Helmut Newton Stiftung | Berlin
7. Juni 2024 – 16. Februar 2025

Berlin, Berlin - 20 Jahre Helmut Newton Stiftung

Helmut Newton, Yva, Jewgeni Chaldej, Hein Gorny, Arwed Messmer / Fritz Tiedemann, Will McBride, Arno Fischer, Arwed Messmer / Annett Gröschner, Wim Wenders, F.C. Gundlach, Günter Zint, Maria Sewcz, Michael Schmidt, Thomas Florschuetz, Ulrich Wüst, Barbara Klemm, Harf Zimmermann

Mit der Gruppenausstellung „Berlin, Berlin“ feiert die Helmut Newton Stiftung im Juni 2024 ihr 20jähriges Jubiläum; zugleich ist es eine Hommage an Newtons Geburtsstadt. Im Herbst 2003 hatte sich der Fotograf entschieden, Teile seines Archivs nach Berlin zu überführen, nachdem er die nach ihm benannte Stiftung gegründet hatte, die im ehemaligen Landwehrkasino am Bahnhof Zoologischer Garten untergebracht und im Juni 2004 eröffnet wurde. Von jenem Bahnhof verließ Helmut Neustädter, als Jude ständig von der Deportation bedroht, Anfang Dezember 1938 überstürzt Berlin und kehrte 65 Jahre später als weltberühmter Fotograf Helmut Newton zurück. Seitdem bespielt die Helmut Newton Stiftung gemeinsam mit der Kunstbibliothek das historische Gebäude unter dem Namen „Museum für Fotografie“. Nach dem Tod von June Newton (alias Alice Springs) im April 2021 ist das Gesamtwerk von Helmut Newton und Alice Springs sowie alle Archivalien im Stiftungsarchiv untergebracht.

Helmut Newton absolvierte von 1936 bis 1938 in Berlin-Charlottenburg eine Ausbildung bei der legendären Fotografin Yva, der er in seinem späteren Werk in den drei Genres Mode, Porträt und Akt folgte. Nach Stationen in Singapur und Melbourne begann Newtons eigentliche Karriere in Paris Anfang der 1960er-Jahre; in dieser Zeit kehrte er auch regelmäßig nach Berlin zurück, um hier insbesondere für Modemagazine zu fotografieren, darunter für die Constanze, für Adam oder die Vogue Europe. Wir begegnen in der Ausstellung Newtons Modellen am Brandenburger Tor, noch vor dem Mauerbau, und 1963 realisierte er rund um die Berliner Mauer eine „Mata-Hari-Spionage-Story“ mit Brigitte Schilling als Modebildstrecke, die für einiges Aufsehen sorgte. 1979 wurde er von der deutschen Vogue beauftragt, die gerade wieder auf den Zeitschriftenmarkt zurückkehrte, den Spuren seiner Kindheit und Jugend in West-Berlin zu folgen und aktuelle Mode zu visualisieren; so entstand damals ein mehrseitiges Portfolio unter dem Titel „Berlin, Berlin!“, der für diese Jubiläumsausstellung übernommen wurde. Später entstanden Cover-Stories für das Condé Nast Traveler Magazin (1987), das Zeit-Magazin (1990), die Männer Vogue (1991) oder das Magazin der Süddeutschen Zeitung (2001).

Newtons ikonische und unbekanntere Berlin-Bilder, die zwischen den 1930er und Nullerjahren entstanden, werden in den anderen Ausstellungsräumen neu kontextualisiert, von vintage prints von Yva bis hin zur journalistisch-politischen Fotografie von Barbara Klemm. So wird der inhaltliche Bogen von den „goldenen Zwanzigern“, in die Newton hineingeboren wurde, über die Kriegszerstörung, den Wiederaufbau, den Mauerbau und -fall bis ins frühe 21. Jahrhundert geschlagen.

Jewgeni Chaldei, ein russisch-ukrainischer Fotograf, schuf ikonische Bilder vom Häuserkampf rund um den Reichstag in den letzten Kriegswochen im Frühjahr 1945, während Hein Gorny im folgenden Herbst gemeinsam mit Adolph C. Byers über die Stadt flog und ihren ruinösen Zustand nach Kriegsende in einer Serie spektakulärer Luftaufnahmen dokumentierte. In den späten 1950er-Jahren normalisierte sich langsam die lange Zeit so prekäre Situation in Berlin, wie wir anhand der Aufnahmen von Arno Fischer, Will McBride und F.C. Gundlach sehen können, die seinerzeit noch abwechselnd im Ost- und im Westteil der Stadt fotografieren konnten. Der Mauerbau im August 1961 veränderte erneut nahezu alles, im Westteil begannen ab 1966 die Studentenunruhen und die APO-Zeit, festgehalten unter anderem von Günter Zint sowie in einer Archivarbeit von Arwed Messmer, zusammengestellt aus historischen Aufnahmen der West-Berliner Polizei und durch die künstlerische Aneignung neu erlebbar. Messmer interpretierte kongenial auch die Fotografien von Fritz Tiedemann neu, der ab 1949 im Auftrag des Ost-Berliner Magistrats die noch teilweise in Trümmern darniederliegende Stadt systematisch dokumentierte. Die Bildfolgen bestimmter Gebäude, Plätze und Straßenzüge bildeten Panoramen, die von Tiedemann als Kontaktkopien auf Kartons geklebt wurden. Erst durch die Intervention von Arwed Messmer, der die unikatäre Qualität dieser Stadt-Dokumentation erkannte, im Auftrag der Berlinischen Galerie sichtete, rekonstruierte und in riesigen, digitalen Ausbelichtungen materialisierte, können wir Berlin und seine Leere um 1950 völlig neu entdecken.

Die Berliner Mauer taucht in der Ausstellung immer wieder auf, insbesondere in den 12 Folianten von Arwed Messmer und Annett Gröschner, in denen die Besucher den Zustand der gesamten Mauer Mitte der 1960er-Jahre studieren können, ebenso wie Bilder aus der geteilten Stadt, die jenseits des Brandenburger Tores oder des Reichstages entstanden sind und zusammengenommen den Mythos Berlins und seine Visualisierung ausmachen. So sind es bestimmte Projekte, die Foto- oder Filmgeschichte geschrieben haben, die hier spannungsvoll miteinander interagieren, etwa Maria Sewcz‘ Serie „inter esse“ neben Michael Schmidts „Waffenruhe“ und film stills aus Wim Wenders‘ „Himmel über Berlin“; alle stammen aus den späten 1980er-Jahren, noch vor dem Mauerfall.

Der Fall der Mauer, die Wiedervereinigung und die Fotografien, die dazu und danach entstanden sind, bilden schließlich das letzte Kapitel dieser Übersichtsausstellung. Dafür stehen exemplarisch Ulrich Wüsts Leporellos sowie Thomas Florschuetz und Harf Zimmermann mit ihren großformatigen Farbarbeiten, die unter anderem im ehemaligen Palast der Republik entstanden und den Fernsehturm am Alexanderplatz respektive das Schinkel’sche Erbe in Berlins Mitte spannungsvoll neu verorten. Es sind Bilder einer Stadt, die dazu verdammt ist, „immerfort zu werden und niemals zu sein“ (Karl Scheffler).

So wird Newtons Blick auf seine Heimatstadt, in Form von etwa 100 Fotografien, von ebenso vielen Bildern und unterschiedlichen Ansätzen der Kollegen und Kolleginnen in den hinteren Räumen begleitet, kommentiert, ergänzt und gespiegelt. Eine solche Gegenüberstellung mit wechselseitigen Bezügen gab es in der Stiftung bereits 2022 mit der Gruppenausstellung „Hollywood“, einem anderen bekannten Ort der Newton’schen Bildproduktion.

Avec l'exposition de groupe "Berlin, Berlin", la Fondation Helmut Newton fêtera en juin 2024 son 20e anniversaire ; c'est aussi un hommage à la ville natale de Newton. A l'automne 2003, le photographe avait décidé de transférer une partie de ses archives à Berlin, après avoir créé la fondation qui porte son nom, installée dans l'ancien Landwehrkasino de la gare Zoologischer Garten et inaugurée en juin 2004. C'est de cette gare qu'Helmut Neustädter, juif et constamment menacé de déportation, a quitté précipitamment Berlin début décembre 1938 pour y revenir 65 ans plus tard sous le nom de Helmut Newton, photographe de renommée mondiale. Depuis, la fondation Helmut Newton occupe le bâtiment historique en collaboration avec la bibliothèque d'art sous le nom de "Museum für Fotografie". Après le décès de June Newton (alias Alice Springs) en avril 2021, l'ensemble de l'œuvre d'Helmut Newton et d'Alice Springs ainsi que tous les documents d'archives sont conservés dans les archives de la fondation.

Helmut Newton a suivi une formation à Berlin-Charlottenburg de 1936 à 1938 auprès de la légendaire photographe Yva, qu'il a suivie dans son œuvre ultérieure dans les trois genres de la mode, du portrait et du nu. Après des étapes à Singapour et Melbourne, la véritable carrière de Newton a commencé à Paris au début des années 1960 ; c'est à cette époque qu'il est revenu régulièrement à Berlin pour y photographier notamment pour des magazines de mode, dont Constanze, Adam ou Vogue Europe. Nous rencontrons dans l'exposition les modèles de Newton à la porte de Brandebourg, avant même la construction du mur, et en 1963, il réalise autour du mur de Berlin une "histoire d'espionnage de Mata Hari" avec Brigitte Schilling en tant que parcours d'images de mode, qui a fait grand bruit. En 1979, le magazine allemand Vogue, qui venait de revenir sur le marché des magazines, lui a demandé de suivre les traces de son enfance et de sa jeunesse à Berlin-Ouest et de visualiser la mode actuelle ; c'est ainsi qu'il a réalisé à l'époque un portfolio de plusieurs pages sous le titre "Berlin, Berlin !", qui a été repris pour cette exposition anniversaire. Plus tard, des histoires de couverture ont été réalisées pour le magazine Condé Nast Traveler (1987), le magazine Zeit (1990), le magazine Männer Vogue (1991) ou le magazine de la Süddeutsche Zeitung (2001).

Les visuels berlinois iconiques et moins connus de Newton, réalisés entre les années 1930 et les années zéro, sont recontextualisés dans les autres salles d'exposition, des tirages vintage d'Yva à la photographie journalistique et politique de Barbara Klemm. Le contenu s'étend ainsi des "golden twenties", dans lesquelles Newton est né, jusqu'au début du 21e siècle, en passant par les destructions de la guerre, la reconstruction, la construction et la chute du mur.

Evgeni Chaldei, un photographe russo-ukrainien, a réalisé des visuels iconiques de la bataille des maisons autour du Reichstag pendant les dernières semaines de la guerre au printemps 1945, tandis que Hein Gorny a survolé la ville l'automne suivant en compagnie d'Adolph C. Byers et a documenté son état de ruine à la fin de la guerre dans une série de photos aériennes spectaculaires. A la fin des années 1950, la situation longtemps si précaire de Berlin se normalisa lentement, comme nous pouvons le voir à travers les clichés d'Arno Fischer, Will McBride et F.C. Gundlach qui, à l'époque, pouvaient encore photographier alternativement la partie est et la partie ouest de la ville. La construction du mur en août 1961 changea à nouveau presque tout, dans la partie ouest commencèrent à partir de 1966 les troubles estudiantins et la période APO, immortalisés entre autres par Günter Zint ainsi que dans un travail d'archives d'Arwed Messmer, composé de photos historiques de la police de Berlin-Ouest et revivifié par l'appropriation artistique. Messmer a également réinterprété de manière congéniale les photographies de Fritz Tiedemann qui, à partir de 1949, a systématiquement documenté la ville, encore partiellement en ruines, à la demande de la municipalité de Berlin-Est. Les séquences visuelles de certains bâtiments, places et rues constituaient des panoramas que Tiedemann collait sur des cartons sous forme de copies de contact. Ce n'est que grâce à l'intervention d'Arwed Messmer, qui a reconnu la qualité unique de cette documentation urbaine, l'a visionnée et reconstruite pour le compte de la Berlinische Galerie et l'a matérialisée sous forme d'immenses tirages numériques, que nous pouvons redécouvrir entièrement Berlin et son vide vers 1950.

Le mur de Berlin apparaît à plusieurs reprises dans l'exposition, notamment dans les 12 folios d'Arwed Messmer et d'Annett Gröschner, dans lesquels les visiteurs peuvent étudier l'état de l'ensemble du mur au milieu des années 1960, ainsi que des visuels de la ville divisée, réalisés au-delà de la porte de Brandebourg ou du Reichstag, qui, ensemble, constituent le mythe de Berlin et sa visualisation. Ce sont ainsi certains projets qui ont écrit l'histoire de la photographie ou du cinéma qui interagissent ici de manière passionnante, comme la série "inter esse" de Maria Sewcz à côté de "Waffenruhe" de Michael Schmidt et de films stills tirés de "Himmel über Berlin" de Wim Wenders ; tous datent de la fin des années 1980, avant même la chute du mur.

La chute du mur, la réunification et les photographies qui ont été prises à cette occasion et après constituent le dernier chapitre de cette exposition générale. Les leporellos d'Ulrich Wüst ainsi que les travaux en couleur grand format de Thomas Florschuetz et Harf Zimmermann, réalisés entre autres dans l'ancien Palais de la République, en sont des exemples et permettent de replacer de manière captivante la tour de télévision sur l'Alexanderplatz et l'héritage de Schinkel dans le centre de Berlin. Ce sont des visuels d'une ville qui est condamnée à "devenir sans cesse et à ne jamais être" (Karl Scheffler).

Ainsi, le regard de Newton sur sa ville natale, sous la forme d'une centaine de photographies, est accompagné, commenté, complété et reflété par autant de visuels et d'approches différentes de ses collègues dans les salles du fond. Une telle confrontation avec des références réciproques a déjà eu lieu à la fondation en 2022 avec l'exposition de groupe "Hollywood", un autre lieu connu de la production d'images de Newton.

La Fondazione Helmut Newton festeggia il suo 20° anniversario nel giugno 2024 con la mostra collettiva "Berlino, Berlino", che rende omaggio anche alla città natale di Newton. Nell'autunno del 2003, il fotografo decise di trasferire parte del suo archivio a Berlino dopo aver istituito la fondazione che porta il suo nome, ospitata nell'ex Landwehrkasino della stazione Zoologischer Garten e inaugurata nel giugno 2004. Da quella stazione, Helmut Neustädter, in quanto ebreo costantemente minacciato di deportazione, lasciò Berlino in fretta e furia all'inizio del dicembre 1938 e tornò 65 anni dopo come il fotografo di fama mondiale Helmut Newton. Da allora, la Fondazione Helmut Newton, insieme alla Biblioteca d'Arte, gestisce lo storico edificio con il nome di "Museo della Fotografia". Dopo la morte di June Newton (alias Alice Springs) nell'aprile 2021, le opere complete di Helmut Newton e Alice Springs e tutto il materiale d'archivio sono conservati nell'archivio della fondazione.

Helmut Newton si è formato a Berlino-Charlottenburg dal 1936 al 1938 con il leggendario fotografo Yva, che ha seguito nel suo lavoro successivo nei tre generi della moda, del ritratto e del nudo. Dopo aver soggiornato a Singapore e a Melbourne, la vera carriera di Newton inizia a Parigi nei primi anni Sessanta; in questo periodo torna regolarmente a Berlino per fotografare soprattutto per le riviste di moda, tra cui Constanze, Adam e Vogue Europe. Nella mostra, incontriamo le modelle di Newton alla Porta di Brandeburgo, ancora prima della costruzione del Muro, e nel 1963 realizzò una "Mata Hari spy story" intorno al Muro di Berlino con Brigitte Schilling come serie di immagini di moda, che fece scalpore. Nel 1979 fu incaricato da Vogue tedesco, appena tornato sul mercato delle riviste, di seguire le tracce della sua infanzia e giovinezza a Berlino Ovest e di visualizzare la moda attuale; il risultato fu un portfolio di più pagine intitolato "Berlino, Berlino!", adottato per la mostra dell'anniversario. Le copertine successive sono state create per la rivista Condé Nast Traveler (1987), la rivista Zeit (1990), Männer Vogue (1991) e la rivista Süddeutsche Zeitung (2001).

Le immagini iconiche e meno note di Newton a Berlino, scattate tra gli anni Trenta e gli anni Duemila, sono ricontestualizzate nelle altre sale della mostra, dalle stampe vintage di Yva alla fotografia giornalistico-politica di Barbara Klemm. In questo modo, l'arco tematico viene tracciato dai "Golden Twenties", in cui Newton è nato, attraverso le distruzioni della guerra, la ricostruzione, la costruzione e la caduta del Muro di Berlino e fino all'inizio del XXI secolo.

Yevgeny Chaldei, fotografo russo-ucraino, creò immagini iconiche della battaglia delle case intorno al Reichstag nelle ultime settimane di guerra nella primavera del 1945, mentre Hein Gorny sorvolò la città nell'autunno successivo insieme ad Adolph C. Byers e documentò il suo stato di rovina dopo la fine della guerra in una serie di spettacolari fotografie aeree. Alla fine degli anni Cinquanta, la situazione a lungo precaria di Berlino si normalizzò lentamente, come si può vedere dalle fotografie di Arno Fischer, Will McBride e F.C. Gundlach, che all'epoca potevano ancora fotografare alternativamente nella parte orientale e occidentale della città. La costruzione del Muro nell'agosto del 1961 cambiò di nuovo quasi tutto, mentre le agitazioni studentesche e il periodo dell'APO iniziarono nella parte occidentale della città nel 1966, immortalate da Günter Zint e altri, così come in un lavoro d'archivio di Arwed Messmer, compilato da fotografie storiche della polizia di Berlino Ovest e riportato in vita attraverso l'appropriazione artistica. Messmer ha anche reinterpretato in modo congeniale le fotografie di Fritz Tiedemann, che a partire dal 1949 fu incaricato dal magistrato di Berlino Est di documentare sistematicamente la città, ancora parzialmente in rovina. Le sequenze di immagini di alcuni edifici, piazze e strade formavano dei panorami che Tiedemann incollava su cartone come stampe a contatto. Solo grazie all'intervento di Arwed Messmer, che ha riconosciuto la qualità unica di questa documentazione della città, l'ha visionata per conto della Berlinische Galerie, l'ha ricostruita e materializzata in enormi esposizioni digitali, siamo in grado di riscoprire Berlino e il suo vuoto intorno al 1950.

Il Muro di Berlino compare ripetutamente nella mostra, soprattutto nei 12 fogli di Arwed Messmer e Annett Gröschner, in cui il visitatore può studiare lo stato dell'intero Muro a metà degli anni Sessanta, oltre alle immagini della città divisa che sono state create al di là della Porta di Brandeburgo o del Reichstag e che insieme costituiscono il mito di Berlino e la sua visualizzazione. Alcuni progetti che hanno scritto la storia della fotografia o del cinema interagiscono qui in modo stimolante, come la serie "inter esse" di Maria Sewcz accanto a "Waffenruhe" di Michael Schmidt e ai fotogrammi del film "Himmel über Berlin" di Wim Wenders; tutti risalgono alla fine degli anni Ottanta, prima della caduta del Muro.

La caduta del Muro, la riunificazione e le fotografie scattate durante e dopo di essa costituiscono il capitolo finale di questa mostra panoramica. I leporelli di Ulrich Wüst e le opere a colori di grande formato di Thomas Florschuetz e Harf Zimmermann, realizzate tra l'altro nell'ex Palast der Republik e che riposizionano in modo emozionante rispettivamente la torre della televisione in Alexanderplatz e l'eredità di Schinkel nel centro di Berlino, ne sono un esempio. Sono immagini di una città condannata a "diventare sempre e non essere mai" (Karl Scheffler).

La visione di Newton della sua città natale, sotto forma di circa 100 fotografie, è accompagnata, commentata, integrata e rispecchiata da altrettante immagini e approcci diversi dei suoi colleghi nelle sale posteriori. Una simile giustapposizione con riferimenti reciproci si era già verificata alla fondazione nel 2022 con la mostra collettiva "Hollywood", altro luogo noto della produzione di immagini di Newton.

The Helmut Newton Foundation is celebrating its 20th anniversary in June 2024 with the group exhibition "Berlin, Berlin", which also pays homage to the city of Newton's birth. In the fall of 2003, the photographer decided to transfer parts of his archive to Berlin after establishing the foundation named after him, which was housed in the former Landwehrkasino at Zoologischer Garten station and opened in June 2004. From that station, Helmut Neustädter, as a Jew constantly threatened with deportation, left Berlin in a hurry at the beginning of December 1938 and returned 65 years later as the world-famous photographer Helmut Newton. Since then, the Helmut Newton Foundation, together with the Art Library, has occupied the historic building under the name "Museum of Photography". Following the death of June Newton (aka Alice Springs) in April 2021, the complete works of Helmut Newton and Alice Springs as well as all archival materials are housed in the foundation's archive.

Helmut Newton trained in Berlin-Charlottenburg from 1936 to 1938 with the legendary photographer Yva, whom he followed in his later work in the three genres of fashion, portrait and nude. After stints in Singapore and Melbourne, Newton's real career began in Paris in the early 1960s; during this time he also returned regularly to Berlin to photograph for fashion magazines in particular, including Constanze, Adam and Vogue Europe. In the exhibition, we encounter Newton's models at the Brandenburg Gate, even before the Wall was built, and in 1963 he realized a "Mata Hari spy story" around the Berlin Wall with Brigitte Schilling as a fashion picture series, which caused quite a stir. In 1979, he was commissioned by German Vogue, which had just returned to the magazine market, to follow in the footsteps of his childhood and youth in West Berlin and visualize current fashion; the result was a multi-page portfolio entitled "Berlin, Berlin!", which was adopted for this anniversary exhibition. Later cover stories were created for Condé Nast Traveler magazine (1987), Zeit magazine (1990), Männer Vogue (1991) and the Süddeutsche Zeitung magazine (2001).

Newton's iconic and lesser-known Berlin visuals, taken between the 1930s and the noughties, are re-contextualized in the other exhibition rooms, from vintage prints by Yva to journalistic-political photography by Barbara Klemm. The thematic arc is thus drawn from the "golden twenties", into which Newton was born, through the destruction of the war, reconstruction, the building and fall of the Berlin Wall and into the early 21st century.

Yevgeny Chaldei, a Russian-Ukrainian photographer, created iconic visuals of the battle of the houses around the Reichstag in the last weeks of the war in the spring of 1945, while Hein Gorny flew over the city the following fall with Adolph C. Byers and documented its ruinous state after the end of the war in a series of spectacular aerial photographs. In the late 1950s, the situation in Berlin, which had long been so precarious, slowly returned to normal, as we can see from the photographs of Arno Fischer, Will McBride and F.C. Gundlach, who at the time were still able to alternate between photographing the eastern and western parts of the city. The construction of the Berlin Wall in August 1961 changed almost everything again, while the student unrest and the APO period began in the western part of the city in 1966, captured by Günter Zint, among others, and in an archive work by Arwed Messmer, compiled from historical photographs of the West Berlin police and brought to life anew through artistic appropriation. Messmer also congenially reinterpreted the photographs of Fritz Tiedemann, who systematically documented the city, still partly in ruins, on behalf of the East Berlin magistrate from 1949 onwards. The visual sequences of certain buildings, squares and streets formed panoramas, which Tiedemann pasted onto cardboard as contact prints. It was only through the intervention of Arwed Messmer, who recognized the unique quality of this documentation of the city, viewed it on behalf of the Berlinische Galerie, reconstructed it and materialized it in huge, digital exposures, that we can completely rediscover Berlin and its emptiness around 1950.

The Berlin Wall appears again and again in the exhibition, especially in the 12 folios by Arwed Messmer and Annett Gröschner, in which visitors can study the state of the entire Wall in the mid-1960s, as well as visuals from the divided city taken beyond the Brandenburg Gate or the Reichstag, which together make up the myth of Berlin and its visualization. Certain projects that have written photographic or film history interact with each other here in an exciting way, such as Maria Sewcz's series "inter esse" alongside Michael Schmidt's "Waffenruhe" and film stills from Wim Wenders' "Himmel über Berlin"; all date from the late 1980s, before the fall of the Wall.

The fall of the Wall, reunification and the photographs that were taken before and after it form the final chapter of this overview exhibition. Ulrich Wüst's leporellos and Thomas Florschuetz and Harf Zimmermann's large-format color works, which were created in the former Palace of the Republic, among other places, and excitingly reposition the television tower on Alexanderplatz and Schinkel's legacy in the center of Berlin, respectively, are exemplary of this. They are visuals of a city that is condemned to "always become and never be" (Karl Scheffler).

Newton's view of his hometown, in the form of around 100 photographs, is accompanied, commented on, supplemented and mirrored by just as many visuals and different approaches by his colleagues in the rear rooms. Such a juxtaposition with reciprocal references already took place at the foundation in 2022 with the group exhibition "Hollywood", another well-known place of Newton's image production.

(Text: Helmut Newton Stiftung, Berlin)

Museum Folkwang | Essen
23. August 2024 – 5. Januar 2025

Robert Frank. Be happy

Im Jahr 2024 wäre Robert Frank 100 Jahre alt geworden. Anlässlich dieses Geburtstags zeigt das Museum Folkwang vom 23. August 2024 bis zum 5. Januar 2025 in der Präsentation Be Happy 34 Fotografien sowie ausgewählte Dokumente zur Sammlungs- und Ausstellungsgeschichte. Seit den 1980er Jahren ist Robert Frank bereits mit seinen Werken und zahlreichen Ausstellungen im Museum Folkwang vertreten. In der Reihe Sammlungsgeschichten erfährt der international renommierte Fotograf und bedeutende Vertreter des amerikanischen Avantgarde-Films eine weitere Würdigung im Museum Folkwang.

Robert Frank (1924 – 2019) wird als Sohn jüdisch-schweizer Eltern in Zürich geboren. Nach seiner Ausbildung zum Fotografen im Zürcher Studio von Michael Wolgensinger und ersten eigenen Arbeiten wandert er 1947 in die USA aus. Während der ersten Jahre reist er zwischen den Kontinenten hin und her. Er wohnt ab 1950 dauerhaft in New York und ab 1970 lebt er abwechselnd in der Metropole und dem abgeschiedenen Ort Mabou (Nova Scotia) in Kanada. In New York entsteht 1958 auch seine Fotoreihe From the Bus. Diese Fotoserie, aufgenommen aus einem fahrenden Bus, spielt eine zentrale Rolle in seinem Gesamtwerk und markiert den Übergang zum Bewegtbild. Frank selbst beschreibt die Serie als Reise „thru the city“ (durch die Stadt). Dieser Aspekt des „thru“, sich zwischen etwas befinden, spiegelt sich in verschiedenen Bereichen seines Lebens wider. So wechselt er zwischen Fotografie und Film sowie einem Leben zwischen Stadt und Land. 2010 wird die Reihe From the Bus für die Fotografische Sammlung des Museum Folkwang erworben.

Robert Frank ist dem Museum Folkwang zeitlebens eng verbunden: Mit Ute Eskildsen, der Leiterin der Fotografischen Sammlung von 1979 bis 2012, verbindet den Fotografen ein kontinuierlicher Austausch und eine daraus resultierende Freundschaft. Zwischen 1987 und 2008 werden im Rahmen dieser engen Zusammenarbeit drei große Ausstellungen zu Robert Franks Werk in Essen gezeigt. 1989 entsteht der Experimentalfilm Hunter, in welchem der in New York lebende Künstler seine eigene Perspektive auf das Ruhrgebiet einnimmt. Die letzte Robert Frank-Schau im Museum Folkwang, Books and Films, 1947–2014, findet 2015 statt. Vier Jahre später stirbt Frank im Alter von 94 Jahren. Nun werden Teile seines Lebenswerks mit der Sammlungspräsentation Be Happy erneut in Essen ausgestellt. Zu sehen sind Fotografien aus dem Bestand der Fotografischen Sammlung, Briefe und Dokumente zu Franks Ausstellungsgeschichte im Museum Folkwang sowie sein erster Videofilm Home Improvements (1985). Mit Werken aus Schlüsselserien wie The Americans (1958), der vollständigen Reihe From the Bus (1958) und weiteren, teilweise sehr persönlichen, Fotografien, Montagen und Collagen nimmt der Ausstellungsraum Franks komplexes und vielfältiges Œuvre in den Blick.

En 2024, Robert Frank aurait eu 100 ans. À l'occasion de cet anniversaire, le musée Folkwang présentera du 23 août 2024 au 5 janvier 2025, dans la présentation Be Happy, 34 photographies ainsi que des documents sélectionnés sur l'histoire de la collection et de l'exposition. Depuis les années 1980, Robert Frank est déjà présent au musée Folkwang avec ses œuvres et de nombreuses expositions. Dans la série Histoires de collections, le photographe de renommée internationale et représentant important du cinéma d'avant-garde américain reçoit un nouvel hommage au musée Folkwang.

Robert Frank (1924 - 2019) est né à Zurich de parents juifs suisses. Après sa formation de photographe dans le studio zurichois de Michael Wolgensinger et ses premiers travaux personnels, il émigre aux États-Unis en 1947. Pendant les premières années, il voyage entre les continents. Il réside en permanence à New York à partir de 1950 et, à partir de 1970, il alterne entre la métropole et la localité isolée de Mabou (Nouvelle-Écosse) au Canada. C'est également à New York qu'il réalise en 1958 sa série de photos From the Bus. Cette série de photos, prises depuis un bus en marche, joue un rôle central dans l'ensemble de son œuvre et marque le passage à l'image animée. Frank décrit lui-même la série comme un voyage « thru the city » (à travers la ville). Cet aspect du « thru », se trouver entre quelque chose, se reflète dans différents domaines de sa vie. Il alterne ainsi entre la photographie et le cinéma ainsi qu'une vie entre la ville et la campagne. En 2010, la série From the Bus est acquise pour la collection photographique du musée Folkwang.

Robert Frank est resté toute sa vie étroitement lié au musée Folkwang : Le photographe entretient avec Ute Eskildsen, directrice de la collection photographique de 1979 à 2012, un échange continu et une amitié qui en découle. Entre 1987 et 2008, trois grandes expositions consacrées à l'œuvre de Robert Frank sont présentées à Essen dans le cadre de cette étroite collaboration. En 1989, le film expérimental Hunter est réalisé, dans lequel l'artiste, qui vit à New York, adopte sa propre perspective sur la région de la Ruhr. La dernière exposition Robert Frank au musée Folkwang, Books and Films, 1947-2014, a lieu en 2015. Quatre ans plus tard, Frank décède à l'âge de 94 ans. Aujourd'hui, des parties de l'œuvre de sa vie sont à nouveau exposées à Essen avec la présentation de la collection Be Happy. On peut y voir des photographies issues du fonds de la collection photographique, des lettres et des documents relatifs à l'histoire des expositions de Frank au musée Folkwang, ainsi que son premier film vidéo Home Improvements (1985). Avec des œuvres issues de séries clés comme The Americans (1958), la série complète From the Bus (1958) et d'autres photographies, montages et collages, parfois très personnels, l'espace d'exposition met en perspective l'œuvre complexe et variée de Frank.

Robert Frank avrebbe compiuto 100 anni nel 2024. Per celebrare questo compleanno, il Museum Folkwang espone 34 fotografie e documenti selezionati sulla storia della collezione e della mostra nella presentazione Be Happy, dal 23 agosto 2024 al 5 gennaio 2025. Robert Frank è stato rappresentato al Museum Folkwang con le sue opere e numerose mostre a partire dagli anni Ottanta. Nell'ambito della serie Collection Histories, il fotografo di fama internazionale e importante rappresentante dell'avanguardia cinematografica americana sarà nuovamente omaggiato al Museum Folkwang.

Robert Frank (1924 - 2019) è nato a Zurigo da genitori ebrei-svizzeri. Dopo essersi formato come fotografo nello studio zurighese di Michael Wolgensinger e aver prodotto le sue prime opere, emigrò negli Stati Uniti nel 1947. Durante i primi anni, viaggia avanti e indietro tra i continenti. Dal 1950 vive stabilmente a New York e dal 1970 si alterna tra la metropoli e la remota cittadina di Mabou (Nuova Scozia) in Canada. Anche la serie fotografica From the Bus è stata realizzata a New York nel 1958. Questa serie di fotografie, scattate da un autobus in movimento, ha un ruolo centrale nella sua opera e segna il passaggio alle immagini in movimento. Frank stesso descrive la serie come un viaggio “attraverso la città”. Questo aspetto del “attraverso”, l'essere in mezzo a qualcosa, si riflette in vari ambiti della sua vita. Si alterna tra fotografia e cinema, così come la sua vita si svolge tra città e campagna. Nel 2010, la serie From the Bus è stata acquisita per la collezione fotografica del Museo Folkwang.

Robert Frank è stato strettamente legato al Museum Folkwang per tutta la sua vita: Con Ute Eskildsen, direttore della Collezione fotografica dal 1979 al 2012, il fotografo è stato legato da uno scambio continuo e da una conseguente amicizia. Tra il 1987 e il 2008, nell'ambito di questa stretta collaborazione, sono state presentate a Essen tre grandi mostre sull'opera di Robert Frank. Nel 1989 è stato realizzato il film sperimentale Hunter, in cui l'artista newyorkese adotta la propria prospettiva sulla regione della Ruhr. L'ultima mostra di Robert Frank al Museum Folkwang, Books and Films, 1947-2014, si è svolta nel 2015. Frank morì quattro anni dopo, all'età di 94 anni. Ora parte del lavoro della sua vita viene esposto nuovamente a Essen con la presentazione della collezione Be Happy. Sono esposte fotografie della Collezione fotografica, lettere e documenti relativi alla storia espositiva di Frank al Museum Folkwang e il suo primo film video Home Improvements (1985). Con opere tratte da serie fondamentali come The Americans (1958), la serie completa From the Bus (1958) e altre fotografie, talvolta molto personali, montaggi e collage, lo spazio espositivo si concentra sulla complessa e variegata opera di Frank.

Robert Frank would have turned 100 years old in 2024. To mark this birthday, Museum Folkwang is showing 34 photographs and selected documents on the history of the collection and exhibitions in the presentation Be Happy from 23 August 2024 to 5 January 2025. Robert Frank has been represented at Museum Folkwang with his works and numerous exhibitions since the 1980s. In the series Histories of a Collection IV (Sammlungsgeschichten IV) the internationally renowned photographer and important representative of American avant-garde film is being honoured once more at Museum Folkwang.

Robert Frank (1924 – 2019) was born in Zurich to Jewish-Swiss parents. After training as a photographer in Michael Wolgensinger's Zurich studio and producing his first works, he emigrated to the USA in 1947. During the first few years, he travelled back and forth between the continents. From 1950 he lived permanently in New York and from 1970 he alternated between the metropolis and the remote town of Mabou (Nova Scotia) in Canada. His photo series From the Bus was also taken in New York in 1958. This series of photographs, shot from a moving bus, plays a central role in his oeuvre and marks the transition to moving images. Frank himself describes the series as a journey "thru the city". This aspect of "thru", being in between something, is reflected in various areas of his life. He alternates between photography and film as well as a life between city and country. In 2010, the series From the Bus was acquired for the Museum Folkwang's Department of Photography.

Robert Frank was closely bound to Museum Folkwang throughout his life: The photographer and Ute Eskildsen, Head of the Department of Photography from 1979 to 2012, enjoyed a continuous exchange and a resulting friendship. Between 1987 and 2008, three major exhibitions of Robert Frank's work were shown in Essen as part of this close partnership. In 1989, the experimental film Hunter was shot, in which the New York-based artist captures his perspective on the Ruhr region. The last Robert Frank exhibition at Museum Folkwang, Books and Films, 1947-2014, took place in 2015. Four years later, Frank died at the age of 94. Nine years after his last exhibition in Essen, parts of his life's work are presented again with the collection presentation Be Happy. On display are photographs from the Department of Photography, letters and documents relating to Frank's exhibition history at Museum Folkwang as well as his first video film Home Improvementss (1985). With works from key series such as The Americans (1958), the complete series From the Bus (1958) and other, partly very personal, photographs, montages and collages, the exhibition space focuses on Frank's complex and multifaceted oeuvre.

