Il Meccanico | Verona
7. Februar – 9. März 2025

Nontiscordardimé
Francisco Macfarlane, Francesco Pennacchio

Welche Rolle kann das Bild noch spielen?

Hat das Bild in einer Zeit, in der wir mittags mehr Bildern ausgesetzt sind, als ein Mensch im 19. Jahrhundert in seinem ganzen Leben gesehen hat, noch eine Bedeutung? Kann es immer noch ein Mittel zur Transformation, zur Offenbarung sein?

Francisco Macfarlane und Francesco Pennacchio untersuchen aus unterschiedlichen, aber konvergierenden Blickwinkeln den Prozess der Bilderzeugung als Mittel zur Konfrontation mit einer Abwesenheit und zur Beschwörung einer Wiedergeburt. Macfarlane untersucht die Fragilität des menschlichen Daseins in einer von Hyperkonnektivität geprägten Ära, in der die Bedeutung oft in einem unaufhörlichen Strom flüchtiger Augenblicke zerstreut wird. Pennacchio hingegen rekonstruiert Erinnerungsfragmente, die mit seiner in der Kindheit verschwundenen Mutter verbunden sind, und versucht, diese Leere mit der Resonanz ihrer Gegenwart zu füllen.

Beide Künstler gehen von Brüchen aus: Abwesenheiten, die Identität, Erinnerung und Zugehörigkeitsgefühl berühren. Für Macfarlane manifestiert sich die Abwesenheit als eine Krise der menschlichen Fähigkeit, im digitalen Zeitalter Beziehungen zu knüpfen, für Pennacchio als eine Präsenz-Absenz, die eine Rekonstruktion erfordert. Über unterschiedliche kreative Wege gelangen sie jedoch zu einer gemeinsamen Vision: Das Bild ist nicht nur ein Dokument oder ein Artefakt. Es ist ein Gefäß, das Schmerz beherbergen, Erinnerungen wachrufen und neues Leben hervorbringen kann.

Hier treten die Werke der beiden Künstler in einen Dialog. Macfarlane erforscht soziales Verhalten, indem er alternative fotografische Techniken einsetzt, um unsere Beziehung zur Technologie zu thematisieren. Aus einer eher figurativen Perspektive versucht Pennacchio, die Erinnerung zu rekonstruieren und die Trauer über die Kindheit mit Hilfe von Archivfotos, Polaroids und analoger Fotografie zu verarbeiten.

In ihren Händen wird das Bild zu einem Ort der Heilung, zu einem Raum, in dem die Abwesenheit anerkannt und eine Wiedergeburt ermöglicht wird. Manchmal überschreiten ihre Werke die Grenzen von Raum und Zeit und lösen die Distanz zwischen dem, was war, dem, was ist, und dem, was hätte sein können, auf. Sie laden den Betrachter ein, Erinnerung und Gegenwart als fließende, miteinander verwobene Dimensionen zu erforschen, und fordern uns auf, das transformative Potenzial des Bildes in einer mit visuellem Lärm überladenen Welt wiederzuentdecken.

Quel rôle l'image peut-elle encore jouer ?

À une époque où, à midi, nous sommes exposés à plus d'images qu'un individu du 19e siècle n'en a vu au cours de sa vie, l'image garde-t-elle encore un sens ? Peut-elle encore être un vecteur de transformation, de révélation ?

À partir de perspectives distinctes mais convergentes, Francisco Macfarlane et Francesco Pennacchio explorent le processus de création d'images comme moyen de faire face à une absence et d'évoquer une renaissance. Macfarlane étudie la fragilité de la condition humaine à une époque marquée par l'hyperconnectivité, où le sens est souvent dispersé dans un flux incessant d'instants fugaces. Pennacchio, quant à lui, reconstruit des fragments de mémoire liés à sa mère, disparue dans l'enfance, en essayant de combler ce vide par les résonances de sa présence.

Les deux artistes partent de fractures : des absences qui touchent à l'identité, à la mémoire et au sentiment d'appartenance. Pour Macfarlane, l'absence se manifeste comme une crise de la capacité de l'homme à tisser des relations à l'ère numérique ; pour Pennacchio, comme une présence-absence qui exige un travail de reconstruction. Cependant, à travers des parcours créatifs distincts, ils parviennent à une vision commune : l'image n'est pas seulement un document ou un artefact. C'est un contenant qui peut accueillir la douleur, évoquer la mémoire et générer une nouvelle vie.

Ici, les œuvres des deux artistes entrent en dialogue. Macfarlane explore les comportements sociaux, en utilisant des techniques photographiques alternatives pour aborder notre relation avec la technologie. D'un point de vue plus figuratif, Pennacchio tente de reconstruire la mémoire et de traiter le deuil de l'enfance au moyen de photographies d'archives, de polaroïds et de photographies analogiques.

Entre leurs mains, l'image devient un lieu de guérison, un espace dans lequel l'absence est reconnue et la renaissance rendue possible. Parfois, leurs œuvres transcendent les limites de l'espace et du temps, dissolvant la distance entre ce qui était, ce qui est et ce qui aurait pu être. Elles invitent le spectateur à explorer la mémoire et la présence comme des dimensions fluides et entrelacées, et nous mettent au défi de redécouvrir le potentiel transformateur de l'image dans un monde surchargé de bruit visuel.

Che ruolo può ancora avere l’immagine?

In un’epoca in cui, entro mezzogiorno, siamo esposti a più immagini di quante ne vedesse un individuo del XIX secolo in una vita intera, l’immagine conserva ancora un significato? Può ancora essere veicolo di trasformazione, di rivelazione?

Da prospettive distinte ma convergenti, Francisco Macfarlane e Francesco Pennacchio esplorano il processo di creazione delle immagini come strumento per confrontarsi con un’assenza e per evocare una rinascita. Macfarlane indaga la fragilità della condizione umana in un’era segnata dall’iperconnettività, dove il significato spesso si disperde in un flusso incessante di istanti fugaci. Pennacchio, invece, ricostruisce frammenti di memoria legati alla madre, scomparsa nell’infanzia, cercando di colmare tale vuoto con le risonanze della sua presenza.

Entrambi gli artisti partono da fratture: assenze che toccano l’identità, la memoria e il senso di appartenenza. Per Macfarlane, l’assenza si manifesta come una crisi della capacità dell’uomo di tessere relazioni nell’epoca digitale; per Pennacchio, come una presenza-assenza che esige un lavoro di ricostruzione. Tuttavia, attraverso percorsi creativi distinti, giungono a una visione comune: l’immagine non è solo un documento o un artefatto. È un contenitore che può accogliere il dolore, evocare il ricordo e generare nuova vita.

Qui, le opere dei due artisti entrano in dialogo. Macfarlane esplora comportamenti sociali, utilizzando tecniche fotografiche alternative per affrontare il nostro rapporto con la tecnologia. Da una prospettiva più figurativa, Pennacchio cerca di ricostruire la memoria e di elaborare un lutto infantile attraverso fotografie d’archivio, polaroid e fotografia analogica.

Nelle loro mani, l’immagine diventa un luogo di guarigione, uno spazio in cui l’assenza viene riconosciuta e la rinascita resa possibile. Talvolta, le loro opere trascendono i limiti dello spazio e del tempo, dissolvendo la distanza tra ciò che è stato, ciò che è e ciò che sarebbe potuto essere. Invitano lo spettatore a esplorare memoria e presenza come dimensioni fluide e intrecciate, e ci sfidano a riscoprire il potenziale trasformativo dell’immagine in un mondo sovraccarico di rumore visivo.

What role can an image still play?

In an age where we encounter more images by midday than a 19th-century individual saw in a lifetime, does the image still hold significance? Can it still carry the weight of transformation, of revelation?

Francisco Macfarlane and Francesco Pennacchio explore these questions from two distinct perspectives, using imagemaking to confront absence and evoke rebirth. Macfarlane confronts the fragility of the human condition in an era defined by hyperconnectivity, where meaning often drowns in a sea of fleeting moments. Pennacchio, by contrast, reconstructs fragmented memories of his mother, who was lost to him in early childhood, filling the void with resonances of her presence.

Both artists are driven by ruptures - gaps in identity, memory, and belonging. For Macfarlane, absence emerges as a crisis of human connection in the digital era; for Pennacchio, it is a haunting presence-absence that demands reconstruction. Yet, through their individual exploration, they arrive at a shared understanding: the image is not merely a document or artifact. It is a vessel, capable of holding grief, summoning remembrance, and birthing something anew.

Here, the works of the two artists engage in dialogue. Macfarlane investigates social behaviors, employing alternative photographic techniques to address themes such as our relationship with technology and personal healing. From a more figurative perspective, Pennacchio, tries to reconstruct memory and deal with a childhood grief through archival photographs, polaroids, and film photography.

In their hands, the image becomes a site of healing, a space where absence is acknowledged, and rebirth is made possible. Sometimes, their images transcend the boundaries of space and time, collapsing the distance between what was, what is, and what could have been. They invite us to navigate memory and presence as fluid, interwoven dimensions, and they challenge us to rediscover the image as a source of transformation in a world saturated with visual noise.

(Text: Il Meccanico, Verona)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
16. November 2024– 26. Januar 2025

GRADwanderung - Die LUNAX-Fotograf:innen erzählen ihre Geschichten zum Klimawandel

Sabina Bobst, Annette Boutellier, Mattia Coda, Raisa Durandi, Caroline Krajcir, Yoshiko Kusano, Benjamin Manser, Caroline Minjolle, Clara Neugebauer, Marion Nitsch, Saskja Rosset, Fridolin Walcher, Marco Zanoni, Rahel Zuber

Die Agentur LUNAX freut sich, im BelleVue – Ort für Fotografie ihre neue Gemeinschaftsarbeit zum Thema Klimawandel zu präsentieren. GRADwanderung umfasst 14 fotografische Positionen, die alle im vergangenen Jahr entstanden sind. LUNAX beschäftigt sich seit Jahren intensiv fotografisch mit der Klimaerwärmung und ist heute die führende Agentur zu diesem Thema.

Für die BelleVue-Ausstellung haben sich 14 Fotograf:innen künstlerisch mit der Klimaerwärmung auseinandergesetzt. Sie haben recherchiert, diskutiert und sich der herausfordernden Frage gestellt, welche Aspekte des Klimawandels sie besonders verstören oder interessieren – und was sichtbar gemacht werden sollte. Dabei haben sie Fotografie gezielt als Medium zur Vermittlung eingesetzt.

Die Herangehensweisen sind so vielfältig wie das Kollektiv selbst. Neben Darstellungen schmelzender Gletscher, erodierender Landschaften sowie den Themen Upcycling und Konsum gibt es auch radikal subjektive Arbeiten, die persönliche Unzulänglichkeiten im Umgang mit dem Klimawandel erforschen. Es gibt einen ungewöhnlichen Blick auf die Recyclingstation Hagenholz, der den Betrachter:innen eine neue Perspektive auf den Umgang mit Abfällen eröffnet. Ebenso faszinierend ist eine Text-Bild-Arbeit, die unsere Autobahnraststätten in den Fokus rückt. Und schliesslich wird die Frage aufgeworfen: Was hat eigentlich die Bauernlobby mit der Klimaerwärmung zu tun?

Die Ausstellung präsentiert sich als eine Art Collage und bietet ein ebenso reichhaltiges wie überraschendes Spektrum an Sichtweisen, das dieses komplexe Thema auf kreative Weise interpretiert. Bereits 2022 entstanden 13 fotografische Arbeiten, die sehr unterschiedliche Aspekte des Klimawandels aufgriffen und unter dem Titel «Und jetzt? LUNAX im Klimawandel» zusammenführten. Diese Kollektivarbeit wurde unter anderem im Rahmen des Fotofestivals Lenzburg im Stadtmuseum Aarau ausgestellt und fand viel Beachtung.

Die intensive Auseinandersetzung mit dem Thema bewirkte, dass LUNAX nach Abschluss von «Und jetzt?» mit noch mehr Engagement, Wissen und Sensibilität an der Thematik festgehalten und eine weitere beeindruckende Kollektivarbeit zum Klimawandel geschaffen hat.

L'agence LUNAX a le plaisir de présenter au BelleVue - lieu de la photographie son nouveau travail collectif sur le thème du changement climatique. GRADwanderung comprend 14 positions photographiques qui ont toutes été réalisées l'année dernière. LUNAX s'occupe depuis des années de manière intensive de la photographie du réchauffement climatique et est aujourd'hui l'agence leader sur ce thème.

Pour l'exposition BelleVue, 14 photographes se sont penchés de manière artistique sur le réchauffement climatique. Ils ont fait des recherches, discuté et se sont transmis la question exigeante de savoir quels aspects du changement climatique les troublaient ou les intéressaient particulièrement - et ce qui devait être rendu visible. Ce faisant, ils ont utilisé la photographie de manière ciblée comme moyen de médiation.

Les approches sont aussi variées que le collectif lui-même. Outre les représentations de glaciers en fonte, de paysages en érosion ainsi que les thèmes de l'upcycling et de la consommation, il y a aussi des travaux radicalement subjectifs qui explorent les insuffisances personnelles face au changement climatique. Il y a un regard inhabituel sur la station de recyclage de Hagenholz, qui ouvre aux spectateurs une nouvelle perspective sur le traitement des déchets. Tout aussi fascinant est un travail visuel et textuel qui met l'accent sur nos aires d'autoroute. Enfin, la question est soulevée : Quel est le rapport entre le lobby des agriculteurs et le réchauffement climatique ?

