Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
25. April 2024

Rownak Bose im Gespräch mit Barbara Liebster

Licht sammeln / Gathering Light
Rownak Bose

Rownak Bose oder was haben die Quitte und die Camera Obscura gemeinsam

…ihr gelee, in bauchigen gläsern für die dunklen tage, aufgereiht in einem keller von tagen, wo sie leuchteten, leuchten.

Zitat aus einem Gedicht von Jan Wagner

Jan Wagner ist einer der Lieblingsautoren von Rownak Bose, und sein Gedicht quittenpastete aus dem Band Selbstporträt mit Bienenschwarm zählt zu seinen Favoriten.

Die Quitte ist eine geheimnisvolle und archaische Frucht. Eher unansehnlich, unförmig, leicht haarig, hart und abweisend. Aber auch geheimnisvoll und mysteriös. Ihre große Qualität offenbart sich erst, wenn man sich um sie kümmert, sie analysiert und zerkleinert. Sie muss erforscht und nach überlieferten alten Rezepten verarbeitet werden, damit man ihren Geheimnissen auf den Grund kommt. Erst dann wird man sich ihrer Großartigkeit, ihrer Schönheit, ihrer Vielseitigkeit und ihres unnachahmlichen Geschmacks bewusst. In diesem Prozess beginnt sie zu leuchten!

In diesem Kontext offenbart sich eine unerwartete Parallele zur Camera Obscura, die sich für den Laien ebenfalls in verborgenen Wundern verliert. Alles ein wenig weit hergeholt? Ja vielleicht. Aber Tatsache ist, Rownak Bose liebt das Quittengedicht und die Camera Obscura.

Ein simples Lichtloch in einem vollständig abgedunkelten Raum genügt, um die Außenwelt nach innen zu projizieren – ein magischer Prozess, der den Künstler bereits in jungen Jahren faszinierte. Mit selbstgebauten Apparaten erkannte er die Möglichkeit, jenseits der Ästhetik konventioneller Kameras Bilder zu schaffen. So erwachte in ihm der Forscher, der er bis heute geblieben ist.

Seit Jahrzehnten experimentiert der Künstler mit der archaischen Technik der Lochkamera und sammelt mit seinen selbstgebauten Camera Obscuras Licht. Seine Faszination gilt den technischen, historischen und physikalischen Forschungsaspekten seiner Arbeit genauso wie den unberechenbaren. Als magischen Moment bezeichnet er den Prozess, der durch das Zusammentreffen von Licht und fotosensitivem Material in der dunklen Kammer in Gang kommt. Diese Zeitspanne ist nicht steuerbar, in ihr ist kein Konzept wirksam, sondern reine Präsenz. Das Sammeln von Licht wird zu einem Sammeln von Erinnerungen, aus denen sich Identität und Heimat aufbauen.

Rownak Bose ist Künstler, unabhängiger Forscher und Umweltwissenschaftler.

Rownak Bose ou qu'est-ce que le coing et la camera obscura ont en commun ?

...leur gelée, dans des bocaux ventrus pour les jours sombres, alignés dans une cave de jours où ils brillaient, brillaient.

Citation d'un poème de Jan Wagner

Jan Wagner est l'un des auteurs préférés de Rownak Bose, et son poème "Quittenpastete", extrait du recueil Autoportrait avec essaim d'abeilles, compte parmi ses favoris.

Le coing est un fruit mystérieux et archaïque. Plutôt disgracieux, informe, légèrement poilu, dur et repoussant. Mais aussi secret et mystérieux. Sa grande qualité ne se révèle que lorsqu'on en prend soin, qu'on l'analyse et qu'on la broie. Vous devez l'étudier et la travailler selon des recettes ancestrales afin de percer ses secrets. Ce n'est qu'alors que l'on prend conscience de sa grandeur, de sa beauté, de sa diversité et de son goût inimitable. C'est à ce moment-là qu'elle commence à briller !

Dans ce contexte, un parallèle inattendu se révèle avec la Camera Obscura, qui se perd également dans des merveilles cachées pour le profane. Tout cela est un peu tiré par les cheveux ? Oui, peut-être. Mais le fait est que Rownak Bose aime le poème du coing et la Camera Obscura.

Un simple trou de lumière dans une pièce complètement obscurcie suffit à projeter le monde extérieur vers l'intérieur - un processus magique qui a fasciné l'artiste dès son plus jeune âge. Grâce à des appareils qu'il a lui-même construits, il a compris qu'il était possible de créer des visuels au-delà de l'esthétique des caméras conventionnelles. C'est ainsi que s'est éveillé en lui le chercheur qu'il est resté jusqu'à aujourd'hui.

Depuis des décennies, l'artiste expérimente la technique archaïque du sténopé et collecte de la lumière avec ses cameras obscuras qu'il a lui-même construites. Sa fascination s'exerce autant sur les aspects techniques, historiques et physiques de la recherche de son travail que sur les aspects imprévisibles. Il qualifie d'instant magique le processus qui se met en place par la rencontre de la lumière et du matériel photosensible dans la chambre obscure. Ce laps de temps n'est pas contrôlable, aucun concept n'est à l'œuvre en lui, mais une pure présence. La collecte de lumière devient une collecte de souvenirs à partir desquels se construisent l'identité et la patrie.

Rownak Bose est artiste, chercheur indépendant et spécialiste de l'environnement.

Rownak Bose o cosa hanno in comune la mela cotogna e la camera oscura

...la loro gelatina, in bicchieri bulbosi per i giorni bui, allineati in una cantina di giorni, dove brillavano, brillavano.

Citazione da una poesia di Jan Wagner

Jan Wagner è uno degli autori preferiti di Rownak Bose e la sua poesia Paté di mele cotogne, tratta dal volume Autoritratto con sciame d'api, è una delle sue preferite.

La mela cotogna è un frutto misterioso e arcaico. Piuttosto sgradevole, deforme, leggermente peloso, duro e repellente. Ma anche misterioso ed enigmatico. La sua grande qualità si rivela solo quando viene curata, analizzata e schiacciata. Bisogna studiarlo e lavorarlo secondo le antiche ricette tradizionali per arrivare in fondo ai suoi segreti. Solo allora ci si rende conto della sua magnificenza, della sua bellezza, della sua versatilità e del suo sapore inimitabile. In questo processo, inizia a brillare!

In questo contesto, si rivela un inaspettato parallelo con la camera oscura, che si perde in meraviglie nascoste anche per i profani. Tutto un po' inverosimile? Sì, forse. Ma il fatto è che Rownak Bose ama la poesia delle mele cotogne e la camera oscura.

Basta un semplice foro di luce in una stanza completamente buia per proiettare il mondo esterno all'interno: un processo magico che ha affascinato l'artista fin da piccolo. Utilizzando dispositivi autocostruiti, ha riconosciuto la possibilità di creare immagini al di là dell'estetica delle macchine fotografiche convenzionali. Questo ha risvegliato in lui l'esploratore che è rimasto fino ad oggi.

Per decenni l'artista ha sperimentato la tecnica arcaica della macchina fotografica a foro stenopeico e la raccolta della luce con le sue camere oscure autocostruite. Gli aspetti tecnici, storici e di ricerca fisica del suo lavoro lo affascinano tanto quanto l'imprevedibilità. Descrive il processo messo in moto dall'incontro tra luce e materiale fotosensibile nella camera oscura come un momento magico. Questo periodo di tempo non può essere controllato, non è un concetto, ma pura presenza. La collezione di luce diventa una collezione di ricordi da cui si costruiscono l'identità e la casa.

Rownak Bose è un artista, ricercatore indipendente e scienziato ambientale.

Rownak Bose or what do the quince and the camera obscura have in common

…their jelly, in bulbous jars for the dark days, lined up in a cellar of days where they shone, shone.

Quote from a poem by Jan Wagner

Jan Wagner is one of Rownak Bose's favourite authors, and his poem quittenpastete from the volume Selbstporträt mit Bienenschwarm is one of his favourites.

The quince is a mysterious and archaic fruit. Rather unsightly, misshapen, slightly hairy, hard and repellent. But also mysterious and enigmatic. Its great quality is only revealed when it is cared for, analysed and crushed. It must be researched and processed according to traditional old recipes in order to get to the bottom of its secrets. Only then do you realise its magnificence, its beauty, its versatility and its inimitable flavour. In this process, it begins to shine!

In this context, an unexpected parallel to the camera obscura is revealed, which also loses itself in hidden wonders for the layman. All a bit far-fetched? Yes, perhaps. But the fact is, Rownak Bose loves the quince poem and the camera obscura. A simple light hole in a completely darkened room is enough to project the outside world inside - a magical process that fascinated the artist from a young age. Using self-built devices, he recognised the possibility of creating images beyond the aesthetics of conventional cameras. This awakened in him the explorer that he has remained to this day.

For decades, the artist has been experimenting with the archaic technique of the pinhole camera and collecting light with his self-built camera obscuras. He is just as fascinated by the technical, historical and physical research aspects of his work as he is by the unpredictable. He describes the process that is set in motion by the encounter of light and photosensitive material in the dark chamber as a magical moment. This period of time is not controllable, there is no concept at work in it, but pure presence. The collection of light becomes a collection of memories from which identity and home are built.

Rownak Bose is an artist, independent researcher and environmental scientist.

(Text: Galerie & Edition Stephan Witschi, Zürich)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
19. April 2024

Misr — mon Égypte
Denis Dailleux

Die Ägypten-Porträts des vielfach ausgezeichneten französischen Fotografen Denis Dailleux zeichnen sich durch eine einzigartige Hingabe und Empathie aus. Dailleux nähert sich den Menschen und Orten, die er fotografiert, mit großer Diskretion, in der Hoffnung, dass sie sich ihm öffnen mögen, ohne es von ihnen zu erwarten. Das Ergebnis sind malerische, manchmal fast biblisch anmutende Fotografien, die Ort und Zeit transzendieren.

„Das Ägypten des Denis Dailleux entpuppt sich als (…) ein Ort, der das Ewige und das Unaussprechliche birgt“. Christian Lacroix

"Das fotografische Werk von Denis Dailleux ist von einer außerordentlichen Zartheit durchdrungen, erscheint an der Oberfläche ruhig, ist aber unglaublich anspruchsvoll, durchdrungen von Selbstzweifeln und geprägt von der persönlichen Verbundenheit mit den Porträtierten". Christian Caujolle, Gründer der Agentur VU

Denis Dailleux wurde 1958 im französischen Angers geboren. Er hat mehrere Bücher über Ägypten (insbesondere Kairo), seine Eindrücke vom „Arabischen Frühling“ und über Ghana veröffentlicht. Dailleux hat zahlreiche internationale Auszeichnungen erhalten, darunter den Monographies Award 1997, den World Press Photo Award in der Kategorie Porträt 2000, den Prix Hasselblad 2000, den Fujifilm Award 2001, den World Press Photo Award 2014 sowie den Prix Roger Pic 2019. Er ist Mitglied der Agence VU und lebt derzeit in Paris.

Seine Arbeiten sind in zahlreichen institutionellen und privaten Sammlungen vertreten, u.a. in der Collection privée Agnès B., beim Fond National dʼArt Contemporain, in der Maison Européenne de la Photographie und der Collection Neuflize Vie.

Les portraits égyptiens du photographe français Denis Dailleux, maintes fois primé, se distinguent par un dévouement et une empathie unique. Dailleux s'approche des personnes et des lieux qu'il photographie avec une grande discrétion, dans l'espoir qu'ils s'ouvrent à lui sans l'attendre d'eux. Il en résulte des photographies pittoresques, parfois presque bibliques, qui transcendent le lieu et le temps.

"L'Egypte de Denis Dailleux se révèle être (...) un lieu qui recèle l'éternel et l'inexprimable". Christian Lacroix

"L'œuvre photographique de Denis Dailleux est imprégnée d'une extraordinaire délicatesse, elle paraît calme en surface, mais elle est incroyablement exigeante, traversée par le doute de soi et marquée par l'attachement personnel aux sujets". Christian Caujolle, fondateur de l'agence VU

Denis Dailleux est né en 1958 à Angers, en France. Il a publié plusieurs livres sur l'Egypte (en particulier sur Le Caire), sur ses impressions du "printemps arabe" et sur le Ghana. Dailleux a reçu de nombreux prix internationaux, dont le Monographies Award 1997, le World Press Photo Award dans la catégorie Portrait 2000, le Prix Hasselblad 2000, le Fujifilm Award 2001, le World Press Photo Award 2014 et le Prix Roger Pic 2019. Il est membre de l'Agence VU et vit actuellement à Paris.

Son travail est présent dans de nombreuses collections institutionnelles et privées, notamment à la Collection privée Agnès B., au Fond National dʼArt Contemporain, à la Maison Européenne de la Photographie et à la Collection Neuflize Vie.

I ritratti dell'Egitto del pluripremiato fotografo francese Denis Dailleux sono caratterizzati da una dedizione e un'empatia uniche. Dailleux si avvicina alle persone e ai luoghi che fotografa con grande discrezione, nella speranza che si aprano a lui senza aspettarselo. Il risultato sono fotografie pittoresche, a volte quasi bibliche, che trascendono il tempo e il luogo.

"L'Egitto di Denis Dailleux si rivela (...) un luogo che ospita l'eterno e l'inesprimibile". Christian Lacroix

"Il lavoro fotografico di Denis Dailleux è intriso di una straordinaria delicatezza, appare tranquillo in superficie, ma è incredibilmente sofisticato, impregnato di dubbi su sé stesso e caratterizzato da un legame personale con le persone ritratte". Christian Caujolle, fondatore dell'agenzia VU

Denis Dailleux è nato ad Angers, in Francia, nel 1958. Ha pubblicato diversi libri sull'Egitto (in particolare sul Cairo), le sue impressioni sulla "primavera araba" e sul Ghana. Dailleux ha ricevuto numerosi premi internazionali, tra cui il Monographies Award nel 1997, il World Press Photo Award nella categoria ritratti nel 2000, il Prix Hasselblad nel 2000, il Fujifilm Award nel 2001, il World Press Photo Award nel 2014 e il Prix Roger Pic nel 2019. È membro dell'Agence VU e attualmente vive a Parigi.

Il suo lavoro è rappresentato in numerose collezioni istituzionali e private, tra cui la Collection privée Agnès B., il Fond National dʼArt Contemporain, la Maison Européenne de la Photographie e la Collection Neuflize Vie.

The portraits of Egypt by acclaimed French photographer Denis Dailleux are characterised by a unique dedication and empathy. Dailleux approaches the people and places he photographs with great discretion, hoping that they will open up to him without expecting them to. The result is a collection of painterly photographs that transcend time and place.

"The Egypt of Denis Dailleux reveals itself as (...) a place that harbors the eternal and the ineffable." Christian Lacroix

"Imbued with his distinctive delicacy, Denis Dailleux’s photographic work appears calm on the surface, yet is incredibly demanding, run through by an undercurrent of constant self-doubt and propelled by the essential personal bond he develops with those (and that which) he frames with his camera." Christian Caujolle, founder of Agence VU

Denis Dailleux was born in 1958 in Angers, France. He has published several books on Egypt (particularly Cairo), his impressions of the "Arab Spring," and Ghana. Dailleux has received numerous international awards, including the Monographies Award in 1997, the World Press Photo Award in the Portrait category in 2000, the Hasselblad Award in 2000, the Fujifilm Award in 2001, and the World Press Photo Award in 2014 in the Staged Portraits category (2nd place), and the Prix Roger Pic in 2019. He is a member of the Agence VU and currently lives in Paris.

His work is part of numerous institutional and private collections, including the Agnès B. private collection, the Fond National d'Art Contemporain, the Maison Européenne de la Photographie, and the Neuflize Vie collection.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
17. April 2024

Licht sammeln
Rownak Bose

Rownak Bose oder was haben die Quitte und die Camera Obscura gemeinsam

…ihr gelee, in bauchigen gläsern für die dunklen tage, aufgereiht in einem keller von tagen, wo sie leuchteten, leuchten.

Zitat aus einem Gedicht von Jan Wagner

Jan Wagner ist einer der Lieblingsautoren von Rownak Bose, und sein Gedicht quittenpastete aus dem Band Selbstporträt mit Bienenschwarm zählt zu seinen Favoriten.

Die Quitte ist eine geheimnisvolle und archaische Frucht. Eher unansehnlich, unförmig, leicht haarig, hart und abweisend. Aber auch geheimnisvoll und mysteriös. Ihre große Qualität offenbart sich erst, wenn man sich um sie kümmert, sie analysiert und zerkleinert. Sie muss erforscht und nach überlieferten alten Rezepten verarbeitet werden, damit man ihren Geheimnissen auf den Grund kommt. Erst dann wird man sich ihrer Großartigkeit, ihrer Schönheit, ihrer Vielseitigkeit und ihres unnachahmlichen Geschmacks bewusst. In diesem Prozess beginnt sie zu leuchten!

In diesem Kontext offenbart sich eine unerwartete Parallele zur Camera Obscura, die sich für den Laien ebenfalls in verborgenen Wundern verliert. Alles ein wenig weit hergeholt? Ja vielleicht. Aber Tatsache ist, Rownak Bose liebt das Quittengedicht und die Camera Obscura.

Ein simples Lichtloch in einem vollständig abgedunkelten Raum genügt, um die Außenwelt nach innen zu projizieren – ein magischer Prozess, der den Künstler bereits in jungen Jahren faszinierte. Mit selbstgebauten Apparaten erkannte er die Möglichkeit, jenseits der Ästhetik konventioneller Kameras Bilder zu schaffen. So erwachte in ihm der Forscher, der er bis heute geblieben ist.

