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Deutsche Juden heute - Leonard Freed | Jüdisches Museum Berlin
Nov.
11
bis 27. Apr.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Deutsche Juden heute - Leonard Freed | Jüdisches Museum Berlin

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Jüdisches Museum Berlin
11. November 2024 – 27. April 2025

Deutsche Juden heute
Leonard Freed

Leonard Freed, Kerzenzünden am Schabbat, Frankfurt am Main, 1961; Jüdisches Museum Berlin, Inv.-Nr. 2006/198/7

Weniger als 20 Jahre sind seit dem Ab­grund der Schoa ver­gangen, als der ameri­kanisch-jüdische Foto­graf Leonard Freed (1929–2006) Anfang der 1960er-Jahre mehrere Monate durch West­deutschland reist. Mit seiner Kamera möchte er fest­halten, wie deutsche Juden heute leben. Freed ist es ein An­liegen, mit seinen Auf­nahmen der Un­wissen­heit der Deutschen über die un­sicht­bare jüdische Minorität in ihrem Land ent­gegen­zu­wirken. Er foto­grafiert in mehreren jüdischen Ge­mein­den, vor allem in den Gegenden um Frank­furt und Düssel­dorf.

52 seiner Foto­grafien werden 1965 unter dem Titel Deutsche Juden heute publi­ziert und mit Text­beiträgen kombi­niert. Sie nehmen die jüdische Gemein­schaft in den Blick und disku­tieren über das Verhältnis von Juden und Deutschen. Jüdisches Leben ist fragil, es existieren nur wenige kleine Gemein­den, deren Existenz in- und außer­halb Deutsch­lands um­stritten ist. Die Themen aus dem Buch von Freed werden auch in zwei Publikationen verhandelt, die bereits in den Jahren 1963 und 1964 erscheinen: In einer Aus­gabe des Nach­richten-Magazins Der Spiegel mit der Schlag­zeile „Juden in Deutsch­land“ sowie einem von Her­mann Kesten heraus­ge­gebenen Band mit dem Titel ich lebe nicht in der Bundes­republik. Die Frage nach der Mög­lich­keit, als Jüdin oder Jude in Deutsch­land zu leben, prägt eine De­batte, die bis heute an­dauert.

Alle 52 Foto­grafien der Serie von Leonard Freed sind Teil der Museums­samm­lung und wurden von der Witwe des Foto­grafen, Brigitte Freed, an­ge­kauft. Sie wer­den hier zum ersten Mal komplett aus­gestellt.

Leonard Freed, Simchat Tora-Ball, Köln, 1961; Jüdisches Museum Berlin, Inv.-Nr. 2006/198/8

Moins de 20 ans se sont écoulés depuis l'abîme de la Shoah lorsque le photographe juif américain Leonard Freed (1929-2006) voyage pendant plusieurs mois à travers l'Allemagne de l'Ouest au début des années 1960. Avec son appareil photo, il souhaite immortaliser la manière dont les juifs allemands vivent aujourd'hui. Freed a à cœur de lutter, par ses clichés, contre l'ignorance des Allemands quant à l'invisible minorité juive dans leur pays. Il prend des photos dans plusieurs communautés juives, principalement dans les régions de Francfort et de Düsseldorf.

52 de ses photographies sont publiées en 1965 sous le titre Deutsche Juden heute et combinées avec des textes. Elles portent un regard sur la communauté juive et discutent de la relation entre les Juifs et les Allemands. La vie juive est fragile, il n'existe que quelques petites communautés dont l'existence est contestée en Allemagne et en dehors. Les thèmes abordés dans le livre de Freed sont également traités dans deux publications qui paraissent déjà en 1963 et 1964 : Dans un numéro du magazine d'information Der Spiegel avec pour titre « Juden in Deutschland » (les Juifs en Allemagne) ainsi que dans un volume édité par Hermann Kesten et intitulé ich lebe nicht in der Bundesrepublik (je ne vis pas en République fédérale). La question de la possibilité de vivre en Allemagne en tant que juif marque un débat qui se poursuit encore aujourd'hui.

Les 52 photographies de la série de Leonard Freed font partie de la collection du musée et ont été achetées par la veuve du photographe, Brigitte Freed. Elles sont exposées ici pour la première fois dans leur intégralité.

Leonard Freed, Grundsteinlegung für die neue Synagoge, Mainz, 1962; Jüdisches Museum Berlin, Inv.-Nr. 2006/198/13

Erano passati meno di 20 anni dall'abisso della Shoah quando il fotografo americano-ebraico Leonard Freed (1929-2006) viaggiò per diversi mesi nella Germania occidentale all'inizio degli anni Sessanta. Con la sua macchina fotografica, voleva immortalare la vita degli ebrei tedeschi di oggi. Freed voleva usare le sue fotografie per contrastare l'ignoranza dei tedeschi riguardo all'invisibile minoranza ebraica nel loro Paese. Scattò fotografie in diverse comunità ebraiche, soprattutto nelle aree intorno a Francoforte e Düsseldorf.

52 delle sue fotografie sono state pubblicate nel 1965 con il titolo German Jews Today (Ebrei tedeschi oggi), abbinate a contributi testuali. Esse offrono uno sguardo sulla comunità ebraica e discutono il rapporto tra ebrei e tedeschi. La vita ebraica è fragile, esistono solo alcune piccole comunità la cui esistenza è contestata sia all'interno che all'esterno della Germania. I temi del libro di Freed sono trattati anche in due pubblicazioni apparse nel 1963 e nel 1964: In un numero del giornale Der Spiegel con il titolo “Gli ebrei in Germania” e in un volume curato da Hermann Kesten intitolato Ich lebe nicht in der Bundesrepublik. La questione della possibilità di vivere come ebreo in Germania caratterizza un dibattito che continua ancora oggi.

Tutte le 52 fotografie della serie di Leonard Freed fanno parte della collezione del museo e sono state acquistate dalla vedova del fotografo, Brigitte Freed. Vengono esposte per la prima volta nella loro interezza.

Leonard Freed, Neue Synagoge und neues Gemeindezentrum, Düsseldorf, 1961; Jüdisches Museum Berlin, Inv.-Nr. 2008/305/3

Less than 20 years have passed since the abyss of the Shoah when, in the early 1960s, the American-Jewish photographer Leonard Freed (1929–2006) travelled through West Germany for several months. He wanted to use his camera to capture how German Jews live today. Freed was keen to use his photographs to counteract the ignorance of the Germans about the invisible Jewish minority in their country. He took pictures in several Jewish communities, mainly in the areas around Frankfurt and Düsseldorf.

In 1965, 52 of his photographs were published under the title Deutsche Juden heute (German Jews Today) and combined with text contributions. They focus on the Jewish community and discuss the relationship between Jews and Germans. Jewish life is fragile; only a few small communities exist, and their existence is controversial both inside and outside Germany. The topics from Freed's book were also discussed in two publications that appeared in 1963 and 1964: in an issue of the news magazine Der Spiegel with the headline ‘Jews in Germany’ and a volume edited by Hermann Kesten entitled ‘I do not live in the Federal Republic’. The question of whether it is possible for Jews to live in Germany characterises a debate that continues to this day.

All 52 photographs in the series by Leonard Freed are part of the museum's collection and were purchased by the photographer's widow, Brigitte Freed. They are being exhibited in their entirety for the first time here.

(Text: Jüdisches Museum Berlin)

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A WORLD IN COMMON - Contemporary African Photography | C/O Berlin Foundation | Berlin
Feb.
1
bis 7. Mai
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

A WORLD IN COMMON - Contemporary African Photography | C/O Berlin Foundation | Berlin

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

A WORLD IN COMMON - Contemporary African Photography

Kelani Abass, Atong Atem, Malala Andrialavidrazana, Edson Chagas, Kudzanai Chiurai, Rotimi Fani-Kayode, Maïmouna Guerresi, Hassan Hajjaj, Délio Jasse, Samson Kambalu, Kiripi Katembo, Lebohang Kganye, Sabelo Mlangeni, Mário Macilau, Fabrice Monteiro, Aïda Muluneh, George Osodi, Dawit L. Petros, Zina Saro- Wiwa, Khadija Saye

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography

Dit, 2015 © Atong Atem. Courtesy of MARS and the artist

Die Ausstellung versammelt Werke von mehr als 20 Künstler:innen und verfolgt das Ziel, die Vorstellung von Afrika in der globalen Wahrnehmung neu zu definieren. Inspiriert vom historischen kulturellen Reichtum des Kontinents und seiner gegenwärtigen sozio-politischen Landschaft bezieht sich die Ausstellung auf die Philosophie des kamerunischen Denkers Achille Mbembe, der vorschlägt, eine „gemeinsame Welt“ zu imaginieren, indem wir „die Welt von Afrika aus denken“. Die Ausstellung möchte konventionelle Wahrnehmungen herausfordern und eine Sicht auf Afrika fördern, die den Kontinent in das Zentrum einer geteilten globalen Zukunft stellt. In ihrer Kunst wenden sich die Fotograf:innen und Filmemacher:innen gegen die Beschränkungen, die ihnen oft durch stereotype Darstellungen auferlegt werden. Sie betonen die vielfältigen Realitäten des Kontinents sowie sein Potenzial, menschliche Geschichten zu beeinflussen. Die Ausstellung gliedert sich in drei thematische Abschnitte, die sich den Themen Identität und Tradition, Gegen-Geschichten und imaginierten Zukünften widmen.

Organisiert von Tate Modern, London in Kollaboration mit C/O Berlin.

Gefördert durch die Art Mentor Foundation Lucerne und Wolfgang Tillmans.

Dawit L. Petros, Ohne Titel, (Prolog III), Nouakchott, Mauretanien, 2016 © Dawit L. Petros. Courtesy of the artist and Tiwani Contemporary

L'exposition rassemble les œuvres de plus de 20 artistes et a pour objectif de redéfinir l'idée de l'Afrique dans la perception globale. Inspirée par la richesse culturelle historique du continent et son paysage sociopolitique actuel, l'exposition se réfère à la philosophie du penseur camerounais Achille Mbembe, qui propose d'imaginer un « monde commun » en « pensant le monde à partir de l'Afrique ». L'exposition vise à défier les perceptions conventionnelles et à promouvoir une vision de l'Afrique qui transmet le continent au cœur d'un avenir mondial partagé. Dans leur art, les photographes et les cinéastes s'opposent aux restrictions souvent imposées par des représentations stéréotypées. Ils mettent l'accent sur les multiples réalités du continent et sur son potentiel à influencer les histoires humaines. L'exposition s'articule en trois sections thématiques consacrées à l'identité et à la tradition, aux contre-récits et aux futurs imaginés.

Organisée par la Tate Modern, Londres en collaboration avec C/O Berlin.

Soutenue par l'Art Mentor Foundation Lucerne et Wolfgang Tillmans.

Rotimi Fani-Kayode, Adebiyi, 1989 © Rotimi Fani-Kayode. Courtesy of Autograph, London

La mostra riunisce le opere di oltre 20 artisti e mira a ridefinire l'idea di Africa nella percezione globale. Ispirata alla ricchezza storico-culturale del continente e al suo attuale panorama socio-politico, la mostra si ispira alla filosofia del pensatore camerunense Achille Mbembe, che propone di immaginare un “mondo comune” “pensando il mondo dall'Africa”. La mostra intende sfidare le percezioni convenzionali e promuovere una visione dell'Africa che ponga il continente al centro di un futuro globale condiviso. Nella loro arte, i fotografi e i registi sfidano i limiti spesso imposti da rappresentazioni stereotipate. Sottolineano le diverse realtà del continente e il suo potenziale di influenzare le storie umane. La mostra è suddivisa in tre sezioni tematiche che esplorano i temi dell'identità e della tradizione, delle controstorie e dei futuri immaginari.

Organizzata dalla Tate Modern di Londra in collaborazione con C/O Berlin.

Sostenuta dalla Fondazione Art Mentor di Lucerna e da Wolfgang Tillmans.

Kiripi Katembo, Evolution, 2008–2013, aus der Serie Un regard © Fondation Kiripi Katembo Siku. Courtesy MAGNIN-A Gallery, Paris

The exhibition brings together works by more than 20 artists and aims to redefine the idea of Africa in the global perception. Inspired by the continent's historical cultural richness and its current socio-political landscape, the exhibition draws on the philosophy of the Cameroonian thinker Achille Mbembe, who proposes imagining a “common world” by “thinking the world from Africa”. The exhibition aims to challenge conventional perceptions and promote a view of Africa that places the continent at the center of a shared global future. In their art, the photographers and filmmakers challenge the limitations that are often imposed on them by stereotypical representations. They emphasize the continent's diverse realities as well as its potential to influence human stories. The exhibition is divided into three thematic sections, dedicated to the themes of identity and tradition, counter-histories, and imagined futures.

Organized by Tate Modern, London in collaboration with C/O Berlin.

Supported by the Art Mentor Foundation Lucerne and Wolfgang Tillmans.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

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Protektorat . C/O Berlin Talent Award 2024 - Silvia Rosi | C/O Berlin Foundation | Berlin
Feb.
1
bis 7. Mai
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Protektorat . C/O Berlin Talent Award 2024 - Silvia Rosi | C/O Berlin Foundation | Berlin

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

Protektorat . C/O Berlin Talent Award 2024
Silvia Rosi

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography

ABC – Grafton G2651, 2022 © Silvia Rosi, produziert mit Unterstützung der MAXXI Foundation und BVLGARI

In Protektorat setzt sich die italienische Künstlerin Silvia Rosi mit ihren togolesischen Wurzeln auseinander und beleuchtet Kommunikations- und Zeichensysteme in kolonialen und hegemonialen Machtstrukturen. Ausgehend von Archivmaterial des Nationalarchivs von Togo macht sie auf die flächendeckende Verbreitung westlicher Systeme während der kolonialen Besetzung Togos seitens des Deutschen Reiches sowie britischen und französischen Streitkräften aufmerksam. Der Akt des Erzählens findet in Protektorat über multiple Bildformen und Sinnes-ebenen statt: In Stand- und Bewegtbildern mit Ton können wir sehen und hören wie lokale Sprache, Traditionen und Bildkultur während der Kolonialherrschaft überschrieben oder unterdrückt wurden. Protagonistin der Arbeiten ist immer Rosi selbst, womit sie wirkungsvoll ihre persönliche Erfahrung in der kollektiven Erzählung einbettet.

Seit 2020 wird der C/O Berlin Talent Award durch die Alexander Tutsek-Stiftung ermöglicht.

Bearbeitetes Archivmaterial aus dem Nationalarchiv, Lomé, Togo © Silvia Rosi

Dans Protektorat, l'artiste italienne Silvia Rosi se penche sur ses racines togolaises et met en lumière les systèmes de communication et de signes dans les structures de pouvoir coloniales et hégémoniques. En se basant sur des archives des Archives nationales du Togo, elle attire l'attention sur la diffusion généralisée des systèmes occidentaux pendant l'occupation coloniale du Togo par l'Empire allemand et les forces armées britanniques et françaises. Dans Protektorat, l'acte de raconter se fait par le biais de multiples formes d'images et de niveaux de sens : Dans des images fixes et animées avec son, nous pouvons voir et entendre comment la langue, les traditions et la culture visuelle locales ont été écrasées ou réprimées pendant la domination coloniale. La protagoniste des travaux est toujours Rosi elle-même, ce qui lui permet d'intégrer efficacement son expérience personnelle dans le récit collectif.

Depuis 2020, le C/O Berlin Talent Award est rendu possible grâce à la fondation Alexander Tutsek.

VL00017–300, 2024 © Silvia Rosi

In Protettorato, l'artista italiana Silvia Rosi esplora le sue radici togolesi e fa luce sui sistemi di comunicazione e di segni nelle strutture di potere coloniali ed egemoniche. Basandosi su materiale d'archivio proveniente dall'Archivio Nazionale del Togo, l'artista richiama l'attenzione sull'ampia diffusione dei sistemi occidentali durante l'occupazione coloniale del Togo da parte dell'Impero tedesco e delle forze britanniche e francesi. L'atto di narrazione si svolge in Protektorat attraverso molteplici forme visive e livelli sensoriali: Nelle immagini fisse e in movimento con il sonoro, possiamo vedere e sentire come la lingua, le tradizioni e la cultura visiva locali siano state sovrascritte o soppresse durante la dominazione coloniale. Rosi stessa è sempre la protagonista delle opere, inserendo efficacemente la sua esperienza personale nella narrazione collettiva.

Dal 2020, il C/O Berlin Talent Award è reso possibile dalla Alexander Tutsek-Stiftung.

Bearbeitetes Archivmaterial aus dem Nationalarchiv, Lomé, Togo © Silvia Rosi

In Protektorat, Italian artist Silvia Rosi engages with her Togolese roots and sheds light on systems of communication and signs in colonial and hegemonic power structures. Based on archival material from the National Archives of Togo, she draws attention to the widespread dissemination of Western systems during the colonial occupation of Togo by the German Reich, as well as British and French forces. The act of storytelling takes place in a protectorate of multiple image forms and sensory levels: in still and moving images with sound, we can see and hear how local language, traditions, and visual culture were overwritten or suppressed during colonial rule. The protagonist of the works is always Rosi herself, effectively embedding her personal experience in the collective narrative.

Since 2020, the C/O Berlin Talent Award has been made possible by the Alexander Tutsek-Stiftung.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

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Under the Sun - Sam Youkilis | C/O Berlin Foundation | Berlin
Feb.
1
bis 7. Mai
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Under the Sun - Sam Youkilis | C/O Berlin Foundation | Berlin

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

Under the Sun
Sam Youkilis

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography

9/4/2024, 6:30 AM © Sam Youkilis

Mit viel Liebe zum Detail, zu Licht und satten Farben fängt Sam Youkilis die Sehnsüchte und Verheißungen des Reisens sowie die Schönheit des Alltäglichen ein. Neben erfolgreichen Auftragsarbeiten in der kommerziellen Modefotografie, nimmt der 1993 in New York geborene Fotograf und Filmemacher seine beruflichen Reisen zum Anlass, um in kurzen Filmen und Videoporträts menschliche Gesten, Emotionen und Interaktionen sowie alteingesessene Handwerke und lokale Traditionen zu dokumentieren. Als Pionier einer neuen Form des visuellen Geschichtenerzählens arbeitet Youkilis mit dem iPhone und nutzt das soziale Netzwerk Instagram als Plattform, um seine zu Themenclustern zusammengestellten Beobachtungen mit zahlreichen Followern zu teilen. Aus vermeintlich banalen Szenen schafft er ein visuelles Archiv an der Schnittstelle von Straßen-, Reise-, Food- und Dokumentarfotografie, das sowohl die vertrauten Tropen und Klischees des Reisens bedient als auch auf universelle Themen menschlicher Erfahrung verweist. C/O Berlin präsentiert Sam Youkilis‘ erste institutionelle Einzelausstellung.

Ermöglicht durch die Art Mentor Foundation Lucerne.

August 10, 2022, 10:24 AM © Sam Youkilis

Avec un grand souci du détail, de la lumière et des couleurs saturées, Sam Youkilis capture les aspirations et les promesses du voyage ainsi que la beauté du quotidien. Outre des travaux de commande réussis dans la photographie de mode commerciale, le photographe et cinéaste né à New York en 1993 profite de ses voyages professionnels pour documenter, dans des courts métrages et des portraits vidéo, des gestes humains, des émotions et des interactions ainsi que des métiers ancestraux et des traditions locales. Pionnier d'une nouvelle forme de narration visuelle, Youkilis travaille avec l'iPhone et utilise le réseau social Instagram comme plateforme pour partager ses observations, regroupées par thèmes, avec de nombreux followers. À partir de scènes prétendument banales, il crée une archive visuelle à la croisée de la photographie de rue, de voyage, de nourriture et de documentaire, qui sert à la fois les tropes et les clichés familiers du voyage et renvoie à des thèmes universels de l'expérience humaine. C/O Berlin présente la première exposition individuelle institutionnelle de Sam Youkilis.

Permis par l'Art Mentor Foundation Lucerne

October 30, 2021, 4:44 PM © Sam Youkilis

Con grande attenzione ai dettagli, alla luce e alla ricchezza dei colori, Sam Youkilis cattura i desideri e le promesse dei viaggi e la bellezza del quotidiano. Oltre a lavorare con successo su commissione nel campo della fotografia commerciale di moda, il fotografo e regista, nato a New York nel 1993, utilizza i suoi viaggi professionali come opportunità per documentare i gesti, le emozioni e le interazioni umane, nonché l'artigianato di lunga data e le tradizioni locali in cortometraggi e ritratti video. Pioniere di una nuova forma di narrazione visiva, Youkilis lavora con l'iPhone e utilizza il social network Instagram come piattaforma per condividere le sue osservazioni, organizzate in gruppi tematici, con numerosi follower. A partire da scene apparentemente banali, crea un archivio visivo all'incrocio tra fotografia di strada, di viaggio, di cibo e documentaria, che si rifà sia a tropi e cliché familiari del viaggio sia a temi universali dell'esperienza umana. C/O Berlin presenta la prima mostra personale istituzionale di Sam Youkilis.

Resa possibile dalla Fondazione Art Mentor di Lucerna.

May 30, 2023, 10:20 AM © Sam Youkilis

With great attention to detail, light and saturated colors, Sam Youkilis captures the yearning and promise of travel as well as the beauty of everyday life. In addition to successful commercial fashion photography assignments, the photographer and filmmaker, who was born in New York in 1993, uses his professional travels as an opportunity to document human gestures, emotions and interactions, as well as long-established crafts and local traditions, in short films and video portraits. A pioneer of a new form of visual storytelling, Youkilis works with the iPhone and uses the social network Instagram as a platform to share his observations, which he organizes into thematic clusters, with numerous followers. From seemingly mundane scenes, he creates a visual archive at the intersection of street, travel, food, and documentary photography that both draws on the familiar tropes and clichés of travel and points to universal themes of human experience. C/O Berlin presents Sam Youkilis' first institutional solo exhibition.

Made possible by the Art Mentor Foundation Lucerne.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

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Seiichi Furuya – Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87 | Galerie Thomas Fischer | Berlin
Feb.
28
bis 12. Apr.
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Seiichi Furuya – Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87 | Galerie Thomas Fischer | Berlin

Galerie Thomas Fischer | Berlin
28. Februar – 12. April 2025

Seiichi Furuya – Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

© Seiichi Furuya

Als die Stadt Berlin sich 1987 anschickte ihr 750-jähriges Bestehen zu feiern, kamen in der Stadtmitte mehrere große Baustellen zum Abschluss. Im Mai etwa wurde das wiedererrichtete Nikolaiviertel mitsamt der rekonstruierten Nikolaikirche der Öffentlichkeit übergeben. Die Rekonstruktion des historischen Altstadtviertels am Spreeufer hatte mehrere Jahre in Anspruch genommen. Im Wettbewerb zwischen Ost und West um das „wahre Berlin“ hatte die SED den Fokus trotz knapper Ressourcen auf den Wiederaufbau des historischen Stadtkerns gelegt. Zum Höhepunkt der Festlichkeiten zog am 4. Juli 1987 ein zehn Kilometer langer Festumzug mit rund 43.000 Mitwirkenden durch das Ost-Berliner Zentrum und an einer Tribüne mit SED Funktionären und Ehrengästen vorbei. Rund 300 ausgewählte Episoden der Berliner Stadtgeschichte wurden szenisch nachgestellt und die Errungenschaften des realen Sozialismus gefeiert. Der Umzug spiegelte sowohl die selektive Haltung der SED-Führung zur deutschen Geschichte als auch eine Wahrnehmungsverweigerung der krisenhaften Gegenwart wider. Doch die Agonie war schon spürbar. Nur drei Jahre später war die DDR selbst Geschichte.

Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87 von Seiichi Furuya ist eine Projektion mit 690 Bildern, größtenteils in Schwarz-weiß, manchmal auch in Farbe. Die Abfolge der Bilder ist zufällig und setzt sich immer anders zusammen. Der Großteil der Bilder wurde im vergangenen Jahr zum ersten Mal gezeigt. Die Bilder, die Seiichi Furuya im Umfeld der 750-Jahr-Feierlichkeiten und auf anderen Volksfesten dieser Zeit aufgenommen hat, sind Aufnahmen eines Beobachters. Sein Motiv: ein riesiges absurdes Geschichtstheater. Mit einem LKW-Oldtimer wird „Aktivisten der ersten Stunde“ gehuldigt, eine Gruppe von Tanzmariechen wartet Unter den Linden auf ihren Auftritt, ein Banner mit der Aufschrift „Berlin – Zentrum der deutschen Linken“ wird auf der Höhe des Zeughauses in Mitte über die Straße getragen, Jungpioniere mit Trompeten, FDJler im Blauhemd mit roten Fahnen, ein Spielmannszug vor dem Roten Rathaus in Uniformen, die an den historischen Rotfrontkämpferbund erinnern. Furuya, der zwischen 1984 und 1987 in der DDR lebte, fotografierte sowohl die Darbietungen auf den Bühnen und Straßen wie auch das Publikum. Da sind staunende Kinder und wenig enthusiastische Erwachsene zu sehen. Auffällig unauffällig stehen da oft auch grimmig dreinschauende Männer und Frauen am Rand. Das müssen wohl die wachsamen Mitarbeiter der Staatssicherheit in Zivil gewesen sein.

Architektur zieht sich wie ein roter Faden durch die Bilder Furuyas. Zu den Ost-Berliner Prestigebauten jener Zeit gehörte auch das Grand Hotel an der Friedrichstraße Ecke Behrenstraße, welches am 1. August 1987 in Betrieb genommen wurde. Die postmoderne Interpretation klassizistischer Repräsentationsarchitektur wurde vom DDR-Generalbaudirektor Erhardt Gißke und dem japanischen Baukonsortium Kajima Corporation projektiert. Furuya arbeitete als Übersetzer für das Unternehmen. Ins Bild kommen auch Plattenbauten, ebenso wie der Palast der Republik, die Volksbühne oder das Kino International. Auch die Berliner Mauer, das absurdeste Bauwerk des 20. Jahrhunderts, fotografiert Furuya öfters. Er nimmt sie von beiden Seiten auf. Fotografien von der Westseite Berlins speist er in seine Erzählung ein. So wird das Bild der Stadt vollständig.

Er hätte damals eigentlich nur für sich fotografiert, erzählte Furuya einmal in einem Interview. „Gegen das Vergessen. Denn wenn ich zurückdenke und da ist ein Loch in meiner Erinnerung, dann habe ich ein ungutes Gefühl. Also muss ich mein Leben dokumentieren. Ich finde, das ist meine vordringlichste Aufgabe.“ Die Seltsamkeiten des DDR-Alltags jener Jahre werden durch Furuyas Kamera mit einer gewissen Kühle und Distanz, jedoch gänzlich ohne Arroganz registriert. Was mag das wohl sein, das „wahre Berlin“? Ein Phantom, ein flüchtiger Mythos und ein ewiges Puzzle. Furuya ist es gelungen, sich mit der Kamera dem Geist Berlins Mitte der 1980er-Jahre zu nähern. In seinen Bildern blitzt er kurz auf, bevor er wieder im Sturm der Geschichte verschwindet.

© Seiichi Furuya

En 1987, alors que la ville de Berlin s'apprêtait à fêter son 750e anniversaire, plusieurs grands chantiers ont été menés à bien dans le centre-ville. En mai, par exemple, le quartier Nikolaiviertel reconstruit, y compris l'église Nikolaikirche, a été ouvert au public. La reconstruction du quartier historique de la vieille ville sur les rives de la Spree avait pris plusieurs années. Dans la compétition entre l'Est et l'Ouest pour le « vrai Berlin », le SED avait mis l'accent sur la reconstruction du centre historique de la ville malgré des ressources limitées. Au point culminant des festivités, le 4 juillet 1987, un cortège de dix kilomètres avec environ 43 000 participants a traversé le centre de Berlin-Est et est passé devant une tribune où se trouvaient des fonctionnaires du SED et des invités d'honneur. Environ 300 épisodes choisis de l'histoire de la ville de Berlin ont été reconstitués de manière scénique et les acquis du socialisme réel ont été célébrés. Le défilé reflétait à la fois l'attitude sélective des dirigeants du SED vis-à-vis de l'histoire allemande et un refus de percevoir le présent en crise. Pourtant, l'agonie était déjà perceptible. Trois ans plus tard seulement, la RDA elle-même faisait partie de l'histoire.

Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87 de Seiichi Furuya est une projection de 690 visuels, en grande partie en noir et blanc, parfois en couleur. La succession des visuels est aléatoire et se compose toujours différemment. La plupart des visuels ont été montrés pour la première fois l'année dernière. Les visuels que Seiichi Furuya a pris dans le cadre des festivités du 750e anniversaire et d'autres fêtes populaires de l'époque sont des prises de vue d'un observateur. Son motif : un immense théâtre historique absurde. On rend hommage à des « activistes de la première heure » avec un camion d'époque, un groupe de danseuses attend son tour sous les tilleuls, une bannière portant l'inscription « Berlin - centre de la gauche allemande » est portée à travers la rue à la hauteur de l'arsenal de Mitte, des jeunes pionniers avec des trompettes, des FDJ en chemise bleue avec des drapeaux rouges, une fanfare devant la mairie rouge dans des uniformes qui rappellent l'historique Rotfrontkämpferbund. Furuya, qui a vécu en RDA entre 1984 et 1987, a photographié aussi bien les spectacles sur les scènes et dans les rues que le public. On y voit des enfants émerveillés et des adultes peu enthousiastes. Des hommes et des femmes à l'air féroce se tiennent souvent au bord, sans se faire remarquer. Il devait s'agir de collaborateurs vigilants de la sécurité d'État en civil.

L'architecture est le fil conducteur des visuels de Furuya. Parmi les constructions prestigieuses de Berlin-Est de l'époque, il y avait le Grand Hôtel, situé à l'angle de la Friedrichstrasse et de la Behrenstrasse, qui a été mis en service le 1er août 1987. Cette interprétation postmoderne de l'architecture de représentation classique a été conçue par le directeur général de l'architecture de la RDA, Erhardt Gißke, et le consortium de construction japonais Kajima Corporation. Furuya a travaillé comme traducteur pour l'entreprise. Des bâtiments en préfabriqué entrent également dans le visuel, tout comme le Palast der Republik, la Volksbühne ou le Kino International. Furuya photographie aussi souvent le mur de Berlin, l'ouvrage le plus absurde du 20e siècle. Il le prend en photo des deux côtés. Il intègre à son récit des photographies du côté ouest de Berlin. Le visuel de la ville devient ainsi complet.

Furuya a raconté un jour dans une interview qu'à l'époque, il n'avait photographié que pour lui-même. « Contre l'oubli. Car si je pense en arrière et qu'il y a un trou dans ma mémoire, j'ai un sentiment de malaise. Je dois donc documenter ma vie. Je pense que c'est ma tâche la plus urgente ». Les bizarreries du quotidien de la RDA de ces années-là sont enregistrées par la caméra de Furuya avec une certaine froideur et distance, mais totalement sans arrogance. Qu'est-ce que c'est que le « vrai Berlin » ? Un fantôme, un mythe éphémère et un puzzle éternel. Furuya a réussi à s'approcher de l'esprit de Berlin au milieu des années 1980 avec sa caméra. Dans ses visuels, il apparaît brièvement avant de disparaître à nouveau dans la tempête de l'histoire.

© Seiichi Furuya

Mentre la città di Berlino si preparava a celebrare il suo 750° anniversario nel 1987, diversi importanti cantieri nel centro della città si sono conclusi. A maggio, ad esempio, è stato aperto al pubblico il ricostruito Nikolaiviertel, compresa la Nikolaikirche. La ricostruzione del quartiere storico della città vecchia sulle rive della Sprea ha richiesto diversi anni. Nella competizione tra Est e Ovest per la “vera Berlino”, la SED si era concentrata sulla ricostruzione del centro storico, nonostante la scarsità di risorse. I festeggiamenti culminarono il 4 luglio 1987 con una parata di dieci chilometri con circa 43.000 partecipanti attraverso il centro di Berlino Est e davanti a una tribuna con funzionari della SED e ospiti d'onore. Vennero rievocati circa 300 episodi scelti della storia della città di Berlino e vennero celebrate le conquiste del socialismo reale. La parata rifletteva sia l'atteggiamento selettivo della leadership del SED nei confronti della storia tedesca, sia il rifiuto di riconoscere il presente in crisi. Ma l'agonia era già palpabile. Solo tre anni dopo, la stessa DDR era già storia.

Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87 di Seiichi Furuya è una proiezione con 690 immagini, per lo più in bianco e nero, talvolta anche a colori. La sequenza delle immagini è casuale e viene sempre messa insieme in modo diverso. La maggior parte delle immagini è stata presentata per la prima volta l'anno scorso. Le immagini che Seiichi Furuya ha scattato in occasione delle celebrazioni del 750° anniversario e di altre feste popolari dell'epoca sono il lavoro di un osservatore. Il suo motivo: un enorme e assurdo teatro storico. Un camion d'epoca rende omaggio agli “attivisti della prima ora”, un gruppo di marciatori danzanti attende di esibirsi sulla Unter den Linden, uno striscione con la scritta “Berlino - Centro della Sinistra tedesca” viene trasportato attraverso la strada vicino alla Zeughaus a Mitte, giovani pionieri con le trombe, membri della FDJ in camicia blu con bandiere rosse, una banda in marcia davanti al Rotes Rathaus con uniformi che ricordano la storica Lega dei combattenti del Fronte Rosso. Furuya, che ha vissuto nella DDR tra il 1984 e il 1987, ha fotografato gli spettacoli sui palchi e nelle strade e il pubblico. Si vedono bambini stupiti e adulti poco entusiasti. Uomini e donne sono spesso in piedi in disparte, con un'aria cupa e decisamente poco appariscente. Devono essere i vigili delle forze di sicurezza dello Stato in borghese.

L'architettura scorre come un filo rosso nelle immagini di Furuya. Uno dei prestigiosi edifici di Berlino Est dell'epoca è il Grand Hotel all'angolo tra Friedrichstrasse e Behrenstrasse, inaugurato il 1° agosto 1987. L'interpretazione postmoderna dell'architettura rappresentativa classicista fu progettata dal direttore generale dell'edilizia della DDR Erhardt Gißke e dal consorzio giapponese Kajima Corporation. Furuya ha lavorato come traduttore per la società. Il film include anche edifici prefabbricati come il Palazzo della Repubblica, il teatro Volksbühne e il Cinema Internazionale. Furuya ha anche fotografato spesso il Muro di Berlino, l'edificio più assurdo del XX secolo. Lo ha fotografato da entrambi i lati. Nella sua narrazione inserisce le fotografie del lato ovest di Berlino. Questo completa l'immagine della città.

Una volta Furuya ha dichiarato in un'intervista che all'epoca fotografava solo per se stesso. “Contro l'oblio. Perché quando ripenso al passato e c'è un buco nella mia memoria, ho una brutta sensazione. Quindi devo documentare la mia vita. Credo sia il mio compito più urgente”. Le stranezze della vita quotidiana nella DDR di quegli anni sono registrate dalla macchina da presa di Furuya con una certa freddezza e distanza, ma senza arroganza. Quale potrebbe essere la “vera Berlino”? Un fantasma, un mito fugace e un eterno rompicapo. Furuya è riuscito ad avvicinarsi allo spirito della Berlino della metà degli anni Ottanta con la sua macchina fotografica. Nelle sue immagini, esso lampeggia brevemente prima di scomparire di nuovo nella tempesta della storia.

© Seiichi Furuya

When the city of Berlin prepared to celebrate its 750th anniversary in 1987, several major construction sites in the city centre were completed. In May, for example, the rebuilt Nikolaiviertel, including the reconstructed Nikolaikirche, was opened to the public. The reconstruction of the historic old town quarter on the banks of the Spree had taken several years. In the competition between East and West for the ‘real Berlin’, the SED had placed the focus on the reconstruction of the historic city centre despite scarce resources. At the height of the festivities, on 4 July 1987, a ten-kilometre-long procession with around 43,000 participants passed through the centre of East Berlin and past a grandstand with SED functionaries and guests of honour. Around 300 selected episodes of Berlin's history were re-enacted and the achievements of real socialism celebrated. The procession reflected both the selective attitude of the SED leadership towards German history and a refusal to perceive the critical present. But the agony was already palpable. Only three years later, the GDR itself was history.

Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87 by Seiichi Furuya is a projection of 690 images, mostly black and white, sometimes in colour. The sequence of images is random and always comes together differently. Most of the images were shown for the first time last year. The images that Seiichi Furuya took up during the 750th anniversary celebrations and at other festivals during this time are recordings of an observer. His motif: a huge, absurd theatre of history. A vintage truck pays homage to ‘Aktivisten der ersten Stunde’ , a group of dancing mariechen wait for their turn to perform on Unter den Linden, a banner reading ‘Berlin – Centre of the German Left’ is carried across the street near the Zeughaus in Mitte, young pioneers with trumpets, Free German Youth members in blue shirts with red flags, a marching band in front of the Rotes Rathaus in uniforms reminiscent of the historic Red Front Fighters' League. Furuya, who lived in the GDR between 1984 and 1987, photographed the performances on the stages and streets as well as the audience. There are amazed children and less enthusiastic adults to be seen. Strikingly inconspicuous, grim-looking men and women often stand on the sidelines. These must have been the vigilant employees of the state security in civilian clothes.

Architecture is a recurring theme in Furuya's visuals. Among the prestigious buildings of the time in East Berlin was the Grand Hotel on the corner of Friedrichstrasse and Behrenstrasse, which opened on 1 August 1987. The postmodern interpretation of classical representative architecture was planned by the GDR General Building Director Erhardt Gißke and the Japanese construction consortium Kajima Corporation. Furuya worked for the company as a translator. Prefabricated tower blocks also feature in his visual world, as do the Palast der Republik, the Volksbühne and the Kino International. Furuya also often photographed the Berlin Wall, the most absurd structure of the 20th century. He took it up from both sides. He incorporated photographs of the west side of Berlin into his narrative. This is how the visual of the city becomes complete.

He actually only photographed for himself back then, Furuya once said in an interview. ‘To prevent forgetting. Because when I think back and there is a hole in my memory, I have an uneasy feeling. So I have to document my life. I think that is my most urgent task.’ The strangeness of everyday life in the GDR during those years is registered by Furuya's camera with a certain coolness and distance, but without any trace of arrogance. What, of course, is the ‘real Berlin’? A phantom, a fleeting myth and an eternal puzzle. Furuya has managed to capture the spirit of Berlin in the mid-1980s with his camera. His visuals briefly shine before disappearing again in the storm of history.

(Text: Kito Nedo)

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Will McBride – Die Berliner Jahre | Bröhan Museum | Berlin
März
1
bis 1. Juni
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Will McBride – Die Berliner Jahre | Bröhan Museum | Berlin

Bröhan Museum | Berlin
1. März - 1. Juni 2025

Will McBride – Die Berliner Jahre

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Riverboat Shuffle, Berlin, 1959 © Estate Will McBride/Shawn McBride, Reproduktion: Hans Döring, München

Immer wieder hat der Amerikaner Will McBride (1931–2015) als fotografierender Künstler für Aufsehen gesorgt. Auch wenn McBride kreative Jahre in München, Frankfurt oder in der Toskana verbracht hat: Berlin war und blieb seine Stadt. „Berlin sensibilisierte und änderte meine Sichtweisen“ hat er rückblickend einmal bekannt, „ich hatte die Freiheit zu sehen, wie ich wollte.“ Zehn Jahre nach dem Tod Will McBrides erinnert das Bröhan Museum an den bedeutenden Fotografen, dessen stilbildendes Werk ohne das Nachkriegs-Berlin kaum denkbar ist. In der Schau sind rund 70 Leihgaben zu sehen, die alle aus einer Privatsammlung stammen.

Nach einem Malerei-, Kunstgeschichte- und Illustrationsstudium kam McBride als GI 1953 nach Deutschland. Im Anschluss an seinen Wehrdienst blieb er in Deutschland und arbeitete ab 1959 als Fotograf in Berlin und München. Besondere Erfolge feierte er durch seine Arbeiten für TWEN. Die Zeitschrift, die bis 1971 existierte, wurde 1959 von Adolf Theobald, Rolf Palm und Willy Fleckhaus gegründet. Durch das radikal neue Layout von Fleckhaus und die hervorragenden Fotostrecken war sie eine der wichtigsten Zeitschriften der 1960er Jahre. McBride war der am meisten gebuchte Fotograf der Zeitschrift und publizierte dort 30 Fotoessays. Einen Skandal löste1960 das Porträt seiner schwangeren Frau Barbara im Profil mit enganliegendem Pullover und aufgeknöpfter Jeans aus.

Die Ausstellung „Will McBride – Die Berliner Jahre“ setzt die Reihe der Foto-Ausstellungen im Bröhan Museum fort. Sie antwortet auch unmittelbar auf die Schau „Berlin in einer Hundenacht. Gundula Schulze Eldowy“, die 2024 im Bröhan-Museum zu sehen war. Genauso wie Gundula Schulze Eldowy kommt Will McBride als junger Mensch nach Berlin. Beide sind fasziniert vom Leben in dieser Stadt – Gundula Schulze Eldowy vom Ost-Berliner Milieu der 1970er Jahre in Mitte und Will McBride vom noch nicht von der Mauer getrennten, aber doch sich allmählich auseinanderdividierenden Leben Berlins der 1950er Jahre. Beide sind Beobachtende ihrer Welt, wobei Will McBride bei aller Distanziertheit doch noch mehr Teil des von ihm geschilderten Milieus ist als Gundula Schulze Eldowy bei ihren Aufnahmen. Die Werkserien der beiden sind Dokumente des Berliner Lebens und feinsinnige Hommagen an Berlin.

Stöffie (The ‚Pop Corn‘ Picture), Berlin, Strandbad Wannsee, 1959 © Estate Will McBride/Shawn McBride, Reproduktion: Hans Döring, München

L'Américain Will McBride (1931-2015) n'a cessé de faire parler de lui en tant qu'artiste photographe. Même si McBride a passé des années créatives à Munich, Francfort ou en Toscane : Berlin était et est restée sa ville. « Berlin a sensibilisé et changé ma façon de voir » a-t-il confié un jour avec le recul, “j'avais la liberté de voir comme je voulais”. Dix ans après la mort de Will McBride, le musée Bröhan rend hommage à cet éminent photographe dont l'œuvre stylistique est difficilement concevable sans le Berlin de l'après-guerre. L'exposition présente environ 70 œuvres prêtées, toutes issues d'une collection privée.

Après des études de peinture, d'histoire de l'art et d'illustration, McBride est arrivé en Allemagne en tant que GI en 1953. Après son service militaire, il est resté en Allemagne et a travaillé à partir de 1959 comme photographe à Berlin et à Munich. Il a connu un succès particulier grâce à ses travaux pour TWEN. Ce magazine, qui a existé jusqu'en 1971, a été fondé en 1959 par Adolf Theobald, Rolf Palm et Willy Fleckhaus. Grâce à la mise en page radicalement nouvelle de Fleckhaus et aux excellentes séries de photos, ce fut l'un des magazines les plus importants des années 1960. McBride était le photographe le plus sollicité du magazine et y publia 30 essais photographiques. En 1960, le portrait de sa femme Barbara, enceinte, de profil, vêtue d'un pull moulant et d'un jean déboutonné, a fait scandale.

L'exposition « Will McBride - Les années berlinoises » poursuit la série d'expositions de photos au musée Bröhan. Elle répond aussi directement à l'exposition « Berlin in einer Hundenacht. Gundula Schulze Eldowy », qui a été présentée au musée Bröhan en 2024. Tout comme Gundula Schulze Eldowy, Will McBride arrive à Berlin en tant que jeune homme. Tous deux sont fascinés par la vie dans cette ville - Gundula Schulze Eldowy par le milieu est-berlinois des années 1970 dans le quartier de Mitte et Will McBride par la vie berlinoise des années 1950, qui n'est pas encore séparée par le mur mais qui se divise peu à peu. Tous deux sont des observateurs de leur monde, même si Will McBride, malgré son détachement, fait encore plus partie du milieu qu'il décrit que Gundula Schulze Eldowy dans ses prises de vue. Les séries d'œuvres des deux artistes sont des documents sur la vie berlinoise et des hommages subtils à Berlin.

Waschung, Schloss Salem, 1962 © Estate Will McBride/Shawn McBride, Reproduktion: Hans Döring, München

L'americano Will McBride (1931-2015) ha ripetutamente suscitato scalpore come artista fotografico. Anche se McBride ha trascorso anni creativi a Monaco, Francoforte o in Toscana: Berlino era e rimaneva la sua città. “Berlino ha sensibilizzato e cambiato le mie prospettive”, ha confessato una volta in retrospettiva, ‘avevo la libertà di vedere come volevo’. A dieci anni dalla morte di Will McBride, il Bröhan Museum ricorda l'importante fotografo, il cui lavoro, che ha definito il suo stile, è difficilmente concepibile senza la Berlino del dopoguerra. La mostra presenta circa 70 opere in prestito, tutte provenienti da una collezione privata.

Dopo aver studiato pittura, storia dell'arte e illustrazione, McBride arrivò in Germania come soldato semplice nel 1953. Dopo il servizio militare, rimase in Germania e dal 1959 lavorò come fotografo a Berlino e Monaco. Ha riscosso particolare successo con il suo lavoro per TWEN. La rivista, che è esistita fino al 1971, è stata fondata nel 1959 da Adolf Theobald, Rolf Palm e Willy Fleckhaus. L'impaginazione radicalmente nuova e le eccezionali serie fotografiche di Fleckhaus la resero una delle riviste più importanti degli anni Sessanta. McBride fu il fotografo più richiesto dalla rivista e vi pubblicò 30 saggi fotografici. Il ritratto della moglie Barbara, incinta e di profilo, con un maglione aderente e jeans sbottonati, fece scandalo nel 1960.

La mostra “Will McBride - Gli anni di Berlino” prosegue la serie di mostre fotografiche al Bröhan Museum. È anche una risposta diretta alla mostra “Berlin in einer Hundenacht. Gundula Schulze Eldowy”, esposta al Bröhan Museum nel 2024. Proprio come Gundula Schulze Eldowy, Will McBride è arrivato a Berlino da giovane. Entrambi sono affascinati dalla vita in questa città: Gundula Schulze Eldowy dall'ambiente della Berlino Est degli anni Settanta a Mitte e Will McBride dalla vita nella Berlino degli anni Cinquanta, che non era ancora separata dal Muro ma si stava comunque gradualmente dividendo. Entrambi sono osservatori del loro mondo e Will McBride, con tutto il suo distacco, è ancora più parte dell'ambiente che ritrae di quanto non lo sia Gundula Schulze Eldowy nelle sue fotografie. Le loro serie di opere sono documenti della vita berlinese e sottili omaggi a Berlino.

Kremserfahrt, Nähe Potsdamer Platz, Berlin, 1959 © Estate Will McBride/Shawn McBride, Reproduktion: Hans Döring, München

The American artist Will McBride (1931–2015) repeatedly caused a stir as a photographer. Even though McBride spent creative years in Munich, Frankfurt and Tuscany, Berlin was and remained his city. ‘Berlin sensitised me and changed my perspectives,’ he once admitted in retrospect, ‘I had the freedom to see as I wanted.’ Ten years after the death of Will McBride, the Bröhan Museum is commemorating the important photographer, whose seminal work would have been inconceivable without post-war Berlin. The show includes around 70 loans, all from a private collection.

After studying painting, art history and illustration, McBride came to Germany as a GI in 1953. He remained in Germany after his military service and worked as a photographer in Berlin and Munich from 1959. He enjoyed particular success through his work for TWEN. The magazine, which existed until 1971, was founded in 1959 by Adolf Theobald, Rolf Palm and Willy Fleckhaus. Thanks to Fleckhaus's radically new layout and the outstanding photo series, it was one of the most important magazines of the 1960s. McBride was the magazine's most frequently booked photographer and published 30 photo essays there. In 1960, the portrait of his pregnant wife Barbara in profile, wearing a tight-fitting sweater and unbuttoned jeans, caused a scandal.

The exhibition ‘Will McBride – The Berlin Years’ continues the series of photography exhibitions at the Bröhan Museum. It also directly responds to the show ‘Berlin in a Dog Night. Gundula Schulze Eldowy’, which was on display at the Bröhan Museum in 2024. Like Gundula Schulze Eldowy, Will McBride came to Berlin as a young person. Both are fascinated by life in the city – Gundula Schulze Eldowy by the East Berlin milieu of the 1970s in Mitte and Will McBride by the Berlin of the 1950s, which was not yet divided by the Wall but was already gradually dividing. Both observe their world, although Will McBride, despite his detached approach, is still more part of the milieu he portrays than Gundula Schulze Eldowy is with her photographs. The series of works by both artists are documents of Berlin life and subtle tributes to Berlin.

(Text: Bröhan Museum, Berlin)

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METAMORPHOSIS: Heinz Hajek-Halke´s Photomontages & New Image-Makers | CHAUSSEE 36 Photography | Berlin
März
1
bis 3. Mai
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

METAMORPHOSIS: Heinz Hajek-Halke´s Photomontages & New Image-Makers | CHAUSSEE 36 Photography | Berlin

CHAUSSEE 36 Photography | Berlin
1. März – 3. Mai 2025

METAMORPHOSIS: Heinz Hajek-Halke´s Photomontages & New Image-Makers

Matthieu Bourel, Rebecca Fontaine-Wolf, Heinz Hajek-Halke, Mayumi Hosokura, Noé Sendas, Eva Stenram, Miriam Tölke, K YOUNG

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Der Gassenhauer, 1930, Gelatin silver print © Heinz Hajek-Halke Collection, Courtesy CHAUSSEE 36

Zum 100. Jubiläum der ersten Fotomontagen von Heinz Hajek-Halke feiert die Gruppenausstellung „Metamorphosis“ das Frühwerk (1925 - 1935) des Berliner Künstlers, entdeckt es neu und bringt es in eine Zusammenstellung mit den Werken einer Reihe diverser zeitgenössischer Fotomontage- und Collagekünstler*innen.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) ist ein bedeutender Fotokünstler des 20. Jahrhunderts. Während er in seinen abstrakten kameralosen Werken der 1950er und 1960er Jahre die Grenzen des fotografischen Mediums völlig neu auslotete, fallen seine fotografischen Experimente mit dem Beginn seiner Karriere zusammen.

1924, einige Jahre nachdem er sein Kunst- und Grafikstudium in Berlin abgeschlossen hatte, brachte er sich autodidaktisch das Fotografieren bei. Von diesem Zeitpunkt an arbeitete er als Pressefotograf für verschiedene Agenturen und begeisterte sich vor allem für die experimentelle Arbeit in der Dunkelkammer. Zwischen 1925 und 1931 spezialisierte er sich auf die Fotomontage. Inspiriert von der Ästhetik und den Spezialeffekten des Stummfilms machte sich Hajek-Halke auf die Suche nach neuen visuellen Formen und erforschte in dieser Zeit des intensiven Experimentierens komplexe Techniken, wie das Fixieren einer Bewegungsablfolge auf einer Platte, die Mehrfachbelichtung von mehreren Negativen im Vergrößerer oder in der Kamera und die Fotocollage. Durch das Zusammenfügen von Bildern aus unterschiedlichen Kontexten gelang es ihm, dynamische Kompositionen mit neuer Bedeutung zu schaffen, die an die Montagen der surrealistischen Avantgarde anknüpften.

Aus dieser Zeit stammen seine ikonischen Fotomontagen, die er frei gestaltete oder in der illustrierten Presse und als Teil von Werbeanzeigen veröffentlichte. Eine Auswahl von Vintage-Abzügen aus den Jahren 1925 bis 1935, berühmte und seltene Werke aus der Heinz Hajek-Halke Collection, sind in der Ausstellung zu entdecken. Diese irrealen Bilder, die für die Zeitschriften besonders attraktiv waren, weil sie originell und unterhaltsam waren, machten Hajek-Halke zu einem der gefragtesten „Trickfotografen“ im Berlin der Weimarer Republik. Seine beiden bevorzugten Motive, das Porträt und der weibliche Akt, bilden die Grundlage für überraschende Experimente: Ganze Gesichter und abgeschnittene Körper verlieren ihre Identität, wenn sie mit verschiedenen Motiven wie Straßenszenen, verfallenen Häuserfassaden, Kabarettszenen oder grafischen Mustern überlagert werden. Die Metamorphose funktioniert durch dieses Spiel mit traumhaften Assoziationen auf wunderbare Weise. In seinen Aktmontagen, die zwischen 1930 und 1932 seine Spezialität waren, übertraf sich Hajek-Halke selbst und erfand neue Techniken wie den Spiegeleffekt im Schwarz-Weiß-Akt, ein Bild, das in die Annalen der Fotografie einging, kurz bevor das Dritte Reich seine künstlerische Karriere unterbrach.