L'exposition se présente comme une sorte de collage et offre un éventail de points de vue aussi riche que surprenant, qui interprète ce thème complexe de manière créative. Dès 2022, 13 travaux photographiques ont été réalisés, abordant des aspects très différents du changement climatique et réunis sous le titre « Et maintenant ? LUNAX face au changement climatique ». Ce travail collectif a notamment été exposé au musée municipal d'Aarau dans le cadre du festival de photographie de Lenzbourg et a suscité beaucoup d'intérêt.

La confrontation intensive avec le thème a eu pour effet que LUNAX, une fois « Und jetzt ? » terminé, s'est accroché à la thématique avec encore plus d'engagement, de connaissances et de sensibilité et a créé un autre travail collectif impressionnant sur le changement climatique.

L'agenzia LUNAX è lieta di presentare il suo nuovo lavoro di collaborazione sul tema del cambiamento climatico a BelleVue - Ort für Fotografie. GRADwanderung comprende 14 posizioni fotografiche, tutte realizzate nell'ultimo anno. LUNAX lavora intensamente da anni sul tema del riscaldamento globale ed è oggi l'agenzia leader su questo argomento.

Per la mostra BelleVue, 14 fotografi hanno adottato un approccio artistico al riscaldamento globale. Hanno ricercato, discusso e affrontato la difficile questione di quali aspetti del cambiamento climatico li disturbino o li interessino in modo particolare, e quali debbano essere resi visibili. Nel farlo, hanno utilizzato la fotografia come mezzo di comunicazione.

Gli approcci sono diversi come il collettivo stesso. Oltre alle rappresentazioni dello scioglimento dei ghiacciai, dei paesaggi in erosione e dei temi dell'upcycling e del consumo, ci sono anche opere radicalmente soggettive che esplorano le inadeguatezze personali nell'affrontare il cambiamento climatico. C'è una vista insolita del centro di riciclaggio di Hagenholz, che offre agli spettatori una nuova prospettiva sulla gestione dei rifiuti. Altrettanto affascinante è un lavoro testo-immagine che si concentra sulle nostre stazioni di servizio autostradali. Infine, viene posta una domanda: Cosa c'entra la lobby degli agricoltori con il riscaldamento globale?

La mostra si presenta come una sorta di collage e offre uno spettro ricco e sorprendente di prospettive che interpretano in modo creativo questo tema complesso. Già nel 2022 sono state realizzate 13 opere fotografiche che riprendono aspetti molto diversi del cambiamento climatico e li riuniscono sotto il titolo “E adesso? LUNAX nel cambiamento climatico”. Questo lavoro collettivo è stato esposto al Museo della Città di Aarau nell'ambito del Festival fotografico di Lenzburg e ha suscitato grande attenzione.

L'intensa esplorazione del tema ha fatto sì che, dopo il completamento di “E adesso?”, LUNAX abbia continuato ad affrontare l'argomento con ancora più impegno, conoscenza e sensibilità, creando un'altra imponente opera collettiva sul cambiamento climatico.

The LUNAX agency is pleased to present its new joint project on climate change at the BelleVue – a place for photography. GRADwanderung comprises 14 photographic positions, all of which were created last year. LUNAX has been dealing intensively with global warming in photography for years and is now the leading agency on this topic.

For the Bellevue exhibition, 14 photographers have artistically explored the issue of global warming. They have researched, discussed and faced the challenging question of which aspects of climate change particularly disturb or interest them – and what should be made visible. In doing so, they have deliberately used photography as a medium for communication.

The approaches are as diverse as the collective itself. In addition to depictions of melting glaciers, eroding landscapes, and the topics of upcycling and consumption, there are also radically subjective works that explore personal inadequacies in dealing with climate change. There is an unusual view of the Hagenholz recycling center that offers viewers a new perspective on how we handle waste. Equally fascinating is a text-and-visual work that focuses on our highway rest stops. And finally, the question is raised: What does the farmers' lobby have to do with global warming?

The exhibition is presented as a kind of collage and offers a spectrum of perspectives that is as rich as it is surprising, interpreting this complex topic in a creative way. As early as 2022, 13 photographic works were created that took up very different aspects of climate change and brought them together under the title “And now? LUNAX on climate change”. This collective work was exhibited at the Lenzburg Photo Festival in the Aarau City Museum, among other places, and attracted a great deal of attention.

The intensive examination of the topic meant that LUNAX continued to work on the topic with even more commitment, knowledge and sensitivity after completing “And now?” and created another impressive collective work on climate change.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
9. November – 14. Dezember 2024

Image Cities
Anastasia Samoylova

Parallel zu Anastasia Samoylovas soeben eröffneten, großen institutionellen Ausstellungen im Metropolitan Museum New York und in der Saatchi Gallery London zeigen wir ihre Serie Image Cities eine fotografische Reise durch die bedeutendsten Metropolen der Welt, darunter New York, Paris, London, Zürich, Tokio und Mailand. Die Künstlerin richtet ihren Blick auf die öffentlich sichtbaren Bilder, die die Fassaden dieser Städte prägen. Sie zeigt uns nicht das Einzigartige dieser Orte, sondern das Gemeinsame: Die bedrohliche und schleichende Vereinheitlichung der Konsumkultur, die aus einer zunehmend von Konzernen dominierten Welt entsteht.

Anastasia Samoylova (*1984) lebt in Miami. In ihrer künstlerischen Arbeit bewegt sie sich zwischen beobachtender Fotografie, Studiopraxis und Installation. Ihre Bücher FloodZone und Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans wurden vom Steidl Verlag veröffentlicht, ihr Buch Image Cities ist bei Hatje Cantz erschienen. Ihre Arbeiten wurden in Einzelausstellungen im Chrysler Museum of Art, im Orlando Museum of Art, im Contemporary Art Museum in Tampa, im The Print Center in Philadelphia, im Eastman Museum in Rochester, NY, bei C/O Berlin und im KBr Fundación MAPFRE in Barcelona, Spanien, sowie an vielen weiteren Orten gezeigt. Im Herbst/Winter 2024/25 sind zwei große institutionelle Ausstellungen von ihr im Metropolitan Museum New York und in der Saatchi Gallery in London zu sehen. Anastasia Samoylovas Arbeiten befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Metropolitan Museum of Art in New York, des Perez Art Museum in Miami, des High Museum of Art in Atlanta und des Museum of Contemporary Photography in Chicago. Anastasia Samoylova war Finalistin des Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 und erhielt den ersten KBr Photo Award der KBr Fundación MAPFRE. Soeben ist ihre Monografie Adaptations bei Thames and Hudson erschienen.

Parallèlement aux grandes expositions institutionnelles d'Anastasia Samoylova qui viennent d'être inaugurées au Metropolitan Museum de New York et à la Saatchi Gallery de Londres, nous présentons sa série Image Cities un voyage photographique à travers les plus grandes métropoles du monde, dont New York, Paris, Londres, Zurich, Tokyo et Milan. L'artiste porte son regard sur les visuels visibles par le public qui caractérisent les façades de ces villes. Elle ne nous montre pas ce que ces lieux ont d'unique, mais ce qu'ils ont en commun : l'uniformisation menaçante et insidieuse de la culture de consommation qui résulte d'un monde de plus en plus dominé par les multinationales.

Anastasia Samoylova (*1984) vit à Miami. Dans son travail artistique, elle évolue entre la photographie d'observation, la pratique en studio et l'installation. Ses livres FloodZone et Floridas : Anastasia Samoylova & Walker Evans ont été publiés par Steidl Verlag, son livre Image Cities est paru chez Hatje Cantz. Leurs travaux ont été présentés dans des expositions individuelles au Chrysler Museum of Art, à l'Orlando Museum of Art, au Contemporary Art Museum de Tampa, au The Print Center de Philadelphie, au Eastman Museum de Rochester, NY, chez C/O Berlin et au KBr Fundación MAPFRE de Barcelone, Espagne, ainsi que dans de nombreux autres lieux. En automne/hiver 2024/25, elle fera l'objet de deux grandes expositions institutionnelles au Metropolitan Museum de New York et à la Saatchi Gallery de Londres. Le travail d'Anastasia Samoylova figure notamment dans les collections du Metropolitan Museum of Art de New York, du Perez Art Museum de Miami, du High Museum of Art d'Atlanta et du Museum of Contemporary Photography de Chicago. Anastasia Samoylova a été finaliste du Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 et a reçu le premier KBr Photo Award de la KBr Fundación MAPFRE. Sa monographie Adaptations vient de paraître chez Thames and Hudson.

Parallelamente alle grandi mostre istituzionali recentemente inaugurate da Anastasia Samoylova al Metropolitan Museum di New York e alla Saatchi Gallery di Londra, presentiamo la sua serie Image Cities, un viaggio fotografico attraverso le più importanti metropoli del mondo, tra cui New York, Parigi, Londra, Zurigo, Tokyo e Milano. L'artista concentra il suo sguardo sulle immagini pubblicamente visibili che caratterizzano le facciate di queste città. Non ci mostra l'unicità di questi luoghi, ma ciò che li accomuna: la minacciosa e strisciante standardizzazione della cultura consumistica che emerge da un mondo sempre più dominato dalle multinazionali.

Anastasia Samoylova (*1984) vive a Miami. Nel suo lavoro artistico si muove tra fotografia d'osservazione, pratica in studio e installazione. I suoi libri FloodZone e Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans sono stati pubblicati da Steidl Verlag, mentre il suo libro Image Cities è stato pubblicato da Hatje Cantz. Le loro opere sono state esposte in mostre personali al Chrysler Museum of Art, all'Orlando Museum of Art, al Contemporary Art Museum di Tampa, al Print Center di Philadelphia, all'Eastman Museum di Rochester, NY, al C/O Berlin e alla KBr Fundación MAPFRE di Barcellona, Spagna, oltre che in molte altre sedi. Nell'autunno/inverno 2024/25, l'artista terrà due importanti mostre istituzionali al Metropolitan Museum di New York e alla Saatchi Gallery di Londra. Le opere di Anastasia Samoylova sono presenti nelle collezioni del Metropolitan Museum of Art di New York, del Perez Art Museum di Miami, dell'High Museum of Art di Atlanta e del Museum of Contemporary Photography di Chicago, tra gli altri. Anastasia Samoylova è stata finalista del Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 e ha ricevuto il primo KBr Photo Award dalla KBr Fundación MAPFRE. La sua monografia Adaptations è stata appena pubblicata da Thames and Hudson.

Parallel to Anastasia Samoylova's major institutional exhibitions at the Metropolitan Museum in New York and the Saatchi Gallery in London, we are delighted to present her latest series, Image Cities, a photographic journey through some of the world's most prominent metropolises, including New York, Paris, London, Zurich, Tokyo, and Milan. The artist turns her camera towards the publicly visible images that shape the façades of these cities. Rather than highlighting what makes these places unique, she reveals what they have in common: the menacing and gradual homogenization of consumer culture, emerging from a world increasingly dominated by corporations.

Anastasia Samoylova (1984) is an American artist who moves between observational photography, studio practice and installation. By utilizing tools related to digital media and commercial photography, her work explores notions of environmentalism, consumerism and the picturesque.

Her books FloodZone and Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans were published by Steidl, her book Image Cities is out with Hatje Cantz. Her works have been presented in solo exhibitions at the Chrysler Museum of Art; Orlando Museum of Art; Contemporary Art Museum, Tampa; The Print Center Philadelphia, the Eastman Museum, Rochester, NY, C/O Berlin, Germany, and the KBr Fundación MAPFRE, Barcelona, Spain, among others. Her work is in the collections of the Metropolitan Museum of Art, New York; Perez Art Museum, Miami; High Museum of Art, Atlanta; and Museum of Contemporary Photography, Chicago; among others.

Anastasia Samoylova was shortlisted for the Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 and received the first KBr Photo Award by KBr Fundación MAPFRE. In the Fall/Winter of 2024/25, two major institutional exhibitions of her work will be on view at the Metropolitan Museum in New York and the Saatchi Gallery in London. Her monograph Adaptations has just been published by Thames and Hudson.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Anzenberger Gallery | Wien
25. Oktober 2024 – 31. Januar 2025

The Meaning of Land
Daniela Köppl, Kurt Sorensen

Die Ausstellung findet im Rahmen des Rotlicht - Festivals für analoge Fotografie statt.

Die Anzenberger Gallery präsentiert den australischen Künstler Kurt Sorensen und die österreichische Künstlerin Daniela Koeppl mit Landschaftsfotografien ihrer Heimatländer. Welche Bedeutung hat Land in Zeiten von Klimakrise und Kriegen? Wie geht der Mensch mit dem Land um, kultiviert es und versucht es zu kontrollieren? Während Kurt Sorensen dem Ursprung der Landschaft vor der Besiedlung Australiens nachspürt, erkundet Daniela Köppl die kultivierte Landschaft in der Form von Kuppen. Die Unterschiede könnten nicht größer sein wie zwischen diesen beiden Ländern. Eine visuelle Annäherung.