Seit Jahrzehnten experimentiert der Künstler mit der archaischen Technik der Lochkamera und sammelt mit seinen selbstgebauten Camera Obscuras Licht. Seine Faszination gilt den technischen, historischen und physikalischen Forschungsaspekten seiner Arbeit genauso wie den unberechenbaren. Als magischen Moment bezeichnet er den Prozess, der durch das Zusammentreffen von Licht und fotosensitivem Material in der dunklen Kammer in Gang kommt. Diese Zeitspanne ist nicht steuerbar, in ihr ist kein Konzept wirksam, sondern reine Präsenz. Das Sammeln von Licht wird zu einem Sammeln von Erinnerungen, aus denen sich Identität und Heimat aufbauen.

Rownak Bose ist Künstler, unabhängiger Forscher und Umweltwissenschaftler.

Rownak Bose ou qu'est-ce que le coing et la camera obscura ont en commun ?

...leur gelée, dans des bocaux ventrus pour les jours sombres, alignés dans une cave de jours où ils brillaient, brillaient.

Citation d'un poème de Jan Wagner

Jan Wagner est l'un des auteurs préférés de Rownak Bose, et son poème "Quittenpastete", extrait du recueil Autoportrait avec essaim d'abeilles, compte parmi ses favoris.

Le coing est un fruit mystérieux et archaïque. Plutôt disgracieux, informe, légèrement poilu, dur et repoussant. Mais aussi secret et mystérieux. Sa grande qualité ne se révèle que lorsqu'on en prend soin, qu'on l'analyse et qu'on la broie. Vous devez l'étudier et la travailler selon des recettes ancestrales afin de percer ses secrets. Ce n'est qu'alors que l'on prend conscience de sa grandeur, de sa beauté, de sa diversité et de son goût inimitable. C'est à ce moment-là qu'elle commence à briller !

Dans ce contexte, un parallèle inattendu se révèle avec la Camera Obscura, qui se perd également dans des merveilles cachées pour le profane. Tout cela est un peu tiré par les cheveux ? Oui, peut-être. Mais le fait est que Rownak Bose aime le poème du coing et la Camera Obscura.

Un simple trou de lumière dans une pièce complètement obscurcie suffit à projeter le monde extérieur vers l'intérieur - un processus magique qui a fasciné l'artiste dès son plus jeune âge. Grâce à des appareils qu'il a lui-même construits, il a compris qu'il était possible de créer des visuels au-delà de l'esthétique des caméras conventionnelles. C'est ainsi que s'est éveillé en lui le chercheur qu'il est resté jusqu'à aujourd'hui.

Depuis des décennies, l'artiste expérimente la technique archaïque du sténopé et collecte de la lumière avec ses cameras obscuras qu'il a lui-même construites. Sa fascination s'exerce autant sur les aspects techniques, historiques et physiques de la recherche de son travail que sur les aspects imprévisibles. Il qualifie d'instant magique le processus qui se met en place par la rencontre de la lumière et du matériel photosensible dans la chambre obscure. Ce laps de temps n'est pas contrôlable, aucun concept n'est à l'œuvre en lui, mais une pure présence. La collecte de lumière devient une collecte de souvenirs à partir desquels se construisent l'identité et la patrie.

Rownak Bose est artiste, chercheur indépendant et spécialiste de l'environnement.

Rownak Bose o cosa hanno in comune la mela cotogna e la camera oscura

...la loro gelatina, in bicchieri bulbosi per i giorni bui, allineati in una cantina di giorni, dove brillavano, brillavano.

Citazione da una poesia di Jan Wagner

Jan Wagner è uno degli autori preferiti di Rownak Bose e la sua poesia Paté di mele cotogne, tratta dal volume Autoritratto con sciame d'api, è una delle sue preferite.

La mela cotogna è un frutto misterioso e arcaico. Piuttosto sgradevole, deforme, leggermente peloso, duro e repellente. Ma anche misterioso ed enigmatico. La sua grande qualità si rivela solo quando viene curata, analizzata e schiacciata. Bisogna studiarlo e lavorarlo secondo le antiche ricette tradizionali per arrivare in fondo ai suoi segreti. Solo allora ci si rende conto della sua magnificenza, della sua bellezza, della sua versatilità e del suo sapore inimitabile. In questo processo, inizia a brillare!

In questo contesto, si rivela un inaspettato parallelo con la camera oscura, che si perde in meraviglie nascoste anche per i profani. Tutto un po' inverosimile? Sì, forse. Ma il fatto è che Rownak Bose ama la poesia delle mele cotogne e la camera oscura.

Basta un semplice foro di luce in una stanza completamente buia per proiettare il mondo esterno all'interno: un processo magico che ha affascinato l'artista fin da piccolo. Utilizzando dispositivi autocostruiti, ha riconosciuto la possibilità di creare immagini al di là dell'estetica delle macchine fotografiche convenzionali. Questo ha risvegliato in lui l'esploratore che è rimasto fino ad oggi.

Per decenni l'artista ha sperimentato la tecnica arcaica della macchina fotografica a foro stenopeico e la raccolta della luce con le sue camere oscure autocostruite. Gli aspetti tecnici, storici e di ricerca fisica del suo lavoro lo affascinano tanto quanto l'imprevedibilità. Descrive il processo messo in moto dall'incontro tra luce e materiale fotosensibile nella camera oscura come un momento magico. Questo periodo di tempo non può essere controllato, non è un concetto, ma pura presenza. La collezione di luce diventa una collezione di ricordi da cui si costruiscono l'identità e la casa.

Rownak Bose è un artista, ricercatore indipendente e scienziato ambientale.

Rownak Bose or what do the quince and the camera obscura have in common

…their jelly, in bulbous jars for the dark days, lined up in a cellar of days where they shone, shone.

Quote from a poem by Jan Wagner

Jan Wagner is one of Rownak Bose's favourite authors, and his poem quittenpastete from the volume Selbstporträt mit Bienenschwarm is one of his favourites.

The quince is a mysterious and archaic fruit. Rather unsightly, misshapen, slightly hairy, hard and repellent. But also mysterious and enigmatic. Its great quality is only revealed when it is cared for, analysed and crushed. It must be researched and processed according to traditional old recipes in order to get to the bottom of its secrets. Only then do you realise its magnificence, its beauty, its versatility and its inimitable flavour. In this process, it begins to shine!

In this context, an unexpected parallel to the camera obscura is revealed, which also loses itself in hidden wonders for the layman. All a bit far-fetched? Yes, perhaps. But the fact is, Rownak Bose loves the quince poem and the camera obscura. A simple light hole in a completely darkened room is enough to project the outside world inside - a magical process that fascinated the artist from a young age. Using self-built devices, he recognised the possibility of creating images beyond the aesthetics of conventional cameras. This awakened in him the explorer that he has remained to this day.

For decades, the artist has been experimenting with the archaic technique of the pinhole camera and collecting light with his self-built camera obscuras. He is just as fascinated by the technical, historical and physical research aspects of his work as he is by the unpredictable. He describes the process that is set in motion by the encounter of light and photosensitive material in the dark chamber as a magical moment. This period of time is not controllable, there is no concept at work in it, but pure presence. The collection of light becomes a collection of memories from which identity and home are built.

Rownak Bose is an artist, independent researcher and environmental scientist.

(Text: Galerie & Edition Stephan Witschi, Zürich)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
9. März – 16. Juni 2024

Begrüssung 14 Uhr: Mit Esther Baur, Staatsarchivarin Basel-Stadt, Tilo Richter, Projektleiter Kultur der Christoph Merian Stiftung, Regine Flury, BelleVue

Lichtblick - Fotografien politischer Bewegungen in den 1970ern und heute
Bilder bewegter Zeiten

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung

Die Ausstellung «Lichtblick» macht sichtbar, in welch unterschiedlicher Art politisch-gesellschaftliche Bewegungen der 1970er-Jahre und der Gegenwart in fotografischen Zeugnissen Niederschlag finden. Der Nachlass der Agentur Kurt Graf/fotolib Basel zeigt die vielfältigen Proteste und Bewegungen um 1975 aus deren Innensicht heraus. Im Dialog dazu präsentieren zeitgenössische Fotograf:innen ihre Bilder zu Themen wie Arbeit, Gleichberechtigung, Antimilitarismus, Wohnformen oder Energie/Umwelt.

Der Nachlass Kurt Graf/fotolib Basel ist eine visuelle Dokumentation jener politischen Bewegungen, Ereignisse und Ideen, die in der Schweiz der 1970er-Jahre eine ganze Generation prägten. Ab 1975 dokumentierten Kurt Graf, Heiner Vogelsanger und Marcel Geiger als Fotografen-Kollektiv Widerstand und Protest, Aufbruch und Utopien. Den Ausschlag hatte die Besetzung des AKW-Baugeländes in Kaiseraugst im April 1975 gegeben. Die analogen Schwarz-Weiss-Fotografien entstanden, um das Engagement festzuhalten und weitherum bekannt zu machen.

Historische und zeitgenössische Fotografie im Dialog
Was ist von diesem Aufbruch der 1970er-Jahre übriggeblieben, wie präsentieren sich die einstigen Bewegungen heute, welche Bilder prägen unsere Gegenwart? BelleVue hat verschiedene Fotograf:innen und Organisationen, mehrheitlich aus der Region Basel, gebeten, aktuelle Aufnahmen zu den Themen der Ausstellung beizutragen.

Wie ein Brainstorming von Gedanken sind die grösseren zeitgenössischen Fotografien in der Ausstellung platziert. Eigenständig, eher symbolisch im Ausdruck, beschreiben sie bestimmte Zustände unserer Gesellschaft. Dazugestellt werden kleinere, dokumentarische Bildformate, zu den Themen der Ausstellung passend: Aktionen, Demonstrationen, Projekte, Engagement der Menschen im Kleinen und Grossen für die Sache, die ihnen am Herzen liegt.

Die historischen Bilderreihen erzählen Geschichten und zeugen vom Aufbruch in den verschiedensten Lebensbereichen. In den Reportagen der Zentralwäscherei wird die Mühsal der Arbeit spürbar: Wäscheberge, Fliessbänder, viele Frauen, meist Migrantinnen, die Hand in Hand arbeiten. Dann der Streik und die Solidaritätsveranstaltungen, endlich soll es besser werden!

Der Vergleich von historischen und zeitgenössischen Fotografien zeigt neben Unterschieden auch Gemeinsamkeiten. Viele digital entstandene Aufnahmen von politischen Aktivitäten auf der Strasse beschreiben, wie sich Menschen zusammentun und mit Transparenten ihre Forderungen verkünden. Solche Protestbilder gibt es heute wie damals in schier unüberschaubarer Fülle. Die Fotografie der Gegenwart ist zwar farbig, zuweilen von distanziertem Ausdruck und gut komponiert. Doch immer wieder finden sich auch – wie in den 1970er-Jahren – schnelle Schnappschüsse, die bezeugen sollen: So ist es gewesen, wir waren auch dabei!

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung

L'exposition "Lichtblick" met en évidence les différentes manières dont les mouvements politico-sociaux des années 1970 et d'aujourd'hui se reflètent dans les témoignages photographiques. Le fonds de l'agence Kurt Graf/fotolib Bâle montre les multiples protestations et mouvements autour de 1975 de l'intérieur. Des photographes contemporains y présentent leurs visuels sur des thèmes tels que le travail, l'égalité des droits, l'antimilitarisme, les formes d'habitat ou l'énergie/l'environnement.

Le fonds Kurt Graf/fotolib Bâle est une documentation visuelle des mouvements politiques, des événements et des idées qui ont marqué toute une génération en Suisse dans les années 1970. Dès 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger et Marcel Geiger ont documenté, en tant que collectif de photographes, la résistance et la protestation, le renouveau et les utopies. L'occupation du site de construction de la centrale nucléaire de Kaiseraugst en avril 1975 a été le facteur décisif. Les photographies analogiques en noir et blanc ont été prises pour immortaliser cet engagement et le faire connaître loin à la ronde.

La photographie historique et contemporaine en dialogue
Que reste-t-il de ce renouveau des années 1970, comment les mouvements d'autrefois se présentent-ils aujourd'hui, quels visuels marquent notre présent ? BelleVue a demandé à différents photographes et organisations, pour la plupart de la région bâloise, de contribuer aux thèmes de l'exposition en prenant des photos actuelles.

Les grandes photographies contemporaines sont placées dans l'exposition comme un brainstorming de pensées. Indépendantes, plutôt symboliques dans leur expression, elles décrivent certains états de notre société. Elles sont accompagnées de petits formats d'images documentaires, en rapport avec les thèmes de l'exposition : actions, manifestations, projets, engagement des gens, à petite ou grande échelle, pour la cause qui leur tient à cœur.

Les séries d'images historiques racontent des histoires et témoignent du renouveau dans les domaines les plus divers de la vie. Dans les reportages de la blanchisserie centrale, la pénibilité du travail est palpable : des montagnes de linge, des chaînes de montage, de nombreuses femmes, pour la plupart des migrantes, qui travaillent main dans la main. Puis la grève et les manifestations de solidarité, les choses devraient enfin s'améliorer !

La comparaison entre les photographies historiques et contemporaines montre non seulement des différences, mais aussi des points communs. De nombreuses photos numériques d'activités politiques dans la rue décrivent comment les gens se rassemblent et annoncent leurs revendications avec des banderoles. De telles images de protestation existent aujourd'hui comme hier en quantité presque incalculable. La photographie contemporaine est certes colorée, parfois d'une expression distanciée et bien composée. Mais on trouve aussi régulièrement - comme dans les années 1970 - des instantanés rapides qui doivent témoigner : C'était comme ça, nous y étions aussi !

Une coopération de BelleVue - lieu pour la photographie et des Archives d'État de Bâle-Ville, à l'initiative de la Fondation Christoph Merian.

La mostra "Lichtblick" mostra i diversi modi in cui i movimenti politici e sociali degli anni Settanta e del presente si riflettono nelle testimonianze fotografiche. Il patrimonio dell'agenzia Kurt Graf/fotolib Basel mostra le diverse proteste e i movimenti intorno al 1975 dalla loro prospettiva interna. In dialogo con questi, fotografi contemporanei presentano le loro immagini su temi come il lavoro, la parità di diritti, l'antimilitarismo, le forme abitative e l'energia/ambiente.

Il patrimonio di Kurt Graf/fotolib Basel è una documentazione visiva dei movimenti politici, degli eventi e delle idee che hanno plasmato un'intera generazione in Svizzera negli anni Settanta. Dal 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger e Marcel Geiger hanno documentato la resistenza e la protesta, gli sconvolgimenti e le utopie come collettivo di fotografi. L'occupazione del cantiere della centrale nucleare di Kaiseraugst nell'aprile del 1975 fu il fattore decisivo. Le fotografie analogiche in bianco e nero sono state scattate per registrare l'occupazione e renderla nota a tutti.

Fotografia storica e contemporanea in dialogo
Cosa è rimasto di questo risveglio degli anni Settanta, come si presentano oggi i movimenti di un tempo, quali immagini caratterizzano il nostro presente? BelleVue ha chiesto a diversi fotografi e organizzazioni, soprattutto della regione di Basilea, di contribuire con fotografie attuali ai temi della mostra.

Le fotografie contemporanee più grandi sono disposte nella mostra come una sessione di brainstorming di idee. Indipendenti, dall'espressione piuttosto simbolica, descrivono alcune condizioni della nostra società. Sono accompagnate da immagini più piccole, di tipo documentario, che corrispondono ai temi della mostra: azioni, dimostrazioni, progetti, impegno delle persone su piccola e grande scala per la causa che sta loro a cuore.

Le serie storiche di immagini raccontano storie e testimoniano nuovi inizi nei più diversi ambiti della vita. Nei reportage sulla lavanderia centrale, la natura faticosa del lavoro diventa tangibile: montagne di biancheria, nastri trasportatori, molte donne, per lo più migranti, che lavorano mano nella mano. Poi lo sciopero e le manifestazioni di solidarietà, finalmente le cose dovrebbero migliorare!

Un confronto tra fotografie storiche e contemporanee rivela somiglianze e differenze. Molte immagini digitali di attività politiche in strada ritraggono persone che si riuniscono e proclamano le loro richieste con striscioni. Oggi come allora c'è un'abbondanza quasi ingestibile di immagini di protesta di questo tipo. La fotografia contemporanea è colorata, a volte con un'espressione distanziata e ben composta. Ma di tanto in tanto, come negli anni Settanta, ci sono anche istantanee veloci che vogliono essere una testimonianza: Così è stato, c'eravamo anche noi!

Una collaborazione tra BelleVue - Place for Photography e l'Archivio di Stato di Basilea Città, su iniziativa della Fondazione Christoph Merian.

The "Lichtblick" exhibition reveals the different ways in which political and social movements of the 1970s and the present are reflected in photographic evidence. The estate of the Kurt Graf/fotolib Basel agency shows the diverse protests and movements around 1975 from their internal perspective. In dialog with this, contemporary photographers present their visuals on topics such as work, equality, anti-militarism, forms of housing or energy/environment.

The Kurt Graf/fotolib Basel estate is a visual documentation of the political movements, events and ideas that shaped an entire generation in Switzerland in the 1970s. From 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger and Marcel Geiger documented resistance and protest, upheaval and utopias as a photographer collective. The occupation of the nuclear power plant construction site in Kaiseraugst in April 1975 was the decisive factor. The analog black-and-white photographs were taken to record the occupation and make it known far and wide.

