Reiss-Engelhorn-Museen | Mannheim
22. September 2024 – 27. April 2025

SACHLICH NEU - Fotografien von August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser

2025 jährt sich die legendäre Mannheimer Ausstellung „Die Neue Sachlichkeit“ zum 100. Mal. Aus diesem Anlass präsentieren die Reiss-Engelhorn-Museen mit dem Forum Internationale Photographie die Sonderausstellung „SACHLICH NEU. Fotografien von August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser“.

Als wichtigste Fotografen der Neuen Sachlichkeit gelten August Sander (1876 – 1964) und Albert Renger-Patzsch (1897 – 1966). Erstmalig bringt die Schau ihre Inkunabeln der 1920er- und 30er Jahre in einen spannenden Dialog mit Foto-Ikonen des renommierten Fotografen Robert Häusser (1924 – 2013).

Häussers Arbeiten im Stile des „Magischen Realismus“ und der „Subjektiven Fotografie“ treten dabei in eine faszinierende Korrespondenzen mit den neusachlichen Meisterwerken. Der Fokus der Ausstellung liegt auf den Themen „Porträt und Menschendarstellungen“, „Industrie und Menschen bei der Arbeit“ sowie „Landschaftsräume“. Die ausgewählten Arbeiten reflektieren die Umbruchszeit zwischen Fortschrittsglauben und -skepsis nach den beiden Weltkriegen, die Zäsur und den Neuanfang sowie die Brüchigkeit unseres Seins in seiner Schönheit und Abgründigkeit.

„SACHLICH NEU“ ist ein Beitrag zum Jubiläumsjahr „Neue Sachlichkeit“ und flankiert eine große Sonderausstellung in der Kunsthalle Mannheim. Zugleich feiern die Reiss-Engelhorn-Museen den 100. Geburtstag von Robert Häusser.

2025 marquera le 100e anniversaire de la légendaire exposition de Mannheim « Die Neue Sachlichkeit ». A cette occasion, les musées Reiss-Engelhorn et le Forum Internationale Photographie présentent l'exposition temporaire « SACHLICH NEU. Photographies d'August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser ».

August Sander (1876 - 1964) et Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) sont considérés comme les photographes les plus importants de la Nouvelle Objectivité. Pour la première fois, l'exposition met en scène leurs incunables des années 1920 et 1930 dans un dialogue passionnant avec des icônes photographiques du célèbre photographe Robert Häusser (1924 - 2013).

Les travaux de Häusser dans le style du « réalisme magique » et de la « photographie subjective » entrent ainsi en correspondance fascinante avec les chefs-d'œuvre néo-scientifiques. L'exposition se concentre sur les thèmes « Portraits et représentations humaines », « Industrie et personnes au travail » ainsi que « Paysages ». Les œuvres sélectionnées reflètent la période de transition entre la foi et le scepticisme dans le progrès après les deux guerres mondiales, la césure et le nouveau départ ainsi que la fragilité de notre être dans sa beauté et son abîme.

« SACHLICH NEU » est une contribution à l'année anniversaire de la “Neue Sachlichkeit” et accompagne une grande exposition spéciale à la Kunsthalle de Mannheim. Parallèlement, les musées Reiss-Engelhorn fêtent le centenaire de la naissance de Robert Häusser.

Nel 2025 ricorre il centesimo anniversario della leggendaria mostra di Mannheim “La nuova oggettività”. Per l'occasione, il Reiss-Engelhorn-Museen e il Forum Internationale Photographie presentano la mostra speciale “SACHLICH NEU. Fotografie di August Sander, Albert Renger-Patzsch e Robert Häusser”.

August Sander (1876 - 1964) e Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) sono considerati i più importanti fotografi del movimento della Nuova Oggettività. Per la prima volta, la mostra mette in dialogo i loro incunaboli degli anni Venti e Trenta con le icone fotografiche del celebre fotografo Robert Häusser (1924-2013).

Le opere di Häusser nello stile del “Realismo magico” e della “Fotografia soggettiva” entrano in un dialogo affascinante con i capolavori della Nuova Oggettività. La mostra si concentra sui temi “Ritratti e rappresentazioni di persone”, “Industria e persone al lavoro” e “Paesaggi”. Le opere selezionate riflettono il periodo di sconvolgimento tra la fede nel progresso e lo scetticismo dopo le due guerre mondiali, la cesura e il nuovo inizio, nonché la fragilità della nostra esistenza nella sua bellezza e nella sua natura abissale.

“SACHLICH NEU” è un contributo all'anniversario della ‘Nuova Oggettività’ e accompagna una grande mostra speciale alla Kunsthalle di Mannheim. Contemporaneamente, i Reiss-Engelhorn-Museen celebrano il centesimo compleanno di Robert Häusser.

2025 is the year of the 100th anniversary of the legendary Mannheim exhibition "New Objectivity". To mark the occasion, the Reiss-Engelhorn Museums and the Forum Internationale Photographie are presenting the special exhibition "SACHLICH NEU. Photographs by August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser".

August Sander (1876 - 1964) and Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) are considered the most important photographers of the German New Objectivity movement. For the first time, the exhibition juxtaposes their incunabula of the 1920s and 30s with photographic icons by renowned photographer Robert Häusser (1924 - 2013) opening up unexpected and enriching perspectives.

Häusser's post-war works in the style of "Magical Realism" and "Subjective Photography" enter into a fascinating dialogue with the New Objectivity masterpieces. The exhibition focuses on the themes "Portraits and representations of people", "Industrial context and people at work" and "Landscapes". The selected works by Häusser reflect the period of upheaval between belief in progress and skepticism after two world wars, the rupture and the new beginning as well as the fragility of our existence in its beauty and abysmal nature.

"SACHLICH NEU" is a photographic contribution to the "New Objectivity" anniversary year and accompanies a major special exhibition at the Kunsthalle Mannheim. Both coincide with the Reiss-Engelhorn-Museen celebrating the 100th birthday of Robert Häusser.

(Text: Reiss-Engelhorn-Museen, Mannheim)

Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg
25. Oktober 2024 – 27. April 2025

Pinar Öğrenci / Nuri Musluoğlu. Fotografie neu ordnen: Protestbilder

Im Rahmen der Ausstellungsreihe „Fotografie neu ordnen“ im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) treffen zwei Generationen mit Migrationserfahrung aufeinander: Die kurdische Künstlerin Pınar Öğrenci wurde eingeladen, sich mit den Protestbildern des deutsch-türkischen Amateurfotografen Nuri Musluoğlu zu beschäftigen. In ihrer eigens für das Museum entwickelten multimedialen Installation, die auf dem Foto-, Video- und Tonarchiv von Nuri Musluoğlu basiert, reflektiert Pınar Öğrenci die Arbeiter*innenbewegung und Migrationsgesellschaft in der Bundesrepublik der 1970er und 1980er Jahre aus heutiger Perspektive. Darüber hinaus vertiefen ausgewählte Bildstrecken und Artikel aus der 1973 in Hamburg gegründeten politischen Zeitschrift „Arbeiterfotografie“ den historischen Kontext der Ausstellung und geben Einblicke in ein Leben im Exil, in Wohn- und Arbeitsverhältnisse, Frauenarbeit, die Friedensbewegung und ungleiche Bildungschancen von Migrant*innen in den 1980er Jahren.

Pinar Öğrenci: Migration und ihre Darstellung stehen im Zentrum des künstlerischen Schaffens von Pınar Öğrenci (* 1973 in Van, Türkei), die oftmals mit Archivmaterial arbeitet. Ihr multimedialer Zugang zu historischem und zeitgenössischem Material sowie der Fokus auf persönliche Biografien ermöglichen dabei eine kritische Betrachtung migrationspolitischer Umstände und Entscheidungen. In ihrer aktuellen Arbeit für das MK&G untersucht die Künstlerin Musluoğlus Archivmaterial des deutsch-türkisch-kurdischen Zusammenlebens von 1975 bis 1988 – darunter Aufnahmen von Protestaktionen, Friedensmärschen, Sommerfesten, Musikaufführungen und Sportveranstaltungen sowie das Leben der eigenen Familie. Sie interpretiert die Protestkultur in der Türkei anhand der Fotografien und Super 8-Filme Musluoğlus neu und stellt sie in den Kontext von Praktiken des Widerstands und der Solidarität.

Pınar Öğrenci studierte Architektur und Restaurierung an der Yıldız Technical University in Istanbul und emigrierte 2018 nach Deutschland. Ihre erste Einzelausstellung zeigte sie am Kunsthaus Wien (2017), darüber hinaus waren ihre Werke auf der Documenta fifteen (2022), in der Berlinischen Galerie (2023), der Venedig Biennale (2024) und im Frac Bretagne (2024) vertreten. Zudem wurde Öğrenci mehrfach ausgezeichnet, 2022 war sie für den Preis der Böttcherstraße nominiert und 2023 erhielt sie den Villa Romana Preis. Pınar Öğrenci lebt in Berlin.

Nuri Musluoğlu: 1965 folgte Nuri Musluoğlu (* 1951 in Istanbul, Türkei) seinen Eltern in die BRD und absolvierte eine Lehre als Werkzeugmacher, später arbeitete er als Sozialarbeiter bei der Arbeiterwohlfahrt. Parallel war er politisch aktiv, unter anderem in den Gewerkschaften IG Metall und Verdi sowie der Friedensbewegung. Gemeinsam mit anderen Akteur*innen gründete er ein deutsch-türkisches Kulturzentrum in Heilbronn. Neben seinen Protestbildern, die auf über 100 Demonstrationen entstanden sind, dokumentiert Musluoğlu deutsch-türkisches Zusammenleben sowie die Fremdenfeindlichkeit im öffentlichen Raum und Lebensbedingungen in Asylunterkünften auch in Super 8-Filmen und Tonaufnahmen. Seit 1985 veröffentlicht Musluoğlu Fotos unter verschiedenen Pseudonymen in der linksgerichteten in Deutschland erscheinenden Wochenzeitung für Arbeiter*innen und politisch Schutzsuchende „Türkiye Postası“. Zeitweilig produziert er auch eine Fernsehsendung, die er auf VHS-Kassetten in Umlauf bringt. Nuri Musluoğlu lebt in Heilbronn und Bodrum, Türkei.

Dans le cadre de la série d'expositions « Réorganiser la photographie » au Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G), deux générations ayant une expérience de l'immigration se rencontrent : l'artiste kurde Pınar Öğrenci a été invitée à se pencher sur les images de protestation du photographe amateur germano-turc Nuri Musluoğlu. Dans son installation multimédia spécialement conçue pour le musée et basée sur les archives photographiques, vidéo et sonores de Nuri Musluoğlu, Pınar Öğrenci réfléchit au mouvement ouvrier* et à la société d'immigration en République fédérale d'Allemagne dans les années 1970 et 1980 dans une perspective contemporaine. En outre, une sélection de séries d'images et d'articles tirés de la revue politique « Arbeiterfotografie », fondée en 1973 à Hambourg, approfondissent le contexte historique de l'exposition et donnent un aperçu de la vie en exil, des conditions de logement et de travail, du travail des femmes, du mouvement pour la paix et des inégalités dans les chances de formation des migrants* dans les années 1980.

Pinar Öğrenci : la migration et sa représentation sont au cœur de la création artistique de Pınar Öğrenci (née en 1973 à Van, Turquie), qui travaille souvent avec des documents d'archives. Son approche multimédia du matériel historique et contemporain, ainsi que l'accent mis sur les biographies personnelles, lui permettent de porter un regard critique sur les circonstances et les décisions en matière de politique migratoire. Dans son travail actuel pour le MK&G, l'artiste examine les archives de Musluoğlu sur la cohabitation germano-turque-kurde de 1975 à 1988 - notamment des enregistrements d'actions de protestation, de marches pour la paix, de festivals d'été, de spectacles musicaux et d'événements sportifs ainsi que la vie de sa propre famille. Elle réinterprète la culture de la protestation en Turquie à partir des photographies et des films super 8 de Musluoğlu et les replace dans le contexte des pratiques de résistance et de solidarité.

Pınar Öğrenci a étudié l'architecture et la restauration à l'université technique de Yıldız à Istanbul et a émigré en Allemagne en 2018. Elle a présenté sa première exposition individuelle au Kunsthaus Wien (2017), et ses œuvres ont en outre été exposées à la Documenta fifteen (2022), à la Berlinische Galerie (2023), à la Biennale de Venise (2024) et au Frac Bretagne (2024). En outre, Öğrenci a été récompensée à plusieurs reprises, en 2022 elle a été nominée pour le prix de la Böttcherstraße et en 2023 elle a reçu le prix Villa Romana. Pınar Öğrenci vit à Berlin.

Nuri Musluoğlu : en 1965, Nuri Musluoğlu (né en 1951 à Istanbul, Turquie) a suivi ses parents en RFA et a effectué un apprentissage d'outilleur, puis a travaillé comme travailleur social pour l'Arbeiterwohlfahrt. Parallèlement, il a été actif en politique, notamment dans les syndicats IG Metall et Verdi ainsi que dans le mouvement pour la paix. Avec d'autres acteurs*, il a fondé un centre culturel germano-turc à Heilbronn. En plus de ses images de protestation réalisées lors de plus de 100 manifestations, Musluoğlu documente la cohabitation germano-turque ainsi que la xénophobie dans l'espace public et les conditions de vie dans les centres d'asile, également dans des films Super 8 et des enregistrements sonores. Depuis 1985, Musluoğlu publie des photos sous différents pseudonymes dans l'hebdomadaire de gauche « Türkiye Postası », publié en Allemagne et destiné aux travailleurs et aux personnes en quête de protection politique. De temps en temps, il produit également une émission de télévision qu'il fait circuler sur des cassettes VHS. Nuri Musluoğlu vit à Heilbronn et à Bodrum, en Turquie.

Nell'ambito della serie di mostre “Reorganising Photography” al Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G), due generazioni con esperienza di migrazione si incontrano: l'artista curda Pınar Öğrenci è stata invitata a confrontarsi con le immagini di protesta del fotografo amatoriale turco-tedesco Nuri Musluoğlu. Nella sua installazione multimediale sviluppata appositamente per il museo, che si basa sull'archivio fotografico, video e sonoro di Nuri Musluoğlu, Pınar Öğrenci riflette sul movimento operaio e sulla società della migrazione nella Repubblica Federale Tedesca degli anni '70 e '80 dalla prospettiva di oggi. Inoltre, serie fotografiche selezionate e articoli tratti dalla rivista politica “Arbeiterfotografie”, fondata ad Amburgo nel 1973, approfondiscono il contesto storico della mostra e forniscono approfondimenti sulla vita in esilio, sulle condizioni di vita e di lavoro, sul lavoro femminile, sul movimento per la pace e sulle diseguali opportunità di istruzione per i migranti negli anni Ottanta.

Pinar Öğrenci: La migrazione e la sua rappresentazione sono al centro del lavoro artistico di Pınar Öğrenci (* 1973 a Van, Turchia), che lavora spesso con materiale d'archivio. Il suo approccio multimediale al materiale storico e contemporaneo e la sua attenzione alle biografie personali le permettono di guardare in modo critico alle circostanze e alle decisioni in materia di politica migratoria. Nel suo attuale lavoro per il MK&G, l'artista Musluoğlus esamina il materiale d'archivio della coesistenza tedesco-turco-curda dal 1975 al 1988 - comprese le registrazioni di azioni di protesta, marce per la pace, festival estivi, spettacoli musicali ed eventi sportivi, nonché la vita della sua famiglia. L'autrice reinterpreta la cultura della protesta in Turchia utilizzando le fotografie e i filmati Super 8 di Musluoğlu e li colloca nel contesto delle pratiche di resistenza e solidarietà.

Pınar Öğrenci ha studiato architettura e restauro presso l'Università Tecnica Yıldız di Istanbul ed è emigrata in Germania nel 2018. Ha tenuto la sua prima mostra personale alla Kunsthaus Wien (2017) e le sue opere sono state esposte anche a Documenta quindici (2022), Berlinische Galerie (2023), Biennale di Venezia (2024) e Frac Bretagne (2024). Öğrenci ha anche ricevuto diversi premi: nel 2022 è stata nominata per il Premio Böttcherstraße e nel 2023 ha ricevuto il Premio Villa Romana. Pınar Öğrenci vive a Berlino.

Nuri Musluoğlu: Nuri Musluoğlu (*1951 a Istanbul, Turchia) ha seguito i genitori in Germania nel 1965 e ha completato un apprendistato come attrezzista, lavorando poi come assistente sociale per l'Associazione dei lavoratori. Allo stesso tempo è stato attivo politicamente, anche nei sindacati IG Metall e Verdi e nel movimento per la pace. Insieme ad altri attivisti, ha fondato un centro culturale turco-tedesco a Heilbronn. Oltre alle sue immagini di protesta, scattate in oltre 100 manifestazioni, Musluoğlu documenta anche la coesistenza turco-tedesca, la xenofobia negli spazi pubblici e le condizioni di vita nei centri di accoglienza in filmati Super 8 e registrazioni sonore. Dal 1985, Musluoğlu pubblica foto sotto vari pseudonimi sul settimanale di sinistra per lavoratori e persone in cerca di protezione politica “Türkiye Postası”, pubblicato in Germania. A volte produce anche un programma televisivo che diffonde su cassette VHS. Nuri Musluoğlu vive a Heilbronn e a Bodrum, in Turchia.

As part of the exhibition series “Reconsidering Photography” at the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G), two generations with migration experience in Germany come together: Kurdish artist Pınar Öğrenci was invited to engage with the protest images of German-Turkish amateur photographer Nuri Musluoğlu. In her multimedia installation including materials from Nuri Musluoğlu's photography, video and sound archive, developed especially for the museum, Pınar Öğrenci reflects on the West German labour movement of the 1970s and 80s and on what a migration society means for Germany today. In addition, selected photo spreads and articles from the political journal Arbeiterfotografie, founded in Hamburg in 1973, introduce the historical background for the exhibition and provide insights into a life in exile, living and working conditions, women's work, the peace movement and unequal educational opportunities for migrants in the 1980s.

Pinar Öğrenci: Migration and its representation are at the centre of the artistic practice of Pınar Öğrenci (b. 1973 in Van, Turkey, lives in Berlin). She often works with archival materials and personal biographies, taking a multimedia approach to historical and contemporary materials in order to critically examine the circumstances behind and decisions made on migration policy. Pınar Öğrenci’s site-specific installation is based on documentary footage tracing German-Turkish-Kurdish community life and a number of demonstrations that Nuri Musluoğlu recorded from 1975 to 1988. The images show protest actions, strikes and peace marches, summer festivals, performances by musicians in exile, sport clubs, weddings, and other celebrations as well as life of Musluoğlu’s family and friends. Öğrenci reinterprets protest culture from Turkey by using Musluoğlu’s photos and Super 8 films and puts them in the context of practices of resistance and solidarity.

Pınar Öğrenci studied architecture and conservation at Yıldız Technical University in Istanbul and emigrated to Germany in 2018. She had her first solo show at Kunsthaus Wien (2017) and exhibited her work at venues such as documenta fifteen (2022), Berlinische Galerie (2023), the Venice Biennale (2024) and Frac Bretagne (2024). In 2023 she was awarded the Villa Romana Prize, Florence. Öğrenci was nominated for the Böttcherstrasse Prize in 2022.

Nuri Musluoğlu: Nuri Musluoğlu (b. 1951 in Istanbul, Turkey, lives in Heilbronn and Bodrum) followed his parents to Germany in 1965 and completed an apprenticeship as a toolmaker. Among others, he worked in parallel for the IG Metall and Verdi Trade Union and later as a social worker for the Workers’ Welfare Association. Committed to serving as a mouthpiece for people with a migration background, he co-founded a German-Turkish cultural centre in Heilbronn and was involved in the peace movement. Musluoğlu documented German-Turkish coexistence, xenophobia in public spaces and the conditions in asylum centres by photographing, filming and audio recording over 100 demonstrations in which he himself took part.

Since 1985, Musluoğlu has published his images under various pseudonyms in the left-wing weekly newspaper for workers and political asylum seekers called Türkiye Postası, which is published in Germany.

(Text: Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg)

Jüdisches Museum Berlin
11. November 2024 – 27. April 2025

Deutsche Juden heute
Leonard Freed

Weniger als 20 Jahre sind seit dem Ab­grund der Schoa ver­gangen, als der ameri­kanisch-jüdische Foto­graf Leonard Freed (1929–2006) Anfang der 1960er-Jahre mehrere Monate durch West­deutschland reist. Mit seiner Kamera möchte er fest­halten, wie deutsche Juden heute leben. Freed ist es ein An­liegen, mit seinen Auf­nahmen der Un­wissen­heit der Deutschen über die un­sicht­bare jüdische Minorität in ihrem Land ent­gegen­zu­wirken. Er foto­grafiert in mehreren jüdischen Ge­mein­den, vor allem in den Gegenden um Frank­furt und Düssel­dorf.

52 seiner Foto­grafien werden 1965 unter dem Titel Deutsche Juden heute publi­ziert und mit Text­beiträgen kombi­niert. Sie nehmen die jüdische Gemein­schaft in den Blick und disku­tieren über das Verhältnis von Juden und Deutschen. Jüdisches Leben ist fragil, es existieren nur wenige kleine Gemein­den, deren Existenz in- und außer­halb Deutsch­lands um­stritten ist. Die Themen aus dem Buch von Freed werden auch in zwei Publikationen verhandelt, die bereits in den Jahren 1963 und 1964 erscheinen: In einer Aus­gabe des Nach­richten-Magazins Der Spiegel mit der Schlag­zeile „Juden in Deutsch­land“ sowie einem von Her­mann Kesten heraus­ge­gebenen Band mit dem Titel ich lebe nicht in der Bundes­republik. Die Frage nach der Mög­lich­keit, als Jüdin oder Jude in Deutsch­land zu leben, prägt eine De­batte, die bis heute an­dauert.

Alle 52 Foto­grafien der Serie von Leonard Freed sind Teil der Museums­samm­lung und wurden von der Witwe des Foto­grafen, Brigitte Freed, an­ge­kauft. Sie wer­den hier zum ersten Mal komplett aus­gestellt.

Moins de 20 ans se sont écoulés depuis l'abîme de la Shoah lorsque le photographe juif américain Leonard Freed (1929-2006) voyage pendant plusieurs mois à travers l'Allemagne de l'Ouest au début des années 1960. Avec son appareil photo, il souhaite immortaliser la manière dont les juifs allemands vivent aujourd'hui. Freed a à cœur de lutter, par ses clichés, contre l'ignorance des Allemands quant à l'invisible minorité juive dans leur pays. Il prend des photos dans plusieurs communautés juives, principalement dans les régions de Francfort et de Düsseldorf.

52 de ses photographies sont publiées en 1965 sous le titre Deutsche Juden heute et combinées avec des textes. Elles portent un regard sur la communauté juive et discutent de la relation entre les Juifs et les Allemands. La vie juive est fragile, il n'existe que quelques petites communautés dont l'existence est contestée en Allemagne et en dehors. Les thèmes abordés dans le livre de Freed sont également traités dans deux publications qui paraissent déjà en 1963 et 1964 : Dans un numéro du magazine d'information Der Spiegel avec pour titre « Juden in Deutschland » (les Juifs en Allemagne) ainsi que dans un volume édité par Hermann Kesten et intitulé ich lebe nicht in der Bundesrepublik (je ne vis pas en République fédérale). La question de la possibilité de vivre en Allemagne en tant que juif marque un débat qui se poursuit encore aujourd'hui.

Les 52 photographies de la série de Leonard Freed font partie de la collection du musée et ont été achetées par la veuve du photographe, Brigitte Freed. Elles sont exposées ici pour la première fois dans leur intégralité.

Erano passati meno di 20 anni dall'abisso della Shoah quando il fotografo americano-ebraico Leonard Freed (1929-2006) viaggiò per diversi mesi nella Germania occidentale all'inizio degli anni Sessanta. Con la sua macchina fotografica, voleva immortalare la vita degli ebrei tedeschi di oggi. Freed voleva usare le sue fotografie per contrastare l'ignoranza dei tedeschi riguardo all'invisibile minoranza ebraica nel loro Paese. Scattò fotografie in diverse comunità ebraiche, soprattutto nelle aree intorno a Francoforte e Düsseldorf.

52 delle sue fotografie sono state pubblicate nel 1965 con il titolo German Jews Today (Ebrei tedeschi oggi), abbinate a contributi testuali. Esse offrono uno sguardo sulla comunità ebraica e discutono il rapporto tra ebrei e tedeschi. La vita ebraica è fragile, esistono solo alcune piccole comunità la cui esistenza è contestata sia all'interno che all'esterno della Germania. I temi del libro di Freed sono trattati anche in due pubblicazioni apparse nel 1963 e nel 1964: In un numero del giornale Der Spiegel con il titolo “Gli ebrei in Germania” e in un volume curato da Hermann Kesten intitolato Ich lebe nicht in der Bundesrepublik. La questione della possibilità di vivere come ebreo in Germania caratterizza un dibattito che continua ancora oggi.

Tutte le 52 fotografie della serie di Leonard Freed fanno parte della collezione del museo e sono state acquistate dalla vedova del fotografo, Brigitte Freed. Vengono esposte per la prima volta nella loro interezza.

Less than 20 years have passed since the abyss of the Shoah when, in the early 1960s, the American-Jewish photographer Leonard Freed (1929–2006) travelled through West Germany for several months. He wanted to use his camera to capture how German Jews live today. Freed was keen to use his photographs to counteract the ignorance of the Germans about the invisible Jewish minority in their country. He took pictures in several Jewish communities, mainly in the areas around Frankfurt and Düsseldorf.

In 1965, 52 of his photographs were published under the title Deutsche Juden heute (German Jews Today) and combined with text contributions. They focus on the Jewish community and discuss the relationship between Jews and Germans. Jewish life is fragile; only a few small communities exist, and their existence is controversial both inside and outside Germany. The topics from Freed's book were also discussed in two publications that appeared in 1963 and 1964: in an issue of the news magazine Der Spiegel with the headline ‘Jews in Germany’ and a volume edited by Hermann Kesten entitled ‘I do not live in the Federal Republic’. The question of whether it is possible for Jews to live in Germany characterises a debate that continues to this day.

All 52 photographs in the series by Leonard Freed are part of the museum's collection and were purchased by the photographer's widow, Brigitte Freed. They are being exhibited in their entirety for the first time here.

(Text: Jüdisches Museum Berlin)

Deichtorhallen | Hamburg
13. Dezember 2024 – 4. Mai 2025

High Noon
Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe, Philip-Lorca diCorcia

Ausgehend vom Studium der Fotografie an der School of the Museum of Fine Arts in Boston Ende der 1970er und Anfang der 1980er Jahre nehmen die vier Fotograf*innen Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe und Philip-Lorca diCorcia im politischen Fluidum der Ära Ronald Reagan ihre Arbeit auf. Goldin, Armstrong und Morrisroe sind miteinander befreundet und konzentrieren sich auf die fotografische Erkundung der subkulturellen Bohème in Boston und New York, deren fester Bestandteil sie sind.

Kamera, persönliche Perspektive und autobiografische Aspekte verschmelzen miteinander und prägen drei unverwechselbare, in Auffassung und Stilistik allerdings komplett unterschiedliche visuelle Identitäten, die die Fotografie revolutioniert haben und mit Macht bis in die aktuelle Gegenwart nachwirken. Gefangen zwischen Instabilität und Fragilität, dabei beständig auf der Suche nach sich selbst, zeigen sie Lust und Schrecken ihrer Peergroup und eröffnen intensive Einblicke in ihre emotionalen und sozialen Welten. Tagebuchartig prallen fotografische Sequenzen von Zuneigung, Freundschaft, Liebe, Sex und Lebendigkeit mit Einsamkeit, Gewalt, Sucht, Aids, Verfall und Tod aufeinander.

Philip-Lorca diCorcia, der sich sehr bewusst von den drei Fotograf*innen distanziert, beginnt damit, alltägliche Szenen mit Verwandten und Freunden künstlich nachzustellen, raffiniert auszuleuchten und zu fotografieren und konzipiert auf diese Weise zunächst ideale Archetypen. Basis seiner Arbeit ist stets ein genau definierter konzeptueller Ansatz, der bewusst mit dem fotografischen Medium als möglichem Dokument spielt.

Die von Dr. Sabine Schnakenberg kuratierte Schau in den Hamburger Deichtorhallen präsentiert das wohl umfangreichste zeitlich wie inhaltlich zusammenhängende Konvolut künstlerischer Arbeiten, das der Sammler F.C. Gundlach in den 1990er Jahren kontinuierlich dem Bestand seiner fotografischen Sammlung hinzufügte. Gezeigt werden etwa 150 zum Teil großformatige Arbeiten. Fasziniert von Inhalt, Intimität, Expressivität und persönlicher Herangehensweise verband F.C. Gundlach besonders zu Nan Goldin eine persönliche Beziehung – er förderte sie ab dem Beginn der 1990er Jahre sehr gezielt.

Partant de leurs études de photographie à la School of the Museum of Fine Arts de Boston à la fin des années 1970 et au début des années 1980, les quatre photographes* Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe et Philip-Lorca diCorcia commencent leur travail dans le fluide politique de l'ère Ronald Reagan. Goldin, Armstrong et Morrisroe sont des amis et se concentrent sur l'exploration de l'espace public. l'exploration photographique de la bohème subculturelle de Boston et de New York, dont ils font partie intégrante.

L'appareil photo, la perspective personnelle et les aspects autobiographiques fusionnent pour former trois identités visuelles distinctes, bien que complètement différentes en termes de conception et de style, qui ont révolutionné la photographie et dont les effets se font sentir jusqu'à aujourd'hui. Pris entre instabilité et fragilité, ils sont constamment à la recherche d'eux-mêmes, montrent le plaisir et l'horreur de leur groupe de pairs et ouvrent des perspectives intenses dans leurs mondes émotionnels et sociaux. À la manière d'un journal intime, des séquences photographiques d'affection, d'amitié, d'amour, de sexe et de vitalité entrent en collision avec la solitude, la violence, la dépendance, le sida, la déchéance et la mort.

Philip-Lorca diCorcia, qui se distancie très consciemment des trois photographes*, commence par reproduire artificiellement des scènes quotidiennes avec des parents et des amis, à les éclairer et à les photographier de manière raffinée, et conçoit de cette manière des archétypes idéaux. La base de son travail est toujours une approche conceptuelle bien définie, qui joue délibérément avec le médium photographique comme document possible.

L'exposition organisée par Dr. Sabine Schnakenberg aux Deichtorhallen de Hambourg présente le plus grand ensemble de travaux artistiques, cohérent dans le temps et dans le contenu, que le collectionneur F.C. Gundlach a ajouté en permanence à sa collection de photographies dans les années 1990. Environ 150 œuvres, dont certaines de grand format, sont présentées. Fasciné par le contenu, l'intimité, l'expressivité et l'approche personnelle, F.C. Gundlach entretenait une relation personnelle avec Nan Goldin, qu'il a encouragée de manière très ciblée dès le début des années 1990.

Dopo aver studiato fotografia alla School of the Museum of Fine Arts di Boston tra la fine degli anni '70 e l'inizio degli anni '80, i quattro fotografi Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe e Philip-Lorca diCorcia hanno iniziato il loro lavoro nel fluido politico dell'era di Ronald Reagan. Goldin, Armstrong e Morrisroe sono amici tra loro e si concentrano sull'esplorazione fotografica della sottocultura esplorazione fotografica della bohème subculturale di Boston e New York, di cui sono parte integrante.

La macchina fotografica, la prospettiva personale e gli aspetti autobiografici si fondono insieme e danno forma a tre identità visive inconfondibili, sebbene completamente diverse per concezione e stile, che hanno rivoluzionato la fotografia e continuano ad avere un effetto potente fino ai giorni nostri. In bilico tra instabilità e fragilità, alla costante ricerca di se stessi, mostrano il piacere e l'orrore del loro gruppo di coetanei e aprono intensi squarci sul loro mondo emotivo e sociale. Come diari, le sequenze fotografiche di affetto, amicizia, amore, sesso e vivacità si scontrano con la solitudine, la violenza, la dipendenza, l'AIDS, la decadenza e la morte.

Philip-Lorca diCorcia, che prende consapevolmente le distanze dai tre fotografi, inizia ricreando artificialmente scene quotidiane con parenti e amici, illuminandole e fotografandole in modo ingegnoso, creando così inizialmente degli archetipi ideali. Il suo lavoro si basa sempre su un approccio concettuale ben definito che gioca consapevolmente con il mezzo fotografico come possibile documento.

Curata dalla dott.ssa Sabine Schnakenberg, la mostra al Deichtorhallen di Amburgo presenta quella che probabilmente è la più ampia raccolta di opere artistiche, sia in termini di tempo che di contenuto, che il collezionista F.C. Gundlach ha continuamente aggiunto alla sua collezione fotografica negli anni Novanta. Sono esposte circa 150 opere, alcune delle quali di grande formato. Affascinato dal contenuto, dall'intimità, dall'espressività e dall'approccio personale, F.C. Gundlach ha avuto un rapporto personale in particolare con Nan Goldin, che ha promosso in modo molto specifico a partire dai primi anni Novanta.

Having studyied photography at the School of the Museum of Fine Arts in Boston in the late 1970s and early 1980s, the four photographers Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe and Philip-Lorca diCorcia began their work in the political climate of the Ronald Reagan era. Goldin, Armstrong and Morrisroe are friends and concentrate on the photographic exploration of the subcultural bohemia in Boston and New York, of which they are an integral part.

The camera, personal perspective and autobiographical aspects merge together and shape three unmistakable visual identities, albeit completely different in conception and style, which have revolutionized photography and continue to have a powerful effect right up to the present day. Caught between instability and fragility, constantly in search of themselves, they show the pleasure and horror of their peer group and open up intense insights into their emotional and social worlds. Like diaries, photographic sequences of affection, friendship, love, sex and liveliness collide with

loneliness, violence, addiction, AIDS, decay and death.

Philip-Lorca diCorcia, who very consciously distances himself from the three photographers, begins by artificially recreating everyday scenes with relatives and friends, ingeniously illuminating and photographing them, initially conceiving ideal archetypes in this way. His work is always based on a precisely defined conceptual approach that consciously plays with the photographic medium as a possible document.

Curated by Dr. Sabine Schnakenberg, the show at Deichtorhallen Hamburg presents what is probably the most comprehensive collection of artistic works, both in terms of time and content, that the collector F.C. Gundlach continuously added to his photographic collection in the 1990s. On display are around 150 works, some of which are large-format. Fascinated by the content, intimacy, expressiveness and personal approach, F.C. Gundlach particularly had a personal relationship with Nan Goldin - from the early 1990s onwards, he supported her very specifically.