(Text: Museum Folkwang, Essen)

Photographischen Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
6. September 2024 – 2. Februar 2025

Karl Blossfeldt – Photographie im Licht der Kunst

Mit 271 Originalabzügen wird das Œuvre von Karl Blossfeldt (1865–1932) erstmals seit zwei Jahrzehnten in diesem Umfang präsentiert. Eindrucksvoll entfaltet sich ein photographisches Werk, das im Kontext der Kunstausbildung entstand und erst wenige Jahre vor Blossfeldts Tod als eigenständige künstlerische Haltung entdeckt wurde. Heute zählt es zu den Klassikern der Photographiegeschichte und wird in einem Atemzug mit etwa August Sander und Albert Renger-Patzsch genannt. In der Rezeption gelten Blossfeldts Photographien vor allem als prototypisch für die Neue Sachlichkeit und das Neuen Sehen.

Die Ausstellung basiert auf den Beständen der Universität der Künste Berlin, an deren Vorgängerschule Blossfeldt selbst als Bildhauer ausgebildet wurde, und wo er ab 1899 drei Jahrzehnte lang das Fach „Modellieren nach Pflanzen“ unterrichtete. Dort erarbeitete er seine Pflanzenphotographien, die er als Vorlagen verwendete, um seinen Studierenden die Formenvielfalt und Details der botanischen Welt nahezubringen. Die genaue Beobachtung und die künstlerische Umsetzung der vegetabilen Formen sollten als Anregungen für Entwürfe im Bereich der angewandten Kunst und Architektur gelten. Außerdem fertigte Blossfeldt – allerdings in geringerer Anzahl – plastische Bronzeabgüsse von Pflanzenformen an und setzte sie im Unterricht ein. Exemplarische Stücke sind in die Präsentation einbezogen wie handschriftliche Briefe, die Einblicke in schulische Abläufe geben und Aussagen zum Verhältnis von Natur- und Kunstformen enthalten.

Die Photographie war für Karl Blossfeldt ein elementares Ausdrucksmittel, das er gezielt für seine Zwecke einsetzte. Das teils stark bearbeitete Pflanzenmaterial lichtet er in vielfacher Vergrößerung und vor neutralem hell- oder dunkeltonigem Hintergrund ab. Die Aufnahmen sind von großer formaler Kraft und formulieren über ihre Funktion als Lehrstücke hinaus eine vom Gegenständlichen ausgehende, in die Abstraktion führende Bildsprache. Insbesondere die noch zu Lebzeiten Blossfeldts erschienenen Publikationen „Urformen der Kunst“, 1928, und „Wundergarten der Natur“, 1932, zeigen, wie intensiv er sein Themenfeld erforschte und wie sehr er die ästhetischen Ausdrucksmöglichkeiten der Pflanze wie ihre rätselhaft magische Ausstrahlung wertschätzte.

Es erscheint ein umfangreicher, den Berliner Blossfeldt-Bestand vorstellender Katalog. Publikation und Ausstellung basieren auf der langjährigen Kooperation der Universität der Künste, Berlin mit der Photographischen Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln.

Avec 271 tirages originaux, l'œuvre de Karl Blossfeldt (1865-1932) est présentée pour la première fois depuis deux décennies dans cette ampleur. Une œuvre photographique impressionnante se déploie, née dans le contexte de l'enseignement artistique et découverte en tant qu'attitude artistique autonome seulement quelques années avant la mort de Blossfeldt. Aujourd'hui, elle compte parmi les classiques de l'histoire de la photographie et est citée au même titre qu'August Sander et Albert Renger-Patzsch. Les photographies de Blossfeldt sont considérées comme le prototype de la Nouvelle Objectivité et de la Nouvelle Vision.

L'exposition s'appuie sur les fonds de l'Université des Arts de Berlin, où Blossfeldt a lui-même suivi une formation de sculpteur et où il a enseigné pendant trois décennies, à partir de 1899, le « modelage d'après les plantes ». C'est là qu'il élabora ses photographies de plantes, qu'il utilisa comme modèles pour faire découvrir à ses étudiants la diversité des formes et des détails du monde botanique. L'observation précise et la transposition artistique des formes végétales devaient servir d'inspiration pour des projets dans le domaine des arts appliqués et de l'architecture. En outre, Blossfeldt a réalisé des moulages plastiques en bronze de formes végétales - certes en plus petit nombre - et les a utilisés dans ses cours. Des pièces exemplaires sont incluses dans la présentation, tout comme des lettres manuscrites qui donnent un aperçu des processus scolaires et contiennent des déclarations sur la relation entre les formes naturelles et artistiques.

La photographie était pour Karl Blossfeldt un moyen d'expression élémentaire qu'il utilisait de manière ciblée à ses propres fins. Il photographiait le matériel végétal, parfois très travaillé, en l'agrandissant de nombreuses fois et devant un arrière-plan neutre aux tons clairs ou foncés. Les clichés sont d'une grande force formelle et, au-delà de leur fonction pédagogique, ils formulent un langage visuel qui part du figuratif pour aller vers l'abstraction. Les publications « Urformen der Kunst » (Formes originales de l'art), 1928, et « Wundergarten der Natur » (Jardin merveilleux de la nature), 1932, parues du vivant de Blossfeldt, montrent notamment à quel point il a exploré son champ thématique et à quel point il appréciait les possibilités d'expression esthétique de la plante ainsi que son rayonnement magique et énigmatique.

Un catalogue complet présentant le fonds Blossfeldt de Berlin est publié. La publication et l'exposition sont le fruit d'une coopération de longue date entre l'Université des Arts de Berlin et la Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur de Cologne.

Con 271 stampe originali, l'opera di Karl Blossfeldt (1865-1932) viene presentata in questa veste per la prima volta dopo due decenni. Viene presentata un'impressionante opera fotografica, creata nel contesto dell'educazione artistica e scoperta come approccio artistico indipendente solo pochi anni prima della morte di Blossfeldt. Oggi si colloca tra i classici della storia della fotografia e viene citato alla stregua di August Sander e Albert Renger-Patzsch. In termini di ricezione, le fotografie di Blossfeldt sono considerate soprattutto come prototipo della Nuova Oggettività e della Nuova Visione.

La mostra si basa sui fondi dell'Università delle Arti di Berlino, presso la cui scuola predecessore Blossfeldt si è formato come scultore e dove ha insegnato la materia “Modellazione dalle piante” per tre decenni a partire dal 1899. Fu lì che sviluppò le sue fotografie di piante, che utilizzò come modelli per familiarizzare i suoi studenti con la varietà di forme e dettagli del mondo botanico. L'osservazione precisa e la realizzazione artistica delle forme vegetali servirono da ispirazione per i disegni nel campo dell'arte applicata e dell'architettura. Blossfeldt realizzò anche calchi in bronzo di forme vegetali - anche se in numero minore - e li utilizzò nelle sue lezioni. Pezzi esemplari sono inclusi nella presentazione, così come lettere scritte a mano che forniscono approfondimenti sulle procedure scolastiche e contengono dichiarazioni sul rapporto tra forme naturali e artistiche.

La fotografia era un mezzo di espressione elementare per Karl Blossfeldt, che usava specificamente per i suoi scopi. Fotografava il materiale vegetale, in parte pesantemente elaborato, in ingrandimenti multipli e su uno sfondo neutro di colori chiari o scuri. Le fotografie sono di grande potenza formale e, al di là della loro funzione didattica, formulano un linguaggio pittorico che si allontana dalla rappresentazione e conduce all'astrazione. In particolare, le pubblicazioni di Blossfeldt “Urformen der Kunst” (1928) e “Wundergarten der Natur” (1932), apparse durante la sua vita, mostrano quanto intensamente esplorasse la sua area tematica e quanto apprezzasse le possibilità espressive estetiche delle piante e la loro aura enigmatica e magica.

Verrà pubblicato un catalogo completo che presenta la collezione Blossfeldt di Berlino. La pubblicazione e la mostra si basano sulla cooperazione di lunga data tra l'Università delle Arti di Berlino e la Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Colonia.

For the first time in two decades, Karl Blossfeldt's (1865–1932) oeuvre is being presented in this scope, featuring 271 original prints. This impressive exhibition unfolds a photographic body of work that was developed in the context of art education and only discovered as an independent artistic approach a few years before Blossfeldt's death. Today, his work is considered a classic in the history of photography, often mentioned alongside August Sander and Albert Renger-Patzsch. Blossfeldt's photographs are primarily regarded as prototypical for the New Objectivity and New Vision movements.

The exhibition is based on the collection of the Berlin University of the Arts, where Blossfeldt was trained as a sculptor at its predecessor school, and where he taught "Modeling from Plants" for three decades starting in 1899. It was there that he developed his plant photographs, which he used as teaching materials to showcase the diversity and intricate details of the botanical world to his students. The close observation and artistic representation of plant forms were intended as inspiration for designs in the fields of applied arts and architecture. Additionally, Blossfeldt created a smaller number of bronze casts of plant forms, which he also used in his teaching. Exemplary pieces, along with handwritten letters offering insights into the school's operations and discussing the relationship between natural and artistic forms, are included in the presentation.

"Photography was an essential means of expression for Karl Blossfeldt, which he used deliberately for his purposes. He photographed heavily edited plant materials in multiple enlargements against neutral light or dark-toned backgrounds. These images are of great formal strength, and beyond their function as teaching tools, they convey a visual language that, while starting from the representational, leads into abstraction. Particularly in the publications that appeared during Blossfeldt's lifetime – "Urformen der Kunst" (1928) and "Wundergarten der Natur" (1932) – it becomes evident how deeply he explored his subject matter and how much he appreciated both the aesthetic possibilities of plants and their enigmatic, magical aura."

A comprehensive catalog introducing the Berlin Blossfeldt collection will be published. Both the publication and exhibition are the result of a long-term collaboration between the Berlin University of the Arts and Die Photographische Sammliung/SK Stiftung Kultur in Cologne.

(Text: Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur | Köln
06. September 2024 - 2. Februar 2025

August Sander-Preis 2024

Johanna Langenhoff – Ich oder so

Die von der Jury ausgewählte und prämierte Serie trägt den Titel „Ich oder so“ und ist 2023–2024 entstanden. Johanna Langenhoff (*2000) studiert seit 2021 an der HAW Hamburg und hat die Serie vor dem Hintergrund existenzieller Fragen der Identitätsfindung und Geschlechterzugehörigkeit entwickelt.

„Viele Gefühle, die sich schwer in Worte fassen lassen, sind für mich visuell einfacher darstellbar. […] Gleichzeitig öffnen die Photographien einen Gesprächsraum, in dem ich über mich – meinen Prozess, meine Gefühle des Nicht-Dazugehörens, die Momente des Verständnisses, die Unsicherheit, das Gefühl, mich definieren zu müssen oder die fehlende Endgültigkeit dieser Definition ‚non-binary‘ – sprechen kann“, so Johanna Langenhoff zur Intention der farbphotographischen Serie. Sehnsucht, Erinnerung und gegenwärtige Wahrnehmung sind für Johanna Langenhoff zentrale Momente einer prozesshaften Selbstbefragung, geprägt von der Suche nach individueller Verortung und individuellem Ausdruck. Die aufgenommenen Motive changieren entsprechend passend zwischen (Selbst-) Porträts und Körperdarstellungen, zwischen Landschafts- und Raumausschnitten, zwischen konkreten und abstrakten Formstudien. Licht und Schatten sind darüber hinaus vielfach bildgestalterische wie atmosphärische Elemente. Die Serie „Ich oder so“ ist vergleichbar einem Kaleidoskop unterschiedlicher emotionaler Befindlichkeiten und Erfahrungen. Sie lässt Raum für Assoziationen und Gedanken, die den Bildern, der Künstler*in und grundlegend der menschlichen Entwicklung gelten.

Der August-Sander-Preis wird seit 2018 alle zwei Jahre ausgelobt, gestiftet von Ulla Bartenbach und Prof. Dr. Kurt Bartenbach. Auch auf die nun vierte Ausschreibung ist die Resonanz erfreulich groß gewesen, mehr als 120 Einsendungen aus dem In- und Ausland waren eingegangen.

Zur Jury gehörten Dr. Anja Bartenbach, Stifterfamilie, Gabriele Conrath-Scholl, Leiterin, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, Künstler, Düsseldorf und Prof. Dr. Martin Hochleitner, Salzburg Museum.

La série sélectionnée et récompensée par le jury s'intitule « Ich oder so » et a été réalisée entre 2023 et 2024. Johanna Langenhoff (*2000) étudie à la HAW de Hambourg depuis 2021 et a développé la série avec en toile de fond des questions existentielles sur la recherche d'identité et l'appartenance à un genre.

« De nombreux sentiments difficiles à exprimer avec des mots sont plus faciles à représenter visuellement pour moi. [...] En même temps, les photographies ouvrent un espace de conversation dans lequel je peux parler de moi - de mon processus, de mes sentiments de non-appartenance, des moments de compréhension, de l'incertitude, du sentiment de devoir me définir ou de l'absence de caractère définitif de cette définition 'non-binaire' », explique Johanna Langenhoff à propos de l'intention de la série de photographies en couleur. La nostalgie, le souvenir et la perception actuelle sont pour Johanna Langenhoff les moments centraux d'un processus d'interrogation de soi, marqué par la recherche d'une localisation et d'une expression individuelles. Les motifs pris oscillent de manière appropriée entre les (auto-)portraits et les représentations du corps, entre les paysages et les fragments d'espace, entre les études de formes concrètes et abstraites. La lumière et l'ombre sont en outre souvent des éléments créateurs d'images et d'atmosphère. La série « Moi ou ça » est comparable à un kaléidoscope de différents états d'âme et expériences émotionnelles. Elle laisse place à des associations d'idées et à des réflexions sur les visuels, sur l'artiste et sur le développement humain en général.

Le prix August Sander, fondé par Ulla Bartenbach et le professeur Kurt Bartenbach, est décerné tous les deux ans depuis 2018. La quatrième édition du prix a suscité un grand intérêt, avec plus de 120 candidatures venues d'Allemagne et de l'étranger.

Anja Bartenbach, famille fondatrice, Gabriele Conrath-Scholl, directrice de Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, artiste, Düsseldorf et le professeur Martin Hochleitner, Salzburg Museum.

La serie selezionata e premiata dalla giuria si intitola “Ich oder so” ed è stata creata nel 2023-2024. Johanna Langenhoff (*2000) studia alla HAW di Amburgo dal 2021 e ha sviluppato la serie sullo sfondo delle domande esistenziali sull'identità e sull'appartenenza di genere.

“Molti sentimenti che sono difficili da esprimere a parole, per me sono più facili da rappresentare visivamente. [...] Allo stesso tempo, le fotografie aprono uno spazio di conversazione in cui posso parlare di me stessa - il mio processo, le mie sensazioni di non appartenenza, i momenti di comprensione, l'incertezza, la sensazione di dovermi definire o la mancanza di finalità di questa definizione 'non binaria'”, dice Johanna Langenhoff sull'intenzione della serie fotografica a colori. Per Johanna Langenhoff, il desiderio, la memoria e la percezione del presente sono momenti centrali di un'auto-interrogazione processuale, caratterizzata dalla ricerca di una localizzazione e di un'espressione individuale. I motivi che cattura si alternano in modo appropriato tra (auto)ritratti e rappresentazioni del corpo, tra paesaggi e dettagli spaziali, tra studi concreti e astratti della forma. Anche la luce e l'ombra sono utilizzate frequentemente come elementi di design pittorico e di atmosfera. La serie “Ich oder so” è paragonabile a un caleidoscopio di diversi stati emotivi ed esperienze. Lascia spazio ad associazioni e pensieri che riguardano le immagini, l'artista e, fondamentalmente, lo sviluppo umano.

Il Premio August Sander viene assegnato ogni due anni dal 2018, sponsorizzato da Ulla Bartenbach e dal Prof. Dr. Kurt Bartenbach. Anche la risposta al quarto bando di concorso è stata piacevolmente alta, con oltre 120 candidature provenienti dalla Germania e dall'estero.

La giuria era composta dalla Dott.ssa Anja Bartenbach, famiglia donatrice, Gabriele Conrath-Scholl, Direttrice, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, artista, Düsseldorf e il Prof. Dr. Martin Hochleitner, Museo di Salisburgo.

The series selected and awarded by the jury is entitled "Me or so" and was created in 2023-2024. Johanna Langenhoff (*2000) has been studying at HAW Hamburg since 2021 and developed the series against the backdrop of existential questions of identity and gender affiliation.

"Many feelings that are difficult to put into words are easier for me to depict visually. [...] At the same time, the photographs open up a space for conversation in which I can talk about myself - my process, my feelings of not belonging, the moments of understanding, the uncertainty, the feeling of having to define myself or the lack of finality of this definition 'non-binary'," says Johanna Langenhoff about the intention of the color photographic series. For Johanna Langenhoff, longing, memory and present perception are central moments of a processual self-questioning, characterized by the search for individual localization and individual expression. The motifs she captures alternate appropriately between (self-)portraits and depictions of the body, between landscape and spatial details, between concrete and abstract studies of form. Light and shadow are also frequently used as elements of pictorial design and atmosphere. The series "Me or so" is comparable to a kaleidoscope of different emotional states and experiences. It leaves room for associations and thoughts that apply to the pictures, the artist and, fundamentally, human development.

The August Sander Prize has been awarded every two years since 2018, sponsored by Ulla Bartenbach and Prof. Dr. Kurt Bartenbach. The response to the fourth call for entries was also pleasingly high, with more than 120 submissions from Germany and abroad.

The jury included Dr. Anja Bartenbach, donor family, Gabriele Conrath-Scholl, Director, Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Kirsten Degel, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Bernhard Fuchs, artist, Düsseldorf and Prof. Dr. Martin Hochleitner, Salzburg Museum.

(Text: Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln)

Deichtorhallen | Hamburg
7. September 2023 – 26. Januar 2025

Tactics & Mythologies
Andrea Orejarena & Caleb Stein

Diese erste europäische Einzelausstellung des New Yorker Duos Andrea Orejarena (*1994, Kolumbien) und Caleb Stein (*1994, UK) präsentiert fotografische und filmische Arbeiten, die sich mit Praktiken der Simulation und Narrativen der Desinformation auseinandersetzen.

Das Künstlerduo Andrea Orejarena, Kognitionswissenschaftlerin und Fotografin, und Caleb Stein, Dokumentarfotograf, ist bekannt für ihre konzeptuell-dokumentarischen Projekte, zu individueller Wahrnehmung und kollektiver Wirklichkeitskonstruktion. Ihre Arbeiten werden u.a. in den New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia, und Wallpaper* publiziert.

Da ein wachsendes Misstrauen in die Unterscheidung von Realität und Fiktion unsere Gegenwart prägt, begab sich das Duo seit 2020 auf Social Media und fotografisch auf Erkundungstour. Entstanden ist ein erstes Archiv mit über 1.500 Fotografien und aktuellen Bildformen, das den Einfluss von Verschwörungsnarrativen auf die amerikanische Gesellschaft und die individuelle Wahrnehmung manifestiert.

Dieses Archiv fotografischer Formen von »alternative facts« tritt in der Installation American Glitch in Dialog mit den Landschaftsaufnahmen von Orejarena & Stein, die vermeintlichen Schauplätze von verschwörungstheoretischen Ereignissen dokumentieren und decodieren. Durch ihr Aufgreifen von Traditionen wie Roadtrips und Street Photography verwebt American Glitch Kontinuitäten aus der amerikanischen Fotogeschichte mit den neuen Phänomenen zeitgenössischer Online-Kultur.

Bereits seit ihrem Projekt Long Time No See (2018-2020) arbeitet das Duo an der drängenden Frage, welche Rolle die Fotografie für das Wechselverhältnis von Wahrnehmung und Imagination heute spielen kann. Long Time No See entstand zusammen mit jungen vietnamesischen Künstler*innen sowie Veteranen in Hanoi und zeichnet die künstlerische Auseinandersetzung mit den heutigen Erinnerungen und Folgen des Vietnamkrieges nach. In poetischen Porträts und Landschaftsansichten zeigt Long Time No See eine visuelle Spurensuche nach den Zwischentönen dissonanter Geschichtsschreibungen und Bildformen zwischen Dokumentation und subjektiver Wahrnehmung.

Die neue Ausstellungsreihe VIRAL HALLUCINATIONS adressiert das Spannungsfeld dokumentarischer Strategien in einer global vernetzten »Post-Wahrheit-Ära«.

Kuratorin: Nadine Isabelle Henrich, Kuratorin Haus der Photographie

Cette première exposition individuelle européenne du duo new-yorkais Andrea Orejarena (*1994, Colombie) et Caleb Stein (*1994, Royaume-Uni) présente des travaux photographiques et cinématographiques qui explorent les pratiques de simulation et les récits de désinformation.

Le duo d'artistes Andrea Orejarena, spécialiste des sciences cognitives et photographe, et Caleb Stein, photographe documentaire, est connu pour ses projets conceptuels et documentaires, sur la perception individuelle et la construction collective de la réalité. Leurs travaux sont publiés entre autres dans le New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia et Wallpaper*.

Comme une méfiance croissante à l'égard de la distinction entre réalité et fiction caractérise notre présent, le duo s'est lancé depuis 2020 dans une exploration des médias sociaux et de la photographie. Il en résulte une première archive de plus de 1 500 photographies et formes d'images actuelles qui manifestent l'influence des récits de conspiration sur la société américaine et la perception individuelle.

Dans l'installation American Glitch, ces archives de formes photographiques de "faits alternatifs" entrent en dialogue avec les photos de paysages d'Orejarena & Stein, qui documentent et décodent les lieux supposés d'événements conspirationnistes. En s'inspirant de traditions telles que les road-trips et la street photography, American Glitch entrelace les continuités de l'histoire de la photographie américaine avec les nouveaux phénomènes de la culture en ligne contemporaine.

Depuis leur projet Long Time No See (2018-2020), le duo travaille sur la question urgente du rôle que la photographie peut jouer aujourd'hui dans l'interaction entre la perception et l'imagination. Long Time No See a été réalisé en collaboration avec de jeunes artistes vietnamiens* ainsi que des vétérans à Hanoi et retrace la confrontation artistique avec les souvenirs et les conséquences actuelles de la guerre du Vietnam. À travers des portraits poétiques et des vues de paysages, Long Time No See montre une recherche visuelle des nuances d'écritures historiques dissonantes et de formes d'images entre documentation et perception subjective.

La nouvelle série d'expositions VIRAL HALLUCINATIONS aborde le champ de tension des stratégies documentaires dans une "ère post-vérité" globalement interconnectée.

Commissaire d'exposition : Nadine Isabelle Henrich, conservatrice Haus der Photographie

La prima mostra personale europea del duo newyorkese Andrea Orejarena (*1994, Colombia) e Caleb Stein (*1994, Regno Unito) presenta opere fotografiche e cinematografiche che affrontano pratiche di simulazione e narrazioni di disinformazione.

Il duo di artisti Andrea Orejarena, scienziata cognitiva e fotografa, e Caleb Stein, fotografo documentarista, sono noti per i loro progetti di documentari concettuali sulla percezione individuale e la costruzione collettiva della realtà. Il loro lavoro è stato pubblicato, tra gli altri, da New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia e Wallpaper*.

Poiché il nostro presente è caratterizzato da una crescente sfiducia nella distinzione tra realtà e finzione, dal 2020 il duo esplora i social media e la fotografia. Il risultato è un primo archivio di oltre 1.500 fotografie e forme di immagine attuali che manifestano l'influenza delle narrazioni cospirative sulla società americana e sulla percezione individuale.

Nell'installazione American Glitch, questo archivio di forme fotografiche di "fatti alternativi" entra in dialogo con le fotografie di paesaggio di Orejarena & Stein, che documentano e decodificano i presunti luoghi degli eventi della teoria del complotto. Riprendendo tradizioni come i viaggi su strada e la street photography, American Glitch intreccia le continuità della storia fotografica americana con i nuovi fenomeni della cultura online contemporanea.

A partire dal progetto Long Time No See (2018-2020), il duo lavora sulla pressante questione del ruolo che la fotografia può svolgere oggi nell'interazione tra percezione e immaginazione. Long Time No See è stato realizzato insieme a giovani artisti e veterani vietnamiti ad Hanoi e traccia un esame artistico dei ricordi e delle conseguenze odierne della guerra del Vietnam. Attraverso ritratti poetici e vedute paesaggistiche, Long Time No See mostra una ricerca visiva delle sfumature di storiografie e forme visive dissonanti tra documentazione e percezione soggettiva.

La nuova serie di mostre VIRAL HALLUCINATIONS affronta il campo di tensione delle strategie documentarie in una "era della post-verità" in rete a livello globale.

Curatore: Nadine Isabelle Henrich, curatore Haus der Photographie

This first European solo exhibition by New York-based duo Andrea Orejarena (*1994, Colombia) and Caleb Stein (*1994, UK) presents photographic and filmic works that explore practices of simulation and narratives of disinformation.

The artist duo Andrea Orejarena, cognitive scientist and photographer, and Caleb Stein, documentary photographer, are known for their conceptual-documentary projects on individual perception and the collective construction of reality. Their work has been published in the New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia, and Wallpaper*, among others.

As a growing distrust in the distinction between reality and fiction characterizes our present, the duo has been exploring social media and photography since 2020. The result is a first archive of over 1,500 photographs and current image forms that manifest the influence of conspiracy narratives on American society and individual perception.

In the installation American Glitch, this archive of photographic forms of "alternative facts" enters into a dialog with the landscape photographs by Orejarena & Stein, which document and decode the supposed locations of conspiracy theory events. By taking up traditions such as road trips and street photography, American Glitch interweaves continuities from American photographic history with the new phenomena of contemporary online culture.

Since their project Long Time No See (2018-2020), the duo has been working on the pressing question of what role photography can play in the interplay between perception and imagination today. Long Time No See was created together with young Vietnamese artists and veterans in Hanoi and traces the artistic examination of today's memories and consequences of the Vietnam War. In poetic portraits and landscape views, Long Time No See shows a visual search for traces of the nuances of dissonant historiographies and image forms between documentation and subjective perception.

The new exhibition series VIRAL HALLUCINATIONS addresses the field of tension of documentary strategies in a globally networked "post-truth era".

Curator: Nadine Isabelle Henrich, Curator Haus der Photographie

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

Gropius Bau | Berlin
12. September 2024 – 12. Januar 2025

Rirkrit Tiravanija: DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG

untitled 1995 (bon voyage monsieur ackermann), 1995 © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler

Seit mehr als drei Jahrzehnten erweitert Rirkrit Tiravanija die Vorstellung davon, was in Ausstellungen möglich ist. Als Teil seiner Praxis schafft der Künstler Situationen, in denen gegessen und getrunken, gespielt und geruht werden kann. Dabei entstehen Räume für zufällige Begegnungen, soziale Beziehungen und deren Scheitern – kurz gesagt: für das Leben.

Ab dem 12. September 2024 zeigt der Gropius Bau in DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG über 80 Werke des Künstlers, die zwischen 1987 und 2024 entstanden sind. Tiravanija, der unter anderem in Berlin lebt und arbeitet, verweist in diesen Arbeiten immer wieder auf kulturelle Klischees und die politischen Verhältnisse in Deutschland. Der Titel der Ausstellung ist Rainer Werner Fassbinders gesellschaftskritischem Film Angst essen Seele auf (1974) entlehnt, der einen wichtigen Bezugspunkt für Tiravanija darstellt.

DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG spannt den Bogen von frühen Installationen über experimentelle 8-mm-Filme und Fotografien bis hin zu regelmäßigen Aktivierungen der partizipativen Arbeiten, mit denen Tiravanija bekannt wurde. So lädt die Installation untitled غداً هو السؤال) 2024 ) (tomorrow is the question) (morgen ist die frage) (jutro jest pytaniem) (завтра это вопрос) (yarindir soru) (Завтра питання) (ngày mai là câu hỏi) mit acht Tischtennisplatten dazu ein, im kostenlos zugänglichen Lichthof des Gropius Bau zu spielen. Mit der spiralförmigen Bühne untitled 2024 (demo station no. 8), die täglich Raum für öffentliche Vorführungen bietet, wird der Lichthof zu einem Ort, an dem Menschen zusammenkommen und gemeinsam Zeit verbringen können.

Kuratiert von Jenny Schlenzka, Direktorin, Gropius Bau, Yasmil Raymond, Freie Kuratorin, und Christopher Wierling, Assistenzkurator, Gropius Bau

Skip The Bruising Of The Eskimos To The Exquisite Words VS If I Give You A Penny Will You Give Me A Pair Of Scissors, 2017 © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler

Depuis plus de trois décennies, Rirkrit Tiravanija élargit la notion de ce qui est possible dans les expositions. Dans le cadre de sa pratique, l'artiste crée des situations dans lesquelles on peut manger et boire, jouer et se reposer. Il en résulte des espaces pour des rencontres fortuites, des relations sociales et leurs échecs - en bref, pour la vie.

À partir du 12 septembre 2024, le Gropius Bau exposera dans DAS GLÜCK IST NT IMMER LUSTIG plus de 80 œuvres de l'artiste, réalisées entre 1987 et 2024. Dans ces œuvres, Tiravanija, qui vit et travaille notamment à Berlin, fait constamment référence aux clichés culturels et à la situation politique en Allemagne. Le titre de l'exposition est emprunté au film de critique sociale Angst essen Seele auf (1974) de Rainer Werner Fassbinder, qui constitue un point de référence important pour Tiravanija.

LE BONHEUR N'EST PAS TOUJOURS LUMIÈRE s'étend des premières installations aux films expérimentaux en 8 mm et aux photographies, jusqu'aux activations régulières des travaux participatifs qui ont fait connaître Tiravanija. Ainsi, l'installation untitled غداً هو السؤال) 2024 ) (tomorrow is the question) (demain est la question) (jutro jest pytaniem) (завтра это вопрос) (yarindir soru) (Завтра питання) (ngày mai là câu hỏi) avec huit tables de ping-pong invite à jouer dans l'atrium du Gropius Bau, accessible gratuitement. Avec la scène en spirale untitled 2024 (demo station no. 8), qui offre un espace quotidien pour des projections publiques, l'atrium devient un lieu où les gens peuvent se réunir et passer du temps ensemble.

Organisé par Jenny Schlenzka, directrice, Gropius Bau, Yasmil Raymond, conservatrice indépendante, et Christopher Wierling, conservateur adjoint, Gropius Bau

mai mee chue 2004 (pad thai), 1990/2004, Installationsansicht, Nothing: A Retrospective, Chiang Mai University Art Museum, 2004 © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler

Per oltre tre decenni, Rirkrit Tiravanija ha ampliato l'idea di ciò che è possibile fare nelle mostre. Come parte della sua pratica, l'artista crea situazioni in cui le persone possono mangiare e bere, giocare e riposare. Questo crea spazi per gli incontri casuali, per le relazioni sociali e per i loro fallimenti - in breve: per la vita.

Dal 12 settembre 2024, il Gropius Bau esporrà oltre 80 opere dell'artista, create tra il 1987 e il 2024, in THE HAPPINESS IS NOT ALWAYS FUNNY. In queste opere, Tiravanija, che vive e lavora a Berlino e altrove, fa ripetutamente riferimento ai cliché culturali e alla situazione politica della Germania. Il titolo della mostra è preso in prestito dal film socio-critico di Rainer Werner Fassbinder Angst essen Seele auf (1974), che è un importante punto di riferimento per Tiravanija.

DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG abbraccia un arco di tempo che va dalle prime installazioni ai film sperimentali in 8 mm e alle fotografie, fino alle regolari attivazioni delle opere partecipative con cui Tiravanija è diventato famoso. L'installazione senza titolo غداً هو السؤال) 2024 ) (domani è la domanda) (morgen ist die Frage) (jutro jest pytaniem) (завтра это вопрос) (yarindir soru) (Завтра питання) (ngày mai là câu hỏi) con otto tavoli da ping pong invita i visitatori a giocare nell'atrio del Gropius Bau, accessibile gratuitamente. Con il palcoscenico a forma di spirale senza titolo 2024 (stazione demo n. 8), che offre spazio per esibizioni pubbliche ogni giorno, l'atrio diventa un luogo in cui le persone possono incontrarsi e trascorrere del tempo insieme.

A cura di Jenny Schlenzka, Direttrice, Gropius Bau, Yasmil Raymond, Curatore indipendente, e Christopher Wierling, Assistente Curatore, Gropius Bau

untitled 2010 (angst essen seele auf, frankfurter allgemeine, september 22, 2008) © Rirkrit Tiravanija, Courtesy: der Künstler / neugerriemschneider, Foto: Jens Ziehe

For more than three decades, Rirkrit Tiravanija has been expanding the possibilities of what can happen in an exhibition space. As part of his practice, the artist creates situations that offer space to eat and drink, play and rest. They encourage chance encounters, relationships and their failure – in other words: life.

Starting 12 September 2024, DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG (Happiness is not always fun) presents more than 80 of the artist’s works created between 1987 and 2024. Throughout his work, Tiravanija, who lives and works partly in Berlin, has often referred to cultural clichés and politics in Germany. In this vein, the exhibition takes its title from the opening sequence of Rainer Werner Fassbinder’s film Ali: Fear Eats the Soul (1974), an important point of reference for Tiravanija.

DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG brings together early installations, experimental 8mm films and photographs as well as regular activations of participatory works.

The installation untitled غداً هو السؤال) 2024 ) (tomorrow is the question) (morgen ist die frage) (jutro jest pytaniem) (завтра это вопрос) (yarindir soru) (Завтра питання) (ngày mai là câu hỏi), consisting of eight ping-pong tables, invites visitors to play in the freely accessible atrium of the Gropius Bau. With the spiral-shaped stage untitled 2024 (demo station no. 8), offering space for daily public performances, the atrium becomes a place where people can come together and spend time with friends and strangers.

Curated by Jenny Schlenzka, Director, Gropius Bau, Yasmil Raymond, Independent Curator, and Christopher Wierling, Assistant Curator, Gropius Bau

(Text: Gropius Bau, Berlin)

Fotografie Forum Frankfurt
13. September 2024 – 5. Januar 2025

MARTIN PARR. EARLY WORKS

Mit der Ausstellung MARTIN PARR. EARLY WORKS zeigt das Fotografie Forum Frankfurt (FFF) einen weiteren Höhepunkt im Jubiläumsjahr 40 JAHRE FFF. Als Beobachter des Lebens ist der ironische und sozialkritische Blick des MAGNUM-Fotografen Martin Parr (*1953, Epsom, Surrey, GB) zu einem festen Bestandteil der Fotografiegeschichte geworden. Erstmals in Deutschland werden Bilder des britischen Fotografen präsentiert, die zwischen 1970 und 1985 entstanden sind.

Vogelclub-Aktivitäten im englischen Surrey, Pilgerfahrten zum Papst in Irland, Ferienorte und Dorfbankette sind nur einige der gesellschaftlichen Aktivitäten, die Martin Parrs erstes Interesse weckten. Mit einer Auswahl von mehr als fünfzig selten gezeigten Schwarz-Weiß-Fotografien konzentriert sich die Ausstellung im FFF auf die Feinheiten der unbemerkten Episoden des Alltags: Ob es sich um die von lokalen Traditionen geprägten Gemeinschaften, das Straßenleben oder das unvergesslich wechselhafte Inselwetter handelt, Parr lässt uns immer zweimal hinschauen, um die humorvollen Seiten des Lebens zu würdigen.

Dazu gehören auch einige von Parrs eindrucksvollen Ansichten, wie die Szene am Buffet in »Mayor of Todmorden’s inaugural banquet« aus dem Jahr 1977, an dem sich hungrige Gäste Schulter an Schulter drängen, um die beste Speise nicht zu verpassen; oder zwei gläubige Katholiken, die 1979 in Dublin auf der Küchenleiter einen Blick auf Papst Johannes Paul II. erhaschen wollen; sowie tierische Protagonisten, wie eine Kuh, die wie ein Ausflügler am Hang von Glastonbury Tor posiert.

MARTIN PARR. EARLY WORKS wurde kuratiert von Celina Lunsford in enger Zusammenarbeit mit dem Fotografen und der Martin Parr Foundation.

Avec l'exposition MARTIN PARR. EARLY WORKS, le Fotografie Forum Frankfurt (FFF) présente un autre temps fort de l'année anniversaire des 40 ans du FFF. En tant qu'observateur de la vie, le regard ironique et sociocritique du photographe de MAGNUM Martin Parr (*1953, Epsom, Surrey, GB) est devenu un élément incontournable de l'histoire de la photographie. Pour la première fois en Allemagne, des visuels du photographe britannique, réalisés entre 1970 et 1985, seront présentés.