Historical and contemporary photography in dialog
What remains of this 1970s awakening, how do the former movements present themselves today, what visuals shape our present? BelleVue asked various photographers and organizations, mostly from the Basel region, to contribute current photographs to the exhibition's themes.

The larger contemporary photographs are placed in the exhibition like a brainstorming session of ideas. Independent, rather symbolic in expression, they describe certain conditions in our society. They are accompanied by smaller, documentary image formats that match the themes of the exhibition: actions, demonstrations, projects, people's commitment on a small and large scale to the cause that is close to their hearts.

The historical series of pictures tell stories and bear witness to new beginnings in the most diverse areas of life. In the reports on the central laundry, the toil of the work becomes tangible: mountains of laundry, conveyor belts, many women, mostly migrants, working hand in hand. Then the strike and the solidarity events, finally things are supposed to get better!

A comparison of historical and contemporary photographs reveals similarities as well as differences. Many digitally produced images of political activities on the street describe people coming together and proclaiming their demands with banners. There is an almost unmanageable abundance of such protest images today as there was back then. Contemporary photography is colorful, sometimes with a distanced expression and well composed. But time and again - as in the 1970s - there are also quick snapshots that are intended to bear witness: That's how it was, we were there too!

A cooperation between BelleVue - Place for Photography and the Basel-Stadt State Archives, on the initiative of the Christoph Merian Foundation

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
7. März 2024

Eco
Ester Vonplon

Lässt sich Schnee festhalten? Mit blossen Händen ist das kaum möglich. Die zarten Kristalle lösen sich in der warmen Hand auf und das zurückbleibende Wasser rinnt unaufhaltsam durch die Finger. Aus den Fotografien von Ester Vonplon schimmert stets eine gewisse Wehmut, die sich mit dem Verschwinden auseinandersetzt. Im Jahr 2014 betitelt sie eine Serie von Aufnahmen mit der melancholischen Frage: «Wohin geht all das Weiss, wenn der Schnee schmilzt».

Können wir die Zeit, den Lauf des Universums, aufhalten? Die Erde, unseren Lebensraum – können wir sie bewahren? «Wie viel Zeit bleibt der Endlichkeit», fragt die Künstlerin im Jahr 2016. Ester Vonplon reflektiert in ihren Fotoarbeiten die Essenz ihrer Technik, die Susan Sontag am treffendsten beschrieben hat: «Jede Fotografie ist eine Art memento mori. Fotografieren bedeutet teilnehmen an der Sterblichkeit, Verletzlichkeit und Wandelbarkeit anderer Menschen (oder Dinge)» (1977).

Mit dieser Zartheit des Festhalten-Wollens folgt Esther Vonplon der Natur, dem Schnee und dem Wald mit Kameras, die unterschiedliche Bildformate und Ausschnitte zulassen. Die Polaroid-Technik ermöglicht die Belichtung eines Papiers mit einer speziellen Fotoemulsion, auf dem bereits nach wenigen Sekunden ein Abdruck der Wirklichkeit erscheint. Das relativ sensible Filmmaterial reagiert dabei auf die vielfältigen Einflüsse der freien Natur – Feuchtigkeit oder unterschiedliche Temperaturen – und lässt Farbveränderungen oder kleine Risse in der Oberfläche entstehen.

Vonplon führt ihre Kameralinse entlang der faszinierenden Spuren von Schnee und Eis. Seien es die sanften Formen der Steine unter der Schneedecke, ähnlich kleiner Hügellandschaften, oder die geheimnisvollen eingeschlossene Luftblasen, Risse und Rillen. Auf beeindruckende Weise gelingt es ihr, eine Art Fotogramm von Schneeflocken zu erzeugen und verwandelt das Fotopapier in ein letztes Zeugnis des Schnees. Dabei oszilliert Vonplon zwischen filigranen Details wie Eiskristallen, Pflanzen oder Wassertropfen und majestätischen Eisbrüchen, Gletschern oder endlosen Weite des Himmels. Während die Aufnahmen des tief verschneiten Waldes unweit ihres Wohnortes Castrisch im Tal des Vorderrheins eine beinahe intime Nähe vermitteln und das Gefühl des Eingeschlossen-Seins hervorrufen, entfalten ihre Filmaufnahmen der arktischen Gletscher eine fast überwältigende Weite. Das Eis strahlt in seiner Leuchtkraft, Transparenz und zarten Anmut, das Licht erscheint magisch und surreal. Vonplon verleiht dem Licht eine besondere Bedeutung, wenn sie von den für unsere Augen aussergewöhnlichen Lichtwirkungen berichtet, die sie auf ihrer Arktisreise erlebt hat.

In Vonplons Fotografien erscheint die Natur wie durch einen Filter betrachtet, als stamme das Bild aus einer anderen Zeit oder aus einem Traum. Sind sie tatsächlich ein Abdruck der Wirklichkeit? Oder vielmehr nur ein Nachhall, ein Echo? Ein Gefühl einer Zwischenwelt entsteht, in der die Landschaft ihre greifbare Substanz zu verlieren scheint, vor unseren Augen verschwindet und sich auflöst wie der zarte Schnee in unserer Hand. Die Bilder sprechen von Verlust und zeigen uns das, was wir zu verlieren drohen.

Peut-on tenir la neige ? Ce n'est guère possible à mains nues. Les cristaux délicats se dissolvent dans la chaleur de la main et l'eau qui reste s'écoule inexorablement entre les doigts. Une certaine nostalgie transparaît toujours des photographies d'Ester Vonplon, qui se confronte à la disparition. En 2014, elle intitule une série de clichés de la question mélancolique suivante : "Où va tout ce blanc lorsque la neige fond".

Pouvons-nous arrêter le temps, le cours de l'univers ? La Terre, notre espace vital - pouvons-nous la préserver ? "Combien de temps reste-t-il à la finitude ?", s'interroge l'artiste en 2016. Ester Vonplon reflète dans ses travaux photographiques l'essence de sa technique, que Susan Sontag a décrite de la manière la plus pertinente : "Chaque photographie est une sorte de memento mori. Photographier, c'est participer à la mortalité, à la vulnérabilité et à la mutabilité d'autres personnes (ou choses)" (1977).

C'est avec cette délicatesse de vouloir retenir qu'Esther Vonplon suit la nature, la neige et la forêt avec des appareils photo qui permettent différents formats d'image et de cadrage. La technique du polaroïd permet d'exposer un papier avec une émulsion photographique spéciale, sur lequel une empreinte de la réalité apparaît déjà après quelques secondes. Le matériau du film, relativement sensible, réagit alors aux multiples influences de la nature libre - humidité ou températures différentes - et fait apparaître des changements de couleur ou de petites fissures à la surface.

Vonplon guide l'objectif de sa caméra le long des traces fascinantes laissées par la neige et la glace. Qu'il s'agisse des formes douces des pierres sous la couche de neige, semblables à de petits paysages vallonnés, ou des mystérieuses bulles d'air emprisonnées, des fissures et des rainures. De manière impressionnante, elle parvient à créer une sorte de photogramme de flocons de neige et transforme le papier photo en un dernier témoignage de la neige. Vonplon oscille entre des détails filigranes tels que des cristaux de glace, des plantes ou des gouttes d'eau et de majestueuses carrières de glace, des glaciers ou l'immensité du ciel. Alors que les prises de vue de la forêt profondément enneigée non loin de son domicile de Castrisch, dans la vallée du Rhin antérieur, donnent une impression de proximité presque intime et suscitent un sentiment d'enfermement, ses films sur les glaciers arctiques déploient une immensité presque écrasante. La glace rayonne de sa luminosité, de sa transparence et de sa grâce délicate, la lumière semble magique et surréaliste. Vonplon confère à la lumière une signification particulière lorsqu'elle évoque les effets lumineux extraordinaires pour nos yeux qu'elle a vécus lors de son voyage en Arctique.

Dans les photographies de Vonplon, la nature semble être vue à travers un filtre, comme si l'image provenait d'une autre époque ou d'un rêve. Sont-elles vraiment l'empreinte de la réalité ? Ou plutôt une réverbération, un écho ? Un sentiment d'entre-deux se dégage, où le paysage semble perdre sa substance tangible, disparaître sous nos yeux et se dissoudre comme la neige fragile dans notre main. Les images parlent de perte et nous montrent ce que nous risquons de perdre.

Riesci ad aggrapparti alla neve? È difficilmente possibile a mani nude. I delicati cristalli si dissolvono nella mano calda e l'acqua rimanente scorre inesorabilmente tra le dita. Le fotografie di Ester Vonplon sono sempre caratterizzate da una certa malinconia che ha a che fare con la scomparsa. Nel 2014 ha intitolato una serie di fotografie con una domanda malinconica: "Dove va tutto il bianco quando la neve si scioglie".

Possiamo fermare il tempo, il corso dell'universo? La terra, il nostro habitat, può essere preservato? "Nelle sue opere fotografiche, Ester Vonplon riflette l'essenza della sua tecnica, che Susan Sontag ha descritto nel modo più appropriato: "Ogni fotografia è una sorta di memento mori. Fotografare è partecipare alla mortalità, alla vulnerabilità e alla mutevolezza di altre persone (o cose)" (1977).

Con questa tenerezza di voler catturare, Esther Vonplon segue la natura, la neve e la foresta con macchine fotografiche che consentono diversi formati e sezioni di immagine. La tecnica Polaroid permette di esporre una carta con una speciale emulsione fotografica, sulla quale appare un'impronta della realtà dopo pochi secondi. Il materiale della pellicola, relativamente sensibile, reagisce alle varie influenze della natura - umidità o temperature diverse - e provoca cambiamenti di colore o piccole crepe sulla superficie.

Vonplon guida il suo obiettivo lungo le affascinanti tracce di neve e ghiaccio. Che si tratti delle forme dolci delle pietre sotto il manto nevoso, simili a piccoli paesaggi collinari, o delle misteriose bolle d'aria intrappolate, delle crepe e delle scanalature. In modo impressionante, riesce a creare una sorta di fotogramma di fiocchi di neve e trasforma la carta fotografica in una testimonianza finale della neve. Vonplon oscilla tra dettagli delicati come cristalli di ghiaccio, piante o gocce d'acqua e maestose cascate di ghiaccio, ghiacciai o l'infinita distesa del cielo. Mentre gli scatti della foresta innevata non lontano dalla sua casa di Castrisch, nella valle del Reno anteriore, trasmettono una vicinanza quasi intima ed evocano la sensazione di essere racchiusi, le sue riprese dei ghiacciai artici dispiegano una vastità quasi opprimente. Il ghiaccio risplende nella sua luminosità, trasparenza e grazia delicata, la luce appare magica e surreale. Vonplon dà alla luce un significato speciale quando racconta gli straordinari effetti della luce che ha sperimentato durante il suo viaggio nell'Artico.

Nelle fotografie di Vonplon, la natura appare come vista attraverso un filtro, come se l'immagine provenisse da un altro tempo o da un sogno. Sono davvero un'impronta della realtà? O sono solo un riverbero, un'eco? Si ha la sensazione di un mondo intermedio in cui il paesaggio sembra perdere la sua sostanza tangibile, scomparendo davanti ai nostri occhi e dissolvendosi come la neve delicata nelle nostre mani. Le immagini parlano di perdita e ci mostrano ciò che rischiamo di perdere.

Can you hold on to snow? It's hardly possible with bare hands. The delicate crystals dissolve in the warm hand and the remaining water runs inexorably through the fingers. Ester Vonplon's photographs are characterised by a certain melancholy that deals with disappearance. In 2014, she titled a series of photographs with the melancholy question: "Where does all the white go when the snow melts".

Can we stop time, the course of the universe? The earth, our habitat - can we preserve it? "How much time is left for finiteness?" asks the artist in 2016. In her photographic works, Ester Vonplon reflects the essence of her technique, which Susan Sontag described most aptly: "Every photograph is a kind of memento mori. To photograph is to participate in the mortality, vulnerability and mutability of other people (or things)" (1977).

With this tenderness of wanting to capture, Esther Vonplon follows nature, the snow and the forest with cameras that allow different image formats and sections. The Polaroid technique makes it possible to expose a paper with a special photo emulsion on which an imprint of reality appears after just a few seconds. The relatively sensitive film material reacts to the various influences of nature - moisture or different temperatures - and causes colour changes or small cracks in the surface.

Vonplon guides her camera lens along the fascinating traces of snow and ice. Be it the soft shapes of the stones under the snow cover, similar to small hilly landscapes, or the mysterious trapped air bubbles, cracks and grooves. In an impressive way, she succeeds in creating a kind of photogram of snowflakes and transforms the photographic paper into a final testimony to the snow. Vonplon oscillates between delicate details such as ice crystals, plants or water droplets and majestic icefalls, glaciers or the endless expanse of the sky. While the shots of the snow-covered forest not far from her home in Castrisch in the Vorderrhein valley convey an almost intimate closeness and evoke the feeling of being enclosed, her film shots of the Arctic glaciers unfold an almost overwhelming vastness. The ice shines in its luminosity, transparency and delicate grace, the light appears magical and surreal. Vonplon gives light a special meaning when she reports on the extraordinary effects of light that she experienced on her Arctic journey.

In Vonplon's photographs, nature appears as if viewed through a filter, as if the image comes from another time or from a dream. Are they really an imprint of reality? Or are they merely a reverberation, an echo? A feeling of an intermediate world arises in which the landscape seems to lose its tangible substance, disappearing before our eyes and dissolving like the delicate snow in our hands. The images speak of loss and show us what we are in danger of losing.

(Text: Tanja Warring)

Kunstmuseum Luzern
23. Februar 2024

Subjective Evidence
Barbara Probst

Der Ausstellungstitel Subjective Evidence (subjektiver Beweis) verweist bereits aufs Grundthema: Wo stehst du? Was siehst du? Aus welcher Richtung kommst du? Wohin blickst du? Barbara Probst (*1964) zeigt nie eine einzelne Fotografie, sondern stets multiperspektivische Serien. Ihre kleinsten Werkgruppen bestehen aus zwei Bildern. In Doppelporträts zeigt die Künstlerin in zwei Fotografien jeweils zwei Personen. Beiläufig betrachtet könnten die Fotografien fast als identisch durchgehen, aber falsch: Auf dem linken Bild blickt die eine Person in die Kamera, die andere an der Kamera vorbei; auf dem rechten Bild verhält es sich genau umgekehrt. Diese minimale Verschiebung irritiert, lässt innehalten und macht das Sehen als bewussten Vorgang erlebbar.

In thematischen Kapiteln wie «Performance», «Landschaft», «Stillleben» oder «Mode» zeigt Barbara Probst Werkgruppen aus über 20 Jahren. Zahlreiche Arbeiten sind in Luzern das erste Mal zu sehen. In den leeren Ausstellungsräumen des Kunstmuseums Luzern realisierte die Künstlerin zudem ein neues Werk.

Kuratiert von Fanni Fetzer

In Kooperation mit Sprengel Museum, Hannover, und FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

Le titre de l'exposition, Subjective Evidence (preuve subjective), renvoie déjà au thème de base : où te situes-tu ? Que vois-tu ? De quelle direction viens-tu ? Où regardes-tu ? Barbara Probst (*1964) ne montre jamais une seule photographie, mais toujours des séries multiperspectives. Ses plus petits groupes d'œuvres se composent de deux visuels. Dans des portraits doubles, l'artiste montre deux personnes dans deux photographies. En les regardant avec désinvolture, les photographies pourraient presque passer pour identiques, mais fausses : sur le visuel de gauche, l'une des personnes regarde l'appareil photo, l'autre passe devant ; sur le visuel de droite, c'est exactement l'inverse. Ce décalage minime irrite, fait marquer un temps d'arrêt et permet de vivre la vision comme un processus conscient.

Dans des chapitres thématiques comme "Performance", "Paysage", "Nature morte" ou "Mode", Barbara Probst présente des groupes d'œuvres de plus de 20 ans. De nombreux travaux sont présentés pour la première fois à Lucerne. L'artiste a en outre réalisé une nouvelle œuvre dans les salles d'exposition vides du Kunstmuseum Luzern.

Organisé par Fanni Fetzer

En coopération avec le Sprengel Museum, Hanovre, et FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

Il titolo della mostra Subjective Evidence fa già riferimento al tema di base: Where do you stand? Cosa vedi? Da quale direzione provieni? Dove stai guardando? Barbara Probst (*1964) non espone mai una sola fotografia, ma sempre serie multiprospettiche. I suoi gruppi di opere più piccoli sono composti da due immagini. Nei doppi ritratti, l'artista mostra due persone in due fotografie. Osservate casualmente, le fotografie potrebbero quasi passare per identiche, ma in modo errato: nell'immagine di sinistra, una persona guarda verso la macchina fotografica, l'altra oltre la macchina fotografica; nell'immagine di destra, è il contrario. Questo minimo spostamento è sconcertante, ci fa soffermare e ci permette di sperimentare la visione come un processo consapevole.

In capitoli tematici come "Performance", "Paesaggio", "Natura morta" o "Moda", Barbara Probst presenta gruppi di opere di oltre 20 anni. Numerose opere vengono esposte per la prima volta a Lucerna. L'artista ha inoltre realizzato un nuovo lavoro nelle sale espositive vuote del Kunstmuseum Luzern.

A cura di Fanni Fetzer

In collaborazione con lo Sprengel Museum di Hannover e FotoFocus del Contemporary Arts Center di Cincinnati.

