Visulex Gallery for Photography | Hamburg-Eppendorf
29. September – 19. Oktober 2024

Moving Monuments
Thomas Kellner

Am 28. September eröffnet die VisuleX Gallery for Photography in Hamburg die Ausstellung „Moving Monuments. Thomas Kellner - Black & White“. Präsentiert werden Schwarz-Weiß-Tableaux von bekannten Monumenten aus den Jahren 1997 bis 2005, die eine Auswahl seiner markanten Farbfotografien einrahmen. Mit „Black & White“ kehrt Thomas Kellner zu seinen künstlerischen Wurzeln und der Tradition der Schwarz-Weiß-Fotografie zurück.

In einer Zeit, in der sich viele Künstler wieder der Schwarzweißfotografie zuwenden, blickt auch Thomas Kellner zehn Jahre später auf seine Wurzeln zurück. Die bisher wenig veröffentlichten Werke in schwarz-weiß spiegeln die Anfänge in Kellners Karriere wider, als er in Zyklen mit verschiedenen Bildsprachen im Schwarzweißlabor experimentierte, bis er 1997 schließlich zu seiner einzigartigen, multiperspektivischen und dekonstruktivistischen Bildsprache fand: das zusammengesetzte Bild entweder als Mehrfachbelichtung auf einem Negativ (1993-1998) oder als sequenzielle Montage auf einem Kontaktbogen des Roll- und 35mm Films. 

Aus einem anfänglichen Entwurf über den Eiffelturm als Hommage an Robert Delaunay und den Orphismus in Paris beginnt Kellners Hinwendung zur Architektur und zu immer komplexeren Kompositionen. Es entstehen zeitlose Bilder ikonischer Bauten einer neu formulierten, am Kubismus orientierten Sprache. Bei seinen frühen schwarzweißen Aufnahmen konzentriert sich Kellner auf die Struktur selbst. Das Verhältnis von Gegenstand und Bildform steht im Zentrum der Betrachtung.

Kellners ursprüngliches Konzept war es, aus jeweils einem Film eine kleinformatige Arbeit zu kreieren. Fotografien aus San Francisco, New York City , London und Paris, bestehend aus zwei Filmen, werden in „Thomas Kellner - Black & White“ gezeigt. Daneben zeigt der Künstler auch ausgewählte großformatige Werke in Farbe, wie zum Beispiel eine beeindruckende Fotografie vom Empire State Building.

Le 28 septembre, la VisuleX Gallery for Photography à Hambourg inaugure l'exposition « Moving Monuments. Thomas Kellner - Black & White ». Seront présentés des tableaux en noir et blanc de monuments célèbres datant de 1997 à 2005, encadrant une sélection de ses photographies couleur marquantes. Avec « Black & White », Thomas Kellner revient à ses racines artistiques et à la tradition de la photographie en noir et blanc.

À une époque où de nombreux artistes se tournent à nouveau vers la photographie en noir et blanc, Thomas Kellner revient lui aussi à ses racines dix ans plus tard. Les œuvres en noir et blanc, peu publiées jusqu'à présent, reflètent les débuts de la carrière de Kellner, lorsqu'il expérimentait par cycles différents langages visuels dans son laboratoire noir et blanc, jusqu'à ce qu'il trouve finalement, en 1997, son langage visuel unique, multi-perspectiviste et déconstructiviste : le visuel composé soit sous forme d'expositions multiples sur un négatif (1993-1998), soit sous forme de montage séquentiel sur une feuille de contact de film en bobine et 35 mm. 

A partir d'un projet initial sur la Tour Eiffel en hommage à Robert Delaunay et à l'orphisme parisien, Kellner commence à se tourner vers l'architecture et des compositions de plus en plus complexes. Il en résulte des visuels intemporels de bâtiments iconiques d'un langage reformulé, inspiré du cubisme. Dans ses premières photos en noir et blanc, Kellner se concentre sur la structure elle-même. La relation entre l'objet et la forme de l'image est au centre de l'observation.

Le concept initial de Kellner était de créer une œuvre de petit format à partir d'un seul film à la fois. Des photographies de San Francisco, New York City , Londres et Paris, composées de deux films, sont présentées dans « Thomas Kellner - Black & White ». L'artiste présente également une sélection d'œuvres grand format en couleur, comme par exemple une impressionnante photographie de l'Empire State Building.

Il 28 settembre, la Galleria VisuleX per la Fotografia di Amburgo inaugurerà la mostra “Moving Monuments. Thomas Kellner - Bianco e Nero”. Verranno presentati tableaux in bianco e nero di noti monumenti degli anni dal 1997 al 2005, che incorniciano una selezione delle sue straordinarie fotografie a colori. Con “Black & White”, Thomas Kellner ritorna alle sue radici artistiche e alla tradizione della fotografia in bianco e nero.

In un momento in cui molti artisti tornano alla fotografia in bianco e nero, anche Thomas Kellner guarda alle sue radici dieci anni dopo. Le poche opere pubblicate in bianco e nero riflettono gli inizi della carriera di Kellner, quando sperimentò ciclicamente diversi linguaggi visivi nel laboratorio in bianco e nero, fino a quando, nel 1997, trovò il suo linguaggio visivo unico, multiprospettico e decostruttivista: l'immagine composita come esposizioni multiple su un negativo (1993-1998) o come montaggio sequenziale su un foglio a contatto di rullino e pellicola da 35 mm. 

Da uno schizzo iniziale della Torre Eiffel come omaggio a Robert Delaunay e all'Orfismo di Parigi, Kellner ha iniziato a dedicarsi all'architettura e a composizioni sempre più complesse. Creò immagini senza tempo di edifici iconici in un linguaggio di nuova formulazione orientato al cubismo. Nelle sue prime fotografie in bianco e nero, Kellner si concentrava sulla struttura stessa. Il rapporto tra oggetto e forma pittorica è al centro della sua osservazione.

Il concetto originale di Kellner era quello di creare un'opera di piccolo formato da un film alla volta. Le fotografie di San Francisco, New York City, Londra e Parigi, composte da due film, sono esposte in “Thomas Kellner - Black & White”. L'artista presenta anche alcune opere selezionate di grande formato a colori, come un'impressionante fotografia dell'Empire State Building.

On September 28, the VisuleX Gallery for Photography in Hamburg will open the exhibition “Moving Monuments. Thomas Kellner - Black & White”. Black and white tableaux of well-known monuments from 1997 to 2005 will be presented, framing a selection of his striking color photographs. With “Black & White”, Thomas Kellner returns to his artistic roots and the tradition of black and white photography.

At a time when many artists are turning back to black and white photography, Thomas Kellner is also looking back to his roots ten years later. The few published works in black and white reflect the beginnings of Kellner's career, when he experimented in cycles with different visual languages in the black and white laboratory until he finally found his unique, multi-perspectival and deconstructivist visual language in 1997: the composite image either as multiple exposures on a negative (1993-1998) or as a sequential montage on a contact sheet of roll and 35mm film. 

From an initial sketch of the Eiffel Tower as an homage to Robert Delaunay and Orphism in Paris, Kellner began to turn to architecture and increasingly complex compositions. He created timeless visuals of iconic buildings in a newly formulated language based on Cubism. In his early black and white photographs, Kellner concentrated on the structure itself. The relationship between object and pictorial form is at the center of his observation.

Kellner's original concept was to create a small-format work from one film at a time. Photographs from San Francisco, New York City, London and Paris, consisting of two films, are shown in “Thomas Kellner - Black & White”. The artist is also showing selected large-format works in color, such as an impressive photograph of the Empire State Building.

(Text: Visulex Gallery for Photography, Hamburg-Eppendorf)

Bucerius Kunst Forums | Hamburg
15. Juni – 22. September 2024

Watch! Watch! Watch! Henri Cartier-Bresson

Henri Cartier-Bresson zählt zu den berühmtesten Fotograf:innen des 20. Jahrhunderts. Als Fotojournalist, Kunstfotograf und Porträtist schuf er zeitlose Kompositionen und prägte damit den Stil nachfolgender Generationen von Fotograf:innen. Mit seinem Gespür für den „entscheidenden Augenblick“ erfasste er spontane Begegnungen und Situationen. Seine Arbeiten, heute Ikonen, machten ihn zu einem wichtigen Vertreter der Street Photography.

Das Bucerius Kunst Forum widmet dem Mitbegründer der legendären Fotoagentur Magnum die erste große Retrospektive in Deutschland seit 20 Jahren. Neben den frühen, surrealistisch geprägten Aufnahmen und Filmarbeiten sowie den politischen Fotoreportagen werden auch Cartier-Bressons Porträts bekannter Künstler:innen und Schriftsteller:innen gezeigt, ebenso wie seine späteren Fotografien, in denen der Fokus auf dem menschlichen Alltagsverhalten liegt.

Die Ausstellung beleuchtet anhand von 240 Originalabzügen sowie zahlreichen Veröffentlichungen in Illustrierten und Büchern das Lebenswerk des Fotografen von den 1930er- bis in die 1970er-Jahre.

Das Frühwerk Henri Cartier-Bressons ist vom Surrealismus und vom Neuen Sehen der 1920er-Jahre inspiriert. Die Verwandlung des Alltags in ein rätselhaftes Bild und die Wahrnehmung von surrealen Begegnungen bestimmten diese Phase, die von André Breton, Eugène Atget, Giorgio De Chirico und René Magritte beeinflusst war. Bereits in den 1930er-Jahren wandte sich Cartier-Bresson der Fotoreportage zu. 1908 geboren und 2004, im Alter von fast 96 Jahren gestorben, erlebte Cartier-Bresson als Zeitzeuge fast das gesamte 20. Jahrhundert und wurde zu dessen fotografischen Chronisten. Als Augenzeuge dokumentierte er zahlreiche historische und politische Großereignisse. Im Auftrag französischer Illustrierte fotografierte er während des Spanischen Bürgerkriegs und auch die britischen Krönungsfeierlichkeiten von George VI hielt er mit Witz und ohne die Wiedergabe der Mitglieder der Königsfamilie fotografisch fest.

Soziale und gesellschaftliche Themen wurden ein zentrales Anliegen für Cartier-Bresson, der zu Beginn offen mit der politischen Linken sympathisierte. So galt sein fotografisches Interesse insbesondere sozial ausgegrenzten Menschen. Nach der Kriegsgefangenschaft in Deutschland, der er 1943 bei einem dritten Fluchtversuch entkam, fotografierte und filmte er in Dessau nach Ende des Zweiten Weltkrieges die Rückführung von „Displaced People” in ihre Heimat. Diese bewegenden Bilder repräsentieren den Auftakt zu einer beeindruckenden Laufbahn als Fotoreporter für die auflagenstärksten Illustrierten in den USA und Europa.

1947 begründete er mit Robert Capa und anderen Fotografen die Bildagentur Magnum, die seine Fotografien weltweit vertreiben wird. Cartier-Bressons Fotoreportagen dokumentieren herausragende Momente der Zeitgeschichte wie die Beisetzung Mahatma Gandhis (1948) oder den Untergang der Herrschaft des Kuomintang-Regimes in China (1949). Als erster europäischer Fotograf machte er 1954 nach dem Tode Stalins Aufnahmen in der Sowjetunion. In der Ära des Kalten Krieges wurde er zum gefragten Zeitzeugen im geteilten Berlin (1962) oder auf Kuba unter Fidel Castro (1963).

Cartier-Bresson pflegte jahrelange Freundschaften in die Kunst- und Kulturwelt, die ihn und sein künstlerisches Schaffen nachhaltig inspirierten. Seine intimen Porträts von Künstler:innen, Schriftsteller:innen und Fotograf:innnen wie Coco Chanel, Simone de Beauvoir und Henri Matisse bilden einen wichtigen Teil seines Œuvres und werden in der Ausstellung gezeigt.

Seine Street Photography zeigt das zwischenmenschliche Verhalten im Alltag, bei der Arbeit und in der Freizeit. Die Werke verdeutlichen das stilprägende Element in Cartier-Bressons Fotografien: das Beobachten und gleichzeitige Analysieren von menschlichem Handeln in spontanen Augenblicken. Cartier-Bresson setzte sich mithilfe seiner Kamera bewusst Begegnungen aus, hielt dabei menschliches Verhalten fest und machte dieses in flüchtigen Szenen sichtbar.

Eine Ausstellung des Bucerius Kunst Forums, Hamburg, und der Fundación MAPFRE, Barcelona, in Kooperation mit der Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris.

Henri Cartier-Bresson compte parmi les photographes les plus célèbres du 20e siècle. En tant que photojournaliste, photographe d'art et portraitiste, il a créé des compositions intemporelles et a ainsi marqué le style des générations suivantes de photographes. Avec son flair pour "l'instant décisif", il a saisi des rencontres et des situations spontanées. Ses travaux, aujourd'hui devenus des icônes, ont fait de lui un représentant important de la street photography.

Le Bucerius Kunst Forum consacre au cofondateur de la légendaire agence photographique Magnum la première grande rétrospective en Allemagne depuis 20 ans. Outre les premiers clichés et travaux cinématographiques d'inspiration surréaliste ainsi que les reportages photographiques politiques, les portraits d'artistes et d'écrivains célèbres de Cartier-Bresson sont également exposés, tout comme ses photographies plus tardives, qui mettent l'accent sur le comportement humain au quotidien.

L'exposition met en lumière l'œuvre du photographe des années 1930 aux années 1970 à l'aide de 240 tirages originaux et de nombreuses publications dans des magazines et des livres.

L'œuvre de jeunesse d'Henri Cartier-Bresson s'inspire du surréalisme et de la nouvelle vision des années 1920. La transformation du quotidien en un visuel énigmatique et la perception de rencontres surréalistes ont déterminé cette phase, influencée par André Breton, Eugène Atget, Giorgio De Chirico et René Magritte. Dès les années 1930, Cartier-Bresson s'est tourné vers le photoreportage. Né en 1908 et décédé en 2004, à l'âge de presque 96 ans, Cartier-Bresson a vécu en tant que témoin presque tout le XXe siècle et en est devenu le chroniqueur photographique. En tant que témoin oculaire, il a documenté de nombreux grands événements historiques et politiques. Il a photographié la guerre civile espagnole pour le compte d'illustrés français et a également immortalisé les festivités du couronnement britannique de George VI avec humour et sans reproduire les membres de la famille royale.

Les thèmes sociaux et sociétaux devinrent une préoccupation centrale pour Cartier-Bresson qui, à ses débuts, sympathisait ouvertement avec la gauche politique. Il s'intéressait donc particulièrement aux personnes socialement exclues. Après sa captivité en Allemagne, à laquelle il a échappé en 1943 lors d'une troisième tentative d'évasion, il a photographié et filmé à Dessau, à la fin de la Seconde Guerre mondiale, le rapatriement de "personnes déplacées" dans leur pays. Ces visuels émouvants marquent le début d'une impressionnante carrière de photoreporter pour les magazines les plus diffusés aux États-Unis et en Europe.