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

Haus der Fotografie Husum
14. Januar – 6. April 2025

Heroes of Work
Manfred Georg Schwellies

Manfred G. Schwellies, zurzeit in Bad Karlshafen lebend, ist als Fotodesigner, Industrie- und Produktfotograf gefragt, zudem hat er sich international einen Namen in der künstlerischen Fotografie gemacht. Schon 1978 wird er auf der Photokina Köln für seine künstlerische Leistungen ausgezeichnet und nur wenige Jahre später in die Deutsche Gesellschaft für Photographie berufen. Seine Ausbildung erhält er zunächst im Fotostudio der Karstadt AG, anschliessend an der Fachhochschule für Kunst und Gestaltung in Dortmund.

Mitte der achtziger Jahre unterbricht Schwellis seine freiberufliche Tätigkeit, um ein Studium der Theologie und Philosophie in Augsburg aufzunehmen. Nicht zufällig führt ihn das Studium künstlerische mit den Themen Wahrnehmung, Persönlichkeit und Identität zur Fotocollage und experimentellen Portraitfotografie. Die Dokumentation bleibt unterdessen ein wichtiger Bestandteil seiner Arbeit, die uns in der Werkreihe "Heroes of Work" begegnet. Schwellis zeigt in klassischer Schwer-Weiss-Fotografie arbeitende Menschen in der Schwerindustrie. Die Werke sind innerhalb von sechs Jahren an den verschiedensten Stätten des In- und Auslands entstanden. Sie zeigen nicht den Menschen als Teil des industriellen Prozesses, sondern sie rücken den Arbeiter in den Mittelpunkt, porträtieren ihn vor dem Hintergrund von Werkstatt und Fertigung.

Wie Werke stehen weniger in der Tradition der Sozialfotografie, die im Wege der Dokumentation gesellschaftliche Ungleichheit anklagt. Schwellies begegnet dem industriellen Arbeiter vielmehr mit einem objektiven Blick, wenn auch nicht ohne Empathie. Er schenkt den Menschen Raum, hebt sie aus der Anonymität des industriellen Stoffwechsels heraus, ohne sie ausserhalb ihres sozialen Kontextes zu isolieren.

Manfred G. Schwellies, qui vit actuellement à Bad Karlshafen, est très demandé en tant que designer photo, photographe industriel et photographe de produits. Il s'est en outre fait un nom au niveau international dans le domaine de la photographie artistique. Dès 1978, il est récompensé pour ses performances artistiques à la Photokina de Cologne et, quelques années plus tard seulement, il est nommé à la Société allemande de photographie. Il reçoit d'abord sa formation dans le studio photo de Karstadt AG, puis à l'école supérieure d'art et de design de Dortmund.

Au milieu des années quatre-vingt, Schwellis interrompt son activité de freelance pour entreprendre des études de théologie et de philosophie à Augsbourg. Ce n'est pas un hasard si ses études artistiques sur les thèmes de la perception, de la personnalité et de l'identité l'amènent à réaliser des photocollages et des portraits expérimentaux. La documentation reste entre-temps un élément important de son travail, que nous retrouvons dans la série d'œuvres « Heroes of Work ». Schwellis montre des personnes travaillant dans l'industrie lourde dans une photographie classique en noir et blanc. Les œuvres ont été réalisées en l'espace de six ans sur les sites les plus divers de Suisse et de l'étranger. Elles ne montrent pas l'homme en tant que partie du processus industriel, mais elles placent l'ouvrier au centre, font son portrait dans le contexte de l'atelier et de la fabrication.

Ces œuvres s'inscrivent moins dans la tradition de la photographie sociale, qui dénonce les inégalités sociales par le biais de la documentation. Schwellies rencontre plutôt l'ouvrier industriel avec un regard objectif, même s'il n'est pas dénué d'empathie. Il donne de l'espace aux hommes, les sort de l'anonymat du métabolisme industriel, sans les isoler en dehors de leur contexte social.

Manfred G. Schwellies, che attualmente vive a Bad Karlshafen, è molto richiesto come photo designer, fotografo industriale e di prodotto e si è fatto un nome a livello internazionale anche nel campo della fotografia artistica. Già nel 1978 è stato premiato per i suoi risultati artistici alla Photokina di Colonia e solo pochi anni dopo è stato nominato membro della Società fotografica tedesca. Inizialmente si è formato presso lo studio fotografico Karstadt AG e poi presso l'Università di Arte e Design di Dortmund.

A metà degli anni '80, Schwellis interrompe la sua attività di freelance per studiare teologia e filosofia ad Augusta. Non a caso i suoi studi lo hanno portato al collage fotografico e alla fotografia sperimentale di ritratto con i temi della percezione, della personalità e dell'identità. Nel frattempo, la documentazione rimane una parte importante del suo lavoro, che incontriamo nella serie “Heroes of Work”. Schwellis mostra persone che lavorano nell'industria pesante in una classica fotografia in bianco e nero. Le opere sono state realizzate nell'arco di sei anni in varie località della Svizzera e all'estero. Piuttosto che mostrare le persone come parte del processo industriale, si concentrano sui lavoratori, ritraendoli sullo sfondo dell'officina e della produzione.

Queste opere non rientrano nella tradizione della fotografia sociale, che utilizza la documentazione per denunciare le disuguaglianze sociali. Al contrario, Schwellies si avvicina al lavoratore industriale con un occhio oggettivo, anche se non privo di empatia. Egli dà spazio alle persone, facendole uscire dall'anonimato del metabolismo industriale senza isolarle dal loro contesto sociale.

Manfred G. Schwellies, who currently lives in Bad Karlshafen, is in demand as a photo designer, industrial and product photographer. He has also made a name for himself internationally in artistic photography. He received an award for his artistic achievements at Photokina Cologne as early as 1978, and only a few years later he was appointed to the German Photographic Association. He initially received his training in the Karstadt AG photo studio, and then at the University of Applied Sciences for Art and Design in Dortmund.

In the mid-eighties, Schwellis interrupted his freelance work to study theology and philosophy in Augsburg. It is no coincidence that his studies, which dealt with the topics of perception, personality and identity, led him to photo collages and experimental portrait photography. Documentation, meanwhile, remains an important part of his work, which we encounter in the series “Heroes of Work”. Schwellis shows people working in heavy industry in classic black-and-white photography. The works were created over a period of six years at a wide variety of locations in Germany and abroad. They do not show the human being as part of the industrial process, but rather place the worker at the center, portraying him or her against the backdrop of the workshop and production.

The works are not so much in the tradition of social photography, which uses documentation to denounce social inequality. Schwellies treats the industrial worker with an objective eye, albeit not without empathy. He gives people space, lifts them out of the anonymity of the industrial metabolism, without isolating them outside of their social context.

(Text: Haus der Fotografie Husum)

Leica Galerie Konstanz
17. Januar – 5. April 2025

Where photography meets art – taking creativity beyond the camera
David Osborn

Lange Zeit existierten Fotografie und Malerei entlang einer technischen Trennlinie in unterschiedlichen Welten. Fotografen „lichteten ab“, um die Welt einzufangen; Maler „erschufen Bilder“ als künstlerische Interpretationen der Welt. Traditionell haben Fotografen mit den Möglichkeiten gearbeitet, die ihnen die Realität geboten hat. Das bedeutete, sie mußten verwenden, was die Kamera einfing und damit ihre Kreativität zum Ausdruck bringen. Die Arbeit der Fotografen bestand darin, mit eben diesen Möglichkeiten fotografische Kunst zu generieren!

Digitale Fotografie revolutionierte diese Dynamik. David Osborn zeigt, dass Fotografien heutzutage unter anderem das Produkt der Bearbeitungssoftware sind. Diese Verschiebung hat Fotografen die kreativen Freiheiten gegeben, wie sie jahrhundertelang Malern vorenthalten war. Digitale Software hat die Trennlinie zwischen Fotografen und Malern überbrückt; Kreativität erstreckt sich nun weiter als die bloße Abbildung von Motiven.

Diese künstlerische Freiheit bringt jedoch auch neue Herausforderungen mit sich. Die neueröffneten kreativen Möglichkeiten haben bei vielen Fotografen ein kreatives Vakuum aufgezeigt, eine „künstlerische Wissenslücke“. Anders als Maler, die umfangreiches künstlerisches Verständnis mitbringen müssen, bevor sie ein Gemälde beginnen, fangen Fotografen ein vorbereitetes Bild mit einem Knopfdruck ein.

Mit meiner Erfahrung von über 40 Jahren als professioneller Fotograf suche ich mit meiner Fotografie nach Lösungen, diese „künstlerische Wissenslücke“ zu schließen. Wie bringt man Kreativität einer Generation bei, die daran gewöhnt ist, Bilder abzulichten, aber nicht zu „erschaffen“?

Meine Lösung besteht darin, das menschliche Naturell zu verstehen, um die unerschütterlichen visuellen Grundregeln eines Bildes festzulegen, und in künstlerischem Wissen, um die künstlerische Freiheit innerhalb dieser Grundregeln zu verstehen. In Kombination ergeben sich daraus innovative Richtlinien, die Fotografie-Enthusiasten beigebracht werden können, damit diese ihre Kreativität verbessern können, ohne einem festgelegten künstlerischen Stil zu folgen.

Ich machte mich auf, all diese Prinzipien zu vereinen in einem System, das auf Kunst und Wissenschaft basiert. Es sollte dem Prozess der Bilderschaffung eine logische Basis und Struktur verleihen; anhand meiner eigenen Fotografien prüfte ich, ob meine Schlussfolgerungen korrekt sind und die kreativen Richtlinien funktionieren.

Pendant longtemps, la photographie et la peinture ont coexisté dans des mondes différents le long d'une ligne de démarcation technique. Les photographes « photographiaient » pour capturer le monde ; les peintres « créaient des images » en tant qu'interprétations artistiques du monde. Traditionnellement, les photographes ont travaillé avec les possibilités que leur offrait la réalité. Cela signifiait qu'ils devaient utiliser ce que l'appareil photo capturait et exprimer ainsi leur créativité. Le travail des photographes consistait à générer de l'art photographique avec ces mêmes possibilités !

La photographie numérique a révolutionné cette dynamique. David Osborn montre qu'aujourd'hui, les photographies sont, entre autres, le produit des logiciels de retouche. Ce changement a donné aux photographes la liberté de création dont les peintres ont été privés pendant des siècles. Les logiciels numériques ont comblé la ligne de démarcation entre photographes et peintres ; la créativité s'étend désormais au-delà de la simple reproduction de motifs.

Cette liberté artistique s'accompagne toutefois de nouveaux défis. Les nouvelles possibilités créatives ont mis en évidence un vide créatif chez de nombreux photographes, un « déficit de connaissances artistiques ». Contrairement aux peintres, qui doivent faire preuve d'une grande compréhension artistique avant de commencer un tableau, les photographes capturent une image préparée en appuyant sur un bouton.

Fort d'une expérience de plus de 40 ans en tant que photographe professionnel, je cherche à combler ce « déficit de connaissances artistiques » avec ma photographie. Comment enseigner la créativité à une génération habituée à prendre des photos mais pas à les « créer » ?

Ma solution consiste à comprendre la nature humaine afin d'établir les règles visuelles de base inébranlables d'une image, et en connaissances artistiques afin de comprendre la liberté artistique au sein de ces règles de base. La combinaison de ces deux éléments donne des directives innovantes qui peuvent être enseignées aux passionnés de photographie afin qu'ils puissent améliorer leur créativité sans suivre un style artistique défini.

J'ai entrepris de réunir tous ces principes dans un système basé sur l'art et la science. J'ai utilisé mes propres photographies pour vérifier que mes conclusions étaient correctes et que les directives créatives fonctionnaient.

Per molto tempo, la fotografia e la pittura sono esistite in mondi diversi, lungo una linea di demarcazione tecnica. I fotografi “fotografavano” per catturare il mondo; i pittori “creavano immagini” come interpretazioni artistiche del mondo. Tradizionalmente, i fotografi lavoravano con le possibilità che la realtà offriva loro. Ciò significava che dovevano usare ciò che la macchina fotografica catturava per esprimere la loro creatività. Il lavoro dei fotografi consisteva nel generare arte fotografica con queste stesse possibilità!

La fotografia digitale ha rivoluzionato questa dinamica. David Osborn dimostra che oggi le fotografie sono, tra l'altro, il prodotto di un software di editing. Questo cambiamento ha dato ai fotografi la libertà creativa che per secoli è stata negata ai pittori. Il software digitale ha colmato il divario tra fotografi e pittori; la creatività ora si estende oltre la semplice rappresentazione del soggetto.

Tuttavia, questa libertà artistica porta con sé anche nuove sfide. Le nuove possibilità creative hanno rivelato un vuoto creativo per molti fotografi, un “gap di conoscenza artistica”. A differenza dei pittori, che devono avere una conoscenza artistica approfondita prima di iniziare un dipinto, i fotografi catturano un'immagine preparata con la semplice pressione di un pulsante.

Con la mia esperienza di oltre 40 anni come fotografo professionista, uso la mia fotografia per trovare soluzioni per colmare questo “gap di conoscenze artistiche”. Come si insegna la creatività a una generazione abituata a scattare foto ma non a “crearle”?

La mia soluzione consiste nel comprendere la natura umana per stabilire le regole visive irremovibili di un'immagine e la conoscenza artistica per comprendere la libertà artistica all'interno di tali regole. Combinati insieme, si ottengono linee guida innovative che possono essere insegnate agli appassionati di fotografia per migliorare la loro creatività senza seguire uno stile artistico prestabilito.

Ho deciso di combinare tutti questi principi in un sistema basato su arte e scienza. L'obiettivo era quello di dare una base logica e una struttura al processo di creazione delle immagini; utilizzando le mie fotografie, ho testato se le mie conclusioni erano corrette e se le linee guida creative funzionavano.

For a long time, photography and painting existed in different worlds, separated by a technical dividing line. Photographers “shot” to capture the world; painters “painted” images as artistic interpretations of the world. Traditionally, photographers have worked with the possibilities that reality offered them. This meant that they had to use what the camera captured and express their creativity with it. The work of the photographers was to generate photographic art with these very possibilities!

Digital photography revolutionized this dynamic. David Osborn shows that photographs today are, among other things, the product of the editing software. This shift has given photographers the creative freedoms that were denied to painters for centuries. Digital software has bridged the divide between photographers and painters; creativity now extends beyond the mere depiction of subjects.

However, this artistic freedom also brings new challenges. The new creative possibilities have revealed a creative vacuum in many photographers, an “artistic knowledge gap”. Unlike painters, who must have extensive artistic understanding before they begin a painting, photographers capture a prepared image with the push of a button.

With my experience of over 40 years as a professional photographer, I seek to close this “artistic knowledge gap” with my photography. How do you teach creativity to a generation that is accustomed to copying images but not “creating” them?

My solution involves an understanding of human nature to establish the unalterable visual principles of an image, and artistic knowledge to understand the artistic freedom within those principles. Combined, these provide innovative guidelines that photography enthusiasts can be taught to improve their creativity without following a prescribed artistic style.

I set out to combine all these principles into a system based on art and science. It should give the process of image creation a logical basis and structure; I used my own photographs to check whether my conclusions were correct and the creative guidelines worked.

(Text: David Osborn)

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

A WORLD IN COMMON - Contemporary African Photography

Kelani Abass, Atong Atem, Malala Andrialavidrazana, Edson Chagas, Kudzanai Chiurai, Rotimi Fani-Kayode, Maïmouna Guerresi, Hassan Hajjaj, Délio Jasse, Samson Kambalu, Kiripi Katembo, Lebohang Kganye, Sabelo Mlangeni, Mário Macilau, Fabrice Monteiro, Aïda Muluneh, George Osodi, Dawit L. Petros, Zina Saro- Wiwa, Khadija Saye

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography

Die Ausstellung versammelt Werke von mehr als 20 Künstler:innen und verfolgt das Ziel, die Vorstellung von Afrika in der globalen Wahrnehmung neu zu definieren. Inspiriert vom historischen kulturellen Reichtum des Kontinents und seiner gegenwärtigen sozio-politischen Landschaft bezieht sich die Ausstellung auf die Philosophie des kamerunischen Denkers Achille Mbembe, der vorschlägt, eine „gemeinsame Welt“ zu imaginieren, indem wir „die Welt von Afrika aus denken“. Die Ausstellung möchte konventionelle Wahrnehmungen herausfordern und eine Sicht auf Afrika fördern, die den Kontinent in das Zentrum einer geteilten globalen Zukunft stellt. In ihrer Kunst wenden sich die Fotograf:innen und Filmemacher:innen gegen die Beschränkungen, die ihnen oft durch stereotype Darstellungen auferlegt werden. Sie betonen die vielfältigen Realitäten des Kontinents sowie sein Potenzial, menschliche Geschichten zu beeinflussen. Die Ausstellung gliedert sich in drei thematische Abschnitte, die sich den Themen Identität und Tradition, Gegen-Geschichten und imaginierten Zukünften widmen.

Organisiert von Tate Modern, London in Kollaboration mit C/O Berlin.

Gefördert durch die Art Mentor Foundation Lucerne und Wolfgang Tillmans.

L'exposition rassemble les œuvres de plus de 20 artistes et a pour objectif de redéfinir l'idée de l'Afrique dans la perception globale. Inspirée par la richesse culturelle historique du continent et son paysage sociopolitique actuel, l'exposition se réfère à la philosophie du penseur camerounais Achille Mbembe, qui propose d'imaginer un « monde commun » en « pensant le monde à partir de l'Afrique ». L'exposition vise à défier les perceptions conventionnelles et à promouvoir une vision de l'Afrique qui transmet le continent au cœur d'un avenir mondial partagé. Dans leur art, les photographes et les cinéastes s'opposent aux restrictions souvent imposées par des représentations stéréotypées. Ils mettent l'accent sur les multiples réalités du continent et sur son potentiel à influencer les histoires humaines. L'exposition s'articule en trois sections thématiques consacrées à l'identité et à la tradition, aux contre-récits et aux futurs imaginés.

Organisée par la Tate Modern, Londres en collaboration avec C/O Berlin.

Soutenue par l'Art Mentor Foundation Lucerne et Wolfgang Tillmans.

La mostra riunisce le opere di oltre 20 artisti e mira a ridefinire l'idea di Africa nella percezione globale. Ispirata alla ricchezza storico-culturale del continente e al suo attuale panorama socio-politico, la mostra si ispira alla filosofia del pensatore camerunense Achille Mbembe, che propone di immaginare un “mondo comune” “pensando il mondo dall'Africa”. La mostra intende sfidare le percezioni convenzionali e promuovere una visione dell'Africa che ponga il continente al centro di un futuro globale condiviso. Nella loro arte, i fotografi e i registi sfidano i limiti spesso imposti da rappresentazioni stereotipate. Sottolineano le diverse realtà del continente e il suo potenziale di influenzare le storie umane. La mostra è suddivisa in tre sezioni tematiche che esplorano i temi dell'identità e della tradizione, delle controstorie e dei futuri immaginari.

Organizzata dalla Tate Modern di Londra in collaborazione con C/O Berlin.

Sostenuta dalla Fondazione Art Mentor di Lucerna e da Wolfgang Tillmans.

The exhibition brings together works by more than 20 artists and aims to redefine the idea of Africa in the global perception. Inspired by the continent's historical cultural richness and its current socio-political landscape, the exhibition draws on the philosophy of the Cameroonian thinker Achille Mbembe, who proposes imagining a “common world” by “thinking the world from Africa”. The exhibition aims to challenge conventional perceptions and promote a view of Africa that places the continent at the center of a shared global future. In their art, the photographers and filmmakers challenge the limitations that are often imposed on them by stereotypical representations. They emphasize the continent's diverse realities as well as its potential to influence human stories. The exhibition is divided into three thematic sections, dedicated to the themes of identity and tradition, counter-histories, and imagined futures.

Organized by Tate Modern, London in collaboration with C/O Berlin.

Supported by the Art Mentor Foundation Lucerne and Wolfgang Tillmans.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

Protektorat . C/O Berlin Talent Award 2024
Silvia Rosi

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography

In Protektorat setzt sich die italienische Künstlerin Silvia Rosi mit ihren togolesischen Wurzeln auseinander und beleuchtet Kommunikations- und Zeichensysteme in kolonialen und hegemonialen Machtstrukturen. Ausgehend von Archivmaterial des Nationalarchivs von Togo macht sie auf die flächendeckende Verbreitung westlicher Systeme während der kolonialen Besetzung Togos seitens des Deutschen Reiches sowie britischen und französischen Streitkräften aufmerksam. Der Akt des Erzählens findet in Protektorat über multiple Bildformen und Sinnes-ebenen statt: In Stand- und Bewegtbildern mit Ton können wir sehen und hören wie lokale Sprache, Traditionen und Bildkultur während der Kolonialherrschaft überschrieben oder unterdrückt wurden. Protagonistin der Arbeiten ist immer Rosi selbst, womit sie wirkungsvoll ihre persönliche Erfahrung in der kollektiven Erzählung einbettet.

Seit 2020 wird der C/O Berlin Talent Award durch die Alexander Tutsek-Stiftung ermöglicht.

Dans Protektorat, l'artiste italienne Silvia Rosi se penche sur ses racines togolaises et met en lumière les systèmes de communication et de signes dans les structures de pouvoir coloniales et hégémoniques. En se basant sur des archives des Archives nationales du Togo, elle attire l'attention sur la diffusion généralisée des systèmes occidentaux pendant l'occupation coloniale du Togo par l'Empire allemand et les forces armées britanniques et françaises. Dans Protektorat, l'acte de raconter se fait par le biais de multiples formes d'images et de niveaux de sens : Dans des images fixes et animées avec son, nous pouvons voir et entendre comment la langue, les traditions et la culture visuelle locales ont été écrasées ou réprimées pendant la domination coloniale. La protagoniste des travaux est toujours Rosi elle-même, ce qui lui permet d'intégrer efficacement son expérience personnelle dans le récit collectif.

Depuis 2020, le C/O Berlin Talent Award est rendu possible grâce à la fondation Alexander Tutsek.

In Protettorato, l'artista italiana Silvia Rosi esplora le sue radici togolesi e fa luce sui sistemi di comunicazione e di segni nelle strutture di potere coloniali ed egemoniche. Basandosi su materiale d'archivio proveniente dall'Archivio Nazionale del Togo, l'artista richiama l'attenzione sull'ampia diffusione dei sistemi occidentali durante l'occupazione coloniale del Togo da parte dell'Impero tedesco e delle forze britanniche e francesi. L'atto di narrazione si svolge in Protektorat attraverso molteplici forme visive e livelli sensoriali: Nelle immagini fisse e in movimento con il sonoro, possiamo vedere e sentire come la lingua, le tradizioni e la cultura visiva locali siano state sovrascritte o soppresse durante la dominazione coloniale. Rosi stessa è sempre la protagonista delle opere, inserendo efficacemente la sua esperienza personale nella narrazione collettiva.

Dal 2020, il C/O Berlin Talent Award è reso possibile dalla Alexander Tutsek-Stiftung.

In Protektorat, Italian artist Silvia Rosi engages with her Togolese roots and sheds light on systems of communication and signs in colonial and hegemonic power structures. Based on archival material from the National Archives of Togo, she draws attention to the widespread dissemination of Western systems during the colonial occupation of Togo by the German Reich, as well as British and French forces. The act of storytelling takes place in a protectorate of multiple image forms and sensory levels: in still and moving images with sound, we can see and hear how local language, traditions, and visual culture were overwritten or suppressed during colonial rule. The protagonist of the works is always Rosi herself, effectively embedding her personal experience in the collective narrative.

Since 2020, the C/O Berlin Talent Award has been made possible by the Alexander Tutsek-Stiftung.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

Under the Sun
Sam Youkilis

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography

Mit viel Liebe zum Detail, zu Licht und satten Farben fängt Sam Youkilis die Sehnsüchte und Verheißungen des Reisens sowie die Schönheit des Alltäglichen ein. Neben erfolgreichen Auftragsarbeiten in der kommerziellen Modefotografie, nimmt der 1993 in New York geborene Fotograf und Filmemacher seine beruflichen Reisen zum Anlass, um in kurzen Filmen und Videoporträts menschliche Gesten, Emotionen und Interaktionen sowie alteingesessene Handwerke und lokale Traditionen zu dokumentieren. Als Pionier einer neuen Form des visuellen Geschichtenerzählens arbeitet Youkilis mit dem iPhone und nutzt das soziale Netzwerk Instagram als Plattform, um seine zu Themenclustern zusammengestellten Beobachtungen mit zahlreichen Followern zu teilen. Aus vermeintlich banalen Szenen schafft er ein visuelles Archiv an der Schnittstelle von Straßen-, Reise-, Food- und Dokumentarfotografie, das sowohl die vertrauten Tropen und Klischees des Reisens bedient als auch auf universelle Themen menschlicher Erfahrung verweist. C/O Berlin präsentiert Sam Youkilis‘ erste institutionelle Einzelausstellung.

Ermöglicht durch die Art Mentor Foundation Lucerne.

Avec un grand souci du détail, de la lumière et des couleurs saturées, Sam Youkilis capture les aspirations et les promesses du voyage ainsi que la beauté du quotidien. Outre des travaux de commande réussis dans la photographie de mode commerciale, le photographe et cinéaste né à New York en 1993 profite de ses voyages professionnels pour documenter, dans des courts métrages et des portraits vidéo, des gestes humains, des émotions et des interactions ainsi que des métiers ancestraux et des traditions locales. Pionnier d'une nouvelle forme de narration visuelle, Youkilis travaille avec l'iPhone et utilise le réseau social Instagram comme plateforme pour partager ses observations, regroupées par thèmes, avec de nombreux followers. À partir de scènes prétendument banales, il crée une archive visuelle à la croisée de la photographie de rue, de voyage, de nourriture et de documentaire, qui sert à la fois les tropes et les clichés familiers du voyage et renvoie à des thèmes universels de l'expérience humaine. C/O Berlin présente la première exposition individuelle institutionnelle de Sam Youkilis.

Permis par l'Art Mentor Foundation Lucerne

Con grande attenzione ai dettagli, alla luce e alla ricchezza dei colori, Sam Youkilis cattura i desideri e le promesse dei viaggi e la bellezza del quotidiano. Oltre a lavorare con successo su commissione nel campo della fotografia commerciale di moda, il fotografo e regista, nato a New York nel 1993, utilizza i suoi viaggi professionali come opportunità per documentare i gesti, le emozioni e le interazioni umane, nonché l'artigianato di lunga data e le tradizioni locali in cortometraggi e ritratti video. Pioniere di una nuova forma di narrazione visiva, Youkilis lavora con l'iPhone e utilizza il social network Instagram come piattaforma per condividere le sue osservazioni, organizzate in gruppi tematici, con numerosi follower. A partire da scene apparentemente banali, crea un archivio visivo all'incrocio tra fotografia di strada, di viaggio, di cibo e documentaria, che si rifà sia a tropi e cliché familiari del viaggio sia a temi universali dell'esperienza umana. C/O Berlin presenta la prima mostra personale istituzionale di Sam Youkilis.

Resa possibile dalla Fondazione Art Mentor di Lucerna.

With great attention to detail, light and saturated colors, Sam Youkilis captures the yearning and promise of travel as well as the beauty of everyday life. In addition to successful commercial fashion photography assignments, the photographer and filmmaker, who was born in New York in 1993, uses his professional travels as an opportunity to document human gestures, emotions and interactions, as well as long-established crafts and local traditions, in short films and video portraits. A pioneer of a new form of visual storytelling, Youkilis works with the iPhone and uses the social network Instagram as a platform to share his observations, which he organizes into thematic clusters, with numerous followers. From seemingly mundane scenes, he creates a visual archive at the intersection of street, travel, food, and documentary photography that both draws on the familiar tropes and clichés of travel and points to universal themes of human experience. C/O Berlin presents Sam Youkilis' first institutional solo exhibition.

Made possible by the Art Mentor Foundation Lucerne.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen | Monschau
2. Februar – 30. März 2025

About Eve
Eve Arnold

Eve Arnold wurde 1912 als Kind russisch-jüdischer Immigranten in Philadelphia geboren. Mit einer geschenkten Rolleicord entflammte in den 1940er Jahren ihr Interesse für Fotografie, das Zeit ihres 99-jährigen Lebens nicht mehr enden sollte. In mehr als 40 Jahren schuf Eve Arnold auf unzähligen Reisen beeindruckende Reportagen, porträtierte Stars sowie politische Würdenträger und widmete sich den gesellschaftspolitischen Themen ihrer Zeit.

Den Weg in die professionelle Fotografie ebnete Eve Arnold Anfang der 1950er Jahre eine Serie über Modenschauen der Schwarzen Communities in Harlem, die im Rahmen eines Fotografiekurses an der New York School for Social Research entstand. Die damalige Modefotografie bestand vor allem aus Hochglanzaufnahmen, die im Studio angefertigt wurden und ausschließlich weiße Models präsentierten. Mit „Fashion in Harlem“ zeigte Arnold eine gänzlich andere Seite der Modewelt, folgte den Models Backstage und fing die Stimmung dieser besonderen Events, fernab des Mainstreams, sorgsam ein.

Mit dieser und weiteren Serien stellte sich die Fotografin 1951 bei der Bildagentur Magnum vor und wurde als eine der ersten Frauen Mitglied. Als Fotografin wich sie nie vor unbequemen Fragen zurück und beleuchtete Fragestellungen stets aus ungewöhnlichen Perspektiven. So auch, als sie Ende der 1950er Jahre beschloss, sich dem Thema der Geburt zu widmen. Für die Serie „Die ersten fünf Minuten im Leben eines Babys“ hielt sie im Mather Hospital in Port Jefferson mehrere Geburten fest. Durch die Fotografien begleiten die Betrachter_innen das neue Leben. Sehen, wie das Baby gebadet und vermessen sowie neben seine Mutter gelegt wird. Das Life Magazin widmete der Serie 1959 ganze acht Seiten. Noch Jahre später wurden die Fotografien von Redaktionen und der Werbung rege genutzt.

Eve Arnold bereiste die ganze Welt. Mit Leidenschaft und Neugier fotografierte sie mongolische Kunstreiter und Wrestler, chinesische Tänzerinnen, die Zuhörer einer Indira-Gandhi-Kundgebung, Voodoo-Anhänger in Haiti, Kormoranfischer in Guilin, eine tibetanische Landärztin oder verschleierte Frauen in Afghanistan. Chinesischen Fotograf_innen empfahl sie Ende der 1970er Jahre: „Fokussiert euch auf die Augen. Vergesst nicht: Der Fotograf ist das Werkzeug, nicht die Kamera.“ Die präsentierten Fotografien wurden in zahlreichen Magazinen wie Life, Esquire, Harper’s Bazaar, Geo, Stern oder der Sunday Times veröffentlicht.

Während dieser Reisen richtete die Künstlerin ihre Aufmerksamkeit oft auf Frauen. Als einer der Ersten ist es Arnold in den Vereinigten Arabischen Emiraten erlaubt, in einem Harem zu fotografieren. Nach eigener Aussage bestand die größte Herausforderung für Arnold darin, die verschleierten Silhouetten als Frauen erkennbar zu machen. Mit einer gewissen kompositorischen Strenge gelingt es ihr nicht nur, den einzelnen Personen eine Stimme zu geben, sondern auch ein gesamtgesellschaftliches Porträt von muslimischen Frauen zwischen Tradition und Moderne zu erstellen.

Ein ausgezeichnetes Renommee besaß Arnold weiterhin für die Porträts internationaler Stars wie Clark Gable, Joan Crawford oder Marlene Dietrich. Eine besondere Freundschaft verband sie mit Marilyn Monroe, die sie über zehn Jahre lang zu verschiedenen Anlässen fotografierte. Traurige Berühmtheit erlangten die Aufnahmen, die während der Dreharbeiten zum Film „The Misfits“ („Nicht gesellschaftsfähig“) 1960 entstanden. Es sollte der letzte Film Marilyn Monroes sein, die nur wenige Monate nach den Dreharbeiten verstarb.

Eve Arnold est née en 1912 à Philadelphie, enfant d'immigrés juifs russes. C'est avec un Rolleicord offert qu'elle s'est intéressée à la photographie dans les années 1940, un intérêt qui ne s'est jamais démenti pendant les 99 ans de sa vie. Pendant plus de 40 ans, Eve Arnold a réalisé des reportages impressionnants lors d'innombrables voyages, a fait le portrait de stars et de dignitaires politiques et s'est consacrée aux thèmes sociopolitiques de son époque.

C'est une série sur les défilés de mode des communautés noires de Harlem, réalisée dans le cadre d'un cours de photographie à la New York School for Social Research, qui a ouvert à Eve Arnold la voie de la photographie professionnelle au début des années 1950. La photographie de mode de l'époque consistait principalement en des clichés sur papier glacé, réalisés en studio et présentant exclusivement des mannequins blancs. Avec « Fashion in Harlem », Arnold montrait un tout autre aspect du monde de la mode, suivait les mannequins dans les coulisses et capturait avec soin l'ambiance de ces événements particuliers, loin du courant dominant.

Avec cette série et d'autres, la photographe s'est présentée à l'agence Magnum en 1951 et a été l'une des premières femmes à en devenir membre. En tant que photographe, elle n'a jamais reculé devant les questions gênantes et a toujours éclairé les problématiques sous des angles inhabituels. Ce fut le cas lorsqu'elle décida, à la fin des années 1950, de se consacrer au thème de la naissance. Pour la série « Les cinq premières minutes de la vie d'un bébé », elle a immortalisé plusieurs naissances au Mather Hospital de Port Jefferson. A travers les photographies, les spectateurs et spectatrices accompagnent la nouvelle vie. Ils voient comment le bébé est baigné, mesuré et placé à côté de sa mère. Le magazine Life a consacré huit pages entières à la série en 1959. Des années plus tard, les photographies étaient encore largement utilisées par les rédactions et la publicité.

Eve Arnold a voyagé dans le monde entier. Avec passion et curiosité, elle a photographié des cavaliers et catcheurs mongols, des danseuses chinoises, les auditeurs d'une manifestation d'Indira Gandhi, des adeptes du vaudou en Haïti, des pêcheurs de cormorans à Guilin, une médecin de campagne tibétaine ou des femmes voilées en Afghanistan. A la fin des années 1970, elle a recommandé aux photographes chinois de « se concentrer sur les yeux. N'oubliez pas que le photographe est l'outil, pas l'appareil photo ». Les photographies présentées ont été publiées dans de nombreux magazines tels que Life, Esquire, Harper's Bazaar, Geo, Stern ou le Sunday Times.

