Filtern nach: Zentralschweiz
L’OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografinnen und Fotografen aus dem Pressearchiv «Heim und Leben» | Museum im Bellpark | Kriens
Aug.
24
bis 8. Dez.
Ausstellung, Zentralschweiz, Schweiz

L’OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografinnen und Fotografen aus dem Pressearchiv «Heim und Leben» | Museum im Bellpark | Kriens

Museum im Bellpark | Kriens
24. August – 8. Dezember 204

L’OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografinnen und Fotografen aus dem Pressearchiv «Heim und Leben»

Sabine Weiss, Paris | Sinti, Palais de Papes, Avignon, 1949 | Veröffentlicht in: Der Familienfreund 5, 31.01.1953 | Rubrik: Kinder, Knabe | Silbergelatine-Abzug, 28 x 19 cm | Museum im Bellpark, AHL132126

Seit ihrer Erfindung hat sich die Fotografie zu einem visuellen Kulturerbe entwickelt, das vergangene Welten sichtbar und erfahrbar macht. Das Museum im Bellpark stellt mit der Ausstellung „L’OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografinnen und Fotografen aus dem Pressearchiv ‚Heim und Leben‘» einen Bildbestand vor, der den gesellschaftlichen Wandel der Schweiz im Übergang zur Modernisierung der Lebensverhältnisse während und nach dem Zweiten Weltkrieg dokumentiert. Die Ausstellung hinterlässt zugleich einen Eindruck von der Schau- und Bilderlust einer Zeit, in der die illustrierten Zeitschriften das wichtigste Bildmedium überhaupt darstellten.

Die gezeigten Abzüge stammen aus dem Bildarchiv des Luzerner Verlags C.J. Bucher, aus dem in den 30er bis 60er Jahren national bekannte Publikumszeitschriften wie «Heim und Leben», «Der Familienfreund» oder «L’Abeille» bedient wurden. Die Bildredaktion des Verlags pflegte damals – über die Sprachgrenzen der Schweiz hinweg – einen regen Austausch mit den Bildproduzent:innen und trug so zur Vernetzung der verschiedenen Fotoszenen des Landes bei. Die Zeitschriften des C.J. Bucher Verlags wurden so schnell zu bedeutenden Foren der Schweizer Reportagefotografie.

Das umfangreiche Bildarchiv von über 11‘000 Abzügen aus der Blütezeit der Reportagefotografie gelangte später in die Zuständigkeit des Museum im Bellpark und konnte mit Unterstützung des Vereins Memoriav gesichert und aufgearbeitet werden. Die Ausstellung im Museum im Bellpark zeigt nun einen vertieften Einblick in dieses bemerkenswerte Pressearchiv. Besonders wertvoll macht den Bestand, dass er grösstenteils Originalabzüge (Vintage prints) umfasst, die von den Fotografinnen und Fotografen selbst hergestellt und in der Bildredaktion des Verlags abgegeben wurden.

Für die aktuelle Präsentation im Museum haben wir die thematische Ordnung des Archivs aufgebrochen und Arbeiten der bedeutendsten und spannendsten Fotografinnen und Fotografen ausgesucht, die es vermögen, Emotionen zu wecken und uns Geschichten der damaligen Schweiz näher zu bringen. Die Auswahl enthält Positionen aus der Deutschschweiz, der Romandie sowie der italienischen Schweiz.

Einerseits begegnen wir in der Ausstellung renommierten Schweizer Reportagefotograf:innen wie Theo Frey, Gotthard Schuh, Sabine Weiss, Paul Senn und Hans Baumgartner. Es gibt aber auch überraschende Trouvaillen von Herbert Matter, Arnold Odermatt, Ernst Brunner und frühe Arbeiten von Georg Gerster zu entdecken. Für die Spätphase der Zeitschrift waren Reportagen der jüngeren Generation massgeblich: Fotografinnen und Fotografen wie Rob Gnant, Monique Jacot, Yvan Dalain, Claude Huber, Fred Mayer und Jean Mohr etablierten in den 1960er Jahren eine neue Bildsprache, welche auch das Erscheinungsbild der Zeitschriften veränderte. Mit Clemens Schildknecht, Max. A. Wyss, Lisa Meyerlist, Mondo Annoni und Lorenz Fischer sind auch die bedeutendsten Positionen der Luzerner Fotoszene vertreten. Und sehr interessant sind auch jene Positionen, welchen bisher die nötige Aufmerksamkeit versagt blieb: Entdeckungen wie Erika Faul-Symmer, Hedy Bumbacher, Erwin Liechti, Simone Mohr und Françoise Rapin vermögen das Reservoir der Schweizer Fotografie auf spannende Weise zu erweitern.

Die Ausstellung zeigt ein faszinierendes Panoptikum der Schweizer Fotografie von den 1930er bis in die 1960er Jahre, eine Phase, die gemeinhin als Blütezeit der Schweizer Pressefotografie verstanden wird. Das Nebeneinander der Fotoszenen der verschiedenen Sprachregionen unseres Landes – darunter auch aufregende Neuentdeckungen – verhelfen zu einer differenzierten Sicht und Erweiterung der etablierten Schweizer Pressefotografie.

Rob Gnant, Zürich | Vivere in Svizzera. Rendez-vous im Wartsaal. | Veröffentlicht in: Der Familienfreund 37, 17.03.1963 | Rubrik: IV/1 Menschen, 8M Paare | Silbergelatine-Abzug, 29,6 x 22,3 cm | Museum im Bellpark, AHL127016

Depuis son invention, la photographie est devenue un patrimoine visuel qui permet de voir et d'expérimenter des mondes passés. Avec l'exposition « L'OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografen und Fotografen aus dem Pressearchiv 'Heim und Leben' » présente un ensemble d'images qui témoigne de la transformation de la société suisse lors de la transition vers la modernisation des conditions de vie pendant et après la Seconde Guerre mondiale. L'exposition donne également une idée de la soif d'images et de spectacle d'une époque où les magazines illustrés constituaient le principal support visuel.

Les tirages présentés proviennent des archives photographiques de la maison d'édition lucernoise C.J. Bucher, qui a produit des magazines grand public de renommée nationale tels que « Heim und Leben », « Der Familienfreund » ou « L'Abeille » dans les années 30 à 60. La rédaction photo de la maison d'édition entretenait à l'époque - par-delà les frontières linguistiques de la Suisse - de nombreux échanges avec les producteurs d'images et contribuait ainsi à la mise en réseau des différentes scènes photographiques du pays. Les magazines de la maison d'édition C.J. Bucher sont ainsi rapidement devenus des forums importants de la photographie de reportage suisse.

Les vastes archives photographiques de plus de 11 000 tirages datant de l'âge d'or de la photographie de reportage sont ensuite passées sous la responsabilité du Museum im Bellpark et ont pu être sauvegardées et traitées avec le soutien de l'association Memoriav. L'exposition au musée du Bellpark donne un aperçu approfondi de ces remarquables archives de presse. Ce qui rend ce fonds particulièrement précieux, c'est qu'il comprend en grande partie des tirages originaux (vintage prints), réalisés par les photographes eux-mêmes et remis à la rédaction photographique de la maison d'édition.

Pour la présentation actuelle au musée, nous avons rompu l'ordre thématique des archives et sélectionné les travaux des photographes les plus importants et les plus passionnants, capables de susciter des émotions et de nous faire découvrir des histoires de la Suisse d'alors. La sélection comprend des positions de la Suisse alémanique, de la Suisse romande et de la Suisse italienne.

D'une part, nous rencontrons dans l'exposition des photographes suisses de reportage renommés comme Theo Frey, Gotthard Schuh, Sabine Weiss, Paul Senn et Hans Baumgartner. Mais on y découvre aussi des trouvailles surprenantes de Herbert Matter, Arnold Odermatt, Ernst Brunner et les premiers travaux de Georg Gerster. Les reportages de la jeune génération ont joué un rôle déterminant dans la phase tardive du magazine : des photographes comme Rob Gnant, Monique Jacot, Yvan Dalain, Claude Huber, Fred Mayer et Jean Mohr ont établi dans les années 1960 un nouveau langage visuel qui a également modifié l'image du magazine. Avec Clemens Schildknecht, Max. A. Wyss, Lisa Meyerlist, Mondo Annoni et Lorenz Fischer, les positions les plus importantes de la scène photographique lucernoise sont également représentées. Et les positions qui n'ont pas encore reçu l'attention nécessaire sont également très intéressantes : des découvertes comme Erika Faul-Symmer, Hedy Bumbacher, Erwin Liechti, Simone Mohr et Françoise Rapin sont capables d'élargir le réservoir de la photographie suisse de manière passionnante.

L'exposition présente un fascinant panoptique de la photographie suisse des années 1930 aux années 1960, une période généralement considérée comme l'âge d'or de la photographie de presse suisse. La juxtaposition de scènes photographiques des différentes régions linguistiques de notre pays - parmi lesquelles de nouvelles découvertes passionnantes - contribue à une vision différenciée et à un élargissement de la photographie de presse suisse établie.

Clemens Schildknecht, Luzern | Nebelsignal am See | Veröffentlicht: Heim und Leben 17, 19.11.1960 | Rubrik: III/9 Schweiz, Kt. Luzern, 6M Luzern-Stadt | Silbergelatine-Abzug, 18 x 12 cm | Museum im Bellpark, AHL004084

Dalla sua invenzione, la fotografia si è trasformata in un patrimonio culturale visivo che rende visibili e tangibili i mondi passati. Con la mostra “L'OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografininnen und Fotografen aus dem Pressearchiv 'Heim und Leben'”, il Museum im Bellpark presenta una collezione di immagini che documentano il cambiamento sociale in Svizzera durante la transizione verso la modernizzazione delle condizioni di vita durante e dopo la Seconda Guerra Mondiale. Allo stesso tempo, la mostra dà l'impressione del piacere della visualizzazione e delle immagini di un'epoca in cui le riviste illustrate erano il mezzo visivo più importante in assoluto.

Le stampe in mostra provengono dall'archivio fotografico della casa editrice lucernese C.J. Bucher, che ha fornito riviste popolari di fama nazionale come “Heim und Leben”, “Der Familienfreund” e “L'Abeille” dagli anni '30 agli anni '60. All'epoca, la casa editrice di Lucerna forniva riviste di moda come “Heim und Leben”, “Der Familienfreund” e “L'Abeille”. All'epoca, i redattori di immagini della casa editrice coltivavano un vivace scambio con i produttori di immagini - al di là dei confini linguistici della Svizzera - e contribuivano così a mettere in rete le varie scene fotografiche del Paese. Le riviste pubblicate da C.J. Bucher Verlag sono diventate rapidamente dei forum importanti per la fotografia di reportage svizzera.

L'ampio archivio di immagini di oltre 11.000 stampe del periodo d'oro della fotografia di reportage passò in seguito sotto la responsabilità del Museum im Bellpark e fu messo al sicuro ed elaborato con il supporto dell'associazione Memoriav. La mostra al Museum im Bellpark offre ora una visione approfondita di questo notevole archivio di stampa. Ciò che rende la collezione particolarmente preziosa è che comprende in gran parte stampe originali (stampe d'epoca) prodotte dagli stessi fotografi e consegnate ai redattori dell'editore.

Per l'attuale presentazione al museo, abbiamo spezzato l'organizzazione tematica dell'archivio e abbiamo selezionato le opere dei fotografi più importanti ed emozionanti, in grado di evocare emozioni e di avvicinarci alle storie della Svizzera dell'epoca. La selezione comprende posizioni della Svizzera tedesca, della Svizzera francese e della Svizzera italiana.

Da un lato, nella mostra incontriamo rinomati fotografi di reportage svizzeri come Theo Frey, Gotthard Schuh, Sabine Weiss, Paul Senn e Hans Baumgartner. Ma ci sono anche sorprendenti trouvailles di Herbert Matter, Arnold Odermatt, Ernst Brunner e i primi lavori di Georg Gerster da scoprire. I reportage della generazione più giovane furono decisivi per la fase finale della rivista: fotografi come Rob Gnant, Monique Jacot, Yvan Dalain, Claude Huber, Fred Mayer e Jean Mohr stabilirono un nuovo linguaggio visivo negli anni '60, che cambiò anche l'aspetto delle riviste. Con Clemens Schildknecht, Max. A. Wyss, Lisa Meyerlist, Mondo Annoni e Lorenz Fischer, sono rappresentate anche le posizioni più importanti della scena fotografica lucernese. Molto interessanti sono anche le posizioni che finora non hanno ricevuto la necessaria attenzione: scoperte come Erika Faul-Symmer, Hedy Bumbacher, Erwin Liechti, Simone Mohr e Françoise Rapin sono in grado di ampliare il serbatoio della fotografia svizzera in modo entusiasmante.

La mostra presenta un affascinante panopticon della fotografia svizzera dagli anni '30 agli anni '60, un periodo che viene generalmente considerato come il periodo d'oro della fotografia giornalistica svizzera. La giustapposizione di scene fotografiche provenienti dalle varie regioni linguistiche del nostro Paese - comprese nuove emozionanti scoperte - contribuisce a fornire una visione differenziata e un'espansione della fotografia giornalistica svizzera consolidata.

Erwin Liechti, Zürich | Italien in Zürichs Vorstädten | Veröffentlicht in: Der Familienfreund 34, 24.08.1965 | Rubrik: IV/7 Menschen, M5 Gastarbeiter | Silbergelatine-Abzug, 18 x 18 cm | Museum im Bellpark, AHL126001

Since its invention, photography has developed into a visual cultural heritage that makes past worlds visible and tangible. With the exhibition “L'OBJECTIF FLÂNEUR. Fotografininnen und Fotografen aus dem Pressearchiv 'Heim und Leben'”, the Museum im Bellpark presents a collection of images that document the social change in Switzerland in the transition to modernization of living conditions during and after the Second World War. At the same time, the exhibition gives an impression of the pleasure in display and images of a time when illustrated magazines were the most important visual medium of all.

The prints on display come from the picture archive of the Lucerne publishing house C.J. Bucher, which supplied nationally renowned popular magazines such as “Heim und Leben”, “Der Familienfreund” and “L'Abeille” from the 1930s to the 1960s. At the time, the publishing house's picture editors maintained a lively exchange with picture producers - across Switzerland's language borders - and thus contributed to the networking of the country's various photo scenes. The magazines published by C.J. Bucher Verlag quickly became important forums for Swiss reportage photography.

The extensive image archive of over 11,000 prints from the heyday of reportage photography later came under the responsibility of the Museum im Bellpark and was secured and processed with the support of the Memoriav association. The exhibition at the Museum im Bellpark now provides an in-depth insight into this remarkable press archive. What makes the collection particularly valuable is that it largely comprises original prints (vintage prints) that were produced by the photographers themselves and handed in to the publisher's picture editors.

For the current presentation in the museum, we have broken up the thematic order of the archive and selected works by the most important and exciting photographers who are able to evoke emotions and bring us closer to the stories of Switzerland at the time. The selection includes positions from German-speaking Switzerland, French-speaking Switzerland and Italian-speaking Switzerland.

On the one hand, the exhibition features renowned Swiss reportage photographers such as Theo Frey, Gotthard Schuh, Sabine Weiss, Paul Senn and Hans Baumgartner. But there are also surprising trouvailles by Herbert Matter, Arnold Odermatt, Ernst Brunner and early works by Georg Gerster to discover. Reportages by the younger generation were decisive for the late phase of the magazine: photographers such as Rob Gnant, Monique Jacot, Yvan Dalain, Claude Huber, Fred Mayer and Jean Mohr established a new visual language in the 1960s, which also changed the appearance of the magazines. With Clemens Schildknecht, Max. A. Wyss, Lisa Meyerlist, Mondo Annoni and Lorenz Fischer, the most important positions of the Lucerne photography scene are also represented. And very interesting are also those positions that have so far been denied the necessary attention: discoveries such as Erika Faul-Symmer, Hedy Bumbacher, Erwin Liechti, Simone Mohr and Françoise Rapin are able to expand the reservoir of Swiss photography in an exciting way.

The exhibition presents a fascinating panopticon of Swiss photography from the 1930s to the 1960s, a period that is generally regarded as the heyday of Swiss press photography. The juxtaposition of photographic scenes from the various language regions of our country - including exciting new discoveries - helps to provide a differentiated view and expansion of established Swiss press photography.

(Text: Museum im Bellpark, Kriens)

Veranstaltung ansehen →
Augenblick mal | Shedhalle | Zug
Nov.
29
bis 8. Dez.
Ausstellung, Zentralschweiz, Schweiz

Augenblick mal | Shedhalle | Zug

Shedhalle | Zug
29. November – 8. Dezember 2024

Augenblick mal

Regine Giescke, Michel Gilgen, Manuel Giron, Patrick Hürlimann, Brigitte Lustenberger, Caroline Minjolle, Claudio Rasano, Christof Rene Schmidt, Christof Theiler, Jean-Marc Yersin

NOW IS NOT A TIME © Brigitte Lustenberger

Das Fotoforum Zug präsentiert die zweite Ausgabe der alle zwei Jahre stattfindenden Ausstellungsreihe „Augenblick mal“. Wir sind eine Gruppe von Fotografen, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, der Öffentlichkeit interessante und spannende Fotografie näher zu bringen. Wir betreiben hier in Zug zwei digitale Galerien mit zweimonatlichen Ausstellungen und präsentieren alle zwei Jahre Fotografien auf Papier in einer großen Ausstellungshalle.

Wir glauben, dass es keine feste Kategorie gibt, die ein interessantes Foto sehenswert macht, und die Auswahl der Schweizer Fotografen für diese Ausstellung spiegelt diese Idee wider: Wir haben Street Photography, experimentelle Fotografie (Mixed Media), konzeptuelle Fotografie, Landschaftsfotografie, Porträtfotografie und einige andere, die sich jeder Kategorisierung entziehen, einbezogen.

Theilerhaus, Zug © Regine Giesecke

Le Fotoforum Zug présente la deuxième édition de la biennale « Augenblick mal ». Nous sommes un groupe de photographes qui s'est donné pour mission de faire découvrir au public des photographies intéressantes et passionnantes. Nous gérons deux galeries numériques à Zoug, avec des expositions tous les deux mois, et présentons des photographies sur papier dans une grande salle d'exposition tous les deux ans.

Nous pensons qu'il n'y a pas de catégorie fixe qui fasse qu'une photographie intéressante mérite d'être vue, et la sélection de photographes suisses pour cette exposition reflète cette idée : nous avons inclus la photographie de rue, la photographie expérimentale (médias mixtes), la photographie conceptuelle, la photographie de paysage, la photographie de portrait et quelques autres qui défient toute catégorisation.

© Christof Rene Schmidt

Il Fotoforum Zug presenta la seconda edizione della biennale “Augenblick mal”. Siamo un gruppo di fotografi che ha come missione quella di far conoscere al pubblico una fotografia interessante ed emozionante. Gestiamo due gallerie digitali qui a Zug con mostre ogni due mesi e presentiamo fotografie su carta in una grande sala espositiva ogni due anni.

Crediamo che non esista una categoria fissa che renda una fotografia interessante degna di essere vista, e la selezione dei fotografi svizzeri per questa mostra riflette questa idea: abbiamo incluso la fotografia di strada, la fotografia sperimentale (mixed media), la fotografia concettuale, la fotografia di paesaggio, la fotografia di ritratto e alcune altre che sfidano la categorizzazione.

M.A.X. MUSEO, CHIASSO ©JM YERSIN

Fotoforum Zug presents the second edition of the bienalle “Augenblick mal” exhibition series. We are a group of photographers who have made it our mission to introduce the public to interesting and exciting photography. We run two digital galleries here in Zug with exhibitions every two months and present photographs on paper in a large exhibition hall every two years.

We believe that there is no fixed category that makes an interesting photograph worth seeing, and the selection of Swiss photographers for this exhibition reflects this idea: we have included street photography, experimental photography (mixed media), conceptual photography, landscape photography, portrait photography and a few others that defy categorization.