Die Fotomontagen aus dieser Zeit, die bereits zu seinen Lebzeiten vielfach veröffentlicht wurden, inspirierten spätere Künstlergenerationen. Im 19. Jahrhundert erfunden hat diese Technik die Kunst und die Populärkultur von den historischen Avantgarden des letzten Jahrhunderts bis hin zur Werbung immer weiter durchdrungen. Mit der zunehmenden Verbreitung von Online-Bildern und digitalen Hybridisierungswerkzeugen ist die Montage ein Zeichen unserer Zeit geblieben. Das zusammengesetzte Bild und seine vielfältigen Techniken der fotografischen Manipulation - Fotokollage, Überlagerung, digitale Montage und Retusche, automatische Bilderzeugung durch KI - stehen im Mittelpunkt der zeitgenössischen künstlerischen Praxis. Die aus zwei verschiedenen Teilen bestehende Ausstellung „Metamorphosis“ bietet eine Wiederentdeckung von Hajek-Halkes Frühwerk und untersucht die Verbindungen zwischen seinen Fotomontagen von Porträts und weiblichem Akt mit dem zeitgenössischen Kunstschaffen.

Die gezeigten Arbeiten variieren zwischen Collagen aus Magazinbildern und Vintage-Fotos (Matthieu Bourel, Miriam Tölke und K YOUNG), digitalen Montagen (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) und Fotomontagen, die aus Mischtechniken bestehen (Rebecca Fontaine-Wolf und Noé Sendas). Die Aneignung externer Bildquellen ist eine Praxis, die fast allen diesen Künstler*innen gemein ist: Teilweise gelöscht oder von anderen Elementen verdeckt, vervielfacht, fragmentiert oder verzerrt, werden die Gesichter und Körper der Originalbilder manipuliert und einer neuen Lesart zugeführt. Poetische Assemblagen, die Erforschung von Fragen zu Identität, Geschlecht und sozialen Konventionen oder die Hinterfragung unserer eigenen Sicht und Wahrnehmung - die Metamorphose der Bilder hört nicht auf, uns zu verzaubern und zu hinterfragen.

A sight for sore eyes, Duplicity VII, 2020, Photographic collage © Matthieu Bourel

À l'occasion du centenaire des premiers photomontages de Heinz Hajek-Halke, l'exposition de groupe « Metamorphosis » célèbre l'œuvre de jeunesse (1925 - 1935) de l'artiste berlinois, la redécouvre et l'associe aux œuvres d'une série de divers artistes contemporains spécialisés dans le photomontage et le collage*.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) est un artiste photographe important du 20e siècle. Alors qu'il a totalement exploré les limites du médium photographique dans ses œuvres abstraites sans caméra des années 1950 et 1960, ses expérimentations photographiques coïncident avec le début de sa carrière.

En 1924, quelques années après avoir terminé ses études d'art et de graphisme à Berlin, il a appris à photographier en autodidacte. À partir de ce moment, il travaille comme photographe de presse pour différentes agences et se passionne surtout pour le travail expérimental en chambre noire. Entre 1925 et 1931, il se spécialise dans le photomontage. Inspiré par l'esthétique et les effets spéciaux du cinéma muet, Hajek-Halke se mit en quête de nouvelles formes visuelles et explora, durant cette période d'expérimentation intensive, des techniques complexes telles que la fixation d'une séquence de mouvements sur une plaque, l'exposition multiple de plusieurs négatifs à l'agrandisseur ou à la caméra et le photocollage. En assemblant des images issues de contextes différents, il parvenait à créer des compositions dynamiques dotées d'une nouvelle signification, qui faisaient écho aux montages de l'avant-garde surréaliste.

C'est de cette époque que datent ses photomontages iconiques, qu'il créait librement ou qu'il publiait dans la presse illustrée et dans le cadre d'annonces publicitaires. Une sélection de tirages vintage des années 1925 à 1935, des œuvres célèbres et rares de la Heinz Hajek-Halke Collection, sont à découvrir dans l'exposition. Ces images irréelles, particulièrement attrayantes pour les magazines parce qu'elles étaient originales et amusantes, ont fait de Hajek-Halke l'un des « photographes de trucage » les plus demandés dans le Berlin de la République de Weimar. Ses deux motifs de prédilection, le portrait et le nu féminin, constituent la base d'expériences surprenantes : des visages entiers et des corps coupés perdent leur identité lorsqu'ils sont superposés à différents motifs tels que des scènes de rue, des façades de maisons délabrées, des scènes de cabaret ou des motifs graphiques. La métamorphose fonctionne à merveille grâce à ce jeu d'associations oniriques. Dans ses montages de nus, qui furent sa spécialité entre 1930 et 1932, Hajek-Halke se surpassa et inventa de nouvelles techniques comme l'effet de miroir dans le nu en noir et blanc, une image qui entra dans les annales de la photographie juste avant que le Troisième Reich n'interrompe sa carrière artistique.

Les photomontages de cette époque, qui ont fait l'objet de nombreuses publications de son vivant, ont inspiré les générations d'artistes suivantes. Inventée au 19e siècle, cette technique n'a cessé d'imprégner l'art et la culture populaire, depuis les avant-gardes historiques du siècle dernier jusqu'à la publicité. Avec la prolifération des images en ligne et des outils d'hybridation numérique, le montage est resté un signe de notre époque. L'image composite et ses multiples techniques de manipulation photographique - photocollage, superposition, montage et retouche numérique, création automatique d'images par IA - sont au cœur des pratiques artistiques contemporaines. Composée de deux parties distinctes, l'exposition « Metamorphosis » propose une redécouverte des premières œuvres de Hajek-Halke et explore les liens entre ses photomontages de portraits et de nus féminins et la création artistique contemporaine.

Les œuvres présentées varient entre des collages d'images de magazines et de photos vintage (Matthieu Bourel, Miriam Tölke et K YOUNG), des montages numériques (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) et des photomontages réalisés à partir de techniques mixtes (Rebecca Fontaine-Wolf et Noé Sendas). L'appropriation de sources d'images externes est une pratique commune à presque tous ces artistes* : partiellement effacés ou masqués par d'autres éléments, multipliés, fragmentés ou déformés, les visages et les corps des images originales sont manipulés et soumis à une nouvelle lecture. Assemblages poétiques, exploration de questions sur l'identité, le genre et les conventions sociales ou remise en question de notre propre vision et perception, la métamorphose des images ne cesse de nous enchanter et de nous interroger.

Memento, 2019, Fine art print © Miriam Tölke, Courtesy Johanna Breede

In occasione del centenario dei primi fotomontaggi di Heinz Hajek-Halke, la mostra collettiva “Metamorphosis” celebra i primi lavori (1925 - 1935) dell'artista berlinese, li riscopre e li accosta alle opere di una serie di vari artisti contemporanei di fotomontaggio e collage.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) è un importante artista fotografico del XX secolo. Mentre esplorava i confini del mezzo fotografico in modo completamente nuovo nelle sue opere astratte e senza macchina fotografica degli anni '50 e '60, i suoi esperimenti fotografici coincidevano con l'inizio della sua carriera.

Nel 1924, pochi anni dopo aver completato gli studi di arte e grafica a Berlino, si auto-apprende la fotografia. Da questo momento in poi, lavora come fotografo per la stampa per diverse agenzie e si dedica con particolare entusiasmo al lavoro sperimentale in camera oscura. Tra il 1925 e il 1931 si specializza nel fotomontaggio. Ispirato dall'estetica e dagli effetti speciali del cinema muto, Hajek-Halke si mise alla ricerca di nuove forme visive e, durante questo periodo di intensa sperimentazione, esplorò tecniche complesse come il fissaggio di una sequenza di movimenti su una lastra, l'esposizione multipla di più negativi nell'ingranditore o nella macchina fotografica e il collage fotografico. Combinando immagini provenienti da contesti diversi, fu in grado di creare composizioni dinamiche con un nuovo significato che riecheggiava i montaggi dell'avanguardia surrealista.

A questo periodo risalgono i suoi iconici fotomontaggi, creati liberamente o pubblicati sulla stampa illustrata e come parte di pubblicità. La mostra presenta una selezione di stampe d'epoca degli anni 1925-1935, opere famose e rare della Collezione Heinz Hajek-Halke. Queste immagini irreali, particolarmente attraenti per le riviste perché originali e divertenti, fecero di Hajek-Halke uno dei “fotografi truccatori” più richiesti a Berlino durante la Repubblica di Weimar. I suoi due motivi preferiti, il ritratto e il nudo femminile, costituiscono la base per esperimenti sorprendenti: volti interi e corpi ritagliati perdono la loro identità quando vengono sovrapposti a vari motivi come scene di strada, facciate di case fatiscenti, scene di cabaret o motivi grafici. La metamorfosi funziona meravigliosamente attraverso questo gioco di associazioni oniriche. Nei montaggi di nudo, che furono la sua specialità tra il 1930 e il 1932, Hajek-Halke superò se stesso e inventò nuove tecniche come l'effetto specchio nel nudo in bianco e nero, un'immagine che entrò negli annali della fotografia poco prima che il Terzo Reich interrompesse la sua carriera artistica.

I fotomontaggi di questo periodo, molti dei quali pubblicati durante la sua vita, hanno ispirato le generazioni di artisti successive. Inventata nel XIX secolo, questa tecnica ha continuato a permeare l'arte e la cultura popolare, dalle avanguardie storiche del secolo scorso alla pubblicità. Con la proliferazione delle immagini online e degli strumenti di ibridazione digitale, il montaggio è rimasto un segno dei nostri tempi. L'immagine composita e le sue diverse tecniche di manipolazione fotografica - fotocollage, sovrapposizione, montaggio e ritocco digitale, generazione automatica di immagini attraverso l'IA - sono al centro della pratica artistica contemporanea. La mostra “Metamorphosis”, composta da due parti diverse, propone una riscoperta dei primi lavori di Hajek-Halke ed esamina le connessioni tra i suoi fotomontaggi di ritratti e nudi femminili e l'arte contemporanea.

Le opere esposte variano tra collage di immagini di riviste e foto d'epoca (Matthieu Bourel, Miriam Tölke e K YOUNG), montaggi digitali (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) e fotomontaggi a tecnica mista (Rebecca Fontaine-Wolf e Noé Sendas). L'appropriazione di fonti d'immagine esterne è una pratica comune a quasi tutti questi artisti: parzialmente cancellati o coperti da altri elementi, moltiplicati, frammentati o distorti, i volti e i corpi delle immagini originali vengono manipolati e interpretati in modo nuovo. Assemblaggi poetici, esplorazione di questioni di identità, genere e convenzioni sociali o messa in discussione dei nostri punti di vista e delle nostre percezioni: la metamorfosi delle immagini non smette mai di incantarci e di interrogarci.

Part 5, 2013, Gelatin silver print © Eva Stenram, Courtesy Eva Stenram & The Ravestijn Gallery

To mark the 100th anniversary of Heinz Hajek-Halke's first photomontages, the group exhibition “Metamorphosis” celebrates the Berlin artist's early work (1925 - 1935), rediscovers it and brings it together with works from a range of contemporary photomontage and collage artists.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) is an important photographic artist of the 20th century. While he explored the boundaries of the photographic medium in a completely new way in his abstract, camera-less works of the 1950s and 1960s, his photographic experiments coincided with the beginning of his career.

In 1924, a few years after completing his art and graphics studies in Berlin, he taught himself photography. From this point onwards, he worked as a press photographer for various agencies and was especially enthusiastic about experimental work in the darkroom. Between 1925 and 1931, he specialised in photomontage. Inspired by the aesthetics and special effects of silent film, Hajek-Halke set out in search of new visual forms and, during this period of intensive experimentation, explored complex techniques such as capturing a sequence of movements on a plate, the multiple exposure of several negatives in the enlarger or in the camera as well as the photo collage. By combining images from different contexts, he succeeded in creating dynamic compositions with a new meaning that drew on the montages of the surrealist avant-garde.

His iconic photomontages, which he designed freely or published in the illustrated press and as part of adverts, date from this period. A selection of vintage prints from the years 1925 to 1935, famous and rare works from the Heinz Hajek-Halke Collection, can be discovered in the exhibition. These unreal images, which were particularly attractive to magazines because they were original and entertaining, made Hajek-Halke one of the most sought-after “special effects photographers” in Berlin during the Weimar Republic. His two favourite motifs, the portrait and the female nude, form the basis for surprising experiments: whole faces and cropped bodies lose their identity when they are superimposed with various motifs such as street scenes, dilapidated house facades, cabaret scenes or graphic patterns. The metamorphosis works marvellously through this play with dreamlike associations. In his nude montages, which were his speciality between 1930 and 1932, Hajek-Halke surpassed himself and invented new techniques such as the mirror effect in the Black-and-white Nude, an image that went down in the annals of photography shortly before the Third Reich interrupted his artistic career.

The photomontages from this period, many of which were published during his lifetime, inspired later generations of artists. Invented in the 19th century, this technique has continued to permeate art and popular culture from the historical avant-gardes of the last century to advertising. With the proliferation of online images and digital hybridisation tools, montage has remained a sign of our times. The composite image and its diverse techniques of photographic manipulation - photocollage, superimposition, digital montage and retouching, automatic image generation using AI - are at the centre of contemporary artistic practice. The exhibition “Metamorphosis”, consisting of two different parts, offers a rediscovery of Hajek-Halke's early work and examines the connections between his photomontages of portraits and female nudes with contemporary art.

The exhibited works vary between collages of magazine images and vintage photos (Matthieu Bourel, Miriam Tölke and K YOUNG), digital montages (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) and photomontages consisting of mixed media (Rebecca Fontaine-Wolf and Noé Sendas). The appropriation of external image sources is a practice common to almost all of these artists: partially erased or covered by other elements, multiplied, fragmented or distorted, the faces and bodies of the original images are manipulated and given a new interpretation. Poetic assemblages, the exploration of questions of identity, gender and social conventions or the questioning of our own views and perceptions - the metamorphosis of the images never ceases to enchant and challenge us.

(Text: CHAUSSEE 36 Photography, Berlin)

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Polaroids | Museum für Fotografie | Berlin
März
7
bis 27. Juli
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Polaroids | Museum für Fotografie | Berlin

Museum für Fotografie | Berlin
7. März - 27. Juli 2025

Polaroids

Amica, Milan 1982 (Polacolor) © Helmut Newton Foundation

Das Polaroid-Verfahren hat die Fotografie revolutioniert. Wer diese Kamera jemals benutzt hat, wird den Geruch der Entwicklungsemulsion und die Faszination für das Sofortbild nicht vergessen. Auch Helmut Newton liebte es, mit der Polaroid-Kamera zu fotografieren. Er hat die Technik seit den 1970er Jahren intensiv genutzt, insbesondere während der Shootings für seine Modeaufträge. Dahinter stand, wie er es selbst einmal in einem Interview nannte, das ungeduldige Verlangen, sofort wissen zu wollen, wie die Situation als Bild aussieht.

Ein Polaroid entspricht in diesem Zusammenhang einer Ideenskizze und dient zugleich der Überprüfung der konkreten Lichtsituation und Bildkomposition. Gleichzeitig übten die Polaroid-Aufnahmen insbesondere aufgrund ihrer Objekthaftigkeit und der Möglichkeit, das Bild experimentell weiterzuverwenden, einen großen Reiz auf viele künstlerisch arbeitende Fotografen aus.

Und so werden die Polaroids von Helmut Newton durch die Werke zahlreicher Kolleg*innen ergänzt, beispielsweise von Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti und Hannah Villiger. Diese Gruppenausstellung vereint die unterschiedlich verwendeten Techniken des Polaroid-Verfahrens in den verschiedensten Formaten, jeweils als Werkgruppe der ausgewählten Fotograf*innen.

Cindy Crawford, American Vouge, Monte Carlo, 1991 (Polacolor) © Helmut Newton Foundation

Le procédé Polaroid a révolutionné la photographie. Quiconque a déjà utilisé cet appareil n'oubliera jamais l'odeur de l'émulsion de développement et la fascination pour la photo instantanée. Helmut Newton aimait lui aussi prendre des photos avec un appareil Polaroid. Il a utilisé cette technique de manière intensive depuis les années 1970, notamment lors des shootings pour ses commandes de mode. Derrière cette pratique, il y avait, comme il l'a dit lui-même un jour dans une interview, l'envie impatiente de savoir immédiatement à quoi ressemblait la situation en tant que visuel.

Dans ce contexte, un polaroïd correspond à une esquisse d'idée et sert en même temps à vérifier la situation concrète de la lumière et la composition de l'image. Parallèlement, les Polaroïds ont exercé un grand attrait sur de nombreux photographes artistiques, notamment en raison de leur caractère d'objet et de la possibilité de réutiliser le visuel de manière expérimentale.

C'est ainsi que les polaroïds d'Helmut Newton sont complétés par les œuvres de nombreux collègues*, comme Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti et Hannah Villiger. Cette exposition de groupe réunit les différentes techniques utilisées du procédé Polaroid dans les formats les plus divers, à chaque fois en tant que groupe d'œuvres des photographes* sélectionnés.

Italian Vogue, Monte Carlo 2023 (SX-70) © Helmut Newton Foundation

Il processo Polaroid ha rivoluzionato la fotografia. Chiunque abbia usato questa macchina fotografica non dimenticherà mai l'odore dell'emulsione che si sviluppa e il fascino dell'immagine istantanea. Anche Helmut Newton amava fotografare con la Polaroid. Ha utilizzato questa tecnologia in modo intensivo a partire dagli anni Settanta, soprattutto durante i servizi fotografici per le sue commissioni di moda. Come lui stesso ha dichiarato in un'intervista, ciò era dovuto al desiderio impaziente di sapere immediatamente come sarebbe apparsa la situazione sotto forma di immagine.

In questo contesto, una Polaroid corrisponde a uno schizzo di un'idea e serve allo stesso tempo a verificare la situazione specifica di illuminazione e la composizione dell'immagine. Allo stesso tempo, le Polaroid esercitano un grande fascino su molti fotografi artistici, soprattutto per la loro qualità di oggetto e per la possibilità di utilizzare l'immagine in modo sperimentale.

Così alle Polaroid di Helmut Newton si affiancano le opere di numerosi colleghi, come Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti e Hannah Villiger. Questa mostra collettiva riunisce le varie tecniche utilizzate nel processo Polaroid in un'ampia gamma di formati, ciascuno come gruppo di opere dei fotografi selezionati.

Trophy, Tokio, 1984 (Polacolor 20 x 24) © Sandy Fellman, Courtesy OstLIcht Collection, Vienna

The technology of the Polaroid camera revolutionised photography. Anybody who has ever used one of these cameras will never forget the smell of the developing emulsion and the fascination inspired by its instant photographs. Helmut Newton also loved taking photographs with a Polaroid. From the 1970s onwards, he used these devices extensively, particularly during his fashion shoots. As he once said in an interview, he was motivated by the impatient desire to immediately know how the scene looked as a picture.

In this sense, a Polaroid is a little like a conceptual sketch, and also helps to check the lighting and image composition. At the same time, Polaroid snapshots possessed significant allure for many artistic photographers, particularly because of their objecthood and the possibility of experimentally reusing the image.

So this exhibition does not just feature the Polaroids of Helmut Newton, but also works by numerous colleagues, such as Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti and Hannah Villiger. This group exhibition brings together the various techniques of working with the Polaroid camera in the most diverse formats, with each photographer represented with a group of works.

(Text: Museum für Fotografie, Berlin)

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Radical Beauty | f³ – freiraum für fotografie | Berlin
März
7
bis 25. Mai
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Radical Beauty | f³ – freiraum für fotografie | Berlin

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f³ – freiraum für fotografie | Berlin
7. März – 25. Mai 2025

Radical Beauty

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Ohne Titel © Elizaveta Porodina, aus dem Projekt Radical Beauty

Radical Beauty stellt unsere Auffassung von Schönheit, Attraktivität und Ästhetik radikal in Frage. In dem weltweit einzigartigen Fotoprojekt haben über 60 international renommierte Mode- und Kunstfotograf*innen, darunter Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina und Zuzu Valla, gemeinsam mit Menschen mit Down-Syndrom Einzelbilder und Fotoserien entwickelt. In professionellen Studio-Bedingungen sind so überraschende und einzigartige Porträts entstanden. Unter den Protagonist*innen sind erfahrene Darsteller*innen wie die Schauspielerinnen Sarah Gordy (GB) und Lily Moore (USA), die Mehrzahl von ihnen führt jedoch ein Leben außerhalb des Rampenlichts.

Radical Beauty verwischt die Grenzen zwischen den Disziplinen. In der engen Zusammenarbeit zwischen Model und Fotograf*in sind beeindruckende Werke entstanden, welche die Lust am Rollenspiel und am visuellen Experiment transportieren und die einzigartigen Persönlichkeiten der Porträtierten eindrücklich widerspiegeln: Ob zärtliche Intimität, nüchterner Realismus oder pralle Lebensfreude – Radical Beauty zelebriert alle Facetten des menschlichen Seins und feiert die Vielfalt einer inklusiven Gesellschaft.

Der Londoner Modefotograf Sammy Baxter etwa entwarf mit seinem Model Lara Wates eine dystopisch anmutende Inszenierung, in der die Akteurin vor kraftvoll-bunten Hintergründen mit Armen ringt, die scheinbar aus dem Nichts zu kommen scheinen. Brian Griffin hat sich mit Porträts von Popmusiker*innen international einem Namen gemacht, seine in schwarz-weiß aufgenommenen Fotografien erinnern an ein Albumcover. Der Kunstfotograf Erwin Olaf präsentiert seinen Protagonisten mit zurückgegeltem Haar und leuchtend blauen Augen im Stile einer antiken Putte, die schwerelos in schäumendem Wasser zu schweben scheint. Beim näheren Hinsehen entpuppt sich dies als technischer Effekt, der durch die gekonnte Manipulation des Filmmaterials zustande kommt. Die Fashion-Fotografin Elizaveta Porodina inszeniert die Schauspielerin Lily Moore mit farbenfrohem Surrealismus. Die emotionale Symbolik, die ihrer Arbeit zugrunde liegt, ist eine Referenz an ihr Studium der klinischen Psychologie. Die Fotografin Zuzu Valle betrachtet sich als Advokatin für Menschen mit Behinderungen und präsentiert Fotografien von Drag-Queens und Drag-Kings mit Down-Syndrom, die unter die Haut gehen.

Ins Leben gerufen wurde Radical Beauty im Jahr 2018 von dem britischen Kollektiv Culture Device, einer Gruppe von Down-Syndrom-Performer*innen, die bereits im Londoner Royal Opera House, der Tate Modern und im Southbank Centre aufgetreten sind. Unter der künstlerischen Leitung von Daniel Vais ist seitdem ein globales Projekt entstanden, welches zur Sichtbarkeit von Menschen mit kognitiven Behinderungen beiträgt und Menschen mit Down-Syndrom eine Bühne bietet.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Nadine Barth.

Künstlerische Leitung des Projekts: Daniel Vais, Culture Device.

Ohne Titel © Scallywag Fox, aus dem Projekt Radical Beauty

Radical Beauty remet radicalement en question notre conception de la beauté, de l'attractivité et de l'esthétique. Dans le cadre de ce projet photographique unique au monde, plus de 60 photographes* de mode et d'art de renommée internationale, dont Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina et Zuzu Valla, ont développé des images individuelles et des séries de photos en collaboration avec des personnes atteintes du syndrome de Down. Des portraits surprenants et uniques ont ainsi été réalisés dans des conditions de studio professionnel. Parmi les protagonistes*, on trouve des acteurs expérimentés comme les actrices Sarah Gordy (GB) et Lily Moore (USA), mais la plupart d'entre eux mènent une vie hors des feux de la rampe.

Radical Beauty brouille les frontières entre les disciplines. L'étroite collaboration entre le modèle et le photographe* a donné naissance à des œuvres impressionnantes qui véhiculent l'envie de jouer un rôle et d'expérimenter visuellement, tout en reflétant de manière saisissante les personnalités uniques des portraits : Qu'il s'agisse d'intimité tendre, de réalisme sobre ou de joie de vivre débordante, Radical Beauty célèbre toutes les facettes de l'être humain et célèbre la diversité d'une société inclusive.

Le photographe de mode londonien Sammy Baxter a par exemple conçu avec son modèle Lara Wates une mise en scène aux allures dystopiques, dans laquelle l'actrice se débat sur des arrière-plans puissamment colorés avec des bras qui semblent surgir de nulle part. Brian Griffin s'est fait un nom au niveau international avec des portraits de musiciens pop*, ses photographies prises en noir et blanc font penser à une pochette d'album. Le photographe d'art Erwin Olaf présente son protagoniste, les cheveux tirés en arrière et les yeux d'un bleu éclatant, dans le style d'un putto antique qui semble flotter en apesanteur dans une eau écumante. En y regardant de plus près, il s'agit d'un effet technique obtenu par une manipulation habile du matériel cinématographique. La photographe de mode Elizaveta Porodina met en scène l'actrice Lily Moore avec un surréalisme coloré. Le symbolisme émotionnel qui sous-tend son travail est une référence à ses études de psychologie clinique. La photographe Zuzu Valle se considère comme une avocate des personnes handicapées et présente des photographies de drag queens et de drag kings trisomiques qui collent à la peau.

Radical Beauty a été créé en 2018 par le collectif britannique Culture Device, un groupe de performeurs* trisomiques qui se sont déjà produits au Royal Opera House de Londres, à la Tate Modern et au Southbank Centre. Sous la direction artistique de Daniel Vais, un projet global a depuis vu le jour, contribuant à la visibilité des personnes souffrant de handicaps cognitifs et offrant une scène aux personnes atteintes du syndrome de Down.

Le commissariat de l'exposition a été assuré par Nadine Barth.

Direction artistique du projet : Daniel Vais, Culture Device.

Ohne Titel © Elizaveta Porodina, aus dem Projekt Radical Beauty

Radical Beauty mette radicalmente in discussione la nostra percezione della bellezza, dell'attrattiva e dell'estetica. In questo progetto fotografico unico al mondo, oltre 60 fotografi di moda e d'arte di fama internazionale, tra cui Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina e Zuzu Valla, hanno sviluppato immagini individuali e serie fotografiche insieme a persone con sindrome di Down. Ritratti sorprendenti e unici sono stati creati in condizioni di studio professionali. Tra i protagonisti ci sono performer esperti come le attrici Sarah Gordy (Regno Unito) e Lily Moore (USA), ma la maggior parte di loro conduce una vita al di fuori delle luci della ribalta.

Radical Beauty sfuma i confini tra le discipline. La stretta collaborazione tra modella e fotografo ha dato vita a opere di grande impatto che trasmettono il desiderio di gioco di ruolo e di sperimentazione visiva e riflettono in modo impressionante le personalità uniche delle persone ritratte: Che si tratti di tenera intimità, sobrio realismo o piena gioia di vivere, Radical Beauty celebra tutte le sfaccettature della condizione umana e la diversità di una società inclusiva.

Il fotografo di moda londinese Sammy Baxter, ad esempio, ha creato una produzione dall'aspetto distopico con la sua modella Lara Wates, in cui l'attrice lotta con braccia che sembrano uscire dal nulla davanti a sfondi potenti e colorati. Brian Griffin si è fatto un nome a livello internazionale con i suoi ritratti di musicisti pop; le sue fotografie in bianco e nero ricordano le copertine degli album. Il fotografo d'arte Erwin Olaf presenta il suo protagonista con i capelli sciolti e gli occhi azzurri brillanti nello stile di un antico cherubino che sembra galleggiare senza peso nell'acqua schiumosa. A ben guardare, si tratta di un effetto tecnico creato da un'abile manipolazione del materiale cinematografico. La fotografa di moda Elizaveta Porodina mette in scena l'attrice Lily Moore con un colorato surrealismo. Il simbolismo emotivo alla base del suo lavoro è un riferimento ai suoi studi di psicologia clinica. La fotografa Zuzu Valle si considera una sostenitrice delle persone con disabilità e presenta fotografie di drag queen e drag king con sindrome di Down che entrano nella pelle.

Radical Beauty è stato creato nel 2018 dal collettivo britannico Culture Device, un gruppo di performer con sindrome di Down che si è già esibito alla Royal Opera House di Londra, alla Tate Modern e al Southbank Centre. Sotto la direzione artistica di Daniel Vais, è nato un progetto globale che contribuisce alla visibilità delle persone con disabilità cognitive e offre alle persone con sindrome di Down un palcoscenico.

La mostra è stata curata da Nadine Barth.

Direzione artistica del progetto: Daniel Vais, Dispositivo culturale.

Ohne Titel © Zuzia Zawada, aus dem Projekt Radical Beauty

Radical Beauty radically questions our perception of beauty, attractiveness and aesthetics. In this globally unique photo project, over 60 internationally renowned fashion and art photographers, including Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina and Zuzu Valla, worked together with people with Down syndrome to develop individual images and photo series. Surprising and unique portraits were created in professional studio conditions. The protagonists include experienced performers such as actresses Sarah Gordy (UK) and Lily Moore (USA), but the majority of them lead a life outside the limelight.

Radical Beauty blurs the boundaries between disciplines. Through close collaboration between model and photographer, impressive works have emerged that convey a passion for role-playing and visual experimentation while vividly reflecting the unique personalities of the portrayed. Whether tender intimacy, sober realism or full-blooded joie de vivre – Radical Beauty celebrates all facets of human existence and embraces the diversity of an inclusive society.

The London fashion photographer Sammy Baxter, for example, created a dystopian staging with his model Lara Wates, where the pictured struggles with arms that seem to emerge from nowhere against vibrant, colorful backdrops. Brian Griffin, renowned internationally for his portraits of pop musicians, offers black-and-white photographs reminiscent of iconic album covers. Art photographer Erwin Olaf presents his protagonist with slicked-back hair and striking blue eyes in the style of an antique cherub, seemingly floating weightlessly in frothy water. On closer inspection, this effect reveals itself as a technical illusion achieved through masterful manipulation of film material. Fashion photographer Elizaveta Porodina stages actress Lily Moore with vivid surrealism, drawing on the emotional symbolism is a reference to her studies of clinical psychology. Photographer Zuzu Valle sees herself as an advocate for people with disabilities and presents photographs of drag queens and drag kings with Down syndrome that get under your skin.

Radical Beauty was launched in 2018 by the British collective Culture Device, a group of Down syndrome performers who have already graced stages such as the Royal Opera House, Tate Modern, and Southbank Centre in London. Under the artistic direction of Daniel Vais, the project has since evolved into a global initiative, enhancing the visibility of people with cognitive disabilities and providing a platform for individuals with Down syndrome.

The exhibition was curated by Nadine Barth.

Artistic direction of the project: Daniel Vais, Culture Device.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

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Microverse - Kathrin Linkersdorff | Haus am Kleistpark
März
21
bis 8. Juni
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Microverse - Kathrin Linkersdorff | Haus am Kleistpark

Haus am Kleistpark
21. März – 8. Juni 2025

Microverse
Kathrin Linkersdorff

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Microverse III / 3 / Sc-M510 / 19.6.-10.10.24, 2025 © Kathrin Linkersdorff / VG Bild-Kunst, Bonn 2025

Nach zahlreichen Ausstellungserfolgen im In- und Ausland zeigt die Berliner Künstlerin Kathrin Linkersdorff im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie im Haus am Kleistpark einen Überblick ihres Schaffens, das im Spannungsfeld von Kunst und Wissenschaft angesiedelt ist. Zu sehen sind Arbeiten aus verschiedenen Werkgruppen der letzten Jahre wie „Wabi Sabi“ (2013-2017), „Floriszenzen“ (ab 2019) und „Fairies“ (ab 2020) sowie aus ihrem aktuellen Projekt „Microverse“ (seit 2023).

Im Zentrum der Ausstellung stehen die Werke der jüngsten Serien „Microverse I, II und III“, darunter eine noch nie zuvor gezeigte, wandfüllende 4-teilige Arbeit, deren Komposition an Aufnahmen von kosmischen Nebeln und Galaxien erinnert. Es handelt sich um Bilder, die im Rahmen ihrer Forschung als Artist in Residence am Excellence Cluster „Matters of Activity“ des Instituts für Biologie/Mikrobiologie der Humboldt-Universität zu Berlin entstanden sind, wo es Linkersdorff möglich ist, das Verhalten von einfachen Bodenbakterien in biochemischen Verfallsprozessen zu beobachten und damit Kreislaufprozesse der Natur in ihren Werken zu dokumentieren.

Inspiriert von der japanischen Philosophie des „Wabi Sabi“, die mit der Akzeptanz und Kontemplation von Vergänglichkeit aller Dinge einhergeht, erforschte Kathrin Linkersdorff bereits in früheren Experimenten das komplexe Zusammenspiel von Werden und Vergehen an welkenden Blüten. Ihr Fotoatelier ist zugleich ein Labor, in dem sie Pflanzen nicht nur trocknet, sondern ihnen mittels chemischer Prozesse auch die Pigmente entzieht, um ihre Strukturen sichtbar zu machen. In all ihren Arbeiten werden organische Prozesse erfahrbar, die gleichzeitig als poetische, visuelle Metaphern für Vergänglichkeit als integralem Bestandteil des Lebens gelesen werden können.

Fairies I / 1, 2020 © Kathrin Linkersdorff / VG Bild-Kunst, Bonn 2025

Après de nombreux succès d'exposition en Allemagne et à l'étranger, l'artiste berlinoise Kathrin Linkersdorff présente, dans le cadre du Mois européen de la photographie à la Haus am Kleistpark, un aperçu de son œuvre, qui se situe à la croisée de l'art et de la science. On peut y voir des travaux issus de différents groupes d'œuvres de ces dernières années comme « Wabi Sabi » (2013-2017), « Floriszenzen » (à partir de 2019) et « Fairies » (à partir de 2020) ainsi que de son projet actuel « Microverse » (depuis 2023).

L'exposition est centrée sur les œuvres des séries les plus récentes « Microverse I, II et III », dont une œuvre inédite en quatre parties couvrant tout un mur, dont la composition rappelle les prises de vue de nébuleuses cosmiques et de galaxies. Il s'agit de visuels réalisés dans le cadre de ses recherches en tant qu'artiste en résidence au sein du cluster d'excellence « Matters of Activity » de l'Institut de biologie/microbiologie de l'Université Humboldt de Berlin, où il est possible pour Linkersdorff d'observer le comportement de simples bactéries du sol dans les processus biochimiques de décomposition et de documenter ainsi les processus de circulation de la nature dans ses œuvres.

Inspirée par la philosophie japonaise du « wabi sabi », qui va de pair avec l'acceptation et la contemplation du caractère éphémère de toute chose, Kathrin Linkersdorff avait déjà exploré, lors d'expériences antérieures, l'interaction complexe du devenir et de la disparition de fleurs en train de faner. Son atelier photographique est également un laboratoire dans lequel elle ne se contente pas de faire sécher les plantes, mais où elle leur retire également leurs pigments au moyen de processus chimiques afin de rendre leurs structures visibles. Dans tous ses travaux, des processus organiques deviennent perceptibles, qui peuvent en même temps être lus comme des métaphores poétiques et visuelles de l'éphémère comme partie intégrante de la vie.

Wabi Sabi II / 4, 2017 © Kathrin Linkersdorff / VG Bild-Kunst, Bonn 2025

Dopo numerose mostre di successo in Germania e all'estero, l'artista berlinese Kathrin Linkersdorff presenta una panoramica del suo lavoro, che si colloca all'intersezione tra arte e scienza, nell'ambito del Mese europeo della fotografia alla Haus am Kleistpark. Sono esposte opere di diversi gruppi di lavori degli ultimi anni, come “Wabi Sabi” (2013-2017), “Floriszenzen” (dal 2019) e “Fairies” (dal 2020), nonché del suo attuale progetto “Microverse” (dal 2023).

Al centro della mostra ci sono le opere della serie più recente “Microverse I, II e III”, tra cui un'opera inedita a parete in quattro parti la cui composizione ricorda immagini di nebulose e galassie cosmiche. Si tratta di immagini create nell'ambito della sua ricerca come Artista in Residenza presso il Cluster di Eccellenza “Matters of Activity” dell'Istituto di Biologia/Microbiologia dell'Università Humboldt di Berlino, dove Linkersdorff è in grado di osservare il comportamento di semplici batteri del suolo nei processi di decadimento biochimico e di documentare così i processi del ciclo della natura nelle sue opere.

Ispirata dalla filosofia giapponese del “Wabi Sabi”, che va di pari passo con l'accettazione e la contemplazione della transitorietà di tutte le cose, Kathrin Linkersdorff ha già esplorato la complessa interazione tra crescita e decadenza nei fiori appassiti in precedenti esperimenti. Il suo studio fotografico è anche un laboratorio in cui non solo essicca le piante, ma utilizza anche processi chimici per estrarre i loro pigmenti al fine di visualizzarne le strutture. I processi organici possono essere percepiti in tutte le sue opere, che possono anche essere lette come metafore poetiche e visive della transitorietà come parte integrante della vita.

Fairies IV / 2, 2020 © Kathrin Linkersdorff / VG Bild-Kunst, Bonn 2025

After numerous exhibition successes at home and abroad, the Berlin-based artist Kathrin Linkersdorff is showing an overview of her work, which is situated in the field of tension between art and science, as part of the European Month of Photography at the Haus am Kleistpark. On display are works from various series from recent years, such as ‘Wabi Sabi’ (2013-2017), ‘Floriszenzen’ (from 2019) and ‘Fairies’ (from 2020), as well as from her current project ‘Microverse’ (since 2023).

The exhibition focuses on the works from the most recent series, ‘Microverse I, II and III,’ including a wall-sized, four-part work that has never been shown before, whose composition is reminiscent of images of cosmic nebulae and galaxies. These visuals were created as part of her research as an artist in residence at the Excellence Cluster ‘Matters of Activity’ at the Institute of Biology/Microbiology at Humboldt University in Berlin, where Linkersdorff is able to observe the behaviour of simple soil bacteria in biochemical decay processes and thus document natural cycles in her works.

Inspired by the Japanese philosophy of ‘Wabi Sabi,’ which is associated with the acceptance and contemplation of the transience of all things, Kathrin Linkersdorff had already explored the complex interplay of becoming and decaying in wilting flowers in earlier experiments. Her photographic studio is also a laboratory in which she not only dries plants, but also uses chemical processes to extract the pigments from them in order to make their structures visible. In all of her works, organic processes can be experienced, which can also be read as poetic, visual metaphors for transience as an integral part of life.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

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Vaginal Davis - Fabelhaftes Produkt | Gropius Bau | Berlin
März
21
bis 14. Sept.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Vaginal Davis - Fabelhaftes Produkt | Gropius Bau | Berlin

Gropius Bau | Berlin
21. März – 14. September 2025

Vaginal Davis - Fabelhaftes Produkt

Vaginal Davis, 1998
Courtesy: die Künstlerin und Galerie Isabella Bortolozzi, Berlin

20 Jahre nachdem die Künstlerin, Autorin und Performerin Vaginal Davis von Los Angeles nach Berlin zog, zeigt der Gropius Bau die erste umfassende Einzelausstellung ihres Werks in Deutschland. In ihrem wegweisenden Schaffen verbinden sich Punk und Glamour, queerer Aktivismus und Schwarze Gegenkultur sowie Widerstand und Begehren. Vaginal Davis: Fabelhaftes Produkt vereint großformatige Installationen, Malereien, Video- und Filmarbeiten, Zines, Texte, Musik sowie Performance und bietet einen umfassenden Überblick über Davis’ vielschichtige Praxis und ihre künstlerischen Zusammenarbeiten. Im Rahmen der Ausstellung zeigt das Kunstkollektiv CHEAP die Installation Choose Mutation mit Fotografien von Annette Frick. Fabelhaftes Produkt lädt in das Universum von Vaginal Davis ein, das von literarischen Heldinnen, mythischen Figuren und echten Ikonen bewohnt wird.

Initiiert vom Moderna Museet, Stockholm, in Zusammenarbeit mit dem Gropius Bau, Berlin, und MoMA PS1, New York

Vaginal Davis, The Wicked Pavilion, 2021, Detailansicht, Vaginal Davis: The Wicked Pavilion, Galerie Isabella Bortolozzi, Berlin, 2021, Foto: GRAYSC
© Vaginal Davis, Courtesy: die Künstlerin und Galerie Isabella Bortolozzi, Berlin

Vingt ans après que l'artiste, auteur et performeuse Vaginal Davis a quitté Los Angeles pour Berlin, le Gropius Bau présente la première exposition individuelle complète de son œuvre en Allemagne. Dans son travail précurseur, le punk et le glamour, l'activisme queer et la contre-culture noire ainsi que la résistance et le désir se rejoignent. Vaginal Davis : Fabelhaftes Produkt réunit des installations grand format, des peintures, des travaux vidéo et cinématographiques, des zines, des textes, de la musique et des performances et offre un aperçu complet de la pratique complexe de Davis et de ses collaborations artistiques. Dans le cadre de l'exposition, le collectif artistique CHEAP présente l'installation Choose Mutation avec des photographies d'Annette Frick. Fabelhaftes Produkt invite à pénétrer dans l'univers de Vaginal Davis, habité par des héroïnes littéraires, des figures mythiques et de véritables icônes.

Initié par le Moderna Museet, Stockholm, en collaboration avec le Gropius Bau, Berlin, et le MoMA PS1, New York

Vaginal Davis, The Wicked Pavilion, 2021, Detailansicht, Vaginal Davis: The Wicked Pavilion, Galerie Isabella Bortolozzi, Berlin, 2021, Foto: GRAYSC
© Vaginal Davis, Courtesy: die Künstlerin und Galerie Isabella Bortolozzi, Berlin

 

20 anni dopo il trasferimento dell'artista, autrice e performer Vaginal Davis da Los Angeles a Berlino, il Gropius Bau presenta la prima mostra personale completa del suo lavoro in Germania. Il suo lavoro innovativo combina punk e glamour, attivismo queer e controcultura nera, resistenza e desiderio. Vaginal Davis: Fabulous Product riunisce installazioni di grandi dimensioni, dipinti, opere video e cinematografiche, zine, testi, musica e performance e offre una panoramica completa della pratica multistrato della Davis e delle sue collaborazioni artistiche. Nell'ambito della mostra, il collettivo artistico CHEAP presenta l'installazione Choose Mutation con fotografie di Annette Frick. Fabulous Product vi invita a entrare nell'universo di Vaginal Davis, abitato da eroine letterarie, figure mitiche e icone reali.

Iniziata dal Moderna Museet di Stoccolma, in collaborazione con il Gropius Bau di Berlino e il MoMA PS1 di New York.

Vaginal Davis, The Wicked Pavilion, 2024, Installationsansicht, Vaginal Davis: Magnificent Product, Moderna Museet
© Vaginal Davis, Foto: My Matson/Moderna Museet

Marking twenty years since artist, writer and performer Vaginal Davis made Berlin her home, Gropius Bau presents the first comprehensive solo exhibition of her work in Germany. In her expansive oeuvre, punk meets glamour, queer activism meets Black counter-culture and resistance meets desire. Vaginal Davis: Fabelhaftes Produkt features large-scale installations, paintings, video and film works, zines, writing, music and performances, offering an overview of Davis’ practice and artistic collaborations. In the exhibition, the Berlin-based art collective CHEAP presents the installation Choose Mutation, with photographs by Annette Frick. Fabelhaftes Produkt invites you into the universe of Vaginal Davis, populated by literary heroines, mythical figures and real icons.

Initiated by Moderna Museet, Stockholm, in collaboration with Gropius Bau, Berlin, and MoMA PS1, New York

(Text: Gropius Bau, Berlin)

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Mineriada - Anton Roland Laub | Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin
März
28
bis 1. Juni
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Mineriada - Anton Roland Laub | Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin

  • Haus am Kleistpark Projektraum (Karte)
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Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin
28. März – 1. Juni 2025

Mineriada
Anton Roland Laub

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

© Anton Roland Laub, o.T., 1990, aus der Serie Mineriada 2014-2022, Polaroid, historisches Material, Privatarchiv, VG Bild-Kunst, Bonn

Mit seiner Ausstellung Mineriada begibt sich der Künstler Anton Roland Laub auf eine Reise in die Vergangenheit und taucht ein in das transgenerationale Traumata der rumänischen Gesellschaft nach dem Ende der Regierung Ceaușescu. Er thematisiert die gewaltsamen Unruhen von 1990, als tausende aufgehetzte regimetreue Bergarbeiter aus dem Jiu-Tal nach Bukarest gebracht wurden, um pro-europäische Proteste brutal niederzuschlagen.

Trotz eines Urteils des Europäischen Gerichtshofs für Menschenrechte von 2014 bleiben die tödlichen Übergriffe juristisch unaufgearbeitet – eine verdrängte Vergangenheit, der Laub in seinen Bildern nachspürt. In der rumänischen Presse wurde die Mineriade mit der Stürmung des Kapitols in den USA am 6. Januar 2021 verglichen. Mit seiner Arbeit sensibilisiert der Künstler für rekursive Konflikte in einer polarisierten Welt. Der Titel Mineriada ist ein sarkastisch verwendeter Begriff, der das rumänische Wort Bergarbeiter „Miner“ mit der Endung „-iada“ aus „Olimpiada“ kombiniert.

In einer Rückschau von Straßburg über Bukarest nach Petroșani untersucht Laub die Orte des damaligen Geschehens, das unausgesprochene Leid handgreiflicher Gewalt und dessen Spuren im kollektiven Gedächtnis. Ausgangspunkt sind Fotografien seines Vaters von Juni 1990, ergänzt durch eigene Recherchen, persönliche Erfahrungen und Erinnerungen. Primäres Ziel des Künstlers ist nicht die historische Aufarbeitung, sondern die Annäherung an die Thematik über die latente Präsenz des Geschehens im Unbewussten.

Eine der zentralen Arbeiten zeigt einen Blick nach vorne ins Dunkel. Zu sehen ist als einziges Element ein Spiegel, auf dessen Oberfläche Myriaden filigraner Wassertropfen schimmern, die das in ihm Abgebildete verzerren. Im Blick zurück, in der Spiegelung, ist ein Scheinwerfer zu erkennen, der sich von hinten zu nähern scheint. Ein kleines, viereckiges Element auf der Spiegelfläche bricht die rätselhafte Stimmung – als würde die Zeit zugleich vorwärts und rückwärts fließen. Was tritt aus dem Schatten der Nacht hervor?

Laub schafft Bilder von philosophischer Tiefe und poetischer Kraft. Seine Fotografien wirken durch ihre ästhetische Präzision und subtile Symbolik. Der Künstler öffnet Denkräume, ohne Antworten zu geben. Der Mythos von Saturn – dem Vater, der seine Kinder verschlingt, um nicht gestürzt zu werden – schwingt in seiner Auseinandersetzung mit. Eine weitere Fotografie zeigt eine verbogene Gitterstruktur, eine Metapher für Begrenzung und Durchlässigkeit zugleich. Dahinter fällt Licht durch ein engmaschiges, zusammengeflicktes dunkles Netz aus Kunststoff, eine Allegorie voller Ambivalenz.

Anton Roland Laub, in Bukarest geboren und aufgewachsen, lebt und arbeitet in Berlin. Er absolvierte ein Masterstudium an der Kunsthochschule Berlin Weißensee sowie zuvor ein Studium an der Neuen Schule für Fotografie in Berlin und ein Studium der Medienund Kommunikationswissenschaften an der Universität Bukarest. Nach Mobile Churches und Last Christmas (of Ceaușescu) legt Laub mit Mineriada den letzten Teil seiner Rumänien-Trilogie im Kehrer Verlag vor. Die Arbeit wurde durch das Recherchestipendium Bildende Kunst der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin sowie durch die Publikationsförderung der Stiftung Kulturwerk, Bonn unterstützt.

© Anton Roland Laub/VG Bild-Kunst, Bonn, o.T., aus der Serie Mineriada, 2014-2022

Avec son exposition Mineriada, l'artiste Anton Roland Laub entreprend un voyage dans le passé et se plonge dans le traumatisme transgénérationnel de la société roumaine après la fin du gouvernement Ceaușescu. Il aborde les violentes émeutes de 1990, lorsque des milliers de mineurs excités et fidèles au régime ont été amenés de la vallée de Jiu à Bucarest pour réprimer brutalement les protestations pro-européennes.

Malgré un arrêt de la Cour européenne des droits de l'homme de 2014, ces agressions mortelles restent juridiquement non traitées - un passé refoulé que Laub retrace dans ses visuels. Dans la presse roumaine, la Mineriade a été comparée à la prise du Capitole aux Etats-Unis le 6 janvier 2021. Avec son travail, l'artiste sensibilise aux conflits récurrents dans un monde polarisé. Le titre Mineriada est un terme utilisé de manière sarcastique qui combine le mot roumain mineur « Miner » avec la terminaison « -iada » de « Olimpiada ».

Dans une rétrospective de Strasbourg à Petroșani en passant par Bucarest, Laub examine les lieux des événements de l'époque, la souffrance inexprimée de la violence manuelle et ses traces dans la mémoire collective. Les photographies de son père datant de juin 1990 constituent le point de départ, complétées par ses propres recherches, expériences personnelles et souvenirs. L'objectif premier de l'artiste n'est pas le traitement historique, mais l'approche de la thématique par la présence latente de l'événement dans l'inconscient.

L'une des œuvres centrales montre un regard vers l'avant, dans l'obscurité. Le seul élément visible est un miroir sur la surface duquel scintillent des myriades de gouttes d'eau en filigrane, qui déforment ce qui y est représenté. En regardant en arrière, dans le reflet, on aperçoit un projecteur qui semble s'approcher par derrière. Un petit élément carré sur la surface du miroir rompt l'ambiance énigmatique - comme si le temps s'écoulait à la fois en avant et en arrière. Qu'est-ce qui émerge de l'ombre de la nuit ?

Laub crée des visuels d'une profondeur philosophique et d'une force poétique. Ses photographies agissent par leur précision esthétique et leur symbolisme subtil. L'artiste ouvre des espaces de réflexion sans donner de réponses. Le mythe de Saturne - le père qui dévore ses enfants pour ne pas être renversé - résonne dans sa confrontation. Une autre photographie montre une structure grillagée tordue, une métaphore à la fois de la limitation et de la perméabilité. Derrière elle, la lumière passe à travers un filet sombre en plastique aux mailles serrées et rapiécées, une allégorie pleine d'ambivalence.

Anton Roland Laub, né et élevé à Bucarest, vit et travaille à Berlin. Il a obtenu un master à la Kunsthochschule Berlin Weißensee et a étudié auparavant à la Neue Schule für Fotografie de Berlin et à l'université de Bucarest en sciences des médias et de la communication. Après Mobile Churches et Last Christmas (of Ceaușescu), Laub présente Mineriada, le dernier volet de sa trilogie sur la Roumanie aux éditions Kehrer. Ce travail a été soutenu par la bourse de recherche en arts visuels du Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin, ainsi que par le soutien à la publication de la fondation Kulturwerk, Bonn.

© Anton Roland Laub/VG Bild-Kunst, Bonn, o.T., aus der Serie Mineriada, 2014-2022

Con la mostra Mineriada, l'artista Anton Roland Laub intraprende un viaggio nel passato e scava nel trauma transgenerazionale della società rumena dopo la fine del governo di Ceaușescu. L'autore affronta i violenti disordini del 1990, quando migliaia di minatori fedeli al regime furono portati dalla valle del Jiu a Bucarest per reprimere brutalmente le proteste pro-europee.

Nonostante una sentenza della Corte europea dei diritti dell'uomo del 2014, gli attacchi mortali rimangono giuridicamente irrisolti - un passato represso che Laub ripercorre nelle sue immagini. Nella stampa rumena, la Mineriade è stata paragonata all'assalto al Campidoglio negli Stati Uniti del 6 gennaio 2021. Con le sue opere, l'artista sensibilizza sui conflitti ricorrenti in un mondo polarizzato. Il titolo Mineriada è un termine sarcastico che combina la parola rumena minatore con il suffisso “-iada” di “Olimpiada”.