Au cours de ces voyages, l'artiste a souvent porté son attention sur les femmes. Aux Émirats arabes unis, Arnold est l'un des premiers à être autorisé à photographier dans un harem. Selon ses propres dires, le plus grand défi pour Arnold était de faire en sorte que les silhouettes voilées soient reconnaissables en tant que femmes. Avec une certaine rigueur de composition, elle parvient non seulement à donner une voix à chaque personne, mais aussi à dresser un portrait global de la société des femmes musulmanes, entre tradition et modernité.

Arnold jouissait également d'une excellente réputation pour ses portraits de stars internationales comme Clark Gable, Joan Crawford ou Marlene Dietrich. Une amitié particulière la liait à Marilyn Monroe, qu'elle a photographiée pendant plus de dix ans à différentes occasions. Les photos prises pendant le tournage du film « The Misfits » (« Pas sociable ») en 1960 sont devenues tristement célèbres. Ce devait être le dernier film de Marilyn Monroe, qui décéda quelques mois seulement après le tournage.

Eve Arnold è nata a Filadelfia nel 1912, figlia di immigrati russo-ebraici. Negli anni '40, il regalo di una Rolleicord scatena il suo interesse per la fotografia, che non si esaurirà mai per il resto dei suoi 99 anni di vita. Per oltre 40 anni, Eve Arnold ha viaggiato molto, realizzando reportage di grande impatto, ritraendo celebrità e personalità politiche e concentrandosi sulle questioni socio-politiche del suo tempo.

La strada di Eve Arnold verso la fotografia professionale fu spianata all'inizio degli anni Cinquanta da una serie di sfilate di moda della comunità nera di Harlem, realizzata nell'ambito di un corso di fotografia presso la New York School for Social Research. All'epoca la fotografia di moda consisteva principalmente in scatti patinati realizzati in studio con modelle esclusivamente bianche. Con “Fashion in Harlem”, Arnold ha mostrato un lato completamente diverso del mondo della moda, seguendo le modelle nel backstage e catturando attentamente l'atmosfera di questi eventi speciali, lontani dal mainstream.

Con questa e altre serie, la fotografa si presentò all'agenzia fotografica Magnum nel 1951 e fu una delle prime donne a diventarne membro. Come fotografa, non si è mai sottratta a domande scomode e ha sempre illuminato le questioni da prospettive insolite. Così è stato anche quando, alla fine degli anni Cinquanta, ha deciso di dedicarsi al tema della nascita. Per la serie “I primi cinque minuti di vita di un bambino”, ha immortalato diverse nascite al Mather Hospital di Port Jefferson. Attraverso le fotografie, gli spettatori accompagnano la nuova vita. Vede come il bambino viene lavato, misurato e adagiato accanto alla madre. La rivista Life dedicò otto pagine alla serie nel 1959. Anni dopo, le fotografie erano ancora ampiamente utilizzate da editori e pubblicitari.

Eve Arnold ha viaggiato in tutto il mondo. Con passione e curiosità, ha fotografato cavalieri e lottatori mongoli, danzatori cinesi, il pubblico di un comizio di Indira Gandhi, devoti voodoo ad Haiti, pescatori di cormorani a Guilin, un medico di campagna tibetano e donne velate in Afghanistan. Alla fine degli anni '70, consigliava ai fotografi cinesi: “Concentratevi sugli occhi. Non dimenticate: il fotografo è lo strumento, non la macchina fotografica”. Le fotografie presentate sono state pubblicate in numerose riviste come Life, Esquire, Harper's Bazaar, Geo, Stern e il Sunday Times.

Durante questi viaggi, l'artista ha spesso focalizzato la sua attenzione sulle donne. Arnold è stata una delle prime ad avere il permesso di fotografare in un harem negli Emirati Arabi Uniti. Secondo la stessa Arnold, la sfida più grande per lei è stata quella di rendere le sagome velate riconoscibili come donne. Con un certo rigore compositivo, non solo riesce a dare voce alle singole persone, ma anche a creare un ritratto sociale complessivo delle donne musulmane tra tradizione e modernità.

La Arnold ha continuato a godere di un'ottima reputazione per i suoi ritratti di star internazionali come Clark Gable, Joan Crawford e Marlene Dietrich. Aveva un'amicizia speciale con Marilyn Monroe, che fotografò in varie occasioni per oltre dieci anni. Le foto scattate durante le riprese del film del 1960 “The Misfits” (“Non socialmente accettabile”) divennero tristemente famose. Sarebbe stato l'ultimo film di Marilyn Monroe, che morì pochi mesi dopo le riprese.

Eve Arnold was born in Philadelphia in 1912, the child of Russian Jewish immigrants. In the 1940s, a Rolleicord camera she was given sparked an interest in photography that was to last for the rest of her 99 years. Over more than 40 years and countless trips, Eve Arnold created impressive photo series, portrayed stars and political dignitaries, and addressed the socio-political issues of her time.

A series of fashion shows in the black community of Harlem, which she created as part of a photography course at the New York School for Social Research, paved the way for Eve Arnold's professional photography in the early 1950s. At the time, fashion photography mainly consisted of glossy studio shots featuring exclusively white models. With ‘Fashion in Harlem’, Arnold showed a completely different side of the fashion world, following the models backstage and carefully capturing the mood of these special events, far from the mainstream.

With this and other series, the photographer introduced herself to the Magnum photo agency in 1951 and became one of the first women to join. As a photographer, she never shied away from uncomfortable questions and always illuminated issues from unusual perspectives. This was also the case when she decided to focus on the subject of birth in the late 1950s. For the series ‘The First Five Minutes of a Baby's Life’, she documented several births at Mather Hospital in Port Jefferson. Through the photographs, the viewer accompanies the new life. They see how the baby is bathed and measured, and then laid down next to its mother. In 1959, Life magazine devoted a full eight pages to the series. Even years later, the photographs were still being actively used by editorial offices and in advertising.

Eve Arnold travelled the world. With passion and curiosity, she photographed Mongolian stunt riders and wrestlers, Chinese dancers, the audience at an Indira Gandhi rally, voodoo practitioners in Haiti, cormorant fishermen in Guilin, a Tibetan country doctor and veiled women in Afghanistan. In the late 1970s, she recommended to Chinese photographers: ‘Focus on the eyes. And don't forget: the photographer is the tool, not the camera.’ The photographs presented were published in numerous magazines such as Life, Esquire, Harper's Bazaar, Geo, Stern and the Sunday Times.

During these travels, the artist often turned her attention to women. Arnold was one of the first people to be allowed to photograph a harem in the United Arab Emirates. According to Arnold, the greatest challenge she faced was making the veiled silhouettes recognisable as women. With a certain compositional rigour, she not only succeeds in giving a voice to the individual persons, but also in creating a portrait of Muslim women between tradition and modernity.

Arnold also had an excellent reputation for her portraits of international stars such as Clark Gable, Joan Crawford and Marlene Dietrich. She had a special friendship with Marilyn Monroe, whom she photographed on various occasions for over ten years. The pictures taken during the filming of the film ‘The Misfits’ in 1960 achieved sad fame. It was to be Marilyn Monroe's last film, as she died just a few months after filming.

(Text: Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen, Monschau)

Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
7. Februar – 19. April 2025

Weiss war der Schnee
Thomas Wrede

Die Galerie Bernhard Knaus Fine Art präsentiert ihre erste Einzelausstellung mit Werken aus dem Glacier Project von Thomas Wrede. In seinem fotografischen OEuvre lotet Wrede die faszinierende Grenze zwischen Inszenierung und Wirklichkeit aus, wobei Landschaften als zentrales Sujet fungieren. Seine Werke ergründen sowohl vorgefundene als auch eigens kreierte Konstruktionen in der Natur, stets im Spannungsfeld zwischen Authentizität und Artifizialität.

Bereits Wredes frühere Werkgruppen thematisieren Umwelt, Naturkatastrophen und menschliche Spuren in der Landschaft, was zu einer einzigartigen Bildästhetik zwischen surrealer Verfremdung, kritischer Dokumentation und apokalyptischer Fiktion führt. Seine spektakulären Landschaftsaufnahmen der alpinen Gletscher spiegeln dabei auf erschreckend bildliche Weise den fortschreitenden Klimawandel und seine Folgen wider und sind damit aktueller denn je.

Während die Serie Real Landscapes sich durch gezielte Inszenierungen mit Miniaturmodellen in natürlichen Umgebungen auszeichnet, in denen der Künstler bewusst mit der Perspektive spielt und eine Spannung zwischen Realität und Fiktion erzeugt, verschmelzen bei den Gletscherfotografien natürliche Landschaften mit menschlichen Eingriffen.

Wredes Glacier Project, das 2017 mit Aufnahmen des Schweizer Rhonegletschers begann, umfasst großformatige Panoramen sowie Außen- und Innenansichten der Gletscherhöhlen. Es basiert auf dem Konzept der verpackten Landschaft. Um das rapide Abschmelzen der Gletscher zu verlangsamen, werden große Eisflächen – temporär oder auch dauerhaft – mit Vlies abgedeckt. Detailaufnahmen zeigen die verwitterten Abdeckungen, die Geröll und schmutzigen Schnee freilegen. Die morbide Ästhetik der Falten, die gewählten Ausschnitte und die vielfältigen Grautöne ergeben einzigartige malerische Motive. Diese Aufnahmen erinnern an Wredes frühe Serie Samsö aus den 1990er Jahren, in der Plastikfolien auf einer dänischen Insel in atmosphärischen Schwarzweiß-Aufnahmen eine beklemmende Schönheit entfalten.

Im Kontrast zur maroden "Außenhaut" steht das faszinierende Farben- und Lichtspiel der jahrhundertealten Eisschichten im Inneren. Die Vliesabdeckungen scheinen durch das dünner werdende Eis und brechen teilweise in die Höhle ein, wodurch Außen und Innen, Natürliches und Künstliches verschmelzen.

In der neueren Arbeiten Blutschnee erkundet Wrede ein faszinierendes Naturphänomen am Presena-Gletscher in Südtirol. Die rosarot schimmernden Algen im Tauwasser verwandeln den Schnee in abstrakte, fast surreale Farbkompositionen, die die fragile Schönheit, Vergänglichkeit und klimatische Transformation der alpinen Landschaft eindringlich visualisieren.

Der Titel WEISS WAR DER SCHNEE unserer Ausstellung deutet auf eine verlorene Reinheit hin, evoziert eine elegische Meditation über die einst unberührte alpine Landschaft. Er changiert zwischen melancholischer Reminiszenz und zeitdiagnostischer Klage, indem er die jungfräuliche Reinheit des Schnees als Metapher für eine unwiederbringlich verlorene Ursprünglichkeit heraufbeschwört und symbolisiert so Vergänglichkeit und Wandel in Wredes Gletscherfotografien.

Wredes Ziel ist keine dokumentarische Erfassung der Gletscherveränderungen, sondern vielmehr die Verwendung der Fotografie als anschauliches Denken. Seine künstlerische Auseinandersetzung mit den Gletschern resultiert in verstörend schönen Bildern, die zwischen Idylle und Katastrophe, Inszenierung und Wirklichkeit oszillieren.

Als engagierter Künstler setzt Wrede das Glacier Project fort und besteigt weitere Gletscher, um die bedrohte Schönheit und Fragilität des Eises festzuhalten: „Ich will Bilder zwischen Dokumentation und subjektivem Sehen finden, die die Spuren der Klimakrise und die rapiden Veränderungen mitten in Europa sichtbar werden lassen. (2018)“. Seine Werke finden sich in renommierten Sammlungen weltweit. Zudem war er an der Klima Biennale im Museum für Angewandte Kunst in Wien (2021) sowie an der Ausstellung Weather Engines im Onassis Stegi in Athen (2022) beteiligt.

La galerie Bernhard Knaus Fine Art présente sa première exposition individuelle avec des œuvres du Glacier Project de Thomas Wrede. Dans son œuvre photographique, Wrede explore la frontière fascinante entre mise en scène et réalité, avec les paysages comme sujet central. Ses œuvres explorent aussi bien les constructions trouvées dans la nature que celles qu'il a lui-même créées, toujours dans le champ de tension entre l'authenticité et l'artificialité.

Les groupes d'œuvres antérieurs de Wrede traitent déjà de l'environnement, des catastrophes naturelles et des traces humaines dans le paysage, ce qui donne lieu à une esthétique picturale unique entre altération surréaliste, documentation critique et fiction apocalyptique. Ses photos de paysages spectaculaires des glaciers alpins reflètent ainsi de manière terriblement imagée le changement climatique en cours et ses conséquences, et sont donc plus actuelles que jamais.

Alors que la série Real Landscapes se caractérise par des mises en scène ciblées avec des modèles miniatures dans des environnements naturels, dans lesquelles l'artiste joue délibérément avec la perspective et crée une tension entre réalité et fiction, les photographies de glaciers mêlent paysages naturels et interventions humaines.

Le Glacier Project de Wrede, qui a débuté en 2017 avec des prises de vue du glacier suisse du Rhône, comprend des panoramas grand format ainsi que des vues extérieures et intérieures des grottes glaciaires. Il est basé sur le concept de paysage emballé. Afin de ralentir la fonte rapide des glaciers, de grandes surfaces de glace sont recouvertes - temporairement ou durablement - de non-tissé. Des photos de détail montrent les couvertures usées par les intempéries, laissant apparaître des éboulis et de la neige sale. L'esthétique morbide des plis, les découpes choisies et les multiples nuances de gris créent des motifs picturaux uniques. Ces clichés rappellent la première série de Wrede, Samsö, réalisée dans les années 1990, dans laquelle des films plastiques d'une île danoise déploient une beauté oppressante dans des prises de vue atmosphériques en noir et blanc.

En contraste avec la « peau extérieure » délabrée, le jeu fascinant de couleurs et de lumière des couches de glace séculaires à l'intérieur. Les couvertures en non-tissé brillent à travers la glace qui s'amincit et s'enfoncent partiellement dans la grotte, fusionnant ainsi l'extérieur et l'intérieur, le naturel et l'artificiel.

Dans son œuvre récente Blutschnee, Wrede explore un phénomène naturel fascinant sur le glacier Presena dans le Tyrol du Sud. Les algues aux reflets roses dans l'eau de fonte transforment la neige en compositions de couleurs abstraites, presque surréalistes, qui visualisent avec force la beauté fragile, l'éphémère et la transformation climatique du paysage alpin.

Le titre WEISS WAR DER SCHNEE de notre exposition suggère une pureté perdue, évoque une méditation élégiaque sur le paysage alpin autrefois intact. Il oscille entre réminiscence mélancolique et complainte diagnostique contemporaine, en évoquant la pureté virginale de la neige comme métaphore d'une originalité irrémédiablement perdue, symbolisant ainsi l'éphémère et le changement dans les photographies de glaciers de Wrede.

L'objectif de Wrede n'est pas d'enregistrer de manière documentaire les changements survenus sur les glaciers, mais plutôt d'utiliser la photographie comme un mode de pensée descriptif. Sa confrontation artistique avec les glaciers se traduit par des images d'une beauté troublante, qui oscillent entre idylle et catastrophe, mise en scène et réalité.

En tant qu'artiste engagé, Wrede poursuit le Glacier Project et escalade d'autres glaciers afin d'immortaliser la beauté menacée et la fragilité de la glace : « Je veux trouver des images à mi-chemin entre le documentaire et la vision subjective, qui rendent visibles les traces de la crise climatique et les changements rapides au cœur de l'Europe. (2018) ». Ses œuvres se trouvent dans des collections prestigieuses du monde entier. Il a également participé à la Biennale sur le climat au Museum für Angewandte Kunst de Vienne (2021) et à l'exposition Weather Engines à l'Onassis Stegi d'Athènes (2022).

La Galerie Bernhard Knaus Fine Art presenta la sua prima mostra personale con opere del Glacier Project di Thomas Wrede. Nella sua opera fotografica, Wrede esplora l'affascinante confine tra messa in scena e realtà, con i paesaggi come soggetto centrale. Le sue opere esplorano sia le costruzioni trovate che quelle create appositamente in natura, sempre nel campo della tensione tra autenticità e artificialità.

I precedenti gruppi di opere di Wrede tematizzano già l'ambiente, i disastri naturali e le tracce umane nel paesaggio, dando vita a un'estetica visiva unica tra alienazione surreale, documentazione critica e finzione apocalittica. Le sue spettacolari fotografie paesaggistiche dei ghiacciai alpini riflettono in modo spaventosamente visivo l'avanzare del cambiamento climatico e le sue conseguenze e sono quindi più attuali che mai.

Mentre la serie Real Landscapes è caratterizzata da una deliberata messa in scena con modelli in miniatura in ambienti naturali, in cui l'artista gioca consapevolmente con la prospettiva e crea una tensione tra realtà e finzione, le fotografie dei ghiacciai fondono paesaggi naturali con l'intervento umano.

Il Glacier Project di Wrede, iniziato nel 2017 con le fotografie del ghiacciaio svizzero del Rodano, comprende panorami di grande formato e vedute esterne e interne di grotte glaciali. Si basa sul concetto di paesaggio impacchettato. Per rallentare il rapido scioglimento dei ghiacciai, vaste aree di ghiaccio vengono coperte - temporaneamente o permanentemente - con veli. I primi piani mostrano le coperture rovinate dalle intemperie che espongono macerie e neve sporca. L'estetica morbosa delle pieghe, i dettagli selezionati e le diverse tonalità di grigio creano motivi pittorici unici. Queste immagini ricordano le prime serie Samsö di Wrede degli anni '90, in cui i teli di plastica su un'isola danese dispiegano una bellezza opprimente in suggestivi scatti in bianco e nero.

In contrasto con la fatiscente “pelle esterna” è l'affascinante gioco di colori e luce degli strati di ghiaccio secolari all'interno. Le coperture in pile risplendono attraverso l'assottigliamento del ghiaccio e irrompono parzialmente nella grotta, fondendo esterno e interno, naturale e artificiale.

Nell'opera più recente Blutschnee, Wrede esplora un affascinante fenomeno naturale sul ghiacciaio Presena in Alto Adige. Le alghe rosa scintillanti nell'acqua di disgelo trasformano la neve in composizioni di colori astratti, quasi surreali, che visualizzano vividamente la fragile bellezza, la transitorietà e la trasformazione climatica del paesaggio alpino.

Il titolo WHITE WAS THE SNOW della nostra mostra allude a una purezza perduta, evocando una meditazione elegiaca sul paesaggio alpino un tempo incontaminato. Oscilla tra la reminiscenza malinconica e il lamento del tempo, evocando la purezza vergine della neve come metafora di un'originalità irrimediabilmente perduta, simboleggiando così la transitorietà e il cambiamento nelle fotografie dei ghiacciai di Wrede.

L'obiettivo di Wrede non è quello di documentare i cambiamenti dei ghiacciai, ma piuttosto di usare la fotografia come un modo vivido di pensare. La sua esplorazione artistica dei ghiacciai si traduce in immagini di inquietante bellezza che oscillano tra idillio e catastrofe, tra messa in scena e realtà.

Come artista impegnato, Wrede continua il Glacier Project e scala altri ghiacciai per catturare la bellezza minacciata e la fragilità dei ghiacci: “Voglio trovare immagini tra la documentazione e la visione soggettiva che rendano visibili le tracce della crisi climatica e i rapidi cambiamenti nel centro dell'Europa”. (2018)”. Le sue opere si trovano in collezioni rinomate in tutto il mondo. È stato inoltre coinvolto nella Biennale del Clima al Museo di Arti Applicate di Vienna (2021) e nella mostra Weather Engines all'Onassis Stegi di Atene (2022).

The gallery Bernhard Knaus Fine Art presents its first solo exhibition of works from the Glacier Project by Thomas Wrede. In his photographic oeuvre, Wrede explores the fascinating boundary between staging and reality, with landscapes as the central subject. His works explore both found and specially created constructions in nature, always in the field of tension between authenticity and artificiality.

Wrede's earlier work groups already address the environment, natural disasters and human traces in the landscape, which leads to a unique pictorial aesthetic between surreal alienation, critical documentation and apocalyptic fiction. His spectacular landscape photographs of Alpine glaciers are a shocking visual reflection of the ongoing climate change and its consequences, making them more relevant than ever.

While the series Real Landscapes is characterised by deliberate staging with miniature models in natural settings, in which the artist consciously plays with perspective and creates a tension between reality and fiction, the glacier photographs merge natural landscapes with human intervention.

Wrede's Glacier Project, which began in 2017 with photographs of the Rhône Glacier in Switzerland, includes large-format panoramas as well as exterior and interior views of the glacier caves. It is based on the concept of the packed landscape. To slow the rapid melting of the glaciers, large areas of ice are covered with fleece – either temporarily or permanently. Close-up shots show the weathered covers revealing debris and dirty snow. The morbid aesthetic of the folds, the chosen details, and the varied shades of grey create unique painterly motifs. These images recall Wrede's earlier Samsö series from the 1990s, in which plastic sheets on a Danish island unfold an oppressive beauty in atmospheric black and white photographs.

In contrast to the dilapidated ‘outer skin’ stands the fascinating play of colours and light of the centuries-old ice layers inside. The fleece covers shine through the thinning ice and partially collapse into the cave, merging the outside and inside, natural and artificial.

In his more recent work, Blutschnee (Blood Snow), Wrede explores a fascinating natural phenomenon at the Presena Glacier in South Tyrol. The pink-shimmering algae in the meltwater transform the snow into abstract, almost surreal colour compositions that vividly visualise the fragile beauty, transience and climatic transformation of the Alpine landscape.

The title of our exhibition, WEISS WAR DER SCHNEE (White Was The Snow), suggests a lost purity and evokes an elegiac meditation on the once untouched Alpine landscape. It oscillates between melancholy reminiscence and a lament on the state of the times, conjuring up the virgin purity of the snow as a metaphor for an irretrievably lost naturalness, and thus symbolising transience and change in Wrede's glacier photographs.

Wrede's aim is not to document the changes to the glaciers, but rather to use photography as a vivid way of thinking. His artistic exploration of the glaciers results in disturbingly beautiful images that oscillate between idyll and catastrophe, staging and reality.

As a committed artist, Wrede is continuing the Glacier Project and climbing more glaciers to capture the threatened beauty and fragility of the ice: ‘I want to find images between documentation and subjective vision that reveal the traces of the climate crisis and the rapid changes taking place in the heart of Europe. (2018). His works are part of renowned collections worldwide. He also participated in the Climate Biennale at the Museum of Applied Arts in Vienna (2021) and the exhibition Weather Engines at the Onassis Stegi in Athens (2022).

(Text: Bernhard Knaus Fine Art, Frankfurt am Main)

Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselheim
9. Februar – 15. Juni 2025

Robert Lebeck. Hierzulande

Ob Willy Brandt, Elvis Presley oder Romy Schneider - Robert Lebeck (1929-2014) kam allen ganz nah. Der bedeutende Fotograf Robert Lebeck schuf in über dreißig Jahren ein umfangreiches Werk, das im Fotojournalismus und in der Porträtfotografie neue Maßstäbe setzte. Sein sicheres Gespür für aktuelle Themen und die Begabung, sie mit wenigen Bildern zu erfassen, setzte vielbewunderte Standards auf dem Gebiet der Reportagefotografie. Dabei interessierten Lebeck stets die Menschen mehr als die Ereignisse; er richtete den Blick oft auf das Kleine, wenig Beachtete und wurde mit persönlichen Aufnahmen zu einem scharfsichtigen Illustrator und visionären Deuter der Geschichte.

Die Ausstellung »Hierzulande« beleuchtet mit ausgewählten Reportagen aus Deutschland von 1955 bis 1983 sein unbestechliches Auge für den entscheidenden Moment: Lebeck fotografierte, wenn geküsst, getrunken und getanzt, aber auch, wenn geweint und gelitten wurde. Mit seiner charismatischen Gabe zur stillen Beobachtung kam er den Menschen nahe. Für »Deutschland im März« fuhr er beispielsweise 1983 ohne Ziel und konkreten Plan los und fand seine Motive in ausgelassen feiernden Karnevaljecken, einem sterbenden Wald im Schwäbischen, Hunger und Armut am Hamburger Hafen oder einer alten Dame, die Unterwäsche im Sonderangebot unter die Lupe nimmt. Mit seinen Aufnahmen dokumentierte Robert Lebeck die kleinen und großen Szenen des Alltags in der alten Bundesrepublik und hielt damit ein Stück Zeitgeschichte fest. Gleichzeitig fand Lebeck Zugang zu hohen Persönlichkeiten: Willy Brandt begleitete er für mehr als zwei Jahre, dokumentierte Wahlkampf, Wahlsieg und die ersten Schritte im Amt des Bundeskanzlers; zahlreiche Porträtfotografien von Romy Schneider zeugen von dem hohen Vertrauen, das die Schauspielerin Lebeck entgegenbrachte. Auch Maria Callas, Alfred Hitchcock oder Josef Beuys hielt er subtil und ebenso eindringlich fest.

Im Fokus seiner Ausstellung »Hierzulande« stehen seine prägenden Deutschlandbilder. Das Besondere ist, dass zum Teil noch nie veröffentlichte Fotografien von Robert Lebeck auch Teil der Retrospektive sind. Heimkehrer, Bonner Republik, Deutschland im März bilden in der umfassenden Schau über 150 Fotografien ebenso Themenblöcke wie Elvis Presley, Maria Callas oder Romy Schneider.

Que ce soit Willy Brandt, Elvis Presley ou Romy Schneider, Robert Lebeck (1929-2014) les a tous approchés de très près. En plus de trente ans, le grand photographe Robert Lebeck a créé une œuvre considérable qui a posé de nouveaux jalons dans le photojournalisme et la photographie de portrait. Son flair sûr pour les sujets d'actualité et son talent pour les saisir en quelques clichés ont établi des normes très admirées dans le domaine de la photographie de reportage. Lebeck s'intéressait toujours plus aux personnes qu'aux événements ; il portait souvent son regard sur ce qui était petit et peu remarqué et devint, avec ses photos personnelles, un illustrateur perspicace et un interprète visionnaire de l'histoire.

L'exposition « Hierzulande » met en lumière, à travers une sélection de reportages réalisés en Allemagne entre 1955 et 1983, son œil incorruptible pour les moments décisifs : Lebeck photographiait quand on s'embrassait, buvait et dansait, mais aussi quand on pleurait et souffrait. Avec son don charismatique pour l'observation silencieuse, il était proche des gens. Pour « L'Allemagne en mars », il est par exemple parti en 1983 sans but ni plan concret et a trouvé ses motifs dans des joyeux fêtards de carnaval, une forêt mourante en Souabe, la faim et la pauvreté dans le port de Hambourg ou une vieille dame examinant à la loupe des sous-vêtements en promotion. Avec ses clichés, Robert Lebeck a documenté les petites et grandes scènes de la vie quotidienne dans l'ancienne République fédérale d'Allemagne et a ainsi enregistré une partie de l'histoire contemporaine. Parallèlement, Lebeck a eu accès à de hautes personnalités : Il a accompagné Willy Brandt pendant plus de deux ans, documentant la campagne électorale, la victoire électorale et les premiers pas dans la fonction de chancelier fédéral ; de nombreux portraits photographiques de Romy Schneider témoignent de la grande confiance que l'actrice accordait à Lebeck. Il a également immortalisé Maria Callas, Alfred Hitchcock ou Josef Beuys avec subtilité et tout autant d'insistance.

Ses images marquantes de l'Allemagne sont au cœur de son exposition « Hierzulande ». La particularité est que des photographies de Robert Lebeck, dont certaines n'ont jamais été publiées, font également partie de la rétrospective. Les retours au pays, la République de Bonn, l'Allemagne en mars forment des blocs thématiques dans cette exposition complète de plus de 150 photographies, tout comme Elvis Presley, Maria Callas ou Romy Schneider.

Che si tratti di Willy Brandt, Elvis Presley o Romy Schneider, Robert Lebeck (1929-2014) è stato molto vicino a tutti loro. In più di trent'anni, l'importante fotografo Robert Lebeck ha creato un ampio corpus di lavori che hanno stabilito nuovi standard nel fotogiornalismo e nella fotografia di ritratto. Il suo istinto sicuro per i temi di attualità e il suo talento nel catturarli in poche immagini hanno stabilito standard molto apprezzati nel campo della fotografia di reportage. Lebeck è sempre stato più interessato alle persone che agli eventi; si è spesso concentrato sul piccolo, sul poco notato ed è diventato un illustratore acuto e un interprete visionario della storia con le sue fotografie personali.

La mostra “Hierzulande”, con una selezione di reportage realizzati in Germania tra il 1955 e il 1983, mette in luce il suo occhio infallibile per il momento decisivo: Lebeck ha fotografato quando la gente baciava, beveva e ballava, ma anche quando piangeva e soffriva. Con il suo carismatico dono di osservazione silenziosa, si è avvicinato alle persone. Per “Germania in marzo”, ad esempio, è partito nel 1983 senza una meta o un piano concreto e ha trovato i suoi motivi nei festeggiamenti esuberanti del carnevale, in una foresta morente in Svevia, nella fame e nella povertà del porto di Amburgo o in un'anziana signora che esamina la biancheria intima in vendita. Con le sue fotografie, Robert Lebeck ha documentato le piccole e grandi scene di vita quotidiana della vecchia Repubblica Federale, catturando così un pezzo di storia contemporanea. Allo stesso tempo, Lebeck ebbe accesso a personalità di alto livello: Accompagnò Willy Brandt per più di due anni, documentando la sua campagna elettorale, la vittoria elettorale e i primi passi nella carica di Cancelliere; numerosi ritratti fotografici di Romy Schneider testimoniano l'alto livello di fiducia che l'attrice riponeva in Lebeck. Ha anche immortalato Maria Callas, Alfred Hitchcock e Josef Beuys in modo sottile e altrettanto vivido.

La mostra “Hierzulande” si concentra sulle sue immagini formative della Germania. La particolarità è che fanno parte della retrospettiva anche alcune fotografie di Robert Lebeck, alcune delle quali mai pubblicate prima. Gli abitanti della casa, la Repubblica di Bonn, la Germania a marzo, Elvis Presley, Maria Callas e Romy Schneider formano dei blocchi tematici nella mostra completa di oltre 150 fotografie.

Whether Willy Brandt, Elvis Presley or Romy Schneider – Robert Lebeck (1929-2014) got up close and personal with them all. Over a period of more than thirty years, the renowned photographer Robert Lebeck created an extensive body of work that set new standards in photojournalism and portrait photography. His keen sense for current affairs and his talent for capturing them in just a few images set much-admired standards in the field of reportage photography. Lebeck was always more interested in the people than the events; he often turned his attention to the small, the little-noticed, and with his personal photographs he became a sharp-sighted illustrator and visionary interpreter of history.

The exhibition “Hierzulande” (In these parts) uses selected reportages from Germany from 1955 to 1983 to illuminate his unerring eye for the decisive moment: Lebeck took pictures when people were kissing, drinking and dancing, but also when they were crying and suffering. With his charismatic gift for silent observation, he was able to get close to people. In 1983, for example, he set out for “Germany in March” without a specific destination or plan, and found his motifs in people celebrating the carnival, a dying forest in Swabia, hunger and poverty in the port of Hamburg, or an old lady examining underwear on sale. With his photographs, Robert Lebeck documented the small and large scenes of everyday life in the old Federal Republic of Germany, thereby capturing a piece of contemporary history. At the same time, Lebeck was able to gain access to high-ranking personalities: he accompanied Willy Brandt for more than two years, documenting his election campaign, election victory and the first steps he took in office as Chancellor; numerous portrait photographs of Romy Schneider testify to the great trust that the actress placed in Lebeck. He also captured Maria Callas, Alfred Hitchcock and Josef Beuys in a subtle and equally haunting way.

The focus of his exhibition “Hierzulande” is on his defining images of Germany. What makes this retrospective so special is that it includes photographs by Robert Lebeck that have never been published before. The comprehensive show, which includes over 150 photographs, covers topics such as returnees, the Bonn Republic, and Germany in March 1990, as well as Elvis Presley, Maria Callas, and Romy Schneider.

(Text: Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselheim)

Haus der Fotografie Husum
11. Februar – 3. Mai 2025

Vergängliche Augenblicke – Heiko Westphalen

Vergängliche Augenblicke ist eine Hommage an das Alltägliche – voller Melancholie, aber auch voller leiser Freude.

Der Flensburger Fotokünstler Heiko Westphalen lädt mit seiner neuen Ausstellung „Vergängliche Augenblicke“ zu einer faszinierenden Entdeckungsreise durch die Straßen des Alltags ein. Seine Werke widmen sich den unscheinbaren, oft übersehenen Details des urbanen Lebens – jenen kleinen Momenten und Szenen, die eine stille, aber eindringliche Geschichte erzählen.

Westphalen, bekannt für seine besondere Sicht auf die Welt, lenkt den Blick auf das, was jenseits des Offensichtlichen liegt: die abgeblätterte Farbe einer Hauswand, das Spiel von Licht und Schatten auf einer Bank, vergängliche Kunst im urbanen Raum. Ohne dabei plakativ zu wirken, fängt er die Poesie der scheinbaren Nebensächlichkeiten ein und zeigt, wie vergänglich und zugleich bedeutungsvoll die Spuren des Alltags sind.

Seine Streetfotografie verzichtet auf spektakuläre Szenen oder offensichtliche Motive. Stattdessen lädt sie dazu ein, innezuhalten, genauer hinzusehen und die Schönheit im Unscheinbaren zu entdecken. Es sind Bilder, die zum Nachdenken anregen und die Frage aufwerfen, wie viel wir im Alltag an uns vorbeiziehen lassen, ohne es wirklich wahrzunehmen.

Vergängliche Augenblicke est un hommage au quotidien - plein de mélancolie, mais aussi de joie silencieuse.

Avec sa nouvelle exposition « Vergängliche Augenblicke », l'artiste photographe Heiko Westphalen de Flensburg invite à un voyage fascinant à la découverte des rues du quotidien. Ses œuvres sont consacrées aux détails insignifiants et souvent ignorés de la vie urbaine - ces petits moments et ces scènes qui racontent une histoire silencieuse mais percutante.