Veranstaltung ansehen →
Photographs of Great Musicians – Suzie Maeder | Café Arlecchino | Luzern
Juli
7
bis 9. Okt.
Ausstellung, Zentralschweiz, Schweiz

Photographs of Great Musicians – Suzie Maeder | Café Arlecchino | Luzern

Café Arlecchino | Luzern
7. Juli – 9. Oktober 2024

Photographs of Great Musicians – My Personal Collection of Signed Copies
Suzie Maeder

Leonard Bernstein, London 1982 © Suzie Maeder

Suzie Maeder, 1948 in Luzern geboren, zog nach ihrer Matura 1969 nach London, wo sie am Ealing Technical College Fotografie studierte und 1973 am Royal College of Art mit einem Master abschloss. 1982 erhielt sie den Anerkennungspreis der Stadt Luzern. Bis zu ihrer Rückkehr in die Schweiz 2020 fotografierte sie in London als freischaffende Künstlerin vor allem auf dem Gebiet der klassischen Musik. Sie arbeitete mit Orchestern, Dirigenten, Komponisten und Solisten. Ihre Arbeiten wurden weltweit publiziert und in zahlreichen Galerien ausgestellt. Bekannte Labels verwendeten viele ihrer Arbeiten auf LP und CD Covers.

Bernard Greenhouse of the Beaux Arts Trio, JFK Airport New York 1984 © Suzie Maeder

Suzie Maeder, née à Lucerne en 1948, s'est installée à Londres après son baccalauréat en 1969, où elle a étudié la photographie au Ealing Technical College et obtenu un master au Royal College of Art en 1973. En 1982, elle a reçu le prix de reconnaissance de la ville de Lucerne. Jusqu'à son retour en Suisse en 2020, elle a photographié à Londres en tant qu'artiste indépendante, principalement dans le domaine de la musique classique. Elle a travaillé avec des orchestres, des chefs d'orchestre, des compositeurs et des solistes. Ses travaux ont été publiés dans le monde entier et exposés dans de nombreuses galeries. Des labels connus ont utilisé nombre de ses travaux sur des pochettes de LP et de CD.

Daniel Barenboim & Alexander Goehr, London 1980 © Suzie Maeder

Suzie Maeder, nata a Lucerna nel 1948, si è trasferita a Londra dopo il diploma di scuola superiore nel 1969, dove ha studiato fotografia all'Ealing Technical College e si è laureata al Royal College of Art con un master nel 1973. Nel 1982 le è stato conferito il Premio di riconoscimento della città di Lucerna. Fino al suo ritorno in Svizzera nel 2020, ha lavorato come fotografa freelance a Londra, principalmente nel campo della musica classica. Ha lavorato con orchestre, direttori d'orchestra, compositori e solisti. Il suo lavoro è stato pubblicato in tutto il mondo ed esposto in numerose gallerie. Etichette famose hanno utilizzato molti dei suoi lavori per le copertine di LP e CD.

Yehudi Menuhin, London 1977 © Suzie Maeder

Born in Lucerne in 1948, Suzie Maeder moved to London in 1969 to study photography and graduated in 1973 with a Master’s degree from the Royal College of Art. In 1982, she was awarded the Commendation Prize of the City of Lucerne. As a freelance photographer in London until her return to Switzerland in 2020, she was particularly drawn to the world of classical music, working for decades with orchestras, composers, conductors and soloists. Her work has been published worldwide and has featured in numerous exhibitions. Well known recording companies have frequently used her photographs on LP and CD covers.

(Text: Café Arlecchino, Luzern)

Veranstaltung ansehen →
Photographs of Great Musicians – Suzie Maeder | Café Arlecchino | Luzern
Juli
6
6:00 PM18:00
Vernissage, Zentralschweiz, Schweiz

Photographs of Great Musicians – Suzie Maeder | Café Arlecchino | Luzern

Café Arlecchino | Luzern
6. Juli 2024

Photographs of Great Musicians – My Personal Collection of Signed Copies
Suzie Maeder

Leonard Bernstein, London 1982 © Suzie Maeder

Suzie Maeder, 1948 in Luzern geboren, zog nach ihrer Matura 1969 nach London, wo sie am Ealing Technical College Fotografie studierte und 1973 am Royal College of Art mit einem Master abschloss. 1982 erhielt sie den Anerkennungspreis der Stadt Luzern. Bis zu ihrer Rückkehr in die Schweiz 2020 fotografierte sie in London als freischaffende Künstlerin vor allem auf dem Gebiet der klassischen Musik. Sie arbeitete mit Orchestern, Dirigenten, Komponisten und Solisten. Ihre Arbeiten wurden weltweit publiziert und in zahlreichen Galerien ausgestellt. Bekannte Labels verwendeten viele ihrer Arbeiten auf LP und CD Covers.

Bernard Greenhouse of the Beaux Arts Trio, JFK Airport New York 1984 © Suzie Maeder

Suzie Maeder, née à Lucerne en 1948, s'est installée à Londres après son baccalauréat en 1969, où elle a étudié la photographie au Ealing Technical College et obtenu un master au Royal College of Art en 1973. En 1982, elle a reçu le prix de reconnaissance de la ville de Lucerne. Jusqu'à son retour en Suisse en 2020, elle a photographié à Londres en tant qu'artiste indépendante, principalement dans le domaine de la musique classique. Elle a travaillé avec des orchestres, des chefs d'orchestre, des compositeurs et des solistes. Ses travaux ont été publiés dans le monde entier et exposés dans de nombreuses galeries. Des labels connus ont utilisé nombre de ses travaux sur des pochettes de LP et de CD.

Daniel Barenboim & Alexander Goehr, London 1980 © Suzie Maeder

Suzie Maeder, nata a Lucerna nel 1948, si è trasferita a Londra dopo il diploma di scuola superiore nel 1969, dove ha studiato fotografia all'Ealing Technical College e si è laureata al Royal College of Art con un master nel 1973. Nel 1982 le è stato conferito il Premio di riconoscimento della città di Lucerna. Fino al suo ritorno in Svizzera nel 2020, ha lavorato come fotografa freelance a Londra, principalmente nel campo della musica classica. Ha lavorato con orchestre, direttori d'orchestra, compositori e solisti. Il suo lavoro è stato pubblicato in tutto il mondo ed esposto in numerose gallerie. Etichette famose hanno utilizzato molti dei suoi lavori per le copertine di LP e CD.

Yehudi Menuhin, London 1977 © Suzie Maeder

Born in Lucerne in 1948, Suzie Maeder moved to London in 1969 to study photography and graduated in 1973 with a Master’s degree from the Royal College of Art. In 1982, she was awarded the Commendation Prize of the City of Lucerne. As a freelance photographer in London until her return to Switzerland in 2020, she was particularly drawn to the world of classical music, working for decades with orchestras, composers, conductors and soloists. Her work has been published worldwide and has featured in numerous exhibitions. Well known recording companies have frequently used her photographs on LP and CD covers.

(Text: Café Arlecchino, Luzern)

Veranstaltung ansehen →
Strassenbilder – Lukas Hoffmann | Kunsthalle Luzern
Apr.
6
bis 2. Juni
Ausstellung, Zentralschweiz, Schweiz

Strassenbilder – Lukas Hoffmann | Kunsthalle Luzern

Kunsthalle Luzern
6. April – 2. Juni 2024

Strassenbilder
Lukas Hoffmann

Aus der Serie Strassenbild © Lukas Hoffmann

Nach seinem 2010 verliehenen Ausstellungspreis der Luzerner Kunstgesellschaft und der dazugehörigen Kabinettaustellung im Kunstmuseum Luzern 2011 sowie zahlreichen internationalen Einzelausstellungen realisiert der Fotograf Lukas Hoffmann wieder eine Einzelausstellung in Luzern. Die fotografischen Werke des Zuger Künstlers mit Wohn- und Arbeitsort Berlin waren bisher vor allem im französischen Sprachgebiet ausgestellt. Er nutzt die Möglichkeit der vollverglasten Räumlichkeiten der Kunsthalle Luzern für die Präsentation seiner vielbeachteten, in sich geschlossenen Werkserie «Strassenbilder», die während den Jahren 2018 bis 2021 entstanden und nun – auch mit der gleichnamigen Buchpublikation von 2023 – abgeschlossen ist. Die fotografischen Kompositionen fokussieren auf das Ungesehene des Alltags und des menschlichen Seins, ohne dabei konkrete Hinweise auf Örtlichkeiten, Zeitlichkeiten oder Persönlichkeiten zu geben. Mit grosser formeller, ästhetischer und technischer Präzision erzeugt Lukas Hoffmann minimalistische Bildaufnahmen aus einem intuitiven Moment heraus.

Lukas Hoffmanns Serie «Strassenbilder» ist konsequent in schwarz/weiss gehalten, wobei der Fotograf seine Grossbildkamera ohne Stativ aus freier Hand einsetzt. Der Fokus ist fest auf 80 Zentimeter eingestellt und massgebend für die Nähe zu seinen aufgenommen Motiven. Auf 13 cm x 18 cm grossen Planfilmen fotografiert der Künstler Passant:innen im öffentlichen Raum, wobei er fast ausschliesslich Rücken- und Seitenaufnahmen mit fragmentarischen Körperausschnitten wählt. Gesichtspartien und Totalen werden bewusst ausgeschlossen, nicht zuletzt um zu vermeiden, dass die fotografierten Personen von ihrer Inszenierung erfahren. Die aufgenommenen Momente des Alltags sind geradezu antispektakulär, was grundsätzlich gegen die Tradition der «street photography» zielt, sich aber bei näherer Betrachtung als unscheinbar tiefgründig abhebt. Vor allem die grossformatigen Abzüge im Format 102 cm x 72 cm verfügen über enormen Detailreichtum, der sich insbesondere in den Haar- und Hautpartien oder den stofflichen Strukturen der Kleidung offenbart. Die zufällige Dynamik einzelner Bilder wird zusätzlich durch einen altersbedingten Defekt der Fachkamera verstärkt; mehrere Löcher im Balgen erzeugten bei längerem Warten der Auslöserbetätigung Streulicht im Inneren der Kamera, wodurch sich einzigartige helle Schleier übers Bildmotiv ziehen – sichtbar u.a. auf den Strassenbildern IX, X, XX, XXIII, XXVII.

Im Kabinett der Kunsthalle Luzern zeigt Lukas Hoffmann eine Installation mit drei Diaprojektionen. Hier werden fotografische Aufnahmen projiziert, die 2016 während einem Artist-in-Residence-Aufenthalt in New York entstanden sind. Die Werkgruppe «NYC Sidewalks» vereint eine Ansammlung formalästhetischer Bildaufnahmen von trivialen Situationen im öffentlichen Raum. Durch ein Shift-Objektiv – ein bewegliches Objektiv, welches den Bildausschnitt im Bildkreis verschieben lässt – entstehen Diptychon-Fotografien, die als Anschlussbilder zeitliche Versatzstücke einer bestimmten ‘Szenerie’ repräsentieren. Innerhalb der Präsentationsweise generieren sich neuartige Zeit-Raum-Kompositionen, die jeweils ein Diptychon-Bild eines Aufnahmeortes mit demjenigen eines anderen Aufnahmeortes kombinieren, was wiederum die Divergenz des einzelnen Diptychons betont.

Aus der Serie Strassenbild © Lukas Hoffmann

Après avoir reçu en 2010 le prix d'exposition de la Société artistique de Lucerne et l'exposition de cabinet correspondante au Kunstmuseum de Lucerne en 2011, ainsi que de nombreuses expositions individuelles internationales, le photographe Lukas Hoffmann réalise à nouveau une exposition individuelle à Lucerne. Les œuvres photographiques de cet artiste zougois, qui vit et travaille à Berlin, ont jusqu'à présent été exposées principalement dans les pays francophones. Il profite de la possibilité offerte par les locaux entièrement vitrés de la Kunsthalle de Lucerne pour présenter sa série d'œuvres très remarquée et cohérente "Strassenbilder", qui a été réalisée pendant les années 2018 à 2021 et qui est désormais achevée - y compris avec la publication du livre du même nom de 2023. Les compositions photographiques se focalisent sur ce qui n'est pas vu du quotidien et de l'existence humaine, sans pour autant donner de notes concrètes sur les lieux, les époques ou les personnalités. Avec une grande précision formelle, esthétique et technique, Lukas Hoffmann produit des prises de vue minimalistes à partir d'un moment intuitif.

La série "Strassenbilder" de Lukas Hoffmann est systématiquement en noir et blanc, le photographe utilisant son appareil grand format sans trépied et à main levée. La mise au point est réglée à 80 centimètres et est déterminante pour la proximité avec les sujets photographiés. Sur des films plans de 13 cm x 18 cm, l'artiste photographie des passants dans l'espace public, en choisissant presque exclusivement des prises de vue de dos et de côté avec des fragments de corps. Les parties du visage et les plans d'ensemble sont délibérément exclus, notamment pour éviter que les personnes photographiées ne soient informées de leur mise en scène. Les moments du quotidien photographiés sont presque anti-spectaculaires, ce qui va fondamentalement à l'encontre de la tradition de la "street photography", mais qui, à y regarder de plus près, se distingue par sa profondeur peu apparente. Les tirages grand format (102 cm x 72 cm), en particulier, disposent d'une énorme richesse de détails, qui se révèlent notamment dans les parties de cheveux et de peau ou dans les structures matérielles des vêtements. La dynamique aléatoire de certains visuels est en outre renforcée par un défaut de l'appareil photo spécialisé dû à l'âge ; plusieurs trous dans le soufflet produisaient, en cas d'attente prolongée de l'actionnement du déclencheur, de la lumière diffuse à l'intérieur de l'appareil, ce qui provoquait des voiles clairs uniques sur le motif de l'image - visibles entre autres sur les photos de rue IX, X, XX, XXIII, XXVII.

Dans le cabinet de la Kunsthalle Luzern, Lukas Hoffmann présente une installation avec trois projections de diapositives. Il y projette des prises de vue photographiques réalisées en 2016 lors d'un séjour d'artiste en résidence à New York. Le groupe d'œuvres "NYC Sidewalks" réunit une accumulation de prises de vue à l'esthétique formelle de situations triviales dans l'espace public. Grâce à un objectif à décentrement - un objectif mobile qui permet de déplacer le cadrage dans le cercle de l'image - des photographies en diptyque sont créées, qui représentent, en tant qu'images de raccordement, des fragments temporels d'une certaine 'scène'. Au sein de ce mode de présentation, des compositions spatio-temporelles inédites sont générées, combinant à chaque fois un visuel de diptyque d'un lieu de prise de vue avec celui d'un autre lieu de prise de vue, ce qui souligne à nouveau la divergence de chaque diptyque.

Aus der Serie Strassenbild © Lukas Hoffmann

Dopo aver ricevuto il premio espositivo della Società d'Arte di Lucerna nel 2010 e la relativa mostra di gabinetto al Museo d'Arte di Lucerna nel 2011, oltre a numerose mostre personali internazionali, il fotografo Lukas Hoffmann realizza nuovamente una mostra personale a Lucerna. Le opere fotografiche dell'artista di Zugo, che vive e lavora a Berlino, sono state finora esposte principalmente nei Paesi di lingua francese. Approfittando delle sale completamente vetrate della Kunsthalle Luzern, l'artista presenta la sua acclamata serie di opere autonome "Strassenbilder" (Immagini di strada), realizzate tra il 2018 e il 2021 e ora completate - compresa la pubblicazione dell'omonimo libro a partire dal 2023. Le composizioni fotografiche si concentrano sull'invisibile della vita quotidiana e sulla condizione umana, senza dare riferimenti specifici a luoghi, tempi o personaggi. Con grande precisione formale, estetica e tecnica, Lukas Hoffmann crea immagini minimaliste a partire da un momento intuitivo.

La serie "Street Pictures" di Lukas Hoffmann è costantemente in bianco e nero, con il fotografo che utilizza la sua fotocamera di grande formato a mano libera senza treppiede. La messa a fuoco è fissata a 80 centimetri ed è decisiva per la vicinanza ai soggetti fotografati. L'artista fotografa i passanti negli spazi pubblici su pellicole di 13 cm x 18 cm, scegliendo quasi esclusivamente inquadrature di spalle e di lato con sezioni del corpo frammentarie. Le parti del viso e le riprese lunghe sono deliberatamente escluse, anche per evitare che le persone fotografate scoprano la loro messa in scena. I momenti di vita quotidiana catturati sono quasi anti-spettacolari, il che è fondamentalmente contrario alla tradizione della "fotografia di strada", ma a un'analisi più attenta emergono come poco appariscenti e profondi. In particolare, le stampe di grande formato, che misurano 102 cm x 72 cm, sono estremamente ricche di dettagli, particolarmente evidenti nelle zone dei capelli e della pelle o nelle strutture dei tessuti degli abiti. La dinamica casuale delle singole immagini è ulteriormente enfatizzata da un difetto dovuto all'età del banco ottico; diversi fori nel soffietto causavano una luce diffusa all'interno della fotocamera quando si teneva premuto a lungo l'otturatore, dando luogo a veli luminosi unici che coprivano il motivo - visibili, tra l'altro, nelle immagini di strada IX, X, XX, XXIII, XXVII.

Lukas Hoffmann presenta un'installazione con tre proiezioni di diapositive nella vetrina della Kunsthalle Luzern. Qui vengono proiettate immagini fotografiche scattate durante un soggiorno di residenza dell'artista a New York nel 2016. Il gruppo di opere "NYC Sidewalks" riunisce una collezione di immagini estetico-formali di situazioni banali in spazi pubblici. Utilizzando una shift lens - una lente mobile che permette di spostare la sezione dell'immagine nel cerchio dell'immagine - vengono create fotografie dittico che rappresentano pezzi temporali di uno specifico "scenario" come immagini di collegamento. Con il metodo di presentazione, si generano nuove composizioni spazio-temporali, ognuna delle quali combina l'immagine dittica di un luogo con quella di un altro, che a sua volta enfatizza la divergenza del singolo dittico.

Aus der Serie Strassenbild © Lukas Hoffmann

Following his 2010 Lucerne Art Society Exhibition Prize and the accompanying cabinet exhibition at the Lucerne Art Museum in 2011, as well as numerous international solo exhibitions, photographer Lukas Hoffmann is once again staging a solo exhibition in Lucerne. The photographic works of the Zug-based artist, who lives and works in Berlin, have so far mainly been exhibited in French-speaking countries. He is taking advantage of the fully glazed space of the Kunsthalle Luzern to present his highly acclaimed, self-contained series of works "Strassenbilder", which were created between 2018 and 2021 and have now been completed - including the book publication of the same name from 2023. The photographic compositions focus on the unseen in everyday life and the human condition, without giving concrete notes on places, times or personalities. With great formal, aesthetic and technical precision, Lukas Hoffmann creates minimalist images from an intuitive moment.

Lukas Hoffmann's "Street Pictures" series is consistently in black and white, with the photographer using his large-format camera freehand without a tripod. The focus is fixed at 80 centimeters and is decisive for the proximity to the subjects he takes up. The artist photographs passers-by in public spaces on 13 cm x 18 cm sheet film, choosing almost exclusively back and side shots with fragmentary body sections. Facial parts and long shots are deliberately excluded, not least to prevent the people photographed from learning about their staging. The captured moments of everyday life are almost anti-spectacular, which is fundamentally against the tradition of "street photography", but on closer inspection stands out as inconspicuously profound. The large-format prints in particular, measuring 102 cm x 72 cm, have an enormous wealth of detail, which is particularly evident in the hair and skin areas or the fabric structures of the clothing. The random dynamics of individual images are further enhanced by an age-related defect in the view camera; several holes in the bellows caused stray light inside the camera when the shutter release was held for a longer period of time, creating unique bright veils over the visual motif - visible in the street pictures IX, X, XX, XXIII, XXVII, among others.

Lukas Hoffmann is showing an installation with three slide projections in the cabinet of the Kunsthalle Luzern. Photographic images are projected here that were taken up during an artist-in-residence stay in New York in 2016. The "NYC Sidewalks" group of works brings together a collection of formal-aesthetic images of trivial situations in public spaces. Using a shift lens - a movable lens that allows the image section to be shifted in the image circle - diptych photographs are created that represent temporal set pieces of a certain 'scenery' as connecting images. Within the presentation method, novel time-space compositions are generated, each combining a diptych visual of one location with that of another, which in turn emphasizes the divergence of the individual diptych.

(Text: Kunsthalle Luzern)

Veranstaltung ansehen →
Raumrhythmen: Zeitfaltungen | Planetarium | Luzern
März
24
7:00 PM19:00
Projektion, Zentralschweiz, Schweiz

Raumrhythmen: Zeitfaltungen | Planetarium | Luzern

Planetarium | Luzern
24. März 2024

Raumrhythmen : Zeitfaltungen

Projektion (Malerei): Nicole Schmölzer
Musik: Bernhard Dittmann

film still ©Nicole Schmölzer, Pro Litteris

FARBEN erobern die Projektionskuppel des Planetariums Luzern
Die Projektionskuppel des Planetariums Luzern erstrahlt in leuchtenden Tönen. Ein magisches Zusammenspiel von Farben, das scheinbar aus allen Richtungen entspringt, ausgelöst von einer magischen Hand, die Sie entführt in die Geheimnisse von Farben, Formen und der inneren Kraft der Materie – Zeitfaltungen.