Les activités des clubs d'oiseaux dans le Surrey anglais, les pèlerinages au pape en Irlande, les lieux de vacances et les banquets de village ne sont que quelques-unes des activités sociales qui ont suscité le premier intérêt de Martin Parr. Avec une sélection de plus de cinquante photographies en noir et blanc rarement montrées, l'exposition du FFF se concentre sur les subtilités des épisodes inaperçus de la vie quotidienne : qu'il s'agisse des communautés marquées par les traditions locales, de la vie dans la rue ou du temps changeant et inoubliable des îles, Parr nous fait toujours y regarder à deux fois pour apprécier les aspects humoristiques de la vie.

Cela inclut certaines vues impressionnantes de Parr, comme la scène du buffet dans « Mayor of Todmorden's inaugural banquet » de 1977, où des invités affamés se pressent épaule contre épaule pour ne pas manquer le meilleur plat ; ou deux catholiques fervents qui tentent d'apercevoir le pape Jean-Paul II sur l'échelle de cuisine à Dublin en 1979 ; ainsi que des protagonistes animaux, comme une vache qui pose comme un excursionniste sur la pente de Glastonbury Tor.

MARTIN PARR. EARLY WORKS a été organisé par Celina Lunsford en étroite collaboration avec le photographe et la Martin Parr Foundation.

Con la mostra MARTIN PARR. EARLY WORKS, il Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presenta un altro evento di spicco nell'anno del 40° anniversario del FFF. Come osservatore della vita, lo sguardo ironico e socialmente critico del fotografo MAGNUM Martin Parr (*1953, Epsom, Surrey, Regno Unito) è diventato parte integrante della storia della fotografia. Per la prima volta in Germania, saranno presentate immagini del fotografo britannico scattate tra il 1970 e il 1985.

Le attività del club degli uccelli nel Surrey, in Inghilterra, i pellegrinaggi dal Papa in Irlanda, i luoghi di villeggiatura e i banchetti nei villaggi sono solo alcune delle attività sociali che hanno suscitato l'interesse di Martin Parr. Con una selezione di oltre cinquanta fotografie in bianco e nero raramente esposte, la mostra al FFF si concentra sulle sottigliezze degli episodi inosservati della vita quotidiana: che si tratti delle comunità plasmate dalle tradizioni locali, della vita di strada o del clima indimenticabilmente mutevole dell'isola, Parr ci fa sempre guardare due volte per apprezzare il lato umoristico della vita.

Tra questi, alcuni degli scorci più suggestivi di Parr, come la scena del buffet del banchetto inaugurale del sindaco di Todmorden nel 1977, in cui i commensali affamati si accalcano per non perdere il cibo migliore; o due devoti cattolici che cercano di intravedere Papa Giovanni Paolo II sulla scala della cucina a Dublino nel 1979; e anche i protagonisti animali, come una mucca che si atteggia a gitante sulla collina di Glastonbury Tor.

MARTIN PARR. EARLY WORKS è stata curata da Celina Lunsford in stretta collaborazione con il fotografo e la Martin Parr Foundation.

With the exhibition MARTIN PARR. EARLY WORKS, the Fotografie Forum Frankfurt (FFF) is presenting another highlight in the anniversary year of 40 YEARS OF FFF. As an observer of life, the ironic and socially critical eye of MAGNUM photographer Martin Parr (born 1953 in Epsom, Surrey, GB) has become an integral part of the history of photography. For the first time in Germany, the British photographer's images, taken between 1970 and 1985, are being presented.

Bird club activities in Surrey, England, pilgrimages to the Pope in Ireland, holiday resorts and village banquets are just some of the social activities that sparked Martin Parr's initial interest. With a selection of more than fifty rarely shown black-and-white photographs, the exhibition at the FFF focuses on the subtleties of unnoticed episodes of everyday life: whether it's communities shaped by local traditions, street life, or the unforgettably changeable island weather, Parr always makes us look twice to appreciate the humorous sides of life.

These include some of Parr's most striking images, such as the scene at the buffet in “Mayor of Todmorden's inaugural banquet” from 1977, where hungry guests crowd shoulder to shoulder to get the best food; or two devout Catholics on a kitchen ladder in Dublin in 1979, trying to catch a glimpse of Pope John Paul II; and animal protagonists, such as a cow posing like a hiker on the hillside of Glastonbury Tor.

MARTIN PARR. EARLY WORKS was curated by Celina Lunsford in close collaboration with the photographer and the Martin Parr Foundation.

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

C/O Berlin
14. September 2024 – 23. Januar 2025

BERLIN – DIE 90ER JAHRE
OSTKREUZ – Agentur der Fotografen

Berlin in den 90ern: Nach dem Fall der Mauer 1989 befindet sich die Stadt im Übergang, in einem Transitraum zwischen Vergangenheit und Zukunft. Aufbruchstimmung wie Verlustängste liegen nah beieinander und bilden den Grundton dieser Zeit. Einzigartige Möglichkeitsräume eröffnen sich und führen zur Blüte kreativer Zwischennutzungen. Berlin wird zur Metropole der Subkulturen – gleichzeitig beginnt jedoch auch ein Ringen um die Gestaltung der neuen Hauptstadt und ihres Zentrums. Die Potenziale und Utopien der 90er Jahre haben sich nachhaltig in das Bild dieser Stadt eingeschrieben und prägen es bis heute.

Inmitten dieser Umbruchstimmung gründet im Jahr 1990 eine Gruppe von Fotograf: innen aus der ehemaligen DDR die Agentur OSTKREUZ mit Sitz in Ost-Berlin. Diese hat sich seitdem international als eine der wichtigsten Fotoagenturen Deutschlands etabliert. C/O Berlin zeigt in der Ausstellung Arbeiten von neun Mitgliedern der Agentur OSTKREUZ, darunter der Co-Gründer:innen Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler und Werner Mahler sowie von Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting und Maurice Weiss. Diese Fotograf:innen beobachten mit genauem Blick die gesellschaftlichen Veränderungen und die Herausforderungen des Zusammenwachsens der ehemaligen Mauerstadt.

Die Ausstellung Träum Weiter — Berlin, die 90er präsentiert 35 Jahre nach der Gründung der Agentur OSTKREUZ und im Jubiläumsjahr des Mauerfalls rund 200 Arbeiten. Neben einigen Klassikern sind viele noch unveröffentlichte Bilder aus dem Archiv der OSTKREUZ-Fotograf:innen zu sehen. Diese bekommen mit dem Blick von heute eine ganz neue Relevanz und dienen als Material für ein Stimmungsbild dieser prägenden Dekade. Sie spiegeln eine Stadt im Wandel mit all ihren Ambivalenzen wider – beginnend mit dem Mauerfall über den Tanz in den Ruinen der aufblühenden Technoszene bis hin zu den sozialen und wirtschaftlichen Veränderungen sowie der Transformation Berlins zur neuen Hauptstadt. Sie reflektieren die unterschiedlichen Perspektiven der OSTKREUZ-Fotograf:innen und zeigen die komplexen Beziehungen zwischen Mensch und Stadtraum auf.

In einer Zeit, in der globale Veränderungen und politische Umbrüche allgegenwärtig sind, bietet Träum Weiter — Berlin, die 90er wertvolle Einblicke in die Mechanismen und Auswirkungen des gesellschaftlichen Wandels. Zudem würdigt die gemeinsame Ausstellung die jahrelange, enge Zusammenarbeit zwischen C/O Berlin und der Agentur OSTKREUZ.

Träum Weiter — Berlin, die 90er wird von Annette Hauschild (OSTKREUZ), und Boaz Levin (C/O Berlin Foundation) kuratiert. Zur Ausstellung erscheint eine gleichnamige Publikation bei Spector Books.

Berlin dans les années 90 : après la chute du mur en 1989, la ville est en transition, dans un espace de transit entre passé et avenir. L'atmosphère de renouveau et la peur de la perte sont proches l'une de l'autre et constituent le ton général de cette période. Des espaces de possibilités uniques s'ouvrent et conduisent à la floraison d'utilisations intermédiaires créatives. Berlin devient la métropole des sous-cultures - mais en même temps commence une lutte pour l'aménagement de la nouvelle capitale et de son centre. Les potentiels et les utopies des années 90 se sont inscrits durablement dans le visuel de cette ville et l'influencent encore aujourd'hui.

Au milieu de cette atmosphère de changement, un groupe de photographes de l'ex-RDA fonde en 1990 l'agence OSTKREUZ, basée à Berlin-Est. Depuis, cette agence s'est imposée au niveau international comme l'une des plus importantes agences photographiques d'Allemagne. L'exposition de C/O Berlin présente les travaux de neuf membres de l'agence OSTKREUZ, dont les co-fondateurs Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler et Werner Mahler, ainsi que Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting et Maurice Weiss. Ces photographes observent avec un regard attentif les changements sociaux et les défis de la fusion de l'ancienne ville du Mur.

L'exposition Träum Weiter - Berlin, les années 90 présente environ 200 travaux, 35 ans après la création de l'agence OSTKREUZ et en cette année d'anniversaire de la chute du mur. Outre quelques classiques, on peut y voir de nombreux visuels inédits issus des archives des photographes d'OSTKREUZ. Avec le regard d'aujourd'hui, elles acquièrent une toute nouvelle pertinence et servent de matériau pour une image d'ambiance de cette décennie marquante. Elles reflètent une ville en mutation avec toutes ses ambivalences - de la chute du mur de Berlin aux changements sociaux et économiques, en passant par la danse dans les ruines de la scène techno en plein essor et la transformation de Berlin en nouvelle capitale. Elles reflètent les différentes perspectives des photographes d'OSTKREUZ et mettent en évidence les relations complexes entre l'homme et l'espace urbain.

À une époque où les changements globaux et les bouleversements politiques sont omniprésents, Träum Weiter - Berlin, die 90er offre un aperçu précieux des mécanismes et des effets du changement social. De plus, cette exposition commune rend hommage à l'étroite collaboration entre C/O Berlin et l'agence OSTKREUZ qui dure depuis des années.

Träum Weiter - Berlin, les années 90 est organisée par Annette Hauschild (OSTKREUZ), et Boaz Levin (C/O Berlin Foundation). L'exposition sera accompagnée d'une publication du même nom éditée par Spector Books.

Berlino negli anni '90: dopo la caduta del Muro nel 1989, la città è in transizione, in uno spazio di transito tra passato e futuro. Lo spirito di ottimismo e la paura della perdita sono vicini e formano il tono di base di questo periodo. Si aprono spazi unici di opportunità che portano alla fioritura di usi creativi intermedi. Berlino diventa una metropoli di sottoculture - ma allo stesso tempo inizia una lotta per la progettazione della nuova capitale e del suo centro. I potenziali e le utopie degli anni '90 hanno lasciato un segno duraturo nell'immagine di questa città e continuano a caratterizzarla ancora oggi.

Nel bel mezzo di questo clima di sconvolgimento, un gruppo di fotografi dell'ex DDR ha fondato l'agenzia OSTKREUZ a Berlino Est nel 1990. Da allora, si è affermata a livello internazionale come una delle agenzie fotografiche più importanti della Germania. Nella mostra, C/O Berlin presenta le opere di nove membri dell'agenzia OSTKREUZ, tra cui i co-fondatori Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler e Werner Mahler, nonché Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting e Maurice Weiss. Questi fotografi osservano da vicino i cambiamenti sociali e le sfide della crescita comune nell'ex città del Muro.

La mostra Träum Weiter - Berlin, die 90er presenta circa 200 opere a 35 anni dalla fondazione dell'agenzia OSTKREUZ e nell'anno dell'anniversario della caduta del Muro di Berlino. Oltre ad alcuni classici, sono esposte molte immagini ancora inedite provenienti dall'archivio dei fotografi di OSTKREUZ. Esse assumono una rilevanza del tutto nuova se viste dalla prospettiva odierna e servono come materiale per un'immagine suggestiva di questo decennio formativo. Riflettono una città in transizione con tutte le sue ambivalenze - dalla caduta del Muro di Berlino e i balli tra le rovine della fiorente scena techno ai cambiamenti sociali ed economici e alla trasformazione di Berlino nella nuova capitale. Riflettono le diverse prospettive dei fotografi di OSTKREUZ e mostrano le complesse relazioni tra le persone e lo spazio urbano.

In un momento in cui il cambiamento globale e gli sconvolgimenti politici sono onnipresenti, Träum Weiter - Berlin, die 90er offre preziose intuizioni sui meccanismi e sugli effetti del cambiamento sociale. La mostra congiunta onora anche i molti anni di stretta collaborazione tra C/O Berlin e l'agenzia OSTKREUZ.

Träum Weiter - Berlin, die 90er è curata da Annette Hauschild (OSTKREUZ) e Boaz Levin (Fondazione C/O Berlin). La mostra sarà accompagnata da una pubblicazione omonima edita da Spector Books.

Berlin in the 90s: The city found itself in flux after the fall of the Berlin Wall in 1989, caught between past and future. A spirit of optimism battled with fears of loss and defined the mood of this era. Extraordinary new opportunities led to a flourishing of temporary initiatives. Berlin became the city of subcultures, even as controversies raged over the development of the new German capital and its center. The potential futures and utopias of the 1990s left a lasting mark on Berlin’s image and continue to define the city to this day.

A group of photographers from former East Germany founded the photo agency OSTKREUZ in East Berlin during this tumultuous era, in 1990. Today, they are recognized internationally as one of Germany’s most important photo agencies. C/O Berlin shows works by nine OSTKREUZ members, including co-founders Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler, and Werner Mahler, as well as Annette Hauschild, Thomas Meyer, Jordis Antonia Schlösser, Anne Schönharting, and Maurice Weiss. These photographers turned their sharp gaze to societal transformations and the challenges of reunification in a city formerly divided by the Berlin Wall.

With over 200 works, the exhibition Dream On—Berlin, the 90s opens 35 years after OSTKREUZ was founded, in the anniversary year of the fall of the Berlin Wall. Many previously unpublished photographs from the OSTKREUZ photographers’ archive are shown alongside well-known images. Seen today, they take on a wholly new relevance and serve to convey the mood of this defining decade. They reflect a city in flux with all its attendant ambivalences, beginning with the fall of the Wall and dancing in the ruins to the burgeoning techno scene, social and economic changes, and Berlin’s transformation into the new German capital. These images reflect the OSTKREUZ photographers’ unique perspectives, revealing the complex relationship between individuals and urban space.

At a moment when global changes and political upheavals are omnipresent, Dream On—Berlin, the 90s offers valuable insights into the mechanisms and effects of societal transformation. The exhibition also serves to mark the long-standing and close cooperation between C/O Berlin and OSTKREUZ.

Dream On—Berlin, the 90s is curated by Annette Hauschild (OSTKREUZ) and Boaz Levin (C/O Berlin Foundation). The exhibition will be accompanied by a publication of the same name, published by Spector Books.

(Text: C/O Berlin)

Galerie Springer | Berlin
17. September 2024 – 1. Februar 2025

LOOKS LIKE ABSTRACTION

Edward Burtynsky, Janos Frecot, Maria Jauregui Ponte, Ingar Krauss, Natsoumi, Loredana Nemes, Peter Ruehle, Stefanie Seufert, Anna Szprynger

LOOKS LIKE ABSTRACTION geht der Frage nach, ab wann eine Fotografie als abstrakt wahrgenommen wird. War dies von Anfang an die Absicht des Künstlers? Ist nicht jede Fotografie zunächst konkret, um durch den Bildausschnitt zu etwas anderem, beispielsweise zu einem abstrakten Bild, zu werden? Der Rundgang durch die Ausstellung beantwortet einige dieser Fragen, lässt aber auch viel Raum für den freien Flug der Gedanken und Emotionen.

Die Präsentation gliedert sich in zwei Bereiche. Im ersten Bereich werden Fotografien gezeigt, die der Architektur entsprungen sind, im zweiten Teil bietet die Natur Grundlage für die präsentierten Werke. Der zeitliche Bogen spannt sich von den 1960er Jahren bis ins jetzige 2024.

Gastkünstlerin ist die japanische Fotografin Natsoumi, die an der Université de Paris Kunstgeschichte studierte und heute mit ihrer Familie in Miyagi, Japan lebt. Ihre in der Ausstellung gezeigten Arbeiten sind in diesem Jahr entstanden.

Ebenfalls zu Gast ist die Künstlerin Stefanie Seufert. Sie lebt und arbeitet in Berlin. Ihre Werke wurden in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen gezeigt (Berlinsche Galerie, Eskenazi Museum of Art Bloomington, Louisville, Penumbra Foundation NYC u.v.a.). Die skulpturalen Arbeiten in der Ausstellung entstanden 2016.

Janos Frecot ist Fotohistoriker, Autor und war von 1978 bis 2002 Kurator und Leiter der Fotografischen Sammlung am Landesmuseum Berlinische Galerie. Als Fotograf schuf er in den 1960er Jahren eine Berliner Serie, aus der wir eine kleine Auswahl an Werken zeigen.

Der Künstler Peter Ruehle ist mit auf Fotografie basierenden Werken aus seiner Serie Colorland vertreten.

Aus dem Galerie-Programm werden neue Arbeiten von Maria Jauregui Ponte, Loredana Nemes und Anna Szprynger sowie Fotografien von Ingar Krauss und Edward Burtynsky gezeigt.

LOOKS LIKE ABSTRACTION se penche sur la question de savoir à partir de quand une photographie est perçue comme abstraite. Est-ce là l'intention de l'artiste dès le départ ? Toute photographie n'est-elle pas d'abord concrète avant de devenir autre chose, par exemple un visuel abstrait, grâce au cadrage ? Le parcours de l'exposition répond à certaines de ces questions, mais laisse aussi beaucoup de place à la libre envolée des pensées et des émotions.

La présentation se divise en deux parties. Dans la première, les photographies sont issues de l'architecture, dans la seconde, c'est la nature qui sert de base aux œuvres présentées. L'arc temporel s'étend des années 1960 à l'année 2024.

L'artiste invitée est la photographe japonaise Natsoumi, qui a étudié l'histoire de l'art à l'Université de Paris et vit aujourd'hui avec sa famille à Miyagi, au Japon. Les travaux qu'elle présente dans l'exposition ont été réalisés cette année.

L'artiste Stefanie Seufert est également invitée. Elle vit et travaille à Berlin. Ses œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions nationales et internationales (Berlinsche Galerie, Eskenazi Museum of Art Bloomington, Louisville, Penumbra Foundation NYC et bien d'autres). Les œuvres sculpturales de l'exposition ont été réalisées en 2016.

Janos Frecot est historien de la photographie et auteur. De 1978 à 2002, il a été conservateur et directeur de la collection photographique au Landesmuseum Berlinische Galerie. En tant que photographe, il a créé une série berlinoise dans les années 1960, dont nous présentons une petite sélection d'œuvres.

L'artiste Peter Ruehle est représenté par des œuvres basées sur la photographie et issues de sa série Colorland.

De nouveaux travaux de Maria Jauregui Ponte, Loredana Nemes et Anna Szprynger ainsi que des photographies d'Ingar Krauss et d'Edward Burtynsky seront présentés dans le cadre du programme de la galerie.

LOOKS LIKE ABSTRACTION esplora la questione di quando una fotografia viene percepita come astratta. Era questa l'intenzione dell'artista fin dall'inizio? Non è forse vero che ogni fotografia è inizialmente concreta, per poi diventare qualcos'altro, ad esempio un'immagine astratta, attraverso il ritaglio dell'immagine? Il percorso della mostra risponde ad alcune di queste domande, ma lascia anche ampio spazio al libero pensiero e all'emozione.

La presentazione è divisa in due sezioni. Nella prima sezione sono esposte fotografie che hanno origine dall'architettura, mentre nella seconda la natura è alla base delle opere presentate. L'arco cronologico va dagli anni '60 ai giorni nostri, nel 2024.

L'artista ospite è la fotografa giapponese Natsoumi, che ha studiato storia dell'arte all'Università di Parigi e ora vive con la sua famiglia a Miyagi, in Giappone. Le sue opere esposte in mostra sono state realizzate quest'anno.

Un'altra ospite è l'artista Stefanie Seufert. Vive e lavora a Berlino. Le sue opere sono state esposte in numerose mostre nazionali e internazionali (Berlinsche Galerie, Eskenazi Museum of Art Bloomington, Louisville, Penumbra Foundation NYC e molte altre). Le opere scultoree in mostra sono state realizzate nel 2016.

Janos Frecot è uno storico della fotografia, autore ed è stato curatore e responsabile della collezione di fotografia presso il Landesmuseum Berlinische Galerie dal 1978 al 2002. Come fotografo, negli anni Sessanta ha creato una serie berlinese, di cui presentiamo una piccola selezione di opere.

L'artista Peter Ruehle è rappresentato con opere basate sulla fotografia della sua serie Colorland.

Saranno esposte nuove opere di Maria Jauregui Ponte, Loredana Nemes e Anna Szprynger, oltre a fotografie di Ingar Krauss e Edward Burtynsky.

LOOKS LIKE ABSTRACTION explores the question of when a photograph is perceived as abstract. Was this the intention of the artist from the outset? Isn't every photograph initially concrete, only to become something else through the image detail, for example, an abstract image? The tour through the exhibition answers some of these questions, but also leaves plenty of room for the free flight of thoughts and emotions.

The presentation is divided into two sections. In the first section, photographs are shown that originated in architecture, while in the second section, nature provides the basis for the works presented. The temporal arc spans from the 1960s to the present in 2024.

The guest artist is the Japanese photographer Natsoumi, who studied art history at the Université de Paris and now lives with her family in Miyagi, Japan. The works shown in the exhibition were created this year.

Artist Stefanie Seufert is also a guest. She lives and works in Berlin. Her works have been shown in numerous national and international exhibitions (Berlinsche Galerie, Eskenazi Museum of Art Bloomington, Louisville, Penumbra Foundation NYC, among others). The sculptural works in the exhibition were created in 2016.

Janos Frecot is a photo historian and author, and was curator and head of the photographic collection at the Berlinische Galerie state museum from 1978 to 2002. As a photographer, he created a series on Berlin in the 1960s, from which we are showing a small selection of works.

The artist Peter Ruehle is represented with photography-based works from his series Colorland.

New works by Maria Jauregui Ponte, Loredana Nemes and Anna Szprynger, as well as photographs by Ingar Krauss and Edward Burtynsky, will be shown from the gallery program.

Reiss-Engelhorn-Museen | Mannheim
22. September 2024 – 27. April 2025

SACHLICH NEU - Fotografien von August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser

2025 jährt sich die legendäre Mannheimer Ausstellung „Die Neue Sachlichkeit“ zum 100. Mal. Aus diesem Anlass präsentieren die Reiss-Engelhorn-Museen mit dem Forum Internationale Photographie die Sonderausstellung „SACHLICH NEU. Fotografien von August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser“.

Als wichtigste Fotografen der Neuen Sachlichkeit gelten August Sander (1876 – 1964) und Albert Renger-Patzsch (1897 – 1966). Erstmalig bringt die Schau ihre Inkunabeln der 1920er- und 30er Jahre in einen spannenden Dialog mit Foto-Ikonen des renommierten Fotografen Robert Häusser (1924 – 2013).

Häussers Arbeiten im Stile des „Magischen Realismus“ und der „Subjektiven Fotografie“ treten dabei in eine faszinierende Korrespondenzen mit den neusachlichen Meisterwerken. Der Fokus der Ausstellung liegt auf den Themen „Porträt und Menschendarstellungen“, „Industrie und Menschen bei der Arbeit“ sowie „Landschaftsräume“. Die ausgewählten Arbeiten reflektieren die Umbruchszeit zwischen Fortschrittsglauben und -skepsis nach den beiden Weltkriegen, die Zäsur und den Neuanfang sowie die Brüchigkeit unseres Seins in seiner Schönheit und Abgründigkeit.

„SACHLICH NEU“ ist ein Beitrag zum Jubiläumsjahr „Neue Sachlichkeit“ und flankiert eine große Sonderausstellung in der Kunsthalle Mannheim. Zugleich feiern die Reiss-Engelhorn-Museen den 100. Geburtstag von Robert Häusser.

2025 marquera le 100e anniversaire de la légendaire exposition de Mannheim « Die Neue Sachlichkeit ». A cette occasion, les musées Reiss-Engelhorn et le Forum Internationale Photographie présentent l'exposition temporaire « SACHLICH NEU. Photographies d'August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser ».

August Sander (1876 - 1964) et Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) sont considérés comme les photographes les plus importants de la Nouvelle Objectivité. Pour la première fois, l'exposition met en scène leurs incunables des années 1920 et 1930 dans un dialogue passionnant avec des icônes photographiques du célèbre photographe Robert Häusser (1924 - 2013).

Les travaux de Häusser dans le style du « réalisme magique » et de la « photographie subjective » entrent ainsi en correspondance fascinante avec les chefs-d'œuvre néo-scientifiques. L'exposition se concentre sur les thèmes « Portraits et représentations humaines », « Industrie et personnes au travail » ainsi que « Paysages ». Les œuvres sélectionnées reflètent la période de transition entre la foi et le scepticisme dans le progrès après les deux guerres mondiales, la césure et le nouveau départ ainsi que la fragilité de notre être dans sa beauté et son abîme.

« SACHLICH NEU » est une contribution à l'année anniversaire de la “Neue Sachlichkeit” et accompagne une grande exposition spéciale à la Kunsthalle de Mannheim. Parallèlement, les musées Reiss-Engelhorn fêtent le centenaire de la naissance de Robert Häusser.

Nel 2025 ricorre il centesimo anniversario della leggendaria mostra di Mannheim “La nuova oggettività”. Per l'occasione, il Reiss-Engelhorn-Museen e il Forum Internationale Photographie presentano la mostra speciale “SACHLICH NEU. Fotografie di August Sander, Albert Renger-Patzsch e Robert Häusser”.

August Sander (1876 - 1964) e Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) sono considerati i più importanti fotografi del movimento della Nuova Oggettività. Per la prima volta, la mostra mette in dialogo i loro incunaboli degli anni Venti e Trenta con le icone fotografiche del celebre fotografo Robert Häusser (1924-2013).

Le opere di Häusser nello stile del “Realismo magico” e della “Fotografia soggettiva” entrano in un dialogo affascinante con i capolavori della Nuova Oggettività. La mostra si concentra sui temi “Ritratti e rappresentazioni di persone”, “Industria e persone al lavoro” e “Paesaggi”. Le opere selezionate riflettono il periodo di sconvolgimento tra la fede nel progresso e lo scetticismo dopo le due guerre mondiali, la cesura e il nuovo inizio, nonché la fragilità della nostra esistenza nella sua bellezza e nella sua natura abissale.

“SACHLICH NEU” è un contributo all'anniversario della ‘Nuova Oggettività’ e accompagna una grande mostra speciale alla Kunsthalle di Mannheim. Contemporaneamente, i Reiss-Engelhorn-Museen celebrano il centesimo compleanno di Robert Häusser.

2025 is the year of the 100th anniversary of the legendary Mannheim exhibition "New Objectivity". To mark the occasion, the Reiss-Engelhorn Museums and the Forum Internationale Photographie are presenting the special exhibition "SACHLICH NEU. Photographs by August Sander, Albert Renger-Patzsch & Robert Häusser".

August Sander (1876 - 1964) and Albert Renger-Patzsch (1897 - 1966) are considered the most important photographers of the German New Objectivity movement. For the first time, the exhibition juxtaposes their incunabula of the 1920s and 30s with photographic icons by renowned photographer Robert Häusser (1924 - 2013) opening up unexpected and enriching perspectives.

Häusser's post-war works in the style of "Magical Realism" and "Subjective Photography" enter into a fascinating dialogue with the New Objectivity masterpieces. The exhibition focuses on the themes "Portraits and representations of people", "Industrial context and people at work" and "Landscapes". The selected works by Häusser reflect the period of upheaval between belief in progress and skepticism after two world wars, the rupture and the new beginning as well as the fragility of our existence in its beauty and abysmal nature.

"SACHLICH NEU" is a photographic contribution to the "New Objectivity" anniversary year and accompanies a major special exhibition at the Kunsthalle Mannheim. Both coincide with the Reiss-Engelhorn-Museen celebrating the 100th birthday of Robert Häusser.

(Text: Reiss-Engelhorn-Museen, Mannheim)

The Cube | Eschborn
10. Oktober 2024 – 9. März 2025

Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse

Sabiha Çimen, Lynne Cohen, Philip-Lorca diCorcia, Mitch Epstein, Lucas Foglia, Samuel Fosso, Paul Graham, Marvel Harris, Candida Höfer, Lebohang Kganye, Hsu-Pin Lee, Helen Levitt, Dana Lixenberg, Daniel Jack Lyons, Sabelo Mlangeni, Gordon Parks, Inge Rambow, Thomas Ruff, Aida Silvestri, Chi Yin Sim, Vanessa Winship und Tobias Zielony

Besuch im Rahmen von Führungen mit vorheriger Anmeldung über die Homepage sowie am Open Saturday am 30. November zwischen 11 und 16 Uhr

Die Deutsche Börse Photography Foundation präsentiert die Ausstellung «Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse». Die 1999 ins Leben gerufene Sammlung zeitgenössischer Fotografie umfasst heute über 2.300 Werke von rund 160 Künstler*innen aus 35 Nationen. «Look at Us» zeigt Neuerwerbungen der letzten zwei Jahre und veranschaulicht, wie diese den Sammlungskörper bereichern und in den Dialog mit bereits vorhandenen Werkgruppen treten. Anknüpfend an die Leitgedanken des Jubiläumsjahres – Kooperation, Dialog und Vielfalt – vereint die Ausstellung facettenreiche Bildsprachen und Narrative junger sowie etablierter Künstler*innen. Die gezeigten Werkgruppen befassen sich auf vielfältige Weise mit dem zentralen Thema der Art Collection Deutsche Börse, der «conditio humana» – dem Ausloten der Bedingungen des menschlichen Daseins und seiner Verortung in der Welt. Im Rahmen dieser Auseinandersetzung erkunden die Künstler*innen das vielschichtige Verhältnis von Fotografie zu Fragen nach Identität und Gemeinschaft – von persönlichen Erfahrungen über kulturelle und historische Zusammenhänge bis hin zu Fragen von Zugehörigkeit und sozialer Ungleichheit. Darüber hinaus widmen sie sich der komplexen Beziehung zwischen Mensch und Natur, sei es in Form menschlicher Eingriffe in natürliche Lebensräume oder in der wechselseitigen Wirkung urbaner Landschaften auf das Individuum und die Gemeinschaft.

La Deutsche Börse Photography Foundation présente l'exposition « Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse ». Créée en 1999, la collection de photographie contemporaine comprend aujourd'hui plus de 2.300 œuvres d'environ 160 artistes* de 35 nationalités différentes. « Look at Us » présente les nouvelles acquisitions des deux dernières années et illustre comment celles-ci enrichissent le corps de la collection et entrent en dialogue avec des groupes d'œuvres déjà existants. S'appuyant sur les idées directrices de l'année anniversaire - coopération, dialogue et diversité - l'exposition réunit des langages visuels et des récits aux multiples facettes de jeunes artistes* ainsi que d'artistes établis. Les groupes d'œuvres présentés traitent de manière variée du thème central de l'Art Collection Deutsche Börse, la « condition humaine » - la mise à l'épreuve des conditions de l'existence humaine et de son positionnement dans le monde. Dans le cadre de cette confrontation, les artistes* explorent le rapport complexe de la photographie aux questions d'identité et de communauté - des expériences personnelles aux questions d'appartenance et d'inégalité sociale en passant par les contextes culturels et historiques. En outre, ils se consacrent à la relation complexe entre l'homme et la nature, que ce soit sous la forme d'interventions humaines dans des habitats naturels ou dans l'effet réciproque des paysages urbains sur l'individu et la communauté.

La Fondazione Fotografia Deutsche Börse presenta la mostra “Guardateci. 25 anni di collezione d'arte Deutsche Börse”. Istituita nel 1999, la collezione di fotografia contemporanea comprende oggi oltre 2.300 opere di circa 160 artisti provenienti da 35 nazioni. “Look at Us” presenta le nuove acquisizioni degli ultimi due anni e illustra come esse arricchiscano il corpus della collezione ed entrino in dialogo con i gruppi di opere esistenti. Seguendo i principi guida dell'anno dell'anniversario - cooperazione, dialogo e diversità - la mostra riunisce linguaggi visivi e narrazioni multiformi di artisti giovani e affermati. I gruppi di opere in mostra affrontano il tema centrale della Collezione d'Arte Deutsche Börse, la “conditio humana” - l'esplorazione delle condizioni dell'esistenza umana e del suo posto nel mondo. Nell'ambito di questo dialogo, gli artisti esplorano la complessa relazione tra la fotografia e le questioni di identità e comunità - dalle esperienze personali e dai contesti culturali e storici alle questioni di appartenenza e disuguaglianza sociale. Si concentrano inoltre sul complesso rapporto tra uomo e natura, sia sotto forma di interventi umani negli habitat naturali che di impatto reciproco dei paesaggi urbani sull'individuo e sulla comunità.

The Deutsche Börse Photography Foundation presents the exhibition “Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse”. Launched in 1999, the contemporary photography collection now comprises over 2,300 works by around 160 artists from 35 nations. ‘Look at Us’ showcases new acquisitions from the last two years and illustrates how they enrich the collection and enter into dialogue with existing groups of works. In keeping with the guiding principles of the anniversary year – cooperation, dialog and diversity – the exhibition brings together the multifaceted visual languages and narratives of both young and established artists. The groups of works on display address the central theme of the Art Collection Deutsche Börse, the “human condition”, in a variety of ways – exploring the conditions of human existence and its place in the world. In the context of this examination, the artists explore the complex relationship between photography and questions of identity and community – from personal experiences to cultural and historical contexts, to questions of belonging and social inequality. They also address the complex relationship between humans and nature, whether in the form of human intervention in natural habitats or in the reciprocal effect of urban landscapes on the individual and the community.

(Text: Deutsche Börse Photography Foundation)

Haus am Kleistpark | Berlin
18. Oktober – 15. Dezember 2024

Extensions
Inka & Niclas

Das preisgekrönte Künstlerduo Inka und Niclas Lindergård arbeitet vor allem mit Fotografie-basierter Kunst. Im Fokus ihrer vielfältigen Arbeit stehen die Ästhetik der Populärkultur und deren Einfluss auf die menschliche Wahrnehmung von Natur. Mit ihrem Werk bewegen sie sich im Spannungsfeld von übermäßig idealisierter Schönheit und Absurdität, zwischen existentieller Dimension und kitschiger Trivialität.

Das Haus am Kleistpark zeigt Ausschnitte aus Arbeiten der letzten 12 Jahre und gibt so einen Überblick über die Entwicklung des Werks. Präsentiert werden frühe Arbeiten aus Becoming Wilderness (2012) oder Vista Point (2014), Werke aus der prominenten Serie Family Portraits (ab 2015 fortlaufend), wie aus der umfangreichen Reihe 4K Ultra HD (ab 2018) und neueste Produktionen aus Adaptive Colorations (seit 2015 fortlaufend), Extensions (2022/23) oder Sunset Photography (2023).

Zu sehen sind fotografische Bilder wie Objekte, die aus fotografischen Methoden heraus entstanden sind und frei von jeder Kategorisierung zu etwas Eigenem geworden sind. Alle Exponate zeugen als Momentaufnahmen von Ereignissen an konkreten Orten zu einer bestimmten Zeit. Was abgebildet wird, muss für Inka & Niclas vor dem Objektiv der Kamera stattgefunden haben.

Le duo d'artistes primé Inka et Niclas Lindergård travaille principalement avec l'art basé sur la photographie. Leur travail varié se concentre sur l'esthétique de la culture populaire et son influence sur la perception humaine de la nature. Avec leur œuvre, ils évoluent dans le champ de tension entre la beauté idéalisée à outrance et l'absurdité, entre la dimension existentielle et la trivialité kitsch.

La Haus am Kleistpark présente des extraits de travaux des douze dernières années et donne ainsi un aperçu de l'évolution de l'œuvre. Sont présentés les premiers travaux de Becoming Wilderness (2012) ou Vista Point (2014), des œuvres de la série proéminente Family Portraits (en continu à partir de 2015), comme de la vaste série 4K Ultra HD (à partir de 2018) et des productions récentes de Adaptive Colorations (en continu depuis 2015), Extensions (2022/23) ou Sunset Photography (2023).

On peut y voir des visuels photographiques comme des objets qui sont nés de méthodes photographiques et qui, libres de toute catégorisation, sont devenus quelque chose de propre. Toutes les pièces exposées témoignent, en tant qu'instantanés, d'événements survenus dans des lieux concrets à un moment précis. Pour Inka & Niclas, ce qui est représenté doit avoir eu lieu devant l'objectif de l'appareil photo.