Kurt Sorensen: Sorensens Bilder enthüllen die prekäre Beziehung, die zwischen den frühen europäischen Siedlern und den rauen australischen Landschaften herrschte; Die gefährliche Natur erinnert die schlecht beratenen Entdecker an ihr naives Gefühl der Überlegenheit. Von der Erde verschluckt, sind diejenigen, die in der Landschaft verschwunden sind und nie wieder gefunden werden, die Protagonisten von Sorensens Bildern, die am Rande von Geschichte und Anthropologie liegen. (Claire Monneraye, Australian Center for Photography)

Daniela Köppl: Im Gegensatz zur Naturlandschaft ist die Kulturlandschaft eine vom Menschen geprägte Landschaft. Sie wird durch charakteristische jahresrhythmische Nutzungen, wie Ackerbau, Mahd, Drusch, Viehtrieb, Heckenschnitt und (längerfristig) Waldbau regelmäßig verändert. Die kleinräumig parzellierte Agrarlandschaft vom 16. bis Mitte des 20. Jahrhunderts bewirkte ein starkes Anwachsen der Biodiversität mit höchsten Werten der Flora um 1850. Seitdem verarmten die Kulturlandschaften infolge von Agrarreform, Melioration, mineralischer Düngung, wirksamerer Geräte und Pflanzen- und Tierzucht stark- verstärkt mit der Industrialisierung der Landwirtschaft seit 1950. Die Folge ist eine starke Ausräumung der Kulturlandschaft.

La Anzenberger Gallery présente l'artiste australien Kurt Sorensen et l'artiste autrichienne Daniela Koeppl avec des photographies de paysages de leurs pays d'origine. Quelle est l'importance de la terre en période de crise climatique et de guerres ? Comment l'homme gère-t-il la terre, la cultive-t-il et tente-t-il de la contrôler ? Tandis que Kurt Sorensen retrace l'origine du paysage avant la colonisation de l'Australie, Daniela Köppl explore le paysage cultivé sous forme de croupes. Les différences ne pourraient pas être plus grandes qu'entre ces deux pays. Une approche visuelle.

Kurt Sorensen : Les visuels de Sorensen révèlent la relation précaire qui existait entre les premiers colons européens et les rudes paysages australiens ; la nature dangereuse rappelle aux explorateurs mal conseillés leur sentiment naïf de supériorité. Avalés par la terre, ceux qui ont disparu dans le paysage et ne seront jamais retrouvés sont les protagonistes des visuels de Sorensen, à la lisière de l'histoire et de l'anthropologie. (Claire Monneraye, Australian Center for Photography)

Daniela Köppl : Contrairement au paysage naturel, le paysage culturel est un paysage façonné par l'homme. Il est régulièrement modifié par des utilisations saisonnières caractéristiques, comme la culture, la fauche, le battage, la conduite du bétail, la taille des haies et (à plus long terme) la sylviculture. Le paysage agricole parcellisé à petite échelle du 16e au milieu du 20e siècle a entraîné une forte augmentation de la biodiversité, avec des valeurs maximales pour la flore vers 1850. Depuis, les paysages cultivés se sont fortement appauvris en raison de la réforme agraire, de l'amélioration foncière, de la fertilisation minérale, d'outils plus efficaces et de l'élevage de plantes et d'animaux - renforcé par l'industrialisation de l'agriculture depuis 1950. Il en résulte un fort appauvrissement du paysage cultivé.

La Galleria Anzenberger presenta l'artista australiano Kurt Sorensen e l'artista austriaca Daniela Koeppl con fotografie di paesaggi dei loro Paesi d'origine. Qual è il significato della terra in tempi di crisi climatica e di guerra? Come le persone si rapportano alla terra, la coltivano e cercano di controllarla? Mentre Kurt Sorensen traccia le origini del paesaggio prima della colonizzazione dell'Australia, Daniela Köppl esplora il paesaggio coltivato sotto forma di cime di collina. Le differenze non potrebbero essere maggiori tra questi due Paesi. Un approccio visivo.

Kurt Sorensen: le immagini di Sorensen rivelano il rapporto precario che esisteva tra i primi coloni europei e gli aspri paesaggi australiani; la natura pericolosa ricorda agli esploratori incauti il loro ingenuo senso di superiorità. Inghiottiti dalla terra, coloro che sono scomparsi nel paesaggio, per non essere mai più ritrovati, sono i protagonisti delle immagini di Sorensen, che si trovano ai margini della storia e dell'antropologia. (Claire Monneraye, Centro australiano di fotografia)

Daniela Köppl: A differenza del paesaggio naturale, il paesaggio culturale è un paesaggio creato dall'uomo. Viene regolarmente modificato dagli usi stagionali caratteristici, come la coltivazione dei seminativi, la falciatura, la trebbiatura, il pascolo del bestiame, il taglio delle siepi e (a lungo termine) la selvicoltura. Il paesaggio agricolo parcellizzato su piccola scala, dal XVI alla metà del XX secolo, ha portato a un forte aumento della biodiversità, con i valori floristici più elevati intorno al 1850. Da allora, i paesaggi culturali si sono impoveriti a causa della riforma agraria, dell'ammendamento, della concimazione minerale, di attrezzature più efficaci e dell'allevamento di piante e animali, intensificati dall'industrializzazione dell'agricoltura a partire dal 1950. Il risultato è un forte disboscamento del paesaggio culturale.

The Anzenberger Gallery presents the Australian artist Kurt Sorensen and the Austrian artist Daniela Koeppl with landscape photographs of their home countries. What is the significance of land in times of climate crisis and wars? How do humans treat the land, cultivate it and try to control it? While Kurt Sorensen traces the origin of the landscape before the colonization of Australia, Daniela Köppl explores the cultivated landscape in the form of hilltops. The differences could not be greater than between these two countries. A visual approach.

Kurt Sorensen: Sorensen's images reveal the precarious relationship that existed between the early European settlers and the harsh Australian landscapes; the dangerous nature reminds the ill-advised explorers of their naive sense of superiority. Swallowed up by the earth, those who have disappeared into the landscape and will never be found again are the protagonists of Sorensen's images, which lie on the edge of history and anthropology. (Claire Monneraye, Australian Center for Photography)

Daniela Köppl: In contrast to the natural landscape, the cultural landscape is a landscape shaped by humans. It is regularly transformed by characteristic annual uses, such as agriculture, mowing, threshing, cattle driving, hedge trimming and (in the longer term) forestry. The small-scale parceled agricultural landscape from the 16th to the mid-20th century caused a strong increase in biodiversity, with the highest values of flora around 1850. Since then, the cultural landscapes have become impoverished due to agricultural reform, land reclamation, mineral fertilization, more effective equipment and plant and animal breeding, which intensified with the industrialization of agriculture since 1950. The result is a strong eradication of the cultural landscape.

(Text: Regina Anzenberger, Anzenberger Gallery, Wien)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
7. September – 19. Oktober 2024

Landschaften
Barbara Klemm

Zum Saisonstart 2024 zeigen wir eine neue Ausstellung von Barbara Klemm, die, wie so viele andere Genres, auch das der Landschaftsfotografie virtuos beherrscht. Die Ausstellung vereint um die dreißig ihrer Landschaftsporträts aus  Deutschland und der Welt  — vom Allgäu bis zum Plöner See, von der mongolischen Steppe bis zu den Wasserfällen von Iguazú. Barbara Klemms Landschaftsfotografien, die allesamt als Silbergelatineabzüge von eigener Hand gezeigt werden, zeichnen sich durch meisterhafte Kompositionen aus, die Licht und Landschaft modellieren.

„Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (…) blicken aus Barbara Klemms Landschaftsbildern auf uns, die deutsche Romantik, mit ihrer Malerei und Graphik und deren Tröstlichkeit, Gewicht und Abgründen, erscheint hier in neuer ästhetischer Qualität.“ Péter Nádas (aus „Schwarze Strahlung: Barbara Klemm, die Philosophin der Begebenheiten“)

Barbara Klemm gilt als eine der bedeutendsten Fotografinnen der deutschen Gegenwart. Sie wurde 1939 in Münster, Westfalen, geboren und wuchs in Karlsruhe auf. Seit 1959 war sie für die Frankfurter Allgemeine Zeitung tätig, seit 1970 als Redaktionsfotografin mit den Schwerpunkten Politik und Feuilleton. Ihr Werk wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, darunter der Dr.-Erich-Salomon-Preis der Deutschen Gesellschaft für Fotografie (1989), der Hugo-Erfurth-Preis der Stadt Leverkusen (1989), der Maria-Sibylla-Merian-Preis für bildende Künstlerinnen in Hessen (1998), der Hessische Kulturpreis (2000) und der Max-Beckmann-Preis der Stadt Frankfurt am Main (2009). Barbara Klemm ist bislang die einzige Frau, die mit dem Leica Hall of Fame Award ausgezeichnet wurde (2012). Seit 1992 ist sie Mitglied der Akademie der Künste Berlin, 2010 wurde sie in den Orden „Pour le mérite“ gewählt. Barbara Klemm lebt in Frankfurt am Main.

Pour le début de la saison 2024, nous présentons une nouvelle exposition de Barbara Klemm qui, comme tant d'autres genres, maîtrise avec virtuosité celui de la photographie de paysage. L'exposition réunit une trentaine de ses portraits de paysages d'Allemagne et du monde entier - de l'Allgäu au lac de Plön, de la steppe mongole aux chutes d'Iguazú. Les photographies de paysages de Barbara Klemm, toutes présentées sous forme de tirages au gélatino-argent de sa propre main, se distinguent par des compositions magistrales qui modèlent la lumière et le paysage.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) nous regardent à travers les paysages de Barbara Klemm, le romantisme allemand, avec sa peinture et son graphisme et leur consolation, leur poids et leurs abîmes, apparaît ici dans une nouvelle qualité esthétique". Péter Nádas (extrait de "Rayonnement noir : Barbara Klemm, la philosophe des événements")

Barbara Klemm est considérée comme l'une des photographes les plus importantes de l'Allemagne contemporaine. Elle est née en 1939 à Münster, en Westphalie, et a grandi à Karlsruhe. Depuis 1959, elle travaillait pour le Frankfurter Allgemeine Zeitung, et depuis 1970 comme photographe de rédaction spécialisée dans la politique et le feuilleton. Son œuvre a été récompensée par de nombreux prix, dont le prix Dr. Erich Salomon de la Société allemande de photographie (1989), le prix Hugo Erfurth de la ville de Leverkusen (1989), le prix Maria Sibylla Merian pour les femmes artistes plasticiennes de Hesse (1998), le prix culturel de Hesse (2000) et le prix Max Beckmann de la ville de Francfort-sur-le-Main (2009). Barbara Klemm est à ce jour la seule femme à avoir été récompensée par le Leica Hall of Fame Award (2012). Depuis 1992, elle est membre de l'Académie des arts de Berlin, et en 2010, elle a été élue à l'Ordre du mérite. Barbara Klemm vit à Francfort-sur-le-Main.

In occasione dell'inizio della stagione 2024, presentiamo una nuova mostra di Barbara Klemm, che, come molti altri generi, è una virtuosa della fotografia di paesaggio. La mostra riunisce una trentina di suoi ritratti paesaggistici provenienti dalla Germania e da tutto il mondo: dall'Allgäu al lago di Plön, dalla steppa mongola alle cascate di Iguazú. Le fotografie di paesaggio di Barbara Klemm, tutte presentate come stampe alla gelatina d'argento realizzate con le sue mani, sono caratterizzate da composizioni magistrali che modellano la luce e il paesaggio.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) ci guardano dalle fotografie di paesaggio di Barbara Klemm; il Romanticismo tedesco, con la sua pittura e la sua grafica, con il suo conforto, il peso e gli abissi, appare qui in una nuova qualità estetica". Péter Nádas (da "Black Radiance: Barbara Klemm, la filosofa degli eventi")

Barbara Klemm è considerata una delle più importanti fotografe della Germania contemporanea. È nata a Münster, in Westfalia, nel 1939 ed è cresciuta a Karlsruhe. Ha lavorato per la Frankfurter Allgemeine Zeitung dal 1959, dal 1970 come fotografa editoriale specializzata in politica e articoli di cronaca. Il suo lavoro è stato premiato con numerosi riconoscimenti, tra cui il Premio Dr Erich Salomon della Società tedesca per la fotografia (1989), il Premio Hugo Erfurth della città di Leverkusen (1989), il Premio Maria Sibylla Merian per le artiste visive dell'Assia (1998), il Premio della cultura dell'Assia (2000) e il Premio Max Beckmann della città di Francoforte sul Meno (2009). Ad oggi, Barbara Klemm è l'unica donna ad essere stata premiata con il Leica Hall of Fame Award (2012). È membro dell'Akademie der Künste Berlin dal 1992 ed è stata eletta nell'Ordine "Pour le mérite" nel 2010. Barbara Klemm vive a Francoforte sul Meno.

To inaugurate the autumn 2024 gallery season, we are pleased to present a new exhibition by Barbara Klemm. Known for her mastery across various genres, Klemm also excels in landscape photography.