MUSIK umfliesst die farblichen Bewegungen
Begleitet werden diese Farbenspiele von einer umhüllenden, musikalischen Kulisse. Die Klänge verweben sich aus allen Richtungen kommend auf faszinierende Weise. Sie sind mal vertraut, mal fremd, passend und absichtlich unkonventionell – Raumrhythmen.

«Raumrhythmen: Zeitfaltungen» vereint Malerei, Musik und Astronomie und stellt universelle Fragen zur Wahrnehmung und Bedeutungsgenerierung. Zum ersten Mal erlebt das Publikum eine Kuppelprojektion, die ein künstlerisches, audiovisuelles Meisterwerk darstellt und es in einen interdisziplinären Dialog mit der Wissenschaft einbindet.

Spätere Aufführungen werden mit wechselnden Vorträgen aus den Wissenschaftsbereichen Kulturgeschichte, Medientheorie und Physik von renommierten Referenten und Referentinnen präsentiert. Details sind der Website www.farbklang.org mit ständig aktualisierten Angaben betreffend Referentenliste zu entnehmen.

Les COULEURS conquièrent la coupole de projection du Planétarium de Lucerne
La coupole de projection du planétarium de Lucerne s'illumine de tons lumineux. Une interaction magique de couleurs qui semble jaillir de toutes les directions, déclenchée par une main magique qui vous emmène dans les mystères des couleurs, des formes et de la force interne de la matière - les plis du temps.

La MUSIQUE accompagne les mouvements colorés.
Ces jeux de couleurs sont accompagnés d'une toile de fond musicale enveloppante. Les sons, venant de toutes les directions, s'entrelacent de manière fascinante. Ils sont tantôt familiers, tantôt étranges, adaptés ou volontairement non conventionnels - des rythmes spatiaux.

"Rythmes spatiaux : Pliages temporels" réunit la peinture, la musique et l'astronomie et pose des questions universelles sur la perception et la génération de sens. Pour la première fois, le public assiste à une projection sous coupole qui constitue un chef-d'œuvre artistique et audiovisuel et l'intègre dans un dialogue interdisciplinaire avec la science.

Les représentations ultérieures seront présentées avec des conférences alternées dans les domaines scientifiques de l'histoire culturelle, de la théorie des médias et de la physique, données par des conférenciers et conférencières de renom. Pour plus de détails, veuillez consulter le site www.farbklang.org avec des informations constamment mises à jour concernant la liste des intervenants.

I COLORI conquistano la cupola di proiezione del Planetario di Lucerna
La cupola di proiezione del Planetario di Lucerna risplende di colori vibranti. Un magico gioco di colori, che sembra provenire da tutte le direzioni, innescato da una mano magica che vi porta nei segreti dei colori, delle forme e del potere interiore della materia - le pieghe del tempo.

La MUSICA scorre intorno ai movimenti colorati
Questi giochi di colore sono accompagnati da un avvolgente sottofondo musicale. I suoni si intrecciano in modo affascinante, provenendo da tutte le direzioni. Sono a volte familiari, a volte strani, adatti e volutamente non convenzionali - ritmi spaziali.

"Ritmi spaziali: Time Folds" combina pittura, musica e astronomia e pone domande universali sulla percezione e sulla generazione di significato. Per la prima volta, il pubblico sperimenterà una proiezione a cupola che rappresenta un capolavoro artistico e audiovisivo e lo integra in un dialogo interdisciplinare con la scienza.

Le performance successive saranno presentate con lezioni alternate dai campi scientifici della storia culturale, della teoria dei media e della fisica da parte di relatori rinomati. I dettagli sono disponibili sul sito www.farbklang.org con informazioni costantemente aggiornate sull'elenco dei relatori.

COLORS conquer the projection dome of the Lucerne Planetarium
The projection dome of the Lucerne Planetarium shines in luminous hues. A magical interplay of colors, seemingly emanating from all directions, triggered by a magical hand that takes you into the secrets of colors, shapes and the inner power of matter - time folds.

MUSIC flows around the colorful movements
These plays of color are accompanied by an enveloping musical backdrop. The sounds interweave in a fascinating way, coming from all directions. They are sometimes familiar, sometimes strange, fitting and deliberately unconventional - spatial rhythms.

"Spatial rhythms: Time Folds" combines painting, music and astronomy and poses universal questions about perception and the generation of meaning. For the first time, the audience will experience a dome projection that represents an artistic, audiovisual masterpiece and integrates it into an interdisciplinary dialog with science.

Subsequent performances will be presented with alternating lectures from the scientific fields of cultural history, media theory and physics by renowned speakers. Details can be found on the website www.farbklang.org with constantly updated information on the list of speakers.

(Text: Planetarium, Luzern)

Veranstaltung ansehen →
Malen mit Licht – Thomas Gretener | Foto Forum Zug
März
1
bis 30. Apr.
Ausstellung, Projektion, Zentralschweiz, Schweiz

Malen mit Licht – Thomas Gretener | Foto Forum Zug

Foto Forum Zug
1. März – 30. April 2024

Malen mit Licht
Thomas Gretener

Apulien © Thomas Gretener

Thomas Gretener aus Cham fotografiert seit rund 50 Jahren. Auf der Suche nach neuen Ausdrucksformen stiess er vor zehn Jahren auf das Prinzip der «camera obscura»: Fotografieren ohne Linse, dafür mit einem Aufsatz, der wenig Licht auf den Datenträger lässt. Die Digitalkamera wird zur Lochkamera. Die Brennweite: unspektakuläre 45 mm. Die Blende: lichtschwache f / 180, da braucht es viel Licht oder ein Stativ. Die Technik wird zweitranig, dafür kommt dem Beobachten grössere Bedeutung zu. Die Fotografie wendet sich einem minimalistischen Prinzip zu. Linien und Formen bestimmen das Bildmotiv. Die Farben verschwimmen und die Fotografie wird zum Bild: Malen mit Licht. Die Abbildungsqualität ist bescheiden: Die Bilder werden als unscharf empfunden, Überstrahlungen und Farbfehler verfremden sie und sich bewegende Objekte verfliessen. Dafür weisen die Fotos eine anmutige Ästhetik mit schöner Tonalität auf. Sie stehen in starkem Kontrast zu den heute gängigen scharfen Bildern moderner Kameras.

Thomas Gretener, de Cham, pratique la photographie depuis environ 50 ans. A la recherche de nouvelles formes d'expression, il a découvert il y a dix ans le principe de la "camera obscura" : photographier sans lentille, mais avec un embout qui laisse passer peu de lumière sur le support de données. L'appareil photo numérique devient un sténopé. La distance focale : un 45 mm peu spectaculaire. L'ouverture : faible f / 180, il faut beaucoup de lumière ou un trépied. La technique devient secondaire, mais l'observation revêt une plus grande importance. La photographie se tourne vers un principe minimaliste. Les lignes et les formes déterminent le sujet de l'image. Les couleurs s'estompent et la photographie devient un visuel : peindre avec la lumière. La qualité de l'image est modeste : Les visuels sont perçus comme flous, les surimpressions et les erreurs de couleur les dénaturent et les objets en mouvement s'écoulent. En revanche, les photos présentent une esthétique gracieuse avec une belle tonalité. Elles contrastent fortement avec les visuels actuels des appareils photo modernes.

Thomas Gretener, di Cham, fotografa da circa 50 anni. Dieci anni fa, nella sua ricerca di nuove forme di espressione, si è imbattuto nel principio della "camera oscura": la fotografia senza obiettivo, ma con un attacco che lascia passare poca luce sul supporto dati. La fotocamera digitale diventa una macchina fotografica a foro stenopeico. La lunghezza focale: un non spettacolare 45 mm. L'apertura del diaframma: basso f/180, quindi è necessaria molta luce o un treppiede. La tecnica diventa secondaria, ma l'osservazione diventa più importante. La fotografia si orienta verso un principio minimalista. Linee e forme determinano il motivo. I colori si confondono e la fotografia diventa un quadro: una pittura con la luce. La qualità dell'immagine è modesta: Le immagini sono percepite come sfocate, la sovraesposizione e gli errori di colore le allontanano e gli oggetti in movimento scorrono. D'altra parte, le foto hanno un'estetica aggraziata con una bella tonalità. Sono in netto contrasto con le immagini nitide delle moderne fotocamere.

Thomas Gretener from Cham has been taking photographs for around 50 years. Ten years ago, in his search for new forms of expression, he came across the principle of the "camera obscura": photography without a lens, but with an attachment that lets little light onto the data carrier. The digital camera becomes a pinhole camera. The focal length: an unspectacular 45 mm. The aperture: low f / 180, so you need a lot of light or a tripod. The technique becomes secondary, but observation becomes more important. Photography turns to a minimalist principle. Lines and shapes determine the motif. The colors become blurred and the photograph becomes a visual: painting with light. The image quality is modest: The visuals are perceived as blurred, overexposure and color errors alienate them and moving objects flow. On the other hand, the photos have a graceful aesthetic with a beautiful tonality. They stand in stark contrast to the sharp visuals of today's modern cameras.

(Text: Thomas Gretener)

Veranstaltung ansehen →
Subjective Evidence – Barbara Probst | Kunstmuseum Luzern
Feb.
24
bis 16. Juni
Ausstellung, Zentralschweiz, Schweiz, Mediacooperation

Subjective Evidence – Barbara Probst | Kunstmuseum Luzern

Kunstmuseum Luzern
24. Februar – 16. Juni 2024

Subjective Evidence
Barbara Probst

Barbara Probst, Exposure #180: Munich, Nederlingerstrasse 68, 09.11.22, 3:40 p.m., 2022, Ultrachorm-Durck auf Papier je 168 × 112 cm, Courtesy Kuckei + Kuckei, Berlin und Monica De Cardenas, Milano / Zuoz

Der Ausstellungstitel Subjective Evidence (subjektiver Beweis) verweist bereits aufs Grundthema: Wo stehst du? Was siehst du? Aus welcher Richtung kommst du? Wohin blickst du? Barbara Probst (*1964) zeigt nie eine einzelne Fotografie, sondern stets multiperspektivische Serien. Ihre kleinsten Werkgruppen bestehen aus zwei Bildern. In Doppelporträts zeigt die Künstlerin in zwei Fotografien jeweils zwei Personen. Beiläufig betrachtet könnten die Fotografien fast als identisch durchgehen, aber falsch: Auf dem linken Bild blickt die eine Person in die Kamera, die andere an der Kamera vorbei; auf dem rechten Bild verhält es sich genau umgekehrt. Diese minimale Verschiebung irritiert, lässt innehalten und macht das Sehen als bewussten Vorgang erlebbar.

In thematischen Kapiteln wie «Performance», «Landschaft», «Stillleben» oder «Mode» zeigt Barbara Probst Werkgruppen aus über 20 Jahren. Zahlreiche Arbeiten sind in Luzern das erste Mal zu sehen. In den leeren Ausstellungsräumen des Kunstmuseums Luzern realisierte die Künstlerin zudem ein neues Werk.

Kuratiert von Fanni Fetzer

In Kooperation mit Sprengel Museum, Hannover, und FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

Le titre de l'exposition, Subjective Evidence (preuve subjective), renvoie déjà au thème de base : où te situes-tu ? Que vois-tu ? De quelle direction viens-tu ? Où regardes-tu ? Barbara Probst (*1964) ne montre jamais une seule photographie, mais toujours des séries multiperspectives. Ses plus petits groupes d'œuvres se composent de deux visuels. Dans des portraits doubles, l'artiste montre deux personnes dans deux photographies. En les regardant avec désinvolture, les photographies pourraient presque passer pour identiques, mais fausses : sur le visuel de gauche, l'une des personnes regarde l'appareil photo, l'autre passe devant ; sur le visuel de droite, c'est exactement l'inverse. Ce décalage minime irrite, fait marquer un temps d'arrêt et permet de vivre la vision comme un processus conscient.

Dans des chapitres thématiques comme "Performance", "Paysage", "Nature morte" ou "Mode", Barbara Probst présente des groupes d'œuvres de plus de 20 ans. De nombreux travaux sont présentés pour la première fois à Lucerne. L'artiste a en outre réalisé une nouvelle œuvre dans les salles d'exposition vides du Kunstmuseum Luzern.

Organisé par Fanni Fetzer

En coopération avec le Sprengel Museum, Hanovre, et FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

Il titolo della mostra Subjective Evidence fa già riferimento al tema di base: Where do you stand? Cosa vedi? Da quale direzione provieni? Dove stai guardando? Barbara Probst (*1964) non espone mai una sola fotografia, ma sempre serie multiprospettiche. I suoi gruppi di opere più piccoli sono composti da due immagini. Nei doppi ritratti, l'artista mostra due persone in due fotografie. Osservate casualmente, le fotografie potrebbero quasi passare per identiche, ma in modo errato: nell'immagine di sinistra, una persona guarda verso la macchina fotografica, l'altra oltre la macchina fotografica; nell'immagine di destra, è il contrario. Questo minimo spostamento è sconcertante, ci fa soffermare e ci permette di sperimentare la visione come un processo consapevole.

In capitoli tematici come "Performance", "Paesaggio", "Natura morta" o "Moda", Barbara Probst presenta gruppi di opere di oltre 20 anni. Numerose opere vengono esposte per la prima volta a Lucerna. L'artista ha inoltre realizzato un nuovo lavoro nelle sale espositive vuote del Kunstmuseum Luzern.

A cura di Fanni Fetzer

In collaborazione con lo Sprengel Museum di Hannover e FotoFocus del Contemporary Arts Center di Cincinnati.

The exhibition title Subjective Evidence already points to the basic theme: Where do you stand? What do you see? Where are you coming from? What are you looking at? Barbara Probst (*1964) never

shows a single photograph, but always multi-perspectival series. Her smallest work groups consist of two images. In her double portraits the artist shows two people each in two photographs. Looked at casually, the photographs could be regarded as identical. But this is not so: in the left image, one person looks at the camera, the other looks past it; in the right image, the persons behave the other way round. This minimal shift intrigues us, causing us to pause for thought and making us aware of sight as a conscious process.

In thematic chapters entitled “Performance”, “Landscape”, “Still Life” or “Fashion”, Barbara Probst shows work groups from over 20 years. Many photographs are being shown in Lucerne for the first time. What is more, the artist realises a new work in the empty exhibition rooms of the Kunstmuseum Luzern.

Curated by Fanni Fetzer

In cooperation with Sprengel Museum, Hannover, und FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Veranstaltung ansehen →
Subjective Evidence – Barbara Probst | Kunstmuseum Luzern
Feb.
23
6:00 PM18:00
Vernissage, Zentralschweiz, Schweiz, Mediacooperation

Subjective Evidence – Barbara Probst | Kunstmuseum Luzern

Kunstmuseum Luzern
23. Februar 2024

Subjective Evidence
Barbara Probst

Barbara Probst, Exposure #147, Munich, Nederlingerstrasse 68, 09.29.19, 4:14 p.m., 2019, 3-teilig, je 168 × 112 cm, Ultrachrom-Druck auf Papier, Courtesy of the artist and Kukei + Kukei, Berlin, © Barbara Probst, 2024 ProLitteris, Zürich

Der Ausstellungstitel Subjective Evidence (subjektiver Beweis) verweist bereits aufs Grundthema: Wo stehst du? Was siehst du? Aus welcher Richtung kommst du? Wohin blickst du? Barbara Probst (*1964) zeigt nie eine einzelne Fotografie, sondern stets multiperspektivische Serien. Ihre kleinsten Werkgruppen bestehen aus zwei Bildern. In Doppelporträts zeigt die Künstlerin in zwei Fotografien jeweils zwei Personen. Beiläufig betrachtet könnten die Fotografien fast als identisch durchgehen, aber falsch: Auf dem linken Bild blickt die eine Person in die Kamera, die andere an der Kamera vorbei; auf dem rechten Bild verhält es sich genau umgekehrt. Diese minimale Verschiebung irritiert, lässt innehalten und macht das Sehen als bewussten Vorgang erlebbar.

In thematischen Kapiteln wie «Performance», «Landschaft», «Stillleben» oder «Mode» zeigt Barbara Probst Werkgruppen aus über 20 Jahren. Zahlreiche Arbeiten sind in Luzern das erste Mal zu sehen. In den leeren Ausstellungsräumen des Kunstmuseums Luzern realisierte die Künstlerin zudem ein neues Werk.

Kuratiert von Fanni Fetzer

In Kooperation mit Sprengel Museum, Hannover, und FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

Le titre de l'exposition, Subjective Evidence (preuve subjective), renvoie déjà au thème de base : où te situes-tu ? Que vois-tu ? De quelle direction viens-tu ? Où regardes-tu ? Barbara Probst (*1964) ne montre jamais une seule photographie, mais toujours des séries multiperspectives. Ses plus petits groupes d'œuvres se composent de deux visuels. Dans des portraits doubles, l'artiste montre deux personnes dans deux photographies. En les regardant avec désinvolture, les photographies pourraient presque passer pour identiques, mais fausses : sur le visuel de gauche, l'une des personnes regarde l'appareil photo, l'autre passe devant ; sur le visuel de droite, c'est exactement l'inverse. Ce décalage minime irrite, fait marquer un temps d'arrêt et permet de vivre la vision comme un processus conscient.

Dans des chapitres thématiques comme "Performance", "Paysage", "Nature morte" ou "Mode", Barbara Probst présente des groupes d'œuvres de plus de 20 ans. De nombreux travaux sont présentés pour la première fois à Lucerne. L'artiste a en outre réalisé une nouvelle œuvre dans les salles d'exposition vides du Kunstmuseum Luzern.

Organisé par Fanni Fetzer

En coopération avec le Sprengel Museum, Hanovre, et FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

Il titolo della mostra Subjective Evidence fa già riferimento al tema di base: Where do you stand? Cosa vedi? Da quale direzione provieni? Dove stai guardando? Barbara Probst (*1964) non espone mai una sola fotografia, ma sempre serie multiprospettiche. I suoi gruppi di opere più piccoli sono composti da due immagini. Nei doppi ritratti, l'artista mostra due persone in due fotografie. Osservate casualmente, le fotografie potrebbero quasi passare per identiche, ma in modo errato: nell'immagine di sinistra, una persona guarda verso la macchina fotografica, l'altra oltre la macchina fotografica; nell'immagine di destra, è il contrario. Questo minimo spostamento è sconcertante, ci fa soffermare e ci permette di sperimentare la visione come un processo consapevole.

In capitoli tematici come "Performance", "Paesaggio", "Natura morta" o "Moda", Barbara Probst presenta gruppi di opere di oltre 20 anni. Numerose opere vengono esposte per la prima volta a Lucerna. L'artista ha inoltre realizzato un nuovo lavoro nelle sale espositive vuote del Kunstmuseum Luzern.

A cura di Fanni Fetzer

In collaborazione con lo Sprengel Museum di Hannover e FotoFocus del Contemporary Arts Center di Cincinnati.

The exhibition title Subjective Evidence already points to the basic theme: Where do you stand? What do you see? Where are you coming from? What are you looking at? Barbara Probst (*1964) never

shows a single photograph, but always multi-perspectival series. Her smallest work groups consist of two images. In her double portraits the artist shows two people each in two photographs. Looked at casually, the photographs could be regarded as identical. But this is not so: in the left image, one person looks at the camera, the other looks past it; in the right image, the persons behave the other way round. This minimal shift intrigues us, causing us to pause for thought and making us aware of sight as a conscious process.

In thematic chapters entitled “Performance”, “Landscape”, “Still Life” or “Fashion”, Barbara Probst shows work groups from over 20 years. Many photographs are being shown in Lucerne for the first time. What is more, the artist realises a new work in the empty exhibition rooms of the Kunstmuseum Luzern.

