi nipoti) che dormono, sognano e giocano all’interno di un colorato e protettivo ambiente domestico quasi a voler fissare i giorni fugaci dell’infanzia. I suoi personaggi evocano fantasmi e figure smaterializzate immerse in decori che ricordano le atmosfere romantiche dei libri delle Brontë.

La vita famigliare è per Annelies Štrba strettamente legata alla sua ricerca artistica e l’apparecchio fotografico è da sempre parte integrante del suo quotidiano.

Le sue opere sono state esposte al Museum Rietberg e al Landesmuseum di Zurigo, al Kunsthaus di Zugo, al Gemeente Museum all’Aia e sono presenti nelle collezioni di musei internazionali come il Centre Pompidou di Parigi, l’Hamburger Kunsthalle e il Kunsthaus di Zurigo.

La mostra personale in CONSARC/GALLERIA si svolge in contemporanea con un’importante retrospettiva che la Fotostiftung di Winterthur dedica alla fotografa svizzera dal 25.02. al 13.08.2023.

Con il titolo Bunt entfaltet sich mein Anderssein, che cita una poesia di Emmy Henning, la Fondazione Svizzera per la Fotografia espone per la prima volta le opere dell’artista presenti nella sua collezione. Opere facenti parte del ciclo Shades of Time, realizzate tra il 1974 e il 1997, dove le prime tele fotografiche in bianco e nero anticipano le foto a colori di intimità familiare, oltre a panorami e fiori ripresi durante alcuni viaggi. Una seconda parte della mostra è invece concentrata sul lavoro più recente dedicato ai nipoti dal titolo NOONDAY.

La Galleria chiassese propone anche una raccolta dei libri più significativi dei lavori di Annelies Štrba, pubblicazioni sempre molto curate nella confezione e nella stampa, alcune delle quali ormai introvabili ed esaurite.

Sarà disponibile anche l’ultima pubblicazione edita da Lars Müller per la retrospettiva di Winterthur con i testi di Teresa Gruber, Peter Pfrunder e Guido Magnaguagno.

At the CONSARC/GALLERIA in Chiasso, the early spring 2023 exhibition features some 20 works by prominent Swiss multimedia artist Annelies Štrba.

Born in 1947 in Zug (CH), Annelies Štrba lives and works between Richterswil and Arcegno.

She began her artistic work in 1990 by participating in group exhibitions with other authors related to the themes of family, society and everyday life such as Nan Goldin, Shirin Neshat, Pipilotti Rist and Wolfgang Tillmans. The artist uses photography and digital media to produce images that she then manipulates not only on the computer but also with manual interventions.

His dreamlike, painterly images depict mostly his children (and later his grandchildren) sleeping, dreaming and playing within a colorful, protective domestic environment as if to fix the fleeting days of childhood. Her characters evoke ghosts and dematerialized figures immersed in décor reminiscent of the romantic atmospheres of the Brontës' books.

Family life is for Annelies Štrba closely linked to her artistic pursuit, and the camera has always been an integral part of her daily life.

Her works have been exhibited at Museum Rietberg and Landesmuseum Zurich, Kunsthaus Zug, Gemeente Museum in The Hague and are in the collections of international museums such as Centre Pompidou in Paris, Hamburger Kunsthalle and Kunsthaus Zurich.

The solo exhibition in CONSARC/GALLERY runs concurrently with a major retrospective that the Fotostiftung Winterthur is dedicating to the Swiss photographer from Feb. 25 to Aug. 13, 2023.

Under the title Bunt entfaltet sich mein Anderssein, which quotes a poem by Emmy Henning, the Swiss Foundation for Photography is exhibiting the artist's works in its collection for the first time. Works that are part of the Shades of Time cycle, made between 1974 and 1997, where early black-and-white photographic canvases anticipate color photos of family intimacy, as well as panoramas and flowers taken during some travels. A second part of the exhibition, however, focuses on the most recent work dedicated to his grandchildren entitled NOONDAY.

The Chiasso Gallery also offers a collection of the most significant books of Annelies Štrba's work, publications that are always very carefully packaged and printed, some of which are now unobtainable and out of print.

Also available will be the latest publication edited by Lars Müller for the Winterthur retrospective with texts by Teresa Gruber, Peter Pfrunder and Guido Magnaguagno.

(Text: CONSARC/GALLERIA, Chiasso)

Galerie Luciano Fasciati | Chur
4. März - 1. April 2023

Melancholia
huber.huber

Die Zwillingsbrüder Markus und Reto Huber (*1975, Münsterlingen) arbeiten seit dem Abschluss ihrer Ausbildung an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) im Jahr 2005 als huber.huber zusammen. Mit ihren Collagen, Zeichnungen, Fotografien, skulpturalen Arbeiten und Installationen haben sich huber.huber in der Schweizer Kunstszene einen Namen gemacht und ein grosses Renommee erlangt. Ihr Schaffen zeichnet sich nicht nur durch eine Vielschichtigkeit und Konzeptionalität aus, sondern überzeugt auch mit einer Spur Ironie und Skurrilität. Trotz aller poetischen Leichtigkeit lauert in ihren Arbeiten stets eine latente Bedrohung. Eines der zentralsten Themen ihrer künstlerischen Auseinandersetzungen stellt das wechselhafte Verhältnis von Natur und Kultur dar.

huber.huber sind Träger diverser Preise und Stipendien. Ihre Werke wurden in zahlreichen Gruppen- und Einzelausstellungen sowohl im In- als auch im Ausland gezeigt und sind im Kunsthaus Zürich, im Aargauer Kunsthaus, im Museum zu Allerheiligen Schaffhausen und in anderen wichtigen Sammlungen vertreten. Das Künstlerduo lebt und arbeitet in Zürich.

Les frères jumeaux Markus et Reto Huber (*1975, Münsterlingen) travaillent ensemble sous le nom de huber.huber depuis la fin de leur formation à la Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) en 2005. Avec leurs collages, dessins, photographies, travaux de sculpture et installations, huber.huber se sont fait un nom sur la scène artistique suisse et ont acquis une grande renommée. Leur travail ne se distingue pas seulement par sa complexité et sa conceptualité, il convainc également par une pointe d'ironie et de bizarrerie. Malgré toute la légèreté poétique, une menace latente plane toujours dans ses travaux. L'un des thèmes les plus centraux de leurs confrontations artistiques transmet la relation changeante entre la nature et la culture.

huber.huber ont reçu divers prix et bourses. Leurs œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions collectives et individuelles, tant en Suisse qu'à l'étranger, et sont représentées au Kunsthaus de Zurich, à l'Aargauer Kunsthaus, au Museum zu Allerheiligen de Schaffhouse et dans d'autres collections importantes. Le duo d'artistes vit et travaille à Zurich.

I fratelli gemelli Markus e Reto Huber (*1975, Münsterlingen) lavorano insieme come huber.huber da quando si sono laureati all'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK) nel 2005. Con i loro collage, disegni, fotografie, opere scultoree e installazioni, huber.huber si sono fatti un nome nella scena artistica svizzera e si sono guadagnati una grande reputazione. Il loro lavoro non è solo caratterizzato da complessità e concettualità, ma convince anche per un pizzico di ironia e stravaganza. Nonostante la leggerezza poetica, una minaccia latente è sempre in agguato nelle sue opere. Uno dei temi centrali delle loro esplorazioni artistiche è il rapporto mutevole tra natura e cultura.

huber.huber hanno ricevuto diversi premi e borse di studio. Le loro opere sono state esposte in numerose mostre collettive e personali sia in Svizzera che all'estero e sono rappresentate alla Kunsthaus Zürich, alla Aargauer Kunsthaus, al Museum zu Allerheiligen Schaffhausen e in altre importanti collezioni. Il duo di artisti vive e lavora a Zurigo.

The twin brothers Markus and Reto Huber (*1975, Münsterlingen) have been working together as huber.huber since graduating from the Zurich University of the Arts (ZHdK) in 2005. With their collages, drawings, photographs, sculptural works and installations, huber.huber have made a name for themselves in the Swiss art scene and gained a great reputation. Their work is not only characterized by a complexity and conceptuality, but also convinces with a trace of irony and whimsicality. Despite all poetic lightness, a latent threat always lurks in her works. One of the most central themes of their artistic explorations is the changing relationship between nature and culture.

huber.huber are recipients of various prizes and scholarships. Their works have been shown in numerous group and solo exhibitions both in Switzerland and abroad and are represented in the Kunsthaus Zürich, the Aargauer Kunsthaus, the Museum zu Allerheiligen Schaffhausen and other important collections. The artist duo lives and works in Zurich.

(Text: Galerie Luciano Fasciati, Chur)

MASI LAC | Lugano
12. Februar - 2. Juli 2023

Unseen Colour
Werner Bischof

Kuratiert von Ludovica Introini und Francesca Bernasconi in Zusammenarbeit mit Marco Bischof

Die Ausstellungssaison 2023 wird mit einer Ausstellung von bisher unveröffentlichten Werken von Werner Bischof (Zürich, 1916 - Trujillo, Peru, 1954) eröffnet.

Anhand von rund 100 digitalen Farbabzügen von Originalnegativen die von 1939 bis Mitte der 1950er-Jahre entstanden sind, wird das farbige Werk des Schweizer Fotografen, der als einer der grossen Meister der Reportage und Fotografie des 20. Jahrhunderts gilt, erstmals umfassend erschlossen.

Die Ausstellung ist als freie Reise durch die von Bischof besuchten und erlebten Welten gedacht und umfasst die gesamte Spanne seines Schaffens. Sie zeigt Farbfotografien, die mit einer Rolleiflex-Kamera mit ihren charakteristischen quadratischen Negativen bzw. mit einer Leica mit ihren klassischen 35-mm-Rollenfilmen aufgenommen wurden. Die Farbexplosion ist besonders auffällig bei einer Gruppe von Werken, die mit einer Devin Tri-Colour Kamera aufgenommen wurden, die eine Farbwiedergabe von höchster Qualität und Schärfe garantiert. Die Bilder, die Bischof mit dieser Kamera gemacht hat, werden hier zum ersten Mal der Öffentlichkeit präsentiert. Die ausgestellten Sujets sind bezeichnend für das Werk Bischofs, dem es in seinen Fotografien aus allen Teilen der Welt gelingt, Ästhetik und Emotion auf unvergleichliche Weise zu vereinen.

Ein Projekt von MASI Lugano und Werner Bischof Estate in Zusammenarbeit mit der Fotostiftung Schweiz, Winterthur.

Commissariat : Ludovica Introini et Francesca Bernasconi avec Marco Bischof

La saison d’exposition 2023 débute par une exposition d’œuvres inédites de Werner Bischof (Zurich, 1916 - Trujillo, Pérou, 1954).

Les œuvres du photographe suisse, considéré comme l’un des grands maîtres du reportage et de la photographie du XXe siècle, sont explorées pour la première fois de manière exhaustive grâce à une centaine de tirages numériques en couleur issus de négatifs originaux des années 1939 et 1950.

L’exposition est conçue comme un voyage libre à travers les mondes que Bischof a visités et expérimentés, et couvre l’ensemble de sa carrière. Elle présente une alternance d’images en couleur obtenues à l’aide d’un appareil photographique Rolleiflex, avec ses négatifs carrés caractéristiques, et d’un Leica, avec ses rouleaux de film classiques de 35 mm. L’explosion des couleurs est particulièrement perceptible dans un groupe d’œuvres prises avec la caméra Devin Tri-Colour, qui garantit un rendu des couleurs de la plus haute qualité et définition. Les images prises par Bischof avec cet appareil sont présentées au public pour la première fois. Les sujets exposés sont ceux bien connus de l’artiste qui, dans des photographies prises aux quatre coins du monde, parvient toujours, comme peu d’autres, à combiner esthétique et émotion dans des compositions parfaites.

Un projet de MASI Lugano et Werner Bischof Estate en collaboration avec la Fotostiftung Schweiz, Winterthur.

A cura di Ludovica Introini e Francesca Bernasconi con Marco Bischof

La stagione espositiva 2023 si apre con una mostra di opere inedite di Werner Bischof (Zurigo, 1916 – Trujillo, Perù, 1954).

Attraverso circa 100 stampe digitali a colori dal 1939 agli anni ’50 vengono esplorate per la prima volta in modo completo le opere a colori del fotografo svizzero, considerato uno dei grandi maestri del reportage e della fotografia del Novecento.

L’esposizione si propone come un libero viaggio attraverso i mondi visitati e vissuti da Bischof e copre tutto l’arco della sua carriera. Il percorso presenta un’alternanza di immagini a colori ottenute dall’utilizzo di una macchina fotografica Rolleiflex, dai particolari negativi quadrati, e di una Leica, dai classici rullini da 35 mm. L’esplosione del colore si apprezza soprattutto in un gruppo di opere scattate con la Devin Tri-Color Camera, che garantiva una resa cromatica di altissima qualità e definizione. Le immagini scattate da Bischof con questa macchina sono presentate al pubblico per la prima volta. I soggetti in mostra sono quelli noti dell’artista, che, in scatti fotografici realizzati dai quattro angoli del mondo, riesce sempre a combinare come pochi altri estetica ed emozione in composizioni perfette.

Un progetto di MASI Lugano e Werner Bischof Estate in collaborazione con Fotostiftung Schweiz, Winterthur.

Curated by Ludovica Introini and Francesca Bernasconi with Marco Bischof

The 2023 exhibition season opens with a show of previously unseen works by Werner Bischof (Zurich, 1916 – Trujillo, Peru, 1954).

It presents around 100 colour digital prints from original negatives from 1939 to the1950s: a chance to explore all of the Swiss photographer’s colour images for the very first time. Bischof is held to be one of the great masters of reportage and photography of the twentieth century.

The exhibition is a tour of the worlds he visited and lived in, and covers the entire span of his career. It alternates between colour photos taken using a Rolleiflex, with its characteristic square negatives, and a Leica, with classic 35 mm film. The impact of colour can be appreciated above all in a group of works taken with a Devin Tri-Color Camera, which delivered exceptionally high quality colour and definition. This will be the first opportunity for the public to see the images Bischof took with this camera. The images featured showcase what he was renowned for: flawlessly composed shots, taken all over the world, that masterfully combine the aesthetic element with and the emotional aspect.

