Anzenberger Gallery | Wien
16. November 2024

Frühstück & Artist Talk

The Meaning of Land
Daniela Köppl, Kurt Sorensen

Die Ausstellung findet im Rahmen des Rotlicht - Festivals für analoge Fotografie statt.

Die Anzenberger Gallery präsentiert den australischen Künstler Kurt Sorensen und die österreichische Künstlerin Daniela Koeppl mit Landschaftsfotografien ihrer Heimatländer. Welche Bedeutung hat Land in Zeiten von Klimakrise und Kriegen? Wie geht der Mensch mit dem Land um, kultiviert es und versucht es zu kontrollieren? Während Kurt Sorensen dem Ursprung der Landschaft vor der Besiedlung Australiens nachspürt, erkundet Daniela Köppl die kultivierte Landschaft in der Form von Kuppen. Die Unterschiede könnten nicht größer sein wie zwischen diesen beiden Ländern. Eine visuelle Annäherung.

Kurt Sorensen: Sorensens Bilder enthüllen die prekäre Beziehung, die zwischen den frühen europäischen Siedlern und den rauen australischen Landschaften herrschte; Die gefährliche Natur erinnert die schlecht beratenen Entdecker an ihr naives Gefühl der Überlegenheit. Von der Erde verschluckt, sind diejenigen, die in der Landschaft verschwunden sind und nie wieder gefunden werden, die Protagonisten von Sorensens Bildern, die am Rande von Geschichte und Anthropologie liegen. (Claire Monneraye, Australian Center for Photography)

Daniela Köppl: Im Gegensatz zur Naturlandschaft ist die Kulturlandschaft eine vom Menschen geprägte Landschaft. Sie wird durch charakteristische jahresrhythmische Nutzungen, wie Ackerbau, Mahd, Drusch, Viehtrieb, Heckenschnitt und (längerfristig) Waldbau regelmäßig verändert. Die kleinräumig parzellierte Agrarlandschaft vom 16. bis Mitte des 20. Jahrhunderts bewirkte ein starkes Anwachsen der Biodiversität mit höchsten Werten der Flora um 1850. Seitdem verarmten die Kulturlandschaften infolge von Agrarreform, Melioration, mineralischer Düngung, wirksamerer Geräte und Pflanzen- und Tierzucht stark- verstärkt mit der Industrialisierung der Landwirtschaft seit 1950. Die Folge ist eine starke Ausräumung der Kulturlandschaft.

La Anzenberger Gallery présente l'artiste australien Kurt Sorensen et l'artiste autrichienne Daniela Koeppl avec des photographies de paysages de leurs pays d'origine. Quelle est l'importance de la terre en période de crise climatique et de guerres ? Comment l'homme gère-t-il la terre, la cultive-t-il et tente-t-il de la contrôler ? Tandis que Kurt Sorensen retrace l'origine du paysage avant la colonisation de l'Australie, Daniela Köppl explore le paysage cultivé sous forme de croupes. Les différences ne pourraient pas être plus grandes qu'entre ces deux pays. Une approche visuelle.

Kurt Sorensen : Les visuels de Sorensen révèlent la relation précaire qui existait entre les premiers colons européens et les rudes paysages australiens ; la nature dangereuse rappelle aux explorateurs mal conseillés leur sentiment naïf de supériorité. Avalés par la terre, ceux qui ont disparu dans le paysage et ne seront jamais retrouvés sont les protagonistes des visuels de Sorensen, à la lisière de l'histoire et de l'anthropologie. (Claire Monneraye, Australian Center for Photography)

Daniela Köppl : Contrairement au paysage naturel, le paysage culturel est un paysage façonné par l'homme. Il est régulièrement modifié par des utilisations saisonnières caractéristiques, comme la culture, la fauche, le battage, la conduite du bétail, la taille des haies et (à plus long terme) la sylviculture. Le paysage agricole parcellisé à petite échelle du 16e au milieu du 20e siècle a entraîné une forte augmentation de la biodiversité, avec des valeurs maximales pour la flore vers 1850. Depuis, les paysages cultivés se sont fortement appauvris en raison de la réforme agraire, de l'amélioration foncière, de la fertilisation minérale, d'outils plus efficaces et de l'élevage de plantes et d'animaux - renforcé par l'industrialisation de l'agriculture depuis 1950. Il en résulte un fort appauvrissement du paysage cultivé.

La Galleria Anzenberger presenta l'artista australiano Kurt Sorensen e l'artista austriaca Daniela Koeppl con fotografie di paesaggi dei loro Paesi d'origine. Qual è il significato della terra in tempi di crisi climatica e di guerra? Come le persone si rapportano alla terra, la coltivano e cercano di controllarla? Mentre Kurt Sorensen traccia le origini del paesaggio prima della colonizzazione dell'Australia, Daniela Köppl esplora il paesaggio coltivato sotto forma di cime di collina. Le differenze non potrebbero essere maggiori tra questi due Paesi. Un approccio visivo.

Kurt Sorensen: le immagini di Sorensen rivelano il rapporto precario che esisteva tra i primi coloni europei e gli aspri paesaggi australiani; la natura pericolosa ricorda agli esploratori incauti il loro ingenuo senso di superiorità. Inghiottiti dalla terra, coloro che sono scomparsi nel paesaggio, per non essere mai più ritrovati, sono i protagonisti delle immagini di Sorensen, che si trovano ai margini della storia e dell'antropologia. (Claire Monneraye, Centro australiano di fotografia)

Daniela Köppl: A differenza del paesaggio naturale, il paesaggio culturale è un paesaggio creato dall'uomo. Viene regolarmente modificato dagli usi stagionali caratteristici, come la coltivazione dei seminativi, la falciatura, la trebbiatura, il pascolo del bestiame, il taglio delle siepi e (a lungo termine) la selvicoltura. Il paesaggio agricolo parcellizzato su piccola scala, dal XVI alla metà del XX secolo, ha portato a un forte aumento della biodiversità, con i valori floristici più elevati intorno al 1850. Da allora, i paesaggi culturali si sono impoveriti a causa della riforma agraria, dell'ammendamento, della concimazione minerale, di attrezzature più efficaci e dell'allevamento di piante e animali, intensificati dall'industrializzazione dell'agricoltura a partire dal 1950. Il risultato è un forte disboscamento del paesaggio culturale.

The Anzenberger Gallery presents the Australian artist Kurt Sorensen and the Austrian artist Daniela Koeppl with landscape photographs of their home countries. What is the significance of land in times of climate crisis and wars? How do humans treat the land, cultivate it and try to control it? While Kurt Sorensen traces the origin of the landscape before the colonization of Australia, Daniela Köppl explores the cultivated landscape in the form of hilltops. The differences could not be greater than between these two countries. A visual approach.

Kurt Sorensen: Sorensen's images reveal the precarious relationship that existed between the early European settlers and the harsh Australian landscapes; the dangerous nature reminds the ill-advised explorers of their naive sense of superiority. Swallowed up by the earth, those who have disappeared into the landscape and will never be found again are the protagonists of Sorensen's images, which lie on the edge of history and anthropology. (Claire Monneraye, Australian Center for Photography)

Daniela Köppl: In contrast to the natural landscape, the cultural landscape is a landscape shaped by humans. It is regularly transformed by characteristic annual uses, such as agriculture, mowing, threshing, cattle driving, hedge trimming and (in the longer term) forestry. The small-scale parceled agricultural landscape from the 16th to the mid-20th century caused a strong increase in biodiversity, with the highest values of flora around 1850. Since then, the cultural landscapes have become impoverished due to agricultural reform, land reclamation, mineral fertilization, more effective equipment and plant and animal breeding, which intensified with the industrialization of agriculture since 1950. The result is a strong eradication of the cultural landscape.

(Text: Regina Anzenberger, Anzenberger Gallery, Wien)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
8. November 2024

Image Cities
Anastasia Samoylova

Parallel zu Anastasia Samoylovas soeben eröffneten, großen institutionellen Ausstellungen im Metropolitan Museum New York und in der Saatchi Gallery London zeigen wir ihre Serie Image Cities eine fotografische Reise durch die bedeutendsten Metropolen der Welt, darunter New York, Paris, London, Zürich, Tokio und Mailand. Die Künstlerin richtet ihren Blick auf die öffentlich sichtbaren Bilder, die die Fassaden dieser Städte prägen. Sie zeigt uns nicht das Einzigartige dieser Orte, sondern das Gemeinsame: Die bedrohliche und schleichende Vereinheitlichung der Konsumkultur, die aus einer zunehmend von Konzernen dominierten Welt entsteht.

Anastasia Samoylova (*1984) lebt in Miami. In ihrer künstlerischen Arbeit bewegt sie sich zwischen beobachtender Fotografie, Studiopraxis und Installation. Ihre Bücher FloodZone und Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans wurden vom Steidl Verlag veröffentlicht, ihr Buch Image Cities ist bei Hatje Cantz erschienen. Ihre Arbeiten wurden in Einzelausstellungen im Chrysler Museum of Art, im Orlando Museum of Art, im Contemporary Art Museum in Tampa, im The Print Center in Philadelphia, im Eastman Museum in Rochester, NY, bei C/O Berlin und im KBr Fundación MAPFRE in Barcelona, Spanien, sowie an vielen weiteren Orten gezeigt. Im Herbst/Winter 2024/25 sind zwei große institutionelle Ausstellungen von ihr im Metropolitan Museum New York und in der Saatchi Gallery in London zu sehen. Anastasia Samoylovas Arbeiten befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Metropolitan Museum of Art in New York, des Perez Art Museum in Miami, des High Museum of Art in Atlanta und des Museum of Contemporary Photography in Chicago. Anastasia Samoylova war Finalistin des Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 und erhielt den ersten KBr Photo Award der KBr Fundación MAPFRE. Soeben ist ihre Monografie Adaptations bei Thames and Hudson erschienen.

Parallèlement aux grandes expositions institutionnelles d'Anastasia Samoylova qui viennent d'être inaugurées au Metropolitan Museum de New York et à la Saatchi Gallery de Londres, nous présentons sa série Image Cities un voyage photographique à travers les plus grandes métropoles du monde, dont New York, Paris, Londres, Zurich, Tokyo et Milan. L'artiste porte son regard sur les visuels visibles par le public qui caractérisent les façades de ces villes. Elle ne nous montre pas ce que ces lieux ont d'unique, mais ce qu'ils ont en commun : l'uniformisation menaçante et insidieuse de la culture de consommation qui résulte d'un monde de plus en plus dominé par les multinationales.

Anastasia Samoylova (*1984) vit à Miami. Dans son travail artistique, elle évolue entre la photographie d'observation, la pratique en studio et l'installation. Ses livres FloodZone et Floridas : Anastasia Samoylova & Walker Evans ont été publiés par Steidl Verlag, son livre Image Cities est paru chez Hatje Cantz. Leurs travaux ont été présentés dans des expositions individuelles au Chrysler Museum of Art, à l'Orlando Museum of Art, au Contemporary Art Museum de Tampa, au The Print Center de Philadelphie, au Eastman Museum de Rochester, NY, chez C/O Berlin et au KBr Fundación MAPFRE de Barcelone, Espagne, ainsi que dans de nombreux autres lieux. En automne/hiver 2024/25, elle fera l'objet de deux grandes expositions institutionnelles au Metropolitan Museum de New York et à la Saatchi Gallery de Londres. Le travail d'Anastasia Samoylova figure notamment dans les collections du Metropolitan Museum of Art de New York, du Perez Art Museum de Miami, du High Museum of Art d'Atlanta et du Museum of Contemporary Photography de Chicago. Anastasia Samoylova a été finaliste du Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 et a reçu le premier KBr Photo Award de la KBr Fundación MAPFRE. Sa monographie Adaptations vient de paraître chez Thames and Hudson.

Parallelamente alle grandi mostre istituzionali recentemente inaugurate da Anastasia Samoylova al Metropolitan Museum di New York e alla Saatchi Gallery di Londra, presentiamo la sua serie Image Cities, un viaggio fotografico attraverso le più importanti metropoli del mondo, tra cui New York, Parigi, Londra, Zurigo, Tokyo e Milano. L'artista concentra il suo sguardo sulle immagini pubblicamente visibili che caratterizzano le facciate di queste città. Non ci mostra l'unicità di questi luoghi, ma ciò che li accomuna: la minacciosa e strisciante standardizzazione della cultura consumistica che emerge da un mondo sempre più dominato dalle multinazionali.

Anastasia Samoylova (*1984) vive a Miami. Nel suo lavoro artistico si muove tra fotografia d'osservazione, pratica in studio e installazione. I suoi libri FloodZone e Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans sono stati pubblicati da Steidl Verlag, mentre il suo libro Image Cities è stato pubblicato da Hatje Cantz. Le loro opere sono state esposte in mostre personali al Chrysler Museum of Art, all'Orlando Museum of Art, al Contemporary Art Museum di Tampa, al Print Center di Philadelphia, all'Eastman Museum di Rochester, NY, al C/O Berlin e alla KBr Fundación MAPFRE di Barcellona, Spagna, oltre che in molte altre sedi. Nell'autunno/inverno 2024/25, l'artista terrà due importanti mostre istituzionali al Metropolitan Museum di New York e alla Saatchi Gallery di Londra. Le opere di Anastasia Samoylova sono presenti nelle collezioni del Metropolitan Museum of Art di New York, del Perez Art Museum di Miami, dell'High Museum of Art di Atlanta e del Museum of Contemporary Photography di Chicago, tra gli altri. Anastasia Samoylova è stata finalista del Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 e ha ricevuto il primo KBr Photo Award dalla KBr Fundación MAPFRE. La sua monografia Adaptations è stata appena pubblicata da Thames and Hudson.

Parallel to Anastasia Samoylova's major institutional exhibitions at the Metropolitan Museum in New York and the Saatchi Gallery in London, we are delighted to present her latest series, Image Cities, a photographic journey through some of the world's most prominent metropolises, including New York, Paris, London, Zurich, Tokyo, and Milan. The artist turns her camera towards the publicly visible images that shape the façades of these cities. Rather than highlighting what makes these places unique, she reveals what they have in common: the menacing and gradual homogenization of consumer culture, emerging from a world increasingly dominated by corporations.

Anastasia Samoylova (1984) is an American artist who moves between observational photography, studio practice and installation. By utilizing tools related to digital media and commercial photography, her work explores notions of environmentalism, consumerism and the picturesque.

Her books FloodZone and Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans were published by Steidl, her book Image Cities is out with Hatje Cantz. Her works have been presented in solo exhibitions at the Chrysler Museum of Art; Orlando Museum of Art; Contemporary Art Museum, Tampa; The Print Center Philadelphia, the Eastman Museum, Rochester, NY, C/O Berlin, Germany, and the KBr Fundación MAPFRE, Barcelona, Spain, among others. Her work is in the collections of the Metropolitan Museum of Art, New York; Perez Art Museum, Miami; High Museum of Art, Atlanta; and Museum of Contemporary Photography, Chicago; among others.