Curated by Fanni Fetzer

In cooperation with Sprengel Museum, Hannover, und FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Veranstaltung ansehen →
Raumrhythmen: Zeitfaltungen | Planetarium | Luzern
Feb.
17
8:00 PM20:00
Projektion, Zentralschweiz, Schweiz

Raumrhythmen: Zeitfaltungen | Planetarium | Luzern

Planetarium | Luzern
17. Februar 2024

Raumrhythmen : Zeitfaltungen

Projektion (Malerei): Nicole Schmölzer
Musik: Bernhard Dittmann

film still ©Nicole Schmölzer, Pro Litteris

FARBEN erobern die Projektionskuppel des Planetariums Luzern
Die Projektionskuppel des Planetariums Luzern erstrahlt in leuchtenden Tönen. Ein magisches Zusammenspiel von Farben, das scheinbar aus allen Richtungen entspringt, ausgelöst von einer magischen Hand, die Sie entführt in die Geheimnisse von Farben, Formen und der inneren Kraft der Materie – Zeitfaltungen.

MUSIK umfliesst die farblichen Bewegungen
Begleitet werden diese Farbenspiele von einer umhüllenden, musikalischen Kulisse. Die Klänge verweben sich aus allen Richtungen kommend auf faszinierende Weise. Sie sind mal vertraut, mal fremd, passend und absichtlich unkonventionell – Raumrhythmen.

«Raumrhythmen: Zeitfaltungen» vereint Malerei, Musik und Astronomie und stellt universelle Fragen zur Wahrnehmung und Bedeutungsgenerierung. Zum ersten Mal erlebt das Publikum eine Kuppelprojektion, die ein künstlerisches, audiovisuelles Meisterwerk darstellt und es in einen interdisziplinären Dialog mit der Wissenschaft einbindet.

Spätere Aufführungen werden mit wechselnden Vorträgen aus den Wissenschaftsbereichen Kulturgeschichte, Medientheorie und Physik von renommierten Referenten und Referentinnen präsentiert. Details sind der Website www.farbklang.org mit ständig aktualisierten Angaben betreffend Referentenliste zu entnehmen.

Les COULEURS conquièrent la coupole de projection du Planétarium de Lucerne
La coupole de projection du planétarium de Lucerne s'illumine de tons lumineux. Une interaction magique de couleurs qui semble jaillir de toutes les directions, déclenchée par une main magique qui vous emmène dans les mystères des couleurs, des formes et de la force interne de la matière - les plis du temps.

La MUSIQUE accompagne les mouvements colorés.
Ces jeux de couleurs sont accompagnés d'une toile de fond musicale enveloppante. Les sons, venant de toutes les directions, s'entrelacent de manière fascinante. Ils sont tantôt familiers, tantôt étranges, adaptés ou volontairement non conventionnels - des rythmes spatiaux.

"Rythmes spatiaux : Pliages temporels" réunit la peinture, la musique et l'astronomie et pose des questions universelles sur la perception et la génération de sens. Pour la première fois, le public assiste à une projection sous coupole qui constitue un chef-d'œuvre artistique et audiovisuel et l'intègre dans un dialogue interdisciplinaire avec la science.

Les représentations ultérieures seront présentées avec des conférences alternées dans les domaines scientifiques de l'histoire culturelle, de la théorie des médias et de la physique, données par des conférenciers et conférencières de renom. Pour plus de détails, veuillez consulter le site www.farbklang.org avec des informations constamment mises à jour concernant la liste des intervenants.

I COLORI conquistano la cupola di proiezione del Planetario di Lucerna
La cupola di proiezione del Planetario di Lucerna risplende di colori vibranti. Un magico gioco di colori, che sembra provenire da tutte le direzioni, innescato da una mano magica che vi porta nei segreti dei colori, delle forme e del potere interiore della materia - le pieghe del tempo.

La MUSICA scorre intorno ai movimenti colorati
Questi giochi di colore sono accompagnati da un avvolgente sottofondo musicale. I suoni si intrecciano in modo affascinante, provenendo da tutte le direzioni. Sono a volte familiari, a volte strani, adatti e volutamente non convenzionali - ritmi spaziali.

"Ritmi spaziali: Time Folds" combina pittura, musica e astronomia e pone domande universali sulla percezione e sulla generazione di significato. Per la prima volta, il pubblico sperimenterà una proiezione a cupola che rappresenta un capolavoro artistico e audiovisivo e lo integra in un dialogo interdisciplinare con la scienza.

Le performance successive saranno presentate con lezioni alternate dai campi scientifici della storia culturale, della teoria dei media e della fisica da parte di relatori rinomati. I dettagli sono disponibili sul sito www.farbklang.org con informazioni costantemente aggiornate sull'elenco dei relatori.

COLORS conquer the projection dome of the Lucerne Planetarium
The projection dome of the Lucerne Planetarium shines in luminous hues. A magical interplay of colors, seemingly emanating from all directions, triggered by a magical hand that takes you into the secrets of colors, shapes and the inner power of matter - time folds.

MUSIC flows around the colorful movements
These plays of color are accompanied by an enveloping musical backdrop. The sounds interweave in a fascinating way, coming from all directions. They are sometimes familiar, sometimes strange, fitting and deliberately unconventional - spatial rhythms.

"Spatial rhythms: Time Folds" combines painting, music and astronomy and poses universal questions about perception and the generation of meaning. For the first time, the audience will experience a dome projection that represents an artistic, audiovisual masterpiece and integrates it into an interdisciplinary dialog with science.

Subsequent performances will be presented with alternating lectures from the scientific fields of cultural history, media theory and physics by renowned speakers. Details can be found on the website www.farbklang.org with constantly updated information on the list of speakers.

(Text: Planetarium, Luzern)

Veranstaltung ansehen →
Raumrhythmen: Zeitfaltungen | Planetarium | Luzern
Feb.
16
8:00 PM20:00
Projektion, Zentralschweiz, Schweiz

Raumrhythmen: Zeitfaltungen | Planetarium | Luzern

Planetarium | Luzern
16. Februar 2024

Raumrhythmen : Zeitfaltungen

Projektion (Malerei): Nicole Schmölzer
Musik: Bernhard Dittmann

film still ©Nicole Schmölzer, Pro Litteris

FARBEN erobern die Projektionskuppel des Planetariums Luzern
Die Projektionskuppel des Planetariums Luzern erstrahlt in leuchtenden Tönen. Ein magisches Zusammenspiel von Farben, das scheinbar aus allen Richtungen entspringt, ausgelöst von einer magischen Hand, die Sie entführt in die Geheimnisse von Farben, Formen und der inneren Kraft der Materie – Zeitfaltungen.

MUSIK umfliesst die farblichen Bewegungen
Begleitet werden diese Farbenspiele von einer umhüllenden, musikalischen Kulisse. Die Klänge verweben sich aus allen Richtungen kommend auf faszinierende Weise. Sie sind mal vertraut, mal fremd, passend und absichtlich unkonventionell – Raumrhythmen.

«Raumrhythmen: Zeitfaltungen» vereint Malerei, Musik und Astronomie und stellt universelle Fragen zur Wahrnehmung und Bedeutungsgenerierung. Zum ersten Mal erlebt das Publikum eine Kuppelprojektion, die ein künstlerisches, audiovisuelles Meisterwerk darstellt und es in einen interdisziplinären Dialog mit der Wissenschaft einbindet.

Spätere Aufführungen werden mit wechselnden Vorträgen aus den Wissenschaftsbereichen Kulturgeschichte, Medientheorie und Physik von renommierten Referenten und Referentinnen präsentiert. Details sind der Website www.farbklang.org mit ständig aktualisierten Angaben betreffend Referentenliste zu entnehmen.

Les COULEURS conquièrent la coupole de projection du Planétarium de Lucerne
La coupole de projection du planétarium de Lucerne s'illumine de tons lumineux. Une interaction magique de couleurs qui semble jaillir de toutes les directions, déclenchée par une main magique qui vous emmène dans les mystères des couleurs, des formes et de la force interne de la matière - les plis du temps.

La MUSIQUE accompagne les mouvements colorés.
Ces jeux de couleurs sont accompagnés d'une toile de fond musicale enveloppante. Les sons, venant de toutes les directions, s'entrelacent de manière fascinante. Ils sont tantôt familiers, tantôt étranges, adaptés ou volontairement non conventionnels - des rythmes spatiaux.

"Rythmes spatiaux : Pliages temporels" réunit la peinture, la musique et l'astronomie et pose des questions universelles sur la perception et la génération de sens. Pour la première fois, le public assiste à une projection sous coupole qui constitue un chef-d'œuvre artistique et audiovisuel et l'intègre dans un dialogue interdisciplinaire avec la science.

Les représentations ultérieures seront présentées avec des conférences alternées dans les domaines scientifiques de l'histoire culturelle, de la théorie des médias et de la physique, données par des conférenciers et conférencières de renom. Pour plus de détails, veuillez consulter le site www.farbklang.org avec des informations constamment mises à jour concernant la liste des intervenants.

I COLORI conquistano la cupola di proiezione del Planetario di Lucerna
La cupola di proiezione del Planetario di Lucerna risplende di colori vibranti. Un magico gioco di colori, che sembra provenire da tutte le direzioni, innescato da una mano magica che vi porta nei segreti dei colori, delle forme e del potere interiore della materia - le pieghe del tempo.

La MUSICA scorre intorno ai movimenti colorati
Questi giochi di colore sono accompagnati da un avvolgente sottofondo musicale. I suoni si intrecciano in modo affascinante, provenendo da tutte le direzioni. Sono a volte familiari, a volte strani, adatti e volutamente non convenzionali - ritmi spaziali.

"Ritmi spaziali: Time Folds" combina pittura, musica e astronomia e pone domande universali sulla percezione e sulla generazione di significato. Per la prima volta, il pubblico sperimenterà una proiezione a cupola che rappresenta un capolavoro artistico e audiovisivo e lo integra in un dialogo interdisciplinare con la scienza.

Le performance successive saranno presentate con lezioni alternate dai campi scientifici della storia culturale, della teoria dei media e della fisica da parte di relatori rinomati. I dettagli sono disponibili sul sito www.farbklang.org con informazioni costantemente aggiornate sull'elenco dei relatori.

COLORS conquer the projection dome of the Lucerne Planetarium
The projection dome of the Lucerne Planetarium shines in luminous hues. A magical interplay of colors, seemingly emanating from all directions, triggered by a magical hand that takes you into the secrets of colors, shapes and the inner power of matter - time folds.

MUSIC flows around the colorful movements
These plays of color are accompanied by an enveloping musical backdrop. The sounds interweave in a fascinating way, coming from all directions. They are sometimes familiar, sometimes strange, fitting and deliberately unconventional - spatial rhythms.

"Spatial rhythms: Time Folds" combines painting, music and astronomy and poses universal questions about perception and the generation of meaning. For the first time, the audience will experience a dome projection that represents an artistic, audiovisual masterpiece and integrates it into an interdisciplinary dialog with science.

Subsequent performances will be presented with alternating lectures from the scientific fields of cultural history, media theory and physics by renowned speakers. Details can be found on the website www.farbklang.org with constantly updated information on the list of speakers.

(Text: Planetarium, Luzern)

Veranstaltung ansehen →
Photographie retouchée – Stephan Wittmer | Kornschütte Luzern
Jan.
24
4:00 PM16:00
Art Tour, Zentralschweiz, Schweiz

Photographie retouchée – Stephan Wittmer | Kornschütte Luzern

Kornschütte Luzern
24. Januar 2024

Photographie retouchée
Stephan Wittmer

© Stephan Wittmer

Der Ausstellungstitel stammt aus der Fotografie auf der Einladungskarte: Sie zeigt ein angeschnittenes Plakat, auf dem ein Model mit luxuriöser Uhr und Damentasche vor einem neutralen Grau sitzt. Unten links steht klein gedruckt Photographie retouchée. In Frankreich müssen kommerzielle Fotos, auf denen die Figur der Models digital verändert wurde, mit diesem Hinweis gekennzeichnet werden. Das Glas des Schaufensters, in dem sich das fotografierte Plakat befindet, reflektiert die Silhouette Stephan Wittmers: Er hält die Kamera auf Bauchhöhe, das Objektiv spiegelt sich im Cartier-C der Handtasche.

Warum «wiederberührte Fotografie»? Bildtheoretisch ist die Fotografie ein Lichtmedium, das unmittelbar physikalische Spuren der Wirklichkeit festhält: Die abgebildete Realität ist in der Fotografie materiell verkörpert. Fotografien sind Berührungsreliquien: Wie die religiösen Gegenstände, die die Heiligen zu ihren Lebzeiten berührt haben, sind auch die Fotografien vom reflektierten Licht der vergangenen Welt berührt worden. Der digitale Speicher der Kamera archiviert diese flüchtigen Kontaktmomente, er dient wie die Damentasche als Aufbewahrungsort. Stephan Wittmer interessiert sich für die Materialisierung des digital gespeicherten Bildes, weil die ausgedruckte Fotografie die profane Berührung durch das Licht physisch erfahrbar macht: Es ist so, als ob wir diese Berührung selbst berühren würden; der fotografische Print ist wörtlich eine Photographie retouchée. […]

Le titre de l'exposition provient de la photographie figurant sur le carton d'invitation : vous y voyez une affiche entaillée sur laquelle un modèle portant une montre de luxe et un sac de dame est assis devant un gris neutre. En bas à gauche, on peut lire en petits caractères Photographie retouchée. En France, les photos commerciales sur lesquelles la silhouette des mannequins a été modifiée numériquement doivent porter cette note. La vitre de la vitrine où se trouve l'affiche photographiée reflète la silhouette de Stephan Wittmer : il tient l'appareil photo à hauteur du ventre, l'objectif se reflète dans le C Cartier du sac à main.

Pourquoi une "photographie touchée à nouveau" ? Du point de vue de la théorie de l'image, la photographie est un médium lumineux qui fixe directement des traces physiques de la réalité : La réalité représentée est incarnée matériellement dans la photographie. Les photographies sont des reliques de contact : Tout comme les objets religieux que les saints ont touchés de leur vivant, les photographies ont également été touchées par la lumière réfléchie du monde passé. La mémoire numérique de l'appareil photo archive ces moments de contact éphémères, elle sert, comme le sac de dame, de lieu de conservation. Stephan Wittmer s'intéresse à la matérialisation du visuel enregistré numériquement, car la photographie imprimée rend le contact profane physiquement perceptible par la lumière : c'est comme si nous touchions nous-mêmes ce contact ; l'impression photographique est littéralement une Photographie retouchée. [...]

Il titolo della mostra deriva dalla fotografia del biglietto d'invito: si tratta di un poster ritagliato su cui è seduta una modella con un orologio di lusso e una borsa da donna davanti a uno sfondo grigio neutro. Photographie retouchée è stampato in caratteri piccoli in basso a sinistra. In Francia, le foto commerciali in cui la figura della modella è stata alterata digitalmente devono essere etichettate con questa dicitura. Il vetro della vetrina in cui si trova il poster fotografato riflette la silhouette di Stephan Wittmer: egli tiene la macchina fotografica all'altezza dello stomaco, l'obiettivo si riflette nella Cartier-C della borsetta.

Perché "fotografia ritoccata"? In termini di teoria dell'immagine, la fotografia è un mezzo leggero che cattura direttamente le tracce fisiche della realtà: La realtà rappresentata è materialmente incarnata nella fotografia. Le fotografie sono reliquie di contatto: Come gli oggetti religiosi che i santi hanno toccato durante la loro vita, anche le fotografie sono state toccate dalla luce riflessa del mondo passato. La memoria digitale della macchina fotografica archivia questi fugaci momenti di contatto, fungendo da deposito come una borsa da donna. Stephan Wittmer è interessato alla materializzazione dell'immagine archiviata digitalmente, perché la fotografia stampata rende fisicamente tangibile il tocco profano della luce: "È come se noi stessi toccassimo questo tocco; la stampa fotografica è letteralmente una fotografia ritoccata. [...]

The exhibition title comes from the photograph on the invitation card: it shows a cropped poster on which a model with a luxurious watch and ladies' bag is sitting in front of a neutral gray background. Photographie retouchée is printed in small letters at the bottom left. In France, commercial photos in which the model's figure has been digitally altered must be labeled with this note. The glass of the shop window in which the photographed poster is located reflects the silhouette of Stephan Wittmer: he is holding the camera at stomach height, the lens is reflected in the Cartier-C of the handbag.

Why "re-touched photography"? In terms of image theory, photography is a light medium that directly captures physical traces of reality: The reality depicted is materially embodied in the photograph. Photographs are relics of contact: Like the religious objects that the saints touched during their lifetimes, the photographs have also been touched by the reflected light of the past world. The digital memory of the camera archives these fleeting moments of contact; like the ladies' bag, it serves as a repository. Stephan Wittmer is interested in the materialization of the digitally stored visual because the printed photograph makes the profane touch of light physically tangible: it is as if we were touching this touch ourselves; the photographic print is literally a photograph retouchée. [...]

(Text: Guy Markowitsch)

Veranstaltung ansehen →
Lichtstoff und Luftfarben - Guido Baselgia | Kunsthaus Zug
Jan.
21
11:00 AM11:00
Art Tour, Artist Talk, Zürich, Zentralschweiz, Schweiz

Lichtstoff und Luftfarben - Guido Baselgia | Kunsthaus Zug

Kunsthaus Zug
21. Januar 2024

Ausstellungsrundgang mit Guido Baselgia, Dr. Beat Stutzer, ehemaliger Direktor Bündner Kunstmuseum Chur, Dr. Peter Pfrunder, Direktor Fotostiftung Schweiz, Winterthur, und Matthias Haldemann

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

Luftfarben № 01, Guldringnes, 22.1.2022, 08:15, «Erste Sonne» © Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Veranstaltung ansehen →
Photographie retouchée – Stephan Wittmer | Kornschütte Luzern
Jan.
17
4:00 PM16:00
Film, Zentralschweiz, Schweiz

Photographie retouchée – Stephan Wittmer | Kornschütte Luzern

Kornschütte Luzern
17. Januar 2024

Videoportrait über Pat Treyer und Stephan Wittmer
In Anwesenheit der Filmemacherinnen Kim da Motta und Liv Burkhard

Photographie retouchée
Stephan Wittmer

© Stephan Wittmer

Der Ausstellungstitel stammt aus der Fotografie auf der Einladungskarte: Sie zeigt ein angeschnittenes Plakat, auf dem ein Model mit luxuriöser Uhr und Damentasche vor einem neutralen Grau sitzt. Unten links steht klein gedruckt Photographie retouchée. In Frankreich müssen kommerzielle Fotos, auf denen die Figur der Models digital verändert wurde, mit diesem Hinweis gekennzeichnet werden. Das Glas des Schaufensters, in dem sich das fotografierte Plakat befindet, reflektiert die Silhouette Stephan Wittmers: Er hält die Kamera auf Bauchhöhe, das Objektiv spiegelt sich im Cartier-C der Handtasche.

Warum «wiederberührte Fotografie»? Bildtheoretisch ist die Fotografie ein Lichtmedium, das unmittelbar physikalische Spuren der Wirklichkeit festhält: Die abgebildete Realität ist in der Fotografie materiell verkörpert. Fotografien sind Berührungsreliquien: Wie die religiösen Gegenstände, die die Heiligen zu ihren Lebzeiten berührt haben, sind auch die Fotografien vom reflektierten Licht der vergangenen Welt berührt worden. Der digitale Speicher der Kamera archiviert diese flüchtigen Kontaktmomente, er dient wie die Damentasche als Aufbewahrungsort. Stephan Wittmer interessiert sich für die Materialisierung des digital gespeicherten Bildes, weil die ausgedruckte Fotografie die profane Berührung durch das Licht physisch erfahrbar macht: Es ist so, als ob wir diese Berührung selbst berühren würden; der fotografische Print ist wörtlich eine Photographie retouchée. […]

Le titre de l'exposition provient de la photographie figurant sur le carton d'invitation : vous y voyez une affiche entaillée sur laquelle un modèle portant une montre de luxe et un sac de dame est assis devant un gris neutre. En bas à gauche, on peut lire en petits caractères Photographie retouchée. En France, les photos commerciales sur lesquelles la silhouette des mannequins a été modifiée numériquement doivent porter cette note. La vitre de la vitrine où se trouve l'affiche photographiée reflète la silhouette de Stephan Wittmer : il tient l'appareil photo à hauteur du ventre, l'objectif se reflète dans le C Cartier du sac à main.