La premiata coppia di artisti Inka e Niclas Lindergård lavora principalmente con la fotografia. Il loro lavoro si concentra sull'estetica della cultura popolare e sulla sua influenza sulla percezione umana della natura. Il loro lavoro si muove tra i poli della bellezza eccessivamente idealizzata e dell'assurdità, tra dimensioni esistenziali e banalità kitsch.

La Haus am Kleistpark espone estratti di opere degli ultimi 12 anni, fornendo così una panoramica dello sviluppo del loro lavoro. Saranno presentati i primi lavori di Becoming Wilderness (2012) o Vista Point (2014), le opere della serie di spicco Family Portraits (in corso dal 2015), nonché quelle della vasta serie 4K Ultra HD (dal 2018) e le ultime produzioni di Adaptive Colourations (in corso dal 2015), Extensions (2022/23) o Sunset Photography (2023).

In mostra ci sono immagini fotografiche e oggetti che sono emersi dal metodo fotografico e sono diventati qualcosa di proprio, liberi da qualsiasi categorizzazione. Tutte le mostre sono istantanee di eventi in luoghi specifici in un momento specifico. Per Inka & Niclas, ciò che viene rappresentato deve essere avvenuto davanti all'obiettivo della macchina fotografica.

The award-winning artist duo Inka and Niclas Lindergård primarily work with photography-based art. The focus of their diverse work is the aesthetics of popular culture and its influence on human perception of nature. With their work, they move in the field of tension between overly idealized beauty and absurdity, between existential dimension and kitschy triviality.

The Haus am Kleistpark is showing excerpts from works from the last 12 years, thus providing an overview of the development of the work. Early works from Becoming Wilderness (2012) and Vista Point (2014) will be presented, as well as works from the prominent series Family Portraits (begun in 2015), the extensive series 4K Ultra HD (begun in 2018), and the latest productions from Adaptive Colorations (begun in 2015), Extensions (2022/23), and Sunset Photography (2023).

On display are photographic visuals as well as objects that have been created using photographic methods and have become something of their own, free from any categorization. All exhibits are snapshots of events in specific places at a specific time. For Inka & Niclas, what is depicted must have taken place in front of the camera's lens.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

Leica Galerie Konstanz
19. Oktober 2024 – 13. Januar 2025

Magie des Lichts – Fotografien von 1942 – 1987
Pan Walther

Portrait, Landschaft und Fotografik stehen im Mittelpunkt des jahrzehntelangen Schaffens von Pan Walther. Aufnahmen mit harten Schwarz-Weiß-Kontrasten, Gegenlicht, Unter- oder Aufsichten, Verfremdungseffekten sind charakteristisch für den Künstler, der sich Lichtbildner nannte und das Bilden mit Licht wörtlich nahm. Sein Umgang mit dem Medium ist erfinderisch, kreativ, experimentell, ja spielerisch. Ausgebildet in den Niederlanden und bei Franz Fiedler in seiner Heimatstadt Dresden sowie beeinflusst von der großen Portraitkunst Hugo Erfurths, entwickelt er in den 1940er Jahren eine eigene Methode, die sich keiner Stilrichtung eindeutig zuordnen lässt.

Für seine Portraits wählt Walther neutrale Hintergründe und meist enge Ausschnitte. Den Aufnahmen gehen Licht- und Perspektivstudien voraus. Bei Wilhelm Rudolph konzentriert er sich auf das Profil des Malers. Die raffinierte Lichtregie erforscht und betont die markanten Züge und sie erzeugt eine plastische Wirkung aus Höhen und Tiefen. Einfühlsam und ausdrucksstark ist auch das Halbporträt Josef Hegenbarths, eher eine Beobachtung aus dem Augenblick heraus, die den Maler in zeichnerischer Versunkenheit durchdringt.

1950 zieht Walther mit seiner Frau, der Fotografin Christine Bellmann, aus politischen Gründen von Dresden nach Münster und gründet mit ihr ein neues Atelier, das er bis 1985 betreibt. Neben den Bildnissen berühmter Zeitgenossen, darunter Otto Dix und Willy Brandt, rückt nun auch die Landschafts- und Reisefotografie in den Fokus. Besonders der Mittelmeerraum hat es ihm angetan. In der Türkei fängt er den Zauber antiker Kultstätten ein. Sein Hauptaugenmerk gilt aber weiterhin den Menschen. Wie im Atelier sucht er auch draußen die intensive und lebendige Begegnung mit den Protagonisten. Häufig reist er nach Saintes-Maries-de-la-Mer in der Carmargue, wo sich Sinti und Roma zur Wallfahrt einfinden. Ihre Lebensweise und ihr Temperament kommen dem Freigeist Walther sehr nahe. Als würde er an ihrem Leben teilhaben, erzählt er in atmosphärisch dichten, teils poetischen Bildern von ihren Bräuchen zu Ehren ihrer Schutzpatronin, der schwarzen Sara.

Bis zu seinem Weggang aus Dresden experimentiert Walther auch mit Edeldrucken. Die Kopierverfahren mit feinen Tonabstufungen und reizvollen Oberflächenstrukturen haben eine malerische Anmutung. An ihre Stelle treten formstrenge Bilder mit expressiven schwarzen und weißen Flächenaufteilungen. Die Arbeit in der Dunkelkammer bleibt essentiell, erst hier erhält das Bild durch den gekonnten Einsatz technischer Verfahren seine endgültige Form. In seinen Fotografiken reizt er die Wirkungskraft der künstlerischen Gestaltungsmittel bis zum Äußersten aus, wovon Landschaftsaufnahmen aus Kappadokien oder von der Insel Krk zeugen.

Bis etwa 1980 favorisiert Walther das Einzelbild und steht hinter der Kamera. Dann wechselt er die Seiten, wird sein eigenes Modell und inszeniert sich in verschiedenen Rollen. Mal steht er auf einem wackeligen Podest, entblößt bis auf ein paar Streifen lumpigen Tuchs, mal ist sein nackter Körper von Sonnenblumen und Kohl umhüllt. Die clownesken Auftritte wirken wie eine Ironie gegen sich selbst, können aber auch als eine Art hilfloser Protest gegen die Widrigkeiten des Lebens gelesen werden. Er selbst spricht von seinen Aktionen als liebenswerte Formen einer Abneigung gegen Strammstehen, Heldentum, Totschießenlassen und falsches Ehrgefühl.

Alle ausgestellten Fotografien stammen von der Aufnahme bis zum fertigen Abzug aus der Hand Walthers. Seine Prinzipien und seine Arbeitsweise hat er 1981 und 1986 in „Sehen, Empfinden, Gestalten“ und „Künstlerische Porträt-Fotografie“ in Bild und Text treffend dargestellt.

Le portrait, le paysage et la photographie sont au cœur de l'œuvre de Pan Walther, qui s'étend sur plusieurs décennies. Les prises de vue avec des contrastes durs en noir et blanc, des contre-jours, des contre-plongées ou des vues en plongée, des effets de distanciation sont caractéristiques de l'artiste qui se disait photographe de lumière et prenait au pied de la lettre la création d'images avec la lumière. Son utilisation du médium est inventive, créative, expérimentale, voire ludique. Formé aux Pays-Bas et auprès de Franz Fiedler dans sa ville natale de Dresde, et influencé par le grand art du portrait de Hugo Erfurth, il développe dans les années 1940 sa propre méthode, qui ne peut être clairement rattachée à aucun style.

Pour ses portraits, Walther choisit des arrière-plans neutres et des cadrages généralement serrés. Les prises de vue sont précédées d'études de lumière et de perspective. Dans le cas de Wilhelm Rudolph, il se concentre sur le profil du peintre. La mise en scène raffinée de la lumière explore et souligne les traits marquants et elle crée un effet plastique fait de hauteurs et de profondeurs. Le demi-portrait de Josef Hegenbarth est également sensible et expressif, il s'agit plutôt d'une observation de l'instant qui imprègne le peintre dans un état d'absorption par le dessin.

En 1950, Walther déménage de Dresde à Münster avec sa femme, la photographe Christine Bellmann, pour des raisons politiques, et fonde avec elle un nouvel atelier qu'il gère jusqu'en 1985. Outre les portraits de contemporains célèbres, dont Otto Dix et Willy Brandt, l'accent est désormais mis sur la photographie de paysages et de voyages. Il est particulièrement attiré par le bassin méditerranéen. En Turquie, il capture la magie des lieux de culte antiques. Mais son attention se porte toujours sur les gens. Comme dans son atelier, il cherche à rencontrer ses protagonistes à l'extérieur, de manière intense et vivante. Il se rend souvent aux Saintes-Maries-de-la-Mer, dans le Carmargue, où les Sinti et les Roms se retrouvent en pèlerinage. Leur mode de vie et leur tempérament sont très proches de l'esprit libre de Walther. Comme s'il participait à leur vie, il raconte leurs coutumes en l'honneur de leur patronne, Sara la noire, dans des visuels à l'atmosphère dense et parfois poétique.

Jusqu'à son départ de Dresde, Walther expérimente également des impressions nobles. Les procédés de copie avec de fines nuances de tons et de charmantes structures de surface ont un aspect pictural. Ils sont remplacés par des visuels aux formes strictes, avec des répartitions expressives de surfaces noires et blanches. Le travail en chambre noire reste essentiel, ce n'est qu'ici que le visuel prend sa forme définitive grâce à l'utilisation habile de procédés techniques. Dans ses photographies, il exploite à l'extrême la force d'impact des moyens de création artistique, comme en témoignent les paysages de Cappadoce ou de l'île de Krk.

Jusqu'en 1980 environ, Walther favorise la photo individuelle et se tient derrière l'appareil. Puis il change de camp, devient son propre modèle et se met en scène dans différents rôles. Tantôt il se tient sur un piédestal branlant, dénudé à l'exception de quelques bandes de tissu pouilleux, tantôt son corps nu est enveloppé de tournesols et de choux. Ses apparitions clownesques ressemblent à une ironie contre lui-même, mais peuvent aussi être lues comme une sorte de protestation impuissante contre l'adversité de la vie. Lui-même parle de ses actions comme des formes aimables d'aversion pour le garde-à-vous, l'héroïsme, le fait de se faire tuer et le faux sens de l'honneur.

Toutes les photographies exposées proviennent de la main de Walther, de la prise de vue jusqu'au tirage final. Il a exposé avec pertinence ses principes et sa méthode de travail en 1981 et 1986 dans « Sehen, Empfinden, Gestalten » et « Künstlerische Porträt-Fotografie », en images et en textes.

Ritratti, paesaggi e fotografie sono al centro dell'opera decennale di Pan Walther. Fotografie con aspri contrasti in bianco e nero, controluce, vedute dall'alto o dal basso ed effetti di straniamento sono caratteristiche dell'artista, che si definiva fotografo e prendeva alla lettera l'uso della luce. Il suo approccio al mezzo è inventivo, creativo, sperimentale, persino giocoso. Formatosi nei Paesi Bassi e con Franz Fiedler nella sua città natale, Dresda, e influenzato dalla grande ritrattistica di Hugo Erfurth, negli anni Quaranta sviluppò un proprio metodo che non può essere chiaramente classificato in uno stile particolare.

Per i suoi ritratti, Walther ha scelto sfondi neutri e soprattutto primi piani. Le fotografie sono precedute da studi sulla luce e sulla prospettiva. Nel caso di Wilhelm Rudolph, si concentra sul profilo del pittore. L'illuminazione sofisticata esplora ed enfatizza i tratti salienti e crea un effetto tridimensionale di altezze e profondità. Anche il mezzo ritratto di Josef Hegenbarth è sensibile ed espressivo, più che altro un'osservazione del momento che permea il disegno assorto del pittore.

Nel 1950, Walther si trasferisce da Dresda a Münster con la moglie, la fotografa Christine Bellmann, per motivi politici e fonda con lei un nuovo studio, che gestisce fino al 1985. Oltre ai ritratti di famosi contemporanei, tra cui Otto Dix e Willy Brandt, si dedicò alla fotografia di paesaggio e di viaggio. Era particolarmente appassionato della regione mediterranea. In Turchia ha catturato la magia degli antichi luoghi di culto. Tuttavia, la sua attenzione principale è ancora rivolta alle persone. Come in studio, cerca anche incontri intensi e vivaci con i protagonisti all'aperto. Si reca spesso a Saintes-Maries-de-la-Mer, nel Carmargue, dove Sinti e Rom si riuniscono in pellegrinaggio. Il loro stile di vita e il loro temperamento sono molto vicini allo spirito libero di Walther. Come se partecipasse alla loro vita, racconta le loro usanze in onore della loro patrona, Sara Nera, con immagini dense di atmosfera e talvolta poetiche.

Fino alla sua partenza da Dresda, Walther sperimenta anche la stampa fine. I processi di copiatura con sottili gradazioni tonali e attraenti strutture superficiali hanno un aspetto pittorico. Sono sostituite da immagini strettamente formali con aree espressive in bianco e nero. Il lavoro in camera oscura rimane essenziale; solo qui l'immagine assume la sua forma finale attraverso l'uso sapiente dei processi tecnici. Nelle sue fotografie ha spinto all'estremo la potenza del disegno artistico, come dimostrano le fotografie di paesaggi della Cappadocia o dell'isola di Krk.

Fino al 1980 circa, Walther prediligeva l'immagine singola e stava dietro la macchina fotografica. Poi ha cambiato faccia, è diventato il modello di se stesso e si è messo in scena in vari ruoli. A volte si trova su un piedistallo traballante, spogliato fino a qualche striscia di stoffa stracciata, altre volte il suo corpo nudo è ricoperto di girasoli e cavoli. Le performance clownesche sembrano un'ironia contro se stesso, ma possono anche essere lette come una sorta di protesta impotente contro le avversità della vita. Lui stesso parla delle sue azioni come di forme accattivanti di avversione allo stare sull'attenti, all'eroismo, alla fucilazione e a un falso senso dell'onore.

Tutte le fotografie esposte sono state realizzate da Walther dal momento in cui sono state scattate fino alla stampa finita. I suoi principi e metodi di lavoro sono stati descritti in modo appropriato nel 1981 e nel 1986 in “Sehen, Empfinden, Gestalten” e “Künstlerische Porträt-Fotografie”.

Portraits, landscapes and photography are the focus of Pan Walther's decades of work. Images with harsh black and white contrasts, backlighting, low-angle shots or high-angle shots, and alienation effects are characteristic of the artist, who called himself a “light shaper” and took the forming of light literally. His approach to the medium is inventive, creative, experimental, even playful. Trained in the Netherlands and by Franz Fiedler in his hometown of Dresden, and influenced by the great portraiture of Hugo Erfurth, he developed his own method in the 1940s that cannot be clearly assigned to any particular style.

For his portraits, Walther chooses neutral backgrounds and usually narrow sections. The photographs are preceded by light and perspective studies. In the case of Wilhelm Rudolph, he focuses on the painter's profile. The sophisticated lighting explores and emphasizes the striking features and creates a plastic effect of heights and depths. Josef Hegenbarth's half-length portrait is also empathetic and expressive, more of an observation of the moment, which penetrates the painter in graphic contemplation.

In 1950, Walther and his wife, the photographer Christine Bellmann, moved from Dresden to Münster for political reasons and set up a new studio with her, which he ran until 1985. In addition to portraits of famous contemporaries, including Otto Dix and Willy Brandt, he now also focused on landscape and travel photography. He was particularly taken with the Mediterranean region. In Turkey, he captures the magic of ancient places of worship. But his main focus continues to be on the people. As in his studio, he seeks out intense and lively encounters with the protagonists. He often travels to Saintes-Maries-de-la-Mer in the Carmargue, where Sinti and Roma gather for a pilgrimage. Their way of life and temperament are very close to the free spirit Walther. As if he were part of their lives, he tells of their customs in honor of their patron saint, Black Sara, in atmospherically dense, sometimes poetic images.

Until he left Dresden, Walther also experimented with noble prints. The copying processes with fine tonal gradations and charming surface structures have a painterly look. They are replaced by austere images with expressive black and white surface divisions. The work in the darkroom remains essential; it is only here that the image takes on its final form through the skillful use of technical processes. In his photographics, he pushes the effectiveness of the artistic means of design to the limit, as evidenced by landscape photographs from Cappadocia or the island of Krk.

Until around 1980, Walther favored the single image and stood behind the camera. Then he changed sides, becoming his own model and staging himself in various roles. Sometimes he stands on a wobbly pedestal, naked except for a few strips of ragged cloth; sometimes his naked body is wrapped in sunflowers and cabbages. The clownish performances seem ironic to themselves, but can also be read as a kind of helpless protest against the adversities of life. He himself speaks of his actions as an endearing form of aversion to standing at attention, heroism, being shot dead and false honor.

Walther was responsible for every step of the process from taking the photograph to producing the finished print. In 1981 and 1986, he aptly presented his principles and working methods in text and visual form in his books “Sehen, Empfinden, Gestalten” (Seeing, Feeling, Creating) and “Künstlerische Porträt-Fotografie” (Artistic Portrait Photography).

(Text: Dorothea Cremer-Schacht)

Galerie Bene Taschen | Köln
19. Oktober 2024 – 4. Januar 2025

HIP HOP – Living a Dream
Gregory Bojorquez, Joseph Rodriguez, Jamel Shabazz

Die immersive Ausstellung HIP HOP – Living a Dream mit Werken der Chronisten Jamel Shabazz (*1960), Joseph Rodriguez (*1951) und Gregory Bojorquez (*1972) zu präsentieren. Von den frühen 1980er bis in die 2000er Jahren bieten die drei amerikanischen Fotografen die unterschiedlichsten Einblicke in die Entstehung und Verbreitung der amerikanischen Hip Hop-Kultur. HIP HOP spiegelt den Lebensstil wider, der in Verbindung mit Musik, Graffiti, Breakdance und Fashion zum globalen Phänomen weltweit wurde – von den Straßen New Yorks der 80er Jahre bis hin zu Los Angeles und den Süden der USA, über Europa in die ganze Welt, bis heute. Die Ausstellung wird von Musik, Interviews und Erinnerungsstücken begleitet.

Die Fotografien des in Brooklyn geborenen Fotografen Jamel Shabazz sind zugleich visuelles, persönliches Tagebuch und Zeitdokumente, denn sie erzählen von den Anfängen der Hip Hop-Bewegung in der pulsierenden Metropole New York. In Einzel-, Doppel- oder Gruppenporträts posieren junge Menschen mit den ikonisierten Markenkleidungen. Neben unbekannten Gesichtern sehen wir auch zahlreiche bekannte Protagonisten wie den Erfinder des Headspins Richard Colón oder den als 50 Cent bekannten Gangster Kelvin Martin. Der Zeitgeist New Yorks, den Shabazz in seinen Werken festhält, verkörpert eine bedeutende Ära, geprägt von Musik, Mode und Kunst. Shabazz Liebe für den Hip Hop begann bereits in den frühen 1970er Jahren in Brooklyn, lange noch, bevor dieser Begriff aufkam und bis dahin Rhyming & Mixing hieß.

Als der Hip Hop zum ersten Mal in Übersee auftauchte, war Jamel bei der US Army in Deutschland stationiert. Dort hörte er eine der ersten großen Hip-Hop-Gruppen, Positive Force, deren Debüt-Hit "We got the Funk" 1979 erschien, und kurz darauf wurde "Rappers Delight" von der Sugar Hill Gang veröffentlicht. Seine Liebe zu diesem Genre manifestierte sich in den Bildern, die er im Laufe der Jahrzehnte machte, wobei bewusster Hip Hop den Soundtrack zu vielen Bildern lieferte. Die ersten Hip-Hop-Künstler, die er fotografierte, waren LL Cool J und Public Enemy. Heutzutage werden die Hip Hop-Portraits von Jamel Shabazz mit der Hip Hop-Bewegung gleichgesetzt.

Der ebenfalls in Brooklyn geborene Fotograf Joseph Rodriguez zeigt in seinem dokumentarischen Werk East Side Stories – Gang Life in East L.A. die Gangkultur, deren Auslebung, Facetten, und Lebensrealitäten. Er selbst sagt über diese Zeit: “My interest in going to L.A. began in early 1992. I was strongly influenced by the hip hop coming out of the streets of Los Angeles and other cities across the country. These youth were rapping about the very important issues in their communities. Their music were like the newspapers of the streets.” Neben der Dokumentation von Hip Hop der West- und Ostküste Amerikas, zeigen auch Gruppen in Schweden die vielfältigen, internationalen Ausprägungen des Hip Hops. Von New York als Ursprungsort des Hip Hops ausgehend, kamen kurze Zeit später weitere Städte wie Los Angeles und New Orleans dazu. In New Orleans dokumentierte Rodriguez u.a. Master P und die No Limit Crew.

Die Hip Hop-Szene der 1990/2000er Jahre wird durch die Arbeiten des in Los Angeles geborenen Fotografen Gregory Bojorquez eingefangen. Seine Aufnahmen zeigen Hip Hop-Ikonen wie Snoop Dogg & Tha Dogg Pound (DPG), 50 Cent, Eminem, wie auch OutKast, DMX, Lil Wayne, Jay Z, Missy Elliott, Mos Def, Swizz Beatz und Ice Cube.

Wie der Hip Hop selbst haben auch die drei Fotografen Shabazz, Rodriguez und Bojorquez internationaler Anerkennung erlangt und erreichen ein großes Publikum jenseits der Vereinigten Staaten. Die Arbeiten von Jamel Shabazz befinden sich u.a. in internationalen Sammlungen wie die des Whitney Museum of American Art, der Deutschen Börse Photography Foundation, Frankfurt am Main, der National Gallery of Art, Washington D.C., im J. Paul Getty Museum, L.A. und in der Gordon Parks Foundation, NYC. Arbeiten von Gregory Bojorquez wurden im Vincent Price Art Museum (L.A.), und in internationalen Ausstellungen u.a. in Los Angeles, Köln, Berlin gezeigt. Die Arbeiten von Joseph Rodriguez wurden von Institutionen wie dem Los Angeles County Museum, dem International Center of Photography, NYC, dem Smithsonian American Art Museum, der National Gallery of Art, Washington D.C., dem Museum Ludwig, Köln und der Albertina in Wien in ihren Sammlungen aufgenommen.

Présenter l'exposition immersive HIP HOP - Living a Dream avec les œuvres des chroniqueurs Jamel Shabazz (*1960), Joseph Rodriguez (*1951) et Gregory Bojorquez (*1972). Du début des années 1980 jusqu'aux années 2000, les trois photographes américains offrent les regards les plus divers sur la naissance et la diffusion de la culture hip-hop américaine. Le HIP HOP reflète le style de vie qui, associé à la musique, au graffiti, à la breakdance et à la mode, est devenu un phénomène global dans le monde entier - des rues de New York des années 1980 à Los Angeles et au sud des États-Unis, en passant par l'Europe et le monde entier, jusqu'à aujourd'hui. L'exposition est accompagnée de musique, d'interviews et de souvenirs.

Les photographies du photographe Jamel Shabazz, né à Brooklyn, sont à la fois un journal personnel visuel et des documents d'époque, car elles racontent les débuts du mouvement hip-hop dans la métropole vibrante de New York. Dans des portraits individuels, doubles ou de groupe, des jeunes gens posent avec les vêtements iconiques de la marque. Outre des visages inconnus, nous voyons également de nombreux protagonistes connus comme l'inventeur du headspin Richard Colón ou le gangster Kelvin Martin, connu sous le nom de 50 Cent. L'esprit de l'époque de New York, que Shabazz capture dans ses œuvres, incarne une époque importante, marquée par la musique, la mode et l'art. L'amour de Shabazz pour le hip-hop a commencé dès le début des années 1970 à Brooklyn, bien avant l'apparition de ce terme qui s'appelait jusqu'alors Rhyming & Mixing.

Lorsque le hip-hop est apparu pour la première fois outre-Atlantique, Jamel était stationné dans l'armée américaine en Allemagne. C'est là qu'il a écouté l'un des premiers grands groupes de hip-hop, Positive Force, dont le premier tube « We got the Funk » est sorti en 1979, suivi peu après par « Rappers Delight » du Sugar Hill Gang. Son amour pour le genre s'est manifesté dans les visuels qu'il a réalisés au fil des décennies, le hip-hop conscient fournissant la bande-son de nombreux visuels. Les premiers artistes hip-hop qu'il a photographiés étaient LL Cool J et Public Enemy. De nos jours, les portraits hip-hop de Jamel Shabazz sont assimilés au mouvement hip-hop.

Dans son œuvre documentaire East Side Stories - Gang Life in East L.A., le photographe Joseph Rodriguez, également né à Brooklyn, montre la culture des gangs, son expression, ses facettes, et les réalités de la vie. Il dit lui-même à propos de cette période : « Mon intérêt pour aller à L.A. a commencé tôt en 1992. J'ai été fortement influencé par le hip hop qui sortait des rues de Los Angeles et d'autres villes à travers le pays. Ces jeunes rappaient sur les questions très importantes de leurs communautés. Leur musique était comme les journaux de la rue ». Outre la documentation sur le hip-hop des côtes ouest et est de l'Amérique, des groupes en Suède montrent également les diverses expressions internationales du hip-hop. Partant de New York comme lieu d'origine du hip-hop, d'autres villes comme Los Angeles et la Nouvelle-Orléans sont venues s'y ajouter peu de temps après. A la Nouvelle-Orléans, Rodriguez a documenté entre autres Master P et le No Limit Crew.

La scène hip-hop des années 1990/2000 est capturée par les travaux du photographe Gregory Bojorquez, né à Los Angeles. Ses photos montrent des icônes du hip-hop comme Snoop Dogg & Tha Dogg Pound (DPG), 50 Cent, Eminem, ainsi qu'OutKast, DMX, Lil Wayne, Jay Z, Missy Elliott, Mos Def, Swizz Beatz et Ice Cube.

Tout comme le hip-hop lui-même, les trois photographes Shabazz, Rodriguez et Bojorquez ont acquis une reconnaissance internationale et touchent un large public au-delà des États-Unis. Les travaux de Jamel Shabazz font partie de collections internationales telles que celles du Whitney Museum of American Art, de la Deutsche Börse Photography Foundation, Francfort-sur-le-Main, de la National Gallery of Art, Washington D.C., du J. Paul Getty Museum, L.A. et de la Gordon Parks Foundation, NYC. Les travaux de Gregory Bojorquez ont été présentés au Vincent Price Art Museum (L.A.), et dans des expositions internationales, notamment à Los Angeles, Cologne et Berlin. Les travaux de Joseph Rodriguez ont été intégrés dans les collections d'institutions telles que le Los Angeles County Museum, l'International Center of Photography, NYC, le Smithsonian American Art Museum, la National Gallery of Art, Washington D.C., le Museum Ludwig, Cologne et l'Albertina de Vienne.

Presenta la mostra immersiva HIP HOP - Living a Dream con opere dei cronisti Jamel Shabazz (*1960), Joseph Rodriguez (*1951) e Gregory Bojorquez (*1972). Dall'inizio degli anni Ottanta agli anni Duemila, i tre fotografi americani offrono un'ampia varietà di spunti sulla nascita e la diffusione della cultura hip hop americana. HIP HOP riflette lo stile di vita che, in combinazione con la musica, i graffiti, la breakdance e la moda, è diventato un fenomeno globale in tutto il mondo - dalle strade di New York negli anni '80 a Los Angeles e al sud degli Stati Uniti, passando per l'Europa e il mondo intero, fino ai giorni nostri. La mostra è accompagnata da musica, interviste e memorabilia.

Le fotografie del fotografo Jamel Shabazz, nato a Brooklyn, sono al tempo stesso un diario visivo e personale e documenti contemporanei che raccontano gli inizi del movimento hip hop nella vibrante metropoli di New York. In ritratti singoli, doppi o di gruppo, i giovani posano indossando gli abiti del marchio iconizzato. Oltre a volti sconosciuti, vediamo anche numerosi protagonisti noti come l'inventore dell'headspin Richard Colón o il gangster Kelvin Martin, noto come 50 Cent. Lo zeitgeist di New York, che Shabazz cattura nelle sue opere, incarna un'epoca importante caratterizzata da musica, moda e arte. L'amore di Shabazz per l'hip hop nasce a Brooklyn nei primi anni Settanta, molto prima che il termine fosse coniato e fosse conosciuto come Rhyming & Mixing.

Quando l'hip hop emerse per la prima volta oltreoceano, Jamel era di stanza in Germania con l'esercito americano. Fu lì che ascoltò uno dei primi grandi gruppi hip hop, i Positive Force, il cui successo di debutto “We got the Funk” fu pubblicato nel 1979, e poco dopo “Rappers Delight” fu pubblicato dalla Sugar Hill Gang. Il suo amore per il genere si è manifestato nelle immagini che ha realizzato nel corso dei decenni, con l'hip hop consapevole a fare da colonna sonora a molte delle immagini. I primi artisti hip-hop che ha fotografato sono stati LL Cool J e Public Enemy. Oggi i ritratti hip hop di Jamel Shabazz sono equiparati al movimento hip hop.

Nel suo lavoro documentario East Side Stories - Gang Life in East L.A., il fotografo Joseph Rodriguez, anch'egli nato a Brooklyn, mostra la cultura delle gang, le sue espressioni, le sfaccettature e le realtà della vita. Lui stesso racconta di questo periodo: “Il mio interesse per L.A. è iniziato all'inizio del 1992, fortemente influenzato dall'hip hop che usciva dalle strade di Los Angeles e di altre città del Paese. Questi giovani rappavano su questioni molto importanti delle loro comunità. Le loro musiche erano come i giornali di strada”. Oltre alla documentazione dell'hip hop sulle coste occidentali e orientali dell'America, i gruppi svedesi mostrano anche le diverse forme internazionali di hip hop. Partendo da New York come luogo di nascita dell'hip hop, poco dopo si sono aggiunte altre città come Los Angeles e New Orleans. A New Orleans, Rodriguez ha documentato Master P e la No Limit Crew, tra gli altri.

La scena hip hop degli anni 1990/2000 è catturata dal lavoro del fotografo Gregory Bojorquez, nato a Los Angeles. Le sue fotografie mostrano icone dell'hip hop come Snoop Dogg & Tha Dogg Pound (DPG), 50 Cent, Eminem, ma anche OutKast, DMX, Lil Wayne, Jay Z, Missy Elliott, Mos Def, Swizz Beatz e Ice Cube.

Come l'hip hop stesso, i tre fotografi Shabazz, Rodriguez e Bojorquez hanno ottenuto un riconoscimento internazionale e raggiungono un vasto pubblico oltre gli Stati Uniti. Le opere di Jamel Shabazz si trovano in collezioni internazionali come il Whitney Museum of American Art, la Deutsche Börse Photography Foundation di Francoforte sul Meno, la National Gallery of Art di Washington D.C., il J. Paul Getty Museum di Los Angeles e la Gordon Parks Foundation di New York. Le opere di Gregory Bojorquez sono state esposte al Vincent Price Art Museum (Los Angeles) e in mostre internazionali a Los Angeles, Colonia, Berlino e altrove. Le opere di Joseph Rodriguez sono state incluse nelle collezioni di istituzioni come il Los Angeles County Museum, l'International Center of Photography di New York, lo Smithsonian American Art Museum, la National Gallery of Art di Washington D.C., il Museum Ludwig di Colonia e l'Albertina di Vienna.

The immersive exhibition HIP HOP – Living a Dream presents works by the chroniclers Jamel Shabazz (b. 1960), Joseph Rodriguez (b. 1951), and Gregory Bojorquez (b. 1972). From the early 1980s to the 2000s, the three American photographers offer a wide range of insights into the emergence and spread of American hip hop culture. HIP HOP reflects the lifestyle that has become a global phenomenon worldwide in connection with music, graffiti, breakdancing and fashion – from the streets of New York in the 1980s to Los Angeles and the southern United States, across Europe and around the world, to the present day. The exhibition is accompanied by music, interviews and memorabilia.

The photographs of the Brooklyn-born photographer Jamel Shabazz are both a visual, personal diary and a contemporary document, telling of the beginnings of the hip hop movement in the pulsating metropolis of New York. In single, double or group portraits, young people pose with the iconic brand-name clothing. Alongside unfamiliar faces, we also see numerous well-known protagonists such as the inventor of the headspin, Richard Colón, or the gangster Kelvin Martin, better known as 50 Cent. The spirit of New York, which Shabazz captures in his works, embodies an important era, shaped by music, fashion and art. Shabazz's love for hip hop began in the early 1970s in Brooklyn, long before the term was coined and until then rhyming and mixing was called.

When hip hop first appeared overseas, Jamel was stationed in Germany with the US Army. There he heard one of the first big hip hop groups, Positive Force, whose debut hit “We got the Funk” was released in 1979, and shortly after that “Rappers Delight” by the Sugar Hill Gang was released. His love for the genre manifested itself in the visuals he created over the decades, with hip hop consciously providing the soundtrack to many of them. The first hip hop artists he photographed were LL Cool J and Public Enemy. Today, Jamel Shabazz's hip hop portraits are equated with the hip hop movement itself.

In his documentary work East Side Stories – Gang Life in East L.A., photographer Joseph Rodriguez, who was also born in Brooklyn, shows the gang culture, its facets and realities of life. He himself says about this time: “My interest in going to L.A. began in early 1992. I was strongly influenced by the hip hop coming out of the streets of Los Angeles and other cities across the country. These youth were rapping about the very important issues in their communities. Their music were like the newspapers of the streets.” In addition to the documentation of hip hop on the east and west coasts of the United States, groups in Sweden also show the diverse, international forms that hip hop has taken. Starting from New York as the place of origin of hip hop, other cities such as Los Angeles and New Orleans were added shortly afterwards. In New Orleans, Rodriguez documented Master P and the No Limit crew, among others.

The hip hop scene of the 1990s and 2000s is captured in the work of Los Angeles-born photographer Gregory Bojorquez. His photographs show hip hop icons such as Snoop Dogg & Tha Dogg Pound (DPG), 50 Cent, Eminem, as well as OutKast, DMX, Lil Wayne, Jay Z, Missy Elliott, Mos Def, Swizz Beatz and Ice Cube.

Like hip hop itself, the three photographers Shabazz, Rodriguez and Bojorquez have gained international recognition and reach a large audience beyond the United States. Jamel Shabazz's work is included in international collections such as the Whitney Museum of American Art, the Deutsche Börse Photography Foundation, Frankfurt am Main, the National Gallery of Art, Washington D.C., the J. Paul Getty Museum, L.A. and the Gordon Parks Foundation, NYC. Works by Gregory Bojorquez have been shown at the Vincent Price Art Museum (L.A.) and in international exhibitions in Los Angeles, Cologne, Berlin, among other places. The work of Joseph Rodriguez has been taken up into the collections of institutions such as the Los Angeles County Museum, the International Center of Photography, NYC, the Smithsonian American Art Museum, the National Gallery of Art, Washington D.C., the Museum Ludwig, Cologne and the Albertina in Vienna.

(Text: Galerie Bene Taschen, Köln)

Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg
25. Oktober 2024 – 27. April 2025

Pinar Öğrenci / Nuri Musluoğlu. Fotografie neu ordnen: Protestbilder

Im Rahmen der Ausstellungsreihe „Fotografie neu ordnen“ im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) treffen zwei Generationen mit Migrationserfahrung aufeinander: Die kurdische Künstlerin Pınar Öğrenci wurde eingeladen, sich mit den Protestbildern des deutsch-türkischen Amateurfotografen Nuri Musluoğlu zu beschäftigen. In ihrer eigens für das Museum entwickelten multimedialen Installation, die auf dem Foto-, Video- und Tonarchiv von Nuri Musluoğlu basiert, reflektiert Pınar Öğrenci die Arbeiter*innenbewegung und Migrationsgesellschaft in der Bundesrepublik der 1970er und 1980er Jahre aus heutiger Perspektive. Darüber hinaus vertiefen ausgewählte Bildstrecken und Artikel aus der 1973 in Hamburg gegründeten politischen Zeitschrift „Arbeiterfotografie“ den historischen Kontext der Ausstellung und geben Einblicke in ein Leben im Exil, in Wohn- und Arbeitsverhältnisse, Frauenarbeit, die Friedensbewegung und ungleiche Bildungschancen von Migrant*innen in den 1980er Jahren.