This exhibition features around thirty of her landscape portraits from Germany and around the world — from the Allgäu to Lake Plön, from the Mongolian steppe to the Iguazú waterfalls. Each photograph, printed by the artist as a silver gelatin print, showcases her skillful composition and deep connection to the landscapes she captures.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) gaze upon us from Barbara Klemm's landscape images. The German Romanticism, with its painting and graphics, and its solace, gravity, and abysses, reappears here in a new aesthetic quality.“ Péter Nádas

Barbara Klemm is considered one of the most important photographers in contemporary Germany. She was born in 1939 in Münster, Westphalia, and grew up in Karlsruhe. Since 1959, she worked for the Frankfurter Allgemeine Zeitung, and from 1970 onwards, she served as an editorial photographer with a focus on politics and culture. Her work has received numerous awards, including the Dr.-Erich-Salomon-Preis from the German Society for Photography (1989), the Hugo-Erfurth-Preis from the city of Leverkusen (1989), the Maria Sibylla Merian Prize for female visual artists in Hesse (1998), the Hessian Culture Prize (2000), and the Max Beckmann Prize from the city of Frankfurt am Main (2009). Barbara Klemm is the only woman to have been honored with the Leica Hall of Fame Award (2012). Since 1992, she has been a member of the Academy of Arts Berlin, and in 2010, she was elected to the Order Pour le Mérite. Barbara Klemm lives in Frankfurt am Main.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Museum Thalwil
6. Juli – 19. Oktober 2024

Memories
Florian Bachmann, Serap Vitarelli, Susanne Scherer

Die Ausstellung «Memories» zeigt aktuelle fotografische Arbeiten. Unter dem Titel «Was bleibt» setzt sich die Künstlerin Serap Vitarelli mit der Vergänglichkeit auseinander. Florian Bachmann fotografiert in seiner Werkserie «Lieux de Mémoire» geschichtsträchtige Orte in der Schweiz. «Gestern-heute» von Susanne Scherer zeigt neue Ortsbilder, welchen Archivaufnahmen gegenüberstehen. «Memories» präsentiert eine facettenreiche Sammlung von Fotografien, die sich auf verschiedene Weisen mit der Erinnerungskultur auseinandersetzen. Die Bilder zeigen Orte von historischer Bedeutung, persönliche Rückzugsorte oder flüchtige Momente des Alltags. Sie offenbaren Spuren der Vergangenheit und die Schönheit der Vergänglichkeit, die oft im Verborgenen liegt.

L'exposition "Memories" présente des travaux photographiques récents. Sous le titre "Was bleibt", l'artiste Serap Vitarelli se penche sur le caractère éphémère. Dans sa série d'œuvres "Lieux de Mémoire", Florian Bachmann photographie des lieux chargés d'histoire en Suisse. "Hier-aujourd'hui" de Susanne Scherer montre de nouvelles images de lieux en face d'images d'archives. "Memories" présente une collection aux multiples facettes de photographies qui traitent de différentes manières de la culture du souvenir. Les visuels montrent des lieux d'importance historique, des retraites personnelles ou des moments fugaces de la vie quotidienne. Elles révèlent les traces du passé et la beauté de l'éphémère, souvent cachée.

La mostra "Memories" presenta opere fotografiche attuali. Con il titolo "What remains", l'artista Serap Vitarelli esplora il tema della transitorietà. Florian Bachmann fotografa luoghi ricchi di storia in Svizzera nella sua serie "Lieux de Mémoire". "Ieri-oggi" di Susanne Scherer mostra nuove immagini di luoghi accostate a fotografie d'archivio. "Memories" presenta una collezione sfaccettata di fotografie che affrontano in vario modo la cultura del ricordo. Le immagini mostrano luoghi di importanza storica, ritiri personali o momenti fugaci della vita quotidiana. Rivelano le tracce del passato e la bellezza della transitorietà che spesso si nasconde.

The exhibition "Memories" shows current photographic works. Under the title "What remains", the artist Serap Vitarelli deals with transience. Florian Bachmann photographs places steeped in history in Switzerland in his series "Lieux de Mémoire". "Yesterday-today" by Susanne Scherer shows new images of places juxtaposed with archive photographs. "Memories" presents a multifaceted collection of photographs that deal with the culture of remembrance in various ways. The visuals show places of historical significance, personal retreats or fleeting moments of everyday life. They reveal traces of the past and the beauty of transience that often lies hidden.

(Text: Museum Thalwil)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
22. Juni – 24. August 2024

Nightcall — The Frankfurt Edition
Satijn Panyigay

Nachdem Satijn Panyigay in der Vergangenheit vor allem leere Innenräume – Museen, Depots, neu errichtete Wohngebäude — fotografiert hat, richtet sie mit ihrer neuen Arbeit „Nightcall“ ihr Augenmerk auf städtische Außenbereiche. In ihrer Heimatstadt Utrecht sowie in Frankfurt am Main sucht sie auf einsamen nächtlichen Streifzügen nach unbeabsichtigten Kompositionen innerhalb der urbanen Strukturen.

Ihre analogen Fotografien nutzen das minimale Licht des Mondes und der Straßenlaternen, wobei der Unterschied kaum auszumachen ist. So entstehen in der düsteren, monotonen und funktionalen Industrielandschaft reizvolle Kontraste.

Dabei erzeugt die Abwesenheit von Menschen in Satijn Panyigays Fotografien paradoxerweise ein Gefühl von Präsenz. Die Künstlerin fühlt sich von der ätherischen Welt der Nacht und ihrer rätselhaften Atmosphäre angezogen. „Nightcall“ ermöglicht uns Begegnungen mit einer Gegenwelt, in der sich unsere eigene widerspiegelt, wenn auch mit einer unheimlichen Distanz.

Satijn Panyigay (geb. 1988 in Nijmegen, Niederlande) studierte Fotografie an der Kunsthochschule Utrecht, wo sie weiterhin lebt und arbeitet. Ihre Arbeiten waren in zahlreichen Ausstellungen zu sehen, so im Centre D’art Contemporain de Meymac, Frankreich sowie in den Niederlanden im Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam); Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover (Amsterdam); Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Ihre Arbeitem befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Museum Boijmans Van Beuningen, des Museum Tot Zover, des Museum Van Bommel Van Dam, des Museum W., der DZ Bank Kunststiftung, der KPMG sowie in zahlreichen Privatsammlungen. Ihr Buch VOID erschien 2023 bei Hartmann Books.

Après avoir surtout photographié des espaces intérieurs vides - musées, dépôts, immeubles d'habitation récemment construits -, Satijn Panyigay porte son attention sur les espaces extérieurs urbains avec son nouveau travail "Nightcall". Dans sa ville natale d'Utrecht ainsi qu'à Francfort-sur-le-Main, elle recherche des compositions involontaires au sein des structures urbaines lors d'errances nocturnes solitaires.

Ses photographies analogiques utilisent la lumière minimale de la lune et des lampadaires, la différence étant à peine perceptible. Ainsi, des contrastes charmants apparaissent dans le paysage industriel sombre, monotone et fonctionnel.

Ce faisant, l'absence de personnes dans les photographies de Satijn Panyigay crée paradoxalement un sentiment de présence. L'artiste est attirée par le monde éthéré de la nuit et son atmosphère énigmatique. "Nightcall" nous permet de faire des rencontres avec un contre-monde dans lequel le nôtre se reflète, même si c'est avec une distance inquiétante.

Satijn Panyigay (née en 1988 à Nijmegen, Pays-Bas) a étudié la photographie à l'école des beaux-arts d'Utrecht, où elle continue de vivre et de travailler. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions, notamment au Centre d'art contemporain de Meymac, en France, et aux Pays-Bas, au Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam) ; Fotomuseum Den Haag ; Museum Tot Zover (Amsterdam) ; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Son travail se trouve entre autres dans les collections du Museum Boijmans Van Beuningen, du Museum Tot Zover, du Museum Van Bommel Van Dam, du Museum W., de la DZ Bank Kunststiftung, de KPMG ainsi que dans de nombreuses collections privées. Son livre VOID est paru en 2023 chez Hartmann Books.

Dopo aver fotografato in passato soprattutto spazi interni vuoti - musei, depositi, edifici residenziali di nuova costruzione - il nuovo lavoro di Satijn Panyigay "Nightcall" si concentra sugli esterni urbani. Nella sua città natale, Utrecht, e a Francoforte sul Meno, l'artista cerca composizioni involontarie all'interno delle strutture urbane durante le sue incursioni notturne.

Le sue fotografie analogiche utilizzano la luce minima della luna e dei lampioni, dove la differenza è appena percettibile. Questo crea contrasti attraenti nel paesaggio industriale cupo, monotono e funzionale.

Paradossalmente, l'assenza di persone nelle fotografie di Satijn Panyigay crea un senso di presenza. L'artista si sente attratto dal mondo etereo della notte e dalla sua atmosfera enigmatica. "Nightcall" ci permette di incontrare un contro-mondo che rispecchia il nostro, anche se con una distanza inquietante.

Satijn Panyigay (nata nel 1988 a Nijmegen, Paesi Bassi) ha studiato fotografia all'Università delle Arti di Utrecht, dove continua a vivere e lavorare. Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre, tra cui al Centre D'art Contemporain de Meymac, in Francia, e nei Paesi Bassi presso il Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam), il Fotomuseum Den Haag, il Museum Tot Zover (Amsterdam), il Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Le sue opere si trovano nelle collezioni del Museum Boijmans Van Beuningen, del Museum Tot Zover, del Museum Van Bommel Van Dam, del Museum W., della DZ Bank Kunststiftung, della KPMG e di numerose collezioni private. Il suo libro VOID è stato pubblicato da Hartmann Books nel 2023.

Having primarily photographed vacant interior spaces—museums, depots, and newly constructed residential buildings—in the past, Satijn Panyigay now shifts her attention to urban exteriors with her new series “Nightcall“. Embarking on solitary nocturnal strolls through her hometown of Utrecht and Frankfurt am Main, she seeks unintentional compositions within urban structures.

Utilizing the minimal light of the moon and street lamps in her analogue photographs, Panyigay blurs the distinction between them. Thus, amidst the bleak, monotonous, and utilitarian industrial landscape, captivating contrasts emerge.

Paradoxically, the absence of people in Satijn Panyigay's photographs evokes a sense of presence. Drawn to the ethereal realm of the night and its enigmatic ambiance, the artist invites us into encounters with a parallel world, reflecting our own, albeit with an eerie distance.

Satijn Panyigay (b. 1988 in Nijmegen, Netherlands) studied photography at the Utrecht School of Art, where she continues to live and work. Her work has been featured in exhibitions at Centre D’art Contemporain de Meymac, France, and in the Netherlands at Museum Escher in the Palace; Depot Boijmans Van Beuningen; Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Her works are in the collections of Museum Boijmans Van Beuningen, Museum Tot Zover, Museum Van Bommel Van Dam, Museum W., DZ Bank, KPMG, among others, as well as in numerous private collections. Panyigay’s artist book VOID was published by Hartmann Books (Germany) in 2023.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Thun-Panorama
11. Mai – 1. Dezember 2024

Ausser Sicht
Giacomo Santiago Rogado

Giacomo Santiago Rogado ist ein Schweizer Künstler mit italienisch-spanischen Wurzeln, der in seinen Arbeiten verschiedenste Traditionen des malerischen Mediums kombiniert und mithilfe neuer Werkzeuge, Techniken und Materialien intensiv die Möglichkeiten, Grenzen und Bedingungen zeitgenössischer Malerei auslotet. In seiner knapp 20-jährigen künstlerischen Tätigkeit als Maler hat Rogado ein umfangreiches Werk geschaffen, das bislang noch nie überblicksartig ausgestellt worden ist. Er ist ausserdem der erste Künstler, der beide Standorte, den Thunerhof und das Thun- Panorama, bespielt. Auf einer Fläche von insgesamt über 1000 m2 wird Rogado unmittelbar auf die spezifischen Herausforderungen der Ausstellungsorte reagieren. Im verglasten Ergänzungsbau des Thun-Panoramas arbeitet er mit dem Innen- wie auch mit dem Aussenraum, dem idyllischen Schadaupark. Eine raumgreifende Installation ermöglicht den Besuchenden ein Eintauchen in den Bildraum. Gleichzeitig erweitert sich das Werk im Dialog mit der Umgebung um eine weitere Dimension.

Kuratorin: Helen Hirsch, Direktorin Kunstmuseum Thun

Giacomo Santiago Rogado est un artiste suisse d'origine italo-espagnole qui combine dans son travail les traditions les plus diverses du médium pictural et explore intensément les possibilités, les limites et les conditions de la peinture contemporaine à l'aide de nouveaux outils, techniques et matériaux. En près de 20 ans d'activité artistique en tant que peintre, Rogado a créé une œuvre considérable qui n'a encore jamais été exposée de manière globale. Il est en outre le premier artiste à investir les deux sites, le Thunerhof et le Thun- Panorama. Sur une surface totale de plus de 1000 m2, Rogado réagira directement aux défis spécifiques des lieux d'exposition. Dans le bâtiment complémentaire vitré du panorama de Thoune, il travaille aussi bien avec l'espace intérieur qu'avec l'espace extérieur, le parc idyllique de Schadau. Une installation qui occupe tout l'espace permet aux visiteurs de s'immerger dans l'espace pictural. En même temps, l'œuvre s'élargit d'une autre dimension en dialoguant avec l'environnement.