Pourquoi une "photographie touchée à nouveau" ? Du point de vue de la théorie de l'image, la photographie est un médium lumineux qui fixe directement des traces physiques de la réalité : La réalité représentée est incarnée matériellement dans la photographie. Les photographies sont des reliques de contact : Tout comme les objets religieux que les saints ont touchés de leur vivant, les photographies ont également été touchées par la lumière réfléchie du monde passé. La mémoire numérique de l'appareil photo archive ces moments de contact éphémères, elle sert, comme le sac de dame, de lieu de conservation. Stephan Wittmer s'intéresse à la matérialisation du visuel enregistré numériquement, car la photographie imprimée rend le contact profane physiquement perceptible par la lumière : c'est comme si nous touchions nous-mêmes ce contact ; l'impression photographique est littéralement une Photographie retouchée. [...]

Il titolo della mostra deriva dalla fotografia del biglietto d'invito: si tratta di un poster ritagliato su cui è seduta una modella con un orologio di lusso e una borsa da donna davanti a uno sfondo grigio neutro. Photographie retouchée è stampato in caratteri piccoli in basso a sinistra. In Francia, le foto commerciali in cui la figura della modella è stata alterata digitalmente devono essere etichettate con questa dicitura. Il vetro della vetrina in cui si trova il poster fotografato riflette la silhouette di Stephan Wittmer: egli tiene la macchina fotografica all'altezza dello stomaco, l'obiettivo si riflette nella Cartier-C della borsetta.

Perché "fotografia ritoccata"? In termini di teoria dell'immagine, la fotografia è un mezzo leggero che cattura direttamente le tracce fisiche della realtà: La realtà rappresentata è materialmente incarnata nella fotografia. Le fotografie sono reliquie di contatto: Come gli oggetti religiosi che i santi hanno toccato durante la loro vita, anche le fotografie sono state toccate dalla luce riflessa del mondo passato. La memoria digitale della macchina fotografica archivia questi fugaci momenti di contatto, fungendo da deposito come una borsa da donna. Stephan Wittmer è interessato alla materializzazione dell'immagine archiviata digitalmente, perché la fotografia stampata rende fisicamente tangibile il tocco profano della luce: "È come se noi stessi toccassimo questo tocco; la stampa fotografica è letteralmente una fotografia ritoccata. [...]

The exhibition title comes from the photograph on the invitation card: it shows a cropped poster on which a model with a luxurious watch and ladies' bag is sitting in front of a neutral gray background. Photographie retouchée is printed in small letters at the bottom left. In France, commercial photos in which the model's figure has been digitally altered must be labeled with this note. The glass of the shop window in which the photographed poster is located reflects the silhouette of Stephan Wittmer: he is holding the camera at stomach height, the lens is reflected in the Cartier-C of the handbag.

Why "re-touched photography"? In terms of image theory, photography is a light medium that directly captures physical traces of reality: The reality depicted is materially embodied in the photograph. Photographs are relics of contact: Like the religious objects that the saints touched during their lifetimes, the photographs have also been touched by the reflected light of the past world. The digital memory of the camera archives these fleeting moments of contact; like the ladies' bag, it serves as a repository. Stephan Wittmer is interested in the materialization of the digitally stored visual because the printed photograph makes the profane touch of light physically tangible: it is as if we were touching this touch ourselves; the photographic print is literally a photograph retouchée. [...]

(Text: Guy Markowitsch)

Veranstaltung ansehen →
Photographie retouchée – Stephan Wittmer | Kornschütte Luzern
Jan.
17
4:00 PM16:00
Artist Talk, Zentralschweiz, Schweiz

Photographie retouchée – Stephan Wittmer | Kornschütte Luzern

Kornschütte Luzern
17. Januar 2024

Marco Schmid im Gespräch mit Stephan Wittmer

Photographie retouchée
Stephan Wittmer

© Stephan Wittmer

Der Ausstellungstitel stammt aus der Fotografie auf der Einladungskarte: Sie zeigt ein angeschnittenes Plakat, auf dem ein Model mit luxuriöser Uhr und Damentasche vor einem neutralen Grau sitzt. Unten links steht klein gedruckt Photographie retouchée. In Frankreich müssen kommerzielle Fotos, auf denen die Figur der Models digital verändert wurde, mit diesem Hinweis gekennzeichnet werden. Das Glas des Schaufensters, in dem sich das fotografierte Plakat befindet, reflektiert die Silhouette Stephan Wittmers: Er hält die Kamera auf Bauchhöhe, das Objektiv spiegelt sich im Cartier-C der Handtasche.

Warum «wiederberührte Fotografie»? Bildtheoretisch ist die Fotografie ein Lichtmedium, das unmittelbar physikalische Spuren der Wirklichkeit festhält: Die abgebildete Realität ist in der Fotografie materiell verkörpert. Fotografien sind Berührungsreliquien: Wie die religiösen Gegenstände, die die Heiligen zu ihren Lebzeiten berührt haben, sind auch die Fotografien vom reflektierten Licht der vergangenen Welt berührt worden. Der digitale Speicher der Kamera archiviert diese flüchtigen Kontaktmomente, er dient wie die Damentasche als Aufbewahrungsort. Stephan Wittmer interessiert sich für die Materialisierung des digital gespeicherten Bildes, weil die ausgedruckte Fotografie die profane Berührung durch das Licht physisch erfahrbar macht: Es ist so, als ob wir diese Berührung selbst berühren würden; der fotografische Print ist wörtlich eine Photographie retouchée. […]

Le titre de l'exposition provient de la photographie figurant sur le carton d'invitation : vous y voyez une affiche entaillée sur laquelle un modèle portant une montre de luxe et un sac de dame est assis devant un gris neutre. En bas à gauche, on peut lire en petits caractères Photographie retouchée. En France, les photos commerciales sur lesquelles la silhouette des mannequins a été modifiée numériquement doivent porter cette note. La vitre de la vitrine où se trouve l'affiche photographiée reflète la silhouette de Stephan Wittmer : il tient l'appareil photo à hauteur du ventre, l'objectif se reflète dans le C Cartier du sac à main.

Pourquoi une "photographie touchée à nouveau" ? Du point de vue de la théorie de l'image, la photographie est un médium lumineux qui fixe directement des traces physiques de la réalité : La réalité représentée est incarnée matériellement dans la photographie. Les photographies sont des reliques de contact : Tout comme les objets religieux que les saints ont touchés de leur vivant, les photographies ont également été touchées par la lumière réfléchie du monde passé. La mémoire numérique de l'appareil photo archive ces moments de contact éphémères, elle sert, comme le sac de dame, de lieu de conservation. Stephan Wittmer s'intéresse à la matérialisation du visuel enregistré numériquement, car la photographie imprimée rend le contact profane physiquement perceptible par la lumière : c'est comme si nous touchions nous-mêmes ce contact ; l'impression photographique est littéralement une Photographie retouchée. [...]

Il titolo della mostra deriva dalla fotografia del biglietto d'invito: si tratta di un poster ritagliato su cui è seduta una modella con un orologio di lusso e una borsa da donna davanti a uno sfondo grigio neutro. Photographie retouchée è stampato in caratteri piccoli in basso a sinistra. In Francia, le foto commerciali in cui la figura della modella è stata alterata digitalmente devono essere etichettate con questa dicitura. Il vetro della vetrina in cui si trova il poster fotografato riflette la silhouette di Stephan Wittmer: egli tiene la macchina fotografica all'altezza dello stomaco, l'obiettivo si riflette nella Cartier-C della borsetta.

Perché "fotografia ritoccata"? In termini di teoria dell'immagine, la fotografia è un mezzo leggero che cattura direttamente le tracce fisiche della realtà: La realtà rappresentata è materialmente incarnata nella fotografia. Le fotografie sono reliquie di contatto: Come gli oggetti religiosi che i santi hanno toccato durante la loro vita, anche le fotografie sono state toccate dalla luce riflessa del mondo passato. La memoria digitale della macchina fotografica archivia questi fugaci momenti di contatto, fungendo da deposito come una borsa da donna. Stephan Wittmer è interessato alla materializzazione dell'immagine archiviata digitalmente, perché la fotografia stampata rende fisicamente tangibile il tocco profano della luce: "È come se noi stessi toccassimo questo tocco; la stampa fotografica è letteralmente una fotografia ritoccata. [...]

The exhibition title comes from the photograph on the invitation card: it shows a cropped poster on which a model with a luxurious watch and ladies' bag is sitting in front of a neutral gray background. Photographie retouchée is printed in small letters at the bottom left. In France, commercial photos in which the model's figure has been digitally altered must be labeled with this note. The glass of the shop window in which the photographed poster is located reflects the silhouette of Stephan Wittmer: he is holding the camera at stomach height, the lens is reflected in the Cartier-C of the handbag.

Why "re-touched photography"? In terms of image theory, photography is a light medium that directly captures physical traces of reality: The reality depicted is materially embodied in the photograph. Photographs are relics of contact: Like the religious objects that the saints touched during their lifetimes, the photographs have also been touched by the reflected light of the past world. The digital memory of the camera archives these fleeting moments of contact; like the ladies' bag, it serves as a repository. Stephan Wittmer is interested in the materialization of the digitally stored visual because the printed photograph makes the profane touch of light physically tangible: it is as if we were touching this touch ourselves; the photographic print is literally a photograph retouchée. [...]

(Text: Guy Markowitsch)

Veranstaltung ansehen →
Raumrhythmen: Zeitfaltungen | Planetarium | Luzern
Jan.
14
7:00 PM19:00
Projektion, Zentralschweiz, Schweiz

Raumrhythmen: Zeitfaltungen | Planetarium | Luzern

Planetarium | Luzern
14. Januar 2024

Raumrhythmen : Zeitfaltungen

Projektion (Malerei): Nicole Schmölzer
Musik: Bernhard Dittmann

film still ©Nicole Schmölzer, Pro Litteris

FARBEN erobern die Projektionskuppel des Planetariums Luzern
Die Projektionskuppel des Planetariums Luzern erstrahlt in leuchtenden Tönen. Ein magisches Zusammenspiel von Farben, das scheinbar aus allen Richtungen entspringt, ausgelöst von einer magischen Hand, die Sie entführt in die Geheimnisse von Farben, Formen und der inneren Kraft der Materie – Zeitfaltungen.

MUSIK umfliesst die farblichen Bewegungen
Begleitet werden diese Farbenspiele von einer umhüllenden, musikalischen Kulisse. Die Klänge verweben sich aus allen Richtungen kommend auf faszinierende Weise. Sie sind mal vertraut, mal fremd, passend und absichtlich unkonventionell – Raumrhythmen.

«Raumrhythmen: Zeitfaltungen» vereint Malerei, Musik und Astronomie und stellt universelle Fragen zur Wahrnehmung und Bedeutungsgenerierung. Zum ersten Mal erlebt das Publikum eine Kuppelprojektion, die ein künstlerisches, audiovisuelles Meisterwerk darstellt und es in einen interdisziplinären Dialog mit der Wissenschaft einbindet.

Spätere Aufführungen werden mit wechselnden Vorträgen aus den Wissenschaftsbereichen Kulturgeschichte, Medientheorie und Physik von renommierten Referenten und Referentinnen präsentiert. Details sind der Website www.farbklang.org mit ständig aktualisierten Angaben betreffend Referentenliste zu entnehmen.

Les COULEURS conquièrent la coupole de projection du Planétarium de Lucerne
La coupole de projection du planétarium de Lucerne s'illumine de tons lumineux. Une interaction magique de couleurs qui semble jaillir de toutes les directions, déclenchée par une main magique qui vous emmène dans les mystères des couleurs, des formes et de la force interne de la matière - les plis du temps.

La MUSIQUE accompagne les mouvements colorés.
Ces jeux de couleurs sont accompagnés d'une toile de fond musicale enveloppante. Les sons, venant de toutes les directions, s'entrelacent de manière fascinante. Ils sont tantôt familiers, tantôt étranges, adaptés ou volontairement non conventionnels - des rythmes spatiaux.

"Rythmes spatiaux : Pliages temporels" réunit la peinture, la musique et l'astronomie et pose des questions universelles sur la perception et la génération de sens. Pour la première fois, le public assiste à une projection sous coupole qui constitue un chef-d'œuvre artistique et audiovisuel et l'intègre dans un dialogue interdisciplinaire avec la science.

Les représentations ultérieures seront présentées avec des conférences alternées dans les domaines scientifiques de l'histoire culturelle, de la théorie des médias et de la physique, données par des conférenciers et conférencières de renom. Pour plus de détails, veuillez consulter le site www.farbklang.org avec des informations constamment mises à jour concernant la liste des intervenants.

I COLORI conquistano la cupola di proiezione del Planetario di Lucerna
La cupola di proiezione del Planetario di Lucerna risplende di colori vibranti. Un magico gioco di colori, che sembra provenire da tutte le direzioni, innescato da una mano magica che vi porta nei segreti dei colori, delle forme e del potere interiore della materia - le pieghe del tempo.

La MUSICA scorre intorno ai movimenti colorati
Questi giochi di colore sono accompagnati da un avvolgente sottofondo musicale. I suoni si intrecciano in modo affascinante, provenendo da tutte le direzioni. Sono a volte familiari, a volte strani, adatti e volutamente non convenzionali - ritmi spaziali.

"Ritmi spaziali: Time Folds" combina pittura, musica e astronomia e pone domande universali sulla percezione e sulla generazione di significato. Per la prima volta, il pubblico sperimenterà una proiezione a cupola che rappresenta un capolavoro artistico e audiovisivo e lo integra in un dialogo interdisciplinare con la scienza.

Le performance successive saranno presentate con lezioni alternate dai campi scientifici della storia culturale, della teoria dei media e della fisica da parte di relatori rinomati. I dettagli sono disponibili sul sito www.farbklang.org con informazioni costantemente aggiornate sull'elenco dei relatori.

COLORS conquer the projection dome of the Lucerne Planetarium
The projection dome of the Lucerne Planetarium shines in luminous hues. A magical interplay of colors, seemingly emanating from all directions, triggered by a magical hand that takes you into the secrets of colors, shapes and the inner power of matter - time folds.

MUSIC flows around the colorful movements
These plays of color are accompanied by an enveloping musical backdrop. The sounds interweave in a fascinating way, coming from all directions. They are sometimes familiar, sometimes strange, fitting and deliberately unconventional - spatial rhythms.

"Spatial rhythms: Time Folds" combines painting, music and astronomy and poses universal questions about perception and the generation of meaning. For the first time, the audience will experience a dome projection that represents an artistic, audiovisual masterpiece and integrates it into an interdisciplinary dialog with science.

Subsequent performances will be presented with alternating lectures from the scientific fields of cultural history, media theory and physics by renowned speakers. Details can be found on the website www.farbklang.org with constantly updated information on the list of speakers.

(Text: Planetarium, Luzern)

Veranstaltung ansehen →
Raumrhythmen: Zeitfaltungen | Planetarium | Luzern
Jan.
12
8:00 PM20:00
Projektion, Zentralschweiz, Schweiz

Raumrhythmen: Zeitfaltungen | Planetarium | Luzern

Planetarium | Luzern
12. Januar 2024

Raumrhythmen : Zeitfaltungen

Projektion (Malerei): Nicole Schmölzer
Musik: Bernhard Dittmann

film still ©Nicole Schmölzer, Pro Litteris

FARBEN erobern die Projektionskuppel des Planetariums Luzern
Die Projektionskuppel des Planetariums Luzern erstrahlt in leuchtenden Tönen. Ein magisches Zusammenspiel von Farben, das scheinbar aus allen Richtungen entspringt, ausgelöst von einer magischen Hand, die Sie entführt in die Geheimnisse von Farben, Formen und der inneren Kraft der Materie – Zeitfaltungen.

MUSIK umfliesst die farblichen Bewegungen
Begleitet werden diese Farbenspiele von einer umhüllenden, musikalischen Kulisse. Die Klänge verweben sich aus allen Richtungen kommend auf faszinierende Weise. Sie sind mal vertraut, mal fremd, passend und absichtlich unkonventionell – Raumrhythmen.

«Raumrhythmen: Zeitfaltungen» vereint Malerei, Musik und Astronomie und stellt universelle Fragen zur Wahrnehmung und Bedeutungsgenerierung. Zum ersten Mal erlebt das Publikum eine Kuppelprojektion, die ein künstlerisches, audiovisuelles Meisterwerk darstellt und es in einen interdisziplinären Dialog mit der Wissenschaft einbindet.

Spätere Aufführungen werden mit wechselnden Vorträgen aus den Wissenschaftsbereichen Kulturgeschichte, Medientheorie und Physik von renommierten Referenten und Referentinnen präsentiert. Details sind der Website www.farbklang.org mit ständig aktualisierten Angaben betreffend Referentenliste zu entnehmen.

Les COULEURS conquièrent la coupole de projection du Planétarium de Lucerne
La coupole de projection du planétarium de Lucerne s'illumine de tons lumineux. Une interaction magique de couleurs qui semble jaillir de toutes les directions, déclenchée par une main magique qui vous emmène dans les mystères des couleurs, des formes et de la force interne de la matière - les plis du temps.

La MUSIQUE accompagne les mouvements colorés.
Ces jeux de couleurs sont accompagnés d'une toile de fond musicale enveloppante. Les sons, venant de toutes les directions, s'entrelacent de manière fascinante. Ils sont tantôt familiers, tantôt étranges, adaptés ou volontairement non conventionnels - des rythmes spatiaux.

"Rythmes spatiaux : Pliages temporels" réunit la peinture, la musique et l'astronomie et pose des questions universelles sur la perception et la génération de sens. Pour la première fois, le public assiste à une projection sous coupole qui constitue un chef-d'œuvre artistique et audiovisuel et l'intègre dans un dialogue interdisciplinaire avec la science.

Les représentations ultérieures seront présentées avec des conférences alternées dans les domaines scientifiques de l'histoire culturelle, de la théorie des médias et de la physique, données par des conférenciers et conférencières de renom. Pour plus de détails, veuillez consulter le site www.farbklang.org avec des informations constamment mises à jour concernant la liste des intervenants.

I COLORI conquistano la cupola di proiezione del Planetario di Lucerna
La cupola di proiezione del Planetario di Lucerna risplende di colori vibranti. Un magico gioco di colori, che sembra provenire da tutte le direzioni, innescato da una mano magica che vi porta nei segreti dei colori, delle forme e del potere interiore della materia - le pieghe del tempo.

La MUSICA scorre intorno ai movimenti colorati
Questi giochi di colore sono accompagnati da un avvolgente sottofondo musicale. I suoni si intrecciano in modo affascinante, provenendo da tutte le direzioni. Sono a volte familiari, a volte strani, adatti e volutamente non convenzionali - ritmi spaziali.

"Ritmi spaziali: Time Folds" combina pittura, musica e astronomia e pone domande universali sulla percezione e sulla generazione di significato. Per la prima volta, il pubblico sperimenterà una proiezione a cupola che rappresenta un capolavoro artistico e audiovisivo e lo integra in un dialogo interdisciplinare con la scienza.

Le performance successive saranno presentate con lezioni alternate dai campi scientifici della storia culturale, della teoria dei media e della fisica da parte di relatori rinomati. I dettagli sono disponibili sul sito www.farbklang.org con informazioni costantemente aggiornate sull'elenco dei relatori.

COLORS conquer the projection dome of the Lucerne Planetarium
The projection dome of the Lucerne Planetarium shines in luminous hues. A magical interplay of colors, seemingly emanating from all directions, triggered by a magical hand that takes you into the secrets of colors, shapes and the inner power of matter - time folds.

MUSIC flows around the colorful movements
These plays of color are accompanied by an enveloping musical backdrop. The sounds interweave in a fascinating way, coming from all directions. They are sometimes familiar, sometimes strange, fitting and deliberately unconventional - spatial rhythms.

"Spatial rhythms: Time Folds" combines painting, music and astronomy and poses universal questions about perception and the generation of meaning. For the first time, the audience will experience a dome projection that represents an artistic, audiovisual masterpiece and integrates it into an interdisciplinary dialog with science.

Subsequent performances will be presented with alternating lectures from the scientific fields of cultural history, media theory and physics by renowned speakers. Details can be found on the website www.farbklang.org with constantly updated information on the list of speakers.