Pinar Öğrenci: Migration und ihre Darstellung stehen im Zentrum des künstlerischen Schaffens von Pınar Öğrenci (* 1973 in Van, Türkei), die oftmals mit Archivmaterial arbeitet. Ihr multimedialer Zugang zu historischem und zeitgenössischem Material sowie der Fokus auf persönliche Biografien ermöglichen dabei eine kritische Betrachtung migrationspolitischer Umstände und Entscheidungen. In ihrer aktuellen Arbeit für das MK&G untersucht die Künstlerin Musluoğlus Archivmaterial des deutsch-türkisch-kurdischen Zusammenlebens von 1975 bis 1988 – darunter Aufnahmen von Protestaktionen, Friedensmärschen, Sommerfesten, Musikaufführungen und Sportveranstaltungen sowie das Leben der eigenen Familie. Sie interpretiert die Protestkultur in der Türkei anhand der Fotografien und Super 8-Filme Musluoğlus neu und stellt sie in den Kontext von Praktiken des Widerstands und der Solidarität.

Pınar Öğrenci studierte Architektur und Restaurierung an der Yıldız Technical University in Istanbul und emigrierte 2018 nach Deutschland. Ihre erste Einzelausstellung zeigte sie am Kunsthaus Wien (2017), darüber hinaus waren ihre Werke auf der Documenta fifteen (2022), in der Berlinischen Galerie (2023), der Venedig Biennale (2024) und im Frac Bretagne (2024) vertreten. Zudem wurde Öğrenci mehrfach ausgezeichnet, 2022 war sie für den Preis der Böttcherstraße nominiert und 2023 erhielt sie den Villa Romana Preis. Pınar Öğrenci lebt in Berlin.

Nuri Musluoğlu: 1965 folgte Nuri Musluoğlu (* 1951 in Istanbul, Türkei) seinen Eltern in die BRD und absolvierte eine Lehre als Werkzeugmacher, später arbeitete er als Sozialarbeiter bei der Arbeiterwohlfahrt. Parallel war er politisch aktiv, unter anderem in den Gewerkschaften IG Metall und Verdi sowie der Friedensbewegung. Gemeinsam mit anderen Akteur*innen gründete er ein deutsch-türkisches Kulturzentrum in Heilbronn. Neben seinen Protestbildern, die auf über 100 Demonstrationen entstanden sind, dokumentiert Musluoğlu deutsch-türkisches Zusammenleben sowie die Fremdenfeindlichkeit im öffentlichen Raum und Lebensbedingungen in Asylunterkünften auch in Super 8-Filmen und Tonaufnahmen. Seit 1985 veröffentlicht Musluoğlu Fotos unter verschiedenen Pseudonymen in der linksgerichteten in Deutschland erscheinenden Wochenzeitung für Arbeiter*innen und politisch Schutzsuchende „Türkiye Postası“. Zeitweilig produziert er auch eine Fernsehsendung, die er auf VHS-Kassetten in Umlauf bringt. Nuri Musluoğlu lebt in Heilbronn und Bodrum, Türkei.

Dans le cadre de la série d'expositions « Réorganiser la photographie » au Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G), deux générations ayant une expérience de l'immigration se rencontrent : l'artiste kurde Pınar Öğrenci a été invitée à se pencher sur les images de protestation du photographe amateur germano-turc Nuri Musluoğlu. Dans son installation multimédia spécialement conçue pour le musée et basée sur les archives photographiques, vidéo et sonores de Nuri Musluoğlu, Pınar Öğrenci réfléchit au mouvement ouvrier* et à la société d'immigration en République fédérale d'Allemagne dans les années 1970 et 1980 dans une perspective contemporaine. En outre, une sélection de séries d'images et d'articles tirés de la revue politique « Arbeiterfotografie », fondée en 1973 à Hambourg, approfondissent le contexte historique de l'exposition et donnent un aperçu de la vie en exil, des conditions de logement et de travail, du travail des femmes, du mouvement pour la paix et des inégalités dans les chances de formation des migrants* dans les années 1980.

Pinar Öğrenci : la migration et sa représentation sont au cœur de la création artistique de Pınar Öğrenci (née en 1973 à Van, Turquie), qui travaille souvent avec des documents d'archives. Son approche multimédia du matériel historique et contemporain, ainsi que l'accent mis sur les biographies personnelles, lui permettent de porter un regard critique sur les circonstances et les décisions en matière de politique migratoire. Dans son travail actuel pour le MK&G, l'artiste examine les archives de Musluoğlu sur la cohabitation germano-turque-kurde de 1975 à 1988 - notamment des enregistrements d'actions de protestation, de marches pour la paix, de festivals d'été, de spectacles musicaux et d'événements sportifs ainsi que la vie de sa propre famille. Elle réinterprète la culture de la protestation en Turquie à partir des photographies et des films super 8 de Musluoğlu et les replace dans le contexte des pratiques de résistance et de solidarité.

Pınar Öğrenci a étudié l'architecture et la restauration à l'université technique de Yıldız à Istanbul et a émigré en Allemagne en 2018. Elle a présenté sa première exposition individuelle au Kunsthaus Wien (2017), et ses œuvres ont en outre été exposées à la Documenta fifteen (2022), à la Berlinische Galerie (2023), à la Biennale de Venise (2024) et au Frac Bretagne (2024). En outre, Öğrenci a été récompensée à plusieurs reprises, en 2022 elle a été nominée pour le prix de la Böttcherstraße et en 2023 elle a reçu le prix Villa Romana. Pınar Öğrenci vit à Berlin.

Nuri Musluoğlu : en 1965, Nuri Musluoğlu (né en 1951 à Istanbul, Turquie) a suivi ses parents en RFA et a effectué un apprentissage d'outilleur, puis a travaillé comme travailleur social pour l'Arbeiterwohlfahrt. Parallèlement, il a été actif en politique, notamment dans les syndicats IG Metall et Verdi ainsi que dans le mouvement pour la paix. Avec d'autres acteurs*, il a fondé un centre culturel germano-turc à Heilbronn. En plus de ses images de protestation réalisées lors de plus de 100 manifestations, Musluoğlu documente la cohabitation germano-turque ainsi que la xénophobie dans l'espace public et les conditions de vie dans les centres d'asile, également dans des films Super 8 et des enregistrements sonores. Depuis 1985, Musluoğlu publie des photos sous différents pseudonymes dans l'hebdomadaire de gauche « Türkiye Postası », publié en Allemagne et destiné aux travailleurs et aux personnes en quête de protection politique. De temps en temps, il produit également une émission de télévision qu'il fait circuler sur des cassettes VHS. Nuri Musluoğlu vit à Heilbronn et à Bodrum, en Turquie.

Nell'ambito della serie di mostre “Reorganising Photography” al Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G), due generazioni con esperienza di migrazione si incontrano: l'artista curda Pınar Öğrenci è stata invitata a confrontarsi con le immagini di protesta del fotografo amatoriale turco-tedesco Nuri Musluoğlu. Nella sua installazione multimediale sviluppata appositamente per il museo, che si basa sull'archivio fotografico, video e sonoro di Nuri Musluoğlu, Pınar Öğrenci riflette sul movimento operaio e sulla società della migrazione nella Repubblica Federale Tedesca degli anni '70 e '80 dalla prospettiva di oggi. Inoltre, serie fotografiche selezionate e articoli tratti dalla rivista politica “Arbeiterfotografie”, fondata ad Amburgo nel 1973, approfondiscono il contesto storico della mostra e forniscono approfondimenti sulla vita in esilio, sulle condizioni di vita e di lavoro, sul lavoro femminile, sul movimento per la pace e sulle diseguali opportunità di istruzione per i migranti negli anni Ottanta.

Pinar Öğrenci: La migrazione e la sua rappresentazione sono al centro del lavoro artistico di Pınar Öğrenci (* 1973 a Van, Turchia), che lavora spesso con materiale d'archivio. Il suo approccio multimediale al materiale storico e contemporaneo e la sua attenzione alle biografie personali le permettono di guardare in modo critico alle circostanze e alle decisioni in materia di politica migratoria. Nel suo attuale lavoro per il MK&G, l'artista Musluoğlus esamina il materiale d'archivio della coesistenza tedesco-turco-curda dal 1975 al 1988 - comprese le registrazioni di azioni di protesta, marce per la pace, festival estivi, spettacoli musicali ed eventi sportivi, nonché la vita della sua famiglia. L'autrice reinterpreta la cultura della protesta in Turchia utilizzando le fotografie e i filmati Super 8 di Musluoğlu e li colloca nel contesto delle pratiche di resistenza e solidarietà.

Pınar Öğrenci ha studiato architettura e restauro presso l'Università Tecnica Yıldız di Istanbul ed è emigrata in Germania nel 2018. Ha tenuto la sua prima mostra personale alla Kunsthaus Wien (2017) e le sue opere sono state esposte anche a Documenta quindici (2022), Berlinische Galerie (2023), Biennale di Venezia (2024) e Frac Bretagne (2024). Öğrenci ha anche ricevuto diversi premi: nel 2022 è stata nominata per il Premio Böttcherstraße e nel 2023 ha ricevuto il Premio Villa Romana. Pınar Öğrenci vive a Berlino.

Nuri Musluoğlu: Nuri Musluoğlu (*1951 a Istanbul, Turchia) ha seguito i genitori in Germania nel 1965 e ha completato un apprendistato come attrezzista, lavorando poi come assistente sociale per l'Associazione dei lavoratori. Allo stesso tempo è stato attivo politicamente, anche nei sindacati IG Metall e Verdi e nel movimento per la pace. Insieme ad altri attivisti, ha fondato un centro culturale turco-tedesco a Heilbronn. Oltre alle sue immagini di protesta, scattate in oltre 100 manifestazioni, Musluoğlu documenta anche la coesistenza turco-tedesca, la xenofobia negli spazi pubblici e le condizioni di vita nei centri di accoglienza in filmati Super 8 e registrazioni sonore. Dal 1985, Musluoğlu pubblica foto sotto vari pseudonimi sul settimanale di sinistra per lavoratori e persone in cerca di protezione politica “Türkiye Postası”, pubblicato in Germania. A volte produce anche un programma televisivo che diffonde su cassette VHS. Nuri Musluoğlu vive a Heilbronn e a Bodrum, in Turchia.

As part of the exhibition series “Reconsidering Photography” at the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G), two generations with migration experience in Germany come together: Kurdish artist Pınar Öğrenci was invited to engage with the protest images of German-Turkish amateur photographer Nuri Musluoğlu. In her multimedia installation including materials from Nuri Musluoğlu's photography, video and sound archive, developed especially for the museum, Pınar Öğrenci reflects on the West German labour movement of the 1970s and 80s and on what a migration society means for Germany today. In addition, selected photo spreads and articles from the political journal Arbeiterfotografie, founded in Hamburg in 1973, introduce the historical background for the exhibition and provide insights into a life in exile, living and working conditions, women's work, the peace movement and unequal educational opportunities for migrants in the 1980s.

Pinar Öğrenci: Migration and its representation are at the centre of the artistic practice of Pınar Öğrenci (b. 1973 in Van, Turkey, lives in Berlin). She often works with archival materials and personal biographies, taking a multimedia approach to historical and contemporary materials in order to critically examine the circumstances behind and decisions made on migration policy. Pınar Öğrenci’s site-specific installation is based on documentary footage tracing German-Turkish-Kurdish community life and a number of demonstrations that Nuri Musluoğlu recorded from 1975 to 1988. The images show protest actions, strikes and peace marches, summer festivals, performances by musicians in exile, sport clubs, weddings, and other celebrations as well as life of Musluoğlu’s family and friends. Öğrenci reinterprets protest culture from Turkey by using Musluoğlu’s photos and Super 8 films and puts them in the context of practices of resistance and solidarity.

Pınar Öğrenci studied architecture and conservation at Yıldız Technical University in Istanbul and emigrated to Germany in 2018. She had her first solo show at Kunsthaus Wien (2017) and exhibited her work at venues such as documenta fifteen (2022), Berlinische Galerie (2023), the Venice Biennale (2024) and Frac Bretagne (2024). In 2023 she was awarded the Villa Romana Prize, Florence. Öğrenci was nominated for the Böttcherstrasse Prize in 2022.

Nuri Musluoğlu: Nuri Musluoğlu (b. 1951 in Istanbul, Turkey, lives in Heilbronn and Bodrum) followed his parents to Germany in 1965 and completed an apprenticeship as a toolmaker. Among others, he worked in parallel for the IG Metall and Verdi Trade Union and later as a social worker for the Workers’ Welfare Association. Committed to serving as a mouthpiece for people with a migration background, he co-founded a German-Turkish cultural centre in Heilbronn and was involved in the peace movement. Musluoğlu documented German-Turkish coexistence, xenophobia in public spaces and the conditions in asylum centres by photographing, filming and audio recording over 100 demonstrations in which he himself took part.

Since 1985, Musluoğlu has published his images under various pseudonyms in the left-wing weekly newspaper for workers and political asylum seekers called Türkiye Postası, which is published in Germany.

(Text: Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg)

Stadthaus Ulm
6. Oktober 2024 – 12. Januar 2025

HOME AGAIN - Migration | Zuhause | Erinnerung
M L Casteel, Hannah Darabi, Göran Gnaudschun, Andy Heller, Ulrike Kolb, Oliver Krebs, Eva Leitolf, Wiebke Loeper, Ute Mahler und Werner Mahler, Jana Sophia Nolle, Ingmar Björn Nolting, Peter Piller, Minna Rainio und Mark Roberts, Elena Subach

Die Welt befindet sich in einem Prozess der Transformation, welcher sich in einer zunehmenden Zahl von Krisen äußert. Durch die Globalisierung, den Klimawandel, technologische Entwicklungen, Kriege und deren weitreichende Folgen, sowie politische und demografische Veränderungen verschwinden bekannte Strukturen, ohne dass neue Ordnungen sie bereits vollständig ersetzt hätten.

Wie finden Menschen während und nach Krisen zueinander? Wie zurück zu ihrer Mitte? Wie ihr, vielleicht auch neues, Zuhause? Die Gruppenausstellung HOME AGAIN zeigt 14 Positionen zeitgenössischer Fotografie und Videokunst, die die menschliche Anpassungsfähigkeit einer sich rasant wandelnden Gesellschaft untersuchen. Aufgrund ihrer anhaltenden Aktualität zeigt das Stadthaus Ulm die Ausstellung, die von dem Kuratoren Team Andy Heller und Oliver Krebs 2022 für das Willy Brandt Haus in Berlin konzipiert wurde, in einer erweiterten Form.

Der Dreiklang aus Migration | Zuhause | Erinnerung bildet das Zentrum der Ausstellung, um das sich die einzelnen Positionen gruppieren. Das Medium der Fotografie wird dabei zu einem Instrument, mit dem die Fotografinnen und Fotografen weit über das Dokumentarische hinausblicken und sich mit Reaktionen auf die globalen Transformationsprozesse beschäftigen. Ausgangspunkte sind dabei elementare Themen wie die Klimaerwärmung und der damit verbundene Zerfall von natürlichen Lebensräumen oder die Massenmigration und die fortschreitende Zersplitterung unserer Gesellschaft.

Sich der Ohnmacht zu widersetzen, die Kraft aufzubringen, bekannte Muster aufzugeben und die neuen Realitäten anzunehmen, sind Strategien, die im Umgang mit Krisen von hoher Bedeutung sind. Diese fordern nicht nur unsere Resilienz, sondern bieten auch eine Chance, stimmigere Ordnungen zu formulieren, sich neu zu beheimaten und als Gemeinschaft zueinanderzufinden.

Genau hinzuschauen und herauszufinden, welche Lösungen die Gemeinschaft dabei favorisiert, lohnt sich. Denn es sind solche Antworten, die vieles über Werte, Verständnis, Sehnsüchte und unser Zusammenleben verraten.

Le monde est en pleine mutation, ce qui se traduit par un nombre croissant de crises. La mondialisation, le changement climatique, les développements technologiques, les guerres et leurs vastes conséquences ainsi que les changements politiques et démographiques font disparaître des structures connues sans que de nouveaux ordres ne les aient encore complètement remplacées.

Comment les gens se retrouvent-ils pendant et après les crises ? Comment retrouvent-ils leur centre ? Comment trouvent-ils leur - peut-être nouveau - foyer ? L'exposition de groupe HOME AGAIN présente 14 positions de photographie et d'art vidéo contemporains qui examinent la capacité d'adaptation humaine d'une société en mutation rapide. En raison de son actualité persistante, le Stadthaus Ulm présente sous une forme élargie l'exposition conçue par l'équipe de commissaires Andy Heller et Oliver Krebs pour la Willy Brandt Haus de Berlin en 2022.

Le triptyque Migration | Patrie | Mémoire constitue le centre de l'exposition, autour duquel s'articulent les différentes positions. Le médium de la photographie devient un instrument avec lequel les photographes regardent bien au-delà du documentaire et s'intéressent aux réactions aux processus de transformation mondiaux. Le point de départ est constitué par des thèmes élémentaires tels que le réchauffement climatique et la destruction des habitats naturels qui en découle ou les migrations de masse et la fragmentation progressive de notre société.

Résister à l'impuissance, trouver la force d'abandonner des modèles connus et accepter de nouvelles réalités sont des stratégies qui revêtent une grande importance dans la gestion des crises. Les crises ne mettent pas seulement notre capacité de résistance à l'épreuve, elles offrent aussi la possibilité de formuler des ordres plus cohérents, de trouver un nouveau lieu de résidence et de se retrouver en tant que communauté.

Il vaut la peine d'y regarder de plus près et de découvrir quelles solutions la communauté privilégie. Car ce sont ces réponses qui en disent long sur les valeurs, la compréhension, les aspirations et notre vie commune.

Il mondo è in uno stato di sconvolgimento che si riflette in un numero crescente di crisi. La globalizzazione, i cambiamenti climatici, gli sviluppi tecnologici, le guerre e le loro conseguenze di vasta portata, nonché i cambiamenti politici e demografici stanno facendo scomparire strutture familiari senza che nuovi ordini le abbiano completamente sostituite.

Come si ritrovano le persone durante e dopo le crisi? Come ritrovano il loro centro? Come trovano la loro - forse nuova - casa? La mostra collettiva HOME AGAIN presenta 14 posizioni di fotografia e video arte contemporanea che esaminano l'adattabilità umana in una società in rapido cambiamento. Data la sua continua attualità, lo Stadthaus Ulm presenta una versione ampliata della mostra concepita dai curatori Andy Heller e Oliver Krebs per la Willy Brandt Haus di Berlino nel 2022.

Il trittico Migrazione | Casa | Memoria costituisce il centro della mostra, attorno al quale sono raggruppate le singole posizioni. Il mezzo fotografico diventa uno strumento con cui i fotografi guardano ben oltre il documentario e si interessano alle reazioni ai processi di trasformazione globale. Il punto di partenza sono temi elementari come il riscaldamento globale e la relativa distruzione degli habitat naturali o le migrazioni di massa e la progressiva frammentazione della nostra società.

Resistere all'impotenza, trovare la forza di abbandonare gli schemi familiari e accettare nuove realtà sono strategie di grande importanza per superare le crisi. Le crisi non solo mettono alla prova la nostra resilienza, ma offrono anche l'opportunità di formulare ordini più coerenti, trovare un nuovo posto dove stare e riscoprirsi come comunità.

Vale la pena di osservare da vicino e scoprire quali sono le soluzioni preferite dalla comunità. Perché sono queste risposte che rivelano molto sui valori, sulla comprensione, sulle aspirazioni e sul modo in cui viviamo insieme.

The world is in a state of upheaval, which is reflected in a growing number of crises. Globalization, climate change, technological developments, wars and their far-reaching consequences, as well as political and demographic changes, are causing familiar structures to disappear without new orders having fully replaced them.

How do people find each other during and after crises? How do they find their center again? How do they find their - perhaps new - home? The group exhibition HOME AGAIN presents 14 positions in contemporary photography and video art that examine the human adaptability of a rapidly changing society. Due to its ongoing relevance, the Stadthaus Ulm is presenting the exhibition, which was conceived by the curatorial team Andy Heller and Oliver Krebs for the Willy Brandt House in Berlin in 2022, in an expanded form.

The triptych Migration | Homeland | Memory forms the center of the exhibition, around which the individual positions are grouped. The medium of photography becomes an instrument with which photographers look far beyond the documentary and take an interest in reactions to global transformation processes. The starting points are fundamental issues such as global warming and the associated destruction of natural habitats, or mass migration and the progressive fragmentation of our society.

Strategies for overcoming crises include resisting powerlessness, finding the strength to abandon familiar patterns, and accepting new realities. Crises not only test our resilience, but also offer the opportunity to formulate more coherent orders, find a new place to live, and rediscover ourselves as a community.

It is worth taking a close look and finding out which solutions the community favors. These answers reveal a great deal about our values, understanding, aspirations and our coexistence.

(Text: Stadthaus Ulm)

Berlinische Galerie
8. November 2024 – 10. Februar 2025

Still - Moving - Portraits 1992 – 2024
Rineke Dijkstra

Rineke Dijkstra (*1959) zählt zu den renommiertesten Foto- und Videokünstler*innen weltweit. Die Darstellung von Identität ist das zentrale Thema ihrer Porträts. Insbesondere faszinieren sie Lebensphasen und Momente, in denen diese sich formt – Kindheit und Jugend, aber auch prägende Ereignisse im Erwachsenenalter wie die Geburt eines Kindes. Die umfassende Retrospektive in der Berlinischen Galerie präsentiert acht Serien mit rund 80 Arbeiten von Anfang der 1990er Jahre bis heute – darunter einige Fotografien aus ihrem Archiv, die bisher nicht öffentlich zu sehen waren. Ihre auf das Wesentliche reduzierten Arbeiten sind zugleich von großer visueller Kraft und machen es Betrachter*innen leicht, eigene Zugänge zu finden. Sie bieten einen geradezu meditativen Raum und ermutigen, über Individualität, (Selbst-)Inszenierung und den Ausdruck von Persönlichkeit nachzudenken.

Dijkstra begreift die Kamera als Möglichkeit, sich intensiv mit Menschen auseinanderzusetzen. Behutsam nähert sie sich an, folgt langsam und konzentriert ihrem Konzept, schließt jedoch spontane Weiterentwicklungen oder Variationen nicht aus. Häufig baut sie eine langwährende und intensive Verbindung zu den Porträtierten auf. Diese empathische Vorgehensweise zeigt sich in ihren Fotografien durch eine besondere Sensibilität: Dijkstras Arbeiten fangen fragile Momente, subtile Gesten ein, die zwischen bewusster Pose und unbewusster Haltung liegen. Sie vermag es, die Würde ebenso wie die Unsicherheiten von Individuen herauszuarbeiten.

Die Künstlerin arbeitet mit einer 4x5-Zoll-Großformat-Plattenkamera, mit der sie ihre Motive frontal fotografiert. Das Ergebnis sind Bilder von außergewöhnlicher Detailtreue und Präzision, deren Komposition bis ins Detail durchdacht und umgesetzt ist. Da für jede Belichtung ein separates Filmblatt erforderlich ist, spielen Geduld, Zeit und Konzentration sowohl für die Fotografin als auch das Modell eine essenzielle Rolle. Gleichzeitig entspannen sich die Porträtierten während dieser Vorbereitungen undgewöhnen sich an die ungewohnte Situation.

Die Porträts reflektieren nicht nur, wie wir uns der Welt präsentieren, sondern auch, was es heißt, medial dokumentiert zu werden. Sie können geradezu als Studien des menschlichen Verhaltens vor der Kamera bezeichnet werden. Gerade vor dem Hintergrund der Allgegenwärtigkeit von Sozialen Medien bieten sie die Möglichkeit zur Auseinandersetzung mit Authentizitätsansprüchen von Bildern und sich wandelnden Strategien der (Selbst-)Inszenierung.

Rineke Dijkstra (*1959) compte parmi les artistes photo et vidéo* les plus renommés au monde. La représentation de l'identité est le thème central de ses portraits. Elle est particulièrement fascinée par les phases de la vie et les moments où celle-ci se forme - l'enfance et l'adolescence, mais aussi les événements marquants de l'âge adulte comme la naissance d'un enfant. La vaste rétrospective à la Berlinische Galerie présente huit séries avec environ 80 travaux du début des années 1990 à aujourd'hui - dont quelques photographies issues de ses archives qui n'avaient pas encore été montrées au public. Ses travaux, réduits à l'essentiel, sont en même temps d'une grande force visuelle et permettent aux spectateurs* de trouver facilement leurs propres approches. Ils offrent un espace quasi méditatif et encouragent à réfléchir sur l'individualité, la mise en scène (de soi) et l'expression de la personnalité.

Dijkstra conçoit l'appareil photo comme une possibilité de s'intéresser de près aux gens. Elle s'approche avec précaution, suit lentement et avec concentration son concept, mais n'exclut pas des développements ou des variations spontanés. Souvent, elle établit un lien durable et intense avec les sujets. Cette approche empathique se traduit dans ses photographies par une sensibilité particulière : les travaux de Dijkstra capturent des moments fragiles, des gestes subtils qui se situent entre la pose consciente et l'attitude inconsciente. Elle parvient à faire ressortir la dignité ainsi que les incertitudes des individus.

L'artiste travaille avec un appareil photo à plaque grand format de 4x5 pouces, avec lequel elle photographie ses sujets de face. Il en résulte des images d'une précision et d'un détail exceptionnels, dont la composition est pensée et réalisée jusque dans les moindres détails. Étant donné qu'une feuille de film séparée est nécessaire pour chaque exposition, la patience, le temps et la concentration jouent un rôle essentiel, tant pour la photographe que pour le modèle. En même temps, les sujets se détendent pendant ces préparatifs et s'habituent à cette situation inhabituelle.

Les portraits ne reflètent pas seulement la manière dont nous nous présentons au monde, mais aussi ce que signifie être documenté par les médias. Ils peuvent être qualifiés d'études du comportement humain devant la caméra. Dans le contexte de l'omniprésence des médias sociaux, ils offrent la possibilité d'aborder les exigences d'authenticité des images et les stratégies changeantes de mise en scène (de soi).

Rineke Dijkstra (*1959) è una delle artiste fotografiche e video più famose al mondo. La rappresentazione dell'identità è il tema centrale dei suoi ritratti. L'artista è particolarmente affascinata dalle fasi della vita e dai momenti in cui queste si formano: l'infanzia e la giovinezza, ma anche gli eventi formativi dell'età adulta, come la nascita di un figlio. La retrospettiva completa alla Berlinische Galerie presenta otto serie con circa 80 opere dai primi anni Novanta a oggi, comprese alcune fotografie del suo archivio che non sono mai state esposte al pubblico. Ridotte all'essenziale, le sue opere sono anche di grande potenza visiva e consentono allo spettatore di trovare facilmente un proprio approccio. Offrono uno spazio quasi meditativo e incoraggiano la riflessione sull'individualità, la (auto)messa in scena e l'espressione della personalità.

Dijkstra vede la macchina fotografica come un'opportunità per impegnarsi intensamente con le persone. Adotta un approccio cauto, seguendo il suo concetto lentamente e con concentrazione, ma non esclude sviluppi o variazioni spontanee. Spesso stabilisce un legame intenso e duraturo con le persone ritratte. Questo approccio empatico si riflette nelle sue fotografie attraverso una particolare sensibilità: le opere di Dijkstra catturano momenti fragili, gesti sottili che si collocano tra una posa consapevole e un atteggiamento inconsapevole. L'artista è in grado di sottolineare la dignità e le insicurezze degli individui.

L'artista lavora con una macchina fotografica a lastre di grande formato 4x5 pollici, che utilizza per fotografare i suoi soggetti frontalmente. Ne risultano immagini di straordinario dettaglio e precisione, la cui composizione è pensata e realizzata nei minimi particolari. Poiché è necessario un foglio di pellicola separato per ogni esposizione, la pazienza, il tempo e la concentrazione giocano un ruolo essenziale sia per il fotografo che per la modella. Allo stesso tempo, i soggetti si rilassano durante questi preparativi e si abituano alla situazione sconosciuta.

I ritratti non solo riflettono il modo in cui ci presentiamo al mondo, ma anche il significato di essere documentati dai media. Possono quasi essere descritti come studi sul comportamento umano di fronte alla macchina fotografica. Soprattutto sullo sfondo dell'onnipresenza dei social media, offrono l'opportunità di analizzare le pretese di autenticità delle immagini e le mutevoli strategie di (auto)messa in scena.

Rineke Dijkstra (*1959) is one of the most highly acclaimed photography and video artists in the world. The central theme of her portraits is the depiction of identity. She is particularly interested in those stages in life and those moments when identity is taking shape: childhood, youth, but also formative events in adulthood, such as the birth of a child. This major retrospective at the Berlinische Galerie presents eight series with about 80 works dating from the early 1990s to the present day, including some photographs never yet exhibited from the artist’s own archives. Pared down to essentials, her works are visually very powerful and easily accessible to a broad public. They create a space for meditation and invite reflections about individuality, representation and personal expression.

Dijkstra uses her camera as an opportunity to explore people in depth. She approaches them carefully, slowly but surely pursuing her concept, although without ruling out spontaneous tweaks and variations. She often builds a strong connection with her subjects over a long period. This empathetic approach comes across in a particular sensitivity that is reflected in her photographs: Dijkstra’s works capture fragile moments, subtle gestures midway between a conscious pose and an unconscious attitude. She has a gift for drawing out a person’s dignity, but also their insecurities.

The artist works with a large-format 4x5” plate camera, capturing her motifs from a frontal perspective. The resulting images are exceptionally precise and faithful to detail, their composition meticulously thought through and implemented. Every exposure requires its own sheet of film, making patience, time and concentration essential for both the photographer and the subject. While these preparations are underway, the people being portrayed have a chance to relax and adjust to the unfamiliar situation.

The portraits reflect not only how we present ourselves to the world but also what it means to be documented by the media. They might even be described as studies in how people behave in front of a camera. Today, when social media are all around us, they offer an opportunity to think about the image’s claim to authenticity and about evolving strategies of (self-)presentation.

(Text: Berlinische Galerie)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
9. November – 14. Dezember 2024

Image Cities
Anastasia Samoylova

Parallel zu Anastasia Samoylovas soeben eröffneten, großen institutionellen Ausstellungen im Metropolitan Museum New York und in der Saatchi Gallery London zeigen wir ihre Serie Image Cities eine fotografische Reise durch die bedeutendsten Metropolen der Welt, darunter New York, Paris, London, Zürich, Tokio und Mailand. Die Künstlerin richtet ihren Blick auf die öffentlich sichtbaren Bilder, die die Fassaden dieser Städte prägen. Sie zeigt uns nicht das Einzigartige dieser Orte, sondern das Gemeinsame: Die bedrohliche und schleichende Vereinheitlichung der Konsumkultur, die aus einer zunehmend von Konzernen dominierten Welt entsteht.

Anastasia Samoylova (*1984) lebt in Miami. In ihrer künstlerischen Arbeit bewegt sie sich zwischen beobachtender Fotografie, Studiopraxis und Installation. Ihre Bücher FloodZone und Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans wurden vom Steidl Verlag veröffentlicht, ihr Buch Image Cities ist bei Hatje Cantz erschienen. Ihre Arbeiten wurden in Einzelausstellungen im Chrysler Museum of Art, im Orlando Museum of Art, im Contemporary Art Museum in Tampa, im The Print Center in Philadelphia, im Eastman Museum in Rochester, NY, bei C/O Berlin und im KBr Fundación MAPFRE in Barcelona, Spanien, sowie an vielen weiteren Orten gezeigt. Im Herbst/Winter 2024/25 sind zwei große institutionelle Ausstellungen von ihr im Metropolitan Museum New York und in der Saatchi Gallery in London zu sehen. Anastasia Samoylovas Arbeiten befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Metropolitan Museum of Art in New York, des Perez Art Museum in Miami, des High Museum of Art in Atlanta und des Museum of Contemporary Photography in Chicago. Anastasia Samoylova war Finalistin des Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 und erhielt den ersten KBr Photo Award der KBr Fundación MAPFRE. Soeben ist ihre Monografie Adaptations bei Thames and Hudson erschienen.

Parallèlement aux grandes expositions institutionnelles d'Anastasia Samoylova qui viennent d'être inaugurées au Metropolitan Museum de New York et à la Saatchi Gallery de Londres, nous présentons sa série Image Cities un voyage photographique à travers les plus grandes métropoles du monde, dont New York, Paris, Londres, Zurich, Tokyo et Milan. L'artiste porte son regard sur les visuels visibles par le public qui caractérisent les façades de ces villes. Elle ne nous montre pas ce que ces lieux ont d'unique, mais ce qu'ils ont en commun : l'uniformisation menaçante et insidieuse de la culture de consommation qui résulte d'un monde de plus en plus dominé par les multinationales.

Anastasia Samoylova (*1984) vit à Miami. Dans son travail artistique, elle évolue entre la photographie d'observation, la pratique en studio et l'installation. Ses livres FloodZone et Floridas : Anastasia Samoylova & Walker Evans ont été publiés par Steidl Verlag, son livre Image Cities est paru chez Hatje Cantz. Leurs travaux ont été présentés dans des expositions individuelles au Chrysler Museum of Art, à l'Orlando Museum of Art, au Contemporary Art Museum de Tampa, au The Print Center de Philadelphie, au Eastman Museum de Rochester, NY, chez C/O Berlin et au KBr Fundación MAPFRE de Barcelone, Espagne, ainsi que dans de nombreux autres lieux. En automne/hiver 2024/25, elle fera l'objet de deux grandes expositions institutionnelles au Metropolitan Museum de New York et à la Saatchi Gallery de Londres. Le travail d'Anastasia Samoylova figure notamment dans les collections du Metropolitan Museum of Art de New York, du Perez Art Museum de Miami, du High Museum of Art d'Atlanta et du Museum of Contemporary Photography de Chicago. Anastasia Samoylova a été finaliste du Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 et a reçu le premier KBr Photo Award de la KBr Fundación MAPFRE. Sa monographie Adaptations vient de paraître chez Thames and Hudson.

Parallelamente alle grandi mostre istituzionali recentemente inaugurate da Anastasia Samoylova al Metropolitan Museum di New York e alla Saatchi Gallery di Londra, presentiamo la sua serie Image Cities, un viaggio fotografico attraverso le più importanti metropoli del mondo, tra cui New York, Parigi, Londra, Zurigo, Tokyo e Milano. L'artista concentra il suo sguardo sulle immagini pubblicamente visibili che caratterizzano le facciate di queste città. Non ci mostra l'unicità di questi luoghi, ma ciò che li accomuna: la minacciosa e strisciante standardizzazione della cultura consumistica che emerge da un mondo sempre più dominato dalle multinazionali.

Anastasia Samoylova (*1984) vive a Miami. Nel suo lavoro artistico si muove tra fotografia d'osservazione, pratica in studio e installazione. I suoi libri FloodZone e Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans sono stati pubblicati da Steidl Verlag, mentre il suo libro Image Cities è stato pubblicato da Hatje Cantz. Le loro opere sono state esposte in mostre personali al Chrysler Museum of Art, all'Orlando Museum of Art, al Contemporary Art Museum di Tampa, al Print Center di Philadelphia, all'Eastman Museum di Rochester, NY, al C/O Berlin e alla KBr Fundación MAPFRE di Barcellona, Spagna, oltre che in molte altre sedi. Nell'autunno/inverno 2024/25, l'artista terrà due importanti mostre istituzionali al Metropolitan Museum di New York e alla Saatchi Gallery di Londra. Le opere di Anastasia Samoylova sono presenti nelle collezioni del Metropolitan Museum of Art di New York, del Perez Art Museum di Miami, dell'High Museum of Art di Atlanta e del Museum of Contemporary Photography di Chicago, tra gli altri. Anastasia Samoylova è stata finalista del Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 e ha ricevuto il primo KBr Photo Award dalla KBr Fundación MAPFRE. La sua monografia Adaptations è stata appena pubblicata da Thames and Hudson.

Parallel to Anastasia Samoylova's major institutional exhibitions at the Metropolitan Museum in New York and the Saatchi Gallery in London, we are delighted to present her latest series, Image Cities, a photographic journey through some of the world's most prominent metropolises, including New York, Paris, London, Zurich, Tokyo, and Milan. The artist turns her camera towards the publicly visible images that shape the façades of these cities. Rather than highlighting what makes these places unique, she reveals what they have in common: the menacing and gradual homogenization of consumer culture, emerging from a world increasingly dominated by corporations.

Anastasia Samoylova (1984) is an American artist who moves between observational photography, studio practice and installation. By utilizing tools related to digital media and commercial photography, her work explores notions of environmentalism, consumerism and the picturesque.

Her books FloodZone and Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans were published by Steidl, her book Image Cities is out with Hatje Cantz. Her works have been presented in solo exhibitions at the Chrysler Museum of Art; Orlando Museum of Art; Contemporary Art Museum, Tampa; The Print Center Philadelphia, the Eastman Museum, Rochester, NY, C/O Berlin, Germany, and the KBr Fundación MAPFRE, Barcelona, Spain, among others. Her work is in the collections of the Metropolitan Museum of Art, New York; Perez Art Museum, Miami; High Museum of Art, Atlanta; and Museum of Contemporary Photography, Chicago; among others.