En 1947, il fonde avec Robert Capa et d'autres photographes l'agence d'images Magnum, qui distribuera ses photographies dans le monde entier. Les reportages photographiques de Cartier-Bresson documentent des moments marquants de l'histoire contemporaine comme l'enterrement du Mahatma Gandhi (1948) ou la chute du régime du Kuomintang en Chine (1949). En 1954, il est le premier photographe européen à prendre des photos en Union soviétique après la mort de Staline. A l'époque de la guerre froide, il est devenu un témoin très demandé dans le Berlin divisé (1962) ou à Cuba sous Fidel Castro (1963).

Cartier-Bresson a entretenu pendant des années des amitiés dans le monde de l'art et de la culture, qui l'ont durablement inspiré, lui et sa création artistique. Ses portraits intimes d'artistes, d'écrivains et de photographes comme Coco Chanel, Simone de Beauvoir et Henri Matisse constituent une part importante de son œuvre et sont présentés dans l'exposition.

Sa street photography montre le comportement interpersonnel dans la vie quotidienne, au travail et dans les loisirs. Les œuvres illustrent l'élément qui caractérise le style des photographies de Cartier-Bresson : l'observation et l'analyse simultanée des actions humaines dans des moments spontanés. À l'aide de son appareil photo, Cartier-Bresson s'exposait délibérément à des rencontres, enregistrait le comportement humain et le rendait visible dans des scènes éphémères.

Une exposition du Bucerius Kunst Forum, Hambourg, et de la Fundación MAPFRE, Barcelone, en coopération avec la Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris.

Henri Cartier-Bresson è uno dei fotografi più famosi del XX secolo. Come fotogiornalista, fotografo d'arte e ritrattista, ha creato composizioni senza tempo e ha plasmato lo stile delle generazioni successive di fotografi. Con il suo talento per il "momento decisivo", ha catturato incontri e situazioni spontanee. Le sue opere, ormai diventate icone, lo hanno reso un importante rappresentante della fotografia di strada.

Il Bucerius Kunst Forum dedica al cofondatore della leggendaria agenzia fotografica Magnum la prima grande retrospettiva in Germania da 20 anni a questa parte. Oltre alle fotografie e ai film degli esordi, di ispirazione surrealista, e ai reportage politici, saranno esposti anche i ritratti di Cartier-Bresson di artisti e scrittori famosi e le sue fotografie più recenti, che si concentrano sul comportamento umano quotidiano.

La mostra si avvale di 240 stampe originali e di numerose pubblicazioni su riviste e libri per far luce sul lavoro del fotografo dagli anni Trenta agli anni Settanta.

I primi lavori di Henri Cartier-Bresson si ispirano al Surrealismo e alla Nuova Visione degli anni Venti. La trasformazione della vita quotidiana in un'immagine enigmatica e la percezione di incontri surreali hanno caratterizzato questa fase, influenzata da André Breton, Eugène Atget, Giorgio De Chirico e René Magritte. Cartier-Bresson si dedicò al reportage fotografico già negli anni '30. Nato nel 1908 e morto nel 2004 all'età di quasi 96 anni, Cartier-Bresson fu testimone di quasi tutto il XX secolo e ne divenne il cronista fotografico. Come testimone oculare, ha documentato numerosi eventi storici e politici di rilievo. Fu incaricato dalle riviste francesi di scattare fotografie durante la guerra civile spagnola e immortalò anche le celebrazioni dell'incoronazione britannica di Giorgio VI con umorismo e senza ritrarre i membri della famiglia reale.

Le questioni sociali e societarie divennero una preoccupazione centrale per Cartier-Bresson, che all'inizio simpatizzava apertamente con la sinistra politica. Il suo interesse fotografico si concentra in particolare sulle persone socialmente emarginate. Dopo essere stato prigioniero di guerra in Germania, da cui fuggì nel 1943 durante un terzo tentativo di fuga, fotografò e filmò il rimpatrio degli "sfollati" a Dessau dopo la fine della Seconda guerra mondiale. Queste immagini toccanti segnano l'inizio di un'impressionante carriera come fotoreporter per le riviste a più alta tiratura negli Stati Uniti e in Europa.

Nel 1947, insieme a Robert Capa e ad altri fotografi, fonda l'agenzia fotografica Magnum, che distribuirà le sue fotografie in tutto il mondo. I reportage fotografici di Cartier-Bresson documentano momenti salienti della storia contemporanea, come il funerale del Mahatma Gandhi (1948) o la caduta del regime del Kuomintang in Cina (1949). Nel 1954 è stato il primo fotografo europeo a scattare foto in Unione Sovietica dopo la morte di Stalin. Durante l'epoca della guerra fredda, divenne un ricercato testimone contemporaneo nella Berlino divisa (1962) o nella Cuba di Fidel Castro (1963).

Cartier-Bresson ha coltivato amicizie di lunga data nel mondo dell'arte e della cultura, che hanno ispirato lui e il suo lavoro artistico. I suoi ritratti intimi di artisti, scrittori e fotografi come Coco Chanel, Simone de Beauvoir e Henri Matisse costituiscono una parte importante della sua opera e sono esposti in mostra.

La sua fotografia di strada mostra i comportamenti interpersonali nella vita quotidiana, al lavoro e nel tempo libero. Le opere illustrano l'elemento che definisce lo stile delle fotografie di Cartier-Bresson: l'osservazione e l'analisi simultanea del comportamento umano in momenti spontanei. Cartier-Bresson si è esposto deliberatamente agli incontri con la sua macchina fotografica, catturando il comportamento umano e rendendolo visibile in scene fugaci.

Una mostra del Bucerius Kunst Forum di Amburgo e della Fundación MAPFRE di Barcellona, in collaborazione con la Fondation Henri Cartier-Bresson di Parigi.

Henri Cartier-Bresson is one of the most famous photographers of the 20th century. As a photojournalist, art photographer and portraitist, he created timeless compositions and shaped the style of subsequent generations of photographers. With his flair for the "decisive moment", he captured spontaneous encounters and situations and became one of the most important representatives of street photography. His works, now icons, made him an important representative of street photography.

The Bucerius Kunst Forum is dedicating the first major retrospective in Germany since 20 years to the co-founder of the legendary Magnum photo agency. In addition to the early, surrealist-influenced photographs and film works as well as the political photo reportages, Cartier-Bresson's portraits of well-known artists and writers will also be shown, as well as his later photographs, which focus on everyday human behavior.

The exhibition presents 240 original prints as well as numerous publications in magazines and books, shedding light on the photographer's life's work from the 1930s to the 1970s.

Henri Cartier-Bresson's early work was inspired by Surrealism and the New Vision of the 1920s. The transformation of everyday life into an enigmatic image and the perception of surreal encounters characterized this phase, which was influenced by André Breton, Eugène Atget, Giorgio De Chirico and René Magritte. Cartier-Bresson turned to photo reportage as early as the 1930s. Being born in 1908 and dying in 2004 at the age of almost 96, Cartier-Bresson witnessed almost the entire 20th century and became its photographic chronicler. As an eyewitness, he documented numerous major historical and political events. He was commissioned by French magazines to take photographs during the Spanish Civil War and also captured the British coronation celebrations of George VI with humor and without depicting members of the royal family.

Social and societal issues became a central concern for Cartier-Bresson, who openly sympathized with the political left at the beginning. His photographic interest was particularly focused on socially marginalized people. After being a prisoner of war in Germany, from which he escaped in 1943 in a third escape attempt, he photographed and filmed the repatriation of "displaced people" to their homeland in Dessau after the end of the Second World War. These moving images marked the beginning of an impressive career as a photojournalist for the highest-circulation magazines in the USA and Europe.

In 1947, together with Robert Capa and other photographers, he founded the Magnum photo agency, which distributed his photographs worldwide. Cartier-Bresson's photo reportages document outstanding moments in modern history such as the funeral of Mahatma Gandhi (1948) or the fall of the Kuomintang regime in China (1949). In 1954, after the death of Stalin, he was the first European photographer to take pictures in the Soviet Union. During the Cold War era, he became a sought-after contemporary witness in divided Berlin (1962) or in Cuba under Fidel Castro (1963).

Cartier-Bresson cultivated long-standing friendships in the art and cultural world, which inspired him and his artistic work in the lasting. His intimate portraits of artists, writers and photographers such as Pablo Picasso, Simone de Beauvoir and Henri Matisse form an important part of his oeuvre and are on view in the exhibition.

His street photography depicts interpersonal behavior in everyday life, at work and during leisure time. These images illustrate the signature element in Cartier-Bresson’s photographs: the observation and simultaneous analysis of human behavior in spontaneous moments. Camera in hand, he deliberately sought out encounters with his contemporaries, capturing patterns of behaviour and snapping fleeting scenes that would otherwise have been lost in the hustle and bustle of the streets.

The Exhibition is organized by Bucerius Kunst Forum and Fundación MAPFRE in collaboration with Fondation Henri Cartier- Bresson.

(Text: Bucerius Kunst Forum, Hamburg)

Visulex Gallery for Photography | Hamburg
30. Mai – 27. Juni 2024

Made in Japan - Fotografische Reise durch Japan: Zwischen Tradition und Moderne
Michael Nischke

Die faszinierende Kirschblüte Japans, eingefangen in ausdrucksstarken Momentaufnahmen, sowie die pulsierende Atmosphäre der Metropole Tokyo, stehen im Mittelpunkt der aktuellen Fotoausstellung von Michael Nischke. Unter dem Titel "Made in Japan" präsentiert die Galerie VisuleX in Hamburg eine einzigartige Sammlung von Fotografien, die die Gegensätze einer Gesellschaft zwischen Tradition und Moderne einfangen.

Während seiner zahlreichen Reisen nach Japan hat Nischke nicht nur die spektakuläre Kirschblüte erlebt, sondern auch die besondere Stimmung in den Straßen von Tokyo und Kyoto festgehalten. Die Ausstellung zeigt das Zusammenspiel dieser unterschiedlichen Motive und offenbart die vielschichtigen Facetten einer Gesellschaft, die tief verwurzelt in ihrer Tradition ist, aber auch von einer spürbaren Modernität geprägt wird.

Die Eröffnung dieser eindrucksvollen Ausstellung markiert den Abschluss einer gemeinsamen Reise von Michael Nischke und der Galeristin Vivian Laux-Eggert durch die malerischen Landschaften von Kanazawa, Hakone und Kamakura zum Höhepunkt der Sakura-Saison im April dieses Jahres.

Die Bilder der Kirschblüte, eingebettet in die japanische Tradition des "O-Hanami", werden ergänzt durch Aufnahmen der pulsierenden Megacity Tokyo. Diese Bilder vermitteln eine Atmosphäre der Entschleunigung und reflektieren die Spuren der wirtschaftlichen Krisen und gesellschaftlichen Veränderungen, die das moderne Japan prägen.

Durch die Verwendung von grafischen Formen, Kontrasten und Schattenrisse gelingt es Nischke, den Blick des Betrachters zu fesseln. Inspiriert von kalligrafischen Arbeiten und traditionellen Holzschnitten, setzen seine Werke auf Reduktion und klare Ästhetik, die das heutige Japan von seinen Widersprüchen und seiner Alltagsästhetik geprägt zeigen.

Die Ausstellung "Made in Japan" lädt Besucher ein, sich von der Schönheit und Vielfalt Japans verzaubern zu lassen und die einzigartige Atmosphäre dieses faszinierenden Landes zu erleben.

La fascinante floraison des cerisiers du Japon, capturée dans des instantanés expressifs, ainsi que l'atmosphère vibrante de la métropole de Tokyo, sont au cœur de l'exposition photographique actuelle de Michael Nischke. Sous le titre "Made in Japan", la galerie VisuleX de Hambourg présente une collection unique de photographies qui capturent les contrastes d'une société entre tradition et modernité.

Au cours de ses nombreux voyages au Japon, Nischke a non seulement assisté à la spectaculaire floraison des cerisiers, mais a également immortalisé l'ambiance particulière qui règne dans les rues de Tokyo et de Kyoto. L'exposition montre l'interaction entre ces différents motifs et révèle les multiples facettes d'une société profondément enracinée dans ses traditions, mais également marquée par une modernité palpable.

Le vernissage de cette exposition impressionnante marque la fin d'un voyage commun de Michael Nischke et de la galeriste Vivian Laux-Eggert à travers les paysages pittoresques de Kanazawa, Hakone et Kamakura, au point culminant de la saison des sakura en avril de cette année.

Les visuels de la floraison des cerisiers, intégrés dans la tradition japonaise du "O-Hanami", sont complétés par des clichés de la mégapole trépidante de Tokyo. Ces visuels dégagent une atmosphère de décélération et reflètent les traces des crises économiques et des changements sociaux qui caractérisent le Japon moderne.

En utilisant des formes graphiques, des contrastes et des ombres chinoises, Nischke parvient à capter le regard du spectateur. Inspirées par les travaux calligraphiques et les gravures sur bois traditionnelles, ses œuvres misent sur la réduction et une esthétique claire, montrant le Japon d'aujourd'hui marqué par ses contradictions et son esthétique quotidienne.

L'exposition "Made in Japan" invite les visiteurs à se laisser envoûter par la beauté et la diversité du Japon et à s'imprégner de l'atmosphère unique de ce pays fascinant.

L'affascinante fioritura dei ciliegi del Giappone, catturata in istantanee espressive, e l'atmosfera pulsante della metropoli di Tokyo sono al centro dell'attuale mostra fotografica di Michael Nischke. Con il titolo "Made in Japan", la VisuleX Gallery di Amburgo presenta una collezione unica di fotografie che catturano i contrasti di una società in bilico tra tradizione e modernità.

Durante i suoi numerosi viaggi in Giappone, Nischke non solo ha sperimentato la spettacolare fioritura dei ciliegi, ma ha anche catturato l'atmosfera speciale delle strade di Tokyo e Kyoto. La mostra mostra l'interazione di questi diversi motivi e rivela le molteplici sfaccettature di una società profondamente radicata nelle sue tradizioni, ma anche caratterizzata da una palpabile modernità.

L'inaugurazione di questa imponente mostra segna la fine di un viaggio congiunto di Michael Nischke e della gallerista Vivian Laux-Eggert attraverso i pittoreschi paesaggi di Kanazawa, Hakone e Kamakura al culmine della stagione dei sakura nell'aprile di quest'anno.

Le immagini della fioritura dei ciliegi, che appartengono alla tradizione giapponese dell'"O-Hanami", sono integrate da scatti della pulsante megalopoli di Tokyo. Queste immagini trasmettono un'atmosfera di decelerazione e riflettono le tracce delle crisi economiche e dei cambiamenti sociali che caratterizzano il Giappone moderno.

Attraverso l'uso di forme grafiche, contrasti e silhouette, Nischke riesce a catturare lo sguardo dello spettatore. Ispirate alle opere calligrafiche e alle xilografie tradizionali, le sue opere si concentrano sulla riduzione e su un'estetica chiara che mostra il Giappone di oggi caratterizzato dalle sue contraddizioni e dall'estetica quotidiana.