Westphalen, connu pour son regard particulier sur le monde, attire l'attention sur ce qui se trouve au-delà de l'évidence : la peinture écaillée d'un mur d'immeuble, le jeu d'ombre et de lumière sur un banc, l'art éphémère dans l'espace urbain. Sans être frappant, il capture la poésie des choses apparemment secondaires et montre à quel point les traces du quotidien sont à la fois éphémères et significatives.

Sa photographie de rue renonce aux scènes spectaculaires ou aux motifs évidents. Au lieu de cela, elle invite à s'arrêter, à regarder de plus près et à découvrir la beauté dans l'insignifiant. Ce sont des images qui incitent à la réflexion et qui soulèvent la question de savoir combien de choses nous laissons passer devant nous au quotidien sans vraiment les percevoir.

Transient Moments è un omaggio al quotidiano - pieno di malinconia, ma anche di tranquilla gioia.

Con la sua nuova mostra “Transient Moments”, l'artista fotografico di Flensburg Heiko Westphalen vi invita a un affascinante viaggio alla scoperta delle strade della vita quotidiana. Le sue opere sono dedicate ai dettagli poco appariscenti e spesso trascurati della vita urbana - quei piccoli momenti e quelle scene che raccontano una storia tranquilla ma ossessionante.

Westphalen, noto per la sua particolare visione del mondo, richiama l'attenzione su ciò che si trova al di là dell'ovvio: la vernice scrostata sul muro di una casa, il gioco di luci e ombre su una panchina, l'arte effimera nello spazio urbano. Senza apparire sfacciato, cattura la poesia di apparenti banalità e mostra quanto siano transitorie e allo stesso tempo significative le tracce della vita quotidiana.

La sua fotografia di strada evita scene spettacolari o motivi ovvi. Ci invita invece a fermarci, a guardare più da vicino e a scoprire la bellezza nell'insignificante. Sono immagini che fanno riflettere e che sollevano la questione di quante cose lasciamo passare nella vita di tutti i giorni senza accorgercene.

‘Transient Moments’ is a tribute to the everyday – full of melancholy, but also quiet joy.

With his new exhibition ‘Transient Moments’, Flensburg-based photographer Heiko Westphalen invites you on a fascinating journey of discovery through the streets of everyday life. His works are dedicated to the inconspicuous, often overlooked details of urban life – those small moments and scenes that tell a quiet but haunting story.

Westphalen, known for his particular view of the world, draws our attention to what lies beyond the obvious: the peeling paint on a house wall, the play of light and shadow on a bench, transient art in urban spaces. Without being bold, he captures the poetry of the seemingly trivial and shows how fleeting and at the same time meaningful the traces of everyday life are.

His street photography avoids spectacular scenes or obvious subjects. Instead, it invites us to pause, take a closer look and discover beauty in the unassuming. These are images that make us reflect and ask ourselves how much of our everyday lives we let pass by without really noticing.

(Text: Heiko Westphalen, Flensburg)

CAMERA WORK | Berlin
15. Februar – 29. März 2025

I’m Not Here
Steve Schapiro

Die Ausstellung findet im Rahmen des European Month of Photography statt.

I’m Not Here widmet sich vor diesem Hintergrund dem beeindruckenden Leben Steve Schapiros – von seiner Arbeit als Fotojournalist bis hin zu seinen ikonischen Filmset-Fotografien, die unvergessliche Momente der Filmgeschichte an berühmten Filmsets wie The Godfather, Taxi Driver, Apocalypse Now und Rocky dokumentieren. Seine Porträts bedeutender Persönlichkeiten der Popkultur wie Andy Warhol, David Bowie, Muhammad Ali und Barbra Streisand sowie der Protagonisten der Bürgerrechtsbewegung reflektieren die Auseinandersetzung Schapiros mit Selbstbestimmung und Gerechtigkeit in der Gesellschaft. So begleitete Steve Schapiro fotografisch unter anderem die Selma-Märsche 1965, den Präsidentschaftswahlkampf von Robert F. Kennedy 1968 und zuletzt auch die 2013 gegründete »Black Lives Matter«-Bewegung.

Dans ce contexte, I'm Not Here est consacré à la vie impressionnante de Steve Schapiro - de son travail de photojournaliste à ses photographies de plateau de tournage iconiques, qui documentent des moments inoubliables de l'histoire du cinéma sur des plateaux de tournage célèbres comme Le Parrain, Taxi Driver, Apocalypse Now et Rocky. Ses portraits de personnalités importantes de la culture pop comme Andy Warhol, David Bowie, Muhammad Ali et Barbra Streisand, ainsi que des protagonistes du mouvement des droits civiques, reflètent la réflexion de Schapiro sur l'autodétermination et la justice dans la société. Steve Schapiro a ainsi accompagné par la photographie, entre autres, les marches de Selma en 1965, la campagne présidentielle de Robert F. Kennedy en 1968 et, plus récemment, le mouvement « Black Lives Matter » fondé en 2013.

In questo contesto, I'm Not Here è dedicato all'impressionante vita di Steve Schapiro, dal suo lavoro di fotoreporter alle sue iconiche fotografie di set cinematografici, che documentano momenti indimenticabili della storia del cinema su celebri set come Il Padrino, Taxi Driver, Apocalypse Now e Rocky. I suoi ritratti di importanti personalità della cultura pop come Andy Warhol, David Bowie, Muhammad Ali e Barbra Streisand, nonché di protagonisti del movimento per i diritti civili, riflettono l'esame di Schapiro sull'autodeterminazione e la giustizia nella società. Ad esempio, Steve Schapiro ha fotografato le marce di Selma nel 1965, la campagna elettorale per le presidenziali di Robert F. Kennedy nel 1968 e, più recentemente, il movimento Black Lives Matter fondato nel 2013.

Against this backdrop, I'm Not Here is dedicated to Steve Schapiro's impressive life — from his work as a photojournalist to his iconic film set photographs, which document unforgettable moments in film history on the sets of famous films such as The Godfather, Taxi Driver, Apocalypse Now, and Rocky. His portraits of important pop culture personalities such as Andy Warhol, David Bowie, Muhammad Ali, and Barbra Streisand as well as protagonists of the Civil Rights Movement reflect Schapiro's examination of self-determination and justice in society. For example, Steve Schapiro photographed the Selma marches in 1965, Robert F. Kennedy's presidential election campaign in 1968 and, most recently, the Black Lives Matter movement founded in 2013.

(Text: CAMERA WORK, Berlin)

DZ BANK Kunststiftung GmbH | Frankfurt am Main
26. Februar – 24. Mai 2025

Andreas Mühe. Im Banne des Zorns

Mit Hilfe fotografischer Bilder und Installationen sucht Andreas Mühe nach spürbaren Folgen der deutschen Geschichte. Er befragt die Vergangenheit als einen Zeitraum, der Narben und Traumata hinterlassen hat, die noch immer nicht zur Genüge aufgearbeitet sind. Dabei lässt das Erstarken antidemokratischer und radikaler Tendenzen in unserer gegenwärtigen politischen Landschaft die Dringlichkeit einer Auseinandersetzung mit unserer Geschichte wichtiger werden denn je. Mit der Präsentation seiner Werke aus einer über 20-jährigen Schaffenszeit gibt die Kunststiftung DZ BANK einen breiten Überblick über das OEuvre von Andreas Mühe und möchte damit zu einem Dialog über demokratisches Handeln anregen.

»Mit der Kamera ins Herz der Finsternis« lautet die Überschrift eines Textes über die Bildserie »Obersalzberg« (2010–2012) von Andreas Mühe. Mit dieser Werkreihe beginnt die Ausstellung »Im Banne des Zorns«. Auch das Titelmotiv der Ausstellung, »Mooslahnerkopf« (2010) entstammt dieser Serie. Demgegenüber werden unter anderem Werke aus seiner Serie »RAFNSU« (2023–fortlaufend) zu sehen sein, eine Auseinandersetzung mit dem Grauen des deutschen Terrorismus sowie dem Schrecken der Radikalisierung. Je drei Mitglieder der Roten Armee Fraktion sowie des Nationalsozialistischen Untergrunds setzt er auf diese Weise in Beziehung zueinander. So wie sich die RAF aus der Radikalisierung der Studentenbewegung entwickelte und gegen das Establishment der BRD wandte, richteten die rechten Terroristen des NSU sich gegen eine offene Gesellschaft und töteten in ihrem Hass deutsche Mitbürgerinnen und Mitbürger mit Migrationshintergrund. Darüber hinaus werden fotografische Arbeiten aus den Serien »Beates Katzen« (2024), »Prora, Rügen« (2004), »A.M. Bunker« (2023), »Mischpoche« (2016–2019) und »Kanzlerbungalow« (2021) gezeigt. Die Werkreihe »Wandlitz« (2011), in der Andreas Mühe zwanzig Häuser von Mitgliedern des SED-Politbüros in der Waldsiedlung bei Wandlitz porträtiert, komplettiert den umfassenden Überblick über seine Schaffenszyklen und machen spürbar, dass die Diktatur der damaligen DDR, des ganzen totalitären Regimes, so doktrinär auf die Bevölkerung Einfluss nahm, dass die Folgen bis heute und vielleicht noch lange darüber hinaus spürbar sind und sein werden.

Eines haben seine Werkreihen immer gemeinsam: die bedachte und inszenierende Art des Fotografierens mit einer Plattenkamera gibt Andreas Mühe die Möglichkeit, die Szenerie sowie seine persönliche Position und Haltung immer wieder zu überprüfen, bevor er auf den Auslöser drückt. Dasselbe gilt auch für den Betrachtenden seiner Werke. Andreas Mühes Werke öffnen den Raum für die Auseinandersetzung mit der eigenen und der gesellschaftlichen Geschichte, die bis ins Jetzt hineinragt.

À l'aide d'images photographiques et d'installations, Andreas Mühe recherche les conséquences perceptibles de l'histoire allemande. Il interroge le passé comme une période qui a laissé des cicatrices et des traumatismes qui ne sont toujours pas suffisamment traités. La montée des tendances antidémocratiques et radicales dans notre paysage politique actuel rend plus importante que jamais l'urgence d'une réflexion sur notre histoire. En présentant les œuvres d'Andreas Mühe, qui s'étendent sur plus de 20 ans, la Kunststiftung DZ BANK donne un large aperçu de son œuvre et souhaite ainsi inciter à un dialogue sur l'action démocratique.

« Mit der Kamera ins Herz der Finsternis », tel est le titre d'un texte consacré à la série de tableaux “Obersalzberg” (2010-2012) d'Andreas Mühe. C'est avec cette série d'œuvres que débute l'exposition « Im Banne des Zorns ». Le motif du titre de l'exposition, « Mooslahnerkopf » (2010), est également issu de cette série. En face, on pourra voir entre autres des œuvres de sa série « RAFNSU » (2023-continue), une confrontation avec l'horreur du terrorisme allemand ainsi que l'horreur de la radicalisation. Il met ainsi en relation trois membres de la Fraction armée rouge et trois membres de l'underground national-socialiste. Tout comme la RAF s'est développée à partir de la radicalisation du mouvement étudiant et s'est tournée contre l'establishment de la RFA, les terroristes de droite du NSU se sont dirigés contre une société ouverte et ont tué dans leur haine des concitoyens allemands issus de l'immigration. En outre, des travaux photographiques des séries « Beates Katzen » (2024), « Prora, Rügen » (2004), « A.M. Bunker » (2023), « Mischpoche » (2016-2019) et « Kanzlerbungalow » (2021) seront présentés. La série d'œuvres « Wandlitz » (2011), dans laquelle Andreas Mühe fait le portrait de vingt maisons de membres du Politburo du SED dans la cité forestière près de Wandlitz, complète le vaste aperçu de ses cycles de création et rendent perceptible le fait que la dictature de la RDA de l'époque, de tout le régime totalitaire, a exercé une telle influence doctrinale sur la population que les conséquences sont et seront perceptibles jusqu'à aujourd'hui et peut-être encore longtemps après.

Ses séries d'œuvres ont toujours un point commun : la manière réfléchie et mise en scène de photographier avec un appareil à plaque donne à Andreas Mühe la possibilité de toujours vérifier le décor ainsi que sa position et son attitude personnelles avant d'appuyer sur le déclencheur. Il en va de même pour le spectateur de ses œuvres. Les œuvres d'Andreas Mühe ouvrent l'espace pour une confrontation avec sa propre histoire et celle de la société, qui s'étend jusqu'au présent.

Con l'aiuto di immagini fotografiche e installazioni, Andreas Mühe cerca conseguenze tangibili della storia tedesca. Mette in discussione il passato come un periodo che ha lasciato cicatrici e traumi non ancora sufficientemente affrontati. L'ascesa di tendenze antidemocratiche e radicali nel nostro attuale panorama politico rende più importante che mai fare i conti con la nostra storia. Con la presentazione delle sue opere di un periodo creativo di oltre 20 anni, la DZ BANK Art Foundation offre un'ampia panoramica dell'opera di Andreas Mühe e mira a incoraggiare un dialogo sull'azione democratica.

“Con la macchina fotografica nel cuore delle tenebre” è il titolo di un testo sulla serie ‘Obersalzberg’ (2010-2012) di Andreas Mühe. La mostra “Im Banne des Zorns” inizia con questa serie di opere. Anche il motivo del titolo della mostra, “Mooslahnerkopf” (2010), proviene da questa serie. Al contrario, saranno esposte opere della serie “RAFNSU” (2023 in corso), un esame dell'orrore del terrorismo tedesco e dell'orrore della radicalizzazione. In questo modo, l'artista mette in relazione tre membri della Fazione dell'Armata Rossa e tre membri della National Socialist Underground. Proprio come la RAF si sviluppò dalla radicalizzazione del movimento studentesco e si rivolse contro l'istituzione della RFT, i terroristi di destra della NSU erano diretti contro una società aperta e uccisero cittadini tedeschi con un background migratorio nel loro odio. Saranno esposte anche opere fotografiche delle serie “Beates Katzen” (2024), “Prora, Rügen” (2004), “A.M. Bunker” (2023), “Mischpoche” (2016-2019) e “Kanzlerbungalow” (2021). La serie di opere “Wandlitz” (2011), in cui Andreas Mühe ritrae venti case di membri del Politburo della SED nell'insediamento forestale vicino a Wandlitz, completa la panoramica completa dei suoi cicli creativi e chiarisce che la dittatura dell'ex DDR, l'intero regime totalitario, ha avuto un'influenza così dottrinaria sulla popolazione che le conseguenze si fanno e si faranno sentire ancora oggi e forse per molto tempo.

Le sue serie di opere hanno sempre una cosa in comune: il modo ponderato e inscenato di fotografare con una macchina a lastre dà ad Andreas Mühe l'opportunità di scrutare ripetutamente lo scenario, nonché la sua posizione e il suo atteggiamento personale prima di premere il pulsante di scatto. Lo stesso vale per chi guarda le sue opere. Le opere di Andreas Mühe aprono lo spazio per un esame della propria storia e di quella della società, che si estende fino al presente.

Andreas Mühe uses photographic images and installations to explore the tangible consequences of German history. He questions the past as a period that has left scars and traumas that have still not been sufficiently addressed. The rise of anti-democratic and radical tendencies in our current political landscape makes the urgency of coming to terms with our history more important than ever. The DZ BANK Art Foundation is presenting a broad overview of Andreas Mühe's oeuvre with this exhibition of works spanning more than 20 years of creativity, with the aim of encouraging a dialogue about democratic action.

‘With the camera into the heart of darkness’ is the title of a text about the series of pictures ‘Obersalzberg’ (2010-2012) by Andreas Mühe. The exhibition ‘Im Banne des Zorns’ begins with this series of works. The exhibition's title motif, ‘Mooslahnerkopf’ (2010), also comes from this series. In contrast, works from his series ‘RAFNSU’ (2023–ongoing), among others, will be on display, an examination of the horror of German terrorism and the terror of radicalisation. In this way, he relates three members of the Red Army Faction and three members of the National Socialist Underground to one another. Just as the RAF developed out of the radicalisation of the student movement and turned against the establishment of the FRG, the right-wing terrorists of the NSU turned against an open society, killing fellow German citizens with migrant backgrounds in their hatred. Photographic works from the series ‘Beate's Cats’ (2024), ‘Prora, Rügen’ (2004), ‘A.M. Bunker’ (2023), ‘Mishpocheh’ (2016–2019) and ‘Chancellor's Bungalow’ (2021) will also be on display. The series ‘Wandlitz’ (2011), in which Andreas Mühe portrays twenty houses belonging to members of the SED Politburo in the forest settlement near Wandlitz, completes the comprehensive overview of his creative cycles and makes it tangible that the dictatorship of the former GDR, the entire totalitarian regime, exerted such doctrinaire influence on the population that the consequences can be and will be felt to this day and perhaps for a long time to come.

All of his series have one thing in common: the deliberate and staged way of photographing with a plate camera gives Andreas Mühe the opportunity to repeatedly examine the scenery as well as his personal position and attitude before he presses the shutter release. The same applies to the viewer of his works. Andreas Mühe's works open up space for an examination of one's own and society's history, which extends into the present.

(Text: DZ BANK Kunststiftung GmbH, Frankfurt am Main)

Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg
28. Februar – 12. Oktober 2025

Glitzer

Glitzer funkelt und flirrt, fasziniert und empört. Es ist auf Bühnen ebenso zu finden wie auf Protestplakaten und in Kinderzimmern. Glitzer ist omnipräsent – und doch ist das Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) weltweit das erste Haus, das diesem Material eine Ausstellung widmet. Der Schwerpunkt der Ausstellung liegt auf Glitzer in aktuellen politischen Kontexten und kollektiven Bewegungen, als Material und Metapher für Sichtbarkeit, Zugehörigkeit und Selbstbestimmung. Rund 40 internationale Positionen aus Kunst und Gestaltung werden zusammengebracht. Sie widmen sich Glitzer als Mittel des Protests, der Performance und Popkultur, als Symbol der Sichtbarmachung marginalisierter Gruppen und des Widerstands gegen Körperdiskriminierung. Gezeigt werden unter anderem ein glitzerndes Jugendzimmer der Hamburger Künstlerin Jenny Schäfer, Fotografien von Sara Shakeel und Quil Lemons, Skateboards von Mickalene Thomas, GIFs von Molly Soda, Show-Perücken der Hamburger Wig-Designer Karl Gadzali und Mohamad Barakat für Olivia Jones und ein Bühnenoutfit von Bill Kaulitz. Ab Juni 2025 wird die Ausstellung mit der Rauminstallation „Puff Out“ des türkisch-belgischen Duos :mentalKLINIK um 300 Quadratmeter fuchsiafarbenen Glitzer erweitert.

Les paillettes scintillent et scintillent, fascinent et révoltent. On les trouve aussi bien sur les scènes que sur les affiches de protestation et dans les chambres d'enfants. Les paillettes sont omniprésentes - et pourtant, le Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) est le premier établissement au monde à consacrer une exposition à ce matériau. L'exposition met l'accent sur les paillettes dans les contextes politiques actuels et les mouvements collectifs, en tant que matériau et métaphore de la visibilité, de l'appartenance et de l'autodétermination. Une quarantaine de positions internationales issues de l'art et du design sont réunies. Elles se consacrent aux paillettes comme moyen de protestation, de performance et de culture pop, comme symbole de la visibilité des groupes marginalisés et de la résistance à la discrimination corporelle. On y verra notamment une chambre d'adolescent scintillante de l'artiste hambourgeoise Jenny Schäfer, des photographies de Sara Shakeel et Quil Lemons, des skateboards de Mickalene Thomas, des GIF de Molly Soda, des perruques de spectacle des designers de wigs hambourgeois Karl Gadzali et Mohamad Barakat pour Olivia Jones et une tenue de scène de Bill Kaulitz. À partir de juin 2025, l'exposition s'enrichira de 300 mètres carrés de paillettes fuchsia avec l'installation spatiale « Puff Out » du duo turco-belge :mentalKLINIK.

Il glitter scintilla e sfarfalla, affascina e indigna. Si trova sui palcoscenici, sui manifesti di protesta e nelle camerette dei bambini. Il glitter è onnipresente, eppure il Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) è il primo museo al mondo a dedicare una mostra a questo materiale. La mostra si concentra sul glitter nei contesti politici attuali e nei movimenti collettivi, come materiale e metafora di visibilità, appartenenza e autodeterminazione. Saranno riunite circa 40 posizioni internazionali dell'arte e del design. Sono dedicate al glitter come mezzo di protesta, performance e cultura pop, come simbolo della visualizzazione di gruppi emarginati e della resistenza contro la discriminazione del corpo. La mostra comprende una scintillante stanza dei giovani dell'artista amburghese Jenny Schäfer, fotografie di Sara Shakeel e Quil Lemons, skateboard di Mickalene Thomas, GIF di Molly Soda, parrucche da spettacolo degli stilisti amburghesi Karl Gadzali e Mohamad Barakat per Olivia Jones e un abito di scena di Bill Kaulitz. Dal giugno 2025, la mostra sarà ampliata da 300 metri quadrati di glitter color fucsia con l'installazione spaziale “Puff Out” del duo turco-belga :mentalKLINIK.

Glitter sparkles and shimmers, fascinates and outrages. It can be found on the stage as well as on protest posters and in children’s rooms. Glitter is omnipresent – and yet the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) is the first museum in the world to dedicate an exhibition to this material. The show will focus on glitter in current political contexts and collective movements, both as a material and a metaphor for visibility, affiliation and self-determination. Around 40 international examples from the worlds of art and design are brought together here – works that make use of glitter as a means of protest or as an element of performance or pop culture, as a symbol of drawing attention to marginalised groups and of resistance against body shaming. The exhibits include a glittering teen bedroom designed by Hamburg artist Jenny Schäfer, photographs by Sara Shakeel and Quil Lemons, skateboards by Mickalene Thomas, GIFs by Molly Soda, show wigs designed by Hamburg wig wizards Karl Gadzali and Mohamad Barakat for Olivia Jones, and a stage outfit worn by Bill Kaulitz. Starting in June 2025, the exhibition will add 300 square metres of fuchsia glitter with the spatial installation “Puff Out” by the Turkish-Belgian duo :mentalKLINIK.

(Text: Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg)

Galerie Thomas Fischer | Berlin
28. Februar – 12. April 2025

Seiichi Furuya – Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Als die Stadt Berlin sich 1987 anschickte ihr 750-jähriges Bestehen zu feiern, kamen in der Stadtmitte mehrere große Baustellen zum Abschluss. Im Mai etwa wurde das wiedererrichtete Nikolaiviertel mitsamt der rekonstruierten Nikolaikirche der Öffentlichkeit übergeben. Die Rekonstruktion des historischen Altstadtviertels am Spreeufer hatte mehrere Jahre in Anspruch genommen. Im Wettbewerb zwischen Ost und West um das „wahre Berlin“ hatte die SED den Fokus trotz knapper Ressourcen auf den Wiederaufbau des historischen Stadtkerns gelegt. Zum Höhepunkt der Festlichkeiten zog am 4. Juli 1987 ein zehn Kilometer langer Festumzug mit rund 43.000 Mitwirkenden durch das Ost-Berliner Zentrum und an einer Tribüne mit SED Funktionären und Ehrengästen vorbei. Rund 300 ausgewählte Episoden der Berliner Stadtgeschichte wurden szenisch nachgestellt und die Errungenschaften des realen Sozialismus gefeiert. Der Umzug spiegelte sowohl die selektive Haltung der SED-Führung zur deutschen Geschichte als auch eine Wahrnehmungsverweigerung der krisenhaften Gegenwart wider. Doch die Agonie war schon spürbar. Nur drei Jahre später war die DDR selbst Geschichte.

Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87 von Seiichi Furuya ist eine Projektion mit 690 Bildern, größtenteils in Schwarz-weiß, manchmal auch in Farbe. Die Abfolge der Bilder ist zufällig und setzt sich immer anders zusammen. Der Großteil der Bilder wurde im vergangenen Jahr zum ersten Mal gezeigt. Die Bilder, die Seiichi Furuya im Umfeld der 750-Jahr-Feierlichkeiten und auf anderen Volksfesten dieser Zeit aufgenommen hat, sind Aufnahmen eines Beobachters. Sein Motiv: ein riesiges absurdes Geschichtstheater. Mit einem LKW-Oldtimer wird „Aktivisten der ersten Stunde“ gehuldigt, eine Gruppe von Tanzmariechen wartet Unter den Linden auf ihren Auftritt, ein Banner mit der Aufschrift „Berlin – Zentrum der deutschen Linken“ wird auf der Höhe des Zeughauses in Mitte über die Straße getragen, Jungpioniere mit Trompeten, FDJler im Blauhemd mit roten Fahnen, ein Spielmannszug vor dem Roten Rathaus in Uniformen, die an den historischen Rotfrontkämpferbund erinnern. Furuya, der zwischen 1984 und 1987 in der DDR lebte, fotografierte sowohl die Darbietungen auf den Bühnen und Straßen wie auch das Publikum. Da sind staunende Kinder und wenig enthusiastische Erwachsene zu sehen. Auffällig unauffällig stehen da oft auch grimmig dreinschauende Männer und Frauen am Rand. Das müssen wohl die wachsamen Mitarbeiter der Staatssicherheit in Zivil gewesen sein.

Architektur zieht sich wie ein roter Faden durch die Bilder Furuyas. Zu den Ost-Berliner Prestigebauten jener Zeit gehörte auch das Grand Hotel an der Friedrichstraße Ecke Behrenstraße, welches am 1. August 1987 in Betrieb genommen wurde. Die postmoderne Interpretation klassizistischer Repräsentationsarchitektur wurde vom DDR-Generalbaudirektor Erhardt Gißke und dem japanischen Baukonsortium Kajima Corporation projektiert. Furuya arbeitete als Übersetzer für das Unternehmen. Ins Bild kommen auch Plattenbauten, ebenso wie der Palast der Republik, die Volksbühne oder das Kino International. Auch die Berliner Mauer, das absurdeste Bauwerk des 20. Jahrhunderts, fotografiert Furuya öfters. Er nimmt sie von beiden Seiten auf. Fotografien von der Westseite Berlins speist er in seine Erzählung ein. So wird das Bild der Stadt vollständig.

Er hätte damals eigentlich nur für sich fotografiert, erzählte Furuya einmal in einem Interview. „Gegen das Vergessen. Denn wenn ich zurückdenke und da ist ein Loch in meiner Erinnerung, dann habe ich ein ungutes Gefühl. Also muss ich mein Leben dokumentieren. Ich finde, das ist meine vordringlichste Aufgabe.“ Die Seltsamkeiten des DDR-Alltags jener Jahre werden durch Furuyas Kamera mit einer gewissen Kühle und Distanz, jedoch gänzlich ohne Arroganz registriert. Was mag das wohl sein, das „wahre Berlin“? Ein Phantom, ein flüchtiger Mythos und ein ewiges Puzzle. Furuya ist es gelungen, sich mit der Kamera dem Geist Berlins Mitte der 1980er-Jahre zu nähern. In seinen Bildern blitzt er kurz auf, bevor er wieder im Sturm der Geschichte verschwindet.

En 1987, alors que la ville de Berlin s'apprêtait à fêter son 750e anniversaire, plusieurs grands chantiers ont été menés à bien dans le centre-ville. En mai, par exemple, le quartier Nikolaiviertel reconstruit, y compris l'église Nikolaikirche, a été ouvert au public. La reconstruction du quartier historique de la vieille ville sur les rives de la Spree avait pris plusieurs années. Dans la compétition entre l'Est et l'Ouest pour le « vrai Berlin », le SED avait mis l'accent sur la reconstruction du centre historique de la ville malgré des ressources limitées. Au point culminant des festivités, le 4 juillet 1987, un cortège de dix kilomètres avec environ 43 000 participants a traversé le centre de Berlin-Est et est passé devant une tribune où se trouvaient des fonctionnaires du SED et des invités d'honneur. Environ 300 épisodes choisis de l'histoire de la ville de Berlin ont été reconstitués de manière scénique et les acquis du socialisme réel ont été célébrés. Le défilé reflétait à la fois l'attitude sélective des dirigeants du SED vis-à-vis de l'histoire allemande et un refus de percevoir le présent en crise. Pourtant, l'agonie était déjà perceptible. Trois ans plus tard seulement, la RDA elle-même faisait partie de l'histoire.

Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87 de Seiichi Furuya est une projection de 690 visuels, en grande partie en noir et blanc, parfois en couleur. La succession des visuels est aléatoire et se compose toujours différemment. La plupart des visuels ont été montrés pour la première fois l'année dernière. Les visuels que Seiichi Furuya a pris dans le cadre des festivités du 750e anniversaire et d'autres fêtes populaires de l'époque sont des prises de vue d'un observateur. Son motif : un immense théâtre historique absurde. On rend hommage à des « activistes de la première heure » avec un camion d'époque, un groupe de danseuses attend son tour sous les tilleuls, une bannière portant l'inscription « Berlin - centre de la gauche allemande » est portée à travers la rue à la hauteur de l'arsenal de Mitte, des jeunes pionniers avec des trompettes, des FDJ en chemise bleue avec des drapeaux rouges, une fanfare devant la mairie rouge dans des uniformes qui rappellent l'historique Rotfrontkämpferbund. Furuya, qui a vécu en RDA entre 1984 et 1987, a photographié aussi bien les spectacles sur les scènes et dans les rues que le public. On y voit des enfants émerveillés et des adultes peu enthousiastes. Des hommes et des femmes à l'air féroce se tiennent souvent au bord, sans se faire remarquer. Il devait s'agir de collaborateurs vigilants de la sécurité d'État en civil.

L'architecture est le fil conducteur des visuels de Furuya. Parmi les constructions prestigieuses de Berlin-Est de l'époque, il y avait le Grand Hôtel, situé à l'angle de la Friedrichstrasse et de la Behrenstrasse, qui a été mis en service le 1er août 1987. Cette interprétation postmoderne de l'architecture de représentation classique a été conçue par le directeur général de l'architecture de la RDA, Erhardt Gißke, et le consortium de construction japonais Kajima Corporation. Furuya a travaillé comme traducteur pour l'entreprise. Des bâtiments en préfabriqué entrent également dans le visuel, tout comme le Palast der Republik, la Volksbühne ou le Kino International. Furuya photographie aussi souvent le mur de Berlin, l'ouvrage le plus absurde du 20e siècle. Il le prend en photo des deux côtés. Il intègre à son récit des photographies du côté ouest de Berlin. Le visuel de la ville devient ainsi complet.

Furuya a raconté un jour dans une interview qu'à l'époque, il n'avait photographié que pour lui-même. « Contre l'oubli. Car si je pense en arrière et qu'il y a un trou dans ma mémoire, j'ai un sentiment de malaise. Je dois donc documenter ma vie. Je pense que c'est ma tâche la plus urgente ». Les bizarreries du quotidien de la RDA de ces années-là sont enregistrées par la caméra de Furuya avec une certaine froideur et distance, mais totalement sans arrogance. Qu'est-ce que c'est que le « vrai Berlin » ? Un fantôme, un mythe éphémère et un puzzle éternel. Furuya a réussi à s'approcher de l'esprit de Berlin au milieu des années 1980 avec sa caméra. Dans ses visuels, il apparaît brièvement avant de disparaître à nouveau dans la tempête de l'histoire.

Mentre la città di Berlino si preparava a celebrare il suo 750° anniversario nel 1987, diversi importanti cantieri nel centro della città si sono conclusi. A maggio, ad esempio, è stato aperto al pubblico il ricostruito Nikolaiviertel, compresa la Nikolaikirche. La ricostruzione del quartiere storico della città vecchia sulle rive della Sprea ha richiesto diversi anni. Nella competizione tra Est e Ovest per la “vera Berlino”, la SED si era concentrata sulla ricostruzione del centro storico, nonostante la scarsità di risorse. I festeggiamenti culminarono il 4 luglio 1987 con una parata di dieci chilometri con circa 43.000 partecipanti attraverso il centro di Berlino Est e davanti a una tribuna con funzionari della SED e ospiti d'onore. Vennero rievocati circa 300 episodi scelti della storia della città di Berlino e vennero celebrate le conquiste del socialismo reale. La parata rifletteva sia l'atteggiamento selettivo della leadership del SED nei confronti della storia tedesca, sia il rifiuto di riconoscere il presente in crisi. Ma l'agonia era già palpabile. Solo tre anni dopo, la stessa DDR era già storia.

Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87 di Seiichi Furuya è una proiezione con 690 immagini, per lo più in bianco e nero, talvolta anche a colori. La sequenza delle immagini è casuale e viene sempre messa insieme in modo diverso. La maggior parte delle immagini è stata presentata per la prima volta l'anno scorso. Le immagini che Seiichi Furuya ha scattato in occasione delle celebrazioni del 750° anniversario e di altre feste popolari dell'epoca sono il lavoro di un osservatore. Il suo motivo: un enorme e assurdo teatro storico. Un camion d'epoca rende omaggio agli “attivisti della prima ora”, un gruppo di marciatori danzanti attende di esibirsi sulla Unter den Linden, uno striscione con la scritta “Berlino - Centro della Sinistra tedesca” viene trasportato attraverso la strada vicino alla Zeughaus a Mitte, giovani pionieri con le trombe, membri della FDJ in camicia blu con bandiere rosse, una banda in marcia davanti al Rotes Rathaus con uniformi che ricordano la storica Lega dei combattenti del Fronte Rosso. Furuya, che ha vissuto nella DDR tra il 1984 e il 1987, ha fotografato gli spettacoli sui palchi e nelle strade e il pubblico. Si vedono bambini stupiti e adulti poco entusiasti. Uomini e donne sono spesso in piedi in disparte, con un'aria cupa e decisamente poco appariscente. Devono essere i vigili delle forze di sicurezza dello Stato in borghese.

L'architettura scorre come un filo rosso nelle immagini di Furuya. Uno dei prestigiosi edifici di Berlino Est dell'epoca è il Grand Hotel all'angolo tra Friedrichstrasse e Behrenstrasse, inaugurato il 1° agosto 1987. L'interpretazione postmoderna dell'architettura rappresentativa classicista fu progettata dal direttore generale dell'edilizia della DDR Erhardt Gißke e dal consorzio giapponese Kajima Corporation. Furuya ha lavorato come traduttore per la società. Il film include anche edifici prefabbricati come il Palazzo della Repubblica, il teatro Volksbühne e il Cinema Internazionale. Furuya ha anche fotografato spesso il Muro di Berlino, l'edificio più assurdo del XX secolo. Lo ha fotografato da entrambi i lati. Nella sua narrazione inserisce le fotografie del lato ovest di Berlino. Questo completa l'immagine della città.