In una retrospettiva da Strasburgo a Petroșani, passando per Bucarest, Laub esamina i luoghi in cui si sono svolti gli eventi, la sofferenza inespressa della violenza tangibile e le sue tracce nella memoria collettiva. Il punto di partenza sono le fotografie scattate dal padre nel giugno 1990, integrate da ricerche personali, esperienze e ricordi. L'obiettivo primario dell'artista non è quello di fare i conti con la storia, ma di avvicinarsi al tema attraverso la presenza latente dell'evento nell'inconscio.

Una delle opere centrali mostra una vista in avanti nell'oscurità. L'unico elemento visibile è uno specchio, sulla cui superficie brillano miriadi di gocce d'acqua in filigrana, distorcendo ciò che vi è raffigurato. Guardando indietro, nel riflesso, si riconosce un riflettore che sembra avvicinarsi da dietro. Un piccolo elemento quadrato sulla superficie dello specchio rompe l'atmosfera enigmatica, come se il tempo scorresse in avanti e indietro allo stesso tempo. Cosa emerge dalle ombre della notte?

Laub crea immagini di profondità filosofica e forza poetica. Le sue fotografie sono efficaci grazie alla loro precisione estetica e al sottile simbolismo. L'artista apre spazi di riflessione senza fornire risposte. Il mito di Saturno - il padre che divora i suoi figli per non essere rovesciato - risuona nel suo lavoro. Un'altra fotografia mostra una struttura a griglia piegata, metafora di limitazione e permeabilità allo stesso tempo. Dietro di essa, la luce cade attraverso una rete scura di plastica, fitta e rattoppata, un'allegoria piena di ambivalenza.

Anton Roland Laub, nato e cresciuto a Bucarest, vive e lavora a Berlino. Ha conseguito un master presso la Kunsthochschule Berlin Weißensee e in precedenza ha studiato presso la Neue Schule für Fotografie di Berlino e Media and Communication Studies all'Università di Bucarest. Dopo Mobile Churches e Last Christmas (di Ceaușescu), Mineriada di Laub è la parte finale della sua trilogia sulla Romania, pubblicata da Kehrer Verlag. L'opera è stata sostenuta dalla borsa di studio per la ricerca sulle arti visive del Dipartimento per la cultura e l'Europa del Senato, a Berlino, e da un finanziamento per la pubblicazione da parte della Stiftung Kulturwerk, a Bonn.

© Anton Roland Laub/VG Bild-Kunst, Bonn, o.T., aus der Serie Mineriada, 2014-2022

In his exhibition Mineriada, artist Anton Roland Laub takes a journey into the past and delves into the transgenerational trauma of Romanian society after the fall of the Ceaușescu government. He addresses the violent riots of 1990, when thousands of incited miners loyal to the regime were brought from the Jiu Valley to Bucharest to brutally crush pro-European protests.

Despite a 2014 ruling by the European Court of Human Rights, the fatal assaults have not been legally addressed – a repressed past that Laub traces in his visuals. In the Romanian press, the mineriad was compared to the storming of the Capitol in the United States on 6 January 2021. With his work, the artist raises awareness of recursive conflicts in a polarised world. The title Mineriada is a sarcastically used term that combines the Romanian word for miner, ‘Miner’, with the suffix ‘-iada’ from ‘Olimpiada’.

In a retrospective journey from Strasbourg via Bucharest to Petroșani, Laub examines the places where the events took place, the unspoken suffering of physical violence and its traces in the collective memory. The starting point is his father's photographs from June 1990, supplemented by his own research, personal experiences and memories. The artist's primary goal is not historical reappraisal, but rather an approach to the subject through the latent presence of the event in the unconscious.

One of the central works shows a view into the darkness. The only element visible is a mirror, on the surface of which myriad filigree water droplets shimmer, distorting what is reflected in it. Looking back, a spotlight can be seen in the reflection, seemingly approaching from behind. A small, square element on the mirror surface breaks the enigmatic mood – as if time were flowing both forward and backward at the same time. What emerges from the shadows of the night?

Laub creates visuals of philosophical depth and poetic power. His photographs are effective due to their aesthetic precision and subtle symbolism. The artist opens up spaces for thought without providing answers. The myth of Saturn – the father who devours his children to avoid being overthrown – resonates in his examination of the subject. Another photograph shows a warped lattice structure, a metaphor for both limitation and permeability. Behind it, light falls through a narrow-meshed, patched dark net of plastic, an allegory full of ambivalence.

Anton Roland Laub, born and raised in Bucharest, lives and works in Berlin. He completed a master's degree at the Berlin Weissensee School of Art, having previously studied at the Neue Schule für Fotografie in Berlin and media and communication studies at the University of Bucharest. After Mobile Churches and Last Christmas (of Ceaușescu), Laub presents Mineriada, the final part of his trilogy on Romania, published by Kehrer Verlag. The work was supported by the Visual Arts Research Grant of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, and the publication grant of the Kulturwerk Foundation, Bonn.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

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Christian Patterson - Gong Co. | ROBERT MORAT GALERIE | Berlin
März
29
bis 17. Mai
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Christian Patterson - Gong Co. | ROBERT MORAT GALERIE | Berlin

ROBERT MORAT GALERIE | Berlin
29. März - 17. Mai 2025

Christian Patterson - Gong Co.

Bottles and Shadows, 2017 © Christian Patterson

„Gong Co.“, ist ein Langzeitprojekt, ein monumentales Memento Mori des Niedergangs und des Verfalls eines kleinen Lebensmittelladens im Herzen des Mississippi-Deltas, das zwischen 2003 und 2023, über 20 Jahre entstand. Als der US-Künstler Christian Patterson den Laden entdeckte, war er noch geöffnet, seine Regale übersät mit abgelaufenen Produkten; eine seltsame, unbeabsichtigte Zeitkapsel, die scheinbar Andy Warhols Prophezeiung erfüllt, dass „eines Tages alle Kaufhäuser zu Museen werden und alle Museen zu Kaufhäusern.“

Im Laufe vieler Jahre besuchte und dokumentierte Patterson den Laden erneut, zunächst, als der Betrieb einstellt wurde und dann, nachdem er geschlossen und die Produkte in den Regalen dem Verfall überlassen wurden. Das Ergebnis ist ein vielschichtiges Werk, das vom Vergehen der Zeit und der Vergänglichkeit von Bedeutungen erzählt. Im Laden sehen wir die Überreste dessen, was gekauft und was zurückgelassen wurde; eine unheimliche Reflexion über das Amerika des 20. Jahrhunderts und seine vergängliche Lebensweise. Und in „going out of business“ findet Patterson etwas überraschend Persönliches – eine existenzielle, universelle Allegorie.

Store View (East), 2019 © Christian Patterson

« Gong Co. », est un projet à long terme, un memento mori monumental du déclin et de la décadence d'une petite épicerie au cœur du delta du Mississippi, réalisé entre 2003 et 2023, sur une période de 20 ans. Lorsque l'artiste américain Christian Patterson a découvert le magasin, il était encore ouvert, ses étagères jonchées de produits périmés ; une étrange capsule temporelle involontaire qui semble réaliser la prophétie d'Andy Warhol selon laquelle « un jour, tous les grands magasins deviendront des musées et tous les musées des grands magasins ».

Au cours de nombreuses années, Patterson a revisité et documenté le magasin, d'abord lorsque l'activité a cessé, puis après sa fermeture et l'abandon des produits sur les étagères. Le résultat est une œuvre complexe qui parle du passage du temps et du caractère éphémère des significations. Dans le magasin, nous voyons les restes de ce qui a été acheté et de ce qui a été laissé derrière ; une réflexion inquiétante sur l'Amérique du 20e siècle et son mode de vie éphémère. Et dans « going out of business », Patterson trouve quelque chose d'étonnamment personnel - une allégorie existentielle et universelle.

Coca-Cola Wall, 2013 © Christian Patterson

“Gong Co.” è un progetto a lungo termine, un monumentale memento mori del declino e della decadenza di un piccolo negozio di alimentari nel cuore del Delta del Mississippi, realizzato nell'arco di 20 anni tra il 2003 e il 2023. Quando l'artista statunitense Christian Patterson ha scoperto il negozio, era ancora aperto, con gli scaffali pieni di prodotti scaduti; una strana e involontaria capsula del tempo che sembra realizzare la profezia di Andy Warhol secondo cui “un giorno tutti i grandi magazzini diventeranno musei e tutti i musei diventeranno grandi magazzini”.

Nel corso di molti anni, Patterson ha rivisitato e documentato il negozio, prima quando ha cessato l'attività e poi dopo che è stato chiuso e i prodotti sugli scaffali sono stati lasciati decadere. Il risultato è un'opera a più livelli che racconta il passare del tempo e la transitorietà del significato. Nel negozio vediamo i resti di ciò che è stato acquistato e di ciò che è stato lasciato; un'inquietante riflessione sull'America del XX secolo e sul suo stile di vita transitorio. E in “going out of business” Patterson trova qualcosa di sorprendentemente personale, un'allegoria esistenziale e universale.

Store Window, Still Life (Green), 2023 © Christian Patterson

‘Gong Co.’ is a long-form, monumental memento mori to the decline, death, and decay of a small grocery store in the heart of the Mississippi Delta, made over 20 years between 2003 and 2023. When US artist Christian Patterson first discovered the store, it was still open for business, its shelves scattered with decades-old, expired products; an odd, unintentional time capsule seemingly fulfilling Andy Warhol’s prophecy that ‘Someday, all department stores will become museums and all museums will become department stores.’

Over the course of many years, Patterson revisited and documented the store, first as it was going out of business and then after it was closed with the products on its shelves left to rot. The result is a multi-layered work that tells of the passing of time and the transience of meaning. In the store, we see the remains of what was bought, and what was left behind, an uncanny reflection on 20th-century America and a passing way of life. And in ‘going out of business’, Patterson finds something surprisingly personal – an existential allegory that is undeniably universal.

(Text: ROBERT MORAT GALERIE, Berlin)

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YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND | Gropius Bau | Berlin
Apr.
11
bis 31. Aug.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND | Gropius Bau | Berlin

Gropius Bau | Berlin
11. April – 31. August 2025

YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND

Yoko Ono, Glass Hammer, 1967, Ausstellungsansicht, HALF-A-WIND SHOW, Lisson Gallery, London, 1967, Foto © Clay Perry / Kunstwerk © Yoko Ono

Ab Frühjahr 2025 würdigt die umfassende Einzelausstellung YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND das wegweisende Schaffen der Künstlerin und Aktivistin Yoko Ono. Die Ausstellung präsentiert Arbeiten aus sieben Jahrzehnten und zeichnet die Entwicklung ihres innovativen, multidisziplinären Werks und dessen bis heute anhaltenden Einfluss nach. Mit mehr als 200 Arbeiten, darunter Instruktionen und Partituren, Installationen, Filme, Musik und Fotografien, beleuchtet MUSIC OF THE MIND Onos radikalen Ansatz in Bezug auf Sprache, Kunst und Partizipation, der bis in die Gegenwart hineinwirkt.

Organisiert von Tate Modern, London, in Zusammenarbeit mit dem Gropius Bau, Berlin, und der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

Kuratiert von Patrizia Dander, stellvertretende kuratorische Direktorin, Gropius Bau und Juliet Bingham, Kuratorin, International Art, Tate Modern, mit Sonja Borstner, Assistenzkuratorin, Gropius Bau und Andrew de Brún, Assistenzkurator, International Art, Tate Modern

Yoko Ono, Season of Glass, 1981, Album-Cover © Yoko Ono

À partir du printemps 2025, la vaste exposition individuelle YOKO ONO : MUSIC OF THE MIND rendra hommage à l'œuvre pionnière de l'artiste et activiste Yoko Ono. L'exposition présente des travaux couvrant sept décennies et retrace l'évolution de son œuvre innovante et multidisciplinaire ainsi que son influence qui perdure encore aujourd'hui. Avec plus de 200 œuvres, dont des instructions et des partitions, des installations, des films, de la musique et des photographies, MUSIC OF THE MIND met en lumière l'approche radicale d'Ono en matière de langage, d'art et de participation, dont l'influence se fait sentir jusqu'à nos jours.

Organisé par la Tate Modern, Londres, en collaboration avec le Gropius Bau, Berlin, et la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf.

Organisé par Patrizia Dander, directrice adjointe de la conservation, Gropius Bau et Juliet Bingham, conservatrice, International Art, Tate Modern, avec Sonja Borstner, conservatrice adjointe, Gropius Bau et Andrew de Brún, conservateur adjoint, International Art, Tate Modern

Yoko Ono, Aproximately Infinite Universe, 1973, Album-Cover © Yoko Ono

Dalla primavera del 2025, la mostra personale YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND renderà omaggio al lavoro innovativo dell'artista e attivista Yoko Ono. La mostra presenta opere che abbracciano sette decenni e ripercorre lo sviluppo della sua opera innovativa e multidisciplinare e la sua influenza duratura fino ai giorni nostri. Con oltre 200 opere, tra cui istruzioni e partiture, installazioni, film, musica e fotografie, MUSIC OF THE MIND mette in luce l'approccio radicale di Ono al linguaggio, all'arte e alla partecipazione, che continua ad avere un impatto ancora oggi.

Organizzata dalla Tate Modern di Londra, in collaborazione con il Gropius Bau di Berlino e la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen di Düsseldorf.

A cura di Patrizia Dander, vicedirettore curatoriale del Gropius Bau e Juliet Bingham, curatrice dell'arte internazionale della Tate Modern, con Sonja Borstner, assistente curatore del Gropius Bau e Andrew de Brún, assistente curatore dell'arte internazionale della Tate Modern.

Yoko Ono, Franklin Summer Painting, 1994- fortlaufend © Yoko Ono, Foto: Isabel Asha Penzlien

From spring 2025, the Gropius Bau will present a comprehensive solo exhibition celebrating the groundbreaking and influential work of artist and activist Yoko Ono. Spanning seven decades of the artist’s powerful, multidisciplinary practice from the mid-1950s to now, YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND will trace the development of her innovative work and its enduring impact on contemporary culture. The exhibition brings together over 200 works including instruction pieces and scores, installations, films, music and photography, revealing a radical approach to language, art and participation that continues to speak to the present moment.

Organised by Tate Modern, London, in collaboration with Gropius Bau, Berlin, and Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

Curated by Patrizia Dander, Deputy Director of Curatorial Affairs, Gropius Bau and Juliet Bingham, Curator, International Art, Tate Modern; with Sonja Borstner, Assistant Curator, Gropius Bau and Andrew de Brún, Assistant Curator, International Art, Tate Modern

(Text: Gropius Bau, Berlin)

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Making Of - Julian Rosefeldt | C/O Berlin Foundation | Berlin
Mai
24
bis 17. Sept.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Making Of - Julian Rosefeldt | C/O Berlin Foundation | Berlin

C/O Berlin Foundation | Berlin
24. Mai – 17. September 2025

Making Of
Julian Rosefeldt

Stunned Man, 2004 © Julian Rosefeldt

Julian Rosefeldt zählt zu den wichtigsten, international bekannten Medienkünstlern. Mit seinen aufwendig inszenierten Film- und Videoinstallationen bespielt er museale Räume, Theater und Opernhäuser, Kinosäle und postindustrielle Areale. Seine 13-Kanal-Filminstallation Manifesto mit der Schauspielerin Cate Blanchett erlangte weltweite Aufmerksamkeit und wurde mit Preisen ausgezeichnet. Mit Making Of präsentiert C/O Berlin einen Querschnitt durch Rosefeldts Arbeiten der letzten 30 Jahre und damit die erste große Retrospektive des Künstlers in Berlin. Ausgehend von Rosefeldts Architekturstudium, frühen Fotoreportagen und der Arbeit am Theater wird die Genese einer sich über die Jahre ausformenden Methodik und die Entwicklung hin zur cinematischen Fiktion nachgezeichnet. Wiederkehrende Themen wie die Appropriation von Archivmaterial und Found Footage, die Dekonstruktion medialer Stereotype und visueller Tropen oder das Zitieren aus Kultur- und Filmgeschichte werden ebenso beleuchtet, wie die Auseinandersetzung mit nationalen Mythen und den Absurditäten der menschlichen Existenz. Neben Mehrkanal-Projektionen bieten nie zuvor gezeigte Fotografien und Kontextmaterialien einen Blick hinter die Kulissen seiner sozial- und konsumkritischen Gesellschaftsreflexionen und machen darüber hinaus die Konstruktionsmechanismen von Erzählungen und Filmgenres erfahrbar.

Julian Rosefeldt compte parmi les artistes médiatiques les plus importants et les plus connus au niveau international. Avec ses installations cinématographiques et vidéo à la mise en scène élaborée, il investit des espaces muséaux, des théâtres et des opéras, des salles de cinéma et des sites postindustriels. Son installation de films à 13 canaux Manifesto, avec l'actrice Cate Blanchett, a attiré l'attention du monde entier et a été récompensée par des prix. Avec Making Of, C/O Berlin présente une coupe transversale des travaux de Rosefeldt des 30 dernières années et ainsi la première grande rétrospective de l'artiste à Berlin. En partant des études d'architecture de Rosefeldt, de ses premiers reportages photographiques et de son travail au théâtre, l'exposition retrace la genèse d'une méthodologie qui s'est formée au fil des années et son évolution vers la fiction cinématographique. Des thèmes récurrents comme l'appropriation de matériel d'archives et de found footage, la déconstruction de stéréotypes médiatiques et de tropes visuels ou la citation de l'histoire culturelle et cinématographique sont mis en lumière, tout comme la confrontation avec les mythes nationaux et les absurdités de l'existence humaine. Outre des projections multicanaux, des photographies et du matériel contextuel jamais montrés auparavant offrent un aperçu des coulisses de ses réflexions sociales et critiques de la consommation et permettent en outre de découvrir les mécanismes de construction des récits et des genres cinématographiques.

Julian Rosefeldt è uno dei più importanti artisti mediatici riconosciuti a livello internazionale. Le sue elaborate installazioni cinematografiche e video sono esposte in musei, teatri e teatri d'opera, cinema e spazi post-industriali. La sua installazione cinematografica a 13 canali Manifesto con l'attrice Cate Blanchett ha attirato l'attenzione di tutto il mondo ed è stata premiata. Con Making Of, C/O Berlin presenta una sezione trasversale del lavoro di Rosefeldt degli ultimi 30 anni e quindi la prima grande retrospettiva dell'artista a Berlino. Partendo dagli studi di architettura di Rosefeldt, dai primi reportage fotografici e dal suo lavoro in teatro, la mostra traccia la genesi di una metodologia che si è evoluta nel corso degli anni e lo sviluppo verso la finzione cinematografica. Vengono evidenziati temi ricorrenti come l'appropriazione di materiale d'archivio e di filmati trovati, la decostruzione di stereotipi e tropi visivi dei media o la citazione della storia culturale e cinematografica, così come l'esame dei miti nazionali e delle assurdità dell'esistenza umana. Oltre alle proiezioni multicanale, fotografie inedite e materiale contestuale offrono uno sguardo dietro le quinte delle sue riflessioni sulla società, critiche dal punto di vista sociale e dei consumi, e rendono tangibili i meccanismi di costruzione delle narrazioni e dei generi cinematografici.

Julian Rosefeldt is one of the most important and internationally renowned media artists. His elaborately staged film and video installations are shown in museums, theaters, opera houses, cinemas, and post-industrial spaces. His 13-channel film installation Manifesto, featuring the actress Cate Blanchett, attracted worldwide attention and won several awards. With Making Of, C/O Berlin presents a cross-section of Rosefeldt's work from the last 30 years and thus the first major retrospective of the artist's work in Berlin. Starting with Rosefeldt's studies in architecture, his early photo reportages, and his work in theater, the exhibition traces the genesis of a methodology that has developed over the years and the progression toward cinematic fiction. Recurring themes such as the appropriation of archive material and found footage, the deconstruction of media stereotypes and visual tropes, and the referencing of cultural and film history are examined, as are the examination of national myths and the absurdities of human existence. In addition to multi-channel projections, photographs and contextual material never shown before offer a glimpse behind the scenes of his socially and consumerist critical reflections on society and also make the construction mechanisms of narratives and film genres tangible.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

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DOCUMENTARY IN FLUX | C/O Berlin Foundation | Berlin
Mai
24
bis 17. Sept.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

DOCUMENTARY IN FLUX | C/O Berlin Foundation | Berlin

C/O Berlin Foundation | Berlin
24. Mai – 17. September 2025

DOCUMENTARY IN FLUX

© Naroska Design

Anlässlich seines 25-jährigen Geburtstags zeigt C/O Berlin mit Documentary in Flux einen Überblick über den C/O Berlin Talent Award, der seit 2006 als Nachwuchsförderpreis an ein Tandem aus Kunst und Theorie vergeben wird. Anhand 14 exemplarisch ausgewählter künstlerischer Positionen von insgesamt mehr als 90 Preisträger: innen veranschaulicht die Ausstellung, wie sich dokumentarisches Arbeiten in der Fotografie über das Bestehen des Preises hinweg—und damit auch im Laufe von 25 Jahren—im stetigen Fluss befindet. Vier thematische Kapitel legen das Augenmerk auf einzelne Aspekte des Dokumentarischen in der künstlerischen Fotografie, um Prozesse und Entwicklungen sowie zeitspezifische Tendenzen nachzuzeichnen. Die Ausstellung wird den Blick nicht nur in die nähere Vergangenheit werfen, sondern auch mögliche Zukunftsvisionen für die dokumentarische Foto-grafie vorstellen.

Ermöglicht durch die Alexander Tutsek-Stiftung.

À l'occasion de son 25e anniversaire, C/O Berlin présente Documentary in Flux, un aperçu du C/O Berlin Talent Award, un prix d'encouragement pour les jeunes talents décerné depuis 2006 à un tandem art/théorie. A l'aide de 14 positions artistiques sélectionnées de manière exemplaire parmi plus de 90 lauréats, l'exposition illustre comment le travail documentaire en photographie est en constante évolution depuis l'existence du prix et donc depuis 25 ans. Quatre chapitres thématiques mettent l'accent sur certains aspects du documentaire dans la photographie artistique afin de retracer les processus et les évolutions ainsi que les tendances spécifiques à une époque. L'exposition ne se contentera pas de jeter un regard sur le passé proche, mais présentera également des visions d'avenir possibles pour la photographie documentaire.

Réalisée grâce à la Fondation Alexander Tutsek.

In occasione del suo 25° anniversario, C/O Berlin presenta Documentary in Flux, una panoramica del C/O Berlin Talent Award, che dal 2006 viene assegnato come premio per giovani talenti a un tandem di arte e teoria. Utilizzando 14 posizioni artistiche esemplari selezionate da un totale di oltre 90 vincitori del premio, la mostra illustra come il lavoro documentario nella fotografia sia stato in costante stato di flusso durante l'esistenza del premio - e quindi anche nel corso di 25 anni. Quattro capitoli tematici si concentrano su singoli aspetti del documentario nella fotografia artistica per tracciare processi e sviluppi e tendenze specifiche del tempo. La mostra non si limita a dare uno sguardo al passato recente, ma presenta anche possibili visioni per il futuro della fotografia documentaria.

Realizzata dalla Alexander Tutsek-Stiftung.

On the occasion of its 25th anniversary, C/O Berlin is presenting Documentary in Flux, an overview of the C/O Berlin Talent Award, which has been awarded since 2006 to a tandem of art and theory as a prize for young talent. The exhibition presents fourteen exemplary artistic positions from a total of more than ninety awardees to illustrate how documentary work in photography has been in a state of constant flux since the award was established—and thus over the course of twenty-five years. Four thematic chapters focus on individual aspects of the documentary in artistic photography in order to trace processes and developments as well as trends specific to the period. The exhibition will not only look at the recent past, but also present possible visions for the future of documentary photography.

Made possible by the Alexander Tutsek-Stiftung..

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

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AFTER NATURE PRIZE 2025 | C/O Berlin Foundation | Berlin
Sept.
27
bis 28. Jan.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

AFTER NATURE PRIZE 2025 | C/O Berlin Foundation | Berlin

C/O Berlin Foundation | Berlin
27. September 2025 – 28. Januar 2026

AFTER NATURE PRIZE 2025
Lisa Barnard / Isadora Romero

Palmen in Mache Chindul © Isadora Romero & Ailín Blasco

Für ihr ausgezeichnetes Projekt verhandelt Lisa Barnard ausgehend von Thomas Nagels einflussreichem Essay What Is It Like to Be a Bat? die Frage, wie Technologien die menschliche Wahrnehmung prägen und sich auf unser Verhältnis zur Umwelt auswirken. Unter Rückgriff auf eine Vielzahl von Bildgebungsverfahren präsentierte sie eine umfangreiche künstlerische Recherche rund um das Prinzip der Echolokation, die unerwartete Verbindungen zwischen tierischem Bewusstsein, autonomen Fahrsystemen, dem Abbau von Lithium und nuklearen Teststellen herstellt.

Anhand von drei in Ecuador angesiedelten Fallstudien untersucht Isadora Romero in ihrem ausgezeichnete Projekt das Zusammenleben von Mensch und Wald in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Das Projekt stellt die koloniale Sichtweise tropischer Wälder infrage stellt durch die Kombination von klassisch dokumentarischen Fotografien mit organischen Materialien und experimentellen Entwicklungsverfahren Beispiele für ein funktionierendes Verhältnis zwischen der Umwelt und ihren Bewohner:innen vor. Durch die Zusammenarbeit mit Wissen-schaftler:innen und lokalen Communties entsteht eine nuancierte Erzählung über die spirituellen, politischen und ökologischen Dimensionen des Waldes.

Die Doppelausstellung wird im Rahmen des After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25 erstmals bei C/O Berlin im Amerika Haus zu sehen sein. Es erscheint eine begleitende Publikation.

Ein gemeinsames Projekt von C/O Berlin x Crespo Foundation.

Pour son projet primé, Lisa Barnard négocie, à partir de l'essai influent de Thomas Nagel What Is It Like to Be a Bat ?, la manière dont les technologies façonnent la perception humaine et ont un impact sur notre relation à l'environnement. En recourant à une multitude de techniques d'imagerie, elle a présenté une vaste recherche artistique autour du principe de l'écholocation, qui établit des liens inattendus entre la conscience animale, les systèmes de conduite autonome, l'extraction du lithium et les sites d'essais nucléaires.

À l'aide de trois études de cas situées en Équateur, Isadora Romero examine dans son excellent projet la cohabitation entre l'homme et la forêt dans le passé, le présent et le futur. Le projet remet en question la vision coloniale des forêts tropicales et transmet des exemples de relations fonctionnelles entre l'environnement et ses habitants en combinant des photographies documentaires classiques avec des matériaux organiques et des processus de développement expérimentaux. La collaboration avec des scientifiques et des communautés locales donne naissance à un récit nuancé sur les dimensions spirituelles, politiques et écologiques de la forêt.

La double exposition est organisée dans le cadre du festival After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25 sera présentée pour la première fois au C/O Berlin dans la Amerika Haus. Elle sera accompagnée d'une publication.

Un projet commun de C/O Berlin x Crespo Foundation.

Per il suo progetto pluripremiato, Lisa Barnard si ispira all'influente saggio di Thomas Nagel What Is It Like to Be a Bat? per esplorare il modo in cui la tecnologia modella la percezione umana e influisce sul nostro rapporto con l'ambiente. Attingendo a una varietà di tecniche di imaging, l'artista ha presentato un'ampia ricerca artistica intorno al principio dell'ecolocalizzazione, creando connessioni inaspettate tra la coscienza animale, i sistemi di guida autonoma, le miniere di litio e i siti di sperimentazione nucleare.

Basato su tre casi di studio ambientati in Ecuador, l'eccellente progetto di Isadora Romero esamina la coesistenza di uomini e foreste nel passato, nel presente e nel futuro. Il progetto sfida la visione coloniale delle foreste tropicali combinando la fotografia documentaria classica con materiali organici e processi di sviluppo sperimentali per presentare esempi di una relazione funzionante tra l'ambiente e i suoi abitanti. Grazie alla collaborazione con scienziati e comunità locali, emerge una narrazione ricca di sfumature sulle dimensioni spirituali, politiche ed ecologiche della foresta.

La doppia mostra è organizzata nell'ambito del premio fotografico After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25 presso C/O Berlin nella Amerika Haus. Verrà pubblicata una pubblicazione di accompagnamento.

Un progetto congiunto di C/O Berlin x Crespo Foundation.

For her award-winning project, Lisa Barnard uses Thomas Nagel's influential essay What Is It Like to Be a Bat? as a starting point to explore the question of how technologies shape human perception and affect our relationship to the environment. Drawing on a variety of neuroimaging techniques, she presents extensive artistic research around the principle of echolocation, which establishes unexpected connections between animal consciousness, autonomous driving systems, lithium mining, and nuclear test sites.

In her winning project, Isadora Romero uses three case studies in Ecuador to examine the coexistence of humans and forests in the past, present and future. The project challenges the colonial view of tropical forests by combining classic documentary photographs with organic materials and experimental development processes to present examples of a functioning relationship between the environment and its inhabitants. The collaboration with scientists and local communities creates a nuanced narrative about the spiritual, political, and ecological dimensions of the forest.

The double exhibition will be on view for the first time at C/O Berlin in the Amerika Haus as part of the After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25. An accompanying publication will be released.

A joint project by C/O Berlin x Crespo Foundation.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

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CLOSE ENOUGH | C/O Berlin Foundation | Berlin
Sept.
27
bis 28. Jan.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

CLOSE ENOUGH | C/O Berlin Foundation | Berlin

C/O Berlin Foundation | Berlin
27. September 2025 – 28. Januar 2026

CLOSE ENOUGH

Olivia Arthur, Myriam Boulos, Sabiha Çimen, Cristina de Middel, Bieke Depoorter, Carolyn Drake, Cristina García Rodero, Nanna Heitmann, Susan Meiselas, Hannah Price, Lúa Ribeira, Alessandra Sanguinetti, Newsha Tavakolian

The Necklace, Buenos Aires, Argentina, 1999 © Alessandra Sanguinetti

25 Jahre nach der Ausstellung Magnum - Betrachtungen über die Welt, die zugleich die offizielle Eröffnung von C/O Berlin markierte und den Grundstein für dessen Anerkennung als internationale Fotoinstitution legte, kehrt die renommierte Fotoagentur Magnum mit einer Gruppenausstellung in die Räume von C/O Berlin zurück.

Close Enough präsentiert das Werk von dreizehn herausragenden Magnum-Fotografinnen, die mit ihren unterschiedlichen Visionen die Bildsprache der Agentur nachhaltig prägen. Die Ausstellung zeigt intime, bewegende und gesellschaftlich relevante Werke, die menschliche Nähe und Verletzlichkeit in den Vordergrund stellen sowie die Grenzen zwischen dokumentarischer Fotografie und persönlicher Perspektive ausloten. Mit einfühlsamen Serien und eindringlichen Einzelaufnahmen widmen sich die Künstlerinnen Themen wie Identität, Weiblichkeit, sozialer Gerechtigkeit, Repräsentation und Konflikten – eine Herausforderung und Einladung zugleich, nah genug an die Menschen und ihre verschiedenen Lebensrealitäten heranzukommen.

Organisiert von Magnum Photos, in Kollaboration mit C/O Berlin.

25 ans après l'exposition Magnum - Betrachtungen über die Welt (Considérations sur le monde), qui marquait également l'ouverture officielle de C/O Berlin et posait la première pierre de sa reconnaissance en tant qu'institution photographique internationale, la célèbre agence photographique Magnum revient dans les locaux de C/O Berlin avec une exposition de groupe.

Close Enough présente le travail de treize femmes photographes exceptionnelles de Magnum qui, avec leurs visions différentes, ont durablement marqué le langage visuel de l'agence. L'exposition présente des œuvres intimes, émouvantes et socialement pertinentes, qui transmettent la proximité humaine et la vulnérabilité au premier plan et explorent les frontières entre la photographie documentaire et la perspective personnelle. Avec des séries sensibles et des clichés individuels percutants, les artistes se consacrent à des thèmes tels que l'identité, la féminité, la justice sociale, la représentation et les conflits - un défi et une invitation à la fois à se rapprocher suffisamment des gens et de leurs différentes réalités de vie.

Organisé par Magnum Photos, en collaboration avec C/O Berlin

25 anni dopo la mostra Magnum - Reflections on the World, che segnò anche l'apertura ufficiale di C/O Berlin e gettò le basi per il suo riconoscimento come istituzione fotografica internazionale, la rinomata agenzia fotografica Magnum torna a C/O Berlin con una mostra collettiva.

Close Enough presenta il lavoro di tredici eccezionali fotografi Magnum, le cui visioni diverse hanno avuto un impatto duraturo sul linguaggio visivo dell'agenzia. La mostra presenta opere intime, commoventi e socialmente rilevanti che sottolineano la vicinanza e la vulnerabilità umana ed esplorano i confini tra fotografia documentaria e prospettive personali. Con serie sensibili e singoli scatti ossessionanti, gli artisti affrontano temi come l'identità, la femminilità, la giustizia sociale, la rappresentazione e il conflitto - una sfida e un invito allo stesso tempo ad avvicinarsi alle persone e alle loro diverse realtà di vita.

Organizzata da Magnum Photos, in collaborazione con C/O Berlin

Twenty-five years after the exhibition Magnum – Reflections on the World, which marked the official opening of C/O Berlin and laid the foundation for its recognition as an international photography institution, the renowned photography agency Magnum is returning to the C/O Berlin premises with a group exhibition.

Close Enough presents the work of thirteen outstanding female Magnum photographers, whose diverse visions have had a lasting impact on the agency's visual language. The exhibition showcases intimate, moving, and socially relevant works that foreground human closeness and vulnerability, as well as exploring the boundaries between documentary photography and personal perspective. With empathetic series and haunting individual photographs, the artists address topics such as identity, femininity, social justice, representation, and conflict – a challenge and an invitation at the same time to get close enough to people and their different life realities.

Organized by Magnum Photos, in collaboration with C/O Berlin

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

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Mineriada - Anton Roland Laub | Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin
März
27
7:00 PM19:00
Vernissage, Berlin, Deutschland, EMOP

Mineriada - Anton Roland Laub | Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin

Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin
27. März 2025

Einführung durch Sonia Voss

Mineriada
Anton Roland Laub

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

© Anton Roland Laub, o.T., 1990, aus der Serie Mineriada 2014-2022, Polaroid, historisches Material, Privatarchiv, VG Bild-Kunst, Bonn

Mit seiner Ausstellung Mineriada begibt sich der Künstler Anton Roland Laub auf eine Reise in die Vergangenheit und taucht ein in das transgenerationale Traumata der rumänischen Gesellschaft nach dem Ende der Regierung Ceaușescu. Er thematisiert die gewaltsamen Unruhen von 1990, als tausende aufgehetzte regimetreue Bergarbeiter aus dem Jiu-Tal nach Bukarest gebracht wurden, um pro-europäische Proteste brutal niederzuschlagen.

Trotz eines Urteils des Europäischen Gerichtshofs für Menschenrechte von 2014 bleiben die tödlichen Übergriffe juristisch unaufgearbeitet – eine verdrängte Vergangenheit, der Laub in seinen Bildern nachspürt. In der rumänischen Presse wurde die Mineriade mit der Stürmung des Kapitols in den USA am 6. Januar 2021 verglichen. Mit seiner Arbeit sensibilisiert der Künstler für rekursive Konflikte in einer polarisierten Welt. Der Titel Mineriada ist ein sarkastisch verwendeter Begriff, der das rumänische Wort Bergarbeiter „Miner“ mit der Endung „-iada“ aus „Olimpiada“ kombiniert.

In einer Rückschau von Straßburg über Bukarest nach Petroșani untersucht Laub die Orte des damaligen Geschehens, das unausgesprochene Leid handgreiflicher Gewalt und dessen Spuren im kollektiven Gedächtnis. Ausgangspunkt sind Fotografien seines Vaters von Juni 1990, ergänzt durch eigene Recherchen, persönliche Erfahrungen und Erinnerungen. Primäres Ziel des Künstlers ist nicht die historische Aufarbeitung, sondern die Annäherung an die Thematik über die latente Präsenz des Geschehens im Unbewussten.

Eine der zentralen Arbeiten zeigt einen Blick nach vorne ins Dunkel. Zu sehen ist als einziges Element ein Spiegel, auf dessen Oberfläche Myriaden filigraner Wassertropfen schimmern, die das in ihm Abgebildete verzerren. Im Blick zurück, in der Spiegelung, ist ein Scheinwerfer zu erkennen, der sich von hinten zu nähern scheint. Ein kleines, viereckiges Element auf der Spiegelfläche bricht die rätselhafte Stimmung – als würde die Zeit zugleich vorwärts und rückwärts fließen. Was tritt aus dem Schatten der Nacht hervor?

Laub schafft Bilder von philosophischer Tiefe und poetischer Kraft. Seine Fotografien wirken durch ihre ästhetische Präzision und subtile Symbolik. Der Künstler öffnet Denkräume, ohne Antworten zu geben. Der Mythos von Saturn – dem Vater, der seine Kinder verschlingt, um nicht gestürzt zu werden – schwingt in seiner Auseinandersetzung mit. Eine weitere Fotografie zeigt eine verbogene Gitterstruktur, eine Metapher für Begrenzung und Durchlässigkeit zugleich. Dahinter fällt Licht durch ein engmaschiges, zusammengeflicktes dunkles Netz aus Kunststoff, eine Allegorie voller Ambivalenz.

Anton Roland Laub, in Bukarest geboren und aufgewachsen, lebt und arbeitet in Berlin. Er absolvierte ein Masterstudium an der Kunsthochschule Berlin Weißensee sowie zuvor ein Studium an der Neuen Schule für Fotografie in Berlin und ein Studium der Medienund Kommunikationswissenschaften an der Universität Bukarest. Nach Mobile Churches und Last Christmas (of Ceaușescu) legt Laub mit Mineriada den letzten Teil seiner Rumänien-Trilogie im Kehrer Verlag vor. Die Arbeit wurde durch das Recherchestipendium Bildende Kunst der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin sowie durch die Publikationsförderung der Stiftung Kulturwerk, Bonn unterstützt.

© Anton Roland Laub/VG Bild-Kunst, Bonn, o.T., aus der Serie Mineriada, 2014-2022

Avec son exposition Mineriada, l'artiste Anton Roland Laub entreprend un voyage dans le passé et se plonge dans le traumatisme transgénérationnel de la société roumaine après la fin du gouvernement Ceaușescu. Il aborde les violentes émeutes de 1990, lorsque des milliers de mineurs excités et fidèles au régime ont été amenés de la vallée de Jiu à Bucarest pour réprimer brutalement les protestations pro-européennes.

Malgré un arrêt de la Cour européenne des droits de l'homme de 2014, ces agressions mortelles restent juridiquement non traitées - un passé refoulé que Laub retrace dans ses visuels. Dans la presse roumaine, la Mineriade a été comparée à la prise du Capitole aux Etats-Unis le 6 janvier 2021. Avec son travail, l'artiste sensibilise aux conflits récurrents dans un monde polarisé. Le titre Mineriada est un terme utilisé de manière sarcastique qui combine le mot roumain mineur « Miner » avec la terminaison « -iada » de « Olimpiada ».

Dans une rétrospective de Strasbourg à Petroșani en passant par Bucarest, Laub examine les lieux des événements de l'époque, la souffrance inexprimée de la violence manuelle et ses traces dans la mémoire collective. Les photographies de son père datant de juin 1990 constituent le point de départ, complétées par ses propres recherches, expériences personnelles et souvenirs. L'objectif premier de l'artiste n'est pas le traitement historique, mais l'approche de la thématique par la présence latente de l'événement dans l'inconscient.

L'une des œuvres centrales montre un regard vers l'avant, dans l'obscurité. Le seul élément visible est un miroir sur la surface duquel scintillent des myriades de gouttes d'eau en filigrane, qui déforment ce qui y est représenté. En regardant en arrière, dans le reflet, on aperçoit un projecteur qui semble s'approcher par derrière. Un petit élément carré sur la surface du miroir rompt l'ambiance énigmatique - comme si le temps s'écoulait à la fois en avant et en arrière. Qu'est-ce qui émerge de l'ombre de la nuit ?

Laub crée des visuels d'une profondeur philosophique et d'une force poétique. Ses photographies agissent par leur précision esthétique et leur symbolisme subtil. L'artiste ouvre des espaces de réflexion sans donner de réponses. Le mythe de Saturne - le père qui dévore ses enfants pour ne pas être renversé - résonne dans sa confrontation. Une autre photographie montre une structure grillagée tordue, une métaphore à la fois de la limitation et de la perméabilité. Derrière elle, la lumière passe à travers un filet sombre en plastique aux mailles serrées et rapiécées, une allégorie pleine d'ambivalence.

Anton Roland Laub, né et élevé à Bucarest, vit et travaille à Berlin. Il a obtenu un master à la Kunsthochschule Berlin Weißensee et a étudié auparavant à la Neue Schule für Fotografie de Berlin et à l'université de Bucarest en sciences des médias et de la communication. Après Mobile Churches et Last Christmas (of Ceaușescu), Laub présente Mineriada, le dernier volet de sa trilogie sur la Roumanie aux éditions Kehrer. Ce travail a été soutenu par la bourse de recherche en arts visuels du Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin, ainsi que par le soutien à la publication de la fondation Kulturwerk, Bonn.

© Anton Roland Laub/VG Bild-Kunst, Bonn, o.T., aus der Serie Mineriada, 2014-2022

Con la mostra Mineriada, l'artista Anton Roland Laub intraprende un viaggio nel passato e scava nel trauma transgenerazionale della società rumena dopo la fine del governo di Ceaușescu. L'autore affronta i violenti disordini del 1990, quando migliaia di minatori fedeli al regime furono portati dalla valle del Jiu a Bucarest per reprimere brutalmente le proteste pro-europee.

Nonostante una sentenza della Corte europea dei diritti dell'uomo del 2014, gli attacchi mortali rimangono giuridicamente irrisolti - un passato represso che Laub ripercorre nelle sue immagini. Nella stampa rumena, la Mineriade è stata paragonata all'assalto al Campidoglio negli Stati Uniti del 6 gennaio 2021. Con le sue opere, l'artista sensibilizza sui conflitti ricorrenti in un mondo polarizzato. Il titolo Mineriada è un termine sarcastico che combina la parola rumena minatore con il suffisso “-iada” di “Olimpiada”.

In una retrospettiva da Strasburgo a Petroșani, passando per Bucarest, Laub esamina i luoghi in cui si sono svolti gli eventi, la sofferenza inespressa della violenza tangibile e le sue tracce nella memoria collettiva. Il punto di partenza sono le fotografie scattate dal padre nel giugno 1990, integrate da ricerche personali, esperienze e ricordi. L'obiettivo primario dell'artista non è quello di fare i conti con la storia, ma di avvicinarsi al tema attraverso la presenza latente dell'evento nell'inconscio.

Una delle opere centrali mostra una vista in avanti nell'oscurità. L'unico elemento visibile è uno specchio, sulla cui superficie brillano miriadi di gocce d'acqua in filigrana, distorcendo ciò che vi è raffigurato. Guardando indietro, nel riflesso, si riconosce un riflettore che sembra avvicinarsi da dietro. Un piccolo elemento quadrato sulla superficie dello specchio rompe l'atmosfera enigmatica, come se il tempo scorresse in avanti e indietro allo stesso tempo. Cosa emerge dalle ombre della notte?

Laub crea immagini di profondità filosofica e forza poetica. Le sue fotografie sono efficaci grazie alla loro precisione estetica e al sottile simbolismo. L'artista apre spazi di riflessione senza fornire risposte. Il mito di Saturno - il padre che divora i suoi figli per non essere rovesciato - risuona nel suo lavoro. Un'altra fotografia mostra una struttura a griglia piegata, metafora di limitazione e permeabilità allo stesso tempo. Dietro di essa, la luce cade attraverso una rete scura di plastica, fitta e rattoppata, un'allegoria piena di ambivalenza.

Anton Roland Laub, nato e cresciuto a Bucarest, vive e lavora a Berlino. Ha conseguito un master presso la Kunsthochschule Berlin Weißensee e in precedenza ha studiato presso la Neue Schule für Fotografie di Berlino e Media and Communication Studies all'Università di Bucarest. Dopo Mobile Churches e Last Christmas (di Ceaușescu), Mineriada di Laub è la parte finale della sua trilogia sulla Romania, pubblicata da Kehrer Verlag. L'opera è stata sostenuta dalla borsa di studio per la ricerca sulle arti visive del Dipartimento per la cultura e l'Europa del Senato, a Berlino, e da un finanziamento per la pubblicazione da parte della Stiftung Kulturwerk, a Bonn.

© Anton Roland Laub/VG Bild-Kunst, Bonn, o.T., aus der Serie Mineriada, 2014-2022

In his exhibition Mineriada, artist Anton Roland Laub takes a journey into the past and delves into the transgenerational trauma of Romanian society after the fall of the Ceaușescu government. He addresses the violent riots of 1990, when thousands of incited miners loyal to the regime were brought from the Jiu Valley to Bucharest to brutally crush pro-European protests.

Despite a 2014 ruling by the European Court of Human Rights, the fatal assaults have not been legally addressed – a repressed past that Laub traces in his visuals. In the Romanian press, the mineriad was compared to the storming of the Capitol in the United States on 6 January 2021. With his work, the artist raises awareness of recursive conflicts in a polarised world. The title Mineriada is a sarcastically used term that combines the Romanian word for miner, ‘Miner’, with the suffix ‘-iada’ from ‘Olimpiada’.

In a retrospective journey from Strasbourg via Bucharest to Petroșani, Laub examines the places where the events took place, the unspoken suffering of physical violence and its traces in the collective memory. The starting point is his father's photographs from June 1990, supplemented by his own research, personal experiences and memories. The artist's primary goal is not historical reappraisal, but rather an approach to the subject through the latent presence of the event in the unconscious.

One of the central works shows a view into the darkness. The only element visible is a mirror, on the surface of which myriad filigree water droplets shimmer, distorting what is reflected in it. Looking back, a spotlight can be seen in the reflection, seemingly approaching from behind. A small, square element on the mirror surface breaks the enigmatic mood – as if time were flowing both forward and backward at the same time. What emerges from the shadows of the night?

Laub creates visuals of philosophical depth and poetic power. His photographs are effective due to their aesthetic precision and subtle symbolism. The artist opens up spaces for thought without providing answers. The myth of Saturn – the father who devours his children to avoid being overthrown – resonates in his examination of the subject. Another photograph shows a warped lattice structure, a metaphor for both limitation and permeability. Behind it, light falls through a narrow-meshed, patched dark net of plastic, an allegory full of ambivalence.

Anton Roland Laub, born and raised in Bucharest, lives and works in Berlin. He completed a master's degree at the Berlin Weissensee School of Art, having previously studied at the Neue Schule für Fotografie in Berlin and media and communication studies at the University of Bucharest. After Mobile Churches and Last Christmas (of Ceaușescu), Laub presents Mineriada, the final part of his trilogy on Romania, published by Kehrer Verlag. The work was supported by the Visual Arts Research Grant of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, and the publication grant of the Kulturwerk Foundation, Bonn.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

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Microverse - Kathrin Linkersdorff | Haus am Kleistpark | Berlin
März
20
7:00 PM19:00
Vernissage, Berlin, Deutschland, EMOP

Microverse - Kathrin Linkersdorff | Haus am Kleistpark | Berlin

Haus am Kleistpark | Berlin
20. März 2025

Einführung durch Prof. Dr. Horst Bredekamp

Microverse
Kathrin Linkersdorff

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Microverse III / 3 / Sc-M510 / 19.6.-10.10.24, 2025 © Kathrin Linkersdorff / VG Bild-Kunst, Bonn 2025

Nach zahlreichen Ausstellungserfolgen im In- und Ausland zeigt die Berliner Künstlerin Kathrin Linkersdorff im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie im Haus am Kleistpark einen Überblick ihres Schaffens, das im Spannungsfeld von Kunst und Wissenschaft angesiedelt ist. Zu sehen sind Arbeiten aus verschiedenen Werkgruppen der letzten Jahre wie „Wabi Sabi“ (2013-2017), „Floriszenzen“ (ab 2019) und „Fairies“ (ab 2020) sowie aus ihrem aktuellen Projekt „Microverse“ (seit 2023).

Im Zentrum der Ausstellung stehen die Werke der jüngsten Serien „Microverse I, II und III“, darunter eine noch nie zuvor gezeigte, wandfüllende 4-teilige Arbeit, deren Komposition an Aufnahmen von kosmischen Nebeln und Galaxien erinnert. Es handelt sich um Bilder, die im Rahmen ihrer Forschung als Artist in Residence am Excellence Cluster „Matters of Activity“ des Instituts für Biologie/Mikrobiologie der Humboldt-Universität zu Berlin entstanden sind, wo es Linkersdorff möglich ist, das Verhalten von einfachen Bodenbakterien in biochemischen Verfallsprozessen zu beobachten und damit Kreislaufprozesse der Natur in ihren Werken zu dokumentieren.

Inspiriert von der japanischen Philosophie des „Wabi Sabi“, die mit der Akzeptanz und Kontemplation von Vergänglichkeit aller Dinge einhergeht, erforschte Kathrin Linkersdorff bereits in früheren Experimenten das komplexe Zusammenspiel von Werden und Vergehen an welkenden Blüten. Ihr Fotoatelier ist zugleich ein Labor, in dem sie Pflanzen nicht nur trocknet, sondern ihnen mittels chemischer Prozesse auch die Pigmente entzieht, um ihre Strukturen sichtbar zu machen. In all ihren Arbeiten werden organische Prozesse erfahrbar, die gleichzeitig als poetische, visuelle Metaphern für Vergänglichkeit als integralem Bestandteil des Lebens gelesen werden können.

Fairies I / 1, 2020 © Kathrin Linkersdorff / VG Bild-Kunst, Bonn 2025

Après de nombreux succès d'exposition en Allemagne et à l'étranger, l'artiste berlinoise Kathrin Linkersdorff présente, dans le cadre du Mois européen de la photographie à la Haus am Kleistpark, un aperçu de son œuvre, qui se situe à la croisée de l'art et de la science. On peut y voir des travaux issus de différents groupes d'œuvres de ces dernières années comme « Wabi Sabi » (2013-2017), « Floriszenzen » (à partir de 2019) et « Fairies » (à partir de 2020) ainsi que de son projet actuel « Microverse » (depuis 2023).

L'exposition est centrée sur les œuvres des séries les plus récentes « Microverse I, II et III », dont une œuvre inédite en quatre parties couvrant tout un mur, dont la composition rappelle les prises de vue de nébuleuses cosmiques et de galaxies. Il s'agit de visuels réalisés dans le cadre de ses recherches en tant qu'artiste en résidence au sein du cluster d'excellence « Matters of Activity » de l'Institut de biologie/microbiologie de l'Université Humboldt de Berlin, où il est possible pour Linkersdorff d'observer le comportement de simples bactéries du sol dans les processus biochimiques de décomposition et de documenter ainsi les processus de circulation de la nature dans ses œuvres.

Inspirée par la philosophie japonaise du « wabi sabi », qui va de pair avec l'acceptation et la contemplation du caractère éphémère de toute chose, Kathrin Linkersdorff avait déjà exploré, lors d'expériences antérieures, l'interaction complexe du devenir et de la disparition de fleurs en train de faner. Son atelier photographique est également un laboratoire dans lequel elle ne se contente pas de faire sécher les plantes, mais où elle leur retire également leurs pigments au moyen de processus chimiques afin de rendre leurs structures visibles. Dans tous ses travaux, des processus organiques deviennent perceptibles, qui peuvent en même temps être lus comme des métaphores poétiques et visuelles de l'éphémère comme partie intégrante de la vie.