The exhibition title Subjective Evidence already points to the basic theme: Where do you stand? What do you see? Where are you coming from? What are you looking at? Barbara Probst (*1964) never

shows a single photograph, but always multi-perspectival series. Her smallest work groups consist of two images. In her double portraits the artist shows two people each in two photographs. Looked at casually, the photographs could be regarded as identical. But this is not so: in the left image, one person looks at the camera, the other looks past it; in the right image, the persons behave the other way round. This minimal shift intrigues us, causing us to pause for thought and making us aware of sight as a conscious process.

In thematic chapters entitled “Performance”, “Landscape”, “Still Life” or “Fashion”, Barbara Probst shows work groups from over 20 years. Many photographs are being shown in Lucerne for the first time. What is more, the artist realises a new work in the empty exhibition rooms of the Kunstmuseum Luzern.

Curated by Fanni Fetzer

In cooperation with Sprengel Museum, Hannover, und FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

(Text: Kunstmuseum Luzern)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
10. Dezember 2023

Art Tour mit Marco Frauchiger und Roland Schmid

Morgennebel
Marco Frauchiger, Roland Schmid

Wie sprechen über Krieg in Zeiten des Krieges? Soll oder darf man das: Bilder zeigen aus vergangenen Kriegen angesichts der Überwältigung durch Bilder aus den gegenwärtigen Kriegen? Aber die Zeit des Krieges ist nicht heute, nicht damals: Krieg ist immer – oder immer wieder, und er bleibt: Er prägt die Erinnerung und das Handeln; er hinterlässt seine Spuren in der Landschaft und in den Körpern der Menschen, die einen Umgang finden müssen mit seinen Konsequenzen – über Generationen hinweg.

Die Ausstellung des Berner Fotografen und Künstlers Marco Frauchiger und des Basler Fotografen Roland Schmid vereint zwei Sichtweisen auf die bis heute in den betroffenen Ländern erleb- und sichtbaren Auswirkungen des von 1955 bis 1975 dauernden Vietnamkrieges.

Um die Versorgungsrouten für den Vietcong in Laos zu zerstören, warf der US-Geheimdienst in einem geheimen Krieg über zwei Millionen Tonnen Bomben über dem Land ab; das sind mehr als alle eingesetzten Bomben im Zweiten Weltkrieg zusammen. In der Ausstellung sind Bilder zu sehen, die der Werkreihe «How to dismantle a bomb» entstammen, einem Langzeitprojekt, in dem Frauchiger zeigt, wie die Bevölkerung in Laos mit dem Erbe dieses Krieges umgeht. Die Arbeiten, entstanden in Zusammenarbeit und im Dialog mit den Menschen vor Ort, offenbaren eine künstlerische Strategie, die gängige Erzählweisen fotografischer Bilder und das Wirklichkeitsversprechen der Kriegsberichterstattung hinterfragt.

Seit Ende der 90er-Jahre bereist Roland Schmid auf Einladung des Schweizer Journalisten Peter Jaeggi Vietnam. In seinen Bildreihen thematisiert Schmid die Folgen des massiven Einsatzes von Herbiziden, v. a. von Agent Orange, durch die USA und ihre Verbündeten während des Krieges. Auch fast 50 Jahre danach finden sich noch Spuren des in Agent Orange enthaltenen Dioxins in der Nahrungskette; ebenso verheerend wirkt sich die Vererbung des durch Agent Orange geschädigten Genoms von einem Elternteil auf nachfolgende Generationen aus. Beides hat zur Folge, dass bis heute in Vietnam Kinder geboren werden, die unter Krankheiten und schweren Missbildungen leiden. Roland Schmids dokumentarischen Bildern inhärent ist eine aufklärerische Absicht, die aber auch immer – dies ganz in der Tradition einer «humanistischen» Fotografie – auf die Würde des Menschen abzielt.

Comment parler de la guerre en temps de guerre ? Doit-on ou peut-on le faire : montrer des images de guerres passées face à l'accablement d'images de guerres actuelles ? Mais le temps de la guerre n'est pas d'aujourd'hui, ni d'hier : la guerre est toujours - ou encore et encore - et elle reste : Elle marque la mémoire et l'action ; elle laisse ses traces dans le paysage et dans le corps des hommes, qui doivent trouver un moyen de gérer ses conséquences - au fil des générations.

L'exposition du photographe et artiste bernois Marco Frauchiger et du photographe bâlois Roland Schmid réunit deux points de vue sur les conséquences de la guerre du Vietnam, qui a duré de 1955 à 1975, et qui sont encore visibles aujourd'hui dans les pays concernés.

Afin de détruire les routes d'approvisionnement du Viêt-Cong au Laos, les services secrets américains ont largué plus de deux millions de tonnes de bombes sur le pays dans le cadre d'une guerre secrète ; c'est plus que toutes les bombes utilisées pendant la Seconde Guerre mondiale réunies. L'exposition présente des images issues de la série d'œuvres "How to dismantle a bomb", un projet à long terme dans lequel Frauchiger montre comment la population du Laos gère l'héritage de cette guerre. Les travaux, réalisés en collaboration et en dialogue avec les gens sur place, révèlent une stratégie artistique qui remet en question les modes de narration courants des images photographiques et la promesse de réalité des reportages de guerre.

Depuis la fin des années 90, Roland Schmid se rend au Vietnam à l'invitation du journaliste suisse Peter Jaeggi. Dans ses séries d'images, Schmid thématise les conséquences de l'utilisation massive d'herbicides, en particulier de l'agent orange, par les États-Unis et leurs alliés pendant la guerre. Près de 50 ans plus tard, on trouve encore des traces de la dioxine contenue dans l'agent orange dans la chaîne alimentaire ; la transmission du génome endommagé par l'agent orange d'un parent aux générations suivantes a également des effets dévastateurs. Ces deux facteurs ont pour conséquence qu'aujourd'hui encore, des enfants naissent au Vietnam et souffrent de maladies et de graves malformations. Les images documentaires de Roland Schmid ont une intention éclairante, mais elles visent aussi toujours - dans la tradition d'une photographie "humaniste" - la dignité de l'être humain.

Come parlare di guerra in tempo di guerra? Si devono o si possono: mostrare immagini di guerre passate di fronte alla sopraffazione di immagini di guerre presenti? Ma il tempo della guerra non è oggi, non è allora: la guerra è sempre - o sempre di nuovo, e rimane: Dà forma alla memoria e all'azione; lascia le sue tracce nel paesaggio e nei corpi delle persone che devono trovare un modo per affrontare le sue conseguenze - per generazioni.

La mostra del fotografo e artista bernese Marco Frauchiger e del fotografo basilese Roland Schmid unisce due prospettive sugli effetti della guerra del Vietnam, durata dal 1955 al 1975, che possono essere vissuti e visti ancora oggi nei Paesi colpiti.

Per distruggere le vie di rifornimento dei Vietcong in Laos, i servizi segreti statunitensi sganciarono più di due milioni di tonnellate di bombe sul Paese in una guerra segreta; una quantità superiore a tutte le bombe utilizzate nella Seconda Guerra Mondiale messe insieme. La mostra presenta immagini della serie "How to dismantle a bomb", un progetto a lungo termine in cui Frauchiger mostra come la popolazione del Laos affronta l'eredità di questa guerra. Le opere, create in collaborazione e in dialogo con le persone sul posto, rivelano una strategia artistica che mette in discussione le comuni modalità narrative delle immagini fotografiche e la promessa di realtà nel reportage di guerra.

Dalla fine degli anni '90, Roland Schmid si è recato in Vietnam su invito del giornalista svizzero Peter Jaeggi. Nella sua serie di immagini, Schmid affronta le conseguenze dell'uso massiccio di erbicidi, in particolare dell'Agente Arancio, da parte degli Stati Uniti e dei loro alleati durante la guerra. Anche a distanza di quasi 50 anni, tracce della diossina contenuta nell'Agente Arancio si trovano ancora nella catena alimentare; l'ereditarietà del genoma danneggiato dall'Agente Arancio da un genitore alle generazioni successive ha un effetto altrettanto devastante. Il risultato di entrambi è che ancora oggi in Vietnam nascono bambini affetti da malattie e gravi deformità. Nelle immagini documentarie di Roland Schmid è insito un intento illuminante che, tuttavia, mira sempre anche alla dignità dell'essere umano, nel pieno rispetto della tradizione della fotografia "umanistica".

How to talk about war in times of war? Should or may one: show images from past wars in the face of being overwhelmed by images from present wars? But the time of war is not today, not then: war is always - or again and again, and it remains: It shapes memory and action; it leaves its traces in the landscape and in the bodies of people who have to find a way to deal with its consequences - over generations.

The exhibition by Bernese photographer and artist Marco Frauchiger and Basel-based photographer Roland Schmid combines two perspectives on the effects of the Vietnam War, which lasted from 1955 to 1975 and can still be experienced and seen today in the countries affected.

To destroy supply routes for the Viet Cong in Laos, U.S. intelligence dropped more than two million tons of bombs over the country in a secret war; more than all the bombs used in World War II combined. The exhibition features images taken from the series of works "How to dismantle a bomb," a long-term project in which Frauchiger shows how the people of Laos deal with the legacy of that war. The works, created in collaboration and dialogue with the people on the ground, reveal an artistic strategy that questions common narrative modes of photographic images and the promise of reality in war reporting.

Since the late 1990s, Roland Schmid has travelled to Vietnam at the invitation of Swiss journalist Peter Jaeggi. In his series of images, Schmid addresses the consequences of the massive use of herbicides, especially Agent Orange, by the USA and its allies during the war. Even almost 50 years later, traces of the dioxin contained in Agent Orange can still be found in the food chain; the inheritance of the genome damaged by Agent Orange from one parent to subsequent generations has an equally devastating effect. As a result, children are still being born in Vietnam today suffering from diseases and severe deformities. Inherent in Roland Schmid's documentary images is an enlightening intention, which also always - in the tradition of "humanistic" photography - aims at the dignity of the human being.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

digitalEvent
9. Dezember 2023

Keynote Vorträge
John-Oliver Dum, Makrofotograf
Stefan Forster, Landschaftsfotograf und Videofilmer
Alex Kühni, Fotojournalist
Vincent Peters, Porträt-, Mode- und Beautyfotograf

Tickets

digitalEVENT gilt als wichtigster eintägiger Fotoevent der Schweiz und zieht Fotografen, Videofilmer und Kreative aus dem Grossraum Zürich/Aargau und darüber hinaus an. Mit über 20 Ausstellern, die ihre neusten Produkte aus den Bereichen Foto und Video präsentieren, darunter Kameras, Objektive und Zubehör, ist dies eine unschätzbare Gelegenheit, die neusten Innovationen der Branche aus erster Hand zu erleben. Darüber hinaus bieten Schulungsanbieter Einblicke in ihre neuesten Lerninhalte und Fotoreisen, um Wissen und Fähigkeiten zu erweitern.

Ein besonderes Highlight ist das vielfältige Bildungsangebot des digitalEVENT mit über 40 Vorträgen und Seminaren renommierter Fotografen. Diese Gelegenheit, den fotografischen Horizont zu erweitern und neue Fähigkeiten zu erlernen, ist für Profis und Amateure gleichermaßen von unschätzbarem Wert.

Abgerundet wird die Veranstaltung durch vier fesselnde Keynote-Präsentationen auf einer großen Bühne mit beeindruckender 12-Meter-Leinwand und 4K-Projektion.

Die Keynote-Präsentationen versprechen faszinierende Einblicke in die Welt der Fotografie und werden mit Sicherheit inspirieren.

Ein besonderer Service des digitalEVENTs ist die kostenpflichtige Sensorreinigung für Kameras von Canon, Fujifilm, Nikon und Sony, die von Experten vor Ort durchgeführt wird.

Der digitalEVENT ist der Ort, an dem sich die Foto-Community trifft, um ihre Leidenschaft zu teilen, neue Fähigkeiten zu erlernen und sich von den Besten der Branche inspirieren zu lassen. Wir laden Sie herzlich ein, an diesem spannenden Event teilzunehmen und die Magie der Fotografie zu erleben.

digitalEVENT est considéré comme l'événement photo d'une journée le plus important de Suisse et attire des photographes, des vidéastes et des créatifs de la grande région de Zurich/Argovie et au-delà. Avec plus de 20 exposants présentant leurs derniers produits dans les domaines de la photo et de la vidéo, dont des appareils photo, des objectifs et des accessoires, c'est une occasion inestimable de découvrir de première main les dernières innovations du secteur. En outre, des prestataires de formation proposeront des aperçus de leurs derniers contenus d'apprentissage et des voyages photographiques afin d'élargir les connaissances et les compétences.

Un point fort particulier est l'offre de formation variée du digitalEVENT avec plus de 40 conférences et séminaires de photographes renommés. Cette opportunité d'élargir ses horizons photographiques et d'acquérir de nouvelles compétences est inestimable pour les professionnels comme pour les amateurs.

L'événement sera complété par quatre présentations keynote captivantes sur une grande scène dotée d'un impressionnant écran de 12 mètres et d'une projection 4K.

Ces présentations promettent de donner un aperçu fascinant du monde de la photographie et ne manqueront pas d'inspirer les participants.

Un service particulier du digitalEVENT est le nettoyage payant des capteurs des appareils photo Canon, Fujifilm, Nikon et Sony, qui sera effectué sur place par des experts.

Le digitalEVENT est l'endroit où la communauté photo se réunit pour partager sa passion, apprendre de nouvelles compétences et s'inspirer des meilleurs de la branche. Nous vous invitons à participer à cet événement passionnant et à vivre la magie de la photographie.

digitalEVENT è riconosciuto come il più importante evento fotografico di un giorno in Svizzera e attira fotografi, videografi e creativi dall'area di Zurigo/Argovia e non solo. Con oltre 20 espositori che presentano i loro ultimi prodotti fotografici e video, tra cui fotocamere, obiettivi e accessori, è un'occasione preziosa per toccare con mano le ultime innovazioni del settore. Inoltre, i fornitori di formazione offriranno approfondimenti sui loro ultimi contenuti didattici e sui viaggi fotografici per migliorare le conoscenze e le competenze.

Un punto di forza particolare è il programma didattico di digitalEVENT, con oltre 40 conferenze e seminari tenuti da fotografi di fama. Questa opportunità di ampliare gli orizzonti fotografici e di apprendere nuove competenze è preziosa sia per i professionisti che per i dilettanti.

L'evento sarà completato da quattro accattivanti presentazioni chiave su un grande palco con un impressionante schermo di 12 metri e proiezione 4K.

Le presentazioni promettono approfondimenti affascinanti sul mondo della fotografia e sono sicuramente fonte di ispirazione.

Un servizio speciale del digitalEVENT è la pulizia dei sensori delle fotocamere Canon, Fujifilm, Nikon e Sony, che sarà effettuata da esperti in loco a pagamento.

digitalEVENT è il luogo in cui la comunità fotografica si riunisce per condividere la propria passione, apprendere nuove competenze e lasciarsi ispirare dai migliori del settore. Vi invitiamo a partecipare a questo emozionante evento e a vivere la magia della fotografia.

digitalEVENT is regarded as the most important one-day photography event in Switzerland and attracts photographers, videographers and creatives from the greater Zurich/Aargau area and beyond. With over 20 exhibitors showcasing their latest photo and video products, including cameras, lenses and accessories, this is an invaluable opportunity to experience the latest innovations in the industry first-hand. In addition, education providers will offer insights into their latest learning content and photography journeys to enhance knowledge and skills.

A special highlight is the wide range of educational offerings at digitalEVENT with over 40 lectures and seminars by renowned photographers. This opportunity to broaden photographic horizons and learn new skills is invaluable for professionals and amateurs alike.

The event will be rounded off by four captivating keynote presentations on a large stage with an impressive 12-meter screen and 4K projection.

The keynote presentations promise fascinating insights into the world of photography and are sure to inspire.

A special service at digitalEVENT is sensor cleaning for Canon, Fujifilm, Nikon and Sony cameras, which will be carried out by experts on site for a fee.

digitalEVENT is the place where the photography community comes together to share their passion, learn new skills and be inspired by the best in the industry. We invite you to join us at this exciting event and experience the magic of photography.

(Text: digitalEVENT)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
29. November 2023

Regine Flury im Gespräch mit Roland Schmid und Marco Frauchiger

Morgennebel
Marco Frauchiger, Roland Schmid

Wie sprechen über Krieg in Zeiten des Krieges? Soll oder darf man das: Bilder zeigen aus vergangenen Kriegen angesichts der Überwältigung durch Bilder aus den gegenwärtigen Kriegen? Aber die Zeit des Krieges ist nicht heute, nicht damals: Krieg ist immer – oder immer wieder, und er bleibt: Er prägt die Erinnerung und das Handeln; er hinterlässt seine Spuren in der Landschaft und in den Körpern der Menschen, die einen Umgang finden müssen mit seinen Konsequenzen – über Generationen hinweg.

Die Ausstellung des Berner Fotografen und Künstlers Marco Frauchiger und des Basler Fotografen Roland Schmid vereint zwei Sichtweisen auf die bis heute in den betroffenen Ländern erleb- und sichtbaren Auswirkungen des von 1955 bis 1975 dauernden Vietnamkrieges.

Um die Versorgungsrouten für den Vietcong in Laos zu zerstören, warf der US-Geheimdienst in einem geheimen Krieg über zwei Millionen Tonnen Bomben über dem Land ab; das sind mehr als alle eingesetzten Bomben im Zweiten Weltkrieg zusammen. In der Ausstellung sind Bilder zu sehen, die der Werkreihe «How to dismantle a bomb» entstammen, einem Langzeitprojekt, in dem Frauchiger zeigt, wie die Bevölkerung in Laos mit dem Erbe dieses Krieges umgeht. Die Arbeiten, entstanden in Zusammenarbeit und im Dialog mit den Menschen vor Ort, offenbaren eine künstlerische Strategie, die gängige Erzählweisen fotografischer Bilder und das Wirklichkeitsversprechen der Kriegsberichterstattung hinterfragt.