La mostra "Made in Japan" invita i visitatori a lasciarsi incantare dalla bellezza e dalla diversità del Giappone e a sperimentare l'atmosfera unica di questo affascinante Paese.

The fascinating cherry blossoms of Japan, captured in expressive snapshots, as well as the pulsating atmosphere of the metropolis of Tokyo, are the focus of Michael Nischke's current photo exhibition. Under the title "Made in Japan", the VisuleX gallery in Hamburg is presenting a unique collection of photographs that capture the contrasts of a society caught between tradition and modernity.

During his numerous trips to Japan, Nischke not only experienced the spectacular cherry blossom, but also captured the special atmosphere in the streets of Tokyo and Kyoto. The exhibition shows the interplay of these different motifs and reveals the multi-layered facets of a society that is deeply rooted in its traditions, but is also characterized by a palpable modernity.

The opening of this impressive exhibition marks the end of a joint journey by Michael Nischke and gallery owner Vivian Laux-Eggert through the picturesque landscapes of Kanazawa, Hakone and Kamakura at the height of the sakura season in April this year.

The visuals of the cherry blossom, embedded in the Japanese tradition of "O-Hanami", are complemented by shots of the vibrant megacity of Tokyo. These visuals convey an atmosphere of deceleration and reflect the traces of the economic crises and social changes that characterize modern Japan.

Through the use of graphic forms, contrasts and silhouettes, Nischke succeeds in captivating the viewer's gaze. Inspired by calligraphic works and traditional woodcuts, his works focus on reduction and clear aesthetics that show today's Japan characterized by its contradictions and everyday aesthetics.

The "Made in Japan" exhibition invites visitors to be enchanted by the beauty and diversity of Japan and to experience the unique atmosphere of this fascinating country.

(Text: Visulex Gallery for Photography, Hamburg)

Visulex Gallery for Photography | Hamburg-Eppendorf
25. April - 22. Mai 2024

Volker Hinz - Backstage mit Yves und Karl

Die Ausstellung “Backstage mit Yves und Karl” präsentiert eine faszinierende Auswahl an Fotografien aus dem umfangreichen Archiv des renommierten Hamburger Stern-Fotografen Volker Hinz (1947–2019), die zwischen den 1970er und 1990er Jahren entstanden sind. Tauchen Sie ein in die glamouröse Welt der Mode, der Couturiers und Supermodels, und werfen Sie einen Blick hinter die Kulissen von Modenschauen sowie in die Ateliers der bedeutendsten Designer ihrer Ära – insbesondere in Paris.

Dank seines Tickets als Stern-Fotograf hatte Volker Hinz Zugang zu Bereichen, die normalen Fotojournalisten verschlossen blieben. Schwerpunkt der Ausstellung sind die Backstage Aufnahmen mit Yves Saint Laurent und Karl Lagerfeld, aber auch Motive im privaten Umfeld der Designer. Diese Bilder gewähren uns einen Blick hinter die Kulissen der Haute-Couture-Szene und zeigen die Modeschöpfer mal privat, ganz »ungeschminkt«, aber auch in ihrer Funktion als Kunstfiguren. Volker Hinz beobachtete viele der legendären Designer seiner Zeit. Seinem Stil treu bleibend, ließ er sich von der glitzernden Model- und Modewelt nicht beeindrucken und schaffte es, sehr persönliche, unverstellte Momente festzuhalten. Von besonderem Wert sind diese letzten, von Volker Hinz eigenhändig signierten, monochromen Vintage-Abzügen, die den kulturellen Zeitgeist einer prägenden Epoche in der Modewelt einfangen.

L'exposition "Backstage mit Yves und Karl" présente une sélection fascinante de photographies issues des vastes archives du célèbre photographe hambourgeois du stern, Volker Hinz (1947-2019), prises entre les années 1970 et 1990. Plongez dans le monde glamour de la mode, des couturiers et des supermodels, et jetez un coup d'œil dans les coulisses des défilés de mode ainsi que dans les ateliers des plus grands créateurs de leur époque - notamment à Paris.

Grâce à son ticket de photographe du magazine Stern, Volker Hinz a eu accès à des domaines auxquels les photojournalistes ordinaires n'ont pas accès. L'exposition met l'accent sur les photos des coulisses avec Yves Saint Laurent et Karl Lagerfeld, mais aussi sur des motifs dans l'environnement privé des designers. Ces visuels nous permettent de jeter un coup d'œil dans les coulisses de la scène de la haute couture et montrent les créateurs de mode en privé, sans fard, mais aussi dans leur fonction de personnages artistiques. Volker Hinz a observé de nombreux créateurs légendaires de son époque. Fidèle à son style, il ne s'est pas laissé impressionner par le monde scintillant du mannequinat et de la mode et a réussi à immortaliser des moments très personnels, sans fard. Ces derniers tirages vintage monochromes, signés de la main de Volker Hinz, sont d'une valeur particulière et capturent l'esprit culturel d'une époque marquante dans le monde de la mode.

La mostra "Backstage with Yves and Karl" presenta un'affascinante selezione di fotografie tratte dal vasto archivio del famoso fotografo di Amburgo Volker Hinz (1947-2019), scattate tra gli anni Settanta e Novanta. Immergetevi nel mondo glamour della moda, dei couturier e delle top model, e date un'occhiata dietro le quinte delle sfilate e negli studi dei più importanti stilisti dell'epoca, soprattutto a Parigi.

Grazie al suo biglietto da visita come fotografo Stern, Volker Hinz aveva accesso a zone che rimanevano chiuse ai normali fotoreporter. La mostra si concentra sugli scatti del backstage con Yves Saint Laurent e Karl Lagerfeld, ma include anche motivi negli ambienti privati degli stilisti. Queste immagini ci danno uno sguardo dietro le quinte della scena dell'alta moda e mostrano gli stilisti in privato, completamente "disadorni", ma anche nella loro funzione di figure artistiche. Volker Hinz ha osservato molti dei leggendari stilisti del suo tempo. Rimanendo fedele al suo stile, non si è lasciato impressionare dallo sfavillante mondo della moda e della modellistica ed è riuscito a catturare momenti molto personali e candidi. Queste ultime stampe vintage monocromatiche, firmate dallo stesso Volker Hinz, sono di particolare valore e catturano lo zeitgeist culturale di un'epoca formativa del mondo della moda.

The exhibition "Backstage with Yves and Karl" presents a fascinating selection of photographs from the extensive archive of the renowned Hamburg stern photographer Volker Hinz (1947-2019), taken between the 1970s and 1990s. Immerse yourself in the glamorous world of fashion, couturiers and supermodels, and take a look behind the scenes of fashion shows and into the studios of the most important designers of their era - especially in Paris.

Thanks to his ticket as a Stern photographer, Volker Hinz had access to areas that remained closed to normal photojournalists. The exhibition focuses on the backstage shots with Yves Saint Laurent and Karl Lagerfeld, but also includes motifs in the designers' private surroundings. These visuals give us a look behind the scenes of the haute couture scene and show the fashion designers sometimes in private, completely "unadorned", but also in their function as art figures. Volker Hinz observed many of the legendary designers of his time. Remaining true to his style, he was not impressed by the glittering world of models and fashion and managed to capture very personal, candid moments. These last monochrome vintage prints, signed by Volker Hinz himself, are of particular value, capturing the cultural zeitgeist of a formative era in the fashion world.

(Text: Visulex Gallery for Photography, Hamburg-Eppendorf)

Museum für Kunst & Gewerbe | Hamburg
22. März – 29. September 2024

Fragile Schönheiten. Spitze in Mode und Fotografie

Spitze ist zart und fragil, sie legt sich wie ein Netz auf die Haut. Die feinteilige Struktur und die Balance zwischen freier und bearbeiteter Fläche fordert unser Auge, genau hinzuschauen – das gilt sowohl für das feine Gewebe als auch für seine fotografische Darstellung. Die Ausstellung „Fragile Schönheiten. Spitze in Mode und Fotografie“ im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) wirft ein Schlaglicht auf das Thema Spitze und zeigt beispielhaft Werke aus der Sammlung, darunter Arbeiten aus den 1910er und 1920er Jahren unter anderem von der herausragenden deutschen Klöppelkünstlerin Leni Matthaei und der bekannten Fotografin Madame d’Ora.

Die Ausstellung verfolgt einen assoziativen Ansatz, dieser findet sich auch im umfassenden Werk von Madame d’Ora (1881–1963) wieder: Als angesagte Modefotografin im Wien des beginnenden 20. Jahrhunderts lichtete sie Repräsentantinnen des ausgehenden Kaiserreichs Österreich-Ungarn in delikater Spitze ab. Motivisch vergleichbare Gewebe und Netzstrukturen entdeckte sie in den Pariser Schlachthöfen und nannte die Fotografien von tierischen Überresten fast zärtlich „La Dentelle“ – „die Spitze“. Von diesem visuellen Widerspruch ausgehend blickt die Ausstellung in die Schubladen der Sammlungen Textil und Fotografie des MK&G.

Mit seinen Ursprüngen, die bis ins 16. Jahrhundert zurückreichen, hat sich das Klöppelhandwerk in die Geschichte des Kunstgewerbes eingeschrieben und ein Vermächtnis voller Schönheit hinterlassen. Der Reiz geklöppelter Spitze liegt in ihren komplexen Mustern und zarten Motiven sowie der ausgefeilten Technik: Mit sorgfältig choreografiertem Drehen und Kreuzen der Klöppelnadeln werden Schläge in das Gewebe eingearbeitet. Von den eleganten Kurven floraler Muster bis zur geometrischen Präzision komplizierter Gitterwerke verweben sich die Fäden zu faszinierendem Garngeflecht. In einer Welt, die von Technologie und Massenproduktion dominiert wird, ist Klöppelspitze ein Sinnbild für die dauerhafte Kraft hochwertiger Handwerkskunst.

Eine der wenigen bekannten Spitzenentwerferinnen und Klöppelkünstlerinnen war Leni Matthaei (1873–1981). Ermutigt durch den Gründungsdirektor des Museums für Kunst und Gewerbe Hamburg Justus Brinckmann, dem sie ihre Entwürfe zeigte, erlernte sie um 1907 das Klöppelhandwerk an der Ecole de Dentelles et Broderie Paris. In der Sammlung des MK&G befinden sich rund 80 Arbeiten von Leni Matthaei. In der Zusammenschau der Klöppelkunst mit Fotografien des 19. bis Mitte des 20. Jahrhunderts aus der Sammlung – unter anderem von Imre von Santho (1895–1957), Constant Puyo (1857–1933), David Octavius Hill (1802–1870) und Arthur Benda (1885–1969) – wird Spitze als außergewöhnliches Kunsthandwerk und als Mittel der fotografischen Inszenierung vorgestellt. Häufig wird die Spitze in ihrer Zerbrechlichkeit als Sinnbild für die Verletzlichkeit des menschlichen Körpers eingesetzt.

La dentelle est délicate et fragile, elle se pose sur la peau comme un filet. La structure finement divisée et l'équilibre entre surface libre et surface travaillée demandent à notre œil de regarder attentivement - cela vaut aussi bien pour le tissu fin que pour sa représentation photographique. L'exposition "Fragile Schönheiten. La dentelle dans la mode et la photographie" au Museum für Kunst und Gewerbe de Hambourg (MK&G) met en lumière le thème de la dentelle et présente des œuvres exemplaires de la collection, dont des travaux des années 1910 et 1920, entre autres de l'éminente artiste dentellière allemande Leni Matthaei et de la célèbre photographe Madame d'Ora.

L'exposition suit une approche associative, que l'on retrouve également dans l'œuvre complète de Madame d'Ora (1881-1963) : en tant que photographe de mode en vogue dans la Vienne du début du 20e siècle, elle photographiait les représentantes de l'empire austro-hongrois finissant dans de délicates dentelles. Elle a découvert des tissus et des structures réticulaires aux motifs comparables dans les abattoirs parisiens et a appelé presque tendrement les photographies de restes d'animaux "La Dentelle" - "la dentelle". C'est à partir de cette contradiction visuelle que l'exposition regarde dans les tiroirs des collections de textile et de photographie du MK&G.

Avec ses origines qui remontent au XVIe siècle, la dentelle aux fuseaux s'est inscrite dans l'histoire des arts décoratifs et a laissé un héritage plein de beauté. Le charme de la dentelle aux fuseaux réside dans ses motifs complexes et délicats ainsi que dans sa technique sophistiquée : des coups sont incorporés dans le tissu grâce à une chorégraphie minutieuse de rotation et de croisement des aiguilles à fuseaux. Des courbes élégantes des motifs floraux à la précision géométrique des grillages compliqués, les fils s'entrelacent pour former des entrelacs de fils fascinants. Dans un monde dominé par la technologie et la production de masse, la dentelle aux fuseaux est un symbole de la force durable de l'artisanat de qualité.

Leni Matthaei (1873-1981) était l'une des rares créatrices de dentelle et artistes dentellières connues. Encouragée par le directeur fondateur du Musée des arts et métiers de Hambourg Justus Brinckmann, à qui elle montra ses créations, elle apprit vers 1907 le métier de dentellière à l'Ecole de Dentelles et Broderie de Paris. La collection du MK&G contient environ 80 œuvres de Leni Matthaei. La dentelle est présentée comme un artisanat d'art exceptionnel et comme un moyen de mise en scène photographique dans la réunion de l'art de la dentelle avec des photographies du 19e au milieu du 20e siècle de la collection - entre autres d'Imre von Santho (1895-1957), Constant Puyo (1857-1933), David Octavius Hill (1802-1870) et Arthur Benda (1885-1969). Souvent, la dentelle est utilisée dans sa fragilité comme symbole de la vulnérabilité du corps humain.

Il pizzo è delicato e fragile, copre la pelle come una rete. La struttura delicata e l'equilibrio tra superfici libere e lavorate richiedono che i nostri occhi guardino da vicino: questo vale sia per il tessuto pregiato che per la sua rappresentazione fotografica. La mostra "Fragile Beauties. Il merletto nella moda e nella fotografia" al Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) fa luce sul tema del merletto e presenta esempi di opere della collezione, tra cui pezzi degli anni Dieci e Venti dell'eccezionale artista tedesca del merletto Leni Matthaei e della nota fotografa Madame d'Ora.

La mostra persegue un approccio associativo, che si riflette anche nella vasta opera di Madame d'Ora (1881-1963): come fotografa di moda a Vienna all'inizio del XX secolo, fotografò i rappresentanti del defunto Impero austro-ungarico in delicati pizzi. Scoprì tessuti simili e strutture a rete nei mattatoi parigini e chiamò quasi con tenerezza le fotografie dei resti animali "La Dentelle" - "il pizzo". Partendo da questa contraddizione visiva, la mostra si addentra nei cassetti delle collezioni tessili e fotografiche dell'MK&G.