A project by MASI Lugano and Werner Bischof Estate in collaboration with Fotostiftung Schweiz, Winterthur.

(Text: MASI, Lugano)

Forum Paracelsus | St. Moritz-Bad
5. - 25. Februar

Frozen light
Jeffrey Conley, Simone Kappeler, Douglas Mandry

Mit der Ausstellung FROZEN LIGHT kehrt die Bildhalle zurück ins Engadin. Die Kälte, das Licht, die Farben: drei Künstler/innen haben für die Ausstellung Werke geschaffen, die unterschiedlicher nicht sein könnten, sich jedoch alle mit den optischen und klimatischen Merkmalen auseinandersetzen, die das Wesen des Engadins prägen.

Für die Glas-Skulpturen aus seiner neusten Serie «Gravity Flow» hat der Schweizer Künstler DOUGLAS MANDRY Gletschermühlen gescannt. Er nutzt den negativen Raum der natürlichen, vom Wasser geformten Hohlräume als Ausgangspunkt und kreiert 3D-Fragmente, die nach einer Jahrtausende alten Technik gegossen und zu Skulpturen mundgeblasen werden. Positiv gewendet, werden diese Fragmente eines leeren Raums zu Objekten, die an die Zerbrechlichkeit unserer Ökosysteme erinnern.

Ein Blick von Aussen: JEFFREY CONLEY (US) – einer der renommiertesten Landschaftsfotografen der USA – wurde von der Galerie eingeladen, das Engadin zu bereisen und für seine abstrakten Landschaftsstudien zu entdecken. So fokussiert und kontemplativ, wie Conley fotografiert, haben auch seine Fotografien eine meditative Strahlkraft. Er spielt mit Perspektiven, Massstab und Lichtstimmungen und kreiert dabei Naturbilder von einzigartiger Schlichtheit und Stille. Darüber hinaus ist Conley ein Meister der Printtechniken: Silbergelatine-, Platinum- oder Pigment-Prints auf Bambuspapier – alle Abzüge werden mit grösster Sorgfalt und fundiertem Wissen durch den Künstler von Hand gefertigt.

SIMONE KAPPELER’S (CH) analogen fotografischen Experimente mit Polaroid- und Infrarot-Filmen zeigen eine vertraute Landschaft in überraschendem Licht. Kappelers Fotografien ist etwas Fliessendes zu eigen. Es ist, als ob wir dem Entstehungsprozess des Bildes beiwohnen würden, jenem magischen Prozess, der mit der Digitalfotografie verschwunden ist; als befänden wir uns in der Dunkelkammer und beobachteten, wie auf dem Papier langsam eine Landschaft erscheint. Dieser Charakter des Auftauchens aus den Tiefen der Bildfläche prägen die Fotografie vonSimone Kappeler.

Avec l'exposition FROZEN LIGHT, la Bildhalle est de retour en Engadine. Le froid, la lumière, les couleurs : trois artistes ont créé pour l'exposition des œuvres qui ne pourraient pas être plus différentes, mais qui traitent toutes des caractéristiques optiques et climatiques qui caractérisent l'essence de l'Engadine.

Pour les sculptures en verre de sa dernière série "Gravity Flow", l'artiste suisse DOUGLAS MANDRY a scanné des moulins glaciaires. Il utilise l'espace négatif des cavités naturelles formées par l'eau comme point de départ et crée des fragments 3D qui sont coulés selon une technique millénaire et soufflés à la bouche pour former des sculptures. Transformés positivement, ces fragments d'espace vide deviennent des objets qui rappellent la fragilité de nos écosystèmes.

Un regard extérieur : JEFFREY CONLEY (US) - l'un des photographes de paysages les plus renommés des États-Unis - a été invité par la galerie à parcourir l'Engadine et à la découvrir pour ses études de paysages abstraits. Aussi focalisées et contemplatives que les photographies de Conley, ses photographies ont un rayonnement méditatif. Il joue avec les perspectives, l'échelle et les ambiances lumineuses, créant ainsi des images de nature d'une simplicité et d'un silence uniques. En outre, Conley est un maître des techniques d'impression : tirages en gélatine argentée, platine ou pigments sur papier bambou - tous les tirages sont réalisés à la main par l'artiste avec le plus grand soin et des connaissances approfondies.

Les expériences photographiques analogiques de SIMONE KAPPELER (CH) avec des films Polaroid et infrarouges montrent un paysage familier sous une lumière surprenante. Les photographies de Kappeler ont quelque chose de fluide. C'est comme si nous assistions au processus de création du visuel, ce processus magique qui a disparu avec la photographie numérique ; comme si nous nous trouvions dans la chambre noire et observions comment un paysage apparaît lentement sur le papier. Ce caractère d'émergence des profondeurs de la surface de l'image caractérise la photographie de Simone Kappeler.

Con la mostra FROZEN LIGHT, la Bildhalle torna in Engadina. Il freddo, la luce, i colori: tre artisti hanno creato opere per la mostra che non potrebbero essere più diverse, ma che trattano tutte le caratteristiche visive e climatiche che danno forma all'essenza dell'Engadina.

Per le sculture in vetro della sua ultima serie "Gravity Flow", l'artista svizzero DOUGLAS MANDRY ha scansionato i mulini dei ghiacciai. Utilizza lo spazio negativo delle cavità naturali formate dall'acqua come punto di partenza e crea frammenti tridimensionali che vengono fusi e soffiati a bocca in sculture utilizzando una tecnica millenaria. Trasformati in positivo, questi frammenti di spazio vuoto diventano oggetti che ci ricordano la fragilità dei nostri ecosistemi.

Una vista dall'esterno: JEFFREY CONLEY (USA) - uno dei più noti fotografi di paesaggio degli Stati Uniti - è stato invitato dalla galleria a recarsi in Engadina e a scoprirla per i suoi studi di paesaggio astratto. Per quanto Conley fotografi in modo concentrato e contemplativo, le sue fotografie hanno anche una luminosità meditativa. Gioca con le prospettive, le scale e le atmosfere della luce, creando immagini naturali di una semplicità e di un'immobilità uniche. Inoltre, Conley è un maestro delle tecniche di stampa: stampe alla gelatina d'argento, al platino o ai pigmenti su carta di bambù - tutte le stampe sono realizzate a mano dall'artista con la massima cura e profonda conoscenza.

Gli esperimenti fotografici analogici di SIMONE KAPPELER (CH) con pellicole Polaroid e infrarossi mostrano un paesaggio familiare sotto una luce sorprendente. Le fotografie di Kappeler hanno qualcosa di fluido. È come se fossimo testimoni del processo di creazione dell'immagine, quel processo magico che è scomparso con la fotografia digitale; come se fossimo nella camera oscura a guardare un paesaggio che appare lentamente sulla carta. Questo carattere di emersione dal profondo della superficie dell'immagine caratterizza la fotografia di Simone Kappeler.

With the exhibition FROZEN LIGHT, the Bildhalle returns to the Engadine. The cold, the light, the colors: three artists have created works for the exhibition that could not be more different, but all deal with the visual and climatic features that characterize the essence of the Engadine.

For the glass sculptures from his latest series, "Gravity Flow," Swiss artist DOUGLAS MANDRY scanned glacier mills. Using the negative space of natural cavities formed by water as a starting point, he creates 3D fragments that are cast and mouth-blown into sculptures using a technique that dates back thousands of years. Turned positive, these fragments of an empty space become objects that remind us of the fragility of our ecosystems.

A view from the outside: JEFFREY CONLEY (US) - one of the most renowned landscape photographers in the United States - was invited by the gallery to travel to the Engadine and discover it for his abstract landscape studies. As focused and contemplative as Conley photographs, his photographs also have a meditative radiance. He plays with perspective, scale, and lighting moods, creating natural images of unique simplicity and stillness. In addition, Conley is a master of print techniques: silver gelatin, platinum or pigment prints on bamboo paper - all prints are handmade by the artist with the utmost care and profound knowledge.

SIMONE KAPPELER'S (CH) analog photographic experiments with Polaroid and infrared films show a familiar landscape in surprising light. There is something fluid about Kappeler's photographs. It is as if we were witnessing the process of creating the image, that magical process that has disappeared with digital photography; as if we were in the darkroom watching a landscape slowly appear on paper. This character of emergence from the depths of the image surface characterize the photography ofSimone Kappeler.

(Text: Bildhalle, Zürich)

Artphilein Focus | Lugano
26. Januar - 5. April 2023

Riviera romagnola
Stefan Giftthaler

Fotografie und Erinnerung
Fotografie und Erinnerung sind untrennbar miteinander verbunden, denn die Fotografie zielt darauf ab, die Erinnerung an eine Vergangenheit in der Zeit zu bewahren. Riviera romagnola ist also eine Erinnerungsarbeit: ein Hotelzimmerschlüsselring, ein Tischtuch, ein Türgriff. Es genügt, nur eines dieser Details zu verändern, um das Aussehen und die Atmosphäre völlig zu verändern. Diese Orte sind dazu bestimmt, nach und nach zu verschwinden. Ihr Zustand ist ziemlich zerbrechlich, weshalb ich das Bedürfnis hatte, sie fotografisch zu fixieren.

Sommer, Jahreszeit oder Gemütsverfassung
Im Jahr 2017 kehrte ich zum ersten Mal seit vielen Jahren an die Riviera di Romagna zurück. Ehrlich gesagt konnte ich mich nicht einmal daran erinnern, dass ich als Kind mit meinen Eltern dort war, aber als ich nach so langer Zeit dorthin zurückkehrte, kam mir alles wieder in den Sinn: Es war ein echter Sprung in die Vergangenheit. Die Riviera eröffnete eine zeitliche Verbindung, die mich direkt in meine Kindheit in den 1980er Jahren zurückversetzte. Sogar die Musik war dieselbe, aus den Lautsprechern in den Eisdielen hörte ich die gleichen Platten von damals.

Die Architektur an der Riviera
Der Erhaltungszustand dieser Orte und ihrer Symbole ist außergewöhnlich: Ich würde sagen, es wird einem warm ums Herz. Die meisten dieser Hotels sind familiengeführt und wurden in den 1960er oder 1970er Jahren oft von den Eigentümern selbst entworfen, und zwar in Zusammenarbeit mit einem Vermessungsingenieur oder Architekten. Ich erinnere mich, dass im Büro eines Hotels der Besitzer noch Fotos von den Ausgrabungen auf der Baustelle an der Wand hängen hatte.

Vor ein paar Jahren habe ich Learning from Las Vegas von Robert Venturi, Denise Scott Brown und Steven Izenour gelesen. Die Autoren hatten beschlossen, eine Stadt, die mitten in der Mojave-Wüste in beispiellosem Tempo gewachsen war, aus architektonischer Sicht genau zu untersuchen - fast eine "Fata Morgana-Stadt". Mit den neonbeleuchteten Werbetafeln wurden die Schilder selbst zur Architektur der Stadt, was darauf hindeutet, dass Las Vegas das erste Beispiel für eine virtuelle Stadt ist. In den Ferienorten an der Riviera habe ich eine echte Verschmelzung der Hotelarchitektur mit der Umgebung festgestellt. In der Tat haben sich diese Badeorte durch diese Hotels verändert. Ein öffentlicher Bürgersteig beispielsweise wird irgendwann auch zum Eingang eines Ferienortes. Die Orte an der Riviera sind entlang der gesamten Küste durch eine einzige Straße verbunden, die durch verschiedene Zentren führt: Entlang der Straße befinden sich Hotels mit wahrhaft futuristischer Architektur. Ich habe den Eindruck, dass die Menschen eine Vision von einer "neuen Welt" hatten, fast den Wunsch, eine Art Las Vegas von Grund auf neu zu erschaffen. All dies geschah jedoch im Rahmen einer familiären Wirtschaft, wobei die Möbel von lokalen Handwerkern auf Bestellung gefertigt wurden (ich sah oft die alten Möbelschilder noch in den Schränken). Jedes Möbelstück, von den Farben der Fassaden bis zu den Tapeten, wurde von den Managern selbst ausgewählt. Die Kinder, die jetzt erwachsen sind und die Nase über dieses veraltete Design rümpfen, wissen, dass ihr Vater, solange er lebt, niemals irgendeine Art von Modernisierung des Raums akzeptieren wird. Viele Hotels sind mit negativen Bewertungen gespickt, etwa weil die Bäder alt oder die Teppichböden unhygienisch sind. Aber für die älteren Besitzer war das Hotel ein Zeichen des Mutes, sich in ihrer Jugend in dieses große Projekt und diese Lebensinvestition gestürzt zu haben. Glücklicherweise gibt es immer noch Menschen, die sich dagegen wehren und diese Orte bis zum Schluss verteidigen.

Italienischer Sommer
Jedes Hotel ist dann natürlich von seinen Stränden umgeben, mit den klassischen Mustern und Farben, die die Liegestühle und Sonnenschirme kennzeichnen. Als Italiener finde ich es normal, an den Strand zu gehen und dort diese Muster und Nuancen zu finden, was für einen Engländer oder Belgier hingegen speziell mit dem italienischen Sommer verbunden ist.

Das erste, was man wahrnimmt, sind die Geräusche, die sich nähernden Schreie von Kindern, spielenden und rennenden Menschen, man hat das Gefühl, eine unsichtbare Grenze zu überschreiten: Man kommt am Ufer an und befindet sich plötzlich in einer anderen Dimension. Am Strand merkt man, wie 'einfach' dieser Ort ist - die Autos sind weit weg, es gibt keine Gefahren. Ich stellte fest, dass die Menschen je nach Alter die gleichen "Badepraktiken" anwenden. Man merkt, dass die Kinder von heute das Gleiche tun wie man selbst als Kind: Fußball spielen, bis neun Uhr abends in der Badehose bleiben, zwischen den Liegestühlen rennen. Dann sieht man die Teenager, die jungen Paare, die sich vergnügen, bis hin zu den älteren Menschen, die ihre Zeit mit Kartenspielen oder Zeitungslesen an der Bar verbringen.