Wabi Sabi II / 4, 2017 © Kathrin Linkersdorff / VG Bild-Kunst, Bonn 2025

Dopo numerose mostre di successo in Germania e all'estero, l'artista berlinese Kathrin Linkersdorff presenta una panoramica del suo lavoro, che si colloca all'intersezione tra arte e scienza, nell'ambito del Mese europeo della fotografia alla Haus am Kleistpark. Sono esposte opere di diversi gruppi di lavori degli ultimi anni, come “Wabi Sabi” (2013-2017), “Floriszenzen” (dal 2019) e “Fairies” (dal 2020), nonché del suo attuale progetto “Microverse” (dal 2023).

Al centro della mostra ci sono le opere della serie più recente “Microverse I, II e III”, tra cui un'opera inedita a parete in quattro parti la cui composizione ricorda immagini di nebulose e galassie cosmiche. Si tratta di immagini create nell'ambito della sua ricerca come Artista in Residenza presso il Cluster di Eccellenza “Matters of Activity” dell'Istituto di Biologia/Microbiologia dell'Università Humboldt di Berlino, dove Linkersdorff è in grado di osservare il comportamento di semplici batteri del suolo nei processi di decadimento biochimico e di documentare così i processi del ciclo della natura nelle sue opere.

Ispirata dalla filosofia giapponese del “Wabi Sabi”, che va di pari passo con l'accettazione e la contemplazione della transitorietà di tutte le cose, Kathrin Linkersdorff ha già esplorato la complessa interazione tra crescita e decadenza nei fiori appassiti in precedenti esperimenti. Il suo studio fotografico è anche un laboratorio in cui non solo essicca le piante, ma utilizza anche processi chimici per estrarre i loro pigmenti al fine di visualizzarne le strutture. I processi organici possono essere percepiti in tutte le sue opere, che possono anche essere lette come metafore poetiche e visive della transitorietà come parte integrante della vita.

Fairies IV / 2, 2020 © Kathrin Linkersdorff / VG Bild-Kunst, Bonn 2025

After numerous exhibition successes at home and abroad, the Berlin-based artist Kathrin Linkersdorff is showing an overview of her work, which is situated in the field of tension between art and science, as part of the European Month of Photography at the Haus am Kleistpark. On display are works from various series from recent years, such as ‘Wabi Sabi’ (2013-2017), ‘Floriszenzen’ (from 2019) and ‘Fairies’ (from 2020), as well as from her current project ‘Microverse’ (since 2023).

The exhibition focuses on the works from the most recent series, ‘Microverse I, II and III,’ including a wall-sized, four-part work that has never been shown before, whose composition is reminiscent of images of cosmic nebulae and galaxies. These visuals were created as part of her research as an artist in residence at the Excellence Cluster ‘Matters of Activity’ at the Institute of Biology/Microbiology at Humboldt University in Berlin, where Linkersdorff is able to observe the behaviour of simple soil bacteria in biochemical decay processes and thus document natural cycles in her works.

Inspired by the Japanese philosophy of ‘Wabi Sabi,’ which is associated with the acceptance and contemplation of the transience of all things, Kathrin Linkersdorff had already explored the complex interplay of becoming and decaying in wilting flowers in earlier experiments. Her photographic studio is also a laboratory in which she not only dries plants, but also uses chemical processes to extract the pigments from them in order to make their structures visible. In all of her works, organic processes can be experienced, which can also be read as poetic, visual metaphors for transience as an integral part of life.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

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Radical Beauty | f³ – freiraum für fotografie | Berlin
März
6
7:00 PM19:00
Vernissage, Berlin, Deutschland, EMOP

Radical Beauty | f³ – freiraum für fotografie | Berlin

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
6. März 2025

Radical Beauty

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Ohne Titel © Elizaveta Porodina, aus dem Projekt Radical Beauty

Radical Beauty stellt unsere Auffassung von Schönheit, Attraktivität und Ästhetik radikal in Frage. In dem weltweit einzigartigen Fotoprojekt haben über 60 international renommierte Mode- und Kunstfotograf*innen, darunter Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina und Zuzu Valla, gemeinsam mit Menschen mit Down-Syndrom Einzelbilder und Fotoserien entwickelt. In professionellen Studio-Bedingungen sind so überraschende und einzigartige Porträts entstanden. Unter den Protagonist*innen sind erfahrene Darsteller*innen wie die Schauspielerinnen Sarah Gordy (GB) und Lily Moore (USA), die Mehrzahl von ihnen führt jedoch ein Leben außerhalb des Rampenlichts.

Radical Beauty verwischt die Grenzen zwischen den Disziplinen. In der engen Zusammenarbeit zwischen Model und Fotograf*in sind beeindruckende Werke entstanden, welche die Lust am Rollenspiel und am visuellen Experiment transportieren und die einzigartigen Persönlichkeiten der Porträtierten eindrücklich widerspiegeln: Ob zärtliche Intimität, nüchterner Realismus oder pralle Lebensfreude – Radical Beauty zelebriert alle Facetten des menschlichen Seins und feiert die Vielfalt einer inklusiven Gesellschaft.

Der Londoner Modefotograf Sammy Baxter etwa entwarf mit seinem Model Lara Wates eine dystopisch anmutende Inszenierung, in der die Akteurin vor kraftvoll-bunten Hintergründen mit Armen ringt, die scheinbar aus dem Nichts zu kommen scheinen. Brian Griffin hat sich mit Porträts von Popmusiker*innen international einem Namen gemacht, seine in schwarz-weiß aufgenommenen Fotografien erinnern an ein Albumcover. Der Kunstfotograf Erwin Olaf präsentiert seinen Protagonisten mit zurückgegeltem Haar und leuchtend blauen Augen im Stile einer antiken Putte, die schwerelos in schäumendem Wasser zu schweben scheint. Beim näheren Hinsehen entpuppt sich dies als technischer Effekt, der durch die gekonnte Manipulation des Filmmaterials zustande kommt. Die Fashion-Fotografin Elizaveta Porodina inszeniert die Schauspielerin Lily Moore mit farbenfrohem Surrealismus. Die emotionale Symbolik, die ihrer Arbeit zugrunde liegt, ist eine Referenz an ihr Studium der klinischen Psychologie. Die Fotografin Zuzu Valle betrachtet sich als Advokatin für Menschen mit Behinderungen und präsentiert Fotografien von Drag-Queens und Drag-Kings mit Down-Syndrom, die unter die Haut gehen.

Ins Leben gerufen wurde Radical Beauty im Jahr 2018 von dem britischen Kollektiv Culture Device, einer Gruppe von Down-Syndrom-Performer*innen, die bereits im Londoner Royal Opera House, der Tate Modern und im Southbank Centre aufgetreten sind. Unter der künstlerischen Leitung von Daniel Vais ist seitdem ein globales Projekt entstanden, welches zur Sichtbarkeit von Menschen mit kognitiven Behinderungen beiträgt und Menschen mit Down-Syndrom eine Bühne bietet.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Nadine Barth.

Künstlerische Leitung des Projekts: Daniel Vais, Culture Device.

Ohne Titel © Scallywag Fox, aus dem Projekt Radical Beauty

Radical Beauty remet radicalement en question notre conception de la beauté, de l'attractivité et de l'esthétique. Dans le cadre de ce projet photographique unique au monde, plus de 60 photographes* de mode et d'art de renommée internationale, dont Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina et Zuzu Valla, ont développé des images individuelles et des séries de photos en collaboration avec des personnes atteintes du syndrome de Down. Des portraits surprenants et uniques ont ainsi été réalisés dans des conditions de studio professionnel. Parmi les protagonistes*, on trouve des acteurs expérimentés comme les actrices Sarah Gordy (GB) et Lily Moore (USA), mais la plupart d'entre eux mènent une vie hors des feux de la rampe.

Radical Beauty brouille les frontières entre les disciplines. L'étroite collaboration entre le modèle et le photographe* a donné naissance à des œuvres impressionnantes qui véhiculent l'envie de jouer un rôle et d'expérimenter visuellement, tout en reflétant de manière saisissante les personnalités uniques des portraits : Qu'il s'agisse d'intimité tendre, de réalisme sobre ou de joie de vivre débordante, Radical Beauty célèbre toutes les facettes de l'être humain et célèbre la diversité d'une société inclusive.

Le photographe de mode londonien Sammy Baxter a par exemple conçu avec son modèle Lara Wates une mise en scène aux allures dystopiques, dans laquelle l'actrice se débat sur des arrière-plans puissamment colorés avec des bras qui semblent surgir de nulle part. Brian Griffin s'est fait un nom au niveau international avec des portraits de musiciens pop*, ses photographies prises en noir et blanc font penser à une pochette d'album. Le photographe d'art Erwin Olaf présente son protagoniste, les cheveux tirés en arrière et les yeux d'un bleu éclatant, dans le style d'un putto antique qui semble flotter en apesanteur dans une eau écumante. En y regardant de plus près, il s'agit d'un effet technique obtenu par une manipulation habile du matériel cinématographique. La photographe de mode Elizaveta Porodina met en scène l'actrice Lily Moore avec un surréalisme coloré. Le symbolisme émotionnel qui sous-tend son travail est une référence à ses études de psychologie clinique. La photographe Zuzu Valle se considère comme une avocate des personnes handicapées et présente des photographies de drag queens et de drag kings trisomiques qui collent à la peau.

Radical Beauty a été créé en 2018 par le collectif britannique Culture Device, un groupe de performeurs* trisomiques qui se sont déjà produits au Royal Opera House de Londres, à la Tate Modern et au Southbank Centre. Sous la direction artistique de Daniel Vais, un projet global a depuis vu le jour, contribuant à la visibilité des personnes souffrant de handicaps cognitifs et offrant une scène aux personnes atteintes du syndrome de Down.

Le commissariat de l'exposition a été assuré par Nadine Barth.

Direction artistique du projet : Daniel Vais, Culture Device.

Ohne Titel © Elizaveta Porodina, aus dem Projekt Radical Beauty

Radical Beauty mette radicalmente in discussione la nostra percezione della bellezza, dell'attrattiva e dell'estetica. In questo progetto fotografico unico al mondo, oltre 60 fotografi di moda e d'arte di fama internazionale, tra cui Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina e Zuzu Valla, hanno sviluppato immagini individuali e serie fotografiche insieme a persone con sindrome di Down. Ritratti sorprendenti e unici sono stati creati in condizioni di studio professionali. Tra i protagonisti ci sono performer esperti come le attrici Sarah Gordy (Regno Unito) e Lily Moore (USA), ma la maggior parte di loro conduce una vita al di fuori delle luci della ribalta.

Radical Beauty sfuma i confini tra le discipline. La stretta collaborazione tra modella e fotografo ha dato vita a opere di grande impatto che trasmettono il desiderio di gioco di ruolo e di sperimentazione visiva e riflettono in modo impressionante le personalità uniche delle persone ritratte: Che si tratti di tenera intimità, sobrio realismo o piena gioia di vivere, Radical Beauty celebra tutte le sfaccettature della condizione umana e la diversità di una società inclusiva.

Il fotografo di moda londinese Sammy Baxter, ad esempio, ha creato una produzione dall'aspetto distopico con la sua modella Lara Wates, in cui l'attrice lotta con braccia che sembrano uscire dal nulla davanti a sfondi potenti e colorati. Brian Griffin si è fatto un nome a livello internazionale con i suoi ritratti di musicisti pop; le sue fotografie in bianco e nero ricordano le copertine degli album. Il fotografo d'arte Erwin Olaf presenta il suo protagonista con i capelli sciolti e gli occhi azzurri brillanti nello stile di un antico cherubino che sembra galleggiare senza peso nell'acqua schiumosa. A ben guardare, si tratta di un effetto tecnico creato da un'abile manipolazione del materiale cinematografico. La fotografa di moda Elizaveta Porodina mette in scena l'attrice Lily Moore con un colorato surrealismo. Il simbolismo emotivo alla base del suo lavoro è un riferimento ai suoi studi di psicologia clinica. La fotografa Zuzu Valle si considera una sostenitrice delle persone con disabilità e presenta fotografie di drag queen e drag king con sindrome di Down che entrano nella pelle.

Radical Beauty è stato creato nel 2018 dal collettivo britannico Culture Device, un gruppo di performer con sindrome di Down che si è già esibito alla Royal Opera House di Londra, alla Tate Modern e al Southbank Centre. Sotto la direzione artistica di Daniel Vais, è nato un progetto globale che contribuisce alla visibilità delle persone con disabilità cognitive e offre alle persone con sindrome di Down un palcoscenico.

La mostra è stata curata da Nadine Barth.

Direzione artistica del progetto: Daniel Vais, Dispositivo culturale.

Ohne Titel © Zuzia Zawada, aus dem Projekt Radical Beauty

Radical Beauty radically questions our perception of beauty, attractiveness and aesthetics. In this globally unique photo project, over 60 internationally renowned fashion and art photographers, including Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina and Zuzu Valla, worked together with people with Down syndrome to develop individual images and photo series. Surprising and unique portraits were created in professional studio conditions. The protagonists include experienced performers such as actresses Sarah Gordy (UK) and Lily Moore (USA), but the majority of them lead a life outside the limelight.

Radical Beauty blurs the boundaries between disciplines. Through close collaboration between model and photographer, impressive works have emerged that convey a passion for role-playing and visual experimentation while vividly reflecting the unique personalities of the portrayed. Whether tender intimacy, sober realism or full-blooded joie de vivre – Radical Beauty celebrates all facets of human existence and embraces the diversity of an inclusive society.

The London fashion photographer Sammy Baxter, for example, created a dystopian staging with his model Lara Wates, where the pictured struggles with arms that seem to emerge from nowhere against vibrant, colorful backdrops. Brian Griffin, renowned internationally for his portraits of pop musicians, offers black-and-white photographs reminiscent of iconic album covers. Art photographer Erwin Olaf presents his protagonist with slicked-back hair and striking blue eyes in the style of an antique cherub, seemingly floating weightlessly in frothy water. On closer inspection, this effect reveals itself as a technical illusion achieved through masterful manipulation of film material. Fashion photographer Elizaveta Porodina stages actress Lily Moore with vivid surrealism, drawing on the emotional symbolism is a reference to her studies of clinical psychology. Photographer Zuzu Valle sees herself as an advocate for people with disabilities and presents photographs of drag queens and drag kings with Down syndrome that get under your skin.

Radical Beauty was launched in 2018 by the British collective Culture Device, a group of Down syndrome performers who have already graced stages such as the Royal Opera House, Tate Modern, and Southbank Centre in London. Under the artistic direction of Daniel Vais, the project has since evolved into a global initiative, enhancing the visibility of people with cognitive disabilities and providing a platform for individuals with Down syndrome.

The exhibition was curated by Nadine Barth.

Artistic direction of the project: Daniel Vais, Culture Device.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

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Transience and Memory: The Photographic Narratives of Climate Crisis | Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin
März
1
bis 30. März
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Transience and Memory: The Photographic Narratives of Climate Crisis | Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin

  • Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin (Karte)
  • Google Kalender ICS

Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin
1. – 30. März 2025

Transience and Memory: The Photographic Narratives of Climate Crisis
Ana Zibelnik, Künstlerduo Ganslmeier & Zibelnik

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP - European Month of Photography Berlin statt.

From the series: Fault Line, 2023 – © Ganslmeier & Zibelnik

Die Ausstellung stellt Ana Zibelniks (*1995, Ljubljana/Slowenien) Arbeit Immortality is Commonplace (2022) der Serie Fault Line (2023, –) gegenüber, die gemeinsam mit Jakob Ganslmeier (*1990, München/Deutschland), entstanden ist. Beide Arbeiten beschäftigen sich mit den Auswirkungen der Klimakrise und der Klimaangst, die den Diskurs der heutigen Jugend prägen.

Immortality is Commonplace beleuchtet Zibelnik veränderte Rolle der Fotografie in Zeiten der Klimakrise. Während die Menschheit den psychologischen Drang verspürt, die Vergangenheit zu bewahren, sieht sie sich gleichzeitig der Bedrohung des Aussterbens gegenüber. Was bedeutet es, in einer Endzeit zu leben? Zibelniks Faszination für biologisch unsterbliche Flechten wirft die Frage auf: Wer dokumentiert wen–wir die Natur oder die Natur uns?

Ana Zibelnik (geb. 1995, Ljubljana) ist eine slowenische, bildende Künstlerin, die in Den Haag, Niederlande, lebt. Sie hat einen Master-Abschluss in Film- und Fotostudien an der Universität Leiden und einen BA in Visual Communication Design from the University of Ljubljana. Ihre Arbeit dreht sich um die Themen ökologische Krise, Klimaangst und deren soziale Auswirkungen. Seit 2020 arbeitet sie auch als Teil des Künstlerduos Ganslmeier & Zibelnik.

In 2024 gewann Zibelnik den Hauptpreis des slowenischen Kranj Foto Festivals und zeigte ihre Arbeiten u.a. auf der Photo Basel, und, zusammen mit Ganslmeier, im Fotomuseum Den Haag (NL); 2022 waren ihre Arbeiten u.a. in der Maribor Art Gallery, UGM Studio, auf der Paris Photo Online, auf dem Art Salon Zürich und als Teil einer Gruppenausstellung im Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR) zu sehen; zwischen 2017 und 2021 war Zibelnik in div. Institutionen, von Deutschland über Ungarn bis hin zu Portugal und der Schweiz, vertreten und konnte verschiedenste Auszeichnungen wie den Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant , div. Nominierungen für den Newcomer-Preis des Leica Oskar Barnack Award und das City Municipality of Ljubljana Scholarship verzeichnen.

From the series: Immortality Is Commonplace, 2022 © Ana Zibelnik

L'exposition met en parallèle le travail d'Ana Zibelnik (*1995, Ljubljana/Slovénie), Immortality is Commonplace (2022), et la série Fault Line (2023, -), réalisée en collaboration avec Jakob Ganslmeier (*1990, Munich/Allemagne). Les deux œuvres traitent des effets de la crise climatique et de la peur du climat qui caractérisent le discours de la jeunesse actuelle.

Immortality is Commonplace met en lumière le rôle modifié de la photographie par Zibelnik en temps de crise climatique. Alors que l'humanité ressent le besoin psychologique de préserver le passé, elle est en même temps confrontée à la menace de l'extinction. Que signifie vivre dans une fin des temps ? La fascination de Zibelnik pour les lichens biologiquement immortels soulève la question : Qui documente qui - nous la nature ou la nature nous ?

Ana Zibelnik (née en 1995 à Ljubljana) est une artiste plasticienne slovène qui vit à La Haye, aux Pays-Bas. Elle est titulaire d'un master en études cinématographiques et photographiques de l'université de Leyde et d'un BA en design de communication visuelle de l'université de Ljubljana. Son travail s'articule autour des thèmes de la crise écologique, de l'angoisse climatique et de leurs conséquences sociales. Depuis 2020, elle travaille également en tant que membre du duo d'artistes Ganslmeier & Zibelnik.

En 2024, Zibelnik a remporté le premier prix du Kranj Foto Festival slovène et a présenté son travail, entre autres, à Photo Basel et, avec Ganslmeier, au Fotomuseum Den Haag (NL) ; en 2022, son travail a été exposé, entre autres, à la Maribor Art Gallery, à UGM Studio, à Paris Photo Online, à l'Art Salon de Zurich et dans le cadre d'une exposition de groupe au Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR) ; entre 2017 et 2021, Zibelnik a été exposée dans diverses institutions en Allemagne et en Autriche. Elle a été représentée dans de nombreuses institutions, de l'Allemagne à la Hongrie, en passant par le Portugal et la Suisse, et a reçu diverses récompenses telles que le Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line ; Stroom Den Haag, SPOT Grant , diverses nominations pour le prix du nouveau venu du Leica Oskar Barnack Award et la City Municipality of Ljubljana Scholarship.

From the series: Immortality Is Commonplace, 2022 © Ana Zibelnik

La mostra accosta l'opera Immortality is Commonplace (2022) di Ana Zibelnik (*1995, Lubiana/Slovenia) alla serie Fault Line (2023, -), realizzata insieme a Jakob Ganslmeier (*1990, Monaco/Germania). Entrambe le opere trattano gli effetti della crisi climatica e dell'ansia climatica, che caratterizzano il discorso dei giovani d'oggi.

In Immortality is Commonplace, Zibelnik fa luce sul cambiamento del ruolo della fotografia in tempi di crisi climatica. Se da un lato l'umanità sente l'urgenza psicologica di preservare il passato, dall'altro si trova ad affrontare la minaccia dell'estinzione. Cosa significa vivere in un'epoca di fine? Il fascino di Zibelnik per i licheni biologicamente immortali solleva la questione: Chi sta documentando chi: noi la natura o la natura noi?

Ana Zibelnik (nata nel 1995 a Lubiana) è un'artista visiva slovena che vive all'Aia, nei Paesi Bassi. Ha conseguito un master in studi cinematografici e fotografici presso l'Università di Leiden e una laurea in Visual Communication Design presso l'Università di Lubiana. Il suo lavoro ruota attorno ai temi della crisi ecologica, dell'ansia climatica e del suo impatto sociale. Dal 2020 lavora anche come parte del duo di artisti Ganslmeier & Zibelnik.

Nel 2024, Zibelnik ha vinto il premio principale al Kranj Photo Festival sloveno e ha esposto il suo lavoro a Photo Basel e, insieme a Ganslmeier, al Fotomuseum Den Haag (NL); nel 2022, il suo lavoro è stato esposto alla Galleria d'Arte di Maribor, all'UGM Studio, a Paris Photo Online, all'Art Salon di Zurigo e come parte di una mostra collettiva al Benaki Museum/Athens Photo Festival (GR); tra il 2017 e il 2021, Zibelnik ha esposto in varie istituzioni, dalla Germania all'Ungheria ai Paesi Bassi. Tra il 2017 e il 2021, Zibelnik è stato rappresentato in varie istituzioni, dalla Germania e dall'Ungheria al Portogallo e alla Svizzera, e ha ricevuto vari premi come il Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant, varie nomination per il Newcomer Prize del Leica Oskar Barnack Award e la City Municipality of Ljubljana Scholarship.

From the series: Fault Line, 2023 – © Ganslmeier & Zibelnik

The exhibition juxtaposes Ana Zibelnik's (b. 1995, Ljubljana, Slovenia) work Immortality is Commonplace (2022) with the series Fault Line (2023–), which she created together with Jakob Ganslmeier (b. 1990, Munich, Germany). Both works deal with the effects of the climate crisis and climate anxiety, which shape the discourse of today's youth.

Immortality is Commonplace sheds light on Zibelnik's altered role of photography in times of climate crisis. While humanity feels the psychological urge to preserve the past, it simultaneously faces the threat of extinction. What does it mean to live in an apocalyptic era? Zibelnik's fascination with biologically immortal lichens raises the question: who is documenting whom – us documenting nature or nature documenting us?

Ana Zibelnik (b. 1995, Ljubljana) is a Slovenian visual artist based in The Hague, Netherlands. She holds a Master's degree in Film and Photo Studies from Leiden University and a BA in Visual Communication Design from the University of Ljubljana. Her work revolves around the topics of ecological crisis, climate anxiety and their social implications. Since 2020 she has also been working as part of the artist duo Ganslmeier & Zibelnik.

In 2024 Zibelnik won the main prize at the Kranj Foto Festival in Slovenia and showed her work at Photo Basel, and, together with Ganslmeier, at the Fotomuseum Den Haag (NL); in 2022 her work was shown at the Mar ibor Art Gallery, UGM Studio, at Paris Photo Online, at Art Salon Zurich and as part of a group exhibition at Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR); between 2017 and 2021, Zibelnik was represented in various institutions from Germany to Hungary and Portugal and Switzerland, and has received various awards such as the Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant, various nominations for the newcomer prize of the Leica Oskar Barnack Award and the City Municipality of Ljubljana Scholarship.

(Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin)

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Transience and Memory: The Photographic Narratives of Climate Crisis | Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin
Feb.
28
6:00 PM18:00
Vernissage, Berlin, Deutschland, EMOP

Transience and Memory: The Photographic Narratives of Climate Crisis | Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin

  • Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin (Karte)
  • Google Kalender ICS

Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin
28. Februar 2025

Transience and Memory: The Photographic Narratives of Climate Crisis
Ana Zibelnik, Künstlerduo Ganslmeier & Zibelnik

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP - European Month of Photography Berlin statt.

From the series: Fault Line, 2023 – © Ganslmeier & Zibelnik

Die Ausstellung stellt Ana Zibelniks (*1995, Ljubljana/Slowenien) Arbeit Immortality is Commonplace (2022) der Serie Fault Line (2023, –) gegenüber, die gemeinsam mit Jakob Ganslmeier (*1990, München/Deutschland), entstanden ist. Beide Arbeiten beschäftigen sich mit den Auswirkungen der Klimakrise und der Klimaangst, die den Diskurs der heutigen Jugend prägen.

Immortality is Commonplace beleuchtet Zibelnik veränderte Rolle der Fotografie in Zeiten der Klimakrise. Während die Menschheit den psychologischen Drang verspürt, die Vergangenheit zu bewahren, sieht sie sich gleichzeitig der Bedrohung des Aussterbens gegenüber. Was bedeutet es, in einer Endzeit zu leben? Zibelniks Faszination für biologisch unsterbliche Flechten wirft die Frage auf: Wer dokumentiert wen–wir die Natur oder die Natur uns?

Ana Zibelnik (geb. 1995, Ljubljana) ist eine slowenische, bildende Künstlerin, die in Den Haag, Niederlande, lebt. Sie hat einen Master-Abschluss in Film- und Fotostudien an der Universität Leiden und einen BA in Visual Communication Design from the University of Ljubljana. Ihre Arbeit dreht sich um die Themen ökologische Krise, Klimaangst und deren soziale Auswirkungen. Seit 2020 arbeitet sie auch als Teil des Künstlerduos Ganslmeier & Zibelnik.

In 2024 gewann Zibelnik den Hauptpreis des slowenischen Kranj Foto Festivals und zeigte ihre Arbeiten u.a. auf der Photo Basel, und, zusammen mit Ganslmeier, im Fotomuseum Den Haag (NL); 2022 waren ihre Arbeiten u.a. in der Maribor Art Gallery, UGM Studio, auf der Paris Photo Online, auf dem Art Salon Zürich und als Teil einer Gruppenausstellung im Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR) zu sehen; zwischen 2017 und 2021 war Zibelnik in div. Institutionen, von Deutschland über Ungarn bis hin zu Portugal und der Schweiz, vertreten und konnte verschiedenste Auszeichnungen wie den Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant , div. Nominierungen für den Newcomer-Preis des Leica Oskar Barnack Award und das City Municipality of Ljubljana Scholarship verzeichnen.

From the series: Immortality Is Commonplace, 2022 © Ana Zibelnik

L'exposition met en parallèle le travail d'Ana Zibelnik (*1995, Ljubljana/Slovénie), Immortality is Commonplace (2022), et la série Fault Line (2023, -), réalisée en collaboration avec Jakob Ganslmeier (*1990, Munich/Allemagne). Les deux œuvres traitent des effets de la crise climatique et de la peur du climat qui caractérisent le discours de la jeunesse actuelle.

Immortality is Commonplace met en lumière le rôle modifié de la photographie par Zibelnik en temps de crise climatique. Alors que l'humanité ressent le besoin psychologique de préserver le passé, elle est en même temps confrontée à la menace de l'extinction. Que signifie vivre dans une fin des temps ? La fascination de Zibelnik pour les lichens biologiquement immortels soulève la question : Qui documente qui - nous la nature ou la nature nous ?

Ana Zibelnik (née en 1995 à Ljubljana) est une artiste plasticienne slovène qui vit à La Haye, aux Pays-Bas. Elle est titulaire d'un master en études cinématographiques et photographiques de l'université de Leyde et d'un BA en design de communication visuelle de l'université de Ljubljana. Son travail s'articule autour des thèmes de la crise écologique, de l'angoisse climatique et de leurs conséquences sociales. Depuis 2020, elle travaille également en tant que membre du duo d'artistes Ganslmeier & Zibelnik.

En 2024, Zibelnik a remporté le premier prix du Kranj Foto Festival slovène et a présenté son travail, entre autres, à Photo Basel et, avec Ganslmeier, au Fotomuseum Den Haag (NL) ; en 2022, son travail a été exposé, entre autres, à la Maribor Art Gallery, à UGM Studio, à Paris Photo Online, à l'Art Salon de Zurich et dans le cadre d'une exposition de groupe au Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR) ; entre 2017 et 2021, Zibelnik a été exposée dans diverses institutions en Allemagne et en Autriche. Elle a été représentée dans de nombreuses institutions, de l'Allemagne à la Hongrie, en passant par le Portugal et la Suisse, et a reçu diverses récompenses telles que le Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line ; Stroom Den Haag, SPOT Grant , diverses nominations pour le prix du nouveau venu du Leica Oskar Barnack Award et la City Municipality of Ljubljana Scholarship.

From the series: Immortality Is Commonplace, 2022 © Ana Zibelnik

La mostra accosta l'opera Immortality is Commonplace (2022) di Ana Zibelnik (*1995, Lubiana/Slovenia) alla serie Fault Line (2023, -), realizzata insieme a Jakob Ganslmeier (*1990, Monaco/Germania). Entrambe le opere trattano gli effetti della crisi climatica e dell'ansia climatica, che caratterizzano il discorso dei giovani d'oggi.

In Immortality is Commonplace, Zibelnik fa luce sul cambiamento del ruolo della fotografia in tempi di crisi climatica. Se da un lato l'umanità sente l'urgenza psicologica di preservare il passato, dall'altro si trova ad affrontare la minaccia dell'estinzione. Cosa significa vivere in un'epoca di fine? Il fascino di Zibelnik per i licheni biologicamente immortali solleva la questione: Chi sta documentando chi: noi la natura o la natura noi?

Ana Zibelnik (nata nel 1995 a Lubiana) è un'artista visiva slovena che vive all'Aia, nei Paesi Bassi. Ha conseguito un master in studi cinematografici e fotografici presso l'Università di Leiden e una laurea in Visual Communication Design presso l'Università di Lubiana. Il suo lavoro ruota attorno ai temi della crisi ecologica, dell'ansia climatica e del suo impatto sociale. Dal 2020 lavora anche come parte del duo di artisti Ganslmeier & Zibelnik.

Nel 2024, Zibelnik ha vinto il premio principale al Kranj Photo Festival sloveno e ha esposto il suo lavoro a Photo Basel e, insieme a Ganslmeier, al Fotomuseum Den Haag (NL); nel 2022, il suo lavoro è stato esposto alla Galleria d'Arte di Maribor, all'UGM Studio, a Paris Photo Online, all'Art Salon di Zurigo e come parte di una mostra collettiva al Benaki Museum/Athens Photo Festival (GR); tra il 2017 e il 2021, Zibelnik ha esposto in varie istituzioni, dalla Germania all'Ungheria ai Paesi Bassi. Tra il 2017 e il 2021, Zibelnik è stato rappresentato in varie istituzioni, dalla Germania e dall'Ungheria al Portogallo e alla Svizzera, e ha ricevuto vari premi come il Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant, varie nomination per il Newcomer Prize del Leica Oskar Barnack Award e la City Municipality of Ljubljana Scholarship.

From the series: Fault Line, 2023 – © Ganslmeier & Zibelnik

The exhibition juxtaposes Ana Zibelnik's (b. 1995, Ljubljana, Slovenia) work Immortality is Commonplace (2022) with the series Fault Line (2023–), which she created together with Jakob Ganslmeier (b. 1990, Munich, Germany). Both works deal with the effects of the climate crisis and climate anxiety, which shape the discourse of today's youth.

Immortality is Commonplace sheds light on Zibelnik's altered role of photography in times of climate crisis. While humanity feels the psychological urge to preserve the past, it simultaneously faces the threat of extinction. What does it mean to live in an apocalyptic era? Zibelnik's fascination with biologically immortal lichens raises the question: who is documenting whom – us documenting nature or nature documenting us?

Ana Zibelnik (b. 1995, Ljubljana) is a Slovenian visual artist based in The Hague, Netherlands. She holds a Master's degree in Film and Photo Studies from Leiden University and a BA in Visual Communication Design from the University of Ljubljana. Her work revolves around the topics of ecological crisis, climate anxiety and their social implications. Since 2020 she has also been working as part of the artist duo Ganslmeier & Zibelnik.

In 2024 Zibelnik won the main prize at the Kranj Foto Festival in Slovenia and showed her work at Photo Basel, and, together with Ganslmeier, at the Fotomuseum Den Haag (NL); in 2022 her work was shown at the Mar ibor Art Gallery, UGM Studio, at Paris Photo Online, at Art Salon Zurich and as part of a group exhibition at Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR); between 2017 and 2021, Zibelnik was represented in various institutions from Germany to Hungary and Portugal and Switzerland, and has received various awards such as the Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant, various nominations for the newcomer prize of the Leica Oskar Barnack Award and the City Municipality of Ljubljana Scholarship.

(Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin)

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I’m Not Here - Steve Schapiro | CAMERA WORK | Berlin
Feb.
15
bis 29. März
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

I’m Not Here - Steve Schapiro | CAMERA WORK | Berlin

CAMERA WORK | Berlin
15. Februar – 29. März 2025

I’m Not Here
Steve Schapiro

Die Ausstellung findet im Rahmen des European Month of Photography statt.

Barbra Streisand, in the Bathtub, Los Angeles, 1974 © Steve Schapiro / Courtesy of CAMERA WORK Gallery

I’m Not Here widmet sich vor diesem Hintergrund dem beeindruckenden Leben Steve Schapiros – von seiner Arbeit als Fotojournalist bis hin zu seinen ikonischen Filmset-Fotografien, die unvergessliche Momente der Filmgeschichte an berühmten Filmsets wie The Godfather, Taxi Driver, Apocalypse Now und Rocky dokumentieren. Seine Porträts bedeutender Persönlichkeiten der Popkultur wie Andy Warhol, David Bowie, Muhammad Ali und Barbra Streisand sowie der Protagonisten der Bürgerrechtsbewegung reflektieren die Auseinandersetzung Schapiros mit Selbstbestimmung und Gerechtigkeit in der Gesellschaft. So begleitete Steve Schapiro fotografisch unter anderem die Selma-Märsche 1965, den Präsidentschaftswahlkampf von Robert F. Kennedy 1968 und zuletzt auch die 2013 gegründete »Black Lives Matter«-Bewegung.

Romy Schneider, on the set of »The Cardinal«, Boston, 1963 © Steve Schapiro / Courtesy of CAMERA WORK Gallery

Dans ce contexte, I'm Not Here est consacré à la vie impressionnante de Steve Schapiro - de son travail de photojournaliste à ses photographies de plateau de tournage iconiques, qui documentent des moments inoubliables de l'histoire du cinéma sur des plateaux de tournage célèbres comme Le Parrain, Taxi Driver, Apocalypse Now et Rocky. Ses portraits de personnalités importantes de la culture pop comme Andy Warhol, David Bowie, Muhammad Ali et Barbra Streisand, ainsi que des protagonistes du mouvement des droits civiques, reflètent la réflexion de Schapiro sur l'autodétermination et la justice dans la société. Steve Schapiro a ainsi accompagné par la photographie, entre autres, les marches de Selma en 1965, la campagne présidentielle de Robert F. Kennedy en 1968 et, plus récemment, le mouvement « Black Lives Matter » fondé en 2013.

The Worst is yet to come, New York, 1965 © Steve Schapiro / Courtesy of CAMERA WORK Gallery

In questo contesto, I'm Not Here è dedicato all'impressionante vita di Steve Schapiro, dal suo lavoro di fotoreporter alle sue iconiche fotografie di set cinematografici, che documentano momenti indimenticabili della storia del cinema su celebri set come Il Padrino, Taxi Driver, Apocalypse Now e Rocky. I suoi ritratti di importanti personalità della cultura pop come Andy Warhol, David Bowie, Muhammad Ali e Barbra Streisand, nonché di protagonisti del movimento per i diritti civili, riflettono l'esame di Schapiro sull'autodeterminazione e la giustizia nella società. Ad esempio, Steve Schapiro ha fotografato le marce di Selma nel 1965, la campagna elettorale per le presidenziali di Robert F. Kennedy nel 1968 e, più recentemente, il movimento Black Lives Matter fondato nel 2013.

Robert Redford and Lauren Hutton, 1970 © Steve Schapiro / Courtesy of CAMERA WORK Gallery

Against this backdrop, I'm Not Here is dedicated to Steve Schapiro's impressive life — from his work as a photojournalist to his iconic film set photographs, which document unforgettable moments in film history on the sets of famous films such as The Godfather, Taxi Driver, Apocalypse Now, and Rocky. His portraits of important pop culture personalities such as Andy Warhol, David Bowie, Muhammad Ali, and Barbra Streisand as well as protagonists of the Civil Rights Movement reflect Schapiro's examination of self-determination and justice in society. For example, Steve Schapiro photographed the Selma marches in 1965, Robert F. Kennedy's presidential election campaign in 1968 and, most recently, the Black Lives Matter movement founded in 2013.

(Text: CAMERA WORK, Berlin)

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Glowing Attraction - Marta Djourina | Haus am Kleistpark - Projektraum | Berlin
Jan.
17
bis 16. März
Ausstellung, Berlin, Deutschland, EMOP

Glowing Attraction - Marta Djourina | Haus am Kleistpark - Projektraum | Berlin

  • Haus am Kleistpark - Projektraum (Karte)
  • Google Kalender ICS

Haus am Kleistpark - Projektraum | Berlin
17. Januar – 16. März 2025

Glowing Attraction
Marta Djourina

Die Ausstellung findet im Rahmen des European Month of Photography statt.

© Marta Djourina, Ashes of Ice, 2024, VG-Bildkunst, Bonn

Marta Djourinas künstlerische Praxis konzentriert sich auf die Erforschung von Lichtphänomenen. Durch kameralose Fotografie und historische Techniken wie die der Kirlianfotografie dokumentiert sie die unsichtbaren Aspekte von Licht. Ihre Arbeiten umfassen die Nutzung selbstgebauter Lochkameras sowie die Erfassung lebender Lichtquellen wie biolumineszierenden Algen und Pilzarten sowie das Sonnenlicht. Djourinas Werke, oft als „Blindzeichnungen“ beschrieben, übersetzen Lichtbewegungen in dynamische Kompositionen und erweitern so die Wahrnehmung natürlicher Phänomene.

© Marta Djourina, Fluid Contact_2, 2023, VG-Bildkunst, Bonn

La pratique artistique de Marta Djourina se concentre sur l'exploration des phénomènes lumineux. Elle documente les aspects invisibles de la lumière par le biais de la photographie sans caméra et de techniques historiques telles que la photographie kirlian. Son travail comprend l'utilisation de sténopés qu'elle a elle-même construits, ainsi que la capture de sources de lumière vivantes telles que les algues bioluminescentes et les espèces de champignons, ainsi que la lumière du soleil. Les œuvres de Djourina, souvent décrites comme des « dessins à l'aveugle », traduisent les mouvements de la lumière en compositions dynamiques et élargissent ainsi la perception des phénomènes naturels.

© Marta Djourina, Glowing Attraction, 2020- ongoing, VG-Bildkunst, Bonn

La pratica artistica di Marta Djourina si concentra sull'esplorazione dei fenomeni luminosi. Attraverso la fotografia senza macchina fotografica e tecniche storiche come la fotografia Kirlian, documenta gli aspetti invisibili della luce. Il suo lavoro include l'uso di macchine fotografiche a foro stenopeico fatte in casa e la cattura di fonti di luce viventi come alghe e funghi bioluminescenti, oltre alla luce del sole. Le opere di Djourina, spesso descritte come “disegni ciechi”, traducono i movimenti della luce in composizioni dinamiche, ampliando così la percezione dei fenomeni naturali.

© Marta Djourina, Ashes of Ice, 2024, VG-Bildkunst, Bonn

Marta Djourina's artistic practice focuses on the exploration of light phenomena. Through cameraless photography and historical techniques such as Kirlian photography, she documents the invisible aspects of light. Her work includes the use of homemade pinhole cameras and the capture of living light sources such as bioluminescent algae and fungi, as well as sunlight. Djourina's works, often described as ‘blind drawings’, translate light movements into dynamic compositions and thus expand the perception of natural phenomena.

 

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

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Sidewalks - Lukas Hoffmann | Haus am Kleistpark | Berlin
Jan.
14
bis 9. März
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Sidewalks - Lukas Hoffmann | Haus am Kleistpark | Berlin

Haus am Kleistpark | Berlin
14. Januar – 9. März 2025

Sidewalks
Lukas Hoffmann

© Lukas Hoffmann, "Mulde, Tempelhof", 2022

Das Haus am Kleistpark präsentiert mit „Sidewalks“ von Lukas Hoffmann die erste große Einzelausstellung des international tätigen Künstlers in Berlin. Zu sehen sind Fotografien der letzten acht Jahre.

Lukas Hoffmann arbeitet im urbanen Raum und erkundet in seiner Arbeit die Möglichkeiten der Fotografie zwischen Zufall und Berechnung. Zugleich reflektiert der Künstler über zeitgenössische Kulturen des Sehens, über Körperlichkeit und zwischenmenschliche Interaktion im öffentlichen Umfeld. Weitere seiner Themen sind Spuren der Zeitlichkeit und deren Wahrnehmung. Die vielfältige Arbeit von Lukas Hoffmann ist durch konzeptuelle Stringenz, eine beindruckende formale Gestaltung, technische Perfektion und medientheoretisches Interesse am Spannungsfeld zwischen der Wirklichkeit des Abgebildeten und der Autonomie des Bildes gekennzeichnet.

Mit Unterstützung der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia.

© Lukas Hoffmann, "Oberschöneweide II", 2018

Avec « Sidewalks » de Lukas Hoffmann, la Haus am Kleistpark présente la première grande exposition individuelle de cet artiste international à Berlin. On peut y voir des photographies des huit dernières années.

Lukas Hoffmann travaille dans l'espace urbain et explore dans son travail les possibilités de la photographie entre hasard et calcul. Parallèlement, l'artiste réfléchit aux cultures contemporaines de la vision, à la corporalité et à l'interaction interpersonnelle dans l'environnement public. Les traces de la temporalité et leur perception sont d'autres thèmes qu'il aborde. Le travail varié de Lukas Hoffmann se caractérise par une rigueur conceptuelle, une conception formelle impressionnante, une perfection technique et un intérêt pour la théorie des médias, entre la réalité de ce qui est représenté et l'autonomie de l'image.

Avec le soutien de la Fondation suisse pour la culture Pro Helvetia.

© Lukas Hoffmann, "Strassenbild XIX", 2019

Haus am Kleistpark presenta “Sidewalks” di Lukas Hoffmann, la prima grande mostra personale dell'artista attivo a livello internazionale a Berlino. In mostra fotografie degli ultimi otto anni.

Lukas Hoffmann lavora negli spazi urbani ed esplora nel suo lavoro le possibilità della fotografia tra caso e calcolo. Allo stesso tempo, l'artista riflette sulle culture contemporanee del vedere, della fisicità e dell'interazione interpersonale nella sfera pubblica. Altri temi includono le tracce della temporalità e la sua percezione. Il lavoro multiforme di Lukas Hoffmann è caratterizzato da rigore concettuale, impressionante design formale, perfezione tecnica e interesse per la teoria dei media nella tensione tra la realtà di ciò che è raffigurato e l'autonomia dell'immagine.

Con il sostegno della Fondazione svizzera per la cultura Pro Helvetia.

© Lukas Hoffmann, "Marktstrasse Berlin", 2018, Quadriptychon, Panel 1/4

Haus am Kleistpark presents ‘Sidewalks’ by Lukas Hoffmann, the first major solo exhibition of the internationally active artist in Berlin. On display are photographs from the last eight years.

Lukas Hoffmann works in urban spaces and explores the possibilities of photography between chance and calculation in his work. At the same time, the artist reflects on contemporary cultures of seeing, physicality and interpersonal interaction in the public sphere. Other themes include traces of temporality and its perception. Lukas Hoffmann's multifaceted work is characterised by conceptual stringency, impressive formal design, technical perfection and an interest in media theory in the field of tension between the reality of the depicted and the autonomy of the image.

With the support of the Swiss Arts Council Pro Helvetia.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

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"Augenblicke: DDR-Fotografien 1956–90" - Thomas Billhardt | CAMERA WORK | Berlin
Dez.
13
bis 1. Feb.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

"Augenblicke: DDR-Fotografien 1956–90" - Thomas Billhardt | CAMERA WORK | Berlin

CAMERA WORK | Berlin
13. Dezember 2024 - 1. Februar 2025

"Augenblicke: DDR-Fotografien 1956–90"
Thomas Billhardt

Kinderwagenbus, Leipzig, 1959 © Thomas Billhardt, CAMERA WORK Gallery

Diesen November ist der Bildband Augenblicke: DDR-Fotografien 1956–90 von Thomas Billhardt im Mitteldeutschen Verlag erschienen. Die Motive eines der bekanntesten Reportagefotografen der Nachkriegszeit zeigen das Leben im realexistierenden Sozialismus und geben Einblicke in den Alltag in der DDR. Mit dem Bildband hat Thomas Billhardt ein bemerkenswertes Zeitdokument geschaffen, das politische und gesellschaftliche Ereignisse aus den Jahren 1956 bis zur Wiedervereinigung Deutschlands im Jahr 1990 gleichermaßen umfasst. Thomas Billhardts fotografische Betrachtungen sind in ihrer Bandbreite einzigartig. Begleitend zum Erscheinen des Bildbands präsentiert die Galerie CAMERA WORK die gleichnamige Art Präsentation mit 20 ausgewählte Fotografien von Thomas Billhardt.

Für Thomas Billhardt (*1937 in Chemnitz) spielte Fotografie schon früh die Hauptrolle. Im Alter von 14 Jahren begann seine Mutter, die ebenfalls als Fotografin tätig war, ihn auszubilden. Anschließend studierte er bis 1957 an der Fachschule für angewandte Kunst in Magdeburg. Erste praktische Erfahrungen konnte er zu Beginn seiner Karriere als Werksfotograf im Braunkohletagebau in Großkayna sammeln, bevor er als Verlagsfotograf beim Postkartenverlag Bild und Heimat eingestellt wird. Zeitgleich begann er sein Studium zum Fotografiker und Fotodesigner an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Seine Diplomarbeit über den Alexanderplatz in Berlin sollte ein Vorbote dafür sein, dass er Zeit seines Lebens immer wieder an diesen historischen Ort zurückkehren würde.

Schon während seines Studiums in Leipzig wird Thomas Billhardt Mitglied im Verband Deutscher Journalisten. Die folgenden Jahre arbeitete er als freischaffender Fotograf – ein Privileg, das er schätzte, um sich auch fotografisch auf freiem Terrain bewegen zu können und nicht zwanghaft an Aufträge gebunden zu sein. Später wurde Thomas Billhardt als Arbeitsgruppenleiter bei der Deutschen Werbeagentur engagiert. Als Reportagefotograf reiste Thomas Billhardt in insgesamt über 50 Länder – die dort entstandenen Bilder wurden weltweit publiziert. Die unermessliche Leistung von Thomas Billhardt, mit seinen Fotografien aus den Kriegs- und Krisenregionen dieser Welt die Öffentlichkeit über Krieg und dem daraus entstandenen Leid aufzuklären, wiegt über allem. Weltberühmt wurde er mit seinen Fotografien vom Vietnamkrieg in den 1960er Jahren. Zahlreiche internationale Ausstellungen würdigen dieses erfolgreiche Bestreben von Thomas Billhardt. Weltweit werden seine Fotografien als Zeitzeugnis sowie als bedeutender Teil der deutschen Fotografiegeschichte ausgestellt. Im Jahr 1988 waren seine Arbeiten Bestandteil der UNICEF-Ausstellung Kinder der Welt in New York. Einige Jahre später führten UNICEF und Thomas Billhardt ihre Zusammenarbeit fort, indem Thomas Billhardt mehrere Projekte in Asien fotografisch begleitete.

Das Lebenswerk von Thomas Billhardt bis 1999 befindet sich im Besitz der CAMERA WORK AG.

Mann mit Schirm, Halle, 1981 © Thomas Billhardt, CAMERA WORK Gallery

Ce mois de novembre, le livre de photos Augenblicke : DDR-Fotografien 1956-90 de Thomas Billhardt est paru aux éditions Mitteldeutscher Verlag. Les motifs de l'un des photographes de reportage les plus connus de l'après-guerre montrent la vie sous le socialisme réel et donnent un aperçu de la vie quotidienne en RDA. Avec ce livre de photos, Thomas Billhardt a créé un document d'époque remarquable qui couvre à la fois les événements politiques et sociaux des années 1956 jusqu'à la réunification de l'Allemagne en 1990. Les observations photographiques de Thomas Billhardt sont uniques dans leur diversité. Pour accompagner la parution de l'ouvrage, la galerie CAMERA WORK présente l'Art Präsentation du même nom avec 20 photographies sélectionnées de Thomas Billhardt.

Pour Thomas Billhardt (né en 1937 à Chemnitz), la photographie a joué très tôt le rôle principal. À l'âge de 14 ans, sa mère, qui travaillait également comme photographe, a commencé à le former. Il a ensuite étudié à la Fachschule für angewandte Kunst de Magdebourg jusqu'en 1957. Au début de sa carrière, il a pu acquérir ses premières expériences pratiques en tant que photographe d'usine dans la mine de lignite à ciel ouvert de Großkayna, avant d'être embauché comme photographe d'édition par la maison d'édition de cartes postales Bild und Heimat. Parallèlement, il entame des études de photographe et de designer photographique à l'École supérieure de graphisme et d'art du livre de Leipzig. Son travail de diplôme sur l'Alexanderplatz à Berlin devait être un signe avant-coureur du fait qu'il ne cesserait de revenir sur ce lieu historique tout au long de sa vie.

Pendant ses études à Leipzig, Thomas Billhardt devient déjà membre de l'association des journalistes allemands. Les années suivantes, il a travaillé en tant que photographe indépendant - un privilège qu'il appréciait afin de pouvoir également évoluer en terrain libre sur le plan photographique et ne pas être lié de manière contraignante à des commandes. Plus tard, Thomas Billhardt a été engagé comme chef de groupe de travail par l'agence de publicité allemande. En tant que photographe de reportage, Thomas Billhardt a voyagé dans plus de 50 pays au total - les photos qu'il y a prises ont été publiées dans le monde entier. L'immense travail de Thomas Billhardt, qui a permis d'informer le public sur la guerre et les souffrances qu'elle engendre grâce à ses photographies prises dans les régions en guerre et en crise du monde, est plus important que tout. Il est devenu mondialement célèbre avec ses photographies de la guerre du Vietnam dans les années 1960. De nombreuses expositions internationales rendent hommage à cet effort réussi de Thomas Billhardt. Ses photographies sont exposées dans le monde entier en tant que témoignage de son époque et en tant que partie importante de l'histoire de la photographie allemande. En 1988, ses travaux ont fait partie de l'exposition Enfants du monde de l'UNICEF à New York. Quelques années plus tard, l'UNICEF et Thomas Billhardt ont poursuivi leur collaboration en accompagnant par la photographie plusieurs projets en Asie.

L'œuvre de Thomas Billhardt jusqu'en 1999 est la propriété de CAMERA WORK AG.

Militärparade zum 25. Jahrestag der DDR am Leninplatz, dem heu;gen Platz der Vereinten Nationen, Berlin, 1974 © Thomas Billhardt, CAMERA WORK Gallery

Lo scorso novembre è stato pubblicato da Mitteldeutscher Verlag il libro illustrato Augenblicke: DDR-Fotografien 1956-90 di Thomas Billhardt. I motivi di uno dei più noti fotografi di reportage del dopoguerra mostrano la vita sotto il socialismo reale e offrono uno spaccato della vita quotidiana nella DDR. Con questo libro illustrato, Thomas Billhardt ha creato uno straordinario documento contemporaneo che copre gli eventi politici e sociali dal 1956 alla riunificazione della Germania nel 1990. Le osservazioni fotografiche di Thomas Billhardt sono uniche per la loro portata. Per accompagnare la pubblicazione del libro illustrato, la galleria CAMERA WORK presenta un'omonima presentazione artistica con 20 fotografie selezionate di Thomas Billhardt.