Anastasia Samoylova was shortlisted for the Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 and received the first KBr Photo Award by KBr Fundación MAPFRE. In the Fall/Winter of 2024/25, two major institutional exhibitions of her work will be on view at the Metropolitan Museum in New York and the Saatchi Gallery in London. Her monograph Adaptations has just been published by Thames and Hudson.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

digitalEvent
19. Oktober 2024

digitalEVENT gilt als wichtigster eintägiger Fotoevent der Schweiz und zieht Fotografen, Videofilmer und Kreative aus dem Grossraum Zürich/Aargau und darüber hinaus an. Mit über 20 Ausstellern, die ihre neusten Produkte aus den Bereichen Foto und Video präsentieren, darunter Kameras, Objektive und Zubehör, ist dies eine unschätzbare Gelegenheit, die neusten Innovationen der Branche aus erster Hand zu erleben. Darüber hinaus bieten Schulungsanbieter Einblicke in ihre neuesten Lerninhalte und Fotoreisen, um Wissen und Fähigkeiten zu erweitern.

Ein besonderes Highlight ist das vielfältige Bildungsangebot des digitalEVENT mit über 40 Vorträgen und Seminaren renommierter Fotografen. Diese Gelegenheit, den fotografischen Horizont zu erweitern und neue Fähigkeiten zu erlernen, ist für Profis und Amateure gleichermaßen von unschätzbarem Wert.

Abgerundet wird die Veranstaltung durch vier fesselnde Keynote-Präsentationen auf einer großen Bühne mit beeindruckender 12-Meter-Leinwand und 4K-Projektion.

Die Keynote-Präsentationen versprechen faszinierende Einblicke in die Welt der Fotografie und werden mit Sicherheit inspirieren.

Ein besonderer Service des digitalEVENTs ist die kostenpflichtige Sensorreinigung für Kameras von Canon, Fujifilm, Nikon und Sony, die von Experten vor Ort durchgeführt wird.

Der digitalEVENT ist der Ort, an dem sich die Foto-Community trifft, um ihre Leidenschaft zu teilen, neue Fähigkeiten zu erlernen und sich von den Besten der Branche inspirieren zu lassen. Wir laden Sie herzlich ein, an diesem spannenden Event teilzunehmen und die Magie der Fotografie zu erleben.

digitalEVENT est considéré comme l'événement photo d'une journée le plus important de Suisse et attire des photographes, des vidéastes et des créatifs de la grande région de Zurich/Argovie et au-delà. Avec plus de 20 exposants présentant leurs derniers produits dans les domaines de la photo et de la vidéo, dont des appareils photo, des objectifs et des accessoires, c'est une occasion inestimable de découvrir de première main les dernières innovations du secteur. En outre, des prestataires de formation proposeront des aperçus de leurs derniers contenus d'apprentissage et des voyages photographiques afin d'élargir les connaissances et les compétences.

Un point fort particulier est l'offre de formation variée du digitalEVENT avec plus de 40 conférences et séminaires de photographes renommés. Cette opportunité d'élargir ses horizons photographiques et d'acquérir de nouvelles compétences est inestimable pour les professionnels comme pour les amateurs.

L'événement sera complété par quatre présentations keynote captivantes sur une grande scène dotée d'un impressionnant écran de 12 mètres et d'une projection 4K.

Ces présentations promettent de donner un aperçu fascinant du monde de la photographie et ne manqueront pas d'inspirer les participants.

Un service particulier du digitalEVENT est le nettoyage payant des capteurs des appareils photo Canon, Fujifilm, Nikon et Sony, qui sera effectué sur place par des experts.

Le digitalEVENT est l'endroit où la communauté photo se réunit pour partager sa passion, apprendre de nouvelles compétences et s'inspirer des meilleurs de la branche. Nous vous invitons à participer à cet événement passionnant et à vivre la magie de la photographie.

digitalEVENT è riconosciuto come il più importante evento fotografico di un giorno in Svizzera e attira fotografi, videografi e creativi dall'area di Zurigo/Argovia e non solo. Con oltre 20 espositori che presentano i loro ultimi prodotti fotografici e video, tra cui fotocamere, obiettivi e accessori, è un'occasione preziosa per toccare con mano le ultime innovazioni del settore. Inoltre, i fornitori di formazione offriranno approfondimenti sui loro ultimi contenuti didattici e sui viaggi fotografici per migliorare le conoscenze e le competenze.

Un punto di forza particolare è il programma didattico di digitalEVENT, con oltre 40 conferenze e seminari tenuti da fotografi di fama. Questa opportunità di ampliare gli orizzonti fotografici e di apprendere nuove competenze è preziosa sia per i professionisti che per i dilettanti.

L'evento sarà completato da quattro accattivanti presentazioni chiave su un grande palco con un impressionante schermo di 12 metri e proiezione 4K.

Le presentazioni promettono approfondimenti affascinanti sul mondo della fotografia e sono sicuramente fonte di ispirazione.

Un servizio speciale del digitalEVENT è la pulizia dei sensori delle fotocamere Canon, Fujifilm, Nikon e Sony, che sarà effettuata da esperti in loco a pagamento.

digitalEVENT è il luogo in cui la comunità fotografica si riunisce per condividere la propria passione, apprendere nuove competenze e lasciarsi ispirare dai migliori del settore. Vi invitiamo a partecipare a questo emozionante evento e a vivere la magia della fotografia.

digitalEVENT is regarded as the most important one-day photography event in Switzerland and attracts photographers, videographers and creatives from the greater Zurich/Aargau area and beyond. With over 20 exhibitors showcasing their latest photo and video products, including cameras, lenses and accessories, this is an invaluable opportunity to experience the latest innovations in the industry first-hand. In addition, education providers will offer insights into their latest learning content and photography journeys to enhance knowledge and skills.

A special highlight is the wide range of educational offerings at digitalEVENT with over 40 lectures and seminars by renowned photographers. This opportunity to broaden photographic horizons and learn new skills is invaluable for professionals and amateurs alike.

The event will be rounded off by four captivating keynote presentations on a large stage with an impressive 12-meter screen and 4K projection.

The keynote presentations promise fascinating insights into the world of photography and are sure to inspire.

A special service at digitalEVENT is sensor cleaning for Canon, Fujifilm, Nikon and Sony cameras, which will be carried out by experts on site for a fee.

digitalEVENT is the place where the photography community comes together to share their passion, learn new skills and be inspired by the best in the industry. We invite you to join us at this exciting event and experience the magic of photography.

(Text: digitalEVENT)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
6. September 2024

Landschaften
Barbara Klemm

Zum Saisonstart 2024 zeigen wir eine neue Ausstellung von Barbara Klemm, die, wie so viele andere Genres, auch das der Landschaftsfotografie virtuos beherrscht. Die Ausstellung vereint um die dreißig ihrer Landschaftsporträts aus  Deutschland und der Welt  — vom Allgäu bis zum Plöner See, von der mongolischen Steppe bis zu den Wasserfällen von Iguazú. Barbara Klemms Landschaftsfotografien, die allesamt als Silbergelatineabzüge von eigener Hand gezeigt werden, zeichnen sich durch meisterhafte Kompositionen aus, die Licht und Landschaft modellieren.

„Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (…) blicken aus Barbara Klemms Landschaftsbildern auf uns, die deutsche Romantik, mit ihrer Malerei und Graphik und deren Tröstlichkeit, Gewicht und Abgründen, erscheint hier in neuer ästhetischer Qualität.“ Péter Nádas (aus „Schwarze Strahlung: Barbara Klemm, die Philosophin der Begebenheiten“)

Barbara Klemm gilt als eine der bedeutendsten Fotografinnen der deutschen Gegenwart. Sie wurde 1939 in Münster, Westfalen, geboren und wuchs in Karlsruhe auf. Seit 1959 war sie für die Frankfurter Allgemeine Zeitung tätig, seit 1970 als Redaktionsfotografin mit den Schwerpunkten Politik und Feuilleton. Ihr Werk wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, darunter der Dr.-Erich-Salomon-Preis der Deutschen Gesellschaft für Fotografie (1989), der Hugo-Erfurth-Preis der Stadt Leverkusen (1989), der Maria-Sibylla-Merian-Preis für bildende Künstlerinnen in Hessen (1998), der Hessische Kulturpreis (2000) und der Max-Beckmann-Preis der Stadt Frankfurt am Main (2009). Barbara Klemm ist bislang die einzige Frau, die mit dem Leica Hall of Fame Award ausgezeichnet wurde (2012). Seit 1992 ist sie Mitglied der Akademie der Künste Berlin, 2010 wurde sie in den Orden „Pour le mérite“ gewählt. Barbara Klemm lebt in Frankfurt am Main.

Pour le début de la saison 2024, nous présentons une nouvelle exposition de Barbara Klemm qui, comme tant d'autres genres, maîtrise avec virtuosité celui de la photographie de paysage. L'exposition réunit une trentaine de ses portraits de paysages d'Allemagne et du monde entier - de l'Allgäu au lac de Plön, de la steppe mongole aux chutes d'Iguazú. Les photographies de paysages de Barbara Klemm, toutes présentées sous forme de tirages au gélatino-argent de sa propre main, se distinguent par des compositions magistrales qui modèlent la lumière et le paysage.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) nous regardent à travers les paysages de Barbara Klemm, le romantisme allemand, avec sa peinture et son graphisme et leur consolation, leur poids et leurs abîmes, apparaît ici dans une nouvelle qualité esthétique". Péter Nádas (extrait de "Rayonnement noir : Barbara Klemm, la philosophe des événements")

Barbara Klemm est considérée comme l'une des photographes les plus importantes de l'Allemagne contemporaine. Elle est née en 1939 à Münster, en Westphalie, et a grandi à Karlsruhe. Depuis 1959, elle travaillait pour le Frankfurter Allgemeine Zeitung, et depuis 1970 comme photographe de rédaction spécialisée dans la politique et le feuilleton. Son œuvre a été récompensée par de nombreux prix, dont le prix Dr. Erich Salomon de la Société allemande de photographie (1989), le prix Hugo Erfurth de la ville de Leverkusen (1989), le prix Maria Sibylla Merian pour les femmes artistes plasticiennes de Hesse (1998), le prix culturel de Hesse (2000) et le prix Max Beckmann de la ville de Francfort-sur-le-Main (2009). Barbara Klemm est à ce jour la seule femme à avoir été récompensée par le Leica Hall of Fame Award (2012). Depuis 1992, elle est membre de l'Académie des arts de Berlin, et en 2010, elle a été élue à l'Ordre du mérite. Barbara Klemm vit à Francfort-sur-le-Main.

In occasione dell'inizio della stagione 2024, presentiamo una nuova mostra di Barbara Klemm, che, come molti altri generi, è una virtuosa della fotografia di paesaggio. La mostra riunisce una trentina di suoi ritratti paesaggistici provenienti dalla Germania e da tutto il mondo: dall'Allgäu al lago di Plön, dalla steppa mongola alle cascate di Iguazú. Le fotografie di paesaggio di Barbara Klemm, tutte presentate come stampe alla gelatina d'argento realizzate con le sue mani, sono caratterizzate da composizioni magistrali che modellano la luce e il paesaggio.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) ci guardano dalle fotografie di paesaggio di Barbara Klemm; il Romanticismo tedesco, con la sua pittura e la sua grafica, con il suo conforto, il peso e gli abissi, appare qui in una nuova qualità estetica". Péter Nádas (da "Black Radiance: Barbara Klemm, la filosofa degli eventi")

Barbara Klemm è considerata una delle più importanti fotografe della Germania contemporanea. È nata a Münster, in Westfalia, nel 1939 ed è cresciuta a Karlsruhe. Ha lavorato per la Frankfurter Allgemeine Zeitung dal 1959, dal 1970 come fotografa editoriale specializzata in politica e articoli di cronaca. Il suo lavoro è stato premiato con numerosi riconoscimenti, tra cui il Premio Dr Erich Salomon della Società tedesca per la fotografia (1989), il Premio Hugo Erfurth della città di Leverkusen (1989), il Premio Maria Sibylla Merian per le artiste visive dell'Assia (1998), il Premio della cultura dell'Assia (2000) e il Premio Max Beckmann della città di Francoforte sul Meno (2009). Ad oggi, Barbara Klemm è l'unica donna ad essere stata premiata con il Leica Hall of Fame Award (2012). È membro dell'Akademie der Künste Berlin dal 1992 ed è stata eletta nell'Ordine "Pour le mérite" nel 2010. Barbara Klemm vive a Francoforte sul Meno.

To inaugurate the autumn 2024 gallery season, we are pleased to present a new exhibition by Barbara Klemm. Known for her mastery across various genres, Klemm also excels in landscape photography.

This exhibition features around thirty of her landscape portraits from Germany and around the world — from the Allgäu to Lake Plön, from the Mongolian steppe to the Iguazú waterfalls. Each photograph, printed by the artist as a silver gelatin print, showcases her skillful composition and deep connection to the landscapes she captures.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) gaze upon us from Barbara Klemm's landscape images. The German Romanticism, with its painting and graphics, and its solace, gravity, and abysses, reappears here in a new aesthetic quality.“ Péter Nádas

Barbara Klemm is considered one of the most important photographers in contemporary Germany. She was born in 1939 in Münster, Westphalia, and grew up in Karlsruhe. Since 1959, she worked for the Frankfurter Allgemeine Zeitung, and from 1970 onwards, she served as an editorial photographer with a focus on politics and culture. Her work has received numerous awards, including the Dr.-Erich-Salomon-Preis from the German Society for Photography (1989), the Hugo-Erfurth-Preis from the city of Leverkusen (1989), the Maria Sibylla Merian Prize for female visual artists in Hesse (1998), the Hessian Culture Prize (2000), and the Max Beckmann Prize from the city of Frankfurt am Main (2009). Barbara Klemm is the only woman to have been honored with the Leica Hall of Fame Award (2012). Since 1992, she has been a member of the Academy of Arts Berlin, and in 2010, she was elected to the Order Pour le Mérite. Barbara Klemm lives in Frankfurt am Main.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Museum Thalwil
4. Juli 2024

Memories
Florian Bachmann, Serap Vitarelli, Susanne Scherer

Die Ausstellung «Memories» zeigt aktuelle fotografische Arbeiten. Unter dem Titel «Was bleibt» setzt sich die Künstlerin Serap Vitarelli mit der Vergänglichkeit auseinander. Florian Bachmann fotografiert in seiner Werkserie «Lieux de Mémoire» geschichtsträchtige Orte in der Schweiz. «Gestern-heute» von Susanne Scherer zeigt neue Ortsbilder, welchen Archivaufnahmen gegenüberstehen. «Memories» präsentiert eine facettenreiche Sammlung von Fotografien, die sich auf verschiedene Weisen mit der Erinnerungskultur auseinandersetzen. Die Bilder zeigen Orte von historischer Bedeutung, persönliche Rückzugsorte oder flüchtige Momente des Alltags. Sie offenbaren Spuren der Vergangenheit und die Schönheit der Vergänglichkeit, die oft im Verborgenen liegt.

L'exposition "Memories" présente des travaux photographiques récents. Sous le titre "Was bleibt", l'artiste Serap Vitarelli se penche sur le caractère éphémère. Dans sa série d'œuvres "Lieux de Mémoire", Florian Bachmann photographie des lieux chargés d'histoire en Suisse. "Hier-aujourd'hui" de Susanne Scherer montre de nouvelles images de lieux en face d'images d'archives. "Memories" présente une collection aux multiples facettes de photographies qui traitent de différentes manières de la culture du souvenir. Les visuels montrent des lieux d'importance historique, des retraites personnelles ou des moments fugaces de la vie quotidienne. Elles révèlent les traces du passé et la beauté de l'éphémère, souvent cachée.