Anastasia Samoylova was shortlisted for the Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 and received the first KBr Photo Award by KBr Fundación MAPFRE. In the Fall/Winter of 2024/25, two major institutional exhibitions of her work will be on view at the Metropolitan Museum in New York and the Saatchi Gallery in London. Her monograph Adaptations has just been published by Thames and Hudson.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Kulturforum | Berlin
15. November 2024 – 16. März 2025

Rico Puhlmann – Berlin / New York - Mode – Beauty – Porträts

Rico Puhlmann (1934-1996) zählte international zu den renommiertesten Modefotograf*innen; er prägte das Modebild seiner Zeit.

Gestartet als gefragter Kinderdarsteller beim Film, fand Puhlmann seinen Einstieg in die Branche der Modemagazine als Illustrator, bevor er erst in Berlin, dann von New York aus Covermotive und Editorials für die weltweit auflagenstärksten Modejournale schuf. Ein tödlicher Flugzeugabsturz beendete abrupt seine Karriere.

Seine Fotografien dokumentieren über vier Dekaden zentrale Themen der Modegeschichte: Modetrends wie der legendäre Berliner Chic der Nachkriegszeit oder die New Yorker Sports- und Streetwear der 70er und sich damit ändernde Dresscodes, die Entwicklung im Selbstverständnis des Model-Berufs, ein sich wandelndes Frauen- und Männerbild, die Verbreitung von Schönheitsidealen, welche Diversität nicht repräsentierten, sowie Akteur*innen und Selektionsmechanismen, die bei der Aufnahme der Bilder in auflagenstarke Magazine und damit ins kollektive Gedächtnis federführend waren.

Rico Puhlmann (1934-1996) comptait parmi les photographes de mode les plus renommés au niveau international ; il a marqué l'image de la mode de son époque.

Après avoir débuté comme enfant acteur très demandé au cinéma, Puhlmann a fait ses débuts dans le secteur des magazines de mode en tant qu'illustrateur, avant de créer, d'abord à Berlin, puis depuis New York, des motifs de couverture et des éditoriaux pour les journaux de mode aux plus forts tirages du monde. Un accident d'avion mortel a mis brutalement fin à sa carrière.

Ses photographies documentent sur quatre décennies des thèmes centraux de l'histoire de la mode : les tendances de la mode comme le légendaire chic berlinois de l'après-guerre ou le sport et le streetwear new-yorkais des années 70 et les codes vestimentaires qui en découlent, l'évolution de l'image de soi du métier de mannequin, l'image changeante de la femme et de l'homme, la diffusion d'idéaux de beauté qui ne représentent pas la diversité, ainsi que les acteurs et les mécanismes de sélection qui ont joué un rôle prépondérant dans la reprise des visuels dans les magazines à grand tirage et donc dans la mémoire collective.

Rico Puhlmann (1934-1996) è stato uno dei fotografi di moda più rinomati a livello internazionale e ha plasmato l'immagine della moda del suo tempo.

Partito come ricercato attore bambino nel cinema, Puhlmann è entrato nel settore delle riviste di moda come illustratore prima di creare motivi di copertina ed editoriali per le riviste di moda a più alta tiratura del mondo, prima a Berlino e poi a New York. Un incidente aereo fatale ha posto fine alla sua carriera.

Le sue fotografie documentano temi centrali della storia della moda nell'arco di quattro decenni: le tendenze della moda, come il leggendario chic berlinese del dopoguerra o lo sport e lo streetwear newyorkese degli anni Settanta e i conseguenti cambiamenti nei codici di abbigliamento, l'evoluzione dell'immagine di sé della professione di modella, il cambiamento dell'immagine di donne e uomini, la diffusione di ideali di bellezza che non rappresentavano la diversità, nonché gli attori e i meccanismi di selezione che hanno svolto un ruolo di primo piano nell'inserimento delle immagini nelle riviste ad alta tiratura e quindi nella memoria collettiva.

Rico Puhlmann (1934–96) was one of the most internationally renowned fashion photographers of his time, heavily influencing our image of fashion in his era.

Having started out as a successful child actor in films, Puhlmann got his first chance in the field of fashion magazines as an illustrator, before moving onto cover shoots and editorial work for the world’s biggest fashion periodicals, first in Berlin, and later in New York. A fatal plane crash put an abrupt end to his career. His photographs document some of the central themes in the industry across four decades of fashion history: trends like the legendary Berlin chic of the post-war years, or the New York sports- and streetwear of the ’70s and the changes in dress codes that went along with it, the evolution of modelling as a career, constantly shifting images of femininity and masculinity, the spread of beauty ideals that did not represent diversity, as well as protagonists and prevailing selection mechanisms when it came to choosing pictures for major magazines, ensuring they would enter the collective consciousness.

(Text: Kulturforum, Berlin)

Museum für Fotografie | Berlin
15. November 2024 – 16. Februar 2025

Hotel Bogota
Aino Kannisto, Karen Stuke

Die legendäre Berliner Fotografin Yva hatte dort vor 100 Jahren ihr großzügiges Fotoatelier, und Helmut Newton war an diesem Ort zwischen 1936 und 1938 ihr Lehrling; später wurde er zum Hotel Bogota. Dessen letzter Hotelmanager Joachim Rissmann beließ Yvas Fotostudio wie es ursprünglich war, als Hommage an diese legendäre Fotografin sowie an die Fotografie als Medium. Er erwarb zudem später zahlreiche vintage prints von Yva, von denen einige parallel zu dieser Ausstellung im Projektraum als Leihgabe in der Ausstellung „Berlin, Berlin“ im ersten Stock der Helmut Newton Stiftung hängen. Die meisten dieser Modebilder von Yva sind in ihrem Studio in der Schlüterstrasse Anfang der 1930er Jahre aufgenommen worden, dem späteren Hotel Bogota. Die beiden Selbstporträts von Helmut Newton entstanden ebenfalls dort 1936; eines im Laborkittel, das andere mit Hut und Mantel, wie der „rasende Reporter“ Egon Erwin Kisch, den Newton als Teenager bewunderte; diese Porträts hängen ebenfalls in der Ausstellung „Berlin, Berlin“.

Auch für spätere Fotografen und Fotografinnen wurde dieser geradezu mythische Ort – das ehemalige Atelier von Yva, später das Hotel Bogota – zu einem Sehnsuchts- und Aufnahmeort, dazu gehören Aino Kannisto und Karen Stuke, die kurz vor der Schließung des Hotels in den Jahren 2012 und 2013 dort zwei sehr individuelle Selbstporträt-Serien realisierten. Beide fotografierten sich in den unterschiedlichsten Räumen des Hotels: Kannisto schlüpft in verschiedene Rollen, trägt immer wieder neue Kleider, manches wirkt etwas mysteriös, beinahe wie eine Filmszene, mitunter mit einer kontemplativ oder melancholisch dreinblickenden Darstellerin. Durch die Inszenierung und das Rollenspiel wird die Fotografin zu einer fiktiven Erzählerin mit großer visueller Präsenz, zur Protagonistin und Regisseurin in Personalunion; insofern handelt es sich bei diesen inszenierten Alltagssituationen nicht um Selbstporträts im eigentlichen Sinn. Ihre Bogota-Bildserie entstand über den Zeitraum eines Jahres, auf mehreren ein- bis zweiwöchigen Berlin-Reisen, auf Einladung von Joachim Rissmann. So hatte Aino Kannisto Zugang zu allen Räumen des Hotels und eignete sich jeden dieser besonderen Orte an. Erst die intensive Beschäftigung mit dem Ort selbst führt in ihrem Werk zu einer Konkretisierung der fiktiven, aber dem Alltag abgeschauten Situationen; erst dann entscheidet sie sich für eine bestimmte Garderobe und Frisur, für Requisiten und den Blickwinkel. Sie scheint völlig allein im Hotel Bogota gewesen zu sein, manchmal sind wir gar an Stanley Kubricks „The Shining“ erinnert, denn irgendetwas Unerwartetes könnte im nächsten Moment geschehen. Es gäbe noch andere Bezüge und Assoziationen zur Kunst-, Film- und Fotogeschichte, gleichwohl ist ihr Werk in seiner subtilen Intensität sehr eigenständig.

Karen Stuke hingegen bleibt in ihren Selbstporträts beinahe unsichtbar. Mit einer selbstkonstruierten Camera Obscura respektive gleich mehreren solcher einfachen Lochbildkameras, ihrem Hauptwerkzeug, fotografierte sie sich während des nächtlichen Schlafes, mit stundenlangen Belichtungszeiten. Der Schlaf der Künstlerin bestimmte also die Länge der Negativbelichtung, mal waren es nur zwei Stunden, in der Regel sieben; nach dem Aufwachen, meist ohne Wecker, schloss oder bedeckte sie die simple Lochblende der Kamera, und insofern ist der gesamte Zeitraum den Fotografien gleichsam als sich überlagernde Zeitschichten eingeschrieben. Stuke führte mit diesem Projekt im Hotel Bogota eine frühere Bildserie mit dem Titel „Sleeping Sister“ fort, mit der sie sich auf den Erfolgsroman „Schlafes Bruder“ von Robert Schneider bezog. Das Buch wiederum nimmt Bezug auf die griechische Mythologie, auf Hypnos, den Gott des Schlafes, und dessen Bruder Thanatos, den Gott des Todes. In ihrer Bogota-Serie bezieht sich Stuke vor diesem Hintergrund auf die wechselvolle Geschichte des Hauses in der Charlottenburger Schlüterstrasse – von Yvas Studio über die nationalsozialistische Reichskulturkammer und nach 1945 als Ort der Entnazifizierung der deutschen Kulturschaffenden bis hin zum Hotel Bogota. Die Berliner Fotografin belegte, ebenfalls auf Einladung von Joachim Rissmann, der im Erdgeschoß auch die legendäre Ausstellungsplattform „Fotoplatz“ schuf, nacheinander, Nacht für Nacht, beinahe alle Zimmer des Hotels. In einer installativen Hängung zeigt sie nun hier 24 Ergebnisse ihrer Nachtruhe, stets ein Zimmer, ein Interieur mit einem Bett, in dem sich ein Mensch, nämlich sie selbst, mehrfach herumgedreht haben muss, wie die Bewegungsspuren der Langzeitbelichtung belegen. Daneben hängt Stuke, als rechten Teil der individuellen Diptychen, die originalen Rettungswegschilder aus diesem Raum, die sie kurz vor der Schließung des Hotels abschrauben durfte. Im Hotel selbst waren einige Räume auch mit Originalbildern ausgestattet, so gab es beispielsweise ein René Burri Zimmer und das Zimmer 418 mit Werken von Helmut Newton. Beide Räume sind Teil des Bildtableaus, das von der Künstlerin immer wieder neu ortsspezifisch arrangiert wird. Davor liegen Teppiche aus dem ehemaligen Hotel Bogota.

So schließt sich mit dieser Präsentation gleich mehrfach ein Kreis, mit dem Bezug zu Yva und Newton – und der großen Gruppenausstellung im ersten Stock des Museums. Schließlich begegnen wir auch Helmut Newton selbst im Hotel Bogota, aufgenommen von Joachim Rissmann, an der legendären Treppe in Yvas ehemaligem Studio, wo auch zahlreiche Modebilder von Yva entstanden waren. Newton war damals ja Zeitzeuge und hat in seinem Werk später ebenfalls Mode- und Aktbilder auf solchen Treppen fotografiert, er hat Yvas Werk kongenial ins Zeitgenössische weitergeführt.

Il y a 100 ans, la légendaire photographe berlinoise Yva y avait son vaste studio de photographie, et Helmut Newton y fut son apprenti entre 1936 et 1938 ; plus tard, il devint l'hôtel Bogota. Le dernier directeur de l'hôtel, Joachim Rissmann, a laissé le studio photo d'Yva tel qu'il était à l'origine, en hommage à cette photographe légendaire et à la photographie en tant que média. Il a également acquis par la suite de nombreux tirages vintage d'Yva, dont certains ont été prêtés parallèlement à cette exposition dans l'espace de projet, dans le cadre de l'exposition « Berlin, Berlin » au premier étage de la fondation Helmut Newton. La plupart de ces photos de mode d'Yva ont été prises dans son studio de la Schlüterstrasse au début des années 1930, qui deviendra plus tard l'hôtel Bogota. Les deux autoportraits d'Helmut Newton y ont également été réalisés en 1936 ; l'un en blouse de laboratoire, l'autre avec un chapeau et un manteau, comme le « reporter enragé » Egon Erwin Kisch, que Newton admirait lorsqu'il était adolescent ; ces portraits sont également accrochés à l'exposition « Berlin, Berlin ».

Ce lieu quasi mythique - l'ancien atelier d'Yva, puis l'hôtel Bogota - est également devenu un lieu de nostalgie et de prise de vue pour des photographes ultérieurs, dont Aino Kannisto et Karen Stuke, qui y ont réalisé deux séries d'autoportraits très individuels peu avant la fermeture de l'hôtel en 2012 et 2013. Toutes deux se sont photographiées dans les pièces les plus diverses de l'hôtel : Kannisto se glisse dans différents rôles, porte sans cesse de nouveaux vêtements, certains semblent un peu mystérieux, presque comme une scène de film, avec parfois une actrice à l'air contemplatif ou mélancolique. Grâce à la mise en scène et au jeu de rôles, la photographe devient une narratrice fictive dotée d'une grande présence visuelle, à la fois protagoniste et réalisatrice ; en ce sens, ces situations quotidiennes mises en scène ne sont pas des autoportraits à proprement parler. Sa série d'images de Bogota a été réalisée sur une période d'un an, lors de plusieurs voyages d'une à deux semaines à Berlin, à l'invitation de Joachim Rissmann. Aino Kannisto a ainsi eu accès à toutes les pièces de l'hôtel et s'est approprié chacun de ces lieux particuliers. Ce n'est qu'en s'intéressant de près au lieu lui-même qu'elle concrétise dans son œuvre des situations fictives, mais copiées sur la vie quotidienne ; ce n'est qu'alors qu'elle décide d'une garde-robe et d'une coiffure particulières, d'accessoires et d'un point de vue. Elle semble avoir été complètement seule à l'hôtel Bogota, parfois même nous rappelons « The Shining » de Stanley Kubrick, car quelque chose d'inattendu pourrait se produire l'instant d'après. Il y aurait encore d'autres références et associations à l'histoire de l'art, du cinéma et de la photographie, néanmoins son œuvre est très singulière dans sa subtile intensité.

Karen Stuke, en revanche, reste presque invisible dans ses autoportraits. Avec une camera obscura qu'elle a elle-même construite ou plusieurs de ces simples appareils à sténopé, son outil principal, elle s'est photographiée pendant son sommeil nocturne, avec des temps d'exposition de plusieurs heures. Le sommeil de l'artiste déterminait donc la durée de l'exposition du négatif, parfois deux heures seulement, en général sept ; au réveil, le plus souvent sans réveil, elle fermait ou couvrait le simple sténopé de l'appareil photo, et dans cette mesure, l'ensemble de la période est pour ainsi dire inscrit dans les photographies comme des couches de temps qui se superposent. Avec ce projet à l'hôtel Bogota, Stuke a poursuivi une série d'images antérieure intitulée « Sleeping Sister », dans laquelle elle faisait référence au roman à succès « Schlafes Bruder » de Robert Schneider. Le livre fait lui-même référence à la mythologie grecque, à Hypnos, le dieu du sommeil, et à son frère Thanatos, le dieu de la mort. Dans sa série sur Bogota, Stuke se réfère dans ce contexte à l'histoire mouvementée de l'établissement de la Schlüterstrasse à Charlottenburg - du studio d'Yva à l'hôtel Bogota, en passant par la Reichskulturkammer nazie et, après 1945, comme lieu de dénazification des créateurs culturels allemands. Toujours à l'invitation de Joachim Rissmann, qui a également créé la légendaire plateforme d'exposition « Fotoplatz » au rez-de-chaussée, la photographe berlinoise a occupé successivement, nuit après nuit, presque toutes les chambres de l'hôtel. Dans une installation suspendue, elle montre ici 24 résultats de ses nuits de sommeil, toujours une chambre, un intérieur avec un lit dans lequel une personne, à savoir elle-même, a dû se retourner plusieurs fois, comme le prouvent les traces de mouvement de l'exposition à long terme. À côté, Stuke accroche, en tant que partie droite des diptyques individuels, les panneaux originaux des voies de secours de cette chambre, qu'elle a pu dévisser juste avant la fermeture de l'hôtel. Dans l'hôtel lui-même, certaines pièces étaient également équipées de tableaux originaux, il y avait par exemple une chambre René Burri et la chambre 418 avec des œuvres d'Helmut Newton. Ces deux pièces font partie du tableau d'images que l'artiste réorganise sans cesse en fonction du lieu. Devant elles se trouvent des tapis de l'ancien hôtel Bogota.

Ainsi, avec cette présentation, la boucle est bouclée à plusieurs reprises, avec la référence à Yva et Newton - et la grande exposition de groupe au premier étage du musée. Enfin, nous rencontrons également Helmut Newton lui-même à l'hôtel Bogota, photographié par Joachim Rissmann, dans l'escalier légendaire de l'ancien studio d'Yva, où de nombreuses photos de mode d'Yva ont été réalisées. Newton était à l'époque un témoin de l'époque et a également photographié plus tard dans son œuvre des photos de mode et de nus dans de tels escaliers, il a poursuivi de manière congéniale l'œuvre d'Yva dans le monde contemporain.

100 anni fa la leggendaria fotografa berlinese Yva aveva qui il suo ampio studio fotografico e Helmut Newton fu suo apprendista tra il 1936 e il 1938; in seguito divenne l'Hotel Bogotà. L'ultimo direttore dell'hotel, Joachim Rissmann, ha lasciato lo studio fotografico di Yva così com'era in origine, come tributo a questa leggendaria fotografa e alla fotografia come medium. In seguito ha anche acquistato numerose stampe vintage di Yva, alcune delle quali sono state prestate alla mostra “Berlino, Berlino” della Helmut Newton Foundation al primo piano, parallelamente a questa mostra nel project space. La maggior parte di queste foto di moda di Yva sono state scattate nel suo studio di Schlüterstrasse nei primi anni Trenta, che in seguito è diventato l'Hotel Bogota. Anche i due autoritratti di Helmut Newton sono stati scattati lì nel 1936; uno in camice, l'altro con cappello e cappotto, come il “reporter itinerante” Egon Erwin Kisch, che Newton ammirava da adolescente; anche questi ritratti sono esposti nella mostra “Berlino, Berlino”.

Questo luogo quasi mitico - l'ex studio di Yva, poi Hotel Bogota - è diventato anche un luogo di nostalgia e un posto dove scattare foto per i fotografi successivi, tra cui Aino Kannisto e Karen Stuke, che vi hanno realizzato due serie di autoritratti molto individuali poco prima della chiusura dell'hotel nel 2012 e nel 2013. Entrambe si sono fotografate in diverse stanze dell'hotel: Kannisto si cala in ruoli diversi, indossa sempre nuovi abiti, alcuni dei quali appaiono un po' misteriosi, quasi come una scena di un film, a volte con un'attrice dallo sguardo contemplativo o malinconico. Attraverso la messa in scena e il gioco di ruoli, la fotografa diventa un narratore fittizio con una grande presenza visiva, un protagonista e un regista in uno; in questo senso, queste situazioni quotidiane messe in scena non sono autoritratti nel vero senso della parola. La serie di Bogotà è stata realizzata nel corso di un anno, durante diversi viaggi di una o due settimane a Berlino, su invito di Joachim Rissmann. Aino Kannisto ha così avuto accesso a tutte le stanze dell'hotel e si è appropriata di ognuno di questi luoghi speciali. Nel suo lavoro, è solo l'intensa occupazione del luogo stesso che porta alla concretizzazione delle situazioni di finzione, che sono copiate dalla vita quotidiana; solo allora decide un particolare guardaroba e acconciatura, oggetti di scena e punto di vista. Sembra che sia stata completamente sola nell'Hotel Bogota, a volte ci viene in mente “Shining” di Stanley Kubrick, perché qualcosa di inaspettato potrebbe accadere nel momento successivo. Ci sono altri riferimenti e associazioni alla storia dell'arte, del cinema e della fotografia, ma il suo lavoro è comunque molto indipendente nella sua sottile intensità.

Karen Stuke, invece, rimane quasi invisibile nei suoi autoritratti. Utilizzando una camera oscura autocostruita, o meglio diverse semplici macchine fotografiche a foro stenopeico, il suo strumento principale, si fotografa durante il sonno notturno, con tempi di esposizione che durano ore. Il sonno dell'artista determinava così la durata dell'esposizione negativa, che a volte era di sole due ore, di solito di sette; dopo il risveglio, di solito senza sveglia, chiudeva o copriva il semplice foro stenopeico della macchina fotografica, e in questo modo l'intero periodo è inscritto nelle fotografie come strati sovrapposti di tempo, per così dire. Con questo progetto all'Hotel Bogota, la Stuke ha proseguito una serie precedente di immagini intitolata “Sleeping Sister”, in cui faceva riferimento al romanzo di successo “Schlafes Bruder” di Robert Schneider. Il libro fa a sua volta riferimento alla mitologia greca, a Hypnos, il dio del sonno, e a suo fratello Thanatos, il dio della morte. Nella serie Bogota, la Stuke fa riferimento alla movimentata storia dell'edificio nella Schlüterstrasse di Charlottenburg: da studio di Yva a Camera della Cultura del Reich nazionalsocialista e, dopo il 1945, da luogo di denazificazione degli operatori culturali tedeschi a Hotel Bogota. Sempre su invito di Joachim Rissmann, che creò anche la leggendaria piattaforma espositiva “Fotoplatz” al piano terra, la fotografa berlinese occupò quasi tutte le stanze dell'hotel, una dopo l'altra, notte dopo notte. In un'installazione appesa, mostra ora 24 risultati del suo sonno notturno, sempre una stanza, un interno con un letto in cui una persona, cioè lei stessa, deve essersi girata più volte, come dimostrano le tracce di movimento dell'esposizione a lungo termine. Accanto ad essa, come parte destra dei singoli dittici, Stuke appende i cartelli originali delle vie di fuga di questa stanza, che le fu permesso di svitare poco prima della chiusura dell'hotel. Nell'hotel stesso, alcune stanze erano arredate con dipinti originali, come ad esempio la stanza René Burri e la stanza 418 con opere di Helmut Newton. Entrambe le stanze fanno parte del tableau d'été, che l'artista riorganizza costantemente per adattarsi al luogo specifico. Davanti a loro ci sono i tappeti dell'ex Hotel Bogotà.

Questa presentazione chiude quindi un cerchio sotto diversi aspetti, con il riferimento a Yva e Newton - e alla grande mostra collettiva al primo piano del museo. Infine, incontriamo anche Helmut Newton stesso nell'Hotel Bogota, fotografato da Joachim Rissmann, sulla leggendaria scala dell'ex studio di Yva, dove sono state create anche numerose immagini di moda di Yva. Newton era all'epoca un testimone contemporaneo e in seguito ha fotografato anche immagini di moda e di nudo su queste scale nel suo lavoro, continuando congenialmente l'opera di Yva nel contemporaneo.

One hundred years ago, the legendary Berlin photographer Yva had her spacious photography studio there, and Helmut Newton was her apprentice at this location between 1936 and 1938; it later became the Hotel Bogota. Its last manager, Joachim Rissmann, left Yva's studio as it originally was, as a tribute to this legendary photographer and to photography as a medium. He later acquired numerous vintage prints by Yva, some of which are on loan to the exhibition “Berlin, Berlin” on the first floor of the Helmut Newton Foundation, running parallel to this exhibition in the project room. Most of Yva's fashion images were taken up in her studio on Schlüterstrasse in the early 1930s, which later became the Hotel Bogota. The two self-portraits by Helmut Newton were also taken there in 1936; one in a lab coat, the other in a hat and coat, like the “roving reporter” Egon Erwin Kisch, whom Newton admired as a teenager; these portraits are also on display in the “Berlin, Berlin” exhibition.

This almost mythical place – Yva's former studio, later the Hotel Bogota – also became a place of longing and work for later photographers, including Aino Kannisto and Karen Stuke, who created two very individual self-portrait series there shortly before the hotel closed in 2012 and 2013. Both photographed themselves in the most diverse rooms of the hotel: Kannisto slips into different roles, always wearing new clothes, some of which seem a bit mysterious, almost like a film scene, sometimes with a contemplative or melancholy-looking actress. Through the staging and role-playing, the photographer becomes a fictional narrator with a great visual presence, a protagonist and director in personal union; in this respect, these staged everyday situations are not self-portraits in the strict sense. Her Bogota photo series was created over the course of a year, during several one- to two-week trips to Berlin at the invitation of Joachim Rissmann. This gave Aino Kannisto access to all the rooms in the hotel, where she appropriated each of these special places. It is only through her intensive engagement with the place itself that the fictional situations, but modeled on everyday life, take on a more concrete form in her work; only then does she decide on a particular wardrobe and hairstyle, on props and the angle. She seems to have been completely alone in the Hotel Bogota; at times we are even reminded of Stanley Kubrick's “The Shining”, because something unexpected could happen at any moment. There are other references and associations with art, film and photographic history, but her work is very independent in its subtle intensity.

Karen Stuke, on the other hand, remains almost invisible in her self-portraits. Using a self-constructed camera obscura, or rather several of these simple pinhole cameras, her main tool, she photographed herself during her nightly sleep, with exposure times lasting hours. The length of the negative exposure was determined by the length of the artist's sleep: sometimes it was only two hours, but usually seven. After waking up – she usually did not use an alarm clock – she closed or covered the camera's simple pinhole aperture, and so the entire period of time is inscribed in the photographs as overlapping layers of time, so to speak. With this project at the Hotel Bogota, Stuke continued an earlier series of images entitled “Sleeping Sister”, with which she referred to the successful novel “Brother of Sleep” by Robert Schneider. The book, in turn, refers to Greek mythology, to Hypnos, the god of sleep, and his brother Thanatos, the god of death. In her Bogota series, Stuke draws on the eventful history of the building in Schlüterstrasse in Berlin's Charlottenburg district – from Yva's studio to the Nazi Reich Chamber of Culture and, after 1945, as a place of denazification for German cultural workers, to become the Hotel Bogota. The Berlin photographer, also invited by Joachim Rissmann, who also created the legendary exhibition platform “Fotoplatz” on the ground floor, occupied almost all of the hotel's rooms, one after the other, night after night. In an installation-like hanging, she now displays 24 results of her night's rest here, always one room, one interior with a bed in which a person, namely herself, must have turned around several times, as evidenced by the traces of movement in the long exposure. Next to it, as the right part of the individual diptych, hangs the original escape route signs from this room, which she was allowed to unscrew shortly before the hotel closed. In the hotel itself, some rooms were also furnished with original pictures; for example, there was a René Burri Room and Room 418 with works by Helmut Newton. Both rooms are part of the tableau of images that the artist repeatedly rearranges in a site-specific way. In front of them are carpets from the former Hotel Bogota.

Thus, this presentation comes full circle in several ways, with the reference to Yva and Newton – and the large group exhibition on the first floor of the museum. Finally, we also encounter Helmut Newton himself in the Hotel Bogota, taken up by Joachim Rissmann, at the legendary staircase in Yva's former studio, where numerous fashion images by Yva were also created. Newton was a contemporary witness at the time and later also photographed fashion and nude images on such stairs in his work. He congenially continued Yva's work into the contemporary.

(Text: Museum für Fotografie, Berlin)

Neue Nationalgalerie | Berlin
23. November 2024 – 23. Februar 2025

Nan Goldin. This Will Not End Well

Die Neue Nationalgalerie präsentiert in der oberen Halle Nan Goldin mit der Retrospektive „This Will Not End Well". Sechs Räume zeigen ihre Werke in Form von Diashows und Filmprojektionen, die mit Ton und Musik unterlegt sind. Goldins Werke erzählen Geschichten über Liebe, Intimität, Sucht und Verlust. Mit teils zärtlichen Momentaufnahmen von Intimität und Beziehungen, Alltag, wilden Partys und dem Kampf zwischen Sucht und Unabhängigkeit prägt Goldin die Wahrnehmung ihrer Zeit bis heute. Durch den Fokus auf Diashows und Videoinstallationen geht die Ausstellung zurück zu den Wurzeln von Goldins künstlerischer Praxis. Die Diashows versteht Goldin, die immer Filmemacherin sein wollte, als Filmstills. „This Will Not End Well" greift damit erstmals Goldins ursprüngliche Vision auf, wie Betrachter*innen ihre Kunst erleben sollten. Die Ausstellung tourt durch folgende Museen: Moderna Museet, Stockholm, Stedelijk Museum in Amsterdam, Neue Nationalgalerie in Berlin, Pirelli Hangar Bicocca, Mailand, Grand Palais, Paris.

La Neue Nationalgalerie présente Nan Goldin dans le hall supérieur avec la rétrospective "This Will Not End Well". Six salles présentent ses œuvres sous forme de diaporamas et de projections de films, accompagnés de son et de musique. Les œuvres de Goldin racontent des histoires d'amour, d'intimité, de dépendance et de perte. Avec des instantanés parfois tendres de l'intimité et des relations, du quotidien, des fêtes endiablées et de la lutte entre addiction et indépendance, Goldin marque encore aujourd'hui la perception de son époque. En se concentrant sur les diaporamas et les installations vidéo, l'exposition revient aux racines de la pratique artistique de Goldin. Goldin, qui a toujours voulu être cinéaste, considère les diaporamas comme des extraits de films. "This Will Not End Well" reprend ainsi pour la première fois la vision initiale de Goldin sur la manière dont les spectateurs* devraient vivre son art. L'exposition est en tournée dans les musées suivants : Moderna Museet, Stockholm, Stedelijk Museum à Amsterdam, Neue Nationalgalerie à Berlin, Pirelli Hangar Bicocca, Milan, Grand Palais, Paris.

La Neue Nationalgalerie presenta Nan Goldin con la retrospettiva "This Will Not End Well" nella sala superiore. In sei sale sono esposte le sue opere sotto forma di diapositive e proiezioni cinematografiche accompagnate da suoni e musica. Le opere di Goldin raccontano storie di amore, intimità, dipendenza e perdita. Con istantanee talvolta tenere dell'intimità e delle relazioni, della vita quotidiana, delle feste sfrenate e della lotta tra dipendenza e indipendenza, Goldin continua ancora oggi a plasmare la percezione del suo tempo. Concentrandosi su presentazioni e installazioni video, la mostra torna alle radici della pratica artistica di Goldin. Goldin, che ha sempre desiderato essere un regista, vede le diapositive come fotogrammi di film. "This Will Not End Well" riprende quindi la visione originale di Goldin su come gli spettatori dovrebbero sperimentare la sua arte per la prima volta. La mostra è in tournée nei seguenti musei: Moderna Museet di Stoccolma, Stedelijk Museum di Amsterdam, Neue Nationalgalerie di Berlino, Pirelli Hangar Bicocca di Milano, Grand Palais di Parigi.

The upper hall of the Neue Nationalgalerie will host a retrospective on the work of Nan Goldin titled This Will Not End Well. Across six rooms, Goldin’s work will be featured by way of slide shows and film projections accompanied by soundtracks and music. Goldin’s works tell stories about love, intimacy, addiction and loss. With her sometimes tender snapshots of intimacy and relationships, everyday life, wild parties and the struggle between autonomy and dependency, Goldin continues to shape our perception of our times. Through its focus on slide shows and video installations, the exhibition goes back to the roots of Goldin’s artistic practice. Goldin, who always wanted to be a filmmaker, conceives of her slide shows as film stills. This Will Not End Well thus ties in with Goldin’s original vision of how audiences should interact with her art. The exhibition will be travelling to the following museums: Moderna Museet, Stockholm, Stedelijk Museum in Amsterdam, Neue Nationalgalerie in Berlin, Pirelli Hangar Bicocca, Milan, and the Grand Palais, Paris.

(Text: Neue Nationalgalerie, Berlin)

Museum für Fotografie | Berlin
28. November 2024 – 25. Mai 2025

Polaroids

Das Polaroid-Verfahren hat die Fotografie revolutioniert. Wer diese Kamera jemals benutzt hat, wird den Geruch der Entwicklungsemulsion und die Faszination für das Sofortbild nicht vergessen. Auch Helmut Newton liebte es, mit der Polaroid-Kamera zu fotografieren. Er hat die Technik seit den 1970er Jahren intensiv genutzt, insbesondere während der Shootings für seine Modeaufträge. Dahinter stand, wie er es selbst einmal in einem Interview nannte, das ungeduldige Verlangen, sofort wissen zu wollen, wie die Situation als Bild aussieht.

Ein Polaroid entspricht in diesem Zusammenhang einer Ideenskizze und dient zugleich der Überprüfung der konkreten Lichtsituation und Bildkomposition. Gleichzeitig übten die Polaroid-Aufnahmen insbesondere aufgrund ihrer Objekthaftigkeit und der Möglichkeit, das Bild experimentell weiterzuverwenden, einen großen Reiz auf viele künstlerisch arbeitende Fotografen aus.

Und so werden die Polaroids von Helmut Newton durch die Werke zahlreicher Kolleg*innen ergänzt, beispielsweise von Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti und Hannah Villiger. Diese Gruppenausstellung vereint die unterschiedlich verwendeten Techniken des Polaroid-Verfahrens in den verschiedensten Formaten, jeweils als Werkgruppe der ausgewählten Fotograf*innen.

Le procédé Polaroid a révolutionné la photographie. Quiconque a déjà utilisé cet appareil n'oubliera jamais l'odeur de l'émulsion de développement et la fascination pour la photo instantanée. Helmut Newton aimait lui aussi prendre des photos avec un appareil Polaroid. Il a utilisé cette technique de manière intensive depuis les années 1970, notamment lors des shootings pour ses commandes de mode. Derrière cette pratique, il y avait, comme il l'a dit lui-même un jour dans une interview, l'envie impatiente de savoir immédiatement à quoi ressemblait la situation en tant que visuel.

Dans ce contexte, un polaroïd correspond à une esquisse d'idée et sert en même temps à vérifier la situation concrète de la lumière et la composition de l'image. Parallèlement, les Polaroïds ont exercé un grand attrait sur de nombreux photographes artistiques, notamment en raison de leur caractère d'objet et de la possibilité de réutiliser le visuel de manière expérimentale.

C'est ainsi que les polaroïds d'Helmut Newton sont complétés par les œuvres de nombreux collègues*, comme Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti et Hannah Villiger. Cette exposition de groupe réunit les différentes techniques utilisées du procédé Polaroid dans les formats les plus divers, à chaque fois en tant que groupe d'œuvres des photographes* sélectionnés.

Il processo Polaroid ha rivoluzionato la fotografia. Chiunque abbia usato questa macchina fotografica non dimenticherà mai l'odore dell'emulsione che si sviluppa e il fascino dell'immagine istantanea. Anche Helmut Newton amava fotografare con la Polaroid. Ha utilizzato questa tecnologia in modo intensivo a partire dagli anni Settanta, soprattutto durante i servizi fotografici per le sue commissioni di moda. Come lui stesso ha dichiarato in un'intervista, ciò era dovuto al desiderio impaziente di sapere immediatamente come sarebbe apparsa la situazione sotto forma di immagine.

In questo contesto, una Polaroid corrisponde a uno schizzo di un'idea e serve allo stesso tempo a verificare la situazione specifica di illuminazione e la composizione dell'immagine. Allo stesso tempo, le Polaroid esercitano un grande fascino su molti fotografi artistici, soprattutto per la loro qualità di oggetto e per la possibilità di utilizzare l'immagine in modo sperimentale.

Così alle Polaroid di Helmut Newton si affiancano le opere di numerosi colleghi, come Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti e Hannah Villiger. Questa mostra collettiva riunisce le varie tecniche utilizzate nel processo Polaroid in un'ampia gamma di formati, ciascuno come gruppo di opere dei fotografi selezionati.

The technology of the Polaroid camera revolutionised photography. Anybody who has ever used one of these cameras will never forget the smell of the developing emulsion and the fascination inspired by its instant photographs. Helmut Newton also loved taking photographs with a Polaroid. From the 1970s onwards, he used these devices extensively, particularly during his fashion shoots. As he once said in an interview, he was motivated by the impatient desire to immediately know how the scene looked as a picture.