Viele Leute hassen das: die perfekt aufgereihten Sonnenschirme am Strand, die zusammengeklebten Liegestühle... Lange Zeit bin ich an die freien Strände gefahren, auf der Suche nach dem geheimen Ort, mit der Idee der "einsamen Insel", aber das Paradoxe ist, dass es genügt, wenn eine andere Person ihr Handtuch auch nur zehn Meter von dir entfernt ablegt, und das Paradies zerfällt. Das reicht aus, um die Stille und die perfekte Welt, die Sie für sich selbst schaffen wollten, zu zerstören. An diesem Punkt ist es entspannender, sich inmitten von Reihen von Sonnenschirmen aufzuhalten, wo es am schönsten ist, anderen Menschen beim Reden zuzuhören.

Ironie
In den Fotografien ist der ironische Aspekt immer sehr präsent. Der Stil erinnert sehr an die Postkarten aus den 1970er oder 1980er Jahren, von denen ich mich inspirieren ließ (an der Rezeption einiger Hotels, in einer Ecke, die den Souvenirs gewidmet ist, kann man sie noch finden, mit sehr hellen und lebhaften Farben). Die Bilder auf diesen Postkarten wurden von unbekannten Fotografen aufgenommen, die definitiv aus der Gegend stammen. Als ich mich an diesen Orten wiederfand, wurde mir klar, dass ich die gleichen Bilder machte, die ein Fotograf jener Jahre für einen Katalog oder einfach für das Archiv aufgenommen hätte. Ironie kann sich auf alles beziehen, sie ist in jedem Aspekt des Lebens präsent, wenn man die Chance hat, sie zu begreifen. Das Fotografieren von Hotels, Stränden und allem anderen, was zu dieser Welt der Riviera gehört, wirkt so poppig. Ich denke, die Realität ist so interessant, so reich an allem, dass man am Ende wirklich nur das fotografieren muss, was man vor Augen hat.

Photographie et mémoire
La photographie et la mémoire sont indissociables, car la photographie vise à préserver la mémoire d'un passé dans le temps. Riviera romagnola est donc un travail sur la mémoire : un porte-clés de chambre d'hôtel, une nappe, une poignée de porte. Il suffit de modifier un seul de ces détails pour déformer complètement l'apparence et l'atmosphère. Ces lieux sont destinés à disparaître peu à peu. Leur état est plutôt fragile, c'est pourquoi j'ai ressenti le besoin de les réparer photographiquement.

Été, saison ou état d'esprit
Je suis retourné sur la Riviera romagnole en 2017, pour la première fois depuis de nombreuses années. À vrai dire, je ne me souvenais même pas d'y être allé enfant avec mes parents, mais en y retournant après si longtemps, tout m'est revenu en mémoire : c'était un véritable plongeon dans le passé. La Riviera a ouvert un lien temporel qui m'a ramené directement à l'époque où j'étais enfant, dans les années 1980. Même la musique était la même, je pouvais entendre les mêmes disques de l'époque sortir des haut-parleurs des glaciers.

L'architecture de la Riviera
L'état de conservation de ces lieux et de ses symboles est exceptionnel : je dirais qu'il fait chaud au cœur. La plupart de ces hôtels sont gérés par des familles et ont souvent été conçus par les propriétaires eux-mêmes, à quatre mains avec un géomètre ou un architecte dans les années 1960 ou 1970. Je me souviens que dans le bureau d'un hôtel, le propriétaire avait encore des photos des fouilles du chantier accrochées au mur.

Il y a quelques années, j'ai lu Learning from Las Vegas de Robert Venturi, Denise Scott Brown et Steven Izenour. Ces auteurs avaient décidé d'étudier de près, d'un point de vue architectural, une ville qui s'était développée à une vitesse sans précédent, au milieu du désert de Mojave - presque une "ville mirage". Avec les panneaux publicitaires éclairés au néon, les panneaux eux-mêmes sont devenus l'architecture de la ville, suggérant que Las Vegas était le premier exemple de ville virtuelle. Dans les stations de la Côte d'Azur, j'ai remarqué une véritable fusion de l'architecture des hôtels avec les environs. En fait, ces stations balnéaires ont été transformées en fonction de ces hôtels. Un trottoir public, par exemple, devient aussi à un moment donné l'entrée d'une station balnéaire. Les localités de la Riviera sont reliées tout au long de la côte par une seule route, qui traverse différents centres : le long du parcours, on trouve des hôtels à l'architecture vraiment futuriste. Il me semble que les gens avaient une vision du "nouveau monde", presque un désir de recréer une sorte de Las Vegas à partir de rien. Tout cela s'est toutefois déroulé dans le cadre d'une économie familiale, les meubles étant fabriqués sur mesure par des artisans locaux (j'ai souvent vu les anciennes étiquettes des meubles encore dans les armoires). Ce sont les gestionnaires eux-mêmes qui ont choisi chaque meuble, des couleurs des façades aux papiers peints. Les enfants, aujourd'hui adultes, qui boudent cette conception dépassée, savent que leur père, tant qu'il vivra, n'acceptera jamais une quelconque modernisation de l'espace. De nombreux hôtels font l'objet de critiques négatives, peut-être parce que les salles de bains sont vieilles ou que la moquette n'est pas hygiénique. Mais pour les propriétaires âgés, l'hôtel représentait le courage de s'être lancés dans ce grand projet et cet investissement de vie dans leur jeunesse. Il y a ceux qui résistent encore, heureusement, s'accrochant bec et ongles, défendant ces lieux jusqu'au bout.

L'été italien
Chaque hôtel est ensuite bien sûr entouré de ses plages, avec les motifs et les couleurs classiques des chaises longues et des parasols. En tant qu'Italien, je trouve normal d'aller à la plage et de trouver ces motifs et ces nuances, ce qui pour un Anglais ou un Belge, en revanche, me semble spécifiquement associé à l'été italien.

La première chose que l'on remarque, ce sont les sons, les cris d'enfants qui s'approchent, les gens qui jouent, qui courent, on a l'impression de traverser une frontière invisible : on arrive sur le rivage et tout à coup on est dans une autre dimension. À la plage, on se rend compte à quel point l'endroit est "facile" - les voitures sont loin, il n'y a pas de danger. Je me suis surprise à penser et à observer que, selon l'âge, les gens ont les mêmes "pratiques de bain". Vous remarquez que les enfants d'aujourd'hui font les mêmes choses que vous quand vous étiez enfant : jouer au football à cinq, rester en maillot de bain jusqu'à neuf heures du soir, courir entre les chaises longues. Puis on voit les adolescents, les jeunes couples qui batifolent, jusqu'aux personnes âgées qui passent leur temps à jouer aux cartes ou à lire le journal au bar.

Beaucoup de gens détestent ça : avoir les parasols disposés tout le long de la plage parfaitement alignés, les transats collés les uns aux autres... Pendant longtemps, j'ai fréquenté les plages libres, à la recherche de l'endroit secret, avec l'idée de " l'île déserte ", mais ce que j'ai trouvé de paradoxal, c'est qu'il suffit de l'arrivée d'une autre personne qui pose sa serviette à même pas dix mètres de vous, et le paradis s'écroule. Cela suffit à briser le silence et le monde parfait que vous vouliez créer pour vous-même. À ce stade, il est plus relaxant de se trouver au milieu de rangées de parasols, où le plus beau est d'écouter les conversations des autres.

Ironie
Dans les photographies, l'aspect ironique est toujours très présent. Le style rappelle beaucoup les cartes postales des années 1970 ou 1980 dont je me suis inspiré (à la réception de certains hôtels, dans un coin dédié aux souvenirs, on peut encore en trouver, avec des couleurs très vives et lumineuses). Les photos de ces cartes postales ont été prises par des photographes inconnus, certainement locaux. Là, en me retrouvant dans ces lieux, je me suis rendu compte que je prenais les mêmes images qu'un photographe de ces années-là aurait prises pour un catalogue ou simplement pour les archives. L'ironie peut s'appliquer à tout, elle est présente dans tous les aspects de la vie, si l'on a la chance de la saisir. Encore une fois, photographier les hôtels, les plages et tout ce qui se rapporte à ce monde de la Riviera, tout cela semble si pop. Je pense que la réalité est si intéressante, si riche en tout, qu'en fin de compte, il suffit de photographier ce que l'on a devant les yeux.

Fotografia e memoria
Fotografia e memoria sono inscindibili, perché la fotografia intende preservare nel tempo il ricordo di un passato. Riviera romagnola è dunque un lavoro sulla memoria: un portachiavi della stanza d’albergo, una tovaglia, la maniglia di una porta. Basta cambiare uno solo di questi dettagli per snaturare completamente l’aspetto e l’atmosfera. Questi luoghi sono destinati a svanire a poco a poco. La loro è una condizione piuttosto fragile: per questo ho sentito la necessità di fissarli fotograficamente.

Estate, stagione o stato d’animo
Sono tornato nella Riviera romagnola nel 2017, per la prima volta dopo tanti anni. A dir la verità non ricordavo nemmeno di esserci stato da piccolo con i miei genitori, ma ritornandoci a distanza di tanto tempo, tutto mi è riaffiorato alla mente: è stato un vero e proprio tuffo nel passato. La riviera ha aperto un collegamento temporale che mi ha riportato esattamente all'età di quando ero bambino, negli anni Ottanta del secolo scorso. Persino la musica era la stessa, sentivo uscire dalle casse delle gelaterie gli stessi dischi dell’epoca.

L’architettura della Riviera
Lo stato di conservazione di questi luoghi e dei suoi simboli è eccezionale: mi viene da dire che scalda il cuore. La maggior parte di questi alberghi sono a conduzione familiare, e spesso sono stati progettati dagli stessi proprietari, a quattro mani con un geometra o un architetto negli anni Sessanta o Settanta. Mi ricordo che nell’ufficio di un albergo la padrona aveva ancora le foto degli scavi del cantiere appese al muro.

Qualche anno fa ho letto Imparare da Las Vegas di Robert Venturi, Denise Scott Brown e Steven Izenour. Questi autori avevano deciso di studiare da vicino, da un punto di vista architettonico, una città cresciuta ad una velocità mai vista prima, nel bel mezzo del deserto del Mojave – quasi una "città-miraggio". Con i cartelloni pubblicitari illuminati dai neon, le insegne stesse sono diventate l’architettura della città, lasciando immaginare che Las Vegas fosse il primo esemplare di città virtuale. Nelle località della riviera ho notato una vera e propria fusione tra architettura alberghiera con il territorio circostante. Queste località marittime sono state infatti trasformate in funzione di questi hotel. Un marciapiede pubblico, ad esempio, diventa, ad un certo punto, anche l’ingresso di un resort. I luoghi della riviera sono collegati lungo tutta la costa da un’unica strada, che passa attraverso vari centri: lungo il tragitto si trovano alberghi dalle architetture veramente avveniristiche. Mi sembra che le persone abbiano avuto una visione da “nuovo mondo”, quasi un voler ricreare dal nulla una sorta di Las Vegas. Il tutto, però, è accaduto nel contesto di un’economia a base familiare, con i mobili creati su misura da artigiani locali (mi è capitato spesso di vedere negli armadi ancora le vecchie etichette dei mobilifici). Sono stati gli stessi gestori a scegliere ogni complemento d’arredo, dai colori delle facciate alla carta da parati. I figli, persone ormai adulte che storcono un pò il naso di fronte a questo design passato ormai di moda, sanno che il padre, finché in vita, non accetterà mai alcun tipo di ammodernamento degli spazi. Tanti sono gli alberghi che vengono tempestati di recensioni negative, magari perché i bagni sono vecchi o per la moquette poco igienica. Ma per gli anziani padroni, l’albergo ha rappresentato il coraggio dell’essersi lanciati in gioventù in questo grande progetto e investimento di vita. C’è chi resiste ancora, per fortuna, aggrappandosi con le unghie e con i denti, difendendo questi luoghi fino alla fine.

Estate italiana
Ogni albergo è poi ovviamente contornato dalle sue spiagge, con le classiche fantasie e colori che caratterizzano le sdraio e gli ombrelloni. Da italiano trovo normale andare al mare e trovarmi questi motivi e nuance, cosa che per un inglese o per un belga invece credo venga associata specificamente all’estate italiana.

La prima cosa che noti sono i suoni, l’avvicinarsi delle urla di bambini, delle persone che giocano, che corrono, hai la sensazione di star valicando un confine invisibile: arrivi sulla battigia e a un tratto sei in un'altra dimensione. In spiaggia ti rendi conto di quanto sia “facile” come luogo – le macchine sono lontane, non ci sono pericoli. Mi trovavo a pensare ed osservare che, a seconda dell’età, le persone compiono le stesse “pratiche balneari”. Ti accorgi di come i bambini di oggi facciano le stesse cose che facevi tu da piccolo: giocare a calcetto, rimanere in costume fino alle nove di sera, correre tra le sdraio. Poi vedi gli adolescenti, le coppiette che si allontanano amoreggiando, fino ad arrivare agli anziani che passano il loro tempo giocando a carte o leggendo il giornale al bar.

Molte persone detestano tutto ciò: avere gli ombrelloni disposti lungo tutta la spiaggia perfettamente in fila, le sdraio appiccicate… Per tanto tempo mi sono recato nelle spiagge libere, alla ricerca del posto segreto, con l’idea dell’“isola deserta", ma la cosa paradossale che ho riscontrato è che basta l’arrivo di un'altra persona che stenda il suo asciugamano anche a dieci metri di distanza da te, e il paradiso va in pezzi. Basta questo a incrinare il silenzio e il mondo perfetto che ti volevi creare. A questo punto è più rilassante essere in mezzo a file di ombrelloni, dove la cosa più bella è ascoltare i discorsi degli altri.