Una volta Furuya ha dichiarato in un'intervista che all'epoca fotografava solo per se stesso. “Contro l'oblio. Perché quando ripenso al passato e c'è un buco nella mia memoria, ho una brutta sensazione. Quindi devo documentare la mia vita. Credo sia il mio compito più urgente”. Le stranezze della vita quotidiana nella DDR di quegli anni sono registrate dalla macchina da presa di Furuya con una certa freddezza e distanza, ma senza arroganza. Quale potrebbe essere la “vera Berlino”? Un fantasma, un mito fugace e un eterno rompicapo. Furuya è riuscito ad avvicinarsi allo spirito della Berlino della metà degli anni Ottanta con la sua macchina fotografica. Nelle sue immagini, esso lampeggia brevemente prima di scomparire di nuovo nella tempesta della storia.

When the city of Berlin prepared to celebrate its 750th anniversary in 1987, several major construction sites in the city centre were completed. In May, for example, the rebuilt Nikolaiviertel, including the reconstructed Nikolaikirche, was opened to the public. The reconstruction of the historic old town quarter on the banks of the Spree had taken several years. In the competition between East and West for the ‘real Berlin’, the SED had placed the focus on the reconstruction of the historic city centre despite scarce resources. At the height of the festivities, on 4 July 1987, a ten-kilometre-long procession with around 43,000 participants passed through the centre of East Berlin and past a grandstand with SED functionaries and guests of honour. Around 300 selected episodes of Berlin's history were re-enacted and the achievements of real socialism celebrated. The procession reflected both the selective attitude of the SED leadership towards German history and a refusal to perceive the critical present. But the agony was already palpable. Only three years later, the GDR itself was history.

Berlin-Ost/West-Berlin 1985-87 by Seiichi Furuya is a projection of 690 images, mostly black and white, sometimes in colour. The sequence of images is random and always comes together differently. Most of the images were shown for the first time last year. The images that Seiichi Furuya took up during the 750th anniversary celebrations and at other festivals during this time are recordings of an observer. His motif: a huge, absurd theatre of history. A vintage truck pays homage to ‘Aktivisten der ersten Stunde’ , a group of dancing mariechen wait for their turn to perform on Unter den Linden, a banner reading ‘Berlin – Centre of the German Left’ is carried across the street near the Zeughaus in Mitte, young pioneers with trumpets, Free German Youth members in blue shirts with red flags, a marching band in front of the Rotes Rathaus in uniforms reminiscent of the historic Red Front Fighters' League. Furuya, who lived in the GDR between 1984 and 1987, photographed the performances on the stages and streets as well as the audience. There are amazed children and less enthusiastic adults to be seen. Strikingly inconspicuous, grim-looking men and women often stand on the sidelines. These must have been the vigilant employees of the state security in civilian clothes.

Architecture is a recurring theme in Furuya's visuals. Among the prestigious buildings of the time in East Berlin was the Grand Hotel on the corner of Friedrichstrasse and Behrenstrasse, which opened on 1 August 1987. The postmodern interpretation of classical representative architecture was planned by the GDR General Building Director Erhardt Gißke and the Japanese construction consortium Kajima Corporation. Furuya worked for the company as a translator. Prefabricated tower blocks also feature in his visual world, as do the Palast der Republik, the Volksbühne and the Kino International. Furuya also often photographed the Berlin Wall, the most absurd structure of the 20th century. He took it up from both sides. He incorporated photographs of the west side of Berlin into his narrative. This is how the visual of the city becomes complete.

He actually only photographed for himself back then, Furuya once said in an interview. ‘To prevent forgetting. Because when I think back and there is a hole in my memory, I have an uneasy feeling. So I have to document my life. I think that is my most urgent task.’ The strangeness of everyday life in the GDR during those years is registered by Furuya's camera with a certain coolness and distance, but without any trace of arrogance. What, of course, is the ‘real Berlin’? A phantom, a fleeting myth and an eternal puzzle. Furuya has managed to capture the spirit of Berlin in the mid-1980s with his camera. His visuals briefly shine before disappearing again in the storm of history.

(Text: Kito Nedo)

Bröhan Museum | Berlin
1. März - 1. Juni 2025

Will McBride – Die Berliner Jahre

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Immer wieder hat der Amerikaner Will McBride (1931–2015) als fotografierender Künstler für Aufsehen gesorgt. Auch wenn McBride kreative Jahre in München, Frankfurt oder in der Toskana verbracht hat: Berlin war und blieb seine Stadt. „Berlin sensibilisierte und änderte meine Sichtweisen“ hat er rückblickend einmal bekannt, „ich hatte die Freiheit zu sehen, wie ich wollte.“ Zehn Jahre nach dem Tod Will McBrides erinnert das Bröhan Museum an den bedeutenden Fotografen, dessen stilbildendes Werk ohne das Nachkriegs-Berlin kaum denkbar ist. In der Schau sind rund 70 Leihgaben zu sehen, die alle aus einer Privatsammlung stammen.

Nach einem Malerei-, Kunstgeschichte- und Illustrationsstudium kam McBride als GI 1953 nach Deutschland. Im Anschluss an seinen Wehrdienst blieb er in Deutschland und arbeitete ab 1959 als Fotograf in Berlin und München. Besondere Erfolge feierte er durch seine Arbeiten für TWEN. Die Zeitschrift, die bis 1971 existierte, wurde 1959 von Adolf Theobald, Rolf Palm und Willy Fleckhaus gegründet. Durch das radikal neue Layout von Fleckhaus und die hervorragenden Fotostrecken war sie eine der wichtigsten Zeitschriften der 1960er Jahre. McBride war der am meisten gebuchte Fotograf der Zeitschrift und publizierte dort 30 Fotoessays. Einen Skandal löste1960 das Porträt seiner schwangeren Frau Barbara im Profil mit enganliegendem Pullover und aufgeknöpfter Jeans aus.

Die Ausstellung „Will McBride – Die Berliner Jahre“ setzt die Reihe der Foto-Ausstellungen im Bröhan Museum fort. Sie antwortet auch unmittelbar auf die Schau „Berlin in einer Hundenacht. Gundula Schulze Eldowy“, die 2024 im Bröhan-Museum zu sehen war. Genauso wie Gundula Schulze Eldowy kommt Will McBride als junger Mensch nach Berlin. Beide sind fasziniert vom Leben in dieser Stadt – Gundula Schulze Eldowy vom Ost-Berliner Milieu der 1970er Jahre in Mitte und Will McBride vom noch nicht von der Mauer getrennten, aber doch sich allmählich auseinanderdividierenden Leben Berlins der 1950er Jahre. Beide sind Beobachtende ihrer Welt, wobei Will McBride bei aller Distanziertheit doch noch mehr Teil des von ihm geschilderten Milieus ist als Gundula Schulze Eldowy bei ihren Aufnahmen. Die Werkserien der beiden sind Dokumente des Berliner Lebens und feinsinnige Hommagen an Berlin.

L'Américain Will McBride (1931-2015) n'a cessé de faire parler de lui en tant qu'artiste photographe. Même si McBride a passé des années créatives à Munich, Francfort ou en Toscane : Berlin était et est restée sa ville. « Berlin a sensibilisé et changé ma façon de voir » a-t-il confié un jour avec le recul, “j'avais la liberté de voir comme je voulais”. Dix ans après la mort de Will McBride, le musée Bröhan rend hommage à cet éminent photographe dont l'œuvre stylistique est difficilement concevable sans le Berlin de l'après-guerre. L'exposition présente environ 70 œuvres prêtées, toutes issues d'une collection privée.

Après des études de peinture, d'histoire de l'art et d'illustration, McBride est arrivé en Allemagne en tant que GI en 1953. Après son service militaire, il est resté en Allemagne et a travaillé à partir de 1959 comme photographe à Berlin et à Munich. Il a connu un succès particulier grâce à ses travaux pour TWEN. Ce magazine, qui a existé jusqu'en 1971, a été fondé en 1959 par Adolf Theobald, Rolf Palm et Willy Fleckhaus. Grâce à la mise en page radicalement nouvelle de Fleckhaus et aux excellentes séries de photos, ce fut l'un des magazines les plus importants des années 1960. McBride était le photographe le plus sollicité du magazine et y publia 30 essais photographiques. En 1960, le portrait de sa femme Barbara, enceinte, de profil, vêtue d'un pull moulant et d'un jean déboutonné, a fait scandale.

L'exposition « Will McBride - Les années berlinoises » poursuit la série d'expositions de photos au musée Bröhan. Elle répond aussi directement à l'exposition « Berlin in einer Hundenacht. Gundula Schulze Eldowy », qui a été présentée au musée Bröhan en 2024. Tout comme Gundula Schulze Eldowy, Will McBride arrive à Berlin en tant que jeune homme. Tous deux sont fascinés par la vie dans cette ville - Gundula Schulze Eldowy par le milieu est-berlinois des années 1970 dans le quartier de Mitte et Will McBride par la vie berlinoise des années 1950, qui n'est pas encore séparée par le mur mais qui se divise peu à peu. Tous deux sont des observateurs de leur monde, même si Will McBride, malgré son détachement, fait encore plus partie du milieu qu'il décrit que Gundula Schulze Eldowy dans ses prises de vue. Les séries d'œuvres des deux artistes sont des documents sur la vie berlinoise et des hommages subtils à Berlin.

L'americano Will McBride (1931-2015) ha ripetutamente suscitato scalpore come artista fotografico. Anche se McBride ha trascorso anni creativi a Monaco, Francoforte o in Toscana: Berlino era e rimaneva la sua città. “Berlino ha sensibilizzato e cambiato le mie prospettive”, ha confessato una volta in retrospettiva, ‘avevo la libertà di vedere come volevo’. A dieci anni dalla morte di Will McBride, il Bröhan Museum ricorda l'importante fotografo, il cui lavoro, che ha definito il suo stile, è difficilmente concepibile senza la Berlino del dopoguerra. La mostra presenta circa 70 opere in prestito, tutte provenienti da una collezione privata.

Dopo aver studiato pittura, storia dell'arte e illustrazione, McBride arrivò in Germania come soldato semplice nel 1953. Dopo il servizio militare, rimase in Germania e dal 1959 lavorò come fotografo a Berlino e Monaco. Ha riscosso particolare successo con il suo lavoro per TWEN. La rivista, che è esistita fino al 1971, è stata fondata nel 1959 da Adolf Theobald, Rolf Palm e Willy Fleckhaus. L'impaginazione radicalmente nuova e le eccezionali serie fotografiche di Fleckhaus la resero una delle riviste più importanti degli anni Sessanta. McBride fu il fotografo più richiesto dalla rivista e vi pubblicò 30 saggi fotografici. Il ritratto della moglie Barbara, incinta e di profilo, con un maglione aderente e jeans sbottonati, fece scandalo nel 1960.

La mostra “Will McBride - Gli anni di Berlino” prosegue la serie di mostre fotografiche al Bröhan Museum. È anche una risposta diretta alla mostra “Berlin in einer Hundenacht. Gundula Schulze Eldowy”, esposta al Bröhan Museum nel 2024. Proprio come Gundula Schulze Eldowy, Will McBride è arrivato a Berlino da giovane. Entrambi sono affascinati dalla vita in questa città: Gundula Schulze Eldowy dall'ambiente della Berlino Est degli anni Settanta a Mitte e Will McBride dalla vita nella Berlino degli anni Cinquanta, che non era ancora separata dal Muro ma si stava comunque gradualmente dividendo. Entrambi sono osservatori del loro mondo e Will McBride, con tutto il suo distacco, è ancora più parte dell'ambiente che ritrae di quanto non lo sia Gundula Schulze Eldowy nelle sue fotografie. Le loro serie di opere sono documenti della vita berlinese e sottili omaggi a Berlino.

The American artist Will McBride (1931–2015) repeatedly caused a stir as a photographer. Even though McBride spent creative years in Munich, Frankfurt and Tuscany, Berlin was and remained his city. ‘Berlin sensitised me and changed my perspectives,’ he once admitted in retrospect, ‘I had the freedom to see as I wanted.’ Ten years after the death of Will McBride, the Bröhan Museum is commemorating the important photographer, whose seminal work would have been inconceivable without post-war Berlin. The show includes around 70 loans, all from a private collection.

After studying painting, art history and illustration, McBride came to Germany as a GI in 1953. He remained in Germany after his military service and worked as a photographer in Berlin and Munich from 1959. He enjoyed particular success through his work for TWEN. The magazine, which existed until 1971, was founded in 1959 by Adolf Theobald, Rolf Palm and Willy Fleckhaus. Thanks to Fleckhaus's radically new layout and the outstanding photo series, it was one of the most important magazines of the 1960s. McBride was the magazine's most frequently booked photographer and published 30 photo essays there. In 1960, the portrait of his pregnant wife Barbara in profile, wearing a tight-fitting sweater and unbuttoned jeans, caused a scandal.

The exhibition ‘Will McBride – The Berlin Years’ continues the series of photography exhibitions at the Bröhan Museum. It also directly responds to the show ‘Berlin in a Dog Night. Gundula Schulze Eldowy’, which was on display at the Bröhan Museum in 2024. Like Gundula Schulze Eldowy, Will McBride came to Berlin as a young person. Both are fascinated by life in the city – Gundula Schulze Eldowy by the East Berlin milieu of the 1970s in Mitte and Will McBride by the Berlin of the 1950s, which was not yet divided by the Wall but was already gradually dividing. Both observe their world, although Will McBride, despite his detached approach, is still more part of the milieu he portrays than Gundula Schulze Eldowy is with her photographs. The series of works by both artists are documents of Berlin life and subtle tributes to Berlin.

(Text: Bröhan Museum, Berlin)

Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin
1. – 30. März 2025

Transience and Memory: The Photographic Narratives of Climate Crisis
Ana Zibelnik, Künstlerduo Ganslmeier & Zibelnik

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP - European Month of Photography Berlin statt.

Die Ausstellung stellt Ana Zibelniks (*1995, Ljubljana/Slowenien) Arbeit Immortality is Commonplace (2022) der Serie Fault Line (2023, –) gegenüber, die gemeinsam mit Jakob Ganslmeier (*1990, München/Deutschland), entstanden ist. Beide Arbeiten beschäftigen sich mit den Auswirkungen der Klimakrise und der Klimaangst, die den Diskurs der heutigen Jugend prägen.

Immortality is Commonplace beleuchtet Zibelnik veränderte Rolle der Fotografie in Zeiten der Klimakrise. Während die Menschheit den psychologischen Drang verspürt, die Vergangenheit zu bewahren, sieht sie sich gleichzeitig der Bedrohung des Aussterbens gegenüber. Was bedeutet es, in einer Endzeit zu leben? Zibelniks Faszination für biologisch unsterbliche Flechten wirft die Frage auf: Wer dokumentiert wen–wir die Natur oder die Natur uns?

Ana Zibelnik (geb. 1995, Ljubljana) ist eine slowenische, bildende Künstlerin, die in Den Haag, Niederlande, lebt. Sie hat einen Master-Abschluss in Film- und Fotostudien an der Universität Leiden und einen BA in Visual Communication Design from the University of Ljubljana. Ihre Arbeit dreht sich um die Themen ökologische Krise, Klimaangst und deren soziale Auswirkungen. Seit 2020 arbeitet sie auch als Teil des Künstlerduos Ganslmeier & Zibelnik.

In 2024 gewann Zibelnik den Hauptpreis des slowenischen Kranj Foto Festivals und zeigte ihre Arbeiten u.a. auf der Photo Basel, und, zusammen mit Ganslmeier, im Fotomuseum Den Haag (NL); 2022 waren ihre Arbeiten u.a. in der Maribor Art Gallery, UGM Studio, auf der Paris Photo Online, auf dem Art Salon Zürich und als Teil einer Gruppenausstellung im Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR) zu sehen; zwischen 2017 und 2021 war Zibelnik in div. Institutionen, von Deutschland über Ungarn bis hin zu Portugal und der Schweiz, vertreten und konnte verschiedenste Auszeichnungen wie den Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant , div. Nominierungen für den Newcomer-Preis des Leica Oskar Barnack Award und das City Municipality of Ljubljana Scholarship verzeichnen.

L'exposition met en parallèle le travail d'Ana Zibelnik (*1995, Ljubljana/Slovénie), Immortality is Commonplace (2022), et la série Fault Line (2023, -), réalisée en collaboration avec Jakob Ganslmeier (*1990, Munich/Allemagne). Les deux œuvres traitent des effets de la crise climatique et de la peur du climat qui caractérisent le discours de la jeunesse actuelle.

Immortality is Commonplace met en lumière le rôle modifié de la photographie par Zibelnik en temps de crise climatique. Alors que l'humanité ressent le besoin psychologique de préserver le passé, elle est en même temps confrontée à la menace de l'extinction. Que signifie vivre dans une fin des temps ? La fascination de Zibelnik pour les lichens biologiquement immortels soulève la question : Qui documente qui - nous la nature ou la nature nous ?

Ana Zibelnik (née en 1995 à Ljubljana) est une artiste plasticienne slovène qui vit à La Haye, aux Pays-Bas. Elle est titulaire d'un master en études cinématographiques et photographiques de l'université de Leyde et d'un BA en design de communication visuelle de l'université de Ljubljana. Son travail s'articule autour des thèmes de la crise écologique, de l'angoisse climatique et de leurs conséquences sociales. Depuis 2020, elle travaille également en tant que membre du duo d'artistes Ganslmeier & Zibelnik.

En 2024, Zibelnik a remporté le premier prix du Kranj Foto Festival slovène et a présenté son travail, entre autres, à Photo Basel et, avec Ganslmeier, au Fotomuseum Den Haag (NL) ; en 2022, son travail a été exposé, entre autres, à la Maribor Art Gallery, à UGM Studio, à Paris Photo Online, à l'Art Salon de Zurich et dans le cadre d'une exposition de groupe au Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR) ; entre 2017 et 2021, Zibelnik a été exposée dans diverses institutions en Allemagne et en Autriche. Elle a été représentée dans de nombreuses institutions, de l'Allemagne à la Hongrie, en passant par le Portugal et la Suisse, et a reçu diverses récompenses telles que le Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line ; Stroom Den Haag, SPOT Grant , diverses nominations pour le prix du nouveau venu du Leica Oskar Barnack Award et la City Municipality of Ljubljana Scholarship.

La mostra accosta l'opera Immortality is Commonplace (2022) di Ana Zibelnik (*1995, Lubiana/Slovenia) alla serie Fault Line (2023, -), realizzata insieme a Jakob Ganslmeier (*1990, Monaco/Germania). Entrambe le opere trattano gli effetti della crisi climatica e dell'ansia climatica, che caratterizzano il discorso dei giovani d'oggi.

In Immortality is Commonplace, Zibelnik fa luce sul cambiamento del ruolo della fotografia in tempi di crisi climatica. Se da un lato l'umanità sente l'urgenza psicologica di preservare il passato, dall'altro si trova ad affrontare la minaccia dell'estinzione. Cosa significa vivere in un'epoca di fine? Il fascino di Zibelnik per i licheni biologicamente immortali solleva la questione: Chi sta documentando chi: noi la natura o la natura noi?

Ana Zibelnik (nata nel 1995 a Lubiana) è un'artista visiva slovena che vive all'Aia, nei Paesi Bassi. Ha conseguito un master in studi cinematografici e fotografici presso l'Università di Leiden e una laurea in Visual Communication Design presso l'Università di Lubiana. Il suo lavoro ruota attorno ai temi della crisi ecologica, dell'ansia climatica e del suo impatto sociale. Dal 2020 lavora anche come parte del duo di artisti Ganslmeier & Zibelnik.

Nel 2024, Zibelnik ha vinto il premio principale al Kranj Photo Festival sloveno e ha esposto il suo lavoro a Photo Basel e, insieme a Ganslmeier, al Fotomuseum Den Haag (NL); nel 2022, il suo lavoro è stato esposto alla Galleria d'Arte di Maribor, all'UGM Studio, a Paris Photo Online, all'Art Salon di Zurigo e come parte di una mostra collettiva al Benaki Museum/Athens Photo Festival (GR); tra il 2017 e il 2021, Zibelnik ha esposto in varie istituzioni, dalla Germania all'Ungheria ai Paesi Bassi. Tra il 2017 e il 2021, Zibelnik è stato rappresentato in varie istituzioni, dalla Germania e dall'Ungheria al Portogallo e alla Svizzera, e ha ricevuto vari premi come il Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant, varie nomination per il Newcomer Prize del Leica Oskar Barnack Award e la City Municipality of Ljubljana Scholarship.

The exhibition juxtaposes Ana Zibelnik's (b. 1995, Ljubljana, Slovenia) work Immortality is Commonplace (2022) with the series Fault Line (2023–), which she created together with Jakob Ganslmeier (b. 1990, Munich, Germany). Both works deal with the effects of the climate crisis and climate anxiety, which shape the discourse of today's youth.

Immortality is Commonplace sheds light on Zibelnik's altered role of photography in times of climate crisis. While humanity feels the psychological urge to preserve the past, it simultaneously faces the threat of extinction. What does it mean to live in an apocalyptic era? Zibelnik's fascination with biologically immortal lichens raises the question: who is documenting whom – us documenting nature or nature documenting us?

Ana Zibelnik (b. 1995, Ljubljana) is a Slovenian visual artist based in The Hague, Netherlands. She holds a Master's degree in Film and Photo Studies from Leiden University and a BA in Visual Communication Design from the University of Ljubljana. Her work revolves around the topics of ecological crisis, climate anxiety and their social implications. Since 2020 she has also been working as part of the artist duo Ganslmeier & Zibelnik.

In 2024 Zibelnik won the main prize at the Kranj Foto Festival in Slovenia and showed her work at Photo Basel, and, together with Ganslmeier, at the Fotomuseum Den Haag (NL); in 2022 her work was shown at the Mar ibor Art Gallery, UGM Studio, at Paris Photo Online, at Art Salon Zurich and as part of a group exhibition at Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR); between 2017 and 2021, Zibelnik was represented in various institutions from Germany to Hungary and Portugal and Switzerland, and has received various awards such as the Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant, various nominations for the newcomer prize of the Leica Oskar Barnack Award and the City Municipality of Ljubljana Scholarship.

(Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin)

CHAUSSEE 36 Photography | Berlin
1. März – 3. Mai 2025

METAMORPHOSIS: Heinz Hajek-Halke´s Photomontages & New Image-Makers

Matthieu Bourel, Rebecca Fontaine-Wolf, Heinz Hajek-Halke, Mayumi Hosokura, Noé Sendas, Eva Stenram, Miriam Tölke, K YOUNG

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Zum 100. Jubiläum der ersten Fotomontagen von Heinz Hajek-Halke feiert die Gruppenausstellung „Metamorphosis“ das Frühwerk (1925 - 1935) des Berliner Künstlers, entdeckt es neu und bringt es in eine Zusammenstellung mit den Werken einer Reihe diverser zeitgenössischer Fotomontage- und Collagekünstler*innen.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) ist ein bedeutender Fotokünstler des 20. Jahrhunderts. Während er in seinen abstrakten kameralosen Werken der 1950er und 1960er Jahre die Grenzen des fotografischen Mediums völlig neu auslotete, fallen seine fotografischen Experimente mit dem Beginn seiner Karriere zusammen.

1924, einige Jahre nachdem er sein Kunst- und Grafikstudium in Berlin abgeschlossen hatte, brachte er sich autodidaktisch das Fotografieren bei. Von diesem Zeitpunkt an arbeitete er als Pressefotograf für verschiedene Agenturen und begeisterte sich vor allem für die experimentelle Arbeit in der Dunkelkammer. Zwischen 1925 und 1931 spezialisierte er sich auf die Fotomontage. Inspiriert von der Ästhetik und den Spezialeffekten des Stummfilms machte sich Hajek-Halke auf die Suche nach neuen visuellen Formen und erforschte in dieser Zeit des intensiven Experimentierens komplexe Techniken, wie das Fixieren einer Bewegungsablfolge auf einer Platte, die Mehrfachbelichtung von mehreren Negativen im Vergrößerer oder in der Kamera und die Fotocollage. Durch das Zusammenfügen von Bildern aus unterschiedlichen Kontexten gelang es ihm, dynamische Kompositionen mit neuer Bedeutung zu schaffen, die an die Montagen der surrealistischen Avantgarde anknüpften.

Aus dieser Zeit stammen seine ikonischen Fotomontagen, die er frei gestaltete oder in der illustrierten Presse und als Teil von Werbeanzeigen veröffentlichte. Eine Auswahl von Vintage-Abzügen aus den Jahren 1925 bis 1935, berühmte und seltene Werke aus der Heinz Hajek-Halke Collection, sind in der Ausstellung zu entdecken. Diese irrealen Bilder, die für die Zeitschriften besonders attraktiv waren, weil sie originell und unterhaltsam waren, machten Hajek-Halke zu einem der gefragtesten „Trickfotografen“ im Berlin der Weimarer Republik. Seine beiden bevorzugten Motive, das Porträt und der weibliche Akt, bilden die Grundlage für überraschende Experimente: Ganze Gesichter und abgeschnittene Körper verlieren ihre Identität, wenn sie mit verschiedenen Motiven wie Straßenszenen, verfallenen Häuserfassaden, Kabarettszenen oder grafischen Mustern überlagert werden. Die Metamorphose funktioniert durch dieses Spiel mit traumhaften Assoziationen auf wunderbare Weise. In seinen Aktmontagen, die zwischen 1930 und 1932 seine Spezialität waren, übertraf sich Hajek-Halke selbst und erfand neue Techniken wie den Spiegeleffekt im Schwarz-Weiß-Akt, ein Bild, das in die Annalen der Fotografie einging, kurz bevor das Dritte Reich seine künstlerische Karriere unterbrach.

Die Fotomontagen aus dieser Zeit, die bereits zu seinen Lebzeiten vielfach veröffentlicht wurden, inspirierten spätere Künstlergenerationen. Im 19. Jahrhundert erfunden hat diese Technik die Kunst und die Populärkultur von den historischen Avantgarden des letzten Jahrhunderts bis hin zur Werbung immer weiter durchdrungen. Mit der zunehmenden Verbreitung von Online-Bildern und digitalen Hybridisierungswerkzeugen ist die Montage ein Zeichen unserer Zeit geblieben. Das zusammengesetzte Bild und seine vielfältigen Techniken der fotografischen Manipulation - Fotokollage, Überlagerung, digitale Montage und Retusche, automatische Bilderzeugung durch KI - stehen im Mittelpunkt der zeitgenössischen künstlerischen Praxis. Die aus zwei verschiedenen Teilen bestehende Ausstellung „Metamorphosis“ bietet eine Wiederentdeckung von Hajek-Halkes Frühwerk und untersucht die Verbindungen zwischen seinen Fotomontagen von Porträts und weiblichem Akt mit dem zeitgenössischen Kunstschaffen.

Die gezeigten Arbeiten variieren zwischen Collagen aus Magazinbildern und Vintage-Fotos (Matthieu Bourel, Miriam Tölke und K YOUNG), digitalen Montagen (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) und Fotomontagen, die aus Mischtechniken bestehen (Rebecca Fontaine-Wolf und Noé Sendas). Die Aneignung externer Bildquellen ist eine Praxis, die fast allen diesen Künstler*innen gemein ist: Teilweise gelöscht oder von anderen Elementen verdeckt, vervielfacht, fragmentiert oder verzerrt, werden die Gesichter und Körper der Originalbilder manipuliert und einer neuen Lesart zugeführt. Poetische Assemblagen, die Erforschung von Fragen zu Identität, Geschlecht und sozialen Konventionen oder die Hinterfragung unserer eigenen Sicht und Wahrnehmung - die Metamorphose der Bilder hört nicht auf, uns zu verzaubern und zu hinterfragen.

À l'occasion du centenaire des premiers photomontages de Heinz Hajek-Halke, l'exposition de groupe « Metamorphosis » célèbre l'œuvre de jeunesse (1925 - 1935) de l'artiste berlinois, la redécouvre et l'associe aux œuvres d'une série de divers artistes contemporains spécialisés dans le photomontage et le collage*.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) est un artiste photographe important du 20e siècle. Alors qu'il a totalement exploré les limites du médium photographique dans ses œuvres abstraites sans caméra des années 1950 et 1960, ses expérimentations photographiques coïncident avec le début de sa carrière.

En 1924, quelques années après avoir terminé ses études d'art et de graphisme à Berlin, il a appris à photographier en autodidacte. À partir de ce moment, il travaille comme photographe de presse pour différentes agences et se passionne surtout pour le travail expérimental en chambre noire. Entre 1925 et 1931, il se spécialise dans le photomontage. Inspiré par l'esthétique et les effets spéciaux du cinéma muet, Hajek-Halke se mit en quête de nouvelles formes visuelles et explora, durant cette période d'expérimentation intensive, des techniques complexes telles que la fixation d'une séquence de mouvements sur une plaque, l'exposition multiple de plusieurs négatifs à l'agrandisseur ou à la caméra et le photocollage. En assemblant des images issues de contextes différents, il parvenait à créer des compositions dynamiques dotées d'une nouvelle signification, qui faisaient écho aux montages de l'avant-garde surréaliste.

C'est de cette époque que datent ses photomontages iconiques, qu'il créait librement ou qu'il publiait dans la presse illustrée et dans le cadre d'annonces publicitaires. Une sélection de tirages vintage des années 1925 à 1935, des œuvres célèbres et rares de la Heinz Hajek-Halke Collection, sont à découvrir dans l'exposition. Ces images irréelles, particulièrement attrayantes pour les magazines parce qu'elles étaient originales et amusantes, ont fait de Hajek-Halke l'un des « photographes de trucage » les plus demandés dans le Berlin de la République de Weimar. Ses deux motifs de prédilection, le portrait et le nu féminin, constituent la base d'expériences surprenantes : des visages entiers et des corps coupés perdent leur identité lorsqu'ils sont superposés à différents motifs tels que des scènes de rue, des façades de maisons délabrées, des scènes de cabaret ou des motifs graphiques. La métamorphose fonctionne à merveille grâce à ce jeu d'associations oniriques. Dans ses montages de nus, qui furent sa spécialité entre 1930 et 1932, Hajek-Halke se surpassa et inventa de nouvelles techniques comme l'effet de miroir dans le nu en noir et blanc, une image qui entra dans les annales de la photographie juste avant que le Troisième Reich n'interrompe sa carrière artistique.

Les photomontages de cette époque, qui ont fait l'objet de nombreuses publications de son vivant, ont inspiré les générations d'artistes suivantes. Inventée au 19e siècle, cette technique n'a cessé d'imprégner l'art et la culture populaire, depuis les avant-gardes historiques du siècle dernier jusqu'à la publicité. Avec la prolifération des images en ligne et des outils d'hybridation numérique, le montage est resté un signe de notre époque. L'image composite et ses multiples techniques de manipulation photographique - photocollage, superposition, montage et retouche numérique, création automatique d'images par IA - sont au cœur des pratiques artistiques contemporaines. Composée de deux parties distinctes, l'exposition « Metamorphosis » propose une redécouverte des premières œuvres de Hajek-Halke et explore les liens entre ses photomontages de portraits et de nus féminins et la création artistique contemporaine.

Les œuvres présentées varient entre des collages d'images de magazines et de photos vintage (Matthieu Bourel, Miriam Tölke et K YOUNG), des montages numériques (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) et des photomontages réalisés à partir de techniques mixtes (Rebecca Fontaine-Wolf et Noé Sendas). L'appropriation de sources d'images externes est une pratique commune à presque tous ces artistes* : partiellement effacés ou masqués par d'autres éléments, multipliés, fragmentés ou déformés, les visages et les corps des images originales sont manipulés et soumis à une nouvelle lecture. Assemblages poétiques, exploration de questions sur l'identité, le genre et les conventions sociales ou remise en question de notre propre vision et perception, la métamorphose des images ne cesse de nous enchanter et de nous interroger.

In occasione del centenario dei primi fotomontaggi di Heinz Hajek-Halke, la mostra collettiva “Metamorphosis” celebra i primi lavori (1925 - 1935) dell'artista berlinese, li riscopre e li accosta alle opere di una serie di vari artisti contemporanei di fotomontaggio e collage.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) è un importante artista fotografico del XX secolo. Mentre esplorava i confini del mezzo fotografico in modo completamente nuovo nelle sue opere astratte e senza macchina fotografica degli anni '50 e '60, i suoi esperimenti fotografici coincidevano con l'inizio della sua carriera.

Nel 1924, pochi anni dopo aver completato gli studi di arte e grafica a Berlino, si auto-apprende la fotografia. Da questo momento in poi, lavora come fotografo per la stampa per diverse agenzie e si dedica con particolare entusiasmo al lavoro sperimentale in camera oscura. Tra il 1925 e il 1931 si specializza nel fotomontaggio. Ispirato dall'estetica e dagli effetti speciali del cinema muto, Hajek-Halke si mise alla ricerca di nuove forme visive e, durante questo periodo di intensa sperimentazione, esplorò tecniche complesse come il fissaggio di una sequenza di movimenti su una lastra, l'esposizione multipla di più negativi nell'ingranditore o nella macchina fotografica e il collage fotografico. Combinando immagini provenienti da contesti diversi, fu in grado di creare composizioni dinamiche con un nuovo significato che riecheggiava i montaggi dell'avanguardia surrealista.

A questo periodo risalgono i suoi iconici fotomontaggi, creati liberamente o pubblicati sulla stampa illustrata e come parte di pubblicità. La mostra presenta una selezione di stampe d'epoca degli anni 1925-1935, opere famose e rare della Collezione Heinz Hajek-Halke. Queste immagini irreali, particolarmente attraenti per le riviste perché originali e divertenti, fecero di Hajek-Halke uno dei “fotografi truccatori” più richiesti a Berlino durante la Repubblica di Weimar. I suoi due motivi preferiti, il ritratto e il nudo femminile, costituiscono la base per esperimenti sorprendenti: volti interi e corpi ritagliati perdono la loro identità quando vengono sovrapposti a vari motivi come scene di strada, facciate di case fatiscenti, scene di cabaret o motivi grafici. La metamorfosi funziona meravigliosamente attraverso questo gioco di associazioni oniriche. Nei montaggi di nudo, che furono la sua specialità tra il 1930 e il 1932, Hajek-Halke superò se stesso e inventò nuove tecniche come l'effetto specchio nel nudo in bianco e nero, un'immagine che entrò negli annali della fotografia poco prima che il Terzo Reich interrompesse la sua carriera artistica.