La mostra "Memories" presenta opere fotografiche attuali. Con il titolo "What remains", l'artista Serap Vitarelli esplora il tema della transitorietà. Florian Bachmann fotografa luoghi ricchi di storia in Svizzera nella sua serie "Lieux de Mémoire". "Ieri-oggi" di Susanne Scherer mostra nuove immagini di luoghi accostate a fotografie d'archivio. "Memories" presenta una collezione sfaccettata di fotografie che affrontano in vario modo la cultura del ricordo. Le immagini mostrano luoghi di importanza storica, ritiri personali o momenti fugaci della vita quotidiana. Rivelano le tracce del passato e la bellezza della transitorietà che spesso si nasconde.

The exhibition "Memories" shows current photographic works. Under the title "What remains", the artist Serap Vitarelli deals with transience. Florian Bachmann photographs places steeped in history in Switzerland in his series "Lieux de Mémoire". "Yesterday-today" by Susanne Scherer shows new images of places juxtaposed with archive photographs. "Memories" presents a multifaceted collection of photographs that deal with the culture of remembrance in various ways. The visuals show places of historical significance, personal retreats or fleeting moments of everyday life. They reveal traces of the past and the beauty of transience that often lies hidden.

(Text: Museum Thalwil)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
22. Juni 2024

Gespräch und Signierstunde
How to Publish a Photography Book

Angelika & Markus Hartmann (Hartmann Books) im Gespräch mit Satijn Panyigay

Nightcall — The Frankfurt Edition
Satijn Panyigay

Nachdem Satijn Panyigay in der Vergangenheit vor allem leere Innenräume – Museen, Depots, neu errichtete Wohngebäude — fotografiert hat, richtet sie mit ihrer neuen Arbeit „Nightcall“ ihr Augenmerk auf städtische Außenbereiche. In ihrer Heimatstadt Utrecht sowie in Frankfurt am Main sucht sie auf einsamen nächtlichen Streifzügen nach unbeabsichtigten Kompositionen innerhalb der urbanen Strukturen.

Ihre analogen Fotografien nutzen das minimale Licht des Mondes und der Straßenlaternen, wobei der Unterschied kaum auszumachen ist. So entstehen in der düsteren, monotonen und funktionalen Industrielandschaft reizvolle Kontraste.

Dabei erzeugt die Abwesenheit von Menschen in Satijn Panyigays Fotografien paradoxerweise ein Gefühl von Präsenz. Die Künstlerin fühlt sich von der ätherischen Welt der Nacht und ihrer rätselhaften Atmosphäre angezogen. „Nightcall“ ermöglicht uns Begegnungen mit einer Gegenwelt, in der sich unsere eigene widerspiegelt, wenn auch mit einer unheimlichen Distanz.

Satijn Panyigay (geb. 1988 in Nijmegen, Niederlande) studierte Fotografie an der Kunsthochschule Utrecht, wo sie weiterhin lebt und arbeitet. Ihre Arbeiten waren in zahlreichen Ausstellungen zu sehen, so im Centre D’art Contemporain de Meymac, Frankreich sowie in den Niederlanden im Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam); Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover (Amsterdam); Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Ihre Arbeitem befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Museum Boijmans Van Beuningen, des Museum Tot Zover, des Museum Van Bommel Van Dam, des Museum W., der DZ Bank Kunststiftung, der KPMG sowie in zahlreichen Privatsammlungen. Ihr Buch VOID erschien 2023 bei Hartmann Books.

Après avoir surtout photographié des espaces intérieurs vides - musées, dépôts, immeubles d'habitation récemment construits -, Satijn Panyigay porte son attention sur les espaces extérieurs urbains avec son nouveau travail "Nightcall". Dans sa ville natale d'Utrecht ainsi qu'à Francfort-sur-le-Main, elle recherche des compositions involontaires au sein des structures urbaines lors d'errances nocturnes solitaires.

Ses photographies analogiques utilisent la lumière minimale de la lune et des lampadaires, la différence étant à peine perceptible. Ainsi, des contrastes charmants apparaissent dans le paysage industriel sombre, monotone et fonctionnel.

Ce faisant, l'absence de personnes dans les photographies de Satijn Panyigay crée paradoxalement un sentiment de présence. L'artiste est attirée par le monde éthéré de la nuit et son atmosphère énigmatique. "Nightcall" nous permet de faire des rencontres avec un contre-monde dans lequel le nôtre se reflète, même si c'est avec une distance inquiétante.

Satijn Panyigay (née en 1988 à Nijmegen, Pays-Bas) a étudié la photographie à l'école des beaux-arts d'Utrecht, où elle continue de vivre et de travailler. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions, notamment au Centre d'art contemporain de Meymac, en France, et aux Pays-Bas, au Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam) ; Fotomuseum Den Haag ; Museum Tot Zover (Amsterdam) ; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Son travail se trouve entre autres dans les collections du Museum Boijmans Van Beuningen, du Museum Tot Zover, du Museum Van Bommel Van Dam, du Museum W., de la DZ Bank Kunststiftung, de KPMG ainsi que dans de nombreuses collections privées. Son livre VOID est paru en 2023 chez Hartmann Books.

Dopo aver fotografato in passato soprattutto spazi interni vuoti - musei, depositi, edifici residenziali di nuova costruzione - il nuovo lavoro di Satijn Panyigay "Nightcall" si concentra sugli esterni urbani. Nella sua città natale, Utrecht, e a Francoforte sul Meno, l'artista cerca composizioni involontarie all'interno delle strutture urbane durante le sue incursioni notturne.

Le sue fotografie analogiche utilizzano la luce minima della luna e dei lampioni, dove la differenza è appena percettibile. Questo crea contrasti attraenti nel paesaggio industriale cupo, monotono e funzionale.

Paradossalmente, l'assenza di persone nelle fotografie di Satijn Panyigay crea un senso di presenza. L'artista si sente attratto dal mondo etereo della notte e dalla sua atmosfera enigmatica. "Nightcall" ci permette di incontrare un contro-mondo che rispecchia il nostro, anche se con una distanza inquietante.

Satijn Panyigay (nata nel 1988 a Nijmegen, Paesi Bassi) ha studiato fotografia all'Università delle Arti di Utrecht, dove continua a vivere e lavorare. Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre, tra cui al Centre D'art Contemporain de Meymac, in Francia, e nei Paesi Bassi presso il Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam), il Fotomuseum Den Haag, il Museum Tot Zover (Amsterdam), il Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Le sue opere si trovano nelle collezioni del Museum Boijmans Van Beuningen, del Museum Tot Zover, del Museum Van Bommel Van Dam, del Museum W., della DZ Bank Kunststiftung, della KPMG e di numerose collezioni private. Il suo libro VOID è stato pubblicato da Hartmann Books nel 2023.

Having primarily photographed vacant interior spaces—museums, depots, and newly constructed residential buildings—in the past, Satijn Panyigay now shifts her attention to urban exteriors with her new series “Nightcall“. Embarking on solitary nocturnal strolls through her hometown of Utrecht and Frankfurt am Main, she seeks unintentional compositions within urban structures.

Utilizing the minimal light of the moon and street lamps in her analogue photographs, Panyigay blurs the distinction between them. Thus, amidst the bleak, monotonous, and utilitarian industrial landscape, captivating contrasts emerge.

Paradoxically, the absence of people in Satijn Panyigay's photographs evokes a sense of presence. Drawn to the ethereal realm of the night and its enigmatic ambiance, the artist invites us into encounters with a parallel world, reflecting our own, albeit with an eerie distance.

Satijn Panyigay (b. 1988 in Nijmegen, Netherlands) studied photography at the Utrecht School of Art, where she continues to live and work. Her work has been featured in exhibitions at Centre D’art Contemporain de Meymac, France, and in the Netherlands at Museum Escher in the Palace; Depot Boijmans Van Beuningen; Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Her works are in the collections of Museum Boijmans Van Beuningen, Museum Tot Zover, Museum Van Bommel Van Dam, Museum W., DZ Bank, KPMG, among others, as well as in numerous private collections. Panyigay’s artist book VOID was published by Hartmann Books (Germany) in 2023.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
21. Juni 2024

Nightcall — The Frankfurt Edition
Satijn Panyigay

Nachdem Satijn Panyigay in der Vergangenheit vor allem leere Innenräume – Museen, Depots, neu errichtete Wohngebäude — fotografiert hat, richtet sie mit ihrer neuen Arbeit „Nightcall“ ihr Augenmerk auf städtische Außenbereiche. In ihrer Heimatstadt Utrecht sowie in Frankfurt am Main sucht sie auf einsamen nächtlichen Streifzügen nach unbeabsichtigten Kompositionen innerhalb der urbanen Strukturen.

Ihre analogen Fotografien nutzen das minimale Licht des Mondes und der Straßenlaternen, wobei der Unterschied kaum auszumachen ist. So entstehen in der düsteren, monotonen und funktionalen Industrielandschaft reizvolle Kontraste.

Dabei erzeugt die Abwesenheit von Menschen in Satijn Panyigays Fotografien paradoxerweise ein Gefühl von Präsenz. Die Künstlerin fühlt sich von der ätherischen Welt der Nacht und ihrer rätselhaften Atmosphäre angezogen. „Nightcall“ ermöglicht uns Begegnungen mit einer Gegenwelt, in der sich unsere eigene widerspiegelt, wenn auch mit einer unheimlichen Distanz.

Satijn Panyigay (geb. 1988 in Nijmegen, Niederlande) studierte Fotografie an der Kunsthochschule Utrecht, wo sie weiterhin lebt und arbeitet. Ihre Arbeiten waren in zahlreichen Ausstellungen zu sehen, so im Centre D’art Contemporain de Meymac, Frankreich sowie in den Niederlanden im Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam); Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover (Amsterdam); Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Ihre Arbeitem befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Museum Boijmans Van Beuningen, des Museum Tot Zover, des Museum Van Bommel Van Dam, des Museum W., der DZ Bank Kunststiftung, der KPMG sowie in zahlreichen Privatsammlungen. Ihr Buch VOID erschien 2023 bei Hartmann Books.

Après avoir surtout photographié des espaces intérieurs vides - musées, dépôts, immeubles d'habitation récemment construits -, Satijn Panyigay porte son attention sur les espaces extérieurs urbains avec son nouveau travail "Nightcall". Dans sa ville natale d'Utrecht ainsi qu'à Francfort-sur-le-Main, elle recherche des compositions involontaires au sein des structures urbaines lors d'errances nocturnes solitaires.

Ses photographies analogiques utilisent la lumière minimale de la lune et des lampadaires, la différence étant à peine perceptible. Ainsi, des contrastes charmants apparaissent dans le paysage industriel sombre, monotone et fonctionnel.

Ce faisant, l'absence de personnes dans les photographies de Satijn Panyigay crée paradoxalement un sentiment de présence. L'artiste est attirée par le monde éthéré de la nuit et son atmosphère énigmatique. "Nightcall" nous permet de faire des rencontres avec un contre-monde dans lequel le nôtre se reflète, même si c'est avec une distance inquiétante.

Satijn Panyigay (née en 1988 à Nijmegen, Pays-Bas) a étudié la photographie à l'école des beaux-arts d'Utrecht, où elle continue de vivre et de travailler. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions, notamment au Centre d'art contemporain de Meymac, en France, et aux Pays-Bas, au Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam) ; Fotomuseum Den Haag ; Museum Tot Zover (Amsterdam) ; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Son travail se trouve entre autres dans les collections du Museum Boijmans Van Beuningen, du Museum Tot Zover, du Museum Van Bommel Van Dam, du Museum W., de la DZ Bank Kunststiftung, de KPMG ainsi que dans de nombreuses collections privées. Son livre VOID est paru en 2023 chez Hartmann Books.

Dopo aver fotografato in passato soprattutto spazi interni vuoti - musei, depositi, edifici residenziali di nuova costruzione - il nuovo lavoro di Satijn Panyigay "Nightcall" si concentra sugli esterni urbani. Nella sua città natale, Utrecht, e a Francoforte sul Meno, l'artista cerca composizioni involontarie all'interno delle strutture urbane durante le sue incursioni notturne.

Le sue fotografie analogiche utilizzano la luce minima della luna e dei lampioni, dove la differenza è appena percettibile. Questo crea contrasti attraenti nel paesaggio industriale cupo, monotono e funzionale.

Paradossalmente, l'assenza di persone nelle fotografie di Satijn Panyigay crea un senso di presenza. L'artista si sente attratto dal mondo etereo della notte e dalla sua atmosfera enigmatica. "Nightcall" ci permette di incontrare un contro-mondo che rispecchia il nostro, anche se con una distanza inquietante.

Satijn Panyigay (nata nel 1988 a Nijmegen, Paesi Bassi) ha studiato fotografia all'Università delle Arti di Utrecht, dove continua a vivere e lavorare. Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre, tra cui al Centre D'art Contemporain de Meymac, in Francia, e nei Paesi Bassi presso il Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam), il Fotomuseum Den Haag, il Museum Tot Zover (Amsterdam), il Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Le sue opere si trovano nelle collezioni del Museum Boijmans Van Beuningen, del Museum Tot Zover, del Museum Van Bommel Van Dam, del Museum W., della DZ Bank Kunststiftung, della KPMG e di numerose collezioni private. Il suo libro VOID è stato pubblicato da Hartmann Books nel 2023.

Having primarily photographed vacant interior spaces—museums, depots, and newly constructed residential buildings—in the past, Satijn Panyigay now shifts her attention to urban exteriors with her new series “Nightcall“. Embarking on solitary nocturnal strolls through her hometown of Utrecht and Frankfurt am Main, she seeks unintentional compositions within urban structures.

Utilizing the minimal light of the moon and street lamps in her analogue photographs, Panyigay blurs the distinction between them. Thus, amidst the bleak, monotonous, and utilitarian industrial landscape, captivating contrasts emerge.

Paradoxically, the absence of people in Satijn Panyigay's photographs evokes a sense of presence. Drawn to the ethereal realm of the night and its enigmatic ambiance, the artist invites us into encounters with a parallel world, reflecting our own, albeit with an eerie distance.

Satijn Panyigay (b. 1988 in Nijmegen, Netherlands) studied photography at the Utrecht School of Art, where she continues to live and work. Her work has been featured in exhibitions at Centre D’art Contemporain de Meymac, France, and in the Netherlands at Museum Escher in the Palace; Depot Boijmans Van Beuningen; Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Her works are in the collections of Museum Boijmans Van Beuningen, Museum Tot Zover, Museum Van Bommel Van Dam, Museum W., DZ Bank, KPMG, among others, as well as in numerous private collections. Panyigay’s artist book VOID was published by Hartmann Books (Germany) in 2023.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Kunstmuseum Thun
10. Mai 2024

All that you see
Giacomo Santiago Rogado

Giacomo Santiago Rogado ist ein Schweizer Künstler mit italienisch-spanischen Wurzeln, der in seinen Arbeiten verschiedenste Traditionen des malerischen Mediums kombiniert und mithilfe neuer Werkzeuge, Techniken und Materialien intensiv die Möglichkeiten, Grenzen und Bedingungen zeitgenössischer Malerei auslotet. In seiner knapp 20-jährigen künstlerischen Tätigkeit als Maler hat Rogado ein umfangreiches Werk geschaffen, das bislang noch nie überblicksartig ausgestellt worden ist. Er ist ausserdem der erste Künstler, der beide Standorte, den Thunerhof und das Thun- Panorama, bespielt. Auf einer Fläche von insgesamt über 1000 m2 wird Rogado unmittelbar auf die spezifischen Herausforderungen der Ausstellungsorte reagieren. Im Thun-Panorama operiert der Künstler – wie seinerzeit dessen Erschaffer Marquard Wocher – vor allem in seinen gegenständlichen Arbeiten, mit illusionistischen Effekten und einer an die Fotografie angelehnten Abbildhaftigkeit. Die zweidimensionalen Werke werden durch monumentale Rauminstallationen ergänzt, die ein Eintauchen in den Bildraum ermöglichen und dadurch einen direkten Bezug zum historischen Panorama schaffen.