Ironia
Nelle fotografie, l’aspetto ironico è sempre molto presente. Lo stile richiama molto le cartoline degli anni Settanta o Ottanta da cui ho preso ispirazione (nella reception di alcuni alberghi, in un angolo dedicato ai souvenir, si possono trovare ancora, con i colori molto carichi e vivaci). Le immagini di queste cartoline sono state scattate da fotografi sconosciuti, sicuramente locali. Ecco, ritrovandomi in quei luoghi mi sono accorto che stavo realizzando le stesse immagini che un fotografo di quegli anni avrebbe scattato per un catalogo o semplicemente per l’archivio. L’ironia potrebbe valere per qualsiasi cosa, è presente in ogni aspetto della vita, se uno avesse la possibilità di coglierla. Anche in questo caso, fotografando alberghi, spiagge e tutto quello che concerne questo mondo della riviera, l’insieme sembra così pop. Credo che la realtà sia talmente interessante, ricca di ogni cosa, che alla fine basta veramente fotografare quello che si ha davanti ai propri occhi.

Photography and Memory
Photography and memory are inseparable elements, for photography aims to preserve recollections of the past over time. Riviera romagnola is therefore a work on memory: a hotel room keyring, a tablecloth, a door handle. A change to just one of these details would suffice to completely distort the overall appearance and atmosphere. These places are destined to fade away little by little. Their condition is somewhat fragile, which is why I felt the need to capture them in photographs.

Summer: a season or a state of mind
I went back to the Romagna Riviera in 2017, the first time in many years. To tell the truth, I didn’t even remember having been there as a child with my parents, but on returning there after so long, it all came flooding back to me: it was a real blast from the past. The Riviera opened up a time tunnel that led me right back to when I was a child in the 1980s. Even the music was the same: I could hear the same records of the day blaring out of the speakers in the ice-cream parlours.

The architecture of the Riviera
The state of conservation of such places and its landmarks is exceptional: I can only call it heart-warming. Most of these hotels are family-run, and were often designed by the owners themselves, in tandem with a surveyor or architect, in the 1960s or 1970s. I remember in the office of one hotel, the owner still had photos of the building site hanging on the wall.

A few years ago I read Learning from Las Vegas by Robert Venturi, Denise Scott Brown and Steven Izenour. These authors, from an architectural point of view, decided to closely study a city that had grown at an unprecedented rate, right in the middle of the Mojave Desert – almost a ‘mirage city’. With its neon-lit billboards, the signs themselves became the architecture of the city, suggesting that Las Vegas was the first example of a virtual city. In the resorts along the Riviera, I noticed a genuine fusion of hotel architecture with the surrounding area. Indeed, these seaside resorts have been transformed to serve the purposes of these hotels. A public pavement, for example, at some point also becomes the entrance to a resort. The places on the Riviera are connected along the entire coast by a single road which passes through various urban centres, home to hotels with truly futuristic architecture. It feels as if people nurtured a ‘new world’ vision, almost a desire to recreate a kind of Las Vegas from scratch. All of this, however, happened in the context of a family-based economy, with the furniture custom-made by local craftsmen (I often saw the old furniture labels still to be found in the cupboards). It was the managers themselves who chose every piece of furniture, from the colours of the façades to the wallpaper. The children, now adults who turn their noses up at such outdated design, know that their father, as long as he is alive, will never accept any kind of modernisation of the facilities. So many hotels are peppered with negative reviews, perhaps because the bathrooms are decrepit or the carpeting deemed unhygienic. But for their ageing owners, the hotel represented the courage of having thrown themselves into this great project and lifelong investment in their youth. There are those who still resist, fortunately, clinging on tooth and nail, defending these places to the bitter end.

Italian summer
Of course, each hotel is then surrounded by its beaches, with the classic patterns and shades that characterise the sunbeds and umbrellas. As an Italian, I find it normal to go to the beach and find these patterns and colours, something that for an Englishman or Belgian, on the other hand, I think must be associated specifically with the Italian summer.

The first thing you notice are the sounds: the approaching screams of children, people playing, running. You have the sense that you are crossing an invisible border: you arrive on the shoreline and suddenly you are in another dimension. At the beach, you realise how ‘easy’ it is as a place – the cars are far away, there are no sources of danger. I found myself thinking and observing that, depending on their age, people perform the same ‘beach practices’. You notice how the children of today do the same things you did as a child: play five-a-side football, remain in their swimming costumes until nine in the evening and run up and down between the deckchairs. Then you see the teenagers, the young couples frolicking away, right up to the elderly who spend their time playing cards or reading the newspaper at the bar.

A lot of people hate this: having the umbrellas laid out all along the beach perfectly in line, the sunbeds one next to the other... For a long time, I went to public beaches, looking for that secret hideaway place, with the notion of the ‘desert island’, but the paradoxical thing I found is that all it takes is the arrival of one other person putting their towel down even ten metres away from you, and the notion of paradise goes to pot. This is enough to shatter the silence and the perfect world you were trying to create for yourself. At this point, it is more relaxing to be in the middle of rows of umbrellas, where you can’t beat listening to other people’s chatter.

Irony
In the photographs, the aspect of irony is always very present. The style is very reminiscent of the postcards from the 1970s or 1980s from which I drew inspiration (in the reception of some hotels, in a corner dedicated to souvenirs, you can still find them, in all their bright and garish glory). The pictures on these postcards were taken by unknown photographers, clearly locally based. There, finding myself in those places, I realised I was taking the same images that a photographer of the day would have taken for a catalogue or simply for an archive. Irony could be applied to anything; it is present in every aspect of life, if only we are given the chance to grasp it. Again, photographing hotels, beaches and everything else that pertains to this world of the Riviera, the whole thing seems so Pop-ish. I think reality is so interesting, so rich in everything, that in the end all you really have to do is photograph what lies right before your eyes.

(Text: Stefan Giftthaler)

Muzeum Susch
4. Januar - 2. Juli 2023

Amaze Me
Hannah Villiger

Das Muzeum Susch präsentiert eine umfassende Ausstellung zum Werk der Schweizer Künstlerin Hannah Villiger (1951-1997). Hannah Villiger: Amaze me ist mit Beiträgen der zeitgenössischen Künstlerinnen Alexandra Bachzetsis (b. 1974), Lou Masduraud (b. 1990) und Manon Wertenbroek (b. 1991) die grösste Ausstellung, die der Künstlerin seit über 15 Jahren gewidmet wurde. Sie steht im Einklang mit der Mission des Muzeums Susch, welche Künstlerinnen ins Rampenlicht rücken und den herkömmlichen Kanon der Kunstgeschichte überarbeiten will.

Hannah Villiger, die als eine der bedeutendsten Künstlerinnen der Schweiz gilt, starb mit nur 45 Jahren an Herzversagen. Bekannt ist sie vor allem für ihre grossformatigen fotografischen Arbeiten, in denen sie einzelne Nahaufnahmen von teilweise fragmentierten und abstrahierten Körperteilen kombinierte. Damit befasste sie sich mit dem eigenen Selbstverständnis, dem Körper in Bezug auf die Identität und der Haut als Schnittstelle zwischen innerer und äusserer Welt. Villiger verwandte Polaroidbilder, die sie über ein Zwischennegativ vergrösserte und auf Aluminiumplatten aufzog, um sie sowohl einzeln als auch in wandgrossen, rasterartig zusammengefügten Gruppierungen zu präsentieren. Die aktuellen Entwicklungen bezüglich sozialer Medien und des breiteren Diskurses zu Themen wie Gender und Selbstdarstellung werfen ein neues Licht und Interesse auf Villigers Praxis. Die rasterartige Struktur ihrer grösseren Arbeiten erinnert an Plattformen wie Instagram und ihre schonungslose Selbstdokumentation wirkt wie ein Vorläufer der Selfie-Kultur.

In der Ausstellung Hannah Villiger: Amaze Me werden über 60 Werke gezeigt, die einen Bogen von den ersten Werken der Künstlerin aus den 1970er Jahren bis zu den Polaroidbildern aus den 1980er Jahren spannen. Um diese Bandbreite von Villigers künstlerischem Schaffen zu zeigen, arbeitete das Muzeum Susch eng mit dem Nachlass der Künstlerin zusammen. Eine Reihe grossformatiger Fotoarbeiten und eine Gruppe von Werken auf Papier werden in Susch erstmals präsentiert. Auch einige von Villigers weniger bekannten Arbeiten ihrer direkten von Menschenhand bebauten Umgebung, wie etwa polaroidbasierte Stadtansichten ihrer Arbeits- und Lebensräume Paris und Basel, sind in der Ausstellung zu sehen.

Den erweiterten Rahmen von Hannah Villiger: Amaze Me bilden die drei zeitgenössischen Schweizer Künstlerinnen Alexandra Bachzetsis, Lou Masduraud and Manon Wertenbroek mit drei kleineren Präsentationen, die über den gesamten Rundgang durch das Museum verteilt sind und fortwährend Anreize zur Reflektion generationenübergreifender künstlerischer Strategien und Ansätze schaffen. Die Künstlerinnen wurden aufgrund ihrer Auseinandersetzung mit ähnlichen Themen wie denjenigen von Villiger ausgewählt. In Bachzetsis Videoinstallation This Side Up ist eine Performancekünstlerin zu sehen, die sich trotz begrenztem Raum in alle Richtungen bewegt, vergleichbar mit Villigers Methode, die ihren eigenen Körper vor der Linse ihrer Polaroidkamera windet, dreht und verformt. Masduraud überdenkt mit Petrifying basin (kisses with the nymphs), einer skulpturalen Installation mit ihren charakteristischen Brunnen und kleinen Wandobjekten, auf spielerische und sinnliche Art das organische Leben neu und verankert mythologische Traditionen in der Gegenwart. Schliesslich thematisiert Wertenbroek mit einer Auswahl von Objekten die Grenzen zwischen Hautoberfläche und der sie umgebenden Welt.

Die Gründerin des Muzeum Susch, Grazyna Kulczyk, sagt über die Ausstellung und über die Künstlerin Hannah Villiger: «Künstlerinnen scheuen sich nicht mehr, ihre durch Krankheit oder Alter beeinträchtigten Körper zu dokumentieren und oft werden diese Kunstwerke zu Chroniken des Schmerzes. Das Beobachten und Erfassung des eigenen Körpers wird für weibliche Kunstschaffende zu einer Art Manifest, das die Autonomie über den Körper zurückfordert. Künstlerinnen malten, fotografierten und modellierten sich selbst in einer Weise, dass sich die Scham angesichts der Nacktheit und Unvollkommenheit oft in einen Moment des Stolzes wandelte. Hannah Villiger wurde mittels der Fotografien ihres Körpers zu einer eigentlichen Bildhauerin des Leibes.

Hannah Villiger: Amaze Me im Muzeum Susch wird von Madelaine Schuppli und Yasmin Afschar gastkuratiert. Eine Monografie, die den neuesten Stand der Forschung zu Hannah Villigers Praxis und Einfluss widerspiegelt, ergänzt die Ausstellung. Villiger wird oft als Künstlerin mit einer gewissen Vorbildrolle gesehen, was die Herausgeberinnen dazu inspirierte, Künstlerinnen und Künstler aus ihrem Umfeld für Textbeiträge einzuladen, wie Katja Schenker, Beat Streuli und Claudia und Julia Müller. Das Buch wird als Teil einer umfassenden Serie an Monografien des Muzeum Susch und Skira im März 2023 publiziert. Hannah Villiger: Amaze Me wird durch die Zusammenarbeit und Unterstützung der Stiftung «The Estate of Hannah Villiger» ermöglicht.

Le Muzeum Susch présente une exposition complète sur l'œuvre de l'artiste suisse Hannah Villiger (1951-1997). Hannah Villiger : Amaze me est la plus grande exposition consacrée à l'artiste depuis plus de 15 ans, avec des contributions des artistes contemporaines Alexandra Bachzetsis (née en 1974), Lou Masduraud (née en 1990) et Manon Wertenbroek (née en 1991). Elle s'inscrit dans la mission du Muzeum Susch, qui souhaite mettre les femmes artistes sous les feux de la rampe et réviser les canons traditionnels de l'histoire de l'art.

Hannah Villiger, considérée comme l'une des artistes les plus importantes de Suisse, est décédée d'un arrêt cardiaque à seulement 45 ans. Elle est surtout connue pour ses travaux photographiques de grand format, dans lesquels elle combinait des gros plans individuels de parties du corps partiellement fragmentées et abstraites. Elle s'est ainsi intéressée à sa propre image de soi, au corps par rapport à l'identité et à la peau en tant qu'interface entre le monde intérieur et le monde extérieur. Villiger a utilisé des images polaroïd qu'elle a agrandies à l'aide d'un négatif intermédiaire et montées sur des plaques d'aluminium afin de les présenter aussi bien individuellement que dans des groupes de la taille d'un mur, assemblés à la manière d'une grille. Les développements actuels concernant les médias sociaux et le discours plus large sur des sujets tels que le genre et l'autoreprésentation jettent une nouvelle lumière et un nouvel intérêt sur la pratique de Villiger. La structure en grille de ses plus grands travaux rappelle des plateformes telles qu'Instagram et son autodocumentation impitoyable semble être un précurseur de la culture du selfie.

L'exposition Hannah Villiger : Amaze Me présente plus de 60 œuvres qui couvrent une période allant des premières œuvres de l'artiste dans les années 1970 jusqu'aux polaroïds des années 1980. Pour montrer cet éventail de la création artistique de Villiger, le Muzeum Susch a travaillé en étroite collaboration avec la succession de l'artiste. Une série de travaux photographiques de grand format et un groupe d'œuvres sur papier sont présentés pour la première fois à Susch. L'exposition présente également quelques travaux moins connus de Villiger sur son environnement direct construit par l'homme, comme des vues urbaines à base de polaroïds de ses lieux de travail et de vie à Paris et à Bâle.