Seit Ende der 90er-Jahre bereist Roland Schmid auf Einladung des Schweizer Journalisten Peter Jaeggi Vietnam. In seinen Bildreihen thematisiert Schmid die Folgen des massiven Einsatzes von Herbiziden, v. a. von Agent Orange, durch die USA und ihre Verbündeten während des Krieges. Auch fast 50 Jahre danach finden sich noch Spuren des in Agent Orange enthaltenen Dioxins in der Nahrungskette; ebenso verheerend wirkt sich die Vererbung des durch Agent Orange geschädigten Genoms von einem Elternteil auf nachfolgende Generationen aus. Beides hat zur Folge, dass bis heute in Vietnam Kinder geboren werden, die unter Krankheiten und schweren Missbildungen leiden. Roland Schmids dokumentarischen Bildern inhärent ist eine aufklärerische Absicht, die aber auch immer – dies ganz in der Tradition einer «humanistischen» Fotografie – auf die Würde des Menschen abzielt.

Comment parler de la guerre en temps de guerre ? Doit-on ou peut-on le faire : montrer des images de guerres passées face à l'accablement d'images de guerres actuelles ? Mais le temps de la guerre n'est pas d'aujourd'hui, ni d'hier : la guerre est toujours - ou encore et encore - et elle reste : Elle marque la mémoire et l'action ; elle laisse ses traces dans le paysage et dans le corps des hommes, qui doivent trouver un moyen de gérer ses conséquences - au fil des générations.

L'exposition du photographe et artiste bernois Marco Frauchiger et du photographe bâlois Roland Schmid réunit deux points de vue sur les conséquences de la guerre du Vietnam, qui a duré de 1955 à 1975, et qui sont encore visibles aujourd'hui dans les pays concernés.

Afin de détruire les routes d'approvisionnement du Viêt-Cong au Laos, les services secrets américains ont largué plus de deux millions de tonnes de bombes sur le pays dans le cadre d'une guerre secrète ; c'est plus que toutes les bombes utilisées pendant la Seconde Guerre mondiale réunies. L'exposition présente des images issues de la série d'œuvres "How to dismantle a bomb", un projet à long terme dans lequel Frauchiger montre comment la population du Laos gère l'héritage de cette guerre. Les travaux, réalisés en collaboration et en dialogue avec les gens sur place, révèlent une stratégie artistique qui remet en question les modes de narration courants des images photographiques et la promesse de réalité des reportages de guerre.

Depuis la fin des années 90, Roland Schmid se rend au Vietnam à l'invitation du journaliste suisse Peter Jaeggi. Dans ses séries d'images, Schmid thématise les conséquences de l'utilisation massive d'herbicides, en particulier de l'agent orange, par les États-Unis et leurs alliés pendant la guerre. Près de 50 ans plus tard, on trouve encore des traces de la dioxine contenue dans l'agent orange dans la chaîne alimentaire ; la transmission du génome endommagé par l'agent orange d'un parent aux générations suivantes a également des effets dévastateurs. Ces deux facteurs ont pour conséquence qu'aujourd'hui encore, des enfants naissent au Vietnam et souffrent de maladies et de graves malformations. Les images documentaires de Roland Schmid ont une intention éclairante, mais elles visent aussi toujours - dans la tradition d'une photographie "humaniste" - la dignité de l'être humain.

Come parlare di guerra in tempo di guerra? Si devono o si possono: mostrare immagini di guerre passate di fronte alla sopraffazione di immagini di guerre presenti? Ma il tempo della guerra non è oggi, non è allora: la guerra è sempre - o sempre di nuovo, e rimane: Dà forma alla memoria e all'azione; lascia le sue tracce nel paesaggio e nei corpi delle persone che devono trovare un modo per affrontare le sue conseguenze - per generazioni.

La mostra del fotografo e artista bernese Marco Frauchiger e del fotografo basilese Roland Schmid unisce due prospettive sugli effetti della guerra del Vietnam, durata dal 1955 al 1975, che possono essere vissuti e visti ancora oggi nei Paesi colpiti.

Per distruggere le vie di rifornimento dei Vietcong in Laos, i servizi segreti statunitensi sganciarono più di due milioni di tonnellate di bombe sul Paese in una guerra segreta; una quantità superiore a tutte le bombe utilizzate nella Seconda Guerra Mondiale messe insieme. La mostra presenta immagini della serie "How to dismantle a bomb", un progetto a lungo termine in cui Frauchiger mostra come la popolazione del Laos affronta l'eredità di questa guerra. Le opere, create in collaborazione e in dialogo con le persone sul posto, rivelano una strategia artistica che mette in discussione le comuni modalità narrative delle immagini fotografiche e la promessa di realtà nel reportage di guerra.

Dalla fine degli anni '90, Roland Schmid si è recato in Vietnam su invito del giornalista svizzero Peter Jaeggi. Nella sua serie di immagini, Schmid affronta le conseguenze dell'uso massiccio di erbicidi, in particolare dell'Agente Arancio, da parte degli Stati Uniti e dei loro alleati durante la guerra. Anche a distanza di quasi 50 anni, tracce della diossina contenuta nell'Agente Arancio si trovano ancora nella catena alimentare; l'ereditarietà del genoma danneggiato dall'Agente Arancio da un genitore alle generazioni successive ha un effetto altrettanto devastante. Il risultato di entrambi è che ancora oggi in Vietnam nascono bambini affetti da malattie e gravi deformità. Nelle immagini documentarie di Roland Schmid è insito un intento illuminante che, tuttavia, mira sempre anche alla dignità dell'essere umano, nel pieno rispetto della tradizione della fotografia "umanistica".

How to talk about war in times of war? Should or may one: show images from past wars in the face of being overwhelmed by images from present wars? But the time of war is not today, not then: war is always - or again and again, and it remains: It shapes memory and action; it leaves its traces in the landscape and in the bodies of people who have to find a way to deal with its consequences - over generations.

The exhibition by Bernese photographer and artist Marco Frauchiger and Basel-based photographer Roland Schmid combines two perspectives on the effects of the Vietnam War, which lasted from 1955 to 1975 and can still be experienced and seen today in the countries affected.

To destroy supply routes for the Viet Cong in Laos, U.S. intelligence dropped more than two million tons of bombs over the country in a secret war; more than all the bombs used in World War II combined. The exhibition features images taken from the series of works "How to dismantle a bomb," a long-term project in which Frauchiger shows how the people of Laos deal with the legacy of that war. The works, created in collaboration and dialogue with the people on the ground, reveal an artistic strategy that questions common narrative modes of photographic images and the promise of reality in war reporting.

Since the late 1990s, Roland Schmid has travelled to Vietnam at the invitation of Swiss journalist Peter Jaeggi. In his series of images, Schmid addresses the consequences of the massive use of herbicides, especially Agent Orange, by the USA and its allies during the war. Even almost 50 years later, traces of the dioxin contained in Agent Orange can still be found in the food chain; the inheritance of the genome damaged by Agent Orange from one parent to subsequent generations has an equally devastating effect. As a result, children are still being born in Vietnam today suffering from diseases and severe deformities. Inherent in Roland Schmid's documentary images is an enlightening intention, which also always - in the tradition of "humanistic" photography - aims at the dignity of the human being.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
19. November 2023

Art Tour mit Marco Frauchiger und Roland Schmid

Morgennebel
Marco Frauchiger, Roland Schmid

Wie sprechen über Krieg in Zeiten des Krieges? Soll oder darf man das: Bilder zeigen aus vergangenen Kriegen angesichts der Überwältigung durch Bilder aus den gegenwärtigen Kriegen? Aber die Zeit des Krieges ist nicht heute, nicht damals: Krieg ist immer – oder immer wieder, und er bleibt: Er prägt die Erinnerung und das Handeln; er hinterlässt seine Spuren in der Landschaft und in den Körpern der Menschen, die einen Umgang finden müssen mit seinen Konsequenzen – über Generationen hinweg.

Die Ausstellung des Berner Fotografen und Künstlers Marco Frauchiger und des Basler Fotografen Roland Schmid vereint zwei Sichtweisen auf die bis heute in den betroffenen Ländern erleb- und sichtbaren Auswirkungen des von 1955 bis 1975 dauernden Vietnamkrieges.

Um die Versorgungsrouten für den Vietcong in Laos zu zerstören, warf der US-Geheimdienst in einem geheimen Krieg über zwei Millionen Tonnen Bomben über dem Land ab; das sind mehr als alle eingesetzten Bomben im Zweiten Weltkrieg zusammen. In der Ausstellung sind Bilder zu sehen, die der Werkreihe «How to dismantle a bomb» entstammen, einem Langzeitprojekt, in dem Frauchiger zeigt, wie die Bevölkerung in Laos mit dem Erbe dieses Krieges umgeht. Die Arbeiten, entstanden in Zusammenarbeit und im Dialog mit den Menschen vor Ort, offenbaren eine künstlerische Strategie, die gängige Erzählweisen fotografischer Bilder und das Wirklichkeitsversprechen der Kriegsberichterstattung hinterfragt.

Seit Ende der 90er-Jahre bereist Roland Schmid auf Einladung des Schweizer Journalisten Peter Jaeggi Vietnam. In seinen Bildreihen thematisiert Schmid die Folgen des massiven Einsatzes von Herbiziden, v. a. von Agent Orange, durch die USA und ihre Verbündeten während des Krieges. Auch fast 50 Jahre danach finden sich noch Spuren des in Agent Orange enthaltenen Dioxins in der Nahrungskette; ebenso verheerend wirkt sich die Vererbung des durch Agent Orange geschädigten Genoms von einem Elternteil auf nachfolgende Generationen aus. Beides hat zur Folge, dass bis heute in Vietnam Kinder geboren werden, die unter Krankheiten und schweren Missbildungen leiden. Roland Schmids dokumentarischen Bildern inhärent ist eine aufklärerische Absicht, die aber auch immer – dies ganz in der Tradition einer «humanistischen» Fotografie – auf die Würde des Menschen abzielt.

Comment parler de la guerre en temps de guerre ? Doit-on ou peut-on le faire : montrer des images de guerres passées face à l'accablement d'images de guerres actuelles ? Mais le temps de la guerre n'est pas d'aujourd'hui, ni d'hier : la guerre est toujours - ou encore et encore - et elle reste : Elle marque la mémoire et l'action ; elle laisse ses traces dans le paysage et dans le corps des hommes, qui doivent trouver un moyen de gérer ses conséquences - au fil des générations.

L'exposition du photographe et artiste bernois Marco Frauchiger et du photographe bâlois Roland Schmid réunit deux points de vue sur les conséquences de la guerre du Vietnam, qui a duré de 1955 à 1975, et qui sont encore visibles aujourd'hui dans les pays concernés.

Afin de détruire les routes d'approvisionnement du Viêt-Cong au Laos, les services secrets américains ont largué plus de deux millions de tonnes de bombes sur le pays dans le cadre d'une guerre secrète ; c'est plus que toutes les bombes utilisées pendant la Seconde Guerre mondiale réunies. L'exposition présente des images issues de la série d'œuvres "How to dismantle a bomb", un projet à long terme dans lequel Frauchiger montre comment la population du Laos gère l'héritage de cette guerre. Les travaux, réalisés en collaboration et en dialogue avec les gens sur place, révèlent une stratégie artistique qui remet en question les modes de narration courants des images photographiques et la promesse de réalité des reportages de guerre.

Depuis la fin des années 90, Roland Schmid se rend au Vietnam à l'invitation du journaliste suisse Peter Jaeggi. Dans ses séries d'images, Schmid thématise les conséquences de l'utilisation massive d'herbicides, en particulier de l'agent orange, par les États-Unis et leurs alliés pendant la guerre. Près de 50 ans plus tard, on trouve encore des traces de la dioxine contenue dans l'agent orange dans la chaîne alimentaire ; la transmission du génome endommagé par l'agent orange d'un parent aux générations suivantes a également des effets dévastateurs. Ces deux facteurs ont pour conséquence qu'aujourd'hui encore, des enfants naissent au Vietnam et souffrent de maladies et de graves malformations. Les images documentaires de Roland Schmid ont une intention éclairante, mais elles visent aussi toujours - dans la tradition d'une photographie "humaniste" - la dignité de l'être humain.

Come parlare di guerra in tempo di guerra? Si devono o si possono: mostrare immagini di guerre passate di fronte alla sopraffazione di immagini di guerre presenti? Ma il tempo della guerra non è oggi, non è allora: la guerra è sempre - o sempre di nuovo, e rimane: Dà forma alla memoria e all'azione; lascia le sue tracce nel paesaggio e nei corpi delle persone che devono trovare un modo per affrontare le sue conseguenze - per generazioni.

La mostra del fotografo e artista bernese Marco Frauchiger e del fotografo basilese Roland Schmid unisce due prospettive sugli effetti della guerra del Vietnam, durata dal 1955 al 1975, che possono essere vissuti e visti ancora oggi nei Paesi colpiti.

Per distruggere le vie di rifornimento dei Vietcong in Laos, i servizi segreti statunitensi sganciarono più di due milioni di tonnellate di bombe sul Paese in una guerra segreta; una quantità superiore a tutte le bombe utilizzate nella Seconda Guerra Mondiale messe insieme. La mostra presenta immagini della serie "How to dismantle a bomb", un progetto a lungo termine in cui Frauchiger mostra come la popolazione del Laos affronta l'eredità di questa guerra. Le opere, create in collaborazione e in dialogo con le persone sul posto, rivelano una strategia artistica che mette in discussione le comuni modalità narrative delle immagini fotografiche e la promessa di realtà nel reportage di guerra.

Dalla fine degli anni '90, Roland Schmid si è recato in Vietnam su invito del giornalista svizzero Peter Jaeggi. Nella sua serie di immagini, Schmid affronta le conseguenze dell'uso massiccio di erbicidi, in particolare dell'Agente Arancio, da parte degli Stati Uniti e dei loro alleati durante la guerra. Anche a distanza di quasi 50 anni, tracce della diossina contenuta nell'Agente Arancio si trovano ancora nella catena alimentare; l'ereditarietà del genoma danneggiato dall'Agente Arancio da un genitore alle generazioni successive ha un effetto altrettanto devastante. Il risultato di entrambi è che ancora oggi in Vietnam nascono bambini affetti da malattie e gravi deformità. Nelle immagini documentarie di Roland Schmid è insito un intento illuminante che, tuttavia, mira sempre anche alla dignità dell'essere umano, nel pieno rispetto della tradizione della fotografia "umanistica".

How to talk about war in times of war? Should or may one: show images from past wars in the face of being overwhelmed by images from present wars? But the time of war is not today, not then: war is always - or again and again, and it remains: It shapes memory and action; it leaves its traces in the landscape and in the bodies of people who have to find a way to deal with its consequences - over generations.

The exhibition by Bernese photographer and artist Marco Frauchiger and Basel-based photographer Roland Schmid combines two perspectives on the effects of the Vietnam War, which lasted from 1955 to 1975 and can still be experienced and seen today in the countries affected.

To destroy supply routes for the Viet Cong in Laos, U.S. intelligence dropped more than two million tons of bombs over the country in a secret war; more than all the bombs used in World War II combined. The exhibition features images taken from the series of works "How to dismantle a bomb," a long-term project in which Frauchiger shows how the people of Laos deal with the legacy of that war. The works, created in collaboration and dialogue with the people on the ground, reveal an artistic strategy that questions common narrative modes of photographic images and the promise of reality in war reporting.

Since the late 1990s, Roland Schmid has travelled to Vietnam at the invitation of Swiss journalist Peter Jaeggi. In his series of images, Schmid addresses the consequences of the massive use of herbicides, especially Agent Orange, by the USA and its allies during the war. Even almost 50 years later, traces of the dioxin contained in Agent Orange can still be found in the food chain; the inheritance of the genome damaged by Agent Orange from one parent to subsequent generations has an equally devastating effect. As a result, children are still being born in Vietnam today suffering from diseases and severe deformities. Inherent in Roland Schmid's documentary images is an enlightening intention, which also always - in the tradition of "humanistic" photography - aims at the dignity of the human being.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
11. November 2023

Einführung von Bernard Senn, Journalist, Redaktor bei Radio SRF Kultur, sowie den Ausstellenden und dem Journalisten und Buchautor Peter Jaeggi

Morgennebel
Marco Frauchiger, Roland Schmid

Wie sprechen über Krieg in Zeiten des Krieges? Soll oder darf man das: Bilder zeigen aus vergangenen Kriegen angesichts der Überwältigung durch Bilder aus den gegenwärtigen Kriegen? Aber die Zeit des Krieges ist nicht heute, nicht damals: Krieg ist immer – oder immer wieder, und er bleibt: Er prägt die Erinnerung und das Handeln; er hinterlässt seine Spuren in der Landschaft und in den Körpern der Menschen, die einen Umgang finden müssen mit seinen Konsequenzen – über Generationen hinweg.

Die Ausstellung des Berner Fotografen und Künstlers Marco Frauchiger und des Basler Fotografen Roland Schmid vereint zwei Sichtweisen auf die bis heute in den betroffenen Ländern erleb- und sichtbaren Auswirkungen des von 1955 bis 1975 dauernden Vietnamkrieges.