La fotografia ha avuto un ruolo di primo piano per Thomas Billhardt (*1937 a Chemnitz) fin dalla più tenera età. All'età di 14 anni, sua madre, che lavorava anch'essa come fotografa, iniziò a formarlo. In seguito studia all'istituto tecnico per le arti applicate di Magdeburgo fino al 1957. All'inizio della sua carriera ha fatto la prima esperienza pratica come fotografo di fabbrica presso la miniera di lignite a cielo aperto di Großkayna, prima di essere assunto come fotografo editoriale presso la casa editrice di cartoline Bild und Heimat. Contemporaneamente, inizia gli studi per diventare fotografo e photo designer presso l'Accademia di Arti Visive di Lipsia. La sua tesi di diploma sull'Alexanderplatz di Berlino era foriera del fatto che sarebbe tornato più volte in questo luogo storico nel corso della sua vita.

Mentre era ancora studente a Lipsia, Thomas Billhardt divenne membro dell'Associazione dei giornalisti tedeschi. Negli anni successivi lavorò come fotografo freelance: un privilegio che apprezzava, in quanto gli permetteva di muoversi liberamente in termini fotografici e di non essere vincolato a incarichi. In seguito Thomas Billhardt è stato assunto come responsabile di un gruppo di lavoro presso l'Agenzia tedesca per la pubblicità. Come fotografo di reportage, Thomas Billhardt ha viaggiato in un totale di oltre 50 Paesi, dove le sue immagini sono state pubblicate in tutto il mondo. L'incommensurabile successo di Thomas Billhardt nel sensibilizzare l'opinione pubblica sulla guerra e sulle sofferenze che ne derivano con le sue fotografie dalle regioni di guerra e di crisi del mondo è fondamentale. È diventato famoso in tutto il mondo con le sue fotografie della guerra del Vietnam negli anni Sessanta. Numerose mostre internazionali hanno reso onore a questo impegno di successo di Thomas Billhardt. Le sue fotografie sono esposte in tutto il mondo come testimonianza dei tempi e come parte importante della storia fotografica tedesca. Nel 1988, le sue opere hanno fatto parte della mostra Children of the World dell'UNICEF a New York. Qualche anno dopo, l'UNICEF e Thomas Billhardt hanno continuato la loro collaborazione, accompagnando fotograficamente diversi progetti in Asia.

L'opera di Thomas Billhardt fino al 1999 è di proprietà di CAMERA WORK AG.

Unter der U-Bahn auf der Schönhauser Allee, Berlin, 1964 © Thomas Billhardt, CAMERA WORK Gallery

This November, the illustrated book Augenblicke: DDR-Fotografien 1956–90 by Thomas Billhardt was published by Mitteldeutscher Verlag. The images of one of the most well-known photojournalists of the post-war era show life in real socialism and provide insights into everyday life in the GDR. With this illustrated book, Thomas Billhardt has created a remarkable contemporary document that encompasses political and social events from 1956 to the reunification of Germany in 1990. Thomas Billhardt's photographic observations are unique in their scope. To accompany the publication of the illustrated book, the CAMERA WORK gallery is presenting the art presentation of the same name with 20 selected photographs by Thomas Billhardt.

For Thomas Billhardt (born 1937 in Chemnitz), photography played a major role early on. At the age of 14, his mother, who was also a photographer, began training him. He then studied at the Technical School for Applied Arts in Magdeburg until 1957. He was able to gain his first practical experience at the beginning of his career as a plant photographer in the brown coal mine in Großkayna, before being hired as a publishing photographer at the postcard publisher Bild und Heimat. At the same time, he began his studies in photography and photo design at the Academy of Fine Arts Leipzig. His thesis on Alexanderplatz in Berlin was a harbinger of his lifelong return to this historic place.

During his studies in Leipzig, Thomas Billhardt became a member of the Association of German Journalists. In the following years, he worked as a freelance photographer – a privilege he appreciated, allowing him to move photographically in an open field and not be compulsively tied to assignments. Later, Thomas Billhardt was hired as a working group leader at the German advertising agency. As a reportage photographer, Thomas Billhardt traveled to over 50 countries – the pictures taken there were published worldwide. Thomas Billhardt's immense achievement in educating the public about war and the suffering it causes through his photographs from the world's war and crisis regions is paramount. He became world-famous with his photographs of the Vietnam War in the 1960s. Numerous international exhibitions honor Thomas Billhardt's successful endeavors. His photographs are exhibited worldwide as a testimony to history and as an important part of German photographic history. In 1988, his work was part of the UNICEF exhibition Children of the World in New York. A few years later, UNICEF and Thomas Billhardt continued their collaboration, with Thomas Billhardt photographing several projects in Asia.

The life's work of Thomas Billhardt up to 1999 is owned by CAMERA WORK AG.

(Text: CAMERA WORK, Berlin)

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Kein schöner Land... - Dirk Reinartz | f³ – freiraum für fotografie | Berlin
Dez.
6
bis 2. März
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Kein schöner Land... - Dirk Reinartz | f³ – freiraum für fotografie | Berlin

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f³ – freiraum für fotografie | Berlin
6. Dezember 2024 – 2. März 2025

Kein schöner Land...
Dirk Reinartz

„Lange Leitung im Osten. Für viele sind westberliner Telefonzellen das Ohr zur Welt“, Glienicker Brücke, Berlin 1991, aus der Reportage Warteschleife in ZEITmagazin 33/1991 © Dirk Reinartz Archiv, Stiftung F.C. Gundlach + Deutsche Fotothek Dresden

Dirk Reinartz (1947–2004) hat die Reportagefotografie und die fotografische Dokumentation in Deutschland geprägt wie wenige vor oder nach ihm. Aus seinem umfangreichen Schaffen zeigt Kein schöner Land... im f³ – freiraum für fotografie eine Bildauswahl aus den Archivbeständen der Stiftung F.C. Gundlach und der Deutschen Fotothek Dresden. Diese richtet den Fokus speziell auf die deutsche Identität mit all ihren Widersprüchen und historischen Verankerungen sowie ihre Neuorientierung nach 1989. Deutlich werden dabei, insbesondere nach den letzten Landtagswahlen im Osten Deutschlands, die zeitgeschichtlichen Kontinuitäten, die bis ins Hier und Heute führen.

Ein Großteil des fotografischen Oeuvres von Dirk Reinartz entstand im Auftrag: Mit zahlreichen Veröffentlichungen zwischen 1971 und 2004 in Zeitschriften und Magazinen wie Stern, Merian, ZEITmagazin und art sowie der Vertretung durch die Bildagentur VISUM, hatten Dirk Reinartz’ Fotografien eine heute kaum noch vorstellbare Reichweite. Hinzu kamen freie serielle Arbeiten, beginnend mit dem Buchprojekt Kein schöner Land (1978–1987), in welchem Reinartz aus seinem bisherigen Schaffen einen Abgesang auf den visuellen Niederschlag deutscher Geisteshaltung zusammenstellte. Dem Volkslied im Geiste von 1848 entlehnt, ironisch gebrochen für Buch und Serie durch Reinartz verwandt, bedient sich die Ausstellung nun abermals des umständlichen und doch so treffenden Titels. Als Lobpreisung Deutscher Lande kann ihn „zu dieser Zeit“ wohl niemand missverstehen.

In seinem Lebenswerk befasst sich Dirk Reinartz vor 1989 mit mentalen Zuständen und Befindlichkeiten, gesellschaftspolitischen Entwicklungen und kulturellen Eigenarten insbesondere an den Schnittstellen der beiden deutschen Staaten.

In einer Reportage für das ZEITmagazin unter dem Titel Besonderes Kennzeichen: Deutsch (1987), unternimmt Reinartz beispielsweise einen fotografischen Berufsvergleich, stellt je einen Busfahrer, einen Friseur und eine Facharbeiterin aus Jena und Erlangen einander gegenüber und thematisiert so die Teilung in Ost und West in ihren menschlichen Dimensionen. Die Reportage Das stille Ende (1983) erzählt von den Entwicklungen in Schnackenburg als Beispiel für die Geschichte eines Ortes, der einst mitten in Deutschland lag und nun in einem toten Winkel der Bundesrepublik verwelkt: „zwischen Gorleben und dem automatischen Todesschusszaun, der deutsch-deutschen Supergrenze, zwischen Atommüll und Minen“, wie der Journalist Wolfram Runkel es treffend beschrieb. Mit viel Raum für Zwischentöne begleitet Reinartz deutsch-deutsche Umsiedler in einer Doppelreportage Weg machen! Und was dann? (1984) und Go East – Neue Heimat Ost (1989). Nach der politischen Wende beobachtet Reinartz die Neuorientierung der nun gesamtdeutschen Gesellschaft. Mit großem Einfühlungsvermögen kreiert er Bildpaare aus Porträt und Ortsaufnahmen für die Reportage Was tun? zur Arbeitslosigkeit in Mecklenburg-Vorpommern. Mit Deutschstunde bei Gauck (1996) dokumentiert der Fotograf die Gauck-Behörde als Schicksalsort.

Dem Kult um Otto von Bismarck, der das Land bis heute in Form von Skulpturen und Plaketten überzieht, geht Dirk Reinartz in Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler (1991) nach. Die Reprise in Farbe folgt mit Bismarck in America (2000), als er den nach dem deutschen Reichskanzler benannten Ort in North Dakota als typisch amerikanische Kleinstadt porträtiert. Als bekannteste Werkserie von Reinartz gilt schließlich totenstill (1994), eine fotografische Annäherung an die ehemaligen nationalsozialistischen Konzentrationslager. Reinartz fotografierte die Orte des Genozids als stille und doch sprechende Architekturen, als menschenleere Stätten, die als solche das schmerzhaft Abwesende evozieren.

Die Ausstellung wird von einem autobiografischen Dia-Vortrag begleitet. Zudem werden die fotografischen Werke an der Wand durch Faksimiles der ursprünglichen Veröffentlichungen kommentiert.

Ohne Titel, Ribnitz Damgarten 1991, aus der Reportage Was tun?, in ZEITmagazin 17/1991 © Dirk Reinartz Archiv, Stiftung F.C. Gundlach + Deutsche Fotothek Dresden

Dirk Reinartz (1947-2004) a marqué la photographie de reportage et le documentaire photographique en Allemagne comme peu l'ont fait avant ou après lui. De sa vaste œuvre, Kein schöner Land... au f³ - freiraum für fotografie une sélection d'images provenant des archives de la fondation F.C. Gundlach et de la Deutsche Fotothek de Dresde. L'accent est mis sur l'identité allemande avec toutes ses contradictions et ses ancrages historiques, ainsi que sur sa réorientation après 1989. Les continuités historiques contemporaines qui mènent jusqu'ici et aujourd'hui sont clairement mises en évidence, en particulier après les dernières élections régionales en Allemagne de l'Est.

Une grande partie de l'œuvre photographique de Dirk Reinartz a été réalisée sur commande : avec de nombreuses publications entre 1971 et 2004 dans des revues et magazines tels que Stern, Merian, ZEITmagazin et art, ainsi que la représentation par l'agence photographique VISUM, les photographies de Dirk Reinartz ont eu une portée difficilement imaginable aujourd'hui. S'y sont ajoutés des travaux sériels libres, à commencer par le projet de livre Kein schöner Land (1978-1987), dans lequel Reinartz a compilé, à partir de son œuvre précédente, un chant de ralliement sur le reflet visuel de l'état d'esprit allemand. Emprunté à la chanson populaire dans l'esprit de 1848, ironiquement brisé pour le livre et la série par Reinartz, l'exposition se sert à nouveau de ce titre compliqué et pourtant si approprié. Personne ne peut se méprendre sur le fait qu'il s'agit d'un éloge du pays allemand « à cette époque ».

Dans l'œuvre de sa vie, Dirk Reinartz s'est intéressé avant 1989 aux états d'esprit et aux sensibilités, aux évolutions sociopolitiques et aux particularités culturelles, en particulier aux interfaces des deux États allemands.

Dans un reportage pour le magazine ZEIT intitulé Besonderes Kennzeichen : Deutsch (1987), Reinartz entreprend par exemple une comparaison photographique des métiers, transmettant un chauffeur de bus, un coiffeur et une ouvrière spécialisée d'Iéna et d'Erlangen, thématisant ainsi la division entre l'Est et l'Ouest dans ses dimensions humaines. Le reportage Das stille Ende (1983) raconte l'évolution de Schnackenburg comme exemple de l'histoire d'un lieu qui se trouvait autrefois au cœur de l'Allemagne et qui se fane désormais dans un angle mort de la République fédérale : « entre Gorleben et la barrière automatique de tirs mortels, la super frontière germano-allemande, entre les déchets nucléaires et les mines », comme l'a décrit avec justesse le journaliste Wolfram Runkel. Avec beaucoup de place pour les nuances, Reinartz accompagne des Allemands réinstallés dans un double reportage Weg machen ! Et puis quoi encore ? (1984) et Go East - Neue Heimat Ost (1989). Après la chute du mur, Reinartz observe la réorientation de la société allemande. Avec une grande sensibilité, il crée des paires d'images de portraits et de prises de vue locales pour le reportage Was tun ? sur le chômage dans le Mecklembourg-Poméranie occidentale. Avec Deutschstunde bei Gauck (1996), le photographe documente l'administration Gauck comme lieu de destin.

Le culte d'Otto von Bismarck, qui recouvre encore aujourd'hui le pays sous forme de sculptures et de plaques, est abordé par Dirk Reinartz dans Bismarck. De la trahison des monuments (1991). La reprise en couleur suit avec Bismarck in America (2000), lorsqu'il fait le portrait de la localité du Dakota du Nord portant le nom du chancelier allemand comme une petite ville américaine typique. Enfin, la série d'œuvres la plus connue de Reinartz est totenstill (1994), une approche photographique des anciens camps de concentration nazis. Reinartz a photographié les lieux du génocide comme des architectures silencieuses et pourtant parlantes, comme des sites déserts qui, en tant que tels, évoquent l'absence douloureuse.

L'exposition sera accompagnée d'un diaporama autobiographique. En outre, les œuvres photographiques accrochées au mur sont commentées par des fac-similés des publications originales.

Krematorium, Buchenwald 1992, aus der Serie totenstill – Bilder aus den ehemaligen deutschen Konzentrationslagern © Dirk Reinartz Archiv, Stiftung F.C. Gundlach + Deutsche Fotothek Dresden

Dirk Reinartz (1947-2004) ha plasmato la fotografia di reportage e la documentazione fotografica in Germania come pochi prima o dopo di lui. Dalla sua vasta opera, Kein schöner Land... al f³ - freiraum für fotografie presenta una selezione di immagini provenienti dagli archivi della Fondazione F.C. Gundlach e della Deutsche Fotothek Dresden. La mostra si concentra in particolare sull'identità tedesca, con tutte le sue contraddizioni e i suoi ancoraggi storici, e sul suo riorientamento dopo il 1989, evidenziando le continuità storiche che portano fino al presente, soprattutto dopo le ultime elezioni statali nella Germania dell'Est.

Gran parte dell'opera fotografica di Dirk Reinartz è stata commissionata: con numerose pubblicazioni tra il 1971 e il 2004 su riviste e giornali come Stern, Merian, ZEITmagazin e art, nonché con la rappresentanza da parte dell'agenzia fotografica VISUM, le fotografie di Dirk Reinartz hanno avuto una portata oggi quasi inimmaginabile. A ciò si aggiungono i lavori seriali gratuiti, a partire dal progetto di libro Kein schöner Land (1978-1987), in cui Reinartz compilò un canto del cigno all'espressione visiva della mentalità tedesca del suo lavoro precedente. Prendendo in prestito la canzone popolare nello spirito del 1848, ironicamente rifratta per il libro e la serie da Reinartz, la mostra utilizza ancora una volta il titolo goffo e tuttavia azzeccato. Nessuno può fraintendere “in questo momento” come un elogio alla Germania.

Nel suo lavoro di una vita, Dirk Reinartz si occupa di stati mentali e sensibilità, sviluppi socio-politici e idiosincrasie culturali, in particolare alle interfacce tra i due Stati tedeschi, prima del 1989.

In un reportage per lo ZEITmagazin intitolato Besonderes Kennzeichen: Deutsch (1987), ad esempio, Reinartz intraprende un confronto fotografico tra professioni, mettendo a confronto un autista di autobus, un parrucchiere e un operaio specializzato rispettivamente di Jena e di Erlangen, tematizzando così la divisione tra Est e Ovest nelle sue dimensioni umane. Il reportage Das stille Ende (1983) racconta gli sviluppi di Schnackenburg come esempio della storia di un luogo che un tempo si trovava al centro della Germania e che ora sta appassendo in un punto cieco della Repubblica Federale: “tra Gorleben e il recinto automatico, il superconfine tedesco-tedesco, tra scorie nucleari e miniere”, come lo ha giustamente descritto il giornalista Wolfram Runkel. Con ampio spazio per le sfumature, Reinartz accompagna i reinsediati tedesco-tedeschi in un doppio reportage intitolato Weg machen! E poi? (1984) e Go East - Neue Heimat Ost (1989). Dopo il cambiamento politico, Reinartz osserva il riorientamento della società ormai interamente tedesca. Con grande empatia, crea coppie di ritratti e scatti sul posto per il reportage Was tun? sulla disoccupazione nel Mecklenburg-Vorpommern. In Deutschstunde bei Gauck (1996), il fotografo documenta l'ufficio di Gauck come luogo del destino.

Dirk Reinartz esplora il culto di Otto von Bismarck, che ancora oggi ricopre lo Stato sotto forma di sculture e targhe, in Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler (1991). La ripresa a colori segue con Bismarck in America (2000), in cui Reinartz ritrae la città del North Dakota intitolata al cancelliere tedesco come una tipica cittadina americana. Infine, la serie di opere più nota di Reinartz è totenstill (1994), un approccio fotografico agli ex campi di concentramento nazisti. Reinartz ha fotografato i luoghi del genocidio come architetture silenziose eppure parlanti, come luoghi deserti che come tali evocano il dolore dell'assenza.

La mostra sarà accompagnata da una proiezione di diapositive autobiografiche. Inoltre, le opere fotografiche a parete saranno accompagnate da facsimili delle pubblicazioni originali.

Parkplatz eines Einkaufzentrums, Kiel 1978–1987, aus der Serie Kein schöner Land © Dirk Reinartz Archiv, Stiftung F.C. Gundlach + Deutsche Fotothek Dresden

Dirk Reinartz (1947–2004) shaped reportage photography and photographic documentation in Germany like few before or after him. From his extensive oeuvre, Kein schöner Land... (No fairer Land...) at f³ – freiraum für fotografie presents a selection of images from the archive holdings of the F.C. Gundlach Foundation and the Deutsche Fotothek Dresden. This focuses specifically on German identity with all its contradictions and historical anchoring as well as its reorientation after 1989. Particularly after the last state elections in East Germany, the historical continuities that lead up to the here and now become clear.

A large part of Dirk Reinartz's photographic oeuvre was commissioned: with numerous publications in journals and magazines such as Stern, Merian, ZEITmagazin and art between 1971 and 2004, as well as representation by the VISUM photo agency, Dirk Reinartz's photographs had a reach that is almost unimaginable today. In addition, there were free serial works, beginning with the book project Kein schöner Land (No fairer Land, 1978–1987), in which Reinartz compiled a swan song to the visual expression of the German spirit from his previous work. Borrowed from the folk song in the spirit of 1848, ironically refracted for the book and series by Reinartz, the exhibition once again makes use of the awkward and yet apt title. No one can misunderstand it as a praise of the German nation “at this time”.

In his life's work, Dirk Reinartz deals with mental states and sensitivities, socio-political developments and cultural idiosyncrasies before 1989, particularly at the interfaces of the “Two Germanies”.

In a reportage for ZEITmagazin entitled Besonderes Kennzeichen: Deutsch (Special Feature: German, 1987), for example, Reinartz undertakes a photographic comparison of professions and contrasts a bus driver, a hairdresser and a skilled worker from Jena and Erlangen respectively, thus thematizing the division in East and West in its human dimensions. The reportage Das stille Ende (The silent End, 1983) tells of the developments in Schnackenburg as an example of the history of a place that once lay in the middle of Germany and is now withering away in a blind spot of the Federal Republic: “between Gorleben and the automatic fence of death, the German-German super border, between nuclear waste and mines”, as the journalist Wolfram Runkel aptly described it. With plenty of room for nuances, Reinartz accompanies German-German resettlers in a double reportage entitled Weg machen! Und was dann? (Getting away and then what?, 1984) and Go East – Neue Heimat Ost (New Home East, 1989). After the political change of 1989, Reinartz observes the reorientation of the now all-German society. With great empathy, he creates pairs of portraits and location shots for the reportage Was tun? (What to do?) on unemployment in Mecklenburg-Vorpommern. In Deutschstunde bei Gauck (German Lesson with Gauck, 1996), the photographer documents the Gauck office as a place of destiny.

Dirk Reinartz explores the cult of Otto von Bismarck, which still covers the country today in the form of sculptures and plaques, in Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler (Bismarck. On the Betrayal of Monuments, 1991). The reprise in color follows with Bismarck in America (2000), when he portrays the town in North Dakota named after the German chancellor as a typical American small town. Reinartz's best-known series of works is totenstill (Deathly Still, 1994), a photographic approach to the former National Socialist concentration camps. Reinartz photographed the sites of genocide as silent and yet speaking architectures, as deserted places that as such evoke the painfully absent.

The exhibition is accompanied by an autobiographical slide show. In addition, the photographic works on the wall will be accompanied by facsimiles of the original publications.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

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Kein schöner Land... - Dirk Reinartz | f³ – freiraum für fotografie | Berlin
Dez.
5
7:00 PM19:00
Vernissage, Berlin, Deutschland

Kein schöner Land... - Dirk Reinartz | f³ – freiraum für fotografie | Berlin

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
5. Dezember 2024

Begrüßung: Katharina Mouratidi (Künstlerische Leiterin f³ – freiraum für fotografie).
Es sprechen: Sebastian Lux und Franziska Mecklenburg (Stiftung F.C. Gundlach).

Kein schöner Land...
Dirk Reinartz

„Lange Leitung im Osten. Für viele sind westberliner Telefonzellen das Ohr zur Welt“, Glienicker Brücke, Berlin 1991, aus der Reportage Warteschleife in ZEITmagazin 33/1991 © Dirk Reinartz Archiv, Stiftung F.C. Gundlach + Deutsche Fotothek Dresden

Dirk Reinartz (1947–2004) hat die Reportagefotografie und die fotografische Dokumentation in Deutschland geprägt wie wenige vor oder nach ihm. Aus seinem umfangreichen Schaffen zeigt Kein schöner Land... im f³ – freiraum für fotografie eine Bildauswahl aus den Archivbeständen der Stiftung F.C. Gundlach und der Deutschen Fotothek Dresden. Diese richtet den Fokus speziell auf die deutsche Identität mit all ihren Widersprüchen und historischen Verankerungen sowie ihre Neuorientierung nach 1989. Deutlich werden dabei, insbesondere nach den letzten Landtagswahlen im Osten Deutschlands, die zeitgeschichtlichen Kontinuitäten, die bis ins Hier und Heute führen.

Ein Großteil des fotografischen Oeuvres von Dirk Reinartz entstand im Auftrag: Mit zahlreichen Veröffentlichungen zwischen 1971 und 2004 in Zeitschriften und Magazinen wie Stern, Merian, ZEITmagazin und art sowie der Vertretung durch die Bildagentur VISUM, hatten Dirk Reinartz’ Fotografien eine heute kaum noch vorstellbare Reichweite. Hinzu kamen freie serielle Arbeiten, beginnend mit dem Buchprojekt Kein schöner Land (1978–1987), in welchem Reinartz aus seinem bisherigen Schaffen einen Abgesang auf den visuellen Niederschlag deutscher Geisteshaltung zusammenstellte. Dem Volkslied im Geiste von 1848 entlehnt, ironisch gebrochen für Buch und Serie durch Reinartz verwandt, bedient sich die Ausstellung nun abermals des umständlichen und doch so treffenden Titels. Als Lobpreisung Deutscher Lande kann ihn „zu dieser Zeit“ wohl niemand missverstehen.

In seinem Lebenswerk befasst sich Dirk Reinartz vor 1989 mit mentalen Zuständen und Befindlichkeiten, gesellschaftspolitischen Entwicklungen und kulturellen Eigenarten insbesondere an den Schnittstellen der beiden deutschen Staaten.

In einer Reportage für das ZEITmagazin unter dem Titel Besonderes Kennzeichen: Deutsch (1987), unternimmt Reinartz beispielsweise einen fotografischen Berufsvergleich, stellt je einen Busfahrer, einen Friseur und eine Facharbeiterin aus Jena und Erlangen einander gegenüber und thematisiert so die Teilung in Ost und West in ihren menschlichen Dimensionen. Die Reportage Das stille Ende (1983) erzählt von den Entwicklungen in Schnackenburg als Beispiel für die Geschichte eines Ortes, der einst mitten in Deutschland lag und nun in einem toten Winkel der Bundesrepublik verwelkt: „zwischen Gorleben und dem automatischen Todesschusszaun, der deutsch-deutschen Supergrenze, zwischen Atommüll und Minen“, wie der Journalist Wolfram Runkel es treffend beschrieb. Mit viel Raum für Zwischentöne begleitet Reinartz deutsch-deutsche Umsiedler in einer Doppelreportage Weg machen! Und was dann? (1984) und Go East – Neue Heimat Ost (1989). Nach der politischen Wende beobachtet Reinartz die Neuorientierung der nun gesamtdeutschen Gesellschaft. Mit großem Einfühlungsvermögen kreiert er Bildpaare aus Porträt und Ortsaufnahmen für die Reportage Was tun? zur Arbeitslosigkeit in Mecklenburg-Vorpommern. Mit Deutschstunde bei Gauck (1996) dokumentiert der Fotograf die Gauck-Behörde als Schicksalsort.

Dem Kult um Otto von Bismarck, der das Land bis heute in Form von Skulpturen und Plaketten überzieht, geht Dirk Reinartz in Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler (1991) nach. Die Reprise in Farbe folgt mit Bismarck in America (2000), als er den nach dem deutschen Reichskanzler benannten Ort in North Dakota als typisch amerikanische Kleinstadt porträtiert. Als bekannteste Werkserie von Reinartz gilt schließlich totenstill (1994), eine fotografische Annäherung an die ehemaligen nationalsozialistischen Konzentrationslager. Reinartz fotografierte die Orte des Genozids als stille und doch sprechende Architekturen, als menschenleere Stätten, die als solche das schmerzhaft Abwesende evozieren.

Die Ausstellung wird von einem autobiografischen Dia-Vortrag begleitet. Zudem werden die fotografischen Werke an der Wand durch Faksimiles der ursprünglichen Veröffentlichungen kommentiert.

Ohne Titel, Ribnitz Damgarten 1991, aus der Reportage Was tun?, in ZEITmagazin 17/1991 © Dirk Reinartz Archiv, Stiftung F.C. Gundlach + Deutsche Fotothek Dresden

Dirk Reinartz (1947-2004) a marqué la photographie de reportage et le documentaire photographique en Allemagne comme peu l'ont fait avant ou après lui. De sa vaste œuvre, Kein schöner Land... au f³ - freiraum für fotografie une sélection d'images provenant des archives de la fondation F.C. Gundlach et de la Deutsche Fotothek de Dresde. L'accent est mis sur l'identité allemande avec toutes ses contradictions et ses ancrages historiques, ainsi que sur sa réorientation après 1989. Les continuités historiques contemporaines qui mènent jusqu'ici et aujourd'hui sont clairement mises en évidence, en particulier après les dernières élections régionales en Allemagne de l'Est.

Une grande partie de l'œuvre photographique de Dirk Reinartz a été réalisée sur commande : avec de nombreuses publications entre 1971 et 2004 dans des revues et magazines tels que Stern, Merian, ZEITmagazin et art, ainsi que la représentation par l'agence photographique VISUM, les photographies de Dirk Reinartz ont eu une portée difficilement imaginable aujourd'hui. S'y sont ajoutés des travaux sériels libres, à commencer par le projet de livre Kein schöner Land (1978-1987), dans lequel Reinartz a compilé, à partir de son œuvre précédente, un chant de ralliement sur le reflet visuel de l'état d'esprit allemand. Emprunté à la chanson populaire dans l'esprit de 1848, ironiquement brisé pour le livre et la série par Reinartz, l'exposition se sert à nouveau de ce titre compliqué et pourtant si approprié. Personne ne peut se méprendre sur le fait qu'il s'agit d'un éloge du pays allemand « à cette époque ».

Dans l'œuvre de sa vie, Dirk Reinartz s'est intéressé avant 1989 aux états d'esprit et aux sensibilités, aux évolutions sociopolitiques et aux particularités culturelles, en particulier aux interfaces des deux États allemands.

Dans un reportage pour le magazine ZEIT intitulé Besonderes Kennzeichen : Deutsch (1987), Reinartz entreprend par exemple une comparaison photographique des métiers, transmettant un chauffeur de bus, un coiffeur et une ouvrière spécialisée d'Iéna et d'Erlangen, thématisant ainsi la division entre l'Est et l'Ouest dans ses dimensions humaines. Le reportage Das stille Ende (1983) raconte l'évolution de Schnackenburg comme exemple de l'histoire d'un lieu qui se trouvait autrefois au cœur de l'Allemagne et qui se fane désormais dans un angle mort de la République fédérale : « entre Gorleben et la barrière automatique de tirs mortels, la super frontière germano-allemande, entre les déchets nucléaires et les mines », comme l'a décrit avec justesse le journaliste Wolfram Runkel. Avec beaucoup de place pour les nuances, Reinartz accompagne des Allemands réinstallés dans un double reportage Weg machen ! Et puis quoi encore ? (1984) et Go East - Neue Heimat Ost (1989). Après la chute du mur, Reinartz observe la réorientation de la société allemande. Avec une grande sensibilité, il crée des paires d'images de portraits et de prises de vue locales pour le reportage Was tun ? sur le chômage dans le Mecklembourg-Poméranie occidentale. Avec Deutschstunde bei Gauck (1996), le photographe documente l'administration Gauck comme lieu de destin.

Le culte d'Otto von Bismarck, qui recouvre encore aujourd'hui le pays sous forme de sculptures et de plaques, est abordé par Dirk Reinartz dans Bismarck. De la trahison des monuments (1991). La reprise en couleur suit avec Bismarck in America (2000), lorsqu'il fait le portrait de la localité du Dakota du Nord portant le nom du chancelier allemand comme une petite ville américaine typique. Enfin, la série d'œuvres la plus connue de Reinartz est totenstill (1994), une approche photographique des anciens camps de concentration nazis. Reinartz a photographié les lieux du génocide comme des architectures silencieuses et pourtant parlantes, comme des sites déserts qui, en tant que tels, évoquent l'absence douloureuse.

L'exposition sera accompagnée d'un diaporama autobiographique. En outre, les œuvres photographiques accrochées au mur sont commentées par des fac-similés des publications originales.

Krematorium, Buchenwald 1992, aus der Serie totenstill – Bilder aus den ehemaligen deutschen Konzentrationslagern © Dirk Reinartz Archiv, Stiftung F.C. Gundlach + Deutsche Fotothek Dresden

Dirk Reinartz (1947-2004) ha plasmato la fotografia di reportage e la documentazione fotografica in Germania come pochi prima o dopo di lui. Dalla sua vasta opera, Kein schöner Land... al f³ - freiraum für fotografie presenta una selezione di immagini provenienti dagli archivi della Fondazione F.C. Gundlach e della Deutsche Fotothek Dresden. La mostra si concentra in particolare sull'identità tedesca, con tutte le sue contraddizioni e i suoi ancoraggi storici, e sul suo riorientamento dopo il 1989, evidenziando le continuità storiche che portano fino al presente, soprattutto dopo le ultime elezioni statali nella Germania dell'Est.

Gran parte dell'opera fotografica di Dirk Reinartz è stata commissionata: con numerose pubblicazioni tra il 1971 e il 2004 su riviste e giornali come Stern, Merian, ZEITmagazin e art, nonché con la rappresentanza da parte dell'agenzia fotografica VISUM, le fotografie di Dirk Reinartz hanno avuto una portata oggi quasi inimmaginabile. A ciò si aggiungono i lavori seriali gratuiti, a partire dal progetto di libro Kein schöner Land (1978-1987), in cui Reinartz compilò un canto del cigno all'espressione visiva della mentalità tedesca del suo lavoro precedente. Prendendo in prestito la canzone popolare nello spirito del 1848, ironicamente rifratta per il libro e la serie da Reinartz, la mostra utilizza ancora una volta il titolo goffo e tuttavia azzeccato. Nessuno può fraintendere “in questo momento” come un elogio alla Germania.

Nel suo lavoro di una vita, Dirk Reinartz si occupa di stati mentali e sensibilità, sviluppi socio-politici e idiosincrasie culturali, in particolare alle interfacce tra i due Stati tedeschi, prima del 1989.

In un reportage per lo ZEITmagazin intitolato Besonderes Kennzeichen: Deutsch (1987), ad esempio, Reinartz intraprende un confronto fotografico tra professioni, mettendo a confronto un autista di autobus, un parrucchiere e un operaio specializzato rispettivamente di Jena e di Erlangen, tematizzando così la divisione tra Est e Ovest nelle sue dimensioni umane. Il reportage Das stille Ende (1983) racconta gli sviluppi di Schnackenburg come esempio della storia di un luogo che un tempo si trovava al centro della Germania e che ora sta appassendo in un punto cieco della Repubblica Federale: “tra Gorleben e il recinto automatico, il superconfine tedesco-tedesco, tra scorie nucleari e miniere”, come lo ha giustamente descritto il giornalista Wolfram Runkel. Con ampio spazio per le sfumature, Reinartz accompagna i reinsediati tedesco-tedeschi in un doppio reportage intitolato Weg machen! E poi? (1984) e Go East - Neue Heimat Ost (1989). Dopo il cambiamento politico, Reinartz osserva il riorientamento della società ormai interamente tedesca. Con grande empatia, crea coppie di ritratti e scatti sul posto per il reportage Was tun? sulla disoccupazione nel Mecklenburg-Vorpommern. In Deutschstunde bei Gauck (1996), il fotografo documenta l'ufficio di Gauck come luogo del destino.

Dirk Reinartz esplora il culto di Otto von Bismarck, che ancora oggi ricopre lo Stato sotto forma di sculture e targhe, in Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler (1991). La ripresa a colori segue con Bismarck in America (2000), in cui Reinartz ritrae la città del North Dakota intitolata al cancelliere tedesco come una tipica cittadina americana. Infine, la serie di opere più nota di Reinartz è totenstill (1994), un approccio fotografico agli ex campi di concentramento nazisti. Reinartz ha fotografato i luoghi del genocidio come architetture silenziose eppure parlanti, come luoghi deserti che come tali evocano il dolore dell'assenza.

La mostra sarà accompagnata da una proiezione di diapositive autobiografiche. Inoltre, le opere fotografiche a parete saranno accompagnate da facsimili delle pubblicazioni originali.

Parkplatz eines Einkaufzentrums, Kiel 1978–1987, aus der Serie Kein schöner Land © Dirk Reinartz Archiv, Stiftung F.C. Gundlach + Deutsche Fotothek Dresden

Dirk Reinartz (1947–2004) shaped reportage photography and photographic documentation in Germany like few before or after him. From his extensive oeuvre, Kein schöner Land... (No fairer Land...) at f³ – freiraum für fotografie presents a selection of images from the archive holdings of the F.C. Gundlach Foundation and the Deutsche Fotothek Dresden. This focuses specifically on German identity with all its contradictions and historical anchoring as well as its reorientation after 1989. Particularly after the last state elections in East Germany, the historical continuities that lead up to the here and now become clear.

A large part of Dirk Reinartz's photographic oeuvre was commissioned: with numerous publications in journals and magazines such as Stern, Merian, ZEITmagazin and art between 1971 and 2004, as well as representation by the VISUM photo agency, Dirk Reinartz's photographs had a reach that is almost unimaginable today. In addition, there were free serial works, beginning with the book project Kein schöner Land (No fairer Land, 1978–1987), in which Reinartz compiled a swan song to the visual expression of the German spirit from his previous work. Borrowed from the folk song in the spirit of 1848, ironically refracted for the book and series by Reinartz, the exhibition once again makes use of the awkward and yet apt title. No one can misunderstand it as a praise of the German nation “at this time”.

In his life's work, Dirk Reinartz deals with mental states and sensitivities, socio-political developments and cultural idiosyncrasies before 1989, particularly at the interfaces of the “Two Germanies”.

In a reportage for ZEITmagazin entitled Besonderes Kennzeichen: Deutsch (Special Feature: German, 1987), for example, Reinartz undertakes a photographic comparison of professions and contrasts a bus driver, a hairdresser and a skilled worker from Jena and Erlangen respectively, thus thematizing the division in East and West in its human dimensions. The reportage Das stille Ende (The silent End, 1983) tells of the developments in Schnackenburg as an example of the history of a place that once lay in the middle of Germany and is now withering away in a blind spot of the Federal Republic: “between Gorleben and the automatic fence of death, the German-German super border, between nuclear waste and mines”, as the journalist Wolfram Runkel aptly described it. With plenty of room for nuances, Reinartz accompanies German-German resettlers in a double reportage entitled Weg machen! Und was dann? (Getting away and then what?, 1984) and Go East – Neue Heimat Ost (New Home East, 1989). After the political change of 1989, Reinartz observes the reorientation of the now all-German society. With great empathy, he creates pairs of portraits and location shots for the reportage Was tun? (What to do?) on unemployment in Mecklenburg-Vorpommern. In Deutschstunde bei Gauck (German Lesson with Gauck, 1996), the photographer documents the Gauck office as a place of destiny.

Dirk Reinartz explores the cult of Otto von Bismarck, which still covers the country today in the form of sculptures and plaques, in Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler (Bismarck. On the Betrayal of Monuments, 1991). The reprise in color follows with Bismarck in America (2000), when he portrays the town in North Dakota named after the German chancellor as a typical American small town. Reinartz's best-known series of works is totenstill (Deathly Still, 1994), a photographic approach to the former National Socialist concentration camps. Reinartz photographed the sites of genocide as silent and yet speaking architectures, as deserted places that as such evoke the painfully absent.

The exhibition is accompanied by an autobiographical slide show. In addition, the photographic works on the wall will be accompanied by facsimiles of the original publications.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

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Nan Goldin. This Will Not End Well | Neue Nationalgalerie | Berlin
Nov.
23
bis 23. Feb.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Nan Goldin. This Will Not End Well | Neue Nationalgalerie | Berlin

Neue Nationalgalerie | Berlin
23. November 2024 – 23. Februar 2025

Nan Goldin. This Will Not End Well

Picnic on the Esplanade, Boston, 1973, Detail © Nan Goldin

Die Neue Nationalgalerie präsentiert in der oberen Halle Nan Goldin mit der Retrospektive „This Will Not End Well". Sechs Räume zeigen ihre Werke in Form von Diashows und Filmprojektionen, die mit Ton und Musik unterlegt sind. Goldins Werke erzählen Geschichten über Liebe, Intimität, Sucht und Verlust. Mit teils zärtlichen Momentaufnahmen von Intimität und Beziehungen, Alltag, wilden Partys und dem Kampf zwischen Sucht und Unabhängigkeit prägt Goldin die Wahrnehmung ihrer Zeit bis heute. Durch den Fokus auf Diashows und Videoinstallationen geht die Ausstellung zurück zu den Wurzeln von Goldins künstlerischer Praxis. Die Diashows versteht Goldin, die immer Filmemacherin sein wollte, als Filmstills. „This Will Not End Well" greift damit erstmals Goldins ursprüngliche Vision auf, wie Betrachter*innen ihre Kunst erleben sollten. Die Ausstellung tourt durch folgende Museen: Moderna Museet, Stockholm, Stedelijk Museum in Amsterdam, Neue Nationalgalerie in Berlin, Pirelli Hangar Bicocca, Mailand, Grand Palais, Paris.

La Neue Nationalgalerie présente Nan Goldin dans le hall supérieur avec la rétrospective "This Will Not End Well". Six salles présentent ses œuvres sous forme de diaporamas et de projections de films, accompagnés de son et de musique. Les œuvres de Goldin racontent des histoires d'amour, d'intimité, de dépendance et de perte. Avec des instantanés parfois tendres de l'intimité et des relations, du quotidien, des fêtes endiablées et de la lutte entre addiction et indépendance, Goldin marque encore aujourd'hui la perception de son époque. En se concentrant sur les diaporamas et les installations vidéo, l'exposition revient aux racines de la pratique artistique de Goldin. Goldin, qui a toujours voulu être cinéaste, considère les diaporamas comme des extraits de films. "This Will Not End Well" reprend ainsi pour la première fois la vision initiale de Goldin sur la manière dont les spectateurs* devraient vivre son art. L'exposition est en tournée dans les musées suivants : Moderna Museet, Stockholm, Stedelijk Museum à Amsterdam, Neue Nationalgalerie à Berlin, Pirelli Hangar Bicocca, Milan, Grand Palais, Paris.

La Neue Nationalgalerie presenta Nan Goldin con la retrospettiva "This Will Not End Well" nella sala superiore. In sei sale sono esposte le sue opere sotto forma di diapositive e proiezioni cinematografiche accompagnate da suoni e musica. Le opere di Goldin raccontano storie di amore, intimità, dipendenza e perdita. Con istantanee talvolta tenere dell'intimità e delle relazioni, della vita quotidiana, delle feste sfrenate e della lotta tra dipendenza e indipendenza, Goldin continua ancora oggi a plasmare la percezione del suo tempo. Concentrandosi su presentazioni e installazioni video, la mostra torna alle radici della pratica artistica di Goldin. Goldin, che ha sempre desiderato essere un regista, vede le diapositive come fotogrammi di film. "This Will Not End Well" riprende quindi la visione originale di Goldin su come gli spettatori dovrebbero sperimentare la sua arte per la prima volta. La mostra è in tournée nei seguenti musei: Moderna Museet di Stoccolma, Stedelijk Museum di Amsterdam, Neue Nationalgalerie di Berlino, Pirelli Hangar Bicocca di Milano, Grand Palais di Parigi.

The upper hall of the Neue Nationalgalerie will host a retrospective on the work of Nan Goldin titled This Will Not End Well. Across six rooms, Goldin’s work will be featured by way of slide shows and film projections accompanied by soundtracks and music. Goldin’s works tell stories about love, intimacy, addiction and loss. With her sometimes tender snapshots of intimacy and relationships, everyday life, wild parties and the struggle between autonomy and dependency, Goldin continues to shape our perception of our times. Through its focus on slide shows and video installations, the exhibition goes back to the roots of Goldin’s artistic practice. Goldin, who always wanted to be a filmmaker, conceives of her slide shows as film stills. This Will Not End Well thus ties in with Goldin’s original vision of how audiences should interact with her art. The exhibition will be travelling to the following museums: Moderna Museet, Stockholm, Stedelijk Museum in Amsterdam, Neue Nationalgalerie in Berlin, Pirelli Hangar Bicocca, Milan, and the Grand Palais, Paris.

(Text: Neue Nationalgalerie, Berlin)

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Hotel Bogota | Museum für Fotografie | Berlin
Nov.
15
bis 15. Feb.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Hotel Bogota | Museum für Fotografie | Berlin

Museum für Fotografie | Berlin
15. November 2024 – 16. Februar 2025

Hotel Bogota
Aino Kannisto, Karen Stuke

Untitled (Hand Mirror), from the series Hotel Bogota, 2013 © Aino Kannisto, Courtesy Galerie m, Bochum

Die legendäre Berliner Fotografin Yva hatte dort vor 100 Jahren ihr großzügiges Fotoatelier, und Helmut Newton war an diesem Ort zwischen 1936 und 1938 ihr Lehrling; später wurde er zum Hotel Bogota. Dessen letzter Hotelmanager Joachim Rissmann beließ Yvas Fotostudio wie es ursprünglich war, als Hommage an diese legendäre Fotografin sowie an die Fotografie als Medium. Er erwarb zudem später zahlreiche vintage prints von Yva, von denen einige parallel zu dieser Ausstellung im Projektraum als Leihgabe in der Ausstellung „Berlin, Berlin“ im ersten Stock der Helmut Newton Stiftung hängen. Die meisten dieser Modebilder von Yva sind in ihrem Studio in der Schlüterstrasse Anfang der 1930er Jahre aufgenommen worden, dem späteren Hotel Bogota. Die beiden Selbstporträts von Helmut Newton entstanden ebenfalls dort 1936; eines im Laborkittel, das andere mit Hut und Mantel, wie der „rasende Reporter“ Egon Erwin Kisch, den Newton als Teenager bewunderte; diese Porträts hängen ebenfalls in der Ausstellung „Berlin, Berlin“.

Auch für spätere Fotografen und Fotografinnen wurde dieser geradezu mythische Ort – das ehemalige Atelier von Yva, später das Hotel Bogota – zu einem Sehnsuchts- und Aufnahmeort, dazu gehören Aino Kannisto und Karen Stuke, die kurz vor der Schließung des Hotels in den Jahren 2012 und 2013 dort zwei sehr individuelle Selbstporträt-Serien realisierten. Beide fotografierten sich in den unterschiedlichsten Räumen des Hotels: Kannisto schlüpft in verschiedene Rollen, trägt immer wieder neue Kleider, manches wirkt etwas mysteriös, beinahe wie eine Filmszene, mitunter mit einer kontemplativ oder melancholisch dreinblickenden Darstellerin. Durch die Inszenierung und das Rollenspiel wird die Fotografin zu einer fiktiven Erzählerin mit großer visueller Präsenz, zur Protagonistin und Regisseurin in Personalunion; insofern handelt es sich bei diesen inszenierten Alltagssituationen nicht um Selbstporträts im eigentlichen Sinn. Ihre Bogota-Bildserie entstand über den Zeitraum eines Jahres, auf mehreren ein- bis zweiwöchigen Berlin-Reisen, auf Einladung von Joachim Rissmann. So hatte Aino Kannisto Zugang zu allen Räumen des Hotels und eignete sich jeden dieser besonderen Orte an. Erst die intensive Beschäftigung mit dem Ort selbst führt in ihrem Werk zu einer Konkretisierung der fiktiven, aber dem Alltag abgeschauten Situationen; erst dann entscheidet sie sich für eine bestimmte Garderobe und Frisur, für Requisiten und den Blickwinkel. Sie scheint völlig allein im Hotel Bogota gewesen zu sein, manchmal sind wir gar an Stanley Kubricks „The Shining“ erinnert, denn irgendetwas Unerwartetes könnte im nächsten Moment geschehen. Es gäbe noch andere Bezüge und Assoziationen zur Kunst-, Film- und Fotogeschichte, gleichwohl ist ihr Werk in seiner subtilen Intensität sehr eigenständig.

Karen Stuke hingegen bleibt in ihren Selbstporträts beinahe unsichtbar. Mit einer selbstkonstruierten Camera Obscura respektive gleich mehreren solcher einfachen Lochbildkameras, ihrem Hauptwerkzeug, fotografierte sie sich während des nächtlichen Schlafes, mit stundenlangen Belichtungszeiten. Der Schlaf der Künstlerin bestimmte also die Länge der Negativbelichtung, mal waren es nur zwei Stunden, in der Regel sieben; nach dem Aufwachen, meist ohne Wecker, schloss oder bedeckte sie die simple Lochblende der Kamera, und insofern ist der gesamte Zeitraum den Fotografien gleichsam als sich überlagernde Zeitschichten eingeschrieben. Stuke führte mit diesem Projekt im Hotel Bogota eine frühere Bildserie mit dem Titel „Sleeping Sister“ fort, mit der sie sich auf den Erfolgsroman „Schlafes Bruder“ von Robert Schneider bezog. Das Buch wiederum nimmt Bezug auf die griechische Mythologie, auf Hypnos, den Gott des Schlafes, und dessen Bruder Thanatos, den Gott des Todes. In ihrer Bogota-Serie bezieht sich Stuke vor diesem Hintergrund auf die wechselvolle Geschichte des Hauses in der Charlottenburger Schlüterstrasse – von Yvas Studio über die nationalsozialistische Reichskulturkammer und nach 1945 als Ort der Entnazifizierung der deutschen Kulturschaffenden bis hin zum Hotel Bogota. Die Berliner Fotografin belegte, ebenfalls auf Einladung von Joachim Rissmann, der im Erdgeschoß auch die legendäre Ausstellungsplattform „Fotoplatz“ schuf, nacheinander, Nacht für Nacht, beinahe alle Zimmer des Hotels. In einer installativen Hängung zeigt sie nun hier 24 Ergebnisse ihrer Nachtruhe, stets ein Zimmer, ein Interieur mit einem Bett, in dem sich ein Mensch, nämlich sie selbst, mehrfach herumgedreht haben muss, wie die Bewegungsspuren der Langzeitbelichtung belegen. Daneben hängt Stuke, als rechten Teil der individuellen Diptychen, die originalen Rettungswegschilder aus diesem Raum, die sie kurz vor der Schließung des Hotels abschrauben durfte. Im Hotel selbst waren einige Räume auch mit Originalbildern ausgestattet, so gab es beispielsweise ein René Burri Zimmer und das Zimmer 418 mit Werken von Helmut Newton. Beide Räume sind Teil des Bildtableaus, das von der Künstlerin immer wieder neu ortsspezifisch arrangiert wird. Davor liegen Teppiche aus dem ehemaligen Hotel Bogota.

So schließt sich mit dieser Präsentation gleich mehrfach ein Kreis, mit dem Bezug zu Yva und Newton – und der großen Gruppenausstellung im ersten Stock des Museums. Schließlich begegnen wir auch Helmut Newton selbst im Hotel Bogota, aufgenommen von Joachim Rissmann, an der legendären Treppe in Yvas ehemaligem Studio, wo auch zahlreiche Modebilder von Yva entstanden waren. Newton war damals ja Zeitzeuge und hat in seinem Werk später ebenfalls Mode- und Aktbilder auf solchen Treppen fotografiert, er hat Yvas Werk kongenial ins Zeitgenössische weitergeführt.

Hotel Bogota, Zimmer 333 (René Burri Zimmer), Berlin 2012 © Karen Stuke

Il y a 100 ans, la légendaire photographe berlinoise Yva y avait son vaste studio de photographie, et Helmut Newton y fut son apprenti entre 1936 et 1938 ; plus tard, il devint l'hôtel Bogota. Le dernier directeur de l'hôtel, Joachim Rissmann, a laissé le studio photo d'Yva tel qu'il était à l'origine, en hommage à cette photographe légendaire et à la photographie en tant que média. Il a également acquis par la suite de nombreux tirages vintage d'Yva, dont certains ont été prêtés parallèlement à cette exposition dans l'espace de projet, dans le cadre de l'exposition « Berlin, Berlin » au premier étage de la fondation Helmut Newton. La plupart de ces photos de mode d'Yva ont été prises dans son studio de la Schlüterstrasse au début des années 1930, qui deviendra plus tard l'hôtel Bogota. Les deux autoportraits d'Helmut Newton y ont également été réalisés en 1936 ; l'un en blouse de laboratoire, l'autre avec un chapeau et un manteau, comme le « reporter enragé » Egon Erwin Kisch, que Newton admirait lorsqu'il était adolescent ; ces portraits sont également accrochés à l'exposition « Berlin, Berlin ».

Ce lieu quasi mythique - l'ancien atelier d'Yva, puis l'hôtel Bogota - est également devenu un lieu de nostalgie et de prise de vue pour des photographes ultérieurs, dont Aino Kannisto et Karen Stuke, qui y ont réalisé deux séries d'autoportraits très individuels peu avant la fermeture de l'hôtel en 2012 et 2013. Toutes deux se sont photographiées dans les pièces les plus diverses de l'hôtel : Kannisto se glisse dans différents rôles, porte sans cesse de nouveaux vêtements, certains semblent un peu mystérieux, presque comme une scène de film, avec parfois une actrice à l'air contemplatif ou mélancolique. Grâce à la mise en scène et au jeu de rôles, la photographe devient une narratrice fictive dotée d'une grande présence visuelle, à la fois protagoniste et réalisatrice ; en ce sens, ces situations quotidiennes mises en scène ne sont pas des autoportraits à proprement parler. Sa série d'images de Bogota a été réalisée sur une période d'un an, lors de plusieurs voyages d'une à deux semaines à Berlin, à l'invitation de Joachim Rissmann. Aino Kannisto a ainsi eu accès à toutes les pièces de l'hôtel et s'est approprié chacun de ces lieux particuliers. Ce n'est qu'en s'intéressant de près au lieu lui-même qu'elle concrétise dans son œuvre des situations fictives, mais copiées sur la vie quotidienne ; ce n'est qu'alors qu'elle décide d'une garde-robe et d'une coiffure particulières, d'accessoires et d'un point de vue. Elle semble avoir été complètement seule à l'hôtel Bogota, parfois même nous rappelons « The Shining » de Stanley Kubrick, car quelque chose d'inattendu pourrait se produire l'instant d'après. Il y aurait encore d'autres références et associations à l'histoire de l'art, du cinéma et de la photographie, néanmoins son œuvre est très singulière dans sa subtile intensité.