Le cadre élargi de Hannah Villiger : Amaze Me est constitué par trois artistes suisses contemporaines, Alexandra Bachzetsis, Lou Masduraud et Manon Wertenbroek, avec trois petites présentations réparties sur l'ensemble du parcours du musée, qui incitent en permanence à une réflexion sur les stratégies et les approches artistiques intergénérationnelles. Les artistes ont été choisis en raison de leur exploration de thèmes similaires à ceux de Villiger. Dans l'installation vidéo This Side Up de Bachzetsi, on peut voir une artiste de performance qui se déplace dans toutes les directions malgré un espace limité, comparable à la méthode de Villiger, qui tord, tourne et déforme son propre corps devant l'objectif de son appareil photo Polaroid. Avec Petrifying basin (kisses with the nymphs), une installation sculpturale avec ses fontaines caractéristiques et ses petits objets muraux, Masduraud repense de manière ludique et sensuelle la vie organique et ancre les traditions mythologiques dans le présent. Enfin, Wertenbroek aborde, avec une sélection d'objets, les frontières entre la surface de la peau et le monde qui l'entoure.

La fondatrice du Muzeum Susch, Grazyna Kulczyk, dit de l'exposition et de l'artiste Hannah Villiger : "Les femmes artistes n'hésitent plus à documenter leurs corps atteints par la maladie ou l'âge, et ces œuvres d'art deviennent souvent des chroniques de la douleur. L'observation et la saisie de son propre corps deviennent pour les créatrices d'art une sorte de manifeste qui revendique l'autonomie sur le corps. Les femmes artistes se sont peintes, photographiées et modelées de telle manière que la honte face à la nudité et à l'imperfection se transformait souvent en un moment de fierté. Hannah Villiger est devenue, par le biais des photographies de son corps, une véritable sculptrice du corps.

Hannah Villiger : Amaze Me au Muzeum Susch est organisée par Madelaine Schuppli et Yasmin Afschar. Une monographie reflétant l'état le plus récent de la recherche sur la pratique et l'influence de Hannah Villiger complète l'exposition. Villiger est souvent considérée comme une artiste ayant un certain rôle de modèle, ce qui a inspiré les éditrices à inviter des artistes de son entourage à rédiger des textes, comme Katja Schenker, Beat Streuli et Claudia et Julia Müller. Le livre sera publié en mars 2023 dans le cadre d'une série complète de monographies du Muzeum Susch et Skira. Hannah Villiger : Amaze Me est rendu possible grâce à la collaboration et au soutien de la fondation "The Estate of Hannah Villiger".

Il Muzeum Susch presenta una mostra completa dell'opera dell'artista svizzera Hannah Villiger (1951-1997). Hannah Villiger: Amaze me, con contributi degli artisti contemporanei Alexandra Bachzetsis (nata nel 1974), Lou Masduraud (nata nel 1990) e Manon Wertenbroek (nata nel 1991), è la più grande mostra dedicata all'artista in oltre 15 anni. È in linea con la missione del Muzeum Susch, che mira a mettere le donne artiste sotto i riflettori e a rivedere il canone convenzionale della storia dell'arte.

Hannah Villiger, considerata una delle più importanti artiste svizzere, è morta per insufficienza cardiaca a soli 45 anni. È nota soprattutto per le sue opere fotografiche di grande formato, in cui combinava primi piani individuali di parti del corpo parzialmente frammentate e astratte. In questo modo, si è confrontata con la propria immagine di sé, con il corpo in relazione all'identità e con la pelle come interfaccia tra il mondo interno e quello esterno. Villiger ha utilizzato immagini Polaroid, che ha ingrandito tramite un negativo intermedio e montato su lastre di alluminio per presentarle sia singolarmente sia in raggruppamenti a parete, simili a griglie. Gli attuali sviluppi dei social media e il discorso più ampio su questioni come il genere e l'auto-rappresentazione gettano nuova luce e interesse sulla pratica di Villiger. La struttura a griglia delle sue opere più grandi ricorda piattaforme come Instagram e la sua incessante auto-documentazione sembra un precursore della cultura del selfie.

La mostra Hannah Villiger: Amaze Me presenta oltre 60 opere che spaziano dai primi lavori dell'artista degli anni Settanta alle sue immagini Polaroid degli anni Ottanta. Per mostrare la gamma della produzione artistica di Villiger, il Muzeum Susch ha lavorato a stretto contatto con la proprietà dell'artista. Una serie di opere fotografiche di grande formato e un gruppo di lavori su carta vengono presentati per la prima volta a Susch. La mostra presenta anche alcune opere meno conosciute di Villiger che ritraggono l'ambiente in cui viveva, come le vedute cittadine in polaroid dei suoi luoghi di lavoro e di vita, Parigi e Basilea.

Le tre artiste svizzere contemporanee Alexandra Bachzetsis, Lou Masduraud e Manon Wertenbroek formano la cornice estesa di Hannah Villiger: Amaze Me, con tre presentazioni più piccole distribuite lungo il percorso del museo, stimolando continuamente la riflessione su strategie e approcci artistici intergenerazionali. Gli artisti sono stati scelti per il loro impegno su temi simili a quelli di Villiger. La videoinstallazione This Side Up di Bachzetsi presenta un artista che si muove in tutte le direzioni nonostante lo spazio limitato, paragonabile al metodo di Villiger di torcere, girare e deformare il proprio corpo davanti all'obiettivo della sua macchina fotografica Polaroid. Masduraud ripensa la vita organica in modo giocoso e sensuale con Petrifying basin (kisses with the nymphs), un'installazione scultorea con le sue caratteristiche fontane e i suoi piccoli oggetti a parete, e ancorando le tradizioni mitologiche al presente. Infine, Wertenbroek affronta i confini tra la superficie della pelle e il mondo circostante con una selezione di oggetti.

La fondatrice del Muzeum Susch, Grazyna Kulczyk, dice della mostra e dell'artista Hannah Villiger: "Le donne artiste non hanno più paura di documentare il proprio corpo, menomato dalla malattia o dall'età, e spesso queste opere d'arte diventano cronache del dolore. Osservare e registrare il proprio corpo diventa una sorta di manifesto per le artiste, che rivendicano l'autonomia del corpo. Le donne artiste si dipingono, si fotografano e si modellano in modo tale che la vergogna di fronte alla nudità e all'imperfezione si trasforma spesso in un momento di orgoglio. Attraverso le fotografie del suo corpo, Hannah Villiger è diventata una vera e propria scultrice del corpo.

Hannah Villiger: Amaze Me al Muzeum Susch è curata da Madelaine Schuppli e Yasmin Afschar. La mostra è accompagnata da una monografia che riflette le ultime ricerche sulla pratica e l'influenza di Hannah Villiger. Villiger è spesso vista come un'artista con un certo status di modello, il che ha ispirato i curatori a invitare artisti della sua cerchia a contribuire con dei testi, come Katja Schenker, Beat Streuli e Claudia e Julia Müller. Il libro sarà pubblicato come parte di una serie completa di monografie dal Muzeum Susch e da Skira nel marzo 2023. Hannah Villiger: Amaze Me è reso possibile grazie alla collaborazione e al sostegno della Fondazione The Estate of Hannah Villiger.

The Muzeum Susch presents a comprehensive exhibition on the work of the Swiss artist Hannah Villiger (1951-1997). Hannah Villiger: Amaze me, with contributions by contemporary artists Alexandra Bachzetsis (b. 1974), Lou Masduraud (b. 1990) and Manon Wertenbroek (b. 1991), is the largest exhibition dedicated to the artist in over 15 years. It is in line with the mission of the Muzeum Susch, which aims to put women artists in the spotlight and revise the conventional canon of art history.

Hannah Villiger, considered one of the most important women artists in Switzerland, died of heart failure at the age of only 45. She is best known for her large-format photographic works, in which she combined individual close-ups of sometimes fragmented and abstracted body parts. In this way, she dealt with her own self-image, the body in relation to identity, and the skin as an interface between the inner and outer worlds. Villiger used Polaroid images, which she enlarged via an intermediate negative and mounted on aluminum plates to present them both individually and in wall-sized, grid-like groupings. Current developments regarding social media and the broader discourse on issues such as gender and self-representation shed new light and interest on Villiger's practice. The grid-like structure of her larger works is reminiscent of platforms like Instagram, and her relentless self-documentation feels like a precursor to selfie culture.

The exhibition Hannah Villiger: Amaze Me features over 60 works spanning the artist's earliest works from the 1970s to her Polaroid images from the 1980s. To show this breadth of Villiger's artistic output, the Muzeum Susch worked closely with the artist's estate. A series of large-format photographic works and a group of works on paper will be presented in Susch for the first time. Also included in the exhibition are some of Villiger's lesser-known works of her direct man-made environment, such as polaroid-based city views of her working and living spaces of Paris and Basel.

The three contemporary Swiss artists Alexandra Bachzetsis, Lou Masduraud and Manon Wertenbroek form the extended framework of Hannah Villiger: Amaze Me with three smaller presentations that are distributed throughout the museum's tour and continually create incentives to reflect on cross-generational artistic strategies and approaches. The artists were chosen for their engagement with themes similar to Villiger's. Bachzetsi's video installation This Side Up features a performance artist moving in all directions despite limited space, comparable to Villiger's method of twisting, turning, and deforming her own body in front of the lens of her Polaroid camera. Masduraud rethinks organic life in a playful and sensual way with Petrifying basin (kisses with the nymphs), a sculptural installation with her signature fountains and small wall objects, anchoring mythological traditions in the present. Finally, Wertenbroek's selection of objects addresses the boundaries between the surface of the skin and the world around it.

The founder of Muzeum Susch, Grazyna Kulczyk, says of the exhibition and of artist Hannah Villiger: "Women artists are no longer afraid to document their bodies, which have been affected by illness or age, and often these works of art become chronicles of pain. Observing and recording one's own body becomes a kind of manifesto for female artists, reclaiming autonomy over the body. Women artists painted, photographed, and sculpted themselves in a way that often transformed shame in the face of nakedness and imperfection into a moment of pride. Through the photographs of her body, Hannah Villiger became an actual sculptor of the body.

Hannah Villiger: Amaze Me at Muzeum Susch is guest-curated by Madelaine Schuppli and Yasmin Afschar. A monograph reflecting the latest research on Hannah Villiger's practice and influence complements the exhibition. Villiger is often seen as an artist with a certain role model, which inspired the editors to invite artists from her circle to contribute texts, such as Katja Schenker, Beat Streuli, and Claudia and Julia Müller. The book will be published as part of a comprehensive series of monographs by the Muzeum Susch and Skira in March 2023. Hannah Villiger: Amaze Me is made possible through the collaboration and support of The Estate of Hannah Villiger Foundation.

(Text: Muzeum Susch)

CONSARC/GALLERIA | Chiasso
30. November 2022 - 19. Februar 2023

KOCHAN
Alessandra Calò

Kochan ist ein Name. Die des Protagonisten von Bekenntnisse einer Maske (Yukio Mishima, 1949). Eine Art Reisebericht, der den Leser auf eine Entdeckungsreise zu Fragmenten des Lebens und der Identität des Protagonisten mitnimmt.

Kochan ist auch der Name des Fotoprojekts, das ich 2016 begann, als ich entdeckte, dass die New York Public Library einen großen Teil ihrer Archivdokumente online gestellt hatte. Die Rückgewinnung und Wiederverwendung von Materialien ist der Ausgangspunkt für meine künstlerische Forschung und Produktion. Die Arbeit mit Archivmaterial ermöglicht es mir, neue Universen zu schaffen und jedes Mal neue Geschichten zu erzählen, und sie ist eine echte Reise in das fotografische Bild. Ich verbrachte ganze Tage zwischen Karten, Manuskripten und Briefen. Aber es waren die Landkarten, die mich anzogen, und ich beschloss, sie, begleitet von ihren Zeichen und Spuren, mit einer Reihe von Selbstfotografien zu kombinieren. Ausgehend von Überlegungen zum Begriff der Identität habe ich in diesem Projekt wie Kochan versucht, mir die Reise vorzustellen, die jeder Mensch unternimmt, um sich selbst zu entdecken und zu bestätigen.

Indem ich den Körper als ein zu erforschendes Territorium betrachtete, wurde mir klar, dass nichts als endgültig angesehen werden kann: Grenzen werden neu gezogen, das physische Territorium unterliegt Veränderungen, ebenso wie unsere Einstellungen, Handlungen und Beziehungen zur Natur und zu den Menschen.

Kochan est un nom. Celle du protagoniste de Confessions d'un masque (Yukio Mishima, 1949). Une sorte de carnet de voyage, qui emmène le lecteur à la découverte de fragments de la vie et de l'identité du protagoniste.

Kochan est aussi le nom du projet photographique que j'ai lancé en 2016 lorsque j'ai découvert que la bibliothèque publique de New York avait mis en ligne une bonne partie de ses documents d'archives. La récupération et la réutilisation des matériaux sont le point de départ de ma recherche et de ma production artistiques. Le travail que je fais avec les archives me permet de créer de nouveaux univers et de raconter de nouvelles histoires à chaque fois, tout en étant un véritable voyage dans l'image photographique. J'ai passé des journées entières parmi les cartes, les manuscrits et les lettres. Mais ce sont les cartes qui m'ont attiré et, accompagné de leurs signes et de leurs traces, j'ai décidé de les combiner avec une série d'autoportraits. Partant de réflexions sur le concept d'identité, dans ce projet, j'ai essayé, comme Kochan, d'imaginer le parcours que chaque personne effectue pour se découvrir et s'affirmer.

En considérant le corps comme un territoire à explorer, je me suis rendu compte que rien ne peut être considéré comme définitif : les frontières sont redessinées, le territoire physique est sujet à changement, tout comme nos attitudes, nos actions et nos relations avec la nature et les gens.

Kochan è un nome. Quello del protagonista di Confessioni di una maschera (Yukio Mishima, 1949). Una sorta di diario di viaggio, che accompagna il lettore alla scoperta di frammenti di vita e identità del protagonista.