Con le sue origini risalenti al XVI secolo, la lavorazione del merletto si è iscritta nella storia delle arti e dei mestieri e ha lasciato un'eredità piena di bellezza. Il fascino del merletto a tombolo risiede nei suoi disegni complessi e nei suoi motivi delicati, oltre che nella sua tecnica sofisticata: gli aghi del tombolo vengono lavorati in modo accuratamente coreografico con torsioni e incroci nel tessuto. Dalle eleganti curve dei motivi floreali alla precisione geometrica degli intricati reticoli, i fili vengono intrecciati in affascinanti trame di filato. In un mondo dominato dalla tecnologia e dalla produzione di massa, il merletto a tombolo simboleggia il potere duraturo dell'artigianato di alta qualità.

Una delle poche designer di merletti e artiste di merletti a fuselli conosciute è Leni Matthaei (1873-1981). Incoraggiata dal direttore del Museum für Kunst und Gewerbe di Amburgo, Justus Brinckmann, al quale mostrò i suoi disegni, imparò l'arte del merletto all'Ecole de Dentelles et Broderie di Parigi intorno al 1907. La collezione MK&G contiene circa 80 opere di Leni Matthaei. Nella sinossi dell'arte del merletto con fotografie dal XIX alla metà del XX secolo della collezione - tra cui opere di Imre von Santho (1895-1957), Constant Puyo (1857-1933), David Octavius Hill (1802-1870) e Arthur Benda (1885-1969) - il merletto viene presentato come un mestiere straordinario e come mezzo di messa in scena fotografica. La fragilità del pizzo è spesso utilizzata per simboleggiare la vulnerabilità del corpo umano.

Lace is delicate and fragile, settling across the skin like a web. The delicate structure and the balance between open and worked surfaces challenge our eye to look more closely – both at the fine tissue itself and its photographic reproduction. The exhibition “Fragile Beauties: Lace in Fashion and Photography” at the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) showcases instances of lace found in exemplary works in the collection, some of them dating from the 1910s and 20s by, among others, the outstanding German lace artist Leni Matthaei and the well-known photographer Madame d’Ora.

The exhibition pursues an associative approach that is reflected in Madame d'Ora's (1881–1963) extensive oeuvre: As a popular fashion photographer in early-twentieth-century Vienna, she photographed representatives of the late Austro-Hungarian Empire decked out in exquisite lace garments. But similar tissues and web-like structures can also be found in the photographs Madame d’Ora took in the 1950s of animal remains at Parisian slaughterhouses, entitling the resulting images almost tenderly “La Dentelle”, or “lace”. Taking this visual contradiction as its point of departure, the show delves into the storage drawers of the MK&G’s textiles and photography collections.

Originating in the sixteenth century, bobbin lace became part of the history of decorative arts, leaving a legacy of fragile beauty. The appeal of this type of lace lies in its complex patterns and filigree motifs, as well as in the sophisticated technique used to make it. Through the carefully choreographed turning and crossing of the bobbin lace needles, different stitches are worked into the fabric. From the elegant curves of floral patterns to the geometric precision of intricate latticework, the threads weave themselves into a fascinating mesh. In a world dominated by technology and mass production, bobbin lace is a symbol of the enduring vitality of high-quality craftsmanship.

Leni Matthaei (1873–1981) was one of the few lace designers and bobbin lace artists to achieve name recognition. Encouraged by Justus Brinckmann, founding director of the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, to whom she showed her designs, she learned the craft of lace-making at the Ecole de Dentelles et Broderie in Paris around 1907. The MK&G collection has around 80 works by Leni Matthaei.

Through this juxtaposition of photographs from the nineteenth to the mid-twentieth century – including those by Imre von Santho (1895–1957), Constant Puyo (1857–1933), David Octavius Hill (1802–1870) and Arthur Benda (1885–1969) – and the art of bobbin lace, viewers can experience lace as an extraordinary craft and a compelling means of photographic staging in which the fragility of the lace often serves as a metaphor for the vulnerability of the human body.

(Text: Museum für Kunst & Gewerbe, Hamburg)

Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg
15. März – 13. Oktober 2024

WATER PRESSURE - Gestaltung für die Zukunft

Seit Anbeginn der Geschichte ist Wasser eine der größten Herausforderungen der Menschen. Unser Umgang mit dieser lebenswichtigen Ressource wird die Zukunft der Menschheit und unseres Planeten bestimmen. Gegenwärtig sind wir mit einer vielschichtigen Wasserkrise konfrontiert, die weitestgehend auf unser Missmanagement zurückzuführen ist: 40 Prozent der Weltbevölkerung ist von Wasserknappheit betroffen und mehr als 90 Prozent der Katastrophen haben mit Wasser zu tun. Im Jahr 2022 erlebte Europa die schlimmste Dürre seit 500 Jahren.

Die Gruppenausstellung „Water Pressure. Gestaltung für die Zukunft“ im MK&G nimmt eine globale Perspektive auf die Wasserkrise ein: Gezeigt werden Gestaltungsideen, die das Potenzial haben, unsere Zukunft radikal zu ändern. Die innovativen Arbeiten aus den Bereichen Design, Architektur, Kunst und Wissenschaft gehen vielfach auf Prinzipien der Natur zurück und eröffnen so neue Wege aus der aktuellen Lage. In fünf Kapiteln werden inspirierende Lösungen für Probleme wie Wasserknappheit, Verschmutzung und gestörte Wasserkreisläufe vorgestellt. Die Ausstellung befasst sich auch mit der Hafenstadt Hamburg und den gegenwärtigen und zukünftigen Herausforderungen, denen sie sich stellen muss – von Überschwemmungen bis hin zum Wassermangel.

In der Ausstellung vertreten sind unter anderem City of 1000 Tanks, unter der Leitung der OOZE Architects (Indien); Isla Urbana (Mexiko), Eden in Irak (Irak); Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Dänemark); Cloudfisher, WasserStiftung (Marokko); und Colorifix (Großbritannien). Eigens für das MK&G gestalten die niederländischen Architekten OOZE Architects und das österreichische Design-Duos mischer'traxler neue Arbeiten. Die Gruppenschau wird von einem umfangreichen Rahmenprogramm begleitet.

Eine Ausstellung des MK&G in Zusammenarbeit mit Jane Withers Studio, London.

Mit freundlicher Unterstützung der Umweltstiftung Michael Otto, Hapag-Lloyd Stiftung und Martha Pulvermacher Stiftung.

Depuis le début de l'histoire, l'eau est l'un des plus grands défis auxquels l'homme est confronté. Notre gestion de cette ressource vitale déterminera l'avenir de l'humanité et de notre planète. Actuellement, nous sommes confrontés à une crise de l'eau à multiples facettes, largement due à notre mauvaise gestion : 40 % de la population mondiale est touchée par la pénurie d'eau et plus de 90 % des catastrophes sont liées à l'eau. En 2022, l'Europe a connu sa pire sécheresse depuis 500 ans.

L'exposition de groupe "Water Pressure. Conception pour l'avenir" au MK&G adopte une perspective globale sur la crise de l'eau : Elle présente des idées de conception qui ont le potentiel de changer radicalement notre avenir. Les travaux innovants issus des domaines du design, de l'architecture, de l'art et de la science s'inspirent souvent des principes de la nature et ouvrent ainsi de nouvelles voies pour sortir de la situation actuelle. Cinq chapitres présentent des solutions inspirantes à des problèmes tels que la pénurie d'eau, la pollution et les cycles de l'eau perturbés. L'exposition s'intéresse également à la ville portuaire de Hambourg et aux défis actuels et futurs qu'elle doit relever, des inondations à la pénurie d'eau.

L'exposition présente notamment City of 1000 Tanks, sous la direction de OOZE Architects (Inde) ; Isla Urbana (Mexique), Eden in Irak (Irak) ; Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Danemark) ; Cloudfisher, WaterStiftung (Maroc) ; et Colorifix (Royaume-Uni). Les architectes néerlandais OOZE Architects et le duo autrichien de designers mischer'traxler ont conçu de nouveaux travaux spécialement pour le MK&G. L'exposition collective s'accompagne d'un vaste programme d'accompagnement.

Une exposition du MK&G en collaboration avec Jane Withers Studio, Londres.

Avec l'aimable soutien de la Fondation pour l'environnement Michael Otto, de la Fondation Hapag-Lloyd et de la Fondation Martha Pulvermacher.

Fin dagli albori della storia, l'acqua è stata una delle maggiori sfide per l'umanità. Il nostro uso di questa risorsa vitale determinerà il futuro dell'umanità e del nostro pianeta. Attualmente stiamo affrontando una crisi idrica dalle molteplici sfaccettature, dovuta in gran parte alla nostra cattiva gestione: il 40% della popolazione mondiale è colpita dalla scarsità d'acqua e più del 90% dei disastri sono legati all'acqua. Nel 2022, l'Europa ha vissuto la peggiore siccità degli ultimi 500 anni.

La mostra collettiva "Water Pressure. Design for the Future" all'MK&G affronta la crisi idrica da una prospettiva globale: In mostra ci sono idee di design che hanno il potenziale per cambiare radicalmente il nostro futuro. Le opere innovative provenienti dai settori del design, dell'architettura, dell'arte e della scienza si basano spesso su principi naturali e aprono così nuove vie d'uscita dalla situazione attuale. In cinque capitoli vengono presentate soluzioni ispirate a problemi come la scarsità d'acqua, l'inquinamento e l'interruzione dei cicli idrici. La mostra analizza anche la città portuale di Amburgo e le sfide attuali e future che deve affrontare, dalle inondazioni alla carenza d'acqua.

La mostra comprende City of 1000 Tanks, realizzata da OOZE Architects (India); Isla Urbana (Messico), Eden in Iraq (Iraq); Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Danimarca); Cloudfisher, WaterFoundation (Marocco) e Colorifix (Regno Unito). Gli architetti olandesi OOZE Architects e il duo di designer austriaci mischer'traxler stanno creando nuove opere appositamente per il MK&G. La mostra collettiva sarà accompagnata da un ampio programma di supporto.

Una mostra MK&G in collaborazione con Jane Withers Studio, Londra.

Con il gentile sostegno della Michael Otto Environmental Foundation, della Hapag-Lloyd Foundation e della Martha Pulvermacher Foundation.

Since the dawn of history, water has been one of the most important human preoccupations. How we care for this vital resource is one of the factors that will define our future and that of our planet. Today, we are facing a multifaceted water crisis that is largely due to our mismanagement. Water scarcity affects 40 per cent of the world’s people, and more than 90 per cent of disasters are water-related. In 2022, Europe suffered its worst drought in 500 years.

The group exhibition “Water Pressure: Designing for the Future” at MK&G looks at the water crisis from a global perspective, displaying design ideas that illuminate the potential for radically changing our future. Innovative works from the fields of design, architecture, art and science – in many cases using nature-based systems to open up new routes to overcoming the current situation. Five chapters will present inspiring solutions to issues such as water scarcity, pollution and disrupted hydrological cycles. The exhibition also looks at the city of Hamburg and the present and future water challenges it faces – from flooding to scarcity.

Among the featured projects on display will be City of 1000 Tanks by a team led by OOZE architects (India); Isla Urbana (Mexico); Eden in Iraq (Iraq); Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Denmark); Cloudfisher, WaterFoundation (Morocco, South Africa); and Colorifix (UK). As a special highlight, the Dutch firm OOZE architects and the Austrian design duo Mischer’traxler are creating new works especially for the MK&G. The group show will be accompanied by an extensive supporting programme for the public.

An exhibition by MK&G in cooperation with Jane Withers Studio, London.

Kindly supported by the Umweltstiftung Michael Otto, Hapag-Lloyd Foundation and Martha Pulvermacher Foundation.

(Text: Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg)

Deichtorhallen | Hamburg
9. Februar – 11. August 2024

The End of the World
Claudia Andujar

Für Claudia Andujar ist die Fotografie ein Mittel, um mit der Welt zu kommunizieren, ein Medium, durch das man so viel lernt, wie man gibt. Ihre Arbeiten zeugen vom langjährigen Engagement der Fotografin für den Schutz der Yanomami, einer der größten indigenen Gemeinschaften im brasilianischen Amazonasgebiet. Seit den 1970er Jahren hat Andujar mehrfach mit dieser Community im Amazonasbecken gelebt. Diese Region wird bis heute aufgrund ihrer Bodenschätze laufend ausgebeutet.

Claudia Andujar versteht Fotografie als künstlerisches und politisches Werkzeug. Ihr Werk ist geprägt von dem starken Verantwortungsgefühl, mit dem sich die Künstlerin in der Pro-Yanomami-Kommission (CCPY) für geschützte Gebiete entlang der brasilianisch-venezolanischen Grenze einsetzt.

Claudia Andujar wurde 1931 in Neuchâtel, Schweiz, geboren und lebt und arbeitet in São Paulo. Nach dem Zweiten Weltkrieg emigrierte sie in die Vereinigten Staaten und 1955 nach Brasilien. In den 1970er Jahren erhielt Andujar Stipendien von der John Simon Guggenheim Foundation und der Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP], um die Kultur der Yanomami zu fotografieren und zu studieren. Von 1978 bis 2000 arbeitete sie für die Pro-Yanomami-Kommission (CCPY) und koordinierte die Kampagne für die Abgrenzung des Yanomami-Territoriums im Amazonasgebiet (TIY), das 1992 von der brasilianischen Regierung eingerichtet wurde. In Anerkennung ihrer Arbeit als Verfechterin der Menschenrechte erhielt Andujar im Jahr 2000 den Annual Cultural Freedom Award der Lannan Foundation, New Mexico. Im Jahr 2003 erhielt sie den Severo-Gomes-Preis der Menschenrechtskommission Teotônio Vilela, São Paulo. 2008 wurde sie vom brasilianischen Kulturministerium mit dem Orden für kulturelle Verdienste ausgezeichnet. 2010 erhielt sie den Kasseler Fotobuchpreis für Marcados, erschienen bei Cosac Naify, und 2018 wurde sie mit der Goethe-Medaille geehrt. 2015 wurde im Instituto Inhotim in Brumadinho, Minas Gerais, Brasilien, der ständige Pavillon Galeria Claudia Andujar mit dreihundert von der Künstlerin geschaffenen Werken über die Yanomami eröffnet.

Kurator: Viktor Hois

Pour Claudia Andujar, la photographie est un moyen de communiquer avec le monde, un média par lequel on apprend autant qu'on donne. Son travail témoigne de l'engagement de longue date de la photographe pour la protection des Yanomami, l'une des plus grandes communautés indigènes d'Amazonie brésilienne. Depuis les années 1970, Andujar a vécu à plusieurs reprises avec cette communauté dans le bassin amazonien. Aujourd'hui encore, cette région est continuellement exploitée pour ses ressources minières.

Claudia Andujar considère la photographie comme un outil artistique et politique. Son œuvre est marquée par le fort sentiment de responsabilité avec lequel l'artiste s'engage au sein de la commission pro-yanomami (CCPY) pour les zones protégées le long de la frontière brésilienne et vénézuélienne.