Karen Stuke, en revanche, reste presque invisible dans ses autoportraits. Avec une camera obscura qu'elle a elle-même construite ou plusieurs de ces simples appareils à sténopé, son outil principal, elle s'est photographiée pendant son sommeil nocturne, avec des temps d'exposition de plusieurs heures. Le sommeil de l'artiste déterminait donc la durée de l'exposition du négatif, parfois deux heures seulement, en général sept ; au réveil, le plus souvent sans réveil, elle fermait ou couvrait le simple sténopé de l'appareil photo, et dans cette mesure, l'ensemble de la période est pour ainsi dire inscrit dans les photographies comme des couches de temps qui se superposent. Avec ce projet à l'hôtel Bogota, Stuke a poursuivi une série d'images antérieure intitulée « Sleeping Sister », dans laquelle elle faisait référence au roman à succès « Schlafes Bruder » de Robert Schneider. Le livre fait lui-même référence à la mythologie grecque, à Hypnos, le dieu du sommeil, et à son frère Thanatos, le dieu de la mort. Dans sa série sur Bogota, Stuke se réfère dans ce contexte à l'histoire mouvementée de l'établissement de la Schlüterstrasse à Charlottenburg - du studio d'Yva à l'hôtel Bogota, en passant par la Reichskulturkammer nazie et, après 1945, comme lieu de dénazification des créateurs culturels allemands. Toujours à l'invitation de Joachim Rissmann, qui a également créé la légendaire plateforme d'exposition « Fotoplatz » au rez-de-chaussée, la photographe berlinoise a occupé successivement, nuit après nuit, presque toutes les chambres de l'hôtel. Dans une installation suspendue, elle montre ici 24 résultats de ses nuits de sommeil, toujours une chambre, un intérieur avec un lit dans lequel une personne, à savoir elle-même, a dû se retourner plusieurs fois, comme le prouvent les traces de mouvement de l'exposition à long terme. À côté, Stuke accroche, en tant que partie droite des diptyques individuels, les panneaux originaux des voies de secours de cette chambre, qu'elle a pu dévisser juste avant la fermeture de l'hôtel. Dans l'hôtel lui-même, certaines pièces étaient également équipées de tableaux originaux, il y avait par exemple une chambre René Burri et la chambre 418 avec des œuvres d'Helmut Newton. Ces deux pièces font partie du tableau d'images que l'artiste réorganise sans cesse en fonction du lieu. Devant elles se trouvent des tapis de l'ancien hôtel Bogota.

Ainsi, avec cette présentation, la boucle est bouclée à plusieurs reprises, avec la référence à Yva et Newton - et la grande exposition de groupe au premier étage du musée. Enfin, nous rencontrons également Helmut Newton lui-même à l'hôtel Bogota, photographié par Joachim Rissmann, dans l'escalier légendaire de l'ancien studio d'Yva, où de nombreuses photos de mode d'Yva ont été réalisées. Newton était à l'époque un témoin de l'époque et a également photographié plus tard dans son œuvre des photos de mode et de nus dans de tels escaliers, il a poursuivi de manière congéniale l'œuvre d'Yva dans le monde contemporain.

Untitled (Staircase Balustrade), from the series Hotel Bogota, 2013 © Aino Kannisto, Courtesy Galerie m, Bochum

100 anni fa la leggendaria fotografa berlinese Yva aveva qui il suo ampio studio fotografico e Helmut Newton fu suo apprendista tra il 1936 e il 1938; in seguito divenne l'Hotel Bogotà. L'ultimo direttore dell'hotel, Joachim Rissmann, ha lasciato lo studio fotografico di Yva così com'era in origine, come tributo a questa leggendaria fotografa e alla fotografia come medium. In seguito ha anche acquistato numerose stampe vintage di Yva, alcune delle quali sono state prestate alla mostra “Berlino, Berlino” della Helmut Newton Foundation al primo piano, parallelamente a questa mostra nel project space. La maggior parte di queste foto di moda di Yva sono state scattate nel suo studio di Schlüterstrasse nei primi anni Trenta, che in seguito è diventato l'Hotel Bogota. Anche i due autoritratti di Helmut Newton sono stati scattati lì nel 1936; uno in camice, l'altro con cappello e cappotto, come il “reporter itinerante” Egon Erwin Kisch, che Newton ammirava da adolescente; anche questi ritratti sono esposti nella mostra “Berlino, Berlino”.

Questo luogo quasi mitico - l'ex studio di Yva, poi Hotel Bogota - è diventato anche un luogo di nostalgia e un posto dove scattare foto per i fotografi successivi, tra cui Aino Kannisto e Karen Stuke, che vi hanno realizzato due serie di autoritratti molto individuali poco prima della chiusura dell'hotel nel 2012 e nel 2013. Entrambe si sono fotografate in diverse stanze dell'hotel: Kannisto si cala in ruoli diversi, indossa sempre nuovi abiti, alcuni dei quali appaiono un po' misteriosi, quasi come una scena di un film, a volte con un'attrice dallo sguardo contemplativo o malinconico. Attraverso la messa in scena e il gioco di ruoli, la fotografa diventa un narratore fittizio con una grande presenza visiva, un protagonista e un regista in uno; in questo senso, queste situazioni quotidiane messe in scena non sono autoritratti nel vero senso della parola. La serie di Bogotà è stata realizzata nel corso di un anno, durante diversi viaggi di una o due settimane a Berlino, su invito di Joachim Rissmann. Aino Kannisto ha così avuto accesso a tutte le stanze dell'hotel e si è appropriata di ognuno di questi luoghi speciali. Nel suo lavoro, è solo l'intensa occupazione del luogo stesso che porta alla concretizzazione delle situazioni di finzione, che sono copiate dalla vita quotidiana; solo allora decide un particolare guardaroba e acconciatura, oggetti di scena e punto di vista. Sembra che sia stata completamente sola nell'Hotel Bogota, a volte ci viene in mente “Shining” di Stanley Kubrick, perché qualcosa di inaspettato potrebbe accadere nel momento successivo. Ci sono altri riferimenti e associazioni alla storia dell'arte, del cinema e della fotografia, ma il suo lavoro è comunque molto indipendente nella sua sottile intensità.

Karen Stuke, invece, rimane quasi invisibile nei suoi autoritratti. Utilizzando una camera oscura autocostruita, o meglio diverse semplici macchine fotografiche a foro stenopeico, il suo strumento principale, si fotografa durante il sonno notturno, con tempi di esposizione che durano ore. Il sonno dell'artista determinava così la durata dell'esposizione negativa, che a volte era di sole due ore, di solito di sette; dopo il risveglio, di solito senza sveglia, chiudeva o copriva il semplice foro stenopeico della macchina fotografica, e in questo modo l'intero periodo è inscritto nelle fotografie come strati sovrapposti di tempo, per così dire. Con questo progetto all'Hotel Bogota, la Stuke ha proseguito una serie precedente di immagini intitolata “Sleeping Sister”, in cui faceva riferimento al romanzo di successo “Schlafes Bruder” di Robert Schneider. Il libro fa a sua volta riferimento alla mitologia greca, a Hypnos, il dio del sonno, e a suo fratello Thanatos, il dio della morte. Nella serie Bogota, la Stuke fa riferimento alla movimentata storia dell'edificio nella Schlüterstrasse di Charlottenburg: da studio di Yva a Camera della Cultura del Reich nazionalsocialista e, dopo il 1945, da luogo di denazificazione degli operatori culturali tedeschi a Hotel Bogota. Sempre su invito di Joachim Rissmann, che creò anche la leggendaria piattaforma espositiva “Fotoplatz” al piano terra, la fotografa berlinese occupò quasi tutte le stanze dell'hotel, una dopo l'altra, notte dopo notte. In un'installazione appesa, mostra ora 24 risultati del suo sonno notturno, sempre una stanza, un interno con un letto in cui una persona, cioè lei stessa, deve essersi girata più volte, come dimostrano le tracce di movimento dell'esposizione a lungo termine. Accanto ad essa, come parte destra dei singoli dittici, Stuke appende i cartelli originali delle vie di fuga di questa stanza, che le fu permesso di svitare poco prima della chiusura dell'hotel. Nell'hotel stesso, alcune stanze erano arredate con dipinti originali, come ad esempio la stanza René Burri e la stanza 418 con opere di Helmut Newton. Entrambe le stanze fanno parte del tableau d'été, che l'artista riorganizza costantemente per adattarsi al luogo specifico. Davanti a loro ci sono i tappeti dell'ex Hotel Bogotà.

Questa presentazione chiude quindi un cerchio sotto diversi aspetti, con il riferimento a Yva e Newton - e alla grande mostra collettiva al primo piano del museo. Infine, incontriamo anche Helmut Newton stesso nell'Hotel Bogota, fotografato da Joachim Rissmann, sulla leggendaria scala dell'ex studio di Yva, dove sono state create anche numerose immagini di moda di Yva. Newton era all'epoca un testimone contemporaneo e in seguito ha fotografato anche immagini di moda e di nudo su queste scale nel suo lavoro, continuando congenialmente l'opera di Yva nel contemporaneo.

Hotel Bogota, Appartement (letztes Bild der Serie), Berlin 2013 © Karen Stuke

One hundred years ago, the legendary Berlin photographer Yva had her spacious photography studio there, and Helmut Newton was her apprentice at this location between 1936 and 1938; it later became the Hotel Bogota. Its last manager, Joachim Rissmann, left Yva's studio as it originally was, as a tribute to this legendary photographer and to photography as a medium. He later acquired numerous vintage prints by Yva, some of which are on loan to the exhibition “Berlin, Berlin” on the first floor of the Helmut Newton Foundation, running parallel to this exhibition in the project room. Most of Yva's fashion images were taken up in her studio on Schlüterstrasse in the early 1930s, which later became the Hotel Bogota. The two self-portraits by Helmut Newton were also taken there in 1936; one in a lab coat, the other in a hat and coat, like the “roving reporter” Egon Erwin Kisch, whom Newton admired as a teenager; these portraits are also on display in the “Berlin, Berlin” exhibition.

This almost mythical place – Yva's former studio, later the Hotel Bogota – also became a place of longing and work for later photographers, including Aino Kannisto and Karen Stuke, who created two very individual self-portrait series there shortly before the hotel closed in 2012 and 2013. Both photographed themselves in the most diverse rooms of the hotel: Kannisto slips into different roles, always wearing new clothes, some of which seem a bit mysterious, almost like a film scene, sometimes with a contemplative or melancholy-looking actress. Through the staging and role-playing, the photographer becomes a fictional narrator with a great visual presence, a protagonist and director in personal union; in this respect, these staged everyday situations are not self-portraits in the strict sense. Her Bogota photo series was created over the course of a year, during several one- to two-week trips to Berlin at the invitation of Joachim Rissmann. This gave Aino Kannisto access to all the rooms in the hotel, where she appropriated each of these special places. It is only through her intensive engagement with the place itself that the fictional situations, but modeled on everyday life, take on a more concrete form in her work; only then does she decide on a particular wardrobe and hairstyle, on props and the angle. She seems to have been completely alone in the Hotel Bogota; at times we are even reminded of Stanley Kubrick's “The Shining”, because something unexpected could happen at any moment. There are other references and associations with art, film and photographic history, but her work is very independent in its subtle intensity.

Karen Stuke, on the other hand, remains almost invisible in her self-portraits. Using a self-constructed camera obscura, or rather several of these simple pinhole cameras, her main tool, she photographed herself during her nightly sleep, with exposure times lasting hours. The length of the negative exposure was determined by the length of the artist's sleep: sometimes it was only two hours, but usually seven. After waking up – she usually did not use an alarm clock – she closed or covered the camera's simple pinhole aperture, and so the entire period of time is inscribed in the photographs as overlapping layers of time, so to speak. With this project at the Hotel Bogota, Stuke continued an earlier series of images entitled “Sleeping Sister”, with which she referred to the successful novel “Brother of Sleep” by Robert Schneider. The book, in turn, refers to Greek mythology, to Hypnos, the god of sleep, and his brother Thanatos, the god of death. In her Bogota series, Stuke draws on the eventful history of the building in Schlüterstrasse in Berlin's Charlottenburg district – from Yva's studio to the Nazi Reich Chamber of Culture and, after 1945, as a place of denazification for German cultural workers, to become the Hotel Bogota. The Berlin photographer, also invited by Joachim Rissmann, who also created the legendary exhibition platform “Fotoplatz” on the ground floor, occupied almost all of the hotel's rooms, one after the other, night after night. In an installation-like hanging, she now displays 24 results of her night's rest here, always one room, one interior with a bed in which a person, namely herself, must have turned around several times, as evidenced by the traces of movement in the long exposure. Next to it, as the right part of the individual diptych, hangs the original escape route signs from this room, which she was allowed to unscrew shortly before the hotel closed. In the hotel itself, some rooms were also furnished with original pictures; for example, there was a René Burri Room and Room 418 with works by Helmut Newton. Both rooms are part of the tableau of images that the artist repeatedly rearranges in a site-specific way. In front of them are carpets from the former Hotel Bogota.

Thus, this presentation comes full circle in several ways, with the reference to Yva and Newton – and the large group exhibition on the first floor of the museum. Finally, we also encounter Helmut Newton himself in the Hotel Bogota, taken up by Joachim Rissmann, at the legendary staircase in Yva's former studio, where numerous fashion images by Yva were also created. Newton was a contemporary witness at the time and later also photographed fashion and nude images on such stairs in his work. He congenially continued Yva's work into the contemporary.

(Text: Museum für Fotografie, Berlin)

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Rico Puhlmann – Berlin / New York - Mode – Beauty – Porträts | Kulturforum | Berlin
Nov.
15
bis 16. März
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Rico Puhlmann – Berlin / New York - Mode – Beauty – Porträts | Kulturforum | Berlin

Kulturforum | Berlin
15. November 2024 – 16. März 2025

Rico Puhlmann – Berlin / New York - Mode – Beauty – Porträts

Rico Puhlmann, Porträt Naomi Campbell, in Pullover von Michael Kors, Detail, 1992 Foto: Rico Puhlmann Archive © Klaus Puhlmann, Berlin

Rico Puhlmann (1934-1996) zählte international zu den renommiertesten Modefotograf*innen; er prägte das Modebild seiner Zeit.

Gestartet als gefragter Kinderdarsteller beim Film, fand Puhlmann seinen Einstieg in die Branche der Modemagazine als Illustrator, bevor er erst in Berlin, dann von New York aus Covermotive und Editorials für die weltweit auflagenstärksten Modejournale schuf. Ein tödlicher Flugzeugabsturz beendete abrupt seine Karriere.

Seine Fotografien dokumentieren über vier Dekaden zentrale Themen der Modegeschichte: Modetrends wie der legendäre Berliner Chic der Nachkriegszeit oder die New Yorker Sports- und Streetwear der 70er und sich damit ändernde Dresscodes, die Entwicklung im Selbstverständnis des Model-Berufs, ein sich wandelndes Frauen- und Männerbild, die Verbreitung von Schönheitsidealen, welche Diversität nicht repräsentierten, sowie Akteur*innen und Selektionsmechanismen, die bei der Aufnahme der Bilder in auflagenstarke Magazine und damit ins kollektive Gedächtnis federführend waren.

Rico Puhlmann (1934-1996) comptait parmi les photographes de mode les plus renommés au niveau international ; il a marqué l'image de la mode de son époque.

Après avoir débuté comme enfant acteur très demandé au cinéma, Puhlmann a fait ses débuts dans le secteur des magazines de mode en tant qu'illustrateur, avant de créer, d'abord à Berlin, puis depuis New York, des motifs de couverture et des éditoriaux pour les journaux de mode aux plus forts tirages du monde. Un accident d'avion mortel a mis brutalement fin à sa carrière.

Ses photographies documentent sur quatre décennies des thèmes centraux de l'histoire de la mode : les tendances de la mode comme le légendaire chic berlinois de l'après-guerre ou le sport et le streetwear new-yorkais des années 70 et les codes vestimentaires qui en découlent, l'évolution de l'image de soi du métier de mannequin, l'image changeante de la femme et de l'homme, la diffusion d'idéaux de beauté qui ne représentent pas la diversité, ainsi que les acteurs et les mécanismes de sélection qui ont joué un rôle prépondérant dans la reprise des visuels dans les magazines à grand tirage et donc dans la mémoire collective.

Rico Puhlmann (1934-1996) è stato uno dei fotografi di moda più rinomati a livello internazionale e ha plasmato l'immagine della moda del suo tempo.

Partito come ricercato attore bambino nel cinema, Puhlmann è entrato nel settore delle riviste di moda come illustratore prima di creare motivi di copertina ed editoriali per le riviste di moda a più alta tiratura del mondo, prima a Berlino e poi a New York. Un incidente aereo fatale ha posto fine alla sua carriera.

Le sue fotografie documentano temi centrali della storia della moda nell'arco di quattro decenni: le tendenze della moda, come il leggendario chic berlinese del dopoguerra o lo sport e lo streetwear newyorkese degli anni Settanta e i conseguenti cambiamenti nei codici di abbigliamento, l'evoluzione dell'immagine di sé della professione di modella, il cambiamento dell'immagine di donne e uomini, la diffusione di ideali di bellezza che non rappresentavano la diversità, nonché gli attori e i meccanismi di selezione che hanno svolto un ruolo di primo piano nell'inserimento delle immagini nelle riviste ad alta tiratura e quindi nella memoria collettiva.

Rico Puhlmann (1934–96) was one of the most internationally renowned fashion photographers of his time, heavily influencing our image of fashion in his era.

Having started out as a successful child actor in films, Puhlmann got his first chance in the field of fashion magazines as an illustrator, before moving onto cover shoots and editorial work for the world’s biggest fashion periodicals, first in Berlin, and later in New York. A fatal plane crash put an abrupt end to his career. His photographs document some of the central themes in the industry across four decades of fashion history: trends like the legendary Berlin chic of the post-war years, or the New York sports- and streetwear of the ’70s and the changes in dress codes that went along with it, the evolution of modelling as a career, constantly shifting images of femininity and masculinity, the spread of beauty ideals that did not represent diversity, as well as protagonists and prevailing selection mechanisms when it came to choosing pictures for major magazines, ensuring they would enter the collective consciousness.

(Text: Kulturforum, Berlin)

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Still - Moving - Rineke Dijkstra | Berlinische Galerie
Nov.
8
bis 10. Feb.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Still - Moving - Rineke Dijkstra | Berlinische Galerie

  • Berlinische Galerie - Landesmuseum für Moderne Kunst, Fotografie und Architektur (Karte)
  • Google Kalender ICS

Berlinische Galerie
8. November 2024 – 10. Februar 2025

Still - Moving - Portraits 1992 – 2024
Rineke Dijkstra

Kolobrzeg, Poland, July 25, 1992, © Rineke Dijkstra, Galerie Max Hetzler, Marian Goodman Gallery and Galerie Jan Mot

Rineke Dijkstra (*1959) zählt zu den renommiertesten Foto- und Videokünstler*innen weltweit. Die Darstellung von Identität ist das zentrale Thema ihrer Porträts. Insbesondere faszinieren sie Lebensphasen und Momente, in denen diese sich formt – Kindheit und Jugend, aber auch prägende Ereignisse im Erwachsenenalter wie die Geburt eines Kindes. Die umfassende Retrospektive in der Berlinischen Galerie präsentiert acht Serien mit rund 80 Arbeiten von Anfang der 1990er Jahre bis heute – darunter einige Fotografien aus ihrem Archiv, die bisher nicht öffentlich zu sehen waren. Ihre auf das Wesentliche reduzierten Arbeiten sind zugleich von großer visueller Kraft und machen es Betrachter*innen leicht, eigene Zugänge zu finden. Sie bieten einen geradezu meditativen Raum und ermutigen, über Individualität, (Selbst-)Inszenierung und den Ausdruck von Persönlichkeit nachzudenken.

Dijkstra begreift die Kamera als Möglichkeit, sich intensiv mit Menschen auseinanderzusetzen. Behutsam nähert sie sich an, folgt langsam und konzentriert ihrem Konzept, schließt jedoch spontane Weiterentwicklungen oder Variationen nicht aus. Häufig baut sie eine langwährende und intensive Verbindung zu den Porträtierten auf. Diese empathische Vorgehensweise zeigt sich in ihren Fotografien durch eine besondere Sensibilität: Dijkstras Arbeiten fangen fragile Momente, subtile Gesten ein, die zwischen bewusster Pose und unbewusster Haltung liegen. Sie vermag es, die Würde ebenso wie die Unsicherheiten von Individuen herauszuarbeiten.

Die Künstlerin arbeitet mit einer 4x5-Zoll-Großformat-Plattenkamera, mit der sie ihre Motive frontal fotografiert. Das Ergebnis sind Bilder von außergewöhnlicher Detailtreue und Präzision, deren Komposition bis ins Detail durchdacht und umgesetzt ist. Da für jede Belichtung ein separates Filmblatt erforderlich ist, spielen Geduld, Zeit und Konzentration sowohl für die Fotografin als auch das Modell eine essenzielle Rolle. Gleichzeitig entspannen sich die Porträtierten während dieser Vorbereitungen undgewöhnen sich an die ungewohnte Situation.

Die Porträts reflektieren nicht nur, wie wir uns der Welt präsentieren, sondern auch, was es heißt, medial dokumentiert zu werden. Sie können geradezu als Studien des menschlichen Verhaltens vor der Kamera bezeichnet werden. Gerade vor dem Hintergrund der Allgegenwärtigkeit von Sozialen Medien bieten sie die Möglichkeit zur Auseinandersetzung mit Authentizitätsansprüchen von Bildern und sich wandelnden Strategien der (Selbst-)Inszenierung.

The Buzz Club, Liverpool, UK / Mystery World, Zaandam, NL 1996-97 (videostill), © Rineke Dijkstra, Galerie Max Hetzler, Marian Goodman Gallery and Galerie Jan Mot

Rineke Dijkstra (*1959) compte parmi les artistes photo et vidéo* les plus renommés au monde. La représentation de l'identité est le thème central de ses portraits. Elle est particulièrement fascinée par les phases de la vie et les moments où celle-ci se forme - l'enfance et l'adolescence, mais aussi les événements marquants de l'âge adulte comme la naissance d'un enfant. La vaste rétrospective à la Berlinische Galerie présente huit séries avec environ 80 travaux du début des années 1990 à aujourd'hui - dont quelques photographies issues de ses archives qui n'avaient pas encore été montrées au public. Ses travaux, réduits à l'essentiel, sont en même temps d'une grande force visuelle et permettent aux spectateurs* de trouver facilement leurs propres approches. Ils offrent un espace quasi méditatif et encouragent à réfléchir sur l'individualité, la mise en scène (de soi) et l'expression de la personnalité.

Dijkstra conçoit l'appareil photo comme une possibilité de s'intéresser de près aux gens. Elle s'approche avec précaution, suit lentement et avec concentration son concept, mais n'exclut pas des développements ou des variations spontanés. Souvent, elle établit un lien durable et intense avec les sujets. Cette approche empathique se traduit dans ses photographies par une sensibilité particulière : les travaux de Dijkstra capturent des moments fragiles, des gestes subtils qui se situent entre la pose consciente et l'attitude inconsciente. Elle parvient à faire ressortir la dignité ainsi que les incertitudes des individus.

L'artiste travaille avec un appareil photo à plaque grand format de 4x5 pouces, avec lequel elle photographie ses sujets de face. Il en résulte des images d'une précision et d'un détail exceptionnels, dont la composition est pensée et réalisée jusque dans les moindres détails. Étant donné qu'une feuille de film séparée est nécessaire pour chaque exposition, la patience, le temps et la concentration jouent un rôle essentiel, tant pour la photographe que pour le modèle. En même temps, les sujets se détendent pendant ces préparatifs et s'habituent à cette situation inhabituelle.

Les portraits ne reflètent pas seulement la manière dont nous nous présentons au monde, mais aussi ce que signifie être documenté par les médias. Ils peuvent être qualifiés d'études du comportement humain devant la caméra. Dans le contexte de l'omniprésence des médias sociaux, ils offrent la possibilité d'aborder les exigences d'authenticité des images et les stratégies changeantes de mise en scène (de soi).

Tiergarten, Berlin, June 7, 1998, © Rineke Dijkstra, Galerie Max Hetzler, Marian Goodman Gallery and Galerie Jan Mot

Rineke Dijkstra (*1959) è una delle artiste fotografiche e video più famose al mondo. La rappresentazione dell'identità è il tema centrale dei suoi ritratti. L'artista è particolarmente affascinata dalle fasi della vita e dai momenti in cui queste si formano: l'infanzia e la giovinezza, ma anche gli eventi formativi dell'età adulta, come la nascita di un figlio. La retrospettiva completa alla Berlinische Galerie presenta otto serie con circa 80 opere dai primi anni Novanta a oggi, comprese alcune fotografie del suo archivio che non sono mai state esposte al pubblico. Ridotte all'essenziale, le sue opere sono anche di grande potenza visiva e consentono allo spettatore di trovare facilmente un proprio approccio. Offrono uno spazio quasi meditativo e incoraggiano la riflessione sull'individualità, la (auto)messa in scena e l'espressione della personalità.

Dijkstra vede la macchina fotografica come un'opportunità per impegnarsi intensamente con le persone. Adotta un approccio cauto, seguendo il suo concetto lentamente e con concentrazione, ma non esclude sviluppi o variazioni spontanee. Spesso stabilisce un legame intenso e duraturo con le persone ritratte. Questo approccio empatico si riflette nelle sue fotografie attraverso una particolare sensibilità: le opere di Dijkstra catturano momenti fragili, gesti sottili che si collocano tra una posa consapevole e un atteggiamento inconsapevole. L'artista è in grado di sottolineare la dignità e le insicurezze degli individui.

L'artista lavora con una macchina fotografica a lastre di grande formato 4x5 pollici, che utilizza per fotografare i suoi soggetti frontalmente. Ne risultano immagini di straordinario dettaglio e precisione, la cui composizione è pensata e realizzata nei minimi particolari. Poiché è necessario un foglio di pellicola separato per ogni esposizione, la pazienza, il tempo e la concentrazione giocano un ruolo essenziale sia per il fotografo che per la modella. Allo stesso tempo, i soggetti si rilassano durante questi preparativi e si abituano alla situazione sconosciuta.

I ritratti non solo riflettono il modo in cui ci presentiamo al mondo, ma anche il significato di essere documentati dai media. Possono quasi essere descritti come studi sul comportamento umano di fronte alla macchina fotografica. Soprattutto sullo sfondo dell'onnipresenza dei social media, offrono l'opportunità di analizzare le pretese di autenticità delle immagini e le mutevoli strategie di (auto)messa in scena.

Vondelpark, Amsterdam, June 10, 2005, © Rineke Dijkstra, Galerie Max Hetzler, Marian Goodman Gallery and Galerie Jan Mot

Rineke Dijkstra (*1959) is one of the most highly acclaimed photography and video artists in the world. The central theme of her portraits is the depiction of identity. She is particularly interested in those stages in life and those moments when identity is taking shape: childhood, youth, but also formative events in adulthood, such as the birth of a child. This major retrospective at the Berlinische Galerie presents eight series with about 80 works dating from the early 1990s to the present day, including some photographs never yet exhibited from the artist’s own archives. Pared down to essentials, her works are visually very powerful and easily accessible to a broad public. They create a space for meditation and invite reflections about individuality, representation and personal expression.

Dijkstra uses her camera as an opportunity to explore people in depth. She approaches them carefully, slowly but surely pursuing her concept, although without ruling out spontaneous tweaks and variations. She often builds a strong connection with her subjects over a long period. This empathetic approach comes across in a particular sensitivity that is reflected in her photographs: Dijkstra’s works capture fragile moments, subtle gestures midway between a conscious pose and an unconscious attitude. She has a gift for drawing out a person’s dignity, but also their insecurities.

The artist works with a large-format 4x5” plate camera, capturing her motifs from a frontal perspective. The resulting images are exceptionally precise and faithful to detail, their composition meticulously thought through and implemented. Every exposure requires its own sheet of film, making patience, time and concentration essential for both the photographer and the subject. While these preparations are underway, the people being portrayed have a chance to relax and adjust to the unfamiliar situation.

The portraits reflect not only how we present ourselves to the world but also what it means to be documented by the media. They might even be described as studies in how people behave in front of a camera. Today, when social media are all around us, they offer an opportunity to think about the image’s claim to authenticity and about evolving strategies of (self-)presentation.

(Text: Berlinische Galerie)

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Extensions - Inka & Niclas | Haus am Kleistpark | Berlin
Okt.
18
bis 15. Dez.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Extensions - Inka & Niclas | Haus am Kleistpark | Berlin

Haus am Kleistpark | Berlin
18. Oktober – 15. Dezember 2024

Extensions
Inka & Niclas

© Inka & Niclas, Family Portrait XXI, 2023

Das preisgekrönte Künstlerduo Inka und Niclas Lindergård arbeitet vor allem mit Fotografie-basierter Kunst. Im Fokus ihrer vielfältigen Arbeit stehen die Ästhetik der Populärkultur und deren Einfluss auf die menschliche Wahrnehmung von Natur. Mit ihrem Werk bewegen sie sich im Spannungsfeld von übermäßig idealisierter Schönheit und Absurdität, zwischen existentieller Dimension und kitschiger Trivialität.

Das Haus am Kleistpark zeigt Ausschnitte aus Arbeiten der letzten 12 Jahre und gibt so einen Überblick über die Entwicklung des Werks. Präsentiert werden frühe Arbeiten aus Becoming Wilderness (2012) oder Vista Point (2014), Werke aus der prominenten Serie Family Portraits (ab 2015 fortlaufend), wie aus der umfangreichen Reihe 4K Ultra HD (ab 2018) und neueste Produktionen aus Adaptive Colorations (seit 2015 fortlaufend), Extensions (2022/23) oder Sunset Photography (2023).

Zu sehen sind fotografische Bilder wie Objekte, die aus fotografischen Methoden heraus entstanden sind und frei von jeder Kategorisierung zu etwas Eigenem geworden sind. Alle Exponate zeugen als Momentaufnahmen von Ereignissen an konkreten Orten zu einer bestimmten Zeit. Was abgebildet wird, muss für Inka & Niclas vor dem Objektiv der Kamera stattgefunden haben.

© Inka & Niclas, 4K UltraHD I, 2018

Le duo d'artistes primé Inka et Niclas Lindergård travaille principalement avec l'art basé sur la photographie. Leur travail varié se concentre sur l'esthétique de la culture populaire et son influence sur la perception humaine de la nature. Avec leur œuvre, ils évoluent dans le champ de tension entre la beauté idéalisée à outrance et l'absurdité, entre la dimension existentielle et la trivialité kitsch.

La Haus am Kleistpark présente des extraits de travaux des douze dernières années et donne ainsi un aperçu de l'évolution de l'œuvre. Sont présentés les premiers travaux de Becoming Wilderness (2012) ou Vista Point (2014), des œuvres de la série proéminente Family Portraits (en continu à partir de 2015), comme de la vaste série 4K Ultra HD (à partir de 2018) et des productions récentes de Adaptive Colorations (en continu depuis 2015), Extensions (2022/23) ou Sunset Photography (2023).

On peut y voir des visuels photographiques comme des objets qui sont nés de méthodes photographiques et qui, libres de toute catégorisation, sont devenus quelque chose de propre. Toutes les pièces exposées témoignent, en tant qu'instantanés, d'événements survenus dans des lieux concrets à un moment précis. Pour Inka & Niclas, ce qui est représenté doit avoir eu lieu devant l'objectif de l'appareil photo.

© Inka & Niclas, Luminious Matter I, 2019

La premiata coppia di artisti Inka e Niclas Lindergård lavora principalmente con la fotografia. Il loro lavoro si concentra sull'estetica della cultura popolare e sulla sua influenza sulla percezione umana della natura. Il loro lavoro si muove tra i poli della bellezza eccessivamente idealizzata e dell'assurdità, tra dimensioni esistenziali e banalità kitsch.

La Haus am Kleistpark espone estratti di opere degli ultimi 12 anni, fornendo così una panoramica dello sviluppo del loro lavoro. Saranno presentati i primi lavori di Becoming Wilderness (2012) o Vista Point (2014), le opere della serie di spicco Family Portraits (in corso dal 2015), nonché quelle della vasta serie 4K Ultra HD (dal 2018) e le ultime produzioni di Adaptive Colourations (in corso dal 2015), Extensions (2022/23) o Sunset Photography (2023).

In mostra ci sono immagini fotografiche e oggetti che sono emersi dal metodo fotografico e sono diventati qualcosa di proprio, liberi da qualsiasi categorizzazione. Tutte le mostre sono istantanee di eventi in luoghi specifici in un momento specifico. Per Inka & Niclas, ciò che viene rappresentato deve essere avvenuto davanti all'obiettivo della macchina fotografica.

© Inka & Niclas, Sunset Photography XXI, 2023

The award-winning artist duo Inka and Niclas Lindergård primarily work with photography-based art. The focus of their diverse work is the aesthetics of popular culture and its influence on human perception of nature. With their work, they move in the field of tension between overly idealized beauty and absurdity, between existential dimension and kitschy triviality.

The Haus am Kleistpark is showing excerpts from works from the last 12 years, thus providing an overview of the development of the work. Early works from Becoming Wilderness (2012) and Vista Point (2014) will be presented, as well as works from the prominent series Family Portraits (begun in 2015), the extensive series 4K Ultra HD (begun in 2018), and the latest productions from Adaptive Colorations (begun in 2015), Extensions (2022/23), and Sunset Photography (2023).

On display are photographic visuals as well as objects that have been created using photographic methods and have become something of their own, free from any categorization. All exhibits are snapshots of events in specific places at a specific time. For Inka & Niclas, what is depicted must have taken place in front of the camera's lens.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

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David Yarrow | Camera Work | Berlin
Okt.
12
bis 23. Nov.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

David Yarrow | Camera Work | Berlin

Camera Work | Berlin
12. Oktober – 23. November 2024

David Yarrow

Eternity, Kanaan Desert, Namibia, 2024 © David Yarrow / Courtesy of CAMERA WORK Gallery

Die Galerie CAMERA WORK präsentiert eine Ausstellung mit 20 großformatigen Fotografien von David Yarrow. Ein überwiegender Teil dieser Werke ist 2024 entstanden und wird weltweit erstmals zu sehen sein. Ikonische Tierporträts des Künstlers und eine Fortentwicklung seiner von klassischen Hollywood-Filmen beeinflussten Arbeiten sind in der Ausstellung insbesondere vertreten.

Kompositionen, die an filmische Einstellungen erinnern, sind maßgeblich für David Yarrows Werk. Dies zeigt sich insbesondere in der Art und Weise, wie er Licht und Schatten nutzt, um Spannung zu erzeugen. Diese Techniken erinnern an die Bildsprache klassischer Hollywood-Filme und verstärken die dramatische Wirkung seiner Fotografien. Seine Tierporträts wirken o wie Standbilder aus einem epischen Abenteuerfilm, in dem die Natur die Hauptrolle spielt.

Darüber hinaus lassen sich in Yarrows Arbeiten Einflüsse von Filmregisseuren wie Sergio Leone oder Anthony Minghella erkennen. Die Monumentalität und Weite seiner Szenerien sowie der Einsatz von Perspektive und Nähe schaffen eine erzählerische Tiefe, die dem Betrachter das Gefühl gibt, Teil einer größeren Geschichte zu sein. Durch diese cineastischen Einflüsse gelingt es Yarrow, seine Fotografien aus dem rein dokumentarischen Rahmen zu lösen und sie zu ikonischen Kunstwerken mit emotionalem Ausdruck zu erheben.

St Tropez, France, 2024 © David Yarrow / Courtesy of CAMERA WORK Gallery

La galerie CAMERA WORK présente une exposition de 20 photographies grand format de David Yarrow. Une grande partie de ces œuvres a été réalisée en 2024 et sera exposée pour la première fois au monde. Des portraits d'animaux iconiques de l'artiste et une évolution de son travail influencé par les films classiques hollywoodiens sont notamment représentés dans l'exposition.

Les compositions qui rappellent les plans cinématographiques sont déterminantes pour l'œuvre de David Yarrow. Cela se manifeste notamment dans la manière dont il utilise la lumière et les ombres pour créer de la tension. Ces techniques rappellent le langage visuel des films hollywoodiens classiques et renforcent l'effet dramatique de ses photographies. Ses portraits d'animaux ressemblent à des images fixes tirées d'un film d'aventure épique dans lequel la nature joue le rôle principal.

En outre, on peut reconnaître dans le travail de Yarrow des influences de réalisateurs de cinéma comme Sergio Leone ou Anthony Minghella. La monumentalité et l'étendue de ses décors ainsi que l'utilisation de la perspective et de la proximité créent une profondeur narrative qui donne au spectateur le sentiment de faire partie d'une histoire plus vaste. Grâce à ces influences cinématographiques, Yarrow parvient à sortir ses photographies du cadre purement documentaire et à les élever au rang d'œuvres d'art iconiques à l'expression émotionnelle.

Testarossa, Monument Valley, Utah , 2023 © David Yarrow / Courtesy of CAMERA WORK Gallery

La galleria CAMERA WORK presenta una mostra di 20 fotografie di grande formato di David Yarrow. La maggior parte di queste opere è stata creata nel 2024 e sarà esposta per la prima volta al mondo. La mostra presenta ritratti iconici di animali dell'artista e un ulteriore sviluppo delle sue opere influenzate dai film classici di Hollywood.

Le composizioni che ricordano le inquadrature dei film sono decisive per il lavoro di David Yarrow. Ciò è particolarmente evidente nel modo in cui utilizza la luce e l'ombra per creare tensione. Queste tecniche ricordano il linguaggio visivo dei film classici di Hollywood e aumentano l'effetto drammatico delle sue fotografie. I suoi ritratti di animali sembrano fotogrammi di un epico film d'avventura in cui la natura è protagonista.

Inoltre, il lavoro di Yarrow rivela l'influenza di registi come Sergio Leone e Anthony Minghella. La monumentalità e la vastità dei suoi scenari, così come l'uso della prospettiva e della prossimità, creano una profondità narrativa che dà allo spettatore la sensazione di essere parte di una storia più grande. Attraverso queste influenze cinematografiche, Yarrow riesce a staccare le sue fotografie dal quadro puramente documentaristico e a elevarle a opere d'arte iconiche con espressione emotiva.

Sex Panther, Dinokeng, South Africa, 2023 © David Yarrow / Courtesy of CAMERA WORK Gallery

The CAMERA WORK Gallery will present an exhibition of 20 large-format photographs by David Yarrow. The majority of these works were created in 2024 and will be on display worldwide for the first time. Iconic animal portraits by the artist and a further development of his works influenced by classic Hollywood films are particularly represented in the exhibition.

Composition reminiscent of cinematic shots are essential to David Yarrow's work. This is particularly evident in the way he uses light and shadow to create tension. These techniques are reminiscent of the visual language of classic Hollywood films and enhance the dramatic effect of his photographs. His animal portraits often look like stills from an epic adventure film in which nature plays the leading role.

In addition, Yarrow's work is influenced by film directors such as Sergio Leone and Anthony Minghella. The monumentality and vastness of his scenes, as well as the use of perspective and proximity, create a narrative depth that gives the viewer the feeling of being part of a larger story. Through these cinematic influences, Yarrow succeeds in detaching his photographs from a purely documentary framework and elevating them to iconic works of art with emotional expression.

(Text: Camera Work, Berlin)

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LOOKS LIKE ABSTRACTION | Galerie Springer | Berlin
Sept.
17
bis 1. Feb.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

LOOKS LIKE ABSTRACTION | Galerie Springer | Berlin

Galerie Springer | Berlin
17. September 2024 – 1. Februar 2025

LOOKS LIKE ABSTRACTION

Edward Burtynsky, Janos Frecot, Maria Jauregui Ponte, Ingar Krauss, Natsoumi, Loredana Nemes, Peter Ruehle, Stefanie Seufert, Anna Szprynger

Untitled (or Déconstruction Ⅱ), 2024 © Natsoumi

LOOKS LIKE ABSTRACTION geht der Frage nach, ab wann eine Fotografie als abstrakt wahrgenommen wird. War dies von Anfang an die Absicht des Künstlers? Ist nicht jede Fotografie zunächst konkret, um durch den Bildausschnitt zu etwas anderem, beispielsweise zu einem abstrakten Bild, zu werden? Der Rundgang durch die Ausstellung beantwortet einige dieser Fragen, lässt aber auch viel Raum für den freien Flug der Gedanken und Emotionen.

Die Präsentation gliedert sich in zwei Bereiche. Im ersten Bereich werden Fotografien gezeigt, die der Architektur entsprungen sind, im zweiten Teil bietet die Natur Grundlage für die präsentierten Werke. Der zeitliche Bogen spannt sich von den 1960er Jahren bis ins jetzige 2024.

Gastkünstlerin ist die japanische Fotografin Natsoumi, die an der Université de Paris Kunstgeschichte studierte und heute mit ihrer Familie in Miyagi, Japan lebt. Ihre in der Ausstellung gezeigten Arbeiten sind in diesem Jahr entstanden.

Ebenfalls zu Gast ist die Künstlerin Stefanie Seufert. Sie lebt und arbeitet in Berlin. Ihre Werke wurden in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen gezeigt (Berlinsche Galerie, Eskenazi Museum of Art Bloomington, Louisville, Penumbra Foundation NYC u.v.a.). Die skulpturalen Arbeiten in der Ausstellung entstanden 2016.

Janos Frecot ist Fotohistoriker, Autor und war von 1978 bis 2002 Kurator und Leiter der Fotografischen Sammlung am Landesmuseum Berlinische Galerie. Als Fotograf schuf er in den 1960er Jahren eine Berliner Serie, aus der wir eine kleine Auswahl an Werken zeigen.

Der Künstler Peter Ruehle ist mit auf Fotografie basierenden Werken aus seiner Serie Colorland vertreten.

Aus dem Galerie-Programm werden neue Arbeiten von Maria Jauregui Ponte, Loredana Nemes und Anna Szprynger sowie Fotografien von Ingar Krauss und Edward Burtynsky gezeigt.

o.T. / Aura 19, 2010/2024 © Maria Jauregui Ponte

LOOKS LIKE ABSTRACTION se penche sur la question de savoir à partir de quand une photographie est perçue comme abstraite. Est-ce là l'intention de l'artiste dès le départ ? Toute photographie n'est-elle pas d'abord concrète avant de devenir autre chose, par exemple un visuel abstrait, grâce au cadrage ? Le parcours de l'exposition répond à certaines de ces questions, mais laisse aussi beaucoup de place à la libre envolée des pensées et des émotions.

La présentation se divise en deux parties. Dans la première, les photographies sont issues de l'architecture, dans la seconde, c'est la nature qui sert de base aux œuvres présentées. L'arc temporel s'étend des années 1960 à l'année 2024.

L'artiste invitée est la photographe japonaise Natsoumi, qui a étudié l'histoire de l'art à l'Université de Paris et vit aujourd'hui avec sa famille à Miyagi, au Japon. Les travaux qu'elle présente dans l'exposition ont été réalisés cette année.

L'artiste Stefanie Seufert est également invitée. Elle vit et travaille à Berlin. Ses œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions nationales et internationales (Berlinsche Galerie, Eskenazi Museum of Art Bloomington, Louisville, Penumbra Foundation NYC et bien d'autres). Les œuvres sculpturales de l'exposition ont été réalisées en 2016.

Janos Frecot est historien de la photographie et auteur. De 1978 à 2002, il a été conservateur et directeur de la collection photographique au Landesmuseum Berlinische Galerie. En tant que photographe, il a créé une série berlinoise dans les années 1960, dont nous présentons une petite sélection d'œuvres.

L'artiste Peter Ruehle est représenté par des œuvres basées sur la photographie et issues de sa série Colorland.

De nouveaux travaux de Maria Jauregui Ponte, Loredana Nemes et Anna Szprynger ainsi que des photographies d'Ingar Krauss et d'Edward Burtynsky seront présentés dans le cadre du programme de la galerie.

ohne Titel (GLAS XXIV), Zechin 2016, 2016 © Ingar Krauss

LOOKS LIKE ABSTRACTION esplora la questione di quando una fotografia viene percepita come astratta. Era questa l'intenzione dell'artista fin dall'inizio? Non è forse vero che ogni fotografia è inizialmente concreta, per poi diventare qualcos'altro, ad esempio un'immagine astratta, attraverso il ritaglio dell'immagine? Il percorso della mostra risponde ad alcune di queste domande, ma lascia anche ampio spazio al libero pensiero e all'emozione.

La presentazione è divisa in due sezioni. Nella prima sezione sono esposte fotografie che hanno origine dall'architettura, mentre nella seconda la natura è alla base delle opere presentate. L'arco cronologico va dagli anni '60 ai giorni nostri, nel 2024.

L'artista ospite è la fotografa giapponese Natsoumi, che ha studiato storia dell'arte all'Università di Parigi e ora vive con la sua famiglia a Miyagi, in Giappone. Le sue opere esposte in mostra sono state realizzate quest'anno.

Un'altra ospite è l'artista Stefanie Seufert. Vive e lavora a Berlino. Le sue opere sono state esposte in numerose mostre nazionali e internazionali (Berlinsche Galerie, Eskenazi Museum of Art Bloomington, Louisville, Penumbra Foundation NYC e molte altre). Le opere scultoree in mostra sono state realizzate nel 2016.

Janos Frecot è uno storico della fotografia, autore ed è stato curatore e responsabile della collezione di fotografia presso il Landesmuseum Berlinische Galerie dal 1978 al 2002. Come fotografo, negli anni Sessanta ha creato una serie berlinese, di cui presentiamo una piccola selezione di opere.

L'artista Peter Ruehle è rappresentato con opere basate sulla fotografia della sua serie Colorland.

Saranno esposte nuove opere di Maria Jauregui Ponte, Loredana Nemes e Anna Szprynger, oltre a fotografie di Ingar Krauss e Edward Burtynsky.

Untitled (Deszcz/Rain), 2022 © Anna Szprynger

LOOKS LIKE ABSTRACTION explores the question of when a photograph is perceived as abstract. Was this the intention of the artist from the outset? Isn't every photograph initially concrete, only to become something else through the image detail, for example, an abstract image? The tour through the exhibition answers some of these questions, but also leaves plenty of room for the free flight of thoughts and emotions.

The presentation is divided into two sections. In the first section, photographs are shown that originated in architecture, while in the second section, nature provides the basis for the works presented. The temporal arc spans from the 1960s to the present in 2024.

The guest artist is the Japanese photographer Natsoumi, who studied art history at the Université de Paris and now lives with her family in Miyagi, Japan. The works shown in the exhibition were created this year.

Artist Stefanie Seufert is also a guest. She lives and works in Berlin. Her works have been shown in numerous national and international exhibitions (Berlinsche Galerie, Eskenazi Museum of Art Bloomington, Louisville, Penumbra Foundation NYC, among others). The sculptural works in the exhibition were created in 2016.

Janos Frecot is a photo historian and author, and was curator and head of the photographic collection at the Berlinische Galerie state museum from 1978 to 2002. As a photographer, he created a series on Berlin in the 1960s, from which we are showing a small selection of works.

The artist Peter Ruehle is represented with photography-based works from his series Colorland.

New works by Maria Jauregui Ponte, Loredana Nemes and Anna Szprynger, as well as photographs by Ingar Krauss and Edward Burtynsky, will be shown from the gallery program.

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Bastiaan Woudt: Rhythm | JAEGER ART | Berlin
Sept.
14
bis 16. Nov.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Bastiaan Woudt: Rhythm | JAEGER ART | Berlin

JAEGER ART | Berlin
14. September – 16. November 2024

Bastiaan Woudt: Rhythm

TINO VII, 2022 © Bastiaan Woudt, courtesy JAEGER ART, Berlin

JAEGER ART freut sich, die erste Einzelausstellung des renommierten Fotokünstlers Bastiaan Woudt in Deutschland anzukündigen. Ab dem 14. September zeigt die Galerie unter dem Titel "Rhythm" verschiedene Werkgruppen, von denen einige noch nie zuvor öffentlich gezeigt worden sind.

Der 1987 in den Niederlanden geborene Bastiaan Woudt ist vor allem für seine ikonischen Porträts bekannt, die sich durch starke Kontraste und eine monochrome Unverwechselbarkeit auszeichnen und ihm innerhalb von nur 13 Jahren internationale Anerkennung verschafften.

Inspiriert von den Meistern der Fotografie des 20. Jahrhunderts, wie Irving Penn oder Richard Avedon, verbindet er deren Tradition der klassischen Fotografie mit innovativen und zeitgenössischen Elementen. Das Ergebnis sind zeitlose Fotografien mit einer Prise Zeitgenössischem", die durch ihre Klarheit und Raffinesse bestechen.

Woudt begann seine Karriere als autodidaktischer Fotograf und hat sich schnell zu einem Meister im Umgang mit Licht und Schatten entwickelt. Sein Werk zeichnet sich durch eine unverwechselbare Ästhetik aus, die sowohl von minimalistischen als auch surrealen Einflüssen geprägt ist. Diese faszinierende Kombination verleiht den skulptural wirkenden Porträtfotografien einen unverwechselbaren Wiedererkennungswert.

Seine Kunstwerke werden regelmäßig in renommierten Galerien, auf internationalen Kunstmessen und in führenden Auktionshäusern präsentiert und erzielten beachtliche Ergebnisse. Seine erste museale Einzelausstellung "Twist" wurde 2022 im Museum Kranenburgh in Bergen gezeigt.

In seinem aktuellen Projekt "Echo from Beyond" lotet Bastiaan Woudt die Grenzen von Kunst und Fotografie aus und setzt sich intensiv mit künstlicher Intelligenz und ihrer Rolle in der Kunst auseinander, wobei ihn vor allem die symbiotische Beziehung zwischen menschlicher Kreativität und maschinellem Lernen interessiert.

Er verschmilzt seine Fotografien mit den Möglichkeiten der künstlichen Intelligenz und erschafft dadurch ein Mixed-Media-Projekt. Es entstehen bisher unvorstellbare Bilder, die durch seine Gedanken, Erfahrungen und die von ihm konsumierten Medien angeregt werden. Diese Verschmelzung von Elementen schafft eine einzigartige Bildsprache, die über die traditionelle Fotografie hinausgeht und ein Fenster in eine Welt neuer Möglichkeiten und Entdeckungen öffnet.

Einige dieser Kunstwerke, die er als Unikate realisiert, werden erstmals in der Ausstellung "Rhythm" präsentiert.

MYSTIC, 2022 © Bastiaan Woudt, courtesy JAEGER ART, Berlin

JAEGER ART a le plaisir d'annoncer la première exposition individuelle en Allemagne du célèbre artiste photographe Bastiaan Woudt. À partir du 14 septembre, la galerie présentera, sous le titre « Rhythm », différents ensembles d'œuvres, dont certains n'ont jamais été montrés au public auparavant.

Né en 1987 aux Pays-Bas, Bastiaan Woudt est surtout connu pour ses portraits iconiques, caractérisés par de forts contrastes et une singularité monochrome, qui lui ont valu une reconnaissance internationale en seulement 13 ans.

Inspiré par les maîtres de la photographie du XXe siècle, comme Irving Penn ou Richard Avedon, il combine leur tradition de la photographie classique avec des éléments innovants et contemporains. Il en résulte des photographies intemporelles avec une touche de « contemporain » qui séduisent par leur clarté et leur sophistication.

Woudt a commencé sa carrière en tant que photographe autodidacte et est rapidement devenu un maître de l'ombre et de la lumière. Son travail se caractérise par une esthétique distinctive, marquée par des influences à la fois minimalistes et surréalistes. Cette combinaison fascinante confère à ses photographies de portraits à l'aspect sculptural un caractère reconnaissable entre tous.