Kuratorin: Helen Hirsch, Direktorin Kunstmuseum Thun

Die Ausstellung ist eine Zusammenarbeit mit der Kunsthalle Göppingen.

Giacomo Santiago Rogado est un artiste suisse d'origine italo-espagnole qui combine dans son travail les traditions les plus diverses du médium pictural et explore intensément les possibilités, les limites et les conditions de la peinture contemporaine à l'aide de nouveaux outils, techniques et matériaux. En près de 20 ans d'activité artistique en tant que peintre, Rogado a créé une œuvre considérable qui n'a encore jamais été exposée de manière globale. Il est en outre le premier artiste à investir les deux sites, le Thunerhof et le Thun- Panorama. Sur une surface totale de plus de 1000 m2, Rogado réagira directement aux défis spécifiques des lieux d'exposition. Dans le panorama de Thoune, l'artiste - comme son créateur Marquard Wocher en son temps - opère surtout dans ses œuvres figuratives, avec des effets illusionnistes et une imagerie inspirée de la photographie. Les œuvres bidimensionnelles sont complétées par des installations spatiales monumentales qui permettent de s'immerger dans l'espace pictural et créent ainsi un lien direct avec le panorama historique.

Commissaire d'exposition : Helen Hirsch, directrice du Kunstmuseum Thun

L'exposition est une collaboration avec la Kunsthalle Göppingen.

Giacomo Santiago Rogado è un artista svizzero con radici italo-spagnole che combina nelle sue opere le più diverse tradizioni del mezzo pittorico e utilizza nuovi strumenti, tecniche e materiali per esplorare intensamente le possibilità, i limiti e le condizioni della pittura contemporanea. Nei suoi quasi 20 anni di attività artistica come pittore, Rogado ha creato un ampio corpus di opere che non sono mai state esposte in una rassegna. È inoltre il primo artista a esporre in entrambe le sedi, il Thunerhof e il Thun Panorama. Su una superficie complessiva di oltre 1000 m2, Rogado risponderà direttamente alle sfide specifiche delle sedi espositive. Nel Thun-Panorama, l'artista - come il suo creatore Marquard Wocher - opera principalmente nelle sue opere figurative, con effetti illusionistici e una qualità dell'immagine che ricorda la fotografia. Le opere bidimensionali sono completate da installazioni spaziali monumentali che permettono ai visitatori di immergersi nello spazio pittorico e creare così un legame diretto con il panorama storico.

Curatore: Helen Hirsch, Direttore del Kunstmuseum Thun

La mostra è una collaborazione con la Kunsthalle Göppingen.

Giacomo Santiago Rogado is a Swiss artist of Italian-Spanish descent who unites in his works a wide variety of painterly traditions while making use of new tools, techniques and materials to probe in-depth the possibilities, limits and conditions of contemporary painting. In his nearly twenty years as a painter, Rogado has produced an extensive body of work that has never before been presented in a survey exhibition. He is furthermore the first artist to be featured simultaneously at both the Thunerhof and Thun-Panorama. Across an area of over 1000 square metres, Rogado will respond directly to the specific challenges of each exhibition venue. At the Thun-Panorama, he will display primarily figurative works, following in the footsteps of the panorama’s painter, Marquard Wocher, by using illusionistic effects and a realistic style based on photography. Accompanying the two-dimensional works will be monumental installations that invite viewers to immerse themselves in the pictorial space, creating a direct link to the historical panorama.

Curation: Helen Hirsch, director Kunstmuseum Thun

The exhibition is a collaboration with the Kunsthalle Göppingen.

(Text: Kunstmuseum Thun)

Thun-Panorama
10. Mai 2024

Ausser Sicht
Giacomo Santiago Rogado

Giacomo Santiago Rogado ist ein Schweizer Künstler mit italienisch-spanischen Wurzeln, der in seinen Arbeiten verschiedenste Traditionen des malerischen Mediums kombiniert und mithilfe neuer Werkzeuge, Techniken und Materialien intensiv die Möglichkeiten, Grenzen und Bedingungen zeitgenössischer Malerei auslotet. In seiner knapp 20-jährigen künstlerischen Tätigkeit als Maler hat Rogado ein umfangreiches Werk geschaffen, das bislang noch nie überblicksartig ausgestellt worden ist. Er ist ausserdem der erste Künstler, der beide Standorte, den Thunerhof und das Thun- Panorama, bespielt. Auf einer Fläche von insgesamt über 1000 m2 wird Rogado unmittelbar auf die spezifischen Herausforderungen der Ausstellungsorte reagieren. Im verglasten Ergänzungsbau des Thun-Panoramas arbeitet er mit dem Innen- wie auch mit dem Aussenraum, dem idyllischen Schadaupark. Eine raumgreifende Installation ermöglicht den Besuchenden ein Eintauchen in den Bildraum. Gleichzeitig erweitert sich das Werk im Dialog mit der Umgebung um eine weitere Dimension.

Kuratorin: Helen Hirsch, Direktorin Kunstmuseum Thun

Giacomo Santiago Rogado est un artiste suisse d'origine italo-espagnole qui combine dans son travail les traditions les plus diverses du médium pictural et explore intensément les possibilités, les limites et les conditions de la peinture contemporaine à l'aide de nouveaux outils, techniques et matériaux. En près de 20 ans d'activité artistique en tant que peintre, Rogado a créé une œuvre considérable qui n'a encore jamais été exposée de manière globale. Il est en outre le premier artiste à investir les deux sites, le Thunerhof et le Thun- Panorama. Sur une surface totale de plus de 1000 m2, Rogado réagira directement aux défis spécifiques des lieux d'exposition. Dans le bâtiment complémentaire vitré du panorama de Thoune, il travaille aussi bien avec l'espace intérieur qu'avec l'espace extérieur, le parc idyllique de Schadau. Une installation qui occupe tout l'espace permet aux visiteurs de s'immerger dans l'espace pictural. En même temps, l'œuvre s'élargit d'une autre dimension en dialoguant avec l'environnement.

Curatrice : Helen Hirsch, directrice du Kunstmuseum Thun

Giacomo Santiago Rogado è un artista svizzero con radici italo-spagnole che combina nelle sue opere le più diverse tradizioni del mezzo pittorico e utilizza nuovi strumenti, tecniche e materiali per esplorare intensamente le possibilità, i limiti e le condizioni della pittura contemporanea. Nei suoi quasi 20 anni di attività artistica come pittore, Rogado ha creato un ampio corpus di opere che non sono mai state esposte in una rassegna. È inoltre il primo artista a esporre in entrambe le sedi, il Thunerhof e il Thun Panorama. Su una superficie complessiva di oltre 1000 m2, Rogado risponderà direttamente alle sfide specifiche delle sedi espositive. Nell'estensione vetrata del Thun Panorama, Rogado lavorerà sia con lo spazio interno che con quello esterno, l'idilliaco Schadaupark. Un'ampia installazione permette ai visitatori di immergersi nello spazio pittorico. Allo stesso tempo, l'opera si espande in un'altra dimensione in dialogo con l'ambiente circostante.

Curatore: Helen Hirsch, Direttore del Kunstmuseum Thun

Giacomo Santiago Rogado is a Swiss artist with Italian-Spanish roots who combines the most diverse traditions of the painterly medium in his works and intensively explores the possibilities, limits and conditions of contemporary painting with the help of new tools, techniques and materials. In his almost 20 years of artistic activity as a painter, Rogado has created an extensive body of work that has never before been exhibited in an overview. He is also the first artist to exhibit at both locations, the Thunerhof and the Thun Panorama. On a total area of over 1000 m2, Rogado will respond directly to the specific challenges of the exhibition venues. In the glazed extension to the Thun Panorama, he works with both the interior and exterior space, the idyllic Schadaupark. An expansive installation allows visitors to immerse themselves in the pictorial space. At the same time, the work expands into another dimension in dialog with its surroundings.

Curator: Helen Hirsch, Director Kunstmuseum Thun

(Text: Kunstmuseum Thun)

Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
25. April 2024

Rownak Bose im Gespräch mit Barbara Liebster

Licht sammeln / Gathering Light
Rownak Bose

Rownak Bose oder was haben die Quitte und die Camera Obscura gemeinsam

…ihr gelee, in bauchigen gläsern für die dunklen tage, aufgereiht in einem keller von tagen, wo sie leuchteten, leuchten.

Zitat aus einem Gedicht von Jan Wagner

Jan Wagner ist einer der Lieblingsautoren von Rownak Bose, und sein Gedicht quittenpastete aus dem Band Selbstporträt mit Bienenschwarm zählt zu seinen Favoriten.

Die Quitte ist eine geheimnisvolle und archaische Frucht. Eher unansehnlich, unförmig, leicht haarig, hart und abweisend. Aber auch geheimnisvoll und mysteriös. Ihre große Qualität offenbart sich erst, wenn man sich um sie kümmert, sie analysiert und zerkleinert. Sie muss erforscht und nach überlieferten alten Rezepten verarbeitet werden, damit man ihren Geheimnissen auf den Grund kommt. Erst dann wird man sich ihrer Großartigkeit, ihrer Schönheit, ihrer Vielseitigkeit und ihres unnachahmlichen Geschmacks bewusst. In diesem Prozess beginnt sie zu leuchten!

In diesem Kontext offenbart sich eine unerwartete Parallele zur Camera Obscura, die sich für den Laien ebenfalls in verborgenen Wundern verliert. Alles ein wenig weit hergeholt? Ja vielleicht. Aber Tatsache ist, Rownak Bose liebt das Quittengedicht und die Camera Obscura.

Ein simples Lichtloch in einem vollständig abgedunkelten Raum genügt, um die Außenwelt nach innen zu projizieren – ein magischer Prozess, der den Künstler bereits in jungen Jahren faszinierte. Mit selbstgebauten Apparaten erkannte er die Möglichkeit, jenseits der Ästhetik konventioneller Kameras Bilder zu schaffen. So erwachte in ihm der Forscher, der er bis heute geblieben ist.

Seit Jahrzehnten experimentiert der Künstler mit der archaischen Technik der Lochkamera und sammelt mit seinen selbstgebauten Camera Obscuras Licht. Seine Faszination gilt den technischen, historischen und physikalischen Forschungsaspekten seiner Arbeit genauso wie den unberechenbaren. Als magischen Moment bezeichnet er den Prozess, der durch das Zusammentreffen von Licht und fotosensitivem Material in der dunklen Kammer in Gang kommt. Diese Zeitspanne ist nicht steuerbar, in ihr ist kein Konzept wirksam, sondern reine Präsenz. Das Sammeln von Licht wird zu einem Sammeln von Erinnerungen, aus denen sich Identität und Heimat aufbauen.

Rownak Bose ist Künstler, unabhängiger Forscher und Umweltwissenschaftler.

Rownak Bose ou qu'est-ce que le coing et la camera obscura ont en commun ?

...leur gelée, dans des bocaux ventrus pour les jours sombres, alignés dans une cave de jours où ils brillaient, brillaient.

Citation d'un poème de Jan Wagner

Jan Wagner est l'un des auteurs préférés de Rownak Bose, et son poème "Quittenpastete", extrait du recueil Autoportrait avec essaim d'abeilles, compte parmi ses favoris.

Le coing est un fruit mystérieux et archaïque. Plutôt disgracieux, informe, légèrement poilu, dur et repoussant. Mais aussi secret et mystérieux. Sa grande qualité ne se révèle que lorsqu'on en prend soin, qu'on l'analyse et qu'on la broie. Vous devez l'étudier et la travailler selon des recettes ancestrales afin de percer ses secrets. Ce n'est qu'alors que l'on prend conscience de sa grandeur, de sa beauté, de sa diversité et de son goût inimitable. C'est à ce moment-là qu'elle commence à briller !

Dans ce contexte, un parallèle inattendu se révèle avec la Camera Obscura, qui se perd également dans des merveilles cachées pour le profane. Tout cela est un peu tiré par les cheveux ? Oui, peut-être. Mais le fait est que Rownak Bose aime le poème du coing et la Camera Obscura.

Un simple trou de lumière dans une pièce complètement obscurcie suffit à projeter le monde extérieur vers l'intérieur - un processus magique qui a fasciné l'artiste dès son plus jeune âge. Grâce à des appareils qu'il a lui-même construits, il a compris qu'il était possible de créer des visuels au-delà de l'esthétique des caméras conventionnelles. C'est ainsi que s'est éveillé en lui le chercheur qu'il est resté jusqu'à aujourd'hui.

Depuis des décennies, l'artiste expérimente la technique archaïque du sténopé et collecte de la lumière avec ses cameras obscuras qu'il a lui-même construites. Sa fascination s'exerce autant sur les aspects techniques, historiques et physiques de la recherche de son travail que sur les aspects imprévisibles. Il qualifie d'instant magique le processus qui se met en place par la rencontre de la lumière et du matériel photosensible dans la chambre obscure. Ce laps de temps n'est pas contrôlable, aucun concept n'est à l'œuvre en lui, mais une pure présence. La collecte de lumière devient une collecte de souvenirs à partir desquels se construisent l'identité et la patrie.

Rownak Bose est artiste, chercheur indépendant et spécialiste de l'environnement.

Rownak Bose o cosa hanno in comune la mela cotogna e la camera oscura

...la loro gelatina, in bicchieri bulbosi per i giorni bui, allineati in una cantina di giorni, dove brillavano, brillavano.

Citazione da una poesia di Jan Wagner

Jan Wagner è uno degli autori preferiti di Rownak Bose e la sua poesia Paté di mele cotogne, tratta dal volume Autoritratto con sciame d'api, è una delle sue preferite.

La mela cotogna è un frutto misterioso e arcaico. Piuttosto sgradevole, deforme, leggermente peloso, duro e repellente. Ma anche misterioso ed enigmatico. La sua grande qualità si rivela solo quando viene curata, analizzata e schiacciata. Bisogna studiarlo e lavorarlo secondo le antiche ricette tradizionali per arrivare in fondo ai suoi segreti. Solo allora ci si rende conto della sua magnificenza, della sua bellezza, della sua versatilità e del suo sapore inimitabile. In questo processo, inizia a brillare!

In questo contesto, si rivela un inaspettato parallelo con la camera oscura, che si perde in meraviglie nascoste anche per i profani. Tutto un po' inverosimile? Sì, forse. Ma il fatto è che Rownak Bose ama la poesia delle mele cotogne e la camera oscura.

Basta un semplice foro di luce in una stanza completamente buia per proiettare il mondo esterno all'interno: un processo magico che ha affascinato l'artista fin da piccolo. Utilizzando dispositivi autocostruiti, ha riconosciuto la possibilità di creare immagini al di là dell'estetica delle macchine fotografiche convenzionali. Questo ha risvegliato in lui l'esploratore che è rimasto fino ad oggi.