Curatrice : Helen Hirsch, directrice du Kunstmuseum Thun

Giacomo Santiago Rogado è un artista svizzero con radici italo-spagnole che combina nelle sue opere le più diverse tradizioni del mezzo pittorico e utilizza nuovi strumenti, tecniche e materiali per esplorare intensamente le possibilità, i limiti e le condizioni della pittura contemporanea. Nei suoi quasi 20 anni di attività artistica come pittore, Rogado ha creato un ampio corpus di opere che non sono mai state esposte in una rassegna. È inoltre il primo artista a esporre in entrambe le sedi, il Thunerhof e il Thun Panorama. Su una superficie complessiva di oltre 1000 m2, Rogado risponderà direttamente alle sfide specifiche delle sedi espositive. Nell'estensione vetrata del Thun Panorama, Rogado lavorerà sia con lo spazio interno che con quello esterno, l'idilliaco Schadaupark. Un'ampia installazione permette ai visitatori di immergersi nello spazio pittorico. Allo stesso tempo, l'opera si espande in un'altra dimensione in dialogo con l'ambiente circostante.

Curatore: Helen Hirsch, Direttore del Kunstmuseum Thun

Giacomo Santiago Rogado is a Swiss artist with Italian-Spanish roots who combines the most diverse traditions of the painterly medium in his works and intensively explores the possibilities, limits and conditions of contemporary painting with the help of new tools, techniques and materials. In his almost 20 years of artistic activity as a painter, Rogado has created an extensive body of work that has never before been exhibited in an overview. He is also the first artist to exhibit at both locations, the Thunerhof and the Thun Panorama. On a total area of over 1000 m2, Rogado will respond directly to the specific challenges of the exhibition venues. In the glazed extension to the Thun Panorama, he works with both the interior and exterior space, the idyllic Schadaupark. An expansive installation allows visitors to immerse themselves in the pictorial space. At the same time, the work expands into another dimension in dialog with its surroundings.

Curator: Helen Hirsch, Director Kunstmuseum Thun

(Text: Kunstmuseum Thun)

Kunstmuseum Thun
11. Mai – 28. Juli 2024

All that you see
Giacomo Santiago Rogado

Giacomo Santiago Rogado ist ein Schweizer Künstler mit italienisch-spanischen Wurzeln, der in seinen Arbeiten verschiedenste Traditionen des malerischen Mediums kombiniert und mithilfe neuer Werkzeuge, Techniken und Materialien intensiv die Möglichkeiten, Grenzen und Bedingungen zeitgenössischer Malerei auslotet. In seiner knapp 20-jährigen künstlerischen Tätigkeit als Maler hat Rogado ein umfangreiches Werk geschaffen, das bislang noch nie überblicksartig ausgestellt worden ist. Er ist ausserdem der erste Künstler, der beide Standorte, den Thunerhof und das Thun- Panorama, bespielt. Auf einer Fläche von insgesamt über 1000 m2 wird Rogado unmittelbar auf die spezifischen Herausforderungen der Ausstellungsorte reagieren. Im Thun-Panorama operiert der Künstler – wie seinerzeit dessen Erschaffer Marquard Wocher – vor allem in seinen gegenständlichen Arbeiten, mit illusionistischen Effekten und einer an die Fotografie angelehnten Abbildhaftigkeit. Die zweidimensionalen Werke werden durch monumentale Rauminstallationen ergänzt, die ein Eintauchen in den Bildraum ermöglichen und dadurch einen direkten Bezug zum historischen Panorama schaffen.

Kuratorin: Helen Hirsch, Direktorin Kunstmuseum Thun

Die Ausstellung ist eine Zusammenarbeit mit der Kunsthalle Göppingen.

Giacomo Santiago Rogado est un artiste suisse d'origine italo-espagnole qui combine dans son travail les traditions les plus diverses du médium pictural et explore intensément les possibilités, les limites et les conditions de la peinture contemporaine à l'aide de nouveaux outils, techniques et matériaux. En près de 20 ans d'activité artistique en tant que peintre, Rogado a créé une œuvre considérable qui n'a encore jamais été exposée de manière globale. Il est en outre le premier artiste à investir les deux sites, le Thunerhof et le Thun- Panorama. Sur une surface totale de plus de 1000 m2, Rogado réagira directement aux défis spécifiques des lieux d'exposition. Dans le panorama de Thoune, l'artiste - comme son créateur Marquard Wocher en son temps - opère surtout dans ses œuvres figuratives, avec des effets illusionnistes et une imagerie inspirée de la photographie. Les œuvres bidimensionnelles sont complétées par des installations spatiales monumentales qui permettent de s'immerger dans l'espace pictural et créent ainsi un lien direct avec le panorama historique.

Commissaire d'exposition : Helen Hirsch, directrice du Kunstmuseum Thun

L'exposition est une collaboration avec la Kunsthalle Göppingen.

Giacomo Santiago Rogado è un artista svizzero con radici italo-spagnole che combina nelle sue opere le più diverse tradizioni del mezzo pittorico e utilizza nuovi strumenti, tecniche e materiali per esplorare intensamente le possibilità, i limiti e le condizioni della pittura contemporanea. Nei suoi quasi 20 anni di attività artistica come pittore, Rogado ha creato un ampio corpus di opere che non sono mai state esposte in una rassegna. È inoltre il primo artista a esporre in entrambe le sedi, il Thunerhof e il Thun Panorama. Su una superficie complessiva di oltre 1000 m2, Rogado risponderà direttamente alle sfide specifiche delle sedi espositive. Nel Thun-Panorama, l'artista - come il suo creatore Marquard Wocher - opera principalmente nelle sue opere figurative, con effetti illusionistici e una qualità dell'immagine che ricorda la fotografia. Le opere bidimensionali sono completate da installazioni spaziali monumentali che permettono ai visitatori di immergersi nello spazio pittorico e creare così un legame diretto con il panorama storico.

Curatore: Helen Hirsch, Direttore del Kunstmuseum Thun

La mostra è una collaborazione con la Kunsthalle Göppingen.

Giacomo Santiago Rogado is a Swiss artist of Italian-Spanish descent who unites in his works a wide variety of painterly traditions while making use of new tools, techniques and materials to probe in-depth the possibilities, limits and conditions of contemporary painting. In his nearly twenty years as a painter, Rogado has produced an extensive body of work that has never before been presented in a survey exhibition. He is furthermore the first artist to be featured simultaneously at both the Thunerhof and Thun-Panorama. Across an area of over 1000 square metres, Rogado will respond directly to the specific challenges of each exhibition venue. At the Thun-Panorama, he will display primarily figurative works, following in the footsteps of the panorama’s painter, Marquard Wocher, by using illusionistic effects and a realistic style based on photography. Accompanying the two-dimensional works will be monumental installations that invite viewers to immerse themselves in the pictorial space, creating a direct link to the historical panorama.

Curation: Helen Hirsch, director Kunstmuseum Thun

The exhibition is a collaboration with the Kunsthalle Göppingen.

(Text: Kunstmuseum Thun)

Il Meccanico - Grenze Arsenali Fotografici | Verona
10. Mai – 23. Juni 2024

Mold is Beautiful
Luce Lebart

"Wer ist der Autor dieser Bilder, die durch Zeit, Luft, Wasser und Manipulation zerrissen wurden? Ist es ein Fotograf aus den 1920er Jahren, dessen Spuren und Name verloren gegangen sind? Oder sind es die Mikroorganismen, die die Bilder in Objekte der ästhetischen Betrachtung verwandeln?", fragt Luce Lebart. Die Ausstellung Mold is Beautiful, die im Veroneser Raum von Il Meccanico stattfindet, stellt die Frage nach der Fähigkeit der Fotografie, zu begeistern. "Diese Bilder, die zur Betrachtung angeboten werden, erinnern uns daran, dass die ästhetischen Qualitäten einer Fotografie entschieden unabhängig von einer künstlerischen Absicht sind", schreibt Luce Lebart. Bilder haben viele Leben und viele Zeiten: Sie wurden geliebt, verachtet, verloren, ausgestellt. Bilder sind documentio, operae, Zeugnis, Archiv, und das alles gleichzeitig. In Mold is beautiful geht es auch um die Materialität analoger Bilder, um die Art und Weise, wie die Zeit mit ihrem Überleben gearbeitet und einen Dialog geführt hat. "Wunder des Vergessens, Erfolge der Vernachlässigung und des Desinteresses, diese durch eine Überschwemmung beschädigten Bilder sind seit Jahren dem Tageslicht entzogen. Die Vernachlässigung und die organischen Ressourcen, die in ihrer Zusammensetzung enthalten sind (Gelatine, Kartoffelstärke), boten das ideale Terrain für eine zufällige kreative Ausbreitung. Ein grün dominiertes Autochrom war ursprünglich ein Foto eines Gartens aus den 1920er Jahren, andere Bilder zeigten einen Waldbrand, ein Feuerwerk am Kai, das Himmelsgewölbe, das Ufer des Genfer Sees und Wolken, die einen Sturm ankündigen. Fast hundert Jahre lang waren diese Bilder in einer Holzkiste verschlossen und vergessen, die die Spuren eines Hochwassers trug. Mikroorganismen ergriffen Besitz von ihnen und aktivierten, belebten und verwandelten sie. "Schimmelpilze sind der Feind Nummer eins der Archive", erklärt Luce Lebart, "sie sind Risikofaktoren, Agenten des Verfalls, gegen die man kämpfen muss. In der Fotografie wird ihr kreatives Potenzial zu Unrecht vernachlässigt. Dabei nutzt der Mensch die Verwandlungskraft der Mikroorganismen, um täglich Brot, Wein, Bier und alle Käsesorten herzustellen". Die Begegnung zwischen der Technik (der Fotografie) und dem Lebendigen (den Mikroorganismen) hat neue Formen hervorgebracht, die die Besonderheit haben - und darin liegt ihre Schönheit -, in einen Dialog mit dem Inhalt der Bilder zu treten und ihre Formen zu erweitern. Der Garten, der Waldbrand, die Konstellation, das Feuerwerk und die Wolken verdoppeln sich: neue, unbekannte Blumen erscheinen, verbrannte Holzstücke schweben vorbei, eine neue Milchstraße entsteht aus den Verzerrungen des Gelees. Das technische Bild ist zu einem Boden für die Vermehrung des Lebendigen geworden.

Mold is beautiful ist ein neues Ökosystem, in dem Artefakte und Lebewesen koexistieren.

"Qui est l'auteur de ces images bouleversées par le temps, l'air, l'eau et les manipulations ? Est-ce un photographe des années 1920 dont on a perdu la trace et le nom ? Ou bien les micro-organismes qui ont transformé les images en objets de contemplation esthétique ?", s'interroge Luce Lebart. L'exposition Mold is Beautiful - accueillie dans l'espace véronais d'Il Meccanico - interroge la capacité de la photographie à susciter l'émotion. "Offertes à la contemplation, ces images nous rappellent que les qualités esthétiques d'une photographie sont résolument indépendantes d'une intention artistique", écrit Luce Lebart. Les images ont plusieurs vies et plusieurs époques : elles ont été aimées, méprisées, perdues, exposées. Les images sont documentio, operae, témoignage, archive, et tout cela à la fois. Mold is beautiful traite également de la matérialité des images analogiques, de la manière dont le temps a travaillé et dialogué avec leur survie. "Merveilles de l'oubli, succès de la négligence et du désintérêt, ces images, endommagées par une inondation, ont été privées de la lumière du jour pendant des années. L'abandon, ajouté aux ressources organiques inhérentes à leur composition (gélatine, fécule de pomme de terre), a constitué le terrain idéal pour une prolifération créative aléatoire". Un autochrome à dominante verte est à l'origine une photo de jardin prise dans les années 1920, d'autres images montrent un feu de forêt, un feu d'artifice sur les quais, la voûte céleste, le bord du lac Léman et des nuages annonciateurs d'un orage. Pendant près de cent ans, ces images ont été enfermées et oubliées dans une boîte en bois portant les traces d'une inondation. Des micro-organismes s'en sont emparés et les ont activées, vitalisées et transformées. "Les moisissures sont l'ennemi numéro un des archives", explique Luce Lebart, "ce sont des facteurs de risque, des agents de dégradation contre lesquels il faut lutter. En photographie, leur potentiel créatif est injustement négligé. Pourtant, l'homme utilise le pouvoir de transformation des micro-organismes pour produire quotidiennement le pain, le vin, la bière et tous les fromages". La rencontre entre la technique (la photographie) et le vivant (les micro-organismes) a généré de nouvelles formes qui ont la particularité - et c'est là toute leur beauté - de dialoguer avec le contenu des images et d'en élargir les formes. Le jardin, l'incendie de forêt, la constellation, le feu d'artifice, les nuages se dédoublent : de nouvelles fleurs inconnues apparaissent, des morceaux de bois brûlés flottent, une nouvelle voie lactée émane des déformations de la gelée. L'image technique est devenue un terrain de prolifération du vivant.

Mold is beautiful est un nouvel écosystème où coexistent artefacts et êtres vivants.