Claudia Andujar est née en 1931 à Neuchâtel, en Suisse, et vit et travaille à São Paulo. Après la Seconde Guerre mondiale, elle a émigré aux États-Unis, puis au Brésil en 1955. Dans les années 1970, Andujar a reçu des bourses de la John Simon Guggenheim Foundation et de la Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP] pour photographier et étudier la culture des Yanomami. De 1978 à 2000, elle a travaillé pour la Commission pro-yanomami (CCPY) et a coordonné la campagne pour la délimitation du territoire yanomami en Amazonie (TIY), créée par le gouvernement brésilien en 1992. En reconnaissance de son travail en tant que défenseur des droits de l'homme, Andujar a reçu en 2000 le prix annuel de la liberté culturelle de la Fondation Lannan, Nouveau Mexique. En 2003, elle a reçu le prix Severo Gomes de la Commission des droits de l'homme Teotônio Vilela, São Paulo. En 2008, elle a été décorée de l'Ordre du mérite culturel par le ministère brésilien de la Culture. En 2010, elle a reçu le prix du livre de photographie de Kassel pour Marcados, publié par Cosac Naify, et en 2018, elle a été honorée de la médaille Goethe. En 2015, le pavillon permanent Galeria Claudia Andujar a été inauguré à l'Instituto Inhotim de Brumadinho, Minas Gerais, Brésil, avec trois cents œuvres sur les Yanomami créées par l'artiste.

Curateur : Viktor Hois

Per Claudia Andujar la fotografia è un mezzo per comunicare con il mondo, un mezzo attraverso il quale si impara tanto quanto si dà. Il suo lavoro testimonia l'impegno di lunga data della fotografa per la protezione degli Yanomami, una delle più grandi comunità indigene dell'Amazzonia brasiliana. Andujar ha vissuto più volte con questa comunità nel bacino amazzonico a partire dagli anni Settanta. Ancora oggi, questa regione viene costantemente sfruttata per le sue risorse minerarie.

Per Claudia Andujar la fotografia è uno strumento artistico e politico. Il suo lavoro è caratterizzato dal forte senso di responsabilità con cui l'artista si batte per le aree protette lungo il confine tra Brasile e Venezuela nella Commissione Pro-Yanomami (CCPY).

Claudia Andujar è nata a Neuchâtel, in Svizzera, nel 1931 e vive e lavora a San Paolo. Dopo la seconda guerra mondiale è emigrata negli Stati Uniti e poi in Brasile nel 1955. Negli anni Settanta, Andujar ha ricevuto borse di studio dalla Fondazione John Simon Guggenheim e dalla Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP] per fotografare e studiare la cultura Yanomami. Dal 1978 al 2000 ha lavorato per la Commissione Pro-Yanomami (CCPY) e ha coordinato la campagna per la demarcazione del territorio Yanomami in Amazzonia (TIY), istituita dal governo brasiliano nel 1992. Nel 2000, Andujar ha ricevuto il Premio annuale per la libertà culturale dalla Lannan Foundation, New Mexico, in riconoscimento del suo lavoro di sostenitrice dei diritti umani. Nel 2003 ha ricevuto il Premio Severo Gomes dalla Commissione per i diritti umani Teotônio Vilela di San Paolo e nel 2008 è stata insignita dell'Ordine al merito culturale dal Ministero della Cultura brasiliano. Nel 2010 ha ricevuto il Premio Kassel per il libro fotografico Marcados, pubblicato da Cosac Naify, e nel 2018 è stata insignita della Medaglia Goethe. Nel 2015 è stato inaugurato il padiglione permanente Galeria Claudia Andujar presso l'Instituto Inhotim di Brumadinho, Minas Gerais, Brasile, con trecento opere sugli Yanomami realizzate dall'artista.

Curatore: Viktor Hois

For Claudia Andujar, photography is a way of communicating with the world, a medium through which one learns as much as one gives. Her works testify to the photographer's longstanding commitment to the commitment to the protection of the Yanomami, one of the largest indigenous communities in the communities in the Brazilian Amazon. Since the 1970s Andujar has lived with this community in the Amazon basin on several occasions. To this day, this region is constantly exploited for its mineral resources.

Claudia Andujar sees photography as an artistic and political tool. Her work is characterized by the strong sense of responsibility, with which the artist is involved in the Pro-Yanomami Commission (CCPY) for the protected areas along the Brazilian-Venezuelan border.

Claudia Andujar was born in Neuchâtel, Switzerland, in 1931 and lives and works in São Paulo. After World War II, she immigrated to the United States and, in 1955, to Brazil. During the 1970s, Andujar received grants from the John Simon Guggenheim Foundation and Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP] to photograph and study the culture of the Yanomami people. From 1978 to 2000, she

worked for the Pro-Yanomami Commission (CCPY) and coordinated the campaign for the demarcation of the Yanomami territory in the Amazon (TIY), created by the Brazilian government in 1992. In recognition of her work as an advocate of human rights, Andujar received the Annual Cultural Freedom Award from the Lannan Foundation, New Mexico, in 2000. In 2003, she received the Severo Gomes Award from the Teotônio Vilela Human Rights Commission, São Paulo, and in 2008 was honored by the Ministry of Culture of Brazil with the Order of Cultural Merit. In 2010 she received the Kassel Photobook Award for Marcados, published by Cosac Naify, and she was honored with the Goethe-Medaille in 2018. In 2015, the permanent pavilion Galeria Claudia Andujar opened at Instituto Inhotim in Brumadinho, Minas Gerais, Brazil, with three hundred works created by the artist about the Yanomami.

Curator: Victor Hois

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

VisuleX Gallery for Photography | Hamburg
7. Dezember 2023 – 6. Januar 2024

Mein New York – zwei Perspektiven, zwei Epochen
Volker Hinz, Christian Popkes

New York, die Stadt der Superlative, wird in der Fotoausstellung "Mein New York" durch die beeindruckenden Perspektiven zweier renommierter Fotografen, Volker Hinz und Christian Popkes, in Monochrom festgehalten. Die Ausstellung, die im Spannungsfeld zwischen den 80er Jahren und der Gegenwart pendelt, zeigt die faszinierende Entwicklung dieser Metropole, geprägt von Gegensätzen und ständigem Wandel.

Die Street Photography von Volker Hinz, entstanden in den 80ern, dokumentiert ein New York kurz vor dem Kollaps. Inmitten der sozialen Herausforderungen und dem Bedarf von über 100 Milliarden Dollar zur Wiederherstellung der Infrastruktur, fokussierte Hinz auf das bunte und kontrastreiche Straßenleben. Als Auslandskorrespondent des stern in dieser turbulenten Zeit zeigte er durch seine Linse nicht nur die Herausforderungen, sondern auch die heitere Seite des Lebens.

Christian Popkes hingegen präsentiert ein zeitgenössisches Bild von New York als sein "State of Mind". Seit sechs Jahren überwindet er Flug- und Höhenangst um den immensen Herausforderungen an das Portrait dieser Stadt gerecht zu werden. Aus einem vibrierenden Helikopter ohne Türen gelingt ihm ein atemberaubender Blick auf die Massivität der Wolkenkratzer und die vibrierende Energie der Stadt, die niemals schläft. Mit brillanter Schärfe und einer einzigartigen Vogelperspektive fängt Popkes außergewöhnliche Details und gleichzeitig das Gesamtbild der Stadt ein.

"Mein New York" ist eine Reise durch die Vielfalt der Menschen, der Architektur und der Kulturen dieser einzigartigen Stadt. Die Fotografien beider Künstler spiegeln das pulsierende Herz von New York wider, wo Arm und Reich, Vergangenheit und Gegenwart in einem faszinierenden Miteinander existieren.

New York, la ville de tous les superlatifs, est capturée en monochrome dans l'exposition photographique "Mon New York" à travers les perspectives impressionnantes de deux photographes renommés, Volker Hinz et Christian Popkes. L'exposition, qui oscille entre les années 80 et le présent, montre l'évolution fascinante de cette métropole, marquée par les contrastes et le changement permanent.

La street photography de Volker Hinz, réalisée dans les années 80, documente un New York proche de l'effondrement. Au milieu des défis sociaux et des besoins de plus de 100 milliards de dollars pour restaurer les infrastructures, Hinz s'est focalisé sur la vie de rue, colorée et contrastée. En tant que correspondant à l'étranger du stern pendant cette période turbulente, il a montré à travers son objectif non seulement les défis, mais aussi le côté joyeux de la vie.

Christian Popkes, quant à lui, présente un visuel contemporain de New York comme son "State of Mind". Depuis six ans, il surmonte le vertige et la peur de l'avion pour relever les immenses défis que représente le portrait de cette ville. Depuis un hélicoptère vibrant et sans portes, il parvient à offrir une vue époustouflante sur la massivité des gratte-ciel et l'énergie vibrante de la ville qui ne dort jamais. Avec une netteté brillante et une perspective à vol d'oiseau unique, Popkes capture des détails extraordinaires et en même temps l'image globale de la ville.

"Mon New York" est un voyage à travers la diversité des personnes, de l'architecture et des cultures de cette ville unique. Les photographies des deux artistes reflètent le cœur palpitant de New York, où riches et pauvres, passé et présent coexistent dans une fascinante harmonie.

New York, la città dei superlativi, viene immortalata in monocromia nella mostra fotografica "My New York" attraverso le impressionanti prospettive di due rinomati fotografi, Volker Hinz e Christian Popkes. L'esposizione, che oscilla tra gli anni '80 e i giorni nostri, mostra l'affascinante sviluppo di questa metropoli, caratterizzata da contrasti e continui cambiamenti.

La fotografia di strada di Volker Hinz, scattata negli anni '80, documenta una New York sull'orlo del collasso. Nel bel mezzo delle sfide sociali e della necessità di ricostruire le infrastrutture per oltre 100 miliardi di dollari, Hinz si è concentrato sulla vita di strada colorata e contrastante. In qualità di corrispondente estero di Stern durante questo periodo turbolento, ha mostrato non solo le sfide ma anche il lato allegro della vita attraverso il suo obiettivo.

Christian Popkes, invece, presenta un'immagine contemporanea di New York come il suo "State of Mind". Per sei anni ha superato la sua paura di volare e delle altezze per affrontare le immense sfide di ritrarre questa città. Da un elicottero vibrante senza porte, riesce a catturare una vista mozzafiato della massa dei grattacieli e dell'energia vibrante della città che non dorme mai. Con una nitidezza brillante e una vista a volo d'uccello unica, Popkes cattura dettagli straordinari e allo stesso tempo l'immagine complessiva della città.

"My New York" è un viaggio attraverso la diversità delle persone, dell'architettura e delle culture di questa città unica. Le fotografie di entrambi gli artisti riflettono il cuore pulsante di New York, dove ricchi e poveri, passato e presente coesistono in un'affascinante convivenza.

New York, the city of superlatives, is captured in monochrome in the photo exhibition "My New York" through the impressive perspectives of two renowned photographers, Volker Hinz and Christian Popkes. The exhibition, which oscillates between the 1980s and the present day, shows the fascinating development of this metropolis, characterized by contrasts and constant change.

Volker Hinz's street photography, taken in the 80s, documents a New York on the verge of collapse. In the midst of social challenges and the need for over 100 billion dollars to rebuild the infrastructure, Hinz focused on the colorful and contrasting street life. As stern's foreign correspondent during this turbulent time, he showed through his lens not only the challenges but also the lighter side of life.

Christian Popkes, on the other hand, presents a contemporary visual of New York as his "State of Mind". For six years, he has overcome his fear of flying and heights to meet the immense challenges of portraying this city. From a vibrating helicopter without doors, he succeeds in capturing a breathtaking view of the massiveness of the skyscrapers and the vibrating energy of the city that never sleeps. With brilliant sharpness and a unique bird's eye view, Popkes captures extraordinary details and at the same time the overall picture of the city.

"My New York" is a journey through the diversity of the people, architecture and cultures of this unique city. The photographs of both artists reflect the pulsating heart of New York, where rich and poor, past and present coexist in a fascinating coexistence.

(Text: VisuleX Gallery for Photography, Hamburg)

Museum der Arbeit | Hamburg
17. November 2023 – 1. Mai 2024

MAN & MINING
Unknown Fields, Danny Franzreb, Johnny Haglund, Pieter Hugo, Lu Guang, Andrea Mancini, Lisa Rave, Sebastião Salgado, Gabriella Torres-Ferrer

Der Abbau von mineralischen Rohstoffen führt angesichts einer schnell wachsenden Weltbevölkerung und deren steigenden Konsumbedürfnissen zu immer größeren ökologischen, ökonomischen, politischen und sozialen Problemen mit globalen Auswirkungen. Vor allem nicht nachhaltige Abbaupraktiken haben massive Belastungen zur Folge, die heutige und zukünftige Generationen vor enorme Herausforderungen stellen. Die Ausstellung „MAN & MINING“, die vom Weltkulturerbe Völklinger Hütte in Kooperation mit dem Museum der Arbeit erarbeitet wurde, zeigt anhand von verschiedenen künstlerischen Positionen die Bedingungen gegenwärtiger Ressourcenextraktion und deren Folgen für die vor allem im Globalen Süden im Bergbau tätigen Menschen. Kunstinstallationen, Foto- und Videoarbeiten von dem Künstlerkollektiv Unknown Fields, Danny Franzreb, Johnny Haglund, Pieter Hugo, Lu Guang, Andrea Mancini, Lisa Rave, Sebastião Salgado und Gabriella Torres-Ferrer lassen ein weltweites Panorama von historischen Tiefenbohrungen bis zu utopischen Gedanken für die Zukunft entstehen. Ziel der Ausstellung ist es, die Asymmetrien des weltweiten Rohstoffabbaus und die konkreten Folgen für die Menschen im Globalen Süden mit einer Diskussion unseres Konsumverhaltens zu verbinden.

Face à la croissance rapide de la population mondiale et à l'augmentation de ses besoins de consommation, l'exploitation des matières premières minérales entraîne des problèmes écologiques, économiques, politiques et sociaux de plus en plus importants avec des répercussions globales. Les pratiques d'extraction non durables, en particulier, entraînent des nuisances massives qui posent d'énormes défis aux générations actuelles et futures. L'exposition "MAN & MINING", élaborée par le Patrimoine Culturel Mondial Völklinger Hütte en coopération avec le Museum der Arbeit, montre, à l'aide de différentes positions artistiques, les conditions de l'extraction actuelle des ressources et ses conséquences pour les personnes travaillant dans l'industrie minière, surtout dans le Sud mondial. Des installations artistiques, des travaux photographiques et vidéo du collectif d'artistes Unknown Fields, Danny Franzreb, Johnny Haglund, Pieter Hugo, Lu Guang, Andrea Mancini, Lisa Rave, Sebastião Salgado et Gabriella Torres-Ferrer font apparaître un panorama mondial allant des forages profonds historiques aux pensées utopiques pour l'avenir. L'objectif de l'exposition est de relier les asymétries de l'exploitation mondiale des matières premières et les conséquences concrètes pour les habitants du Sud mondial à une discussion sur nos habitudes de consommation.