Kochan è anche il nome del progetto fotografico che ho iniziato nel 2016 quando ho scoperto che la New York Public Library aveva messo online una buona parte dei suoi documenti d’archivio. Il recupero e il riutilizzo di materiali sono il punto di partenza della mia ricerca e produzione artistica. Il lavoro che realizzo con i materiali d’archivio mi permette di creare nuovi universi e raccontare, ogni volta, nuove storie, oltre ad essere un vero e proprio viaggio nell’immagine fotografica. Ho trascorso giorni interi tra carte geografiche, manoscritti e lettere. Ma è dalle mappe che sono stata attratta e, accompagnata dai loro segni e dalle loro tracce, ho deciso di affiancarle ad una serie di autoscatti. Partendo da riflessioni sul concetto di identità, in questo progetto anche io, come Kochan, ho cercato di immaginare il viaggio che ogni persona compie per scoprire e affermare sé stesso.

Considerando il corpo come un territorio da esplorare, mi sono resa conto che nulla può essere considerato definitivo: i confini si ridisegnano, il territorio fisico è soggetto a cambiamenti così come i nostri atteggiamenti, le azioni ed il rapporto verso la natura e gli uomini.

Kochan is a name. That of the protagonist of Confessions of a Mask (Yukio Mishima, 1949). A kind of travelogue, it takes the reader on a discovery of fragments of the protagonist's life and identity.

Kochan is also the name of the photographic project I started in 2016 when I discovered that the New York Public Library had put a good portion of its archival records online. The recovery and reuse of materials are the starting point of my artistic research and production. The work I make with archival materials allows me to create new universes and tell, each time, new stories, as well as being a real journey in the photographic image. I spent whole days among maps, manuscripts and letters. But it was the maps that attracted me and, accompanied by their signs and traces, I decided to put them side by side with a series of self-shots. Starting from reflections on the concept of identity, in this project I also, like Kochan, tried to imagine the journey that each person makes to discover and affirm himself.

Considering the body as a territory to be explored, I realized that nothing can be considered definitive: boundaries redraw themselves, the physical territory is subject to change as well as our attitudes, actions and relationship toward nature and humans.

(Text: Alessandra Calò)

Galerie Vazerol14 | Chur
12. November - 10. Dezember 2022

INSECTAE / holocene
Maximilian Zeitler

INSECTAE (2017-2019)
Die Welt der Insekten ist weit entfernt und gleichzeitig mit dem unseren verwoben. Je genauer wir unsere Beobachtungen anstellen, desto mehr entfaltet sich diese Welt voller Schönheit, Schrecken und Einzigartigkeit. Die Kontaktaufnahme mit diesem Universum führt oft zu fatalen Missverständnissen und die Schönheit lässt sich meist nur aus der Nähe betrachten. Inspiriert von entomologischen Zeichnungen, decken die großformatigen Arbeiten die Geometrie und die Perfektion jener Kreaturen auf, die unter uns leben, aber sicherlich nicht immer willkommen sind. Die Verwendung des Nassplattenverfahrens für diese Serie führt zu technischen Hindernissen. Das Hauptwerkzeug für diese Serie ist eine über 120 Jahre alte und sperrige Studiokamera aus Holz, die einen Balgenauszug von fast zwei Metern und schließlich den Kontakt mit den Insekten ermöglicht. Das reine Silber auf den einzigartigen 40x50cm großen Tintype-Fotografien, die geringe Schärfentiefe, ein Vergrößerungsverhältnis von 4:1 verewigen die fragile Schönheit der Insekten.

Holocene (seit 2020)
Die Suche nach Punkten zwischen den Zeitaltern ist aussichtslos - die Zeit war schon immer ein glitschiger Abhang - und doch tun wir es. Alles, was wir mit der Vergangenheit in Verbindung bringen, wird immer von dem Wunsch angetrieben, zurückzukehren. Wir suchen nach Momenten, die die Zeit in ein Vorher und ein Nachher aufteilen, nach Punkten wie Türöffnungen - als ob sie es uns ermöglichen würden, die Gegenwart dort zu verlassen, wo wir sie betreten haben. In vielerlei Hinsicht ist das Jahr 1850 ein solcher Punkt. Es markiert den Beginn der Industrialisierung, den Beginn vieler Dinge, die wir im Nachhinein gerne rückgängig machen oder ändern würden.

Die 1850er Jahre markieren auch den Beginn der Fotografie. In Holocene verwende ich das Kollodium-Nassplatten-Negativverfahren, um die Natur so einzufangen, wie sie sich heute vor mir entfaltet, und drucke sie auf Salz- und Albuminpapier ab, ähnlich wie die ersten Fotografen am Tor zur Gegenwart. Es ist kein Versuch, durch diese Tür zu entkommen, sondern zeigt, dass diese Tür, das wir uns vorstellen, vielleicht gar nicht existiert hat.

INSECTAE (2017-2019)
Le monde des insectes est à la fois lointain et imbriqué dans le nôtre. Plus nous affinons nos observations, plus ce monde se déploie, plein de beauté, d'horreur et d'unicité. La prise de contact avec cet univers conduit souvent à des malentendus fatals et la beauté ne peut généralement être contemplée que de près. Inspirées de dessins entomologiques, les œuvres de grand format révèlent la géométrie et la perfection de ces créatures qui vivent parmi nous, mais qui ne sont certainement pas toujours les bienvenues. L'utilisation du procédé de la plaque humide pour cette série entraîne des obstacles techniques. L'outil principal pour cette série est une caméra de studio en bois, vieille de plus de 120 ans et encombrante, qui permet une extension du soufflet de près de deux mètres et finalement le contact avec les insectes. L'argent pur sur les photographies tintype uniques de 40x50 cm, la faible profondeur de champ, un rapport d'agrandissement de 4:1 immortalisent la beauté fragile des insectes.

Holocène (depuis 2020)
La recherche de points entre les âges est vaine - le temps a toujours été une pente glissante - et pourtant nous le faisons. Tout ce que nous associons au passé est toujours motivé par le désir de revenir en arrière. Nous recherchons des moments qui divisent le temps en un avant et un après, des points comme des ouvertures de porte - comme s'ils nous permettaient de quitter le présent là où nous sommes entrés. À bien des égards, l'année 1850 est un tel point. Elle marque le début de l'industrialisation, le début de nombreuses choses que nous aimerions défaire ou changer avec le recul.

Les années 1850 marquent également le début de la photographie. Dans Holocene, j'utilise le procédé négatif de plaque humide au collodion pour capturer la nature telle qu'elle se déploie devant moi aujourd'hui, et je l'imprime sur du papier salé et albuminé, un peu comme les premiers photographes à la porte du présent. Il ne s'agit pas d'une tentative de s'échapper par cette porte, mais de montrer que cette porte, celle que nous imaginons, n'a peut-être jamais existé.

INSETTI (2017-2019)
Il mondo degli insetti è lontano e allo stesso tempo intrecciato con il nostro. Più osserviamo da vicino, più si svela questo mondo pieno di bellezza, terrore e unicità. Entrare in contatto con questo universo porta spesso a incomprensioni fatali e la bellezza può essere vista solo da vicino. Ispirate a disegni entomologici, le opere di grandi dimensioni rivelano la geometria e la perfezione di quelle creature che vivono in mezzo a noi ma che non sempre sono ben accette. L'uso del processo a lastre umide per questa serie crea ostacoli tecnici. Lo strumento principale di questa serie è una macchina fotografica da studio in legno, vecchia di oltre 120 anni e ingombrante, che consente un'estensione del soffietto di quasi due metri e finalmente il contatto con gli insetti. L'argento puro sulle fotografie tintometriche uniche di 40x50 cm, la ridotta profondità di campo, un rapporto di ingrandimento di 4:1 immortalano la fragile bellezza degli insetti.

Olocene (dal 2020)
La ricerca di punti tra le epoche è inutile - il tempo è sempre stato un pendio scivoloso - eppure lo facciamo. Tutto ciò che associamo al passato è sempre guidato dal desiderio di ritornare. Cerchiamo momenti che dividano il tempo in un prima e un dopo, punti come porte, come se ci permettessero di lasciare il presente da dove siamo entrati. Per molti versi, il 1850 è un punto di questo tipo. Segna l'inizio dell'industrializzazione, l'inizio di molte cose che a posteriori vorremmo annullare o cambiare.

Il 1850 segna anche l'inizio della fotografia. In Holocene utilizzo il processo negativo della lastra al collodio per catturare la natura così come si svolge oggi davanti a me, stampandola su carta salata e all'albumina, proprio come i primi fotografi alle porte del presente. Non è un tentativo di fuga attraverso questa porta, ma mostra che questa porta che immaginiamo potrebbe non essere esistita.

INSECTAE (2017-2019)
The world of insects is distant and at the same time interwoven with ours. The closer we make our observations, the more this world full of beauty, horror and uniqueness unfolds. Contacting this universe often leads to fatal misunderstandings and the beauty can usually only be seen up close. Inspired by entomological drawings, the large-scale works uncover the geometry and perfection of those creatures that live among us, but are of course not always welcome. The use of the wet plate process for this series creates technical obstacles. The main tool for this series is a wooden studio camera that is over 120 years old and bulky, allowing a bellows extension of almost two meters and finally contact with the insects. The pure silver on the unique 40x50cm tintype photographs, the shallow depth of field, a magnification ratio of 4:1 immortalize the fragile beauty of the insects.

Holocene (since 2020)
The search for points between the ages is futile - time has always been a slippery slope - and yet we do it. Everything we associate with the past is always driven by a desire to return. We look for moments that divide time into a before and an after, points like doorways - as if they will allow us to leave the present where we entered it. In many ways, 1850 is such a point. It marks the beginning of industrialization, the beginning of many things that in retrospect we would like to undo or change.

The 1850s also mark the beginning of photography. In Holocene, I use the collodion wet plate negative process to capture nature as it unfolds before me today, printing it on salt and albumen paper, much like the first photographers at the gateway to the present. It is not an attempt to escape through this door, but shows that this door, that we imagine, may not have existed.

(Text: Galerie Vazerol14, Chur)

MASI Palazzo Reali | Lugano
23. Oktober 2022 - 19. Februar 2023

e spesso intendo sempre
Manor Kunstpreis Tessin 2022
Lucas Herzig

Das MASI Lugano präsentiert die Einzelausstellung „und oft heisst immer” des mit der Tessiner Ausgabe des Manor Kunstpreis Tessin 2022 ausgezeichneten Künstlers Lucas Herzig (Zürich, 1988).

Herzigs Ausstellung zeigt eine Auswahl neuer Arbeiten mit Installationen, Kompositionen aus Fundsachen, Videos, Zeichnungen, Skulpturen und Flachreliefs, die zu diesem Anlass entstanden sind. Jeder Ausstellungsraum verfügt über eine besondere und unverwechselbare Atmosphäre, die vom Künstler in allen Details gestaltet worden ist. Indem sie mit der Wahrnehmung des Publikums spielen, laden Herzogs Arbeiten dazu ein, leichte und vorschnelle Lesarten zu meiden und regen zum Nachdenken über den Unterschied zwischen Schein und Sein und damit auch über die unvermeidliche Subjektivität der Interpretation an.

Le MASI Lugano présente “et souvent je veux dire toujours”, l’exposition personnelle de l’artiste Lucas Herzig (Zurich, 1988), lauréat de l’édition tessinoise du Prix Culturel Manor Tessin 2022.

L’exposition de Herzig, accueillie au deuxième étage du Palazzo Reali, présente une sélection de nouvelles œuvres comprenant des installations, des compositions d’objets trouvés, des vidéos, des dessins, des sculptures et des bas-reliefs - tous créés pour l’occasion. Chaque salle d’exposition se caractérise par une mise en scène particulière, élaborée en détail par l’artiste. Jouant avec la perception du public, les œuvres de Herzig incitent à ne pas s’arrêter à une première lecture facile, mais à réfléchir à la différence entre apparence et réalité et donc à l’inévitable subjectivité de l’interprétation.

Il MASI Lugano presenta “e spesso intendo sempre”, la personale dell’artista Lucas Herzig (Zurigo, 1988), vincitore dell’edizione ticinese del Premio Culturale Manor Ticino 2022.

La mostra di Herzig presenta una selezione di nuovi lavori tra installazioni, composizioni di oggetti trovati, video, disegni, sculture e bassorilievi – tutti realizzati per l’occasione. Ogni sala espositiva è caratterizzata da un’ambientazione particolare, curata nel dettaglio dall’artista. Giocando con la percezione del pubblico, i lavori di Herzig spingono a riflettere sulla differenza tra apparenza e realtà e quindi sull’inevitabile soggettività dell’interpretazione.

MASI Lugano presents “and often means always”, a solo show by the artist Lucas Herzig (Zurich, 1988), winner of the Ticino edition of the 2022 Manor Art Prize Ticino 2022.

Herzig’s show presents a selection of new works including installations, compositions of found objects, video, drawings, sculptures and bas-reliefs – all realised for the occasion. Each exhibition room has been staged in detail by the artist. Herzig’s works play with our perception to encourage us to go beyond an immediate, surface reading, and reflect on the differences between appearance and reality, and the inevitably subjective nature of interpretation.

(Text: MASI Palazzo Reali, Lugano)

Galerie Vazerol14 | Chur
8. Oktober - 5. November 2022

Quiet Light
Erich Dal Canton

Langsames Schauen – stille Bilder – stilles Licht – gleichsam ewig gültige Ansichten.

Erich Dal Canton untersucht mit seinen Bildern Zeit und Zeitlichkeit. Die damit korrelierenden menschlichen Erfahrungen werden in der Bildbetrachtung spürbar. Im Genauen fängt sein fotografisches Auge Orte der Ruhe oder gar Orte des Stillstandes fest, die ihrerseits einer Zeitlichkeit enthoben wirken. Das richtige Licht zu finden ist für ihn eine Obsession. In dieser Hinsicht wird das Licht für Dal Canton zum künstlerischen Stilmittel, was sich auch in den bevorzugten analogen Techniken — namentlich etwa Silbergelatine- oder Lith-Verfahren zeigt.