(Text: Planetarium, Luzern)

Veranstaltung ansehen →
Photographie retouchée – Stephan Wittmer | Kornschütte Luzern
Jan.
12
bis 28. Jan.
Ausstellung, Zentralschweiz, Schweiz

Photographie retouchée – Stephan Wittmer | Kornschütte Luzern

Kornschütte Luzern
12. – 28. Januar 2024

Photographie retouchée
Stephan Wittmer

© Stephan Wittmer

Der Ausstellungstitel stammt aus der Fotografie auf der Einladungskarte: Sie zeigt ein angeschnittenes Plakat, auf dem ein Model mit luxuriöser Uhr und Damentasche vor einem neutralen Grau sitzt. Unten links steht klein gedruckt Photographie retouchée. In Frankreich müssen kommerzielle Fotos, auf denen die Figur der Models digital verändert wurde, mit diesem Hinweis gekennzeichnet werden. Das Glas des Schaufensters, in dem sich das fotografierte Plakat befindet, reflektiert die Silhouette Stephan Wittmers: Er hält die Kamera auf Bauchhöhe, das Objektiv spiegelt sich im Cartier-C der Handtasche.

Warum «wiederberührte Fotografie»? Bildtheoretisch ist die Fotografie ein Lichtmedium, das unmittelbar physikalische Spuren der Wirklichkeit festhält: Die abgebildete Realität ist in der Fotografie materiell verkörpert. Fotografien sind Berührungsreliquien: Wie die religiösen Gegenstände, die die Heiligen zu ihren Lebzeiten berührt haben, sind auch die Fotografien vom reflektierten Licht der vergangenen Welt berührt worden. Der digitale Speicher der Kamera archiviert diese flüchtigen Kontaktmomente, er dient wie die Damentasche als Aufbewahrungsort. Stephan Wittmer interessiert sich für die Materialisierung des digital gespeicherten Bildes, weil die ausgedruckte Fotografie die profane Berührung durch das Licht physisch erfahrbar macht: Es ist so, als ob wir diese Berührung selbst berühren würden; der fotografische Print ist wörtlich eine Photographie retouchée. […]

Le titre de l'exposition provient de la photographie figurant sur le carton d'invitation : vous y voyez une affiche entaillée sur laquelle un modèle portant une montre de luxe et un sac de dame est assis devant un gris neutre. En bas à gauche, on peut lire en petits caractères Photographie retouchée. En France, les photos commerciales sur lesquelles la silhouette des mannequins a été modifiée numériquement doivent porter cette note. La vitre de la vitrine où se trouve l'affiche photographiée reflète la silhouette de Stephan Wittmer : il tient l'appareil photo à hauteur du ventre, l'objectif se reflète dans le C Cartier du sac à main.

Pourquoi une "photographie touchée à nouveau" ? Du point de vue de la théorie de l'image, la photographie est un médium lumineux qui fixe directement des traces physiques de la réalité : La réalité représentée est incarnée matériellement dans la photographie. Les photographies sont des reliques de contact : Tout comme les objets religieux que les saints ont touchés de leur vivant, les photographies ont également été touchées par la lumière réfléchie du monde passé. La mémoire numérique de l'appareil photo archive ces moments de contact éphémères, elle sert, comme le sac de dame, de lieu de conservation. Stephan Wittmer s'intéresse à la matérialisation du visuel enregistré numériquement, car la photographie imprimée rend le contact profane physiquement perceptible par la lumière : c'est comme si nous touchions nous-mêmes ce contact ; l'impression photographique est littéralement une Photographie retouchée. [...]

Il titolo della mostra deriva dalla fotografia del biglietto d'invito: si tratta di un poster ritagliato su cui è seduta una modella con un orologio di lusso e una borsa da donna davanti a uno sfondo grigio neutro. Photographie retouchée è stampato in caratteri piccoli in basso a sinistra. In Francia, le foto commerciali in cui la figura della modella è stata alterata digitalmente devono essere etichettate con questa dicitura. Il vetro della vetrina in cui si trova il poster fotografato riflette la silhouette di Stephan Wittmer: egli tiene la macchina fotografica all'altezza dello stomaco, l'obiettivo si riflette nella Cartier-C della borsetta.

Perché "fotografia ritoccata"? In termini di teoria dell'immagine, la fotografia è un mezzo leggero che cattura direttamente le tracce fisiche della realtà: La realtà rappresentata è materialmente incarnata nella fotografia. Le fotografie sono reliquie di contatto: Come gli oggetti religiosi che i santi hanno toccato durante la loro vita, anche le fotografie sono state toccate dalla luce riflessa del mondo passato. La memoria digitale della macchina fotografica archivia questi fugaci momenti di contatto, fungendo da deposito come una borsa da donna. Stephan Wittmer è interessato alla materializzazione dell'immagine archiviata digitalmente, perché la fotografia stampata rende fisicamente tangibile il tocco profano della luce: "È come se noi stessi toccassimo questo tocco; la stampa fotografica è letteralmente una fotografia ritoccata. [...]

The exhibition title comes from the photograph on the invitation card: it shows a cropped poster on which a model with a luxurious watch and ladies' bag is sitting in front of a neutral gray background. Photographie retouchée is printed in small letters at the bottom left. In France, commercial photos in which the model's figure has been digitally altered must be labeled with this note. The glass of the shop window in which the photographed poster is located reflects the silhouette of Stephan Wittmer: he is holding the camera at stomach height, the lens is reflected in the Cartier-C of the handbag.

Why "re-touched photography"? In terms of image theory, photography is a light medium that directly captures physical traces of reality: The reality depicted is materially embodied in the photograph. Photographs are relics of contact: Like the religious objects that the saints touched during their lifetimes, the photographs have also been touched by the reflected light of the past world. The digital memory of the camera archives these fleeting moments of contact; like the ladies' bag, it serves as a repository. Stephan Wittmer is interested in the materialization of the digitally stored visual because the printed photograph makes the profane touch of light physically tangible: it is as if we were touching this touch ourselves; the photographic print is literally a photograph retouchée. [...]

(Text: Guy Markowitsch)

Veranstaltung ansehen →
Photographie retouchée – Stephan Wittmer | Kornschütte Luzern
Jan.
11
6:00 PM18:00
Vernissage, Zentralschweiz, Schweiz

Photographie retouchée – Stephan Wittmer | Kornschütte Luzern

Kornschütte Luzern
11. Januar 2024

Begrüssung: Regula Müller, Fraktionschefin SP Stadt Luzern
Einführung: Guy Markowitsch, Luzern

Photographie retouchée
Stephan Wittmer

© Stephan Wittmer

Der Ausstellungstitel stammt aus der Fotografie auf der Einladungskarte: Sie zeigt ein angeschnittenes Plakat, auf dem ein Model mit luxuriöser Uhr und Damentasche vor einem neutralen Grau sitzt. Unten links steht klein gedruckt Photographie retouchée. In Frankreich müssen kommerzielle Fotos, auf denen die Figur der Models digital verändert wurde, mit diesem Hinweis gekennzeichnet werden. Das Glas des Schaufensters, in dem sich das fotografierte Plakat befindet, reflektiert die Silhouette Stephan Wittmers: Er hält die Kamera auf Bauchhöhe, das Objektiv spiegelt sich im Cartier-C der Handtasche.

Warum «wiederberührte Fotografie»? Bildtheoretisch ist die Fotografie ein Lichtmedium, das unmittelbar physikalische Spuren der Wirklichkeit festhält: Die abgebildete Realität ist in der Fotografie materiell verkörpert. Fotografien sind Berührungsreliquien: Wie die religiösen Gegenstände, die die Heiligen zu ihren Lebzeiten berührt haben, sind auch die Fotografien vom reflektierten Licht der vergangenen Welt berührt worden. Der digitale Speicher der Kamera archiviert diese flüchtigen Kontaktmomente, er dient wie die Damentasche als Aufbewahrungsort. Stephan Wittmer interessiert sich für die Materialisierung des digital gespeicherten Bildes, weil die ausgedruckte Fotografie die profane Berührung durch das Licht physisch erfahrbar macht: Es ist so, als ob wir diese Berührung selbst berühren würden; der fotografische Print ist wörtlich eine Photographie retouchée. […]

Le titre de l'exposition provient de la photographie figurant sur le carton d'invitation : vous y voyez une affiche entaillée sur laquelle un modèle portant une montre de luxe et un sac de dame est assis devant un gris neutre. En bas à gauche, on peut lire en petits caractères Photographie retouchée. En France, les photos commerciales sur lesquelles la silhouette des mannequins a été modifiée numériquement doivent porter cette note. La vitre de la vitrine où se trouve l'affiche photographiée reflète la silhouette de Stephan Wittmer : il tient l'appareil photo à hauteur du ventre, l'objectif se reflète dans le C Cartier du sac à main.

Pourquoi une "photographie touchée à nouveau" ? Du point de vue de la théorie de l'image, la photographie est un médium lumineux qui fixe directement des traces physiques de la réalité : La réalité représentée est incarnée matériellement dans la photographie. Les photographies sont des reliques de contact : Tout comme les objets religieux que les saints ont touchés de leur vivant, les photographies ont également été touchées par la lumière réfléchie du monde passé. La mémoire numérique de l'appareil photo archive ces moments de contact éphémères, elle sert, comme le sac de dame, de lieu de conservation. Stephan Wittmer s'intéresse à la matérialisation du visuel enregistré numériquement, car la photographie imprimée rend le contact profane physiquement perceptible par la lumière : c'est comme si nous touchions nous-mêmes ce contact ; l'impression photographique est littéralement une Photographie retouchée. [...]

Il titolo della mostra deriva dalla fotografia del biglietto d'invito: si tratta di un poster ritagliato su cui è seduta una modella con un orologio di lusso e una borsa da donna davanti a uno sfondo grigio neutro. Photographie retouchée è stampato in caratteri piccoli in basso a sinistra. In Francia, le foto commerciali in cui la figura della modella è stata alterata digitalmente devono essere etichettate con questa dicitura. Il vetro della vetrina in cui si trova il poster fotografato riflette la silhouette di Stephan Wittmer: egli tiene la macchina fotografica all'altezza dello stomaco, l'obiettivo si riflette nella Cartier-C della borsetta.

Perché "fotografia ritoccata"? In termini di teoria dell'immagine, la fotografia è un mezzo leggero che cattura direttamente le tracce fisiche della realtà: La realtà rappresentata è materialmente incarnata nella fotografia. Le fotografie sono reliquie di contatto: Come gli oggetti religiosi che i santi hanno toccato durante la loro vita, anche le fotografie sono state toccate dalla luce riflessa del mondo passato. La memoria digitale della macchina fotografica archivia questi fugaci momenti di contatto, fungendo da deposito come una borsa da donna. Stephan Wittmer è interessato alla materializzazione dell'immagine archiviata digitalmente, perché la fotografia stampata rende fisicamente tangibile il tocco profano della luce: "È come se noi stessi toccassimo questo tocco; la stampa fotografica è letteralmente una fotografia ritoccata. [...]

The exhibition title comes from the photograph on the invitation card: it shows a cropped poster on which a model with a luxurious watch and ladies' bag is sitting in front of a neutral gray background. Photographie retouchée is printed in small letters at the bottom left. In France, commercial photos in which the model's figure has been digitally altered must be labeled with this note. The glass of the shop window in which the photographed poster is located reflects the silhouette of Stephan Wittmer: he is holding the camera at stomach height, the lens is reflected in the Cartier-C of the handbag.

Why "re-touched photography"? In terms of image theory, photography is a light medium that directly captures physical traces of reality: The reality depicted is materially embodied in the photograph. Photographs are relics of contact: Like the religious objects that the saints touched during their lifetimes, the photographs have also been touched by the reflected light of the past world. The digital memory of the camera archives these fleeting moments of contact; like the ladies' bag, it serves as a repository. Stephan Wittmer is interested in the materialization of the digitally stored visual because the printed photograph makes the profane touch of light physically tangible: it is as if we were touching this touch ourselves; the photographic print is literally a photograph retouchée. [...]

(Text: Guy Markowitsch)

Veranstaltung ansehen →
Pia Zanetti – eine fotografische Zeitreise | Galleria Periferia | Luzern
Dez.
7
7:00 PM19:00
Buchvernissage, Zentralschweiz, Schweiz

Pia Zanetti – eine fotografische Zeitreise | Galleria Periferia | Luzern

Galleria Periferia | Luzern
7. Dezember 2023

Peter Pfrunder im Gespräch mit Pia Zanetti

Eine fotografische Zeitreise
Pia Zanetti

Pia Zanetti in einer Kohlemine, 1967 © Gerardo Zanetti

Pia Zanetti ist eine Pionierin des Schweizer Fotojournalismus. Über 60 Jahre lang hat sie die Welt bereist und mit ihren Fotos und Reportagen auch aus Krisengebieten berührt und aufgerüttelt. Der neue Bildband, erschienen in der Edizioni Perferia, dokumentiert in einer fotografischen Zeitreise die Kreativität, Unerschrockenheit und Menschenliebe dieser Fotografin.

Dass eine Frau Fotografin werden wollte, war um 1960 alles andere als selbstverständlich. Pia Zanetti liess sich nicht entmutigen. Als zierliche Frau, die von den Paparazzis am Anfang belächelt wurde, ging sie ihren Weg mit viel Neugier und einer erstaunlichen Beharrlichkeit. Sie wollte die Welt erfahren, Geschichten erzählen, mit ihren Bildern die Situation von Menschen und deren unterschiedlichen Wirklichkeiten vermitteln. Pia Zanetti war eine der ersten Fotoreporterinnen der Schweiz und hat mit ihrem untrüglichen Blick für den Moment und ihrem Dranbleiben während Jahrzehnten ein herausragendes fotografisches Werk hinterlassen.

Es ist ein Lebenswerk, in dem sich immer auch die Zeitgeschichte spiegelt. Pia Zanetti interessierte sich für die politischen und gesellschaftlichen Brennpunkte der Welt, an deren Schauplätzen sie Menschen und Situationen fotografierte. Zusammen mit ihrem Mann, dem Journalisten Gerardo Zanetti, war sie in den 1960er und 1970er Jahren in ganz Europa, Südafrika, Nordamerika und Südamerika unterwegs, von wo die beiden Reportagen nach Hause schickten und in renommierten Zeitungen und Magazinen veröffentlichten.

Nach dem frühen Tod ihres Mannes schlug sich Pia Zanetti alleine durch und realisierte ihre Fotoarbeiten mit unterschiedlichen Autoren und Autorinnen. Ihre Reportagen erschienen regelmässig in der NZZ Wochenende, im Magazin des Tages Anzeigers, in der Kulturzeitschrift DU, in der Annabelle oder in der Jugendzeitschrift Spick. Aufträge für verschiedene NGO’s führten sie wiederholt in den globalen Süden, nach Indien, Laos, Bangladesch, Usbekistan, Vietnam, mach Afrika und Lateinamerika.

In ihren sozialkritischen Reportagen hatte Pia Zanetti immer auch den Blick für das Unscheinbare und Spontane, das sich abseits der grossen Schlagzeilen ereignete. Ihre Porträts von Menschen, denen sie unterwegs zufällig begegnete, sind genauso spektakulär wie ihre Bilder von Berühmtheiten wie Viviane Westwood, Ennio Morricone, Art Blakey, Bette Davis, Jim Clark, Johannes Gachnang oder Max Frisch. Dieses Interesse für die Menschen in all ihrer Vielfalt und Einzigartigkeit ist ein roter Faden, der sich durch das Lebenswerk der Fotografin zieht.

Die chronologisch angelegte Struktur des Fotobandes lädt ein zu einer fotografischen Zeitreise, geprägt von einer ungeheuren Dynamik. Sie zeigt nicht nur bekannte und unbekannte Schauplätze, Menschen und ihre Milieus, sondern vermittelt auch ein Lebensgefühl. Und lässt eine Haltung spüren, in der sich Neugier, Entdeckerlust, Respekt und Menschlichkeit wunderbar vereinen. Wie im Zeitraffer durchlaufen die Fotos dieses Buches mehr als ein halbes Jahrhundert.  Dennoch möchte man mit jedem Bild die Welt ein wenig anhalten und bei ihm verweilen.

Pia Zanetti est une pionnière du photojournalisme suisse. Pendant plus de 60 ans, elle a parcouru le monde, touchant et bouleversant avec ses photos et ses reportages, y compris dans des régions en crise. Le nouveau livre de photos, paru aux Edizioni Perferia, documente dans un voyage photographique dans le temps la créativité, l'intrépidité et l'amour des gens de cette photographe.

Vers 1960, il était tout sauf évident qu'une femme veuille devenir photographe. Pia Zanetti ne s'est pas laissée décourager. Femme menue, moquée au début par les paparazzis, elle a suivi son chemin avec beaucoup de curiosité et une étonnante persévérance. Elle voulait connaître le monde, raconter des histoires, transmettre par ses photos la situation des gens et leurs différentes réalités. Pia Zanetti a été l'une des premières photoreporters de Suisse et a laissé derrière elle, pendant des décennies, une œuvre photographique exceptionnelle grâce à son regard infaillible sur l'instant et à sa persévérance.

C'est l'œuvre d'une vie, dans laquelle se reflète toujours l'histoire contemporaine. Pia Zanetti s'intéressait aux points chauds politiques et sociaux du monde, où elle photographiait des personnes et des situations. Avec son mari, le journaliste Gerardo Zanetti, elle a voyagé dans toute l'Europe, l'Afrique du Sud, l'Amérique du Nord et l'Amérique du Sud dans les années 1960 et 1970, d'où ils envoyaient des reportages chez eux et les publiaient dans des journaux et des magazines renommés.

Après le décès prématuré de son mari, Pia Zanetti s'est débrouillée seule et a réalisé ses travaux photographiques avec différents auteurs. Ses reportages sont régulièrement publiés dans le NZZ Wochenende, dans le magazine du Tages Anzeiger, dans le magazine culturel DU, dans Annabelle ou dans le magazine pour jeunes Spick. Des missions pour différentes ONG l'ont conduite à plusieurs reprises dans le Sud global, en Inde, au Laos, au Bangladesh, en Ouzbékistan, au Vietnam, en Afrique et en Amérique latine.

Dans ses reportages de critique sociale, Pia Zanetti a toujours eu un regard pour l'anodin et le spontané, qui se produisait loin des grands titres. Ses portraits de personnes rencontrées par hasard en chemin sont tout aussi spectaculaires que ses photos de célébrités comme Viviane Westwood, Ennio Morricone, Art Blakey, Bette Davis, Jim Clark, Johannes Gachnang ou Max Frisch. Cet intérêt pour les gens dans toute leur diversité et leur singularité est un fil rouge qui traverse l'œuvre de la photographe.

La structure chronologique de l'ouvrage photographique invite à un voyage photographique dans le temps, empreint d'un immense dynamisme. Elle ne montre pas seulement des lieux connus et inconnus, des personnes et leurs milieux, mais transmet également un sentiment de vie. Et fait ressentir une attitude dans laquelle la curiosité, le désir de découverte, le respect et l'humanité s'unissent à merveille. Comme en accéléré, les photos de ce livre parcourent plus d'un demi-siècle.  Pourtant, chaque photo donne envie d'arrêter un peu le monde et de s'y attarder.

Pia Zanetti è una pioniera del fotogiornalismo svizzero. Da oltre 60 anni gira il mondo, toccando e scuotendo le persone con le sue foto e i suoi reportage, anche dalle aree di crisi. Il nuovo libro illustrato, pubblicato da Edizioni Perferia, documenta la creatività, l'intrepidezza e la filantropia di questa fotografa in un viaggio fotografico nel tempo.

Intorno al 1960 era tutt'altro che scontato che una donna volesse diventare fotografa. Pia Zanetti non si lasciò scoraggiare. Donna minuta, inizialmente derisa dai paparazzi, perseguì la sua carriera con grande curiosità e sorprendente perseveranza. Voleva vivere il mondo, raccontare storie, usare le sue immagini per trasmettere la situazione delle persone e le loro diverse realtà. Pia Zanetti è stata una delle prime donne fotoreporter in Svizzera e, con il suo occhio infallibile per il momento e la sua perseveranza, ha lasciato dietro di sé un'opera fotografica eccezionale che abbraccia decenni.

È il lavoro di una vita che riflette sempre la storia contemporanea. Pia Zanetti si è interessata ai luoghi politici e sociali del mondo, dove ha fotografato persone e situazioni. Insieme al marito, il giornalista Gerardo Zanetti, negli anni Sessanta e Settanta ha viaggiato in Europa, Sudafrica, Nordamerica e Sudamerica, da dove ha inviato in patria reportage pubblicati su noti giornali e riviste.