Alla luce della rapida crescita della popolazione mondiale e delle sue crescenti esigenze di consumo, l'estrazione di materie prime minerarie sta portando a problemi ecologici, economici, politici e sociali sempre più gravi con conseguenze globali. Le pratiche minerarie non sostenibili, in particolare, comportano oneri enormi che pongono sfide enormi alle generazioni attuali e future. La mostra "MAN & MINING", realizzata dal sito del patrimonio culturale mondiale Völklinger Hütte in collaborazione con il Museum der Arbeit, utilizza diverse posizioni artistiche per mostrare le condizioni dell'attuale estrazione di risorse e le sue conseguenze per le persone che lavorano nelle miniere, soprattutto nel Sud del mondo. Installazioni d'arte, opere fotografiche e video del collettivo di artisti Unknown Fields, Danny Franzreb, Johnny Haglund, Pieter Hugo, Lu Guang, Andrea Mancini, Lisa Rave, Sebastião Salgado e Gabriella Torres-Ferrer creano un panorama mondiale che spazia dalle storiche trivellazioni profonde alle idee utopiche per il futuro. L'obiettivo della mostra è quello di combinare le asimmetrie dell'estrazione globale delle risorse e le conseguenze concrete per le popolazioni del Sud del mondo con una discussione sul nostro comportamento di consumatori.

In view of a rapidly growing world population and its increasing consumption needs, the extraction of mineral raw materials is leading to ever greater ecological, economic, political and social problems with global implications. Above all, unsustainable mining practices result in massive burdens that pose enormous challenges to present and future generations. The exhibition “MAN & MINING”, developed by the Völklinger Hütte in cooperation with the Museum der Arbeit, uses various artistic positions to show the conditions of current resource extraction and its consequences

for people working in mining, especially in the Global South. Art installations, photographic and video works by the artists’ collective Unknown Fields, Danny Franzreb, Johnny Haglund, Pieter Hugo, Lu Guang, Andrea Mancini, Lisa Rave, Sebastião Salgado and Gabriella Torres-Ferrer, create a worldwide panorama ranging from historical deep drilling to utopian thoughts for the future. The aim of the exhibition is to connect the asymmetries of global resource extraction and the concrete consequences for people in the Global South with a discussion of our consumer behavior.

(Text: Museum der Arbeit, Hamburg)

PHOXXI - Deichtorhallen | Hamburg
27. Oktober 2023 - 21. Januar 2024

A glamour and a mystery
Kathrin Linkersdorffs

Kathrin Linkersdorffs (*1966) faszinierende großformatigen Arbeiten fluktuieren zwischen Kunst und Wissenschaft. Mit Experimenten, in denen die Künstlerin das Wesen von Pflanzen ergründet und damit einen vergrößerten Blick auf die zerbrechlichen, inneren Strukturen bietet, bewegt sie sich an der Schnittstelle zur Botanik. So setzt sie gezielt Prozesse des Zerfalls in Gang, um die innere Struktur von Blumen und anderen Pfanzen freizulegen. Den sichtbar gewordenen Bauplan hält sie in inszenierten Fotografien fest. Hierbei bedient sie sich unterschiedlichen fotografischen Techniken von Dye-Transfer bis hochwertigen Archival Pigment Prints auf speziellen Baumwollpapieren.

Ihr Denken und die Ästhetik der Bilder wurzeln im japanischen Konzept des Wabi Sabi, demzufolge Schönheit die Akzeptanz von Vergänglichkeit, Unvollkommenheit und Verletzlichkeit ist.

Für ihre Serie »Fairies« sammelt die Künstlerin zunächst Tulpen und trocknet sie über einen Zeitraum von mehreren Wochen sorgfältig. Während dieser Zeit extrahiert sie die Pigmente der Blumen, die dann zu einem natürlichen Farbstoff rekonzentriert werden. Zusammen mit den sichtbar gewordenen Pflanzenstrukturen erhalten diese nun Raum, sich in der Flüssigkeit neu zu entfalten.

In ihrem neuen Projekt, das im PHOXXI, dem temporäre Haus der Photographie, zum ersten Mal gezeigt wird, arbeitet sie in ihrer künstlerischen Forschung unter Einbeziehung von Bakterien. Die daraus entstehende neue Werkreihe ist im direkten Austausch mit der Mikrobiologin Prof. Dr. Regine Hengge von der Humboldt Universität geplant. Um natürliche Stoffkreislaufprozesse zu visualisieren, dienen entfärbte Pflanzen und Früchte als Wachstumssubtrat für Streptomyceten (Bakterien), die darauf morphologisch differenzierte und durch ihre farbigen Antibiotika spektakulär bunte Kolonien bilden. Das komplexe Zusammenspiel von Werden und Vergehen in der Natur wird so direkt sichtbar gemacht.

Kuratiert von Ingo Taubhorn, Kurator Haus der Photographie.

Les fascinants travaux grand format de Kathrin Linkersdorff (*1966) fluctuent entre art et science. Avec des expériences dans lesquelles l'artiste explore l'essence des plantes et offre ainsi un regard agrandi sur les structures internes fragiles, elle se situe à l'interface de la botanique. Elle déclenche ainsi de manière ciblée des processus de décomposition afin de mettre à nu la structure interne des fleurs et autres plantes. Elle fixe le plan de construction devenu visible dans des photographies mises en scène. Pour ce faire, elle utilise différentes techniques photographiques, du transfert de colorant aux impressions pigmentaires d'archives de haute qualité sur des papiers de coton spéciaux.

Sa pensée et l'esthétique de ses visuels s'enracinent dans le concept japonais du Wabi Sabi, selon lequel la beauté est l'acceptation de l'éphémère, de l'imperfection et de la vulnérabilité.

Pour sa série "Fairies", l'artiste commence par collecter des tulipes et les fait sécher soigneusement pendant plusieurs semaines. Pendant ce temps, elle extrait les pigments des fleurs, qui sont ensuite reconcentrés en un colorant naturel. Avec les structures végétales devenues visibles, celles-ci ont désormais l'espace pour se redéployer dans le liquide.

Dans son nouveau projet, présenté pour la première fois à PHOXXI, la maison temporaire de la photographie, elle travaille dans sa recherche artistique en intégrant des bactéries. La nouvelle série d'œuvres qui en résulte est prévue en échange direct avec la microbiologiste Prof. Dr. Regine Hengge de l'Université Humboldt. Pour visualiser les processus naturels de cycle de la matière, des plantes et des fruits décolorés servent de substrat de croissance aux streptomycètes (bactéries), qui y forment des colonies morphologiquement différenciées et spectaculairement colorées grâce à leurs antibiotiques colorés. L'interaction complexe du devenir et de la disparition dans la nature est ainsi rendue directement visible.

Sous la direction d'Ingo Taubhorn, conservateur de la Haus der Photographie.

Le affascinanti opere di grandi dimensioni di Kathrin Linkersdorff (*1966) oscillano tra arte e scienza. Con esperimenti in cui l'artista esplora l'essenza delle piante, offrendo così una visione ingrandita delle fragili strutture interne, si muove all'interfaccia con la botanica. Così, l'artista mette deliberatamente in moto processi di decadimento per esporre la struttura interna di fiori e altre piante. L'autrice cattura il piano di costruzione visibile in fotografie di scena. Utilizza diverse tecniche fotografiche, dal trasferimento di colore alle stampe a pigmenti d'archivio di alta qualità su carte speciali di cotone.

Il suo pensiero e l'estetica delle immagini sono radicati nel concetto giapponese di wabi sabi, secondo il quale la bellezza è l'accettazione della transitorietà, dell'imperfezione e della vulnerabilità.

Per la serie "Fate", l'artista raccoglie prima i tulipani e li fa essiccare con cura per diverse settimane. Durante questo periodo, estrae i pigmenti dai fiori, che vengono poi riconcentrati in una tintura naturale. Insieme alle strutture vegetali che sono diventate visibili, queste hanno ora lo spazio per dispiegarsi nuovamente nel liquido.

Nel suo nuovo progetto, che sarà esposto per la prima volta a PHOXXI, la casa temporanea della fotografia, lavora con i batteri nella sua ricerca artistica. La nuova serie di opere che ne è scaturita è stata progettata in scambio diretto con la microbiologa Prof. Dr. Regine Hengge della Humboldt University. Per visualizzare i processi naturali del ciclo della materia, piante e frutti decolorati servono come substrati di crescita per gli streptomiceti (batteri), che su di essi formano colonie morfologicamente differenziate e spettacolarmente colorate grazie ai loro antibiotici colorati. Il complesso gioco del divenire e del decadere in natura è così reso direttamente visibile.

A cura di Ingo Taubhorn, curatore Haus der Photographie.

Kathrin Linkersdorff's (*1966) fascinating large-scale works fluctuate between art and science. With experiments in which the artist explores the essence of plants and thus offers a magnified view of the fragile, inner structures, she moves at the interface with botany. Thus, she deliberately sets processes of decay in motion to expose the inner structure of flowers and other plants. She captures the visible structure in staged photographs. In doing so, she uses a variety of photographic techniques from dye transfer to high quality archival pigment prints on special cotton papers.

Her thinking and the aesthetics of the images are rooted in the Japanese concept of wabi sabi, according to which beauty is the acceptance of transience, imperfection and vulnerability.

For her "Fairies" series, the artist first collects tulips and carefully dries them over a period of several weeks. During this time, she extracts the pigments from the flowers, which are then reconcentrated into a natural dye. Together with the plant structures that have become visible, these are now given room to unfold anew in the liquid.

In her new project, shown for the first time at PHOXXI, the temporary house of photography, she works with bacteria in her artistic research. The resulting new series of works is planned in direct exchange with microbiologist Prof. Dr. Regine Hengge of Humboldt University. In order to visualize natural material cycle processes, decolorized plants and fruits serve as growth substrates for streptomyces (bacteria), which form morphologically differentiated colonies on them that are spectacularly colorful due to their colored antibiotics. The complex interplay of becoming and decaying in nature is thus made directly visible.

Curated by Ingo Taubhorn, curator Haus der Photographie.

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

Sammlung Falckenberg | Hamburg
8. Oktober 2023 - 3. März 2024

ANTI-FASHION
Cindy Sherman

Seit knapp 50 Jahren macht die US-amerikanische Künstlerin Cindy Sherman (* 1954) die Mode und deren Darstellung zum Thema ihrer Arbeit. Sie nutzt ihre zahlreichen Aufträge von Zeitschriften wie Vogue und Harper‘s Bazaar sowie ihre enge Zusammenarbeit mit berühmten Designer*innen als ständige Quelle der Inspiration.

Shermans Interesse für die Modewelt zeigt eine subversive Haltung gegenüber dem, was sie repräsentiert. Durch Humor und Inszenierung werden ihre Bilder zu Parodien der Modefotografie: Sie zeigen Figuren, die alles andere als begehrenswert sind und damit allen Konventionen von Haute Couture sowie den üblichen Vorstellungen von Schönheit widersprechen.

Durch Humor und Inszenierung werden ihre Bilder zu Parodien der Modefotografie: Sie vermitteln nicht den Glamour, Sexappeal oder die Eleganz, die normalerweise mit der Mode assoziiert und von Modezeitschriften verbreitet werden. Stattdessen zeigen sie Figuren, die alles andere als begehrenswert sind – vertrottelt, hässlich, hysterisch, wütend, oder leicht verrückt – und damit allen Konventionen von Haute Couture und den üblichen Vorstellungen von Schönheit widersprechen.

Egal ob Sherman in ihren Figuren Außenseiter, Partygänger, Clowns, Protagonisten von Reality Shows oder karnevaleske Figuren darstellt, sie sind immer Opfer von Schönheitsnormen und Verhaltensmustern. Mit ihren kaum kaschierten Spuren von Schönheitsoperationen und ihren knalligen Outfits zeigen ihre älteren Frauen das verzweifelte Streben nach Jugend. Shermans Fotografien sind auch ein Kommentar zum Thema Altern in unsere Gesellschaft und zu den Möglichkeiten digitaler und operativer Verschönerung. Sie zeigen aber zugleich, wie unter der glänzenden Oberfläche der Modeindustrie auch Gewalt, Grausamkeit und Aggressivität mit im Spiel sind.

Das Thema der Mode erweist sich für die Künstlerin als Ausgangspunkt ihrer kritischen Fragen nach Identität, Gender, Stereotypen und Alter. Shermans große Bandbreite an Charakteren zeigt die Künstlichkeit und Wandelbarkeit von Identität, die mehr denn je wählbar, (selbst-)konstruiert und fließend erscheint.

Kuratiert von Dr. Alessandra Nappo, Staatsgalerie Stuttgart.

Eine Kooperation mit der Staatsgalerie Stuttgart

Depuis près de 50 ans, l'artiste américaine Cindy Sherman (* 1954) fait de la mode et de sa représentation le sujet de son travail. Elle utilise ses nombreuses commandes de magazines tels que Vogue et Harper's Bazaar ainsi que sa collaboration étroite avec des designers* célèbres comme source d'inspiration permanente.

L'intérêt de Sherman pour le monde de la mode révèle une attitude subversive envers ce qu'il représente. Grâce à l'humour et à la mise en scène, ses visuels deviennent des parodies de la photographie de mode : vous montrez des personnages qui sont tout sauf désirables, allant ainsi à l'encontre de toutes les conventions de la haute couture et des notions habituelles de beauté.

Grâce à l'humour et à la mise en scène, leurs visuels deviennent des parodies de la photographie de mode : ils ne véhiculent pas le glamour, le sex-appeal ou l'élégance normalement associés à la mode et diffusés par les magazines de mode. Au lieu de cela, elles montrent des personnages qui sont tout sauf désirables - abrutis, laids, hystériques, en colère, ou légèrement fous - et qui contredisent ainsi toutes les conventions de la haute couture et les idées habituelles sur la beauté.

Que Sherman représente dans ses personnages des marginaux, des fêtards, des clowns, des protagonistes de reality shows ou des figures carnavalesques, ils sont toujours victimes des normes de beauté et des modèles de comportement. Avec leurs traces à peine dissimulées de chirurgie esthétique et leurs tenues éclatantes, ses femmes plus âgées montrent une quête désespérée de la jeunesse. Les photographies de Sherman sont également un commentaire sur le thème du vieillissement dans notre société et sur les possibilités d'embellissement numérique et chirurgical. Mais vous montrez en même temps comment, sous la surface brillante de l'industrie de la mode, la violence, la cruauté et l'agressivité sont également de la partie.

Le thème de la mode se révèle être pour l'artiste le point de départ de ses questions critiques sur l'identité, le genre, les stéréotypes et l'âge. Le large éventail de personnages de Sherman montre le caractère artificiel et changeant de l'identité, qui semble plus que jamais pouvoir être choisie, (auto)construite et fluide.