Ses œuvres d'art sont régulièrement présentées dans des galeries renommées, des foires d'art internationales et des maisons de vente aux enchères de premier plan, et ont obtenu des résultats remarquables. Sa première exposition individuelle dans un musée, « Twist », a été présentée au musée Kranenburgh de Bergen en 2022.

Dans son projet actuel « Echo from Beyond », Bastiaan Woudt explore les frontières de l'art et de la photographie et s'intéresse de près à l'intelligence artificielle et à son rôle dans l'art, en s'intéressant particulièrement à la relation symbiotique entre la créativité humaine et l'apprentissage automatique.

Il fusionne ses photographies avec les possibilités de l'intelligence artificielle, créant ainsi un projet de médias mixtes. Il en résulte des visuels jusqu'alors inimaginables, stimulés par ses pensées, ses expériences et les médias qu'il consomme. Cette fusion d'éléments crée un langage visuel unique qui va au-delà de la photographie traditionnelle et ouvre une fenêtre sur un monde de nouvelles possibilités et de découvertes.

Certaines de ces œuvres d'art, qu'il réalise en tant que pièces uniques, sont présentées pour la première fois dans l'exposition « Rhythm ».

FRE, 2021 © Bastiaan Woudt, courtesy JAEGER ART, Berlin

JAEGER ART è lieta di annunciare la prima mostra personale del rinomato artista fotografico Bastiaan Woudt in Germania. A partire dal 14 settembre, la galleria esporrà diversi gruppi di opere sotto il titolo “Rhythm”, alcune delle quali non sono mai state mostrate pubblicamente prima.

Nato nei Paesi Bassi nel 1987, Bastiaan Woudt è conosciuto soprattutto per i suoi ritratti iconici, caratterizzati da forti contrasti e da una distintività monocromatica, che gli hanno fatto guadagnare un riconoscimento internazionale in soli 13 anni.

Ispirandosi ai maestri della fotografia del XX secolo, come Irving Penn e Richard Avedon, combina la loro tradizione di fotografia classica con elementi innovativi e contemporanei. Il risultato sono fotografie senza tempo con un pizzico di “contemporaneità” che affascinano per la loro chiarezza e raffinatezza.

Woudt ha iniziato la sua carriera come fotografo autodidatta e si è rapidamente trasformato in un maestro nell'uso della luce e dell'ombra. Il suo lavoro è caratterizzato da un'estetica inconfondibile, plasmata da influenze sia minimaliste che surreali. Questa affascinante combinazione conferisce alle fotografie di ritratto dall'aspetto scultoreo un valore di riconoscimento inconfondibile.

Le sue opere sono presentate regolarmente in gallerie rinomate, in fiere d'arte internazionali e in case d'asta di primo piano e hanno ottenuto risultati notevoli. La sua prima mostra museale personale “Twist” è stata esposta al Museum Kranenburgh di Bergen nel 2022.

Nel suo attuale progetto “Echo from Beyond”, Bastiaan Woudt esplora i confini dell'arte e della fotografia e si occupa intensamente dell'intelligenza artificiale e del suo ruolo nell'arte, per cui è particolarmente interessato alla relazione simbiotica tra la creatività umana e l'apprendimento automatico.

Fonde le sue fotografie con le possibilità dell'intelligenza artificiale per creare un progetto mixed-media. Vengono create immagini precedentemente inimmaginabili, ispirate dai suoi pensieri, dalle sue esperienze e dai media che consuma. Questa fusione di elementi crea un linguaggio visivo unico che va oltre la fotografia tradizionale e apre una finestra su un mondo di nuove possibilità e scoperte.

Alcune di queste opere, che realizza come pezzi unici, sono presentate per la prima volta nella mostra “Rhythm”.

YAMI, 2022 © Bastiaan Woudt, courtesy JAEGER ART, Berlin

JAEGER ART is pleased to announce acclaimed fine art photographer Bastiaan Woudt's first solo exhibition in Germany. From September 14, the gallery will be showing various bodies of works in an exhibition named ‘Rhythm’, some of which have never been shown to the public before.

Bastiaan Woudt, born in the Netherlands in 1987, is best known for his iconic portraits, which are characterized by strong contrasts and a monochromatic distinctiveness that quickly brought him international recognition over the span of merely 13 years.

Inspired by the masters of 20th century photography, such as Irving Penn or Richard Avedon, he combines their tradition of classical photography with innovative and contemporary elements. This results in timeless photographs with a dash of 'contemporary' that captivate the eye with their clarity and sophistication.

Woudt began his career as a self-taught photographer and has quickly become a master in the use of light and shadow. His work is characterized by an unmistakable aesthetic that is shaped by both minimalist and surreal influences. This fascinating combination gives the sculptural-looking portrait photographs an unmistakable recognition value. His artworks are regularly presented in renowned

galleries, at international art fairs and at leading auction houses – sold for record-breaking amounts. His first solo museum exhibition “Twist” was shown at Museum Kranenburgh in Bergen in 2022. 

In his current project “Echo from Beyond”, Bastiaan Woudt explores the boundaries of art and photography and intensively investigates artificial intelligence and its role in art, whereby he is primarily interested in the symbiotic relationship between human creativity and machine learning.

He merges his photographs with the possibilities of artificial intelligence and turns this series into a mixed media project. Previously unimaginable images are created, fueled by his thoughts, experiences and the media he consumes. This fusion of elements creates a unique visual language that goes beyond traditional photography and opens a window into a world of new possibilities and discoveries.

For the first time, some of these artworks, which he creates as unique pieces, will be presented in the exhibition ‘Rhythm’.

(Text: JAEGER ART, Berlin)

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TRÄUM WEITER – BERLIN, DIE 90ER JAHRE | C/O Berlin
Sept.
14
bis 23. Jan.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

TRÄUM WEITER – BERLIN, DIE 90ER JAHRE | C/O Berlin

C/O Berlin
14. September 2024 – 23. Januar 2025

BERLIN – DIE 90ER JAHRE
OSTKREUZ – Agentur der Fotografen

Verhüllter Reichstag, letzte Nacht, 1995 © Annette Hauschild/OSTKREUZ

Berlin in den 90ern: Nach dem Fall der Mauer 1989 befindet sich die Stadt im Übergang, in einem Transitraum zwischen Vergangenheit und Zukunft. Aufbruchstimmung wie Verlustängste liegen nah beieinander und bilden den Grundton dieser Zeit. Einzigartige Möglichkeitsräume eröffnen sich und führen zur Blüte kreativer Zwischennutzungen. Berlin wird zur Metropole der Subkulturen – gleichzeitig beginnt jedoch auch ein Ringen um die Gestaltung der neuen Hauptstadt und ihres Zentrums. Die Potenziale und Utopien der 90er Jahre haben sich nachhaltig in das Bild dieser Stadt eingeschrieben und prägen es bis heute.

Inmitten dieser Umbruchstimmung gründet im Jahr 1990 eine Gruppe von Fotograf: innen aus der ehemaligen DDR die Agentur OSTKREUZ mit Sitz in Ost-Berlin. Diese hat sich seitdem international als eine der wichtigsten Fotoagenturen Deutschlands etabliert. C/O Berlin zeigt in der Ausstellung Arbeiten von neun Mitgliedern der Agentur OSTKREUZ, darunter der Co-Gründer:innen Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler und Werner Mahler sowie von Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting und Maurice Weiss. Diese Fotograf:innen beobachten mit genauem Blick die gesellschaftlichen Veränderungen und die Herausforderungen des Zusammenwachsens der ehemaligen Mauerstadt.

Die Ausstellung Träum Weiter — Berlin, die 90er präsentiert 35 Jahre nach der Gründung der Agentur OSTKREUZ und im Jubiläumsjahr des Mauerfalls rund 200 Arbeiten. Neben einigen Klassikern sind viele noch unveröffentlichte Bilder aus dem Archiv der OSTKREUZ-Fotograf:innen zu sehen. Diese bekommen mit dem Blick von heute eine ganz neue Relevanz und dienen als Material für ein Stimmungsbild dieser prägenden Dekade. Sie spiegeln eine Stadt im Wandel mit all ihren Ambivalenzen wider – beginnend mit dem Mauerfall über den Tanz in den Ruinen der aufblühenden Technoszene bis hin zu den sozialen und wirtschaftlichen Veränderungen sowie der Transformation Berlins zur neuen Hauptstadt. Sie reflektieren die unterschiedlichen Perspektiven der OSTKREUZ-Fotograf:innen und zeigen die komplexen Beziehungen zwischen Mensch und Stadtraum auf.

In einer Zeit, in der globale Veränderungen und politische Umbrüche allgegenwärtig sind, bietet Träum Weiter — Berlin, die 90er wertvolle Einblicke in die Mechanismen und Auswirkungen des gesellschaftlichen Wandels. Zudem würdigt die gemeinsame Ausstellung die jahrelange, enge Zusammenarbeit zwischen C/O Berlin und der Agentur OSTKREUZ.

Träum Weiter — Berlin, die 90er wird von Annette Hauschild (OSTKREUZ), und Boaz Levin (C/O Berlin Foundation) kuratiert. Zur Ausstellung erscheint eine gleichnamige Publikation bei Spector Books.

Annette Hauschild, Am Rande der Love Parade, Potsdamer Platz, Berlin, 1997 © Annette Hauschild/OSTKREUZ

Berlin dans les années 90 : après la chute du mur en 1989, la ville est en transition, dans un espace de transit entre passé et avenir. L'atmosphère de renouveau et la peur de la perte sont proches l'une de l'autre et constituent le ton général de cette période. Des espaces de possibilités uniques s'ouvrent et conduisent à la floraison d'utilisations intermédiaires créatives. Berlin devient la métropole des sous-cultures - mais en même temps commence une lutte pour l'aménagement de la nouvelle capitale et de son centre. Les potentiels et les utopies des années 90 se sont inscrits durablement dans le visuel de cette ville et l'influencent encore aujourd'hui.

Au milieu de cette atmosphère de changement, un groupe de photographes de l'ex-RDA fonde en 1990 l'agence OSTKREUZ, basée à Berlin-Est. Depuis, cette agence s'est imposée au niveau international comme l'une des plus importantes agences photographiques d'Allemagne. L'exposition de C/O Berlin présente les travaux de neuf membres de l'agence OSTKREUZ, dont les co-fondateurs Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler et Werner Mahler, ainsi que Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting et Maurice Weiss. Ces photographes observent avec un regard attentif les changements sociaux et les défis de la fusion de l'ancienne ville du Mur.

L'exposition Träum Weiter - Berlin, les années 90 présente environ 200 travaux, 35 ans après la création de l'agence OSTKREUZ et en cette année d'anniversaire de la chute du mur. Outre quelques classiques, on peut y voir de nombreux visuels inédits issus des archives des photographes d'OSTKREUZ. Avec le regard d'aujourd'hui, elles acquièrent une toute nouvelle pertinence et servent de matériau pour une image d'ambiance de cette décennie marquante. Elles reflètent une ville en mutation avec toutes ses ambivalences - de la chute du mur de Berlin aux changements sociaux et économiques, en passant par la danse dans les ruines de la scène techno en plein essor et la transformation de Berlin en nouvelle capitale. Elles reflètent les différentes perspectives des photographes d'OSTKREUZ et mettent en évidence les relations complexes entre l'homme et l'espace urbain.

À une époque où les changements globaux et les bouleversements politiques sont omniprésents, Träum Weiter - Berlin, die 90er offre un aperçu précieux des mécanismes et des effets du changement social. De plus, cette exposition commune rend hommage à l'étroite collaboration entre C/O Berlin et l'agence OSTKREUZ qui dure depuis des années.

Träum Weiter - Berlin, les années 90 est organisée par Annette Hauschild (OSTKREUZ), et Boaz Levin (C/O Berlin Foundation). L'exposition sera accompagnée d'une publication du même nom éditée par Spector Books.

Thomas Meyer, aus der Serie „Tresor“, Berlin, 2000 © Thomas Meyer/OSTKREUZ

Berlino negli anni '90: dopo la caduta del Muro nel 1989, la città è in transizione, in uno spazio di transito tra passato e futuro. Lo spirito di ottimismo e la paura della perdita sono vicini e formano il tono di base di questo periodo. Si aprono spazi unici di opportunità che portano alla fioritura di usi creativi intermedi. Berlino diventa una metropoli di sottoculture - ma allo stesso tempo inizia una lotta per la progettazione della nuova capitale e del suo centro. I potenziali e le utopie degli anni '90 hanno lasciato un segno duraturo nell'immagine di questa città e continuano a caratterizzarla ancora oggi.

Nel bel mezzo di questo clima di sconvolgimento, un gruppo di fotografi dell'ex DDR ha fondato l'agenzia OSTKREUZ a Berlino Est nel 1990. Da allora, si è affermata a livello internazionale come una delle agenzie fotografiche più importanti della Germania. Nella mostra, C/O Berlin presenta le opere di nove membri dell'agenzia OSTKREUZ, tra cui i co-fondatori Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler e Werner Mahler, nonché Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting e Maurice Weiss. Questi fotografi osservano da vicino i cambiamenti sociali e le sfide della crescita comune nell'ex città del Muro.

La mostra Träum Weiter - Berlin, die 90er presenta circa 200 opere a 35 anni dalla fondazione dell'agenzia OSTKREUZ e nell'anno dell'anniversario della caduta del Muro di Berlino. Oltre ad alcuni classici, sono esposte molte immagini ancora inedite provenienti dall'archivio dei fotografi di OSTKREUZ. Esse assumono una rilevanza del tutto nuova se viste dalla prospettiva odierna e servono come materiale per un'immagine suggestiva di questo decennio formativo. Riflettono una città in transizione con tutte le sue ambivalenze - dalla caduta del Muro di Berlino e i balli tra le rovine della fiorente scena techno ai cambiamenti sociali ed economici e alla trasformazione di Berlino nella nuova capitale. Riflettono le diverse prospettive dei fotografi di OSTKREUZ e mostrano le complesse relazioni tra le persone e lo spazio urbano.

In un momento in cui il cambiamento globale e gli sconvolgimenti politici sono onnipresenti, Träum Weiter - Berlin, die 90er offre preziose intuizioni sui meccanismi e sugli effetti del cambiamento sociale. La mostra congiunta onora anche i molti anni di stretta collaborazione tra C/O Berlin e l'agenzia OSTKREUZ.

Träum Weiter - Berlin, die 90er è curata da Annette Hauschild (OSTKREUZ) e Boaz Levin (Fondazione C/O Berlin). La mostra sarà accompagnata da una pubblicazione omonima edita da Spector Books.

Sibylle Bergemann, Mauerbrache am Potsdamer Platz, Berlin, 1990 © Estate Sibylle Bergemann/OSTKREUZ

Berlin in the 90s: The city found itself in flux after the fall of the Berlin Wall in 1989, caught between past and future. A spirit of optimism battled with fears of loss and defined the mood of this era. Extraordinary new opportunities led to a flourishing of temporary initiatives. Berlin became the city of subcultures, even as controversies raged over the development of the new German capital and its center. The potential futures and utopias of the 1990s left a lasting mark on Berlin’s image and continue to define the city to this day.

A group of photographers from former East Germany founded the photo agency OSTKREUZ in East Berlin during this tumultuous era, in 1990. Today, they are recognized internationally as one of Germany’s most important photo agencies. C/O Berlin shows works by nine OSTKREUZ members, including co-founders Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler, and Werner Mahler, as well as Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting, and Maurice Weiss. These photographers turned their sharp gaze to societal transformations and the challenges of reunification in a city formerly divided by the Berlin Wall.

With over 200 works, the exhibition Dream On—Berlin, the 90s opens 35 years after OSTKREUZ was founded, in the anniversary year of the fall of the Berlin Wall. Many previously unpublished photographs from the OSTKREUZ photographers’ archive are shown alongside well-known images. Seen today, they take on a wholly new relevance and serve to convey the mood of this defining decade. They reflect a city in flux with all its attendant ambivalences, beginning with the fall of the Wall and dancing in the ruins to the burgeoning techno scene, social and economic changes, and Berlin’s transformation into the new German capital. These images reflect the OSTKREUZ photographers’ unique perspectives, revealing the complex relationship between individuals and urban space.

At a moment when global changes and political upheavals are omnipresent, Dream On—Berlin, the 90s offers valuable insights into the mechanisms and effects of societal transformation. The exhibition also serves to mark the long-standing and close cooperation between C/O Berlin and OSTKREUZ.

Dream On—Berlin, the 90s is curated by Annette Hauschild (OSTKREUZ) and Boaz Levin (C/O Berlin Foundation). The exhibition will be accompanied by a publication of the same name, published by Spector Books.

(Text: C/O Berlin)

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Bastiaan Woudt: Rhythm | JAEGER ART | Berlin
Sept.
13
7:00 PM19:00
Vernissage, Berlin, Deutschland

Bastiaan Woudt: Rhythm | JAEGER ART | Berlin

JAEGER ART | Berlin
13. September 2024

Bastiaan Woudt: Rhythm

TINO VII, 2022 © Bastiaan Woudt, courtesy JAEGER ART, Berlin

JAEGER ART freut sich, die erste Einzelausstellung des renommierten Fotokünstlers Bastiaan Woudt in Deutschland anzukündigen. Ab dem 14. September zeigt die Galerie unter dem Titel "Rhythm" verschiedene Werkgruppen, von denen einige noch nie zuvor öffentlich gezeigt worden sind.

Der 1987 in den Niederlanden geborene Bastiaan Woudt ist vor allem für seine ikonischen Porträts bekannt, die sich durch starke Kontraste und eine monochrome Unverwechselbarkeit auszeichnen und ihm innerhalb von nur 13 Jahren internationale Anerkennung verschafften.

Inspiriert von den Meistern der Fotografie des 20. Jahrhunderts, wie Irving Penn oder Richard Avedon, verbindet er deren Tradition der klassischen Fotografie mit innovativen und zeitgenössischen Elementen. Das Ergebnis sind zeitlose Fotografien mit einer Prise Zeitgenössischem", die durch ihre Klarheit und Raffinesse bestechen.

Woudt begann seine Karriere als autodidaktischer Fotograf und hat sich schnell zu einem Meister im Umgang mit Licht und Schatten entwickelt. Sein Werk zeichnet sich durch eine unverwechselbare Ästhetik aus, die sowohl von minimalistischen als auch surrealen Einflüssen geprägt ist. Diese faszinierende Kombination verleiht den skulptural wirkenden Porträtfotografien einen unverwechselbaren Wiedererkennungswert.

Seine Kunstwerke werden regelmäßig in renommierten Galerien, auf internationalen Kunstmessen und in führenden Auktionshäusern präsentiert und erzielten beachtliche Ergebnisse. Seine erste museale Einzelausstellung "Twist" wurde 2022 im Museum Kranenburgh in Bergen gezeigt.

In seinem aktuellen Projekt "Echo from Beyond" lotet Bastiaan Woudt die Grenzen von Kunst und Fotografie aus und setzt sich intensiv mit künstlicher Intelligenz und ihrer Rolle in der Kunst auseinander, wobei ihn vor allem die symbiotische Beziehung zwischen menschlicher Kreativität und maschinellem Lernen interessiert.

Er verschmilzt seine Fotografien mit den Möglichkeiten der künstlichen Intelligenz und erschafft dadurch ein Mixed-Media-Projekt. Es entstehen bisher unvorstellbare Bilder, die durch seine Gedanken, Erfahrungen und die von ihm konsumierten Medien angeregt werden. Diese Verschmelzung von Elementen schafft eine einzigartige Bildsprache, die über die traditionelle Fotografie hinausgeht und ein Fenster in eine Welt neuer Möglichkeiten und Entdeckungen öffnet.

Einige dieser Kunstwerke, die er als Unikate realisiert, werden erstmals in der Ausstellung "Rhythm" präsentiert.

MYSTIC, 2022 © Bastiaan Woudt, courtesy JAEGER ART, Berlin

JAEGER ART a le plaisir d'annoncer la première exposition individuelle en Allemagne du célèbre artiste photographe Bastiaan Woudt. À partir du 14 septembre, la galerie présentera, sous le titre « Rhythm », différents ensembles d'œuvres, dont certains n'ont jamais été montrés au public auparavant.

Né en 1987 aux Pays-Bas, Bastiaan Woudt est surtout connu pour ses portraits iconiques, caractérisés par de forts contrastes et une singularité monochrome, qui lui ont valu une reconnaissance internationale en seulement 13 ans.

Inspiré par les maîtres de la photographie du XXe siècle, comme Irving Penn ou Richard Avedon, il combine leur tradition de la photographie classique avec des éléments innovants et contemporains. Il en résulte des photographies intemporelles avec une touche de « contemporain » qui séduisent par leur clarté et leur sophistication.

Woudt a commencé sa carrière en tant que photographe autodidacte et est rapidement devenu un maître de l'ombre et de la lumière. Son travail se caractérise par une esthétique distinctive, marquée par des influences à la fois minimalistes et surréalistes. Cette combinaison fascinante confère à ses photographies de portraits à l'aspect sculptural un caractère reconnaissable entre tous.

Ses œuvres d'art sont régulièrement présentées dans des galeries renommées, des foires d'art internationales et des maisons de vente aux enchères de premier plan, et ont obtenu des résultats remarquables. Sa première exposition individuelle dans un musée, « Twist », a été présentée au musée Kranenburgh de Bergen en 2022.

Dans son projet actuel « Echo from Beyond », Bastiaan Woudt explore les frontières de l'art et de la photographie et s'intéresse de près à l'intelligence artificielle et à son rôle dans l'art, en s'intéressant particulièrement à la relation symbiotique entre la créativité humaine et l'apprentissage automatique.

Il fusionne ses photographies avec les possibilités de l'intelligence artificielle, créant ainsi un projet de médias mixtes. Il en résulte des visuels jusqu'alors inimaginables, stimulés par ses pensées, ses expériences et les médias qu'il consomme. Cette fusion d'éléments crée un langage visuel unique qui va au-delà de la photographie traditionnelle et ouvre une fenêtre sur un monde de nouvelles possibilités et de découvertes.

Certaines de ces œuvres d'art, qu'il réalise en tant que pièces uniques, sont présentées pour la première fois dans l'exposition « Rhythm ».

FRE, 2021 © Bastiaan Woudt, courtesy JAEGER ART, Berlin

JAEGER ART è lieta di annunciare la prima mostra personale del rinomato artista fotografico Bastiaan Woudt in Germania. A partire dal 14 settembre, la galleria esporrà diversi gruppi di opere sotto il titolo “Rhythm”, alcune delle quali non sono mai state mostrate pubblicamente prima.

Nato nei Paesi Bassi nel 1987, Bastiaan Woudt è conosciuto soprattutto per i suoi ritratti iconici, caratterizzati da forti contrasti e da una distintività monocromatica, che gli hanno fatto guadagnare un riconoscimento internazionale in soli 13 anni.

Ispirandosi ai maestri della fotografia del XX secolo, come Irving Penn e Richard Avedon, combina la loro tradizione di fotografia classica con elementi innovativi e contemporanei. Il risultato sono fotografie senza tempo con un pizzico di “contemporaneità” che affascinano per la loro chiarezza e raffinatezza.

Woudt ha iniziato la sua carriera come fotografo autodidatta e si è rapidamente trasformato in un maestro nell'uso della luce e dell'ombra. Il suo lavoro è caratterizzato da un'estetica inconfondibile, plasmata da influenze sia minimaliste che surreali. Questa affascinante combinazione conferisce alle fotografie di ritratto dall'aspetto scultoreo un valore di riconoscimento inconfondibile.

Le sue opere sono presentate regolarmente in gallerie rinomate, in fiere d'arte internazionali e in case d'asta di primo piano e hanno ottenuto risultati notevoli. La sua prima mostra museale personale “Twist” è stata esposta al Museum Kranenburgh di Bergen nel 2022.

Nel suo attuale progetto “Echo from Beyond”, Bastiaan Woudt esplora i confini dell'arte e della fotografia e si occupa intensamente dell'intelligenza artificiale e del suo ruolo nell'arte, per cui è particolarmente interessato alla relazione simbiotica tra la creatività umana e l'apprendimento automatico.

Fonde le sue fotografie con le possibilità dell'intelligenza artificiale per creare un progetto mixed-media. Vengono create immagini precedentemente inimmaginabili, ispirate dai suoi pensieri, dalle sue esperienze e dai media che consuma. Questa fusione di elementi crea un linguaggio visivo unico che va oltre la fotografia tradizionale e apre una finestra su un mondo di nuove possibilità e scoperte.

Alcune di queste opere, che realizza come pezzi unici, sono presentate per la prima volta nella mostra “Rhythm”.

YAMI, 2022 © Bastiaan Woudt, courtesy JAEGER ART, Berlin

JAEGER ART is pleased to announce acclaimed fine art photographer Bastiaan Woudt's first solo exhibition in Germany. From September 14, the gallery will be showing various bodies of works in an exhibition named ‘Rhythm’, some of which have never been shown to the public before.

Bastiaan Woudt, born in the Netherlands in 1987, is best known for his iconic portraits, which are characterized by strong contrasts and a monochromatic distinctiveness that quickly brought him international recognition over the span of merely 13 years.

Inspired by the masters of 20th century photography, such as Irving Penn or Richard Avedon, he combines their tradition of classical photography with innovative and contemporary elements. This results in timeless photographs with a dash of 'contemporary' that captivate the eye with their clarity and sophistication.

Woudt began his career as a self-taught photographer and has quickly become a master in the use of light and shadow. His work is characterized by an unmistakable aesthetic that is shaped by both minimalist and surreal influences. This fascinating combination gives the sculptural-looking portrait photographs an unmistakable recognition value. His artworks are regularly presented in renowned

galleries, at international art fairs and at leading auction houses – sold for record-breaking amounts. His first solo museum exhibition “Twist” was shown at Museum Kranenburgh in Bergen in 2022. 

In his current project “Echo from Beyond”, Bastiaan Woudt explores the boundaries of art and photography and intensively investigates artificial intelligence and its role in art, whereby he is primarily interested in the symbiotic relationship between human creativity and machine learning.

He merges his photographs with the possibilities of artificial intelligence and turns this series into a mixed media project. Previously unimaginable images are created, fueled by his thoughts, experiences and the media he consumes. This fusion of elements creates a unique visual language that goes beyond traditional photography and opens a window into a world of new possibilities and discoveries.

For the first time, some of these artworks, which he creates as unique pieces, will be presented in the exhibition ‘Rhythm’.

(Text: JAEGER ART, Berlin)

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Rirkrit Tiravanija: DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG | Gropius Bau | Berlin
Sept.
12
bis 12. Jan.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Rirkrit Tiravanija: DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG | Gropius Bau | Berlin

Gropius Bau | Berlin
12. September 2024 – 12. Januar 2025

Rirkrit Tiravanija: DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG

untitled 1995 (bon voyage monsieur ackermann), 1995 © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler

untitled 1995 (bon voyage monsieur ackermann), 1995 © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler

Seit mehr als drei Jahrzehnten erweitert Rirkrit Tiravanija die Vorstellung davon, was in Ausstellungen möglich ist. Als Teil seiner Praxis schafft der Künstler Situationen, in denen gegessen und getrunken, gespielt und geruht werden kann. Dabei entstehen Räume für zufällige Begegnungen, soziale Beziehungen und deren Scheitern – kurz gesagt: für das Leben.

Ab dem 12. September 2024 zeigt der Gropius Bau in DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG über 80 Werke des Künstlers, die zwischen 1987 und 2024 entstanden sind. Tiravanija, der unter anderem in Berlin lebt und arbeitet, verweist in diesen Arbeiten immer wieder auf kulturelle Klischees und die politischen Verhältnisse in Deutschland. Der Titel der Ausstellung ist Rainer Werner Fassbinders gesellschaftskritischem Film Angst essen Seele auf (1974) entlehnt, der einen wichtigen Bezugspunkt für Tiravanija darstellt.

DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG spannt den Bogen von frühen Installationen über experimentelle 8-mm-Filme und Fotografien bis hin zu regelmäßigen Aktivierungen der partizipativen Arbeiten, mit denen Tiravanija bekannt wurde. So lädt die Installation untitled غداً هو السؤال) 2024 ) (tomorrow is the question) (morgen ist die frage) (jutro jest pytaniem) (завтра это вопрос) (yarindir soru) (Завтра питання) (ngày mai là câu hỏi) mit acht Tischtennisplatten dazu ein, im kostenlos zugänglichen Lichthof des Gropius Bau zu spielen. Mit der spiralförmigen Bühne untitled 2024 (demo station no. 8), die täglich Raum für öffentliche Vorführungen bietet, wird der Lichthof zu einem Ort, an dem Menschen zusammenkommen und gemeinsam Zeit verbringen können.

Kuratiert von Jenny Schlenzka, Direktorin, Gropius Bau, Yasmil Raymond, Freie Kuratorin, und Christopher Wierling, Assistenzkurator, Gropius Bau

Skip The Bruising Of The Eskimos To The Exquisite Words VS If I Give You A Penny Will You Give Me A Pair Of Scissors, 2017 © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler

Depuis plus de trois décennies, Rirkrit Tiravanija élargit la notion de ce qui est possible dans les expositions. Dans le cadre de sa pratique, l'artiste crée des situations dans lesquelles on peut manger et boire, jouer et se reposer. Il en résulte des espaces pour des rencontres fortuites, des relations sociales et leurs échecs - en bref, pour la vie.

À partir du 12 septembre 2024, le Gropius Bau exposera dans DAS GLÜCK IST NT IMMER LUSTIG plus de 80 œuvres de l'artiste, réalisées entre 1987 et 2024. Dans ces œuvres, Tiravanija, qui vit et travaille notamment à Berlin, fait constamment référence aux clichés culturels et à la situation politique en Allemagne. Le titre de l'exposition est emprunté au film de critique sociale Angst essen Seele auf (1974) de Rainer Werner Fassbinder, qui constitue un point de référence important pour Tiravanija.

LE BONHEUR N'EST PAS TOUJOURS LUMIÈRE s'étend des premières installations aux films expérimentaux en 8 mm et aux photographies, jusqu'aux activations régulières des travaux participatifs qui ont fait connaître Tiravanija. Ainsi, l'installation untitled غداً هو السؤال) 2024 ) (tomorrow is the question) (demain est la question) (jutro jest pytaniem) (завтра это вопрос) (yarindir soru) (Завтра питання) (ngày mai là câu hỏi) avec huit tables de ping-pong invite à jouer dans l'atrium du Gropius Bau, accessible gratuitement. Avec la scène en spirale untitled 2024 (demo station no. 8), qui offre un espace quotidien pour des projections publiques, l'atrium devient un lieu où les gens peuvent se réunir et passer du temps ensemble.

Organisé par Jenny Schlenzka, directrice, Gropius Bau, Yasmil Raymond, conservatrice indépendante, et Christopher Wierling, conservateur adjoint, Gropius Bau

mai mee chue 2004 (pad thai), 1990/2004, Installationsansicht, Nothing: A Retrospective, Chiang Mai University Art Museum, 2004 © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler

Per oltre tre decenni, Rirkrit Tiravanija ha ampliato l'idea di ciò che è possibile fare nelle mostre. Come parte della sua pratica, l'artista crea situazioni in cui le persone possono mangiare e bere, giocare e riposare. Questo crea spazi per gli incontri casuali, per le relazioni sociali e per i loro fallimenti - in breve: per la vita.

Dal 12 settembre 2024, il Gropius Bau esporrà oltre 80 opere dell'artista, create tra il 1987 e il 2024, in THE HAPPINESS IS NOT ALWAYS FUNNY. In queste opere, Tiravanija, che vive e lavora a Berlino e altrove, fa ripetutamente riferimento ai cliché culturali e alla situazione politica della Germania. Il titolo della mostra è preso in prestito dal film socio-critico di Rainer Werner Fassbinder Angst essen Seele auf (1974), che è un importante punto di riferimento per Tiravanija.

DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG abbraccia un arco di tempo che va dalle prime installazioni ai film sperimentali in 8 mm e alle fotografie, fino alle regolari attivazioni delle opere partecipative con cui Tiravanija è diventato famoso. L'installazione senza titolo غداً هو السؤال) 2024 ) (domani è la domanda) (morgen ist die Frage) (jutro jest pytaniem) (завтра это вопрос) (yarindir soru) (Завтра питання) (ngày mai là câu hỏi) con otto tavoli da ping pong invita i visitatori a giocare nell'atrio del Gropius Bau, accessibile gratuitamente. Con il palcoscenico a forma di spirale senza titolo 2024 (stazione demo n. 8), che offre spazio per esibizioni pubbliche ogni giorno, l'atrio diventa un luogo in cui le persone possono incontrarsi e trascorrere del tempo insieme.

A cura di Jenny Schlenzka, Direttrice, Gropius Bau, Yasmil Raymond, Curatore indipendente, e Christopher Wierling, Assistente Curatore, Gropius Bau

untitled 2010 (angst essen seele auf, frankfurter allgemeine, september 22, 2008) © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler / neugerriemschneider, Foto: Jens Ziehe

For more than three decades, Rirkrit Tiravanija has been expanding the possibilities of what can happen in an exhibition space. As part of his practice, the artist creates situations that offer space to eat and drink, play and rest. They encourage chance encounters, relationships and their failure – in other words: life.

Starting 12 September 2024, DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG (Happiness is not always fun) presents more than 80 of the artist’s works created between 1987 and 2024. Throughout his work, Tiravanija, who lives and works partly in Berlin, has often referred to cultural clichés and politics in Germany. In this vein, the exhibition takes its title from the opening sequence of Rainer Werner Fassbinder’s film Ali: Fear Eats the Soul (1974), an important point of reference for Tiravanija.

DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG brings together early installations, experimental 8mm films and photographs as well as regular activations of participatory works.

The installation untitled غداً هو السؤال) 2024 ) (tomorrow is the question) (morgen ist die frage) (jutro jest pytaniem) (завтра это вопрос) (yarindir soru) (Завтра питання) (ngày mai là câu hỏi), consisting of eight ping-pong tables, invites visitors to play in the freely accessible atrium of the Gropius Bau. With the spiral-shaped stage untitled 2024 (demo station no. 8), offering space for daily public performances, the atrium becomes a place where people can come together and spend time with friends and strangers.

Curated by Jenny Schlenzka, Director, Gropius Bau, Yasmil Raymond, Independent Curator, and Christopher Wierling, Assistant Curator, Gropius Bau

(Text: Gropius Bau, Berlin)

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Lia Darjes - Plates I-XXXI | Robert Morat Galerie | Berlin
Sept.
7
bis 19. Okt.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Lia Darjes - Plates I-XXXI | Robert Morat Galerie | Berlin

Robert Morat Galerie | Berlin
7. September – 19. Oktober 2024

Lia Darjes - Plates I-XXXI

Plate V, 2023 © Lia Darjes, Courtesy Robert Morat Galerie

Für ihre neue Serie Plates I-XXXI arrangiert Lia Darjes eine Versuchsanordnung, ein Experiment zum Thema Stillleben. Während sie die „Bühne“ für diese Bilder herrichtet, ist der Hauptaspekt der Zufall, das Prinzip der Serendipität. „Für meine neue Arbeit lade ich mich selbst zum Essen und Trinken in die Gärten und auf die Terrassen meiner Freunde ein. Die Gedecke auf dem Gartentisch werden durch mein Eingreifen zur Grundlage eines Stilllebens. Nachdem ich gegangen bin, bleibt eine Kamera als passiver Beobachter für einige Stunden oder ganze Tage zurück. Sie wird durch Bewegung ausgelöst, wenn Vögel oder wilde Tiere den Tisch besuchen. Auf diese Weise entstehen Bilder, bei denen nicht klar ist, ob es sich um eine dokumentierte Szene oder ein arrangiertes Stillleben handelt. Ich finde es faszinierend, das Inszenierte und das Zufällige in einem Bild zu verbinden. Plates ist eine halbdokumentarische Stilllebenstudie, die sich der Grauzone zwischen den Lebensräumen von Menschen und Wildtieren widmet“, erklärt die Künstlerin.

„Meine fotografische Arbeit hat immer einen dokumentarischen Charakter. Ich finde es reizvoll, die Grenzen der Dokumentarfotografie auszuloten und die Erfahrung des Betrachters beim Fotografieren vorwegzunehmen“, erklärt Lia Darjes ihre Arbeitsweise. Lia Darjes wurde 1984 in Berlin geboren und wuchs in Hamburg auf. Sie studierte bei Ute Mahler an der HAW in Hamburg und anschließend als Meisterschülerin bei Ute Mahler und Ingo Taubhorn an der Ostkreuzschule in Berlin. Bekannt wurde Lia Darjes mit ihrer Serie Tempora Morte, die 2019 bei Hartman Books publiziert wurde und international große Beachtung fand. Das Buch zur aktuellen Serie erscheint im Verlag Chose Commune, Marseille.

Plate VI, 2022 © Lia Darjes, Courtesy Robert Morat Galerie

Pour sa nouvelle série Plates I-XXXI, Lia Darjes organise un dispositif expérimental, une expérience sur le thème de la nature morte. Alors qu'elle prépare la « scène » pour ces visuels, l'aspect principal est le hasard, le principe de sérendipit��. « Pour mon nouveau travail, je m'invite à manger et à boire dans les jardins et sur les terrasses de mes amis. Les couverts sur la table du jardin deviennent, grâce à mon intervention, la base d'une nature morte. Après mon départ, un appareil photo reste comme observateur passif pendant quelques heures ou des jours entiers. Elle est déclenchée par le mouvement, lorsque des oiseaux ou des animaux sauvages visitent la table. C'est ainsi que naissent des visuels dont on ne sait pas s'il s'agit d'une scène documentée ou d'une nature morte arrangée. Je trouve fascinant de combiner le mis en scène et l'aléatoire dans un même visuel. Plates est une étude de nature morte semi-documentaire consacrée à la zone grise entre les habitats des hommes et des animaux sauvages », explique l'artiste.

« Mon travail photographique a toujours un caractère documentaire. Je trouve attrayant d'explorer les limites de la photographie documentaire et d'anticiper l'expérience du spectateur lors de la prise de vue », explique Lia Darjes à propos de sa méthode de travail. Lia Darjes est née à Berlin en 1984 et a grandi à Hambourg. Elle a étudié avec Ute Mahler à la HAW de Hambourg, puis en tant qu'élève de maîtrise avec Ute Mahler et Ingo Taubhorn à l'école Ostkreuz de Berlin. Lia Darjes s'est fait connaître avec sa série Tempora Morte, publiée en 2019 par Hartman Books et qui a suscité un grand intérêt international. Le livre de la série actuelle est publié aux éditions Chose Commune, Marseille.

Plate VI, 2022 © Lia Darjes, Courtesy Robert Morat Galerie

Per la sua nuova serie Plates I-XXXI, Lia Darjes organizza una disposizione di prova, un esperimento sul tema delle nature morte. Mentre lei allestisce il 'palcoscenico' per queste immagini, l'aspetto principale è il caso, il principio della serendipità. “Per il mio nuovo lavoro, mi invito a mangiare e bere nei giardini e sulle terrazze dei miei amici. I coperti sul tavolo del giardino diventano la base di una natura morta grazie al mio intervento. Dopo che me ne sono andata, una fotocamera rimane come osservatore passivo per alcune ore o per giorni interi. Viene attivata dal movimento quando gli uccelli o gli animali selvatici visitano il tavolo. In questo modo, vengono create immagini in cui non è chiaro se si tratti di una scena documentata o di una natura morta organizzata. Trovo affascinante combinare la messa in scena e l'accidentalità in un'unica immagine. Plates è uno studio semi-documentario di still life dedicato alla zona grigia tra gli habitat umani e quelli della fauna selvatica”, spiega l'artista.

“Il mio lavoro fotografico ha sempre un carattere documentaristico. Trovo interessante esplorare i confini della fotografia documentaria e anticipare l'esperienza dello spettatore quando scatta le fotografie”, dice Lia Darjes, spiegando il suo metodo di lavoro. Lia Darjes è nata a Berlino nel 1984 ed è cresciuta ad Amburgo. Ha studiato sotto la guida di Ute Mahler presso la HAW di Amburgo e poi come studentessa di master sotto la guida di Ute Mahler e Ingo Taubhorn presso la Ostkreuzschule di Berlino. Lia Darjes è diventata nota per la sua serie Tempora Morte, che è stata pubblicata da Hartman Books nel 2019 e ha attirato una grande attenzione internazionale. Il libro della serie attuale è pubblicato da Chose Commune, Marsiglia.

For her new series Plates, Lia Darjes arranges an experiment on the subject of still lifes. While she sets the ‘stage’ for these pictures, the main aspect is chance, the serendipity principle. ‘For my new work, I invite myself to eat and drink in the gardens and on the terraces of my friends. The place settings on the garden table become the basis of a still life through my intervention. After I leave, a camera remains behind as a passive observer for a few hours or whole days. It is triggered by movement when birds or wild animals visit the table. In this way, images are created where it is not clear whether it is a documented scene or an arranged still life. I find it fascinating to combine the staged and the accidental in one picture. Plates is a semi-documentary still life study dedicated to the grey area between the habitats of humans and wild animals,’ explains the artist.

‘My photographic work always has a documentary character. I find it appealing to explore the boundaries of documentary photography and to anticipate the viewer's experience when taking photographs,’ says Lia Darjes, explaining her working method. Lia Darjes was born in Berlin in 1984 and grew up in Hamburg. She studied under Ute Mahler at the HAW in Hamburg and then as a master's student under Ute Mahler and Ingo Taubhorn at the Ostkreuzschule in Berlin. Lia Darjes became known for her series Tempora Morte, which was published by Hartman Books in 2019 and received international attention and critical acclaim. The book for the current series is published by Chose Commune, Marseille.

(Text: Robert Morat Galerie, Berlin)

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Sabine Weiss. A Photographer's Life | f³ – freiraum für fotografie | Berlin
Sept.
6
bis 24. Nov.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Sabine Weiss. A Photographer's Life | f³ – freiraum für fotografie | Berlin

  • f³ – freiraum für fotografie (Karte)
  • Google Kalender ICS

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
6. September – 24. November 2024

Sabine Weiss. A Photographer's Life

New York, USA, 1955 © Sabine Weiss, Collections Photo Elysée, Lausanne

Sabine Weiss gehört zu den wichtigsten Repräsentant*innen der französischen humanistischen Fotografie des 20. Jahrhunderts. Ihre Karriere umspannt mehr als sieben Jahrzehnte. Die humanistische Fotografie, welche im Kern die Philosophie der Aufklärung mit sozialdokumentarischer Praxis verband, entstand nach dem Zweiten Weltkrieg. Fotografen wie Robert Doisneau, Willy Ronis und Brassaï waren berühmte Vertreter. Ob Reportage, Illustrationen, Mode, Werbung, Künstler*innenporträts oder persönliche Arbeiten: Sabine Weiss sah alle Bereiche der Fotografie als Herausforderung an, als Vorwand für Begegnungen und Reisen, als Mittel zum Leben und als Selbstausdruck.

Die Ausstellung Sabine Weiss. A Photographer's Life, an der die Autorin bis zu ihrem Tod mitgewirkt hat, berichtet von dieser lebenslangen Leidenschaft und beleuchtet die Schwerpunkte eines Werks, das sich rund um das menschliche Sein entwickelt. Anhand von Originalabzügen, Archivdokumenten und Filmen zeichnet sie das Porträt einer Fotografin, die von einer unstillbaren Neugier auf andere Menschen angetrieben wurde, sei es in Frankreich, wo sie sich 1946 niederließ, in den USA oder auf ihren unzähligen Reisen durch ganz Europa.

Im Jahr 2016 und 2018 wurde Sabine Weiss durch zwei Ausstellungen im Jeu de Paume Château de Tours und im Musée National d'Art Moderne im Centre Pompidou in Paris geehrt sowie im Rahmen einer vielbeachteten Retrospektive bei dem Fotofestival Rencontres d'Arles mit dem 2020 Women In Motion Award for photography, verliehen von Kering, ausgezeichnet. Aufgrund der vielfältigen und positiven Resonanz erklärte sie sich bereit ihr persönliches Archiv zu öffnen und ihr vielschichtiges Werk der Öffentlichkeit zugänglich zu machen.

Sabine Weiss (geb. Weber) wurde 1924 in Saint-Gingolph in der Schweiz geboren. Sie absolvierte eine Lehre als Fotografin im Studio des renommierten Fotografen Paul Boissonnas in Genf und ließ sich anschließend in Paris nieder, wo sie dem deutschen Modefotografen Willy Maywald assistierte. Ab 1949 arbeitete sie als freischaffende Fotografin. Ihre Aufnahmen wurden unter anderem in den Zeitschriften Esquire, Vogue, Paris Match, Life und Time publiziert. 1952 trat sie der Agentur Rapho bei. Weiss realisierte über 170 Einzelausstellungen und war mit ihren Fotografien in mehr als 80 Gruppenausstellungen vertreten, u.a. in Edward Steichens berühmter Ausstellungen The Family of Man im Museum of Modern Art in New York. Ihr Nachlass wird vom Photo Elysée in Lausanne betreut und umfasst rund 160.000 Negative, 7.000 Kontaktbögen, 8.000 Prints, 46.000 Diapositive und diverses Dokumentationsmaterial.

Kuratorin der Ausstellung ist die Fotohistorikerin Virginie Chardin. Die Ausstellung wird organisiert von f³ – freiraum für fotografie, produziert von Sabine Weiss Studio und Photo Elysée, mit der Unterstützung von Jeu de Paume, Les Rencontres d’Arles und Women In Motion, einem Programm von Kering zur Förderung von Frauen in Kunst und Kultur.

Rue des Terres au Curé, Paris, Frankreich, 1954 © Sabine Weiss, Collections Photo Elysée, Lausanne

Sabine Weiss est l'une des plus importantes représentantes* de la photographie humaniste française du 20e siècle. Sa carrière s'étend sur plus de sept décennies. La photographie humaniste, qui allie la philosophie des Lumières et la pratique du documentaire social, est née après la Seconde Guerre mondiale. Des photographes comme Robert Doisneau, Willy Ronis et Brassaï en furent de célèbres représentants. Qu'il s'agisse de reportages, d'illustrations, de mode, de publicité, de portraits d'artistes* ou de travaux personnels : Sabine Weiss considérait tous les domaines de la photographie comme un défi, un prétexte aux rencontres et aux voyages, un moyen de vivre et de s'exprimer.

L'exposition Sabine Weiss. A Photographer's Life, à laquelle l'auteur a collaboré jusqu'à sa mort, rend compte de cette passion de toujours et met en lumière les points forts d'une œuvre qui se développe autour de l'être humain. À travers des tirages originaux, des documents d'archives et des films, elle dresse le portrait d'une photographe animée par une insatiable curiosité pour les autres, que ce soit en France, où elle s'est installée en 1946, aux États-Unis ou lors de ses innombrables voyages à travers l'Europe.

En 2016 et 2018, Sabine Weiss a été honorée par deux expositions au Jeu de Paume Château de Tours et au Musée National d'Art Moderne du Centre Pompidou à Paris, et a reçu le 2020 Women In Motion Award for photography, décerné par Kering, dans le cadre d'une rétrospective très remarquée lors du festival de photographie des Rencontres d'Arles. Suite à l'écho positif et varié, elle a accepté d'ouvrir ses archives personnelles et de rendre accessible au public son œuvre aux multiples facettes.

Sabine Weiss (née Weber) est née en 1924 à Saint-Gingolph en Suisse. Elle a suivi un apprentissage de photographe dans le studio du célèbre photographe Paul Boissonnas à Genève, puis s'est installée à Paris, où elle a assisté le photographe de mode allemand Willy Maywald. À partir de 1949, elle a travaillé comme photographe indépendante. Ses photos ont été publiées entre autres dans les magazines Esquire, Vogue, Paris Match, Life et Time. En 1952, elle a rejoint l'agence Rapho. Weiss a réalisé plus de 170 expositions individuelles et a été représentée avec ses photographies dans plus de 80 expositions de groupe, notamment dans la célèbre exposition The Family of Man d'Edward Steichen au Museum of Modern Art de New York. Son héritage est géré par Photo Elysée à Lausanne et comprend environ 160 000 négatifs, 7 000 planches contact, 8 000 tirages, 46 000 diapositives et divers matériels de documentation.

La commissaire de l'exposition est l'historienne de la photographie Virginie Chardin. L'exposition est organisée par f³ - freiraum für fotografie, produite par Sabine Weiss Studio et Photo Elysée, avec le soutien du Jeu de Paume, des Rencontres d'Arles et de Women In Motion, un programme de Kering visant à promouvoir les femmes dans les arts et la culture.

Venedig, Italien, 1950 © Sabine Weiss, Collections Photo Elysée, Lausanne

Sabine Weiss è una delle più importanti rappresentanti della fotografia umanista francese del XX secolo. La sua carriera abbraccia più di sette decenni. La fotografia umanista, che combina essenzialmente la filosofia dell'Illuminismo con la pratica del documentario sociale, è emersa dopo la Seconda Guerra Mondiale. Fotografi come Robert Doisneau, Willy Ronis e Brassaï ne furono famosi rappresentanti. Che si tratti di reportage, illustrazioni, moda, pubblicità, ritratti di artisti o opere personali: Sabine Weiss vedeva tutti i settori della fotografia come una sfida, come un pretesto per incontri e viaggi, come un mezzo per vivere ed esprimersi.

La mostra Sabine Weiss. A Photographer's Life, a cui l'autrice ha lavorato fino alla sua morte, racconta questa passione di una vita e illumina i punti focali di un'opera che si è sviluppata intorno alla condizione umana. Utilizzando stampe originali, documenti d'archivio e filmati, l'autrice dipinge il ritratto di una fotografa animata da un'insaziabile curiosità per le altre persone, sia in Francia, dove si stabilì nel 1946, sia negli Stati Uniti o nei suoi innumerevoli viaggi in tutta Europa.

Nel 2016 e nel 2018, Sabine Weiss è stata premiata con due mostre al Jeu de Paume Château de Tours e al Musée National d'Art Moderne del Centre Pompidou di Parigi, nonché con il premio Women In Motion 2020 per la fotografia, presentato da Kering, nell'ambito di un'acclamata retrospettiva al festival fotografico Rencontres d'Arles. A causa della risposta positiva e diversificata, l'artista ha accettato di aprire il suo archivio personale e di rendere accessibile al pubblico il suo lavoro stratificato.

Sabine Weiss (nata Weber) è nata nel 1924 a Saint-Gingolph, in Svizzera. Ha svolto un apprendistato come fotografa nello studio del celebre fotografo Paul Boissonnas a Ginevra e si è poi stabilita a Parigi, dove ha assistito il fotografo di moda tedesco Willy Maywald. Dal 1949 lavora come fotografa freelance. Le sue fotografie sono state pubblicate, tra l'altro, sulle riviste Esquire, Vogue, Paris Match, Life e Time. Nel 1952 entra a far parte dell'agenzia Rapho. Weiss ha realizzato oltre 170 mostre personali ed è stata rappresentata con le sue fotografie in più di 80 mostre collettive, tra cui la famosa mostra di Edward Steichen The Family of Man al Museum of Modern Art di New York. Il suo patrimonio è gestito dal Photo Elysée di Losanna e comprende circa 160.000 negativi, 7.000 fogli a contatto, 8.000 stampe, 46.000 diapositive e vario materiale documentario.

La mostra è curata dalla storica della fotografia Virginie Chardin. La mostra è organizzata da f³ - freiraum für fotografie, prodotta da Sabine Weiss Studio e Photo Elysée, con il sostegno di Jeu de Paume, Les Rencontres d'Arles e Women In Motion, un programma di Kering per promuovere le donne nell'arte e nella cultura.

New York, USA, 1955 © Sabine Weiss, Collections Photo Elysée, Lausanne

Sabine Weiss is one of the most important representatives of French humanist photography of the 20th century, with a career spanning more than seven decades. Humanist photography, which essentially combined the philosophy of the Enlightenment with social documentary practice, emerged a‑er the Second World War. Photographers such as Robert Doisneau, Willy Ronis and Brassaï were famous representatives. Whether reportage, illustrations, fashion, advertising, portraits of artists or personal works: Sabine Weiss saw all areas of photography as a challenge, as a pretext for encounters and travel, as a means of living and self-expression.