Per decenni l'artista ha sperimentato la tecnica arcaica della macchina fotografica a foro stenopeico e la raccolta della luce con le sue camere oscure autocostruite. Gli aspetti tecnici, storici e di ricerca fisica del suo lavoro lo affascinano tanto quanto l'imprevedibilità. Descrive il processo messo in moto dall'incontro tra luce e materiale fotosensibile nella camera oscura come un momento magico. Questo periodo di tempo non può essere controllato, non è un concetto, ma pura presenza. La collezione di luce diventa una collezione di ricordi da cui si costruiscono l'identità e la casa.

Rownak Bose è un artista, ricercatore indipendente e scienziato ambientale.

Rownak Bose or what do the quince and the camera obscura have in common

…their jelly, in bulbous jars for the dark days, lined up in a cellar of days where they shone, shone.

Quote from a poem by Jan Wagner

Jan Wagner is one of Rownak Bose's favourite authors, and his poem quittenpastete from the volume Selbstporträt mit Bienenschwarm is one of his favourites.

The quince is a mysterious and archaic fruit. Rather unsightly, misshapen, slightly hairy, hard and repellent. But also mysterious and enigmatic. Its great quality is only revealed when it is cared for, analysed and crushed. It must be researched and processed according to traditional old recipes in order to get to the bottom of its secrets. Only then do you realise its magnificence, its beauty, its versatility and its inimitable flavour. In this process, it begins to shine!

In this context, an unexpected parallel to the camera obscura is revealed, which also loses itself in hidden wonders for the layman. All a bit far-fetched? Yes, perhaps. But the fact is, Rownak Bose loves the quince poem and the camera obscura. A simple light hole in a completely darkened room is enough to project the outside world inside - a magical process that fascinated the artist from a young age. Using self-built devices, he recognised the possibility of creating images beyond the aesthetics of conventional cameras. This awakened in him the explorer that he has remained to this day.

For decades, the artist has been experimenting with the archaic technique of the pinhole camera and collecting light with his self-built camera obscuras. He is just as fascinated by the technical, historical and physical research aspects of his work as he is by the unpredictable. He describes the process that is set in motion by the encounter of light and photosensitive material in the dark chamber as a magical moment. This period of time is not controllable, there is no concept at work in it, but pure presence. The collection of light becomes a collection of memories from which identity and home are built.

Rownak Bose is an artist, independent researcher and environmental scientist.

(Text: Galerie & Edition Stephan Witschi, Zürich)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
19. April 2024

Misr — mon Égypte
Denis Dailleux

Die Ägypten-Porträts des vielfach ausgezeichneten französischen Fotografen Denis Dailleux zeichnen sich durch eine einzigartige Hingabe und Empathie aus. Dailleux nähert sich den Menschen und Orten, die er fotografiert, mit großer Diskretion, in der Hoffnung, dass sie sich ihm öffnen mögen, ohne es von ihnen zu erwarten. Das Ergebnis sind malerische, manchmal fast biblisch anmutende Fotografien, die Ort und Zeit transzendieren.

„Das Ägypten des Denis Dailleux entpuppt sich als (…) ein Ort, der das Ewige und das Unaussprechliche birgt“. Christian Lacroix

"Das fotografische Werk von Denis Dailleux ist von einer außerordentlichen Zartheit durchdrungen, erscheint an der Oberfläche ruhig, ist aber unglaublich anspruchsvoll, durchdrungen von Selbstzweifeln und geprägt von der persönlichen Verbundenheit mit den Porträtierten". Christian Caujolle, Gründer der Agentur VU

Denis Dailleux wurde 1958 im französischen Angers geboren. Er hat mehrere Bücher über Ägypten (insbesondere Kairo), seine Eindrücke vom „Arabischen Frühling“ und über Ghana veröffentlicht. Dailleux hat zahlreiche internationale Auszeichnungen erhalten, darunter den Monographies Award 1997, den World Press Photo Award in der Kategorie Porträt 2000, den Prix Hasselblad 2000, den Fujifilm Award 2001, den World Press Photo Award 2014 sowie den Prix Roger Pic 2019. Er ist Mitglied der Agence VU und lebt derzeit in Paris.

Seine Arbeiten sind in zahlreichen institutionellen und privaten Sammlungen vertreten, u.a. in der Collection privée Agnès B., beim Fond National dʼArt Contemporain, in der Maison Européenne de la Photographie und der Collection Neuflize Vie.

Les portraits égyptiens du photographe français Denis Dailleux, maintes fois primé, se distinguent par un dévouement et une empathie unique. Dailleux s'approche des personnes et des lieux qu'il photographie avec une grande discrétion, dans l'espoir qu'ils s'ouvrent à lui sans l'attendre d'eux. Il en résulte des photographies pittoresques, parfois presque bibliques, qui transcendent le lieu et le temps.

"L'Egypte de Denis Dailleux se révèle être (...) un lieu qui recèle l'éternel et l'inexprimable". Christian Lacroix

"L'œuvre photographique de Denis Dailleux est imprégnée d'une extraordinaire délicatesse, elle paraît calme en surface, mais elle est incroyablement exigeante, traversée par le doute de soi et marquée par l'attachement personnel aux sujets". Christian Caujolle, fondateur de l'agence VU

Denis Dailleux est né en 1958 à Angers, en France. Il a publié plusieurs livres sur l'Egypte (en particulier sur Le Caire), sur ses impressions du "printemps arabe" et sur le Ghana. Dailleux a reçu de nombreux prix internationaux, dont le Monographies Award 1997, le World Press Photo Award dans la catégorie Portrait 2000, le Prix Hasselblad 2000, le Fujifilm Award 2001, le World Press Photo Award 2014 et le Prix Roger Pic 2019. Il est membre de l'Agence VU et vit actuellement à Paris.

Son travail est présent dans de nombreuses collections institutionnelles et privées, notamment à la Collection privée Agnès B., au Fond National dʼArt Contemporain, à la Maison Européenne de la Photographie et à la Collection Neuflize Vie.

I ritratti dell'Egitto del pluripremiato fotografo francese Denis Dailleux sono caratterizzati da una dedizione e un'empatia uniche. Dailleux si avvicina alle persone e ai luoghi che fotografa con grande discrezione, nella speranza che si aprano a lui senza aspettarselo. Il risultato sono fotografie pittoresche, a volte quasi bibliche, che trascendono il tempo e il luogo.

"L'Egitto di Denis Dailleux si rivela (...) un luogo che ospita l'eterno e l'inesprimibile". Christian Lacroix

"Il lavoro fotografico di Denis Dailleux è intriso di una straordinaria delicatezza, appare tranquillo in superficie, ma è incredibilmente sofisticato, impregnato di dubbi su sé stesso e caratterizzato da un legame personale con le persone ritratte". Christian Caujolle, fondatore dell'agenzia VU

Denis Dailleux è nato ad Angers, in Francia, nel 1958. Ha pubblicato diversi libri sull'Egitto (in particolare sul Cairo), le sue impressioni sulla "primavera araba" e sul Ghana. Dailleux ha ricevuto numerosi premi internazionali, tra cui il Monographies Award nel 1997, il World Press Photo Award nella categoria ritratti nel 2000, il Prix Hasselblad nel 2000, il Fujifilm Award nel 2001, il World Press Photo Award nel 2014 e il Prix Roger Pic nel 2019. È membro dell'Agence VU e attualmente vive a Parigi.

Il suo lavoro è rappresentato in numerose collezioni istituzionali e private, tra cui la Collection privée Agnès B., il Fond National dʼArt Contemporain, la Maison Européenne de la Photographie e la Collection Neuflize Vie.

The portraits of Egypt by acclaimed French photographer Denis Dailleux are characterised by a unique dedication and empathy. Dailleux approaches the people and places he photographs with great discretion, hoping that they will open up to him without expecting them to. The result is a collection of painterly photographs that transcend time and place.

"The Egypt of Denis Dailleux reveals itself as (...) a place that harbors the eternal and the ineffable." Christian Lacroix

"Imbued with his distinctive delicacy, Denis Dailleux’s photographic work appears calm on the surface, yet is incredibly demanding, run through by an undercurrent of constant self-doubt and propelled by the essential personal bond he develops with those (and that which) he frames with his camera." Christian Caujolle, founder of Agence VU

Denis Dailleux was born in 1958 in Angers, France. He has published several books on Egypt (particularly Cairo), his impressions of the "Arab Spring," and Ghana. Dailleux has received numerous international awards, including the Monographies Award in 1997, the World Press Photo Award in the Portrait category in 2000, the Hasselblad Award in 2000, the Fujifilm Award in 2001, and the World Press Photo Award in 2014 in the Staged Portraits category (2nd place), and the Prix Roger Pic in 2019. He is a member of the Agence VU and currently lives in Paris.

His work is part of numerous institutional and private collections, including the Agnès B. private collection, the Fond National d'Art Contemporain, the Maison Européenne de la Photographie, and the Neuflize Vie collection.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
17. April 2024

Licht sammeln
Rownak Bose

Rownak Bose oder was haben die Quitte und die Camera Obscura gemeinsam

…ihr gelee, in bauchigen gläsern für die dunklen tage, aufgereiht in einem keller von tagen, wo sie leuchteten, leuchten.

Zitat aus einem Gedicht von Jan Wagner

Jan Wagner ist einer der Lieblingsautoren von Rownak Bose, und sein Gedicht quittenpastete aus dem Band Selbstporträt mit Bienenschwarm zählt zu seinen Favoriten.

Die Quitte ist eine geheimnisvolle und archaische Frucht. Eher unansehnlich, unförmig, leicht haarig, hart und abweisend. Aber auch geheimnisvoll und mysteriös. Ihre große Qualität offenbart sich erst, wenn man sich um sie kümmert, sie analysiert und zerkleinert. Sie muss erforscht und nach überlieferten alten Rezepten verarbeitet werden, damit man ihren Geheimnissen auf den Grund kommt. Erst dann wird man sich ihrer Großartigkeit, ihrer Schönheit, ihrer Vielseitigkeit und ihres unnachahmlichen Geschmacks bewusst. In diesem Prozess beginnt sie zu leuchten!

In diesem Kontext offenbart sich eine unerwartete Parallele zur Camera Obscura, die sich für den Laien ebenfalls in verborgenen Wundern verliert. Alles ein wenig weit hergeholt? Ja vielleicht. Aber Tatsache ist, Rownak Bose liebt das Quittengedicht und die Camera Obscura.

Ein simples Lichtloch in einem vollständig abgedunkelten Raum genügt, um die Außenwelt nach innen zu projizieren – ein magischer Prozess, der den Künstler bereits in jungen Jahren faszinierte. Mit selbstgebauten Apparaten erkannte er die Möglichkeit, jenseits der Ästhetik konventioneller Kameras Bilder zu schaffen. So erwachte in ihm der Forscher, der er bis heute geblieben ist.

Seit Jahrzehnten experimentiert der Künstler mit der archaischen Technik der Lochkamera und sammelt mit seinen selbstgebauten Camera Obscuras Licht. Seine Faszination gilt den technischen, historischen und physikalischen Forschungsaspekten seiner Arbeit genauso wie den unberechenbaren. Als magischen Moment bezeichnet er den Prozess, der durch das Zusammentreffen von Licht und fotosensitivem Material in der dunklen Kammer in Gang kommt. Diese Zeitspanne ist nicht steuerbar, in ihr ist kein Konzept wirksam, sondern reine Präsenz. Das Sammeln von Licht wird zu einem Sammeln von Erinnerungen, aus denen sich Identität und Heimat aufbauen.

Rownak Bose ist Künstler, unabhängiger Forscher und Umweltwissenschaftler.

Rownak Bose ou qu'est-ce que le coing et la camera obscura ont en commun ?

...leur gelée, dans des bocaux ventrus pour les jours sombres, alignés dans une cave de jours où ils brillaient, brillaient.

Citation d'un poème de Jan Wagner

Jan Wagner est l'un des auteurs préférés de Rownak Bose, et son poème "Quittenpastete", extrait du recueil Autoportrait avec essaim d'abeilles, compte parmi ses favoris.

Le coing est un fruit mystérieux et archaïque. Plutôt disgracieux, informe, légèrement poilu, dur et repoussant. Mais aussi secret et mystérieux. Sa grande qualité ne se révèle que lorsqu'on en prend soin, qu'on l'analyse et qu'on la broie. Vous devez l'étudier et la travailler selon des recettes ancestrales afin de percer ses secrets. Ce n'est qu'alors que l'on prend conscience de sa grandeur, de sa beauté, de sa diversité et de son goût inimitable. C'est à ce moment-là qu'elle commence à briller !

Dans ce contexte, un parallèle inattendu se révèle avec la Camera Obscura, qui se perd également dans des merveilles cachées pour le profane. Tout cela est un peu tiré par les cheveux ? Oui, peut-être. Mais le fait est que Rownak Bose aime le poème du coing et la Camera Obscura.

Un simple trou de lumière dans une pièce complètement obscurcie suffit à projeter le monde extérieur vers l'intérieur - un processus magique qui a fasciné l'artiste dès son plus jeune âge. Grâce à des appareils qu'il a lui-même construits, il a compris qu'il était possible de créer des visuels au-delà de l'esthétique des caméras conventionnelles. C'est ainsi que s'est éveillé en lui le chercheur qu'il est resté jusqu'à aujourd'hui.

Depuis des décennies, l'artiste expérimente la technique archaïque du sténopé et collecte de la lumière avec ses cameras obscuras qu'il a lui-même construites. Sa fascination s'exerce autant sur les aspects techniques, historiques et physiques de la recherche de son travail que sur les aspects imprévisibles. Il qualifie d'instant magique le processus qui se met en place par la rencontre de la lumière et du matériel photosensible dans la chambre obscure. Ce laps de temps n'est pas contrôlable, aucun concept n'est à l'œuvre en lui, mais une pure présence. La collecte de lumière devient une collecte de souvenirs à partir desquels se construisent l'identité et la patrie.

Rownak Bose est artiste, chercheur indépendant et spécialiste de l'environnement.

Rownak Bose o cosa hanno in comune la mela cotogna e la camera oscura

...la loro gelatina, in bicchieri bulbosi per i giorni bui, allineati in una cantina di giorni, dove brillavano, brillavano.

Citazione da una poesia di Jan Wagner

Jan Wagner è uno degli autori preferiti di Rownak Bose e la sua poesia Paté di mele cotogne, tratta dal volume Autoritratto con sciame d'api, è una delle sue preferite.

La mela cotogna è un frutto misterioso e arcaico. Piuttosto sgradevole, deforme, leggermente peloso, duro e repellente. Ma anche misterioso ed enigmatico. La sua grande qualità si rivela solo quando viene curata, analizzata e schiacciata. Bisogna studiarlo e lavorarlo secondo le antiche ricette tradizionali per arrivare in fondo ai suoi segreti. Solo allora ci si rende conto della sua magnificenza, della sua bellezza, della sua versatilità e del suo sapore inimitabile. In questo processo, inizia a brillare!

In questo contesto, si rivela un inaspettato parallelo con la camera oscura, che si perde in meraviglie nascoste anche per i profani. Tutto un po' inverosimile? Sì, forse. Ma il fatto è che Rownak Bose ama la poesia delle mele cotogne e la camera oscura.

Basta un semplice foro di luce in una stanza completamente buia per proiettare il mondo esterno all'interno: un processo magico che ha affascinato l'artista fin da piccolo. Utilizzando dispositivi autocostruiti, ha riconosciuto la possibilità di creare immagini al di là dell'estetica delle macchine fotografiche convenzionali. Questo ha risvegliato in lui l'esploratore che è rimasto fino ad oggi.