Um die Versorgungsrouten für den Vietcong in Laos zu zerstören, warf der US-Geheimdienst in einem geheimen Krieg über zwei Millionen Tonnen Bomben über dem Land ab; das sind mehr als alle eingesetzten Bomben im Zweiten Weltkrieg zusammen. In der Ausstellung sind Bilder zu sehen, die der Werkreihe «How to dismantle a bomb» entstammen, einem Langzeitprojekt, in dem Frauchiger zeigt, wie die Bevölkerung in Laos mit dem Erbe dieses Krieges umgeht. Die Arbeiten, entstanden in Zusammenarbeit und im Dialog mit den Menschen vor Ort, offenbaren eine künstlerische Strategie, die gängige Erzählweisen fotografischer Bilder und das Wirklichkeitsversprechen der Kriegsberichterstattung hinterfragt.

Seit Ende der 90er-Jahre bereist Roland Schmid auf Einladung des Schweizer Journalisten Peter Jaeggi Vietnam. In seinen Bildreihen thematisiert Schmid die Folgen des massiven Einsatzes von Herbiziden, v. a. von Agent Orange, durch die USA und ihre Verbündeten während des Krieges. Auch fast 50 Jahre danach finden sich noch Spuren des in Agent Orange enthaltenen Dioxins in der Nahrungskette; ebenso verheerend wirkt sich die Vererbung des durch Agent Orange geschädigten Genoms von einem Elternteil auf nachfolgende Generationen aus. Beides hat zur Folge, dass bis heute in Vietnam Kinder geboren werden, die unter Krankheiten und schweren Missbildungen leiden. Roland Schmids dokumentarischen Bildern inhärent ist eine aufklärerische Absicht, die aber auch immer – dies ganz in der Tradition einer «humanistischen» Fotografie – auf die Würde des Menschen abzielt.

Comment parler de la guerre en temps de guerre ? Doit-on ou peut-on le faire : montrer des images de guerres passées face à l'accablement d'images de guerres actuelles ? Mais le temps de la guerre n'est pas d'aujourd'hui, ni d'hier : la guerre est toujours - ou encore et encore - et elle reste : Elle marque la mémoire et l'action ; elle laisse ses traces dans le paysage et dans le corps des hommes, qui doivent trouver un moyen de gérer ses conséquences - au fil des générations.

L'exposition du photographe et artiste bernois Marco Frauchiger et du photographe bâlois Roland Schmid réunit deux points de vue sur les conséquences de la guerre du Vietnam, qui a duré de 1955 à 1975, et qui sont encore visibles aujourd'hui dans les pays concernés.

Afin de détruire les routes d'approvisionnement du Viêt-Cong au Laos, les services secrets américains ont largué plus de deux millions de tonnes de bombes sur le pays dans le cadre d'une guerre secrète ; c'est plus que toutes les bombes utilisées pendant la Seconde Guerre mondiale réunies. L'exposition présente des images issues de la série d'œuvres "How to dismantle a bomb", un projet à long terme dans lequel Frauchiger montre comment la population du Laos gère l'héritage de cette guerre. Les travaux, réalisés en collaboration et en dialogue avec les gens sur place, révèlent une stratégie artistique qui remet en question les modes de narration courants des images photographiques et la promesse de réalité des reportages de guerre.

Depuis la fin des années 90, Roland Schmid se rend au Vietnam à l'invitation du journaliste suisse Peter Jaeggi. Dans ses séries d'images, Schmid thématise les conséquences de l'utilisation massive d'herbicides, en particulier de l'agent orange, par les États-Unis et leurs alliés pendant la guerre. Près de 50 ans plus tard, on trouve encore des traces de la dioxine contenue dans l'agent orange dans la chaîne alimentaire ; la transmission du génome endommagé par l'agent orange d'un parent aux générations suivantes a également des effets dévastateurs. Ces deux facteurs ont pour conséquence qu'aujourd'hui encore, des enfants naissent au Vietnam et souffrent de maladies et de graves malformations. Les images documentaires de Roland Schmid ont une intention éclairante, mais elles visent aussi toujours - dans la tradition d'une photographie "humaniste" - la dignité de l'être humain.

Come parlare di guerra in tempo di guerra? Si devono o si possono: mostrare immagini di guerre passate di fronte alla sopraffazione di immagini di guerre presenti? Ma il tempo della guerra non è oggi, non è allora: la guerra è sempre - o sempre di nuovo, e rimane: Dà forma alla memoria e all'azione; lascia le sue tracce nel paesaggio e nei corpi delle persone che devono trovare un modo per affrontare le sue conseguenze - per generazioni.

La mostra del fotografo e artista bernese Marco Frauchiger e del fotografo basilese Roland Schmid unisce due prospettive sugli effetti della guerra del Vietnam, durata dal 1955 al 1975, che possono essere vissuti e visti ancora oggi nei Paesi colpiti.

Per distruggere le vie di rifornimento dei Vietcong in Laos, i servizi segreti statunitensi sganciarono più di due milioni di tonnellate di bombe sul Paese in una guerra segreta; una quantità superiore a tutte le bombe utilizzate nella Seconda Guerra Mondiale messe insieme. La mostra presenta immagini della serie "How to dismantle a bomb", un progetto a lungo termine in cui Frauchiger mostra come la popolazione del Laos affronta l'eredità di questa guerra. Le opere, create in collaborazione e in dialogo con le persone sul posto, rivelano una strategia artistica che mette in discussione le comuni modalità narrative delle immagini fotografiche e la promessa di realtà nel reportage di guerra.

Dalla fine degli anni '90, Roland Schmid si è recato in Vietnam su invito del giornalista svizzero Peter Jaeggi. Nella sua serie di immagini, Schmid affronta le conseguenze dell'uso massiccio di erbicidi, in particolare dell'Agente Arancio, da parte degli Stati Uniti e dei loro alleati durante la guerra. Anche a distanza di quasi 50 anni, tracce della diossina contenuta nell'Agente Arancio si trovano ancora nella catena alimentare; l'ereditarietà del genoma danneggiato dall'Agente Arancio da un genitore alle generazioni successive ha un effetto altrettanto devastante. Il risultato di entrambi è che ancora oggi in Vietnam nascono bambini affetti da malattie e gravi deformità. Nelle immagini documentarie di Roland Schmid è insito un intento illuminante che, tuttavia, mira sempre anche alla dignità dell'essere umano, nel pieno rispetto della tradizione della fotografia "umanistica".

How to talk about war in times of war? Should or may one: show images from past wars in the face of being overwhelmed by images from present wars? But the time of war is not today, not then: war is always - or again and again, and it remains: It shapes memory and action; it leaves its traces in the landscape and in the bodies of people who have to find a way to deal with its consequences - over generations.

The exhibition by Bernese photographer and artist Marco Frauchiger and Basel-based photographer Roland Schmid combines two perspectives on the effects of the Vietnam War, which lasted from 1955 to 1975 and can still be experienced and seen today in the countries affected.

To destroy supply routes for the Viet Cong in Laos, U.S. intelligence dropped more than two million tons of bombs over the country in a secret war; more than all the bombs used in World War II combined. The exhibition features images taken from the series of works "How to dismantle a bomb," a long-term project in which Frauchiger shows how the people of Laos deal with the legacy of that war. The works, created in collaboration and dialogue with the people on the ground, reveal an artistic strategy that questions common narrative modes of photographic images and the promise of reality in war reporting.

Since the late 1990s, Roland Schmid has travelled to Vietnam at the invitation of Swiss journalist Peter Jaeggi. In his series of images, Schmid addresses the consequences of the massive use of herbicides, especially Agent Orange, by the USA and its allies during the war. Even almost 50 years later, traces of the dioxin contained in Agent Orange can still be found in the food chain; the inheritance of the genome damaged by Agent Orange from one parent to subsequent generations has an equally devastating effect. As a result, children are still being born in Vietnam today suffering from diseases and severe deformities. Inherent in Roland Schmid's documentary images is an enlightening intention, which also always - in the tradition of "humanistic" photography - aims at the dignity of the human being.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

Kunstmuseum Luzern
8. November 2023

Das Foto schaute mich an: Lesung der Schriftstellerin Katja Petrowskaja, Gespräch mit der Autorin und dem Künstler Daniel Schwartz, moderiert von Beat Wismer, Gastkurator, in Kooperation mit lit.z Literaturhaus Zentralschweiz

Tracings
Daniel Schwartz

Daniel Schwartz (*1955) reist dahin, wo es brennt, in die Krisenregionen dieser Welt. Akribisch hält er Situationen mit der Kamera fest, in denen andere wegschauen. Der Schweizer Fotograf ist ein Fährtenleser, der sich auf die Spur seines eigenen Werks macht. Für die Ausstellung Tracings öffnet er sein Archiv, das einen umfangreichen Bildkorpus aus den letzten 50 Jahren umfasst, und zeigt unveröffentlichte Schätze. Auch in seinen Bildern folgt Daniel Schwartz Spuren: traurigen Überresten von verschwindenden Gletschern auf der ganzen Welt, dem Marsch von Khmer-Soldaten auf einer verminten Strasse in Kambodscha, die leer zurückgelassene Nische der von den Taliban zerstörten Buddhastatuen in Bamiyan oder von Uigur:innen unter Zwang gegrabenen Bewässerungskanälen in der chinesischen Wüste. Dabei vertritt er eine engagierte Haltung, niemals die Menschen blossstellend, die er unter schwierigen Umständen porträtiert. Ausschliesslich analog und meist schwarzweiss zeugen Schwartz’ Bilder von seinem kritischen Auge, mit dem er die Brutalität der Wirklichkeit in den Fokus nimmt.

Kuratiert von Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) se rend là où ça brûle, dans les régions en crise du monde. Il immortalise méticuleusement avec son appareil photo des situations où d'autres détournent le regard. Le photographe suisse est un traqueur qui part sur les traces de son propre travail. Pour l'exposition Tracings, il ouvre ses archives, qui comprennent un vaste corpus d'images des 50 dernières années, et montre des trésors inédits. Dans ses images aussi, Daniel Schwartz suit des pistes : les tristes vestiges de glaciers en voie de disparition dans le monde entier, la marche de soldats khmers sur une route minée au Cambodge, la niche laissée vide des statues de Bouddha détruites par les talibans à Bamiyan ou des canaux d'irrigation creusés sous la contrainte par des Ouïghours dans le désert chinois. Il adopte une attitude engagée, ne mettant jamais à nu les personnes dont il fait le portrait dans des conditions difficiles. Exclusivement analogiques et le plus souvent en noir et blanc, les images de Schwartz témoignent de son œil critique, avec lequel il met l'accent sur la brutalité de la réalité.

Commissariat de Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) viaggia dove c'è il fuoco, nelle aree di crisi di questo mondo. Con la sua macchina fotografica cattura meticolosamente situazioni in cui gli altri guardano altrove. Il fotografo svizzero è un segugio che si mette sulle tracce del proprio lavoro. Per la mostra Tracings, apre il suo archivio, che comprende un ampio corpus di immagini degli ultimi 50 anni, e mostra tesori inediti. Daniel Schwartz segue le tracce anche nelle sue immagini: i tristi resti di ghiacciai scomparsi in tutto il mondo, la marcia dei soldati khmer su una strada minata in Cambogia, la nicchia vuota delle statue di Buddha a Bamiyan distrutte dai Talebani o i canali di irrigazione nel deserto cinese scavati sotto costrizione dagli Uigur:ins. Nel farlo, assume una posizione impegnata, senza mai esporre le persone che ritrae in circostanze difficili. Esclusivamente analogiche e per lo più in bianco e nero, le immagini di Schwartz testimoniano il suo occhio critico, con cui mette a fuoco la brutalità della realtà.

A cura di Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) travels to hot spots, the world’s crisis regions. He meticulously photographs situations others looks away from. The Swiss photographer is a tracker, who is now setting out on the trail of his own work. For the exhibition Tracings he is opening his archive, with its extensive range of images from the past 50 years, and showing unpublished treasures. Daniel Schwartz also follows trails in his images: sad remains of disappearing glaciers all over the world, Khmer soldiers marching along a mined road in Cambodia, an empty niche left by the Buddha statues in Bamyan destroyed by the Taliban or irrigation tunnels in the Chinese desert which Uyghurs were forced to dig. In doing so the photographer adopts an involved attitude, never showing up the people he portrays under such difficult circumstances. Schwartz’ photographs, all of them analogue and most of them black-and-white, testify to the critical eye he casts on the brutality of reality.

Curated by Beat Wismer

                (Text: Kunstmuseum Luzern)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
3. November 2023

Frequencies
Alia Ali

"Bewegung ist Emotion. Alles sendet Energiestrahlen aus, auch Frequenzen genannt. Sie sind der Grundstoff unseres Seins.“ Alia Ali

In ihrer inzwischen vierten Einzelausstellung bei uns zeigt Alia Ali neue Arbeiten, in denen es sehr dynamisch und spannungsreich zugeht. Häufiger sind Ganzkörperporträts zu sehen, die vielfach in Bewegung zu sein scheinen, auch sind die Formate variabler geworden. Erstmals arbeitet Alia Ali auch plastisch — ihre Skulpturen aus Lapis Lazuli re-imaginieren jahrtausendealte Artefakte aus ihrem Heimatland Jemen und sind Teil ihres „Yemeni Futurism“ Projekts.

Alia Ali (Arabisch: عاليه علي) ist eine jemenitisch-bosnisch-US-amerikanische Multimedia-Künstlerin, deren Arbeit kulturelle Gegensätze erforscht, kulturell sanktionierte Unterdrückung hinterfragt und die dualistischen Barrieren konfrontiert, die mit Vorstellungen von Geschlecht, Politik, Medien und Staatsbürgerschaft einhergehen. Sie arbeitet mit Sprache, Fotografie, Video, Textil und Installation und thematisiert die Politisierung des Körpers, die Geschichte der Kolonialisierung, des Imperialismus, des Sexismus und des Rassismus, wobei Muster und Textilien ihr Hauptmotiv bilden.

Alia Ali erweitert derzeit ihre Praxis, indem sie Geschichten aus dem Jemen aufgreift, einschließlich jener der Königin Belquis von Saba (auch als Königin von Saba bekannt). Sie setzt sich mit den Realitäten der dystopischen Gegenwart auseinander, um Räume für radikal imaginierte Möglichkeiten der Zukunft zu schaffen, die sich zu einem jemenitischen Futurismus entwickelt haben.

Alia Ali ist Absolventin des Wellesley College und des California Institute of the Arts. Sie lebt und arbeitet in Marrakesch, Paris und Jaipur und wurde mit dem renommierten ARTSY Vanguard Emerging Artist Award ausgezeichnet. Zudem ist sie NIKON Global Ambassador.

"Le mouvement est une émotion. Tout émet des rayons d'énergie, également appelés fréquences. Elles sont la matière première de notre être". Alia Ali

Pour sa quatrième exposition individuelle chez nous, Alia Ali présente de nouveaux travaux dans lesquels le dynamisme et la tension sont très présents. On y voit plus souvent des portraits de corps entiers, qui semblent souvent en mouvement, et les formats sont également devenus plus variables. Pour la première fois, Alia Ali travaille aussi sur le plan plastique - ses sculptures en lapis-lazuli ré-imaginent des artefacts millénaires de son pays natal, le Yémen, et font partie de son projet "Yemeni Futurism".

Alia Ali (arabe : عاليه علي) est une artiste multimédia yéménite-bosniaque-américaine dont le travail explore les contrastes culturels, remet en question l'oppression culturellement sanctionnée et confronte les barrières dualistes associées aux notions de genre, de politique, de médias et de citoyenneté. Elle travaille avec le langage, la photographie, la vidéo, le textile et l'installation et aborde la politisation du corps, l'histoire de la colonisation, de l'impérialisme, du sexisme et du racisme, les motifs et les textiles constituant son principal motif.

Alia Ali élargit actuellement sa pratique en reprenant des histoires du Yémen, notamment celle de la reine Belquis de Saba (également connue sous le nom de Reine de Saba). Elle s'attaque aux réalités d'un présent dystopique pour créer des espaces de possibilités d'avenir radicalement imaginées, qui ont évolué vers un futurisme yéménite.

Alia Ali est diplômée du Wellesley College et du California Institute of the Arts. Elle vit et travaille à Marrakech, Paris et Jaipur et a reçu le prestigieux ARTSY Vanguard Emerging Artist Award. Elle est également ambassadrice mondiale de NIKON.

"Il movimento è emozione. Tutto emette raggi di energia, chiamati anche frequenze. Sono la materia prima del nostro essere". Alia Ali

In quella che è la sua quarta mostra personale con noi, Alia Ali presenta nuovi lavori in cui le cose sono molto dinamiche e piene di tensione. I ritratti a corpo intero, che spesso sembrano in movimento, sono presentati con maggiore frequenza; anche i formati sono diventati più variabili. Per la prima volta, Alia Ali lavora anche a livello scultoreo: le sue sculture in lapislazzuli reimmaginano manufatti millenari del suo Paese d'origine, lo Yemen, e fanno parte del suo progetto "Futurismo yemenita".

Alia Ali (arabo: عاليه علي) è un'artista multimediale yemenita-bosniaca-statunitense il cui lavoro esplora le opposizioni culturali, mette in discussione l'oppressione culturalmente sancita e affronta le barriere dualistiche associate alle nozioni di genere, politica, media e cittadinanza. Lavorando con il linguaggio, la fotografia, il video, i tessuti e l'installazione, l'artista affronta la politicizzazione del corpo, le storie di colonizzazione, l'imperialismo, il sessismo e il razzismo, con modelli e tessuti come motivo principale.

Attualmente Alia Ali sta ampliando la sua pratica riprendendo le storie dello Yemen, tra cui quella della regina Belquis di Saba (nota anche come Regina di Saba). L'artista si confronta con la realtà di un presente distopico per creare spazi per possibilità di futuro radicalmente immaginate, che si sono evolute in un futurismo yemenita.