The exhibition Sabine Weiss. A Photographer's Life, which the author worked on until her death, tells of this lifelong passion and sheds light on the focal points of a body of work that develops around the human condition. Using original prints, archive documents and films, the exhibition paints a portrait of a photographer who was driven by an insatiable curiosity about other people, whether in France, where she settled in 1946, in the USA or on her countless travels throughout Europe. In 2016 and 2018, Sabine Weiss was honored with two exhibitions at the Jeu de Paume Château de Tours and the Musée National d'Art Moderne at the Centre Pompidou in Paris. She was the winner of the 2020 Women In Motion Award for photography, presented to her by Kering and the Rencontres d'Arles, which was followed by a highly acclaimed retrospective as part of the photography festival in Arles, in 2021. Due to the diverse and positive response, she agreed to open her personal archive and make her multi-layered work accessible to the public.

Sabine Weiss (née Weber) was born in Saint-Gingolph, Switzerland, in 1924. She completed an apprenticeship as a photographer in the studio of the renowned photographer Paul Boissonnas in Geneva and then settled in Paris, where she assisted the German fashion photographer Willy Maywald.

From 1949, she worked as a freelance photographer. Her photographs were published in Esquire, Vogue, Paris Match, Life and Time magazines, among others. In 1952 she joined the Rapho agency. Weiss realized over 170 solo exhibitions and was represented with her photographs in more than 80 group exhibitions, including Edward Steichen's famous exhibition ­e Family of Man at the Museum of Modern Art in New York. Her estate is managed by Photo Elysée in Lausanne and comprises around 160,000 negatives, 7,000 contact sheets, 8,000 prints, 46,000 slides and various documentary materials.

The exhibition is curated by photo historian Virginie Chardin, organized by f³ – freiraum für fotografie, produced by Sabine Weiss Studio and Photo Elysée, with the support of Jeu de Paume, Les Rencontres d'Arles and Women In Motion, a Kering program to shine a light on women in the arts and culture.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

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Sabine Weiss. A Photographer's Life | f³ – freiraum für fotografie | Berlin
Sept.
5
7:00 PM19:00
Vernissage, Berlin, Deutschland

Sabine Weiss. A Photographer's Life | f³ – freiraum für fotografie | Berlin

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
5. September 2024

Sabine Weiss. A Photographer's Life

New York, USA, 1955 © Sabine Weiss, Collections Photo Elysée, Lausanne

Sabine Weiss gehört zu den wichtigsten Repräsentant*innen der französischen humanistischen Fotografie des 20. Jahrhunderts. Ihre Karriere umspannt mehr als sieben Jahrzehnte. Die humanistische Fotografie, welche im Kern die Philosophie der Aufklärung mit sozialdokumentarischer Praxis verband, entstand nach dem Zweiten Weltkrieg. Fotografen wie Robert Doisneau, Willy Ronis und Brassaï waren berühmte Vertreter. Ob Reportage, Illustrationen, Mode, Werbung, Künstler*innenporträts oder persönliche Arbeiten: Sabine Weiss sah alle Bereiche der Fotografie als Herausforderung an, als Vorwand für Begegnungen und Reisen, als Mittel zum Leben und als Selbstausdruck.

Die Ausstellung Sabine Weiss. A Photographer's Life, an der die Autorin bis zu ihrem Tod mitgewirkt hat, berichtet von dieser lebenslangen Leidenschaft und beleuchtet die Schwerpunkte eines Werks, das sich rund um das menschliche Sein entwickelt. Anhand von Originalabzügen, Archivdokumenten und Filmen zeichnet sie das Porträt einer Fotografin, die von einer unstillbaren Neugier auf andere Menschen angetrieben wurde, sei es in Frankreich, wo sie sich 1946 niederließ, in den USA oder auf ihren unzähligen Reisen durch ganz Europa.

Im Jahr 2016 und 2018 wurde Sabine Weiss durch zwei Ausstellungen im Jeu de Paume Château de Tours und im Musée National d'Art Moderne im Centre Pompidou in Paris geehrt sowie im Rahmen einer vielbeachteten Retrospektive bei dem Fotofestival Rencontres d'Arles mit dem 2020 Women In Motion Award for photography, verliehen von Kering, ausgezeichnet. Aufgrund der vielfältigen und positiven Resonanz erklärte sie sich bereit ihr persönliches Archiv zu öffnen und ihr vielschichtiges Werk der Öffentlichkeit zugänglich zu machen.

Sabine Weiss (geb. Weber) wurde 1924 in Saint-Gingolph in der Schweiz geboren. Sie absolvierte eine Lehre als Fotografin im Studio des renommierten Fotografen Paul Boissonnas in Genf und ließ sich anschließend in Paris nieder, wo sie dem deutschen Modefotografen Willy Maywald assistierte. Ab 1949 arbeitete sie als freischaffende Fotografin. Ihre Aufnahmen wurden unter anderem in den Zeitschriften Esquire, Vogue, Paris Match, Life und Time publiziert. 1952 trat sie der Agentur Rapho bei. Weiss realisierte über 170 Einzelausstellungen und war mit ihren Fotografien in mehr als 80 Gruppenausstellungen vertreten, u.a. in Edward Steichens berühmter Ausstellungen The Family of Man im Museum of Modern Art in New York. Ihr Nachlass wird vom Photo Elysée in Lausanne betreut und umfasst rund 160.000 Negative, 7.000 Kontaktbögen, 8.000 Prints, 46.000 Diapositive und diverses Dokumentationsmaterial.

Kuratorin der Ausstellung ist die Fotohistorikerin Virginie Chardin. Die Ausstellung wird organisiert von f³ – freiraum für fotografie, produziert von Sabine Weiss Studio und Photo Elysée, mit der Unterstützung von Jeu de Paume, Les Rencontres d’Arles und Women In Motion, einem Programm von Kering zur Förderung von Frauen in Kunst und Kultur.

Rue des Terres au Curé, Paris, Frankreich, 1954 © Sabine Weiss, Collections Photo Elysée, Lausanne

Sabine Weiss est l'une des plus importantes représentantes* de la photographie humaniste française du 20e siècle. Sa carrière s'étend sur plus de sept décennies. La photographie humaniste, qui allie la philosophie des Lumières et la pratique du documentaire social, est née après la Seconde Guerre mondiale. Des photographes comme Robert Doisneau, Willy Ronis et Brassaï en furent de célèbres représentants. Qu'il s'agisse de reportages, d'illustrations, de mode, de publicité, de portraits d'artistes* ou de travaux personnels : Sabine Weiss considérait tous les domaines de la photographie comme un défi, un prétexte aux rencontres et aux voyages, un moyen de vivre et de s'exprimer.

L'exposition Sabine Weiss. A Photographer's Life, à laquelle l'auteur a collaboré jusqu'à sa mort, rend compte de cette passion de toujours et met en lumière les points forts d'une œuvre qui se développe autour de l'être humain. À travers des tirages originaux, des documents d'archives et des films, elle dresse le portrait d'une photographe animée par une insatiable curiosité pour les autres, que ce soit en France, où elle s'est installée en 1946, aux États-Unis ou lors de ses innombrables voyages à travers l'Europe.

En 2016 et 2018, Sabine Weiss a été honorée par deux expositions au Jeu de Paume Château de Tours et au Musée National d'Art Moderne du Centre Pompidou à Paris, et a reçu le 2020 Women In Motion Award for photography, décerné par Kering, dans le cadre d'une rétrospective très remarquée lors du festival de photographie des Rencontres d'Arles. Suite à l'écho positif et varié, elle a accepté d'ouvrir ses archives personnelles et de rendre accessible au public son œuvre aux multiples facettes.

Sabine Weiss (née Weber) est née en 1924 à Saint-Gingolph en Suisse. Elle a suivi un apprentissage de photographe dans le studio du célèbre photographe Paul Boissonnas à Genève, puis s'est installée à Paris, où elle a assisté le photographe de mode allemand Willy Maywald. À partir de 1949, elle a travaillé comme photographe indépendante. Ses photos ont été publiées entre autres dans les magazines Esquire, Vogue, Paris Match, Life et Time. En 1952, elle a rejoint l'agence Rapho. Weiss a réalisé plus de 170 expositions individuelles et a été représentée avec ses photographies dans plus de 80 expositions de groupe, notamment dans la célèbre exposition The Family of Man d'Edward Steichen au Museum of Modern Art de New York. Son héritage est géré par Photo Elysée à Lausanne et comprend environ 160 000 négatifs, 7 000 planches contact, 8 000 tirages, 46 000 diapositives et divers matériels de documentation.

La commissaire de l'exposition est l'historienne de la photographie Virginie Chardin. L'exposition est organisée par f³ - freiraum für fotografie, produite par Sabine Weiss Studio et Photo Elysée, avec le soutien du Jeu de Paume, des Rencontres d'Arles et de Women In Motion, un programme de Kering visant à promouvoir les femmes dans les arts et la culture.

Venedig, Italien, 1950 © Sabine Weiss, Collections Photo Elysée, Lausanne

Sabine Weiss è una delle più importanti rappresentanti della fotografia umanista francese del XX secolo. La sua carriera abbraccia più di sette decenni. La fotografia umanista, che combina essenzialmente la filosofia dell'Illuminismo con la pratica del documentario sociale, è emersa dopo la Seconda Guerra Mondiale. Fotografi come Robert Doisneau, Willy Ronis e Brassaï ne furono famosi rappresentanti. Che si tratti di reportage, illustrazioni, moda, pubblicità, ritratti di artisti o opere personali: Sabine Weiss vedeva tutti i settori della fotografia come una sfida, come un pretesto per incontri e viaggi, come un mezzo per vivere ed esprimersi.

La mostra Sabine Weiss. A Photographer's Life, a cui l'autrice ha lavorato fino alla sua morte, racconta questa passione di una vita e illumina i punti focali di un'opera che si è sviluppata intorno alla condizione umana. Utilizzando stampe originali, documenti d'archivio e filmati, l'autrice dipinge il ritratto di una fotografa animata da un'insaziabile curiosità per le altre persone, sia in Francia, dove si stabilì nel 1946, sia negli Stati Uniti o nei suoi innumerevoli viaggi in tutta Europa.

Nel 2016 e nel 2018, Sabine Weiss è stata premiata con due mostre al Jeu de Paume Château de Tours e al Musée National d'Art Moderne del Centre Pompidou di Parigi, nonché con il premio Women In Motion 2020 per la fotografia, presentato da Kering, nell'ambito di un'acclamata retrospettiva al festival fotografico Rencontres d'Arles. A causa della risposta positiva e diversificata, l'artista ha accettato di aprire il suo archivio personale e di rendere accessibile al pubblico il suo lavoro stratificato.

Sabine Weiss (nata Weber) è nata nel 1924 a Saint-Gingolph, in Svizzera. Ha svolto un apprendistato come fotografa nello studio del celebre fotografo Paul Boissonnas a Ginevra e si è poi stabilita a Parigi, dove ha assistito il fotografo di moda tedesco Willy Maywald. Dal 1949 lavora come fotografa freelance. Le sue fotografie sono state pubblicate, tra l'altro, sulle riviste Esquire, Vogue, Paris Match, Life e Time. Nel 1952 entra a far parte dell'agenzia Rapho. Weiss ha realizzato oltre 170 mostre personali ed è stata rappresentata con le sue fotografie in più di 80 mostre collettive, tra cui la famosa mostra di Edward Steichen The Family of Man al Museum of Modern Art di New York. Il suo patrimonio è gestito dal Photo Elysée di Losanna e comprende circa 160.000 negativi, 7.000 fogli a contatto, 8.000 stampe, 46.000 diapositive e vario materiale documentario.

La mostra è curata dalla storica della fotografia Virginie Chardin. La mostra è organizzata da f³ - freiraum für fotografie, prodotta da Sabine Weiss Studio e Photo Elysée, con il sostegno di Jeu de Paume, Les Rencontres d'Arles e Women In Motion, un programma di Kering per promuovere le donne nell'arte e nella cultura.

New York, USA, 1955 © Sabine Weiss, Collections Photo Elysée, Lausanne

Sabine Weiss is one of the most important representatives of French humanist photography of the 20th century, with a career spanning more than seven decades. Humanist photography, which essentially combined the philosophy of the Enlightenment with social documentary practice, emerged a‑er the Second World War. Photographers such as Robert Doisneau, Willy Ronis and Brassaï were famous representatives. Whether reportage, illustrations, fashion, advertising, portraits of artists or personal works: Sabine Weiss saw all areas of photography as a challenge, as a pretext for encounters and travel, as a means of living and self-expression.

The exhibition Sabine Weiss. A Photographer's Life, which the author worked on until her death, tells of this lifelong passion and sheds light on the focal points of a body of work that develops around the human condition. Using original prints, archive documents and films, the exhibition paints a portrait of a photographer who was driven by an insatiable curiosity about other people, whether in France, where she settled in 1946, in the USA or on her countless travels throughout Europe. In 2016 and 2018, Sabine Weiss was honored with two exhibitions at the Jeu de Paume Château de Tours and the Musée National d'Art Moderne at the Centre Pompidou in Paris. She was the winner of the 2020 Women In Motion Award for photography, presented to her by Kering and the Rencontres d'Arles, which was followed by a highly acclaimed retrospective as part of the photography festival in Arles, in 2021. Due to the diverse and positive response, she agreed to open her personal archive and make her multi-layered work accessible to the public.

Sabine Weiss (née Weber) was born in Saint-Gingolph, Switzerland, in 1924. She completed an apprenticeship as a photographer in the studio of the renowned photographer Paul Boissonnas in Geneva and then settled in Paris, where she assisted the German fashion photographer Willy Maywald.

From 1949, she worked as a freelance photographer. Her photographs were published in Esquire, Vogue, Paris Match, Life and Time magazines, among others. In 1952 she joined the Rapho agency. Weiss realized over 170 solo exhibitions and was represented with her photographs in more than 80 group exhibitions, including Edward Steichen's famous exhibition ­e Family of Man at the Museum of Modern Art in New York. Her estate is managed by Photo Elysée in Lausanne and comprises around 160,000 negatives, 7,000 contact sheets, 8,000 prints, 46,000 slides and various documentary materials.

The exhibition is curated by photo historian Virginie Chardin, organized by f³ – freiraum für fotografie, produced by Sabine Weiss Studio and Photo Elysée, with the support of Jeu de Paume, Les Rencontres d'Arles and Women In Motion, a Kering program to shine a light on women in the arts and culture.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

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Hans Feurer | CAMERA WORK | Berlin
Aug.
24
bis 19. Sept.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Hans Feurer | CAMERA WORK | Berlin

CAMERA WORK | Berlin
24. August – 19. September 2024

Retrospektive
Hans Feurer

Nova Magazine, 1969 © Hans Feurer, CAMERA WORK Gallery

Hans Feurers avantgardistischen Ansätze und die innovative Nutzung von Licht und Komposition haben die Entwicklung der Modefotografie seit den 1960er Jahren nachhaltig geprägt. Seine Arbeiten sind sowohl ästhetisch ansprechend als auch erzählerisch kraftvoll und geben den Zeitgeist verschiedener Epochen wieder; dabei veranschaulichen sie Geschichten von Kultur und Wandel. Hans Feurer bezeichnete sich als Feminist, der freie und selbstständige Frauen schätzte. Seine Modelle porträtierte er gerne als Kämpferinnen – unter ihnen Christy Turlington, Claudia Schiffer, Grace Jones, Linda Evangelista, Lui Wen, Jean Shrimpton, Uschi Obermaier und Iman, die 1983, im Rahmen eines Fotoshootings mit Hans Feurer für das Modelabel Kenzo, vollends weltberühmt wurde.

Farben und ausdrucksstarke Kontraste dominieren die Werke Feurers, ebenso Licht. Außerhalb des Studios arbeitete der Künstler ausschließlich mit natürlicher Beleuchtung – vorzugsweise mit dem Licht am frühen Morgen, bei Sonnenuntergang oder nachts auch nur mit dem Schein einer Straßenlaterne. Hans Feurer hat so eine Bildsprache entwickelt, die kulturelle Trends zulässt, dabei jedoch unverwechselbar bleibt.

Newlook Magazine, 1983 © Hans Feurer, CAMERA WORK Gallery

L'approche avant-gardiste de Hans Feurer et son utilisation innovante de la lumière et de la composition ont profondément influencé le développement de la photographie de mode depuis les années 1960. Son travail est à la fois esthétiquement séduisant et narrativement puissant, reflétant l'esprit du temps de différentes époques ; ce faisant, il illustre des histoires de culture et de changement. Hans Feurer se définissait comme un féministe qui appréciait les femmes libres et indépendantes. Il aimait faire le portrait de ses modèles en tant que combattantes, parmi lesquelles Christy Turlington, Claudia Schiffer, Grace Jones, Linda Evangelista, Lui Wen, Jean Shrimpton, Uschi Obermaier et Iman, qui est devenue célèbre dans le monde entier en 1983, lors d'une séance photo avec Hans Feurer pour la marque de mode Kenzo.

Les couleurs et les contrastes expressifs dominent les œuvres de Feurer, tout comme la lumière. En dehors du studio, l'artiste travaillait exclusivement avec l'éclairage naturel - de préférence avec la lumière du petit matin, au coucher du soleil ou la nuit, même avec la simple lueur d'un réverbère. Hans Feurer a ainsi développé un langage visuel qui s'accommode des tendances culturelles, tout en restant unique.

Yamila, Elle France, Harbour Island, Bahamas, 1996 © Hans Feurer, CAMERA WORK Gallery

L'approccio avanguardista di Hans Feurer e l'uso innovativo della luce e della composizione hanno avuto un'influenza duratura sullo sviluppo della fotografia di moda a partire dagli anni '60. Le sue opere sono sia esteticamente piacevoli che narrativamente potenti. Le sue opere sono sia esteticamente piacevoli che narrativamente potenti, riflettono lo zeitgeist di diverse epoche e illustrano storie di cultura e cambiamento. Hans Feurer si descriveva come un femminista che apprezzava le donne libere e indipendenti. Gli piaceva ritrarre le sue modelle come combattenti - tra cui Christy Turlington, Claudia Schiffer, Grace Jones, Linda Evangelista, Lui Wen, Jean Shrimpton, Uschi Obermaier e Iman, che divenne famosa in tutto il mondo nel 1983 durante un servizio fotografico con Hans Feurer per il marchio di moda Kenzo.

I colori e i contrasti espressivi dominano le opere di Feurer, così come la luce. Fuori dallo studio, l'artista lavora esclusivamente con l'illuminazione naturale - preferibilmente con la luce del primo mattino, al tramonto o di notte con il solo bagliore di un lampione. Hans Feurer ha così sviluppato un linguaggio visivo che tiene conto delle tendenze culturali, pur rimanendo inconfondibile.

Queen Magazine, London, 1968 © Hans Feurer, CAMERA WORK Gallery

Hans Feurer's avant-garde approach and innovative use of light and composition have had a lasting impact on the development of fashion photography since the 1960s. His work is both aesthetically pleasing and narratively powerful, capturing the Zeitgeist of different eras and illustrating stories of culture and change. Hans Feurer described himself as a feminist who valued free and independent women. He liked to portray his models as fighters — among them Christy Turlington, Claudia Schiffer, Grace Jones, Linda Evangelista, Lui Wen, Jean Shrimpton, Uschi Obermaier, and Iman, who became world-famous in 1983 during a photo shoot with Hans Feurer for the fashion label Kenzo.

Colors and expressive contrasts dominate Feurer's works, as does light. Outside the studio, the artist worked exclusively with natural lighting — preferably with the light in the early morning, at sunset or at night with just the glow of a streetlamp. Hans Feurer thus developed a visual language that allows for cultural trends while remaining unmistakable.

(Text: CAMERA WORK, Berlin)

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Fotografien zwischen Deutschland und Argentinien 1933 -1987 - Annemarie Heinrich | Willy-Brandt-Haus | Berlin
Juli
19
bis 29. Sept.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Fotografien zwischen Deutschland und Argentinien 1933 -1987 - Annemarie Heinrich | Willy-Brandt-Haus | Berlin

Willy-Brandt-Haus | Berlin
19. Juli – 29. September 2024

Fotografien zwischen Deutschland und Argentinien 1933 -1987
Annemarie Heinrich

Bicicletas. Mar del Plata 1970 © Annemarie Heinrich

Erstmals wird in ihrer deutschen Heimat Berlin das Lebenswerk der Fotografin Annemarie Heinrich (1912 – 2005) in einer umfangreichen Einzelausstellung gewürdigt. Anlässlich des 30. Jubiläums der Städtepartnerschaft Berlin – Buenos Aires zeigt der Freundeskreis Willy-Brandt-Haus vom 19. Juli bis 29. September die Ausstellung „Annemarie Heinrich. Fotografien zwischen Deutschland und Argentinien 1933 – 1987“. Auf mehr als 120 Fotos sind neben berühmten Porträts aus der Künstler- und Unterhaltungsszene Argentiniens und einigen Vintage Prints auch klassische abstrakte und sinnbildliche Schwarzweißfotografien, Akte, Selbstporträts, sowie Serien zu Buenos Aires, Ballett und arbeitenden Frauen zu sehen.

Annemarie Heinrich wurde 1912 in Darmstadt geboren, doch die Heimatstadt der Familie war Berlin. Bis sie 14 Jahre alt war, wuchs Annemarie Heinrich in Lichtenberg auf. 1926 entschloss sich die Familie, aus wirtschaftlichen und politischen Gründen Deutschland zu verlassen und zu Verwandten nach Argentinien auszuwandern. Schon mit 19 Jahren eröffnete Annemarie Heinrich dort ihr eigenes kleines Fotostudio und spezialisierte sich später auf Porträtaufnahmen. Ihre Bilder wurden in zahlreichen Illustrierten veröffentlicht und international ausgestellt.

Annemarie Heinrich gehörte zu den Vorreiter:innen in einer Zeit, in der weltweit an mehreren Orten unabhängig voneinander experimentelle fotografische Techniken entstanden. Als Frau näherte sie sich sehr früh der Aktfotografie, die bis dahin den Männern vorbehalten war – in einer stetigen Suche nach Harmonie und Schönheit. Annemarie Heinrichs Werk sticht nicht nur durch ihren besonderen Umgang mit Licht und Schatten heraus. Das von ihr geschaffene Panorama Prominenter aus Literatur, Tanz, Theater, Bildender Kunst und Politik in Argentinien gilt als unschätzbares Lebenswerk und ihre Fotografien als hervorragende Zeitdokumente des vorangegangenen Jahrhunderts.

Renate Schottelius, Ausdruckstänzerin, 1952, Fotosammlung Museo Nacional Bellas Artes MNBA © Annemarie Heinrich

Pour la première fois dans sa ville natale allemande de Berlin, l'œuvre de la photographe Annemarie Heinrich (1912 - 2005) est mise à l'honneur dans une exposition individuelle de grande envergure. A l'occasion du 30ème anniversaire du jumelage Berlin - Buenos Aires, le cercle d'amis Willy-Brandt-Haus présente du 19 juillet au 29 septembre l'exposition "Annemarie Heinrich. Photographies entre l'Allemagne et l'Argentine 1933 - 1987". Sur plus de 120 photos, on peut voir, outre des portraits célèbres de la scène artistique et du monde du spectacle en Argentine et quelques tirages vintage, des photographies classiques abstraites et emblématiques en noir et blanc, des nus, des autoportraits, ainsi que des séries sur Buenos Aires, le ballet et les femmes qui travaillent.

Annemarie Heinrich est née en 1912 à Darmstadt, mais la ville natale de la famille était Berlin. Jusqu'à l'âge de 14 ans, Annemarie Heinrich a grandi à Lichtenberg. En 1926, la famille décida de quitter l'Allemagne pour des raisons économiques et politiques et d'émigrer chez des parents en Argentine. Dès l'âge de 19 ans, Annemarie Heinrich y a ouvert son propre petit studio photo et s'est ensuite spécialisée dans les portraits. Ses visuels ont été publiés dans de nombreux magazines et exposés à l'échelle internationale.

Annemarie Heinrich a été l'une des pionnières d'une époque où des techniques photographiques expérimentales ont vu le jour dans plusieurs endroits du monde, indépendamment les unes des autres. En tant que femme, elle s'est très tôt rapprochée de la photographie de nu, jusque-là réservée aux hommes, dans une recherche constante d'harmonie et de beauté. L'œuvre d'Annemarie Heinrich ne se distingue pas seulement par son traitement particulier de la lumière et de l'ombre. Le panorama qu'elle a dressé des célébrités de la littérature, de la danse, du théâtre, des arts plastiques et de la politique en Argentine est considéré comme l'œuvre inestimable d'une vie et ses photographies comme d'excellents documents d'époque du siècle précédent.

Serie Frauenarbeit, Gewürzhändlerin,  Santiago del Estero, 1956 © Annemarie Heinrich

Per la prima volta, l'opera della fotografa Annemarie Heinrich (1912 - 2005) viene omaggiata con una mostra personale completa nella sua città natale, Berlino. In occasione del 30° anniversario del partenariato tra Berlino e Buenos Aires, la Freundeskreis Willy-Brandt-Haus presenta la mostra "Annemarie Heinrich. Fotografie tra Germania e Argentina 1933-1987". Oltre a famosi ritratti della scena artistica e dello spettacolo argentina e ad alcune stampe d'epoca, le oltre 120 fotografie comprendono classici astratti e simbolici in bianco e nero, nudi, autoritratti e serie su Buenos Aires, il balletto e le donne che lavorano.

Annemarie Heinrich è nata a Darmstadt nel 1912, ma la città natale della sua famiglia era Berlino. Fino all'età di 14 anni, Annemarie Heinrich è cresciuta a Lichtenberg. Nel 1926, la famiglia decise di lasciare la Germania per motivi economici e politici e di emigrare dai parenti in Argentina. All'età di 19 anni, Annemarie Heinrich apre un piccolo studio fotografico e in seguito si specializza nella fotografia di ritratto. Le sue immagini sono state pubblicate in numerose riviste ed esposte a livello internazionale.

Annemarie Heinrich è stata una delle pioniere in un periodo in cui le tecniche fotografiche sperimentali venivano sviluppate in modo indipendente in diversi luoghi del mondo. Come donna, si è avvicinata molto presto alla fotografia di nudo, fino ad allora riservata agli uomini, in una costante ricerca di armonia e bellezza. Il lavoro di Annemarie Heinrich si distingue non solo per la sua particolare gestione di luci e ombre. Il panorama che ha creato delle celebrità della letteratura, della danza, del teatro, delle arti visive e della politica argentina è considerato come un inestimabile lavoro di una vita e le sue fotografie come eccezionali documenti contemporanei del secolo scorso.

Veraneando en la Ciudad, Übersommern in der Stadt, 1959 © Annemarie Heinrich

For the first time, the life's work of photographer Annemarie Heinrich (1912 - 2005) is being honored in her German home city of Berlin in a comprehensive solo exhibition. On the occasion of the 30th anniversary of the city partnership between Berlin and Buenos Aires, the Freundeskreis Willy-Brandt-Haus is showing the exhibition "Annemarie Heinrich. Photographs between Germany and Argentina 1933 - 1987". In addition to famous portraits from Argentina's art and entertainment scene and some vintage prints, more than 120 photographs include classic abstract and symbolic black and white photographs, nudes, self-portraits and series on Buenos Aires, ballet and working women.

Annemarie Heinrich was born in Darmstadt in 1912, but her family's home town was Berlin. Until she was 14 years old, Annemarie Heinrich grew up in Lichtenberg. In 1926, the family decided to leave Germany for economic and political reasons and emigrate to relatives in Argentina. At the age of 19, Annemarie Heinrich opened her own small photo studio there and later specialized in portrait photography. Her visuals were published in numerous magazines and exhibited internationally.

Annemarie Heinrich was one of the pioneers at a time when experimental photographic techniques were being developed independently in several places around the world. As a woman, she approached nude photography, which until then had been reserved for men, very early on - in a constant search for harmony and beauty. Annemarie Heinrich's work stands out not only because of her special handling of light and shadow. The panorama she created of celebrities from literature, dance, theater, visual arts and politics in Argentina is considered an invaluable life's work and her photographs are outstanding contemporary documents of the previous century.

(Text: Willy-Brandt-Haus, Berlin)

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NICHT SIE ALLEIN – Frauen im Widerstand | Willy-Brandt-Haus | Berlin
Juli
5
bis 8. Sept.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

NICHT SIE ALLEIN – Frauen im Widerstand | Willy-Brandt-Haus | Berlin

Willy-Brandt-Haus | Berlin
5. Juli - 8. September 2024

NICHT SIE ALLEIN – Frauen im Widerstand
Claudia Balsters, Hannah Goldstein

© Claudia Balsters + Hannah Goldstein

Die Künstlerinnen Claudia Balsters und Hannah Goldstein beleuchten in der Ausstellung „NICHT SIE ALLEIN – Frauen im Widerstand“ die Rolle der Frau im Widerstand gegen den Nationalsozialismus. Sie erinnern im Willy-Brandt-Haus insbesondere an die Berliner Widerstandskämpferin Annedore Leber. Sie war die Witwe von Julius Leber, einem von den Nationalsozialisten hingerichteten SPD-Politiker und Widerstandskämpfer, dessen Verhaftung sich am 5. Juli zum 80. Mal jährt.

„Können Archivlücken zum weiblichen Widerstand nicht durch Kunstwerke gefüllt werden?“, fragt Kuratorin Conny Becker und führt aus: „Claudia Balsters und Hannah Goldstein eignen sich vergangene Situationen aus dem Leben von Widerstandskämpferinnen gegen das NS-Regime an und reinszenieren zu wenig bekannte Frauen in einer zeitgenössischen Bildsprache. Es entsteht ein Dialog über die Zeit hinweg, um die gängige Definition des Widerstands zu hinterfragen und das kollektive Gedächtnis egalitärer zu machen.“

Der Hauptfokus der Ausstellung liegt auf den Werken, die die Künstlerinnen zu Ehren der Journalistin, Verlegerin und Politikerin Annedore Leber geschaffen haben. In großformatigen Fotografien und Collagen erinnern Balsters und Goldstein an Situationen aus dem Leben Lebers und ehren zwei Bücher, die Annedore Leber zusammen mit Willy Brandt und Karl Dietrich Bracher über die deutschen Widerstandskämpfer:innen herausgegeben hat.

Die Künstlerinnen stellen Annedore Leber die französische Widerstandskämpferin Yvonne Oddon an die Seite, welche die Widerstandsgruppe des Musée de l'Homme in Paris mitinitiierte, und zeigen mittels inszenierter Fotografie, Collage, Installation und Video Möglichkeiten eines weiblichen Widerstands auf: eine Hommage an alle Frauen, die ohne Waffen in verschiedenen Rollen gekämpft, Verbindungen geknüpft, die Strategie unterstützt und das tägliche Leben gesichert haben.

Die Laufzeit der Ausstellung ist um den 20. Juli herum datiert, so dass parallel zum 80. Jahres-tag des (bekanntesten) Attentats auf Adolf Hitler auch der weibliche Widerstand thematisiert wird. Anders als historische Ausstellungen bietet „NICHT SIE ALLEIN – Frauen im Widerstand“ einen Blick auf die Geschichte durch das Prisma einer zeitgenössischen Bildsprache, mit einer feministischen Perspektive und einer persönlichen, sensiblen Herangehensweise.

© Claudia Balsters + Hannah Goldstein

Les artistes Claudia Balsters et Hannah Goldstein mettent en lumière le rôle des femmes dans la résistance contre le national-socialisme dans l'exposition "NICHT SIE ALLEIN - Frauen im Widerstand". Dans la maison Willy Brandt, vous évoquez en particulier la résistante berlinoise Annedore Leber. Elle était la veuve de Julius Leber, un homme politique du SPD et résistant exécuté par les nationaux-socialistes, dont le 5 juillet marquera le 80e anniversaire de l'arrestation.

"Les lacunes des archives concernant la résistance féminine ne peuvent-elles pas être comblées par des œuvres d'art ?", demande Conny Becker, commissaire de l'exposition, avant de préciser : "Claudia Balsters et Hannah Goldstein s'approprient des situations passées de la vie de résistantes au régime nazi et réintroduisent des femmes trop peu connues dans un langage visuel contemporain. Un dialogue s'instaure à travers le temps pour remettre en question la définition courante de la résistance et rendre la mémoire collective plus égalitaire."

L'exposition se concentre principalement sur les œuvres que les artistes ont créées en hommage à la journaliste, éditrice et femme politique Annedore Leber. Dans des photographies grand format et des collages, Balsters et Goldstein évoquent des situations de la vie de Leber et rendent hommage à deux livres qu'Annedore Leber a publiés avec Willy Brandt et Karl Dietrich Bracher sur les résistants allemands.

Les artistes transmettent à Annedore Leber la résistante française Yvonne Oddon, qui fut l'une des initiatrices du groupe de résistance du Musée de l'Homme à Paris, et montrent, par le biais de la photographie mise en scène, du collage, de l'installation et de la vidéo, les possibilités d'une résistance féminine : un hommage à toutes les femmes qui, sans armes, ont combattu dans différents rôles, ont tissé des liens, ont soutenu la stratégie et ont assuré la vie quotidienne.

La durée de l'exposition est datée autour du 20 juillet, de sorte que parallèlement au 80e anniversaire de l'attentat (le plus connu) contre Adolf Hitler, la résistance féminine est également thématisée. Contrairement aux expositions historiques, "PAS ELLE SEULE - Les femmes dans la résistance" propose un regard sur l'histoire à travers le prisme d'une imagerie contemporaine, avec une perspective féministe et une approche personnelle et sensible.

Dear Annedore (Haarnadel), 2021, © Claudia Balsters + Hannah Goldstein

Nella mostra "NOT YOU ALONE - Women in the Resistance", le artiste Claudia Balsters e Hannah Goldstein fanno luce sul ruolo delle donne nella resistenza contro il nazionalsocialismo. Alla Casa Willy Brandt ricordano in particolare la combattente della resistenza berlinese Annedore Leber. Era la vedova di Julius Leber, un politico della SPD e combattente della resistenza che fu giustiziato dai nazionalsocialisti e il cui arresto sarà commemorato per l'ottantesima volta il 5 luglio.

"Le lacune nell'archivio sulla resistenza femminile non possono essere colmate da opere d'arte?", si chiede la curatrice Conny Becker, spiegando: "Claudia Balsters e Hannah Goldstein si appropriano di situazioni passate della vita delle donne che hanno combattuto la resistenza contro il regime nazista e ripropongono donne poco conosciute in un linguaggio visivo contemporaneo. Il risultato è un dialogo attraverso il tempo per mettere in discussione la definizione comune di resistenza e rendere la memoria collettiva più egualitaria".

La mostra è incentrata sulle opere che gli artisti hanno realizzato in onore della giornalista, editrice e politica Annedore Leber. Con fotografie e collage di grande formato, Balsters e Goldstein rievocano situazioni della vita di Leber e onorano due libri che Annedore Leber pubblicò insieme a Willy Brandt e Karl Dietrich Bracher sui combattenti della resistenza tedesca.

Gli artisti affiancano Annedore Leber alla resistente francese Yvonne Oddon, che ha co-iniziato il gruppo di resistenza al Musée de l'Homme di Parigi, e utilizzano la fotografia di scena, il collage, l'installazione e il video per mostrare le possibilità della resistenza femminile: un omaggio a tutte le donne che hanno combattuto senza armi in vari ruoli, hanno creato connessioni, sostenuto la strategia e assicurato la vita quotidiana.

La durata della mostra è datata intorno al 20 luglio, in modo che la resistenza femminile sia affrontata anche in parallelo con l'80° anniversario del (più famoso) attentato ad Adolf Hitler. A differenza delle mostre storiche, "NOT YOU ALONE - Women in the Resistance" offre una visione della storia attraverso il prisma di un linguaggio visivo contemporaneo, con una prospettiva femminista e un approccio individuale e sensibile.

Frauen aus «Das Gewissen steht auf» und «Das Gewissen entscheidet» © Claudia Balsters + Hannah Goldstein

In the exhibition "NOT YOU ALONE - Women in the Resistance", artists Claudia Balsters and Hannah Goldstein shed light on the role of women in the resistance against National Socialism. At the Willy Brandt House, they are remembering the Berlin resistance fighter Annedore Leber in particular. She was the widow of Julius Leber, an SPD politician and resistance fighter who was executed by the National Socialists and whose arrest will be commemorated for the 80th time on July 5.

"Can't gaps in the archive on female resistance be filled by works of art?" asks curator Conny Becker, explaining: "Claudia Balsters and Hannah Goldstein appropriate past situations from the lives of female resistance fighters against the Nazi regime and restage little-known women in a contemporary visual language. The result is a dialog across time to question the common definition of resistance and make the collective memory more egalitarian."

The main focus of the exhibition is on the works that the artists have created in honor of the journalist, publisher and politician Annedore Leber. In large-format photographs and collages, Balsters and Goldstein recall situations from Leber's life and honor two books that Annedore Leber published together with Willy Brandt and Karl Dietrich Bracher about the German resistance fighters.

The artists place Annedore Leber alongside the French resistance fighter Yvonne Oddon, who co-initiated the resistance group at the Musée de l'Homme in Paris, and use staged photography, collage, installation and video to show the possibilities of female resistance: a tribute to all women who fought without weapons in various roles, forged connections, supported the strategy and ensured the daily life of course.

The duration of the exhibition is dated around July 20, so that female resistance is also addressed in parallel with the 80th anniversary of the (most famous) assassination attempt on Adolf Hitler. Unlike historical exhibitions, "NOT YOU ALONE - Women in the Resistance" offers a view of history through the prism of a contemporary visual language, with a feminist perspective and a personal, sensitive approach.

(Text: Willy-Brandt-Haus, Berlin)

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Robert Mapplethorpe: Behold the Lowly Vessel | Galerie Thomas Schulte | Berlin
Juni
29
bis 24. Aug.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

Robert Mapplethorpe: Behold the Lowly Vessel | Galerie Thomas Schulte | Berlin

Galerie Thomas Schulte | Berlin
29. Juni – 24. August 2024

Robert Mapplethorpe: Behold the Lowly Vessel

Orchid, 1987, Silver gelatin print © The Robert Mapplethorpe Foundation, used with permission

Während Robert Mapplethorpes Fotografien von Blumen allgemein bekannt sind, wird die Rolle der Objekte, die oft in seinen sorgfältig konstruierten Kompositionen auftauchen, weniger beachtet. Die Vasen und Schalen in diesen Stillleben, die häufig aus der Sammlung des Künstlers stammten, zeugen von einer tiefen Wertschätzung für Design – und spiegeln den sicheren Blick und Freude an klassischen Formen wider, die in Mapplethorpes fotografischem Werk zum Ausdruck kommen.

Diese Verbindung bildet den Ausgangspunkt der Ausstellung „Behold the Lowly Vessel“ in der Galerie Thomas Schulte. Die einfühlsame Inszenierung von Mapplethorpes sinnlichen, meist schwarz-weißen Fotografien mit einer Sammlung von Vasen, die von ihnen inspiriert sind, verfolgt einen besonderen Ansatz. Ein Ansatz, der uns dazu einlädt, die intimen Momente des Austauschs zu entdecken – eine persönliche Reise durch das Werk von Mapplethorpe und die große Resonanz, die es gefunden hat.

R M Glass Collection, 1984, Silver gelatin print © The Robert Mapplethorpe Foundation, used with permission

Si les photographies de fleurs de Robert Mapplethorpe sont généralement connues, le rôle des objets, qui apparaissent souvent dans ses compositions soigneusement construites, est moins remarqué. Les vases et les bols de ces natures mortes, qui provenaient souvent de la collection de l'artiste, témoignent d'une profonde appréciation du design - et reflètent le regard sûr et le plaisir des formes classiques qui s'expriment dans l'œuvre photographique de Mapplethorpe.

Ce lien constitue le point de départ de l'exposition "Behold the Lowly Vessel" à la galerie Thomas Schulte. La mise en scène sensible des photographies sensuelles de Mapplethorpe, pour la plupart en noir et blanc, avec une collection de vases qui s'en inspirent, adopte une approche particulière. Une approche qui nous invite à découvrir les moments intimes de l'échange - un voyage personnel à travers l'œuvre de Mapplethorpe et le grand écho qu'elle a trouvé.

Flower, 1983, Silver gelatin print © The Robert Mapplethorpe Foundation, used with permission

Mentre le fotografie di fiori di Robert Mapplethorpe sono ben note, il ruolo degli oggetti che spesso compaiono nelle sue composizioni accuratamente costruite è meno riconosciuto. I vasi e le ciotole di queste nature morte, molti dei quali provenienti dalla collezione dell'artista, dimostrano un profondo apprezzamento per il design e riflettono l'occhio sicuro e il piacere per le forme classiche espressi nel lavoro fotografico di Mapplethorpe.

Questo legame costituisce il punto di partenza della mostra "Behold the Lowly Vessel" alla Galerie Thomas Schulte. L'allestimento sensibile delle sensuali fotografie di Mapplethorpe, per lo più in bianco e nero, con una collezione di vasi ad esse ispirati, richiede un approccio particolare. Un approccio che ci invita a scoprire i momenti intimi dello scambio - un viaggio personale attraverso l'opera di Mapplethorpe e la grande risonanza che ha trovato.

Poppy, 1982, Silver gelatin print © The Robert Mapplethorpe Foundation, used with permission

While Robert Mapplethorpe's photographs of flowers are widely known, the role of objects, which often appear in his carefully constructed compositions, is less recognized. The vases and bowls in these still lifes, which often came from the artist's collection, demonstrate a deep appreciation of design - reflecting the of course eye and enjoyment of classical forms expressed in Mapplethorpe's photographic work.

This connection forms the starting point for the exhibition "Behold the Lowly Vessel" at Galerie Thomas Schulte. The sensitive staging of Mapplethorpe's sensual, mostly black and white photographs with a collection of vases inspired by them takes a special approach. An approach that invites us to discover the intimate moments of exchange - a personal journey through Mapplethorpe's work and the great resonance it has found.

(Text: Galerie Thomas Schulte, Berlin)

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LIKE A WHIRLWIND – Die Genderplays von Marie Høeg & Bolette Berg | f³ – freiraum für fotografie | Berlin
Juni
14
bis 25. Aug.
Ausstellung, Berlin, Deutschland

LIKE A WHIRLWIND – Die Genderplays von Marie Høeg & Bolette Berg | f³ – freiraum für fotografie | Berlin

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f³ – freiraum für fotografie | Berlin
14. Juni – 25. August 2024

LIKE A WHIRLWIND – Die Genderplays von Marie Høeg & Bolette Berg

Berg & Høeg, Marie Høeg beim Flirten, 1895–1903 © Sammlung des Preus Museums

Die Ausstellung LIKE A WHIRLWIND – Die Genderplays von Marie Høeg & Bolette Berg präsentiert einzigartige Crossdressing-Aufnahmen des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts.

Die Fotografinnen Bolette Berg und Marie Høeg gründeten 1894 das Fotostudio Berg & Høeg in der südnorwegischen Stadt Horten. Das Paar verbrachte sein gesamtes Erwachsenenleben damit, zusammen zu arbeiten und zu leben. Ihre recht konventionellen Portrait- und Landschaftsfotografien veröffentlichten sie als Postkarten. Zu internationalem Ruhm gelangten die Norwegerinnen posthum durch ihre frühen fotografischen Experimente mit Geschlechterrollen, die wohl zurecht als erste so komplexe fotografische Auseinandersetzung mit dem Thema Crossdressing gelten.

Bei der Versteigerung ihres Nachlasses in den 1970er Jahren erwarb der norwegische Sammler Leif Preus die Glasnegative der beiden Fotografinnen. Neben Aufnahmen von Landschaften und Reproduktionen von Kunstwerken befanden sich zwei Kisten, die mit dem Hinweis „privat“ versehen waren und Marie Høeg, Bolette Berg sowie ihre Geschwister und Freund*innen beim Posieren vor der Kamera zeigen. Mit traditioneller Portraitfotografie hatten diese Aufnahmen nichts gemein. Die spielerisch, humorvoll und voller Lebensfreude komponierten Fotografien stellen die Weiblichkeitsideale des 19. und frühen 20. Jahrhunderts sowie die Geschlechterrollen der damaligen Zeit radikal und frech in Frage. Erstaunlich ist die Aktualität der Bildsprache und die visuelle Auseinandersetzung mit dem Thema, die mit zeitgenössischer künstlerischer Praxis vergleichbar ist. Witzig und frisch nehmen die beiden Fotografinnen Stereotype auf und verwandeln sie mithilfe von Requisiten und Kostümen in frivole Fotografien.

Die moderne Herangehensweise der Fotograf*innen zeugt von Selbstbewusstsein, von einer spielerischen Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen Normen; gleichzeitig macht der Nachlass deutlich, dass die Aufnahmen zu ihren Lebzeiten nur für den Privatgebrauch, nicht für die Öffentlichkeit, bestimmt waren. Das fotografische Atelier war der Safe Space, der sichere Ort, an dem sich die Protagonist*innen der Bilder selbstbestimmt präsentieren konnten.

Das Preus Museum, das norwegische Nationalmuseum für Fotografie e, verwaltet den Nachlass von Marie Høeg und Bolette Berg und besitzt die Original-Glasnegative in seiner Sammlung. Die Ausstellung im f³ – freiraum für fotografie zeigt digitale Reproduktionen dieses einzigartigen Materials, das in Deutschland so erstmalig zu sehen sein wird.

Berg & Høeg, Marie Høeg als Junge gekleidet, 1895–1903 © Sammlung des Preus Museums

L'exposition LIKE A WHIRLWIND - Les Genderplays de Marie Høeg & Bolette Berg présente des photos de travestissement uniques de la fin du 19e et du début du 20e siècle.

Les photographes Bolette Berg et Marie Høeg ont fondé en 1894 le studio photo Berg & Høeg dans la ville de Horten, au sud de la Norvège. Le couple a passé toute sa vie d'adulte à travailler et à vivre ensemble. Ils publièrent leurs photographies de portraits et de paysages assez conventionnelles sous forme de cartes postales. Les Norvégiennes ont acquis une renommée internationale à titre posthume grâce à leurs premières expériences photographiques sur les rôles de genre, considérées à juste titre comme la première approche photographique aussi complexe du thème du travestissement.

Lors de la vente aux enchères de leur héritage dans les années 1970, le collectionneur norvégien Leif Preus a acquis les négatifs sur verre des deux photographes. Outre des clichés de paysages et des reproductions d'œuvres d'art, il y avait deux boîtes portant la note "privé" et montrant Marie Høeg, Bolette Berg ainsi que leurs frères et sœurs et leurs amis* posant devant l'objectif. Ces photos n'avaient rien de commun avec la photographie de portrait traditionnelle. Composées de manière ludique, humoristique et pleine de joie de vivre, ces photographies transmettent une remise en question radicale et insolente des idéaux de féminité du 19e et du début du 20e siècle ainsi que des rôles sexuels de l'époque. Ce qui est étonnant, c'est l'actualité du langage visuel et la confrontation visuelle avec le thème, comparable à la pratique artistique contemporaine. Avec humour et fraîcheur, les deux photographes reprennent des stéréotypes et les transforment en photographies frivoles à l'aide d'accessoires et de costumes.

L'approche moderne des photographes* témoigne d'une confiance en soi, d'une confrontation ludique avec les normes sociales ; en même temps, l'héritage montre clairement que les prises de vue n'étaient destinées, de leur vivant, qu'à un usage privé et non public. L'atelier photographique était le safe space, le lieu sûr où les protagonistes* des visuels pouvaient se présenter de manière autodéterminée.

Le Preus Museum, le musée national norvégien de la photographie e, gère l'héritage de Marie Høeg et Bolette Berg et possède les négatifs sur verre originaux dans sa collection. L'exposition au f³ - freiraum für fotografie présente des reproductions numériques de ce matériel unique, qui sera ainsi exposé pour la première fois en Allemagne.

Berg & Høeg, Marie Høeg spielt mit dem Hund Tuss, 1895–1903 © Sammlung des Preus Museums

La mostra LIKE A WHIRLWIND - The Genderplays of Marie Høeg & Bolette Berg presenta fotografie uniche di travestiti della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo.

Le fotografe Bolette Berg e Marie Høeg fondarono lo studio fotografico Berg & Høeg nella città di Horten, nel sud della Norvegia, nel 1894. La coppia trascorse l'intera vita adulta lavorando e vivendo insieme. Pubblicarono le loro fotografie di ritratti e paesaggi piuttosto convenzionali come cartoline. I norvegesi raggiunsero fama internazionale postuma grazie ai loro primi esperimenti fotografici sui ruoli di genere, che sono probabilmente considerati a ragione come la prima esplorazione fotografica così complessa del tema del cross-dressing.

Quando il loro patrimonio fu messo all'asta negli anni Settanta, il collezionista norvegese Leif Preus acquistò i negativi su vetro dei due fotografi. Oltre a fotografie di paesaggi e riproduzioni di opere d'arte, c'erano due scatole etichettate come "private" che mostravano Marie Høeg, Bolette Berg e i loro fratelli e amici in posa davanti alla macchina fotografica. Questi scatti non hanno nulla in comune con la tradizionale fotografia di ritratto. Le fotografie, giocose, umoristiche e gioiosamente composte, mettono radicalmente e sfacciatamente in discussione gli ideali di femminilità del XIX e dell'inizio del XX secolo e i ruoli di genere dell'epoca. L'attualità delle immagini e l'esplorazione visiva del tema, paragonabile alla pratica artistica contemporanea, è sorprendente. I due fotografi riprendono gli stereotipi in modo spiritoso e fresco e li trasformano in fotografie frivole con l'aiuto di oggetti di scena e costumi.

L'approccio moderno dei fotografi testimonia la loro fiducia in se stessi e il confronto giocoso con le norme sociali; allo stesso tempo, la proprietà chiarisce che le fotografie erano destinate solo a un uso privato durante la loro vita, non al pubblico. Lo studio fotografico era lo spazio sicuro, il luogo sicuro in cui i protagonisti delle immagini potevano presentarsi in modo autodeterminato.

Il Preus Museum, il Museo Nazionale Norvegese della Fotografia, gestisce la proprietà di Marie Høeg e Bolette Berg e possiede i negativi originali in vetro della sua collezione. La mostra al f³ - freiraum für fotografie presenta riproduzioni digitali di questo materiale unico, che sarà esposto per la prima volta in Germania.

Berg & Høeg, Bolette und Marie spielen mit Freundinnen, 1895–1903 © Sammlung des Preus Museums

The exhibition LIKE A WHIRLWIND – The Gender Plays by Marie Høeg & Bolette Berg presents unique cross-dressing photographs from the late 19th and early 20th centuries.

The photographers Bolette Berg and Marie Høeg founded the Berg & Høeg photo studio in the southern Norwegian town of Horten in 1894. The couple spent their entire adult lives working and living together. They published their fairly conventional portrait and landscape photographs as postcards. The Norwegians achieved international fame posthumously through their early photographic experiments with gender roles, which are probably rightly regarded as the first such complex photographic examination of the subject of cross-dressing.

When their estate was auctioned off in the 1970s, the Norwegian collector Leif Preus acquired the glass negatives of the two photographers. In addition to photographs of landscapes and reproductions of artworks, there were two boxes labeled "private" showing Marie Høeg, Bolette Berg and their siblings and friends posing in front of the camera. These shots had nothing in common with traditional portrait photography. Playful, humorous and full of joie de vivre, the photographs radically and cheekily question the ideals of femininity of the 19th and early 20th centuries as well as the gender roles of the time. The topicality of the imagery and the visual exploration of the theme, which is comparable to contemporary artistic practice, is astonishing. The two photographers take up stereotypes in a witty and fresh way and transform them into frivolous photographs with the help of props and costumes.

The modern approach of the photographers testifies to their self-confidence and a playful examination of social norms; at the same time, the estate makes it clear that the photographs were only intended for private use during their lifetime, not for the public. The photographic studio was the safe space, where the protagonists of the pictures could present themselves in a self-determined manner.

Th e Preus Museum, the Norwegian National Museum of Photography, manages the estate of Marie Høeg and Bolette Berg and owns the original glass negatives in its collection. Th e exhibition at f³ – freiraum für fotografie shows digital reproductions of this unique material, which will be on display in Germany for the first time.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

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