Organisé par Dr. Alessandra Nappo, Staatsgalerie Stuttgart.

Une coopération avec la Staatsgalerie Stuttgart

Da quasi 50 anni, l'artista statunitense Cindy Sherman (* 1954) fa della moda e della sua rappresentazione il soggetto delle sue opere. Le sue numerose commissioni da parte di riviste come Vogue e Harper's Bazaar e la sua stretta collaborazione con famosi stilisti sono una costante fonte di ispirazione.

L'interesse di Sherman per il mondo della moda mostra un atteggiamento sovversivo nei confronti di ciò che rappresenta. Attraverso l'umorismo e la messa in scena, le sue immagini diventano parodie della fotografia di moda: mostrano figure tutt'altro che desiderabili, contraddicendo così tutte le convenzioni dell'alta moda e le consuete nozioni di bellezza.

Attraverso l'umorismo e la messa in scena, le loro immagini diventano parodie della fotografia di moda: non trasmettono il glamour, il sex appeal o l'eleganza normalmente associati alla moda e diffusi dalle riviste di moda. Al contrario, mostrano figure tutt'altro che desiderabili - goffe, brutte, isteriche, arrabbiate o leggermente pazze - e quindi contraddicono tutte le convenzioni dell'haute couture e le consuete nozioni di bellezza.

Che i personaggi di Sherman siano outsider, festaioli, clown, protagonisti di reality show o figure carnevalesche, sono sempre vittime di norme di bellezza e modelli comportamentali. Con le loro tracce appena nascoste di chirurgia plastica e i loro abiti sgargianti, le sue donne anziane mostrano la disperata ricerca della giovinezza. Le fotografie di Sherman sono anche un commento sull'invecchiamento nella nostra società e sulle possibilità di abbellimento digitale e chirurgico. Allo stesso tempo, mostrano come la violenza, la crudeltà e l'aggressività siano in gioco anche sotto la superficie lucida dell'industria della moda.

Il tema della moda si rivela il punto di partenza per le domande critiche dell'artista su identità, genere, stereotipi ed età. L'ampia gamma di personaggi di Sherman mostra l'artificiosità e la mutevolezza dell'identità, che sembra più che mai selezionabile, (auto)costruita e fluida.

A cura della dott.ssa Alessandra Nappo, Staatsgalerie Stuttgart.

Una collaborazione con la Staatsgalerie di Stoccarda

For almost 50 years, US artist Cindy Sherman (* 1954) has made fashion and its representation the subject of her work. She uses her numerous commissions from magazines such as Vogue and Harper's Bazaar as well as her close collaboration with famous designers as a constant source of inspiration.

Sherman's interest in the fashion world shows a subversive attitude towards what it represents. Through humor and staging, her images become parodies of fashion photography: they show figures that are anything but desirable and thus contradict all conventions of haute couture as well as the usual notions of beauty.

Through humor and staging, their images become parodies of fashion photography: they do not convey the glamour, sex appeal, or elegance normally associated with fashion and disseminated by fashion magazines. Instead, they show figures that are anything but desirable - goofy, ugly, hysterical, angry, or slightly insane - and thus contradict all the conventions of haute couture and the usual notions of beauty.

Whether Sherman's figures depict outsiders, partygoers, clowns, reality show protagonists, or carnivalesque characters, they are always victims of beauty norms and behavioral patterns. With their barely concealed traces of plastic surgery and their gaudy outfits, her older women show the desperate pursuit of youth. Sherman's photographs are also a commentary on aging in our society and the possibilities of digital and surgical beautification. At the same time, however, they show how violence, cruelty, and aggression are also at play beneath the shiny surface of the fashion industry.

The theme of fashion proves to be the starting point for the artist's critical questions about identity, gender, stereotypes, and age. Sherman's wide range of characters demonstrates the artificiality and mutability of identity, which appears more than ever to be selectable, (self-)constructed, and fluid.

Curated by Dr. Alessandra Nappo, Staatsgalerie Stuttgart.

A cooperation with the Staatsgalerie Stuttgart

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

Museum für Kunst & Gewerbe | Hamburg
30. Juni 2023 - 7. Januar 2024

Fotografie neu ordnen: Blickinszenierungen
Linda Fregni Nagler

Das MK&G präsentiert mit „Linda Fregni Nagler. Fotografie neu ordnen: Blickinszenierungen“ die erste Einzelausstellung der italienischen Künstlerin Linda Fregni Nagler (* 1976, Stockholm, Schweden) in Deutschland. Auf assoziative Weise verbindet sie zwei Werkgruppen mit ausgewählten Fotografien aus der Sammlung des MK&G. Die Zusammenschau verhandelt den Themenkomplex von Anschauen und Angeschaut-Werden, von Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit – zentrale Aspekte des Mediums Fotografie.  In ihrer künstlerischen Praxis reaktiviert Linda Fregni Nagler seit vielen Jahren historische Fotografien, bearbeitet und übersetzt sie und nimmt dabei gleichzeitig die Perspektive einer Sammlerin und Kuratorin ein. So transferiert sie Themen wie die Repräsentation von Frauen und – im fotografischen Blick angelegte– ungleiche Machtstrukturen in die Gegenwart.  Die Ausstellung findet in der Reihe „Fotografie neu ordnen“ statt, die Künstler*innen und Wissenschaftler*innen einlädt, sich mit den historischen Beständen des MK&G auseinanderzusetzen. Linda Fregni Nagler ist die fünfte Künstlerin in dieser Reihe.

Le MK&G présente avec "Linda Fregni Nagler. Réorganiser la photographie : Mises en scène du regard", la première exposition individuelle de l'artiste italienne Linda Fregni Nagler (* 1976, Stockholm, Suède) en Allemagne. De manière associative, elle relie deux groupes d'œuvres à des photographies sélectionnées dans la collection du MK&G. L'ensemble traite de la thématique du regard et de l'être regardé, de la visibilité et de l'invisibilité - des aspects centraux du médium photographique.  Dans sa pratique artistique, Linda Fregni Nagler réactive depuis de nombreuses années des photographies historiques, les retravaille et les traduit, tout en adoptant la perspective d'une collectionneuse et d'une conservatrice. Elle transpose ainsi dans le présent des thèmes tels que la représentation des femmes et les structures de pouvoir inégalitaires - inscrites dans le regard photographique.  L'exposition s'inscrit dans le cadre de la série "Réorganiser la photographie", qui invite les artistes et les scientifiques à se pencher sur les collections historiques du MK&G. Linda Fregni Nagler est la cinquième artiste de cette série.

MK&G presenta "Linda Fregni Nagler. Rearranging Photography: Stagings of the Gaze", la prima mostra personale dell'artista italiana Linda Fregni Nagler (* 1976, Stoccolma, Svezia) in Germania. In modo associativo, l'artista combina due gruppi di opere con fotografie selezionate dalla collezione MK&G. La sinossi affronta il complesso dei temi del guardare e dell'essere guardati, della visibilità e dell'invisibilità - aspetti centrali del mezzo fotografico.  Nella sua pratica artistica, Linda Fregni Nagler ha riattivato per molti anni fotografie storiche, modificandole e traducendole e adottando allo stesso tempo la prospettiva di una collezionista e curatrice. In questo modo, trasferisce nel presente temi come la rappresentazione della donna e le strutture di potere diseguali, insite nello sguardo fotografico.  La mostra fa parte della serie "Reordering Photography", che invita artisti e studiosi a confrontarsi con il patrimonio storico del MK&G. Linda Fregni Nagler è la quinta artista di questa serie.

The MK&G presents "Linda Fregni Nagler. Rearranging Photography: Stagings of the Gaze", the first solo exhibition of the Italian artist Linda Fregni Nagler (* 1976, Stockholm, Sweden) in Germany. In an associative way, she combines two groups of works with selected photographs from the MK&G collection. The synopsis negotiates the thematic complex of looking at and being looked at, of visibility and invisibility - central aspects of the medium of photography.  In her artistic practice, Linda Fregni Nagler has been reactivating historical photographs for many years, editing and translating them, while at the same time adopting the perspective of a collector and curator. In this way, she transfers themes such as the representation of women and - inherent in the photographic gaze - unequal power structures into the present.  The exhibition is part of the series "Reordering Photography," which invites artists and scholars to engage with the MK&G's historical holdings. Linda Fregni Nagler is the fifth artist in this series.

(Text: Museum für Kunst & Gewerbe, Hamburg)

VisuleX Gallery for Photography | Hamburg
11. Mai - 14. Juni 2023

Temporäre Einsichten / Follow Up
Axel Beyer

Die Ausstellung findet im Rahmen des Hamburger Architektur Sommers statt.

Mit der Serie Temporäre Einsichten gewann der Hamburger Fotograf Axel Beyer 2019 den Georg Koppmann Preis für Hamburger Stadtfotografie. Nun zeigt der DFA Fotograf in dieser Ausstellung aktuelle Arbeiten zu seiner preisgekrönten Serie Temporäre Einsichten. Seine Arbeit widmet sich dem dynamischen Wandel der Stadt, dem Abriss und neuen Bauprojekten bei denen neue Sichtachsen auf die Stadtlandschaft freigegeben werden. Die sich ständig verändernden Räume sind zumeist nur in einem begrenzten Zeitraum sichtbar. Es ist erstaunlich wie kurz die Halbwertszeiten der Ansichten sind und die Aufnahmen zu Zeitdokumenten werden. Inzwischen ist aus der Serie von 2018 ein fotografisches Langzeitprojekt geworden – in „/Follow Up“ wird das Thema nun vertieft und neue Arbeiten der letzten Jahre präsentiert. Parallel dazu werden ab 9. Juni im Museum für Arbeit die prämierten Serien der ersten fünf Georg Koppmann Preisträger*innen ausgestellt. Somit können nicht nur die Hamburg Motive von Axel Beyer vor 2019 besichtigt werden, sondern auch in der Galerie die neuen Arbeiten.

Avec sa série Temporäre Einsichten, le photographe hambourgeois Axel Beyer a remporté en 2019 le prix Georg Koppmann pour la photographie urbaine de Hambourg. Aujourd'hui, le photographe de la DFA présente dans cette exposition des travaux récents relatifs à sa série Temporäre Einsichten, qui a été récompensée. Son travail est consacré à la transformation dynamique de la ville, à la démolition et aux nouveaux projets de construction dans lesquels de nouveaux axes de vue sur le paysage urbain sont dégagés. Les espaces en constante évolution ne sont généralement visibles que pendant une période limitée. Il est étonnant de constater à quel point la demi-vie des vues est courte et que les prises de vue deviennent des documents d'époque. Entre-temps, la série de 2018 est devenue un projet photographique à long terme - dans "/Follow Up", le thème est désormais approfondi et de nouveaux travaux des dernières années sont présentés. Parallèlement, les séries primées des cinq premiers lauréats du prix Georg Koppmann* seront exposées à partir du 9 juin au Museum für Arbeit. Ainsi, il sera non seulement possible de voir les motifs d'Axel Beyer à Hambourg avant 2019, mais aussi de découvrir les nouveaux travaux dans la galerie.

Con la serie Temporäre Einsichten, il fotografo amburghese Axel Beyer ha vinto il premio Georg Koppmann per la fotografia della città di Amburgo nel 2019. Ora il fotografo del DFA espone in questa mostra le opere attuali della sua premiata serie Temporäre Einsichten. Il suo lavoro è dedicato al cambiamento dinamico della città, ai progetti di demolizione e di nuova costruzione che aprono nuove linee di vista sul paesaggio urbano. Gli spazi in costante cambiamento sono solitamente visibili solo per un periodo di tempo limitato. È sorprendente quanto sia breve l'emivita delle vedute e le fotografie diventano documenti del tempo. Nel frattempo, la serie del 2018 è diventata un progetto fotografico a lungo termine: in "/Follow Up", il tema viene ora approfondito e vengono presentate nuove opere degli ultimi anni. Allo stesso tempo, le serie premiate dei primi cinque vincitori del Premio Georg Koppmann saranno esposte al Museum für Arbeit a partire dal 9 giugno. Ciò significa che prima del 2019 si potranno ammirare non solo i motivi di Amburgo di Axel Beyer, ma anche le nuove opere della galleria.

With the series Temporäre Einsichten, Hamburg-based photographer Axel Beyer won the Georg Koppmann Prize for Hamburg Urban Photography in 2019. Now, in this exhibition, the DFA photographer is showing recent work from his award-winning Temporäre Einsichten series. His work is dedicated to the dynamic change of the city, demolition and new construction projects where new lines of sight are released onto the urban landscape. The constantly changing spaces are mostly only visible for a limited period of time. It is amazing how short the half-lives of the views are and the photographs become documents of time. In the meantime, the series of 2018 has become a photographic long-term project - in "/Follow Up" the theme is now deepened and new works of the last years are presented. In parallel, the award-winning series of the first five Georg Koppmann Prize winners will be exhibited at the Museum für Arbeit from June 9. Thus, not only the Hamburg motifs of Axel Beyer before 2019 can be viewed, but also the new works in the gallery.

(Text: VisuleX Gallery for Photography, Hamburg)

Halle für aktuelle Kunst | Hamburg
21. April - 20. August

SECRETS OF LIGHT
Ralph Gibson

Die umfassende Ausstellung SECRETS OF LIGHT des Fotografen Ralph Gibson (* 1939) stellt anhand ausgesuchter Serien die Entwicklung seines Werkes seit den 1960er Jahren bis in die unmittelbare Gegenwart vor.

Die Ausstellung wird in direkter Zusammenarbeit zwischen dem Künstler und der Kuratorin, Dr. Sabine Schnakenberg, entwickelt und speist sich aus etwa 300 schwarzweißen und farbigen, analog und digital entstandenen Arbeiten aus dem privaten Bestand des Künstlers sowie aus Arbeiten, die der Sammler F.C. Gundlach während seiner Zusammenarbeit mit Ralph Gibson zu Beginn der 1980er Jahre für seine private fotografische Sammlung erwarb, die heute als Dauerleihgabe im Haus der Photografie in den Hamburger Deichtorhallen untergebracht ist.

Ralph Gibson ist einer der interessantesten amerikanischen Fotografen unserer Zeit. Sein großes internationales Renommee basiert auf seinen außergewöhnlichen Arbeiten, die von führenden Museen der Welt gezeigt und gesammelt werden – in den Sammlungen des Museum of Modern Art in New York und dem J.P. Getty Museum in Los Angeles ist er genauso mit Werken vertreten wie in der John Simon Guggenheim Memorial Foundation, dem Creative Center for Photography in Tucson, dem Museum of Fine Arts in Houston, dem Maison Européenne de la Photographie und der Bibliothèque Nationale de France in Paris oder dem Fotomuseum Winterthur in der Schweiz.