"Chi è l'autore di queste immagini stravolte dal tempo, dall'aria, dall'acqua e dalla manipolazione? È un fotografo degli anni Venti di cui si sono perse le tracce e il nome? O sono i microrganismi che hanno trasformato le immagini in oggetti di contemplazione estetica?", si chiede Luce Lebart. La mostra Mold is Beautiful - ospitata nello spazio veronese de Il Meccanico - si interroga sulla capacità della fotografia di emozionare. "Offerte alla contemplazione, queste immagini ci ricordano come le qualità estetiche di una fotografia siano decisamente indipendenti da un intento artistico", scrive Luce Lebart. Le immagini hanno molte vite e molti tempi: sono state amate, disprezzate, perse, esposte. Le immagini sono documentio, operae, testimonianza, archivio, e tutto questo contemporaneamente. Mold is beautiful riguarda anche la materialità delle immagini analogiche, il modo in cui il tempo ha lavorato e dialogato con la loro sopravvivenza. "Meraviglie dell'oblio, successi dell'incuria e del disinteresse, queste immagini, danneggiate da un'alluvione, sono state private della luce del giorno per anni. L'abbandono, sommato alle risorse organiche insite nella loro composizione (gelatina, fecola di patate), ha fornito il terreno ideale per una proliferazione creativa casuale". Un'autocromia a dominante verde era in origine una foto di un giardino scattata negli anni Venti, altre immagini mostravano un incendio nella foresta, uno spettacolo pirotecnico sulla banchina, la volta celeste, la riva del lago di Ginevra e le nuvole che preannunciavano una tempesta. Per quasi cento anni queste immagini sono rimaste chiuse e dimenticate in una scatola di legno con le tracce di un'alluvione. I microrganismi se ne sono impossessati e le hanno attivate, vitalizzate e trasformate. "Le muffe sono il nemico numero uno degli archivi", spiega Luce Lebart, "sono fattori di rischio, agenti di degrado contro i quali è necessario lottare. In fotografia, il loro potenziale creativo è ingiustamente trascurato. Eppure l'uomo utilizza il potere di trasformazione dei microrganismi per produrre quotidianamente il pane, il vino, la birra e tutti i formaggi". L'incontro tra la tecnica (la fotografia) e il vivente (i microrganismi) ha generato nuove forme che hanno la particolarità - e qui sta la loro bellezza - di dialogare con il contenuto delle immagini e di ampliarne le forme. Il giardino, l'incendio della foresta, la costellazione, i fuochi d'artificio e le nuvole si sdoppiano: appaiono nuovi fiori sconosciuti, fluttuano pezzi di legno bruciato, una nuova via lattea emana dalle distorsioni della gelatina. L'immagine tecnica è diventata un terreno per la proliferazione del vivente.

Mold is beautiful è un nuovo ecosistema in cui coesistono artefatti ed esseri viventi.

«Who is the author of these images disrupted by time, air, water and manipulation? Is it a photographer from the 1920s whose traces and name have been lost? Or is it the micro-organisms that transformed the images into objects of aesthetic contemplation?» asks Luce Lebart. The exhibition Mold is Beautiful – hosted in the Veronese space of Il Meccanico - questions the capacity of photography to excite. «Offered for contemplation, these images remind us how the aesthetic qualities of a photograph are decidedly independent of an artistic intent», writes Luce Lebart. Images have many lives and many times: they have been loved, despised, lost, exposed. Images are documentio, operae, testimony, archive, and all of this simultaneously. Mold is beautiful is also about the materiality of analogue images, how time has worked and dialogued with their survival. «Wonders of oblivion, successes of neglect and disinterest, these images, damaged by a flood, have been deprived of daylight for years. Abandonment, added to the organic resources inherent in their composition (gelatin, potato starch), provided the ideal terrain for random creative proliferation». A green-dominant autochrome was originally a photo of a garden taken in the 1920s, other images showed a forest fire, a firework display on the quayside, the vault of heaven, the shore of Lake Geneva and clouds heralding a storm. For almost a hundred years, these images were locked and forgotten in a wooden box bearing the traces of a flood. Micro-organisms took possession of them and activated, vitalised and transformed them. «Molds are the number one enemy of archives», explains Luce Lebart, «They are risk factors, agents of degradation against which a fight is a must. In photography, their creative potential is unjustly neglected. Yet man uses the transforming power of micro-organisms to produce daily bread, wine, beer and all cheeses». The encounter between technique (photography) and the living (micro-organisms) has generated new forms that have the particularity - and here lies their beauty - of engaging in dialogue with the content of the images and expanding their forms. The garden, the forest fire, the constellation, the fireworks and the clouds are doubled: new, unknown flowers appear, pieces of burnt wood float by, a new milky way emanates from the distortions of the jelly. The technical image has become a ground for the proliferation of the living.

Mold is beautiful is a new ecosystem in which artefacts and living beings coexist.

(Text: Il Meccanico - Grenze Arsenali Fotografici, Verona)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
20. April – 1. Juni 2024

Misr — mon Égypte
Denis Dailleux

Die Ägypten-Porträts des vielfach ausgezeichneten französischen Fotografen Denis Dailleux zeichnen sich durch eine einzigartige Hingabe und Empathie aus. Dailleux nähert sich den Menschen und Orten, die er fotografiert, mit großer Diskretion, in der Hoffnung, dass sie sich ihm öffnen mögen, ohne es von ihnen zu erwarten. Das Ergebnis sind malerische, manchmal fast biblisch anmutende Fotografien, die Ort und Zeit transzendieren.

„Das Ägypten des Denis Dailleux entpuppt sich als (…) ein Ort, der das Ewige und das Unaussprechliche birgt“. Christian Lacroix

"Das fotografische Werk von Denis Dailleux ist von einer außerordentlichen Zartheit durchdrungen, erscheint an der Oberfläche ruhig, ist aber unglaublich anspruchsvoll, durchdrungen von Selbstzweifeln und geprägt von der persönlichen Verbundenheit mit den Porträtierten". Christian Caujolle, Gründer der Agentur VU

Denis Dailleux wurde 1958 im französischen Angers geboren. Er hat mehrere Bücher über Ägypten (insbesondere Kairo), seine Eindrücke vom „Arabischen Frühling“ und über Ghana veröffentlicht. Dailleux hat zahlreiche internationale Auszeichnungen erhalten, darunter den Monographies Award 1997, den World Press Photo Award in der Kategorie Porträt 2000, den Prix Hasselblad 2000, den Fujifilm Award 2001, den World Press Photo Award 2014 sowie den Prix Roger Pic 2019. Er ist Mitglied der Agence VU und lebt derzeit in Paris.

Seine Arbeiten sind in zahlreichen institutionellen und privaten Sammlungen vertreten, u.a. in der Collection privée Agnès B., beim Fond National dʼArt Contemporain, in der Maison Européenne de la Photographie und der Collection Neuflize Vie.

Les portraits égyptiens du photographe français Denis Dailleux, maintes fois primé, se distinguent par un dévouement et une empathie unique. Dailleux s'approche des personnes et des lieux qu'il photographie avec une grande discrétion, dans l'espoir qu'ils s'ouvrent à lui sans l'attendre d'eux. Il en résulte des photographies pittoresques, parfois presque bibliques, qui transcendent le lieu et le temps.

"L'Egypte de Denis Dailleux se révèle être (...) un lieu qui recèle l'éternel et l'inexprimable". Christian Lacroix

"L'œuvre photographique de Denis Dailleux est imprégnée d'une extraordinaire délicatesse, elle paraît calme en surface, mais elle est incroyablement exigeante, traversée par le doute de soi et marquée par l'attachement personnel aux sujets". Christian Caujolle, fondateur de l'agence VU

Denis Dailleux est né en 1958 à Angers, en France. Il a publié plusieurs livres sur l'Egypte (en particulier sur Le Caire), sur ses impressions du "printemps arabe" et sur le Ghana. Dailleux a reçu de nombreux prix internationaux, dont le Monographies Award 1997, le World Press Photo Award dans la catégorie Portrait 2000, le Prix Hasselblad 2000, le Fujifilm Award 2001, le World Press Photo Award 2014 et le Prix Roger Pic 2019. Il est membre de l'Agence VU et vit actuellement à Paris.

Son travail est présent dans de nombreuses collections institutionnelles et privées, notamment à la Collection privée Agnès B., au Fond National dʼArt Contemporain, à la Maison Européenne de la Photographie et à la Collection Neuflize Vie.

I ritratti dell'Egitto del pluripremiato fotografo francese Denis Dailleux sono caratterizzati da una dedizione e un'empatia uniche. Dailleux si avvicina alle persone e ai luoghi che fotografa con grande discrezione, nella speranza che si aprano a lui senza aspettarselo. Il risultato sono fotografie pittoresche, a volte quasi bibliche, che trascendono il tempo e il luogo.

"L'Egitto di Denis Dailleux si rivela (...) un luogo che ospita l'eterno e l'inesprimibile". Christian Lacroix

"Il lavoro fotografico di Denis Dailleux è intriso di una straordinaria delicatezza, appare tranquillo in superficie, ma è incredibilmente sofisticato, impregnato di dubbi su sé stesso e caratterizzato da un legame personale con le persone ritratte". Christian Caujolle, fondatore dell'agenzia VU

Denis Dailleux è nato ad Angers, in Francia, nel 1958. Ha pubblicato diversi libri sull'Egitto (in particolare sul Cairo), le sue impressioni sulla "primavera araba" e sul Ghana. Dailleux ha ricevuto numerosi premi internazionali, tra cui il Monographies Award nel 1997, il World Press Photo Award nella categoria ritratti nel 2000, il Prix Hasselblad nel 2000, il Fujifilm Award nel 2001, il World Press Photo Award nel 2014 e il Prix Roger Pic nel 2019. È membro dell'Agence VU e attualmente vive a Parigi.

Il suo lavoro è rappresentato in numerose collezioni istituzionali e private, tra cui la Collection privée Agnès B., il Fond National dʼArt Contemporain, la Maison Européenne de la Photographie e la Collection Neuflize Vie.

The portraits of Egypt by acclaimed French photographer Denis Dailleux are characterised by a unique dedication and empathy. Dailleux approaches the people and places he photographs with great discretion, hoping that they will open up to him without expecting them to. The result is a collection of painterly photographs that transcend time and place.

"The Egypt of Denis Dailleux reveals itself as (...) a place that harbors the eternal and the ineffable." Christian Lacroix

"Imbued with his distinctive delicacy, Denis Dailleux’s photographic work appears calm on the surface, yet is incredibly demanding, run through by an undercurrent of constant self-doubt and propelled by the essential personal bond he develops with those (and that which) he frames with his camera." Christian Caujolle, founder of Agence VU

Denis Dailleux was born in 1958 in Angers, France. He has published several books on Egypt (particularly Cairo), his impressions of the "Arab Spring," and Ghana. Dailleux has received numerous international awards, including the Monographies Award in 1997, the World Press Photo Award in the Portrait category in 2000, the Hasselblad Award in 2000, the Fujifilm Award in 2001, and the World Press Photo Award in 2014 in the Staged Portraits category (2nd place), and the Prix Roger Pic in 2019. He is a member of the Agence VU and currently lives in Paris.

His work is part of numerous institutional and private collections, including the Agnès B. private collection, the Fond National d'Art Contemporain, the Maison Européenne de la Photographie, and the Neuflize Vie collection.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
18. April – 18. Mai 2024

Licht sammeln / Gathering Light
Rownak Bose

Rownak Bose oder was haben die Quitte und die Camera Obscura gemeinsam

…ihr gelee, in bauchigen gläsern für die dunklen tage, aufgereiht in einem keller von tagen, wo sie leuchteten, leuchten.

Zitat aus einem Gedicht von Jan Wagner

Jan Wagner ist einer der Lieblingsautoren von Rownak Bose, und sein Gedicht quittenpastete aus dem Band Selbstporträt mit Bienenschwarm zählt zu seinen Favoriten.

Die Quitte ist eine geheimnisvolle und archaische Frucht. Eher unansehnlich, unförmig, leicht haarig, hart und abweisend. Aber auch geheimnisvoll und mysteriös. Ihre große Qualität offenbart sich erst, wenn man sich um sie kümmert, sie analysiert und zerkleinert. Sie muss erforscht und nach überlieferten alten Rezepten verarbeitet werden, damit man ihren Geheimnissen auf den Grund kommt. Erst dann wird man sich ihrer Großartigkeit, ihrer Schönheit, ihrer Vielseitigkeit und ihres unnachahmlichen Geschmacks bewusst. In diesem Prozess beginnt sie zu leuchten!

In diesem Kontext offenbart sich eine unerwartete Parallele zur Camera Obscura, die sich für den Laien ebenfalls in verborgenen Wundern verliert. Alles ein wenig weit hergeholt? Ja vielleicht. Aber Tatsache ist, Rownak Bose liebt das Quittengedicht und die Camera Obscura.

Ein simples Lichtloch in einem vollständig abgedunkelten Raum genügt, um die Außenwelt nach innen zu projizieren – ein magischer Prozess, der den Künstler bereits in jungen Jahren faszinierte. Mit selbstgebauten Apparaten erkannte er die Möglichkeit, jenseits der Ästhetik konventioneller Kameras Bilder zu schaffen. So erwachte in ihm der Forscher, der er bis heute geblieben ist.