Dopo la prematura scomparsa del marito, Pia Zanetti si è gestita da sola e ha realizzato il suo lavoro fotografico con vari autori. I suoi reportage sono apparsi regolarmente sulla NZZ Wochenende, sulla rivista Tages Anzeiger, sulla rivista culturale DU, su Annabelle e sulla rivista giovanile Spick. Gli incarichi per varie ONG l'hanno portata più volte nel Sud globale, in India, Laos, Bangladesh, Uzbekistan, Vietnam, Africa e America Latina.

Nei suoi reportage socialmente critici, Pia Zanetti ha sempre avuto un occhio di riguardo per le cose poco appariscenti e spontanee che accadevano lontano dai grandi titoli dei giornali. I suoi ritratti di persone incontrate per caso lungo la strada sono altrettanto spettacolari delle sue foto di celebrità come Viviane Westwood, Ennio Morricone, Art Blakey, Bette Davis, Jim Clark, Johannes Gachnang e Max Frisch. Questo interesse per le persone in tutta la loro diversità e unicità è un filo conduttore che attraversa il lavoro della fotografa.

La struttura cronologica del volume fotografico invita a un viaggio fotografico nel tempo, caratterizzato da un enorme dinamismo. Non solo mostra luoghi, persone e ambienti noti e sconosciuti, ma trasmette anche un atteggiamento nei confronti della vita. E trasmette un atteggiamento in cui la curiosità, il desiderio di scoprire, il rispetto e l'umanità sono meravigliosamente uniti. Come in un rapido movimento, le foto di questo libro attraversano più di mezzo secolo.  Tuttavia, ogni immagine fa venire voglia di fermare un po' il mondo e di soffermarsi su di esso.

Pia Zanetti is a pioneer of Swiss photojournalism. For over 60 years, she has traveled the world, touching and shaking people up with her photos and reports, even from crisis areas. The new illustrated book, published by Edizioni Perferia, documents this photographer's creativity, fearlessness and love of humanity in a photographic journey through time.

Around 1960, it was anything but a matter of course that a woman wanted to become a photographer. Pia Zanetti was not discouraged. A petite woman who was initially ridiculed by the paparazzi, she pursued her career with great curiosity and astonishing perseverance. She wanted to experience the world, tell stories, use her pictures to convey the situation of people and their different realities. Pia Zanetti was one of the first female photojournalists in Switzerland and, with her unerring eye for the moment and her perseverance, has left behind an outstanding photographic oeuvre spanning decades.

It is a life's work that always reflects contemporary history. Pia Zanetti was interested in the political and social hotspots of the world, where she photographed people and situations. Together with her husband, the journalist Gerardo Zanetti, she traveled throughout Europe, South Africa, North America and South America in the 1960s and 1970s, from where they sent reports home and published them in renowned newspapers and magazines.

After the early death of her husband, Pia Zanetti managed on her own and realized her photographic work with various authors. Her reportages appeared regularly in the NZZ Wochenende, in the Tages Anzeiger magazine, in the cultural magazine DU, in Annabelle and in the youth magazine Spick. Assignments for various NGOs have repeatedly taken her to the Global South, India, Laos, Bangladesh, Uzbekistan, Vietnam, Africa and Latin America.

In her socially critical reportages, Pia Zanetti always had an eye for the inconspicuous and spontaneous things that happened away from the big headlines. Her portraits of people she met by chance along the way are just as spectacular as her pictures of celebrities such as Viviane Westwood, Ennio Morricone, Art Blakey, Bette Davis, Jim Clark, Johannes Gachnang and Max Frisch. This interest in people in all their diversity and uniqueness is a common thread that runs through the photographer's life's work.

The chronological structure of the photo volume invites you on a photographic journey through time, characterized by a tremendous dynamism. It not only shows known and unknown locations, people and their milieus, but also conveys an attitude to life. And it conveys an attitude in which curiosity, the desire to discover, respect and humanity are wonderfully united. As if in fast motion, the photos in this book run through more than half a century.  Nevertheless, each picture makes you want to stop the world a little and linger with it.

(Text: Pirmin Bossart)

Veranstaltung ansehen →
Lichtstoff und Luftfarben - Guido Baselgia | Kunsthaus Zug
Dez.
3
11:00 AM11:00
Art Tour, Artist Talk, Zürich, Zentralschweiz, Schweiz

Lichtstoff und Luftfarben - Guido Baselgia | Kunsthaus Zug

Kunsthaus Zug
3. Dezember 2023

Guided Tour in English with Fabienne Loosli, art historian, exhibition management

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

Luftfarben № 01, Guldringnes, 22.1.2022, 08:15, «Erste Sonne» © Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Veranstaltung ansehen →
Raumrhythmen: Zeitfaltungen | Planetarium | Luzern
Dez.
2
8:00 PM20:00
Projektion, Zentralschweiz, Schweiz

Raumrhythmen: Zeitfaltungen | Planetarium | Luzern

Planetarium | Luzern
2. Dezember 2023

Raumrhythmen : Zeitfaltungen

Projektion (Malerei): Nicole Schmölzer
Musik: Bernhard Dittmann

film still ©Nicole Schmölzer, Pro Litteris

FARBEN erobern die Projektionskuppel des Planetariums Luzern
Die Projektionskuppel des Planetariums Luzern erstrahlt in leuchtenden Tönen. Ein magisches Zusammenspiel von Farben, das scheinbar aus allen Richtungen entspringt, ausgelöst von einer magischen Hand, die Sie entführt in die Geheimnisse von Farben, Formen und der inneren Kraft der Materie – Zeitfaltungen.

MUSIK umfliesst die farblichen Bewegungen
Begleitet werden diese Farbenspiele von einer umhüllenden, musikalischen Kulisse. Die Klänge verweben sich aus allen Richtungen kommend auf faszinierende Weise. Sie sind mal vertraut, mal fremd, passend und absichtlich unkonventionell – Raumrhythmen.

«Raumrhythmen: Zeitfaltungen» vereint Malerei, Musik und Astronomie und stellt universelle Fragen zur Wahrnehmung und Bedeutungsgenerierung. Zum ersten Mal erlebt das Publikum eine Kuppelprojektion, die ein künstlerisches, audiovisuelles Meisterwerk darstellt und es in einen interdisziplinären Dialog mit der Wissenschaft einbindet.

Spätere Aufführungen werden mit wechselnden Vorträgen aus den Wissenschaftsbereichen Kulturgeschichte, Medientheorie und Physik von renommierten Referenten und Referentinnen präsentiert. Details sind der Website www.farbklang.org mit ständig aktualisierten Angaben betreffend Referentenliste zu entnehmen.

Les COULEURS conquièrent la coupole de projection du Planétarium de Lucerne
La coupole de projection du planétarium de Lucerne s'illumine de tons lumineux. Une interaction magique de couleurs qui semble jaillir de toutes les directions, déclenchée par une main magique qui vous emmène dans les mystères des couleurs, des formes et de la force interne de la matière - les plis du temps.

La MUSIQUE accompagne les mouvements colorés.
Ces jeux de couleurs sont accompagnés d'une toile de fond musicale enveloppante. Les sons, venant de toutes les directions, s'entrelacent de manière fascinante. Ils sont tantôt familiers, tantôt étranges, adaptés ou volontairement non conventionnels - des rythmes spatiaux.

"Rythmes spatiaux : Pliages temporels" réunit la peinture, la musique et l'astronomie et pose des questions universelles sur la perception et la génération de sens. Pour la première fois, le public assiste à une projection sous coupole qui constitue un chef-d'œuvre artistique et audiovisuel et l'intègre dans un dialogue interdisciplinaire avec la science.

Les représentations ultérieures seront présentées avec des conférences alternées dans les domaines scientifiques de l'histoire culturelle, de la théorie des médias et de la physique, données par des conférenciers et conférencières de renom. Pour plus de détails, veuillez consulter le site www.farbklang.org avec des informations constamment mises à jour concernant la liste des intervenants.

I COLORI conquistano la cupola di proiezione del Planetario di Lucerna
La cupola di proiezione del Planetario di Lucerna risplende di colori vibranti. Un magico gioco di colori, che sembra provenire da tutte le direzioni, innescato da una mano magica che vi porta nei segreti dei colori, delle forme e del potere interiore della materia - le pieghe del tempo.

La MUSICA scorre intorno ai movimenti colorati
Questi giochi di colore sono accompagnati da un avvolgente sottofondo musicale. I suoni si intrecciano in modo affascinante, provenendo da tutte le direzioni. Sono a volte familiari, a volte strani, adatti e volutamente non convenzionali - ritmi spaziali.

"Ritmi spaziali: Time Folds" combina pittura, musica e astronomia e pone domande universali sulla percezione e sulla generazione di significato. Per la prima volta, il pubblico sperimenterà una proiezione a cupola che rappresenta un capolavoro artistico e audiovisivo e lo integra in un dialogo interdisciplinare con la scienza.

Le performance successive saranno presentate con lezioni alternate dai campi scientifici della storia culturale, della teoria dei media e della fisica da parte di relatori rinomati. I dettagli sono disponibili sul sito www.farbklang.org con informazioni costantemente aggiornate sull'elenco dei relatori.

COLORS conquer the projection dome of the Lucerne Planetarium
The projection dome of the Lucerne Planetarium shines in luminous hues. A magical interplay of colors, seemingly emanating from all directions, triggered by a magical hand that takes you into the secrets of colors, shapes and the inner power of matter - time folds.

MUSIC flows around the colorful movements
These plays of color are accompanied by an enveloping musical backdrop. The sounds interweave in a fascinating way, coming from all directions. They are sometimes familiar, sometimes strange, fitting and deliberately unconventional - spatial rhythms.

"Spatial rhythms: Time Folds" combines painting, music and astronomy and poses universal questions about perception and the generation of meaning. For the first time, the audience will experience a dome projection that represents an artistic, audiovisual masterpiece and integrates it into an interdisciplinary dialog with science.

Subsequent performances will be presented with alternating lectures from the scientific fields of cultural history, media theory and physics by renowned speakers. Details can be found on the website www.farbklang.org with constantly updated information on the list of speakers.

(Text: Planetarium, Luzern)

Veranstaltung ansehen →
Lichtstoff und Luftfarben - Guido Baselgia | Kunsthaus Zug
Nov.
26
11:00 AM11:00
Art Tour, Artist Talk, Zürich, Zentralschweiz, Schweiz

Lichtstoff und Luftfarben - Guido Baselgia | Kunsthaus Zug

Kunsthaus Zug
26. November 2023

Ausstellungsrundgang mit Guido Baselgia und Matthias Haldemann

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

Luftfarben № 01, Guldringnes, 22.1.2022, 08:15, «Erste Sonne» © Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Veranstaltung ansehen →
Lichtstoff und Luftfarben - Guido Baselgia | Kunsthaus Zug
Nov.
12
11:00 AM11:00
Art Tour, Artist Talk, Zürich, Zentralschweiz, Schweiz

Lichtstoff und Luftfarben - Guido Baselgia | Kunsthaus Zug

Kunsthaus Zug
12. November 2023

Ausstellungsrundgang mit Guido Baselgia und Matthias Haldemann

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

Luftfarben № 01, Guldringnes, 22.1.2022, 08:15, «Erste Sonne» © Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Veranstaltung ansehen →
Tracings - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Luzern
Nov.
8
6:00 PM18:00
Lesung, Zentralschweiz, Schweiz, Mediacooperation

Tracings - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Luzern

Kunstmuseum Luzern
8. November 2023

Das Foto schaute mich an: Lesung der Schriftstellerin Katja Petrowskaja, Gespräch mit der Autorin und dem Künstler Daniel Schwartz, moderiert von Beat Wismer, Gastkurator, in Kooperation mit lit.z Literaturhaus Zentralschweiz

Tracings
Daniel Schwartz

Hunger. Jakarta, Indonesien, 1994, Fotografie, © 2023 Daniel Schwartz / VII, ProLitteris, Zürich

Daniel Schwartz (*1955) reist dahin, wo es brennt, in die Krisenregionen dieser Welt. Akribisch hält er Situationen mit der Kamera fest, in denen andere wegschauen. Der Schweizer Fotograf ist ein Fährtenleser, der sich auf die Spur seines eigenen Werks macht. Für die Ausstellung Tracings öffnet er sein Archiv, das einen umfangreichen Bildkorpus aus den letzten 50 Jahren umfasst, und zeigt unveröffentlichte Schätze. Auch in seinen Bildern folgt Daniel Schwartz Spuren: traurigen Überresten von verschwindenden Gletschern auf der ganzen Welt, dem Marsch von Khmer-Soldaten auf einer verminten Strasse in Kambodscha, die leer zurückgelassene Nische der von den Taliban zerstörten Buddhastatuen in Bamiyan oder von Uigur:innen unter Zwang gegrabenen Bewässerungskanälen in der chinesischen Wüste. Dabei vertritt er eine engagierte Haltung, niemals die Menschen blossstellend, die er unter schwierigen Umständen porträtiert. Ausschliesslich analog und meist schwarzweiss zeugen Schwartz’ Bilder von seinem kritischen Auge, mit dem er die Brutalität der Wirklichkeit in den Fokus nimmt.

Kuratiert von Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) se rend là où ça brûle, dans les régions en crise du monde. Il immortalise méticuleusement avec son appareil photo des situations où d'autres détournent le regard. Le photographe suisse est un traqueur qui part sur les traces de son propre travail. Pour l'exposition Tracings, il ouvre ses archives, qui comprennent un vaste corpus d'images des 50 dernières années, et montre des trésors inédits. Dans ses images aussi, Daniel Schwartz suit des pistes : les tristes vestiges de glaciers en voie de disparition dans le monde entier, la marche de soldats khmers sur une route minée au Cambodge, la niche laissée vide des statues de Bouddha détruites par les talibans à Bamiyan ou des canaux d'irrigation creusés sous la contrainte par des Ouïghours dans le désert chinois. Il adopte une attitude engagée, ne mettant jamais à nu les personnes dont il fait le portrait dans des conditions difficiles. Exclusivement analogiques et le plus souvent en noir et blanc, les images de Schwartz témoignent de son œil critique, avec lequel il met l'accent sur la brutalité de la réalité.

Commissariat de Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) viaggia dove c'è il fuoco, nelle aree di crisi di questo mondo. Con la sua macchina fotografica cattura meticolosamente situazioni in cui gli altri guardano altrove. Il fotografo svizzero è un segugio che si mette sulle tracce del proprio lavoro. Per la mostra Tracings, apre il suo archivio, che comprende un ampio corpus di immagini degli ultimi 50 anni, e mostra tesori inediti. Daniel Schwartz segue le tracce anche nelle sue immagini: i tristi resti di ghiacciai scomparsi in tutto il mondo, la marcia dei soldati khmer su una strada minata in Cambogia, la nicchia vuota delle statue di Buddha a Bamiyan distrutte dai Talebani o i canali di irrigazione nel deserto cinese scavati sotto costrizione dagli Uigur:ins. Nel farlo, assume una posizione impegnata, senza mai esporre le persone che ritrae in circostanze difficili. Esclusivamente analogiche e per lo più in bianco e nero, le immagini di Schwartz testimoniano il suo occhio critico, con cui mette a fuoco la brutalità della realtà.

A cura di Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) travels to hot spots, the world’s crisis regions. He meticulously photographs situations others looks away from. The Swiss photographer is a tracker, who is now setting out on the trail of his own work. For the exhibition Tracings he is opening his archive, with its extensive range of images from the past 50 years, and showing unpublished treasures. Daniel Schwartz also follows trails in his images: sad remains of disappearing glaciers all over the world, Khmer soldiers marching along a mined road in Cambodia, an empty niche left by the Buddha statues in Bamyan destroyed by the Taliban or irrigation tunnels in the Chinese desert which Uyghurs were forced to dig. In doing so the photographer adopts an involved attitude, never showing up the people he portrays under such difficult circumstances. Schwartz’ photographs, all of them analogue and most of them black-and-white, testify to the critical eye he casts on the brutality of reality.

Curated by Beat Wismer

                (Text: Kunstmuseum Luzern)

Veranstaltung ansehen →
Tracings - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Luzern
Okt.
4
6:00 PM18:00
Artist Talk, Zentralschweiz, Schweiz, Mediacooperation

Tracings - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Luzern

Kunstmuseum Luzern
4. Oktober 2023

Den Krieg dokumentieren: Podiumsgespräch mit den VII-Fotografen Daniel Schwartz und Christopher Morris, in englischer Sprache, in Kooperation mit VII/Foundation

Tracings
Daniel Schwartz

Hunger. Jakarta, Indonesien, 1994, Fotografie, © 2023 Daniel Schwartz / VII, ProLitteris, Zürich

Daniel Schwartz (*1955) reist dahin, wo es brennt, in die Krisenregionen dieser Welt. Akribisch hält er Situationen mit der Kamera fest, in denen andere wegschauen. Der Schweizer Fotograf ist ein Fährtenleser, der sich auf die Spur seines eigenen Werks macht. Für die Ausstellung Tracings öffnet er sein Archiv, das einen umfangreichen Bildkorpus aus den letzten 50 Jahren umfasst, und zeigt unveröffentlichte Schätze. Auch in seinen Bildern folgt Daniel Schwartz Spuren: traurigen Überresten von verschwindenden Gletschern auf der ganzen Welt, dem Marsch von Khmer-Soldaten auf einer verminten Strasse in Kambodscha, die leer zurückgelassene Nische der von den Taliban zerstörten Buddhastatuen in Bamiyan oder von Uigur:innen unter Zwang gegrabenen Bewässerungskanälen in der chinesischen Wüste. Dabei vertritt er eine engagierte Haltung, niemals die Menschen blossstellend, die er unter schwierigen Umständen porträtiert. Ausschliesslich analog und meist schwarzweiss zeugen Schwartz’ Bilder von seinem kritischen Auge, mit dem er die Brutalität der Wirklichkeit in den Fokus nimmt.

Kuratiert von Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) se rend là où ça brûle, dans les régions en crise du monde. Il immortalise méticuleusement avec son appareil photo des situations où d'autres détournent le regard. Le photographe suisse est un traqueur qui part sur les traces de son propre travail. Pour l'exposition Tracings, il ouvre ses archives, qui comprennent un vaste corpus d'images des 50 dernières années, et montre des trésors inédits. Dans ses images aussi, Daniel Schwartz suit des pistes : les tristes vestiges de glaciers en voie de disparition dans le monde entier, la marche de soldats khmers sur une route minée au Cambodge, la niche laissée vide des statues de Bouddha détruites par les talibans à Bamiyan ou des canaux d'irrigation creusés sous la contrainte par des Ouïghours dans le désert chinois. Il adopte une attitude engagée, ne mettant jamais à nu les personnes dont il fait le portrait dans des conditions difficiles. Exclusivement analogiques et le plus souvent en noir et blanc, les images de Schwartz témoignent de son œil critique, avec lequel il met l'accent sur la brutalité de la réalité.

Commissariat de Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) viaggia dove c'è il fuoco, nelle aree di crisi di questo mondo. Con la sua macchina fotografica cattura meticolosamente situazioni in cui gli altri guardano altrove. Il fotografo svizzero è un segugio che si mette sulle tracce del proprio lavoro. Per la mostra Tracings, apre il suo archivio, che comprende un ampio corpus di immagini degli ultimi 50 anni, e mostra tesori inediti. Daniel Schwartz segue le tracce anche nelle sue immagini: i tristi resti di ghiacciai scomparsi in tutto il mondo, la marcia dei soldati khmer su una strada minata in Cambogia, la nicchia vuota delle statue di Buddha a Bamiyan distrutte dai Talebani o i canali di irrigazione nel deserto cinese scavati sotto costrizione dagli Uigur:ins. Nel farlo, assume una posizione impegnata, senza mai esporre le persone che ritrae in circostanze difficili. Esclusivamente analogiche e per lo più in bianco e nero, le immagini di Schwartz testimoniano il suo occhio critico, con cui mette a fuoco la brutalità della realtà.

A cura di Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) travels to hot spots, the world’s crisis regions. He meticulously photographs situations others looks away from. The Swiss photographer is a tracker, who is now setting out on the trail of his own work. For the exhibition Tracings he is opening his archive, with its extensive range of images from the past 50 years, and showing unpublished treasures. Daniel Schwartz also follows trails in his images: sad remains of disappearing glaciers all over the world, Khmer soldiers marching along a mined road in Cambodia, an empty niche left by the Buddha statues in Bamyan destroyed by the Taliban or irrigation tunnels in the Chinese desert which Uyghurs were forced to dig. In doing so the photographer adopts an involved attitude, never showing up the people he portrays under such difficult circumstances. Schwartz’ photographs, all of them analogue and most of them black-and-white, testify to the critical eye he casts on the brutality of reality.