Per decenni l'artista ha sperimentato la tecnica arcaica della macchina fotografica a foro stenopeico e la raccolta della luce con le sue camere oscure autocostruite. Gli aspetti tecnici, storici e di ricerca fisica del suo lavoro lo affascinano tanto quanto l'imprevedibilità. Descrive il processo messo in moto dall'incontro tra luce e materiale fotosensibile nella camera oscura come un momento magico. Questo periodo di tempo non può essere controllato, non è un concetto, ma pura presenza. La collezione di luce diventa una collezione di ricordi da cui si costruiscono l'identità e la casa.

Rownak Bose è un artista, ricercatore indipendente e scienziato ambientale.

Rownak Bose or what do the quince and the camera obscura have in common

…their jelly, in bulbous jars for the dark days, lined up in a cellar of days where they shone, shone.

Quote from a poem by Jan Wagner

Jan Wagner is one of Rownak Bose's favourite authors, and his poem quittenpastete from the volume Selbstporträt mit Bienenschwarm is one of his favourites.

The quince is a mysterious and archaic fruit. Rather unsightly, misshapen, slightly hairy, hard and repellent. But also mysterious and enigmatic. Its great quality is only revealed when it is cared for, analysed and crushed. It must be researched and processed according to traditional old recipes in order to get to the bottom of its secrets. Only then do you realise its magnificence, its beauty, its versatility and its inimitable flavour. In this process, it begins to shine!

In this context, an unexpected parallel to the camera obscura is revealed, which also loses itself in hidden wonders for the layman. All a bit far-fetched? Yes, perhaps. But the fact is, Rownak Bose loves the quince poem and the camera obscura. A simple light hole in a completely darkened room is enough to project the outside world inside - a magical process that fascinated the artist from a young age. Using self-built devices, he recognised the possibility of creating images beyond the aesthetics of conventional cameras. This awakened in him the explorer that he has remained to this day.

For decades, the artist has been experimenting with the archaic technique of the pinhole camera and collecting light with his self-built camera obscuras. He is just as fascinated by the technical, historical and physical research aspects of his work as he is by the unpredictable. He describes the process that is set in motion by the encounter of light and photosensitive material in the dark chamber as a magical moment. This period of time is not controllable, there is no concept at work in it, but pure presence. The collection of light becomes a collection of memories from which identity and home are built.

Rownak Bose is an artist, independent researcher and environmental scientist.

(Text: Galerie & Edition Stephan Witschi, Zürich)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
9. März – 16. Juni 2024

Begrüssung 14 Uhr: Mit Esther Baur, Staatsarchivarin Basel-Stadt, Tilo Richter, Projektleiter Kultur der Christoph Merian Stiftung, Regine Flury, BelleVue

Lichtblick - Fotografien politischer Bewegungen in den 1970ern und heute
Bilder bewegter Zeiten

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung

Die Ausstellung «Lichtblick» macht sichtbar, in welch unterschiedlicher Art politisch-gesellschaftliche Bewegungen der 1970er-Jahre und der Gegenwart in fotografischen Zeugnissen Niederschlag finden. Der Nachlass der Agentur Kurt Graf/fotolib Basel zeigt die vielfältigen Proteste und Bewegungen um 1975 aus deren Innensicht heraus. Im Dialog dazu präsentieren zeitgenössische Fotograf:innen ihre Bilder zu Themen wie Arbeit, Gleichberechtigung, Antimilitarismus, Wohnformen oder Energie/Umwelt.

Der Nachlass Kurt Graf/fotolib Basel ist eine visuelle Dokumentation jener politischen Bewegungen, Ereignisse und Ideen, die in der Schweiz der 1970er-Jahre eine ganze Generation prägten. Ab 1975 dokumentierten Kurt Graf, Heiner Vogelsanger und Marcel Geiger als Fotografen-Kollektiv Widerstand und Protest, Aufbruch und Utopien. Den Ausschlag hatte die Besetzung des AKW-Baugeländes in Kaiseraugst im April 1975 gegeben. Die analogen Schwarz-Weiss-Fotografien entstanden, um das Engagement festzuhalten und weitherum bekannt zu machen.

Historische und zeitgenössische Fotografie im Dialog
Was ist von diesem Aufbruch der 1970er-Jahre übriggeblieben, wie präsentieren sich die einstigen Bewegungen heute, welche Bilder prägen unsere Gegenwart? BelleVue hat verschiedene Fotograf:innen und Organisationen, mehrheitlich aus der Region Basel, gebeten, aktuelle Aufnahmen zu den Themen der Ausstellung beizutragen.

Wie ein Brainstorming von Gedanken sind die grösseren zeitgenössischen Fotografien in der Ausstellung platziert. Eigenständig, eher symbolisch im Ausdruck, beschreiben sie bestimmte Zustände unserer Gesellschaft. Dazugestellt werden kleinere, dokumentarische Bildformate, zu den Themen der Ausstellung passend: Aktionen, Demonstrationen, Projekte, Engagement der Menschen im Kleinen und Grossen für die Sache, die ihnen am Herzen liegt.

Die historischen Bilderreihen erzählen Geschichten und zeugen vom Aufbruch in den verschiedensten Lebensbereichen. In den Reportagen der Zentralwäscherei wird die Mühsal der Arbeit spürbar: Wäscheberge, Fliessbänder, viele Frauen, meist Migrantinnen, die Hand in Hand arbeiten. Dann der Streik und die Solidaritätsveranstaltungen, endlich soll es besser werden!

Der Vergleich von historischen und zeitgenössischen Fotografien zeigt neben Unterschieden auch Gemeinsamkeiten. Viele digital entstandene Aufnahmen von politischen Aktivitäten auf der Strasse beschreiben, wie sich Menschen zusammentun und mit Transparenten ihre Forderungen verkünden. Solche Protestbilder gibt es heute wie damals in schier unüberschaubarer Fülle. Die Fotografie der Gegenwart ist zwar farbig, zuweilen von distanziertem Ausdruck und gut komponiert. Doch immer wieder finden sich auch – wie in den 1970er-Jahren – schnelle Schnappschüsse, die bezeugen sollen: So ist es gewesen, wir waren auch dabei!

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung

L'exposition "Lichtblick" met en évidence les différentes manières dont les mouvements politico-sociaux des années 1970 et d'aujourd'hui se reflètent dans les témoignages photographiques. Le fonds de l'agence Kurt Graf/fotolib Bâle montre les multiples protestations et mouvements autour de 1975 de l'intérieur. Des photographes contemporains y présentent leurs visuels sur des thèmes tels que le travail, l'égalité des droits, l'antimilitarisme, les formes d'habitat ou l'énergie/l'environnement.

Le fonds Kurt Graf/fotolib Bâle est une documentation visuelle des mouvements politiques, des événements et des idées qui ont marqué toute une génération en Suisse dans les années 1970. Dès 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger et Marcel Geiger ont documenté, en tant que collectif de photographes, la résistance et la protestation, le renouveau et les utopies. L'occupation du site de construction de la centrale nucléaire de Kaiseraugst en avril 1975 a été le facteur décisif. Les photographies analogiques en noir et blanc ont été prises pour immortaliser cet engagement et le faire connaître loin à la ronde.

La photographie historique et contemporaine en dialogue
Que reste-t-il de ce renouveau des années 1970, comment les mouvements d'autrefois se présentent-ils aujourd'hui, quels visuels marquent notre présent ? BelleVue a demandé à différents photographes et organisations, pour la plupart de la région bâloise, de contribuer aux thèmes de l'exposition en prenant des photos actuelles.

Les grandes photographies contemporaines sont placées dans l'exposition comme un brainstorming de pensées. Indépendantes, plutôt symboliques dans leur expression, elles décrivent certains états de notre société. Elles sont accompagnées de petits formats d'images documentaires, en rapport avec les thèmes de l'exposition : actions, manifestations, projets, engagement des gens, à petite ou grande échelle, pour la cause qui leur tient à cœur.

Les séries d'images historiques racontent des histoires et témoignent du renouveau dans les domaines les plus divers de la vie. Dans les reportages de la blanchisserie centrale, la pénibilité du travail est palpable : des montagnes de linge, des chaînes de montage, de nombreuses femmes, pour la plupart des migrantes, qui travaillent main dans la main. Puis la grève et les manifestations de solidarité, les choses devraient enfin s'améliorer !

La comparaison entre les photographies historiques et contemporaines montre non seulement des différences, mais aussi des points communs. De nombreuses photos numériques d'activités politiques dans la rue décrivent comment les gens se rassemblent et annoncent leurs revendications avec des banderoles. De telles images de protestation existent aujourd'hui comme hier en quantité presque incalculable. La photographie contemporaine est certes colorée, parfois d'une expression distanciée et bien composée. Mais on trouve aussi régulièrement - comme dans les années 1970 - des instantanés rapides qui doivent témoigner : C'était comme ça, nous y étions aussi !

Une coopération de BelleVue - lieu pour la photographie et des Archives d'État de Bâle-Ville, à l'initiative de la Fondation Christoph Merian.

La mostra "Lichtblick" mostra i diversi modi in cui i movimenti politici e sociali degli anni Settanta e del presente si riflettono nelle testimonianze fotografiche. Il patrimonio dell'agenzia Kurt Graf/fotolib Basel mostra le diverse proteste e i movimenti intorno al 1975 dalla loro prospettiva interna. In dialogo con questi, fotografi contemporanei presentano le loro immagini su temi come il lavoro, la parità di diritti, l'antimilitarismo, le forme abitative e l'energia/ambiente.

Il patrimonio di Kurt Graf/fotolib Basel è una documentazione visiva dei movimenti politici, degli eventi e delle idee che hanno plasmato un'intera generazione in Svizzera negli anni Settanta. Dal 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger e Marcel Geiger hanno documentato la resistenza e la protesta, gli sconvolgimenti e le utopie come collettivo di fotografi. L'occupazione del cantiere della centrale nucleare di Kaiseraugst nell'aprile del 1975 fu il fattore decisivo. Le fotografie analogiche in bianco e nero sono state scattate per registrare l'occupazione e renderla nota a tutti.

Fotografia storica e contemporanea in dialogo
Cosa è rimasto di questo risveglio degli anni Settanta, come si presentano oggi i movimenti di un tempo, quali immagini caratterizzano il nostro presente? BelleVue ha chiesto a diversi fotografi e organizzazioni, soprattutto della regione di Basilea, di contribuire con fotografie attuali ai temi della mostra.

Le fotografie contemporanee più grandi sono disposte nella mostra come una sessione di brainstorming di idee. Indipendenti, dall'espressione piuttosto simbolica, descrivono alcune condizioni della nostra società. Sono accompagnate da immagini più piccole, di tipo documentario, che corrispondono ai temi della mostra: azioni, dimostrazioni, progetti, impegno delle persone su piccola e grande scala per la causa che sta loro a cuore.

Le serie storiche di immagini raccontano storie e testimoniano nuovi inizi nei più diversi ambiti della vita. Nei reportage sulla lavanderia centrale, la natura faticosa del lavoro diventa tangibile: montagne di biancheria, nastri trasportatori, molte donne, per lo più migranti, che lavorano mano nella mano. Poi lo sciopero e le manifestazioni di solidarietà, finalmente le cose dovrebbero migliorare!

Un confronto tra fotografie storiche e contemporanee rivela somiglianze e differenze. Molte immagini digitali di attività politiche in strada ritraggono persone che si riuniscono e proclamano le loro richieste con striscioni. Oggi come allora c'è un'abbondanza quasi ingestibile di immagini di protesta di questo tipo. La fotografia contemporanea è colorata, a volte con un'espressione distanziata e ben composta. Ma di tanto in tanto, come negli anni Settanta, ci sono anche istantanee veloci che vogliono essere una testimonianza: Così è stato, c'eravamo anche noi!

Una collaborazione tra BelleVue - Place for Photography e l'Archivio di Stato di Basilea Città, su iniziativa della Fondazione Christoph Merian.

The "Lichtblick" exhibition reveals the different ways in which political and social movements of the 1970s and the present are reflected in photographic evidence. The estate of the Kurt Graf/fotolib Basel agency shows the diverse protests and movements around 1975 from their internal perspective. In dialog with this, contemporary photographers present their visuals on topics such as work, equality, anti-militarism, forms of housing or energy/environment.

The Kurt Graf/fotolib Basel estate is a visual documentation of the political movements, events and ideas that shaped an entire generation in Switzerland in the 1970s. From 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger and Marcel Geiger documented resistance and protest, upheaval and utopias as a photographer collective. The occupation of the nuclear power plant construction site in Kaiseraugst in April 1975 was the decisive factor. The analog black-and-white photographs were taken to record the occupation and make it known far and wide.

Historical and contemporary photography in dialog
What remains of this 1970s awakening, how do the former movements present themselves today, what visuals shape our present? BelleVue asked various photographers and organizations, mostly from the Basel region, to contribute current photographs to the exhibition's themes.

The larger contemporary photographs are placed in the exhibition like a brainstorming session of ideas. Independent, rather symbolic in expression, they describe certain conditions in our society. They are accompanied by smaller, documentary image formats that match the themes of the exhibition: actions, demonstrations, projects, people's commitment on a small and large scale to the cause that is close to their hearts.

The historical series of pictures tell stories and bear witness to new beginnings in the most diverse areas of life. In the reports on the central laundry, the toil of the work becomes tangible: mountains of laundry, conveyor belts, many women, mostly migrants, working hand in hand. Then the strike and the solidarity events, finally things are supposed to get better!

A comparison of historical and contemporary photographs reveals similarities as well as differences. Many digitally produced images of political activities on the street describe people coming together and proclaiming their demands with banners. There is an almost unmanageable abundance of such protest images today as there was back then. Contemporary photography is colorful, sometimes with a distanced expression and well composed. But time and again - as in the 1970s - there are also quick snapshots that are intended to bear witness: That's how it was, we were there too!

A cooperation between BelleVue - Place for Photography and the Basel-Stadt State Archives, on the initiative of the Christoph Merian Foundation

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
7. März 2024

Eco
Ester Vonplon

Lässt sich Schnee festhalten? Mit blossen Händen ist das kaum möglich. Die zarten Kristalle lösen sich in der warmen Hand auf und das zurückbleibende Wasser rinnt unaufhaltsam durch die Finger. Aus den Fotografien von Ester Vonplon schimmert stets eine gewisse Wehmut, die sich mit dem Verschwinden auseinandersetzt. Im Jahr 2014 betitelt sie eine Serie von Aufnahmen mit der melancholischen Frage: «Wohin geht all das Weiss, wenn der Schnee schmilzt».

Können wir die Zeit, den Lauf des Universums, aufhalten? Die Erde, unseren Lebensraum – können wir sie bewahren? «Wie viel Zeit bleibt der Endlichkeit», fragt die Künstlerin im Jahr 2016. Ester Vonplon reflektiert in ihren Fotoarbeiten die Essenz ihrer Technik, die Susan Sontag am treffendsten beschrieben hat: «Jede Fotografie ist eine Art memento mori. Fotografieren bedeutet teilnehmen an der Sterblichkeit, Verletzlichkeit und Wandelbarkeit anderer Menschen (oder Dinge)» (1977).