Alia Ali si è laureata al Wellesley College e al California Institute of the Arts. Vive e lavora a Marrakech, Parigi e Jaipur e ha ricevuto il prestigioso ARTSY Vanguard Emerging Artist Award. È anche ambasciatrice globale di NIKON.

“Motion is emotion. Everything gives off waves of energy, otherwise called frequencies. They are the very fiber of our being.“ Alia Ali

In her fourth solo exhibition with us, Alia Ali presents vibrant and energetic new work. Full-body portraits are seen more frequently, often appearing to be in motion, and her formats have become more variable. For the first time, Alia Ali also ventures into sculpture — her hand-carved works made of Lapis Lazuli re-imagine millennia-old artifacts from her home country Yemen and are part of her "Yemeni Futurism" project.

Alia Ali (Arabic: عاليه علي) is a Yemeni-Bosnian-US multi-media artist whose work explores cultural binaries, challenges culturally sanctioned oppression, and confronts the dualistic barriers of conflicted notions of gender, politics, media, and citizenship. Working between language, photography, video, textile, and installation, Ali’s work addresses the politicization of the body, histories of colonization, imperialism, sexism, and racism through projects that take pattern and textile as their primary motif.

Ali is currently expanding her practice by drawing on stories from Yemen including the nostalgic past of Queen Belquis of Saba (also known as the Queen of Sheba). By investigating histories of the distant past, she addresses the realities of the dystopian present in order to carve out spaces for radically imagined possibilities for the future in what has evolved to be Yemeni Futurism.

Ali is a graduate of Wellesley College and the California Institute of the Arts. She lives and works in and between New Orleans, Paris and Jaipur and is the recipient of the prestigious ARTSY Vanguard Emerging Artist Award and is a NIKON Global Ambassador.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Galerie Stephan Witschi | Zürich
6. Oktober 2023

Barbara Liebster im Gespräch mit Isabelle Krieg

SUPERNORMALMARKT
Isabelle Krieg

Wenn ich meine Ausstellung NORMALMARKT nenne, genauer geschrieben SUPERNORMALMARKT, dann wissen alle, was gemeint ist: Die Abkehr vom bisherigen Super-Kaputtalismus hin zu einem «normalen» Miteinander.

Denn der bisherige Supermarkt funktioniert nur auf dem Rücken von anderen, die an den Rand gedrängt werden, und auf Kosten der Natur. Und das können wir uns einfach nicht mehr leisten.

Si j'appelle mon exposition NORMALMARK, ou plus exactement SUPERNORMALMARKT, tout le monde sait de quoi il s'agit : l'abandon du super-caputtalisme actuel au profit d'une cohabitation "normale".

Car le supermarché actuel ne fonctionne que sur le dos des autres, qui sont marginalisés, et au détriment de la nature. Et cela, nous ne pouvons tout simplement plus nous le permettre.

Quando chiamo la mia mostra NORMALMARKT, o più precisamente SUPERNORMALMARKT, allora tutti sanno cosa intendo: l'allontanamento dal precedente supercapitalismo verso una "normale" convivenza.

Perché il supermercato precedente funziona solo sulle spalle degli altri che sono spinti ai margini, e a spese della natura. E questo non possiamo più permettercelo.

When I call my exhibition NORMALMARKT, or more precisely SUPERNORMALMARKT, then everyone knows what is meant: The turn away from the previous super-caputtalism to a "normal" togetherness.

Because the present supermarket functions only on the back of others, who are pushed to the edge, and at the expense of nature. And we simply can't afford that anymore.

(Text: Isabelle Krieg)

Kunstmuseum Luzern
4. Oktober 2023

Den Krieg dokumentieren: Podiumsgespräch mit den VII-Fotografen Daniel Schwartz und Christopher Morris, in englischer Sprache, in Kooperation mit VII/Foundation

Tracings
Daniel Schwartz

Daniel Schwartz (*1955) reist dahin, wo es brennt, in die Krisenregionen dieser Welt. Akribisch hält er Situationen mit der Kamera fest, in denen andere wegschauen. Der Schweizer Fotograf ist ein Fährtenleser, der sich auf die Spur seines eigenen Werks macht. Für die Ausstellung Tracings öffnet er sein Archiv, das einen umfangreichen Bildkorpus aus den letzten 50 Jahren umfasst, und zeigt unveröffentlichte Schätze. Auch in seinen Bildern folgt Daniel Schwartz Spuren: traurigen Überresten von verschwindenden Gletschern auf der ganzen Welt, dem Marsch von Khmer-Soldaten auf einer verminten Strasse in Kambodscha, die leer zurückgelassene Nische der von den Taliban zerstörten Buddhastatuen in Bamiyan oder von Uigur:innen unter Zwang gegrabenen Bewässerungskanälen in der chinesischen Wüste. Dabei vertritt er eine engagierte Haltung, niemals die Menschen blossstellend, die er unter schwierigen Umständen porträtiert. Ausschliesslich analog und meist schwarzweiss zeugen Schwartz’ Bilder von seinem kritischen Auge, mit dem er die Brutalität der Wirklichkeit in den Fokus nimmt.

Kuratiert von Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) se rend là où ça brûle, dans les régions en crise du monde. Il immortalise méticuleusement avec son appareil photo des situations où d'autres détournent le regard. Le photographe suisse est un traqueur qui part sur les traces de son propre travail. Pour l'exposition Tracings, il ouvre ses archives, qui comprennent un vaste corpus d'images des 50 dernières années, et montre des trésors inédits. Dans ses images aussi, Daniel Schwartz suit des pistes : les tristes vestiges de glaciers en voie de disparition dans le monde entier, la marche de soldats khmers sur une route minée au Cambodge, la niche laissée vide des statues de Bouddha détruites par les talibans à Bamiyan ou des canaux d'irrigation creusés sous la contrainte par des Ouïghours dans le désert chinois. Il adopte une attitude engagée, ne mettant jamais à nu les personnes dont il fait le portrait dans des conditions difficiles. Exclusivement analogiques et le plus souvent en noir et blanc, les images de Schwartz témoignent de son œil critique, avec lequel il met l'accent sur la brutalité de la réalité.

Commissariat de Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) viaggia dove c'è il fuoco, nelle aree di crisi di questo mondo. Con la sua macchina fotografica cattura meticolosamente situazioni in cui gli altri guardano altrove. Il fotografo svizzero è un segugio che si mette sulle tracce del proprio lavoro. Per la mostra Tracings, apre il suo archivio, che comprende un ampio corpus di immagini degli ultimi 50 anni, e mostra tesori inediti. Daniel Schwartz segue le tracce anche nelle sue immagini: i tristi resti di ghiacciai scomparsi in tutto il mondo, la marcia dei soldati khmer su una strada minata in Cambogia, la nicchia vuota delle statue di Buddha a Bamiyan distrutte dai Talebani o i canali di irrigazione nel deserto cinese scavati sotto costrizione dagli Uigur:ins. Nel farlo, assume una posizione impegnata, senza mai esporre le persone che ritrae in circostanze difficili. Esclusivamente analogiche e per lo più in bianco e nero, le immagini di Schwartz testimoniano il suo occhio critico, con cui mette a fuoco la brutalità della realtà.

A cura di Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) travels to hot spots, the world’s crisis regions. He meticulously photographs situations others looks away from. The Swiss photographer is a tracker, who is now setting out on the trail of his own work. For the exhibition Tracings he is opening his archive, with its extensive range of images from the past 50 years, and showing unpublished treasures. Daniel Schwartz also follows trails in his images: sad remains of disappearing glaciers all over the world, Khmer soldiers marching along a mined road in Cambodia, an empty niche left by the Buddha statues in Bamyan destroyed by the Taliban or irrigation tunnels in the Chinese desert which Uyghurs were forced to dig. In doing so the photographer adopts an involved attitude, never showing up the people he portrays under such difficult circumstances. Schwartz’ photographs, all of them analogue and most of them black-and-white, testify to the critical eye he casts on the brutality of reality.

Curated by Beat Wismer

                (Text: Kunstmuseum Luzern)

Kunstmuseum Luzern
30. September 2023

Rundgang mit Daniel Schwartz und Beat Wismer

Tracings
Daniel Schwartz

Daniel Schwartz (*1955) reist dahin, wo es brennt, in die Krisenregionen dieser Welt. Akribisch hält er Situationen mit der Kamera fest, in denen andere wegschauen. Der Schweizer Fotograf ist ein Fährtenleser, der sich auf die Spur seines eigenen Werks macht. Für die Ausstellung Tracings öffnet er sein Archiv, das einen umfangreichen Bildkorpus aus den letzten 50 Jahren umfasst, und zeigt unveröffentlichte Schätze. Auch in seinen Bildern folgt Daniel Schwartz Spuren: traurigen Überresten von verschwindenden Gletschern auf der ganzen Welt, dem Marsch von Khmer-Soldaten auf einer verminten Strasse in Kambodscha, die leer zurückgelassene Nische der von den Taliban zerstörten Buddhastatuen in Bamiyan oder von Uigur:innen unter Zwang gegrabenen Bewässerungskanälen in der chinesischen Wüste. Dabei vertritt er eine engagierte Haltung, niemals die Menschen blossstellend, die er unter schwierigen Umständen porträtiert. Ausschliesslich analog und meist schwarzweiss zeugen Schwartz’ Bilder von seinem kritischen Auge, mit dem er die Brutalität der Wirklichkeit in den Fokus nimmt.

Kuratiert von Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) se rend là où ça brûle, dans les régions en crise du monde. Il immortalise méticuleusement avec son appareil photo des situations où d'autres détournent le regard. Le photographe suisse est un traqueur qui part sur les traces de son propre travail. Pour l'exposition Tracings, il ouvre ses archives, qui comprennent un vaste corpus d'images des 50 dernières années, et montre des trésors inédits. Dans ses images aussi, Daniel Schwartz suit des pistes : les tristes vestiges de glaciers en voie de disparition dans le monde entier, la marche de soldats khmers sur une route minée au Cambodge, la niche laissée vide des statues de Bouddha détruites par les talibans à Bamiyan ou des canaux d'irrigation creusés sous la contrainte par des Ouïghours dans le désert chinois. Il adopte une attitude engagée, ne mettant jamais à nu les personnes dont il fait le portrait dans des conditions difficiles. Exclusivement analogiques et le plus souvent en noir et blanc, les images de Schwartz témoignent de son œil critique, avec lequel il met l'accent sur la brutalité de la réalité.

Commissariat de Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) viaggia dove c'è il fuoco, nelle aree di crisi di questo mondo. Con la sua macchina fotografica cattura meticolosamente situazioni in cui gli altri guardano altrove. Il fotografo svizzero è un segugio che si mette sulle tracce del proprio lavoro. Per la mostra Tracings, apre il suo archivio, che comprende un ampio corpus di immagini degli ultimi 50 anni, e mostra tesori inediti. Daniel Schwartz segue le tracce anche nelle sue immagini: i tristi resti di ghiacciai scomparsi in tutto il mondo, la marcia dei soldati khmer su una strada minata in Cambogia, la nicchia vuota delle statue di Buddha a Bamiyan distrutte dai Talebani o i canali di irrigazione nel deserto cinese scavati sotto costrizione dagli Uigur:ins. Nel farlo, assume una posizione impegnata, senza mai esporre le persone che ritrae in circostanze difficili. Esclusivamente analogiche e per lo più in bianco e nero, le immagini di Schwartz testimoniano il suo occhio critico, con cui mette a fuoco la brutalità della realtà.

A cura di Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) travels to hot spots, the world’s crisis regions. He meticulously photographs situations others looks away from. The Swiss photographer is a tracker, who is now setting out on the trail of his own work. For the exhibition Tracings he is opening his archive, with its extensive range of images from the past 50 years, and showing unpublished treasures. Daniel Schwartz also follows trails in his images: sad remains of disappearing glaciers all over the world, Khmer soldiers marching along a mined road in Cambodia, an empty niche left by the Buddha statues in Bamyan destroyed by the Taliban or irrigation tunnels in the Chinese desert which Uyghurs were forced to dig. In doing so the photographer adopts an involved attitude, never showing up the people he portrays under such difficult circumstances. Schwartz’ photographs, all of them analogue and most of them black-and-white, testify to the critical eye he casts on the brutality of reality.

Curated by Beat Wismer

                (Text: Kunstmuseum Luzern)

Kunstmuseum Luzern
29. September 2023

Tracings
Daniel Schwartz

Daniel Schwartz (*1955) reist dahin, wo es brennt, in die Krisenregionen dieser Welt. Akribisch hält er Situationen mit der Kamera fest, in denen andere wegschauen. Der Schweizer Fotograf ist ein Fährtenleser, der sich auf die Spur seines eigenen Werks macht. Für die Ausstellung Tracings öffnet er sein Archiv, das einen umfangreichen Bildkorpus aus den letzten 50 Jahren umfasst, und zeigt unveröffentlichte Schätze. Auch in seinen Bildern folgt Daniel Schwartz Spuren: traurigen Überresten von verschwindenden Gletschern auf der ganzen Welt, dem Marsch von Khmer-Soldaten auf einer verminten Strasse in Kambodscha, die leer zurückgelassene Nische der von den Taliban zerstörten Buddhastatuen in Bamiyan oder von Uigur:innen unter Zwang gegrabenen Bewässerungskanälen in der chinesischen Wüste. Dabei vertritt er eine engagierte Haltung, niemals die Menschen blossstellend, die er unter schwierigen Umständen porträtiert. Ausschliesslich analog und meist schwarzweiss zeugen Schwartz’ Bilder von seinem kritischen Auge, mit dem er die Brutalität der Wirklichkeit in den Fokus nimmt.

Kuratiert von Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) se rend là où ça brûle, dans les régions en crise du monde. Il immortalise méticuleusement avec son appareil photo des situations où d'autres détournent le regard. Le photographe suisse est un traqueur qui part sur les traces de son propre travail. Pour l'exposition Tracings, il ouvre ses archives, qui comprennent un vaste corpus d'images des 50 dernières années, et montre des trésors inédits. Dans ses images aussi, Daniel Schwartz suit des pistes : les tristes vestiges de glaciers en voie de disparition dans le monde entier, la marche de soldats khmers sur une route minée au Cambodge, la niche laissée vide des statues de Bouddha détruites par les talibans à Bamiyan ou des canaux d'irrigation creusés sous la contrainte par des Ouïghours dans le désert chinois. Il adopte une attitude engagée, ne mettant jamais à nu les personnes dont il fait le portrait dans des conditions difficiles. Exclusivement analogiques et le plus souvent en noir et blanc, les images de Schwartz témoignent de son œil critique, avec lequel il met l'accent sur la brutalité de la réalité.

Commissariat de Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) viaggia dove c'è il fuoco, nelle aree di crisi di questo mondo. Con la sua macchina fotografica cattura meticolosamente situazioni in cui gli altri guardano altrove. Il fotografo svizzero è un segugio che si mette sulle tracce del proprio lavoro. Per la mostra Tracings, apre il suo archivio, che comprende un ampio corpus di immagini degli ultimi 50 anni, e mostra tesori inediti. Daniel Schwartz segue le tracce anche nelle sue immagini: i tristi resti di ghiacciai scomparsi in tutto il mondo, la marcia dei soldati khmer su una strada minata in Cambogia, la nicchia vuota delle statue di Buddha a Bamiyan distrutte dai Talebani o i canali di irrigazione nel deserto cinese scavati sotto costrizione dagli Uigur:ins. Nel farlo, assume una posizione impegnata, senza mai esporre le persone che ritrae in circostanze difficili. Esclusivamente analogiche e per lo più in bianco e nero, le immagini di Schwartz testimoniano il suo occhio critico, con cui mette a fuoco la brutalità della realtà.

A cura di Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) travels to hot spots, the world’s crisis regions. He meticulously photographs situations others looks away from. The Swiss photographer is a tracker, who is now setting out on the trail of his own work. For the exhibition Tracings he is opening his archive, with its extensive range of images from the past 50 years, and showing unpublished treasures. Daniel Schwartz also follows trails in his images: sad remains of disappearing glaciers all over the world, Khmer soldiers marching along a mined road in Cambodia, an empty niche left by the Buddha statues in Bamyan destroyed by the Taliban or irrigation tunnels in the Chinese desert which Uyghurs were forced to dig. In doing so the photographer adopts an involved attitude, never showing up the people he portrays under such difficult circumstances. Schwartz’ photographs, all of them analogue and most of them black-and-white, testify to the critical eye he casts on the brutality of reality.

Curated by Beat Wismer

                (Text: Kunstmuseum Luzern)

Kunstmuseum Luzern
27. September 2023

Chez Walti: Buchvernissage mit dem Künstler Walter Pfeiffer, Martin Jaeggi, Autor, Patrick Frey, Verleger, und Fanni Fetzer, Kuratorin

Sincerely
Walter Pfeiffer

Walter Pfeiffer (*1946) sucht mit der fotografischen Linse nach Schönheit, der Darstellung des männlichen Körpers fernab klischeehafter Ideale, nach verspielter Erotik und Leichtigkeit. Der Schweizer Künstler schult sein Auge schon früh als Schaufensterdekorateur, porträtiert später rebellische Heranwachsende aus der schwulen Zürcher Untergrundszene und beliefert schliesslich die angesagtesten internationalen Modezeitschriften mit seinen Fotostrecken. Walter Pfeiffer gelingt es, zwischen Modefotografie und bildender Kunst zu changieren. So sind seine Landschaften, Stillleben und Porträts nie platt. Sie zeigen keine vollendete Schönheit und tragen den revolutionären Geist der Gegenkultur der 1970er-Jahre in sich. Bald gehen bei ihm Freunde und Liebhaber ein und aus, um sich fotografieren zu lassen. Die meist männlichen Modelle entziehen sich klassischen Assoziationen von männlich und weiblich. Typisch für Walter Pfeiffers Kunst sind kleine Makel, grelles Blitzlicht, nackte Haut, kräftige Farben, intensive Blicke. Wie in einem Fiebertraum sprechen seine Bilder von Sehnsüchten, reizvoller als die Realität, vom Begehren, unbeschwerter Lebensfreude, jugendlicher Liebe.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer kuratiert.