In seinem Bildschaffungsprozess steckt auch immer wieder die Sehnsucht nach Freiheit. „Wenn man bereit ist, die Welt auszuklammern und sich auf seine innere Reise zu begeben, kann man bei jeder Tätigkeit und überall seine Ruhe finden. Die Geheimnisse der Welt verbergen sich zweifellos in der Stille.

Seine aufwändig eingesetzte fotografische Technik ist reines analoges Handwerk. Seine zur Anwendung kommenden Aufnahmeformate decken das Spektrum von 6x6cm bis 20x25cm ab. Bei der Betrachtung der Bilder von Erich Dal Canton werden wir in eine andere Welt entführt, in eine Welt der Ruhe und Stille.

Regarder lentement - des images silencieuses - une lumière silencieuse - des vues pour ainsi dire éternelles.

Avec ses images, Erich Dal Canton étudie le temps et la temporalité. Les expériences humaines qui y sont corrélées deviennent perceptibles dans la contemplation des images. Dans la précision, son œil de photographe saisit des lieux de calme, voire des lieux d'immobilité, qui semblent à leur tour dépourvus de temporalité. Trouver la bonne lumière est pour lui une obsession. Dans cette optique, la lumière devient pour Dal Canton un moyen de style artistique, ce qui se reflète également dans les techniques analogiques qu'il privilégie, notamment les procédés à la gélatine argentée ou au lith.

Dans son processus de création d'images, il y a aussi toujours un désir de liberté. "Si l'on est prêt à faire abstraction du monde et à se lancer dans un voyage intérieur, on peut trouver la paix dans chaque activité et partout. Les secrets du monde se cachent sans aucun doute dans le silence.

La technique photographique qu'il utilise est purement analogique. Les formats de ses photos vont de 6x6cm à 20x25cm. En regardant les visuels d'Erich Dal Canton, nous sommes transportés dans un autre monde, un monde de calme et de silence.

Sguardo lento - immagini silenziose - luce silenziosa - vedute che sono, per così dire, eternamente valide.

Erich Dal Canton esplora il tempo e la temporalità nei suoi dipinti. Le esperienze umane correlate diventano percepibili nella contemplazione dell'immagine. Il suo occhio fotografico cattura luoghi di tranquillità o addirittura di stasi, che sembrano a loro volta sottratti alla temporalità. Trovare la luce giusta è per lui un'ossessione. In questo senso, la luce diventa per Dal Canton un dispositivo stilistico artistico, che si riflette anche nelle tecniche analogiche da lui preferite, ovvero la gelatina d'argento o i processi litici.

Nel suo processo di creazione di immagini, c'è sempre anche un desiderio di libertà. "Se siete disposti a chiudere fuori il mondo e a intraprendere il vostro viaggio interiore, potete trovare la pace in qualsiasi attività, ovunque. I segreti del mondo sono indubbiamente nascosti nel silenzio.

La sua elaborata tecnica fotografica è puro artigianato analogico. I formati utilizzati coprono uno spettro che va dal 6x6cm al 20x25cm. Osservando i quadri di Erich Dal Canton, siamo trasportati in un altro mondo, un mondo di calma e silenzio.

Slow looking - silent images - silent light - as it were eternally valid views.

Erich Dal Canton examines time and temporality with his pictures. The human experiences correlating with it become perceptible in the picture contemplation. His photographic eye captures places of tranquility or even places of standstill, which in turn seem to be removed from temporality. Finding the right light is an obsession for him. In this respect, light becomes an artistic stylistic device for Dal Canton, which is also evident in his preferred analog techniques - namely, silver gelatin or lith processes.

In his image-making process, there is also a constant yearning for freedom. "If you are willing to shut out the world and embark on your inner journey, you can find your peace in any activity, anywhere. The secrets of the world are undoubtedly hidden in silence.

His elaborate photographic technique is pure analog craft. The formats he uses cover the spectrum from 6x6cm to 20x25cm. Looking at the pictures of Erich Dal Canton we are transported into another world, a world of peace and silence.

(Galerie Vazerol14, Chur)

Consarc Galleria | Chiasso
18. September - 11. November 2022

Calibration
Andy Mattern

In dieser Ausstellung KALIBRIERUNG verändert, nimmt Mattern Papierlehren auf und vergrößert sie, die in der Mitte des letzten Jahrhunderts von Fotografen zur Einstellung von Beleuchtung, Belichtung und Schärfentiefe verwendet wurden.

Mattern verwandelt diese Messgeräte in abstrakte Bilder, indem er alle schriftlichen Angaben, die ihrem primären Zweck dienen, entfernt. Das Ergebnis ist ein grafisches und geometrisches Bild, das die kräftigen, leuchtenden Farben der Zifferblätter und des Kreises beibehält, die ursprünglich als technische Referenzen dienten und hier zu einer Reflexion über die Überwindung der Regeln zur Erzielung eines guten Bildes werden, wobei auch ironisch nach den Unvollkommenheiten gesucht wird.

Die didaktische Seite seiner Arbeit und die Art und Weise, wie er seine Forschung weiterentwickelt, ist ein weiterer Aspekt, der uns angeregt hat, ihn besser kennen zu lernen.

Dans cette exposition CALIBRATION, Mattern modifie, reprend et agrandit des jauges en papier en usage au milieu du siècle dernier qui étaient utilisées par les photographes pour régler l'éclairage, l'exposition et la profondeur de champ.

Mattern transforme ces jauges en images abstraites en supprimant les indications écrites qui servent leur fonction première. Le résultat est une image graphique et géométrique qui conserve les couleurs fortes et vives des cadrans et du cercle qui servaient à l'origine de références techniques et qui deviennent ici une réflexion sur le dépassement des règles pour obtenir une bonne image tout en recherchant ironiquement ses imperfections.

Le côté didactique de tous ses travaux et la manière dont il fait évoluer ses recherches est un autre aspect qui nous a incités à mieux le connaître.

In questa mostra CALIBRATION, Mattern modifica, riprende e ingrandisce i calibri di carta in uso nella metà del secolo scorso che servivano ai fotografi per regolare illuminazione, esposizione e profondità di campo.

Mattern trasforma queste schede tecniche in immagini astratte levando ogni indicazione scritta utile al loro scopo primario. Il risultato è un’immagine grafica e geometrica che mantiene i colori forti e brillanti dei quadranti e del cerchio che originariamente servivano come riferimenti tecnici e che diventano qui una riflessione sul sorpasso delle regole per ottenere una buona immagine cercandone anche, ironicamente, le imperfezioni.

La parte didattica di tutto il suo operare e il modo in cui evolve la sua ricerca è un altro degli aspetti che ci hanno stimolato a conoscerlo meglio.

In this exhibition CALIBRATION, Mattern modifies, takes up and enlarges paper gauges in use in the middle of the last century that were used by photographers to adjust lighting, exposure and depth of field.

Mattern transforms these paper gauges into abstract images by removing any written indications that serve their primary purpose. The result is a graphic, geometric image that retains the strong, bright colors of the dials and circle that originally served as technical references and become here a reflection on overcoming the rules of getting a good image while also, ironically, looking for its imperfections.

The didactic side of all his work and the way he evolves his research is another aspect that stimulated us to get to know him better.

(Text: Consarc Galleria, Chiasso)

Galerie Vazerol14 | Chur
20. August - 17. September 2022

Images
Peter Gasser

Öffnungszeiten nach Anfrage

Schon während der Schulzeit hegte Peter Gasser den Wunsch Fotograf zu werden. Zwanzigjährig entschloss sich Gasser die Welt zu bereisen, besuchte über 40 Länder in Asien, Afrika und Amerika. Immer mehr beschäftigte ihn dabei die Fotografie. Seit 1977 fotografiert er ausschliesslich mit einer Grossformat- Kamera 20x25cm. In seiner rund zwanzigjährigen fotografischen Schaffenszeit entstanden grossartige Werke in Schwarz-Weiss die heute in den renomiertesten Galerien und Museen vertreten sind wie etwa: Centre Georges Pompidou in Paris, Victoria&Albert Museum in London, Center for Creative Photography in Arizona, und vielen mehr.

Dès l'école, Peter Gasser nourrit le désir de devenir photographe. À l'âge de vingt ans, il décide de parcourir le monde et visite plus de 40 pays d'Asie, d'Afrique et d'Amérique. La photographie l'occupe de plus en plus. Depuis 1977, il photographie exclusivement avec un appareil grand format 20x25cm. Au cours de ses vingt années de création photographique, il a produit des œuvres magnifiques en noir et blanc qui sont aujourd'hui représentées dans les galeries et les musées les plus renommés, tels que le Centre Georges Pompidou, le Musée d'art contemporain de Paris et le Musée d'histoire de Paris : Centre Georges Pompidou à Paris, Victoria&Albert Museum à Londres, Center for Creative Photography en Arizona, et bien d'autres.

Già durante gli anni della scuola, Peter Gasser nutriva il desiderio di diventare fotografo. All'età di vent'anni, Gasser decise di viaggiare per il mondo, visitando oltre 40 Paesi in Asia, Africa e America. La fotografia lo occupava sempre di più. Dal 1977 fotografa esclusivamente con una fotocamera di grande formato 20x25 cm. Durante i suoi vent'anni di attività fotografica, ha creato magnifiche opere in bianco e nero, oggi rappresentate nelle più rinomate gallerie e musei, come il Centre Georges Pompidou di Parigi: Centre Georges Pompidou a Parigi, Victoria & Albert Museum a Londra, Center for Creative Photography in Arizona e molti altri.

Even during his school years, Peter Gasser harbored the desire to become a photographer. At the age of twenty, Gasser decided to travel the world, visiting over 40 countries in Asia, Africa and America. More and more he became interested in photography. Since 1977 he has photographed exclusively with a large format camera 20x25cm. During his twenty years of photographic work, he has created great works in black and white, which are now represented in the most prestigious galleries and museums such as: Centre Georges Pompidou in Paris, Victoria&Albert Museum in London, Center for Creative Photography in Arizona, and many more.

(Text: Vazerol14, Chur)

Villa Garbald | Castasegna
2. Juli 2022 - 24. Juni 2023

Kunsteinrichtungen
Alexander Jaquemet

Das Bündner Kunstmuseum organisiert jährlich "Kunsteinrichtungen" für die Villa Garbald in Castasegna im Bergell und lädt dazu zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler ein, ihr fotografisches Werk zu zeigen.

Dieses Jahr ist der in Biel lebende Fotograf und Künstler Alexander Jaquemet zu Gast. Er macht in seinen für diesen besonderen Ort ausgewählten Fotografien deutlich, dass er mit seiner Kamera nicht den Moment sucht, in dem sich Aufsehenerregendes ereignet, sondern vorsichtig und aufmerksam durch die Gegend zieht und lange beobachtet, bis eine andere Wirklichkeit erscheint. Die poetischen Bilder von Alexander Jaquemet erschliessen sich nicht dem schnellen Blick, sondern verlangen von uns besondere Aufmerksamkeit und eine Sensibilität für die Geheimnisse, die in jeder Aufnahme zu finden sind. Die Villa Garbald ist ein besonders geeigneter Ort, sich darauf einzulassen und das Unsichtbare zu entdecken.

Le Bündner Kunstmuseum organise chaque année des "installations artistiques" pour la Villa Garbald à Castasegna dans le Bergell et invite à cette occasion des artistes contemporains à présenter leur travail photographique.

Cette année, c'est le photographe et artiste Alexander Jaquemet, qui vit à Bienne, qui est invité. Dans ses photographies choisies pour ce lieu particulier, il montre clairement qu'avec son appareil photo, il ne cherche pas le moment où il se passe quelque chose de sensationnel, mais qu'il parcourt la région avec prudence et attention et observe longuement jusqu'à ce qu'une autre réalité apparaisse. Les images poétiques d'Alexander Jaquemet ne se dévoilent pas au regard rapide, mais exigent de nous une attention particulière et une sensibilité aux mystères qui se cachent dans chaque prise de vue. La Villa Garbald est un lieu particulièrement approprié pour s'y plonger et découvrir l'invisible.

Ogni anno, il Bündner Kunstmuseum organizza "installazioni d'arte" per la Villa Garbald di Castasegna in Bregaglia, invitando artisti contemporanei a mostrare le loro opere fotografiche.

L'ospite di quest'anno è il fotografo e artista Alexander Jaquemet, che vive a Bienne. Nelle sue fotografie selezionate per questo luogo speciale, l'autore chiarisce che non cerca il momento in cui accade qualcosa di sensazionale con la sua macchina fotografica, ma si muove con attenzione e cura nell'area e osserva a lungo finché non appare un'altra realtà. Le immagini poetiche di Alexander Jaquemet non si rivelano ad uno sguardo veloce, ma richiedono da parte nostra un'attenzione particolare e una sensibilità per i segreti che si possono trovare in ogni scatto. Villa Garbald è un luogo particolarmente adatto per affrontare questo tema e scoprire l'invisibile.

Every year, the Bündner Kunstmuseum organizes "art installations" for the Villa Garbald in Castasegna in Bergell, inviting contemporary artists to show their photographic work.

This year the guest is the photographer and artist Alexander Jaquemet, who lives in Biel. In his photographs selected for this special place, he makes it clear that he does not look for the moment when something sensational happens with his camera, but moves carefully and attentively through the area, observing for a long time until another reality appears. The poetic images of Alexander Jaquemet do not reveal themselves to the quick glance, but demand from us special attention and a sensitivity for the secrets that are to be found in every shot. The Villa Garbald is a particularly suitable place to get involved and discover the invisible.

(Text: Stephan Kunz, Bündner Kunstmuseum, Chur)

ConsArc Galleria | Chiasso
22. Mai – 24. Juli 2022

First Aid
Mariapia Borgnini

Mit den Fotografien von Mariapia Borgnini setzen wir die Vorschläge der bereits in der Galerie vertretenen Autoren fort, mit denen der Dialog weitergeht, genährt wird und wächst.