Mit dieser Zartheit des Festhalten-Wollens folgt Esther Vonplon der Natur, dem Schnee und dem Wald mit Kameras, die unterschiedliche Bildformate und Ausschnitte zulassen. Die Polaroid-Technik ermöglicht die Belichtung eines Papiers mit einer speziellen Fotoemulsion, auf dem bereits nach wenigen Sekunden ein Abdruck der Wirklichkeit erscheint. Das relativ sensible Filmmaterial reagiert dabei auf die vielfältigen Einflüsse der freien Natur – Feuchtigkeit oder unterschiedliche Temperaturen – und lässt Farbveränderungen oder kleine Risse in der Oberfläche entstehen.

Vonplon führt ihre Kameralinse entlang der faszinierenden Spuren von Schnee und Eis. Seien es die sanften Formen der Steine unter der Schneedecke, ähnlich kleiner Hügellandschaften, oder die geheimnisvollen eingeschlossene Luftblasen, Risse und Rillen. Auf beeindruckende Weise gelingt es ihr, eine Art Fotogramm von Schneeflocken zu erzeugen und verwandelt das Fotopapier in ein letztes Zeugnis des Schnees. Dabei oszilliert Vonplon zwischen filigranen Details wie Eiskristallen, Pflanzen oder Wassertropfen und majestätischen Eisbrüchen, Gletschern oder endlosen Weite des Himmels. Während die Aufnahmen des tief verschneiten Waldes unweit ihres Wohnortes Castrisch im Tal des Vorderrheins eine beinahe intime Nähe vermitteln und das Gefühl des Eingeschlossen-Seins hervorrufen, entfalten ihre Filmaufnahmen der arktischen Gletscher eine fast überwältigende Weite. Das Eis strahlt in seiner Leuchtkraft, Transparenz und zarten Anmut, das Licht erscheint magisch und surreal. Vonplon verleiht dem Licht eine besondere Bedeutung, wenn sie von den für unsere Augen aussergewöhnlichen Lichtwirkungen berichtet, die sie auf ihrer Arktisreise erlebt hat.

In Vonplons Fotografien erscheint die Natur wie durch einen Filter betrachtet, als stamme das Bild aus einer anderen Zeit oder aus einem Traum. Sind sie tatsächlich ein Abdruck der Wirklichkeit? Oder vielmehr nur ein Nachhall, ein Echo? Ein Gefühl einer Zwischenwelt entsteht, in der die Landschaft ihre greifbare Substanz zu verlieren scheint, vor unseren Augen verschwindet und sich auflöst wie der zarte Schnee in unserer Hand. Die Bilder sprechen von Verlust und zeigen uns das, was wir zu verlieren drohen.

Peut-on tenir la neige ? Ce n'est guère possible à mains nues. Les cristaux délicats se dissolvent dans la chaleur de la main et l'eau qui reste s'écoule inexorablement entre les doigts. Une certaine nostalgie transparaît toujours des photographies d'Ester Vonplon, qui se confronte à la disparition. En 2014, elle intitule une série de clichés de la question mélancolique suivante : "Où va tout ce blanc lorsque la neige fond".

Pouvons-nous arrêter le temps, le cours de l'univers ? La Terre, notre espace vital - pouvons-nous la préserver ? "Combien de temps reste-t-il à la finitude ?", s'interroge l'artiste en 2016. Ester Vonplon reflète dans ses travaux photographiques l'essence de sa technique, que Susan Sontag a décrite de la manière la plus pertinente : "Chaque photographie est une sorte de memento mori. Photographier, c'est participer à la mortalité, à la vulnérabilité et à la mutabilité d'autres personnes (ou choses)" (1977).

C'est avec cette délicatesse de vouloir retenir qu'Esther Vonplon suit la nature, la neige et la forêt avec des appareils photo qui permettent différents formats d'image et de cadrage. La technique du polaroïd permet d'exposer un papier avec une émulsion photographique spéciale, sur lequel une empreinte de la réalité apparaît déjà après quelques secondes. Le matériau du film, relativement sensible, réagit alors aux multiples influences de la nature libre - humidité ou températures différentes - et fait apparaître des changements de couleur ou de petites fissures à la surface.

Vonplon guide l'objectif de sa caméra le long des traces fascinantes laissées par la neige et la glace. Qu'il s'agisse des formes douces des pierres sous la couche de neige, semblables à de petits paysages vallonnés, ou des mystérieuses bulles d'air emprisonnées, des fissures et des rainures. De manière impressionnante, elle parvient à créer une sorte de photogramme de flocons de neige et transforme le papier photo en un dernier témoignage de la neige. Vonplon oscille entre des détails filigranes tels que des cristaux de glace, des plantes ou des gouttes d'eau et de majestueuses carrières de glace, des glaciers ou l'immensité du ciel. Alors que les prises de vue de la forêt profondément enneigée non loin de son domicile de Castrisch, dans la vallée du Rhin antérieur, donnent une impression de proximité presque intime et suscitent un sentiment d'enfermement, ses films sur les glaciers arctiques déploient une immensité presque écrasante. La glace rayonne de sa luminosité, de sa transparence et de sa grâce délicate, la lumière semble magique et surréaliste. Vonplon confère à la lumière une signification particulière lorsqu'elle évoque les effets lumineux extraordinaires pour nos yeux qu'elle a vécus lors de son voyage en Arctique.

Dans les photographies de Vonplon, la nature semble être vue à travers un filtre, comme si l'image provenait d'une autre époque ou d'un rêve. Sont-elles vraiment l'empreinte de la réalité ? Ou plutôt une réverbération, un écho ? Un sentiment d'entre-deux se dégage, où le paysage semble perdre sa substance tangible, disparaître sous nos yeux et se dissoudre comme la neige fragile dans notre main. Les images parlent de perte et nous montrent ce que nous risquons de perdre.

Riesci ad aggrapparti alla neve? È difficilmente possibile a mani nude. I delicati cristalli si dissolvono nella mano calda e l'acqua rimanente scorre inesorabilmente tra le dita. Le fotografie di Ester Vonplon sono sempre caratterizzate da una certa malinconia che ha a che fare con la scomparsa. Nel 2014 ha intitolato una serie di fotografie con una domanda malinconica: "Dove va tutto il bianco quando la neve si scioglie".

Possiamo fermare il tempo, il corso dell'universo? La terra, il nostro habitat, può essere preservato? "Nelle sue opere fotografiche, Ester Vonplon riflette l'essenza della sua tecnica, che Susan Sontag ha descritto nel modo più appropriato: "Ogni fotografia è una sorta di memento mori. Fotografare è partecipare alla mortalità, alla vulnerabilità e alla mutevolezza di altre persone (o cose)" (1977).

Con questa tenerezza di voler catturare, Esther Vonplon segue la natura, la neve e la foresta con macchine fotografiche che consentono diversi formati e sezioni di immagine. La tecnica Polaroid permette di esporre una carta con una speciale emulsione fotografica, sulla quale appare un'impronta della realtà dopo pochi secondi. Il materiale della pellicola, relativamente sensibile, reagisce alle varie influenze della natura - umidità o temperature diverse - e provoca cambiamenti di colore o piccole crepe sulla superficie.

Vonplon guida il suo obiettivo lungo le affascinanti tracce di neve e ghiaccio. Che si tratti delle forme dolci delle pietre sotto il manto nevoso, simili a piccoli paesaggi collinari, o delle misteriose bolle d'aria intrappolate, delle crepe e delle scanalature. In modo impressionante, riesce a creare una sorta di fotogramma di fiocchi di neve e trasforma la carta fotografica in una testimonianza finale della neve. Vonplon oscilla tra dettagli delicati come cristalli di ghiaccio, piante o gocce d'acqua e maestose cascate di ghiaccio, ghiacciai o l'infinita distesa del cielo. Mentre gli scatti della foresta innevata non lontano dalla sua casa di Castrisch, nella valle del Reno anteriore, trasmettono una vicinanza quasi intima ed evocano la sensazione di essere racchiusi, le sue riprese dei ghiacciai artici dispiegano una vastità quasi opprimente. Il ghiaccio risplende nella sua luminosità, trasparenza e grazia delicata, la luce appare magica e surreale. Vonplon dà alla luce un significato speciale quando racconta gli straordinari effetti della luce che ha sperimentato durante il suo viaggio nell'Artico.

Nelle fotografie di Vonplon, la natura appare come vista attraverso un filtro, come se l'immagine provenisse da un altro tempo o da un sogno. Sono davvero un'impronta della realtà? O sono solo un riverbero, un'eco? Si ha la sensazione di un mondo intermedio in cui il paesaggio sembra perdere la sua sostanza tangibile, scomparendo davanti ai nostri occhi e dissolvendosi come la neve delicata nelle nostre mani. Le immagini parlano di perdita e ci mostrano ciò che rischiamo di perdere.

Can you hold on to snow? It's hardly possible with bare hands. The delicate crystals dissolve in the warm hand and the remaining water runs inexorably through the fingers. Ester Vonplon's photographs are characterised by a certain melancholy that deals with disappearance. In 2014, she titled a series of photographs with the melancholy question: "Where does all the white go when the snow melts".

Can we stop time, the course of the universe? The earth, our habitat - can we preserve it? "How much time is left for finiteness?" asks the artist in 2016. In her photographic works, Ester Vonplon reflects the essence of her technique, which Susan Sontag described most aptly: "Every photograph is a kind of memento mori. To photograph is to participate in the mortality, vulnerability and mutability of other people (or things)" (1977).

With this tenderness of wanting to capture, Esther Vonplon follows nature, the snow and the forest with cameras that allow different image formats and sections. The Polaroid technique makes it possible to expose a paper with a special photo emulsion on which an imprint of reality appears after just a few seconds. The relatively sensitive film material reacts to the various influences of nature - moisture or different temperatures - and causes colour changes or small cracks in the surface.

Vonplon guides her camera lens along the fascinating traces of snow and ice. Be it the soft shapes of the stones under the snow cover, similar to small hilly landscapes, or the mysterious trapped air bubbles, cracks and grooves. In an impressive way, she succeeds in creating a kind of photogram of snowflakes and transforms the photographic paper into a final testimony to the snow. Vonplon oscillates between delicate details such as ice crystals, plants or water droplets and majestic icefalls, glaciers or the endless expanse of the sky. While the shots of the snow-covered forest not far from her home in Castrisch in the Vorderrhein valley convey an almost intimate closeness and evoke the feeling of being enclosed, her film shots of the Arctic glaciers unfold an almost overwhelming vastness. The ice shines in its luminosity, transparency and delicate grace, the light appears magical and surreal. Vonplon gives light a special meaning when she reports on the extraordinary effects of light that she experienced on her Arctic journey.

In Vonplon's photographs, nature appears as if viewed through a filter, as if the image comes from another time or from a dream. Are they really an imprint of reality? Or are they merely a reverberation, an echo? A feeling of an intermediate world arises in which the landscape seems to lose its tangible substance, disappearing before our eyes and dissolving like the delicate snow in our hands. The images speak of loss and show us what we are in danger of losing.

(Text: Tanja Warring)

Kunstmuseum Luzern
23. Februar 2024

Subjective Evidence
Barbara Probst

Der Ausstellungstitel Subjective Evidence (subjektiver Beweis) verweist bereits aufs Grundthema: Wo stehst du? Was siehst du? Aus welcher Richtung kommst du? Wohin blickst du? Barbara Probst (*1964) zeigt nie eine einzelne Fotografie, sondern stets multiperspektivische Serien. Ihre kleinsten Werkgruppen bestehen aus zwei Bildern. In Doppelporträts zeigt die Künstlerin in zwei Fotografien jeweils zwei Personen. Beiläufig betrachtet könnten die Fotografien fast als identisch durchgehen, aber falsch: Auf dem linken Bild blickt die eine Person in die Kamera, die andere an der Kamera vorbei; auf dem rechten Bild verhält es sich genau umgekehrt. Diese minimale Verschiebung irritiert, lässt innehalten und macht das Sehen als bewussten Vorgang erlebbar.

In thematischen Kapiteln wie «Performance», «Landschaft», «Stillleben» oder «Mode» zeigt Barbara Probst Werkgruppen aus über 20 Jahren. Zahlreiche Arbeiten sind in Luzern das erste Mal zu sehen. In den leeren Ausstellungsräumen des Kunstmuseums Luzern realisierte die Künstlerin zudem ein neues Werk.

Kuratiert von Fanni Fetzer

In Kooperation mit Sprengel Museum, Hannover, und FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

Le titre de l'exposition, Subjective Evidence (preuve subjective), renvoie déjà au thème de base : où te situes-tu ? Que vois-tu ? De quelle direction viens-tu ? Où regardes-tu ? Barbara Probst (*1964) ne montre jamais une seule photographie, mais toujours des séries multiperspectives. Ses plus petits groupes d'œuvres se composent de deux visuels. Dans des portraits doubles, l'artiste montre deux personnes dans deux photographies. En les regardant avec désinvolture, les photographies pourraient presque passer pour identiques, mais fausses : sur le visuel de gauche, l'une des personnes regarde l'appareil photo, l'autre passe devant ; sur le visuel de droite, c'est exactement l'inverse. Ce décalage minime irrite, fait marquer un temps d'arrêt et permet de vivre la vision comme un processus conscient.

Dans des chapitres thématiques comme "Performance", "Paysage", "Nature morte" ou "Mode", Barbara Probst présente des groupes d'œuvres de plus de 20 ans. De nombreux travaux sont présentés pour la première fois à Lucerne. L'artiste a en outre réalisé une nouvelle œuvre dans les salles d'exposition vides du Kunstmuseum Luzern.

Organisé par Fanni Fetzer

En coopération avec le Sprengel Museum, Hanovre, et FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

Il titolo della mostra Subjective Evidence fa già riferimento al tema di base: Where do you stand? Cosa vedi? Da quale direzione provieni? Dove stai guardando? Barbara Probst (*1964) non espone mai una sola fotografia, ma sempre serie multiprospettiche. I suoi gruppi di opere più piccoli sono composti da due immagini. Nei doppi ritratti, l'artista mostra due persone in due fotografie. Osservate casualmente, le fotografie potrebbero quasi passare per identiche, ma in modo errato: nell'immagine di sinistra, una persona guarda verso la macchina fotografica, l'altra oltre la macchina fotografica; nell'immagine di destra, è il contrario. Questo minimo spostamento è sconcertante, ci fa soffermare e ci permette di sperimentare la visione come un processo consapevole.

In capitoli tematici come "Performance", "Paesaggio", "Natura morta" o "Moda", Barbara Probst presenta gruppi di opere di oltre 20 anni. Numerose opere vengono esposte per la prima volta a Lucerna. L'artista ha inoltre realizzato un nuovo lavoro nelle sale espositive vuote del Kunstmuseum Luzern.

A cura di Fanni Fetzer

In collaborazione con lo Sprengel Museum di Hannover e FotoFocus del Contemporary Arts Center di Cincinnati.

The exhibition title Subjective Evidence already points to the basic theme: Where do you stand? What do you see? Where are you coming from? What are you looking at? Barbara Probst (*1964) never

shows a single photograph, but always multi-perspectival series. Her smallest work groups consist of two images. In her double portraits the artist shows two people each in two photographs. Looked at casually, the photographs could be regarded as identical. But this is not so: in the left image, one person looks at the camera, the other looks past it; in the right image, the persons behave the other way round. This minimal shift intrigues us, causing us to pause for thought and making us aware of sight as a conscious process.

In thematic chapters entitled “Performance”, “Landscape”, “Still Life” or “Fashion”, Barbara Probst shows work groups from over 20 years. Many photographs are being shown in Lucerne for the first time. What is more, the artist realises a new work in the empty exhibition rooms of the Kunstmuseum Luzern.