I fotomontaggi di questo periodo, molti dei quali pubblicati durante la sua vita, hanno ispirato le generazioni di artisti successive. Inventata nel XIX secolo, questa tecnica ha continuato a permeare l'arte e la cultura popolare, dalle avanguardie storiche del secolo scorso alla pubblicità. Con la proliferazione delle immagini online e degli strumenti di ibridazione digitale, il montaggio è rimasto un segno dei nostri tempi. L'immagine composita e le sue diverse tecniche di manipolazione fotografica - fotocollage, sovrapposizione, montaggio e ritocco digitale, generazione automatica di immagini attraverso l'IA - sono al centro della pratica artistica contemporanea. La mostra “Metamorphosis”, composta da due parti diverse, propone una riscoperta dei primi lavori di Hajek-Halke ed esamina le connessioni tra i suoi fotomontaggi di ritratti e nudi femminili e l'arte contemporanea.

Le opere esposte variano tra collage di immagini di riviste e foto d'epoca (Matthieu Bourel, Miriam Tölke e K YOUNG), montaggi digitali (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) e fotomontaggi a tecnica mista (Rebecca Fontaine-Wolf e Noé Sendas). L'appropriazione di fonti d'immagine esterne è una pratica comune a quasi tutti questi artisti: parzialmente cancellati o coperti da altri elementi, moltiplicati, frammentati o distorti, i volti e i corpi delle immagini originali vengono manipolati e interpretati in modo nuovo. Assemblaggi poetici, esplorazione di questioni di identità, genere e convenzioni sociali o messa in discussione dei nostri punti di vista e delle nostre percezioni: la metamorfosi delle immagini non smette mai di incantarci e di interrogarci.

To mark the 100th anniversary of Heinz Hajek-Halke's first photomontages, the group exhibition “Metamorphosis” celebrates the Berlin artist's early work (1925 - 1935), rediscovers it and brings it together with works from a range of contemporary photomontage and collage artists.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) is an important photographic artist of the 20th century. While he explored the boundaries of the photographic medium in a completely new way in his abstract, camera-less works of the 1950s and 1960s, his photographic experiments coincided with the beginning of his career.

In 1924, a few years after completing his art and graphics studies in Berlin, he taught himself photography. From this point onwards, he worked as a press photographer for various agencies and was especially enthusiastic about experimental work in the darkroom. Between 1925 and 1931, he specialised in photomontage. Inspired by the aesthetics and special effects of silent film, Hajek-Halke set out in search of new visual forms and, during this period of intensive experimentation, explored complex techniques such as capturing a sequence of movements on a plate, the multiple exposure of several negatives in the enlarger or in the camera as well as the photo collage. By combining images from different contexts, he succeeded in creating dynamic compositions with a new meaning that drew on the montages of the surrealist avant-garde.

His iconic photomontages, which he designed freely or published in the illustrated press and as part of adverts, date from this period. A selection of vintage prints from the years 1925 to 1935, famous and rare works from the Heinz Hajek-Halke Collection, can be discovered in the exhibition. These unreal images, which were particularly attractive to magazines because they were original and entertaining, made Hajek-Halke one of the most sought-after “special effects photographers” in Berlin during the Weimar Republic. His two favourite motifs, the portrait and the female nude, form the basis for surprising experiments: whole faces and cropped bodies lose their identity when they are superimposed with various motifs such as street scenes, dilapidated house facades, cabaret scenes or graphic patterns. The metamorphosis works marvellously through this play with dreamlike associations. In his nude montages, which were his speciality between 1930 and 1932, Hajek-Halke surpassed himself and invented new techniques such as the mirror effect in the Black-and-white Nude, an image that went down in the annals of photography shortly before the Third Reich interrupted his artistic career.

The photomontages from this period, many of which were published during his lifetime, inspired later generations of artists. Invented in the 19th century, this technique has continued to permeate art and popular culture from the historical avant-gardes of the last century to advertising. With the proliferation of online images and digital hybridisation tools, montage has remained a sign of our times. The composite image and its diverse techniques of photographic manipulation - photocollage, superimposition, digital montage and retouching, automatic image generation using AI - are at the centre of contemporary artistic practice. The exhibition “Metamorphosis”, consisting of two different parts, offers a rediscovery of Hajek-Halke's early work and examines the connections between his photomontages of portraits and female nudes with contemporary art.

The exhibited works vary between collages of magazine images and vintage photos (Matthieu Bourel, Miriam Tölke and K YOUNG), digital montages (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) and photomontages consisting of mixed media (Rebecca Fontaine-Wolf and Noé Sendas). The appropriation of external image sources is a practice common to almost all of these artists: partially erased or covered by other elements, multiplied, fragmented or distorted, the faces and bodies of the original images are manipulated and given a new interpretation. Poetic assemblages, the exploration of questions of identity, gender and social conventions or the questioning of our own views and perceptions - the metamorphosis of the images never ceases to enchant and challenge us.

(Text: CHAUSSEE 36 Photography, Berlin)

Museum für Fotografie | Berlin
7. März - 27. Juli 2025

Polaroids

Das Polaroid-Verfahren hat die Fotografie revolutioniert. Wer diese Kamera jemals benutzt hat, wird den Geruch der Entwicklungsemulsion und die Faszination für das Sofortbild nicht vergessen. Auch Helmut Newton liebte es, mit der Polaroid-Kamera zu fotografieren. Er hat die Technik seit den 1970er Jahren intensiv genutzt, insbesondere während der Shootings für seine Modeaufträge. Dahinter stand, wie er es selbst einmal in einem Interview nannte, das ungeduldige Verlangen, sofort wissen zu wollen, wie die Situation als Bild aussieht.

Ein Polaroid entspricht in diesem Zusammenhang einer Ideenskizze und dient zugleich der Überprüfung der konkreten Lichtsituation und Bildkomposition. Gleichzeitig übten die Polaroid-Aufnahmen insbesondere aufgrund ihrer Objekthaftigkeit und der Möglichkeit, das Bild experimentell weiterzuverwenden, einen großen Reiz auf viele künstlerisch arbeitende Fotografen aus.

Und so werden die Polaroids von Helmut Newton durch die Werke zahlreicher Kolleg*innen ergänzt, beispielsweise von Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti und Hannah Villiger. Diese Gruppenausstellung vereint die unterschiedlich verwendeten Techniken des Polaroid-Verfahrens in den verschiedensten Formaten, jeweils als Werkgruppe der ausgewählten Fotograf*innen.

Le procédé Polaroid a révolutionné la photographie. Quiconque a déjà utilisé cet appareil n'oubliera jamais l'odeur de l'émulsion de développement et la fascination pour la photo instantanée. Helmut Newton aimait lui aussi prendre des photos avec un appareil Polaroid. Il a utilisé cette technique de manière intensive depuis les années 1970, notamment lors des shootings pour ses commandes de mode. Derrière cette pratique, il y avait, comme il l'a dit lui-même un jour dans une interview, l'envie impatiente de savoir immédiatement à quoi ressemblait la situation en tant que visuel.

Dans ce contexte, un polaroïd correspond à une esquisse d'idée et sert en même temps à vérifier la situation concrète de la lumière et la composition de l'image. Parallèlement, les Polaroïds ont exercé un grand attrait sur de nombreux photographes artistiques, notamment en raison de leur caractère d'objet et de la possibilité de réutiliser le visuel de manière expérimentale.

C'est ainsi que les polaroïds d'Helmut Newton sont complétés par les œuvres de nombreux collègues*, comme Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti et Hannah Villiger. Cette exposition de groupe réunit les différentes techniques utilisées du procédé Polaroid dans les formats les plus divers, à chaque fois en tant que groupe d'œuvres des photographes* sélectionnés.

Il processo Polaroid ha rivoluzionato la fotografia. Chiunque abbia usato questa macchina fotografica non dimenticherà mai l'odore dell'emulsione che si sviluppa e il fascino dell'immagine istantanea. Anche Helmut Newton amava fotografare con la Polaroid. Ha utilizzato questa tecnologia in modo intensivo a partire dagli anni Settanta, soprattutto durante i servizi fotografici per le sue commissioni di moda. Come lui stesso ha dichiarato in un'intervista, ciò era dovuto al desiderio impaziente di sapere immediatamente come sarebbe apparsa la situazione sotto forma di immagine.

In questo contesto, una Polaroid corrisponde a uno schizzo di un'idea e serve allo stesso tempo a verificare la situazione specifica di illuminazione e la composizione dell'immagine. Allo stesso tempo, le Polaroid esercitano un grande fascino su molti fotografi artistici, soprattutto per la loro qualità di oggetto e per la possibilità di utilizzare l'immagine in modo sperimentale.

Così alle Polaroid di Helmut Newton si affiancano le opere di numerosi colleghi, come Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti e Hannah Villiger. Questa mostra collettiva riunisce le varie tecniche utilizzate nel processo Polaroid in un'ampia gamma di formati, ciascuno come gruppo di opere dei fotografi selezionati.

The technology of the Polaroid camera revolutionised photography. Anybody who has ever used one of these cameras will never forget the smell of the developing emulsion and the fascination inspired by its instant photographs. Helmut Newton also loved taking photographs with a Polaroid. From the 1970s onwards, he used these devices extensively, particularly during his fashion shoots. As he once said in an interview, he was motivated by the impatient desire to immediately know how the scene looked as a picture.

In this sense, a Polaroid is a little like a conceptual sketch, and also helps to check the lighting and image composition. At the same time, Polaroid snapshots possessed significant allure for many artistic photographers, particularly because of their objecthood and the possibility of experimentally reusing the image.

So this exhibition does not just feature the Polaroids of Helmut Newton, but also works by numerous colleagues, such as Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti and Hannah Villiger. This group exhibition brings together the various techniques of working with the Polaroid camera in the most diverse formats, with each photographer represented with a group of works.

(Text: Museum für Fotografie, Berlin)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
7. März – 25. Mai 2025

Radical Beauty

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Radical Beauty stellt unsere Auffassung von Schönheit, Attraktivität und Ästhetik radikal in Frage. In dem weltweit einzigartigen Fotoprojekt haben über 60 international renommierte Mode- und Kunstfotograf*innen, darunter Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina und Zuzu Valla, gemeinsam mit Menschen mit Down-Syndrom Einzelbilder und Fotoserien entwickelt. In professionellen Studio-Bedingungen sind so überraschende und einzigartige Porträts entstanden. Unter den Protagonist*innen sind erfahrene Darsteller*innen wie die Schauspielerinnen Sarah Gordy (GB) und Lily Moore (USA), die Mehrzahl von ihnen führt jedoch ein Leben außerhalb des Rampenlichts.

Radical Beauty verwischt die Grenzen zwischen den Disziplinen. In der engen Zusammenarbeit zwischen Model und Fotograf*in sind beeindruckende Werke entstanden, welche die Lust am Rollenspiel und am visuellen Experiment transportieren und die einzigartigen Persönlichkeiten der Porträtierten eindrücklich widerspiegeln: Ob zärtliche Intimität, nüchterner Realismus oder pralle Lebensfreude – Radical Beauty zelebriert alle Facetten des menschlichen Seins und feiert die Vielfalt einer inklusiven Gesellschaft.

Der Londoner Modefotograf Sammy Baxter etwa entwarf mit seinem Model Lara Wates eine dystopisch anmutende Inszenierung, in der die Akteurin vor kraftvoll-bunten Hintergründen mit Armen ringt, die scheinbar aus dem Nichts zu kommen scheinen. Brian Griffin hat sich mit Porträts von Popmusiker*innen international einem Namen gemacht, seine in schwarz-weiß aufgenommenen Fotografien erinnern an ein Albumcover. Der Kunstfotograf Erwin Olaf präsentiert seinen Protagonisten mit zurückgegeltem Haar und leuchtend blauen Augen im Stile einer antiken Putte, die schwerelos in schäumendem Wasser zu schweben scheint. Beim näheren Hinsehen entpuppt sich dies als technischer Effekt, der durch die gekonnte Manipulation des Filmmaterials zustande kommt. Die Fashion-Fotografin Elizaveta Porodina inszeniert die Schauspielerin Lily Moore mit farbenfrohem Surrealismus. Die emotionale Symbolik, die ihrer Arbeit zugrunde liegt, ist eine Referenz an ihr Studium der klinischen Psychologie. Die Fotografin Zuzu Valle betrachtet sich als Advokatin für Menschen mit Behinderungen und präsentiert Fotografien von Drag-Queens und Drag-Kings mit Down-Syndrom, die unter die Haut gehen.

Ins Leben gerufen wurde Radical Beauty im Jahr 2018 von dem britischen Kollektiv Culture Device, einer Gruppe von Down-Syndrom-Performer*innen, die bereits im Londoner Royal Opera House, der Tate Modern und im Southbank Centre aufgetreten sind. Unter der künstlerischen Leitung von Daniel Vais ist seitdem ein globales Projekt entstanden, welches zur Sichtbarkeit von Menschen mit kognitiven Behinderungen beiträgt und Menschen mit Down-Syndrom eine Bühne bietet.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Nadine Barth.

Künstlerische Leitung des Projekts: Daniel Vais, Culture Device.

Radical Beauty remet radicalement en question notre conception de la beauté, de l'attractivité et de l'esthétique. Dans le cadre de ce projet photographique unique au monde, plus de 60 photographes* de mode et d'art de renommée internationale, dont Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina et Zuzu Valla, ont développé des images individuelles et des séries de photos en collaboration avec des personnes atteintes du syndrome de Down. Des portraits surprenants et uniques ont ainsi été réalisés dans des conditions de studio professionnel. Parmi les protagonistes*, on trouve des acteurs expérimentés comme les actrices Sarah Gordy (GB) et Lily Moore (USA), mais la plupart d'entre eux mènent une vie hors des feux de la rampe.

Radical Beauty brouille les frontières entre les disciplines. L'étroite collaboration entre le modèle et le photographe* a donné naissance à des œuvres impressionnantes qui véhiculent l'envie de jouer un rôle et d'expérimenter visuellement, tout en reflétant de manière saisissante les personnalités uniques des portraits : Qu'il s'agisse d'intimité tendre, de réalisme sobre ou de joie de vivre débordante, Radical Beauty célèbre toutes les facettes de l'être humain et célèbre la diversité d'une société inclusive.

Le photographe de mode londonien Sammy Baxter a par exemple conçu avec son modèle Lara Wates une mise en scène aux allures dystopiques, dans laquelle l'actrice se débat sur des arrière-plans puissamment colorés avec des bras qui semblent surgir de nulle part. Brian Griffin s'est fait un nom au niveau international avec des portraits de musiciens pop*, ses photographies prises en noir et blanc font penser à une pochette d'album. Le photographe d'art Erwin Olaf présente son protagoniste, les cheveux tirés en arrière et les yeux d'un bleu éclatant, dans le style d'un putto antique qui semble flotter en apesanteur dans une eau écumante. En y regardant de plus près, il s'agit d'un effet technique obtenu par une manipulation habile du matériel cinématographique. La photographe de mode Elizaveta Porodina met en scène l'actrice Lily Moore avec un surréalisme coloré. Le symbolisme émotionnel qui sous-tend son travail est une référence à ses études de psychologie clinique. La photographe Zuzu Valle se considère comme une avocate des personnes handicapées et présente des photographies de drag queens et de drag kings trisomiques qui collent à la peau.

Radical Beauty a été créé en 2018 par le collectif britannique Culture Device, un groupe de performeurs* trisomiques qui se sont déjà produits au Royal Opera House de Londres, à la Tate Modern et au Southbank Centre. Sous la direction artistique de Daniel Vais, un projet global a depuis vu le jour, contribuant à la visibilité des personnes souffrant de handicaps cognitifs et offrant une scène aux personnes atteintes du syndrome de Down.

Le commissariat de l'exposition a été assuré par Nadine Barth.

Direction artistique du projet : Daniel Vais, Culture Device.

Radical Beauty mette radicalmente in discussione la nostra percezione della bellezza, dell'attrattiva e dell'estetica. In questo progetto fotografico unico al mondo, oltre 60 fotografi di moda e d'arte di fama internazionale, tra cui Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina e Zuzu Valla, hanno sviluppato immagini individuali e serie fotografiche insieme a persone con sindrome di Down. Ritratti sorprendenti e unici sono stati creati in condizioni di studio professionali. Tra i protagonisti ci sono performer esperti come le attrici Sarah Gordy (Regno Unito) e Lily Moore (USA), ma la maggior parte di loro conduce una vita al di fuori delle luci della ribalta.

Radical Beauty sfuma i confini tra le discipline. La stretta collaborazione tra modella e fotografo ha dato vita a opere di grande impatto che trasmettono il desiderio di gioco di ruolo e di sperimentazione visiva e riflettono in modo impressionante le personalità uniche delle persone ritratte: Che si tratti di tenera intimità, sobrio realismo o piena gioia di vivere, Radical Beauty celebra tutte le sfaccettature della condizione umana e la diversità di una società inclusiva.

Il fotografo di moda londinese Sammy Baxter, ad esempio, ha creato una produzione dall'aspetto distopico con la sua modella Lara Wates, in cui l'attrice lotta con braccia che sembrano uscire dal nulla davanti a sfondi potenti e colorati. Brian Griffin si è fatto un nome a livello internazionale con i suoi ritratti di musicisti pop; le sue fotografie in bianco e nero ricordano le copertine degli album. Il fotografo d'arte Erwin Olaf presenta il suo protagonista con i capelli sciolti e gli occhi azzurri brillanti nello stile di un antico cherubino che sembra galleggiare senza peso nell'acqua schiumosa. A ben guardare, si tratta di un effetto tecnico creato da un'abile manipolazione del materiale cinematografico. La fotografa di moda Elizaveta Porodina mette in scena l'attrice Lily Moore con un colorato surrealismo. Il simbolismo emotivo alla base del suo lavoro è un riferimento ai suoi studi di psicologia clinica. La fotografa Zuzu Valle si considera una sostenitrice delle persone con disabilità e presenta fotografie di drag queen e drag king con sindrome di Down che entrano nella pelle.

Radical Beauty è stato creato nel 2018 dal collettivo britannico Culture Device, un gruppo di performer con sindrome di Down che si è già esibito alla Royal Opera House di Londra, alla Tate Modern e al Southbank Centre. Sotto la direzione artistica di Daniel Vais, è nato un progetto globale che contribuisce alla visibilità delle persone con disabilità cognitive e offre alle persone con sindrome di Down un palcoscenico.

La mostra è stata curata da Nadine Barth.

Direzione artistica del progetto: Daniel Vais, Dispositivo culturale.

Radical Beauty radically questions our perception of beauty, attractiveness and aesthetics. In this globally unique photo project, over 60 internationally renowned fashion and art photographers, including Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina and Zuzu Valla, worked together with people with Down syndrome to develop individual images and photo series. Surprising and unique portraits were created in professional studio conditions. The protagonists include experienced performers such as actresses Sarah Gordy (UK) and Lily Moore (USA), but the majority of them lead a life outside the limelight.

Radical Beauty blurs the boundaries between disciplines. Through close collaboration between model and photographer, impressive works have emerged that convey a passion for role-playing and visual experimentation while vividly reflecting the unique personalities of the portrayed. Whether tender intimacy, sober realism or full-blooded joie de vivre – Radical Beauty celebrates all facets of human existence and embraces the diversity of an inclusive society.

The London fashion photographer Sammy Baxter, for example, created a dystopian staging with his model Lara Wates, where the pictured struggles with arms that seem to emerge from nowhere against vibrant, colorful backdrops. Brian Griffin, renowned internationally for his portraits of pop musicians, offers black-and-white photographs reminiscent of iconic album covers. Art photographer Erwin Olaf presents his protagonist with slicked-back hair and striking blue eyes in the style of an antique cherub, seemingly floating weightlessly in frothy water. On closer inspection, this effect reveals itself as a technical illusion achieved through masterful manipulation of film material. Fashion photographer Elizaveta Porodina stages actress Lily Moore with vivid surrealism, drawing on the emotional symbolism is a reference to her studies of clinical psychology. Photographer Zuzu Valle sees herself as an advocate for people with disabilities and presents photographs of drag queens and drag kings with Down syndrome that get under your skin.

Radical Beauty was launched in 2018 by the British collective Culture Device, a group of Down syndrome performers who have already graced stages such as the Royal Opera House, Tate Modern, and Southbank Centre in London. Under the artistic direction of Daniel Vais, the project has since evolved into a global initiative, enhancing the visibility of people with cognitive disabilities and providing a platform for individuals with Down syndrome.

The exhibition was curated by Nadine Barth.

Artistic direction of the project: Daniel Vais, Culture Device.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

Fotografie Forum Frankfurt
8. März – 11. Mai 2025

Michael Kerstgens. Out of Control

Euphorie auf der Tanzfläche, Aufruhr in den Fabriken, sich stetig wandelnde Landschaften – in Michael Kerstgens. Out of Control präsentiert das Fotografie Forum Frankfurt (FFF) die erste umfassende Ausstellung zum Werk des deutschen Dokumentarfotografen Michael Kerstgens (*1960). Die Schau gibt einen tiefen Einblick in sein über 40-jähriges Schaffen und zeigt gesellschaftspolitische Langzeit-Fotoessays in Schwarz-Weiß und Farbe. Mit großer Sensibilität dokumentiert Kerstgens in seinen Fotografien den Wandel von Lebenswelten – von industriell geprägten Gemeinschaften hin zu Konsum- und Freizeitgesellschaften.

Geboren in Wales und aufgewachsen in Mülheim an der Ruhr, studierte Michael Kerstgens Kommunikationsdesign und Fotografie an der Folkwang-Hochschule (GHS) in Essen. Bekannt wurde er durch seine Serie »The Enemy Within« über den britischen Bergarbeiterstreik 1984/85. Während dieser Zeit lebte er bei einer streikenden Familie – eine prägende Erfahrung, die seine fotografische Perspektive nachhaltig beeinflusste.

Seine Arbeiten, häufig autobiografisch geprägt, widmen sich dem Wandel von Orten und Menschen und spiegeln gesellschaftliche Umbrüche wider: 1987 dokumentierte Kerstgens den Stahlarbeiterstreik in Duisburg-Rheinhausen, 1990 hielt er die Veränderungen in der thüringischen Stadt Mühlhausen während der Zeit vor der deutschen Wiedervereinigung fest. In den Farbaufnahmen von »1986, Back to the Present« thematisierte er die Konsum- und Freizeitgesellschaft der 1980er Jahre.

Das breite Spektrum seines Schaffens umfasst auch seine jüngsten Industrie- und Küstenlandschaften sowie eindrucksvolle Porträts aus der Musik- und Kunstszene. Zu den von Michael Kerstgens porträtierten Persönlichkeiten gehören unter anderem Helge Schneider, Joachim Król, Udo Kier und Christoph Schlingensief.

Michael Kerstgens hat zahlreiche Bücher veröffentlicht, darunter »Neues Leben. Russen Juden Deutsche« (2012, Kehrer Verlag), »The Miners’ Strike 1984/1985« (2014, Dewi Lewis Publishing), »The Final Winter. Der letzte Winter der UdSSR« (2018, Peperoni Books), »1986. Zurück in die Gegenwart« (2021, Hartmann Books). Für sein fotografisches Werk erhielt er viele Auszeichnungen, darunter den Wissenschaftspreis der Hochschule Darmstadt in der Kategorie Outreach (2018) sowie den Imke-Folkerts-Kunstpreis für Ostfriesland (2004).

Als freier Fotograf arbeitete Michael Kerstgens international für Redaktionen und Unternehmen, bevor er sich der Lehre zuwandte. Nach ersten Lehraufträgen in Ostfriesland und Dessau ist er seit 2007 Professor für Fotografie an der Hochschule Darmstadt.

Kuratiert von Celina Lunsford in Zusammenarbeit mit Michael Kerstgens, präsentiert die Ausstellung Michael Kerstgens. Out of Control rund 100 Werke.

Euphorie sur la piste de danse, agitation dans les usines, paysages en constante évolution - dans Michael Kerstgens. Out of Control, le Fotografie Forum Frankfurt (FFF) présente la première exposition complète sur l'œuvre du photographe documentaire allemand Michael Kerstgens (*1960). L'exposition donne un aperçu profond de son travail de plus de 40 ans et présente des essais photographiques sociopolitiques à long terme en noir et blanc et en couleur. Avec une grande sensibilité, Kerstgens documente dans ses photographies l'évolution des milieux de vie - des communautés marquées par l'industrie vers les sociétés de consommation et de loisirs.

Né au Pays de Galles et ayant grandi à Mülheim an der Ruhr, Michael Kerstgens a étudié le design de communication et la photographie à la Folkwang-Hochschule (GHS) d'Essen. Il s'est fait connaître par sa série « The Enemy Within » sur la grève des mineurs britanniques de 1984/85, période pendant laquelle il a vécu avec une famille de grévistes - une expérience marquante qui a durablement influencé sa perspective photographique.

Ses travaux, souvent autobiographiques, sont consacrés à la transformation des lieux et des personnes et reflètent les bouleversements sociaux : en 1987, Kerstgens a documenté la grève des sidérurgistes à Duisburg-Rheinhausen ; en 1990, il a immortalisé les changements survenus dans la ville thuringienne de Mühlhausen pendant la période précédant la réunification allemande. Dans les photos en couleur de « 1986, Back to the Present », il a pris pour thème la société de consommation et de loisirs des années 1980.

Le large spectre de son œuvre comprend également ses paysages industriels et côtiers les plus récents ainsi que des portraits impressionnants de la scène musicale et artistique. Parmi les personnalités dont Michael Kerstgens a fait le portrait, on trouve notamment Helge Schneider, Joachim Król, Udo Kier et Christoph Schlingensief.

Michael Kerstgens a publié de nombreux livres, dont « Neues Leben. Russen Juden Deutsche«  (2012, Kehrer Verlag), “The Miners” Strike 1984/1985 » (2014, Dewi Lewis Publishing), « The Final Winter. Le dernier hiver de l'URSS » (2018, Peperoni Books), “1986. Retour au présent” (2021, Hartmann Books). Il a reçu de nombreuses distinctions pour son œuvre photographique, dont le prix scientifique de l'université de Darmstadt dans la catégorie Outreach (2018) et le prix artistique Imke Folkerts pour la Frise orientale (2004).

En tant que photographe indépendant, Michael Kerstgens a travaillé au niveau international pour des rédactions et des entreprises avant de se tourner vers l'enseignement. Après avoir commencé à enseigner en Frise orientale et à Dessau, il est depuis 2007 professeur de photographie à l'école supérieure de Darmstadt.

Organisée par Celina Lunsford en collaboration avec Michael Kerstgens, l'exposition Michael Kerstgens. Out of Control présente une centaine d'œuvres.

Euforia sulla pista da ballo, tumulti nelle fabbriche, paesaggi in continuo cambiamento: in Michael Kerstgens. Out of Control, il Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presenta la prima mostra completa del lavoro del fotografo documentarista tedesco Michael Kerstgens (*1960). La mostra offre una visione approfondita dei suoi oltre 40 anni di lavoro e presenta saggi fotografici socio-politici a lungo termine in bianco e nero e a colori. Con grande sensibilità, Kerstgens documenta nelle sue fotografie la trasformazione degli ambienti di vita, dalle comunità industrializzate alle società del consumo e del tempo libero.

Nato in Galles e cresciuto a Mülheim an der Ruhr, Michael Kerstgens ha studiato design della comunicazione e fotografia alla Folkwang-Hochschule (GHS) di Essen. È diventato noto per la serie “The Enemy Within” sullo sciopero dei minatori britannici del 1984/85, durante il quale ha vissuto con una famiglia di scioperanti - un'esperienza formativa che ha influenzato in modo duraturo la sua prospettiva fotografica.

Le sue opere, spesso di natura autobiografica, sono dedicate alla trasformazione di luoghi e persone e riflettono gli sconvolgimenti sociali: nel 1987 Kerstgens ha documentato lo sciopero degli operai siderurgici a Duisburg-Rheinhausen, nel 1990 ha immortalato i cambiamenti della città turingia di Mühlhausen nel periodo precedente la riunificazione tedesca. Nelle fotografie a colori di “1986, Back to the Present”, si è concentrato sulla società dei consumi e del tempo libero degli anni Ottanta.

L'ampio spettro del suo lavoro comprende anche i suoi più recenti paesaggi industriali e costieri, nonché impressionanti ritratti della scena musicale e artistica. Tra le personalità ritratte da Michael Kerstgens figurano Helge Schneider, Joachim Król, Udo Kier e Christoph Schlingensief.

Michael Kerstgens ha pubblicato numerosi libri, tra cui “Neues Leben. Russen Juden Deutsche“ (2012, Kehrer Verlag), ‘The Miners’ Strike 1984/1985” (2014, Dewi Lewis Publishing), “The Final Winter. L'ultimo inverno dell'URSS” (2018, Peperoni Books), ‘1986. Ritorno al presente’ (2021, Hartmann Books). Ha ricevuto numerosi riconoscimenti per il suo lavoro fotografico, tra cui il Darmstadt University of Applied Sciences Science Award nella categoria Outreach (2018) e l'Imke Folkerts Art Prize for East Frisia (2004).

Come fotografo freelance, Michael Kerstgens ha lavorato a livello internazionale per redazioni e aziende prima di dedicarsi all'insegnamento. Dopo i primi incarichi di insegnamento nella Frisia orientale e a Dessau, dal 2007 è professore di fotografia all'Università di Scienze Applicate di Darmstadt.

Curata da Celina Lunsford in collaborazione con Michael Kerstgens, la mostra Michael Kerstgens. Out of Control presenta circa 100 opere.

Euphoria on the dance floor, turmoil in the factories, ever-changing landscapes – the Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presents the first comprehensive exhibition of the work of German documentary photographer Michael Kerstgens (b. 1960) in Michael Kerstgens. Out of Control. The show provides a deep insight into his work spanning over 40 years and presents socio-political long-term photo essays in black and white and colour. With great sensitivity, Kerstgens' photographs document the transformation of living environments – from industrial communities to consumer and leisure societies.

Born in Wales and raised in Mülheim an der Ruhr, Michael Kerstgens studied communication design and photography at the Folkwang University of the Arts (GHS) in Essen. He became known for his series ‘The Enemy Within’ about the British miners' strike of 1984/85. During this time, he lived with a striking family – a formative experience that had a lasting influence on his photographic perspective.

His works, often autobiographical, are dedicated to the transformation of places and people and reflect social upheaval: in 1987, Kerstgens documented the steelworkers' strike in Duisburg-Rheinhausen, and in 1990 he captured the changes in the Thuringian town of Mühlhausen during the period before German reunification. In the colour photographs of ‘1986, Back to the Present’, he addressed the consumer and leisure society of the 1980s.

The broad spectrum of his work also includes his most recent industrial and coastal landscapes, as well as impressive portraits from the music and art scenes. Among the personalities portrayed by Michael Kerstgens are Helge Schneider, Joachim Król, Udo Kier and Christoph Schlingensief.

Michael Kerstgens has published numerous books, including ‘Neues Leben. Russians Jews Germans’ (2012, Kehrer Verlag), ‘The Miners’ Strike 1984/1985’ (2014, Dewi Lewis Publishing), ’The Final Winter. The Last Winter of the USSR (2018, Peperoni Books), 1986. Back to the Present (2021, Hartmann Books). He has received many awards for his photographic work, including the Darmstadt University of Applied Sciences Science Award in the Outreach category (2018) and the Imke Folkerts Art Prize for East Frisia (2004).

Michael Kerstgens worked internationally as a freelance photographer for editorial offices and companies before turning to teaching. After initial teaching assignments in East Frisia and Dessau, he has been a professor of photography at the Darmstadt University of Applied Sciences since 2007.

Curated by Celina Lunsford in collaboration with Michael Kerstgens, the exhibition Michael Kerstgens. Out of Control presents around 100 works.

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

VisuleX Gallery for Photography | Hamburg
13. März – 17. April 2025

Kai Brüninghaus | Diffusionisten – A Time Capsule beyond Reality

Porträts von Menschen mit eigensinniger Technologie, rätselhafte Forschung und Apparate vergangener Zeiten gewähren Einblick in eine Wissenschaft, die die Grenzen der Naturwissenschaft neu zu definieren scheint. Die Schwarzweißfotografien der Serie Diffusionisten des Hamburger Künstlers Kai Brüninghaus erzeugen eine surreale Atmosphäre und lassen eine alternative Realität der 1920er-Jahre lebendig werden.

Doch weder die Menschen noch die dokumentierten Phänomene haben je existiert – trotz scheinbar fotografischer Zeugenschaft. Die Bilder sind künstlich generiert, erschaffen durch den gezielten Einsatz bildgenerierender KI.

Die Arbeit hinterfragt die vermeintliche Objektivität fotografischer Bilder und beleuchtet die gesellschaftlichen Auswirkungen disruptiver Technologien. Sie lädt dazu ein, kritisch über Fortschritt, Menschlichkeit und unser Vertrauen in Wissenschaft und Technik nachzudenken.

Des portraits de personnes dotées d'une technologie obstinée, des recherches énigmatiques et des appareils d'un autre temps donnent un aperçu d'une science qui semble redéfinir les limites des sciences naturelles. Les photographies en noir et blanc de la série Diffusionisten de l'artiste hambourgeois Kai Brüninghaus créent une atmosphère surréaliste et font revivre une réalité alternative des années 1920.

Pourtant, ni les personnes ni les phénomènes documentés n'ont jamais existé - malgré l'apparente qualité de témoin photographique. Les visuels sont générés artificiellement, créés par l'utilisation ciblée de l'IA génératrice d'images.

L'œuvre remet en question la prétendue objectivité des visuels photographiques et met en lumière les conséquences sociales des technologies disruptives. Elle nous invite à réfléchir de manière critique au progrès, à l'humanité et à notre confiance dans la science et la technique.

I ritratti di persone con una tecnologia in ritardo, le ricerche enigmatiche e gli apparati di un tempo passato offrono uno sguardo su una scienza che sembra ridefinire i confini delle scienze naturali. Le fotografie in bianco e nero della serie Diffusionists dell'artista amburghese Kai Brüninghaus creano un'atmosfera surreale e fanno rivivere una realtà alternativa degli anni Venti.

Tuttavia, né le persone né i fenomeni documentati sono mai esistiti, nonostante l'apparente testimonianza fotografica. Le immagini sono generate artificialmente, grazie all'uso mirato dell'intelligenza artificiale.

L'opera esamina la presunta oggettività delle immagini fotografiche e getta luce sull'impatto sociale delle tecnologie dirompenti. Ci invita a riflettere criticamente sul progresso, sull'umanità e sulla nostra fiducia nella scienza e nella tecnologia.