Seit Jahrzehnten experimentiert der Künstler mit der archaischen Technik der Lochkamera und sammelt mit seinen selbstgebauten Camera Obscuras Licht. Seine Faszination gilt den technischen, historischen und physikalischen Forschungsaspekten seiner Arbeit genauso wie den unberechenbaren. Als magischen Moment bezeichnet er den Prozess, der durch das Zusammentreffen von Licht und fotosensitivem Material in der dunklen Kammer in Gang kommt. Diese Zeitspanne ist nicht steuerbar, in ihr ist kein Konzept wirksam, sondern reine Präsenz. Das Sammeln von Licht wird zu einem Sammeln von Erinnerungen, aus denen sich Identität und Heimat aufbauen.

Rownak Bose ist Künstler, unabhängiger Forscher und Umweltwissenschaftler.

Rownak Bose ou qu'est-ce que le coing et la camera obscura ont en commun ?

...leur gelée, dans des bocaux ventrus pour les jours sombres, alignés dans une cave de jours où ils brillaient, brillaient.

Citation d'un poème de Jan Wagner

Jan Wagner est l'un des auteurs préférés de Rownak Bose, et son poème "Quittenpastete", extrait du recueil Autoportrait avec essaim d'abeilles, compte parmi ses favoris.

Le coing est un fruit mystérieux et archaïque. Plutôt disgracieux, informe, légèrement poilu, dur et repoussant. Mais aussi secret et mystérieux. Sa grande qualité ne se révèle que lorsqu'on en prend soin, qu'on l'analyse et qu'on la broie. Vous devez l'étudier et la travailler selon des recettes ancestrales afin de percer ses secrets. Ce n'est qu'alors que l'on prend conscience de sa grandeur, de sa beauté, de sa diversité et de son goût inimitable. C'est à ce moment-là qu'elle commence à briller !

Dans ce contexte, un parallèle inattendu se révèle avec la Camera Obscura, qui se perd également dans des merveilles cachées pour le profane. Tout cela est un peu tiré par les cheveux ? Oui, peut-être. Mais le fait est que Rownak Bose aime le poème du coing et la Camera Obscura.

Un simple trou de lumière dans une pièce complètement obscurcie suffit à projeter le monde extérieur vers l'intérieur - un processus magique qui a fasciné l'artiste dès son plus jeune âge. Grâce à des appareils qu'il a lui-même construits, il a compris qu'il était possible de créer des visuels au-delà de l'esthétique des caméras conventionnelles. C'est ainsi que s'est éveillé en lui le chercheur qu'il est resté jusqu'à aujourd'hui.

Depuis des décennies, l'artiste expérimente la technique archaïque du sténopé et collecte de la lumière avec ses cameras obscuras qu'il a lui-même construites. Sa fascination s'exerce autant sur les aspects techniques, historiques et physiques de la recherche de son travail que sur les aspects imprévisibles. Il qualifie d'instant magique le processus qui se met en place par la rencontre de la lumière et du matériel photosensible dans la chambre obscure. Ce laps de temps n'est pas contrôlable, aucun concept n'est à l'œuvre en lui, mais une pure présence. La collecte de lumière devient une collecte de souvenirs à partir desquels se construisent l'identité et la patrie.

Rownak Bose est artiste, chercheur indépendant et spécialiste de l'environnement.

Rownak Bose o cosa hanno in comune la mela cotogna e la camera oscura

...la loro gelatina, in bicchieri bulbosi per i giorni bui, allineati in una cantina di giorni, dove brillavano, brillavano.

Citazione da una poesia di Jan Wagner

Jan Wagner è uno degli autori preferiti di Rownak Bose e la sua poesia Paté di mele cotogne, tratta dal volume Autoritratto con sciame d'api, è una delle sue preferite.

La mela cotogna è un frutto misterioso e arcaico. Piuttosto sgradevole, deforme, leggermente peloso, duro e repellente. Ma anche misterioso ed enigmatico. La sua grande qualità si rivela solo quando viene curata, analizzata e schiacciata. Bisogna studiarlo e lavorarlo secondo le antiche ricette tradizionali per arrivare in fondo ai suoi segreti. Solo allora ci si rende conto della sua magnificenza, della sua bellezza, della sua versatilità e del suo sapore inimitabile. In questo processo, inizia a brillare!

In questo contesto, si rivela un inaspettato parallelo con la camera oscura, che si perde in meraviglie nascoste anche per i profani. Tutto un po' inverosimile? Sì, forse. Ma il fatto è che Rownak Bose ama la poesia delle mele cotogne e la camera oscura.

Basta un semplice foro di luce in una stanza completamente buia per proiettare il mondo esterno all'interno: un processo magico che ha affascinato l'artista fin da piccolo. Utilizzando dispositivi autocostruiti, ha riconosciuto la possibilità di creare immagini al di là dell'estetica delle macchine fotografiche convenzionali. Questo ha risvegliato in lui l'esploratore che è rimasto fino ad oggi.

Per decenni l'artista ha sperimentato la tecnica arcaica della macchina fotografica a foro stenopeico e la raccolta della luce con le sue camere oscure autocostruite. Gli aspetti tecnici, storici e di ricerca fisica del suo lavoro lo affascinano tanto quanto l'imprevedibilità. Descrive il processo messo in moto dall'incontro tra luce e materiale fotosensibile nella camera oscura come un momento magico. Questo periodo di tempo non può essere controllato, non è un concetto, ma pura presenza. La collezione di luce diventa una collezione di ricordi da cui si costruiscono l'identità e la casa.

Rownak Bose è un artista, ricercatore indipendente e scienziato ambientale.

Rownak Bose or what do the quince and the camera obscura have in common

…their jelly, in bulbous jars for the dark days, lined up in a cellar of days where they shone, shone.

Quote from a poem by Jan Wagner

Jan Wagner is one of Rownak Bose's favourite authors, and his poem quittenpastete from the volume Selbstporträt mit Bienenschwarm is one of his favourites.

The quince is a mysterious and archaic fruit. Rather unsightly, misshapen, slightly hairy, hard and repellent. But also mysterious and enigmatic. Its great quality is only revealed when it is cared for, analysed and crushed. It must be researched and processed according to traditional old recipes in order to get to the bottom of its secrets. Only then do you realise its magnificence, its beauty, its versatility and its inimitable flavour. In this process, it begins to shine!

In this context, an unexpected parallel to the camera obscura is revealed, which also loses itself in hidden wonders for the layman. All a bit far-fetched? Yes, perhaps. But the fact is, Rownak Bose loves the quince poem and the camera obscura. A simple light hole in a completely darkened room is enough to project the outside world inside - a magical process that fascinated the artist from a young age. Using self-built devices, he recognised the possibility of creating images beyond the aesthetics of conventional cameras. This awakened in him the explorer that he has remained to this day.

For decades, the artist has been experimenting with the archaic technique of the pinhole camera and collecting light with his self-built camera obscuras. He is just as fascinated by the technical, historical and physical research aspects of his work as he is by the unpredictable. He describes the process that is set in motion by the encounter of light and photosensitive material in the dark chamber as a magical moment. This period of time is not controllable, there is no concept at work in it, but pure presence. The collection of light becomes a collection of memories from which identity and home are built.

Rownak Bose is an artist, independent researcher and environmental scientist.

(Text: Galerie & Edition Stephan Witschi, Zürich)

Il Meccanico - Grenze Arsenali Fotografici | Verona
5. – 28. April 2024

Francesca Svampa e Giovanni Sellari

Analoge Fotografie im Dialog mit künstlicher Intelligenz. Zwei gegensätzliche Auffassungen von Bild und Kreativität. Handwerkskunst versus Virtualität. Der Meccanico-Forschungsraum für zeitgenössische Sprachen in Verona beherbergt ab dem 5. April die beiden Projekte, die die Ausschreibung gewonnen haben: eines in analoger Technik und das andere mit künstlicher Intelligenz. Das Thema des Konzepts lautete "Rupture" (Bruch), und die beiden Arbeiten stehen in Zusammenhang mit diesem Thema.

Francesca Svampa stellt A Movie in a pic aus, eine Sammlung von Negativen, aus denen Mikrofilme entstehen.  "Die Bilder haben ihren Ursprung in einem Negativ, einem Teil eines Negativs oder einer Manipulation in irgendeiner Form. Aus einem anderen Blickwinkel betrachtet handelt es sich um eine Sammlung von sehr kurzen Filmen. Ein Projekt, das als Spiel begann, um mit minimalen Mitteln Filme zu machen und analog zu arbeiten.

Giovanni Sellari hingegen stellt Gli Stressonauti aus, ein Projekt, das auf der Grundlage von Landschaftsaufnahmen auf Film entstanden ist, die dann von einer künstlichen Intelligenz "bearbeitet" wurden. Bei den Stressonauten handelt es sich um eine Gruppe intergalaktischer Forscher, die der Hektik des interstellaren Verkehrs überdrüssig sind und das Bedürfnis haben, eine lange Pause einzulegen, um ihre tägliche Routine zu unterbrechen und sich vom angesammelten Stress zu entgiften.

La photographie analogique dialogue avec l'intelligence artificielle. Deux façons antipodales de comprendre l'image et la créativité. Artisanat contre virtualité. L'espace de recherche Meccanico sur les langages contemporains à Vérone accueillera à partir du 5 avril les deux projets qui ont remporté l'appel : l'un réalisé en analogique et l'autre avec l'intelligence artificielle. Le thème du concept était la rupture, et les deux œuvres sont liées à ce sujet.

Francesca Svampa expose A Movie in a pic, une collection de négatifs qui génèrent des microfilms.  "Les images proviennent d'un négatif, d'une partie d'un négatif ou d'une manipulation quelconque. Vu sous un autre angle, il s'agit d'une collection de films très courts. Un projet qui a commencé comme un jeu pour faire des films et travailler en analogique avec des ressources minimales.

Giovanni Sellari, quant à lui, présente Gli Stressonauti, un projet qui a pour point de départ des prises de vue de paysages sur pellicule, mais qui est ensuite "traité" par l'intelligence artificielle. Les Stressonautes sont un groupe d'explorateurs intergalactiques qui, fatigués de l'agitation du trafic interstellaire, ressentent le besoin de faire une longue pause pour rompre leur routine quotidienne et se désintoxiquer du stress accumulé.

La fotografia analogica dialoga con l’Intelligenza artificiale. Due modi di intendere l’immagine e la creatività, agli antipodi. Artigianalità versus virtualità. Il Meccanico spazio di ricerca sui linguaggi contemporanei a Verona, ospiterà a partire dal 5 aprile i due progetti che hanno vinto la call: uno realizzato in analogico e l’altro con l’Intelligenza Artificiale. Il tema del concept era Rottura, i due lavori sono in relazione con questo topic.

Francesca Svampa espone A Movie in a pic, una collezione di negativi che generano micro film.  “Le immagini hanno origine in un negativo, parte di esso o una sua manipolazione di qualche tipo. Vista da un altro angolo è una collezione di film molto corti. Un progetto che nasce come un gioco per poter fare film e lavorare in analogico con il minimo di risorse.

Giovanni Sellari invece espone Gli Stressonauti, un progetto che nasce da scatti di paesaggio in pellicola ma “elaborati” poi dall'Intelligenza Artificiale. Gli Stressonauti sono un gruppo di esploratori intergalattici che stanchi della frenesia e del traffico interstellare sentono il bisogno di prendersi una lunga pausa per rompere la loro routine quotidiana e disintossicarsi dallo stress accumulato.

Analog photography dialogues with artificial intelligence. Two ways of understanding image and creativity, at the antipodes. Craftsmanship versus virtuality. The Meccanico research space on contemporary languages in Verona, will host starting April 5 the two projects that won the call: one made in analog and the other with Artificial Intelligence. The theme of the concept was Rupture; the two works are related to this topic.

Francesca Svampa exhibits A Movie in a pic, a collection of negatives that generate micro films.  "The images originate in a negative, part of it or a manipulation of it of some kind. Viewed from another angle is a collection of very short films. A project that started as a game to be able to make films and work in analog with the minimum of resources.

Giovanni Sellari, on the other hand, exhibits Gli Stressonauti, a project that originated from landscape shots on film but then "processed" by Artificial Intelligence. The Stressonauts are a group of intergalactic explorers who, tired of the hustle and bustle of interstellar traffic, feel the need to take a long break to break their daily routine and detoxify from accumulated stress.

(Text: Il Meccanico – Grenze Arsenali Fotografici, Verona)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
9. März – 16. Juni 2024

Lichtblick - Fotografien politischer Bewegungen in den 1970ern und heute
Bilder bewegter Zeiten

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung

Die Ausstellung «Lichtblick» macht sichtbar, in welch unterschiedlicher Art politisch-gesellschaftliche Bewegungen der 1970er-Jahre und der Gegenwart in fotografischen Zeugnissen Niederschlag finden. Der Nachlass der Agentur Kurt Graf/fotolib Basel zeigt die vielfältigen Proteste und Bewegungen um 1975 aus deren Innensicht heraus. Im Dialog dazu präsentieren zeitgenössische Fotograf:innen ihre Bilder zu Themen wie Arbeit, Gleichberechtigung, Antimilitarismus, Wohnformen oder Energie/Umwelt.