Curated by Beat Wismer

                (Text: Kunstmuseum Luzern)

Veranstaltung ansehen →
Tracings - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Luzern
Sept.
30
1:00 PM13:00
Art Tour, Artist Talk, Zentralschweiz, Schweiz, Mediacooperation

Tracings - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Luzern

Kunstmuseum Luzern
30. September 2023

Rundgang mit Daniel Schwartz und Beat Wismer

Tracings
Daniel Schwartz

Hunger. Jakarta, Indonesien, 1994, Fotografie, © 2023 Daniel Schwartz / VII, ProLitteris, Zürich

Daniel Schwartz (*1955) reist dahin, wo es brennt, in die Krisenregionen dieser Welt. Akribisch hält er Situationen mit der Kamera fest, in denen andere wegschauen. Der Schweizer Fotograf ist ein Fährtenleser, der sich auf die Spur seines eigenen Werks macht. Für die Ausstellung Tracings öffnet er sein Archiv, das einen umfangreichen Bildkorpus aus den letzten 50 Jahren umfasst, und zeigt unveröffentlichte Schätze. Auch in seinen Bildern folgt Daniel Schwartz Spuren: traurigen Überresten von verschwindenden Gletschern auf der ganzen Welt, dem Marsch von Khmer-Soldaten auf einer verminten Strasse in Kambodscha, die leer zurückgelassene Nische der von den Taliban zerstörten Buddhastatuen in Bamiyan oder von Uigur:innen unter Zwang gegrabenen Bewässerungskanälen in der chinesischen Wüste. Dabei vertritt er eine engagierte Haltung, niemals die Menschen blossstellend, die er unter schwierigen Umständen porträtiert. Ausschliesslich analog und meist schwarzweiss zeugen Schwartz’ Bilder von seinem kritischen Auge, mit dem er die Brutalität der Wirklichkeit in den Fokus nimmt.

Kuratiert von Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) se rend là où ça brûle, dans les régions en crise du monde. Il immortalise méticuleusement avec son appareil photo des situations où d'autres détournent le regard. Le photographe suisse est un traqueur qui part sur les traces de son propre travail. Pour l'exposition Tracings, il ouvre ses archives, qui comprennent un vaste corpus d'images des 50 dernières années, et montre des trésors inédits. Dans ses images aussi, Daniel Schwartz suit des pistes : les tristes vestiges de glaciers en voie de disparition dans le monde entier, la marche de soldats khmers sur une route minée au Cambodge, la niche laissée vide des statues de Bouddha détruites par les talibans à Bamiyan ou des canaux d'irrigation creusés sous la contrainte par des Ouïghours dans le désert chinois. Il adopte une attitude engagée, ne mettant jamais à nu les personnes dont il fait le portrait dans des conditions difficiles. Exclusivement analogiques et le plus souvent en noir et blanc, les images de Schwartz témoignent de son œil critique, avec lequel il met l'accent sur la brutalité de la réalité.

Commissariat de Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) viaggia dove c'è il fuoco, nelle aree di crisi di questo mondo. Con la sua macchina fotografica cattura meticolosamente situazioni in cui gli altri guardano altrove. Il fotografo svizzero è un segugio che si mette sulle tracce del proprio lavoro. Per la mostra Tracings, apre il suo archivio, che comprende un ampio corpus di immagini degli ultimi 50 anni, e mostra tesori inediti. Daniel Schwartz segue le tracce anche nelle sue immagini: i tristi resti di ghiacciai scomparsi in tutto il mondo, la marcia dei soldati khmer su una strada minata in Cambogia, la nicchia vuota delle statue di Buddha a Bamiyan distrutte dai Talebani o i canali di irrigazione nel deserto cinese scavati sotto costrizione dagli Uigur:ins. Nel farlo, assume una posizione impegnata, senza mai esporre le persone che ritrae in circostanze difficili. Esclusivamente analogiche e per lo più in bianco e nero, le immagini di Schwartz testimoniano il suo occhio critico, con cui mette a fuoco la brutalità della realtà.

A cura di Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) travels to hot spots, the world’s crisis regions. He meticulously photographs situations others looks away from. The Swiss photographer is a tracker, who is now setting out on the trail of his own work. For the exhibition Tracings he is opening his archive, with its extensive range of images from the past 50 years, and showing unpublished treasures. Daniel Schwartz also follows trails in his images: sad remains of disappearing glaciers all over the world, Khmer soldiers marching along a mined road in Cambodia, an empty niche left by the Buddha statues in Bamyan destroyed by the Taliban or irrigation tunnels in the Chinese desert which Uyghurs were forced to dig. In doing so the photographer adopts an involved attitude, never showing up the people he portrays under such difficult circumstances. Schwartz’ photographs, all of them analogue and most of them black-and-white, testify to the critical eye he casts on the brutality of reality.

Curated by Beat Wismer

                (Text: Kunstmuseum Luzern)

Veranstaltung ansehen →
Tracings - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Luzern
Sept.
30
bis 4. Feb.
Ausstellung, Zentralschweiz, Schweiz, Mediacooperation

Tracings - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Luzern

Kunstmuseum Luzern
30. September 2023 - 4. Februar 2024

Tracings
Daniel Schwartz

Ankerkette. Haiphong, Vietnam, 1993, Fotografie, © 2023 Daniel Schwartz / VII, ProLitteris, Zürich

Daniel Schwartz (*1955) reist dahin, wo es brennt, in die Krisenregionen dieser Welt. Akribisch hält er Situationen mit der Kamera fest, in denen andere wegschauen. Der Schweizer Fotograf ist ein Fährtenleser, der sich auf die Spur seines eigenen Werks macht. Für die Ausstellung Tracings öffnet er sein Archiv, das einen umfangreichen Bildkorpus aus den letzten 50 Jahren umfasst, und zeigt unveröffentlichte Schätze. Auch in seinen Bildern folgt Daniel Schwartz Spuren: traurigen Überresten von verschwindenden Gletschern auf der ganzen Welt, dem Marsch von Khmer-Soldaten auf einer verminten Strasse in Kambodscha, die leer zurückgelassene Nische der von den Taliban zerstörten Buddhastatuen in Bamiyan oder von Uigur:innen unter Zwang gegrabenen Bewässerungskanälen in der chinesischen Wüste. Dabei vertritt er eine engagierte Haltung, niemals die Menschen blossstellend, die er unter schwierigen Umständen porträtiert. Ausschliesslich analog und meist schwarzweiss zeugen Schwartz’ Bilder von seinem kritischen Auge, mit dem er die Brutalität der Wirklichkeit in den Fokus nimmt.

Kuratiert von Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) se rend là où ça brûle, dans les régions en crise du monde. Il immortalise méticuleusement avec son appareil photo des situations où d'autres détournent le regard. Le photographe suisse est un traqueur qui part sur les traces de son propre travail. Pour l'exposition Tracings, il ouvre ses archives, qui comprennent un vaste corpus d'images des 50 dernières années, et montre des trésors inédits. Dans ses images aussi, Daniel Schwartz suit des pistes : les tristes vestiges de glaciers en voie de disparition dans le monde entier, la marche de soldats khmers sur une route minée au Cambodge, la niche laissée vide des statues de Bouddha détruites par les talibans à Bamiyan ou des canaux d'irrigation creusés sous la contrainte par des Ouïghours dans le désert chinois. Il adopte une attitude engagée, ne mettant jamais à nu les personnes dont il fait le portrait dans des conditions difficiles. Exclusivement analogiques et le plus souvent en noir et blanc, les images de Schwartz témoignent de son œil critique, avec lequel il met l'accent sur la brutalité de la réalité.

Commissariat de Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) viaggia dove c'è il fuoco, nelle aree di crisi di questo mondo. Con la sua macchina fotografica cattura meticolosamente situazioni in cui gli altri guardano altrove. Il fotografo svizzero è un segugio che si mette sulle tracce del proprio lavoro. Per la mostra Tracings, apre il suo archivio, che comprende un ampio corpus di immagini degli ultimi 50 anni, e mostra tesori inediti. Daniel Schwartz segue le tracce anche nelle sue immagini: i tristi resti di ghiacciai scomparsi in tutto il mondo, la marcia dei soldati khmer su una strada minata in Cambogia, la nicchia vuota delle statue di Buddha a Bamiyan distrutte dai Talebani o i canali di irrigazione nel deserto cinese scavati sotto costrizione dagli Uigur:ins. Nel farlo, assume una posizione impegnata, senza mai esporre le persone che ritrae in circostanze difficili. Esclusivamente analogiche e per lo più in bianco e nero, le immagini di Schwartz testimoniano il suo occhio critico, con cui mette a fuoco la brutalità della realtà.

A cura di Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) travels to hot spots, the world’s crisis regions. He meticulously photographs situations others looks away from. The Swiss photographer is a tracker, who is now setting out on the trail of his own work. For the exhibition Tracings he is opening his archive, with its extensive range of images from the past 50 years, and showing unpublished treasures. Daniel Schwartz also follows trails in his images: sad remains of disappearing glaciers all over the world, Khmer soldiers marching along a mined road in Cambodia, an empty niche left by the Buddha statues in Bamyan destroyed by the Taliban or irrigation tunnels in the Chinese desert which Uyghurs were forced to dig. In doing so the photographer adopts an involved attitude, never showing up the people he portrays under such difficult circumstances. Schwartz’ photographs, all of them analogue and most of them black-and-white, testify to the critical eye he casts on the brutality of reality.

Curated by Beat Wismer

                (Text: Kunstmuseum Luzern)

Veranstaltung ansehen →
Lichtstoff und Luftfarben - Guido Baselgia | Kunsthaus Zug
Sept.
30
bis 4. Feb.
Ausstellung, Zentralschweiz, Zürich, Schweiz

Lichtstoff und Luftfarben - Guido Baselgia | Kunsthaus Zug

Kunsthaus Zug
30. September 2023 - 4. Februar 2024

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

Luftfarben № 17, Landunvez, 12.1.2023, 08:40 © Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Veranstaltung ansehen →
Lichtstoff und Luftfarben - Guido Baselgia | Kunsthaus Zug
Sept.
29
6:00 PM18:00
Vernissage, Zentralschweiz, Zürich, Schweiz

Lichtstoff und Luftfarben - Guido Baselgia | Kunsthaus Zug

Kunsthaus Zug
29. September 2023

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

Luftfarben № 17, Landunvez, 12.1.2023, 08:40 © Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Veranstaltung ansehen →
Tracings - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Luzern
Sept.
29
6:00 PM18:00
Vernissage, Zentralschweiz, Schweiz, Mediacooperation

Tracings - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Luzern

Kunstmuseum Luzern
29. September 2023

Tracings
Daniel Schwartz

Hunger. Jakarta, Indonesien, 1994, Fotografie, © 2023 Daniel Schwartz / VII, ProLitteris, Zürich

Daniel Schwartz (*1955) reist dahin, wo es brennt, in die Krisenregionen dieser Welt. Akribisch hält er Situationen mit der Kamera fest, in denen andere wegschauen. Der Schweizer Fotograf ist ein Fährtenleser, der sich auf die Spur seines eigenen Werks macht. Für die Ausstellung Tracings öffnet er sein Archiv, das einen umfangreichen Bildkorpus aus den letzten 50 Jahren umfasst, und zeigt unveröffentlichte Schätze. Auch in seinen Bildern folgt Daniel Schwartz Spuren: traurigen Überresten von verschwindenden Gletschern auf der ganzen Welt, dem Marsch von Khmer-Soldaten auf einer verminten Strasse in Kambodscha, die leer zurückgelassene Nische der von den Taliban zerstörten Buddhastatuen in Bamiyan oder von Uigur:innen unter Zwang gegrabenen Bewässerungskanälen in der chinesischen Wüste. Dabei vertritt er eine engagierte Haltung, niemals die Menschen blossstellend, die er unter schwierigen Umständen porträtiert. Ausschliesslich analog und meist schwarzweiss zeugen Schwartz’ Bilder von seinem kritischen Auge, mit dem er die Brutalität der Wirklichkeit in den Fokus nimmt.

Kuratiert von Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) se rend là où ça brûle, dans les régions en crise du monde. Il immortalise méticuleusement avec son appareil photo des situations où d'autres détournent le regard. Le photographe suisse est un traqueur qui part sur les traces de son propre travail. Pour l'exposition Tracings, il ouvre ses archives, qui comprennent un vaste corpus d'images des 50 dernières années, et montre des trésors inédits. Dans ses images aussi, Daniel Schwartz suit des pistes : les tristes vestiges de glaciers en voie de disparition dans le monde entier, la marche de soldats khmers sur une route minée au Cambodge, la niche laissée vide des statues de Bouddha détruites par les talibans à Bamiyan ou des canaux d'irrigation creusés sous la contrainte par des Ouïghours dans le désert chinois. Il adopte une attitude engagée, ne mettant jamais à nu les personnes dont il fait le portrait dans des conditions difficiles. Exclusivement analogiques et le plus souvent en noir et blanc, les images de Schwartz témoignent de son œil critique, avec lequel il met l'accent sur la brutalité de la réalité.

Commissariat de Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) viaggia dove c'è il fuoco, nelle aree di crisi di questo mondo. Con la sua macchina fotografica cattura meticolosamente situazioni in cui gli altri guardano altrove. Il fotografo svizzero è un segugio che si mette sulle tracce del proprio lavoro. Per la mostra Tracings, apre il suo archivio, che comprende un ampio corpus di immagini degli ultimi 50 anni, e mostra tesori inediti. Daniel Schwartz segue le tracce anche nelle sue immagini: i tristi resti di ghiacciai scomparsi in tutto il mondo, la marcia dei soldati khmer su una strada minata in Cambogia, la nicchia vuota delle statue di Buddha a Bamiyan distrutte dai Talebani o i canali di irrigazione nel deserto cinese scavati sotto costrizione dagli Uigur:ins. Nel farlo, assume una posizione impegnata, senza mai esporre le persone che ritrae in circostanze difficili. Esclusivamente analogiche e per lo più in bianco e nero, le immagini di Schwartz testimoniano il suo occhio critico, con cui mette a fuoco la brutalità della realtà.

A cura di Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) travels to hot spots, the world’s crisis regions. He meticulously photographs situations others looks away from. The Swiss photographer is a tracker, who is now setting out on the trail of his own work. For the exhibition Tracings he is opening his archive, with its extensive range of images from the past 50 years, and showing unpublished treasures. Daniel Schwartz also follows trails in his images: sad remains of disappearing glaciers all over the world, Khmer soldiers marching along a mined road in Cambodia, an empty niche left by the Buddha statues in Bamyan destroyed by the Taliban or irrigation tunnels in the Chinese desert which Uyghurs were forced to dig. In doing so the photographer adopts an involved attitude, never showing up the people he portrays under such difficult circumstances. Schwartz’ photographs, all of them analogue and most of them black-and-white, testify to the critical eye he casts on the brutality of reality.

Curated by Beat Wismer

                (Text: Kunstmuseum Luzern)

Veranstaltung ansehen →
Sincerely - Walter Pfeiffer | Kunstmuseum Luzern
Sept.
27
6:00 PM18:00
Buchvernissage, Artist Talk, Zentralschweiz, Schweiz, Mediacooperation

Sincerely - Walter Pfeiffer | Kunstmuseum Luzern

Kunstmuseum Luzern
27. September 2023

Chez Walti: Buchvernissage mit dem Künstler Walter Pfeiffer, Martin Jaeggi, Autor, Patrick Frey, Verleger, und Fanni Fetzer, Kuratorin

Sincerely
Walter Pfeiffer

Walter Pfeiffer, Untitled, 1976/2021, C-Print, 80 × 120 cm, Courtesy of the Artist and Galerie Gregor Steiger © 2023 ProLitteris, Zürich

Walter Pfeiffer (*1946) sucht mit der fotografischen Linse nach Schönheit, der Darstellung des männlichen Körpers fernab klischeehafter Ideale, nach verspielter Erotik und Leichtigkeit. Der Schweizer Künstler schult sein Auge schon früh als Schaufensterdekorateur, porträtiert später rebellische Heranwachsende aus der schwulen Zürcher Untergrundszene und beliefert schliesslich die angesagtesten internationalen Modezeitschriften mit seinen Fotostrecken. Walter Pfeiffer gelingt es, zwischen Modefotografie und bildender Kunst zu changieren. So sind seine Landschaften, Stillleben und Porträts nie platt. Sie zeigen keine vollendete Schönheit und tragen den revolutionären Geist der Gegenkultur der 1970er-Jahre in sich. Bald gehen bei ihm Freunde und Liebhaber ein und aus, um sich fotografieren zu lassen. Die meist männlichen Modelle entziehen sich klassischen Assoziationen von männlich und weiblich. Typisch für Walter Pfeiffers Kunst sind kleine Makel, grelles Blitzlicht, nackte Haut, kräftige Farben, intensive Blicke. Wie in einem Fiebertraum sprechen seine Bilder von Sehnsüchten, reizvoller als die Realität, vom Begehren, unbeschwerter Lebensfreude, jugendlicher Liebe.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer kuratiert.

Die Ausstellung wurden von Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff unterstützt.

Walter Pfeiffer (*1946) recherche avec son objectif photographique la beauté, la représentation du corps masculin loin des idéaux clichés, l'érotisme ludique et la légèreté. L'artiste suisse forme son œil très tôt en tant que décorateur de vitrines, fait plus tard le portrait d'adolescents rebelles issus de la scène underground gay zurichoise et fournit finalement ses séries de photos aux magazines de mode internationaux les plus en vogue. Walter Pfeiffer parvient à osciller entre la photographie de mode et les arts visuels. Ainsi, ses paysages, natures mortes et portraits ne sont jamais plats. Ils ne montrent pas une beauté accomplie et portent en eux l'esprit révolutionnaire de la contre-culture des années 1970. Bientôt, amis et amants vont et viennent chez lui pour se faire photographier. Les modèles, pour la plupart des hommes, échappent aux associations classiques entre masculin et féminin. Les petites imperfections, la lumière crue du flash, la peau nue, les couleurs vives, les regards intenses sont typiques de l'art de Walter Pfeiffer. Comme dans un rêve fiévreux, ses visuels parlent de désirs, plus charmants que la réalité, de désir, de joie de vivre insouciante, d'amour juvénile.

L'exposition a été organisée par Fanni Fetzer.

L'exposition a été soutenue par la fondation Landis & Gyr, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) utilizza il suo obiettivo fotografico per ricercare la bellezza, la rappresentazione del corpo maschile lontano dagli ideali comuni, l'erotismo giocoso e la leggerezza. L'artista svizzero ha allenato il suo occhio fin da subito come vetrinista, per poi ritrarre adolescenti ribelli della scena underground gay di Zurigo e infine fornire le serie fotografiche alle riviste di moda internazionali più in voga. Walter Pfeiffer è riuscito a oscillare tra fotografia di moda e belle arti. I suoi paesaggi, nature morte e ritratti non sono mai piatti. Non mostrano una bellezza perfetta e portano con sé lo spirito rivoluzionario della controcultura degli anni Settanta. Ben presto amici e amanti entrano ed escono da casa sua per farsi fotografare. I modelli, per lo più uomini, sfuggono alle associazioni classiche di maschile e femminile. Tipici dell'arte di Walter Pfeiffer sono le piccole imperfezioni, i flash abbaglianti, la pelle nuda, i colori forti, gli sguardi intensi. Come in un sogno febbrile, i suoi quadri parlano di desideri, più affascinanti della realtà, di desiderio, di spensierata gioia di vivere, di amore giovanile.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer.

La mostra è stata sostenuta da Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) uses the photographic lens to search for beauty, the depiction of the male body far removed from clichéd ideals, playful eroticism and lightness. The Swiss artist trained his eye early as a window dresser, later portrayed rebellious adolescents from the gay Zurich underground scene, and finally supplied the hottest international fashion magazines with his photo series. Walter Pfeiffer succeeds in oscillating between fashion photography and fine art. His landscapes, still lifes and portraits are never flat. They do not show consummate beauty and carry the revolutionary spirit of the counterculture of the 1970s. Soon friends and lovers are going in and out of his house to have their pictures taken. The mostly male models defy classic associations of male and female. Typical of Walter Pfeiffer's art are small blemishes, glaring flash, naked skin, strong colors, intense looks. As if in a fever dream, his pictures speak of longings, more charming than reality, of desire, carefree joie de vivre, youthful love.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer.

The exhibition was supported by Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Veranstaltung ansehen →