Portraits of people with wayward technology, mysterious research and contraptions from times gone by provide insights into a science that seems to be redefining the boundaries of natural science. The black-and-white photographs in the series Diffusionists by Hamburg-based artist Kai Brüninghaus create a surreal atmosphere and bring to life an alternative reality of the 1920s.

Yet neither the people nor the documented phenomena ever existed – despite their seemingly photographic testimony. The visuals are artificially generated, created through the targeted use of image-generating AI.

The work questions the supposed objectivity of photographic images and sheds light on the social impact of disruptive technologies. It invites us to think critically about progress, humanity and our trust in science and technology.

(Text: VisuleX Gallery for Photography, Hamburg)

Galerie Bene Taschen | Köln
16. März – 10. Mai 2025

Larry Fink – Feeling the Experience

Der im Dezember 2023 verstorbene Larry Fink arbeitete über 65 Jahre als Fotograf. Seine Arbeiten waren in Einzelausstellungen u.a. im Museum of Modern Art und Whitney Museum in New York zu sehen. Die Galerie Bene Taschen freut sich, eine Auswahl aus seinen Werkgruppen Social Graces, Somewhere There‘s Music, The Vanities und Boxing unter dem Titel Larry Fink – Feeling the Experience zu präsentieren.

Larry Fink sammelte erste fotografischen Erfahrungen in New York und zog später von Brooklyn nach Pennsylvania. Er besuchte die New Yorker New School for Social Research, die sein Interesse an soziologischen Sichtweisen weckte. Auch seine Bezüge zur Jazz-Musik haben einen frühen Ursprung; Jazz begleitete ihn seit seiner Kindheit. Er selbst spielte Piano und Harmonika. Die Bilder aus der Reihe Somewhere there’s Music zeugen von den Begegnungen zwischen dem Fotografen und den Musikerinnen und Musikern. Vor seiner Kamera standen Jazz-Legenden wie John Coltrane oder Finks großes Idol Jimmy Rushing, welchen er bereits 1957 getroffen hatte.

Ab Ende der 1980s setzte Fink die transatlantische Boxindustrie in Szene und begleitete u.a. Mike Tyson und Jimmy Jacobs. Seine Serie Boxing zeigt viele ikonische Momente aus legendären Boxkämpfen.

Seit jeher hat sich Fink mit sozialpsychologischen und politischen Themen auseinandergesetzt und die Verhältnisse, Friktionen und Entwicklungen zwischen der Arbeiterklasse und der Oberschicht eingefangen. Als geladener Gast oder offizieller Fotograf dokumentierte er in The Vanities soziale Eliten auf Partys und Galas und positionierte sich selbst dabei stets als stiller Beobachter, außerhalb des Geschehens. In teils intimen Momenten fing er die Interaktionen der Gäste – mal einen Blick über die Schulter, mal ein Lächeln oder eine ungestellte Geste - ein.

In Social Graces stehen diese Werke den Fotografien von der Familie Sabatine aus Pennsylvania gegenüber. Während eines Besuchs im kleinstädtischen Martins Creek dokumentiert er die familiären Treffen zu verschiedenen Anlässen, wie zum Beispiel einem achten Geburtstag. Seine fotografische Arbeit umfasst somit ein breites und kontrastreiches Spektrum, das von alltäglichen Familienszenen bis hin zu elitären Veranstaltungen reicht. Fink formt somit ein Gesellschaftsbild, das unvoreingenommen unterschiedliche soziale Gruppen verbindet. Sein Lebenswerk ist gleichzeitig der Spiegel seines Gesellschaftsbildes. Für ihn stand der Mensch stets im Mittelpunkt.

Larry Fink, décédé en décembre 2023, a travaillé comme photographe pendant plus de 65 ans. Ses travaux ont fait l'objet d'expositions individuelles, notamment au Museum of Modern Art et au Whitney Museum de New York. La galerie Bene Taschen est heureuse de présenter une sélection de ses groupes d'œuvres Social Graces, Somewhere There's Music, The Vanities et Boxing sous le titre Larry Fink - Feeling the Experience.

Larry Fink a fait ses premières expériences photographiques à New York et a ensuite quitté Brooklyn pour la Pennsylvanie. Il a fréquenté la New School for Social Research de New York, qui a éveillé son intérêt pour les points de vue sociologiques. Ses références à la musique de jazz ont également une origine précoce ; le jazz l'accompagnait depuis son enfance. Il jouait lui-même du piano et de l'harmonica. Les visuels de la série Somewhere there's Music témoignent des rencontres entre le photographe et les musiciens. Des légendes du jazz comme John Coltrane ou la grande idole de Fink, Jimmy Rushing, qu'il avait déjà rencontré en 1957, ont posé devant son objectif.

A partir de la fin des années 1980, Fink a mis en scène l'industrie de la boxe transatlantique et a accompagné entre autres Mike Tyson et Jimmy Jacobs. Sa série Boxing montre de nombreux moments iconiques de combats de boxe légendaires.

Depuis toujours, Fink s'est penché sur des thèmes socio-psychologiques et politiques et a capturé les rapports, les frictions et les évolutions entre la classe ouvrière et la classe supérieure. En tant qu'invité ou photographe officiel, il a documenté dans The Vanities les élites sociales lors de fêtes et de galas, se positionnant toujours comme un observateur silencieux, en dehors de l'action. Dans des moments parfois intimes, il a capturé les interactions des invités - parfois un regard par-dessus l'épaule, parfois un sourire ou un geste non posé.

Dans Social Graces, ces œuvres sont confrontées aux photographies de la famille Sabatine de Pennsylvanie. Lors d'une visite dans la petite ville de Martins Creek, il documente les réunions familiales à l'occasion de différents événements, comme un huitième anniversaire. Son travail photographique couvre ainsi un spectre large et contrasté, allant de scènes familiales quotidiennes à des événements élitistes. Fink forme ainsi une image de la société qui relie sans préjugés différents groupes sociaux. L'œuvre de sa vie est en même temps le miroir de sa vision de la société. Pour lui, l'être humain a toujours été au centre de ses préoccupations.

Larry Fink, morto nel dicembre 2023, ha lavorato come fotografo per oltre 65 anni. Il suo lavoro è stato esposto in mostre personali al Museum of Modern Art e al Whitney Museum di New York, tra gli altri. La Galerie Bene Taschen è lieta di presentare una selezione dei suoi lavori Social Graces, Somewhere There's Music, The Vanities e Boxing con il titolo Larry Fink - Feeling the Experience.

Larry Fink ha fatto le sue prime esperienze fotografiche a New York e successivamente si è trasferito da Brooklyn alla Pennsylvania. Ha frequentato la New School for Social Research di New York, che ha risvegliato il suo interesse per le prospettive sociologiche. Anche i suoi riferimenti alla musica jazz hanno un'origine precoce: il jazz lo ha accompagnato fin dall'infanzia. Lui stesso suonava il pianoforte e l'armonica. Le immagini della serie Somewhere there's Music testimoniano gli incontri tra il fotografo e i musicisti. Davanti alla sua macchina fotografica si sono avvicendate leggende del jazz come John Coltrane e il grande idolo di Fink, Jimmy Rushing, che aveva già incontrato nel 1957.

Dalla fine degli anni Ottanta, Fink ha messo in scena il pugilato transatlantico e ha accompagnato Mike Tyson e Jimmy Jacobs, tra gli altri. La sua serie Boxing mostra molti momenti iconici di incontri di boxe leggendari.

Fink ha sempre esplorato temi socio-psicologici e politici, catturando le relazioni, gli attriti e gli sviluppi tra le classi lavoratrici e quelle superiori. Come invitato o fotografo ufficiale, ha documentato le élite sociali a feste e serate di gala in The Vanities, ponendosi sempre come osservatore silenzioso, al di fuori dell'azione. In momenti a volte intimi, ha catturato le interazioni degli ospiti - a volte uno sguardo da sopra la spalla, a volte un sorriso o un gesto non posato.

In Social Graces, queste opere sono accostate alle fotografie della famiglia Sabatine della Pennsylvania. Durante una visita alla cittadina di Martins Creek, l'artista documenta le riunioni di famiglia in varie occasioni, come un ottavo compleanno. Il suo lavoro fotografico abbraccia quindi uno spettro ampio e contrastante, che va dalle scene familiari quotidiane agli eventi d'élite. Fink crea così un'immagine della società che collega in modo imparziale i diversi gruppi sociali. Il lavoro della sua vita è anche uno specchio della sua immagine della società. Per lui le persone erano sempre al centro.

Larry Fink, who died in December 2023, worked as a photographer for over 65 years. His work has been shown in solo exhibitions at the Museum of Modern Art and the Whitney Museum in New York, among others. The Bene Taschen Gallery is pleased to present a selection from his series Social Graces, Somewhere There's Music, The Vanities and Boxing under the title Larry Fink – Feeling the Experience.

Larry Fink gained his first photographic experiences in New York and later moved from Brooklyn to Pennsylvania. He attended the New School for Social Research in New York, which sparked his interest in sociological perspectives. His relationship to jazz music also has an early origin; jazz accompanied him since his childhood. He himself played piano and harmonica. The visuals from the series Somewhere there's Music bear witness to the encounters between the photographer and the musicians. Jazz legends such as John Coltrane and Fink's great idol Jimmy Rushing, whom he had already met in 1957, stood in front of his camera.

From the late 1980s, Fink focused on the transatlantic boxing industry, accompanying Mike Tyson and Jimmy Jacobs, among others. His Boxing series features many iconic moments from legendary boxing matches.

Fink has always been interested in socio-psychological and political issues, capturing the relationships, frictions and developments between the working and upper classes. As an invited guest or official photographer, he documented social elites at parties and galas in The Vanities, always positioning himself as a silent observer, outside of the action. He captured the interactions of the guests in sometimes intimate moments – a glance over the shoulder, a smile or an unposed gesture.

In Social Graces, these works are juxtaposed with photographs of the Sabatine family from Pennsylvania. During a visit to the small town of Martins Creek, he documented family gatherings for various occasions, such as an eighth birthday. His photographic work thus encompasses a broad and contrasting spectrum, ranging from everyday family scenes to elitist events. In this way, Fink creates a social portrait that connects different social groups in an unbiased way. His life's work is also a mirror of his social view. For him, the human being has always been at the centre of attention.

(Text: Galerie Bene Taschen, Köln)

Haus am Kleistpark
21. März – 8. Juni 2025

Microverse
Kathrin Linkersdorff

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Nach zahlreichen Ausstellungserfolgen im In- und Ausland zeigt die Berliner Künstlerin Kathrin Linkersdorff im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie im Haus am Kleistpark einen Überblick ihres Schaffens, das im Spannungsfeld von Kunst und Wissenschaft angesiedelt ist. Zu sehen sind Arbeiten aus verschiedenen Werkgruppen der letzten Jahre wie „Wabi Sabi“ (2013-2017), „Floriszenzen“ (ab 2019) und „Fairies“ (ab 2020) sowie aus ihrem aktuellen Projekt „Microverse“ (seit 2023).

Im Zentrum der Ausstellung stehen die Werke der jüngsten Serien „Microverse I, II und III“, darunter eine noch nie zuvor gezeigte, wandfüllende 4-teilige Arbeit, deren Komposition an Aufnahmen von kosmischen Nebeln und Galaxien erinnert. Es handelt sich um Bilder, die im Rahmen ihrer Forschung als Artist in Residence am Excellence Cluster „Matters of Activity“ des Instituts für Biologie/Mikrobiologie der Humboldt-Universität zu Berlin entstanden sind, wo es Linkersdorff möglich ist, das Verhalten von einfachen Bodenbakterien in biochemischen Verfallsprozessen zu beobachten und damit Kreislaufprozesse der Natur in ihren Werken zu dokumentieren.

Inspiriert von der japanischen Philosophie des „Wabi Sabi“, die mit der Akzeptanz und Kontemplation von Vergänglichkeit aller Dinge einhergeht, erforschte Kathrin Linkersdorff bereits in früheren Experimenten das komplexe Zusammenspiel von Werden und Vergehen an welkenden Blüten. Ihr Fotoatelier ist zugleich ein Labor, in dem sie Pflanzen nicht nur trocknet, sondern ihnen mittels chemischer Prozesse auch die Pigmente entzieht, um ihre Strukturen sichtbar zu machen. In all ihren Arbeiten werden organische Prozesse erfahrbar, die gleichzeitig als poetische, visuelle Metaphern für Vergänglichkeit als integralem Bestandteil des Lebens gelesen werden können.

Après de nombreux succès d'exposition en Allemagne et à l'étranger, l'artiste berlinoise Kathrin Linkersdorff présente, dans le cadre du Mois européen de la photographie à la Haus am Kleistpark, un aperçu de son œuvre, qui se situe à la croisée de l'art et de la science. On peut y voir des travaux issus de différents groupes d'œuvres de ces dernières années comme « Wabi Sabi » (2013-2017), « Floriszenzen » (à partir de 2019) et « Fairies » (à partir de 2020) ainsi que de son projet actuel « Microverse » (depuis 2023).

L'exposition est centrée sur les œuvres des séries les plus récentes « Microverse I, II et III », dont une œuvre inédite en quatre parties couvrant tout un mur, dont la composition rappelle les prises de vue de nébuleuses cosmiques et de galaxies. Il s'agit de visuels réalisés dans le cadre de ses recherches en tant qu'artiste en résidence au sein du cluster d'excellence « Matters of Activity » de l'Institut de biologie/microbiologie de l'Université Humboldt de Berlin, où il est possible pour Linkersdorff d'observer le comportement de simples bactéries du sol dans les processus biochimiques de décomposition et de documenter ainsi les processus de circulation de la nature dans ses œuvres.

Inspirée par la philosophie japonaise du « wabi sabi », qui va de pair avec l'acceptation et la contemplation du caractère éphémère de toute chose, Kathrin Linkersdorff avait déjà exploré, lors d'expériences antérieures, l'interaction complexe du devenir et de la disparition de fleurs en train de faner. Son atelier photographique est également un laboratoire dans lequel elle ne se contente pas de faire sécher les plantes, mais où elle leur retire également leurs pigments au moyen de processus chimiques afin de rendre leurs structures visibles. Dans tous ses travaux, des processus organiques deviennent perceptibles, qui peuvent en même temps être lus comme des métaphores poétiques et visuelles de l'éphémère comme partie intégrante de la vie.

Dopo numerose mostre di successo in Germania e all'estero, l'artista berlinese Kathrin Linkersdorff presenta una panoramica del suo lavoro, che si colloca all'intersezione tra arte e scienza, nell'ambito del Mese europeo della fotografia alla Haus am Kleistpark. Sono esposte opere di diversi gruppi di lavori degli ultimi anni, come “Wabi Sabi” (2013-2017), “Floriszenzen” (dal 2019) e “Fairies” (dal 2020), nonché del suo attuale progetto “Microverse” (dal 2023).

Al centro della mostra ci sono le opere della serie più recente “Microverse I, II e III”, tra cui un'opera inedita a parete in quattro parti la cui composizione ricorda immagini di nebulose e galassie cosmiche. Si tratta di immagini create nell'ambito della sua ricerca come Artista in Residenza presso il Cluster di Eccellenza “Matters of Activity” dell'Istituto di Biologia/Microbiologia dell'Università Humboldt di Berlino, dove Linkersdorff è in grado di osservare il comportamento di semplici batteri del suolo nei processi di decadimento biochimico e di documentare così i processi del ciclo della natura nelle sue opere.

Ispirata dalla filosofia giapponese del “Wabi Sabi”, che va di pari passo con l'accettazione e la contemplazione della transitorietà di tutte le cose, Kathrin Linkersdorff ha già esplorato la complessa interazione tra crescita e decadenza nei fiori appassiti in precedenti esperimenti. Il suo studio fotografico è anche un laboratorio in cui non solo essicca le piante, ma utilizza anche processi chimici per estrarre i loro pigmenti al fine di visualizzarne le strutture. I processi organici possono essere percepiti in tutte le sue opere, che possono anche essere lette come metafore poetiche e visive della transitorietà come parte integrante della vita.

After numerous exhibition successes at home and abroad, the Berlin-based artist Kathrin Linkersdorff is showing an overview of her work, which is situated in the field of tension between art and science, as part of the European Month of Photography at the Haus am Kleistpark. On display are works from various series from recent years, such as ‘Wabi Sabi’ (2013-2017), ‘Floriszenzen’ (from 2019) and ‘Fairies’ (from 2020), as well as from her current project ‘Microverse’ (since 2023).

The exhibition focuses on the works from the most recent series, ‘Microverse I, II and III,’ including a wall-sized, four-part work that has never been shown before, whose composition is reminiscent of images of cosmic nebulae and galaxies. These visuals were created as part of her research as an artist in residence at the Excellence Cluster ‘Matters of Activity’ at the Institute of Biology/Microbiology at Humboldt University in Berlin, where Linkersdorff is able to observe the behaviour of simple soil bacteria in biochemical decay processes and thus document natural cycles in her works.

Inspired by the Japanese philosophy of ‘Wabi Sabi,’ which is associated with the acceptance and contemplation of the transience of all things, Kathrin Linkersdorff had already explored the complex interplay of becoming and decaying in wilting flowers in earlier experiments. Her photographic studio is also a laboratory in which she not only dries plants, but also uses chemical processes to extract the pigments from them in order to make their structures visible. In all of her works, organic processes can be experienced, which can also be read as poetic, visual metaphors for transience as an integral part of life.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

Gropius Bau | Berlin
21. März – 14. September 2025

Vaginal Davis - Fabelhaftes Produkt

20 Jahre nachdem die Künstlerin, Autorin und Performerin Vaginal Davis von Los Angeles nach Berlin zog, zeigt der Gropius Bau die erste umfassende Einzelausstellung ihres Werks in Deutschland. In ihrem wegweisenden Schaffen verbinden sich Punk und Glamour, queerer Aktivismus und Schwarze Gegenkultur sowie Widerstand und Begehren. Vaginal Davis: Fabelhaftes Produkt vereint großformatige Installationen, Malereien, Video- und Filmarbeiten, Zines, Texte, Musik sowie Performance und bietet einen umfassenden Überblick über Davis’ vielschichtige Praxis und ihre künstlerischen Zusammenarbeiten. Im Rahmen der Ausstellung zeigt das Kunstkollektiv CHEAP die Installation Choose Mutation mit Fotografien von Annette Frick. Fabelhaftes Produkt lädt in das Universum von Vaginal Davis ein, das von literarischen Heldinnen, mythischen Figuren und echten Ikonen bewohnt wird.

Initiiert vom Moderna Museet, Stockholm, in Zusammenarbeit mit dem Gropius Bau, Berlin, und MoMA PS1, New York

Vingt ans après que l'artiste, auteur et performeuse Vaginal Davis a quitté Los Angeles pour Berlin, le Gropius Bau présente la première exposition individuelle complète de son œuvre en Allemagne. Dans son travail précurseur, le punk et le glamour, l'activisme queer et la contre-culture noire ainsi que la résistance et le désir se rejoignent. Vaginal Davis : Fabelhaftes Produkt réunit des installations grand format, des peintures, des travaux vidéo et cinématographiques, des zines, des textes, de la musique et des performances et offre un aperçu complet de la pratique complexe de Davis et de ses collaborations artistiques. Dans le cadre de l'exposition, le collectif artistique CHEAP présente l'installation Choose Mutation avec des photographies d'Annette Frick. Fabelhaftes Produkt invite à pénétrer dans l'univers de Vaginal Davis, habité par des héroïnes littéraires, des figures mythiques et de véritables icônes.

Initié par le Moderna Museet, Stockholm, en collaboration avec le Gropius Bau, Berlin, et le MoMA PS1, New York

20 anni dopo il trasferimento dell'artista, autrice e performer Vaginal Davis da Los Angeles a Berlino, il Gropius Bau presenta la prima mostra personale completa del suo lavoro in Germania. Il suo lavoro innovativo combina punk e glamour, attivismo queer e controcultura nera, resistenza e desiderio. Vaginal Davis: Fabulous Product riunisce installazioni di grandi dimensioni, dipinti, opere video e cinematografiche, zine, testi, musica e performance e offre una panoramica completa della pratica multistrato della Davis e delle sue collaborazioni artistiche. Nell'ambito della mostra, il collettivo artistico CHEAP presenta l'installazione Choose Mutation con fotografie di Annette Frick. Fabulous Product vi invita a entrare nell'universo di Vaginal Davis, abitato da eroine letterarie, figure mitiche e icone reali.

Iniziata dal Moderna Museet di Stoccolma, in collaborazione con il Gropius Bau di Berlino e il MoMA PS1 di New York.

Marking twenty years since artist, writer and performer Vaginal Davis made Berlin her home, Gropius Bau presents the first comprehensive solo exhibition of her work in Germany. In her expansive oeuvre, punk meets glamour, queer activism meets Black counter-culture and resistance meets desire. Vaginal Davis: Fabelhaftes Produkt features large-scale installations, paintings, video and film works, zines, writing, music and performances, offering an overview of Davis’ practice and artistic collaborations. In the exhibition, the Berlin-based art collective CHEAP presents the installation Choose Mutation, with photographs by Annette Frick. Fabelhaftes Produkt invites you into the universe of Vaginal Davis, populated by literary heroines, mythical figures and real icons.

Initiated by Moderna Museet, Stockholm, in collaboration with Gropius Bau, Berlin, and MoMA PS1, New York

(Text: Gropius Bau, Berlin)

Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin
28. März – 1. Juni 2025

Mineriada
Anton Roland Laub

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Mit seiner Ausstellung Mineriada begibt sich der Künstler Anton Roland Laub auf eine Reise in die Vergangenheit und taucht ein in das transgenerationale Traumata der rumänischen Gesellschaft nach dem Ende der Regierung Ceaușescu. Er thematisiert die gewaltsamen Unruhen von 1990, als tausende aufgehetzte regimetreue Bergarbeiter aus dem Jiu-Tal nach Bukarest gebracht wurden, um pro-europäische Proteste brutal niederzuschlagen.

Trotz eines Urteils des Europäischen Gerichtshofs für Menschenrechte von 2014 bleiben die tödlichen Übergriffe juristisch unaufgearbeitet – eine verdrängte Vergangenheit, der Laub in seinen Bildern nachspürt. In der rumänischen Presse wurde die Mineriade mit der Stürmung des Kapitols in den USA am 6. Januar 2021 verglichen. Mit seiner Arbeit sensibilisiert der Künstler für rekursive Konflikte in einer polarisierten Welt. Der Titel Mineriada ist ein sarkastisch verwendeter Begriff, der das rumänische Wort Bergarbeiter „Miner“ mit der Endung „-iada“ aus „Olimpiada“ kombiniert.

In einer Rückschau von Straßburg über Bukarest nach Petroșani untersucht Laub die Orte des damaligen Geschehens, das unausgesprochene Leid handgreiflicher Gewalt und dessen Spuren im kollektiven Gedächtnis. Ausgangspunkt sind Fotografien seines Vaters von Juni 1990, ergänzt durch eigene Recherchen, persönliche Erfahrungen und Erinnerungen. Primäres Ziel des Künstlers ist nicht die historische Aufarbeitung, sondern die Annäherung an die Thematik über die latente Präsenz des Geschehens im Unbewussten.

Eine der zentralen Arbeiten zeigt einen Blick nach vorne ins Dunkel. Zu sehen ist als einziges Element ein Spiegel, auf dessen Oberfläche Myriaden filigraner Wassertropfen schimmern, die das in ihm Abgebildete verzerren. Im Blick zurück, in der Spiegelung, ist ein Scheinwerfer zu erkennen, der sich von hinten zu nähern scheint. Ein kleines, viereckiges Element auf der Spiegelfläche bricht die rätselhafte Stimmung – als würde die Zeit zugleich vorwärts und rückwärts fließen. Was tritt aus dem Schatten der Nacht hervor?

Laub schafft Bilder von philosophischer Tiefe und poetischer Kraft. Seine Fotografien wirken durch ihre ästhetische Präzision und subtile Symbolik. Der Künstler öffnet Denkräume, ohne Antworten zu geben. Der Mythos von Saturn – dem Vater, der seine Kinder verschlingt, um nicht gestürzt zu werden – schwingt in seiner Auseinandersetzung mit. Eine weitere Fotografie zeigt eine verbogene Gitterstruktur, eine Metapher für Begrenzung und Durchlässigkeit zugleich. Dahinter fällt Licht durch ein engmaschiges, zusammengeflicktes dunkles Netz aus Kunststoff, eine Allegorie voller Ambivalenz.

Anton Roland Laub, in Bukarest geboren und aufgewachsen, lebt und arbeitet in Berlin. Er absolvierte ein Masterstudium an der Kunsthochschule Berlin Weißensee sowie zuvor ein Studium an der Neuen Schule für Fotografie in Berlin und ein Studium der Medienund Kommunikationswissenschaften an der Universität Bukarest. Nach Mobile Churches und Last Christmas (of Ceaușescu) legt Laub mit Mineriada den letzten Teil seiner Rumänien-Trilogie im Kehrer Verlag vor. Die Arbeit wurde durch das Recherchestipendium Bildende Kunst der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin sowie durch die Publikationsförderung der Stiftung Kulturwerk, Bonn unterstützt.

Avec son exposition Mineriada, l'artiste Anton Roland Laub entreprend un voyage dans le passé et se plonge dans le traumatisme transgénérationnel de la société roumaine après la fin du gouvernement Ceaușescu. Il aborde les violentes émeutes de 1990, lorsque des milliers de mineurs excités et fidèles au régime ont été amenés de la vallée de Jiu à Bucarest pour réprimer brutalement les protestations pro-européennes.

Malgré un arrêt de la Cour européenne des droits de l'homme de 2014, ces agressions mortelles restent juridiquement non traitées - un passé refoulé que Laub retrace dans ses visuels. Dans la presse roumaine, la Mineriade a été comparée à la prise du Capitole aux Etats-Unis le 6 janvier 2021. Avec son travail, l'artiste sensibilise aux conflits récurrents dans un monde polarisé. Le titre Mineriada est un terme utilisé de manière sarcastique qui combine le mot roumain mineur « Miner » avec la terminaison « -iada » de « Olimpiada ».

Dans une rétrospective de Strasbourg à Petroșani en passant par Bucarest, Laub examine les lieux des événements de l'époque, la souffrance inexprimée de la violence manuelle et ses traces dans la mémoire collective. Les photographies de son père datant de juin 1990 constituent le point de départ, complétées par ses propres recherches, expériences personnelles et souvenirs. L'objectif premier de l'artiste n'est pas le traitement historique, mais l'approche de la thématique par la présence latente de l'événement dans l'inconscient.

L'une des œuvres centrales montre un regard vers l'avant, dans l'obscurité. Le seul élément visible est un miroir sur la surface duquel scintillent des myriades de gouttes d'eau en filigrane, qui déforment ce qui y est représenté. En regardant en arrière, dans le reflet, on aperçoit un projecteur qui semble s'approcher par derrière. Un petit élément carré sur la surface du miroir rompt l'ambiance énigmatique - comme si le temps s'écoulait à la fois en avant et en arrière. Qu'est-ce qui émerge de l'ombre de la nuit ?

Laub crée des visuels d'une profondeur philosophique et d'une force poétique. Ses photographies agissent par leur précision esthétique et leur symbolisme subtil. L'artiste ouvre des espaces de réflexion sans donner de réponses. Le mythe de Saturne - le père qui dévore ses enfants pour ne pas être renversé - résonne dans sa confrontation. Une autre photographie montre une structure grillagée tordue, une métaphore à la fois de la limitation et de la perméabilité. Derrière elle, la lumière passe à travers un filet sombre en plastique aux mailles serrées et rapiécées, une allégorie pleine d'ambivalence.

Anton Roland Laub, né et élevé à Bucarest, vit et travaille à Berlin. Il a obtenu un master à la Kunsthochschule Berlin Weißensee et a étudié auparavant à la Neue Schule für Fotografie de Berlin et à l'université de Bucarest en sciences des médias et de la communication. Après Mobile Churches et Last Christmas (of Ceaușescu), Laub présente Mineriada, le dernier volet de sa trilogie sur la Roumanie aux éditions Kehrer. Ce travail a été soutenu par la bourse de recherche en arts visuels du Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin, ainsi que par le soutien à la publication de la fondation Kulturwerk, Bonn.

Con la mostra Mineriada, l'artista Anton Roland Laub intraprende un viaggio nel passato e scava nel trauma transgenerazionale della società rumena dopo la fine del governo di Ceaușescu. L'autore affronta i violenti disordini del 1990, quando migliaia di minatori fedeli al regime furono portati dalla valle del Jiu a Bucarest per reprimere brutalmente le proteste pro-europee.

Nonostante una sentenza della Corte europea dei diritti dell'uomo del 2014, gli attacchi mortali rimangono giuridicamente irrisolti - un passato represso che Laub ripercorre nelle sue immagini. Nella stampa rumena, la Mineriade è stata paragonata all'assalto al Campidoglio negli Stati Uniti del 6 gennaio 2021. Con le sue opere, l'artista sensibilizza sui conflitti ricorrenti in un mondo polarizzato. Il titolo Mineriada è un termine sarcastico che combina la parola rumena minatore con il suffisso “-iada” di “Olimpiada”.

In una retrospettiva da Strasburgo a Petroșani, passando per Bucarest, Laub esamina i luoghi in cui si sono svolti gli eventi, la sofferenza inespressa della violenza tangibile e le sue tracce nella memoria collettiva. Il punto di partenza sono le fotografie scattate dal padre nel giugno 1990, integrate da ricerche personali, esperienze e ricordi. L'obiettivo primario dell'artista non è quello di fare i conti con la storia, ma di avvicinarsi al tema attraverso la presenza latente dell'evento nell'inconscio.

Una delle opere centrali mostra una vista in avanti nell'oscurità. L'unico elemento visibile è uno specchio, sulla cui superficie brillano miriadi di gocce d'acqua in filigrana, distorcendo ciò che vi è raffigurato. Guardando indietro, nel riflesso, si riconosce un riflettore che sembra avvicinarsi da dietro. Un piccolo elemento quadrato sulla superficie dello specchio rompe l'atmosfera enigmatica, come se il tempo scorresse in avanti e indietro allo stesso tempo. Cosa emerge dalle ombre della notte?

Laub crea immagini di profondità filosofica e forza poetica. Le sue fotografie sono efficaci grazie alla loro precisione estetica e al sottile simbolismo. L'artista apre spazi di riflessione senza fornire risposte. Il mito di Saturno - il padre che divora i suoi figli per non essere rovesciato - risuona nel suo lavoro. Un'altra fotografia mostra una struttura a griglia piegata, metafora di limitazione e permeabilità allo stesso tempo. Dietro di essa, la luce cade attraverso una rete scura di plastica, fitta e rattoppata, un'allegoria piena di ambivalenza.

Anton Roland Laub, nato e cresciuto a Bucarest, vive e lavora a Berlino. Ha conseguito un master presso la Kunsthochschule Berlin Weißensee e in precedenza ha studiato presso la Neue Schule für Fotografie di Berlino e Media and Communication Studies all'Università di Bucarest. Dopo Mobile Churches e Last Christmas (di Ceaușescu), Mineriada di Laub è la parte finale della sua trilogia sulla Romania, pubblicata da Kehrer Verlag. L'opera è stata sostenuta dalla borsa di studio per la ricerca sulle arti visive del Dipartimento per la cultura e l'Europa del Senato, a Berlino, e da un finanziamento per la pubblicazione da parte della Stiftung Kulturwerk, a Bonn.

In his exhibition Mineriada, artist Anton Roland Laub takes a journey into the past and delves into the transgenerational trauma of Romanian society after the fall of the Ceaușescu government. He addresses the violent riots of 1990, when thousands of incited miners loyal to the regime were brought from the Jiu Valley to Bucharest to brutally crush pro-European protests.

Despite a 2014 ruling by the European Court of Human Rights, the fatal assaults have not been legally addressed – a repressed past that Laub traces in his visuals. In the Romanian press, the mineriad was compared to the storming of the Capitol in the United States on 6 January 2021. With his work, the artist raises awareness of recursive conflicts in a polarised world. The title Mineriada is a sarcastically used term that combines the Romanian word for miner, ‘Miner’, with the suffix ‘-iada’ from ‘Olimpiada’.

In a retrospective journey from Strasbourg via Bucharest to Petroșani, Laub examines the places where the events took place, the unspoken suffering of physical violence and its traces in the collective memory. The starting point is his father's photographs from June 1990, supplemented by his own research, personal experiences and memories. The artist's primary goal is not historical reappraisal, but rather an approach to the subject through the latent presence of the event in the unconscious.

One of the central works shows a view into the darkness. The only element visible is a mirror, on the surface of which myriad filigree water droplets shimmer, distorting what is reflected in it. Looking back, a spotlight can be seen in the reflection, seemingly approaching from behind. A small, square element on the mirror surface breaks the enigmatic mood – as if time were flowing both forward and backward at the same time. What emerges from the shadows of the night?

Laub creates visuals of philosophical depth and poetic power. His photographs are effective due to their aesthetic precision and subtle symbolism. The artist opens up spaces for thought without providing answers. The myth of Saturn – the father who devours his children to avoid being overthrown – resonates in his examination of the subject. Another photograph shows a warped lattice structure, a metaphor for both limitation and permeability. Behind it, light falls through a narrow-meshed, patched dark net of plastic, an allegory full of ambivalence.

Anton Roland Laub, born and raised in Bucharest, lives and works in Berlin. He completed a master's degree at the Berlin Weissensee School of Art, having previously studied at the Neue Schule für Fotografie in Berlin and media and communication studies at the University of Bucharest. After Mobile Churches and Last Christmas (of Ceaușescu), Laub presents Mineriada, the final part of his trilogy on Romania, published by Kehrer Verlag. The work was supported by the Visual Arts Research Grant of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, and the publication grant of the Kulturwerk Foundation, Bonn.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

Gropius Bau | Berlin
11. April – 31. August 2025

YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND

Ab Frühjahr 2025 würdigt die umfassende Einzelausstellung YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND das wegweisende Schaffen der Künstlerin und Aktivistin Yoko Ono. Die Ausstellung präsentiert Arbeiten aus sieben Jahrzehnten und zeichnet die Entwicklung ihres innovativen, multidisziplinären Werks und dessen bis heute anhaltenden Einfluss nach. Mit mehr als 200 Arbeiten, darunter Instruktionen und Partituren, Installationen, Filme, Musik und Fotografien, beleuchtet MUSIC OF THE MIND Onos radikalen Ansatz in Bezug auf Sprache, Kunst und Partizipation, der bis in die Gegenwart hineinwirkt.