In this sense, a Polaroid is a little like a conceptual sketch, and also helps to check the lighting and image composition. At the same time, Polaroid snapshots possessed significant allure for many artistic photographers, particularly because of their objecthood and the possibility of experimentally reusing the image.

So this exhibition does not just feature the Polaroids of Helmut Newton, but also works by numerous colleagues, such as Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti and Hannah Villiger. This group exhibition brings together the various techniques of working with the Polaroid camera in the most diverse formats, with each photographer represented with a group of works.

(Text: Museum für Fotografie, Berlin)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
6. Dezember 2024 – 2. März 2025

Kein schöner Land...
Dirk Reinartz

Dirk Reinartz (1947–2004) hat die Reportagefotografie und die fotografische Dokumentation in Deutschland geprägt wie wenige vor oder nach ihm. Aus seinem umfangreichen Schaffen zeigt Kein schöner Land... im f³ – freiraum für fotografie eine Bildauswahl aus den Archivbeständen der Stiftung F.C. Gundlach und der Deutschen Fotothek Dresden. Diese richtet den Fokus speziell auf die deutsche Identität mit all ihren Widersprüchen und historischen Verankerungen sowie ihre Neuorientierung nach 1989. Deutlich werden dabei, insbesondere nach den letzten Landtagswahlen im Osten Deutschlands, die zeitgeschichtlichen Kontinuitäten, die bis ins Hier und Heute führen.

Ein Großteil des fotografischen Oeuvres von Dirk Reinartz entstand im Auftrag: Mit zahlreichen Veröffentlichungen zwischen 1971 und 2004 in Zeitschriften und Magazinen wie Stern, Merian, ZEITmagazin und art sowie der Vertretung durch die Bildagentur VISUM, hatten Dirk Reinartz’ Fotografien eine heute kaum noch vorstellbare Reichweite. Hinzu kamen freie serielle Arbeiten, beginnend mit dem Buchprojekt Kein schöner Land (1978–1987), in welchem Reinartz aus seinem bisherigen Schaffen einen Abgesang auf den visuellen Niederschlag deutscher Geisteshaltung zusammenstellte. Dem Volkslied im Geiste von 1848 entlehnt, ironisch gebrochen für Buch und Serie durch Reinartz verwandt, bedient sich die Ausstellung nun abermals des umständlichen und doch so treffenden Titels. Als Lobpreisung Deutscher Lande kann ihn „zu dieser Zeit“ wohl niemand missverstehen.

In seinem Lebenswerk befasst sich Dirk Reinartz vor 1989 mit mentalen Zuständen und Befindlichkeiten, gesellschaftspolitischen Entwicklungen und kulturellen Eigenarten insbesondere an den Schnittstellen der beiden deutschen Staaten.

In einer Reportage für das ZEITmagazin unter dem Titel Besonderes Kennzeichen: Deutsch (1987), unternimmt Reinartz beispielsweise einen fotografischen Berufsvergleich, stellt je einen Busfahrer, einen Friseur und eine Facharbeiterin aus Jena und Erlangen einander gegenüber und thematisiert so die Teilung in Ost und West in ihren menschlichen Dimensionen. Die Reportage Das stille Ende (1983) erzählt von den Entwicklungen in Schnackenburg als Beispiel für die Geschichte eines Ortes, der einst mitten in Deutschland lag und nun in einem toten Winkel der Bundesrepublik verwelkt: „zwischen Gorleben und dem automatischen Todesschusszaun, der deutsch-deutschen Supergrenze, zwischen Atommüll und Minen“, wie der Journalist Wolfram Runkel es treffend beschrieb. Mit viel Raum für Zwischentöne begleitet Reinartz deutsch-deutsche Umsiedler in einer Doppelreportage Weg machen! Und was dann? (1984) und Go East – Neue Heimat Ost (1989). Nach der politischen Wende beobachtet Reinartz die Neuorientierung der nun gesamtdeutschen Gesellschaft. Mit großem Einfühlungsvermögen kreiert er Bildpaare aus Porträt und Ortsaufnahmen für die Reportage Was tun? zur Arbeitslosigkeit in Mecklenburg-Vorpommern. Mit Deutschstunde bei Gauck (1996) dokumentiert der Fotograf die Gauck-Behörde als Schicksalsort.

Dem Kult um Otto von Bismarck, der das Land bis heute in Form von Skulpturen und Plaketten überzieht, geht Dirk Reinartz in Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler (1991) nach. Die Reprise in Farbe folgt mit Bismarck in America (2000), als er den nach dem deutschen Reichskanzler benannten Ort in North Dakota als typisch amerikanische Kleinstadt porträtiert. Als bekannteste Werkserie von Reinartz gilt schließlich totenstill (1994), eine fotografische Annäherung an die ehemaligen nationalsozialistischen Konzentrationslager. Reinartz fotografierte die Orte des Genozids als stille und doch sprechende Architekturen, als menschenleere Stätten, die als solche das schmerzhaft Abwesende evozieren.

Die Ausstellung wird von einem autobiografischen Dia-Vortrag begleitet. Zudem werden die fotografischen Werke an der Wand durch Faksimiles der ursprünglichen Veröffentlichungen kommentiert.

Dirk Reinartz (1947-2004) a marqué la photographie de reportage et le documentaire photographique en Allemagne comme peu l'ont fait avant ou après lui. De sa vaste œuvre, Kein schöner Land... au f³ - freiraum für fotografie une sélection d'images provenant des archives de la fondation F.C. Gundlach et de la Deutsche Fotothek de Dresde. L'accent est mis sur l'identité allemande avec toutes ses contradictions et ses ancrages historiques, ainsi que sur sa réorientation après 1989. Les continuités historiques contemporaines qui mènent jusqu'ici et aujourd'hui sont clairement mises en évidence, en particulier après les dernières élections régionales en Allemagne de l'Est.

Une grande partie de l'œuvre photographique de Dirk Reinartz a été réalisée sur commande : avec de nombreuses publications entre 1971 et 2004 dans des revues et magazines tels que Stern, Merian, ZEITmagazin et art, ainsi que la représentation par l'agence photographique VISUM, les photographies de Dirk Reinartz ont eu une portée difficilement imaginable aujourd'hui. S'y sont ajoutés des travaux sériels libres, à commencer par le projet de livre Kein schöner Land (1978-1987), dans lequel Reinartz a compilé, à partir de son œuvre précédente, un chant de ralliement sur le reflet visuel de l'état d'esprit allemand. Emprunté à la chanson populaire dans l'esprit de 1848, ironiquement brisé pour le livre et la série par Reinartz, l'exposition se sert à nouveau de ce titre compliqué et pourtant si approprié. Personne ne peut se méprendre sur le fait qu'il s'agit d'un éloge du pays allemand « à cette époque ».

Dans l'œuvre de sa vie, Dirk Reinartz s'est intéressé avant 1989 aux états d'esprit et aux sensibilités, aux évolutions sociopolitiques et aux particularités culturelles, en particulier aux interfaces des deux États allemands.

Dans un reportage pour le magazine ZEIT intitulé Besonderes Kennzeichen : Deutsch (1987), Reinartz entreprend par exemple une comparaison photographique des métiers, transmettant un chauffeur de bus, un coiffeur et une ouvrière spécialisée d'Iéna et d'Erlangen, thématisant ainsi la division entre l'Est et l'Ouest dans ses dimensions humaines. Le reportage Das stille Ende (1983) raconte l'évolution de Schnackenburg comme exemple de l'histoire d'un lieu qui se trouvait autrefois au cœur de l'Allemagne et qui se fane désormais dans un angle mort de la République fédérale : « entre Gorleben et la barrière automatique de tirs mortels, la super frontière germano-allemande, entre les déchets nucléaires et les mines », comme l'a décrit avec justesse le journaliste Wolfram Runkel. Avec beaucoup de place pour les nuances, Reinartz accompagne des Allemands réinstallés dans un double reportage Weg machen ! Et puis quoi encore ? (1984) et Go East - Neue Heimat Ost (1989). Après la chute du mur, Reinartz observe la réorientation de la société allemande. Avec une grande sensibilité, il crée des paires d'images de portraits et de prises de vue locales pour le reportage Was tun ? sur le chômage dans le Mecklembourg-Poméranie occidentale. Avec Deutschstunde bei Gauck (1996), le photographe documente l'administration Gauck comme lieu de destin.

Le culte d'Otto von Bismarck, qui recouvre encore aujourd'hui le pays sous forme de sculptures et de plaques, est abordé par Dirk Reinartz dans Bismarck. De la trahison des monuments (1991). La reprise en couleur suit avec Bismarck in America (2000), lorsqu'il fait le portrait de la localité du Dakota du Nord portant le nom du chancelier allemand comme une petite ville américaine typique. Enfin, la série d'œuvres la plus connue de Reinartz est totenstill (1994), une approche photographique des anciens camps de concentration nazis. Reinartz a photographié les lieux du génocide comme des architectures silencieuses et pourtant parlantes, comme des sites déserts qui, en tant que tels, évoquent l'absence douloureuse.

L'exposition sera accompagnée d'un diaporama autobiographique. En outre, les œuvres photographiques accrochées au mur sont commentées par des fac-similés des publications originales.

Dirk Reinartz (1947-2004) ha plasmato la fotografia di reportage e la documentazione fotografica in Germania come pochi prima o dopo di lui. Dalla sua vasta opera, Kein schöner Land... al f³ - freiraum für fotografie presenta una selezione di immagini provenienti dagli archivi della Fondazione F.C. Gundlach e della Deutsche Fotothek Dresden. La mostra si concentra in particolare sull'identità tedesca, con tutte le sue contraddizioni e i suoi ancoraggi storici, e sul suo riorientamento dopo il 1989, evidenziando le continuità storiche che portano fino al presente, soprattutto dopo le ultime elezioni statali nella Germania dell'Est.

Gran parte dell'opera fotografica di Dirk Reinartz è stata commissionata: con numerose pubblicazioni tra il 1971 e il 2004 su riviste e giornali come Stern, Merian, ZEITmagazin e art, nonché con la rappresentanza da parte dell'agenzia fotografica VISUM, le fotografie di Dirk Reinartz hanno avuto una portata oggi quasi inimmaginabile. A ciò si aggiungono i lavori seriali gratuiti, a partire dal progetto di libro Kein schöner Land (1978-1987), in cui Reinartz compilò un canto del cigno all'espressione visiva della mentalità tedesca del suo lavoro precedente. Prendendo in prestito la canzone popolare nello spirito del 1848, ironicamente rifratta per il libro e la serie da Reinartz, la mostra utilizza ancora una volta il titolo goffo e tuttavia azzeccato. Nessuno può fraintendere “in questo momento” come un elogio alla Germania.

Nel suo lavoro di una vita, Dirk Reinartz si occupa di stati mentali e sensibilità, sviluppi socio-politici e idiosincrasie culturali, in particolare alle interfacce tra i due Stati tedeschi, prima del 1989.

In un reportage per lo ZEITmagazin intitolato Besonderes Kennzeichen: Deutsch (1987), ad esempio, Reinartz intraprende un confronto fotografico tra professioni, mettendo a confronto un autista di autobus, un parrucchiere e un operaio specializzato rispettivamente di Jena e di Erlangen, tematizzando così la divisione tra Est e Ovest nelle sue dimensioni umane. Il reportage Das stille Ende (1983) racconta gli sviluppi di Schnackenburg come esempio della storia di un luogo che un tempo si trovava al centro della Germania e che ora sta appassendo in un punto cieco della Repubblica Federale: “tra Gorleben e il recinto automatico, il superconfine tedesco-tedesco, tra scorie nucleari e miniere”, come lo ha giustamente descritto il giornalista Wolfram Runkel. Con ampio spazio per le sfumature, Reinartz accompagna i reinsediati tedesco-tedeschi in un doppio reportage intitolato Weg machen! E poi? (1984) e Go East - Neue Heimat Ost (1989). Dopo il cambiamento politico, Reinartz osserva il riorientamento della società ormai interamente tedesca. Con grande empatia, crea coppie di ritratti e scatti sul posto per il reportage Was tun? sulla disoccupazione nel Mecklenburg-Vorpommern. In Deutschstunde bei Gauck (1996), il fotografo documenta l'ufficio di Gauck come luogo del destino.

Dirk Reinartz esplora il culto di Otto von Bismarck, che ancora oggi ricopre lo Stato sotto forma di sculture e targhe, in Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler (1991). La ripresa a colori segue con Bismarck in America (2000), in cui Reinartz ritrae la città del North Dakota intitolata al cancelliere tedesco come una tipica cittadina americana. Infine, la serie di opere più nota di Reinartz è totenstill (1994), un approccio fotografico agli ex campi di concentramento nazisti. Reinartz ha fotografato i luoghi del genocidio come architetture silenziose eppure parlanti, come luoghi deserti che come tali evocano il dolore dell'assenza.

La mostra sarà accompagnata da una proiezione di diapositive autobiografiche. Inoltre, le opere fotografiche a parete saranno accompagnate da facsimili delle pubblicazioni originali.

Dirk Reinartz (1947–2004) shaped reportage photography and photographic documentation in Germany like few before or after him. From his extensive oeuvre, Kein schöner Land... (No fairer Land...) at f³ – freiraum für fotografie presents a selection of images from the archive holdings of the F.C. Gundlach Foundation and the Deutsche Fotothek Dresden. This focuses specifically on German identity with all its contradictions and historical anchoring as well as its reorientation after 1989. Particularly after the last state elections in East Germany, the historical continuities that lead up to the here and now become clear.

A large part of Dirk Reinartz's photographic oeuvre was commissioned: with numerous publications in journals and magazines such as Stern, Merian, ZEITmagazin and art between 1971 and 2004, as well as representation by the VISUM photo agency, Dirk Reinartz's photographs had a reach that is almost unimaginable today. In addition, there were free serial works, beginning with the book project Kein schöner Land (No fairer Land, 1978–1987), in which Reinartz compiled a swan song to the visual expression of the German spirit from his previous work. Borrowed from the folk song in the spirit of 1848, ironically refracted for the book and series by Reinartz, the exhibition once again makes use of the awkward and yet apt title. No one can misunderstand it as a praise of the German nation “at this time”.

In his life's work, Dirk Reinartz deals with mental states and sensitivities, socio-political developments and cultural idiosyncrasies before 1989, particularly at the interfaces of the “Two Germanies”.

In a reportage for ZEITmagazin entitled Besonderes Kennzeichen: Deutsch (Special Feature: German, 1987), for example, Reinartz undertakes a photographic comparison of professions and contrasts a bus driver, a hairdresser and a skilled worker from Jena and Erlangen respectively, thus thematizing the division in East and West in its human dimensions. The reportage Das stille Ende (The silent End, 1983) tells of the developments in Schnackenburg as an example of the history of a place that once lay in the middle of Germany and is now withering away in a blind spot of the Federal Republic: “between Gorleben and the automatic fence of death, the German-German super border, between nuclear waste and mines”, as the journalist Wolfram Runkel aptly described it. With plenty of room for nuances, Reinartz accompanies German-German resettlers in a double reportage entitled Weg machen! Und was dann? (Getting away and then what?, 1984) and Go East – Neue Heimat Ost (New Home East, 1989). After the political change of 1989, Reinartz observes the reorientation of the now all-German society. With great empathy, he creates pairs of portraits and location shots for the reportage Was tun? (What to do?) on unemployment in Mecklenburg-Vorpommern. In Deutschstunde bei Gauck (German Lesson with Gauck, 1996), the photographer documents the Gauck office as a place of destiny.

Dirk Reinartz explores the cult of Otto von Bismarck, which still covers the country today in the form of sculptures and plaques, in Bismarck. Vom Verrat der Denkmäler (Bismarck. On the Betrayal of Monuments, 1991). The reprise in color follows with Bismarck in America (2000), when he portrays the town in North Dakota named after the German chancellor as a typical American small town. Reinartz's best-known series of works is totenstill (Deathly Still, 1994), a photographic approach to the former National Socialist concentration camps. Reinartz photographed the sites of genocide as silent and yet speaking architectures, as deserted places that as such evoke the painfully absent.

The exhibition is accompanied by an autobiographical slide show. In addition, the photographic works on the wall will be accompanied by facsimiles of the original publications.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

VisuleX Gallery for Photography | Hamburg
6. Dezember 2024 – 14. Januar 2025

Stella Polaris Ulloriarsuaq
Nomi Baumgartl

STELLA POLARIS ULLORIARSUAQ* ist ein globales Fotokunst- und Filmprojekt, das mit zauberhaften Momentaufnahmen, die durch Licht inszenierten Eisberge und Gletscher Grönlands dokumentiert. Seit einem Jahrzehnt sensibilisiert das Projekt für die dramatischen Folgen der rasch fortschreitenden Eisschmelze und macht auf die Vergänglichkeit dieser einzigartigen Landschaften aufmerksam.

Die international bekannte Fotografin Nomi Baumgartl, der deutsche Fotograf Sven Nieder, der Filmregisseur Yatri N. Niehaus und die Grönländerin Laali Lyberth setzten dieses ehrgeizige Projekt in den Jahren 2012 und 2013 um. Sie wurden begleitet von Angaangaq Angakkorsuaq, einem spirituellen Mentor der Inuit. Durch Langzeitbelichtungen entstanden Lichtbilder von magischer Strahlkraft, die das schmelzende Eis in ein faszinierendes Kunstwerk verwandeln. Die Grönländer, die als „Lichtbotschafter“ aktiv waren, spielten dabei eine zentrale Rolle: Während der Polarnächte beleuchteten sie die Eisberge mit Taschenlampen, wodurch diese auf den Fotografien wie leuchtende Inseln aus der Dunkelheit hervortreten.

Die Arbeiten aus dieser Serie zeigen Szenen von zeitloser Schönheit und gehören zu den Hauptwerken von Nomi Baumgartl. Ein besonderes Highlight der Ausstellung ist das Sammlerstück „Mountains of the Sea I“, präsentiert in der limitierten Edition AP2 (180 x 120 cm, Auflage 3+2AP). Dieses eindrucksvolle Großformat begeistert durch seine starke räumliche Präsenz.

STELLA POLARIS ULLORIARSUAQ* est un projet global d'art photographique et cinématographique qui documente, à l'aide d'instantanés enchanteurs, les icebergs et les glaciers du Groenland mis en scène par la lumière. Depuis une dizaine d'années, le projet sensibilise aux conséquences dramatiques de la fonte rapide des glaces et attire l'attention sur le caractère éphémère de ces paysages uniques.

La photographe de renommée internationale Nomi Baumgartl, le photographe allemand Sven Nieder, le réalisateur de films Yatri N. Niehaus et la Groenlandaise Laali Lyberth ont mis en œuvre ce projet ambitieux en 2012 et 2013. Ils ont été accompagnés par Angaangaq Angakkorsuaq, un mentor spirituel inuit. Grâce à des expositions de longue durée, ils ont créé des images lumineuses d'un rayonnement magique, transformant la glace fondante en une œuvre d'art fascinante. Les Groenlandais, actifs en tant qu'« ambassadeurs de la lumière », ont joué un rôle central dans ce processus : pendant les nuits polaires, ils ont éclairé les icebergs à l'aide de lampes de poche, ce qui les fait ressortir de l'obscurité sur les photographies comme des îles lumineuses.

Les travaux de cette série montrent des scènes d'une beauté intemporelle et font partie des œuvres principales de Nomi Baumgartl. Un point fort particulier de l'exposition est la pièce de collection « Mountains of the Sea I », présentée dans l'édition limitée AP2 (180 x 120 cm, tirage 3+2AP). Ce grand format impressionnant enthousiasme par sa forte présence spatiale.

STELLA POLARIS ULLORIARSUAQ* è un progetto fotografico e cinematografico globale che utilizza istantanee magiche per documentare gli iceberg e i ghiacciai della Groenlandia messi in scena dalla luce. Da un decennio, il progetto sensibilizza l'opinione pubblica sulle drammatiche conseguenze del rapido scioglimento dei ghiacci e richiama l'attenzione sulla transitorietà di questi paesaggi unici.

La fotografa di fama internazionale Nomi Baumgartl, il fotografo tedesco Sven Nieder, il regista Yatri N. Niehaus e la groenlandese Laali Lyberth hanno realizzato questo ambizioso progetto nel 2012 e 2013. Sono stati accompagnati da Angaangaq Angakkorsuaq, un mentore spirituale Inuit. Sono state utilizzate lunghe esposizioni per creare immagini luminose di magica radiosità, trasformando lo scioglimento dei ghiacci in un'affascinante opera d'arte. I groenlandesi, attivi come “ambasciatori della luce”, hanno avuto un ruolo centrale in questo: durante le notti polari, illuminavano gli iceberg con le torce, facendoli emergere dall'oscurità delle fotografie come isole luminose.

Le opere di questa serie mostrano scene di bellezza senza tempo e sono tra le opere principali di Nomi Baumgartl. Un pezzo forte della mostra è l'opera da collezione “Mountains of the Sea I”, presentata in edizione limitata AP2 (180 x 120 cm, edizione di 3+2AP). Questo imponente formato di grandi dimensioni ispira per la sua forte presenza spaziale.

STELLA POLARIS ULLORIARSUAQ* is a global photography and film project that documents Greenland's icebergs and glaciers with enchanting snapshots, staged by light. For a decade, the project has been raising awareness of the dramatic consequences of the rapidly advancing ice melt and drawing attention to the transience of these unique landscapes.

The internationally renowned photographer Nomi Baumgartl, the German photographer Sven Nieder, the film director Yatri N. Niehaus and the Greenlandic Laali Lyberth implemented this ambitious project in 2012 and 2013. They were accompanied by Angaangaq Angakkorsuaq, a spiritual mentor of the Inuit. Long exposure photography created images of magical radiance, transforming the melting ice into a fascinating work of art. The Greenlanders, who were active as “ambassadors of light”, played a central role in this: during the polar nights, they illuminated the icebergs with flashlights, causing them to emerge from the darkness like glowing islands in the photographs.

The works from this series show scenes of timeless beauty and are among Nomi Baumgartl's major works. A special highlight of the exhibition is the collector's item “Mountains of the Sea I”, presented in the limited edition AP2 (180 x 120 cm, edition of 3 + 2 AP). This impressive large format inspires with its strong spatial presence.

(Text: VisuleX Gallery for Photography, Hamburg)

Deichtorhallen | Hamburg
13. Dezember 2024 – 4. Mai 2025

High Noon
Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe, Philip-Lorca diCorcia

Ausgehend vom Studium der Fotografie an der School of the Museum of Fine Arts in Boston Ende der 1970er und Anfang der 1980er Jahre nehmen die vier Fotograf*innen Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe und Philip-Lorca diCorcia im politischen Fluidum der Ära Ronald Reagan ihre Arbeit auf. Goldin, Armstrong und Morrisroe sind miteinander befreundet und konzentrieren sich auf die fotografische Erkundung der subkulturellen Bohème in Boston und New York, deren fester Bestandteil sie sind.

Kamera, persönliche Perspektive und autobiografische Aspekte verschmelzen miteinander und prägen drei unverwechselbare, in Auffassung und Stilistik allerdings komplett unterschiedliche visuelle Identitäten, die die Fotografie revolutioniert haben und mit Macht bis in die aktuelle Gegenwart nachwirken. Gefangen zwischen Instabilität und Fragilität, dabei beständig auf der Suche nach sich selbst, zeigen sie Lust und Schrecken ihrer Peergroup und eröffnen intensive Einblicke in ihre emotionalen und sozialen Welten. Tagebuchartig prallen fotografische Sequenzen von Zuneigung, Freundschaft, Liebe, Sex und Lebendigkeit mit Einsamkeit, Gewalt, Sucht, Aids, Verfall und Tod aufeinander.

Philip-Lorca diCorcia, der sich sehr bewusst von den drei Fotograf*innen distanziert, beginnt damit, alltägliche Szenen mit Verwandten und Freunden künstlich nachzustellen, raffiniert auszuleuchten und zu fotografieren und konzipiert auf diese Weise zunächst ideale Archetypen. Basis seiner Arbeit ist stets ein genau definierter konzeptueller Ansatz, der bewusst mit dem fotografischen Medium als möglichem Dokument spielt.

Die von Dr. Sabine Schnakenberg kuratierte Schau in den Hamburger Deichtorhallen präsentiert das wohl umfangreichste zeitlich wie inhaltlich zusammenhängende Konvolut künstlerischer Arbeiten, das der Sammler F.C. Gundlach in den 1990er Jahren kontinuierlich dem Bestand seiner fotografischen Sammlung hinzufügte. Gezeigt werden etwa 150 zum Teil großformatige Arbeiten. Fasziniert von Inhalt, Intimität, Expressivität und persönlicher Herangehensweise verband F.C. Gundlach besonders zu Nan Goldin eine persönliche Beziehung – er förderte sie ab dem Beginn der 1990er Jahre sehr gezielt.

Partant de leurs études de photographie à la School of the Museum of Fine Arts de Boston à la fin des années 1970 et au début des années 1980, les quatre photographes* Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe et Philip-Lorca diCorcia commencent leur travail dans le fluide politique de l'ère Ronald Reagan. Goldin, Armstrong et Morrisroe sont des amis et se concentrent sur l'exploration de l'espace public. l'exploration photographique de la bohème subculturelle de Boston et de New York, dont ils font partie intégrante.

L'appareil photo, la perspective personnelle et les aspects autobiographiques fusionnent pour former trois identités visuelles distinctes, bien que complètement différentes en termes de conception et de style, qui ont révolutionné la photographie et dont les effets se font sentir jusqu'à aujourd'hui. Pris entre instabilité et fragilité, ils sont constamment à la recherche d'eux-mêmes, montrent le plaisir et l'horreur de leur groupe de pairs et ouvrent des perspectives intenses dans leurs mondes émotionnels et sociaux. À la manière d'un journal intime, des séquences photographiques d'affection, d'amitié, d'amour, de sexe et de vitalité entrent en collision avec la solitude, la violence, la dépendance, le sida, la déchéance et la mort.

Philip-Lorca diCorcia, qui se distancie très consciemment des trois photographes*, commence par reproduire artificiellement des scènes quotidiennes avec des parents et des amis, à les éclairer et à les photographier de manière raffinée, et conçoit de cette manière des archétypes idéaux. La base de son travail est toujours une approche conceptuelle bien définie, qui joue délibérément avec le médium photographique comme document possible.

L'exposition organisée par Dr. Sabine Schnakenberg aux Deichtorhallen de Hambourg présente le plus grand ensemble de travaux artistiques, cohérent dans le temps et dans le contenu, que le collectionneur F.C. Gundlach a ajouté en permanence à sa collection de photographies dans les années 1990. Environ 150 œuvres, dont certaines de grand format, sont présentées. Fasciné par le contenu, l'intimité, l'expressivité et l'approche personnelle, F.C. Gundlach entretenait une relation personnelle avec Nan Goldin, qu'il a encouragée de manière très ciblée dès le début des années 1990.

Dopo aver studiato fotografia alla School of the Museum of Fine Arts di Boston tra la fine degli anni '70 e l'inizio degli anni '80, i quattro fotografi Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe e Philip-Lorca diCorcia hanno iniziato il loro lavoro nel fluido politico dell'era di Ronald Reagan. Goldin, Armstrong e Morrisroe sono amici tra loro e si concentrano sull'esplorazione fotografica della sottocultura esplorazione fotografica della bohème subculturale di Boston e New York, di cui sono parte integrante.

La macchina fotografica, la prospettiva personale e gli aspetti autobiografici si fondono insieme e danno forma a tre identità visive inconfondibili, sebbene completamente diverse per concezione e stile, che hanno rivoluzionato la fotografia e continuano ad avere un effetto potente fino ai giorni nostri. In bilico tra instabilità e fragilità, alla costante ricerca di se stessi, mostrano il piacere e l'orrore del loro gruppo di coetanei e aprono intensi squarci sul loro mondo emotivo e sociale. Come diari, le sequenze fotografiche di affetto, amicizia, amore, sesso e vivacità si scontrano con la solitudine, la violenza, la dipendenza, l'AIDS, la decadenza e la morte.

Philip-Lorca diCorcia, che prende consapevolmente le distanze dai tre fotografi, inizia ricreando artificialmente scene quotidiane con parenti e amici, illuminandole e fotografandole in modo ingegnoso, creando così inizialmente degli archetipi ideali. Il suo lavoro si basa sempre su un approccio concettuale ben definito che gioca consapevolmente con il mezzo fotografico come possibile documento.

Curata dalla dott.ssa Sabine Schnakenberg, la mostra al Deichtorhallen di Amburgo presenta quella che probabilmente è la più ampia raccolta di opere artistiche, sia in termini di tempo che di contenuto, che il collezionista F.C. Gundlach ha continuamente aggiunto alla sua collezione fotografica negli anni Novanta. Sono esposte circa 150 opere, alcune delle quali di grande formato. Affascinato dal contenuto, dall'intimità, dall'espressività e dall'approccio personale, F.C. Gundlach ha avuto un rapporto personale in particolare con Nan Goldin, che ha promosso in modo molto specifico a partire dai primi anni Novanta.

Having studyied photography at the School of the Museum of Fine Arts in Boston in the late 1970s and early 1980s, the four photographers Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe and Philip-Lorca diCorcia began their work in the political climate of the Ronald Reagan era. Goldin, Armstrong and Morrisroe are friends and concentrate on the photographic exploration of the subcultural bohemia in Boston and New York, of which they are an integral part.

The camera, personal perspective and autobiographical aspects merge together and shape three unmistakable visual identities, albeit completely different in conception and style, which have revolutionized photography and continue to have a powerful effect right up to the present day. Caught between instability and fragility, constantly in search of themselves, they show the pleasure and horror of their peer group and open up intense insights into their emotional and social worlds. Like diaries, photographic sequences of affection, friendship, love, sex and liveliness collide with

loneliness, violence, addiction, AIDS, decay and death.

Philip-Lorca diCorcia, who very consciously distances himself from the three photographers, begins by artificially recreating everyday scenes with relatives and friends, ingeniously illuminating and photographing them, initially conceiving ideal archetypes in this way. His work is always based on a precisely defined conceptual approach that consciously plays with the photographic medium as a possible document.

Curated by Dr. Sabine Schnakenberg, the show at Deichtorhallen Hamburg presents what is probably the most comprehensive collection of artistic works, both in terms of time and content, that the collector F.C. Gundlach continuously added to his photographic collection in the 1990s. On display are around 150 works, some of which are large-format. Fascinated by the content, intimacy, expressiveness and personal approach, F.C. Gundlach particularly had a personal relationship with Nan Goldin - from the early 1990s onwards, he supported her very specifically.

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

Galerie Barbara von Stechow | Frankfurt am Main
16. Januar – 26. Februar 2025

Absurda
Josef Fischnaller

Die lebendigen Portraits und Stillleben von Josef Fischnaller verweisen auf die Malerei der Renaissance und die des Barocks und zeigen die visionäre Planung und verführerische Theatralik seiner meisterhaften Inszenierungen. So bleiben seine Arrangements rätselhaft in ihrer Konstruktion und beruhen auf der faszinierenden Gegenseitigkeit moderner Absurdität und der Allgegenwart kunsthistorischer Hinweise. Dazu baut Fischnaller selbstreflexive Präsenzen auf, die den Betrachter gleichzeitig überraschen und mit auf eine Zeitreise nehmen.

Licht und Inszenierung sind die zentralen Bildelemente in Josef Fischnallers Arbeiten. In den Portraits dominiert der Hell-Dunkel-Kontrast, das Chiaroscuro. Die Parodie des gewohnten Sehens, Humor sowie eine hohe Ästhetik zeichnen die Werke von Josef Fischnaller aus. Mit opulenten Requisiten und farbenprächtigen Ornamenten wird ein eklektisches Renaissance-Interieur erschaffen. Die Stillleben erinnern an barocke Vanitas-Gemälde, auch durch die Vergänglichkeit der Schönheit der dargestellten Sujets.

Während wir in Fischnallers opulenten Werken den einen oder anderen Alten Meister wieder erkennen, muten die dargestellten Personen sehr zeitgenössisch und modern an. So sieht man auf dem Schlüsselmotiv und Titel-gebenden Bild eine junge Frau mit dem tätowierten Schriftzug „Absurda“, auf einem anderen Bild den berühmten Anwalt und Kunstmäzen Peter Raue in der Rolle von Rembrandts „Mann mit dem Goldhelm“. So reihen sich Gegenwart und Vergangenheit eng aneinander und verschmelzen im fotografischen Reigen des Fotokünstlers.

Les portraits vivants et les natures mortes de Josef Fischnaller font référence à la peinture de la Renaissance et à celle de l'époque baroque, et révèlent la planification visionnaire et la théâtralité séduisante de ses mises en scène magistrales. Ainsi, ses arrangements restent énigmatiques dans leur construction et reposent sur la fascinante réciprocité de l'absurdité moderne et de l'omniprésence des notes de l'histoire de l'art. Pour cela, Fischnaller construit des présences autoréflexives qui surprennent en même temps le spectateur et l'emmènent dans un voyage dans le temps.

La lumière et la mise en scène sont les éléments centraux des travaux de Josef Fischnaller. Dans les portraits, le contraste clair-obscur, le clair-obscur, domine. La parodie de la vision habituelle, l'humour ainsi qu'une grande esthétique caractérisent les œuvres de Josef Fischnaller. Un intérieur Renaissance éclectique est créé à l'aide d'accessoires opulents et d'ornements aux couleurs vives. Les natures mortes rappellent les tableaux baroques Vanitas, notamment par le caractère éphémère de la beauté des sujets représentés.

Alors que nous reconnaissons l'un ou l'autre maître ancien dans les œuvres opulentes de Fischnaller, les personnages représentés ont l'air très contemporains et modernes. Ainsi, sur le motif clé et le visuel qui donne son titre à l'exposition, on voit une jeune femme tatouée de l'inscription « Absurda », et sur un autre visuel, le célèbre avocat et mécène d'art Peter Raue dans le rôle de « l'homme au casque d'or » de Rembrandt. Ainsi, le présent et le passé s'enchaînent étroitement et se fondent dans la ronde photographique de l'artiste photographe.

I vivaci ritratti e le nature morte di Josef Fischnaller ricordano la pittura rinascimentale e barocca e mostrano la pianificazione visionaria e la seducente teatralità delle sue magistrali messe in scena. I suoi allestimenti rimangono enigmatici nella loro costruzione e si basano sull'affascinante reciprocità dell'assurdità moderna e sull'onnipresenza di riferimenti storici dell'arte. A tal fine, Fischnaller costruisce presenze autoriflessive che sorprendono lo spettatore e lo accompagnano in un viaggio nel tempo.

La luce e la messa in scena sono gli elementi pittorici centrali delle opere di Josef Fischnaller. I ritratti sono dominati dal contrasto tra luce e buio, il chiaroscuro. Le opere di Josef Fischnaller sono caratterizzate da una parodia dei modi di vedere familiari, dall'umorismo e dall'alta estetica. Viene creato un interno rinascimentale eclettico con oggetti di scena opulenti e ornamenti colorati. Le nature morte ricordano le vanitas barocche, anche per la transitorietà della bellezza dei soggetti raffigurati.

Mentre riconosciamo uno o due antichi maestri nelle opulente opere di Fischnaller, le persone raffigurate sembrano molto contemporanee e moderne. Nel motivo chiave e nel quadro che dà il titolo all'opera, ad esempio, vediamo una giovane donna con la scritta tatuata “Absurda”, in un altro quadro il famoso avvocato e mecenate Peter Raue nel ruolo dell'“Uomo dall'elmo d'oro” di Rembrandt. In questo modo, il presente e il passato sono strettamente intrecciati e si fondono nel girotondo fotografico del fotografo.

Josef Fischnaller's lively portraits and still lifes reference Renaissance and Baroque painting and show the visionary planning and seductive theatricality of his masterful stagings. His arrangements remain enigmatic in their construction and rely on the fascinating reciprocity of modern absurdity and the omnipresence of art historical notes. In addition, Fischnaller builds self-reflective presences that simultaneously surprise the viewer and take him on a journey through time.

Light and staging are the central pictorial elements in Josef Fischnaller's works. The portraits are dominated by the contrast between light and dark, the chiaroscuro. The parody of the usual way of seeing, humor as well as a high level of aesthetics characterize the works of Josef Fischnaller. With opulent props and colorful ornaments, an eclectic Renaissance interior is created. The still lifes are reminiscent of baroque vanitas paintings, also through the transience of the beauty of the subjects depicted.