Die Ausstellung wurden von Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff unterstützt.

Walter Pfeiffer (*1946) recherche avec son objectif photographique la beauté, la représentation du corps masculin loin des idéaux clichés, l'érotisme ludique et la légèreté. L'artiste suisse forme son œil très tôt en tant que décorateur de vitrines, fait plus tard le portrait d'adolescents rebelles issus de la scène underground gay zurichoise et fournit finalement ses séries de photos aux magazines de mode internationaux les plus en vogue. Walter Pfeiffer parvient à osciller entre la photographie de mode et les arts visuels. Ainsi, ses paysages, natures mortes et portraits ne sont jamais plats. Ils ne montrent pas une beauté accomplie et portent en eux l'esprit révolutionnaire de la contre-culture des années 1970. Bientôt, amis et amants vont et viennent chez lui pour se faire photographier. Les modèles, pour la plupart des hommes, échappent aux associations classiques entre masculin et féminin. Les petites imperfections, la lumière crue du flash, la peau nue, les couleurs vives, les regards intenses sont typiques de l'art de Walter Pfeiffer. Comme dans un rêve fiévreux, ses visuels parlent de désirs, plus charmants que la réalité, de désir, de joie de vivre insouciante, d'amour juvénile.

L'exposition a été organisée par Fanni Fetzer.

L'exposition a été soutenue par la fondation Landis & Gyr, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) utilizza il suo obiettivo fotografico per ricercare la bellezza, la rappresentazione del corpo maschile lontano dagli ideali comuni, l'erotismo giocoso e la leggerezza. L'artista svizzero ha allenato il suo occhio fin da subito come vetrinista, per poi ritrarre adolescenti ribelli della scena underground gay di Zurigo e infine fornire le serie fotografiche alle riviste di moda internazionali più in voga. Walter Pfeiffer è riuscito a oscillare tra fotografia di moda e belle arti. I suoi paesaggi, nature morte e ritratti non sono mai piatti. Non mostrano una bellezza perfetta e portano con sé lo spirito rivoluzionario della controcultura degli anni Settanta. Ben presto amici e amanti entrano ed escono da casa sua per farsi fotografare. I modelli, per lo più uomini, sfuggono alle associazioni classiche di maschile e femminile. Tipici dell'arte di Walter Pfeiffer sono le piccole imperfezioni, i flash abbaglianti, la pelle nuda, i colori forti, gli sguardi intensi. Come in un sogno febbrile, i suoi quadri parlano di desideri, più affascinanti della realtà, di desiderio, di spensierata gioia di vivere, di amore giovanile.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer.

La mostra è stata sostenuta da Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) uses the photographic lens to search for beauty, the depiction of the male body far removed from clichéd ideals, playful eroticism and lightness. The Swiss artist trained his eye early as a window dresser, later portrayed rebellious adolescents from the gay Zurich underground scene, and finally supplied the hottest international fashion magazines with his photo series. Walter Pfeiffer succeeds in oscillating between fashion photography and fine art. His landscapes, still lifes and portraits are never flat. They do not show consummate beauty and carry the revolutionary spirit of the counterculture of the 1970s. Soon friends and lovers are going in and out of his house to have their pictures taken. The mostly male models defy classic associations of male and female. Typical of Walter Pfeiffer's art are small blemishes, glaring flash, naked skin, strong colors, intense looks. As if in a fever dream, his pictures speak of longings, more charming than reality, of desire, carefree joie de vivre, youthful love.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer.

The exhibition was supported by Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Kunstmuseum Luzern
13. September 2023

Bei dir war es immer so schön: Der Künstler Walter Pfeiffer im Gespräch mit Fanni Fetzer, Kuratorin, und Nadine Wietlisbach, Direktorin Fotomuseum Winterthur

Sincerely
Walter Pfeiffer

Walter Pfeiffer (*1946) sucht mit der fotografischen Linse nach Schönheit, der Darstellung des männlichen Körpers fernab klischeehafter Ideale, nach verspielter Erotik und Leichtigkeit. Der Schweizer Künstler schult sein Auge schon früh als Schaufensterdekorateur, porträtiert später rebellische Heranwachsende aus der schwulen Zürcher Untergrundszene und beliefert schliesslich die angesagtesten internationalen Modezeitschriften mit seinen Fotostrecken. Walter Pfeiffer gelingt es, zwischen Modefotografie und bildender Kunst zu changieren. So sind seine Landschaften, Stillleben und Porträts nie platt. Sie zeigen keine vollendete Schönheit und tragen den revolutionären Geist der Gegenkultur der 1970er-Jahre in sich. Bald gehen bei ihm Freunde und Liebhaber ein und aus, um sich fotografieren zu lassen. Die meist männlichen Modelle entziehen sich klassischen Assoziationen von männlich und weiblich. Typisch für Walter Pfeiffers Kunst sind kleine Makel, grelles Blitzlicht, nackte Haut, kräftige Farben, intensive Blicke. Wie in einem Fiebertraum sprechen seine Bilder von Sehnsüchten, reizvoller als die Realität, vom Begehren, unbeschwerter Lebensfreude, jugendlicher Liebe.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer kuratiert.

Die Ausstellung wurden von Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff unterstützt.

Walter Pfeiffer (*1946) recherche avec son objectif photographique la beauté, la représentation du corps masculin loin des idéaux clichés, l'érotisme ludique et la légèreté. L'artiste suisse forme son œil très tôt en tant que décorateur de vitrines, fait plus tard le portrait d'adolescents rebelles issus de la scène underground gay zurichoise et fournit finalement ses séries de photos aux magazines de mode internationaux les plus en vogue. Walter Pfeiffer parvient à osciller entre la photographie de mode et les arts visuels. Ainsi, ses paysages, natures mortes et portraits ne sont jamais plats. Ils ne montrent pas une beauté accomplie et portent en eux l'esprit révolutionnaire de la contre-culture des années 1970. Bientôt, amis et amants vont et viennent chez lui pour se faire photographier. Les modèles, pour la plupart des hommes, échappent aux associations classiques entre masculin et féminin. Les petites imperfections, la lumière crue du flash, la peau nue, les couleurs vives, les regards intenses sont typiques de l'art de Walter Pfeiffer. Comme dans un rêve fiévreux, ses visuels parlent de désirs, plus charmants que la réalité, de désir, de joie de vivre insouciante, d'amour juvénile.

L'exposition a été organisée par Fanni Fetzer.

L'exposition a été soutenue par la fondation Landis & Gyr, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) utilizza il suo obiettivo fotografico per ricercare la bellezza, la rappresentazione del corpo maschile lontano dagli ideali comuni, l'erotismo giocoso e la leggerezza. L'artista svizzero ha allenato il suo occhio fin da subito come vetrinista, per poi ritrarre adolescenti ribelli della scena underground gay di Zurigo e infine fornire le serie fotografiche alle riviste di moda internazionali più in voga. Walter Pfeiffer è riuscito a oscillare tra fotografia di moda e belle arti. I suoi paesaggi, nature morte e ritratti non sono mai piatti. Non mostrano una bellezza perfetta e portano con sé lo spirito rivoluzionario della controcultura degli anni Settanta. Ben presto amici e amanti entrano ed escono da casa sua per farsi fotografare. I modelli, per lo più uomini, sfuggono alle associazioni classiche di maschile e femminile. Tipici dell'arte di Walter Pfeiffer sono le piccole imperfezioni, i flash abbaglianti, la pelle nuda, i colori forti, gli sguardi intensi. Come in un sogno febbrile, i suoi quadri parlano di desideri, più affascinanti della realtà, di desiderio, di spensierata gioia di vivere, di amore giovanile.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer.

La mostra è stata sostenuta da Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) uses the photographic lens to search for beauty, the depiction of the male body far removed from clichéd ideals, playful eroticism and lightness. The Swiss artist trained his eye early as a window dresser, later portrayed rebellious adolescents from the gay Zurich underground scene, and finally supplied the hottest international fashion magazines with his photo series. Walter Pfeiffer succeeds in oscillating between fashion photography and fine art. His landscapes, still lifes and portraits are never flat. They do not show consummate beauty and carry the revolutionary spirit of the counterculture of the 1970s. Soon friends and lovers are going in and out of his house to have their pictures taken. The mostly male models defy classic associations of male and female. Typical of Walter Pfeiffer's art are small blemishes, glaring flash, naked skin, strong colors, intense looks. As if in a fever dream, his pictures speak of longings, more charming than reality, of desire, carefree joie de vivre, youthful love.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer.

The exhibition was supported by Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
8. September 2023

Einführung: Wiebke Loeper

Im Hintergrund Wald
Frank Mädler

Von früher Kindheit an ist der Wald für Frank Mädler ein Sehnsuchtsort, der das Heimischsein mit dem Unheimlichen verbindet, ein Ort, an dem man sich verlieren kann. Doch mit welchen formalen Möglichkeiten lässt sich Wald, zumal in Zeiten, in denen er unmittelbar von Zerstörung bedroht ist, künstlerisch darstellen?

Frank Mädler arbeitet mit fotografischen Mitteln wie Schärfe und Unschärfe, greift aber auch, etwa mit Hilfe von Übermalungen, Ergänzungen und Kratzen, ins fotografische Material ein. Seine keramischen Skulpturen unter dem Titel „Doppeltierhälften“ erweitern die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Wald in den Ausstellungsraum hinein. Frank Mädler wurde 1963 in Torgelow geboren. Er studierte Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, der Universidad Complutense de Madrid und der Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca, und war Meisterschüler bei Astrid Klein. Seit 2000 arbeitet er als freischaffender Künstler in Leipzig. Frank Mädler wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, so u.a. 2004 mit dem Stipendium der Villa Massimo, Rom, 2007 mit dem Arbeitsstipendium der Kulturstiftung des Freistaats Sachsen und 2017 mit der Künstlerresidenz Al Lado in Lima, Peru. Frank Mädlers Arbeiten befinden sich in zahlreichen internationalen öffentlichen und privaten Sammlungen wie der American Bank Collection, der Fondation Antoine de Galbert Paris, der Art Gallery of Ontario, Kanada, dem Kupferstichkabinett Dresden, der DZ BANK Kunstsammlung, der Sammlung Deutsche Telekom sowie den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden. Frank Mädler hat mehrere Monographien und Bücher veröffentlicht, verschiedene Kuratoren und Kritikerinnen haben über seine Arbeit geschrieben, darunter Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel und Insa Wilke.

Depuis sa plus tendre enfance, la forêt est pour Frank Mädler un lieu de nostalgie, qui associe le sentiment d'être chez soi à l'étrange, un lieu où l'on peut se perdre. Mais avec quelles possibilités formelles la forêt peut-elle être représentée artistiquement, surtout à une époque où elle est directement menacée de destruction ?

Frank Mädler travaille avec des moyens photographiques tels que la netteté et le flou, mais il intervient également dans le matériau photographique, par exemple à l'aide de repeints, d'ajouts et de grattages. Ses sculptures en céramique, intitulées "Doppeltierhälfte" (moitiés d'animaux doubles), étendent la réflexion artistique sur la forêt à l'espace d'exposition. Frank Mädler est né en 1963 à Torgelow. Il a étudié la photographie à la Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leipzig, à l'Universidad Complutense de Madrid et à l'Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca, et a été élève maître d'Astrid Klein. Depuis 2000, il travaille en tant qu'artiste indépendant à Leipzig. Frank Mädler a reçu de nombreux prix, notamment une bourse de la Villa Massimo à Rome en 2004, une bourse de travail de la Fondation culturelle de l'État libre de Saxe en 2007 et une résidence d'artiste Al Lado à Lima, au Pérou, en 2017. Les œuvres de Frank Mädler se trouvent dans de nombreuses collections publiques et privées internationales telles que l'American Bank Collection, la Fondation Antoine de Galbert Paris, l'Art Gallery of Ontario, Canada, le Kupferstichkabinett Dresden, la DZ BANK Kunstsammlung, la collection Deutsche Telekom ainsi que les Staatliche Kunstsammlungen Dresden. Frank Mädler a publié plusieurs monographies et livres, plusieurs conservateurs et critiques ont écrit sur son travail, notamment Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel et Insa Wilke.

Fin dalla prima infanzia, la foresta è stata un luogo di desiderio per Frank Mädler, un luogo che combina l'essere a casa con il perturbante, un luogo in cui ci si può perdere. Ma quali sono le possibilità formali per rappresentare artisticamente la foresta, soprattutto in tempi in cui è direttamente minacciata dalla distruzione?

Frank Mädler lavora con mezzi fotografici come la nitidezza e la sfocatura, ma interviene anche sul materiale fotografico, ad esempio con l'aiuto di sovrapitture, aggiunte e graffi. Le sue sculture in ceramica dal titolo "Doppelierhälften" (doppie metà di animali) estendono l'esame artistico della foresta allo spazio espositivo. Frank Mädler è nato a Torgelow nel 1963. Ha studiato fotografia presso l'Accademia di Arti Visive di Lipsia, l'Universidad Complutense de Madrid e l'Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca, ed è stato allievo di Astrid Klein. Dal 2000 lavora come artista libero professionista a Lipsia. Frank Mädler è stato insignito di numerosi premi, tra cui una borsa di studio di Villa Massimo, a Roma, nel 2004, una borsa di lavoro della Fondazione Culturale dello Stato Libero di Sassonia nel 2007 e la residenza d'artista Al Lado a Lima, in Perù, nel 2017. Le opere di Frank Mädler sono presenti in numerose collezioni pubbliche e private internazionali come l'American Bank Collection, la Fondation Antoine de Galbert di Parigi, l'Art Gallery of Ontario, Canada, il Kupferstichkabinett di Dresda, la DZ BANK Kunstsammlung, la Sammlung Deutsche Telekom e la Staatliche Kunstsammlungen Dresden. Frank Mädler ha pubblicato diverse monografie e libri e vari curatori e critici hanno scritto sul suo lavoro, tra cui Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel e Insa Wilke.

Since early childhood, the forest has been a place of longing for Frank Mädler, connecting the familiar with the uncanny, a place where one can get lost. However, how can the forest be artistically represented, especially in times when it is directly threatened by destruction, using formal means?

Frank Mädler employs photographic techniques such as focus and blur, but also intervenes in the photographic material through methods like overlays, additions, and scratches. His ceramic sculptures titled "Doppeltierhälften" expand the artistic exploration of the forest into the exhibition space.

Frank Mädler (1963, Torgelow, Germany) studied photography at the Academy of Visual Arts Leipzig, the Universidad Complutense de Madrid, and the Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca. He was a master student under Astrid Klein. Since 2000, he has worked as a freelance artist in Leipzig. Frank Mädler has been honored with numerous awards, including the Villa Massimo Fellowship in Rome in 2004, the Working Grant from the Cultural Foundation of the Free State of Saxony in 2007, and the artist residency Al Lado in Lima, Peru, in 2017. His works can be found in various international public and private collections, such as the American Bank Collection, Fondation Antoine de Galbert Paris, Art Gallery of Ontario, Canada, Kupferstichkabinett Dresden, DZ BANK Art Collection, and the State Art Collections Dresden. Frank Mädler has published several monographs and books, and his work has been discussed by various curators and critics, including Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel, and Insa Wilke.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Galerie Stephan Witschi | Zürich
8. September 2023

Intermezzo von Simon Chen (spoken word) & Ralph Alan Mueller (beat)

SUPERNORMALMARKT
Isabelle Krieg

Wenn ich meine Ausstellung NORMALMARKT nenne, genauer geschrieben SUPERNORMALMARKT, dann wissen alle, was gemeint ist: Die Abkehr vom bisherigen Super-Kaputtalismus hin zu einem «normalen» Miteinander.

Denn der bisherige Supermarkt funktioniert nur auf dem Rücken von anderen, die an den Rand gedrängt werden, und auf Kosten der Natur. Und das können wir uns einfach nicht mehr leisten.

Si j'appelle mon exposition NORMALMARK, ou plus exactement SUPERNORMALMARKT, tout le monde sait de quoi il s'agit : l'abandon du super-caputtalisme actuel au profit d'une cohabitation "normale".

Car le supermarché actuel ne fonctionne que sur le dos des autres, qui sont marginalisés, et au détriment de la nature. Et cela, nous ne pouvons tout simplement plus nous le permettre.

Quando chiamo la mia mostra NORMALMARKT, o più precisamente SUPERNORMALMARKT, allora tutti sanno cosa intendo: l'allontanamento dal precedente supercapitalismo verso una "normale" convivenza.

Perché il supermercato precedente funziona solo sulle spalle degli altri che sono spinti ai margini, e a spese della natura. E questo non possiamo più permettercelo.

When I call my exhibition NORMALMARKT, or more precisely SUPERNORMALMARKT, then everyone knows what is meant: The turn away from the previous super-caputtalism to a "normal" togetherness.

Because the present supermarket functions only on the back of others, who are pushed to the edge, and at the expense of nature. And we simply can't afford that anymore.

(Text: Isabelle Krieg)