Gibsons Arbeiten, die seit den frühen 1960er Jahren entstanden sind, widersprechen dabei vollkommen der konventionellen Bestimmung des Mediums Fotografie – der minutiösen Aufzeichnung sogenannter Wirklichkeit: Gibson interessiert sich nicht für die fotografische Dokumentation der Realität, er begreift die Fotografie selbst als ästhetische Realität.

Ein Leitmotiv seiner Arbeiten ergibt sich dabei aus der ursprünglichen Bedeutung des Begriffs Fotografie – dem Zeichnen mit Licht. Gibson benötigt das Licht nicht nur als materielle Voraussetzung für die Entstehung einer jeder seiner Fotografien, das LIcht wird selbst zum Untersuchungsgegenstand und Gestaltungsmittel. Genauso bedeutsam ist aber auch das Spiel mit seinem Widerpart, dem Schatten. Gibson erhebt somit das Licht selbst zum Thema seines OEuvres.

Kuratiert von Dr. Sabine Schnakenberg, Sammlungskuratorin Haus der Photographie /Deichtorhallen Hamburg.

L'exposition complète SECRETS OF LIGHT du photographe Ralph Gibson (* 1939) transmet, à l'aide de séries choisies, l'évolution de son œuvre depuis les années 1960 jusqu'à l'époque contemporaine immédiate.

L'exposition est le fruit d'une collaboration directe entre l'artiste et la commissaire d'exposition, Dr. Sabine Schnakenberg, et se nourrit d'environ 300 œuvres en noir et blanc et en couleur, analogiques et numériques, issues du fonds privé de l'artiste ainsi que d'œuvres acquises par le collectionneur F.C. Gundlach au cours de sa collaboration avec Ralph Gibson au début des années 1980 pour sa collection photographique privée, aujourd'hui abritée en prêt permanent à la Haus der Photografie dans les Deichtorhallen de Hambourg.

Ralph Gibson est l'un des photographes américains les plus intéressants de notre époque. Sa grande renommée internationale repose sur ses travaux exceptionnels, qui sont exposés et collectionnés par les plus grands musées du monde - il est représenté par des œuvres dans les collections du Museum of Modern Art de New York et du J.P. Getty Museum de Los Angeles, tout comme à la John Simon Guggenheim Memorial Foundation, au Creative Center for Photography de Tucson, au Museum of Fine Arts de Houston, à la Maison européenne de la photographie et à la Bibliothèque nationale de France à Paris ou au Fotomuseum Winterthur en Suisse.

Les travaux de Gibson, réalisés depuis le début des années 1960, contredisent totalement la définition conventionnelle du médium photographique - l'enregistrement minutieux de la soi-disant réalité : Gibson ne s'intéresse pas à la documentation photographique de la réalité, il conçoit la photographie elle-même comme une réalité esthétique.

L'un des leitmotivs de son travail découle de la signification originelle du terme photographie - dessiner avec la lumière. Gibson n'a pas seulement besoin de la lumière comme condition matérielle pour la création de chacune de ses photographies, la lumière devient elle-même un objet d'étude et un moyen de création. Mais le jeu avec sa contrepartie, l'ombre, est tout aussi important. Gibson fait ainsi de la lumière le sujet de son œuvre.

Sabine Schnakenberg, conservatrice de la collection Haus der Photographie /Deichtorhallen Hamburg.

La mostra completa SECRETS OF LIGHT del fotografo Ralph Gibson (* 1939) presenta lo sviluppo del suo lavoro dagli anni '60 al presente immediato sulla base di serie selezionate.

La mostra è stata sviluppata in collaborazione diretta tra l'artista e la curatrice, la dott.ssa Sabine Schnakenberg, e si basa su circa 300 opere in bianco e nero e a colori, analogiche e digitali, provenienti dalla collezione privata dell'artista, nonché sulle opere acquisite dal collezionista F.C. Gundlach durante la sua collaborazione con Ralph Gibson all'inizio degli anni '80 per la sua collezione fotografica privata, che ora è in prestito permanente alla Haus der Photografie nelle Deichtorhallen di Amburgo.

Ralph Gibson è uno dei fotografi americani più interessanti del nostro tempo. La sua grande fama internazionale si basa sulle sue straordinarie opere, esposte e collezionate dai principali musei di tutto il mondo - è rappresentato con opere nelle collezioni del Museum of Modern Art di New York e del J.P. Getty Museum di Los Angeles, oltre che nella John Simon Guggenheim Memorial Foundation, nel Creative Center for Photography di Tucson, nel Museum of Fine Arts di Houston, nella Maison Européenne de la Photographie e nella Bibliothèque Nationale de France di Parigi o nel Fotomuseum Winterthur in Svizzera.

Le opere di Gibson, realizzate a partire dai primi anni Sessanta, contraddicono completamente la definizione convenzionale del mezzo fotografico - la registrazione meticolosa della cosiddetta realtà: Gibson non è interessato alla documentazione fotografica della realtà, ma intende la fotografia stessa come realtà estetica.

Un leitmotiv delle sue opere deriva dal significato originario del termine fotografia: disegnare con la luce. Gibson non solo ha bisogno della luce come prerequisito materiale per la creazione di ogni sua fotografia, ma la luce stessa diventa oggetto di indagine e mezzo di progettazione. Altrettanto importante, tuttavia, è il gioco con la sua controparte, l'ombra. Gibson eleva così la luce stessa a soggetto della sua opera.

A cura di Sabine Schnakenberg, curatrice della collezione Haus der Photographie / Deichtorhallen Hamburg.

The comprehensive exhibition SECRETS OF LIGHT by photographer Ralph Gibson (* 1939) presents the development of his work from the 1960s to the immediate present through selected series.

The exhibition is developed in direct collaboration between the artist and the curator, Dr. Sabine Schnakenberg, and draws on approximately 300 black-and-white and color, analog and digital works from the artist's private collection as well as works acquired by the collector F.C. Gundlach during his collaboration with Ralph Gibson in the early 1980s for his private photographic collection, which is now on permanent loan to the Haus der Photografie in Hamburg's Deichtorhallen.

Ralph Gibson is one of the most interesting American photographers of our time. His great international reputation is based on his extraordinary works, which are shown and collected by leading museums around the world - he is represented with works in the collections of the Museum of Modern Art in New York and the J.P. Getty Museum in Los Angeles, as well as in the John Simon Guggenheim Memorial Foundation, the Creative Center for Photography in Tucson, the Museum of Fine Arts in Houston, the Maison Européenne de la Photographie and the Bibliothèque Nationale de France in Paris, or the Fotomuseum Winterthur in Switzerland.

Gibson's works, which have been created since the early 1960s, completely contradict the conventional definition of the medium of photography - the meticulous recording of so-called reality: Gibson is not interested in the photographic documentation of reality, he understands photography itself as an aesthetic reality.

A leitmotif of his works derives from the original meaning of the term photography - drawing with light. Gibson requires light not only as a material prerequisite for the creation of each of his photographs; light itself becomes the object of investigation and the means of design. Equally significant, however, is the play with its counterpart, the shadow. Gibson thus elevates light itself to the subject of his oeuvre.

Curated by Dr. Sabine Schnakenberg, Collection Curator Haus der Photographie / Deichtorhallen Hamburg.

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

PHOXXI - Deichtorhallen | Hamburg
17. März - 4. Juni 2023

Where the world is melting
Ragnar Axelsson

Der isländische Fotograf Ragnar Axelsson (geb. 1958), einer der gefragtesten Fotografen des Nordens, beobachtet den Klimawandel schon seit Langem mit größter Sorge. Seit mehr als 40 Jahren dokumentiert er die dramatischen Veränderungen von Landschaften und Lebensräumen am Rand der bewohnbaren Welt und reist in die abgelegensten und isoliertesten Regionen der Arktis, zu Inuit-Jägern nach Nordkanada und Grönland, zu Bauern und Fischern auf Island und den Färöerinseln und zur indigenen Bevölkerung in Nordskandinavien und Sibirien.

Diese erste Retrospektive Axelssons macht in beeindruckenden Schwarz-Weiß-Bildern die außergewöhnlichen Beziehungen zwischen Menschen, Tieren und Orten in der Arktis und ihrer extremen Umwelt sichtbar - Beziehungen, die aufgrund des beispiellosen Klimawandels kontinuierlichen tiefgreifenden und komplexen Veränderungen unterliegen.

Seine Informationen stammen aus erster Hand, von den Menschen vor Ort. Axelsson scheut keine Risiken und Mühen, sie immer wieder in den entlegendsten Orten zu besuchen und eine längere Zeit mit ihnen zu verbringen. Aus diesem Grund und weil er den oftmals beschwerlichen Alltag mit ihnen teilt, genießt er ihr Vertrauen. Dies erlaubt es ihm, Momentaufnahmen ihres Lebens zu machen und ihre Erzählungen aufzuschreiben – so wird er zum Botschafter ihrer Existenz und der sich verändernden Lebensbedingungen.

Das andere große Thema, das ihn begeistert, ist die Kraft der Elemente und die Erhabenheit der nordischen Natur. Davon zeugen seine beeindruckenden fotografischen Landschaftporträts. Mit dem Blick des Forschers und Künstlers analysiert er auch die kleinsten Naturstrukturen, die an moderne Zeichnungen eines Paul Klee oder Per Kirkeby erinnern.

Kuration: Ingo Taubhorn (Kurator Haus der Photographie) und Isabel Siben (Kunstfoyer, Versicherungskammer Kulturstiftung, München)

Eine Kooperation mit dem Kunstfoyer, Versicherungskammer Kulturstiftung, München.

Le photographe islandais Ragnar Axelsson (né en 1958), l'un des photographes les plus demandés du Nord, observe depuis longtemps le changement climatique avec la plus grande inquiétude. Depuis plus de 40 ans, il documente les changements dramatiques des paysages et des habitats à la périphérie du monde habitable et se rend dans les régions les plus éloignées et isolées de l'Arctique, auprès des chasseurs inuits au nord du Canada et au Groenland, des agriculteurs et des pêcheurs en Islande et dans les îles Féroé, et des populations indigènes du nord de la Scandinavie et de la Sibérie.

Cette première rétrospective d'Axelsson met en évidence, à travers d'impressionnants visuels en noir et blanc, les relations extraordinaires entre les hommes, les animaux et les lieux de l'Arctique et leur environnement extrême - des relations soumises à des changements profonds et complexes continus en raison du changement climatique sans précédent.

Ses informations proviennent de première main, des gens sur place. Axelsson n'hésite pas à prendre des risques et à faire des efforts pour leur rendre visite à plusieurs reprises dans les endroits les plus reculés et pour passer un long moment avec eux. Pour cette raison et parce qu'il partage avec eux un quotidien souvent difficile, il jouit de leur confiance. Cela lui permet de prendre des instantanés de leur vie et d'écrire leurs récits - il se fait ainsi l'ambassadeur de leur existence et de l'évolution de leurs conditions de vie.

L'autre grand thème qui le passionne est la force des éléments et la majesté de la nature nordique. Ses impressionnants portraits photographiques de paysages en témoignent. Avec son regard de chercheur et d'artiste, il analyse même les plus petites structures naturelles, qui rappellent les dessins modernes d'un Paul Klee ou d'un Per Kirkeby.

Curateur : Ingo Taubhorn (curateur Haus der Photographie) et Isabel Siben (Kunstfoyer, Versicherungskammer Kulturstiftung, Munich).

Une coopération avec le Kunstfoyer, Versicherungskammer Kulturstiftung, Munich.

Il fotografo islandese Ragnar Axelsson (nato nel 1958), uno dei più ricercati fotografi del Nord, osserva da tempo i cambiamenti climatici con grande preoccupazione. Per oltre 40 anni ha documentato i drammatici cambiamenti dei paesaggi e degli habitat ai confini del mondo abitabile, viaggiando nelle regioni più remote e isolate dell'Artico, tra i cacciatori Inuit del Canada settentrionale e della Groenlandia, tra gli agricoltori e i pescatori dell'Islanda e delle Isole Faroe e tra le popolazioni indigene della Scandinavia settentrionale e della Siberia.

Questa prima retrospettiva del lavoro di Axelsson rende visibili, attraverso splendide immagini in bianco e nero, le straordinarie relazioni tra le persone, gli animali e i luoghi dell'Artico e il loro ambiente estremo, relazioni che sono soggette a continui cambiamenti profondi e complessi a causa di un cambiamento climatico senza precedenti.

Le sue informazioni sono di prima mano, provenienti dalle persone sul campo. Axelsson non risparmia rischi e sforzi per visitarli più volte nei luoghi più remoti e per trascorrere con loro un lungo periodo di tempo. Per questo motivo, e perché condivide la loro vita quotidiana spesso faticosa, gode della loro fiducia. Questo gli permette di scattare istantanee delle loro vite e di scrivere le loro narrazioni, diventando così un ambasciatore della loro esistenza e delle loro mutate condizioni di vita.

L'altro tema principale che lo ispira è la potenza degli elementi e la maestosità della natura nordica. I suoi impressionanti ritratti fotografici di paesaggi ne sono la testimonianza. Con l'occhio dell'esploratore e dell'artista, analizza anche le più piccole strutture naturali, che ricordano i disegni moderni di Paul Klee o Per Kirkeby.

Curatela: Ingo Taubhorn (curatore Haus der Photographie) e Isabel Siben (Kunstfoyer, Versicherungskammer Kulturstiftung, Monaco)

In collaborazione con il Kunstfoyer, Versicherungskammer Kulturstiftung, Monaco di Baviera.

Icelandic photographer Ragnar Axelsson (b. 1958), one of the most sought-after photographers in the North, has long observed climate change with the greatest concern. For more than 40 years, he has documented the dramatic changes in landscapes and habitats at the edge of the habitable world, traveling to the most remote and isolated regions of the Arctic, to Inuit hunters in northern Canada and Greenland, to farmers and fishermen in Iceland and the Faroe Islands, and to indigenous peoples in northern Scandinavia and Siberia.

This first retrospective of Axelsson's work makes visible in stunning black-and-white images the extraordinary relationships between people, animals, and places in the Arctic and their extreme environment-relationships that are undergoing continuous profound and complex changes due to unprecedented climate change.

His information comes firsthand, from the people on the ground. Axelsson spares no risk or effort in repeatedly visiting them in the most remote locations and spending extended periods of time with them. For this reason, and because he shares their often arduous daily lives, he enjoys their trust. This allows him to take snapshots of their lives and write down their narratives - thus becoming an ambassador of their existence and changing living conditions.

The other major theme that inspires him is the power of the elements and the majesty of Nordic nature. His impressive photographic landscape portraits bear witness to this. With the eye of the explorer and artist, he analyzes even the smallest natural structures, reminiscent of modern drawings by a Paul Klee or Per Kirkeby.

Curation: Ingo Taubhorn (Curator Haus der Photographie) and Isabel Siben (Kunstfoyer, Versicherungskammer Kulturstiftung, Munich)

A cooperation with the Kunstfoyer, Versicherungskammer Kulturstiftung, Munich.

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)