Die zeitgenössische Kunst erlaubt es der Künstlerin, sich in den verschiedensten Formen auszudrücken, und Mariapia Borgnini ist es nicht fremd, alltägliche Materialien zu verwenden. Diesmal ist es die isothermische Decke mit ihren zwei Schichten aus Gold und Silber, die als Träger für Bilder dient, die uns helfen, über Kunst und Leben nachzudenken, das immer zwischen Fülle und Leere schwankt.

In einer kürzlich erschienenen Publikation schreibt die Autorin über Erinnerungen, die sie in verschiedene Richtungen führen: die der Kunst und die Macht dessen, was von der Kindheit übrig geblieben ist, in einer Entfaltung der Affektivität.

In dem Buch erzählt sie von "Erster Hilfe", der Aufschrift auf der Verpackung einer Isothermdecke, die wir vor Jahren von einer humanitären Organisation für eine Geldsammlung erhalten haben.

"Er schützt das Motorrad eines Freundes vor dem Regen, im Winter umhüllt er die Zitronenpflanze eines Freundes, er wird zum Duschvorhang, wenn ich Bilder machen will. Fotografien, die von der Verwendung der Decke in unserem bequemen Leben zeugen. Ich drucke sie auf der silbernen Seite, damit die Gegensätze, Gold und Silber, in einem Bild zusammenfallen".

Die Einladung lautet, dass diese Bilder uns helfen können, der Gleichgültigkeit der Welt entgegenzuwirken.

Avec les photographies de Mariapia Borgnini, nous poursuivons les propositions des auteurs déjà accueillis dans la galerie, avec eux le dialogue continue, se nourrit et grandit.

L'art contemporain permet à l'artiste de s'exprimer à travers les formes les plus variées, et Mariapia Borgnini n'est pas étrangère à l'utilisation des matériaux du quotidien. Cette fois, c'est la couverture isotherme, avec ses deux couches d'or et d'argent, qui sert de support à des images qui nous aident à réfléchir sur l'art et la vie, toujours en équilibre entre le plein et le vide.

Dans une publication récente, l'auteur évoque des souvenirs qui la conduisent dans différentes directions : celle de l'art et du pouvoir de ce qui reste de l'enfance dans un déploiement de l'affectivité.

Dans le livre, elle parle de "Premiers secours", l'inscription sur l'emballage d'une couverture isotherme que nous avons reçue d'une organisation humanitaire il y a des années, pour une collecte d'argent.

"Il protège la moto d'un ami de la pluie, en hiver il enveloppe le citronnier d'un ami, il devient un rideau de douche quand je suis sur le point de faire des photos. Des photographies qui témoignent de l'utilisation de la couverture dans nos vies confortables. Je les imprime sur la face argentée, pour faire coïncider les opposés, l'or et l'argent, dans une même image".

L'invitation est que ces images peuvent nous aider à contrer l'indifférence du monde.

Con le fotografie di Mariapia Borgnini proseguiamo nelle proposte di autori già ospitati in galleria, con loro il dialogo continua, si alimenta e cresce.

L’arte contemporanea permette all’artista di esprimersi attraverso le forme più svariate e Mariapia Borgnini non è nuova a utilizzare materiali di uso quotidiano. Questa volta è la coperta isotermica, con i suoi due strati d’oro e d’argento, a essere supporto di immagini che ci aiutano a riflettere sull’arte e sulla vita, sempre in bilico tra pieni e vuoti.

In una recente pubblicazione l’autrice scrive di ricordi che la conducono in direzioni diverse: quella dell’arte e alla forza di ciò che resta dell’infanzia in un dispiegarsi di affettività.

Nel libro racconta di “First aid”, la dicitura che si legge sulla confezione di una coperta isotermica che abbiamo ricevuto da un’organizzazione umanitaria anni fa, per una raccolta di denaro.

“Protegge dalla pioggia la motocicletta di un amico, d’inverno avvolge una pianta di limoni di un’amica, diventa una tenda della doccia quando mi accingo a costruire immagini. Fotografie che testimoniano l’uso della coperta nelle nostre comode vite. Le stampo sulla parte argento, per far coincidere gli opposti, oro e argento, in un’unica immagine”.

L’invito è che queste immagini ci possano aiutare a contrastare l’indifferenza del mondo.

With the photographs of Mariapia Borgnini we continue in the proposals of authors already hosted in the gallery, with them the dialogue continues, feeds and grows.

Contemporary art allows the artist to express herself through the most varied forms, and Mariapia Borgnini is no stranger to using everyday materials. This time it is the isothermal blanket, with its two layers of gold and silver, that is the support of images that help us reflect on art and life, always poised between fullness and emptiness.

In a recent publication the author writes about memories that lead her in different directions: that of art and to the power of what remains of childhood in an unfolding of affectivity.

In the book she tells of "First aid," the wording on the wrapping of an isothermal blanket we received from a humanitarian organization years ago, for a fundraiser.

"It protects a friend's motorcycle from the rain, in winter it wraps a friend's lemon plant, it becomes a shower curtain when I am about to build pictures. Photographs that testify to the use of the blanket in our comfortable lives. I print them on the silver side, to make the opposites, gold and silver, coincide in one image."

The invitation is that these images can help us counter the world's indifference.

(Text: ConsArc Galleria, Chiasso)

Galerie Vazerol14 | Chur
21. Mai - 18. Juni 2022

Stille Momente
Erich Dal Canton

Erich Dal Canton untersucht mit seinen Bildern Zeit und Zeitlichkeit. Das richtige Licht zu finden ist für ihn eine Obsession. Das Herzstück seiner künstlerischen Arbeit sind zweifelsohne die sogenannten „Waterscapes”.

Seine in der Galerie Vazerol 14 präsentierten Silbergelatine-Abzüge auf Barytpapier zeigen stille Momente aus der Schweiz, Frankreich und Deutschland. Seine aufwändig eingesetzte fotografische Technik ist reines analoges Handwerk. Es kamen konventionelle Printverfahren, wie auch die von ihm bevorzugte Lithprint-Technik zur Anwendung.

Dal Canton arbeitet seit über 35 Jahren ausschliesslich auf Schwarzweissfilm und setzt verschiedene Kameras und Negativformate ein, um seine Bildideen zu realisieren. Er verwendet aber bevorzugt die Grossformate 4x5in., 8x10in. und 6x17cm.

Bei der Betrachtung der Bilder von Erich Dal Canton werden wir in eine andere Welt entführt, in eine Welt der Ruhe und Stille.

Erich Dal Canton (geb. 1954) lebt und arbeitet in Wettingen.

Erich Dal Canton étudie le temps et la temporalité à travers ses images. Trouver la bonne lumière est pour lui une obsession. Le cœur de son travail artistique est sans aucun doute ce qu'il appelle les "waterscapes".

Ses tirages au gélatino-argent sur papier baryté présentés à la galerie Vazerol 14 montrent des moments de silence en Suisse, en France et en Allemagne. La technique photographique qu'il utilise est purement analogique.

Dal Canton travaille depuis plus de 35 ans exclusivement sur des films noir et blanc et utilise différents appareils et formats de négatifs pour réaliser ses idées d'images. Il utilise cependant de préférence les grands formats 4x5in, 8x10in et 6x17cm.En regardant les images d'Erich Dal Canton, nous sommes transportés dans un autre monde, un monde de calme et de tranquillité.

Erich Dal Canton (né en 1954) vit et travaille à Wettingen.

Erich Dal Canton esplora il tempo e la temporalità con i suoi dipinti. Trovare la luce giusta è un'ossessione per lui. Il cuore del suo lavoro artistico sono senza dubbio i cosiddetti "paesaggi acquatici".

le sue stampe alla gelatina d'argento su carta baritata presentate nella galleria Vazerol 14 mostrano momenti di fermo immagine della Svizzera, della Francia e della Germania. La sua elaborata tecnica fotografica è puro artigianato analogico.

Da oltre 35 anni, Dal Canton lavora esclusivamente su pellicola in bianco e nero e utilizza diverse macchine fotografiche e formati di negativo per realizzare le sue idee pittoriche. Tuttavia, preferisce utilizzare i grandi formati 4x5in., 8x10in. e 6x17cm. Quando si guardano le immagini di Erich Dal Canton, siamo trasportati in un altro mondo, un mondo di pace e tranquillità.

Erich Dal Canton (nato nel 1954) vive e lavora a Wettingen.

Erich Dal Canton explores time and temporality with his images. Finding the right light is an obsession for him. The heart of his artistic work are undoubtedly the so-called "Waterscapes".

His silver gelatin prints on baryta paper presented in the gallery Vazerol 14 show still moments from Switzerland, France and Germany. His elaborately employed photographic technique is pure analog craft. Conventional printing processes were used, as well as the lithprint technique he prefers.

Dal Canton has been working exclusively on black-and-white film for over 35 years and uses various cameras and negative formats to realize his image ideas. However, he prefers to use the large formats 4x5in., 8x10in. and 6x17cm.When viewing the images of Erich Dal Canton, we are transported into another world, a world of peace and tranquility.

Erich Dal Canton (born 1954) lives and works in Wettingen.

(Text: Galerie Vazerol14, Chur)

Fondazione Rolla | Bruzella
21. Mai – 30. Oktober 2022

where I came from
Philip Rolla

Öffnungszeiten
jeden zweiten Sonntag im Monat von 14.00 bis 18.00 Uhr und nach Vereinbarung

Where I came from ist die 20. Ausstellung, die von der Fondazione Rolla organisiert wird.

Eine besondere Ausstellung, die aus einer langen Reflexion über sich selbst und seine Vergangenheit entstanden ist, die Philip Rolla selbst durchgeführt hat. Diese Jahre, die von Krankheit und Gefängnis geprägt waren, veranlassten Philip dazu, die in Schubladen verschlossenen Papiere durchzusehen, die jeder im Laufe seines Lebens anhäuft. Neben vielen Erinnerungen und Überraschungen fand Rolla auch Negative, die bis ins Jahr 1972 zurückreichen. Aufnahmen von seinem Kalifornien, von den Orten, an denen er seine Kindheit verbrachte und mit denen so viele Erinnerungen verbunden sind. Orte, die sich 1972 bereits verändert hatten, meist durch Zeit und Vernachlässigung abgenutzt, die aber für ihn eine unvergängliche Seele enthalten, die er verewigen und in Erinnerung behalten möchte.

Philip Rolla zeigt diesmal nicht einen Teil seiner eigenen Sammlung, sondern einen Teil seines eigenen Lebens.

Im Katalog und in der Ausstellung ist eine Auswahl von 24 Fotografien aus der Serie Where I Came From, 1972, direkte Silbersalzabzüge auf Barytpapier im Format 12,6 x 19,2 cm, aus dem Jahr 2022 zu sehen.

Eine von Maria Grazia Rabiolo verfasste Biografie über Philip Rolla wird im Herbst vorgestellt.

D'où je viens est la 20e exposition organisée par la Fondazione Rolla.

Une exposition spéciale née d'une longue réflexion sur lui-même et son passé, réalisée par Philip Rolla lui-même. Ces années, marquées par la maladie et l'emprisonnement, ont conduit Philip à fouiller dans ces papiers enfermés dans des tiroirs que chacun accumule au cours de sa vie. Parmi de nombreux souvenirs et surprises, Rolla a trouvé des négatifs datant de 1972. Des clichés de sa Californie, des lieux où il a passé son enfance et auxquels sont liés tant de souvenirs. Des lieux qui ont déjà changé en 1972, pour la plupart usés par le temps et la négligence, mais qui contiennent, pour lui, une âme impérissable qu'il veut immortaliser et dont il veut se souvenir.

Philip Rolla ne montre pas cette fois-ci une partie de sa propre collection, mais une partie de sa propre vie.

Le catalogue et l'exposition présentent une sélection de 24 photographies de la série Where I Came From, 1972, tirages directs aux sels d'argent sur papier baryté au format 12,6 x 19,2 cm, prises en 2022.

Une biographie de Philip Rolla écrite par Maria Grazia Rabiolo sera présentée à l'automne.

where I came from è la ventesima mostra organizzata dalla Fondazione Rolla.

Una mostra particolare nata da una lunga riflessione su se stesso e sul suo passato fatta proprio da Philip Rolla. Questi anni, segnati dalla malattia e dalla reclusione, hanno portato Philip a passare in rassegna quelle carte chiuse nei cassetti che tutti accumulano durante la loro vita. Tra tanti ricordi e sorprese Rolla ha trovato dei negativi risalenti al 1972. Scatti della sua California, dei luoghi dove ha trascorso l’infanzia e a cui sono legati tanti ricordi. Luoghi che già nel 1972 erano mutati, per lo più logorati dal tempo e dall’incuria, ma che racchiudono, per lui, un’anima imperitura che vuole immortalare e ricordare.

Philip Rolla questa volta non mostra una parte della propria collezione, ma una parte della propria vita.

In catalogo e in mostra una selezione di 24 fotografie dalla serie where I came from, 1972, stampe dirette ai sali d’argento su carta baritata nel formato 12.6 x 19.2 cm, eseguite nel 2022.

In autunno sarà presentata la biografia di Philip Rolla scritta da Maria Grazia Rabiolo.

where I came from is the twentieth exhibition held in the ex-kindergarten of Bruzella, home of the Rolla Foundation.

A particular exhibition born from a long reflection by Philip Rolla, on himself and his past. These years, marked by illness and confinement, have led Philip to review those papers kept in drawers, which we all accumulate during our lives. Among many memories and surprises, Rolla found some negatives dating back to 1972, shots of his California, of the places where he spent his childhood and to which many memories are linked. Places that already in 1972 had changed, mostly worn out by time and neglect but that contained, for him, an imperishable soul that he wanted to immortalize and remember...

This time Philip Rolla does not show a part of his collection, but a part of his life.

In the catalog and in the exhibition a selection of 24 photographs from the series where I came from, 1972, gelatin silver prints on baryta paper in the format 12.6 x 19.2 cm, printed in 2022.

In autumn we will present the biography of Philip Rolla written by Maria Grazia Rabiolo.

                (Text: Fondazione Rolla, Bruzella)