Curated by Fanni Fetzer

In cooperation with Sprengel Museum, Hannover, und FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

(Text: Kunstmuseum Luzern)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
10. Dezember 2023

Art Tour mit Marco Frauchiger und Roland Schmid

Morgennebel
Marco Frauchiger, Roland Schmid

Wie sprechen über Krieg in Zeiten des Krieges? Soll oder darf man das: Bilder zeigen aus vergangenen Kriegen angesichts der Überwältigung durch Bilder aus den gegenwärtigen Kriegen? Aber die Zeit des Krieges ist nicht heute, nicht damals: Krieg ist immer – oder immer wieder, und er bleibt: Er prägt die Erinnerung und das Handeln; er hinterlässt seine Spuren in der Landschaft und in den Körpern der Menschen, die einen Umgang finden müssen mit seinen Konsequenzen – über Generationen hinweg.

Die Ausstellung des Berner Fotografen und Künstlers Marco Frauchiger und des Basler Fotografen Roland Schmid vereint zwei Sichtweisen auf die bis heute in den betroffenen Ländern erleb- und sichtbaren Auswirkungen des von 1955 bis 1975 dauernden Vietnamkrieges.

Um die Versorgungsrouten für den Vietcong in Laos zu zerstören, warf der US-Geheimdienst in einem geheimen Krieg über zwei Millionen Tonnen Bomben über dem Land ab; das sind mehr als alle eingesetzten Bomben im Zweiten Weltkrieg zusammen. In der Ausstellung sind Bilder zu sehen, die der Werkreihe «How to dismantle a bomb» entstammen, einem Langzeitprojekt, in dem Frauchiger zeigt, wie die Bevölkerung in Laos mit dem Erbe dieses Krieges umgeht. Die Arbeiten, entstanden in Zusammenarbeit und im Dialog mit den Menschen vor Ort, offenbaren eine künstlerische Strategie, die gängige Erzählweisen fotografischer Bilder und das Wirklichkeitsversprechen der Kriegsberichterstattung hinterfragt.

Seit Ende der 90er-Jahre bereist Roland Schmid auf Einladung des Schweizer Journalisten Peter Jaeggi Vietnam. In seinen Bildreihen thematisiert Schmid die Folgen des massiven Einsatzes von Herbiziden, v. a. von Agent Orange, durch die USA und ihre Verbündeten während des Krieges. Auch fast 50 Jahre danach finden sich noch Spuren des in Agent Orange enthaltenen Dioxins in der Nahrungskette; ebenso verheerend wirkt sich die Vererbung des durch Agent Orange geschädigten Genoms von einem Elternteil auf nachfolgende Generationen aus. Beides hat zur Folge, dass bis heute in Vietnam Kinder geboren werden, die unter Krankheiten und schweren Missbildungen leiden. Roland Schmids dokumentarischen Bildern inhärent ist eine aufklärerische Absicht, die aber auch immer – dies ganz in der Tradition einer «humanistischen» Fotografie – auf die Würde des Menschen abzielt.

Comment parler de la guerre en temps de guerre ? Doit-on ou peut-on le faire : montrer des images de guerres passées face à l'accablement d'images de guerres actuelles ? Mais le temps de la guerre n'est pas d'aujourd'hui, ni d'hier : la guerre est toujours - ou encore et encore - et elle reste : Elle marque la mémoire et l'action ; elle laisse ses traces dans le paysage et dans le corps des hommes, qui doivent trouver un moyen de gérer ses conséquences - au fil des générations.

L'exposition du photographe et artiste bernois Marco Frauchiger et du photographe bâlois Roland Schmid réunit deux points de vue sur les conséquences de la guerre du Vietnam, qui a duré de 1955 à 1975, et qui sont encore visibles aujourd'hui dans les pays concernés.

Afin de détruire les routes d'approvisionnement du Viêt-Cong au Laos, les services secrets américains ont largué plus de deux millions de tonnes de bombes sur le pays dans le cadre d'une guerre secrète ; c'est plus que toutes les bombes utilisées pendant la Seconde Guerre mondiale réunies. L'exposition présente des images issues de la série d'œuvres "How to dismantle a bomb", un projet à long terme dans lequel Frauchiger montre comment la population du Laos gère l'héritage de cette guerre. Les travaux, réalisés en collaboration et en dialogue avec les gens sur place, révèlent une stratégie artistique qui remet en question les modes de narration courants des images photographiques et la promesse de réalité des reportages de guerre.

Depuis la fin des années 90, Roland Schmid se rend au Vietnam à l'invitation du journaliste suisse Peter Jaeggi. Dans ses séries d'images, Schmid thématise les conséquences de l'utilisation massive d'herbicides, en particulier de l'agent orange, par les États-Unis et leurs alliés pendant la guerre. Près de 50 ans plus tard, on trouve encore des traces de la dioxine contenue dans l'agent orange dans la chaîne alimentaire ; la transmission du génome endommagé par l'agent orange d'un parent aux générations suivantes a également des effets dévastateurs. Ces deux facteurs ont pour conséquence qu'aujourd'hui encore, des enfants naissent au Vietnam et souffrent de maladies et de graves malformations. Les images documentaires de Roland Schmid ont une intention éclairante, mais elles visent aussi toujours - dans la tradition d'une photographie "humaniste" - la dignité de l'être humain.

Come parlare di guerra in tempo di guerra? Si devono o si possono: mostrare immagini di guerre passate di fronte alla sopraffazione di immagini di guerre presenti? Ma il tempo della guerra non è oggi, non è allora: la guerra è sempre - o sempre di nuovo, e rimane: Dà forma alla memoria e all'azione; lascia le sue tracce nel paesaggio e nei corpi delle persone che devono trovare un modo per affrontare le sue conseguenze - per generazioni.

La mostra del fotografo e artista bernese Marco Frauchiger e del fotografo basilese Roland Schmid unisce due prospettive sugli effetti della guerra del Vietnam, durata dal 1955 al 1975, che possono essere vissuti e visti ancora oggi nei Paesi colpiti.

Per distruggere le vie di rifornimento dei Vietcong in Laos, i servizi segreti statunitensi sganciarono più di due milioni di tonnellate di bombe sul Paese in una guerra segreta; una quantità superiore a tutte le bombe utilizzate nella Seconda Guerra Mondiale messe insieme. La mostra presenta immagini della serie "How to dismantle a bomb", un progetto a lungo termine in cui Frauchiger mostra come la popolazione del Laos affronta l'eredità di questa guerra. Le opere, create in collaborazione e in dialogo con le persone sul posto, rivelano una strategia artistica che mette in discussione le comuni modalità narrative delle immagini fotografiche e la promessa di realtà nel reportage di guerra.

Dalla fine degli anni '90, Roland Schmid si è recato in Vietnam su invito del giornalista svizzero Peter Jaeggi. Nella sua serie di immagini, Schmid affronta le conseguenze dell'uso massiccio di erbicidi, in particolare dell'Agente Arancio, da parte degli Stati Uniti e dei loro alleati durante la guerra. Anche a distanza di quasi 50 anni, tracce della diossina contenuta nell'Agente Arancio si trovano ancora nella catena alimentare; l'ereditarietà del genoma danneggiato dall'Agente Arancio da un genitore alle generazioni successive ha un effetto altrettanto devastante. Il risultato di entrambi è che ancora oggi in Vietnam nascono bambini affetti da malattie e gravi deformità. Nelle immagini documentarie di Roland Schmid è insito un intento illuminante che, tuttavia, mira sempre anche alla dignità dell'essere umano, nel pieno rispetto della tradizione della fotografia "umanistica".

How to talk about war in times of war? Should or may one: show images from past wars in the face of being overwhelmed by images from present wars? But the time of war is not today, not then: war is always - or again and again, and it remains: It shapes memory and action; it leaves its traces in the landscape and in the bodies of people who have to find a way to deal with its consequences - over generations.

The exhibition by Bernese photographer and artist Marco Frauchiger and Basel-based photographer Roland Schmid combines two perspectives on the effects of the Vietnam War, which lasted from 1955 to 1975 and can still be experienced and seen today in the countries affected.

To destroy supply routes for the Viet Cong in Laos, U.S. intelligence dropped more than two million tons of bombs over the country in a secret war; more than all the bombs used in World War II combined. The exhibition features images taken from the series of works "How to dismantle a bomb," a long-term project in which Frauchiger shows how the people of Laos deal with the legacy of that war. The works, created in collaboration and dialogue with the people on the ground, reveal an artistic strategy that questions common narrative modes of photographic images and the promise of reality in war reporting.

Since the late 1990s, Roland Schmid has travelled to Vietnam at the invitation of Swiss journalist Peter Jaeggi. In his series of images, Schmid addresses the consequences of the massive use of herbicides, especially Agent Orange, by the USA and its allies during the war. Even almost 50 years later, traces of the dioxin contained in Agent Orange can still be found in the food chain; the inheritance of the genome damaged by Agent Orange from one parent to subsequent generations has an equally devastating effect. As a result, children are still being born in Vietnam today suffering from diseases and severe deformities. Inherent in Roland Schmid's documentary images is an enlightening intention, which also always - in the tradition of "humanistic" photography - aims at the dignity of the human being.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

digitalEvent
9. Dezember 2023

Keynote Vorträge
John-Oliver Dum, Makrofotograf
Stefan Forster, Landschaftsfotograf und Videofilmer
Alex Kühni, Fotojournalist
Vincent Peters, Porträt-, Mode- und Beautyfotograf

Tickets

digitalEVENT gilt als wichtigster eintägiger Fotoevent der Schweiz und zieht Fotografen, Videofilmer und Kreative aus dem Grossraum Zürich/Aargau und darüber hinaus an. Mit über 20 Ausstellern, die ihre neusten Produkte aus den Bereichen Foto und Video präsentieren, darunter Kameras, Objektive und Zubehör, ist dies eine unschätzbare Gelegenheit, die neusten Innovationen der Branche aus erster Hand zu erleben. Darüber hinaus bieten Schulungsanbieter Einblicke in ihre neuesten Lerninhalte und Fotoreisen, um Wissen und Fähigkeiten zu erweitern.

Ein besonderes Highlight ist das vielfältige Bildungsangebot des digitalEVENT mit über 40 Vorträgen und Seminaren renommierter Fotografen. Diese Gelegenheit, den fotografischen Horizont zu erweitern und neue Fähigkeiten zu erlernen, ist für Profis und Amateure gleichermaßen von unschätzbarem Wert.

Abgerundet wird die Veranstaltung durch vier fesselnde Keynote-Präsentationen auf einer großen Bühne mit beeindruckender 12-Meter-Leinwand und 4K-Projektion.

Die Keynote-Präsentationen versprechen faszinierende Einblicke in die Welt der Fotografie und werden mit Sicherheit inspirieren.

Ein besonderer Service des digitalEVENTs ist die kostenpflichtige Sensorreinigung für Kameras von Canon, Fujifilm, Nikon und Sony, die von Experten vor Ort durchgeführt wird.

Der digitalEVENT ist der Ort, an dem sich die Foto-Community trifft, um ihre Leidenschaft zu teilen, neue Fähigkeiten zu erlernen und sich von den Besten der Branche inspirieren zu lassen. Wir laden Sie herzlich ein, an diesem spannenden Event teilzunehmen und die Magie der Fotografie zu erleben.

digitalEVENT est considéré comme l'événement photo d'une journée le plus important de Suisse et attire des photographes, des vidéastes et des créatifs de la grande région de Zurich/Argovie et au-delà. Avec plus de 20 exposants présentant leurs derniers produits dans les domaines de la photo et de la vidéo, dont des appareils photo, des objectifs et des accessoires, c'est une occasion inestimable de découvrir de première main les dernières innovations du secteur. En outre, des prestataires de formation proposeront des aperçus de leurs derniers contenus d'apprentissage et des voyages photographiques afin d'élargir les connaissances et les compétences.

Un point fort particulier est l'offre de formation variée du digitalEVENT avec plus de 40 conférences et séminaires de photographes renommés. Cette opportunité d'élargir ses horizons photographiques et d'acquérir de nouvelles compétences est inestimable pour les professionnels comme pour les amateurs.

L'événement sera complété par quatre présentations keynote captivantes sur une grande scène dotée d'un impressionnant écran de 12 mètres et d'une projection 4K.

Ces présentations promettent de donner un aperçu fascinant du monde de la photographie et ne manqueront pas d'inspirer les participants.

Un service particulier du digitalEVENT est le nettoyage payant des capteurs des appareils photo Canon, Fujifilm, Nikon et Sony, qui sera effectué sur place par des experts.

Le digitalEVENT est l'endroit où la communauté photo se réunit pour partager sa passion, apprendre de nouvelles compétences et s'inspirer des meilleurs de la branche. Nous vous invitons à participer à cet événement passionnant et à vivre la magie de la photographie.

digitalEVENT è riconosciuto come il più importante evento fotografico di un giorno in Svizzera e attira fotografi, videografi e creativi dall'area di Zurigo/Argovia e non solo. Con oltre 20 espositori che presentano i loro ultimi prodotti fotografici e video, tra cui fotocamere, obiettivi e accessori, è un'occasione preziosa per toccare con mano le ultime innovazioni del settore. Inoltre, i fornitori di formazione offriranno approfondimenti sui loro ultimi contenuti didattici e sui viaggi fotografici per migliorare le conoscenze e le competenze.

Un punto di forza particolare è il programma didattico di digitalEVENT, con oltre 40 conferenze e seminari tenuti da fotografi di fama. Questa opportunità di ampliare gli orizzonti fotografici e di apprendere nuove competenze è preziosa sia per i professionisti che per i dilettanti.

L'evento sarà completato da quattro accattivanti presentazioni chiave su un grande palco con un impressionante schermo di 12 metri e proiezione 4K.

Le presentazioni promettono approfondimenti affascinanti sul mondo della fotografia e sono sicuramente fonte di ispirazione.

Un servizio speciale del digitalEVENT è la pulizia dei sensori delle fotocamere Canon, Fujifilm, Nikon e Sony, che sarà effettuata da esperti in loco a pagamento.

digitalEVENT è il luogo in cui la comunità fotografica si riunisce per condividere la propria passione, apprendere nuove competenze e lasciarsi ispirare dai migliori del settore. Vi invitiamo a partecipare a questo emozionante evento e a vivere la magia della fotografia.

digitalEVENT is regarded as the most important one-day photography event in Switzerland and attracts photographers, videographers and creatives from the greater Zurich/Aargau area and beyond. With over 20 exhibitors showcasing their latest photo and video products, including cameras, lenses and accessories, this is an invaluable opportunity to experience the latest innovations in the industry first-hand. In addition, education providers will offer insights into their latest learning content and photography journeys to enhance knowledge and skills.

A special highlight is the wide range of educational offerings at digitalEVENT with over 40 lectures and seminars by renowned photographers. This opportunity to broaden photographic horizons and learn new skills is invaluable for professionals and amateurs alike.

The event will be rounded off by four captivating keynote presentations on a large stage with an impressive 12-meter screen and 4K projection.

The keynote presentations promise fascinating insights into the world of photography and are sure to inspire.

A special service at digitalEVENT is sensor cleaning for Canon, Fujifilm, Nikon and Sony cameras, which will be carried out by experts on site for a fee.

digitalEVENT is the place where the photography community comes together to share their passion, learn new skills and be inspired by the best in the industry. We invite you to join us at this exciting event and experience the magic of photography.

(Text: digitalEVENT)