While we recognize one or the other old master in Fischnaller's opulent works, the depicted persons appear very contemporary and modern. In the key motif and title-giving image, for example, we see a young woman with the tattooed word “Absurda”; in another visual, we see the famous lawyer and patron of the arts Peter Raue in the role of Rembrandt's “Man with the Gold Helmet”. In this way, the present and the past are closely intertwined and merge in the photographic series of the photo artist.

(Text: Galerie Barbara von Stechow, Frankfurt am Main)

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

A WORLD IN COMMON - Contemporary African Photography

Kelani Abass, Atong Atem, Malala Andrialavidrazana, Edson Chagas, Kudzanai Chiurai, Rotimi Fani-Kayode, Maïmouna Guerresi, Hassan Hajjaj, Délio Jasse, Samson Kambalu, Kiripi Katembo, Lebohang Kganye, Sabelo Mlangeni, Mário Macilau, Fabrice Monteiro, Aïda Muluneh, George Osodi, Dawit L. Petros, Zina Saro- Wiwa, Khadija Saye

Die Ausstellung versammelt Werke von mehr als 20 Künstler:innen und verfolgt das Ziel, die Vorstellung von Afrika in der globalen Wahrnehmung neu zu definieren. Inspiriert vom historischen kulturellen Reichtum des Kontinents und seiner gegenwärtigen sozio-politischen Landschaft bezieht sich die Ausstellung auf die Philosophie des kamerunischen Denkers Achille Mbembe, der vorschlägt, eine „gemeinsame Welt“ zu imaginieren, indem wir „die Welt von Afrika aus denken“. Die Ausstellung möchte konventionelle Wahrnehmungen herausfordern und eine Sicht auf Afrika fördern, die den Kontinent in das Zentrum einer geteilten globalen Zukunft stellt. In ihrer Kunst wenden sich die Fotograf:innen und Filmemacher:innen gegen die Beschränkungen, die ihnen oft durch stereotype Darstellungen auferlegt werden. Sie betonen die vielfältigen Realitäten des Kontinents sowie sein Potenzial, menschliche Geschichten zu beeinflussen. Die Ausstellung gliedert sich in drei thematische Abschnitte, die sich den Themen Identität und Tradition, Gegen-Geschichten und imaginierten Zukünften widmen.

Organisiert von Tate Modern, London in Kollaboration mit C/O Berlin.

Gefördert durch die Art Mentor Foundation Lucerne und Wolfgang Tillmans.

L'exposition rassemble les œuvres de plus de 20 artistes et a pour objectif de redéfinir l'idée de l'Afrique dans la perception globale. Inspirée par la richesse culturelle historique du continent et son paysage sociopolitique actuel, l'exposition se réfère à la philosophie du penseur camerounais Achille Mbembe, qui propose d'imaginer un « monde commun » en « pensant le monde à partir de l'Afrique ». L'exposition vise à défier les perceptions conventionnelles et à promouvoir une vision de l'Afrique qui transmet le continent au cœur d'un avenir mondial partagé. Dans leur art, les photographes et les cinéastes s'opposent aux restrictions souvent imposées par des représentations stéréotypées. Ils mettent l'accent sur les multiples réalités du continent et sur son potentiel à influencer les histoires humaines. L'exposition s'articule en trois sections thématiques consacrées à l'identité et à la tradition, aux contre-récits et aux futurs imaginés.

Organisée par la Tate Modern, Londres en collaboration avec C/O Berlin.

Soutenue par l'Art Mentor Foundation Lucerne et Wolfgang Tillmans.

La mostra riunisce le opere di oltre 20 artisti e mira a ridefinire l'idea di Africa nella percezione globale. Ispirata alla ricchezza storico-culturale del continente e al suo attuale panorama socio-politico, la mostra si ispira alla filosofia del pensatore camerunense Achille Mbembe, che propone di immaginare un “mondo comune” “pensando il mondo dall'Africa”. La mostra intende sfidare le percezioni convenzionali e promuovere una visione dell'Africa che ponga il continente al centro di un futuro globale condiviso. Nella loro arte, i fotografi e i registi sfidano i limiti spesso imposti da rappresentazioni stereotipate. Sottolineano le diverse realtà del continente e il suo potenziale di influenzare le storie umane. La mostra è suddivisa in tre sezioni tematiche che esplorano i temi dell'identità e della tradizione, delle controstorie e dei futuri immaginari.

Organizzata dalla Tate Modern di Londra in collaborazione con C/O Berlin.

Sostenuta dalla Fondazione Art Mentor di Lucerna e da Wolfgang Tillmans.

The exhibition brings together works by more than 20 artists and aims to redefine the idea of Africa in the global perception. Inspired by the continent's historical cultural richness and its current socio-political landscape, the exhibition draws on the philosophy of the Cameroonian thinker Achille Mbembe, who proposes imagining a “common world” by “thinking the world from Africa”. The exhibition aims to challenge conventional perceptions and promote a view of Africa that places the continent at the center of a shared global future. In their art, the photographers and filmmakers challenge the limitations that are often imposed on them by stereotypical representations. They emphasize the continent's diverse realities as well as its potential to influence human stories. The exhibition is divided into three thematic sections, dedicated to the themes of identity and tradition, counter-histories, and imagined futures.

Organized by Tate Modern, London in collaboration with C/O Berlin.

Supported by the Art Mentor Foundation Lucerne and Wolfgang Tillmans.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

Protektorat . C/O Berlin Talent Award 2024
Silvia Rosi

In Protektorat setzt sich die italienische Künstlerin Silvia Rosi mit ihren togolesischen Wurzeln auseinander und beleuchtet Kommunikations- und Zeichensysteme in kolonialen und hegemonialen Machtstrukturen. Ausgehend von Archivmaterial des Nationalarchivs von Togo macht sie auf die flächendeckende Verbreitung westlicher Systeme während der kolonialen Besetzung Togos seitens des Deutschen Reiches sowie britischen und französischen Streitkräften aufmerksam. Der Akt des Erzählens findet in Protektorat über multiple Bildformen und Sinnes-ebenen statt: In Stand- und Bewegtbildern mit Ton können wir sehen und hören wie lokale Sprache, Traditionen und Bildkultur während der Kolonialherrschaft überschrieben oder unterdrückt wurden. Protagonistin der Arbeiten ist immer Rosi selbst, womit sie wirkungsvoll ihre persönliche Erfahrung in der kollektiven Erzählung einbettet.

Seit 2020 wird der C/O Berlin Talent Award durch die Alexander Tutsek-Stiftung ermöglicht.

Dans Protektorat, l'artiste italienne Silvia Rosi se penche sur ses racines togolaises et met en lumière les systèmes de communication et de signes dans les structures de pouvoir coloniales et hégémoniques. En se basant sur des archives des Archives nationales du Togo, elle attire l'attention sur la diffusion généralisée des systèmes occidentaux pendant l'occupation coloniale du Togo par l'Empire allemand et les forces armées britanniques et françaises. Dans Protektorat, l'acte de raconter se fait par le biais de multiples formes d'images et de niveaux de sens : Dans des images fixes et animées avec son, nous pouvons voir et entendre comment la langue, les traditions et la culture visuelle locales ont été écrasées ou réprimées pendant la domination coloniale. La protagoniste des travaux est toujours Rosi elle-même, ce qui lui permet d'intégrer efficacement son expérience personnelle dans le récit collectif.

Depuis 2020, le C/O Berlin Talent Award est rendu possible grâce à la fondation Alexander Tutsek.

In Protettorato, l'artista italiana Silvia Rosi esplora le sue radici togolesi e fa luce sui sistemi di comunicazione e di segni nelle strutture di potere coloniali ed egemoniche. Basandosi su materiale d'archivio proveniente dall'Archivio Nazionale del Togo, l'artista richiama l'attenzione sull'ampia diffusione dei sistemi occidentali durante l'occupazione coloniale del Togo da parte dell'Impero tedesco e delle forze britanniche e francesi. L'atto di narrazione si svolge in Protektorat attraverso molteplici forme visive e livelli sensoriali: Nelle immagini fisse e in movimento con il sonoro, possiamo vedere e sentire come la lingua, le tradizioni e la cultura visiva locali siano state sovrascritte o soppresse durante la dominazione coloniale. Rosi stessa è sempre la protagonista delle opere, inserendo efficacemente la sua esperienza personale nella narrazione collettiva.

Dal 2020, il C/O Berlin Talent Award è reso possibile dalla Alexander Tutsek-Stiftung.

In Protektorat, Italian artist Silvia Rosi engages with her Togolese roots and sheds light on systems of communication and signs in colonial and hegemonic power structures. Based on archival material from the National Archives of Togo, she draws attention to the widespread dissemination of Western systems during the colonial occupation of Togo by the German Reich, as well as British and French forces. The act of storytelling takes place in a protectorate of multiple image forms and sensory levels: in still and moving images with sound, we can see and hear how local language, traditions, and visual culture were overwritten or suppressed during colonial rule. The protagonist of the works is always Rosi herself, effectively embedding her personal experience in the collective narrative.

Since 2020, the C/O Berlin Talent Award has been made possible by the Alexander Tutsek-Stiftung.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

Under the Sun
Sam Youkilis

Mit viel Liebe zum Detail, zu Licht und satten Farben fängt Sam Youkilis die Sehnsüchte und Verheißungen des Reisens sowie die Schönheit des Alltäglichen ein. Neben erfolgreichen Auftragsarbeiten in der kommerziellen Modefotografie, nimmt der 1993 in New York geborene Fotograf und Filmemacher seine beruflichen Reisen zum Anlass, um in kurzen Filmen und Videoporträts menschliche Gesten, Emotionen und Interaktionen sowie alteingesessene Handwerke und lokale Traditionen zu dokumentieren. Als Pionier einer neuen Form des visuellen Geschichtenerzählens arbeitet Youkilis mit dem iPhone und nutzt das soziale Netzwerk Instagram als Plattform, um seine zu Themenclustern zusammengestellten Beobachtungen mit zahlreichen Followern zu teilen. Aus vermeintlich banalen Szenen schafft er ein visuelles Archiv an der Schnittstelle von Straßen-, Reise-, Food- und Dokumentarfotografie, das sowohl die vertrauten Tropen und Klischees des Reisens bedient als auch auf universelle Themen menschlicher Erfahrung verweist. C/O Berlin präsentiert Sam Youkilis‘ erste institutionelle Einzelausstellung.

Ermöglicht durch die Art Mentor Foundation Lucerne.

Avec un grand souci du détail, de la lumière et des couleurs saturées, Sam Youkilis capture les aspirations et les promesses du voyage ainsi que la beauté du quotidien. Outre des travaux de commande réussis dans la photographie de mode commerciale, le photographe et cinéaste né à New York en 1993 profite de ses voyages professionnels pour documenter, dans des courts métrages et des portraits vidéo, des gestes humains, des émotions et des interactions ainsi que des métiers ancestraux et des traditions locales. Pionnier d'une nouvelle forme de narration visuelle, Youkilis travaille avec l'iPhone et utilise le réseau social Instagram comme plateforme pour partager ses observations, regroupées par thèmes, avec de nombreux followers. À partir de scènes prétendument banales, il crée une archive visuelle à la croisée de la photographie de rue, de voyage, de nourriture et de documentaire, qui sert à la fois les tropes et les clichés familiers du voyage et renvoie à des thèmes universels de l'expérience humaine. C/O Berlin présente la première exposition individuelle institutionnelle de Sam Youkilis.

Permis par l'Art Mentor Foundation Lucerne

Con grande attenzione ai dettagli, alla luce e alla ricchezza dei colori, Sam Youkilis cattura i desideri e le promesse dei viaggi e la bellezza del quotidiano. Oltre a lavorare con successo su commissione nel campo della fotografia commerciale di moda, il fotografo e regista, nato a New York nel 1993, utilizza i suoi viaggi professionali come opportunità per documentare i gesti, le emozioni e le interazioni umane, nonché l'artigianato di lunga data e le tradizioni locali in cortometraggi e ritratti video. Pioniere di una nuova forma di narrazione visiva, Youkilis lavora con l'iPhone e utilizza il social network Instagram come piattaforma per condividere le sue osservazioni, organizzate in gruppi tematici, con numerosi follower. A partire da scene apparentemente banali, crea un archivio visivo all'incrocio tra fotografia di strada, di viaggio, di cibo e documentaria, che si rifà sia a tropi e cliché familiari del viaggio sia a temi universali dell'esperienza umana. C/O Berlin presenta la prima mostra personale istituzionale di Sam Youkilis.

Resa possibile dalla Fondazione Art Mentor di Lucerna.

With great attention to detail, light and saturated colors, Sam Youkilis captures the yearning and promise of travel as well as the beauty of everyday life. In addition to successful commercial fashion photography assignments, the photographer and filmmaker, who was born in New York in 1993, uses his professional travels as an opportunity to document human gestures, emotions and interactions, as well as long-established crafts and local traditions, in short films and video portraits. A pioneer of a new form of visual storytelling, Youkilis works with the iPhone and uses the social network Instagram as a platform to share his observations, which he organizes into thematic clusters, with numerous followers. From seemingly mundane scenes, he creates a visual archive at the intersection of street, travel, food, and documentary photography that both draws on the familiar tropes and clichés of travel and points to universal themes of human experience. C/O Berlin presents Sam Youkilis' first institutional solo exhibition.

Made possible by the Art Mentor Foundation Lucerne.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg
28. Februar – 12. Oktober 2025

Glitzer

Glitzer funkelt und flirrt, fasziniert und empört. Es ist auf Bühnen ebenso zu finden wie auf Protestplakaten und in Kinderzimmern. Glitzer ist omnipräsent – und doch ist das Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) weltweit das erste Haus, das diesem Material eine Ausstellung widmet. Der Schwerpunkt der Ausstellung liegt auf Glitzer in aktuellen politischen Kontexten und kollektiven Bewegungen, als Material und Metapher für Sichtbarkeit, Zugehörigkeit und Selbstbestimmung. Rund 40 internationale Positionen aus Kunst und Gestaltung werden zusammengebracht. Sie widmen sich Glitzer als Mittel des Protests, der Performance und Popkultur, als Symbol der Sichtbarmachung marginalisierter Gruppen und des Widerstands gegen Körperdiskriminierung. Gezeigt werden unter anderem ein glitzerndes Jugendzimmer der Hamburger Künstlerin Jenny Schäfer, Fotografien von Sara Shakeel und Quil Lemons, Skateboards von Mickalene Thomas, GIFs von Molly Soda, Show-Perücken der Hamburger Wig-Designer Karl Gadzali und Mohamad Barakat für Olivia Jones und ein Bühnenoutfit von Bill Kaulitz. Ab Juni 2025 wird die Ausstellung mit der Rauminstallation „Puff Out“ des türkisch-belgischen Duos :mentalKLINIK um 300 Quadratmeter fuchsiafarbenen Glitzer erweitert.

Les paillettes scintillent et scintillent, fascinent et révoltent. On les trouve aussi bien sur les scènes que sur les affiches de protestation et dans les chambres d'enfants. Les paillettes sont omniprésentes - et pourtant, le Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) est le premier établissement au monde à consacrer une exposition à ce matériau. L'exposition met l'accent sur les paillettes dans les contextes politiques actuels et les mouvements collectifs, en tant que matériau et métaphore de la visibilité, de l'appartenance et de l'autodétermination. Une quarantaine de positions internationales issues de l'art et du design sont réunies. Elles se consacrent aux paillettes comme moyen de protestation, de performance et de culture pop, comme symbole de la visibilité des groupes marginalisés et de la résistance à la discrimination corporelle. On y verra notamment une chambre d'adolescent scintillante de l'artiste hambourgeoise Jenny Schäfer, des photographies de Sara Shakeel et Quil Lemons, des skateboards de Mickalene Thomas, des GIF de Molly Soda, des perruques de spectacle des designers de wigs hambourgeois Karl Gadzali et Mohamad Barakat pour Olivia Jones et une tenue de scène de Bill Kaulitz. À partir de juin 2025, l'exposition s'enrichira de 300 mètres carrés de paillettes fuchsia avec l'installation spatiale « Puff Out » du duo turco-belge :mentalKLINIK.

Il glitter scintilla e sfarfalla, affascina e indigna. Si trova sui palcoscenici, sui manifesti di protesta e nelle camerette dei bambini. Il glitter è onnipresente, eppure il Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) è il primo museo al mondo a dedicare una mostra a questo materiale. La mostra si concentra sul glitter nei contesti politici attuali e nei movimenti collettivi, come materiale e metafora di visibilità, appartenenza e autodeterminazione. Saranno riunite circa 40 posizioni internazionali dell'arte e del design. Sono dedicate al glitter come mezzo di protesta, performance e cultura pop, come simbolo della visualizzazione di gruppi emarginati e della resistenza contro la discriminazione del corpo. La mostra comprende una scintillante stanza dei giovani dell'artista amburghese Jenny Schäfer, fotografie di Sara Shakeel e Quil Lemons, skateboard di Mickalene Thomas, GIF di Molly Soda, parrucche da spettacolo degli stilisti amburghesi Karl Gadzali e Mohamad Barakat per Olivia Jones e un abito di scena di Bill Kaulitz. Dal giugno 2025, la mostra sarà ampliata da 300 metri quadrati di glitter color fucsia con l'installazione spaziale “Puff Out” del duo turco-belga :mentalKLINIK.

Glitter sparkles and shimmers, fascinates and outrages. It can be found on the stage as well as on protest posters and in children’s rooms. Glitter is omnipresent – and yet the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) is the first museum in the world to dedicate an exhibition to this material. The show will focus on glitter in current political contexts and collective movements, both as a material and a metaphor for visibility, affiliation and self-determination. Around 40 international examples from the worlds of art and design are brought together here – works that make use of glitter as a means of protest or as an element of performance or pop culture, as a symbol of drawing attention to marginalised groups and of resistance against body shaming. The exhibits include a glittering teen bedroom designed by Hamburg artist Jenny Schäfer, photographs by Sara Shakeel and Quil Lemons, skateboards by Mickalene Thomas, GIFs by Molly Soda, show wigs designed by Hamburg wig wizards Karl Gadzali and Mohamad Barakat for Olivia Jones, and a stage outfit worn by Bill Kaulitz. Starting in June 2025, the exhibition will add 300 square metres of fuchsia glitter with the spatial installation “Puff Out” by the Turkish-Belgian duo :mentalKLINIK.

(Text: Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg)

C/O Berlin Foundation | Berlin
24. Mai – 17. September 2025

Making Of
Julian Rosefeldt

Julian Rosefeldt zählt zu den wichtigsten, international bekannten Medienkünstlern. Mit seinen aufwendig inszenierten Film- und Videoinstallationen bespielt er museale Räume, Theater und Opernhäuser, Kinosäle und postindustrielle Areale. Seine 13-Kanal-Filminstallation Manifesto mit der Schauspielerin Cate Blanchett erlangte weltweite Aufmerksamkeit und wurde mit Preisen ausgezeichnet. Mit Making Of präsentiert C/O Berlin einen Querschnitt durch Rosefeldts Arbeiten der letzten 30 Jahre und damit die erste große Retrospektive des Künstlers in Berlin. Ausgehend von Rosefeldts Architekturstudium, frühen Fotoreportagen und der Arbeit am Theater wird die Genese einer sich über die Jahre ausformenden Methodik und die Entwicklung hin zur cinematischen Fiktion nachgezeichnet. Wiederkehrende Themen wie die Appropriation von Archivmaterial und Found Footage, die Dekonstruktion medialer Stereotype und visueller Tropen oder das Zitieren aus Kultur- und Filmgeschichte werden ebenso beleuchtet, wie die Auseinandersetzung mit nationalen Mythen und den Absurditäten der menschlichen Existenz. Neben Mehrkanal-Projektionen bieten nie zuvor gezeigte Fotografien und Kontextmaterialien einen Blick hinter die Kulissen seiner sozial- und konsumkritischen Gesellschaftsreflexionen und machen darüber hinaus die Konstruktionsmechanismen von Erzählungen und Filmgenres erfahrbar.

Julian Rosefeldt compte parmi les artistes médiatiques les plus importants et les plus connus au niveau international. Avec ses installations cinématographiques et vidéo à la mise en scène élaborée, il investit des espaces muséaux, des théâtres et des opéras, des salles de cinéma et des sites postindustriels. Son installation de films à 13 canaux Manifesto, avec l'actrice Cate Blanchett, a attiré l'attention du monde entier et a été récompensée par des prix. Avec Making Of, C/O Berlin présente une coupe transversale des travaux de Rosefeldt des 30 dernières années et ainsi la première grande rétrospective de l'artiste à Berlin. En partant des études d'architecture de Rosefeldt, de ses premiers reportages photographiques et de son travail au théâtre, l'exposition retrace la genèse d'une méthodologie qui s'est formée au fil des années et son évolution vers la fiction cinématographique. Des thèmes récurrents comme l'appropriation de matériel d'archives et de found footage, la déconstruction de stéréotypes médiatiques et de tropes visuels ou la citation de l'histoire culturelle et cinématographique sont mis en lumière, tout comme la confrontation avec les mythes nationaux et les absurdités de l'existence humaine. Outre des projections multicanaux, des photographies et du matériel contextuel jamais montrés auparavant offrent un aperçu des coulisses de ses réflexions sociales et critiques de la consommation et permettent en outre de découvrir les mécanismes de construction des récits et des genres cinématographiques.

Julian Rosefeldt è uno dei più importanti artisti mediatici riconosciuti a livello internazionale. Le sue elaborate installazioni cinematografiche e video sono esposte in musei, teatri e teatri d'opera, cinema e spazi post-industriali. La sua installazione cinematografica a 13 canali Manifesto con l'attrice Cate Blanchett ha attirato l'attenzione di tutto il mondo ed è stata premiata. Con Making Of, C/O Berlin presenta una sezione trasversale del lavoro di Rosefeldt degli ultimi 30 anni e quindi la prima grande retrospettiva dell'artista a Berlino. Partendo dagli studi di architettura di Rosefeldt, dai primi reportage fotografici e dal suo lavoro in teatro, la mostra traccia la genesi di una metodologia che si è evoluta nel corso degli anni e lo sviluppo verso la finzione cinematografica. Vengono evidenziati temi ricorrenti come l'appropriazione di materiale d'archivio e di filmati trovati, la decostruzione di stereotipi e tropi visivi dei media o la citazione della storia culturale e cinematografica, così come l'esame dei miti nazionali e delle assurdità dell'esistenza umana. Oltre alle proiezioni multicanale, fotografie inedite e materiale contestuale offrono uno sguardo dietro le quinte delle sue riflessioni sulla società, critiche dal punto di vista sociale e dei consumi, e rendono tangibili i meccanismi di costruzione delle narrazioni e dei generi cinematografici.

Julian Rosefeldt is one of the most important and internationally renowned media artists. His elaborately staged film and video installations are shown in museums, theaters, opera houses, cinemas, and post-industrial spaces. His 13-channel film installation Manifesto, featuring the actress Cate Blanchett, attracted worldwide attention and won several awards. With Making Of, C/O Berlin presents a cross-section of Rosefeldt's work from the last 30 years and thus the first major retrospective of the artist's work in Berlin. Starting with Rosefeldt's studies in architecture, his early photo reportages, and his work in theater, the exhibition traces the genesis of a methodology that has developed over the years and the progression toward cinematic fiction. Recurring themes such as the appropriation of archive material and found footage, the deconstruction of media stereotypes and visual tropes, and the referencing of cultural and film history are examined, as are the examination of national myths and the absurdities of human existence. In addition to multi-channel projections, photographs and contextual material never shown before offer a glimpse behind the scenes of his socially and consumerist critical reflections on society and also make the construction mechanisms of narratives and film genres tangible.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

C/O Berlin Foundation | Berlin
24. Mai – 17. September 2025

DOCUMENTARY IN FLUX

Anlässlich seines 25-jährigen Geburtstags zeigt C/O Berlin mit Documentary in Flux einen Überblick über den C/O Berlin Talent Award, der seit 2006 als Nachwuchsförderpreis an ein Tandem aus Kunst und Theorie vergeben wird. Anhand 14 exemplarisch ausgewählter künstlerischer Positionen von insgesamt mehr als 90 Preisträger: innen veranschaulicht die Ausstellung, wie sich dokumentarisches Arbeiten in der Fotografie über das Bestehen des Preises hinweg—und damit auch im Laufe von 25 Jahren—im stetigen Fluss befindet. Vier thematische Kapitel legen das Augenmerk auf einzelne Aspekte des Dokumentarischen in der künstlerischen Fotografie, um Prozesse und Entwicklungen sowie zeitspezifische Tendenzen nachzuzeichnen. Die Ausstellung wird den Blick nicht nur in die nähere Vergangenheit werfen, sondern auch mögliche Zukunftsvisionen für die dokumentarische Foto-grafie vorstellen.

Ermöglicht durch die Alexander Tutsek-Stiftung.

À l'occasion de son 25e anniversaire, C/O Berlin présente Documentary in Flux, un aperçu du C/O Berlin Talent Award, un prix d'encouragement pour les jeunes talents décerné depuis 2006 à un tandem art/théorie. A l'aide de 14 positions artistiques sélectionnées de manière exemplaire parmi plus de 90 lauréats, l'exposition illustre comment le travail documentaire en photographie est en constante évolution depuis l'existence du prix et donc depuis 25 ans. Quatre chapitres thématiques mettent l'accent sur certains aspects du documentaire dans la photographie artistique afin de retracer les processus et les évolutions ainsi que les tendances spécifiques à une époque. L'exposition ne se contentera pas de jeter un regard sur le passé proche, mais présentera également des visions d'avenir possibles pour la photographie documentaire.

Réalisée grâce à la Fondation Alexander Tutsek.

In occasione del suo 25° anniversario, C/O Berlin presenta Documentary in Flux, una panoramica del C/O Berlin Talent Award, che dal 2006 viene assegnato come premio per giovani talenti a un tandem di arte e teoria. Utilizzando 14 posizioni artistiche esemplari selezionate da un totale di oltre 90 vincitori del premio, la mostra illustra come il lavoro documentario nella fotografia sia stato in costante stato di flusso durante l'esistenza del premio - e quindi anche nel corso di 25 anni. Quattro capitoli tematici si concentrano su singoli aspetti del documentario nella fotografia artistica per tracciare processi e sviluppi e tendenze specifiche del tempo. La mostra non si limita a dare uno sguardo al passato recente, ma presenta anche possibili visioni per il futuro della fotografia documentaria.

Realizzata dalla Alexander Tutsek-Stiftung.

On the occasion of its 25th anniversary, C/O Berlin is presenting Documentary in Flux, an overview of the C/O Berlin Talent Award, which has been awarded since 2006 to a tandem of art and theory as a prize for young talent. The exhibition presents fourteen exemplary artistic positions from a total of more than ninety awardees to illustrate how documentary work in photography has been in a state of constant flux since the award was established—and thus over the course of twenty-five years. Four thematic chapters focus on individual aspects of the documentary in artistic photography in order to trace processes and developments as well as trends specific to the period. The exhibition will not only look at the recent past, but also present possible visions for the future of documentary photography.

Made possible by the Alexander Tutsek-Stiftung..

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

C/O Berlin Foundation | Berlin
27. September 2025 – 28. Januar 2026

AFTER NATURE PRIZE 2025
Lisa Barnard / Isadora Romero

Für ihr ausgezeichnetes Projekt verhandelt Lisa Barnard ausgehend von Thomas Nagels einflussreichem Essay What Is It Like to Be a Bat? die Frage, wie Technologien die menschliche Wahrnehmung prägen und sich auf unser Verhältnis zur Umwelt auswirken. Unter Rückgriff auf eine Vielzahl von Bildgebungsverfahren präsentierte sie eine umfangreiche künstlerische Recherche rund um das Prinzip der Echolokation, die unerwartete Verbindungen zwischen tierischem Bewusstsein, autonomen Fahrsystemen, dem Abbau von Lithium und nuklearen Teststellen herstellt.

Anhand von drei in Ecuador angesiedelten Fallstudien untersucht Isadora Romero in ihrem ausgezeichnete Projekt das Zusammenleben von Mensch und Wald in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Das Projekt stellt die koloniale Sichtweise tropischer Wälder infrage stellt durch die Kombination von klassisch dokumentarischen Fotografien mit organischen Materialien und experimentellen Entwicklungsverfahren Beispiele für ein funktionierendes Verhältnis zwischen der Umwelt und ihren Bewohner:innen vor. Durch die Zusammenarbeit mit Wissen-schaftler:innen und lokalen Communties entsteht eine nuancierte Erzählung über die spirituellen, politischen und ökologischen Dimensionen des Waldes.

Die Doppelausstellung wird im Rahmen des After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25 erstmals bei C/O Berlin im Amerika Haus zu sehen sein. Es erscheint eine begleitende Publikation.

Ein gemeinsames Projekt von C/O Berlin x Crespo Foundation.

Pour son projet primé, Lisa Barnard négocie, à partir de l'essai influent de Thomas Nagel What Is It Like to Be a Bat ?, la manière dont les technologies façonnent la perception humaine et ont un impact sur notre relation à l'environnement. En recourant à une multitude de techniques d'imagerie, elle a présenté une vaste recherche artistique autour du principe de l'écholocation, qui établit des liens inattendus entre la conscience animale, les systèmes de conduite autonome, l'extraction du lithium et les sites d'essais nucléaires.

À l'aide de trois études de cas situées en Équateur, Isadora Romero examine dans son excellent projet la cohabitation entre l'homme et la forêt dans le passé, le présent et le futur. Le projet remet en question la vision coloniale des forêts tropicales et transmet des exemples de relations fonctionnelles entre l'environnement et ses habitants en combinant des photographies documentaires classiques avec des matériaux organiques et des processus de développement expérimentaux. La collaboration avec des scientifiques et des communautés locales donne naissance à un récit nuancé sur les dimensions spirituelles, politiques et écologiques de la forêt.

La double exposition est organisée dans le cadre du festival After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25 sera présentée pour la première fois au C/O Berlin dans la Amerika Haus. Elle sera accompagnée d'une publication.

Un projet commun de C/O Berlin x Crespo Foundation.

Per il suo progetto pluripremiato, Lisa Barnard si ispira all'influente saggio di Thomas Nagel What Is It Like to Be a Bat? per esplorare il modo in cui la tecnologia modella la percezione umana e influisce sul nostro rapporto con l'ambiente. Attingendo a una varietà di tecniche di imaging, l'artista ha presentato un'ampia ricerca artistica intorno al principio dell'ecolocalizzazione, creando connessioni inaspettate tra la coscienza animale, i sistemi di guida autonoma, le miniere di litio e i siti di sperimentazione nucleare.

Basato su tre casi di studio ambientati in Ecuador, l'eccellente progetto di Isadora Romero esamina la coesistenza di uomini e foreste nel passato, nel presente e nel futuro. Il progetto sfida la visione coloniale delle foreste tropicali combinando la fotografia documentaria classica con materiali organici e processi di sviluppo sperimentali per presentare esempi di una relazione funzionante tra l'ambiente e i suoi abitanti. Grazie alla collaborazione con scienziati e comunità locali, emerge una narrazione ricca di sfumature sulle dimensioni spirituali, politiche ed ecologiche della foresta.

La doppia mostra è organizzata nell'ambito del premio fotografico After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25 presso C/O Berlin nella Amerika Haus. Verrà pubblicata una pubblicazione di accompagnamento.

Un progetto congiunto di C/O Berlin x Crespo Foundation.

For her award-winning project, Lisa Barnard uses Thomas Nagel's influential essay What Is It Like to Be a Bat? as a starting point to explore the question of how technologies shape human perception and affect our relationship to the environment. Drawing on a variety of neuroimaging techniques, she presents extensive artistic research around the principle of echolocation, which establishes unexpected connections between animal consciousness, autonomous driving systems, lithium mining, and nuclear test sites.

In her winning project, Isadora Romero uses three case studies in Ecuador to examine the coexistence of humans and forests in the past, present and future. The project challenges the colonial view of tropical forests by combining classic documentary photographs with organic materials and experimental development processes to present examples of a functioning relationship between the environment and its inhabitants. The collaboration with scientists and local communities creates a nuanced narrative about the spiritual, political, and ecological dimensions of the forest.

The double exhibition will be on view for the first time at C/O Berlin in the Amerika Haus as part of the After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25. An accompanying publication will be released.

A joint project by C/O Berlin x Crespo Foundation.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

C/O Berlin Foundation | Berlin
27. September 2025 – 28. Januar 2026

CLOSE ENOUGH

Olivia Arthur, Myriam Boulos, Sabiha Çimen, Cristina de Middel, Bieke Depoorter, Carolyn Drake, Cristina García Rodero, Nanna Heitmann, Susan Meiselas, Hannah Price, Lúa Ribeira, Alessandra Sanguinetti, Newsha Tavakolian

25 Jahre nach der Ausstellung Magnum - Betrachtungen über die Welt, die zugleich die offizielle Eröffnung von C/O Berlin markierte und den Grundstein für dessen Anerkennung als internationale Fotoinstitution legte, kehrt die renommierte Fotoagentur Magnum mit einer Gruppenausstellung in die Räume von C/O Berlin zurück.

Close Enough präsentiert das Werk von dreizehn herausragenden Magnum-Fotografinnen, die mit ihren unterschiedlichen Visionen die Bildsprache der Agentur nachhaltig prägen. Die Ausstellung zeigt intime, bewegende und gesellschaftlich relevante Werke, die menschliche Nähe und Verletzlichkeit in den Vordergrund stellen sowie die Grenzen zwischen dokumentarischer Fotografie und persönlicher Perspektive ausloten. Mit einfühlsamen Serien und eindringlichen Einzelaufnahmen widmen sich die Künstlerinnen Themen wie Identität, Weiblichkeit, sozialer Gerechtigkeit, Repräsentation und Konflikten – eine Herausforderung und Einladung zugleich, nah genug an die Menschen und ihre verschiedenen Lebensrealitäten heranzukommen.

Organisiert von Magnum Photos, in Kollaboration mit C/O Berlin.

25 ans après l'exposition Magnum - Betrachtungen über die Welt (Considérations sur le monde), qui marquait également l'ouverture officielle de C/O Berlin et posait la première pierre de sa reconnaissance en tant qu'institution photographique internationale, la célèbre agence photographique Magnum revient dans les locaux de C/O Berlin avec une exposition de groupe.

Close Enough présente le travail de treize femmes photographes exceptionnelles de Magnum qui, avec leurs visions différentes, ont durablement marqué le langage visuel de l'agence. L'exposition présente des œuvres intimes, émouvantes et socialement pertinentes, qui transmettent la proximité humaine et la vulnérabilité au premier plan et explorent les frontières entre la photographie documentaire et la perspective personnelle. Avec des séries sensibles et des clichés individuels percutants, les artistes se consacrent à des thèmes tels que l'identité, la féminité, la justice sociale, la représentation et les conflits - un défi et une invitation à la fois à se rapprocher suffisamment des gens et de leurs différentes réalités de vie.

Organisé par Magnum Photos, en collaboration avec C/O Berlin

25 anni dopo la mostra Magnum - Reflections on the World, che segnò anche l'apertura ufficiale di C/O Berlin e gettò le basi per il suo riconoscimento come istituzione fotografica internazionale, la rinomata agenzia fotografica Magnum torna a C/O Berlin con una mostra collettiva.

Close Enough presenta il lavoro di tredici eccezionali fotografi Magnum, le cui visioni diverse hanno avuto un impatto duraturo sul linguaggio visivo dell'agenzia. La mostra presenta opere intime, commoventi e socialmente rilevanti che sottolineano la vicinanza e la vulnerabilità umana ed esplorano i confini tra fotografia documentaria e prospettive personali. Con serie sensibili e singoli scatti ossessionanti, gli artisti affrontano temi come l'identità, la femminilità, la giustizia sociale, la rappresentazione e il conflitto - una sfida e un invito allo stesso tempo ad avvicinarsi alle persone e alle loro diverse realtà di vita.

Organizzata da Magnum Photos, in collaborazione con C/O Berlin

Twenty-five years after the exhibition Magnum – Reflections on the World, which marked the official opening of C/O Berlin and laid the foundation for its recognition as an international photography institution, the renowned photography agency Magnum is returning to the C/O Berlin premises with a group exhibition.

Close Enough presents the work of thirteen outstanding female Magnum photographers, whose diverse visions have had a lasting impact on the agency's visual language. The exhibition showcases intimate, moving, and socially relevant works that foreground human closeness and vulnerability, as well as exploring the boundaries between documentary photography and personal perspective. With empathetic series and haunting individual photographs, the artists address topics such as identity, femininity, social justice, representation, and conflict – a challenge and an invitation at the same time to get close enough to people and their different life realities.

Organized by Magnum Photos, in collaboration with C/O Berlin

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)