Der Nachlass Kurt Graf/fotolib Basel ist eine visuelle Dokumentation jener politischen Bewegungen, Ereignisse und Ideen, die in der Schweiz der 1970er-Jahre eine ganze Generation prägten. Ab 1975 dokumentierten Kurt Graf, Heiner Vogelsanger und Marcel Geiger als Fotografen-Kollektiv Widerstand und Protest, Aufbruch und Utopien. Den Ausschlag hatte die Besetzung des AKW-Baugeländes in Kaiseraugst im April 1975 gegeben. Die analogen Schwarz-Weiss-Fotografien entstanden, um das Engagement festzuhalten und weitherum bekannt zu machen.

Historische und zeitgenössische Fotografie im Dialog
Was ist von diesem Aufbruch der 1970er-Jahre übriggeblieben, wie präsentieren sich die einstigen Bewegungen heute, welche Bilder prägen unsere Gegenwart? BelleVue hat verschiedene Fotograf:innen und Organisationen, mehrheitlich aus der Region Basel, gebeten, aktuelle Aufnahmen zu den Themen der Ausstellung beizutragen.

Wie ein Brainstorming von Gedanken sind die grösseren zeitgenössischen Fotografien in der Ausstellung platziert. Eigenständig, eher symbolisch im Ausdruck, beschreiben sie bestimmte Zustände unserer Gesellschaft. Dazugestellt werden kleinere, dokumentarische Bildformate, zu den Themen der Ausstellung passend: Aktionen, Demonstrationen, Projekte, Engagement der Menschen im Kleinen und Grossen für die Sache, die ihnen am Herzen liegt.

Die historischen Bilderreihen erzählen Geschichten und zeugen vom Aufbruch in den verschiedensten Lebensbereichen. In den Reportagen der Zentralwäscherei wird die Mühsal der Arbeit spürbar: Wäscheberge, Fliessbänder, viele Frauen, meist Migrantinnen, die Hand in Hand arbeiten. Dann der Streik und die Solidaritätsveranstaltungen, endlich soll es besser werden!

Der Vergleich von historischen und zeitgenössischen Fotografien zeigt neben Unterschieden auch Gemeinsamkeiten. Viele digital entstandene Aufnahmen von politischen Aktivitäten auf der Strasse beschreiben, wie sich Menschen zusammentun und mit Transparenten ihre Forderungen verkünden. Solche Protestbilder gibt es heute wie damals in schier unüberschaubarer Fülle. Die Fotografie der Gegenwart ist zwar farbig, zuweilen von distanziertem Ausdruck und gut komponiert. Doch immer wieder finden sich auch – wie in den 1970er-Jahren – schnelle Schnappschüsse, die bezeugen sollen: So ist es gewesen, wir waren auch dabei!

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung

L'exposition "Lichtblick" met en évidence les différentes manières dont les mouvements politico-sociaux des années 1970 et d'aujourd'hui se reflètent dans les témoignages photographiques. Le fonds de l'agence Kurt Graf/fotolib Bâle montre les multiples protestations et mouvements autour de 1975 de l'intérieur. Des photographes contemporains y présentent leurs visuels sur des thèmes tels que le travail, l'égalité des droits, l'antimilitarisme, les formes d'habitat ou l'énergie/l'environnement.

Le fonds Kurt Graf/fotolib Bâle est une documentation visuelle des mouvements politiques, des événements et des idées qui ont marqué toute une génération en Suisse dans les années 1970. Dès 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger et Marcel Geiger ont documenté, en tant que collectif de photographes, la résistance et la protestation, le renouveau et les utopies. L'occupation du site de construction de la centrale nucléaire de Kaiseraugst en avril 1975 a été le facteur décisif. Les photographies analogiques en noir et blanc ont été prises pour immortaliser cet engagement et le faire connaître loin à la ronde.

La photographie historique et contemporaine en dialogue
Que reste-t-il de ce renouveau des années 1970, comment les mouvements d'autrefois se présentent-ils aujourd'hui, quels visuels marquent notre présent ? BelleVue a demandé à différents photographes et organisations, pour la plupart de la région bâloise, de contribuer aux thèmes de l'exposition en prenant des photos actuelles.

Les grandes photographies contemporaines sont placées dans l'exposition comme un brainstorming de pensées. Indépendantes, plutôt symboliques dans leur expression, elles décrivent certains états de notre société. Elles sont accompagnées de petits formats d'images documentaires, en rapport avec les thèmes de l'exposition : actions, manifestations, projets, engagement des gens, à petite ou grande échelle, pour la cause qui leur tient à cœur.

Les séries d'images historiques racontent des histoires et témoignent du renouveau dans les domaines les plus divers de la vie. Dans les reportages de la blanchisserie centrale, la pénibilité du travail est palpable : des montagnes de linge, des chaînes de montage, de nombreuses femmes, pour la plupart des migrantes, qui travaillent main dans la main. Puis la grève et les manifestations de solidarité, les choses devraient enfin s'améliorer !

La comparaison entre les photographies historiques et contemporaines montre non seulement des différences, mais aussi des points communs. De nombreuses photos numériques d'activités politiques dans la rue décrivent comment les gens se rassemblent et annoncent leurs revendications avec des banderoles. De telles images de protestation existent aujourd'hui comme hier en quantité presque incalculable. La photographie contemporaine est certes colorée, parfois d'une expression distanciée et bien composée. Mais on trouve aussi régulièrement - comme dans les années 1970 - des instantanés rapides qui doivent témoigner : C'était comme ça, nous y étions aussi !

Une coopération de BelleVue - lieu pour la photographie et des Archives d'État de Bâle-Ville, à l'initiative de la Fondation Christoph Merian.

La mostra "Lichtblick" mostra i diversi modi in cui i movimenti politici e sociali degli anni Settanta e del presente si riflettono nelle testimonianze fotografiche. Il patrimonio dell'agenzia Kurt Graf/fotolib Basel mostra le diverse proteste e i movimenti intorno al 1975 dalla loro prospettiva interna. In dialogo con questi, fotografi contemporanei presentano le loro immagini su temi come il lavoro, la parità di diritti, l'antimilitarismo, le forme abitative e l'energia/ambiente.

Il patrimonio di Kurt Graf/fotolib Basel è una documentazione visiva dei movimenti politici, degli eventi e delle idee che hanno plasmato un'intera generazione in Svizzera negli anni Settanta. Dal 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger e Marcel Geiger hanno documentato la resistenza e la protesta, gli sconvolgimenti e le utopie come collettivo di fotografi. L'occupazione del cantiere della centrale nucleare di Kaiseraugst nell'aprile del 1975 fu il fattore decisivo. Le fotografie analogiche in bianco e nero sono state scattate per registrare l'occupazione e renderla nota a tutti.

Fotografia storica e contemporanea in dialogo
Cosa è rimasto di questo risveglio degli anni Settanta, come si presentano oggi i movimenti di un tempo, quali immagini caratterizzano il nostro presente? BelleVue ha chiesto a diversi fotografi e organizzazioni, soprattutto della regione di Basilea, di contribuire con fotografie attuali ai temi della mostra.

Le fotografie contemporanee più grandi sono disposte nella mostra come una sessione di brainstorming di idee. Indipendenti, dall'espressione piuttosto simbolica, descrivono alcune condizioni della nostra società. Sono accompagnate da immagini più piccole, di tipo documentario, che corrispondono ai temi della mostra: azioni, dimostrazioni, progetti, impegno delle persone su piccola e grande scala per la causa che sta loro a cuore.

Le serie storiche di immagini raccontano storie e testimoniano nuovi inizi nei più diversi ambiti della vita. Nei reportage sulla lavanderia centrale, la natura faticosa del lavoro diventa tangibile: montagne di biancheria, nastri trasportatori, molte donne, per lo più migranti, che lavorano mano nella mano. Poi lo sciopero e le manifestazioni di solidarietà, finalmente le cose dovrebbero migliorare!

Un confronto tra fotografie storiche e contemporanee rivela somiglianze e differenze. Molte immagini digitali di attività politiche in strada ritraggono persone che si riuniscono e proclamano le loro richieste con striscioni. Oggi come allora c'è un'abbondanza quasi ingestibile di immagini di protesta di questo tipo. La fotografia contemporanea è colorata, a volte con un'espressione distanziata e ben composta. Ma di tanto in tanto, come negli anni Settanta, ci sono anche istantanee veloci che vogliono essere una testimonianza: Così è stato, c'eravamo anche noi!

Una collaborazione tra BelleVue - Place for Photography e l'Archivio di Stato di Basilea Città, su iniziativa della Fondazione Christoph Merian.

The "Lichtblick" exhibition reveals the different ways in which political and social movements of the 1970s and the present are reflected in photographic evidence. The estate of the Kurt Graf/fotolib Basel agency shows the diverse protests and movements around 1975 from their internal perspective. In dialog with this, contemporary photographers present their visuals on topics such as work, equality, anti-militarism, forms of housing or energy/environment.

The Kurt Graf/fotolib Basel estate is a visual documentation of the political movements, events and ideas that shaped an entire generation in Switzerland in the 1970s. From 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger and Marcel Geiger documented resistance and protest, upheaval and utopias as a photographer collective. The occupation of the nuclear power plant construction site in Kaiseraugst in April 1975 was the decisive factor. The analog black-and-white photographs were taken to record the occupation and make it known far and wide.

Historical and contemporary photography in dialog
What remains of this 1970s awakening, how do the former movements present themselves today, what visuals shape our present? BelleVue asked various photographers and organizations, mostly from the Basel region, to contribute current photographs to the exhibition's themes.

The larger contemporary photographs are placed in the exhibition like a brainstorming session of ideas. Independent, rather symbolic in expression, they describe certain conditions in our society. They are accompanied by smaller, documentary image formats that match the themes of the exhibition: actions, demonstrations, projects, people's commitment on a small and large scale to the cause that is close to their hearts.

The historical series of pictures tell stories and bear witness to new beginnings in the most diverse areas of life. In the reports on the central laundry, the toil of the work becomes tangible: mountains of laundry, conveyor belts, many women, mostly migrants, working hand in hand. Then the strike and the solidarity events, finally things are supposed to get better!

A comparison of historical and contemporary photographs reveals similarities as well as differences. Many digitally produced images of political activities on the street describe people coming together and proclaiming their demands with banners. There is an almost unmanageable abundance of such protest images today as there was back then. Contemporary photography is colorful, sometimes with a distanced expression and well composed. But time and again - as in the 1970s - there are also quick snapshots that are intended to bear witness: That's how it was, we were there too!

A cooperation between BelleVue - Place for Photography and the Basel-Stadt State Archives, on the initiative of the Christoph Merian Foundation

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

Il Meccanico - Grenze Arsenali Fotografici | Verona
9. März – 28. April 2024

Litorali
Marco Rapaccini

Marco Rapaccini (Rom, 1982) ist Fotograf und Lehrer, der sich seit 2006 hauptberuflich der Fotografie widmet. Er gehört zu den Gründern des Fotokollektivs Nove im Jahr 2008. Seine Fotografien wurden auf dem FotoGrafia Festival Internazionale (2007, 2008, 2010, 2012), Fotoleggendo (2008) und im Museo di Roma in Trastevere (2009), Ex Gil (2008), Casa del Jazz (2007) ausgestellt und in den Editionen Postcart und Punctum veröffentlicht. Seit 2012 ist er für die Bildungsaktivitäten von Officine Fotografiche verantwortlich. In den letzten Jahren hat er sich vor allem für die Erforschung der Landschaftsfotografie sowie analoge und alternative Drucktechniken interessiert.

Marco Rapaccini (Rome, 1982) est un photographe et un enseignant qui se consacre à plein temps à la photographie depuis 2006. Parmi les fondateurs du collectif photographique Nove en 2008, ses photographies ont été exposées au FotoGrafia Festival Internazionale (2007, 2008, 2010, 2012), à Fotoleggendo (2008) et au Museo di Roma in Trastevere (2009), Ex Gil (2008), Casa del Jazz (2007) et publiées dans les éditions Postcart et Punctum. Il est responsable des activités éducatives des Officine Fotografiche depuis 2012. Ces dernières années, il s'est principalement intéressé à la recherche sur la photographie de paysage et aux techniques d'impression analogiques et alternatives.

Marco Rapaccini (Roma, 1982) è fotografo e insegnante, si dedica a tempo pieno alla fotografia dal 2006. Tra i fondatori del collettivo fotografico Nove nel 2008, le sue fotografie sono state esposte a FotoGrafia Festival Internazionale (2007, 2008, 2010, 2012), Fotoleggendo (2008) e al Museo di Roma in Trastevere (2009), Ex Gil (2008), Casa del Jazz (2007) e pubblicate in edizioni Postcart e Punctum. È il responsabile delle attività didattiche di Officine Fotografiche dal 2012. Negli ultimi anni si interessa prevalentemente alla ricerca fotografica sul paesaggio e alle tecniche di stampa analogiche e alternative.

Marco Rapaccini (Rome, 1982) is a photographer and teacher, devoting himself full-time to photography since 2006. One of the founders of the photographic collective Nove in 2008, his photographs have been exhibited at FotoGrafia Festival Internazionale (2007, 2008, 2010, 2012), Fotoleggendo (2008) and Museo di Roma in Trastevere (2009), Ex Gil (2008), Casa del Jazz (2007) and published in Postcart and Punctum editions. He has been the head of the educational activities of Officine Fotografiche since 2012. In recent years he has been mainly interested in landscape photography research and analog and alternative printing techniques.

(Text: Grenze Arsenali Fotografici, Verona)