Organisiert von Tate Modern, London, in Zusammenarbeit mit dem Gropius Bau, Berlin, und der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

Kuratiert von Patrizia Dander, stellvertretende kuratorische Direktorin, Gropius Bau und Juliet Bingham, Kuratorin, International Art, Tate Modern, mit Sonja Borstner, Assistenzkuratorin, Gropius Bau und Andrew de Brún, Assistenzkurator, International Art, Tate Modern

À partir du printemps 2025, la vaste exposition individuelle YOKO ONO : MUSIC OF THE MIND rendra hommage à l'œuvre pionnière de l'artiste et activiste Yoko Ono. L'exposition présente des travaux couvrant sept décennies et retrace l'évolution de son œuvre innovante et multidisciplinaire ainsi que son influence qui perdure encore aujourd'hui. Avec plus de 200 œuvres, dont des instructions et des partitions, des installations, des films, de la musique et des photographies, MUSIC OF THE MIND met en lumière l'approche radicale d'Ono en matière de langage, d'art et de participation, dont l'influence se fait sentir jusqu'à nos jours.

Organisé par la Tate Modern, Londres, en collaboration avec le Gropius Bau, Berlin, et la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf.

Organisé par Patrizia Dander, directrice adjointe de la conservation, Gropius Bau et Juliet Bingham, conservatrice, International Art, Tate Modern, avec Sonja Borstner, conservatrice adjointe, Gropius Bau et Andrew de Brún, conservateur adjoint, International Art, Tate Modern

Dalla primavera del 2025, la mostra personale YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND renderà omaggio al lavoro innovativo dell'artista e attivista Yoko Ono. La mostra presenta opere che abbracciano sette decenni e ripercorre lo sviluppo della sua opera innovativa e multidisciplinare e la sua influenza duratura fino ai giorni nostri. Con oltre 200 opere, tra cui istruzioni e partiture, installazioni, film, musica e fotografie, MUSIC OF THE MIND mette in luce l'approccio radicale di Ono al linguaggio, all'arte e alla partecipazione, che continua ad avere un impatto ancora oggi.

Organizzata dalla Tate Modern di Londra, in collaborazione con il Gropius Bau di Berlino e la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen di Düsseldorf.

A cura di Patrizia Dander, vicedirettore curatoriale del Gropius Bau e Juliet Bingham, curatrice dell'arte internazionale della Tate Modern, con Sonja Borstner, assistente curatore del Gropius Bau e Andrew de Brún, assistente curatore dell'arte internazionale della Tate Modern.

From spring 2025, the Gropius Bau will present a comprehensive solo exhibition celebrating the groundbreaking and influential work of artist and activist Yoko Ono. Spanning seven decades of the artist’s powerful, multidisciplinary practice from the mid-1950s to now, YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND will trace the development of her innovative work and its enduring impact on contemporary culture. The exhibition brings together over 200 works including instruction pieces and scores, installations, films, music and photography, revealing a radical approach to language, art and participation that continues to speak to the present moment.

Organised by Tate Modern, London, in collaboration with Gropius Bau, Berlin, and Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

Curated by Patrizia Dander, Deputy Director of Curatorial Affairs, Gropius Bau and Juliet Bingham, Curator, International Art, Tate Modern; with Sonja Borstner, Assistant Curator, Gropius Bau and Andrew de Brún, Assistant Curator, International Art, Tate Modern

(Text: Gropius Bau, Berlin)

Leica Galerie Konstanz
12. April – 12. Juli 2025

Milena Schilling – O R I G I O

Drei Jahre lang fotografierte Milena Schilling 45 Menschen aus Konstanz nackt im Bodensee. Menschen aller Körperformen und Hintergründe im Alter von 18 bis 73 Jahren tauchten vor ihrer Kamera ab.

Der Antrieb zu dieser Fotoserie entspringt einer atemberaubenden Begegnung mit der Natur im offenen Meer und der Erkenntnis: Bestehen wir zwar selbst aus 60–70 % Wasser, bleibt uns dieses Element doch unzähmbar überlegen und zugleich lebensnotwendig. Obwohl 71 % der Erdoberfläche von Wasser bedeckt sind, kann der Mensch darin nicht leben. In der scheinbar unendlichen blauen Weite zu schwimmen, prägte die Fotografin tief und wurde der Beginn einer fotografischen Reise zum Wasser als Ursprungselement allen Lebens: O R I G I O.

Für das daraus entstehende Projekt entwickelte die junge Fotografin ein präzises Konzept und sprang damit schließlich erneut buchstäblich ins kalte Wasser – diesmal vor der eigenen Haustür in den Bodensee. Zunächst suchte sie Unterwasserspots in Ufernähe, weitete ihre Ortswahl jedoch rasch aus und entschloss sich schließlich, einen Segelschein zu machen. So brachte sie ihre Gruppe mit dem Segelboot ins tiefere Wasser, um die geplanten Szenerien unter der Oberfläche zu formieren.

Jede Komposition reifte in der Theorie, wurde an Land geprobt und schließlich im Wasser modelliert und fotografisch eingefangen. Doch dabei spielte die Natur regelmäßig all ihre Willkür aus: Wassertemperatur, Windstärke, Witterungsverhältnisse der Vortage, Pflanzen – nichts war planbar, verlässlich oder gar wiederholbar. Erst bei Wassertemperaturen unterhalb von 12 Grad war eine klare Sicht möglich. Die Tauchenden konnten deshalb nur wenige Minuten im kalten Bodensee verharren, und die Fotografin konnte pro Tauchgang nur eine einzige Aufnahme auslösen. Erst später am Bildschirm zeigte sich die Qualität der Bilder, die dem Projekt seine analogähnliche Echtheit verleihen. Entstanden ist ein uns gleichermaßen alltäglicher und in dieser Form doch unbekannter, malerischer Blick auf eine Welt im nassen Element.

Die mystische Ästhetik der Bilder wurde inspiriert von Gemälden und Skulpturen der Renaissance. Die Trübungen des Sees und das sanfte Licht des bewölkten Himmels erzeugen einen zeitlosen Charakter der Fotografien und wecken Erinnerungen an unseren Ursprung: Jedes menschliche Leben wächst umschlossen von Fruchtwasser heran. Beinahe schwerelos, frei von Besitztümern, getragen von einem Element, das keine Grenzen, Sprachbarrieren oder Hierarchien kennt.

Milena Schillings Fotografien öffnen unseren Blick und nähren unsere Sehnsucht nach ursprünglicher Verbundenheit – sowohl mit unserer eigenen Spezies als auch mit dem Wasser, das unseren Lebensraum von allen anderen bekannten Planeten unterscheidet. Die Serie zeigt auch, wie vielfältig schön der menschliche Körper ist.

Und das Werk O R I G I O steht erst am Anfang: Derzeit bereitet sich Milena Schilling darauf vor, eines Tages zu den gigantischen Meeressäugern zu segeln, um Wale im respektvollen Wechselspiel mit dem puren, winzigen Menschen zu fotografieren. O R I G I O ist eine Hommage an das Leben, daran, wie facettenreich und von Schönheit erfüllt es ist. Ein demütiger Blick auf das Element Wasser, dem wir Menschen alle gleichermaßen unsere Existenz auf der Erde verdanken, sowie eine Erinnerung daran, dass wir alle aus dem gleichen Wasser geformt sind und darüber miteinander verbunden.

Pendant trois ans, Milena Schilling a photographié 45 personnes de Constance nues dans le lac de Constance. Des personnes de toutes les morphologies et de tous les horizons, âgées de 18 à 73 ans, ont plongé devant son appareil photo.

L'impulsion pour cette série de photos provient d'une rencontre époustouflante avec la nature en pleine mer et de la prise de conscience suivante : si nous sommes nous-mêmes composés de 60 à 70 % d'eau, cet élément nous est à la fois indomptablement supérieur et indispensable à la vie. Bien que 71 % de la surface de la Terre soit recouverte d'eau, l'homme ne peut pas y vivre. Nager dans cette étendue bleue apparemment infinie a profondément marqué la photographe et a été le début d'un voyage photographique vers l'eau en tant qu'élément d'origine de toute vie : O R I G I O.

La jeune photographe a développé un concept précis pour le projet qui en a résulté et s'est littéralement jetée à l'eau, cette fois devant sa porte, dans le lac de Constance. Elle a d'abord cherché des spots sous-marins près de la rive, mais a rapidement élargi son choix de lieu et a finalement décidé de passer un brevet de voile. Elle a donc emmené son groupe en voilier dans les eaux plus profondes pour former les décors prévus sous la surface.

Chaque composition a mûri en théorie, a été répétée sur la terre ferme et a finalement été modelée et photographiée dans l'eau. Mais la nature a régulièrement fait preuve d'arbitraire : La température de l'eau, la force du vent, les conditions météorologiques des jours précédents, les plantes - rien ne pouvait être planifié, fiable ou même répété. Ce n'est que lorsque la température de l'eau était inférieure à 12 degrés qu'une vision claire était possible. Les plongeurs ne pouvaient donc rester que quelques minutes dans le lac de Constance froid, et la photographe ne pouvait déclencher qu'une seule prise de vue par plongée. Ce n'est que plus tard, sur l'écran, que la qualité des images s'est révélée, conférant au projet une authenticité proche de l'analogique. Il en résulte une vision picturale d'un monde dans l'élément humide qui nous est à la fois familier et inconnu sous cette forme.

L'esthétique mystique des images s'inspire des peintures et des sculptures de la Renaissance. La turbidité du lac et la douce lumière du ciel nuageux créent un caractère intemporel des photographies et évoquent des souvenirs de nos origines : toute vie humaine grandit entourée de liquide amniotique. Presque en apesanteur, libre de toute possession, portée par un élément qui ne connaît ni frontières, ni barrières linguistiques, ni hiérarchies.

Les photographies de Milena Schilling ouvrent notre regard et nourrissent notre désir de lien originel - tant avec notre propre espèce qu'avec l'eau, qui distingue notre espace vital de toutes les autres planètes connues. La série montre également à quel point le corps humain est d'une beauté variée.

Et l'œuvre O R I G I O n'en est qu'à ses débuts : actuellement, Milena Schilling se prépare à naviguer un jour vers les gigantesques mammifères marins afin de photographier les baleines dans une interaction respectueuse avec le pur et minuscule être humain. O R I G I O est un hommage à la vie, à ses multiples facettes et à sa beauté. Un regard humble sur l'élément eau, auquel nous devons tous notre existence sur terre, et un rappel que nous sommes tous formés de la même eau et reliés par elle.

Per tre anni, Milena Schilling ha fotografato 45 persone di Costanza nude nel lago di Costanza. Persone di ogni corporatura e provenienza, di età compresa tra i 18 e i 73 anni, si sono tuffate davanti alla sua macchina fotografica.

L'impulso per questa serie fotografica è nato da un incontro mozzafiato con la natura in mare aperto e dalla consapevolezza che, sebbene noi stessi siamo costituiti per il 60-70% da acqua, questo elemento rimane indomito e superiore a noi e allo stesso tempo vitale. Sebbene il 71% della superficie terrestre sia coperto dall'acqua, l'uomo non può viverci dentro. Nuotare in quella distesa blu apparentemente infinita ha colpito profondamente il fotografo ed è stato l'inizio di un viaggio fotografico verso l'acqua come elemento originario di tutta la vita: l'O R I G I O.

La giovane fotografa ha sviluppato un concetto preciso per il progetto che ne è scaturito e poi si è letteralmente rituffata nell'acqua, questa volta nel lago di Costanza, sulla soglia di casa sua. Inizialmente ha cercato luoghi subacquei vicino alla riva, ma ha rapidamente ampliato la scelta dei luoghi e ha infine deciso di prendere la patente nautica. Così ha portato il suo gruppo in barca a vela in acque più profonde per realizzare le scene previste sotto la superficie.

Ogni composizione è maturata in teoria, è stata provata a terra e infine modellata in acqua e catturata fotograficamente. Tuttavia, la natura ha regolarmente messo in atto tutta la sua arbitrarietà: La temperatura dell'acqua, la forza del vento, le condizioni meteorologiche dei giorni precedenti, le piante... nulla poteva essere pianificato, né affidato, né tantomeno ripetuto. La visibilità era possibile solo quando la temperatura dell'acqua era inferiore a 12 gradi. I subacquei hanno quindi potuto rimanere nel freddo lago di Costanza solo per pochi minuti e il fotografo ha potuto scattare solo una foto per immersione. La qualità delle immagini, che conferisce al progetto un'autenticità analogica, è emersa solo successivamente sullo schermo. Il risultato è una visione pittoresca di un mondo bagnato, quotidiano e allo stesso tempo sconosciuto in questa forma.

L'estetica mistica delle immagini è stata ispirata da dipinti e sculture rinascimentali. La torbidità del lago e la luce soffusa del cielo nuvoloso creano un carattere senza tempo nelle fotografie ed evocano ricordi delle nostre origini: ogni vita umana cresce circondata dal liquido amniotico. Quasi senza peso, priva di beni, trasportata da un elemento che non conosce confini, barriere linguistiche o gerarchie.

Le fotografie di Milena Schilling ci aprono gli occhi e alimentano il nostro desiderio di una connessione primordiale, sia con la nostra specie che con l'acqua che distingue il nostro habitat da tutti gli altri pianeti conosciuti. La serie mostra anche quanto sia vario e bello il corpo umano.

E il lavoro di O R I G I O è solo all'inizio: Milena Schilling si sta preparando a navigare un giorno verso i giganteschi mammiferi marini per fotografare le balene in un'interazione rispettosa con i puri, minuscoli esseri umani. O R I G I O è un omaggio alla vita, a quanto sia sfaccettata e piena di bellezza. Uno sguardo umile sull'elemento dell'acqua, a cui tutti noi esseri umani dobbiamo in egual misura la nostra esistenza sulla terra, nonché un promemoria del fatto che siamo tutti formati dalla stessa acqua e collegati gli uni agli altri attraverso di essa.

For three years, Milena Schilling photographed 45 naked people from Konstanz in Lake Constance. People of all body types and backgrounds, aged 18 to 73, submerged in front of her camera.

The impetus for this photo series arose from a breathtaking encounter with nature in the open sea and the realisation that although we ourselves consist of 60–70% water, this element remains both indomitably superior to us and, at the same time, essential to life. Although 71% of the earth's surface is covered by water, humans cannot live in it. Swimming in the seemingly endless blue expanse had a profound effect on the photographer and became the beginning of a photographic journey to the water as the original element of all life: O R I G I O.

For the resulting project, the young photographer developed a precise concept and finally literally jumped into the cold water again – this time in Lake Constance, right on her doorstep. Initially, she looked for underwater spots near the shore, but she quickly expanded her choice of location and finally decided to get her sailing licence. She took her group out in the deeper water in the sailing boat to form the planned scenes under the surface.

Each composition was developed in theory, rehearsed on land and then modelled and photographed in the water. However, nature regularly played out all its whims: water temperature, wind strength, weather conditions of the previous days, plants – nothing could be planned, relied on or even repeated. Visibility was only good at water temperatures below 12 degrees. The divers could therefore only remain in the cold Lake Constance for a few minutes, and the photographer could only take a single shot per dive. The quality of the images, which give the project its analogue-like authenticity, only became apparent on the screen later. The result is a view of a world in the wet element that is both mundane and yet unknown in this form, and picturesque.

The mystical aesthetic of the images was inspired by paintings and sculptures from the Renaissance. The murkiness of the lake and the soft light of the cloudy sky create a timeless character in the photographs and evoke memories of our origins: every human life begins enclosed in amniotic fluid. Almost weightless, free of possessions, carried by an element that knows no borders, language barriers or hierarchies.

Milena Schilling's photographs open our eyes and nourish our longing for a primordial connection – both with our own species and with the water that distinguishes our habitat from all other known planets. The series also shows the diverse beauty of the human body.

And the O R I G I O project is just beginning: Milena Schilling is currently preparing to one day sail to the gigantic marine mammals to photograph whales in respectful interaction with the pure, tiny human. O R I G I O is a tribute to life, to how multifaceted and full of beauty it is. A humble look at the element of water, to which we all owe our existence on earth, and a reminder that we are all made of the same water and are connected through it.

(Text: Leica Galerie Konstanz)

C/O Berlin Foundation | Berlin
24. Mai – 17. September 2025

Making Of
Julian Rosefeldt

Julian Rosefeldt zählt zu den wichtigsten, international bekannten Medienkünstlern. Mit seinen aufwendig inszenierten Film- und Videoinstallationen bespielt er museale Räume, Theater und Opernhäuser, Kinosäle und postindustrielle Areale. Seine 13-Kanal-Filminstallation Manifesto mit der Schauspielerin Cate Blanchett erlangte weltweite Aufmerksamkeit und wurde mit Preisen ausgezeichnet. Mit Making Of präsentiert C/O Berlin einen Querschnitt durch Rosefeldts Arbeiten der letzten 30 Jahre und damit die erste große Retrospektive des Künstlers in Berlin. Ausgehend von Rosefeldts Architekturstudium, frühen Fotoreportagen und der Arbeit am Theater wird die Genese einer sich über die Jahre ausformenden Methodik und die Entwicklung hin zur cinematischen Fiktion nachgezeichnet. Wiederkehrende Themen wie die Appropriation von Archivmaterial und Found Footage, die Dekonstruktion medialer Stereotype und visueller Tropen oder das Zitieren aus Kultur- und Filmgeschichte werden ebenso beleuchtet, wie die Auseinandersetzung mit nationalen Mythen und den Absurditäten der menschlichen Existenz. Neben Mehrkanal-Projektionen bieten nie zuvor gezeigte Fotografien und Kontextmaterialien einen Blick hinter die Kulissen seiner sozial- und konsumkritischen Gesellschaftsreflexionen und machen darüber hinaus die Konstruktionsmechanismen von Erzählungen und Filmgenres erfahrbar.

Julian Rosefeldt compte parmi les artistes médiatiques les plus importants et les plus connus au niveau international. Avec ses installations cinématographiques et vidéo à la mise en scène élaborée, il investit des espaces muséaux, des théâtres et des opéras, des salles de cinéma et des sites postindustriels. Son installation de films à 13 canaux Manifesto, avec l'actrice Cate Blanchett, a attiré l'attention du monde entier et a été récompensée par des prix. Avec Making Of, C/O Berlin présente une coupe transversale des travaux de Rosefeldt des 30 dernières années et ainsi la première grande rétrospective de l'artiste à Berlin. En partant des études d'architecture de Rosefeldt, de ses premiers reportages photographiques et de son travail au théâtre, l'exposition retrace la genèse d'une méthodologie qui s'est formée au fil des années et son évolution vers la fiction cinématographique. Des thèmes récurrents comme l'appropriation de matériel d'archives et de found footage, la déconstruction de stéréotypes médiatiques et de tropes visuels ou la citation de l'histoire culturelle et cinématographique sont mis en lumière, tout comme la confrontation avec les mythes nationaux et les absurdités de l'existence humaine. Outre des projections multicanaux, des photographies et du matériel contextuel jamais montrés auparavant offrent un aperçu des coulisses de ses réflexions sociales et critiques de la consommation et permettent en outre de découvrir les mécanismes de construction des récits et des genres cinématographiques.

Julian Rosefeldt è uno dei più importanti artisti mediatici riconosciuti a livello internazionale. Le sue elaborate installazioni cinematografiche e video sono esposte in musei, teatri e teatri d'opera, cinema e spazi post-industriali. La sua installazione cinematografica a 13 canali Manifesto con l'attrice Cate Blanchett ha attirato l'attenzione di tutto il mondo ed è stata premiata. Con Making Of, C/O Berlin presenta una sezione trasversale del lavoro di Rosefeldt degli ultimi 30 anni e quindi la prima grande retrospettiva dell'artista a Berlino. Partendo dagli studi di architettura di Rosefeldt, dai primi reportage fotografici e dal suo lavoro in teatro, la mostra traccia la genesi di una metodologia che si è evoluta nel corso degli anni e lo sviluppo verso la finzione cinematografica. Vengono evidenziati temi ricorrenti come l'appropriazione di materiale d'archivio e di filmati trovati, la decostruzione di stereotipi e tropi visivi dei media o la citazione della storia culturale e cinematografica, così come l'esame dei miti nazionali e delle assurdità dell'esistenza umana. Oltre alle proiezioni multicanale, fotografie inedite e materiale contestuale offrono uno sguardo dietro le quinte delle sue riflessioni sulla società, critiche dal punto di vista sociale e dei consumi, e rendono tangibili i meccanismi di costruzione delle narrazioni e dei generi cinematografici.

Julian Rosefeldt is one of the most important and internationally renowned media artists. His elaborately staged film and video installations are shown in museums, theaters, opera houses, cinemas, and post-industrial spaces. His 13-channel film installation Manifesto, featuring the actress Cate Blanchett, attracted worldwide attention and won several awards. With Making Of, C/O Berlin presents a cross-section of Rosefeldt's work from the last 30 years and thus the first major retrospective of the artist's work in Berlin. Starting with Rosefeldt's studies in architecture, his early photo reportages, and his work in theater, the exhibition traces the genesis of a methodology that has developed over the years and the progression toward cinematic fiction. Recurring themes such as the appropriation of archive material and found footage, the deconstruction of media stereotypes and visual tropes, and the referencing of cultural and film history are examined, as are the examination of national myths and the absurdities of human existence. In addition to multi-channel projections, photographs and contextual material never shown before offer a glimpse behind the scenes of his socially and consumerist critical reflections on society and also make the construction mechanisms of narratives and film genres tangible.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

C/O Berlin Foundation | Berlin
24. Mai – 17. September 2025

DOCUMENTARY IN FLUX

Anlässlich seines 25-jährigen Geburtstags zeigt C/O Berlin mit Documentary in Flux einen Überblick über den C/O Berlin Talent Award, der seit 2006 als Nachwuchsförderpreis an ein Tandem aus Kunst und Theorie vergeben wird. Anhand 14 exemplarisch ausgewählter künstlerischer Positionen von insgesamt mehr als 90 Preisträger: innen veranschaulicht die Ausstellung, wie sich dokumentarisches Arbeiten in der Fotografie über das Bestehen des Preises hinweg—und damit auch im Laufe von 25 Jahren—im stetigen Fluss befindet. Vier thematische Kapitel legen das Augenmerk auf einzelne Aspekte des Dokumentarischen in der künstlerischen Fotografie, um Prozesse und Entwicklungen sowie zeitspezifische Tendenzen nachzuzeichnen. Die Ausstellung wird den Blick nicht nur in die nähere Vergangenheit werfen, sondern auch mögliche Zukunftsvisionen für die dokumentarische Foto-grafie vorstellen.

Ermöglicht durch die Alexander Tutsek-Stiftung.

À l'occasion de son 25e anniversaire, C/O Berlin présente Documentary in Flux, un aperçu du C/O Berlin Talent Award, un prix d'encouragement pour les jeunes talents décerné depuis 2006 à un tandem art/théorie. A l'aide de 14 positions artistiques sélectionnées de manière exemplaire parmi plus de 90 lauréats, l'exposition illustre comment le travail documentaire en photographie est en constante évolution depuis l'existence du prix et donc depuis 25 ans. Quatre chapitres thématiques mettent l'accent sur certains aspects du documentaire dans la photographie artistique afin de retracer les processus et les évolutions ainsi que les tendances spécifiques à une époque. L'exposition ne se contentera pas de jeter un regard sur le passé proche, mais présentera également des visions d'avenir possibles pour la photographie documentaire.

Réalisée grâce à la Fondation Alexander Tutsek.

In occasione del suo 25° anniversario, C/O Berlin presenta Documentary in Flux, una panoramica del C/O Berlin Talent Award, che dal 2006 viene assegnato come premio per giovani talenti a un tandem di arte e teoria. Utilizzando 14 posizioni artistiche esemplari selezionate da un totale di oltre 90 vincitori del premio, la mostra illustra come il lavoro documentario nella fotografia sia stato in costante stato di flusso durante l'esistenza del premio - e quindi anche nel corso di 25 anni. Quattro capitoli tematici si concentrano su singoli aspetti del documentario nella fotografia artistica per tracciare processi e sviluppi e tendenze specifiche del tempo. La mostra non si limita a dare uno sguardo al passato recente, ma presenta anche possibili visioni per il futuro della fotografia documentaria.

Realizzata dalla Alexander Tutsek-Stiftung.

On the occasion of its 25th anniversary, C/O Berlin is presenting Documentary in Flux, an overview of the C/O Berlin Talent Award, which has been awarded since 2006 to a tandem of art and theory as a prize for young talent. The exhibition presents fourteen exemplary artistic positions from a total of more than ninety awardees to illustrate how documentary work in photography has been in a state of constant flux since the award was established—and thus over the course of twenty-five years. Four thematic chapters focus on individual aspects of the documentary in artistic photography in order to trace processes and developments as well as trends specific to the period. The exhibition will not only look at the recent past, but also present possible visions for the future of documentary photography.

Made possible by the Alexander Tutsek-Stiftung..

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

C/O Berlin Foundation | Berlin
27. September 2025 – 28. Januar 2026

AFTER NATURE PRIZE 2025
Lisa Barnard / Isadora Romero

Für ihr ausgezeichnetes Projekt verhandelt Lisa Barnard ausgehend von Thomas Nagels einflussreichem Essay What Is It Like to Be a Bat? die Frage, wie Technologien die menschliche Wahrnehmung prägen und sich auf unser Verhältnis zur Umwelt auswirken. Unter Rückgriff auf eine Vielzahl von Bildgebungsverfahren präsentierte sie eine umfangreiche künstlerische Recherche rund um das Prinzip der Echolokation, die unerwartete Verbindungen zwischen tierischem Bewusstsein, autonomen Fahrsystemen, dem Abbau von Lithium und nuklearen Teststellen herstellt.

Anhand von drei in Ecuador angesiedelten Fallstudien untersucht Isadora Romero in ihrem ausgezeichnete Projekt das Zusammenleben von Mensch und Wald in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Das Projekt stellt die koloniale Sichtweise tropischer Wälder infrage stellt durch die Kombination von klassisch dokumentarischen Fotografien mit organischen Materialien und experimentellen Entwicklungsverfahren Beispiele für ein funktionierendes Verhältnis zwischen der Umwelt und ihren Bewohner:innen vor. Durch die Zusammenarbeit mit Wissen-schaftler:innen und lokalen Communties entsteht eine nuancierte Erzählung über die spirituellen, politischen und ökologischen Dimensionen des Waldes.

Die Doppelausstellung wird im Rahmen des After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25 erstmals bei C/O Berlin im Amerika Haus zu sehen sein. Es erscheint eine begleitende Publikation.

Ein gemeinsames Projekt von C/O Berlin x Crespo Foundation.

Pour son projet primé, Lisa Barnard négocie, à partir de l'essai influent de Thomas Nagel What Is It Like to Be a Bat ?, la manière dont les technologies façonnent la perception humaine et ont un impact sur notre relation à l'environnement. En recourant à une multitude de techniques d'imagerie, elle a présenté une vaste recherche artistique autour du principe de l'écholocation, qui établit des liens inattendus entre la conscience animale, les systèmes de conduite autonome, l'extraction du lithium et les sites d'essais nucléaires.

À l'aide de trois études de cas situées en Équateur, Isadora Romero examine dans son excellent projet la cohabitation entre l'homme et la forêt dans le passé, le présent et le futur. Le projet remet en question la vision coloniale des forêts tropicales et transmet des exemples de relations fonctionnelles entre l'environnement et ses habitants en combinant des photographies documentaires classiques avec des matériaux organiques et des processus de développement expérimentaux. La collaboration avec des scientifiques et des communautés locales donne naissance à un récit nuancé sur les dimensions spirituelles, politiques et écologiques de la forêt.

La double exposition est organisée dans le cadre du festival After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25 sera présentée pour la première fois au C/O Berlin dans la Amerika Haus. Elle sera accompagnée d'une publication.

Un projet commun de C/O Berlin x Crespo Foundation.

Per il suo progetto pluripremiato, Lisa Barnard si ispira all'influente saggio di Thomas Nagel What Is It Like to Be a Bat? per esplorare il modo in cui la tecnologia modella la percezione umana e influisce sul nostro rapporto con l'ambiente. Attingendo a una varietà di tecniche di imaging, l'artista ha presentato un'ampia ricerca artistica intorno al principio dell'ecolocalizzazione, creando connessioni inaspettate tra la coscienza animale, i sistemi di guida autonoma, le miniere di litio e i siti di sperimentazione nucleare.

Basato su tre casi di studio ambientati in Ecuador, l'eccellente progetto di Isadora Romero esamina la coesistenza di uomini e foreste nel passato, nel presente e nel futuro. Il progetto sfida la visione coloniale delle foreste tropicali combinando la fotografia documentaria classica con materiali organici e processi di sviluppo sperimentali per presentare esempi di una relazione funzionante tra l'ambiente e i suoi abitanti. Grazie alla collaborazione con scienziati e comunità locali, emerge una narrazione ricca di sfumature sulle dimensioni spirituali, politiche ed ecologiche della foresta.

La doppia mostra è organizzata nell'ambito del premio fotografico After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25 presso C/O Berlin nella Amerika Haus. Verrà pubblicata una pubblicazione di accompagnamento.

Un progetto congiunto di C/O Berlin x Crespo Foundation.

For her award-winning project, Lisa Barnard uses Thomas Nagel's influential essay What Is It Like to Be a Bat? as a starting point to explore the question of how technologies shape human perception and affect our relationship to the environment. Drawing on a variety of neuroimaging techniques, she presents extensive artistic research around the principle of echolocation, which establishes unexpected connections between animal consciousness, autonomous driving systems, lithium mining, and nuclear test sites.

In her winning project, Isadora Romero uses three case studies in Ecuador to examine the coexistence of humans and forests in the past, present and future. The project challenges the colonial view of tropical forests by combining classic documentary photographs with organic materials and experimental development processes to present examples of a functioning relationship between the environment and its inhabitants. The collaboration with scientists and local communities creates a nuanced narrative about the spiritual, political, and ecological dimensions of the forest.

The double exhibition will be on view for the first time at C/O Berlin in the Amerika Haus as part of the After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25. An accompanying publication will be released.

A joint project by C/O Berlin x Crespo Foundation.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

C/O Berlin Foundation | Berlin
27. September 2025 – 28. Januar 2026

CLOSE ENOUGH

Olivia Arthur, Myriam Boulos, Sabiha Çimen, Cristina de Middel, Bieke Depoorter, Carolyn Drake, Cristina García Rodero, Nanna Heitmann, Susan Meiselas, Hannah Price, Lúa Ribeira, Alessandra Sanguinetti, Newsha Tavakolian

25 Jahre nach der Ausstellung Magnum - Betrachtungen über die Welt, die zugleich die offizielle Eröffnung von C/O Berlin markierte und den Grundstein für dessen Anerkennung als internationale Fotoinstitution legte, kehrt die renommierte Fotoagentur Magnum mit einer Gruppenausstellung in die Räume von C/O Berlin zurück.

Close Enough präsentiert das Werk von dreizehn herausragenden Magnum-Fotografinnen, die mit ihren unterschiedlichen Visionen die Bildsprache der Agentur nachhaltig prägen. Die Ausstellung zeigt intime, bewegende und gesellschaftlich relevante Werke, die menschliche Nähe und Verletzlichkeit in den Vordergrund stellen sowie die Grenzen zwischen dokumentarischer Fotografie und persönlicher Perspektive ausloten. Mit einfühlsamen Serien und eindringlichen Einzelaufnahmen widmen sich die Künstlerinnen Themen wie Identität, Weiblichkeit, sozialer Gerechtigkeit, Repräsentation und Konflikten – eine Herausforderung und Einladung zugleich, nah genug an die Menschen und ihre verschiedenen Lebensrealitäten heranzukommen.

Organisiert von Magnum Photos, in Kollaboration mit C/O Berlin.

25 ans après l'exposition Magnum - Betrachtungen über die Welt (Considérations sur le monde), qui marquait également l'ouverture officielle de C/O Berlin et posait la première pierre de sa reconnaissance en tant qu'institution photographique internationale, la célèbre agence photographique Magnum revient dans les locaux de C/O Berlin avec une exposition de groupe.

Close Enough présente le travail de treize femmes photographes exceptionnelles de Magnum qui, avec leurs visions différentes, ont durablement marqué le langage visuel de l'agence. L'exposition présente des œuvres intimes, émouvantes et socialement pertinentes, qui transmettent la proximité humaine et la vulnérabilité au premier plan et explorent les frontières entre la photographie documentaire et la perspective personnelle. Avec des séries sensibles et des clichés individuels percutants, les artistes se consacrent à des thèmes tels que l'identité, la féminité, la justice sociale, la représentation et les conflits - un défi et une invitation à la fois à se rapprocher suffisamment des gens et de leurs différentes réalités de vie.

Organisé par Magnum Photos, en collaboration avec C/O Berlin

25 anni dopo la mostra Magnum - Reflections on the World, che segnò anche l'apertura ufficiale di C/O Berlin e gettò le basi per il suo riconoscimento come istituzione fotografica internazionale, la rinomata agenzia fotografica Magnum torna a C/O Berlin con una mostra collettiva.

Close Enough presenta il lavoro di tredici eccezionali fotografi Magnum, le cui visioni diverse hanno avuto un impatto duraturo sul linguaggio visivo dell'agenzia. La mostra presenta opere intime, commoventi e socialmente rilevanti che sottolineano la vicinanza e la vulnerabilità umana ed esplorano i confini tra fotografia documentaria e prospettive personali. Con serie sensibili e singoli scatti ossessionanti, gli artisti affrontano temi come l'identità, la femminilità, la giustizia sociale, la rappresentazione e il conflitto - una sfida e un invito allo stesso tempo ad avvicinarsi alle persone e alle loro diverse realtà di vita.

Organizzata da Magnum Photos, in collaborazione con C/O Berlin

Twenty-five years after the exhibition Magnum – Reflections on the World, which marked the official opening of C/O Berlin and laid the foundation for its recognition as an international photography institution, the renowned photography agency Magnum is returning to the C/O Berlin premises with a group exhibition.

Close Enough presents the work of thirteen outstanding female Magnum photographers, whose diverse visions have had a lasting impact on the agency's visual language. The exhibition showcases intimate, moving, and socially relevant works that foreground human closeness and vulnerability, as well as exploring the boundaries between documentary photography and personal perspective. With empathetic series and haunting individual photographs, the artists address topics such as identity, femininity, social justice, representation, and conflict – a challenge and an invitation at the same time to get close enough to people and their different life realities.

Organized by Magnum Photos, in collaboration with C/O Berlin

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)